Revista D&D 150 - Especial Tucumán

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deales para un alto en el camino Dos lugares nos impactaron especialmente en Tafí del Valle durante nuestra recorrida tucumana; emplazados en un paisaje imponente, se dedican a la elaboración de productos regionales. La Quebradita, salón de té incluido, desarrolla además una línea saludable. Finca los Sueños, por otro lado, se destaca por haber obtenido el premio al mejor queso de la Rural de Palermo en dos oportunidades.

usto enfrente Elementos Argentinos cruzó la calle Arenales para instalarse en un nuevo local; más amplio, con mayor capacidad para stock –con alfombras listas para llevar– y con el espacio suficiente para exponer las muestras de los más de 100 colores y de las diferentes texturas disponibles para aquellos que prefieran crear su propio diseño. www.elementosargentinos.com.ar

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ariana Morales, artista Acompaña su obra –mayoritariamente abstracta– una invitación a la libre interpretación del observador.

Munido de su imaginación, libre y desprejuiciada, es quien deberá encontrar el significado que se esconde detrás de cada una de las pinceladas de Morales. Sin título, 1,00 x 1,60 m, técnica mixta con textura. www.ateliermorales.com.ar

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noticiasdearte Por Victoria Verlichak DyD150_noticias de arte.indd 2

Gabriel Chaile / Foto: Bienal de Arte Joven

Héroes cotidianos Gabriel Chaile (Tucumán, 1985) surgió a la consideración pública aquí a través del Primer Premio Itau, 2009. Fue con el registro de una fotoperformance donde el artista actuaba uno de los “pequeños personajes” disfrazado -de farolero, aguatero- aquí casi como granadero, retratado junto a los custodios de la entrada de Casa de Tucumán. Su obra se difundió en Espacio Tucumán (Buenos Aires), Fundación Osde, Fondo Nacional de las Artes, y más. Este año su trabajo viajó a Maison Rouge (París), se incorporó a Colección Impulsarte (La Rural S.A.) y fue premiado en Bienal de Arte Joven de Buenos Aires (Gobierno de la Ciudad). Su instalación, exhibida en Chela en Parque Patricios, fue No es esto lo que pensé cuando estaba en mi tierra (foto); paisaje repleto de desperdicios cubiertos por una fina capa de sal, como nivelando ¿la pobreza que se encuentra por doquier?

Asoma algo de optimismo; la instalación está enmarcada por cilindros sonoros con la silueta de una catedral gótica.

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Una gran pasión

Gisela Volá

Leo Matiz

Gastón Deleau inauguraró Fototeca Latinoamericana, FOLA, con tres muestras. Es un espacio dedicado a la fotografía que aspira a ser una activa usina creativa, con encuentros y muestras temporarias. En Sala Principal exhibe Este es mi lugar, Colección de la Fototeca Latinoamericana. Parte I, que se interroga si ¿es posible encontrar en ella algo singular, local, latinoamericano? En Sala Temporal, La vida relatada con el ojo: Matiz y Kahlo; Leo Matiz retrata a Frida Kahlo (foto) en su mítica casa de Coyoacán (México). En Sala Colección Permanente, ocho ensayos de fotografía contemporánea se aproximan a la realidad peruana. La pasión de Deleau por la fotografía creció al ritmo de su colaboración con Diego Costa Peuser, como organizadores de las ferias Buenos Aires Photo y Lima Photo. FOLA está albergada en 1200 m2 cedidos por IRSA en el shopping a cielo abierto Distrito Arcos (Paraguay 4979); de L a D de 12 a 20; miércoles cerrado.

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Dilemas del jurado Al momento de ingresar a imprenta, el jurado del IV Premio Bienal ArtexArte -integrado también por quien esto escribe- estaba a punto de elegir el primero y segundo premio ($ 100.000 y $ 50.000) y el primer premio Estímulo Joven ($ 40.000), entre 73 concursantes. Ya la selección fue ardua puesto que se presentaron casi 650 artistas. ¿Se privilegiará a los consagrados como Eduardo Longoni, RES, Santiago Porter, Daniel Merle, Eduardo Gil? ¿Se elegirá autores más jóvenes como Ignacio Iasparra, Gisela Volá (foto), Nuna Mangiante? ¿Blanco y negro o color? ¿Imágenes narrativas o más bien abstractas? Organizado por Fundación Alfonso y Luz Castillo, los resultados del premio se verán a partir del 7 de noviembre en Lavalleja 1062.

