NUEBO #31 marzo 2025

JUANJO BONA

TRAD BOY

TEO LUCADAMO / MERINA GRIS / SANTA SALUT / JENNIE / STEPHANIE

GIL / ANNA SARVIRA / MICKEY 17 / PAUL THIN / SPLIT

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JENNIE

LA MUJER DE LAS MIL CARAS

JUANJO BONA / TEO LUCADAMO / MERINA GRIS / SANTA SALUT / STEPHANIE GIL / ANNA SARVIRA / MICKEY 17 / PAUL THIN / SPLIT FICTION

WEEZER

SANTA SALUT

HIP HOP EN ESPAÑOL

JENNIE / JUANJO BONA / TEO LUCADAMO / MERINA GRIS / STEPHANIE GIL / ANNA SARVIRA / MICKEY 17 / PAUL THIN / SPLIT

WEEZER

TEO LUCADAMO

MUCHO SWAG

MERINA GRIS / SANTA SALUT / JENNIE / JUANJO BONA / STEPHANIE

GIL / ANNA SARVIRA / MICKEY 17 / PAUL THIN / SPLIT

WEEZER

MERINA GRIS

DE MÁSCARAS Y ENIGMAS

SANTA SALUT / JENNIE / JUANJO BONA / TEO LUCADAMO / STEPHANIE GIL / ANNA SARVIRA / MICKEY 17 / PAUL THIN / SPLIT

WEEZER

NSQK

ALCALÁ NORTE

NERVES

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CUERPO TOUR

DESPUÉS DE TODO

La entrega de los Oscar el 3 de marzo prácticamente pone punto final a la intensa temporada de premios con la que arranca cada nuevo año. Durante el mes de febrero y marzo se acumulan las ceremonias: Grammy, Goya, Brit, Feroz, los premios de la PAM, de la Academia de la Música... por no hablar de un centenar de galardones organizados por marcas, empresas privadas y cabeceras periodísticas encantadas de compadrear con anunciantes y celebrities de mayor o menor calado. Hay premios para todos.

Y es que, en cuanto acto social, este tipo de distinciones cuentan con dos grandes ventajas. La primera es que, como ocurre con los repartos de medallas en las competiciones deportivas de barrio, entregar un premio no cuesta (casi) nada.

Debe ser por eso que medio siglo más tarde todavía se recuerda como un hecho inaudito el momento en que Sartre renunció al Nobel: para uno que venía bien dotado de pasta...

Pero aún hay otro motivo por el que montar un evento de estas características resulta un chollo. Y es que no se recuerda un solo caso en que se hayan exigido responsabilidades cuando se ha errado el tiro. Ni tan siquiera en los Oscar, galardones mediáticos por excelencia, salió alguien allá por 1998 a disculparse públicamente por convertir una medianía como Shakespeare in Love en la mejor película del año por encima de Salvar al soldado Ryan, La delgada línea roja o La vida es bella; o años más tarde, en aquella otra edición en que la mediocre Crash se impuso a Brokeback Mountain. Es la ventaja de la toma de decisiones colegiadas, que nadie se hace responsable de ellas.

Será por eso que cada ceremonia de premios se ha convertido en un traje a la medida del gremio convocante. Los Goya, por ejemplo, han desarrollado una personalidad singular y contradictoria, que combina la exclusividad de quien monta un club VIP -la ceremonia de los Goya como alfombra roja y the place to be- con la asombrosa necesidad del colectivo de mostrar al mundo sus profundas convicciones políticas.

Por supuesto, también los periodistas culturales contamos con nuestros momentos de gloria, de intentar limar asperezas y reconciliarnos con aquellos creadores con los que mantenemos un frágil equilibrio durante el resto del año. De hecho, tal y como está de depauperada la profesión, no sería mala idea otorgarnos a nosotros mismo un galardón en la línea de aquel Empleado del Mes cuyo retrato colocaban en las sucursales de McDonalds antaño.

En realidad, todo este tema nos trae a la memoria el título de aquel libro de Guillermo Ortiz sobre los años de gloria del Club Estudiantes de Baloncesto: Ganar es de horteras. Pues un poco sí.

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FOTOGRAFÍA PORTADA

Blanca Buisán (Juanjo Bona), Adrián Cuerdo (Teo Lucadamo), Iker Gozategi (Merina Gris), Martininkk (Santa Salut), Oa Entertainment (Jennie) www.nuebo.es / @somosnuebo

IMPRESIÓN

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“IMAGINA QUE PILLAS EL BUGA PARA IR AL MCAUTO DE SAMIL POR LA TARDE, PERO HAY UN ATASCO DE MIL DEMONIOS. PIERDES UN POCO LA CABEZA

PORQUE HACE MUCHO CALOR Y SABES QUE NO VA A HABER SITIO PARA APARCAR EN LA PLAYA, Y HASTA ES POSIBLE QUE SE OLVIDEN DE LOS TOPPINGS

DE TU MCFLURRY Y TE ENTREN GANAS DE LLORAR. PERO ENTONCES ¡BAM! LA SUERTE ESTÁ DE TU LADO: CUANDO LLEGA EL PEDIDO VES A UNA FAMILIA

METIENDO SUS SILLAS PLEGABLES EN EL MALETAS, SE MARCHAN Y TE DEJAN LIBRE ESA PLAZA DE APARCAMIENTO CON VISTAS A LAS CÍES. ADEMÁS, POR

ERROR TE HAN PUESTO BIRRA GRANDE EN VEZ DE MEDIANA. Y ENTONCES TE DAS CUENTA DE QUE LA VIDA PUEDE SER LA HOSTIA”. ASÍ DESCRIBEN MUNDO PRESTIGIO SU UNIVERSO. SIN SELLOS DE POR MEDIO, LO LEVANTARÁN EN DIRECTO DURANTE EL 2025 DE LA MANO DE JÄGERMUSIC.

Mundo Prestigio son: Brais Rodríguez (Vigo, 1990), Julián López (Vigo, 1990), Brais Fiz Manuel García (Brión, 1993) y Fernando Areal (Ponteareas, 1994)

• La agrupación, tanto en directo como para componer y grabar, es siempre de batería, bajo, teclados y sampler. Nosotros grabamos en directo, tocando los cuatro a la vez, de manera que la experiencia de ver un concierto nuestro es igual que si estuvieras escuchando las tomas del disco por los altavoces del estudio. Venimos de tener bandas con mínimo tres integrantes y queríamos que esa forma de entender las canciones, desde la composición al directo, se impusiera frente a la figura onanista del productor de hip hop. El equipo que llevamos es el siguiente:

-Nord Electro + Korg Minilogue

-Sampler Roland 404 + Korg Kaosspad

-Batería: Bombo caja y platos + Roland

SPD-SX

-Bajo Fender Coronado II

LOS NUEBOS MUNDO PRESTIGIO

• En el primer año de la banda teníamos muy presentes discos como el Wildflower de The Avalanches, el Donuts de J Dilla o el IV de Badbadnotgood. Básicamente nos limitaba el reproductor de CDs del coche y no teníamos más remedio que llevar un Verbatim grabado de casa si queríamos escuchar algún disco diferente durante las largas horas de camino para tocar en Madrid o Euskadi con nuestro anterior proyecto. Recuerdo que La onda de Elia y Elisabeth era un imprescindible. A Good Night In the Ghetto de Kamaiyah acabó destrozando los altavoces del coche y, desde entonces, en lugar de bajos, solo se oye una pedorreta de 3 minutos. Teníamos también varios volúmenes de una cosa que llamábamos Recopilata risas y que incluía temas de Katy Perry, Bon Jovi, Shakira, Gigi D’Agostino, Blood- hound Gang, Eiffel 65, Gabry Ponte, Ella Baila Sola... Este, la verdad, igual era el que más poníamos.

• Ju y Brais insisten mucho en que a ellos no les gustan los conciertos. Dicen que son una chapa y prefieren escuchar música en casa y aprovechar cuando están sociali- zando para ir a un buen bar -o a un bar cualquiera-. En 2009 fueron a ver a Oasis a Madrid y el concierto en sí dicen que fue una pesadilla, pero recuerdan con mucho cariño el momento de ir a tomar unas birras mientras su grupo de amigos hacía cola, y llegar justo a tiempo para colarse delante del todo con la apertura de puer- tas. En cambio, Fiz a menudo menciona lo mucho que le marcó el concierto de Kakkmaddafakka en el Arenal Sound de 2012 que, en sus propias palabras, fue lo que le hizo agarrar las baquetas y ponerse a aporrear la batería. En mi caso (Fer), el primer concierto sigue siendo todavía una experiencia difícil de superar: El Canto del Loco en el IFEVI 2008.

FOTO: MILENA VIZOSO

Después de Refugios a cielo abierto (Autoeditado, 2022) y de mover el culo con Rodrigo Cuevas a golpe de fusión castellano-asturiana-electrónica en TUCUCU, en su segundo largo el quinteto burgalés ahonda aún más en la asimilación panorámica de los folclores de España, pero también en su afán festivo y en el disfrute de las músicas y ritmos pensados para bailar. La constancia (Altafonte, 2025), producido de nuevo por el violinista y maestro folclorista local Diego Galaz (Fetén Fetén), retoma los hilos de muchas tradiciones sonoras ibéricas y los conecta a través de un tamiz de técnicas contemporáneas, sin perder esa mística de hechizo ancestral, de rito a la luz de una luna atemporal. Melodías y arreglos medievales, ajechaos -ritmos salmantinos de baile con influencia de la música africana-, agudillos que conectan el folclore castellanoleonés con el euskera y el cántabro a través del recuerdo -y las colaboradoras- de Kepa Junkera, charros y jotas, guiños a Vetusta Morla o Xoel López... Una meseta de colores pardos que habla desde un espacio y un lugar absolutamente presentes, pero con el lenguaje ancestral de una herencia compartida.

FOTO:

CLAUDIO RIVERO

NUEVO ÁLBUM

BRYANT BARNES

Es curioso cómo, a pesar de estar sobreestimulados por el exceso de información, siempre encontramos un claro en medio de la jungla. Bryant Barnes ofrece ese respiro. Es un joven de Cypress (Texas), que consiguió despegar su carrera musical gracias a TikTok. Una ventana al mundo en la que empezó a publicar vídeos tocando el piano en diferentes aeropuertos. De crío estudió piano clásico, así que no le costó mucho alcanzar la viralidad con el talento que demostraba en esos vídeos. Le cayó un contrato con Mercury Records -el sello de Post Malone o James Bay- y publicó Vanity, un debut largo que le puso en el punto de mira de la nueva escena R&B. Su voz y su estilo pueden recordarnos a Daniel Caesar o a Giveon, a quien en alguna ocasión ha versionado, y le hemos escuchado colaborar con otros nuevos artistas de la escena hip hop y R&B, como el rapero BIGBABYGUCCI -en el tema Phony Girl- o el jovencísimo d4vd en el remix de I’d Rather Pretend, la canción más conocida de Barnes, su gran hit viral. Lo último que ha publicado ha sido el tema Why Can’t You, balada melancólica que es una nueva demostración de elegancia. El tema llega mientras se embarca como telonero de la gira de 070 Shake en su The Petrichor Tour por EE UU. Mientras le escucho escribiendo estas líneas, me reafirmo: Bryant Barnes es la nueva voz internacional del R&B.

DANI FERNÁNDEZ

ES, JUNTO A AMAIA, ARES, CAROLINA DURANTE, ALCALÁ NORTE, ZAHARA, RALPHIE CHOO O DELAPORTE UNA DE LAS ATRACCIONES DE SANSAN '25.

Monta tu banda ideal con los artistas del SanSan.

Amaia al piano, Carlos Ares a la voz, Zahara a la guitarra, el guitarrista de Cala Vento para una segunda guitarra, el bajista de Alcalá Norte y yo me reservo la batería, que siempre he querido tocarla.

¿Cuál es la anécdota más bizarra que has vivido en el backstage de un festival? Una vez un compañero me pidió cambiarse en mi camerino porque la organización se había olvidado de ponerle el suyo y no había forma de solucionarlo. Al final acabaron todos los de su equipo mezclados con los míos en un espacio de cuatro metros cuadrados, tomando cerveza y compartiendo anécdotas. Lo recuerdo como una gran noche.

¿Tienes algún recuerdo súper especial de algún festi?

El FIB 2024. Para mi era una prueba de fuego porque sé que su público es muy purista y me iban a mirar con lupa, sabiendo de dónde vengo y que hago música para todos los públicos.

Pensaba que no vendría nadie y cuando salí al escenario y vi a tantos miles de personas saltando, me quedé impactado. Nunca lo olvidaré.

Una canción que te encantaría versionar en directo y por qué. Qué complicado. Estos años he versionado ‘Supersubmarina’, ‘Emborracharme’, ‘Solo quiero bailar’, ‘Perdona (Ahora sí que sí)’... Así que diría ‘Hamburguesas’ de los Carolina Durante, que da muy buen rollo.

Los conciertos de más de dos horas... ¿sobrevalorados o infravalorados? Es un tema que debato internamente y con mi equipo habitualmente. El público tiene un tiempo de atención y también un aguante físico que tampoco es interesante sobrepasar porque se te puede volver en contra. Como músico siempre quieres más cuando estás encima del escenario, pero con el tiempo he aprendido que lo perfecto

es 1 hora y 45 minutos con los bises incluidos. Con tres discos en ese tiempo puedo centrarme en los temas más conocidos, meter alguna sorpresa e incluso ofrecer un set acústico un poco más íntimo. Este año estoy muy contento con este formato y creo que es el que más me gusta.

Si quisieras ir un poco a contracorriente y sorprender a tu público, ¿con qué canción de tu repertorio cerrarías una actuación? ‘La trama principal’, un tema muy diferente que cierra ‘La jauría’, que está a medio camino entre el pop-rock clásico y el blues, y en directo lo disfruto mucho. Sería otra manera de acabar, aunque no sé cómo se lo tomaría la gente.

¿Alguna sorpresa que te apetezca teasear? Vamos a continuar con todo el concepto que hemos desarrollado en la gira en la que estamos ahora mismo. Tanto a nivel visual como en repertorio es bastante cañero y creo que en los festivales puede funcionar muy bien. Siempre hay espacio a las sorpresas, pero quien quiera verlas tendrá que venir al SanSan.

D.DRAMÁTICO

Un día Yung Beef se perdió en Madrid, y otro seguramente se perdió también el lisboeta Daniel Silva, quizá con la canción del granadino en los cascos. Desde que se asentó en España, y desde que abandonó el desarrollo de videojuegos para embarcarse en aventuras artísticas que le permitieran expresarse con mayor libertad y claridad. Lo suyo es la reinvención urbana contemporánea por vía de la música electrónica portuguesa, mucho más experimental en su fusión entre el organicismo, el naturalismo y la influencia de los experimentos con D.O. en Brasil. En su EP debut, DUELO (Mushroom Pillow, 2025), adapta el modo de producción caleidoscópico de la órbita rusia-idk a unos códigos que tienen más que ver de lo que parece con el funk mineiro y artistas como DJ Anderson do Paraíso. Y el resultado son rumbas etéreas y digitales y baladas con fondo de épica electrónica a lo Ralphie Choo, coqueteos con el pluggnB y dejes aflamencaos, ritmos club diluidos y bombos Jersey, pero también texturas siniestras y dispersión estructural. En lo que es otro brillante acercamiento al pop sin límites de esta nueva generación.

FOTO: MARIAMEVOY

UNA SOLEDAD TODA INGLESA

POR: ÁNGELO NÉSTORE

Llevaba años sin pisar Inglaterra. No sé por qué tardé tanto en volver. Quizá porque hay lugares que dejamos en pausa, como si pudiéramos volver a ellos en el mismo punto exacto donde los abandonamos. Pero Londres es una ciudad que avanza incluso cuando no la miras. Volver significaba enfrentarme a la idea de que ya no era la misma persona que se fue. Una tarde entré en un Tesco. No en uno grande, sino en uno de barrio. Y ahí estaba: la soledad toda inglesa. Un silencio extraño, no incómodo, sino elegante. Nada de hilos musicales ni empleados que te asalten con un “¿necesitas ayuda?”. Solo gente perdida en su diálogo interior, tan hondo que absorbía el sonido de los propios pasos.

Un hombre joven con traje impecable empujaba un carrito vacío con una mano y con la otra se desabrochaba el último botón de la camisa, como si tratara de liberar un poco la City de su garganta. Tenía ese aire de dandy sin pretenderlo, el tipo de hombre que sus amigas llaman así con burla cariñosa, pero que él no acaba de creerse. Frente a él, una chica rubia, de pecas y gesto serio, sostenía en alto un couscous precocinado como si fuera una ofrenda. Leía los ingredientes con la solemnidad de quien ha convertido su cuerpo en un templo de porcentajes y tablas nutricionales.

No sé qué fue lo que me empujó a querer hablarle. Tal vez porque en ella vi esa misma soledad inglesa que llevo dentro de mí, esa capacidad de estar rodeado de gente y, aun así, permanecer en una burbuja. Pero me avergoncé. En lugar de decirle algo que valiera la pena, le pregunté por el precio de las cosas, si creía que podía pagar en euros o solo en libras. Quise que me mirara y me dijera: “Baby, baby, you are safe in my arms”.

VS

BERSHKA MUSIC LEON LEIDEN

Leon Leiden es el nuevo talento elegido por el programa BERSHKA MUSIC para lanzar un tema exclusivo a través del perfil oficial de TikTok de la firma. Tras dos discos de oro, nominaciones en los Latin Grammy y colabos con figuras internacionales como Thalía, JVKE o Kenia Os, Leiden se ha convertido en uno de los artistas más prometedores del expansivo mercado del pop y el urbano mexicano.

HONDO GASTRONOMÍA Y NEW FLAMENCO

¡Ey foodies! HONDO es un evento innovador que fusiona flamenco, gastronomía y tecnología, celebrando su primera edición el sábado 22 de marzo en la Playa de las Américas, Arona, Tenerife. Conciertos de Ángeles

Toledano y Rocío Márquez & Bronquio, además de un showcooking del chef Diego Schattenhofe

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FEMME CREATORS

La Agencia de Proyectos musicales

All Nighters (sí, la misma de Métrika, Israel B, o Bon Calso) ha desarrollado para la Escuela Internacional de Protocolo y Eventos (EIP) de Madrid un programa específico para formar expertos en la organización y comunicación de eventos musicales. Su objetivo es dar una base teórica y práctica a partir de masterclases, visitas y talleres prácticos, que permita formar a los trabajadores cualificados del futuro como organizadores de conciertos, productores de festivales, programadores de salas de conciertos, managers, bookers y responsables de marketing en eventos musicales. El curso tendrá lugar en la Escuela -C/ de los Vascos 17, Moncloa. Madridentre los meses de octubre de 2025 y abril 2026 y ya puedes reservar tu plazo escaneando el código QR que acompaña a estas líneas.

El 8M es el Día Internacional de la Mujer, y para celebrarlo el festival gratuito Femme Creators vuelve a celebrar una nueva edición en Madrid. Ojo, que hay cambios de escenario: 8 y 9 de marzo en Casa de Campo con Rakky Ripper (1), Laaza (2), Mira Paula (3), CoolNenas (4), Dora, Twin, Kimberly Tell

SESIONES + MÚSICAS

SALA BERLANGA

14 Y 15 DE MARZO

DE LA MANO DE +MÚSICAS, ORGANIZACIÓN

INDEPENDIENTE QUE FOMENTA LA VISIBILIDAD DE LAS MUJERES EN LA INDUSTRIA MUSICAL, LA FUNDACIÓN SGAE PRESENTA UN CICLO DE CONCIERTOS CON CUATRO DE LAS ARTISTAS MÁS INTERESANTES DEL PANORAMA URBANO ACTUAL. ANTES DE SUS ACTUACIONES, COMPARTIRÁN SUS EXPERIENCIAS CON SAFREE -TAMBIÉN ARTISTA Y PROFESIONAL DEL DESARROLLO DE TALENTOSPARA LA GRABACIÓN DEL PODCAST ‘YO TAMBIÉN

QUIERO MÁS MÚSICAS’.

LAPILI

Lapili se dio a conocer en el talent televisivo Factor X y desde entonces ha ido tanteando a su ritmo la industria musical. Su primer disco, Piligrossa, tuvo gran impacto en la escena urbana, y con el reciente EP Llanto de secano utiliza esos mismos ritmos sensuales y sincopados para actualizar el acerbo popular y el cancionero de su tierra, Castilla-La Mancha.

SARA SOCAS

Fogueada a base de batallas en el competitivo y testosterónico mundo del freestyle, la rapera tinerfeña abandonó el barro en 2021 y en 2023 lanzó su primer álbum, TFN-MAD, con la producción de Acción Sánchez de SFDK. Fue un gope en la mesa y la confirmación de que en su carrera aún estaba todo por decir. En 2025 la veremos dar otro paso adelante más con el hip hop clásico como principal hilo conductor.

LUNA KI

DEVA

Fusionando el hip hop y el R&B como sus grandes ídolas, Beyoncé, SZA o Rihanna, la santanderina DEVA llega con nuevo trabajo bajo el brazo: una joyita en la que su R&B se oscurece y se adentra en territorios más club, entre beats de house progresivo. El hilo es su primer adelanto. Te va a encantar.

La barcelonesa se reafirma en 2025 como una de las grandes pioneras y divas del hyperpop en nuestro país. Lo hace con una nueva era musical y estética que marca una evolución artística arriesgada y rompedora, en la que incide en el carácter experimental de su estilo. En +MÚSICAS desplegará en escena un pequeño anticipo del que es su nuevo sortilegio.

LO MEJOR DE CONDEDUQUE

EL CENTRO DE CULTURA CONTEMPORÁNEA DE LA CAPITAL DA LA BIENVENIDA A LA PRIMAVERA CON UNA PROGRAMACIÓN RICA Y VARIADA LLENA DE ESTRENOS, TANTO EN MÚSICA COMO EN ARTES ESCÉNICAS. UN VISTAZO A LA CREACIÓN DE VANGUARDIA EN AMBAS DISCIPLINAS, PERO TAMBIÉN UN ALEGATO POR LA ESPONTANEIDAD DEL ACTO CREATIVO Y SU CAPACIDAD PARA EXPRESAR LO MÁS ÍNTIMO DESDE UNA PERSPECTIVA GLOBAL.

SoundSet Series: FUJI|||||||||||TA

21 marzo

El uso de las texturas sonoras sirve para aunar las propuestas experimentales de este doble concierto. El japonés reinventa a su modo el viento, mientras que la francesa evoca paisajes desde el ambient, el pop y el noise.

SUNDA ARC 7 marzo

BEN YART Carta Blanca 11 abril

Buscando su propia senda tras la separación de Chill Mafia, el rapero pamplonica dará rienda suelta en Condeduque a su faceta más performativa en un espectáculo que aúna sus canciones con relato propio, comedia, poesía y storytelling surrealista.

La parte más electrónica del trío jazz británico Mammal Hands se independiza con un proyecto en el que lo orgánico y lo electroacústico se dan la mano con el post minimalismo y el ambient.

JAHA KOO

Haribo Kimchi 8 y 9 marzo

MARINA MASCARELL

Mongrel

27 marzo

LEE GAMBLE & CANDELA CAPITÁN Models

5 marzo

El artista y productor británico debuta en Madrid su colaboración con la actocoreó grafa sevillana Candela Capitán, estrena do en el Sónar. Concierto/performance.

VICENTE NAVARRO

Lo que no he llegado a cantar 28 marzo

Estreno absoluto de este bonito proyecto surgido de la colaboración entre el artista madrileño-manchego y Condeduque, donde reinterpreta desde el instinto y la emoción el cancionero popular de su región.

A través de un viaje culinario en directo, e inspirando la escenografía en un pojangmancha, Koo repasa más de un siglo de historia cultural surcoreana: la diáspora, la occidentalización, el resurgir de la identidad.

GN|MC (GUY NADER | MARIA CAMPOS)

AINA ALEGRE R-A-U-X-A 29 marzo

La coreógrafa catalana triunfa en Francia con su compañía, y ahora estrena en Madrid esta pieza en la que se enfrenta en un ritual solitario a polirritmias electrónicas.

La valenciana estrenó Mongrel en 2015 en Gotemburgo, y ahora la remonta de la mano de los bailarines del Dansk Danseteater de Copenhague, que dirige desde 2023, para que Madrid sea testigo de uno de los talentos más internacionales de la danza actual.

Música

Artes Escénicas

Natural Order of Things 3 y 4 abril

El impacto de cada una de las piezas en el funcionamiento global de un todo, de un orden cósmico, marca la última propuesta de la compañía barcelonesa. Estreno en Madrid.

FRIENDS OF FORSYTHE 25 y 26 abril

Un grupo de bailarines, artistas y performers se da cita para honrar el legado de William Forsythe, gran deconstructor del ballet clásico, en el campo de la danza contemporánea. Estreno en Madrid de esta coproducción de la Bienal de Venecia.

Santa Salut también es protagonista de uno de los dos NUEBO Talentos que estrenaremos en marzo. El otro corre a cuenta del venezolano Yadam, fenómeno global a raíz de su participación en la B.S.O. de la película Emilia Pérez

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

JEFE DE PRODUCCIÓN: AXEL CASTILLO

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: PAPISOUND

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

Cuestionarios TikTok

Seguro que a estas alturas ya todos conocéis a Eva & Paula, nuestras intrépidas reporteras que no se pierden un sarao: si ellas no están allí es que te has equivocado de fiesta. Pásate por nuestra cuenta TikTok para repasar su últimos cuestionarios con Repion, Aleesha, Martin, Lusillón, Salma y mil más.

Entrevistas

Este mes redoblamos el esfuerzo para ofrecerte más y mejores contenidos audiovisuales en nuestra página web y rrss. Podrás disfrutar de conversaciones que ocupan la portada y contenidos de este mismo número (Juanjo Bona, Santa Salut o Paul Thin) y también de charlas inéditas como la que tuvimos con el argentino Bhavi o la artista portuguesa Sara Correia

UNA PELÍCULA DE JAIME ROSALES

27 DE MAR - 6 DE ABR

LLEGA UNA CITA IMPRESCINDIBLE PARA LOS AFICIONADOS AL CINE DE AUTOR Y A LAS PROPUESTAS INDEPENDIENTES AL MARGEN DEL CINE MÁS INDUSTRIAL.

EL D’A - FESTIVAL DE CINEMA DE BARCELONA LLEVA 15 AÑOS IMPULSANDO

EL DESCUBRIMIENTOS DE NUEVOS TALENTOS, PERO TAMBIÉN PONIENDO EN VALÍA A AUTORES CONSAGRADOS Y DE CULTO EN FESTIVALES, COMO EL ITALIANO

ROBERTO MINERVINI, A QUIEN ESTE AÑO SE DEDICA UNA RETROSPECTIVA.

TOMA BUENA NOTA DE ESTOS OCHO TÍTULOS QUE HEMOS SELECCIONADO EN NUEBO COMO GUÍA PARA DESPERTAR TU ESPÍRITU MÁS CINÉFILO.

APRIL

DEA KULUMBEGASHVILI

Dea Kulumbegashvili levantó pasiones -y algunos incomprensibles enfados- con su ópera prima, Beginning (2020), filme que la reveló como autora que apuesta por un cine sin concesiones estéticas y que aborda temas crudos con una mirada plenamente actual. En este caso, y de nuevo con la complicidad de la magnética Sukhitashvili, la cineasta georgiana pone en el objetivo de su mirada en una ginecóloga envuelta en un caso de abortos ilegales.

LA FURIA / GEMMA BLASCO

La violencia sexual y la vergüenza son los temas que aborda Gemma Blasco en su debut en el largometraje de ficción. La cineasta, que ya estuvo en el festival con el film experimental El zoo (2018), cuenta la historia de una joven actriz que trata de superar su dolor tras sufrir una violación. Un drama de alto voltaje protagonizado por Ángela Cervantes -tras deslumbrar con su papel en La maternal de Pilar Palomero- y Àlex Monner (La ruta) que inaugurará el festival tras preestrenarse en SXSW.

Estreno Cataluña

LA PRISONNIÈRE DE BORDEAUX

PATRICIA MAZUY

Patricia Mazuy es un nombre a reivindicar dentro del panorama del cine de autor contemporáneo. Ahora habitual de los grandes festivales, comenzó su carrera como montadora -trabajó con la mítica Agnès Varda en Sin techo ni ley (1985)- para luego forjar una filmografía personal y no exenta de riesgos. En el D’A presentó su anterior trabajo, Bowling Saturne (2022), y ahora regresa con Isabelle Huppert -verla en pantalla siempre es un aliciente- con un filme sobre amistad entre dos mujeres presas. Premio especial del jurado en Venecia 2024, Mejor película Zabaltegi San Sebastián 2024 Seleccionada en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2024

THE SHROUDS

DAVID CRONENBERG

¡Larga vida a la Nueva Carne! Con esta frase-manifiesto, Cronenberg inauguró en Videodrome (1983) una nueva conexión entre el cine y los cuerpos. Desde entonces, no ha suavizado sus formas extremistas y ha seguido indagando en sus perturbadoras obsesiones. Ahora nos invita a pasar a un mundo liminal donde los vivos vigilan a sus seres queridos fallecidos desde sus tumbas.

Premiere española

LOVE DAG JOHAN HAUGERUD

El cine norugego no deja de deparar interesantes sorpresas en la última década. A Joaquim Trier o André Øvredal hay que sumar también a Haugerud, que ha dado forma a una singular trilogía sobre tres temas centrales del cine de la posmodernidad. En esta segunda parte se centra en el amor, no exento del sexo de la primera entrega, antes de presentar su versión de los sueños.

De la trilogía ‘SEX’, ‘LOVE’, y ahora se presenta en Berlín ‘DREAMS’

Sigue el QR y consulta la programación completa del D’A - Festival de Cinema de Barcelona 2025, sedes, horarios y venta de entradas.

TOXIC SAULÉ BLIUVALTÉ

Una de las óperas primas más sorprendentes del pasado año. La cineasta lituana plantea una mirada a la adolescencia alejada de los estereotipos, en la que se citan el dolor y la ternura. Relato de amistad entre dos jóvenes que tratan de escapar de su destino en la desolada ciudad en la que habitan, aunque para ello tengan que arriesgar sus propios cuerpos.

El director argentino aparca, por el momento, su indagación en el mundo de los personajes femeninos de Shakespeare para adaptar a Césare Pavese con unas encantadoras formas experimentales que juegan con la alquimia de las texturas cinematográficas. Un nuevo homenaje a la palabra como herramienta poética.

Mención especial del Premio

Internacional del Festival

Cinema du Réel 2024

SIMÓN DE LA MONTAÑA FEDERICO LUIS

También con un aliento poético, pero circunscrito a una versión más cruda y realista, Federico Luis narra una historia de paso a la madurez ambientada en una localidad de la cordillera de Los Andes. Además de su arriesgada propuesta, cuenta con el aliciente de disfrutar de la cautivadora interpretación de Lorenzo Ferro, que ya nos perturbó en su debut con El ángel (2018).

Leopardo de Oro a la Mejor película Locarno 2024

Gran Premio de la Semana de la Crítica Cannes 2024

BONA

POR: GABRIEL CÁRCOBA / FOTOS: BLANCA BUISÁN

JUANJO BONA VA A HACER QUE TODA ESPAÑA CONOZCA MAGALLÓN , TANTO SUS HISTORIAS COMO SU SONIDO. CON LA JOTA POR BANDERA, PERO CON TODO LO DEMÁS ENTRE MEDIAS, EL EX TRIUNFITO DEJA ESCRITA EN SU DEBUT UNA EMOCIONANTE Y FASCINANTE CARTA DE AMOR A TODO LO QUE LE HA HECHO SER ÉL: EL FOLCLORE , LA FAMILIA, LOS MONTES Y LOS RÍOS . ‘RECARDELINO’ ESTÁ DISPONIBLE DESDE EL 7 DE MARZO.

