NUEBO #20 febrero 2024

DELAPORTE / CARLOS ARES / PRISCILLA / IMON BOY / LOS 50 VIDEOJUEGOS ESPAÑOLES / ELGRANDETOTO / LA BESTIA EN LA JUNGLA

EL PADRINO

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YSY A / CARLOS ARES / PRISCILLA / IMON BOY / LOS 50 VIDEOJUEGOS ESPAÑOLES / ELGRANDETOTO / LA BESTIA EN LA JUNGLA

RAVE ON

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DELAPORTE / YSY A / PRISCILLA / IMON BOY / LOS 50 VIDEOJUEGOS ESPAÑOLES / ELGRANDETOTO / LA BESTIA EN LA JUNGLA

DE LA TIERRA

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YSY A / DELAPORTE / CARLOS ARES / IMON BOY / LOS 50 VIDEOJUEGOS ESPAÑOLES / ELGRANDETOTO / LA BESTIA EN LA JUNGLA

VIVA LAS VEGAS

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Sound Isidro 2024 10

× 10 años

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1111 / A Place to Bury Strangers / Adrift / airu / Alavedra / Alba Carmona / Alba Morena / Amalia Tal Vez / ANADIE / Animal Oculto / Atención Tsunami / Axolotes Mexicanos / Bala / Bb trickz / Bernarda / Bewis de la Rosa / Bigott / Bloodstein / Brava / Bulego / Candela Gómez / Cecilio G / Carmen Xía / Casapalma / Chaqueta de Chándal / Ciutat / Chancha Vía Circuito B2B El Búho / Codo / Courting / Dani Ribba / Dano / Dellachaouen / dmora / Diamante Negro / Dengue Dengue Dengue / El Bobo de las 3000 / el diablo de shanghai / Ela Rea / el momento incómodo / Endora y sus Vicios / Ferran Palau / Finale / Folly Group / Francis of Delirium / Gara Durán / Gitano de Palo / Hadren / Hofe x 4:40 / JaviJavier / Joder Juan / John Pollõn / Jordi Ganchitos / Júlia Colom / Kalena / kindapatri / K1ZA / Kinder Malo / krissia / Kristin Hersh / LaBlackie / Lapili / Lisabö / Las Marikarmen / Las Petunias / Los Chivatos / Los Jaleo / Mandale Mecha / MAQUINA. / Marala / Marenitas / Merina Gris / Mirua / Monteperdido / mori / Mundo Prestigio / Mushkaa / Muyaio / Naked Family / Nerve Agent / Nico Miseria / Nina Emocional / nusar3000 / Niños Bravos / O'Cristo / Orslok / Paco Moreno / Pahua / Perro / Playback Maracas / Prison Affair / Reality / Rebe / Quentin Gas & los Zíngaros / Robzzz Rusowsky / Sandré / Ruïnosa y las Strippers de Rahola / Sonido Gallo Negro / sistema de entretenimiento / Sarria / Tigre y Diamante / Syd dePalma / Tetas frías / The Change / vatocholo / Sin Bragas / Widowspeak / YellowStraps / Zuaraz

LA BESTIA EN LA JUNGLA

VOL. 20 FEBRERO 2024

FUEGO EN LA DISCO

YSY A

TIEMPOS NUEVOS TIEMPOS SALVAJES

50

42

RENACER

32

CARLOS ARES

38

44 52 PRISCILLA

ALBA MORENA NUEVO POP

EDITORIAL

PESIMISTAS POR NATURALEZA

SUMARIO

MAUSTETYTÖT

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LO QUE HAY QUE AGUANTAR

58

la noticia de la absorción por la revista gq de pitchfork, el portal web que desde su fundación en 1996 se había convertido en el medio musical de referencia en formato online, ha vuelto a poner el dedo en la llaga de la viabilidad y hasta el sentido del periodismo cultural en el contexto actual. Llueve sobre mojado.

Pitchfork había sido comprado por el gigante editorial Conde Nast en 2015, y su dependencia de la revista GQ -con los consiguientes despidos de buena parte del personal- no viene más que a poner otro clavo en un ataúd que habían sacado a pasear hacía tiempo.

La deriva de Pitchfork de faro de la música alternativa a gigante multinacional -con festival en París incluido- y, finalmente, mamporrero de una publicación centrada en la moda y el estilo para hombres encanecidos, se veía venir desde casi el momento de su nacimiento.

La suya es, de nuevo, la historia de cómo el periodismo cultural en su giro digital se dejó arrastrar por la perversa utilización de los números en pos de unas audiencias imposibles. Algo que ya le había ocurrido a la TV décadas atrás y que, tras haberse instalado en nuestro día a día apuntalado por una serie de términos marketinianos (funnel, KPI's, PPVV...), se ha traducido en un planteamiento tan sencillo como que las audiencias -y por tanto el clickbait- mandan, fulminando el valor del comunicador, que ha dejado de serlo

MÓNICA OJEDA

UN GUSTOSO VENENO

para convertirse en comercial. Y así llegamos al modelo actual, dominado por las grandes corporaciones tecnológicas a través de las rrss. Hoy ni tan siquiera un medio global como Pitchfork está en condiciones de competir en números macro con el chute de dopamina que proporciona seguir el día a día de un famoso/ influencer, y su ración diaria de fotos medio en bolas.

Todo esto que puede sonar a pataleta, en realidad se ha convertido en una gran oportunidad para intentar hacer las cosas de otra manera, mientras asistimos al espectáculo de cómo el modelo actual basado en planteamientos maketinianos absurdos se derrumba. La tecnología nos ha proporcionado muchísimas herramientas para hacer un periodismo cultural que vaya más allá del modelo basado en la opinión y la crítica: desde armar una buena playlist, a trabajar el audiovisual o comisariar un ciclo de películas o conciertos. Además, la situación actual está creando una conciencia del problema que poco a poco acerca a los diferentes actores que forman parte de la producción cultural popular. Es aquí donde toca agradecer (nunca nos cansamos de ello) a todos los que apuestan por un proyecto como este, levantado desde la total independencia: a ti lector, y por supuesto a nuestros anunciantes.

El próximo número, en marzo, cumplimos dos años. ¿Quién dice que no hay otra forma de hacer las cosas?

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EL BANKSY AMABLE

ELLES

METH MATH

60

IMON BOY DIRECTOR EDITORIAL

72

PABLO ERROZ

70

MODA SOSTENIBLE

Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE

Liliana Carpio lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN

Diego Rubio diego@nuebo.es

PUBLICIDAD BARCELONA

Itzbi Solís itzbi@nuebo.es

TANIA MORENO

COLABORADORES

80

RODEO

EL REY DE MARRUECOS

EN LA PLAYA

ELGRANDETOTO

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RRSS

Cristina Fandiño cris@nuebo.es

DALE GAS

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Marcos Almendros, Juan Álvarez, Cayetana Ariznavarreta, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Elena Blanco Esquivel, Gabriel Cárcoba, Guillermo Chaparro, Manu González, Paula Gonzalo González, Eva Luengo, Ángelo Néstore, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Omar Poveda, Adriana Ramiro, Felipe Rodríguez Torres, Andrea Rullán, Daniela Urzola.

FOTOGRAFÍA

Pablo Barboza, Belén Franco, Shot By Frankito.

Fotos de portada: Bruno Gentile (YSY A), Assiah Alcázar (Carlos Ares), Víctor "Mimo" (Delaporte) www.nuebo.es / @somosnuebo

DELAPORTE DULCE RESACA

86 92

LOS 50 MEJORES VIDEOJUEGOS ESPAÑOLES CONTRA Y PARA EL MUNDO

IMPRESIÓN

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097

DISTRIBUCIÓN

Elliot Bicimensajeros (MDZ) Mil Máscaras (BCN) NUEBO S.L. Callejón de Concepción Jerónima 3, 1º Ext. Izq.28012 Madrid hola@nuebo.es Las opiniones expresadas por los colaboradores no son necesariamente compartidas por el equipo de la revista.

Todos los derechos reservados. En virtud de lo dispuesto en los artículos 8 y 32.1 párrafo segundo, de la Ley de Propiedad Intelectual, quedan expresamente prohibidas la reproducción, la distribución y la comunicación pública, incluida su modalidad de puesta a disposición, de la totalidad o parte de los contenidos de esta publicación, con fines comerciales, en cualquier soporte y por cualquier medio técnico, sin la autorización de la empresa editora de la publicación NUEBO S.L.

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HAZTE CON TU EJEMPLAR DE NUEBO EN NUESTROS PUNTOS DE DISTRIBUCIÓN OFICIALES QUE PUEDES CONSULTAR A CONTINUACIÓN… BARCELONA

ALEATORIO BAR C/ Ruiz, 7, 28004

L’ADORE CAFÉ Pl. de Cascorro, 20, 28005

ACID CAFÉ C/ Verónica, 9, 28014

AMEN C/ San Andrés, 3, 28004

LOS TIERNOS C/ Toledo, 73, 28005

FELIZ COFFEE TO GO C/ Lope de Vega, 2, 28014

BIANCHI KIOSKO CAFFÉ C/ San Joaquín, 9, 28004

MOLAR DISCOS & LIBROS C/ Ruda, 19, 28005

MISERIA C/ Verónica, 15, 28014

CAFÉ PEPE BOTELLA C/ San Andrés, 12, 28004

RUDA CAFÉ C/ Ruda, 11, 28005

CAFÉ LA PALMA C/ Palma, 62, 28015

EL ALMACÉN DE DISCOS C/ Minas, 13, 28004

THE MUSIC STATION Cuesta de San Vicente, 44, 28008

C.C. CONDE DUQUE C/ Conde Duque, 9, 28015

FARADAY C/ San Lucas, 9, 28004

BOUTIQUE DE LA PRENSA C/ García de Paredes, 34, 28010

ODD KIOSK C/ de València, 222, 08011 Bcn.

FREV BOUTIQUE Corredera Alta de San Pablo, 4, 28004

THE BEER GARDEN TAP ROOM SALOON C/ Juan de Austria, 23, 28010

LA DESPENSA INCREÍBLES CREATIVOS C/ Sta. Cruz de Marcenado, 4, 28015

CURUBA.SCP Plaça de la Vila de Gràcia, 19, 08012

FUNDACIÓN SGAE C/ Bárbara de Braganza, 7, 28004

EL GENIO EQUIVOCADO, LA BOTIGA Carrer de Benet Mercadé, 22, baixos 1ª, 08012 Bcn.

GENERACIÓN X C/ de la Puebla, 15, 28004

ARABAY COFFEE MADRID C/ Marqués Viudo de Pontejos, 1, 28012

EL NOA NOA C/ de Torrijos, 22, 08012

GORILA MALASAÑA Corredera Baja de San Pablo, 47, 28004

CCCB C/ de Montalegre, 5, 08001 ÍNDIGO CAFÉ & BRUNCH Carrer d'Enric Granados, 3, 08007 CAMELIA ART CAFÉ C/ de la Diputació, 278, 08009 CELEBRE Pg. de St. Joan, 60, 08009 GRANJA PETITBO Pg. de St. Joan, 82, 08009 FREE TIME Carrer del Comte d'Urgell, 32, 08011

IED Carrer de Biada, 11, 08012 CANTINA LAB CAN BATLLÓ Gran Via de les Corts Catalanes, 169, 08014 ZUMZEIG CINECOOPERATIVA C/ de Béjar, 53, 08014 COMETA C/ del Parlament, 20, 08015 NINAS COFFEE AND BRUNCH C/ d'Entença, 116 Bis, Local 2, 08015 ORVAL Carrer de Buenaventura Muñoz, 31, 08018 IED Carrer de Sant Salvador, 70, 72, 08024 CAMELIA ART CAFÉ C/ de Padilla, 264, 08025 LA CIUTAT INVISIBLE Carrer, Riera d'Escuder, 38, baixos, 08028 LA DESKOMUNAL SCCL Carrer del Tenor Masini, 5 Carrer Riera d, Escuder 38, 08028

GENERACIÓN X C/ Carranza, 25, 28004

BAJOELVOLCÁN C/ Ave María, 42, 28012 BOCONÓ SPECIALTY COFFEE C/ Embajadores, 3, 28012 CAFELITO C/ Sombrerete, 20, 28012

GOSTO CAFÉ C/ Palma, 47, 28004

EL IMPARCIAL C/ Duque de Alba, 4, 28012

GRIMEY STORE C/ de Hortaleza, 23, Local Derecha, 28004

GENERACIÓN X C/ Conde de Romanones, 3, 28012

KAÓTICO C/ Fuencarral, 34, 28004 LA FIAMBRERA ART GALLERY C/ Pez, 30, 28004 LA INDUSTRIAL EVENTOS C/ San Vicente Ferrer, 33, 28004 LOLINA VINTAGE CAFÉ C/ Espíritu Santo, 9, 28004 MALABAR Pl. del Dos de Mayo, 9, 28004 MONKEY GARDEN C/ Barco, 38, 28004 OMEGA CENTER C/ Estrella, 20, 28004 PICNIC C/ Minas, 1, 28004

HOLA COFFEE FOURQUET C/ Dr. Fourquet, 33, 28012 JUAN RARO C/ Miguel Servet, 7, 28012 LA NOBIA C/ Salitre, 45, 28012 PANTHER CAFÉ C/ Atocha, 4, 28012 PUM PUM CAFÉ C/ Tribulete, 6, 28012 SALA EQUIS C/ Duque de Alba, 4, 28012 SWINTON GALLERY C/ Miguel Servet, 21, 28012 CASA JAGUAR C/ Caños del Peral, 9, 28013

QUALITY SPORTSWEAR C/ Espíritu Santo, 6, 28004

FOUR C/ Calderón de la Barca, 8, 28013

GRANJA PETITBO C/ de Mallorca, 194, 08036

SUBTERFUGE C/ Almirante, 30, 28004

HOTEL ANACO C/ Tres Cruces, 3, 28013

ARANDA DE DUERO

TOMA CAFÉ C/ Palma, 49, 28004

SALA EL SOL C/ Jardines, 3, 28013

BIPOLAR C/ Calatrava, 6, 28005

WET COCKTAIL BAR C/ Mesón de Paños, 6, 28013

FEDERAL CAFÉ Pl. Conde de Barajas, 3, 28005

WURLITZER BALLROOM C/ Tres Cruces, 12, 28013

CAFÉ CENTRAL C/ Sal 9, 09400

MADRID

1862 DRY BAR C/ Pez, 27, 28004

LA TAPE C/ San Bernardo, 88, 28015 MARILIANS C. del Noviciado, 9, Local 7, 28015 DJP MUSIC SCHOOL C/ Pilar de Zaragoza, 63, 28028 LOS INVERNADEROS C/ Alonso Núñez, 6, 28039 UNIVERSAL MUSIC C/ Torrelaguna, 64, 28043 BAR TOBOGGAN Pl. de Rutilio Gaci, 2, local 1, 28045 COSTELLO RÍO Pl. Gral. Maroto, 4, 28045 DRØMME KAFFE HOUSE C/ Juana Doña, 8, 28045 MATADERO MADRID Pl. de Legazpi, 8, 28045 PANDORA'S VOX C/ Rafael de Riego, 8, 28045 SONY MUSIC P.º de la Castellana, 202, 28046

OURENSE

CAFÉ & POP TORGAL Rúa Celso Emilio Ferreiro, 20, Sótano, 32004

GIJÓN

BAR LA PLAZA C/ Julio Fernández, 1, 33201 Gijón TOMA 3 C/ Marqués de Casa Valdés, 27, 33202

MÁLAGA:

CACMÁLAGA Centro de Arte Contemporáneo. C/ Alemania, S/N 29001 Si tienes un negocio o gestionas un Espacio Público en cualquier punto del país te puedes convertir en distribuidor oficial de NUEBO por solo 25€. Ayúdanos a llevar la mejor revista de cultura pop a todos los rincones de España y premia a tus clientes y usuarios distribuyéndola gratuitamente en tu espacio.

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“Hipnótica y Sensual”

“Misteriosa y Seductora”

Le Monde

Mondo Sonoro

“Una Película Ejemplar” “Encantadora y Poética” 15 Caimán

Elle

C H ARLOT T E V I NCENT Y K AT I A KH A Z AK PRESENTAN

A N A ÏS TO M

D E M OU S T IE R

M E R C I E R

BÉ AT R IC E

ALQUIMIAS

D A L L E

LA BESTIA EN LA JUNGLA U N A

P E L Í C U L A

D E

PATRIC CH IHA BASADA EN “LA BESTIA EN LA JUNGLA” DE HENRY JAMES CON MARTIN VISCHER SOPHIE DEMEYER PEDRO CABANAS MARA TAQUIN BACHIR TLILI

ESCRITA POR PATRIC CHIHA AXELLE ROPERT JIHANE CHOUAIB FOTOGRAFÍA CÉLINE BOZON AFC MONTAJE KARINA RESSLER AEA JULIEN LACHERAY SONIDO ATANAS TCHOLAKOV MONTAJE Y MEZCLA DE SONIDO MIKAËL BARRE MÚSICA ORIGINAL YELLI YELLI Y FLORENT CHARISSOUX DINO SPILUTTINI DECORADOS EVE MARTIN VESTUARIO CLAIRE DUBIEN MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA LILA VANDER ELST PAUL-FRANÇOIS MATRAJA COREOGRAFÍA LORENZO DE ANGELIS PRIMER AYUDANTE DE DIRECCIÓN CHRISTELE AGNELLO SCRIPT MORGANE AUBERT-BOURDON DIRECTOR DE PRODUCCIÓN SÉBASTIEN LÉPINAY PRODUCIDA POR CHARLOTTE VINCENT KATIA KHAZAK / AURORA FILMS COPRODUCIDA POR CASSANDRE WARNAUTS JEAN-YVES ROUBIN / FRAKAS PRODUCTIONS EBBA SINZINGER VINCENT LUCASSEN / WILDART FILM CON LA PARTICIPACIÓN DE LES FILMS DU LOSANGE CON EL APOYO DE CENTRE NATIONAL DU CINÉMA ET DE L’IMAGE ANIMÉE EN ASOCIACIÓN CON CINÉMAGE 16 ARTE / COFINOVA 18 CON EL APOYO DE CENTRE DU CINÉMA ET DE L’AUDIOVISUEL DE LA FÉDÉRATION WALLONIE-BRUXELLES EN COPRODUCIÓN CON RTBF (TELEVISIÓN BELGA) PROXIMUS VOO Y BE TV CON LA PARTICIPACIÓN DE LA RÉGION DE BRUXELLES-CAPITALE SCREEN.BRUSSELS BELGA PRODUCTIONS CON EL APOYO DE TAX SHELTER DE GOUVERNEMENT FÉDÉRAL BELGE VIA BELGA FILMS FUND CON LA AYUDA DE L’INSTITUT DU FILM AUTRICHIEN DESARROLLADA CON LA AYUDA DE PROGRAMME CREATIVE EUROPE - MEDIA DE L’UNION EUROPÉENNE CINÉCAP 3 DÉVELOPPEMENT CINEAXE DEVELOPPEMENT PROCIREP

1 DE MARZO EN CINES

FESTIVAL DE CINE INTERNACIONAL DE BERLÍN

la nueba

RONISIA

Firmada con Epic Records Francia desde 2020, Ronisia se ha convertido en toda una estrella en el país de las galias no solo por sus innumerables pelotazos de TikTok, también por el éxito de su álbum debut, el homónimo Ronisia de 2022 -con varios platino en su interior: Atterrissage, Suis-moi, Mélodie (Tatami)-. Nacida en Cabo Verde en 1999, su sonido vibra entre la finura del R&B francés -siempre global y con referentes evidentes: Beyoncé, Alicia Keys, Rihanna- y sonidos mucho más vinculados al luminismo de los afrobeats más accesibles, una faceta que explota en su último trabajo, era 24, lanzado a finales de 2023. Pinceladas de dancehall pop por aquí, ritmos nigerianos por acá, featurings de raperos francófonos por allá, bases diluidas y un revestimiento más urbano... hasta momentos que por su ejecución recuerdan a Stromae. No esperes a que te lo cuenten: nosotros te descubrimos el futuro del pop.

FOTO: ©KORIA-SCALED

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madrid conciertos abejas salas primavera

14 al 23 marzo 2024 _juno

Agoraphobia

ALCALÁ NORTE

BASINGER

Bones Of Minerva

Biuti Bambú

Camellos

chicle

la Demoscópica de mondo sonoro Depresión Sonora

Dúa de Pel

los estanques y anni b sweet Fontán

here

Jaleo Real jimena amarillo · repion · espineli · lusillÓn javypablo

La Milagrosa

Lazharus

LOS SEX

María de la Flor Moloch

Laura Jordán

Mar Casak

Mister Marshall

Mónica Morado

Néctar Puño Dragón

Paula Becker Ripoll

Sobrinus

TÚ POR JAI

Venturi

Vie Bora

Santoporto

Valiente Bosque Yogures de Coco

Zea Mays

www.beeweek.es

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ÉCIMO ELEBRACIÓN SU D UN C LA A C N A R R A 2024: de los dj de cabecera de JAGERMUSIC TANDO SU RÓSTER A DIVERSIÓN Uno EN ES PR IO Mainline, Pantani cobró relevancia R SA ANIVER ELDÍA Y MUCH EL POP, como “animador” de las fiestas del EB R D, TU EN V JU ÍAS EN MURAL DE Primavera Weekender, y ha ido MBRAR NUEVAS V NICA O EN LU IS V E IT M R PE afianzando su posición en la escena E Ó QU TR EC EL A ÚSIC M LA EN P, EL de clubs de Barcelona a base de O O H R IP EN EL H S CAMBIAN, PE SA O C S reinterpretar el eurodance en clave LA E U Q R DOS! TO N EL ROCK. PO O C E bakaladera. Ahora avanza proyecto.

ZT A ¡H ECE...

ESPÍRITU PERMAN El pájaro más libre que vuela del nido del colectivo barcelonés Mainline es este dúo inverosímil con el downtempo y la electrónica británica noventera por bandera pero absolutamente contemporáneos en fondo y forma.

Rap y color aún pueden ir de la mano.

Así lo demuestra este joven rapero madrileño que corre en la estela de Cráneo y la onda lo-fi y se relaciona con la gente de rusia-idk: el boom bap alternativo no está reñido con pulsos clubber... ni con experimentos pop.

TEO LUCADAMO

CIUTAT

Surgida en el entorno de Califato 3/4 y fogueada en la cultura breakbeat de Andalucía, la dj y productora brinda su propia versión de la edad dorada de la rave, convocando la intensidad del sur de España y situándola como epicentro de los ritmos electro callejeros.

e las Príncipe d el nuevo d y s la b ie tin , Ares co ti ó g tecno onta m Negrete se nimas su á e d e u en Toq , Castlevania particular fonía de sin su propia a epopeya Un . e ch o n la , oscura y ca ti n romá r na que po a becqueri ce re a sp momento ltimo Ú releer a El bits.

16 n e o n Veci

PINPINLINPUSSIES Ruido desde Barcelona con este dúo que tanto te recuerda a la intensidad demoledora de Sleater-Kinney como a la aspereza cruda y slacker de Courtney Barnett. Garage, punk, guitarras a chorro y mucha emoción.

L OS NUEBOS TALENTOS

2024 DE VATOCHOLO

Nacido en Dinamarca y residente en Madrid, este joven criado en la Guadalajara transatlántica ha traído su visión del regional mexicano a nuestro país, penetrando a través de las Canarias y colaborando con Dellafuente.

Portada de nuestro número de noviembre, Pipiolas no paran de crecer -acaban de estrenar tema con Rigoberta Bandini-.

Entran en 2024 preparadas para domar la carretera con la gira de presentación de su primer trabajo, No hay un dios, en el que actualizan con gancho los tópicos de nuestro electropop.

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LOS VERÁS EN

20 la nueba

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA La motosicleta más canalla de toda nuestra geografía sigue en su propia vuelta ciclista al sur de España, afianzando cada vez más su sonido y su creciente base de fans. Nominaciones a los Goya, coqueteos con el mainstream... y sin peinarse. La ruta tántrica del flamenco hace parada en Tomavistas 2024. ¿Cuál es el mejor concierto que habéis visto en un festival? ¿Y por qué lo recordáis tan especial?

Bacca: Pues Nick Cave en el NOS Primavera Sound de Oporto. Fue como ir a misa para nosotros, acabamos dándonos un fuerte, un cálido abrazo todos juntos y rompimos a llorar. Después de semejante show...

Gringo: Brindemos por Nick Cave.

Todos: ¡Por Nick Cave!

Soni: Nicolás Cueva.

Gacca: Mi padre.

Vuestra actuación perfecta en un festival sería...

Gringo: En el Madison Square Garden, cerrando la gira de nuestro quinto disco.

Bacca: Pero que fuera un festival en el Madison Square Garden...

rio habitual) que más os gustaría tocar en directo?

Gringo: All My Moving.

Soni: (Cantando) I wanna know what love iiis, I want you to show meee!

Gringo: We Will Rock You. Dandy Piranha: Pero entonces ¿cuál es? ¿Stairway to Heaven?

El mejor y el peor concierto que habéis dado. ¿Cómo los recordáis?

Dandy Piranha: Grandes conciertos ha habido muchos, pero uno que recordamos con especial cariño fue en el Canela Party: fue realmente emotivo, fue apoteósico. Y el peor... lo pasamos muy mal una vez en la Joy Eslava porque hubo

problemas técnicos por todos lados, hubo lesiones... yo me rompí un pie... Esperamos poder resarcirnos en algún momento.

Y, bueno, por los loles vamos a terminar jugando al juego de bang/slap/dash... ¿A qué artista del cartel del Tomavistas 2024 os follaríais, a cuál abofetearíais y de cuál pasaríais? Hay que dar razones, ¿eh?

Gringo: Nosotros haríamos el amor con Belle and Sebastian, y con su música. No le pegaríamos a nadie, la verdad, porque nosotros somos más de hacer el amor... con Belle and Sebastian.

Y después es que tampoco pasamos de la gente: nos gusta responder a todo el mundo... y mandarles canciones de Belle and Sebastian.

¿Cuál es la canción (que no sea vuestra, ¿vale? y que no esté en vuestro reperto-

Que La Mesías es la movida española del año -o al menos de este último sprint- es algo que quizá sospechas si sales a la calle, si tienes amigos, si vas a la oficina, si te has metido en algún momento en alguna red social. Además, la metacampaña de metaviralización (¿?) que están haciendo Los Javis en torno al grupo ficticio Stella Maris, protagonista de fondo de la serie, ha convertido algunas preguntas en ubicuas. ¿Has visto La Mesías? ¿Has visto lo de Stella Maris en el Primavera Sound? También: ¿Sabes que Irene es la hija del de Love of Lesbian? Pues sí, Irene Balmes es la hija de Santi Balmes en la vida real e Irene Puig Baró, la hija mayor de Montserrat, en la ficción. Y al final es la que resulta cargar con prácticamente todo el peso dramático de la progenie familiar durante la segunda etapa de la serie de Movistar+, cuando se convierte en un turbio drama rural con aires de thriller psicológico que conducen con maestría una espectacular Lola Dueñas y un escalofriante Albert Pla. Poderosa en los silencios, expresiva en las miradas y contundente en su interpretación por momentos volcánica, Irene Balmes ha terminado siendo una de las grandes sorpresas de La Mesías, y su trabajo ya le ha valido la primera nominación de su carrera con la candidatura a mejor actriz de reparto en los Premios Feroz de 2024. Somos seguidores, somos creyentes. ¡Aleluya!

THE BLAZE, LOS PLANETAS (30 ANIVERSARIO ‘SUPER 8’), BELLE AND SEBASTIAN, THE JESUS & MARY CHAIN, DRY CLEANING, DINOSAUR JR., STANDSTILL, BAIUCA, ALIZZZ, BODEGA... EN TOMAVISTAS 2024

FOTO: ANGEL BERNABEU

IRENE BALMES

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A R T I S T A I N V I T A D O : charlieonnafriday

20 MAYO SANT JORDI CLUB - BARCELONA

21 MAYO PALACIO VISTALEGRE - MADRID

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SU

LOS ARTISTAS DEL SANSAN FESTIVAL 2024 La naturalidad por delante: SUU, nombre artístico de la joven Susana Ventura, se ha ido consolidando en los últimos cinco años como heredera de ese pop que tanto bebe de la comercialización del Donosti Sound vía La Oreja de Van Gogh como del pop inglés o de la tradición del pop en catalán. Presentará Karaoke, su tercer álbum.

U

¿Cuáles son tus manías antes de salir a tocar?

Abrazar mucho a mi equipo y calentar la voz, todo bastante básico. ¿Cuál es la situación más complicada que has afrontado antes de un concierto?

No tener ningún setlist impreso y tener que ponernos a escribirlos dos minutos antes de empezar... menudo agobio.

¿Con qué artista te ha dolido coincidir en horario? ¿Has hecho alguna locurilla para ir a ver un concierto en un festi en el que tocabas?

