D&D Diseño y Decoración 140 | Arquitectura | Turismo | Fotografía | Arte by Editorial Primera Línea SA.

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Producción: Sofia Di Maggio

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tural, géneros a elección, en este caso lino crudo. Diseño de Carina Drukier. Medidas, 50 x 40 x 40 cm.. DESTILA. www.destila.com.ar 2. Aparador Stone, trabajado a mano, revestido en pan de oro y con un interior azul brillante que define el envolvimiento de toda la ciudad que absorbe el río, una obra que refleja la piedra que ilumina la ciudad. Medidas: ANCHO 243 cm x 95.7” ALTURA 100 cm x 39.3.¨ Diseño de Marco Sousa. THE BAT EYE. http://www.bateye.com 3. Mármol Rosso Levanto, origen Italiano. ENRIQUE AGRIMBAU. www.enriqueagrimbau.com.ar 4. Lámpara Ballet, inspirado en el movimiento rítmico de las personas para entrelazar las maderas más nobles, construyendo lo que es el pie de la lámpara. Tallada en una sola pieza de madera, hecha manualmente por nuestros carpinteros. Diseño de Marco Sousa. http://www.bateye.com/ 5. Jarrón de cerámica pintado a mano del renacimiento Mexicano. VÁZQUEZ DE MONTECARLO. www. vazquez-montecarlo.com.ar

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CIUDAD Producción: Sofia Di Maggio

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1. Decorado de la colección Acústico 12 Grey, Medidas 30 x 30 cm. Marca Viva Italia. SBG. www.sbg.com.ar 2. Banquito Honguito, de madera maciza Paraíso, lustre natural, géneros a elección, en este caso panamá Salmon y Panamá Celeste. Diseño de Carina Drukier. DESTILA. www.destila.com.ar 3. Aparador Arc, diseño inspirado en la memoria viva, utiliza una variedad de maderas como el Palo Rosa y Palo Hierro, junto con el refinamiento del ladrillo tan típico, pintado y puesto manualmente. Contiene una base de acero inox y una bodega con capacidad para 12 botellas. Diseño de Marco Sousa. THE BAT EYE. www.bateye.com/

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Gaspar Libedinsky

Por: Victoria Verlichak Fotos: Gaspar Libedinsky

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“Yo hago el moldeado de argumentos que se manifiesta como arte, arquitectura y diseño, materia prima de mis obras que se desarrollan en torno a la temática de la ciudad y la domesticidad, la apropiación del espacio por el individuo y la generación de identidades urbanas”, dice Gaspar Libedinsky (Buenos Aires, 1976). Cuando estudió en Architectural Association (AA) de Londres generó su propio programa de estudios y siguió una visión situacionista, que contempla el espacio de la arquitectura como psicogeográfico. “Mi tesis de grado fue acerca de las prisiones, la expresión y el uso más extremo de la arquitectura”. Así entre su deambular por la ciudad sin rumbo fijo, paseando su mirada por el espacio urbano y recogiendo señales, y su preocupación acerca de muros perimetrales y disociaciones, Libedinsky sostiene un vínculo de conflicto con la arquitectura.

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1. Gaspar Libedinsky y su “batallón” de Mister Trapo. (Foto Ignacio Sánchez). 2. Vitraux (2011). Tapiz de 5 x 2.5 m. (espacio para estacionar un auto) hecho a partir de “trapitos” comprados a los cuidacoches de Buenos Aires. 3. Arquitectura para el cuerpo (2011). Dos siluetas recortadas de moquette, 100% pura lana virgen, a punto de convertirse en un par de pantuflas, con estacionamiento propio. 4. Monumento al hombre común (2013). Escultura de 9 m. hecha a partir de 19 trajes de vestir recuperados del Ejército de Salvación, que se levanta y colapsa de forma intermitente y ritual. 5. El artista como malabarista, ante los visitantes del Highline. 6. Monumento al hombre común (2013), la escultura se levanta y colapsa de forma intermitente y ritual.

Artista y arquitecto, vive seis meses en Buenos Aires y reparte el resto del año entre Nueva York y Londres, donde enseña. Le gusta la vida de barrio tanto como su luminoso departamento de Nuñez, porque allí abrió las cajas y lo llenó con sus cosas, historias de su vida viajera; trabajó en Rótterdam en el estudio de Rem Koolhaas y en Barcelona en Cloud 9. Usa bicicleta, frecuenta la parrilla de la esquina y el gimnasio de la vuelta, donde corre y hace natación; también corre en la calle. Eso sí, su estudio es tan itinerante como él; ahora está en Once en el bsm ARTS building que alberga los talleres de varios artistas. Obras en diálogo La reflexión de Gaspar acerca de las jerarquías se verifica claramente en sus “obras textiles”. La escala doméstica de las pantuflas hechas con tejidos de alfombra de la muestra Arquitectura para el cuerpo (Malba), contrasta con la escala del Monumento al hombre común (Centro Metropolitano de Diseño). Esta escultura blanda, izada por una única soga y un sistema de poleas -capaz de ser “desinflada” en un solo mo-

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vimiento-, conformada por uniformes formales (trajes de vestir usados) se contrapone con los uniformes de Mr. Trapo inspirados en la actividad informal de los “trapitos”, cuyos paños terminaron en Vitraux. Libedinsky acaba de mostrar su serie Mr. Trapo -primero exhibida en el programa para artistas de Universidad Di Tella / Beca Kuitca- en Nueva York, en galería Praxis de Chelsea, a pasos del Highline. Desplegó esas creaciones de vestimenta masculina confeccionadas con paños de limpieza que cambiaron su destino, renaciendo bajo la forma de ropas deportivas y conjuntos de vestir, en los que queda de manifiesto “el deseo intrínseco del trapo por ser una determinada prenda”. La tarde de la inauguración, Praxis desbordaba de gente y Gaspar estaba feliz jugando de local. Es que trabajó en el estudio Diller Scofidio + Renfro y fue diseñador principal del parque High Line; donde incluso mostró su destreza como malabarista, oficio que aprendió solo y practicó de chico en Plaza Francia y en calles porteñas. Curioso y osado, el trabajo de Gaspar se nutre de la observación directa de la vida cotidiana y el espacio público.

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noticiasdearte POR VICTORIA VERLICHAK

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Volver triunfante La muestra de Mario Testino (Lima, 1954) en Malba-Fundación Costantini no incluye ningún retrato de Lady Di, a quien fotografió repetidamente, incluso para la tapa de la revista Vanity Fair. Sí suma imágenes de otros miembros de la realeza del espectáculo y la moda, como su musa Kate Moss, Mick Jagger, Madonna, Brad Pitt, David Beckham, y más. Son 122 fotografías, seleccionadas por el propio Testino, que reflejan una actitud provocativa, tal como anuncia el mismo título: In your FACE. Irradian belleza, estilo, glamour, irreverencia, contradicción. Testino, tan célebre como sus retratados, es un influyente fotógrafo que desarrolló su carrera en Londres. Publicó más de 12 libros y expuso en museos y galerías de todo el mundo. Tras vivir más de 38 años fuera del Perú, en 2012 fundó en Lima el espacio cultural MATE. En Av. Figueroa Alcorta 3415.

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Federico Klemm

Generoso e histrió nico Mecenas, coleccionista, artista, amante de la ópera, Federico Jorge Klemm (Checoslovaquia, 1942-Buenos Aires, 2002) fue un excéntrico, excesivo en su vida y obra, que incluye Fundación Federico J. Klemm en Marcelo T. de Alvear 626. Generoso, Klemm instituyó la Fundación en 1995 y legó su patrimonio a la Academia Nacional de Bellas Artes, que la mantiene en operaciones y que acaba de publicar el catálogo de obras de artistas nacionales e internacionales representados en su acervo. La foto, Federico con cuadro de Berni (1997), de Marcos López es fiel a su inolvidable protagonista e ilustra la tapa de Colección de arte moderno y contemporáneo, libro de casi 500 páginas con textos de especialistas e impecables reproducciones.

Él era su arte

Mario Testino

“Cuando alguien ve mis cosas me ve a mí”, decía el carismático y decisivo artista Joseph Beuys (Krefeld, 1921Düsseldorf, 1986). Precisamente, su imagen se refleja en la obra La rivoluzione siamo Noi (1972); foto cortesía de los organizadores: Plano Cultural (San Pablo), Galerie Thomas Modern (Munich), Fundación Proa. Con frecuencia, Beuys asumió el papel de chamán y, con su concepto ampliado del arte, promovió la “plástica social” que concibe a todo ser humano como artista. Multifacético, mostró un temprano talento por el dibujo, se interesó por la pintura y las performances, registradas en video como por ejemplo Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta (1965). Desarrolló inusuales esculturas e instalaciones con grasa y fieltro, materiales que le salvaron la vida cuando los tártaros untaron sus heridas y lo abrigaron durante meses luego de que el avión de la Luftwaffe que piloteaba durante la Segunda Guerra Mundial fuera derribado en Crimea. La exhibición en Proa presenta 150 obras (1955 a 1985). En Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca. Joseph Beuys

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POR VICTORIA VERLICHAK

noticiasdearte

Un clásico contemporáneo Roberto Aizenberg (1928 - 1996) irrumpió en la escena artística en 1954, construyendo fuera del tiempo una obra notable que continúa provocando permanente asombro. Ahora, galería Ruth Benzacar inaugura su temporada dedicando todos sus espacios al artista, tal como lo hiciera el Museo Fortabat en 2013. Aizenberg realizó un trabajo tan minucioso como enigmático: óleos, dibujos, collages, esculturas, aguafuertes, serigrafías, monocopias. Del surrealismo incorporó el automatismo como método de indagación, ejecutó una geometría poética y se aventuró a expresiones emparentadas con la metafísica del temprano Giorgio De Chirico. “Aizenberg fue uno de los grandes artistas de la Argentina del siglo XX y formó parte de su historia; pero ése no debe ser su único reconocimiento. Su lugar está en la historia global del arte del siglo XX”, señala la historiadora británica Dawn Ades. En Florida 1000.

Mirarse al espejo El autorretrato -“uno de los ejercicios de análisis más profundos que puede hacer un artista”- atraviesa la historia del arte; aquí, Eduardo Sívori. Además se sabe que, desde tiempos inmemoriales, no sólo el comitente de las pinturas solía estar incluido en las mismas sino que la imagen del propio artista y la de sus colegas amigos integraba (a veces, subrepticiamente) las escenas descriptas. En el Espacio de Arte de Fundación OSDE se exhibe Yo, nosotros, el arte, una atrayente muestra que trata sobre la autorreferencialidad de los artistas, curada por Laura Malosetti Costa. Entre el relato biográfico y la mirada sobre diversos temas, el juego y la ironía, estas imágenes ponen al artista en primer plano, como protagonista y leyenda, celebración y crítica, homenaje y parodia. La sección Vida pública curada por María Isabel Baldasarre despliega fotografías de los artistas, que incluso ejemplifican estrategias de visibilidad. En Suipacha 658.

Eduardo Sívori DyD140_NoticiasDeArte3.indd 4

Roberto Aizenberg

Presencia de la ausencia Silencioso como su obra, Agustín Sirai (La Plata, 1978) llama la atención por una tarea tan meticulosa como estimulante, como se verifica en galería Praxis. Los conjuntos solitarios creados por el artista -perspectiva de islas imaginarias de bordes imprecisos que flotan a la deriva- bien pueden ser vistos como metáforas de las relaciones humanas. Al considerar las conmovedoras y penetrantes pinturas, el observador -¿deseando, acaso, cambiar las intenciones del artista?- recuerda palabras del poeta metafísico Johan Donne. “Ningún hombre es una isla, entero en sí mismo; cada hombre es un pedazo de continente, una parte de la Tierra… (…) La muerte de cualquier hombre me disminuye porque estoy ligado a la humanidad; y por eso nunca quieras saber por quién doblan las campanas; doblan por ti”. En Arenales 1311.

Agustín Sirai 2/27/14 2:49 PM

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D i s e ñ o q u e e s H i s t o r i a / A R M A N D A L B E RT R AT E AU – J E A N N E L A N V I N

POR MARCELO NOUGUÉS

En 1912, el famoso modisto Paul Poiret pone en venta su Peniche. Esta casa flotante llamada Le Nomade había sido decorada por el renombrado arquitecto y decorador Louis Süe (1875-1968). A su siguiente propietario, un joven y aun desconocido decorador, esta adquisición le cambiaría la vida. Aunque no era íntimo amigo de Poiret, antes de comprarle la barcaza, Armand Albert Rateau (18821938) frecuentaba asiduamente al modisto. En una de estas visitas conoce a Jeanne Lanvin (18671946), que ya triunfaba en el mundo de la moda. A través de ella se va introduciendo en la sociedad parisina previa a la Primera Guerra Mundial. Ninguno de los dos imaginaba que pocos años más tarde iban a unirse en una sociedad que marcaría uno de los mayores hitos en la historia de la decoración y las artes aplicadas del siglo XX. La visión de Jeanne Lanvin de descubrir el talento de este joven decorador, que por entonces se desempeñaba en una firma conocida, habla de su sensibilidad. Ambos ambiciosos entrepreneurs provenientes de hogares humildes, encontrarían una

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ALTA COSTURA Y ALTA DECORACION 3/7/14 10:58 AM

Diseño que es Historia DyD140_Nougues.indd 4

afinidad mutua que años más tarde se retroalimentaría para potenciar el gran talento de cada uno. Lo que nació como una simple aventura, terminó en una sociedad que duró entre 1921 y 1925 y marcó un antes y un después en el París de entre guerras. La genialidad de Jeanne Lanvin como diseñadora de modas la destacó del resto de las mujeres de su generación, al punto de ser la creadora de uno de los mayores imperios de lujo del siglo XX, que sobrevive hasta nuestros días. Como capitalista y mecenas de Lanvin-Décorations, catapultaría a Rateau a lo más alto del Olimpo de la decoración de su época. Lanvin Décoration nació como una necesidad de la inquieta modista de incursionar en este campo del diseño de interiores que la apasionaba. La estética de este emprendimiento era una mezcla entre las vanguardias de la Wiener Werkstäte y el Atelier Martine. Rateau, quince años menor que su mentora, era un calificado egresado de L’Ecole Boulle. Este centro de formación de artesanos y diseñadores era muy renombrado por la calidad de sus talleres y la excelencia de sus profesores. Bajo el lema de conservar la calidad de la tradición secular del buen gusto francés, se trataba de un semillero de nuevos talentos y futuros triunfadores. Una vez salido del célebre instituto, con solo dieciséis años, entra a trabajar como dibujante en la afamada firma Hoenschel. Su excelente formación y algunos fructíferos años en esta empresa alientan a Rateau a aplicar para un cargo vacante como jefe de diseño en la renombradísima compañía Alavoine & Cie, una de las preferidas de los ricos argentinos que residían en París en esos lejanos años de vacas gordas. Su primer gran trabajo para Alavoine fue la remodelación del Hotel Crillon dentro de los históricos edificios diseñados por Gabriel que componen la fachada de la Place de la Concorde. Por esos días, Jeanne Lanvin acababa de comprar el hôtel particulier de la marquesa Arconati-Visconti, en la Rue Barbet-de Jouy. Es con la remodelación de esta importante obra que Jeanne le da a Rateau su primera gran oportunidad. Luego vendría su segunda chance con la decoración de su casa de campo, La Chênerai, en Vesinet. El gran encargo llegaría cuando Jeanne Lanvin decidiera agrandar con una nueva ala su ya enorme casa. Este trabajo consagra definitivamente a Rateau y resulta una de las decoraciones más emblemáticas del periodo Art Déco. El conjunto del dormitorio y el baño de esta ampliación es único en su tipo. Luego de la muerte de Madame Lanvin, el inmueble fue demolido. Felizmente, su yerno el príncipe de Polignac legó al Musée des Arts Decoratifs de la ciudad de París estos irreproducibles ambientes. París bien vale una misa y también visitar el departamento de diseño del siglo XX de este museo, donde se expone esta maravilla de la recordada dupla.

