NUEBO #24 junio 2024

Sexina: la mixtape que no sabías que necesitabas hasta ahora.

Prepárate para un cóctel explosivo de ritmos caribeños que desmontarán tabúes sobre la sexualidad, canción tras canción.

¡Alerta por subida de temperaturas!

Desde ONErpm, te recomendamos ropa ligera, un mezcal en mano y unos buenos altavoces resistentes al agua para disfrutar de Lapili.

¿Listo para aprender unos pasos de dancehall mientras te dejas llevar por el ritmo?

Esta mixtape está hecha para los que viven plenamente, sin miedos ni complejos. Los sueños se cumplen si luchas por ellos y sino, que se lo pregunten a Lapili, que no se cansa de callar bocas.

Sumérgete en el universo de la sexualidad sin limitaciones.

Sumérgete en Sexina

Escucha aquí nuestra playlist Music Is Power

VOL. 24

JUNIO 2024

ABHIR METAMORFOSIS

52

ELDEN RING

LA LEYENDA CONTINÚA

EDITORIAL

40 50

KING HANNAH

DOS EN LA CARRETERA

44

CRYSTAL MURRAY TÚ PUEDES 3DNAN

56 ALCALÁ NORTE LO PETAN

58

Los cambios que ha experimentado la música pop recientemente han sido convulsos a todos los niveles, desde los estilos dominantes en los charts -también los alternativos-, a los mecanismos de la industria y, por supuesto, las técnicas de grabación. Solo desde esa falla se explica que tal vez a algunos de nuestros lectores el nombre de Steve Albini no les diga gran cosa. Sin embargo, el fallecimiento del músico, productor y técnico de sonido, que sufrió un infarto el pasado 7 de mayo mientras trabajaba en sus estudios de grabación Electrical Audio -no podía ser de otra manera-, supone una barrera que se baja definitivamente para el rock tal y como lo entendió la generación que todavía maneja, en buena medida, los hilos de la industria musical. Albini es el orfebre detrás de miles de discos grabados desde los años ochenta hasta nuestros días, algunos que

FILIP CUSTIC LO EXTRAÑO

en su momento cambiaron el devenir del rock y el pop. También fue un punk de manual que convirtió proyectos musicales minoritarios pero tremendamente influyentes como Big Black o Rapeman -cancelados incluso antes de que se inventara la cancelación- en vehículos para la provocación. Por algunas de aquellas salidas de madre pidió perdón pasados unos años, pero lo que nunca cambió fue su posición abiertamente crítica para con la industria desde los tiempos en que el CD sustituyó al vinilo. Con sus contradicciones a cuestas -su desprecio manifiesto por los festivales no le impedía mostrarse devoto de Primavera Sound, donde Shellac tocaban todos los años- el fallecimiento de Albini tiene un algo simbólico que termina de concretar, trágicamente, el final de una era. El rey ha muerto, larga vida al rey.

DIRECTOR EDITORIAL Luis J. Menéndez luis@nuebo.es

DIRECTORA DE ARTE Liliana Carpio lillie@nuebo.es

DIRECTOR COMERCIAL

Luis Argeo argeo@nuebo.es

JEFE DE REDACCIÓN

Diego Rubio diego@nuebo.es

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Juan Álvarez, Ramón Baylos, Fernando Bernal, Gabriel Cárcoba, Tali Carreto, Marta España, Manu González, Paula Gonzalo González, Ricky Lavado, Paula López Ros, Eva Luengo, Joaquín Nájera, Ángelo Néstore, Miguel Pardo, Olaya Pedrayes, Anna Pérez, Adriana Ramiro, Cris Regatero, Felipe Rodríguez Torres, Daniela Urzola, Charas Vega.

FOTOGRAFÍA

Belén Franco, Shot By Frankito Fotos de portada: Quietocarlos (ABHIR), Alberto Van Stokkum (Trueno), Petros Studio (Billie Eilish), Antonio Ruiz (Alejo). www.nuebo.es / @somosnuebo

Licencia de uso de la Certificación Forestal PEFC / 14-37-00097

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EL ÍDOLO DE LAS DOS RUEDAS, UN MACARRA ITALIANO ADOPTADO POR BARCELONA QUE, DESDE EL CORAZÓN DEL COLECTIVO MAINLINE, HA REVOLUCIONADO LAS NOCHES MÁS GAMBERRAS DE LA CIUDAD CONDAL.

UNA ODA A LOS SONIDOS CLUB ITALIANOS DEL CAMBIO DE LOS NOVENTA A LOS DOSMILES, A LA ENERGÍA CICLISTA Y A LAS MÍTICAS O'NEILL DE RAVERA. PORQUE DE NOCHE, VIVIENDO, BAILANDO RÁPIDO Y GOZANDO,

SE VIVE MEJOR.

Marcelo Pantani

Rímini (Italia) 14-02-2004

• Como dj mi configuración preferida es CDJ Pioneer con una DJM Pioneer: uso mucho los efectos y las posibilidades que ofrece para dinamizar mi set... Aparte, por mi estilo a la hora de pinchar, me mola como el tiro de fader que tienen las mixers de Pioneer...

• El disco que despertó en mi el gusanillo por la electrónica fue Nightlife de Pet Shop Boys. Era 1999 y yo tenía 10 años (no, no es del 2004, pero ese día murió Marco Pantani, DEP), y venía de educar mi oído con los sonidos new wave que escuchaba mi padre en el coche, lo que despertó en mi la adicción por los ritmos y atmosferas electrónicas. Mola porque es un disco con sonidos de inspiración muy eurodance y trance de aquel momento, que no fue del todo bien recibido por el público y la crítica, pero que a mí me flipa incluso hoy en día. Sigo redescubriéndolo, más ahora que

EL NUEBO MARCELO PANTANI

estoy produciendo sonidos con mucha inspiración en los años noventa.

• Bueno, el concierto de mi vida obviamente no fue tal, sino la primera vez que entré a una discoteca. Me quedé flipado con la magia que envolvía todo, la noche ya de por sí, cómo desde fuera se escuchaba la música retumbar en el interior, el ritual de la admisión... Una vez dentro, esa sensación de escuchar la música superdefinida y los graves entrando por los pies, retumbando por todo mi cuerpo. La dj mezclaba las canciones elegantemente: nada más entrar estaba pinchando un remix de Depeche Mode, y yo ‘Whaaat??’. Recuerdo todo ese microcosmos de interacciones y estatus sociales, la gente, los outfits, los códigos. Tenía 15 años y había entrado a mi primer club, Up6 se llamaba: era para mayores de 21 y pasé gracias a que iba con mis compañeros de trabajo de verano, concretamente una chica holandesa guapísima que me dijo: ‘Tú cógete a mí, yo digo que eres mi novio’. De repente todas esas experiencias me petaron la cabeza, y creo que fue allí mismo donde empecé a sentirme tan atraído por este mundo. Gracias a ese día hoy estoy embarcado en mi proyecto artístico.

SPILL TAB

La escena alternativa internacional tiene infinitos nombres nuevos que pueden parecer interesantes, pero desde hace algo más de un año siempre en Spill Tab. Un nombre curioso que cobra sentido por el eclecticismo cultural que envuelve la vida de Claire Chicha: nació en Tailandia, pero tiene ascendencia coreana, creció en París y ahora vive en Los Angeles. Ha colaborado con Metronomy, teloneó a Sabrina Carpenter en 2023 y, aunque lleva sin mucha actividad desde que lanzó Lauren con Yot Club -una de las nuevas sensaciones del lo-fi al otro lado del charco-, Spill Tab me sigue pareciendo tremendamente especial. Letrista, compositora, productora e intérprete de sus propias canciones, pertenece a la escena que hizo ruido en Europa gracias a Gus Dapperton, y al empuje de Tiktok. De hecho, el tema del que nunca me despego es Velcro, colaboración entre ambos artistas. Spill Tab no es especialmente nueva en el circuito ni está promocionando el gran hit del verano, pero quiero tomarme este texto como una llamada para atender a esa escena que es una alternativa a lo que tenemos ahora sonando por Europa. Su último EP, KLEPTO, consigue crear un puente entre el bedroom pop que emergió en la pandemia y nuevos sonidos que seguro seguirá desarrollando en próximos proyectos. Te recomiendo su tema CRÈME BRÛLÉE!, en el que se ve perfectamente esta evolución de la escena lo-fi; si te gustan perfiles como Melanie Martinez, Clairo o Beabadoobee, Spill Tab te encantará.

LA NUEBA DE CRIS REGATERO

STIVIJOES

Con puente aéreo entre Galicia y el Baix Llobregat, casa de Alizzz, Rosalía y Estopa, a este joven de 24 años ya le ha dado tiempo a coquetear con la retirada y a hacerse viral en TikTok. Su primer EP, Duelo (2021), le mostraba más en conexión con el postplugg barcelonés, esa mezcla de trap lo-fi y electrónica hyperpop, pero Raúl Rodríguez ha ido redescubriéndose poco a poco, un arduo camino que culmina en el EP Dónde está Stivi? y que comenzó a desatarse con el inesperado éxito de Terapia. Un single sincero, triste y emocionante en el que el artista catalán pasa lista a todo su círculo cercano entre lamentos, admisiones de errores, disculpas y declaraciones de amor. La viralidad en TikTok le devolvió la confianza necesaria para seguir con el proyecto, pero sobre todo para madurarlo con beats más densos, más pegados al club y al pop experimental. Ahora está listo para lo que tenga que venir, seguro en su inseguridad y haciéndose fuerte en la vulnerabilidad. El 19 de junio toca en el Teatro Eslava de Madrid como parte de la programación de Madrid Brillante.

YA ES VERANO EN ONERPM

PARA NUEBO LO MÁS IMPORTANTE ES QUE DISFRUTÉIS EL VERANO CON MODERACIÓN... O AL MENOS CON SEGURIDAD.

ASÍ QUE QUEREMOS HACER TODO LO POSIBLE PARA QUE

TENGAS TODAS TUS PLAYLISTS READY PARA PONERLAS EN EL COCHE, DESCARGADAS PARA PODER USARLAS EN MODO AVIÓN. PUEDES EMPEZAR POR ESTA...

Florencia

Un pegajoso R&B electrónico que se mueve entre referencias a C. Tangana y Sen Senra. A lo mejor ahora solo te gusta. Puede que hasta te pareca irresistible. Pero en septiembre es probable que te recuerde a ese amor de verano que por un segundo resulta eterno, inolvidable.

JAVI MEDINA

Me la llevo (ft. Salistre)

Una rumbita pop de las que alegran el alma, con esa emoción rota y el buen rollo que transmite el cantante y guitarrista de Leganés.

Recuerdos (ft. Nael)

Big Lois se junta con Nael para este cóctel explosivo de ritmos latinos, flamenco urbano y pop afro que viaja en segundos de Miami al barrio de La Mina de Barcelona.

No llores (EP)

Pop urbano de quilates y R&B delicadísimo que viaja entre ritmos de electrónica británica y palmas flamencas, pulsos clubber, salsa y altpop. Incluye la elegante y sensual Déjà vu, colaboración con la canaria Daniela Garsal.

ANGELIYO EL BLANCO

Labios coloraos (ft. Big Lois)

Una fusión calentita entre el flamenco, la rumba, latin jazz y el funk sabrosón que se convertirá este verano en tu himno para la feria.

CARRION GODBLE$$

True Love (ft. Saske)

Un clásico de la última oleada restauradora del rap canónico en España, este jazz rap nocturno y melancólico en colaboración con Saske define a la perfección la capacidad de trascender de todos los miembros de Space Hammu.

LOS PÁJAROS NO HABLAN CON LOS HUMANOS, PERO SI PUDIÉSEMOS ENTENDERLOS, TENDRÍAN MUCHAS VERDADES QUE CONTARNOS

ALAINA CLIFFORD

«EMBRIAGADORA » SLANT MAGAZINE

«UN VIAJE AL OTRO LADO DE LA REALIDAD» LIBÉRATION

VIGGO MORTENSEN

CHIARA MASTROIANNI

«ABSOLUTAMENTE FASCINANTE » THE GUARDIAN

«IMPRESIONANTE » ROLLING STONE

EUREKA

UNA PELÍCULA DE LISANDRO ALONSO

14 DE JUNIO EN CINES

SLOT MACHINE PRESENTA

Empezó siendo prácticamente un adolescente en el competitivo mundo de las batallas y el freestyle, poniendo en el mapa a su Betanzos natal y, de repente. se vio dando su primer concierto delante de tres mil personas en el Coliseum de A Coruña como telonero de Trueno -una de nuestras portadas de este mes-. El rap le sirvió para hacerse un hueco en la música como Alem BTF. Pero ahora el joven gallego da un paso adelante y estrena nuevo proyecto, y nueva etapa. Ya como Taïn y más centrado en la tradición pop rock de nuestro país, en la que inyecta una inconfundible vibra urbana reflejo de su pasado, estrena este mes su EP de debut, una colección de canciones emocionales y accesibles producidas por Juan de Dios (Xoel López, Amaral). Amor subterráneo, Vol. 1 ve la luz el 14 de junio vía Esmerarte.

FOTO:

NORA GALVÁIN

EL MOMENTO INCÓMODO

Con artistas como Boygenius y el indie rock norteamericano de cantautoras e inspiración noventera claramente situados en su norte cardinal, y tras una trayectoria relativamente consolidada en el underground madrileño tras pasar por bandas como Paracusia -con quienes llegó a ser telonera de Gus Dapperton-, la artista Malena Fernández debuta en largo con su proyecto en solitario, El Momento Incómodo. Y lo hace con un trabajo, Soy consciente, que mejora en todo las propuestas rugosas, melancólicas, íntimas y a la vez brillantísimas que ya se dejaban intuir en el EP de 2021 El temporal. Estamos ante un conjunto de canciones honestas, por momentos explícitas, que rondan siempre cerca de atmósferas shoegazers y que incluso se echan bailes con el dark pop ochentero. Una pequeña joyita que ha facturado con la ayuda en la producción de Bearoid y Álex ‘Turian Boy’ y que estrenará en directo este mes en Madrid : el 8 de junio en la Wurli como parte del ciclo Sound Isidro.

FOTO: JUANJO MARTÍN

FERIA

DEL LIBRO

Por: Ángelo Néstore

Junio es el mes de la Feria del Libro de Madrid. Para mí cualquier celebración alrededor del libro es, en cierto modo, una celebración de la amistad. La biblioteca de la casa de mi infancia ocupaba una pared entera del salón y llegaba a la planta del segundo piso. Las estanterías rebosaban de libros, cómics, álbumes de fotografía y, sobre todo, clásicos de literatura italiana e inglesa. En esa casa, un territorio igual de hostil que la calle en el que tenía que fingir ser otra persona para que se me aceptara, encontraba refugio en los límites amables de mi habitación y en las historias entre aquellas páginas. Nunca había visto a mis padres leer. Yo era la única persona que se podía pasar horas y horas buscando un afuera posible ante la imposibilidad del mundo material que me rechazaba. Para mi familia el libro tenía un valor simbólico: era capital social, era poder. Los libros, juntos a las cinco perras que vivían con nosotros, hacían que me sintiera acompañada y a salvo. Y es curioso pensar que, después de tres décadas, las amistades que hoy me acompañan están relacionadas en cierto modo con la literatura y los libros. Conocí a Violeta Niebla en un concurso literario local, a Sara Torres leyendo su poesía y a Victoria Borrás junto a su madre como editora en una charla. Roy Galán me sanaba con sus textos en las redes.

Ellas hoy me cuidan como me cuidaron hace tantos años las autoras de la biblioteca familiar y sus textos. Podría decir que son mi familia elegida, pero no me gusta la idea de tener que amoldar nuestro vínculo a una estructura tan rígida y cerrada. Son, simplemente, otra cosa. Son las que un día me pusieron un pan tierno en la boca y me dijeron: “come”.

FABIO DE MIGUEL 'FLASH & THE PAN'

Genio incomprendido, provocador diletante, maldito oficial de la Movida... llámalo como quieras pero lo cierto es que la obra de Fabio de Miguel -más conocido como Fabio McNamara- sigue pendiente de revisión. Casi de puntillas se estrena su primera exposición pictórica individual, Flash & the Pan -en My Name Is Lolita, Madrid, desde el miércoles 5 de junio-, comisariada por Toni Matas. Que además coincidirá en el tiempo con otra muestra, mucho más mediática e institucional, dedicada a su antiguo compañero de correrías, Pedro Almodóvar: Madrid, chica Almodóvar en Centro Cultural Conde Duque desde el 11 de junio.

DUNE: LA PROFECIA

¿La Parte 2 te ha dejado con ganas de más? Mientras Villeneuve se decide a rodar la tercera entrga -paciencia, porque parece que va para largo- Max anuncia el estreno el próximo otoño de Dune: la profecía, una serie que se sitúa 10.000 años de los hechos que cuenta la película para explicar el origen de la secta Bene Gesserit. Ya hay tráiler...

Todo va tan rápido con esto del audiovisual que parece que hayan pasado varias vidas -zombisdesde el estreno de The Last Of Us. No tanto, en realidad, apenas año y medio. El caso es que ya toca una segunda temporada de las desventuras de Joel (Pedro Pascal) y Ellie (Bella Ramsey). Su estreno en Max está previsto para principios de 2025.

FOLLOW THE SONG VUELVE A MADRID

Tras pasar por Barcelona de la mano de Primavera Pro, este campus de composición musical organizado por Sony en colaboración con Fundación SGAE llega a Madrid del 3 al 7 de junio, generando un espacio libre de intercambio musical que propicia el encuentro y la creación entre compositores, artistas y productores de todo el mundo. Iconos ya asentados como Abraham Mateo, Tinie Tempah o Belén Aguilera, entre otros, ejercerán como maestros de ceremonias y guías de las sesiones, entre las que también se enmarcarán charlas, ponencias y mesas redondas sobre distintos aspectos de la industria musical.

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SHINYUU

A Luke Martin lo conocemos por sus diseños de moda y su trabajo con artistas como Alice Wonder. Pero ahora Martin da el salto al otro lado publicando un disco, From Me to You, bajo el alias de Shinyuu. Conceptualmente explícito y sexual, emocionalmente descarnado, y cabalgando géneros que van del witch house al emo urban de Frank Ocean, estas seis canciones y su universo cuanto menos te van a dejar del revés.

EXPO SGAE

SGAE repasa, junto a sus protagonistas y su espíritu, la historia de la música urbana en nuestro país desde su explosión allá por los márgenes estéticos -y muchas veces geográficos- en los albores de los 2010 hasta un presente omnipresente que ha dinamitado las opciones, las posibilidades y los discursos. Es hora de celebrarlo.

MÚSICA URBANA, POP Y ALTA CULTURA

DEL 6 DE JUNIO

AL 14 DE JULIO

PALACIO DE LONGORIA MADRID

A través de objetos que han acompañado a les artistas de la escena urbana a lo largo de estos años, en este trayecto desde una revolución underground a la conquista del mainstream, y que les han vinculado al resto de disciplinas artísticas y humanas, la exposición quiere reivindicar el lugar de estas músicas, y de las mentes, manos y corazones de las que salieron, no solo en el imaginario popular, sino dentro de ese universo cada vez más reducido que debiera aspirar a ser integrador: la ‘alta cultura’.

Las chaquetas personalizadas que Quevedo usó para su primer gran tour, la primera tarjeta de sonido de Ralphie Choo, vestidos icónicos de Rosalía, una maqueta de la mítica jaula de Yung Beef... carteles, portadas que dejaron constancia de este ascenso. El museo que todas y todos siempre se merecieron. Su baptisterio romano del siglo I.

c/ Fernando VI, 4, 28004 Madrid

Abierto de L a D de 16 a 21 horas

Entrada libre hasta completar aforo

Más info siguiendo el QR.

El último NUEBO Club celebrado hasta la fecha, el sábado 18 de mayo, nos sirvió para despedirnos de nuestro dj residente, Tiraya, que no podrá estar en la última fiesta en junio. También para revolucionarnos con los BPMs disparados de Ruptura y para reencontrarnos con muchos de vosotros, claro.

FOTOS: SHOT BY FRANKITO

SMARTIE

REGGAETON - DEMBOW - LATIN

BRUNI

MANDELAO - BAILE FUNK NUEBO DJ

ELECTRÓNICA, POP, URBAN

JUN 2024 SÁB 15

SALA EL SOL Entradas: Dice.es

Es la última fiesta de esta temporada y también nuestra despedida -al menos por el momento- de la Sala Sol. En breve os anunciamos dónde retomaremos las actividades en septiembre

Y para la noche de despedida habrá una sesión especial de NUEBO DJ, con todos los temas que nos vuelan la cabeza en la revista, y pinchadas de nuestra residente Bruni (foto abajo) y Smartie (foto arriba).

FOTOS: BELÉN FRANCO

Desde hace unas semanas ya puedes disfrutar en nuestro canal de youtube de NUEBO Talento de las sesiones de St Pedro (Dos extraños) y Gus (Y se abren los cielos). Son dos de los artistas jóvenes sobre los que recae la responsabilidad de plantear las nuevas vías por las que debería transitar el pop comercial de los próximos años. No lo decimos por decir: entra en sus sesiones y... flipa.

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: AXEL CASTILLO

GAFFER: EVA LUENGO

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

POR: DIEGO RUBIO / FOTOS: QUIETOCARLOS

EL ARTISTA INDOCANARIO CONTINÚA TRATANDO SALAS DE TODA ESPAÑA Y ESCENARIOS DE FESTIVALES COMO SU PROPIA CACHARRERÍA CON LA ESTAMPIDA DE ELEFANTES QUE ES ‘BROWN BOY’ , UN TRABAJO ARROLLADOR, OSCURO, INTENSO E IMPLACABLEMENTE CONTUNDENTE LANZADO A FINALES DE 2023 Y EN EL QUE SE RECONCILIA CON SUS ORÍGENES, CON SUS OBJETIVOS, CON SUS VALORES E INQUIETUDES MUSICALES. ESTE MES ASALTA EL HOLIKA FESTIVAL EN CALAHORRA, DONDE VOLVERÁ A DEMOSTRAR QUE LA AGRESIVIDAD Y LA VIOLENCIA ENCIMA DE UN STAGE TAMBIÉN PUEDEN SER PURIFICADORAS.

ABHIR es un grandísimo aficionado a las charlas TED. En los últimos tiempos ha estado llevando en el fondo de pantalla de su teléfono móvil un pantallazo de una de ellas, impartida por Michael Brody-Waite: ‘Great leaders do what drug addicts do’. En ella, el exadicto contrapone su propio proceso de recuperación con el éxito personal y la adquisición de liderazgo en la vida, basándose en tres principios, que ABHIR relata bastante bien: 1) “Practica la autenticidad de forma rigurosa, o sea, ponlo por delante de todo. A la gente le cuesta, a mí incluido”, explica el artista indocanario con voz quieta pero siempre encabalgado en un impulso irrefrenable. “Estoy cansado del término ‘real’; no es lo mismo que ser auténtico, la autenticidad viene con lado oscuro”. 2) “Surrender the outcome, que significa que estés dispuesto a sacrificar el resultado, porque el resultado no es la razón por la que estás haciendo esto. Y en este trabajo es importante tener esto presente porque parece que el resultado siempre es lo que se consigue, siempre es lo que está delante… Cuando yo opero buscando resultados a mí no me sale bien, y me he dado cuenta. Cuando hago las cosas por amor, o sobre todo por disfrute, me sale mejor; el resultado me hace pensar demasiado”. Y 3) “Do uncomfortable work, ejecuta trabajos incómodos. Cuando había algo que no me apetecía hacer me daba como ese empujón que me faltaba para levantarme de donde estuviera y lucharla”. Los tres puntos saludaban a ABHIR cada vez que cogía su móvil. “Ese fondo de pantalla me recordaba todo el rato lo que yo quería hacer, sobre todo, a largo plazo. No de rellenar canciones, escribir versos y terminar producciones, sino de que es lo que yo quiero hacer con mi proyecto: cuando tuve miedo de que BROWN BOY BOUNCE no se aceptara veía ese fondo y se me olvidaba la duda”.

EL PERSONAJE ACOMPAÑA

MUCHO

LA ETAPA EN LA

QUE ME ENCUENTRO

En cierto modo aquel tema, y sobre todo GO GETTER, avanzaban un cambio evidente de rumbo desde las sonoridades más R'n'B, suaves, templaditas y poperas de Lazos y nudos (2021), e inducían a ABHIR

a entrar en su black era. “De un lado más naif a otro incluso punk”, como él mismo reconoce. BROWN BOY (2023) es oscuro, bombástico, incluso tenebroso por momentos, complejo y referencial. Y definitivamente mucho más bold. “BROWN BOY fue el resultado de un proceso de experimentar”, recuerda. “Me apetecía más eso que jugar sobre seguro; yo soy una persona que se aburre con facilidad de todo. Me había aburrido un poco de una fórmula y quería romper con eso”. Pero además sentía la necesidad de evolucionar su carrera en paralelo a como estaba evolucionando su vida, reencontrándose con su pasado, expandiendo sus horizontes, actualizando conceptos y terminando con dudas e inseguridades personales. “Mi proyecto y mi persona están muy conectados. Yo no estoy interpretando a un personaje como tal que va mutando, sino que acompaña mucho la etapa de mi vida en la que me encuentro. En Lazos... tenía 24 años y ahora acabo de cumplir 28… El tiempo pasa, crezco y me voy dando cuenta de cosas. Antes tenía una percepción distinta del arte, y de mi arte. Ahora me excita mucho más cuando me supone un quebradero de cabeza. Para mí ahora prima la experimentación, la diversión, pasármelo como un niño chico en el estudio… eso es BROWN BOY”, confiesa el artista, de nombre real Abhir Hathiramani y nacido en Gran Canaria en 1996. Para llevar a cabo esta metamorfosis ha sido fundamental la colaboración de Saint Lowe, gran responsable de la revolución sonora que acomete el disco, elefantino en su aproximación a la épica y el impacto. Junto a Choclock, Tuiste y Mayo han abrazado una dirección que mira a la cara a las producciones norteamericanas post Yeezus, y que junto a discos como Motomami de Rosalía y Me muevo con dios de Cruz Cafuné avanza un nuevo estándar para la música en nuestro país. “Carlos -Cruzzi- y yo escuchamos música muy similar, así que las referencias están ahí, aunque luego cada uno tenga su propia vertiente: quizá yo me voy un poquito más oscuro y él se va un poquito más rapero. Yo crecí escuchando música negra en su mayoría, y siempre me atrajeron los momentos más oscuros. Quitando Kanye West, me gustaban raperos así duros, de calle, más nicho, como Young Jeezy, Ace Hood o Chief Keef… A mí siempre me MI

SAINT LOWE

“Es todo un ciclo: unos anduvieron para que ahora estemos corriendo, y nosotros corremos para que otros vuelen”, dice ABHIR, que se sabe parte de una evolución imparable. Él siempre le dará la mano a los que vengan por detrás.

El gran responsable de todo lo sucedido a nivel sonoro en BROWN BOY ha pasado del anonimato a ser uno de los productores más reclamados del panorama urbano: lo próximo de Hoke va con su firma.

RYDER

El jovencísimo productor británico ya ha sido señalado por Skepta como uno de los responsables de las nuevas vías para el UK rap. Su trabajo ha tenido mucho impacto en ABHIR y en Saint Lowe.

SUPERRESERVAO

“Hay una tendencia entre los chavales ahora de volver a fijarse en lo que se hace en EE UU, y el nivel es altísimo”, dice hablando de este madrileño que también tiene en el sagrario a Yung Beef.

MVRK

“Creo que ayuda mucho que se haya popularizado Gloosito”, comenta sobre esta ola pegajosa y oscura. “No es tan desafiante como cuando Yung Beef sacó Beef Boy, pero está volviendo a pasar”.

GALINDO

El misterioso artista canario colabora en BROWN BOY y ha acompañado a ABHIR, su gran valedor, como telonero en la gira. Ya tiene un EP, Summer Nights, pero ahora se avecina su oscuro futuro.

encantó la música celebrativa, aunque fuera violenta. No pienso que la música tenga que tener un mensaje positivo; para mí es un vehículo de expresión y no me importa que haya momentos tóxicos, agresivos… Porque, tío, la música no es un libro de autoayuda. Disfruto de incomodar a través de la música, y si lo he conseguido con alguna gente me sentiría muy orgulloso. Es algo que simplemente me hace libre y que admiro en otros artistas”.

Pero BROWN BOY no mira solo a EE UU. Ante todo, lo hace al interior del propio ABHIR, que se ha reconciliado primero con sus orígenes para ejecutar la transición. Por un lado, de algún modo siempre fue un verso suelto en la escena canaria, prácticamente como todos los asociados al 928 -West Dubai, Highkili, Ptazeta…- en un momento en el que el 922, Tenerife, con el efecto esponja que generaba la BNMP, parecía marcar el camino. “Yo empecé a volar a Tenerife por ellos, porque teníamos química. Me abrieron la mente a la idea de que había más gente a la que le gustaba lo que a mí”, recuerda hoy, con Cruzzi establecido como un tótem de nuestra escena urbana a nivel internacional y Quevedo reinando en el mercado latino y situando a Gran Canaria en el foco. “Tengo la suerte de tener a los dos en mi disco y ya está. Yo dejé de buscar mi hueco porque entendí que donde yo esté, estoy con mi luz, y ya está. He dejado de pensar en etiquetas porque estoy centrado full en mi música y en pasármelo bien con ella”. Por otro, en ese reencuentro consigo mismo ha abrazado la identidad india de su familia: “En mi casa siempre se ha escuchado Bollywood, no Rubén Blades o Buena Vista Social Club -que me encantan-, como les pasa a algunos compas míos. Me parece un símbolo de orgullo, y un símbolo de poder, que yo decida, saliendo de Canarias, y España, que son sitios donde no se entiende para nada mi cultura, ponerlo en el altavoz del que yo dispongo. Obviamente no sufrimos tanto racismo como los marroquíes, pero a veces parece que no existimos”. Por eso BROWN BOY está plegado de referencias, conceptuales y sonoras, a la cultura de la que es originario.