Me ha pasado con La La love You en el festival Sónica (Castro-Urdiales) 2022: ellos terminaban cinco minutos antes de empezar nosotrxs, así que corrí de un escenario al otro mientras sonaba nuestra intro porque no me quería perder su show. ¿A qué ídolo has conocido en las bambalinas de un festival?

Para mí es una locura haber coincidido con La Oreja de Van Gogh o con Leiva... en este segundo caso no me atreví a decirle nada. La SUU de 14 años sigue gritando.

ARDE BOGOTÁ, AMARAL, LA OREJA DE VAN GOGH, TWO DOOR CINEMA CLUB, VETUSTA MORLA, VIVA SUECIA, NATALIA LACUNZA, TRAVIS BIRDS, SHINOVA, GINEBRAS... ¡Y MUCHOS MÁS!

¿Cuál es la experiencia más loca que has vivido encima del escenario?

Aparte de que me he caído millones de veces porque soy un tanto patosa, lo más loco es lo que se ve desde arriba. Lo ves todo, y el público en los festivales es especialmente divertido. He visto rupturas en directo, alguna pedida de mano e incluso algún desnudo inesperado. ¿Qué es lo más raro que has visto en camerinos?

Una vez vi una pelea bastante acelerada entre un cabeza de cartel y alguien de su equipo, gritos y escándalo en medio del backstage. Bastante incómodo, la verdad.

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GROUPTHINK

Groupthink, el proyecto esencialmente unipersonal que lidera desde Los Angeles este joven de 28 años nacido en Chicago, te recordará a aquella genealogía de euforia festivalera que revitalizó los ochenta en otro intento social de imaginar un futuro mejor, menos distópico, tras el vapuleo generalizado de la crisis económica de 2007: desde Panic! At The Disco a Neon Indian y llegando, cómo no, hasta MGMT y Passion Pit . Pero Groupthink se aproxima al electro desde el ciberespacio y desde la percepción hyperpop, fundiendo emo con bombos rave, tirando a veces hasta de exageración crunk, incorporando pinceladas pop punk y manteniendo siempre ese sonido vitalista, brillante y evidentemente pop. Lanzó el MiniLP de debut Before the Afters a principios del año pasado, y, tras colaborar con KennyHoopla (otro al que seguirle la pista) en el single Dancing On My Grave, este 2024 esperamos su estreno en formato largo.

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28 el nuebo de

DIEGO 900

GENERACIÓN YA Con Constan Sotoca lunes a viernes de 16.00 a 18.00 Volamos a la velocidad que define a este tiempo. 'Generación Ya' se alimenta de los nuevos movimientos culturales y sociales que moldean el presente y el futuro.

FOTO: MARIONA CALATHEA

Cuando ya dábamos por cerrado 2023, llegó por sorpresa La espalda del sol, el último gran disco del año, al menos en el plano nacional. Su autor, Diego 900, tiene un universo musical tan amplio y diverso como beats de productores random de todo el mundo hay en Youtube. Parece fácil, pero hay que saber cuáles elegir y cómo transformarlos en una canción. Y en ese juego de artesanía digital, el joven artista madrileño ha demostrado ser uno de los mejores, rubricando un aprendizaje que comienza en los versos sueltos del rap de la primera mitad de los 2010 y sigue en toda la movida alternativa y lo-fi. Desde sus inicios en 2019 y especialmente desde la publicación de su tercer trabajo, Gas Platino (2021), ya podíamos intuir que estábamos ante alguien diferente que intencionadamente quería aportar algo nuevo a una escena en constante crecimiento y evolución.

Pero con este nuevo álbum Diego 900 nos ha confirmado que aquel talento emergente que maravilló en los circuitos underground más jóvenes es hoy un músico que se ha ganado merecidamente la etiqueta de artista de culto dentro de la música urbana española.

Por las 18 canciones de La espalda del sol desfilan grandes nombres como Natalia Lacunza, Abhir Hathi o L’Haine. Un tratado de nuevos sonidos con el que nos ofrece su particular y moderna visión de la música urbana. Una combinación de delicadas melodías de R&B, rap contemporáneo, sonoridades tradicionales y ritmos que nos trasladan a lugares clave para entender la música actual como Atlanta, Detroit o Londres.

I DON'T KNOW HOW BUT THEY FOUND ME 29

GLOOM DIVISION

LP - Disponible 23/02

HEALTH RAT WARS

CD | LP | LP Ltd Disponible 16/02

CHELSEA WOLFE SHE REACHES OUT TO SHE REACHES OUT TO SHE

CD | LP – Disponible 09/02 Live: Primavera Sound 31/05

30 la nueba

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AINARA ELEJALDE

LA FORMA DE LAS NUBES

Conocimos profesionalmente a Ainara Elejalde el año pasado, cuando debutó en la gran pantalla de la mano de la realizadora Elena Trapé en la película Els encantats, en la que comparte focos con Laia Costa, Pep Cruz o Daniel Pérez Prada. Y nos quedamos prendados. La hija de los también actores Karra Elejalde y Silvia Bel no siempre tuvo claro que quisiera seguir los pasos de sus padres, aunque confiese que aprendió muchísimo inconscientemente a base de acompañarlos en la carretera. De casta le viene al galgo, vaya. Lo que sí sabía es que su camino estaba en el arte, en la expresión.

Se matriculó en Bellas Artes buscando mantener vivo su sueño de ser pintora, y asistió al Colegio de Teatro de Barcelona para formarse en interpretación y lograr sus primeros papeles en la nutritiva escena teatral de la Ciudad Condal. Y, sin apenas tiempo para tomar una decisión de cuál iba a ser el siguiente paso, el camino a seguir, llegaron las alfombras rojas, los micrófonos.

Las promesas de una nueva estrella del cine español. Este mismo mes ha empezado a rodar su segunda película, Mr Nadie, del director Miguel Ángel Calvo Buttini, un thriller sobre la caída de los imperios y la vida vagabunda en la calle en el que la veremos en un papel más protagonista junto a Félix Gómez y Myriam Meziéres.

FOTO: MARTA MAS

Por: Ángelo Néstore

Hace poco estuve por primera vez en Tenerife para dar una charla sobre utopías queer con mis amigas Sara Torres y Roy Galán. A pesar de viajar mucho por trabajo, nunca consigo explorar o perderme por las ciudades que visito. En esa ocasión, Roy me dijo que no podía irme de su isla sin una visita al Teide, así que el domingo, con toda la paciencia y el amor que calientan las manos de la amistad, las puso sobre el volante y empezamos a subir.

Mientras hablábamos mi paisaje era su rostro, su boca, sus palabras.

Todo lo demás se había difuminado hasta que frenó y me dijo que mirara por la ventana. “El mar de nubes”, me dijo. Así lo llaman.

Bajamos del coche y sobre nosotres se posó un silencio sepulcral, parecido al que se regala a los muertos.

Las vistas eran tan abrumadoras que me dejaron trastornade. Me sentía pequeñe y acelerade como el niño que en el cuento vio como de un guisante brotó en una sola noche una planta que lo llevó encima de las nubes, perforándolas. Nos hemos distanciado tanto de la naturaleza que percibía algo sobrenatural en lo natural. Desde arriba tenía que imaginar el mar, las casas, las personas. Quizá alguien estaba tumbado debajo de un limonero con la mirada suspendida hacia arriba, intentando averiguar la forma de las nubes. Es un perro de perfil. No. Un cíclope con un ramo de flores. Pienso en todos los caballos que alguna vez han galopado encima de mi pelo o en las olas que se han roto en mi cogote y que nunca he visto. ¿Cuándo fue la última vez que me paré a mirar las nubes? No lo recuerdo. Ese día comprendí que hay algo revolucionario en la imaginación, en pararse a observar cómo se transforma una nube.

nobedades

(TAMARA)

SUPERSTAR

Cuando todavía no nos habíamos recuperado del efecto de La Mesías,los Javis Vuelven a la carga con un proyecto, esta vez para Netflix y con Nacho Vigalondo en la dirección: el serial sobre la vida de Tamara Superstar (AKA Yurena). Todo el mundo a prepararse para el revival...

NEO DLX

A medio camino de lo onírico, lo tecnológico y el puro diseño fashion, NEO DLX es una marca de moda virtual creada por el estudio madrileño PLEID ST. Firmas de ropa como Adidas, Loewe o Mulberry ya recurren a sus servicios para convertir sus productos en obras de arte digital.

Al ver ejemplos de su trabajo como estos, lo que sorprende es que Denis Villeneuve no haya recurrido a Juanma Mota y Noemí Álvarez (el alma del proyecto) para diseñar la ropa que aparece en su versión particular de Dune...

CONDE

DUQUE '24:LO CONTEMPORÁNEO 33

El Centro Cultural que da nombre a uno de los barrios más bonitos de Madrid Centro se lanza de cabeza al nuevo año con una programación que incluye música, audiovisual, escénicas, conferencias...

Estos son solo algunos de los eventos imperdibles de los próximos meses.

NIVHEK

Música - Soundset Series 23 marzo El nuevo proyecto del icono experimental Lizz Harris, Engine, se construye sobre el rugido de motores de trenes y coches de carreras. El rugido del capitalismo.

ISRAEL GALVÁN Artes Escénicas / Danza 7 y 8 junio El coreógrafo sevillano revisita en clave flamenca La consagración de la primavera de Stravinsky.

SIMONA

Música 15 marzo Las migas de Esfera de amor llevan a una artista cada vez más sólida. La nueva ola del pop urbano ya está aquí.

CROATIAN AMOR POLIANA LIMA

Música - Soundset Series 22 marzo El productor forma con Iceboy Violet una abstracción ambient con texturas urbanas.

Artes Escénicas / Danza 21 y 22 marzo La autora presenta la 2ª parte de su trilogía sobre la percepción, a veces distorsionada, que tenemos del otro.

VINCIANNE DESPRET

Conferencia 30 abril La filósofa y psicóloga belga hablará sobre los límites en las relaciones entre humanos y animales.

ANGELICA LIDELL

Artes Escénicas / Teatro 10, 11 febrero La catalana vuelve sobre los pasos de lo ritual constantes en toda su compañía con un pacto creativo con el diablo inspirado en la escritora danesa Karen Blixen. El precio de la inspiración.

MCKENZIE WARK

Conferencia 5 marzo Escritora, socióloga y filósofa queer, reflexionará esta vez sobre la configuración del pensamiento contemporáneo.

nobedades

Hasta el 29 de febrero puedes participar en la nueva convocatoria de Urbanaie, un circuito promovido por la AIE (Artistas, Intérpretes o Ejecutantes) para para divulgar el trabajo de los artistas de música urbana. Escanea el código QR junto a estas líneas para conocer cómo puedes presentar tu proyecto y emular a Safu, Jado PVG y Poncelam (en las fotos), protagonistas del último ciclo de conciertos

RALPHIE CHOO ON FIRE Nuestra portada del número de septiembre sigue comiéndose el mundo a bocados: el premio concedido en los Music Moves Europe Awards 2024 casi parece poca cosa después de ver esa estampa navideña en Colón patinando junto a Rosalía y que daba a entender que se vienen cositas...

Antes tres conciertos, los días 22, 24 y 25 de este mes en La Paqui (Madrid) con todo vendido. Va con todo.

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FOTOS: PABLO BARBOZA & SHOT BY FRANKITO En nuestra fiesta del 20 de enero volvimos a tener amigos ilustres que pasaron a darse unos bailes por la Sol. Lo que en parte también se debió al invitado especial que venía a cerrar la sesión esa noche tras las sesiones de Tiraya y Bruni: para quien no lo sepa, tras el nombre de Manito DJ se esconde Manu, cincuenta por ciento de Blanco Palamera, instrumentista habitual de Sen Senra, y uno de los mejores músicos de que ha dado el pop nacional en la última década. Así bailaban, así, así...

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SOFY SUARS REGGAETON / GLOBAL BASS BRUNI FUNK BRASILEÑO / MANDELÃO TIRAYA FUNK / DISCO / ELECTRO

17 SALA EL SOL

FEBRERO 2024

SÁB

Entradas: Dice.es

FOTOS: BELÉN FRANCO Es probable que en el momento de leer estas líneas ya hayas visto el recién estrenado formato de NUEBO Talento, con Sebastián Cortés de protagonista interpretando su canción Me duele hasta pensarte. Like en IG si te flipa tanto como a nosotros.

SOFY SUARS De origen boliviano y con Barcelona como centro de operaciones, Sofy ha traspasado fronteras pinchando y grabando sesiones en los mejores clubs de Londres, Manchester, París, Oporto o Berlín, además de en nuestro país.

TIRAYA Es el capitán al frente del baco de NUEBO Club, y aunque la cabra tira al monte y Tiraya no puede evitar su querencia por el sonido disco más clásico, este dj y productor venezolano es capar de plantear quiebros imposibles e inesperados en cualquier sesión.

UNA PRODUCCIÓN DE:

NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN:

PABLO BERDÚN

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER:

BRUNI Además de tener una sonrisa que nos tiene encandilados, esta dj brasileña se está convirtiendo semana tras semana en el gran referente tras los platos del sonido favela funk en nuestro país

AXEL CASTILLO GAFFER:

EVA LUENGO FOTO FIJA:

BELÉN FRANCO DISEÑO GRÁFICO:

LILLIE CARPIO LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

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FOTOS: BRUNO GENTILE

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POR: DIEGO RUBIO

CON ÉL EMPEZÓ TODO. ALEJO NAHUEL ACOSTA SE SACÓ DE LA MANGA, CUANDO AÚN ERA MENOR DE EDAD, UNA COMPETICIÓN DE FREESTYLE QUE EN POCO TIEMPO SE CONVIRTIÓ EN EL SANTO GRIAL DE ARGENTINA. DECIDIÓ DECAPITARLA PARA, JUNTO A DUKI Y NEO PISTEA, MODO DIABLO, PONER LA PRIMERA PIEDRA DEL TRAP ALLÁ. DE UN MOVIMIENTO QUE HA LOGRADO QUE LA TIERRA DEL RÍO DE LA PLATA LE DISPUTE EL MONOPOLIO DE LA MÚSICA URBANA LATINA A PUERTO RICO O COLOMBIA. DE UNA GENERACIÓN NUEVA DE ARTISTAS JÓVENES ARGENTINOS QUE ESTÁN LLENANDO ESTADIOS. SE LE ERIZA LA PIEL.

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lejo acosta no para. ni de vacaciones.

Le pillo en una ciudad costera de México, disfrutando de unos días de playa, pero me atiende con diligencia. Y me cuenta que viene de estar unos días en la Patagonia, una zona muy tranquila al sur de Argentina. Terminó volviéndose un par de días antes para meterse en el estudio a grabar algo antes de volar para México, y cuando se acercaban las fechas del viaje decidió echarlas tres días para atrás para seguir grabando antes de ponerse otra vez en mood vacacional. “A nosotros nos gusta trabajar, y descansamos nada más porque toca recuperar energía, si no no descansaríamos nunca... en paralelo de que es mi trabajo, es la actividad que más disfruto en mi vida. Si tengo que elegir entre hacer cualquier otra cosa en el mundo e ir al estudio o salir a tocar, elijo eso siempre”. Así que sus días normales son así: una espiral de trabajo que se confunde con los sueños. Menos mal que nunca le gustó mucho dormir.

La clave para él está en el equilibrio. “Suelo ser bastante extremista, pero más que nada para enderezar la nave: si estoy mucho tiempo trabajando, sé que tengo que volver a Buenos Aires a internarme un tiempo con mi familia, con mi hijo, mi gente, relajarme con mis amigos. Y lo mismo al revés: si estoy mucho tiempo muy tranquilo digo ‘bueno pará, hermano, hay que volver a trabajar’. Hay que estar ahí sacándole el jugo a la naranja, ¿viste? Cuando ya te estás pasando mucho de una cosa tienes que ir corriendo a la otra.

Además, yo necesito irme para extrañar”.

Ese mismo equilibrio también lo ejerce entre la paciencia y el ego. “Siempre he estado convencido de que la música que yo estaba haciendo iba a ser histórica”, confiesa cuando recuerda los tiempos de La Mansión, una casa de dos plantas que rentó con Duki durante los últimos meses de El Quinto Escalón y desde la que, un poco sin quererlo, pusieron junto a Neo Pistea y otros pioneros la primera piedra del trap en Argentina. “En ese momento tenía mucha más hambre que ahora incluso, aún con más incertidumbre ya me imaginaba dejando un legado enorme. Nosotros siempre estuvimos muy seguros de apostar por la música, y el trap fue el sonido que encontramos para expresarnos y que amamos hasta el día de hoy. Ni loco pensaba que iba a salir mal, pero al mismo tiempo tampoco me imaginaba que era tan fuerte lo que estaba pasando en ese momento, estábamos cambiando el juego. Éramos adolescentes jóvenes -y un poco alocados- buscando hacer de las nuestras”. La Mansión fue algo generacional,

que se fijaba sin querer en otros fenómenos de la época como los GothBoiClique de Lil Peep o la Drain Gang de Yung Lean. “Ayer justo lo hablaba con Duko. La casa siempre estaba llena de gente, pero lo que más recuerdo es que en ese momento todos estábamos grabando todo el tiempo, todo lo que nos pasaba lo convertíamos en una canción. De repente yo estaba en mi cuarto y escuchaba a alguien grabar y bajaba y nos montábamos, sin pensar nada... Hay canciones de esa época que son una sola toma de freestyle, como Nati. Tener el estudio, la creatividad y la composición tan prendidas es algo muy productivo y muy fuerte”.

Está claro que siempre ha tenido la ambición de trascender, dejar huella. Pero, curiosamente, al mismo tiempo ha sabido darse su espacio.

Nunca tuvo prisa por petarlo porque siempre se sustentó en una implacable seguridad. Equilibrio. “Siempre he sido de dar pasos muy seguros.

Por más que he hecho locuras y jugadas bruscas, en el fondo yo siempre estaba muy seguro de hacerlo”.

Y recuerda que lo primordial para él fue ir armando un equipo propio, personal, que le pudiera soportar todas las locuras que se le iban ocurriendo.

“Me concentré más en eso, quizás.

Y por eso no me volví tan loco con las velocidades de la industria o del mercado”.

Durante esa etapa su trabajo en Modo Diablo sentó las bases del cambio de paradigma en Argentina, pero el eco de su decisión de acabar con El Quinto Escalón pesó. “Recibí mucho odio en ese momento: ¿estar matando al Quinto para irme a hacer trap? Muchos me querían ahorcar en el Parque de Rivadavia. Pero siempre sentimos que estábamos haciendo algo que no se había hecho, que era adelantado al menos en cuanto a lo que se escuchaba en Argentina. Y que tarde o temprano íbamos a acabar haciendo historia”. El tiempo les dio la razón, y a su persistente apuesta por la profesionalización. “Profesionalizarse es necesario. No te puedes quedar siendo ese niño soñador que quiere ser artista, porque justamente para vivir de tu arte tenés que hacerte más profesional”, razona. Ay, las contradiccio

“SIEMPRE SENTIMOS QUE ESTÁBAMOS HACIENDO ALGO QUE NO SE HABÍA HECHO NUNCA ANTES, QUE TARDE O TEMPRANO ÍBAMOS A ACABAR HACIENDO HISTORIA”

YSY A montó esta competición de freestyle, en la línea de Halabalusa, en 2013. Y en pocos años el Parque Rivadavia de Buenos Aires, donde se celebró hasta 2017, se convirtió en un lugar de culto y peregrinación. Por sus micrófonos se escurrió la saliva de toda una nueva generación.

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Las primeras batallas de El Quinto Escalón se cimentaron en torno a las grandes estrellas de Halabalusa o Las Vegas, pero fue con la construcción de sus primeras figuras propias cuando empezó a gestarse la revolución.

Una de las más sorprendentes fue WOS, hoy muy consolidado.

Pero quizá el rapero más sorprendente de aquel momento fuera Acru, con un estilo que sigue perfeccionando a día de hoy y que ha demostrado ser el más comprometido con la vía rapera más clásica. Es un enamorado de Griselda: eso lo dice todo.

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Aquí un jovencísimo Duki junto a MKS, uno de los puntales de Las Vegas. Su irrupción coincidió con la llegada de la golden age, con Dano y Foyone pasando por El Quinto. ¿Quién iba a decir que en apenas dos años sería literalmente el rey de Argentina?

Para 2016, el torneo ya estaba asentado como el más grande de todo el mercado iberoamericano, impulsado además por los fenómenos virales. Es la época del relevo generacional, con nuevos talentos como Lit Killah (a la derecha en la foto).

También Trueno, uno de los más pequeños en destacar en la competición. Ya tenía pinta de estrella, ¿eh? Con todo este plantel, El Quinto dio un salto evidente a todos los niveles: anfiteatro, producción...

Pero en 2017, en la cresta de la ola, Alejo decidió ponerle fin y apostar por su carrera en solitario. Fue un momento en el que todos empezaron a cambiar la placita por el escenario, pero en el que todavía quedaron descubrimientos épicos como Paulo Londra. ¡Larga vida!

nes del arte y el negocio. Y, de nuevo, el equilibrio. Cuando ha sentido que podía estar en riesgo su frescura por tanto rigor, tantas estructuras y planes predefinidos, ha querido recuperar ese espacio de juego que, dice, le recuerda a “cuando hacía las cosas simplemente porque me hacían feliz”.

“Ahora estoy en un momento muy bueno porque estoy muy libre.

El año pasado tenía las cosas muy estructuradas: ya tenía claro que iba a sacar dos álbumes porque el de Bhavi ya lo tenía seguro y faltaba el mío de rigor del 11/11, así que todo el año hice música enfocada a esos dos discos”, cuenta. “Cuando vos estás componiendo para hacer un disco estás limitado de alguna manera por las condiciones que ese disco conlleva.

Pero ahora estoy componiendo re libre. Voy al estudio y si quiero me hago un re trap, un boom bap, si quiero me mezclo un boom bap con una parte de electrónica en plan más drill... no hay límite ahora”. Y aunque no sea así, YSY A siempre encuentra una fórmula. E-qui-li-brio: en el disco con Bhavi ya tenía cubierta la parte del trap, así que para su disco propio pensó en dar rienda suelta a unas apetencias electrónicas que ya habían asomado en su discografía prácticamente desde el principio -Casi un G, que se acerca al trance; Vamo a darle, más house; Pastel con Nutella...-. Y, para salir de su zona de confort y convertirlo en una experiencia enriquecedora -“siempre me gustó montarme en cualquier tipo de beat, y muchas veces cuanto más difícil mejor”, afirma sin problemas-, salir a grabarlo por toda Europa (España, Berlín, Londres, Copenhague, Ibiza...) con Oniria a los mandos de la producción y cameos de Duki, Quevedo, Lara91K o Xina Mora. “Llegábamos a una ciudad y montábamos el estudio de una, ni la dudábamos. Y eso le da mucha frescura, así que hay una fórmula para encontrar eso, el equilibrio entre la profesionalidad y la frescura, porque si no vivís cosas interesantes no tenés nada que contar. No podés estar adentro del estudio todo el tiempo”. El after del after, finalmente, es el testimonio en modo clubber de un artista permanentemente inquieto.

Y desde esa inquietud, una de las cosas que más han sorprendido a lo largo de su carrera es su obsesión con traer el tango al s. XXI, misión

compartida especialmente con Duki. “El tango me lo trajo mi joyero, Don Roque. Él me lo enseñó cuando era más chico, y él fue el primero que me llevó a un estudio con tangueros, y tuvo la idea de mezclarlo. Es tercera generación de joyeros y toda la vida estuvo en el Microcentro, en el barrio del Obelisco en Buenos Aires, donde estuvo el tango toda la vida. A él le gustaba mucho el rap, pero cuando empezamos a conocernos me dijo: ‘Vení que te voy a enseñar a qué suena Buenos Aires’. Me presentó a gente muy grande, pudimos hacer Traje unos tangos, y después he mezclado un montón de veces y hasta he llegado a hacer música con Gustavo Santaolalla -para su colaboración con la banda Bajofondo, Sonido nativo del río-”.

A día de hoy sabe detectar que el alma del Alejo que creó El Quinto Escalón en 2013 es la misma que hizo de YSY A un artista. Y que dio alas para que una generación nueva de artistas jóvenes argentinos llene estadios y mire de tú a tú a Colombia o Puerto Rico. Él seguirá a lo suyo. “Vamos a darle con todo en 2024. Ya la gente que me sigue sabe que todos los 11/11 se viene un disco mío”. Tic-tac.

EL AFTER DEL AFTER (AUTOEDITADO / ONERPM, 2023) Toda la vida / Lugares que llego / + que la droga / No da más / Copenhague / 24/7 6.5 / Nunca entendemo / No negocio con mi alma / Loco x tu cuerpo / Asesino / Ganas DIGITAL

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POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

“ME ENCANTAN LOS SECRETOS OCULTOS DETRÁS DE UNA PINTURA”. ESTA FRASE, QUE EL PERSONAJE DE MAY (INTERPRETADO POR ANAÏS DEMOUSTIER) LE DICE AL PERSONAJE DE JOHN (TOM MERCIER) ES LA CLAVE PARA ENTENDER, APRECIAR Y DISFRUTAR ‘LA BESTIA EN LA JUNGLA’ DE PATRIC CHIHA. UNA ADAPTACIÓN DEL RELATO HOMÓNIMO DE HENRY JAMES, SITUADO ENTRE 1979 Y 2004, EN LA QUE EL CINEASTA, DE LA MANO DE SU MUSA BEATRICE DALLE, NOS SUMERGE, SIN ABANDONAR EL INTERIOR DE UN CLUB NOCTURNO, EN UN UNIVERSO DONDE EL HEDONISMO Y EL EXISTENCIALISMO SE DAN LA MANO. Y UN MORREO.

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la casualidad ha provocado que ‘la bestia en la jungla’, uno de los relatos cortos más reputados del escritor británico Henry James publicado en 1903 dentro de la antología The Better Sort, sea trasladada al cine con el estreno casi simultáneo de dos obras.

Ambas toman pues como punto de partida una historia situada a finales del siglo XIX en Italia: a través de la relación de dos jóvenes llamados John y May, le serviría a James tanto para explicar su compleja y solitaria vida privada como para plantear un ensayo existencialista sobre el vacío, valga la redundancia, existencial. Posiblemente La bestia, el nuevo trabajo de Bertrand Bonello protagonizado por Léa Seydoux -a estrenar en el mes de abril tras su paso por festivales como Seminci o el SEFF-, sea posiblemente la que más expectación provoque. Pero la segunda de ellas, la adaptación homónima dirigida por el cineasta suizo Patric Chiha, será una de las obras más interesantes, vanguardistas y visionarias que se estrenen en este 2024 cinematográfico. ¿Por qué una obra de hace más de un siglo ha llamado la atención de cineastas contemporáneos tan dispares como Bonello y Chiha? “El relato lo leí por primera vez hace más o menos unos diez o quince años y por supuesto que me gustó mucho”, me cuenta el director suizo. “Pero no solo porque algo te guste acabas convirtiéndose en tu próxima película. Además, tenía la sensación de que este relato hablaba de manera muy potente acerca de nosotros, del presente, de una manera tan sencilla como a la vez misteriosa. Nos habla de aquello que esperamos y buscamos de la vida, y sobre aquello que perdemos de la vida en ese espacio de tiempo que vivimos mientras esperamos algo más. Y creo que ese sentimiento, esa sensación, es algo que todos entendemos y en lo que podemos vernos reflejados. Creo que el relato de Henry James nos habla de algo profundamente humano y profundamente vinculado a nuestras expectativas sobre la vida y la existencia, y también posiblemente acerca de la pérdida del ahora, del momento presente”.

Aunque la obra original transcurre a finales del siglo XIX en Italia, Chiha tomaría dos decisiones esenciales que le darían la vuelta -más en la forma que en el fondo- a la narración original. La primera de ellas, situar la acción en un club nocturno porque “el club era la clave de la película”. “Cuando decidí adaptarla no quería situarla en el siglo XIX en Londres. Y un día, caminando por la calle, de repente tuve la idea de ubicarla en un club nocturno. Fue algo muy extraño. De repente la idea aterrizó en mi cabeza y sentí que era la idea correcta. No tengo una respuesta o una explicación racional para ello, pero sentí que era una buena idea. Puede que sea porque adoro las discotecas, la idea del baile, mirar los cuerpos bailando, el movimiento cinético y constante de los cuerpos… Pero sobre todo porque el club nocturno es el lugar donde puedes escapar de la realidad, pero donde esta, a su vez, regresa de golpe. Creo que es un lugar en la realidad en el que intentamos vivir más, más grande y mejor. Donde soñamos o nos introducimos en otra vida separada de la cotidianeidad. Y a la vez, en el club, sentimos,

por la mañana o al final de la noche, que la realidad está ahí, que vuelve para golpearnos”.