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noticiasdearte

Todos los días al bajar el sol se proyecta en Vidriera Mondongo, Transiberiano, un film de Mariano Llinás. Dura cuatro horas y media y se pasa dos veces cada noche. Es un registro de un viaje en el ferrocarril Transiberiano, que une Moscú con Vladivostok, la costa rusa del Pacífico. Se trata del proyecto de Neo-muralismo del elogiado director de Historias extraordinarias, que se propone pensar acerca de las grandes pantallas LED, su uso en el espacio público, sus posibilidades en el cine. Llinás, ya había colaborado con Mondongo, como parte de la muestra Mondongo presenta al pintor Mariano Llinás (galería Ruth Benzacar, 2013), donde el reconocido cineasta exhibió Río Paraná: pintura en movimiento. Vidriera Mondongo está en el frente del taller de los artistas. Espacio que da a la calle, fue concebido como territorio de experimentación para estos, y otros artistas invitados, para presentar obras sin destino comercial (Gurruchaga 2467).

Mariano Llinás

Nunca se fue La Menesunda según Marta Minujín en Museo de Arte Moderno de Buenos Aires es una reconstrucción fiel de la histórica instalación que la artista realizó junto a Rubén Santantonín en 1965 (Instituto Torcuato Di Tella); se puso especial cuidado en la recuperación de todos los materiales de la época. Es una ambientación transitable en la que el espectador experimenta emociones a través del recorrido de áreas con múltiples objetos y estímulos sensoriales, que aquí ocupa 400 m2. Entonces causó perplejidad, alegría y rechazo, especialmente en la prensa. Contribuyó a revolucionar el lenguaje artístico y es central en la compleja producción de Minujín, que gira principalmente alrededor de la participación masiva del público y la alteración de las percepciones, la modificación del entorno y la creación de arte popular (Av. San Juan 350). n

Marta Minujín / Fotos: Josefina Tommasi

Por Victoria Verlichak

Transiberiano

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pionera y genial

ELSIE de WOLFE,

Le ye nda s de l di se ño y l a d e oc ra c i ón Por Arq. marcelo nougués

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Simplicity, Suitability and Authenticity.

Tres palabras que se convirtieron en un credo en el universo de la decoración, así como el famoso Less is more de Mies van der Rohe lo fue para la arquitectura.

Elsie de Wolfe (1865-1950) las pronunció en unas de sus célebres conferencias en la Parsons, escuela de la que fue una de las primeras colaboradoras.

Esta memorable decoradora adoraba rodearse de belleza, inteligencia, buen gusto, pero sobre todas las cosas… de dinero. A los 25 años había quedado huérfana y sin un centavo. La única alternativa era ponerse a trabajar. Con grupos actorales amateurs, tuvo una incursión en la actuación. Pero aunque su carrera como actriz no prosperó, el fracaso no la detuvo. Durante la Primera Guerra Mundial, se probó como una gran humanitaria, trabajando como enfermera.

Sarah Hewitt, nieta del magnate Peter Cooper, sería la primera persona funcional a la ambición de Elsie. En un almuerzo en su casa, la joven conoce a Elisabeth Marbury, rica, distinguida y obesa. A partir de ese día, jamás se separaron.

Marbury trabajaba como representante de artistas y entre sus protegidos figuraban Oscar Wilde, Jerome Kern y Cole Porter. La casa que compartieron ambas damas fue el trampolín de Elsie hacia el mundillo de la decoración. Intuitivamente y de manera completamente autodidacta, la decoró con un estilo fresco y despojado: todo lo opuesto a los pesados interiores de las grandes residencias del Nueva York de entonces.

Una gran decoradora –algunos la citan como la primera– acababa de dar sus primeros pasos.

En aquel momento, Stanford White estaba construyendo un Club Social para mujeres en Madison Avenue y no quería ocuparse de la decoración. Luego de largos cabildeos, Elsie fue la elegida para realizar los trabajos. El Colony Club fue su gran acierto; una vez terminado, su fama y prestigio no se detuvieron más.