Dejar la ciudad. Abrazar el campo. Respirar el aire. Hablar con la vecina. “No parece que vaya a llover”. Parar el tiempo. Juanjo Bona sabe que muy pocas personas van a entender los primeros minutos de su debut discográfico, pero no importa. Esta intro, en la que la voz del aragonés flota sobre silbidos de pájaros e instrumentos desperdigados, es toda una declaración de intenciones. No va dirigida a la mayoría. “Recoge todas las melodías típicas de mi pueblo, todas alrededor de la jota de la Magallonera”. Como todo Recardelino, es un homenaje a sus raíces. Juanjo describe su primer disco como “el musical de mi vida”. “Cuando iba componiendo las canciones, veía cómo se podían ir estructurando en mis tres etapas vitales más importantes”. La primera de estas comienza cuando aprendió su primera jota: la de El Sabinar. “Hoy en día, si piensas en el significado de otra forma, flipas”. Por supuesto, La Magallonera también fue de las primeras que aprendió, y la única en el disco que mantiene la raíz. “Es la primera que canté con público en mi pueblo. Es mi religión”. También es una jota que le ha acompañado siempre. “La he ido adaptando a mi evolución en la vida y la música. Esta es mi última versión”. Antes también la cantó en Jotalent, programa de Aragón TV, acompañándola con una guitarra eléctrica. Exacto, Bona no es nuevo en los concursos televisivos.

“ABRIR EL PÚBLICO Y DARLE UNA VUELTA. ES LO QUE NECESITAN TODOS

“El programa fusionaba el folclore con otro tipo de estilos y buscaba abrir el público de la jota y darle una vuelta. Es lo que necesitan todos los folclores. La jota necesitaba tirar para adelante, porque si no, como todo en la vida, se estanca”. Bona ganó Jotalent tras estar compaginándolo con sus estudios de Ingeniería Naval en Madrid. “Era la vida loca”. Sin embargo, cuando terminó todo, su situación no había cambiado. “Te impulsa a nivel regional, pero no te da la exposición suficiente para dedicarte a ello”. Sí que le ayudó para entrar a Operación Triunfo con otra perspectiva. “Pensaba que nunca más vendría algo parecido y que nunca iba a encontrar esa felicidad tan extrema. Luego llegó OT”.

Lo cierto es que, aunque Juanjo siempre quiso dedicarse a esto, no persiguió su sueño de una forma convencional. “Fui un poco cobarde. Decidí estudiar una ingeniería porque no éramos millonarios en mi familia, y me veía capaz de sacarme una carrera y luego dedicarme a lo que quisiera”.

Nadie le obligó. “Mi padre me quería meter en una escuela de interpretación y hubiera estado feliz, pero yo quise, por mis narices, hacer una carrera”. A día de hoy todavía no la ha acabado. Su sueño se interpuso en el camino. “Mi paso por OT me cambió la vida totalmente”. Sobre todo, a nivel musical. “Nunca había compuesto ni sabía nada de la industria”. El concurso no solo ha moldeado el primer disco de Bona a nivel compositivo, sino también de concepto. “Mi concepción de lo que tenía que hacer al salir del programa era completamente errónea. Tardé un tiempo en darme cuenta de que lo que tenía que hacer era contar mi vida y no convertirme en un estereotipo”. Su primer single, Lo que no ves de mí, fue concebido durante este tiempo. “La letra reflejaba perfectamente lo que sentía, y por eso la seguiré cantando”. Sin embargo, sabía que no era su camino musical. “No siento absolutamente nada cantando canciones de pop con letras neutras y sin mojarme”. Ahí se dio cuenta de lo que debía hacer. “Me dije: olvídate de esto y haz lo que te sale de dentro, porque si no estamos jodidos”. Era el último paso para desprenderse de la etiqueta OT. “Cada uno de nosotros somos los dueños de ella, y decidimos si quitárnosla o no. Eso se demuestra con el proyecto de cada cual”. Al salir de OT, Juanjo fue uno de los pocos concursantes que posicionaba sus canciones -una de ellas una jota, Mis tías- en las listas de éxitos. Fue top 2 en ventas con su Best Of del talent, y su primera gira se agotó en un par de horas con un solo single publicado. “Igual me pego una hostia dentro de una semana, pero estoy muy contento con cómo está saliendo todo”. Bona ya ha conseguido el éxito post OT. Con Recardelino, apunta directamente a la trascendencia. “El título surge cuando ya habíamos acabado todas las canciones. Se refiere al nombre que recibe el jilguero cardelino en algunas regiones de la comunidad. Le pregunté a un historiador de Magallón que me ha ayudado mucho con las imágenes, la historia de Aragón, del pueblo, historias cotidianas que también he contado en las canciones…”. Juanjo tenía dudas de si era un nombre demasiado complicado. “Hubo varios títulos que descarté: ‘Once cuentos de mi vida’, ‘El camino’, por el camino entre Magallón y Madrid… También pensé en ‘Cuentos de un camino’”. Sin embargo, esto de los cuentos les sirvió a Marcel

DRAMA, FOLCLORE Y PSICODELIA

Lo sabemos: lo fácil sería tirar de Rodrigo Cuevas y su cupletismo neofolclórico sobre la tradicion asturiana para explicar el debut de Juanjo Bona. Pero vamos a ir un poquito más allá...

JOSELITO

El niño prodigio jienense de los años cincuenta, protagonista de la película El pequeño ruiseñor, fue todo un fenómeno en esta España nuestra gracias a una voz angelical y potentísima con la que puso el cancionero más tradicional y el mundo rural ante audiencias de prime time.

PANDA BEAR

Una de las mentes de Animal Collective y el principal responsable de su giro hacia el caleidoscopio pop en Merriweather Post Pavillion. Su estilo psicodélico, acristalado y fragmentado es uno de los puntos de partida para Recardelino, gracias al cromatismo de las escalas que maneja.

PERFUME GENIUS

El drama, un cierto ímpetu vocal que tanto se contrae y se esconde como se despliega y se desata, y unas preocupaciones que tratan de modo onírico aspectos terrenales e incluso puramente carnales. Tres características que comparte con el genial artista de Iowa. Palabras mayores.

AMAIA

Claro, toda una referencia para Juanjo. No solo salió de Operación Triunfo coronada por su gran sensibilidad, también ha sido capaz de armarse una carrera contemporánea ajenas a las exigencias de la industria, a su propio ritmo y reiventando lo que ama de nuestra canción popular.

Bagés y David Soler -colaboradores de Maria Arnal y dupla que firma sus producciones como El Extintor- para dar forma al sonido onírico del álbum. “Me ha tocado explicarles, tanto a ellos como a los compositores que me han ayudado, las estructuras de la jota, de las rondaderas, cómo se acompañan… Se han tenido que hacer un máster, literal”. Por otro lado, Sergio Aso, uno de los mentores de Bona, ha hecho el viaje contrario. “Ha tenido que desaprender a hacer una jota tradicional, a darle una vuelta electrónica”. Y así, volvemos a la canción que abre el disco, un ejercicio de ambient folclórico en toda regla: “He juntado las melodías con sonidos naturales grabados en el pueblo: los pájaros, las campanas, el agua…”. Es un pedacito de Magallón. Es tan personal que las reacciones son totalmente diversas. “A mis amigos de Madrid les causa una sensación muy diferente, porque están escuchando por primera vez sonidos folclóricos. En cambio, la gente del pueblo identifica la tradición, pero llevada a otro extremo. Escuchan melodías de toda la vida, pero con una producción loquísima”. En este sentido, Villano, con su puntito Animal Collective, es uno de los shocks más grandes, y la favorita del artista. “Es el tema en la que la jota entra más de sopetón”. Nadie esperaba una canción con un sonido tan psicodélico en un disco centrado en torno a la jota, pero aquí está. “No sé quién la entenderá, a quién le gustará, pero para mí es la que más se asemeja a una banda sonora. Le podría poner mil vídeos de mi vida de fondo”. Por otro lado, Me sabe mal recuerda directamente al pop español de los años sesenta. “No iba a entrar en el disco, porque creía que se nos estaba yendo de la movida”. Pese al toque vintage, Me sabe mal también tiene un toque de “indie pop actual”. “He descubierto a muchos artistas que no conocía, como Carolina Durante, Axolotes Mexicanos o Confeti de Odio, con el que he hecho dos o tres canciones del disco”.

Son solo algunos de los múltiples ejemplos de Ricardelino en los que Bona introduce la jota en un contexto musical totalmente diferente: pop, folk, ambient… Todo vale. “La vida rural de los pueblos de Aragón no es nada conocida. Hay gente en Madrid que no sabe ni dónde está Zaragoza en el mapa. Quería que el público joven, sobre todo de fuera de Aragón, pudiera entenderlo. Escuchas la jota de todas estas formas y no te choca mucho en la cabeza”. El folclore es un camino lleno de posibilidades que pretende continuar en el futuro. “Quiero explorar la jota de una forma u otra. No sé si en la instrumentación o en la letra, pero siempre va a estar presente, porque es con

lo que yo he empezado a cantar. Es mi manera de hablar”. El chico se va del pueblo, pero el pueblo nunca lo deja a él. “No he sido consciente de lo importante que es para mí Magallón hasta que he pasado un tiempo en Madrid. Y aunque soy feliz aquí, me encanta la nostalgia y me cuesta mucho tocar temas que no sean nostálgicos”. De hecho, lo que más le inspira de Magallón es la gente mayor. “Son humildad y sabiduría en estado puro. Es lo mejor que tenemos. Se me parte el corazón”. Este tipo de sensibilidad la vimos en otra gran concursante de OT. “Me identifico mucho con Amaia. Ella fue la primera que hizo una jota y la cascó ahí tal cual”. ¿Se juntarán sus caminos alguna vez? “Es mi referente absoluto para ser quien quiero ser. Seguir sus pasos sería un sueño”.

RECARDELINO (UNIVERSAL, 2024)

Intro / Moncayo / Virgen de Magallón / Golondrinas / Me sabe mal / Mis tías / La plaza y el río / Nuestra forma de hablar / La Magallonera / Últimamente CD / DIGITAL / LP

POR: RAMÓN BAYLOS

TRAS EL EFUSIVO HISTRIONISMO DE JOSEF FARES SE ENCUENTRA UNO DE LOS EQUIPOS DE DESARROLLO QUE MEJOR HAN CONSEGUIDO REDEFINIR LO QUE SIGNIFICA JUGAR EN COMPAÑÍA, COOPERAR PARA PROGRESAR. LOS JUEGOS DE HAZELIGHT HABLAN DE UNIÓN, DE EXPLORAR LOS VÍNCULOS A RECONSTRUIR. E IMPIDIÉNDONOS JUGARLOS EN SOLITARIO, NO SOLO NOS EMPUJAN A PONER EN LIZA ALGO MÁS QUE UN AVATAR DIGITAL, TAMBIÉN CONSIGUEN QUE SUS MENSAJES Y SUS APRENDIZAJES TENGAN CALADO EN NUESTRAS PROPIAS RELACIONES, EN EL MUNDO REAL. UNA VISIÓN FÉRREA -Y CONVENCIDA DEL PODER DE LOS VIDEOJUEGOS PARA LA RECONEXIÓN HUMANA- QUE YA LOGRÓ HACERSE CON EL RECONOCIMIENTO AL JUEGO DEL AÑO EN 2021 CON ‘IT TAKES TWO’, Y QUE AHORA AMPLÍA EN ‘SPLIT FICTION’ SUS POSIBILIDADES, DIVIDIÉNDOSE ENTRE LA ALTA FANTASÍA Y LA CIENCIA FICCIÓN.

UNA FICCIÓN A PANTALLA DIVIDIDA

Split Fiction sigue apostando por el modelo cooperativo a pantalla dividida de todos los juegos de Hazelight: se necesitan dos para bailar un tango...

En esta quinta iteración de la obra de Hazelight Studios encarnamos a Mio y Zoe, dos personajes cuya misión dependerá del grado de colaboración que se desarrolle entre ambas. Con un vínculo que se generará a partir de una disputa personal, Split Fiction vuelve a explorar el concepto de amistad desde la necesidad y a partir de un contexto estético y argumental más surrealista, que alterna ciencia ficción y alta fantasía.

Mio y Zoe son dos prometedoras escritoras que quieren publicar sus obras utilizando un recurso potentísimo: la tecnología futurista que está desarrollando una enorme multinacional especializada en simulaciones. Así, toda la trama del juego se irá desplegando en la imaginación de sus dos protagonistas, al mismo tiempo que el estudio despliega nuevos recursos y gameplays que le dan profundidad a la propuesta.

LA ESCALERA DE HAZELIGHT

Mientras que Mio está desarrollando una historia de ciencia ficción, Zoe se decanta por la alta fantasía. Sus respectivas ambientaciones se van alternando en un retorcido entramado de metanarración en el que un relato existe dentro del otro de manera constante. Hazelight consigue no caer en simplemente no replicar su sistema de división de pantalla: esta vez cada plano habita un mundo diferente... compartido.

Es la mayor revolución de Split Fiction sobre la fórmula de Hazelight, junto a las dimensiones y ambiciones del título, el más maxi de su colección, el más rico en mecánicas y minijuegos. Ya no solo se dividen la pantalla, el gameplay o el diseño de niveles, ahora también se divide la historia y la ambientación como se dividen las intenciones de los que controlan los mandos. Solo necesitas dos mandos, una copia... y alguien con quien jugar.

A través de todas sus obras, a cada cual más ambicosa que la anterior, Hazelight Studios ha ido dejando claras sus intenciones en cuanto a lo que significa jugar: que dejemos de hacerlo solos.

LLevando las buddy movies al mundo de los videojuegos, A Way Out ahonda en la naturaleza humana a través de dos personajes antagónicos que planean y ejecutan una fuga de prisión. Sus impulsos les dominan, pero tendrán que aprender a controlarlos mientras aprenden de humanidad.

Ganador del Juego del Año en 2021, It Takes Two hablaba sobre la reconexión de una pareja ante un inminente divorcio en plena pandemia, en un momento en el que la cooperación en un mismo espacio, a veces opresivo, se antojaba fundamental. Terapia jugable del más alto nivel.

Dos visiones del mundo completamente diferentes, dos momentos vitales también ajenos y el egoísmo común van desplegando una trama peliculera y emocional en la que también bailan los apegos.

Todo el juego gira en torno a uno de los conceptos clave de cualquier relación interpersonal: construir algo conjunto al haber dejado atrás la individualidad.

Más desenfadado que sus anteriores obras, también es más revelador y profundo emocionalmente en su entendimiento del vínculo.

Ese profundo humanismo, la intención de explorar qué significa realmente necesitar la existencia de un otro, se convertirían en la base de los juegos de Hazelight.

A pesar de que Brothers: A Tale of Two Sons no nació como un título intrínsecamente cooperativo, el primer juego de Hazelight Studios ya apuntaba en esa dirección: establecer un sistema de mecánicas duales como núcleo de su propuesta jugable.

En 2005 lanzó Zozo, la película que supuso el inicio y conclusión de su corta carrera como cineasta, antes de lanzarse de cabeza hacia el octavo arte y perseguir un sueño más alternativo.

En los TGA 2017, Fares lanzava su mítico “fuck the Oscars ” como gesto de disconformidad ante la rígida industria de Hollywood y su insatisfactorio pasado dentro del cine. Con él... no bullshits.

Casi como una reivindicación kármica, Fares culminó su metamorfosis como artista llevándose el premio al mejor juego del año en los TGA 2021 gracias al unánimamente aclamado It Takes Two Es evidente que la mente de Josef Fares no funciona como la de los demás. El brillante director de Hazelight Studios ha demostrado tener una pasión enfermiza por todo lo que hace.

HAZELIGHT CONTRA LA DEVACLE AAA

Las grandes superproducciones están demostrando que la industria debe recular antes de que se autodestruya, fruto de una imposible ambición. Y más aún cuando hay alternativas que sí son sostenibles. En este sentido, juegos AA como las propuestas de Hazelight podrían ser la solución. Sus cifras avalan la idoneidad de un modelo de crecimiento sostenible.

Empleados activos en la empresa

3,7 1 MILLÓN

MILLONES DE DÓLARES

3 81 AÑOS AÑOS

De presupuesto para desarrollar ‘A Way Out’ y de copias vendidas en los primeros 15 días.

De desarrollo entre ‘A Way Out’ e ‘It Takes Two’, con este último generando casi de beneficio.

32.750 6-10

400

MILLONES DE DÓLARES

Despidos en los últimos 3 años

De media para hacer una nueva entrega/secuela.

300 Nuevo techo de presupuestos de desarrollo.

MILLONES

MORLAIX

POR: MARTÍN ALCOLEA

EN SU OCTAVO LARGOMETRAJE, JAIME ROSALES PROPONE UNA TRÁGICA Y HERMOSA HISTORIA DE AMOR QUE EN REALIDAD ES UN RELATO DENTRO DE OTRO. CINE DENTRO DEL CINE, JÓVENES HABLANDO EN SU LENGUAJE DEL PROCESO DE ENAMORAMIENTO, LA VIDA, EL DESEO Y LA MUERTE. PERO TAMBIÉN UN EJERCICIO NARRATIVO Y FORMAL QUE ATRAPA POR SU ESTÉTICA Y POR SU MELANCÓLICO ALIENTO CINÉFILO.

Tras Hermosa juventud (2022), Jaime Rosales completa una trilogía no oficial sobre personajes femeninos que tienen que hacer frente a decisiones trascendentes en su vida ante la inminencia de la llegada de la edad adulta. Si la primera sirvió para descubrir el talento magnético de Ingrid García-Jonsson y la segunda fue la confirmación de la versatilidad de Anna Castillo, en este caso el cineasta ofrece su primer papel protagonista a la joven Aminthe Audiard, a la que habíamos podido ver en roles secundarios en películas como Peter von Kant (2022), de François Ozon. Ella es el alma de este drama romántico de fuertes referencias cinéfilas, en el que se debate entre la fragilidad ante el futuro, el dolor por la pérdida de su madre y el amor que aparece en su vida cuando un joven parisino llega a la localidad de Bretaña donde vive, y que da título a la película. “Morlaix trata sobre la vida pensada como experiencia poética y trascendental. Una experiencia vital entendida como un camino que se debe recorrer. Descubrí el camino de la revelación poética gracias a Samuel

Kircher, el joven actor que encarna el personaje de Jean-Luc. Es un verdadero poeta adolescente. Es alguien con una improbable mezcla de madurez e ingenuidad. Aminthe Audiard aportó a su interpretación una vitalidad que también resultó muy convincente para la película”, afirma el director en las notas que escribió a propósito de su película.

En Morlaix, Rosales utiliza el recurso del cine dentro del cine para poner a sus personajes ante una película en la que ellos mismos representan sus vidas. Eso le permite desplegar continuos saltos de formato, utilizar el color y el blanco y negro con total libertad y variar la forma cinematográfica, desde los largos planos fijos hasta

Adultos en un mundo de jóvenes

Además de Samuel Kircher y Aminthe Audiard, el reparto de la película lo completan dos intérpretes adultos, la francesa Mélanie Thierry y el actor catalán Àlex Brendemühl, que fue protagonista de Las horas del día (2003), la impactante ópera prima de Rosales. “Me impresionó especialmente la actuación de Mélanie Thierry. Llegaba al plató siempre preparada, con las ideas claras y el enfoque adecuado. Sus propuestas eran siempre sutiles y fieles a la realidad. Y Àlex Brendemühl, compañero de mis películas desde hace mucho tiempo, hizo una interpretación muy sólida. El resto del elenco trabajó con mucha profesionalidad, a pesar de ser muchos de ellos actores naturales”.

el uso de la steady-cam. “Las formas son más importantes que lo que se cuenta”, añade el cineasta barcelonés. “Creo que en el arte importan más las formas que el contenido de los discursos. Los artistas nos expresamos a través de las formas y es en la novedad de las formas desde donde pueden surgir discursos novedosos”. Esta importancia de la dimensión estética tiene un peso determinante en el cine de Rosales, al que le gusta retorcer las estructuras narrativas y temporales de sus historias, mientras que plantea al espectador desafíos formales. Ya lo hizo en su segundo film, La soledad (2007), en el que utilizaba el recurso de la pantalla partida y con la que consiguió el premio Goya a la Mejor Película, o en Tiro en la cabeza (2008), donde reconstruía un atentado cometido por un comando terrorista utilizando el sonido directo y el teleobjetivo, alejando al máximo la distancia focal de la cámara, para convertir al espectador en un testigo en primera persona de la crueldad sin artificios ni atenuantes.

LAS (OTRAS) VOCES DE UNA NUEVA GENERACIÓN

Además, Rosales aprovecha en su última película su trabajo con los actores jóvenes para crear una especie de laboratorio conversacional: las opiniones vertidas mientras los intérpretes se expresan a propósito de la vida, de la idea del enamoramiento y de la muerte se transforman en líneas de diálogo para cada uno de los personajes.

“Buscar el amor nunca es perder el tiempo”, aseguran en una de esas charlas que funcionaban, en cierto sentido, como un cineclub, en el que se debate sobre la ficción que se acaba de ver pero donde en realidad se está dialogando con lo que propone el propio Jaime Rosales en el filme. “No hay nada político ni social en la película. Los jóvenes del grupo de amigos hablan del sentido de la vida, del amor, del dolor de la muerte, de la fe y de la falta de fe. Hablan de muchas cosas importantes, pero la política está absolutamente ausente. Creo que la política ha colonizado todas las esferas de la vida. Eso es un gran problema, pues la vida es mucho más que política. Morlaix es una película ontológica. Reflexiona sobre el conocimiento de la existencia y sobre sus límites”. Se trata de jóvenes que pertenecen a la generación Z, pero que, sin embargo, se encuentran fuera de un ambiente urbano, ajenos a la hiperconexión que promueven las nuevas tecnologías y al bombardeo de imágenes de las redes sociales. Rosales prefiere abordarlos desde su interior, con sus preocupaciones y anhelos apareciendo en pantalla sin intermediarios y lejos de retratos más convencionales, aunque sin caer en el estereotipo. El suyo es un ejercicio de cinefilia que remite a los clásicos del cine francés, en particular a la nouvelle vague. Entre la intimidad, la reflexión filosófica y la experimentación.

A pesar de este amor por la cinematografía gala, la decisión de rodar una película en francés y en la región de Bretaña, por otra parte con fuerte vinculaciones al cine como paisaje reconocible, fue fruto de la casualidad. Los distribuidores en este país de Petra (2018), el anterior filme de Rosales, decidieron comenzar en Morlaix la gira promocional, y allí surgió el flechazo y comenzó a tomar forma la historia. “Morlaix es un hermoso pueblo dominado por un imponente viaducto que conecta las dos laderas del casco antiguo. No tenía lazos personales con Bretaña, ningún vínculo familiar, ni tampoco había visitado esa región con anterioridad. Tuve, sin embargo, la sensación inmediata de que ese lugar me hablaba y que debía hacer, algún día, una película allí. Cinco años después de esa visita, gracias a la fe de Jérôme Dopffer y de Àngels Masclans, los productores de la película, pudimos rodar Morlaix en Morlaix”.

MORLAIX (14 marzo)

A Contracorriente / España / 2025

Dirección: Jaime Rosales

Reparto: Aminthe Audiard, Samuel Kircher, Mélanie Thierry, Àlex Brendemühl

POR: DIEGO RUBIO / FOTOS: @ MARTININKK

LA RAPERA BARCELONESA ENFRENTA CARGADA DE AMBICIONES UNA NUEVA ETAPA EN SU CARRERA. ASENTADA DEFINITIVAMENTE EN MADRID , ENTREGA UN TRABAJO QUE ENTIENDE COMO UN GOLPE ENCIMA DE LA MESA Y POR EL QUE HA APOSTADO MUCHA PASTA Y MUCHAS NOCHES DE INSOMNIO . GRABADO EN ARGENTINA CON LOS PRODUCTORES DE TRUENO Y CA7RIEL & PACO AMOROSO, ‘QUEENS OF GROOVE’ REAFIRMA A LA SANTA RAPERA, PERO TAMBIÉN LA VE VOLAR EN MÚLTIPLES DIRECCIONES DIFERENTES Y DESPRENDERSE DE COMPARTIMENTOS Y ETIQUETAS.

Santa Salut lo tenía claro, ahora hará un año, desde el minuto uno: su próximo trabajo, el que iba a ser su primer álbum como tal tras dos mixtapes -Conversaciones internas (2019) y Discordia (2022)- que fueron cimentando su estatus en la nueva ola de raperos dogmáticos, iba a ser su proyecto más ambicioso. “Quería hacer un disco pesado, serio... Tengo una carrera superbuena, pero creo que puedo llegar a algo aún más grande, y ahí no se llega por suerte, se llega esforzándote y poniendo mucha pasta”. Salut Cebrià, nacida en Sabadell en 1998, es artista independiente, y si de algo sabe es de apostar por su

proyecto... y por sí misma. Con lo bueno y con lo malo, claro. “Tengo días de mucha ansiedad, en plan ‘Y si se me termina aquí la carrera’”, reconoce. “Es complicado porque tienes que estar muy segura de ti misma y tienes muchos momentos de duda: ¿Qué es lo que quiero yo? ¿Qué es lo que quieren de mí? ¿Qué debería hacer o qué no debería hacer? ¿Por qué estoy pensando qué debería hacer? Y más si eres overthinker como yo. Pero si te sale bien, independiente es la buena”.

Poniendo todo de su parte y con el apoyo de Snipes, su patrocinador, que le “ha ayudado a suportear un poco el disco”, finalmente Queens of Groove cumple las expectativas. Y el sueño de Salut de grabar en Argentina, en este caso además con dos productores de la talla de Brian Taylor (Trueno) y Neekl (Ca7riel & Paco Amoroso). “El primer viaje que hice a Buenos Aires me marcó muchísimo por cómo la gente trata a la música”, recuerda. “Allí todo el mundo escucha música y le da la importancia que tiene a la cultura como parte identitaria.

Así que estaba claro que si tenía el dinero y me lo montaba bien pues iba a hacer el disco ahí”. Es solo un reflejo de su naturaleza nómada: vivió en Londres con 20 años y ha viajado con la música a lugares que otros raperos underground de nuestro país ni sueñan con conocer -“México, Chile... Por Europa en Praga, Berlín, París, Italia, Grecia...-. En la capital británica ha currado con Times New Machine o Maverick Sabre. “Y me he planteado estar varios meses en Buenos Aires, porque cuando estoy allí me encuentro en una burbuja de felicidad constante. Y en Grecia también, además que hay una escena rapera supertocha, ahí hacen estadios los artistas de rap. Y es que allí tengo más éxito que en España, es increíble: en Grecia he tocado para 1.200 personas, que aquí no lo he hecho en mi puta vida”. Seguramente su aparición en la plataforma COLORS en 2021,

rapeando en catalán, tuviera mucho que ver, pero también reconoce que desde el principio ella y su equipo han enfocado mucho el proyecto hacia Europa. Ambición, ante todo. En ese camino, su último gran paso ha sido tomar la decisión de abandonar Barcelona y mudarse a Madrid. “Está todo aquí. Y en Barna estaba un poco aburrida, la verdad. No había ya casi cosas y aquí es todo el rato gente nueva, eventos... Al final, ahora en Barna si conoces a la peña de la movida es porque vienen a tocar y has hablado para conocerte. Estuvo muy bien cuando yo estaba empezando, hacia 2017, que al final nos juntábamos los de siempre en micros libres y había una escena; ahora mucha de esa peña tiene carreras hechas. Pero luego llegó la pandemia y ciao”. Ve la capital mucho más alineada con los proyectos de rap actualmente, pero eso no le hace perder ni un ápice de orgullo por la terreta. “Hay

gente haciendo cosas increíbles -Mushkaa, Julieta, Figa Flawas o Els Tyets- que está llevando el catalán internationally”. Pero eso no es rap, aunque utilice muchos códigos urbanos. Y lo que Santa ha hecho es un disco de rap. De rap, rap. “Quería hacer una colección de canciones de rap siendo fiel al boom bap en general, pero también dándole un toque fresco y que haya un poco de experimentación”, cuenta. Y aunque todo parta un poco -del título a la propia portadadesde un homenaje a la escena rapera de Queens en los noventa y al sonido Virginia asociado a The Neptunes, Timbaland y Missy Elliott, Queens of Groove rápidamente se abre a otros

Le pedimos a Santa Salut que elija para nosotros cuatro álbumes que han marcado su manera de entender el rap.

GZA

Liquid Swords (1995)

Con una narrativa fantástica y una ambientación oscura, el Genio se salió de la tangente de Wu-Tang Clan y entregó uno de los mejores discos de rap ever.

EVE Eve-Olution (2002)

Un álbum capital para el R&B alternativo a principios de los 2000, con Dr. Dre supervisando la producción y todo un cast de estrellas relacionados con el género en la época.

NINJA SEKTA

Super Ninjas (2004)

El debut del colectivo chileno, liderado por Subwoffer y Bubaseta, fue el blueprint para el rap de allí. Como King Kong Click, luego, doblaron la apuesta.

NELLY FURTADO

Loose (2006)

Uno de los trabajos que mejor supo aprovechar el impacto del inconfundible sonido de Timbaland y Danja en el mainstream... y en la música latina.

sonidos: al pop folclórico de la mano de Ana Tijoux, al punk emulando a unos Rage Against The Machine o a unos Limp Bizkit, a los breaks diluidos británicos, al bounce, al hardcore, al club. “Todo refiere un poco a música que a mí me gusta de los noventa y los dosmiles. Pero para mí Queens of Groove también narra lo que ha sido mi experiencia haciendo rap”, explica Salut. “Al principio te juntas en la calle con los colegas, luego tienes momentos más introspectivos y de bajona, hasta que se hace de noche y nos vamos a un garaje a subirla un poco, rollo más punk. Y luego ya nos vamos de fiesta”.

La fiesta, precisamente, ha sido fundamental para redondear un trabajo en el que Santa por fin ha sido capaz de equilibrar sus dos personalidades más fuertes: la rapera y la ravera. “Es donde más encontronazos tengo internamente, con el tema boom bap y experimentar un poco más. Siempre he hecho boom bap y se me encasilla un poco en eso. Y yo encantada, pero como que ya quiero un poco más, porque incluso yo como oyente escucho más cosas aparte de boom bap. Y al final eso se refleja en lo que tú creas”. Siempre ha escuchado música electrónica y la fiesta no le es ajena. “Mi primer festival de música electrónica fue de EDM, que ahora no lo trago, pero en su momento sí me dio fuerte, en plan Martin Garrix, Hardwell y esta gente. Iba al Sunlife, que eran unas fiestas de minimal que hacían. No fui de fiestas de hardcore hasta más mayor porque no tenía gente con quien ir, pero sí que escuchaba -y escucho- muchísimo hardcore. Y ya los clubs de techno, que es lo que más me gusta ahora. De hecho, estoy empezando a pinchar y es en lo

que más estoy, en la música de club tipo Berlín, Ámsterdam. Ojalá me hubiera comprado la mesa antes, la verdad. Me gusta mucho el schranz, y mezclarlo con cosas que te puedes cantar”. Experimentar desde el rap clásico sin perder la esencia está siendo una constante para toda esta generación que le está dando la razón a la resistencia, a Dano, a Elio Toffana, a Erik Urano y a tantos otros más, los que nunca creyeron en el rap dogmático como un compartimento estanco. Hoy esos dogmas están presentes, se reverencian. Pero también se subvierten.

“El rap lleva años poppin’ en todo el mundo, ya no solo en

QUEENS OF GROOVE (AUTOEDITADO, 2025)

EE UU. Y en Sudamérica es importantísimo: fui a tocar al Hip Hop al Parque en Colombia y es que en hora punta hay 100.000 personas. Son países con muchísima pobreza y muchísima violencia y, tío, tú hablas con la gente de allí y el rap y el graffiti es lo que les saca de eso”. Santa, realmente, siempre ha tenido la mente y el oído puestos a ese lado del charco, y a través de su colega Ander Draw, en Barcelona, descubrió toda la escena chilena, tan importante para ella: Movimiento Original, Bubaseta... “El rap español mola muchísimo pero no es lo que más he mamado. Al final la clave es encontrar tu sonido propio. Que se note que es mío”.

No Feelings / BEst Life / Amazonas / La presión / I Just Need Some Love / Ese lugar / Queens of Groove / ¿Cuánto falta? / Libre / VETE!!! / Divergente / Juno / Nena bonita CD / DIGITAL

“SIEMPRE

HE HECHO BOOM BAP Y SE ME ENCASILLA UN POCO EN ESO. PERO YO QUIERO UN POCO MÁS”

Ganar

“¿Me lo merezco? Sí. ¿Me lo merezco más que el resto? Sí, ¿no? ¿Ellos piensan que me lo merezco más que ellos? ¿Creen que es justo? ¿Están frustrados? A mí no me importa tanto, si a alguien le apetece más, que me lo digan, si a mí me da igual. Prefiero perder y estar tranquila. ¿Qué más da ser una perdedora? ¿A alguien le importa que lo sea aparte de a mí? Pero si a mí me da igual, ¿entonces cuál es el problema? ¿A mí me importa? ¿Contra quién compito? ¿Quién va a ganar el qué? ¿Cuál es el premio? ¿Este es el final?”.