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V IRGINI A BR AUN M A R INA BR AUN R ICA R DO BR AUN TR AV ERS JOSEFINA T. DE BR AUN R ICA R DO BR AUN LASA LA M A R I A INES PER EZ PR IETO SOL DELLEPI A NE A. DEBOR A CA MPOS LUISA ZUBER BÜHLER V ICTOR I A V ER LICH A K SOFI A DI M AGGIO M ACCHI-AZCUENAGA EUGENI A CH A MPA LA NNE SILVA NA SUA R EZ A DR I A NA A LBA R IÑO A RQUITECTA DA NIELA M AC A DDEN EMM A LI V INGSTON M A LELI FIR PO DE IBA ÑEZ M A R I A NA FIR PO DE LOPEZ SAUBIDET BEATR IZ OJEA ESPIL M A RCELA PODESTA COSTA M A R I A COPELLO DE UTHUR R I AGA M A R INA SOLA NAS PACHECO PASTITA P. DE PEÑA (pastitap@hotmail.com) W W W.DY D.COM.A R SOL DELLEPI A NE A. LEV ISM A N MULTIMEDI A GER A R DO LEV ISM A N ROSA M AY SA MPA IO M AGDA LENA PUIG ESTUDIO PÉR EZ MÓNACO Y ASOC. JAV IER CORTÉS

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lta en el cielo

Bajcura & Asociados, estudio de arquitectura y planificación del paisaje, diseñó una terraza soñada, un verdadero patio urbano. Hay un sector de juegos para niños, un living desde donde admirar la vista, una huerta vertical, un puente, una fuente, una ducha entre durmientes de lapacho y cañas, una parrilla y un comedor al aire libre. Distintos escenarios lumínicos logran diferentes climas; una música suave surge entre la vegetación y se funde con el sonido del agua; hierbas aromáticas perfuman el aire; las paredes se van cubriendo con ampelopsis; orquídeas, gramíneas, enredaderas, equisetum, vinca variegada, hostas, helechos arbóreos, jazmines, gramíneas y éricas engalanan cada rincón. Un sauce ocupa el lugar protagónico, el guardián de este oasis en altura. www.bajcurayasociados.com.ar

ailate un tango

Con su nueva colección Tango, Danubio revisita el Buenos Aires del arrabal. El lunfardo, los faroles y los guapos fueron el punto de partida; de allí surgió el diseño de seis motivos: Costanera Sur, de diseño geométrico en blanco y negro; Sin rumbo, que combina los tradicionales colores del 2x4; La catedral, diseño inspirado en la tradicional milonga; Boedo, que rinde tributo al espíritu bohemio de los compadritos; Las Nereidas, de diseño femenino y sensual, y El Abasto, inspirado en el barrio porteño que hasta el día de hoy mantiene vivo el rito tanguero. La nueva línea de sábanas y acolchados está confeccionada en puro percal europeo de 144 hilos y está disponible en Twin, Queen y King Size. www.danubiosabanas.com

osmopolita y contemporáneo

Fiel a su estética, a medio camino entre rústica y sofisticada, actual pero añeja, Prototype Home sigue apostando al contraste que resulta de la combinación de la calidez del cuero gastado y la frialdad de los metales. El protagonista de su colección más reciente es un escritorio revestido en placas de aluminio remachadas, inspirado en los aviones de la posguerra. El mismo concepto fue trasladado a bibliotecas y a respaldos de sillones clásicos, como el modelo Egg de Arne Jacobsen y el sillón de Pierre Paulin. La estética propuesta se ve realzada con detalles como las cajas de madera revestidas en arpillera y cuero ecológico, los cuadros con imágenes en blanco y negro, los relojes, las esculturas y un teléfono antiguo de madera y bronce. www.prototypehome.com

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l vidrio y el diseño

e la web a tu casa

Puntovero.com, galería de arte online, es un espacio de descubrimiento que inspira y alienta a invertir en arte de manera sencilla y segura. El objetivo fue unir dos polos que se buscaban, muchas veces sin éxito: artistas emergentes e interesados en comprar arte novedoso a precios accesibles. De eso se trata el proyecto, de acercar el arte al público y de convertirlo en algo posible. El catálogo es muy amplio y cuenta con más de 1000 obras; en la plataforma se puede encontrar pinturas, fotografías, murales, esculturas, grabados y dibujos de más de 120 artistas. Hay distintas formas de pago a disposición, la obra es entregada a domicilio y viene con garantía de devolución y certificado de autenticidad. www.puntovero.com

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Bizantina Piedras lanzó Línea 3000, de guardas y revestimientos de vidrio. La propuesta se basa en aportar diseño y colores vibrantes, como el verde manzana, el verde aguamarina, el chocolate, los azules intensos y los rojos vivos, a baños y cocinas. El material utilizado es vidrio Float, de 6 mm de espesor, que aporta la resistencia necesaria a las guardas y revestimientos y al mismo tiempo facilita su colocación. Las guardas vienen en distintas medidas que se pueden combinar y que además se pueden utilizar tanto de manera horizontal como vertical. Las placas para revestimiento son de 60 x 30 cm y también pueden combinarse con las guardas de la línea, logrando una estética más personal. www.bizantina.com.ar

uerza de mármol

El marmolista Enrique Agrimbau ejecutó un interesante proyecto para el Estudio Concepto M en las imponentes Torres El Faro: un fantástico baño realizado con piso y revestimiento de mármol Arabescato Vagli. De origen italiano, este tipo de mármol suele ser asociado con una estética recargada, barroca y un tanto anticuada. Sin embargo, el proyecto de Agrimbau rompió con este mito y demostró que, al dar el mismo tratamiento tanto al piso como a los revestimientos y a las mesadas, es decir, trabajando “en una sola tinta”, este mármol es un excelente complemento de los diseños contemporáneos despojados y racionalistas tan en boga en los baños de hoy.

ran estilo

Para esta temporada Maple destaca la elegancia de los sillones Luis XV, en este caso, plateados a la hoja y tapizados con un chenille viscosa color negro. Una mesa, también plateada a la hoja, con patas torneadas de 60 cm de diámetro es el complemento perfecto de estos sillones que son ideales para vestir un rincón o para acompañar un juego de sillones tapizados. Otra alternativa muy interesante es la posibilidad de adquirir este mismo Luis XV terminado con la madera lustrada o laqueada en natural y tapizado con jacquard o con algodón, en colores claros y brillantes que le da una nota de color a cualquier ambiente. También hay modelos más pequeños y de distintos estilos realizados en forma artesanal y de una excelente calidad. www.maplemuebles.com.ar

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enero en Frankfurt, Alemania, continúa expandiéndose y demostrando cada año su posición como la feria para la casa líder en el mundo. Esta edición mostró la recuperación de la industria textil en el último trimestre del 2013. La misión de esta feria de exhibir de manera clara, comprensible e intelegible las tendencias para la industria del diseño y la decoración se cumplió con creces. Más de 67.000 personas de 133 países la visitaron y tuvieron acceso a las innovaciones propuestas por 2718 expositores.

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HEIMTEXTIL 2014

Heimtextil, que se llevó a cabo el último

CIENCIA Y FUTURO, MEMORIA Y SENTIMIENTO

Por María Luisa Musso Arquitecta, consultora en color. Profesora consulta FADU-Universidad de Buenos Aires

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D&D Mundo / Heimtextil en Frankfurt

En cooperacion con Zukunftsinstitut (Instituto del Futuro), Heimtextil tuvo la posibilidad de identificar la tendencia orientada hacia el futuro en lo que fue resumido como “vida conceptual”. La casa y sus textiles toman mayor importancia en la creación de un espacio individual. Los revestimientos permiten expresar la propia personalidad en el espacio interior. Cada vez más, la gente diseña su entorno con relación a la etapa de la vida que está atravesando, sus necesidades y actitudes.

purista

Purista. En busca de un sentido de espiritualidad, los materiales naturales son usados en sus formas más puras. La reacción contra la producción en masa ha renovado el interés por los objetos con personalidad, capaces de contar una historia. Materiales rústicos teniendo en cuenta su proveniencia así como apreciando las imperfecciones. Madera, metal, vidrio, cemento, mármol, cartón, papel, telas, materiales del mundo animal. Pisos de madera texturados, superficies acolchadas, objetos que recuerdan métodos de elaboración arcaicos, estética que reflexiona sobre épocas primitivas. Buscando la autenticidad se ponen de relieve la imperfección, los colores, las formas y las texturas del mundo natural en una estética honesta, no pretenciosa. Paleta: monocroma, con predominancia de negro y blanco, a los que se agregan marrones, azules sombríos y cemento.

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natural

Progreso. Celebra el potencial de las nuevas tecnologías y las ciencias emergentes en el contexto del futuro sustentable. Revivir. Una reacción a los productos anónimos e impersonales. Hace hincapié en las emociones. Herencia e historia para que los objetos puedan contar su origen.

Natural. Sintetiza el mundo natural para un futuro sustentable, con la creciente colaboración entre el mundo de la ciencia y el diseño, y con el potencial de reinventar el modo en que vemos el mundo para servir a nuestras siempre cambiantes necesidades. Los productos pueden crecer de microorganismos con el desarrollo de nuevos métodos de manufactura biológica: telas producidas por biología genética y pigmentos generados por bacterias. Esta tendencia también hace mención a la naturaleza en el bosque, a las paredes recubiertas de plantas y flores, a los cueros de los animales, al espejo de agua dentro de la casa. Antiguas ilustraciones botánicas, enormes flores de colores brillantes, pero también imágenes simuladas de la naturaleza para presentar una visión artificial de ella. Colores: los verdes, desde el muy oscuro al inglés, el flúo, el brillante, el pastel, sin olvidar el oro, el rojo y el negro.

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eufórico

D&D Mundo / Heimtextil en Frankfurt

Eufórico. La demanda de productos y servicios personificados sigue creciendo, por lo que los diseñadores continúan experimentando con materiales y tecnologías emergentes que permitan resultados diferenciados, sorprendentes y únicos. La estampa digital es una herramienta fundamental que permite crear diseños sin repeticiones a lo largo de la tela, produciendo a veces efectos tridimensionales en un arcoiris de colores, con sentido energético y optimista. Colores vibrantes: rojo, fucsia, naranja, amarillo limón, púrpura y turquesa.

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El Trend Show, este año liderado por la agencia inglesa Franklin Till, permite a los visitantes y exhibidores entrar en el mundo de las principales tendencias que esta vez se organizaron en función de dos hilos conductores: Progreso y Revivir, que por un lado celebran la ciencia y la tecnología como impulsoras de la innovación y por el otro reconocen la importancia de mirar hacia atrás para renovar nuestra herencia cultural y aprender del pasado. Dos fuerzas opuestas: aceptar el Progreso para sobrevivir a los cambios tan rápidos de nuestro tiempo y Revivir las tradiciones en

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artesanal

una búsqueda de la autenticidad. La globalización, la enorme escala de los intercambios comerciales, las innovaciones tecnológicas, el deseo de sustentabilidad, las turbulencias políticas, económicas y ambientales tienen incidencia en la polarización de la tendencias. El consumo conciente tiende a la búsqueda de nuevas experiencias y sensaciones basadas en valores emocionales. El silencio y el blanco son la nueva estética del lujo, que habla de patrimonio, herencia, trasmisión, pudor, discresión, códigos culturales, estudio, contemplación. El silencio es el resultado de la acción del hombre para escuchar el mundo y recurrir a la instrospección necesaria a la creatividad.

Artesanal. Revive y renueva las técnicas artesanales tradicionales que dan narrativa y sentido a los objetos. En contraste con una sociedad donde domina la tecnología, los diseñadores proponen objetos producidos en base a técnicas artesanales tradicionales. La herencia, la historia y el arte folklórico inspiran superficies, diseños y objetos llenos de valores culturales. El pasado se conecta con el futuro en la creatividad de las nuevas generaciones cuando lo histórico toma su lugar junto a lo verdaderamente moderno. Simetría y uniformidad son reemplazados por la apariencia collage, en colecciones eclécticas de artículos de diferentes procedencias. Textiles tradicionales, artesanías como el crochet, el tejido, vuelven a interesar a los que quieren preservar el futuro de las técnicas textiles artesanales. Colores: amarillos oro y pálido, lacre, lila, marrón, verde seco y verde azulado.

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Entrevista D&D / Julio Oropel

Julio Oropel es arquitecto y diseñador, recibido en la Universidad Nacional de Córdoba y con posgrados en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires en Preservación de Patrimonio, Costos, Diseño y Comunicación, Diseño estratégico y Estructuras especiales. Es profesor en el flamante posgrado en Diseño de Interiores de la UBA. Trabaja en construcción, refacción y diseño de viviendas, locales comerciales y en diseño de imagen de marcas líderes, mobiliario y equipamiento. Ha participado en destacadas ferias internacionales, y sus trabajos han recibido sendas distinciones. El reconocimiento en el campo del interiorismo terminó de confirmarse el año pasado cuando fue elegido Presidente de DArA, la Asociación que nuclea a los Diseñadores de Interior de Argentina. Aunque Julio es tímido, la charla con D&D, que le ha seguido el paso de cerca, fluye con suma naturalidad.