Pero él, dice, no piensa nunca en términos de territorio. “Coge MANGO LASSI, por ejemplo: yo soy indocanario, Juicy es sevillana, y el ritmo mezcla una alegría con elementos de la cultura india y con choppeos bastante kanyewestianos y una jerga gringa. No estoy pensando en mi casa haciendo eso, ni estoy pensando en la gente que vaya a salir este viernes a Antídoto”. Parte de su éxito reciente se basa en aceptar ocupar un lugar difuso, su propio lugar, en una encrucijada de músicas e influencias que también hacen parada en el clubbing y el rap británicos. “Travis y Skepta me gustan por igual. De

siempre conecto más con los americanos, pero los británicos me parecen mucho más elegantes y me flipa la manera de trabajar. A Saint Lowe le pasa lo mismo; hemos compartido, tenemos amigos allá y he visitado mucho Londres en estos últimos tiempos, me he ido empapando un poco de la cultura y eso se traduce en el disco, pero de una forma no meditada”. Con todo ese cóctel, más ideas que nunca sobre la mesa, más convicción, ambiciones y un contrato de distribución en Latinoamérica con el coloso Dale Play, ABHIR brama más alto que nunca, de una forma casi ensordecedora. Y reclama su reinado en la sabana. GO GETTER.

BROWN BOY (BROWN BOY BANDZ / DALE PLAY, 2023)

Santhi / Bangladesh / Go Getter / Abel / Yallah / Ca’ Manolo / GC-1 / Muzik 2 Ride 2 / 6 anillos / Shtoopid / Hottest.Young.Men.in.Bizness / Brown Boy Bounce / Hijo de inmigrante / Mango Lassi / Tututú / Bombay a Las Palmas / Alyx

DIGITAL

DE POMPEYO A LA PLANA MAYOR DE LA ESCENA URBANA ACTUAL, LA HISTÓRICA CIUDAD RIOJANA (ORGANIZA HOLIKA DE LA MANO DEL AYUNTAMIENTO DE CALAHORRA) SE CONVIERTE POR TRES DÍAS EN CAPITAL MUNDIAL DEL LATINEO, CON LOS PRINCIPALES REFERENTES DEL GÉNERO ACOMPAÑANDO A ARTISTAS NACIONALES COMO ABHIR, DOLLAR SELMOUNI O SOGE CULEBRA (TODOS ELLOS YA HAN PASADO POR NUESTRA PORTADA). LAS OPCIONES PARA ACCEDER SON MÚLTIPLES, CON CAMPING, GLAMPING Y RUTAS EN BUS HOLIKA DESDE MÁS DE 43 CIUDADES HASTA LA PUERTA DE LAS ZONAS DE DESCANSO. UN FESTIVAL QUE SON TAMBIÉN UNAS VACACIONES EN UNA DE LAS CIUDADES MÁS BONITAS DE ESPAÑA.

Uno de los más claros cabezas de cartel del festival, a pesar de su juventud (26 años) el puertorriqueño es uno de los padres del trap latino, además de uno de los nombres que más se ha vinculado al ascenso reciente de Saiko.

MYKE TOWERS

Cuenta con un puñado de canciones que superan los mil millones de escuchas en Spotify, y en su último tema, Adivino, colabora con Bad Bunny. Esto es: hoy por hoy una de las estrellas del pop global.

CALAHORRA - LA RIOJA

Del 26 al 29 de junio

MYKE TOWERS / JHAYCO / BRYANT MYERS / TAINY / DEI V / ÁLVARO DÍAZ / PAOPAO / JC REYES / FUNZO & BABY LOUD / ANGERFIST / SKRYPTION / STELLA BOSSI / DEXPHASE / JULIET FOX / TWENTY SIX / ALEESHA / ALVAMA ICE / BON CALSO / DOLLAR SELMOUNI / HARD GZ / KABASAKI / LENNIS RODRÍGUEZ / SELECTA / SOGE CULEBRA / STEVE LEAN / ABHIR / ALMACOR / C MARÍ / DANIELA GARSAL / JOSE DE LAS HERAS / LA PANTERA / LIA KALI / LUCHO RK / OMGISNEFF / ORSLOK 7 ALEX MARTINI / BALLESTEROS / CERO / EL IMA / J ABECIA / JOANA SANTOS / LEÏTI / NERVE AGENT / BTRIZ / CHIMENO / FABBIO / JC EL DIAMANTE /JULIETA / ROSA PISTOLA / YEICOXTONI / ZAKYO / Y MÁS...

ALVARO DÍAZ

Hace unos números le entrevistábamos en estas mismas páginas y el de San Juan -uno de los músicos más solicitados a la hora de plantear feats: Feid, Quevedo, Eladio Carrión- nos daba pistas sobre Sayonara, un disco que ahora viene a presentar en directo,

ENTRADAS

"Tainy creando himnos desde los dosmiles" canta Bad Bunny en PASIEMPRE Data, su disco del pasado año, era el verdadero quién es quién de la escena latina actual. Tres opciones posibles: el abono general (74,95€), abono VIP con acceso a áreas exclusivas(150€) y entradas para cada día (44,95€ jueves y sábado y 39,95€ el viernes).

KING HANNAH

POR: PAULA LÓPEZ ROS

FOTO: JOSEPHINE LEDDET

UNA CARRETERA, HORAS DE VENTANA Y FURGONETA, UNA GIRA ENTRE EE UU Y EUROPA, ENTRE PELÍCULAS Y DOCUMENTALES, CON DULZURA Y DUREZA, OJOS ATENTOS Y CORAZÓN ENCENDIDO. ‘BIG SWIMMER’ ES EL NUEVO LARGO DE LA BANDA DE LIVERPOOL KING HANNAH, UN DISCO QUE GANA EN EPICIDAD POR SU CONTUNDENTE SONIDO, LA CRUDEZA DE SUS LETRAS Y LA COLABORACIÓN DE SHARON VAN ETTEN EN DOS DE SUS CORTES. HABLAMOS CON EL DÚO PARA PONER TODO ESTO EN ORDEN Y AHONDAR EN EL REVERSO DE SU NUEVO TRABAJO.

King Hannah recorrieron miles de kms hasta llegar a Big Swimmer. Pero todo empezó en un bar de Liverpool: tras la barra se fue forjando este dúo -formado por Hannah Merrick y Craig Whittleque poco le debe a la música británica y que ha logrado un discurso contemporáneo sobre un folio en blanco como es la americana. Desde su primer EP, Tell Me Your Mind And I’ll Tell You Mine”(City Slang, 2020), hasta este segundo largo, ambos han andado juntos minutos de música e investigación para seguir mutando su sonido: “El primer EP tiene una producción con un mayor uso de sintetizadores, queríamos conseguir un sonido más amplio, grandioso, más épico”, cuenta Craig. Bebían de Portishead, Mazzy Star, The War On Drugs, mucho de Kurt Vile… “Ahora nos vemos completamente distintos, las inspiraciones también han cambiado mucho”, completa Merrick. Han girado el dial hacia “artistas que consiguen un sonido crudo y real, que no se esconden bajo nada: Neil Young, Bill Callahan y Slint. También Built To Spill…”.

Para este cambio de enfoque ha sido fundamental que confiaran en su instinto. “Tenemos que amar lo que estamos creando. Nos tiene que gustar muchísimo. Aunque haya gente a la que no le guste, no nos importa. Si a Craig y a mí nos flipa y creemos en lo que estamos haciendo, eso es lo que nos importa”, afirma Hannah, y Craig no hace sino confirmarla: “Eso es. Tiene que contener verdad, nuestra verdad. Que sea honesto y parta de nosotros, es ahí desde donde realmente actuamos”. Big Swimmer, finalmente, es la parada presente de toda esta road movie. Un trabajo editado por City Slang en el que King Hannah, por primera vez, han compuesto las 11 canciones del viaje, mirando a través de una ventanilla de la furgoneta en la que recorrieron distintos lugares de EE UU como Filadelfia, Nueva York, El Paso, y en las cocinas de las habitaciones donde dormían durante la gira. “No lo habíamos hecho nunca, y es por eso que la mayoría de los espacios y lugares en los que se basa este disco son sitios e historias que hemos vivido o visto en la carretera. Presenciamos muchas escenas que nunca antes habíamos visto. Nos inspiraron mucho, ya que todo era nuevo para nosotros, y ha sido bastante divertido, la verdad”.

Filadelfia fue el sitio que más les impactó. Al lado de la sala donde tocaban asistieron a un violento altercado entre un hombre y un niño que narran en Milk Boy (I Love You). Y el motel en el que se alojaron en El Paso les sirvió también de inspiración para Somewhere Near El Paso. “The End se centra precisamente en cómo nos encon-

tramos con ese paisaje… Y New York, Let’s Do Nothing trata de un día que vivimos allí Craig y yo y de todo lo que hicimos”, recuerda Hannah. El viaje sirve, en fin, tanto para darle contexto al álbum como para narrar su trayectoria: antes de dejar la carretera e ir a Bristol para meterse en el estudio con Ali Chant (Aldous Harding, PJ Harvey, Perfume Genius) escribieron la homónima Big Swimmer, que se erige como testimonio físico de la metáfora definitiva del álbum, como un puñetazo hacía dentro: no se consigue nada tirando la toalla. Precisamente este tema es uno de los dos del álbum, junto a This Wasn’t Intentional, que cuenta con la voz de Sharon Van Etten, un hecho que confirma su visión firme: “Estás haciendo algo bien si consigues llegar a la gente adecuada”. La propia Van Etten compartió en sus redes el que fuera su primer single, Crème Brûlée, y desde entonces han construido una relación artística que ahora cristaliza de verdad. Pero aparte de todos los lugares físicos que visitaron durante su gira, King Hannah también toma como inspiración fundamental el cine. Además de un guiño directo a Dallas Buyers Club en la letra de Milk Boy (I Love you), hay mucho de las reacciones del dúo al ver películas y documentales de true crime esparcido por todo Big Swimmer: “Escribimos This Wasn’t Intentional como una de esas reacciones”, cuenta Craig. “Estamos siempre viendo películas, nos inspiran muchísimo, nos encantan Badlands, Dos hombres y un destino todo ese western de los setenta. Ese grano en la imagen que destaca en esas películas nos inspira y ayuda a crear sonidos… Así es como queremos sonar, crear a través de la evocación visual de sus imágenes”. Otro de los puntos en los que se fijan a la hora de componer a nivel cinematográfico son las “películas abiertas” que no le dan la manita al espectador. “Por ejemplo, Ruben Östlund, el director de El triángulo de la tristeza, lo hace en sus películas, y por eso nos flipan. Te cuenta una historia de la que cada uno puede sacar sus propias conclusiones, y así es como me gusta concebir las letras de King Hannah”, explica Merrick. Esa ambición cinematográfica conecta a la perfección con su convicción de que lo importante no es el destino sino el viaje, que es de lo que estamos hablando todo el rato. “No queremos ser la mejor de las bandas, tan solo ser reconocidos entre la gente que nos escucha y artistas a los que admiramos”. Crecer de forma sostenible, como en un loop: “Ahí es donde me gustaría llegar con King Hannah”, sentencia Whittle afirmándose a la mesa del bar del hotel. “Tener sesenta años y poder seguir haciendo música y grabando discos”.

“LA MAYORÍA DE LOS LUGARES EN LOS QUE SE BASA EL DISCO SON SITIOS E HISTORIAS QUE

HEMOS VIVIDO O VISTO EN LA CARRETERA”

Big Swimmer / New York, Let’s Do Nothing / The Mattress / Milk Boy (I Love You) / Suddenly, Your Hand / Somewhere Near El Paso / Lily Pad / Davey Says / Scully / This Wasn’t Intentional / John Prine On The Radio

SOUILAH, 3DNAN, DECIDIÓ APOSTARLO TODO POR LA MÚSICA HACE APENAS UN PAR DE AÑOS, Y AHORA ES UNA ESTRELLA EN EXPANSIÓN. DESDE EL RAVAL, ESTE VERSÁTIL ARTISTA NO DUDA EN SUBIRSE A UN DRILL, BAILAR EN UN TRACK AFRO, DISFRUTAR CON MELODÍAS R'N'B O EXPERIMENTAR CON GÉNEROS LATINOS. ‘LUNA NUEVA’ ES SU ÚLTIMO TRABAJO.

CON UN CARÁCTER FIRME, TRABAJADOR Y LEAL, ADNAN

POR: ANNA PÉREZ

Preparo la entrevista buscando en el rincón más sincero de internet: los comentarios de YouTube. Al escuchar por primera vez Luna nueva, el tercer EP de 3dnan, me imaginé que la canción más sentida por sus fans sería Quién me escucha . El tema, rapeado sobre una beat con house y una melodía nostálgica, habla del cambio de vida del cantante en el último año. “Van dos veces que la escucho ya de seguido y la estoy empezando a entender, se ve el sufrimiento y el esfuerzo de todo el proceso hasta ahora. Ánimo, eres muy bueno, tienes la voz la letra y el estilo. El panorama es tuyo”, dice Larry. “Obra de arte, las letras muy puras. Bendecido hermanooo”, dice Ali.

3dnan empezó a cantar tras un accidente que le destrozó el menisco. Se ganaba la vida como bailarín de freestyle con su grupo Streetlife, pero el querer trabajar tan duro le acabó pasando factura. “No podía bailar, fue una recuperación muy larga y pensaba, ¿qué voy a hacer con mi vida si no es arte? Entonces empecé a conocer la música, a aprender más, y al estar tan cerca en la cultura el rap con el baile pues hice el cambio. Cuando me lesioné empecé a trabajar en el estudio, escribir letras, componer temas... Tenía aún dinero del baile y no daba el paso. Hasta que un día decidí centrarme en la música al cien por cien, y fue cuando esto empezó a funcionar”. Cuando se cierra una puerta, se abre una ventana. Durante estos dos últimos años ha estrenado tres EPs y una infinidad de singles, ha dado múltiples conciertos. “Mi entorno cambia, tienes menos tiempo para estar con la gente, de golpe te das cuenta de que llevas dos semanas sin ver a tus amigos…

Cosas así te hacen ver que te está cambiando la vida. Ahora la gente te conoce, te trata mucho mejor, de una manera más especial. Muy poca gente entiende este momento, es un momento muy concreto para la vida de un artista”. La vida de 3dnan ha dado un giro de 180º, se encuentra en el momento agridulce en el que pasa de ser un artista emergente para empezarse a asentar como un nuevo referente, y así lo plasma él mismo en Quién me escucha: “Me ofrecen dinero por todo lo que escribo y no lo asimilo, hace un año ingresos no había y quería alejarme de todo”.

Luna nueva es su último EP, un trabajo que en menos de dos semanas ya roza el millón de reproducciones en Spotify. “Me pasé un tiempo yendo a estudios y grabando todos los días, perfeccionando lo que grababa hasta pulirlo del todo. Quería que fuera lo que ya había hecho, pero mucho más perfeccionado, más depurado. Grabarlo directamente en el estudio y salir así de la zona de confort: fuera de mi casa y con

más presión, más gente, etc…”. Este EP de seis canciones nos muestra a un 3dnan versátil al que no le da miedo experimentar con su voz, y que mantiene en primer plano el que es uno de sus temas predilectos: el amor. “No sé si soy tan enamoradizo… Creo que soy una persona que quiero de verdad, incluso aunque no lo demuestre a tope, no hago actos de esos que se asocian a las demostraciones de amor clásicas. Pero si te quiero, hasta que me muera va a ser así”. Cosas del amor o Vestido apretao dan voz a estos sentimientos sobre esa mezcla, tan genuina de esta nueva generación urbana, entre el drill melódico, los ritmos latinos y el afropop.

En cuanto a influencias, 3dnan, de nombre real Adnan Souilah ha tomado decisiones interesantes: “A mí me gusta arriesgarme, la verdad. Dentro de lo que me gusta, quiero ver de lo que soy capaz. Cuando escucho un artista internacional meterse en beats raros o ritmos curiosos en los que de primeras no te meterías me hace tenerle más respeto, y me gusta esa versatilidad. Con todo este proceso quería demostrarlo… Yo no tengo miedos ni dudas de mí, pero sí que es verdad que me gusta dejar claro que no estoy aquí porque sí, que eso vaya por delante”. La cultura del esfuerzo y la disciplina rigen al cien por cien la vida del artista, y eso se nota en detalles como el agradecer que ciertos productores no fumasen en el estudio para crear un mejor clima para componer, o en la dedicación y el sacrificio heredado. “Yo he crecido toda mi vida viendo a mi padre trabajar a diario. Estaba enfadado e iba a trabajar; estaba mal, iba a trabajar... Para mí mi padre es un referente en ese aspecto, nunca le he visto quejarse del trabajo, siempre ha estado muy agradecido. Yo tengo esa filosofía, me gusta trabajar de lo mío y lo que más me gusta es ir al estudio y hacer los conciertos”.

Por eso es que el ‘lobo solitario’ ha optado por lanzar este nuevo EP sin colaboraciones adicionales más allá de los productores, Sen6, Los del Control, Rifisoul y Arty. “Creo más en las colaboraciones que surgen de forma orgánica. No me gusta molestar, prefiero trabajar en el momento presente, que quizá sea más solitario. Trabajar duro y ganar reconocimiento con mi propio nombre. Mi música se ha hecho conocida por sí misma, creo en mi filosofía de no molestar”. Detrás de ese “no molestar” están la dedicación y el talento. Por una ventana abierta desde el barrio de El Raval de Barcelona, 3dnan ve ahora la luna nueva. Y más allá empieza a atisbar los frutos de todo el trabajo, de todo el esfuerzo. Aullar al público; ya no a esa luna.

“ANTES BAILABA.

CUANDO ME LESIONÉ, EMPECÉ A TRABAJAR EN EL ESTUDIO, ESCRIBIR LETRAS, COMPONER TEMAS... CUANDO DECIDÍ CENTRARME 100% EN LA MÚSICA, EMPEZÓ A FUNCIONAR”

DIGITAL

LUNA NUEVA

(ALTAFONTE / FLEYVA 4 REAL, 2024)

Eres tú / Vestido apretao / She Tells Me / Quién me escucha / Dudas / Cosas del amor

Sadie LaPointe

POR: FERNANDO BERNAL

+ EUREKA

“EL CINE OLVIDA LA REALIDAD DE LOS NATIVOS DE ESTADOS UNIDOS, POR ESO ESTA PELÍCULA ES IMPORTANTE”. SADIE LAPOINTE, LA JOVEN SIUX PROTAGONISTA DE ‘EUREKA’, FUE UNA DE LAS GRANDES REVELACIONES EL PASADO AÑO EN CANNES. SU NATURALIDAD ANTE LA CÁMARA Y SU ACTITUD REIVINDICATIVA CONECTAN PERFECTAMENTE CON EL FILME DE LISANDRO ALONSO, DONDE COMPARTE REPARTO CON VIGGO MORTENSEN O CHIARA MASTROIANNI DURANTE LOS TRES SEGMENTOS QUE COMPRENDE ESTA POÉTICA Y SENSORIAL OBRA. RESPONDE NUESTRAS PREGUNTAS MIENTRAS TERMINA SU LICENCIATURA EN ADMINISTRACIÓN DE EMPRESAS Y PIENSA EN SEGUIR SU CARRERA COMO ACTRIZ.

Como si de un apéndice de su anterior película - Jauja (2015)- se tratara, el argentino Lisandro Alonso arranca Eureka con un western filmado en blanco y negro y protagonizado por Chiara Mastroianni y Viggo Mortensen, quien también ejerció de actor en su trabajo previo. Esa vía de conexión en forma de prólogo a través del género más clásico del cine -nacieron al mismo tiempo y durante años fue elemento de propaganda colonialista- sirve para hablar de la situación de los nativos americanos en el continente, algo que se desarrolla a lo largo de la acción en dos segmentos más, uno que tiene lugar en una reserva india en Dakota del Sur y otro que termina en la selva amazónica. El filme se mueve en las coordenadas reconocibles de uno de los cineastas más importante del siglo XXI -autor de obras esenciales como La libertad (2001) o Liverpool (2008)-: su visión poética de la realidad más cotidiana, la condensación del tiempo y el espacio, la propuesta observacional, un sentido casi ascético de la puesta en escena y la obsesión por personajes que se encuentran en continua búsqueda. Una búsqueda en la que parece atrapada la protagonista de su parte central. Ella es Sadie, una joven india que vive en una reserva junto a su tía Alaina (Alaina Clifford), la oficial de policía encargada de la seguridad en una zona azotada por la escasez. La descubrimos mientras el filme transita el thriller de manera heterodoxa. La actuación de Sadie LaPointe deslumbró desde que la película se presentara hace un año en Cannes. No le ha cambiado -del todo- la vida. “De hecho, todavía vivo en mi reserva, Rosebud Sioux Tribe”, reconoce. “Es la tribu vecina de la reserva de Pine Ridge, donde filmamos. Cuando trato de explicar a la gente cómo es la vida aquí, no te creas que tengo una respuesta concreta. Crecí con mis padres, que pudieron brindarme una vida privilegiada con oportunidades. Mi familia vive como muchas otras familias. Vamos a la escuela, al trabajo o al supermercado. Pero como la reserva no tiene todos los recursos, nos tenemos que mover a otros pueblos y ciudades del estado para conseguir lo que aquí no hay. Si haces una búsqueda rápida en Google sobre las reservas de Dakota del Sur, te encontrarás con comunidades deterioradas e información sobre cómo la pobreza está afectando a la población nativa del país. Siempre le recuerdo a la gente que no todo el mundo necesita dinero para tener una vida plena aquí. El cine olvida la realidad de los nativos de Estados Unidos, por eso esta película es tan importante”.

No era la primera vez que Sadie, que se encuentra estudiando el último año de Administración de Empresas y va a graduarse este verano, probaba suerte en el mundo del cine. “Estaban buscando un reparto de nativos americanos para un largometraje importante. El equipo de casting fue reservado con los detalles, pero la mayoría de la gente decía que era para Los asesinos de la luna (2023). Pasé algunas rondas, hubo algunas

“ES EMOCIONANTE UNA PELÍCULA QUE SE SUMERGE EN LA DURA REALIDAD DEL PASADO DE MI PAÍS Y DE MI GENTE”

llamadas, pero no fue más allá. La película de Scorsese llegó a Cannes, y sentí como si se cerrara un círculo cuando pude ir a verla al estreno. Fue muy emocionante ver un filme que se sumerge en la dura realidad del pasado de mi país y de mi gente”. Después, se cruzó en su camino Eureka. Ella no tiene Facebook, pero su hermana le avisó del casting cuando lo vio en la red social y le animó a participar. Un acierto, porque la película representa auténticamente la vida en una reserva: “Hay no nativos o turistas que no están educados sobre la vida aquí. Se abren paso por la reserva y le hacen a la gente preguntas absurdas, sin pensar en cómo nos hacen sentir. Creía en el guion y quedé contenta con el resultado final”.

ORGULLOSA REPRESENTANTE DE SU PUEBLO Sadie nunca había estado en el set de una pelícu-

SADIE

SEGÚN LISANDRO

la y el primer día se encontraba confundida. “Ves vídeos behind the scenes, pero es una experiencia totalmente diferente cuando pones un pie en un rodaje por primera vez. Desde el primer día fuimos un equipo muy pequeño y todos resultaron de gran ayuda al explicarme lo que hacen o lo que se suponía que yo debía hacer. También me hizo muy feliz poder compartir esa experiencia con mis padres; mi madre venía conmigo todos los días. Pero fue bastante gracioso que mi padre solo viniera al set una vez que justo nos pasamos filmando toda la noche. A partir de entonces fue mucho más feliz quedándose en casa y esperando una llamada telefónica para que le explicara mi día”, dice jocosa.

Antes habían pasado por todo un trabajo de preparación con Lisandro Alonso, el director. Le conoció previamente para resolver dudas,

mientras él escuchaba atento las historias que ella le contaba. “Cuando llegó el momento de trabajar, su prioridad fue estar ahí para sus actores. Especialmente por la cantidad de contratiempos que tuvimos durante el rodaje, sobre todo cuando una gran tormenta de nieve azotó el estado. Seguramente Lisandro estaba molesto por cómo iba todo, pero cuando llegaba al set siempre tenía buena actitud y estaba listo para trabajar. Luego hubo algunos casos en los que la barrera del idioma se interpuso, ya que a veces, cuando hablo muy rápido, Lisandro no entendía lo que estaba diciendo, o cuando él necesitaba explicarme mejor una escena yo no entendía lo que me quería decir. Una de mis últimas escenas era con el que es mi abuelo en el filme, y se supone que debía estar emocionada y molesta por la situación. Pero no tenía ni idea de cómo

“Estoy pensando en volver a trabajar con ella, a mí me interesa mantener el equipo de rodaje a medida que voy creciendo y tomando más riesgos. Si fuera por mí repetiría, es un hallazgo, como fueron Viggo (Mortensen) o Viilbjørk (Malling Agger) en Jauja”. Así presenta Lisandro Alonso a Sadie LaPointe, una actriz que para él ha sido toda una revelación, pero que llegó al reparto de Eureka por una carambola del destino y por el olfato de una colaboradora habitual de los hermanos La Pointe. “A ella la encontramos gracias a Eléonore Hendricks, que es una directora de casting que había hecho mucho trabajo de campo en Pine Ridge, ya había entablado relaciones con las distintas comunidades que hay dentro de la reserva y había hecho War Pony (2022), que ganó la Cámara de Oro de Cannes. Eléonore abrió muchas oportunidades. Yo había estado siete u ocho veces en la reserva y no daba con el personaje de la policía. Por eso convocamos un casting abierto a todas las comunidades de Estados Unidos, y apareció Sadie con su risa tan pura, tan ingenua y tan joven. Evidentemente no daba para el rol policial. Pero me quedé tan embelesado por su gesto y su expresión que decidimos contactarla, y en uno de los viajes nos reunimos con ella y su familia para ver de qué forma podíamos incluirla en el proyecto. Vimos la ventana de que pudiera hacer este personaje secundario, que luego terminó siendo protagonista en la historia. Ella es muy fresca e inteligente. Interpretaba todo rápidamente, memorizaba todos los diálogos del guion, entendía las situaciones que estábamos planteando con la puesta en escena y eso jugó a favor. (…) No había tanta improvisación, porque es un reloj suizo en su manera de pronunciar las líneas de guion y dar pie a los otros actores”.

hacer eso, en el fondo sentía que lo que estaba diciendo era muy duro, pero no sabía exactamente cómo manejar eso frente la cámara. Le dije a Lisandro lo que sentía acerca de mis habilidades como actriz para superar la escena y enseguida me respondió: ‘No te preocupes, haz lo que puedas’”.

Queda claro que dedicarse a la actuación no fue el sueño de infancia de Sadie, porque nunca lo había considerado como “una carrera normal”. Comenzó la universidad en 2020 y, además de ser estudiante y atleta, tenía una agenda bastante ocupada y no pensaba más allá de su vida en el campus. “No fue hasta mi segundo año que empecé a hacer cambios en mi forma de aprendizaje, lo que redujo mi horario y me dio

más tiempo para pensar en qué más podía hacer con mi vida. Disfrutaba viendo películas y programas de televisión en mi tiempo libre, y fue así como empezó todo. Recuerdo el momento específico en el que se me ocurrió por primera vez la idea de actuar. Estaba viendo Eternals (2021), de Marvel, y hay escenas en las que mencionan mi estado, Dakota del Sur, especialmente uno de nuestros lugares famosos, las badlands. Tiendo a emocionarme cuando se menciona la representación de mi tribu, estado o país, y pensé que yo podía formar parte de esa representación también. Creo que la pura emoción de estar en televisión o el cine es lo que se apoderó de mis acciones, porque en la vida real soy una persona tranquila”.

Chiara Mastroianni, Viggo Mortensen, Rafi Pitts, Sadie LaPointe.

¡AGUANTE ARGENTINA!

Ante el acoso de Milei, que desde el principio quiso cargarse las subvenciones al cine, la cinematografía argentina se ha puesto en pie para defenderse y conseguir que se sigan produciendo joyas recientes como estas que no te puedes perder:

LA FLOR

Mariano Lliñás / 2018 Monumental obra de culto de 12 horas dividida en tres partes y de estructura prodigiosa. Fascinante ejercicio de imaginación, prosa y poesía dentro del cine.

TRENQUE LAUQUEN

Laura Citarella (2022)

Miembro del seminal colectivo El Pampero, Citarella entrega una obra tan deslumbrante como inclasificable en la que se cruzan historias y géneros.

PUAN

M. Alché, B. Naishtat / 2023

Una comedia de apariencia amable que esconde lecturas sociopolíticas desgraciadamente actuales, con recortes significativos en cultura y educación.

TÚ ME ABRASAS

Martín Piñeiro / 2024

Último trabajo, aún inédito, de un cineasta consagrado a actualizar a las mujeres de Shakespeare. Ahora viaja entre lo sensorial y lo poético sobre un texto de Pavese.

EUREKA (14 junio) Argentina. 2023. Atalante

Dirección: Lisandro Alonso. Reparto:

POR: JOAQUÍN NÁJERA

EL ECLECTICISMO Y LA FLUIDEZ DE CRYSTAL MURRAY HAN CONVERGIDO EN ‘SAD LOVERS & GIANTS’, UN CRISOL DE EMOCIONES

AGRESIVAS NACIDAS DE LA RACIALIDAD, LA DISIDENCIA Y LA ORIENTACIÓN DE GÉNERO. TODA ESA DUALIDAD DESGARRADORA

CRYSTAL MURRAY

Y DELICADA LA PODEMOS VER EN ‘PAYBACK’, UNA DECLARACIÓN

RUPTURISTA CON RESPECTO A SUS TRABAJOS ANTERIORES QUE

SUPONE EL PRIMER ADELANTO DE UN DEBUT LARGO DISPONIBLE DESDE EL 31 DE MAYO VÍA BECAUSE MUSIC.

FOTO: EREA FERREIRO

Nacida en París en 2001, esta artista de descendencia paterna afroamericana y franco-española por parte de madre -de Canarias para ser más exactos- es todo un crisol de influencias en sí misma. Junto a su padre, el saxofonista californiano David Murray, se ha curtido desde pequeña en clubes de jazz. Y su madre es nada más y nada menos que Valérie Malot, fundadora de la agencia de representación de artistas de world music 3D Family e ideóloga, junto a Oumou Sangaré, de Les Amazons d’Afrique. También está arraigada a una cultura del gospel procedente de su abuela paterna, que la ha acompañando durante su infancia y adolescencia: “Vengo del soul, del jazz, pero también escucho bastantes artistas de rock alternativo. Durante mucho tiempo he estado yendo sola a los clubs, escuchando hyperpop”, asegura Crystal Murray pocas horas antes de su concierto en La 2 de Apolo, donde desembarca junto a su colectivo Spin Desire y de la mano de djs como Bianca Oblivion y Broodoo Ramses. Este peculiar paraguas enfocado fundamentalmente en el entorno de clubes es, en cierto modo, una respuesta a sus inquietudes actuales.

