NUEBO #27 octubre 2024

CHILL MAFIA AGUR

MARGARET QUALLEY

LEO RIZZI

magnate

El “Dueño del Sistema” ha vuelto a sorprendernos con el lanzamiento de su nueva canción, “Magnate”. Después de un tórrido verano, J ALVAREZ nos trae un nuevo hit que transita por el Urban Pop, consolidando aún más la versatilidad y el alcance del artista. La canción cuenta con la producción de INDICA NAY y JVY BOY, dos nombres que destacan en la industria musical por la habilidad de crear sonidos innovadores y frescos, marcando una evolución hacia el pop urbano de moda.

Desde sus inicios, el puertorriqueño ha dejado una marca indeleble en la industria con su estilo único y su capacidad para reinventarse. Con este nuevo lanzamiento, J ALVAREZ reafirma su compromiso con la música y con sus fans.

VOL. 27

OCTUBRE 2024

LEO RIZZI

ORNITOFILIA

JAMIE XX

DANCING KING

52 JHAYCO LIVIN' LA VIDA LOCA

58

METAPHOR: REFANTAZIO FANTASÍAS BARROCAS

64 JOKER: FOLIE À DEUX DANZAD, DANZAD, MALDITOS 36 44

EDITORIAL

CIUTAT AMIGOS PARA SIEMPRE

TEATRO EN LA BERLANGA ESCENARIOS

42

CROSSING

SIN FRONTERAS

50 56

EL PÁJARO QUE BEBE LÁGRIMAS MITOS COREANOS

“La pérdida es algo que nunca va a desaparecer, Es algo que cambia tu vida enormemente, y que tienes que dejar atrás para seguir avanzando. Cuando estaba escribiendo este disco, lo hacía sobre los sentimientos contradictorios, las idas y venidas. Cuando estás pensando todas estas cosas negativas, puedes llegar a abrumarte y ni siquiera trabajar con ellas. Sin embargo, si lo pones por escrito, tratas de entenderte a ti mismo. Pero no sé si eso fue necesariamente curativo. Creo que solo el tiempo es curativo”. Son las palabras de Sophie Allison, más conocida por su alias artístico Soccer Mommy, que volverás a encontrar unas páginas más adelante, en la entrevista que le dedicamos en este número a propósito de la publicación de su nuevo disco.

62

ORTIGA VERBENERO

GANGES EN EL CIELO

68

CHILL MAFIA BYE BYE

A menudo se nos olvida por qué hacemos esto: música, cine, escribir una novela, montar una instalación, crear una firma de ropa y, por supuesto, fundar un medio para reflexionar y divulgar todo ello. En este número tenemos unos cuantos ejemplos de cuál ha sido y aún sigue siendo la verdadera razón de ser de la cultura popular: la superación de esos traumas de los que nos habla Soccer Mommy; la lucha de Isleña Antumalen por recuperar los recursos esenciales para la supervivencia de su comunidad en Chile; el crecimiento personal del que nos habla TSHA para dejar atrás adicciones y hábitos que amenazaban su salud mental. Sentirnos un poco menos solos. De eso va (o cuanto menos debería ir...) todo esto.

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FOTOGRAFÍA PORTADA

Claudia Ardid (Leo Rizzi), Arriguri (Chill Mafia), Mark Yareham (Metrika).

Este número de NUEBO está a dedicado a la memoria de Rai, compañero incansable de cierres y de todo lo demás.

www.nuebo.es / @somosnuebo

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ESTÁ PASANDO

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THE BEER GARDEN TAP ROOM

SALOON

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BAJOELVOLCÁN

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PUM PUM CAFÉ

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C/ Duque de Alba, 4, 28012

STREETFADE

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WET COCKTAIL BAR

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ACID CAFÉ

C/ Verónica, 9, 28014

FELIZ COFFEE TO GO

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MISERIA

C/ Verónica, 15, 28014

CAFÉ LA PALMA

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C.C. CONDE DUQUE

C/ Conde Duque, 9, 28015

LA DESPENSA INCREÍBLES

CREATIVOS

C/ Sta. Cruz de Marcenado, 4, 28015

LA TAPE

C/ San Bernardo, 88, 28015

MARILIANS

C/ del Noviciado, 9, Local 7, 28015

NIM SALÓN

C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015

DJP MUSIC SCHOOL

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LOS INVERNADEROS

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BAR TOBOGGAN

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COSTELLO RÍO

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DRØMME KAFFE HOUSE

C/ Juana Doña, 8, 28045

MATADERO MADRID

Pl. de Legazpi, 8, 28045

PANDORA'S VOX

C/ Rafael de Riego, 8, 28045

SONY MUSIC

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MÁLAGA

CAC MÁLAGA

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CAFÉ & POP TORGAL

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GIJÓN

BAR LA PLAZA

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TOMA 3

C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

PONTEVEDRA

PLAYGROUND

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CAFÉ UF

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FUERON PORTADA DE NUEBO EN NOVIEMBRE DE 2023, Y DESDE ENTONCES EL PROYECTO DE PAULA Y ADRIANA NO HA PARADO DE CRECER, ENCANDILANDO POR EL CAMINO A ARTISTAS TAN DISPARES COMO RIGOBERTA BANDINI O KIKO VENENO, CON QUIENES HAN COLABORADO, CONQUISTANDO ESCENARIO TRAS ESCENARIO DE TODA NUESTRA GEOGRAFÍA CON SU ROMANCERO PROPIO. DÉJATE ENAMORAR...

Paula Reyes

Madrid, 05-08-1995

Adriana Ubani Donosti, 25-11-1997

• Para nuestro directo siempre vamos acompañadas de nuestros músicos: Álvaro Ángel a la batería, Philip Sauerwald a la guitarra y sinte y Marina Hurtado al bajo.

• Paula: En la infancia, el disco que me cambió la vida fue la BSO de Les Misérables. Ha sido el musical de mi vida porque me unió por primera vez en gustos a mis padres y fue de las primeras cosas que compartimos. De adolescente Breakout de Miley Cyrus sin duda influyó en mi pulsión musical, ahí fue cuando me empecé a grabar en vídeo haciendo playback.

Adriana: El primer disco con el que recuerdo obsesionarme fue The Collection de Alanis Morissette. Mi padre me insistió en que la escuchara y me resistí muchísimo, como buena adolescente que era. Después me obsesioné y no escuché otra cosa durante meses. A los años, me volvió a insistir con Anni B Sweet y ya no me resistí. Acertó igualmente. Y además me sentí la más chula cuando salió en la banda sonora de

LAS NUEBAS PIPIOLAS

3 metros sobre el cielo y yo ya la conocía. Después yo solita me enganché a Plastic Beach de Gorillaz. Lo asocio mucho a cuando bailaba y me iba a casa con mi amiga Margot a descansar entre clases.

• ¿Un concierto? Cualquiera de Pipiolas, por razones obvias jijiji

• Desde hace tiempo usamos una mis- ma definición para nuestra música, que es “Pop, con distintos apellidos, pero pop”. Al final bebemos de estilos muy distintos, y eso hace que nuestro sonido acabe siendo una mezcla bastante variopinta. Nos comparan a veces con artistas con quienes nos vemos similitu- des y otros con los que ninguna, y eso creemos que es positivo porque quiere decir que conecta con gente distinta desde distintos sitios.

• Aún nos queda terminar este año con algunos conciertos que nos apetecen mucho, como La Nau en Barcelona a finales de año (5 de diciembre) o la fiesta de nuestro sello Elefant en la Sala But (19 de octubre), junto a Lisasinson y Axolotes Mexicanos. Luego en 2025 tocaremos igualmente, tenemos el SanSan ya anunciado, que nos hace una ilusión tremenda, pero mucho menos que este año que ha sido loquísimo. Planteamos una pequeña recogida para sacar tiempo y centrarnos en el nuevo disco, al cual nos apetece tratar con mucho mimo.

FOTO: JESÚS LEONARDO

ELYANNA

Elyanna es una cantante palestino-chilena que ha llamado la atención de la música europea desde que colaboró con Coldplay en un tema titulado We Pray. Nació en Nazaret en 2002, aunque desde los 15 años ha estado viviendo y formándose musicalmente en California. En contra de lo esperado, Elyanna no canta en inglés, sino en árabe. De hecho, a ella se refieren como la embajadora destinada a globalizar el pop árabe. Aunque bien podría cantar en español, ya que tiene raíces chilenas por su familia paterna -la comunidad chilena es la mayor del mundo para la diáspora palestina fuera de Oriente Medio-. Desde cría ha escuchado géneros como la cumbia, que han convertido su música a una suerte de híbrido entre el folklore árabe y los sonidos latinos. Y, con tan solo 21 años, en 2023, Elyanna se convirtió en la primera cantante en interpretar un set completo en árabe en el festival Coachella.

Su primer álbum, Woledto (podría traducirse “He nacido”) se publicó en primavera de este año y en él Elyanna combina elementos del pop árabe, del R&B, del EDM y del jazz sin dejar de mirar de reojo a la tradición, tanto desde el punto de vista sonoro como lírico. A lo largo del álbum encontramos múltiples referencias a la identidad y al empoderamiento femenino. Y, por supuesto, también al recuerdo de su lugar de origen: “En la distancia, conocerás el significado de la unión”, canta Elyanna en su tema Sad in Pali, una frase extraída de un poema que escribió su madre. Nunca olvides de dónde vienes.

YA DISPONIBLE VINILO Y CD

SKEGGS

Australia va a su bola: una que va mucho de guitarras, de surf y sol, de viento, de cervecitas y porritos. Da igual si es desde una fiebre psicodélica o desde el beodo desfase de bareto de bandas como Amyl & The Sniffers, en la tierra de los canguros están recorriendo todo el espectro de la distorsión, dreamy, pop, experimental, artificioso, vanguardista, y apostando por ello de cara al resto del mundo. Skeggs se sitúan en el centro, a medio camino entre bandas puramente poperas y nostálgicas del indie dosmilero como Royal Otis y la vibra noise y garagera de algunos trabajos más desenfadados y menos elevados de weirdos como Tropical Fuck Storm. A lo mejor es porque realmente llevan tiempo trabajando desde California. Pacific Highway Music (Loma Vista / Music As Usual, 2024) lo deja claro desde el minuto uno, y desde su propio título: no es sino una banda sonora perfecta, al menos para ellos, para tirar millas por la Pacific Highway, la mítica 1 que sale de Los Angeles por Venice Beach y Malibú. Grabado en la capital californiana y producido por Paul Butler (Devendra Banhart, Michael Kiwanuka), Been Reed -con su voz tan Car Seat Headrest- y Jonny Lani conceptualizaron el que es su tercer trabajo largo en el Rancho de la Luna del Joshua Tree, capturando una esencia totalmente californiana. Disponible desde el 18 de octubre.

Del 17 de octubre al 10

RADAR JOVEN

FIESTA CARNÉ JOVEN:

54 conciertos / 22 salas

+ Curro O ddliquor

Ghouljaboy + D.Dramático | Canteo! | Margarita Quebrada + Neura

Marina Tuset | María de Juan + Dianka

Lina de Sol | Ezezez + Destellos | Corte! + Ortopedia técnica

Caracazador | Las Nietas del Charli + Rezelo

Xure | Quinto Cuarta + Junio

El Faro | Red Cactus + L3mur | Anouck the band + Pálida Tez

Sabe | airu + Tatuaje | Genboo | Menta + Los Chivatos

Lord Malvo +Tomásss | Faneka | Gilipojazz

LuliBono | Stivijoes + Nina Emocional | Agosto + Ruvenruven

Xenia + Cristina Len | Sanguijuelas del Guadiana

María Blaya + Twin

Marina Sánchez | Ly Raine + Korashe

HOFE x 4:40 | Bosco Herrero + Mexin

Vera GRV + Patricia Lint

GEORDIE GREEP

Black Midi siempre fueron una banda al borde del abismo, y cada concierto suyo suponía un salto al vacío. En 2023 tenían -y no exageramos- el que seguramente era el mejor directo de rock del mundo, un ejercicio de equilibrismo sin red. Cuando ya no pudieron subir más alto para precipitarse en modo kamikaze Geordie Greep decidió engancharse a un globo y seguir subiendo como Ícaro, hasta que el contacto con el sol derrita sus alas. The New Sound (Rough Trade / Popstock!, 2024), su debut en solitario -disponible desde el 4 de octubre-, es el resultado de ese vuelo. Una completa ida de olla grabada de forma metódicamente improvisada en Brasil junto a excelentes músicos locales, guiada por impulsos contradictorios e inspirada en la samba, el lounge brasileño y otros ritmos latinos, pero también en el prog pastoral de los Genesis de Peter Gabriel, en la ópera y en la aleatoriedad jazz y art rock que ya manejaba con su banda. A ratos extremo, a ratos hortera, otros suave y elegante, frenético y (por supuesto) esquizofrénico, en cualquier caso, lo que queda fuera de toda duda es su valentía. Y en NUEBO a los valientes se les quiere con locura.

AUTÉNTICXS

POR: ÁNGELO NÉSTORE

En tiempos de inteligencia artificial, filtros y mensajes de WhatsApp que se pueden editar, lo que más resuena es el valor de la autenticidad. Todo debe ser “real”: desde el real food hasta las stories o los BeReal. Es como si todos viviéramos en un reality show permanente. Real, real, real. Antes de la llegada de las redes nos fascinaba Gran Hermano, pero, ahora mismo, la tecnología nos permite ser protagonistas de nuestro propio espectáculo, con nuestra audiencia personalizada. En plataformas como Instagram o TikTok, la autenticidad no consiste simplemente en mostrarse tal como uno es, sino en proyectar una versión estilizada de lo que se considera “auténtico”. Somos como esos coffee table books, preciosos por fuera, de tapa dura y diseño impecable, que se colocan estratégicamente en la mesa del salón. No están ahí para ser leídos, sino para impresionar, para demostrar un capital social y un gusto exquisito. Fotos que simulan no tener filtros, confesiones que buscan la aprobación de una audiencia masiva, y hasta imágenes de despertares desaliñados siguen siendo parte de un teatro bien montado. Es interesante observar cómo hemos llegado a un punto en el que ser genuino se ha transformado en una nueva forma de exigencia social. El contraste entre la autenticidad real y la digital es cada vez más evidente. En la vida fuera de la pantalla, no sentimos la urgencia de demostrar que estamos siendo honestos. Sin embargo, en el entorno virtual, parece obligatorio mostrar nuestra vulnerabilidad. Y lo vulnerable se acepta solo cuando es estéticamente agradable o estratégicamente útil. Cuanto más nos esforzamos en parecer reales, más nos alejamos de todas las multitudes que llevamos dentro y que no dejamos aflorar. La autenticidad, como todo en las redes, también está a la venta.

NEW WAVE KILL

Reconvertidos en quinteto, los madrileños estrenan el 25 de octubre el que será su álbum debut, Stitches for the Soul (Esmerarte Industrias Creativas, 2024). Un compendio de oscuridad, intensidad y reverberación que se mira en el espejo de Bauhaus, Joy Division, Iceage, Editors, Siouxsie Sioux o Nick Cave, y que viene a poner otra baldosa en el sendero amarillo -bueno, más bien negro- del rock gótico español, certificando la vigencia, especialmente en la capital, de la nostalgia más siniestra, del coldwave y del post punk de grises. Producido por el sueco Ola Ersfjord (Lucifer, Tribulation), Stitches for the Soul luce sin embargo un acabado muy internacional, pone por delante el inglés del castellano y renuncia a los localismos de otras bandas como Margarita Quebrada, Depresión Sonora, Viuda o incluso Alcalá Norte para alinearse más con el post-punk de etiqueta vampírica que gusta en Europa y en Latinoamérica. El 19 de octubre lo presentan en directo en la sala Siroco de Madrid.

JUICY BERRY STUDIO

POR: LUIS BRAVO

CONOCEMOS AL COLECTIVO JUICY BERRY STUDIO ROMPIENDO DISTANCIAS EN MADRID -GRACIAS A LA MEDIACIÓN DE LA DIVISIÓN CULTURAL DE TAIWÁN- CON LA PERFORMANCE ‘THE ZONE’, INTERPRETADA POR LA BAILARINA LIVIER TU. UNA EXPERIENCIA PARTICIPATIVA SOBRE LA CONCIENCIA COLECTIVA Y LA COMUNICACIÓN DIGITAL.

Este colectivo artístico taiwanés es “spicy”. Su último proyecto The Zone mezcla danza, video y performance proponiendo un diálogo whatsappeado acerca de la hiperconexión en la que actualmente vivimos. Móvil en mano, los participantes sienten la extraña intimidad creada en la sala (en España ocurrió el mes pasado en Réplika Teatro), en una apuesta por acotar las distancias y generar ese ejercicio de autocrítica que el director del colectivo persigue con regularidad.

Tzu-Chieh Hsueh, creador especializado en grupos étnicos y las ambigüedades de nuestra sociedad, ha movido The Zone por diferentes ciudades del mundo. Con esta obra ha captado la curiosidad del público, a pesar de la dificultad por integrar diversos puntos de atención mientras sucede. Su trabajo teatral se nutre del arte tecnológico, la instalación y el vídeo documental.

“EN ESTE MOMENTO DE TANTA INFORMACIÓN, ES IMPORTANTE DECIDIR AL SEGUNDO”

“LA CONEXIÓN CON EL EXTERIOR Y EL FUTURO ES NECESARIA PARA ENCONTRARME EN EL PRESENTE”

Desde los tres años, Livier Tu ha sabido destacar con una forma de expresión que saliese de lo convencional dentro del mundo de la danza. La suma de ‘cuerpo-mente-espíritu’ abre sus sentidos para interactuar con el espacio, el sonido, la humedad del aire. En definitiva, transmitir su magia para seguir descubriendo las oportunidades, sin límites, ya sea desde la enseñanza, el teatro, la fotografía, etc. La técnica es un medio, opina, que resulta crucial aprender para encajar en la sociedad.

FOTOS: MONICA

LIU

La Señorita Blanco

Paisaje dentro de paisaje: 3. Acto de fe

“Empiezo a investigar acerca del paisaje en 2017 bajo la necesidad de explorar la emoción de lo sublime, mezcla de belleza y terror, asombro y melancolía. El paisaje no se mueve para ser observado por nosotros, sino que existe y existirá a pesar de nuestra mirada”.

OLGA BLANCO, AKA LA SEÑORITA BLANCO, PRESENTA EN TEATROS DEL CANAL Y EN ESTRENO ABSOLUTO SU TERCERA PARTE DE PAISAJE DENTRO DE PAISAJE. CON ‘3. ACTO DE FE’ (DEL 24 AL 27 DE OCTUBRE, SALA VERDE) CONTINÚA SU EXPLORACIÓN TEATRAL Y SU EXPIACIÓN DE MIEDOS. OLGA ES DIRECTORA RESIDENTE DE ARTES VIVAS EN TEATROS DEL CANAL.

“HE COMPROBADO QUE, CUANTO MÁS HAGO LO QUE QUIERO, MEJOR ME VAN LAS COSAS”

“En el centro de la temática de la trilogía se encuentra mi miedo a estaba mucho más enfadada con todo, son piezas más oscuras, más tristes. Acto de fe es una especie de reconciliación con aquello que aún hoy no entiendo”.

“Una de las características de las artes vivas es la hibridez. En este sentido yo trabajo más como una artista visual que como una artista escénica y cada vez soy más radical en las propuestas”.

“Formo parte de la comunidad de creadoras y creadores, son mis compañeras y compañeros desde hace muchos años. Hemos estudiado y crecido dentro de escuelas convencionales y hemos sentido la necesidad de desmontar y volver a construir desde otros lugares. Lo que hacemos, que ahora se llama artes vivas, es teatro. La falta de entendimiento hacia lo que estamos haciendo hace que seamos marginadas. No tenemos trabajo, esa es la realidad. Espero que eso cambie, si algo me hizo aceptar entrar en Canal fue eso, poder hacer algo por el colectivo, posibilitar que trabajemos cada vez más cerca de casa”.

6 PELIS DE TERROR EN

NUEBO X

SE APROXIMA ESA FECHA PROPICIA PARA SUSTOS ENVUELTOS EN TRUCOS Y TRATOS. SI QUIERES METERTE UNA BUENA RACIÓN DE PELÍCULAS, FLIXOLÉ ES LA PLATAFORMA CON EL MAYOR CATÁLOGO DE CINE ESPAÑOL, Y EL TERROR CONFORMA UNO DE SUS SUCULENTOS MENÚS. HAY PARA TODOS LOS GUSTOS.

Entre sus más de 4.000 pelis y series, FlixOlé cuenta con un abanico de subgéneros. Puedes encontrar filmes de todas las épocas, de terror psicológico, slasher, paranormal, found footage, gore y serie B. Además, la plataforma dispone de numerosos títulos internacionales. ¿Te atreves con los giallos italianos, quizá con títulos de fantaterror español? ¿Algo más siglo 21? En NUEBO te recomendamos abrir boca con estos seis. Seguro que repites.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

Narciso Ibáñez Serrador, 1976

Una pareja de turistas ingleses visita una isla donde, poseídos por una extraña fuerza maligna, los niños asesinan adultos.

X QUÉ VERLA?

Porque es la peli favorita de Eli Roth. Porque se estrenó un año antes de que Stephen King publicara Los chicos del maíz. Porque se adelantó a la turismofobia.

ANGUSTIA

Bigas Luna, 1987

John, oftalmólogo que colecciona ojos, se encuentra con dos amigas en el cine donde proyectan una de terror. Unos efectos hipnóticos desatarán en él impulsos asesinos.

X QUÉ VERLA?

SUSCRIPCIÓN

Por su manejo para jugar al cine dentro del cine.

Porque borra los límites de la fantasía y lo real.

Porque tiene terror, suspense, acción. Por los colores intensos.

PRUEBA GRATIS DURANTE 14 DÍAS

PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO

Eugenio Martín, 1972

Un tren recorre Siberia con un mono prehistórico congelado que alberga una forma de vida parásita. En el viaje, el bicho se descongela.

X QUÉ VERLA?

Por ser de culto para la cinefilia, con un dúo de actores, Christopher Lee y Peter Cushing, que sembró el terror en los años setenta. Romántica y claustrofóbica. Un must.

MENSUAL 3,99€ ANUAL 39,99€

SE PUEDE ACCEDER A TODO EL CATÁLOGO, PUDIÉNDOSE

REPRODUCIR EL CONTENIDO HASTA EN CUATRO PANTALLAS DE MANERA SIMULTÁNEA

TUNO NEGRO

(Vicente J. Martín, Pedro Barbero, 2001)

NO PROFANAR EL SUEÑO DE MUERTOSLOS

Jorge Grau, 1975

La policía busca asesinos mientras radiaciones ultrasónicas despiertan el apetito de muertos vivientes a las afueras de Manchester.

X QUÉ VERLA?

Porque es sin discusión una de las mejores películas de zombis jamás rodada. Porque no le falta gore, sangre ni humor, pero también hay un toque de denuncia ecológica.

Los universitarios en Salamanca viven horrorizados, y no es por la tuna, sino por el asesino en serie que mata a los peores de la clase.

DARKNESS

Jaume Balagueró, 2002

X QUÉ VERLA?

Porque dentro del slasher patrio, no encontrarás otra que sepa aprovechar mejor los clichés del ambiente universitario. Por su divertida autoparodia. Por Silke.

Una familia estadounidense se traslada a vivir a España, donde se crio el padre. Su nuevo hogar, un caserón campestre, oculta un oscuro y sangriento secreto.

X QUÉ VERLA?

Porque su puesta en escena es brutal con esa atmósfera oscura. Porque las casas encantadas molan. Para ver a Anna Paquin trabajando con el Balagueró pre REC

ENTRADAS: 25 COSTA SOCIAL CLUB

VIE / OCT 2024 / 23:59 - 6:00 HRS

Argentina de orígenes sudafricanos, Kinara ha destacado en las cabinas madrileñas antes de lanzar el EP Internet Girly con sus propias canciones. El miércoles 23 estrenamos su NUEBO Talento.

En septiembre arrancamos nuestra ¡cuarta temporada! de NUEBO Club estrenando asociación con Costa Social Club y de la mano de un showcase de Yapi y muchas caras conocidas entre el público. Era el arranque de un año que promete ser apasionante en la sala de Santa Engracia 17. La próxima cita el viernes 25 de octubre con Thom Archi interpretando sus canciones por primera vez en Madrid.

En NUEBO somos ultrafans de Stivijoes, y nos ha costado decidirnos por una de sus canciones para esta sesión que podrás disfrutar el miércoles 9.

FOTOS: PABLO BARBOZA & NACHO COSTA SOCIAL CLUB

POR: RICARDO RUIZ VARO

LEO RIZZI TIENE UN PROBLEMA: HAY UN PÁJARO AZUL QUE HABITA EN SU CABEZA. PARA LIBERARLO HA GRABADO UN DISCO, EL PRIMERO DE SU CARRERA. POP ALTERNATIVO, CON TRAZAS DE FUNK, SINTES Y BASES ELECTRÓNICAS , SE ENTRELAZA CON SU CARACTERÍSTICA VOZ ATERCIOPELADA PARA CONFORMAR UNA COLECCIÓN DE TRECE CANCIONES QUE EVOCAN SU INFANCIA EN URUGUAY, EL AMOR Y SU PROPIA SENSIBILIDAD , Y CON LAS QUE PRETENDE SUPERAR LAS EXPECTATIVAS DE SER UNO DE LOS ARTISTAS MÁS FAMOSOS DE TIKTOK.

FOTOS: CLAUDIA ARDID

Garmín, en el famoso cuento de Rubén Darío, afirmaba con rotundidad, ante los parroquianos del Café Plombier de París, que en su cabeza habitaba un pájaro azul que anhelaba salir de la jaula que lo aprisionaba. Los contertulios, incrédulos, lo tildaron de loco, pero no podían evitar sentirse fascinados por el ingenio literario del poeta. El pájaro azul de Rubén Darío funcionaba como metáfora de la libertad artística y del impulso creativo de Garmín, un don que lo elevaba por encima de las personas comunes, pero que también lo condenaba a una vida de incomprensión y soledad.

Leo Rizzi comienza su primer álbum con un preludio en el que solamente dice: “Yo tenía un pájaro azul / metido en mi cabeza / que no me deja…”. La referencia es más que evidente. “Creo que liberarse es escaparse de aquello que nos hace sentir que no podemos salir de nuestra caja, de nuestras limitaciones. En mi caso, de aquellas cosas que no me dejan avanzar. De todos esos cuentos que nos contamos a nosotros mismos y que no llegan a ningún lado, que nos limitan y nos hacen quedarnos en el mismo sitio”, dice el cantante hispano-uruguayo, que acaba de publicar su primer disco, titulado como el relato del genio nicaragüense de las letras, Pájaro azul (Atlantic Records Spain, 2024). Toda una declaración de intenciones.

De madre española y padre uruguayo, Leo Rizzi nació en Ibiza, se crio en Punta del Este (Uruguay) y se trasladó a estudiar Bellas Artes a Valencia. Ahora vive en Madrid, donde ha trabajado gran parte de su álbum debut. Un proyecto que nace después de años de gran popularidad tras la publicación en TikTok, y en plena pandemia, de Amapolas , una canción que inmediatamente se hizo viral y que acabó multiplicando sus seguidores en España y al otro lado del charco. Cuando Leo hace referencia a esas limitaciones que no le dejan avanzar es inevitable reparar en Amapolas y en que, quizás, esa libertad que busca su “pájaro azul” esté en quitarse de en medio la etiqueta de ser solo un “cantante de TikTok”. “No es necesario demostrarlo, porque creo que se demuestra solo, pero sí, aunque TikTok es una herramienta increíble, fácilmente te pone una etiqueta. Siento que demostrar que soy capaz de producir un álbum como este quizás ayude a que la gente me vea de otra forma”. Han pasado más de tres años de aquello, pero no reniega de la canción que le catapultó al éxito en redes sociales: “Creo que Amapolas es una representación bastante fiel de mi naturaleza, pero Pájaro azul significa un paso más allá en cuanto a experimentación artística. Si bien hay matices parecidos a Amapolas, siento que en el disco hay una búsqueda de otros registros”. Y es cierto, Pájaro azul conserva muchos ingredientes del estilo melódico, sensible y emocional de Amapolas. Es un álbum de pop donde ritmos funk se entrelazan con bases electrónicas que conjugan brillantemente con la característica voz aterciopelada y llena de matices de Leo: un timbre cálido con falsete recurrente, que logra evocar, casi al mismo tiempo y dependiendo del tempo, fragilidad y fortaleza. “He intentado gustarme a mí mismo

en todo el proceso. Quizá en alguna canción haya metido algún ingrediente pensando en hacer que a la gente le guste más, puede ser, pero tampoco ha sido la tónica”, reconoce Rizzi, que tira de honestidad cuando se le cuestiona sobre la siempre difícil labor del artista por mantenerse en un punto medio entre mantener la autenticidad y querer convencer: “Un artista muchas veces está difuminado entre lo que es y lo que quiere la gente de él”. Con más de dos millones de seguidores en TikTok y cuatrocientos mil en Instagram, no debe ser fácil gestionar las expectativas que el público pueda tener del primer LP de un artista que ya disfruta de tanto fandom: “Siempre intento atacar las expectativas bajándolas al máximo. Yo hago esto y que sea lo que tenga que ser”. Sin embargo, cuando se le invita a mirar hacia el futuro, una tímida sonrisa aparece en su boca y no puede evitar exteriorizar su particular cuento de la lechera: “Estar en un concierto enorme con mucha gente cantando mis canciones. Quizás, yo qué sé, de aquí a cinco años esté haciendo un WiZink. Creo que puede ser un

PÁJAROS EN LA CABEZA

Le preguntamos a Leo Rizzi por esos discos y canciones que le obsesionan, que le definen y que de un modo u otro han contrubuido a Pájaro azul. Que rondan, desde siempre, como pájaros enjaulados en su cabeza.

RADIOHEAD

OK Computer (1997)

El tercer disco de Radiohead fue el que les confirmó, les sublimó y les convirtió no solo en un superventas, sino en uno de los organismos musicales más vibrantes e interesantes del momento. Su influencia, su “sonido dosmilero y oscurete”, siguen vivos a día de hoy.

PESCADO RABIOSO Artaud (1973)

“Eso de coger un libro, leerlo y decir ‘quiero hacerle un disco’ ha sido toda una referencia”, dice Rizzi sobre el último álbum del genio Luis Alberto Spinetta como Pescado Rabioso, concebido como una reacción visceral a la obra de Antonin Artaud, padre del teatro de la crueldad.

MY CHEMICAL ROMANCE

Welcome to the Black Parade (2006)

“Esta canción fue muy importante para Malvas. De hecho hay una referencia muy directa en el sonido de piano”. También lo fue para toda una generación, la de Rizzi, anticipando la revolución emo-pop que supondría la teatral ópera rock

The Black Parade.

GREEN DAY Boulevard of Broken Dreams (2004)

Las óperas emo fueron una constante para la juventud que vivió el triunfo de las corporaciones y se refugió en los por entonces paraísos virtuales de internet. “Es un temón. En este disco quería hacer un tema así de épico. Es una balada de rock muy potente”.

objetivo realista”, comenta con ojos brillantes en uno de los halls del palacio que acaba de nombrar, donde casualmente se realiza esta entrevista.

“Pop alternativo con trazas”. Así define Leo Rizzi su estilo de música. Entre esas “trazas”, tal y como él reconocía anteriormente, hay espacio para la experimentación con nuevos sonidos. No hay más que irse a una de las colaboraciones del disco, la de Zahara, una canción titulada Movimiento natural en la que se atreve a introducir incluso una base de drum & bass. “Había una forma continuista de hacer un disco, que consistía en basarlo en guitarras eléctricas con mucho reverb, melodía y ya está. Pero yo quería más, quería experimentar con nuevos ritmos y ver a dónde me llevaban. No he tenido miedo en decir ‘quiero hacer un tema de este estilo y voy para allá con ello’. También es verdad que, al tener

un timbre de voz tan personal, hay una unificación entre todos los temas, así que supongo que por eso me despreocupé un poco más de si hacía un drum & bass, un ritmo más electrónico o un estilo más rock”. Esa conjunción de sonidos diferentes tiene su origen en el trabajo coral de varios productores, muy distintos entre sí, que han dejado su huella en Pájaro azul: Go&Jo, Kuinvi, Julián Bernal, Javier Aguilar y Salva Cucart de Chill Chicos… Y esa diversidad en la producción también se traduce en las colaboraciones. Zahara es quizás la más sorprendente por estilo y por generación, aunque goza de toda la admiración de Rizzi: “Es una personalidad muy necesaria dentro de la industria musical. Una artista que en su carrera ha acabado haciendo lo que ha querido y eso, de alguna forma, también es una referencia para mí a la hora de componer y

de trabajar en esta industria”. Ella, junto a la mexicana Paty Cantú, conforma el par de artistas consagradas que contrasta con la proyección de nombres como los del venezolano Gus y el estadounidense DannyLux. Y junto a la pianista catalana Clara Peya, con quien ya colaboró en el single Sota les dents, completan una nómina de colaboraciones que busca afianzar la buena posición de Rizzi entre el público latinoamericano y que, según él, “han surgido por afinidad”. En este proyecto también hay mucho del interior de Leo y, sobre todo, de su origen: “Hay un tema evidente, Algo especial, que habla sobre Uruguay y de cuando uno vuelve a la raíz, pero realmente en todas las canciones hay una traza rioplatense. Esa cuestión melancólica, ese color azul… vienen de Uruguay”. El cantante ibicenco ha querido que sus dos países estén presentes en este primer largo: “Esta cosa más agitada que se puede escuchar, por ejemplo, en Zeppelin o en otras canciones más uptempo, viene de la mezcolanza con España y con Europa”. Hay, sin embargo, un concepto que predomina por encima del resto: “El azul da una sensación de calma ante las situaciones difíciles y esa tranquilidad es lo que me permite, por experiencia personal, tomar decisiones duraderas en cualquier sentido de la vida”. Dicho color está presente, además de en el propio nombre del álbum, en uno de los seis singles que ya conocíamos del nuevo proyecto, Revolución azul, la canción más reivindicativa. “La revolución solemos relacionarla con el color rojo, pero aquí es azul, lo que da a entender que una revolución puede ser también silenciosa y que puede lograr un cambio pequeño, aunque no sea épico. El azul aporta realidad”, argumenta Rizzi, que considera que las revoluciones “son muy importantes, el motor que cambia las cosas, pero hay veces que si las tomamos muy en serio podemos acabar siendo dictadores”. En el estribillo del tema proclama que ha dejado de creer en ellas. Pero se justifica: “Siento que perder la fe para revisar un ideal propio es necesario de vez en cuando”.

Leo Rizzi es consciente de que ya no es el chaval de trece años que cantaba en el restaurante que sus padres regentaban en Punta del Este, ni siquiera el joven que fue rechazado en Operación Triunfo, ni el que pegó el pelotazo en TikTok sin esperarlo. “Seguramente era mucho más inocente. Me dejaba llevar mucho más por las tendencias”. Ahora, con 25, asegura haber disfrutado de la experiencia que supone la creación de un primer álbum: “Yo no

sabía lo que era hacer un disco hasta que me vi enmarañado en él, y siento que ha sido muy emocionante”. Pero también es crítico consigo mismo: “Ha sido un viaje de experiencias, pero también de aprendizaje, porque he hecho cosas bien pero también he hecho otras muy mal”, reconoce entre risas. Pájaro azul es solo el primer paso importante de la carrera musical de un artista que nació en las redes y que intenta trascenderlas. Lo hace con una colección de canciones que hablan sobre el amor, la muerte y su propia sensibilidad. El destino, por ahora, es una incógnita, pero el objetivo es claro: liberar al “pájaro azul” que habita en su cabeza. “Siempre he sido de darle vueltas al coco y creo que he tenido una gran evolución personal. He pasado momentos difíciles en mi infancia que me han ayudado a ser la persona que soy hoy. Creo que el pájaro siempre ha estado ahí, siendo cómplice de todas esas experiencias y ahora, de alguna forma, se refleja en este álbum. Esas experiencias y esos pensamientos han hecho que este disco salga adelante”.

PÁJARO AZUL (ATLANTIC RECORDS SPAIN, 2024)

Pájaro azul - intro / Rayo / 2mil horas / Ángel caído / Invierno / Movimiento natural / Claridad / Revolución azul / Rompo esquemas / Desvanecer / Malvas / Algo especial / Zeppelin CD / DIGITAL / LP

“DEMOSTRAR

QUE SOY CAPAZ DE PRODUCIR UN ÁLBUM QUIZÁS AYUDE A QUE LA GENTE ME VEA DE OTRA FORMA”

raso.

Baiuca Ortiga Parquesvr

Próximamente

LA SALA BERLANGA DE MADRID SE PREPARA PARA ACOGER, ENTRE EL 8 Y EL 29 DE OCTUBRE, TODO UN MES DE TEATRO SOBRE SUS TABLAS, CON LAS LECTURAS DRAMATIZADAS DE LOS CUATRO PREMIOS SGAE DE TEATRO DE 2023, ADEMÁS DEL ESTRENO, TAMBIÉN EN FORMATO DE LECTURA, DEL TEXTO INÉDITO ‘HERENCIA’ DEL ACTUAL GANADOR DEL PREMIO MAX A LA MEJOR AUTORÍA TEATRAL, EL DRAMATURGO VASCO IÑAKI RIKARTE. CONTANDO CON INTÉRPRETES DE LUJO COMO PEDRO CASABLANC, Y APROVECHANDO LOS RECURSOS VISUALES DE LA SALA, TEATRO EN LA BERLANGA SE ASOMA TAMBIÉN AL FUTURO DE LA CREACIÓN TEATRAL A TRAVÉS DE LOS TEXTOS DEL XI LABORATORIO DE ESCRITURA TEATRAL DE LA FUNDACIÓN SGAE.

Teatro en Berlanga

 Premios SGAE de Teatro

Josep Maria Miró

Premio Jardiel Poncela

El Monstruo

Martes, 29 de octubre / 19.30h.

Reconocido por la Fundación SGAE como el mejor texto teatral de 2023, El monstruo es un thriller introspectivo y reflexivo sobre la necesidad de la sociedad de construir monstruos.

María Díaz Megías

Premio Ana Diosdado

Mater Dolorosa

Martes, 22 de octubre / 19.30h. Dos mujeres unidas y a la vez enfrentadas protagonizan esta cruda reflexión sobre la maternidad y la subrogación.

Iñaki Rikarte

Herencia

Martes, 8 de octubre / 19.30h.

