El papel de Hildegart Rodríguez -una joven educada por su madre Aurora para redefinir el papel de la mujer en la sociedad, y que termina siendo asesinada por su propia progenitora- ha puesto la luz de Alba Planas a la vista de todos. Y es que la joven actriz madrileña, de tan solo 24 años, brilla en el duelo físico, dialéctico y mental que libra contra la oscuridad de una poderosa Najwa Nimri en La virgen roja. Es una nueva adaptación cinematográfica de la historia real de Hildegart, esta vez acometida con inteligencia y una gran capacidad para extraer conclusiones en relación con nuestro presente por la realizadora Paula Ortiz, que ha contado con la asistencia al guion de Eduard Sola y de Clara Roquet. No es la primera vez que Planas coincide con Nimri: ya lo hicieron en el que fue su debut cinematográfico, El árbol de la sangre de Julio Medem, también con Ursula Corberó. Desde entonces hemos podido ver a la madrileña en series como Skam o Express, donde comparte focos con Maggie Civantos o Kiti Mánver. Y en febrero apostamos a que la vamos a ver en otro escenario: el de los Goya...
El productor, cantante y compositor Roy Borland ha demostrado ser un artista capaz de moverse entre géneros como el R&B, el soul y la electrónica. A lo largo de su carrera, ha sabido combinar estos estilos de una forma única, creando un sonido propio en la escena musical actual. Aunque ya había apuntado hacia un cambio estilístico en su anterior trabajo, es en su último EP, “Un Tiempo en Casa Solo”, donde Borland ha decidido dar un paso más allá en su evolución artística, mostrando su lado más íntimo y vulnerable. Este EP marca un giro hacia una producción más minimalista y acústica, con la cual se hace fácil conectar emocionalmente.
Desde el primer momento, se nota un cambio en la forma en que Borland aborda la producción musical en Un Tiempo en Casa Solo. Si bien anteriormente se había caracterizado por integrar elementos electrónicos, en este trabajo opta por una instrumentación más orgánica y sencilla. El EP está compuesto principalmente por guitarra y voz, con ocasionales aportes de cuerdas, o tímidos arreglos de piano en momentos puntuales.
Este enfoque minimalista le permite resaltar las emociones que expresa en la dimensión lírica, haciendo que cada palabra y cada acorde tengan un peso significativo. Uno de los aspectos más destacables de este EP es la forma en que Borland aborda temas como el paso del tiempo, la nostalgia, la comunicación y la vulnerabilidad en las relaciones. A lo largo de las cinco canciones que conforman el proyecto, el artista nos invita a adentrarnos en su mundo personal, lleno de luces y sombras, y lo hace de una manera que resulta cálida y reconfortante. La instrumentación, de carácter suave y sutil, acompaña perfectamente su estilo introspectivo, creando una atmósfera melancólica que evoca sentimientos de soledad y reflexión. En este sentido, “Un Tiempo en Casa Solo” parece haber sido concebido como una obra destinada a acompañar al oyente en los momentos de recogimiento personal.
Este EP también se destaca por llegar en un momento del año muy propicio para el tipo de emociones que evoca. Con el otoño en pleno apogeo, la música de Roy Borland parece sintonizarse con la nostalgia que esta estación trae consigo. Las suaves progresiones de guitarra, las voces relajadas y la producción íntima se sienten como una banda sonora perfecta para los días más cortos y las noches más largas, donde el clima invita a la introspección y el recogimiento.
En cuanto a la temática, cada canción en el EP parece girar en torno a un eje emocional. Borland habla del paso del tiempo y de cómo este afecta nuestras relaciones y nuestra visión del mundo. Incluso a nivel formal, la comunicación, o más bien la falta de ella, es otro tema recurrente, especialmente en lo que respecta a las relaciones humanas.Hay una clara deliberación en lo que se dice, lo que se elige ignorar y lo que está implícito, haciendo de “Un Tiempo en Casa Solo” un claro ejercicio de intencionalidad en el mensaje.
Las canciones transmiten la fragilidad y la delicadeza que surgen cuando conectamos con los demás, pero también cuando nos enfrentamos a nuestras propias emociones en momentos de soledad.
A pesar de la melancolía que puede emanar de la atmósfera del EP, no es un trabajo oscuro. Por el contrario, “Un Tiempo en Casa Solo” se siente como una obra de reconciliación, un intento de Roy de conocer las emociones y situaciones que le afectan. Roy Borland nos guía a través de su propio proceso de introspección, compartiendo sus experiencias de manera honesta y sin pretensiones.
VOL. 28
NOVIEMBRE 2024
Y EL POP DE DORMITORIO
DRAGON QUEST III
EL RETORNO DE UN CLÁSICO
FICX PARAÍSO CINÉFILO
XENIA LA PRINCESA GUERRERA
BARRY B
EL PENÚLTIMO ROMÁNTICO
CARACAZADOR SENTIMIENTO GADITANO LA COCINA MARCHANDO
Han pasado 13 años de la actuación de John Maus en el CBA de Madrid, en el contexto de un Primavera Club. Aquel día había cierto runrún en la Sala de Columnas: Maus acababa de publicar We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves, el disco con el que, sin dejar de militar en las filas del underground que era su hábitat natural, empezó a reconocérsele en medios y entre una audiencia mayor. Pero la atención que despertaron canciones como Hey Moon -cover de un tema de Molly Nilsson- no había sido suficiente para que buena parte de los presentes tuvieran del todo claro el tipo de show al que iban asistir: una performance musical en la que Maus disparaba los temas en un discman y los interpretaba al límite de sus fuerzas entre alaridos, carreras por el escenario y agresivos vaivenes de la cabeza. La cosa acabó de manera vergonzante, con parte del público lanzándole objetos para manifestar su disgusto por lo que consideraban un "fraude" de actuación. Maus aún volvería a Madrid años después, esta vez en un formato banda que hacía la propuesta mucho
menos emocional, poco antes de la trágica muerte de su hermano en plena gira, un episodio que unido a la noticia, años después, de la presencia de Maus junto a Ariel Pink en un acto de apoyo a Trump, terminó por sacarle definitivamente del foco público.
Hasta hoy. Casi por sorpresa, una gira en la que presentaba dos discos autoeditados, ha vuelto a traerle a España con una propuesta esencialmente idéntica a aquella primera vez. La noticia aquí es que, en esta ocasión, lejos de mostrar desacuerdo con su histriónica y vitalista puesta en escena, el público que colgó el "no hay billetes" en la sala Independance mostró una absoluta comunión para con un músico que propone más apretando el botón de play y entregándose a su singular performance, que la práctica totalidad de bandas de guitarras que llenan estadios. Algo ha cambiado en nuestra manera de entender la música en directo, qué duda cabe. Y a diferencia de lo que sostienen los guardianes de las esencias, no podemos más que felicitarnos por ello.
BIRD PÁJAROS EN LA CABEZA 64
PAOPAO LOGROS CABRONES 66 PERIODISMO
AÑOS DE PESIMISMO
LUIS DE JAVIER BALENCIAGA FOREVER
RPGS ¿UNA PARTIDA? 82 DUNE: LA PROFECÍA EL TREN DE LAS BRUJAS
DIRECTOR EDITORIAL
Luis J. Menéndez / luis@nuebo.es
DIRECTORA DE ARTE
Liliana Carpio / lillie@nuebo.es
DIRECTOR COMERCIAL
Luis Argeo / argeo@nuebo.es
JEFE DE REDACCIÓN
Diego Rubio / diego@nuebo.es
EDITORA DE MODA
Alba García Valero / alba@nuebo.es
WEB & RRSS
Lucía Arias / lucia@nuebo.es
PUBLICIDAD BARCELONA
Itzbi Solís / itzbi@nuebo.es
COLABORADORES
Galo Abrain, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Luis Bravo, Gabriel Cárcoba, Tali Carreto, Marta España, Manu González, Mané López, Paula López Ros, Ángelo Néstore, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Ricardo Ruiz Varo, Claudia Taboada.
FOTOGRAFÍA PORTADA
Flor de Cuchillo (Casero), Papo Waisman (Samuraï), Quieto Carlos (Barry B), Sento Soler, Nacho Rodríguez y Alba Bernabé (Caracazador).
www.nuebo.es @somosnuebo
IMPRESIÓN
Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097 DISTRIBUCIÓN
Elliot Bicimensajeros (MDZ)
Mil Máscaras (BCN) NUEBO S.L.
Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es
Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista. Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.
Hazte con tu ejemplar de nuebo en nuestros puntos de distribución oficiales que puedes consultar a continuación…
BARCELONA
CCCB
C/ de Montalegre, 5, 08001
BRIDGE48
C/ de Llull, 48, Sant Martí, 08005
VALKIRIA HUB SPACE
C/ de C. Pujades, 126, Sant Martí, 08005
ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH
Carrer d'Enric Granados, 3, 08007
CAMELIA ART CAFÉ
C/ de la Diputació, 278, 08009
CELEBRE
Pg. de St. Joan, 60, 08009
GRANJA PETITBO
Pg. de St. Joan, 82, 08009
FREE TIME
Carrer del Comte d'Urgell, 32, 08011
ODD KIOSK
C/ de València, 222, 08011 Bcn.
CURUBA.SCP
Plaça de la Vila de Gràcia, 19, 08012
EL GENIO EQUIVOCADO, LA BOTIGA
Carrer de Benet Mercadé, 22, baixos 1ª, 08012 Bcn.
EL NOA NOA
C/ de Torrijos, 22, 08012
IED
Carrer de Biada, 11, 08012
CANTINA LAB CAN BATLLÓ
Gran Via de les Corts Catalanes, 169, 08014
ZUMZEIG CINECOOPERATIVA
C/ de Béjar, 53, 08014
COMETA
C/ del Parlament, 20, 08015
NINAS COFFEE AND BRUNCH
C/ d'Entença, 116 Bis, Local 2, 08015
ORVAL
Carrer de Buenaventura Muñoz, 31, 08018
IED
Carrer de Sant Salvador, 70, 72, 08024
CAMELIA ART CAFÉ
C/ de Padilla, 264, 08025
LA CIUTAT INVISIBLE
Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028
LA DESKOMUNAL SCCL
Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer Riera d, Escuder 38, 08028
GRANJA PETITBO
C/ de Mallorca, 194, 08036
ARANDA DE DUERO
CAFÉ CENTRAL
C/ Sal 9, 09400
LA CORUÑA
ACÉFALA
Av. Hércules, 73, 15002
MADRID
ESCUELA TAI
C/ de Recoletos, 22, 28001
VÍA COMUNICACIÓN
C/ Conde de Aranda 24, 3º Planta
28001
LA DESEADA CAFÉ
C/ José Abascal 53, 28003
1862 DRY BAR
C/ Pez, 27, 28004
ALEATORIO BAR
C/ Ruiz, 7, 28004
AMEN
C/ San Andrés, 3, 28004
BIANCHI KIOSKO CAFFÉ
C/ San Joaquín, 9, 28004
CAFÉ PEPE BOTELLA
C/ San Andrés, 12, 28004
EL ALMACÉN DE DISCOS
C/ Minas, 13, 28004
EL RINCÓN
C. del Espíritu Santo, 26, 28004
FARADAY
C/ San Lucas, 9, 28004
FREV BOUTIQUE
Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004
FUNDACIÓN SGAE
C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004
GENERACIÓN X
C/ de la Puebla, 15, 28004
GENERACIÓN X
C/ Carranza, 25, 28004
GILDA HOUSE
C/ de San Mateo, 6, 28004
GORILA MALASAÑA
Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004
GOSTO CAFÉ
C/ Palma, 47, 28004
HOBBY CONVERTERS
C/ Estrella, 20-2, 28004
KAÓTICO
C/ Fuencarral, 34, 28004
LA FIAMBRERA ART GALLERY
C/ Pez, 30, 28004
LA INDUSTRIAL EVENTOS
C/ San Vicente Ferrer, 33, 28004
LOLINA VINTAGE CAFÉ
C/ Espíritu Santo, 9, 28004
MALABAR
Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004
MONKEY GARDEN
C/ Barco, 38, 28004
PICNIC
C/ Minas, 1, 28004
QUALITY SPORTSWEAR
C/ Espíritu Santo, 6, 28004
TOMA CAFÉ
C/ Palma, 49, 28004
BAHIANA CLUB
C. del Conde, 4, Centro, 28005
BIPOLAR
C/ Calatrava, 6, 28005
FEDERAL CAFÉ
Pl. Conde de Barajas, 3, 28005
L’ADORE CAFÉ
Pl. de Cascorro, 20, 28005
LOS TIERNOS
C/ Toledo, 73, 28005
MOLAR DISCOS & LIBROS
C/ Ruda, 19, 28005
RUDA CAFÉ
C/ Ruda, 11, 28005
THE SOCIAL HUB
Cta. de San Vicente, 28, 28008
COSTA SOCIAL CLUB
C/ Sta Engracia, 17, 28010
ESTÁ PASANDO
C/ Viriato 22, 28010
THE BEER GARDEN TAP ROOM
SALOON
C/ Juan de Austria, 23, 28010
URRACA CAFÉ
C/ Doña Urraca, 18, 28011
BAJOELVOLCÁN
C/ Ave María, 42, 28012
BOCONÓ SPECIALTY COFFEE
C/ Embajadores, 3, 28012
CAFELITO
C/ Sombrerete, 20, 28012
EL IMPARCIAL
C/ Duque de Alba, 4, 28012
GENERACIÓN X
C/ Conde de Romanones, 3, 28012
HOLA COFFEE FOURQUET
C/ Dr. Fourquet, 33, 28012
JUAN RARO
C/ Miguel Servet, 7, 28012
PUM PUM CAFÉ
C/ Tribulete, 6, 28012
SALA EQUIS
C/ Duque de Alba, 4, 28012
STREETFADE
C/ Concepción Jerónima, 29, 28012
SWINTON GALLERY
C/ Miguel Servet, 21, 28012
CASA JAGUAR
C/ Caños del Peral, 9, 28013
FOUR
C/ Calderón de la Barca, 8, 28013
WET COCKTAIL BAR
C/ Mesón de Paños, 6, 28013
WURLITZER BALLROOM
C/ Tres Cruces, 12, 28013
ACID CAFÉ
C/ Verónica, 9, 28014
FELIZ COFFEE TO GO
C/ Lope de Vega, 2, 28014
MISERIA
C/ Verónica, 15, 28014
CAFÉ LA PALMA
C/ Palma, 62, 28015
C.C. CONDE DUQUE
C/ Conde Duque, 9, 28015
LA DESPENSA INCREÍBLES
CREATIVOS
C/ Sta. Cruz de Marcenado, 4, 28015
LA TAPE
C/ San Bernardo, 88, 28015
MARILIANS
C/ del Noviciado, 9, Local 7, 28015
NIM SALÓN
C/ de San Vicente Ferrer, 63, 28015
DJP MUSIC SCHOOL
C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028
LOS INVERNADEROS
C/ Alonso Núñez, 6, 28039
BAR TOBOGGAN
Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045
COSTELLO RÍO
Pl. Gral. Maroto, 4, 28045
DRØMME KAFFE HOUSE
C/ Juana Doña, 8, 28045
MATADERO MADRID
Pl. de Legazpi, 8, 28045
PANDORA'S VOX
C/ Rafael de Riego, 8, 28045
UNIVERSIDAD EUROPEA
C/ Tajo, s/n, 28670 Villaviciosa de Odón
MÁLAGA
CAC MÁLAGA
C. Alemania, S/N, Distrito Centro, 29001
OURENSE
CAFÉ & POP TORGAL
Rúa Celso Emilio Ferreiro, 20, Sótano, 32004
GIJÓN
BAR LA PLAZA
C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón
TOMA 3
C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202
PONTEVEDRA
PLAYGROUND
Rúa Conde de San Román, 10, 36002
VIGO
CAFÉ UF
Rúa do Pracer, 19, 36202 Vigo
Si tienes un negocio o gestionas un Espacio Público en cualquier punto del país te puedes convertir en distribuidor oficial de NUEBO por solo 25€. Ayúdanos a llevar la mejor revista de cultura pop a todos los rincones de España y premia a tus clientes y usuarios distribuyéndola gratuitamente en tu espacio. Infórmate en hola@nuebo.es
SONIDO CRUDO Y TAL, COMO LES GUSTA DEFINIRSE, BIEN DE GUITARRAZOS Y MUCHA ACTITUD, PINPILINPUSSIES RUGEN CON AUTORIDAD EN EL PANORAMA NACIONAL. PRONTO LANZARÁN NUEVO EP, QUE HAN GRABADO A LO LARGO DE ESTE AÑO CON URTZI IZA, Y YA TIENEN PLANES PARA SU PRÓXIMO TRABAJO
LARGO. DE MOMENTO, EN NOVIEMBRE LAS PODREMOS DISFRUTAR EN EL JJ FEST
QUE ORGANIZA ALOUD MUSIC EN L’HOSPITALET, POR PRIMERA VEZ EN GASTEIZ Y COMO PARTE DEL ALHAMBRA MONKEY WEEK DE LA MANO DE JÄGERMUSIC.
Ane Barcena (08/08/1994) y Raquel Pagès (31/08/1994)
• Las veces que tenemos oportunidad de llevar nuestro propio backline compartimos un Fender Deville de guitarra, un Ampeg 4x10 de bajo y una batería Premier que en sí es de Sergio (Aloud). Esa batería estaba de backline en la Sala Vol de Barcelona, pero como nos gustaba, dejé la nuestra en la sala y cogimos la Premier. Si algún batería está leyendo esto y ha tocado una Pearl Blanca en esa sala, holi jaja.
• Ane: No sabría decir un disco en concreto que me cambiara la vida, pero agradecer a los CD’s de rock y metal que me ponía mi tío en el coche, porque fueron esos discos los que hicieron que me fuera picando el gusanillo de las guitarras. Así empecé a descubrir discos e ir a mis primeros conciertos más allá de los habituales que programaban en las fiestas de Durango y alrededores, el lugar donde crecí.
• Raquel: Yo creo que fue el disco que lo cambió todo fue Sometimes I Sit and Think and Sometimes I Just Sit de Courtney Barnett. Lo descubrí un poco más tarde de que saliera, porque lo quemé mucho en 2017, pero es un disco al que le tengo cariño ya que fue una gran fuente de inspiración para componer las primerísimas canciones de Pinpilinpussies.
• Ane: ¿Un concierto? Low en el Primavera Sound 2018. Años antes les vi en la Fabra i Coats de Barcelona y salí de ahí loca con un vinilo que me firmó Mimi Parker, la batería y cantante. Desde esa firma me obsesioné mucho más con el grupo hasta que en ese concierto del PS me mandaron a un viaje sonoro Desgraciadamente,maravilloso. Mimi falleció hace poco por consecuencia de un cáncer de ovarios, y sentí mucho su partida. Por suerte para el resto de mortales, Mimi y su grupo nos han dejado música preciosa para la eternidad.
• Raquel: Pueeeeees cambiarme la vida no sé, pero hay algunos conciertos que recuerdo por su epicidad. Como Idles en el Apolo 2 de Barcelona en 2018, cuando sacaron el Joy as an Act of Resistance; el concierto de Nick Cave & The Bad Seeds en el Primavera Sound 2022; o el de Courtney Barnett en el Primavera Sound 2019. Pero si me quedara con uno reciente que me dejó totalmente flipada fue el Eras Tour de Taylor Swift. Me fui a Lisboa incluso para verlo. Eso fue una locura, la verdad. No me escondo: soy fan de esta mujer.
Vete directamente al perfil de Jersey en Youtube y verás que los vídeos de sus actuaciones vienen con títulos tal que así: “Tocamos música hasta que alguien rompe nuestro sintes”, “El sonido peta en Londres” o “Por favor, no rompáis nuestros nuevos sintes”. Bastante gráfico, ¿eh? Si no estuviste en ninguno de los conciertos que dieron a finales de octubre en Madrid y Barcelona ahora, cuanto menos, ya puedes clicar en cualquiera de ellos. Te encontrarás con un desborde de energía caótica que te subirá la dopamina hasta niveles preocupantes. El dúo francés, jugando al despiste y ocultándose detrás de un deepfake generado por IA -el último grito para el anonimato de los productores de música electrónica-, lleva apenas un par de años convirtiendo pequeños apartamentos de París y Londres en the place to be, desplegando toda su artillería de sintes manufacturados y controladoras caseras y tumbando fiesta tras fiesta gracias a su explosión de breaks frenéticos, entre la extrañeza fractal de Two Shell y la alocada sampledelia de pad de Fred Again.. Y ahora, embarcados en una gira que les sacará de la virtualidad y de los eventos con RSVP para presentar su segundo EP, Over & Over, están dispuestos a comerse el mundo.
13.11. 2024 – 04 .05. 2025
Amazonias. El futuro ancestral nos sumerge en la inmensa riqueza natural y cultural del bosque tropical más grande de la Tierra. Lo hace a través de fotografías, instalaciones y obras murales creadas por artistas y colectivos amazónicos. La muestra nos acerca a otras maneras de vivir y de habitar el mundo propias de una región que es central y estratégica para el futuro del planeta.
Érase un hombre pegado a una guitarra, con tanto talento que hizo recordar a Eric Clapton la primera vez que escuchó a Prince. Si eres joven pero tu alma pertenece a otra época, atención, porque este artista te gustará. Te voy adelantando que Justin Bieber le ha llamado a filas para su próximo proyecto, y que Frank Ocean se deshace en halagos hacia este nuevo artista, con quien ya ha colaborado -elusivamente- en el pasado y con el que comparte productor: Vegyn (el espíritu de Jai Paul sigue vivo). Se llama Michael Gordon y es vocalista y productor de su propio proyecto: Mk.gee. Los medios internacionales hablan de él como un auténtico prodigio, un verdadero guitar hero. Es alguien misterioso y su música también lo es. Su sonido es metalizado, afilado, y bastante esquivo con los múltiples géneros que toca y fusiona. Un horror vacui de sintetizadores que genera una atmósfera dudosa entre el rock, el soft pop, el jazz, la psicodelia y el lo-fi. Lo puedes experimentar tú mismo en los 33 minutos que dura su álbum debut, Two Star & the Dream Police, donde dice explorar el amor, la pena y la ansiedad mientras rinde homenaje a grandes clásicos conceptuales de los setenta como Ziggy Stardust & The Spiders from Mars. Un viaje hipnótico a través de 12 canciones, entre las que destan Are You Looking Up, Candy, Alesis, Breakthespell o How Many Miles Te harás muchas preguntas al escuchar el disco, de hecho ya hay vídeos en YouTube que intentan dar respuesta a cómo Gordon hace sonar su guitarra de esa forma. Incluso John Mayer dijo que Mk.gee había encontrado una manera de tocar que no se parecía a la de nadie más. Buenos riffs y melodías que harán que te pierdas unos minutos. No viene mal escaparse un rato, y Mk.gee es excepcional ayudándote a hacerlo.
El amplificador Orange Crush Pro 120 que tienen detrás Dani, Álex y Luna, uno de los más potentes del mercado, podría ser casual, pero no lo es. Desde el primer momento, con un demoledor sencillo como Eterno verano -de momento tan solo sucedido por Sé que no junto a Repion-, el trío madrileño se propuso devolverle al pop-punk y al power rock de la capital una contundencia y agresividad sonora tal vez perdidas. Y poco a poco lo están consiguiendo a base de conciertos como el que dieron recientemente en la Sala Maravillas dentro del ciclo Radar Joven. Sin renunciar al filo melódico, a los estribillos de esos de corear a pleno pulmón y a una cierta emocionalidad naíf, Junio apuestan por la metralla guitarrera y las cascadas de ruido, como lo hicieran en los noventa Green Day, Weezer o Deftones. Como si toda esa distorsión pudiera ser capaz de acallar los gritos de toda una generación carente de expectativas que vive al día, intentando pagar el alquiler, llegar a fin de mes y disfrutar un poco con los colegas de lo que queda. Contarse las penas, gritarse los desengaños, chocarse las manos y escupirse las canciones. Porque, al final, de eso iba un poco todo esto.
OLVÍDATE DE LOS ALGORITMOS: NO LOS NECESITAS PARA DESCUBRIR NUEVA MÚSICA, NI A TUS PRÓXIMOS ARTISTAS FAVORITOS. DESDE ONERMP TE TRAEMOS UNA SELECCIÓN DE VOCES JÓVENES, DESPIERTAS Y REBOSANTES DE CREATIVIDAD QUE VAN A CONVERTIRSE EN LOS PROTAGONISTAS DE TUS PLAYLIST LAS PRÓXIMAS SEMANAS. PALABRA.
“Too weird 4 the cool kids, too cool 4 the weirdos”, reza la descripción del madrileño en su perfil de Spotify. Y no le falta razón: Sarabia se ha montado en esa ola de nuevo pop urbano que levantaran rusia-idk y, junto a contemporáneos como Rodricc, une la intensidad del pop radiofónico con los experimentos digitales. Compruébalo en su último EP, Luz azul
Desde Barcelona e influenciado por toda la escena trap de la ciudad, Uve Sad cambió las bases gordas por las guitarras y se dejó llevar por su amor por Good Charlotte, blink-182 o Pig Noise y el pop-punk de aura emo en general. En lo que esperamos su próximo álbum, este año nos ha dado algunos de los mejores temas de su carrera, Esto no tiene futuro o la más reciente Domingo
Interesantísimo proyecto el de la barcelonesa, que rescata la idiosincrasia melódica de la canción popular de los sesenta y setenta para traducirla a un imaginario onírico, hyperpop, experimental y electrónico. Una fantasía cíber que empieza a coger cuerpo en TOMBOLERA!, debut largo desbordante de creatividad, que ya ha llamado la atención de artistas siempre despiertas con las que conecta en imaginario, como Amaia -con la que ha trabajo en su último single, Tocotó- o Cristina Len -El toro y la luna-.
Inspirado por las atmósferas del pop sofisticado de los ochenta, Phil Collins o Toto, y su resonancia en el pop folk indie de artistas como Bon Iver o John Mayer, este joven norteamericanomitad mitad barcelonés te hará caricias en el alma con sus canciones.Dímelo marca una dirección expansivamás tras la intimidad del EP <3 & </3
Pegajosos y ungidos por el plugg, los cables con los que este trío australiano se conecta a la matrix musical son purpúreos y, si te fijas bien, están bañados en resina cannábica. Desde ahí mandan virus en forma de R&B, de funk noctámbulo, trasnochado y futurista. Contraen deudas con The Weeknd y Justin Bieber, pero sobre todo con su propio pasado: Formados en 2012 para audicionar para el Factor X Australia, del que fueron eliminados a la segunda de cambio, su primera década de vida les contempla como una banda de pop-punk exitosa a nivel nacional, pero con pocas posibilidades de desarrollo en el mercado global. Y aunque fueron en cierto modo incorporando alternativas en su música hasta Beauty in Death (2022), el parón necesario que se concedieron después les ha visto renacer en el último año y medio como una banda completamente nueva, mucho más seductora y sinuosa, más apoyada en las bases electrónicas y los beats de hip hop. Ahora certifican esta nueva era con su cuarto trabajo largo, Lost in Heaven, y amenazan con inyectar su troyano en las pantallas de todo el mundo.
FOTO: JORDAN KNIGHT
POR: ÁNGELO NÉSTORE
Hace unos días, mientras hacía scroll en Instagram, me di cuenta de que la mayoría de memes de gatos -el 90% de contenido sugerido en mi perfil y, sí, soy esa clase de persona- en realidad eran anuncios. No sé si el algoritmo me conoce tan bien o si es que los memes se han convertido en el gancho perfecto para captar nuestra atención. Pero lo que está claro es que, lejos de ser simplemente chistes tontos, los memes se han transformado en algo mucho más serio. Y la extrema derecha, por ejemplo, lo sabe y los ha convertido en su arma favorita.
Álvaro Pajares, en la introducción de Memeceno (La Caja Books), cita una frase de David Foster Wallace que no podría ser más acertada al respecto: “La aparición de la ironía dentro de una práctica y de una cultura de consumidores supone en gran medida el triunfo total de esa práctica”. ¿Y no es eso lo que está pasando con los memes? Bajo la capa de la ironía, se filtran mensajes de odio, fake news y manipulación que acaban formando parte del día a día digital. Se nos cuelan con risas, y cuando queremos darnos cuenta, esos discursos ya están completamente normalizados. No hace falta irse muy lejos. En España, Alvise y su ardilla enmascarada han hecho lo mismo que la alt-right americana con la rana Pepe: tomar un símbolo gracioso y convertirlo en una bandera para sus seguidores. El meme es como un idiolecto, nos hace sentir capaces de entender un lenguaje exclusivo y, por ende, “las bromas”, junto a lo que oculta. Es un pase VIP que nos hace sentir parte de una comunidad. Lo volvemos a ver, lo compartimos, lo normalizamos. Y así, poco a poco, se mueve la línea de lo que nos parece bien y lo que no. Si el caballo de Troya se nos cuela por los ojos, la pregunta es: ¿estamos prestando suficiente atención?
EL CENTRO DE CULTURA CONTEMPORÁNEA CONDEDUQUE
MADRID DA LA BIENVENDIDA A UNA NUEVA TEMPORADA
EXCITANTE LLENA DE PROPUESTAS QUE ROMPEN LA NORMA, QUE SE SALEN DE LOS CÁNONES Y QUE PLANTEAN NUEVAS FÓRMULAS DE RESISTENCIA EN UN MUNDO POSTDIGITAL.
PURELINK + ASTRID SONNE
15 noviembre
Doble cita ineludible en SoundSet Series si te gusta el ambient como fondo, como croma o como intención, pero buscas redescubrirlo en conversación con nuevos lenguajes. Imprescindibles.
CLAIRE ROUSAY + BIANCA STOUT 7 febrero
Uno de los mejores álbumes de 2024, Sentiment, llega a Madrid en febrero, acompañado de esa sesión de danza en solitario, entre noise y ambient, que es el último trabajo de Stout. Maravilloso x2.
INVERFEST enero 2025
Ángeles Toledano presentando por partida doble su excepcional debut, Los Voluble con novísimo espectáculo, Ferran Palau y el estreno en Madrid de Carta aberta de Antía Muíño marcan una nueva edición del festival de invierno madrileño.
LEE GAMBLE & CANDELA CAPITÁN - ‘MODELS’ 5 marzo
Lo vimos en Sónar y ahora llega a Madrid este impactante espectáculoperformance en el que la actocoreógrafa sevillana corporiza el último álbum del productor británico, un alienado coro de IAs que reflexionan sobre imitación y simulación.
FESTIVAL SUPERNOVA 12-15 diciembre
Segunda edición del ciclo de arte y performance de Condeduque, con Pedro G. Romero estrenando en exclusiva La mesa que baila -formada por cuatro performances de danza-, el tablao aleatorio de Lâs alegrías de La Chachi e Imago-Go, homenaje de Marta Izquierdo al majorette.
ON THE GO
María G. Royo, Julia de Castro / 15 enero
Una película valiente y hecha contra todas las corrientes que reinventa completamente las Corridas de la alegría de Gonzalo García-Pelayo para reflejar el zeitgeist de una nueva generación.
DAHOMEY
Mati Diop / 27 noviembre Estreno en Madrid de esta especie de continuación espiritual del documental de los 50 sobre la relación de Francia y sus colonias.
ESTE PUEDE SER EL LUGAR: PERFORMAR EL MUSEO del 12 septiembre al 9 febrero Las artes vivas, descontextualizadas y en conversación con otras artes en una muestra que se expande por los seis espacios de la Sala de Bóvedas.
EL PRÓXIMO 23 DE NOVIEMBRE, LA CANTAUTORA URUGUAYA FULANA DE VAL Y LA ESPAÑOLA BAMBIKINA SE SUBEN AL ESCENARIO DE LA SALA BERLANGA DE MADRID COMO PARTE DEL CICLO ‘INTERAUTOR MÚSICA’, QUE PERSIGUE LA INTERNACIONALIZACIÓN DEL REPERTORIO ENTRE ESPAÑA Y EL CONTINENTE LATINOAMERICANO.
“Nos llaman emergentes porque no hemos tenido aún la repercusión suficiente. Pero para mí eso no depende del número de seguidores, sino de la experiencia que llevas a la espalda. Se confunde éxito con veteranía, y por desgracia, estos dos conceptos no siempre van de la mano”, dice Esther Méndez, Bambikina, que lleva 10 años de proyecto, dos álbumes, dos EPs y una banda sonora nominada al Goya a la espalda. Llegó incluso a ser telonera en un concierto de Battiato, pero su carrera parece haber estado siempre en la rampa de despegue. En 2025 enfrenta un paso adelante en su sonido con nuevo álbum, más control sobre un proyecto completamente autogestionado y muchas ganas, porque quizá todo salga como siempre ha merecido. Gracias a la Fundación SGAE y a AGADU tocará por primera vez en Montevideo los días 5 y 8 de noviembre, y después podremos verla en la Sala Berlanga de Madrid el 23 de noviembre a partir de las 20h.
“Iniciativas como esta me parecen fundamentales. Sobre todo, porque propuestas como la mía no habrían podido traspasar nuestras fronteras -al menos de momento- sin este apoyo”.
RELACIÓN CON LATINOAMÉRICA
“No he estado todavía, pero por algún motivo siento que una parte de mí pertenece a allí. Por suerte, pronto le pondremos remedio. Desde Madrid, he participado en varios proyectos con Casa América. Y la letra del primer single de mi nuevo disco, Llamas encendidas, está inspirada en un cuento de El libro de los abrazos, de Eduardo Galeano, escritor uruguayo. Ha sido una verdadera alineación de estrellas que vayamos a presentarlo en Montevideo”.
“Desde pequeña he escuchado a Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui, Chavela Vargas… Y he leído los libros de García Márquez y Juan Rulfo. Los ritmos, las letras y el realismo mágico sin duda calaron en mí”.
Fulana empezó a componer canciones de niña, casi jugando con el piano y después confiándose a su voz. “Pero la pasión siempre estuvo. A los 21, frustrada por la carrera que estaba estudiando, tomé una guitarra abandonada que había en casa y decidí aprender a tocarla”. Luego se echó con ella a los transportes públicos de Montevideo, ganó un concurso de compositores y gracias a eso grabó su primer disco, Anónima. Ahora está preparando su continuación de una manera mucho más conceptual, enfrentándolo como un laboratorio musical en el que experimentar con nuevos géneros, como la electrónica que estimula su último sencillo, Como vidente. “Siento la necesidad de investigar ese tipo de sonoridades con el propósito de adquirir herramientas que me permitan fusionar la impronta tradicional de mi música con los sonidos que identifican a mi generación”, dice la compositora uruguaya, que debuta en España el 22 de noviembre en el Alhambra Monkey Week de Sevilla de la mano de Fundación SGAE, y que el 23, a partir de las 20h., estará junto a Bambikina en la Sala Berlanga de Madrid.
DIÁLOGO RELACIÓN CON ESPAÑA
“Solo en el intercambio podemos construir una cultura más plural y equitativa. Los artistas somos muchas veces los voceros de nuestra generación, por eso tenemos la responsabilidad de conocer el mundo en el que vivimos, ser conscientes y apreciar las particularidades de cada territorio desde el respeto y la apertura”.
“Tuve la oportunidad de conocer gran parte de España hace algunos años junto a mi familia, me enamoré del flamenco y hasta hice una canción que es una fusión del tango con el flamenco. Se llama Pa’ florecer y es el tema que da inicio a mi disco Anónima”.
“Julieta Venegas o Shakira me identificaron desde pequeña con el canto y la música, pero también artistas uruguayos como Jorge Drexler y Rubén Rada me conectaron desde los inicios con la música popular uruguaya y ritmos regionales como el candombe o la bossa nova. En mi familia también se escuchaba mucha música folclórica, Alfredo Zitarrosa o Mercedes Sosa, que alimentó mis ganas de acercarme a la guitarra criolla y también ensanchó mis gustos musicales. En la adolescencia me acerqué a bandas donde la guitarra tenía un rol fundamental como Pink Floyd, Extremoduro o Soda Stereo. A medida que fui creciendo como persona y compositora, también fui descubriendo a artistas como Lhasa de Sela, Nai Palm de Hiatus Kaiyote, Elis Regina o Rosalía, que me inspiran a seguir construyendo mi camino como mujer música desde la autenticidad”.