POR: MARIAGREP

LE PEDIMOS A LA PROPIA MARÍA QUE NOS EXPLIQUE ALGUNAS DE LAS IDEAS QUE DAN ALAS A SU ÚLTIMO TRABAJO, ‘MARIAGREP IS NOT A CRIME’. UN ÁLBUM EN EL QUE DEFINITIVAMENTE ABANDONA LA INTIMIDAD Y ABRAZA UNA PRODUCCIÓN EXUBERANTE Y ELECTRÓNICA CON LA AYUDA DEL DÚO GALICIAN ARMY: LA NOCHE, DISTORSIONADA Y FESTIVA, SEGÚN LA ARTISTA GALLEGA.

FOTOS: ARANCHA BRANDON @ARBRICIAS

Llorar de fiesta

“Lo mejor que puedes hacer. Liberación, regulación emocional, alineación de chakras, calma, tranquilidad, pausa. Nadie se acuerda al día siguiente, nadie te pregunta nada, todo el mundo te deja tu espacio, nadie te mira, a nadie le da curiosidad por qué lloras, nadie teoriza sobre por qué lloras, nadie se inventa y le dice a la otra gente por qué lloras. Lloras por alguien a quien le importas un montón, está ahí contigo, apoyándote, siendo tu pilar, tu confidente, ofreciéndote un pañuelo y secándote las lágrimas. Al día siguiente tienes la piel renovada, una sensación pura. Puedes volar, casi tocar el cielo. Siempre dices: 'Menos mal que ayer lloré mucho y que todo el mundo me vio llorar, seguro que sintieron mucha empatía y compasión. Hoy ya nadie se acuerda y me siento superbien. Fresh. Es lo mejor que pude haber hecho'”.

‘Cartoon Darkness’

AMYL AND THE SNIFFERS

“El vómito de absolutamente todos los pensamientos que pasan por una cabeza no muy tranquila en una semana. Una sensación de ganas de MÁS. Salir a la calle con el paso muy decidido y la falsa sensación de un destino claro. Gritar con todo lo que tienes para quedarte sin nada. La personalidad, el mal gusto. Diversión y juego. Rabia y dolor. Humor ante el desastre. CATARSIS. Obra maestra. Un disco que me gustaría haber escrito yo”.

Discutir

Noche

“Me remito a la canción Me and The Girls del mencionado disco de Amyl and the Sniffers:

Skip forward a couple of hours

I’ve had ‘bout eight too many shots I am crawling home

I’m going past the shops

Get a bag of chippies and a snack

If I make it home, well, I’ll get fat

‘Cause I wanna lay in my bed while I’m wasted

Tomorrow, I’m gonna have a dead head

Then I will wake up again

Pick up my phone, get the headache

You’ll be knocking on my door to get working

I’ll be thinking “fuck this jerk”

And again, it goes around

Never learn my lesson in this town

Wanna go party all the time

Everything else keeps me in line”.

El monte

“Voy caminando y solo pienso en el ruido que va a hacer mi siguiente pisada. crsh. Voy a pasar por encima del charco, me voy a resbalar con el musgo de la roca, me voy a mojar, me voy a caer. Aquí nadie me mira. ¿El árbol será muy áspero? ¿Estará pegajoso de savia? ¿Me va a dar asco? Si respiro fuerte, ¿de qué planta predominará el olor? Voy a llegar a casa cansada y me voy a dar una ducha ardiendo, que me deje la piel roja. Pienso si alguien habrá pisado justo exactamente cada sitio que yo pisé, si seré la primera persona en millones de años que toca esta piedra, si seré la última en tocarla jamás. Si algún día va a desaparecer. Si algún día voy a formar parte de él”.

MARIAGREP IS NOT A CRIME (RASO ESTUDIO, 2025)

123 YA! / Mi atención / Gafas de Ferrari / Una balada más / Cogollito / Otra noche / Tempo II / Te grité / Actitud / Basura

DIGITAL / LP

en público

“Me estaba costando pensar en un momento en el que haya pasado por esto. Ya son pocos los recuerdos y mi mente los intenta hacer aún más pequeños. Luego me di cuenta de que precisamente mi canción Te grité viene muy al caso. Qué risas las discusiones en público. Soy presidenta del club de fans de toda la gente que no tiene absolutamente ningún reparo en ponerse a gritar en público cosas que, a mi entender, son de carácter completamente privado y nunca deberían pasar a otro plano. Sí, normalmente son momentos incómodos para todos los allí presentes, pero es ese tipo de sensación que se hace amarga en el momento, sufrida, tediosa, pero que te mantiene viva, te deja con ganas de más. Quiero escuchar cada palabra, quiero saber contexto, que desplieguen el lore del asunto, necesito ponerme de parte de alguien, necesito que gane quien tiene LA RAZÓN”.

Sudor

“Una vez, una muy querida amiga mía (E.) estaba viendo Los Soprano y le llamó la atención algo en lo que yo nunca había pensado. Adriana La Cerva (Drea de Matteo) es representada como una mujer canónica y convencionalmente atractiva, sale con unos outfits increíbles, es inteligente, guapísima, impresionante... y con ¡¡marcas de sudor en las axilas!! La primera vez que yo me fijé fue en el 4x2, cuando van a Nápoles. Una victoria más para el Club de Personas Con Cuerpos De Seres Humanos Adultos Que Cumplen Sus Funciones Naturales De Forma Normal. Con lo divertido que es todo lo que te hace sudar”.

ISSHO MANGA

POR: ALEJO CORREA / ILUSTRACIONES: CORTESÍA

PLANETA CÓMIC Y OTROS TRES EDITORES DE MANGA EUROPEOS IMPULSAN EL NACIMIENTO DE ‘MANGA ISSHO’, UNA REVISTA CON PERIODICIDAD TRIMESTRAL Y VOCACIÓN DE SER LA ‘SHŌNEN JUMP’ DE NUESTRO MERCADO. UN LUGAR DE CONFLUENCIA PARA LOS MEJORES ARTISTAS DEL ESTILO EN NUESTRAS FRONTERAS COMUNITARIAS, DESMONTANDO BARRERAS IDIOMÁTICAS Y DESARROLLANDO HISTORIAS INÉDITAS Y PROPIAS. LO COMENTAMOS CON ALGUNOS DE LOS MANGAKAS ESPAÑOLES QUE NOS REPRESENTAN EN ESTE PRIMER VOLUMEN: SARUTAKA, XGREEN Y DRAWILL.

El mundo del manga y el anime se expande por todos los rincones del planeta. En los últimos años, el fenómeno ha ido permeando en el imaginario colectivo y motivando a muchos artistas a querer compartir sus historias. El resultado de esos sueños, en Europa, confluye en la revista MANGA ISSHO, donde los lectores se sumergirán en una estimulante selección de capítulos de varias historias manga creadas exclusivamente para la publicación. Una Shōnen Jump, vaya, pero pensada para el mercado europeo.

En 2019, de la mano de la editorial Planeta Cómic, nacía Planeta Manga, una revista al más puro estilo japonés que ofrecía al lector historias cortas y series de todos los géneros. Alexandra Pierres Sánchez, editora del proyecto, nos comenta que desde la editorial se “estaban dando cuenta de que en España había mucho talento que, por desgracia, se veía obligado a trabajar en otros mercados como el americano, el francés o el japonés para poder construir una carrera sólida”. El fenómeno Planeta Manga fue un éxito rotundo: se convirtió en un top ventas, los autores tenían sesiones de firmas larguísimas… Así que, como explicó la editora, ese mismo año decidieron enseñar en la feria del libro de Frankfurt el proyecto a editores internacionales. Tras ello, pensaron que sería una gran idea poder realizar una Planeta Manga de la mano de diferentes socios europeos. Finalmente se sumaron al proyecto las editoriales Kana (Francia), Altraverse

“SE NECESITA MUCHA FUERZA DE VOLUNTAD, TIEMPO Y CARIÑO PARA DEDICARSE AL MANGA”

Con experiencia ya amplia en el campo del arte digital, Sarutaka es mitad española, mitad japonesa y vive actualmente en Kanagawa, cerca de Tokyo. Curiosamente el mismo lugar donde sitúa su Gran ola el mítico pintor Hokusai, exponente del ukiyo-e.

“ES IMPORTANTE ASEGURARSE DE PLASMAR BIEN LAS EMOCIONES QUE QUIERES

TRANSMITIR AL LECTOR”

Eva Viedma (Tarragona, 2001) es XGreen, joven artista reconocida por su uso del color en páginas e ilustraciones, herramienta que usa para darle magia a sus mundos de fantasía. Ha publicado Krymsoul o Bloodmancer en Planeta Cómics.

(Alemania) y Star Cómics (Italia)... ¡y así nació MANGA ISSHO! Esta nueva revista simboliza la cooperación transfronteriza entre las principales editoriales de manga de Europa y representa la diversidad y el potencial creativo de la escena manga europea. Algo que está implícito en el propio ADN del proyecto, ya que “issho” significa “juntos”, y su eslogan es “Let’s do it ISSHO!”. MANGA ISSHO se publicará trimestralmente a partir del 26 de marzo de forma simultánea en los países participantes en sus respectivas lenguas a través de librerías y tiendas online. Su primer número, recogido en más de 300 páginas con un tamaño de 165 x 240 mm y presentado en formato oriental, demuestra cuánto potencial creativo hay en Europa, y lo diversa que se ha convertido la producción de manga en nuestro continente, con una muestra de 14 historias completamente nuevas provenientes de 18 autores. La alineación inicial del proyecto cuenta con los italianos Cab y Federica Di Meo, Denise Coraggioso, Claudia Cocci, Fausto Chiodoni, Ilaria Catalani, Ivana Murianni, Matteo Bussola y Matteo Filippi; los franceses Reno Lemaire o Mx Loboto; y alemanes como Dominik Jell, Gin Zarbo o Youness Miran. Drawill, Santi Casas, Sarutaka y XGreen, por su parte, serán los encargados de representar a España en el primer número de MANGA ISSHO.

Planteada como una revista para todos los públicos,

Alexandra Pierres explica que cada mes los cuatro editores europeos, Joachim Kaps (Altraverse), Timothée Guedon (Kana), Cristian Posocco (Star Comics) y ella misma, tienen “una reunión para decidir el contenido de cada uno de los números. El objetivo es hacer una revista equilibrada en la que haya todo tipo de géneros: romance, aventuras, thriller, terror… De esta forma todo el mundo la puede disfrutar e, incluso, se le dan oportunidades a géneros no tan populares”. Y de esta forma el cuarteto de autores hispano presenta historias que encajan en géneros completamente distintos. Drawill contará su historia corta Black Sand, un relato de acción y mitología egipcia: desde tiempos antiguos, el reino del faraón ha venerado a sus dioses. Gracias a ellos, la tierra pudo mantener la paz y la seguridad. Pero un día, uno de los dioses, Vorax, se volvió contra los demás. Ahora, transformado en un demonio y fortalecido por la arena negra, él y sus seguidores amenazan con destruir el imperio. El autor explica que su punto de partida es “crear una situación fácil de entender, con el contexto necesario para dibujar escenas impactantes y que tengan sentido”.

“SIEMPRE ME HA FASCINADO LA MITOLOGÍA

EGIPCIA. PODER HACER ONESHOTS

TE PERMITE DESARROLLARLO”

Primer premio en el Salón de Manga de Barcelona 2019 con El que no corre, vuela, Guillem Casasola (Barcelona, 1995) es Drawill. Ha colaborado con Wade Otaku en Blood Moon (Norma Editorial), y actualmente serializa Aten en Planeta Manga.

Santi Casas apuesta por El último trofeo, una historia corta de aventuras en la que Marcia, hija de un gran jefe, es moneda de cambio para ampliar el poder de su padre. Para huir de su destino tendrá que demostrar su valía y cazar la gran bestia que se esconde en el bosque.

Sarutaka, por su parte, presenta Next Stop: Afterlife, historia fantástica protagonizada por Ao, un demonio que trabaja a cambio de respuestas sobre la vida en un tren que recoge las almas de los difuntos; su objetivo final es experimentar algún día ese maravilloso milagro llamado vivir. La autora busca “interpretar de forma gráfica la reacción de alguien que descubre que está de camino al más allá, y qué se encontraría durante ese trayecto”.

colaborado anteriormente para Planeta Manga, pero todos comparten una visión parecida de este nuevo proyecto. “Está formado por trabajos de artistas con diferentes trasfondos culturales, lo que da lugar a historias y estilos artísticos algo diferentes del manga japonés tradicional”, comenta Sarutaka. “Ver diálogos que he escrito traducidos a otros idiomas se me hace un poco surrealista, pero es algo muy positivo, ya que a los autores nos permite llegar a un público muy amplio”. Coincide con XGreen: “Ya no habrá barreras idiomáticas que nos separen; ahora podremos descubrir y disfrutar a muchos más artistas, aquellos que quizás nunca imaginamos poder leer”. “También puede ser un gran motivador para futuros mangakas, además de servir para descubrir nuevos talentos”, completa Drawill. Es una de las grandes ventajas de que el proyecto también esté abierto a oneshots, historias autoconclusivas.

Por todo ello MANGA ISSHO es un proyecto sin precedentes, único. Una increíble manera de conectar el talento europeo y crear una comunidad de lectores del viejo continente, a partir de una máxima: ofrecer nuevas narrativas para el manga que, al tiempo, se mantengan files al espíritu del cómic made in Japan.

Y, por último, XGreen hace de Bloodmancer el prólogo a su BL (Boys Love) de fantasía sobrenatural. En él conoceremos a Kronos, un nigromante de gran corazón, pero repudiado por el mundo y cuya vida se desmorona tras la desaparición de su alma gemela: su esposo Ethiel. Impulsado por la incertidumbre y el dolor, se embarca en una búsqueda desesperada de respuestas… Los cuatro autores nacionales habían

M A R ÍA YFEU

TRAS UN PRIMER ÁLBUM, 'SANTO AMARO', QUE DE LA MANO DE UNA MULTI LA LLEVÓ POR CAMINOS INCIERTOS, MARÍA YFEU NO SOLO VUELVE, SINO QUE REINICIA SU CARRERA CON ‘HAZ LO TUYO’, UN NUEVO TRABAJO

QUE ES TANTO DESAHOGO COMO REAFIRMACIÓN.

SE TRATA DE UN DISCO ÍNTIMO, DESNUDO, HONESTAMENTE BRUTAL, EN EL QUE LA ARTISTA SEVILLANA SE ABRE EN CANAL, Y CON EL QUE CONSIGUE ENCONTRAR UN REFUGIO EN EL QUE, POR FIN, PUEDE SER COMPLETAMENTE ELLA.

POR: RICARDO RUIZ VARO / FOTOS: ANA WEDFRY

“ES UN RECOMIENZO PORQUE SOY MÁS ADULTA. YA NO ESTOY DEVASTADA NI PERDIDA, SINO CON LOS PIES EN EL SUELO”

El lanzamiento de un primer disco es el gran momento del comienzo de una trayectoria musical. Es como uno se espera que debe ser su primer amor: ilusionante, intenso, emocionante… Pero, en muchas ocasiones, ese primer paso puede ser también un pequeño tropiezo, un reflejo distorsionado de lo que tendría que haber sido. María Yfeu lo sabe bien. Tres años después de Santo Amaro, la sevillana regresa o, mejor dicho, recomienza con un segundo álbum “debut” de nombre muy potente y liberador, Haz lo tuyo. “Es un disco muy de autor: cuando empecé a escribirlo, venía de una situación muy dura, donde todo había sido forzado”, reconoce María. Este segundo álbum le ha servido para dejar atrás todo aquello. “Empiezo haciéndolo por la necesidad de expresarme. Como una terapia para aceptar muchas cosas malas que me han pasado, que yo he hecho mal o en las que me he equivocado”. Varias de esas situaciones están relacionadas con su primer álbum, producido en plena pandemia: “Teníamos los arreglos, teníamos todo preparado, entramos a grabar y llegó el COVID”. Pero no fue el único inconveniente que rodeó a Santo Amaro. “Tenía mucha ilusión, muchos principios, muchas ideas y mucha intuición”, recuerda María. Pero, con el tiempo, esa seguridad se fue desdibujando. “Llega un punto en el que estás tan atascado que, para desatascarte, vas quitándole peso a tu intuición”. Y así, casi sin darse cuenta, empezó a ceder. “Venga, vale, me quedo con lo que me dice no sé quién. Venga, vale, firmo con no sé cuántos… Lo hice solamente por el hecho de poder decir: ‘Tengo un disco debajo del brazo, ya no me impide hacer el siguiente’”. Mirando atrás, no lo considera un error en términos de cómo quedó el álbum, sino en algo mucho más profundo: su propia estabilidad. “Cuando digo error, no me refiero a que el disco haya salido mal, sino a mi tolerancia, a mi salud mental”, confiesa. “Sí que he estado mucho tiempo castigándome por haberme vendido en cosas que intuía que no tenía que hacer”, reconoce muy honesta. Ahora María Yfeu quiere dejar atrás todas esas malas vibraciones y redimirse con un álbum que ella misma considera un nuevo “debut”. “Creo que es un recomienzo porque ahora soy más adulta. No estoy devastada ni estoy completamente perdida, sino que me encuentro con los pies en el suelo. He hecho las canciones que quería hacer y tengo la suerte de que las puedo sacar”, asegura orgullosa. El planteamiento de inicio era claro. “Empecé a hacer este disco pensando que no hacía falta siquiera que lo llegara a escuchar alguien”, explica. El resultado ha

sido un álbum epistolar, en el que cada una de las canciones funciona como una carta dirigida a una persona concreta y a una situación muy explícita para ella. “Es un viaje por mis experiencias, por mi vida, por mis acontecimientos, por eso me parece que es un disco hiperpersonal”. En él están muy presentes conceptos como la pérdida o la superación, así como una tristeza que impregna la mayoría de las canciones tanto en la letra como en la melodía. No es un álbum optimista, sino realista. María se ha abierto en canal y lo ha plasmado en diez canciones que han dejado atrás el jazz de Santo Amaro para acercarse a un estilo más pop de corte lo-fi y ambiental, al estilo de Okay Kaya o Soccer Mommy. “Aunque hay aspectos que permanecen del anterior, en este disco estoy cerca de un sonido más personal”, concluye. Hacer un disco tan íntimo no es tarea fácil. “El proceso de composición fue un momento de resignificación de mi manera de hacer música y de mi creatividad, de búsqueda de la desinhibición”. Aunque confiesa, “no ha sido tan complicado hacerlo como enseñarlo. Cuando acabé las canciones, sabía que era un disco muy mío, repleto de cosas personales, así que cuando se lo enseñé a Raúl -Raúl Pérez, de La Mina, productor del disco- me dio… vergüenza”. Pero tenía que hacerlo. Haz lo tuyo ha sido un mantra para María desde el principio. “En un mundo en el que estamos súper saturados de estímulos, en el que todo el tiempo estamos buscando resignificarnos y compararnos, hacer lo tuyo es no quedarte quieto, no estancarte en las comparaciones, que normalmente tirarán de ti hacia abajo”. Ante estas dinámicas, María propone otra actitud: “Ponerte unas anteojeras, como los caballos, y tirar para adelante con lo que tú haces y tal como tú lo haces”. Y también se apropia del espíritu del do it yourself, aplicándolo a su propia experiencia como artista independiente. “Cuando vienes de un proyecto pequeño, te enfrentas a situaciones en las que muchas veces tienes que pelear con gente o agarrarte a cosas que no te gustan tanto”. Ahora, con el nuevo disco en la calle, María siente que algo ha cambiado en ella. Ya no se castiga por el pasado ni se reprocha las decisiones tomadas. En su lugar, ha aprendido a escucharse, a confiar en su instinto y a seguir adelante sin compararse con nadie. “Tengo las cosas, no más claras, pero sí estoy más tranquila. Soy mejor persona conmigo misma, soy más agradecida conmigo y con la gente de mi alrededor. Valoro más y veo más la dificultad de todos los procesos. Ahora, cuando los termino, soy capaz de apreciarlo de otra forma”.

HAZ LO TUYO (RASO ESTUDIO, 2024)

Cógelo fuerte (antes de que cambie) / Lo que pasó / Haz lo tuyo / Nunca pierdas nada / DHETLN / Suerte / Que te follen / Nada es para siempre (Así) / Dime que no / C: VIEJOS

DIGITAL

Asistente: Luis Calvo Hernández

Estilismo: Irene Cuesta

Maquillaje: Denisse Flores

Dirección Creativa: Teo Lucadamo

POR: ANNA PÉREZ

TEO LUCADAMO ES ÚNICO EN SU ESPECIE RAPEA, CANTA, PRODUCE Y LIDERA SU PROYECTO DESDE UNA VISIÓN CREATIVA EN LA FINA LÍNEA ENTRE LA SÁTIRA SURREALISTA Y TEATRAL Y INTIMIDAD MÁS ARTÍSTICA. UN AÑO Y MEDIO DESPUÉS DE SU PRIMERA MIXTAPE ‘LUCADAMNSON: FUERA DE SU JAULA’ (2023), ESTE MARZO PRESENTA SU PRIMER DISCO : ‘EL DILEMA DEL RAPERO BLANCO ’ (UNIVERSAL, 2025).

FOTOS: ADRIÁN CUERDO

“T

eo es un privilegiado: hombre, blanco, de clase acomodada, nepo baby y viene de la mano de una multinacional”. Es una de las definiciones de Teo Lucadamo que nos llega directamente desde Universal, la discográfica del artista. Uno de los grandes hándicaps de los cantantes, especialmente cuando hablamos de terrenos históricamente reacios al trato con las grandes corporaciones como el de las músicas urbanas, es la pérdida del control sobre su proyecto tras fichar con una discográfica. Por eso, es interesante ver cómo el hijo de Aitana Sánchez-Gijón -como se referiría a Teo Lucadamo cualquier tabloide que se precie- le da la vuelta a la situación desde el primer acercamiento a su nuevo proyecto. Teo Lucadamo persona es el CEO de Teo Lucadamo artista: maneja, coordina, y literalmente me lo ilustra en esta entrevista. Desde su ordenador, me comparte un Canva infinito en el que paso por paso me explica cómo ha gestado durante este último año su primer álbum, El dilema del rapero blanco. Un brainstorming, un mapa conceptual con todas las inspiraciones para las letras, un mood board sobre cómo quería hacer los videoclips e incluso un collage de él mismo y la ropa que se pondría en cada video. “En un inicio teníamos presupuesto para tres videoclips y diez visualizers… Pero, claro, los visualizers no son videoclips en sí. Entonces tuve que presentarle a Universal un planteamiento para que vieran que, con buena organización, todo era viable. Ahora acabo de exportar un par de videos, que pesan 20 gb cada uno, ya sabes…”, explica mientras me enseña diagramas de tiempo. El artista ha coordinado la propuesta estética así como los videoclips a la par que trabajaba en las canciones de la mano de su inseparable amigo y productor Roy Borland. La dupla de Roy y Teo es indisoluble. “Ya llevamos años trabajando juntos y es muy fácil. Lo que me queda por decir de él es que es el eje de una escena. El proyecto de Tristán, Teo Planell, Azuleja, el mío propio… Roy Borland está detrás de todos ellos, todo lo que crea Roy desde su estudio El Royale resuena mucho conmigo, y me siento orgulloso de estar cerca de ellos”. Para Teo, el álbum es la consecuencia lógica de lo que venía haciendo junto a Roy. “Nos encanta el rap y nos gusta mucho este tono serio e irónico, bello pero crudo. Para mí respira una atmósfera de un disco que te pones con la luz del día, que tiene muchos matices. Acordes, arreglos, baterías

TABLERO DE INSPOS

El artista ha vertebrado un universo propio para este álbum inspirado en una gran cantidad de movidas, conceptos e ideas en un lienzo gigantesco en el que se mezclan referencias visuales, temáticas para las letras así como tiempos de producción.

muy secas, de golpe un sintetizador para darle una atmósfera más onírica o samples muy choppeados… Mucha parte musical surge del gran entendimiento entre Roy y yo, producido desde cero en conjunto… Salió muy fácil”.

El rap, así, es el eje vertebrador del álbum, que sin embargo fluye también entre sintetizadores, alguna que otra sirena y brillos jazzeros. Para esto último ha sido fundamental la colaboración de Escandaloso Xpósito, el mítico saxofonista de jazz presente en proyectos de rap patrio como Kase.O Jazz Magnetism. Pero más destaca la presencia del OG barcelonés Mucho Muchacho, líder de 7 Notas 7 Colores. “Tener un tema con Mucho Muchacho es conocer a tu ídolo. Para mí, el álbum tiene mucho que ver con el síndrome del impostor y cómo me siento rapeando…, de ahí el título y tal. Así que tener una colabo con el más rapero de España era al mismo tiempo necesario y difícil. Yo sigo pensando que soy un pringao, y desde fuera hay muchos registros en los que no me veo del todo cómodo rapeando. Así que al principio mi síndrome del impostor llegó a otro nivel de rayada. Fue muy surrealista, la verdad. Pero también la hostia. Yo he ido desarrollando mi estilo en base a él, realmente. Al principio escuchaba rap más lírico, con frases que tuviesen en cuenta la métrica y esas cosas. Pero Mucho Muchacho hacía un estilo muy libre y me hizo dar un paso hacia adelante en mi rap, porque lo que he hecho es básicamente copiarle el estilo e investigar mucho con mis registros… Su referencia es determinante para mí”. Aunque su visión del rap no sea hermética, reconoce que está centrado en tirarlo desde un profundo respeto y entendimiento. “Todo el mundo tiene ahora millones de referencias que terminan en un batiburrillo de géneros y estilos que a mí, por lo general, no me interesa. Esta fusión arbitraria y no demasiado profunda en la que pones un ritmo de drum'n' bass y unas melodías de reguetón por encima... Es música muy de moda y comercial que suele carecer de trasfondo. Para mí, el reto es hacer un género clásico, porque parece que hemos llegado a un punto en la historia de la cultura en que todo el mundo está mirando atrás en plan: ‘Mierda, ya lo hemos hecho todo, son todo refritos’”. En busca de esa actualización del clasicismo, también colaboran en el álbum Ciutat. “Junto a ellos pudimos encontrar ese concepto en torno a la sexualidad, en cómo nos relacionamos con el sexo y esos traumas que podemos tener y que nos hacen comportarnos de cierta manera o seguir

Las artes plásticas mixtas se palpan en toda la estética, desde collage, hasta mural pasando por animaciones e ilustraciones con una estética naïf. “Tenía claro que debían estar presentes”.

“EL ÁLBUM TIENE MUCHO QUE VER CON EL SÍNDROME DEL IMPOSTOR Y CÓMO ME SIENTO RAPEANDO. POR ESO TENER A MUCHO MUCHACHO, EL MÁS RAPERO DE ESPAÑA, ERA A LA VEZ NECESARIO Y DIFÍCIL”

Teo siempre ha sido muy de Lego. En este proyecto los usa para representar las escenas más surrealistas en el video de Llamadas o para orientar toda la dirección creativa y el arte.

La estética del director Michel Gondry es una clara referencia en su nuevo proyecto. “Me inspiró muchísimo el videoclip de Walkie Talkie Man de Steriogram. Me voló la cabeza”.

“El video Eminem and the white rapper problem del youtuber F.D Signifier pone el foco en los raperos blancos que fueron determinantes para que el hip hop se convirtiese en fenómeno global”.

Mucho Muchacho (El Prat, 1976) es uno de los padrinos del rap español. Con 7 Notas 7 Colores, su inconfundible estilo cargado de ironía marcó el devenir del rap en castellano.

ciertos patrones, pero que cierra con un mensaje de esperanza de que todo pasa, que existe una cura para esto”. Es uno de los temas por los que fluye el disco, que repasa los pilares principales de la vida actual de Teo -esto es: sexo, amor, masculinidad, familia y éxito- tratados con storytelling divertido y muchas veces surrealista. Pero todo parte de algo mucho más casual: después de que Roy encontrara un largo video sobre la evolución del rap y el papel de los raperos blancos en un género originariamente afroamericano, a Lucadamo le vino la inspiración. “Un componente muy importante de este álbum es que busca la sinceridad. El dilema del rapero blanco me baja los pies a la tierra y me hace ver que no hay nada más respetuoso que entender de dónde viene el arte, informarse al respecto y nutrirte sobre ello para poder hacer hip hop, para poder hacer un tributo a este género que me gusta tanto”. Este dilema no está en debate actualmente en España. “Los raperos aquí somos prácticamente todos blancos, pero no creo que sea eso. España es un país que va muy a la suya, los conceptos y términos que ahora se llaman ‘woke’ de forma despectiva son temas que la peña de aquí… como que no se en-

tera mucho. O sea, al final en España no hemos vivido la convivencia entre razas que han tenido en EE UU, y aunque haya habido el mismo nivel de racismo o más, no se ha vivido igual porque el hip hop es una cultura importada. Lo que nos ha llegado ha sido por Internet, en su momento por la MTV, y es una idea mucho más romantizada. No partimos de la base de que nuestros abuelos vivían en una sociedad segregada. Yo creo que aquí existe una diferenciación entre los raperos que son calle y los que van de calle, ¿sabes? Han pasado décadas y ahora aquí el hip hop lo ha cubierto todo, se ha ido dulcificando y apastelado mogollón, pero todos hemos bebido de esa estética y de la cultura de Internet. La gente ahora tiene otras cosas en las que pensar”.

Al cerrar este primer álbum, Teo vuelve a amenazar con la espantada. “En la mixtape hice lo mismo, como diciendo: ‘Mira, yo ya no puedo más, que esto se acabe ya rápido’. Es el síndrome del impostor atacando, preguntándose: ‘Esto es patético, ¿qué estamos haciendo todos rapeando? Hay que hacer jotas'”. Apropiándose del género que sea, seguro que, a la hora de plantear nuevos dilemas, Teo tiene cuerda para rato.

EL DILEMA DEL RAPERO BLANCO (UNIVERSAL, 2025)

Simon / Tengo un amor / Calcula / UMG / Superdope / Interludio - Un abrazo / 360 / Sabes lo que es / Buen día / Con esta cara, con este pelo / 6PM / No voy a llegar / Llamadas / Te vas a curar

DIGITAL / LP

Tarek Atoui

POR: DIEGO RUBIO

FOTOS: LOURDES CABRERA

EL ARTISTA Y PERFORMER SONORO LIBANÉS ESTRENA EN EL MUSEO THYSSEN, Y DE LA MANO DE TBA21, ‘AT-TĀRIQ’, EL RESULTADO DE UN PROCESO DE COMPILACIÓN DE FRAGMENTOS PROCEDENTES DE DISTINTAS TRADICIONES MUSICALES DEL MUNDO RURAL DEL ATLAS, PERIGUIENDO LAS DISTINTAS DIÁSPORAS DEL PUEBLO ÁRABE DESDE EL MEDITERRÁNEO HASTA ORIENTE PRÓXIMO. CON ELLOS, Y CON LA COLABORACIÓN DE OTROS MÚSICOS, HA DISEÑADO UNA PIEZA QUE SE MATERIALIZA SOLO A TRAVÉS DE LA INTERACCIÓN DEL SONIDO CON DISTINTOS MATERIALES, SOMETIDOS AL CALOR DE LA LUZ O AL CONTACTO CON LA ROCA, LA MADERA, EL AGUA.

