D&D Diseño y Decoración 141 | Arte | Turismo | Bienes Raíces | Magazine

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Producción: Sofia Di Maggio

1. Mesa de café Harmonica, inspirada en el instrumento se creó una

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obra que puede adaptarse a diferentes ambientes. MARCO SOUSA. www.bymarcosousa.com 2. Set de Toallas Velour Griega, de velour hilo peinado, de 480 grs Medidas: 48 x 90 – 100 x 150. ESPALMA. www.espalma.com.ar 3. Sillón Golden Age, realizado con materiales de charol o latón pulido. Medidas: 40 x 45 x 44 cm. CRISTINA JORGE DE CARVALHO. www.cjc-design.com 4. Mesa-Banco viene de texturas, colores y tamaños. DISEÑO DE AUTOR DE MANIFIESTO. www.manifestoweb.com 5. Puff Capitoné artesanal de rombos tapizado en chenille, con patas de madera torneada. LA DECORERIA. www.ladecoreria.com 6. Mesa Threesome Coffe, en combinaciones de mármol, laca, acero inoxidable y latón pulido. medidas: 150 x 27.5 x 100 cm.

CRISTINA JORGE DE CARVALHO.

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CIUDAD

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Producción: Sofia Di Maggio

1. Mesa con tapa de vidrio de la Línea Greenland. CDI. 2. Biblioteca In & Out, construida con hierro negro y laca negra. Puertas en cuero de

serpiente. Medidas: 260/300 x 218 x 40 cm. CRISTINA JORGE DE CARVALHO. 3. Sofá Qúbico, de madera maciza estacionada con refuerzos metálicos con base y patas de caño redondo cromado. LA DECORERIA. 4. Jarrón de diseño inconfundible, ideal para flores de tallo largo o única rama. PROTOTYPE. 5. Aparador Trumpet, estructura en madera laqueada en negro con barniz brillante, enchapado en oro de latón en la base. Medidas: 50 x 120 x 50 cm. MARCO SOUSA. 6. Puffs Crochet Grande, de gamuza lienzo y crochet, realizados con la técnica con hilo macramé, todo hecho a mano. Vienen en arpillera, lienzo y crochet. HECHO EN TELAR. www.hechoentelar.blogspot.com.ar

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Foto: Cortesía Cámara de Diputados de la Nación

noticiasdearte Como una aparición

POR VICTORIA VERLICHAK

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La investigación de esta cronista sobre vida y obra de Lola Mora -con Mecenazgo Cultural Buenos Aires, para estudiar a artistas del siglo pasado- coincidió con la instalación de réplicas de los conjuntos escultóricos de la precursora artista, que ornamentaron la parte exterior del edificio del Palacio del Congreso cuando inauguró en 1907. Las figuras alegóricas de la libertad y el progreso, precedidas por dos leones, y de la justicia, el trabajo y la paz (al lado de Rivadavia) fueron removidas en 1921 por ser consideradas “adefesios”; se sabe, las intrigas políticas y los desnudos hicieron lo suyo. Las originales fueron emplazadas en Jujuy, bajo supervisión de la escultora. Estas réplicas -con proceso de alta tecnología, fotografías 3D y moldes digitales- de alguna manera reivindican a la artista popular por la Fuente de las Nereidas conocida como “fuente de Lola Mora”, en Costanera Sur.

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Diputados de la Nación

Rómulo Macció

Vigencia de la pintura Rómulo Macció (Buenos Aires, 1931) presenta obra inédita en Repertorio, en Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Óptimo punto de visibilidad, el CC Recoleta del Gobierno de la Ciudad recibió 2.344.207 visitantes, entre enero y noviembre de 2013. Celebrado en 1961 con Ernesto Deira, Luis F. Noé y Jorge de la Vega al organizar la muestra Otra Figuración, Macció confirmó su consagración con la muestra en Instituto Di Tella en 1967.

Acerca de estas pinturas recientes -más abstractas que figurativas-, el curador Renato Rita sostiene que la “obra de Macció difunde con inusitada calidad y precisión la vigencia de la pintura como reveladora de las problemáticas urbanas contemporáneas; (…) conservando en su trayecto, el denodado esfuerzo para sostener su libertad con histórica pose”.

Teresa Margolles

Giro en U en ArteBA En el marco de arteBA 2014, Mercedes-Benz picó en punta anticipando la sección U-TURN, proyecto del curador Agustin Pérez Rubio.

Son 15 galerías de nueve países dispuestas en forma de “U”, que reúnen a 32 artistas, como Teresa Margolles que colocó frases de suicidas en las marquesinas de cines abandonados. Pérez Rubio sintetizó esta edición de “giro en U” con una frase de Borges del “Pierre Menard, autor del Quijote”: “Testigo de lo pasado, ejemplo y aviso de lo presente, advertencia de lo por venir”. La reunión de Mercedes-Benz espeja lo que es arteBA: artistas, galerías, coleccionistas, gente del mundo de las celebridades y de las finanzas, auspiciantes y visitantes. Hay más, Federico Baeza ganador del programa para jóvenes curadores del Banco Ciudad; La Rural apuesta por el nuevo talento con el estímulo Impulsarte. En La Rural, inaugura el 22; al público del 23 al 26/5.

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Fernando García del Molino

noticiasdearte

POR VICTORIA VERLICHAK

Volver a pensar Retratos para una identidad de Fernando García del Molino (1813-1899) es una retrospectiva con 100 piezas (pinturas, banderas, miniaturas y objetos personales) en el Museo Isaac Fernández Blanco; con obras del patrimonio, del Museo Histórico Nacional y otras instituciones, y de colecciones privadas. Labor conjunta entre el Fernández Blanco y el Museo Juan Martín de Pueyrredón de San Isidro, que recibirá la muestra en primavera. El estudio sobre su obra “era necesario (…) para volver a pensar acerca de la identidad del artista, la de sus modelos y la de su época”. Contemporáneo de Carlos Morel y predecesor de Prilidiano Pueyrredón, fue tildado como “pintor de la Federación” (1829-1852) por su cercanía con Juan Manuel de Rosas. Y aunque al artista se le debe el registro más completo de la elite de mediados del siglo XIX, los vaivenes políticos luego lo postergaron. En Florida 1000.

Experiencia de la comunicación

De ventanales y transparencias Los visitantes a Fundación Proa habrán notado que además de muestras como las de Ron Mueck o Joseph Beuys, desplegadas en todas sus salas, en el Café, terraza y ventanales se realizan distintas intervenciones artísticas, como las de Jorge Miño y Luis Terán. Es el Espacio Contemporáneo, coordinado por Santiago Bengolea, quien anunció la publicación de un libro con las exhibiciones realizadas hasta la fecha. La selección de proyectos 2014/2015 de jóvenes curadores, apadrinadas por anteriores expositores, fue pública. Así, el debate sobre las 10 propuestas expuestas tanto como la devolución de parte del jurado, generó un espacio pedagógico transparente de intercambio; seleccionaron las intervenciones propiciadas por Lara Mármor, Laeticia Mello, Sonia Neuberger y Augusto Zanela.

El conmovedor video El naufragio de los hombres de Charlie Nijensohn inaugura el novísimo auditorio de Fundación Telefónica, que acaba de completar la adecuación arquitectónica de su Espacio de arte, en su décimo aniversario. Realizado en el Salar de Uyuni con la comunidad aimará del pueblo de Colchan, Bolivia, la pieza explora límites naturales y aventuras existenciales con figuras reales y solitarias, en medio de un paisaje que irradia una luz sobrenatural y donde se funden cielo y tierra. Complementaria, la instalación con tubos de neón en la fachada (Arenales 1540) de Hermes, el mensajero de Hernán Marina sugiere cercanía: Hermes en la mitología griega es el dios de la comunicación. Por su parte, el artista y curador brasileño Marcello Dantas, que ya creó nueve museos, trabajó con el concepto de interactividad y la combinación de tecnologías para organizar la muestra semi permanente El ecosistema de las comunicaciones, “reuniendo evidencias -materiales e inmateriales- de cómo la humanidad encontró maneras de comunicarse en sociedad, entre individuos o entre tiempos”.

Jorge Miño y Luis Terán

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Wa l m e r

BIEN DE FAMILIA

Hace 50 años, Paulo Liberman abría las puertas de Walmer en Uruguay, su tierra natal. Con el tiempo –y el trabajo y el afán de una familia emprendedora– abrieron locales en Argentina, Chile, Estados Unidos y España. Héctor, hijo de Paulo, es quien lleva hoy en día las riendas del proyecto y está en una búsqueda permanente, a la caza de lo nuevo y del diseño de vanguardia.

Con una colección propia, Walmer se destaca por su equipo de diseñadores y arquitectos. “Participamos en todas las ferias internacionales”, explica Héctor, “y formamos un equipo muy comprometido”. Quizás la mejor forma de conocer sus productos sea pasear por el flamante local de la firma, en Arenales 1223, la histórica sede de Natan. “Nos honramos de ocupar este espacio”, asegura destacando que uno de los fuertes de la empresa es la manera en que combina y maneja los materiales y las texturas. En los espacios de Walmer pueden convivir en absoluta armonía un sofá italiano de cuero, sillones de ratán de Filipinas y una mesa de madera laqueada.

Liberman conoce a la perfección cuáles son las preferencias de cada uno de los mercados donde Walmer opera: “Argentina está más orientada a la cultura y al diseño italiano, España también. En Chile el gusto es más americano, priorizan la comodidad al diseño y en algunos casos incluso lo sacrifican”, precisa y agrega: “En Walmer pensamos globalmente, tenemos un concepto muy definido pero, a nuestro estilo, le sumamos la impronta local en cada uno de los mercados.

Si tengo que definirlo, diría que somos pioneros, audaces, atrevidos, tenemos una identidad y la ejecutamos con convicción ya que ofrecemos nuestros productos más allá de las modas. Amamos lo que hacemos, o al revés, y nos sentimos privilegiados de que nuestros clientes nos elijan y que seamos una parte activa de su día a día.”

Texto: Sonia Diradourian Fotos: Arq. Claudio Manzoni

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Bull Texto: Sonia Diradourian Fotos: Emma Livingston

EN EBULLI CIÓN

Tenían ganas de hacer algo juntos y esta fue la manera ideal de capitalizar la experiencia de Victoria y de ofrecerles una propuesta integral a sus clientes ya que no solamente diseñan los muebles sino que, además, ofrecen un servicio adicional, de asesoramiento.

Las piezas de Bull son completamente adaptables, se pueden personalizar la medida, el color, la terminación y el género. En el showroom, que ocupa una parte del departamento de Victoria y Sebastián, se coordinan entrevistas personales que son el puntapié de una verdadera colaboración, ya que ponen a disposición del cliente una atención completamente centralizada en sus necesidades.

La calidad de los productos es una de las máximas prioridades de la dupla, y se nota: “Desarrollamos prototipos con distintos proveedores hasta dar con el indicado. Nos interesaba que supiera trabajar los materiales que nos gustan, que pudiera interpretar nuestros diseños, y que tenga un estándar alto de calidad”, cuenta Sebastián.

En 2013 Victoria Bullrich y Sebastián Mihanovich lanzaron un proyecto propio al que llamaron Bull, tomando prestada esa parte del apellido de ella, que es decoradora y trabaja en el rubro hace varios años. Este joven matrimonio asumió el desafío con energía de sobra y logró un producto de excelente calidad, líneas puras y materiales nobles.

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“Nuestro objetivo es innovar, jugar con nuestra creatividad, y estamos muy contentos porque estamos recibiendo muy buenos comentarios”, agrega.

“Fue natural sentarnos a diseñar juntos”, sigue, “tenemos gustos similares, somos muy detallistas y siempre estamos buscando nuevas fuentes de inspiración, en los viajes, por ejemplo.” Victoria continúa: “Él es mucho más arriesgado a la hora de diseñar, yo soy más conservadora.” Es este equilibrio el que define el sello de la firma, que ella describe como “una síntesis de lo clásico y lo moderno”, y detalla: “Nuestro estilo es muy cálido por los materiales que elegimos como por ejemplo los linos y las maderas claras al natural como petiribí, que es la que más nos gusta y que no es fácil de conseguir, cerejeira, incienso y lapacho. En el caso de las maderas cuidamos que no pierdan su veta, su cualidad, nos gusta agregar esos toques de rusticidad. También trabajamos maderas laqueadas, el hierro, que nos permite crear líneas y formas distintas, y el mármol.”