Y una evolución de la Gucci Gang que ya impulsara en 2016 en París como un proyecto de moda entre amigas que se terminó yendo de las manos, atrayendo la atención de marcas y la viralidad. Pero además ha sido un espacio de evolución para ella, desde que lanzara sus primeros singles de corte neosoul hasta ahora, con 22 años, cuando nos encontramos de frente con una artista que evoca la violencia y pone el cuerpo, cuya sonoridad también se traslada a la crudeza de sus nuevas producciones, en primer lugar. “Creo que pasé por muchas fases en mi vida, y siento que en este álbum realmente quería mostrar la dualidad de lo que soy como artista y como persona: mitad blanca y mitad negra”, afirma Murray, que entrelaza en el que es disco de debut, este Sad Lovers & Giants , todas sus distintas facetas, tratando de exponerlas sin miedo y trasladándolas a la música y a su discurso. “Puedes hacer cualquier cosa, puedes mezclar cualquier cosa, y puedes estar triste y feliz al mismo tiempo. Puedes ser virgen y puta al mismo tiempo. Puedes”. La parisina es consciente de que en el mismo instante en que asumes lo que otros consideran un insulto lo anulas, y anulándolo probablemente estás ganando una batalla. Esta lucha y agresividad la podemos ver en el videoclip de Payback: “Quería hacer una declaración de intenciones: soy una chica de mi generación, el mundo es un lugar violento, y yo estoy loca… estoy realmente loca”. El torbellino de referencias también se adentra

en su mundo visual, y el concepto de la venganza se visita desde la emotividad, la tristeza y la rabia para compensar el equilibrio. “Comencé a ver muchas películas de Obayashi de los años setenta y ochenta: era la referencia que tenía Tarantino para Kill Bill”. A veces estas perspectivas y discursos son más complicados de introducir en el mainstream, pero Murray lo proyecta de una forma imparable: “Quiero ser una estrella del pop, no quiero ser vista como esa chica alternativa que solo dice lo que quiere y cómo quiere, y que todo eso termine quedándose en el aire. Pero quiero que las estrellas del pop puedan decir lo que quieran, cómo y cuándo quieran, tener visuales realmente fuertes que hablen sobre el mundo”. Y aunque entre sus grandes influencias se encuentren grandes voces del soul y el r'n'b como Macy Gray, Kelis o Betty Davis, para ella es aún más fundamental la figura de M.I.A. y esa construcción político-artística de lo que sería una antidiva de la industria musical. “Si no estás tomando una posición, ¿qué demonios estás haciendo? ¿Sabes a lo que me refiero? Sería difícil para mí lanzar ahora una canción que trate de amor porque, como ya sabes, no hay paz en el mundo en este momento”.

Probablemente Sad Lovers & Giants no hubría llegado donde lo ha hecho si la artista no hubiera abandonado París hace dos años para instalarse en Londres. La capital británica es el actual epicentro de propuestas de pop fluido y experimental, con sonoridades que viajan a la velocidad de los bits entre el UK garage, el hyperpop, los breaks, el punk y el brit-pop, y ha sido el entorno idóneo para esta fase de redescubrimiento musical y personal. “Me lo he tomado como un reto personal”, recuerda Murray. “He estado estos dos años trabajando en el disco, y también comencé a pensar realmente en las personas con las que trabajo y en la energía que quiero atraer: reuní a músicos y productores cuyos trabajos musicales no están relacionados para mostrar todas esas tensiones”, confiesa. Gracias a Kyu Steed (Amaarae), Ouri o Elliot Berthault (Rendez-vous) ha logrado dar con un álbum audaz en el que podemos encontrar retazos de liquid, de postpunk, de trip hop o del garage más hyper, y que reivindica el derecho a la complejidad y la diversidad en un mundo que a menudo busca encasillarnos en categorías simplistas mientras abraza la diversión y el experimento. Un tapiz sonoro lleno de matices y contrastes en el que reflejar su complejidad como artista y como persona. Y un testimonio de su capacidad para fusionar influencias diversas en una obra cohesiva y poderosa.

SAD LOVERS & GIANTS (BECAUSE MUSIC, 2024)

Spooky Island / Air / Magik / Frenzymess / Payback / Strangers / Dickstraction / Whispers (so loud) / Starmaniak / Eye Candy / Sad Lovers and Giants

CD / DIGITAL / LP "PUEDES HACER CUALQUIER COSA, PUEDES MEZCLAR CUALQUIER COSA. PUEDES ESTAR TRISTE Y FELIZ AL MISMO TIEMPO. PUEDES SER VIRGEN Y PUTA AL MISMO TIEMPO. PUEDES”

ELDEN RING: SHADOW OF THE ERDTREE

POR: RAMÓN BAYLOS

Dos largos años han pasado desde el lanzamiento original de ‘Elden Ring’, y sus responsables regresan a las Tierras Intermedias con una expansión que es para la industria del videojuego un estandarte de esperanza. Entre despidos masivos, cierres de estudios y proyectos cancelados, FromSoftware se desmarca agrandando su leyenda como developer de referencia contemporáneo, y ampliando su obra más ambiciosa para alzarse, una vez más, a la sombra del árbol caído, ante el abrazo de la llama de Messmer.

Shadow of the Erdtree se ambienta en Las Tierras Sombrías, un nuevo reino al que se accede a través de una de las mayores incógnitas que quedaron por resolver en Elden Ring: la crisálida de Miquella.

2. Si Elden Ring era un juego que trataba (como casi todas las obras de FromSoftware) de cómo hacer frente a la decadencia de un mundo que ha perdido su gracia divina, Shadow of the Erdtree gira en torno a las consecuencias de no contemplar qué es lo que ocurre entre las sombras. ¿Qué se esconde tras el velo, allí donde palidece esa titubeante luz que lucha por no extinguirse? ¿Qué es lo que hay que ocultar y quién quiere ocultarlo?

4. Ahí es donde entra en juego la idea de contemplar lo que ocurre en el juego base a través de otro espectro repleto de pliegues por desdoblar... hasta dar con la forma de hacer frente a Messmer, el empalador. Villano principal de esta expansión, encarnación de la blasfemia para la Orden Dorada y un misterio en sí mismo -¿es, acaso, el tercer hijo de Márika, hermano herético de Miquella y Malenia?-, promete erguirse como uno de los mejores antagonistas de la obra de FromSoftware.

1. El tráiler de presentación de Shadow of the Erdtree abre con un primer plano que ya desvela que esta expansión está engendrada a través de contrastes. Tras unos segundos mostrando un brazo lánguido que asoma sin vida desde el interior de un cascarón sangriento, una voz en off entona: “Puro y radiante, empuña el amor necesario para purificar los corazones de los hombres. No hay nada más aterrador que eso...’’

3. Es por eso que esta expansión nos traslada desde Las Tierras Intermedias hacia Las Tierras Sombrías a través de un ritual macabro donde Mohg, Dios de la Sangre, intentó adueñarse de un reino al borde del colapso. A raíz de ello se abre un portal hacia otra dimensión alternativa en el que sus criaturas, armas y entidades divinas no han sido bañadas por la luz del árbol áureo. El Sinluz sigue los pasos de Miquella, el gran agujero de lore en Elden Ring, buscando desentrañar toda una genealogía de secretos.

NARRATIVA TRANSMEDIA

La narrativa de los juegos de FromSoftware siempre ha ocupado un puesto inusual dentro de la lista de prioridades del estudio, y Elden Ring no ha sido una excepción. Ya lo dijo el propio Hidetaka Miyazaki hace unos años al explicar cómo construyó el lore del primer Dark Souls, en torno a la necesidad de conectar las diferentes partes del juego de forma coherente, como un todo orgánico. Puede parecer una tontería, pero el hecho de construir un complejo arco argumental a través de descripciones de objetos y la propia estructura y apariencia de los niveles le da una importancia natural al papel que tienen los jugadores en todo esto. Creadores de contenido como @VaatiVidya, @SekiroDubi, @ZullietheWitch, @Ziostorm o nuestros queridos @PowerBazinga y @ChusoMMontero han sido y son fundamentales para llevar la narrativa a un entorno colaborativo y transmedia, ahondando no solo en las pistas que el juego da, también en las que esconde en sus archivos. Y a ello contribuye toda la comunidad, que opera casi como un detective-colmena encargado de unir las piezas de un mundo cuyo pasado se ha resquebrajado en miles de pedazos diminutos.

de copias vendidas en dos años desde su lanzamiento original en 2022. Elden Ring se ha convertido en la obra más exitosa y popular de la historia del estudio.

a sus espaldas, refinando cada vez más un estilo de diseño que ha propiciado el origen de un género en sí mismo, el soulslike. Cada vez más estudios imitan la fórmula, con mayor o menor acierto. Tanto que su sistema de combate -que lleva al extremo el fijado de Ocarina of Time e integra una mecánica de postura, visible o invisible- se ha convertido en el estándar de los nuevos hack and slash.

de ingresos en sus dos primeras semanas de vida: Elden Ring llevó al extremo la idea de que los juegos de nicho también tienen sitio en la corriente mainstream.

Elden Ring ha sido una de las obras más reconocidas en la historia reciente de la industria y ha reafirmado a FromSoftware como uno de los referentes de la última década.

LA COMUNIDAD CONTRA EL JUEGO

Es evidente que Elden Ring no se habría convertido en uno de los mayores éxitos de la historia reciente en el sector de no ser por la labor que la gente ha hecho frente al fenómeno del gatekeeping. Ahora más que nunca, la comunidad está convencida de que la obra del estudio ha de crecer mediante la desmitificación de que sus juegos son terriblemente hostiles. Principalmente porque la realidad es otra: solo lo son con aquellos que no quieren vivir en conexión con el resto de personas que ya han pasado por lo mismo. El emblema de FromSoftware siempre fue Solaire de Astora: la cooperación. Y sus jugadores -pese al ruido que hacen los tryharders- se han esforzado en construir una especie de metatutorial colectivo que aprovecha las infinitas opciones que el juego -a sabiendas- ofrece: comunidades de speedrun, gremios de no-hitters, dataminers buscando exploits… El público de Elden Ring, el público de From, se esfuerza a diario para que sea el jugador quien doblegue al videojuego, y no al revés. Ninguna opción es más válida que otra... lo importante es disfrutarlo. Que de eso van los videojuegos.

ELDEN RING: SHADOW OF THE ERDTREE

Fecha de lanzamiento: 21 de junio

FROMSOFTWARE

Plataformas: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S

QUE EL HYPE NO TE IMPIDA VER EL BOSQUE, EN ESTE CASO EL TEMPLETE FUNERAL. EL ECLÉCTICO Y PINTORESCO SEXTETO MADRILEÑO ES MUCHO MÁS QUE UNA MACHACONA CAMPAÑA DE TWITTER, Y SU DEBUT HOMÓNIMO, ‘ALCALÁ NORTE’, LO DEMUESTRA A BASE DE HIMNOS DE BARRIO DE LOS DE PLENO PULMÓN, POSTPUNK DE ONDA OCHENTERA Y UN FILO DECIDIDAMENTE POP. LA NUEVA AUTOPISTA DE CIRCUNVALACIÓN DE LA CAPITAL.

Alcalá Norte

El debut homónimo de los madrileños Alcalá Norte se ha convertido por derecho propio en uno de los lanzamientos más refrescantes y redondos de este año. Canciones como La vida cañón o La calle Elfo, con su irresistible postpunk de poso ochentero filtrado a través de una puntería pop con efectividad de francotirador, muestran el gran estado de forma de una de las mejores sorpresas que ha dado Madrid en los últimos tiempos. Urgencia e inmediatez. Alcalá Norte es un trabajo directo y humilde que funciona perfectamente, en parte debido a la imbatible energía que sus once canciones despliegan; una energía que destila actitud punk y una forma de enfrentarse a la creación desde el estómago. Pero les ha costado golpear. “Tenemos el grupo desde 2019”, cuentan. “En primavera de 2023 decidimos que no podíamos dejarlo pasar más, había que hacer algo, llevar algo a cabo y dejarlo plasmado en algún sitio. Queríamos llegar al final del proceso, o al principio del proceso realmente. Si no, nos íbamos a apagar, empezaba a ser un coñazo lo de hacer bolos en Madrid, siem-

FOTOS: ALCALÁ NORTE

POR: RICKY LAVADO

pre en las mismas salas, sin rumbo. Nos dejamos aconsejar y nos dijeron que cuando un disco está grabado todo viene detrás, así que decidimos probar a ver si esa era la receta mágica. Pillamos el repertorio que teníamos, hicimos un apretón compositivo muy prolífico del que salieron La vida cañón, La calle Elfo y Supermán, que son canciones que han gustado, y completamos el conjunto”. A la vista está que les ha salido bien. Y es que, aunque Alcalá Norte suenen sucios y rabiosos por momentos, todo en ellos está atravesado por una luminosidad que resulta arrebatadora. “Hay en todo lo que hacemos un envoltorio postpunk, pero el hilo conductor es la meta pop. Alguien en internet catalogaba los sintetizadores de La vida cañón y de El cosquilleo como verbeneros, y nos parece un buen resumen. Buscar que haya sintes en los estribillos al principio nos parecía una locura, pero luego entendimos que también nos interesaban esas fórmulas de composición. Al principio no sabíamos hacer melodías cantadas, por ejemplo, así que el postpunk era un área muy cómoda para nosotros porque bastaba con

recitar, pero hubo un momento en el que nos animamos a cantar y decidimos apostar también por el pop”. Llegan a él, en parte, por la vía urbana, como buen grupo de ciudad, con la asistencia de Adri Bremmer de VVV, su “bakala de confianza”, y la colaboración de Suneo de Chill Mafia en los teclados. “Nos sentimos muy conectados con ellos, nos llevamos bien y en vez de quedar en un bar quedamos en el local de ensayo”. Pero también con la inestimable colaboración de los productores Carlos Elías Caballero y Pablo Fergus, que se enamoraron del sonido de la banda en directo y se obsesionaron con hacerle justicia. “Teníamos unas maquetas caseras hechas en 2020 que quedaron como quedaron por falta de dinero y conocimientos. Carlos vino a vernos a un concierto y nos preguntó por qué esas canciones sonaban tan diferentes en maqueta, y es que en el live se encaja todo. Nos convenció para grabar en directo, y tiempo después acabamos grabando el disco con él. Hay canciones de cuando estábamos aprendiendo a hacer canciones todavía, y sencillamente las hemos grabado en condiciones, y hay otras más maduras con las que hemos hecho una obra un poco más completa. Igual si nos hubiésemos quedado un año más ultramotivados, componiendo de cara a un primer disco más terminado y más compacto, habríamos hecho cinco Calles Elfo y cinco Vidas cañones. Pero nos hiceron entender que era necesario tener este primer álbum ya”.

Con eso, gasolina en forma de temazos, junto a una cantidad insultante de referencias históricas y literarias y la defensa y reivindicación de la vida en los barrios de una ciudad monstruo como Madrid han vuelto a encender la llama guitarrera en la capital, en la línea de unos La Paloma a quienes versionan con tino en El rey de los judíos (Un cosquilleo). “Parece que si hablas con orgullo de tu barrio eres una especie de delincuente malote pandillero. Nosotros hablamos de Ciudad Lineal porque somos de ahí. Si fuésemos de otra ciudad, escribiríamos sobre ella. Es una cuestión de usos y costumbres: aquí hemos estado siempre y aquí nos gusta estar. No hay un contenido específicamente político o social en esa defensa de nuestro barrio. Nos hace ilusión vivir en los vestigios del proyecto faraónico de un chalado como Arturo Soria. Con cachés crecientes, la intención de esta banda es hacernos con todo el suelo de Madrid para que la calle Arturo Soria termine siendo el anillo que él proyectaba en origen, rodeando el casco urbano de la ciudad. 5 km en lugar de 45. Si lo conseguimos la banda habrá merecido la pena”.

ALCALÁ NORTE (AUTOEDITADO / BALAUNKA, 2024)

La sangre del pobre / Los chavales / 420N / Supermán / Westminster / La vida cañón / El rey de los judíos (Un cosquilleo) / No llores, Dr G / La calle Elfo / Langemarck / El guerrero marroquí - Bakala Norte Mix

DIGITAL / LP

“HAY EN TODO LO QUE HACEMOS UN ENVOLTORIO POSTPUNK, PERO EL HILO CONDUCTOR ES LA META POP”

APROVECHANDO QUE PREPARA UNA PIEZA PERFORMÁTICA PARA SÓNAR, Y QUE EN JULIO ESTRENA UNA EXPOSICIÓN EN EL MUSEO CERRALBO DE MADRID EN EL MARCO DE PHOTOESPAÑA, HABLAMOS CON FILIP CUSTIC , FIGURA CLAVE PARA ENTEDER LA EVOLUCIÓN RECIENTE DEL PANORAMA ARTÍSTICO DE NUESTRO PAÍS Y, MÁS AÚN, PARA COMPRENDER SU EXPANSIÓN INTERNACIONAL , QUE HA ACOMPAÑADO A LA DE ROSALÍA Y LE HA LLEVADO A PASEAR SU OBRA POR MEDIO MUNDO. EL ARTE COMO MODO DE RESISTENCIA .

POR: MIGUEL PARDO

Desde que las vanguardias existen, han buscado -unas con más intención que otras-, incorporar y ofrecer formas originales de concebir el mundo y la cultura para el presente de las sociedades en las que han emergido. Como si de una actualización de software se tratase, el Team Vanguardia ofrece una nueva versión del programa y el contexto histórico trata de decidir si lo incorpora o no a su sistema. El cambio y la mutación, presentes tanto en el mercado capitalista como en la propia naturaleza, benefician esta dinámica inercial, de avance, de cambio y metamorfosis, dice filip custic: “La transformación es una celebración de la naturaleza, una prueba de que estamos constantemente en evolución y que no vivimos en un mundo rígido sin tantas categorías ni casillas”.

Pensar en el arte contemporáneo es, para alguien como él, pensar en cómo puede apropiarse de esa fluidez para jugar así con ella, dando una respuesta integradora en su rupturismo a la estructura programática del mercado, su FOMO y su necesidad de monetizar y explotar cada centímetro, físico y espiritual, del cuerpo humano. “El capitalismo (...) puede mercantilizar nuestra existencia individual, y como human product nos exige una actualización constante para ser medidos por nuestra rentabilidad”, reconoce el artista de 31 años. Pero generar una respuesta adecuada no es tan fácil. En un sistema ubicuo parece resistirse la posibilidad de realizar una crítica desde fuera; la torre de marfil no es que ya no tenga sentido, es que es un panóptico perturbador, un Ojo de Sauron… Y ejercer esta crítica desde dentro, desde el centro del huracán mercantilista, con un enfoque inmanentista, puede parecer una forma de alimentar la máquina, pero nada más lejos de la realidad: “Mi crítica no es de rendición sino de compromiso, un forcejeo con el sistema desde dentro. Busco exponer las contradicciones e imperfecciones inherentes del capitalismo, no para escapar de él, sino para transformarlo”, reflexiona el tinerfeño con ascendencia croata. Ya ha utilizado esta técnica del 'de dentro hacia fuera' en numerosos trabajos y en distintas vertientes, desde sus investigaciones sobre el transhumanismo, el poshumanismo y la biónica a sus estudios sobre la identidad -siempre en relación con la tecnología-, con una sensibilidad que ha sido reclamo para artistas como Rosalía, Rojuu o Lil Nas X, quienes contaron con él para diseñar los artes de sus discos El Mal Querer, Kor Kor Lake y Montero, respectivamente. “Al emplear el lenguaje y los símbolos propios del sistema podemos subvertir su poder y exponer sus limitaciones. Es una forma de judo, usando el impulso del sistema contra sí mismo”. Así, la vanguardia actual, encerrada en un mercado mediático sin salidas de emergencia, debe emplear la velocidad y el

ímpetu impuestos por el sistema, al modo del aceleracionismo, para dejar a la vista las brechas y absurdos inherentes al mismo, generando una experiencia transformadora. Absurdos que se observan a menudo en las convenciones sociales. “Siento fascinación por la naturaleza aleatoria de la invención humana. Es esa sensación de azar, esa construcción arbitraria de la realidad, lo que a menudo me parece absurdo y entrañable a la vez”. Y una de las convenciones más instituidas en nuestras sociedades y culturas es la del binarismo. Preguntado por si cree en el poder revolucionario de la fluidez de género, el artista hispano-croata comenta: “Absolutamente, creo que hay un inmenso poder transformador en la fluidez de la identidad (...) La exploración de la fluidez aborda también el reflejo de un cambio social. Es un desafío a nuestras nociones tradicionales del yo, pero también es una oportunidad para crear una sociedad más inclusiva y equitativa”. Así, frente al binarismo aplicado al género y a diversos ámbitos de la realidad, filip contrapone lo cuántico: “Esta idea está inspirada en la mecánica cuántica, que nos dice que las partículas pueden existir en múltiples estados simultáneamente (...) Somos una mezcla compleja de pensamientos, sentimientos, experiencias y posibilidades… Se trata de abrazar todo el espectro de nuestro potencial”.

Bajo este enfoque, se entiende mejor el factor político y revolucionario del arte. Como un plugin nuevo, nos da la posibilidad de incorporarnos funcionalidades que teníamos en un aspecto potencial pero que no podíamos realizar debido a la programación en la que nos ha encorsetado el capitalismo y la fuerza de lo social. La cambiante mirada de la vanguardia abre la puerta a mirar lo antiguo y lo normativo con una sensibilidad renovada. Sobre esa sensibilidad hacia los objetos que cambia con el tiempo, también nos habla filip a través de una de sus nuevas obsesiones: la nostalgia. “Hace poco, un amigo me regaló un iPhone 5 y cuando lo cogí en la mano me dio completamente esa sensación de nostalgia. Pero al mismo tiempo es muy curioso, porque también viví el iPhone 5 cuando fue un objeto de novedad y no de nostalgia”. El factor temporal parece influir también en las perspectivas desde las que podemos experimentar la realidad y sus objetos -humanos o no-. Este seguramente sea uno de los enfoques desde los que trabajará filip ćustić en el futuro. Ya en pq hacemos lo q hacemos?, la exposición que prepara para PHotoESPAÑA, estará repasando su obra pictórica anterior. Y esa suerte de genealogía de lo propio, desdoblando una vez más su identidad, puede ayudarnos igualmente a abrazar o vivir de forma no punitiva lo que antes era una fuente de culpa y frustración. Así nos lo confirma él al hablar de su TOC como herramienta creativa y con esa pretensión despedimos la conversación: que lo esencial sea útil y que lo que nos bloquea pueda transformarse.

“AL EMPLEAR EL LENGUAJE Y LOS SÍMBOLOS PROPIOS DEL SISTEMA PODEMOS SUBVERTIR SU PODER Y EXPONER SUS LIMITACIONES. ES UNA FORMA DE JUDO, USANDO

EL IMPULSO DEL SISTEMA CONTRA SÍ MISMO”

dreamcore (2023), pieza performativa en colaboración con Virgen

María estrenada en la Puerta del Sol de Madrid.

árbol genealógico (2022), árbol humano en homenaje a Frida Kahlo. Exhibida en el Museo Cerralbo dentro de la presente edición de

PHotoESPAÑA.

rojuu kor kor lake, 2022 © filip custic, cortesía de Onkaos. Exhibida en el Museo Cerralbo dentro de la presente edición de PHotoESPAÑA.

filip significa amante de los caballos, 2020 © filip custic, cortesía de Onkaos. Exhibida en el Museo Cerralbo dentro de la presente edición de PHotoESPAÑA.

retrato a Rosalía, 2018 © filip custic, cortesía de Onkaos. Exhibida en el Museo Cerralbo dentro de la presente edición de PHotoESPAÑA.

pi(x)el (2022, Colección SOLO), performance en colaboración con Virgen María sobre identidad y tecnología.

POR: DIEGO RUBIO / FOTO: GABE LONG

TENEMOS MUY ROMANTIZADA

LA NUEVA YORK DE LOS AÑOS GRANDES DEL INDIE ROCK QUE RETRATA ‘MEET ME IN THE BATHROOM’, PERO LA REALIDAD ACTUAL ES BIEN DISTINTA: UNA BANDA ASÍ TIENE QUE PELEAR PARA RECLAMAR SU ESPACIO ENTRE PROPUESTAS URBANAS, EXPERIMENTACIÓN

JAZZ Y RITMOS LATINOS. Y ASÍ SON BEEN STELLAR: UNOS LUCHADORES DE LA NOSTALGIA

QUE HAN CONSEGUIDO DARLE UN AIRE NUEVO AL SONIDO DE BANDAS MÍTICAS NEOYORQUINAS COMO BLONDE REDHEAD VÍA POSTPUNK INGLÉS, Y A LA QUE ENTREVISTAMOS POCO ANTES DE QUE ACTÚEN EN EL MADRILEÑO WIZINK CENTER COMO TELONEROS DE THE 1975.

DIRTY HIT, CAMPEONES DE LOS HYPES, EDITAN SU DEBUT LARGO, ‘SCREAM FROM NEW YORK, NY’.

El sueño de montar una guitar band dista mucho, a día de hoy, de los ideales de hace no tanto tiempo. Been Stellar llevan bregando para hacerse un hueco en el universo rock desde hace más de seis años, y han visto cómo una pandemia truncaba sus planes de expansión, pero también cómo el propio sistema empezaba a oscurecerles. “Durante muchos años hemos estado haciendo simplemente lo que nos gustaba, que es tocar música entre colegas e ir tirando. No teníamos nada claras las posibilidades del grupo... Hay un millón de cosas pasando a la vez en Nueva York, y una banda de rock no es lo más interesante”. Skyler St. Marx conoció a Sam Slocum cuando eran pequeños y durante el instituto, en Michigan, anduvieron en varias bandas juntos, hasta que decidieron mudarse a Nueva York para estudiar en la universidad. Allí conocieron a Nando Dale, Nico Brunstein y Laila Wayans, con quienes finalmente dieron con la formación que compondría Been Stellar. Y allí se dieron de bruces contra la cruda realidad: “Nueva York es difícil porque hay un montón de gente talentosa en todas partes, y el hecho de estar en una banda y hacer la música que nosotros hacemos ya no es necesariamente tan cool como podía parecer hace diez años”, reconoce Skyler. Y Nando completa: “Además es una ciudad muy hostil para una banda que está empezando: lo ves en el metro, por ejemplo, cuando te encuentras con otros chavales que están igual que tú, cargando todo el equipo en un vagón... no es una ciudad en la que sea fácil tener coche, por ejemplo. Nosotros somos muy afortunados de tener al menos un sitio donde ensayar: incluso eso es difícil de encontrar en esta ciudad”.

Lo hacen en el sótano de Sam; tiene la suerte de tener uno en Brooklyn. “Realmente Brooklyn sigue siendo el único sitio en el que la gente todavía puede al menos plantearse alquilar un apartamento. Y si eres artista incluso Brooklyn se ha puesto imposible ahora”, dice Sam, que es muy consciente y muy crítico con las derivas ultracapitalistas del mundo contemporáneo. “En Europa podéis ir por la tarde a cualquier sala pequeña, pagar una entrada asequible y ver a un grupo sin mirar si quiera quién toca... muchas veces incluso son gratis. Y hay bandas increíbles. Eso no existe en EE UU, aquí existe internet. Por eso creo que toda la movida de Soundcloud y de bedroom pop tuvo tanto impacto aquí, porque es así como nos podemos permitir consumir música”. Esos modos de consumo se traducen en modas, que se traducen en movimientos, que se traducen en inversiones. Pero a ellos les mue-

ve la contracultura: “Nuestra biblia es la Velvet Underground, pero lo que me parece realmente inspirador es la era de Nueva York que empezó a desarrollarse en los noventa, antes de toda la explosión Strokes: cosas tipo Bowery Electric. Todavía no había esa obsesión con la industria, con la idea del producto: creo que son bandas que no hacían música, hacían arte. Eso es lo que perseguimos nosotros”.

De hecho, tienen una relación complicada con lo que representan los Strokes. “Lo hicieron muy bien y su primer disco es increíble, pero también creo que en cierto modo fue dañino todo lo que les rodeó. Prácticamente cualquier grupo de Nueva York, incluso en todo EE UU, que coja unas guitarras después de ellos y se ponga en plan indie rock ya va a sentirse muy condicionado para hacer algo en esa línea, el propio sistema te empuja a ello. Nosotros mismos lo hemos hecho al principio: hay una especie de inercia con ellos, esta idea de que tienes que sonar a ellos si quieres molar”. Y, efectivamente, de canciones como The Poets al EP homónimo que lanzaron en 2022 con el sello inglés So Young Records -que entendería mejor que la industria estadounidense un viraje hacia el noise y el postpunk- hay un salto evidente. “Uno de nuestros grandes aprendizajes ha sido el desaprender todas esas influencias”, reconocen. Apenas cuatro meses después de aquel Been Stellar les empezaron a llover ofertas discográficas y finalmente se decantaron por Dirty Hit, que ahora edita su debut largo: Scream From New York, NY. Producido por Dan Carey, culmina un proceso de difuminación que les aleja aún más de lo que podría ser -y no será- una nueva escena neoyorquina que les acerca al sonido británico, pero también, paradójicamente, a Blonde Redhead. “Somos colegas de tres o cuatro bandas en NY y tocamos con ellos a menudo, pero yo creo que esos tiempos de una escena neoyorquina de indie rock ya quedaron lejos. Hay escenas en Nueva York, y sigue siendo una capital mundial musical de la que sale música increíble, pero ya no es necesariamente música de guitarras o rock. También creo que todo hay que verlo en retrospectiva, y que para hacer una escena también necesitas unos medios que miren hacia ella: en ese momento fueron esenciales para crear esa idea de escena; ahora los medios ponen el foco en otras cosas. Y aun así pasa de todo y está todo muy esparcido: hay bandas en Manhattan que viven de esto muy tranquilas, y hay muchos sitios para tocar también. Nosotros salimos mucho por Manhattan realmente”. ¿Quizá alejarse es una forma de reconciliarse con el punto de origen?

SCREAM FROM NEW YORK, NY

HIT / MUSIC AS USUAL, 2024)

Sweet /

HIT MAN

POR: CHARAS VEGA LA ÚLTIMA PELÍCULA DE RICHARD LINKLATER (HOUSTON, 1960), ESTRENADA EN LA PASADA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE VENECIA, SE PUDO VER ANTES DE SU LLEGADA A LAS SALAS EN LA CIUDAD CONDAL GRACIAS AL FESTIVAL DE CINE DE BARCELONA. UNA COMEDIA DE ACCIÓN BASADA EN HECHOS REALES CON TOQUES DEL MEJOR SCREWBALL QUE HA ENCANTADO TANTO A CRÍTICA COMO A PÚBLICO.