En 2015, Tarek Atoui hizo el petate y se marchó al Atlas a recopilar sonidos, grabaciones, fragmentos, tradiciones sonoras..., a descubrir materiales y técnicas de artesanía. Puerta por puerta. El nombre de la exhibición que estrena diez años después en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid de la mano de TBA21, At-Tāriq, incide precisamente en esa idea: “La estrella de la mañana”. El viajero que llama a la puerta en plena noche ávido de conocimiento; el huesped que le acoge sin preguntar, como Lot hizo con los ángeles antes de la destrucción de Sodoma en el relato bíblico. Es la primera parte del que ha sido su gran proyecto vital, una exploración de las diásporas africanas desde Marruecos al Golfo Pérsico por la cornisa mediterránea a través del sonido. Con todo lo recopilado, y con la colaboración no solo de todos y cada uno de los músicos que, indirectamente, han aportado algo a este continuum, sino de otros artistas profesionales de distintas partes del mundo, ha confeccionado -“fermentado”, diría él- una pieza única de una hora y media que no está diseñada para escucharse de forma convencional, lineal, sino que se despliega horizontalmente a través de distintos materiales y artesanías tradicionales de las regiones del Atlas. “Pruebo los materiales, interactúo con ellos de una forma totalmente inocente y abierto a la

sorpresa, y ellos me dicen la dirección que tengo que seguir. Mi trabajo esencialmente es una invitación a escuchar, y las composiciones son dinámicas en el espacio, en el sentido de que puedes caminar entre ellas y escoger tú mismo qué quieres escuchar. Requiere que la gente se comporte de forma activa en el modo en el que escucha”, reflexiona el artista libanés de 45 años. Es un cerebro. Un organismo vivo que respira. “Todo está conectado a un software específicamente diseñado para esto, que coordina los movimientos de los instrumentos a través de algoritmos. Así que realmente no hay fragmentación, solo una dispersión espacial. Pero todo está interactuando constantemente en el conjunto”, explica.

El espacio, inspirado en los majlis árabes, salones musicales destinados a reuniones festivas, bodas, recitados de poesía o encuentros más solemnes, representa esa idea de hospitalidad que Atoui se ha encontrado a lo largo de sus viajes, que inicialmente iban a quedarse en el Atlas y terminaron llevándole mucho más allá, colaborando por el camino con distintas instituciones y comisarios artísticos, incluida una Daniela Zyman que desde el primer momento tuvo claro que quería formar parte, en representación de TBA21, de este proyecto que más bien es un viaje y una exploración de la vida en sociedad en movimien-

“CERRAR

LAS FRONTERAS, PROTEGERSE, ES LO MÁS ESTÚPIDO QUE PUEDE HACER UNA CULTURA”

to. Él mismo ha cambiado durante el proceso, ha ampliado sus perspectivas y ha entendido mejor las dinámicas de la cultura en su naturaleza eminentemente expansiva. La idea de grabación, en sí misma, le ha obsesionado. “Gran parte de la tradición cultural árabe del norte de África está transmitida de forma oral, no está recogida para ser preservada, lo que la hace permeable a los cambios, se va adaptando a los distintos tiempos. Las letras pueden cambiar, los instrumentos también, las percusiones. Eso hace también que sea muy difícil de sofocar por el imperialismo y el colonialismo. No es tan fácil como quemar bibliotecas o destruir archivos”.

Todas estas obsesiones en cuanto a la transmisión y entendimiento del sonido han marcado la trayectoria de Tarek Atoui. Empezó muy joven pinchando hard techno, atraído por la energía de todo aquello, pero fue el sonido lo que le hizo clic. “Siempre me ha interesado el sonido y la fenomenología que lo rodea, y desde ahí empecé a estudiar el sonido, no la música en sí misma como en unos estudios convencionales. También me ha interesado mucho la performance en directo y la improvisación, mucho más que una composición prefijada. Y a través de eso he ido aprendiendo no solo técnicas de edición y grabación, también formas de programación y de computerización. Quiero que mi sonido sea original y propio y no dependa de herramientas, plugins o software

At-Tāriq

predefinidos. Que pueda ser creado desde la nada. Todo ha sido una exploración constante del sonido desde entonces. Esta búsqueda me ha llevado a descubrir la materialidad de la música desde lo digital, y de ahí poder recorrer el camino inverso hacia lo histórico y lo ancestral. He trabajado con artesanos que fabrican distintos tipos de instrumentos de muchos materiales diferentes...”. Y lo más llamativo, ha decidido no participar de los circuitos habituales de la música experimental y no funcionar como un músico al uso, inclinándose más hacia la performance sonora y la museística, haciendo suya esa idea de que la música no pueda ser grabada y reproducida de un modo esencialmente mercantilista. “No he seguido un proceso de aprendizaje convencional en la música. Y me he planteado muchas veces cómo funciona el mundo y la economía de la música, en términos de producir álbumes, hacer giras... Un músico actualmente tiene que estar constantemente activo, produciendo todo el rato, para que la gente no se olvide de él. Lo he visto en amigos míos y gente con la que he trabajado: tienes que estar constantemente viajando para pinchar o dar conciertos, luego para grabar porque tienes que sacar rápido otro disco para volver a girarlo... No me gusta eso, para ser honestos. No es la vida que quiero vivir. Quiero usar el sonido como una forma de aprender sobre el mundo, de conocer nuevas personas y descubrir otras culturas. Si trabajara bajo los parámetros de la industria musical iría corriendo de lado a lado sin pararme a descubrir nada. En el arte encontré otro ritmo, otra manera de entender el espacio y la invitación a él. Tampoco entiendo muy bien que los circuitos de música experimental -y no siempre, pero sí en muchos casos- tengan que seguir la misma estrategia que la industria del pop e intenten existir en sus mismos términos, porque nunca vas a hacer el mismo dinero que hace un artista tocando en estadios y editando sus discos por millares en una multi, que además tiene una comunicación potente entre sus estrategias”. Tiene para todos, pero realmente es un hombre tranquilo y muy reflexivo con mucha atención por el detalle y mucho respeto por el sonido y por las tradiciones humanas: en la exposición encontrarás alfombras hechas con hebras de azafrán podrido, dándole un nuevo uso a cosechas de un material cuyo valor compite con el oro y que en otro caso estarían completamente echadas a perder. También una luz tenue que calienta las pieles que hacen de membrana en los tambores para que las vibraciones discurran mejor. Deja para nuestra despedida la que es quizá su mejor reflexión: “El purismo, o cualquier tradición que se centre en la pureza y la autenticidad, se esfuerza en entender quién hizo qué primero, en proteger una cultura, una herencia o un legado. Pero al mismo tiempo se está sofocando. Ningún país puede sobrevivir sin los otros. Cerrar las fronteras, protegerse, es lo más estúpido que puede hacer una cultura”.

BONG JOON-HO REGRESA A LA DIRECCIÓN TRAS EL ÉXITO CRÍTICO Y COMERCIAL DE ‘PARÁSITOS’ CON UNA

NUEVA SÁTIRA SOBRE LOS EXCESOS DEL NEOLIBERALISMO: ‘MICKEY 17’. UNA CINTA QUE CIERRA SU TRILOGÍA DE CIENCIA FICCIÓN AMERICANA -JUNTO A ‘SNOWPIERCER’ Y ‘OKJA’-, BASADA EN LA NOVELA ‘MICKEY 7’ DE EDWARD ASHTON Y CON UN REPARTO EN EL QUE BRILLA CON LUZ PROPIA SU PROTAGONISTA, ROBERT PATTINSON, ACOMPAÑADO DE ACTORES Y ACTRICES DE LA TALLA DE MARK RUFFALO O TONI COLLETTE.

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

Más de cinco años han pasado desde que el surcoreano Bong Joon-Ho se convirtiera en un director conocido -y reconocido- por el gran público e hiciera historia en Hollywood al ser galardonada Parásitos -tras un paso triunfal por el Festival de Cannes de 2019 que le valió la Palma de Oro- con el Oscar a Mejor Película y Mejor Película Extranjera en 2020. Aquella comedia negra, con tintes de terror gótico en su superficie, escondía sin embargo una sátira feroz sobre la lucha de clases, una preocupación central en la obra de Joon-Ho, que siempre sitúa a la clase obrera y el inhumano clasismo que impregna la sociedad surcoreana en el foco. Era, en cierto modo, la culminación de una visión que ya permeaba trabajos previos como The Host (2006) o Snowpiercer (2013), la que fue primera aproximación del cineasta al género de ciencia ficción y, al mismo tiempo, su primer trabajo para el mercado occidental. Luego llegaría Okja (2017), realizada directamente para el gigante del streaming Netflix. Y ahora, sin despegarse de su trasfondo habitual ni de la ciencia ficción, Mickey 17, con la que debuta definitivamente en una major como Warner. Porque Bong Joon-Ho se ha convertido ya en uno de esos directores mainstream que no renuncian a su personalidad: su nueva película evidentemente está más alineada con el blockbuster de autor que con el cine independiente, y las expectativas no pasan por llenar salas de V.O., sino por convertir el estruendoso éxito de Parásitos en cash. Partiendo de la novela de Edward Ashton Mickey7 (Ed, Minotauro, 2022), y recogiendo influencias tanto de Moon -la hipnótica y marciana ópera prima de Duncan Jones- como de la Starship Troopers de Paul Verhoeven -otra sátira política oculta tras el rostro más amable de una cinta de género-, Mickey 17 imagina una distopía en un futuro cada vez más próximo y plausible en el que la Tierra, gobernada por un tirano dictador interpretado por Mark Ruffalo, es ya inhabitable por culpa del cambio climático. Y aunque el personaje del actor norteamericano pueda considerarse un guiño al auge reciente de presi-

LA ISLA

COREANO ALTERNATIVO

Joon-Ho es quizá la cara más reconocible del cine de autor coreano contemporáneo, pero hay mucho más donde elegir.

dentes autoritarios en la línea de Donald Trump, el propio Bong Joon-Ho explicó, en la rueda de prensa de la pasada Berlinale, que “Mark Ruffalo encarna a todos los dictadores del pasado que hemos conocido. Es una representación satírica en cuyo rostro confluyen todos los dictadores que hemos sufrido a lo largo de la historia”. Ruffalo no es la única estrella de Hollywood a la que el cineasta surcoreano ha convencido para que participe en su nueva aventura en Occidente. El reparto de Mickey 17 es un verdadero quién es quién del panorama actoral contemporáneo, con nombres tan interesantes como Toni Colette ( Hereditary ), Anamaria Vartolomei ( El acontecimiento), Steven Yeun ( Minari) o Naomi Ackie (Parpadea dos veces). Pero entre todos ellos destaca su protagonista, Robert Pattinson, que encarna a Mickey Barnes, un nuevo personaje

DOS HERMANAS

Kim Ki-Duk / 2000

La película que puso en liza el cine coreano contemporáneo. Una obra perversa sobre relaciones tóxicas y tono insalubre que provocaría desmayos y abandonos por el uso alternativo de los anzuelos de pesca.

Kim Jee-Woon / 2003

Surgida a partir de la popularización del J-Horror tras The Ring de Hideo Nakata, Kim Jee-Woon entrega la alternativa coreana en una obra de atmósfera malsana y una atroz pero bella imaginería.

SOY UN CYBORG

Park Chan-Wook / 2006

La joya menos reconocida del director de Old Boy. Una historia de amor en el interior de un psiquiátrico, híbrido entre el Tim Burton original y el onirismo de Michel Gondry.

EN LA PLAYA SOLA DE NOCHE

Hong Sang-Soo / 2017

La obra más personal de Sang-Soo y posiblemente su trabajo más redondo. Fusión de realidad y ficción, en el que su relación con la actriz Kim Ming-Hee traspasa el celuloide.

BURNING

Lee Chang-Dong / 2018

Inspirada en el relato corto de Haruki Murakami Quemar graneros, una de las obras más perturbadoras del cine contemporáneo, tan hermética y críptica como tremendamente sugerente.

Desde sus inicios Bong Joon-Ho ha desarrollado sus inquietudes y temáticas a partir de los códigos y estéticas de los géneros populares, subvirtiéndolos y reinterpretándolos desde su particular mirada.

LOS GÉNEROS Y BONG JOON-HO EL MÉTODO PATTINSON

MEMORIES OF MURDER / 2003

Los estragos de la violencia son el centro de esta obra oculta bajo las formas del neonoir, que adapta la novela Ven a verme de Kim Kwang-Lim, inspirada en hechos reales. Una de sus cintas más unánimamente aclamadas.

THE HOST / 2006

Usando como base el subgénero kaiju y un suceso real ocurrido en Corea del Sur en febrero del 2000, The Host esconde de nuevo esa mirada tierna y comprometida de Joon-Ho hacia las familias precarias que luego desarrollará en Parásitos

SNOWPIERCER / 2013

Su primer proyecto internacional, inspirado en la novela gráfica francesa Le Transperceneige: el beat ‘em up y el survival horror se curvan en esta obra con influencias del videojuego que traslada la lucha de clases a un tren en pleno apocalipsis.

PARÁSITOS/ 2019

Entre el subgénero haunted house y el thriller hitchcockiano, la obra más popular de Bong Joon-Ho volvería a hablar de la imposibilidad del ascenso social. Pero si en Snowpiercer lo hacía de manera horizontal, aquí lo representaría verticalmente.

desesperado y asfixiado por el neoliberalismo en la obra de Joon-Ho, que escapa de la tierra en un viaje espacial para buscar y colonizar planetas con posibilidad de ser habitables sin leerse la letra pequeña del contrato que firma con la compañía. A través de dieciocho distintas versiones e iteraciones de él, un Pattinson en estado de gracia se embarca a su vez en un auténtico viaje actoral que va, según él mismo contaba en la Berlinale, desde los excesos del serial animado de los noventa Ren & Stimpy o el slapstick

hormonado de Jim Carrey y Jeff Daniels en Dos tontos muy tontos, hasta el mood interpretativo surgido del anime: “Me interesaban sobre todo sus discordantes cambios de estado de ánimo”, reconocía. “Especialmente en la caracterización del clon, cuando tienes que ir de cero a cien increíblemente rápido. Porque una de las cosas que más me gustan del estilo del anime es cuando ves a un personaje que está totalmente estático y en un milisegundo pasa a estar furioso. Y eso es lo que he intentado emular con mi interpretación”.

El actor británico ha sabido hacerse una carrera más allá del cliché young adult de Crepúsculo. Su filmografía es exquisita...

COSMOPOLIS

David Cronenberg / 2012 Pattinson se estrenaría en el cine de autor con uno de los trabajos más impenetrables de la filmografía de Cronenberg: una distopía financiera basada en la novela de Don DeLillo.

GOOD TIME

Benny Safdie, Josh Safdie / 2017

Una heist movie crepuscular tan áspera como vibrante que ya sumergía a Pattinson en esas atmósferas suburbanas que luego habitaría como Batman.

HIGH LIFE

Claire Denis / 2018

Reto interpretativo total, donde se desnudaría en cuerpo y alma, para protagonizar este fascinante y sugerente híbrido entre alta ciencia ficción y nueva carne.

EL FARO

Robert Eggers / 2019 Cinta puramente actoral en la que se enfrenta a un titán como Willem Dafoe. Un homenaje onírico al cine expresionista del director de La bruja y Nosferatu

MICKEY 17 (7 marzo)

Warner / EE UU / 2025 / Dirección: Bong Joon-Ho

Reparto: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo

anna sarvira

POR: JUAN ÁNGEL ASENSIO

INTERESADA EN LA DESTRUCCIÓN DEL HOGAR Y DE LA MEMORIA, Y EXPRESÁNDOSE EN UN LENGUAJE EN EL QUE CONTRASTAN LO INOCENTE Y LO BRUTAL, LA SÁTIRA MÁS PROPIA DE LA ILUSTRACIÓN DE PRENSA Y LA TERNURA DE LA LITERATURA INFANTIL, LA ARTISTA UCRANIANA ANNA SARVIRA (ZAPORIYIA, 1986) OFRECE EN SU OBRA UNA MIRADA SENSIBLE Y ÚNICA A LOS ESTRAGOS DE LA GUERRA.

Los mundos brutales imaginados por Anna Sarvira oscilan entre la ternura y la crudeza, entre lo íntimo y lo político. Su trabajo, que ha protagonizado exposiciones en ciudades que van desde Barcelona a Tokyo, pasando por Berlín, se alimenta de la experimentación constante y del diálogo con la tradición del arte popular. En sus obras se abordan temas complejos con un ingenio que no evade el dolor, pero que tiene al mismo tiempo la facultad de transformarlo en sanación y reflexión profunda.

Desde la ilustración editorial -para cabeceras internacionales tan prestigiosas como Bloomberg, CBS News, The Economist o Forbes- hasta incursiones en el terreno de la animación, pasando por su trabajo en libros infantiles y por su mirada artística sobre la guerra en Ucrania, Sarvira encuentra en el arte no solo un espacio de expresión personal, sino también una herramienta para interpelar la realidad y resignificar el hogar, la memoria y la pérdida. En NUEBO le dedicamos la galería de este mes a la artista de Kiev, desplazada a Colonia (Alemania) por los estragos de la invasión rusa. Y nos acercamos a unos personajes que, desde su inocencia, se

revelan deformados, espejos cóncavos de una realidad cada vez más distorsionada.

Tu trabajo tiene un lenguaje visual muy característico. ¿Cómo se construye este lenguaje?

Para mí, una de las cosas más importantes es la experimentación. Siempre trato de encontrar nuevas formas para desarrollar mi lenguaje visual, combinando nuevos materiales, texturas o formas. Sin embargo, hay algunos métodos que utilizo regularmente y que me parecen muy sugerentes, como los colores brillantes y la deconstrucción de las formas. También encuentro mucha inspiración en el arte popular, en el arte naíf y en la pintura medieval. Desde una perspectiva narrativa, a menudo recurro a mis propias experiencias y conecto los temas con mi vida personal; creo que así mis ilustraciones son más honestas.

El humor también es una parte esencial de mi trabajo. Incluso cuando trato temas difíciles como la guerra, creo que las imágenes satíricas pueden ser mucho más poderosas que las que simplemente expresan lamento.

En tus ilustraciones coexisten lo tierno e infantil con lo brutal. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre ambos mundos?

Estos elementos contrastantes forman parte de todos nosotros, pero no siempre es fácil encontrar el equilibrio. Sin embargo, utilizar un estilo naíf y un poco infantil es mi forma de hablar sobre temas complejos y, en ocasiones, brutales. El contraste entre el tema y el estilo visual capta la atención y hace que el público se involucre emocionalmente.

Has trabajado como ilustradora en muchos libros infantiles, pero también has abordado en tu obra el horror de la guerra. ¿Tu proceso creativo es muy diferente en cada uno de estos casos?

Incluso antes de la invasión a gran escala ya trabajaba con temas complejos. Al hacer ilustraciones sobre estos temas, aprendí que debía ser más metafórica y encontrar formas de representarlos sin resultar demasiado directa o cruel, porque no quiero herir al público. Pero cuando trabajé sobre la guerra la experiencia fue diferente. Primero, porque estaba mucho más involucrada emocionalmente, lo que hacía difícil ser metafórica. Por eso, intenté hacer las ilustraciones lo más abstractas posible al representar la guerra. Otra cosa importante que comprendí mientras trabajaba en este tema es la necesidad de encontrar el tono adecuado al hablar de las víctimas. Como ucraniana, no quiero retratar a mis conciudadanos como seres dignos de lástima, sino como personas que necesitan apoyo y comprensión.

El tema de la infancia y el hogar aparece recurrentemente en tu obra. ¿Cómo ha cambiado tu visión de ambos después de trasladarte a Alemania?

Ahora veo ambos temas a través del prisma de la guerra. Antes de la invasión a gran escala había visitado Alemania varias veces, pero estar aquí unas semanas como visitante y vivir aquí son experiencias muy diferentes. Me di cuenta de que mi concepto de hogar

cambió por completo y que la parte más importante del “hogar” son las personas. Es algo mucho más inmaterial de lo que creemos.

De algún modo, estoy intentando encontrar mi lugar en Alemania, y tengo la suerte de haber conocido aquí a personas con quienes me siento cercana. Por otro lado, algunas conexiones y recuerdos que me daban la sensación de hogar en Ucrania fueron destruidos por la guerra. Es una sensación extraña cuando un recuerdo que antes estaba lleno de alegría ahora te deja un sentimiento amargo de pérdida.

En el contexto de la invasión rusa de Ucrania, ¿crees que la guerra ha cambiado tu forma de crear y de entender el arte?

Es difícil de decir, pero creo que sí, y que en cierto modo es inevitable. Nunca antes había sentido una necesidad tan fuerte de crear arte, también como una forma de lidiar con lo inimaginable que está ocurriendo. Y de expresarte dentro de tus posibilidades. Por otro lado, siento una mayor responsabilidad sobre lo que dibujo y cómo hablo de ciertos temas. Creo que ahora me aplico más autocensura que antes, especialmente en lo que respecta al tema de la pérdida, porque puede ser muy duro en según qué contextos.

¿Qué papel crees que pueden desempeñar la ilustración y el arte en general en tiempos de crisis?

La ilustración puede destacar aspectos que muchas veces la cobertura mediática no puede abordar. Estamos constantemente saturados de imágenes, vídeos e información sobre crisis, guerras y desarrollos políticos. El arte tiene el poder de comunicar emociones y pensamientos complejos que pueden ser difíciles de expresar con palabras. La ilustración en particular permite abordar temas difíciles y brutales de una manera simple y metafórica, logrando una conexión personal con el espectador.

Por otro lado, el arte también da voz a muchas personas. Cuando comenzó la invasión a gran escala de Ucrania, mis colegas y yo dibujábamos a partir de nuestras experiencias personales: el proceso de evacuación, las noches en refugios antibombas, la vida en el exilio. Pudimos llegar a un público amplio directamente, sin intermediarios. A través de nuestro arte logramos compartir lo que nos preocupaba y ayudar a otros a comprender lo que significa vivir en una zona de guerra.

De 2019 a 2023 trabajaste como directora de arte en la serie animada Brave Bunnies. ¿Qué diferencias encuentras entre el trabajo en animación y la ilustración editorial?

Me gustan ambos roles, pero son experiencias muy diferentes. En animación trabajé en el mismo proyecto, ‘Brave Bunnies’, durante cinco años, lo cual fue mi proyecto más largo, y no siempre resultó fácil. Tuve que mantener las decisiones artísticas que tomé al inicio durante todo el proceso, aunque como artista había evolucionado y habría tomado otras decisiones si hubiera podido empezar de nuevo. Eso es lo más complicado, atarse por completo a una visión.

La animación también es un trabajo en equipo enorme. Tuve que adaptarme a trabajar con personas en diferentes niveles: directores, guionistas, animadores, gerentes y el equipo artístico. Esto fue un gran cambio para mí, ya que antes trabajaba principalmente como freelance y no estaba acostumbrada a un entorno tan colaborativo. Como directora de arte también debía guiar al equipo en los principios visuales del proyecto: qué funcionaba, qué no, y cómo resolver problemas específicos.

En la ilustración editorial los directores de arte con los que trabajé a menudo me impulsaban a expandir mis límites y a maximizar mi lenguaje visual. En cambio, en animación, como directora de arte, tuve que hacer lo contrario. Había un estilo definido y unas reglas claras que los artistas debían seguir, basadas en mi lenguaje visual. Fue un desafío interesante, porque para explicarle a otros lo que debían hacer, primero tuve que analizar mi propio estilo. También fue interesante ver cómo en animación tenía que abordar diferentes temas y problemas dentro del mismo lenguaje visual, lo cual no siempre era fácil. En contraste, en la ilustración editorial tengo la libertad de ser más experimental y elegir el estilo que mejor se adapte a cada nuevo tema.

“LAS IMÁGENES SATÍRICAS PUEDEN

AZULEJA

POR: EVA SEBASTIÁN / FOTO: ROBERTA BENITEZ Y HENAR OLMOS

EL DEBUT DE AZULEJA HA HECHO TEMBLAR LOS CIMIENTOS DEL POP UNDERGROUND DE NUESTRO PAÍS, Y EN POCO TIEMPO HA LLAMADO LA ATENCIÓN DE RALPHIE CHOO, RUSOWSKY O ROSALÍA. ‘C.R.I.N.G.E.’ SUBVIERTE CON MUCHA LIBERTAD CREATIVA Y MUY POCA VERGÜENZA LOS ESTÁNDARES DEL DIVA POP MAINSTREAM Y LOS TRANSFORMA EN ALGO MUCHO MÁS HISTÉRICO, HISTRIÓNICO, HORNY, CAÓTICO, BRAT... HACER EL RIDÍCULO, CONSCIENTEMENTE, PARA SEGUIR VIVA.

“TENGO 21 AÑOS Y EL PRIMER CONCIERTO POR EL QUE PAGUÉ UNA ENTRADA FUE EL DE 'MOTOMAMI''. Y AHORA ROSALÍA ESTÁ AHÍ, SIGUIÉNDOME”

Azuleja arrancó durante las clases de medievo que esta joven madrileña, de nombre Hajar Kaddouri Boudib, seguía en su grado de filología hispánica, y que la impulsaron a querer crear un EP de jarchas. “Honestamente, no creía que pudiera dedicarme a la música a nivel profesional, porque no toco ningún instrumento. Pero me encanta cantar desde muy niña y de hecho escribía mucho. Mi sueño era ser escritora, y la forma en la que escribía poesía era canturreando, rimando y entonando con una melodía”. Se decantó por la literatura y se puso como reto escribir un libro, una historia, antes de su cumpleaños. “Al acercarme a los 19, mi vida se había tornado para mí absurda. Estaba en una pequeña crisis adolescente. Se abría el mundo, el primer momento universitario, no entendía nada, y estaba abrumada por alejarme de mis amigas. Un día me puse a escribir esta historia sobre una chica que estaba viviendo en un mundo sin sentido, me entregué a la escritura mecánica y al absurdo, y apareció Azuleja de la nada”, recuerda. Nunca llegó a acabarla, pero fue entonces cuando sintió la urgencia de escribir música. “Cogía el piano que mi hermano se había comprado en pandemia, me lo traía a mi habitación, me saltaba todas las clases porque no me apetecía ir a ninguna y lo aporreaba mientras cantaba canciones locas. Las grababa y me prometía que algún día haría algo con ellas. Así que me abrí un Tik Tok y, como me daba vergüenza que me vieran conocidos, recordé el nombre de Azuleja, la chica por la que yo estaba escribiendo. Me compré un micro y empecé a improvisar sobre loops demenciales. Y así iba hasta que un día Roy me encontró”. Habla de Roy Borland, que acababa de cerrar etapa contractual con Sony y buscaba nuevas aventuras. Con él a los mandos de la producción grabó C.R.I.N.G.E. en los estudios El Royale entre los veranos de 2023 y 2024, pero sobre todo desarrolló una amistad y aseguró su lugar dentro de una de las escenas más vibrantes de Madrid. “Me maravilla. Somos aún muy jóvenes y muy inexpertos. En ese momento estábamos formando los valores que iban a seguir nuestras vidas, y eso nos unió más. A partir de entonces yo no pude irme de ahí. Me iba del estudio, que en ese momento era nada, un estudio casero, y me apetecía volver. Me sentía atraída a este lugar, que aún ni se llamaba El Royale, lleno de gente, de creatividad. Con Roy, Mario Caballero, Teo Planell... Mi corazón me decía que tenía que estar ahí y simplemente era una pesada y volvía, y volvía, hasta que al final tuvieron que aceptarme un poco”, recuerda. Las canciones empezaron a surgir de

forma natural, desde el divertimento. Y lo que iba a ser un EP dedicado al medievo terminó convirtiéndose en el relato de esta Cringe Queen, de una princesa hiperestimulada que retuerce las reglas del pop comercial mientras celebra el amor y el deseo. “Teníamos el concepto, reina del cringe, y a mí haciendo cosas ridículas a posta. Me dije: ‘Si doy vergüenza ajena... ¡ahora voy a dar más!’. Cada vez que nos lanzamos a hacer una canción se convierte en una pequeña crítica o un homenaje al resto de canciones, al resto de músicas. El disco surge referenciando a las chicas de pop que tanto nos gustan, a Carly Rae Jepsen, a Katy Perry, y llevándonos estas voces a un lado mega cringe, delirante. Siempre es ir un paso más allá, delirar un poco más, darnos aún más libertad y dar ese cringe enorme. Soy una persona muy abierta y enamoradiza, y caigo constantemente en hacer cosas ridículas. De adolescente me preguntaba de verdad cosas como '¿Cuándo follaré? ¿Qué va a pasar? ¿Dolerá? ¿Disfrutaré? ¿Cómo será hacer el amor con alguien que yo ame?'. Cuando una persona me atrae, se produce un misterio en mi interior súper extraño y todo el deseo de tener a esta persona cerca se torna una cosa muy seria y muy bonita. Pero mantener esta figura de cringe cuando deseas a alguien y quieres que te desee es complicado. Ser cringe cuando te gusta alguien es horroroso. Porque hay un momento en el que dejas de serlo de forma consciente y te sientes ridícula”.

Pero exponerse así, como una diva histriónica en su versión más goofy, ha dado sus frutos: los rusia-idk la han aplaudido y Rosalía la sigue en Instagram. “A partir del video de BIGFOOT empiezo a darme cuenta del poder de convocatoria que podía llegar a tener C.R.I.N.G.E., Spotify se lo enseñó a poca gente y pensaba que no iba a tirar, pero se convirtió en la cosa más importante del disco. Estaba buscando bailarines para el video y fue una cosa sorprendente. Ya no es que la gente me escuchara, sino que me empezaron a contestar y de golpe un día random de enero a las diez de la mañana estábamos todos en un estudio para bailar. Fue algo muy especial, algo que me decía que, pasase lo que pasase, este iba a ser un proyecto lleno de personas”. Es inevitable llamar la atención cuando se hacen las cosas de forma honesta. “Estoy muy ilusionada por la idea de que la gente que yo admiro pueda escuchar mi música. Es una locura, para mí es muy extraño, es que no sé cómo sentirme al respecto. Tengo 21 años y el primer concierto por el que pagué una entrada fue el de Motomami. Y ahora Rosalía está ahí, siguiéndome”.

C.R.I.N.G.E. (AUTOEDITADO, 2025)

Cucú / Soy una princesa / Azuleja / B2 / C.R.I.N.G.E. / Caníbal / Cachonda / Love, a contradiction / BIGFOOT / Stepson / Pivonacci / Smash or Pass / Jarcha en la orilla / I Wish

DIGITAL

MODA

POR: GALO ABRAIN | FOTOS: PAPO WAISMAN | EDITORA DE MODA: ALBA G VALERO

ESTILISTA: ONA GOEREE | ASISTENTE DE ESTILISMO: ALBA CASLA | MAKE UP & HAIR: OLGA HOLOVANOVA

STEPHANIE GIL

A esta joven actriz española, con poco más de 20 años, ya la hemos visto en ‘El Ministerio del Tiempo’, en largometrajes como ‘Fátima’ o en proyectos internacionales como ‘Terminator: Dark Fate’ o una serie para BBC. Ahora estrena papel protagonista en la nueva generación del serial adolescente ‘Física o química’, camino de hacerse hueco en el imaginario colectivo.

“Actuar es vivir mil vidas en una”, sentencia con misticismo Stephanie Gil cuando se le pregunta por su trabajo. Sorprende tanta ambición en la respuesta, vista la afinación aguda y la armonía azucarada de su voz. También por su juventud. Gil, con apenas 19 años, quizás no haya vivido todas las reencarnaciones de Buda, pero no ha gastado pocas. Más que la mayoría de quienes le rezan a los astros de la fortuna en la cruel galaxia de la interpretación. Desvirgó la responsabilidad del papel protagonista con tan sólo 14 años, encarnando a la joven pastora Lucia dos Santos en el largo Fátima, de Marco Pontecorvo. Stephanie, sin embargo, tiene tablas en grandes producciones cinematográficas desde edades en las que el resto empapábamos la cama, turbados por la emoción de una excursión con el colegio. Su último trabajo ha sido en el reboot de la referencia televisiva millennial, Física o química, donde interpreta a Silvia, una adolescente bendecida con la popularidad, pero tocada por la siempre inoportuna y latosa varita de la duda existencial. Interrogantes que, tal vez, Gil haya visto atravesar sus pensamientos en alguna ocasión, si bien la actriz rezuma una seguridad en sí misma que esquiva los errantes quiebros de la voz.