El otro gran cambio frente al relato original -y que va en consonancia con la decisión de situarlo en un club-, fue acercarlo a nuestro presente. A los años ochenta y noventa -en concreto, entre 1979 y 2004-, organizándose en torno a tres acontecimientos que marcarían dicha época: la caída del muro de Berlín, el 11-S y, entre ambos acontecimientos, la epidemia de SIDA. “Desde el principio teníamos claro que queríamos situarla entre los años ochenta y los noventa”, reconoce Chia cuando le pregunto sobre la elección de esos sucesos precisos. “Yo nací en 1975 y comencé a ir a clubs a principios de los noventa, cuando cumplí 15 años. No fui testigo de primera mano de la vida nocturna de los ochenta, pero en los noventa teníamos una impresión clara y precisa

de lo que fueron, del imaginario sociocultural de dicha época. Todavía había una huella fuerte y clara en los noventa. Y sentimos, tanto en la escritura del guion como en la vida real, que la ruptura entre una década y la otra era muy clara, que realmente en esa transición había ocurrido un gran cambio, tanto con la caída del muro de Berlín a nivel sociopolítico, que marcó a toda una generación, como en la cultura, la música... Y por supuesto el SIDA, que no comenzó en los noventa sino antes, pero que en mi vida íntima y personal fue algo que me marcó profundamente.

Yo empecé a ir a clubs cuando todo esto estaba ocurriendo. Y la muerte no dejó de estar presente durante todo este momento de placer y descubrimiento.

Fue una experiencia vital muy fuerte y poderosa, y

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DISCO INFERNO

¿Te has quedado con ganas de fiesta? Aquí tienes cuatro películas donde los clubs, el disco y el techno se ponen en el centro de la pista

EDEN. LOST IN MUSIC Mia Hansen-Love / 2014 Coescrita junto a su hermano y basada en sus experiencias personales, un sentido homenaje al techno dosmilero que habla de la dificultad del paso de la juventud a la madurez.

24 HOUR PARTY PEOPLE Michael Winterbottom / 2002 Un repaso a la escena musical de “Madchester”, de Joy Division a Happy Mondays, centrado sobre todo en el sello musical Factory Records, imprescindible para cualquier melómano.

THE LAST DAYS OF DISCO Whit Stillman / 1999 La “serie de los burgueses enamorados y condenados” arranca en plena efervescencia disco en la Nueva York de los ochenta, mostrando el tren frenético del mítico Studio 54.

FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE John Badham / 1977 Relato proletario y algo sensacionalista sobre la vida juvenil en el Nueva York de los setenta que marcó a toda una generación gracias a ese Tony Manero de Travolta y al pegadizo Staying’ Alive.

he intentado mostrarlo para poder explicar lo que significó el SIDA, al menos para mí. Y, por supuesto, la caída del muro de Berlín fue algo que marcó a una generación. Aun así, no soy naif y sé que los ochenta no fueron idílicos”, concluye el suizo. Y es una idea que consigue reflejar en la película. Pero sí que representan, en el imaginario popular, una explosión de la música y el baile, del hedonismo nocturno... Hay una especie de euforia liberal y una sensación de que el futuro es prometedor. “Y eso también queríamos transmitirlo, esa sensación de disfrute y de desinhibición o despreocupación que se relaciona con los ochenta. Porque, además, siento que es algo que cambió con la llegada de unos años noventa que, por supuesto que fueron también muy disfrutables, pero que se vuelven más duros y fríos, más oscuros, también. La música estaba cambiando, las drogas estaban cambiando, los cortes de pelo, la ropa, los rostros… En definitiva, creo que la elección de periodo se basó en resaltar los grandes contrastes existentes entre las distintas épocas. Y por supuesto es muy triste, porque en el medio de estos cambios, de estos contrastes, nos encontramos con el SIDA”.

Unos contrastes que también se encuentran en el interior de una película que fusiona y contrasta el hedonismo del club nocturno con la angustia existencial de los personajes de John y May.

Sobre esto, Chiha tiene mucho que decir: “Lo que amo en el cine y también en la gente es que a la vez somos muy profundos, nos hacemos grandes preguntas, y a la vez, tanto la vida como nosotros actuamos de una forma muy superficial y epidérmica… Intentemos explicarlo de una manera más sencilla. En un club, por ejemplo, somos a la vez actores y espectadores. Cuando vamos a una fiesta nos encanta mirar y observar a la gente. Y nos relacionamos en ese entorno de una forma eminentemente física que tiene mucho que ver con la superficie de las cosas: la ropa, el baile, la música... Pero, a su vez, en un club o una fiesta existe una sensación de dejarse llevar, de ir más allá de nosotros mismos, que creo que puede reflejar algo muy profundo acerca de la vida, como un acto místico en el que desgranamos nuestra propia existencia sin haber ido en busca de preguntas y respuestas. Es en ese contraste entre las grandes preguntas, las preguntas de nuestra psique más profunda, y los aspectos más superficiales del mundo, donde se encuentra para mí la verdadera magia del club. Y lo que es realmente misterioso dentro de la película, incluso para mí -no tengo las respuestas realmente, aunque yo haya hecho la película- es lo siguiente, y creo que es una pregunta fundamental: ¿John y May echan de menos la vida o en realidad viven más que los otros?”.

LA BESTIA EN LA JUNGLA (1 de marzo) Francia. 2023.

Aurora Films / Frakas Productions Dirección: Patric Chiha.

Reparto: Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Mara Taquin, Martin Vischer.

Maustetytöt

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POR: MIGUEL PARDO

El synthpop sencillo y pesimista de las hermanas Karjalainen les ha valido ya dos #1 en Finlandia, llamando hace poco la atención de otro tesoro finlandés: Aki Kaurismäki. El cineasta decidió incluir una actuación suya en su última película, ‘Fallen Leaves’, creando una sinergia inesperada que cristaliza la experiencia y la vida en el país nórdico.

la afirmación de que el estado depresivo o el sentimiento de melancolía pueden ser causados por múltiples factores parece indiscutible.

Genéticos, culturales, sociales, meteorológicos -sí, han leído bien-... El laconismo, la melancolía o la disociación son formas de responder a un mundo hostil, extraño y ajeno que pone trabas a nuestra supervivencia. De esto saben bastante, al parecer, en Finlandia. Mausteytöt cantan sobre ese malestar endémico en su último álbum, Maailman onnellisin kansa, y Aki Kaurismäki lleva hablándonos de ello desde los primeros pasos de su filmografía. Anna y Kaisa Karjalainen dicen estar contentas por su colaboración con el director, pero su expresión nos indica cierto e irrevocable pesar. “Es una oportunidad única y nos sentimos muy afortunadas, nunca pensamos que gente que no fuese finlandesa pudiese disfrutar nuestra música”, afirma Kaisa.

Y es que la tristeza estructural expresada en el cine y la música finlandeses parecen tener origen en rasgos característicos de su cultura y del territorio: “Creo que el clima tiene efecto sobre nuestra cultura, hace que la gente esté ansiosa y por supuesto deprimida”, insiste Kaisa.

Nada extraño para un país en el que hace un par de semanas las temperaturas mínimas eran de -30º. Pero, como hemos afirmado arriba, ese no es el único factor determinante. En la imaginería de Kaurismäki y de Mausteytöt existe una insistencia recurrente en iconografía o significantes propios de la miseria material. Podríamos decir sin demasiados ambages que existe una pulsión por concienciar a los espectadores y oyentes de la precariedad que sufren las clases y grupos más desfavorecidos, por remarcar que la clase material y la falta de recursos generan desmotivación y sufrimiento extra. En palabras de Kaisa: “Venimos de un entorno underground y punk, y nuestras letras no hablan de gente que está contenta o en el ‘lado vencedor’. No es mi objetivo hacer letras políticas, pero es lo que creo que es importante expresar”.

Visto el ingente vapuleo natural y material que sentimos como propio en otros países occidentales, es más sencillo comprender por qué el cine y la música de Finlandia, para sorpresa de sus autores, trasciende sus fronteras y conecta cada vez con más gente. Frente a esta tunda que nos da el mundo, Anna afirma utilizar como herramienta de defensa “la ironía y humor negro”, dos armas indispensables de la música de Mausteytöt y dos de los elementos distintivos de películas como Le Havre o La vie de bohème.

Ese malestar bañado en alcohol que aparece en las películas de Kaurismäki como el carácter dominante en la región, contrasta a todas luces

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Karaoke Suomi

En Fallen Leaves, Maustetytöt no son las únicas que protagonizan una escena ambientada en el karaoke: también Huotari, compañero del protagonista, asalta el escenario del local que dinamita la historia de amor para interpretar, elegantemente borracho, Syyspihlajan alla, un clásico tradicional finlandés de los años setenta. No es casual: el karaoke tiene un arraigo en Finlandia comparable a Japón, y también pudimos comprobarlo el año pasado en Alan Wake II, dirigido por Sam Lake para Remedy y mejor videojuego de 2023 para NUEBO. Finlandia está de moda.

“EL CLIMA EN FINLANDIA TIENE EFECTO SOBRE NUESTRA CULTURA. HACE QUE ESTEMOS ANSIOSOS Y, POR SUPUESTO, DEPRIMIDOS”

con el galardón que recientemente ha recibido el pueblo finlandés, siendo nombrado por sexto año consecutivo ‘el país más feliz del mundo’.

Teniendo en cuenta que el título del último álbum de Mausteytöt significa en realidad ‘la nación más feliz del mundo’, no podemos eludir el preguntar a Kaisa sobre esta sarcástica contradicción. “Es irónico, por supuesto” nos confirma.

“Es un concepto tan complicado, porque de momento tenemos cosas buenas como la sanidad y la educación, pero no sabemos hasta cuándo, y a nivel mundial hay mucha gente a la que le va realmente mal”. Parece entonces dominar o sobrevolar el panorama esa sensación de incertidumbre internacional que el distanciamiento y la narrativa en los medios tienden a acrecentar.

Los personajes de Fallen Leaves, al igual que las hermanas Karjalainen en sus letras, buscan escollos y apoyos para subsistir a esa sensación de desesperanza sin caer en una cámara de eco, una de las razones por las que Anna y Kaisa han decidido vivir separadas. Pero para que estas formas artísticas no alimenten el monstruo del malestar y la depresión, tiene que existir algo más que consuelo y conmiseración en ellas. Las películas de Kaurismäki tienen frecuentemente algún giro redentor que hace florecer cierta esperanza o propósito en la vida de sus personajes, sea mediante el amor u otras satisfacciones de distinto grado. En la música de Mausteytöt, en cambio, “detrás de esas letras tan tristes sobre cosas tan deprimentes, hay sentido del humor e ironía, y eso puede llevar al oyente a pensar que son divertidas, y quizá llegar con ello a identificarse con ellas”. Esta aseveración de Anna explica el punto en el que la música pop, popular, o hasta la folclórica de un país encuentra su razón de ser: crear lazos entre la gente a pesar del -e incluso gracias al- sufrimiento compartido. Ante esa serie de padecimientos y horrores globales que se nos presenta como inevitable, como algo frente a lo que “no hay gran cosa que podamos hacer” -como dice Kaisa-, la resistencia de la música y el cine finlandeses resultan un soplo de alivio, aunque ni siquiera de aire fresco. Un aire frío y formal, lacónico y comprometido. Las últimas palabras de Anna en nuestra conversación parecen señalar también una ansiedad ecológica que resulta relegada a un segundo plano por lo que se ha presentado sistemática y sistémicamente como necesario e ineludible, como carente de alternativa: el mercado y el capitalismo en sus fases cada vez más agresivas y contradictorias; más destructivas.

MAAILMAN ONNELLISIN KANSA (IS THIS ART!, 2023) Ei niin kovin suuri city / Kiviä sukkiin / Näkymätön Anna / Pidä hyvänäs multasi kotimaa / Takapajula / Äiti meni merille / Onko pakko juoda? / Maailman onnellisin kansa / Luijyä ja puuta / Ylpeyden sopuhinta CC / DIGITAL / K7 / LP

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CARLOS

POR: GABRIEL CÁRCOBA

FOTOS:ASSIAH ALCÁZAR

CARLOS ARES, MULTINSTRUMENTISTA, PRODUCTOR Y CANTANTE, SE HA LIBERADO DE SUS ATADURAS Y HA ELEGIDO LA OPCIÓN MÁS COMPLICADA, AUNQUE PAREZCA FÁCIL: DEJARSE LLEVAR. INPIRADO POR LOS SONIDOS Y PAISAJES DE SU TIERRA NATAL, EL GALLEGO HA CREADO UN PRIMER DISCO IRREPETIBLE. ANCLADO TANTO EN EL FOLK ALTERNATIVO COMO EN LA ELECTRÓNICA DE SUTILEZA Y TEXTURA, ‘PEREGRINO’ ES TAN ÚNICO COMO EL PERSONAJE AL QUE PRESENTA. DISPONIBLE EL 9 DE FEBRERO

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había una vez, en una pequeña cueva de coruña, un ermitaño. Desaliñado, haraposo, gruñón. Cansado de la vida en la ciudad, el peregrino había recogido sus posesiones más preciadas y tomado rumbo al epicentro mismo de la naturaleza con un objetivo en mente: crear su primer disco. Aunque podría ser la historia de Carlos Ares, realmente es la del protagonista de su álbum de debut. Aunque el propio Carlos confiesa que sí se ha sentido de esta manera en algunas ocasiones. “Es esa sensación de querer mandarlo todo a la mierda, pasar de todo lo que tenemos aquí montado y decir: voy a irme muy lejos a ver si se me quita el dolor de cabeza”. Es lo que tiene vivir solo en Madrid durante años: la ciudad, muchas veces, pesa.

Para su creador, Peregrino representa tanto el principio como el final de un largo camino recorrido que, si nos remontamos lo suficiente, comienza cuando Ares da su primera clase de piano a los dos años. “Es el fin de muchas inseguridades y de una nebulosa que he tenido en la cabeza últimamente, de una etapa oscura en que no tenía clara una dirección artística o cómo controlarla”. Por suerte, el sol ahora brilla más fuerte. “Es el comienzo de una etapa en la que tengo mucha más seguridad a la hora de crear, en la que siento mucho más disfrute, porque ya estoy escribiendo y produciendo canciones pensando en el futuro concierto y en el efecto sorpresa en el público. Estoy, por suerte, en un momento inspirador y emocionante”.

Componen Peregrino doce canciones creadas para ser cantadas, bailadas y disfrutadas frente al público. Cuántos más mejor. Ares cuenta que las ganas de subirse a un escenario le venían picando desde hace tiempo. “Siempre fue como que esperábamos a que sucediera algo, ¿sabes?”. Y Carlos Ares se ha cansado de esperar. “Hay una manera de hacer música ahora en la que vas haciendo singles esperando a que lo que publiques sea un éxito. Me mal aconsejaron para que siguiera esa dinámica y es la que he mantenido durante estos últimos años”, lamenta. Habrá artistas a los que les funcione, pero en su caso “todo lo que me aconsejaban era mantenerme en una misma línea, trabajar siempre igual y hacer el mismo tipo de canción”. La industria, sí, muchas veces da bandazos buscando replicar un horizonte de éxitos que cada vez es más inasible, más inexplicable, más imprevisible. Pero cada caso es un mundo. Así que allá por 2020, con la pandemia todavía a rastras, Carlos dejó de hacer caso a todas esas personas para seguir su instinto y dar rienda suelta a sus inquietudes, de corte más experimental, ajenas a la presión asociada a ese pop concebido para escalar posiciones en las playlists de rigor. “Si un artista quiere encontrar algo con potencia de verdad, una semilla artística, debe pasar por probar doscientas mil ideas, lo más variopintas posible, porque es ahí donde te vas a dar cuenta de cuál es el terreno en que te sientes más cómodo y cuál no”.

Producido íntegramente por el propio Ares, que también toca prácticamente todos los instrumentos, Peregrino, dice, es una vuelta a sus raíces. “Cuando me propuse hacer algo que tuviese una identidad fuerte

y reconocible traté de extraer esa identidad de mí mismo, no inventármela”. No es raro que el gallego de 27 años deje el ruido de Madrid de vez en cuando para volver a oler el rocío y sentir los estímulos del campo. “Es lo que he hecho en esos momentos en que he tenido picos del trastorno de ansiedad con el que cargo desde hace años. Mi tendencia siempre es irme al pueblo a desconectar, poner los pies en la tierra”. Y aquí es donde entra el protagonista de Peregrino, que pisa por un lugar donde la tierra siempre está mojada.

“En los peores momentos, mi refugio ha sido mi tierra, Galicia, y mi familia. Hasta hace poco no me había dado cuenta de que eso tenía tanta fuerza y personalidad, así que decidí potenciarlo e incluso llevarlo al terreno de la exageración”.

En todo este complicado proceso, la relación que mantiene con la música también ha jugado un importante papel. Y esta no ha sido siempre fácil. “He tenido un par de momentos en mi vida en que o empezaba a hacer las cosas de la manera en que estoy haciéndolas ahora, o la música iba a terminar por generarme un sentimiento muy negativo. Tanto que a lo mejor me tenía que plantear dedicarme a otra cosa”. Por suerte, en un momento dado apareció la claridad. “Dejé de sentirme frustrado por componer música sin coherencia, canciones que seguramente eran un poco hipócritas porque estaba tratando de complacer los deseos de otras personas y no los míos”. Mientras que unos buscan las cifras y el éxito rápido, a Carlos Ares le basta con menos... o con mucho más. “Mi disco no se ha publicado y ya ha sido un éxito, porque me ha hecho evolucionar como persona colocándome en otro lugar. Este álbum ya ha cumplido su función”. Es más, Carlos asegura que hay Peregrino para rato, porque siente que este es un proyecto en construcción que merece la pena desarrollar. “Este disco va a tener una segunda parte seguro, porque ha venido acompañado de la creación de una banda y un proyecto en directo que tiene mucha importancia dentro de lo que es el álbum”. ¿Y si además del desarrollo personal también se consigue el éxito de cifras? “No tengo muy claro si eso es lo que quiero. Sería algo que me daría la oportunidad de que me conociera más gente, pero soy un poco frío para eso. Creo que es un poco contraproducente pegar saltos demasiado grandes”.

Ares está feliz con su recorrido, lento, pero constante. Antes de cumplir diez años ya tenía claro que su futuro iba a estar vinculado a la música. “Siempre he tenido muchísima confianza en mí mismo, y sabía que me iba a dedicar a la música y que iba a terminar viviendo de ella”. Tras pasar por las manos de profesores particulares y, posteriormente, por el conservatorio, había algo que nadie le había enseñado. “Era tan fácil como confiar en mí mismo”. Cuando decidió que su destino no estaba en la música clásica que le habían enseñado durante toda su vida, se montó su propio horario de clases. “Me empecé a juntar con Sergio Delgado, mi pianista, y con 15 años

“DURANTE AÑOS ME DIJERON QUE MANTUVIERA UNA LÍNEA, QUE TRABAJARA SIEMPRE IGUAL, QUE HICIERA LA MISMA CANCIÓN TODO EL TRATO”

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EL PEREGRINO Este “peregrino” no es exactamente un álter ego de Carlos Ares.

Sin embargo, y como hasta cierto punto es lógico, podemos detectar unos cuantos paralelismos entre el artista y su creación...

Siempre que Carlos Ares visita Galicia la música le acompaña, pero no es su actividad principal. “Aprovecho para ir al monte, para hacer cosas muy sencillas, como estar en casa de mis abuelos. A lo mejor estoy escribiendo música o a lo mejor no”. Con esos paisajes... ¡como para encerrarte en casa a componer!

El peregrino es un personaje llevado a la exageración, dramatizado, un ermitaño que vive en “una puta cabaña en mitad de la nada”. Ares, sus raíces y las montañas que cubren su paisaje natal.

Por ello pensó en la inmensa personalidad de la gente del norte (concretamente Galicia) a la hora de crear esta suerte de personaje.

Una de las actividades favoritas de Ares en su Galicia rural consiste en levantarse pronto por la mañana e ir a “la panadería que tengo justo al lado de mi casa a comprarme el pan, que tiene un sabor que me trae muchísimos recuerdos de mi infancia y de cada vez que he estado allí”. Como en casa no huele en ningún sitio.

El peregrino no puede ser ermitaño y solitario toda la vida. Tras pasar muchos años siendo un gallego en Madrid, Ares por fin ha encontrado su casa en la capital. “De haber llegado completamente a sentir que tengo muchos amigos. Todos están relacionados con la música, nos dedicamos a lo mismo y quiero seguir inspirándome con sus proyectos”.

Aunque la vida del peregrino es una vida solitaria, el día a día del artista trata de nutrirse de todas las personas que lo rodean. “Me gusta averiguar en qué momento de su vida están mis padres o mis familiares, porque paso mucho tiempo fuera y trato de aprovechar allí para resetearme y darme cuenta de que se van haciendo mayores”. Contrastes.

La canción que da nombre al disco, dedicada a este entrañable personaje, es definida por Ares como “uno de los temas más importantes de mi carrera hasta la fecha. Cada vez que la canto, cada vez que hablamos de ella, siempre ha tenido un halo diferente y algo que le daba ese lugar especial.

Quizá por eso la hemos dejado para el final”.

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ya había aprendido a producir y grabar mis primeras canciones”. Como es habitual en estos casos, y más allá de la férrea disciplina autoimpuesta, su vocación artística tiene mucho que ver con lo que vivía en casa. “Sin darse cuenta, mi madre y mi padre me iban nutriendo de los grandes pilares de la música: hubo una etapa de rock, de blues, otra de música afroamericana, James Brown, el funk con Prince, reggae… hasta música brasileña.

Nos encantaba Carlinhos Brown”.

Con ese bagaje musical es hasta lógico que el sonido de Peregrino resulte familiar y, al mismo tiempo, inclasificable. “Trato siempre de crear música que yo mismo no sepa asociar con referentes claros”, reflexiona. La variedad estilística de los sencillos previos al lanzamiento del disco abundan en esa idea: la de un álbum que suena como si Kanye West y Bon Iver se metiesen en el estudio armados solo con una guitarra acústica. El suyo es un contraste continuo entre la suavidad y libertad del folk y la potencia de una mega producción. “Si tuviese que describir

este disco en concreto sería: música folk alternativa, indie pop, rap… y rock”.

Al mismo tiempo, la gran variedad de instrumentos (guitarras de todo tipo, mandolinas, violines, etc) que ha utilizado para dar los diferentes matices de color a las canciones de Peregrino prometen ser un gran reclamo de cara a los directos: “Quería darle un aire un poco celta a la movida. Es un sonido seco, que parece provenir de una cabaña de madera y guitarras rotas. He utilizado los peores instrumentos que tenía”. Hasta ha recurrido a una sartén... “Se llama tixola y antiguamente entiendo que se usaba para cocinar, pero no tengo muy clara su historia”. Este es uno de los instrumentos que promete sacar a pasear cuando presente el disco en directo. “Nos gustaba la idea de que, de repente, uno de los músicos la sostuviese como si fuese el hacha de la libertad y que la aporrease con una llave inglesa”.

Aparte de la música que lanza bajo su propio nombre, Ares lleva años destacando en su faceta como productor para otros músicos. Fuera de este proyecto, tiene su círculo de colaboradores de confianza en artistas como Paula Cendejas, Deva, Khotton Palm, Vic Mirallas o Marc Seguí. “Vine a Madrid muy solo, y me he dedicado prácticamente solo a trabajar desde hace muchos años. Yo pensaba que no se debía mezclar el trabajo y lo personal, pero en realidad el trabajo me ha llevado a conocer a personas que han traspasado esa línea”. Su trabajo dentro del estudio se ha convertido en una extensión de todo un universo artístico.

“Considero que todos aquellos trabajos en los que participo como productor son, en mayor o menor medida, parte de mi obra artística”. Curiosamente ninguno de esos amigos se asoma a Peregrino. “Me parecía que hacer una colaboración con alguien asociado a un determinado movimiento artístico iba a ser contraproducente con la idea que tenía. Peregrino soy yo desde el principio hasta el final. Además, conceptualmente no tenía sentido plantear colaboraciones: si el personaje está perdido en la montaña, como la colaboración no fuese con un animal…”. A lo Fiona Apple, por ahí hay tema para esa prometida continuación de Peregrino...

PEREGRINO (BMG, 2023) Peregrino / Velocidad / Rocíos / Cigarra / Pájaros / No te pensaré más de la cuenta / Aquí todavía / Terrícola / Amigo / Odisea / Nueva era / Créditos LP / DIGITAL

MÁS ALLÁ DE CARLOS ARES El gallego prefiere crear un vínculo especial con los artistas con los que colabora o para los que escribe, eligiéndolos cuidadosamente...

KHOTTON PALM

El productor valenciano solo tiene una canción con Ares, pero es tan fascinante como todo lo que suele hacer. Carlos se quedó enamorado de la experiencia y ha dado pistas de lo que está por venir: “Pensamos en hacer una segunda parte”.

DEVA

La primera parte de Galerna acumula más de 2 millones de reproducciones en Spotify y, según palabras de Ares, “la idea es hacer un EP, un disco o lo que nos dé la gana, como si viene dentro de dos o tres años”.

VIC MIRALLAS

Han firmado dos temas juntos, Buenaventura y Qué bien que te vi, y las intenciones de Ares respecto al futuro artístico de esta asociación están claras: “Me encantaría hacer un disco con él”.

Pues ya están tardando...

MARC SEGUÍ

Ares es productor habitual del autor de Tiroteo. El gallego ha producido su último single, Muuurakami, y el EP AAAAAA. En Nube en el cielo por fin pudimos escuchar como se compenetran las voces de ambos.

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CON NUEVO EP LISTO PARA EL 15 DE MARZO BAJO EL PARAGUAS DE UNIVERSAL Y SONIDO MUCHACHO, 2024 PARECE UN AÑO CLAVE PARA ALBA MORENA. QUIEN, CON UNA FORMACIÓN CLÁSICA EN VIOLÍN Y TANTEOS CON EL MUNDO DEL JAZZ, POCO A POCO VA AUTODESCUBRIENDO SU PERSONAL SONIDO EJERCIENDO DE INTÉRPRETE Y PRODUCTORA DE SUS CANCIONES.

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la autosuficiencia resulta un bien escaso del que solo gozan unos pocos privilegiados... y quizá otros tantos locos. La compositora, productora e intérprete Alba Morena, nacida en Salou en el año 2000, debe de estar, en este sentido y en otros muchos, loca de remate: grabó su primer álbum, Las dos edades (Autoeditado, 2021), casi exclusivamente desde su móvil. Y desde entonces ha hecho del do it yourself más que una forma de vivir artísticamente. Este trabajo en forma de EP largo fue su carta de presentación ante el mundo, con tan solo 21 años. Una aventura que, como en muchos otros casos, coetáneos en momento pero también en generación, comenzó durante la pandemia, ante la indeterminación y la suspensión de las expectativas. “Fue en segundo de carrera, después de estar toda la vida interpretando violín clásico, cuando pensé que me quería dedicar al jazz, porque la verdad es que me encanta y era lo que estaba estudiando en ese momento. Pero de repente llegó el COVID y, casi un poco por obligación, me puse a producir música por mi cuenta. Y por mucho que haya estudiado música clásica y jazz, al final toda la música que escuchas te hace querer jugar más y querer descubrir quién eres tú en este ámbito”.

De todo ese proceso de autodescubrimiento dan testigo sus primeras producciones. Tocando tanto el dreampop como la electrónica y pasándolo después por el filtro flamenco, es esta experimentación la que impregna todo su trabajo y la que está detrás de que su sonido sea muy personal y difícil de etiquetar. “Estaba escuchando mucho C. Tangana, mucho jazz también, pero también a Arca. Y me encanta el reguetón, no me escondo”. Al final se trata de componer tu imagen mental y tratar de encontrar, si es que se puede, un abanico sonoro con el que sentirse identificada.

A partir de mayo de 2023, cuando firma con Universal, su proceso creativo pasa de ser más individual a uno compartido con más músicos y productores. “Al haber tenido formación en música clásica veo que a la hora de producir me acerco con una lente más analítica. Es muy guay contar con la visión de otros músicos que a lo mejor no se fijan en detalles que pueden ser limitantes a la hora de crear si conoces esos códigos y esas reglas. Es una forma más libre de crear”. Más adaptativa, también, y más abierta quizá al desarrollo de emociones en estado puro, con su error, con su imperfección. Esta libertad le ha abierto puertas a incluso más estilos para incorporar en su música, y más sonidos con los que jugar en un próximo trabajo que saldrá el

próximo 15 de marzo. “En el álbum hemos metido cosas pop muy bonitas, pero también hay algún tema más traperillo, que es algo que nunca me había planteado, probar con trap, pero ahora que lo he hecho es súper divertido”.