La impronta clásica de la estética Bull, con su gama de colores neutra y sus materiales naturales, se combina con detalles de color, rojos o amarillos, en ambientes en los que preponderan tostados, grises y crudos. Los diseños, de corte contemporáneo, también logran realzar los ambientes y conferirles una elegancia joven y despojada. http://bullbuenosaires.com

Catre Nativa, base de madera con lustre natural, tapizado con franela. Estantería Escalera, madera con lustre natural o negro desgastado.

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dario

lfred Fellinger, una celebración

50 años de trayectoria son un hito digno de festejar. El libro Alfred Fellinger – Keep Going hace precisamente eso. Los testimonios revelan, poco a poco, distintos aspectos de la personalidad y de la exitosa trayectoria de Alfred; los premios y los proyectos se van sucediendo y conforman un conjunto impactante. Un merecido homenaje, ¡por cincuenta años más!

ajo el hechizo de Máxima

El 30 de abril de 2013 Máxima Zorreguieta se convirtió en Máxima de Holanda. A un año de la coronación, Flavia Tomaello expone Orange in Maximum Focus, un registro fotográfico de los festejos populares.

Por esos días, en honor a Willem y a Máxima las uñas fueron pintadas de naranja, se bailó tango y se cambiaron los nombres de los negocios. La muestra busca expresar la emoción del pueblo holandés durante aquel festejo histórico.

En Deriva, Dardo Rocha 2290, San Isidro, desde el 10 de mayo hasta fines de junio.

afé gourmet: tu primera máquina Nespresso

La firma presenta Inissia, su nueva máquina, de estilo joven y contemporáneo.

Disponible en colores alegres y novedosos, se adapta fácilmente a cualquier ambiente y no pasa inadvertida.

Recientemente, recibió el prestigioso premio de diseño Red Dot que celebra la perfección en el diseño de productos de calidad, alta tecnología y uso diario alrededor del mundo. www.nespresso.com

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iseño italiano

Con más de 80 años en el mercado, Barugel Azulay sigue transitando el camino del diseño, la innovación y la vanguardia. Su último lanzamiento es el porcelanato Ash, de la línea Downtown, disponible en 40 x 80 y 80 x 80. De origen italiano, este porcelanato esmaltado y rectificado es un producto exclusivo de Barugel Azulay. El diseño está inspirado en la piedra natural y se combina con cemento alisado, logrando una superficie mate que es suave al tacto. www.barugelazulay.com.ar

l Imaginero, revisitando clásicos

El arquitecto Manuel Buitrago está a la cabeza de El Imaginero, que hace 60 años sus abuelos abrían como anticuario y hoy ha devenido en estudio de diseño. “Nuestras piezas están inspiradas en modelos antiguos que nos dedicamos a aggiornar”, explica Buitrago. Un ejemplo es esta mesa de inspiración déco, particularmente del período de Ruhlmann, con tapa de espejo, borde de metal plateado y asas tipo bandeja que mide 1,10 x 0,60 y que Manuel describe como ideal para colocar entre dos sillones.

ibras naturales a la orden del día

Los tejidos de sisal, coco, yute, algodón y lana son la materia prima de las alfombras, carpetas, felpudos y complementos de Alsina Alfombras. En esta nueva temporada se destaca esta alfombra tejida en sisal natural con motivos dibujados; la técnica utilizada permite la implementación de una gran variedad de diseños.

arbo de alabastro

Antigüedades La Esquina cuenta con un catálogo imponente. Un ejemplo de ello es esta suntuosa araña art déco, circa 1920, hecha de plata y alabastro. Con 10 luces en las tulipas de los brazos exteriores, todas originales, y 4 luces en el plafón central, es magnífico y digno de destacar el cincelado y el detalle de las distintas piezas. Los expertos de La Esquina la recomiendan para un comedor o una recepción importante.

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Flavia Da Rin

Suceden cosas en torno a las magnéticas fotos de Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978), que podrán ser vistas en su próxima individual en agosto en Galería Ruth Benzacar; también en su libro Flavia Da Rin. 2001-2013 (ARTA Ediciones), a presentarse en ArteBA. Hace rato que sus seductoras e inquietantes imágenes salieron del ámbito de las galerías y museos y saltaron a las portadas de los libros y CDs de música. Artista de muchos talentos, Da Rin participó en un programa de radio que, además, musicalizaba y se transmitía por Internet, donde realizó una fotonovela en 2007 para el sitio oficial de Cartier.

Flavia trabajó en más de una ocasión para casas de moda haciendo fotos,

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LA TRANSFORMACIÓN Y LA PERMANENCIA Por: Victoria Verlichak Fotos: Cortesía de la artista

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estampados, diseño gráfico, vidrieras, para las locales Kukla y Hermanas Aguila y para las internacionales Hermès (de Buenos Aires y Singapur) y Cartier, en cuyas fundaciones de Singapur y París (respectivamente) exhibió su arte. Para esa exposición de 2005 en Fondation Cartier eligieron una imagen de Da Rin, entre 30 artistas, para difundirla en carteles de vía pública. ¿Casualidad? Su primera muestra fue en 1999 en el espacio de arte del antiguo local de Juana de Arco, con creativa línea de ropa en Palermo.

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Enigmas y certidumbres Envolventes y ambiguas, las imágenes anuncian una ingenuidad y linealidad que no tienen. Desde el comienzo de su trabajo, Da Rin circunscribe el espacio de la invención fotográfica principalmente a su propia imagen, siempre cambiante y emplazada ante espacios reales o ilusorios. Además del trabajo de horas frente a la computadora, sus obras incluyen mecanismos de la performance, ya que es ella misma la que posa para las fotos. Así, tratados digitalmente según las necesidades de un relato que sólo la artista conoce cabalmente, el rostro y el cuerpo de Da Rin exageran sus facciones, cambian de género, de edad, de época.

Y aunque las piezas de fantasía, humor y, camuflada, desolación están estructuradas alrededor del concepto de una transformación infinita de su imagen en retratos construidos sobre un principio enraizado en las tradiciones fotográficas, Flavia posee hábitos que sugieren permanencia.

Arriba a la izquierda, página anterior, portada del libro Flavia Da Rin. 2001-2013.

Díptico para la muestra en Fundación Hermès, en su Maison en Singapur.

Abajo, derecha, esta página, imagen utilizada para la comunicación, incluso en vía pública, de ArteBA 2006.

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Después de cada viaje, tras presentar su obra en la Bienal de Cuenca, en el Museo Speed de Kentucky o en una galería en Berlín, Flavia vuelve al PH en el barrio de Chacarita donde vive con su marido, el escultor Luis Terán, y con su hija Robertita, con quien frecuenta la plaza cercana. Escucha música mientras trabaja en la computadora, que también usa para entretenerse; no va al cine. Sale a comer, a menudo comida peruana en Montserrat. Adora los macarons de Les Croquants y tomar tragos en familia, con amigos.

Entre lo culto y lo popular, con más enigmas que certidumbres, sus imágenes suscitan iguales dosis de ternura y consternación, generando alternativamente ansiedad y sosiego; dejando que el espectador eche a volar su imaginación.

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I n s p i r a c i o n e s / L u n a Pa i v a

Texto: Sonia Diradourian Retrato: Emma Livingston / Fotos: Gentileza LP

A Luna le encantan los canteros y les saca fotos cuando camina por la ciudad.

“En un contexto totalmente urbano aparece la vegetación, me gustaría hacer un libro sobre este tipo de fenómenos, de esta situación un poco contradictoria: el triunfo de la naturaleza sobre el cemento.”

“Los dibujos me sirven para pensar y bocetar, es un punto de partida. Este es uno de los dibujos del proyecto que presenté para la intervención de la vidriera de Hermès, inspirado en la vida de Humboldt y de Bonpland. Originalmente iba a mandar fotos y renders pero no funcionaban, así que me puse a dibujar el proyecto.

En una vidriera había un diorama y la otra estaba inspirada en este dibujo, que representa la vida del explorador, incorporando los productos de Hermès.”

En octubre se estrena Hércules en el Mato Grosso, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón. Luna está a cargo de la escenografía de esta ópera de Pola Oloixarac y Esteban Insinger. La obra gira en torno al naturalista francés Hércules Florence, que participó de una expedición a Brasil en 1826. Esta pintura de Florence es la imagen que inspiró el proyecto escenográfico. “Toda la vida vi fotos de indígenas, mi papá las coleccionaba, lo fascinaban. Nosotros tenemos sangre guaraní, así que para mí esto no es algo lejano.”

Verde Se tenía que llamar Luna. Símbolo de transformación y renovación, atraviesa fases diferentes y es artífice de una periodicidad sin fin.

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I n s p i r a c i o n e s / L u n a Pa i v a Obra de Burle Marx y diorama realizado para Amex en Art Basel Miami Beach 2013. “Burle Marx me parece un genio del paisajismo. A partir de su obra me inspiré para hacer los dioramas, donde se unen el dibujo y la fotografía: el fondo es una foto y lo demás es papel recortado y dibujado. Para mí fue una oportunidad de darle una vuelta a la fotografía, ya no me sentía del todo cómoda con la foto colgada y enmarcada, no me parecía que ese fuera su lugar. Empecé a explorar distintas maneras de exponer y de hacer obra a partir de la fotografía y de ahí surgió ese paisaje tridimensional.”

Esta luna, Luna Paiva, empezó a sacar fotos como una manera de paliar la soledad y de conocer París mientras estudiaba Historia del Arte y Arqueología en La Sorbonne. En Francia estudió también teatro, y en Nueva York, cine. De vuelta en Argentina, trabajó como fotógrafa, actuó en una película y dirigió un corto. Había crecido en una casa inspiradora y de gran refinamiento, y continuó viviendo rodeada de talento y de miradas distintas que nutren la suya. Destaca especialmente la figura de su padre,

Combat de Tigre et Buffle de Henri Rousseau. “Sus cuadros son una mezcla de ficción y realidad, muchas veces los miro para encontrar el rumbo de un trabajo. Tiene una cosa contemporánea, en su obra hay tensión, no es un cuadro lindo de vegetación, y la composición es casi abstracta, tiene una cierta geometría y simetría; es el orden en el caos.”

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“El que empezó como fotógrafo tiene la necesidad de ensuciarse las manos, de tocar el material. La cualidad impoluta de la fotografía y el hecho de que sea algo reproductible me generó el deseo de hacer algo único, de lo que me costara desprenderme.

Así fue que el año pasado hice estas esculturas de suculentas que presenté en Art Basel Miami Beach. El proceso fue apasionante. Este tipo de planta se puede desarmar y vuelve a crecer; un día, en la fundición vi las piezas dispuestas de esta manera (foto de la derecha), exactamente como pasa naturalmente en botánica. Me gustó que el proceso artístico se transforme en un proceso natural y simbólico. Con respecto al material, el bronce logró el contraste perfecto entre lo verde, lo blando, lo tibio y lo frío, lo brillante, lo duro.”

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Caja de acuarelas que le trajeron de Japón y gouache sobre papel. “Me encantan los colores y la manera en que están dispuestos me inspiró a hacer trabajos más abstractos. De acá salieron muchas obras.” Un ejemplo es esta, que forma parte de una serie inspirada en wallpapers que “a veces cuentan historias o generan, a través del trompe l´oeil, un espacio hacia otra realidad.”