Stephanie despatarra risueñas respuestas a cualquier pregunta, descargadas con un tono afectuoso y el inocente deleite de quien se ha curtido en el interrogante desde cachorra. Puede que su melindrosa actitud sea solo fachada. Otro personaje del que no se deshace, para no sufrir los dardos de un gremio más batallador de lo imaginable. Lejos de comadrejas especulaciones, cuesta creerlo. Stephanie Gil es quien es y, apostaría, eso es lo que le permite vivir, como dice, “mil vidas en una” y no volverse tarumba. Un estado al que, vista la edad con la que empezó en la actuación y su reconocimiento, podía haber caído, pero que Gil ve como una ventaja. “Yo me siento muy afortunada de que mis padres me hayan apoyado en cuanto les dije que quería ser actriz. Empezar tan joven me ha dado mucha disciplina, madurez y conocimientos”. Y aunque haya no pocos Macaulay Culkin rondando por ahí, no es el caso de esta actriz. “Siempre he tenido los pies en la tierra. Soy humilde, desde pequeñita he sido así. Siempre he intentado compaginar mi vida personal con los rodajes, y he tenido suerte porque mi manager también es muy selectiva con los proyectos. Además, como empecé joven a rodar, mi padre o mi madre, depende, me acompañaban a todos los rodajes. Siempre me he traído un cachito de mi casa conmigo”. Escarbando un poco en las razones de tamaña coherencia laboral, descubrimos que Stephanie ha contado con el apoyo incondicional y constante de una gran mujer: su madre. “Mi madre es la mujer que más admiro. En cuanto le dije que quería ser actriz, ella cogió y montó una agencia desde cero para ayudarme y acompañarme. Tiene una pasión por su trabajo admirable. Y eso se ve. La quiero y admiro a partes iguales. Es la mejor”.

Pero su progenitora no es la única persona que Gil tiene en lo alto de un pedestal. Carmen Machi también domina el panteón de sus elogios. “Hay algo en Carmen que me fascina. Ella hace drama, hace comedia y me gusta mucho su lenguaje no verbal y su manera de contar a través de la mirada. Es una artista”. Entrando en materia, la intérprete considera que la nueva temporada de Física o química en la que participa es un fiel reflejo de las nuevas demandas juveniles, frente a algunas carencias de la serie original. “Hay bastantes problemas que han surgido en años recientes que no se trataron en la primera. No estaban tan presentes en la sociedad como ahora y siento que la serie es un buen retrato de la vida en todos los institutos actuales. Nos cuenta con acierto los problemas con los que lidian los jóvenes, así que creo que es un buen reflejo”. Pero, al igual que no todo va a ser follar, que recitaba Javier Krahe, en una serie no todo puede ser telón de fondo generacional. Stephanie tiene claro que hay ciertos elementos que hacen de una serie algo, ya no de éxito, sino de calidad: “Los ingredientes son un buen guion, unos buenos actores y un buen equipo técnico. La calidad de un producto se ve, y con buenos técnicos, buena cámara, buena luz, todo lo que tiene que ver con la mise en scène, vas a tener un producto genial”. Y todo eso, afirma, se da en la nueva temporada de FoQ. “Esta serie tiene muy buena calidad, tanto a nivel fotográfico, guion, interpretación... Todas las bases se complementan muy bien y eso se ve en pantalla”. El trasfondo ético tampoco queda fuera de la ecuación. “La forma en la que refleja problemas tan serios como la ansiedad o la depresión es respetuosa y sincera”, asegura Gil. “Estoy segura de que a mucha gente le va a aportar algo y enseñar”. Y ahora sólo cabe preguntarse, ¿qué aporta Silvia, el personaje al que da vida la intérprete, a la historia? “Mi personaje es muy complejo, puede parecer otra cosa a simple vista porque es verdad que la introducción es muy impactante. Pero tiene mucho que contar. Como todo el mundo, ha cometido errores en el pasado y está en busca de intentar subsanarlos. Es una chica a la que no le gusta abrirse, ni contar lo que le pasa, y solo se da cuenta de esto cuando ya es demasiado tarde”. Por fortuna para la vida real, Stephanie Gil tiene todo por delante y el término ‘caducado’ está a años luz de relucir. Lo cual no quiere decir que Gil carezca de ambición. Preguntada por sus sueños, la actriz no vacila. “Uno de mis sueños es acabar hablando cinco idiomas antes de los 20. Voy por el cuarto”. Ahora, entrando en un territorio más artístico, Stephanie Gil concluye con millonaria sonrisa. “Es verdad que también me encantaría escribir. Deseo acabar un largo. Y trasladarlo a la pantalla, claro. Saber que puedo crear mis propias historias. Ese es el sueño, sin duda”. Un romance onírico al que, todo apunta, no tardará en tener acceso esta joven promesa del audiovisual español.

“LA FORMA EN QUE ‘FISICA O QUÍMICA’ REFLEJA PROBLEMAS TAN SERIOS COMO

LA ANSIEDAD O LA DEPRESIÓN ES RESPETUOSA Y SINCERA”

Blazer: Sandro Paris Pendientes: Thomas Sabo

Chaqueta:

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Laagam

Moschino Jeans

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Hunkemöller

Jimmy Choo

Blazer: Sandro Paris Pendientes: Thomas Sabo

Top: Mango Shorts: Sandro Paris

Gafas: Jimmy Choo

Medias: Hunkemöller

Top: Pinko Falda: Evade House

Botas: Dr. Martens

Top: Moschino Jeans

Pendientes: Ariana Grande x Swarovski

Ear cuff: Ariana Grande x Swarovski

Chaleco: Sandro Paris

Pantalon: Boltad

Top: Jean Paul Gaultier

Short: Deus Ex Machina Medias: Calzedonia

Pendientes: Ariana Grande x Swarovski

Ear cuff: Ariana Grande x Swarovski

Vestido: All Saints Zapatos: Kurt Geiger Pendientes: Thomas Sabo

E X PLOSI ÓN

EL COLOR ELEGIDO POR PANTONE ESTE 2025 ES EL MOCHA MOUSSE, UN CAPRICHO DULCE QUE EVOCA LIGEREZA. UNA CÁLIDA TONALIDAD EN MARRÓN IMBUIDO DE UNA RIQUEZA INHERENTE

QUE TRANSMITE EL DELICIOSO SABOR DEL CACAO, EL CHOCOLATE Y EL CAFÉ, APELANDO A NUESTRO DESEO DE BIENESTAR.

En base a este color, las marcas han empezado a construir nuevos universos creativos inspirándose en la atemporalidad que transmite esta gama cromática. Damos la bienvenida a nuestro NUEBO BAZAR de marzo utilizando el Mocha Mousse como referencia en todas estas prendas que aquí os presentamos.

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1. Vestido midi bajo asimétrico de BERSHKA- 25,99€ / 2. Jersey manga corta contraste de BERSHKA- 22,99€ / 3. Bolso de mano de COACH - 424,95€ / 4. Botines camperos de RAID- 549,95€ / 5. Falda vaquera de MISS SIXTY- 129€ / 6. Boina con logo de KALK –12,50€ / 7. Bufanda Forest de KALK- 20€

REPION ENTRE TODAS LO ARREGLAMOS

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MP/781 [SINGLE] / NUEVO SINGLE 21 MARZO ÁLBUM 19 SEPTIEMBRE

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: OA ENTERTAINMENT

JENNIE, CONOCIDA POR SER LA BIAS DE BLACKPINK POR EXCELENCIA, PUBLICA ‘RUBY’ , SU DEBUT EN SOLITARIO . INFLUENCIADO POR EL POP DEL CUARTETO AL QUE PERTENECE, PERO CON UN ENFOQUE MÁS CONTEMPORÁNEO , ESTE TRABAJO BUSCA

CONSOLIDAR SU ESTATUS INTERNACIONAL CON COLABORACIONES DE RENOMBRE COMO DUA LIPA Y KALI UCHIS , BASCULANDO ENTRE EL POP Y LA MODERNIDAD EN FAVOR DE LA VALIDACIÓN OCCIDENTAL.

Jenni se refiere a su debut como “ecléctico”, aunque realmente resulte mucho más continuista de lo que parece con la fórmula fierce-pop marca BLACKPINK. Adaptada, eso sí, a la conquista de otros horizontes: con colaboraciones de Dua Lipa, Kali Uchis, Childish Gambino, Doechii, Dominic Fike y FKJ, solo nombres anglosajones, está claro que el concepto de moda en Corea del Sur es la western validation. “La Jennie de BLACKPINK siempre será parte de mí, pero ahora necesito experimentar este otro lado”, declaraba en una entrevista para Harper’s Bazaar. Así, Ruby es un disco que trata de definir su papel como individuo fuera del cuarteto sin separarse del todo de él y su poso EDM. Y en ese paso hacia la independencia sale con cautela de su zona de confort. “Creo que en todo este álbum cada pequeño paso era en favor de la experimentación, probar realmente algo nuevo y divertido que me permitiera ser loca, audaz y vulnerable. Es un disco que representa muchos estados emocionales diferentes”, explicó a la NME.

Ruby busca abiertamente consolidar la posición de la artista de Seúl en el mercado del pop global. En el videoclip de Mantra -dirigido por Tanu Muino-, y sobre una base de Miami bass con producción sofisticada de El Guincho, Jennie performa ser una auténtica angelina en la ciudad de las estrellas. Algo, en el fondo, muy poco coreano. Si bien ella considera que “me he ganado la confianza de la gente para romper esos límites y, simplemente, abrir esa pequeña brecha para nuestra cultura”. Love Hangover, junto a Dominic Fike, es por su parte una recreación algo evidente de la canción de Diana Ross publicada en 1976 con el mismo título: pop, R&B y orquestación luminosa. Hay también algo del groove cerca -

no al pop'n'b moderno, al estilo de Kali Uchis o.

H.E.R. Y rap, claro: si Zen, lanzada en enero sin anuncios previos y solo habilitando su escucha a través de YouTube, la veía desquitarse entre beats industriales, darkwave y percusiones tribales en un tempo lento y cargado de tensión, el último sencillo, ExtraL, con Doechii, la nueva rapera de moda, coquetea con el trap sin perder de vista el pop. Son todo recursos que le resultan familiares, con los que se ha desenvuelto en mayor o menor medida en el contexto de BLACKPINK, pero que combina esta vez para encajar en unos códigos que funcionen a la perfección en el mercado estadounidense, y que, desde ahí, permearán a las listas globales. La sombra de BLACKPINK, en cualquier caso, es alargada, y el cuarteto ya está preparando una nueva gira mundial -pasará por Barcelona el 9 de agosto- que frustrará un poco el desarrollo de sus individualidades.

¿CUÁL ES EL PAPEL DE LA JENNIE POST DEBUT?

Las cosas como son: Jennie siempre ha sido la favorita. Históricamente, ha sido la bias -palabra en la jerga k-pop que se emplea para hablar del miembro más apoyado por el fandom-, y ya antes de debutar con BLACKPINK junto a Rosé, Lisa y Jisoo -con el EP Square One, el 8 de agosto de 2016- Jennie era mundialmente famosa. Fue presentada como trainee en 2012, lo que provocó que se convirtiera en un icono viral. Ese mismo año apareció en el videoclip de That XX, canción de G-Dragon. En 2013 colaboró con artistas como Lee Hi o Seungri en sus canciones Special y GG Be , absolutos himnos en la configuración del k-pop contemporáneo. En total, estuvo seis años formándose. “Pasé seis años atrapada. Estaba tan enfocada en convertirme en una artista que realmente no entendía el sentido de convertirme en una artista”, comenta. En cualquier caso, raramente un artista k-pop ha contado con tanto

“PASÉ SEIS AÑOS

ATRAPADA. TAN ENFOCADA EN CONVERTIRME EN ARTISTA QUE REALMENTE NO ENTENDÍA EL SENTIDO DE CONVERTIRME EN ARTISTA”

Sonar en el filo

De extremo a extremo se ha movido la carrera de Jennie, el verso suelto de BLACKPINK y su componente más versátil.

SQUARE ONE / 2016

BLACKPINK se presentaba en sociedad con un tema, Boombayah, que sonaba a 2NE1 y Skrillex, y otro más arriesgado, Whistle, que les procuró un éxito inmediato por salirse del estándar k-pop.

SOLO / 2018

El tema con el que Jennie debutó en solitario, en una época en la que el EDM no había terminado de dar paso aún al R&B en el pop. Suena a Major Lazer y otras cosas que probablemente es mejor olvidar.

ONE OF THE GIRLS / 2023

Aparte de hacer un pequeño papel, Jennie aportó un tema a la BSO de The Idol. Junto a The Weeknd y Lili-Rose Depp, pasó desapercibida por el impacto de la serie en otros aspectos.

YOU & ME / 2023

Probablemente el punto de partida de lo que ha terminado siendo Ruby: mantiene todas las líneas de estilo de BLACKPINK, pero con un enfoque occidental y producción más minimalista.

marketing antes de confirmarse su participación en alguna formación: Jennie fue moldeada para ser la número uno. El ejemplo más visible de tal protocolo tuvo lugar hace un año, cuando fue cancelada en Corea del Sur al filtrarse fotografías suyas vapeando: “¿Qué puedo hacer? Si los coreanos piensan que está mal, tengo que compensarlo. Entiendo por qué mis fans se molestaron. Es cultural, es historia. No puedo ir contra el tiempo”, confesaba en Harper’s Bazaar.

Por ello, su papel dentro del cuarteto es el más versátil. Tanto en The Album (2020) como en Born Pink (2022), Jennie ha ido alternando los roles de bailarina -junto a Lisa y Rosé-, cantante principal -junto a Rosé y Jisoo- o rapera -junto a Lisa-. Ya sea porque recibió una formación diferente a la de sus compañeras o por contar con más aptitudes que ellas, YG decidió convertir a Jennie en cara visible de una nueva era. Cuando el k-pop aún era nicho, aquello dio sus frutos: en el festival Coachella de 2023 los fans de BLACKPINK pusieron un bote común para contratar una avioneta que volase durante el momento de la actuación del cuarteto, en la que podía leerse “We love U Jennie #Jenchella”, sin más alusión a sus compañeras. Este año volverá al festival, ahora en solitario. “Sé cómo quiero presentar el disco al mundo por primera vez. No necesariamente para Coachella, pero ya he empezado a ver este

álbum como una actuación en directo en mi cabeza: ahora es momento de llevarla a la práctica”. También fue la primera en dar el salto a la TV -en 2023 debutaba como actriz en The Idol-, y en publicar música en solitario -SOLO, en 2018-. Jennie fue modelo de prueba para que sus compañeras lanzasen sus carreras en solitario y, ahora, todas han seguido su ejemplo. De Rosé ya pudimos escuchar su álbum debut -muy por debajo de las expectativas-; Jisoo publicó su primer EP el mes pasado; y Lisa acaba de lanzar Alter Ego, su debut largo. Es, quizá, la única que se acerca a disputarle la corona, adelantándose a publicar música que encaja en los códigos occidentales. Cuando BLACKPINK era un fenómeno enorme en Asia, pero en Europa y América aún se percibían como un producto para friquis, la xenofobia de gran parte de los fans alzaba a Jennie -surcoreana de pura cepa- y desestimaba a su compañera tailandesa. Ahora, con el cuarteto convertido en fenómeno mundial, el paradigma cambia. Pero lo que parece claro es que el universo BLACKPINK gana enteros cuando funciona por separado, abierto a otros colaboradores e influjos. “En un tema rapeo, en otro canto, en otro hago armonías, en otro hablo”, explica Jennie al referirse a un Ruby que promete convertirse en otro pilar de ese pop global que toma elementos de los cinco continentes. Destinado a dominar los charts.

Intro: Jane with FKJ / Like Jennie / Start a War / Handlebars / With the IE (Way Up) / ExtraL / Mantra / Love Hangover / Zen / Damn Right / F.T.S. / Filter / Seoul City / Starlight / Twin

/ DIGITAL / K7

RUBY (COLUMBIA / SONY, 2024)

POR: LUIS BRAVO

LA PRIMERA NOVELA DE LA ESCRITORA MARROQUÍ SALMA EL MOUMNI, TANGITANA DE ADOPCIÓN, SUPUSO UN ACONTECIMIENTO DESDE SU PUBLICACIÓN EN FRANCIA EN 2023. AHORA, GRACIAS A LA EDITORIAL SEXTO PISO, ‘ADIÓS, TÁNGER’ LLEGA A LAS LIBRERÍAS ESPAÑOLAS EL 25 DE MARZO PARA DESCUBRIRNOS LA HISTORIA DE UNA ADOLESCENTE DIVIDIDA ENTRE SU PAÍS DE ORIGEN Y EL DE ACOGIDA, PERO TAMBIÉN EN CUANTO AL ENTENDIMIENTO DEL DESEO. ESE QUE AL PRINCIPIO NOS ARRASA CON SU QUEMAZÓN E INTENSIDAD, CUALIDADES QUE LO HACEN INDÓMITO, PERO QUE TAMBIÉN SE DESCONTROLA POR EL YUGO DE UNA MIRADA MASCULINA INQUISITORIA E IMPUNE.

«Empezaste a hacer fotos al poco de empezar el instituto. Por las calles vacías de Marruecos, los viernes a mediodía, día sagrado, algunos hombres paseaban en traje, mientras que otros salían en chilaba; la banca y la mezquita siempre están cerca. Tú ibas caminando, te sabías el camino de memoria. Podrías haber ido con los ojos cerrados; desde luego, ahora que lo piensas, deberías haber ido con los ojos cerrados. Un grupo de hombres flanqueaba tu camino. No los miraste, siempre rehuías los ojos de los desconocidos y tu camino estaba trazado de antemano. Otras veces, los auriculares te protegían de los comentarios que te obligarían a reaccionar, pero se habían quedado al fondo de la mochila. Lo oíste todo y preferiste dejar atrás las risas; en pleno mediodía, no corrías tanto riesgo». Esta confesión, escrita en las primeras páginas de Adiós, Tánger, revela el portentoso y evidente motivo por el que Alia, su protagonista, emprenderá la huida de su país natal. Pero es que la novela de Salma El Moumni (Marruecos, 1999) es por entero el relato de una huida inevitable, con la gravedad añadida de la imposibilidad de un regreso. Sus breves capítulos resuenan como el disparo en una pista de carreras para que su voz, a ratos más ahogada, otros más segura, suelte el lastre de su personalidad rebelada contra la sociedad tangerina. Con la traducción de Palmira Freixas, Adiós, Tánger (Sexto Piso, 2025) alcanza a los lectores por su falta de pudor a la hora de trasladarles la inquietud, la inseguridad femenina, y en este caso es obligado ajustarse al adjeti-

vo, que una gran parte de la población sufre por el empeño y sometimiento de unas costumbres y tradiciones que operan de manera silenciosa pero firme entre quienes ayudan a que no desaparezcan. La intensidad en esa brevedad, ya digo, era buscada por la autora: “Quería ese formato, el de la novela breve, porque permitía la duración intencionada, por el fragor de la decisión que toma la protagonista, por crear mejor ese clima de estrés y suspense”.

Alia es una adolescente más. Vive con despreocupación sus rutinas en su casa, en su instituto. Está en la edad de las incertidumbres que poco a poco irán configurando su perfil de mujer adulta. Pero un hecho banal desencadena el seísmo que le hará poner pies en polvorosa. Una serie de fotografías íntimas comenzarán a ser divulgadas, con toda la carga de falta moral y religiosa que aquello conlleva. Mientras tanto, Alia está conociendo a un chico francés, Quentin, que empezará a hacerle entender que existe una supuesta puerta abierta a otros privilegios, a otras libertades que permiten las capacidades de elección propia. Factores, todos ellos, muy alejados del ensimismado Tánger que El Moumni retrata con igual fascinación y agudeza por sus detalles, presentándolo como un lugar que se ha prestado siempre a lo idealizado, a lo literario, pero que tampoco sabe, ni quiere, ocultar su naturaleza opresora y su carácter reaccionario.

Esa Tánger casi mágica, una ciudad literaria mítica y mitificada por los escritores norteamericanos cercanos a las sensibilidades de la generación beat, desde Paul Bowles hasta William S. Burroughs, no solo es, por tanto, el escenario de la novela. También funciona como un espejo de las contradicciones que operan entre el peso de una globalización dirigida desde la perspectiva occidental, blanca, masculina, y el contrapunto de han de sostener las periferias globales, confusas entre la asimilación y la defensa de unas tradiciones y comportamientos anacrónicos. Y usándola así, como fondo estético, pero también como lienzo para armar una reflexión social, busca reapropiársela, en la línea de lo que otros escritores contemporáneos, más cercanos a su mirada, han hecho en el pasado. De ahí, en mucha parte, el título: Adiós, Tánger. “Me interesaba separarme de esa imagen bastante cliché e insoportable de una Tánger detenida en el tiempo”, reconoce, y confiesa que han sido mucho más definitorios Camille Laurens, Delphine de Vigan o el escritor marroquí Mohammed Chukri, autor de El pan desnudo (1972), una novela -favorita de la autoraque en su momento fue prohibida en su país por ir en contra de los preceptos del mundo árabe al exponer con crudeza y un enfoque occidental sus problemas y contradicciones sociales. En este caso, además, problemas que se relacionan con una experiencia femenina global, una circunstancia que le ha dado aliento a la novela en el mercado internacional y le ha valido una candidatura al Premio Médicis y el prestigioso

premio France Culture des Étudiants en 2023. “Ya el hecho de estar entre las nominaciones fue una sorpresa, porque en el momento de su escritura en ningún momento proyecté siquiera la posibilidad de su publicación, de su recepción, etc. El premio fue verdaderamente el encuentro con los estudiantes-lectores durante un mes, con gente relativamente de mi edad. Francamente, fue una experiencia estupenda descubrir que Alia tenía esa dimensión universal que podía llegar a tocar la esencia de cualquiera. Lo representativo de este premio es que el jurado no es un grupo de académicos, sino una serie de personas que seleccionan qué va a ser leído, estando al corriente el personal de France Culture y la elevada cifra de alumnos que se inscriben. Yo quise encontrarme con la mayor cantidad de alumnos posible, por varias ciudades. Todo un periplo”, reconoce la escritora. Hay que añadir que, en consecuencia con todo ese contacto directo que produjo la acogida del libro, Salma El Moumni recibió bastantes mensajes de los lectores, haciéndole llegar historias similares a la novelizada, deviniendo ella un receptáculo, a veces agradecida y otras sobrepasada por el tipo de testimonios. “Una nunca está preparada para recibir ese tipo de relatos, de experiencias, pero es el riesgo que debe asumirse por parte del autor, aunque una no sea más que eso y no pueda ayudar mucho más. Escribir, en cambio, y poder compartir dichas historias, hace más distendida esa soledad que se comparte. Consuela”. Funciona, por tanto, la crítica de El Moumni a la mirada masculina, sin una querencia militante, más bien una cólera inicial que impulsó la escritura de la novela con la que el lector ha de comulgar. Un espejo, de nuevo, para que se reconozca la propia herida, en una misma o en los demás. Y un espejo, al mismo tiempo, capaz de distorsionar la imagen fija que da una ciudad construida desde fuera.

La escritura de Adiós, Tánger está cruzada de pasajes impresionistas y de un realismo crudo, violento, que caracteriza la personalidad malherida de Alia. Su apariencia es sencilla, pero evitando a toda costa la simpleza aparente, con esa inherente ligereza de las letras francesas. Provoca y agita su frustración. Deja los huecos suficientes para que quien lea adivine o incluso divague ante lo inconcreto en las acciones de Alia, haciendo el repaso de su “dolor sordo”. También a través del mapa mental en el que se convierte la ciudad, sea Tánger o Lyon, ambas resguardadas tras el velo del exilio, haciéndose imaginarias, fantasmales. Son los personajes secundarios en paralelo a los demás, y no es atrevido decir que robando su protagonismo en los adioses.

“ME

INTERESABA

SEPARARME

DE ESA

IMAGEN BASTANTE CLICHÉ Y ASQUEROSA DE UNA TÁNGER DETENIDA EN EL TIEMPO”

ADIÓS, TÁNGER (17 marzo)

SALMA EL MOUMNI

Sexto Piso

128 págs. / Novela

TRASCENDIENDO POR FIN LO QUE SIGNIFICA SER EX CONCURSANTE DE OT Y TRAS UN AÑO Y MEDIO, DICE, EN PILOTO AUTOMÁTICO, PAUL THIN ASIENTA SUS BASES ARTÍSTICAS DEFINITIVAMENTE CON ‘REBOOT’, LLENO DE INNOVACIÓN TRANSMEDIA, RETROFUTURISMO E INTROSPECCIÓN. UN REINICIO

QUE CONFIRMA SUS AMBICIONES Y TERMINA DE CONSTRUIR SU UNIVERSO. UN MUNDO COMPLEJO EN EL QUE NOS PRESENTA SU FACETA MÁS EXPERIMENTAL Y CONCEPTUAL, CON LA CLARA INTENCIÓN DE SORPRENDER Y PROBARSE EN MUCHOS ECOSISTEMAS ARTÍSTICOS DISTINTOS.

POR: PAULA LÓPEZ ROS / FOTOS: ASSIAH ALCAZAR

A Pablo Suárez (22 años, Armilla, Granada) le conocí como Paul, al igual que la gran mayoría de vosotras, a través de una pantalla. Podría haber sido vía Twitch o YouTube, plataformas que albergaron las primeras inquietudes artísticas del granadino, y que aún siguen haciéndolo. Pero en mi caso, como es más que probable que en el tuyo también, fue un día cualquiera de 2023, al ponerme delante del televisor para dejarme ir con una nueva edición de Operación Triunfo. Paul interpretó Way Down We Go, una canción original de Kaleo y superó todas las expectativas en una de esas galas en las que parece imposible adivinar cuáles van a ser los siguientes pasos de quien se planta ante el micrófono y la mirada atenta de millones de personas. Tres meses después, y con un segundo puesto en el concurso de talentos en el bolsillo, Paul se había convertido ya en Paul Thin, transitando artísticamente hacia un perfil mucho más teatral, dramáticamente urbano y oscuro. Comenzaba el ascenso. Vértigo. Pulsamos ahora el botón de flash forward. Nuestra historia avanza, no mucho, hasta finales de 2024, cuando Paul entrega su primer disco completamente al margen del talent show. Spawnpoint era una suerte de mini-álbum que esquivaba por su corta duración las balas que apuntan a todo debut. Spawnpoint quizá no cumplía las altas expectativas puestas sobre Paul Thin, pero sí exponía esa idea de punto de partida en una narración in media res. Y ahora, ni medio año después, Paul continúa su camino al mismo tiempo que resetea la partida con un trabajo, Reboot, que sí que se siente como un debut propiamente dicho, poniéndose al nivel de la ambición desmedida generada a su paso por OT. “Llevo desde los cuatro años estudiando música, pero creo que ha sido ahora cuando más horas de estudio, dedicación y trabajo he invertido, y quiero que se note. Vengo aquí a hacer algo más que estar. Quiero que mi presencia marque e introducir cambios en la industria de la música. Esa es la intención principal con la que empiezo creando Reboot ”, confiesa. El segundo-primer disco del polifacético artista de Armilla canaliza su amor por las narrativas multimedia y por el desarrollo de lore, que hereda de su pasión por los videojuegos -entre otras cosas-. Su universo es una invitación conceptual que se expande no solo a través del sonido, también de los videoclips, las fotos de promo y los conciertos. “Todos estos aspectos se convierten en la vía narrativa que me permite desarrollar y conceptualizar mi música”.

De hecho, Más que músico Paul Thin se considera un narrador. Su impulso está en contar y hacerlo sin tener en cuenta barreras, y considera la música como una vía más para poder hacerlo. “Llevo toda mi vida construyéndome en distintos ámbitos artísticos en campos como el cine, la novela gráfica, el comic, los videojuegos…”, explica. “Por eso quería plasmarlo en el disco de alguna manera. Intento explorar, por ejemplo, una narrativa transmedia, usando diferentes vías,

a parte de la música, para transmitir el concepto completo de Reboot, lo que yo entiendo como la obra completa. Me gustaría ver hasta dónde puedo llegar en este sentido, hasta dónde se puede estirar esta etapa y el proyecto a través de otros medios. Quiero ver cuánto más puedo contar de esta historia, y de qué manera puedo hacerlo”. En su cuarto tiene una pared llena de post-its, como un detective obsesionado con su investigación, para no perderle el pulso a su propio multiverso. Y advierte que lo que podemos escuchar en este ambicioso trabajo que ha producido con la ayuda de un dream team formado por Enry-K, Kiddo (Pepe y Vizio), Gio (Antony Z, Lucho RK) y Lex, es “tan solo un uno por ciento de todo lo que contiene el universo de Reboot”. El principio de todo lo que tiene pensado hacer.

Este primer fascículo, el eje principal, se mueve entre el disco al uso y la radionovela, un poco emulando al The Weeknd de Dawn FM. En la intro, también bastante Cyberpunk: Edgerunners, dos médicos están ante un joven inconsciente por el fallo en los circuitos de un asistente de voz que se encuentra implantado en su cerebro. “Toda mi vida me he tenido que enfrentar a las voces de mi cabeza, desde muy pequeño he tenido esa lucha interna conmigo mismo y es algo que

“VENGO AQUÍ A HACER ALGO MÁS QUE ESTAR. QUIERO QUE MI PRESENCIA MARQUE, INTRODUCIR CAMBIOS EN LA INDUSTRIA MUSICAL”

OPERACIÓN TRIUNFO

Si algo dejó Paul Thin en OT fue la promesa de una carrera rompedora para un talent... pero también enormes actuaciones. Algunas de las mejores son estas:

WHEN THE PARTY’S OVER | Gala 6

Los profes se empeñaban en no ver su verdadera zona de confort mientras él era incapaz de quitarles la razón. Su versatilidad era única en la edición, como demostró interpretando a Billie Eilish.

PAENAMORAR | Gala 10

Probablemente la actuación que lo cambió todo para Pablo, apostando por una canción de Paula Cendejas, muy reciente en ese momento. De la introspección a la extroversión, de Paul a Paul Thin.

AMAPOLAS | Gala 8

Tomando una balada relativamente arriesgada de Leo Rizzi, Paul demuestra sobriedad y sensibilidad junto a Álvaro Mayo, reconciliando dos estilos a priori difícilmente encajables.

BABY HELLO | Gala Final

Era una propuesta arriesgadísima para una final porque cogía un macrohit de Rauw Alejandro y Bizarrap y lo emparedaba entre dos momentos de balada oscura. No ganó, casi... pero sí ganó.

sigo tratando en terapia. Esa voz no se apaga, y cuando el arte es tu vida y no puedes vivir ajeno a ello, se convierte muchas veces en miedo e inseguridad por no conseguir domarla”. Pero Paul confiesa que ha conseguido aliarse con ella. “Me ayuda, no me frena ni me va a frenar nunca. La he transformado en mi estilo personal desde un ángulo de humor fatalista”. Se confiesa gran fan de Bojack Horseman o Cortando por la línea de puntos, series de animación que utilizan el sarcasmo y la ironía a la hora de plasmar que lo bueno nunca es bueno del todo, ni lo malo acaba por convertirse en fatal. “He aprendido a convivir con ello, y tiene que formar parte de mi música y de mi mensaje”. Se toma unos segundos antes de lanzarse a dar las claves de su primer álbum. “Definiría Reboot como un trabajo raro, distópico e íntimo”. Abiertamente influido por la ambientación experimental de Pink Floyd “y por horas de escucha a

The Alan Parsons Project”, Paul Thin admite que muchas veces la inspiración no llega de forma directa. Creando su música va integrando inevitablemente dejes de artistas que escucha en bucle, como Kendrick Lamar, Rosalía, C. Tangana, The Weeknd, Nathy Peluso o Billie Eilish, entre otros. El cine es otro de sus grandes aliados a nivel creativo. “Ese momento de estar con los cascos escuchando una canción y que te transporte a un sitio concreto... Esa es una de las cosas que tengo en cuenta a la hora de componer. He tenido muy presentes los foleys -efectos de sonido que se añaden en posproducción a las escenas grabadasa la hora de producir y ambientar cada una de las pistas que componen Reboot. Como por ejemplo el sonido de campanas de iglesia en Descanso o, en el caso de Fiebre del oro, los picos de minería”. Paul intenta, sin mucha floritura, poner lo visual en el punto que necesita para crear toda la ambientación musical, es decir, dar con los puntos clave para generar un contexto. “Si tuviera que comparar Reboot con un estilo de cine sería la mezcla entre el expresionismo alemán, en las canciones más raras, y un funcionalismo ruso en aquellas que son más directas. Porque en el álbum he intentado ser muy natural dentro de un contexto general vinculado con la ciencia ficción”.

Pablo, Paul Thin, comienza una nueva etapa. Salir de la Academia supuso su particular graduación del instituto. Pero, lejos de quedarse detenido en ese punto, se lanzó rápidamente a lo siguiente, sin mucha premeditación “He estado en piloto automático durante algo más de año y medio, y he entendido un poco cómo de exigentes pueden ser los tiempos de esta industria”, confiesa. Reboot es su respuesta en forma de colección de canciones a la gran obsesión artística de Pablo: conseguir el éxito a largo plazo, alcanzar cierta trascendencia.