‘HIT MAN. ASESINO POR CASUALIDAD’ RONDA LOS TEMAS RECURRENTES DEL TEXANO, LA FILOSOFÍA, ESAS HISTORIAS DE VIDAS CORRIENTES QUE SÚBITAMENTE DEJAN DE SERLO, Y UN HUMOR MÁS BIEN MACARRA. UNA DELICIA TANTO PARA FANS DE LINKLATER COMO PARA AMANTES DEL GÉNERO.

La historia es sencilla: nuestro protagonista, Gary Johnson (Glen Powell), es un profesor de filosofía solitario que se ve enredado en un trabajo como agente infiltrado y que se hace pasar por sicario. Esta nueva 'faceta' de su vida acaba encajando como un guante, y a base de ganar confianza en sí mismo acaba por convertirse en maestro del disfraz, una suerte de Mortadelo que permite a Powell mostrar una faceta cómica inédita hasta la fecha y que le sienta estupendamente. “Suelo escribir los guiones con los actores, así que los diálogos son pactados, además de muy ensayados”, dice Richard Linklater mientras presenta Hit Man, su nueva película, en el marco del Festival de Barcelona. “Parece que improvisamos pero, de hecho, somos muy estrictos con el guion. Escribir los guiones y trabajarlos con los actores hace que todo salga muy natural, pero hay mucho trabajo previo detrás”. Es un proceso habitual en el director texano, que siempre persigue la credibilidad en sus cintas. Ahí están los personajes de Jack Black en School of Rock o Bernie, a los que el actor imprimía gran parte de su personalidad. Glen Powell firma como coguionista de la película, y su caso es parecido. Tanto que el director recalcó entre risas que se parece más a ese Hit Man que al profesor de filosofía. El punto de inflexión de la cinta llega cuando Gary conoce a Maddy (Adria Arjona), ama de casa que contrata los servicios de este sicario para terminar con la vida de su marido maltratador. Gary comienza a enamorarse de esta mujer que, además de no coincidir con el perfil de sus anteriores clientes, también desarrolla sentimientos recíprocos hacia él -o al menos hacia el personaje que él ha creado-. El hecho de que Hit Man se base en una historia real no impidió a Linklater tomarse bastantes licencias creativas: descubrieron la noticia en la que se inspira, contactaron con el protagonista y él, una vez dio su aprobación, decidió no interferir en el proceso de la película, como contó Linklater en rueda de prensa. Este hombre murió poco antes del estreno de la cinta, así que Hit Man, dice Linklater, está dedicada a su memoria.

ECOS AL MEJOR LUBITSCH Y SU INDISTINGUIBLE “TOQUE” Linklater se ha atrevido a tocar géneros muy diversos a lo largo de su carrera, y todos ellos de manera más que sobresaliente. La comedia, la filosofía o el uso de una banda sonora plagada de canciones de rock son varios de los pilares de su filmografía, entre la que podemos encontrar desde dramas familiares a películas de animación o incluso coming of ages. Y uno de los grandes aciertos de Hit Man es la recuperación del filme noir a la hora de dar forma tanto a la subtrama amorosa como al arquetipo sobre el cual se sostiene el personaje de Maddy. Nos encontramos ante una película firmemente posmoderna pero con unos diálogos delirantes que emulan

al screwball comedy de los años cuarenta y que recuerdan al mejor Lubitsch. Y en la que cobran especial importancia todos los props que caracterizan al personaje de Glen Powell, una especie de Zelig (Woody Allen, 1983) que juega con acentos e incluso con manierismos estereotipados para crear comedia casi de cartoon, para crear a los diferentes Hit Mans que tratarán de convencer a los ciudadanos para que contraten sus servicios.

DE VENECIA A NETFLIX

“Me sorprendí al ver el interés de las plataformas de streaming por Hit Man (...) La verdad es que también ha tenido muy buena acogida aquí en Barcelona, pero también en Venecia... Estamos muy contentos por ver a tanta gente dándonos buenas críticas”. No es raro que Linklater, auteur díscolo con incursiones contrastadas en el

MOVIDA DEL 76 (1993)

Un hito en la mitomanía más gamberra del director texano, que analiza aquí la década de los setenta de la forma más incorrecta posible, descubriendo de paso a un jovencísimo Matthew McConaughey.

SCHOOL OF ROCK (2003)

El mayor hit de la carrera de Linklater. No dudó en hacer que un montón de críos de 10 años no tuvieran ningún pudor en saltarse clases, descubrieran el rock'n'roll y mandaran a hacer puñetas a sus padres.

BERNIE (2011)

Otra historia verdadera, una comedia muy negra que llevó a Linklater a inmiscuirse tanto en el caso que acabó con el protagonista -el real, no Jack Black- viviendo en su casa.

mainstream pese a su visión innegociable, se sorprenda de que su película esté radiándose a través de grandes altavoces, del mismo modo que no sorprende el interés de Netflix, que distribuirá la cinta en EE UU: aunque el texano parezca tan solo conocido por el espectador de cine independiente, no debemos olvidar que casi se alzó con el Oscar por Boyhood (2014) y que su nombre está detrás de una de las comedias familiares más rentables de la década pasada, School of Rock (2003). Además, y aunque este film de presupuesto medio aborde temas no demasiado populares como la filosofía y se trate de una comedia de acción un poco fuera de lo común -no solo por su falta de escenas de acción, sino por su construcción del humor apostando por la situación y el enredo en vez de la punchline-, cuenta

HIT MAN (7 junio)

EE UU. 2023.

Diamond Films

ANTES DE AMANECER (1995)

Quizás la película que más se asocie al director texano, e inicio de una saga (por el momento trilogía). Un must en el que lo filosófico sirve para reflexionar sobre el amor en general a través de la relación de una joven pareja.

WAKING LIFE (2001)

Una oda al surrealismo y a la filosofía del existencialismo en la que unos personajes lisérgicos sientan cátedra sobre el mundo real y el de los sueños.

BOYHOOD (2014)

Si tuviéramos que guiarnos por los galardones, Boyhood sería la película más relevante de Linklater. Una cinta reflexiva sobre el paso del tiempo y la vida misma en la que vemos a los actores crecer -literalmente- junto con sus personajes durante una década.

con uno de los grandes nombres del año, un Glen Powell que viene triunfando desde su aparición en uno de los blockbusters más taquilleros de la década -Top Gun Maverick (2022)- y que este 2024 doblará apuesta con una de las rom coms de la temporada: Anyone But You

Tras las alabanzas en Venecia y Barcelona, Linklater ha encontrado otro motivo de satisfacción más según avanzaban las proyecciones. “Desde mi asiento podía escuchar las carcajadas del público... Es muy emocionante ver a toda una sala de cine riendo”. Hay algo colectivo en la forma en que una comedia se completa en vivo y en directo. “Creo que esta película gana con una gran audiencia, así que recomiendo al espectador ir a verla al cine... O al menos verla en compañía”. Lo secundamos.

Dirección: Richard Linklater. Reparto: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta, Molly Bernard.

El 7 de junio llega el nuevo trabajo de GiGi FM, ‘Movimiento’. La artista francoitaliana lo lanza en su sello, Sea~rène, en el que ya presentó algunos otros trabajos muy distintos en un sentido sonoro y conceptual. Sobre esas diferencias, la exploración personal y extraplanetaria y formas alternativas de conocimiento, hablamos con ella hace unas semanas.

POR: MIGUEL PARDO / FOTOS: EMOTIONAL RIOTS

Una de las referencias a las que alude Giulia Fournier-Mercadante (GiGi FM) durante nuestra conversación es al videojuego de exploración cósmica Starfield. La dj, bailarina, productora y mánager de su propio sello discográfico tiene un enfoque musical peculiar a la par que intuitivo. Una sirena intergaláctica, como ella misma se describe, que pretende unificar al clubber y al selector, borrando barreras o convencionalismos y poniendo a interactuar dicotomías y dualidades hasta generar un complejo cosmos repleto de infinitas y diversas formas de vida. “Somos contradicciones andantes”. Y cada uno de esos tracks o de esos microcosmos con su propia idiosincrasia es para Giulia como un individuo. “La música es como la gente, cada canción es una persona y tengo que pensar en dónde se encuentra, qué es lo que hace, qué es lo que dice, cómo se viste…”. Su concepción de la música en general y de la de baile en particular tiene el carácter profundo y ritualista de quien se preocupa con ahínco por los orígenes de sus prácticas, por su antropología. Así, GiGi procede a mostrarnos algunas de las sinopsis o explicaciones que hace de cada canción, de cada set… Y nos cuenta cómo Sea~rène “es la mejor plataforma para expresarme sin fronteras”. Cuando seguimos pensando en las barreras ficticias que rodean la música, afirma: “No hay danza sin música ni hay música sin danza… Incluso cuando escuchas ambient puedes percibir cómo una parte de tu cuerpo está conectando con ella”. Y en su propuesta como dj se puede percibir esa vibración que contiene infinitas variantes. Una propuesta simultáneamente telúrica y extraterrestre, que interactúa formando una ingenua manera de acercarse a la escucha y al cuerpo. De este modo, no solo el viaje astral, sino también el estudio de los orígenes -¿acaso no son lo mismo?-, de lo abisal y reprimido por la historia, aparecen como un motor creativo para GiGi FM. “El universo nació del sonido y los átomos”, comenta referenciando el Om. Entonces no podemos sino preguntarle por otras experiencias y narrativas insondables, como los estados oníricos. “Los sueños pueden no significar nada… Pero podrían hacerlo, y creo que eso es genial y está relacionado con la mitología (…) Como todo lo espiritual, si te puede hacer ser mejor persona o entender mejor algo de ti misma, merece la pena”. Junto a esa necesidad originaria de buscar explicaciones y de dar sentido al cosmos que nos rodea se encuentra precisamente la de bailar y moverse con las vibraciones primigenias; de ahí el nombre de su nuevo EP. Pero también en esas capas más bajas y estados más profundos de con-

ciencia podemos encontrar cosas inquietantes. “Muchas veces simplemente son miedos, porque somos pequeñas criaturas humanas asustadas”, dice, y continúa citando una de las frases que utilizó en su reciente all night long en Razzmatazz: “Una mente llena de miedos no tiene espacio para sueños”. Es ahí donde parece estar uno de los objetivos del proyecto de GiGi FM. Borrar viejas fronteras y divisiones generadas por el miedo y dar forma y espacio a nuevas formas de pensar e imaginar, nuevas conexiones y sueños que acontecen en algún lugar del espacio interestelar de la pista de baile.

“Las palabras no son suficiente”, concluye. Efectivamente, su proyecto y la conceptualización que hace de cada track en Movimiento parecen formar un todo con la música; un ámbito en el que cada tema existe por sí mismo. “Gabriella es mi tercer nombre y es un homenaje a mi abuelo”, dice referenciando la tradición napolitana de su familia y esa ascendencia latinizada, dramática e indecisa. Pero nos interesa particularmente Tempelhof, ese homenaje al parque berlinés en el que “la gente está haciendo barbacoas, skate, la gente está besándose, rompiendo relaciones…”. Un conjunto de antípodas emocionales y afectivas que funcionan como un sistema solar diverso, complejo y hermoso. “Siempre empiezo a hacer música desde un movimiento y un color”. Como si de una nueva especie que emerge se tratase, cada nueva variedad vegetal, como la multitud de plantas que Giulia tiene en su casa, crece y diverge con sus contrarios. “No hay yin sin su yang”, admite casi entre risas.

Desgraciadamente, estas mismas contradicciones, que son naturales, se ven exacerbadas de una manera preocupante en nuestro mundo polarizado. Cuando hablamos de la situación social y política actual, admite: “Temo por la democracia, porque no podamos tener compasión y comprensión”. Incluso nos comparte un poema que ha escrito sobre el contexto político y el genocidio, que os dejamos en el despiece. Terminamos en un tono reconciliador, comentando el set de Razzmatazz y cómo desarrolló una meditación guiada que basculó hacia el techno, el jungle, en un Lolita ambientado como un bosque submarino. “Es el espacio seguro al que voy cuando medito... Allí hago jardinería con mis pensamientos, retirando hojas”. Y con esa imagen, la de un jardinero que cuida las plantas de su vergel, cada una desde su particularidad y con sus necesidades propias, despedimos a Giulia. Flotando bajo el agua o en mitad del espacio exterior, nos encontramos en la música.

MOVIMIENTO (SEA~RÈNE, 2024)

DIGITAL / EP

“In shadows deep, where sorrow cries, From Gaza's grief to Sudan's skies, Ethiopia's pain, a silent plea, For freedom, hope, democracy. Voices rise, a beacon bright, Against the dark, for justice's light. In unity, our strength, our fight, For peace, for all, a future bright”

Gabriella / Tempelhof / Awakening The World’s Heart / Lucid Dream / Raspberry Pie

EL ARTISTA PUERTORRIQUEÑO, CON SOLO 20 AÑOS, ANTICIPA SU MADUREZ EN UN SEGUNDO TRABAJO OSCURO, SÓLIDO, TÓRRIDO Y ENGRASADO QUE RINDE HOMENAJE A LAS FIESTAS DE MARQUESINA Y SE ABANDONA A LA ÉPICA BOMBÁSTICA DE KANYE WEST Y SUS HEREDEROS ESPIRITUALES. AL AZUL OSCURO CASI NEGRO. ‘EN ESTA NOS FUIMOS LEJOS’ MARCA UN NUEVO PASO EN LA CARRERA DE ALEJO, ENREDANDO EN UNA MISMA PISTA ELECTRÓNICA Y PERREO. SU ‘YHLQMDLG’ PARTICULAR. HASTA EL SUELO.

POR: DIEGO RUBIO / FOTOS: ANTONIO RUIZ

oy hay fiesta: son las 12 de la mañana en Puerto Rico y esta misma tarde ve la luz En esta nos fuimos lejos, el segundo álbum propiamente dicho de Alejo. Hay revuelo a su alrededor, y mucha expectación. Emoción por parte del equipo; se cuela jaleo por el altavoz del móvil. Es 16 de mayo. Pero Alejo ya está pensando en lo que le deparará el futuro. Esa necesidad indomable de querer ir hacia delante es, en el fondo, lo que ha dado sentido a su nuevo trabajo, lo que ha permitido que existiera. “Yo ya tenía claro que quería hacer este disco en algún momento”, explica risueño, lleno de energía, al otro lado de la pantalla. “Pero no que lo fuera a hacer ahora”. Es, en cierta manera, un disco de madurez, un disco de consolidación, que esperaríamos de un artista en un momento más avanzado de su carrera y de su vida. Pero para esta generación las páginas pasan más rápidas que nunca. Rubén Alejandro, con solo 20 años, siente que tiene mucho que demostrar.

“Con el disco pasado yo le di a la gente lo que a mí me gusta hacer, tenía ese color superromántico, todo bien sentimental, de amores y desamores. Pero este lo veo como un statement de qué soy capaz de hacer”, reconoce. El favorito de las nenas, lanzado el año pasado, estaba efectivamente más pegado al reguetón romántico, y representa para él su paso por el instituto,

Alejo no esconde sus influencias, que han marcado desde el primer momento el moodboard de este trabajo. Estos son los discos que escuchaba entre grabación y grabación...

“SIENTO QUE HAY UNA EVOLUCIÓN EN LA MÚSICA, EN LA PRODUCCIÓN...

SON ELLOS

LOS QUE MANDAN”

una época de prueba y descubrimiento, pero también de disfrute desenfadado. En esta nos fuimos lejos es más maduro, más concreto, está más unificado y va más allá. “Siento que hay una evolución en la música, en la producción... me he encerrado con Huertas y Baez, que son como mis productores fijos, in house, y también con Okelo, que es un productor de Puerto Rico que está empezando, pero lo conozco desde hace muchísimo tiempo y es muy, muy bueno. Luego también con Yung Cado, que es quien hizo la pista de Pantysito -su colaboración con Feid y Robi-. Han participado muchos productores para darle la vuelta que queríamos, y siento que las pistas de este disco están muy duras. Más que las del disco anterior, y te lo digo con total sinceridad. Falta que la gente me dé el birrete, porque son ellos los que mandan”.

La presión se da por descontada, claro, pero dice llevarlo bien. “En parte tienes esa cosa de cumplir con los fanáticos y darles lo que quieren, porque el último disco gustó mucho y hay que seguir ahí, dando el 200%. Pero estoy muy

YHLQMDLG

Bad Bunny / 2020

“Es mi disco favorito, 100%”. Y se nota: su nuevo álbum lo emula desde el respeto, de las marquesinas a la grasa, de la plazita al soundsystem, del reguetón a la electrónica.

seguro de todo lo que todos hemos dado para este proyecto. A lo mejor con el disco pasado sí que tenía más miedo de no dar con la tecla o cualquier cosa, porque no tenía el fanbase que tengo ahora y era mi primer proyecto serio, pero para este disco no he tenido tanto miedo. Siento que le estoy dando un color nuevo a mi sonido y que la música, al final del día, va sobre esto, sobre evolucionar y seguir creciendo, abriéndose. Y si a la gente no le gusta lo respeto: yo estoy satisfecho con lo que hemos hecho, sé que dimos un discazo y estoy súper mega proud: es la primera vez que traigo ritmos y sonidos que yo no había hecho nunca”, afirma lleno de seguridad. Le gusta pensar en En esta nos fuimos lejos como su graduación particular: su Collage Dropout no ha necesitado el epílogo de un Late Registration, ha llegado directamente hasta Graduation. Para esta generación las etapas se queman cada vez entre más llamas.

Obviamente Kanye West ha sido una influencia fundamental a la hora de afrontar esta nueva andadura. Y no solo él: toda su herencia en el rap de los últimos 25 años. “Este disco siempre estuvo claro en mi cabeza porque 'en esta nos fuimos lejos' es uno de mis eslóganes, y siempre ha estado pensado como un disco muy oscuro. Esa siempre fue la idea. Tirando mucho hacia el rap de estadios americano, ese rollo Kanye West y Travis Scott... también escuché mucho a Kendrick Lamar. Me fui en ese viaje y a lo mejor se refleja en el disco, pero es que eso era lo que quería ejecutar”. La cosa es que después de sacar El favorito de las nenas, más o menos en octubre del año pasado, se metió en el estudio y le salieron tres temas que eran del color que él quería para ese disco. “Así que dije: ‘vamos a ponernos pa' esto’. Si la música que yo quería para este álbum está saliendo ahora naturalmente, pues olvídate. Y rompemos”.

Ese color, ese azul y negro que entrelaza el baile, los subgraves y los ritmos frenéticos, que para Alejo “ es algo muy cool que siento que, al menos en la música latina, no lo está haciendo mucha gente”, es el mismo que tiñe los cielos de Ye. El mismo del que huye el Bad Bunny de YHLQMDLG; el mismo en el que se sumerge Cruz Cafuné en Me muevo con dios, al que hace referencia en una de sus nuevas canciones. Todos están en su centradísimo moodboard: “Siempre que me pongo a hacer un disco trato de escuchar mucha música, hago mi research... y de todo,

VICE VERSA Rauw Alejandro / 2021

Si hubo alguien que supo entender los rieles electrónicos del nuevo perreo fue Rauwleto, estrella guía de todas las ondas reguetron. En su estela caminan muchos más que Alejo.

SAUCE BOYZ

Eladio Carrión / 2020

Este disco ha sido la referencia conceptual más importante para En esta nos fuimos lejos. “Cuando pensaba en cómo quería sonar siempre acababa en el Sauce Boyz”, confiesa.

ASTROWORLD

Travis Scott / 2017

Travis Scott ya estuvo ahí tras los órganos de la catedral neogótica que fue Yeezus, y cuando lo trasladó a su imaginario el mundo estaba tan twisted que prefirió montarse un circo de los horrores.

DONDA Kanye West / 2021

“Me gustan mucho las pistas de ese disco, demasiado. En términos de producción me ayudó muchísimo a entender lo que quería”. Kanye, bibliografía universal.

además, no solo música urbana. Escucho mucho Maná, Enanitos Verdes... Me gustó mucho el Me muevo con dios cuando salió, y en el transcurso de grabar este disco lo poníamos mucho entre corillos, así que al final me salió solo tirarle la mención. Y sé que a los fanáticos de allá de España les va a gustar”.

Nuestro país es, de hecho, muy especial para él. “Estoy muy pendiente de todo lo que suena en España porque es una plaza que es muy importante para mí y que me ha apoyado un montón desde el principio. Me encanta lo que está pasando allá, hay un montón de artistas, tanto de una nueva generación muy dura como otros ya consolidados: me gustan mucho Omar Montes, Rels B, Cruzzi... Siento que Quevedo está haciendo muchas cosas durísimas para representar a España, por ejemplo, o Saiko”. Después de presentar En esta nos fuimos lejos en una listening party en Madrid, durante este verano se embarcará en una extensa gira de festivales con 15 paradas en nuestro país.

Pero nada como Puerto Rico, como buen puertorriqueño. Y es que su último trabajo es, por encima de todo, un homenaje a las fiestas de marquesina y al perreo viejito, por parte de un chaval que ya es más joven que el reguetón.

“La música de este disco está bien PR, me puse mucho a estudiar el género y a descubrir artistas de la vieja escuela como Jowell & Randy. Me encanta el reguetón: no lo escucho desde pequeñito, pero que desde que empecé a escucharlo lo he tenido muy relacionado con hacer música”, confiesa. Al final ha sido su inspiración principal a nivel creativo, su motor. “Al reguetón le queda un montón por crecer todavía, so si yo puedo aportar mi granito de arena ahí pues es todo un honor”.

El otro gran motor ha sido Cosmo, su gato, que da nombre a la canción que abre el álbum y que sirve un poco como emblema. En la portada del disco lleva, de hecho, a los dos bien presentes: “Me gusta mucho hacer símbolos para cada proyecto porque creo que te ayuda a marcar mucho esa etapa: en el último disco fue lo de teñirme el pelo; en este es el color azul, la bandita de Puerto Rico y, claro, el colgante con la silueta de Cosmo”. El gato también encaja en cómo lo han trabajado, en sesiones maratonianas de catorce horas, trasnochando y sin dormir. En apenas seis meses lo terminaron. El track 11, por un fallo de featuring, no estaba listo cuando hablamos. Pero una semana para Alejo son meses en el tiempo de un humano normal.

DIGITAL

EN ESTA NOS FUIMOS LEJOS (JUNGL / ONERPM, 2024)

Cosmo / La crush / Casa de campo / Los lobos / Como Nicky / Rotonda / Stories verdes / Del avión pa tu apa / Jacu’ / Petty / Wiki Wiki / Bien :( / Noches de más / Punto Nemo

POR: MARTA ESPAÑA

FOTO: @ANNAFULLMOON

FUNDADORA DE FREE SIS MAFIA, HUDA DEBUTA EN SOLITARIO CON ‘JAMILA’, UN DISCO EN EL QUE FUSIONA TRAP CON AFROBEAT, JERSEY CLUB, TRANCE O MÚSICAS FOLCLÓRICAS DE SUS DOS CASAS: MARRUECOS Y ESPAÑA. SU PRIMER LP ES UN HOMENAJE A SU MADRE, LOS VALORES QUE LE INCULCÓ O LOS SACRIFICIOS QUE TUVO QUE HACER PARA CRIARLA. TAMBIÉN UNA REFLEXIÓN SOBRE SU DUALIDAD IDENTITARIA. ‘JAMILA’ ES UN DISCO DE AMOR, PERO ADEMÁS ES UNO DE LOS TRABAJOS MÁS POLÍTICOS DENTRO DEL TRAP NACIONAL RECIENTE.

Huda le dedica Jamila a su madre. La rapera, anteriormente miembro del colectivo Free Sis Mafia, se muestra en la portada de su debut con una sudadera que sirve de hiyab a la vez que abraza a una mujer mayor de espaldas. “Es esa mezcla entre las dos culturas que he vivido. Mi madre representa exactamente todo lo que he aprendido sobre la cultura marroquí. Y luego estoy yo y la calle, y mis amigos, que son los que me han enseñado lo otro. Hablar de eso me parece un deber. Tengo doble cultura así que te puedes sentir identificado conmigo seas de donde seas. Siempre he tenido la motivación de hacer música hablando de valores más arraigados a la familia, al cariño y el respeto a los mayores. En España, gracias a Dios, aguantan un poco, pero se están empezando a perder”. Esta -no tan- nueva conexión con su familia le ha ayudado a aceptarse dentro de su otredad, y a reivindicar su cultura. No siempre ha sido así: “Cuando eres pequeño te sientes diferente y no llegas a apreciarlo, lo intentas ocultar. Me acuerdo mazo cuando en el colegio me preguntaban ‘¿De dónde eres?’. Yo decía: ‘Soy española, pero de origen marroquí’. Ahora me preguntas y te digo que soy marroquí, y me siento súper española también, pero abrazo más mis raíces. Los niños son muy cabrones: eres el moro, el chino, el latino. Poquito a poco hemos ido resolviendo movidas de la infancia. Tengo una relación más sana con eso y estoy muy orgullosa. Por eso también la portada. Mi madre es esta persona, y lleva el hiyab, somos musulmanes y tenemos otra cultura, otra religión, pero llevo viviendo aquí desde pequeña y me encanta todo lo castizo”. Jamila, además, es tanto una terapia como una reivindicación identitaria: “Después del disco entiendo más cosas. Me ayuda a pensar, a conocerme un poco más, a entender problemas que he tenido, a desahogarme un poco. Y, por otro lado, es un mantra de confianza y de decir ‘yo puedo’. Voy a decirlo tanto que me lo voy a creer, necesito ser mi propia jefa. Y es un puto lujo poder hacerlo”. El disco participa del tópico trapero del ascenso social por causa musical: Huda quiere comprarle un casoplón a su madre. No tenía nada y aspira a todo. Y, aún así, sigue estando lejos de ser una trapera al uso: “El discurso es importante. No quiero llegar a miles de personas con la triple P: pibas, porros y pasta. Porque cuando tenga cincuenta años no me quiero dar vergüenza. Me parece súper chungo lo de los discursos hoy en día, y creo que necesitamos música que nos ponga los pelos de punta y nos emocione. Que nos dé ganas de estar con nuestras madres. Vas a llamar a tu madre, tío, que no la llamas. Llevas 234 días sin llamar”. Huda, más que trapera, pertenece a la vieja escuela y, si bien su álbum se presenta como trap, aglutina reguetón, funk carioca, flamenco o jersey club. El hilo conductor es el activismo que hay tras los temas: “Para mí el rap es una movida revolucionaria,

y política. No es panfletero, no es ser de izquierdas. Es más una política social: si haces dinero no puedes olvidar de dónde vienes, lo que hay. Estamos jodidos de oportunidades, pero no hay que hacerse el mártir. Lo importante es que, si lo consigues, no te vayas por los lares: venimos de donde venimos y estamos haciendo un género musical que tenemos que respaldar. Y si no, no hagas rap, estarás muchísimo más forrado y nadie vendrá a tocar tu puerta a decirte que no estás siendo consecuente con tu música. Hay que aprender a gestionar el dinero. Saber de dónde vienen las cosas y lo que valen, y no olvidarte de que existe la mierda, aunque ya no estés en ella”.

Huda nació en España, fueron sus padres los que emigraron antes de que ella naciera. 5mil imagina lo que es cruzar el Estrecho: “Tengo un primo que hace poquito llegó a España. Pensar en la burocracia, en lo que cuesta conseguir los papeles a alguien que lleva currando dos años, inspiró 5mil. Es un puto privilegio que mis padres hayan venido aquí y se hayan comido ellos la mierda. Mi primo tiene 20 años, tiene muchísima más calle que yo y muchísimas menos oportunidades. La gente tiene tal rechazo a esta gente que viene aquí a currar… no lo entiendo ni lo entenderé jamás. Lo intenté tratar con mazo de respeto, creo que es importante que la gente sepa lo que pasa en las cabezas de esas personas. No empatizamos, es inhumano”. Otra de las problemáticas abordadas en su trabajo la encontramos en Benzo, donde no critica el consumo de las benzodiacepinas de forma masiva a edad temprana, sino el sistema que lo perpetúa: “La peña de 16 años vive medicada, es loquísimo. Pero también le di un doble sentido, porque también me refiero al Mercedes como benzo. Hay mucha gente que se cuestiona por qué soñamos con eso, por qué solo soñamos con dinero, coches y casas para nuestros padres. Es porque no lo hemos tenido nunca. Si hubiera tenido otra vida, hubiera hecho otro disco totalmente distinto. No hubiera pensado en que esto es para mi madre, hubiera pensado más en mí”.

Así, Jamila es tan ambicioso como sincero, tan reivindicativo como emocionalmente directo al corazón. Huda juega con influencias musicales magrebíes y las entrelaza con guitarras españolas, rap americano o afrobeat, sin perder de vista el compromiso con los suyos y la lucha que nace desde la entraña. Aunque es un homenaje a los valores que su madre le inculcó, no lo ha escuchado aún: “El tema Jamila , que es el que da nombre al disco, está cantado a medias en marroquí. Mi madre habla muy bien español, lleva aquí treinta años, pero hay jerga que no entiende. A mí me pasa con el marroquí. Lo hablo perfectamente, pero si escucho una canción de rap con la jerga, no la entiendo del todo. Así que este tema es para ella, para que lo entienda. Supongo que le hará mucha ilusión”.

“SOMOS MUSULMANES Y TENEMOS OTRA

CULTURA,

OTRA RELIGIÓN,

PERO LLEVO VIVIENDO AQUÍ DESDE PEQUEÑA Y ME ENCANTA TODO LO CASTIZO”

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volar / Puro / Jamila

CD / DIGITAL / LP

JAMILA (OSO POLITA, 2024)

Intro / Como no / Aleluya / Por dinero / Benzo / 5mil

No he parado

Vibras / Plástico / Tous les jours / Sé

TAN SÓLO CINCO MESES DESPUÉS DEL ESTRENO DE ‘POBRES CRIATURAS’, UNO DE LOS FILMES MÁS EXITOSOS DE LA PRIMERA MITAD DE AÑO, LLEGA A LAS SALAS ESPAÑOLAS LA NUEVA PELÍCULA DE YORGOS LANTHIMOS. EN ‘KINDS OF KINDNESS’, EL CINEASTA ATENIENSE VUELVE A COLABORAR CON EMMA STONE, A LA QUE SE UNE UN REPARTO ESTELAR EN UN TRÍPTICO DE HISTORIAS INESPERADAS Y DESCONCERTANTES QUE HA CAUSADO CIERTO REVUELO EN CANNES. LO COMENTAMOS.