Su tema No me queda na deja de lado las metáforas y expone letras mucho más literales y que tocan realmente el hueso de sus experiencias. “El principio siempre es lo más duro, y cuando estás sola hay mucha gente que se intenta aprovechar de ti. Es como ‘no me queda nada ya por gestionar’ de gente que se me ha acercado y que ha intentado sacarlo todo de mí con el fin de hacer un poco de dinero. También siento que ya no me queda nada por gestionar en la vida, en plan ya me han dejado, ya he salido adelante yo sola... como que estoy ya armada y lista para lo que tenga que venir ahora”.

Aunque creativamente siempre haya sido una persona independiente y con las ideas claras, en el ámbito personal es ahora cuando encuentra el disfrute, el placer de empezar a decir que no, reemplazando el fomo, esa necesidad tan común que sentimos de vivir todo lo que está a nuestro alcance -y que tiene mucho que ver con la era de la sobreinformación-, por jomo o joy of missing out. Puede que sea esta ausencia de miedo a no estar, el placer que entraña hacer la vida de uno sin una agenda impuesta por el sistema, la que le da a sus nuevos singles un sonido más clasificable y definido, sin la presión de demostrar todo lo que la artista puede ofrecer a la vez. Sin presiones. “Siento que estoy en una etapa en la que valoro mucho más los lazos fuertes y duraderos.

Al final, la vida son las paellas de los domingos con tus colegas. Ahora intento cuidar mucho más mi intimidad, y valorarla. Es parte del trabajo ir a sitios y conocer a gente, y a mí me encanta, pero es una profesión súper adrenalínica. Un día estás cantando frente a un público enorme y al siguiente estás sola en tu cuarto. Hay que tener una red de apoyo consistente porque, si no, puedes sentir que estás sola contra el mundo”.

En esta nueva etapa de tanto movimiento, Alba decide centrarse en lo estable y en lo duradero. Con el mainstream abriéndose a lo alternativo, parece que se empieza a valorar lo orgánico y vulnerable por encima de lo postizo. “Últimamente vuelvo a conectar con cantantes que ya me habían inspirado antes, como Sílvia Pérez Cruz o Fiona Apple. Entonces eso me gustaría: que, al mirar atrás, lo que vaya saliendo de mi carrera se sienta perdurable en el tiempo”.

Juzgando por su corto pero contundente recorrido, apostamos porque así será.

YO TE QUIERO PERO (UNIVERSAL / SONIDO MUCHACHO, 2024) No me queda nada / Yo te quiero pero / Otra vez / Me siento muy triste / A mi hermano DIGITAL / EP

“SIENTO QUE YA NO ME QUEDA NADA POR GESTIONAR EN LA VIDA...

YA ME HAN DEJADO, YA HE SALIDO ADELANTE YO SOLA...

AHORA ESTOY ARMADA Y LISTA PARA LO QUE TENGA QUE VENIR”

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POR: DANIELA URZOLA

Este San Valentín el público español tiene una cita con el cine. Se trata del estreno en salas de uno de los filmes más esperados en este inicio de año: ‘Priscilla’, la adaptación de la autobiografía de la ex pareja de Elvis Presley en manos de Sofia Coppola. Una película que revela el lado más oscuro del amor romántico, mostrando los altos y bajos de la relación entre Priscilla Beaulieu y el rey del rocanrol.

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n 1985, priscilla ann beaulieau wagner, conocida por todos como Priscilla Presley, publicaba sus memorias, Elvis & Me: The True Love Story Between Priscilla Presley and the King of Rock N’ Roll. Como el propio título indica, el libro recoge el tiempo que su autora compartió con Elvis desde que se conocieran en 1959 hasta su separación y divorcio en 1973, repasando hitos como su boda, el nacimiento de su hija Lisa Marie o las múltiples infidelidades cometidas por el músico durante su delirante ascenso al olimpo del rock'n'roll. Es este el marco que sigue de una manera relativamente fiel la adaptación al cine que ha llevado a cabo Sofia Coppola. Por supuesto, no es la primera vez que la cineasta estadounidense revisa una figura femenina de la vida real; ya lo hizo, de modo más delirante y caricaturesco, con María Antonieta en 2006. Y tampoco es la primera vez que se adentra en un retrato del lado menos glamuroso y más oculto de la vida de los famosos: ahí está Somewhere (2009). Y es precisamente ese interés por la cultura popular -prácticamente transversal a su filmografía-, unido a la necesidad de plasmar historias menos conocidas de mujeres, que en muchas ocasiones han sido relegadas a la sombra de los hombres a su alrededor -ya se sabe, detrás de todo gran hombre hay una gran mujer y bla, bla, bla-, lo que la ha impulsado a revisar la historia de Priscilla y llevarla a la gran pantalla.

Sobre cómo llegó a esta decisión, Coppola le contaba al periodista Keaton Bell (en traducción de Esther Giménez para Vogue Spain del 12 de noviembre de 2023): “Estaba atrapada en casa con COVID cuando un amigo me recomendó la biografía, Elvis & Me, y me conmovió muchísimo su historia. Siempre se la ha percibido como un símbolo del glamour y la perfección puramente estadounidense, y yo no tenía ni idea de lo mucho que tuvo que luchar ni de los pequeños detalles de su vida”. Con estas ideas en la cabeza, Priscilla, la película, sigue los pasos de su personaje titular desde los 14 años, momento en que conoce a un Elvis de 24 y cae completamente rendida a sus pies. Desde ahí el filme viaja a lo largo de los años, mostrando las distintas etapas de la relación, pero manteniéndose siempre en el punto de vista de ella.

Para esto, la directora se apoyó en la propia Priscilla, la de la vida real, con quien sostuvo múltiples conversaciones previas y quien ejerce también como productora ejecutiva de la película. “Para Priscilla era importante que siguiera siendo su historia de amor y mostrar a Elvis como un ser humano real en lugar de un villano bidimensional”, afirma Coppola. Y es precisamente esto lo que logra mediante una historia que se enfoca en la experiencia de ella, dejando que sea el público quien juzgue o no los comportamientos tóxicos de Elvis. Coppola se aleja de su imagen como ídolo de las masas y revela lo que hay detrás del mito, de puertas para dentro: una mujer eclipsada y encerrada en el mundo de

él, y cómo recibe los comportamientos del icono del tupé y los dislocamientos de cadera.

Y es que a Sofia Coppola poco -o nada- le interesan los biopics en su sentido más tradicional, o convencional. Esto se hizo claro con su retrato atípico, casi punk podría decirse, de María Antonieta hace dieciocho años. Y en Priscilla también interesan más la introspección y la intimidad que la precisión o la búsqueda de una “verdad”. Como en sus otros filmes, la directora neoyorquina presenta una enorme sensibilidad a la hora de retratar a Priscilla, a la mujer, su vestuario y entorno, desde su pequeña habitación rosa en Alemania hasta su vida en Graceland, la famosa mansión de los Presley en la ciudad de Memphis. Sus imágenes evocadoras, de una profunda nostalgia, se alejan de la romantización para proponer una denuncia desde la sutileza y la atención al detalle. Para esto trabajó con el director de fotografía Philippe Le Sourd, con quien había colaborado ya en La seducción (2017), y se inspiró en la obra de fotógrafos como William Eggleston, influencia constante en su cine, así como en las conocidas películas caseras de Elvis y Priscilla, que recrea también, con mucho gusto y recreándose en la intimidad, en algunas secuencias.

Pero todo este proceso no se ha llevado a cabo sin inconvenientes. Un aspecto notable de la cinta es lo mucho que consigue con un presupuesto bajo, especialmente si lo ponemos en comparación con una superproducción como el bombástico y excesivo -a la par que genial- Elvis de Baz Luhrmann, por no irnos demasiado lejos. De hecho, podríamos argumentar que es precisamente esto lo que le ha permitido a Coppola mantenerse en su línea intimista y perso-

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nal, y centrarse en recalcar las emociones, en hacerlas sensibles para el espectador.

Y, por supuesto, en este punto resulta imperativo hacer alusión a las interpretaciones principales. Hablamos, de un lado, de la magnética presencia de Jacob Elordi. Tras adquirir fama por su papel como el turbulento adolescente Nate en la exitosa serie de HBO, Euphoria, el actor australiano -de raíces vascas- se ha convertido en uno de los más grandes iconos de la generación Z. Elordi rápidamente ha llamado la atención de grandes nombres como Paul Schrader y Guillermo Del Toro -con quien trabajará en su reinterpretación de Frankenstein, dando vida al icónico monstruo del clásico de terror-. Pero en 2023 fue Coppola quien capturó su esencia en la cámara, a través del rol de un joven Elvis Presley. Y es que a pesar de su poco conocimiento del cantante -cuenta el actor que lo único que sabía de él era gracias a la película de animación Lilo & Stitch-, Elordi acaba superando todas las expectativas dando vida a un Elvis lleno de grises, tal y como se refleja en la historia contada por Priscilla Presley. Se ha comentado mucho también el poco parecido del actor en comparación con Austin Butler, pero no era eso lo que interesaba a Coppola, quien cuenta en una entrevista con The Hollywood Reporter que un día quedó en una cafetería con Elordi y en el instante en que este entró al lugar todas las chicas pusieron sus miradas en él.

En ese momento lo supo: el australiano de mandíbula perfilada tenía el magnetismo y el carisma que Elvis debía tener.

Por su parte, la elección de Cailee Spaeney vino mediada por muchos factores, entre ellos una recomendación directa de Kirsten Dunst, actriz con la que Coppola ha colaborado a lo largo de los años -Las vírgenes suicidas, María Antonieta, La seducción- y con quien mantiene una fuerte relación personal y profesional. El sello de calidad por parte de Dunst, sumado a la participación de Spaeney en la multipremiada miniserie Mare of Easttown de HBO, impulsó a Coppola a decantarse por la joven actriz, quien con Priscilla

Sofia Coppola y la música La cineasta ha ido cultivando su relación con la música desde sus inicios, dentro y fuera de la gran pantalla, y llegó a hacer varios cameos en los noventa en videoclips de Madonna, The Chemical Brothers o Sonic Youth. En 1999 Coppola dirige su ópera prima, la adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides Las vírgenes suicidas, y a lo largo de todo el filme se evidencia ya el interés de la directora por la música popular, incluyendo temas de Heart y Boston, entre otros. Además, la banda sonora, a cargo del dúo francés de electrónica Air -una decisión que por entonces fue relativamente revolucionaria-, condensa a la perfección su atmósfera melancólica.

Coppola dirigió también el videoclip del tema principal, que a la postre se ha convertido en legendario: Playground Love, con vocales de Thomas Mars, cantante de Phoenix y marido de Coppola. No fue ni la primera ni la última vez que incursionara en el mundo de los videoclips. Ya en los noventa había trabajado con bandas como Walt Mink y The Flaming Lips, y en 2003 dirige City Girl de Kevin Shields -que forma parte de la BSO de Lost in Translation- y I Just Don’t Know What to Do With Myself de The White Stripes. En 2013 dirige Chloroform para Phoenix, y desde Somewhere (2009) la banda se encarga de todas sus bandas sonoras. No podemos sino terminar de hablar de la relación de Sofia Coppola con la música con María Antonieta (2006), cinta en la que canciones de Bow Wow Wow, Aphex Twin o The Cure invaden los pasillos del Palacio de Versalles. Un anacronismo que ya es sello característico en el cine de Coppola, como volvemos a comprobar también en Priscilla.

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adquiere su primer gran rol protagónico.

Su dedicada actuación ha sido merecedora de la Coppa Volpi en el pasado Festival de Venecia -donde la película tuvo su estreno mundial- y permite percibir en el personaje de Priscilla todos los matices que Coppola quería retratar: los de una adolescente que se halla deslumbrada por Elvis y su mundo y que, al mismo tiempo, va descubriendo sus aspectos más sombríos. El resultado es una Spaeney que brilla con cada plano en el que le da vida, transmitiendo a la perfección la mezcla de ilusión y angustia que se esconde detrás de la vida glamurosa de las estrellas.

Finalmente, otro de los elementos que más llaman la atención en el filme es la ausencia de música del propio Elvis Presley.

Esto tiene una razón legal de fondo: teniendo en cuenta la imagen que se presenta del cantante -ya lo hemos dicho: muy lejos del tormentoso victimismo que se puede leer en el subtexto del biopic de Baz Luhrmann, en el que se muestra a un Elvis víctima de los constantes manejos de Tom ‘El Coronel’ Parker-, las personas que detentan los derechos sobre su música se negaron a su uso. Y sin embargo esta decisión terminó jugando a favor de la película: con libertad para imaginar su propia playlist y Elvis fuera de la ecuación, Coppola ha podido -y sabido- volver a jugar la carta del anacronismo, algo que ya es marca diferencial de su cine, para alejarse de la literalidad del icono y construir un imaginario sonoro con mayor impacto emocional. Como es habitual, la cineasta neoyorquina encargó la banda sonora a los franceses Phoenix, y junto a su

líder -y esposo- Thomas Mars trabajó en la selección de canciones que acompañarían a cada secuencia en el soundtrack, apostando por ofrecer una mezcla de temas contemporáneos de artistas como Dan Deacon, Porches o Kaitlyn Aurelia Smith y clásicos de la época, ya sean originales -Crimson and Clover de Tommy James and the Shondells, Going Home de Alice Coltrane o el I Will Always Love You original de Dolly Parton-, en versiones más contemporáneas -como el Baby, I Love You de The Ronettes en versión de los Ramones- o reformuladas por los propios Phoenix o el dúo Sons of Raphael, también involucrado en el proceso.

No cabe duda de que Priscilla, tanto la película como el personaje, ha generado y seguirá generando emociones encontradas entre el público. Estarán los fans de Elvis que se verán enfrentados a un lado desconocido de su ídolo, y algunos incluso se negarán a creerlo. O las personas que entren a la sala esperando ver una idealizada historia de amor para encontrarse con la cruda realidad. Incluso habrá quienes digan que la película no está a la altura de la filmografía de Sofia Coppola… Pero lo cierto es que Priscilla es un filme profundamente humano, lleno del intimismo y la radical representación de la feminidad que han caracterizado a la cineasta, quien una vez más logra capturar los deseos y contradicciones de un espíritu adolescente. Y lo hace a través de una historia real, asumiendo la valiente y necesaria tarea de destruir los ídolos masculinos que hemos mantenido en un pedestal, tal vez por demasiado tiempo.

PRISCILLA (14 febrero) EEUU. 2023.

A24 / BTeam / Elástica Dirección: Sofia Coppola.

Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Emily Mitchell, Ari Cohen, Kamilla Kowal.

Priscilla after Elvis

Sabemos ya que Priscilla se centra en los años de vida de su protagonista durante la tumultuosa relación que mantuvo con Elvis. Pero ¿qué ha sido de Priscilla después de aquello? Priscilla arranca su carrera como empresaria en 1973, con una pequeña boutique en Los Ángeles. Luego, tras la muerte de Elvis y de su padre Vernon, se convierte en la presidenta de Elvis Presley Enterprises (EPE). Su éxito dirigiendo la empresa la lleva por otros caminos, incluyendo la producción audiovisual. En paralelo, Priscilla inicia su carrera como actriz de televisión. Entre 1983 y 1988 interpreta a Jenna Wade en Dallas, una de las telenovelas más longevas del prime time estadounidense. Y durante ese tiempo publica también su biografía Elvis And Me (1985). En 1988 da el salto definitivo al cine con la exitosa comedia Agárralo como puedas, apareciendo también en las secuelas de 1991 y 1994. En los años noventa tiene otros roles menores en series como Melrose Place o Spin City, comedia protagonizada por Michael J. Fox. No es hasta 2008 que Priscilla vuelve a la televisión, participando en el talent show de competición Bailando con las estrellas, donde alcanza el puesto número ocho. En los últimos años, además de ser productora ejecutiva de la película de Coppola, ha co-creado la serie de animación de Netflix Agent Elvis (2023), en la que además pone voz a su propio personaje. En 2023, Priscilla sufre la repentina pérdida de su única hija con Elvis, la cantante Lisa Marie. No obstante, su legado continúa a través de sus cuatro nietos, entre ellos la actriz Riley Keough, reconocida por su interpretación en la miniserie Todos quieren a Daisy Jones y con quien asistió a la entrega de los Premios Emmy el pasado 15 de enero.

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MÓNICA OJEDA POR: MARCOS ALMENDROS

FOTO: JAIRO VARGAS

NOS CITAMOS CON EL LIBRO QUE NO HABÍAMOS SIDO CAPACES DE SOÑAR. NOS ENCONTRAMOS CON LA ESCRITORA QUE DERRIBA LAS FRONTERAS DE LOS GÉNEROS LITERARIOS. AQUÍ TIENES UN VOLCÁN, UN ANIMAL DE PODER, UN GUSTOSO VENENO. UNA NOVELA QUE VA MÁS ALLÁ DE LA LÓGICA. SU LÓGICA RESIDE EN LA POESÍA. Y, PARADÓJICAMENTE, EN LA EUFORIA Y EN LA PASIÓN. HABLAMOS CON MÓNICA OJEDA SOBRE SUS CHAMANES ELÉCTRICOS.

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madrid llueve calle abajo y nuestros paraguas secos nos refugian de llegar empapados a nuestras citas. Hoy es un día montañoso y ruidoso en Madrid, un poco caótico. Un día perfecto para citarse en un céntrico café con Mónica Ojeda (Guayaquil, Ecuador, 1988), rodeados de turistas y estudiantes en busca de sus desayunos ingleses. Llegamos con los hombros apretados y con las agujas del reloj marcando puntualmente la hora del ángelus. En muy pocos días, Mónica comienza a presentar en esta ciudad su nuevo libro, Chamanes eléctricos en la fiesta del sol, una novela apasionada, salvaje, espontánea, rítmica, absolutamente cromática, obsesiva y eufórica. No voy a utilizar demasiadas caricias para hablar de este título porque es más valioso estimular que halagar, aunque se antoje innecesario: sospecho que estamos ante una novela que va a ocupar muchísimo espacio en librerías de España y Latinoamérica en los próximos meses. Y lo hará merecidamente.

Té y café. Poesía y libros. Contamos las sílabas como el que cuenta las gotas caer. La experiencia del papel. Así es este libro: un festival de música, un festín literario, la paternidad que no llegó a ser paternidad, la búsqueda de los animales que llevamos dentro. “Me interesa mucho pensar la escritura como un ejercicio de riesgo”, reconoce Ojeda. “No me interesa como algo artificioso o desde un lugar de comodidad”. Mónica habla de la literatura con emoción y conocimiento, con la firmeza de haberlo interiorizado de tanto razonar sobre ello. “La manera en que yo pienso la escritura tiene que ver con llevar el lenguaje a determinados límites experienciales. Eso me hace vincular la escritura con la música, por ejemplo, y con un mundo simbólico que te lleva a estirar las posibilidades de las ideas y ponerlas en zonas vertiginosas. Todo eso es atmosférico. Creo que mis historias transitan vértigos y abismos particulares... Cuando entra en el lenguaje, la palabra sufre una especie de temblor, algo sísmico, y eso me interesa casi más que la propia historia”.

“El último cuento de Las voladoras -el libro de cuentos que publicó en 2020 en la editorial Páginas de Espuma- habla de un padre al que se le muere la hija y que trata de revivirla a través del cuerpo de la madre en una especie de western zombie andino. Aquel cuento en realidad salía del borrador que yo tenía para esta novela, de lo primero que escribí de Chamanes eléctricos… No es el inicio en sí, sino las partes de los cuadernos del bosque alto, las partes que escribe el padre de una de las protagonistas: un hombre solitario, un lobo estepario que está muy nervioso y tenso porque su hija, la hija a la que abandonó, lo va a ir a visitar. Cuando empecé a escribir esa novela

sabía que sería el centro porque es así como surgió”. No es Mónica, realmente, una persona a la que tengas que preguntarle; ella se encarga de abrir todas las puertas, de mostrarte jardines de cactus o selvas de letras. Es una cascada, como sus libros. Una carrera indómita, un grito de aliento.

El libro empieza con los personajes decidiendo ir a un festival de música experimental y danza. “Estos personajes son muy distintos entre sí y son las voces iniciales de la novela, bastante delirante porque cada quien va a lo suyo. Quería construir esa atmósfera de un festival de varios días, donde hay drogas y la percepción del tiempo es rara porque no tienes realmente una concreción lineal y todo se difumina. Esa parte del festival es mucho menos ordenada que la parte de los cuadernos del bosque, donde vive el padre”.

Antes de la publicación de Chamanes en un coloso editorial, Mónica Ojeda había publicado las novelas Mandíbula -que fue su lanzadera universal- y Nefando (ambas en la ed. Candaya), el mencionado libro de cuentos Las voladoras y el poemario Historia de la leche. Su salto ha sido desde editoriales independientes que creyeron en su talento. “Candaya y Páginas de Espuma han sido mis casas, son editoriales a las que admiro profundamente y seguimos estando muy cerca. No sé cuál será mi próximo libro, pero posiblemente pueda seguir publicando con ellos”, reconoce. Seguramente una de las cosas que vieron en ella fue su concepción libérrima de las ataduras del estilo: “Yo no veo los géneros tan radicalmente separados. Eso es algo que se hace desde la academia y desde miradas más filológicas […] Cada género tiene sus particularidades, pero en tanto que hay escritura es muy fácil que se empiece a mixturar...

Hay una frase de María Negroni que siempre repito porque me parece absolutamente cierta: ‘La escritura no conoce de géneros’. Cuando estás escribiendo la frase se va por donde se quiera ir, un párrafo te puede colindar con lo poético, y a veces se te va por otros lugares. Hay algo salvaje e indómito en la escritura, de repente surge lo inesperado, irrumpe la poesía en un formato que no es el del poema. Para mí son fundamentales el sonido y la música: en narrativa muchas veces nos olvidamos de que la palabra es un instrumento sonoro”.

Nuestro encuentro pone un punto y aparte ante las obligaciones que nos impone la vida.

Salimos del café, que se ha quedado frío, y andamos calle abajo acompañando a la lluvia que adelanta a nuestros pies. Compartimos un paraguas como el que comparte un poema. Seguimos hasta la librería más cercana y nuestros caminos no se separan, simplemente se dispersan hasta el siguiente encuentro.

“ME INTERESA MUCHO PENSAR LA ESCRITURA COMO UN EJERCICIO DE RIESGO, NO COMO ALGO ARTIFICIOSO O QUE LLEGUE DESDE LA COMODIDAD”

CHAMANES ELÉCTRICOS EN LA FIESTA DEL SOL Mónica Ojeda Penguin Random House 288 págs / Novela

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POR: OMAR POVEDA

EL MALAGUEÑO AL QUE NADIE PONE CARA ES UNO DE LOS NOMBRES MÁS RELEVANTES DEL ARTE POP NACIONAL EN ESTOS MOMENTOS. NO DEJA DE SORPRENDER CON SUS COMPOSICIONES CÓMICAS Y SUS VIÑETAS “INSTAGRAMEABLES”. IMON BOY HA CREADO UN UNIVERSO PARTICULAR CON EL IMAGINARIO DE UN ETERNO VERANO EN EL QUE CUENTA HISTORIAS COTIDIANAS Y CARIÑOSAS QUE HACEN DE LA VIDA UN SUEÑO DEL QUE NO QUERER DESPERTAR. YA SEA EN LA PARED O EN EL LIENZO, SUS CREACIONES SON UN DIARIO PERSONAL DONDE INCLUSO LOS MOMENTOS COMPLICADOS SON SITUACIONES ACOGEDORAS.

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o fue fácil, pero llegamos a él. tras varios tonos de llamada y mucha incertidumbre, se descuelga el teléfono y al otro lado nos saluda una voz amigable. Tras las presentaciones de rigor nos dice que está en la playa y que acaba de salir del agua tras un baño matutino. Se va a secar y ponerse algo “calentito” y nos devuelve la llamada. Es enero y parece primavera en Málaga. Cuando nos devuelve la llamada han pasado unos diez minutos. Se ha quedado un momento al sol. “Aunque estamos en el sur, hace un poco de frío”. Nos comenta que esperaba nuestra llamada. “Estoy encantado de atenderos, sé que ha sido complicado encontrar mi contacto, pero es mejor así”.

Y es que para Imon Boy es fundamental permanecer, al menos cara al público general, en el anonimato. Menos mal que unos amigos suyos le habían hablado de esta revista y se pudo facilitar el acercamiento, que resulta en una charla muy amena acerca de sus referencias artísticas o dónde encuentra la inspiración para ese imaginario gráfico tan cautivador. “Comencé pintando tirado en el suelo con ceras y lápices de colores, como todo el mundo, creo. Pintando los márgenes de las libretas y haciendo mis primeras letras en clase cuando me aburría un poco”, recuerda. Y tira del hilo, echando la vista atrás, hasta los días en los que visitaba a sus familiares en el norte cuando era pequeño. Su tío, cuenta, le daba todo el rato cómics de Mortadelo y Filemón. “Me los ofrecía como si fuese droga -ríe-. De hecho, todavía hoy no tengo claro si se los quitaba a alguien de la familia para dármelos a mí en Navidad”.

Quizá no había pensado en ello nunca, admite reflexivo. “Creo que ese recuerdo es el origen de todo”, y en su tono vuelven a reflejarse las notas risueñas que le caracterizan. “Pienso que los cómics de Ibáñez son un referente básico. Esos momentos en los que ‘el caco’ da la vuelta a la esquina y se choca con el policía, o el policía que pasa por delante de la fechoría y ayuda al malhechor”. Todas esas referencias ayudan a entender su obra. Eso y todo lo que vino después, como Doraemon o el GTA: San Andreas, el mítico videojuego, que fue clave también en muchas de las estéticas, formas o situaciones que representa en sus obras. El cine y las series también le fueron cambiando creativamente a lo largo de los años, sin mencionar los artistas y creadores que fue conociendo. Pero, sin Mortadelo y Filemón, no habría nada de Imon Boy hoy día.

Los cuadros y viñetas que Imon traslada a los lienzos son como un “diario” de los momentos que le da la vida, y muchos de ellos están vinculados a sus amigos y al graffiti, donde comenzó su carrera. “Aunque nunca me representó el graffiti de tener que pertenecer a la cultura hip hop y llevar pantalones anchos, sí que escuchaba rap y sigo escuchándolo. Pero nunca me gustaron las imposiciones ni las leyes, por eso lo que pinto no atiende demasiado a las reglas”. En muchas de las escenas que representa, ya sea en lienzos o

en los formatos que le proporciona la calle, como una casa abandonada o una valla publicitaria, sale la presencia de la policía, como referencia al juego del gato y el ratón o el correcaminos y el coyote: el no obedecer reglas ni leyes, únicamente disfrutar del juego. “Ya antes de entrar en Bellas Artes hacía cosas que se salían un poco de lo que la gente pintaba en la calle. Me gustaba experimentar con formatos y técnicas, pero nunca de forma seria, siempre a modo de juego y para no abandonar mi esFlog, por no aburrirme, básicamente. Pero es cuando llego a la facultad que me doy cuenta de que había otras formas de enseñar mis cosas, más allá del muro, ¿sabes? La verdad es que en las clases yo solo quería terminar para salir a pintar. De hecho, empecé a hacer todo lo que me gustaba y quería cuando salí de allí. Estaba un poco perdido en las becas que me daban y en la propia universidad. Yo qué sé: siempre me gustó ir a mi rollo... la facultad me sirvió para aprender muchas cosas relacionadas con el arte, pero no a pintar”.

Durante nuestra conversación, también se detiene a pensar que es la primera vez que se plantea seriamente que quizás el graffiti haya cambiado, al menos con respecto a cuando él empezó en que la agresividad y el conflicto eran inevitables. “Si pintabas algo que se saliese un poco de la estética eras un toy. La verdad es que siempre me dio un poco igual, nunca pinté trenes ni me pegué con guardias, solo iba a disfrutar y conocer gente que fuese del mismo rollo”. Para muchos la película ha cambiado, pero él sigue conservando su anonimato y saliendo a pintar cada vez que puede, que es bastante a menudo.

"NUNCA ME REPRESENTÓ ESE GRAFFITI DE TENER QUE PERTENECER A LA CULTURA HIP HOP. AUNQUE SÍ QUE ESCUCHABA RAP, Y SIGO ESCUCHÁNDOLO"

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Imon Boy sigue representando para muchos puristas de este movimiento la parte más visceral del graffiti. Esa en la que a la gente le da igual quien seas y solo te conocen por tu tag; simplemente importa dónde se vea tu nombre escrito.

Aunque ha tenido un crecimiento gradual, el artista malagueño no ha cesado de subir escalones, conquistando galerías de todo el mundo, desde Hong Kong -donde tuvo su última exposición con la galería AISHONANZUKA-, hasta Cuba o Nueva York. Nos cuenta cuál fue el momento en el que consideró que podía empezar a vivir de pintar.

“Creo que nunca hubo un momento exacto. Simplemente un día alguien me compró una obra y pensé, ‘bueno, a alguien le ha gustado mi curro’.