FOTOS: NACHO COSTA SOCIAL CLUB
Thom Archi fue el protagonista del último NUEBO Club, el pasado viernes 25 de octubre, interpretando los temas de Co(m)ping. Sala hasta la bandera y bailoteo que duró hasta el cierre a las 6:00. ¿Nos vemos en la fecha de noviembre?
La @labadbii, conocida por pertenecer al cuerpo de baile de Bad Gyal, es la protagonista del siguiente NUEBO Club, el viernes 22 de noviembre.
El miércoles 6 de noviembre estrenamos NUEBO Talento en nuestros canales con Nueve Desconocidos interpretando su último single, CKV. El postpunk está en buenas manos...
Y hablando de oscuridades, Xenia publica un nuevo disco que contiene No gritaré tu nombre. La interpretó para NUEBO Talento y la estrenamos el miércoles 20 de noviembre.
Ya sabes que en nuestra web https://nuebo.es y también en nuestras rrss sociales tienes contenidos exclusivos todas las semanas. Entra en nuestro perfil y te encontrarás con entrevistas y vídeos de artistas como Jhayco (en la foto), L'beel, Vivi K, Kristina o Ben Yart. También podrás seguir a nuestras reporteras Eva y Paula, colándose en los eventos más guapos y presentándote los contenidos de la revista.
POR: ALBA G: VALERO / FOTOS: D. FRANKLIN
LA NUEVA CAMPAÑA DE D.FRANKLIN NOS INVITA A CONOCER SU COLECCIÓN MÁS INVERNAL, CREADA PARA QUIENES PERSIGUEN EL FRÍO. LAS BOTAS AUSTRALIANAS
NORDIC MÁS ICÓNICAS DE LA MARCA SIGUEN RENOVÁNDOSE PARA QUE LAS LLEVEMOS DE MIL FORMAS DIFERENTES. DESDE CORTES BAJOS A MODELOS ABOTINADOS, SIEMPRE CON SU DISTINTIVO TOQUE URBANO CREADO PARA RECORRER LAS CALLES. Y AHORA ES TU MOMENTO…TE CONTAMOS COMO FORMAR PARTE DE LA HISTORIA.
NORDIC 370 – NORDIC PELO EXTERIOR
Botas australianas con pelo exterior y forro interior sintético Nordic. Una pieza concebida para los días más gélidos. Este modelo está confeccionado con un tejido sintético de alta calidad. Una pisada con gran confort junto a su cierre de cordones multiposición que permite ajustarla para una sujeción perfecta.
NORDIC 370 –AUSTRALIANAS
Botas australianas de corte bajo asimétrico. Este modelo abotinado está confeccionado con un tejido de microfibra de alta calidad que protege de la humedad y de las primeras gotas de lluvia. Su piso rediseñado aporta mayor ligereza para una pisada con gran confort. Además, cuenta con el emblema personalizado en la parte del talón y forro interior sintético para una calidez superior.
NORDIC 371 – ACOLCHADAS
Botas con acabado acolchado y forro interior sintético confeccionadas con tejidos ligeros y flexibles de alta calidad. Una pieza de gran confort con diseño de caña en corte recto y ajustable en tonos blancos.
La bota australiana 371 cuenta con un corte medio asimétrico y forro interior sintético que refuerza la calidez. Igual que las 370, este modelo abotinado cuenta con tejido de microfibra de alta calidad que actúa como impermeable y que está pensado para su uso en suelo mojado y condiciones de lluvia suave. El cuerpo está diseñado para ajustarse a la pierna y es útil en los looks más invernales.
SIN CONCESIÓN ALGUNA, ASÍ ES COMO SE PRESENTA CASERO EN SU TERCER ÁLBUM ‘ESTOY EXAGERANDO???’ . UN TRABAJO VARIOPINTO, COMPUESTO POR DOCE CANCIONES FLUCTUANTES ENTRE EL POP DE DORMITORIO, EL FOLK DE AUTOR, LOS GUITARRAZOS Y LAS PRODUCCIONES SUTILES DE ELECTRÓNICA , QUE CUENTA CON UN HILO CONDUCTOR CLARO Y ADMIRABLE: LA LIBERTAD DE QUIEN HACE LO QUE LE VIENE EN GANA SIN LA OBLIGACIÓN DE COMPLACER Y SIN PELOS EN LA LENGUA .
De cara a su tercer trabajo de estudio bajo el paraguas de Casero, Gabriela Casero estaba pasando un momento relativamente tranquilo en el plano amoroso, pero comenzó a sentir rabia por todo lo que revoloteaba a su alrededor. Esto le permitió cuestionarse el porqué de las cosas, hacerse preguntas. Muchas. Una de ellas acabó convirtiéndose en el título de su nuevo álbum, Estoy exagerando???, y otras terminaron por vertebrar todo el contenido del mismo, dando lugar así a un viaje de autodescubrimiento a través de composiciones en las que la artista se pone en primer lugar y por encima del querer complacer al mayor público posible. Y consigue, aunque parezca irónico, una propuesta altamente atractiva.
“Para mí, este disco es muy real”, cuenta Gabriela, quien dice no ampararse en personajes creados para defender este proyecto. “Aunque a veces no se note, siempre hay un poco de broma y muchas exageraciones, pero son mis sensaciones cien por cien reales, son mis pensamientos, soy yo misma”, confiesa. Este es uno de los mayores encantos de Estoy exagerando???, ya que encontramos canciones que apelan a una cotidianeidad común a todos, con la que todos pueden sentirse identificados. De nuevo una muestra de que, para gustar a la gente, primero hay que gustarse a una misma. Esa realidad de la que habla Casero viene acompañada de la recuperación de ciertos
valores fundamentales sobre los cuales se erigió este proyecto. “Casero nació para hacer una cosa muy directa en la que yo huía de la presión de tener que complacer. Sin embargo, volví a enfrentarme a eso. Y una gran diferencia con respecto al anterior trabajo es que en este me propuse hacer lo que yo quería realmente, más allá de esa necesidad”.
De esta manera se explica que nos topemos con un trabajo de doce canciones que suena conocido y misterioso, complaciente pero no, suave y agresivo a la vez… Es una dicotomía constante, pero con un hilo conductor claro: el descontento de Gabriela para/con las relaciones sentimentales, de amistad, con su ciudad… con todo lo que le rodea, en definitiva. Así es como tienen sentido los sonidos más digitales y abrasivos de El mundo no gira compartiendo espacio con el suave folk de Algo que ganar o el aroma al guitarreo de La Femme en Cada superficie, la canción con la que se abre el tercer trabajo de la madrileña. De hecho, esta referencia resulta del todo excitante. “Si me apetecía hacer rock y no sabía dar ni un grito daba igual, lo importante era intentarlo”. Sobre esto apetece detenerse, pues parece que una mujer ha de pedir permiso para hacer estas cosas y es más diana de críticas por ello. Le digo, de forma parecida a la reflexión que hace Aiko el Grupo en una canción, que parece que siguiéramos en una situación de “hombres rock, mujeres (synth)pop”, y ella responde: “Siento que nuestra música es muy de nicho. Hay mucha relación entre la manera en la que tú socializas, la música que haces y la repercusión que luego tienes. Y me parece que va mucho de lo femenino y lo masculino. Es como que una cosa más fina y sensible parece siempre de mujeres o gays, y me da pena, porque últimamente los hombres están sabiendo apreciar la fuerza de esto, lo adoptan y triunfan. Pero lo hace una mujer y se ve como algo sentimental y cursi. Eso me da un poco de rabia”.
Vuelve a aparecer, otra vez -y no va a ser la última-, la palabra “rabia” en la conversación con Casero: es uno de los pilares fundamentales de este trabajo. El amor ha quedado atrás -“antes estaba obsesionada con ello, pero ahora estoy mucho más tranquila con eso”, reconoce- y han aflorado una serie de conflictos del pasado que han avivado ese carácter combativo en la madrileña. Con ello otra cuestión ha ido de la mano: ¿Cuánto puedo enfadarme realmente? ¿Tiene sentido esto? ¿Estoy exagerando? “Originariamente, este trabajo iban a ser dos álbumes con dos productores; para mí un trabajo era más agresivo y el otro la respuesta a todo eso, más tranquilo”. Al final uno de estos productores se cayó del proyecto y todo quedó en manos de Bearoid, a quien encontramos trabajando ahora mismo con El Momento Incómodo, Ganges o Marta Movidas, entre otr@s artistas, y quien ha producido mano a mano con Gabriela este trabajo juntando ambas caras de una artista compleja pero, en última instancia, de puro corazón pop. Casero indica que hay un factor
Recorremos el tablero de Gabriela Casero a través de sus zonas de confort, sus inquietudes y pensamientos propios acerca de un proyecto tan deudor de su intimidad.
INFLUENCIAS
Si Casero tiene que citar algunas referencias, lo tiene claro. Habla de Pale Hound, de Big Thief y Adriane Lenker, de Soccer Mommy o de Todo cantautoras a flor de piel, pero abiertas siempre al experimento.
EL AMOR COMO CENTRO
“Empecé a hacer música porque me gustaba un chico enamorado de Russian Red. La escuché y dije: ‘Pues igual puedo hacer esto para gustarle yo, ¿no?’”, recuerda Gabriela Casero. El amor como principio, como origen de todo.
ENTORNO FAMILIAR
Con amigos siempre es mejor: en la producción de esta artista madrileña hemos podido ver cómo ha trabajado con grandes nombres como Cariño, Russian Red o Lucia Tacchetti. Ahora también con Dani Bearoid. Cada paso ha sido un descubrimiento.
ARTISTA POLIFACÉTICA
Antes de centrarse en Casero como proyecto, Gabriela lideraba Mow acompañada de la banda Solo Astra -que después formarían Cupido con Pimp Flaco-.
También ha formado parte de Violeta, proyecto que buscaba reivindicar a las mujeres poetas de la generación del 98. Muchas caras.
UNA DISCOGRAFÍA QUE
EXPLORA TODAS LAS ARISTAS
DEL POP DE DORMITORIO
Casero empezó con Todo mal (Primavera Labels, 2020) y continuó con Me doy cuenta (Primavera Labels, 2022) para aterrizar en un Estoy exagerando??? en el que cristalizan todos los pilares de su música: autenticidad, cercanía en sus letras y una producción entre el guitarreo, el IDM y el synthpop más etéreo.
ESENCIA UNDERGROUND
“Casero es un proyecto que yo siento que es muy de nicho, y cuando me empieza a dar la sensación de que me estoy yendo hacia algo más normal de la cuenta siempre acabo pensando que no pertenece a este proyecto”. Gabriela entiende Casero como un susurro, y si alguien tiene que gritarlo, que sea ella.
DIRECTO QUE ES PURO ROCK
En esta nueva gira Casero presentará sus canciones con Xiri (Alavedra) a la batería, Ángela (Vicente Calderón) al bajo y Gaby (Amor Líquido) a la guitarra. Más electrificada que nunca.
que parece explicar este carácter tan variopinto, en el que conviven esta rabia, la suavidad, las letras de coña, el costumbrismo y la seriedad:
“Hace unos años tuve un diagnóstico de autismo y me impactó muchísimo. Me dio una explicación para que fuera rarísima, como decía todo el mundo, pero también cambió la percepción que tenía de todo y todas las relaciones personales. Ahora entiendo que me enfadaba con todo el mundo, y también entiendo mejor por qué, pero al no saber por qué en ese momento sentía muchísima culpa. Al final, si ni siquiera lo sabía yo, ¿cómo lo iban a saber los demás?”. Y es, si acaso, esta última afirmación la que pone el lazo de oro a este disco irresistible. Es tal la realidad que destilan sus canciones y la capacidad que tiene Gabriela de mostrarse tal como es que, ¿cómo no va a gustarnos al resto?
Una última enseñanza que recorre de principio a fin este trabajo es la culpa y cómo aprender a convivir con ella: aceptar que hay conflictos que nunca se resolverán y cómo estar en paz con ello. Romance extremo es la expresión exagerada de esta idea sublimada en las relaciones de pareja donde se buscan emociones intensas a través de situaciones delirantes. Cada superficie lleva esta reflexión al ámbito de la convivencia en un piso de Madrid, mientras que Más divertido es a la vez un himno a la soledad y una declaración de intenciones, conteniendo algunos de los versos más impactantes de todo el LP -“Quiero tenerte delante, quiero tenerte detrás y en todas partes”-. Cuando uno termina de escuchar este trabajo puede comprobar, gracias al metacarácter de unas canciones con los límites totalmente desdibujados, que nada tiene importancia. Para Casero es irrelevante mostrarse vulnerable o absurdamente empoderada y violenta. No le preocupa presentarse con una suave capa de folk o bajo el prisma agresivo de una guitarra estridente. Se muestra tal y como es. Donde antes había culpa, ahora existe cierta sensación de alivio, libertad y un eclecticismo al que es imposible no sucumbir. Lo que antes era intimismo y bromas privadas en espacios públicos, ahora se convierte en mensajes claros y un golpe sobre la mesa de manera constante. Porque si hay algo más valioso que ser fiel a uno mismo es encontrarse en el otro, descubrir que no estamos solos en nuestros sentimientos. Y Gabriela lo consigue hacia el público y consigo misma.
Sin embargo, Casero también sabe que alcanzar este estado de claridad no es sencillo. Las canciones de este trabajo tienen nombres y apellidos, pero llegar a su creación, grabación
y publicación no fue un camino fácil: “En la canción de Pollo innecesario, por ejemplo, cuento una cosa que me ha pasado con una persona y es un problema que he tenido. Me siento fatal cuando en realidad yo estaba ahí como, joder, me está volviendo loca esta persona”. Es esa franqueza en la radiografía de las relaciones, expuesta con una precisión abrumadora, lo que finalmente conquista al público. Este Estoy exagerando??? funciona como perfecto diario de vida de Casero así como testigo del zeitgeist actual en las nuevas generaciones: es un bailar constante hacia el desastre protagonizado por un punzante nihilismo. Bebamos, gritemos, bailemos y, sobre todo, amémonos con sinceridad. Y si exageramos, que sea sin remordimientos. Porque nada importa ya más que ser uno mismo, y Casero lo consigue con creces en este álbum.
ESTOY EXAGERANDO??? (PRIMAVERA LABELS, 2024)
Cada superficie / Algo que ganar / La verdad... / Más divertido / Me lo he vuelto a creer / Pollo innecesario / Se rifa / El mundo no gira / Casi me arrenpiento / Romance extremo / Peores amigos / Inútil
DIGITAL / LP
“EL DIAGNÓSTICO DE AUTISMO
CAMBIÓ MI PERCEPCIÓN DE TODO Y TODAS MIS RELACIONES PERSONALES”
22~30 NOV 2024
POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES
EN SU CUARTO LARGOMETRAJE, EL CINEASTA MEXICANO ALONSO RUIZPALACIOS SE ATREVE CON ‘LA COCINA’ DE ARNOLD WESKER, LA LAUREADA OBRA TEATRAL SURGIDA DE LOS ANGRY YOUNG MEN BRITÁNICOS DE LOS CINCUENTA, PERO TRASLADÁNDOLA A TIMES SQUARE A PARTIR DE UNA PUESTA EN ESCENA OPERÍSTICA, ENORME CONCIENCIA SOCIAL Y UN ESTILO NACIDO EN EL INDIE ESTADOUNIDENSE NOVENTERO.
Aunque no tan conocido -y reconocido- por el gran público como sus compañeros de oficio contemporáneos -Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón o Guillermo del Toro- el cineasta Alonso Ruizpalacios es una de las figuras más importantes del audiovisual mexicano actual. Un cineasta que, al igual que ellos, basa su concepción de la obra cinematográfica en un poderoso aparataje visual, formal y conceptual que le sirve de núcleo concéntrico para denunciar los sinsabores de la contemporaneidad.
Cercano a Iñárritu en su concepción del cine como poderoso altavoz para denunciar las injusticias sociales, y a Cuarón en la planificación milimétrica y majestuosa de una puesta en escena abrumadora, Ruizpalacios arrancó su carrera en 2014 con Güeros, una road movie que conquistó el premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de Berlín y Mejor Película en la sección Horizontes Latinos en el Festival de San Sebastián. El éxito de aquel debut que ya definiría algunas de las pautas formales y estéticas de su obra -el uso del blanco y negro y el formato 4:3- continuaría con Museo -protagonizada por Gael García Bernal y ganadora del premio al Mejor Guion en la Berlinale de 2018- y Una película de policías, experimento entre lo ficcional y lo documental por el
Aunque en los últimos años Rooney Mara había estado algo ausente de las pantallas de cine debido a su reciente doble maternidad, la actriz -que llamó la atención de público, industria y crítica en su breve pero fundamental papel destruyendo la autoestima de un joven Mark Zuckerberg en La red social de David Fincher- regresa como Julia en La cocina de Alonso Ruizpalacios. Pero, antes de todo esto, la carrera de Mara probó sobradamente la inteligencia de una actriz que llegó a convertirse en icono gracias a su interpretación de Lisbeth Salander en Los hombres que no amaban a las mujeres -también de Fincher- y que, a partir de ahí, deslumbraría con su presencia y belleza etérea y frágil en trabajos como Carol de Todd Haynes junto a Cate Blanchett, A Ghost Story de David Lowery junto a Casey Affleck o la magnífica Her de Spike Jonze junto a su actual pareja, Joaquin Phoenix
Desde su aparición en 1957, La cocina ha sido reinterpretada infinidad de veces, pero de todas ellas habría que destacar tres versiones. En primer lugar, la adaptación cinematográfica de 1961 de James Hill. Una versión que se circunscribe al Free Cinema, y en la que destaca un número musical que sirve de interludio titulado What’s Cooking. En segundo lugar, la versión estrenada en 2011 en el National Theatre de Londres. Y, para terminar, la versión dirigida por Sergio Peris-Mencheta en 2015 -producida por CDN y Barco Pirata-, cuya puesta en escena, en palabras de su creador Curt Allen Wilmer, partía de la idea “de articular al público en cuatro bandas, cubriendo 360º. El ámbito de la cocina se ubica así en el centro del espectáculo, el público rodea la escenografía de manera inmersiva y se genera una energía que busca atrapar al espectador en el enjambre de personajes”. En el fragor de la batalla.
que recibiría el Oso de Plata a la contribución artística. Reconocimientos que aprovechó para acercarse a Hollywood y al terreno de los blockbusters, participando como director en Andor , el serial creado por el cineasta Tony Gillroy para el universo televisivo de Star Wars y que, junto a The Mandalorian , es el trabajo surgido de la galaxia post-lucasiana mejor recibido tanto por parte de la crítica como del público. Andor , no por casualidad, se centra más en los aspectos sociológicos del universo de ficción que en sus batallas espaciales y de sables luz.
Como Ruizpalacios no le tiene miedo a nada, su siguiente proyecto, recién estrenado en la Sección Oficial de Seminci y en nuestros cines desde el 8 de noviembre, es la adaptación de una de las obras contemporáneas de teatro más reputadas: La cocina, del dramaturgo londinense Arnold Wesker. Un autor que se podría integrar dentro de la corriente de los Angry Young Men y que en el mundo cinematográfico englobaría al denominado Free Cinema -o kitchen sink realism, el realismo británico de clase obrera-, corriente cinematográfica inglesa coetánea a la nouvelle vague francesa con directores como Lindsay Anderson, Tony Richardson, John Schlesinger o Karel Reisz. Un conjunto de cineastas que, hastiados de la realidad social que vivía la Inglaterra posterior a la Segunda Guerra Mundial, precaria y sin esperanza, optaron por la denuncia con un estilo crudo y seco que inspiraría a generaciones y au-
tores posteriores como Andrea Arnold, Ken Loach o Stephen Frears. De ese movimiento de lucha y desesperanza nace la obra de teatro estrenada en 1957 creada por un Wesker que fue cocinero antes que dramaturgo. El libreto nos sitúa en la cocina de un restaurante londinense, el espacio desde el que seguimos a un reparto coral a lo largo de su jornada de trabajo. En ese contexto, el dramaturgo denuncia la precariedad y desesperanza de toda una generación de trabajadores. La obra ha sido representada ininterrumpidamente desde su estreno y ahora, en pleno éxito de The Bear, Ruizpalacios decide reinterpretarla situándola en un restaurante en el epicentro del consumismo contemporáneo, Nueva York -y, más concretamente, en Times Square, kilómetro cero de la gentrificación contemporánea-.
Como comentaba en la rueda de prensa posterior a su proyección en Seminci, La cocina llamó la atención de Ruizpalacios desde un lugar muy personal: “Yo conocí la obra cuando estaba estudiando actuación en Londres y, al mismo tiempo, trabajaba en la cocina de una trampa para turistas. Ahí fue donde me enamoré del universo de las cocinas, de su ritmo y de su drama. Son lugares muy caóticos, pero también en los que hay una experiencia migrante. Eso tienen en común las grandes ciudades, son como puntos de reunión de muchas nacionalidades. Quería retratar esa torre de Babel que vi, y la obra de Wesker siempre se quedó conmigo”. Para llevarla a cabo, el director ha definido una puesta en escena que abraza el estilo y el tono del indie estadounidense de los noventa, entre el Kevin Smith de Clerks y el Jim Jarmusch de Coffee and Cigarettes. Y filma así, esencialmente en blanco y negro, porque “me gustaba la idea de no saber cuándo tiene lugar la historia, si es hoy o hace veinte o treinta años, y enmarcarla en una especie de fábula”. La sensación fabulística, casi de realismo mágico, se refuerza con puntuales virajes al color: “Quería que fuera un poco más allá del realismo”, reconoce de nuevo el realizador.
La cocina que da título a la cinta se convierte así en eje central de un relato potenciado por una puesta en escena dinámica, cuyo momento álgido es la representación de un servicio en plano secuencia que casi parece una coreografía salida de un musical de Broadway. Algo lógico, porque Ruizpalacios ideó el conjunto de la obra como una sinfonía: “Pensé la película en movimientos musicales, más que en actos dramáticos. La introducción era una obertura. Y después del clímax viene un adagio, que suele ser el tercer movimiento antes del final”.
LA COCINA (8 noviembre)
Avalon / México / 2024
Dirección: Alonso Ruizpalacios
Reparto: Rooney Mara, Raúl Briones, Anna Diaz, Motell Gyn Foster, Oded Fehr.
POR: RAMÓN BAYLOS
Hay leyendas que nacen a raíz de sucesos determinantes, pero otras se forjan desde la perseverancia. Tras dos entregas que conquistaron el corazón de los nipones, la Enix de finales de los ochenta se empeñó en que a la tercera fuera la vencida con su franquicia ‘Dragon Quest’, que no solo fue un bombazo con su lanzamiento en Japón en 1988: su éxito caló poco a poco y trajo el JRPG definitivamente a Occidente, ayudando a romper con las fronteras y construyendo un legado que se extendería durante más de 35 años de historia. Ahora ‘Dragon Quest’ regresa totalmente renovado.
Dragon Quest III se convirtió en un fenómeno de masas tan grande que supuso el primer antes y después de la franquicia. Especialmente en territorio japonés, donde desató una fiebre sin precedentes que empezó a definir nuevos paradigmas sobre el comportamiento del país en muchos aspectos.
MILLONES
El día de su lanzamiento vendió 1 millón de copias solo en Japón. 3 en su primera semana. Y con más de 7 millones y medio de unidades vendidas y unos ingresos de más 516 millones de dólares, la compañía comenzó a prepararse para intentar perpetrar el éxito de la saga también en el extranjero.
Día nacional de ‘Dragon Quest’ en Japón
En un ejercicio de autoensalzamiento del valor cultural propio del país y reconociendo un impacto histórico en aquellas fechas, el Gobierno de Japón declaró el 27 de mayo como el día nacional de Dragon Quest, dado que esa fue la fecha en la que se lanzó al mercado el primer juego de la saga.
Dragon Quest no existiría como tal de no ser por el papel clave de cuatro grandes representantes de la cultura del entretenimiento en Japón. Una cuádrupla de cabezas pensantes que fueron esenciales para su creación y posterior vigencia dentro del sector del ocio a un nivel internacional.
Akira Toriyama
Diseñador de arte
Mangaka legendario, el mítico creador y dibujante de Dr. Slump, Dragon Ball o Sand Land, tristemente fallecido este año, entró también en el mundo de los RPGs gracias a la apuesta loca de Torishima para el primer Dragon Quest. Después también diseñó los personajes de Chrono Trigger.
Koichi Sugiyama Compositor
Koichi Sugiyama es el autor principal de la mayor parte de piezas que conforman la banda sonora central de la saga. Su trabajo en la primera entrega se considera el blueprint de lo que sería la música en un RPG, y fue tan influyente que le permitió ser de los primeros en dar un concierto sinfónico.
Prohibición de nuevos lanzamientos de ‘Dragon Quest’ entre semana
Dragon Quest III generó una fiebre tal en Japón que el nivel de absentismo laboral y escolar en su lanzamiento prácticamente detuvo el país. Enix, después, tuvo que tomar la decisión de instaurar una norma no escrita: no volver a lanzar nunca más una nueva entrega de la saga entre semana.
Yuji Horii
Guionista y storyteller
Yuji Horii es considerado el creador original de Dragon Quest y muchas de las ideas que desarrolló hace más de 35 años siguen vigentes en la actualidad. Su experiencia le llevó a supervisar el desarrollo de otras obras maestras como, por ejemplo, Chrono Trigger. Es el alma del JRPG.
Kazuhiko Torishima Editor
Desde su posición como editor jefe de la revista Shonen Jump, Torishima se fue abriendo a la prensa de videojuegos gracias a Yuji Horii. A la vista del éxito, se le ocurrió la feliz idea de hacer su propio RPG con un dream team formado por el propio Horii y Akira Toriyama... y el resto es historia y se convirtió en Dragon Quest.
El nuevo remake de Dragon Quest III ofrece una reinterpretación de la obra original que es sumamente fiel al material de 1988, pero que al mismo tiempo añade algunas características esenciales a su planteamiento central.
Trama
La trama del juego se ha mantenido intacta con tal de crear una sucesión lógica de remakes en cuanto al argumento de la primera trilogía. De hecho, el motivo de que este sea el primer título que se trae de vuelta es sencillo: Dragon Quest III funciona como épica precuela de los dos primeros juegos de la saga, y sirve como nuevo punto de partida.
Estilo artístico HD-2D
Square Enix ha conseguido asentar como nuevo paradigma este estilo artístico de invención propia a través del éxito de JPRGs contemporáneos de la casa como Octopath Traveler y Triangle Strategy, que ya demostraron el enorme impacto visual que puede causar esta combinación de modelos 2D herederos del pixel art, con escenarios y efectos renderizados en tres dimensiones. ¿Lo veremos en Final Fantasy?
Novedades inéditas
Square Enix ha añadido una novedad central a este remake que no estaba disponible en el juego original, que se basa en la aparición de un sistema de captura de monstruos que encontraremos durante la aventura -¿os suena de algo?-. Con esta mecánica inédita con respecto al material de 1988 tendremos la oportunidad de participar en torneos de monstruos en las diferentes ciudades del juego y desbloquear una clase nueva que haga uso de los mismos, dentro de los combates de la aventura principal.
Traer de vuelta a nuestro presente un juego antiguo por la vía del remake está íntimamente relacionado con el valor cultural que la obra original es capaz de aportar a los sistemas actuales de entretenimiento. No obstante, hay que recordar que el viaje que se propone con estas reediciones no es al pasado, sino hacia un espejismo de él. La fiebre por los remakes pasa entonces a convertirse en un cascarón vacío que puede albergar necesidades derivadas del consumismo y no de la cultura en sí. Aunque bien es cierto que también hay excepciones a estas nuevas corrientes del entretenimiento, tal y como ocurre con los Resident Evil, el reciente Silent Hill 2, los juegos de BluePoint o este Dragon Quest III HD-2D Remake cuya principal misión es la de reconstruir parte de los puentes que se han perdido hacia el origen mismo de los JRPGs.
Cambios en la jugabilidad
Fruto del fenómeno de tiktokización social moderno o de la industria del entretenimiento convirtiéndose en una entidad encaminada a satisfacer las nuevas prisas del siglo XXI, este remake incorpora características que agilizan el desarrollo de la trama y los combates. Por ejemplo, unos sistemas más intuitivos de inventario o la posibilidad de acelerar los enfrentamientos a marcha rápida.
MACARRA YPOETA. CANALLAY SENSIBLE.
DESPUÉS DE A ÑOS DEMOSTRANDO POR QUÉES UNO DELOS
Todo comienza en Aranda de Duero, en la edición de 2013 de Sonorama Ribera. Un joven grupo llamado The Girondines hace aparición en la Plaza del Trigo, escaparate imprescindible para decenas de bandas emergentes en nuestro país. Su vocalista y frontman destaca como un torbellino en el escenario. Once años después, Gabriel Barriuso es Barry B y está a punto de lanzar su debut en solitario, CHATO. Para él, solo hay una forma de afrontar la vida: “A machete”.
Barry es un ser de luz. “Mi vida adaptada a una película dirigida por Guy Ritchie y un animador de Pixar”: así describe su música. Una de las primeras cosas que suelta es una broma, en la cafetería en la que tiene lugar la entrevista. “Un ron cola, por favor... ¡Qué va! Mejor un agua con gas”. Tiene un carisma magnético. “Tengo un carácter con el que la gente se ríe. Me ha pasado siempre”. En el contexto de la industria musical es una figura respetada y querida. “Tengo la suerte de que soy bastante anticancelable”. Sin embargo, hace más de una década todo era diferente. “Si me hubieras conocido en Aranda en aquellos años seguramente te habría insultado o hablado raro”. Con 16 años, Barriuso vio cómo el batería de un grupo local que tenía su misma edad salía del camerino del festival arandino con una pulsera VIP en una mano y una cerveza en la otra. ¿Qué había que hacer para conseguir eso mismo?
Montar un grupo. “Al año siguiente, tocamos en Sonorama”. A Barry no le importaba dar la cara. “En el colegio iba a teatro y se me daba bien. Me resulta fácil ser el foco de atención aún sin pretenderlo”. Al subirse a la tarima, dejaba de ser él. “Busco desahogarme. Es como si me poseyeran”, cuenta. Su presencia escénica ha mejorado con los años, pero por aquel entonces sobre las tablas ya era un espectáculo. “No cantaba nada. Gritaba, hacía el gilipollas y sudaba. Pero era megapunk y a la gente le flipaba”.
Esta actitud incendiaria la aprendió muy pronto de sus héroes musicales. “Con diez años escuchaba Primal Scream, Oasis, Pulp y toda esta gente. Lo que escuchaban mis tíos. Realmente siento que he mamado todo eso”. Ha mantenido esas raíces rockeras a lo largo de toda su carrera, pese a que muchos asocien su sonido con el urbano. “Alguna pepa, algún kit kat, pero mis letras son esencialmente existenciales. Jamás podría hablar de eso porque no soy calle. Soy un tío normal y currante”. ROOKIES, junto a Ralphie Choo, uno de sus primeros temas, seguramente tenga parte de culpa de esta asociación con los rusia-IDK (con quienes, por cierto, Barry comparte piso). Pero, “yo en mi casa no escucho trap nunca. Hago una canción que me llama la atención y me mola”. Son la generación collage.
Barriuso compaginaba su vida de rockero con la carrera de Ingeniería y Organización Industrial en la Escuela Politécnica Superior de Burgos, “por la cara”, y con un trabajillo de camarero. En ese contexto, la llama de la música se iría apagando poco a poco. “No tenía ninguna meta fija en mi
vida. No tenía nada que hacer”. Eso sí, los ensayos eran sagrados. “Aunque al día siguiente estuviese de empalmada, había que ensayar porque era lo único que me salvaba del día a día en el pueblo”. Y lo único que disfrutaba. “Tenía cabeza para sacarme la ingeniería, pero odiaba la vida. Era un niñato anarca loco”. Por eso, su primer LP lleva el nombre del apodo que le puso su padre. “Mi padre me sigue llamando chato, porque tengo la nariz muy metida pa’ dentro. Gracias a él y a mi madre no soy un yonqui macarra de Aranda que vende droga y se enfarlopa los sábados”.
¿Qué pasa con Gabriel Barriuso cuando termina la carrera? La vida le sorprende: “A punto de irme a México, estoy en un bar, me tomo tres birras y me pego una hostia con el coche. Quedo como un acordeón, me quitan la beca, me meten antecedentes y vuelvo al restaurante de mis padres”. Lo que casi mata a Barriuso fue lo que dio lugar a Barry B. De pronto, todo cobra sentido. “Hay productores en Aranda, como el DRUMMIE, que le conozco de toda la vida y empieza a despuntar. Entiendo que se puede hacer música sin banda”. Quién sabe lo que habría sido de Barry B si se hubiese ido a Latinoamérica. “Estaría ahora de ingeniero, amargado, en una petrolífera, a saber”. También podría estar muerto.
Sam Gold, que también le acompañó en The Girondines, y DRUMMIE, futura pieza clave de rusia-IDK, le ayudaron a despegar su carrera con dos canciones: Kit Kat y Soleá. Poco después firmaría su primer contrato con Sony. Tenía entonces 27 años. “Ha sido un proceso de encontrarme a mí mismo, siempre al límite de todo, sin casi dinero a final de mes… Ahora tengo 30 años”. Una prueba de que los sueños no tienen fecha de caducidad. Sin embargo, la lucha no para. “Yo sigo currando de lo que estudié. Instalo casas inteligentes y las arreglo desde el móvil. Si lo dejo, a lo mejor es cuando ha salido este número o a principios de 2025”.
Quizá por su asociación con los rusia y esa idea de patchwork sonoro, la música de Barry B es difícil de definir. Principalmente por la cantidad de influencias a las que está expuesto. Es visceral, sensible, impredecible y reflexiva. Él dice que su marca es “la epicidad”, pero esta puede venir de muchas formas. Por un lado, está su lado experimental, íntimamente conectado con esa asociación con el colectivo que lleva un lustro volteando las normas no escritas del pop en nuestro país. “Estoy rodeado de pokémon legendarios y he aprendido la hostia”. La mitad de CHATO está producida por el propio Barry B gracias a todo lo que le han enseñado. Pero tampoco debe ser fácil estar rodeado de tantos genios: el síndrome del impostor es inevitable. “A menudo pienso que soy un puto viejo para esto. Que tal vez debería seguir con la ingeniería y que le den a la música… Llevo tiempo luchando con ese conflicto, pensando si merece la pena. Porque todo esto de convertirte en un artista pop... a lo mejor es algo que llevas dentro desde siempre, pero no tienes las narices de intentarlo hasta que alguien te dice que adelante, que merece la pena y que eres capaz de hacerlo”. Esa persona, clave en el desarrollo artístico de Barry B, se llama Gara Durán. La música es, en esencia, emoción
Su primer tema, con DRUMMIE... De Aranda a Madrid, revolución rusia Producida por DRUMMIE, Kit Kat es la presentación de Barry B al mundo. “No suelo hablar de esto, pero he vuelto a recurrir a los Kit Kats”, canta en la icónica primera línea. La vena existencial de Barriuso ya estaba presente, al igual que su singular mezcla de estilos. Está claro que Kit Kat tiene mucho que ver con el inicial fichaje de Barry B por Sony.
... y con Sony su primer contrato
Facturando... a pérdidas. Llorando en el limo Solamente un puñado de singles le sirvieron a Barry B para recibir la llamada de Sony. “Estaba flipando”, asegura. Sin embargo, esto no le resuelve la vida a nadie, al contrario de lo que se suele pensar. “Te das cuenta de que es un pequeño pasito”. Barriuso lo invirtió casi todo en un local de ensayo propio. “No gané casi nada de pasta”, dice ahora. Le sirvió para seguir andando.