KINDS OF

KINDNESS

POR: DANIELA URZOLA

Decir que está siendo un buen año para Yorgos Lanthimos y Emma Stone sería quedarse corto. Primero fue Pobres criaturas, la más reciente ganadora del León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia y una de las grandes favoritas de la temporada de premios a comienzos de año, resultando en el segundo Oscar a Mejor Actriz en la carrera de la actriz norteamericana. Ahora, con menos de un año de diferencia, ve la luz Kinds of Kindness, nuevo proyecto del director griego junto a su musa y colaboradora. Una relación profesional que se inició con La favorita en 2018 y que hoy resulta en una de las duplas más prolíficas del panorama cinematográfico.

Estrenada en la 77ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes, que tuvo lugar del 14 al 25 de mayo, Kinds of Kindness formó parte de la Sección Oficial, dando su pistoletazo de salida con una recepción dividida. Y, sinceramente, no esperábamos otra cosa. Una parte de la crítica se ha referido a ella como una película ambiciosa que constituye otro gran acierto por parte del tándem Lanthimos/Stone, mientras otros hablan de una fórmula agotada que no busca otra cosa que generar shock de forma gratuita en el espectador. En cualquier caso, resulta claro que, una vez más, un filme de Lanthimos está de camino a convertirse en otra obra de culto.

Desde el anuncio de su reparto este ya generaba altas expectativas. Algo que se ha amplificado con los pósters de personajes publicados recientemente y, en especial, con la química que han demostrado tener a su paso por Cannes -más allá de debates-, que a su vez se refleja en la gran pantalla. A Stone la acompañan nombres tan conocidos y variados como los de Willem Dafoe y Margaret Qualley -a quienes también vimos ya en Pobres criaturas-, Joe Alwyn -La favorita- y otros debutantes en el universo lanthimiano: Hong Chau, Hunter Schafer, Mamoudou Athie y Jesse Plemons. Este último ha recibido el Premio a la interpretación masculina en el Festival de Cannes, y sobre su trabajo en el filme ha declarado: “Recuerdo leer el guion un par de veces y sentir que tenía la historia ya dentro de mí, pero sin saber aún cómo ubicarla. Es una experiencia muy inquietante, por lo que implica mucha confianza en el director y tiene mucho de seguir tus propios instintos”. Un galardón que llega con el timing perfecto, recién anunciado el próximo proyecto del director griego con, precisamente, Plemons y la propia Emma Stone en los papeles protagonistas: una comedia de ciencia ficción titulada Bugonia y que seguramente dará mucho de qué hablar, en la línea Lanthimos.

Pero de momento volvamos a Kinds of Kindness, cuyo estreno en salas españolas el próximo 28 de junio marca uno de los momentos cinéfilos más importantes del verano. En la que es su novena película, Lanthimos también vuelve a colaborar, tras Canino, Lobster o El sacrificio de un ciervo sagrado, con el guionista Efthimis Filippou. Como el mismo Lanthimos ha señalado

en la rueda de prensa del Festival de Cannes, es un guion en el que han trabajado “a lo largo de varios años y entre distintos proyectos”, y que solo llegaron a finalizar cuando Pobres criaturas se encontraba en el trabajo de efectos visuales en la etapa de posproducción. Esto permite anticipar un cambio de tono con respecto a sus títulos más recientes, la citada Pobres criaturas y La favorita, manteniéndose fiel al humor negro que atraviesa su filmografía pero volviendo a unas raíces que se acercan más al thriller perturbador que a la sátira pura y dura. Esto también se refleja en el lenguaje formal: deja a un lado herramientas como el ojo de pez, que le otorgaban cierta cualidad deformada a la imagen de sus últimos trabajos, para optar por planos estáticos que intensifican la sensación de extrañeza y desasosiego. Seguramente eso es lo que perseguía Lanthimos, que parece disfrutar muchísimo de que se le considere, tanto fuera como dentro de Hollywood, uno de los cineastas más provocadores de la actualidad. Más aún si es en un lugar clásicamente académico como Cannes. A la salida de la proyección de la película, que se compone

MISERY LOVES COMPANY

Porque detrás de todo gran director hay siempre un gran intérprete, repasamos duplas mágicas:

Ingmar Bergman / Liv Ullmann

Ullmann protagonizó nueve películas de Bergman y dirigió un filme escrito por él. Una pareja maravillosa, como Cassavetes / Rowlands o Baumbach / Gerwig.

Sofia Coppola / Kristen Dunst

Cailee Spaney, Elle Fanning, Scarlett Johansson… Sofia Coppola ha trabajado con grandes actrices, pero ninguna como Dunst, que la ha acompañado desde los inicios.

Martin Scorsese / De Niro / DiCaprio Después de haber confluido en Los asesinos de la luna es imposible quedarse con uno de los dos bastiones de Scorsese, así que optamos por ambos.

Sam Raimi / Bruce Campbell

La amistad gana: de encarnar al mítico Ash en la saga Evil Dead a sus cameos en la trilogía de Spider-Man o Doctor Strange en el multiverso de la locura, Campbell ha acompañado a Raimi en toda su carrera.

de una sucesión de actos violentos cometidos contra el cuerpo humano, algunos críticos le dedicaban adjetivos como “cruel”, “malicioso”, “hostil” o “retorcido”, pero se perdían entre numerosas alabanzas a la cinta. Divisivo por naturaleza y casi por compromiso con el cine mismo, el ateniense ha definido su obra como “oscura, ridícula e incómoda”, y en efecto es ciertamente desconcertante en su aproximación al terror corporal. “Para mí lo corpóreo es muy importante, así que frecuentemente es mi punto de partida”, declaró Lanthimos, que ya había explorado esta turbadora vía antes, pero a la que añade ahora cierto sadismo esteta.

Este énfasis en lo puramente físico, que abandona cierto componente intelectual, dictamina según Lanthimos la naturaleza de su modo de trabajo con los actores y actrices. Ellos se sumergen a tientas en una densa antología de casi tres horas de duración, que se despliega ante el espectador en forma de tríptico y que les ve adoptar e interpretar distintos roles según van sucediéndose las historias. Las tres que estructuran la película se centran en personajes diversos, todos ellos encarnados por Jesse Plemons: Robert, un hombre que intenta recuperar el control sobre su propia vida tras haberlo cedido a su jefe; Daniel, un policía que se ve enfrentado al siniestro retorno de su desaparecida esposa, de quien sospecha ser un doppelgänger; y An-

drew, un hombre que pertenece a un culto y debe buscar a una mujer que, dice la profecía, tiene los poderes necesarios para convertirse en líder espiritual. Y, aunque a primera vista cada historia parece ser independiente de la otra, el filme se encarga de ir revelando conexiones -más simbólicas que literales- entre todos estos personajes, presentando a través de ellos una fábula moral que, definitivamente, no habla de otra cosa que de la naturaleza humana.

Emma Stone no se corta en alabar todo este intenso trabajo de aprendizaje sobre la marcha, construcción dinámica de personajes y confianza ciega: “Siento que puedo hacer lo que sea con él [...] Tengo una confianza en él que nunca he tenido con ningún otro director. Simplemente tenemos algo que no puedo explicar”, declaró la joven actriz doblemente oscarizada en una rueda de prensa que no estuvo exenta de runrunes. Ante las críticas que ha recibido por papeles como el de Bella Baxter en Pobres criaturas, en los que se pone en tela de juicio su enfoque feminista, y preguntada por ello en Cannes, Stone añade, zanjando con delicadeza y charme: “Soy feminista y me gusta trabajar con Yorgos Lanthimos”. Sean más o menos criticadas sus películas, nadie puede negar que la filmografía del ateniense llama a todo tipo de público cinéfilo. Y Kinds of Kindness no tiene pinta de que vaya a ser la excepción.

KINDS OF KINDNESS (28 junio)

Irlanda. 2024.

Searchlight Pictures / Disney

Dirección: Yorgos Lanthimos.

Reparto: Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hunter Schafer.

MARÍA DE VALDÉS

POR: JUAN ÁLVAREZ

DEBE HABER CAOS EN EL ORDEN. LIBRE ALBEDRÍO DENTRO DEL CAMINO RECTO. PLACER TRAS LA AUTOEXIGENCIA Y EL MÁXIMO NIVEL COMPETITIVO. DISCIPLINA Y CERTIDUMBRE DENTRO DE LA INMENSIDAD DEL OCÉANO. MARÍA DE VALDÉS, NUESTRA REPRESENTANTE OLÍMPICA EN AGUAS ABIERTAS, ES ANTE TODO EXITOSA EN GESTIÓN DE VIDA Y EMOCIONES. SU CLASIFICACIÓN PARA LOS INMINENTES JUEGOS ES PRUEBA DE ELLO.

María de Valdés saltó a la vida desde el corto trampolín del siglo XX en octubre de 1998 y pronto se puso a nadar en una modalidad, Aguas Abiertas, con la que siente la fuerza del mar en cada competición. Participa en una de las pocas disciplinas en las que el factor de la naturaleza salvaje está presente, y eso es algo a tener muy en cuenta: “En una Copa del Mundo nos picaban las medusas mientras nadábamos, y eso que desde la organización nos dijeron que no iba a pasar nada..., pero sí. Una de estas picaduras me provocó una reacción y pasé una semana bastante mala. En otra ocasión me atacó una manta raya…”. En ella, como en cualquiera que haya experimentado la crudeza oceánica, nuestra talasofobia de piscineros municipales debe de provocar hasta ternura.

La integridad vital que exige el deporte de alto rendimiento, sea este cual sea, no ha hecho mella en María, que es un ejemplo de gestión de su tiempo, de su vida y sus proyectos. Más allá de la preparación específica en el agua y el complementario en el gimnasio, no ha des-

“CUANDO ME APETECE ME VOY A TOMAR ALGO CON MIS AMIGAS. SÉ DE QUÉ ME PUEDO

cuidado una faceta intelectual que la completa como persona: “Estoy estudiando psicología en la universidad. Por suerte, estoy becada y me ayudan bastante con el tema de exámenes, trabajos… Se adaptan a mi situación, que es algo excepcional. Si no, resultaría mucho más complicado hacerlo todo”.

Hay una María fuera de las aguas. Tal vez la más importante, la que gestiona esa presión, la que sabe qué pasos dar, cómo darlos. La que cuida su cuerpo y mente y entiende que un psicólogo es tan importante como un entrenador. Que el éxito no le dejará nada tras de sí si en el camino no se permite disfrutar. “Cuando me apetece, y puedo, me voy a tomar algo con mis amigas. Yo digo lo que salgo porque no hay nada malo en ello. Lo he hecho porque lo necesitaba y me voy a sentir mejor. Sé de lo que me puedo privar y de lo que no. El día que necesito saltarme la dieta lo hago porque he entrenado bien y he hecho lo que tenía que hacer… Hablo con nutricionistas y psicólogos para ver qué puedo hacer y qué no en cada momento”.

Su preparación a nivel físico y mental han dado sus frutos -plata en el europeo de Roma 2022 y plata en el mundial de Doha 2024-, y quiere que todo esto sea la fuente de la que beba su rendimiento en los próximos Juegos de París, donde sólo queda aspirar a más, a la gloria eterna del oro: “Son mis primeros Juegos, y lo primero después de tanto tiempo es, por supuesto, disfrutar este momento y después entregarme al cien por cien. Todos aspiramos a medalla, la queremos todos por igual, hay mucho nivel y al final no es tan fácil. Peleamos por lo mismo, estar en lo más alto del podio. Mi objetivo es clasificarme, pero una vez clasificada el objetivo es todo. Voy a hacer algo grande. No quiero solo participar, con eso no me vale. Quiero estar con las mejores y jugármela ahí. La participación no me sirve”. María, que sigue haciendo historia nadando en mares y océanos, es un modelo lógico de su edad y del tiempo que le toca vivir. En sus aficiones refleja esa dualidad de ganas de disfrutar, pasarlo bien y a la vez de encontrar la motivación y la inspiración que necesita una deportista de primer nivel. Ante esa ambivalencia entre el ocio y el negocio, disfruta sobremanera cada vez que ve el documental sobre la jugadora de bádminton Carolina Marín, con quien se siente identificada y cuyo ejemplo es capital para ella. En lo que atañe estrictamente a la diversión, se ha sentido cautiva, al igual que millones de personas, de las tramas y el elenco de La Casa de Papel. Y Cree en ti, de Rut Nieves, ha sido lo último que ha ocupado el lugar privilegiado de su mesilla de noche, su libro de cabecera, que la ayuda a enfocarse en sus objetivos. En el viaje, esa parte importante y pocas veces contada de la vida del deportista de élite, suena El Canto del Loco, que han osmotizado la cultura popular hasta llegar a la actualidad, y que siguen acompañando a María en sus auriculares. En lo que difiere en mayor grado María de su generación es en el uso de las redes sociales, más si cabe en los momentos previos a la competición. “No me gusta nada meterme en el WhatsApp, porque me presiona ver la cantidad de gente que los días antes de la competición se interesa por mí, me desea suerte… Solo hablo con mi madre, mi entrenadora y mi psicólogo. El resto puede esperar”. Y después de la espera, el resto, el descanso. La etapa en la que el placer y la relajación deben suplantar a la autoexigencia: “Después de los juegos quiero tener un parón de unos meses para estar con mi madre, y a largo plazo moverme a Los Ángeles”. Quizá lo más importante es aprender a saber qué es lo importante. En la insondable enormidad del mar, donde los comunes no acertamos a ver nada más allá, María ha encontrado su raison d ' etre. Donde el resto ve azul oscuro casi negro, ella acierta a divisar, desde una lejanía cada vez más cercana, el resplandor áureo de la medalla olímpica. Solo queda acercarse a por ella.

AUNQUE SU NOMBRE A MENUDO SE VINCULA CON LA GRAN OLA DEL TRAP ARGENTINO, NI DIRIGE SUS PASOS NI EN REALIDAD VIENE DE AHÍ. EL PRIMER DISCO DE TRUENO ESTÁ DEDICADO A SU BARRIO. EL SEGUNDO, A SU PAÍS. Y AHORA, MATEO PALACIOS REGRESA AL PRIMER PLANO CON ‘EL ÚLTIMO BAILE’, EN EL QUE REPASA Y RINDE HOMENAJE A LA HISTORIA DE LA CULTURA HIP HOP CON MOTIVO DE SU CINCUENTENARIO. DE LO MÁS PEQUEÑO A LO MÁS GRANDE, EL RAPERO BRINDA CON SUS RAÍCES, CELEBRA SU INFANCIA, Y NO OLVIDA UN COMPROMISO POLÍTICO QUE LE HA ACOMPAÑADO SIEMPRE Y QUE NO HA DESAPARECIDO NI EN SUS MAYORES PICOS DE FAMA. ESTARÁ PRESENTÁNDOLO EN EL FESTIVAL RÍO BABEL DENTRO DE UNA LARGA GIRA VERANIEGA POR NUESTRO PAÍS.

POR: MARTA ESPAÑA

FOTOS: ALBERTO VAN STOKKUM

l último baile es el tercer LP de Trueno, si bien el nombre no es indicativo de una retirada musical, sino de una aproximación histórica hacia la música que el cantante practica. Es el cumpleaños del hip hop, nada menos que medio siglo, pero el rapero no se plantea ni un hiato en su carrera: “Es un título un poco controversial, pero si me retiro a los 22 años, ¿qué me queda? En 2023, el hip hop cumplió 50 años, así que decidí hacer el último baile de los primeros 50. Este disco es una propuesta de lo que aprendimos nosotros, la nueva generación, de estos primeros 50 años, cuando ni siquiera habíamos nacido”. El rapero argentino marca ese comienzo tan drástico en la

canónica fiesta que tuvo lugar el 11 de agosto de 1973, organizada por Cindy, la hermana pequeña del DJ Kool Herc, en Sedgwick Avenue, un rascacielos de apartamentos en el Bronx. Así, el álbum celebra esas bodas de oro del género, que Trueno ha afrontado desde la perspectiva más analítico-académica que un trabajo regido por el mainstream puede tener: “El aniversario me hizo volver a estudiar todas las épocas de esta cultura, que pasó por muchos estilos diferentes. Hoy en día el hip hop es algo que está en todas las canciones, en cualquier tipo de género, pero también en la calle, en la vestimenta de la gente, incluso en el vocabulario. Esa primera misión se logró: los

alumnos de los primeros MCs ahora tenemos que convertirnos en maestros”.

El hip hop corría por las venas de Trueno mucho antes de que el rapero naciera: su padre es el famoso MC Peligro, y su abuelo Yamandú Palacios, guitarrista folclórico que ha girado con artistas como Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Luis Eduardo Aute o Mercedes Sosa. Su árbol genealógico ha sido, por tanto, el motivo de su pasión por la hibridación musical, la tradición cultural y el freestyle: “Este disco, para mí, es muy personal. El valor más importante que le doy al género del hip hop es su compromiso con la cultura. Importa mucho el mensaje que des. Nació en EE UU y las bases están ahí, pero hoy en día se desarrolla en España, en Argentina… Está en todos lados y sigue representando lo mismo porque es un movimiento integrador, en busca de paz, de protesta hacia las cosas que no están bien. Tiene el poder de expresar lo que la gente marginada siente”. Así, el trabajo tiene un componente político, en tanto que Trueno posee un compromiso con los valores sociales en torno a los que se fundamenta la cultura del hip hop: “Su base es la integridad, se creó para que las pandillas dejasen de matarse entre ellas. Hace la guerra contra quien hay que hacer la guerra. Convirtió el ‘a ver quién es el más malo de la calle’ en ‘a ver quién es el que mejor rapea’. De ahí nació el freestyle: pasamos de matarnos a rimar. Lo mismo sucedió con los grafiteros, con los DJs. Los grafiteros son, básicamente, artistas que no tenían un lugar en el mundo ni una oportunidad para mostrar su arte. Y lo hicieron con sus propias manos, dejándose la piel, corriendo peligro. De eso se trata la cultura. No hay prejuicio, no hay diferencia. Y por esto nace de barrios marginales. Barrios con mucha afrodescendencia, latinos, italianos, todo tipo de razas en situaciones marginales. El hip hop buscaba que todo el barrio se juntara”. Sin embargo, a Trueno siempre se le ha colgado la etiqueta de patrón del trap argentino,

"EL HIP HOP

ESTÁ EN TODAS PARTES: ESA MISIÓN SE LOGRÓ. LOS ALUMNOS DE LOS PRIMEROS MC'S AHORA TENEMOS QUE CONVERTIRNOS EN MAESTROS"

pese a que se aleja bastante de los parámetros temáticos y líricos que rodean la escena musical suburbana de la actualidad: “Yo creo que hay mucha gente que no sabe la diferencia, por ejemplo, entre rap y hip hop. Ser rapero es muy fácil. Es escribir un verso sin autotune o sin cantar. Muchos intérpretes de reguetón fueron raperos en un momento, pero su mensaje no conecta con el movimiento del hip hop. El MC está comprometido con la cultura. El rapero comercializa su música, puede hablar de lo que quiera: de una mujer en bolas, de cadenas... de lo que quiera. Pero ese mensaje no es hip hop, el hip hop es otra cosa. Y no solamente es protesta, también es diversión, unión, paz… pero más que nada es realidad”. Siguiendo esa lógica, Trueno es un MC y evita a toda costa las temáticas nihilistas, llevando los principios del hip hop a un máximo exponente, además, de espíritu nacionalista: “La esencia del hip hop me corre en las venas, por mi historia y por mi familia. Yo sé que si canto flamenco lo voy a hacer de una manera hip hop. Y también de una manera argentina, porque el movimiento en mi país suena de una forma determinada. Tengo dos responsabilidades, que son representar a mi país y representar a mi cultura. Son mis amuletos. Todo esto no deja de ser una tribu urbana. No es que haya una religión o una Biblia del hip hop, no somos una secta, pero hay que estar comprometido con la cultura, saber para qué se hizo y representarla”. Pese a su inquebrantable y prioritaria argentinidad, el trabajo -como experimento cronológico e historiográficodiscurre por numerosos estilos: hay dancehall, disco, funk o blues, pues todos estos géneros, en algún momento, encontraron un nexo en común con la cultura urbana: “En Jamaica, por ejemplo, se inventó el soundsystem, el DJ y el

y el host. Ohh Baby, sin embargo, representa el estilo de hip hop que se hizo disco y setentero. No solo traté de representar los géneros que fueron parte del movimiento, también los que fueron una parte fundamental de mi vida. Lo llevé a un terreno más personal porque pienso que somos la nueva escuela. Yo formo parte de esa nueva escuela. Por eso, la portada es una foto escolar, para incentivar a los muchachos a que se sumen a esta locura”.

No todo va a ser reivindicar: también hay espacio para cortes más ligeros, que siguen siendo políticos en tanto que el disfrute es inherente al ser humano y su comportamiento en sociedad: “Hay canciones más comerciales que hicimos en el estudio bailando con los productores. Pensábamos que era una vibra que estaba buenísima, que podría servir para limpiar la casa o viajar en auto. Y eso no es venderme porque yo también viajo en auto, yo también limpio la casa. Esa música también forma parte de mi vida. Yo soy una persona supersencilla en ese sentido, siento que la música está para transmitir y para nada más. Ni el dinero ni la riqueza son cosas primordiales en mi vida. Este disco es para que la gente entienda quién es Mateo: compromiso, lealtad, pasión por la música y por llevar su barrio por todo el mundo. Mi misión es llevar a Argentina fuera de Argentina. Cuando vengo a España siento que tengo la bandera en la espalda, y es un logro para mí llevar el rap de mi país al vuestro y colaborar con gente de España. Siento que estamos haciendo un puente en medio del océano para poder estar juntos. Será que los argentinos tenemos mucha pasión por todo lo nuestro: el país, el fútbol, la música. No sé cómo lo verán los otros artistas de España, pero les deseo que puedan tener esa visión, porque lo más lindo es representar a tu país”.

EL ÚLTIMO BAILE (SONY US LATIN, 2024)

Intro / Plo Plo! / Tranky Funky / No Cap / The Roof Is on Fire / Pull Up! / Como antes / Real Gansta Love / Night / Ohh Baby / Cuando el bajo suena / La nota / Rain III DIGITAL

POR: PAULA LÓPEZ ROS / FOTO: AIKO EL GRUPO

ALGO ESTÁ CAMBIANDO PARA AIKO EL GRUPO. TRAS CUATRO AÑOS DE CAMINO, DOS ÁLBUMES FUERA Y VARIAS COLABORACIONES, Y RECONVERTIDAS EN UN TRÍO, NO FRENAN EL IMPULSO, SE AGARRAN A ÉL Y PROYECTAN NUEVO TRABAJO CON NUEVO SELLO, UN REENCUENTRO CON LA ESENCIA Y, EN DEFINITIVA, CAMBIOS CON LOS QUE SEGUIR CONSTRUYENDO SU TRAYECTORIA.

Según la RAE, la palabra “trayectoria” tiene dos acepciones: se puede entender como la “línea descrita en el plano o en el espacio por un cuerpo en movimiento”, o también como el “curso que, a lo largo del tiempo, sigue el comportamiento o el ser de una persona, de un grupo social o de una institución”. En ambas, si nos fijamos bien, viene implícito el cambio. Al movernos cambiamos; el paso del tiempo nos hace cambiar. Es natural que en toda evolución sucedan los cambios, y es lo que están viviendo en este momento Aiko El Grupo. Fundadas en Madrid como trío hace cuatro años, reconvertidas en cuarteto para el directo y tras dos álbumes de estudio, se reúnen con su esencia volviendo al formato trío en esta nueva etapa. Poniendo las cosas en perspectiva, hoy se ven diferentes, tanto componiendo como creando y tocando. “Al principio teníamos ese complejo de banda primeriza que no toca tan bien o no tiene tablas. Ahora creo que estamos en otra posición.

Hemos tocado muchísimo y nos han pasado muchas cosas, hemos crecido”.

Si Lara, Teresa y Bárbara hubieran sido alguna vez su público, se definirían como “rockeras gamberras y divertidas”, tal y como afirman las dos últimas. “Desenfrenadas también”, añade Lara. Y aunque les cuesta verse desde el otro lado, siempre han mostrado un rasero de verdad directa y punzante que llega a la conexión y desgarre de todo aquel que las escucha. Ahora es momento de añadir una pizca de seriedad mientras disfrutan del reinicio, de un reencuentro con su esencia. Con un saber hacer más firme dado por la experiencia, siguen hacia delante. Siempre en mente quiénes fueron y quiénes son: “Tres amigas que querían formar una banda”. Hoy convencidas de que lo importante es saber evolucionarla. La arista más reciente de su trayectoria la encontramos en su fichaje por Sonido Muchacho. Publicaron sus dos primeros álbumes -Va totalmente en serio (2020) y Me están apuntando con un arma (2023)- en Elefant Records, sello que las tres tildan de importantísimo en la vida del grupo: “Les agradecemos todo, pero creemos que todas las bandas en algún momento también ansían un cambio, es una decisión que tomamos y que no necesariamente esconde nada malo”, comenta Teresa. Aunque todavía es muy pronto para extraer sensaciones, tienen bien claro que lo que les llena de ilusión y ganas es “que a la gente le lleguen los temas nuevos, los escuchen, les gusten y respondan viniendo a nuestros bolos”.

Sobre música y futuro cercano también nos hablan: “Sin hype ni mierdas”, sí, se viene EP nuevo

y muy pronto lanzarán su primer adelanto. “Siempre creemos que las últimas canciones que hemos hecho son las mejores: estas lo son”, anuncia Teresa convencida. Se encuentran trabajando con Sergio Pérez -integrante de lo que fue SVPER- en los temas de este nuevo trabajo. “El anterior álbum lo produjo Carlos Hernández, a quién amamos, pero para este trabajo queríamos dar un cambio en nuestro sonido, y se nota”. Siguiendo la estela de cambios, y aunque el desahogo que bien ha caracterizado al grupo durante estos años se mantenga, se encuentran en búsqueda de nuevas formas de expresarse: “He de decir que ya no quiero ser únicamente el grupo de los grititos. He llegado a un punto en el que no puedo más, creo que es un distintivo de Aiko pero no lo es todo”, confiesa Teresa. “Me encanta mantener esa energía, pero no creo que todas las canciones necesiten ser gritadas para desahogar. Al final, es como un pedal extra de la guitarra, el grito es un efecto más. Igual hacemos una canción más positiva o bonita y los gritos aportan algo, pero más en segundo plano, no sé”. Si bien no hemos parado de tratar el cambio en perspectiva de las Aiko, hay algo que resulta inalterable en la trayectoria de cualquier grupo: la memoria, lo vivido, los ratitos. Antes de seguir creando y cambiando, invitamos a echar vistazo atrás a las tres integrantes, girar cabeza y determinar momentos tanto increíbles como pésimos de haber creado y vivido con Aiko El Grupo. ¿De lo peor? Las tres coinciden en algunos viajes interminables de carretera, acentuando una tractorada de diez horas entre Sevilla y Murcia y una nevada monumental que las dejo paradas varias horas. También los técnicos de sonido. “Hay una ristra de anécdotas con técnicos gilipollas que mejor no haber vivido. Los hay misóginos, guarros, pesados…”, apunta Lara. ¿Lo mejor? La mayoría, relacionados con el directo porque no hay rosa sin sus espinas. Todas coinciden que el Canela de 2022 sin duda es uno de sus tops, como el ir a México, presentar su nuevo álbum en el Ochoymedio Club… Pero si algo tienen claro es que El Observatorio de 2021 fue un antes y un después en la historia del grupo: “Conocimos a gente increíble e hicimos muchas migas con todos los grupos que fueron, sobre todo con Colectivo Da Silva. Fue muy guay coincidir por primera vez con ellos y nos hemos hermanado muchísimo… El festi fue increíble, idílico”.

En plena vorágine personal, buscar, tomar decisiones más o menos difíciles y echar la vista atrás es signo de renovación. Y el éxito, que quizá no es más que que las cosas salgan a pedir de Milhouse, vendrá solo.

“NO QUEREMOS SER SOLO EL GRUPO DE LOS GRITITOS... NOS ENCANTA MANTENER ESA ENERGÍA, PERO NO CREO QUE TODAS LAS CANCIONES NECESITEN SER GRITADAS PARA DESAHOGAR”

CON 15 AÑOS CONSEGUÍA CIFRAS MILLONARIAS. CON 17 SU ÁLBUM DEBUT MARCÓ TENDENCIA EN LA PRODUCCIÓN ELECTROPOP. CON 19 YA NO ENCONTRABA FELICIDAD EN LOS RÉCORDS QUE HABÍA PULVERIZADO CUANDO TODAVÍA ERA MENOR DE EDAD. ‘HIT ME HARD AND SOFT’, SU TERCER TRABAJO, PRODUCIDO JUNTO A FINNEAS OTRA VEZ, VUELVE A ENMARCARSE EN LA CULTURA DEL OVERSHARING, PERO SE SUSTENTA EN UN ENFOQUE NOSTÁLGICO QUE SE RETROTRAE A LO NOVENTERO Y LO PROGRESIVO. UNA NUEVA SORPRESA DE UNA ARTISTA QUE SIGUE DEFINIENDO -Y HABITANDO CON COMODIDAD- SU PROPIO STARDOM.

illie Eilish siempre ha sido oscura. Pero ahora, además, es fría. Hit Me Hard and Soft es, tal y como su propio nombre indica, un puñetazo, pero también una caricia suave. Junto a su hermano Finneas, la compositora de Los Angeles publica un álbum sobrio y sincero que dista de ser tan crudo como sus antecesores, que golpea de forma diferente. Fue un juguete de la industria, lo superó, y ahora todo parece quedar en agua pasada. Ha dejado de investigar su postura dentro del mainstream para reflexionar sobre quién es dentro de su microcomunidad. Todas las canciones parecen decir “wait for it”: desarollos inmensos hacia el eurodance, el synthwave o el art-rock que comienzan como una canción de autor tardonoventera. No ha sacado ningún adelanto y la duración media por canción es de cinco minutos. Privilegios todos ellos de la artista joven con más repercusión de la historia moderna.

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SKINNY

“La gente dice que parezco feliz solo porque he adelgazado”, son los versos que abren el trabajo. Una carta de presentación que antecede a la sobriedad lírica y sonora del resto del álbum. Si Eilish ya no tiene pelos en la lengua, ¿por qué iba a adornar las canciones que cuentan su historia? Tampoco es que haya sido su estilo: en 2019, revolucionó el mainstream desde el minimalismo. Ahora cambia los plugins por la guitarra acústica, pero las capas -y su profundidad- son las mismas.

El focus track del trabajo y la que más relevancia ha tenido, incluso, antes de su lanzamiento. Su fama se debe a las declaraciones de Eilish en la revista Variety: aparentemente, en 2024 la sexualidad individual sigue siendo noticia. Su peso dentro del trabajo no radica tanto en el mensaje, sino en que representa con creces la apertura en canal y el oversharing que impregnan todo el álbum. Musicalmente acompañado de un nu funk daftpunkero, depresivo y luminoso al mismo tiempo.