Después me compraron otra y más tarde otra, y así, aquí estamos”.

Una de las cualidades que quizás sean más curiosas de Imon Boy es su presencia en redes.

Tiene más de 76K seguidores en Instagram pero tan solo unas pocas personas pueden ponerle cara. Mantiene una distancia férrea entre su vida privada y su trabajo. Y se muestra categórico cuando habla de la relación que mantiene con su público. “La verdad que la relación que tengo con mis seguidores o con el público en general es meramente digital”. De repente, en mitad de la conversación, baja el volumen de la voz: “Sin ir más lejos, mi vecino puerta con puerta es muy fan, y no sé si decirte que no saques esta parte, porque se lee todo lo que sale sobre Imon Boy”.

Al final, entre risas accede a que se incluya una anécdota reveladora de su forma de manejar el anonimato. La experiencia la vivió en una de sus últimas exposiciones en Málaga: “Estaba dentro de la sala con unos amigos cuando, de repente, veo entrar a mi vecino, el que vive pegado a mi puerta, con el que comparto muro del salón. Mi relación con él es muy cordial, se limitaba a saludarnos si coincidimos en el rellano y poco más”, dice mientras se ríe. “Se tuvo que desplazar hora y media en coche para llegar hasta allí. Así que al verlo entrar desde la otra punta de la sala no pude evitar ir a saludarlo”. Al acercarse el chico, muy extrañado de encontrarle en aquel contexto, le preguntó que cómo era que él también estaba en la exposición. “No sabía yo que te gustase esto del arte...”. Imon, esbozando una sonrisa le quitó importancia al tema: “Me vine por dar una vuelta con unos amigos, nos hemos pasado a ver”.

Entonces, su vecino muy excitado le explicó lo mucho que le “flipaba” Imon Boy, que lo seguía desde hacía tiempo y que le había dado muchísima rabia quedarse recientemente fuera de la lista de espera para comprar un cuadro suyo. Había ido a la exposición solo porque necesitaba conocerle en persona. E Imon no pudo entonces más que contarle toda la movida. “¿Cómo no le iba a decir que era yo? ¡Si el cuadro que quería comprar lo pinté al otro lado de la pared donde ve la TV! Al contárselo era incapaz de creerme.

Aún tengo pendiente llevarle al estudio...”.

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En esta página, dos dibujos que Imon Boy ha preparado expresamente para la galería de NUEBO

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POR: GUILLERMO CHAPARRO TERLEIRA

EL TRÍO MEXICANO PUBLICA SU ÁLBUM DEBUT, ‘CHUPETONES’ (IN REAL LIFE / POPSTOCK!), UN TRABAJO PRODUCIDO POR NICK LEÓN (BÚSCALO EN LOS CRÉDITOS DE 'MOTOMAMI') EN EL QUE CONVIVEN ODAS AL CORAZÓN PARTIDO CON LAS GANAS DE PERREAR Y QUEMAR SUELA EN LA OSCURIDAD DE UN CLUB POST-APOCALÍTPTICO. meth math nacieron hace cuatro años en Hermosilla, al norte de México, y como muchas otras bandas fueron el resultado de “una tarde aburrida y sin nada que hacer en la que nos juntamos para pasar el rato”, tal y como cuenta Ángel Ballesteros, voz y frontwoman del proyecto musical que comparte junto a sus amigos y productores error.error (Efrén Coronado) y Bonsai Babies (To Robles). En aquellas quedadas fueron dando forma a un sonido y unas letras que continuamente juegan con las contradicciones: el balanceo de luz y oscuridad, líricas que mezclan lo emo y romántico con algo muy mundano y hasta a veces grotesco, y una especial habilidad para aunar lírica triste y bases de club. Esta dualidad les ha llevado a definir su música como “fina pero cochina, porque amamos lo cochino.

Pero a veces la vida es demasiado vulgar y resulta bonito romantizarla”. En sus referencias musicales también encontramos esas contradicciones: citan desde The Knife, Autechre o Enya hasta referentes de pop adolescente como Gloria Trevi o Bela Nova, una mezcolanza musical que no deja de ser uno de los síntomas de la cultura actual y sus hábitos de consumo: “Ya nada es puro, estamos atascados de información y estimulantes”, reflexiona Ballesteros. “Al final”, continúa, “nuestra manera de componer es un modelo que usa la naturaleza. Nada tiene sentido, solo hay una fuerza superior empujándonos a hacer cosas, y si la sabes escuchar te lleva a buenos lugares y conclusiones”.

El primero de esos lugares fue su EP debut, Pompi, publicado en 2020 y con el que presenta-

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ron una de sus características más reconocibles: voces hiperdistorsionadas que flotan sobre música de club deconstruida. Dos años después llegó m rtal, un segundo EP con el que doblaron la apuesta mezclando sonidos dembow con música de club experimental, y que llamó la atención de algunos de los productores más interesantes del panorama electrónico actual, como Sega Bodega y Dinamarca.

Y así llegamos a una de las -primeras- paradas de este viaje, el lanzamiento de su álbum debut, Chupetones. Un estreno que se había hecho de esperar: Meth Math llevaban hablando de esa primera colección de canciones desde 2021. “El viaje para publicar un álbum es toda una odisea, especialmente cuando hay tanta gente involucrada y con una disquera tan importante detrás”, cuenta la cantante. Al igual que en sus trabajos previos, el método de trabajo consistió en reunirse los tres para que cada uno compartiera con el resto sus descubrimientos o composiciones, y a partir de ahí comenzar a experimentar. No obstante, con este trabajo hubo una novedad importante, y es que para dar forma a las canciones que iban surgiendo se trasladaron a Miami para grabar con el aventajado productor y puntal del sello TraTraTrax Nick León (Rosalía, Empress Of), quien se encargó de que “las canciones sonaran más digeribles, limpias, algo más comerciales.

En definitiva, les dio un toquesito pop”.

Chupetones es una muestra más de lo cómodos que se sienten Meth Math con las contradicciones, empezando por el mismo título: “Los chupetones son las heridas de los besos, son como el sufrimiento de pasarlo bien”, explica Ballesteros.

Cuando le damos al play escuchamos los diferentes mundos que conforman su música y que la propia banda define como “una fiesta gótica que juega entre lo sagrado y lo profano, entre el perreo y el lloriqueo. Temas que son a la vez odas al corazón partido e invitaciones a la oscuridad de un club post-apocalíptico”.

Seguramente esa combinación de música de baile y letras con mensaje sea una de las claves para entender cómo en tan solo cuatro años y con dos EPs publicados han sido capaces de tener una creciente comunidad de seguidores a la que siempre han tenido muy presentes: “Amo a la gente que baila en la oscuridad, y voy a hacer cosas que atraigan a la gente que amo”, confiesa Ballesteros. También han llamado la atención de la prensa especializada, incluso más allá del territorio nacional, como bien quedó reflejado cuando les invitaron a participar en el icónico Bolier Room: New York City de hace unos meses.

“Todavía no sabría explicar por qué nos invitaron y que hayamos tenido tanta repercusión. Supongo que puede ser porque hablamos desde un lugar sincero y la gente se siente identificada”.

Pero la cosa no queda ahí, ya que para su próxima gira Meth Math han confirmado fechas en países como Corea, China, Japón y Taiwan, donde su música tiene mucho sentido. “Tanto en el aspec-

to puramente musical como en la parte visual tenemos referencias asiáticas y siento que hay una conversación abierta ente nuestras culturas”, reconoce la cantante.

Estos conciertos formarán parte de una gira que comenzará con el lanzamiento de Chupetones y en la cual llevan mucho tiempo trabajando.

“Antes no pensábamos en la manera en que iban a sonar en vivo las canciones, y ahora sin embargo tenemos en mente crear performances”, cuenta Ballesteros. La vena experimental de Meth Math va a seguir presente en sus conciertos y por muy preparado que lleven un show siempre “nos vamos a dejar llevar por la energía del público”.

Pero no todo es fiesta y corazones rotos. Si prestamos atención a sus letras también encontramos un mensaje claro y directo en ellas.

En Mantis, por ejemplo, la letra gira en torno al amor sáfico, un término que en los últimos años ha adquirido especial relevancia al ligarse con el movimiento feminista y la lucha contra el sistema heteropatriarcal. “Los artistas siempre deberían tener un mensaje. Si planteas las cosas sin tener una misión o un sentido, ¿para qué lo estás haciendo? Mejor calla y deja que hablen los que necesiten ser escuchados”, afirma la cantante y letrista. “A veces me entristecen las canciones que llegan a ser populares y en las que no hay sustancia, un mantra hueco y desperdiciado que solo reafirma un mundo vacío y sin intención”.

“NUESTRA MÚSICA ES UNA FIESTA GÓTICA QUE JUEGA ENTRE LO SAGRADO Y LO PROFANO, ENTRE EL PERREO Y EL LLORIQUEO”

CHUPETONES (IN REAL LIFE / POPSTOCK!, 2023) Mantis / Trenzas / Mermelhada / Cyberia / Abducida / Myspace / Capullo / Axila / Pócima DIGITAL

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POR: CAYETANA ARIZNAVARRETA | FOTOS: JUAN MOORE

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¿Quién es Pablo Erroz?

Descubrimos el alma y los valores que definen la marca homónima del diseñador mallorquín. Mientras, nos adentramos de lleno, y en primicia, en la propuesta que presentará en unos días en la pasarela de MBFWM.

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¿Cuál es el alma de Pablo Erroz como marca?

Somos un proyecto cien por cien multidisciplinar y en evolución constante, que busca conectar y emocionar con el propósito de ser culturalmente relevantes.

¿Y cuánto hay de todo aquello que imaginabas/ soñabas en un principio en el cuerpo que tiene actualmente el proyecto?

Cada vez se parece más a lo que imaginé que podría ser. No es tanto cuestión de soñar como de proyectar y hacer. Por eso decimos que este es un proyecto where dreamers meet doers. Soñar sirve de poco si no se pasa a la acción.

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FOTOS: 1 & 2 CORTESÍA MBFWM / 3. CORTESÍA 080BCN / 4. ANTÁRTICA ESTUDIO / FONDO: JUAN MOORE

¿Cómo ha sido la transición desde tus inicios como diseñador al momento actual de Pablo Erroz?

Muy natural y orgánica. Hemos ido creciendo y consolidándonos poco a poco, pero siempre con una gran ambición de querer dejar un legado o una aportación al mundo y a la sociedad. Que lo que hagamos tenga una razón de ser, un sentido, y no deje indiferente a nadie. Siempre he admirado la arquitectura. Obras que permanecen con los años, pensadas para que la gente viva en ellas, las contemple y pasen cosas. Construir lugares con un fin, que muchos de ellos permanecerán en el tiempo y formarán parte de la historia. Al menos de una parte.

Todo aquello que no se recuerda, no existe. Tampoco lo que no se comunica. A partir de ahí, de manera muy natural, hemos intentado ser siempre relevantes en lo que hacíamos. Primero, para nosotros mismos. Y, desde ahí, desde la curiosidad, la ambición y el buscar seguir emocionándome, el proyecto ha ido haciendo la transición hasta encontrar su camino, su lugar, y poco a poco consolidarse.

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Dado que se trata de un proyecto multidisciplinar, ¿cómo consigues que todo tenga la esencia distintiva de Pablo Erroz?

Todo está conectado, y más entre disciplinas artísticas. Es parte de mi lema y también del origen del diseño. Vivimos en una sociedad que cada vez pretende condicionarnos más, encasillarnos, limitarnos… Pero los límites se los pone uno mismo, nadie más. De ahí que todo lo que hagamos comparta la misma esencia, un ADN personal conectado. Solo así conseguiremos un discurso propio. Además de habernos llevado a colaborar con infinidad de marcas como New Balance, Fujifilm, Grefusa, Bulthaup, Chupa-Chups, Xiaomi, Iberia... o marcas de iluminación, bodegas, alfombras, suelos y mobiliario, entre otras.

Hay muchas formas de integrar la sostenibilidad como valor en una marca. Por ejemplo: la reducción en el consumo de agua o la reutilización de materiales. Y Pablo Erroz opta por hacer una única colección anual. ¿No suena muy arriesgado dentro de una industria basada en tendencias temporales, inmediatez, diferentes climas…? ¿Qué era lo que había dentro de ti y te decía que hacer una colección atemporal era posible?

Precisamente eso, el hacerlo sostenible. La palabra sostenibilidad empieza a estar demasiado usada y muchas veces sin demasiado sentido, es lo que tienen las modas.

Sostenible no es más que aquello que se puede mantener en el tiempo, en el corto, en el medio y en el largo plazo. Ahí interfieren muchos factores, no sólo el ambiental. También el económico, el emocional, el personal… Para nosotros no tiene sentido producir sin medida, sin tiempo para pensar, sin emocionarnos. Y tampoco lo necesitamos, al contrario.

Presentar una colección anual, con un mensaje sólido, pensado, potente, que realmente aporte algo y tenga algo que decir y que gracias a un tiempo más pausado te permita introducir y nutrirlo con otras disciplinas, tiene todo el sentido del mundo. ¿De verdad en una sociedad que cada vez tiene menos definido el clima, los géneros a la hora de vestir y que tiene los armarios llenos (de prendas y de falta de emoción) necesita seguir produciendo tanto? Por nuestra parte no. Es más, cuanto menos produzcamos, mejor. ¿A qué desafíos te enfrentaste cuando dabas tus primeros pasos?

El ego. Creo que es lo que tenemos más presente al principio. Es un gran error. Creo que la mayoría de veces, también porque se enseña poco, la mayoría de diseñadores nos enfrentamos al reto empresarial, que algunos ni siquiera tienen presente. Hacerlo viable económicamente. Aprovecho y matizo: cada empresa es distinta y tiene

un modelo de negocio y maneras de funcionar diferentes.

Y es ahí donde cada uno debe encontrarse y diferenciarse. El reto o desafío más grande que todos podemos tener en nuestro negocio al final no es otro que el de mantenerlo vivo. Y eso es, en definitiva, hacerlo sostenible. ¿Qué es el proyecto Colombia? ¿Cómo vamos a ver el sello de Pablo Erroz en él?

Es un proyecto que sigue parte de nuestro propósito de unir y vincular. Ya hicimos un proyecto parecido con la isla de La Palma y su seda o con Mallorca y su ikat. La idea es poner en valor y contar al mundo aquello que, si no se conoce y se cuida, se acabará perdiendo.

Todavía tenemos grandes tesoros por mantener, pero deben de volver a ponerse en valor antes de que sea demasiado tarde. Nosotros tenemos ganas y voz para hacerlo. Lo más disruptivo del proyecto Colombia será el cómo. Gracias a la I+D+I hay empresas que están consiguiendo transformar el residuo del café (borra) en objetos como botones, consiguiendo así una circularidad real y convirtiéndose en parte de la solución.

"VIVIMOS EN UNA SOCIEDAD QUE CADA VEZ NOS CONDICIONA MÁS, NOS ENCASILLA...

PERO LOS LÍMITES SE LOS PONE UNO MISMO"

En los desfiles se muestra ese aspecto multidisciplinar... ¿Cómo consigues crear tanta armonía en la pasarela entre las prendas y los muebles para hogar? Es un concepto muy innovador que seguro que deja a los espectadores atónitos.

Sin duda es en ese aspecto como más cómodo me siento trabajando y donde hemos encontrado nuestra principal ventaja sostenible. Cuando todo lo haces de manera natural y con un interés real, todo se acaba conectando. Porque de por sí, todo lo está. Unas disciplinas no pueden entenderse sin otras. Todas se nutren.

Por eso este año hemos creado Pablo Erroz The Club, concepto en torno al cual gira nuestra última colección. Un club de miembros privado, un club de ideas y de personas que comparten una manera de pensar, con objetivos similares y que se encuentran en ese club donde pasan cosas y todo se acaba conectando. ¿Un adelanto de lo que veremos este año en MBFWM? Este año montamos nuestro primer club, un club de miembros donde todos los invitados forman parte de él. Un lugar, real o imaginario, donde dar la bienvenida a todos los miembros de nuestra comunidad y plasmar todo nuestro universo de marca transversal. ¿Qué retos creativos se plantean en este 2024?

Todos. Sigo sin ponerme límites en nada de lo que hago.

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1 y 2: Procesos artesanales de extración y trabajo con la fibra longitudinal de hoja caulinar de guadua, procedente de Colombia y trabajada por artesanos de la región.

3: Elaboración de un canasto típico para la recogida del café con técnica de cestería que utiliza Bambú/Guadua biche y húmeda.

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POR: JUAN ÁLVAREZ

TANIA MORENO YA SABE CUÁNTO PESA UNA MEDALLA DE PLATA: LA GANÓ EL PASADO AÑO EN EL CAMPEONATO EUROPEO DE VÓLEY PLAYA CELEBRADO EN VIENA. JUGADORA PROMETEDORA DESDE LOS 4 AÑOS, HOY CONFORMA JUNTO A SU PAREJA EN LA ARENA, DANIELA ÁLVAREZ, LA GRAN ESPERANZA OLÍMPICA DEL VÓLEY ESPAÑOL EN PARÍS.

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PROMESAS

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adentrarse en la humanidad de tania moreno Matveeva (Madrid, 2002), de la Tania deportista, es hacerlo en quien entiende su futuro no como un destino cincelado en piedra, inamovible y escrito desde tiempos remotos, sino como la sucesión de sus pasos, sus aciertos, sus errores.

Macerada desde el nacimiento en el amor por el vóley playa gracias a un padre entrenador y una madre voleibolista, Tania se prometió -primero a sí misma, luego a sus progenitores y finalmente a su entorno- que ellos serían su inspiración para llegar a las Olimpiadas. Aupada en los hombros de gigante de quienes la vieron nacer, cumple la misión casi histórica que desde la Antigua Grecia empuja a hombres y mujeres a superarse: Alejandro Magno conoció las ciudades con las que ni siquiera soñó Filipo, y Tania superará los logros ya de por sí notables de su padre y su madre cuando desfile en julio tras la antorcha olímpica que ilumine París. Siempre de la mano de su inseparable compañera de equipo y amiga, Daniela Álvarez -un año mayor que ella-, confiesa que es ella quien le permite plantar con seguridad cada paso que da en el inestable puente colgante del deporte profesional. Con 21 y 22 años, cada decisión que toman y celebran Tania y Daniela las acerca más a su objetivo.

Para Tania, París no es sino un área de descanso en el sendero de baldosas amarillas que está siendo su carrera deportiva. Desde que participara en las Olimpiadas de la Juventud en Argentina, en campeonatos del mundo o en el cinematográfico mundo del deporte universitario estadounidense -única fase de la que se arrepiente como jugadora profesional-, solo hay una cosa que no se permitiría: albergar la perenne sensación, cuando todo esto acabe, de que hubo algo dentro de ella que no se exprimió o sublimó hasta el máximo de sus capacidades. Imbuida de la certeza de que ya son y pronto se convertirán aún más en un referente para muchas chicas, ni ella ni Daniela rehúyen su responsabilidad; han trabajado toda su vida para ello. Están preparadas. En sus planes deportivos no caben la casualidad, la suerte o la búsqueda de la buena-

ventura. Son de trazo recto, sin matices, filigranas ni contemplaciones. Su profesionalidad y ética de trabajo deja a sus coetáneos atrás, lastrados por el plomo de las distracciones, mientras ellas se elevan, salto a salto y con determinación, ante esa rígida red que separa errores de aciertos.

De dicción rápida, atropellada por las risas de sus propias ocurrencias -las de cualquier veinteañera-, la Tania más humana es el jovial producto de la adolescencia tardía de nuestra sociedad contemporánea. Una miscelánea de alegrías y placeres. La luz que penetra en las vidrieras de una catedral para trazar formas y colores de fantasía. Para la deportista, los placeres mundanos como la cocina, la artesanía o disfrutar del tiempo con su familia, con su pareja, con su mascota, tienen cabida junto a las mismas ansias de explorar un mundo que parece menos inabarcable a través de sus lentes. Tania se declara experta en hospedarse en habitaciones de alquiler, de esas en las que no quieres pasar la noche tras haber cometido el error capital de no leer las reseñas antes de reservarlas. Para ella, cada aventura es un motivo para volver, una nueva anécdota, una razón más por la que la vida merece ser vivida si se vive como ella hace.

Musicalmente, como en el resto de sus placeres, Tania es una hoja que se deja llevar por la brisa: y en este caso la brisa es la que marcan las playlists de Daniela. Hay reguetón, pero, como marcan los cánones, del viejito. Insertada a tiempo parcial en la cosmogonía universitaria yanqui en Texas, el estado más estadounidense, vive inmersa en la constelación de clichés cinematográficos con los que hemos crecido. A pesar de eso, entre atletas universitarios que son auténticas estrellas y fiestas en hermandades donde abundan los neobeodos de alcohol en vaso de plástico rojo con pelota de ping-pong, Tania tiene claro su objetivo. Guarda el equilibrio. Hay tiempo para todo. Y afronta esta cita olímpica con la certeza y la convicción de estar a la altura. Preparada para superar la red. Su pasado de sacrificio, su trabajo constante, se merecen un futuro de éxito. Y así será. No os quepa ninguna duda.

“DURANTE NUESTRA CARRERA HEMOS SACRIFICADO TODO PORQUE ESTAMOS VOLCADAS EN ALGO QUE NOS LLENA. LUCHAR POR LO QUE QUIERES ES BONITO”

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87 POR: DIEGO RUBIO

EL RAPERO MÁS GRANDE DEL NORTE DE ÁFRICA REGRESA A NUESTRO PAÍS EN SU GIRA MÁS AMBICIOSA HASTA LA FECHA, AFIANZADO YA SU ESTATUS DE ESTRELLA EN FRANCIA Y EN BUSCA DE UNA DEFINITIVA CONQUISTA INTERNACIONAL. EL 7 DE FEBRERO ESTARÁ PRESENTANDO SU NUEVO ÁLBUM, '27' EN LA 2 DE APOLO DE BARCELONA, Y UN DÍA MÁS TARDE, EL JUEVES 8, EN LA SALA DE WIZINK CENTER EN MADRID.

para hablar de elgrandetoto, es necesario empezar por el principio: por entender el impacto del rap árabe, concretamente marroquí -más genéricamente del Norte de África-, en un imaginario relativamente internacional. Hoy África es una incipiente potencia musical gracias a la explosión global de los afrobeats, pero sin embargo esos son sonidos que se limitan casi exclusivamente a Nigeria y Ghana y que quedan muy, muy lejos de las músicas del Magreb. Tampoco hay que ser un genio: EEUU, sus aliados y el fantasma del terrorismo islámico han conseguido que, durante los últimos 25 años, quizá el pueblo que más racismo ha sufrido del mundo haya sido el árabe. Por eso hoy, en 2024, un artista como ElGrandeToto, con una posición muy semejante a la que pudieron tener J Balvin o Burna Boy en el momento previo a su salto global, y con estrellas internacionales del calibre de Karim Benzema poniéndole en el foco, busca aumentar su impacto musical y mediático más allá de Marruecos, su país de origen, o incluso del mercado francófono. Con la diáspora MENA -Middle Eastern-North Africa, no me maten tan rápido- consolidándose

como una de las más sólidas y numerosas en Europa, con una generación de artistas ya criada en muchos de sus países -Niro o Nahir en Francia; Ghali, Baby Gang o Rondodasosa en Italia, Nimo en Alemania, Boef en Bélgica, Morad y Beny Jr en España-, seguimos viendo como muchas de esas escenas se limitan prácticamente a un ghetto. Tenemos el ejemplo de lo que ocurre en nuestro país: lo que hacen Morad y Beny Jr tiene un código postal muy concreto, el barrio de La Florida en el Hospitalet de Llobregat.

Como si fuera imposible dejar de relacionar el rap magrebí con la marginalidad. “Uno de los problemas que más me encuentro es a la hora de consiguir visados”, reconocía el Morad cuando fue entrevistado al hilo de su videoactuación en el canal germano con vocación global COLORS. Marruecos, en cualquier caso, ha sabido aprovecharse de la perfidia occidental, y el breakthrough de ElGrandeToto, ya consolidado como el artista más grande de la región, no se entendería sin aquel momento en el que, desde Francia, se decidió situar allí el spotlight: ¿os acordáis de cuándo PNL se convirtieron en

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DIZZY DROS En cierto modo con él empezó todo: nacido en Casablanca, Omar Souhaili conectó a la generación de los noventa con los nuevos tiempos de rap marroquí.

estrellas internacionales y llegaron a colaborar de la mano de Drake? ¿O de la irrupción de The Blaze y esos videopclips romaingavrasianos para Virile y Territory que revisaban la masculinidad en la comunidad argelina? El capitalismo, cómo no, acudió a la llamada: en 2017, el rapero británico Skepta lanzó su marca de ropa con una campaña que imitaba la estética marroquí y que se apoyaba en un artbook de Dexter Navy, inspirándose con demasiada exactitud en el trabajo que, durante aquellos años, venía realizando el fotógrafo Ilyes Griyeb. Incluso llegó a utilizar directamente un par de fotos suyas poniéndoles un filtro y metiendo zoom. El caso propició un debate sobre apropiación cultural -algo muy de aquellos años no tan lejanos-, pero una nueva generación de artistas marroquíes aprovechó la exposición, y así comenzaron a surgir colectivos como NAAR, que se preocuparon por proteger su escena cultural. Una nueva generación de artistas urbanos estaba lista para emerger, y con el suelo bien plantado llegó ElGrandeToto.

De nombre real Taha Fahssi (Guelmim, 1997) y formado en la danza urbana, es uno de los primeros artistas marroquíes en firmar con RCA y Sony Francia, ha ganado premios en EEUU, aparecido en la revista Forbes, y se ha consolidado como el artista de su región más escuchado -de largo- en Spotify. Ha publicado tres largos hasta la fecha -llicit (2018), Caméléon (2021) y 27 (2023)-, es fan de Cher y le persiguen legiones -solo en Instagram cuenta con 3,4 millones de seguido-

res-. Y siempre ha sido consciente de que, pese a todo, para alcanzar la trascendencia necesitaba triunfar en Francia. “En Marruecos no hay certificaciones, por ejemplo. Puedo tener 200 millones de visitas en un tema -su participación en el remix de Love nuantiti, del nigeriano CKay, ídolo de la nueva generación afrobeats- pero no ser disco de platino. Por eso siempre he querido triunfar en Francia, es una especie de sueño infantil”, explica en A Rap & A Cup of Tea. Y lo que ha conseguido, más allá, es abrir internacionalmente un camino que otros le mostraron antes a nivel local. Una cadena de solidaridad artística que sigue reproduciéndose.

En su último álbum, 27, afianza una presencia en el mercado afrobeats que ya inició con CKay o con Arya Starr de la mano de Oxlade. Pero además se reparte entre estrellas de esa diáspora MENA de la que hemos hablado antes: con el belga Hamza -le hemos visto compartir estudio con Aya Nakamura, Christine and the Queens, Offset o Headie One-, el italiano Rondodasosa o con Morad y Beny Jr, con los que ya mantiene una relación creativa sólida. Desde su desembarco en Francia, afianzando un entorno que le sitúe a menos de un paso de los grandes productores urbanos del mercado anglo, está listo para hacer su verdadero órdago internacional. El 7 y 8 de febrero regresa a nuestro país en la que es su primera gran gira mundial. Nunca había pisado plazas tan grandes aquí: la Apolo de Barcelona y La Sala del WiZink en Madrid. Estás avisado.

27 (SONY MUSIC FRANCE, 2023) Introduction / 27 / Sarcelles / TP / Wow / Dellali / Weld Laadoul / Razones / Bghawni / Like That / Sultan / Para mí / Hash n' Blem / Billets / Mezzanotte / Lillah / Arabia / Blue Love+ LP / DIGITAL

SHAYFEEN Este dúo formado por Shobee y Small X abrió camino en los dosmiles, y a partir de 2018 se convierten en el pegamento de la escena.

MADD Una de los catalizadores de ese momento fue el colectivo galo NAAR (https://naar.fr), que le dio a este rapero su primera gran oportunidad. Todo calidad.

MANAL Aunque goza de una carrera asentadísima a nivel regional, Manal puede ser uno de los secretos a voces mejor guardados de Marruecos.

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POR: FERNANDO BERNAL

EL DEBUT DE LA CINEASTA FRANCESA LOLA QUIVORON SE ADENTRA EN EL MUNDO PATRIARCAL Y SIN LEYES DEL MOTOCROSS URBANO EN LOS SUBURBIOS DE FRANCIA A TRAVÉS DE UNA JOVEN QUE FRENA SIEMPRE LA ÚLTIMA PARA DEFENDER SU IDENTIDAD. ¿MOTOMAMI? NO DEL TODO: ELLA SE LLAMA JULIA Y SOLO RECLAMA SU LUGAR EN EL MUNDO. TE LO EXPLICA SU DIRECTORA. lola quivoron (1989) se presentó en cannes con su ópera prima y consiguió que el prestigioso -y habitualmente algo estirado- certamen francés escuchara el ruido de sus motos de alta cilindrada, se dejara embriagar por el olor a gasolina, sintiera las vibraciones del reguetón y descubriera a su joven protagonista Julia. Y todo en el mismo pack.