Por los mismos años, Marbury decide comprar un pabellón llamado “Villa Trianon” en las afueras de Versalles. Esta pintoresca propiedad habría de convertirse en una obsesión para Elsie, que pasaría el resto de su vida decorándola y transformándola. En la casa se realizaron las fiestas más célebles que se recuerden en París.

Elsie tenía casi sesenta años cuando se casó con Sir Charles Mendl, convirtiéndose en Lady Mendl. Aunque se tratara de una unión por interés, juntos desarrollaron una intensa vida social y se acompañaron compartiendo intereses y afinidades.

Ante la amenaza de la Segunda Guerra, Elsie se muda a California.

Allí compra una casa a la que llama “After All” y a la que siempre calificaba como “la más fea del mundo”. Los últimos años de su vida los dedica a decorarla, y es en esta nueva tarea que conoce a Tony Duquette, al que lanzaría a la fama.

Elsie de Wolfe es recordada como una pionera en el arte de la decoración y aun hoy sus refinados interiores sorprenden por su equilibrio y elegancia. n

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Ent re vi st a D &D / Sa nd ro Pe re i ra

Por Sol Dellepiane

El arte en

tiempo

presente Sandro Pereira nació en 1974 en Tucumán, donde tuvo un entrenamiento formal como artista plástico en la Universidad Nacional de su provincia. Seleccionado para integrar la Beca Kuitca, un peldaño esencial en la carrera de tantos artistas nóveles desde su creación, en 2003 se mudó a Buenos Aires, donde vivió hasta 2012, en que volvió a Tucumán. Acá y allá, el estudio continuó incesante: posgrado con Diana Aisenberg, residencia con Nora Dobarro, beca del Centro Investigaciones Artísticas y la beca de gestión cultural organizada por Trama, más taller con Beto de Volder. También hizo análisis de obra junto a figuras destacadas como como Jorge Gumier Maier, Marcelo Pacheco, Laura Batkis, Jorge Macchi. Desde su regreso a su provincia ejerce la docencia en Prácticas Contemporáneas. Sandro expone en el país, Alemania, Brasil, Colombia, Estados Unidos, España y México; hay obra suya en colecciones destacadas como las del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Cerámica de México, MACRO, Casa de las Américas España, Fondo Nacional de las Artes, Centro Cultural del Bicentenario, entre otras. En esta visita de D&D del llamado Jardín de la República, una conversación con un exponente del universo de las artes visuales de Tucumán.

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¿Cómo fue la influencia de la naturaleza en un lugar de tanta belleza para un chico que iba a devenir artista? ¿Eras conciente de tu entorno cuando eras chico?

Vivir en una selva que hace visible la transformación, el cordón montañoso, nos hace ubicar nuestro oeste. Y sí era conciente, el potencial colorido de la naturaleza era lo que más me llamaba la atención. ¿Existe en la región un grupo de artistas, algún colectivo, sean plásticos o de otras disciplinas, que piensen y funcionen relativamente juntos?

Sí hay muchos logros realizados por grupos. El programa Archipiélago es un grupo de artistas que por medio de la práctica de enseñar en un espacio independiente, están consiguiendo otra posibilidad de formación y producción.

Lo integran Alejandra Mizrahi, Andrea Fernandez, Javier Soria Vázquez, yo también soy parte, somos de distintas generaciones; nos concentramos en llevar esta actividad para generar un fluir de la práctica artística convocando también a docentes y artistas de otros lugares. El Bondi es otro colectivo que también está trabajando con una constancia de hacer obras: Matías Zelarayan, Maxi Romero Almear, Alvaro Guerrero, Roque Manzaras.

Llegamos a Tucumán atraidos por la calidad de arquitectura e interiorismo que se está desarrollando aquí. ¿Estás al tanto de esta movida?

La arquitectura crece a paso agigantados en la ciudad con distintos tipos de criterios. ¿Cómo definirías el tipo de experimentación que te interesa hacer en el arte?

Me interesa el arte para vivir en la atención y acción que me eleva la conciencia gracias a la belleza interior. ¿Podés reconocer influencias?