OB BS SE ER RVACO CION CI SD. Empezando por lo más reciente, a poco de iniciarse tu presidencia de DArA, ¿qué impronta buscás darle a tu gestión? JO. El trabajo en DArA es algo a lo que yo le pongo mucho tiempo y ganas. Cada persona que estuvo en este lugar ha impreso su personalidad, y yo también quiero buscar la mía y hacer diferente algunas cosas. Quiero que DArA ofrezca mucho en lo relativo a contenidos educativos. Hay cierta idea de frivolidad de la institución, entonces me parece muy importante tener más contenido. Además la profesión ha cambiado, las universidades ahora incluyen la carrera de Diseño Interior, la UBA este año arranca con una maestría. Entonces tengo dos objetivos grandes: darle a DArA este carácter cultural, que los socios sientan que tienen un lugar que les aporta –cursos más modernos tipo talleres, por ejemplo–. Y mi otro gran objetivo es la sede: tener una sede propia y hacer un incipiente museo de diseño. Y para eso voy a luchar. SD. ¿Tenés en vista algún lugar para la sede, o en todo caso algún modelo de algo así que se haga en el mundo? JO. Tengo modelos de lugares chiquitos que son mi sueño. Estamos detrás de alguna concesión, en todo el mundo existe ese formato de espacios para la cultura y de a poco con ayuda de sponsors, se van pudiendo hacer cosas. En Nueva York hay un lugar muy chiquito en una esquina en el SoHo que es un centro de arquitectura y arte, con una propuesta increíble. Pienso en un lugar

Texto: Sol Dellepiane Retrato: Emma Livingston

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Entrevista D&D / Julio Oropel donde se pueda dar charlas, que pueda convertirse en auditorio o generar este pequeño museo de diseño de cosas argentinas que nunca se han rescatado. SD. Este año tocaría realizar el DArA iD, que personalmente me ha sorprendido por el nivel de expositores en sus ediciones anteriores. ¿Se va a hacer? JO. Sí, vamos a tener el DArA iD, ya están cursadas las invitaciones a los disertantes. Queremos sumar a los estudiantes y para eso estamos empezando una interrelación con universidades. Estamos trabajando en eso. SD. DArA siempre tuvo la idea de legitimar la carrera y el lugar de los interioristas en el mundo profesional, ¿creés que ha habido cambios en este sentido? JO. Sí, por supuesto, por ejemplo ahora existe la matrícula: los egresados de cualquier universidad con título oficial, pueden tener su matrícula como interioristas. Esto se hace por medio del CPAU (Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo) y la Sociedad Central de Arquitectos (SCA). Falta pulir el tema de las incumbencias, reglamentarlo más, pero ya está eso que es muy importante. Otra cosa que casi ya está lograda, es que el último sábado de mayo se celebra en el mundo el Designers Day. Para conmemorarlo nosotros venimos haciendo una foto, y yo este año quiero más. Por eso estamos desarrollando un proyecto, una instalación urbana. La idea es muy linda, ojalá lo logremos. DArA pertenece al IFI (International Federation of Interior Architects/Designers). El IFI nos mandó un Manifiesto que los alcaldes de casi todas las ciudades del mundo están firmando. Ellos nos piden que Buenos Aires también adhiera. A través del Centro Metropolitano de Diseño, estamos tratando de que eso suceda. Los preceptos del Manifiesto hacen a la profesión, en el sentido de que la acción de los interioristas tiene que ver con mejorar la calidad de la vida de las personas. Y también en cuestiones de democratización de la profesión: si antes el interiorismo era algo exclusivo de gente con poder económico, hoy todo el mundo quiere acceder a mejorar su hábitat. SD. ¿Cómo ves al diseño local? JO. Siento que con este tema de la no importación, la industria en el sector del diseño se acomoda y seguramente cuando se termine de acomodar vendrá otro cambio de nuevo. Hay algunos ejemplos, como el de Dos26, unos chicos que producen sillas

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PALABRAS que relacionás con DISEÑO: libertad CREACIÓN Pasión energía Claridad Envolvente sensaciones

núcleo

INTENSIDAD

calidez

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“Mi sueño es hacerme una casa, un refugio, afuera de la ciudad. Veo muchas imágenes de lo que se hace en Europa, donde la gente se construye sus casitas de fin de semana en un bosque, en un lago perdido en la montaña, no en un barrio cerrado.” de diseño argentino; ojalá que proyectos como el de ellos puedan suplantar a las sillas de afuera, porque son lindas, buenas, reúnen todo. Y en general creo que son procesos de unos 1520 años. En cuanto a los gustos, fueron cambiando. La gente empezó a viajar más, sabe más, busca mejorar su casa. Lo ves en resturantes, viviendas… en los años 90 todo era muy Miami, ahora ves más la estética del SoHo de New York o de Londres; creo que la ciudad hoy tiene una estética más refinada. SD. ¿Qué hay de los cambios en el tipo de encargos por parte de los clientes? JO. En los interiores también la gente cambia sus gustos, sus hábitos. Hace unos años los home-theatres eran el pan nuestro de cada día y ahora se piden otras cosas, se está volviendo mas al ámbito de la cocina, por ejemplo. SD. Concentrándonos en vos, una de tus características más notables es la creatividad. ¿Qué dirías sobre eso? JO. Yo no paro de pensar… si pudiera hacer todo lo que pienso… Me entusiasmo, como con esta cosa de las intervenciones urbanas, ¡que acá no hay! Tengo entusiasmo. Y sí, una creatividad inagotable. SD. ¿Cómo es tu método de trabajo? JO. Es difícil eso. El año pasado estuvimos con María Zunino en México invitados a dar unas conferencias en la Universidad y los chicos –que fueron muy efusivos, con María no lo podíamos creer– nos preguntaban eso, cuál es nuestro método de trabajo. Yo creo que es intuitivo el método, y muy personal, lo vas desarrollando con la práctica. Estoy seguro de que en realidad los que son mejores profesionales es porque tienen un poder de observación muy desarrollado. El cerebro es una esponja que va guardando, cuanto más desarrollado tengas el poder de observación, mejor fluye después. Y además se trata de escuchar al cliente, de intentar compatibilizar lo que vos creés con lo que él quiere. Hay profesionales que dicen Yo te puedo hacer el ultra clásico y el minimalismo extremo. Y no sé si eso está bien. Yo soy ultra-convservacionista si estás en un edificio francés, con molduras, etcétera, pero siempre con una identidad, que es lo mas difícil de lograr. Lo más complicado es tener identidad. SD. ¿Como definirías a la tuya? JO. Yo no me doy cuenta, la gente te lo hace notar, te dice Estuve en tal lugar y tenía tu estilo. Lo vas adquiriendo. Y es lo mas difícil de todo. Tener tu estilo, tu impronta, y a la vez no

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repetirte. Una vez escuché a (Terence) Conran decir Lo que más temo es copiarme a mí mismo, y es cierto, es difícil saber hacer cambios sin perder la esencia, poder dar un giro sabiendo que si no, empezás a repetirte. Hay gente que tiene claridad desde el vamos para definir un estilo, y otros a los que les cuesta más ir definiendo una impronta. SD. ¿En qué grupo estás? JO. ¡Sin duda en el de los que nos cuesta más! SD. Tratando de evitar el discurso políticamente correcto que no siempre tiene contenido, ¿qué pensás sobre sustentabilidad? JO. Sí, un poco es un cliché de moda, yo me di cuenta de que los países que están más avanzados en el tema ni siquiera lo mencionan marketineramente, porque ya lo tienen incorporado. Todo el mundo trata de ser lo más sustentable posible, los chicos obligan a los padres a cuidar sus conductas de consumo, de cuidado del agua y del medioambiente. Todo es muy lindo pero acá la aplicación en general es más cara. Pero el mundo va en esa dirección, no hay duda. SD. Tu abordaje de los proyectos suele ser bastante conceptual. ¿Lo sentís así? JO. Antes de arquitectura yo estudié matemática. Tal vez esa formación conceptual de las ciencias, quizás sea por eso. Un orden, una justificación… . SD. En una entrevista hace varios años me hablaste mucho de la importancia que tuvo el paisaje de Córdoba, tu provincia natal, en tu concepción del espacio. Y la verdad que últimamente se te ve –redes sociales mediante- super urbano, y en viajes y recorridos siempre en ciudades. ¿Es así, hoy prevalece la cultura sobre la naturaleza? JO. La ciudad me encanta. Pero tengo una añoranza de eso. Mi sueño es hacerme una casa, un refugio, afuera de la ciudad. Veo muchas imágenes de lo que se hace en Europa, donde la gente se construye sus casitas de fin de semana en un bosque, en un lago perdido en la montaña, no en un barrio cerrado. Dudo del lugar, estoy entre Córdoba y el Tigre. Pero en algún momento espero poder hacer mi pequeño shelter donde refugiarme un fin de semana o en vacaciones en contacto con la naturaleza. En serio sueño con eso. SD. Me imagino que ese diseño ya está listo en tu mente. JO. Sí, totalmente. (risas tímidas, risas a lo Oropel).

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Texto: Sonia Diradourian

Desde su Guevara Gallery, especializada en Art Déco, Luis Guevara, tercera generación en el mundo de las antigüedades, fue el único representante argentino en la edición número 37 del festival Art Deco Weekend, organizado por la Miami Design Preservation League (MDPL).

En el inconsciente colectivo argentino, Miami

único representante argentino, suya fue la tarea

ocupa un lugar que no le hace demasiada jus-

de presentar a Buenos Aires como referente del

ticia. Es que la emblemática ciudad es mucho

Art Déco en Sudamérica. Además, participa-

más que sol, playa y shopping frenético. Y aun-

ron del evento las más prestigiosas galerías y

que siempre tuvo una fuerte impronta cultural,

anticuarios dedicados a este estilo en Estados

en los últimos años esta faceta se ha ido de-

Unidos, Italia, Francia y Chile.

sarrollando y ha comenzado a ser reconocida

“El festival nos permitió exhibir una parte de

internacionalmente; el desembarco de Art Basel

nuestra gran colección de fascinantes piezas

Miami y la inauguración del PAMM (Pérez Art

Art Déco traídas a Miami desde el fin del mundo,

Museum Miami) la han terminado de consagrar

un lugar remoto llamado Buenos Aires, la llama-

como un polo extraordinario de la cultura.

da París de Sudamérica. Es que en la década

Pero existen aquellos que abogan por Mia-

de 1910, Argentina era una potencia mundial

mi como espacio cultural desde hace déca-

y a Buenos Aires llegaba lo mejor de lo mejor.

das, tal el caso de la MDPL, la asociación

Esta época de esplendor coincidió con el perío-

Art Déco más antigua del mundo, creada en

do Art Déco que se originó en Europa, nacido

1976 y dedicada a la preservación, protección

del impulso de creadores franceses como Henri

y promoción de la integridad cultural,

Sauvage, Robert Mallet-Stevens, Pierre Patout,

social, económica, ambiental y arquitec-

los decoradores André Vera, Louis Süe, André

tónica del Distrito Histórico de Miami Beach.

Mare y Jacques-Émile Ruhlmann, el modisto Paul Poiret o el escultor François Pompon. Fue

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Art Deco Weekend

fruto de una visión de conjunto que se despren-

Durante la última edición del festival, realizada

dió de diferentes ámbitos artísticos; su apogeo

en enero, se llevaron a cabo conciertos, confe-

en Argentina fue desde 1920 hasta 1940”, re-

rencias, desfiles de moda y de autos y camina-

lata Guevara, quien disfrutó mucho de la expe-

tas guiadas por el distrito Art Déco de South

riencia de participar del Art Deco Weekend, “es

Beach, se proyectaron películas como El Gran

una gran atracción, es muy glamorosa y allí se

Gatsby y Chicago y se construyó un parque

exhiben piezas excepcionales, traídas de todos

para niños al estilo déco.

los rincones del planeta.”

La gran novedad fue The Antique Experience.

“Cuando Miami empezó a crecer se convirtió

Se instalaron dos grandes carpas en Lummus

en un verdadero laboratorio de arquitectura”. Es

Park, al lado del mar, y allí se expusieron mue-

así que se alzó como la capital del Art Déco y

bles, objetos, ropa y joyas, todos ejemplos de

se convirtió en uno de los baluartes del moder-

esta admirada corriente de diseño. La partici-

nismo en Estados Unidos. El estilo de los llama-

pación de Luis Guevara fue destacada y, como

dos “años locos” fue plasmado en un legado

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A r t D e c o We e k e n d

absolutamente excepcional como es el distrito Art

En constante movimiento

Déco en South Beach, con más de 800 edificios que

Después de haber participado en el Art Deco

felizmente están bien preservados”, explica Guevara.

Weekend, Guevara Gallery se trasladó desde Lummus

Durante el Art Deco Weekend, Miami rinde tributo a

Park hasta el Miami Airport Convention Center para el

su ilustre pasado y revive su edad de oro enalteciendo

Miami National Antique Show, que se llevó a cabo a fi-

aquellos magníficos edificios diseñados con las carac-

nes de enero. La muestra ostentó más de 150 anticua-

terísticas formas geométricas y las líneas rectas que

rios que exhibieron piezas de arte, mobiliario y joyas.

establecieron el canon de la época. La última edición

De ahí, la próxima parada fue The Original Miami Beach

fue un éxito rotundo; con alrededor de 400.000 visi-

Antique Show, en el Miami Beach Convention Center.

tantes, superó en 100.000 personas a la con-

Luego la galeria volvió a Palm Beach para participar

vocatoria anterior.

del American International Fine Art Fair, los primeros

“Durante el festival nos visitaron muchos es-

días de febrero. Allí se expuso arte clásico, moderno

tudios de arquitectura especializados en la

y contemporáneo, joyas antiguas y actuales, piezas

recuperación de hoteles Art Déco que están

de diseño del siglo XX y del XXI, escultura y fotografía.

interesados en mobiliario y artefactos originales

La última parada fue el Palm Beach Jewelry, Art and

de la época”, cuenta Guevara. “Hoy en día, este estilo vuelve a estar de moda sobre todo por

Definitivamente, un verano altamente productivo y de

su carácter exclusivo y flexible a la hora

muchísimas satisfacciones para Guevara Gallery, firma

de combinar las piezas con otras más con-

de prestigio que mantiene vivo el espíritu de las primeras

temporáneas.”

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Antique Show.

décadas del siglo XX.

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“Maison Martin Margiela” PARIS desde 1915...

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P I N T A D O S P I N T A D O S 2/19/14 11:23 AM

Inspiraciones / Amalia Amoedo Amalia tiene un afán coleccionista: en su casa atesora desde fotos tomadas en cabinas fotográficas, cajas de amaretti, esmaltes y cartas de hadas, de ángeles y tarot.

La vida en colores Se inaugura una nueva sección en D&D. Un espacio en blanco para que distintas personalidades del mundo del diseño y del arte llenen con aquello que los inspira, los impulsa y finalmente los conduce hacia el momento creativo.

“En cada viaje con mis hijas nos sacamos este tipo de fotos, nos divierte. Esta en particular fue sacada en Nueva York, un día que salimos disfrazadas a la calle.”

Aunque no sabe tocar, le fascinan los pianos. Disfruta del sonido pero también del mecanismo. “Me interesa entender cómo funcionan las cosas, lo mismo que me pasa con los pianos me pasa con los relojes, y la música es una fuente de inspiración, siempre trabajo con música. Soy completamente ecléctica, puedo escuchar desde punk hasta Julio Iglesias.”

Villa La Angostura. “Un lugar de paz absoluta, siempre busco estar cerca del agua. Disfruto mucho ir en temporada baja, cuando no hay nadie. Le escapo a las multitudes y a la cosa predeterminada que dictamina que hay que estar en determinado lugar en determinada época. Ahí dibujo mucho, hago bocetos, disparadores que después traslado y pinto. No hago mucha obra en dibujo, me gusta tener un contacto más directo con el material.”