Ganador del Premio Max 2023 a la Mejor Autoría Teatral por Forever, el dramaturgo, actor y director vasco estrenará en Teatro en la Berlanga -y en formato de lectura dramatizada- el último texto en el que ha estado trabajando, Herencia. Él mismo dirigirá la lectura, en la que también ejercerá de intérprete junto a otros actores y actrices de la talla de Pedro Casablanc, Lola Casamayor, José Dault y Garbiñe Insausti.

Miguel Rojo

Premio de Teatro Infantil

Naunet y el mar

Sábado, 19 de octubre / 17.30h. La mejor obra para público infantil o juvenil es esta historia poética, cargada de simbología y posibles interpretaciones, que se adentra en el terreno de la salud mental infantil a través de Naunet, una niña que se hunde ante la visión de sus realidades cotidianas.

Sergio Adillo

Certamen LAM

El dulce lamentar de los pastores (égloga trashumante) / Martes, 15 de octubre / 19.30h. Un relato onírico y sensible sobre lo destructivo de los valores tradicionales, ganador del Certamen Leopoldo Alas Mínguez para textos de temática LGTBIQA+.

Nacida en Sevilla en 1986, María Díaz Megías se formó en interpretación textual y dio sus primeros pasos muy vinculada al mundo del teatro gestual, experiencias plasmadas en la compañía Teatro a la Plancha. Fundada en 2013 por Megías junto a Manuel Ollero y Selu Nieto, desarrollaron un lenguaje escénico en el que la poética de la imagen, lo grotesco y el universo del clown armonizaban, y que aún hoy cristaliza en la obra en solitario de la dramaturga sevillana. Tras varios años investigando distintas vías teatrales desde un lado u otro de la escena, en 2022 finalizó sus estudios de Dirección Escénica y Dramaturgia en la RESAD de Madrid y se centró en la escritura teatral, consolidando poco a poco una voz propia marcada por grandes preguntas, a veces irresolubles, que parten de una misma, pero que terminan amplificándose de forma universal.

“Para que algo me motive a escribir tiene que ser algo que me mueva, que me arrastre, que me queme... Que me haga convulsionar y me impulse para identificar, escribir y probar”, decía la autora el año pasado tras recibir el Premio SGAE de Teatro Ana Diosdado para textos escritos por mujeres por su obra más reciente, Mater Dolorosa. Una pieza que surge, de hecho, de una inquietud muy personal, que se va haciendo más y más compleja según surgen las preguntas: “Tras alguna conversación con colegas, salieron cosas como el tema personal de mi edad, mi relación con la maternidad, y empecé a plantearme si el deseo de ser madre era mío innato o algo que iba a pasarme por educación social. ¿Deseo de verdad ser madre o esto es algo que me viene dado? ¿Es algo que se elige libremente? En esta obra es muy importante plantearse hasta dónde

María Díaz Megías ÚTEROS ESCLAVOS

se llega con los deseos... ¿Podemos pasar por encima de ciertas personas solo por obtener nuestro deseo de ser padres? Habría que preguntarse si el derecho a ser madre o padre es un privilegio que ejercen quienes lo pueden comprar”, concluye la sevillana.

La mercantilización del cuerpo de la mujer se entiende así, en la obra de Megías, como un instrumento del capitalismo, que utiliza el vientre femenino como un sesgo de clase, idea que se relaciona con las esclavitudes contemporáneas. “Ante todo, este texto es una reflexión sobre el deseo y el derecho”, añade, interesándose por la naturaleza, origen y límites de cada uno, contraponiendo sobre las tablas a los dos extremos de un proceso de subrogación. Sin renunciar al humor, o más bien tirando de una crítica ácida y mordaz, Megías expone a las clínicas de maternidad subrogada y sus fórmulas de venta, que no solo cosifican a la mujer, sino que le dan al hecho mismo de la maternidad un valor transaccional, y por lo tanto susceptible a los desequilibrios de poder. Pero al final la dramaturga lo hace desembocar todo en la propia experiencia humana, en la vivencia y las reflexiones profundas de las dos protagonistas, y en un coro de mujeres que representan a los distintos países en lo que la maternidad subrogada, la “esclavitud de úteros”, está normalizada.

La propia María Díaz Megías dirige la lectura dramatizada de Mater Dolorosa, en la Sala Berlanga el martes 22 de octubre a partir de las 19.30 horas. Las actrices Raquel Varela, Nieves Soria, Isabel Bisshop, Carolina Delgado, Susana Hernández, María Llinares y Esperanza Candela conforman el reparto.

“HABRÍA QUE PREGUNTARSE SI EL DERECHO A SER MADRE O PADRE ES UN PRIVILEGIO QUE EJERCEN LOS QUE LO PUEDEN COMPRAR” 43

Obras del XI Laboratorio de Escritura Teatral

‘Adelas y Bernardas. Una carta de matricidio’ de Josi Alvarado

Érase una vez tres hermanas de padre, chejovianas y desatadas, dispuestas a matar -real o simbólicamente- a sus progenitoras. Entre ecos lorquianos y coros de Raffaella Carrà, esta comedia negra fluye sin coagular para enjuagar la herida de ser hija mientras dinamita los tópicos salvíficos y merengones de la maternidad.

‘El mejor padre del mundo’ de Enrique Cervantes

Raúl Martín tiene veintisiete años. Cuando tenía catorce, su padre, Naro, murió y nadie le explicó nada, pero ahora quiere saber. Raúl Martín se ha subido a este escenario para interrogar a su familia. A Raúl Martín le encantaría que su padre fuese “el mejor padre del mundo”, pero con cuatro años tiene que mear en un barreño porque Naro está encerrado en el baño colgado de heroína. Raúl Martín se ha subido a este escenario para descubrir quién era Naro Martín. Pero, en realidad, Naro Martín no existe.

Miércoles, 23 de octubre / 19.30h. Julián Fuentes Reta dirige a los actores Carla R. Cabané, Raúl Martín, Elena Esparcia, Helena Lanza y Marcos Pereira en la lectura de fragmentos de los textos trabajados en el Laboratorio.

‘Demasiada piel’ de Tomás Cabané

Matías es expulsado del centro donde imparte Historia del Arte por mostrar a sus alumnos imágenes de obras artísticas que algunos consideran impúdicas. A partir de ese momento se ve obligado a replantearse su vida personal y profesional, en el seno de una singular familia de acogida que encarna la preocupante pervivencia de ciertos temores y terrores colectivos.

‘Reconversión’ de Santiago Cortegoso

“Mi padre nació en 1940 en Domaio, provincia de Pontevedra. Con catorce años empezó a trabajar en el astillero de Ascón, referente de la construcción naval y principal motor de progreso en la zona. Tras la crisis del petróleo de 1973, la empresa entra en una etapa de gran inestabilidad que culmina en el 82, cuando el gobierno de Felipe González pone en marcha la 'reconversión industrial'. Dos años después, Ascón cierra sus puertas y deja en el paro a más de dos mil personas”. Reconversión es un ejercicio de memoria en torno a unos acontecimientos poco documentados y analizados, centrado en la peripecia de un hombre que sintetiza a toda una generación.

‘Las películas de Ned’ de Almudena Ramírez-Pantanella

A vista de vuelo de pájaro, en medio del desierto de Los Monegros, en Aragón, se atisba un conjunto de modernos edificios de oficinas. El complejo cuenta con todo lo necesario para trabajar y vivir confortablemente: gimnasios, bares, tiendas, guarderías, centros de spa, cines... Podría tratarse de una ciudad europea si no fuera porque todo es propiedad del grupo NEDflicks, que significa “Las películas de Ned”. Ned es el dueño de todo esto. Ocho jóvenes han sido contratados para crear el contenido estrella del año: una serie de ficción basada en el famoso caso de la desaparición de Emanuela Orlandi. Pero ¿cómo contar esta historia? ¿Es acaso posible contar la realidad?

‘Oficina de Vida Independiente’ de Núria Vizcarro Boix

La Oficina de Vida Independiente asesora y acompaña a las personas con diversidad funcional. Amanda acude a ella buscando información. Su madre ha sufrido un accidente y tendrá que pasar el resto de sus días en silla de ruedas. Solo necesita que le digan cómo solicitar esa ayuda a la dependencia que le suena que nunca llega y que le den el teléfono de alguna chica que trabaje por horas (mejor sin contrato). Ella no puede ocuparse de su madre; tiene trabajo, una vida... todo eso.

CIUTAT

POR: GABRIEL CÁRCOBA

LA AMISTAD TIENE MIL FORMAS. MIL CARAS. PUEDE SER ALGO MARAVILLOSO Y ALGO DESTRUCTOR AL MISMO TIEMPO. CASI COMO UNA SECTA. JP SUNSHINE Y GUIM SE ADENTRAN EN ESTE CONCEPTO EN EL INCLASIFICABLE ‘CIUTAT L’AMISTAT’, SU SEGUNDO Y ESPERADO DISCO COMO CIUTAT.

El segundo disco de Ciutat abre con unas misteriosas voces que tratan de definir qué es la amistad. No se sabe muy bien de quiénes son, pero algunas suenan extrañamente familiares. Una dice que la amistad es “un hermoso regalo”. Otra, “una de las mejores formar de esperar juntos la muerte”. Si te suena a palabras que podrían pronunciar miembros de una secta, no vas mal encaminado.

Jordi (JP Sunshine) y Guillem (Guim) comienzan la entrevista “un poco estresados”, pero con una gran cercanía. “Vamos a presentar el disco en las fiestas de la Mercé con 21 personas y nos estamos volviendo locos”, cuenta Jordi. Sí, 21 músicos. Ciudad de la amistad. “Muchas veces la gente se sorprende porque la mayoría de los temas suenan exactamente como en el disco, pero con alguna fantasía musical”. Avisamos de que el próximo sábado 16 de noviembre el dúo catalán presentará su Ciutat l'Amistat en la sala Clamores de Madrid.

Si su primer LP “sentó las bases” de la propuesta de Ciutat, con un pie en el club y otro en el pop downtempo, este segundo trabajo busca “renovarlas”. El antimarketing de Brandon, con el que pedían a sus fans que no fuesen a sus conciertos, se convierte así en el “antipop” de Ciutat l 'Amistat . El perfecto equilibrio entre sonidos luminosos y mensajes oscuros, que a su vez sirve como mejor definición del tema central del disco. “La amistad tiene estas cosas”. Una de cal y otra de arena. “La esperanza y la diversión de vivir, pero también una pátina de melancolía y nostalgia”. El ejemplo perfecto es el contraste

FOTOS: PABLO MAS

entre la pacífica melodía de Nadie sabe y las cuestiones existenciales que plantea, sin una posible respuesta. “¿Te has parado a pensar en cómo es la vida?”, canta TRISTÁN! en ese tema. “Cuando tienes 20 años, no es fácil tener las cosas tan claras”, cuenta Guillem. “Nosotros tenemos un rollo más Benjamin Button”, remata Jordi.

Al igual que el colectivo Rusia IDK, al que pertenecen tanto TRISTÁN! como Rusowsky o Ralphie Choo, Ciutat están interesados en la mezcla de géneros, sin etiquetas. “Lo que hacemos está conectado con la actualidad, pero siempre pensando en que se pueda escuchar al cabo de veinte o cincuenta años”, cuenta Guillem. La clave de su cohesivo e inconfundible sonido es un proceso creativo infalible: un Excel. “Pusimos todos los elementos que podían definir este disco y miramos si se podían ir repitiendo en todos los temas”. De esta forma, si una canción no tenía todos los elementos de la marca Ciutat, simplemente lo añadían. Así, Ciutat l'Amistat suena a house, a Daft Punk, a jazz, a funk, a chillwave, y deja hueco a emocionantes cortes acústicos. Todo bajo “la misma paleta” de sonidos. Parece mentira que todo empezase con el ska. “Los dos empezamos cuando éramos críos en bandas de ska y reggae”. Sin embargo, se conocieron en la escena del clubs, mucho más cercano al sonido de Ciutat. Resulta que uno era justo lo que el otro necesitaba, y viceversa. “Yo tenía la parte musical y estaba buscando a alguien que fuera bueno a nivel de técnica. Guim también estaba buscando a alguien y, a través del colectivo de Mainline Magic Orchestra, nos encontramos”, cuenta Jordi. “Los dos estábamos haciendo música de club, pero teníamos otras inquietudes. Música que escuchábamos, pero que no hacíamos. Empezamos a cantar en castellano, pero en casa hablamos catalán”. La experiencia de Jordi en grupos cantando en catalán les hizo tomar esta decisión. “El circuito del catalán, que ahora creo que está cambiando, era bastante elitista y de nicho. Dependiendo de tu estilo de música no podías llegar a festivales, así que hubiera sido más difícil”, cuenta. Consideran que Manzanilla, su colaboración con BERNARDA y una de las canciones más buenrolleras del disco, podría ser su primera canción en apelar a este “target”. También es una cuestión de perspectiva: “Si empiezas cantando en catalán y te pasas al castellano, mucha gente no lo entiende. Si lo haces al revés, de repente eres el puto amo”, apunta Guim.

saron en cómo librarse del sufrimiento de un tercer disco. “Para intentar esquivar la maldición del tercero pensamos en hacer un Greatest Hits, como ir directamente al último”. También tienen nombre provisional: “Greatest Shits”. Todavía quedan algunas preguntas sin responder: ¿Qué hay detrás de la obsesión por la amistad? ¿Por qué su foto de perfil en Instagram es una capucha blanca? ¿Por qué la portada del disco parece un logotipo? ¿Qué me estoy perdiendo? Brandon nació a partir del “mundo de la ornitología y los pájaros”. El concepto de Ciutat l'Amistat es un poco diferente. “A tomar por culo los pájaros, cambiamos y montamos una secta”, cuentan, aunque ellos prefieren llamarla 'comunidad'. Todos los miembros de la comunidad de la amistad llevan el mismo chándal blanco, con la misma capucha. Y tienen tres normas que hay que respetar a rajatabla. La primera es que “está prohibido dar las gracias, porque ya somos todos amigos”. La segunda es que “el arte está por encima de todo”. La tercera es, quizás, la que ha provocado más arqueamientos de ceja: “La boca es la puerta del arte y solo se puede utilizar para actos puros”. Es decir, expresarse. “Será ocultada para actos impuros”. Por ejemplo, fumar o comer. Todos los secretos se revelarán el próximo 4 de octubre con la salida de Ciutat l Amistat

Después del logrado Brandon , su carta de presentación al mundo, Jordi y Guillem se enfrentaron al reto de hacer un segundo disco. “Tienes el listón altísimo y es donde mucha peña ve que tu one hit wonder ha ido bien al principio, pero que después es una mierda. Ha sido un parto duro”. Eso sí, también exitoso. “Hemos conseguido hacer lo que teníamos en la cabeza, que no siempre se puede hacer”. Incluso pen-

CIUTAT L’AMISTAT (PRIMAVERA LABELS, 2024)

Intro/ Ciutat L'Amistat / Eterno (mientras dure) / Nadie sabe/ Todo pasa / Chesterfield / Chesterfield Reprise / Una vez más / Triste de felicidad / Ah / Justo al otro lado / Manzanilla / Solo ha sido lo que ha sido

DIGITAL / LP

CROS

POR: DANIELA URZOLA

LA LLEGADA A CINES DE LA NUEVA PELÍCULA DE LEVAN AKIN, DIRECTOR SUECO DE RAÍCES

GEORGIANAS, NOS LLEVA A AHONDAR EN LA FILMOGRAFÍA DE UN DIRECTOR DISPUESTO A MOSTRAR LA REALIDAD DE UN PAÍS COMO GEORGIA

VIRANDO LA MIRADA HACIA LAS HISTORIAS PERSONALES E ÍNTIMAS. HABLAMOS CON ÉL SOBRE ‘CROSSING’, UN FILM SOBRE LA SUPERACIÓN DE FRONTERAS Y LAS AMISTADES INESPERADAS.

El estreno en 2019 de Solo nos queda bailar generó fuertes reacciones por parte de la sociedad georgiana, suscitando protestas en su contra y un boicot que dificultó sacar adelante el filme. Levan Akin retrataba la historia de amor entre dos jóvenes bailarines que se enfrentan a la homofobia e intolerancia propias de su entorno conservador. Akin, director sueco de ascendencia georgiana, no es ajeno a esta realidad. Es esto lo que se ha propuesto mostrar a través de su obra cinematográfica, que se expande ahora con el estreno de su tercer filme, Crossing, suerte de buddy movie con una historia conmovedora y divertida, en la que hay cabida para el drama y el humor a partes iguales. “Me interesa la realidad. No quiero crear un mundo utópico y por eso mis películas tienen lugar en el mundo real. Pero tampoco estoy interesado en indagar en la tragedia o amplificar la violencia. Es algo que sabemos que existe, que vivimos a diario. Pero no me quiero quedar allí. Quiero mostrar a personas de diferentes contextos y estilos de vida y que sus problemas no sean el principal motor de la historia”, dice el director. Su cine mezcla sus influencias más importantes: de un género como el neorrealismo italiano a filmes como Y tu mamá también de Alfonso Cuarón (2001). “Me encanta esa película. Creo que dice mucho sobre temas de clase y la estructura social en México, pero no va solo sobre esto. También va sobre la adolescencia, la inocencia, la amistad, la búsqueda de la libertad, etc.”.

Nacido el 14 de diciembre de 1979 en Tumba, Suecia, de padres inmigrantes georgianos, Levan Akin lleva desde el principio de su carrera interesado en la idea de frontera.

“HAZ LO QUE TE DÉ LA PUTA GANA: ESE

Crossing , por su parte, narra la historia de Lia, una mujer mayor que parte de Georgia para buscar a Tekla, su sobrina trans perdida hace mucho. La acompaña en el viaje Achi, su vecino adolescente, con quien cruza la frontera hacia Turquía. Juntos explorarán Estambul en busca de la joven, topándose con experiencias y personas inesperadas en el camino. Sobre el rodaje en la

capital turca, Akin señala: “Para mí, Estambul es un lugar muy especial. Siempre que voy allí siento mariposas en el estómago, y esto es algo que se puede ver en el filme. La manera en la que hago cine refleja mi personalidad: me encanta viajar, ir a lugares. Quiero que el espectador se empape de la ciudad. Estambul tiene mucha presencia, con sus personas, sus paisajes, sus sonidos. Si ves el filme en pantalla grande, esto es aún más poderoso”. No sin ignorar los retos que impuso la locación: “Fue muy difícil rodar allí, logísticamente fue una pesadilla. Dada la reacción que generó Solo nos queda bailar , fue una prioridad para nosotros mantener que el equipo se sintiera protegido y a salvo. Tomamos precauciones como hacer reservas con nombres diferentes, en caso de que pasara algo similar. No creo que hubiese

pasado, pero sí que lo tuvimos en cuenta”. Todo ello sumado a las dificultades de un rodaje en tiempos de pandemia. Al respecto, Akin anota: “El COVID-19 fue también un problema en la realización del filme. Hizo que fuera muy difícil la investigación y, por supuesto, también el casting, que era algo crucial para la película”.

Y es que Crossing es, sobre todo, una película de personajes, que se adentra con delicadez y profundidad en las relaciones que pueden entablar seres humanos muy distintos entre sí. Por esto el énfasis que puso Akin en encontrar los intérpretes adecuados: “El casting, como el rodaje, fue un proceso muy largo. Los personajes que había ideado, tanto los principales como todos los secundarios, eran tan particulares que no era fácil encontrar a las personas que encajaran. En Turquía trabajamos con un hombre trans que conocía a mucha gente; él fue la clave para hallar a muchos de nuestros actores y actrices. Mientras, en Georgia tuvimos un gran equipo de casting, cuyos esfuerzos fueron dirigidos sobre todo a encontrar a nuestros dos protagonistas”. Por supuesto, el título del filme hace referencia a la idea de cruzar fronteras. No solamente las fronteras físicas, sino también aquellas otras barreras que, como humanos, construimos frente a los demás. Es una idea que se refleja en la relación entre los dos personajes principales, Lia y Achi, de edades y contextos muy diferentes. Sobre el proceso de construcción de los mismos, el cineasta apunta: “En un primer borrador, Lia viajaba sola a Estambul. Achi la impulsaba un poco hacia el viaje, pero era ella quien se desplazaba y conocía otros chicos allí. Sentía que algo faltaba en esa idea inicial, algo que es central

para mí: el diálogo entre dos generaciones, la soviética y la post-soviética. Esto también fue un tema importante en Solo nos queda bailar: la visión de la generación más joven como degenerada, mientras las personas mayores mantienen una idea falsa de dignidad. Esto lo menciona también Lia cuando viaja en el autobús. Es un diálogo que creo que nunca deja de pasar y para mí era importante mostrar la unificación entre las dos generaciones. Todo mediante estas dos personas que, a pesar de estar tan aparentemente alejadas, logran hallar un entendimiento el uno con respecto al otro. Achi ve en Lia a una mujer en conflicto consigo misma, que bebe y no es consecuente con su sistema de creencias. Mientras que esta esta ve en Achi a un joven dulce, que está bastante perdido, y que no termina de encajar en el mundo patriarcal”.

El lenguaje también ocupa un lugar central en las relaciones entre los personajes y sus posibilidades y obstáculos en la comunicación. En Crossing vemos la coexistencia de idiomas como el georgiano, el turco y el inglés, todos además libres de género. “Para mí, la comunicación y la narración van de la mano. También en la idea de cruzar fronteras. Es una herramienta que muestra cómo los personajes pueden conectar incluso sin entender lo que dice el otro”. Crossing es, así, un canto a la libertad, a la conexión entre personas por difícil o improbable que esta sea, a la humanidad que existe más allá de toda frontera. “Quiero que el espectador piense sobre las limitaciones de su tiempo en la Tierra y la necesidad de vivir la vida sin hacer caso a las expectativas de los demás. Haz lo que te dé la puta gana: ese es el tema de todas mis películas”. Y el conflicto que esto genera en el individuo, en su relación consigo mismo, con los demás o con el sistema, lo que nos interesa tanto de ellas.

CROSSING (4 octubre)

Avalon / Suecia / 2024

Dirección: Levan Akin

Reparto: Mzia Arabuli, Lucas Kankava, Deniz Dumanli

DIEZ AÑOS DESPUÉS, JAMIE XX PUBLICA IN WAVES (YOUNG TURKS / POPSTOCK), LA ESPERADA CONTINUACIÓN DEL SOBRESALIENTE IN COLOUR GESTADO A FUEGO LENTO DURANTE CUATRO AÑOS, EL PRODUCTOR LONDINENSE SUBE LOS BPM Y PONE LA VISTA EN LA PISTA DE BAILE. EL ÁLBUM ADEMÁS HA CONTADO CON INVITADOS DE HONOR COMO THE AVALANCHES, ROBYN, PANDA BEAR O SUS COMPAÑEROS EN THE XX. REPASAMOS SU TRAYECTORIA HASTA CONVERTIRSE EN UNO DE LOS BALUARTES DE LA ELECTRÓNICA CONTEMPORÁNEA.

POR: GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

JAMIE xx WAVE

La evolución de Jamie no solo ha sido personal, manejando su entendimiento de la cultura británica de club y la technificación de la música pop, o la masificación de la música electrónica. También ha ido a la par que la de The xx. Un clásico.

you’ve got the love (jamie xx rework) – florence + the machine / 2009

Tras el éxito del debut de The xx, XL pondría en manos de Jamie el remix del tema de Florence. El británico despojó a base de minimalismo al tema original de su épica y grandiosidad para acercarla a la pista de baile con cajas de ritmos y la colaboración vocal de Romy y Oliver. La hiceron en Glasto.

Jamie Smith, más conocido artísticamente como Jamie xx, lleva años definiendo la escena electrónica británica. Su exquisita forma de aunar beats y melodías atmosféricas, su obsesiva búsqueda de samples en discos olvidados y una acertada manera de manejar los diferentes géneros de electrónica que han marcado lo que llevamos de siglo, han convertido el trabajo del londinense en toda una referencia. Desde sus de sus inicios llevó a cabo remixes y producciones de artistas alejados de su órbita musical como Adele, Florence & The Machine, Drake o Alicia Keys, entre otros. No es de extrañar por tanto que Jamie también haya sido el orfebre que ha ido definiendo el camino sonoro de The xx, la banda que irrumpió en el panorama indie hace 15 años y puso en el mapa tanto a Jamie como a sus compañeros y amigos de la infancia, Romy Madley Croft y Oliver Sim. Con este historial, resulta curioso que con 14 años Jamie le llegara a confesar a Oli que le daba paz y tranquilidad el hecho de pensar que no iba a hacer nada destacable en el mundo. Que su vida fuera irrelevante. Con el paso del tiempo y viendo su trayectoria, hace pensar que esta afirmación era más un mecanismo de defensa para trabajar sin presiones, más que una necesidad existencial. Por aquellos años su idilio con la música ya había comenzado. Por un lado, sus padres tenían una increíble selección de jazz y soul que sonaba constantemente en su casa y que posteriormente acabaría “robando” para su colección. Y por otro, sus dos tíos eran djs. Uno trabajó en la radio pirata británica poniendo house, y el otro como pinchadiscos en diferentes clubs de Nueva York, lo que le dio a Jamie la oportunidad de entrar a una discoteca con tan solo 7 años para ver pinchar a su tío, una experiencia a la postre reveladora. Con 10 años, sus tíos le regalarían un par de tocadiscos con los que comenzó a mezclar y buscar samples entre discos olvidados de jazz y soul de los setenta y ochenta, una de las señas de identidad en la música Jamie xx. De manera autodidacta fue desarrollando su estilo, que le llevó a pinchar en clubes de Candem cuando todavía no tenía edad para tomar alcohol. Aquellas sesiones, de soul y jazz principalmente, comenzaron a verse inundadas de sonidos electrónicos a medida que comenzó a salir y conocer la escena de clubs británica de primera mano. A diferencia de la mayoría de chavales, aquellas incursiones nocturnas no consistían en socializar, sino en empaparse de los sonidos y estilos que estaban protagonizando la escena. “Me inspira mucho la cultura de club que hay en Londres y en Gran Bretaña en general. Pero no entiendo los clubs nocturnos como espacios sociales. A mí me interesa simplemente la música”, confesaba en una

entrevista. Fue así como tomó contacto con el grime, el dupstep o el house, géneros cruciales para su evolución sonora junto con el hip hop. Discos como Double Figure (Warp, 2001) de Plaid y Since I Left You (XL Recordings, 2001) de The Avalanches fueron claves confesas para entender la música electrónica y enseñarle a producir.

En paralelo a sus primeras incursiones como dj, Jamie, junto a sus amigos Romy, Oliver y Baria Qureshi, comenzaron a hacer música juntos bajo el nombre de The xx. Era 2005 y los cuatro iban a la escuela pública Elliot School, la misma en la que años atrás estudiaron los miembros de Hot Chip o William Bevan, más conocido como Burial. Después de varios años puliendo un sonido con una fuerte influencia del R&B contemporáneo, publican su álbum debut, xx, con el sello Young Turks, ya reconvertidos en trío tras la salida de Qureshi. El álbum se convierte inmediatamente en un éxito de público y crítica, alzando a The xx como los nuevos referentes de la música indie y llevándose el Mercury Prize de 2010. Y define lo que en adelante serían las señas de identidad del grupo: melodías cálidas con una producción minimalista caracterizada por arreglos escasos y un notable protagonismo de los silencios. Lo que pocos conocían por aquel entonces era que detrás de estas señas de identidad se encontraba la mano de Jamie, quien se había puesto al frente de la producción junto a Rodaidh McDonald, quien hacía las labores de ingeniero, tras el intento fallido del sello de situar a Diplo y Kwes como productores. Su trabajo en el estudio llamó la atención dentro del sello XL Recordings -la mítica discográfica a la que pertenece Young Turks-, y le encargaron el remix del tema You’ve Got the Love de Florence + the Machine. A este le siguieron exitosas remezclas de artistas pop como Adele, Jack Peñate y Glasser. Pero la verdadera prueba

ny is killing me – gil scott-heron, jamie xx / 2010

Todavía sin la seguridad para publicar un álbum en solitario propiamente dicho, Jamie vio en remezclar el último álbum de Gil Scott-Heron una oportunidad de oro para presentarse en largo. Aquí logra con éxito aunar generaciones llevando las narrativas old soul de Scott-Heron a territorios electrónicos. Y, sobre todo, situarse en la intersección justa entre el appeal del público indietrónico y otro un poco más exigente.

“HACER

de fuego llegaría en 2010 cuando Richard Russell, capo de XL Recordings, le propuso remezclar al completo el álbum I’m New Here (XL Recordings, 2010) de Gil Scott-Heron. Este disco, lanzado meses antes, había supuesto el retorno de uno de los poetas afroamericanos pioneros del rap tras un retiro de 15 años. Russell llegó a confesarle a Jamie que el álbum debut de The xx, había servido de influencia en la producción de I’m New Here, lo que allanó el camino para considerar al joven productor británico como la primera de las opciones para las remezclas. En esos años Jamie comenzaba a ganar reputación como dj en la escena postdubstep de Brixton bajo el nombre de Jamie xx, y la idea de publicar algo en solitario le tentaba pero le asustaba, por lo que encontró en este proyecto la mejor manera de estrenarse. Desde el principio, tuvo claro la forma de afrontar el trabajo: “Como con todos mis remixes, no estaría muy contento si simplemente jugara con los sonidos de otra persona. Necesitaba hacer algo que suene como yo pero que mantenga un elemento del original. Nunca me han gustado los

loud places - jamie xx, romy / 2015 idontknow – jamie xx / 2020

Para muchos la joya de la corona de In Colour y uno de los temas esenciales de lo que llevamos de siglo. Buena parte de culpa la tiene su decisión de contar con la cálida voz de Romy y rescatar para el estribillo un sample del tema de Idris Muhammad, Could Heaven Ever Be Like, publicado en 1977 Su tema más escuchado.

Primer tema de Jamie xx tras cinco años de silencio. La canción marcó un nuevo rumbo del artista británico, alejándose del minimalismo para acelerar hasta los 160 bpm y ponernos a bailar en pleno confinamiento. Ya nos estaba dando pistas de lo que vendría con In Waves

remixes que suenan igual”. El resultado es We’re New Here (Young Turks, 2011), un álbum en el que el spoken word de Scott-Heron renace a través de los beats atmosféricos de Smith, que se adentran en los terrenos del dubstep o el trip hop. Jamie incluso samplea canciones antiguas y material inédito del artista americano. Para ello, le pidieron permiso y Gil, contundente, les dijo: “Jamie sabe más sobre esto que yo, así que déjenlo hacer lo que quiera…”. We’re New Here es un trabajo que sugiere más valentía que reverencia por parte de Smith ante la obra de Scott-Heron, quien moriría meses después de su publicación. Este trabajo supuso un chute de autoestima y popularidad para el joven productor británico, que ese mismo año coescribiría y produciría el tema Take Care de Drake, formaría parte del elenco de productores del sexto álbum de Rihanna, Talk That Talk, y, sobre todo, publicaría su primer sencillo en solitario: Far Nearer / Beat For Así llegamos a 2012, año en el que The xx regresan con su segundo disco, Coexist (Young Turks, 2012), y con el que empezamos a palpar cómo la identidad sonora del grupo comienza a tomar elementos electrónicos influidos por la constante evolución de Jamie como productor y dj en solitario. La prensa se hace eco de ello definiéndole como “la gran revelación de este segundo disco (…) Con sus remixes y sesiones ha demostrado ser uno de los productores jóvenes más aventureros y hambrientos”. Pero lo mejor estaba aún por llegar, y tan solo tres años después Jamie xx se consolidaba como una de las figuras referentes de la electrónica gracias a In Colour (Young Turks, 2015), su esperadísimo debut en solitario. Este trabajo, considerado aún hoy como un titán del dance contemporáneo, está compuesto por 11 temas concebidos a lo largo de 6 años. A través de ellos nos presenta los estilos musicales que más le han marcado en el terreno de la música electrónica: house, dubstep, drum and bass, mi

let’s do it again – jamie xx / 2022

La vuelta a la normalidad tras la pandemia inspiró al productor londinense para concebir uno de sus temas más optimistas, eufóricos y bailables, himno de aquel Primavera Sound. El título ya en sí es una declaración de intenciones. “Empecé a hacer este tema justo cuando sentí que todos podíamos comenzar a volver a hacer las cosas que amamos”.

all you children – jamie xx, the avalanches / 2024

El tema que mejor ejemplifica la intención de reventar la pista de baile que caracteriza In Waves, sampleando el Dance Poem de Nikki Giovanni. Para Jamie, además, trabajar junto a los australianos ha supuesto cerrar un círculo: “El primer álbum de The Avalanches salió cuando tenía 11 años y en parte aprendí a hacer música escuchándolo sin parar”.

nimal, tropical, gqom… Su escucha evoca a las obras de Caribou, The Field o su admirado Four Tet, con los que Jamie comparte esa habilidad para dotar a sus temas electrónicos de emoción y humanidad, manejando como nadie el alma y los pies en la pista de baile. “En ocasiones trabajar en grupo puede resultar frustrante, porque se marcan más las barreras. En este caso no tenía ninguna marcada, me dejé llevar a lo largo de los seis años que me ha costado terminarlo. Era algo que necesitaba sacarme de dentro”, explicaba Jamie durante la promoción del disco.

El impacto de In Colour no se hizo esperar y no tardó en reflejarse en la agenda de Jamie, convirtiendo los años siguientes en un no parar de bolos en clubs y festivales. Esto hizo que el tercer álbum de The xx, I See You (Young Turks, 2017), lo grabara casi en la distancia, aunque no por ello su influencia fuera menor. Tal y como los propios Romy y Oliver cuentan, In Colour fue determinante para definir el sonido de I See You y la evolución de la banda. Marcados por las sesiones de Jamie, Romy y Oliver comenzaron a componer las demos de las canciones para posteriormente pasárselas al productor y que él les diera su toque final a base de elementos electrónicos y samples. Esta forma de trabajar no afectó al resultado, garantizando de nuevo un gran trabajo de los británicos y, además, demostrando su capacidad para evolucionar.

Tras finalizar la gira de I See You en 2018, Smith creía que tenía todo preparado para su segundo álbum en solitario. “Me puse a hacer música con lo que tenía en mente y el resultado fue realmente aburrido”, ha confesado en una entrevista reciente. “Me costaba escuchar música

dance actual porque me hacía darme cuenta de todo el trabajo que no estaba haciendo bien y lo que me estaba costando terminar el álbum. Así que volví a los orígenes y me puse a escuchar los discos de jazz y soul de mis padres, y volví a hacer música como cuando era niño, sampleando esos discos”. En este punto, Jamie se vio abocado a un proceso de autorreflexión en el que la pandemia jugó un papel fundamental. Por un lado, durante el confinamiento le propusieron dirigir un programa en la BBC Radio 1, gracias al cual tuvo la oportunidad de volver a tomar contacto con influencias clásicas como The Avalanches o Fela Kuti, y con nuevas referencias de la escena avant como Jockstrap o Kelly Lee Owens. Esto, sumado a la cultura rave que resurgió en plena pandemia como respuesta moralmente dudosa al aislamiento, volvió a despertar en Jamie la creatividad y el empuje necesario para terminar de dar forma a lo que sería In Waves (Young Turks / Popstock, 2024). La esperada continuación de In Colour marca distancias con su predecesor en cuanto a que está diseñado para disfrutar en su totalidad en el club. Los 12 temas del álbum son una suerte de sesión magistral en la que Jamie maneja a la perfección el oleaje emocional y eufórico propio de las mejores noches. Otra de las novedades es que Jamie xx ha trabajado por primera vez con productores externos: Panda Bear, Honey Dijon o The Avalanches. Ahí es nada. El resultado es un brillante álbum que para la crítica supondrá la enésima redefinición de la música dance británica, y que para Jamie simplemente ha sido “un antídoto contra lo deprimente que es el mundo”.

El siguiente paso parece evidente: nuevo disco de The xx. Aunque la banda ha ido confirmando por separado que el disco está en camino, es evidente que los tres miembros no son los mismos que en 2017. “Ahora que todos hemos hecho nuestras propias cosas, va a ser un poco más difícil, porque todos estamos un poco más alejados musicalmente. Va a ser un desafío, pero no sé cómo va a terminar”, confesaba recientemente Smith. Lo que está claro es que nos morimos por escucharlo. ¿2025? “ME

LONDRES, PERO NO ENTIENDO LOS CLUBS NOCTURNOS COMO ESPACIOS SOCIALES. A MÍ ME INTERESA SIMPLEMENTE

WAVES (XL RECORDINGS / POPSTOCK!, 2024)

EL PÁJARO QUE BEBE LÁGRIMAS

POR: DIEGO RUBIO

Minotauro edita este octubre por primera vez en castellano ‘El pájaro que bebe lágrimas’, novela de Lee Young-do que, junto a ‘Dragon Raja’, redefinió y repopularizó el género de la alta fantasía en Corea del Sur en el cambio de milenio, apropiándose por primera vez de las mitologías oriundas -los dokebi, el inmyeonjo o costumbres chamánicas- para llevarlas a los terrenos legendarios, mágicos y políticos de autores como Tolkien.