Rocha, Uruguay. Así como con papel y lápiz, Luna también boceta con la cámara de fotos: “Encuentro formas, colores o contrastes que me interesan para aplicar a trabajos que estoy haciendo. En este caso fue el día y la noche de un Magritte.”

el fotógrafo Rolando Paiva: “A pesar de que ya no está, es un guía. Muchas veces me encuentro en lugares a los que voy naturalmente y cuando estoy ahí, entiendo perfectamente cómo llegué a ese lugar y la relación que tiene con mi vida y con todo lo que aprendí”, precisa. Su abuelo paterno también es fuente inagotable de inspiración y hacia su tierra, Paraguay, nunca deja de volver los ojos. Las que mostramos, todas caras de la misma Luna.

Gouache sobre papel con intervención en lápiz de color, un ejemplo de una extensa colaboración entre Luna y Alita Olivari. “Hacemos dibujos a cuatro manos. Es un ejercicio, una especie de diálogo, empieza una y después se lo pasa a la otra. El proceso nos da mucha libertad, el hecho de que la obra no sea solo tuya te permite animarte a hacer cosas más incoherentes y llegar a lugares más interesantes. Nos rompemos el dibujo mutuamente. Hace 3 años que trabajamos juntas, nos retroalimentamos.”

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Sacro GRA, de Gianfranco Rosi.

El documental retrata una serie de personajes que viven en la zona de la autopista que circunda Roma.

“Las historias son geniales. Este señor, por ejemplo, usa auriculares para escuchar el sonido de las palmeras, para ver si tienen insectos. Me atrae mucho lo documental, es muy poderoso, esta película me dio ganas de hacer uno, me inspiró mucho.”

Luna y su tío, en Paraguay.

“Fue muy importante reencontrarme con mi familia y con los paisajes del Paraguay.

Esta foto reúne todos los sentimientos posibles: el brillo de los ojos, las sonrisas francas, la profundidad de los lazos, de la historia y del camino recorrido.”

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The Readers of Design Conference en Buenos Aires

Postales de una noche

En el marco de un tour en el que destacadísimos interioristas norteamericanos conocieron Buenos Aires –desde sus hitos turísticos pero también vía sus enclaves exclusivos–, el animado grupo de visitantes fue invitado a comer en algunas de las casas más espectaculares de nuestra ciudad, entre personajes del arte, el diseño y la cultura vernácula. Las locaciones para las comidas fueron elegidas a través de DArA (Diseñadores Argentinos Asociados) nada menos que entre casas publicadas en D&D.

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D i s e 単 o q u e e s H i s t o r i a / E S T I L O RO T H S C H I L D

POR MARCELO NOUGUÉS

“¡Esto no puede pertenecer más que a un Rothschild!” exclamó maravillado el rey de Prusia cuando en 1870 conoció Ferrières.

Y no era para menos. Hacia 1816, el Barón James de Rothschild, jefe de la rama francesa de la familia, era considerado el hombre más rico de Francia. Acorde a su poder y a su prestigio social, quiso emular el castillo que John Paxton (1803-1865) le había construido a su primo, el jefe de la rama inglesa de la familia, el Barón Mayer Amschel de Rothschild.

“Hágame un Mentmore… pero dos veces más grande” dicen que le dijo el Barón a Paxton cuando decidió encargarle esta obra monumental. Es así como Ferrières es considerado el castillo más grande construido en Francia en el siglo XIX. Pero, ¿quién era John Paxton? La Exposición Universal de 1851 realizada en Londres bajo la dirección del Príncipe Alberto, había marcado el punto de partida de la era moderna, dando el puntapié al proceso que hoy denominamos Revolución Industrial. Dentro de los innumerables pabellones y magníficos edificios que la integraban, el Crystal Palace –obra de Paxton– sobresalía del resto. Concebido como un gigantesco invernadero, albergaba en su interior lo más novedoso y sofisticado de la nueva tecnología allí expuesta. El éxito de esta construcción convirtió a su autor en el profesional más requerido de la Inglaterra del período victoriano. El Barón James ya tenía su arquitecto…

Solo había que ponerse a trabajar.

En 1851 se coloca la primera piedra y cuatro años más tarde, Ferrières se inaugura con gran fasto. Un inmenso cuadrilátero de sesenta y cinco metros de lado flanqueado por cuatro torres en sus esquinas no era para Inglaterra ninguna novedad, ya que Paxton solo repite el concepto que años antes había realizado en Mentmore. Pero Francia, epicentro del buen gusto

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EL CASTILLO DE FERRIÈRES 5/6/14 3:36 PM

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y nec plus ultra del refinamiento, encontraría en este castillo toda una novedad.

De estilo renacimiento franco-italiano, Ferrières estaba plantado en un deslumbrante parque rodeado de bosques. Resulta imponente acceder desde el Sur, como lo hizo Napoleón III en su visita de 1862, por su fachada de ingreso coronada por un pórtico de características monumentales.

Más victoriano que Segundo Imperio, sus interiores no se alejan del lujo que caracteriza a este periodo del que la Opera Garnier es el mejor ejemplo. Fue responsable de este esplendor interior el pintor Eugène Lami. Con probados antecedentes como decorador, ya que había trabajado en los interiores del castillo de Chantilly para el Duque de Aumale, en cierta manera opacó el trabajo de Paxton. La noche de la inauguración recibió tantos elogios por su tarea, que su ego fue saciado por años. Dijo Henri Heine en dicha ocasión: “Se encuentra aquí reunido todo lo que el espíritu del siglo XVI puede concebir y lo que el dinero del siglo XIX puede comprar.” En efecto, los Ticianos, Rubens, Giorgiones y los cinco mil volúmenes de valiosísimas ediciones, hicieron de Ferrières, y en particular de su hall central, un museo de gran renombre.

Este castillo fue escenario y testigo de importantes hitos de la historia de Francia. En 1871 tuvo lugar en sus salones el memorable diálogo de sordos entre Bismarck y Jules Faure para poner fin a la guerra Franco-Prusiana. Luego de unos cuantos años de bucólica paz, en 1940 Hitler y Goering también lo visitan. Pero esta vez los alemanes no vienen a parlamentar, sino a realizar una mudanza hacia el Este de la impresionante colección de obras de arte que lo poblaban. Es así como Ferrières se ve despojado de casi todo su importantísimo mobiliario y queda prácticamente desvalijado. Tras la liberación, gran parte de estas obras fueron recuperadas. Pero el castillo se había convertido en un lugar incómodo y demodé.

Luego de algunos años de abandono y soledad, el esplendor vuelve a Ferrières. En junio de 1959, Guy y Marie Hélène de Rothschild le encargan a Henri Samuel, de la casa Alavoine, la recuperación de la decaída propiedad familiar.

Tras una esmeradísima puesta a punto, el palacio se vuelve a abrir. Escenario del memorable Baile Proust y del Baile Surrealista, durante dos décadas recibe al Tout Paris, hasta que en 1977 sus últimos dueños lo donan a la Universidad de Paris.

Hoy sus memorables salones pueden ser visitados o, si uno dispone del dinero suficiente, lo puede alquilar para una celebración íntima.

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Atriles

una revelación SUS COLOREADAS FOTOGRAFÍAS, COLLAGES Y TEXTOS ABREN UNA VENTANA AL TIEMPO EN QUE, AUN CON SUFICIENTES RECURSOS ECONÓMICOS, LAS MUJERES CARECÍAN DE INDEPENDENCIA. Intrigada porque la familia hablaba de Josefina Oliver (Buenos Aires, 1875-1956) como de alguien inusual, su sobrina nieta y curadora, Patricia Viaña, encontró su universo visual archivado entre 8.500 páginas de un “diario” de 20 tomos. “Para nosotros era Papa, Potato, Pepa, Pepita”, cuenta Viaña preguntándose por notables mujeres ocultas todavía por descubrir en las casas argentinas.

Tras casi 10 años de investigaciones, Viaña logró exhibir la sorprendente obra de Oliver: fotógrafa, escritora, editora. Colores del silencio es a la vez un descubrimiento de la personalidad de la también hija, madre y abuela que trabajó contra viento y marea a partir de 1892.

La época y sus padres, por distintas razones, fueron escollos a superar pero su marido (y primo) José Salas fue su cómplice.

Oliver tuvo la temeridad de afirmar su “yo” a través de un relato escrito y visual de vanguardia. Adelantada, los furiosos colores pop que utilizó en las intervenciones sobre fotografías propias y ajenas, expresan en silencio fuertes emociones.

Por: Victoria Verlichak Fotos: Gentileza de Patricia Viaña

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JOSEFINA OLIVER

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El autorretrato como afirmación del yo.

Obras de Josefina Oliver, fotografías iluminadas a la albúmina, 1898 a 1903.

Chacra Santa Ana, San Vicente, Provincia de Buenos Aires (páginas anteriores y abajo a la derecha).

Autorretratos. Josefina Oliver, fotografías iluminadas a la albúmina, Buenos Aires, 1904.

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1996, año en el cual Eliaschev publicó su libro sobre Buenos Aires, marcó un nuevo camino para la ciudad, que fue declarada autónoma, con la elección de su primer Jefe de Gobierno, Fernando de la Rúa. 20 años después de la reforma constitucional de 1994 que decretó estos cambios, buen momento para detenerse a hacer un estado de la cuestión porteña.

“Una de las sensaciones más desoladoras es que cuando confronto cuáles eran mis preocupaciones en 1996 con las de hoy, las que expreso todos los días en la radio y en mis columnas, veo que mucho no han cambiado”, sentencia Eliaschev. “En materia de contaminación visual, espacios verdes y mobiliario urbano, Buenos Aires sigue siendo una asignatura pendiente. Ha habido una degradación muy importante de los usos de la ciudad, que se ha hecho muy compleja e ingobernable. Buenos Aires, de porteña, tiene cada vez menos”, comenta y adjudica este hecho al enorme flujo humano que la ciudad recibe día a día.

BUENOS AIRES

EN LA MIRA

Sobran las palabras, todos lo conocemos. Periodista y escritor, nacido y criado porteño, Pepe Eliaschev señala los avatares por los que atraviesa el país desde hace 50 años. En su libro Sobrevivir en Buenos Aires (1996), puso a la ciudad bajo la lupa y lo vuelve a hacer en esta charla con D&D en la que repasa aciertos y desaciertos, obsesiones y frustraciones, deseos y proyecciones para esta urbe que, a pesar de todo, queremos tanto.

“Buenos Aires no puede manejar el tema de los cartoneros, se habla de que hay alrededor de 8000. Son trabajadores y hacen un trabajo precioso para la ciudad”, pondera, aunque también comenta que no está de acuerdo con cómo se organiza a este gran volumen de personas.

Otro problema que señala es el de los manteros: “Históricamente, América Latina fue un territorio con ciudades repletas de vendedores informales, esto no era así en la Argentina, es un rasgo de latinoamericanización de la ciudad de Buenos Aires. El gobierno de Macri ha hecho esfuerzos, pero esos esfuerzos aislados y sin poder nacional que acompañe, son estériles; logran sacan a los manteros pero después vuelven, detrás de ellos actúan fuerzas muy poderosas, son verdaderas organizaciones. Esto va de la mano del tema de la policía, sin poder de policía hay muchas cosas que son imposibles de lograr. Hay un panorama muy tétrico de desinteligencias y de ruptura entre el poder nacional y el poder de la ciudad”, agrega.

Con respecto a la basura, Eliaschev considera que es una batalla que no solamente no ha sido ganada sino que se está perdiendo: “El gobierno de Macri ha tenido buena voluntad pero hay una mezcla de ingenuidad y de falta de fuerza para implementar políticas, han trabajado mucho con el ensayo y error, pero cada error cuesta muchísimo.”

“El de las propiedades demolidas es otro debate y como todo debate serio, es contradictorio. Me duele el corazón ver que propiedades importantes son demolidas para construir un edificio de 25 pisos pero por otro lado sé

Texto: Sonia Diradourian Foto: Emma Livingston

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Pepe Eliaschev

lo que cuesta renovar estas grandes damas. El estado tendría que indemnizar a los dueños para que se puedan conservar las unidades o eximirlos de pagar los impuestos”, expresa.