Chato, joga bonito
Canallita con buen corazón
El lead single de CHATO, el primer lanzamiento firmado con Universal Music y una de las canciones que mejor definen lo que hace diferente a Barry B. La combinación perfecta de canallismo -“Siento la gustera de la pepa de ayer”- y poesía -“Noto que estoy a caballo entre olvidarte y guardar cada momento antes de que sea tarde”-. Un blueprint de lo que despliega en su debut.
Yo pensaba que me había tocado Dios Dupla histórica de la noche... Es uno de los himnos del año. Barry B y Carolina Durante, una de las bandas nacionales definitivas, fusionan sus respectivos estilos que da gusto. La canción se presentó en exclusiva en Bilbao BBK Live sobre un ring improvisado en el último momento. Al final, no se pegaron. No hubo muerte, sino abrazos. De hecho, fue el comienzo de una gran amistad entre Barry y la banda madrileña. “He sentido una gran conexión con Diego. Después de la entrevista, seguramente vaya a jugar a las Magic con ellos”. Pocos como ellos para fabular sobre lo que puede ser la amistad.
pura. El mismo sentimiento que experimentó Barry (o, más bien, Gabriel) cuando escuchó a Gara cantar por primera vez. “Me puse a llorar como una magdalena... y me enamoré”. Ella le aporta la versión más sosegada de sí mismo. “Su faceta artística es más folk que la mía. Lo que me encanta, porque dentro de diez años no creo que yo pueda seguir subiéndome a gritar en un escenario”. El lago de mi pena es uno de los singles claves de CHATO Barry y Gara convierten en música una tragedia personal. “La vida es azar y queríamos reflejarlo en una canción”. Porque, aunque seas un notas o un pifias, todos lloramos un poquito. Hay que desahogarse. Y el que diga que no, miente”.
Varias canciones de CHATO responden al amor de la infancia de Barry B: los himnos del rock británico. Sin embargo, ninguna como Yo pensaba que me había tocado Dios, uno de los mayores éxitos de toda su carrera. “No tenía un tema lo suficientemente enérgico que plasmara de verdad lo que hay en mí”. La canción surge en un momento de agonía. “Voy a Valladolid a trabajar, vuelvo y llamo a mi mánager diciéndole que la vida es una mierda y que estoy hasta los cojones. Me dijo que me pusiese a componer todo lo que estaba llorando”. Así lo hace. Rula la maqueta por ahí y, tras una serie de coincidencias, a Barry le llega el número de Diego Ibáñez. “Ni siquiera había pensado en Carolina Durante. Ojalá se me hubiera ocurrido antes”. Una de las partes más icónicas de la canción coincide con una de las pasiones del arandino. “Prefiero morir mañana a vivir mil años sin conocerte”, cantan Diego y Barry al final del tema, sobre una base acústica. “Esa parte se le ocurrió a Diego, borracho, un día a las tres de la mañana. Me dijo que ahora era increíble, pero que tenía que ser espectacular”. Barry B leyó la frase en un TikTok de la película Pocahontas y la metió en el tema. Tal cual. “La cultura de ahora es Disney y también hay que saber nutrirse de esas vainas”.
“SIGO
CHATO es, en esencia, la vida de Barry B plasmada en canciones. “Todo desemboca en letras crudas y nostálgicas de tiempos pasados, letras
de celebración por tiempos presentes y en los ritmos frenéticos que me han gustado toda la vida”. Es el golpe encima de la mesa que llevará su carrera al siguiente nivel. El respeto de la industria ya lo tiene ganado, así que no tiene nada que perder. “Si te ganas la confianza de la gente, al final te acaban escuchando”. A Barry B no le ha llegado nada regalado en su carrera. Al día siguiente de realizar la entrevista, tenía que irse a una feria de domótica en Cataluña. Todo, mientras intenta llegar a cumplir el sueño de vivir de la música. “Otra cosa es que llegues a los treinta y no tengas la energía necesaria”. ¿Y cuál es el secreto? “A mí, la energía me sobra”.
CHATO (UNIVERSAL, 2024)
El efímero arte de perdonar / Todo ese dolor / TK / Joga bonito / Si alguna vez / Se hizo complicado / YPQMHTD (feat. Carolina Durante) / Tussi / Corazón Vaquero / El lago de la pena (feat. Gara Durán) / Bis a bis / A tus pies DIGITAL / LP
CURRANDO DE LO QUE ESTUDIÉ: INSTALO CASAS INTELIGENTES Y LAS ARREGLO DESDE EL MÓVIL... AUNQUE AHORA QUIZÁ LO DEJE”
La Madre Fundadora ha recor rido toda España y este es solo el comienzo.
Más de cuarenta shows celebrados a lo largo de 2024. Año en el que no ha dejado de lanzar música para la poderosa comunidad de Zor ras Fieles que se ha levantado atenta a la agresiva mezcla de trap, electrónica, sexo y satanismo que caracterizan su obra.
POR: FERNANDO BERNAL
KELLY REICHARDT, VALÉRIE DONZELLI, RUBEN ÖSTLUND, HONG SANG-SOO, LISANDRO ALONSO, ULRICH SEIDL O PAWEL PAWLIKOWSKI SON SOLO ALGUNOS DE LOS NOMBRES QUE HAN FIGURADO EN EL PALMARÉS DEL FESTIVAL DE GIJÓN DURANTE LAS ÚLTIMAS DOS DÉCADAS. AUTORAS Y AUTORES QUE CONFIRMAN EL GUSTO DEL CERTAMEN POR CINEASTAS AUDACES Y UN CINE INDEPENDIENTE Y ATREVIDO. UNA MEZCLA ENTRE TALENTO EMERGENTE Y VOCES CONSAGRADAS -ESTE AÑO SE PRESENTA EL ÚLTIMO CORTO DE GODARD, EL MÁS MODERNO DE LOS CLÁSICOS- DE LA QUE HEMOS EXTRAÍDO ALGUNOS TÍTULOS QUE COINCIDEN CON LA FORMA DE VER EL CINE DE NUEBO Y DEL FICX. DEL 15 AL 23 DE NOVIEMBRE EN LA CAPITAL SENTIMENTAL DE LA COSTA VERDE.
de Jean-Luc Godard
Un día antes de su muerte asistida el 12 de septiembre de 2022, Jean-Luc Godard entregó el cortometraje que significaba su despedida del cine. El FICX acoge el estreno en España de Scènarios, la última obra de uno de los grandes genios del cine contemporáneo. Radical, innovador, controvertido, siempre a la vanguardia, Godard reformuló una y otra vez los códigos cinematográficos, reinventándolos a su antojo como el buen enfant terrible que siempre se empeñó en ser. El autor de Al final de la escapada (1960) recurre en Scènarios a un método que ya había puesto en práctica a lo largo de la última etapa de su carrera y entrega un collage donde conviven textos, imágenes y dibujos, todos ellos elaborados de una manera artesanal, para esbozar lo que podría haber sido una futura película: todo muy godardiano. El acontecimiento de esta proyección se completa con una exposición y con el corto Exposé du film annonce du film Scènarios, una pieza “en la que, a modo de plano secuencia, las manos y la voz de Jean-Luc Godard presentan la película Scènarios”.
de Bruno Dumont
Capaz de filmar la vida de Juana de Arco en formato musical y de entregar obras de culto tan provocadoras, impactantes y crudas como L'Humanité (1999), el iconoclasta cineasta galo Bruno Dumont se presenta en la sección oficial del festival con una de sus obras más marcianas -en varios sentidos-: una comedia delirante y repleta de humor absurdo que hará las delicias de los fans de su particular cine. Un filme que puede leerse como la particular relectura de Dumont del universo -y las enseñanzas- de la saga Star Wars
Después de obtener el premio el año pasado a la mejor película en la Competición Albar con No esperes demasiado del fin del mundo, Radu Jude vuelve a Gijón con un documental junto a Christian FerenczFlatz realizado a partir de imágenes de archivo que corresponden a anuncios emitidos en Rumanía después de la dictadura. Crítica social, lectura ideológica y fina ironía, muchas veces rozando lo corrosivo, vuelven a ser
Marie Losier es una cineasta y comisaria que ha realizados retratos de músicos como Genesis P-Orridge, Alan Vega o Felix Kubin. Turno ahora para Peaches, considerada icono feminista queer y reina del electroclash. Durante 17 años, Losier grabó a la cantante y música, que abandonó su trabajo de maestra en Canadá para sumergirse en el mundo underground del Berlín de los ochenta. El documental promete ser un verdadero trallazo electro-punk.
de Hernán Rosselli
Dentro de la sección Retueyos se podrá ver el tercer largometraje del cineasta argentino Hernán Rosselli, que causó una gran impresión a su paso por la Quincena de Realizadores de Cannes. Una combinación de ficción y found footage ambientada en el mundo de las loterías clandestinas a las afueras de Buenos Aires. Thriller que funciona como un documental ficcionado y que confirma el talento de Rosselli, quien lo presenta como un rompecabezas en el que el espectador debe encontrar la solución. Una muestra más del buen estado de salud que vive -o vivía- el cine argentino antes de la llegada de Milei, y que el nuevo presidente está empeñado en cepillarse.
de Paula Veleiro
Paula Veleiro utiliza material grabado con su pareja a lo largo de nueve años y lo combina con imágenes caseras de sus propios padres durante la década de los ochenta. Otra vez la realidad y la vida salen al encuentro del cine a través del montaje de la propia autora. Es el salto a la dirección de largos de una realizadora con amplia experiencia en el audiovisual musical y que además también sigue desarrollando su actividad como escritora, ahora encargándose de las letras de las canciones del grupo La Rate Tímide, del que forma parte.
Para hacerse una idea de por dónde va y qué ofrece Generación Mutante, basta con echar un ojo a las dos películas españolas que el año pasado pudieron verse en esta categoría: Mámántula de Ion de Sosa y On the Go de María Gisèle Royo y Julia de Castro. Una sección que mantiene vivo ese espíritu que recorre toda la programación del festival de reivindicar nuevas formas de mirar y representar. En este caso, a través de películas mutantes que dan una vuelta de tuerca a los códigos del cine fantástico, de terror, comedia o de ciencia ficción. Propuestas que se salen de lo establecido y que merecen tener su espacio y también tu atención.
El chileno Cristóbal Artega presentó hace cinco ediciones en el FICX su thriller rural As mortes (2019), rodado en blanco y negro y en gallego. Este cineasta instalado en España y que cuenta en su currículum con filmes tan estimulantes como El triste olor de la carne (2013) regresa ahora a su país para rodar su nueva película, que tiene como protagonista a un croma verde. Un hombre que llega hasta la laguna de Aculeo, donde tiene previsto participar en una película que nunca se va a hacer, y que le lleva a vengarse de su autor. Ejercicio de metacine con un extravagante personaje principal.
de
Sook-Yin Lee
En 2011, el dibujante y guionista Chester Brown contó el viaje que emprendió tras la ruptura de la relación romántica que mantenía con Sook-Yin Lee. Ahora, la propia Lee es la encargada de llevar a la pantalla esta historia de su expareja, que conoce bien. La cineasta habla del pasado, del futuro, de relaciones sentimentales y sexuales y del mundo de la cultura underground canadiense, del que Brown es uno de sus máximos exponentes. Una propuesta que hibrida vida, cómic y cine. Muy interesante.
En su segundo filme, que se pudo ver en el Festival de Locarno, la directora italiana Adele Tulli intenta confrontar la experiencia humana con la digital en un mundo en plena transformación e hiperconectado. Y lo hace a través de los testimonios de sus distintos protagonistas -desde una chica que vende material erótico online desde su habitación hasta YouTubers que confiesan sus frustraciones a propósito del éxito, siempre personas que viven preocupadas por la imagen que proyectan de ellos mismos-, que se van intercalando hasta conformar un discurso que habla de nuestros días. Imágenes y palabras impactantes que, al contrario que los contenidos que vemos en las pantallas de nuestros dispositivos, tienen vocación de perdurar.
Alexis Langlois sorprendió en la Semana de la Crítica de Cannes con un drama queer, ambientado en el futuro y con una influencer como narradora. Estamos en el año 2055, y ella es la encargada de dar paso a la historia de amor lésbico entre la diva del pop Mimi Madamour y Billi Kohler, un verdadero icono punk. Langlois mira al presente desde la distancia temporal con una película que supone una actualización, asumiendo los modos estéticos del mundo digitalizado, de los preceptos del mítico queer cinema.
Dentro de la comunidad incel
“Me atrajo mi deseo de intentar entender a esos hombres que odian a las mujeres. Investigar esas formas de misoginia online desde la mirada más desprejuiciada. Eso es lo que intenté, con la idea de que cualquiera puede ser un incel, de que la misoginia no es una forma de monstruosidad, sino un sentimiento humano de lo más banal dentro del heteropatriarcado. Me interesaba explorar esa banalidad de lo incel, y dentro de ella encontrar una humanidad”, asegura la cineasta sobre La mecánica de los fluidos.
El FICX dedica este año un foco a la obra de la artista-investigadora Gala Hernández López, una directora emergente que se desarrolla en los márgenes de lo industrial y cuyo trabajo -con el cine como vehículo para generar “conversaciones imaginarias”- se ha visto ya reconocido con un premio César en Francia, que obtuvo con su primer corto, La mecánica de los fluidos (2022). “Diría que tengo una práctica transdisciplinar, que incluye la realización de películas que se encuentran en el ámbito del documental, aunque no me gustan las etiquetas. Me cuesta definirme como cineasta documental, porque creo que es algo reductor. Realizo películas sin ponerles etiquetas, y, al mismo tiempo, mi trabajo a veces toma la forma de artículos más teóricos o de conferencias performadas. Mis películas siempre tienen la forma instalativa, las hago pensando en que tengan una declinación como videoinstalación”. Entonces, ¿cuál sería el hilo que vincula todas estas actividades en su carrera? “Se conectan porque tratan sobre los nuevos modos de subjetivación, generados por el capitalismo digital, computacional o cognitivo. Me interesa entender qué tipo
de ideología, discursos, imaginarios o mitos, son fabricados por las nuevas tecnologías digitales. Este es el hilo que une todo mi trabajo. También me interesa explorar cómo las nuevas tecnologías digitales generan un deseo, eminentemente masculino, de control y poder sobre lo real. Una especie de deseo de gobernar el mundo y la realidad. En toda mi obra hay algo de esa fantasía de omnipotencia masculina que tiene muchas dificultades para lidiar con los límites”.
En Gijón presenta su primera trilogía de cortometrajes, conformada por el citado La mecánica de los fluidos (2022), en el que ahonda en la comunidad incel y la misoginia en Internet; For Here I Am Sitting in a Tin Can Far Above the World (2023), en el que aborda el mundo de las criptomonedas y la criogenización, y +10K, el cierre de este ciclo. Para ella el foco es un honor total y también la posibilidad de dar visibilidad a su trabajo. “También significa la presentación de un montaje de un fragmento de mi nuevo trabajo +10K, que no va a estar finalizado, porque lo vamos a terminar en enero. Es una pieza distinta a las dos primeras, no he trabajado con material de archivo, la mayor parte de la película es material rodado. Supone una pequeña bifurcación en mi trabajo y me interesa ver cómo reacciona el público y qué opina”. Reconoce, con humor, que en un primer momento tuvo sensación de tener algo de “síndrome de impostor” con este reconocimiento. “Piensas que eso es para cineastas con una inmensa filmografía. Y creo que, en realidad, a pesar de esta primera reacción de miedo, me parece muy bien que un festival apueste por nuevas voces y directores más emergentes, al margen del sistema de producción. Aunque esta última pieza está financiada de manera más convencional. Pero no diría que mi trabajo es conocido por el gran público, me parece una decisión audaz y arriesgada”.
En la obra de Gala Hernández López tiene un peso decisivo lo que ocurre delante de nosotros, en nuestros propios dispositivos. Por eso en su cine las propias pantallas son cámaras y una captura es una forma de interacción artística. “No es que el futuro del cine pase por las capturas de pantalla, estamos viviendo una época muy convulsa, a nivel de los medios de producción de imágenes, cada vez más variados, que se nos ofrecen como cineastas. La cámara, que era la herramienta que el cineasta utilizaba para rodar, hoy es un recurso más dentro de un abanico de posibilidades heterogéneas o variadas, que pueden ser otro tipo de cámaras, como cámaras térmicas, de 360 grados, drones o cámaras de videovigilancia. También capturas de pantalla o imágenes generadas por Inteligencia Artificial o modeladas en 3D. Me parece que el cine se está abriendo a todos estos formatos. Esto no va a hacer más que ampliarse en el futuro, y el cine ganará mucho si incorpora estas posibilidades para hablar de un mundo en el que las máquinas de visión y las pantallas se han multiplicado y están poblando el mundo de manera más pandémica”.
ESTE MES DE NOVIEMBRE XENIA PRESENTA SU SEGUNDO ÁLBUM, APOSTANDO POR LA AUTOEDICIÓN Y CON UN TONO MÁS SINTÉTICO, ELECTRÓNICO Y PISTERO. ‘CUANDO LAS SOMBRAS SE ALARGAN’ ES UN DISCO MADURO, REPOSADO Y COMPACTO, QUE EVIDENCIA LA PROFUNDA EVOLUCIÓN DE LA ARTISTA VALENCIANA. HABLAMOS CON ELLA PARA CONOCER MEJOR CÓMO HA SIDO EL PROCESO CREATIVO QUE LA HA CONDUCIDO HASTA ESTE DISCO. POR: MIGUEL PARDO / FOTO: NOAH PHARRELL / LOOK: HERASE STUDIO
Autoedición, underground, independiente… Son algunas de las etiquetas que, con o contra su voluntad, se le han puesto a muchas artistas en el panorama musical siempre que no deciden seguir los raíles de las discográficas. “Creo que ser underground tiene más inconvenientes que ventajas, significa que no has accedido a las grandes masas y que probablemente no estás viviendo de tu proyecto”, admite Xenia al ser preguntada sobre su proyecto actual. Cuando las sombras se alargan, segunda puesta en largo de la productora levantina, es sin embargo su primer trabajo completamente autoeditado. “Consideré que lo mejor que podía hacer era crear mi propio equipo tipo Frankenstein. No pertenezco a ningún sello que tenga el monopolio de mi música, más bien cuento con diferentes personas para las diferentes tareas que responden a ser artista”.
Este trato más íntimo, personalizado y detallado de su música, se nota en el segundo disco de Xenia, un trabajo que supone un paso adelante y que denota la madurez que la artista parece haber alcanzado. “He aprendido a darme mis tiempos y a no correr, aunque sigo aprendiendo de esto. Me siento más segura de mi música porque las canciones que finalmente aparecen en el álbum han sido estrictamente elegidas de entre muchas otras que tenía hechas”. Eso se manifiesta igualmente en el ámbito lírico y personal.
“Siento que he aprendido a abrirme un poco más en mis letras y es algo en lo que quiero seguir trabajando en el futuro. Me siento una Xenia más madura y con las cosas más claras”. De este modo, la autoedición o el ralentí ajenos al ritmo envasado al vacío de la industria crean un caldo más potente y sabroso en el que producir. Y a llegar a ser mejor artista: “Creo que algo que me hace crecer como artista es pasar por todas las etapas vitales que conlleva ser underground. Siento que puedes apreciar más tus logros cuando todo llega a ti poco a poco”.
Crecer como artista no ha sido fácil para la valenciana, pero cuando se trata además de recibir reconocimiento siendo mujer en la industria musical… “Como artista he vivido muchas ocasiones en las que he sentido que no se me daba el valor que merecía, que no se me tenía en cuenta o que se me trataba como si fuese tonta. A veces, incluso, han atribuido mis méritos a otros hombres, como si yo no pudiera ser capaz de conseguir lo que tengo”. Ello conduce a una conclusión bastante evidente, al menos en lo que se refiere a la escena y donde el intercambio más interpersonal se da. “Cada vez son más tías las que quieren trabajar con otras, porque estamos
hartas de sentirnos incómodas o infravaloradas con la gente con la que trabajamos”.
Así, la música de Xenia se permea de influencias y vivencias por proximidad, casi por esporas de afecto. Vive del contacto directo y ha aprendido a humanizar su trabajo, su relación con la música. “Me encanta observar las emociones, vivencias y relaciones de quienes están cerca, y canalizar esas experiencias en mi música. Ser artista y hablar de tus emociones está genial, ¡pero hablar de experiencias ajenas es una carta que siempre voy a querer jugar!”. Y otras influencias por las que se deja contagiar, en este caso más evidentemente, son las de la música electrónica. “Siempre se ha asociado a artistas valencianos de música electrónica a la Ruta del Bakalao, a Barraca y Spook, y aunque yo no me veo directamente relacionada con la Ruta, creo que la ciudad se quedó con ciertos tintes musicales oscuros y de baile que estoy segura de haber adoptado como influencias pasivas”.
Son esas influencias pasivas, inconscientes o subrepticias, las que también parecen marcar el tono onírico y embriagador de Cuando las sombras se alargan. Sobre la idea del sueño, ella misma confiesa: “Me siento muy atraída por muchos conceptos que la rodean: escapar, la noche, el surrealismo, el inicio y fin de algo, vivir una realidad pasajera que termina con la verdadera realidad. Creo que es un concepto que acompaña muy bien el álbum y a la vez le da sentido”. Por nuestra parte no podemos estar más de acuerdo, dado que el LP parece siempre oscilar entre diversos ámbitos, géneros, tonos y formas de expresividad. No es algo negativo, sin embargo, sino más bien más holístico, como un tono general, un marco vaporoso de esa música nocturnal que escuchamos rodeados de amigos y amigas en el coche de camino a una fiesta o de vuelta de ella. “Cuando las sombras se alargan hace referencia a cuando atardece, llega la noche y empiezas a soñar. No es una referencia oscura, sino más bien esperanzadora para mí”. Esta afirmación determina el tono del álbum y da forma a ese proyecto íntimo pero coral en el que Xenia está envuelta. Y aunque esas sombras estén bien y sean cómodas, “no considero que ser underground sea algo deseable, simplemente algo por lo que es necesario pasar”. El objetivo sigue siendo continuar creciendo y llegando cada vez a más gente, con un sonido que, si bien no resulta transgresor, parece rabiosamente moderno y generacional. Un safe space de lo más peculiar, entre gente taciturna y penumbras que se extienden conforme avanzan los faros por la carretera.
CUANDO LAS SOMBRAS SE ALARGAN (AUTOEDITADO, 2024)
Cuando las sombras se alargan / Si cierro los ojos / No gritaré tu nombre / Dando un par de vueltas / Quién me lo perdonará / Dónde va el amor / La piedad / Apnea / Ya no me despierto / 61L4
DIGITAL / LP
“NO CONSIDERO EL UNDERGROUND COMO ALGO DESEABLE, SOLO UN ESTADO POR EL QUE ES NECESARIO PASAR”
POR:
FOTO:
LA DJ Y PRODUCTORA ALEMANA DEBUTA EN TRESOR RECORDS. CASA FUNDACIONAL DEL TECHNO, CON EL EP ‘MULTIPLY YOUR ABSURDITIES’. SON TRES TEMAS QUE SIRVEN DE BANDA SONORA PARA UN VIDEOJUEGO DE CARRERAS CYBERPUNK, DISEÑADO COMO INSTALACIÓN VISUAL POR BAHAR NOORIZADEH, Y EN EL QUE HAUFF ACTUALIZA SUS INQUIETUDES ACID, ELECTRO Y TECHNO.
“Creo que es fundamental conocer el pasado, tanto en música como en la vida en general, para entender el presente y el futuro”, dice Helena Hauff, que empezó a pinchar en vinilo simplemente por contexto. “Al principio había alguien con alguna controladora un poco chunga, pero la mayoría de la gente a mi alrededor trabajaba en vinilo, porque además el Traktor entonces se rallaba mucho”. Para ella es imprescindible no perder el tacto: “Sería una pena que se perdiera el arte de pinchar en vinilo o bobinas de cinta. Que entiendo que son formatos limitantes y muy difíciles de configurar técnicamente: los platos, por ejemplo, son muy sensibles y cualquier brizna de sonido que los atraviesa llega a la aguja y puede llegar a imposibilitar trabajar con ello. Como técnico de sonido tienes que conocer muy bien el material, ser muy delicado, preciso... al final es una forma de artesanía”.
Siempre ha habido cierto romanticismo en su trabajo, que se ha sabido manejar en ese balance entre lo analógico y lo digital y las decenas de cosas que cada uno implica, pero para ella ha sido mucho más natural de lo que pueda parecer. Cuando era pequeña, en su casa, en Hamburgo, no tenían ordenador: “El primero lo tuve creo que en 2008, así que no estaba muy familiarizada con la tecnología, prefería las máquinas, cosas que pudiera tocar con las manos. Y, aun así, los primeros temas que produje fueron con el ordenador de la universidad, que venía con el Cubase instalado. Había muchas opciones, podía crear cualquier sonido, y me quedaba en blanco. Me di cuenta de que yo necesitaba un marco más limitado con el que experimentar. Las máquinas te enseñan a qué pueden sonar, y me encanta ver hasta dónde puedo exprimir sus límites.
Desde luego, Hauff es más de romper los límites que de imaginárselos.
Esto no quiere decir que se oponga a la tecnología, ni mucho menos. “Estudié Física en la universidad y entré en un laboratorio aquí en Hamburgo con un pequeño acelerador de partículas, una especie de CERN en miniatura. He trabajado con láseres... No tengo nada en contra de la tecnología, y en la ciencia es interesantísima, escucho muchos podcast de ciencia, pero intento evitarla en mi proceso creativo porque la encuentro muy destructiva. Soy puramente intuitiva haciendo o escuchando música. Aunque tenga un pie en el arte y en la ciencia no me gusta combinarlas en absoluto. Hago mejor música cuando no trato de sobreanalizarla”. Le interesa la contradicción, y hay muchas en cómo los humanos empleamos precisamente la tecnología: “La música electrónica, y esto no lo tienen muchos otros géneros, es muy imaginativa en cuanto a cómo los seres humanos creamos cosas absolutamente fantásticas con la tecnología para luego destruirlas o destruir nuestro planeta. Somos tan estúpidos que no tenemos la capacidad de controlarla. El techno, y especialmente el electro, apelan muy bien a ese tipo de interacciones entre los humanos y la tecnología”. Y en cierta medida son avances tecnológicos, como las plataformas de streaming o las redes sociales, los que entran en contradicción con la creatividad. “La música comercial ha existido siempre, pero ahora se vende como si fuera underground”, explica Hauff con bastante acierto. “Esa es la gran diferencia, porque la música comercial antes no sonaba en espacios underground pero ahora los capitaliza. Mi música, por ejemplo, antes era imposible de ver en un es-
cenario grande, es el tipo de música que escuchas en clubs de cien personas. Ahora sí te bookean en contextos más mainstream, y hay gente que termina pinchando música comercial porque es lo que se supone que tienes que hacer”. La tentación de entrar en la rueda del crecimiento siempre está ahí, acechando. “Y creo que las redes sociales tienen una influencia enorme en esto, porque muchos dj pueden tener eso en mente, que funcione en redes, a la hora de pinchar un tema u otro. Las plataformas te piden que hagas los temas más cortos, y la capacidad de atención se reduce más y más. En ciertos círculos de música electrónica comercial se pierde el entendimiento de los orígenes. Todo se jode cuando se hace comercial: a nadie le importa quién invento qué, solo importa el dinero. En algún punto el techno se volvió eurocentrista, y al menos está bien ver que se reconocen las raíces negras en EE UU y el trabajo de Drexciya, Juan Atkins, Jeff Mills o Robert Hood”. Imagina un futuro de minimal dub techno y drum 'n' bass tanto como rechaza una identidad artística cuyos objetivos tengan que ver con el éxito, con los números o las expectativas. Hace seis años que no saca un álbum propiamente dicho y, aunque se planteó grabar un disco de ambient en cuarentena, con la vuelta a la normalidad abandonó la idea. El cuerpo le pide pista, y no es que se sienta más dj que productora -“soy ambas, eso es así”-, es que es de lo que ejerce esencialmente pues en el fondo es una amante de la conversación. El feedback la alimenta, y dice que pinchar en Asia últimamente le está dando la vida porque hay muchas ganas de descubrir. “A lo mejor cambia en el futuro, pero ahora estoy bien, mi prioridad es pinchar. No quiero forzarme a mí misma”.
“TODO SE JODE CUANDO SE HACE COMERCIAL: A NADIE LE IMPORTA QUIÉN INVENTÓ QUÉ. SOLO IMPORTA EL DINERO”
FOTOS: SENTO SOLER / NACHO RODRÍGUEZ / ALBA BERNABÉ
EN ‘REPÚBLICA’, SU SEGUNDO ÁLBUM, CARACAZADOR -NOMBRE ARTÍSTICO DE PABLO PÉREZ- PRESENTA UN ENFOQUE INTROSPECTIVO QUE MEZCLA MELANCOLÍA Y MOMENTOS DE ALEGRÍA . A TRAVÉS DE DIEZ CANCIONES, EXPLORA RELACIONES Y VIVENCIAS QUE HAN INFLUIDO EN SU VIDA, FUSIONANDO GÉNEROS Y ESTILOS DE FORMA ECLÉCTICA. AUNQUE EL GADITANO TODAVÍA VIVE EN SUS INICIOS, ESTE TRABAJO MUESTRA UNA VOLUNTAD DE PROFUNDIZAR , EN FORMA Y FONDO, SIN VACILAR ANTE LA VULNERABILIDAD QUE ELLO CONLLEVA.
El mismo espíritu expansivo que poblaba Marea y plata (2020) se hace melodía en el segundo álbum de carazador, REPÚBLICA (2024).
Sus letras podrían dejarte el espíritu mellado como la nariz de un boxeador. También insuflarte la pasión guerrera que lo lleva a subirse a un ring, con un gesto nervioso y cotidiano. Haciendo de tripas corazón ante los golpes, pero consciente de que el abrazo final, sin importar la sangre o la saliva que bañen la lona, acabará llegando. La gloria no está en la victoria, sino en intentarlo. Y tener el valor de exprimir cada momento hasta su caprichoso final.
Aunque en su partida de nacimiento fue bautizado como Pablo Pérez (Cádiz, 1998), al joven artista le dio por alunizar en la escena musical con el sobrenombre caracazador. Una decisión irónica, pues si bien se diría el apodo de un sórdido profeta de barra de bar, su portador es la ternura hecha gesto y sonrisa de tango. “Esas cosas nunca suceden por una sola cosa”, reflexiona sonriente al preguntarle por el alias. “Sino de un cúmulo de sucesos. Proviene, por un lado, del título de una canción de Hola A Todo El Mundo. Quise fusionar el nombre de la canción, como hizo Radiohead inspirándose en Talking Heads. Por otro lado, de un poema de Walt Whitman que me gustaba de adolescente. Lo sentía lógico a tenor de la conexión que tenía con la música y las cosas que estaba viviendo en ese momento, así que lo adopté”.
El nombre hace al hombre, dijo un sabio. Y quizás se equivocó. O, tal vez, despistara que un nombre te hace incluso como contradicción. Porque hay mucho antagonismo en caracazador. “Me gusta jugar con las paradojas emocionales en mis canciones, como cantar alegremente sobre temas tristes. Esa mezcla es lo que da vida a mi música y evita que sea predecible”. Un objetivo de lo más logrado que se suma a su estilo orgullosamente etéreo. “Siempre he estado influenciado por diferentes géneros, y no siento la necesidad de definirme férreamente”, dice con tono latoso. “Aunque si me tuviera que decantar, diría que lo que hago es pop. Mi música es como una playlist, un cúmulo de sonidos variados que intento hacer que encajen de la mejor manera posible”, concluye reafirmado.
Hay algo muy agrio y pretenciosamente abotagado en quien no sabe rendir pleitesía a sus mecenas. Bien sean estos vitales o profesionales, todo artista tiene agradecidas deudas. En el caso de Pablo Pérez, esta sana reverencia tiene por objeto sus progenitores. “Mis padres son fundamentales en mi carrera. Empecé a hacer música hace solo cuatro años, y han sido quienes me han permitido dedicarme a esto, brindándome el tiempo y el apoyo necesarios para desarrollar mi arte”. Visto lo visto, no les ha salido mal la jugada. Sobre todo, si tenemos en cuenta la línea ascendente que este joven ha emprendido,
como si llevara un cohete incrustado en el culo. Ups… Siento si la anterior expresión ha indignado a alguien. Se debe a la sanadora intoxicación que las palabras de caracazador han preñado en mí. “Para mí la verdad es la belleza”, proclama. Y uno no puede sino verse empujado a recitar su verdad, por soez y vulgar que sea, aunque la que expresa Pablo en sus canciones se acueste más en las orillas de la beldad. “No me considero un buen narrador, pero lo que me conmueve y me lleva a componer son mis propias vivencias. He estado poniendo en orden mis pensamientos y verdades a través de las canciones en mi nuevo disco. Hablo sobre mis relaciones y experiencias sentimentales. Es un proceso bonito de reflejar lo que he vivido y cómo estas experiencias han moldeado mi forma de ver la vida”.
REPÚBLICA es, a todas luces, un disco confesional. Tanto es así, que se presenta como la crónica en diez canciones de una relación. Pero ¿por qué vitalizar tanto la música con eso? “Mis relaciones me determinan”, manifiesta caracazador. “Al conocer a alguien, empiezo a notar cómo mis maneras de ser cambian. Ha habido procesos que han sido casi obsesivos, y me gusta explorar eso en mis letras. No siento tristeza en lo que cuento. Aunque hay crudeza en algunas situaciones, al final son parte de mi vida. Estoy contento con mis canciones, que representan momentos que ya he superado”.
Una vez digerido el álbum, se puede destilar algo similar a la guapura de lo perdido. Tal vez de la inmaterialidad de lo imperecedero que se atrinchera en nosotros. Una belleza que Baudelaire ligaba a la melancolía y que caracazador no amalgama en un solo impulso. “La melancolía para mí no es un único estado emocional. Es una mezcla de sentimientos. Intento que mis canciones reflejen esa dualidad, donde lo melancólico también puede tener un matiz positivo”. Porque, claro, no todo en el recuerdo de lo ausente va a ser como si te sodomizara un labrador.
Según sus palabras, Pablo ha aprendido, revisando lo vivido, que no existen juicios lapidarios en lo que respecta a emociones y sentimientos. “Me he dado cuenta de que no estoy hablando solo de una relación, sino de cómo yo la vivo. Mis canciones reflejan mi propia perspectiva y lo que he experimentado”. Conclusiones que, dios mediante, ojalá impregnen la cultura de masas. Y que demuestran la disposición de caracazador para diseccionar la prolijidad. “Al crear el álbum, empecé desde lo grande para luego enfocarme en los detalles. Aunque inicialmente pensé que podrían sobrar canciones, me di cuenta de que he abarcado lo suficiente para expresar lo que quería, en un sentido amplio pero minucioso”. “Para mí, la cotidianidad es un sueño vital”, responde vivamente a colación de preguntarle por la épica de lo sencillo. “Aunque no tengo una vida rutinaria, encuentro belleza en la idea de compartir momentos simples con otros, lo que considero lo suficientemente visceral para
inspirar mis letras. Hablar de experiencias cotidianas genera una sinergia con el público. Cuando alguien escucha una frase que nunca había verbalizado y siente que le pones nombre a sus emociones, se crea una conexión poderosa”. Interrogado ahora, más concretamente, por sus texturas musicales y el folclore andaluz que supura sus temas, reconoce en la música patria una riqueza única. Pero “no canto de una forma tradicional gaditana”, confiesa. “Me siento profundamente conectado con mi herencia, aunque no me considere un intérprete clásico del folclore. Quiero experimentar y aportar algo diferente a mi música, integrando estilos que
reflejen mi identidad. Así, busco un enfoque que combine lo que he amado de mi cultura con nuevas influencias que me permitan crear un sonido auténtico y personal”.