Lygia Clark, quien dice “A arte não consiste mais em um objeto para você olhar, achar bonito, mas para uma preparação para a vida”. Y Nan Goldin, que hace poesía con lo cotidiano. ¿Te nutrís de otras disciplinas artísticas, como literatura, música, cine u otras?

Me gusta mucho Alejandro Jodorowsky. Y ahora estoy usando el libro El silencio habla, de Eckhart Tolle, para hacer mi última muestra, que se titula El maravilloso silencio de lo visual. ¿Cómo se dan tus procesos creativos? ¿Son lineales? ¿Espiralados? ¿Completamente azarosos?

Soy una persona que está en constante desarrollo de la obra, trabajo con una identidad sobre mi postura como artista. Utilizo con distintos materiales pero el proceso creativo para mí es la base de la meditación y esa es mi manera de trabajar. ¿Dirías que ser artista en el interior es más fácil, igual o

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más difícil que en Buenos Aires?

Es muy complicado comparar, viví muchos años en Buenos Aires y es muy diferente todo a Tucumán. Cada lugar tiene sus propias características. En Buenos Aires hay más apoyo privado a los artistas. En Tucumán hay poco apoyo político a los artistas y eso hace que todo cueste mucho, sobre todo en el desarrollo de las actividades.

Es un momento especialmente caldeado para la provincia a nivel político. ¿Tiene esto repercusiones en tu obra? ¿Dirías que la tuya es una obra política?

Sí, tiene mucha repercusión en mi obra. Hace años doné a la provincia una escultura del Monumento al sanguche de milanesa y se buscó un lugar público que como nunca conseguí, la obra fue emplazada en un espacio que no es público y a principios de este año fue vandalizada, un reflejo de los tiempos violentos que se viven. Nuevamente pedí a la Municipalidad una ayuda para conseguir un espacio público y la restauración de la obra y no tuve ninguna respuesta. Ahora estoy esperando que asuma el nuevo intendente para presentar la carpeta, esta vez acompañada por una planilla con firmas que apoyan al proyecto. Toda obra es política, si bien el discurso de mi obra no es puramente hablar de política.

Vos has tenido un entrenamiento formal en arte, y además ejercés la docencia. ¿Cuál es la mejor forma de enseñar a hacer arte?

Me gusta mucho una frase de Galileo Galilei que dice “No podemos enseñar nada a nadie; tan sólo podemos ayudarles a que descubran por sí mismos”. Actualmente tengo proyectos vinculados al desarrollo de la actividad artística donde la experimentación es la fuente principal para la construcción del arte.

Además de escultura, ¿desarrollás obra en otros formatos?

Sí, trabajo en otros formatos, dibujo, saco fotos y hago collages. ¿Cuál es tu obra más representativa?

El Monumento al sanguche de milanesa es mi obra más conocida; pero no puedo hablar de una especial porque todas forman parte de un proceso creativo. ¿Proyectos en curso?

El 10 de octubre se inauguró el Centro Humanitario El Bosque, donde funciona una sala de experimentación artística, junto a otras actividades como talleres y un espacio para la meditación para mejorar la calidad de vida de la comunidad.

Me gustaría ayudar a la sociedad, trabajo desde ese lugar para generar un cambio de toma de conciencia, ¡hay que despertar! y la manera de despertar es vivir el presente. n

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Cul t ura

Texto: Adriana Anzilotti

De abadía

a centro cultural

Tradicional escenario de espiritualidad, será punto de encuentro para el arte latinoamericano y otras formas de expresión dentro del circuito porteño.

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Un halo mágico parece abarcarlo todo. Se percibe a cada paso en ese ámbito de sosiego, de silencioso respeto, que desciende de lo más alto de la imponente Abadía de San Benito y habita desde siempre en sus misteriosas entrañas: los pasillos del monasterio, los claustros, el auditorio (que fue el antiguo comedor de los monjes), la biblioteca que lleva el nombre de Monseñor Guasta y cuyos libros ya tienen su lugar en ese espacio de lectura y hasta el jardín central, donde reina el verde regado de abundante luz.