“Otra cosa que no consigo aceptar, es la destrucción del espacio público a través del grafitismo, presentado por cierta cultura prevaleciente como un elemento de riqueza mediante el cual los jóvenes se apoderan del espacio urbano. En determinado contexto es una manera de alegrarlo ya que revela vivacidad y creatividad, pero hay que separar lo que es depredación de lo que es pintar paredones absolutamente inutilizados como sucede, por ejemplo, con los muros del hospital Rivadavia. La escuela primaria a la que yo fui, que está en Güemes entre Aráoz y Julián Álvarez, la Escuela Normal Superior N°6 Vicente López y Planes, con unos portones de madera bellísimos, está absolutamente toda tapada con grafitis. No puedo tolerar que me vendan eso como una expresión de creatividad artística, como una intervención, palabra ambigua si las hay; eso es depredación, mucha agresividad y destructividad”, dictamina y agrega: “Estos problemas no se resuelven solamente por la vía de la arquitectura pública, son problemas políticos. Se necesita más policía y más autocontención por parte de la gente, porque no hay policía que valga. Hace falta educación y conciencia. Hay un problema de descrédito muy fuerte de las normas, es un error gravísimo pensar, después de la dictadura, que las normas son siempre negativas porque restringen la libertad.”

Pero también hay grandes valores en Buenos Aires: “Tiene una riqueza intrínseca realmente formidable en términos de diversidad cultural, haberes y recursos propios”, dice Eliaschev, y cita como ejemplo el arbolado de la ciudad, “es realmente monumental, se lo debemos a Carlos Thays y a los grandes diseñadores de la Buenos Aires de fines del siglo XIX y principios del XX. Nuestros espacios verdes son portentosos pero están siempre hackeados por la publicidad, la contaminación visual, los perros.”

“La ciudad tiene un trazado muy interesante, de gran ciudad. Una manera de valorizar a Buenos Aires y a los que la fundaron es advertir las aspiraciones de esta gente. Lo que uno siente y ve al entrar al Teatro Colón es el país que ellos imaginaban en 1908: ese es el calibre del país que se proponían. Mi Colegio Nacional de Buenos Aires es otro ejemplo. Hay una colección de joyas arquitectónicas en la ciudad que son la expresión de una gran ambición, no solo urbanística sino cultural”, explica.

“Buenos Aires tiene una riqueza intrínseca realmente formidable en términos de diversidad cultural, haberes y recursos propios”, dice Eliaschev. ¿Un ejemplo? “El arbolado de la ciudad, realmente monumental”.

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“Yo soy de Palermo, la casa de mis padres estaba frente al Jardín Botánico y hace 27 años que estoy en Monserrat. Me cautivan muchos lugares, Colegiales es un barrio que me encanta. La ciudad tiene lugares que son muy amorosos, atractivos e íntimos, encantadores. Se sigue reproduciendo, por suerte, la cultura del pequeño negocio, con un solo empleado, y estas mini pymes son la clave de la subsistencia de Buenos Aires, es infinita la cantidad de comercios que hay para las variedades y las especialidades más grandes”, recalca.

De la gestión de Mauricio Macri destaca las siguientes decisiones: haber aumentado la cantidad de calles peatonales “un enorme logro urbanístico progresista, es una señal muy rotunda de que la era del automóvil se está terminando”; la implementación de la ciclovía, aunque con algunas salvedades “es una iniciativa inteligente, ideológicamente correcta pero hecha, a mi entender, con mucha torpeza”; el metrobus, “una medida muy polémica que tuvo un enorme enemigo político en la Casa Rosada pero que es tan inobjetable que el gobierno quiere replicarla en La Matanza” y la instalación de luces led.

Como conclusión vuelve a destacar que no hay tarea factible de ser ejecutada en Buenos Aires sin que haya un pacto de gobernabilidad conjunta entre el gobierno nacional y el de la Ciudad. “Hay que derrumbar la barrera de la General Paz, esta ciudad no es más de los porteños, la pagamos los porteños pero la usa todo el país. La Argentina sigue viviendo con la filosofía de que existe el almuerzo gratis pero no existe, cuesta plata”, subraya.

Escribo en esta ciudad y mientras lo hago suenan las sirenas, las bocinas, escucho los gritos y los insultos pero en noviembre florecen los jacarandás, en enero se vacía y parece otra, acá nacieron tantos personajes ilustres, admirados en todo el mundo, que sería ambicioso intentar enumerarlos, por Buenos Aires caminan muchos que trabajan para que sea distinta, mejor. Pepe Eliaschev es uno de ellos.

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P A P E L E S P A P E L E S

P I N T A D O S P I N T A D O S

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Pregunt as Picantes / Roxana Punt a Alvarez Por Nina Segura

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¿A quién admirás en materia de diseño & decoración y por qué?

De otros tiempos: Jean Michel Frank, Tony Duquette, Emilio Tierry. En estos tiempos hay varios de gran valor y con estéticas totalmente diferentes a los cuales respeto y cuyas obras me conmueven. Entre ellos, John Pawson, Jacques Grange, Kelly Hoppen, Gabriel Mariscal, Christian Liaigre, Jacques García, Patricia Urquiola, Marcio Kogan, Nate Berkus y los jóvenes Johnatan Adder y Hugo Haas. No quisiera olvidar al maravilloso colectivo Cul de Sac. Todos ellos con estilos muy disímiles pero con gran creatividad, aportan al movimiento del diseño de interiores. ¿Cuáles son los mayores vicios de los argentinos al poner una casa?

En general, el argentino es conservador e inseguro en materia de decoración. Teme a la innovación estética. Quiere que su casa se identifique con la de sus amigos, vecinos y hasta la de sus antepasados. Prefiere las paredes blancas o beige, aún cuando poco tengan que ver con los géneros y los muebles de la casa. Una típica distribución de living la componen sofás, sillones y coffe table en forma redonda o cuasi, no admiten distribuciones diferentes. Quieren incluir los muebles y cuadros heredados, aunque queden pésimo. No se atreven a combinar colores fuertes. En general las luces las quieren “a giorno”. Resulta muy difícil incorporar obra contemporánea y muebles originales de diseño. Quieren que todo sea homogéneo, de igual estilo, rechazan las combinaciones sorpresivas. ¿Alguna gaffe que recuerdes con horror o que, desde la perspectiva de hoy, te cause gracia?

Pasé por un horrible momento que hoy recuerdo como muy gracioso en Punta del Este, haciendo Casa Foa en 1992. Punto central en mi espacio era una pared con un dorado a la hoja muy diferente. Para hacerlo contraté a una especialista inglesa quien vino de Londres provista de un emulsionante especial.

Faltaba sólo un día para la inauguración y el trabajo estaba casi concluído, sólo quedaba por terminar un metro cuadrado de la pared, justo en el punto central. La mujer se retiró agotada por la tarde con la idea de terminarlo al día siguiente bien temprano, porque a mediodía partía de vuelta a Londres. Dejamos el tubo con el emulsionante a un costado, junto a una bolsa con basura. Por la noche regresé a la obra pues había olvidado algo y con desesperación vi que el tubo había desaparecido. Se lo habían llevado con la basura. Creí enloquecer. Logré averiguar el nombre del encargado de la limpieza y que vivía en el Barrio Obrero de Maldonado, nada más. Llamé a mi secretario y juntos partimos a la caza de este señor. Comenzamos a preguntar en la vecindad hasta que dimos con él. Nos dijo que, lamentablemente, había tirado todo en el basural municipal. Partimos hacía allí. La noche invadía el lugar y no había ninguna luz. Entramos con el auto como pudimos, gracias a Dios nos dieron permiso.

Dejamos el coche con las luces altas encendidas y comenzamos a recorrer el basural, metidos entre los desechos hasta las

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rodillas. Encontrarlo era imposible pero, de golpe, el milagro se produjo: el tubo estaba allí, como esperándonos, y riéndose de nuestra congoja. Pocas veces en mi vida sentí más alegría que entre la inmundicia de un basural. A la mañana siguiente la obra pudo ser terminada, pocas horas antes de la inauguración. ¡Los milagros existen! ¿Hay algún trabajo del que te hayas arrepentido? ¿Por qué?

Sí, comencé a trabajar con un cliente muy, muy rico. Se trataba de una obra monumental, sobre las barrancas que dan al río en Martínez. Trabajé mucho en el proyecto y se lo entregué al comitente. A los pocos días me enteré de los antecedentes de este señor, quien terminó su vida trágicamente, y decidí retirarme, aún sin cobrar un peso. Me arrepiento de haber trabajado mucho en esto, pero no de haberme retirado. ¿Algún vicio irritante que sea típico de tus colegas?

Los chismes, las envidias. Pero esto no es típico de mis colegas, se da en todos los ámbitos. Es propio de la condición humana. No hay que enojarse, hay que saber comprender. ¿Qué es lo peor que te puede decir o pedir un cliente?

Que sea crea decorador y con buen gusto y que pretenda que la obra se haga como él dice. En esos casos no lo acepto y, finalmente, no es mi cliente.

Si pudieras diseñar al cliente ideal, ¿cómo sería?

Alguien con gran refinamiento, con quien pueda interactuar y, además, que sea buen pagador. No hay que olvidarse que se trata de nuestra profesión y que de esto vivimos.

De esta ciudad o de otras, ¿a qué monumento, plaza, edificio o espacio público o privado, le cambiarías algo o demolerías?

El Monumento al Quijote, sobre la 9 de Julio. Cuando fue inaugurado Borges expresó que el mal gusto se apoderaba de Buenos Aires. Imposible no coincidir.

Si trabajaras en planeamiento urbano, ¿cuál sería tu primera medida?

Eliminar la contaminación visual. También toldos y marquesinas.

Construiría un gran muro, muy bien diseñado, sobre la Villa 31, a los costados de la autopista, donde prevalezcan el verde y flores. Dentro de la villa, trataría de embellecerla, pintando sus casas, agregando arboledas y plantas, de modo que sus habitantes puedan habitar un espacio más acogedor. ¿De qué proyecto realizado te hubiera gustado ser el autor?

Me hubiese encantado haber podido decorar el Plaza Athénée en París.

Modestia aparte, ¿tu mejor obra hasta el presente?

El tríplex que resultó tapa de D&D en su edición del 27° Aniversario. Hoy es la residencia del Embajador de Francia. Parte de mi obra permanece allí. Para mí esto es un gran honor. ¿Qué la define?

Exquisitez, refinamiento, calidad de obra de arte y diseño. Mucho ayudó el acompañamiento del cliente.

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Por Sol Dellepiane A. Retrato: Emma Livingston / Fotos de obra: Gentileza Machimbre

CRONICA DE UNA VOCACION

ANUNCIADA

No era la primera vez que visitaba esta casa. La conocí hace muchos años, más de diez, cuando me tocó escribir sobre el estilo de una destacada decoradora de interiores de nuestro medio.

Entonces sucumbí ante el majestuoso atractivo de esta –no exagero– verdadera obra cumbre de arquitectura clásica en nuestras orillas, rodeada de un jardín exuberante, en caída libre de verdes sobre la barranca y con una perspectiva única del río, hoy plateado por los efectos inimitables del sol pero tal vez simplemente gris y tan inmenso y magnético en días menos luminosos. Y si la primera vista había sido impactante, la segunda impresión fue todavía más honda. Una iba a comprobar que seguramente el tiempo había amplificado el recuerdo, que la distancia lo había ido puliendo aquí, adornando allá, hasta convertir el lugar en esa postal perfecta almacenada en la memoria para, en cambio, encontrarse con la comprobación de que la grandiosidad no era obra de la nostalgia sino pura virtud, presente y palpable, del espacio.

Recibirnos en su casa no es un gesto de ostentación sino de seguridad. Zelmira Frers busca hacer un camino propio sin desdeñar el cóctel de sangres que confluyen en la suya. Como sucede con su poderosa belleza, de la que es conciente sin pizca de alarde, ella sabe que es –o que puede ser– más que la suma de las partes. Pero, ¿qué partes?

Zelmira es hija de Germán Frers, el diseñador de barcos más prestigioso de la Argentina, con encargos y fama de escala global, incripto él mismo en una dinastía de arquitectos navales. Y de la diseñadora Laura Ocampo, dueña de una elegancia y originalidad únicas, a su vez heredera de la fina sensibilidad de un artista plástico –Miguel Ocampo– y una poeta –Elvira Orphée–.