2022 fue un año clave para la alta fantasía, para bien y para mal. La salida prácticamente simultánea de las series La Casa del Dragón y Los anillos de poder, inspiradas en los universos de Canción de fuego y hielo (George R.R. Martin) y El señor de los anillos (J.R.R. Tolkien) respectivamente, unida al éxito inesperadamente masivo de un videojuego a priori de nicho como Elden Ring, situaron el grimdark en un nivel de atención mainstream que recordaba a los tiempos de la trilogía cinematográfica de Peter Jackson o

de la saga Harry Potter, en un mundo post 11-S que pedía a gritos fantasías esperanzadoras. Y el paulatino agotamiento de los tropos, tópicos y clichés de todas esas fantasías con settings aparentemente medievales, heredados de la Tierra Media, se ha ido traduciendo en que los guionistas del cine y la televisión empiecen a ir en busca de otras narrativas, más periféricas, fundamentalmente asiáticas y africanas, para seguir sorprendiendo a la audiencia: Hijos de sangre y hueso, de la nigeriana Tomi

Adeyemi, está en proceso de adaptación fílmica, por ejemplo, y recientemente hemos visto en Netflix El problema de los tres cuerpos (Liu Cixin) o La novia fantasma (Yangsze Choo). Ahora, en pleno auge del k-pop y con la ficción coreana en su mejor momento, no extraña que el foco empiece a ponerse allí, y qué mejor que empezar con la obra del culpable de que la alta fantasía empezara a popularizarse en Corea del Sur durante el cambio de milenio: Lee Young-do. Este octubre, Minotauro editará por primera vez en castellano El pájaro que bebe lágrimas como parte de un acuerdo internacional histórico para la literatura coreana -más allá de la fantasía- que supera los 200.000€ y que verá a la novela publicarse hasta en 12 países, incluidos EE UU, Reino Unido, Alemania o Italia. Escrita por Youngdo en 2002 y serializada online en Hitel, como ya hiciera el autor surcoreano con Dragon Raja , fue publicada oficialmente en 2003 y se ha terminado convirtiendo en el epítome del género en Corea del Sur, con más de 600.000 copias vendidas. En la línea de las creaciones de Hidetaka Miyazaki, la idea de Young-do partía de la alta fantasía europea y medievalista, sustituyendo los arquetipos asociados a aquella por elementos extraídos de las mitologías coreana, hindú, china o japonesa, y logrando construir un mundo familiar, pero al mismo tiempo diferente y totalmente personal. El pájaro que bebe lágrimas supera ciertos maniqueísmos occidentales pese a optar por una estructura semejante a la de La Comunidad del Anillo: los distintos personajes, como en la gran obra de Tolkien, representan un pacto entre las distintas razas de un mundo que las ha enfrentado y dividido, pero su cruzada no es contra un mal absoluto y común, como sí era Sauron, sino que está motivada por un rescate. Mientras el viaje se desarrolla, de la interacción entre los personajes y sus reflexiones logramos ir deduciendo los detalles de una gran conspiración.

Antes que centrarse en el conflicto, El pájaro que bebe lágrimas decide fijarse en las particularidades que definen a cada raza y explicar sus distintas religiones y sistemas. Los humanos, que creen en un Dios de ninguna parte y buscan restaurar la gloria de Arachit a través del retorno del rey -un tropo muy numenoriano-, están representados por el cazador Keigan Draka; en el otro extremo, los naga, representados por Ryun Pei: una raza reptiliana dedicada a la Diosa sin rastro que persigue la inmortalidad a través de sacrificios rituales y que -tras acabar con el reino de Arachit- se ha aislado durante años en la mitad sur del mundo, el Kiboren, un laberíntico bosque óptimo para sus necesidades. Es el rescate

ALTA ASIÁTICAFANTASÍA

En lo que llega a las librerías El pájaro que bebe lágrimas, aquí una pequeña introducción al género en distintos países de Asia:

Viaje al Oeste

Wu Cheng’en / 1592

Muy de actualidad por el videojuego Black

Myth: Wukong, esta novela es una de las cuatro grandes en definir el género en China. Cuenta la historia de Sun Wukong.

La gracia de los reyes

Ken Liu / 2016

La primera entrega de Dandelion Dinasty, la saga de alta fantasía de este autor chino-americano reconocido por traducir obras como El problema de los tres cuerpos

La hija de la diosa de la luna

Sue Lynn Tan / 2022

La autora malaya toma como referencia la leyenda china de Chang’e para repensar en su debut las mitologías desde una perspectiva feminista.

The Spears Cuts Through Water

Simon Jimenez / 2022

Aún no está disponible en castellano, pero es un ejemplo onírico y maravilloso de la adaptación de los mitos filipinos a los tropos de alta fantasía.

de Ryun y la misión de llevarla sana y salva al templo de Jainsha lo que reúne al grupo, que completan Bijiong, un pacífico dokebi -duendes del fuego sacados del folclore coreano que controlan la magia y creen en la vida más allá de la muerte, encomendados al Dios que se mata a sí mismo- y su escarabajo gigante, Nani, y un lekon, Tinajan, una enorme criatura mitad humano mitad pájaro dedicada a la batalla que cree en la Diosa inferior a todo. Las similitudes con Tolkien, de nuevo, son palpables, especialmente en la profusión, en la diversidad y en la comparación válida entre Ryun y Frodo, con destinos superiores que requieren de la cooperación entre individuos tradicionalmente enfrentados que han de anteponer su misión a las diferencias que les separan, y que en el fondo trascienden sus individualidades. Pero, en lugar de elfos, enanos y trasgos, como en las mitologías tolkienianas, Young-do prefiere localizar sus propios mitos: en su universo los dragones, por ejemplo, son una especie de plantas que se propagan por esporas y que se desarrollan adaptándose al entorno en el que crecen, y al mismo tiempo los cuatro elementos definen la naturaleza de las cosas.

Además, el autor coreano opta por el enfoque más oscuro y crudo -político si se quiere- de los autores grimdark (Abercrombie, Martin, Kearney...), reactivo ante el idealismo de las obras de Tolkien, y logra balancear de una forma muy genuina el respeto por la obra del maestro británico y todas sus necesarias revisiones contemporáneas sin caer en la analogía política o social, aunque en la segunda parte, El pájaro que bebe sangre -entrega más reciente en una saga que se supone, por el propio lore del libro y una profecía que apunta a cuatro pájaros, tendrá cuatro volúmenes-, la acción se recrudezca y la contemplación dé paso a una narrativa más conflictiva, sangrienta y belicista. “La fantasía es mejor cuando se lee como fantasía”, le dijo a Naver en 2009. “La fantasía es fantasía, y no alegorías cercanas

PASIÓN POR TECLEAR

Nacido en Busan en 1972, Young-do, “el mecanógrafo”, comenzó en 1997 a publicar por capítulos en el protoforo estadounidense Hitel lo que terminaría siendo Dragon Raja, normalmente considerada la novela responsable del gran boom de la alta fantasía en Corea del Sur, pero también de la ficción web, que desde entonces sería una plataforma de lanzamiento fundamental para los autores coreanos. Llegó a tener casi un millón de visitas.

a la realidad o terroríficos simulacros; ni es realidad maquillada ni desplaza a la realidad y ocupa su lugar (...) Te sumerges en la fantasía para conseguir algo, o para darlo, y después simplemente regresas al mundo real”. En este sentido, la aproximación nos recuerda más al universo de los Dark Souls, por ejemplo, o de Elden Ring, o a la propia naturaleza de los mitos con raíz en China o en la India, en mucha medida simbólicos. La mentalidad filosófica y un interés creciente por ofrecer reflexiones humanas profundas son una tónica en ambas novelas y en general en toda la obra del surcoreano. Es normal que, además de la publicación internacional de El pájaro que bebe lágrimas -llega en cuatro partes, como en Corea del Sur, siendo la primera El corazón del Naga-, el estudio de videojuegos Krafton -responsables de TERA o PUBG y distribuidores de Subnáutica o The Callisto Protocolhaya anunciado que está trabajando en el que sería su proyecto más ambicioso hasta la fecha, una masiva adaptación con presupuesto de AAA que convertiría la historia de Young-do en un rpg de acción. Yo te recomiendo que te adelantes.

EL PÁJARO QUE BEBE LÁGRIMAS: EL CORAZÓN

DEL NAGA (23 de octubre en librerías)

Lee Young-do Planeta

560 págs / Novela

Jhayco se puso el nickname de “El Superdotado” cuando tenía poco más de 12 añitos. “Empecé a escribir canciones a los 11, a producir a los 14 y a los 16 fue que empecé a venderlas y a entrar más en el sistema”, recuerda. Simplemente le hacía gracia: “Siempre era el más chiquitín en todos los círculos de artistas, músicos...

En Puerto Rico esto es más normal de lo que parece, es un país muy rico en talento. Desde chiquititos, fíjate Tainy, que empezó a los 15 años”. Con 15, él ya estaba yendo de soslayo a galas del Latin Grammy: andaba detrás de éxitos de Zion & Lennox, de Tito el Bambino, de Don Omar. “Siempre tuve claro que yo quería hacer lo mío, pero como que no tenía mi voz desarrollada, mi estilo, como que me esperé hasta que tuviera ya todo el flow y la conexión”. El aprendizaje pasaba, además, por Stereo 4, una boy band que seguía un poco la estela de Menudo, donde arrancaron sus carreras Ricky Martin o Draco Rosa. “Mientras estaba en Stereo 4 aprendí a cantar, a entonar...”. Pero a partir de 2018 todo empezó a revolucionarse. Su participación en la sombra del Vibras de J. Balvin, para quien escribió canciones increíbles como No es justo -“En realidad estaba parcialmente escrita y yo ayudé a componerla. Fue Sky el que me guió y entre los dos la terminamos-, le situó al abrigo de la primera línea del urbano que iba a acometer la normalización. Y el remix de No me conoce, junto al colombiano y a un Bad Bunny que empezaba a reclamar el trono mundial, le lanzó a la fama internacional un año después. “Fue muy loco porque en algún momento no me terminaba de creer que eso me estuviese pasando a mí: era algo con lo que siempre había soñado. Nunca he tenido inseguridad, siempre he estado convencido de que funcionaría, pero son cosas que suceden como mágicamente, y luego uno tiene suerte o no”.

FOTOS: ERICK FERNANDO

ALEJADO DE LOS BEEFS Y DE MUCHAS EXIGENCIAS DE LA INDUSTRIA, EL PUERTORRIQUEÑO SE DEJA LLEVAR POR SUS PROPIAS PASIONES EN ‘LE CLIQUE: VIDA ROCKSTAR (X)’, SU TERCER TRABAJO LARGO, EN EL QUE EXPLORA NUEVOS CAMINOS, DA LA MANO A NUEVOS ARTISTAS, PRUEBA INFINIDAD DE GÉNEROS Y SIGUE EVOLUCIONANDO. A RATOS SENSIBLE Y LUMINOSO, A RATOS OSCURO, PERO SIEMPRE SUGERENTE Y DIVERTIDO: JHAYCO, LIVIN’ LA VIDA LOCA.

POR: DIEGO RUBIO

Lo que vino después fue un periodo de consolidación y de inventos que demostraban que Jhayco siempre disfrutó más estando detrás de las maquinarias. “Yo me siento más productor que artista: hasta la voz la veo como una producción, como si fuera un instrumento más en la mezcla”, reconoce seguro. “Con cualquier persona con la que haga una colaboración creo que se siente más dinámica, por ejemplo, porque yo busco los espacios que él deja, trato de adaptarme, de caer en la pista con la voz... Al final lo veo más como productor. Todo el mundo tiene una visión, un cantante puede verse como artista, un rapero como MC. Yo me veo como un productor. No hay muchos artistas en el mercado latino que compartan esta visión, lo veo más cerca de artistas como Kanye West o Travis Scott, que siempre consiguen que su voz mezcle con la pista muy duro”. Todas esas ventajas se tradujeron en Dákiti: “Dákiti la empecé a producir yo con un sonido que tenía Taino, y la saqué con Mora. Después, El Conejo lo escuchó y como que le gustó mucho para su álbum. Y así lo hicimos”. Combada hacia un sonido más club, supuso en cierta medida una revolución más dentro del reguetón, y aún hoy sigue siendo imitada. Pero a Jhayco no le importan las imitaciones, ni le molesta marcar tendencias: “Para nada. Ese es mi aporte, y nada más. Otros artistas aportaron antes para yo poder llegar a hacer eso: Arcángel con Pa’ que la pases bien, Wisin & Yandel con Sexy movimiento o ¿Por qué me tratas así?. Todos esos temas me ayudaron a poder llegar a eso, o sea que ese también es mi aporte, por eso es que yo me siento bien. Recuerdo cuando Tainy, por ejemplo, que hacía una cosa que eso no se hacía...”. El tiempo le ha ayudado a desprenderse del ego; también el hecho de considerarse productor.

“Yo siempre he sido muy fanático del deep house. De la electrónica como

tal no tanto, pero el deep house me fascina. Si te das cuenta es como que no explota así full, es más progresivo, más chill... Sí que se habían hecho cosas electrónicas en el reguetón, pero siempre así, como que más explosivo... esto para mí era más new wave”. Es consciente del impacto de Dákiti, claro, pero lo entiende como una suma de sus propias influencias: aunque es puertorriqueño, pasó parte de su infancia en Nueva Jersey, aprendió inglés y se familiarizó con sonidos más anglo. “En Puerto Rico es más difícil encontrar ese tipo de música. Hay su público, pero no es nada mayoritario. A mí, en cualquier caso, siempre me ha gustado escuchar música. Escucho demasiada, y puedo estar escuchando jazz como puedo estar escuchando a Post Malone, blues, pop-rock... Qué se yo, me pongo salseros, rockeros, después me pongo a Arctic Monkeys. Paso de The Weeknd a Adele y también me pongo scores de películas, rollo Hans Zimmer. Como que superdinámico. Todos los días desde que me levanto estoy poniéndome música. Para mí es el background de cómo yo me quiero sentir. Voy por ahí con headphones escuchando música a todas partes, en el coche, tengo bocinas por toda la casa y por todo el cuarto. Cuando me levanto, en la cocina, de noche... O sea, si no estoy viendo películas estoy escuchando músi-

LIVIN’ LA VIDA LOCA

Ha pasado por una boy band. Aunque no lo sepas, ha escrito canciones que has bailado cientos de veces. Y además tiene una voz propia siempre en busca de nuevas vías. Así es Jhayco...

Conocido por entonces como Jay “El Superdotado”, con apenas 15 años empezó a componer canciones para estrellas del reguetón.

2011

Zion & Lennox Jay compuso tres canciones para el disco Los Verdaderos

Tito El Bambino También gran parte de Invencible, con el que empezó a ser asiduo en los Latin Grammy.

2012

Stereo 4 Los comienzos del Jhayco artista, en una boy band y siguiendo los pasos de Ricky Martin.

ca. Últimamente he escuchado mucho Move, de Keinemusik, y el último disco de Fred Again.., Ten Days, me ha encantado. También el de Post Malone... Me encantaría colaborar con Fred Again.., la verdad, pero como que su vibe es muy diferente de la de los latinos”.

VIDA ROCKSTAR

Jhayco, entonces Jesús M. Nieves, formó parte de Stereo 4 desde 2012 a 2016, cuando lanzó su carrera en solitario de la mano de sus excompañeros con la canción Te quiero ver

“Tú no dices: voy a ser un rockstar. Es algo de lo que te das como cuenta: o lo eres o no lo eres, y ya. Eso no puedes fakearlo”. Vida rockstar es llenar el estadio de San José en Puerto Rico, sacar las motos de agua en Coachella, cantar Dákiti en los Grammy americanos: “No habían cantado latinos allí por diez años, solamente Ricky Martin con Livin’ la vida loca... Para mí eso fue increíble. Demasiados lugares. Lugares que gracias a Dios nunca me imaginé”. Y hay que ser muy rockstar para sacar un álbum con 29 canciones que roza las dos horas. “Este álbum es para los que quieren ser fanáticos míos nuevos, y para los que ya son fanáticos de verdad”, dice. “No es un disco para el que quiera escuchar catorce canciones, escoger las más comerciales y ya. Además, hice todo lo que me salió del culo: me fui con las transiciones, metí treinta canciones... Llevaba tres años sin soltar un álbum y tenía la necesidad. Y si no te gusta, quédate con la que te quedes. No estoy haciendo esto para estar arriba en el Billboard”. Lo está haciendo para divertirse con Broncano en La Revuelta, para probarse como productor, para no quedarse estancado. “Tenía muchas canciones hechas y no quería caer en esto de hacer un disco y luego hacer otro con las que no entraron a la prime-

“ME ENCANTARÍA COLABORAR CON FRED AGAIN.., PERO SU VIBE ES MUY DIFERENTE DE LA DE LOS LATINOS”

J. Balvin fue el gran padrino de Jhayco en su desembarco en el nuevo género urbano.

2018

Eyez on Me

El primer EP del nuevo Jhayco, Jhay Cortez. Su órdago urbano.

Criminal

Pero nunca dejó de componer ni producir. Está en la sombra de este macrohit de Natti Natasha y Ozuna.

El eco de Vibras

,

de Jhayco con Balvin y Bad Bunny lanzado en 2019.

VIBRAS

De hecho, estaba detrás de varias canciones del disco que lo cambió todo en el mundo del reguetón...

No es justo, Brillo... Una de las canciones más bonitas del reguetón, la primera colabo de Balvin con Rosalía...

2019

FAMOUZ

Viniendo de telonear a Balvin durante la gira de Vibras y con el éxito de No me conoce, Jhayco enfrentó en la cresta de la ola el lanzamiento de su debut largo.

Un disco que anticipa mezclas de rock y urbano latino, que coquetea con el synth-pop... Jhayco a la vanguardia.

2020

Dakití

Historia del género, este junte con Bad Bunny ha acumulado premios a mansalva y momentos épicos como la performance de las motos de agua en el Coachella 2023.

Otra vez inventando, el pulso electrónico y clubber en el reguetón no existiría sin Dakití

Como se siente Su hermanamiento con Benito iba a ir mucho más allá, definiendo una nueva etapa.

“Tengo la suerte de tener mucha aceptación en España. Llevo viniendo cinco años, pero es fuerte venir pa’cá: el cambio de hora, la comida... Si vienes te tienes que quedar para un mes porque hay demasiados festivales... Yo porque le he buscado la vuelta y sé dónde me gusta ir y dónde me gusta quedarme: me voy para Ibiza, para Mallorca, Formentera, Granada, Londres... y así voy pasando el tiempo y no me siento como que estoy encerrado un mes en un hotel”.

ra. Suelta to’ eso que después lo que se viene es nuevo”.

Pero el rockstar que encarna Jhayco en su tercer trabajo largo no es un rockstar normal: “Quería evitar este tópico del rockstar todo de negro con cadenas de puyas, que es lo mismo que le pasa al murciélago, que es como un cliché de oscuridad. Se puede ser un tipo diferente de rockstar. Mi murciélago es rosa porque es un murciélago de luz, no es de oscuridad”. En la misma línea, Jhayco ha renunciado al combate en Le Clique: “Soy amante del deporte: nací con las tiraeras de Arcángel, con las de Don, con las de Héctor, so para mí estaba bastante inculcado. Pero cuando tuve la oportunidad de vivirlo en primera persona... Al final pienso que es mejor gastar energía escribiendo

2021-24

Timelezz

Además de sacar su segundo álbum, Jhayco, desde la madurez, empezó a darle la mano a una nueva generación de artistas...

Mami Chula

Quevedo / 2023

Uno de ellos el artista canario. Antes lo había hecho con C. Tangana.

RoCKSTAR 2.0

Duki / 2023

El argentino anticipaba la era rockstar de Jhayco con esta colabo.

Ex-Especial

Peso Pluma / 2023

¿Llevarse a su terreno al mexicano sin que pierda el regionalismo?

canciones juntos. Toda esa energía que se pierde faltándose al respeto, enfadándose, insultándose... como que en realidad no vale la pena. Cuando tú maduras te das cuenta de que estás peleando por cosas estúpidas. Por ego, por posición, por quién es más duro... Además es que nos hemos visto desde siempre. A Myke, a Rauw... desde chamacos, con camisa, flaquitos, que ninguno pensábamos que íbamos a llegar... Al final del día no nacemos sabiendo, y habrá gente a la que le vaya bien así, pero para mí fue una pérdida de tiempo. Creo que a veces se hace más por los fanáticos, que les gusta eso, pero para el que lo está viviendo... tener que estar con esa mala vibra, levantándote y tener que estar pendiente de que el otro no te tire, irte al estudio para contestar, tirar pa’trás... Mucho trabajo. Obviamente cada uno tiene su temperamento, y venimos de una isla bien picante. Pero yo he aprendido a tener paciencia”.

se tradujo en No me conoce (remix)

junte histórico

LE CLIQUE: VIDA ROCKSTAR (X) (UNIVERSAL, 2024)

Vida Rockstar / Grecia / Porsche Carrera / Natural / En la Bentley / Passoa / El final / 58 / 100 gramos / Habibi / XX / Holanda / Quimik / 0 Millas / Le Clique /No entiendo / Viene Basquiat... / Murci / 2C / Ferragamo / Mokai / Joe / Graxxx & QSJM / 3D / Mami Chula / Ex-Especial / Torii / KTM / Cuerpecito CD / DIGITAL / LP

POR: MARTA ESPAÑA / FOTOS: JUANJO MARBAI ‘Sora’ es el cuarto álbum de Ganges, un trabajo que mezcla la tristeza siempre presente en sus letras con un sonido más clubero. Influenciado por la música minimalista y su amor por el anime, ‘Sora’ -que significa “vacío” y también es el protagonista de ‘Kingdom Hearts’- parte de una concepción ficticia y personal sobre Japón. A sus 34 años, Ganges está en su mejor momento, en el que valora el encanto de la madurez y la visión crítica que esta ha aportado a su trabajo.

“CAROLINE

POLACHEK LO PETÓ CON 38. CADA UNO TIENE SU PROPIO RITMO”

Tuve la suerte de coincidir con Ganges en el mismo estudio de grabación durante los momentos en los que, junto con Pau Paredes, daba las últimas pinceladas a Sora, su cuarto álbum. Llegaba a primera hora de la mañana con una energía desbordante y, pese a la insonorización del estudio, de vez en cuando alcanzaba fuera algún chillido, una exclamación eufórica: acaban de pulsar la tecla correcta, el tema iba por buen camino. Pocas veces te cruzas por estos lugares a alguien tan cercano y a la vez tan terriblemente concentrado en lo suyo. El paso de Tere por el estudio de Pau parecía pura diversión y cachondeo, y por eso es sorprendente que Sora haya acabado siendo un trabajo en el que predomina la tristeza: “Mis letras son, en general, tristes, aunque musicalmente intento que todo esté un poco más arriba. Este disco lo hice pensando en las actuaciones en vivo, porque tengo una relación un poco complicada con el directo: cuando lo disfruto, lo disfruto mucho, pero me cuesta. A pesar de ser una persona alegre, la tristeza es un sentimiento muy fuerte para mí, y creo que en mis momentos más creativos ha sido clave. Me encanta el concepto de bailar llorando, me parece algo precioso”.

Sora, en japonés, significa cielo. También es una de las protagonistas de Digimon, o el personaje principal del videojuego Kingdom Hearts. Para los estudiantes de japonés, una forma fácil de aprenderse la escritura del kanji es que se parece a la cara de un perrito. Sin embargo, no mucho de esto ha influenciado a Ganges para titular su disco: otro sinónimo nipón de Sora es el vacío. “Sora es un nombre unisex, lo que me interesaba porque quería que las portadas tuvieran una figura masculina y femenina al mismo tiempo. Además, en japonés tiene un significado relacionado con el vacío, y en la producción hemos intentado simplificar y seleccionar bien los sonidos, aunque quizás no se note tanto. Las canciones no suenan vacías, pero sí menos recargadas que antes”. Así, la artista se inspira en la nueva electrónica minimalista de Yaeji o PinkPantheress, a la vez que se esfuerza por crear algo nuevo: “Íbamos añadiendo constantemente música a una playlist que compartíamos. Al principio teníamos referencias claras, pero la playlist fue creciendo. Siempre había algo en común: artistas frescos, creativos, con cosas raras, incluso voces que sonaban mal, pero nos atraía lo poco convencional. Se convirtió en una referencia constante mientras componía, buscando diferenciarme de lo que hacía antes y de mi yo pasado. Cuando hago demos, normalmente están bastante vestidas porque suelo componer y producir a la vez. Sin embargo, en este proyecto quería salirme de mi zona de confort. Algunas canciones, como Mirarte, que era muy sentimental, fueron llevadas a otro nivel de producción con la ayuda de Bearoid, entre otros. A

veces el proceso es duro, pero estoy aprendiendo a soltar y dejar que las canciones evolucionen”. El título no es lo único nipófilo del trabajo, y es que Tere es más otaku de lo que aparenta. En torno a su nuevo álbum hay un sinfín de influencias niponas que no necesariamente se ven reflejadas en su universo sonoro: consume anime de forma obsesiva, pero con los openings tiene una relación de amorodio. “Me he inspirado en un Japón imaginario que no existe, pero sobre todo en intros y endings de anime. Siempre me ha pasado algo curioso con ellos: me gusta mientras estoy viendo la serie, pero si los escucho de forma aislada no me interesan tanto. Es como si estuviera haciendo mis propios openings, con un rollo más sofisticado o al menos más interesante para mí. Pensé en cómo sería un opening que a mí realmente me gustara, y esta es mi propuesta. Príncipe, por ejemplo, es un tema sobre Bojji, de Ranking of Kings”. Pese a su frescura y estar ahora en su mejor momento, Tere no es, ni mucho menos, zilennial. Tiene 34 años y, aunque en sus inicios sentía presión por esa romantización de la industria hacia la extrema juventud, casi parece agradecer ser un poco más tardía: “Caroline Polachek lo petó con 38. Cada uno tiene su propio ritmo; yo fui lenta, hice una carrera, un máster, trabajé en una agencia, y aunque no eran cosas primordiales para la música, todo cuenta. Mi generación necesita esforzarse para mantenerse actualizada, pero hay mucho encanto en la madurez. Hoy soy más feliz, me entiendo mejor tanto a nivel personal como artístico. Si hubiera tenido este momento a los 24, no habría sido la mitad de feliz, y probablemente no habría podido hacer este disco. Pienso en Natalia, que es nueve años más joven y tiene una madurez artística que es genial, pero yo no la tenía a su edad”. Se refiere a Natalia Lacunza, de quien Ganges es teclista. La madrileña ha estudiado piano en el conservatorio, pero cree que “lo más importante de la música es la intuición musical, que es una cosa que no se aprende”. Su relación con ella la enturbiaron sus primeros años en el business: “La música hoy en día está muy enfocada en vender, y eso a veces la corrompe un poco. Parece que si no vende no es buena, y al final dependes de una audiencia. Yo no hago música solo para mí, quiero vender entradas, claro, y esa realidad ‘sucia’ de la música a veces me ha quitado las ganas, pero logré encontrar fuerzas donde no sabía que las tenía”. Ahora lidia con la exposición pública con la ayuda de sus amigas, con quienes casi podría decirse que ha creado su propia escena: “A pesar de poder vivir de la música, el proceso es duro: te abres en canal, te expones en escenarios y te muestras vulnerable. Y no quiero desprenderme de mi visión crítica, porque eso también es valioso, pero sí aprender a quitarle un poco de peso a las cosas”.

SORA (AUTOEDITADO, 2024)

Mirarte / Un llavero / Príncipe / Igual hemos roto y no me he enterado / Shycore / Fotolog Nostalgia / No / Si tengo suerte / Techno triste / Para los 2

DIGITAL / LP

METAPHOR: REFANTAZIO

POR: RAMÓN BAYLOS

ATLUS HA CONSEGUIDO DERRIBAR A GOLPE DE JRPGS EL MURO QUE SIEMPRE HA EXISTIDO

ENTRE SU IDIOSINCRASIA CREATIVA Y LA CULTURA OCCIDENTAL. ‘METAPHOR: REFANTAZIO’ ES LA SIGUIENTE CUMBRE EN EL CAMINO DE ESTA EMPRESA, FILIAL DE SEGA DESDE 2013 Y FUNDADA EN TOKIO EN 1986. EL REGRESO DE UNO DE LOS MEJORES ESTUDIOS DE DESARROLLO DEL MUNDO.

LA ALEGORÍA EN ‘METAPHOR: REFANTAZIO’

El nombre de Metaphor: ReFantazio surge de la contraposición de dos mundos que se han entremezclado en innumerables ocasiones dentro de la ficción. En primer lugar, el cotidiano, la realidad en la que conectamos nuestra experiencia con los otros a través de la intersubjetividad...

La segunda parte hace referencia a un ejercicio de REplantearse la fantasía para abordarla desde un punto de vista alternativo. Esto da como resultado un llamativo acercamiento a la literatura medieval a través de una serie de inquietudes futuristas.

De ahí el término “Metaphor”: el director del juego, Katsura Hashino, quería hacer una obra que todo el mundo pudiera considerar como una metáfora de su propia vida, y contar una historia que tuviera los pies en la tierra, que consiguiera hilarse desde una perspectiva terrenal. La alegoría es fundamental.

Estos contrastes se acompañan de un arte inspirado en el formato del anime, en la línea de los Persona, y se sostienen sobre un sistema de combates que se suceden en un ágil intercambio de turnos, envolviendo todo el conjunto en un mundo abierto, rebosante de rincones especiales cuya estética oscila entre lo barroco y lo surrealista.

CASI 40 AÑOS DE ATLUS

ATLUS se fundó inicialmente un 7 de abril de 1986 en Tokio, Japón, durante una década tremendamente convulsa para la industria del videojuego del país, que venía todavía renqueante de la gran crisis del 83, que casi provoca su completa extinción mientras veía cómo otras industrias nacionales empezaban a vivir un auge económico. Al principio era solo una distribuidora de software que se dedicaba a colaborar con otras compañías más grandes. Pero en poco tiempo la empresa cogió carrerilla para dar el salto al mundo del desarrollo de videojuegos, creando Kwirk para Game Boy y, sobre todo, el primer Megami Tensei, que sirvió de base para el King of Kings de NES -un título de estrategia por turnos que definiría gran parte de las tendencias de diseño de los siguientes videojuegos de la compañía- y, a su vez, para el que fue, probablemente, el videojuego responsable con el que arrancó el legado del estudio: Shin Megami Tensei. Los noventa vieron a ATLUS centrarse más específicamente en el género de las máquinas arcade, y durante los dosmiles la inestabilidad fue la tónica... hasta el rescate de Sega en 2013.

Lanzado en el año 92 en Japón para la SNES, Shin Megami Tensei fue toda una revolución allí, al nivel de Dragon Quest: el diseño de personajes y criaturas de Kazuma Kaneko, el tropo del portal interdimensional que se repetirá en los Persona, el sistema de diálogos... A Occidente llegó en 2014 ya convertido en título de culto.

La franquicia de Persona surgió como una subsaga spin-off de Shin Megami Tensei y, aunque con cada entrega conseguía acumular más seguidores, fue con el lanzamiento de Persona 3 en 2006 cuando ATLUS consiguió convertirse en un referente dentro de Japón. Este año hemos podido disfrutar de su espectacular remake, Reload

Sin embargo, no fue hasta el lanzamiento de Persona 5 que ATLUS consiguió dejar de triunfar únicamente en su territorio para hacerlo en el resto del mundo. En 2016 el estudio creó el que es considerado como uno de los mejores videojuegos de la historia, y seguramente uno de los más diferentes y densos. Por su culpa, o gracias a él, el género cambió para siempre.

Después de sacar incontables obras que fueron aclamadas de manera unánime en Japón, ATLUS se propuso demostrar que era capaz de crear juegos más profundos a un nivel existencial. La mayor prueba de ello es el Catherine de 2011, un juego de puzles que reflexiona sobre la infidelidad.

Los siguientes años verían al estudio dejarse llevar por sus ideas más extravagantes mientras sus sagas clásicas seguían ramificándose. Quizás la más loca de todas fue Trauma Center, una novela visual sobre la sección de urgencias de un hospital de Tokio que confirmaba las ambiciones del estudio de integrar el anime en todas sus obras.

UNA OBRA MULTIREFERENCIAL

Uno de los puntos más inteligentes de la filosofía de diseño de ATLUS consiste en apoyarse en otros medios para darle un impulso extra a sus propias narrativas a través de la identificación con éxitos que no pertenecen exclusivamente al mundo de los videojuegos. En este mismo sentido, Metaphor: ReFantazio se conforma como una obra creada en un entorno colaborativo, en el que ha habido presencias que fueron cruciales en el desarrollo de otros artefactos culturales de gran relevancia en Japón y el resto del mundo. Comenzando, por ejemplo, por Kazuma Koda , que es diseñadora principal de los personajes del juego y ha cumplido esa misma misión en otros proyectos como NieR: Automata, donde deja unos trazos inconfundibles que adaptan los tropos del anime a través de una enorme sensibilidad melancólica. Precisamente su director, Yoko Taro, ha participado también en la promoción del videojuego. La segunda figura destacable del equipo se corresponde con la del mismísimo Ikuto Yamashita, uno de los diseñadores principales de Neon Genesis Evangelion. Su pequeña participación en Metaphor: ReFantazio ofrece pinceladas futuristas muy reconocibles para cualquier fan del anime. Por último tendríamos al propio Katsura Hashino, quien ha sido responsable de casi todas las obras importantes anteriores de ATLUS y una de las personas sobre las que el estudio ha conseguido construir el legado por el que ahora es reconocido a nivel internacional. Sin Hashino no existirían obras tan cruciales para la compañía como Shin Megami Tensei III, Persona 3, Persona 4 y Persona 5. Sin él, los JRPGs no serían lo mismo.

METAPHOR: REFANTAZIO

ATLUS

11 de octubre

PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S

ORT IGA

MANUEL GONZÁLEZ, CHICHO DEL FUNK, ORTIGA, ES ESPECIALISTA EN TRANSMITIR EL SONIDO DE GALICIA Y DE SUS DESCACHARRANTES VERBENAS EN UN MARAVILLOSO CROSSOVER CON LOS RITMOS LATINOS DE LA CUMBIA Y EL MERENGUE. MÚSICA CON COARTADA TRADICIONAL Y QUE SIN EMBARGO SOLO PODRÍA ENTENDERSE EN EL SIGLO XXI. AHORA PRESENTA ‘OBRA SOCIAL’, SU TERCER LARGO.

POR: GABRIEL CÁRCOBA

“La vida de un gallego es lo que pasa entre verbena y verbena”. Ortiga habla de su tierra con una emoción contagiosa. Está orgulloso de ser gallego: “Es uno de mis rasgos de personalidad más grandes y me gusta llevarlo por bandera”. Pero no solo de eso, también de cómo ha invertido los tres años que han pasado hasta su nuevo proyecto, Obra social: “Siento que hay un antes y un después. Este disco es lo más parecido que he hecho nunca a lugar al que me gustaría llegar”.

Nacido en Santiago de Compostela, Manuel González lleva siendo el latin boy gallego por excelencia durante una década, aunque no lo parezca. “La peña piensa que soy más joven de lo que parezco, pero realmente soy un puto puretón”. Comenzó con el heavy metal, pero las cuentas no salían. “Llegó un punto en el que me di cuenta de que el heavy metal no me daba de comer y las cumbias sí”. Fue todo un descubrimiento. “En los códigos de la música latina puedo expresarme exactamente de la forma que quiero”. Sus referentes viven al margen de las corrientes artísticas, muchos en el reino del merengue. “Soy el único pavo que se cree un dominicano de verdad”. Y, como ellos, Ortiga ha construido su propia corriente. “Por espacio-tiempo, me meten en el cajón de sastre de la música en gallego, que puede ser tanto un pavo que hace folk como otro que hace rave o uno que hace rock”. Él lo tiene claro sin necesidad de que le encasillen: “Yo lo que hago es música”. Y, en estos momentos, mejor que nunca. “Si echas muchas horas estudiando yo creo que después se nota”. Juntarse con Pili Pampín o Grande Amore tampoco le ha venido mal. “Es una influencia de la hostia, porque son artistas que admiro”, reconoce.

El éxito de un proyecto como Ortiga también tiene algo de conocerse a uno mismo. “No funciono por voluntades”, asegura el gallego con convicción. Por eso un disco de cumbia y merengue como Obra social empieza con una intro de trap atmosférico. “La música me interesa más como expresión que como estética. Lo que busco es hacer lo que me da la gana”. Y el resultado de esa búsqueda son un montón de canciones que igual no tienen cabida en un solo proyecto. “Algunas las reciclo para otro grupo, otras se las regalo a otra gente y otras simplemente o las borro o las dejo en un cajón del que nunca van a salir”.

Una de las cosas que más inspira a Manuel es viajar. Parece un tópico, pero tiene su cosa. “Compro instrumentos de otros países porque no tengo ni puta idea de tocarlos”. Paradójicamente, eso le resulta útil a la hora de escribir nuevo material. “Muchas veces las ideas surgen así, de

explorar nuevas realidades y llevarlas a mi terreno”. En Obra social, ese elemento extranjero es una guitarra marroquí con la que hizo los últimos arreglos del disco. “Para serte sincero, no tengo ni puta idea de cómo se llama”. Tampoco se olvida de su tierra. “Algo que hago todo el rato es buscar una casa en medio del monte, en cualquier lugar de Galicia, y pasarme el verano de casa en casa”. Al igual que en su música, el también ideólogo de Esteban & Manuel o Boyanka Kostova reivindica darle valor a la tierra que nos ha criado. “Se da un fenómeno que no me gusta nada, y es la gente que conoce mucho más un sitio al que fue en avión cuatro veces que su puta ciudad”. Siendo así... ¿Cómo reivindica Ortiga la magia de su tierra en la música? A través del sonido de la verbena. “No deja de ser la forma de ocio de todo un pueblo, que es Galicia”. La verbena gallega es algo que hay que ver para creer, pero sus elementos son muy sencillos: una orquesta, un prado, comida, bebida y amigos. “Muchos artistas nacionales tochos no meten ni la mitad de peña que la Orquesta Panorama o la Olympus. No hay nada parecido”. Y aquí es donde entra su gran reinterpretación de Papá & Mamá, una de las canciones insignia de una de las orquestas más antiguas de Galicia, Los Satélites, fundada en 1938. “A mí me encanta, pero yo no ligo así”. Por eso Ortiga actualiza la letra original para acercarla a nuestro momento, cambiando las “piedritas en la quebrá” por “unas fichas en Instagram” o “M en un vaso de festival”. A nosa verbena, por otro lado, se dirige todos los públicos. “Quiero que bailen señoras, niños, raveros, criminales y todo lo que haya por el medio”. Obra social es el nombre del disco, pero también sirve para describir lo que empuja al artista de Santiago. “Me gusta verme como un agente social que ayuda a otra gente. A mí la música por el momento me da para vivir, y como soy hippie, eso es suficiente. Si además con esto puedo dar trabajo a amigos que están en el paro, conduciendo o vendiendo merchandising, o a gente que lleva años intentando vivir de la música pues mejor que mejor”.

La portada del álbum, obra del ilustrador santiagués Mariano Casas, hace referencia directa al Jorge Ben de Jorge Ben Jor. “Uno de los discos que me introdujo en la música latina”. Y también es toda una declaración de intenciones. “En esa portada Jorge Ben hacía referencia a su situación como brasileño, y yo intenté establecer un paralelismo con elementos de Santiago de Compostela, que es lo que soy yo”. Ortiga estará presentando Obra social junto a su banda el próximo 21 de febrero de 2025 en la Sala El Sol de Madrid.