De ahí se llevó un premio en la sección Un Certain Regard, y luego Rodeo ha circulado por varios festivales hasta dar un frenazo en nuestra cartelera.

Con esa costumbre -un tanto innecesaria- de poner etiquetas, enseguida su obra se catalogó como un combo perfecto cuya fórmula sería: Titane + Fast & Furious + Childhood. Pero, en realidad, se trata de una película de gánsteres, inspirada además en los westerns clásicos, con una joven reclamando su espacio en un universo masculino que la rechaza por su sexo y por su cuerpo.

Rodeo nace de la pasión de la cineasta francesa por una comunidad de chicos que han convertido el motocross urbano -galopar literalmente sobre motos, haciendo todo tipo de trucos y piruetas- en su estilo de vida. Y de su deseo íntimo de ver un día a una joven motera hacer un "caballito". “Yo no sabía nada del motocross de asfalto, y lo descubrí estudiando cine en París. Allí empecé a ver unos cuantos vídeos de acrobacias y me parecieron alucinantes. Esto me trajo a la memoria que cuando yo era pequeña, porque crecí en el extrarradio de la ciudad, había visto a estos chicos por las calles a toda velocidad con sus

quads y sus motos. Me resultó curioso, porque eran motos de cross, que no están hechas para el asfalto”.

Un día se presentó en una reunión que tenían a las afueras de la ciudad, en un espacio de carreteras vacías que nadie utiliza. “Y fue cuando realmente esto me alucinó, porque comprobé que estos chicos creaban familias, auténticas comunidades cerradas pero muy unidas. Su estética y su poética me enamoraron totalmente. Los olores, los colores, incluso el lenguaje… Y ya no te digo las acrobacias. Pero sobre todo esa política de formar familias alternativas.

Familias que les permiten olvidar un poco su vida, su realidad y su dureza. Estuve cinco años documentándome, hice un corto, un videoclip y escribí el guion de Rodeo. Lo hice realmente gracias a las amistades y a la confianza que me dio este grupo que se llama Dirty Riderz Crew: ellos me abrieron a este mundo que viene de EEUU. Resulta muy interesante cómo esta

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Kelman Duran

cultura se ha establecido con el tiempo en mi país”.

De ahí surgió primero el cortometraje Dreaming of Baltimore (2016), que se puede ver en Vimeo, y posteriormente Rodeo, que su directora califica como “una película épica y súper-naturalista”. La historia está ambientada en un microcosmos violento con una férrea estructura patriarcal, dirigido desde la clandestinidad por un mafioso y habitado por jóvenes que sobreviven de trapicheos y robos en torno a un taller ilegal al que se incorpora Julia, una joven apasionada de las motos. “Es muy raro encontrar una chica en este tipo de grupos. Yo pasé mucho tiempo con ellos en las carreteras y solo encontré una. Y pronto desapareció. Empecé a imaginar un personaje femenino, y por suerte encontré a Julie Ledru en Instagram (@Inconnue95.fr) y pronto empezó a haber una química entre nosotras. Me pareció muy mística, me habló de su juventud, de su pasión por las motos...”. Se citaron en Beaumont-Sur-Oise, a las afueras de París. “Conocía ese pueblo porque me había topado con él durante las primeras manifestaciones de protesta por la muerte de Adama Traoré en julio de 2016. Me pareció una señal. Llegó con su vieja Honda y me contó su historia. Le hablé de este personaje femenino que ella parecía entender de manera muy obvia. Cuando volví de reunirme con ella, llamé a Antonia Buresi, actriz en el filme y también coguionista y le dije: ‘Qué raro, esta chica es una mentirosa de cuidado. Me ha contado la historia de su vida, pero es la historia de la película’”. En

La cineasta llegó por casualidad a Kelman Duran, un músico y productor de Los Angeles (con ascendencia dominicana) que se dedica a hacer samples con sonidos callejeros para reformular el concepto de reguetón a través de los sintetizadores y que ya ha llamado la atención de artistas como Kanye West con trabajos como 13th Month (2018). “Lo conocí gracias a Rafael Torres, mi montador.

El primer tema de la película, cuando Julia roba una moto y huye por la carretera, es lo primero que escuché de él. Me encanta ese post reguetón que él propone, cómo deconstruye esa trama del género, cómo hace de un sampler la repetición constante hasta bordear la paranoia. Su música es muy cercana a la protagonista, porque ella también es bastante paranoica. Nos conocimos y hubo un flash inmediato entre los dos y enseguida se puso a trabajar. Lo alucinante es que muy pocos músicos hacen esto: el hecho de que me dejara una libertad absoluta para manipular lo que él componía. Por eso pude incorporar los ruidos de las motos y de los quads en la banda sonora. Y el resultado ha sido muy sensorial, comunica sensaciones. Ahora él es bastante famoso porque ha compuesto un tema del último disco de Beyoncé: I’m That Girl, en Renaissance”.

ese momento, según sus palabras, sintió hacerse el milagro, como si encajaran la realidad y la ficción de una manera absolutamente inesperada. Ahí estaba la esencia de la historia y también su protagonista, que obtuvo por su trabajo el premio a la mejor actriz del Festival de Sevilla. Lola Quivoron considera que uno de los grandes temas de la película es el cuerpo de Julia. Y el cuerpo de Julie Ledru, junto con su soledad, fue algo que le impresionó desde el primer momento. “Los cuerpos son importantes en la película, porque todo este mundo está dominado por hombres. Ella tiene un cuerpo diferente a ellos, por eso quería que ella resurgiera, que se liberara de su cuerpo, que no es más que una asignación propuesta por las raíces. Como una forma de liberación, de escape. Al igual que me pasa a mí, le cuesta identificarse como femenina o masculina. Julie, Julia y yo somos seres no binarios”.

El último reto fue reclutar al grupo de motoristas. A las primeras pruebas se presentaron como doscientos candidatos, pero la directora de casting decidió trabajar de manera colectiva, con grupos de amigos que ya estaban hechos, todos ellos apasionados del motocross de asfalto. “Llegué cuando solo quedaban cinco grupos, y comenzamos a improvisar con ellos. Es donde empezamos a trabajar y a conocer a sus personajes, partiendo siempre desde lo que ellos transmitían y cómo lo vivían. Hablamos de la película, pero las únicas que leyeron el guion fueron Antonia y Julie, porque para ellos pensaba que podía ser pesado. Prefería contárselo. Nos reuníamos solo una hora diaria como una comunidad, pero acabaron sabiéndose el guion a la perfección, mejor que si lo hubieran leído. Tuvieron acceso a la historia a través de la oralidad y eso les permitió una interpretación más libre, porque entraron en la mitología de la historia. Luego trabajamos las secuencias y eso me permitió a mí reescribir muchas de ellas. En el rodaje hubo cierto margen de improvisación, no tanto en los movimientos de las motos, que eso estaba muy claro en el guion, pero sí en las expresiones”.

RODEO (26 enero) Francia. 2022.

Caramel Films / CG Cinéma Dirección: Lola Quivoron.

Reparto: Julie Ledru, Antonia Buresi, Junior Correia, Ahmed Hamdi, Yannis Lafki.

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POR: ANDREA RULLÁN

CON ‘AQUÍ Y AHORA’ (MAD MOON MUSIC), DELAPORTE ABRAZAN PRECISAMENTE ESO, EL MOMENTO PRESENTE, EL LUGAR EN EL QUE LOS PIES HACEN CONTACTO CON EL SUELO, Y RENACEN A UNA VERSIÓN MÁS CONSCIENTE DE SÍ MISMA. UNA QUE NO RENUNCIA A LA EUFORIA O A LAS EMOCIONES NI A LA CELEBRACIÓN, PERO SÍ A LOS COMPLEJOS, LAS DUDAS Y LOS CONDICIONAMIENTOS. AL FUEGO CON ELLOS EN UNA HOGUERA DE TECHNO Y SUDOR.

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FOTOS: VÍCTOR “MIMO”

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“¡he venido a pasarlo bien!” es ese leitmotiv, ese rótulo en una taza de café que alguien te ha regalado, ese mensaje escrito en un post-it que lees todos los días a ver si consigues, aunque sea un poco, integrarlo en tu forma de ser. Con esa idea en la cabeza engendraron Sandra Delaporte y Sergio Salvi su último álbum de estudio, Aquí y ahora (Mad Moon Music, 2024). Un disco concebido como la puerta hacia una filosofía más hedonista y, quizá, menos exigente con el acto mismo de crear. Un mantra -el disfrutar los momentos por encima de todo y situar la conciencia en el hoy, en el presente- que ambos se han repetido a lo largo de todo el proceso compositivo y que ha resultado en una de las propuestas más reales que el dúo napolitano-español ha publicado hasta el momento. “Queríamos desprendernos de cualquier tipo de pensamiento que ensucie o enturbie la cabeza, dejar atrás las expectativas del público o la crítica, si iba a gustar o no, y a qué gente... y hacer lo que nos latía, lo que nos salía de nuestras entrañas sin ningún tipo de filtro o pudor”, cuenta Salvi al otro lado del teléfono.

Y lo han hecho. Delaporte construyen a lo largo de trece canciones un discurso digno en el que dejan atrás los prejuicios y las presiones por alcanzar una especie de meta propia, la tiranía de los números, y en el que, como ellos mismos reconocen, consiguen mostrarse más sinceros que nunca: “Estamos muy acostumbrados a compararnos todo el rato, a pensar en si los demás lo hacen mejor o reciben más reconocimiento. Eso te quita de disfrutar de lo que estás haciendo. Hagas lo que hagas, lo importante es hacer las cosas con amor. Y hacerlas con amor ya es un éxito porque disfrutas de hacerlo. Sandra y yo hemos abrazado esa mentalidad: para nosotros es fundamental para vivir bien, lo necesitamos. Con Aquí y ahora, precisamente, no nos hemos fijado objetivos que cumplir. Si hacemos eso, sin querer, nuestro bienestar depende del futuro y de algo que jamás va a estar bajo nuestro control. Ahora nuestro bienestar radica en disfrutar de lo que hacemos, y todo lo que venga tras eso será un regalo”.

Está claro que es toda una declaración de intenciones, y se manifiesta constantemente en un trabajo desenfadado en el que convive el pop con el techno de raíz, ese que en ocasiones te permite coger aire y entrar en un estado de trance, pero que no se desprende de un carácter eminentemente positivo a través letras amables, buenrollismo y esa aspiración de la que tanto hablan hacia algo mucho más sencillo, pero no por eso fácil: hacer reír, disfrutar y sanar las heridas. “A veces, el estilo de vida que tenemos nos puede llevar a un sufrimiento totalmente innecesario que nos autogeneramos”, dice Salvi. “Creemos en pensamientos que no son reales. La idea de éxito que impera en la sociedad en general, por ejemplo, esa necesidad de estar siempre en constante crecimiento, proyectándose hacia el futuro... ponemos muchísima energía en algo que no depende por completo de nosotros, y todas esas ideas nos alejan y nos desconectan de nuestro presente, del momento más inmediato, de conectar con nosotros mismos y de lo que realmente es real, valga la redundancia: que hace falta muy poco para disfrutar y pasarlo bien”.

Y para pasarlo bien encontramos pistas en este álbum como Súbete la radio, Me siento bien post fiebre en Altai o El techno cura, todo temas de carácter expansivo y que

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nos invitan a estar en el presente, conscientes, pero que insisten además en esa cualidad sanadora de la música electrónica, tan relacionada con los estados de ánimo en sí misma y tan afín al disfrute en comunidad. Junto a ellas, otras que narran a golpe de ironía y con mucho humor los errores cometidos, aireándolos, sacándolos afuera, buscando quizá un efecto de redención que termine en una sincera aceptación de uno mismo: Me la pegué o Corre que te mato nos hacen testigos del proceso creativo del dúo en una de sus etapas más vulnerables mientras espiamos, de algún modo, las bambalinas de la composición.

Las letras en Delaporte siempre han dado un poco esa sensación de estar palpitando de vida. Siempre han tenido que ver con la celebración, y nunca se han restringido a la hora de hablar de sentimientos, de ponerlos a flor de piel. Y, sin embargo, este nuevo trabajo les ve enfocarlo todo desde un renovado prisma de autenticidad, desde las risas mutuas y desde una deliberada intención de tomarse las cosas mucho menos en serio.

Y en ese proceso, pensando más bien en ellos mismos y en lo que necesitan en este momento, ajenos al qué dirán y a modas que en según qué punto han llegado a esclavizarles, Sandra y Salvi se despiden -al menos por ahora- de las referencias más urbanas de su sonido para abandonarse por completo a su faceta de club, abrazar la explosión rave y subir así las dosis de adrenalina de su propuesta. Los Delaporte de 2024 beben más del optimismo hipervitaminado de Fred Again.., de la intensidad lumínica y la pegada emocional de Bicep y Four Tet o de la velocidad y el filo melódico de los estilos derivados del UK garage que de los modos del nuevo pop con el que se relacionan más fácilmente sus inicios. Aunque reconocen que cuando están componiendo se filtran referencias de muchas cosas que están escuchando, y que lo hacen un

"NUNCA HEMOS VISTO LA VENTAJA DE FIRMAR CON UNA DISCOGRÁFICA. NUESTRO MAYOR ÉXITO ES HABER FORMADO UN EQUIPO QUE HOY PODEMOS CONSIDERAR FAMILIA"

poco sin filtro. “En el disco hay muchos guiños a cosas del año pasado que nos han gustado, de Sufjan Stevens a Valeria Castro”, unos detalles que se cuelan y ponen de manifiesto el carácter abierto de este dúo.

Pero ¿de dónde viene todo este proceso? ¿Por qué sienten esa pulsión radical, original, de revisarse desde la aceptación? Salvi habla de una “desconexión con Delaporte” por parte de los dos que se traduce en una travesía de varios meses por Asia y Latinoamérica para redescubrirse -como dúo, como creadores, como personas-, empapándose de la filosofía del aquí y ahora y de la pausa, con la “libertad”, confiesa, “de poder mirar las canciones a través del prisma del tiempo”. En el fondo, siempre pusieron por delante su libre albedrío: siguen rodeados de sus amigos cuando se ponen a trabajar, y han logrado resistirse siempre a las tentaciones de grandes discográficas. “Nunca hemos visto la ventaja de firmar con una. Personalmente, mi mayor éxito es haber conseguido formar un equipo que hoy puedo considerar familia, que se ilusiona igual que nosotros con el proyecto. Si mañana terminara Delaporte continuaríamos siendo amigos. La sensación de trabajar con tus mejores amigos creo que es insuperable. Es muy difícil que un sello iguale ese sentimiento. Ese valor, tanto para Sandra como para mí, hace que podamos estar sanos y, además, no nos va tan mal sin ellos, ¿no?”.

Es la mejor manera de enfocarse en lo que quieren

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cuando se sienten perdidos, como antes de la grabación de un trabajo que terminó canalizando el espíritu aleatorio y caótico que habitualmente define a estos procesos de transformación, o de reconexión, más bien.

“El proceso de grabación, por ejemplo, está muy poco cuidado”, reconoce Salvi. “No hemos pisado un estudio. Hay partes de canciones que están grabadas con el iPhone, otras en diferentes casas, en una cabaña, en el bosque, en el tren…”.

Esa misma espontaneidad es algo que quieren trasladar a sus directos. De hecho reconocen que les han tenido bastante concentrados en los últimos meses, tanto que “casi ni nos acordábamos de que salía el disco, te lo digo de verdad: estamos ensayando muchísimo y justo en el último mes se nos ha juntado demasiado volumen de trabajo entre promo, viajes, cerrar más fechas de la gira... a lo mejor teníamos que haber dejado algo más de espacio, de aire, entre el lanzamiento del disco y los bolos de presentación, para hacer las cosas con más tranquilidad y sin tanta presión, porque apenas hemos dejado un mes. Si es que el disco sale justo esta noche y hasta que he hablado contigo ni me había concienciado, imagínate”, dice entre risas. Pero es así: si el cuerpo te pide marcha, marcha le tienes que dar. Y el trabajo de estas semanas frenéticas a contrarreloj se verá reflejado en un directo que convoque esa idea de desahogo comunitario, “una experiencia inmersiva en la que todos, tanto el público como nosotros, seamos capaces de estar verdaderamente presentes en el aquí y en el ahora, disfrutando y compartiendo la energía que producimos y nos devolvemos entre todos”. Son esos conciertos lo que les mantiene con los pies en el suelo.

Y son esos conciertos lo que pide realmente Aquí y ahora, su quinto álbum de estudio. Y que sirvan un poco como liberación tras una vorágine de trabajo. Para romper zapatillas y pistas de baile. Una fiesta como las que servirán para ponerlo de largo en Madrid (La Riviera, 9 y 17 de febrero), Barcelona (Paral·lel 62, 23 de febrero), Valencia (Sala Repvblicca, 24 de febrero) y Bilbao (Zeid Fest, 13 de abril). Después de estas primeras fechas en España, Delaporte viajará hasta México para volver a embarcarse de nuevo en una pequeña gira por el país latinoamericano y, después, regresar a nuestro país para hacernos volar durante esa carrera de fondo veraniega que son aquí los festivales. Ya hay citas marcadas en el calendario como el Warm Up de Murcia, el Interestellar de Sevilla, el FIB de Benicássim o el Palencia Sonora, pero aún más están por llegar. Les queda pendiente, reconoce Salvi, atreverse con “una pequeña gira europea”. “Es un propósito de futuro, está claro: hacer algo por Inglaterra, Italia, Berlín...”. De momento han llevado su música más lejos de lo que imaginaban cuando empezaron Delaporte y, en su último trabajo, han logrado reconectar con lo que les apasiona de hacer música y compartirla con el mundo. No es poco, y se siente como volver a empezar.

AQUÍ Y AHORA (MAD MOON MUSIC, 2024) Súbete la radio / Me la pegué / Me siento bien post fiebre en Altai / Corre que te mato / Soy de aquí / Fractal de coños / No tengas miedo mi amor / Ángel caído / Los lobos / Peligro Social / No es el fin del mundo / El techno cura / Besa DIGITAL

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POR: RAMÓN BAYLOS

¿TE SUENA DE ALGO LA SAGA ‘COMMANDOS’? ¿LA AVENTURA GRÁFICA DE LOS OCHENTA ‘LA ABADÍA DEL CRIMEN’? ¿‘SIR FRED’, TODO UN CLÁSICO DE AQUELLA ÉPOCA? ¿INCLUSO ‘BLADE’, PRECURSOR CASTIZO DE LOS SOULS? EL DESARROLLO DE VIDEOJUEGOS EN ESPAÑA SIEMPRE HA FUNCIONADO A TRAVÉS DE FOGONAZOS DE CREATIVIDAD A LO LARGO DE LAS CUATRO ÚLTIMAS DÉCADAS, PERO ES A PARTIR AL AUGE DEL FENÓMENO INDIE CUANDO NUESTRO SECTOR ALCANZA SU NUEVA EDAD DE ORO Y SUS PRODUCCIONES EMPIEZAN A SER ESTUDIADAS A NIVEL INTERNACIONAL.

normalmente, el desarrollo de videojuegos en España se ha establecido a través de una especie de ejercicio de guerrillas, logrando con muy pocos recursos un impacto igual o superior al de muchas superproducciones. Algo que desvela la otra cara de la moneda: el sector nunca ha contado con apoyo institucional suficiente, lo que se traduce en fuga de cerebros y en una evolución dependiente de la democratización de la tecnología. Quizás sea por eso que, desde hace veinte años, existe un sólido sentimiento común de lucha contra lo imposible, que suele desembocar en una gratificante sensación de fraternidad con la convicción, compartida, de que se puede llegar muchísimo más lejos. La hermandad del videojuego español contemporáneo cree en una industria nacional mejor.

Por todo esto sería extremadamente complicado escoger un solo videojuego español que sirviera para explicar cómo se ha ido construyendo el reciente legado del desarrollo en nuestro país, dado que la contemporaneidad ha traído consigo nuevos planteamientos sobre cómo se diseña aquí. ¿Deberíamos apostar por el título más vendido? ¿El mejor recibido por la crítica a nivel internacional? ¿El que más jugadores simultáneos tenga ahora mismo? No hay un único hilo desde donde tirar para

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BLASPHEMOUS The Game Kitchen / 2019 The Game Kitchen se hizo en 2019 la pregunta ganadora: si hay millones de personas entusiasmadas con los videojuegos que giran alrededor de la cultura japonesa, ¿por qué no intentarlo también con la iconografía del sur de España? Por estos motivos, la gente no solo reconoce el nombre de Blasphemous a nivel internacional, sino de dónde viene la imaginería que da una identidad única a todo lo que ocurre a partir de su fórmula soulsvania. Sus primeros éxitos en la campaña de crowfunding que el juego protagonizó años antes de su lanzamiento acabarían desembocando más tarde en un fenómeno nunca antes visto aquí: gracias a The Game Kitchen, ahora hay gente en Texas, en Tokyo, en Londres, en Lima, en Bruselas y en infinidad de lugares más que saben lo que significa la Semana Santa andaluza. Y de lo que es capaz la industria del videojuego español.

1 explicar la causalidad del modelo reciente en España a nivel sociológico.

Principalmente porque los modelos de desarrollo son muy diversos, nacen de distintos orígenes y su valor cultural apunta hacia varias direcciones diferentes, creándose así un fenómeno de contribución común que no hace sino presagiar una edad dorada aún por venir. Dicho esto, a continuación te ofrecemos 50 videojuegos contemporáneos que convirtieron los sueños de los 80 en una realidad.

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THE RED STRINGS CLUB Deconstructeam / 2018 Diseño narrativo en su máximo esplendor. Una aventura gráfica sobre el transhumanismo y las relaciones interpersonales a partir de la barra de un bar.

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RIME Tequila Works / 2017 Una bellísima aventura existencialista de puzles y plataformas inspirada en Ghibli o en Chirico sobre el vacío que dejan en nosotros los que ya no están.

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GRIS Nomada Studio / 2018

MALDITA CASTILLA Locomalito / 2012 Casi como una secuela no oficial del mítico Ghosts’n Goblins, Locomalito dio con este juego el primer paso en el camino del indie hacia lo mainstream.

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MOONLIGHTER Digital Sun / 2018 Un valiente roguelike que le da una vuelta de tuerca a la imagen tradicional del héroe al convertirnos en el tendero que le vende los suministros.

GRIS es como un bellísimo espejismo que oculta mucho más de lo que parece tras lo que se puede ver de él a simple vista. El juego de Nomada Studio y Conrad Roset no se contenta con ser una de las obras más hermosas del panorama internacional... también es un ambiguo relato sobre la tristeza en todas sus formas, narrado desde el arte en sí mismo como forma de expresión -de humanidad- incontestable.

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LAIKA: AGED THROUGH BLOOD Estudio / 2005 Siguiendo los pasos de Lisa: The Painful, desafiante motorvania con un mensaje crudo sobre la maternidad en el apocalipsis.

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UNMETAL Unepic Fran / 2021 Parodia sin tapujos en 2D de Metal Gear Solid con un sentido del humor negro e inteligente y un giro cómico detrás de cada mecánica jugable.

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CASTLEVANIA: LORDS OF SHADOW MercurySteam / 2010 El día que España curró con Kojima para un juego de acción sin precedentes en una saga de culto que andaba de capa caída.

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TEMTEM Crema / 2020

METROID DREAD MercurySteam / 2021

BLASPHEMOUS 2 The Game Kitchen / 2023

THE COSMIC WHEEL SISTERHOOD Deconstructeam / 2023

Propuesta multijugador de ambición desmedida y triple mortal para adelantar por la derecha a Pokémon en cuanto a carisma y profundidad jugable.

Nintendo se refugia en España para resucitar los metroidvania y reinventar la fórmula clásica de todo un género. Un camino que ya empezó con Samus Returns.

Secuela a la altura que continúa elevando con orgullo los símbolos del sur de España y la iconografía religiosa hacia las alturas de la fantasía oscura.

Deconstructeam alcanza un nuevo hito del diseño narrativo a través de lo experimental con un inspirado y revelador videojuego sobre brujas, demonios y cartas del Tarot.

ENDLING: EXTINCTION IS FOREVER Herobeat Studios / 2022 Una aventura de exploración que muestra cómo es el mundo cuando ya es demasiado tarde, a través de un precioso relato ecologista narrado desde la perspectiva de una madre zorro y sus cachorros. Endling: Extinction is Forever es uno de los videojuegos más entrañables y con más corazón que han salido de nuestras fronteras gracias a una obra que contempla el naturalismo desde lo lúdico y practica la concienciación, con sensibilidad y a través de la empatía, a partir de su diseño.

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ARISE: A SIMPLE STORY Piccolo Studio / 2020

AMERICAN ARCADIA Out of the Blue Games / 2023

GODS WILL BE WATCHING Deconstructeam / 2014

METROID: SAMUS RETURNS MercurySteam / 2017

Una propuesta de puzles repleta de corazón donde todo gira en torno a la agridulce sensación que oscila entre la pérdida y haber amado toda una vida.

Gogiendo elementos de El show de Truman, American Arcadia plasma lo que supone estar dentro y fuera de un reality a través de dos realidades jugables alternas.

Aventura de gestión estilo point and click que se toma con literalidad jugable eso de proponer tomas de decisiones que son a vida o muerte.

Magistral remake del la segunda entrega de Metroid (1991) que consiguió que MercurySteam se ganase el beneplácito unánime de Nintendo. Repitieron.

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UNEPIC Unepic Fran / 2014 Otro metroidvania, influenciado esta vez por las profundas mecánicas de juego del RPG de dados y tablero, lo que da como resultado una experiencia única.

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REVENTURE Pixelatto / 2019 El juego de los cien finales. Un título de puzles cuya meta es descubrir un easter egg tras otro en una cadena infinita de giros argumentales ingeniosos.

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CALL OF THE SEA Out of the Blue / 2020 Un juego de puzles realmente inspirado tanto en las mecánicas que propone como en la forma en la que va desplegando su narrativa. En Call of the Sea asistimos al viaje de Norah en busca de su marido desaparecido en un viaje hacia una misteriosa isla cuyos oscuros secretos van revelando-tras la impactante naturaleza de ese paraíso terrenal- un inquietante relato lovecraftiano.

NARITA BOY Studio Koba / 2021 Increíble homenaje a lo retro -y a Japón- en forma de juego de acción y plataformas con una magistral ambientación tecno-ochentera.

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DEADLIGHT Tequila Works / 2012

THEY ARE BILLIONS Numantian Games / 2019

THE SEXY BRUTALE Tequila Works / 2017

AETERNA NOCTIS Aeternum Game Studios / 2021

Un título de terror y plataformas sobre el apocalipsis, y el juego que figura como el primer paso del fenómeno indie contemporáneo en nuestro país.

Imagina coger un RTS clásico y sus principales mecánicas y conviértelo en una exasperante lucha por sobrevivir contra hordas incesantes de zombies.

Una mezcla increíble entre el famoso CLUEDO y El día de la marmota que parte de un extraño thriller con viajes en el tiempo.

Metroidvania con un diseño jugable de extrema finura. No inventa mucho, pero su grandeza está en que tampoco le hace falta.

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FRIENDS VS FRIENDS Brainwash Gang / 2023 Un shooter competitivo que toma prestados elementos de los deck builders para que sus tiroteos escondan tras de sí dinámicas de partidas encubiertas de cartas y duelos a muerte. Es como si cogieses un first person shooter arena y le dieras varias vueltas de tuerca hasta convertirlo en una cosa completamente diferente, una experiencia única cargada de sentido del humor en la que se narra una suerte de posapocalipsis cómico a través del intercambio de balazos entre animalitos mutantes cuyos recursos siempre son aleatorios.

Esquizofrénicamente divertido.

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ARAGAMI Lince Works / 2016

SUMMER IN MARA Chibig / 2020

MAJOTORI Majorariatto / 2017

LORDS OF THE FALLEN Hexworks / 2023

Una de las máximas referencias modernas indie del género donde las sombras van más allá de ser un elemento estético y pasan a determinar lo jugable.

El simulador de vida que elevó a Chibig al panorama internacional. Un juego que rebosa carisma y con ligeras reminiscencias del Wind Waker.

Experimento magistral entre géneros para fundar el diseño de un quiz game cuyas pruebas tienen influencia en su fuerte componente narrativo.

No es fácil hacer un souls a la altura, pero este juego los mira de frente y resucita con soltura una saga con muchas más posibilidades de lo que parecía.

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SOULDIERS Retro Forge / 2022

RISE & SHINE Super Mega Team / 2017

Souldiers mira hacia los metroidvania desde la perspectiva de los souls resultando en uno de los mejores soulsvania de los últimos años.