Texto: Sonia Diradourian Fotos: Emma Livingston

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Inspiraciones / Amalia Amoedo “Este es el primer caballo de calesita que hice, hace 15 años; está cubierto de caramelos ácidos. En esa muestra también hice una bañadera enorme, antigua, de caramelo líquido. Este es uno de los caballitos que más quiero, lo compró mi abuela.”

Zapatos de Capricornio, de la Cosmic Collection de Charlotte Olympia. “Estudié astrología cuatro años y a la hora de pintar puede ser un punto de partida. Quizás consulto la efemérides de ese día y la plasmo en las obras.”

“En Miami con un sombrero que intervine. Me encanta la playa, me puedo quedar leyendo durante horas. Este fue un momento de desconexión total, un momento Ama, como digo yo; no tengo muchos y los disfruto al máximo, me dan energía para todo lo demás.”

Amalia Amoedo conjuga múltiples facetas que se retroalimentan, conformando un todo absolutamente coherente: madre, artista, mujer de negocios, diseñadora, astróloga. Junto con su socio, Julián Bedel, está a la cabeza de Fueguia, laboratorio de perfumes y velas, y hoy por hoy el arte es su mayor motor. Este año, sus obras han sido expuestas en Art Basel Miami y en el Consulado Argentino de Nueva York. Amalia es inquieta, sensible y tiene un costado lúdico e irreverente que

“En Islamorada. A veces cuando estoy en la playa, si me levanto muy temprano me pongo a trabajar en la orilla. También pintaba mucho en el balcón, cuando todavía no tenía el taller, me gusta mucho pintar al aire libre, el tiempo se frena.”

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“Mis materiales. A veces le agrego perfume a las obras, aunque no todo el mundo percibe la esencia. Me resulta muy interesante ver a la gente frente a mis obras y escuchar lo que dicen, enterarme de qué sienten, sobre todo cuando no saben que soy la artista, me ayuda a crecer. Creo que el arte tiene que despertar emociones o recuerdos en las personas.”

Libros de música, economía, arte, decoración y astrología, cofre de Louis Vuitton y las velas de Fueguia que la acompañan en todos sus viajes.

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Amalia en el balcón de su primera casa, donde solía jugar con sus hermanos. Sobre el pasado dice: “No miro para atrás buscando inspiración, hay demasiado en el presente. Vuelvo muy poco.”

Con su abuela, Amalia Lacroze de Fortabat, “mi gran amiga y un ejemplo de mujer inigualable.” Con su mamá, Inés de Lafuente, en París, ciudad especial que la inspira.

la conecta profundamente con el universo de la infancia. El color es su materia y lo explora, lo exige y lo trabaja orgánicamente; su obra es pura expresión y pareciera que brota desde adentro, sin miedos ni pudores. “Tengo un romance con el color, le doy mucha importancia, no me preocupa si está demasiado saturado o si los distintos tonos combinan. El color sale del alma, de la naturalidad. Tengo una estética con bastante personalidad”, define.

“El lobo, lo pinté después de escuchar Hungry Like a Wolf, de Duran Duran, estas vacaciones. Me gusta mucho esa canción, tiene una letra espectacular. Uno puede tener hambre de diferentes cosas: de amor, de salud, de felicidad, de creatividad…”.

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Esta obra forma parte de la serie que expuso en febrero en Nueva York. “Esta serie se caracteriza por el uso del color, que es completamente distinto al que aplico generalmente. Es una especie de radiografía de un momento en el que no estaba en un muy buen día, ya no recuerdo por qué.”

“Se llama Happiness y surgió de un momento de mucha felicidad y grandes sonrisas durante unas vacaciones en familia en las cuales pintaba de noche. Soy más creativa de noche. Durante el día trabajo en el taller con horarios de oficina, para estar más organizada.”

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Herminia Texto: Sonia Diradourian Fotos: Arq. Daniela Mac Adden

COMO ENTU CASA

Dos hermanas, dos proyectos. Sofía Berra, chef, fue la primera; abrió una casa de té en Castelar hace siete años. El nombre: Herminia, como su abuela que le enseñó a cocinar y le inculcó el gusto por lo casero. María Inés llegó algunos años más tarde y, en el local de al lado, instaló Herminia Market, donde se venden los blends de la casa de té, deliciosos productos gourmet, muebles únicos y complementos para la decoración. Y como si esto fuera poco, hace un año empezaron a asesorar y a realizar proyectos de interiorismo. Las Berra trabajan para sorprender y para que, más allá de los clásicos de siempre, en Herminia haya novedades, sabores y una estética que se diferencia del resto sin sacrificar en absoluto el espíritu hogareño y familiar del emprendimiento.

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Herminia

En Herminia Market hay de todo y abundan los muebles antiguos a los que las dueñas restauran y les dan valor sumando estilo y color. Los detalles, tales como los cuadernos de L&R Handcraft, son un éxito ya que este tipo de producto no existía en la Zona Oeste. Justamente, la idea fue acercar el diseño y que para la gente no sea necesario ir hasta el centro para conseguir objetos diferentes y exclusivos. En los próximos meses se seguirán sumando novedades; entre los proyectos a concretar está la línea de mobiliario infantil y una línea de piezas en madera maciza.

El tea shop es un espacio aislado, para separar el aroma del té del resto del local. Presiden el ambiente un viejo mostrador de mercería, hallazgo de mercado de pulgas, y el gran mueble de madera maciza donde se exhiben las latas con los distintos blends y los juegos de té, pieza construida especialmente para el local por un carpintero que Sofía y María Inés trajeron de la Patagonia.

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El Art Deco es un lujo que perdura en el tiempo.

Set del programa de Mirtha Legrand año 2013 amoblado por Galería Sergio F. Guevara.

Foto por Poul De Lellis

GALERIA SERGIO F. GUEVARA ARTE Y ANTIGÜEDADES ART DECO

ART NOUVEAU

www.galeriasergioguevara.com Defensa 1159 San Telmo - Buenos Aires - Argentina

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Tel. (54-11) 4361-2315 Cel. (54-9-11) 4089-6781

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D&D Lujo

irresistiblesdyd Aros largos de oro rosado con amatistas y rubíes de la colección Diva. BVLGARI

Reloj Chameleon Enamel: en caja con detalles de esmalte y diseño con tratamiento IP de acero inoxidable de alto brillo, correa de piel. FENDI

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Estructura rígida con interior en lino y cierre de tupí rectangular en esta célebre Marquesa Casati que inspira a la nueva colección CH. CAROLINA HERRERA

Dior Palette Trianon Clutch. DIOR

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Eau de Parfum Aura, creación floral, afrutada e incandescente de los perfumistas Jean-Pierre Bethouart y Olivier Cresp (Firmenich). SWAROVSKI

Zippy Wallet monogram cuero. LOUIS VUITTON

Carre Geant en Seda natural de la colección Foulard D´artistes III realizado con la colaboración de Kenny Scharf. LOUIS VUITTON

Delicious Skin, con beneficios para mejorar la piel (comprobado clínicamente). DKNY

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Vi d r i e r a s

LECORBUSIER EVOLUCIONADO Aunque está anclada en el brillante pasado que marcó a fuego la evolución del diseño y en los grandes nombres que llevaron a cabo el revolucionario Movimiento Moderno en arquitectura a principios del siglo XX, la firma Le Corbusier mira hacia el futuro. En sus recientes lanzamientos, ofrece confort y contemporaneidad. “En el último siglo ha habido grandes cambios en lo que respecta a la antropometría. El hombre ha cambiado; en altura y en la relación torso-piernas, por ejemplo. Es necesario acompañar este cambio, teniendo en cuenta que también se han modificado las exigencias: hoy por hoy la comodidad es un aspecto fundamental, un requisito a la hora de comprar muebles”, sentencia Roberto Ferraro, director de Le Corbusier. Los avances tecnológicos son aliados fundamentales para estar a la altura del desafío y el equipo técnico de la empresa los considera especialmente al momento de desarrollar nuevos modelos. “En la actualidad estamos incorporando

movimiento en los muebles, tanto en los mecanismos como en los materiales. Aplicamos materiales con distintas densidades y espumas con memoria, en sillones por ejemplo, y hemos logrado niveles de comodidad insospechados”, comenta Ferraro. “Los apoyabrazos, apoyapiés y respaldos son articulables y se mueven y adaptan a la posición deseada.” La nueva vedette de la firma en materia de comodidad es un sillón mecanizado, con programas automáticos, que brinda masajes Shiatsu. Le Corbusier también ofrece la posibilidad de adaptar los muebles de su catálogo a medida. Utilizan géneros de excelente calidad y alta duración que además son fáciles de limpiar como seda, chenille, símil cuero poliuretánico y pana. “Nuestros materiales se corresponden con la liviandad de nuestros diseños, que tienen un carácter minimalista al ser confeccionados en acero, vidrio, madera laqueada y polímeros expandidos”, agrega el titular de la firma. Cabe destacar que la firma cuenta con el apoyo de equipos de diseño ubicados en áreas estratégicas, verdaderos centros creativos como Italia, Francia y Suiza. Diseños pensados para la vida cotidiana, ricos en confort y practicidad.

Texto: Sonia Diradourian

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Leonor Bedel

DISEÑADORA DE

ATMÓSFERAS

Con una trayectoria y un expertise excepcional, Leonor

Bedel trabaja espacios con la facultad transformadora de la luz. Decenas de proyectos que incluyen el Caesar Park Hotel, el Hotel Panamericano, La Reserva Sofitel, la Iglesia Nuestra Señora del Pilar y la Parroquia de San Ignacio de Loyola atestiguan su labor. Su padre y el estudio de la escenografía, con Gastón Breyer y Guillermo de la Torre, fueron el principio, la directriz que marcó la historia. “De chica mamé en casa todo lo que tiene que ver con colores, espacios, cuadros y la luz que hay dentro de ellos, dado que mi padre era un gran coleccionista de arte argentino. Después, en el teatro descubrí que en diseño de iluminación había un nicho que estaba desocupado y me lancé”, cuenta Leonor. Estudió en Inglaterra, Estados Unidos y Brasil y se convirtió en miembro corporativo de la International Association of Lighting Designers (IALD), con sede en Nueva York y del Illuminating Engineering Society of North America (IESNA). Pronto llegaron los premios, nacionales e internacionales. Uno de ellos, entregado por la IALD en 1995 en Chicago, fue el corolario de uno de los proyectos más queridos de Leonor, el trabajo que realizó en la Iglesia del Pilar. “Hay todo un tema evolutivo del desarrollo de la luz y este proyecto fue el puntapié de un concepto de iluminación en arquitectura que antes no se consideraba en Argentina. El procedimiento anterior era instalar una iluminación general sin destacar la importancia de la luz”, explica. Es que la luz es en serio fundamental, y quién mejor que Leonor para ahondar no solamente en lo estético-espacial sino en el aspecto humano y antropológico de la luz: “Es vida, sin ella no existiríamos como planeta. Desde su creación, la iluminación eléctrica se convirtió en una necesidad básica, fue el factor que Texto: Sonia Diradourian Fotos: Gentileza Estudio L.B.

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1. Hall central del Sofitel La Reserva Cardales. 2. Instalación de la artista Astrid Sanguinetti en el Centro Cultural Recoleta. 3. La luz enaltece el espacio en Casa FOA 2013. Hall central, espacio de Martín Zanotti, ganador de la medalla de oro en dicha edición. 4. La iluminación recupera el brillo de la Parroquia de la Consolación.

permitió que el ser humano extendiera su horario de trabajo, habilitando el desarrollo de la industria. Está probado que las personas que trabajan con buena luz rinden mucho más. Con el tiempo fue ganando mayor importancia y se fueron creando las instituciones específicas de diseño de iluminación en las que 3 participo.” A la hora de diseñar un espacio, la luz juega un rol fundamental. “Aunque un lugar esté decorado exquisitamente, con una gran in4 versión en los muebles y géneros, si está mal iluminado el efecto es opaco e incómodo, no sirve”, precisa Leonor, y en cambio “la calidez de la luz permite crear un clima.” Además, destaca la importancia de tener un lenguaje parejo en cuanto a la luz, principio fundamental tanto en casas particulares como en empresas y desarrollos de distinto tipo. Como ejemplo cita el caso del Sofitel de Cardales, proyecto para el que debió tener en cuenta la iluminación de espacios tan disímiles como el jardín, el acceso, el clubhouse, los dormis, las piletas y el hotel en sí mismo, con todas sus instalaciones. El objetivo: mantener la estética y el concepto general en cada uno de los espacios, con sus requisitos particulares. “El proyectista en iluminación debe ingeniárselas para que la luz ilumine pero que no se vea tanto, si se puede evitar. La luz no debe molestar y no debe ser obvia, es importante lograr una iluminación más sutil, más mágica. La luz es agresiva si no se la domina, puede darse una polución lumínica”, explica. “A la hora de encarar un proyecto lo primero que hago es hablar con el cliente para establecer las pautas y entender qué es lo que quiere, pero también para percibir su gusto. Luego, si se está trabajando sobre una casa que está en obra, es necesario coordinar las acciones con el arquitecto e ir planteando la iluminación antes de que se termine la obra mojada. Es importante tener en cuenta si va a haber cielo raso, por ejemplo, o no. Se van armando los distintos espacios teniendo en cuenta los distintos criterios que establece el cliente”, indica Leonor y agrega con seriedad, “la electricidad no es un juego y hay que tener mucho cuidado a quién se emplea para instalarla, hay que trabajar con profesionales idóneos.” Recomendaciones de una experta en iluminación inquieta que se reinventa y toma cada nuevo proyecto como una hoja en blanco, una oportunidad y un desafío.

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Cartografía personal

UN FLÂNEUR

EN BUENOS AIRES Miguel Bornstein es el creador y dueño de la galería, tienda y anticuario 30quarenta, una bocanada de creatividad en la parisina calle Arroyo. Inquieto y apasionado, palpita la ciudad en rincones privados y públicos, pasea dogo y luego parte al río, a experimentar en su fluir nuevas transformaciones.

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Texto: Natalia Iscaro Fotos: Emma Livingston

Cancha de River: amor por la camiseta “Soy fiel hincha del club así que, naturalmente, El Monumental es un lugar donde me pelo la garganta gritando. Me parece un lindísimo estadio lleno de gratos recuerdos.”