“MUCHOS ARTISTAS NACIONALES TOCHOS NO METEN NI LA MITAD DE PEÑA QUE LA ORQUESTA PANORAMA O LA OLYMPUS”

JOKER: FOLIE À DEUX

POR: FERNANDO BERNAL

TODD PHILLIPS Y JOAQUIN PHOENIX, CON LA COMPLICIDAD DE UNA HECHIZANTE LADY GAGA, REINVENTAN LA FIGURA DEL PRÍNCIPE PAYASO DEL CRIMEN, CONVIRTIÉNDOLE EN EL PROTAGONISTA DE UN MUSICAL DE TINTES CLÁSICOS QUE PROMETE, AL IGUAL QUE LA PRIMERA PARTE -O INCLUSO MÁS-, DAR MUCHO QUE HABLAR. TENDRÁ FANS, PERO TAMBIÉN HABRÁ QUIEN CREA QUE EL JOKER, AÚN CON HARLEY QUINN MARCÁNDOLE EL RITMO COMO NUNCA EN ‘LOCURA DE DOS’, DESENTONA EN ESTA CINTA SURREALISTA Y PROVOCADORA.

Desde 2019, las escaleras situadas en el 1161 de Shakespeare Ave., en el barrio de Highbridge, son un fijo de cualquier guía mitómana de la ciudad de Nueva York. En esa zona del Bronx rodó Todd Phillips la secuencia de Joker (2019) en la que el Príncipe Payaso del Crimen de Gotham aparece realizando una extraña coreografía mientras suena un tema de Gary Glitter. Ese momento, además de definir perfectamente la personalidad del enemigo más popular de Batman, forma parte de la iconografía del cine contemporáneo y da pistas, quizá de forma poco consciente, de su futura continuación. Porque la segunda parte de la historia del comediante frustrado Arthur Peck, titulada Joker: Folie à Deux, es un musical que prolonga de alguna manera el espíritu de esa secuencia. A pesar de que tanto Todd Phillips como Joaquin Phoenix habían asegurado que no habría segunda parte, el presupuesto que finalmente han podido manejar -alrededor de 200 millones sobre la mesa-, o quizá simplemente la curiosidad de ver cómo el personaje podía desenvolverse entre canciones clásicas y viviendo una historia de amor con la doctora Quinzel -Harley Quinn-, interpretada por Lady Gaga, nos han traído al Joker de vuelta.

Phoenix repite realizando uno de esos tour de force alocados que tanto le gustan para preparar el personaje, y ha perdido peso para conseguir ese aspecto siniestro del payaso maquillado, algo que asegura que intentará no volver a hacer. Pero, sobre todo, se atreve a cantar y a hacerlo en directo, por consejo de su inestimable compañera de reparto. “Tuve un sueño en el que interpretaba al Joker cantando canciones y llamé a Todd porque pensé que podría haber algo ahí”, confesó el actor durante la presentación de la película en Venecia, donde la primera entrega ganó el León de Oro. Y su sueño -más bien pesadilla para el resto de los habitantes de Gotham- se ha cumplido en forma de musical extraño y extrañado, en la línea de películas como Corazonada (1981), ese romántico e inquietante musical con canciones de Tom Waits que reimaginaba Las Vegas según Francis Ford Coppola, o la más reciente y surrealista Annette (2021) de Leos Carax, cintas que retorcían los códigos del género a su gusto.

Si en la primera parte se podían ver las referencias-homenajes a títulos míticos de los setenta como Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese o Network (1976) de Sidney Lumet, aquí Phillips se fija en el mundo del musical clásico y en títulos como Melodías de Broadway 1955 (1953) de Vincente Minnelli. Además de la banda sonora de la chelista islandesa Hildur Guðnadóttir, suenan estándares que antes habían cantado Shirley Bassey, Frank Sinatra o Judy Garland. Un desafío mayúsculo para el actor; menor para Lady Gaga, claro está, que hasta ha sacado un disco llamado Harlequin de versiones clásicas inspiradas en la película -y que según la propia artista le sirven como complemento- , con temas como Close To You de The Carpenters, Gonna Build a Mountain

de Sammy Davis Jr. o World on a String de Harold Arlen y tradicionales como Oh, When The Saints, además de un repaso al género del musical a través de las canciones del clásico británico de los sesenta The Roar of the Greasepaint - The Smell of the Crowd y de cintas como Tiempos modernos (1936), Los hijos de la farándula (1939), Repertorio de verano (1950) y Noches en la ciudad (1969). Gaga, por su parte, está cada vez más consolidada en su rol de actriz, como se pudo comprobar en Ha nacido una estrella (2018) -donde es cierto que encajaba con el papel- y, sobre todo, en su exhibición absoluta en La casa Gucci (2021). Stefani, como pidió que la llamaran en la presentación del nuevo Joker, defiende que cantando era la única forma que tenían para expresarse estos dos personajes tan extremos. “Queríamos correr riesgos y ver qué podíamos hacer que fuera realmente diferente; hacer algo tan sorprendente como en la primera parte”, afirmaba por su parte el actor. Y, a la vista de la recepción que ha tenido Joker: Folie à Deux en Venecia, la película va a dar que hablar, tanto como la primera parte, que ya hizo ruido por la forma en la que trataba los tumultos callejeros, en los que algunos quisieron

TODOS LOS JOKERS

El reto actoral de interpretar al Joker sin caer en el histrionismo o llevar al personaje al borde del ridículo sigue ahí. Para el recuerdo nostálgico queda el doblaje que hizo Mark Hamill -sí, Luke Skywalker- del personaje en la serie de tv. El propio Jack Nicholson, en la adaptación burtoniana, caía un tanto en el estereotipo desquiciado, pero viniendo de un actor tan dado a los excesos como él el resultado no resultaba especialmente descabellado. De frenada se pasó Jared Leto, que llevaba su personaje a un terreno complicado de entender -imposible empatizar con él; vivimos en una sociedadque lindaba con lo paródico en Escuadrón suicida (2016), donde Margot Robbie se apropiaba a su vez de la Harley Quinn contemporánea. Heath Ledger llevó al Joker a otro nivel, entrando en el terreno de lo siniestro, aunque fiel a lo propuesto icónicamente en los cómics por Frank Miller, al menos en lo relativo a su carácter, en la imprescindible El caballero oscuro (2008) de Nolan. Un papel que le valió, al igual que a Phoenix, el Oscar. El último en unirse a la lista es Barry Keoghan -de moda tanto por ser pareja de Sabrina Carpenter como por su talento como actor- en The Batman (2022). Sin embargo, Matt Reeves eliminó su escena, y su presencia es imperceptible, aunque los rumores apuntan a que tendrá más peso en la probable segunda parte.

ver -de forma un tanto maniquea y reduccionista- un antecedente del asalto trumpista al Capitolio de Washington que tendría lugar un par de años después.

JOKER: LA ETERNA SONRISA

CONGELADA DESDE 1940

Joker: Folie à Deux comienza dos años después de los hechos con los que terminaba la anterior película. Tras ser detenido, el Joker está recluido en la prisión-sanatorio de Arkham, esperando el juicio por los asesinatos que ha cometido. Un lugar bien conocido por los fans de DC, porque allí transcurre uno de los cómics más memorables y recordados de Batman y Joker, Asilo Arkham de Grant Morrison y Dave McKean, materia prima también para la ya mítica serie de videojuegos. El que se convirtiera en líder de las revueltas populares en Gotham, enemigo público número uno de la sociedad, ahora está preso. Y entre rejas y celdas acolchadas surge el amor con su admiradora Harley Quinn, la doctora Harleen Frances Quinzel. Así arranca esta nueva relectura de Joker que poco tiene que ver con el personaje creado por Bill Finger, Jerry Robinson y el propio Bob Kane, el ‘padre’ de Batman, en 1940 El nacimiento de Joker como personaje tuvo lugar en el primer número de la serie dedicada Batman, quien, a su vez, había nacido un año antes en otra serie: Detective Comics.

Lo que sí han mantenido en esencia Phillips y Phoenix es el aspecto de Joker, que se inspiró en la imagen que lucía el actor Conrad Veidt en la película muda El hombre que ríe. En aquella cinta, estrenada en 1928, Paul Leni adelantaba la sonrisa irónica permanente y dibujada en el rostro del villano. Sonrisa inmortalizada a su vez con una inolvidable onomatopeya gráfica por Alan Moore, Brian Bolland y John Higgins en la historieta Batman: La broma asesina (1988), que introducía en Gotham la profundidad, densidad y oscuridad existencialistas habitual en las obras de Moore (Watchmen, V de Vendetta, From Hell). Al igual que sucede en los cómics, en el cine Joker ha tenido diferentes versiones, renacimientos y orígenes diversos. Las dos últimas películas se alejan de otras versiones propuestas que ofrecían diferentes explicaciones de la mutación de Joker, que siempre incluyen el accidente con productos químicos -aguas contaminadas en el cómic de los cuarenta-, pero algunos se olvidaron de su pasión por el stand up comedy, y lo situaron directamente dentro del crimen organizado, como hizo Tim Burton en su versión de Batman, clásico absoluto del cine ochentero.

JOKER: FOLIE À DEUX (4 octubre)

Warner / EE UU / 2024

Dirección: Todd Phillips

Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Zazie Beetz

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: ARRIGURI

@ARRIGURI

RETOQUE

FOTOGRÁFICO:

HAIZEA

OGUETA

Chill Mafia se despide con ‘Agur eta ohore x allá va la despedida’, una mixtape un tanto improvisada en la que rinden homenaje a sus años como colectivo. La cuadrilla de Pamplona se disuelve sin peleas internas: ninguno dejará la música por completo, y Kiliki y Ben Yart seguirán profesionalizándose en solitario. En su gira de despedida, recordarán su legado como game-changers de una escena musical vasca estancada desde hacía dos décadas.

iliki aprovecha la hora de la entrevista para comer, y los momentos en los que responde es porque en ese momento le viene más o menos bien, o lo que es lo mismo: no está masticando. A Flako se le va la conexión bastante y, durante la mayor parte de la charla, se ve obligado a limitarse a escuchar. Cualquiera diría que está ahí para supervisar el discurso de sus compañeros, pero su actitud somnolienta y su tiradez en el sofá le delatan: le da todo exactamente igual. Sara es la primera en conectarse -aunque todos aparecen con bastante puntualidad-, y tiene muy claro lo que quiere decir: ¡Chill Mafia se disuelven, pero que ni por asomo se nos ocurra pensar que es por peleas internas! Si no estuviese ella, el escenario sería bastante similar al del yema gate.

Así es, han oído -leído- bien: la Chill Mafia ha decidido decir agur y poner fin a su trayectoria conjunta, anunciando su disolución a finales de septiembre con la mixtape Agur eta ohore X Allá va la despedida. No se han enfadado. Simplemente, muchos de ellos están cansados, sobre todo de las enormes exigencias que acarrea mantener la estabilidad, el equilibrio y la predisposición en un colectivo tan elástico y cambiante como es la cuadrilla pamplonica: “No es una cosa mala ni nada, es simplemente que estamos en puntos de vida diferentes”, apunta Sara Goxua, que es la más interesada en que todo esto quede meridianamente claro. “No es nada personal. Simplemente es que un proyecto implica mucha responsabilidad, y la gente trabaja diferente. Y en el mundo de la música, ya sabes, unos quieren llevar un ritmo más rápido, otros más lento... Estar todos en el mismo punto, querer hacer la misma cosa… es que se tienen que alinear los astros. Pero bueno, que amigos somos y que vamos a estar todos en todo lo que hagan los otros”.

Alessandro Martins 17-01-1999, Pamplona Productor

Suneo, el productor de cabecera de la Chill Mafia, también ha trabajado como productor para muchos de sus miembros en sus proyectos en solitario bajo el alias de Sunny Wright IV, con el que también ejerce de dj. Tiene varios proyectos musicales actualmente en marcha, como Arepas, Los Jujos o Studio 3, y ahora mismo está produciendo el disco debut en solitario de Kiliki. Pero más allá de eso, sus planes a corto plazo pasan por terminar la carrera de Psicología.

Yart, “dejar la música no la vamos a dejar ninguno, pero igual alguno queremos estar a muerte y otros no quieren tomárselo tan en serio. Antes tardabas diez años en pegarte, y en esos diez años te ibas mentalizando de que te querías dedicar a la música. Todos nosotros estamos aquí de casualidad y nos vino todo en tres semanas”. Es normal que cada uno pueda tener planes, expectativas, visiones

Beñat Rodrigo 24-03-1999, Pamplona

Más conocido como Kiliki Frexko, desde el principio asumió la responsabilidad de dar la cara por la banda, asegurándose de que hubiera algo tangible y seguro dentro de tanto caos. Actualmente se encuentra preparando el que será su primer álbum en solitario, previsto para febrero de 2025.

diferentes. Por lo que comenta, parece que desde su agencia van a dedicarse por completo a su carrera y la de Ben Yart, mientras que algunos de sus compañeros seguirán como diletantes: “Tuli tiene un grupo nuevo, ¿eh? El Suneo seguirá haciendo beats que nunca subirá, supongo. Y yo tengo pensado sacar algo para febrero”. Está claro que, aunque Chill Mafia digan agur, la idea del colectivo, y su fantasma, seguirán rondando el aire mientras sus miembros sigan teniendo cosas que decir, y siga habiendo gente dispuesta a escuchar.

A la cuadrilla de amigos de Pamplona le da bastante pereza entregar las armas a través de un comunicado público, como al final ha terminado sucediendo, pero más pereza les hubiera dado responder a miles de DMs por Instagram después de mucho tiempo sin actividad: “Son palabras terribles. Disolución, despedida. Suena muy dramático todo. Lo que pasa es que también entiendo que hay que hacer esto, porque hemos tenido mucho impacto y la gente espera cosas de nosotros. Yo confío en que en unos añitos volvamos”, dice Sara, entre esperanzada, escéptica, convencida e impasible. Chill Mafia van a dejar de hacer música juntos, eso ya ha quedado claro, pero ni van a dejar de hacer música, ni van a dejar de estar juntos. Ni siquiera van a dejar de hacer música, juntos, realmente. Según Kiliki, uno de los que más recorrido tiene de cara a emprender el viaje en solitario junto a Ben

El colectivo, formado en un principio por amigos y para amigos como un espacio común esencialmente festivo, emergió de los barrios de Arrotxapea y Mendillorri, en Pamplona, en época COVID. Saltó a la fama a principios de 2021 con el videoclip de Gazte arruntaren koplak , una versión del cantautor Xabier Lete, que alcanzó las 100K visualizaciones en YouTube en tan solo una semana, y una mixtape del nivel de Ezorregatik X Berpizkundea junto a singles de alto impacto y octanaje como la espectacular BARKHATU no hicieron sino aumentar el interés hacia ellos, por parte de un público fiel, sí, pero también por parte de sectores más especializados. Desde entonces, su popularidad en territorio nacional creció por fusionar los nuevos estilos suburbanos con el folclore local, en la línea de otras agrupaciones de la época como Boyanka Kostova o Califato 3/4, y aplicando también un componente muy rural: “Nos molaba mucho lo folclórico, aunque en la adolescencia éramos punkies, pero en la juventud nos interesó el folclore vasco

Sara Losua 20-02-1999, Pamplona Dj y co-management

La más seria del colectivo, la que más claro quiere dejar que la separación no es de mal rollo y la que se encarga un poco de las conversaciones importantes, junto con Kiliki. Como Sara Goxua sigue su carrera como dj, tan fundamental para el sonido Chill Mafia, y actualmente está preparando nuevos lanzamientos junto a La Neni.

y ahí nos empezamos a viciar muy rápidamente. Es que también tenemos personalidades muy obsesivas, y cuando nos gusta algo nos metemos a fondo”, dice Flako, parco pero certero en una de sus pocas intervenciones. Se muestran reticentes a autodenomi narse game-changers, si bien, en realidad, sí consideran que han abierto muchas puertas en Euskal Herria para las generaciones posteriores, especialmente en lo que respecta a la música urbana. Probablemente, y fuera del punk, del hardcore y del mundillo del rock radical, Chill Mafia ha sido el proyecto musical vasco que más ha crecido en los últimos años, luminaria para una verdadera erupción urbana, y ellos lo saben: “La escena local está mejor que cuando empezamos nosotros”, reflexiona Kiliki. “De hecho yo la veo muchísimo mejor, la verdad. No es por echarnos flores ni nada de eso, pero después de nosotros salieron muchos chavales a hacerlo parecido a nosotros. No tanto en lo musical, sino en el rollo de hacerlo con tus colegas, de juntarte con tus colegas. Suena flipado decirlo, pero no me jodas, un poco sí. En los noventa hubo

Martín Cervantes

01-02-2000, Pamplona Productor

un metal cojonudo, luego salieron Berri Txarrak. Esa vaina estaba ahí desde los dosmiles, pero inmóvil. Después hubo un estancamiento brutal. Y yo ahora, después de nosotros, empiezo a ver otras cosas que antes no veía”.

Productor y técnico de sonido, desem peño en el que tiene un gran futuro por delante, Tuli Pump se encuentra, además, preparando el lanzamiento del primer trabajo largo de La Txama, la que es su banda actual tras la aventura de Chill Mafia, con la que da rienda suelta a sus inquietudes en torno al folclore.

Pese al estancamiento del que habla Kiliki, y que es real en muchos sentidos, reconocen ver la escena vasca en un estado de forma mucho mejor que el de cualquier parte de España actualmente. Chill Mafia, pese a su nacimiento como colectivo autogestionado, no tardó en firmar con Oso Polita, el sello discográfico de un gigante de la promoción de directos como Last Tour -responsables de, entre otros, el Bilbao BBK Festival, el Azkena Rock o el Kalorama-, pues no ven a la gran empresa como una amenaza para la programación independiente: “En Euskal Herria es bastante más fácil tocar con tu grupo de colegas que en cualquier parte de España, porque en Madrid no existen bolos que no estén dentro de la lógica de una sala de conciertos, o están completamente marginados”, dice Kiliki, que ya tiene experiencia cuando se trata de lidiar con la capital, siem

pre tan focalizada en el centro del territorio nacional y empeñada en empañar y relegar, quizá por su naturaleza capitalina, cualquier intento que tenga lugar en todo lo que viene de las periferias. “Total, yo no he pisado una sala de conciertos aquí en Euskal Herria hasta hace muy poco. Aquí tienes como un movimiento popular muy grande en el que tocas en garitos de tu barrio aunque toques fatal, ¿sabes? Un escenario bastante tocho, independiente”.

“LA VERDAD, NO HEMOS

Ahora sí en salas, y en algunas bastante grandes de hecho, Chill Mafia se despedirán de los escenarios con una gira que recorrerá Gasteiz, Logroño, Rentería, Iruña, Bilbao, Madrid y Barcelona. Ante esta gira de despedida -aunque a ellos no les guste llamarla así- se les despiertan la nostalgia y los recuerdos. Kiliki, por ejemplo, piensa en “la primera vez que nos ofrecieron un bolo, yo hablando con el Tuli… Nos pareció una locura pedir como cuatrocientos eurillos”. Desde aquella llamada no han parado: “De repente sacamos un disco que lo estaba petando en Euskadi”, recuerda. Las expectativas -y la presión- sobre ellos no paraba de crecer, y quizá la diversión de los primeros días terminó diluyéndose hasta convertirse en obligación y en seriedad. “Entramos como en un bucle, necesitábamos parar, teníamos ganas de desconectar de todo”. Agur eta ohore X Allá va la despedida es su propio auto-homenaje, una mixtape que recopila los temas sueltos que tenían guardados en la recámara en el momento en el que descubrieron que no podían seguir. Con ella se reivindican

videoclips

Flako siempre fue el más avispado para la parte visual de Chill Mafia, dándole la mano también a fotógrafos por entonces emergentes como Mario Egro. Va a seguir haciendo trabajos audiovisuales, pero también está empezando a preparar el que será su primer disco en solitario.

a sí mismos como el colectivo que hizo nueva escena en el ámbito local, pero también como una rara avis que demostró, durante unos pocos años, que las cosas podían hacerse de manera diferente en España. Si en algún momento retomarán su actividad, ni ellos mismos lo saben, pero no importa porque las metas nunca fueron lo importante para ningún miembro de la Chill Mafia. “La verdad, no hemos hecho nunca muchos planes a futuro”, puntualiza Sara, con acento final. “Y no vamos a empezar a hacerlo ahora”.

EL FUTURO ES LOCAL, FOLCLÓRICO, RURAL

Beñat Abarzuza 13-06-1994

Cantante

El autor de Mañaneo siempre fue el más dedicado, desde dentro de la Chill Mafia, a su propia carrera en solitario y a su identidad como Ben Yart, tanto que en muchos momentos llegó a parecer más un miembro de ida y vuelta, itinerante, que un integrante de pleno derecho. Nada más lejos de la realidad: Benito siempre ha empujado para que el que ganara fuera el colectivo. Y, mientras hacía hits dando vueltas sobre las consecuencias de sus problemas de salud mental, en Chill Mafia sacó siempre su lado más político y reivindicativo. Ahora mismo, con sacar su siguiente EP, Guerra Mundial, y hacer la trimestral del IVA, dice, le va bien.

Agur eta ohore X Allá va la despedida es una mixtape que -aunque de rebote- aglutina el espíritu que la Chill Mafia quiere legar a las generaciones venideras: en definitiva, una contemporaneización de la cultura vasca que no falta al respeto a lo tradicional per se, pero toma el humor como punto de partida. En el ecuador del trabajo, Animal Crossing sucede a Mus corrido: dos modelos de ocio que contraponen lo global con lo local, el futuro y el folclore, la exaltación de lo vasco frente a las macropotencias culturales internacionales. En Chill Mafia, sin embargo, no parece que se esté librando batalla alguna: lo moderno y lo vetusto son uña y carne, más que agua y aceite. Así, la última mixtape mantiene esa idiosincrasia de trabajo conjunto de instituto, caótico y poco unificado, a la vez que ninguna pieza importuna a la siguiente: encontramos una Merezi Ote -clásico de Gontzal Mendibil- modernizada, y a la vez vemos que mantienen los ojos fijos en el presente a través del featuring de los albaceteños Nerve Agent en el tema Hombre Clavo La del perro abre el álbum entre el fandango y la jota y Speederman lo cierra a ritmo de cumbia, pues la cuadrilla creció con menos barreras entre géneros que sus maestros, y su objetivo es tener más que sus discípulos. “Dime dónde estás, mi querido amigo del alma, no quisiera verte apagándote”, cantan en Ídolo caído, uno de los mejores tracks de su despedida, que versa sobre pasarse un poco de rosca tras una época más épica. En la Chill Mafia seguirán siendo amigos del alma, y quizá por eso se van antes de ver a alguien empezar a apagarse.

La del perro / Txintxo / Ídolo caído / Puta Ripagaña / Mus corrido / Animal Crossing / Hombre Clavo / Merezi Ote / Speederman

DIGITAL

AGUR ETA OHORE X ALLÁ VA LA DESPEDIDA

(OSO POLITA, 2024)

POR:EVA MARTÍNEZ

NO HAN PASADO NI TRES AÑOS

DESDE SU DEBUT Y LE SSERAFIM

YA

HAN LLEGADO A COACHELLA O LOS VMA’S. SU ÚLTIMO EP, ‘CRAZY’,

TRASCIENDE EL K-POP PARA

CONVERTIRSE SENCILLAMENTE EN POP GLOBAL. PERO SI POR ALGO

DESTACA EL QUINTETO ES POR SU PODEROSÍSIMA IMAGEN, PURO

SURREALISMO POP CALCULADO AL DETALLE, QUE NOS HA EMPUJADO A DEDICAR LA GALERÍA DE ESTE MES A

LAS CONCEPT FOTOS DEL DISCO.

En el vibrante universo del K-pop, un grupo de chicas de la cuarta generación ha capturado la atención mundial con su reciente lanzamiento, Crazy . Le Sserafim, que debutó en 2022, se está consolidando rápidamente como uno de los grupos más escuchados del género a nivel global. Sin embargo, lejos de ser un one hit wonder, la trayectoria de estas talentosas artistas ya está marcada por una serie de éxitos que las han llevado a alcanzar hitos impresionantes. En un tiempo récord, Le Sserafim se ha convertido en el grupo de K-pop que más rápidamente ha tenido la oportunidad de presentarse en el icónico festival Coachella, por ejemplo. Kim Chae Won, la líder del grupo, expresó su emoción en una entrevista con la revista Teen Vogue: “Ni en mis sueños más locos pensé que iríamos a Coachella en tan poco tiempo. Es realmente el escenario de mis sueños”. El grupo hizo su debut con seis integrantes bajo el sello de Source Music, una agencia subsidiaria de Hybe Entertainment, conocida mundialmente por ser el hogar de grandes estrellas del K-pop como BTS. Desde el lanzamiento de su primer EP, Fearless , que alcanzó el número uno en 13 países, las chicas han mostrado su capacidad para desafiar expectativas. Sin embargo, la polémica rodeó al grupo a las pocas semanas. Las acusaciones de bullying vertidas sobre la integrante Kim Garam hizo que la apartaran del grupo rompiendo su contrato con la empresa, empañando el trabajo de las artistas y su exitoso debut. Lejos de amedrentarse, las chicas resurgieron como quinteto con Antifragile , dando honor al anagrama que forma su nombre -I’m Fearlessy demostrando a sus fans -apodados “Fearnot”que habían llegado a la industria para quedarse.

Kim Chae Won, de 24 años, lidera el quinteto como una de las integrantes más longevas, pero realmente recogió el testigo de Sakura, la mayor, de 26 años, que puso como condición en su contrato no ostentar el liderazgo del grupo. Japonesa de nacimiento y antes parte de AKT48, conoció a Chae Won cuando formaron parte del reality musical Produce 48 , y terminaron militando en la banda Iz*One. A ellas se suman Huh Yun Jin, de 23 años, con experiencia en musicales como El fantasma de la ópera y formación estadounidense -vivió allí hasta regresar a Corea del Sur para probar suerte en los idols-. Kazuha, que a sus 21 años es la más internacional del grupo, se formó como bailarina en las mejores escuelas de Japón, de Londres o de Ámsterdam, y se encarga de los raps y de los visuales. Y la más joven -o maknae, como se conoce al pequeño normalmente en los grupos de k-pop-, Hong Eun Chae, de 17 años, pese a su edad, es una de las componentes más versátiles del conjunto, y también ejerce de MC en el popular programa musical Music Bank . Con este segundo mini-álbum, Le Sserafim continúa batiendo récords al alcanzar la venta de más de 1 millón de copias. Recientemente fueron galardonadas con el premio PUSH Performance of the Year en los en los VMA’s, donde además han presentado el single Crazy y la canción más rockera del álbum, 1-800-hot-n-fun , consolidándose como uno de los grupos surcoreanos con más proyección internacional. A lo largo de cinco canciones con estilos variados -techno, EDM, rock, hip hop e incluso una balada-, el cuarto mini-álbum de Le Sserafim invita a lxs oyentes a desafiar los límites que les han sido impuestos, animando a liberarse de las expectativas tradicionales y a perseguir sus sueños. Un ejemplo es la balada Crazier , que revela la lucha interna de las artistas a la hora de cumplir con un modelo que les exige comportarse según un rol específico. En esta canción, las intérpretes expresan su frustración al no haber tenido la oportunidad de volverse locas, además de un sentimiento de envidia hacia las personas anónimas, que pueden amar y vivir sin restricciones. En un mundo en el que a menudo las chicas deben mostrarse buenas y frágiles, Crazy se convierte en un himno de liberación, motivando a las mujeres a reclamar su espacio y a ser dueñas de su propio destino. Purple into gold, que dirían la Lisa y Rosalía.

POR: ALBA GARCÍA VALERO

CON TRES COLECCIONES A SUS ESPALDAS Y EL APOYO DE MERCEDES-BENZ FASHION WEEK MADRID, LA FIRMA DE LA DISEÑADORA MADRILEÑA SANDRA ALEJANDRE -BISNIETA DEL PATRONISTA DE BALENCIAGA- HA APRENDIDO A CONTAR SU PROPIA HISTORIA EN TAN SOLO CUATRO AÑOS Y CON LA LENCERÍA COMO HILO CONDUCTOR: UN CUENTO CON FINAL FELIZ LLAMADO ‘CORE’, COMO SU ÚLTIMA PROPUESTA GANADORA DEL PREMIO MERCEDES-BENZ FASHION TALENT, QUE HABLA DE IDENTIDAD, EXPRESIÓN FEMENINA Y SUEÑOS CUMPLIDOS A TRAVÉS DE LA REINTERPRETACIÓN DE PATRONES CLÁSICOS DE CORSETERÍA.

Desde que en 2020 fundara su marca Alejandre, dando un pequeño salto hacia el vacío, la madrileña Sandra Alejandre ha construido un discurso propio en torno a una subversión de la feminidad y lo corporalmente femenino a través de la lencería. Reapropiándosela, reinterpretándola y situándola en contra de sus propios tópicos, usos, espacios, exponiendo sus limitaciones y convirtiéndolas en material creativo, belleza y caos, ingenuidad y sensualidad, poder y seducción. Patronaje clásico y transgresión y vanguardia colisionan en ‘CORE’, la colección que le acaba de valer el premio a la mejor firma emergente en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Hablamos con ella después de su triunfal desfile por las pasarelas madrileñas y antes de que ponga rumbo a Praga para su primer desfile internacional.

Sandra, primero de todo, enhorabuena por el premio Mercedes-Benz Fashion Talent a la mejor marca emergente de la 80ª MBFW Madrid. ¿Podrías contarnos cómo nació Alejandre? ¿Cómo ha sido el viaje hasta llegar aquí?

Alejandre nació en 2020, en plena cuarentena. Me encontré con mucho tiempo libre, algo de ahorros y el apoyo de mi familia, amigos, pero sobre todo de mi pareja, que fue quien me animó durante años y años, hasta que conseguí decidirme y tomar la decisión. El viaje ha sido una montaña rusa, con sus subidas y bajadas, momentos mejores y peores, pero miro atrás y solo puedo pensar en lo orgullosa que estoy de haber dado el paso y de la cantidad de cosas increíbles que he podido vivir y experimentar gracias a la marca.

¿Has desfilado en otras pasarelas? ¿Algún lugar soñado donde te gustaría presentar futuras colecciones?

Conseguir el premio Mercedes-Benz Fashion Talent nos da la oportunidad de desfilar en Mercedes-Benz Prague Fashion Week, y esta va a ser la primera vez que desfilemos fuera de España. Por supuesto, me encantaría poder hacer algún desfile en París o Nueva York, pero todavía queda un poco para eso…

La expresión de la feminidad siempre está presente en tu trabajo. ¿De dónde viene tu obsesión por la lencería?

La lencería siempre me ha llamado la atención. De los primeros recuerdos que tengo es cuando acompañaba a mi madre a la mercería a comprarla y la dependienta la sacaba de las cajas para mostrársela en diferentes colores y tejidos. Es algo que siempre me ha acompañado y que, dependiendo de la etapa en la me encontraba como mujer, he experimentado de una forma u otra.

De Julia Fox o Dua Lipa a Kourtney Kardashian, todas las celebrities quieren vestir Alejandre... ¿Cómo han surgido estas colaboraciones? ¿Crees que las redes sociales juegan un papel fundamental como escaparate para el éxito?

Han surgido de diferentes formas. A veces por Instagram, otras por mail y también gracias al showroom, Pelonio, donde tenemos nuestra colección expuesta.

Las redes sociales desde luego que tienen un papel fundamental y han sido clave para que la marca crezca en envergadura y tamaño. Al final, como dices, es un escaparate de tu trabajo al mundo, y es una herramienta que te permite llegar a un público enorme que, seguidamente, se puede traducir, como en mi caso, en clientes, estilistas con los que trabajar o artistas a los que vestir.

Has titulado tu última colección como ‘CORE’. ¿Cuál es la esencia que caracteriza a esta colección? ¿En qué se diferencia ‘CORE’ de otras colecciones anteriores?

Sin abandonar la identidad que define a la marca, he querido acercarme a un aspecto más comercial y abrir el abanico de posibilidades a la hora de ponerse una prenda de Alejandre. En cuanto al diseño y a la versatilidad de las prendas, se percibe una evolución con respecto a las anteriores colecciones. Hay como mucho más juego en cuanto a colores, formas, siluetas y tejidos. Diría que hay un contraste más marcado de siluetas y texturas, entre lo grande y lo pequeño, lo suave y lo áspero, lo duro y lo delicado. Esta colección es como una carta de despedida, al ser la tercera y última participación en el certamen por el premio MBFT. A lo largo de nuestras colecciones, creo que se ha visto una evolución, tanto personal como en la identidad de Alejandre, y esta propuesta, sin perder la esencia lencera que caracteriza a la marca, reinterpreta patrones clá-

“MI MAYOR INSPIRACIÓN PROVIENE DE LA LENCERÍA. ESE ES MI UNIVERSO, MI LORE”

Sus diseños ya han sido llevados por grandes artistas de todos los ámbitos, que personifican la esencia de la marca y hacen que la realidad tangible cobre sentido exponiendo sus prendas al mundo. Musas de la talla de Dua Lipa, Karol G (1), Julia Fox, Bad Gyal, Nathy Peluso (2), Kourtney Kardashian, Aitana, Amaia, Natalia Lacunza o Rosé de Blackpink (3) ya visten Alejandre, y así lo exponen en sus redes sociales.

sicos a través de siluetas enriquecidas, la superposición de prendas y la fusión de estilos contrastantes.

Sabemos que el proceso creativo de un diseñador es algo que se cocina a fuego lento, pero ¿tienes alguna musa o fuente de inspiración que te guíe en el momento de diseñar?

Yo me inspiro en muchas cosas y no tengo una musa concreta, pero mi mayor inspiración proviene de la lencería. Ese es mi universo, es mi lore. Siempre he estado obsesionada con la lencería porque, aunque es una prenda que normalmente llevamos tapada, la considero una prenda preciosa y con mucho detalle. Mi obsesión constante es sacar a la luz esa prenda, mi ejercicio por intentar llevarla siempre a un primer plano, adoptando un papel protagonista dentro de los looks o incluso fusionándola con las prendas outwear. Así que, si tuviera que decir cuál es mi fuente de inspiración, diría que es la lencería en sí misma.

En esos momentos en los que te enfrentas a un bloqueo creativo, ¿cuál es el truco para superar la falta de inspiración?

He tenido momentos en los que me he sentido un poco bloqueada, y lo que me ha funcionado es no dejar de nutrirme, aunque sienta que las cosas no se están moviendo dentro de mi cabeza. Es importante seguir estimulándome con información, imágenes, dibujando, revisando mis colecciones anteriores... y aunque al principio parezca que nada está pasando, en algún momento todo hace click. Para mí lo importante es no dejarme llevar por el bloqueo y entenderlo como parte del proceso. Creo que eso también es parte de lo que refleja mi nueva colección. A veces tenemos tanta información en la cabeza que el problema no es la falta de ideas, sino cómo dosificarlas y organizarlas. Si sigues llenándote de información, poco a poco tu mente empieza a ordenarla, incluso sin que te des cuenta.

A parte de presentar tu colección primavera-verano 2025 en Mercedes-Benz Prague Fashion

Week, ¿qué otros proyectos tienes a la vista?

Ahora queda seguir trabajando con la colección ‘CORE’ primavera-verano 2025, hacer todas las campañas, subir los nuevos productos a la web y mover todo lo posible la colección para poder seguir con nuevos proyectos.

Y, por último… ¿qué es para ti el éxito?

Creo que muchas veces pensamos que el éxito es algo grande, como ganar premios o tener un público enorme. Pero para mí, el verdadero éxito está en las pequeñas victorias: conseguir un buen patrón, mantener la identidad de tu marca y ser fiel a ella a lo largo del tiempo y las colecciones. Pero, al fin y al cabo, lo que realmente define el éxito es el camino que sigues con tu marca y esas pequeñas ganancias. Para mí, éxito es poder estar aquí y decir que he hecho la colección que quería.

POR: DIEGO RUBIO FOTO: JOSH BELVEDERE

ASENTADO DESDE HACE UN PAR DE AÑOS EN LOS ANGELES Y FIRMADO EN EL NOVÍSIMO SELLO DE BRENT FAIYAZ, TOMMY RICHMAN ENFRENTA CON SU PRIMER TRABAJO LARGO NO SOLO SU PROPIA CONFIRMACIÓN, TAMBIÉN LA SOMBRA DE UN ÉXITO VIRAL EN TIKTOK DE LOS QUE PUEDEN DEVORAR CARRERAS SIN QUE HAYAN TERMINADO DE ARRANCAR. ‘COYOTE’ COMBATE CON FUNK, SOUL, DISCO, PSICODELIA Y UNA DEVOCIÓN ABSOLUTA POR PRINCE Y JAI PAUL LA DICTADURA DE CUALQUIER ALGORITMO, Y OFRECE UN REMANSO DE PAZ, UN DESIERTO PÚRPURA, EN MEDIO DE TANTO RUIDO. HABLAMOS CON ÉL ANTES DE QUE EL SUEÑO SE CONVIERTA EN REALIDAD.

TOMMY RICHMAN

El verano de 2023 fue crucial para la carrera de Tommy Richman, nacido en Virginia el 21 de marzo del año 2000. Porque uno de aquellos días, simplemente, le contactó Brent Faiyaz. “Me dijo que me había escuchado y que le gustaba mi música, y me invitó a ir a un par de shows para que nos conociéramos”, recuerda ahora, apenas un año después. En aquel momento Faiyaz estaba terminando de poner en marcha su recién fundado sello discográfico, ISO Supremacy, y estaba en conversaciones con Pulse para un acuerdo de joint-venture, así que andaba en busca de nuevos talentos para desarrollar. En agosto Richman ya había lanzado su primer sencillo con el sello, Last Nite, y para el último tercio del año aparecía en uno de los temas de Larger Than Life, la primera mixtape del cantante norteamericano, y se embarcaba con él en el F*ck the World, It’s a Wasteland Tour. Todo fue bastante apresurado, como sugería el título del primer EP de Richman en Pulse, The Rush. Y todo se revolucionó aún más, hasta el punto del delirio colectivo, con el lanzamiento de Million Dollar Baby a principios de este año. Impulsada por una campaña de marketing de última generación por parte de la disquera, basada en aplicar ingenieria social a los preceptos del marketing digital -y por su propio valor como un irresistible g-funk-, la canción se convirtió en un éxito viral en TikTok, hasta el punto de poder comprarle a su madre una casa a tocateja apenas unos meses después. El reto de su primer álbum, por encima de todo, es demostrar que Tommy es más que un fenómeno de TikTok, que es un artista real, honesto y con todo por demostrar. Que es mucho más que una canción con millones de streams.