Zelmira y su hermana menor Victoria comparten este linaje de arte y excelencia, de poesía y precisión. Y crecieron, además, en esta casa de ensueño. ¿Cómo eludir los efectos de una arquitectura y un paisaje que te contienen y envuelven hasta este punto? Es en este sentido que me permito poner en duda si fue Zelmira la que abrazó su vocación, o si fue la vocación la que lo hizo con ella.

– Cuando se abrió la carrera en Di Tella, yo justo terminaba el colegio y no sabía muy bien qué estudiar –cuenta sentada en la galería, las piernas larguísimas que terminan en zapatillas gris gastado, cruzadas, las manos ocupadas en acariciar al Schnauzer de su hermana.

Arquitectura me parecía muy interesante, me gustaba que tuviera matemática, física, historia, dibujo. Además, siempre envuelta en un determinado entorno, con esta casa, digamos, tenía un cierto parámetro de lo que era la arquitectura que cuando empecé la carrera me cambió totalmente: los edificios que me parecían horribles pasaron a ser una referencia fascinante para mí.

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Zelmira pertenece a la primera generación de graduados de Arquitectura en la Universidad Di Tella. Si bien la carrera se fue gestando a lo largo de años de experiencia del CEAC (Centro de Estudios de Arquitectura Contemporánea) que funcionaba de largo en la institución bajo la acertada dirección de Jorge Francisco Liernur, indudablemente lanzarse a formar arquitectos resultó toda una aventura académica.

– Yo no sabía dónde me estaba metiendo, no tenía mucho parámetro. Lo que sí tuve, que resultó buenísimo, fue mucha dedicación por parte de todos los arquitectos y maestros, muy dispuestos a darle un súper arranque a la carrera. Nos escuchaban mucho porque nuestra opinión como primeros alumnos era importante. Nos malcriaban bastante también. Tuvimos por ejemplo una cantidad de arquitectos invitados, como Mendez da Rocha, Ignacio Dahl Rocha y varios otros, todos dispuestos a dar lo mejor. Y ahí salimos nosotros, la primera camada; terminamos 15 más o menos.

La tesis con la que Zelmira se graduó se tituló “El tiempo y la duración de los edificios”.

– El tiempo a nivel material y concreto, como también simbólico y metafórico –aclara con su dicción pausada y perfecta. Poco tiempo después de recibirse, fue convocada para ser ayudante de tesis de los estudiantes avanzados. Volver al entorno universitario fue recrear la felicidad de los años de formación.

– Está tan-tan bueno, que tuve ganas de volver a cursar la carrera. No me deja de sorprender y me fascina el avance de los alumnos, cómo subió el nivel.

– ¿A qué lo atribuís?

– Creo que así como más allá de los profesores, nosotros no teníamos referentes, ni muestras de maquetas de alumnos en cursos superiores, por ejemplo, a medida que van pasando los años se produce una inspiración de la inspiración y una devolución de la devolución, e inevitablemente se genera algo.

A Zelmira no le cuesta identificar influencias.

– Me fijo mucho en la gente mayor. Me encanta estar cerca de ellos, me parece conmovedor que conserven tanta vida y experiencia, son como puentes entre las generaciones, testimonios de una historia general. Admiro su sabiduría, a veces su humor, y sobre todo su parsimonia. Me acerco con el fin de absorber todo lo que saben con el temor de que cuando se mueran se pierda un pedazo de conocimiento para siempre. Y, como influencias más concretas, en el año 2012 estuve en el seminario DArA iD y varios de los expositores me impactaron mucho, como Hugo Haas, después visité su estudio en París; el colectivo español Cul de Sac realmente me marcó: el querer pensar un lugar en toda su escala, una casa desde su estructura hasta el detalle de la manija de la puerta; él y su equipo interesados en todo el proceso y con un gran acercamiento al trabajo artesanal, manual; Karim Rashid nos pareció un arrogante interesante. Pancho Liernur siempre me queda en la cabeza como un referente sobre lo que está bien y lo que está mal. Pero la verdad es que siento que

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somos tan nuevas y esponjas que todo nos marca y nos sacude.

La primera persona del plural que Zelmira introduce refiere a sus socias en Machimbre (ver recuadro pág. sig.), base de operaciones de su trabajo actual.

– En Machimbre somos fanáticas de la opinión externa de un sabio en algo. La experiencia de Casa FOA fue muy importante justamente por la devolución inmediata, la posibilidad de vivir día a día lo que era la impresión de los demás sobre nuestro trabajo, porque además hicimos algo bastante fuera de lo común.

Tenemos muchas ganas de tener un público que pueda apreciar nuestra búsqueda, el hacer algo inesperado. Nos interesa aproximarnos al arte y también, por supuesto, dejarle espacio a la arquitectura.

– ¿Vos por tu formación te inclinás más a la arquitectura o no necesariamente?

– Me voy dando cuenta que soy una persona que tiende mucho al equilibrio y si hay algo en falta, necesito retomarlo. En este momento esto me pasa un poco con la arquitectura, con lo que aprendí, que quizás es lo más difícil de conseguir cuando te volcás al mueble, a los interiores. Pero el video y la foto y otras cosas que hacemos en el estudio, también me encantan.

– Más allá de la cosa directa del métier de cada uno de tus padres, ¿qué crees que tomás de sus respectivas miradas?

– Papá tiene el don del instinto y la intuición con respecto al diseño; un conocimiento matemático de las cosas, acompañado en la forma. Hay algo que él ni siquiera estudió en una carrera, que tiene que ver con sentir una forma en movimiento. El casco de sus barcos tiene esa pureza, esa linealidad fina, a la vez de muy buena performance y funcionalidad. Esa combinación me fascina y me encantaría que haya quedado en mí algo de eso.

Admiro mucho cuando un trabajo, en mi caso en arquitectura, está bien pensado, y eso deriva en un resultado formal muy consistente. Me encanta la consistencia entre la estructura, la funcionalidad y la forma. Quizás antes no, no entendía por qué no podía hacer una casa redonda y listo. Poco a poco fui entendiendo las leyes, ese cierre donde todo cae en su lugar. Y me parece que lo que hace Papá tiene mucho de eso: por detrás hay un gran conocimiento.

Mamá, por su parte, tiene dos cosas muy importantes: el uso del color, de un saber intuitivo mucho más que teórico-aplicado, que me parece admirable. Una fórmula en la que siempre hay algo inesperado y que está en armonía. Su lectura de un ambiente no es algo que entiendas como separación de cosas puestas juntas, sino como un flashazo de alegría, una lectura emotiva más que formal, pero después te vas fijando en los detalles y todo tiene un cierto humor. Y hablando del humor, la transformación que hace de los objetos, eso me parece una genialidad. Cada una de las cosas que ella hace –una lámpara, una silla tapizada– tienen vida propia, una personalidad, para ella son personajes que están ahí viviendo con nosotros y eso me parece muy genial.

– ¿Cómo te llevás con las palabras?

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– De chica me encantaba escribir, sentía que iba a ser escritora.

Escribía poesías, canciones, cuentos, obras de teatro. En la adolescencia empecé a tener un odio rotundo contra la palabra, tuve una formación francesa y me volví una persona muy escéptica, cartesiana, llena de odio hacia las cosas que tenían algo de magia o de poesía. Me fui desesperanzando.

– Te pegó Sartre.

– Totalmente. Parecido a una experiencia que tuve en San Francisco: fui soñando con un California Dream y me encontré con una cosa de trabajo rígido y de imposibilidad de soñar donde no hay azar, solo causalidad. Pero por suerte me fui dando cuenta que no es así.

– ¿Qué te rescató del existencialismo?

– Me rescató mi abuela. Ella valora mucho la poesía. Y también un viaje a Grecia.

– ¿Te sentís más racional o más creativa?

– En permanente conflicto entre razón y creatividad (gran risa).

Creo que mi naturaleza es ser creativa y volada, pero soy muy exigente y perfeccionista. Y en este ataque de racionalidad que tuve en la época del colegio, donde se valoraba mucho la lógica y la fundamentación, pasé a admirar eso y a querer encarnarlo a toda costa.

– ¿Algún recuerdo vívido de tu infancia en el relación con el espacio?

– De muy chica, por trabajo de Papá, viví en Milán. Me acuerdo de la casa donde vivíamos, que tenía un pasillo largo, mi cuarto… . También me acuerdo del colegio de monjas al que iba y de quedarme a almorzar para comer pasta, de Lucca, el primer chico que me gustó, y de los olores a pizza. Mucho más grande, ya tenía como 15 años, la primera vez que fui al Llao Llao. Estaba caminando por el pasillo del hotel, y dije ¡Wow qué proporciones!; sensación de riqueza y majestuosidad y era solo un pasillo. Y después de haber sentido eso, Mamá me dijo ¿Notaste el pasillo? El año pasado con nuestra participación en FOA, que también fue en un edificio de Bustillo, volví a sentir eso. Y hablando con Claudia Schmidt (profesora) en la facultad, ella me dijo: Bustillo, a pesar de que lo hayan criticado tanto, es eso. El edificio se gana todos los méritos: eso es el Beaux Arts.

– ¿Alguna época de la historia que te atraiga o genere curiosidad?

– Cuando era chica tenía una fascinación por los egipcios que me duró muchos años. Cuando tenía 5 vino un chico al jardín de infantes y mostró sus fotos de viaje a Egipto. Entonces me obsesioné con los dioses y las momias y aprendí mi nombre en jeroglífico. Después pasé a una fascinación que me dura por el Medioevo: los oficios, las vestimentas, las joyas, esa cultura un poco oscura; hasta tengo un libro de recetas de cocina medievales. La arquitectura, con lo gótico que se retoma hoy en día, y el hecho de mostrar la estructura, las nervaduras y toda esa cosa mística. Es una época donde se inventaron maquinarias y técnicas de todo tipo, para mí fue clave.

– ¿Hay algo que te gustaría inventar?

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–Sí, hay algo que tengo en la cabeza y todavía no me he puesto a desarrollar. Me encantaría inventar un silla de bolsillo. Me imagino a la gente grande que espera en el banco y no le dan asientos, o en un recital cansada. También un sistema que te permita viajar con un poco más de humanidad, que los aeropuertos no sean esa tortura humana. No va de la mano del invento, pero me interesa la política. Me encantaría poder usar la arquitectura para proponer un sistema de viviendas más llevadero y factible, higiénico y al alcance. También me gustaría descentralizar al país y que esté interconectado sin que todo pase por Buenos Aires; que haya zonas pensadas de manera solidaria y ecológica.

Se viajó en el recuerdo y en la historia, se reconstruyó una genealogía estética, se trazó un ideario, se describió el presente.

Ya no queda mucho para decir. Lo que sí queda es el futuro, la página en blanco, el ímpetu del arranque, los sueños bien altos y las zapatillas sobre el piso en damero. Lo mejor está por venir.

Machimbre Es el nombre del estudio que integran Zelmira, Michelle Parisier –arquitecta y compañera de facultad– y Julieta Barrionuevo –cordobesa, directora de arte–, reunidas en la afinidad por emprender en diseño en un sentido amplio y multidisciplinario. “Arrancamos con un proyecto acotado y se fueron dando varias cosas: el diseño de un producto, la remodelación de un departamento, fotos para campañas de moda. Y a medida que fuimos haciendo esas cosas y se dio la posibilidad de tener un lugar donde juntarnos, fueron aparecieron el nombre y la idea de consolidarnos como un estudio multidisciplinar, con ganas de aprender y de hacer diversos tipos de trabajos. Algunas cosas van surgiendo, otras las buscamos”, define Zelmira, en un abordaje claramente fresco y descontracturado aunque no falto de rigor profesional. Entre otros trabajos, el año pasado Machimbre fue autor de una silla (la M3), de un espacio en Casa FOA en el edificio Tornquist y de un video institucional para la ONG Make a Wish. www.machimbre.com

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BY STA RC K Le Royal Monceau, Raffles Paris: la convivencia del lujo, la modernidad y el humor en uno de los grandes hoteles-palacios parisinos.