Mini Bio Miguel Bornstein nació en Buenos Aires en una familia austríaca. Estudió Finanzas y Administración en la UADE y continuó con su educación en la Universidad de Columbia, Estados Unidos. Durante 20 años se dedicó con éxito a la exportación de cereales, aceites y subproductos. Fue en 1989 cuando abrió su anticuario, para dar vida a una pasión que ya tenía dentro. El local se llamó Cardamom Antiques y se asentó en San Isidro, donde Miguel vivía entonces. En 1992 Miguel cerraba un capítulo y se retiraba de su cargo de presidente de Conagra (empresa norteamericana de alimentos) y Pecomagra, para dedicarse de lleno a sus amores: la familia, los muebles, la decoración y la pintura. Inquieto, en el 2001 experimentó otra transformación, y así nació 30quarenta, inicialmente asociado con la talentosa Laura Ocampo. Desde fines de 2004 continuó solo con la marca. Hoy lo acompañan sus hijos, Isabel y Nicolás, y este espacio es uno de los más atractivos de la elegante calle Arroyo, y un sitio donde, según Miguel, conviven “color, humor y forma”.

Mi casa: un lugar en el mundo “Me mudé hace menos de dos años, y realmente siento que encontré mi lugar en el mundo. No sólo por la buena arquitectura del edificio, sino también porque siento que logré que todos mis muebles, cuadros y objetos encontraron una armonía equilibrada. Al mismo tiempo, está cómodamente ubicada a media cuadra de mi local, 30quarenta (Arroyo 890).”

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Cartografía personal

La Olla de Félix: gastronomía y estilo “Único en Buenos Aires, este es un irresistible bistró estilo francés. Con deliciosa comida y una atmósfera increíble y divertida, fue creado por su actual propietario y chef: Félix Rueda. Queda en Juncal entre Rodríguez Peña y Montevideo. Un viaje para todos los sentidos”.

Delta Tigre: el bálsamo que fluye “Siempre me gustó estar en contacto con el agua, y desde que soy chico voy al Delta. Siento que es mi lugar para desconectarme de la ciudad y cargar energías. Tengo un viejo crucero de madera del año 40, diseñado por Domingo Pagliettini, los fines de semana parto a navegar. Me encanta, además, descubrir una y otra vez las casas victorianas de principios del siglo XX custodiando sus orillas”.

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Foto: Victoria Dellepiane A.

Plaza Catalunya-Cataluña: encanto perruno y parisino “Es adonde llevo a Angus, el perro de mi hijo, a pasear. La pequeña plaza tiene un encanto parisino, y está muy bien cuidada. Está enmarcada por la fachada lateral de la embajada de Francia y se ubica frente a una medianera con “ventanas falsas” estilo francés. Además, tiene una fuente que fue donada a la Ciudad de Buenos Aires, y es la réplica de la Font de Canaletes de Barcelona.

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Vi d r i e r a s

Texto: Sonia Diradourian

ADN AZCUE Su estética es la síntesis de polos contrapuestos, tales como campo-ciudad, y su identidad vasco-italiana es el resultado del característico crisol argentino. Juan Azcue es de todos lados: “Mi familia paterna es cien por ciento vasca, austera y rígida. La rama materna, en cambio, es mitad vasca y mitad italiana.” Es a este último porcentaje al que atribuye su sentido del humor y su carácter flexible. Sus antepasados y su niñez lo marcaron a fuego y fueron determinantes a la hora de esbozar sus diseños, muestras claras de su identidad heterogénea. “Viví siete años en el campo, en Tandil, donde, siendo hijo único, estuve siempre rodeado de adultos. Esto me impulsó a ser observador y a estar muy atento al mundo que me rodeaba. La naturaleza, los arroyos, los montes y las sierras fueron mi gran compañía. Siempre tenía lápices y papeles a mano y, de a poco, fui haciendo mis primeros dibujos. Vivía en una casa muy antigua, de 1880, sobria pero enorme, tanto que ocupábamos solo la mitad”, recuerda Azcue. A los 18 años, Juan viajó a Buenos Aires para comenzar sus estudios universitarios. “Sabía que no estaba acatando la expectativa familiar, ya que mi familia se dedicaba exclusivamente al trabajo agropecuario. Aunque me sentía culpable, mi camino era otro y así fue como empecé arquitectura. Sin embargo, después de haber cursado tres años dejé la carrera porque no me sentía capacitado para las materias más técnicas. Fue una sorpresa, entonces, mi decisión de estudiar pintura, dibujo, retrato y de convertirme en escenógrafo. Siempre me sentí muy agradecido por la generosidad de mi familia, que me dejó seguir adelante con mi sueño y con mi vocación”, expresó.

Estudió pintura con Horacio Butler y dibujo con el artista catalán Vicente Puig, tomó distintos cursos en la Asociación Estímulo de Bellas Artes y, finalmente, se recibió de escenógrafo en la Universidad del Salvador. Su trabajo como diseñador es de los más destacados de nuestro país. Sin duda, es uno de los creativos más admirados en el sector. Fue premiado por DArA y por Casa FOA en varias oportunidades y su característico espíritu inspirado por el campo argentino sigue ganando adeptos. “Logré sintetizar el mueble campestre, con el que viví durante toda mi infancia, y el de la ciudad, incorporándole cierta sofisticación a la sencillez del mueble rústico. Mi trabajo interior me permite renovarme y sentirme más libre, más seguro y con menos prejuicios”, explica.

Conquistando nuevos horizontes Aunque Juan Azcue ponga la mirada en el pasado y rescate la profunda influencia que tuvieron las raíces en su distinguida estética, eso no le impide caminar hacia adelante. Hace poco, en un viaje a Estados Unidos, fue recibido por un empresario que, con varios negocios en el Design District de Miami, se dedica a importar y comercializar muebles italianos de primer nivel. Al conocer las piezas de Azcue a través de su página web, se mostró muy sorprendido por los diseños e inmediatamente manifestó su contundente interés. “Mis hijos, que son estudiantes en diferentes carreras de diseño, están preparando el catálogo para enviárselo, con todos los datos y detalles pertinentes. Sería una gran oportunidad para nosotros, sobre todo en un momento en que el mercado local está tan deprimido”, comenta, y agrega: “Espero que la demanda no supere nuestra capacidad de producción, porque nuestro trabajo sigue siendo altamente artesanal y jamás bajaríamos la calidad de nuestros productos, ya que esa es su característica más sobresaliente; junto con el diseño, por supuesto.” Orgullo de autor, Azcue mantiene un riguroso modus operandi e imprime su sello, inconfundible, en cada cosa que hace.

Con casi 40 años de trayectoria en el mundo del diseño, Juan Azcue sostiene con firmeza las riendas de la firma que dirige y traza los planes futuros de este clásico del interiorismo argentino.

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Catre Nativa, base de madera con lustre natural, tapizado con franela. Sillón Estructura II, base de madera con ruedas. Estantería Escalera, madera con lustre natural o negro desgastado.

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A CHILE EN 3 ETAPAS

DE LUJO

Cruzar la Cordillera en auto es un program贸n que combina paisajes, shopping y buena vida: ideal para aprovechar los weekends largos. POR LUI SA ZUB E RB UHL E R

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1. Diseño de avanzada en el asombroso deck de la pileta del hotel W de Santiago: para nadar, relajarse o tomar un pisco sour gozando de la mejor panorámica de la ciudad a toda hora del día. 2. Mucho más íntimo y romántico, el deck privado de las suites de The Vines of Mendoza propone la mágica combinación de fogón y velas para disfrutar de un paisaje único: los gloriosos atardeceres frente a Los Andes.

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UN GOLF REGGIO AL PIE DE LOS ANDES El cruce a Chile es espectacular. El camino está impecable y la frontera se pasa sin problemas. Saliendo de Buenos Aires, lo mejor es hacer noche en el camino para encarar el cruce fresco, disfrutando a pleno del paisaje y llegar relajado al Reggio Hotel y Golf, pasando la ciudad fronteriza de Los Andes. Confortable y acogedora, esta hacienda devenida hotel boutique ofrece 8 habitaciones, cancha de golf y deliciosa cocina casera. 2

1. La ruta cruza por el Paso Cristo Redentor, entre Las Cuevas (Argentina) y Los Andes (Chile). Imperdible la parada para sacarle una foto al mítico Aconcagua. 2. Durante la estadía en el Reggio se impone jugar los 9 hoyos de golf, con carrito y bolsa de palos del hotel. 3. La pileta y casa solariega de don Iván Mesias Lehú. Eliseo, un anfitrión de primera, nos relató la historia de esta mansión estilo Georgian, construida en los 90 con grifería, cerámicos, puertas, pisos, alfombras y muebles importados.

Reggio Hotel y Golf: reservas@reggiohotel.cl, Tel +56 34 2 401050

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1. Impactante arquitectura en el nuevo centro de los negocios y la moda. 2. Costanera Center, el mejor mall, con Banana Republic y otras marcas importadas además

H&M, cancherísima y ultra accesible a pesar del dólar tarjeta. Imperdible: Casa & Ideas en Providencia 2266. Y si tiene paciencia: Buena Ventura Premium Outlet, en Quilicura.

3. Los domingos: antigüedades en el mini San Telmo de la plaza Perú, frente al Hotel W. Miraolas, el resto de Max del Real con productos “silvestres” en Vitacura 4171, Tel 22060202. 3

SANHATTAN: SHOPPING Y MANJARES El Santiago del siglo XXI es la versión latina de Manhattan, con outlets y malls de última generación que conviven con ferias de antigüedades. Hay hoteles de lujo y restaurantes gourmet con deliciosos pescados y frutos de mar: imperdibles las machas o almejas rosadas a la Parmesana, los Locos Mayo, las angulas, los ceviches y la Reineta de Miraolas.

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ALOJARSE EN UN HOTEL WOOW

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Aluciné con el W, un hotel multifacético que combina paz y tranquilidad en sus luminosas 196 habitaciones y suites, con la locura total del lobby para afuera: restaurantes, bares, pileta panorámica y boutiques de lujo en un sorprendente universo urbano creado por los diseñadores Tony Chi y Sergio Echeverría, mezclando elementos de la cultura chilena con materiales y detalles futuristas.

1. Las habitaciones ofrecen un servicio mágico: el Whatever/ Whenever® que soluciona todos los problemas.

2. Osaka, el restaurante peruano asiático, se suma al Frances NoSo, de Jean-Paul Bondoux, y al bistró chileno Terraza en una recorrida gastronómica sin salir del Hotel. 3. Paredes vidriadas con los mejores vinos del Mundo y mas restós en planta baja: Kilómetro Cero y Coquinaria, con su boutique gourmet. W Santiago: reservas. santiago@whotels.com, Tel +56 2 2770 0034/ 35

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BROCHE DE ORO: THE VINES En el año 2005 Giménez Riili y Michael Evans empezaron a pergeñar las bases de una idea genial que hoy es una flamante realidad: The Vines of Mendoza, donde uno puede comprar un viñedo para elaborar su propio vino, construirse una casa, alojarse en el hotel -miembro de The Leadings Hotels of The World- o simplemente almorzar en el restaurante Siete Fuegos de Francis Mallmann. Todo frente a los Andes, en el Valle de Uco. 1

2 3

1. Mega bañadera en una terraza privada, lo mejor de las 22 villas de The Vines Resort & Spa. 2. La pileta, con reposeras adentro del agua.

hotel iluminada: un esplendoroso oasis de lujo confortable en plena Cordillera, dedicado a descubrir el placer de elaborar, beber y compartir vino.

3. La misma pileta en horas de la noche y la silueta del

4. Uno de los siete fuegos de Mallmann en acción.

Reservas: sales.buenosaires@lhw-offices.com , Tel 4129- 0010

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editorial

Un viaje de mil millas comienza con un paso

Virginia Braun

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FOTO: DANIELA MAC ADDEN.

isfruto caminar por Corrientes y hojear libros usados que tal vez nunca compre. Así fue como me llegó esta frase, en forma de dedicatoria escrita de puño y letra, por un autor anónimo en un libro sobre el Tao. Hoy llega como necesidad al escribir mis primeras líneas como directora. Imagino los cambios como desafíos, y los desafíos como lugares nuevos para explorar, que no pierden su historia ni sus orígenes: como el efecto dominó de una pieza que continúa un movimiento comenzado por otra. Por eso agradezco cada gesto, la sabiduría, el consejo y la generosidad con que mi madre, Fini Travers, me fue señalando el camino todos estos años, mientras fui su aprendiz. Pero también agradezco doblemente su confianza de hoy, al delegarme esta apasionante tarea en su mejor momento como empresaria, mujer creativa y emprendedora. Me siento feliz de que me haya acompañado en la transición para este primer numero del año, donde juntas pudimos consensuar un D&D renovado, pero fiel a sí mismo. Por eso es mi deseo que en esta nueva etapa de la revista la creatividad siga tomando la forma del azar, del deseo, el legado y la experiencia. Y que no olvidemos que, a veces, la meta no es el objetivo del camino, sino transitarlo. Gracias Mamá por este camino que se abre, y gracias lectores y anunciantes por haber sido y seguir siendo parte de él.

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La luz que se cuela por entre los vidrios dibuja relieves de colores en viejos Cristos de marfil filipinos que se suceden en la cocina junto a una jirafa que alguna vez bailó en un carrousel. Un ángel de mármol recuerda a las víctimas de un naufragio de 1870. La vieja Virgen tiene un gran corazón de zinc. Las Marilyn son un tríptico obra de Claudio Roncoli. La mesa se armó con los viejos tablones de andamio que se usaron para la reforma de la casa.

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El color de las paredes hermana los espacios de trabajo y de vida que Gabriel del Campo alimenta con su pasi贸n en San Telmo y en San Isidro. Aqu铆, viejas mesas de hierro de un taller de soplado de vidrio y un viejo reflector del Teatro Ode贸n recuperan antiguos saberes que perviven en la actualidad.

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HUEVOS BLANCOS CONSTRUIDOS CON CARACOLES Y TRAÍDOS DE FILIPINAS, CONVERTIDOS EN LÁMPARAS.

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estigo mudo aunque activo, esta propiedad sobre la calle Elcano de San Isidro ha visto germinar y crecer la pasión de Gabriel del Campo por los objetos. Asistió a la llegada de algunos de ellos. Algunos que pronto fueron muchos. Muchos que, en un suspiro, se convirtieron en demasiados. En aquellos lejanos orígenes no había ni un asomo de pulsión comercial. “Compraba cosas que me gustaban y las atesoraba. Fui ocupando los espacios e incluso el jardín”, recuerda ahora. Lo que entonces era una casa tradicional del pago, de repente fue metamorfoseándose en un lugar mágico. Los amigos venían de visita y se llevaban algo que les gustaba, mientras que los vecinos perdían el pudor y asomaban la cara entre las rejas para preguntar por tal o cual mesa, escultura o columna.

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Todo es emoción y sensorialidad en la relación que del Campo establece con cada objeto que encuentra. Aquí, antiguo molde de porcelana para guantes regalo de Rogelio Polesello pintado por él. “En esta foto se ve un viejo falo romano de mármol que representaba fertilidad y abundancia. Aquí, y sin intención de la fotógrafa, apunta justo a una muñeca mexicana de terracota. Confirma mi teoría de que los objetos tienen vida propia”, Gabriel dixit.

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EL PISO DEL DORMITORIO SE CONSTRUYÓ CON RECORTES DE MADERA DURA SOBRANTES DEL TALLER. LA CHIMENEA QUEDA PRENDIDA CASI TODO EL INVIERNO.