“Llevamos trabajando en este disco más de un año, terminando obsesivamente las canciones y poniendo mucha atención en los detalles de producción”, dice Richman durante un encuentro virtual con varios medios de toda Europa. COYOTE es el fruto del trabajo colaborativo con su círculo cercano, amigos y compañeros de banda, y muestra a un artista convencido de su sonido: “En general la vibra que perseguíamos era algo entre el funk y el disco, y todas las canciones tienen como esa aproximación de funk alternativo, con mucha influencia del Prince de los ochenta”. Además de en el de Minneapolis, piensa uno también en la producción entrecortada y fragmentada de Jai Paul y en todos sus discípulos contemporáneos, Frank Ocean o Tyler, The Creator. O en artistas más actuales como Mk.gee, entre el hi-fi funk y soul y una psicodelia lo-fi; también hay momentos más

animados y propulsivos que pueden recordar a Jungle. Y, en líneas generales, se alinea más con ellos pues su sonido es más concreto, corpóreo, y menos onírico: la música de Richman parte de un appeal indie, ligeramente underground y alternativo, pero rápidamente desvela una desmedida ambición pop.

En cualquier caso, las últimas pinceladas de COYOTE surgen de un retiro en el desierto de Nevada, que terminó de decidir la dirección de un trabajo que siempre, confiesa Tommy, siguió la pauta marcada por Though You Were The One, una de las primeras canciones compuestas. Y esa ambientación más desértica y febril también termina resultando definitoria del álbum. “Para mí era importante que nos aisláramos y que nos centráramos en el disco. Estar en medio de la nada, solo nosotros, una casa y la música... te ayuda a alinear tus chakras y a situarte de un modo mucho más vívido en el momento en el que estás. Aprendí muchísimo de esa experiencia, y claro que se nota en el disco”. Se nota tanto que es fácil relacionar este viaje hacia el desierto como el viaje espiritual de un animal guía, un coyote como el que se le aparece a Homer en aquel capítulo de Los Simpson, por ejemplo. “De hecho considero este disco parte de una especie de trilogía animal”, reconoce Richman. “ALLIGATOR fue el primer proyecto y este se llama COYOTE. Eso también motivó mucho de la parte conceptual, y nos llevó a querer construir un mundo muy nocturno, como de desierto púrpura”. Una visión que, aun con los pies bien plantados en el firme, va siempre más allá de lo que se ve a simple vista. “Mucha gente me dice que mi música es un poco como un viaje de setas, y sí, no puedo estar más de acuerdo. Este disco definitivamente es como un viaje de setas en muchos aspectos, y me gusta mantener esa vibra psicodélica y abstracta”.

En la portada, Richman aparece sobre ese desierto púrpura, entre la realidad y la ficción, con la cara sutilmente maquillada de payaso triste. Es el mismo maquillaje que protagonizaba el primer plano de la portada de ALLIGATOR. COYOTE funciona más como un reflejo, se mira en el espejo de aquel y ofrece una faz más distorsionada. Es un trabajo más reflexivo, que surge de un mayor proceso de introspección, y plantea muchas preguntas sin respuesta. “Para mí el disco es una especie de viaje introspectivo en el que hablo de salud mental”. Y en ese viaje, espiral abajo, espiral arriba, tendrá que seguir manejándose mientras se adapta a los ritmos de una industria que a veces es más un torbellino. COYOTE (PULSE / MUSIC AS USUAL, 2024) Elephant In The Room / Whitney / Temptations / Whisper In My Ear / Give It All / Tennessee / Thought You Were The One / Letterman / Green Therapy / Vanity / Seems Like Time Moves Forever. CD / DIGITAL / LP

“ESTE DISCO ES COMO UN VIAJE DE SETAS EN MUCHOS ASPECTOS, Y ME GUSTA MANTENER ESA VIBRA PSICODÉLICA Y ABSTRACTA”

‘ EVERGREEN’ ES EL SEXTO ÁLBUM DE ESTUDIO DE SOCCER MOMMY, UNA REFLEXIÓN AUTOBIOGRÁFICA TRAS LA PÉRDIDA DE UN SER QUERIDO. EN ESA COEXISTENCIA CON EL DUELO -A VECES OSCURA, A VECES DIVERTIDA-, SOPHIE ALLISON BRINDA UN EJERCICIO DE ALT-FOLK CONFESIONAL, ORQUESTAL SIN PERDER SU ESENCIA MAQUETERA, PARA REENCONTRARSE CON SU ESENCIA TRAS LA SALIDA DE GUION DE ‘SOMETIMES, FOREVER’. UN EJERCICIO EN EL QUE MANIFIESTA SU IDENTIDAD COMO CANTAUTORA CRIADA EN TENNESSEE, A LA VEZ QUE TRATA DE NO PONERSE A SÍ MISMA EN EL CENTRO CUANDO LOS SENTIMIENTOS NEGATIVOS ACECHAN.

SOCCER MOMMY

POR: MARTA ESPAÑA / FOTOS: ZHAMAK FULLAD

Soccer Mommy ha procurado, a lo largo de toda su trayectoria, no desligarse del sonido Bandcamp que la vio nacer. Evergreen es su sexto álbum de estudio, pero hay algo en su estilo que no termina de romper con las maquetas que Sophie Allison construye desde que publicó su cuarto disco. La de Nashville busca esa cotidianeidad a propósito, porque así, dice, es más fácil llegar al corazón. Y Evergreen, para ella, ha de ser un disparo directo: se trata de un trabajo sobre la pérdida de un ser querido. A sus 27 años, Allison se ha enfrentado por primera vez a un proceso de duelo en el que ha perdido muchas cosas, pero también ha encontrado otras: “La pérdida es algo que nunca va a desaparecer”, confiesa. “Es algo que cambia tu vida enormemente, y que tienes que dejar atrás para seguir avanzando. Nunca va a dejar de importarte. Cuando estaba escribiendo este disco, lo hacía sobre los sentimientos contradictorios, las idas y venidas. Un día podría estar sintiéndome totalmente bien, y al día siguiente podría tener una perspectiva muy negativa. Evergreen es sobre seguir adelante con algo cuando realmente no deseas avanzar, pero tampoco tienes elección”. De ese sentimiento culpable por sentirse bien tras un suceso doloroso surge Some Sunny Day, la canción en la que Allison entiende que, a pesar de todas sus emociones, el sol vuelve a salir cada día y el mundo sigue girando: “Estoy tratando de seguir adelante con mi vida y, sí, estoy haciendo un buen trabajo, pero de repente siento que no debería estar haciendo esto. Y creo que es natural y se hace más fácil con el tiempo, aunque todavía puedo tener días malos”. Otras canciones, en cambio, son algo más oscuras. Lost, el primer single del álbum y también el tema de apertura, “es una canción extrañamente egoísta. Y también es una disculpa, hacia algo que no voy a sentir más cuando podría haberlo sentido para siempre. No solo es perder a una persona, sino todas esas cosas que nunca llegarás a conocer sobre ella. Nunca tendrás más oportunidades de preguntarle sobre su infancia, nunca oirás historias que no te contaron y que podrían haberlo hecho. Y todo eso va más allá de perder a la persona, pierdes también la oportunidad de recibir más de ellos cuando ya no están”.

Así, Soccer Mommy busca realizar el ejercicio vital de no ponerse a ella en el centro a través del egoísmo, la pena o la autocompasión: “Las cosas no giran siempre alrededor tuyo. Me he dado cuenta de que, con esta experiencia, he pensado mucho en mi propio dolor, como si eso fuera lo más importante. La culpa es la forma en la que el egocentrismo se refleja en la naturaleza”.

Pese a todo, el proceso compositivo de Evergreen no ha sido terapéutico. La de Tennessee necesitaba guardar estos recuerdos en su forma más cruda, pero la toma de esas fotografías no ha sido un proceso premeditadamente sanador: “No escribí el disco con la intención de sentirme mejor, pero sí que me ha ayudado a calmar mis pensamientos, supongo. Cuando estás pensando todas estas cosas negativas, puedes llegar a abrumarte y ni siquiera trabajar con ellas. Sin embargo, si lo pones por escrito, tratas de entenderte a ti mismo. Pero no sé si eso fue necesariamente curativo. Creo que solo el tiempo es curativo. No puedes volver atrás. Y es natural y no hay nada que puedas hacer al respecto. Poco a poco”.

Evergreen se grabó en Atlanta con Ben H. Allen (Deerhunter, Animal Collective, Belle and Sebastian), pero el mayor esfuerzo de Allison radicaba en no perder la sonoridad y la candidez de las maquetas al entrar en el estudio. Quería alejarse de los sintetizadores, el pop o las baterías ultraprocesadas que marcaron su último trabajo, una salida de guion quizá demasiado experimental como fue Sometimes, Forever,

“LA PÉRDIDA ES UN SENTIMIENTO QUE NUNCA DESAPARECE Y QUE CAMBIA TU VIDA PARA SIEMPRE”

producido por el siempre incómodo y vanguardista Oneohtrix Point Never -que también ha producido para The Weeknd, ANOHNI, FKA twigs o Charli XCX-, para hacer de su nuevo álbum un testimonio cándido y directo: “Quería que fuera superfiel a las demos que había hecho. No buscaba algo sobreproducido, sino un sonido con el que pudieras sentir que alguien te está cantando al oído. Hablamos mucho acerca de conseguir una voz limpia, cantar de la manera correcta y no añadir elementos innecesarios. Yo quería más guita- rras acústicas y húmedas, también eléctricas que tuviesen algo de reverb pero que siguiesen siendo bastante limpias. Fue todo muy intencional, dedicábamos mucho tiempo, por ejemplo, a comprobar los snares para ver cuál exactamente queríamos utilizar. Por eso, la mayor parte del tiempo fue preproducción, solo yo y Ben, antes de traer a cualquier músico. Y sí, realmente quería que se sintiera cercano, suave e intencional en muchos puntos. Alejarme de las cajas de ritmos para añadir punch, los subs, o tratar de usar los sintetizadores solo para poperizar el tema”.

Así, para Allison la elección del sonido de su sexto álbum no era una cuestión de gustos, sino más bien de intencionalidad. Pertenece a una generación sobreestimulada, y tal vez por eso entiende que una propuesta orgánica puede ser un remanso de paz para muchas personas. “Me encanta la música electrónica y me encanta la música pop, disfruto con todo eso. Pero los proyectos como, por ejemplo, el de Lucinda Williams, son increíbles, porque parece que te está hablando a ti directamente. Para algunas personas, despojarse de todas las capas tecnológicas puede ser muy relajante”. El resultado es un trabajo de alt-folk confesional, con pinceladas de country y folclore norteamericano. El género, cuya práctica se ha extendido a nivel mundial en los últimos años, representa la cultura autóctona de la tierra en la que Soccer Mommy se crió, Tennessee -aunque naciera en Zurich, la ciudad más larga de Suiza, en 1997-, y por tanto rescata como inherente a su comunidad: “Puedo sentir el toque country en mi música, porque crecí allí y soy de allí. Creo que hay mucho folk-rock ahora mismo, como Wednesday, que tiene este sentimiento que a la gente le encanta, porque suena como si alguien estuviese cantando solo con el corazón. Supongo que puede haber otros lugares donde esta música se haga, pero noto mucha diferencia con las composiciones que hacen mis amigos en Nueva York”.

Al final, no hay nada de suntuosidad en el álbum, en el que Sophia Regina Allison solo intenta reflejar una experiencia real de la mejor manera que sabe, decodificando sus sentimientos con su guitarra y su voz. Tierna pero decidida, Soccer Mommy vuelve a producir un trabajo explícitamente autobiográfico, plagado de reflexiones divertidas pese a la pena que provoca la pérdida. No le queda otro remedio, pues “honestamente”, reconoce, “diría que no hay una solución para superar esto. No hay un día en el que de repente vayas a estar bien. Solo va a ir haciéndose, poco a poco, menos doloroso. Y revolcarte en tu tristeza no siempre ayuda, pero a veces es lo que necesitas hacer. Trata de no perderte en ella, no convertirla en autocompasión”. Seguro que es uno de los mejores consejos que te dan hoy.

EVERGREEN (LOMA VISTA, 2024)

Lost / M / Driver / Somme Sunny Day / Changes / Abigail / Thinking Of You / Dreaming Of Falling / Salt In wound / Anchor / Evergreen

CD / DIGITAL / LP

VIVIR EN MUNDOS ALTERNATIVOS

En Evergreen Soccer Mommy realiza un único alto en el camino del duelo. Abigail es una canción romántica, algo pomposa, sobre su novia en el farming-simulator Stardew Valley: “Había escrito un montón de canciones de este disco ya, y sentía un poco de burn out. Así que me propuse un ejercicio de escritura en el que trataba de escribir una canción para gustarle a alguien. Y yo justo estaba jugando Stardew Valley en ese momento. Sigo jugándolo a día de hoy. Al principio, la letra me parecía un poco cursi, como si no me pegase demasiado, pero el resultado final me gustó”. Esa pequeña oda al videojuego, aunque divertida, no despunta con la temática inicial del álbum, en tanto que Allison también entiende el entretenimiento como una vía de escape: “Me encantan los programas de fantasía y creo que, si estás abrumado, no hay nada como sumergirse en un mundo que no es el tuyo. Me encantan los videojuegos por eso. Me gustan especialmente los juegos de Pokémon y Stardew Valley o Harvest Moon. Se trata de escapar a este mundo donde tengo una vida plena. Sí, tengo una vida completa. El mal en esos mundos es tan blanco y negro que es tan fácil saber lo que está bien y lo que no...”.

ROCÍO

COLLINS

POR: MARCOS ALMENDROS

EL FESTIVAL QUE TRAEMOS HOY SE VIVE EN PAPEL Y ESTÁ LLENO DE SEXO, DROGAS Y MUCHO AMOR POR LA VIDA CAÓTICA QUE DURA UNA NOCHE -SOLAMENTE, UNA NOCHE ENTERITA- AL PULSO DE LA MÚSICA QUE SE BAILA LATIENDO, QUE SE DEJA AL AZAR. ‘ÉXTASIS EN UNA NOCHE DE VERANO’: UNA NOVELA DE ROCÍO COLLINS QUE ALGUNO HA VIVIDO MÁS DE ALGUNA VEZ.

Malasaña es la primera vez para muchas cosas, y para andar y volar hemos quedado -en uno de esos míticos bares que se esconde de la Plaza del 2 de Mayo- con Rocío Collins. Su primer libro: Éxtasis en una noche de verano

Nos sentamos en una mesa pequeña que llenamos con libros, móviles y bebidas. Esquivamos los espejos. Nos saludamos las vidas, visitamos librerías con palabras y nos entendemos con facilidad. Rocío Collins, madrileña como el 2 de Mayo, dramática como esta ciudad, amante de la perpendicularidad de sus calles en lo aleatorio de las noches de fiesta, tiene esa virtud. También tiene un libro que ha conseguido soltar: “Han sido cuatro años escribiendo y corrigiendo esta novela, he acabado hasta el coño, la verdad, pero ha sido un proceso muy divertido”.

Traemos el libro a la conversación con el mismo descaro que el libro nos aborda durante su lectura. Son cuatrocientas páginas en las que nos arrolla con un baile -un baile que dura una noche, solo una noche, una noche enterita- de personas en una rave en la que la libertad y las drogas forman parte del proceso natural de la jarana y el desahogo.

“No es una apología al consumo, desde luego, las noches con drogas suelen tener finales terrorí-

ficos, por muy divertida que te parezca una droga al principio, todo tiene consecuencias: físicas y emocionales. Me resultaba imposible despegar el movimiento queer de las drogas, la gente recurre con inconsciencia a ellas, las utilizan como trampolines”.

Bukowski escribía nadando en alcohol, ensuciando con sus manos el sexo con su machismo feroz. William Burroughs escribió una magnífica novela, Yonqui, sobre la cotidianidad de los consumidores de heroína. En la contracultura siempre ha estado presente la desinhibición, la experimentación y las adicciones. “Hay una parte mainstream en las drogas, una parte insaciable. Por eso hay ocho tipos de cocaína y siempre hay drogas nuevas”, reconoce la madrileña, nacida en 1993. En los festivales, además de diversión y desmadre, hay muchísima música. “Soy muy fan del BBK: empiezas con grupos más convencionales y acabas con música electrónica. En este libro están presentes Florence + the Machine, Rufus Wainwright, Blur, Oasis… y también mucho techno, por supuesto”. En cualquier caso, tocara quien tocara, jamás recomendaría ir de festival con Ava y Agnes, grandes vividoras del libro que nos convoca. Éxtasis en una noche de verano tiene el pulso y lenguaje dirigido a la nueva sociedad de consumo,

“HAN SIDO CUATRO AÑOS ESCRIBIENDO ESTA NOVELA. HE ACABADO HASTA EL COÑO, LA VERDAD”

pero asume el atrevimiento de derrochar literatura como si estuvieran presentes los violines de Shakespeare, dejando rodar párrafos de pensamiento como el que quiere mirar flores y se adentra en una floristería. “Vengo de un colectivo -[ladalianegra]en el que siempre hemos hecho lo que nos ha dado la gana, y eso me ha generado mucha confianza. Me gusta que haya muchos contrapuntos diferentes, incluso en lo que se va contando”. La lectura se sostiene con un bastidor traído del teatro, y en él aparecen los amigos con personalidades prestadas de la vida real.

NOCHE DE VERANO

(2 octubre en librerías)

Rocío Collins

H&O Editores

440 págs / Novela

El teléfono nos interrumpe continuamente. Suena en silencio, nos interrumpe. Todos los comerciales de la red eléctrica deciden llamar en el mismo paréntesis de tiempo. Cortamos llamada. Seguimos. Nos corta llamada. Cortamos. Seguimos. “En la novela aparecen conversaciones de móvil, en las escenas previas, porque ya tienes todo el contexto y es como funcionan ahora mismo las cosas, es el género epistolar encapsulado. Pero tenía bien claro que, para el desarrollo de toda la noche, no quería el teléfono. En algunas fiestas de Berlín te requisan el móvil, por ejemplo, y eso te lleva a otro estado que es el que yo quería. En cualquier caso, la sociedad y el lenguaje avanza a tal velocidad que pienso que mi novela se ha quedado

desfasada hace dos años”. También, por supuesto, la idea misma de salir de fiesta, la cultura de club, la música electrónica, los géneros, las tendencias, las drogas, las subculturas...

Rocío Collins viene del teatro y la performance, y eso le permite trazar un esqueleto y dejar asomar una joven sonrisa erosionada. Parece fácil, pero ya he dicho que es una virtud. Lanzo una pregunta desde mi eterno miedo al futuro: ¿Cómo crees que van a leer esta novela las próximas generaciones? Hablar de futuro puede hacer tintinear hasta a las personas más descaradas. “Yo leo Trainspotting, que se escribió hace treinta años, y me sigue pareciendo maravillosa y la sigo disfrutando, aunque evidente no es la misma sociedad. Espero que mi novela se lea en el futuro como yo leo Trainspotting ahora”. Con curiosidad, como el que se asoma a una ventana, pero sin dejarse esclavizar por un mensaje: “Si te soy sincera y te hablo como una verdadera estúpida, no sé qué mensaje quería transmitir con esta novela”.

Éxtasis en una noche de verano parece un libro de confrontación, pero lo percibo más como un libro empeñado en exaltar el amor como núcleo de vida al que se anexan, como orillas, todas las experiencias, perspectivas, personas y cicatrices. Se rozan con amor por la vulnerabilidad de la resaca, por temor a lo que vendrá.

Tampoco hace falta cambiar el mundo a cada paso -en eso se empeñaron otros: los que estaban siempre, los que no entienden que su mundo no es el mundo de todos-. Y así acaba la conversación: cerrando el libro y quedándonos con Shakespeare y sus flores de violín, con el amor como médula de vida, con las noches de verano, con la verbena en la que se convierte cualquier festival. Hablando de pollaviejas, de lo que generan y de lo que provocan: “Por mucho que ahora el foco esté en lo queer o en las literaturas escritas por mujeres, el poder lo sigue teniendo quien lo sigue teniendo. Cuesta mucho encontrar tu lugar cuando te están tirando para abajo todo el rato, y eso te hace tener una reacción. También hay textos que han escrito pollasviejas que me encantan. Hay cosas que por principios no hago. Por ejemplo no veo películas de Polanski o Woody Allen, no me siento cómoda. Pero hay textos en los que, aunque no esté de acuerdo con la ideología o con lo que dice el texto, o con el lenguaje, sí puedo incursionarme, aunque sea solo para rajar de ellos”.

Malasaña es el primer adiós, el primer vals en una casa a oscuras. Malasaña es el primer éxtasis y la primera entrevista de Rocío Collins en la que nos adelanta, también, su inquieto proyecto poético, que mira de reojo desde la más absoluta de las paciencias. Lo celebramos mucho. Abrimos el candado deshojando este libro que cierra bocas. Sal a bailar a cualquier librería. Elige libros al azar, como si fueran drogas. En Malasaña también se baja el telón y se quedan mesas libres en los bares que dan la espalda a la plaza. Se quedan dos sillas vacías. Y el silencio se queda solo. El silencio siempre se queda solo.

ÉXTASIS EN UNA

Islena Antumalen

POR: DIEGO RUBIO / FOTO: FABIOLA PONTIGO

ARTISTA Y ACTIVISTA, ESTA JOVEN CHILENA DE ORIGEN MAPUCHE NO RENUNCIA AL DISCURSO Y A LA INTENCIÓN EN CADA COSA QUE DICE, EN CADA COSA QUE HACE. BASTIÓN DE LA LUCHA POR EL AGUA EN SU COMUNIDAD, AHORA ESTRENA TAMBIÉN SU PRIMER ÁLBUM, ‘ÑAÑA’ (EVERLASTING RECORDS), EN EL QUE ECHA A UN LADO EL PESO POLÍTICO DE SUS LUCHAS Y ABRAZA EL PERREO, EL DEMBOW Y LA LIBERACIÓN HEDONISTA. EL HEDONISMO ES REVOLUCIONARIO.

Isleña no es una artista normal. Viene directa de para jóvenes indígenas y afrodescendientes y lo hacían indígenas y afrodescendientes en el contexto de la ONU”. Pero sobre todo estaba para presentar el que es su gran proyecto vital: la lucha

muy importante garantizarnos que el agua no piscicultura. Un problema que es general del país:

ellos no estaban contaminando el lago, y que un análisis de agua puede costar 5 millones de pesos”. ¿Una provocación? Antumalén contactó monitorizamos... Llevamos ahora 4 años y el pro-bién sociólogos, biólogos marinos, arqueólogos, culó en Antropología, y el año en el que empezó daba muy bien, y cuando entré en la universidad parar”. En una semana ya estaba grabando, sin de su vida. “El activismo es mucho más duro que

con mantener el ritmo en los estudios. “Las cla ses online de la pandemia me hicieron un poco

Isleña no es una artista normal. Viene directa de Alemania, pero no de gira. Ha estado participando en la SB60, las conferencias sobre el cambio climático que ha celebrado la ONU en Bonn para preparar las temáticas que luego se llevarán a la COP29 de Azerbayán. “Postulé para la beca para jóvenes indígenas y afrodescendientes y me seleccionaron”. De 4.000 postulantes quedaron solo 12. Allí ha estado junto a indígenas del Amazonas, quechuas, de Guatemala, de Nigeria... “Y todos muy, muy jóvenes. Activistas puros. Organizamos protestas, y era la primera vez que lo hacían indígenas y afrodescendientes en el contexto de la ONU”. Pero sobre todo estaba para presentar el que es su gran proyecto vital: la lucha por el agua en su país natal. “Vivo en medio del tercer lago más grande de Chile, el Ranco, y en mi comunidad no tenemos agua potable, tenemos que sacarla directamente del lago sin tratar. Es muy importante garantizarnos que el agua no se contamine, pero tenemos problemas con una piscicultura. Un problema que es general del país: casi todas son de Noruega porque ya se sabe, el primer mundo vive así a costa del tercero”. Isleña, que va sobrada de arrojo, fue a hablar en persona con el director: “Me dijo que según sus análisis ellos no estaban contaminando el lago, y que un análisis de agua puede costar 5 millones de pesos”. ¿Una provocación? Antumalén contactó con una geógrafa estadounidense y puso en marcha, de la nada, un proyecto de protección de los lagos a través del muestreo científico: “Extraemos muestras de agua, las enviamos al laboratorio, monitorizamos... Llevamos ahora 4 años y el proyecto ha crecido un montón, ahora tenemos también sociólogos, biólogos marinos, arqueólogos, antropólogos, más geógrafos... Nuestra lucha es por el agua”. Y para defenderla era fundamental reapropiarse el relato del lago. 2020 fue, también, el año en el que se matriculó en Antropología, y el año en el que empezó a cantar. “Siempre había escrito poesía y se me daba muy bien, y cuando entré en la universidad aquel año vino toda la oleada feminista, empezaron a salir tocatas... Y yo en una de estas como que recité una poesía sobre una pista de rap y me voló la cabeza”, recuerda. “Fue empezar y no parar”. En una semana ya estaba grabando, sin darse cuenta del todo de que estaba a punto de embarcarse en las dos aventuras más intensas de su vida. “El activismo es mucho más duro que ser artista, pero las dos facetas se complementan muy bien”. Con lo que no se llevan tan bien es con mantener el ritmo en los estudios. “Las clases online de la pandemia me hicieron un poco

bacano. Y mis padres lo llevaron bien porque yoasí que no podían hacerlo otra. Además vieron cualquier caso, quiero retomar la carrera”. , su primer disco, según ella “una síntesis de todo lo

pero está mezclado con dembow, con reguetón,

como la culminación de un camino difícil para una mapuche que siempre ha querido hurgar

empezar a cantar de feminismo. Muchos hom opacarme porque el feminismo no es mapuche.

“NO VALE DEFENDER NUESTRA TIERRA SI LUEGO EN LAS CASAS LOS HOMBRES LE PEGAN A LAS MAMÁS” “NO LUEGO LOS PEGAN

no cantarle a las personas mapuches, sino a todo siempre es importante porque si nos quedamos

nal mi música aunque utilice parte del idioma mapuzungún, palabras o expresiones sueltas. puches y presentarlos en la forma de una música

dejar la universidad”, confiesa. Empecé a hacer actuaciones, conciertos por Instagram... Pero sin saber nada, ¿eh? Me conseguí un micrófono y una tarjeta de sonido y poco más. Sonaba horrible pero la gente se conectaba, sentí un apoyo bien bacano. Y mis padres lo llevaron bien porque yoquería estudiar cine y ya me truncaron una vez, así que no podían hacerlo otra. Además vieron que me estaba yendo más o menos bien, así que se decidieron a apoyarme. Mi padre además tiene un poco de artista frustado. Es ingeniero pero quería ser guitarrista y no le dejaron. Ahora, en cualquier caso, quiero retomar la carrera”. Pero primero tenía que terminar Ñaña , su primer disco, según ella “una síntesis de todo lo que he hecho hasta ahora musicalmente”. “Hay rap, porque como que desde niña me afiebré con el rap y con el tiempo me desilusioné más porque no me gusta el ego de los raperos hombres, pero está mezclado con dembow, con reguetón, con dub, con reggae...”. Y sobre todo: se siente como la culminación de un camino difícil para una mapuche que siempre ha querido hurgar en la llaga. “Al principio tuve varios problemas con otros músicos mapuche por que no hay una mapuche haciendo reguetón o dembow, y por empezar a cantar de feminismo. Muchos hombres mapuches, cantantes, raperos, trataron de opacarme porque el feminismo no es mapuche. Y el machismo es mundial, pero en las comunidades indígenas latinoamericanas es brutal, así que muchas veces dentro del activismo indígena el machismo se tapa. No vale defender nuestra tierra si luego en las casas los hombres le pegan a las mamás... Así que salí de ese círculo desde el primer momento, y me enfoqué claramente en no cantarle a las personas mapuches, sino a todo el mundo. Ahí me empezó a ir bien”. Desligarse, en cierta manera, de sus orígenes a la hora de hacer música ha sido todo un proceso para una persona que los defiende a capa y espada en el plano político, pero reconoce que la clave siempre ha sido la idea de “salir”: “Salir siempre es importante porque si nos quedamos en los nichos perdemos radio de acción. Y para experimentar, que es lo que yo valoro como artista, es necesario salir. Yo no considero tradicional mi música aunque utilice parte del idioma mapuzungún, palabras o expresiones sueltas. De hecho la idea es agarrar esos conceptos mapuches y presentarlos en la forma de una música globalmente entendible como el reguetón o el dembow. Todavía no experimento tanto en lo que es el neoperreo, aunque en el disco hay algunas pinceladas”. Todas, siempre, cargadas de sentido.

ÑAÑA (EVERLASTING RECORDS, 2024)

KO / Poleo / Mija / Cumbia de chicha / KUME

ENERGY / Maki / Wallmapu sin carnet / Ñaña

descoloniza tu belleza / Ke Amor / Miel

CD / DIGITAL / LP

LA

SUSTANCIA

GANADORA DE LA PALMA DE ORO AL MEJOR GUION EN EL FESTIVAL DE CANNES, LA SEGUNDA PELÍCULA DE LA CINEASTA FRANCESA CORALIE FARGEAT CONTINÚA EN CIERTO MODO LOS PLANTEAMIENTOS EXTREMOS Y FEMINISTAS DE ‘REVENGE’. PERO EL BAÑO DE SANGRE SE CONVIERTE EN BODY HORROR EN ‘LA SUSTANCIA’, UNA CINTA SOBRE LA TIRANÍA DE LOS CÁNONES DE LA TURGENCIA, LA EXUBERANCIA Y LA JUVENTUD EN EL CUERPO FEMENINO. Y TODO ELLO EN EL CONTEXTO DE ESA INDUSTRIA DEL ENTRETENIMIENTO QUE VENDE LOS CUERPOS COMO OBJETOS DE LOS DESEOS MÁS MACABROS Y PERTURBADORES.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

Nacida en París en 1976, Coralie Fargeat ya era un nombre a tener en cuenta desde el 2017 para los aficionados al terror y el fantástico. El motivo: Revenge, un rape’n’revenge feminista que jugueteaba con las formas y la mirada masculina propias de dicho subgénero, para dinamitarlo desde dentro con sus propias armas. Una cinta adrenalínica y cruda que sería galardonada como mejor película en el Festival de Sitges de 2017. Pero eso no fue suficiente para que la maestría de Fargeat alcanzara al gran público. Y tiene pinta de que con su segundo trabajo, La sustancia, protagonizado por un elenco made in Hollywood liderado por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid, todo vaya a cambiar de manera radical.

En primer lugar, por su presencia en festivales no centrados en el fantástico: fue galardonada con el premio a mejor guion en el pasado Festival de Cannes, donde competía en la Sección Oficial, y pasó por la sección Perlas del Festival de San Sebastián. También podrá verse en la nueva edición del Festival de Sitges, previo a su estreno en salas el 11 de octubre. Pero, sobre todo, porque La sustancia posiblemente sea la experiencia cinematográfica definitiva de 2024, un híbrido entre el aséptico body horror cronenbergiano y la fusión del espíritu carnavalesco y over the top de las producciones de Charles Band dirigidas por Stuart Gordon o Brian Yuzna (Reanimator, Society) con las astracanadas de Lloyd Kaufman para la Troma, como El vengador tóxico. Diferentes tonos y estilos que le sirven a la cineasta francesa para, de nuevo, atreverse a denunciar la mirada hacia la mujer en general y el cuerpo en femenino en particular, que ya era el centro de su discurso en su brillante ópera prima. La diferencia estriba en que, si en Revenge el discurso feminista no estaba intelectualizado -como Fargeat explicaba en la revista Esquire, donde resaltaba que “llegué al feminismo tras filmar Revenge. Porque lo incluí en la película, pero no estaba intelectualizado. No pensé desde un principio que quería hacer una película feminista”- en La sustancia se encuentra no solo en el centro del discurso, sino en la propia génesis del proyecto.

Porque La sustancia , a grandes rasgos y sin desvelar demasiado de lo que ocurre en la trama, nos coloca en la piel de Elizabeth Sparkle (Demi Moore), una actriz de Hollywood que acaba de cumplir 50 años y que es despedida de la noche a la mañana de su programa de fitness televisivo por unos ejecutivos -encarnados en un maravillosamente histriónico y recuperado Dennis Quaid- en busca de carne joven y fresca. Elizabeth decide entonces probar un misterioso producto llamado “La sustancia”, que le permite -siguiendo unas reglas muy concretas- convertirse en una versión joven de sí misma, encarnada por la actriz Margaret Qualley. ¿El problema? Si las estrictas reglas no se cumplen, habrá problemas… El sexismo y edadismo de nuestra sociedad en general y de la industria del espectáculo en particular, se unen como motores fundamentales de la película a la percepción del envejecimiento de una figura femenina sometida por una sociedad que solo permite la juventud eterna en los cuerpos femeninos, y que la propia Coralie Fargeat sintió en sus carnes cuando cumplió 40 años, como explicaba al periódico LA Times: “Me encontré consumida por pensamientos depresivos sobre envejecer, pensando que me volvería invisible. Y escribir esta película se convirtió en un gesto tan liberador como a la vez doloroso, al tener que enfrentarme cara a cara con estos miedos”. Unos miedos compartidos también por una de las dos estrellas del filme, Demi Moore. Y

“CONSUMIDA DEPRESIVOS ESTA SE COMO

“CONSUMIDA POR PENSAMIENTOS DEPRESIVOS SOBRE ENVEJECER, ESCRIBIR ESTA PELÍCULA SE CONVIRTIÓ EN UN GESTO TAN LIBERADOR COMO DOLOROSO”

BODY FEMENINO HORROR

Esclavizados por la dictadura de los cuerpos normativos y los modelos ideales de belleza, el cuerpo se ha subvertido desde el horror en cintas como estas...

FÓLLAME

Virginie Despentes / 2000

Adaptación de su novela homónima y alegato feminista radical y crudo, donde se busca la reacción visceral en esta deconstrucción sucia del rape‘n’revenge.

JENNIFER’S BODY

Karyn Kusama / 2009

La cosificación del cuerpo femenino -encarnado en Megan Foxle sirve a Kusama para revelar la oscuridad que oculta un género tan popular como el slasher.

CRUDO

Julia Ducournau / 2016

En su ópera prima, Ducornau nos habla de la liberación de lo femenino a través del canibalismo, fruto de la toxicidad masculinizada de un campus universitario.

EL ACONTECIMIENTO

Audrey Diwan / 2021

La angustia del embarazo no deseado y la imposibilidad de abortar se convierte en body horror literal en la adaptación de la autobiografía de Annie Ernaux.

es que la protagonista de títulos como St. Elmo: Punto de encuentro, Algunos hombres buenos, Acoso, Striptease, Una proposición indecente o Ghost, icono y mito sexual de los años ochenta y noventa, fue condenada al ostracismo por un Hollywood acostumbrado a hacer desaparecer a las actrices a partir de los 40 -siendo generoso-. Ella misma lo explicaría años más tarde en su autobiografía, Inside Out: Mi historia, publicada en 2019, donde narra el sexismo y edadismo que sufrió dentro de la industria del entretenimiento. Pero Moore explica la diferencia entre su personaje, Elizabeth, y ella misma: “Elizabeth experimenta el mundo desde una perspectiva autodestructiva muy concreta. Y desde un punto de vista humano me puedo sentir conectada a su sufrimiento y sus experiencias, pero no soy ella. Porque Elizabeth podría haber reaccionado de maneras muy diferentes a su despido, pero por supuesto no estaríamos hablando de la misma película. Podría haber sido ella misma su propia productora. Sin embargo, Elizabeth siempre necesita ser aceptada y validada de la misma manera”. Y es que todo se resume en la mirada masculina, o male gaze. La manera en que las mujeres se ven a ellas mismas en el espejo viene determinada por un sistema que las convierte en objetos cosificados y de deseo. Algo de lo que ya hablaría Fargeat en Revenge, filmando en el primer acto de la cinta el cuerpo de la bella actriz Matilda Lutz a la manera hipersexualizada propia de un Michael Bay. Ese objeto de deseo es mancillado y resucitado luego en una übermujer: las cicatrices infligidas en su cuerpo le sirven para empoderarse y liberarse de la opresiva mirada masculina. En La sustancia, en cambio, ocurre todo

lo contrario. Si en Revenge veíamos a su protagonista desde los libidinosos ojos masculinos, aquí toda la cinta y su aparentemente enloquecida y enfermiza puesta en escena surge de la fricción entre la mirada lasciva masculina y la angustiosa asfixia de una mirada femenina atenazada por la presión de los hombres hacia su aspecto físico, tanto para desearlo como para despreciarlo. Esa idea se encuentra representada a la perfección en la secuencia entre los personajes de Moore y Quaid en el restaurante. Un body horror subjetivo que acabará por convertirse en un body horror literal, dando lugar a algunas de las secuencias más desasosegantes -a la vez que delirantemente divertidas y excesivas- vistas en los últimos años en una pantalla de cine. O como explicaba Fargeat en The Skinny: “Hay un gran cambio cuando llegas a los cuarenta y los cincuenta, sobre todo si eres mujer. Es algo muy violento. Es algo que he vivido también de joven y creo que he sido capaz de reflejar en la película”.

LA SUSTANCIA (11 octubre)

Elástica / Reino Unido / 2024

Dirección: Coralie Fargeat

Reparto: Demi Moore, Margaret Qualley, Dannis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

MAR GA RET QUA LLEY

TRAS BRILLAR CON CINEASTAS COMO DAMON LINDELOF, LANTHIMOS , CLAIRE DENIS, GIA COPPOLA O ETHAN COHEN , LA HIJA DE ANDY MCDOWELL SE LANZA AL MAYOR RETO DE SU CARRERA: SUE, REVERSO JUVENIL DE DEMI MOORE EN ‘LA SUSTANCIA’, DONDE REPRESENTA LA OTRA CARA DE UNA INTRÉPIDA REFLEXIÓN SOBRE EL SEXISMO Y EL EDADISMO .

Aunque lleve algo más de una década demostrando su talento como bailarina, modelo o actriz, hasta la fecha Margaret Qualley todavía no había estrenado un proyecto que gravitase alrededor suyo. Su apuesta, arriesgada, por el segundo largometraje de la cineasta francesa Coralie Fargeat, La sustancia, va camino de convertirla en uno de los rostros cinematográficos de este 2024. De casta le viene al galgo: su padre es el modelo Paul Qualley, y su madre es la famosa actriz y modelo Andie McDowell. En ese contexto y desde su nacimiento, un 23 de octubre de 1994, en casa siempre espolearían las inquietudes artísticas de Margaret, y de alguna forma la prepararían para lo que estaba por venir: en lo sentimental, tras conocérsele relaciones con jóvenes estrellas de Hollywood como Pete Davidson, Shia LaBeouf o Nat Wolff, ha terminado pasando por el altar de la mano de uno de los músicos más relevantes de la actualidad, Jack Antonoff, compositor habitual de Taylor Swift, lo que ha terminado por situar a Qualley en el círculo más íntimo de la cantante. Imagen de Chanel y portada de revistas en medio mundo, Margaret Qualley es hoy puro showtime.