Poco a poco vamos a ir descubriendo nuevas propuestas, porque este álbum tiene previsto adquirir diferentes formas. “Me contradigo, yo me transformo / Soy to'a' las cosa', yo me transformo”, cantaba Rosalía, y seguro que Paul firmaría esas mismas líneas para describir la manera en que tiene previsto conducir una carrera que, si bien arrancó anclada en los raíles de una superproducción televisiva, ahora busca tomar definitivamente las riendas de su propio camino. “Siento que me la he jugado con este álbum, tomando decisiones artísticas que no sé cómo se van a recibir. Hay sonidos que pueden percibirse como que 'no deberían estar aquí'. Y hay vértigo en esa toma de decisiones, sí, pero es precisamente ese vértigo lo que como artista me hace feliz”.

REBOOT (UNIVERSAL, 2025)

Intro / Vértigo / No es la mía / Tuyo / Descanso / Volverás a llamar / Reboot / Mi corazón / Fiebre del oro / Ética / El diablo se viste de mí / Quién / No hay / Luz

CD / DIGITAL / LP

El aspecto entre lo futurista y lo orgánico en sus piezas, la interacción de materiales derivados de la artesanía que conectan con lo ancestral y técnicas digitales de la más rabiosa actualidad, se han convertido ya en los rasgos más característicos de la firma madrileña Evade House, conquistando a Caroline Polachek o Charli XCX. Evangelina Julia, reafirma su liderazgo en el diseño y la innovación de accesorios dando vida a dos nuevos proyectos con alma: su primera exposición de arte y el desarrollo de una colección cápsula junto a la óptica MÓ.

HOUSE EVADE

POR: ALBA G. VALERO

FOTOS: BORJA LLOBREGAT

Evangelina, a pesar de que fundaste Evade House hace apenas cuatro años, te has convertido en una de las diseñadoras más prometedoras del panorama español. Háblanos sobre tus orígenes y tus comienzos.

Desde temprana edad mi mundo giraba en torno al fútbol. No era consciente en ese momento, pero dormía con una pelota y, sin darme cuenta, ahí empezó mi obsesión por vestirme como los futbolistas que admiraba. Me fijaba especialmente en Iker Casillas, Raúl y Guti -sobre todo en su pelo, que era la parte más divertida-. Con el tiempo, sin buscarlo, terminé convirtiéndome en modelo, y fue ahí donde me di cuenta de que no me gustaba nada la dirección creativa, el estilismo y todo lo que rodeaba las producciones. Sentía que algo faltaba, que la estética y la narrativa podían explorarse de otra manera. Fue entonces cuando decidí hacerlo yo misma y tomé la decisión de irme a Londres. Conseguí una beca para estudiar Art & Design en Kensington and Chelsea College, lo que me permitió sumergirme en un entorno artístico que me abrió nuevas perspectivas. Luego continué mi formación en Fashion Design en London College of Fashion, donde realmente pude desarrollar mi visión y entender la moda como un lenguaje propio.

Y ¿con qué objetivo nació Evade House?

Evade House nació de una necesidad personal de crear sin limitaciones y de cuestionar la forma en que se concibe la moda hoy en día. No quería simplemente diseñar ropa, sino construir un espacio donde la moda, el arte y la experimentación pudieran coexistir sin las restricciones de la industria tradicional. El nombre House no es casualidad. Desde el principio Evade House ha sido concebido como una casa de evasión, un refugio donde las personas puedan sentirse seguras, expresarse libremente y vestir como quieran, sin normas impuestas. Un lugar donde no existen las etiquetas y cada individuo puede encontrar su propia voz estética y emocional.

¿Cuál es el sello diferenciador o filosofía de la firma?

Evade House se define por la coexistencia de dos extremos: el respeto por los materiales y procesos ancestrales, y la intuición más pura, que permite que las ideas

evolucionen de manera espontánea, sin ataduras ni preocupaciones. Es una marca en constante cambio, rápida, visceral, sin miedo a la transformación. Este equilibrio entre lo meticuloso y lo impulsivo, entre lo artesanal y lo punk, es lo que hace que Evade House fluya de forma natural. No seguimos estructuras rígidas ni calendarios impuestos. En lugar de eso nos dejamos llevar por la experimentación, permitiendo que cada pieza nazca de la necesidad del momento, sin normas preestablecidas.

Cuéntanos sobre la nueva exposición que acabas de presentar junto a Fernanda Rachad y cuál es el concepto detrás de ella.

La exposición 'Voz sombra' nace como una exploración artística en torno a la transformación de materiales cargados de memoria. Junto a Fernanda Rachad quisimos trabajar con textiles rotos, objetos y muebles que, al ser recontextualizados en el espacio expositivo, adquieren un nuevo significado.

El proceso ha sido muy personal y visceral. No solo hemos trabajado con materiales físicos, sino con experiencias y recuerdos, dándoles una nueva vida dentro del espacio expositivo. 'Voz sombra' es un diálogo entre lo visible y lo oculto, entre lo que queda y lo que se transforma.

Además de la expo, acabas de lanzar una nueva colección de gafas de sol con MÓ. ¿Cómo surgió esta colaboración?

La colaboración con MÓ surgió de una manera muy natural. En Evade House siempre hemos explorado el diseño desde un enfoque experimental, y queríamos llevar esa visión a un nuevo territorio. Nos interesaba la idea de fusionar la tecnología con lo artesanal, así que cuando surgió la oportunidad de trabajar con MÓ, tuvimos claro que queríamos desarrollar algo que fuera más allá de unas gafas convencionales. El punto de partida fue nuestra investigación en biomateriales, explorando formas orgánicas y colores inspirados en la naturaleza. A partir de ahí, utilizamos inteligencia artificial para reinterpretar estas texturas y estructuras en el diseño de las gafas. Fue un proceso de diálogo entre el mundo físico y el digital, donde pudimos jugar con volúmenes, transparencias y nuevas formas de construcción.

"LO

MÁS COMPLICADO DE EMPRENDER EN MODA ES QUE LA INDUSTRIA ESTÁ DISEÑADA PARA QUE NO TENGAS TIEMPO, QUE TE ADAPTES A UN RITMO CASI IMPOSIBLE"

El resultado es una colección que no solo representa la identidad de Evade House, sino que también abre un camino hacia el futuro del diseño: uno en el que la moda, la tecnología y la sostenibilidad pueden coexistir de manera fluida.

¿Con qué otro artista o diseñador te gustaría colaborar en un futuro?

Me encantaría hacer algo con Iris van Herpen, porque su trabajo con nuevas tecnologías, impresión 3D y materiales innovadores tiene una conexión con mi propia visión del diseño. También me fascina la obra de Neri Oxman, su enfoque en biomateriales y el cruce entre ciencia, arte y arquitectura podría dar lugar a algo realmente disruptivo.

Por otro lado, en el ámbito musical y escénico, colaborar con Björk sería un sueño para mí.

Vimos a la artista que ha definido el pasado 2024, Charli XCX, replicando la hazaña del viral Wine Tank Top de Evade House. Cuéntanos como surgió esta idea que ha terminado dando la vuelta al mundo...

El Wine Tank Top nació totalmente por accidente: por una copa de vino que se me cayó encima. En lugar de verlo como un error, me fascinó como el líquido se integraba con la prenda, transformándola en algo nuevo en tiempo real. Fue en ese momento cuando entendí que esta acción, tan simple y espontánea, podía convertirse en una pieza de moda viva, efímera y en constante cambio. A partir de ahí, decidí llevar la idea más allá, convirtiéndola en un experimento sobre la relación entre la ropa y el cuerpo, sobre cómo las prendas pueden ser cons-

truidas y destruidas en el momento, sin seguir normas establecidas.

La colaboración con Charli XCX surgió de manera muy natural gracias a su estilista, que vio en la prenda una conexión con la energía y el concepto de su imagen. Que artistas como ella la repliquen solo refuerza la idea de que la moda no tiene por qué ser estática ni predecible; puede ser acción, reacción y puro juego.

¿Qué es lo más complicado de emprender en moda? ¿Y lo más gratificante?

Lo más complicado de emprender en moda es que la industria está diseñada para que no tengas tiempo. Se espera que produzcas rápido, que saques colecciones constantemente, que te adaptes a un ritmo casi imposible. Y, si decides no seguir ese sistema, tienes que encontrar la manera de sostener tu proyecto sin caer en la trampa de la inmediatez. También está la parte financiera. La moda es una industria donde los márgenes pueden ser muy pequeños, donde conseguir apoyo es complicado y, si apuestas por procesos más artesanales o sostenibles, todo se encarece aún más. La lucha no es solo creativa, sino también logística, administrativa y mental. Pero lo más gratificante es que, a pesar de todo, sigues creando. Que una idea que nació en tu cabeza, en un boceto, en un experimento con materiales, de repente cobre vida y tenga un impacto en alguien. Que una persona se ponga algo tuyo y lo haga suyo, que encuentre en esa prenda o en ese objeto una forma de expresarse.

¿Qué proyectos de futuro tienes? ¿Habemus nueva colección a la vista?

Ahora mismo estoy trabajando en nuevas exploraciones dentro de Evade House, como el caso de la exposición de arte, expandiendo el concepto más allá de la moda, explorando nuevos formatos, colaboraciones y maneras de entender el diseño. Para mí, el futuro no está solo en las colecciones, sino en cómo seguir desafiando los límites entre moda, arte y tecnología.

Dicho esto, sí, habemus nueva colección en camino. No sigo un calendario tradicional, pero estoy en pleno desarrollo de una nueva propuesta que parte de un punto muy diferente a lo anterior. El caballo es la imagen de partida, pero desde ahí se abre un mapa conceptual que todavía estoy explorando. Será una colección intuitiva, experimental y sin reglas impuestas.

‘ ZULOA ’ ES EL SEGUNDO TRABAJO DE MERINA GRIS , Y EN ÉL EXPLORAN LA AMBIVALENCIA DEL DUELO A TRAVÉS DE LA IDEA DE UN AGUJERO : EL POZO COMO ABISMO Y COMO SALIDA , PERO ANTE TODO COMO LUGAR DE TRÁNSITO OBLIGATORIO. MEZCLANDO VISCERALIDAD, IRONÍA, ESOTERISMO Y POLÍTICA , EL TRÍO DE SAN SEBASTIÁN SE APOYA EN UN “ POP VIOLENTO ” QUE PARTE DE LOS LUGARES MÁS OSCUROS DE LA TIERRA: ENTRE PUNK , POP, PC MUSIC , GRITOS Y MUCHAS CAPAS DE DISTORSIÓN , SU CLAMOR ES EL DE UNA GENERACIÓN OPRIMIDA POR UN SISTEMA QUE HACE QUE INTERIORICEMOS SUS PROBLEMAS COMO PROPIOS.

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: IKER GOZATEGI

Merina Gris es un trío de Donosti que fusiona el hyperpop con el punk radikal vasco que han mamado desde pequeños -si es que el hyperpop no es ya bastante punk de por sí-. El proyecto se formó en 2020, cuando Julen y Paskal, después de mucho buscar y algo cansados de las limitaciones de la escena autogestionada y de tocar en gaztetxes sin futuro claro a la vista, dieron con la voz que les faltaba: Sara. Ahora funcionan a modo de entidad pseudo-anónima pues, aunque su estética nazca de llevar los rostros cubiertos, es fácil descubrir las verdaderas identidades de cada uno de sus miembros. Las máscaras, afirman, comenzaron para que nadie pudiese juzgar Merina Gris por sus movimientos del pasado. Ahora se quedan “para dar cohesión estética al proyecto”, y aunque muchos los asocien con Daft Punk, están más cerca de los códigos políticos de su localidad. ZULOA es su segundo LP, un término que en castellano equivale a “el agujero”. Es oscuro, como un hoyo, y denso, como el aire cargado de humedad que se respira en los espacios pequeños. Sin embargo, un agujero es también el espacio por el que se cuelan los rayos del sol. “Yo diría que el concepto de agujero es muy trascendental para nosotros. Es super ambiguo, lo es todo al mismo tiempo. Siempre lo hemos entendido como algo malo o un mal momento. Cuando empezamos a escribir el disco yo personalmente estaba en un lugar así. Luego me di cuenta de que, al final, el agujero es también el espacio por el que se sale. El término es lapidario y absolutista, pero a la vez representa la ambivalencia de la vida: relativiza el conflicto, porque también es una salida por la que entra la luz. Una sola palabra servía para definir muchos estados diferentes en un duelo”. Julen no solo habla sobre la necesidad de salir, sino también de la obligatoriedad de haber estado dentro. “No estamos instrumentalizando tocar fondo, pero sacamos una lección de la tragedia. Otra cosa es que te enfoques más en aquello que has perdido. Ese es el trabajo de uno mismo”. El trío terminó de dar forma a todo el concepto del disco utilizando una app sobre astrología. “Un día abrí el Co-Star y, mientras cargaba la página, empezaron a saltarme las frases típicas. En ese momento me encontré con la siguiente: ‘The only way out is through’ ('la única salida es atravesándolo'). Y me di cuenta de que el disco estaba orbitando alrededor de justamente esa idea, literal” (Julen). Así, ZULOA se arma a través de seis cartas de tarot que describen seis tipos de agujeros diferentes, como la grieta, el butrón o el vacío. Según

Paskal, “al tiempo que somos super místicos, tenemos un componente científico en muchos otros aspectos. Utilizamos la teoría de los seis agujeros porque nos servía para vestir un poco el disco. Incluso gráficamente era una idea que nos servía como punto de partida para el arte del álbum. Reconozco que en ocasiones nos aferramos, a veces hasta demasiado, al concepto para que las ideas sean redondas. A mí me da gusto, pero en ocasiones trabajar de esa forma te impone también ciertas limitaciones”, concede Julen. De algún modo, él visualiza ZULOA como un accidente geográfico. “Al componer me imaginaba un cráter o la fosa de las Marianas, me encanta la geografía de estas mierdas. Empecé a buscar el túnel más largo del mundo, el agujero más profundo excavado por el hombre (en Rusia hay un pozo que se pierde hasta el infinito). Cuando lees un libro, en tu cabeza visualizas los personajes y los escenarios, y con el disco me pasaba algo parecido. Ahora, en el momento de escucharlo, siento que ZULOA es, a su manera, una especie de Ilíada”.

La dualidad luz / oscuridad también se ve reflejada en unas melodías abiertamente pop, pero ensombrecidas a la hora del maquillaje -Ed Is Dead sigue vinculado a Merina, aunque da un paso atrás en las labores de producción para que el trío tome las riendas también en ese apartado-. Los donostiarras siempre han tendido a llenar de distorsión la melodía más bella, lo que tiene mucho que ver con su bagaje musical. “He vivido acomplejado toda la vida por mis gustos musicales, que no terminaban de encajar con mi entorno”, reconoce Julen. “El pop me ha gustado siempre; el punk... también. Pero cuando escuchaba pop-punk con 13 años no podía decírselo a nadie. Mi entorno era hermético, inamovible: había que escuchar punk y... ya. Igual Merina Gris no hacemos pop en el estricto sentido del término, pero nuestros códigos sí que son abiertamente pop. Me acompleja que nuestras canciones resulten cursis. Aunque lo cierto es que tengo complejos con todo tipo de cosas... Aun así, si intento hacer un tema oscuro no me sale. Hay un momento en el que siempre aparece la luz. Cuando nos dicen que el disco es dark... me resulta curioso. No sabemos de qué manera llegamos ahí. Nos gusta la distorsión, nos gusta joder las cosas, llevarlas al extremo, pero es una actitud que nos sale de forma instintiva”. Para Paskal esa falta de intención les define. “Juntar esos dos mundos es parte de nuestro ADN, las estructuras pop siempre con mala hostia. Básicamente, reventamos melodías cursis. Eso en concreto sí que se nos escapa de toda intención conceptual. Joder melodías bonitas es nuestra zona de confort". A esa identidad sonora la bautizaron “pop violento”. Aunque hoy se toman la etiqueta un

“NUESTRO ADN PASA POR JUNTAR LAS ESTRUCTURAS DEL POP CON LA MALA HOSTIA. JODER MELODÍAS BONITAS ES NUESTRA PARTICULAR ZONA DE CONFORT”

poco más a risa que en sus orígenes. “Es otra forma de decir 'hyperpop', con otras palabras. Con la violencia hay que tener cuidado, depende del contexto y de quién la ejerza. Es un código peligroso. De hecho, diría que no somos violentos, sino que nos gusta la visceralidad, llevar lo pasional hasta el extremo. Un poco como reflexión general, creo que todos deberíamos bajar el umbral de tolerancia a la violencia, porque estamos llegando a ciertos niveles super tochos: hoy para que no te saltes un tiktok tiene que aparecer el vídeo de un tío de Minecraft saltando debajo, en pantalla partida”. Dentro del paradigma de lo post-humorístico, Merina Gris también participan de los códigos online para predicar sus mensajes. Hiru Damatxo es una canción en contra de la gentrificación donostiarra que parte de una ironía lírica -“nuestra propia ciudad es ahora mismo un meme”, dice Julen-, y Lotu Zure Txakurrak aborda las relaciones interpersonales dolorosas tomando su nombre de un lema de la izquierda abertzale contra el PNV. Di no a la violencia, pero sí a hurgar en una serie de heridas abiertas utilizando para ello los códigos de su generación. “Para que el mensaje cale a veces tiene que picar. Yo necesito escuchar cosas que me hagan pararme por un momento, reaccionar. Me gustaría pensar que esta forma de lanzar un mensaje no es imprescindible, que no es perentorio gritar bien alto para despertar a quien te

COORDENADAS SONORAS

Pop digital, punk violento, experimentos en la nube, extremismos sonoros y una planta de breaks progresivos heredados de la electrónica británica. Merina Gris.

OKLOU

Choke Enough (2025)

Melódicamente una referencia para Sara, su sonido etéreo, difuminado y sugerente ha sido desde el principio fundamental para el grupo. Por eso nos gusta tanto.

MARGARITA

QUEBRADA

Gas lágrima (2022)

Otro lado, con Xenia, marcó la primera gran salida de Merina al panorama de esa nueva oscuridad tecnológica de nuestro país. Los valencianos, haciendo escena.

ML BUCH

Suntub (2023)

La danesa se ha convertido en la principal abanderada de un nuevo sonido pop, relacionado estrechamente con el ambient y la electrónica experimental. Ganamos.

MURA MASA

Demon Time (2022)

Un disco divertido y libre que consolidó a Mura Masa como algo más que un productor, y que en su casting comprende muchas de las inquietudes sonoras y estéticas de Merina Gris.

escucha. Pero en estos momentos que vivimos me resulta más necesario que nunca”. Admiten que todo el misterio que rodea a Merina Gris es el resultado de un complejo contexto en el que caben al mismo tiempo la globalización, el consumismo feroz, lo político y una sociedad, Euskal Herria, con un poderoso ADN cultural y, más concretamente, musical. “Le hemos metido bastante al punk, pero aquí seguimos siendo el bicho raro, me parece a mí”, concluye Paskal. Bendita singularidad que les ha sacado del agujero...

ZULOA (SONIDO MUCHACHO, 2025)

Aurpegian / Nadie cuando lloro / Lilili / Hiru Damatxo / Lotu Zore Txakurrak / Mejor* / Origami / Triste Dabil Aita / Irteera / Добро

DIGITAL / LP

NAKAR

Lore Ta Laban (2023)

Los donostiarras comparten con sus compatriotas dualidades. Y, aunque a ellos les interesa más el punk y un cierto organicismo, el lenguaje electrónico les es inevitable.

BICEP Isles (2021)

Quizá el disco de música electrónica más influyente de esta década. El dúo de Belfast sentó las bases de una progresividad rota que es ya un estándar para la producción clubber de la actualidad.

POR:

DIEGO

RUBIO

'TODO EL MUNDO PIENSA EN DAFT PUNK O EN SLIPKNOT CUANDO SE TROPIEZAN CON MERINA GRIS', DICE JULEN. ES LO MÁS EVIDENTE, DESDE LUEGO, PERO EN NUEBO NOS LO HEMOS PLANTEADO... ¿PODEMOS HACER UNA SELECCIÓN INTERESANTE, NUTRIDA Y CON SENTIDO DE PROYECTOS MUSICALES QUE HAYAN EMPLEADO LAS MÁSCARAS, PARCIAL O COMPLETAMENTE, SIMBÓLICA O ESTÉTICAMENTE, MAQUILLADAS O NO, PARA EXPRESARSE ARTÍSTICAMENTE? PUES LA RESPUESTA ES SÍ, Y AQUÍ LO TIENES: UN TOP 50 EN EL QUE EL EGO, Y LA IDENTIDAD, QUEDAN RELEGADOS A UN SEGUNDO PLANO EN POS, QUIZÁ, DE ALGO MÁS TRASCENDENTAL.

1muchos artistas que, ante la promesa de la -

público se centrase en apreciar las barreras

disfraz se llevaron más a una provocación más bien estética, puramente glam, y a un narrativas y conceptos que trascendieran la

conquista capitalista, la del producto, ocultar el rostro empezó a cargar con sutiles -o no tanto- connotaciones políticas: el artista se había convertido en algo demasiado gran

y pensado solo para propagarse ahí, al calor de la gente que se identifica con unos ritmos como herencia cultural básica. En este top

A lo largo de la historia, muchos artistas han preferido el anonimato por la libertad que este supone a la hora de crear. Pero el anonimato, el ego, es también el lado oscuro de muchos artistas que, ante la promesa de la fama, de la exposición y del reconocimiento público y unánime, deciden comprometerse con una imagen que es solo un espejo de lo que la sociedad espera de ellos. Enmascararse fue un acto genuinamente artístico al principio, asociado generalmente a artistas de la vanguardia y a músicos experimentales que buscaban desligarse de la creación misma, de su exposición, para que el público se centrase en apreciar las barreras rotas. Luego, con las fantasías animadas de la psicodelia y la teatralidad de los géneros progresivos en los setenta, la máscara y el disfraz se llevaron más a una provocación más bien estética, puramente glam, y a un juego con las identidades que permitiera narrativas y conceptos que trascendieran la personalidad misma del artista. Pero con la llegada de la industria del entretenimiento, del imperio pop, del mercado y de la gran conquista capitalista, la del producto, ocultar el rostro empezó a cargar con sutiles -o no tanto- connotaciones políticas: el artista se había convertido en algo demasiado grande, y la resistencia underground pasaba por asesinar al ego y devolverle a la música un carácter anónimo, improvisado, espontáneo, surgido de la comunión y de la colectividad y pensado solo para propagarse ahí, al calor de la gente que se identifica con unos ritmos como herencia cultural básica. En este top

hemos intentado no caer en la trampa del

como su importancia dentro de una línea temporal y de influencias heredadas.

como Two Shell, que gracias a lo online han Yeezus vistiendo diamantes de Margiela nada siempre por el ego. Ni a Devo, que se decisión de que su cara iba a quedarse en

hemos intentado no caer en la trampa del anonimato ni en la de la máscara en sí misma, tratando de respetar siempre la entidad propositiva de cada proyecto repasado, así como su importancia dentro de una línea temporal y de influencias heredadas. No encontrarás, por tanto, proyectos como Two Shell, que gracias a lo online han conseguido fragmentar al máximo su personalidad, trascendiendo el uso de una máscara; ni Jersey, que usan la inteligencia artificial y deepfakes. Tampoco al Kanye West de Yeezus vistiendo diamantes de Margiela por ser la excepción de una regla condicionada siempre por el ego. Ni a Devo, que se disfrazaban, sí, pero que nunca jugaron el anonimato, como tampoco lo hizo David Bowie, que quizá consiguió, por su parte, que su gran máscara fuera, hasta el final, su propio rostro. Los artistas de esta lista, todos, en un momento u otro, tomaron la decisión de que su cara iba a quedarse en un segundo plano, más o menos visible, pero fundamentalmente muy poco importante. Y para hacerlo se enmascararon, se maquillaron... pusieron su propio cuerpo, toda la carne en el asador, como el verdadero receptáculo de su mensaje.

THE RESIDENTS

Tenían que ser el número 1. Padres de la guerrilla encima del escenario, su nombre viene de una carta de rechazo de Warner enviada a remitente desconocido, y nunca se ha sabido con certeza quiénes conformaron la banda a excepción de Hardy Fox. Piedra angular de la vanguardia y de la experimentación norteamericanas, hablaron siempre de un tal N. Senada -seguramente ficticio o un alias para su gran héroe, Captain Beefheart- como un gurú, y en su afán multimedia y performativo desplegaron infinidad de caras, ya fuera por amor al arte radical o por pura provocación.

DAFT PUNK

Nunca se ha tratado de misterio para Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, sino de mantener la atención en la música y poder llevar vidas normales. Y lo cierto es que Daft Punk lo consiguieron: trascender más por su imagen robótica que por lo que la verdad esconde. Antes de calzarse los míticos cascos en 1999, ya en preparación para lo que iba a venirse con Discovery (2001), llevaron máscaras en todas sus apariciones en prensa, e incluso en sus pinchadas se esforzaban por mantener un aura de oscuridad. Pero el diseño definitvo de Paul Hahn, Alex and Martin y Tony Gardner, inspirado en los también franceses Space -pioneros de la música electrónica también reverenciados por Air- les fabricó no solo una estética con la que vestir sus alter egos, también la que es una de las marcas más reconocibles del mundo de la música, al nivel de la lengua de los Rolling o el emblema de Los Ramones. Nadie ha hecho aún un 2 en 1 tan perfecto.

MF DOOM

El rapero y productor se cubrió el rostro por primera vez para regresar al rap desde el anonimato tras la muerte de su hermano. Y ya de paso se dio el capricho y usó para ello la máscara de su villano favorito: Víctor von Doom.

BJÖRK

La islandesa hizo su carrera a cara descubierta, pero su madurez ha venido con una reinvención enmascarada. Cada una de las 52 piezas de James Merry con las que se ha cubierto desde 2015 es una pequeña obra de arte.

NASH THE SLASH

Probablemente no le conozcas, pero Jeff Plewman revolucionó con muchos cacharros la escena de Toronto en los años setenta, y se convirtió en uno de los grandes padres de la experimentación canadiense en el rock.

KISS

Las referencias para el cuarteto neoyorquino estaban claras desde el principio: Alice Cooper y The New York Dolls. Se lo tomaron tan en serio que sus conciertos les hicieron famosos, no sus discos. Y el resto es historia.

DEATH IN JUNE

Bajo la monstrusa máscara de Death in June se encuentra Douglas Pierce, antihéroe neofolk, punk practicante y devoto industrial que forzó al máximo las implicaciones políticas de su transgresor proyecto.

UNDERGROUND RESISTANCE

El colectivo seminal de techno, fundado por Mad Mike y Jeff Mills y relacionado con Juan Atkins o Drexciya, usaba las balaclavas como un manifiesto en contra de la comercialización vacía de la música electrónica.

ZOMBY

Aunque Justin Moulds está bastante desaparecido y un poco olvidado, su aportación, desde el sello Hyperdub, a la primera oleada post dubstep en la segunda mitad de los dosmiles es digna de revisitar, puro futuro.

GHOST

Aunque poco a poco se ha ido revelando la identidad de sus miembros, la formación sueca ha sabido jugar con excelencia las cartas del anonimato y la teatralidad: el viaje de su líder, el multinstrumentista Tobias Forge, desde el Papa Emeritus I o el Cardinal Copia al actual Papa V Perpetua, junto a sus cinco Nameless Ghouls, sus dos Ghoulettes a los teclados y el Papa Nihil al saxofón, ha sido el de una banda de metal a la conquista de las arenas del mundo, siguiendo el modelo de Kiss, de Metallica o de Rammstein, pero también de uno de los grandes pioneros del make-up demoniaco, Alice Cooper. Su misa negra, en la que entroncan paganismo, ritos satánicos y alquimia, es un espectáculo digno de ver.

ALTERN-8

Influidos por el techno y el electro de Detroit, por el Chicago house de Phuture o por Kraftwerk, el dúo británico supo darle una vuelta al canon rave, al acid y al hardcore. Mascarillas para la guerra biológica en los noventa.

THE MUMMIES

Con una actitud punk atemporal, la banda californiana supo tirar de comedia, carisma y poderío. Disfrazados de momias revitalizaron el surf rock desde el puro ruido y dieron alas a una nueva generación de garageros.

THE LOCUST

Otros afectados por el horror biológico, los californianos han sido muy importantes para todos los grupos de hardcore que creen que incluso en la agresión extrema del grindcore y el noise hay hueco para la luz y el pop.

AUSTIN TV

“Tu cara no importa, importas tú”. Ha sido siempre el lema de este quinteto mexicano de post-rock fundado en 2001 que actualmente se encuentra viviendo una segunda juventud... también enmascarada.

ANIMAL COLLECTIVE

Aunque conforme su música fue haciéndose más accesible y popular se despojaron de sus máscaras, en un un primer momento

Panda Bear, Geologist, Avey Tare y Deakin no solo escondían sus nombres del público...

GWAR

Hay mucha teatralidad, evidentemente, en la banda de Virginia, que empezó por puro afán provocador como un acto casi falso de música inventada y falsos sacrificios. La broma les convirtió en mito thrash metal.

PUSSY RIOT

Probablemente uno de los colectivos de guerrilla más famosos de la historia: un grupo de mujeres que se han revelado frontalmente contra Putin y que utiliza la música punk y la performance como arma de protesta.

ARTHUR BROWN

El músico de Yorkshire no solo fue una de las figuras más controvertidas y esquivas del prog rock británico, también contribuyó a muchos de los crossovers más bizarros de la época, colaborando con Hawkind, The Alan Parsons Project, The Who o Klaus Schulze de Tangerine Dream y trasteando con la psicodelia o la electrónica. Pero si por algo ha pasado a la historia ha sido por sus polémicas y espectaculares performances con The Crazy World of Arthur Brown, en las que aparecía intensamente maquillado, en la línea de lo que después haría Alice Cooper -y después de él Kiss-, y portando un casco incendiario bañado en metanol mientras interpretaba Fire. Años después The Prodigy samplearon las líneas iniciales del tema, “I am the God of Hellfire”, en su megahit del mismo nombre.

CLINIC

La enorme fluctuancia de sus miembros en los primeros pasos del grupo, llevó al cuarteto de Liverpool a usar máscaras quirúrgicas, como homenaje también a la última época de Crime y a The Residents, sus ídolos musicales.

MARILYN MANSON

Combinando en su nombre artístico y en sus performances en directo la energía de un icono sexual y la de un asesino en serie, Marilyn Manson no solo se camufló bajo esa siniestra y vampírica capa de maquillaje níveo y sus lentillas de colores gélidos para provocar encima del escenario, sino para mantenerse en la medida de lo posible al margen de las lógicas polémicas suscitadas. Fue el primer proyecto firmado por el sello de Trent Reznor, con quien compartía amor por Bowie, y le aplicó un tratamiento teatral al rock industrial de los noventa, añadiendo además el punto gótico.

Dejó discos legendarios como Antichrist Superstar y temas como The Beautiful People, y le acusaron de instigar matanzas en institutos. Y el personaje terminó por comérsele, convertido en un cliché de sí mismo entre satanismo barato y delirios de grandeza.

THE KNIFE

Aunque Olof es más de ir con la cara descubierta, lo cierto es que a su hermana Karin Dreijier siempre le ha gustado disfrazarse, tanto en The Knife como con Fever Ray. La gira de Silent Shout era realmente siniestra.

DEADMAU5

Otro al que no le ha preocupado desvelar su identidad. Joel Thomas Zimmerman ha desarrollado más esa silueta vinculada al ratón Mickey y al acid como una marca con la que englobar todas sus facetas: sello, dj, artista...

BOB LOG III

Un hombre orquesta experimental asociado al revival indie rock'n'rollero y el lo-fi, Bob ha conseguido mantener el anonimato, que en estos mundos ya es mucho decir. Un friqui maravilloso. Y virtuoso también.

BUCKETHEAD

Uno de los guitarristas más virtuosos y excéntricos de los últimos años, enmascarado como Michael Myers y con un cubo de pollo frito en la cabeza. Shredder del experimento, folclorista maldito y hábil con el nunchaku.