Ese escenario de espiritualidad dejó trascender por primera vez su belleza arquitectónica y sus austeros interiores colmados de historia, cuando Casa FOA en su edición 2014 tuvo la oportunidad de poner en valor un sector importante de la histórica abadía. Un antes y un después, como sucede siempre con la muestra, que permitió descubrir ese mundo interior y dar lugar a la concreción de un proyecto singular anunciado en estos días: la creación de un centro cultural de estudios latinoamericanos para la ciudad como punto de encuentro de exhibiciones, conferencias, cursos, talleres, cines debates, foros y conciertos. En una ubicación clave y con acceso sobre Gorostiaga y la avenida Luis María Campos, esta propuesta será parte de un corredor cultural importante en el barrio de Belgrano conocido como La Redonda, que abarca un conjunto emblemático de museos de la ciudad. Es importante mencionar que el centro cultural abrirá con una muestra curada por Teresa Pereda, además de otras expresiones artísticas.

La Abadía de San Benito fue un monasterio benedictino fundado en 1914 por la Abadía de Santo Domingo de Silos. La Orden estuvo en la ciudad de Buenos Aires hasta 1973 y a partir de esa fecha se trasladó a su actual ubicación en la vecindad del pueblo de Jáuregui, diócesis de Mercedes-Luján, en la provincia de Buenos Aires, como parte de la Congregación Benedictina de la Santa Cruz del Cono Sur. Con mirada retrospectiva, la historia revela que el punto de partida de lo que sería después la abadía comenzó con una pequeña casa de oratorio en la zona de las Barrancas. Pero el crecimiento paulatino de la obra se consolidó con importantes donaciones de familias tradicionales de Buenos Aires. A través de diferentes períodos se construyeron los sectores del edificio sobre un predio que había pertenecido a don Joaquín Anchorena y que se pudo adquirir gracias al aporte de Matilde Mesquina de Luro de Meyer Pellegrini. Ella y su marido y amigos del matrimonio formaron la primera co-

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misión para la construcción de la futura abadía benedictina.

Como explica Sebastián Blanco, director de La Abadía Centro de Arte y Estudios Latinoamericanos y uno de los promotores de la muestra, “este lugar será un espacio de producción y exhibición artística y cultural con un marcado compromiso social. Además de muestras de arte latinoamericano, La Abadía propondrá otras alternativas, como la creación de una orquesta infantil y el desarrollo de un centro de estudios destinado a la reflexión sobre la identidad latinoamericana. Esperamos, no obstante, que La Abadía amplíe la oferta cultural y se convierta en un ámbito novedoso y necesario en la agenda de Buenos Aires.” Afirma además que “el objetivo consiste en identificar, curar y poner en escena los puntos de encuentro que existen entre las distintas expresiones culturales con fuerte compromiso de transformación social”. Impulsado por la familia Sodálite, La Abadía propone un aporte original para la ciudad que invita a la meditación, la reflexión personal y la inspiración.

El desafío, en marcha La puesta en valor de la imponente edificación de 5000 metros cuadrados llevó varios meses y se realizó con minucioso respeto de su valioso patrimonio arquitectónico.

Por sus amplios espacios, claustro y jardines, se trata de un lugar ideal para emplazar un centro de arte de estas características y así lo entendieron los promotores de la propuesta. “El espacio edilicio de La Abadía ofrece un ambiente ideal para el encuentro, con el agregado de estar emplazado en el corazón de la vida porteña. Y por tratarse de una metrópolis y polo cultural de magnitud se convierte en un referente en ese ámbito y en el contexto de Sudamérica”, comentó Guillermo Alonso, ex Director del Museo de Bellas Artes y actual director de Relaciones Públicas e Institucionales de La Abadía. Además de Alonso, este centro cultural cuenta con el apoyo de colaboradores de renombre como Darío Lopérfido, Silvia Fajre o Juan Aramburu, quienes acompañaron todo el proceso que tendrá inicio formal en octubre cuando abra sus puertas al público. “El proyecto consiste en abocarnos a la tarea de descubrir juntos la riqueza de un continente mestizo, depositario de una rica tradición que emerge en forma constante en nuestro presente con sus metas y desafíos y nos invita a propiciar las condiciones para aproximarnos a percibir la plenitud de América”, concluye Alonso. n

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At ri l e s / Luc í a Lópe z d e Z a va l í a

Texto: Sol Dellepiane Retrato: Arq. Daniela Mac Adden

AMOR POR EL TERRUÑO Lucía López de Zavalía, a quien en los pagos tucumanos todos conocen como Popi, produce muebles inspirados en la geografía, los materiales y las técnicas de su lugar de origen.