Una de esas propuestas que esconden una experiencia exigente tras una fascinante capa de cientos de referencias a la cultura del videojuego.

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DEILAND Chibig / 2016 Uno de esos herederos del alma inagotable de Harvest Moon. Solo que aquí toda la gestión de granjas se lleva a cabo en un planeta diminuto, en plan El Principito.

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THE MAGESEEKER: A LEAGUE OF LEGENDS STORY Digital Sun / 2023 Un título de acción que hace bien todo lo que se propone y gira en torno a Sylas, uno de los personajes de League of Legends.

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ALEX KIDD IN MIRACLE WORLD DX Jankenteam / 2021 Excelente remake del Alex Kidd in Miracle World original que salió inicialmente en la SEGA Master System allá por el año 1986. Además de representar una reimaginación del juego clásico que adapta su apartado visual y sonoro a los tiempos actuales, añade nuevo contenido nunca antes visto en forma de varios niveles inéditos que dan un contexto más amplio a la inolvidable aventura de los ochenta. La obra muestra un profundo respeto por el material original y trae de vuelta una de esas sagas de culto que se perdieron en el olvido con el paso de los años.

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RED MATTER 2 Vertical Robot / 2022

NIHILUMBRA BeautiFun Games / 2013

DISNEY SPEEDSTORM Gameloft / 2023

BLACKSAD: UNDER THE SKIN Pendulo Studios / 2019

Este juego de puzles es, además de un verdadero portento técnico, uno de los mayores logros de la industria española en el campo de la realidad virtual.

Experiencia de plataformas con una ambientación oscura, impactante y necesaria para transmitir un profundo mensaje sobre la soledad.

La antología de Disney Pixar se transforma en un juego de carreras arcade con personalidad única en el sector, entre Asphalt y la descendencia de Mario Kart.

Una aventura gráfica que consta como adaptación sumamente fiel a la serie homónima de cómics de Juan Díaz Canales y Juanjo Guarnido. Personalidad.

SONG OF HORROR Protocol Games / 2019 Juego de miedo en tercera persona con controles en formato tanque que se inspira en algunos de los referentes más clásicos del sector -Silent Hill, los primeros Resident Evil- para traer a la modernidad algunas de las virtudes que hicieron que brillaran por aquel entonces.

Una aventura con alma y determinación a la hora de reflejar su visión del horror.

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THE KNIGHT WITCH Super Mega Team / 2022

THE FABULOUS FEAR MACHINE Fictiorama Studios / 2023

La personificación del género de los shoot-em-up con toques de bullet hell y deck builder en una mezcla tan extraña como fascinante.

Imagina un juego de estrategia y gestión donde no conquistas el mundo con ejércitos, sino con leyendas urbanas y eventos esotéricos. Dentro, ¿eh?

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GYLT Tequila Works / 2019 Un necesario mensaje de concienciación sobre el fenómeno del bullying disfrazado de juego de puzles, y que adopta algunos tropos del terror.

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INVIZIMALS Novorama / 2009

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THE MANY PIECES OF MR. COO Nacho Rodríguez, Gammera Nest / 2023 Tremendo despliegue de simbología onírico-surrealista con animaciones brillantes para otra vuelta al género de puzles.

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ROJO: A SPANISH HORROR EXPERIENCE Miguel Moreno / 2022

Estudio pionero en España y propuesta pionera en el uso de la realidad aumentada que nos permitía capturar criaturas al fotografiarlas en el mundo real.

Punzante sátira de terror sobre la cultura de la dictadura en la que tendremos que escapar de un nostálgico de Franco.

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CROSSING SOULS Fourattic / 2018

INTRUDERS: HIDE & SEEK Tessera Studios / 2019

PINEAPPLE ON PIZZA Majorariatto / 2023

Nostalgia pura por el cine juvenil de los ochenta disfrazada de un juego de acción pixelado con una banda sonora perfectamente escogida.

Videojuego de terror cercano al subgénero del home invasion, cuyo giro final de guion es el remate perfecto de una obra injustamente infravalorada.

Hay ocasiones en las que el valor artístico de una obra parte de explotar formatos que se salgan de lo que está establecido.

Pineapple on Pizza es un espléndido walking simulator que demuestra cómo hay narrativas que pueden causar mucho más impacto en 15 minutos que juegos que duran 50 horas.

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POR: DIEGO RUBIO

Still 4AD / Popstock!

21 febrero Erika de Casier lleva ya tiempo perfeccionando su sonido, afilando las aristas de su R&B cristalizado, moldeando un núcleo que palpita calor y sensualidad, que late de forma inconfundiblemente humana, pero que también vibra en frecuencias cortantes, electrónicas, convocando una fantasía de oniria breakbeat, un delicadísimo trampantojo pop que la puso, tras Sensational (2021), en el radar de artistas como Mura Masa o las surcoreanas NewJeans, que la escogieron para coproducir su primer EP -incluida Super Shy, temazo construido sobre la intro de Las Supernenas-. Still viaja más profundo y se adentra en territorios más oscuros, coqueteando con bajos hiphoperos, con densas atmósferas downtempo y amagos de Miami bass y ramalazos Timbaland. No en vano se pasa Nick León por la coproducción, o They Hate Change a aportar voces aquí y allá. Pero este nuevo álbum, con sus evocaciones brumosas y colaboraciones de otro planeta como Blood Orange y Shygirl, también accede a territorios más concretos, más reales y tangibles, a través de una grabación riquísima en detalles que utiliza bajos, guitarras, baterías y sintetizadores reales para componer la tela de araña que luego enredan las programaciones electrónicas. Un placer que eleva el sonido de Casier y una obra maestra de la introspección bailable. “It’s gonna be a lot of fun.

Welcome to my party”.

ERIKA DE CASIER

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BRITTANY HOWARD What Now Island / Universal 2 febrero

HELADO NEGRO Phasor 4AD / Popstock!

9 febrero

SHYGIRL Club Shy EP Because 9 febrero

La conversión de Howard, ex Alabama Shakes, al pop con mayúsculas vía disco y funk.

Sin dejar de lado beats electrónicos, Carlos Lange recupera la calidez del sol en su nuevo LP.

Reflejo en forma de EP de la idiosincrasia de la gira club-oriented de Shygirl. Fiesta.

BRITTI Hello, I'm Britti Easy Eye Sound / Music As Usual 2 febrero

KELELA RAVE:N The Remixes Warp / Music As Usual 9 febrero

ZARA LARSSON Venus Sony 9 febrero

Soulful music de la que honra a su nombre y llena el alma. Con la producción de Dan Auerbach.

El club del futuro de Kelela viaja más adelante si cabe en esta alienígena colección de remixes.

El bailar llorando ya tiene su primera banda sonora de 2024 con esta montaña sueca eurodance.

J MASCIS What Do We Do Now Sub Pop / Popstock!

2 febrero

MADI DÍAZ Weird Faith ANTI- / [PIAS] 9 febrero

IHSAHN IHSAHN Candlelight / [PIAS] 16 febrero

Fácil: si un disco de Mascis no te da ganas locas de vivir la vida es que quizá ya hayas muerto.

Los más fans de la canción folk pop norteamericana bigger than life tienen nuevo amor.

Una ópera death metal conceptual y con versión orquestal. ¿Exceso? ¿Qué exceso?

J. ROBBINS Basilisk Dischord 2 febrero

MOROCHOS De donde vengo Calaverita 9 febrero

JENNIFER LOPEZ This Is Me… Now Nuyorican 16 febrero

Los noventa siguen más vivos que nunca, y así lo prueba el segundo álbum del ex Jawbox.

Pies descalzos, flamenco, reggae, playitas, furgoneta, buen rollo... lo estás deseando (o no).

Que la portada no te engañe: JLo rememora sus años gloriosos con disco y documental.

KIRIN J. CALLINAN If I Could Sing Worse 2 febrero

MR. KILOMBO Todo este caos Autoeditado 9 febrero

LATE NIGHT DRIVE HOME I'll Remember You… Epitaph / [PIAS] 16 febrero

Si supiera cantar... pues no tendría tanta retranca todo lo que hace el performer australiano.

Al caos, claridad. Es lo que hace el cantautor formado en La Habana, cada vez más cerca de lo latino.

Rock y grunge de ayer para chavales de hoy. Los texanos van ya para next big thing.

OIHAN Domar la luz Calaverita 2 febrero ¿Se puede capturar la luz mediterránea con canciones? El cantautor vallisoletano prueba.

RIPOLL El sueño fantasma Lunar Discos 2 febrero Estreno en solitario de David Ripoll tras hacerse hueco en el underground con Hazte Lapón.

BURIAL Dreamfear XL / Popstock!

9 febrero El secreto sigue siendo el mejor arma del productor inglés, que se estrena con XL en este 12”.

DIZZEE RASCAL Don’t Take It Personal Big Dirte3 9 febrero 20 años tras la esquina, el Ferrari de Rascal sigue rugiendo: siempre adelantado, fiero y elegante.

CHELSEA WOLFE She Reaches Out To She Reaches Out To She Loma Vista / Music As Usual 9 febrero Ritualístico, descarnado y brutal, el nuevo trabajo de la artista experimental californiana continúa profundizando en el rock gótico que ha contribuido a cimentar disco a disco, pero esta vez adopta una aleación más industrial y electrónica de la mano de Dave Sitek, invocando sintetizadores y bajos cyberpunk que encarnan la idea de circularidad de los procesos de sanación y renacimiento.

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IDLES Tangk Partisan / [PIAS] 16 febrero

BOMBAY BICYCLE CLUB Fantasies AWAL 23 febrero

Aunque le canten al amor, a la esperanza y a las cosas bonitas, Idles siguen siendo Idles. Y en esa pugna, la misma que tienen las guitarras por acomodarse en fondos sintéticos y en una producción electrónica conducida junto a Nigel Godrich (Radiohead) y al estadounidense Kenny Beats -más versado en entornos urbanos-, la misma que tiene la ‘g’ por colarse en el tanque, baila su quinto trabajo. Danzad, malditos.

Epílogo atmosférico de My Big Day en forma de EP con invitadas de relumbrón. Fantasía.

COLOURING Love To You, Mate Bella Union / [PIAS] 23 febrero Una declaración del amor que mueve a la humanidad y que nos inspira a seguir hacia delante.

GLITTERER Rationale ANTI- / [PIAS] 23 febrero Urgencia guitarrera, actitud monolítica y estribillos noventeros para acallar pulmones.

MGMT Loss of Life Mom+Pop 23 febrero Reconvertidos definitivamente a freaks independientes ofrecen al fin su fumada folkydélica.

LUIS FERCÁN Postales perdidas Calaverita 16 febrero

I DON'T KNOW HOW BUT THEY FOUND ME Gloom Division Concord Records / Music As Usual 22 febrero

REAL ESTATE Daniel Domino / Music As Usual 23 febrero

Tercer álbum del autoproclamado cantautor de las mañanas tristes, listo para clamor popular.

Euforia y nostalgia indie pop en un disco más para el currículum a la producción de Dave Fridmann.

Si este es el disco de madurez de Real Estate, yo también quiero madurar como ellos. Easy, clean.

MAR PUJOL Cançons de Rebost Hidden Track 16 febrero

BALKAN PARADISE ORCHESTRA Nèctar Calaverita 23 febrero

WHISPERING SONS The Great Calm [PIAS] 23 febrero

La llama del hogar no se apaga en la voz de Mar Pujol, que debuta en largo con alma vieja.

Las mieles que recoge esta colmena, puente entre los vientos balcánicos y los ritmos latinos.

Los belgas abrazan el invierno en su trabajo más expansivo e ilimitado hasta la fecha.

MOLLY LEWIS On the Lips Secretly Canadian / Popstock!

16 febrero La cantautora asentada en Los Angeles abre su propio café-bar lynchiano y humeante. ¿Un piti?

NOUVELLE VAGUE Cold Enough for Snow [PIAS] 16 febrero Tan buenos como la novela homónima reinventando postpunk en forma de bossa-nova.

SERPENTWITHFEET Grip Secretly Canadian / Popstock!

16 febrero Un descenso consciente al origen de los gay-clubs negros y los espacios de la nightlife queer.

WALLS Luna 18 Warner 23 febrero Pablo Rouss y Evlay se ponen a los mandos tras el nuevo álbum de Walls, órdago al nuevo pop español con pulsiones industriales, rock oscuro y electrónico e influencias punk que de pronto parecen reconciliar a Extremoduro con El Canto del Loco.

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POR: ADRIANA RAMIRO

Dir. Nikolaj Arcel Rep. Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg, Kristine Kujath Thorp.

Dinamarca / 2023 A24 / Elastica Films / Wanda Visión 19 enero

BASTARDEN

El director danés, tan acostumbrado al nordic noir, a la fantasía y a la relectura de literaturas oscuras con adaptaciones de las sagas Millenium o La Torre Oscura, pone sus habilidades al servicio de un dramón de época de dimensiones desproporcionadas y aires de nordic western plagado de violencia, traiciones, intrigas palaciegas y melodramas familiares y protagonizado por un también descomunal Mads Mikkelsen. A finales del siglo XVIII, un capitán del ejército danés se adentra en los gélidos páramos de Dinamarca para reclamarlos en nombre del rey, pero se encuentra con la resistencia de un cacique de la zona y entre los dos estalla una sangrienta, encarnizada y pírrica batalla.

Tras optar al León de Oro de Venecia y al Giraldillo de Oro en el Festival de Sevilla, la cinta, que supone la consolidación definitiva de su director, hará su aparición en los Oscar, donde es candidata en la categoría de Mejor Película Extranjera. Sin duda una de las cintas a tener en cuenta este curso.

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SOUL Dir. Pete Docter, Kemp Powers Animación EE UU / 2020 / Pixar 14 febrero Llega por fin a los cines la última gran película de Pixar, una carta de amor al jazz, a la música en general, y a la vida misma y sus insondables misterios inspirada sucintamente en el pianista Jon Batiste, que también participa en la oscarizada banda sonora dirigida por la infalible dupla formada por Trent Reznor y Atticus Ros.

ALTERITATS Dir. Alba Cross, Nora Haddad Documental 2 febrero Bellísimo retrato coral y generacional que narra una especie de genealogía de la vivencia lésbica en Cataluña a través de distintas voces y cuatro generaciones.

ARGYLLE Dir. Matthew Vaughn Rep. Henry Cavill, Dua Lipa, Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell Largo / 2 febrero Dua Lipa hace su debut en la gran pantalla con esta adaptación libre de la escritora ficticia de novelas de espías Elly Conway -y su gato-.

CONCRETE UTOPIA Dir. Um Tae-hwa Rep. Lee Byung-hun, P. Bo-young Largo / 2 febrero Tras un terremoto, solo un megaedificio queda en pie en Seúl.

Tremendo thriller postapocalíptico que reflexiona sobre la clase social y la naturaleza humana.

EN EL ADAMANT Dir. Nicolas Philibert Documental 2 febrero Ganadora del Oso de Oro a la mejor película en la Berlinale, nos descubre el Adamant, un centro de día flotante en medio del Sena para transtornos mentales.

MISÁNTROPO Dir. Damián Szifrón Rep. S. Woodley, B. Mendelsohn Largo / 2 febrero

TOKYO VICE (2ªT) Dir. Varios Rep. Ansel Elgort, Ken Watanabe, R. Keller EEUU / 2024 / HBO Serie / 8 febrero La que actualmente es la mejor “ficción” de HBO Max vuelve sobre los pasos del joven periodista Jake Adelstein, que se adentra peligrosamente en el hampa de Tokyo y flirtea con la Yakuza en Shinjuku mientras trabaja en el periódico local Yomiuri Shimbun.

Un thriller policial del montón, vale, pero bien interpretado y con potencia visual, que supone el debut de Szifrón en Hollywood tras el éxito de Relatos salvajes (2014).

SALA DE PROFESORES Dir. Ilker Çatak Rep. Leonie Benesch, Eva Löbau Largo / 2 febrero Profundo thriller psicológico que se adentra en las complejidades que afrontan, en un mundo infectado por las redes, los profesores de secundaria. Va a los Oscar.

VERMIN: LA PLAGA Dir. Sébastien Vanicek Rep. Finnegan Oldfield, S. Lesaffre.

Largo / 2 febrero Una película de terror sobre arañas que esconde mucha mayor ambición de la que podría parecer y que dignifica excepcionalmente la mejor serie B.

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ALEMANIA Dir. María Zanetti Rep. M. Aguiler, M. de la Serna Largo / 9 febrero La argentina debuta en la dirección de largos con este edulcorado coming of age en el que la música y la promesa de una beca en Alemania sirven como refugio.

DUNE Dir. Denis Villeneuve Rep. Timothée Chalamet, Zendaya Largo (reestreno) / 9 febrero A menos de un mes del estreno en cines de su segunda parte (el 1 de marzo), nueva oportunidad de asistir al espectáculo cinematográfico que ofrece Villeneuve.

EL DESHIELO Dir. Veerle Baetens Rep. C. De Bruyne, R. Martchant Largo / 9 febrero La tensión de un thriller y la bocanada de aire de un coming of age se dan la mano en el debut de la realizadora belga, que adapta la famosa novela de Lize Spit.

Magistral película, delicada y al mismo DESCONOCIDOS tiempo sensual en su aproximación al Dir. Andrew Haigh onírica y casi surrealista en su Rep. Andrew Scott, Paul Mescal. romance, trasnochada fantasía del amor, triste en RU / 2023 / Fox Searchlight su desgarrador trasfondo sobre la soledad 23 febrero y excepcionalmente escrita, en la que Andrew Scott y Paul Mescal te partirán el corazón.

FERRARI Dir. Michael Mann Rep. Adam Driver, Penélope Cruz Largo / 9 febrero

LAS CUATRO HIJAS Dir. Kaouther Ben Hania Rep. Hend Sabry, K. Abol Naga Largo / 9 febrero

MIENTRAS SEAS TÚ Dir. Claudia Pinto Documental 9 febrero

Adam Driver se pone en la piel de Enzo Ferrari en el regreso de Mann con un biopic raso en el que brillan -y rugen-, cómo no, los motores... y Penélope Cruz.

Drama familiar inspirado en la historia real de la tunecina Olfa: madre de 4 hijas, las dos mayores de pronto se alistan en el ISIS. ¿Cómo lo supera una familia?

La realizadora venezolana hace confundir realidad y ficción mientras asiste al ‘último viaje consciente’ de la actriz Carme Elías, enferma de Alzheimer.

LA ESTRELLA AZUL Dir. Javier Macipe Rep. Pepe Lorente, Cuti Carabajal, Bruna Cusí.

España / 2023 23 febrero Preciosa película con el amor por la música, el redescubrimento y la amistad como banderas que nos enseña el encuentro entre Mauricio, un famoso rockero español que recorre Latinoamérica en busca de reconectar con la música y huir de las adicciones, y Don Carlos, anciano compositor de canciones tradicionales que le acoge pese a no poder pagar las facturas.

ESTA AMBICIÓN DESMEDIDA Dir. Santos Bacana, Cristina Tenas, Rogelio González Documental, Música 11 febrero Movistar+ estrena el documental sobre El Madrileño de C. Tangana en la plataforma ampliado a un formato miniserie de 3 episodios.

BOB MARLEY: ONE LOVE Dir. Reinaldo Marcus Green Rep. Kingsley Ben-Adir, L. Lynch Largo / 14 febrero Poco más se puede decir: biopic sobre Bob Marley, la leyenda del reggae, con música de Kris Bowers y aprobación de Ziggy Marley. Abarca toda su vida.

MADAME WEB Dir. S.J. Clarkson Rep. Dakota Johnson, Sydney Sweeney Largo / 14 febrero Primera adaptación de la súper heroína arácnida de Marvel y cuarta entrada de la reunión con Sony en el SSU, con aspiraciones para crear su propia tela de araña.

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THE NEW LOOK Dir. Todd A. Kessler Rep. Ben Mendelsohn, J. Binoche Serie / 14 febrero La nueva serie del creador de Bloodline (famoso por su trabajo en Los Soprano) recrea las foundations de la moda moderna por Christian Dior y sus coetáneos.

EL SHOW DE VINCE STAPLES Dir. Vince Staples Rep. Vince Staples Serie / 15 febrero Ya lo hizo en internet y lo petó. ¿Por qué no sacar de aquel vídeo para Complex un formato para Netflix? Dicho y hecho: la vida easy de un rapero en Long Beach.

THIS IS ME... NOW Dir. Dave Meyers Documental, Música 16 febrero Jennifer Lopez revisita -y reivindica, y celebra- su carrera -la parte musical y la dimensión privada y escrutada por los medios- al hilo de su nuevo álbum.

CONSTELACIÓN Dir. Peter Harness Rep. Noomi Rapce, J. Banks, J. D’Arcy Serie / 21 febrero Un thriller espacial que se adentra en las densas aguas del drama familiar con indiscutible sello inglés -político, tech, dark- distribuido por Apple TV+.

NEGU HURBILAK Dir. Colectivo Nebu Rep. Jone Laspiur Serie / 23 febrero Este impactante filme sigue a una iheslari en su huída del País Vasco hacia un lugar seguro tras el alto al fuego de ETA en 2011, exponiendo la dualidad del conflicto.

POR:ADRIANA RAMIRO

THE MARVELS Dir. Nia DaCosta Rep. Brie Larson, T. Parris, Iman Vellani, Samuel L. Jackson.

EEUU / 2023 Disney 26 febrero En nuestro número de noviembre te ofrecíamos un artículo a propósito de las certezas y también de los muchos interrogantes que en aquel momento, justo antes del estreno en cines de The Marvels, ofrecía la última película del MCU. Tres meses más tarde sabemos que la cinta que unía a Capitana Marvel, Ms. Marvel y la capitana Monica Rambeau ha fracasado estrepitosamente en taquilla, lo que afortunadamente no ha afectado a su lanzamiento a vídeo, con ediciones en todos los formatos y un buen puñado de contenidos adicionales, incluido el audiocomentario con Nia DaCosta y la supervisora de efectos visuales Tara DeMarco.

FLASHDANCE Dir. Adrian Lyne Rep. Jennifer Beals, Michael Nouri EE UU / 1983 / Paramount / 8 feb.

GOLPE DE SUERTE Dir. Woody Allen Rep. Lou de Laâge, Niels Schneider Francia / 2023 / Karma / 20 feb.

Así se bailaba el siglo XX. La cinta se convirtió en un fenómeno global en parte por el impacto del tema central que canta Irene Cara. Por primera vez en UHD.

Triángulo amoroso a medio camino de Match Point y Delitos y faltas: Allen sigue en forma. Como casi siempre en su caso, las ediciones no incluyen extras.

SECRETOS DE UN ESCÁNDALO Dir. Todd Haynes Rep. Natalie Portman, J. Moore Largo / 23 febrero

JEANNE DU BARRY Dir. Maïwenn Rep. Maïwenn, Johnny Depp Francia / 2023 / Divisa / 8 feb.

Curiosa y en cierto modo perturbadora película que refleja el peso de la repercusión pública en una pareja de famosos y en su entorno familiar disfuncional.

Maïwenn dirige y protagoniza este drama romántico que se desarrolla en Versalles y cuenta los amoríos de Luis XV (Johnny Depp) y una cortesana. Sin extras.

SHÔGUN Dir. Justin Marks, Rachel Kondo Rep. Hiroyuki Sanada, Cosmo Jarvis Serie / 27 febrero

CHINAS Dir. Arantxa Echevarria Rep. Daniela Shiman Yang, Xinyi Ye España/ 2023 / A Contr. / 20 feb.

Miniserie de 10 episodios ambientada en el Japón feudal del s.

XVII, durante el famosísimo período edo. Una prueba más de la obsesión actual con el jidaigeki.

La búsqueda de la identidad de dos niñas de origen chino en la España actual. Incluye 70 minutos de adicionales, con making of e imágenes del casting y ensayos.

MANTÍCORA Dir. Carlos Vermut Rep. Nacho Sánchez, Zoe Stein, Catalina Sopelana.

España/ 2022 / BTeam 22 noviembre Edición de coleccionista limitada a 1.500 unidades para una cinta de culto desde el mismo día de su estreno.

La versión en Blu-ray llega en caja negra con funda y cuaderno de rodaje con bocetos de Carlos Vermut.

SOUND OF FREEDOM Dir. Alejandro Monteverde Rep. Jim Caviezel, Bill Camp EE UU / 2023 / A Contrac. / 20 feb.

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landing_videojuegos POR: RAMÓN BAYLOS

Basada en hechos reales, la historia de un héroe que se lanza a salvar las vidas de niños objeto de tráfico sexual termina convirtiéndose en ejercicio ideológico.

EL EXORCISTA: CREYENTE Dir. David Gordon Green Rep. Jennifer Nettles, Ellen Burstyn EEUU / 2023 / Universal / 21 feb.

Tras tomar el testigo y reinventar la saga Halloween David Gordon Freen plantea de la mano de Blumhouse Productions esta secuela del clásico de Friedkin.

MONSTRUO Dir. Hirokazu Koreeda Rep. Soya Kurokawa, Hiiragi Hinata Japón / 2023 / Vértigo / 21 feb.

Una vez más Koreeda se fija en la infancia para contar una historia de bullying con la sensibilidad a la que nos tiene acostumbrados.

Sin extras.

PAPRIKA: DETECTIVE DE LOS SUEÑOS Dir. Satoshi Kon Japón / 2006 / Sony / 21 feb.

Por vez primera en UHD y con abundantes contenidos adicionales, el definitivo (y póstumo) testamento de Satoshi Kon. Gástate la pasta, merece cada uno de los euros que vale.

FINAL FANTASY VII REBIRTH Square Enix :PS5 29 febrero Square Enix empezó en 2020 un largo camino para elaborar un remake completo del Final Fantasy VII original con el afán de convertirlo en una subfranquicia en sí misma.

Rebirth es la segunda parte de aquel primer juego que nos dio la oportunidad de revisitar uno de los arcos -Midgarmás queridos de siempre.

La historia de Cloud, Tiffa, Sephirot y Aerith continúa.

LA VIDA DE LOS OTROS Dir. Florian Henckel Rep. Ulrich Mühe, Martina Gedeck Alemania / 2006 / Divisa / 26 feb.

PERSONA 3 RELOAD Atlus : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 2 febrero

BANISHERS: GHOSTS OF NEW EDEN DON’T NOD : PC, PS5, Xbox Series X/S 13 febrero

Otro de los grandes títulos en lo que llevamos de siglo que estrena formato, en este caso Blu-ray. Un intrigante retrato de la paranoia en la Alemania comunista.

La tercera entrega de la famosa saga de Atlus vuelve a la vida con un remake para que podamos revisitar la segunda edad de oro de los JRPGs. Persona siempre apostó por la evolución del género.

Los responsables de Life is Strange salen de su zona de confort con este juego de acción y fantasía oscura repleto de decisiones morales por tomar.

SUICIDE SQUAD: KILL THE JUSTICE LEAGUE Rocksteady : PC, PS5, Xbox Series X/S 2 febrero

MARIO VS. DONKEY KONG

Los creadores de la saga Batman: Arkham dan un salto de fe -triple mortal- a los juegos como servicio en la misión suicida de estar a la altura de sus anteriores obras.

El clásico -e increíble- juego de puzles que salió en Game Boy Advance en 2004 vuelve con un remake que actualiza su aspecto visual y añade modo cooperativo.

HELLDIVERS 2 Arrow Head Game Studios : PC, PS5 08 febrero

SKULL AND BONES Ubisoft : PC, PS5, Xbox Series X/S 16 febrero

PlayStation se lanza de nuevo al género de los shooters cooperativos con un juego de ciencia ficción que promete convertirse en uno de los tapados del año.

El juego que pretende ofrecer la fantasía pirata definitiva verá la luz por fin tras múltiples retrasos a cargo de una Ubisoft que nunca dejó de creer en el proyecto.

Nintendo : Nintendo Switch 16 febrero

landing_libros  LA INVENCIÓN DEL SONIDO Chuck Palahniuk Random House 240 p. / Ficción

POR: LUIS ARGEO

NO BINARIX Genesis P-Orridge Caja Negra 472 p. / Memorias, música Por fin, después de dos años, Caja Negra edita en castellano la autobiografía de Genesis P-Orridge. Más que unas memorias al uso, el testimonio de la última gran obra de le artista experimental, teórica, activista y provocateur. Un repaso a su vida en constante conversación con su obra y con sus técnicas de deconstrucción: la narrativa se rompe con cut-ups, la famosa técnica que le enseñó William Burroughs, heredada del dadaísmo y Tristan Tzara, y que P-Orridge enseñó a su vez a Brian Eno, extendiendo y popularizando su uso en el ámbito musical: lo han utilizado Bowie, Kurt Cobain, Daft Punk o Radiohead, entre otros; de todo ello da testigo No Binarix.