GRABBA GRABBA TAPE

Uno de los proyectos más inclasificables de la escena underground de Madrid de los primeros 2000. Hardcore-pop con florituras electrónicas y una devoción por The Locust que los trajes de Yeti dejaban entrever.

LOS INICIADOS

Fundados como una extensión de Aviador Dro en 1981 e influidos por The Residents, el ocultismo y la egiptología, este proyecto de post-punk experimental se mantuvo anónimo, excepto para Marta Cervera.

SBTRKT

Aaron Jerome dio la cara definitivamente en The Rat Road (2023), pero ahí quedan los años en los que, bajo distintas máscaras africanas que recordaban a las de Crash Bandicoot, contribuyó al post dubstep en UK.

THUNDERSTICK

Baterista en Samson y en los primeros Iron Maiden, el británico era un apasionado de la serie B de horror y desde los setenta se hizo famoso por tocar dentro de una jaula y por su cáscara cubierta de cristales. ¿Hola Margiela?

MACH-HOMMY

Es uno de los artistas más esquivos del hip hop, su nombre aún se mantiene desconocido y no hay fotos de su cara completamente descubierta. El rapero, uno de los mayores representantes del sonido Griselda y activista de guerrilla incluso en su forma de acercarse a la comercialización de su propio arte -con una filosofía de ‘si lo compras lo vas a pagar porque no deberías estar comprándolo’-, ha puesto el mensaje deliberadamente delante de cualquier identidad.

SLIPKNOT

Todo empezó con una máscara de payaso asesino y como una broma, pero la idea se fue desarrollando hasta convertir a los de Iowa en la banda rockera enmascarada más famosa después de Kiss. Luego llegaron Ghost.

LEIKELI47

Siempre ha dicho que usa balaclavas por la libertad que le hace sentir ir enmascarada, a lo superhéroes como Spider-Man y Batman. La rapera lleva más de 20 años de carrera sin ceder ni su nombre ni su rostro.

THE BLOODY BEETROOTS

Asociado con Steve Aoki, otro proyecto que ha experimentado con la repercusión pública de los artistas de electrónica, e inicialmente un dúo, el italiano, mezcla icónica de punk y brostep, aún permanece en el anonimato.

FAIZAL MOSTRIXX

Aunque en público no le importa mostrar su rostro, y lo emplea para poner cara a varias luchas por la independiencia real de África, el ugandés abraza en sus performances el afrofuturismo con un casco estelar. Knowledge.

KNEECAP

Este trío de rap que ha demostrado que la lengua y la identidad cultural irlandesa también pueden ser globales no se esconde, pero uno de sus miembros usa balaclava. Es porque trabaja de profe en un colegio.

KING DIAMOND

El vocalista sueco, líder de Mercyful Fate y King Diamond, inspiró su persona escénica en Arthur Brown y Alice Cooper. Llegó a llevar una calavera humana, Melissa, en el escenario, pero se la robaron en los ochenta.

ORVILLE PECK

PEC es por donde nos metemos normalmente cualquier disco del subversor country canadiense. Viene del punk y su máscara, innegociable en cualquier aparición pública, se basa en El Llanero Solitario o en El Zorro.

BORIS BREJCHA

Unos de los príncipes del psy-trance en su versión más solemne, teatral y elegante, el minimal de alto voltaje del productor alemán conecta con esa siniestra máscara de carnaval veneciano que oculta cicatrices.

HEWHOCANNOTBENAMED

Al guitarrista de Dwarves llegaron a matarle a cuchilladas para una campaña de promoción: en turbopaquete y con máscara de wrestler mexicano, todo un ejemplo de provocación punk y autenticidad garagera.

GLASS BEAMS

El trío australiano da rienda suelta a sus influencias hindués tras unas máscaras de cristales y diamantitos que son inspiración directa de las que vistió Kanye West durante la gira de Yeezus, diseñadas por Maison Margiela.

LOS TIKI PHANTOMS

Rockabillies de ultratumba, los catalanes prefieren permanecer en el anonimato y jugar a esa estética de muertitos mexicanos que es a la vez tan cute y tan siniestra. ¿La banda de una taberna regida por Tim Burton?

LORDI

Sus fachas, herederas de bandas como Gwar y, claro, del combo Alice Cooper - Kiss, les llevaron a ganar, para sorpresa de todos, el festival de Eurovisión en 2006. Los monstruos finlandeses reinventan su concepto en cada gira.

BRUJERÍA

El tex mex del metal, o el reflejo grindcore de los raperos Cypress Hill. Sus miembros siempre han mantenido el anonimato, performando a una tropa de bandoleros, narcotraficantes y santeros perseguidos por el FBI.

BIZARRAP

¿Unas gafas se pueden considerar máscara? Sí, si no te las quitas ni para f*llar. Dice la leyenda que el productor argentino es un habitual de las calles del distrito centro de Madrid, pero sin gafas y sin gorra nadie le reconoce.

SIA

Tras el éxito de We Are Born a finales de los dosmiles, y especialmente después del pelotazo inesperado que supuso Titanium con David Guetta, una canción incialmente compuesta para Alicia Keys, la cantante y compositora australiana Sia empezó a mostrarse incómoda con la idea de la sobrexposición, que la sumió en una profunda depresión -llegó a escribir una carta de suicidio en 2010- y en un bucle de ataques de pánico. Pero había mucho más ahí: traumas infantiles, abuso sexual, problemas de tiroides, varios síndromes genéticos, estrés postraumático... De todo ha sabido reponerse como ha podido, pero ocultar su rostro con excéntricos flequillos y convertirse en una performance andante, heredera de las ideas de Marina Abramović, fue una gran decisión, y un paso necesario para ir apartándose poco a poco del foco.

CLAPTONE

Bajo esa máscara de doctor en plena peste negra bañada en oro, el productor alemán se ha permitido licencias como desdoblar su personalidad. En plan Two Shell. Nadie sabe muy bien ni quién es... ni cuántos son.

LOS STRAITJACKETS

La versión americana de los Tiki Phantoms, este cuarteto de Nashville sin embargo sí ha mostrado sus identidades desde el principio. Rockabilly tex mex y surf fronterizo, de nuevo con atuendo de wrestlers mexicanos.

SLEEP TOKEN

La adaptación británica de las bandas de metal disfrazadas de cosas siniestras. No hacen entrevistas, no revelan su identidad y utilizan conceptos elevados heredados del ocultismo para justificar su imagen.

MARSHMELLO

Asociado a Skrillex, Marshmello heredó su imagen de Daft Punk y sobre todo de Deadmau5, pero en su caso vistiendo una nube de azúcar. Es casi tan reconocible como ellos y ha colaborado hasta con Fortnite

Los pasayos del hip hop, uno de los ejemplos más primitivos de horrorcore en el rap y los responsables de revolucionar los códigos normalmente asociados a un concierto del género a base de teatralidad y mucha fantasía.

TITO RAMÍREZ

La mística de el Llanero Solitario está muy implantada en la teatralidad misteriosa del rock fronterizo. A Tito Ramírez, que parece salido del túnel del tiempo, se le conoce como “el rockero tropical anónimo”.

INSANE CLOWN POSSE

DISCOS / POR: DIEGO RUBIO

Katana

Primavera Labels / 28 marzo

Escala en Londres de Mallorca a Tokyo. En ese viaje está Maria Hein, que desbloquea en su nuevo trabajo una nueva pantalla sin renunciar a los cantes populares regionales que ya marcaban su debut (Continent i contingut, 2021) ni al luminismo ultradigital de Tot allò que no sap ningú (2023). Katana la ve sumergirse definitivamente en el club y en la cultura británica mientras juega al bubblegum pop, a filtrar a la nube vaporwave sutiles ritmos de dembow o a versionar la mítica canción de Maria del Mar Bonet que ya samplearan Manel en Per la bona gent, Alenar, en clave Jersey club. Son sus tres portas obertas, entre las que ha conseguido hacerse una casa que no es sino un rinconcito en constante movimiento. Nómada, como ella misma abraza. Con el hyperpop, con su bagaje como cantante de la raíz balear y perpetuadora de tradiciones musicales locales como el canto de la Sibila, y con un renovado amor por las pulsiones electrónicas, la cantante mallorquina se acerca cada vez más a la idea de un sonido propio que al mismo tiempo abandera el de una escena que está actualizando, otra vez, los códigos del pop hecho en nuestras islas mediterráneas. Un soplo de aire fresco que, paradójicamente, ha conseguido hacerse más sensible, real, según iba codificándose en un lenguaje digital y principalmente sintético. Pop ancestral para el futuro.

MARIA HEIN

PUMUKY

No sueltes lo efímero

Keroxen

1 marzo

Los canarios regresan con sonido renovado, más atmosférico, en un trabajo psicodélico y luminoso.

SILITIA

Mirari Orok Tapatzen Zauria

Anti / [PIAS]

1 marzo

Desde Bizkaia, barroquismo punk-funk, locura, experimento y sensibilidad folclórica. Jarto.

ARNY MARGRET

I Miss You, I Do

One Little Independent

7 marzo

Un puente entre el rico folk estadounidense y la frialdad etérea del sonido islandés. Pura belleza.

JJULIUS

Vol. 3

Mamma’s Mysteriska Jukebox / DFA

7 marzo

El minimalista artista sueco cierra su trilogía abriéndose al disco y a otros estilos más animados.

KEDR LIVANSKIY

Myrtus Myth

2MR

7 marzo

La rusa se saca de la manga un álbum de sofistipop sugerente y difuminado sobre mitologías.

MELIFLUO

Voces externas

Calaverita

7 marzo

Segundo largo de esta formación con componentes de Casasola y Supersubmarina.

RAISA K Affectionately 15 Love

7 marzo

Debut de la londinense, voz de Good Bad Happy Sad, con participación de Mica Levi o Coby Sey.

SASAMI

Blood on the Silver Screen

Domino / Music As Usual 7 marzo

El gran órdago pop de la cantante norteamericana, producido por Rostam y Jenn Decilveo.

THE PRIMITIVES

Let's Go Round Again

Elefant

7 marzo

Recopilatorio de singles y rarezas de una de las mejores bandas de indie-pop-punk de siempre.

LADY GAGA

MAYHEM / Interscope / 7 marzo

Lady Gaga siempre ha sido un poco oscura. En Mayhem logra convocar desde una curiosa brujería -y con la asistencia de Cirkut, uno de los productores de Brat- la energía dominatrix de sus primeros trabajos y el delirio de pop mutante de Chromatica, para ponerle el broche a la visión de toda una vida en el filo. En 2025 va a reinar más alto que nunca. Aquí queda dicho.

TOKIMONSTA

Eternal Reverie Anti / [PIAS]

7 marzo

La productora rebaja los excesos y abraza la línea deep house sensual de Peggy Gou. Ganamos.

VUNDAVAR

Surgery and Pleasure Loma Vista / Music As Usual 7 marzo

El trío de Boston da el salto a un sello de relumbrón con un disco de post-punk urgente y oscurito.

WHATEVER THE WEATHER Whatever The Weather II Anti / [PIAS] 12 marzo

Loraine James sigue poniéndole textura y emoción a la escala Celsius en su proyecto de ambient.

BAMBARA

Birthmarks

Bella Union / Music As Usual

14 marzo

Y más oscuridad desde la escena post-punk de Brooklyn: versión pop y épica de Model/Actriz.

CIRCUIT DES YEUX

Halo On The Inside Matador / Popstock! 14 marzo

Pulso darkwave, misterioso y cinematográfico en una nueva obra maestra de Haley Fohr.

CLIPPING.

Dead Channel Sky

Sub Pop / Popstock! 14 marzo

Los angelinos regresan para actualizar su entendimiento del big beat, el hip hop, el cyberpunk.

DAS BEAT

Frau Fatal

Arbutus 14 marzo

Entre el indie, el punk y la pegada electrónica, debut del dúo berlinés, en la línea Brutalismus 3000.

JAYCO JR. Heading Into a Recession? Autoeditado 14 marzo

Amor por lo íntimo y lo cotidiano en un trabajo-caricia por parte del compositor madrileño, ídolo DIY.

GOYA GUMBANI

Warlord of the Weejuns

Ghostly International 21 marzo

Entre billy woods y Yaya Bey, sintetizando el hip hop neoyorquino y la nueva ola de jazz británico.

JAPANESE BREAKFAST

For Melancholy Brunettes... Anti / [PIAS] 21 marzo

El primer álbum de Michelle Zauner grabado en un estudio pro, con Blake Mills a la producción.

LA BIEN QUERIDA

LBQ

Sonido Muchacho 21 marzo

Vuelta a los orígenes de la Bienque, poniendo por delante la canción pop y el desamor.

MORE EAZE & CLAIRE ROUSAY

No Floor

Thrill Jockey

21 marzo

Americana ambient, digital y distópica en la nueva colabo de las vanguardistas estadouninenses.

ÓLAFUR ARNALDS & LOREEN

Sages

Decca / Universal 21 marzo

Morbo por ver cómo se resuelve esta colabo entre el príncipe neoclásico y la reina de Eurovisión.

DEAFHEAVEN

Lonely People With Power

Roadrunner

28 marzo

Los reyes alternativos del screamo y el metal siguen concretando una fórmula infalible. Solidez.

DESTROYER

Dan’s Boogie

Anti / [PIAS] 28 marzo

Dan Bejar abraza su imaginación desbordante y entrega una gran epopeya psicodélica. Un clásico.

GUADA

Algo familiar

Raso Estudio

28 marzo

La argentina Guadalupe Álvarez

Luchía explora desde Madrid las mutaciones del folk.

RIGOBERTA

BANDINI

Jesucrista Superstar

Autoeditado 21 marzo

Absolutamente segura ya de las posibilidades de un estilo barroco, teatral y performativo que bebe tanto de Sparks como de la comedia más imaginativa de Venga Monjas, Rigoberta Bandini entrega un segundo disco doble y con más de veinte temas en el que exagera todas las virtudes de su debut. Es excesivo, sí, pero también certero y amplísimo en significados: electropop sinfónico y atemporal.

AYA

Hexed! / Hyperdub / 28 marzo

La productora británica ya despuntó llamando poderosamente la atención con el delirante y perturbador Im Hole (2021), pero su nuevo trabajo para Hyperdub va aún más allá, poniendo la ruptura de fronteras como verdadero motor de su sonido. Extremismo y expresionismo se dan la mano mientras gabber, metal, ciberdubstep y mutaciones explotan en el aire, concentrado y contaminado.

LUCY DACUS

Forever Is a Feeling Geffen / Universal 28 marzo

Una instrumentación más rica y orquestal abraza a Dacus en un nuevo álbum post Boygenius.

MUMFORD & SONS

Rushmere Universal 28 marzo

Tras las movidas y el backlash, Mumford vuelven como trío a los orígenes y a las líneas de banjo.

PERFUME GENIUS

Glory Matador / Popstock!

28 marzo

Mike Hadreas solo ha hecho discazos. Este Glory que se retuerce en su fisicidad no es la excepción.

SANDWELL DISTRICT

End Beginnings

Point of Department / [PIAS]

28 marzo

La elegía de esta nave del techno europeo a uno de sus tripulantes caídos: Silent Servant. D.E.P.

SPELLLING

Portrait of My Heart

Sacred Bones / Popstock! 28 marzo

Chrystia Cabral se acerca al último Yves Tumor en su nueva pesadilla, más claramente rock.

VERA FAUNA

Dime dónde estamos

BMG

28 marzo

Los sevillanos apuntan al funk, The Roots, The Weeknd y Jungle como influencias de su tercer disco.

YAWNERS

Superbucle Montgrí 28 marzo

Elena Nieto le da la réplica en clave indie a la descarga pop-punk de Duplo. Otro pasito más.

The Last Showgirl

Dir. Gia Coppola

Rep. Pamela Anderson, Jamie Lee Curtis, Dave Bautista, Kiernan Shipka EE UU / 2024 / Vértigo Films 14 marzo

“Pamela Anderson somos todas”, dice Rigoberta Bandini en una de las canciones de su nuevo disco. La actriz y modelo estadounidense empezó a deslumbrar con su belleza a principios de los noventa desde la portada de la revista Playboy, en un momento en que una industria del entretenimiento tremendamente machista estaba viviendo su propio clímax. Años más tarde la propia Pamela convirtió en fenómeno mundial una serie mediocre como Los vigilantes de la playa gracias básicamente a la confluencia de piel mojada y torneada, sudor, aceite bronceador y planos a cámara lenta. En pleno auge, su carrera se dinamitó por la filtración de un vídeo sexual con su por entonces pareja, Tommy Lee, punto de partida para la serie que, en 2022, comenzó a reivindicar la figura de una mujer oscurecida y ninguneada, ofreciendo no solo su visión de los hechos, también su vivencia emocional. Pamela Anderson, desde entonces, se ha convertido en símbolo de la necesaria revisión de la iconografía femenina reciente, una cuenta que Coralie Fargeat, por ejemplo, también ha sabido saldar con Demi Moore en La sustancia. Pero nadie la había puesto ante la cámara con esa entidad hasta ahora. Lo hace Gia Coppola en la que es hasta la fecha su mejor película, trazando una historia de vedettes en horas bajas que podría, entre líneas, explicar la propia experiencia en el show business de una Pamela, por fin, protagonista de su propia historia.

LANDING / CINE / POR: ADRIANA RAMIRO

DAREDEVIL: BORN AGAIN

Dir. Varios

Rep. Charlie Cox, Jon Bernthal

Serie / 5 marzo

Diez años después de su estreno en Netflix Cox vuelve a enfundarse el traje de Daredevil en una secuela, esta vez ya con Marvel inmersa en el corporativismo Disney.

IMAGÍNATELO

Dir. Prarthana Mohan

Rep. Simone Ashley, H. Fiennes-Tiffin

Largo / 6 marzo

Una serie de citas express que plasma a medias la situación actual de los encuentros afectivo-sexuales en el Reino Unido. Comedia romántica diversa para tirarse en el sofá.

LARISSA: LA OTRA CARA DE ANITTA

Dir. Pedro Cantelmo, João Wainer

Documental 6 marzo

Netflix se adentra en el lado personal de la cantante brasileña más importante de los últimos 30 años en el universo pop. Conoce mejor a esta fuerza de la naturaleza.

CAOS: LOS CRÍMENES DE MANSON

Dir. Errol Morris

Documental 7 marzo

El gran Errol Morris, autor de documentales como A Brief History of Time, The Thin Blue Line o Rumores de guerra, se adentra en la figura de Manson y sus horribles crímenes.

PRESENCE

Dir. Steven Soderbergh

Rep. Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, West Mulholland

EE UU / 2023 / Diamond 7 marzo

Soderbergh se adentra por primera vez en el thriller sobrenatural con una cinta de haunted house horror que recae con cierta gracia en todos los tópicos y clichés del género, al tiempo que bebe del videojuego al adoptar la perspectiva en primera persona que nos sitúa en los ojos de la presencia insidiosa. Eso le permite jugar con la cámara -por momentos hasta un poco de más- y mantener el pulso del misterio y el suspense.

REAS

Dir. Lola Arias

Documental / Argentina / 2024 / Atera Films / 7 marzo

Reas no es exactamente un documental. En la cinta, Lola Arias reúne en una antigua prisión en ruinas a un grupo de mujeres y personas trans, antiguas reclusas en distintas cárceles de Argentina, y las pone a imaginar y reconstruir sus historias. Pero también hablan de sueños y de futuro, y para ello la realizadora las sumerge en la representación de un musical. ¿Teatro documental hecho cine?

CUANDO NADIE NOS VE

Dir. Enrique Urbizu

Rep. Maribel Verdú, Mariela Garriga

Serie / 7 marzo

El thriller rural de nuestro país -escuela La isla mínima- se adapta al formato televisivo con una serie que busca ser un True Detective en la España profunda.

GRAND TOUR

Dir. Miguel Gomes

Rep. Crista Alfaiate, G. Waddington

Largo / 7 marzo

Monumental película histórica con tintes de gran tragedia romántica salida de la factoría Portugal, y ambientada en las rutas del sudeste asiático a principios del siglo XX.

LEE MILLER

Dir. Ellen Kuras

Rep. Kate Winslet, Josh O’Connor

Largo / 7 marzo

Una impresionante Kate Winslet se pone en la piel de la legendaria fotógrafa de guerra Elizabeth ‘Lee’ Miller, corresponsal de Vogue en la IIGM. Música de Alexandre Desplat.

TARDES DE SOLEDAD

Dir. Albert Serra

Documental, Tauromaquia

Largo / 7 marzo

La película de toros de nuestro director más irreverente y surrealista: un retrato deconstruido del torero en activo Andrés Roca Rey. Se llevó la Concha de Oro en Donostia.

SHERE HITE Y EL ORGASMO FEMENINO

Dir. Nicole Newnham

Documental 8 marzo

Reconstrucción de la revolución sexual que supuso la serie de libros

The Hite Report, de la sexóloga y ensayista norteamericana, reivindicando placer, clítoris y punto G.

¡LUMIÈRE! LA AVENTURA CONTINÚA

Dir. Thierry Frémaux

Documental 14 marzo

Segunda entrega de la antología sobre los hermanos Lumière y el ingenio del cine que arrancara en 2016. Incluye otro centenar de películas totalmente restauradas.

SECRETOS DE UN CRIMEN

Dir. Sandhya Suri

Rep. S. Goswami, Sanjay Bishnoi Largo / 14 marzo

Interesante debut que habla tanto de la rigidez de la sociedad de castas de la India como del empoderamiento femenino a través de un thriller policíaco de fondo rural.

MISERICORDIA

Dir. Alain Guiraudie

Rep. Félix Kysyl, Catherine Frot Largo / 21 marzo

Otro thriller rural, en este caso mucho más hosco y europeo y con tintes surrealistas y perturbadores. Una joya de autor que confirma al director francés en el cine actual.

MODI

Dir. Johnny Depp

Rep. Riccardo Scamarcio, Al Pacino Largo / 21 marzo

Obvio que Johnny Depp es fan de Modigliani, trasunto de esta cinta, y de Bacon, Dylan Thomas, Keats, Byron o Baudelaire. Le encantaría ser como ellos. Pero no lo es.

NOVOCAINE

Dir. Dan Berk, Robert Olsen

Rep. Jack Quaid, Amber Midthunder Largo / 21 marzo

Entre la comedia adolescente, el thriller de acción desbordante, el cine de hostias más desacomplejado y la narrativa superheroica. Un cuadro que sin embargo... funciona.

LA CHICA DE LA AGUJA

Dir. Magnus von Horn / Rep. Victoria Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Besir Zeciri Dinamarca / 2024 / Adso Films / 15 marzo

Todo en la cinta de von Horn perturba, asquea y aterroriza, como debía hacerlo la opresiva y ruinosa atmósfera de la Europa posterior a la Gran Guerra. En esta historia en la que la vida repta tanto por prevalecer como para arrebatársela a los que acaban de llegar y aún lo tienen todo por delante, la cámara solo es un siniestro observador esteta que captura y sonoriza la decadencia en cada plano.

STING: ARAÑA ASESINA

Dir. Kiah Roache-Turner

Rep. Alyla Browne, Ryan Corr, P. Mitchell Largo / 21 marzo

Si tienes aracnofobia no te recomendamos ver esta película. Tampoco que te mudes a Australia: allí esta historia tiene más de realismo mágico que de terror monstruoso.

THE ALTO KNIGHTS

Dir. Barry Levinson

Rep. Robert De Niro, D. Messing, C. Jarvis Largo / 21 marzo

El gran escritor de la mafia norteamericana, Nicholas Pileggi, se pone al servicio de Levinson en su particular Scorsese: un relato en el ocaso de la edad dorada de los gángsters.

ANZU GATO FANTASMA

Dir. Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno

Animación / Japón / 2024 / Selecta Visión / 15 marzo

La pérdida, el duelo y el vínculo con la dimensión espiritual de la vida tan trabajado en Japón impregnan esta bonita película de animación, voluntariamente humilde y cotidiana. Una especie de Doraemon con carga filosófica que está trufado de momentos emotivos y enternecedores, enarbolado en torno al crecimiento personal y el descubrimiento del otro.

UN AÑO Y UN DÍA

Dir. Alejandro San Martín

Rep. Nicole Wallace, Luis Fernández

Largo / 21 marzo

Un romance muy musical con Nicole Wallace prestando su propia voz como protagonista y Víctor

Elías y Jaime Vaquero a la dirección musical. El amor en un piano.

WILDING, EL REGRESO DE LA NATURALEZA

Dir. David Allen

Documental 21 marzo

Isabella Tree da vida al libro en el que cuenta la historia real del matrimonio Knepp, que dejó la reconstrucción de su finca en la campiña inglesa en manos de la naturaleza.

MYTHIC QUEST: MÁS ALLÁ DEL JUEGO

Dir. Varios

Rep. Ashly Burch

Serie / 26 marzo

Spin-off de la famosa serie videojueguil de Apple TV, centrada no tanto en la empresa sino en las experiencias de sus trabajadores y de los jugadores de Mythic Quest

THE STUDIO

Cr. Seth Rogen, A. Gregory, P. Huyck

Rep. Seth Rogen, Catherine O'Hara Serie / 26 marzo

Una de las grandes apuestas de Apple esta temporada, con Seth Rogen imaginando su lugar como productor en plena brecha entre el cine clásico y las corporaciones.

GHOSTLIGHT

Dir. Alex Thompson, Kelly O’Sullivan

Rep. Keith Kupferer, Dolly De Leon Largo / 28 marzo

Ante la turbulencia en la familia, el teatro y la apertura a vínculos sorprendentes como bálsamo redentor. Otro acierto de la dupla Thompson-O’Sullivan tras Saint Frances

POR TODO LO ALTO

Dir. Emmanuel Courcol

Rep. Benjamin Lavernhe, Pierre Lottin

Largo / 28 marzo

La fanfarria de la vida, o una historia llena de personajes profundamente humanos sobre la capacidad de la música para unir, sanar, emocionar... y enfrentarnos a nuestras miserias.

UNA BALLENA

Dir. Pablo Hernando

Rep. I. García Jonsson, Ramón Barea

Largo / 28 marzo

Lynchiano y surrealista thriller neo-noir que trastoca a placer realidad y ficción, monstruosidad y humanidad. La cinta más ambiciosa de Hernando, con una gran Ingrid.

LA SUSTANCIA

Dir. Coralie Fargeat / Rep. Demi Moore, Margaret Qualley. Reino Unido / 2024 / Elástica / 26 marzo

¿Eres más de Sue o de Elizabeth? Esa disyuntiva, que debe resolver todo el que se acerque a la película más polémica (y divertida) del pasado año se traslada a su edición home video, con ediciones diferenciadas a cada una de las dos protagonistas. Además, más de 1 hora de extras (incluido el cortometraje precursor de la película REALITY +) y libreto de 64 páginas.

FOLLOWING

Dir. Christopher Nolan

Rep. Jeremy Theobald, Alex Haw RU / 1998 / Divisa / 4 marzo

Por vez primera en Blu-ray (en 2012 A Contracorriente publicó una edición en dvd con audiocomentarios) el experimental largometraje de debut de Christopher Nolan. Sin extras.

MARY AND MAX

Dir. Adam Elliot Australia / 2009 / Divisa

4 marzo

Cinta de culto del director de Memorias de un caracol, animada con plastilina, que cuenta la relación epistolar entre un cuarentón de Nueva York y una niña australiana.

GLADIATOR II

Dir. Ridley Scott / Rep. Paul Mescal, Denzel Washington, Connie Nielsen, Pedro Pascal Francia / 2022 / Divisa / 4 marzo

Ridley Scott se autohomenajea con la ayuda de dos de los actores del momento: Paul Mescal (Aftersun, Normal People) y Pedro Pascal (The Last of Us, The Mandalorian). Ediciones en todos los formatos. En UHD para el steelbook puedes elegir entre caja dorada o plateada. Ambas vienen acompañadas de póster y postales, además de seis reportajes y varias escenas eliminadas.

ESPERANDO LA NOCHE

Dir. Céline Rouzet

Rep. Mathias Legout, Élodie Bouchez Francia / 2023 / Karma / 11 marzo

Philémon es un adolescente al que le cuesta encajar. Para colmo, su familia acaba de instalarse en un barrio pijo y él se enamora de su vecina. Como extra, un saludo de la directora.

PERSONA

Dir. Ingmar Bergman

Rep. Bibi Andersson, Liv Ullmann

Sue / 1966 / A Contrac. / 11 marzo

Por vez primera en Blu-ray una de las cintas que acuñaron la etiqueta de cine de autor. Incluye el documental Liv & Ingmar (Dheeraj Akolkar, 2012) de 84 minutos.

EL PINGÜINO

Dir. Lauren LeFranc

Rep. Colin Farrell, Cristin Milioti

EE UU / 2024 / Warner / 28 marzo

El spin off mafioso del último Batman llega en una edición de 3 discos y con múltiples adicionales: making of, Dentro de Gotham, Introduciendo a el Pingüino, El origen de Oz,

KRAVEN THE HUNTER

Dir. J.C. Chandor

Rep. A. Taylor-Johnson, Russell Crowe

EE UU / 2024 / Sony / 28 marzo

La línea de títulos vinculados a Spider-Man sigue dando miedo (y no precisamente por su aproximación al terror). Aquí contando los orígenes del villano ruso metido a justiciero.

LA RED SOCIAL

Dir. David Fincher

Rep. Jesse Eisenberg, Andrew Garfield

EE UU / 2010 / Sony / 28 marzo

Fincher estuvo listo apresurándose a firmar la bio de Mark Zuckerberg -tanto como decir la historia de los nuevos ricos del siglo XXI -. Por vez primera en UHD, y petada de extras.

WICKED

Dir. Jon M. Chu

Rep. Cynthia Erivo, Ariana Grande

EE UU / 2024 / Universal / 28 marzo

Tiene premio lo bien que ha funcionado este spin-off de El mago de Oz en forma de musical: una hora de contenidos adiciones que, por supuesto, incluye Sing-Along.

ESCAPE

Dir. Rodrigo Cortés

Rep. Mario Casas, Anna Castillo España / 2024 / Divisa / 28 marzo

Siempre claustrofóbico, Rodrigo Cortés (Buried) convierte a Mario Casas en un hombre traumado obsesionado con ingresar en la cárcel. Incluye segundo disco solo para extras.

ASSASSIN’S CREED SHADOWS

Ubisoft / PC, PS5, Xbox Series X/S / 20 marzo

La nueva entrega de la franquicia más famosa de Ubisoft también es la más crucial para el futuro del estudio: después de haber dado tumbos con otros proyectos fallidos, la compañía gala necesita un bombazo para darle la vuelta a su complicada situación. Y… ¿qué mejor que un descomunal mundo abierto en Japón para lograrlo? Veremos...

TWO POINT MUSEUM

Two Point Studios : PC, PS5, Xbox Series X/S 4 marzo

La saga de gestión de hospitales de Two Point se renueva completamente para darle un giro a la ambientación de su nueva entrega y convertirnos en gerentes de un museo.

XENOBLADE CHRONICLES X: DEFINITIVE EDITION

Nintendo : Nintendo Switch 20 marzo

El enésimo port de un juego de Wii U a Nintendo Switch, esta vez de un JRPG con tintes mecha tan ambicioso como complejo en todos los sentidos.

KILLING FLOOR 3

Tripwire Interactive : PC, PS5, Xbox Series X/S 25 marzo

Shooter en primera persona de los de acabar con hordas de entidades zombificadas sin fin, con una propuesta sangrienta, cruda y violenta como ninguna otra. Engancha.

TALES OF THE SHIRE: A THE LORD OF THE RINGS GAME Wētā Workshop : PC, PS5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch 25 marzo

Simulador de granjas al estilo Animal Crossing, pero situado en la comarca de El Señor de los Anillos. Una mezcla arriesgada... y quizás ganadora.

THE FIRST BERSERKER: KHAZAN

Neople : PC, PS5, Xbox Series X/S 27 marzo

El soulslike más prometedor del año. Una efusiva mezcla de la herencia de Hidetaka Miyazaki y la ambientación del universo de Dungeon & Fighter. Puede ser otro souls más, pero ¿y si no?

INZOI KRAFTON : PC 28 marzo

El nuevo Los Sims-Killer que promete convertirse en una referencia dentro de los life simulators para que el género llegue a su nueva edad de oro. Mundo abierto y personalización sin fin.