Aún preadolescente ingresó en la North Carolina School of Arts en Salem y, posteriormente, al programa de verano del American Ballet Theater en Nueva York. Primero como una manera de independizarse, y también para desarrollar su pasión por el baile. Una pasión que abandonaría porque, como explicaba la propia actriz: “Vi el baile como una manera de hacerme mayor, de independizarme, como mi hermano y mi hermana. En definitiva, para creerme adulta. Pero en realidad no me gustaba tanto. Era como las verduras. Y pronto me di cuenta de que el baile era un trampolín para algo más”. Ese algo más serían el modelaje y, sobre todo, la actuación. En lo primero destacaría con un spot para Kenzo, dirigido por Spike Jonze en 2016, con el que demostraría -como también hace en La sustancia- que las lecciones de danza surtieron efecto, así como su gusto por el mundo más musical. A partir de ahí, la belleza y elegancia de Qualley también han llamado la atención de otras marcas de belleza y alta costura, convirtiéndose en imagen de firmas tan importantes como la diseñadora Alberta Ferreti, para la que desfiló

LA SUSTANCIA QUALLEY X

Una de las carreras más diversas y divertidas de la última generación de intérpretes contempla a Margaret Qualley, que parece no tener techo y sí mucho mojo. Lo repasamos...

en 2011 en la New York Fashion Week, o como modelo para Chanel y Valentino. Pero quizá donde más ha evolucionado y crecido profesionalmente haya sido en su faceta como actriz, comenzando con su primer largometraje, la más que reivindicable Palo Alto Debut en la dirección de Gia Coppola, la cinta reuniría en su casting a dos de las actrices de nueva generación más interesantes y versátiles de aquel momento, Qualley y Emma Roberts -hija de Eric Roberts y sobrina de Julia Roberts-, junto al caído en desgracia James Franco. En paralelo, la nacida en Montana se convertiría en la hija de Justin Theroux en The Leftovers, la en ocasiones incomprendida serie de culto -y posiblemente mejor obra- del showrunner Damon Lindelof. A partir de ahí, la carrera de Margaret comenzaría a despegar, destacando trabajos tan interesantes

PALO ALTO

Gia Coppola / 2013

Debut indie de Qualley y ópera prima de Gia Coppola, casi versión en negativo del Less than Zero de Brett Easton Ellis junto a Emma Roberts y James Franco.

THE LEFTOVERS

Damon Lindelof / 2014-2017

Serial magno de Lindelof y estudio nihilista sobre el dolor de la pérdida y el vacío existencial, en el que Qualley interpretaba a la hija de Justin Theroux. KENZO WORLD

Spike Jonze / 2016

La primera vez que Qualley dejó con la boca abierta al gran público fue en este surrealista homenaje al videoclip que ya dirigiera Jonze para Fatboy Slim.

“ESTA

“ESTA PELÍCULA

y relevantes como su personaje de una de las chicas de la comuna de Charles Manson, plantándole cara al mismísimo Brad Pitt en Érase una vez en Hollywood de Quentin Tarantino, del que habla maravillas: “Le adoro. Nadie ama las películas tanto como él. Fue un honor estar en ese set de rodaje. Lo recordaré eternamente sin olvidar un solo detalle”. También su personaje de la bailarina Ann Reiking en la miniserie para FX Fosse/Verdon, sobre la relación entre el coreógrafo Bob Fosse y su mujer y musa Gwen Verdon, un personaje que le daría su primera nominación a los Emmy. Uno de los creadores del serial, Thomas Kail, destacaba entonces de Qualley que “entendió desde un principio la vida de las bailarinas y la manera de comunicarse físicamente que tenía la verdadera Ann, por lo que fue un regalo venido del cielo”. Posteriormente recibiría una segunda nominación a los Emmy por su personaje de Alex en La asistenta, miniserie de ocho capítulos para Netflix, donde interpreta a una mujer abusada que hará lo que sea necesario para cuidar de su hija. Seguramente su trabajo más popular hasta la fecha, que además la reunió en la ficción con su madre, Qualley reconocía que “La asistenta es la única obra que he hecho que creo que ha visto el público”.

SEXUALIZADO”

Y tras trabajar con cineastas de reconocido prestigio como Claire Denis en Stars at Noon, su dupla con Yorgos Lanthimos en Pobres criaturas y Kinds of Kindness o Dos chicas a la fuga de Ethan Coen, sin olvidar su colaboración con Hideo Kojima en el videojuego Death Stranding, llega la que quizá sea la cinta que la lance directamente al estrellato mundial: La sustancia de Coralie Fargeat, donde interpreta a Sue. Un personaje que, cómo describe la propia Fargeat, es una de las dos caras de la entente conformada por Qualley y Demi Moore. Una bomba carnal, representación hiperbolizada de la visión de la mujer sexualizada fruto de la male gaze, cuyo máximo exponente en el largometraje se encuentra en una secuencia de baile aeróbico hipersexualizado que le fue muy complicada, como explicaba al LA Times:

DEATH STRANDING

Hideo Kojima / 2019

Primera incursión de Qualley en los videojuegos, interpretando a Mama en la inclasificable y gigantesca obra de ciencia ficción de Kojima. Vuelve en la 2ª parte.

ÉRASE UNA VEZ EN... HOLLYWOOD

Quentin Tarantino / 2019 Qualley brillaba con luz propia como chica Manson con su secuencia de autoestop junto a Brad Pitt, ya legendaria.

“Fue un reto mayor de lo que me esperaba, haciendo ver que me sentía sexy cuando por dentro no lo sentía. Practiqué de manera incesante esa coreografía, todos los días, hasta el día que la rodamos, porque tenía que moverme de una manera totalmente opuesta a la manera en que lo hace mi cuerpo. Pero al final disfruté realmente de llevarme al límite. Y el motivo es que una de las razones por las que esta película me parecía un proyecto tan excitante era porque nunca había interpretado a un personaje tan superficial e hipersexualizado. Hasta el momento solo había interpretado a un puñado de freaks, por lo que me siento afortunada”.

Esta exageración de los rasgos sexuales -“desafortunadamente, no hay una poción mágica para las tetas, así que tuve que pegármelas. Coralie Fargeat encontró un equipo increíble de prostéticos para dotarme del mejor escote de mi vida, pero solo por un tiempo”, ha bromeado- le provocó dudas durante todo el rodaje de la cinta, como explicaba al medio australiano Who: “Me enfrenté a muchos pensamientos incómodos sobre los estándares de belleza mientras interpreté a Sue, porque no representaba mis estándares, sino los de Coralie, la idea de la perfección de la directora. Por lo que intenté encarnar algo que en realidad era inasible”. Reto superado que la sitúa en la cumbre de su aún corta carrera.

BLEACHERS: ‘TINY MOVES’

A Lockett, Margaret Qualley / 2024

Primera vez de la norteamericana tras las cámaras, codirigiendo el videoclip de esta canción de la banda del que es su marido, Jack Antonoff.

DOS CHICAS A LA FUGA

Ethan Cohen / 2024

Qualley se embarca en una comedia negra de la mano de un Ethan Coen que se retrotrae a los tiempos de Arizona Baby y Ola de crímenes. Ola de risas.

POR: MIGUEL PARDO

HACE UNA SEMANA QUE SE LANZÓ EL PRIMER Y A PRIORI ÚLTIMO DISCO PÓSTUMO DE SOPHIE. PRODUCIDO Y TERMINADO POR BENNY LONG, HERMANO DE LA ARTISTA, PRODUCTOR EJECUTIVO Y ALLEGADO SUYO, ESTE TRABAJO HOMÓNIMO NO VA A PASAR DESAPERCIBIDO. APROVECHANDO DICHO LANZAMIENTO, CONVERSAMOS CON ÉL PARA PROFUNDIZAR EN EL PROCESO DE CÓMO HA SIDO ARREJUNTAR ESTAS CANCIONES, A LOS COLABORADORES Y GESTIONAR EL ARCHIVO DE MATERIAL INÉDITO DE SU HERMANA.

Cuando perdimos drástica e inesperadamente a Sophie, con la artista de origen escocés se fue una de las figuras más creativas, originales y propositivas de la segunda década de siglo XXI. Abanderada del hyperpop, ostentadora de un sonido kinético, físico y extraordinariamente influyente, Sophie estaba en el apogeo de su carrera musical, trabajando ya desde hacía tiempo en el que sería su segundo disco después del extraordinario Oil of Every Pearl’s Un-Insides (2018). “Incluso desde antes del debut ya estaba pensando en cómo iba a ser este álbum, algunas de estas canciones son de la época de PRODUCT”, nos cuenta su hermano, Ben Long, desde la Costa Oeste de Estados Unidos sobre el trabajo póstumo y homónimo que este mes de septiembre hemos podido escuchar. SOPHIE es el fruto de tres años de trabajo de Long, también productor de la difunta artista. “Definitivamente ella habría querido que este trabajo fuese publicado… Tiene su visión”, nos asegura con enorme convicción. “De las canciones que no estaban prácticamente acabadas habíamos tenido muchas conversaciones: esta tiene que ser más como esta canción de la radio, aquella más tipo club, esa sé que tenía que sonar como Faceshopping…”. Y realmente el álbum parece armado como un entramado bien separado, en cuatro secciones y con una dirección definida. Cuando le preguntamos si habrá más música de su hermana, Ben también lo tiene claro: “Una de las cosas que he dicho y que creo que es absolutamente correcta es que este es el último álbum de Sophie… Pero puedo ver alcance para EPs, singles y muchas canciones. Muchas de ellas son featurings, con colaboradores habituales”. Su hermano tiene claro que la naturaleza colaborativa e improvisatoria, basada en los directos y en la constante transformación y reinterpretación del sonido de la productora escocesa puede funcionar bastante bien con un enfoque celebratorio y póstumo de su obra. “Tenía muchos amigos y amigas muy talentosos y le encantaba la idea de juntarlos. Algunos de estos colaboradores me han contactado y les he dicho que sí, aunque ha sido un gran esfuerzo terminar este álbum y tenía que priorizarlo. Pero, cien por cien, estoy abierto a ello, sé que la familia también está contenta de que suceda”.

En ese sentido, se puede romper una lanza en favor de la familia Long y no necesariamente en contra del fandom de Sophie. Como Benny nos recuerda: “Sophie odiaba las filtraciones”. Por mucho que algunas canciones no suenen como las decenas -prácticamente un centenarde unreleased que circulaban por la web, es posible que la visión más próxima a la de su autora la ostenten las personas -colaboradoras, productores- que trabajaban mano a mano con ella. Así, este homónimo tiene esa “vibe de fiesta en el estudio”, en la que, de hecho “se incluyen voces de gente celebrando, gritando y cantando, de fondo, en la casa que Sophie tenía”.

Aunque el sonido del disco es en general más etéreo y menos telúrico de lo que Xeon nos tenía habituados, se puede entender este viraje no solo como un efecto retrospectivo de lo que podríamos llamar producción hauntológica, sino como la secuela de cierta sensibilización postpandémica. Cuando le preguntamos a Ben sobre si era algo premeditado que la última sección del disco sonase a despedida, incluyendo además a dos colaboradoras icónicas como Hannah Diamond y Cecile Believe, él nos lo confirma: “Algunos de los temas de la última parte fueron concebidos durante el COVID y era un momento en el que la gente estaba pensando más desde ese distanciamiento y en su propia mortalidad”. El propio Ben, inicialmente, no podía abordar “ninguno de los materiales y canciones más locas. Unos meses después empecé a trabajar en la canción de The Dome’s Protection”. Esto tiene bastante sentido porque dicho tema no es otra cosa que un track de spoken word con basamento de healing music en el que Sophie colabora con nada menos que Nina Kraviz. Plagado de colaboraciones, pero respetando y creando idiosincrasias bastante distintas en función del momentum, el disco tiene incluso una sección techno -la terceraen la que se palpa el amor de su creadora por el contexto del club. Esta parte, como nos cuenta su hermano, fue producida “cuando Sophie mudó temporalmente de software a Ableton”. El orden de los temas del disco también “estaba cerrado al 95%”. Ese es el equilibrio que orgullosamente ostenta este álbum, SOPHIE. Un trabajo que tiene en cuenta el carácter improvisatorio, colaborativo, mutante y cambiante del proyecto original de su creadora y simultáneamente contiene su visión y proyecto en torno al orden, la producción y el acabado de la mayoría de sus temas. Si este no es un disco de Sophie es, en cualquier caso, lo más cerca que estaremos de volver a escuchar uno. Lo que venga después, solo sus allegades dirán.

“ESTE ES EL ÚLTIMO ÁLBUM DE SOPHIE, PERO PUEDO VER ALCANCE PARA EPS, SINGLES Y MUCHAS CANCIONES”

ÚLTIMO SOPHIE, EPS, CANCIONES”

COLABORACIÓN, FIESTA Y ALTERACIÓN TEMPORAL

SOPHIE cuenta con una ristra de all stars del sonido hyperpop -aunque también con algunas ausencias- que le dan el “party vibe” celebratorio y desenfadado al conjunto. En cualquier caso, también se puede percibir una línea de acabado y distanciamiento temporal con respecto a los temas que lo componen. Esta contradicción nos interesa.

PRODUCCIÓN HAUNTOLÓGICA

En el propio álbum se palpa la sensación de que el disco no ha sido producido desde su propio presente. Este pulido retrospectivo nos recuerda a otros discos retocados en el tiempo como el de Chilly Gonzales y Richie Hawtin en su faceta Plastikman, Consumed in Key

SOPHIE’S VISION

La familia y allegados de la artista están convencidos de que este trabajo debía ver la luz. El proyecto llevaba en marcha desde 3 años antes de morir.

CUATRO SECCIONES

El disco fue concebido en cuatro secciones o EPs. La última es la pop y la penúltima es la sección techno. El acabado es palpable.

EPITAFIO CECILE BELIEVE

My Foreve r es una joya pop con la que la voz principal del debut de SOPHIE se despide de manera insoportablemente oportuna de su amiga y colaboradora.

THE LIFE OF PABLO

Como el último disco interesante de Kanye, este SOPHIE reúne a sus principales colaboradoras, hijas y hermanas en una fiesta algo inacabada pero con un deslumbramiento final de optimismo. A Ben le encanta la comparación.

ESTO ES SOLO EL PRINCIPIO...

“Cien por cien, van a salir más cosas”, nos asegura Benny al final de la entrevista. Su optimismo y su fe en el archivo de SOPHIE son contagiosos.

CARA Y CRUZ

Si el debut era un álbum más experimental, este homónimo era el disco de pop que le sucedería. Esta alternancia era parte del plan que pensaba Sophie para continuar con su discografía.

SOPHIE (TRANSGRESSIVE / [PIAS], 2024) Intro / Rawwwwww / Plunging Asymptote / The Dome’s Protection / Reason Why / Live in my Truth / Why Lies / Do You Wanna Be Alive / Elegance / Berlin Nightmare / Gallop / One More Time / Exhillarate / Always and Foprever / My Forever / Love Me Off CD / DIGITAL / LP

POR: MIGUEL PARDO FOTO: NICOLE NGAI

ESTE INICIO DE CURSO HA VISTO LA SEGUNDA PUESTA DE LARGO DE TSHA PARA NINJA TUNE: ‘SAD GIRL’. EL LP, QUE JUEGA ENTRE LAS REFERENCIAS AL POP MILLENNIAL Y LA IDEALIZACIÓN DE LA CULTURA RAVE DEL REINO UNIDO, MUESTRA UNA VERSIÓN MÁS ABIERTA, VULNERABLE Y COMUNICATIVA, SI CABE, DE LA PRODUCTORA, DISCJOCKEY Y CADA VEZ MÁS ARTISTA BRITÁNICA. SOBRE SALUD MENTAL, LA PRESIÓN DE LAS GIRAS Y SU NUEVA Y MÁS SALUDABLE VIDA LEJOS DE INGLATERRA HABLAMOS CON ELLA EN ESTA ENTREVISTA.

El veloz progreso de Teisha Matthews dentro de la industria del clubbing internacional es de esos que puede hacer sospechar a los más puristas. La dj y productora británica lanzó con Ninja Tune en 2022 Capricorn Sun, nombrado álbum del año por DJ Mag y BBC Radio 1 Dance, y se catapultó no solo a las mejores cabinas del planeta, sino a un tour internacional con banda en el que desarrollar todavía más sus capacidades como músico. “Aprendí a tocar el bajo”, nos cuenta desde su casa en Ibiza. Esta tarde discurrimos sobre lo duras que pueden llegar a ser las giras y la necesidad de poner límites y cuidarse a uno mismo para no perder toda la estabilidad anímica. Precisamente sobre ese punto medio entre la euforia y el éxtasis propio de la fiesta, la resaca química y la ansiedad propias del mundo contemporáneo, y la hiperestimulación, trata el nuevo trabajo de TSHA, Sad Girl. Gran parte de nuestra conversación, al igual que el concepto del LP, trata sobre cuestiones relacionadas con la salud mental, como cuando hablamos de su mudanza a las Baleares: “Inglaterra es deprimente”. El cambio de isla respondía a una necesidad tanto emocional como logística, dado que Matthews se convirtió en residente del DC10 y quería acabar el disco. “No puedo escribir cuando estoy de gira”, reconoce. Con una sinceridad y una cercanía que nos desarma, Teisha nos da una lista de las cosas que lleva a cabo para cuidarse y poder disfrutar plenamente de los shows: “Bloqueo tiempo para mí misma, suelo hacer ejercicio físico y buscar hoteles con gimnasio… Creo que me he vuelto mejor manejando mis emociones y he parado de ser tan dura conmigo misma… A veces lo soy, pero no tanto”, termina por confesar. Durante los dos años de gira con su primer LP fue cuando lo pasó peor: “Mi cerebro estaba deshecho”. Con respecto a esa experiencia, su nuevo trabajo, Sad Girl, resulta una suerte de redención de dichos años y de un recorrido repleto de experiencias profesionales y personales de lo más diversas que le han conducido a ser hoy una persona más estable y capaz de vivir su proyecto vital y artístico con mayor alegría.

En su segundo álbum, TSHA, además, dice haber “escogido sonidos con los que crecí”. Del R&B y el pop Y2K, Craig David o Beyoncé, hasta los beats rave a los que homenajea permanentemente. “El Reino Unido ha sido crucial para mantener vivos ciertos géneros de la música de baile”, declara. “Hay o por lo menos ha habido una gran cultura rave (...) Como Inglaterra es tan deprimente en algunos sentidos, somos buenos encontrando cosas con las que escapar. Cosas con las que perdernos”. Nacida y crecida en Fordham, una pequeña ciudad a las afueras de Cambridge cuya música, en sus propias palabras, “no era muy buena”, Matthews tuvo la suerte de encontrar un filón de apoyo en su madre, una exraver que la animaba a ir a bailar cuando fuera mayor de edad, y en su hermano mayor, dj que pinchaba en el salón de la casa familiar para practicar.

Así, el nuevo trabajo de Teisha oscila entre la nostalgia por un pasado solitario, tierno y plagado de los sonidos pop loopeados de una época no particularmente feliz, y la reconciliación definitiva con la música de baile, que simultáneamente la libera y enclaustra en una jaula-cabina de oro. Un disco en el que por fin ha comenzado a usar su voz. “Cantar y escribir ha sido una forma de dejar y tener más claro lo que quiero decir con mi música”. Y esa renovada -o más honda- sinceridad es perceptible desde en la propuesta artística hasta en el modo en que habla de su vida personal. “He experimentado mucho trauma, también he tenido muchos trabajos diferentes y vivido en muchos sitios… Y toda esa combinación me ha permitido ver mejor lo que quiero y lo que estoy haciendo”. Del mismo modo, es abrumadoramente sincera hablando sobre la adicción de un familiar y cómo esta le ha afectado a nivel personal. “Para mí es drenador y, desgraciadamente, mudarme fue sanador. Ya no sabes si es su salud mental la que está afectando a su adicción o al revés, es como el huevo o la gallina. En algún momento tienes que mirar por ti mismo, porque tu propia salud mental es tan importante como la suya”. Y es este mensaje de autocuidados y aceptación el que permea en Sad Girl, desde los cimientos formativos de su autora -que habla hasta de su amigo imaginario- hasta el sentido homenaje al baile y a la cultura de club de garitos como Fabric, en Londres. Nadie dijo que fuera fácil, ni para una cría nacida en Fordham ni para mantener cierta estabilidad y bienestar en el contexto del clubbing, con todo su frenesí. TSHA, sin embargo, está en busca de ese espacio de serenidad, no sin timidez, pero tampoco sin diversión. Y su música suena generacionalmente ubicada.

“CANTAR Y ESCRIBIR HAN SIDO UNA FORMA DE TENER MÁS CLARO

SAD GIRL (NINJA TUNE / [PIAS], 2024)

Sad Girl / Girls / In The Night / Can’t Dance / Green / Sweet Devotion / Lonely Girl / In Bloom / Azaleas / Take / Drive / Fight

CD / DIGITAL / LP

CUANDO UNA MUJER CON ACTITUD ATERRIZA EN LA ESCENA MUSICAL PARECE QUE O SE LA ENDIOSA O SE LA ODIA. EN EL CASO DE METRIKA, QUIZÁ LAS DOS A LA VEZ. EXPLÍCITA, DIVERTIDA Y DESQUICIADA, LA DE CASTELLÓN, POR MUCHO QUE LE PESE A MUCHOS, HA ARRASADO LAS SALAS DEL PAÍS. JUNTO A SU INSEPARABLE D.BASTO, LLENA LOS CONCIERTOS DE ZORRAS FIELES DISPUESTAS A DARLO TODO POR SU ‘MADRE FUNDADORA’ A RITMO DE ELECTRÓNICA, TRAP, MALIANTEO Y CONJUROS CONTRA TÍOS QUE SE LO MERECEN.

POR: ANNA PÉREZ

PRODUCCIÓN: ALL NIGHTERS / ESTILISMO: ELISA SANZ / ASISTENTE: SARA JIMENEZ / MAQUILLAJE Y PELUQUERIA: SARA MALO DE MOLINA / ASISTENTE: SERGIO CASTAÑERA / RETOQUE : FER GUIMERÁNS / ESTUDIO: EL PUENTE STUDIO / UÑAS: @CHAKNAILZZ DE / SERGIO / FOTOS: MARK YAREHAM

En abril, Metrika estrenó su primer largo, Madre Fundadora, tras una larga trayectoria lanzando mixtapes, canciones y EPs siempre por debajo del radar, evolucionando del mundo más puramente rapero de sus primeros días a una cosa libre, empoderada, desprejuiciada, desvinculada de cualquier tipo de etiqueta. Aquel álbum de 24 canciones explicaba el proceso del duelo a través de géneros que van desde la electrónica, el reguetón o el trap hasta toda una amalgama de sonidos extremos confeccionados junto a su productor D.Basto. “Madre Fundadora cuenta un suceso que es realmente un antes y un después en mi vida, por eso es importante contarlo así también en mis proyectos. Yo me siento como que sigo aferrada emocionalmente a todo lo que cuenta ese álbum y sigo enganchada, no solo al álbum sino también a lo que me provocó esa relación”, recuerda la artista, nacida Thais Amores en 2004. En mayo, en NUEBO ya nos sentábamos con ella para discutir muchas de las intenciones detrás de Madre Fundadora, y la joven de Castellón avisaba de que el álbum era solo el principio, y que en su cabeza funcionaba como la pieza central de una trilogía que todavía tendría que completarse con la superación del duelo, el epílogo, y con un prólogo en forma de viacrucis, de camino a la perdición. Lo prometido es deuda: El grimorio , que llega este octubre, es el segundo volumen, y cierra esta trilogía del duelo en formato EP con cinco temas que dan puerta a todo ese proceso emocional. “En Madre Fundadora estoy todo el rato diciendo que voy a hacer un ritual, voy a hacer esto… Es como muy mágico, pero sin darme cuenta de lo que estaba pasando en ese momento. Por eso El grimorio supone entender todo lo que ha funcionado para superar ese dolor, los trucos que me han hecho superar ese duelo y me hacen sentir poderosa”. Metrika define la música que está haciendo recientemente como “trap gritado de súper desquiciada”, en el que se reconoce a ella misma, algo que le ha caracterizado desde prácticamente los primeros días haciendo música. “Yo siempre he sabido quien soy, pero nunca lo he sentido. Y ahora lo demuestro. El estado de hipomaníaca, con el punto de euforia en el que me gusta estar”. Sin duda, uno de los hitos que define a Metrika como artista son sus letras absolutamente genuinas. Sexo, personas tóxicas, amor verdadero o autolesiones trufan sus canciones, vampíricas y demoníacas. Metrika canta sobre temas de naturaleza espinosa desde el humor o la miseria sin despeinarse. “Cuando me vino la primera funada por Twitter era porque la gente me decía que romantizaba mis experiencias. En

el momento pensé que no, pero obvio que lo hago, es que si no lo romantizo me voy a tirar por un puente. Necesito romantizar mi vida igual que todas las personas necesitan digerir su malestar para que no se les haga tanta bola. Creo que es súper natural y humano… Creo que la gente que me critica por esto es completamente consciente de que esto pasa, pero por alguna razón les incomoda que se hable de ello. Y creo que al final es lo de siempre, meterse con los problemas de las mujeres porque parece que son menos problemas. Que les pasa a hombres también, está claro, pero a esos hombres que hablan del tema se les ve más vulnerables por haber aceptado su condición mental. Entonces los hombres súper rudos que pensaban que este tema era tabú me vienen a llamar loca… Pero es que no me ofende, ya lo digo yo”.

“M e FUNA rON e N TWITTER PO r

r OMANTIZA r MI s EXPERIENCIAS. SI NO rO mANTIZA ra MIS

EXPE r IENCIAS, M e TIRA rIA POR u N PUENT e ”

España es el país con mayor consumo de benzodiacepinas del mundo, y las mujeres son las principales consumidoras, doblando el consumo masculino según la Junta Internacional de Fiscalización de Estupefacientes (JIFE). En 2023, el 63,1% de las bajas laborales debidas a trastornos mentales se produjeron en mujeres según ClosinGap. En datos de la OMS, el 70% de mujeres en el mundo sufren algún problema relacionado con la salud mental. Y parece lejano, pero las lobotomías se seguían realizando especialmente a mujeres hasta bien entrada la década de 1970. Por eso la figura de Metrika representa una realidad palpable y cercana, y la castellonense se encarga de destriparla más allá de las frases huecas y machacadas de siempre sobre autocuidados y otros tópicos relacionados. Vulnerable, se retuerce en la locura, se ríe y lo escupe si hace falta para su estirpe de zorras fieles que la entienden y la aúpan. “No me siento responsable ni poderosa respecto a mis seguidoras. Siento como si fueran mis hermanas, que mi figura era necesaria porque igual antes de aparecer yo no se sentían representadas por nadie. Me alegra y me entristece porque pienso ‘wow, cuántas estamos mal de la cabeza’. Pero al final tengo claro que hablar de estas cosas es súper necesario. Además, me he dado cuenta de que mis letras son tan tristes como flexeables. Si las pones en un beat triste piensas ‘joder, que tía más deprimida’... Pero en otro beat más animado, incluso en otro contexto, piensas que es increíble”.

En cuanto al sexo, también hay dicotomías en la música de Metrika. En el tema Lip combo, junto a rapera murciana L0rna, esta dice: “Las guapas no follamos, lo decimos con orgullo”. Metrika navega también entre ser chula, explícita y detallada o aceptar la repugnancia, el

rechazo y el asco. “Nunca lo había notado…. Pero ahora que lo dices, sí, yo creo que entra un poco en ese estado mental de… No sé ni cómo llamarlo… Pero cuando estás que no te apetece nada hacerlo y no quieres ni entrar a hablar de ese tema, ¿sabes? Creo que también es muy representativo de un estado mental concreto”, afirma Metrika, consciente de sus propias limitaciones.

Aunque la artista juegue a las reglas de su propio juego, reglas que pese a lo que puede parecer no son siempre tan sencillas, no puede evitar entrar en conflicto constante con el mundo real. A principios de septiembre estrenó el tema Humedad valenciana junto al productor Parkineos, quien fue acusado de grooming -una especie de ciberacoso sexual de menores-. Pronto se formó el revuelo sobre la colaboración y pidieron explicaciones a la artista. “No lo sabía, no tenía ni idea. Es verdad que me involucré más de lo debido y quizás di más explicaciones de las que tenía que dar porque me calenté, porque soy muy contestona y muy niñata cuando me pongo. Casi cualquier artista hombre que te imagines ha hecho

cosas así, estamos rodeadas. Me estaban poniendo responsabilidades que no debía tener, pidiéndome comunicados y cosas que no eran mi responsabilidad. Cuando me escribió una de las víctimas la escuché y le pedí disculpas si le había sentado mal, y hablamos y lo entendió. Lo que me impactó fue que la gente me exigía cosas a mí, pero no le decían nada al acusado ni se preocupaban por las víctimas. La responsabilidad se pone siempre sobre las mujeres, a ningún tío que colaboró con él le han dicho nada. Yo hago música, no soy un mitin de Podemos ni la jueza de nadie. Me afectó raro, porque esos 'súper fans' que dicen quererme, a la mínima ni me

EL GRIMORIO (ALL NIGHTERS, 2024)

El Grimorio / Olor a perfume caro y tabaco

/ Susi-ah / Dabelremix / Una bruja, un satánico y una persona ingenua

CD / DIGITAL

dan el beneficio de la duda… Me afectó y me desinstalé Twitter, pero me lo volví a instalar y me la suda”. Ha aprendido a purificarse en el baño de su propia sangre. Actualmente, la artista se encuentra inmersa en una gira que se extenderá hasta finales de año -de momento-, con más de treinta fechas, varias de ellas con sold outs. “La verdad es que me cansa viajar, no es algo que disfrute mucho, pero me encanta hacer bolos. Ha sido un año de mucho crecimiento y lo noto en los conciertos, aunque ha sido todo tan progresivo que a veces no me doy ni cuenta hasta que miro atrás y digo: ‘¡Wow, qué locura!’. Creo que lo más importante para mí es que sigo siendo la misma persona, sigo siendo Thais, y eso es lo que realmente me importa”.

D.BASTO_ REMIX.MP3

Alejandro Estellés (1995) es D.Basto, o mejor dicho, es el drum and bass, el techno y toda la gama de subgéneros de la electrónica que disfrutamos poniendo el oscuro telón de fondo en la discografía de Metrika. “Siempre he escuchado mucha electrónica, y desde adolescente sentía atracción por el género y empecé a producir. Luego empecé a organizar algunas fiestas por Valencia de tech-house y tal, pero con la pandemia desaparecieron. Iba sacando algún tema, empecé con un colega en el estudio, hacía algún remix, alguna cosa de urbana… Pero era frustrante. Yo sabía lo que quería, pero no llegaba nunca… Y menos mal que no paré, porque llegó Metrika”, cuenta. La dupla funciona alineada a la perfección en una sinergia en la que ambos se influencian el uno al otro: ni D.Basto se imaginaba tener una canción llamada Ya t has corrido? entre las más destacadas de su discografía ni Metrika que se iba a alinear con tanta claridad -y facilidad- con la música electrónica.

Pero más allá del talento inequívoco como dupla, D.Basto acaba de estrenar el que es su primer EP en solitario, dB –Remixes, que de solitario, realmente, tiene más bien nada. “Siempre he estado súper apartado de todo y nunca me han presentado ni he conocido a nadie. Siempre he hecho remixes, pero nunca los sacaba, y creo que esta ha sido la oportunidad. No pensé ‘me voy a juntar con tal y tal y tal’, sino que han ido saliendo según me gustaban a mí”. El EP es como si nos adentrásemos en un dj set del productor, y “está construido como yo ordenaría una de mis sesiones, tocando estilos que, aunque puedan parecerse, aportan sonidos diferentes”. Y es que su selección es tan extensa como sus referencias. “Siempre he escuchado mucha música electrónica de todo tipo, pero también me mola mucho gente como Diego900, que le dan la vuelta al rap… Tengo una adicción. Pero, además, últimamente he vuelto mucho a mis orígenes con Flume o Porter Robinson, y de la electrónica actual me flipa PinkPantheress”. En su EP podemos disfrutar de remixes de temas recientes como el drum and bass en el tema de ANADIE y El Virtual o redescubrir un ya clásico del urban como es No sé k me pasa de Chill Mafia a través del techno. También se cuelan unos míticos de la escena electrónica española como son The Zombie Kids con el remix de su tema Face, y hay hasta un espacio para la ola actual urbana con GlorySixVain o L0rna. No nos hace falta más para saber que a D.Basto le queda mucho terreno por explorar.

TOP 50 SLASHERS

POR: DANIELA URZOLA

UN AÑO MÁS LLEGA OCTUBRE Y CON ÉL LA FIESTA MÁS ESPERADA PARA TODOS LOS AMANTES DEL TERROR: HALLOWEEN. PARA LOS MÁS CINÉFILOS, ES EL MOMENTO DE HACER MARATONES, REVISAR LAS LISTAS DE FAVORITOS Y PONERSE AL DÍA CON LOS ESTRENOS MÁS TERRORÍFICOS DEL AÑO. APROVECHANDO LA LLEGADA A SALAS ESPAÑOLAS DE ÉXITOS COMO STRANGE DARLING O TERRIFIER 3, NOS METEMOS DE LLENO EN UNO DE LOS SUBGÉNEROS MÁS POPULARES DEL CINE DE TERROR, EL SLASHER, Y REPASAMOS ALGUNAS DE LAS PELÍCULAS DE ASESINOS MÁS ICÓNICAS DE LA HISTORIA.

Hay cine de terror para todos los gustos. Desde aquellos que buscan un trasfondo psicológico a quienes disfrutan con el gore más extremo o con una clásica historia de fantasmas, el público del género es uno de los más heterogéneos. Sin embargo, hay un subgénero al que parece que se vuelve una y otra vez. Se trata del slasher, que abarca en su sentido más estricto aquellos filmes donde la trama principal gira alrededor de un asesino en serie. Por supuesto, existen muchas variaciones, y es precisamente esa diversidad la que queremos reflejar en esta lista. Es un intento

de abarcar lo inabarcable, porque desde las obras fundaciones de los setenta y ochenta hasta los remakes de comienzos de siglo y la posterior deconstrucción del subgénero por nuevas miradas interseccionales -de raza, feminista, queer-, el corpus que conforma el slasher está en constante expansión. Buscamos entonces poner en valor un subgénero que en los últimos años se ha visto menospreciado por la falaz distinción con el llamado terror elevado, revisando los clásicos y haciendo espacio a nuevas voces disidentes para las que en el pasado no había cabida.

1SCREAM (VIGILA QUIÉN LLAMA)

Wes Craven / 1996

Quizás los cinéfilos más veteranos se vean ofendidos por esta elección, pero lo cierto es que, si bien hay otros títulos significativos en los inicios del subgénero -todos ellos también en esta lista, todo sea dicho-, el puesto número 1 lo ocupa la obra maestra de Wes Craven. Scream se convirtió en un icono para toda una generación, dando una vuelta de tuerca al género con su propuesta de meta-terror en la que formulaba un comentario sobre el propio subgénero, señalando sus reglas para luego quebrarlas. Se trata, por tanto, de un punto de inflexión para el slasher; una obra que marcó el curso que en adelante tomaría el subgénero. Además, el filme dio inicio a una de las mejores franquicias de terror de todos los tiempos, con las cuatro primeras entregas dirigidas por el propio Craven -todas dignas de estar en esta lista- y un reboot reciente en esta década que, en manos del tándem conocido como Radio Silence, ha dejado dos cintas a la altura de la saga original.

LA MATANZA DE TEXAS

Tobe Hopper / 1974

Antes de que el slasher llegase a consolidarse como subgénero, Tobe Hooper ya había realizado una de las cintas más representativas de lo que luego terminará por convertirse. Una obra terrorífica y sangrienta a partes iguales, imitada hasta la saciedad e inspiradora a múltiples niveles, hasta para el mundo del videojuego. Basada en eventos de la vida real, nos dio uno de los asesinos más emblemáticos de la ficción cinematográfica: Leatherface, quien con su motosierra y su máscara hecha de piel humana ocupa indudablemente un lugar en el podio. Ahí justo al lado de…

NAVIDADES NEGRAS

Bob Clark / 1974

Las jóvenes de una hermandad son acechadas por un asesino voyeurista en esta obra de terror navideño estrenado el mismo año que La matanza de Texas 9

LA CABAÑA EN EL BOSQUE

Drew Goddard / 2011

Lo que Scream significó para el slasher de fin de siglo es potenciado en este filme que rompe con los arquetipos del género y desborda sus límites.

TÚ ERES EL SIGUIENTE

Adam Wingard / 2011

El clásico moderno de Adam Wingard (Godzilla v. Kong), con comentario eat the rich incluido, nos dio a una de las final girls más brutales del género.

MALIGNO

James Wan / 2021

La mente tras Saw incursionó en el slasher con un film sobre una mujer conectada a los asesinatos reales que la asaltan en perturbadoras visiones.

LA NOCHE DE HALLOWEEN

John Carpenter / 1978

…Michael Myers. No hay nombre que defina mejor el subgénero. Como él, Carpenter iba siempre un paso adelante en lo que sería definir el slasher en sus inicios.

CANDYMAN

Bernard Rose / 1992

No digas su nombre cinco veces ante el espejo. Slasher psicológico con tintes de crítica racial y magnífica banda sonora compuesta por Philip Glass.

X

Ti West / 2022

Nada mejor que el terror hecho por conocedores como West. La primera entrega de su trilogía es un maravilloso ejemplo de cómo volver a las raíces del slasher.

MUÑECO DIABÓLICO

Tom Holland / 1988

Gracias a su inusual villano, de nombre Chucky, esta película hizo que nunca más viéramos con los mismos ojos a nuestro juguete favorito.

PSICOSIS

Alfred Hitchcock / 1960

Antecedente absoluto que traumatizó a las audiencias con el agudo retrato de un psicópata, dando lugar a una de las muertes más emblemáticas del cine.