Pero también con su percepción de las limitaciones del género y con sus ideas anarquistas, del mismo modo que con muchos de los personajes que, coralmente, componen su trayectoria, tanto de forma individual como formando parte de Throbbing Gristle -autores del primer manifiesto de la música industrial- o Psychic TV.

El autor salvaje levanta su mejor historia intergeneracional, captando viejos y nuevos ojos a través de sordidez, ideas siniestras y personajes de cine.

VENDIMOS NUESTRAS ALMAS Grady Hendrix Minotauro 240 p. / Novela “Una mujer con una guitarra no tiene por qué disculparse por nada”.

Viaje a un festival satánico en el que la prota busca reparar el pasado de su banda heavy metal.

CORRIDOS TUMBADOS José Manuel Valenzuela Arce NED 168 p. / Música El musicólogo mexicano nos arrima con mirada sociológica a un fenómeno que da voz y alas a millones de personas habituadas a cantar a la narcocultura.

MALA ESTRELLA Julia Viejo Blackie Books 240 p. / Novela Debuta en largo la joven que se dio a conocer cruzando costumbrismo y realismo mágico en sus cuentos. Y lo hace con Vera (13) rodeada de esperpentos.

LA CIUDAD DOLIENTE Sergio Lifante “Quetzal” Héroes de papel 312 p. / Intriga Edición actualizada, revisada y documentada calle a calle para una de las series de videojuegos de terror más aclamadas de la historia: Silent Hill. Te atrapará...

MANOS FRÍAS Zetazen mr 160 p. / Poesía

EL PROYECTO HAPPY HEAD Josh Silver Hidra 432 p. / Romance distopía

CAPTIVE Sarah Rivens mr 608 p. / Romántica, erótica

No sabemos cuánto de Rubén hay dentro de estos poemas, pero quien sepa mirar más allá del conocido artista urbano hallará la intimidad de sus palabras.

Fans de Al final mueren los dos y El juego del calamar encontrarán una trama envuelta en misterio debido a una pandemia de infelicidad juvenil y final... ¿feliz?

Un dark romance afrancesado que calentará más de una cama.

La joven autora argelina se apoya en personajes atormentados y relaciones de poder alteradas.

EL AÑO DEL RENACUAJO Víctor Bayona Marchal Isla Elefante 95 p. / Poesía

JUEGO LIMPIO Tove Jansson Minúscula 112 p. / Novela

LAS HUELLAS DEL SOL Walter Tevis Impedimenta 328 p. / Ciencia Ficción

Víctor es poeta de este siglo: atrapa el amor, la música, la exactitud matemática de cuanto le rodea, y reviste sus versos hasta dar con la otra posibilidad.

Relatos, fragmentos de vidas compartidas por dos artistas que saben respetar el mood de la otra y momentos autobiográficos de esta autora nórdica top.

Nos gustó su Sinsonte y aquí vuelve a deslumbrar. Este viaje espacial del magnate que, sin querer, se convierte en redentor de la humanidad no es el de Elon Musk.

AUTOBOYOGRAPHY Christina Lauren VR YA 360 p. / Ficción

LA PAPELERÍA TSUBAKI Ito Ogawa Navona 304 p. / Novela

MIS AÑOS CON MARTHA Martin Kordić Libros del Asteroide 296 p. / Novela

La pareja de escritoras vuelve a triunfar en USA llevando este tierno romance adolescente y biseuxual a la Utah mormona, donde se topa con la religión.

Una aproximación al Japón cotidiano, costumbrista, pausado, a través del año de una joven que vuelve a casa para continuar con el oficio de escribiente.

No es solo una historia coming of age, ni un amor descompensado en edad y clase, pero dichos mimbres trasladan Alemania a este hermoso espacio narrativo.

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HUMANA, DEMASIADO HUMANA Catherine Meurisse Impedimenta 104 p. / color / 23 €

POR: MANU GONZÁLEZ

Meurisse continúa maravillándonos con sus novelas gráficas filosóficas llenas de brillantes ideas visuales. En las antípodas de los cómics feos de Liv Stromquist.

LA MOSCA Lewis Trondheim Planeta Cómics 120 p. / ByN / 17,95 € A finales de los 90 varios autores franceses probaron suerte en el mercado japonés. La mosca fue el divertidísimo cómic silente que Trondheim creó de aquellas.

DOCTOR EXTRAÑO: AMANECER DE OTOÑO Tradd Moore Panini Cómics 136 p. / color / 25 €

LOS PICAPIEDRA Mark Russell y Steve Pugh ECC Cómics 368 p. / color / 43,50 €

Marvel Cómics va como pollo sin cabeza con su línea editorial del último lustro, pero entre tanto caos también se pueden encontrar joyas del calibre de esta triposa aventura del Doctor Extraño, el superhéroe más psicodélico de la Casa de las Ideas. Puro arte visual el de Tradd Moore, quien ya nos maravilló con Estela Plateada: Negro. Vale, todo el cómic serán peleas, pero las mejores peleas in the sky with diamonds.

Se reedita uno de los mejores cómics de DC en los últimos 20 años. El horror del capitalismo reproducido por la familia cromañón más famosa de la TV. PIEZAS Victor L. Pinel Nuevo Nueve 176 p. / color / 25 € Muchas veces la vida es como una partida de ajedrez. Visualmente, el autor madrileño maneja a sus personajes como piezas en este tablero-cómic costumbrista.

CADÁVERES Si Spencer y Dean Ormston ECC Cómics 208 p. / color / 27,50 €

EN EL LIMBO Deb JJ Lee La Cúpula 372 p. / color / 28,90 €

Ve la luz en España el cómic en el que se inspiró la mejor serie de Netflix en 2023: un cadáver aparece en el mismo lugar en cuatro líneas temporales distintas.

Bildungsroman de lujo sobre una joven coreana que emigra a EEUU mientras su salud mental comienza a desplomarse por parte de una autora a seguir.

CARRETERA FANTASMA Jeff Lemire y Gabriel H. Walta Astiberri 136 p. / color / 18 €

GOLDORAK: UFO ROBOT GRENDIZER Go Nagai Mangaline 290 p. / ByN / 15,95 €

Lemire y Hernández vuelven a unirse en esta fantasía con mucho misterio, marca de la casa.

Una carrera frenética para sobrevivir y huir de los monstruos.

VÉRTIGO EN GROENLANDIA Hervé Tanquerelle Sapristi 104 p. / color / 20 €

Tras Mazinger Z y Gran Mazinger viene Grendizer, o Goldorak en España. El clásico Go Nagai continuó su gran ópera hecha en 1975 con un nuevo robot gigante.

Una expedición a Groenlandia repleta de aventuras protagonizada por un dibujante lleno de dudas y fobias marca este cómic francés de inspiración tintinesca.

CUANDO EL VIENTO SOPLA Raymond Briggs Blackie Books 80 p. / color / 21 € 40 años después de su publicación en España vuelve esta cruda obra maestra antibelicista con la misma traducción de Rosa Montero y prólogo de Paco Roca.

D.I.O.S.E.S. J. Hickman y Valerio Schiti Panini Cómics 64 p. / color / 3,5 € Tras darle la vuelta a los X-Men durante años, Marvel le da vía libre a Hickman para que ordene la cosmología del Universo Marvel. Y con Schiti al timón visual.

SOY SU SILENCIO Jordi Lafebre Norma Editorial 112 p. / color / 25 € Mirando a Agatha Christie, Lafebre vuelve con una novela de asesinatos llena de misterios en una hacienda vitivinícola catalana. Nissaga de poder.

BUSCADORES DE CADÁVERES Housui Yamazaki Arechi Manga 184 p. / ByN / 9,95 € El autor de la inclasificable Kurosagi vuelve con más manga seinen de misterios bastante alejado del tono sobrenatural de su anterior trabajo: un grupo de amigos investiga secuestros infantiles.

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MADRID 2024

POR: LUIS ARGEO

Mercedes-Benz Fashion Week

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Del 15 al 19 de febrero IFEMA (MADRID) Cada año que pasa la MBFWMadrid se asemeja más a esa descripción promocional con la que se presenta al mundo: "Bienvenidos al evento de referencia de la moda española y el gran exponente de la moda de autor en nuestro país". En esta edición volverá a haber nombres consagrados y estrellas en ciernes, apocalípticos e integrados, todo lo que cabe en un listado de diseñadores que incluye a Acromatyx, Ágatha Ruiz de la Prada, Claro Couture, Custo Barcelona, Duyos, Elio Berhanyer, Encinar, Fely Campo, Hannibal Laguna, Iniñez, Isabel Sanchís, Lola Casademunt

by Maite, Maine, Mans, Marcos Luengo, Odette Álvarez, Pablo Erroz (a quien entrevistamos en este mismo número), Paloma Suárez, Pedro del Hierro, Roberto Torretta y Simorra, además de las jóvenes promesas agrupadas en la pasarela Allian EGO, los Adriá Egea, Anystudio, Coconutscankill, Dimoni, Evade House, Juan VG, Oriol Clavell, Peter Sposito y Visori Studio.

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SALA WURLITZER FEBRERO 2024

CARMON + NOTHIN GOOD domingo 18 febrero THE PICTURE BOOKS martes 20 febrero JASON KANE & THE JIVE + KRAZARK miércoles 21 febrero ZARPAZO PRESENTA: jueves 22 febrero EVENTO SORPRESA viernes 23 febrero DANGER + JOHN DEALER & THE COCONUTS + JABATO jueves 01 febrero LA JOYA (FOTO) + KUGO +JUNIO viernes 02 febrero CROMO + BARRENFIELDS sábado 03 febrero

ACCIDENTE SENTIMENTAL + PLAYA ESPECTRAL + MIAU! sábado 24 febrero SNUFF + AI jueves 08 febrero ROJO 5 + NUM3ROBOT viernes 09 febrero

JUNE FREEDOM domingo 04 febrero

FUZZ FORWARD + SANTA PLATA + PREACHERS OF DISTORTION sábado 10 febrero

THE SPEEDWAYS lunes 05 febrero

HELEN HELEN + PANTANO domingo 11 febrero

WET CATUS + NETHERVAULT miércoles 14 febrero

NI + TERRESTRE lunes 26 febrero

JØL + NOISY REQUIEM + SYN jueves 15 febrero

UNIVERSIFEST jueves 29 febrero

DAVE HAUSE + WILL HOGE viernes 16 febrero

1 ELECTRIC VALLEY + FLAMES OF FOE viernes 01 marzo

BARTOLINI FEST: SHOPLIFTERS + CHINGO KIDS + MEZKINOS sábado 17 febrero

MAMA + A.I sábado 02 marzo

CONCIERTOS

PEDRO LADROGA El Sol. Madrid. Domingo 4

CUPIDO WiZink Center. Madrid. Miércoles 14

SEXY ZEBRAS La Riviera. Madrid. Jueves 1 y sábado 10 Camelot. Salamanca. Viernes 2 La 2 de Apolo. Barcelona. Sabado 17

SLOWDIVE Razzmatazz. Barcelona. Lunes 5 La Riviera. Madrid. Martes 6

COUCOU CHLOE Razzmatazz 2. Barcelona. Jueves 15 Cool. Madrid. Viernes 16

MASEGO Razzmatazz. Barcelona. Martes 6 La Riviera. Madrid. Miércoles 7

LOSCIL & LAWRENCE ENGLISH Conde Duque. Madrid. Jueves 15

BEN YART Cientocero. Valladolid. Viernes 2 La Tekken. Oviedo. Sábado 3 16 Toneladas. Valencia. Jueves 22 La Paqui. Madrid. Viernes 23 HOFE x 4:40 Razzmatazz 3. Barcelona. Viernes 2 Dabadaba. San Sebastián. Sábado 17 Landako Gunea. Durango. Sábado 24 KIDD KEO Las Ventas. Madrid. Viernes 2 y sábado 3 RENALDO & CLARA Conde Duque. Madrid. Viernes 2 VIVA BELGRADO La Paqui. Madrid. Viernes 2 LEO RIZZI La Paqui. Madrid. Sábado 3 y domingo 4

ELGRANDETOTO La 2 de Apolo. Barcelona. Miércoles 7 La Sala de WiZink Center. Madrid. Jueves 8 CRÁNEO Y BEJO La Paqui. Madrid. Jueves 8 ROJUU The One. San Vicente del Raspeig. Jueves 8 Repvblicca. Mislata. Viernes 9 Mamba. Murcia. Sábado 10 Las Armas. Zaragoza. Sabado 17 Albéniz. Gijón. Jueves 22 Escenario Santander. Santander. Viernes 23 ALESSANDRA Nazca Live. Madrid. Viernes 9 La 2 de Apolo. Barcelona. Sábado 10

MARTA MOVIDAS Conde Duque. Madrid. Sábado 3

DELAPORTE La Riviera. Madrid. Viernes 9 Paral·lel 62. Barcelona. Viernes 23

VALERIA CASTRO Circo Price. Madrid. Sábado 3 Auditori. Girona. Viernes 16 Auditorio Víctor Villegas. Murcia. Sábado 24

HENS Zentral. Pamplona. Viernes 9 Oasis Club Teatro. Zaragoza. Sábado 10 WiZink Center. Madrid. Viernes 23

JULIA AMOR Siroco. Madrid. Domingo 4

PIPIOLAS La Paqui. Madrid. Viernes 9

DEAD POET SOCIETY El Sol. Madrid. Sabado 17 Razzmatazz 3. Barcelona. Domingo 18 NUEBO CLUB: Sofy Suars + Tiraya + Bruni El Sol. Madrid. Sábado 17 RALPHIE CHOO La Paqui. Madrid. Jueves 22, sábado 24 y domingo 25 IAMDDB La 2 de Apolo. Barcelona. Lunes 26 THE 1975 WiZink Center. Madrid. Martes 27 MAIKEL DELACALLE La Paqui. Madrid. Jueves 29 NOTHIN BUT THIEVES Razzmatazz. Barcelona. Jueves 29

EXPOSICIONES IED ÁGORA Institución Libre de Enseñanza (MADRID) Del 14 al 25 de febrero Dentro de la nutrida programación que el Madrid Design Festival ofrece este año, Fiesta Design invita

118 frescor y belleza, atrevimiento, el pintor estadounidense es capaz de tumbar cualquier tesis absurda sobre la claudicación de la pintura tradicional ante el arte digital y sus herramientas tecnológicas. Mark Tennant, formado en instituciones venerables como el Mayland Institute College of Art de Baltimore y la New York Academy of Art, sobresale como un maestro contemporáneo que desafía las tendencias dominantes. Su distinguida carrera incluye un periodo como director del Grado de Pintura en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, y sus obras han sido expuestas en lugares tan prestigiosos como el Salon d’Automne de París. https://www.meam.es KEEP IT CUTE CAC Málaga – La Coracha (MÁLAGA) Hasta el 7 de abril Pablo Little in da house… Dicen en el museo que el título de la muestra Keep it Cute [Mantenlo cuqui], “hace referencia directa a una frase que suena en la canción CUUUUuuuuuute del disco Motomami de Rosalía. Esta frase representa de alguna forma como siente Little su trabajo, quien destaca que en su obra hay mucho de hacer las cosas 'cute', bonitas y amables”. La exposición incluye más de setenta obras realizadas en los últimos tres años y principio de este año 2024 por el artista andaluz. La gran mayoría de ellas mostradas por primera vez en esta muestra. La exhibición incluye dibujo, pintura y escultura cerámica, que componen el universo creativo, lúdico y de toque naíf de Pablo Little. Con su obra, busca conectar y empatizar con el público de forma cariñosa y amable, a través de la sencillez y la contundencia de sus creaciones. Son principalmente dibujos en blanco y negro, esculturas y cerámicas llenas de color. En cada obra se puede apreciar la influencia de la línea y el dibujo, así como la mirada infantil y lúdica que las impregna. https://cacmalaga.eu

FREEZR (INVERFEST) WiZink Center (MADRID) Viernes 2 y sábado 3 Dentro de la inabarcable programación musical de Inverfest, el festival de salas que desde diciembre lleva celebrándose en Madrid, queremos destacar la ambiciosa idea de plantear un minifestival ni más ni menos que en WiZink Center y apostando sin medias tintas por los nuevos sonidos urbanos. Freezr han bautizado al invento y el resultado de todo ello lo veremos dos días consecutivos en los que disfrutaremos de los conciertos de La Zowi (en la foto), La Blackie y Soto Asa en la primera de las dos fechas, y Al Safir, Blasfem & Friends, Ill Pekeño & Ergo Pro y Easy-S el segundo. De todo menos frío... https://inverfest.com

REMEDIOS: POR LOS CAMINOS ANCESTRALES C3A Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (CÓRDOBA) Hasta el 31 de marzo A través de una nueva selección de obras de artistas como Etel Adnan, Fengyi Guo, Taloi Havini, Brad Kahlhamer, Regina de Miguel, Pierre Mukeba, Eduardo Navarro, Paulo Nazareth, Selma Selman, Himali Singh Soin, Akeem Smith y Jessi Reaves, la exposición, comisariada por Daniela Zyman, propo-

ne una exploración poliédrica e inmersiva. Las obras expuestas y el programa público empujan a relacionarse con las obras de arte para encontrar consuelo, alegría y reposición. Inspirada en un poema de la poeta indígena norteamericana Natalie Diaz, esta segunda parte de Remedios es una invitación a recorrer los caminos ancestrales y a profundizar en las múltiples prácticas relacionadas con la reparación, la sanación y la remediación que se despliegan y entretejen a lo largo de la exposición. En esos cruces, sabidurías ancestrales se funden armónicamente con perspectivas contemporáneas, reuniendo voces del pasado, presente y futuro en una búsqueda compartida de perspectivas transformadoras para la regeneración y la reparación. Remedios es una colaboración entre TBA21 y el C3A. https://www.c3a.es MARK TENNANT Centro Centro (MADRID) Hasta el 12 de mayo Tengan la edad que tengan, los grandes artistas saben captar como nadie y con muy poco (apenas óleo y pincel) ese gesto, aquella luminosidad, el tono, y hasta el alma que emergen de la eterna juventud.

Eso pasa con Tennant, que sujeta sus pinturas en el impresionismo pictórico más clásico para que nos empapemos de modernidad urbana contemporánea con esas pinceladas suyas que casi casi suenan a trap. Escenas juveniles, gestos y poses de fiesta,

RIOT GRRRL: ¡LAS CHICAS AL FRENTE! Edificio Rialto (VALENCIA) Del 6 al 16 de febrero Dices Riot Grrrl y te vienen a la cabeza Bikini Kill, Huggy Bear, Babes In Toyland, L7 y otros grupos noventeros con ganas de hacer ruido. Tienen razón en Valencia, “el movimiento apenas tuvo resonancia en el cine, un medio que estas creadoras consideraban elitista, meritocrático y masculinizado. A pesar de esto, algunas autoras se consagraron a la creación de filmografías gamberras que abrazaban las energías del punk y se burlaban de la institución fílmica”.

El movimiento Riot Grrrl se nutre de la rebeldía y el amateurismo y este ciclo recoge alguna de estas experiencias, además de mostrar un claro precedente del cine punk feminista, Las margaritas (1966), de Vera Chytilová. Una colección de cortometrajes que comparten la tensión de sus creadoras contra la normatividad, el poder adulto, el canon y la institución forma otra de las sesiones del ciclo. Lo cierra el largo de Sarah Jacobson, Mary Jane ya no es virgen (1998), coming-of-age protagonizado por una joven acomodada que está a punto de graduarse en el instituto y que dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en un cine alternativo de la escena postpunk. https://ivc.gva.es JAPANESE FILM FESTIVAL Cinemes Girona (BARCELONA) Cineteca Matadero (MADRID) Del 20 al 25 de febrero El Japanese Film Festival desembarcará en España con una selección de películas como avance de la cita que se celebrará online y mundialmente en junio. Madrid y Barcelona son las sedes elegidas para acoger las proyecciones de seis películas que celebran el excelente momento del cine nipón, los últimos trabajos de cineastas como Yoshida Keisuke, Zeze Takahisa, Maeda Tetsu, Koizumi Norihiro o Narushima Izuru. Cineastas con una personalidad propia que se mueven con soltura dentro del espectro comercial y del cine de

FOTO: CREATURA

al público a sumergirse en IED Ágora, un espacio dinámico que alberga la exposición deZign: Design driven by GenZ. El visitante puede descubrir un mapa de propuestas que la GenZ de diseñadores IED Madrid proyecta para los nuevos escenarios que transformarán las experiencias del habitar, la salud, la cultura, la diversidad, el turismo, lo digital y el consumo en nuestras ciudades. La GenZ piensa, reacciona, aprende, diseña, valora, percibe, aprecia, opera…, diferente. La GenZ entiende, consume, utiliza, aprovecha la tecnología de forma abierta.

Esta exposición busca visibilizar la especificidad del deZign como el diseño impulsado por y para la Generación Z y el valor que este diseño aporta al escenario contemporáneo de transformación: la visión de esta generación como inspiración para mejorar los procesos de diseño y los diseños para una transformación positiva y rediseño del mundo. https://madriddesignfestival.lafabrica.com

AUDIOVISUAL

119 autor. Yoshida Keisuke aportará dos films: Blue (ブ021) e Intolerance (2021). Zeze Takahisa participa con In the Wake (2021), encarnada por Satoh Takeru y Abe Hiroshi, uno de los actores más populares de Asia.

Maeda Tetsu, Koizumi Norihiro o Narushima Izuru completan este avance del Japanese Film Festival.

El primero con The Water Flows to the Sea (2023), una bonita dramedia familiar que tuvo su premiere el pasado junio, acompañada por una excelente acogida del público. El segundo presentará The Lines that Define Me (2022), un portentoso retrato sobre del poder de la tradición representado en la relación entre un maestro y su pupilo, con el arte de dibujar con tinta china como eje. El tercero firma Father of the Milky Way Railroad (2023), un fastuoso biopic sobre la figura del poeta Miyazawa Kenji protagonizado por Yakusho Koji, Suda Masaki y Mori Nana. https://jff.jpf.go.jp PATRIC CHIHA: COREOGRAFÍAS DEL DESEO Filmoteca Española (MADRID) Del 22 al 28 de febrero Que al director austríaco Patric Chiha le va la marcha, se percibe en cada una de sus películas: música, baile, discoteca, noche,… El mes de febrero estará en Madrid. Entonces sabrá lo que es una buena noche.

Si al tiempo queréis conocer de qué va su cine, una buena retrospectiva se presenta este mes en el Cine Doré de la filmoteca española. Cine documental y ficción, muy festivalero (carrera apuntalada en Venecia y Berlín), muy apoyado en el movimiento de los cuerpos, o en su quietud. El día 22, a modo de anticipo al estreno de su última cinta, La bestia en la jungla, Chiha presentará y compartirá coloquio con el público tras la proyección. El día 23 será turno para Domaine, y un día después (24), el trío parisino protagonista de Boys Like Us nos lleva a los Alpes austríacos en un viaje divertido y desconcertante. Ya el 27, se proyectará su peli complementaria, Brothers of the Night, ambientada en Viena, con visitantes

búlgaros, potentes, fassbinderianos. Y el día 28, su galardonado docu (premio Teddy Award en la Berlinale 2020), Si esto fuera amor: una sensual coreografía orquestada y basada en la obra escénica Crowd, de la artista Gisèle Vienne, bañada en luces de neón y música techno. https://entradasfilmoteca.gob.es

ARTES ESCÉNICAS CACOPHONY Sala Beckett (BARCELONA) Hasta el 25 de febrero Anna Serrano Gatell dirige esta pieza de Molly Taylor, estrenada en el contexto del programa joven del Almeida Theatre de Londres. Una propuesta joven y potente, que no renuncia a la complejidad de hechos e ideas. Tras una manifestación contra la sentencia de un caso de violación, Abi publica un artículo de opinión en su blog que la convierte en una figura pública y la coloca en el punto de mira. Cacophony narra la historia que sigue a estos hechos tejiendo un tapiz que entrelaza la popularidad y la humillación, explorando el poder que tienen las redes sociales de alabar y cancelar a alguien en cuestión de segundos. La obra está inspirada por las ideas del libro de Jon Ronson, So You’ve Been Publicly Shamed. https://www.salabeckett.cat ÚLTIMOS DÍAS DE UNA PUTA LIBERTARIA El Pasillo Verde Teatro (MADRID) 2, 9, 16 y 23 de febrero La protagonista de la obra Últimos días de una puta libertaria es Remi, una exprostituta, libertaria, medio loca, alcoholizada, fumadora

empedernida, que tiene el síndrome de Diógenes y que de forma casual se encuentra en las primeras horas de 2006 con Leticia, una joven abogada, lesbiana, que está a punto de cometer una locura debido al disgusto que le ha dado su pareja. Con humor ácido y crítico, los personajes despotrican contra esta sociedad injusta, donde ser libre se convierte en un acto de resistencia. Dirigida e interpretada por Carmen Latorre -la acompañan en el escenario Isabel Martín Conde y Alberto Úbeda -, sobre un texto del dramaturgo César López Llera, fue premiada antes de que tú nacieras, “por su excelente factura, la concepción clara y vigorosa de los personajes, el interés y contemporaneidad de su temática”. Lo malo es que el mundo de la indigencia y de la infravivienda en una gran ciudad no ha cambiado mucho desde principios del 21. Lo bueno es que el estilo esperpéntico de Valle-Inclán continúa pletórico, un siglo después. https://elpasilloverdeteatro.com INFORMAL STAGE Cuarta Pared (MADRID) Días 9 y 10 de febrero ¡¡¡A moverse!!! Losinformalls montan una fiesta loca, un espectáculo de interpretación y participación.

Música y baile. Cuentan con una serie de invitados / colaboradores que actúan como improvisadores y agitadores, con el objetivo de mantener vivo el evento, activar al público y hacerles saltar al abismo con ellos (quien se atreva…). Si quieres participar solo tienes que llevar ganas y apuntarte allí directamente. Si no lo ves claro, puedes decidirte in situ.

Y, si te va más el voyerismo y no quieres participar, solo tienes que traer tu presencia y disfrutar del caos. De una u otra manera, todas acabaremos bailando desde el escenario o desde la butaca… Este mes, guests como Alba Flores, Pedro Sohu, Desiré Paredes, Alejandro Moya o Dahiana Betancourt, estarán presentes. https://www.cuartapared.es

SALA BERLANGA Programación de febrero 2024 Madrid

Premios Goya 2024 Del 20 de enero al 23 de marzo de 2024 Entradas: 3,50 euros A la venta en Sala Berlanga y entradas.com Películas: La sociedad de la nieve de J.A. Bayona / Un amor de Isabel Coixet / Saben aquell de David Trueba / Cerrar los ojos de Víctor Erice / Creatura de Elena Martín / 20.000 especies de abejas de Estibaliz Urresola Solaguren / Upon Entry (La llegada) de Juan Sebastián Vázquez y Alejandro Rojas / Las chicas están bien de Itsaso Arano / Matria de Álvaro Gago / Te estoy amando locamente de Alejandro Marín / Campeonex de Javier Fesser / Que nadie duerma de Antonio Méndez Esparza / Una vida no tan simple de Félix Viscarret / La imagen permanente de Laura Ferrés / Caleta Palace. Revolución y tragedia en la ciudad del Paraíso de José Antonio Hergueta / Contigo, contigo y sin mí de Amaya Villar Navascués / Esta ambición desmedida de Santos Bacana, Rogelio González y Cristina Trenas / Iberia, naturaleza infinita de Arturo Menor / Mientras seas tú: el aquí y ahora de Carme Elias de Claudia Pinto / Robot Dreams de Pablo Berger / Dispararon al pianista de Fernando Trueba y Javier Mariscal / El sueño de la Sultana de Isabel Herguera / Hanna y los monstruos de Lorena Ares / Momias de Juan Jesús García Galocha / El amor de Andrea de Manuel Martín Cuenca / Chinas de Arancha Echevarría / Amigos hasta la muerte de Javier Veiga / La paradoja de Antares de Luis Tinoco / Una noche con Adela de Hugo Ruiz / O Corno de Jaione Camborda / El maestro que prometió el mar de Patricia Font / Mamacruz de Patricia Ortega

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LOVING THE ALIEN La Casa Encendida (MADRID) Del 2 de febrero al 28 de abril

Reflexión y disfrute visual van de la mano en una exposición que invita a abordar el tema de la alteridad. La muestra toma prestado su título de la canción Loving the Alien, de David Bowie. La comisaria Laura López Paniagua explora la idea del ‘alien’ desde su acepción anglosajona, en la que confluyen múltiples significados del término, como extraterrestre, foráneo, extraño, outsider, desconocido o ajeno.

A través de las posiciones de cuatro artistas - Sandra Mujinga, Anne Duk Hee Jordan, Mari Katayama (foto) y Ovartaci- se invita a reconsiderar los límites de nuestros cuerpos e identidades, a existir desde los demás, a reflexionar sobre encontrarse, sin dominio, y a imaginar posibles metamorfosis.

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