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1. La Gran Escalera y una exagerada profusión de arañas con el sello de Philippe Starck.

2. Sábanas de lujo, acolchado de seda y plumas: para soñar mirando París.

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3. La Cuisine: Laurent André, chef ejecutivo del hotel, y dos miembros de su staff en la colorida cocina abierta y de cara a los comensales.

n placer total la estadía en este lujoso miembro de The Leadings Hotels of the World que ingresó en el siglo XXI tras una multimillonaria remodelación con la firma de Philippe Starck, el enfant terrible del diseño global.

Inaugurado en 1928 y frecuentado por famosos -Josephine Baker, Maurice Chevalier, Ernest Hemingway, Michael Jackson-, cerro sus puertas en 2008 tras un memorable “Demolition Party” para, posteriormente, pasar a ser el primer hotel europeo de The Raffles Hotel Group y renacer de la mano de Starck, que logró imprimirle un nuevo estilo a este hotel legendario, dejando volar su imaginación para captar y plasmar en sus ambientes una visión ultra personal del charme francés.

Hoy sus clientes top son Madonna, Robert De Niro, Lou Reed, Sofia Coppola y todo tipo de magnates.

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MI SUITE

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Adoré la refinada elegancia de las habitaciones: un espacio relajante inspirado en los años 1940 y 1950, con objetos de arte de la colección privada del hotel, lámparas de Aristide Nagean y televisores disimulados en enormes espejos. En todas hay una guitarra acústica para estimular la inspiración musical, todas tienen muebles diseñados por Starck y realizados a mano.

Los baños están tapizados de espejos y los amenities son de Clarins.

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1. Tarjeta de bienvenida con frutas, mesitas y manjarescos macarons especialmente elaborados para el hotel por Pierre Hermé, el “Picasso de la pastelería”.

2. Súper bañadera entre espejos y una sugestiva fotografía en blanco y negro.

La ducha está al fondo.

3. Detalle de la habitación, con otra fotografía, la cama, la guitarra que asoma y la mesa de trabajo con el plano de París. Genial el respaldo de la silla y un placer lo del teléfono personal para hacer y recibir llamados sin intermediarios.

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1. La increíble pileta del spa: con luz natural y 23 metros de largo.

2. La fachada y su elegante portero.

3. La simetría de la escalera interna y su pared de ladrillos originales.

4. Le Royal Eclaireur, entre boutique de lujo y galería de arte, para deleitarse con su cuidada selección de ropa, bijouterie y objetos.

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EL HOTEL Ubicado en la elegantísima Avenue Hoche, con su propia galería de arte, un cine 3D además del alucinante Spa Mi Blend by Clarins -un concepto revolucionario que propone cremas personalizadas según la piel de cada huésped- y una boutique que exhibe adelantos de los grandes creadores de la moda, el Royal Monceau es hoy uno de los hoteles más glamorosos de París.

Reservas: sales.buenosaires@lhw-offices.com, Tel. 4129- 0010

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LOS RESTAURANTES Sus bares y restaurantes son cita de huéspedes y clientes locales que animan las tardes y noches en Le Bar Long o se instalan el Le Jardin Terrasse. Il Carpaccio -el único restó italiano de París con 1 estrella Michelin 2013- es un clásico desde hace 30 años; y La Cuisine, también con 1 estrella 2013, se destaca por su cocina francesa con toques personales del chef Laurent André.

1. La famosa pasta italiana de Il Carpaccio, en las mesas del Jardín Terraza.

costados. En el techo, el fresco A Garden in Paris de Stéphane Calais.

2. La Cuisine, que propone mesas más grandes en el centro y “privados” a los

3. Il Carpaccio y sus lámparas con imágenes de París que se repiten en los platos.

4. El Chef Sommelier Manuel Peyrondet (Meilleur Ouvrier de France y Mejor Sommelier de Francia) con Camilo Aldao.

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Reservas: +33 (0)1 42 99 98 80 4

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EL BARRIO El Parc Monceau es el corazón de este paquetísimo barrio ubicado en el VIII, el distrito más elegante de París. Pintado por Claude Monet en varias ocasiones, está rodeado de mansiones principescas. Dos de ellas devenidas museos, Jacquemart-Andre y Nissim de Camondo, merecen visitarse sobre todo para ver cómo era la vida en el París de la Belle Epoque. Dato curioso: Philippe Starck estudió Diseño Industrial en la escuela de Nissim de Camondo.

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1. El Parc Monceau, un oasis de frescura.

Boulevard Haussmann.

2. Hay boutiques insólitas como Stanlowa, 250 Faubourg ST. Honoré.

4. Compagnie de L’ Orient et de la Chine, 170 Boulevard Haussmann. Ropa, objetos y restó japonés.

3. Es el barrio de los anticuarios y las casas de decoración. Habitat, 35 av. de Wagram. Y Grange, 116

5. Musée Jacquemart-André, 158 Boulevard.Haussmann; Musée Nissim de Camondo, rue Monceau 63.

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EL ESPÍRITU

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DE SIEMPRE

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ace más de tres décadas, cuando llegó a este dúplex del barrio de la Recoleta, la propietaria se mudaba con su familia de hijos chicos y vida agitada. El departamento los recibió generoso y supo ofrecer espacios apropiados para la juventud de unos y la madurez de otros. Hoy que los menores partieron a componer sus propias vidas adultas, el departamento sigue exhibiendo su plasticidad.

“Con los años, fue cambiando ciertamente. De hecho, los dormitorios de los chicos se transformaron y ahora cumplen roles más adecuados a las necesidades actuales -explica la dueña de casa-. Sin embargo, puedo decir que, a pesar de todas esas transformaciones, siempre mantuvo su espíritu”.

Un alma construida desde hace décadas con los lazos que aportaron incluso los antepasados: “Mi suegro se desempeñó como diplomático en diversos destinos y nos ha legado un mobiliario antiguo y muchos objetos que nos acompañan desde hace tiempo”, apunta.

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APERTURA: En el living se lucen los cuadros antiguos, una obra de Germán Wendel, una colección de bronces y una serie de muebles traídos de Europa.

COMEDOR: Mesa estilo inglés con sillas clásicas que Laura Ocampo tapizó con un terciopelo con lino. Old Masters dispuesto sobre cómoda de remate con antiguo reloj de bronce.

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ntre ese patrimonio se destacan obras de Old Masters ingleses del siglo XVIII, además de una interesante colección de objetos y piezas en bronce que se ha ido alimentado con nuevos descubrimientos en anticuarios y casas de remate.

Un sillón Luis XIV llegó de Europa de manos de la suegra de la propietaria junto con varias piezas inglesas que, eventualmente, han sido retapizadas por expertos. De hecho, el comedor se armó a partir de un juego de sillas casi centenarias para las que se diseñó y construyó una mesa nueva pero estilo inglés. Una antigua chimenea también inglesa preside el estar principal.

Y otras tantas piezas con alcurnia dan personalidad a los distintos ambientes y conforman el espíritu de la casa familiar, con su historia siempre presente. n

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Los libros forman parte de la piel de la casa. En este sal贸n, con paredes en vibrante rojo y otra obra de Wendel, dos mesitas de hierro patinadas en dorado marcan el centro y dialogan con los asientos, un sof谩 tapizado en gris y varios juegos de sillas.

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Sobre la chimenea, un retrato antiguo se destaca sobre el toile de jouy en tonos de verde con el que fue entelado el dormitorio principal. La araña y la cómoda son de origen inglés. Por su parte, el cuadro entre las dos lámparas amuradas es una obra del artista ítalo-argentino Dante Ortolani (1883-1968), que cultivó el figurativismo. Mesas de luz patinadas con tapa de vidrio.

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TE XTO: D E B ORA CA MP OS FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC AD D EN

En este piso decorado por Ana María Gabriel, el living se armó con un sofá semicircular tapizado en pana, dos asientos de los años ‘50 comprados en La Pasionaria y un puff de Vanina Mizrahi con género Sanderson retro de Miranda Green. Del otro lado del ventanal, jardín en altura por la paisajista Ana Bajcura.

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En el comedor, la iluminación es un elemento esencial. La araña traída de Francia compone una singular simetría con el par de acrílicos de Polesello. Vajillero años ´40 restaurado y mesa y sillas de Juan Azcue.

einte años después de la primera vez, la diseñadora de interiores Ana María Gabriel volvió a interpretar los sueños de sus clientes. “Nuestra relación viene desde hace dos décadas, cuando trabajé con ellos en la ambientación de un piso en Belgrano y me ocupé de sus oficinas”, rememora.

El renovado desafío se situaba ahora en el piso de una emblemática torre urbana llena de posibilidades pero con directivas claras: la decoradora debía definir los ambientes propios de la vida familiar, otros dedicados al disfrute entre amigos, y algunos más en los que imperara el descanso: “Espacios para la independencia

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de la pareja y para los hijos que viven en el exterior”.

Y eso no era todo: los propietarios necesitaban privacidad entre los ambientes, pero también una razonable comunicación entre ellos para poder disfrutar, desde todos los ángulos, del espacio exterior.

Porque el paisaje, aquí, fue protagonista.

En palabras de la decoradora: “Realizar esta ambientación fue un desafío. Este departamento tiene una gran aliada y a la vez competidora, que es la vista exterior. Mi principal objetivo fue, entonces, lograr un movimiento de modo tal que, desde el momento en que se ingresa, se produzca un zigzagueo visual trazado por los objetos, la paleta cromática, las obras de arte y la iluminación”.

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EN EL HALL DE ENTRADA, PAREDES ENTELADAS EN CUERO NEGRO Y EL EFECTO DE PIEZAS EN LENTICULAR DESARROLLADAS POR LA ARTISTA PLÁSTICA MARA FACCHIN.

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“LAS TRANSPARENCIAS INFLUYEN MUCHO EN MIS AMBIENTACIONES: VIDRIOS, ACRÍLICOS, LUCES DIFUSAS QUE SE ESCONDEN Y APARECEN”, EXPLICA LA DISEÑADORA.

También en el dormitorio la luz es determinante: tanto la exterior, filtrada por un encaje verde de algodón y lino, diseño de Ronchamp, como la luz difusa generada por las rajas que definen el cielorraso junto con el color verde pálido de los muros. “Estos elementos logran una caja armónica y la sensación de relax necesaria para el descanso”, explica Ana María Gabriel.

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n ese recorrido de revelaciones y ocultamientos, algunas piezas de arte funcionaron como mojones ineludibles.

“Los propietarios son coleccionistas de arte en pequeña escala. Cada ambiente comparte el diseño con cuadros o esculturas”, apunta A. M. Gabriel, y agrega que en esa serie hay nombres como Emilio Pettoruti, Benito Quinquela Martín o Rogelio Polesello.

Así, el hall de entrada fue trazado como un anticipo de los conceptos que tendrán desarrollará cada ambiente: las paredes tapizadas en cuero negro

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componen la caja en la que destacan dos obras realizadas con lenticular por Mara Facchin.

En el living será el turno de un despliegue cromático elaborado por el diseñador Fernando Uribelarrea conjugado con las posibilidades lumínicas trazadas por el arquitecto Arturo Peruzzotti a partir de varias capas de luz: una general difusa, una luz direccionada para generar acentos y altos contraste, y una tercera capa con artefactos generadores de luz.

Finalmente el comedor, enmarcado por dos piezas en acrílico de Polesello, pone en diálogo muebles retro con otros actuales diseñados por Juan Azcue.n

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CO N U N T O Q UE PO P TEXTO: DÉB ORA CAMP OS FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC A D D E N

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En el living, alfombra antigua, sofรก Chesterfield tapizado en cuero marrรณn, mesas de frente hechas a partir de paneles chinos de laca. Los cuadros son de la artista Nadia Martina Michelin y determinaron los tonos de los almohadones del sofรก blanco.