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“Frente a la chimenea hay un ángel italiano al cual le hicimos el resto del cuerpo en hierro, ya que no lo tenía”, apunta del Campo. Y explica que señala el cielo permanentemente para que nadie olvide qué camino debe seguir si se quiere llegar ahí. En el cuarto de baño, libros y revistas de colección.

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Gabriel del Campo recibe a los visitantes escoltado por sus mascotas. La situaci贸n parece divertir a Zulma, que mira con atenci贸n a su estatua. En la cocina, viejos mascarones de proa flotan en las paredes.

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omo en los primeros días, Gabriel del Campo establece una relación emocional con cada objeto: los deja ser; les pide que le cuenten su historia, sus recorridos; y se asegura que los compradores se lleven también la memoria de eso que han adquirido. “Estos objetos son de tal nobleza que no necesitan credenciales: todo está a la vista”, apunta. Por último, regala un secreto para volver a mirar estas imágenes como quien regresa a un territorio con el mapa correcto: “Fijate un dato curioso. En casi todas las fotos, parece que las estatuas te miraran. En una época tuve un búho vivo que dormía en la mesa de luz. La versión de mi psicóloga era que los que nos criamos con otro pariente que no fuera nuestra madre, siempre queremos recuperar esa mirada mientras dormimos. Como verás, en casa hay cientos de fotos, cuadros, figuras que te mantienen atento”. n

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Columnas, bancos, bustos, mesas antiguas. Si en general los niños no son bienvenidos en un anticuario, aquí del Campo los anima a recorrer. Es un convencido de que cada mueble es capaz de contar mil historias y que ahí se encuentra la semilla de la creatividad futura.

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EN DETERMINADO MOMENTO HABÍA TANTOS OBJETOS EXTRAÑOS, QUE LOS VECINOS SE ASOMABAN POR LAS REJAS SORPRENDIDOS. ASÍ COMENZÓ ESTA HISTORIA.

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Abierto

AL CIELO TEXTO: DÉBORA CA MP OS FOTOS: ARQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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upo que era el lugar indicado con una certeza tan firme que, en ese mismo momento, dejó una reserva. Llevaba tiempo buscando una nueva casa y las visitas se sucedían por departamentos que no le daban la respuesta esperada. Fue por eso que, delante de estos espacios y con la promesa de una terraza prácticamente irreal en el mar de cemento que es la ciudad, tomó la decisión. Hoy, revisando aquella primera visita a la que, desde hace cuatro años, es su casa, la propietaria asegura: “Era como una casita y no un típico departamento”. Las enormes posibilidades de este duplex la cautivaron. “Mis hijos crecieron y decidí mudarme a una vivienda más chica. Finalmente, las dimensiones del espacio no cambiaron demasiado pero aquí hay 150 metros cuadrados de terraza y todos los ambientes tienen una vista abierta al cielo”, apunta nuestra anfitriona.

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En el living, con piso de roble de Eslavonia, antigua mesa china y, algo más allá, escultura de Luis Perlotti. En la toma de apertura se descubre el gran tapiz sobre la pared curva, acompañada de un sillón que, al igual que las mesas laterales, diseñó María Victoria de las Carreras. El mueble chino sobre la pared lateral, en cambio, proviene de un anticuario.

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El comedor debe su verde a la pintura de Roberto Aizenberg. Alrededor de una mesa rĂşstica de madera, juego de sillas inglesas tapizadas en otro tono del mismo color. En el hall de entrada se destaca una obra de Pedro Figari.

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l duplex ofrecía amplios sectores sociales en la primera de sus plantas (sobre un séptimo piso) y un dormitorio principal que ya había sido remodelado en el nivel superior. El resto, en aquel primer momento, era una zona enorme y sin un uso definido. “La obra de arquitectura para renovar las instalaciones generales y construir la terraza demandó casi un año de trabajo“, apunta la dueña de casa. En la plata superior, donde inicialmente no había más que cielo,

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con el asesoramiento de Marina Sánchez Elía y la arquitecta María Inés Pereyra, se trazaron una pileta acompañada por macetones de buxus, un sector de parrilla semicubierto por una pérgola y, además, un living. “Quería un diseño geométrico que pudiera transmitir calma y tranquilidad”. El trabajo de decoración quedó en sus conocedoras manos. Buena parte de los muebles y los objetos provienen de su vivienda anterior o llevan muchos años acompañándola. Otro tanto sucede con las obras de arte,

que fueron encontrando su lugar en cada ambiente. Hubo algunas que, incluso, determinaron el color de las paredes, como sucede en el comedor con un cuadro de Roberto Aizenberg. Cuando reconstruye lo que la llevó a este lugar, la propietaria asegura que fueron determinantes la generosa luz natural en todos los ambientes de la casa; la casi insólita mirada al cielo abierto desde todas las ventanas y la atmósfera del piso. “Yo necesitaba tener esa sensación de «yo acá viviría» y aquí la tuve“, concluye. n

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bicado en la parada 8 de La Brava, el piso era el indicado. “Está prácticamente emplazado dentro del mar. La sensación de infinito y un horizonte que se pierde fueron determinantes”, apuntan. Es que todos los ambientes de la vivienda ofrecen esa perspectiva. Con la asistencia del arquitecto Pachi Firpo y del estudio Maria Taquini, la planta se amoldó a los ritmos de esta familia. Hubo espacios que desaparecieron, instalaciones que se renovaron totalmente, paredes que se ampliaron y otras que se achicaron. “Siempre la premisa fue privilegiar la luz y la vista”, subrayan. Finalmente, la decras que se achoración capitalizó la caja blanca sobre la que se fueron pincelando algunos detalles de color sobre muebles de maderas oscuras y claras. Y el resto, es el mar... . n

Un biombo chino antiguo funciona como cabezal de la cama en el dormitorio principal y aparece escoltado por un baúl oriental y una mesa de rattán. Alrededor, una serie de kilims.

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En el camino hacia el dormitorio de huéspedes se armó un agradable living íntimo, ambientado con un kilim frente a la chimenea y una escultura de Mario Ceroli sobre ella. Cama de esterilla patinada, silloncitos de Juan Azcue, mesa de rattán y grabado de Guillermo Roux completan el espacio.

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En este otro estar, una mesa de campo funciona como centro y acompañan el gran sofá, mapas antiguos y banquitos chinos. Laureles, rosas iceberg, salvia y jazmines pueblan esta terraza urbana con muebles de Desde Asia y María Victoria de las Carreras.

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A R MON Í A Y COLO R TEXTO: DÉB ORA CA MP OS FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC A D D E N

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Una explosión de color hace vibrar la caja blanca del living. Para equiparlo Laura Ocampo recurrió a un singular sillón de hierro de Federico Churba, géneros de Caro Deane, una lámpara de pie con pantalla negra y una mesa baja de cristal.

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ue fuera informal y elegante. Ese fue el encargo que la decoradora Laura Ocampo recibió de su cliente para este piso situado en la Recoleta. “Los dueños lo eligieron entre otros porque se trataba de un espacio que venía de ser íntegramente renovado y les ofrecía todos los elementos necesarios para su vida”, apunta la eximia diseñadora. El piso, además, exhibía una “perfecta proporción entre la parte social y los dormitorios, lo que permite recibir con comodidad sin sacrificar espacios privados”. De este modo, el estudio recurrió a algunas piezas nuevas y emprendió la tarea de recuperar otros muebles existentes.

Un imponente espejo conseguido en Breuer Moreno amplifica las dimensiones del estar conectándolo con el living. La decoradora seleccionó géneros de Caro Deane para los sillones e incorporó puffs de Manifesto y una mesita laqueada de Federico Churba. En el lateral, el cuadro de Paula Ocampo acepta el desafío cromático y suena en la misma clave.

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Una clásica composición de Laura Ocampo en la entrada del departamento: cómoda diseño suyo sobre la que fue dispuesta una obra de la galería Palatina, lámpara y sillas de hierro. El comedor se equipó con una mesa de Manifesto y juego de sillas de Machimbre, aquí complementados con coloridas servilletas de Ramos Generales y copas de la fábrica Sarandi Breuer.

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En el escritorio, mesa blanca de Manifesto, silla fucsia, cuadro de FabiánTanferna. En el dormitorio de huéspedes, camas con respaldo diseño de Laura y blanquería a tono. Vestido en saten de seda natural estampada, escote en brocato y flecos de cristal, mini short colorado de lentejuelas, Benito Fernández.

Vestido: Benito Fernández www.benitofernandez.com.ar Maquillaje y peinado: Agustina Baglioni (cel:1531922156) para Alejandra Freire. STUDIO DE MAQUILLAJE www.alejandrafreiremakeupartist.blogspot.com.ar Modelo: Stephi Stegman de la agencia CIVILES. www.civiles.com

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samos algunos elementos que estaban, los coloreamos con el tapizado y los completamos con nuevas adquisiciones, sin que primaran ni unos ni otras”, comparte Laura. En esa sensible búsqueda de equilibrio, Ocampo explica que se respetaron los criterios de los dueños de casa, así como se atendieron las necesidades del trabajo de cada uno de ellos. Además, se trató de reproducir algo del carácter de la casa anterior que la familia habitaba en el extranjero. “La elección tanto de los muebles como de los cuadros, juega con el objeto y con el color, de manera que algunos acentos situados en las paredes permiten que se sigan agregando elementos en un futuro”, revela. n

Espejos de chapa, distintos y personales, fueron colocados sobre las mesas de luz, también diferentes. La cama tiene una estructura tapizada en loneta a rayas. También aquí la ropa de cama es de Ramos Generales mientras que la alfombra es de Alsina.

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A L E STI LO DE

A MALIA ROBR EDO TEXTO: SOL DEL L EPI ANE A. FOTOS: GE N TI L E ZA E STUD I O A MA L I A ROB RE D O

A veces, a fuerza de capacidad introspectiva privilegiada y buena mano, los autorretratos salen mejor que los retratos. Es el caso de esta semblanza de Amalia Robredo. Como Amalia vive en Uruguay, la situación de entrevista a distancia impone la realización de un cuestionario extenso y muy pensado: no está la instancia de la repregunta, la amable imprevisibilidad de las bifurcaciones que tantas veces derivan de la charla, entonces todos los disparadores deben encontrarse a mano; la guía tiene que ser eficaz para llegar al punto. A los puntos que dibujan una trayectoria. Cedemos, entonces, la voz a quien tan bien supo poner en palabras su recorrido profesional.

LA PRIMERA FOTO “Desde que nací estuve inmersa en espacios estéticos e innovadores del paisajismo. Mi familia vivía en un cuarto piso de un edificio francés ubicado en Junín entre Santa Fe y Marcelo T. de Alvear, pero con la particularidad de tener un pionero techo verde... y estoy hablando de los años 60. A los 6 años salí en el diario La Nación, pala en mano, cultivando los tomates del techo. El edificio había sido construido por mi visionario bisabuelo Mauricio Braun y en cada

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uno de esos pisos vivía un pariente. Pero para el enorme clan, originario de la Patagonia infinita, eso no era suficiente espacio verde, así es que los fines de semana nos desplazábamos todos a la chacra de la familia: Pingüinos, parquizada por Benito Carrasco. Así crecí, rodeada de más de 200 primos, tíos y abuelos, naturaleza, afectos, muchísima cultura y un sentido de la estética muy presente.” La influencia de mi padre arquitecto, Iván Robredo, en mi vocación, fue clave. Por un lado su amor por las plantas y por otro, su manejo de la estética, su particular visión y conceptualización de los espacios, fueron alimentado mi pasión por el paisajismo. Mi madre, por su parte, me inculcó la perseverancia, el valor de la lucha y el de perseguir mis sueños. Mi marido fue finalmente el disparador que con su apoyo me ayudó a que dejara de girar en círculos y me lanzara definitivamente hacia adelante. Es así que después de haber estudiado Biología sin terminarla, finalmente decido volcarme en cuerpo y alma al Paisajismo en la Escuela Argentina de Espacios Verdes. En ese momento no había una carrera formal con título oficial; luego de tres años me recibo de Técnica Superior en Paisajismo. Con mi compa-

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FOTO AMALIA: RENÉ RUIZ DIAZ.

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Desde su chacra en José Ignacio, Amalia desarrolla el oficio de paisajista.

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Entre los proyectos de paisajismo de Amalia Robredo, 1 y 2. Cerro Pelado. 3. La Pasionaria, chacra donde realiza su trabajo de investigación.

ñera de carrera Sofía Mihura, dimos juntas nuestros primeros pasos. De esa época se destaca la obra que realizamos junto a mi padre en el Dique 4 de Puerto Madero, sobre el Yacht Club, cuya idea rectora era que la naturaleza de la reserva cercana se manifestase a través de quiebres en las veredas grises del dock: masas de Miscanthus sinensis evocaban las nativas Cortaderias selloana, cuyas inflorescencias al viento emulaban las velas de los barcos deportivos atracados. Las Salvias procurrens hacían de alfombra bajo los Jacarandáes y las flores turquesas caían sobre el pavimento gris.

CAMBIO DE RAÍZ En el año 2002 nos mudamos a una chacra en José Ignacio, Uruguay. Solos, mi marido y yo. Un cambio radical de vida. José Ignacio y sus alrededores estaban todavía sin desarrollar y de repente tenía a mi disposición hectáreas de tierra virgen para experimentar y parquizar. Enseguida, la influencia de las paisajistas argentinas Martina Barzi y Josefina Casares se hizo

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notar en mi trabajo. Muchos años antes de que abrieran s prestigiosa escuela Pampa Infinita, yo ya había hecho con ellas un curso de diseño sobre el método de grilla de John Brookes, cuyos libros me habían influenciado mucho. Esa conexión que proponían entre la naturaleza y el paisajismo fue una pequeña semilla en mi camino hacía el naturalismo, y sus famosos roughs, las zonas donde no se cortaba el pasto, se transformaron en mis primeras praderas ornamentales. Trabajar en Punta del Este me resultó difícil en un principio ya que el clima, la topografía y los suelos son completamente diferentes a los que estaba acostumbrada en Buenos Aires. Al segundo año de trabajar conmigo, Hugo Sierra, que ejecutaba mis obras, se apiadó de mi falta de experiencia en el terreno y me ayudó a entender el porqué de la lentitud con la que mis jardines crecían o algunas plantas fracasaban sin razón; con su extrema humildad de sabio, me explicó que en Uruguay un alto no implica que no haya aguas emergentes o que en la misma hectárea, aunque todo parezca igual, hay áreas donde seguramente haya piedra debajo. En resumidas cuentas, me enseñó a ver la topografía a través de sus yuyitos, las famosas

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arduo de recolección, relevamiento y reconocimiento exhaustivo de la zona, publiqué la primer guía de campo de herbáceas y gramíneas de la costa atlántica de Maldonado.