Y, hablando de lo personal, ¿qué hay más personal que el proceso de creación de un músico? Para caracazador, la cosa descorcha así: “Generalmente, empiezo creando un concepto que suele ser el título de la canción, lo que me ayuda a establecer una dirección clara. A partir de ahí, planifico cómo debería sonar y de qué trataría, lo que puede parecer un enfoque muy matemático. Esta metodología me permite explorar diferentes temas y sonidos de manera
“Para mí, la melan colía es una mezcla de sentimientos... Intento que mis canciones reflejen esa dualidad”
profunda, asegurando que cada canción tenga su propia identidad. Aunque puede parecer poco romántico, creo que la planificación es fundamental para dar forma a mis ideas de manera efectiva”. Tranquilo Pablo, Nick Cave ha declarado hacer lo mismo. Y algo sabrá de esto el bueno de Cave.
A pesar de que caracazador es consciente de que acaba de empezar en su carrera musical, tiene “un fuerte deseo de colaborar con otros artistas. Creo que puedo desgastarme solo nutriéndome de mí mismo. Colaborar es esencial para el crecimiento como músico. Estoy emocionado por la posibilidad de unir fuerzas con otros y explorar diferentes sonidos y estilos que podrían surgir de esas colaboraciones”. Sinergias, sin duda, que bien enfocadas darán a las dulces sintonías afiladas de Pablo Pérez nuevos matices, y que, en el fondo, son uno de los principales puntos de partida de un proyecto que empezó a desplegarse más allá de los nichos por intermediación de Zahara, que lo conoció en un campus de composición y le abrió las puertas de su sello discográfico. Nunca lo había hecho antes, como nunca antes él hubiera imaginado que a veces las cosas suceden así, desde la intimidad de una conversación o
compartiendo un pequeño trozo de lo que cada uno crea y de lo que cada uno siente. Por último, ¿qué es un músico hoy en día sin un buen directo? Puede uno reventar las listas de reproducción, pero si en el sudor y el cara a cara con el respetable la cabriola se queda en flatulencia, meh. Pero caracazador, a pesar de su condición neófita sobre los escenarios, lo tiene claro: “El desafío de la autoproducción es encontrar mi sonido y ser fiel a él en mis presentaciones en vivo”, afirma contundente. “Quiero que mi espectáculo refleje la esencia de lo que he creado, a pesar de las limitaciones de medios que a veces enfrento. Me esfuerzo por mantener la autenticidad de mi música, asegurando que los directos sean una extensión genuina de mi trabajo en estudio. Al final, este es un proceso que muchos artistas autoproducidos enfrentan, y creo que es un reto interesante que puede resultar en experiencias memorables tanto para mí como para el público”. Y será el público quien, llegado el momento, decidirá si da el visto bueno a su visión. De momento, Pablo Pérez apunta maneras, y caracazador tiene la mirilla puesta, con genio y gracia, sobre un ejemplar de los más difíciles de derribar: el éxito.
REPÚBLICA (G.O.Z.Z. RECORDS, 2024)
Dios bendiga esta casa / Casamurada / Mi rostro / Falla / República / Parlamento / Drim / Hambre / Ravel / Himno
CD / DIGITAL
POR : ZAHARA
“Cuando estaba preparándome para el lanzamiento de mi tercer disco, Santa, venía ya un poco decepcionada con el mundo de las discográficas. Tanto las grandes, primero con Universal, como las pequeñas, donde cada pequeño logro venía seguido de muchísimas peleas tratando de convencer a personas de cosas que para mí estaban superclaras. Al principio monté el sello para mí: fue todo un follón logístico, administrativo, y tuve que aprender toda esa parte oscura, laberíntica que no tiene que ver con lo artístico, así que no tenía energía para nada más, me había consumido por completo. Estábamos solo yo y mi mánager, Ernesto Muñoz, que venía de trabajar en Sony y me echó una mano para conseguir una distribuidora, Altafonte, que lo sigue siendo. Emilio Lorente se encargaba de temas de arte y diseño, Jesús Hernández de Nisu me ayudaba en toda la parte estética. Para Astronauta se metió Guille a hacer los videoclips; La bestia cena en casa es suyo. Y cuando llegó Puta ya era necesario tener a alguien a mi lado, y la única persona que podía estar ahí conmigo, entenderme y gestionarlo todo era Guille, que terminó siendo mi mano izquierda -es zurdo jajaja-. A día de hoy somos las mentes creativas y organizativas de todo. Ahora tengo a otra persona más, Bea Cort, que nos ayuda en producción y está pendiente de mil cosas, es un flipe trabajar con ella. Y hace dos años conocí en un curso de composición que yo di a Pablo, caracazador, y me enamoré artísticamente muy fuerte de él. Era la primera vez que entendía eso de querer formar parte de algo sin ser la protagonista, y puse a su disposición todos mis pequeños grandes recursos. Principalmente Guille, que ha trabajado mano a mano con él en toda la parte estética. Somos un colchoncito que está ahí intentando acompañarle con lo que tenemos y con todo el amor. Para mí es un honor poder decir que esta aventura que nació para autogestionarme haya servido también como plataforma para dar a conocer a una persona como es Pablo, además”.
POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES
EL REALISMO MÁGICO SE TOCA CON EL REALISMO SOCIAL BRITÁNICO EN ‘BIRD’, LA NUEVA PELÍCULA DE ANDREA ARNOLD, QUE CUENTA CON UN REPARTO ENTRE
PROFESIONAL Y AMATEUR -BARRY KEOGHAN Y FRANZ ROGOWSKI O EL PROTAGONISTA NYKIYA ADAMS- Y QUE MARCA EL CIERRE DE SU TRILOGÍA COMING OF AGE JUNTO A ‘FISH TANK’ Y ‘AMERICAN HONEY’.
Si echamos una mirada hacia el conjunto de la historia del cine británico, uno de los elementos más destacables de dicha cinematografía es su querencia por reflejar y denunciar la realidad social y las diferencias y tensiones sociales de su población. Desde el crudo y áspero movimiento Free Cinema, pasando por la obra sindicalista de Ken Loach o trabajos que en un principio no relacionaríamos directamente con la etiqueta de “cine social” como pueden ser Trainspotting de Danny Boyle (1996), la más reciente Scrapper de Charlotte Regan (2023) o distopías y trabajos en la encrucijada entre los géneros como Black Mirror de Charlie Brooker (2011-2024), la Trilogía del Cornetto de Edgar Wright (2004-2013) o Attack the Block de Joe Cornish (2011). El cine británico siempre se ha caracterizado por su propensión - casi una obligación moral- de mostrar y denunciar los problemas sociales. Da igual que estos sean fruto de las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, del gobierno de Margaret Thatcher o de los estragos de la crisis económica que surgió allá por 2007.
Curiosamente, una de las maneras más interesantes para representar esos conflictos sociales ha sido asociándolos con una suerte de fantastique -o más concretamente con un realismo mágico- que ha tenido en las últimas décadas sus exponentes más importantes en el mundo del cómic, ya sea de la mano de Alan Moore o sobre todo el guionista y escritor Neil Gaiman. En el reflejo de este último se mira fundamentalmente Andrea Arnold en su último largometraje, Bird. Un relato que nos pone en la piel de Bailey (Nykiya Adams), una niña de doce años que vive -o malvive- con su padre, Bug (Barry Keoghan), en una casa ocupada en el norte de la ciudad de Kent, donde la miseria, las drogas y la violencia son el día a día cotidiano para sus desolados protagonistas. Pero además de a Neil Gaiman, Arnold remite también en Bird a las estéticas y
las maneras de representar la precariedad de Sean Baker en The Florida Project (2017). Y de esta manera conforma lo que podríamos denominar una trilogía sobre el coming of age, completada con otros dos trabajos previos: Fish Tank (2009) y American Honey (2016).
Y mencionamos a Neil Gaiman porque Andrea Arnold introduce esa suerte de realismo mágico a través de la figura del actor Franz Rogowski y el personaje que interpreta, y que además da título a la cinta: Bird. Un vagabundo en busca de su padre que entabla una relación paternofilial y protectora con la protagonista de la cinta, Bailey. Un elemento disruptor, tanto en el universo ficcional como en las formas y la estética del filme, que lo aleja de los lugares comunes del cine social, y que permite a Andrea Arnold huir de ese miserabilismo habitual en el género gracias al perfilado de unos personajes que, aun-
Entre pájaros literales y pájaros metafóricos se encuentra esta selección de largometrajes que acompañan a este Bird de Andrea Arnold
LOS PÁJAROS
Alfred Hitchcock / 1963
Posiblemente una de las cintas más terroríficas y existencialistas de Hitchcock, y motivo principal de la animadversión por las aves de varias generaciones.
BIRDY
Alan Parker / 1984
Juvenil, marginal, alegórico, antibelicista. Este pájaro vuela alto en la historia del cine y en múltiples giros se empareja con el de Arnold.
BIRDMAN
Alejandro González Iñárritu / 2014
La salida del ostracismo interpretativo le llegó a Michael Keaton con esta cinta en la que exorcizaba la losa que le supuso el cine de superhéroes.
LADY BIRD
Greta Gerwig / 2017
Coming of age y ópera prima de la actriz Greta Gerwig que elevó a los altares a Saoirse Ronan (Lady Bird) como icono femenino de la contemporaneidad.
que arquetípicos, nunca acaban cayendo en el estereotipo. En especial la figura del padre inmaduro al que da vida uno de los actores jóvenes con mayor proyección de los últimos tiempos, Barry Keoghan, quien, recién salido de trabajos tan reconocidos y populares como Almas en pena de Isherin, Saltburn o El sacrificio de un ciervo sagrado, rechazó aparecer en la Gladiator II de Ridley Scott -finalmente el papel recayó en Paul Mescal, otro actor irlandés de gran proyección- para trabajar con Arnold en Bird
Sin un guion cerrado y con las situaciones y los personajes construyéndose de manera orgánica a lo largo del rodaje, la cinta supuso en cierta medida un salto de fe por parte de Keoghan, pero también un reto y una oportunidad de experimentar, como le reconocía al sitio web Indiewire: “Entré al proyecto sin saber nada de las maneras de trabajar de Andrea. Y me encantó. Quiero ser espontáneo. Quiero fallar. Quiero profundizar en mi interior, ser y sentirme vulnerable. Y tengo mucho en mi interior de lo que puedo sacar. Y es que existen muchas similitudes entre mi personaje y mi persona, por lo que, aunque me duela decirlo, puedo sacar mucho de mi experiencia personal para trabajar este personaje”. Un acercamiento arriesgado que da como resultado posiblemente una de las creaciones interpretativas más inspiradas del irlandés, en un personaje que oscila entre la oscuridad y la luz de manera
BIRD (29 noviembre)
intermitente, y que tiene su cúspide interpretativa en la secuencia en que canta a capela el Yellow de Coldplay. Una secuencia entre lo sublime y lo ridículo, que Arnold consigue aterrizar con resultados excelentes, y que además le sirve para definir y explicar a este ambiguo personaje. Bird, en el otro lado de la balanza y encerrando un espectro lleno de actores y actrices amateur como la propia Bailey, funciona también como eje oscilante de la cinta. Interpretado por Franz Rogowski tras su tour de force interpretativo en Passengers de Ira Sachs, habita un limbo entre el mundo real y lo etéreo, y encarna el realismo de fábula de esta historia. Según explicaba el propio Rogowski a la revista Sight and Sound, cuando Arnold le contactó para el papel cuando ni siquiera contaba con un guion, solo ideas bastante locas: “Me reuní con Andrea en un pequeño restaurante y me contó una enorme cantidad de fantasías y sueños que ella había tenido de niña. Tras dos horas de conversación, averigüé que ella había tenido una visión de un hombre desnudo con un pene enorme, de pie sobre un rascacielos, observado por una niña desde el suelo. No tenía ni idea de qué me estaba hablando, pero supe en ese mismo momento que era la clase de artista con la que quería trabajar”. Un terreno resbaladizo que incluso hizo dudar a la propia Arnold, como explicó en Cannes: “ Bird ha sido el filme más difícil de toda mi carrera”.
Avalon / Reino Unido / 2024 / Dirección: Andrea Arnold
Reparto: Nykiya Adams, Barry Keoghan, Franz Rogowski, Jasmine Jobson
POR: DIEGO RUBIO / CON: BRUNO GALINDO, SANTI CARRILLO, AÏDA CAMPRUBÍ, MARTA
ESPAÑA Y CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
APROVECHANDO EL LANZAMIENTO DE ‘KOKOTXAS’, RECOPILACIÓN DE ARTÍCULOS LEGENDARIOS DE NUESTRA PRENSA MUSICAL POR PARTE DEL TAMBIÉN
PERIODISTA BRUNO GALINDO, NUEBO LE SIENTA A LA MESA JUNTO A CUATRO EXPERTOS -LA MAYORÍA PARTÍCIPES EN EL LIBRO, TODOS PARTE DE LA MISMA HISTORIA- PARA REPASAR LO QUE HAN SIDO ESTOS
AÑOS, PARA REFLEXIONAR SOBRE EL ESTADO DE ESTA A VECES INGRATA PERO MARAVILLOSA PROFESIÓN Y,
SOBRE TODO, PARA OFRECER ALGUNA PISTA SOBRE LO QUE NOS DEPERA UN FUTURO SIEMPRE NEBULOSO E INCIERTO.
“El objetivo era hacer repaso de la historia, ver que lo que hacemos sale de alguna parte y que ojalá vaya a alguna parte también. Y el criterio: piezas lo más excelentes posibles y lo más definitorias, y a través de ellas buscar cierto relato de época, contar cierta España a través de la música y de la manera en la que se ha contado la música a lo largo de estos años”, dice Bruno Galindo sobre Kokotxas. Es un buen ejemplo de cómo ha avanzado el periodismo musical en estos casi setenta años de travesía, pero
AÏDA CAMPRUBÍ
Viene de los fanzines, del punk y de escenas autogestionadas, ha escrito sobre música en algunos de los medios más importantes de España, ha trabajado en radio y tv y es co-directora de BAM. Una todoterreno enfocada desde la cooperación afectiva y feminista.
también lo es de la situación actual, que pide una mayor transversalidad, mayor apertura... También mayor exigencia. “Creo que para enfrentarse hoy a la idea de ser periodista musical y vivir de ello más o menos tienes que asumir que ahora va más allá. Investigas un tema y te salen reportajes, o charlas, te centras en ciertos temas o haces curadorías...”. Al final, como apunta Aïda Camprubí, “pasa en todas las crisis, que se cambia el paradigma. Hay modelos antiguos que están en crisis, como escribir en medios, en formatos impresos... está obsoleto. No porque nosotros queramos, a nosotros todo esto nos interesa, tenemos ese fetichismo por el papel y por dedicarle tiempo a escribir. Pero tenemos que ser conscientes de que tanto por cambios económicos como de formato esto ya no es lo que sirve”.
¿Pero ha existido alguna vez un periodismo musical sano? Carlos Pérez de Ziriza lleva dedicándose diez años exclusivamente a esto como freeleance, pero antes estuvo durante mucho tiempo “trabajando en cosas que no tenían nada que ver, a pesar de que yo era licenciado en periodismo y tenía un máster”. Aïda lleva desde los 18 años “escribiendo en fanzines, tocando el bajo en bandas de punk, trabajando de dependienta seis años para pagarme la carrera, luego en un bar, luego en una librería... O sea, yo cobré mil euros por primera vez a los 29 años y porque entré a contestar el mail de info de Sala Apolo”. Marta España lo compagina con un proyecto artístico, un doctorado y un trabajo en una agencia musical. “El tema carencial de la prensa musical ha existido siempre”, dice Santi Carrillo. “Ahora está un momento que podría decirse terminal porque hay pocos medios, los que hay no pueden sostener pagar a la gente que trabaja en ellos como se debería, la consideración que tiene el público hacia esos medios cada vez es menor... Y la misma cadena de cómo nos comunicamos ahora mismo está alejadísima del papel y del tacto físico”. Hay días que Marta se siente más positiva y otros más negativa. Y no solo habla de las tarifas: "No puedo dedicarle el tiempo que necesitaría de verdad a ciertas cosas. Todo esto al final va en detrimento del producto final. Pero es que también sigue habiendo muchos medios, aunque por suerte no todos, que te exigen muchas más cosas más allá de la veracidad y la calidad
del texto. Tiene que estar optimizado para buscadores, tiene que ser inmediato...”. “Es verdad que se pide más a cambio de menos, y además hay que adaptarse por ejemplo a unos modelos de viralidad que antes no se tenían en cuenta”, coincide Carlos Pérez de Ziriza. “Yo soy más joven que Santi o Bruno y no he llegado a vivir plenamente esa época de viajes de promo, repercusión y todo eso. Entonces claro, mi visión no es del todo negativa porque no tengo un periodo de vacas gordas con el que comparar. Pero es tan poco apetecible la situación de la profesión ahora mismo que el relevo es muy complicado. ¿Para quién resulta rentable esto? ¿Quién se puede ganar la vida escribiendo de música?”. Es el quid de la cuestión. “A mí me encantaría dedicarme al periodismo escrito, es lo que más me gusta en este mundo, pero está tan precarizado que tengo que hacer otros mil trabajos en paralelo, tengo que ser presentadora y tengo que ser mil cosas”, concede Aïda. Y Marta apunta también a lo mal que está el tema académico, que en cierto modo sería una opción dentro de los nuevos horizontes del periodismo musical: “Para publicar en revistas como académico tienes que pagar, y no es barato, estamos hablando de mínimo 200€. Quiero decir, me encantaría sentarme a investigar, pero si tengo que pagar además 60 pavos cada vez que quiero ir a un congreso pues también estás deshabilitando esa vía más académica”. Su doctorado en musicología, a veces, es un arma de doble filo: “Muchas veces va por delante de mí, es como que necesito esa validación”. Y para sobrevivir en Madrid necesita completarlo todo trabajando en una agencia de comunicación musical. “Básicamente es mandar correos haciendo la pelota. Y por mi educación histórica creo que sí, estoy más y mejor preparada para hacer la pelota que un hombre. Como periodista no nota competitividad, pero sí esa necesidad como de legitimar mi discurso”. Responde a muchos debates que Aïda plantea: “Las personas que se dedican a la comunicación en la industria musical son en su mayoría mujeres porque es una profesión feminizada. Porque siempre es mucho más amable que te venga una mujer, que nos han enseñado a ser dulces, complacientes..., que te venga un hombre que normalmente lo que va a hacer es un mansplainning y te va a decir que ‘yo sé más que tú’”.
“LAS
MUJERES ABANDONAN ANTES EL BARCO PORQUE TENEMOS MENOS OPCIONES DE LLEGAR A PUESTOS ESTABLES CON SUELDOS ESTABLES”
AÏDA CAMPRUBÍ
“PARA AFRONTAR
LA IDEA DE SER PERIODISTA
MUSICAL TIENES
QUE
ASUMIR
QUE
AHORA
VA MÁS ALLÁ”
BRUNO GALINDO
SANTI CARRILLO
Director de Rockdelux desde 1987, 37 años al frente de una publicación que ha definido lo que era la música popular en España, que ha dado voz a todas y a todos y sin la que no existiría, entre otras cosas, el Primavera Sound.
Aïda reconoce haber tenido que “trabajar muy duro y escribir muy duro y reivindicarme mucho para que se tenga en cuenta mi opinión. Cuando empezaba en la música, que llevo toda la vida, con 16 años cuando intentaba hablar con mis amigos sobre las bandas que me gustaban no me escuchaban. Es lo que decía Kim Gordon en La chica de la banda, y lo que les pasa a muchas chicas cuando un técnico en una sala le dice que si le enchufa el ampli. Las mujeres solo podemos hablar de cosas de chicas porque el punto de vista masculino se considera universal. Se nos ha acostumbrado tanto a que no se nos escuche que cuando opinamos lo hacemos con mucho miedo, inseguridad, síndrome de la impostora. Y por eso quizá no damos nuestra opinión de una forma tan categórica y muchas veces dejamos los lugares de periodismo, porque están tan ocupados por hombres... Que no es el caso de los compañeros que están hoy aquí con los que llevo muchos años trabajando, pero sí es la realidad en otros espacios: no te apetece estar ahí siempre luchando”. Rockdelux ha sido uno de los medios en los que ella ha podido escribir de cualquier tema. “No he tenido que escribir de cosas de chicas, como sí me pasa en otros medios, donde estoy obligada a escribir de temas que solo tienen que ver con la sexualidad o con el reguetón o con las mujeres”. Pero ni es la norma ni es suficiente. “Las mujeres abandonamos antes el barco porque tenemos muchas menos posibilidades de llegar a puestos estables con sueldos estables”. Somos, mujeres y hombres, igual de fans e igual de frikis de las movidas, pero lo cierto es que el horizonte de posibilidades y expectativas es mucho menos esperanzador para ellas.
“¿Cuánto de mi vida estoy dispuesta a dar por una pasión si no veo una posibilidad de progresar?”, se pregunta Marta. Y aunque Santi incida en que hablamos de “sitios de trabajo” y no de “sitios de poder”, al final, como insiste Aïda, “cualquier lugar de responsabilidad implica una carga de trabajo: a nosotras se nos relega a cargos de comunicación, auxiliar, diseñadora...”. Otra idea contra la que Aïda está en contra es la competencia: “La competitividad es un invento del patriarcado. A las mujeres siempre nos enseñan a pensar en la competencia, nos meten el miedo de la nueva que va a llegar y te va a quitar el puesto. Como
hacen con las mujeres en la música, que siempre parece que cada una tiene que ir sustituyendo a la otra. Lo que he aprendido con todas mis compañeras periodistas, Carolina Velasco, Silvia Cruz Lapeña, Tita Desustance, HJDarger, Alexia Ferrer, Marta, etc., etc., es que tenemos que vernos como un muro de unión, estar juntas y hacer los máximos trabajos juntas, y donde yo tengo espacio tú tienes espacio, vamos a colaborar... Es la única forma de hacer fuerza. La competencia siempre nos va a hacer más débiles, más aisladas, más asustadas, y nos va a hacer coger peores trabajos y luchar menos por ellos. Si estás unida puedes conseguir que te tengan más en cuenta, que te paguen mejor, que se respete más el valor ético...”. “Sí siento que el hecho de que cada vez seamos más mujeres, más personas racializadas, más personas con sexualidades disidentes, es lo que está haciendo que el periodismo musical avance”, coincide Marta. “Sin todas esas personas hoy no hablaríamos de reguetón por ejemplo con el mismo estatus que hablamos del rock. Como periodista, a mí lo que más me interesa es romper con el canon, con la historiografía y con las ideas preconcebidas”.
Y eso en cierta medida es lo que nos apasiona de esto, y lo que nos lleva a todas las preguntas a futuro. “Sinceramente, ahora mismo estudiar periodismo me parece estar dispuesto a ejercer una labor de resistencia”, afirma Santi. “Y el interés que pueda haber por intentar cribar esta maravillosa montaña de posibilidades que es cierto que tenemos entre nosotros desde que existe lo digital, porque nunca había habido tanta oferta al mismo tiempo, exige mucha voluntad, mucho entusiasmo, mucho esfuerzo, mucho sacrificio personal... y poca remuneración por ello”. A Bruno le interesa no solo cómo ha evolucionado esta profesión, también lo que es comunicar en sí sobre música: “Cuando estaba haciendo el libro me daba cuenta de que al principio eran todo revistas y periódicos, pero según va avanzando tienes nuevos medios y hasta trabajos de fin de curso y tesis doctorales. Se abre un universo de posibilidades”. Y para Aïda lo más interesante ahora “a lo mejor tiene más que ver con el audiovisual, reportajes que combinen imagen, sonido, texto, guion... También hay voces que antes no teníamos: para mí algunas de las mejores perio-
BRUNO GALINDO
Autor de Kokotxas y de muchos otros libros de referencia en el periodismo musical español entre los que destaca esa suerte de memorias que es Toma de tierra, fue redactor jefe de Tentaciones y El Semanal, y dirige el festival Palavra.
“¿CUÁNTO DE MI VIDA ESTOY DISPUESTA A DAR POR UNA PASIÓN SI NO VEO LA POSIBILIDAD DE PROGRESAR?” MARTA ESPAÑA
CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
Entre dos tierras, Carlos es de la generación trinchera, y ha construido su carrera como un operario del periodismo musical. Voz de la escena independiente valenciana, le leerás de música en prácticamente todos los medios que quedan en España.
MARTA ESPAÑA
Musicóloga, y más conocida por su proyecto musical Marta Movidas, colabora en NUEBO, Ruta 66 y Rockdelux. Trabaja en todos los ámbitos musicales, y marca el ritmo frenético (y crítico) para las nuevas generaciones.
distas que hay ahora mismo pertenecen a la diáspora latinoamericana, como Dj Dólares, Montse de Latineo, Chica Acosta de La Candela Viva. De aquí también está Noelia Cortés, que desde el antigitanismo también ha escrito de música. De pronto incorporar todas estas voces dentro del periodismo musical, que hasta entonces era casi exclusivamente blanco, masculino y muy eurocentrista y occidental, para mí es una de las grandes innovaciones y uno de los caminos de futuro que sí que le veo a esta profesión”.
Santi lo ve un poco más oscuro; también es el que se topa más veces con las cuentas de resultados: “Para mí al final el problema es que le gente esté dispuesta o no a pagar por tu contenido, por lo que tú ofrezcas, y da igual el canal, un medio, un podcast, tu Instagram... Y la gente no está dispuesta a pagar, tristemente hemos llegado a ese fin del camino. Es imposible asumir los costes de producción no ya de esos vídeos maravillosos que podríamos hacer, del formato escrito en sí mismo. Y va más allá de lo musical. Nosotros mismos quizá nos vamos a otro sitio si nos encontramos un muro de pago. Ahora mismo nadie necesita a los periodistas porque casi toda la información la tienes gratis en las redes, pero si la gente tuviera que pagar por eso que ven en las redes cambiaría un poco el sistema. Sin periodismo estamos ciegos y no va a morir el periodismo, eso lo tengo claro, pero se ha de ser muy valiente para tomar este camino de cara a las nuevas generaciones”. Y para él ponerlo en valor, económico claro que sí, es fundamental. Aïda le contesta: “Los medios también se estancan en replicar un mismo formato de noticias cortas, entrevistas a los mismos artistas y de querer estar presente siempre que es imposible de sostener ni por audiencia ni por calidad de periodismo. Al final hacer cosas bien trabajadas, bien empacadas y bien retribuidas debería ser un objetivo en la prensa escrita. Si no es imposible. El futuro del periodismo musical, porque me niego a pensar que no haya, es desde luego no una categoría cerrada, pasa por un concepto cada vez más abierto. Así que demos la bienvenida a esos otros formatos. Un ejemplo es lo que estaría haciendo Nuria Net con Las Cosmos, este medio exclusivamente de voces diásporicas latinas en España y que es un poco lo que sería Remezcla fuera de aquí. Al
final creo que parte del cambio pasa por aceptar que ahora los periodistas también tienen la oportunidad y la necesidad de montar sus propios canales, con el estrés que esto comporta, claro. Y el esfuerzo económico, de gestión... pero parece que es la única vía que nos queda”.
Es un tema del que ya hemos hablado, pero que es imperial en este asunto. Como dice Marta: “Si nadie paga por ello, ¿quién sustenta el periodismo musical?”. Santi menciona los branded, por ejemplo, y sigue convencido en el modelo de suscripción de Rockdelux aunque sea muy difícil -prácticamente imposible- que salgan las cuentas. También, en cierto modo, ha revolucionado con la revista el modelo de subsistencia al situarse bajo el paraguas de Primavera Sound, “una especie de mecenas”. Hay algo que empuja a que esta rueda, aunque chirriando, siga girando. “Al final quienes pagan son las agencias, los sellos discográficos, los promotores, porque es donde está el dinero en este negocio. Y eso también, pues claro, tiene una repercusión en la libertad de prensa. ¿Cuánto de libre eres tú escribiendo sobre eso?”, se plantea Marta, que maneja esta dicotomía todos los días en sus trabajos, como en general todos los que nos dedicamos a esto. Y aunque Bruno no está exactamente de acuerdo -“Creo que en cierto sentido una consecuencia de la debacle económica que vive el periodismo musical es que libre vas a ser más. Al final cuanto más te pagan, más poder de decisión tienen sobre lo que puedas o no escribir”-, la autocensura es una realidad, impulsada en mucha medida por la necesidad común de que, otra vez, esta rueda siga haciendo su trabajo, aunque sea chirriando. “Dependemos absolutamente de la música en directo, y es algo que me quedó claro con la pandemia”, completa Carlos. “Dependemos del estado de salud de la industria musical, que son los que ponen publicidad en los medios, que son los que tienen promotores que te pueden pagar por campañas de promoción al margen de tus artículos...”.
“Yo calculo que hoy voy a terminar mi jornada laboral a las 11 de la noche. Y gente que tiene 10 años más que yo vive en una nube de ansiedad constante porque están absorbidos por ese ritmo de trabajo”, termina Marta. Y esa es quizá la conclusión: esta utopía solo se mantiene si estás un poco loco.
“DEPENDEMOS DEL ESTADO DE SALUD DE LA INDUSTRIA MUSICAL, ELLOS SON QUIENES PONEN PUBLICIDAD EN MEDIOS”
CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA
KOKOTXAS. MEJORES JOYAS DEL PERIODISMO MUSICAL ESPAÑOL (Ya en librerías) Bruno Galindo Liburuak 352 págs / Música
PAOPAO, LA CANTANTE PUERTORRIQUEÑA QUE ESTÁ MARCANDO TENDENCIA EN LA MÚSICA
URBANA, HA TENIDO UN CAMINO LLENO DE GOLPES, RETOS Y DESCUBRIMIENTOS. DESDE UNA NIÑEZ MARCADA POR CONSTANTES MUDANZAS A UNA PÉRDIDA IRREPARABLE, LA MÚSICA FUE SIEMPRE SU REFUGIO. HOY, CON UNA CARRERA EN ASCENSO Y UNA AUTENTICIDAD QUE TRASPASA GÉNEROS, PAO DESAFÍA CUALQUIER EXPECTATIVA.
Desde que era una cría, Paopao ya sentía la música como parte de sí misma. “Tengo grabaciones de cuando era niña, con un micrófono y una grabadora. La música ha estado en mi vida desde que tengo uso de razón”, recuerda. Criada en una familia militar que se mudaba con frecuencia, encontró en el canto y el piano su constante, pero cuando llegó el momento de elegir su futuro la música no fue la opción que sus padres preferían para ella. “Vengo de una familia tradicional, querían que estudiara algo como medicina”, comenta. Sin embargo, decidió seguir su pasión, aunque no fuera fácil. Incluso en la universidad, sus profesores, músicos frustrados, le advertían que “había que ser realista”. Pero para Pao, la realidad es algo que se define de forma personal. Aunque estudió música, al principio le costaba abrazar el sueño de ser artista. Trabajaba en la industria musical y escribía para otros artistas, pero no se sentía realizada. “Pensaba que podía ser feliz escribiendo para otros, pero no lo era”, confiesa. Aunque estaba en el mundo de la música, su propio sueño seguía apagado. “No me creía el hecho de ser artista, me daba vergüenza decirlo”, admite. Luchaba contra sus inseguridades, a pesar de conocer a figuras importantes de la industria. Cuando decía que quería hacer música, las reacciones eran a menudo condescendientes.
“Mi relación con la música ha ido siempre cuesta arriba, porque primero tuve que convencerme a mí misma y luego convencer a todos los demás”. En su camino hacia el éxito, Pao ha enfrentado además momentos difíciles que han dejado huella en su música. La muerte de su madre, quien siempre la apoyó, fue uno de los golpes más duros que ha vivido. “Era la única persona que me apoyaba de verdad desde el principio”, revela. Durante mucho tiempo pensó que los artistas necesitaban una historia trágica para conectar con su público, y ahora siente que la tiene y ha comprobado que no es necesario pasar por algo tan duro para obtener validación. “Era una creencia mía del pasado, ahora mismo no creo ni pienso nada así”. A pesar de esa pérdida, ha aprendido que no todo en la vida y el arte debe ser sufrimiento. “Estoy aprendiendo que no todo tiene que ser difícil, que también se puede disfrutar”, afirma. Antes se autosaboteaba cuando las cosas iban bien, pero hoy ha dejado atrás esa mentalidad y se enfoca en disfrutar más del proceso.
Una de las cosas que definen a Paopao es su autenticidad, tanto en la vida como en su música. “Me considero alguien bastante auténtica y me encanta escribir cosas reales”, afirma. Al entrar en el género urbano, se dio cuenta de que muchas canciones de mujeres estaban “filtradas”, suavizadas para encajar en ciertos moldes. Pao quería romper con eso y escribir de forma directa, como
lo hacen los hombres. “Nosotras hablamos igual o peor que ellos, pero antes no nos dejaban ser directas”, recuerda. Esa autenticidad es lo que ha permitido conectar con su público, derribando estereotipos sobre cómo debe sonar o comportarse una mujer en el urbano. Aunque escribe sobre temas típicos del género, lo que más le importa es que sus letras reflejen su propia verdad. Paopao se ha propuesto cambiar la forma en que se percibe a las mujeres en la industria musical. Y la cultura machista que domina el reguetón ha sido su campo de batalla. “No me gusta estar hablando de feminismo todo el tiempo, prefiero demostrarlo con acciones”, asegura. Ha logrado equilibrar su público, atrayendo tanto a hombres como a mujeres con sus letras honestas. “Muchos hombres se identifican con mis canciones, y eso es un logro bien cabrón”, cuenta orgullosa. Además, su conexión con el público español ha sido especialmente fuerte desde su colaboración con Mora. España se ha convertido en uno de sus mercados más importantes, y Pao agradece el cariño que ha recibido.
Uno de los hitos más importantes de su carrera ha sido su colaboración con Tainy, el famoso productor puertorriqueño que ha cambiado la cara del urbano con sus trabajos para Yandel, Bad Bunny, J Balvin, Cardi B, Romeo Santos y y mil más. Trabajar con él en su sencillo X las nubes fue un sueño hecho realidad. “Le admiro desde hace mucho tiempo, y colaborar con él fue increíble. Tardé 16 horas en escribir la canción, pero valió la pena”. Esta colaboración no solo fue un logro personal, sino también una prueba de que su música está llegando cada vez más lejos: actualmente, Pao se encuentra en un proceso de evolución artística. Aunque sigue fiel a sus raíces en el género, está explorando nuevos sonidos y temas más profundos. Su próximo sencillo será una colaboración con Sech, artista al que siempre ha admirado. “Voy a seguir sacando sencillos hasta que esté lista para lanzar un proyecto más grande y conceptual”, explica. Paopao no tiene prisa, sabe que las grandes obras llevan su tiempo. Prefiere ir construyendo su camino, mostrando la evolución en cada nueva canción: ha recorrido un largo camino para convertirse en la artista que es hoy. Ha enfrentado obstáculos, desde la falta de apoyo familiar hasta sus propias inseguridades, pero cada paso la ha acercado más a su verdadero propósito. Con su autenticidad, letras directas y determinación por romper estereotipos, está trazando su propio camino en la música urbana: “Lo más bonito es saber que, así como yo me refugiaba en la música de otros artistas, hay gente que ahora busca refugiarse en la mía”, dice Pao. Y ese, quizá, es el mayor logro de su carrera: ser una voz que conecta desde lo cercano, que inspira y que, sobre todo, es real.
“MUCHOS HOMBRES SE IDENTIFICAN CON MIS CANCIONES, Y ESO ES UN LOGRO BIEN CABRÓN”
POR: CLAUDIA TABOADA
CON RAÍCES EN EL GRAFFITI PERO TAMBIÉN REFERENCIAS DE LA PUBLICIDAD VINTAGE SOFISTICADA, PABLO HABLO ES UNO DE LOS ARTISTAS EMERGENTES ESPAÑOLES MÁS INTERESANTES DEL MOMENTO. DESDE 2016, EL ARTISTA ALICANTINO CULTIVA UN ESTILO PROPIO ÚNICO Y MUY PERSONAL. SU TRABAJO, ENTRE LA TECNOLOGÍA Y LA ARTESANÍA, INDAGA EN LA CULTURA DIGITAL CONTEMPORÁNEA Y LAS RELACIONES QUE PARTEN DE ELLA.