GRAFFITI LIFE

Doshermanos / Ediciones FatCap / 248 p. / Bio, música, arte

Este libro reivindica la calle, el parque, los trenes, lugares comunes donde los pioneros implantaron el movimiento hip hop en nuestro país. Yosu y Gorka, dos hermanos -o Doshermanos, nombre de guerra con el que desde los años noventa publicaron un buen puñado de discos-, repasan las bases de vuestra cultura urbana actual y todo lo que se generó desde la Sierra Norte de Madrid.

LA MELODÍA DEL MUNDO

Caspar Henderson

Ático de los libros

400 p. / Historia natural

Aprende a usar tus oídos. Descubre sonidos del cosmos, del mundo natural, del mundo humano y del mundo inventado. Estamos rodeados de maravillas sonoras, y de silencio.

HISTORIA DEL MUNDO EN 12 PARTIDOS DE FÚTBOL.

Stefano Bizzotto

Círculo de Tiza

288 p. / Fútbol

Conocer la historia contemporánea a través del fútbol es uno de los ejercicios más sanos y constructivos que puedes practicar tumbado en el sofá.

EL MUNDO HORIZONTAL

Bruno Remaury

Periférica

152 p. / No ficción

Los hilos invisibles con los que se entretejen los azares de la Historia y la intrahistoria, entrelazados con maestría por un gran cuentacuentos. Elegía por lo inmaterial del mundo.

THE COME UP

Jonathan Abrams

Liburuak

376 p. / Música

Testimonios como los de Grandmaster Caz, Edward ‘Duke

Bootee’ Fletcher, DMC, Ice Cube y Kool

Moe Dee ponen ritmo a esta revisión oral del hip hop.

365 MOMENTOS ESTELARES DE LA MÚSICA

Tuli Márquez

Lunwerg

240 p. / Música

Una efeméride para cada día: el veterano periodista barcelonés repasa nombres, hitos, datos y curiosidades que todos los géneros musicales han dejado para la historia.

YO NO QUERÍA SER MIQUI PUIG

Miqui Puig

Magazzini Salani

224 p. / Bio, música

No es fácil ser quien no quieres ser, ni llegar a ser quien constantemente ansías. Que se lo pregunten a Miqui Puig, que en estas memorias se parece como nadie a Miqui Puig.

JODER Y GRACIAS

Paula Reyes

Verso & Cuento

160 p. / Poesía

La mitad de Pipiolas irrumpe en la poesía (no es su primer libro) con un poemario cargado como un rifle de asalto: dispara amor, muerte, vida y reflexiones de impacto inmediato.

NONÚ

Laura Ramos

La Bella Varsovia

120 p. / Poesía

Pasan cosas bellísimas fue uno de nuestros libros de 2024, y ahora la joven poeta nos da nuevas razones para seguir considerándola el unicornio a seguir. Nonú es su territorio sagrado.

CÓMO CONSTRUIR UNA MENTIRA

Marta Polo Ysalgué

Colectivo Bruxista

244 p. / Ficción

La escritora, guionista y cineasta propone un viaje por el Raval barcelonés que, no sin humor, permite conocer las miserias de trabajar en un rodaje cinematográfico de tinte marginal.

DESFILE

Rachel Cusk

Libros del Asteroide

184 p. / Novela

La esperada nueva novela de la controvertida Cusk llega repleta de personajes peculiares dentro de la historia de G, un artista cuya vida contiene muchas vidas retorcidas.

LA CEREMONIA

Sayaka Murata

Duomo

256 p. / Relatos

Siempre rebelde ante la impuesta normalidad, Murata regresa con ganas de reírse de lo convencional y desgrana rarezas comunes en estas trece historias puramente niponas.

ME FUI COMO UNA TORMENTA

Sara Herrera Peralta

Consonni

112 p. / Novela

Como dice Azahara Alonso, Sara ha bordado las palabras de esta novela, manto ejemplar de cómo la creatividad de otra, de Louise Bourgeois, estimula la lírica que reside en el miedo.

MANUAL PARA LA OBEDIENCIA

Sarah Bernstein

Random House

144 p. / Novela

La joven británica se postula como una de las autoras del año con esta historia envuelta en incómodas situaciones: todo un pueblo contra la prota, una caza de brujas del siglo xxi.

EL BUEN MAL

Samanta Schweblin

Seix Barral

208 p. / Relatos

Los nuevos relatos de la escritora argentina confirman que vive dentro de un espejo creativo desde el que refleja nuestros temores, culpas y deseos con inquietante naturalidad.

BAJO LOS ÁRBOLES, DONDE NADIE TE VE

Patrick Horvath / Astiberri / 152 p. / Color / 19 €

¿Y si una autora de fábulas tan adorable como Beatrix Potter se hubiera dedicado a crear cruentos libros de psicópatas al más puro estilo Thomas Harris? Con esta disparatada -y golosa- premisa, Patrick Horvath comenzó a desarrollar una historia sobre una osita asesina en serie que busca a otro asesino en serie que perturba la paz en su fabulesco pueblo. Todo muy Dexter, todo muy bien.

ALIMENTAR A LOS FANTASMAS

Tessa Hulls

Reservoir Books

400 p. / ByN / 32,90 €

La periodista chinoamericana exorciza a tres generaciones de su familia china completando casi un siglo de vida entre Oriente y Occidente. Del Shanghái de la IIGM hasta el presente de EE UU.

BONE: LOS SCOUTS DE BONE

Jeff Smith

Astiberri

112 p. / Color / 16 €

Sigue la fiesta de Bone y sus amigos tras Estúpidas, estúpidas mostrorratas con la ayuda de amigos a los pinceles como Stan Sakai, Katie Cook, Matt Smith y Scott Brown.

FACTOR X

M. Russell, B. Quinn, Jesús Aburtov Panini Cómics

70 p. / Color / 5,50 €

Russell es el escritor más certero a la hora de criticar el capitalista y liberal sueño americano, y se va a hacer cargo de una colección de mutantes. Vamos a la librería corriendo a por este cómic.

LOS HERMANOS MACHADO

Carles Esquembre

Planeta Cómic

152 p. / ByN / 20 €

Tras Lorca, un poeta en Nueva York y Las tres heridas de Miguel Hernández, Esquembre pone punto y final a su trilogía de poetas españoles con una visita a la obra de los Machado.

MALTEMPO

Alfred

Salamandra Graphic

192 p. / Color / 25.95 €

El francés Lionel Papagalli sigue su estancia artística en Italia tras Come senso y Prima. Un coming of age a medio camino entre Sorrentino y Nanni Moretti en la Italia de los sesenta.

EL OFICIO DEL HÉROE

Matt Kindt y David Lapham

Autsaider Cómics

248 p. / ByN / 28,90 €

Nuevo choque entre superhéroes y noir a la sombra del Sleeper de Brubaker y Phillips o el Alias de Bendis y Gaydos. Está Lapham en el proyecto, así que esto será muy negro.

ONODA. ÚLTIMO SOLDADO IMPERIAL Nacho Golfe, Daniel Tomas Yermo

96 p. / Color / 20 €

La Segunda Guerra Mundial ha acabado, pero el teniente japonés Hiro Onoda sigue luchando durante treinta años en una pequeña isla de Filipinas. Una historia increíble.

POLI RARO

Guillermo Lizarán

Grafito

120 p. / Color / 18 €

Cómo nos gustan los cómics de "elige tu propia aventura". Y más si vienen de la mano de uno de los grandes del humor con una cultura pop apabullante. Referencias a porrillo.

ROM

Bill Mantlo, Sal Buscema Panini Cómics

712 p. / Color / 80 €

La recopilación Marvel que estaba esperando el público más vetusto de la Casa de las Ideas. Nació para vender muñecos, pero Mantlo y Buscema convirtieron a este robot en único.

SOARA Y LAS CASAS DE LOS MONSTRUOS

Hidenori Yamaji

Milky Way

200 p. / ByN / 9 €

Cuando el manga costumbrista choca con la ficción más fantasiosa. Esta vez se trata de unos arquitectos que construyen casas para trasgos, dragones, orcos y otros monstruos.

SU FRANKENSTEIN

Norikazu Kawashima Planeta Cómic

190 p. / ByN / 15,95 €

Por fin llega a nuestras librerías el manga que hizo famoso al popular autor de terror de los ochenta Norikazu Kawashima. A ver si se animan con más mangas de su cosecha.

ZUMITO RICO

Paw Salcés

La Granja Editorial

144 p. / Bitono / 22 €

La artista se estrena con una novela gráfica en tonos negros y verdes sobre el miedo al fracaso que se reproduce en graves trastornos intestinales, muy cercano a los mangas de Kabi Nagata.

CRÓNICAS DE LA ISLA EFÍMERA Li Shang-Chiao, Evergreen Yeh Nuevo Nueve

160 p. / ByN / 15 €

Tras tanto cómic japonés y coreano, está muy bien que una editorial como Nuevo Nueve nos traiga una distopía postapocalíptica china con mucho mensaje ecológico y pintada a acuarelas con un mimo inusual.

UVNT’25 ART FAIR

Matadero (MADRID)

Del jueves 6 al domingo 9 de marzo

¡Qué espacio tan amplio y agradable ha encontrado Urvanity en Matadero Madrid! Un lugar que acogerá de nuevo la inminente edición de la feria de arte más fresca, joven, atrevida, asequible que podrás encontrar durante la Semana del Arte en la capital. Más de 40 galerías participarán en esta novena edición, en la que la cerámica gana protagonismo. “Es una técnica que siempre ha estado presente en la feria pero que, en los últimos años, parece estar generando mayor interés entre artistas y coleccionistas”, afirma Sergio Sancho, director y fundador de UVNT Art Fair. Más de 160 artistas expondrán su obra en la feria. La mitad de las galerías en Programa General son de origen internacional. Un año más, el programa Young Galleries ayudará a abrirse paso en el sector a galerías jóvenes, con menos de tres años de recorrido, ofreciéndoles un espacio dentro de la feria. Para esta edición, las seleccionadas son Enari Gallery (Ámsterdam), Espacio Derivado(Sevilla), Stain Projects (Palma de Mallorca) y Marchante Arte Contemporáneo (Ciudad de México), que también participa en FOCO LATAM, nueva sección comisariada con nueve proyectos de galerías latinoamericanas. Si tienes algo de dinero ahorrado, no dejes pasar la ocasión, compra -invierte- arte.

SALA WURLITZER MARZO 2025

CEMENTARY GIRLZ + MALEFIXIO

Sábado 1

PLANTET OF ZEUS Lunes 3

MARAUDER + ERROR DE PARALAJE + OXY

Martes 4

SARCOMA + BERLANGALAN + NARCOLEPTICA

Miércoles 5

COSEY MUELLER + LAQUER + NERVIO IGNOTO

Jueves 6

ALAVEDRA (FOTO)

Viernes 7

CONCIERTO SORPRESA

Sábado 8

JOVEN MYKE

Domingo 9

CONCIERTO SORPRESA

Jueves 13

EL PERRO

Viernes 14

FESTIVALES

NEGRITA MUSIC FESTIVAL

Multiespacio Rabasa (ALICANTE)

Viernes 29 y sábado 30 de marzo

EL GOBIERNO + CHARNEGO

Sábado 15

VALENTINA TENEBRIS + SHADOWPLAY Martes 18

ADRIFT + FOUCE Jueves 20

Saiko, JC Reyes, Wade, Cruz Cafuné, Juan Magán, Cano, Maikel Delacalle, Soge Culebra, Lía Kali, J. Abecia, Lucho RK, Julieta, Alvama Ice, Amygdala, Parkineos, Dexphase, Miguel Bastida, Anthony Godfather, Brenda Serna, Sara Krin, Stella, Pive, Lorena Llanes, Alex O’Clock, Luis Bonias, Michael G. https://negritamusicfestival.com

CONCIERTOS

IDLES WiZink Center. Madrid. Viernes 1 Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 2

MIKE Laut. Barcelona. Viernes 1

NOTHING BUT THIEVES La Riviera. Madrid. Viernes 1

KADEC SANTA ANNA

Santana 27. Bilbao. Viernes 8 Andén 56. Burgos. Sábado 9

Custom. Sevilla. Viernes 15 Mamba. Murcia. Sábado 16 M100. Córdoba. Viernes 22

WiZink Center. Madrid. Sábado 30

XAVIBO

Repvblicca. Valencia. Viernes 8 Wolf. Barcelona. Sábado 9 La Riviera. Madrid. Jueves 14

WALLS

La Paqui. Madrid. Viernes 8, sábado 9, viernes 15 y sábado 16

CUARTO MUNDO + TUS HIJOS Viernes 21

III ANIVERSARIO ROCA PUNKS CON FUERA DE SECTOR + BOLA DE CRITAL + ARPIA+ BASURA CALIENTE

Sábado 22

DEPECHE MODE + SUZIE STAPLETON

WiZink Center. Madrid. Martes 12 y jueves 14 Palau Sant Jordi. Barcelona. Sábado 16

Bizkaia Arena. Barakaldo. Jueves 21

MILO J

Pelícano. A Coruña. Viernes 1

Zentral Kafe Teatro. Pamplona. Domingo 3 Repvblicca. Valencia. Jueves 7 Sant Jordi Club. Barcelona. Viernes 8 Pandora. Sevilla. Jueves 14 Palacio Vistalegre. Madrid. Viernes 15

MADISON BEER

Razzmatazz. Barcelona. Sábado 16 Palacio Vistalegre. Madrid. Domingo 17

NICKI NICOLE

WiZink Center. Madrid. Jueves 21

EXPOSICIONES

LAS IGUANAS VAN A MORDER A LOS HOMBRES QUE NO SUEÑAN

Sala de Arte Joven (MADRID)

Hasta el 20 de abril

Ya está abierta al público la expo colectiva “Las iguanas van a morder a los hombres que no sueñan”, uno de los proyectos ganadores de la XVI edición de la selección Se busca comisario, que apuesta por nuevos modelos curatoriales, facilitando el acceso al mundo profesional de jóvenes comisarios. La muestra investiga sobre aquellas ideas e imágenes que perviven entre nosotros y que, sin que seamos consciente de ello, nos retrotraen a las fuerzas de la naturaleza, al continuo oscilar entre el pasado, el presente y el futuro que existe en los ciclos vitales. Compuesta por obras de cinco artistas, en su mayoría instalaciones escultóricas, remiten, gracias a la simbología oculta de sus materiales, al mito o al folclore. Mónica Mays presenta un icono

GUTTERCATS + DEL TORNADOS

Martes 25

STEREOLIKES #24

Miércoles 26

FUZZPHERE +A.I.

Jueves 27

SAVAGE BEAT + PORN TRUCK + THE FLAME 69

Viernes 28

MEMOCRACIA

Sábado 29

mastodóntico. Weixin Quek Chong se inspira en los rituales funerarios de la dinastía Han. Sandra Val, en su instalación Agón, recurre al juego egipcio de Perros y chacales. Emmanuela Soria Ruiz presenta dos piezas textiles de lectura feminista y posthumanista. Y Paloma de la Cruz nos enfrenta a un estar en carne viva, a la naturaleza que se despierta en el binomio construcción-cuerpo. La expo ofrece una resistencia al orden actual de las cosas, posicionándose tanto críticamente como en calidad de nuevas formas organizadoras del mundo. https://www.comunidad. madrid/centros/sala-arte-joven

PLEGARIAS DE RESISTENCIA

MACBA (BARCELONA)

Hasta el 26 de octubre

Conoce, recorre más de veinticinco años de carrera del artista Carlos Motta, siempre marcada por el cuerpo y la disidencia sexual como territorio de experimentación y contestación política. En la muestra del Macba coexisten sus primeras exploraciones de autorretrato fotográfico con sus performances y videoinstalaciones más recientes. La obra de Motta atenta contra la imposición de las epistemologías eurocéntricas, desde la conquista y el período colonial en las Américas hasta sus propagaciones en el presente. El artista colombiano propone relatos alternativos a las narrativas hegemónicas de la historia, la religión y la democracia. Su trabajo y colaboraciones materializan el potencial de rectificación social a través de la reescritura de la historia, desmoronando las narrativas oficiales de la historia colonial, las dictaduras militares y el neofascismo y sus violencias, en una peregrinación siempre blasfema, corporal y política. https://www.macba.cat

BRAVO

Centro de Fotografía KBr (BARCELONA)

Hasta el 18 de mayo

En todos los trabajos realizados hasta el momento, Felipe Romero se ha interesado por territorios que han sido o son escenario de tensión, de conflicto y de

PARQUESVR

El quinteto liderado por Ferrara continúa ampliando las greguerías y la galería de personajes egregios y rincones madrileños contenidas en su último trabajo, Si molesto, os vais (2024). Ironía costumbrista, dobles sentidos, chistes privados y mucho humor negro alimentan su propuesta, tan mordaz y rebuscada como chabacana, visceral y provocativa. Un cóctel explosivo que en directo, sobre los escenarios que les funcionan como hábitat natural, se sublima y se disfruta mejor: depresión beoda a implacable ritmo de kraut, punk declamatorio, hedonismo de clase media y picaresca nacional; un trago y te estás dando de cabezazos. Se recomienda un consumo responsable.

FOTO: JOKIN FERNÁNDEZ

MERITXELL NEDDERMANN

06 mar Fun Club / Sevilla

15 mar Zentral 2 / Pamplona NAKKAR 14 mar

La Lata De Zinc / Oviedo

EL PONY PISADOR

Clavicémbalo / Lugo

22 mar

PROGRAMACIÓN ARTISTAS EN RUTA

O Rebullón / Mos, Pontevedra

23 mar

C.C. Auriense / Ourense

MERITXELL NEDDERMAN

Chica de Ayer / Salamanca

/ Bilbao

CC Delicias / Zaragoza 22

/ Huesca

/ Benavente

/ Valladolid

FLAMBOYANT

Palacio de Liria / MADRID / Hasta el 31 de julio

JOANA VASCONCELOS CUESTIONA EL ESTATUS DE LA MUJER, LA SOCIEDAD DE CONSUMO Y LA IDENTIDAD COLECTIVA CON HUMOR E IRONÍA.

Ocasión estupenda para conocer la obra de una artista top al tiempo que uno de los palacios más enigmáticos de la ciudad. Joana Vasconcelos ha seleccionado para esta intervención temporal más de cuarenta de sus obras, que se integran en las diferentes salas del palacio, algunas de ellas no visitables hasta ahora, como la capilla, el salón de música y los jardines.

reflexión visual. En el proyecto Bravo, se ha centrado en un río con más de tres mil kilómetros de longitud, de los cuales unos 1.100 funcionan como frontera entre EEUU y México. En sus fotografías, Romero sitúa al espectador en un tramo determinado de la zona mexicana, en la que el río y los flujos de personas que llegan para atravesarlo lo condicionan todo, conforma la identidad de sus gentes y de sus modos de vida. Hasta allí llegan migrantes de Colombia, Honduras, el Salvador o Guatemala para los que la travesía supone la última etapa de un largo y penoso viaje. Un conmovedor ensayo visual, sobrio y poético, en torno a la idea de la espera y la identidad fronteriza. https://www.fundacionmapfre.org

FINITY

Cámara Oscura (MADRID)

Hasta el 24 de mayo Invitación a interpretar la relación entre persona y naturaleza, a través de la fotografía. Ellen Kooi (Leeuwarden, Países Bajos, 1962) es una de las más importantes fotógrafas contemporáneas de paisaje en Europa. Sus imágenes cinematográficas presentan una interpretación contemporánea del tema clásico de la «figura en el paisaje», explorando la conflictiva relación entre las personas y su entorno. Si bien Ellen continúa llamando nuestra atención sobre la belleza y diversidad del paisaje neerlandés,

la atmósfera en sus nuevas obras es más urgente que nunca. La artista nos confronta con el hecho de que todo es finito. Sus modelos perderán su juventud y belleza, y la naturaleza está siendo dañada severamente. Disfrutemos estos paisajes aquí y ahora, pero seamos más conscientes de la fragilidad de nuestro entorno. Las fotografías hacen referencia a diferentes períodos de la historia del arte: la pintura holandesa del siglo XVII se puede reconocer en esa luz tan transparente, y la insignificancia del hombre en relación con la naturaleza -y por tanto con Diosrecuerda al Romanticismo alemán del siglo XIX. Merece la pena visitar esta expo y, seguidamente, reconectarnos con nuestro entorno. https://camaraoscura.net

ARTES ESCÉNICAS

MURMULLO

Sala Cuarta Pared (MADRID)

Del 13 al 28 de marzo

Cuatro jóvenes de sobremesa en la terraza de un bar. Vuelven del funeral de un amigo. Hay algo un poco extraño en ese bar, parece que la cuenta nunca llega. En algún momento, alguien habla de un cuento: El coloquio de los pájaros. Poco a poco, el cuento se apodera de la sobremesa y la historia, aparentemente naturalista, se ve invadida por el lenguaje del

cuento, llevándolo a un terreno más poético y visual. La segunda de las piezas que componen el Tríptico de la vida -que celebra los 40 años de la Cuarta Pared- es obra de Aitana Sar, acompañada de Miguel Valentín en la dramaturgia. https://www.cuartapared.es

FESTIVAL EMERGENCIA

Varios espacios (ALCORCÓN)

Del 27 al 30 de marzo

Primera edición del Festival Emergencia, que pretende ser un espacio de encuentro, reflexión y reivindicación del teatro emergente. Es una cita que nace para alertar sobre las problemáticas a las que se enfrentan lxs creadorxs que buscan su hueco dentro del panorama escénico, que trata de poner en conocimiento del público a compañías con muchas cosas que aportar en el ámbito teatral, y que pide más espacios para que puedan desarrollar su actividad artística. De ahí el nombre del festival: Emergencia, una alerta para que no se pierda talento por el camino. La dramaturga, guionista, directora, actriz y productora Carolina África será la madrina de esta primera edición. El festival consta de tres sedes que programarán obras: El Centro Cultural Viñagrande, el Centro del Títere y el espacio cultural El Cadáver exquisito. Coincidiendo con el Día Mundial del Teatro, la primera obra en abrir el festival en el espacio de la calle Parque Ordesa será Todas las mujeres que habito (jueves 27 de marzo a las 20h), un emocionante espectáculo de la compañía El Tesón, con el que Ángela Conde pretende hacer un homenaje a las mujeres invisibles, las madres, las abuelas y las hijas, las que cuidaron en silencio, las que se rebelaron y las que callaron por miedo. https://www.festivalemergencia.com

∞ {INFINITE}

Teatre Nacional de Catalunya (BARCELONA)

Del 21 al 23 de marzo

La compañía Humanhood nos propone un viaje poderoso y místico a través de una combinación de danza y meditación. ∞ {Infinite} es un viaje que fusiona la danza con la consciencia interna para así destacar el poder infinito que fluye hacia nosotros y a través nuestro. Humanhood fue creada en 2016 por la catalana Júlia Robert y el británico Rudi Cole, con trabajos que combinan la ciencia y el misticismo. Su fascinación por los descubrimientos de la física moderna y la sabiduría oriental, dos mundos aparentemente opuestos y abstractos, se fusionan en el cuerpo humano y en la fluidez del movimiento. Sus piezas son procesos que se entrelazan, combinando su crecimiento espiritual con el artístico. https://www.tnc.cat

AUDIOVISUAL

SECIME

Auditorio Municipal (MEDINA DEL CAMPO)

Del 7 al 15 de marzo

Ya son 38 ediciones para uno de los festivales más importantes del panorama español en formato corto. Además de las decenas de películas en sus diferentes secciones (nacional, internacional, regional), no hay que olvidarse de la sección de vídeos musicales, la sección fantasmedina y la sección de videoarte. La Semana de Cine de Medina del Campo ya tiene todo preparado. El certamen castellano ha nombrado Director del Siglo XXI al autor de Miocardio, José Manuel Carrasco, quien fuera ganador del Roel de Oro en 2020. Vito Sanz y Marina Salas recibirán, a su vez, los Roeles como Actor y Actriz del Siglo XXI. https://medinafilmfestival.com

FESTIVAL SOMBRA

Varios espacios (MURCIA)

Del 14 al 22 de marzo

Ya nadie lo discute. Sombra es un festival indispensable para amantes del género fantástico europeo, que combina literatura, cine y música durante unos días intensos de encuentros, proyecciones, mercado y demás actividades. Varias noticias importantes: la primera es que este año se contará con una gran estrella de Hollywood, el director John McTiernan

(Depredador, La jungla de cristal...), que se une al actor Javier Botet, a la inolvidable protagonista de The Descent (2005), Shauna Macdonald, y a Fabio Frizzi como invitado de lujo de esta edición. El compositor italiano dará un concierto en directo mientras se proyecta Nueva York bajo el terror de los zombies en la Filmoteca regional, epicentro del certamen. Más allá de su sección oficial -ocasión para ver la cinta estonia

Las motosierras cantan -, la programación exhibirá en pantalla grande títulos recientes de difícil acceso, como Le deuxième acte, de Quentin Dupieux, o la irlandesa Fréwaka, de Aislinn Clarke, maestra del folk horror. Y, si os cruzáis con él, siempre podréis pedir recomendaciones a otro invitado muy entendido: Detective Murciano. https://sombrafestival.com

BRAIN FILM FESTIVAL

CCCB (BARCELONA)

Del 12 al 16 de marzo

Es el único en Europa de estas características. El Brain Film Fest es un festival internacional de cine sobre el cerebro impulsado por la Fundación Pasqual Maragall y coorganizado por Minimal Films. A través de la creación audiovisual y la divulgación científica muestra a la ciudadanía, de una manera cercana, la poliédrica realidad del cerebro, desde sus capacidades hasta sus enfermedades y condiciones. El festival abarca varios días de cine y actividades, durante los cuales tiene lugar la competición por el Premio Solé Tura para largometrajes y cortometrajes. Entre los títulos a competición o fuera de concurso, este año destacan 2073, de Asif Kapadia; Great Absence, del japonés Kei Chika-ura; Salve Maria, de Mar Coll; Anxiety Club, de Wendy Lobel; Morlaix, de Jaime Rosales, o la ganadora del Oro de Oro en Berlín (2023), Sur l'Adamant, de Nicolas Philibert, quien contará con un ciclo con otros títulos suyos muy relevantes para esta materia. Las entradas del festival, gratuitas, se pueden retirar ya en la web. https://brainfilmfest.com

SALA BERLANGA

Programación de marzo 2025

Madrid

Ciclo audiovisual: Premios Goya 2025

Con las películas finalistas y ganadoras de los Premios Goya 2025   Hasta el 7 de marzo

Consultar horarios

Entradas: 3,50 euros

Concierto: A propósito de Tejas Verdes Actividad paralela al estreno de ‘Tejas verdes’ de Jesús Torres en el Teatro Real

Interpreta: PluralEnsemble 8 de marzo

19.30h

Entradas: 6,50 euros

Ciclo audiovisual: La diversidad a escena Actividad paralela al estreno del ‘L’uomo femmina’ en el Teatro Real

Con las películas: ‘Un hombre llamado Flor de Otoño’ de Pedro Olea; ‘Ocaña, retrato intermitente’ de Ventura Pons y ‘Dolor y gloria’ de Pedro Almodóvar

Del 11 al 13 de marzo

19h y 21h

Entradas: 3,50 euros

AMERICANA FILM FESTIVAL

Varios espacios (GIRONA)

Del 11 al 16 de marzo

Todo listo para un nuevo y selecto surtido de cine indie norteamericano. La duodécima edición del festival se abrirá con la película inaugural In the Summers, de Alessandra Lacorazza, ganadora del premio a Mejor película y Mejor dirección en Sundance, y con el rapero Residente de protagonista. Uno de los títulos más esperados de esta edición es El brillo de la televisión, que estará presentada por su directore, Jane Schoenbrun. Entre las nuevas miradas, destaca Problemista, el debut de Julio Torres, comediante y escritor salvadoreño que ha formado parte del equipo del show de tv, Saturday Night Live. Esta edición de Americana contará con un total de 64 títulos, de los cuales hay 42 largometrajes distribuidos en las diferentes secciones: 13 en Tops, 13 en Next, 5 en Docs, 8 de retrospectiva y 3 en Young Americans. También se podrán ver 22 cortometrajes repartidos en 3 sesiones. El cineasta Ira Sachs será uno de los grandes invitados y presentará una retrospectiva en la Filmoteca de Catalunya con sus largometrajes, además de ofrecer una masterclass. https://americanafilmfest.com

INDIAINDIE

Varios espacios (VALLADOLID/MADRID)

Del 3 al 27 de marzo

La industria del cine en la India es la más importante del mundo en cantidad de películas producidas, y también de espectadores. Además, se ha extendido al resto del mundo con grandes éxitos. La cuarta edición de INDIAINDIE. Muestra de Cine Independiente de la India se celebra entre Madrid y Valladolid con una programación de cine producido recientemente en hindi y otras lenguas regionales (bengalí, malayalam y manipuri). Se han seleccionado seis largometrajes, representantes del mejor cine emergente actual indio, que no cuentan aún con distribución europea. Los títulos programados, que abordan

temas como la ecología, las relaciones familiares o la ciencia ficción, se podrán ver primero en Valladolid, en Cines Broadway, del 3 al 7 de marzo a las 20:00 h, y después en Madrid, en Cines Renoir Princesa, del 20 al 27 de marzo a las 20:30 h. Las películas programadas son Nocturnes, de Anirban Dutta y Anupama Srinivasan; The Spark, de Rajesh Jhala; Second Chance, de Subhadra Mahajan; Joseph’s Son, de Haobam Paban Kumar; Whispers of Fire & Water, de Lubdhak Chatterjee. Todas las sesiones se proyectarán en versión original con subtítulos en castellano. https://www.casadelaindia.org

28 FESTIVAL DE MÁLAGA

Varios espacios (MÁLAGA)

Del 14 al 23 de marzo

Todas las miradas se dirigen a Málaga cuando, en marzo, se habla de cine español. Ya está a punto de comenzar una nueva edición con una Sección Oficial repleta de directoras: las películas españolas La furia, de Gemma Blasco; Los Tortuga, de Belén Funes; Sorda de Eva Libertad; La buena suerte, de Gracia Querejeta, y La buena letra, de Celia Rico, componen un primer avance entre las cintas que compiten en dicha sección. No faltarán grandes joyas por descubrir en el resto de secciones, en formato corto o largo, de ficción y no ficción, ni series, ni pases especiales, ni el ciclo de underground andaluz. Ni conciertos. Mirando hacia atrás, los festivales de Málaga y San Sebastián se han unido para celebrar los 50 años de Furtivos, la película más aclamada de José Luis Borau, un clásico de nuestro cine. Esta nueva copia de la película en 4K, que se proyectará en ambos festivales, ha sido realizada por la distribuidora Video Mercury Films en colaboración con la plataforma FlixOlé. Mirando hacia delante, la directora y actriz Elena Martín Gimeno, quien ya fuera portada de NUEBO en septiembre de 2023, recibirá el Premio Málaga Talent del 28 Festival de Málaga. Nos alegramos mucho por ella. https://festivaldemalaga.com

Ciclo de conciertos: Sesiones + Musicas en la Berlanga

Actúan: Lapili, Sara Socas, Luna Ki y DEVA Grabación del podcast ‘Yo también quiero más músicas’ con Safree

14 y 15 de marzo

19.15h

Entradas: 6,50 euros

Festival de Cine Fantástico SOMBRA Madrid 2025

Estrenos de películas, talleres, mesas redondas…

Del 18 al 22 de marzo

Consultar horarios

Entradas: 3,50 horas

Ciclo doble: Generación Lagartija Lagartija Nick protagoniza un ciclo audiovisual y programa sus bandas emergentes de referencia

Del 25 al 29 de marzo

Consultar horarios

Entrada de cine: 3,50 euros

Entrada concierto: 6,50 euros

FESTIVAL DOMINGO

Varios espacios (MADRID)

Del 12 al 16 de marzo

Quinta edición del festival dedicado al arte performativo experimental, quinta, que esta vez se expande desde La Casa Encendida y conquista nuevas sedes aliadas. El Conde de Torrefiel, Las Nenas Theatre, Nilo Gallego, Luísa Saraiva, Paz Rojo, Itziar Okariz, Despina Sanida Crezia y Eleni Roberts Kazouri, Javier J Hedrosa y Paula Romero presentan, bajo la dirección artística de Fernando Gandasegui, sus esperados trabajos. Cierra el festival en la Casa de Campo la artista musical Eddi Circa, en un evento diseñado junto al colectivo Bosque Real.

FOTO: EL CONDE DE TORREFIEL, DE RICARDO CASES