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“Desde muy chica mi papá, quien me lleva 50 años –yo soy hija única, aclara Lucía–, me inculcó el sentimiento profundo por la tradición tucumana, su gente, sus cerros, su historia. Eso hizo que siempre me sintiera muy orgullosa de mis orígenes. Cuando fui creciendo y tuve que elegir, opté por el diseño como fuente de creatividad. Ahí empezó mi búsqueda personal. Me metí en los cerros, conocí su gente, sus creencias y su cultura.

Aprendí mucho, aprendí de los trueques, del hilado de la lana, del teñido, de maderas. Y definí mi perfil como diseñadora”.

Popi pinta su autorretrato profesional como una verdadera experta. Pero, como cuando la entrevistamos para que nos explique cómo decoró su casa en Raco (también desplegada en esta edición), no da crédito a que sus creaciones capturen nuestra atención. Prosigue con su descripción: “Diseño muebles con impronta tucumana, muy influenciada por la cultura jesuita, con mano de obra únicamente de esta provincia. Utilizo materiales como el cuero de vaca, trabajado de manera artesanal según técnicas ancestrales. Cuando le sacan el cuero a la vaca, se lo estaquea en el río durante cinco días para que se salga el pelo; y luego sobre tierra otros tres días para que se seque al sol. Después se lo usa en diferentes formas: se lo puede cortar en forma espiralada, muy finito, y se obtiene lo que llamamos tiento”.

Las diversas técnicas de tejido del cuero; las maderas autóctonas como el lapacho, que adora (y que es la materia prima de los encantadores banquitos-hamaca fotografiados en el patio de su taller); y, otra de sus pasiones, el coleccionismo de mantas antiguas, con una serie de particularidades en su confección respecto de otras hiladas en poblados vecinos, la develan como perfecta intérprete –en su doble acepción de autora y traductora– de una cultura tan encantadora como su tonada. n

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V i dri e ra s / Agne s D e c o

Texto: Sonia Diradourian

Alquimia

pura

Hay algo de aventura, de ansia de conquista, en el proyecto en el que se embarca a diario el equipo de Agnes Deco. Todos los días del año, salen a la caza de piezas originales y de calidad. Es una misión ardua distinguir el potencial, aquel componente que define que un objeto sea único. Luego son sus ojos y sus manos los que, apoyados en una sólida experiencia, reparan y transforman descuidadas piezas de época en objetos actuales sin que eso signifique alterar su esencia. Todo lo contrario, los elementos originales se mantienen; restauración como sinónimo de conservación.

La firma cuenta con talleres propios, en donde un equipo de tapiceros, ebanistas, lustradores, bronceros, marqueros y doradores opera con la dedicación propia del apasionado detallista que elige -sin dudarlo- trabajar artesanalmente, dejando de lado lo mecánico. Esta elección es el gran valor de Agnes Deco, ese amor por las imperfecciones –felices consecuencias del trabajo manual– que le dan alma y carácter a la pieza final. n

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Gi ro Are na l e s

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Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese qué sé yo, ¿viste? Bueno, el miércoles 30 de septiembre salgo de casa, por Arenales, lo de siempre en la calle y en mí. Cuando, de repente, de atrás de ese árbol, se aparece un nuevo color, una nueva forma.

Se escucha un cuchicheo distinto, más risas, hay algo en el aire; está empezando una fiesta.

Así fue durante ese día y los dos siguientes; la primera edición de Giro Arenales, evento creado por MK Comunicación y DArA, invitó a diseñadores y artistas a intervenir más de 50 locales bajo el leitmotiv la primavera. Una muestra del talento y de la creatividad locales, un encuentro entre amigos, una promesa de grandes cosas por venir. ¡Vivan los locos que inventaron el diseño!