PESADILLA EN ELM STREET

Wes Craven / 1984

Wes Craven descubrió con su otra gran obra y Freddy Krueger, que se aparecía en sueños a sus víctimas, una nueva vertiente: el slasher sobrenatural.

ROJO OSCURO

Dario Argento / 1975

El maestro italiano sublimó el slasher a través de la sensualidad surrealista y noir del giallo. En Rojo oscuro, como en Suspiria o Tenebre, el prota es la obsesión.

LA CASA DE CERA

Jaume Collet-Serra / 2005

Los dosmiles -no asiáticos- fueron la década más odiada del terror por mucho tiempo hasta que el Y2K revival ha vuelto a poner en valor algunos de sus títulos. En este bando nunca hemos dudado de la genialidad de muchos de los remakes de la época y los giros que proponían a clásicos del terror que se consideraban “intocables”. El filme del catalán es uno de ellos: una obra hija de su tiempo en la que escuchamos temas de My Chemical Romance o The Prodigy y vimos morir a Paris Hilton.

FREDDY CONTRA JASON

Ronny Yu / 2003

El duelo más esperado de todos los tiempos para los fans del terror. Freddy y Jason Voorhees se enfrentan en este filme lleno de guiños a las franquicias.

FELIZ DÍA DE TU MUERTE

Christopher Landon / 2017

La comedia es otro elemento esencial del slasher, y la cinta de Landon la incorpora a la perfección al explorar el universo de los bucles temporales.

SÉ LO QUE HICISTÉIS

EL ÚLTIMO VERANO

Jim Gillespie / 1997

El guionista de Scream volvía a enfrentar a un grupo de adolescentes contra el asesino en serie de un pequeño pueblo.

BAD GIRL BOOGEY

Alice Maio Mackay / 2022

La directora trans australiana Alice Maio Mackay es fiel heredera del cine de terror de serie B, al cual rinde homenaje constantemente en su obra. Bad Girl Boogey propone un giro al slasher tradicional a través de un grupo de adolescentes queer que son perseguidos por una entidad enmascarada y homofóbica. Una obra de espíritu punk plagada de muertes ingeniosas y guiños en forma de vuelta de tuerca al género que da forma a una novedosa propuesta de cine de terror queer.

PREVENGE

Alice Lowe / 2016

Una exploración de los miedos femeninos en clave de comedia de terror, con una protagonista embarazada cuyo hijo nonato la impulsa a cometer asesinatos.

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BAHÍA DE SANGRE

Mario Bava / 1971

Argento no podía ser el único italiano en esta lista. Bava, otro de los pioneros del giallo, presenta aquí un filme con líos familiares y muertes gráficas.

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LAS COLINAS TIENEN OJOS

Alexandre Aja / 2006

Podríamos incluir el clásico de Craven, pero la versión de Aja, cineasta del nuevo extremismo francés, lo merece igual. Obra que no se contiene en el gore.

27

EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO

Michael Powell / 1960

Contemporánea de Psicosis, el filme de Powell muestra a un perturbado fotógrafo asesino que retrata a sus víctimas, mujeres, mientras mueren.

HERMANDAD DE SANGRE

Sterward Hendler / 2009

Reinterpretación contemporánea de Siete mujeres atrapadas (1983) con líneas de diálogo ingeniosas y un elenco de brat girls pre Charli XCX.

LEYENDA URBANA

Christopher Young / 1998

Clásico del slasher universitario donde un grupo de estudiantes cae víctima de un asesino que está recreando leyendas urbanas del folclore local.

DESTINO FINAL

James Wong / 2000

La saga que ha llevado el slasher sobrenatural al extremo, con personajes enfrentados a una amenaza más allá de lo humano o lo fantasmal: la muerte misma.

STAY ALIVE

William Brent Bell / 2006

Con el nuevo milenio llegó el auge de Internet: un grupo de amigos juega en línea y descubre que sus muertes virtuales están conectadas a la realidad.

LAS ÚLTIMAS SUPERVIVIENTES

Todd Strauss-Schulson / 2015

Fiel heredera de Scream, un filme que juega con los estereotipos del género aludiendo a la final girl, con una historia que emociona y hace reír.

LA CALLE DEL TERROR

Leigh Janiak / 2021

Revisión queer de una serie de relatos de Pesadillas (R.L. Stine) en la que un grupo de adolescentes enfrenta la madición de su pueblo.

VIERNES 13

Sean S. Cunningham / 1980

Aunque para el listado escogimos resaltar el filme de 1980, con Pamela Voorhees como la asesina original, la saga Viernes 13 es amplia y polifacética. La segunda entrega ya posicionó a Jason en el top de villanos del género, y en la tercera lo vimos por primera vez portando su característica máscara de hockey, tan antonomásica de su recuerdo en la cultura popular. De ahí a Manhattan, al espacio, al infierno y de vuelta, entre secuelas, remakes y spin-offs, muchos han sido los pobres atormentados por los traumas de la familia Voorhes, hasta llegar a la esperada precuela que podremos ver en nuestras televisiones en formato serial, Crystal Lake, producida por A24 y con el creador de Hannibal como showrunner.

LA DAGA EN EL CORAZÓN

Yann Gonzalez / 2018

Un thriller con notas de slasher donde una productora francesa de películas porno gay empieza a verse envuelta en un entramado de asesinatos.

LA RESIDENCIA

Chicho Ibáñez Serrador / 1969

Obra magna del terror español, donde una amenaza extraña y externa parece perseguir a las jóvenes de un internado con reglas estrictas. 31

BLACK FRIDAY

Eli Roth / 2023

Una cruda disección de la sociedad estadounidense en forma de slasher clásico, con un asesino que ensombrece el Día de Acción de Gracias.

SAN VALENTÍN SANGRIENTO

George Mihalka / 1981

Una sádica leyenda olvidada de un accidente minero regresa cuando el pueblo decide volver a celebrar San Valentín veinte años después.

CRY_WOLF

Jeff Wadlow / 2005

Un grupo de estudiantes en una escuela privada crean el rumor de que hay un asesino suelto en el campus. ¿Pero es realmente un rumor o hay algo más?

CHERRY FALLS

Geoffrey Wright / 2000

Brittany Murphy protagoniza este filme sobre un asesino que mata a vírgenes. Los estudiantes organizan una fiesta para perder la virginidad y estar a salvo.

CAMPAMENTO SANGRIENTO

Robert Hiltzik / 1983

Si de slasher hablamos, no podemos dejar la serie B de los ochenta a un lado, por cuestionable que resulte. Amado y odiado por igual, este exploit de películas tipo Viernes 13 tiene uno de los plot twists más sorprendentes de la época -controvertido a día de hoy-, que le aseguró cuatro secuelas y a su protagonista, Angela Baker, el carácter de icono.

HATCHET

Adam Green / 2006

El folclore y el exploitation se unen en esta cinta sobre unos turistas que deben escapar del pantano donde la leyenda de Victor Crowley cobra vida.

DETRÁS DE LA MÁSCARA:

VERNON

Scott Glosserman / 2006

Mockumentary: un equipo de rodaje sigue a un aspirante a asesino en su camino a villano.

ESTE CUERPO ME SIENTA DE MUERTE

Christopher Landon / 2020

Un asesino en serie conocido como El Carnicero intercambia cuerpo con una estudiante de instituto. Muchas risas. 40 PROM NIGHT

Paul Lynch / 1980

Nadie puede negar que Jamie Lee Curtis fue la scream queen definitiva de los 80. Aquí debe huir de un asesino enmascarado en su fiesta de graduación.

LA QUEMA

Tony Maylam / 1981

Cinta que sigue los pasos de Viernes 13 con el relato de un brutal asesino en un campamento y el mítico Tom Savini en los efectos visuales.

PÁNICO AL ANOCHECER

Charles B. Pierce / 1976

Un asesino que acechó a un pueblo de Texas hace treinta años vuelve para infundir terror entre sus vecinos. Basada libremente en hechos reales.

TERRIFIER

Damien Leone / 2016

El payaso más aterrador desde Pennywise. La película de Damien Leone dio inicio a una franquicia que ha ido acumulando seguidores a mansalva, y que no está ni cerca de cerrar, con la tercera entrega haciendo su paso por cines de todo el mundo este mes de octubre y la cuarta ya anunciada. El psicópata Art the Clown somete a sus víctimas a extremos impensables de violencia en una película, y por extensión una saga, que en definitiva no es apta para los ojos más sensibles, y que sabe exprimir al máximo los ganchos del terror clásico y las debilidades de la mente humana. Retorciendo a la perfección, sadismo, comedia, suspense y angustia, punto de partida de una saga capaz de tocar instintos irracionales.

ROSTRO DE LA MUERTE

Alfred Sole / 1976

El debut como actriz de Brooke Shields narra la historia de una adolescente que es considerada sospechosa del asesinato de su hermana en su comunión.

NATURALEZA VIOLENTA

Chris Nash / 2024

Como Carrion, un slasher filmado desde la perspectiva del asesino que, con ritmo pausado y mucho gore, destaca entre las propuestas actuales.

SANGRIENTOS DIECISÉIS

Nahnatchka Khan / 2023

Regreso al futuro y Feliz día de tu muerte en una. Un homenaje al slasher de los ochenta con viajes en el tiempo y una carismática protagonista.

CANDYMAN

Nia DaCosta / 2021

La afroamericana actualiza el discurso de la cinta original de Rose pasándolo por el filtro black lives matter con este remake en la línea de Jordan Peele.

¡CORTEN!

Marc Ferrer / 2021

Obra de terror LGBTIQ+ que cuenta con la participación de reconocidas figuras de la escena en España como La Prohibida y Samantha Hudson. El divertido filme de Marc Ferrer reformula los códigos del giallo en clave queer y juega con lo meta a través de la historia de un director -él mismo- que ve cómo sus protagonistas son asesinadas.

MORTAL

Simon Barrett / 2021

Una joven con un misterioso pasado llega a un internado donde algo acecha a sus estudiantes. ¿Es un asesino, un fantasma o ambos?

THE SLUMBER PARTY MASSACRE

Amy Holden Jones / 1982

Uno de los primeros slashers dirigidos por una mujer, donde un grupo de chicas huye del asesino del taladro eléctrico.

Elige tu propia aventura

Sonido Muchacho

25 octubre

Los cuatro chavales que se convirtieron a base de himnos en la bandera de una nueva generación rendida a las guitarras ya no son tan chavales, y enfrentan poco a poco la madurez con cierta angustia, con algo de miedo y muchas cicatrices en el corazón, pero también se dejan cegar por la esperanza en su tercer trabajo largo, Elige tu propia aventura. Un disco en el que se atreven a probar cosas nuevas sin despegarse de sus señas de identidad: la energía implacable de Diego, el ruido de las guitarras de Mario y una trotona base llevada por Juan y Martín. Pero sobre todo la hiperestesia emocional, la nostalgia de los tiempos en los que éramos felices -si es que alguna vez lo fuimos; ojalá pudiera ver a todos mis amigos esta noche-, la localización espacio-temporal. Armónicas, acústicas y hasta secciones de viento, efectos vocales y hasta beats que se acercan al hip hop sirven para rescribir el discurso de Carolina Durante en el que es, desde la humildad, su movimiento más ambicioso y descabellado.

DORA

A flor de piel

Live In Dallas 3 octubre

Certificada su dupla artística con Pional, la pequeña de los Bosé entrega por fin su primer álbum.

AMNESIA SCANNER & FREEKA TET

HOAX

PAN 4 octubre

Un disco y su negativo: un extremo polícromo y otro rasurado y centrado en las texturas. Locura.

BELIZE

Nadie sabe dónde estás

Calaverita 4 octubre

Nueve años después de su debut, el quinteto navarro regresa luminoso y en gran estado de forma.

BIZNAGA

¡Ahora!

Montgrí 4 octubre

Oasis se cuelan entre las referencias del quinto álbum de Biznaga: canciones de amor... a la acción.

CARIBOU

Honey

City Slang / Music As Usual 4 octubre

Reconciliado con el house y tras el intimismo pandémico, Snaith ofrece su disco más celebrativo.

COLDPLAY

Moon Music

Parlophone 4 octubre

Más urbanos y electrónicos, entregados al afropop y al bass, Coldplay siguen desarrollándose.

CUMGIRL8

The 8th Cumming

4AD / Popstock! 4 octubre

Punks, industriales, krautianas y acidísimas, ciberfeministas y góticas. Lo vas a flipar.

CHARLI XCX

Brat and It’s Completely Different but Also Still Brat

Warner / 25 octubre

Remixes, nuevas versiones, colaboraciones sorpresa y sorprendentes, más easter eggs entre las letras, más ritmos locos... De todo en esta versión de brat completamente diferente que sigue ampliando tan riquísimo universo, la bratosfera, a base de iconoclastia y caos. El año de Charli XCX.

DAWN RICHARD & SPENCER ZAHN

Quiet in a World Full of Noise

Merge / Popstock!

4 octubre

El viaje de estos dos grandes compositores se adentra ahora en el minimalismo soul.

FINNEAS

For Cryin’ Out Loud! Interscope 4 octubre

Un trabajo mucho más extrovertido y colaborativo que su debut, aunque sigue faltando alma.

THE SMILE Cutouts

XL / Popstock! 4 octubre

El reverso oscuro, espacial, ensoñado y sintético de Wall of Eyes, grabado en las mismas sesiones.

ALAVEDRA

Feliz a la fuerza

Live In Dallas 10 octubre

La madurez esquiva siempre a Xiri, Dani, Ret y Genís. Y menos mal, la verdad. Guitarreo pop.

AMYL AND THE SNIFFERS

Cartoon Darkness

Rough Trade / Popstock! 25 octubre

Los australianos, contra muchos pronósticos, han conseguido abanderar el punk rock en la actualidad, y en su tercer trabajo lo aprovechan para ofrecer su versión más accesible, pensada para consolidar su estatus.

BECKY G Encuentros

RCA 10 octubre

La californiana abraza definitivamente el regional mexicano en su nuevo álbum en castellano.

YANDEL

Elyte

Warner 10 octubre

Rodeado de nuevas estrellas y montado en beats futuristas, Yandel, viajero del tiempo.

ALONDRA BENTLEY

La materia

Sonido Muchacho 11 octubre

La británico-española vuelve con una producción más ambiciosa y onírica, en la línea de Daughter.

ÇANTAMARTA Pasarela

Rimas Entertainment 11 octubre

Una oda a la Latinoamérica tropical, el trío venezolano-español da el salto a Rimas, debuta y envida.

KIKI MORENTE

Azabache

Universal 11 octubre

Después de probar la heterodoxia como buen Morente, Kiki vuelve a la pureza con su estilo propio.

THE BLESSED MADONNA Godspeed Warner 11 octubre

El testimonio de un frenético viaje personal por la pérdida, el fracaso, el éxito y la música house.

THE LINDA LINDAS No Obligation

Epitaph / [PIAS] 11 octubre

Un sonido más pop se da de bruces con el riot grrrl y hasta con el metal en su segundo álbum.

NICO B.

Aerial Display

Sonido Muchacho 17 octubre

Años investigando las posibilidades del R&B electrónico cristalizan en el debut del zaragozano.

BON IVER

Sable, EP

Jagjaguwar / Popstock! 18 octubre

Justin Vernon se repliega con su voz y su guitarra tras magnificar su sonido hasta el extremo. Paz.

CONFIDENCE MAN

3AM (LA LA LA)

Universal 18 octubre

La UK rave les sirve de pista de baile a los australianos para desfasarse como nunca.

GREG MENDEZ

First Time / Alone Dead Oceans 18 octubre

El mejor cantautor del momento debuta con Dead Oceans en este EP casi pastoral. Maravilloso.

PORRIDGE RADIO

Clouds in the Sky…

Secretly Canadian / Popstock! 18 octubre

Los británicos buscan el abrigo de la intimidad tras los años más frenéticos de sus vidas.

KELLY LEE OWENS

Dreamstate

Dirty Hit / Music

As Usual 18 octubre

El progressive, la idea de leftfield y algo de techno melódico con ambición pop dan alas al nuevo trabajo de la productora galesa, que en esta ocasión sale al mundo exterior y se acompaña de grandes figuras de la electrónica británica como Bicep, George Daniel (The 1975, pareja de Charli XCX) y Tom Rowlands (The Chemical Brothers). Para bailar con los ojos bien cerrados.

LAURA MARLING

Patterns in Repeat / Partisan / Popstock! / 25 octubre

Madre de una niña en 2023, el emocionante octavo álbum de la cantautora británica ofrece el testimonio de este período y reflexiona sobre el impacto de la maternidad, lo que simboliza en la vida de una mujer y cómo se relaciona con la genealogía en una conversación cíclica entre los que ya no están y los que nos tienen que suceder. Somos la suma de los que nos precedieron.

SHAWN MENDES

Shawn Island 18 octubre

El cantautor pop canadiense, al desnudo en el que es su quinto álbum de estudio.

CRAVEN FAULTS Bounds The Leaf Label 25 octubre

Minimalismo electrónico con alma kraut que simbolizan un viaje por el norte de Inglaterra.

HALSEY

The Great Impersonator Columbia 25 octubre

El circo de las maravillas de la estadounidense, abierto a todas sus distintas facetas sonoras.

JANIRE

Las huídas Mushroom Pillow 25 octubre

Debut industrial pero cándidamente pop para confirmar a la vasca como una artista total.

MEDIAPUNTA

The Very Best of Subterfuge 25 octubre

En su segundo disco los zaragozanos se rinden aún más a Pulp, al fútbol y a la nostalgia 90’s.

NEW WAVE KILL

Stitches For The Soul Esmerarte 25 octubre

Debut largo del nuevo oscuro objeto de deseo del rock gótico madrileño y la movida siniestra.

NOS MIRAN

Siempre igual Elefant 25 octubre

El enigma del pop electrónico, desvelado de nuevo por este dúo melancólicamente bailable.

Dir. David Camarero / Documental / España / 2024

Vampire Films / 24 octubre

En 2023 La Joia, el esperado primer disco de Bad Gyal después de casi una década facturando hits al margen del establishment, ya estaba listo, pero la de Vilassar de Mar se dio de bruces con el reverso malvado de esa industria que tan largo tiempo la había deseado. La gira de presentación de aquel año se convirtió en el teaser del teaser, y la dejó pendiendo en los hilos del déjà vu. Finalmente, en enero de este año, La Joia vio la luz cumpliendo su objetivo: certificar el estatus de Alba Farelo como superestrella mundial y afianzar su posición como diva mainstream dentro de la industria. En este documental la cámara persigue este año frenético en el que, por fin, la catalana ha logrado convertir su discurso, personal y en su propio tempo, en lenguaje universal. La historia de Bad Gyal como nunca te la habían contado. El último pulido de la joia más brillante de España.

DARIO ARGENTO PANICO

Dir. Simone Scafidi

Documental

Largo / 2 octubre

Caótica como la propia mente y obra del maestro del terror italiano, esta película documental, sobre todo, celebra una aportación inolvidable al mundo del cine.

EL MISTERIO DE SALEM’S LOT

Dir. Gary Dauberman

Rep. Alfre Woodard, Lewis Pullman

Largo / 3 octubre

Max estrena esta cinta vampírica y oscura con reminiscencias de La invasión de los ladrones de cuerpos inspirada en la segunda novela del horror master Stephen King.

HEARTSTOPPER (3ªT)

Cr. Alice Oseman

Rep. Joe Locke, Kit Connor Serie / 3 octubre

Tercera temporada de la que actualmente es la serie adolescente bandera de Netflix, explorando los límites de las relaciones masculinas y abriendo aún más el espectro.

ALAS BLANCAS

Dir. Marc Forster

Rep. Ariella Glaser, Helen Mirren Largo / 4 octubre

Una fábula que continúa el universo cinematográfico de Wonder, adaptación de la novela de R.J. Palacio. Dos jóvenes descubren el amor en un paraíso mental durante la WWII.

LOS DOMINGOS MUEREN MÁS PERSONAS

Dir. Iair Said

Rep. Iair Said, Rita Cortese, A. Zegers Largo / 4 octubre

Una historia de reconciliación y redención familiar en la que el protagonista, que huyó en su juventud a Europa para vivir libremente su sexualidad, regresa a Argentina.

LA FRANQUICIA

Dir. Sam Mendes, A. Iannucci, J. Brown

Rep. Himesh Patel, D. Brühl

Serie / 7 octubre

Sam Mendes, que de esto sabe un rato, se pone al mando de una desternillante y mordaz crítica al mundo de las franquicias cinematográficas de superheroes.

LA MÁQUINA

Dir. Gabriel Ripstein

Rep. Gael García Bernal, Diego Luna Miniserie / 9 octubre

Drama mexicano con aire de serie b y tintes sobrenaturales sobre un boxeador pasado de años que se enfrenta a fuerzas demoniacas antes de su última gran pelea.

LOS 5 GRANDES

Dir. S. Ansman, T. Williams, Peter J. Scalettar

Documental

Serie / 9 octubre

Netflix sigue de cerca a LeBron James, Jimmy Butler, Anthony Edwards, Domantas Sabonis y Jayson Tatum, ‘los 5 grandes’, durante la temporada 2023-24 de la NBA.

DIARIO DE MI SEXTORSIÓN

Dir. Patricia Franquesa

Documental Largo / 11 octubre

Franquesa reconstruye los días en los que sufrió ciberacoso y se vio atrapada en un oscuro laberinto de chantajes digitales y extorsiones a través de la exposición del cuerpo.

LA CONFIDENTE

Dir. Just Philippot

Rep. Laure Calamy, James Flynn Miniserie / 11 octubre

Interesante miniserie inspirada en hechos reales sobre una mujer que se hace pasar por una de las víctimas afectadas de los atentados de la sala Bataclán de París en 2015.

OBSERVADA

Dir. Alfonso Cuarón

Rep. Cate Blanchett, S. Baron Cohen Serie / 11 octubre

Blanchett eleva lo que Cuarón dulcifica en una serie previsible y rimbombante que aplica su propia medicina kármica a una periodista chismorrera y egocéntrica.

ROBOT SALVAJE

Dir. Chris Sanders

Animación

Largo / 11 octubre

El retorno del mejor autor de la animación reciente a su mejor forma, la de Mulan, Lilo & Stitch y Cómo entrenar a tu dragón. Si no se te salta la lágrima no tienes corazón.

STRANGE DARLING

Dir. J. T. Mollner

Rep. Willa Fitzgerald, Kyle Gallner Largo / 11 octubre

Nominada a Mejor Película en el Festival de Sitges, una cinta de terror con aire slasher personal, independiente, brutal y despiadada de las que ya quedan pocas.

THE APPRENTICE. LA HISTORIA DE TRUMP

Dir. Ali Abbasi

Rep. Sebastian Stan, Jeremy Strong Largo / 11 octubre

En Cannes, donde optaba a Mejor Película, gustó y decepcionó por igual cayendo en la ley cinematográfica de que el protagonista difícilmente puede ser un villano.

LA HABITACIÓN DE AL LADO

Dir. Pedro Almodóvar

Rep. Tilda Swinton, Julianne Moore Largo / 18 octubre

Triunfadora en Venecia, la primera incursión de Almodóvar en la producción hollywoodiense es esta adaptación de la novela de Sigrid Nunez sobre el peso de la muerte.

ANTES ERA DIVERTIDO

Dir. Ally Pankiw / Rep. Rachel Sennott, Olga Petsa, Ennis Esmer Canadá / 2023 / Surtsey / 4 octubre

Rachel Sennott -Shiva Baby, Bodies Bodies Bodies- se luce en el papel de aspirante a stand-up comedy amiga del humor negro que lidia con el estrés postraumático y que se ve envuelta en la búsqueda de una adolescente desaparecida para la que hizo de niñera, el trabajo que le paga las facturas. Un bonito y bien escrito tratado sobre el humor como antídoto contra el drama de la vida.

EL LLANTO

Dir. Pedro Martín-Calero

Rep. E. Expósito, M. Ollivier / España / 2024 / Universal 25 octubre

Martín-Calero debuta en la dirección de largos con esta cinta oscura que se preestrenaba en Donosti con candidatura a la Concha de Oro. Teje un siniestro hilo entre tres mujeres que, en distintos momentos y en lugares muy lejanos entre sí, graban una sobrecogedora silueta que las atormenta, y que las vincula a un mal acechante y desconocido.

LUKA

Dir. Jessica Woodworth

Rep. Jonas Smulders, Geraldine Chaplin Largo / 18 octubre

Adaptación libre y anacrónica de la novela de Dino Buzzati El desierto de los tártaros. Fantástica, onírica y reflexiva, es sobre todo un gusto para los sentidos.

DAAAAAALÍ!

Dir. Quentin Dupieux

PATRIA Y VIDA: THE POWER OF MUSIC

Dir. Beatriz Luengo

Documental Largo / 18 octubre

El arte, independiente, se rebela contra el sistema en Cuba. Beatriz Luengo debuta en la dirección narrando en primera persona todo lo que rodeó al himno Patria y vida

SMILE 2

Dir. Parker Finn

Rep. Naomi Scott, Lukas Gage Largo / 18 octubre

El terror cada vez más se adhiere al mundo de la fama, como pasa en esta angustiosa secuela en la que las presencias oscuras asaltan a una estrella del pop de escala mundial.

VALENCIANA

Dir. Jordi Núñez

Rep. Àngela Cervantes, Tania Fortea Largo / 18 octubre

La mejor película de Jordi Núñez muestra un reflejo de la España de los 90 a través de sus tres protagonistas, periodistas que ven incumplidas promesas de desarrollo.

AMAL

Dir. Jawad Rhalib

Rep. Lubna Azabal, Fabrizio Rongione Largo / 25 octubre

La versión belga del mito cinematográfico del profesor y los alumnos inadaptados, en la línea de La ola y El club de los poetas muertos. No sorprende pero convence.

Rep. Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche Largo / 25 octubre

Estupendo y surrealista falso biopic sobre Salvador Dalí que capta a la perfección la esencia del genio a través de la grabación de un documental que nunca llegó a realizarse.

VENOM: EL ÚLTIMO BAILE

Dir. Kelly Marcel Rep. Tom Hardy, Juno Temple Largo / 25 octubre

Tom Hardy se pone en la pegajosa y semilíquida piel de Venom por ¿última vez? para cerrar la trilogía más gamberra de Marvel y adentrarse en el multiverso.

ANORA

Dir. Sean Baker / Rep. Mikey Madison, Mark Eydelshteyn EE UU / 2024 / Universal / 31 octubre

La gran ganadora en Cannes, una película brillante y sin excesos ni excentricidades que conquista por su entendimiento del ritmo y la cinematografía. También por una deslumbrante Mikey Madison en la piel de una prostituta de Brooklyn que se enamora del hijo de un oligarca ruso con quien vive una historia de amor amenazada por la familia, el orden y la moralidad.

WOMAN OFF

Dir. M. Szumowska, Michal Englert

Rep. M. Hajewska, Joanna Kulig Largo / 25 octubre

El relato de una transición en el corazón de un pueblecito de la Polonia rural. Empática, libre, bucólica y reflexiva, un viaje en el tiempo y hacia el centro de la identidad.

YO, ADICTO

Cr. Aitor Gabilondo, Javier Giner

Rep. Oriol Pla, Nora Navas, Ramón Barea Miniserie / 30 octubre

El propio Giner se pone al frente de esta adaptación televisiva de su autobiografía, en la que cuenta cómo ingresar en un centro de desintoxicación a los 30 le cambia la vida.

APOCALIPSIS Z: EL PRINCIPIO DEL FIN

Dir. Carles Torrens

Rep. Francisco Ortiz, Berta Vázquez Largo / 31 octubre

La ría de Vigo se convierte en escenario postapocalíptico en esta adaptación de la novela de Manuel Loureiro sobre un superviviente y su gato, en la línea de Soy leyenda

ESCAPE

Dir. Rodrigo Cortés

Rep. Mario Casas, Anna Castillo Largo / 31 octubre

Mario casas se echa a las espaldas este híbrido de géneros -thriller carcelario, comedia, dramón de los gordos...- cargante por momentos. Produce Martin Scorsese.

JUROR #2

Dir. Clint Eastwood

Rep. Nicholas Hoult, Toni Collette Largo / 31 octubre

Quizá el testamento cinematográfico de uno de los más grandes autores que ha dado el medio. Un drama sobre la ambigüedad moral -y la maldad- del mundo judicial.

NUNCA TE SUELTES

Dir. Alexandre Aja

Rep. Halle Berry, Percy Daggs IV Largo / 31 octubre

Cuando no entendemos las normas que nos atan, nos vinculan, y decidimos romperlas, podemos detonar el equilibrio y exponernos a fuerzas malignas. Terror sobrenatural.

TERRIFIER 3

Dir. Damien Leone

Rep. D. H. Thornton, Lauren LaVera Largo / 31 octubre

Art, el payaso más terrorífico del cine con permiso de It y la gran obra del creador norteamericano, vuelve en su tercera peli convertido en Santa Claus para arruinar la Navidad.

LA MESÍAS

Dir. Javier Ambrossi, Javier Calvo / Rep. Macarena García, Roger Casamajor, Lola Dueñas, Ana Rujas/ España / 2023 / Divisa / 21 oct

Oportunidad para todos aquellos que no pudieron disfrutar vía Movistar+ de la ficción televisiva que más dio que hablar durante la pasada temporada. Es un digipack con 3 discos en Blu-ray, libreto y los 7 episodios que componen la turbulenta epopeya psicodélica de una mujer y su familia, siempre en busca del éxtasis -ya sea por la vía química o espiritual-. Los 40€ mejor empleados del mes.

PÁJARO QUE TRINA NO VUELA: DON’T STAY GOLD

Dir. Kaori Makita

Japón / 2021 / Selecta Visión

4 oct

Gran edición para este largamente esperado -y retrasado- OVA de temática homosexual. Edición limitada a 500 unidades con varias postales y un poster.

UN LUGAR TRANQUILO: DÍA 1

Dir. Michael Sarnoski

Rep. Lupita Nyong’o, Joseph Quinn EE UU / 2024 / Paramount / 7 oct

El abandono de Emily Blunt y de John Krasinski a la dirección se traduce en una suerte de spin of urbanita de esta historia sobre una invasión alien invidente. Buena edición.

ATRAPADA EN EL INFIERNO

Dir. Paul Hyett

Rep. Rosie Day, Sean Pertwee RU / 2012 / A Contracorriente / 8 oct

Ejercicio de “violación y venganza” de manual, con una joven obligada a prostituirse durante la guerra de los Balcanes. Incluye audiocomentario del director y making of.

CERRAR LOS OJOS

Dir. Víctor Erice

Rep. Manolo Solo, José Coronado España / 2023 / Avalon / 8 oct

La tercera cinta de ficción del reverenciado Víctor Erice. A la altura, Avalon presenta edición con funda, 50 minutos de extras y un libro de 64 páginas por la revista Caimán.

KINDS OF KINDNESS

Dir. Yorgos Lanthimos

Rep. E. Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, M. Qualley

Irlanda / 2024

20th Century Studios / 21 oct

Tres historias deliberadamente incómodas -en todos los sentidos- y -a su manera- cómicas, con el habitual elenco de actores del enfant terrible heleno haciendo horas extras tras el rodaje de Pobres criaturas. En los contenidos adicionales vamos a encontrar dos escenas eliminadas y una serie de piezas que componen una suerte de making of.

NADIE VIVE

Dir. Ryûhei Kitamura

Rep. Luke Evans, Adelaide Clemens

EE UU / 2012 / A Contracoriente / 8 oct

Un pasatiempo con forma de comedia negra en el que, tras producirse un asesinato múltiple, unos delincuentes del montón se encuentran con una joven desaparecida.

MEMORIES OF MURDER

Dir. Joon-ho Bong

Rep. Kang-ho Song, Sang-kyung Kim CoS/ 2003 / Elástica / 7 oct

Una edición espectacular de tres discos más libreto para una de las cintas que marcó el despertar del cine (y particularmente del thriller) coreano en todo el mundo.

JOSÉ LUIS GARCI (1977-1992)

Dir. José Luis Garci

Rep. Alfredo Landa, María Casanova, Miguel Rellán, José Sacristán

España / Divisa / 21 oct

El primero de dos generosos volúmenes -el segundo llegará en 2025- que recopilan por primera vez en Blu-ray la filmografía de Garci. Oportunidad para las nuevas generaciones para investigar la obra de uno de los cuatro cineastas españoles que cuenta con un Oscar, autor de cintas tan reivindicables como la neo-noir El crack

BACK TO BLACK

Dir. Sam Taylor-Johnson

Rep. Jack O’Connell, Marisa Abela

EE UU / 1990 / Universal / 30 oct

No terminó de responder a las expectativas el biopic a una de las grandes divas malditas del pop del siglo XXI. Con dos pequeños reportajes y el comentario de Sam Taylor-Johnson

TWISTERS

Dir. Lee Isaac Chung

Rep. Daisy Edgar-Jones, Glen Powell

EE UU / 2024 / Divisa / 30 marzo

Una de las sorpresas de taquilla en lo que llevamos de 2024 y el regreso del cine catastrófico como herramienta para el entretenimiento. Y, de paso, la excusa para desenterrar la original.

NEVA

Nomada Studio / :PC, PS5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch / 15 octubre

Los creadores de Gris vuelven a dar un paso al frente para presentar un juego que, una vez más, cuenta con enorme carga emocional. Neva rebosa talento desde los trazados y formas que componen su estilo artístico para dejarnos con un increíble cuadro interactivo. Otra prueba más de que Nomada Studio sabe hacer arte en forma de videojuegos.

SILENT HILL 2 REMAKE

Bloober Team

: PC, PS5 8 octubre

El remake de uno de los mejores survival horror de la historia, del juego de culto que salió hace 23 años bajo el ala de la mejor Konami que se ha visto nunca.

DRAGON BALL: SPARKING! ZERO

Bandai Namco

: PC, PS5, Xbox Series X/S 11 octubre

La nueva entrega de la franquicia Budokai Tenkaichi, dispuesta a convertirse en el juego más ambicioso de todos los basados en la obra de Akira Toriyama.

EUROPA

Novadust Entertainment / Helder Pinto / Chozabu

: PC, Nintendo Switch 11 octubre

Una encantadora aventura de exploración y plataformas en un bellísimo paraje postapocalíptico donde cada imagen parece un trazo del estudio Ghibli.

SUPER MARIO PARTY JAMBOREE

Nintendo

: Nintendo Switch 17 octubre

La gran N insiste una vez más con una nueva iteración de su saga de party games, apostando otra vez más por encontrar un equilibrio entre calidad y cantidad.

LIFE IS STRANGE: DOUBLE EXPOSURE

Deck Nine Games

: PC, PS5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch 29 octubre

La cuarta entrega de aventuras narrativas de Square Enix trae de vuelta a Max, poniendo patas arriba los sucesos recientes de la saga y rompiendo sus límites argumentales.

DRAGON AGE: THE VEILGUARD

BioWare

: PC, PS5, Xbox Series X/S 31 octubre

El nuevo gran RPG de fantasía de BioWare; la oportunidad perfecta de recuperar la confianza de uno de los fandoms más exigentes que hay en el sector.

LOS ÚLTIMOS GAME CENTER

Víctor Alonso / Héroes de Papel / 280 p. / Fotolibro, guía

Hay mundos que, pese a su aspecto antediluviano, perduran en el imaginario colectivo con fuerzas renovadas. El de los salones recreativos es uno de esos mundos. Si además son japoneses y nos los traen en forma de guía del territorio arcade que aún perdura en Japón, con fotos y descripciones de estos templos del entretenimiento analógico, eso pasa a nivel “futuro añorado”.

MÚSICA SUMERGIDA

VVAA

Autoplacer y Museo CA2M

280 p. / Música

La doctrina del do it yourself se revela en esta ilustrada (300 imágenes) antología de voces y bandas que, entre 2009 y 2024, emergen de la nada por puro placer.

CIUDADES DE LA MÚSICA

Guia Cortassa

Lunwerg

240 p. / Música

La música motiva viajes geográficos, y en este volumen hallarás los puntos cardinales que han sujetado los ritmos del hemisferio norte entre los siglos 20 y 21.

ROSALÍA DE LA A A LA Z

Marta Salicrú Cúpula

192 p. / Bio, música

Bizcochito, despechá, motomami o tra tra son cuatro perlitas del genial abecedario con el que Rosalía ha modelado su universo en expansión. Para fans de la musa catalana.

POESÍA COMPLETA

Gata Cattana

Aguilar

240 p. / Poesía

Por fin, toda la poesía de la Gata reunida en un libro, ocasión ideal para comprobar que su talento precoz perdura en el tiempo con autoridad entre todas las nuevas voces.

TODOS LOS NOMBRES BEBEN

Fran Fernández Álvarez

Letraversal

78 p. / Poesía

No es raro leer a poetas con alta formación científica y sentir cómo se arriman y nos aproximan a olvidados espacios vaciados. Fran es el último caso, premiado además.

EL GRAN LIBRO DEL ANIME

Nathalie Bittinger

Lunwerg

192 p. / Cine, guía ilustrada Guerras, desastres naturales, naturaleza, ecología, magia, distopías, fábulas sobre la infancia. Todo cabe en las obras maestras de la animación japonesa. Antología exuberante.

EL LIBERTADOR DE MIS SUEÑOS. ALUNDRA

Oriol Vall-llovera

Héroes de papel

260 p. / Narrativa

Es guía, ensayo y novela a la vez. Amantes de los videojuegos, entrad en este gran homenaje a The Adventures of Alundra, uno de los mejores RPG de acción jamás realizados.

DÍAS LENTOS, MALAS COMPAÑÍAS

Eve Babitz

Colectivo Bruxista

220 p. / Bio, narrativa

Algunas formas de amar dan para contar historias personales sin pudor ni arrepentimiento. Luego está Eve, que además supo compartirlas con muy buena letra.

VIVIR AL DESNUDO

Margaux Cassan

Plankton Press

168 p. / No ficción

Reconforta encontrar autoras que se zambullen desde lo personal en la Historia, en este caso la del naturismo.

Lo de ir en bolas viene de largo, y mola recuperarlo.

LA PRIMA PHILLIS

Elizabeth Gaskell

Ediciones Invisibles

224 p. / Novela

¡Qué gran paso es para un joven disponer por primera vez de vivienda independiente! Así arranca esta novela escrita en 1864. Todo en ella es actual, prima decirlo.

TODAS LAS VENTANAS

Bárbara Sánchez

Plaza & Janés

312 p. / Novela

La indiscreción se ha retorcido mucho desde que rodaba Hitchcock. Un grupo de vecinas deciden crear un podcast en el que contar y compartir sus vidas. Debut.