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3 CHIHIRO LUNCH WILDFLOWER BIRDS OF A FEATHER

Es imposible no escuchar a la Taylor Swift de Red -y quizás también un poco a la de Folkloresi hablamos del tema más pasteloso del álbum. Hace treinta años la composición hubiese podido eclipsar el Torn de Natalie Imbruglia; hoy ha sido la canción escogida para el tráiler de la tercera temporada de Heartstopper porque representa bastante bien ese amor adolescente más cercano a The OC que a Skins

Eilish se mantiene en la línea del lo-fi groove e incorpora un arpegiador synthpop medio ochentero, medio New Alias, que nos transportaría a la época dorada del discofunk si no fuera por lo siniestro de su melodía vocal y su tratamiento granulado. El tema es un homenaje al filme de Miyazaki: en la película, Haku advierte a Chihiro de que no debe olvidar su nombre. En la canción, es el otro el que promete recordar el nombre de la cantante.

Ahora que la cirugía estética se ha democratizado, las Kardashian han decidido quitarse sus implantes. Ahora que cualquiera puede montarse un home studio semiprofesional y ser autosuficiente con Ableton y Splice, Billie Eilish imita el bedroom pop. Porque los que surfean la ola siempre querrán diferenciarse de los de abajo: Wildflower es un tema que imita lo maquetero y presenta algo más de información en ese triángulo amoroso que se está narrando por fascículos.

L’AMOUR DE MA VIE

Si todo el álbum oscila en torno a la década de los noventa -año arriba, año abajo-, parece que con su séptimo track hemos de retroceder un poco más. L’amour de ma vie suena sixties en cuanto a estructura y composición, cuando el reggae se fusionaba con el doo wop, pero, por supuesto, su origen es la canción francesa: J’aime les filles de Jacques Dutronc o Tous les garçons et les filles de Françoise Hardy palpitan bajo la producción tan limpia de Finneas y la mezcla tan brillante de Jon Castelli. Después se transforma en un tema de eurodance dosmilero, que parece ser la moda de 2024 en el podio estadounidense.

THE GREATEST 6 7 10 8 9

Influencias más cercanas a Dizzy Up The Girl de The Goo Goo Dolls o Mermaid Avenue, firmado por Wilco y Billy Bragg. Al menos, durante la primera mitad, porque su cuarteto de cuerda in crecendo se transforma en una balada progresiva y contemporánea que no llega a vanguardista, pero imita a un Jeff Buckley desde las técnicas más actuales o a la cualidad orquestal con la que quiso vestir Lana del Rey su último trabajo.

BITTERSUITE

THE DINER BLUE

La canción que tiende un puente con la Billie Eilish de When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Un tema hiphopero que abraza el minimalismo, si bien Eilish supera la intencionalidad apática con la que cantaba Bad Guy. Suena a Gorillaz, pero también al primer EP de Blackpink. En cualquier caso, su yo del pasado es su influencia más cercana, y -tal y como hace Lana con A&W en Did You Know That There Is a Tunnel…- la afincada en Los Angeles tenía que incluir un tema desde el rencor más visceral.

La suite fue una forma musical extendida durante el Renacimiento, pero obtuvo su máximo apogeo durante el Barroco. En realidad, nos encontramos ante otra canción que juguetea con el reggae, pero sus arreglos pseudohispanos, que en ocasiones tratan de imitar la mandolina italiana, intentan echar la vista cuatrocientos años atrás. Empieza y acaba con un etéreo psytrance.

El epílogo. Una composición naturalista, bucólica y líquida. Baterías de R&B que culminan en un final oscuro y drumless. “I don’t blame you, but I can’t change you”, canta la angelina superando así el melodramático y típico “I can fix him”. No, no puedes. La artista brinda un trabajo de 45 minutos para acabar con la conclusión de que, si no puedes dejar ir, es mejor que cojas tú la puerta. Y eso es lo que hace, y el álbum se acaba... ¿amenazando con una segunda parte?

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“TODO EL PROCESO HA SIDO UNA RECONEXIÓN CON LA CHICA QUE ERA. LA CULPABA. EN ALGÚN MOMENTO LA AHOGARON EL MUNDO Y LOS MEDIOS”

HIT

ME HARD AND SOFT (Darkroom / Interscope, 2024)

Skinny / Lunch / Chihiro / Birds of a Feather / Wildflower / The Greatest / L’Âmour de ma vie / The Diner / Bittersuite

Blue CD / DIGITAL / K7 / LP

Una de las cosas más interesantes de Billie

Eilish es su facilidad para entrelazar, dentro de un universo explícitamente personal, sus distintas influencias, todas clarísimas pero al mismo tiempo muy difuminadas. Estas son las más evidentes de su último trabajo, un disco con el que demuestra su posición dominante dentro del pop global, sin perder por ello cierta vocación alternativa.

Hormiga, tarántula, libélula: la evolución de Billie Eilish

Post Björk (1995)

Pocos discos pueden igualarse al segundo álbum de la islandesa, surrealista por naturaleza. Pero much@s lo intentan. Eilish se acerca al art-rock y el sofistipop a través de la mezcla: cuantos más géneros variopintos se utilicen como referencia para un tema, más vanguardista será. La angelina quiere escalar esa montaña.

Red Taylor Swift (2012)

Taylor Swift quiso hacer un disco de pop de estadio que le permitiese seguir formando parte de la escena country pop.

Billie Eilish quiere hacer un disco de folk acústico novententero sin dejar de lado el pop de estadio. Uno es un viaje de ida; el otro, de vuelta. Y ambos se cruzan a medio camino con un resultado similar.

Melodrama

Lorde (2017)

El segundo de Lorde versaba sobre el dolor, la pérdida de rumbo o el sufrimiento desde la entraña. El nuevo de Eilish también se olvida de esa regulación química y hormonal de la que depende el bienestar individual, pero la norteamericana ha descubierto los mecanismos para cortar ciertos lazos.

Did You Know... Lana del Rey (2023)

Un disco en el que Lana buscaba algo más duradero, medicinal. Billie es, de algún modo, sucesora de Del Rey en la jungla norteamericana: ambas representan esa rebeldía dark academia en diferentes momentos de la línea temporal. Bebe de este último disco también en su renovación sonora desde lo orquestal.

Ella y su hermano estudiaron en casa. A los 8 años se unió al coro de niños de Los Angeles y ese fue uno de sus primeros contactos con la música. Con 11 escribió su primera canción a través de líneas de guion de The Walking Dead: en 2019 repetiría la jugada en MyStrange Addiction con The Office

INFANCIA MUSICAL OCEAN EYES

Eilish subió su primer tema a SoundCloud en 2015. En realidad era una canción compuesta por su hermano Finneas O'Connell. Firmó por Interscope y fue telonera de Florence and the Machine sin tan siquiera tener un álbum en el mercado. Se empezaba a vislumbrar un fenómeno imparable.

MAKE AMERICA GREAT (AGAIN)

Ese mismo año, 2020, la angelina se posicionaba pro Biden como otros muchos artistas que se sumaron al apoyo de la candidatura demócrata. “Donald Trump está destruyendo Estados Unidos”, afirmaba. Nunca ha tenido miedo de decir lo que piensa, pero en ese año comenzaría su carrera como activista.

OSCAR BARBIE GIRL

En marzo de 2024, con 22 años, Billie Eilish ganaba el Oscar a Mejor Canción por What Was I Made For? banda sonora de Barbie. En 2022 también consiguió el galardón por No Time to Die intro de la peli homónima de James Bond. Es la persona más joven de la historia en conseguir dos estatuillas doradas.

ROOKIE DEL SIGLO EN LOS GRAMMY

Recién estrenado, su When We All Fall Asleep, Where Do We Go? consiguió seis nominaciones a los Grammy. Ganó cinco: Mejor Nuevo Artista, Mejor Canción, Mejor Grabación, Mejor Álbum Vocal Pop y Álbum del Año. Sigue siendo el disco femenino más galardonado de la historia.

Don’t Smile at Me

Billie Eilish (2017)

Billie tiene 15 años. Habla de matar a todos sus amigos, también a su novio. Habla de quemar coches, de secuestrar a su crush. Juega con fuego y le da igual. Suena a algo a caballo entre Lana del Rey y Tyler de Creator. Cuando Tumblr está empezando a pasar de moda, vino la angelina a salvar la comunidad.

When We All Fall...

Billie Eilish (2019)

Uno de los debuts más masivos de la historia del pop. Un álbum gótico y rebelde que atentaba contra el canon femenino del pop melódico y avanzaba el minimalismo electrónico. Cuando vio la luz la compositora apenas tenía 17 años. Escuetos ASMR, bajos potentes, baterías de hip hop: fórmula millonaria.

Happier Than Ever

Billie Eilish (2021)

Eilish se presentaba al mundo como esa chica alternativa que odiaba la industria y, a la vez, la lideraba. El resultado fue un conjunto de traumas desencadenados por su rápido ascenso al estrellato que culminaron en Happier Than Ever, inspirado en la elegancia hollywoodense de forma totalmente irónica.

POR: TALI CARRETO | FOTOS: SERGIO ALBERT (PS)

EL PASADO 7 DE MAYO UN ATAQUE AL CORAZÓN NOS HIZO DESPEDIRNOS CON TRISTEZA DE TODO UN OBRERO DEL ROCK. MIEMBRO FUNDADOR DE BANDAS TAN INDEPENDIENTES COMO BIG BLACK Y SHELLAC, STEVE ALBINI TAMBIÉN FUE INGENIERO DE SONIDO ANTES QUE PRODUCTOR, SIEMPRE EMBUTIDO EN MONO EN LAS INFINITAS HORAS QUE PASABA EN SU ESTUDIO ELECTRICAL AUDIO DE CHICAGO. A ÉL LE DEBEMOS MÁS DE DOS MIL DISCOS, ALGUNOS DE ELLOS HISTORIA EN MAYÚSCULAS DE NUESTRA MÚSICA CONTEMPORÁNEA. HABLAR DE ALBINI ES HACER UN MONUMENTO AL PASADO, PRESENTE Y FUTURO DEL ROCK COMO FIN EN SÍ MISMO: YA NO LE PERTENECE EL FUTURO, PERO SÍ LA ETERNIDAD.

PIXIES

Surfer Rosa / 1988

Albini se deshizo en alabanzas a Pixies mientras trabajó con ellos para hacer el que fue, sin duda ninguna, uno de los discos más influyentes para lo que sería el rock alternativo de los años noventa, gasolina para Nirvana, PJ Harvey, The Smashing Pumpkins, o el indie de nuestro país. Algunos años después, y aunque el impacto de Surfer Rosa siguiera, como sigue, intacto, la opinión del bueno de Al sobre la banda liderada por Black Francis cambiaría sustancialmente.

“Su deseo de ser guiados por su manager, su productor y la compañía discográfica no tiene igual: nunca he visto cuatro vacas más ansiosas de que las conduzcan”, llegó a decir. La frescura que un día tuvo el alt se fue perdiendo con el tiempo, y Steve tuvo ojo y oído para reconocerlo. Él siempre se cuestionó.

NIRVANA

In Utero / 1993

Con Surfer Rosa en la cabeza y buscando recuperar la esencia cruda tras el petardazo de Nevermind, Kurt Cobain empezó a charlar con Albini sobre la posibilidad de que trabajara con Nirvana en su próximo álbum. Unos días después él respondió con una mítica misiva en la que resumía sus cinco grandes normas: originalidad y caos, espontaneidad, pacto de no intervención, grabación concentrada en dos semanas y rechazo de royalties. “Quiero que me paguéis como a un fontanero”, decía. “Hago el trabajo y me pagáis lo que corresponde”. Las sesiones, violentas y confrontacionales, dieron a luz un álbum genuinamente caótico que la discográfica se encargó de maquillar para las radios: “Estaban rodeados de los mayores trozos de mierda”, diría Al. 2 3 8 11 9 10 6

SLINT Tweez / 1989

En los créditos de este bendito desastre en forma de ruido, distorsión y angularidad, Albini aparecía como “Some Fuckin Derd Niffer”. Una broma más de una banda que debutaba sentando las bases de lo que sería el post rock más abrasivo.

THE BREEDERS Pod / 1990

Albini, tan amante de los riesgos y tan amigo de sus amigos, especialmente si son enemigos de Black Francis, se puso a los mandos del debut de Kim Deal post Pixies, con quien repite en melodías amenazantes y (sub)textos sexuales.

JOANNA NEWSOM Ys / 2006

Los inconmensurables arreglos de este disco maravilloso, los coros celestiales, la producción analógica y casera, la orquestación... todo vino después. Pero el hechizo original comenzó a solas entre Newsom, su arpa y la microfonía de Steve Albini.

PJ HARVEY

Rid of Me / 1993

Otro icono, Polly Jean, también confiaría su segundo LP a Albini, después de las esperanzas depositadas tras un debut tan majestuoso como Dry. ¿El resultado? Un álbum tan libre como caótico, un clásico instantáneo… y un 10 en Pitchfork.

SHELLAC

At Action Park / 1994

No podía faltar un álbum de Shellac, la banda con la que Albini visitaba cada año nuestro Primavera Sound. Y qué mejor que recuperar aquí su debut, un disco con la formación en plena efervescencia y todo un tratado de math rock abrasivo y urgente.

THE WEDDING PRESENT Seamonsters / 1991

“Era absolutamento perfecto en toda la parte aburrida: ecualización, dónde poner los micros, afinar las baterías”, dijo David Gedge de Albini, al que llegó por Surfer Rosa y al que considera responsable de su sonido “más tridimensional, texturizado”.

BIG BLACK

Songs About Fucking / 1987

THE JESUS LIZARD

Goat / 1991

Adalides de ese subgénero punk viscoso y sucio todavía más que fue el pigfuck, los de Texas se marcaron con Albini el mejor disco de su escueta pero influyente carrera, con esos graznidos mutilados de David Yow en plena tormenta noise.

LOW

Things We Lost in the Fire / 2001

Jugando en casa: el propio Albini creó como cantante y guitarrista esta legendaria banda junto al también guitarrista Santiago Durango y el bajista Jeff Pezzati, sustituido por Dave Riley, con quien Big Black registraría sus dos LPs: esa bomba de relojería que fue Atomizer y este Songs About Fucking que nos ocupa y que, según LastFM, contiene las canciones más escuchadas de los de Chicago. Grabado cuando ya los rumores de disolución de la banda eran toda una realidad y lanzado poco después de su ruptura, su fiereza sigue intacta la friolera de 37 años después. Considerado por Albini como la mejor producción de Big Black, hoy día le sigue dando sopas con honda a cualquier disco punk que nos llega. 13 15 14 12

Cuando Alan Sparhawk y Mimi Parker quisieron expandir su sonido acudieron a un Albini que ya tenía experiencia en tomar recursos emocionales del pop como las cuerdas y desnudarlos de todo romanticismo. El resultado marcaría ya toda su carrera.

JON SPENCER BLUES EXPLOSION

Acme / 1998

“No toco blues, toco rock’n’roll”, clamaba Jon Spencer en su sexto álbum de estudio. Un disco que puso a toda una generación a sus pies y por el que pululaban, además de Albini, otros productores como Dan The Automator, Alec Empire o Calvin Johnson.

NEUROSIS

Times of Grace / 1999

Para muchos, el álbum con el que Neurosis empezaron a sonar como Neurosis. Únicos en su especie. Gran parte de la culpa, como con otros muchos, la tuvo un Albini que, con el tiempo, se convertiría casi en un miembro más de la banda.

NINE INCH NAILS

The Fragile / 1999

El perfil bajo del que siempre hizo gala Albini se refleja a la perfección en el giro electrónico de Trent Reznor, amenazante como el efecto 2000. Su nombre se pierde entre el de colosos como Alan Moulder, Adrian Belew y hasta Dr. Dre.

WHITEHOUSE

Thank Your Lucky Stars / 1988

Tras unos años parada, la máquina noise liderada por Philip Best volvía a la acción con sangre renovada: era el primer trabajo con Peter Sotos como mastermind compositiva y con Albini tras los mandos. Ambos fueron claves en su tránsito por los 90.

JARVIS COCKER

Further Complications / 2009 Albini y el elegante frontman de Pulp se conocieron en julio de 2008 en el Festival Pitchfork de Chicago, una cita habitual del ingeniero. Un año después nacía este álbum en el que Jarvis confesaba que su banda “podía rockear”.

PALACE MUSIC

Viva Last Blues / 1995

El tercer álbum de estudio de Will Oldham como Palace Music

no es solo el mejor homenaje posible a la música folk de los Apalaches. También supone su electrificación, en un ejercicio supino de minimalismo en la austera producción de Albini.

SONGS: OHIA

The Magnolia Electric Co. / 2003

Para muchos uno de los mejores álbumes en la prolífica trayectoria del añorado Jason Molina. Y tan representativo de su sonido, más cercano que nunca a Neil Young, que no dudaría en rebautizar con su nombre a su nueva banda.

SUPERCHUNK

No Pocky for Kitty / 1991

Si nos vamos a los créditos de tan juguetón disco, fue “producido con los ojos cerrados por Laura, que se sentó en la silla derecha”. Una broma más de un siempre jocoso Albini y que hacía referencia a la bajista de la banda, Laura Ballance. “No buscábamos tanto un productor como alguien que pudiera grabarnos de una manera que sonara grande y ruidosa”, confesaría ella poco después. Y vaya si nuestro hombre en Chicago logró ese sonido, cáspita.

25 24

DIRTY THREE

Ocean Songs / 1998

El cuarto álbum de Warren Ellis, Mick Turner y Jim White, presente desde su lanzamiento en las listas de los mejores discos australianos jamás publicados, marcó un punto de inflexión en el sonido de la banda hacia territorios más suaves.

RAPEMAN

Two Nuns and a Pack Mule / 1988

PUSSY GALORE

Dial ‘M’ for Motherfucker / 1989

GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR

Yanqui U.X.O. / 2002

En su momento, quizás el disco más depresivo de los canadienses. También, dicen, uno de los más abstractos, a pesar de su crítica al capitalismo en EE UU... ¡en un álbum instrumental! Setenta y cinco minutos para cinco canciones dan para mucho.

BERRI TXARRAK

Payola / 2009

David González sustituía al mítico Mikel López, Rubio, al bajo y muchos miraban de reojo lo nuevo de los vascos mientras Albini les instaba a grabar en un 16 pistas como si estuvieran en su local de ensayo. Vendieron más que Hannah Montana. 16 24 17 25 18 26 19 27

Paralelamente a Jesus Lizard, el siempre inquieto Albini se enredaba con dos Scratch Acid, David Wm. Sims y Rey Washam, en este otro proyecto preñado de post hardcore. Este sería su único LP, atribuida su producción además a Fluss, el gato de Albini.

Steve Albini nunca influyó en la dirección que tomaban los discos en los que currba, e igual que guió a la banda de Jon Spencer por el ruidismo descontrolado de su primer álbum les acompañó en la “dulcificación” que fue su irresistible continuación.

TY SEGALL

Ty Segall / 2017

No es casualidad que en el momento más frenético de Segall, entre 2017 y 2019, fuera Steve Albini quien se escondiera en la sombra. El trabajo que dio vida a The Freedom Band, vivo, directo y contundente, también se tradujo más tarde en FUZZ.

CLOUD NOTHINGS

Attack on Memory / 2012

Albini entendió a la perfección, mientras jugaba al Scrabble, la rabia de una nueva generación, sin trabajo ni esperanzas en medio de crisis constantes, sin pasado ni futuro, en este disco genuinamente emo que es heredero y a la vez antecesor.

SILKWORM Lifestyle / 2000

Albini conocía a los miembros de Silkworm de sus años en Missoula, Montana, un lugar donde las pocas opciones de diversión inspirarían muchas de las futuras letras del músico y gran parte de la rabia post punk de sus colegas.

SUNN O)))

Life Metal / 2019

Otros que tiran de la coña marinera: los estadounidenses titularon como Life Metal su octavo disco para reírse de los tópicos del death metal y abandonar el pesimismo reinante en el género. Como celebración de sus veinte años juntos, Stephen O’Malley y Greg Anderson tenían claro grabar con Albini, a quien conocían de sobra al haber compartido gira con Shellac previamente. Integrando en el estudio al bajista Tim Midyett (Silkworm) o la violonchelista Hildur Guðnadóttir, a la que debemos bandas sonoras como Joker o Tár, aprovecharon al máximo las dos semanas de grabación, dejando registrado también su siguiente álbum Pyroclasts, ambos en cinta análogica. ¡A eso se le llama ahorro!

MCLUSKY

Mclusky Do Dallas / 2002

Los galeses encontraron en Albini el aliado perfecto para que el sonido un tanto desubicado de su, aún así, interesante debut, My Pain and Sadness is More Sad and Painful Than Yours, cristalizara después en esta joya de rugiente power punk.

FAILURE

Comfort / 1992

Ojo: no todo el mundo se quedaba contento con Albini. Eso es lo que les pasó a este trío con su álbum de debut, que echaron de menos una mayor participación suya en las mezclas y criticaron el sonido crudo tan habitual del productor. Ay.

NINA NASTASIA Run to Ruin / 2003

Nada que ver con Nina Maria Nastasia. La cantante y compositora folk norteamericana grabó sus siete primeros discos, salvo el reciente Jolie Laide, con Albini, que siempre confesó que documentaba cada álbum más que producirlo.

ELECTRELANE

The Power Out / 2004

La banda de Verity Susman y Mia Clarke contactó con Albini para ver si podían tocar en el festival ATP y, en su lugar, el ingeniero les ofreció grabar lo que sería un álbum de kraut desnudo, muy analógico, que divergía del canon impuesto por Stereolab.

THE

AUTERS

After Murder Park / 1996

Otra de las cosas que dejó demostradas Steve Albini fue que el pop, cuando nace desde la honestidad, es lo mejor de la vida. Ni toda la paranoia y oscuridad que envolvía a Luke Haines en la época puede opacar esta “monsterpiece” anti britpop.

BLACK MIDI Hellfire / 2022

Tras su actuación en el Pitchfork Fest de Chicago en 2019, Black Midi tenían una cita especial: habían quedado con Steve Albini. Ellos, que siempre han sido discípulos humildes de los ruidistas, que ya habían trabajado con Damo Suzuki y que basan su trabajo en construir música sobre la variabilidad del directo. ¿Cómo no iban a estar emocionados? Tres años y una pandemia después la relación se tradujo en Hellfire, segundo álbum de los chalados británicos.

MONO

You Are Three / 2006

La sombra de Albini es tan alargada que puede rastrearse hasta el mismísimo Japón. La banda de post rock de Tokio no dudó en hacer las maletas rumbo a Chicago para regalarnos un cuarto álbum que se saldó con mucha intensidad y críticas dispares.

LA HABITACIÓN ROJA

Nuevos tiempos / 2005

Los valencianos también pagaron la irrisoria cuota y pusieron rumbo a Chicago para encerrarse con Albini en su Electrical Audio y entregarnos un álbum marcado por las turbulencias políticas del momento. ¿Recordáis el vuelco electoral del 14-M?

MAN OR ASTROMAN

Project Infinity / 1995

Esta banda de surf rock formada por Star Crunch, Birdstuff y Coco The Electronic Monkey Wizard -sí, menudos nombres- es una de esas deliciosas rarezas que la escena underground yanqui nos ha deparado desde los primeros noventa. Para su no menos peculiar fandom, este su segundo larga duración es sin duda su mejor disco, el que mejor define su sonido vintage y por el que también pululan sus múltiples filias, de la serie B a la ciencia ficción oscura y Philip K. Dick.

MOGWAI

My Father My King / 2001 Lanzado como complemento extra del reputado álbum Rock Action, este single ¡de más de veinte minutos de duración! fue grabado en cinta por Albini en Londres, tras un intento frustrado del también productor Arthur Baker.

HIGH ON FIRE

Blessed Black Wings / 2005

Albini también le daba al heavy metal. Y la prueba fehaciente es el tercer álbum de esta banda californiana, ideal para todo fan tanto de Mastodon como de Neurosis, y que incluye por igual guiños a Motorhead que a H.P. Lovecraft.

HELMET Meantime / 1992

Unos Helmet encumbrados por un debut tan comentado como Strap It On y con su megacontrato con Interscope recién firmado permitieron que Andy Wallace remezclara las grabaciones de un irritadísimo Albini, que cargaría contra ellos para siempre.

MANIC STREET PREACHERS

Journal for Plague Lovers / 2009

Con las letras del desaparecido Richey Edwards como motor y con Albini en la pecera, los galeses entregaban un noveno disco de lo más digno que les actualizaba por depuración, repleto de matices y siempre presto a una nueva escucha.

SIX FINGER SATELLITE

Machine Cuisine / 1994

Después de bregar con una crisis propiciada por el consumo abusivo de drogas, la banda de Providence se arremangaba con un mini álbum conceptual con altas dosis de prototechno teutón y G-funk desaforado con poca guía más allá de la diversión.

THE NEW YEAR

The End Is Near / 2004

Matt y Bubba Kadene nunca sonaron en Bedhead tan desesperadamente cercanos en su desconexión como en este álbum, que culminó un largo trabajo de Albini con los hermanos y los acercó a las alturas de Elliot Smith.

VERUCA SALT

Blow It Your Ass It’s Veruca Salt / 1996

¡Ay, qué tiempos! A mediados de los noventa Nina Gordon y compañía se codeaban con Pavement, fichaban por Geffen Records y hasta aparecían en Saturday Night Live. Y de paso, nos regalaban divertimentos tan molones como este EP.

JAWBREAKER

24 Hour Revenge Therapy / 1994

Los de California giraron en 1993 con Nirvana, y apenas un año después terminaron confiando su tercer disco a las manos y el buen hacer de Albini, que apenas necesitó tres días para grabar sus sesiones: siempre alabó su sensibilidad melódica.

CHEVELLE Point #1 / 1999

El debut de los hermanos Loeffler, Pete y Sam fue un tira y afloja constante con Albini: de la ilusión de grabar con “alguien que había trabajado estrechamente con Kurt Cobain” a la obligación de seguir trabajando con él por orden del sello. Industry...

12TWELVE Speritismo / 2003

Los de Barcelona nunca ocultaron sus preferencias personales: Godspeed You! Black Emperor, Fugazi, Neurosis y Shellac siempre estuvieron ahí. Y este inspirado trabajo marcó su segunda colaboración con Albini, toda una influencia para ellos.

SILVER APPLES

Beacon / 1998

Que Simeon Coxe volviera a un estudio después de treinta años era una más que grata noticia. Pero su aventura con Albini, donde recuperaba tres canciones de su glorioso pasado junto a ocho nuevas composiciones, no fue del gusto de todos.

PAGE AND PLANT

Walking into Clarksdale/ 1998

El sueño de todo rockero viejuno: dos de los miembros originales de Led Zeppelin, juntos y revueltos de nuevo. Albini tomaría las riendas de este duelo de titanes, decidiendo grabar cada canción, exceptuando un par de cortes, en una sola toma.

THE COMFORTISTS

Midwestless / 2024

La despedida del maestro no podía ser de otra forma: darle ídem al regreso de unos tipos de Illinois formados a mediados de los 90 con el loable objetivo de crear “ugly rock music”. Más Albini imposible: el feísmo siempre fue una máxima en su carrera.

landing discos

POR: DIEGO RUBIO

CHARLI XCX

Atlantic / Warner 7 junio

Charli XCX no necesita el backlash de nadie. Es inmune. Porque ya está ella para tirárselo a sí misma. Cada vez que roza el abrasador sol del mainstream, sus alas, más ignífugas que las del resto, hechas de una aleación alienígena de metal, helio, kriptonita y electricidad estática, le avisan: es hora de rebajar el vuelo. Brat, así, vuelve al perfil bajo, a la diversión descontrolada, y niega a base de subgraves en despresurización, electro house futurista y sintetizadores de neón toda la limpieza que podíamos encontrar en Crash Niega su impacto y niega su acaparación de focos, niega su lugar en el Olimpo del pop como la hija díscola que es. Y cada vez se confirma más, cada vez demuestra más que su tercera vía siempre fue la primera opción. El camino de Charli solo sabría recorrerlo ella, y aquí estamos todas para verla desfilar. She's just living that life, Von Dutch! brat

ACTRESS

Statik

Smalltown Supersound 7 junio

Un disco submarino que ve al productor radical británico más ingrávido que nunca.

ATARASHII GAKKO!

AG! Calling 88rising 7 junio

El combo más sorprendente de la escena japonesa, entre tradición y futuro, debuta en 88rising.

AURORA

What Happened to the Heart?

Decca / Universal 7 junio

Una investigación sonora sobre la pérdida de contacto de lo occidental con su propio corazón.

CLARA LA SAN

Made Mistakes

Awal 7 junio

Quizá la conozcas por Bicep: ahora es su turno, y vas a flipar con su embrujo de R&B y UK garage.

PURGATORIO_RMX

Espineli

Mushroom Pillow 7 junio

Versión totalmente reimaginada del debut de Espineli, con remixes que van del punk al techno.

GOAT GIRL

Below the Waste

Rough Trade / Popstock! 7 junio

El trío british regresa en versión pesada, compartiendo productor con Lankum y Black Midi.

PEGGY GOU

I Hear You

XL / Popstock! 7 junio

A lo mejor está mal que lo reconozcamos, pero es que Peggy Gou lo ha conseguido: satisfacer todo lo que nos empezamos a imaginar cuando lanzó sus primeros sencillos, ahora hace casi diez años. Su debut va más allá de lo que ha ido nunca y hacia todas direcciones: techno, house, deep, tech, eurodance y nostalgia noventera. Uno de los discos dance del año, prepárate para bailarlo todo el verano.

ANGÉLICA GARCÍA

Gemelo

Partisan / [PIAS] 7 junio

La angelina se embarca en un caleidoscópico viaje hecho de recortes de Animal Collective o Dirty Projectors con un híbrido pop extraño y estimulante que marca además su primer trabajo íntegramente en castellano. Producido por Carlos Arévalo de Chicano Batman, Gemelo marca el salto más arriesgado de la carrera de Angélica, hacia el abismo del pop extraño.

ICEBOY VIOLET & NUEEN

You Said You’d Hold My Hand... Hyperdub 7 junio

Juanto al productor español

Nueen, Iceboy Violet sigue definiendo el futuro del rap. Muy top.

JOANA SERRAT

Big Wave Great Canyon 7 junio

Con su banda internacional asentadísima, la catalana da un giro lógico hacia la distorsión.

KAYTRANADA

Timeless

RCA

7 junio

Tercer disco, el primero tras un silencio de 5 años, con colabos de Tinashee o Anderson .Paak.