HALLAZGOS

plantas indicadoras, lo cual para un ingeniero agrónomo podría ser obvio, ¡pero para mí no! Otra de las personas que me ayudaron mucho en el proceso de hacerme local fue Mirta Zilberstein, ayudándome también a conocer qué funcionaba y qué no y consiguiéndome algún capricho que aún no se utilizaba usualmente; más allá de lo profesional, fue una gran amiga y compañera de ruta. En el año 2006 me voy de viaje a la Toscana con las paisajistas inglesas Penelope Hobhouse, ya pasados sus 70 años, y la investigadora y escritora Anna Pavord, que acababa de publicar su libro The Naming of Names. Ahí profundicé mi conocimiento sobre el manejo del espacio en grandes áreas y de los desniveles mientras recorríamos las villas más fascinantes. Una tarde, al final del viaje, Penny me preguntó “¿Cuál es tu ambición, tener un estudio importante o poder elegir los proyectos que te interesen?”. Yo le contesté sin dudar que lo segundo. Ella me miró, asintió con la cabeza y dijo: “Entonces deberías escribir”. Apenas volví, escribí el primero de mis artículos para la revista El Jardín en la Argentina, titulado “Bajo el Sol de Toscana”. Cinco años después y luego de un trabajo

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Paso a paso, me fui especializando cada vez más en el diseño de chacras, algo que surgió naturalmente a partir de haber armado la mía de una manera totalmente diferente al resto. Estructuré el espacio de manera en que todo el terreno era aprovechado, acompañando a la naturaleza y con un bajo mantenimiento. Después de décadas de pastoreo, finalmente las herbáceas y gramíneas de mis praderas comenzaban a crecer y florecer. ¡No podía creerlo! Flores y pastos llenos de potencial ornamental ocupaban todos mis floreros. Estaba fascinada. ¿Cómo podía ser que hubiera tan pocas opciones de plantas para este clima marítimo tan exigente en los viveros, teniendo tantas posibilidades en la naturaleza misma? De pronto empecé a mirar la flora autóctona y local 3

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BREVES 1

con ojos fascinados y a utilizarla profesionalmente. Sin embargo, no todo eran progresos lineales; por ejemplo al cuarto año la diversidad de especies iba decreciendo... y no podía saber por qué. Así es que en el año 2007 y con un embarazo de 5 meses, me embarqué en un viaje liderado esta vez por el paisajista, escritor e investigador inglés Dr. Noel Kingsbury, a Alemania y Holanda. Fue un antes y un después en mi carrera tanto como diseñadora como investigadora y docente. Kingsbury se convirtió en mi mentor y me guió a lo largo de todos los años que siguieron, paso por paso, me dio la literatura que necesitaba conocer y aprender y me presentó personas clave en el mundo de la investigación y el paisajismo. El primer hito fue el centro alemán Hermannshof, cuyo director Cassian Schmidt realiza el trabajo más fascinante del cual haya escuchado jamás. Estudia las praderas americanas, las estepas europeas, pero como comunidades, cómo se interrelacionan las plantas entre sí. También investiga cómo lograr el menor mantenimiento posible calculando los minutos anuales que lleva cada metro cuadrado según las diferentes combinaciones o mulching. Tan deslumbrada quedé con su trabajo, que el nombre de mi beba que oscilaba entre Damasia y Casia mutó a Casiana para siempre. Ese primer viaje culminó en Holanda, conmigo presentando un power point de mi trabajo, en el galpón de su casa al afamado paisajista Holandés Piet Oudolf, ¡una experiencia casi mística para una paisajista! A partir de ahí, todo se fue acelerando. ¡¿Qué le

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• UN OBJETO: un cuadro de Luis Benedit • UN MATERIAL: piedra • UN COLOR: azul • UNA TEXTURA: terciopelo • UNA PALABRA: perseverancia • UN SIGLO: XXI • UN MUEBLE: reposera • UN PAISAJE: Toscana • UNA CIUDAD: Munich • UN MUSEO: Rodin en Paris • UN MAESTRO: José María Menini • UN RINCÓN DE BUENOS AIRES: ¡los Jacarandá en flor de la Av. 9 de Julio! • UN ÁRBOL: Sapium glandulosum • UN OBJETO DE COLECCIÓN: teteras • UN DISFRAZ: ¡el de picaflor que le hice a mi hija! • UN ARTE: la escultura • UN LIBRO: Plant Strategies, Vegetation Processes and Ecosystem Properties de J. Philip Grime • UN PERSONAJE HISTÓRICO: Darwin • EL ARTISTA DEL SIGLO XX: Burle Marx • EL ENCARGO SOÑADO: Un jardín botánico con flora uruguaya • LA ESTÉTICA AR, EN UNA PALABRA: naturalismo.

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1 y 2. Vistas del Fasano Bar y el parque que lo rodea. 3. La Petanque en José Ignacio.

había mostrado a Oudolf?! Las Barzi-Casares me invitaron a que diera una charla a sus alumnos, la revista Jardín me publicó una chacra marítima, D&D también me publica y del Garden Clubs del Uruguay me invitan a dar una conferencia en Montevideo, que reunió 600 personas. Esos años de Biología sumados a tener como profesor de botánica a José María Menini durante mi tecnicatura, se alinearon en el famoso “uniendo los puntos” de Steve Jobs y empecé casi sin darme cuenta mi camino como investigadora. ¡Un camino fascinante! En el 2008, dos años después de haber sistematizado mi trabajo de investigación de las praderas nativas, siguiendo las pautas de Noel, ya tenía más de 200 especies determinadas en un prolijo herbario con infinidad de notas de momentos de floración, suelo donde crecían, si eran anuales o perennes y alguna anécdota ecológica. En ese punto me subo un avión y me encuentro en 3

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Chicago con Noel y su mujer Jo Eliot (profesora de cine en Inglaterra, y personaje genial en el cual se inspira uno de los de la película Hotel Marigold). Nos subimos a un auto por varias horas hasta llegar a casa de Neil Diboll, un ingeniero agrónomo que en los años hippies se dedicó a estudiar cada una de las flores y gramíneas silvestres del medio oeste americano, las famosas grandes praderas americanas. Pasamos un fin de semana increíble en su granja, donde mientras cocinaban delicias locales, Neil, Noel y yo nos Laguna Blanca quedábamos hasta altas horas de la noche repasando todo lo logrado hasta la fecha. Creo que le transmití tanto entusiasmo y pasión por lo que hago que eso alentó a Neil a escribirme un extenso protocolo para que luego llevara a cabo en mi centro experimental de praderas, La Pasionaria. La clave era determinar el momento del año en que había que realizar el corte anual o bianual y lo genial fue que finalmente ninguna de las propuestas de Neil fue la acertada, sino que la investigación nos llevó a un lugar nuevo, distinto, muy propio, según las características de nuestro clima y vegetación. Cuatro años después de tomar nota de cada uno de los “yuyitos” que veía creciendo entre el océano y 2 kilómetros tierra adentro, el Ministerio de Ganadería Agricultura y Pesca del Uruguay, con fondos del Banco Mundial y GEF, me otorgan una donación para que publique mi investigación sobre las más de 300 especies de gramíneas y herbáceas y para que intente la reproducción comercial de algunas. Hugo Sierra nuevamente fue clave en esta tarea y después de años de mirar con simpatía “y casi con pena diría” cómo me emocionaba cada vez que descubría una nueva flor silvestre, terminó enamorándose también él de la flora autóctona, y armando su propio vivero. A la fecha, ya llevamos ingresadas al circuito comercial más de 30 especies que usamos en mis proyec-

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tos. Dediqué el libro a mis hijos Rufino y Casiana, que padecieron la tortura de convertirles sus viajes de regreso del colegio en una infinidad de paradas cada vez que divisaba una nueva especie.

ENTUSIASMO PERENNE Actualmente como diseñadora adhiero al Nuevo Movimiento de Perennes (New Perennial Movement) donde se evoca a la naturaleza, se tiene presente a la ecología en el momento de diseñar y, sobre todo, en un nuevo marco conceptual estético. Este movimiento es liderado por el paisajista holandés Piet Oudolf, diseñador de la plantación del High Line de Manhattan y del Lurie Park en Chicago. Siguieron mis viajes anuales con Noel a Alemania y Holanda, Escocia, Inglaterra, a universidades, centros de investigación y a infinidad de jardines y parques inolvidables. Tuve la suerte de poder elegir los trabajos que realicé y más suerte aun con los clientes que fueron creyendo en esta línea paisajista. La gran mayoría se entusiasmaba con mi trabajo de investigación y accedía a que pruebe especies nuevas en sus diseños. El sello personal se ve en la identidad local de los jardines que hago, son diferentes, clara y contundentemente Uuruguayos y no como tradicionalmente se

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“Descubrís que lo que uno tiene que lograr, es un clima”, coinciden.

La Oriental

AR en acción ¿Cómo definirías calidad de vida desde el punto de vista de tu profesión? Vivir en un pueblo como José Ignacio, rodeada de naturaleza, trabajar inmersa en ella y cerca del mar. ¿Qué parámetros rigen en tu propio jardín o espacio exterior? Respeto por la naturaleza, hacer de las debilidades una fortaleza, bajo mantenimiento y buena estructura. ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado? Ser quien quiero ser y no lo que “debo” ser. ¿Qué priorizás cuando pensás un jardín? Una buena estructuración para aprovechar todo el espacio. ¿Trabajás en equipo? Sí, mucho. Consulto a los arquitectos de la obra, botánicos, ingenieros agrónomos, gente con experiencia en mi campo, entomólogos, ecólogos y la lista sigue. ¿Qué es lo que más te gusta de tu oficio?

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El contacto con la naturaleza. ¿Cómo definirías a tu clientela como rasgo común? Por sobre todo, generosos, no en el sentido económico, sino en darme la oportunidad de experimentar en sus jardines. ¿Te interesa la decoración? Si, está íntimamente conectada con el paisajismo. ¿Cómo te llevás con el color? ¡Bárbaro! ¡Me gustan todos! Incluso el negro y el marrón de las plantas y cabezuelas caducas. ¿Cuál es el jardín más lindo que viste en tu vida? ¿Cómo era? El Lurie Garden en Chicago. Un jardín que combina un diseño salvaje con nativas, exquisito dentro de una arquitectura plenamente moderna y rodeado de rascacielos. Si tuvieras que ser recordado o identificado con una sola obra tuya, ¿cuál te gustaría que fuera y por qué? Mi libro Herbáceas, Gramíneas y Aves de la Costa Atlántica de Maldonado, porque es el fruto de años

de investigación al servicio del mundo, un material de archivo que espero que sea útil a lo largo del tiempo y las generaciones por venir. Él perdurará, los jardines probablemente no... . ¿Cuál sentís que es tu aporte a tu disciplina? La introducción y valoración de plantas nativas al paisajismo, generar un cambio de mirada acá en Uruguay y ser un nexo entre la investigación que se realiza en el mundo y los paisajistas a través de la docencia que realizo tanto en la Universidad de la República en Uruguay como en los varios workshops en los que participo

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prefería, ingleses, franceses o italianos. Sentí que lo había logrado el día en que un colega me llamó y me dijo: “Hoy llegué a lo de un amigo y cuando ví el jardín dije -¡es re Amalia Robredo!, ¡y el dueño lo confirmó!”. En el año 2010 María Puppo, del vivero Laguna del Chajá, me invita a unirme al grupo APROBIOMA (Asociación Pro Biodiversidad de Maldonado) a través del cual tenemos proyectos de preservación, destacándose Remanentes Verdes de la Costa, que busca preservar el matorral espinoso psamófilo que es la vegetación originaria de la costa de Uruguay, totalmente degradada por la intervención humana y el desarrollo urbano y forestal, y del que van solo quedando apenas unos parches. Algunas de estas plantas son endémicas, qué quiere decir esto?: que crecen en estado silvestre únicamente y en ningún otro lugar del mundo. Otras están en el listado de especies prioritarias para la conservación del Uruguay. Mi participación como paisajista implica la difusión del potencial ornamental de estas plantas para que otros paisajistas las usen cuando les toca parquizar una propiedad en esta situación y la introducción de las mismas a la red comercial de los viveristas. Tratamos de educar a la gente para que aprecie este patrimonio natural y frágil que tiene el Uruguay y que en consecuencia lo preserve. En el 2011 me invita J. Cruz García Alvarado, egresado de la prestigiosa University of Sheffield de Inglaterra y presidente del Colegio de Post Graduados de México (COLPOS) a dar una serie de charlas sobre plantas nativas y paisajismo y la conferencia magistral del Congreso de Horticultura organizado por la Universidad de Nayarit. La parte fascinante fue el plant hunting que hicimos desde Veracruz (Atlántico) atravesando todo el país hasta Nueva Vallarta (Pacífico). Plant hunting traducido literal es cacería de plantas y es la manera de denominar el proceso de descubrir en la naturaleza especies con potencial ornamental. Todas las plantas que ves en un vivero son plantas silvestres en algún lugar del mundo. El grupo de investigación de COLPOS es único y original, ya que está formado por personas que estudian las plantas desde distintas disciplinas: uno es experto en abejas, el otro en mariposas, otra en medicinales, otra en la parte sociológica y Cruz en paisajismo.

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Villa Laura, dentro del espectacular Fasano - Las Piedras, en Punta del Este.

Durante dos días atravesamos México fotografiando plantas, en cuatro patas, trepados a alguna roca, excitados frente a alguna flor atiborrada de abejas o ante la belleza del paisaje. ¡Rafa, la pareja de Cruz y el único que no era del gremio, dudaba si estaba entre un grupo de personas geniales o de lunáticos perdidos! De noche se escuchaban los tiros y de día el ejército nos paraba una y otra vez y todos con la mirada hacia el suelo, nos bajábamos de la camioneta para que requisaran. Tengo una enorme vocación docente. Me encanta pararme frente a una audiencia y trasmitirle mi pasión por lo que hago. Barzi-Casares, Neil Diboll, Piet Oudolf y Noel Kingsbury sobre todo, han sido terriblemente generosos compartiendo su conocimiento conmigo y dándome increíbles oportunidades, y así siento que yo puedo traspasarlo a mis alumnos, algo así como lo que plantea la película Cadena de favores. Por eso estoy constantemente dando charlas, escribiendo artículos, realizando talleres u organizando visitas a la chacra La Pasionaria, donde hago mi trabajo de investigación. Mi máxima satisfacción docente llegó el año pasado,

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FOTO AMALIA: RENÉ RUIZ DIAZ.

cuando me invitaron a dar clases en la Licenciatura de Diseño del Paisaje de la Universidad de la República de Uruguay. Me convocó el arquitecto Rafael Cortazzo que lidera el taller de Diseño durante los cinco años de la carrera y me nombró Docente Libre, lo cual es un reconocimiento a la trayectoria y me habilita a dar clases ya que no tengo un título académico oficial. En el último viaje con Noel y Jo fuimos a Holanda y un día antes de comenzar el recorrido, asistí como invitada a un taller sobre diseño de plantación que dieron el mismísimo Piet Oudolf y Noel Kingsbury en ese mítico galpón de la casa del primero. Siguió una semana entera por lugares increíbles y me siento muy honrada de pertenecer al increíble grupo humano que se formó entre paisajistas de Canadá, Estados Unidos, Italia, Alemania, Nueva Zelandia, Inglaterra y varias de Argentina.