En el día a día caminamos por las calles de nuestra ciudad cruzándonos a cada paso con muestras de arte urbano al que apenas prestamos atención. Sin embargo, parece imposible encontrarse con un mural del artista alicantino Pablo Hablo (Orihuela, 1987) y no reparar en sus rostros distorsionados, en los píxeles en blanco y negro que destacan por su perfección geométrica. ¿Cómo lo digital puede llegar a alcanzar esta dimensión?
Con raíces en ese grafiti de calle, pero también con múltiples referencias y préstamos de la publicidad vintage más sofisticada, Pablo Hablo es uno de los nombres que definen el arte urbano contemporáneo en España.
Tu primer contacto con el arte fue a través del grafiti a los 9 años. ¿Qué piensas que fue lo que te atrajo de ese mundo desde tan pequeño?
Mi tío era amigo de los mayores que pintaban en Alicante, de donde soy yo. En aquella época, del 1996 o 1997, el grafiti no era como ahora, que todo el mundo lo conoce. Un día encontré unas fotos que hizo mi tío de unos chicos pintando y flipé. Vi muñecos gigantes, letras grandes en la pared con colores y dije “buah, esto es increíble”. Tuve la suerte de que la provincia de Alicante fue una especie de caladero de grafiti en aquella época, y salió bastante gente con mucho nivel. Mi madre, si veía gente pintando, iba a por mí a casa y me llevaba para ver cómo pintaban. Hasta que un día me dio por probar a mí. Allí dejé de hacer dibujitos típicos de los niños y me fijé más en diseñar letras y cuestiones más ligadas al mundo del grafiti.
Tienes un estilo muy distintivo y fresco. ¿Piensas que esto puede ser algo que heredaste de esa cultura del grafiti?
Totalmente. El grafiti al final se trata de poner tu nombre en muchos sitios y destacar por encima de otros que hacen lo mismo. ¿Cómo destacar? Unos po-
nen flechas, otros asteriscos, otros brillos… Dentro del grafiti también se valora mucho tener un estilo propio, sin copiar el de los otros. Al final eso ha hecho que yo también, inconscientemente, generase un estilo tan personal. Además, mi obra está hecha para pintar en spray. La influencia de la calle, los elementos simples reconocibles desde lejos, el uso de las pegatinas… Todo eso viene del grafiti, sin duda. Intento darle una vuelta y llevarlo a un punto en el que pueda conectar con más gente. Ya no sería pintar para grafiteros, sino hacerlo para todo el mundo.
¿Dónde podemos encontrar tus obras?
Empecé realmente a pintar aquí en Madrid. En comparación con otros artistas, aún hace relativamente poco que he empezado. Tengo murales en Andalucía, Huesca, Madrid, Alicante, y mi obra está en alguna galería. Ahora estamos poniéndonos serios para llevar mi obra fuera de España, y están sonando campanas bastante sorprendentes. Nos hemos dado cuenta de que mi obra no se lleva mucho aquí, al no ser de realismo o ilustración figurativa como tal. Parece que tiene más interés en Alemania o Estados Unidos, por ejemplo.
Aparte del mundo del grafiti, ¿qué otros referentes te inspiran para la creación?
Me inspira mucho el mundo de la publicidad, sobre todo de los años treinta, cuarenta y cincuenta, cuando las tipografías e ilustraciones estaban muy bien compuestas y todo era trabajo de artesanía. Tengo la sensación de que la publicidad ha involucionado un poco. Ahora en un edificio se pone simplemente una lona con la foto de una modelo y el logotipo encima. Antes, un rotulista artesano pintaba el logo de la marca con un fantástico claim y una fotografía increíble… Todo ese tipo de composiciones me han influenciado mucho. También el retrofuturismo de finales de los ochenta y principios de los noventa: cuando aparecieron las arcades, los juegos de píxeles, el típico ‘Sonic’… Pienso
“ME INSPIRA EL MUNDO DE LA PUBLICIDAD CUANDO TODO ERA TRABAJO DE ARTESANÍA. ESO Y EL RETROFUTURISMO: LAS
ARCADES, LOS PÍXELES..."
que hay mucha nota nostálgica en mi obra de todo esto, como los colores en blanco y negro con todo pixelado y, de repente, toques de flúor. Jugar con reducir la imagen a elementos muy básicos y a partir de eso, crear algo complejo.
Esa dimensión de la convivencia de las alusiones al mundo digital a través de técnicas analógicas es muy interesante. ¿Cómo influye esto en el mensaje que transmiten tus obras?
Me gusta crear el hilo entre los metaversos digitales que están apareciendo con el mundo analógico que había antes. Planteo mis bocetos en Illustrator e imprimo diferentes máscaras para los colores que utilizaré en los cuadros, pero pinto con spray. Juego con la perfección que da todo el movimiento digital, pero realizado de una forma analógica. Al final, creo que es una mezcla perfecta, y no entiendo mi forma de trabajar de otra manera.
De esa forma, traes a este mundo lo digital. Así, parece que nos lo creemos más.
Efectivamente. Hay muchos artistas que nunca se han manchado pintando. Son artistas de Procreate, y ahí se quedan. Está bien apoyarse en las nuevas herra-
mientas digitales, pero creo que el arte debe tener ese punto especial de lo hecho a mano. Es como leerse un libro en digital, le falta el encanto de pasar las páginas, poder prestárselo a alguien… El esfuerzo y la paciencia que supone pintar hace que tener tu arte en físico sea algo más especial.
Que nos lo digan en NUEBO... ¿Y por qué el blanco y negro?
En el mundo actual marcado por la tecnología, estamos acostumbrados a la sobreexposición al color, y resulta interesante toparse con una imagen pixelada sin color.
¿Buscas esta contradicción?
Siempre he pintado en blanco y negro porque tenía una obsesión con la simplificación. Muy influenciado por el mundo del tatuaje tradicional, quería crear imágenes en pocos trazos para poder tatuarlo fácilmente. De ahí me viene el blanco y negro. También me parece muy interesante investigar las figuras y elementos en muy pocos colores, transgrediendo lo que está en auge, los colores. Parece que todo es una explosión de color, y yo no encajo en esa idea. En algún momento uso esos flúores, como puede ser el azul oscuro, que es una referencia a esos pantallazos de error del Windows 95, pero siempre es puntual e intencional. Juego un poco en mi contra por el tema de las ventas, pero le da ese toque reconocible que para mí es importante.
Mirando hacia el futuro, ¿cómo ves el de Pablo Hablo? ¿Cómo vas a llegar a aún más gente? Me gustaría sacar la obra fuera de España, a nivel expositivo y mural. Sobre todo, a Estados Unidos. Ver mi obra allí era algo que pensaba y decía “¡Que guapo! ¿Te imaginas?”. Y ahora igual es posible. Ver murales míos en Los Ángeles, Miami o Nueva York me encantaría. Es algo en lo que estoy muy enfocado y espero que en unos años todo se vaya materializando.
POR: RICARDO
RUIZ
VARO / FOTO: @ARRIGURI
2024 PODRÍA HABER SIGNIFICADO EL FINAL DE LA CARRERA MUSICAL DE MAREN. SIN EMBARGO, ELLA DECIDIÓ RECORDAR A SU BISABUELA, GRITAR ‘QUÉ LÁSTIMA’ Y LANZARSE A POR UN SEGUNDO DISCO VIBRANTE Y LLENO DE OPTIMISMO. ES LA MANERA DE REBELARSE CONTRA LAS ADVERSIDADES DE ESTA JOVEN VASCA QUE, TRAS SIETE AÑOS DE CARRERA, AHORA BUSCA DEMOSTRAR POR QUÉ ESTÁ DONDE ESTÁ CON SOLO 21 AÑOS.
El 7 de marzo de 2024, Maren anunciaba en su Instagram que “por desacuerdos” con su oficina de management rescindía el contrato que les unía, y cancelaba la gira de salas Lo que fuera “por no poder hacer frente a los gastos”. 2024 no podía comenzar peor para ella. “Para mí lo peor de este año ha sido que me he arruinado, literalmente. Todo este proceso me ha dejado en los huesos”, confiesa. En plena composición y grabación de su segundo disco y con un tour cerrado por delante, Maren se veía obligada a frenar en seco y replantearse el futuro de su proyecto musical. Lo hizo y enseguida se le vino a la mente una expresión que siempre utilizaba su bisabuela para plantarse ante los malos tiempos y resetear: “Qué lástima, hija”. Y así decidió titular su segundo álbum de estudio, Qué lástima (Altafonte, 2024), un disco que podría narrar su particular annus horribilis, pero que prefiere hacer todo lo contrario. “Muchas de estas canciones las escribí hace dos años y son muy positivas. Parece que me estaba adelantando, que sabía que en algún momento todo lo malo iba a acabar y que tendría la oportunidad de disfrutar de este disco”.
Pero Maren es consciente de todo lo que ha pasado. “Lo de 'querer es poder' es precioso y es muy guay, pero creo que un proyecto no funciona solo con ganas”, sentencia recordando los últimos meses. “Ha sido complicado gestionarlo personalmente… Parece que un proyecto musical es un ente inmaterial, pero en realidad soy yo misma la que está muchas veces en juego”. Sin embargo… “es curioso porque no he perdido las ganas en ningún momento, yo pensaba que en algún momento me iba a cansar”, dice con una sonrisa enorme en la cara.
Maren solo tiene 21 años, pero ya acumula siete años de trayectoria con varios EP publicados, dos álbumes, algún que otro himno festivalero y una gran sacudida por el camino: “Si hubiese sabido que lo iba a perder todo y tenía que empezar casi de cero, igual con 14 años estaría comiendo pipas”, dice entre risas, aunque luego se autocorrige: “Ahora veo que las cosas que quería hacer con 14 años tengo la posibilidad de hacerlas. Estoy muy contenta porque veo que se materializa todo el trabajo de estos años”. El resultado de este proceso personal y reflexivo es una colección de diez canciones optimistas, enérgicas y contundentes, autoproducidas por ella misma en su casa y por su teclista, Edu Martínez. “Siempre he tenido la sensación de que, por ser más joven que el resto de la gente con la que trabajo, lo mío va a estar mal y me lo van a tener que corregir. Con Edu no ha pasado. Si
me fijo en las demos y en lo que ha ido saliendo, los leads de los teclados y mogollón de melodías son mías, mis ideas se han mantenido tal cual. He conseguido la confianza que no tenía en mi faceta como productora”.
Qué lástima es un disco vibrante, pensado para el directo, en el que la faceta más íntima de Maren se entremezcla con una sugerente ironía terapéutica a través del muy característico sonido pop electrónico de la artista. Eso, unido a su particular timbre de voz, enfatiza aún más el singular estilo que ha creado la cantautora bilbaína. “Conseguir hacer algo tuyo, tuyo, que cuando lo escuches digas ‘yo soy esto’, es lo más valioso”.
El álbum incluye un tema muy personal, compuesto junto a su novio Víctor Rossy (Malmö 040), llamado Plastificar, y otra colaboración con Anne Lukin, Acostumbrarme, que es una crítica directa a la industria musical. Es un álbum que transita entre la psicodelia de Tú puedes ver, con un sonido muy Anni B. Sweet, hasta el sonido más melódico de Amaiera (Lo que te espera). Tampoco falta su lengua natal, en Haginekaz. “Me hubiera gustado meter más canciones en euskera”, reconoce Maren, que sin embargo cree que su estilo está muy ligado a la cultura vasca. “En cuanto a influencia y forma de expresarme, aunque lo haga en castellano, hay mucho de mi identidad vasca y de euskaldún”, celebra, justo antes de adelantar que lo próximo que hará después de este disco será darse el “capricho” de hacer un EP en euskera, como ya hiciera con Begixek (Altafonte, 2021).
A pesar de su juventud, Maren habla y se expresa como lo que es, una música con varios años de experiencia en la industria. Ella hace canciones para que sus amigos se diviertan y dejen de decir que sus referentes, como Scott Walker, The Last Shadow Puppets o Anni B. Sweet, son “aburridos”. Es una mujer que apostó todo por la música cuando era muy pequeña y que supera los malos ratos cogiendo un cuaderno y su guitarra. Que tiene claro que también hace falta suerte para triunfar: “Creo que el esfuerzo tiene mucha parte, pero no es lo único. Yo he estado todos estos años trabajando y trabajando y mira, casi lo pierdo todo”. Y, sobre todo, Maren es una artista muy joven, que en septiembre de 2023 ya fue portada de NUEBO, y que busca otra vez su hueco después de triunfar siendo muy joven: “Lo que fue excepcional, tener una considerable popularidad siendo una adolescente, ahora es normal. Hay muchísima gente de mi edad haciendo música. Ahora estoy en el punto de demostrar por qué se me dio tanta atención, por qué mola mi proyecto y por qué la gente debería escucharme”.
“LO DE 'QUERER ES PODER' ES PRECIOSO Y MUY GUAY, PERO CREO QUE UN PROYECTO NO FUNCIONA SOLO CON GANAS”
QUE LÁSTIMA (ALTAFONTE, 2024)
Tú puedes ver / Haría lo que fuera (menos lo que tú quieras) / Desde el otro lado / Plastificar / Acostumbrarme / Yo lo sé, otra vez / Haginekaz / Corre, que el rayo no te parta / Amaiera (lo que te espera) / Ressort DIGITAL / LP
POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES
TRAS MUCHOS AÑOS DE PREPRODUCCIÓN, AL FIN LLEGA A MAX EL SPIN OFF TELEVISIVO DE LA NUEVA VERSIÓN DEL ‘DUNE’ DE FRANK
HERBERT REALIZADA POR DENNIS VILLENEUVE. UNA PRECUELA
SITUADA 10.000 AÑOS ANTES DEL NACIMIENTO DE PAUL ATREIDES CON LA QUE LOS AFICIONADOS A LA SAGA CONOCERÁN EL ORIGEN DE LA HERMANDAD QUE CONFORMÓ Y ENCUMBRÓ A SU LISAN AL-GAIB.
Aunque los creadores de las nuevas versiones cinematográficas se implicaron desde el principio en la serie, el camino de La hermandad a La profecía no ha sido fácil...
LA HERMANDAD DE VILLENEUVE
En 2019, en pleno proceso de producción de Dune: Parte Uno, se le encargó a Dennis Villeneuve y a su guionista Jon Spaiths el desarrollo de una precuela televisiva titulada Dune: La hermandad. Y en un principio, Villeneuve hasta iba a dirigir el piloto y Jon Spaiths iba a ser su showrunner. Pero los planes no tardarían en torcerse...
Aunque menos conocida que otros guionistas y showrunners, Schapker ha sido partícipe de algunas de las series de fantasía y de ciencia ficción más relevantes de las dos últimas décadas: guionista en Perdidos, Alias, Fringe y The Flash o showrunner de Altered Carbon y la -infravaloradacuarta temporada de Westworld
PIEDRAS EN EL CAMINO
Las acusaciones por falta de presencia femenina -aunque la nieta de Frank Herbert formaba parte del proyecto- motivaron que a Spaiths se le uniera en calidad de showrunner Dana Calvo, dándole una vuelta a la idea original. La producción de Dune: Parte Dos, definitivamente, motivó que Villeneuve renunciara a dirigir el piloto y Spaiths también abandonara el serial, siendo elegida como showrunner sustituta la guionista Alison Schapker.
Aunque la implicación de Villeneuve y Spaiths ha quedado relegada a la producción ejecutiva, el productor Jordan Goldberg destaca las similitudes entre el serial y la obra de Villeneuve: “Lo que es genial de las películas de Denis, y lo que creo que es genial del show, es que es a la vez épico e íntimo”.
Estética y argumentalmente las Bene Gesserit son uno de los grandes atractivos del universo creado por Frank Herbert en Dune. Repasamos la representación de la Hermandad en las (hasta la fecha) dos versiones cinematográficas de Villeneuve...
LADY JESSICA ATREIDES
La concubina de Leto Atreides y madre de Paul Atreides es el personaje más interesante y maquiavélico de la novela original, encarnado con convicción por Rebecca Ferguson en la versión Villeneuve.
LADY MARGOT
El reverso tenebroso -más aún si cabe- de Jessica Atreides. Una femme fatale en nómina de los Harkonnen para procrear al reverso de Paul Atreides se oculta bajo las sensuales facciones de Lèa Seydoux.
GAIUS HELEN MOHIAN
La suma sacerdotisa de las Bene Gesserit en la novela original es engañada por su pupila, Jessica Atreides. También en la versión de Villeneuve, donde es interpretada por (lujazo) Charlotte Rampling.
ALIA ATREIDES
Aunque solo vislumbrada en ensoñaciones en Dune: Parte Dos, la hermana de Paul Atreides, interpretada por una ubicua Anya Taylor-Joy, será uno de los platos fuertes de Dune Messiah, cierre de la trilogía Villeneuve.
Si Brian Herbert -el hijo de Frank Herbertalgo ha aprendido bien de Christopher Tolkien es cómo exprimir y vivir de las creaciones de su progenitor. Porque desde que el patriarca falleciera en 1986 con seis novelas dedicadas a su universo de la duna, Brian ha publicado junto a Kevin J. Anderson -un escritor especializado en novelas de universos ya preexistentes de ciencia ficción, como Star Wars- un buen número de ejemplares que escarban, tanto a pasado como a futuro, en el rico universo creado por su padre en 1965. Una de ellas es la trilogía Las grandes escuelas de Dune, entre la que se incluye la novela que sirve tanto de arranque de la trilogía como de punto de partida para el serial televisivo de Max, La Hermandad de Dune. Una novela publicada en 2012 en la que la familia Corrino sustituye como centro del relato a la familia Atreides del original. Herbert y Anderson intentan expandir los conceptos de las Bene Gesserit, sus rivales -los Mentat- y la federación espacial que comercia con la especia y que acabará afectando a la caída de la casa Atreides.
Si algo destaca del Dune de Villeneuve, además del poderoso aparataje formal y estético, es su reparto de campanillas. Y como el serial de Max no quería quedarse por detrás de su versión cinematográfica, le ha entregado a dos actrices de prestigio sus personajes principales: Emily Watson y Olivia Williams.
La primera de ellas como Valya Harkonnen, la líder y mentora de la hermandad de las Bene Gesserit. Pero como explica Emily Watson: “Ella es una figura maternal pero no de una manera positiva. La manera de enseñar de Valya es la de llevarte al límite, sobre todo dentro de la hermandad”.
Olivia Williams encarna a Tula Harkonnen, hermana de Valya y antepasada de los villanos de la obra de Villeneuve, que destaca la magnitud de la producción. “Hay sets en esta producción, en particular los cuarteles de las Bene Gesserit, que son tan grandes como Disneyworld, pero mucho más enormes e inmersivos”.
DUNE: LA PROFECÍA (18 noviembre)
Max / EE UU / 2024
Cr.: Diane Ademu-John
Reparto: Emily Watson, Travis Fimmel, Mark Strong, Olivia Williams, Indira Varma
“Para mí la necesidad de hacer este libro surge de una crisis existencial cuando llegué a los treinta. Me estaba haciendo mayor y me di cuenta de que estaba reproduciendo un rol de cuidadora en mis relaciones. Me dejó en shock. Todo me llevaba a que tenía una cuenta pendiente con mi infancia y con mi historia familiar. Y que necesitaba revisitarla, crear mi propio relato para poder entender por lo que había pasado. Porque, al final, habiendo vivido algo así desde niña, ni siquiera te lo cuestionas, simplemente es una situación que hay en casa, y cuando eres un niño, eres capaz de adaptarte prácticamente a cualquier cosa”. Quien habla así, a corazón abierto, sin tapujos, es Bea Lema, historietista e ilustradora. Y el libro del que habla es El Cuerpo de Cristo, una novela gráfica que nos cuenta la relación entre Vera, una hija con la vida hipotecada por la enfermedad mental de su madre, y Adela, la progenitora con una infancia traumática y un historial clínico de muchas pastillas, algunos hospitales y poca comprensión. Un relato que, pese a su dureza y su tristeza, también nos ofrece un halo de esperanza. “Para mí también era importante que hubiera momentitos de luz y de amor”, me confiesa su autora. Cuando le recuerdo que el jurado que le otorgó el Premio Nacional de Cómic destacaba no solo que fuera una obra innovadora y arriesgada en lo formal, sino también el uso del humor, Bea Lema esboza una sonrisa. “A mí el humor me cuesta verlo, la verdad. Tendría que haber hablado con el jurado, que no he tenido la oportunidad, para que me explicaran dónde está. Pero sí que la ternura, el amor, eran importantes”, no duda en recalcar. “Para mí, en cualquier situación de la vida existe la dualidad. Incluso en aquellas que son más dolorosas hay, por pequeños que sean, momentos que valen la pena ser vividos. Y en el libro, por ejemplo, la relación que se acaba dando de intimidad, de confianza entre la madre y la hija, creo que no se hubiera dado de la misma manera si no hubiera estado la enfermedad por medio. Para mí sí que era importante ver esas quedadas suyas, o ese café que se toman… Al final son esos placeres cotidianos a los que siempre te puedes agarrar. Para mí era importante entrenar la mirada en eso, porque si no a veces es fácil caer en la desesperanza”.
Con esa mirada tan diáfana, El Cuerpo de Cristo no es solo una historia familiar, entre una madre y una hija, y entre aquellos que les rodean. Tampoco es solo un relato sobre las enfermedades mentales y la necesidad imperiosa de cómo saber abordarlas. También es una crónica de nuestro país, de la hambruna pos-Guerra Civil a ayer mismo, pasando por la explosión urbana de los setenta y unos no tan lejanos noventa. Para ambientar esas diferentes épocas, Bea Lema usa con pericia también diferentes tonalidades, pasando del blanco y negro al color.
Cuando Vera era niña, un demonio rondaba su casa y acosaba a su madre, martilleándole los nervios. A pesar de malos tratos, la enfermedad y las excentricidades, el amor de una madre y su hija es más fuerte que cualquier otra cosa, sobreviviendo al paso del tiempo y las tormentas.
EL CUERPO DE CRISTO (Ya en librerías)
Bea Lema
Astiberri
184 págs. / Novela gráfica Color, bordado
“Tenía claro desde el principio que quería que fuera colorista, buscaba un contraste entre la dureza del tema y la gráfica. Pero yo intento trabajar de una manera bastante intuitiva. Entonces, de una manera natural, las partes en las que Adela está en la psicosis, más delirante, se van más a los grises, o de repente desaparece el color. O aparece mucho el amarillo, porque todo es estridente. Cuando viajamos a su juventud, tenía claro que quería que hubiera otra gráfica para que se entendiera que había ese salto temporal grande. Y también está la investigación del bordado. Di con esa línea de solo con el hilo negro y parecía que encajaba perfectamente”.
Con el bordado hemos topado. Más allá de las viñetas tradicionales, Bea Lema introduce en su obra una técnica tradicional pero poco habitual en el cómic, más allá de artistas como Aurélie William Levoux, autora de Johnnychrist , o Gareth Brooks y The Dancing Plague, curiosamente títulos que también tienen su vinculación con lo religioso. Pero a Bea Lema esa apuesta por los bordados le viene por otro camino. “En casa tengo una colección de arpilleras bolivianas que trajo mi pareja de un viaje. En un momento dado, decidí hacer una de las páginas con esa técnica, y me fascinó el proceso, cómo se iba
revelando la imagen cada vez que iba añadiendo puntadas o trozos de tela… Decidí indagar más sobre la técnica. Y enseguida me encontré con la historia de las arpilleras chilenas que, durante la dictadura de Pinochet, se juntaban para compartir el dolor que estaban viviendo entre todos los asesinatos, desapariciones, encarcelamientos… Y una artista, Valentina Bone, propuso que plasmaran todo esto utilizando esta técnica. Me imagino que fue porque ninguna sabía dibujar, pero todas sabían coser. Por un lado, estaba ese poder que para mí tiene la creación: el compartirnos, el expresarnos y el que quede esa memoria. Y por otro lado, esas arpilleras llegaron a salir del país y fue una manera de conocer también qué estaba pasando en Chile en ese momento en que los medios de comunicación estaban secuestrados. Cuando conocí esta historia, que un grupo de señoras cosiendo acabara siendo tan subversivo con el sistema, me pareció fascinante. Más aún cuando el textil está vinculado a la mujer entendido casi como un oficio obligatorio, de sumisión; incluso en la posición que tomas cuando bordas, que estás como cerrada”.
Todo lo contrario a una Bea Lema que parece de lo más abierta a asumir influencias de toda procedencia, más allá de su deuda con las arpilleras. “Por ejemplo, el libro de Delphine de Vigan, Nada se opone a la noche, es una novela que para mí es un absoluto referente. Y en cuanto a cómic, muchas mujeres que trabajan la novela gráfica con tintes autobiográficos como Power Paola o Marion Fayolle, que tiene un cómic sobre el proceso de cáncer de su padre. O una película como Una mujer bajo la influencia , de John Cassavetes, que me parece brillante”. Aprovecho el momento influencias para sacarle a colación a Bretch Evens, autor con quien comparte esas explosiones de color entre lo naif y lo delirante: “Desde luego que me ha influenciado a la hora del uso del color, me encanta cómo usa la mancha, es un virtuoso. Me gusta mucho su espontaneidad, que casi no use viñetas. También me gusta ser sintética a la
hora de dibujar. Por ejemplo, un dibujante que me encanta es Saul Steinberg, que es el dios del uso de la línea. Esa capacidad de poder transmitir un mensaje potente con los mínimos trazos me parece brutal”. Seguro que el Dios de The New Yorker estaría orgulloso del trabajo de Bea Lema: El Cuerpo de Cristo también transmite un mensaje entre lo divino y lo terrenal, entre lo trascendental y lo cotidiano, con una sutileza que ya quisieran muchos para sí. Bienvenidos sean sermones así, hermanos y hermanas. Sermones que se preocupen de que no perdamos lo único que nos mantiene sanos, cuerdos y humanos: el contacto, en espíritu y cuerpo, con el otro. Amén.
Nacida en La Coruña en 1985, Beatriz Lema Rivera, o Bea Lema, ha trabajado como ilustradora de revistas, cartelería o libros infantiles, hasta que en 2017 publicó su primer cómic, O Corpo de Cristo. Con él llamó la atención de toda la escena gallega, ganó sus primeros premios y consiguió una beca en la Maison des Auteurs de Angoulêm, que aprovechó para ver publicada su obra en francés con el título Des maux à dire. Astiberri la ha editado en castellano en 2024 y le ha valido el Premio Nacional de Cómic.
“A MÍ EL HUMOR ME CUESTA VERLO,
DE SUS EXPLORACIONES SOBRE LA TECNOLOGÍA, LA "DECOLONIZACIÓN" Y LA ESPIRITUALIDAD, QUE EL PÚBLICO PODRÁ VISITAR HASTA EL 12 DE ENERO DE 2025.
Debo comenzar por el final. Una envoltura de azul índigo, como si uno repentinamente se hubiera sumergido en las profundidades de un océano, como si un río se hubiera apropiado del lugar y esas telas hiciesen de muro, conjurando el círculo de un sueño. El visitante ha pasado por una cabaña en la que ha tenido ocasión de divisar el firmamento y, anteriormente, ha cruzado una primera serie de apariencia más discreta, pero ya poniendo en aviso de la sutil idea que se ha entregado a modo de ofrenda.
Son las tres zonas de la instalación que la artista Tabita Rezaire, natural de la Guayana Francesa, ha decidido agrupar y presentar bajo el título de Nebulosa de la calabaza. Comisariada por Chus Martínez, la instalación cuenta con la colaboración del director creativo y fundador del Olaniyi Studio, Yussef Agbo-Ola, y las fundaciones Louis Vuitton de París y la Schering Stiftung de Berlín, donde se han ido estrenando o se estrenarán estas piezas. Es una reflexión sobre cómo los distintos canales de pensamiento y creencias pueden estar interconectados. Ámbitos en principio tan dispares como la agricultura, el cosmos, la salud, la ciencia o la política convergen en nuestro universo personal convirtiéndose en un sartal de conocimientos que heredamos y transmitimos. El arte, por tanto, y Rezaire lo sabe y así lo lleva a cabo, es el medio idóneo para experimentar y transformar la manera en que vivimos esa realidad, asumiéndola y buscando nuevas interpretaciones.
Atravesada por un fuerte lirismo telúrico, Nebulosa de la calabaza tiene un origen “me-
tafísico y científico”, en palabras de la artista. “Proviene del descubrimiento de una nebulosa homónima, un espacio gaseoso y fértil para la creación de las estrellas, y yo estoy interesada en todo lo que se articula alrededor de la fertilidad, los nacimientos astronómicos, etc. Además, tengo una afinidad particular por la calabaza si entendemos esta como recipiente o contenedor vital, como metáfora de la maternidad, como un vientre; también por algunas tradiciones que sostienen que la calabaza es la que contiene el universo por entero, que su parte baja es la Tierra y la superior el Cielo. Es una muy bella referencia para integrar el lado místico y tradicional de la leyenda y el lado científico, más si tenemos en cuenta que toda esa vida proviene de una supernova, de la muerte y expansión de una estrella precedente. La muerte alimentando la vida. Un ciclo perfecto”. La calabaza también fue la primera cantimplora de la historia, y su uso en relación con el agua se remonta a hace al menos diez mil años.
Estos motivos, tanto terrenales como astrales, son los que recorren su trayectoria artística. Salta a primera vista nada más adentrarse en la instalación. Las luces tenues ayudan a la sugestión atmosférica, a que uno pueda dejarse atrapar por la ritualidad tribal y sus ritmos. “Afortunadamente, siguen existiendo poblaciones indígenas que han preservado una intimidad, un lazo extremadamente fuerte, un respeto hacia la Tierra que les incita a protegerla como si fuesen «guardianes», convirtiéndose por el contrario en una amenaza para el capitalismo y la economía global, que
“DEBEMOS EVITAR LA JERARQUÍA MODERNA QUE SEPARA LA ESPECIE HUMANA
DEL RESTO DEL PLANETA”
siempre anda a la caza de nuevos espacios que dominar y explotar. Creo que existe una lucha entre esos guardianes y los grupos médico-farmacéutico-económicos que basan sus negocios en la explotación de los recursos naturales. Esos guardianes deben multiplicarse para que el combate no se lleve esa parte de nosotros que son los árboles, los insectos, las aves, los animales. Hay que evitar esa jerarquía que la modernidad ha implantado al separar la especie humana del resto que habitan el planeta. Somos un animal más”. El problema, se pregunta Rezaire, es dónde está actualmente nuestra presencia, cuáles son las nefastas consecuencias que permitimos y en qué parte de nuestro interior podemos iniciar esa renovación.
Desde la pieza Des/Astres hasta el Omi: Yemoja Temple se produce esa celebración de lo ancestral, materializada en las reproducciones de las arquitecturas. En la primera, siendo recibidos por las telas de algodón Omo Elu, nos acercamos a la estructura que semeja al tukisipan de los Wayana y su maluwana -casa del cielo-, un lugar de reunión, en definitiva, en el que se cruzan lo sagrado, lo artístico, lo científico y lo agrícola. En su techo se proyecta una bóveda celeste digital que enlaza la tradición astronómica del Amazonas con “la posición estratégica de la Guayana Francesa en medio de los desafíos espaciales globales, abarcando tanto los reinos terrestres como los extraterrestres”. En la segunda, uno alcanza esa percepción sensorial que late en el azul de los tejidos centenarios que lo recubren todo. Parece consecuente sentirse protegido, incluso sanado, por ese telar con representaciones de organismos marinos, pero Tabita Rezaire no piensa que el arte pueda cambiar nada. “Esa curación mística ocurre en
las líneas ancestrales de cada individuo. El arte posibilita empezar ese camino, pero la iniciativa obedece a cada uno si se tiene la valentía, porque no es algo evidente y está más tentado de evitarse que de asumirse. Se debe al miedo. Normalmente, tendemos más al abandono que a la confrontación, y ese duelo que se genera, especialmente en la sociedad occidental, es algo omitido, sin acompañamientos, sin ritos colectivos que ayudarían”. Para Rezaire, la espiritualidad que salpica su obra es la conexión con algo superior, la inclusión de lo que nos rebasa, el reconocimiento de nuestra vastedad.
Nebulosa de la calabaza es, así, la condensación de los nombres de deidades que son ungidos en raspaduras de coco lanzadas en pequeños cuencos. Es el calor de los cuerpos sobre el frescor nocturno. Es la visión bajo la luna de las constelaciones y la música que nace en su seno, acunada por los silbos y los clamores que se agolpan entre las paredes de cañas y los lienzos de tonos oceánicos. El mar arborescente, que diría el poeta Saint-John Perse, enhebrado en los hilos azulados. Es la insinuación del verdadero poder que esconden los cantos y las fuentes.
Lo importante para Tabita Rezaire es que “ha de realizarse esa comunión con los elementos. Es trágica nuestra falta de interacción con todo. A través del arte puedo explicar el desacuerdo político y cómo se reconcilia con los otros motivos ya mencionados que me resultan de inspiración, sin apartarme del activismo”. El resultado se refleja en este minucioso estudio que muestra los innumerables vínculos que van más allá de nuestra comprensión. Una indagación en los reinos todavía por explorar en nuestro descompasado mundo contemporáneo.
EL GRAN DEBUT DE LUIS DE JAVIER EN PARIS FASHION WEEK DESDE EL INTERIOR DEL ESPACIO NIEMEYER, BAJO EL APADRINAMIENTO DE RICCARDO TISCI -EX DIRECTOR CREATIVO DE GIVENCHY Y DE BURBERRY- Y CON EL APOYO DE NIKE, FENTY, REDKEN Y DEL SOMBRERERO VALENCIANO BETTO GARCÍA, HA MARCADO UN HITO IMPORTANTE EN LA CARRERA DEL CREATIVO CATALÁN.
El icónico Espacio Nieyemer se llenó de provocación y estilo maximalista el pasado mes de septiembre con el desfile de Luis de Javier. Una llamada de atención a un sector sediento de nuevos talentos y, sobre todo, de refrescantes propuestas que aludan a algo más trascendente que la viralidad digital.
Si echamos la vista atrás, el diseñador catalán, afincado en Londres, se graduó en diseño de moda por la Universidad de Westminster de Londres en 2018. Y con un postgrado en diseño de moda por el IED, Luis de Javier iniciaba su carrera profesional en 2017 trabajando para la casa española del diseñador Moisés Nieto. Un cargo de pasante que fue alternando al tiempo que iba finalizando su formación académica, para, desde ahí, incorporarse a las filas de la casa de Vivienne Westwood y Gareth Pugh. Allí fue donde conoció a Riccardo Tisci, quien, fascinado por su talento, se convirtió en su mentor.
Hace un año se erigía con su propuesta para la temporada Primavera/Verano de 2024, bajo el título ‘La Ruta del Bakalao’, durante la Semana de la Moda de Los Ángeles. Una colección que ya reflejó su propia evolución como creativo, desde unas raíces firmemente arraigadas en lo español hasta su pretensión por hacer bandera de la individualidad, la rebelión y el poder de la autoexpresión. La puesta en escena, que mezclaba influencias de los clubs berlineses, la ruta del bakalao valenciana y las siluetas iniciales de Cristóbal Balenciaga, le situó en el mapa de la moda, mientras al tiempo Luis de Javier ha logrado ya hacerse con un hueco propio y presencia en los armarios de personajes relevantes como Beyoncé, Rihanna, Cardi B, Kim Kardashian, Kylie Jener, Janet Jackson o Naomi Campbell.