L’IMPÉRATRICE

Pulsar

Double Trouble 7 junio

Portadón. Relax y acompaña a los franceses en este viaje interestelar retrofuturista. ¿Volverás?

NXWORRIES Why Lawd? Stones Throw 7 junio

Más espacio -y más diversiónen la secuela del proyecto de Knxwledge y Anderson .Paak.

PERDÓN

Debería cuidarme un poco más

Sonido Muchacho 7 junio

El trío murciano debuta en largo con Sonido Muchacho afilando y expandiendo su pop guitarrero.

TEMS

Born in the Wild

RCA 7 junio

Después de arrasar en Coachella, la nigeriana debuta en largo y reclama el trono del pop mundial.

LO QUE DEJAMOS AL IRNOS

Me acuerdo de todo

Mushroom Pillow 12 junio

La caricia que a veces todos necesitamos. Dream pop de algodón de azúcar en el debut del dúo.

HEADIE ONE

The Last One

Relentless / Sony 14 junio

La última gran superestrella del drill británico vira hacia el UK rap en su segunda referencia.

HERMANOS GUTIERREZ

Sonido cósmico

Autoeditado / Easy Eye Sound 14 junio

Coyote, peyote. Marihuana, arena, sol, canciones de Khruangbin. Cactus y frontera. Chihuahua.

KNEECAP

Fine Art

Heavenly Recordings

14 junio

La nueva ola de drill británico se ha deslocalizado tanto que ahora puja desde Belfast. Debut on fire.

NORMANI

Dopamine RZA 14 junio

La pandemia frustró los planes de este debut, pero Normani ya está lista para subirte en su cohete.

SAM MORTON

Daffodils & Dirt

XL / Popstock! 14 junio

El pop abstracto, la poesía, el ambient y la electrónica de cacharritos y chiribitas, revueltos.

µ-Ziq

Grush Planet Mu 14 junio

El Aphex Twin de los pobres sigue sacando discos como churros. Y nunca le sale ni uno malo.

PESO PLUMA

Éxodo

Double P Records 20 junio

El Nuevo Antiguo Testamento del rey de México y su regional continúa con su capítulo más oscuro.

GRACIE ABRAMS

The Secret of Us Universal 21 junio

La protegida de Taylor Swift entrega un segundo álbum en el que colabora la texana. Swifties.

CAMILA CABELLO C,XOXO

Geffen / Interscope 28 junio

Lejos quedan ya los tiempos de Fifth Harmony, y en su cuarto álbum de estudio en solitario Camila Cabello parece también dejar atrás su pasantía en el conformismo pop. C,XOXO, producido a medias entre Jasper Harris -conocido por sus sesiones con raperos alternativos como Baby Keem, Playboi Carti o Juice WRLD- y El Guincho -Rosalía, Bad Gyal, FKA twigs, Björk-, la ve probando con ritmos más globales, con tendencias panorámicas y con producciones electrónicas más europeas en sintonía con el hyperpop... aunque quizá llega a todo demasiado tarde.

KEHLANI Crash Atlantic 21 junio

Más clubera, más atrevida y más gamberra... vamos: la estadounidense, en su Charli XCX era.

LAVA LA RUE

Starface Dirty Hit / Music As Usual 21 junio

Otro debut que llevamos bastante tiempo esperando, esta vez en forma y groove de ePOPeya sci-fi.

AMOR LÍQUIDO

Amor líquido

La Castanya 28 junio

Otro grupito de Madrid con poso emo, intensidad pop punk y su puntito noise. Valen un piso.

ALFIE

TEMPLEMAN Radiosoul Chess Club / AWAL 7 junio

Rodeándose de absolutos capos de la producción como Nile Rodgers o Dan Carey, el británico entrega en segundo álbum un colorido repaso por sus inquietudes musicales: pop afilado, con sutiles aristas de experimentación. Pincha.

IMAGINE DRAGONS Loom Interscope 28 junio

El "lololo" sigue asegurado en el sexto disco del trío de Nevada. No se complican la vida .

MABE FRATTI

Sentir que no sabes Unheard of Hope 28 junio

Un trabajo oscuro e impetuoso sobre duda y confusión, sonora, personal, espiritual... Discazo.

OMAR APOLLO

God Said No

Warner 28 junio

Hasta Pedro Pascal, el hombre más adorable del mundo, adora a Omar Apollo. Por algo será.

STILL WOOZY

Loveseat

Polydor 28 junio

Una joyita de sampledelia, pop confeti y funk que se deshará poquito a poco, como un helado.

YELLOW HOUSE Psalms of Yellow House Foreingn Family / [PIAS] 28 junio

¿Un poquito de chill? La electrónica con ecos 80's de Yellow House debuta en el sello de Odesza.

POR: ADRIANA RAMIRO

Cr.

Ryan Condal,

G.R.R. Martin

Serie EEUU / 2024 17 junio

Hemos tenido que esperar dos años para la segunda temporada de La Casa del Dragón, pero este 17 de junio por fin volvemos a Poniente a lomos de los dragones de la casa Targaryen. Con el conflicto sucesorio desatado tras la conspiración que acaba con la vida del rey Viserys Targaryen y la usurpación del Trono de Hierro por parte de Aegon II Targaryen, hijo de Alicent Hightower, como telón de fondo, esta entrega nos mete de lleno en la Danza de Dragones: los negros, defensores de Rhaenyra como legítima heredera, y los verdes, seguidores de Aegon como primogénito varón y de una especie de ley sálica, se enfrentarán en una sangrienta guerra civil que acabará con humanos y dragones, y que dejará herida de muerte a la familia Targaryen... para siempre.

LA CASA DEL DRAGÓN

GENERACIÓN MATRIX

Dir. Benjamin Clavel

Documental

1 junio

Un vistazo al impacto de Matrix en toda una generación, su conversión en fenómeno pop de masas y la reapropiación que culminaron las Wachowsky con su cuarta entrega.

STAR WARS: THE ACOLYTE

Dir. Leslye Headland

Rep. Amanda Stenberg, Dafne Keen Serie / 5 junio

El universo cinematográfico de Star Wars se adentra por primera vez en los oscuros rincones del final de la antigua Alta República, años de conspiración y fundación de los sith.

BAKI HANMA VS KENGAN ASHURA

Dir. Toshihiro Hirano

Animación 6 junio

Los héroes definitivos de los animes de artes marciales Baki Hanma y Kengan Asura se enfrentan en este frenético crossover en el que recibe guantazos hasta el apuntador.

MAYOR OF KINGSTOWN 4ªT

Dir. Taylor Sheridan, Hugh Dillon

Rep. Jeremy Renner, Dianne Wiest Serie / 6 junio

La saga policíaco-judicial continúa en su cuarta temporada exponiendo las causas y consecuencias del racismo sistémico norteamericano, pero falla en su sistema procedimental.

BAD BOYS: RIDE OR DIE

Dir. Adil El Arbi, Bilall Fallah

Rep. Will Smith, Martin Lawrence Largo / 7 junio

Secuela de la secuela de aquellos

Dos policías rebeldes en la que la desastrosa pareja formada por Will Smith y Martin Lawrence ahora es perseguida por los agentes de la ley.

BECOMING KARL LAGERFELD

Dir. Audrey Estrougo, Jérôme Salle

Rep. Daniel Brühl, Agnès Jaoui Serie / 7 junio

Brühl, que ya fue Niki Lauda y que podría ser Josie, se pone en la piel del icono de la moda durante su era dorada, al frente de Fendi y Chanel y en competición feroz con YSL.

LOS PEORES

Dir. Lise Akoka, Romane Gueret

Rep. J. Heldenbergh, Matthias Jacquin Largo / 7 junio

Una película algo neutral sobre los numerosos vicios del mundo del cine, especialmente en lo que toca a la infancia, que versa sobre el consentimiento y la explotación.

LOS VIGILANTES

Dir. Ishana Shyamalan

Rep. Dakota Fanning, G. Campbell Largo / 7 junio

La hija de M. Night Shyamalan sigue la senda familiar y debuta en la dirección de largos con un thriller terrorífico, sofocante y algo camp protagonizado por Dakota Fanning.

PARADISE IS BURNING

Dir. Mika Gustafson

Rep. Bianca Delbravo, M. Oldenburg Largo / 7 junio

Un retrato decididamente caótico, empático y esperanzador sobre la hermandad femenina con el que el director sueco logró premios en Venecia, Estocolmo o Londres.

VALÈNCIA, T’ESTIME

Dir. Carlos Giménez Pons

Documental

7 junio

Un emocionante recorrido por la historia del movimiento LGTBIQ+ en Valencia, desde las primeras manifestaciones, la Brigada 26 o Lambda hasta la actualidad.

TOUR DE FRANCIA: EN EL CORAZÓN DEL PELOTÓN

Dir. Jamie Batten Serie documental 11 junio

Segunda temporada de esta docuserie de Netflix que se adentra en el competitivo Tour de France, cima antonomásica del ciclismo, esta vez en su edición de 2023.

THE BREAKING ICE

Dir. Anthony Chen

DOCTOR CLÍMAX

Cr. Ekachai Uekrongtham

Rep. C. Dhanasevi, A. Pokinpakorn Serie / 13 junio

Desternillante comedia en la que un dermatólogo desata una especie de revolución sexual con su columna semanal, Doctor Clímax. Carrie Bradshow en la Tailandia de los 70.

THE BOYS (4ªT)

Dir. Evan Goldberg, Seth Rogen, Eric Kripke

Rep. Karl Urban, Antony Starr Serie / 13 junio

Cada vez más en sintonía con los acontecimientos oscuros del mundo y las radicalizaciones de derechas y tras una temporada magistral, regresa el buque insignia de Prime.

EL CIELO ROJO

Dir. Christian Petzold

Rep. Thomas Schubert, Paula Beer Largo / 14 junio

Premiada en Berlín, esta cinta concisa, desoladora y opresiva demuestra el estado de gracia del director alemán. Llega a España una de las mejores películas de 2023.

VIDAS PERFECTAS

Dir. Benoît Delhomme

Rep. Jessica Chastain, Anne Hathaway Largo / 14 junio

Dos mujeres, antes amigas, se enfrentan fría y calculadoramente tras un suceso trágico en este thriller de poso adulto, intrigas y sospechas cruzadas y resultados irregulares.

Rep. Zhou Dongyu, Liu Haoran, Qu Chuxiao Singapur / 2023 / 21 junio

Nominada en el festival de Cannes de 2023 como Mejor película en la sección Un Certain Regard, este drama le sirve al director de Singapur para sumarse a la tendencia afrancesada del último cine de autor asiático, exponiendo con gran sensibilidad visual las complejidades emocionales de un triángulo amoroso durante unos días en la nieve.

LA PRIMERA MIRADA

Dir. Luis E. Parés

Documental 14 junio

La profesionalización del arte pasa por su canonización académica: historia de la primera escuela de cine de España, que unió a Berlanga, Saura, Bardem, Camus o Erice.

GHOST: RITE HERE RITE NOW

Dir. Tobias Forge, Alex Ross Perry

Concierto 20 junio

Ecos de la webserie de Ghost se entremezclan con tomas en directo de los últimos conciertos de la banda liderada por el Papa Emeritus en este bizarro largometraje.

LOS INDESEABLES

Dir. Ladj Ly

Rep. Alexis Manenti, Anta Diaw Largo / 21 junio

Llegó primero al Festival de San Sebastián, y ahora a las salas de cine este a veces excesivo drama social francés que retrata la realidad multicultural y la opresión obrera.

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO

Dir. Hayao Miyazaki

Animación 21 junio

Una de las películas más influyentes del maestro Miyazaki y su Studio Ghibli, que se reestrena en cines en nuestro país junto a la también excepcional El castillo ambulante

TIERRA DE MUJERES

Dir. Ramón Campos, Gema R. Neira

Rep. Eva Longoria, Carmen Maura Serie / 26 junio

Eva Longoria, una pija de NY, acaba refugiándose con su familia en un pueblecito español. Sorprendente crossover que contrapone dos formas distintas de entender el drama.

UN LUGAR TRANQUILO: DÍA 1

Dir. Michael Sarnoski

Rep. Lupita Nyong'o, Joseph Quinn

Largo / 28 junio

Precuela de la fantástica saga de terror Un lugar tranquilo: descubre los orígenes de esta misteriosa invasión de monstruos que solo pueden combatirse con silencio.

THIRD WEEK

Dir. Jordi Torrent

Rep. Aaron Poon, Lucinda Carr

Largo / 28 junio

Drama social íntimo y de tacto deliciosamente independiente sobre difíciles segundas oportunidades que consolida la relación de su director con la Nueva York más periférica.

CONCRETE UTOPIA

Dir. Tae-hwa Eom

Rep. Park Seo-joon, Lee Byung-Hun CoS / 2023 / Vértice / 4 junio

¿Utopía en Corea? Compro. El tercer largo de Um Tae-hwa tiene todo lo que un friki del género apocalíptico puede desear: un terremoto que deriva en distopía de las chungas.

NEFARIOUS. CUANDO HABLA EL DIABLO

Dir. Chuck Konzelman, Cary Solomon

Rep. Sean Patrick Flanery, Jordan Belfi EE UU / 2023 / Karma / 4 junio

Parte de una premisa atractiva: un condenado a muerte se somete a un examen psiquiátrico y en ese momento afirma ser el demonio. Y a partir de ahí... hace lo que puede.

SALA DE PROFESORES

Dir. Ilker Çatak

Rep. Martin Compston, W. Ruane Alemania / 2023 / A Contrac. / 4 junio

No todas las películas a propósito del mundo educativo están escritas desde los mundos de Yupi, y para muestra un botón. Sobresaliente drama y 1 hora de contenidos extras.

SHIN ULTRAMAN

Dir. Shinji Higuchi

Rep. Takumi Saitô, Masami Nagasawa Japón / 2022 / A Contrac. / 4 junio

¿Quién dijo friki? Reactualización del personaje que alimentó la mente enfebrecida de los japobabies de la postguerra. Incluye 52 minutos de webserie y 1 hora más de extras.

EL GRAN LEBOWSKI

Dir. Joel Coen

Rep. Jeff Bridges, John Goodman, J.Moore

EE UU / 1998 / Universal 25 junio

El Nota en 4K, con edición en caja metálica y portada pintona que potencian su condición de icono pop (y gamberro) de finales del siglo XX, ya otra era. Extras iguales que los de la edición de 2018.

DUNE: PARTE DOS

Dir. Denis Villeneuve

Rep. Timothée

Chalamet, Zendaya. EE UU / 2024 / Warner 29 mayo

Mientras Villeneuve decide cuándo rodar la tercera entrega, las ediciones domésticas -en todos los formatos, y caja metálica para el UHD- nos permiten profundizar en la última gran obra de ciencia ficción para la gran pantalla. Más de una hora de extras y un título que, junto a la primera entrega, no puede faltar en tu colección.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?

Dir. Narciso Ibáñez Serrador

Rep. Lewis Fiander, Prunella Ransome España / 1976 / Divisa / 17 junio

¿Mejor o peor que La residencia, el otro largo de Chicho? Para gustos colores. De lo que no hay duda es que está en el top del fantástico hecho en España. Edición libro solo en Blu-ray.

CHINATOWN

Dir. Reinaldo Marcus Green

Rep. Jack Nicholson, Faye Dunaway EE UU / 1974 / Paramount / 17 junio

La cinta de Polanski y Nicholson, que retrató la mafia en la Costa Oeste, se publica por primera vez en 4K con dos ediciones, una de ella de coleccionista que es puro fetiche.

CAZAFANTASMAS: IMPERIO HELADO

Dir. Gil Kenan

Rep. Paul Rudd, Carrie Coon EE UU / 2024 / Sony / 25 junio

Toca exprimir un poco más la saga, ahora con Paul Rudd de prota, apariciones de los personajes clásicos y vuelta a Nueva York. Extras generosos y edición en caja metálica.

LA PISCINA

Dir. Bryce McGuire

Rep. Wyatt Russell, Kerry Condo EE UU / 2023 / Universal / 25 junio

La clásica de mansiones encantadas, que cambia el terror inmobiliario por una piscina con un oscuro secreto.

Produce Blumhouse (M3GAN, La monja, Five Nights at Freddy's).

POR: RAMÓN BAYLOS

DESTINY 2: LA FORMA FINAL

Bungie : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 04 junio

La nueva expansión de Destiny 2 que promete poner a prueba el vínculo entre Bungie y la comunidad y convertirse en la antesala de algo mucho más grande. Tras una serie de movimientos cuestionables en el looter shooter, al estudio le toca volver a convencer a una base de fans cada vez más escéptica con esta segunda entrega de la saga. Combates que pondrán a prueba tu habilidad y tus reflejos a los mandos.

THE ELDER SCROLLS ONLINE: GOLDEN ROAD Zenimax Online

: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 03 junio

El nuevo capítulo del MMO de Bethesda nos llevará a enfrentarnos a Ithelia, una princesa demonio con la ambición suficiente como para dominar Tamriel.

ASSASSIN’S CREED MIRAGE

Ubisoft Bordeaux : iOS 06 junio

El último juego de la saga se ha pasado al terreno portátil gracias a los últimos modelos de Apple y su gran apuesta por el mundo gaming tradicional.

Atlus : PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S 14 junio

Atlus vuelve a la carga con una versión mejorada de uno de los JRPGs más infravalorados de los últimos años, quizás por el reciente auge de la saga Persona

STILL WAKES THE DEEP

The Chineese Room : PC, PS5, Xbox Series X/S 18 junio

Un survival horror ambientado en los 70 en el que estaremos encerrados en una petrolífera junto a una misteriosa criatura. Terror retroindustrial en estado puro.

LUIGI’S MANSION 2 HD

Nintendo : Nintendo Switch 27 junio

La gran N reivindica una de sus sagas insignia con un port de su segunda entrega para Nintendo Switch remasterizada para alcanzar los estándares actuales.

TCHIA

Kepler Interactive : Nintendo Switch 27 junio

Un juego de corte activista sobre la preservación de la naturaleza y la cultura envuelto en un mundo abierto abrumadoramente hermoso.

SHIN MEGAMI TENSEI V: VENGEANCE

POR: LUIS ARGEO

AMÉRICA PROFUNDA. CINE NORTEAMERICANO DE TERROR RURAL

Rocío Alés / Oculta Oculi / 248 p. / Cine, ensayo

La cultura estadounidense ostenta un reverso tenebroso asimilado por el resto del planeta como destino natural. Desde sus inicios, el cine, además de otras artes visuales, han contribuido a dicha asimilación. El cine de terror, para ser exactos, determina la profundidad de esa Norteamérica tenebrosa. Y la autora de este ensayo ilustrado nos invita a viajar y detenernos en esas gasolineras destartaladas y esos moteles de carretera en medio de ninguna parte, lugares legendarios que han entrado y han salido de películas como Las colinas tienen ojos, La matanza de Texas, El día de la madre, X, La casa de los 1000 cadáveres… Ilustrando el viaje, las fantásticas visiones de Buba Viedma (imagen), Daniel Abella, Axier Anguiano Mata, Sebas Bautista o Eduardo Canalejo.

KATE

Mario Sorrenti

Phaidon

120 p. / Bio, fotografía

He aquí una joven que, tras esta sesión fotográfica llevada a cabo por su novio, terminaría convirtiéndose en la modelo más solicitada de finales del siglo XX: Kate Moss.

GEORGE MICHAEL. UNA VIDA

James Gavin

Cúpula

512 p. / Bio, música

Retrato definitivo de una leyenda del pop, desde sus primeros pinitos como dj y su explosión al frente de Wham! hasta su subida al cielo y sus visitas al infierno.

UN CORTOCIRCUITO FORMIDABLE

Oriol Rosell

Alpha Decay

240 p. / Música

El ruido, en la música popular, es digno de estudio. Eso lo hace histórico, sociológico. Un repaso de la distorsión del rock y sus derivados como nunca lo has escuchado.

SURFERAS

Paola Hirou

Nórdica

128 p. / Bio, surf

Retrato colectivo, escrito e ilustrado, de históricas mujeres dedicadas a conquistar el surf, y que lograron tanta atención como respeto, dentro y fuera del mar.

EUNICE

Lisette Lombé

Demipage

204 p. / Novela

Premiada en Bélgica, llega en castellano la obra y milagros de este personaje pop, 19, quien asegura que no hay escenario sin compartir, como no hay literatura sin slam.

PARA SENTHURAN

Akwaeke Emezi

Consonni

256 p. / Autoficción

Destino biográfico. La manera en que nos mete en su vida, en sus cartas, en sus detalles, permite ahondar no ya en la intimidad de le autore, sino en su mismísima alma.

DINOSAURIO

David Pascual

Colectivo Bruxista

148 p. / Novela

Tan potente que ese niño tarda en salir de tu cabeza. Tan cinematográfico que sus imágenes se pegan a tu cerebro hasta convertirlo en un set de Haneke. Brutal.

EN LAS MANOS, EL PARAÍSO QUEMA

Pol Guasch

Anagrama

168 p. / Novela

El mundo pierde su juventud con más rapidez que los protagonistas de esta doliente aunque dulce historia de amistad. Guasch confirma que la palabra es un arma.

TODO LO QUE NO OCURRE

Olivia Teroba Medusa

160 p. / Relatos

Chingona. Una de las jóvenes voces mexicanas más destacadas de los últimos tiempos despliega tradición y experimentación en este puñado de historias cotidianas.

UN HOMBRE BAJO EL AGUA

Juan Manuel Gil

Seix Barral

384 p. / Novela

Las novelas también cambian de outfit, y el autor alicantino le ha retocado el forro sin quitarle barrio, misterio ni mirada camaleónica a la suya. Su hechura es admirable.

EL ÚLTIMO GIRO

Paola Boutellier

Contraluz

360 p. / Novela

El ruido de un Fórmula 1 puede dejarte aturdido, igual que la trama de este thriller, el primero en ambientarse en el mundo de las carreras reinas del motor.

HERALDOS DE LA MUERTE

David Sanz

AP

324 p. / Novela

Tras sus relatos bostonianos, Sanz se lanza al formato largo y salpica su novela de imaginación y aventuras, rol y cultura pop, para envolvernos con gracia en el misterio.

DIVISIBLE ENTRE SÍ MISMO Y UNO

Kae Tempest

Arrebato

120 p. / Poesía

Instrospectivo, reflexivo y metafísico, el nuevo poemario de Tempest también es un libro sobre el ser humano, el cuerpo como límite y cómo el mundo nos interpreta.

VVAA

Letraversal

246 p. / Poesía

Ojo a quién/qué llamas cursi. En la presente antología, con Berta y Juanpe a los mandos, una docena de poetas transatlánticos TOP presumen de adjetivo y sentimientos.

ESTRELLAS VIVAS. ANTOLOGÍA DE POESÍA CURSI

POR: MANU GONZÁLEZ

GOITER

Josh Pettinger

La Cúpula

212 p. / Color / 28 €

Este británico colaborador habitual de Simon Hanselmann viene a traernos la buena ración de mierda humana que nos merecemos. Lanzarte de cabeza a disfrutar de Goiter es como darte un paseo por Twitter sin opción de bloqueo: una opción de alto riesgo.

CORTO MALTÉS. LA REINA DE BABILONIA

Martin Quenehen, Bastien Vivès

Norma Editorial

180 p. / ByN / 28 €

Esta revisión moderna con los lápices de Vivès es todo un acierto con un joven Corto siendo pirata en el siglo XXI. Esta nueva aventura le llevará a las peligrosas calles de Irak.

DENTRO DE MARI

Shuzo Oshimi

Milky Way Ediciones

194 p. / ByN / 9 €

Oshimi sigue rompiendo los géneros con este manga sobre un universitario que un día amanece dentro del cuerpo de una chica de secundaria. Su mejor amiga intentará ayudarlo.

EONN. EL VALLE DE LA MUERTE

Josep Busquet, Abel Carrasco

Maldragón Editorial

150 p. / Color / 20 €

Busquet viaja a un oeste muy fantástico con las personales tintas y color de Abel Carrasco: Eonn, un defensor del viejo mundo en el viejo oeste del siglo XIX.

ESTE COCODRILO MORIRÁ EN CIEN DÍAS

Yuuki Kikuchi

Fandogamia

136 p. / Color / 12 €

Clásico manga yonkoma de solo cuatro viñetas que se publicó en Twitter y nos narra de manera muy surrealista y cómica los últimos cien días de un señor cocodrilo. Flipas.

LOS EVAPORADOS

Isao Moutte

Astiberri

160 p. / ByN / 22 €

Cuando alguien desaparece en Japón se dice que se ha evaporado. Vuelve el autor francés de origen japonés Isao Moutte con su equilibrada mezcla entre denuncia y tensión.

FLORES DE PIEDRA

Hisashi Sakaguchi

Planeta Cómic

320 p. / ByN / 17,95 €

Uno de los pocos Sakaguchi que nos faltaba en España por disfrutar. Cinco tomos a cual más deprimente sobre la Yugoslavia invadida por los nazis de 1941. Imprescindible.

BLUE GIANT

Shinichi Ishizuka

Distrito Manga

420 p. / ByN / 17,95 €

Si Beck es el manga del indie rock noventero, Blue Giant es el manga de los aficionados al jazz. Un joven quiere ser el mejor saxofonista de Japón y se esforzará para ello. Se edita en España poco después de la llegada del anime.

EL INVASOR

Alex Orbe,José Antonio Pérez Ledo

Astiberri

176 p. / ByN / 18 €

Carol valora hoteles de lujo de incógnito y Omar duerme en la calle. Una historia en plena pandemia del COVID con un desarrollo incierto y un dibujo fantástico de Alex Orbe.

LA MUJER DE LA ESTRELLA

Anthony Pastor Yermo Ediciones

152 p. / Color / 29,95 €

Pastor abandona sus cómics noir del noroeste americano para viajar al oeste del siglo XIX, donde las pistolas y las balas marcan su ley. Cambia de siglo pero no de intensidad.

MONSTRUOS DE MARVEL

Stan Lee, Larry Lieber, Jack Kirby Panini Cómics

456 p. / ByN / 44 €

Antes que los 4 Fantásticos enseñaran sus poderes en una portada de Marvel, Lee, su hermano Larry y Kirby gozaban haciendo historias de monstruos imposibles.

PRESAS FÁCILES

Miguelanxo Prado

Norma Editorial

184 p. / Color / 35 €

Noir muy nacional sobre víctimas de una entidad bancaria y una red de pornografía. El Prado más realista y menos cínico hasta la fecha, pero tan contundente como siempre.

REBIS

Carlotta Dicataldo, Irene Marchesini

Nuevo Nueve | 176 p. / Color / 22 €

Historia que sucede en la Italia medieval y que tiene aires de Miyazaki. El hijo más joven es albino y todo el mundo cree que es el culpable de la funesta suerte de una familia.

VOLTAR

M. Auad, W. Richardson, A. Alcalá Aleta Ediciones

144 p. / Color / 19,90 €

Cuando el filipino Alfredo Alcalá estaba triunfando con su versión de Conan el Bárbaro resucitó a un personaje creado en Filipinas en 1963 con dos historias largas ahora recopiladas.

POR: LUIS ARGEO

PURO LATINO

Viernes 28 y sábado 29

Ciudad del Rock

Arganda del Rey (MADRID)

ANUEL AA (4) / CANO / CRIS MJ / DEI V / JC REYES / JHAYCO (2) / JUAN MAGAN / JUSTIN QUILES / MORA (3) / MORAD / OMAR MONTES (5) / RVFV (1) / SAIKO / VILU GONTERO / YANDEL / YOVNGCHIMI

Desde aquella primera edición en Sevilla allá por 2022 con Bizarrap, Myke Towers, Jhay Cortez, El Alfa y Eladio Carrión, Puro Latino se ha convertido en el espejo donde se miran todos los festivales que en nuestro país han puesto el foco en la efervescente escena musical del otro lado del charco. Este 2024 no va a ser una excepción, y las cinco ediciones que se van a desarrollar a lo largo y ancho de nuestra geografía -Madrid, Sevilla (del 4 al 6 de julio), Torremolinos (19 y 20 de julio), Almería (12 y 13 de julio) y Puerto de Santa María (del 25 al 27 de julio)- le van a tomar la temperatura a un género musical condenado a reinventarse en los próximos años, pero que por el momento no muestra síntomas de agotamiento entre el público global. Madrid es la primera de las citas de este Puro Latino 2024 que apuesta por un cartel no demasiado poblado de nombres en el que no hay lugar para el relleno. Se pone a disposición del público un servicio de lanzaderas desde tres puntos de Madrid: Plaza Conde de Casal, la estación de Metro de Arganda del Rey y Las Ventas.