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oleccionistas, amantes del arte y del diseño, audaces, los dueños de casa convocaron al arquitecto Manuel Buitrago a poco de adquirir una propiedad tradicional en la zona norte del gran Buenos Aires. “La vivienda era muy buena: tanto la planta como las posibilidades que generaba el conjunto, eran interesantes. Sin embargo, requirió de trabajo de acondicionamiento ya que el estado inicial no era el mejor”, explica el profesional.

De este modo, el proyecto elaborado buscó, por un lado, simplificar el diseño de cada uno de los espacios y, por otra parte, multiplicar la presencia de la luz natural todo cuanto fuese posible. “Si había algo que claramente buscaban mis clientes, era vivir en una casa luminosa”, agrega.

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PÁGINA ANTERIOR: En el comedor, otra obra de Michelin enlaza el rojo de las paredes y se refleja sobre la mesa de madera. EN ESTA PÁGINA: Dormitorio en blanco, excepto el muro que contiene la chimenea, acompañado de silloncito Luis XV de El Imaginero tapizado en cuero negro.

La banqueta al pie de la cama es china, de Agnes.

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sa búsqueda, entonces, determinó que las intervenciones realizadas, si bien no fueron demasiadas, apuntaran principalmente a generar aberturas o relaciones entre los ambientes que facilitaran el tránsito de la luz.

“Podríamos decir que la planta es hoy en día la misma que entonces, aunque se presenta en una versión menos recargada: eliminamos la presencia de varias puertas, potenciamos el rol del patio, trazamos paños fijos y aprovechamos los techos vidriados y las rajas”, enumera el arquitecto.

Con esa caja simplificada, el desarrollo de la arquitectura interior enlazó las vertientes que confluyen en la vida de los propietarios. “Tomamos como punto de partida los muebles y las obras de arte que tenían y compramos algunas otras piezas muy específicas. Y luego, jugamos y nos animamos al color generando, incluso, algún diálogo con una estética pop”.

Si estas audacias han sido posibles, asegura el arquitecto, se debe al espíritu lúdico de los propietarios, que disfrutan “de la soltura que les da el hecho de conocer mucho”, define. Y se detiene en el trabajo de composición del color, tanto en interiores como en exteriores, buscando no sobreactuar esa energía ni tampoco apagarla. Un equilibrio entre lo que se conoce y lo que se descubre. n

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Dos camas de rattán del siglo XIX pintadas de rojo aportan un toque de color al dormitorio, mientras que un aguayo hace lo propio en el patio. Aquí, una mesa de pinotea se complementa con un sillón de jardín inglés comprado en Agnes. “Buscamos generar espacios muy coloridos”, confirma Buitrago.

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Reflectados TE XTO: S DA FOTOS: E STE FA N Í A D ´ E S P E RI E S Y D I EGO A LEXAN D R E

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PÁGINA ANTERIOR: Estefanía d´Esperies y Diego Alexandre por ellos mismos. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m. EN ESTA PÁGINA: D´EsperiesAlexandre. Darío Lopérfido y Esmeralda Mitre. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

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D´Esperies-Alexandre. Julieta Cardinali. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

PÁGINA DERECHA: D´Esperies-Alexandre. Fito Páez. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

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rtistas plásticos, músicos, actores, diseñadores, productores. Por ellos mismos, por su talento, por su trabajo, gente vistosa a todas luces. Tal el corpus de personajes que despliegan estas páginas, una selección de los retratos que Estefanía d´Esperies y Diego Alexandre expusieron en junio pasado en el Centro Cultural Borges.

Se trata de fotografías tomadas por la dupla y luego intervenidas hasta lograr una imagen 3 D. “Las fotos se copiaron a 1,60 x 1,60 y fueron grabadas una por una en acero, y también se las intervino con espejos y acrílicos”, explican los artistas. “Fue una experiencia muy interesante porque a medida que teníamos las fotos de los personajes que por algún motivo nos interesaba retratar, fuimos probando hasta lograr estos cuadros con efecto óptico: según desde dónde se los mire, la imagen aparece bien o deformada”, completan.

Actualmente, Diego Alexandre ultima los detalles de su muestra Bajo Sospecha en el MAMBA (que, cuando esto se publique, estará colgada en el museo de la calle San Juan, donde permanecerá tres meses). Estefanía, en tanto, trabaja en un libro de fotografías y textos que presentará a fines de 2014.

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as fotografĂ­as fueron intervenidas con espejos y acrĂ­licos hasta lograr una imagen 3 D que, segĂşn el punto de vista, genera distorsiones.

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PÁGINA ANTERIOR: D´Esperies-Alexandre.

Sofía Gala Castiglione. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

EN ESTA PÁGINA: D´Esperies-Alexandre. Luis Ortega y Ailín Salas. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

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as obras con las que posa Marta Minujin son Filosofía

de la diagonalidad (Técnica mixta. 2.80 alto x 3.40 largo x 1.55 ancho.

Año 1999) y Caballo multicolor (Técnica resina y esmalte.

1.90 alto x 2.55 largo x 0.55 ancho. Año 2001).

D´Esperies-Alexandre. Mike Amigorena. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

PÁGINA DERECHA: D´Esperies-Alexandre. Marta Minujin. Técnica mixta. 1, 60 x 1, 60 m.

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Juego de épocas T EXTO: DÉBORA CAMPOS VAZQ UE Z FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC AD D E N

Siglo XX Un antiguo combinado para vinilos y discos de pasta se destaca en el living además de la lámpara de pie. La butaca -de la misma época- exhibe las clásicas patas en ángulo, “símbolo determinante de aquel lapso, se asemejan al tren de aterrizaje de los módulos lunares, mostrando el desarrollo tecnológico alcanzado en esos tiempos”, explican los dueños de casa.

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El túnel del tiempo En la sala, un papel francés evoca la serie estadounidense The Time Tunnel de 1966. “No sólo confiere una vista exótica al acceso, sino también traza profundidad junto a un puñado de objetos que parecieran salir de él”. El sillón con otomana Eames reafirma la impronta de los ´60.

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n lugar que uniera el encanto de las casas tradicionales con las posibilidades de imprimir un sello propio”. Así sintetizan los propietarios de este magnífica vivienda el motor que los impulsaba hace tres años a buscar un lugar donde habitar.

Este petit hotel en el barrio de Belgrano los sedujo. Se trata de una residencia de época, estilo francés, luminosa en todos sus ambientes.

“Permitía ser vivida con las comodidades de una gran casa, pero en plena ciudad. Por eso decidimos comprarla, con la idea clara de reciclarla conservando su impactante estilo original”, recuerdan ahora que la propiedad vuelve a estar a la venta.

La intervención arquitectónica fue integral: se trabajó sobre la estructura y se incorporaron servicios (desde la calefacción central hasta un jacuzzi de última generación o la terraza verde), aunque “siempre conservando y realzando sus atractivos originales”.

La decoración se centró en la iconografía de los años 60 complementada con muebles y objetos de aquellos tiempos: desde una reproducción de Crying Girl, del artista Roy Lichtenstein (1963) o la mesa Eileen Gray sobre la que descansa un ejemplar de 60´S All American Ads de Jim Heimann, hasta un combinado para vinilos o la escultura de Manuel Valdez Batman arrojando la bomba. Todo un sello de época y personal.

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Climas Sin apartarse de la época de referencia, el jardín de invierno fue ambientado con butacas y una mesa revistero. Por su parte, la cocina se reformó íntegramente dotándola de los espacios necesarios para el buen disfrute de la gastronomía, así como de instalaciones de última tecnología. Para la mesada se optó por un mármol blanco con vetas grises. Ambos espacios se conectan a través de ventanas antiguas. En el dormitorio, juegos de luces y sombras, de caja oscura y claridad.

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E SPACIO para la CR E ACIÓN TEXTO: DÉB DÉBORA ORA CAMP CAM P OS

FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC ADD EN ADDE

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aura Brucco comparte la buena nueva: acaba de ser seleccionada por quinta vez entre más de trescientos postulantes de todo el mundo, para publicar su obra en el Interior Design Review de la prestigiosa firma londinense Andrew Martin. El libro, definido por The Times como “The Oscars for the Interior Design World”, cuenta en sus páginas con obras de reconocidos diseñadores como Zaha Hadid, Kelly Hoppen, Yasumichi Morita y Joao Mansur. Y es entre esas celebridades que volverá a brillar. Desde este espacio íntimo y al mismo tiempo vertiginoso que diseñó para ella misma, Laura recorre las características centrales del proyecto. “Combinar el espíritu clásico de la caja con el estilo contemporáneo del equipamiento y de las luminarias es un desafío grande -reconoce-. Y el resultado es un franco diálogo entre el glamoroso pasado que nos envuelve y el presente que nos representa”, desentraña.

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M E SA DE TR A BA JO Sillas Silver, mesa Shine de Vico Magistretti, 贸leo Mapa del paisaje II de Kirin, l谩mpara colgante Skygarden de Marcel Wanders. Y selecci贸n de objetos de autor: candelabro Simon de Borek Sipek para Driade; vaso ba帽ado en oro blanco de Marie Claude Berard; set de oficina A.G. Spalding & Bros; escultura Ipanema Girl de Romero Brito.

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mplazado en Barrio Parque, el departamento funciona como pied à terre urbano para Brucco. Desde aquí salen directivas. Hacia aquí llegan clientes que imaginan un espacio que todavía no existe.

Brucco y su equipo imaginaron para este departamento un extenso trabajo de arquitectura y diseño de interior que lograse maximizar la espacialidad.

La nueva planta, junto a la luz natural y la ligereza del equipamiento italiano de excelencia, realzan los trazos clásicos originales que fueron enfatizados con envarillado en paredes y máxima altura en el cielorraso.

La diseñadora de interiores explica que “la resolución del espacio, el equipamiento, la cuidada elección de los objetos y obras de arte, generan un espíritu de lujo sutil. Escenográfico pero no imponente, preciso y muy funcional”. El mismo sello que la define desde hace años. n

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DETA L L E S

En el escritorio, piso original de roble de Eslavonia con alfombra Tibetana de seda. Un office con mesada de mármol Blanco Thassos muy bien equipada. En el baño, mesada con pileta integrada y grifería Axor, by Philippe Starck. Exquisitez hasta en el mínimo detalle: vaso en oro blanco de Berard y toalla de hilo belga con organdí suizo.

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ART & ANTIQUES POR JAVIER ITURRIOZ

TRATADO PERSONAL DE COLECCIONISMO

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“Para mí, el virus del coleccionismo es tremendamente infeccioso. Muchos de nosotros lo pescamos en la infancia, cuando empezamos juntando piedras con formas en el río, como en mi caso, o los animalitos que venían en el chupetín-sorpresa; luego monedas, estampillas, y así hasta llegar a las cucharitas con escudos en los viajes por Europa en mi adolescencia. Algunos, como también es mi caso, no nos hemos curado nunca. En otros, el instinto de la urraca permanece latente hasta que heredan algo interesante o, al echar una nueva hojeada a las cosas que tienen, se encuentran con dos o tres de la misma clase, de modo que sienten el impulso de aumentarlas… . Uno se da cuenta de que está enganchado cuando descubre que cada vez pierde más horas y también dinero en la obsesiva persecución de la presa siguiente.

Es extraordinario cómo ha aumentado en los últimos años el interés por coleccionar… Es una pasión, un hobby ¡y algo que llena de felicidad!

Nuevos devotos emergen cada año, y también se suman ferias, mercados, anticuarios y remates que han brotado como hongos.

Yo nunca he comprado por invertir, sino siempre porque me ha gustado la pieza, con una historia que contar sobre donde se hizo y sobre la gente que la hizo. De a poco he ido desarrollando pasión por diferentes objetos, adornos, épocas, artistas y un largo etcétera que conforma un viaje al placer.

Esto no quita que, con el tiempo, quizás uno descubre que, además, sí hay una buena inversión detrás de esas adquisiciones. Y si en algún momento uno lo necesita… lo que es bueno, siempre vale.