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Tuvimos una química genial y armamos un grupo en Facebook que se llama Dutch Dreams, donde seguimos compartiendo intereses y vivencias paisajísticas. Ultimamente fui honrada con que se presente, en formato video, una entrevista que me hicieron sobre el tema, en el seminario de Plant Hunting en el Garden Museum de Londres. Pero sin duda, el mayor reconocimiento que tuve fue que Piet Oudolf y Noel Kingsbury escriban sobre mi trabajo en su último libro Planting, a New Perspective. Para mí, fue como si a un arquitecto Lloyd Wright lo hubiera mencionado en su obra cúlmine. ¡Lloré de emoción durante toda la semana cuando Noel me pidió permiso para publicar fotos mías! Y otra vez se me abrieron nuevas puertas de gente curiosa de todo el mundo por ver lo que hago. ¿Qué me queda pendiente? –Amalia reformula la pregunta en primera persona, ese yo del que con tanta idoneidad, sinceridad y detalle ha dado cuenta párrafo tras párrafo. Y se responde: ¡Muchísimo! No me alcanza una vida para todo lo que quiero hacer. Me gustaría seguir estudiando y hacer un doctorado (¡si fuese en la Universidad de Sheffield sería perfecto!); pero escribir sobre el naturalismo, esto es algo que me desvela: ver lo poco que hay disponible en español habiendo un mercado tan amplio y ansioso por recibir información es una oportunidad que estoy analizando con un grupo de sponsors para darle alguna forma. Seguir investigando (porque apenas siento que voy por la puntita del iceberg ) y seguir diseñando, que es otra gran pasión”. Sólo los que reconocen la vasta inmensidad del conocimiento sienten que acaban de empezar. Son sus pasos -pequeños a sus ojos, enormes vistos desde afuera- los que hacen avanzar al mundo. n

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Reminiscencias de los a単os 30 TEXTO : D EBORA CAMP OS

FOTOS : A R Q. DANI ELA MAC ADDEN

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La sobr i ed a d Dos puertas dobles permiten el acceso desde el hall de entrada y desde la galería hacia el área de recepción. El espacio gira en torno a la gran chimenea sobre la que fue dispuesto un óleo sobre madera del artista uruguayo Diego Donner. Asientos de líneas puras y par de taburetes chinos.

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o era la primera vez que un proyecto los reunía: “Esta es la segunda casa que diseñamos para ellos y esto facilitó el proceso, ya que conocíamos lo que querían y lo que rotundamente no iban a aceptar”, explica el arquitecto Juan Constanzó. Lo que querían era una vivienda de arquitectura contemporánea. Y lo que no: “Preferían que no fuese uno de los tantos volúmenes cúbicos que hoy encontramos en las afueras de Buenos Aires”, detalla. Así, el equipo conformado por Constanzó y sus colegas Gastón Ravano y Fabiana Boemi elaboró una vivienda de dimensiones muy generosas sobre un gran terreno que linda con la cancha de golf del club de campo en el que se sitúa. “Se diseñó una volumetría bien pura pero a la vez híper contundente con espesor de muros importantes para lograr no solo excelentes aislaciones térmica e hidrófuga, sino también una profundidad exagerada pero feliz en los huecos de las aberturas”, explica el autor del proyecto. Y agrega que todo el exterior tiene características de la arquitectura de los años 30. Una marca de estilo que aparecerá también en los jardines -por Mercedes Gil Belloni y Carolina Soto de Landini- y en los interiores. Por su parte, los sectores sociales proponen una espacialidad inusual en la que el equipamiento ha sabido ajustarse a las dimensiones de los ambientes. Generosos sofás en torno a la chimenea para el living y una imponente mesa en raíz de abedul para el comedor.

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El com ed or en espejo Gran protagonista, la mesa enchapada en madera de abedul, multiplicada por un espejo biselado que se enfrenta al ventanal que da al jardín. “Del edificio Mihanovich, actual Hotel Sofitel de la calle Arroyo, se consiguió este plafón colgante en excelente estado con vidrio horizontal con franjas esmeriladas, provisto por el anticuario Luis Guevara”, explica el arquitecto Constanzó. Otro óleo de Diego Donner.

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In spira c i on es

Camino hacia el gran hall de entrada sorprende la escalera con indudable inspiración en los años 30. “El pasamanos fue un trabajo artesanal y minucioso”, apunta el arquitecto. Fachada exterior con una entrada bien axial enmarcada por canteros en hormigón visto con agapanthus.

i las circulaciones tienen ese carácter casi invisible de pausa entre un espacio y otro, en esta vivienda el acceso al gran hall de entrada guarda una sorpresa: la escalera como elemento principal. Constanzó explica su rol: “Con inspiración también en el diseño de los años 30, el pasamanos fue elaborado artesanalmente para lograr que el acero inoxidable no presentase ninguna costura”. Cuenta el arquitecto que, para conseguir este resultado, debieron elaborarse varios prototipos en madera laminada, para luego ir pasando al bronce y, finalmente, a la versión definitiva en acero, “impecable y sin error alguno”, apunta. Y agrega: “El resultado está a la vista y es realmente una escultura en sí misma”. Para toda la planta alta de la casa se optó por pisos de roble de Eslavonia en tiras largas y angostas “colocadas a la inglesa, dando un piso bien contemporáneo pera a la vez muy cálido”, explica. En el dormitorio principal se recurrió a muros pintados en un color gris perla y a cortinados de terciopelo gris para elaborar un ambiente monocromático en el que se destacan los muebles, al tiempo que en el baño se desplegó mármol arabescato con vetas bien marcadas, diversos artefactos eléctricos y un cielorraso con reminiscencias, también, de los años 30. Un sello elaborado con exquisitez. n

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Javier Iturrioz a la caza de

ART & ANTIQUES

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antigüedades y obras de arte. Porque San Telmo nunca deja de sorprender con sus tesoros.

Gold & Ivory Fever

Fotos: Emma Livingston Retrato: María Teresa de Jesús Rodriguez

Una nueva recorrida con

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Gold & Ivory Fever BUENA SINTONIA NORBERTO MEDRANO Mueble art dĂŠco realizado en maderas frutales con aplicaciones de marfil. Par de saleros de plata francesa vermeil Imperio realizados por Puiforcat, garniture de bronce dorado con esmalte champleve siglo XIX, reloj sobre mesa con par de candelabros. Platos de plata francesa vermeil Puiforcat, fines del siglo XIX. Par de pinceleros de marfil con nĂĄcar y bronce. www.norbertomedrano.com info@norbertomedrano.com

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Cálido marfil

PASION DE COLLECTORS

CHENG & CO Grupo de marfiles japoneses siglo XIX chengantiguedades@yahoo.com

“Me considero emocional, detallista, inquieto, explorador, observador y algo excéntrico. De esa misma manera es mi búsqueda de objetos cuando recorro los mejores lugares de San Telmo. Soy bastante polifacético y ambiguo en mis gustos. Lo que más valoro es el trabajo artesanal, ese que ya no existe, así como lo vivido de cada objeto: amo esa energía que tiene el paso del tiempo, y por eso me encanta elegir aquello que me transmite autenticidad. A veces me preguntan cuál material es el que prefiero, y en realidad simplemente son TODOS, desde un vidrio soplado, hasta cualquier acabado o textura en madera, las porcelanas orientales son mi perdición, una buena escultura de bronce, un interesante textil o un mueble con incrustaciones de marfil... ¡y así la lista es ilimitada! “Me gusta imaginar las cosas que voy descubriendo como puestas en una escenografía, casi como actores” define javier, ya muy acostumbrado a los auto retratos. “Es así como fuimos armando cada set para esta nota. Aquí va un verdadero conjunto bien ecléctico, con agrupaciones tituladas como la película que pasó por mi mente con cada selección: estas son las historias que queremos contar hoy”.

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EL CHIC DE LA FRAGILIDAD

Art Déco for ever VIDRIO FIRMADO

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GUEVARA GALLERY Colección de vidrios firmados Charles Schneider (1881-1953). Fresco art déco de Diana Cazadora. Consola de hierro de Raymond Subes. www.guevaragallery.com info@guevaragallery.com

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Gran Gatsby AQUELLOSAÑOS20 GALERÍA SERGIO GUEVARA Par de lámparas de hierro hechas a la fragua con plafones firmados Muller Freres, escultura francesa período art deco firmada Bouraine, Diana Cazadora con antílopes. Secretaire de dama francés firmado Jules Leleu enchapado en madroño y con incrustaciones de marfil. Escultura de bronce y marfil firmada D. Chiparus titulada Dulces promesas. Banqueta diseño R. Subes dorada a la hoja. www.galeriasergioguevara.com antiguedadesguevara@hotmail.com

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GABRIEL DEL CAMPO De fondo, antigua puerta colonial boliviana. Sobre c贸moda francesa enchapada en pergamino, fanal victoriano con p谩jaros y candelabros hechos con cuernos de cabra. Sill贸n BKF blanco en cuero de cordero y sobre la alfombra de piel, pedestales enchapados en pergamino con astrolabio de hierro y equipaje antiguo. gabrieldelcampoanticuario@yahoo.com.ar

Alta monta帽a EL SABOR DEL INVIERNO

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Jard铆n encantado SAUDADES

DK ANTIQUES Duggan Krause Cuadro, tema entre hermanas, 贸leo sobre tela firmado Julio Borrell. Par de copones de hierro siglo XIX. Banco de hierro fundici贸n francesa. Par de porta macetas en porcelana Wedgwood. Gallo en madera y bronce. www.dkantiques.com.ar info@dkantiques.com.ar

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Misterio atemporal PASION POR ORIENTE DyD140_Anticuarios2.indd 9

SAN TELMO SUBASTAS Biombo coromandel de cuatro hojas. Gong chino de bronce y cloissone siglo XIX. Vaso de porcelana francesa Samson en chinoiserie siglo XIX. Caja indoportuguesa finales del siglo XVII. Muebles de diseĂąo art dĂŠco forrados en pergamino circa 1930. www.santelmosubastas.com info@santelmosubastas.com

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armoniosa

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y personal TEXTO: DÉBORA CA MP OS FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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Diversas situaciones rodean la alfombra de María Victoria de las Carreras: una monumental biblioteca, un estante de cemento debajo del que se acomoda un baúl de cuero antiguo, y una banqueta de madera tomada por libros.

ubo un día, un momento, en el que la dueña de casa supo que lo había logrado: los espacios hablaban de ella; los muros y pisos reflejaban no solo sus criterios estéticos sino, sobre todo, un modo de vivir y de ser. “Fue una amiga la que me lo dijo durante una visita y creo que es así”, recuerda ahora, cuando lleva cinco años habitando esos ambientes que la expresan y acompañan. La casa resuelve una dicotomía casi imposible: por un lado, se asienta en un barrio de la ciudad hiperconectado, próximo a todo. Sin embargo, con generosos espacios exteriores poblados de álamos que silban acunados por el viento, se parece más a una vivienda suburbana.

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“Durante un tiempo, vivíamos a mitad de camino entre la capital y las afueras y empezamos a buscar una casa con ambientes grandes y la posibilidad de un parque”, explica. Condiciones realmente difíciles en una gran ciudad como Buenos Aires. Por eso,después de algunas visitas poco alentadoras, la pesquisa se fue diluyendo: “Sencillamente, ni me volvieron a llamar de la inmobiliaria, ni tampoco nosotros insistimos”. Y así fue. La vida siguió su curso y el proyecto quedó en el olvido hasta una llamada telefónica medio año más tarde: “Tengo tu casa”, escuchó. La sorprendió la frase elegida, la seguridad y la contundencia. “Y, aunque le expliqué que ya no estábamos buscando, insistieron. De modo que fui a visitar el lugar”, completa.

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En este espacio, gran mesa diseñada por Fernando Moy y, sobre ella, pintura de Miguel D`Arienzo. Más atrás, antigua cómoda que guarda objetos con historia. “Este es un lugar flexible, tanto puede oficiar de comedor, como de espacio de trabajo de dos o tres personas”, apunta nuestra anfitriona.

a miré y era”, cuenta ahora. Los espacios, las dimensiones, la circulación que facilitaba los desplazamientos, la sencillez de la arquitectura y las múltiples posibilidades. Todo esto se integraba en esa propiedad que, además, les ofrecía un parque generoso en el que los esperaba una sorpresa. “Tomamos unas semanas para instalar un ascensor que era necesario y, cuando volvimos a la casa, nos sorprendió la altura de la Grama bahiana que componía una superficie increíble y homogénea”, recuerda la propietaria. En efecto, el pasto había alcanzado su máxima altura y se presentaba como un colchón mullido, casi una nube verde, que dio una vida extraordinaria al exterior. “¡Ni se nos ocurrió quitarlo! Lo que hicimos fue incor-

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porar un sendero que nos permitiera acceder al final del parque y dispusimos ahí, al reparo de la sombra, un rincón con asientos de hierro en los que disfrutar del fresco en el verano”, completa. Mientras tanto, en los interiores, el desafío fue poblar las geografías casi monumentales con muebles y objetos que no se minimizaran. “Traje todas las cosas que me vienen acompañando hace años y fui buscándole el mejor lugar a cada una de ellas. De alguna manera, mientras vas habitando un nuevo espacio, también lo vas cargando con tu energía y con tu estilo”, comenta nuestra anfitriona. Fue un trabajo en el tiempo, una búsqueda de conexión entre la casa y sus habitantes, nutriéndose de lo que cada uno ofrecía. Y llegó el día, el momento, en el que esa comunión era una realidad. n

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El retrato antiguo, hallado en Hungría, ha acompañado a la familia durante mucho tiempo y llegó a manos de la dueña de casa como legado de su madre.

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En la escalera se deja ver un roble desde su puesto en un patio interno de la planta baja. Una vez que ha quedado atrás la obra de José Ignacio Miguens, el descanso señala el acceso a dos dormitorios. Sobre la baranda, poncho y cuenco de madera.

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En la suite principal, la alfombra antigua traída de la India aporta calidez; sobre sobrias mesas de luz de madera, par de lámparas con bases en plata y pantallas oscuras. Una claraboya regala luz natural al baño y permite disfrutar del colorido del cuadro de Duilio Pierri, aquí reflejado en el espejo.

Los espacios de la planta superior se abren al jardín y permiten que las copas de los árboles se cuelen por las ventanas con sus verdes cambiantes y el sonido del viento. Tanto el roble central como la fila de álamos fueron plantados por los propietarios de la casa.

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Desde la casa hasta el remate del lote se abre paso un sendero, entre una mullida superficie de grama alta. Cuentan que es una delicia verla bailar al son del viento que atraviesa la barrera de álamos. En la galería y contra la medianera se armaron agradables espacios de estar.

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Lustrado de muebles

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