SALA WURLITZER JUNIO 2024

BOSTON BABIES

Jue 30 may

LAVIN + FUENTENUEVA + DOPPLERS

Vie 31 may

CALIVVULA + GAZELLA

Sáb 1 jun

ELIGE TU PROPIA AVENTURA : LAS PETUNIAS (FOTO) HOSTED BY CAROLINA

DURANTE

Mar 4 jun

MILTARIE GUN

Miér 5 jun

CRISPY BATS + CAPIBARA

Jue 6 jun

CREMALLERAS

MEGAROLLO+CARDENALES

Vie 7 jun

SOUND ISIDRO PRESENTA: EL MOMENTO

INCÓMODO

Sáb 8 jun

FESTIVALES

PRIMAVERA SOUND

Parc del Fòrum (BARCELONA)

Del 29 de mayo al 2 de junio

070 Shake, Beth Gibbons, Bikini Kill, Charli XCX, Deftones, Disclosure, FKA Twigs, Jai Paul, Justice, Lana Del Rey, Mitski, Omar Apollo, Peggy Gou, PJ Harvey, Pulp, Romy, SZA, The National, Troye Sivan, Vampire Weekend,... www.primaverasound.com

SHARE FESTIVAL

Parc del Fòrum (BARCELONA)

Del 7 al9 de junio

Aitana, Ayax y Prok, Belén Aguilera, Cano, Chanel, JC Reyes, Jhayco, Juan Magán, Julieta, Lia Kali, Lola Índigo, Maikel Delacalle, Maka, Myke Towers, Ptazeta, Vicco, Youngchimi,... www.sharefestival.org

SÓNAR

Fira Montjuic y Fira Gran Via (BARCELONA)

Del 13 al 15 de junio

ABHIR, Air, Aïsha Devi,Blackhaine, Ela Minus, EMPTYSET, Floating Points, Iceboy Violet, JASSS, Kaytranada, Kelly Moran, Laurel Halo, Loraine James, Marie Davidson, Richie Hawtin, Sevdaliza, SHYBOI, TAAHLIAH, Vince Staples,... www.primaverasound.com

AZKENA ROCK FESTIVAL

Mendizabala (VITORIA-GASTEIZ)

Del 20 al 22 de junio

All Them Witches, Arde Bogotá, Band Of Horses, Demolition 23., Glen Hansard, Jane’s Addiction, L7, Lendakaris Muertos, Mavis Staples, Psychedelic Porn Crumpets, Queens Of The Stone Age, Redd Kross, Sheryl Crow, St. Paul & The Broken Bones, The Detroit Cobras, The Pleasure Fuckers, The Rain Parade,

HOOVERIII

Miér 12 jun

SALMONETES ENFADADOS + EL PRÓXIMO VERANO

Jue 13 jun

LA CORPORACIÓN THE FESTIVAL CON NUEVA AUTORIDAD DEMOCRÁTICA

Vie 14 jun

ZARPAZO SESSIONS: THE WIZARDS + KRAZARK

Sáb 15 jun

ELIGE TU PROPIA AVENTURA : TETAS FRIAS HOSTED BY CAROLINA DURANTE

Lun 17 jun

ONE ELEVEN HEAVY + THE CBB

Mar 18 jun

NEBULA

Miér 19 jun

SNOOPER + CAMPAMENTO RUMANO

Jue 20 jun

Ty Segall, Warren Haynes Band,... https://azkenarockfestival.com

REGGAETÓN BEACH FESYIVAL

Recinto de conciertos (OROPESA) 29 y 30 de junio

Puerto de la Cruz (TENERIFE) 29 y 30 de junio

La Caja Mágica (MADRID) 6 y 7 de julio

Nerja (MÁLAGA) 6 y 7 de julio

Recinto Virgen del Mar (SANTANDER) 13 y 14 de julio

Can Picafort (MALLORCA) 13 y 14 de julio

Montmeló (BARCELONA) 20 y 21 de julio

Estadio Municipal Guillermo Amor (BENIDORM) 20 y 21 de julio

Recinto Ferial San Rafael (GRAN CANARIA) 27 y 28 de julio

Pabellón La Magdalena (AVILÉS) 27 y 28 de julio

Porto do Molle (NIGRÁN) 3 y 4 de agosto

Parque Antonio Soria (TORREVIEJA) 3 y 4 de agosto

Álvaro Díaz, El Alfa, Anuel AA, Justin Quiles, Bryant Myers, María Becerra, Nio García, Noriel, Chimbala, Tiago PZK, Tainy, De La Ghetto, Saiko, Ryan Castro. https://reggaetonbeachfestival.com

OBSERVATORIO

Balboa (LEÓN)

Del 27 al 29 de junio

ALVVA, Dinamarca, El Buen Hijo, Hanna Plum, Lizz, Merina Gris, Natural Language, Tamarindo, Teo Lucadamo, Toldos Verdes, Tomasa del Real, VVV [Trippin'you]. https://observatoriofestival.com

CONCIERTOS

SEN SENRA Noches del Botánico. Madrid. Jueves 6

IVE Palau Sant Jordi. Barcelona. Viernes 7

CROSSED +CONFETI DE ODIO

Vie 21 jun

ASOCIACIÓN MUNDO VIVO

Sáb 22 jun

BELLAKO + SVDESTADA

Dom 23 jun

MSPAINT

Lun 24 jun

ELIGE TU PROPIA AVENTURA : ERROR97 HOSTED BY CAROLINA DURANTE

Mar 25 jun

TBA Jue 27 jun

THE ROYAL THUNDER

Vie 28 jun

MERCHANDISE BY GEMA POLANCO 12:00

GTO'S + CHEAP KISS 21:00

Sáb 29 jun

RYDER THE EAGLE

Dom 30 jun

PJ HARVEY

Noches del Botánico. Madrid. Viernes 7

ANOHNI AND THE JOHNSONS

Noches del Botánico. Madrid. Martes 18

OLIVIA RODRIGO + REMI WOLF Palau Sant Jordi. Barcelona. Martes 18 WiZink Center. Madrid. Jueves 20

QUEENS OF THE STONE AGE Coliseum. A Coruña. Martes 18 Noches del Botánico. Madrid. Jueves 20 Poble Espanyol. Barcelona. Miércoles 26

EXPOSICIONES

CHUPAS & PARKAS

Museo Nacional de Antropología (MADRID)

Hasta el 22 de septiembre

El 18 de mayo se cumplieron 60 años de la “batalla de Brighton”, un suceso que enfrentó a rockers y mods en aquella localidad de la costa inglesa. El acontecimiento llamó la atención sobre estas dos culturas urbanas, que coexistían en las principales ciudades británicas. Esta exposición recorre los caminos seguidos por rockers y mods desde aquella época germinal hasta nuestros días: su popularización, su revitalización de finales de los setenta -que dio lugar a una muy extensa producción cultural global- y su arraigo en nuestro país a partir de los años ochenta. Dos de los mejores conocedores de ambas culturas, Rubén Olivares Rosell y Dani Llabrés, nos hacen de guías a lo largo de un trayecto lleno de objetos extraordinarios cargados de vivencias, fruto de la generosidad y el compromiso de un buen puñado de rockers y mods que comparten sus colecciones. Adicionalmente, en la sala sur reúnen un compendio de fotografías de Miguel Trillo, que hizo en

los años ochenta un seguimiento exhaustivo de aquellas estéticas: retratos, imágenes con detalles de indumentaria, escenas de baile y actuaciones musicales.

www.cultura.gob.es/mnantropologia

LA MADRE TIERRA HABLA

Galería Pedro Cera (MADRID)

Desde el 6 de junio

La galería portuguesa con sede en Malasaña presenta Ja qattee ruach ulew nu tz ijoni / La Madre Tierra habla, una exposición individual del artista guatemalteco Manuel Chavajay, quien reúne un conjunto de varias obras de reciente creación realizadas en diferentes formatos, desde pinturas hasta vídeos. Chavajay es uno de los descendientes de la comunidad tz'utujil, enclavada a orillas del lago de Atitlán en Guatemala, entre imponentes volcanes y con la misión de conservar la herencia cultural del pueblo maya. Reflexionando sobre la sacralidad del lugar a través de su cosmogonía, su obra encarna una conciencia histórica de la identidad indígena. Al abordar cuestiones espirituales, socioeconómicas y medioambientales, su práctica se centra en la urgente necesidad de poner fin a las disputas humanas sobre la tierra. La muestra nos ofrece el manantial de esta exploración, abordando la Tierra como una entidad con voz que habla a través de las tradiciones, costumbres y luchas de los pueblos indígenas que la habitan. www.pedrocera.com

TELÉFONO DESCOMPUESTO

Galería Espacio Mínimo (MADRID)

Desde el 8 de junio al 27 de julio

La primera exposición individual en Madrid de Pablo Helguera, Teléfono descompuesto, reúne un grupo de obras que sirven como introducción a la obra de este artista mexicano, que se enfoca en temas como la observación sociológica y reflexión satírica sobre

SALA BERLANGA

Programación de junio 2024

Madrid

Ciclo audiovisual: Ellas son cine

Con las películas ‘Banel et Adama’, ‘The Bride’, ‘Animalia’, ‘Mambar Pierrette’ y ‘Les filles d’Olfa’

Del 4 al 8 de junio

19:30 h

Entradas: 3,50 euros*

*Entrada libre el 4 y 8 de junio

Ciclo audiovisual: Cine y Zarzuela

Con los documentales ‘Tiempo de Zarzuela’ y ‘El género chico’ y las películas ‘La verbena de la Paloma’, ‘Alma de Dios’, ‘Doña Francisquita’ y ‘La Revoltosa’

Del 11 al 15 de junio

18.30h y 20.30h

Entradas: 3,50 euros

Festival de cortometrajes: SGAE en Corto

Del 18 al 20 de junio

19h y 20:30h

Entrada libre hasta completar aforo

el mundo del arte, el lenguaje, la autobiografía y la memoria, en formatos que van del dibujo al performance. www.espaciominimo.es

GIANNI VERSACE FRENTE AL ESPEJO

Museo Nacional de Artes Decorativas (MADRID)

Del 6 de junio al 6 de octubre

En 2001, el Museo Nacional de Artes Decorativas recibió una amplia donación de más de 150 diseños de alta costura de entre 1989 y 1994 donde se puede apreciar el germen de lo que posteriormente se denominaría el estilo Versace. Es en ese momento cuando el creador italiano lanza su línea de ‘haute couture’, Atelier Versace, y donde aparecen sus iconos más conocidos, como la Medusa. Pero Versace no inventa nada nuevo. Como él reconocía, un diseñador debía ser una persona cultivada. El Museo Nacional de Artes Decorativas plantea con esta muestra un análisis del origen de estas influencias del modista, que convierte en moda una serie de elementos que han estado presentes de manera casi constante en las artes decorativas occidentales. Desde la fascinación por Oriente o Grecia, al interés por el arte y los artistas, o su provocación con el cuerpo femenino, descubrimos las fuentes de inspiración de un artista que marcó la estética de finales del siglo XX. www.cultura.gob.es/mnartesdecorativas

UNA ASCENSIÓN EN ESPIRAL. MIRAR ATRÁS

DESDE EL FIN. RAISA MAUDIT

La Virreina Centre de la Imatge (BARCELONA)

Del 14 de junio al 13 de octubre

La joven Raisa Maudit lleva un tiempo analizando las contradicciones y puntos ciegos de los relatos dominantes del sistema. Su arte forma un particular universo donde música, video, escenografía, ocultismo, performance, texto, escultura, instalación o comisariado se entremezclan para plantear revolu-

ciones. En este trabajo que muestra en el palacio de La Rambla, y “en un momento de desmoronamiento como el actual, con la presente caída de sistemas democráticos frente a modelos puramente económicos y sus divertimentos populistas, Raisa Maudit realiza en su exposición un viaje temporal para intentar apoderarse y compartir otra historia (que conlleve otro futuro u otro presente) y entenderla como algo más que una necesidad. Quizás desde un gesto de fe, quizás en clave mística, quizás como última opción”. Una exposición que es un tablero desestabilizado, que busca repeticiones en las que poder acogerse, que parte de la música como material abstracto transmisible, que busca nuevos mundos para poder creer en una posibilidad. Por remota que sea. Si es que es posible.

https://ajuntament.barcelona.cat/lavirreina

EN BUSCA DE LOS TESOROS PERDIDOS

Museo de la Ciencia (VALLADOLID)

Hasta el 1 de septiembre

Diferentes disciplinas científicas, además de la arqueología, están presentes en las películas de Indiana Jones. Un hecho que se evidencia a través de la utilización de numerosas referencias de lugares, objetos y personajes reales, y al uso continuo de recursos procedentes de distintas ramas de la ciencia en el desarrollo de la historia y el personaje protagonista. La exposición En busca de los tesoros perdidos. Ciencia y arqueología de ficción en la saga de Indiana Jones, autorizada por LucasFilm, descubrirá al público la ciencia que hay detrás de las películas del arqueólogo más conocido del séptimo arte, cuyo intérprete recibió en 2008 el Premio Bandelier del Instituto Arqueológico de América por su importante papel en estimular el interés del público por la exploración arqueológica. El recorrido está integrado por más de un centenar de objetos a escala real que incluyen elementos originales utilizados en la saga, réplicas y piezas históricas que aparecen en las diferentes películas de Indiana Jones.

24 horas de música: Canción de amor de un día

Un centenar de autores componen la canción más larga

21 y 22 de junio

A partir de las 21h

Entrada libre

Ciclo audiovisual: Programado por… Pilar Palomero

Con las películas ‘La ciénaga’, ‘The rider’, ‘Los espigadores y la espigadora’, ‘Toni Erdmann’ y ‘¿Dónde está la casa de amigo?’

Del 25 al 29 de junio

Varios horarios entre las 18h y las 21h

Incluye presentación de Pilar

Palomero con la crítica de cine

Marta Medina el 25 de junio

Entradas: 3,50 euros

ALHAMBRA MONKEY WEEK

El Puerto (Cádiz) 14 y 15 de junio

Australian Blonde / Júlia Colom / Los Sara Fontan / Los Voluble / Marcelo Pantani / María de la Flor / Nueve Desconocidos / Restinga / Shanghai Baby / Teo Lucadamo / Vatocholo / Viva Belgrado / y más...

De esta forma, los visitantes podrán observar reproducciones exactas de el Arca de la Alianza, el Ídolo de la Fertilidad, las Piedras de Sankara o el Santo Grial; así como contemplar un guion original de El templo maldito, firmado por Harrison Ford, y vestuario utilizado por uno de los actores que dieron vida a los personajes de Mutt y uno de los agentes rusos en el film El reino de la Calavera de Cristal. Como complemento a su exhibición en Valladolid, la exposición incorpora diferentes paneles científicos que explican y analizan la viabilidad de algunos conceptos de la saga. De esta forma, los visitantes descubrirán que en algunas civilizaciones han existido piedras esféricas de más de 16 toneladas, similares a la bola rodante de En busca del Arca Perdida; y que, siguiendo ciertos requisitos de la física, es posible saltar un precipicio con la ayuda de un látigo. www.museocienciavalladolid.es

AUDIOVISUAL

S8 MOSTRA DE CINEMA PERIFÉRICO

Varios espacios (LA CORUÑA)

Hasta el 9 de junio

Estrenos, obras inéditas, referentes internacionales invitados, retrospectivas únicas en Europa y una apuesta clara por las nuevas generaciones de artistas hacen del (S8) Mostra Internacional de Cinema Periférica de A Coruña el momento y el lugar hacia

El Monkey, nuestro festival enfocado a la búsqueda de nueBos talentos, vuelve en verano a su ubicación original en la ciudad gaditana del Puerto de Santamaría, con escenarios ya icónicos como el que se encuentra en el interior del Castillo de San Marcos o en la Bodega Caballero. Para disfrutar de la música y de la vida. www.monkeyweek.org

el que girar la cabeza. El tarot inspira la imagen 2024 del festival en homenaje a Kenneth Anger, fallecido en 2023. La Mostra pone el foco en Canadá con los 30 años de la Film Farm, Rhayne Vermette, Franci Durán y the8fest de Toronto, y presenta la sección Desbordamientos, la sección del festival dedicada al cine expandido que tiene lugar en la Fundación Luis Seoane, y que acoge este año a dos artistas que transitan ese camino: Gaëlle Rouard y Lynn Loo. El festival de A Coruña ha incorporado sendos programas dedicados a los estadounidenses Morgan Fisher y Margaret Honda y a la recientemente fallecida y pionera del cine de vanguardia en argentina Narcisa Hirsch; el desembarco latinoamericano en la programación 2024 toma forma además con la mexicana Annalisa Quagliata y la nueva sección Sinais Latinoamérica comisariada por Ia peruana Ivonne Sheen. Entre los 142 trabajos presentes en la edición de este año, la vanguardia gallega más joven estará representada en la sección Sinais con los trabajos de Iago Lourido, Yasmina Farhani Luaces, y Pablo Agma, reciente ganador de las becas al desarrollo eSe8_LAB, organizadas por el festival. Por otra parte, la obra de la artista de Xinzo de Limia y residente en Barcelona, María Ruido, protagonizará el programa monográfico online Ultreia et suseia, dedicado cada año a las voces más destacadas del cine gallego actual. La programación incluye 18 piezas de autoría gallega. www.s8cinema.com

JAPANESE FILM FESTIVAL

Del 5 de junio al 3 de julio

Certamen dedicado en exclusiva al cine nipón y que, gracias a su formato virtual, permitirá a los espectadores disfrutar desde casa y totalmente gratis de una gran selección de su singular filmografía. En esta tercera edición, el Japanese Film Festival Online brinda al público una veintena de películas de todos los géneros a través de las cuales es posible explorar el fascinante universo de la cultura nipona. La gran novedad de esta cita es que, por primera vez, el público podrá disfrutar además de temporadas completas de dos series japonesas, a partir del 19 de junio, una de ellas inédita en España. De la comedia al drama, del documental al cine de terror, pasando, por supuesto, por una representación de la mejor animación japonesa, el Festival nos traslada a Japón ofreciendo una ocasión única para ver una selección de series y películas, algunas de las cuales no se han visto en este país, con el mejor sonido y la mejor calidad de imagen en VOSE; además, los amantes del cine japonés podrán ver a intérpretes reconocidos de la industria audiovisual de ese país asiático. El Japanese Film Festival Online completa su programación com un homenaje a los clásicos con Twenty-Four Eyes (1954) de Keisuke Kinoshita una película antibelicista clásica sobre la vida de los ciudadanos japoneses afectados por la guerra, vista a través de las interacciones a largo plazo entre una profesora y sus alumnos con la legendaria Hideko Takamine dirigida por uno de los cineastas japoneses más venerados, junto a Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu, autor de filmes icónicos como La balada de Narayama (1958). https://watch.jff.jpf.go.jp

CINEMAJOVE

Varias sedes (VALENCIA)

Del 20 al 29 de junio Cinema Jove tiene sus inicios en el Encuentro Audiovisual de Jóvenes, que comenzó en 1985 con una proyección de películas escolares. Desde entonces, ha evolucionado hasta convertirse en una sección competitiva de cortometrajes realizados por estudiantes. Una edición más, contará con tres categorías: infantil, juvenil y amateur, abarcando diferentes edades y niveles educativos. El encuentro, tiene el apoyo y patrocinio del IVAJ (Instituto Valenciano de la Juventud). En esta edición, por primer año, podrás empaparte del emocionante mundo de los videojuegos, a través de nueve películas. El ciclo incluye desde documentales que exploran la historia y el impacto cultural de la industria hasta emocionantes largometrajes de ficción. Podrás disfrutar de títulos procedentes de Japón, Estados Unidos, Francia, Canadá y España al aire libre, del 21 al 29 de junio, en el claustro gótico del Centre del Carme (CCCC). Para los más fans de los videojuegos, el ciclo incluirá una mesa redonda el 21 de junio en la Fnac, con expertos de la industria. Clásicos como Juegos de guerra y Tron, hasta exploraciones más recientes como ExistenZ y Level 5, cada película ofrece una visión única de los videojuegos y su impacto en nuestras vidas. La sinergia entre el cine y los videojuegos estará presente con películas como Ace Attorney y Scott Pilgrim contra el mundo, que llevan los mundos fantásticos de los videojuegos a la gran pantalla de una manera emocionante y original. www.cinemajove.com

CICLO AMERICANA

Cines Casablanca (VALLADOLID)

4, 11, 18 y 25 de junio

Seminci y los cines Casablanca organizan en junio el ciclo Americana, con lo mejor del cine independiente americano más reciente. Organizado en colaboración con el Americana Film Festival, la muestra programará las películas Showing Up, de Kelly Reichardt (First Cow, Meek's Cutoff) que narra la historia de una escultora que se prepara para abrir una nueva exposición; Las habitaciones rojas, de Pascal Plante (Falsos tatuajes, Nadia mariposa). Esta película intensa trata sobre el sonado juicio al asesino en serie Ludovic Chevalier, a cuyo juicio asisten fascinadas dos mujeres jóvenes. En Riddle of Fire, de Weston Razooli, tres niños intentan descifrar el control parental de su videoconsola y dar con la receta de la tarta de arán

PRESTOSO FEST 2024

FESTIVAL DE MÚSICA INDEPENDIENTE EN EL PARAÍSO NATURAL

CANGAS DEL NARCEA, ASTURIAS

1, 2 y 3 de agosto

LOS BITCHOS · NACHO VEGAS · TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO · PONY BRAVO · VIVA BELGRADO · BELAKO · PABLOPABLO · AK/DK · KOKOSHCA · REPION · PINGÜINO · PABLO UND DESTRUKTION · LOS MANISES · TANIA PEREIRA · LOS MÍTICOS DEL CHIMBORAZO · PERARNAU IV LIVE FEAT DRAMA AV/SET · LA VIUDA DE ANGELÍN · DJ CHAME · MEDIOCRE DJ

LOS MANISES

Problemas técnicos impidieron al dúo de Elche actuar el año pasado, así que vuelve con el doble de ganas para desquitarse y soltar toda su carga emocional en el valle.

PERARNAU IV LIVE FT. DRAMA AV SET

La noche estallará cuando Martí y Zahara ajusten su electrónicamúsica y sus vi- suales a la vibra que se genera entre montañas.

LOS BITCHOS

ABONO JOVEN PRESTOSO 65 €

Saca partido a tu edad y ahorra 20 euros con el descuento para jóvenes entre 17 y 30 años poseedores del carnet joven europeo. Solo en modalidad de abono, no entrada de día. Sin abono joven, 85 €. Esta y toda la info que debes saber, a través del QR

REPION

Las hermanas cántabras conocen la crudeza del norte, y presentarán nuevo pop agarrado a su grunge guitarrero. Difícilmente te dejarán impasible.

PABLOPABLO

Ya no necesita aval de nadie, nada que demostrar, Pablo Drexler llega a Asturias para compartir sus canciones íntimas, delicadas, sugerentes, en un ambiente privilegiado.

La girl band internacional, en su prime!!! Oportunidad de disfrutar en esta remota zona minera con su cruce de cumbia, western y psicosurf pasado por Londres. Imperdibles.

¿Se puede disfrutar en agosto de noches fresquitas, paisaje verde, ríos, montaña, música, gastronomía y fiesta? Se puede en un rincón de Asturias, Las Barzaniellas. El Prestoso Fest proporciona zona de acampada/furgos incluida en el abono; ofrece actividades complementarias:

talleres de cerámica, catas de vino en singulares viñedos, senderismo, visitas a museos; y garantiza sostenibilidad turística, social y medioambiental. En el line up, hay artistas tranquilitos y hay dinamiteros.

YOSHITOMO NARA

Museo Guggenheim (BILBAO)

Del 28 de junio al 3 de noviembre

Yoshitomo Nara (Hirosaki, Prefectura de Aomori, 1959) es uno de los artistas japoneses más conocidos de su generación. Esta exposición recorre su trayectoria completa, comenzando con sus primeras obras creadas en Japón en la década de 1980, su fecunda estancia en Alemania, y su regreso a Japón en 2000. Una importante selección de pinturas, dibujos, instalaciones y esculturas creadas desde entonces, se exhiben en el contexto de toda su carrera. www.guggenheim-bilbao.eus

danos perfecta. Se cierra el ciclo con Shortcomings, ópera prima del también actor Randall Park, quien en su debut firma una comedia tierna e ingeniosa de personajes en busca de la felicidad, basada en el conocido cómic de Adrian Tomine Rubia de verano, y que formó parte de la selección oficial de Sundance. www.cinemajove.com

ARTES ESCÉNICAS

MÚSICA ELECTRÓNICA AUDIOVISUAL

Teatros del Canal (MADRID)

Días 6 y 9 de junio

Dos últimas citas de este imprescindible ciclo. Los artistas sonoros y visuales convertirán otra vez la Sala Verde en un altavoz de potentes experiencias de electrónica con proyecciones audiovisuales, que además son estrenos absolutos. El 6 de junio, la artista rusa afincada en Berlín Dasha Rush estrena en España Hypothetically Personal Live A/V, primero de sus espectáculos donde sonido y visuales han sido creado íntegramente por ella. Viaja por medio mundo con sus proyectos de música electrónica y otros proyectos multidisciplinares, enfocados tanto a la pista de baile como a la experimentación y la expansión de los límites de la música contemporánea. Byetone, nombre del proyecto en solitario de Olaf Bender, clausura este ciclo el 9 de junio. Bender es uno de los habituales en los principales festivales de

electrónica a nivel mundial y co-fundador del sello Raster-Noton. Su sonido, totalmente digital, que crea ensamblando estructuras complejas, glitches y tonos, deconstruyendo los elementos del ritmo con la minuciosidad de un cirujano, adquiere en directo la categoría de “experiencia”, gracias a conceptos como la intensidad o la presión que ejecuta impecablemente. Y con su poderoso soporte visual desarrolla una experiencia audiovisual unitaria y plena de imágenes abstractas donde la música se transforma por completo en su equivalente gráfico. Pulses, que será estreno en España, es el resultado de experimentos con constelaciones rítmicas y de sonido combinados con un láser controlado de manera analógica. Los temas están basados en relaciones matemáticas muy simples. Tanto la música como la imagen tienen una aproximación genérica y abstracta: una banda sonora audiovisual de post-techno y diseño generativo sin igual. www.teatroscanal.com

PALOMA DE PARQUE

Teatre Borràs (BARCELONA)

Hasta el 6 de junio Últimos días para conseguir una cotizada entrada al espectáculo que más correveidiles ha generado en lo que va de año en la ciudad condal, el segundo show en solitario de Clara Ingold, que versa sobre la autodestrucción, como individuos y como sociedad: Paloma de parque. Co-dirigida por Josep Orfila, la

obra nace a partir de anécdotas y vivencias personales explicadas en clave cómica. Clara Ingold habla de los problemas de una generación, la suya, que nos implican a todos como sociedad. “Es de la mierda desde donde se hace la mejor comedia” y a su vez, ésta sirve como instrumento de denuncia. Como ya hizo en su anterior espectáculo, la actriz combina monólogos con actuaciones musicales -compuestas por ella misma-, ambos llenos de humor absurdo, ironía y autoparodia en los que reflexiona sobre el autoboicot, las relaciones, el cánon estético, el ser mujer… El nuevo espectáculo de Clara Ingold es celebración y lamento, alegría y tristeza, principio y final, comedia y drama, humor y crítica. www.balanaenviu.com

ÉPICA JAM

Campo de fútbol Coslada (MADRID) 8 de junio

Con escenario, con micrófonos, con cámaras. De premio, mil pavos. De jurado: Eude, Doblehache, Retu. Presentada por Queen Mary. La fiesta del hip hop ya tiene fecha. Además de un cartelazo de locos con grupos de hiphop de siempre, como Mucho

Muchacho, Nach, Duo Kie, Zpu, Ariana Puello, Sharif, C-Kan, El Chojin, Ambkor..., además de eso, habrá breakdance, graffiti y freestyle! La lista de participantes es la siguiente: Babi Clímax Dani VK Ethico, Hander, Julen, K-Mbra, Kensuke, Mister Ego, Minus, Mowlihawk, MWZ, Paulón, Soen, Viti y el último clasificado será el ganador del Sanse Urbano. ¡Todo ese cuartelazo por solo 16€! https://epicajam.com

FESTIVAL FRONTERAS

Varios espacios (VALENCIA)

Del 12 al 15 de junio

Segunda edición para un encuentro donde poesía y música dan mucho que hablar: conversaciones, recitales, música en vivo, encuentros con autores y talleres. Nombres destacados para ti: Ana Iris Simón, Rocío Márquez, Niño de Elche, Rodrigo Cortés, Bely Basarte, Luna Miguel, María Rodés… Una charla más amena de lo que parece en un principio: filosofía irredenta para la música, con el pensador Ernesto Castro y el pianista Juan Pérez Floristán. Y un plato fuerte, el del día 14: un recital íntimo donde las artistas y el público compartirán el escenario. Las dos poetas valencianas Berta García Faet, autora de La edad de merecer, Los salmos fosforitos, Corazonada o El arte de encender las palabras compartirá escenario con Carolina Otero, poeta y cantante, autora de Balada del rímel corrido, No te hagas el muerto, Piscina fuera de temporada o Curso avanzado de perra. Les acompaña Isabel Villanueva, la violista española con mayor carrera internacional. Ese día, también tendrás oportunidad de asistir a una escuela de rock particular, que en este caso será un taller básico de rock'n'roll impartido por el macarra Jorge Ilegal, líder de la legendaria banda asturiana Los Ilegales. www.lafabrica.com/festivalfronteras

COSTUMBRE. OTRAS COSTUMBRES

Museo Carmen Thyssen (MÁLAGA)

Del 22 al 24 de junio

Costumbre es una propuesta de poesía en acción en la que, a través de lecturas y performances y de la mano de la poeta y comisaria del ciclo, Sara Torres, cinco creadores/as nos invitan a afianzar la costumbre de compartir el acto poético desde diferentes perspectivas y a reconsiderar con ello la propia idea de costumbre. Abre el ciclo el tema En el campo y en la ciudad: Costumbres perseverantes, encontradas y perdidas. Conversación con María Sánchez, escritora y veterinaria de campo, autora de Tierra de mujeres, Cuaderno de campo y Almáciga. ¿Qué hábitos, rituales y sensibilidades no tan visibles o representados nos conforman como individuos y como comunidad? Seguirá Costumbres de lo sensible. La revolución de lo poético en las comunidades menos visibles, con lectura de Juan José Ceba, y lectura de Alejandro Simón Partal, que se meterá en poesía y fragmentos de su novela reciente La parcela. Cierra el ciclo Las otras costumbres. Miradas transformadoras, con performance poética de Lola Nieto y ceremonia de cierre con intervención y lectura colectiva de poéticas de la diversidad a cargo de Pink Chadora www.carmenthyssenmalaga.org

MALLORCA LIVE FESTIVAL

Antiguo Aquapark de Calvià (MALLORCA)

Del jueves 13 al sábado 15

No hacen falta demasiadas excusas para darse una vuelta por Mallorca, una isla que cuenta en sus 3.640 km² de extensión con todos los elementos -playa, montaña, gastronomía...- para unas vacaciones idílicas. Por si acaso el Mallorca Live Festival te da la excusa definitiva con su combinación de grandes estrellas internacionales -Blondie, Underworld, Michael Kiwanuka, Pet Shop Boys, The Blaze-, algunos de los artistas nacionales del momento - Aitana (en la foto), Rels B, Arde Bogotá, La Élite, Funzo & Baby Loud, Pepe y Vizio, Paula Cendejas, Rodrigo Cuevas, Margarita Quebrada, Sila Lua- y una especialmente cuidada programación electrónica - Acid Arab, Jayda G, John Talabot, Palms Trax...-.

RODRIGO CUEVAS. LA GRACIA DE LA AGITACIÓN FOLCLÓRICA

Laboral Centro de Arte (GIJÓN)

Hasta el 8/3/2025

No, Rodrigo sigue vivo y coleando, keep calm, que nadie se asuste. Esta no es una exposición in memoriam, como las que itineran repletas de memorabilia de Lola Flores o David Bowie. Más al contrario, esta exposición pretende demostrar lo activo, resistente y enérgico que se encuentra el artista asturiano, distinguido con el Premio Nacional de la Música en 2023. Tal y como comentan sus comisarios, “no canoniza ni ensalza la figura de Cuevas; busca más bien jugar con ella”. Ante un AV descomunal, podrás interactuar con él. Sus fotos, enseres y demás parafernalia neofolk se pueden visitar calzando madreñas. Incluso podrás enviar tus ideas, proyectos y comentarios al músico, vía whatsapp.

FOTO: MANU MENDI Y BERNARDO BARAGAÑO