Hubo tiempos que los coleccionistas que se salían del límite de lo convencional eran considerados excéntricos. Esto ya no ocurre hoy en día. El ser humano se va dando cuenta de que, además de atesorar objetos con valor afectivo o económico, coleccionar es una gran satisfacción y un pasatiempo.

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CHENG & CO chengantiguedades@yahoo.com Mesa Jansen años 50.

Aprieta-libros de Murano.

Florero Luneville francés años 40 y vidrio Daum.

Osos de cerámica italiana de los 50, firmados Ronsan.

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ESTACIÓN ORTIZ www.estacionortiz.com info@estacionortiz.com Par de sillones Bergère antiguos, restaurados, pátina color hueso y tapizados en lino crudo, 100% algodón.

Plato Limoges figura mujer.

Antiguo binocular Lutz y Schulz de bronce con incrustaciones en nácar.

Copas de vino antiguas talladas con incrustaciones en plata.

Mesa hierro redonda tipo óxido.

Botellón de whisky.

Taco de madera maciza redondo con manijas caladas.

Copón de cerámica labrado.

Botellón y jarra de vidrio tallado.

Por eso, en este recorrido por uno de mis lugares preferidos como es San Telmo, adonde siempre vengo a buscar alguna presa, selecciono todo lo que me llevaría en una tarde para terminar de armar mi gran tesoro.

Mi amor por los animales y el frío polar hizo que, en Cheng & Co., me enamorara de estos osos y antigüedades que son tan cancheras como contemporáneas.

Guevara Gallery me pierde con sus antílopes, ciervos y vidrios art déco… Siempre es un placer elegir cada pieza y cada mueble de este periodo que me fascina.

La calidez de lo net en San Telmo Subastas, con un biombo de pergamino de fondo que es tendencia hoy más que nunca.

En Estación Ortiz jugué a decorar un corner French Style tratando de ser afrancesado pero neutral.

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SAN TELMO SUBASTAS www.santelmosubastas.com info@santelmosubastas.com Biombo estilo art deco de tres paneles revestido en pergamino.

Anfora de mayólica, Alemania circa 1910.

Par de pebeteros en mármol Port D’Oro, Francia circa 1920.

Consola art decó con detalles de enchapado en raíz de amboina.

Mi frase de cabecera “More is More” se ve plasmada en mi selección en lo de Hugo Breitman: una chimenea digna de Amalita Fortabat, con todo lo que ella le pondría arriba.

En Norberto Medrano, las opalinas de colección, una de mis pasiones. Se difundieron muchísimo en Venecia en el siglo XVI en colores azul, rosa, amarillo, verde, negro y blanco.Y fue justamente esta última tonalidad la que gozó de mayor difusión y adeptos en el siglo XIX; este vidrio blanco lechoso, mix de dióxido de estaño con cenizas de hueso, pasó a ser el colmo del lujo en lámparas, jarrones y vajilla. Hoy, una larga fila de enamorados muere por ellas… una vez más, incluyéndome a mí.

Y para terminar, en la galería de Sergio Guevara jugamos a armar un espacio puramente art déco, de firma: como en París.

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GUEVARA GALLERY www.guevaragallery.com info@guevaragallery.com Par de apliques de bronce plateados, 1920, Francia. Par de floreros Le Verre Decoraci贸n Helechos, 1920 Mueble, 1920, Francia. Figura en bronce plateado atribuida a Amadeo Gennarelli.

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NORBERTO MEDRANO www.norbertomedrano.com info@norbertomedrano.com Conjunto de opalinas fines S XVIII. Par de lรกmparas en opalina fines del siglo XVIII.

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HUGO BREITMAN ANTIQUES GALLERY www.hbantiques.com.ar Info@hbantiques.com Hogar de mármol arabescato con monturas de bronce cinceladas y doradas, estilo Luis XVI, principios del siglo XX. Par de candelabros de cuatro luces estilo Louis XV cincelados y dorados. Francia, fines del siglo XIX. Mantel Clock estilo Luis XV realizado en bronce dorado, profusamente decorado y con escena alegórica al dios Baco en parte superior. Par de vasos de porcelana en color celadón estilo Jorge III, detalles en esmalte color oro y aplicaciones. Óleo sobre lienzo, paisaje, firmado Walter Granville Smith. Conjunto de morrillos y chispero estilo Luis XV realizados en bronce cincelado y dorado.

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GALERÍA SERGIO GUEVARA www.galeriasergioguevara.com antiguedadesguevara@hotmail.com Importante pieza art deco de origen europeo, 1930, en bronce en dos colores, con iluminación. Medidas: 2,80 m x 2,50 m. Sillón con poltrona del diseñador J. Leleu de origen francés, realizado en madera de nogal y incrustaciones de marfil tapizados en pana negra. Gueridon de hierro dorado y tapa de espejo veneciano con trabajo de ácido y esmalte, diseño Marc Duplantier, 1940. Escultura art deco de origen francés en bronce bañado en oro, con base de mármol escalet. Russian Dancer firmada P. Philippe, 1920. Alfombra art deco hecha a mano de origen español, año 1930 firmada San Cugat.

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TEXTO: SOL DEL L EP I AN E A .

FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC ADD E N

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Con una caja llamativamente blanca, el espacio favorito de la dueña de casa está presidido por un imponente mueble antiguo de farmacia comprado en Simpson, con sus frascos de época y una cantidad de espacio para guardar los objetos de toda una vida. La araña es de Gabriel del Campo. Desde todos los rincones se obtienen vistas excepcionales del parque, con diseño original de Charles Thays.

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EL COMEDOR SE COMUNICA CON LA COCINA Y CON LA PILETA. “CUANTO MÁS UNIDOS ESTÁN EL ADENTRO Y EL AFUERA, MÁS COBIJAN”, ASEGURA NUESTRA ANFITRIONA.

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Como único adorno sobre las mesas del living, pareja de Budas de porcelana, piezas heredadas por Inés Mocorrea Roemmers de su abuela Candelaria que las exhibía en su lugar preferido de la casa familiar, el Salón Chino.

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La cocina es el corazón, núcleo de la circulación de toda la casa. Sin embargo no es un lugar de paso sino un ambiente con rincones diseñados para quedarse.

Con pisos de tablones de maderas de demolición restaurados como en el resto de los espacios, tiene aires de cocina de campo, aunque el blanco dominante y los artefactos nuevos la vuelven pulcra y contemporánea.

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UNA DE LAS VEDETTES DE LA COCINA ES EL ANTIGUO ESPECIERO ALEMÁN, CON LEYENDAS COMO NUEZ MOSCADA, ALMENDRAS O VAINILLA.

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Manteles para las distintas mesas, flores del jardín, instantáneas de fina domesticidad en una casa verdaderamente soñada. La pintura colgada en el comedor diario, del artista Gastón Jarry, es el primer cuadro que tuvo Inés, regalo de su abuelo Alberto Roemmers en el día de su Primera Comunión.

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l ejercicio de describir la propia casa puede ser la puesta en práctica de un inventario –una tarea de catálogo: nombres, autores, modelos, a veces hasta cifras–, o bien un ejercicio introspectivo. Invitada a pensar la suya, Inés Mocorrea Roemmers toma el segundo camino.

“Miro mi casa y me pregunto ¿qué estoy mostrando?”, comenta y no tarda en elaborar una respuesta. “No estoy mostrando ni el trabajo de un arquitecto ni el de un decorador o diseñador. Estoy mostrando la historia de una vida, y lo que a una vida le lleva encontrar el sitio donde uno es. Hay gente

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que no lo encuentra en años y hay gente que, después de mucho buscarse a sí mismo, encontró un punto donde un color, un sillón, una lámpara o un cajón, lo hacen recordarse”.

“Uno no construye una casa para mostrarse, uno la construye para darse existencia. Por eso la mía es más una casa de puertas adentro que de puertas para afuera”, define.

Puertas afuera, esta casa inser-

ta en una chacra a pocos kilómetros de la ciudad de Buenos Aires que su actual dueña denominó La Elina “en honor a mi nieta menor”, ostenta un grandioso parque diseñado por Charles Thays a pedido de la familia de ingleses que poseía la propiedad en aquella época. Puertas adentro, hecha a nuevo por Inés para esta etapa de su vida (“para mi intimidad, para mis lazos y mis afectos”) es un cabal reflejo de su dueña.

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Un biombo chino antiguo funciona como cabezal de la cama en el dormitorio principal y aparece escoltado por un baĂşl oriental y una mesa de rattĂĄn.

Alrededor, una serie de kilims.

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EN EL ESPACIO PRIVADO DE LA HIJA Y LAS NIETAS DE INÉS, CAMITA DE HIERRO ENCABEZADA POR RETRATO DE UNA DE ELLAS HECHO POR DOLLY ALEXANDER, AMIGA DE LA CASA.

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En páginas anteriores, sillón donde la dueña de la casa lee y escribe. Detalle de mueble antiguo restaurado por ella misma y terminado con pompones de Indias Argentinas. En el baño de visitas, lámpara de Fez -Punta del Este- y muebles reciclados.

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El núcleo más íntimo, las dependencias de la dueña de casa, un espacio sereno y generoso integrado por dormitorio, vestidor y baño. En su cuarto, fragmentos de sedas de kimonos históricos se enmarcaron como obras de arte y se colgaron en la pared donde se apoya la cama, una antigua reliquia china conseguida en El Entrevero -Capilla del Señor-. El vestidor se iluminó con una gran araña de Gabriel del Campo. “Recomendaciones todas de Florencia Alemann, un ser extraordinario”, destaca IMR.

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“MI BAÑO, ROMÁNTICO LUGAR, CON UN MUEBLE DE SIMPSON QUE ME SIRVE PARA GUARDAR TOALLAS Y LAS ESENCIAS QUE HAGO CON HOJAS DE EUCALIPTOS, JAZMINES, ALCANFOR”

Inés le encanta encontrar personajes de su vida en los diferentes rincones –los Budas de su abuela Candelaria, el cuadro que le regaló su abuelo Roemmers el día de su Primera Comunión y tantos otros objetos atesorados a lo largo de toda una vida–. Pero mucho más le gusta observar lo

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que la casa implica como síntesis de un recorrido. Y vuelve a las preguntas y respuestas: “¿Por qué a alguien le puede interesar verla? Porque tal vez a un alma le interese saber que uno termina llegando a un sitio después de mucho buscar, con el misterio de que cada objeto que hoy ven, fue llegando en el enorme camino de buscarme.

Solo la fe en la construcción va

dando la paciencia de ir llegando a la casa. Primero fue muy chiquita y hoy es grande, pero siempre ha tenido corazón”.

Esta casa entonces habla de caminar, de crecer, de profundizar, de quedarse y encontrarse. De perseverar en construir y construirse a uno mismo en el proceso. A veces, los ejercicios introspectivos derivan en mensajes contundentes.n

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La despensa es un mundo aparte. “Me hace acordar al campo cuando éramos chicos, esa sensación de orden y abundancia”, rememora quien ha pensado al detalle cada rincón para que sus experiencias y recuerdos se vean reflejados en la arquitectura de la casa. Aquí, la estantería destinada al guardado de utensilios y elementos para servir.

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ANTE SU MESA DE TRABAJO FRENTE A LA PARRILLA, CARLOS Y NATALIO, AUTÉNTICOS GUARDIANES DEL LUGAR QUE “TODO LO PROTEGEN CON SU LEALTAD A LA TRADICIÓN Y EL AMOR A SU TIERRA” SEGÚN IMR.

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Inés Mocorrea Roemmers entrando a su casa. “¡Cómo me gustan los detalles de las mesas!”, exclama mientras prepara la de la galería, bajo el juego de luces y sombras de la pérgola patinada en blanco.

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La mesa enorme hecha por Rosito, un artesano talentoso, se colocó a la sombra del cedro azul que mandó plantar Charles Thays cuando diseñó este parque por encargo de los ingleses que poseían las tierras en aquella época. “Tenemos mucho árbol europeo, muchos todavía numerados”, explica la dueña actual de la chacra.

En otro de los sectores del jardín, un rincón con muebles de hierro para un té o una charla perfecta.

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