UN MOMENTO DE TERNURA Y DE PIEDAD

Irene Cuevas

Reservoir Books

184 p. / Novela

En ocasiones, amor y familia dan para asesinato. Así se sostiene este libro, escrito con humor y soltura. Ojo, es más de lo que parece. Un regalo top para estas navidades.

NEGRO TAL VEZ

Attila Veres

Sexto Piso

320 p. / relatos weird

Nada más negro que el malestar bien contado. Adornados con situaciones absurdas, diálogos acertados y altas dosis de imaginación, estos relatos son crema.

TERMUSH

Sven Holm Impedimenta

144 p. / Ciencia ficción

El apocalipsis hace match con la diferencia de clases. Un autor visionario del siglo XX escribió sin saber lo cerca que hoy llegaríamos a estar de su relato de ficción. Asusta.

SAMUEL & BECKETT

Jorge Carrión, Javier Olivares

Salamandra Graphic / 160 p. / Color / 23,95 €

El escritor Jorge Carrión y el artista Javier Olivares vuelven a colaborar tras el excitante tour de force literario que era Warburg & Beach. Sin abandonar el mundo de las letras, su nuevo juguete de experimentación es Samuel Beckett. No esperes una biografía al uso, Olivares sigue haciendo magia en cada página.

ANATOMÍA DE UN CORAZÓN

Antonia Bañados

Lumen

208 p. / Color / 23,90 €

La chilena Antonia Bañados realiza una sensible biografía sobre su abuela doctora, quien luchó contra los prejuicios de género en el Chile de los años cincuenta.

CALLE PELIGRO

Tom King, J. Fornés, D. Steward

ECC Ediciones

368 p. / Color / 43,50 €

El increíble equipo formado por King y Fornés volvió a deslumbrarnos con un noir finísimo protagonizado por los personajes más losers de la historia de DC Cómics.

CHE/EVITA

H.G. Oesterheld, A. Breccia

Reservoir Books

176 p. / BN / 29,90 €

Nunca publicado en España, Reservoir recupera dos biografías tan dispares como la del Che Guevara y Evita Perón con las tintas de su inseparable Alberto ‘Viejo’ Breccia.

DOCTOR EXTRAÑO

Donny Cates, Gabriel H. Walta

Panini Cómics

360 p. / Color / 44 €

Antes de hacerse famoso con Veneno, Cates comenzó una brillante etapa con el español Hernández Walta en la cabecera de Doctor Extraño. Incluye el crossover mágico con Damnation

LEJOS

Alicia Jaraba Nuevo Nueve

135 p. / Color / 25 €

Las vacaciones en apenas dos metros cuadrados -lo que da una furgonetaen Cabo de Gata son claustrofóbicas para una pareja que se ha ido alejando poco a poco en el último año.

UNA MUJER DE ESPALDAS

Yamada Murasaki

Salamandra Graphic

384 p. / BN / 29,95 €

Publicada en la revista Garoa a principios de los ochenta, la obra maestra de la mangaka Murasaki radiografía las pesadillas de la clase media japonesa de la época.

NEGRO HORIZONTE

Philippe Pelaez, B.Blasco-Martinez

Tengu

56 p. / Color / 20 €

Ciencia ficción europea con el autor de Catamount. Un muro de pura oscuridad es impenetrable en el planeta

Kepler-452 b. ¿Podrán unos presos atravesarlo y regresar?

EL NIRVANA ESTÁ AQUÍ

Mikaël Ross

Astiberri

344 p. / BN / 25 €

Nos enamoramos del arte vibrante de Ross con la biografía de El joven Ludwig Ahora lo tenemos en meridianos más modernos con una historia extraña a caballo entre el noir y el drama.

PETER PAN DE KENSINGTON

Jose Luis Munuera

Astiberri

96 p. / Color / 18 €

Munuera adapta por primera vez al cómic el relato El pajarito blanco, la primera aparición de Peter Pan antes de la famosa obra de teatro de 1904. La protagonista es Maimie, no Wendy.

ELS PIZZLYS

Jérémie Moreau

Editorial Finestres

200 p. / Color / 32,50 €

El autor de La saga de Grimr sigue con sus fábulas ecologistas con una novela gráfica sobre cambiar de usos tecnológicos. Cómic solo publicado en catalán.

POLINA

Bastien Vivès Diábolo

210 p. / BN / 24,95 €

La mejor obra de Vivès vuelve después de estar varios años agotada. Una emotiva historia sobre la amistad y el aprendizaje entre una bailarina y su profesor de baile.

VIVIR Y MORIR EN AUSCHWITZ

Dietmar Reinhard

Planeta Cómic

112 p. / Color / 19 €

Basado en declaraciones y registros de Haltlingen y Lager-55, esta novela gráfica nos acerca al horror más descarnado del infame campo de concentración nazi.

EL HORROR DE DUNWICH

Gou Tanabe

Planeta Cómic

216 p. / BN / 19 €

En esta revista somos muy fans del terror japonés, y más si son adaptaciones tan meticulosas y detalladas -también perturbadoras y personalísimas- como la que hace el mangaka sobre el bardo de Providence, H.P. Lovecraft.

RADAR JOVEN

Varias salas (COMUNIDAD DE MADRID) Del 17 de octubre al 10 de noviembre

AGOSTO / AIRU / ANOUCK THE BAND / BOSCO HERRERO / CANTEO! / CARACAZADOR (FOTO) / CORTE! / CRISTINA LEN / D. DRAMÁTICO / DESTELLOS / DIANKA / EL FARO / EZEZEZ / FANEKA / GENBOO / GHOULJABOY / GILIPOJAZZ / HOFE X 4:40 / JUNIO / KORASHE / L3MUR / LAS NIETAS

DEL CHARLI / LINA DE SOL / LORD MALVO / LOS CHIVATOS / LULIBONO / LY RAINE / MARGARITA QUEBRADA / MARÍA BLAYA / MARÍA DE JUAN / MARINA SÁNCHEZ / MARINA TUSET / MENTA / MEXIN / NEURA / NINA EMOCIONAL / ORTOPEDIA TÉCNICA / PÁLIDA TEZ / PATRICIA LINT / QUINTO CUARTA / RED CACTUS / REZELO / RUVENRUVEN / SABE / SANGUIJUELAS DEL GUADIANA / STIVIJOES / TATUAJE / TOMÁSSS / TWIN / VERA GRV / XENIA / XURE

Tercera edición ya de un ciclo imprescindible y totalmente en sintonía con lo que proponemos desde estas páginas: Radar Joven pone a girar por diferentes poblaciones de la Comunidad de Madrid a jóvenes artistas de diferentes partes de la geografía nacional, destinados a convertirse en las estrellas de un mañana que cada vez resulta más cercano. 54 conciertos en 22 salas que sirven por un lado para radiografiar la salud de la escena y también, por qué no, para dar a conocer algunas poblaciones madrileñas que son un tesoro por descubrir para buena parte del público natural de esos grupos. Todo encaja.

SALA WURLITZER OCTUBRE 2024

CHILD miércoles 2

CARMELITA + RODHER + SANTOPORTO jueves 3

ENAMORADOS+ MORREADORAS+

BOSTON BABIES viernes 4

BODEGA + ANGELADORRRM sábado 5

COER À L’INDEX lunes 7

KARAKARA + KING FUCKING MOB + CIGUEÑA martes 8

STRENSBREW miércoles 9

NERVIO IGNOTO + SYD DE PALMA + URGENCIAS jueves 10

THE CAPACES viernes 11

VIUDA (FOTO) + SOFIA sábado 12

FESTIVALES

SONORAMA IBIZA

Cala de Bou (IBIZA)

Viernes 4 y sábado 5

COLERICO BUDA + HE HEADLESS CHIMPS domingo 13

BIG BLOOD + COMEGENTE lunes 14

STEREOLIKES #20 martes 15

EEL MEN + DEAR JOANNE miércoles 16

PRETTY AVERAGE+ JØL jueves 17

BALONCESTO+ PRIMER INFANT viernes 18

LA CASA AZUL

Andreew, Besmaya, Chambao, Comandante Twin, Dorian, Embusteros, Glotón, Green Valley, Igloo, La La Love You, Merino, Por Las Noches, Raule, Suu, Ultraligera, Varry Brava. https://sonoramariberaibiza.es

BIME

Varios espacios (BILBAO)

Del 29 de octubre al 2 de noviembre Alai, Blackpanda, Çantamarta, Ezezez, La Furia, Laia, Maestro Espada, Mar Pujol, Meritxell Neddermann, Montana, The Riders of the Canyon, Vera GRV,... https://bime.org

CONCIERTOS

JULIA JACKLIN

Teatro Lara. Madrid. Martes 1

Apolo. Barcelona Miércoles 2

FAT DOG

El Sol. Madrid. Miércoles 2

RVFV

WiZink Center. Madrid. Jueves 3 Sant Jordi Club. Barcelona. Viernes 11

WALLS Santana 27. Bilbao. Viernes 4 Moon. Valencia. Viernes 11

Razzmatazz. Barcelona. Domingo 13

Pandora. Sevilla. Viernes 25

MELANIE MARTÍNEZ

Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 5 WiZink Center. Madrid. Lunes 7

CABESTRO + FALSO 9 sábado 19

THE SECRET SOCIETY lunes 21

BLACK TUSK + LORD DYING martes 22

CATALOGUE + ESPAÑA FUTURISTA miércoles 23

THE YUM YUMS jueves 24

GHOSTWOMAN viernes 25

WiZink Center. Madrid. Viernes 11 Marina Beach Club. Valencia. Sábado 12

NATOS Y WAOR

Rocanrola. Alicante. Viernes 11

Marina Norte. Valencia. Viernes 18 WiZink Center. Madrid. Sábado 26

THE VACCINES

But. Madrid. Martes 15

Apolo. Barcelona Miércoles 16

ST. VINCENT

Razzmatazz. Barcelona Viernes 18 La Riviera. Madrid. Domingo 20

DELAPORTE

Capitol. Santiago de Compostela. Viernes 18

AXOLOTES MEXICANOS + LISASINSON + PIPIOAS (FIESTA ELEFANT))

But. Madrid. Sábado 19

ALCALÁ NORTE

Joy Eslava. Madrid. Viernes 25 y sábado 26

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

WiZink Center. Madrid. Viernes 25

ARTES ESCÉNICAS

FESTIVAL AFTER CAGE

Varios espacios (PAMPLONA)

Del 8 al 31 de octubre

After Cage es un festival-laboratorio que se define como espacio de creación artística. La música contemporánea experimental, el diálogo con las demás artes en su sentido más amplio y la mirada siempre puesta en las aristas del folklore y las costumbres como cuna y provocación creativa

ATENCION TSUNAMI + LA JOYA sábado 26

PERRO DEL KAOS - MUCHO KAOS domingo 27

BILLIAM + SEGGS TAPE + ANALISIS Y LOS RESULTADOS + ALTOS HORNOS martes 29

BRAT FARRAR + 4 LULUS miércoles 30

HALLOWEEN PSYCHOBILLY BASH jueves 31

TRONKAS + NOISY REQUIEM + FIEBRES DE LAS MONTAÑAS ROCOSAS viernes 1 noviembre

VIGILANT + SERPE sábado 2 noviembre

son los ejes de esta iniciativa promovida por el colectivo E7.2. La undécima edición de este festival internacional se celebrará con la figura de Mnemósine, diosa griega de la memoria, como tema principal. Artistas y creadores utilizarán su trabajo para representar esta memoria colectiva, ayudando a preservar la identidad cultural. 15 encuentros artísticos, pedagógicos y de vinculación social que se celebrarán en diferentes sedes como el Museo de Navarra, el Museo Universidad de Navarra, el Museo-Fundación Jorge Oteiza, el Casino Principal de Pamplona y el Conservatorio Superior de Música de Navarra, diversos espacios públicos de Pamplona como la Ciudadela o la Plaza del Castillo y cinco centros educativos.

https://festivalaftercage.es

ALBERT SERRA+MOLFORTS

CCCCondeduque (MADRID) 12 de octubre

Buen plato, estreno en Madrid, para buena fecha: una performance protagonizada por artistas colaboradores habituales del cineasta Albert Serra, como la actriz y cantante alemana Ingrid Caven y Molforts, el grupo experimental que suele firmar la banda sonora de sus películas. Molforts son una banda experimental catalana que utiliza la improvisación de forma conceptual y anticadémica para crear paisajes sonoros cargados de elegancia e intensidad. Trabajan en la órbita del entorno creativo de la productora Andergraun Films, y son los creadores de las bandas sonoras de las obras de Albert Serra.

https://www.condeduquemadrid.es

MOMENTS 2024

Varios espacios (SEVILLA, MÁLAGA, MADRID)

Del 12 al 23 de octubre

Ocasión única para descubrir sin tabúes la historia de diferentes culturas urbanas contemporaneas y populares que nacieron gracias a la filosofía D.I.Y. tan arraigada en las diferentes subculturas como el punkrock, el skate, el surf, el graffiti, el jazz, o

BIG UP!

Cuartel de Artillería. Centro Párraga / MURCIA / del jueves 3 al sábado 5 AIXA / BARRY B (FOTO) / CALARE / CARLOS ARES / CLAIM / DANI SABATER / HOUSE OF DAWN / KILARA / LA 126 / LUZ ROJA / MICHALE GRAVES / NORTE PERDIDO / NOSOYMERI / Y MÁS...

Más que un festival -aunque también cumpla con esa función, como deja claro el listado de nombres sobre estas líneas que estarán actuando en los diferentes escenarios repartidos por la ciudad de Murcia- un punto de encuentro y reflexión para el sector de la música. Además NUEBO estaremos presentes dentro de la charla El reto de la prensa escrita en formato físico

el flamenco… mediante el diseño, la gráfica, la música, el cine, la fotografía, la moda, la historia, el muralismo, la documentación, la literatura, la artesanía… y que hoy día han cambiado para siempre la concepción de la cultura y el arte en mayúsculas. En NUEBO nos llama la atención la cita con Violeta Sarabia (El Neotaller, Málaga, día 25), quien dará un concierto del instrumento de cuerda steel guitar de 20 minutos de duración inspirado en la obra fotográfica de Fernando Nieto, que estará expuesta junto a una proyección. También nos interesa La Uonki (Luna Luna Tattoo, Sevilla, día 19), que presenta sus últimos trabajos bajo el título Azahar y Delantale. Igualmente en Sevilla, apuntamos fecha para ver en directo a Cuerda Huida con toda su rabia, mezcla de punk, post-hardcore y post-punk. Estarán actuando en el Bar Mutante, el día 18. Y en Madrid no nos perderemos el concierto de Yeli Yeli (sala Siroco, día 18) ni la exposición del ilustrador y skater Jeremy Fisch(Swinton Gallery, día 19). https://www.momentsfestival.org

SHE MAKES NOISE

La Casa Encendida (MADRID)

Del 15 al 20 de octubre

She Makes Noise celebra diez años, y sigue siendo un festival multidisciplinar centrado en visibilizar y dar espacio a mujeres y personas no binarias en la música electrónica y el audiovisual. La edición de

2024 propone descubrir por primera vez en Madrid nombres internacionales como Xexa, bela y el dúo formado por Laura Robles & Ale Hop. A todo ello se le suma la inauguración del festival acogiendo la única actuación en España de la compositora, performer y cantante británica Gazelle Twin Cierra el festival la actuación de 33EMYBW con un concierto audiovisual visionario junto a la VJ y artista digital Joey Holder. Además, repiten, en una suerte de acompañamiento y evolución conjunta, aunque con trabajos nuevos, Deena Abdelwahed y Mursego. Completan la programación dos talleres, el programa En Familia con los sonidos tropicales de Chica Acosta y La Niña Jacarandá, y el ciclo de cine contemporáneo que caracteriza al festival, una propuesta de películas internacionales de historias comprometidas con el presente y de riesgo formal, que inciden en una nueva genealogía feminista y trans, con las directoras Constanze Ruhm, Sofía Esteve, Isa Luengo, Marina Freixa Roca, Norika Sefa y Julieta Seco https://www.lacasaencendida.es

EL TIEMPO DE LAS TORTUGAS

CC La Sagrera “La Barraca” (BARCELONA)

Día 11 de octubre

Enmarcada dentro del ciclo de otoño del programa Barcelona Districte Cultural, se presenta una buena oportunidad para conocer el trabajo de

Dora Cantero. El humor, el amor y el desamor llenan de contenido esta poesía visual, un estriptis emocional sobre las corazas y los corazones, desde una perspectiva femenina y con la complicidad en directo de la música de Joan Bramon Mora El tiempo de las tortugas es un viaje emocional a través de los poemas de Dora Cantero y la delicada presencia musical de Joan Bramon. La obra fue premiada en la 33a Fira de Titelles de Lleida con el Drac d Or a la mejor dramaturgia. https://www.barcelona.cat/districtecultural/es

EXPOSICIONES

TABITA REZAIRE. NEBULOSA DE LA CALABAZA Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (MADRID) Del 8 de octubre al 12 de enero

Tabita Rezaire (París, 1989) es artista, devota, yogui, agricultora, terapeuta y activista, y todo ello queda expuesto de algún modo en sus creaciones. En el trabajo que ahora podemos admirar en Madrid, Nebulosa de la Calabaza, reúne dos instalaciones de nueva producción: Des/Astres y OMI: Yemoja Temple (2024). Des/Astres, es una instalación co-producida por TBA21 y la Fundación Louis Vuitton, que recuerda a las construcciones tukisipan de los Wayana y su maluwana (casa del cielo), un lugar de reunión para asambleas, celebraciones, intercambio, transmisión y colaboración. OMI: Yemoja Temple es una instalación inmersiva dedicada a la Orisha Yemoja, el espíritu madre de los ríos y océanos, símbolo de origen y perpetuidad de la vida. La obra es el resultado de una colaboración entre la artista Tabita Rezaire, el artista y arquitecto Yussef AgboOla y los biólogos Alex Jordan y Anja Wegner del Instituto Max Planck de Comportamiento Animal https://tba21.org

GERMAN LANDSCAPE

3 Punts Galería (BARCELONA)

Hasta el 2 de noviembre

El pintor alemán Jan Schüler es uno de los artistas más representativos de la nueva figuración europea. Sus retratos nos permiten entrar en escenas de la vida cotidiana, donde los personajes nos interpelan con la mirada. Sin embargo, los paisajes de este artista son más austeros y transmiten serenidad. En la serie Deutsche Landschaft (Paisaje alemán), publicada desde 2017, Schüler encuentra sus motivos en ciudades como Dresde y Frankfurt, ambas centros del romanticismo alemán, en Weimar, donde se fundó la primera república alemana, en Düsseldorf o Berlín, centrándose en fechas históricas y lugares centrales de la historia. https://www.3punts.com

LPC Y AMIGOS: RUIDO Y FURIA AL OTRO LADO

La Gran (MADRID)

Hasta el 9 de noviembre Luis Pérez Calvo (Madrid, 1962) es un artista cuyo trabajo bebe directamente de la música popular urbana, del circo, del cine, de rebuscar en El Rastro, de las verbenas y los viejos tebeos. Para la apertura de temporada, LPC abre su exposición en La Gran a otros 15 amigos artistas y rinde homenaje al ruido y la furia que siempre ha surgido del sur madrileño, de los carteles de los grandes festivales de rock y de las obras de sus artistas favoritos, representados aquí por amigos que han desarrollado piezas dedicadas a su trabajo: Borja Bonafuente, Nacho Casares, Carlos García Alix, Alfredo García Revuelta, Montse Gómez Osuna, Carmen González Castro, Patricia Landabaso, Teresa Moro, Jonathan Notario, Guillermo Peñalver, Cristina Ramírez, José Antonio Reyes, Óscar Seco, Marta Serna y Abdul Vas. Una pesadilla psicodélica y barroca llena de edificios robot, grúas… una locura que recuerda a algunos de los artistas fetiche de Pérez Calvo; James Ensor, Goya, o Grosz mezclados con la estética de las ferias y de los conciertos de rock del Vistalegre o de la Torre Capitol. Además, obras más pequeñas, pero también ruidosas, acompañan a sus reconocidos jarrones esgrafiados donde las ciudades se convierten en junglas de cemento. https://www.lagran.eu

MADRID URBAN FEST

Centro Cultural Pilar Miró, Vallecas (MADRID)

del 25 de oct al 9 de nov

19 hrs

El MUF, organizado por la Comunidad de Madrid en el Centro Cultural Pilar Miró del barrio de Vallecas, programa diez conciertos, sesión de baile, djs, clases magistrales y una competición de breakdance en lo que es una celebración por todo lo alto de la cultura urbana. We$t Dubai, La Blackie, Choclock, Daniela Garsal, Orovega, L’Beel, Grecas, Faenna, Metrika y l0rna en el terreno de los conciertos, las breakers Ana Furia y RawLaw, Bboy Mini Joe -ganador del Bc One Red Bull 2024-, la expo Breaking the World y muchas actividades más conforman un cartel imperdible para los aficionados a la cultura urbana.

A medio camino entre la psicodelia vintage más contundente de bandas como Parquet Courts y la pegada post-punk de Idles o Viagra Boys, EZEZEZ son, en definitiva, la evolución improbable del proyecto en solitario de Unai Madariaga. Desconfinado poco a poco según íbamos dejando atrás los días más duros de la pandemia, afianzó su relación con su productor, Eneko Ajangiz, y en apenas unos días ya eran una banda completa con la entrada de Álvaro Olatxea a la batería y Mikel Irigoyen al bajo. Una de las que confía, además, en el valor del do it yourself, que defiende la independencia y que apuesta siempre por la intensidad y por el ruido. En apenas dos años lo han demostrado sobradamente en dos álbumes largos, el extraño y oscilante When I Think Something Is Funny I Smile y el más directo y compactado Katuzaldia, y 2024 les está viendo dejar grabado su nombre en todos los templos de la música industrial y la rabia punk de nuestro país. Si todavía no te has peinado con su descarga, estás a tiempo...

ALCALÁ NORTE

ALDAKAN

sábado 5

Tempo Club / Madrid

viernes 11

La Salvaje / Oviedo

sábado 12

Clavicembalo / Lugo

domingo 13

Black Bourbon / Leon

ANNA COLOM

jueves 3

Garufa / A Coruña

viernes 4

Clavicembalo / Lugo

sábado 5

La Pecera / Vigo

AL DUAL

sábado 5

Cochera Cabaret / Malaga

sábado 19

Sala H / Ponferrada

sábado 26

Hell Dorado / Vitoria

ALCALÁ NORTE

sábdo 5

La cueva del Jazz / Zamora

viernes 18

Rem / Murcia

PROGRAMACIÓN ARTISTAS

ARTISTAS DEL GREMIO

viernes 18

Zeppelin Club / Castellón

viernes 25

C.T. Avalon Green / Soria

COSMIC WACHO

viernes 18

O Rebullón / Mos, Pontevedra

sábado 19

A Pousada / Boiro

EZEZEZ

jueves 3

La Fundición / Logroño

jueves 24

Zeta / Zaragoza

ANNA COLOM

SOCUNBOHEMIO

EN RUTA OCT 2024

KARMENTO

FANEKA

jueves 24

Avalon Cafe / Zamora

viernes 25

Universonoro / Palencia

J MARTINA

sábado 5

Taro / Barcelona

jueves 10

Café La Palma / Madrid

JORDANA B

sábado 26

Lemon Rock / Granada

JULIA COLOM

sábado 26

Dabadaba / Donostia

KARMENTO

sábado 5

Off Cultura / Badajoz

viernes 11

Kutxa Kultur Kluba / San Sebastián

NUEVE

DESCONOCIDOS

jueves 31

La Yeseria / Murcia

SOCUNBOHEMIO

viernes 4

Matisse / Valencia

jueves 31

Crystal / Bilbao

BENALFEST

Recinto ferial Los Nadales / BENALMÁDENA / viernes 11 y sábado 12

EL KANKA / ANDREEW (FOTO) / ARCO / COMANDANTE TWIN / GRAN PREMIO / LA HABITACIÓN ROJA / SEXY ZEBRAS / VARRY BRAVA

La llegada del otoño no impide que siga habiendo magníficas oportunidades para salir de las grandes ciudades en busca de turismo con coartada musical. Benalfest tiene lugar en el Parque de Los Nadales, situado en un precioso acantilado de la localidad costera malagueña. Un festival de pequeño formato con el sello de calidad organizativo de Sonorama.

VELVET DAWNS

VETA (MADRID)

Hasta el 22 de noviembre

El polaco Maciej Kość (Polonia, 2001) es el artista en residencia más joven de VETA by Fer Francés. Durante su estancia de cuatro meses en Madrid ha pintado seis lienzos de gran formato, inspirados por Goya y con los roedores como protagonistas. La exposición Velvet Dawns presenta estas obras junto a otros trabajos anteriores del artista, a medio camino entre la pintura y la escultura. https://vetagaleria.com

TERRASZA BCN 2024

FX Barcelona Film School (BARCELONA)

Del 16 al 26 de octubre

Enmarcado en las actividades de la Barcelona Design Week, se presenta un circuito de showroom tiendas de diseño para espacios exteriores, repartidos por toda la ciudad, así como ubicaciones alternativas como terrazas de hoteles y restaurantes. https://barcelonadesignweek.com

ESTAMPA

IFEMA (MADRID)

Del 17 al 22 de octubre

Llega octubre y, con él, la feria del mercado del arte más esperada del otoño. Conforman el programa general las principales galerías del país, las Helga

de Alvear, Fernando Pradilla, Max Estrella, etc…

A estas, se vienen incorporando las de última generación: WeCollect, VETA, Lariot Collective Este año, ESTAMPA contará con Alberto García-Alix como artista invitado, quien presentará una serie de fotografías creadas especialmente para la ocasión. https://www.ifema.es/estampa

AUDIOVISUAL

CURTOCIRCUITO

Varias sedes (SANTIAGO DE COMPOSTELA)

Del 1 al 6 de octubre

La inauguración de Curtocircuito acogerá un live cinema ideado expresamente para este acto. La formación efímera Submarina de Improvisación musicará en directo el filme Veinte mil leguas de viaje submarino (Stuart Paton, 1916). El filme es una adaptación ingenua y pretenciosa (que roza lo vodevilesco) de la novela homónima de Julio Verne https://www.curtocircuito.org

FESTIVAL DE SITGES

Varios espacios (SITGES)

Del 3 al 13 de octubre

El Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico

de Catalunya se ha convertido en una cita ineludible para los cinéfilos y el público que quiere ver las últimas tendencias y las nuevas tecnologías aplicadas al cine de género fantástico y de terror. Este año, Mike Flanagan, Amy Adams, Christopher Reeve y James Ward Byrkit son algunos de los rostros que se suman con sus trabajos a la programación del festival. Amy Adams acude a la Secció Oficial Fantàstic Competició con Canina (Nightbitch), la nueva película de Marielle Heller, recién llegada de Toronto. La directora de The Diary of a Teenage Girl se lanza al cine de género con este retrato de una maternidad salvaje en la que también aparecen Jessica Harper y Scoot McNairy. También llega de Toronto Ick de Joseph Kahn, una delirante historia de hijas perdidas y invasiones alienígenas que pide a gritos ser vista en pantalla grande y que se añade a la Sección Oficial Sitges Collection. ¿Es un pájaro? ¿Es un avión? No, es Super/Man: The Christopher Reeve Story de Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el documental sobre la emotiva historia del actor estadounidense que también sobrevolará Sitges este octubre. https://sitgesfilmfestival.com

INTERSECCIÓN

Varias sedes (A CORUÑA, MADRID)

Del 22 al 26 de octubre

El Festival Internacional de Cine de A Coruña apuesta por las corrientes más libres del cine de autor. Su programación acoge películas independientes creadas desde el riesgo y la innovación. Este año, se expande en su séptima edición y organiza una retrospectiva del colectivo austríaco Total Refusal en colaboración con Medialab y Cineteca de Matadero. Será la primera retrospectiva que se haga en España al trabajo del colectivo. Se proyectará la obra integral y se contará, en ambas sedes (A Coruña y Madrid), con la presencia de los artistas, que centran su trabajo en los videojuegos para crear narraciones políticas en forma de vídeos, talleres e intervenciones. Total Refusal se autodefine como “una guerrilla mediática pseudomarxista” centrada en la intervención artística y la apropiación de los videojuegos convencionales para revelar el aparato político que se esconde detrás de estos medios. Se apropian de sus recursos y trabajan con el trasfondo y el discurso del videojuego para ponerlos al servicio de la sociedad y crear espacios de debate públicos. El colectivo está formado por los artistas, investigadores y cineastas Susanna Flock, Adrian Haim, Jona Kleinlein, Robin Klengel, Leonhard Müllner y Michael Stumpf https://interseccion.gal

IN-EDIT

Mooby Aribau Multicines (BARCELONA)

Del 23 de octubre al 3 de noviembre

El estreno mundial de La Joia, la crónica del vertiginoso ascenso a icono generacional de Bad Gyal dirigida por David Camarero dará el pistoletazo de salida a once días de cine y música con una de las programaciones más potentes de estos 22 años de festival. Pero hay otros nombres, otros artistas protagonizando títulos esperados, como Blur, Die Antwoord, Devo, The Black Keys, Simple Minds, Brian Jones, The Mars Volta, Genesis P-Orridge o Swamp Dogg. A todos ellos se suman el grupo escocés de post rock Mogwai; un referente del indie como Pavement; la figura country June Carter; la cantautora folk-rock Ani DiFranco; el fenómeno de la música urbana neomelódica napolitana Liberato; y raperos clásicos de la talla de Notorious B.I.G., Method Man, Dr. Dre o Snoop Dogg. Otras novedades incluyen al grupo de hard rock Steppenwolf y su Born to Be Wild; el mítico pianista de jazz Erroll Garner; el revolucionario saxofonista del jazz de vanguardia Ornette Coleman; las películas del grupo postindustrial Coil; y el deslumbrante plantel de artistas que hicieron historia en el prestigioso Festival de Jazz de Montreux: Aretha Franklin, Marvin Gaye, Quincy Jones Nina Simone o David Bowie, por citar unos pocos. Y llama la atención la propuesta dedicada a Brian Eno, más que una película, un mosaico

parcialmente aleatorio en el que un software desarrollado ex profeso remezcla cientos de horas de entrevistas e imágenes de archivo de manera diferente en cada proyección. En cuanto a producciones patrias, se esperan las historias de la mítica sala Zeleste, la escena black metal de Barcelona, el conflicto de identidad entre Marisol y Pepa Flores, una reivindicación del legado flamenco del barrio del Sacromonte en Granada y la traumática experiencia en Eurovisión de la boyband

D’Nash Estopa y Supersubmarina también se podrán contemplar en gran pantalla. https://es.in-edit.org

SEMINCI

Varios espacios (VALLADOLID) https://www.seminci.com

Grandes autores del cine europeo e internacional competirán por la Espiga de Oro de Seminci, que en su Sección Oficial programará los últimos trabajos de cineastas como los franceses Olivier Assayas (Hors du temps) y Alain Guiraudie (Misericordia), el portugués Miguel Gomes (Grand Tour), el chino Guan Hu (Black Dog) y la griega Athina Rachel Tsangari (Harvest), además de la italiana Maura Delpero con Vermiglio, flamante Gran Premio del Jurado en el recién celebrado Festival de Venecia. A estos nombres se suman los nuevos y esperados trabajos de los cineastas iraníes Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha (My Favourite Cake), el noruego Dag Johan Haugerud (Sex), el rumano Emanuel Pârvu (Tres kilómetros al fin del mundo), el mexicano Alonso Ruizpalacios (La cocina) y el singapurense

Yeo Siew Hua (Stranger Eyes). Junto a ellos, la Sección Oficial programará en competición las óperas primas de la directora griega Ariane Labed (Septiembre dice), el noruego Halfdan Ullmann Tøndel -nieto de Liv Ullmann e Ingmar Bergman- (Armand), y la francesa Agathe Riedinger (Diamante en bruto). Michel Hazanavicius, otro de los grandes nombres del cine internacional, presentará fuera de concurso

SALA BERLANGA

Programación de octubre 2024

Madrid

Ciclo de conciertos: Madrid, capital del jazz latino

Del 1 al 3 de octubre 20h

Entradas: 6,50 euros

Nuevos territorios con Moisés Sánchez, Eva Català Group, Xan Campos Cuarteto, Irene Reig Cuarteto y Bruno Calvo Quartet viernes 4: 19.30h

sábado 5: 20h

Entradas: 6,50 euros

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘Herencia’ de Iñaki

Rikarte

Estreno absoluto martes 8 19:30h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo de cine mexicano LGTBIQA +: Lugares sin límite miércoles 9 y jueves 10 18:30h y 21h

Entrada libre previa invitación

Ciclo audiovisual: SGAE Documental 2024

11, 12, 24, 25 y 26 de octubre 19h y 20:30h / 21h

Entradas: 3,50 euros

su película de animación The Most Precious of Cargoes. La nueva hornada del cine independiente norteamericano tendrá sin duda un lugar importante en la Seminci, que redobla su apuesta por este sello cinematográfico incorporando varios títulos , tanto en sus secciones competitivas como a través de la celebración de una retrospectiva que abordará en profundidad la obra de Nathan Silver, uno de los cineastas independientes estadounidenses más genuinos del panorama actual.

Del 18 al 26 de octubre

ANOTHER WAY FILM FESTIVAL

Varios espacios (MADRID)

Del 16 al 22 de octubre

Para celebrar el décimo aniversario del Another Way se ha preparado una selección de películas frescas y audaces cuyo fin es desafiar, inspirar y unir a todos loss que buscan el cambio, convirtiendo el acto de acudir al cine en una experiencia que deje huella entre todos los y las asistentes. “Este año, a través de nuestra programación, ponemos el foco en una visión de futuro alentadora. Invertimos nuestro tiempo y recursos en aquello en lo que creemos, por eso es esencial proyectar la posibilidad de un futuro sobrio e irresistible, en vez de apocalíptico y derrotista”, afirma Marta García Larriu, directora de Another Way Film Festival. “A través del séptimo arte, exploramos nuevas formas de promover la conciencia ambiental y la responsabilidad social. Cada una de las películas que componen el festival es un testimonio apasionante y atrevido, una llamada a la acción y a la reflexión que desafía las normas establecidas y nos hace plantearnos nuestro papel en el mundo”. https://anotherwayff.com

MOSTRA DE VALENCIA Varios espacios (VALENCIA)

Del 24 de octubre al 3 de noviembre

La ópera prima de la joven realizadora Lucía Casañ Rodríguez será la encargadar de abrir en el Paláu de la Música la nueva edición de La Mostra de Valencia, con un relato sobre la emancipación femenina de una ama de casa con un extraño apego por los baños. Una decena de propuestas caben en la sección informativa que, además de ampliar la mirada sobre cinematografías poco habituales en las salas comerciales durante el año, como la libanesa, egipcia, serbia, portuguesa o griega, confía en las nuevas autorías y en la apuesta por problematizar, desde la comedia social, la no ficción o ángulos narrativos poco convencionales, un presente cargado de agitación y contradicciones. Ejemplos: la necesidad de buscar horizontes más esperanzadores es donde se asienta la divertida comedia Voy! Voy! Voy!, del debutante Omar Hilal. La película narra la anécdota real de un hombre sin perspectivas de futuro que sueña con abandonar Egipto para alcanzar una vida mejor. Con el fin de lograrlo, finge ser ciego. En esa misma línea se sitúa también Julie Navarro con Just a Couple of Days. Para su debut como realizadora, tras una larga trayectoria como directora de casting, recurre a dos intérpretes consagrados del cine francés, la actriz Camille Cottin y el conocido músico y actor Benjamin Biolay. Juntos, llevan a la pantalla la relación entre un periodista musical de vuelta de todo y la responsable de una ONG, que le pedirá el favor de aceptar en su casa a un joven afgano. El debut en largo de Raimon Valls, Mai parlarem de nosaltres, funciona como altavoz de la nueva juventud al acompañar a dos amigas durante el fin de semana que pasan juntas hasta que una de ellas se vaya a vivir a Francia. Berta Galo, cara muy conocida por algunas de las series más populares del streaming y la televisión pública de nuestro país (como La moderna), coprotagoniza esta historia que logra transmitir a la audiencia la frescura, la espontaneidad y las zozobras de toda una generación en la encrucijada. https://lamostradevalencia.com

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘El dulce lamentar de los pastores (égloga trashumante)’ de Sergio Adillo

Certamen Internacional Leopoldo Alas Mínguez 2023 para textos teatrales LGTBIQA+ martes 15 19:30h

Entradas: 3,50 euros

Ciclo audiovisual y coloquios: Musimagen miércoles 16 y jueves 17

19:00h

Entradas: 3,50 euros

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘Naunet y el mar’ de Miguel Rojo

Premio SGAE de Teatro Infantil 2023 sábado 19

17:30 horas

Entradas: 3,50 euros

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘Mater dolorosa’ de María Díaz Megías

Premio SGAE de Teatro Ana Diosdado 2023

martes 22 19:30 horas

Entradas: 3,50 euros

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de fragmentos de las obras del XI Laboratorio de Escritura Teatral de la Fundación SGAE

Con textos de Josi Alvarado, Tomás Cabané, Enrique Cervantes, Santiago Cortegoso, Almudena Ramírez-Pantanella y Núria Vizcarro miércoles 23 19:30 horas

Entradas: 3,50 euros

Teatro en la Berlanga: Lectura dramatizada de ‘El monstruo’ de Josep María Miró

Premio SGAE de Teatro Jardiel Poncela 2023

martes 29 19:30 horas

Entradas: 3,50 euros

VII Festival de Cine por Mujeres 2024

Del 30 de octubre al 7 de noviembre

Películas por anunciar

Entradas: 3,50 euros

SWAB 2024

Pabellón Textil - Fira (BARCELONA)

Del jueves 3 al domingo 6

Nueva edición de Swab, la feria de arte independiente, plataforma experimental y lugar de encuentro para artistas y galerías emergentes establecida en 2006 en Barcelona. Participan un total de 70 galerías internacionales, consagradas, jóvenes e incluso novatas (sección My First Art Fair). Este año, la feria ha puesto foco en el efervescente panorama artístico de Asia Oriental. Además, el programa Swab Seed muestra 10 espacios independientes y autogestionados por artistas que comparten la experimentación como denominador común. También hay espacios para el Emerging LATAM, la performance, el videoarte…

ESPACIO EMERGING. GALERÍA LAISUN KEANE. ARTISTA

MICHAEL C THORPE

TÍTULO: BEER