“En esta nueva colección, presentada en la Semana de la Moda de París, he querido honrar tanto la esencia de la Alta Costura parisina como el legado de los diseñadores españoles que han dado forma a su historia. Inspirándome principalmente en las siluetas de Balenciaga de la década de 1940, me propuse rendir homenaje al profundo impacto del maestro en la moda. Al mismo tiempo, quería celebrar mi propio viaje, reconociendo el espíritu puro y serio de mi primera colección en Londres, que, a pesar de mis reservas iniciales, era un fiel reflejo de quién era yo en ese momento. Al mezclar estas influencias, he creado una colección que no solo respeta la grandeza de mis inspiraciones, sino que también abraza la evolución de mi propia identidad creativa”, cuenta Luis de Javier.
El sombrerero valenciano Betto García -que ya ha colaborado con otros talentos como el gran Palomo Spain- y de Javier sellaron la alianza creativa más inesperada de la Semana de la Moda parisina haciendo suya la actualización de la montera española, el sombrero tradicional de los toreros, y que Luis de Javier y Betto García han terminado por revolucionar presentándola en su versión más atrevida, sugerente y rabiosamente
actual de la mano de Nike, que llegó como invitado sorpresa a la fiesta. Betto García desarmó las gorras de la marca deportiva y recortó tejidos dando lugar a una pieza que bien podemos definir como la experimental montera de Nike. “Es una pieza clave del folclore español, muy ligada a la tradición”, concede Betto. “Me estimuló muchísimo el propósito de descontextualizarla y dotarla de un nuevo significado a través de materiales ligados al imaginario femenino o queer, como son las plumas y los canutillos, que en conjunto forman una cascada de flecos”.
En el origen de esta colaboración se encuentra la invitación que de Javier le hizo llegar a Betto García para que trabajasen de la mano en el marco de esta colección, quien a lo largo de los años ya ha vestido las cabezas de Rosalía, Rossy de Palma o Miriam Giovanelli, así como las de los y las modelos de los desfiles de firmas como Palomo Spain, Juan Vidal, Outsiders Division o Christian Sirano. Una trayectoria que, en su caso, no ha impedido que esta experiencia le haya terminado por dar la oportunidad de explorar lo moderno dentro de la tradición, del mismo modo que ha terminado haciendo de Javier desde sus propues“HE QUERIDO HONRAR LA ESENCIA DE LA ALTA COSTURA PARISINA Y EL LEGADO DE LOS
tas de moda. “Ha sido una reconciliación con mi oficio, permitiéndome crear algo diferente para las nuevas generaciones”, cuenta el valenciano. Emocionante colaboración fue también la de Fenty Beauty, la marca de maquillaje de Rihanna, que manejó el glamour futurista de la pasarela y nos transportó al multiverso a través de la técnica AI Skin que utilizaron para el maquillaje de las modelos: “Queríamos hacer que las modelos se vieran lujosas, pero fuertes y poderosas y casi un poco como si vinieran de otro planeta, y darles este aspecto de piel de IA”, cita Naima, make up artist de Fenty.
Asimismo, al frente de elevar también los estilismos estuvo Redken, que lideró los peinados de cada uno de los looks. “Tanto Redken como Luis de Javier comparten la pasión por superar los límites y potenciar la individualidad”, dice Kelly Scott, directora de Redken Education Worldwide. “Estamos más que emocionados de asociarnos con Luis de Javier en su debut en París. Nuestro
equipo de artistas de Redken, liderado por Sean Godard, junto con nuestra innovadora gama de estilos, mostrará posibilidades creativas ilimitadas. Usar productos para crear acabados aireados y deshechos”. Por su parte, Godard reconoce: “Asociarme con el increíblemente talentoso Luis de Javier esta temporada se siente como la combinación perfecta. Sus diseños atrevidos y vanguardistas se alinean perfectamente con el enfoque vanguardista de Redken hacia el cabello. Juntos, estamos creando looks que complementan sus piezas visionarias, mezclando influencias de la alta costura y el estilo urbano, y estamos ansiosos por mostrar cómo Redken puede elevar la colección de Luis”.
Como guinda de esta misma propuesta, y desde el apartado también de las colaboraciones, se descubrieron sobre la pasarela una selección de joyas realizadas por Angostura Jewels, que realzaron y completaron los looks que desfilaron en el interior del Espacio Niemeyer de París.
POR: LUIS BRAVO
LLEGA A LAS LIBRERÍAS ESPAÑOLAS ‘LA SOLICITANTE’, LA PRIMERA NOVELA DE NAZLI KOCA PUBLICADA EN LA EMERGENTE EDITORIAL BARCELONESA MAPA. CON UN TONO DESCARNADO, ÁCIDO, PERO TAMBIÉN IRÓNICO, EL LIBRO REFLEJA EL TRASIEGO DIARIO DE UNA JOVEN INMIGRANTE TURCA EN EL BERLÍN CONTEMPORÁNEO, DONDE LAS ILUSIONES SIEMPRE ENCALLAN ENTRE LA ASPIRACIÓN Y LA PÉRDIDA DE LAS MISMAS.
Decía el verso de Giuseppe Ungaretti que la meta es partir, y algo similar es lo que le ocurre a Leyla, protagonista y autora de las páginas de La solicitante, pero con la salvedad de que ella no tiene el tiempo necesario o la fortaleza que requiere una decisión o revelación de esa trascendencia. Su realidad como inmigrante en el Berlín de la segunda década de este siglo se ve coaccionada, por un lado, por la próxima expiración de su visado, y, por otro, debido al desencantamiento que toda gran ciudad produce en sus habitantes, sean oriundos o llegados de más lejos para cumplir o ver deshacerse sus expectativas. “Bienvenida a lo más bajo de la jerarquía del inmigrante”, le dice en el primer capítulo uno de sus compañeros de trabajo, al cargo de la limpieza de un hostal.
“No creo que autoficción sea un término sólido u objetivo, ya que, remontándonos al origen de su propia definición, proviene de la novela de un autor francés en la que decía que la autoficción es una ficción donde todo es totalmente real, lo cual no es del todo exacto. Ficción, mentira, no me siento cercana a esos parámetros. En cambio, ficción autobiográfica, novela autobiográfica sí, porque existen más ejemplos. Me gusta más esa tradición, digamos. En el caso de este libro, sí tendría que decir que lo es ya que se nutre de mi experiencia. Encuentro más interesantes este tipo de narraciones, despiertan mi curiosidad lectora y además me hacen entender qué es escribir, qué es una novela, qué significa contar una historia, vivir una existencia relacionada con la escritura, el utilizar material de la vida y convertirlo en obras de arte, en literatura”, explica la autora, quien escogió la forma del
diario para conseguir que la voz de Leyla pudiera conducirse gracias a sus propias palabras y sobreponerse a lo desmadejado de su rutina laboral, sin olvidarse de la social y afectiva. “Cuando decidí comenzar a escribir esta novela, surgió natural el formato al servirme de inspiración el diario que llevé mientras trabajaba como limpiadora”. En él se mezclan, aparte de los hechos vividos e inventados, los idiomas: el que permite la supervivencia, el de la circunstancia con los compañeros de piso y las amistades y los ligues, el materno que vuelve y te detiene. “En este idioma se triplica el dolor, la vergüenza, la angustia de la realidad. Porque en turco he perdido todo lo que tenía. Porque he llorado por todas mis pérdidas en esa habitación blanca llamada lengua materna, una habitación blanca y sin ventanas del pabellón psiquiátrico llamado pasado. Cuando te separas de la madre cambia incluso la manera de llorar. Aprendes a llorar en silencio y, poco a poco, duele menos. O quizá no, quizá no duela menos. Quizá simplemente te das cuenta de que llorar es la manera de aliviar el dolor cuando no hay nadie en la habitación que te diga que todo va a ir bien. O tal vez no quiero que nadie me diga que todo irá bien en la lengua de mi infancia, porque es en la habitación de mi infancia donde aprendí que nunca nada en este mundo va a ir bien”.
Para la autora y los lectores que se decidan a acompañar a su protagonista, La solicitante es la crítica frontal al sistema capitalista en su baja escala, centrándose en los pormenores con los que se ha de lidiar cuando se intenta una dedicación a un arte mayor, a una expresión artística -en Leyla, la predisposición por la literatura y más concretamente la voluntad para conseguir finalizar un proyecto, aparte de su tesis universitaria-, pero las
“LLORAR ES LA MANERA DE ALIVIAR
EL DOLOR CUANDO NO HAY NADIE EN LA HABITACIÓN QUE TE DIGA QUE TODO VA A IR BIEN”
condiciones laborales, sociales y casi gubernamentales impiden que esa brizna de hierba destaque sobre la rectitud cortada al milímetro. “La primera página, esa confesión, es una reescritura del poema homónimo de Sylvia Plath, y pensé que podía usarlo como obertura por las ciertas similitudes, salvando los respectivos motivos del poema de Plath y mi novela. Actualmente, seguimos mandando cartas de solicitud, seguimos en esa perpetua posición de tener que vendernos constantemente, de ayudar a los poderosos por si podemos hacer algo para ellos. Es algo que enferma, que no termina nunca. Siempre tenemos que estar convenciendo a la gente de que estamos dispuestos a demostrar lo que sea, a sobrevivir así. Por tanto, quise empezar con ella el libro para seguir recordando lo que ocurre, a pesar de este mundo repleto de oportunidades”, señala Koca. Comenta la protagonista en determinado párrafo que, si le permitieran quedarse, 'esto podría ser el principio de una nueva vida'. “Eso les pasa a los jóvenes escritores en las películas y en las novelas. Pero mi vida no es una película americana ni una novela europea. No es de la chica de la limpieza turca con un visado temporal de quien depende superar todos los obstáculos que hay entre ella y sus deseos. Que la dejen quedarse para hacerlo depende de los agentes de la Ausländerbehörde, de los oficiales del tribunal y de los profesores de la universidad. Y no la van a dejar, porque ellos, en la historia de sus vidas, son también limpiadores, y sin duda interpretan sus papeles mejor que yo”. Leyla no es más que otro rescoldo del panorama abrasado por las exigencias burocráticas del primer mundo y de las que uno mismo genera cuando está en la coyuntura de haber salido del país de origen obligado por una vida deseada. Una que deja visibles y frágiles marcas que se abren cuando el recuerdo no mide sus fuerzas y la herida punza inevitablemente. Dan dolor las menciones familiares, atravesadas del pasado problemático por la convivencia tensada de violencia y amor mal gestionado, de igual modo que las que aluden a la política de
Turquía y la visión que se tiene desde un prisma occidental, sesgado por los titulares incendiarios y los temores xenófobos.
“Cuando dejé Berlín me di cuenta de todos mis propósitos allí y de que fue mi segunda ciudad más importante, aparte de Estambul. Quizá fuese un pensamiento naif, igual que Leyla piensa que es la ciudad en la que podrá ser libre y desarrollar sus inquietudes artísticas. Muchos inmigrantes turcos, como le sucede a la protagonista, corren el riesgo de perder su potencial con las tareas que la sociedad les impone. Quería investigar sobre el bagaje que traemos cada uno y que es susceptible de caer en un limbo cuando se confrontan distintas nacionalidades”. Asimismo, los sueños particulares se van desperdigando, y tocará ir recogiéndolos como esos pequeños tesoros que van encontrándose en las habitaciones de un hostal. Redenciones precarias. Afortunadamente, quedan resquicios para que el amor sea posible: 'El Sueco aún duerme. Y yo estoy pensando en el amor. ¿Le quiero? ¿Me quiere? ¿Pasa algo porque mi amor no sea el mismo en cada momento? A veces me siento como si estuviera viviendo la vida de otra persona, como si la verdadera Leyla no se diera cuenta de lo irrelevante de esta relación. Otras veces siento que finalmente me he encontrado a mí misma y que podría amarle el resto de mi vida. Que el Sueco no tiene nada que ver con esos hombres de los cuentos o de las telenovelas o de la imaginación de mi madre. Que mi vida es real. Lo mismo siento sobre Berlín y sobre casi todo lo demás. ¿Pero significa eso que está bien?'.
Sylvia Plath, Roberto Bolaño, Agnès Varda. Son solo algunos de los referentes en este diario-novela que nos descubre a una autora implicada en la búsqueda de su propia identidad, siempre tan esquiva y contradictoria, y que no renuncia al ingenio ni a la aspereza que se padece en el camino. Decía Ungaretti que la meta es partir, y algo similar le ocurre a Nazli Koca.
POR: MARTA ESPAÑA
FOTOS: PAPO WAISMAN
ESTILISMO: ONA GOEREE / MUAH: OLGA HOLOVANOVA / PRODUCCIÓN: ALBA G. VALERO
‘ EL SILENCIO DEL RUIDO ’ ES EL ÁLBUM DEBUT DE SAMURAÏ, QUE, TRAS CUATRO AÑOS
CRECIENDO COMO LA ESPUMA EN EL POP ESPAÑOL, PRESENTA UNA ROAD MOVIE CENTRADA EN EL APRENDIZAJE, EL VIAJE HACIA LA MADUREZ Y LA BÚSQUEDA INHERENTE DE LIBERTAD . AROA LORENTE ES KAMIKAZE Y EXPLOSIVA POR NATURALEZA, Y EN SU ÚLTIMO AÑO SE HA CONVERTIDO EN LA PERFECTA NÓMADA , ENTENDIENDO LA CARRETERA COMO SU HOGAR.
Lo peor de tener un proyecto musical son las horas malgastadas en la carretera. Es lo primero que se menta al visibilizar los hándicaps de la vida del músico, y lo primero en lo que se piensa a medida que se va cumpliendo una edad. Con 40 años te imaginas llenando estadios, pero ¿aguantarías 20 horas en una furgoneta cada semana? Definitivamente, no es un camino para todo el mundo. Samuraï, sin embargo, disfruta de eso que al resto le parece tedioso. La carretera no es un medio para un fin -el de tocar en todas las ciudades de España-, sino que es capaz de disfrutarla por sí misma. Incluso aunque no haya un concierto que realizar en el destino, la joven de 24 años es nómada y la furgoneta es su hogar. Las pocas vacaciones que tiene en esta industria, afirma, también las emplea viajando. De esas horas muertas en el asiento de atrás nace El silencio del ruido, su primer álbum. Ella es Aroa Lorente, artista de Las Rozas (Madrid) que empezó a publicar sus canciones en 2020 y presentó su primer EP al año siguiente, de título CrushCrushCrush , referencia clara a los primeros Paramore. Siempre se ha movido en torno a EPs u otros conjuntos conceptuales pero, como hija de una industria volátil e hiperconsumista, sentía un poco de recelo a publicar un disco y no ser escuchada: “Nunca me sentía con la capacidad -no es que no la tuviera- de que, el día que sacara un álbum, fuera escuchado. Porque hoy en día somos de consumo rápido, y yo soy la primera que, aun siendo artista, no me siento a escuchar un álbum tranquilamente, con un té y un cigarro, para ver qué quiere contarme. No me dedico a observar el mundo que ha creado en esos 57 minutos de álbum. Es casi como un plan en el calendario, sé que no solemos hacer eso. Quería ser escuchada, que dentro de la poca gente que se detiene a escuchar un álbum, fuera la mayor cantidad posible. Sabía que, el día que me pusiera a hacer un álbum, iba a tardar un año y medio mínimo. Sabía que iba a ser detallista, que iba a crear todo un mundo, y quería que tuviera el reconocimiento que siento que se merece”.
El silencio del ruido es la banda sonora de una
DAWN FM
The Weeknd / 2022
LOST IN THE DREAM
The War on Drugs / 2014
road movie rockera a la española. Es un álbum nocturno sobre la necesidad de escapar a través de la carretera, un Thelma y Louise para los nacidos más allá de los 2000. Quizás, esta última etapa de incontinencia creativa viene dada por sus grandes giras, pues “cuando más he escrito ha sido en la vuelta del bolo. Y los domingos por la mañana, cuando toda la gente va con los cascos y la capucha, durmiendo”. La naturaleza de Lorente es itinerante, y es esto lo que impulsa su faceta creativa. Vive sobre ruedas tanto en lo laboral como en lo ocioso: “Este mismo verano salí de mi furgoneta de trabajo, me metí en la mía y me fui por el norte”. Reconoce que, al principio, le costaba mucho pasar tiempo fuera de casa: Samuraï no deja de ser un proyecto gestado en la época COVID y, cuando se reactivó la industria del espectáculo, la veinteañera ya había crecido como la espuma en el entorno del pop dosmilero. Por ello, estos dos últimos años han sido todo un aprendizaje para ella: “Han entrado personas en mi vida que me han hecho sentir en casa. He descubierto que la casa no es necesariamente un lugar físico. De eso también trata un poco el álbum, del viaje en sí. Cómo, por ejemplo, si vas a un hotel, ese hotel puede ser tu casa por dos días, y lo cuidas tanto como tu hogar. Creo que eso también es una metáfora: hay personas y lugares que te hacen sentir en tu sitio, aunque ese sitio no sea un espacio concreto”.
Ahora, su espíritu libre brilla en las estaciones de servicio y las gasolineras: “Nunca solía salir de fiesta con mi equipo. Siempre me iba al hotel rapidísimo, con muchas ganas de que fuera mañana y poder regresar a casa. Sin embargo, en los últimos años ha sido todo lo contrario. Se ha apoderado de mí un espíritu aventurero increíble. Ahora adoro la carretera, de verdad. Podría estar nueve horas en una furgoneta y no me importaría, me lo paso bien. Es tiempo para mí, para pensar, para escuchar música, y tengo la suerte de no ser yo quien conduce. Hay una gran diferencia con cómo era antes, y por eso casi todo el álbum está compuesto en una furgoneta, inspirado por esos momentos. Me parece hipnótico y fascinante mirar la carretera durante
“HE DESCUBIERTO QUE LA CASA NO ES NECESARIAMENTE UN LUGAR FÍSICO. DE ESO TRATA UN POCO EL ÁLBUM”
NIGHTS OUT
Metronomy / 2008
SONGS FOR THE DEAF
Queens of the Stone Age / 2002
AUTOBAHN
Kraftwerk / 1974
Jim Carrey conduce la radio atmosférica y nocturna de este viaje cyberpunk de Abel Tesfaye y Oneohtrix Point Never por los speedrives de una Night City distópica. The Weenkd autoproclamándose el rey de la noche, el murciélago justiciero.
Hay pocos grupos contemporáneos que se ajusten tan bien a la idea de música de carretera como lo hacen los War on Drugs de Adam Granduciel. Tanto que seguramente si llegas a destino antes de que termine te inventes algún km.
A día de hoy el segundo disco de Josh Mount al frente de Metronomy y antes de convertirlos en una banda de pop sigue siendo una de las experiencias automovilísticas más frenéticas, oscuras y extrañas que jamás se hayan hecho. Cars on drugs
Todas las obsesiones y filias de Josh Homme se dan cita en este trabajo sobre largos viajes por las carreteras de los desiertos del sur de California, radiado por un locutor en español y plagado de colaboradores increíbles.
Los 22 minutazos de Autobahn, iniciados por esa llave haciendo contacto y los sintetizadores adentrándose en una experiencia conceptual sobre conducir por la autopista convirtieron a los alemanes en un verdadero fenómeno internacional.
horas, porque me hace reflexionar mucho”. Su estilo de vida itinerante y bohemio se representa en un debut rebelde, oscuro y kamikaze. Aroa predica el rock n’ roll en un pop que premia cada vez más el vanguardismo, aunque siempre está abierta a sonidos que vayan más allá de lo orgánico. Es por ello que El silencio del ruido es dosmilero, algo emo, como si Effy de Skins y Hayley Williams hubiesen tenido un retoño. De hecho, Paramore le abrió los ojos a una Aroa adolescente que soñaba con dedicarse a la música, pero no había encontrado su sonido: “Con 12 años llegó el amor de mi vida, Hayley Williams, y pensé ‘yo quiero ser eso’. Fue un antes y un después muy marcado para mí, ya que encontré un referente al que realmente quería seguir. No voy a decir que he sido la persona más emo toda mi vida, ni que escuché lo más underground siempre, porque también he escuchado mucho pop. De hecho, la música que más me gusta es la de los 70 pero, definitivamente, esa influencia me inspiró mucho a querer hacer lo que hago. Desde pequeña jugaba con mi madre, fingiendo que era cantante, haciendo castings y esas cosas. Recuerdo jugar con un peine como si fuera un micrófono. Creo que siempre supe que quería hacer esto, aunque no te puedo decir en qué momento hice un plan para lograrlo”. Digamos que si cada diva internacional tuviese un reflejo en nuestro país, Samuraï sería Olivia Rodrigo, en esa intención salvaje y pseudogótica que no se pierde pese a presentar un debut con más baladas de las esperadas. Bajo las letras a medio tiempo se esconde un terremoto, si bien Aroa está aprendiendo a convivir con su personalidad imprudente siendo cada día más mediática: “Ahora mismo hay más consecuencias con los actos que yo pueda llegar a tomar y soy consciente de ello. Tengo bastante más cuidado con las cosas que hago. Intento tenerlas con las que digo, pero soy bastante bocachancla. En las entrevistas tengo que estar súper concentrada porque soy muy impulsiva, es mi personalidad, no me paro a pensar en si la estoy liando o no”.
A veces, ese contener las formas resulta incompatible con la personalidad de la artista, que nos regala un debut en torno a la necesidad de libertad inherente al ser humano. Lorente desea escapar de una vida anterior como el protagonista de Paris, Texas, y pese a lo sanador de hacer música, de vez en cuando tener las miradas encima acrecienta el sentimiento de huida: “Hablo un poco esa idea de escapar del ruido en tu cabeza, ¿sabes? Creo que, en mi caso, esto es algo que pasa más de tres veces al día, tanto física como psicológicamente. Muchas veces, cuando no quiero hablar de algo, cambio de tema, y eso también es una forma de escapar.
De hecho, siempre que tengo un día libre, intento salir de Madrid y escaparme. A veces es necesario disociarse de una misma por un rato”. Pese a todo, elige la música como salida, ya que no solo es una vía de escape para ella, sino para todo aquel que pueda estar pasando por lo mismo: “Alguna vez he tenido miedo de sacar ciertas canciones, pero el proceso de hacerlas, de sacarlas como una forma de terapia, siempre me ha hecho bien. Me compensa. Me gusta pensar que, si yo saco una canción, a alguien más también le ayudará en su propio proceso sanador. Así que, aunque a veces siento miedo, siempre sigo adelante”.
EL SILENCIO DEL RUIDO (UNIVERSAL, 2024)
Lo que vivimos / X si mañana no estoy / Quien no quiera que no mire / La despedida / Aire / En los espejos / Sexo y rock n' roll / Corazón quemado / Cuando dolía el amor / Gatos de gasolinera / Que nadie nos entienda / Inocente
CD / DIGITAL / LP
POR: RAMÓN BAYLOS
EN 1982 LLEGABA A LA ATARI 2600 ‘DRAGONSTOMPER’, PRIMER INTENTO DE TRASLADAR LA NUEVA FORMA DE JUGAR -INTERACTIVA E IDENTIFICATIVA- QUE HABÍA DESARROLLADO ‘DUNGEONS & DRAGONS’ DESDE 1974 AL MEDIO DIGITAL. DESDE ENTONCES, EL RPG, ROL PLAYING GAME, JUEGO DE INTERPRETACIÓN DE ROLES EN SU ESENCIA MÁS PRIMITIVA Y LITERAL, SE HA CONVERTIDO EN UNA ASPIRACIÓN COMÚN AL MUNDO DEL VIDEOJUEGO, PERMITIENDO QUE LOS DESARROLLADORES INBUYAN DE VIDA A MÁS DE MEDIO SIGLO DE AVENTURAS INTERACTIVAS E INMERSIVAS.
La eterna pregunta: ¿Qué es un RPG? El término se ha utilizado a menudo como un cajón de sastre bajo el que englobar muchas propuestas que compartieran al menos unos pocos elementos relativamente definitorios, lo que ha provocado que su significado a día de hoy esté completamente difuminado entre infinidad de aproximaciones. JRPG, ARPG, MMORPG... Pero ¿qué hace que podamos considerar un souls RPG y no Sekiro? ¿Qué hace que las grandes aventuras como Zelda se hayan quedado siempre fuera del género y sí se consideren sandboxes como Horizon o The Witcher? ¿Por qué Pokémon es un RPG y no un juego de aventuras?
Los RPGs añaden una capa de profundidad más a la interacción entre jugador y juego, y nos permiten adoptar una identidad completa, un rol -predefinido o no-, para relacionarnos con el mundo del videojuego a través de ella. Pero,
además, se espera que las acciones que nosotros como jugadores tomemos tengan un impacto en el mundo que estamos habitando, y que dicho mundo reaccione según nosotros estemos definiendo nuestras acciones, pero también nuestras perspectivas morales y nuestro sistema de valores. La escala y la sensación de libertad también pueden ser claves, pero no definitorias, del mismo modo que ciertos sistemas estratégicos como el combate por turnos o la extracción y gestión de recursos.
En realidad, quizá es que ya no pueda considerar el RPG como un género, sino como una filosofía de diseño en sí misma; una manera de concebir el videojuego desde la libertad de decisión, independientemente de si esta se encuentra ligada a un plano argumental o a uno de carácter más jugable. Hoy rendimos homenaje a esta amalgama esencial e inconcreta de obras que son consideradas RPGs con tal de reflejar el extensísimo legado de este concepto lúdico en sus más de cuarenta años de historia. En una era donde la identidad líquida se erige como angustia nuclear, estas son las obras que nos han permitido realizarnos en la otredad a través de parámetros nacidos de la interacción con una imaginación de carácter colectivo. Estos son, para NUEBO, los 50 mejores RPGs de la historia.
CHONO TRIGGER
Squaresoft / 1995
Chrono Trigger es uno de esos juegos que solo podían surgir a través de la alineación precisa de varios planetas. Hironobu Sakacuchi, Kazuhiko Aoki y Nobuo Uematsu, quienes habían trabajado conjuntamente en varios juegos de la saga Final Fantasy, se aliaron con Akira Toriyama para diseñar el que posiblemente sea el mejor JRPG de todos los tiempos, y un RPG gigante en todos los aspectos. Con una serie de ideas revolucionaras en mente, este Dream Team -de hecho, así era como se llamaba a esta cuádrupla de cabezas pensantes a nivel interno dentro de la propia Squaresoft- levantó una obra que serviría como punto de partida para muchas prácticas y tendencias de diseño posteriores. En este sentido, Chono Trigger es a los JRPGs lo que la creación de la rueda supuso para la humanidad.
FINAL FANTASY VI
Squaresoft / 1994
La sexta entrega de la franquicia Final Fantasy es una de las más infravaloradas de toda la saga. Hay un debate muy extenso sobre si la corona pertenece a la séptima, la octava o la novena, pero Squaresoft hizo magia con el último juego en dos dimensiones que desarrolló antes de dar el salto al 3D. Con personajes y escenas inolvidables que se entrelazaban a través de un argumento trascendental y uno de los mejores villanos de la historia, Final Fantasy VI es la cumbre de lo que puede significar a nivel emocional un RPG.
DISCO ELYSIUM
ZA/UM / 2019
Con un revolucionario sistema de combate por diálogo e infinitas posibilidades, Disco Elysium sigue siendo uno de los juegos mejor escritos de la historia.
DIABLO II
Blizzard / 2000
Considerado como el padre de los ARPGs, Diablo II es un juego mata-mata prácticamente inmortal y vigente aún casi 25 años después de su salida.
DRAGON QUEST VIII: EL PERIPLO DEL REY MALDITO
Level-5 / 2004
La entrega que supuso el refinamiento de una saga casi perfecta, ensalzando el valor de los JRPGs como sistema.
BALDUR’S GATE III
Larian Studios / 2023
Un RPG que transfiere el universo de D&D a un entorno interactivo con un complejísimo diseño de miles de factores y decisiones entrelazadas entre sí.
La enorme flexibilidad de esta galaxia muy, muy lejana, la más prolija que hasta ahora se haya visto en la saga Star Wars, se siente en cada uno de sus rincones, definidos por nimias acciones y comentarios. 13 5 8 7 9 10
STAR WARS: KNIGHTS OF THE OLD REPUBLIC
BioWare / 2003
WORLD OF WARCRAFT
Blizzard / 2004
El MMO más ambicioso hasta la fecha, ningún otro en el género ha sido capaz de hacerle sombra hasta hoy. Blizzard en estado puro.
THE ELDER SCROLLS III: MORROWIND
Bethesda Game Studios / 2002
Bethesda llevó hacia delante los juegos de rol y mazmorras en primera persona convirtiendo su saga insignia en un sandbox.
DARK SOULS
FromSoftware / 2011
Para muchos, el mejor juego del siglo XXI; una propuesta capaz de subvertir los paradigmas tradicionales para dar a sombra un subgénero en sí mismo.
PERSONA 5
Atlus / 2016
Artísticamente impecable, se trata del mejor JRPG de nueva generación, redefiniendo las reglas de diseño dentro de la industria de rol japonesa.
POKÉMON ORO/PLATA
Game Freak / 1999
¿La mejor entrega de la franquicia de Nintendo? Amplía todos los límites y define lo que sería cazar monstruos a partir de este momento.
10 15 14 16 17
FINAL FANTASY VII
Squaresoft /1997
Rescatada gracias al remake más ambicioso jamás hecho, la historia de Cloud y Sephirot sigue resonando a día de hoy en infinidad de jugadores.
FALLOUT: NEW VEGAS
Obsidian Entertainment / 2010
Una cesión de derechos inesperada terminó con Obsidian Enterntainment, maestros del RPG, haciéndose cargo de uno de los juegos de la franquicia de Bethesda. Y el resultado, inesperado para muchos, llegó incluso a superar a la obra original, multiplicando hasta el infinito las posibilidades de decisión y su relación con distintos gameplays. Posiblemente uno de los RPGs occidentales con más carisma que existen.
DEUS EX Ion Storm / 2000
El mejor híbrido entre los FPS y los RPGs, con una propuesta de ciencia ficción poshumanista adelantada a su tiempo y homenajeada en Cyberpunk
PLANESCAPE: TORMENT
Black Isle Studios / 1999
Rol occidental en estado puro; un antes y un después en cuanto a los videojuegos basados en Dungeons & Dragons que definió obras posteriores.
DRAGON QUEST III
Enix / 1998
La fiebre desmesurada que provocó este juego cuando salió en Japón, con su propio día nacional, supuso su definitivo salto -y el del JRPG- a Occidente.
SWORD OF MANA
Square Enix/Brownie Brown / 2003
Cualquier juego de la saga
Mana es destacable, y Visions podría haber entrado: son fundamentales en incorporar un ritmo más directo al JRPG classic.
XENOBLADE CHRONICLES
Monolith Soft / 2010
La ambición hecha JRPG en todos los sentidos, algo que se refleja en las proporciones de todos los elementos que aparecen dentro del juego.
GOLDEN SUN
Camelot Software Planning / 2001
Matrícula de honor al sublimar todos los elementos clásicos que definen un JRPG: historia, epicidad, emoción, escala, grandilocuencia y magia.
La segunda entrega de la franquicia de Fallout es precursora en cuanto a muchas de las corrientes de diseño que se adoptaron en los RPGs occidentales del siglo XXI. La crudeza con la que representaba el apocalipsis antes de que la franquicia fuera comprada por Bethesda, y lo obtusas que resultaban sus mecánicas, la encumbraban como una de esas experiencias de rol de vieja escuela que demostraron no temerle a la modernidad o a las nuevas tendencias. Café para muy cafeteros con una endiablada personalidad. 18 19 20
KINGDOM HEARTS II
Square Enix / 2005
¿Qué podría salir mal en un juego que mezclaba personajes de Final Fantasy con mundos y figuras míticas de Disney? De este experimento surgió una de las franquicias más prolíficas del mundo del entretenimiento, y su segunda entrega numerada es considerada como uno de los mejores RPGs del siglo XXI. Quizás esto se deba a que en Kingdom Hearts II hay una magia que es difícil describir con palabras. O a que gran parte de su gracia tenga que ver con su intención de sumergirnos en una ensoñación nostálgica. O a su historia, bien escrita y reposada, más adulta y oscura de lo que puede parecer. O a sus profundísimos sistemas de combate en tiempo real. Sea como sea, ha logrado convertirse en una obra atemporal.
29 24 30
FALLOUT 2
Black Isle Studios / 1998
PILLARS OF ETERNITY
Obsidian Entertainment / 2015
Uno de esos RPGs que reinterpreta la tradición desde un prisma moderno y uno de los mayores exponentes del rol occidental contemporáneo.
NEVERWINTER NIGHTS
BioWare / Obsidian Entertainment / 2002
Desarrollado por dos colosos de la creación de RPGs, supo trasladar la campaña Forgotten Realms de D&D a los videojuegos.
DIVINITY: ORIGINAL SIN II
Larian Studios / 2016
El juego que puso a Larian Studios en el radar internacional y propició el desarrollo profesional de uno de los mejores estudios de RPGs del mundo.
DRAGON AGE: ORIGINS
BioWare / 2009
La apuesta de BioWare por la fantasía medieval en tercera persona nos dejó un RPG sólido, que definió en gran medida los siguientes pasos del estudio.
GRANDIA Game Arts / 1997
Con un diseño de entornos y personajes único y una propuesta jugable algo diferente, Grandia es una de esas rara avis dentro del género de los JRPGs.
EARTHBOUND
Ape Inc./HAL Laboratory / 1994
Un JRPG que podría conformarse como adalid de la originalidad gracias a una ambientación y unos temas argumentales únicos para los videojuegos.
FIRE EMBLEM
Intelligent Systems / 1990
Una de las sagas que afianzó el subgénero de los RPGs de corte táctico y que se ha ido renovando con cada nueva entrega que ha visto la luz.
SUIKODEN Konami / 1995
Inspirada en la novela china Los bandidos del pantano, este JRPG se convirtió en una de las primeras adaptaciones literarias al mundo de los videojuegos.
THE LEGEND OF DRAGOON SIE Japan Studio / 1999
Con una aproximación algo diferente a lo que se hacía en los JRPGs de aquella época y una ambición superior al resto de títulos similares del sector, la obra de Japan Studio se hizo un lugar en el recuerdo colectivo de los jugadores de PS1.
STARDEW VALLEY
ConcernedApe / 2016
El híbrido entre RPG y life simulators por excelencia. Desarrollado por un único diseñador, Eric Barone, se ha convertido en un juego de culto.
PAPER MARIO: LA PUERTA MILENARIA
Intelligent systems / 2004
Trasladar la idiosincrasia de Super Mario a un género ajeno a las plataformas no debió ser fácil, pero funcionó con creces.
PERSONA 3 RELOAD Atlus/ 2006-2024
El primer bombazo importante dentro de la subsaga de JRPGs de Atlus, que comenzó a adquirir una identidad propia y alejada de Shin Megami Tensei
YAKUZA: LIKE A DRAGON
Ryu Ga Gotoku Studio / 2020
La séptima entrega de la saga Yakuza nació siendo una broma del April’s Fools con la que SEGA hizo creer a sus usuarios que la franquicia pasaría a ofrecer un sistema de combates por turnos y abandonar las mecánicas en tiempo real. Sin embargo, al ver la increíble acogida que tuvo este concepto hipotético, Ryu Ga Gotoku Studio decidió darle un giro de 180 grados a la franquicia para convertir esa inocentada en realidad. El resto ya es historia, como en general la saga lo es en lo que respecta a redefinir el JRPG.
DRAGON’S DOGMA
Capcom / 2012
Un RPG de mundo abierto que se ve reflejado como ningún otro en la palabra aventura y que refleja a la perfección el refrán “lo importante es el camino”.
CYBERPUNK 2077
CD Projekt RED / 2020
La obra futurista de CD Projekt RED logró resurgir de sus cenizas como un ave fénix de neones gracias a Phantom Liberty para ofrecer la propuesta que el estudio prometió hace años atrás: un RPG sólido ambientado en una distopía cyberpunk.
UNDERTALE
Toby Fox / 2015
Considerado como uno de los mejores indies de la historia y heredero espiritual de Earthbound, este juego es especial por subvertir todas las expectativas.
POKÉMON ROJO / AZUL / AMARILLO
Game Freak / 1996
El comienzo de una era y de la franquicia que más dinero genera a nivel mundial dentro de la industria del entretenimiento.
FINAL FANTASY XIV ONLINE
Creative Bussiness Unit III / 2013
El MMORPG que fue capaz de revivir a través de sus propias cenizas y subvertir las expectativas de uno de los fandoms más exigentes del mundo. Tremendo.
NI NO KUNI: LA IRA DE LA BRUJA BLANCA
Level-5 / 2011
Un JRPG de combates por comandos con criaturas cuyo estilo visual fue diseñado por el mismísimo Studio Ghibli.
THE ELDER SCROLLS V: SKYRIM
Bethesda Game Studios / 2011
El videojuego insignia de la generación milenial; un RPG de mundo abierto que sentó cátedra y supuso un punto de inflexión dentro del género.
MASS EFFECT II
BioWare / 2010
Un RPG de ciencia ficción brillante en todos los sentidos que llevó a una nueva escala el complejo sistema decisional de Baldur's Gate o Planescape
LOST ODYSSEY
Mistwalker/Feelplus / 2007
Lost Odyssey fue una de las mayores apuestas de la historia de Microsoft por tratar de encajar su marca dentro del público japonés. Para ello, hizo uso de un JRPG con un apartado técnico que estaba fuera de lo común y que lo convertía en uno de los juegos con mejores gráficos del mercado en la primera década del siglo XXI, algo que se reforzaba con un argumento grandilocuente y unos personajes que parecían sacados de un melodrama shakespiriano vitaminado.
VALKYRIA CHRONICLES
SEGA / 2008
Con un planteamiento sumamente original, su propuesta mezcla estética de cómic, temática bélica y un sistema jugable ágil por comandos y sinergias.
48
MOUNT & BLADE:
BANNERLOD II
Taleworlds Entertainment / 2022
Un RPG que hibrida los juegos de gestión medieval con elementos de los RTSs en tiempo real. Mezcla de conceptos única.
VAMPIRE: THE MASQUERADEBLOODLINES
Troika Games / 2004
Una historia de vampiros en forma de inteligente novela negra y con profunda inspiración de los RPGs clásicos occidentales.
TALES OF ZESTIRIA
Bandai Namco / 2015
La mejor entrega, con Vesperia y Arise, de una de las sagas con más encanto de los videojuegos: fantasía japonesa colorista y de trama rocambolesca.
THE WITCHER 3: WILD HUNT CD Projekt RED / 2015
La adaptación del desenlace de la obra literaria de Andrezj Sapkowski construye un sólido RPG de fantasía oscura y moralidades grises muy sensible a decisiones.
LISA: THE PAINFUL Dingaling Productions / 2014
Un macabro cuento motero sobre el apocalipsis que observa la decadencia humana desde una perspectiva cruda y con un retorcido sentido del humor.
DIEGO RUBIO
JUDELINE
Bodhiria
Interscope
25 octubre
Conceptualizado en torno al Bodhi, un término del budismo que habla de un estado ascendido de despertar e iluminación, el debut de Judeline se plantea finalmente como una historia de muerte y renacimiento cargada de elementos esotéricos, espirituales y mágicos, conjurados siempre por una voz que ya es definitoria del sonido de nuestro país en la actualidad. Habitando un no-lugar de serenidad y conocimiento, la Judeline ascendida, esa Angel-a suspendida en su propio limbo que se presenta desde el primer momento junto a sus productores de confianza Tuiste y Mayo -y muchos más en una brillante nómina que también incluye a los rusia-IDK Drummie, Ralphie Choo y rusowsky o a Rob Biesel, productor de SZA-, conversa con su yo pasado, con sus tragedias personales y sus fracasos y desengaños sentimentales, con su inexperiencia. Pero por encima de todo, con los momentos en los que esta brisa de Cádiz era solo la promesa de una marea. Ahora toca vivirlo como una realidad. Como una ola.
BABYMONSTER
Drip
YG Entertainment 1 noviembre
Korea del Sur se ha paralizado con el debut largo de la nueva girl-army que reina en el k-pop.
CYBOTRON
Parallel Shift
Tresor Records / BMG 1 noviembre
28 años después, el pionero del techno Juan Atkins resucita Cybotron con Laurens von Oswald.
EROS
Your Truth Is a Lie
Downward 1 noviembre
Australia, UK y Alemania reunidas en este trío oscuro con raíces en Einstürzende Neubaten.
KOKOROKO
Get The Message Brownswood Recordings 1 noviembre
Abiertos a un suavísimo funk y más íntimos, el colectivo londinense entrega nuevo EP.
LIL UZI VERT
Eternal Atake 2
Warner 1 noviembre
El prolijo imaginario del pegajoso rapero se multiplica en esta nueva entrega, a la vez secuela.
MXMTOON Liminal Space AWAL 1 noviembre
La estadounidense, cada vez más británica en su tercer álbum: justo el espejo de Beabadobee.
PETER PERRETT
The Cleansing Domino / Music As Usual 1 noviembre
¿Está el punklord británico en su mejor momento? Escuchando The Cleansing parece que sí...
THUS LOVE
All Pleasure
Captured Tracks - Popstock! / 1 noviembre
Reconvertidos en cuarteto, los británicos regresan con un trabajo más sólido -también más alucinado y psicodélico- que, sí, te recordará a Blur, Oasis y a Arctic Monkeys en lo vocal, con lo bueno y lo malo que eso tiene, pero también te peinará el flequillo como un soplo de aire fresco.
CLAIRE ROUSAY
Primer disco de los
WESTSIDE GUNN
Still Praying Griselda Records 1 noviembre
El alma de Griselda sigue diluyendo los límites del rap neoyorquino y mantiendo viva su llama.
TOMORROW X TOGETHER
The Star Chapter: Sanctuary BigHit Music 4 noviembre
La gran historia del grupo surcoreano crece aún más en el que es su séptimo miniálbum.
AB-SOUL
Soul Burger Top Dawg Entertainment 8 noviembre
El rapero californiano rinde homenaje a su colega Doe Burguer, fallecido en 2021. Fusión de alma.
CARIÑO
Tanto por hacer
Sonido Muchacho / Universal 8 noviembre
Después del éxito de Si quieres, el trío madrileño persigue la consolidación con un trabajo maduro, más serio, más completo y ambicioso, en el que no renuncian a pasárselo bien y a cierta acidez que las define.
The Bloody Lady Thrill Jockey / [PIAS] 8 noviembre
Rousay reimagina en su dormitorio la banda sonora que escribió para la cinta de Viktor Kubal.
OUR GIRL
The Good Kind Bella Union / Music As Usual 8 noviembre
El disco más colaborativo del trío londinense, bandera del nuevo dream-pop.
BUENATARDE
La santa paciencia
Discos de Menta 15 noviembre
Segundo trabajo largo de Mané López (Jordana B., Rocío Saiz): pop, vocoder, sintetizadores...
CHELSEA WOLF Unbound
Loma Vista / Music As Usual 15 noviembre
Versiones en formato desnudo del radical último disco de la estadounidense.
FLO Access All Areas Universal 15 noviembre
El trío británico, herederas de las norteamericanas TLC, debuta en largo pasándose el espectro R&B.
LINKIN PARK From Zero Warner 15 noviembre
Primer disco desde la muerte de Chester Bennington, ahora con Emily Armstrong de vocalista.
MAXO KREAM
Personification
Stomp Down 15 noviembre
Pocos riman tan bien la alegría de vivir con la violencia y desolación de las calles estadounidenses.
POPPY
Negative Spaces
Sumerian Records 15 noviembre
La verdad es que es a Poppy a la que tendrían que haber fichado para cantar en Linkin Park...
RAUW ALEJANDRO
Cosa nuestra
Sony 15 noviembre
Homenajes a la Fania, a Luis Miguel o a Willie Colón en un disco no tan clásico después de todo.
SEN SENRA PO2054AZ (Vol. II)
Sonido Muchacho / Universal 15 noviembre
Después de El origen, El emigrante llega a Madrid en busca del éxito. Segunda entrega de la trilogía.
SWANS
Live Rope
Young God Records 15 noviembre
Si no has estado nunca en un concierto de Swans, esto era lo que necesitabas para ir al próximo.
FATHER JOHN MISTY
Mahashmashana
Bella Union / Music As Usual 22 noviembre
Decir que el Padre Juan Místico se pone místico en su sexto disco sería... ¿redundante? Polvo somos.
STEPHEN SCHWARTZ
Wicked: The Soundtrack
Universal 22 noviembre
Una sorprendente Ariana Grande -que debuta como actriz en esta adaptación del famoso musical de Hollywood, precuela de El Mago de Oz- y su antagonista en el filme Cynthia Erivo -toda una estrella en Broadway- se dan réplica tras réplica musical entre salpicones de Jeff Goldblum, Peter Dinklage o Jonathan Bailey... Terriblemente camp, pero también muy divertido.
070 SHAKE
Petrichor
Def Jam - Universal / 15 noviembre
Si Winter Baby/New Jersey Blues, el primer sencillo de Petrichor, te dejó con el culo roto fusionando un villancico con los Beatles de Sgt. Pepper’s, espérate a ver la infinidad de sorpresas que la rapera estadounidense ha reservado para la salida del álbum. Un ambicioso batiburrillo y jodidamente original.
JUICE WRLD
The Party Never Ends Universal 22 noviembre
Tercer, y se supone que último, disco póstumo del genial rapero. ¿Paramos ya la máquina del $$$?
KIM DEAL
Nobody Loves You More 4AD / Popstock! 22 noviembre
La líder de The Breeders entrega su primer disco en solitario y está guapísimo. Se celebra con ruido.
MICHAEL KIWANUKA
Small Changes Universal 22 noviembre
Producido por Inflo y Danger Mouse, muestra al británico más sosegado y sin sobresaltos.
RED HOT ORG TRAИSA
Red Hot Org 22 noviembre
Más de 100 artistas desafían el binarismo en este viaje espiritual. Incluye el regreso de Sade.
ANDREA BUENAVISTA
Penas de amor
Sonido Muchacho 25 noviembre
Deteniéndose con simpatía en las pequeñas cosas, Andrea ha hecho un disco de grandes canciones.
THE INNOCENCE MISSION
Midwinter Swimmers
Bella Union / Music As Usual 25 noviembre
Ecos de folk de cámara fantasmagóricos recorren y persiguen este trabajo íntimo y precioso.
SASHA
Da Vinci Genius
Night Time Stories 29 noviembre
El mítico Sasha le pone la música a una exposición/performance inmersiva sobre la obra de Da Vinci.
Dir. Jon M. Chu
Rep. Ariana Grande, Cynthia Erivo, Michelle Yeoh, Jeff Goldblum EE UU / 2024 / Universal 22 noviembre
Ariana Grande debuta en el cine como Glinda, la Bruja Buena del famosísimo musical de Broadway que sirve como precuela para la película El Mago de Oz Jeff Goldblum se pone en la piel del mago mientras que Michelle Yeoh asume el control de la cinta como la Señora Morrible. Y la historia se adentra en los acontecimientos que provocan que Elphaba -la verdadera protagonista, que en mucha medida inspiró la saga de Maléfica, interpretada por Cynthia Erivo- termine corrompiéndose y convirtiéndose en la Malvada Bruja del Oeste. Ya está confirmado que esta adaptación cinematográfica estará dividida en dos partes, con la primera abarcando el primer acto y la segunda a estrenar en noviembre de 2025.
LAS MARGARITAS
Dir. Vera Chytilová / Rep. Vera Chytilová, Ivana Karbanova Checoslovaquia / 1966 / A24 / 15 noviembre
Regresa a nuestras pantallas de cine una de las cintas fundamentales de la nouvelle vague checoslovaca, construida como un collage y desde un punto de vista totalmente fragmentado con herencia del surrealismo. Una pareja de chicas jóvenes decide, ante la corrupción del mundo, obrar en consecuencia, y empezar a perpetrar pequeñas maldades allá por donde pasan.
#SEACABÓ
Dir. Joanna Pardos
Documental, Fútbol
Largo / 1 noviembre
Las campeonas del mundo de fútbol hablan en primera persona tras haber desatado indirectamente uno de los #metoo más incendiarios y relevantes del deporte mundial.
FRIENDLY NEIGHBOURHOOD SPIDER-MAN
Dir. Jeff Trammell
Animación
Serie / 2 noviembre
Serie animada al estilo de las cintas de Spidey que sigue a Peter Parker en su camino cotidiano hasta convertirse en Spider-Man. Un poco como Smalville pero con dibujitos.
ANATEMA
Dir. Jimina Sabadú
Rep. Leonor Watling, Pablo Derqui Largo / 8 noviembre
Tiene algo de spin-off de 30 Monedas, como si perteneciera al mismo universo de desternillantes ángeles y demonios. ¡Ah, espera! Que produce Álex de la Iglesia...
AL MARGEN
Dir. Eduardo Casanova Documental
España / 2024 / Cilantro / 29 nov
Eduardo Casanovas ha estado rodando en las calles de Madrid, en secreto y durante cinco años, a un hombre con el rostro completamente quemado al que conoció en el metro. Al margen es la historia de Moisés, quien se quemó a lo bonzo en plena calle y a plena luz del día en 2011 culpando al MK-Ultra y al acoso psicotrónico. Una historia que refleja la oscuridad de la mente humana, el desamparo de las personas marginadas o el impacto mental de las nuevas manipulaciones.
EL CASO ABEL TREM
Dir. Gábor Reisz
Rep. Adonyi-Walsh Gáspár
Largo / 8 noviembre
Llega a España una película lenta y reposada, de ritmo contemplativo rural, que marca nuevas direcciones en el cine húngaro y que ya pudo verse en Venecia en 2023.
NO OTHER LAND
Dir. B. Adra, H. Ballal, Y. Abraham, R. Szor
Documental
Largo / 8 noviembre
Premio al mejor documental en la Berlinale, demoledora historia en primera persona sobre el desalojo perverso y violento de Cisjordania por parte de Israel. Muy oportuno.
ARCANE: LEAGUE OF LEGENDS (2ªT)
Cr. Christian Linke, Alex Yee
Animación
Serie / 9 noviembre
Llega tres años después de la espectacular primera temporada, con ese steam-punk primorosamente animado, y la verdad es que tenemos muchísimas ganas.
SOVIET JEANS
Cr. Waldemar Kalinowski
Rep. Gundars Abolins, Varvara Chekhs
Serie / 12 noviembre
Una serie bizarra y provocadora que mezcla propaganda soviética, música rock, punk y falsificaciones de pantalones vaqueros. La eterna lucha entre la hoz y el martillo.
Cr. Rodrigo Sorogoyen, Paula Fabra, Sara Cano Rep. Iria del Río, F. Carril España / 2024 Serie / 28 noviembre
La treintena, año a año, capítulo a capítulo, a través del relato de una relación que comienza contra todo pronóstico, con dos personas en estados vitales difícilmente conciliables, contradictorios, y que se va desplegando en todas sus formas y sensibilidades. Miniserie profunda y emocionante, excepcionalmente interpretada.
HERMANAS HASTA LA MUERTE (2ªT)
Cr. Sharon Horgan
Rep. Anne-Marie Duff, Eva Birthistle Serie / 13 noviembre
Oscura e inteligente comedia negra que encierra todos los secretos compartidos entre cinco hermanas, las cinco excepcionalmente interpretadas.
EN LA ALCOBA DEL SULTÁN
Dir. Javier Rebollo
Rep. Félix Moati, Pilar López de Ayala
Largo / 15 noviembre
Fantástico regreso de Rebollo, con un puzzle de metacine que desborda y que imagina los delirios orientalistas del cinematógrafo Gabriel Veyre, operador de le Lumière.
GLADIATOR II
Dir. Ridley Scott
Rep. Paul Mescal, Pedro Pascal Largo / 15 noviembre
En plena edad dorada de la nostalgia y con secuelas y remakes innecesarios, con Scott en su decadencia creativa... Pues, por lo visto, les ha salido tremendo peliculón.
MITOLOGÍA DE BARRIO
Dir. Espírituescalera
Documental
Largo / 15 noviembre
Estrenada -y premiada- en Documenta Madrid, esta cinta que también ha pasado por el Festival de Marsella, reflexiona sobre la transformación de las ciudades.
NUNCA TE SUELTES
Dir. Alexandre Aja
Rep. Halle Berry, Percy Daggs IV Largo / 15 noviembre
Cuando no entendemos las normas que nos atan, nos vinculan, y decidimos romperlas, podemos detonar el equilibrio y exponernos a fuerzas malignas. Terror sobrenatural.
WALDO
Dir. Charlie Arnaiz, Alberto Ortega
Documental
Largo / 15 noviembre
A Waldo, el compositor del Himno de la Alegría, le descerrajaron dos escopetazos en la cara en los 70. Este documental desentraña el misterio de su muerte... y de su vida.
LAS CHICAS DE LA ESTACIÓN
Dir. Juana Macías
Rep. Salua Hadra, Julieta Tobio Largo / 22 noviembre
Drama urbano, coming of age y comentario crítico sobre racismo, machismo y prostitución en menores con música trap de fondo y mucho espacio para la reflexión.
Dir. Steve McQueen / Rep. Saoirse Ronan, Harris Dickinson, Elliott Heffernan Reino Unido / 2024 / Apple Studios / 22 noviembre
Jugada sorprendente -y maestra- del realizador inglés, que estrena en una plataforma, sin apenas promoción y de la mano de músicos como Benjamin Clementine o Paul Weller, una de las películas del año. Una especie de fábula ambientada en el Londres de la Segunda Guerra Mundial, en la que un niño huye intentado escapar de los bombardeos y se embarca en una inesperada aventura.
TIEMPO COMPARTIDO
Dir. Olivier Assayas
Rep. Vincent Macaigne, Micha Lescot Largo / 22 noviembre
Película sobre cómo el arte y la pasión pueden salvarte la vida, vía un director de cine y un periodista musical. Nos toca de cerca, qué te vamos a contar.
HYSTERIA!
Cr. Matthew Scott Kane
Rep. Julie Bowen, Anna Camp Serie / 28 noviembre
Hair metal, heavy, speed drive rock, mucha laca y tachuelas para esta comedia de terror en la que los solos de guitarra invocan las satánicas llamas del infierno. Desfase camp.
BLUR: TO THE END
Dir. Toby L. Documental, Música Largo / 29 noviembre
Diario de la última gran reunión de Blur, ofreciendo algunos de los shows más especiales de su carrera -incluida una Riviera en Madrid- y un disco a la altura de su leyenda.
DESMONTANDO A LUCÍA
Dir. Alberto Utrera
Rep. Hugo Silva, Susana Abaitua Largo / 29 noviembre
Jugando a la nebulosa mental de thrillers psicológicos tipo Alan Wake o Silent Hill, nada es lo que parece en esta nueva cinta con tintes de terror de Alberto Utrera.
ESPERANDO LA NOCHE
Dir. Gil Kenan
Rep. Paul Rudd, Carrie Coon Largo / 29 noviembre
Cinta multipremiada que convierte el deseo adolescente en una seductora perversión vampírica, y que, en fin, termina revelando “sencillamente” una historia de amor.
LOS RESTOS DEL PASAR
Dir. Luis Soto Muñoz, Alfredo Picazo
Documental
Largo / 29 noviembre
La vieja dualidad del alumno y el maestro, el abuelo y el nieto opera como fondo de esta historia sobre crecer en un pueblo de Córdoba, sobre entender el fervor y la muerte.
REAS
Dir. Lola Arias
Documental
Largo / 29 noviembre
Es un documental, pero en él las ex convictas, todo mujeres y personas trans detenidas en cárceles de Argentina, repasan sus durísimas historias a través de un musical.
DEADPOOL Y LOBEZNO
Dir. Shawn Levy / Rep. Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corri
EE UU / 2024 / 20th Century Studios / 4 noviembre
“Los viejos rockeros nunca mueren” podría ser la máxima de una película que hasta se permite resucitar al bueno de Lobezno por obra y gracia del multiverso. La gamberrada se ha convertido en soplo de aire fresco para un Marvel (ese sí) moribundo de un tiempo a esta parte, convirtiéndose en la segunda cinta más taquillera del año. Ediciones en todos los formatos y dos steelbook para UHD.
A BITTERSWEET LIFE
Dir. Jee-woon Kimn
Rep. Jeong-min Hwang, Yu-mi Jeong CoS/ 2005 / A Contr. / 5 nov
Pasan los años y el cine coreano dista ya de ser la última sensación del circuito indie: toca revisión. Tres horas de extras para uno de los primeros thrillers de culto made in Korea.
LA TRAMPA
Dir. M. Night Shyamalan Rep. Josh Hartnett, Hayley Mills EE UU / 2024 / Warner / 5 nov
El (habitualmente) tramposo M. Night Shyamalan nos introduce en un macroconcierto destinado a convertirse en una encerrona para el público asistente.
MEMORY
Dir. Michel Franco
Rep. Jessica Chastain, Peter Sarsgaard México / 2023 / A Contr. / 5 nov
Peter Sarsgaard se llevó en Venecia la Copa Volpi como mejor actor por este dramón en toda regla protagonizado por dos personas bien hasta arriba de traumitas.
EL CHICO Y LA GARZA
BIKERIDERS. LA LEY DEL ASFALTO
Dir. Jeff Nichols
Rep. Austin Butler, Jodie Comer EE UU / 2024 / Universal / 20 nov
Easy Rider, Salvaje, La ley de la calle o Quadrophenia. Las motos y los moteros, su nexo con el rock y la contracultura, y sus peculiaridades como tribu urbana han dado grandes películas. Aquí está otra que sumar a la lista. Dirigida por uno de los mejores cineastas norteamericanos recientes (Mud, Take Shelter, Loving...) sigue la historia de una siniestra banda de moteros, Los Vándalos.
Dir. Hayao Miyazaki Japón / 2023 Vértigo / 20 nov
Lo último de Studio Ghibli. La edición incluye entrevistas con el compositor Joe Hishaishi, el productor Toshio Suzuki y el supervisor de animación Takeshi Honda.
EL MAGO DE OZ - EDICIÓN COLECCIONISTA
Dir. Victor Fleming
Rep. Judy Garland, Frank Morgan
EE UU / 1939 / Warner / 20 nov
El estreno de Wicked es la mejor excusa para esta reedición en UHD que llega con 12 tarjetas exclusivas, una reproducción del programa de mano y la entrada, y un Blu-ray de extras.
KILL BOY
Dir. Moritz Mohr
Rep. Bill Skarsgård, Yayan Ruhian Alemania / 2023 / DeAPlaneta /20 nov
Ensalada de galletas en forma de artes marciales para una película que no es más (tampoco menos) que lo que promete. Incluye dos adicionales sobre los entrenamientos previos.
LA CASA DEL DRAGÓN 2ªT.
Creador. Ryan Condal, George R.R. Martin
Rep. Emma D'Arcy, Paddy Considine
EE UU / 2024 / Warner / 20nov
Decepcionante segunda temporada para el spin-off de Juego de Tronos, que deja la sensación de estirar el chicle hasta el infinito. Eso sí, las ediciones UHD son impecables.
LONGLEGS
Dir. Osgood Perkins
Rep. Maika Monroe, Nicolas Cage
EE UU / 2024 / DeAPlaneta / 20 nov
El “hijo” de Norman Bates recluta a la prota de It Follows y a un Nicolas Cage aún más pasado de vueltas que de costumbre, para esta reinvención del thriller de serial killers.
EL CONCURSO DE PIANO
Dir. Dominique Deruddere
Rep. Taeke Nicolaï, René Vanderjeugd Bélgica / 2023 / Divisa / 25 nov
Entre concierto y concierto, una joven pianista afronta un oscuro secreto. Por momentos thriller, por momentos más cerca del tono de una cinta de terror. Sin extras.
S.T.A.L.K.E.R 2
GSC Game World
: PC, Xbox Series X/S / 20 noviembre
Secuela que ahonda sobre las crudas consecuencias del apocalipsis tras un conflicto armado sin precedentes. El reflejo de que la realidad supera a la ficción por todos los problemas que ha atravesado a causa de la guerra entre Ucrania y Rusia.
PLANET COASTER 2
Frontier Developements
: PC, PS5, Xbox Series X/S 6 noviembre
Un juego en el que debes crear y gestionar tu propio parque de atracciones: desde las actividades que se realizan en él hasta cómo de satisfechos salen tus clientes.
MARIO & LUIGI: CONEXIÓN FRATERNAL
Nintendo
: Nintendo Switch 7 noviembre
La mítica saga de RPGs de Nintendo vuelve por enésima vez al primer plano con una entrega que resulta moderna en ejecución, pero nostálgica en cuanto a sus pretensiones.
LEGO HORIZON ADVENTURES
Studio Gobo / Guerrilla Games
:PC, PS5, Nintendo Switch 14 noviembre
La versión LEGO de la franquicia Horizon reinterpreta su propuesta a través de una experiencia que resulta más desenfadada y está enfocada a todos los públicos
PATH OF EXILE 2
Grinding Gear Games : PC 15 noviembre
Path of Exile 2 es uno de los ARPGs más ambiciosos de todos los tiempos, y promete ser capaz de destronar a la saga Diablo por su profundidad jugable superior.
MICROSOFT FLIGHT SIMULATOR 2024
Asobo Studio : PC, Xbox Series X/S 19 noviembre
Aquí está la nueva entrega de la franquicia de simuladores de aviación más fiel que ha existido nunca en el mundo de los videojuegos. Aspirantes a pilotos ¡a entrenar!
STRAY BlueTwelve Studio : Nintendo Switch 19 noviembre
El videojuego de BlueTwelve es una encantadora aventura protagonizada por un gato cuya vida transcurre en un futuro cyberpunk en el que la humanidad ha desaparecido.
AT WORK
Annie Leibovitz / Phaidon / 268 p. / Foto libro
Nunca caduca. En esta edición recientemente revisada de su obra fundamental, la maestra Leibovitz se dirige a jóvenes fotógrafos y lectores interesados en lo que hacen precisamente los fotógrafos. Cualquiera atento a la historia contemporánea quedará fascinado por el relato de uno de los trabajos más ricos del canon fotográfico desde el primer revelado.
SUPERESTRELLA DE LAS CALLES: UN AÑO CON LAWRENCE
Will Hodgkinson
Contra
336 p. / Música, bio
Alcanzar la fama es fácil, lo difícil es merecerla. Lawrence, estrella sin brillo detras de iconos indie-pop como Felt, Go-Kart Mozart o Denim, la merece.
EN PRIMERA PERSONA
Taylor Swift
Libros del Kultrum
256 p. / Música
¿Quieres descubrir cómo piensa, qué ha opinado a lo largo de su vida la artista pop más aplaudida del momento? Tienes aquí un compendio top de sus declaraciones.
VIDA DE UN POLLO BLANQUECINO DE PIEL FINA
Andrés Pérez Perruca
Jekyll & Jill
864 p. / Bio, música
Esto no es solamente una “pequeña”
biopsia de El Niño Gusano y su cancionero. Perruca muestra cómo era ser músico, joven, libre, ingenioso, en los noventa. Su propio rabbit hole.
¿VIVIR SIN?
Frédéric Lordon
Verso libre
218 p. / Ensayo
El diálogo como una de las bellas formas de enseñar y de compartir ideas, las del filósofo francés: hay solución, pero se requiere más afecto y menos capitalismo.
HOJAS DE ACANTO Y ROSAS
Luis Bravo
Cántico
76 p. / Poesía
Hay en estos versos premiados una escritura ajena a lo tendencioso, apoyada en alto romanticismo, en nuevas formas de entender la belleza de siempre: la poesía.
COSAS QUE NO SON GATOS
Lafat Bordieu
AP
323 p. / Libro objeto
En tapa dura e impresión offset a tinta roja sobre papel ahuesado, intervenido por dentro, es independiente sin ser gato. Un objeto de coleccionismo pop deseado.
ROPA TENDIDA
Óscar García Sierra
Anagrama
280 p. / Novela
Ya nos cautivó su debut, frío, triste y gris. Sin salir de ese hábitat, el nuevo realismo periférico de Óscar García
Sierra traspasa y universaliza la amargura desde su rincón leonés.
BAR GLORIA
Nerea Ibarzabal
Consonni
160 p. / Novela
Tres jóvenes comparten la vida perra en su bar-prisión de confianza, mojando penas en patxarán, alejados de lo moderno. Glocalización traducida del euskera. Debut brillante.
ROPASUELTA
Santos Martínez
Hoja de lata
368 p. / Novela
Otra novela debut: pop rural murciano. Tras irse para no volver, un joven regresa a la casa-tienda del pueblo con su familia. Su padre lo espera con ganas y una bici. Ahora sigues tú.
FUEGO EN LA GARGANTA
Beatriz Serrano Planeta
408 p. / Novela
ATRACÓN
Douglas Coupland
Alianza
272 p. / Novela
El autor de Generación X vuelve igual de detallista y pop, tras una década centrado en su arte audiovisual. Su examen del pantagruélico presente es brutal, burlesco, a imitar.
LO QUE NOS GUSTABA
Teru Miyamoto
Hermida Editores
258 p. / Novela
Llega a España una de las novelas más exitosas de Japón, con versión cinematográfica incluida. Cuatro amigos compartiendo piso, amor, ansiedad y pánico en la inmensidad de Tokio.
LA JOVEN ARTISTA
Valérie Mrejen
Periférica
312 p. / Novela biográfica
Aspirantes a artistas de plástica: esta parisina os puede servir de espejo donde entusiasmaros, embajonaros, aprender. Mrejen será vuestra mejor mentora. Genial.
Esta trae faja de finalista 2024 del prestigioso Premio Planeta, y aborda a tu generación mirando atrás, cuando la prota, aún niña, hacía milagros en Valencia. EN UNA HABITACIÓN AJENA
Damon Galgut
Libros del asteroide
216 p. / Viajes
Para nuestra satisfacción, joven viajero recorre Grecia, África Oriental y la India. En sus sucesivos encuentros, hace buenas migas con el azar. Para trotamundos e improvisadores.
Moebius / Reservoir Books / 480 p. / Color / 69,40 €
Casi quinientas páginas para dejarse asombrar por la ciencia ficción loquísima y la fantasía más surrealista con una recopilación de todas las historias de Jean Moebius Giraud en la revista Metal Hurlant. Las aventuras en El Garaje Hermético o Mayor fatal, pero también pequeñas historias negras divertidísimas por parte de un visionario con una de las obras más influyentes del siglo XX.
LA BICICLETA ROJA
Kim Dong-Hwa
Planeta Cómic
360 p. / Color / 35 €
En Planeta vuelven a traer otra obra descatalogada del maestro del costumbrismo coreano Kim Dong-Hwa. Más cercano al cine de Koreeda que al drama romántico de moda.
BOLA OCHO INTEGRAL
Daniel Clowes
Fulgencio Pimentel
536 p. / Color / 59 €
Ghost World, Como un guante de seda forjado en hierro o Pussey vieron la luz en los 18 primeros números de la revista Bola ocho. Fulgencio recopila en un integral todos estos números.
CIUDAD PARÁSITO
Shintaro Kago
Moztros
196 p. / ByN / 22 €
Kago es capaz de revolvernos el estómago mientras nos hace reflexionar sobre los problemas del capitalismo. Ciudades vivas… La nueva carne es arquitectónica.
CORTO MALTÉS. LA LÍNEA DE LA VIDA
Juan Díaz Canales, Rubén Pellejero
Norma Editorial
96 p. / Color /23 €
Cinco álbumes llevan Díaz y Pellejero narrando las nuevas aventuras del eterno marino Corto Maltés y queremos muchos más. Su nueva aventura es en México en plena revolución.
EL DRAGÓN Y EL CAMALEÓN
Ryo Ishiyama
Norma Editorial
189 p. / ByN / 10 €
Mangas sobre cómic y mangas fantásticos sobre intercambio de cuerpos. Haces plas y ya los tienes juntos. Un mangaka en desgracia intercambia su cuerpo con el mangaka de éxito.
GABRIELE MÜNTER. LAS TIERRAS AZULES
Mayte Alvarado
Astiberri
96 p. / Color / 19 €
Alvarado se alía con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza para hablarnos sobre la gran pintora del expresionismo alemán. Dos maestras en el uso del color juntas.
MAÑANA SERÁ OTRO DÍA
Keum Suk Gendry-Kim
Reservoir Books
232 p. / ByN / 22,90 €
Keum Suk Gendry-Kim se ha convertido en la autora coreana más conocida por el gran público y vuelve con un manhwa sobre maternidad y el anhelo por tener una familia.
MUTTS. COMO EL PERRO Y EL GATO
Patrick McDonnell
Dolmen Editorial
112 p. / ByN / 14,90 €
Nos hacen falta más tiras cómicas en nuestra vida, como las del perrete Foster y el gatete Morris, dos antagonistas cuyas travesuras te robarán el corazón… Pero yo soy más de gatetes.
THE NICE HOUSE BY THE SEA
J. Tynion IV, A.M. Bueno, J. Bellaire ECC Cómics
48 p. / Color / 5 €
Tynion y Martínez nos dejaron el culo torcidísimo con el final de The Nice House on the Lake y prometen explicarlo todo en su segunda parte. Necesitamos que Netflix adapte esto.
EL PARÍS DE LOS DRAGONES
Joann Sfar, Tony Sandoval Nuevo Nueve
104 p. / Color / 22 €
El surrealismo fantástico de Sfar encuentra a su mejor aliado en el arte pictórico de Sandoval con una historia de dragones invadiendo el París de la Belle Époque. Magia.
REPÚBLICA
Claudio Stassi Astiberri
184 p. / Color / 25 €
Tras tres adaptaciones literarias, Stassi da el salto como autor total -y de gran imaginación- con una historia inventada en la dura posguerra andaluza de los maquis.
¡UNIVERSO! 2
Albert Monteys
Astiberri
152 p. / Color / 19 €
Vuelve el sci-fi más personal y negro de Monteys tras ganar en el Cómic Barcelona de 2019. Se ha hecho larga la espera, pero ha merecido muchísimo la pena.
MEJOR LAS
LETRAS
Lorenzo Montatore ECC Cómics
136 p. / Bitono/ 25 €
Un cómic que nos cuenta la vida del cuarteto liderado por David Byrne en el Nueva York del CBGB y los convulsos años del punk y los primeros ochentas. Para fans de la música y Talking Heads.
Varias salas (SEVILLA)
Del jueves 21 al sábado 23
YERAI CORTÉS / TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO / MERIDIAN BROTHERS / PONY BRAVO / ÁNGELES TOLEDANO / QUERALT LAHOZ / BAIUCA / PARQUESVR / DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA / 107 FAUNOS / AIRU / ALCALÁ NORTE / ANKLI / ANNA COLOM / APRIL MARMARA / ATENCION TSUNAMI / BARBI RECANATI / BARRY B / BELEN NATALÍ / BESTIA BEBÉ / BRAMA / CALEQUI Y LAS PANTERAS / CASPARY / CIUTAT / CURRO / DALILA / DONNA BLUE / DYATLOV / EDU REQUEJO / EIGEN RISICO / EL DIABLO DE SHANGHAI / ESPINELI / EZEZEZ / FAJARDO / FULANA DE VAL / GANGES / GAZELLA / GAZZI / GORKA URBIZU / GROS COEUR / GUEDRA GUEDRA / HASSAN K vs EDI POU / HETTA / JORDI GANCHITOS / JÚLIA COLOM / JULIA DE ARCO / KELIA / KORA / LOS BENGALA / LOS WILDS / LUCIA TACCHETTI / LUCY / LVL1 / MARCELO PANTANI / MARÍA YFEU / MATEO / MEDIAPUNTA / METRIKA / MON DVY / NAKED FAMILY / NIÑOS BRAVOS / NUSAR3000 / ORINA / PALMERAS NEGRAS / PINPILINPUSSIES / QUEIDEM / RA LA CULEBRA / RALXX.ME X LOSOHO / SAN TOSIELO / SEBASTIAN CRUZ / SECOSECOSECO / SEVERINE BEATA & JAVI ÁLVAREZ / SHANGHAI BABY / SO BEAST / SPACE SURIMI / SPRGRS / SUPERRESERVAO / TEO LUCADAMO / THE FAMILY MEN / TIRAYA / XENIA / YARD / YELI YELI / YO SOMOS
Un clásico: la edición otoñal del festival que te presenta a todos los grandes nombres de la próxima temporada en la música nacional. Varios ya han sido portada de NUEBO...
SALA WURLITZER NOVIEMBRE 2024
NOISY REQUIEM + TRONKAS! + FIEBRE DE LAS MONTAÑAS ROCOSAS viernes 1
VIGILANT + SERPE sábado 2
USELESS EATERS + FEDERALE domingo 3
ANDRES RUIZ martes 05
MULTIPLA + JODER JUAN jueves 7
LOTHARIO+ MALDITA + DEAR JOANNE viernes 8
MIRA
MORDIERON LA PERRO + HOLLOW EMPTY MINDS sábado 9
THE COVIDS martes 12
SLUNG + LAVERGE + CALATRAVA jueves 14
TOTAL RESISTANCE + DUNKENWALD + ESPIRITU ESCALERA viernes 15
Fira Montjuïc. Barcelona. Viernes 8 y sábado 9
A.G. Cook, Bicep, Damoridemort, Isabella & Velv. 93, Kim Gordon, Lorenzo Senni, Oceanic & Tharim Cornelisse, Oscar Zabaka, People You Mey know, Rick Farin +Actual Objects, Robin Fox, rrucculla, µ-Ziq + ID:MORA.
VIBRA FEST
WiZink Center. Madrid. Sábado 9
Carlos Sadness, Cupido, La la Love You, La Paloma, Lucy, Rocío Saiz, Shego, Shinova.
KADEC SANTA ANNA
La Fábrica de Chocolate. Vigo. Viernes 1 Potemkin. Salamanca. Viernes 15
Porta Caeli. Valladolid. Sábado 16 Sala del Ciutat. Valencia. Viernes 29
POLE
WiZink Center. Madrid. Viernes 1
SHINOVA
Malatesta. Santiago. Viernes 1 H. Ponferrada. Sábado 2
La Riviera. Madrid. Viernes 22, sábado 23 y domingo 24
BLACK PUMAS
Sant Jordi Club. Barcelona. Sábado 2
FONTAINES D.C.
WiZink Center. Madrid. Sábado 2
STIVIJOES + NINA EMOCIONAL
El Sol. Madrid. Sábado 2 y domingo 3
WALLS
MINIÑO + SUPERCREMALLERAS viernes 22
MEDALLA + FUET! sábado 23
DEAD TOOTH + ANALISIS miércoles 27
COLERICO BUDA jueves 28
RAMPER + JAI/EGUN sábado 16
RA LA CULEBRA domingo 17
THE HAWKINS miércoles 20
STRAIGHT ARROWS jueves 21
Capitol. Santiago de Compostela Sábado 2
JACOB COLLIER
WiZink Center. Madrid. Domingo 3
Sant Jordi Club. Barcelona. Lunes 4
PALAYE ROYALE
But. Madrid. Domingo 3 Apolo. Barcelona. Lunes 4
DEI V
La Riviera. Madrid. Lunes 4
BESMAYA
El Pantalán. A Coruña. Viernes 8 Karma. Pontevedra. Sábado 9 Directo. Cuenca. Jueves 14 Palau Alameda. Valencia. Viernes 15 Magama Club. Alicante. Sábado 16
La Riviera. Madrid. Jueves 28
CARLANGAS Y LOS CUBATAS
Rem. Murcia. Viernes 8
But. Madrid. Jueves 21
Dabadaba. San Sebastián. Viernes 22 Tribeca. Oviedo. Sábado 23
CHELSA WOLFE + MARY JANE DUNPHE
Razzmatazz 2. Barcelona. Viernes 8
La Sala. Madrid. Sábado 9
DIEGO 900
La Riviera. Madrid. Domingo 10
VERA GRV + PATRICIA LINT
El Sol. Madrid. Domingo 10
TRENTEMØLLER
Apolo. Barcelona. Lunes 11
La Riviera. Madrid. Martes 12
DPR
Razzmatazz. Barcelona. Martes 12
BACK TO THE HILLS + STAR TRIP viernes 29
BONAERENSE (FOTO) + ICE HAVEN sábado 30
13:00 SHANELESS one year without MacGowan con THE TREBOLMAKERS domingo 1 diciembre
LA ÉLITE
Moon. Valencia. Viernes 15
La Riviera. Madrid. Jueves 21
Sanatana 27. Bilbao. Sánbado 30
NUEVE DESCONOCIDOS
El Sol. Madrid. Viernes 15
PARQUESVR
But. Madrid. Viernes 15
CONOCIENDO A RUSIA
La Riviera. Madrid. Domingo 17
Paral·lel 62. Barcelona. Martes 19
Moon. Valencia. Jueves 21
La Trinchera. Málaga. Domingo 24
BENY JR.
La Riviera. Madrid. Martes 19 y miércoles 20
CIGARETTES AFTER SEX WiZink Center. Madrid. Miércoles 20
FUNZO & BABY LOUD WiZink Center. Madrid. Domingo 24
ELYANNA Paral·lel 62. Barcelona. Jueves 28
JOHNNY GARSO
La Sala. Madrid. Sábado 30
FESTIVAL 42
Fabra i Coats (BARCELONA)
Del 6 al 10 de noviembre
Vuelve el Festival 42, que llenará la ciudad de grandes referentes nacionales e internacionales de la ciencia ficción, la fantasía, el terror y todo el resto de géneros fantásticos, incluida, y de forma destacada, su vertiente juvenil. Esta cuarta
LA TORRE INVERTIDA. EL TAROT COMO FORMA Y SÍMBOLO
La Casa Encendida / MADRID / Hasta el 5 de enero
Colorida y sugerente. Con obras de Frédéric Bruly Bouabré, Johanna Dumet, Dorothy Iannone, King Khan y Michael Eaton, Raúl de Nieves, Plastique Fantastique, Betye Saar, Niki de Saint Phalle, Suzanne Treister, Aldo Urbano, Agnès Varda y Andy Warhol. El estudio del tarot tiene múltiples puntos de vista. Por ello la exposición propone un recorrido sin orden narrativo lineal, compuesto por los artistas mencionados, que han usado el tarot, su significado y posibilidades en sus obras.
edición de 42 contará con autores nacionales e internacionales de la talla de Victoria Álvarez, P. Djèlí Clark, Ava Reid o Albert Sánchez Piñol. La temática de este año está dedicada a los dragones, figuras icónicas en la mitología, la literatura juvenil, la ciencia ficción y los videojuegos. Haciéndolos coincidir con el Año del Dragón chino, los dragones estarán presentes como una metáfora y una categoría estética, vinculados tanto a los mitos tradicionales como a preocupaciones contemporáneas, como lo tecnológico, climático y social. En NUEBO no perderemos la oportunidad de escuchar a la volcánica escritora Mónica Ojeda, o a Djèlí Clark conversando sobre monstruos, magia, steampunk y denuncia racial. Asistiremos a mesas redondas y a conocer cómo son los grandes dragones de la historia a través de la exposición Hic sunt dracones (Aquí hay dragones), que cuenta con las recreaciones creadas por los artistas Kaffa, Elsa Velasco y Sara Cuervo y permitirá conocer las huellas biológica, mitológica y antropológica de los dragones. https://www.barcelona.cat/festival42
FLIPAS 2024
Varios espacios (MADRID)
Del 5 al 30 de noviembre
La Alianza francesa de Madrid, el Goethe-Institut Madrid y Mateo Feijóo presentan la séptima edición
del Laboratorio de Culturas Urbanas que vuelve a unir artistas internacionales y locales en encuentros y talleres. Las actividades de noviembre se apoyan en distintas disciplinas del arte urbano y en ocho artistas europeos invitados que comparten su estilo, su conocimiento, con los jóvenes interesados en las prácticas vinculadas al hip hop. Del 5 al 21 de noviembre, la francesa Sara Cornu impartirá talleres para un grupo de mujeres de la Casa San Cristóbal, para trabajar con fotografías y pintura. Del 4 al 10 de noviembre, la portuguesa Patricia Portela hará lo mismo en el ámbito de la escritura y escenografía, talleres con jóvenes en colaboración con la asociación Dragones de Lavapiés y Réplika Teatro, y con el apoyo de la Embajada de Portugal en España. El trap y el rap llegará por voz de un dúo instalado en Berlín, Spoke & Sorah. Del 12 al 17 de noviembre llevarán a cabo sesiones participativas con jóvenes, en colaboración con la asociación Dragones de Lavapiés, IES San Cristóbal, Asociación Garaje y Réplika Teatro. Y remata la batería de talleres la periodista y traductora checa, Markéta Pilátová con sus conocimientos de escritura. FLIPAS entiende el hip hop como un fenómeno cultural y como herramienta para contar y transformar la realidad social. Este proyecto persigue el intercambio de saberes entre los distintos lenguajes urbanos de diversos países. https://flipas-lab.com
SPLASH SAGUNT
Casal Jove, Port de Sagunt (VALENCIA) 22, 23 y 24 de noviembre El festival de cómic de la Comunidad Valenciana prepara tres días completos de actividades para amantes de las viñetas. El elenco de invitados anunciado es sustancioso, y en NUEBO os apuntamos un pequeño grupo de autorxs que más nos gustan: Nadia Hafid (autora del cartel de esta XIª Edición del Splash), Marcelo Quintanilha, Flavita Banana, Jaime Martín, Carla Berrocal, el gran Joe Sacco... Estos y otros nombres figuran en el planillo de firmas de los stands del recinto. Además, los talleres de diseño de carteles, lettering, viñetas, stop motion son ya espacios muy solicitados en Splash, que también organiza exposiciones con las que conocer formas de trabajar el cómic. Este año contará con una exposición de ilustraciones y planchas de la artista Nadia Hafid, y otra dedicada a la obra de Raquel Gu, reconocida ilustradora y humorista gráfica, con planchas, portadas, ilustraciones y carteles. El día 22 se proyectará una película documental dedicada a la obra del pintor valenciano Josep Segrelles https://www.3punts.com
LA TERCERA Sala Mirador (MADRID) 8 y 9 de noviembre El estreno de La Tercera es la culminación de un proyecto de la granadina Teresa Garzón Barla creado gracias a una residencia de investigación en el Centro Coreográfico Canal de la Comunidad de Madrid. Tras la presentación del proyecto en la sección de Emergentes de la décima edición del Festival Surge Madrid, fue seleccionada para su exhibición en el Festival de Otoño. La obra representa la veta performer y de bailarina de Garzón Barla, una joven de Granada de 1996 formada en danza e interpretación. Teresa Garzón ha emergido como uno de los jóvenes valores coreográficos de la escena española. https://lamirador.com
DOMA
Teatro Pradillo (MADRID)
Días 21 y 22 de noviembre De raíces onubenses y marroquíes, con formación internacional en danzas urbanas y contemporáneas, la coreógrafa e intérprete Andrea El Ameri ha ido perfilando DOMA, su irrupción en la escena española, desde 2021. Desnuda en un escenario igualmente desnudo, El Ameri baila una danza extraña, grotesca, ayudada por objetos simbólicos como un cubo de basura, una escoba, un cogedor, bolsas, tacones y manzanas. En sus propias palabras, “partiendo desde lo autobiográfico, a través de habitar la relación entre lo grotesco y lo sexualizado, cuestiono y reto los poderes ejercidos sobre mi cuerpo”. La extrañeza de esa danza la causan su mezcla con la performance y sus influencias primeras, las de las danzas urbanas, “un primer amor divertido, crudo y pasional” que nunca olvida. En concreto, aplica las técnicas del popping, un baile urbano nacido en California en los años setenta y que utiliza el movimiento de contracción de los músculos y de los brazos para crear figuras anómalas. Y a ello suma la pintura de la artista surrealista española Remedios Varo, cuyas figuras humanas lindan con lo grotesco. No te pierdas este acto de rebeldía y resistencia social ante el papel estereotipado de la mujer occidental. Estreno absoluto. https://www.teatropradillo.com
FESTIVAL TEATRE JOVE
Varios espacios (BARCELONA)
Del 8 al 23 de noviembre Barcelona, Canovelles, Cardedeu, Granollers, Manresa, Mataró, Sabadell y Viladecans acogen la octava edición del festival de teatro joven, RBLS 2024, que mantiene íntegros sus valores: joven, feminista, LGTBI+ y antirracista, que cree en el poder
transformador y de denuncia de las artes escénicas. Entre las obras que se pueden disfrutar durante esta edición, destacamos la del día 8 en el teatro Can Palots (Canovelles), Hermafrodites a cavall o la rebel·lió del desig: teatro documental, autoficción y freakshow para hablar de intersexualidades en primera persona. En Barcelona (La Villarroel), el día 11 se presenta Boja, una comedia y un monólogo, una performance y un acto de libertad. Compuesto por danza, rap y proyecciones para hablar de psiquiatras y de trastornos mentales, sin tabúes ni dramas, sin filtros y, sobre todo, con mucho humor. Mariona os explicará una historia. Su historia. En el Atrium de Viladecans, el día 15, Playoff reflexiona sobre el papel de la mujer y el deporte femenino en una sociedad que todavía manifiesta un machismo feroz en muchos ámbitos. En el vestuario aflorarán las envidias, los sueños, las dudas y los miedos de unas chicas que sólo quieren vivir de su pasión. El día 23, en Sabadell (L'Estruch), llega el turno para You Don’t Look Arab, un collage que combina artes visuales, música en vivo, cuerpo y monólogos, basado en las experiencias personales de Anthony Kmeid como migrante árabe queer en Europa. También nos fijamos en la representación del día 22 en CC Gatassa, Mataró, titulada Upper Vol. 1: una clase de aeróbic con un DJ que se va convirtiendo en una fiesta. Una gran fiesta donde el culto al cuerpo y estar en forma dejan de tener importancia, y lo más importante es dar total libertad a nuestro movimiento. https://www.rbls.cat
CEIBE
Auditorio Municipal (VIGO)
Día 23 de noviembre
¿Te gusta Baiuca? Si la respuesta es afirmativa, incluye este espectáculo en tu imaginario gallego de modernidad. La Compañía de Danza Fran Sieira presenta Ceibe, una pieza coreográfica de 55 minutos, con un elenco de 8 bailarines y bailarinas, dirección
artística de Fran Sieira y Sergio R. Suárez, todo muy bien arraigado en la tradición gallega filtrada por la contemporaneidad y las nuevas formas de moverse, de bailar. En palabras de Sergio, “el género y sus rígidos códigos operan sobre las diferentes esferas de interacción del ser humano, creando formas de ser y estar muy estrictas, que atienden a cánones prácticamente imposibles de alcanzar que, sin embargo, se conciben como normales en sociedad. El movimiento no queda exento de esta influencia, y el baile tradicional, por tanto, tampoco. Como bailadores, queremos realizar una investigación a través del cuerpo que nos permita explorar la relación entre el género y nuestra tradición, para localizar cuánto de nuestro movimiento perpetúa ese sesgo de género, e intentar desligarlo de la práctica, de nuestro baile, de nuestra cultura”. Imprescindible.
https://hoxe.vigo.org
ANTIGUAS ESTRELLAS HELADAS CC Antiguo Instituto (GIJÓN)
Hasta el 10 de noviembre
La sala 1 del Centro de Cultura Antiguo Instituto acoge "Antiguas estrellas heladas", el proyecto artístico del fotógrafo y músico afincado en Asturias, Javier Bejarano (Madrid, 1980), en el que reflexiona sobre las ausencias, la memoria y el paso del tiempo. Las estrellas heladas que dan título a este proyecto hacen referencia a los astros que observamos en el cuerpo celeste, sin capacidad para distinguir cuáles están vivos y cuáles, congelados por el devenir del tiempo, ya han dejado de existir. Del mismo modo, en los retratos del artista nos queda la luz que sus miradas emitieron en un momento concreto. Paralelamente a su carrera fotográfica, desarrolla otra musical junto a la pianista Verónica R. Galán,
bajo el seudónimo de Galgo. Se trata de un proyecto instrumental de vocación abstracta, el que cohabitan de una manera natural, el ambient orgánico y las bandas sonoras. A su vez es integrante activo de la banda de Fee Reega y comparte el proyecto audiovisual Monochrome con Oscar Mulero. Ha sido codirector del Encuentro Audiovisual Trendelenburg de Gijón en sus tres primeras ediciones, comisario para Laboral Centro de arte y Creación Industrial, y coordinador del proyecto artístico Métete en Jardines. https://www.gijon.es
AMAZONIAS
CCCB (BARCELONA)
Del 13 de noviembre al 4 de mayo de 2025 Amazonias. El futuro ancestral nos adentra en la inmensa riqueza natural y cultural del territorio, las ciudades y las comunidades indígenas de la Amazonia para conocer el arte, el pensamiento y el impacto ecológico de una región central para al futuro del planeta. La exposición propone una mirada coral a la cultura amazónica y reivindica las voces autóctonas, que, desde el arte, el pensamiento, la ciencia o el activismo, plantean otras formas de vivir, crecer y relacionarnos con la naturaleza. Lejos de aportar una visión folclórica o fatalista de la vida en la Amazonia, defiende los conocimientos profundos que los pueblos amazónicos tienen de la naturaleza y de sus antepasados. Una oportunidad única para disfrutar de obra de nueva creación, que se ha encargado a destacados artistas y colectivos indígenas, como los impresionantes murales pintados in situ en Barcelona por el colectivo MAHKU (Huni Kuin, Brasil), Rember Yahuarcani (Uitoto, Perú), Elías Mamallacta (Kichwa, Ecuador) y Olinda Silvano y Cordelia Sánchez (Shipibo-konibo, Perú), las fotografías y los montajes audiovisuales de Andrés Cardona o la instalación de Santiago Yahuarcani y Nereyda López (Uitoto, Perú). https://www.cccb.org
La mallorquina Júlia Colom aprendió de su abuelo las tonades de la tradición folclórica balear y desde pequeña se enamoró del Canto de la Sibila, ese profundo y profético lamento gregoriano que se ha convertido desde la Edad Media en patrimonio inmaterial definitorio de Mallorca y Cerdeña. En torno a ello y al desarrollo de su voz, ha construido su carrera: estudió canto en Barcelona y poco a poco se ha ido reencontrando con sus orígenes según seguía investigando. El resultado de todo este proceso, toda una vida hasta que adquiere uno la madurez, fue el excepcional Miramar (2023), en el que junto a músicos de jazz y reintérpretes del concepto de canción de autor de Tramuntana redescubre su propia voz en conversación sutil y queda con el pop y la actualidad urbana, pero sin renunciar a contar con solemnidad los grandes cuentos, centenarios, de los pastores mallorquines.
La Trinidad
ARTISTAS
DEL GREMIO
sábado 23
GRUTA 77 / MADRID
CAPSULA
viernes 1
Upload / Barcelona
viernes 8
La Salvaje / Oviedo
COSMIC WACHO
viernes 15
Café La Palma / Madrid
sábado 16
Radio City / Valencia
EZEZEZ
jueves 14
La Salvaje / Oviedo
sábado 23
Holiday / Sevilla
ALCALÁ NORTE
sábado 9
Boxes Acultura / Algeciras
viernes 22
Holiday / Sevilla
sábado 30
Dabadaba / Donostia
ANNA COLOM
viernes 22
Holiday / Sevilla
FANEKA sábado 23
C Cult Benito Moliner / Huesca
viernes 29
La Salvaje / Oviedo
HAFA AFROSWEET
sábado 9
Milwaukee / Puerto De Santa María
sábado 16
Café Teatro Monkey Man / Guadalajara
sábado 30
Directo / Cuenca
JULIA COLOM
jueves 14
Cc Delicias / Zaragoza
sábado 23
Holiday / Sevilla
NOV 2024
Socunbohemio
KARMENTO
jueves 7
La Yesería / Murcia
LA TRINIDAD
viernes 1
Gran Café / León
LA TRINIDAD
sábado 2
La Salvaje / Oviedo
LEVITANTS
viernes 22
Off Cultura / Badajoz
NUEVE DESCONOCIDOS
sábado 23
La Salvaje /Oviedo
OFIUCA NUNCA
viernes 1
Maravillas / Madrid
viernes 22
Pumarejo / Hospitalet de Llobregat
SARA ZAMORA
viernes 22
Bótanico Café Teatro / Soria
sábado 23
Vesta / Madrid
SOCUNBOHEMIO
viernes 1
Kafe Zentral / Pamplona
miércoles 13
El Sol / Madrid
LOS 100 METROS LIBRES. VIDA Y MILAGROS DE LA ESCUELA DE CINE (1947-1976)
Sala de exposiciones Filmoteca Española / MADRID / Hasta el 27 de abril
Comisariada por Asier Aranzubia, homenaje al lugar en el que se formaron los grandes cineastas españoles de la segunda mitad del siglo XX. El archivo fílmico y documental de la escuela de cine es, junto al del No-Do, el acervo de titularidad pública más completo que custodia Filmoteca Española, encargada desde hace décadas de investigar, catalogar, conservar, digitalizar y difundir estos fondos con el objetivo de preservar y dar a conocer tanto las 1.750 producciones audiovisuales que han llegado hasta nuestros días, como la ingente y valiosísima documentación que generó la escuela.
BUSCANDO GUANÁBANA ANDO YO
CA2M (MÓSTOLES)
Hasta el 5 de enero
La artista Sol Calero (Caracas, Venezuela, 1982) presenta Buscando guanábana ando yo, cuyo título está inspirado en la canción popular de Rubén Blades Buscando guayaba ando yo. En este proyecto, la guanábana, fruta nativa de Centroamérica y el Caribe, se convierte en símbolo de la búsqueda de lo esencial: identidad, pertenencia o el sentido del hogar. La muestra explora conceptos asociados con el desplazamiento, que se materializan a través de enormes instalaciones que buscan recrear la experiencia del migrante. Este es el caso de la artista, nacida en Venezuela, donde vivió hasta los diecisiete años, momento en el que, junto a su familia, se estableció en Tenerife, para pasar después una temporada en Madrid y finalmente asentarse en Berlín, ciudad en la que reside en la actualidad. El paso por distintos países y su condición de inmigrante han sido determinantes para desarrollar un trabajo centrado en el carácter identitario relacionado con los símbolos de la cultura latinoamericana. https://ca2m.org
TAYLOR SWIFT. LA EXPOSICIÓN
Espacio Soho (MADRID)
A partir del 15 de noviembre
Hacemos referencia a la apertura de esta exposición a sabiendas de que nos arriesgamos a decepcionar a l@s numerosos swifties madrileñ@s: la expo ha ido sufriendo diferentes retrasos y la nueva fecha de apertura del 15 de noviembre es tentativa y se publica a expensas de que finalmente los objetos que componen la muestra terminen de cruzar el charco (el motivo por el que finalemente no se pudo proceder a la inauguración prevista el pasado 5 de octubre).
¿Y qué es lo que vamos a encontrar el día de la apertura en los 300 metros cuadrados del espacio Soho (Plaza España 6, 3ª planta). Los responsables de la expo, La Gran Belleza Producciones, hablan de un repaso por las 11 eras musicales que componen la trayectoria de Taylor Swift las cuales corresponden a cada uno de sus álbumes: Taylor Swift (2006); Fearless (2008); Speak Now (2010); Red (2012); 1989 (2014); Reputation (2017); Lover (2019); Folklore (2020); Evermore (2020); Midnights (2022); y The Tortured Poets Department (2024). Un recorrido inmersivo por la trayectoria de la artista de Pensilvania repasando sus mejores looks, instrumentos, discos y material coleccionable.
https://expotaylor.com
AI WEI WEI. DON QUIXOTE MUSAC (LEÓN) Del 9 de noviembre al 18 de mayo
He aquí una extensa muestra que reúne grandes instalaciones, una selección de obras realizadas con bloques de LEGO y películas creadas por el artista y activista de origen chino durante las dos últimas décadas, Ai Wei Wei. Con 1.700 metros cuadrados de exposición y 41 obras, muchas de ellas monumentales, Ai Weiwei. Don Quixote incluye trabajos realizados en los últimos veinte años de trayectoria de este creador imprescindible en el panorama artístico internacional, conocido por su capacidad de fusionar arte y activismo político. Es también la primera exposición que exhibe en profundidad su serie de cuadros realizados con bloques de LEGO. Respecto a ellos, el artista indica: “LEGO, al igual que los mosaicos antiguos, los diseños textiles y de alfombras, o la impresión con tipos móviles de madera de la dinastía Song (c. 1000 d.C.), encarna una sensación de atemporalidad”. https://musac.es
LOS MUNDOS DE ALICIA. SOÑAR EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS
CaixaForum (BARCELONA)
Hasta el 16 de febrero
Casi 160 años después de que Lewis Carroll escribiera Alicia en el país de las maravillas, esta historia y su protagonista se han convertido en parte del imaginario colectivo de múltiples generaciones. La exposición ofrece diferentes respuestas a por qué un personaje victoriano resulta tan significativo, la cultura que propició su escritura y cómo los temas que en ella se plantean continúan siendo relevantes. https://caixaforum.org
MARVEL: UNIVERSE OF SUPER HEROES
IFEMA, Pabellón 2 (MADRID)
A partir del 15 de noviembre
Aunque los superhéroes en general y Marvel en particular no pasan por su mejor momento -al menos en la gran pantalla- lo que no cabe duda es del tirón popular de un género y unas historias que aproximadamente un siglo después de comenzar a publicarse, han alcanzado ya la categoría de fenómeno cultural que atraviesa varias generaciones. Y de eso precisamente se vale esta exposición que, con la excusa del 85 aniversario del nacimiento de Marvel, se presenta como la más grande que haya tenido lugar en España sobre la Casa de las ideas (ya se sabe que cuando hablamos de superhéroes el tamaño SÍ importa).
La expo promete ser un repaso que abarca desde los cómics originales hasta las películas que los adaptan, con más de doscientas piezas originales, galerías inmersivas e interactivas, decorados temáticos, dibujos originales de Spider-Man firmados por Steve Ditko, trajes originales utilizados en Iron Man (2008), Bruja Escarlata y Visión (2021), o Ms.Marvel (2022), el escudo que el Capitán América utiliza en Avengers: Endgame (2019), el martillo de Thor en Thor: The Dark World (2013) y el walkman con el que Star-Lord pone musicota en Guardianes de la Galaxia (2018). Golosinas para sacar de nuevo al niño marvelita que todos llevamos dentro... https://www.superhero-exhibition.com
JULES VERNE 200
IDEAL. CENTRE D’ARTS DIGITALS (BARCELONA) Hasta el 7 de enero Jules Verne 200 es la producción de gran formato más ambiciosa de todas las creadas por IDEAL (Layers Of Reality): salas inmersivas, realidad virtual, metaverso y salas expositivas tradicionales. Se estrenó mundialmente en IDEAL, el pasado mes de septiembre, y cualquier persona aficionada a la literatura fantástica y el arte comprenderá que no todas las experiencias museísticas pueden calificarse del mismo modo una vez conozca este homenaje. Una película 3D que se proyecta en la conocida sala inmersiva de más de 1000 m² de pantalla, e incorpora una nueva cúpula (domo) que cambia completamente la percepción de los visitantes de un espacio cultural que ya es icónico en la ciudad de Barcelona. A través de la realidad virtual, se puede disfrutar de cierto metaverso verniano que supera todos los límites de la imaginación para hacer un recorrido por los espacios de las cinco novelas más populares de Verne: Viaje en el centro de la Tierra,
20.000 lenguas de viaje submarino, La vuelta al mundo en 80 días, Robur el conquistador y De la Tierra a la Luna https://www.ifema.es/estampa
ALCINE 2024
Varias sedes (ALCALÁ DE HENARES)
Del 7 al 17 de noviembre Alcalá será un año más lugar donde encontrar piezas preciosas y diamantes en bruto en forma de película. Cortos de toda índole competirán por suculentos premios, entre ellos el más codiciado, el Primer Diamante, dotado -en ambos certámenes- con 5.000 euros y trofeo, así como su calificación para los Oscar tanto para el certamen nacional como europeo. Para abrir fuego, Cronenberg, Kubrick, Malick, Bresson, Godard o la patafísica de Fernando Arrabal se mezclarán con los temas de Los Punsetes en vivo, durante una proyección especial ideada por la propia banda para crear una experiencia multisensorial única. Y, ojo, hasta el día 6 sigue abierta en la web del festi la inscripción al ALCALÁ film jam, el maratón de cortos grabados en la ciudad, en 72 horas. Por segundo año, la sección más intensa y desenfadada de ALCINE53 repartirá tres premios de 300 € para cada ganador de las categorías Horizontal y Vertical y Premio del Público. Los cortos finalistas serán proyectados en el Teatro Salón Cervantes de Alcalá de Henares el 14 de noviembre y los ganadores se proyectarán en la Gala de Clausura de ALCINE53. https://alcine.org
ZINEBI
Varias sedes (BILBAO)
Del 8 al 15 de noviembre ZINEBI, Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, apoya a los autores emergentes. El concurso internacional de
SALA BERLANGA
Programación de noviembre 2024
Madrid
VII Festival de Cine por Mujeres 2024
1,2, 6 y 7 de noviembre Consultar horarios
Entradas: 3,50 euros
Pendientes de un hilo Proyección de ‘Baby Annette, à l’impossible ils sont tenus’ de Sandrine Veysset + coloquio martes 5 19h
Entradas: 3,50 euros
Coma ’24: XXVI Festival Internacional de Música Contemporánea de Madrid
Concierto de flautas y electrónica por Antonio J. Berdonés viernes 8 19h
Entrada libre hasta completar aforo
La Aljafarería. Un lugar de cine Proyección de seis cortos seleccionados por Vicky Calavia sábado 9
19:30h
Entrada libre hasta completar aforo
Ciclo de cine documental: Cultura española
cortometraje (documental, animación y ficción) y la competencia internacional ZIFF- ZINEBI First Film -dedicada a largometrajes de opera prima- son sus principales señas de identidad. Además, cada año proyecta algunos de los mejores largometrajes documentales del año en la sección Beautiful Docs. En la edición de 2024, la sección oficial reúne 60 películas: 9 largometrajes y 51 cortometrajes. Esta sección propone un conjunto heterogéneo de películas desde las que mover a la reflexión y emoción del público: ya sea con trabajos que nos apelan sobre la situación de la mujer en Irán -My Stolen Planet (Farahnaz Sharifi, 2024)- y el resto del mundo -Locas del ático (Tamara García Iglesias, 2024)-; sobre la memoria -Desenterrar un rosal (Bruno Ojeda, 2024), Errotatiba (Iratxe Fresneda, 2024) o Una sombra oscilante (Celeste Rojas Mugica, 2024)o la descolonización -Bienvenidos conquistadores interplanetarios y del espacio sideral (Andrés Jurado 2024) o Sweeter Is the Night (Fabienne Wagenaar 2024)-; el sufrimiento del pueblo palestino -Undr (Kamal Aljafari, 2024)-; la violencia que surge al abrigo del narcotráfico en México -Aferrado (Esteban Azuela, 2024)-; el cambio climático -Ashen Sun (Camille Monnier, 2024)- o la manera en que las nuevas tecnologías fuerzan a la sociedad a replantearse las maneras de relacionarse -Time Sensitive Characters (Coralie H. Gourdon, 2024), Data Flesh (Felipe Elgueta, 2024) o Where Are You, Samuel? (Samuele Leogrande, 2024). Consulta todas las películas y el resto de actividades en su web. https://zinebi.eus
L’ALTERNATIVA
Varias sedes (BARCELONA)
Del 14 al 24 de noviembre
Varias secciones, muchas y apetecibles propuestas. Diez largometrajes internacionales a competición con películas que juegan con la ficción, el ensayo, el híbrido y lo inesperado. Entre ellas, Una sombra oscilante, el trabajo de Celeste Rojas Mugica
Con la proyección de ‘Los poderes de Lolo’ de Miguel Alba Rico, Nino Fontán Allen, Itziar Bernaola Serrano y ‘Tiempo de silencio y destrucción’ de Joan López Lloret. Con la presencia de los directores de ‘Los poderes de Lolo’. miércoles 13 y jueves 14 19h y 21h Entradas: 3,50 euros
Nuevos territorios con Rubén Pozo
Con los conciertos de Mulder, Ryggan, Mar Casak y Rever22 viernes 15 ysábado 16 19.30h y 20h
Entradas: 6,50 euros
(Santiago de Chile, 1987), artista visual y cineasta chilenoargentina. En la sección estatal, siete largometrajes y diecisiete cortometrajes compiten por un reconocimiento alternativo y sus premios, entremezclando ficción, no ficción, ensayo, animación y experimental. El último trabajo de Adrián Orr (Madrid, 1981), después de su aclamado debut en largo con Niñato (2017), se presenta con el nombre de A nuestros amigos. En él, Sara, una chica de un barrio obrero de Madrid, adora pasar tiempo con sus amigos. Pero en el transcurso de un verano, nuevas amistades la introducen en otro mundo, el del teatro. En NUEBO estamos también deseando conocer el trabajo de Sandra Romero (Écija, 1993), Por donde pasa el silencio. Cuenta la historia de un joven, Antonio, que debe volver a Écija, en el interior de Andalucía, después de mucho tiempo. https://alternativa.cccb.org
DART
Varios espacios (BARCELONA)
Del 27 de noviembre al 31 de diciembre
Dart es el punto de encuentro entre el cine y el arte en España y América Latina. Es el primer festival de cine documental dedicado al arte contemporáneo cuyo principal objetivo es entrelazar la cultura y el conocimiento con el gran público, y lo hace a través de documentales sobre fotografía, comisariado de arte, pintura, performance, arquitectura, movimientos artísticos y, en general, sobre arte contemporáneo, prestando especial atención a los artistas, sus procesos de creación y las historias que hay detrás de sus trabajos. Al cierre de nuestro número de noviembre aún no se conocía la programación de esta edición, que en paralelo cuenta con una selección de documentales sobre Johannes Vermeer, Basquiat, David Hockney, Vivian Maier, Georgia O’Keeffe, Cecil Beaton, Luigi Ghirri, Robert Irwin y Tamara de Lempicka, entre otros, disponibles en la plataforma Caixaforum+ https://dart-festival.com
29º Festival LesGaiCineMad 2024
Del 19 al 22 18h y 20.30h
Entradas: 3,50 euros
Interautor Música 2024
Con los conciertos de Fulana de a Val y Bambikina sábado 23 20h
Entradas: 6,50 euros
Teatro en la Berlanga: Interautor Teatro 2024
Del 25 al 30 19.30 h
Entradas: 3,50 euros
Obras uruguayas: El disparo de Estela Golovchenko
• Retrato inconcluso de mujer de Fernando Schmidt
• Aquellos lugares donde de Alejandra Gregorio
Obras argentinas:
• Una zanja en el campo de Marcelo Pitrola
• Entre tus siestas de Brenda Howlin
• Atrás de estas nubes están las estrellas de Jimena Repetto
Varios espacios (MADRID)
Del 22 al 30 de noviembre
Márgenes es un festival internacional dedicado al cine independiente y de autor que apuesta por la convicción artística y la libertad creativa, con especial atención a las últimas tendencias en el panorama audiovisual contemporáneo. La compositora y artista sonora sueco-francesa Noémi Büchi (en la foto) será la encargada de dar el pistoletazo de salida de esta nueva edición de Márgenes, la 14ª, con el estreno en Madrid de LIVE A/V Does It Still Matter, una obra multimedia inmersiva que explora la intersección entre el sonido, lo visual y las emociones humanas en una era dominada por la tecnología y la virtualidad.