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Texto: Sonia Diradourian

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9 1. Walmer por Ana María Gabriel y María Grondona 2. Habito por Megan Davobe, Roberto Ingaramo y María Verellen 3. Espacio D&D por María Zunino y Geraldine Grillo 4. Kheta Muebles por Cecilia Lobato 5. Ronchamp por Cristina Le Mehauté y Vanina Mizrahi 6. Lena Martorello por Estudio Barrionuevo Sierchuk Arquitectas 7. Tosone por José Luis Zacarías Otiñano y Marisa Bolotnicoff 8. Hanford por Hanford Design 9. Missura por Cesar Stivaletta y Andrés Vaulet.

Esculturas de Ernesto Arellano 10. La Compañía por Carlos Galli y Facundo Amandola 11. Praxis por Alicia Esquivel

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12. Estudio Javier Iturrioz por Manuel Ameztoy 13. Estudio Gibrat por María Fernanda Caffaro, Constanza Serantes, Verónica Degregori y Marcela Guanciarrosa 14. Sekkei Decor por Ana Dardik 15. Vida Milano por Victoria Bradbrook, Guillermo Cameron Mac Lean 16. Landmark por Solange Asterberg y Juan Cavalieri 17. Noray por Rubén Mochi 18. Patagonia por Bárbara Feler 19. Mihran por Luisa Norbis y Florencia Meller 20. Egido por Leandro Egido Hardoy y Carolina Iotti 21. Compañía del Comercio por José Luis Zacarías Otiñano 22. Pía Fradusco por Laura Frigerio y Gabriel del Campo 23. Zanav por Bony Bullrich 24. Duveen por Silvia Cordero Vega

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Patagonia por Bรกrbara Feler

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Mihran por Luisa Norbis y Florencia Meller Egido por Leandro Egido Hardoy y Carolina Iotti

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V i dri e ra s / Pi l ol a

Texto: Violeta Moraga

Nuevos

horizontes Hace tres décadas que la decoradora Susana Villaverde y el arquitecto Marcelo González Orofino sumaron virtudes para darle rienda suelta al don de crear y embellecer. La dupla se conoce tanto, que incluso se complementan al hablar y el relato se vuelve a coro. Hace poco cumplieron un nuevo aniversario en el local que tienen en Palermo Viejo, donde se instalaron luego de la experiencia pionera del multiespacio que tuvieron en la calle Humboldt.

Ahora, en el remanso del mediodía, todo Pilola irradia luz. Es inevitable ver el equilibrio de la selección, que conjuga los pasos a seguir con la experiencia cosechada. Se observa esa “escala del hombre, que hace las cosas más cálidas”, como dirá González Orofino en un repaso de los recorridos por el interior del país en búsqueda de piezas que, en general, los terminan encontrando a ellos. Textiles, cestería y cerámicas se suman a la protagonista indiscutida: la madera. De los talleres que tienen en Tandil llegan los trabajos realizados en pinotea, lapacho, guayubira, petiribí, en los que se destacan la labor artesanal, los materiales nobles, la fabricación a la vieja usanza, el reciclado, la mixtura de materiales.

Todas esas características que “no se ven en otros lados” –como ellos apuntan– dan paso a ambos para contar el último proyecto que con gran entusiasmo están llevando adelante en Costa Rica.

“Hay cosas de producción local que no es fácil encontrar en otros países. No en todos los lugares tenés artesanos predispuestos y con la sensibilidad necesaria. Muchos no tienen la mano y la nobleza que estás buscando”. Y es este sello propio lo que están llevando ahora a Centroamérica, donde a mediados de noviembre estarán inaugurando cuatro villas que conforman un complejo de lujo en Santa Teresa. “Estamos haciendo la obra completa y mandamos todos los muebles, los accesorios, la iluminación, desde acá”, explica Susana, felizmente inspirada por la obra que –aunque de altos estándares– la conecta con la naturaleza en su estado más puro y sencillo. “Nos gusta diseñar todo para que una casa tenga personalidad. Es el triple de trabajo, pero si podemos, fabricamos todo”. Justamente un estilo con mucho carácter, detallista y a la vez descontacturado y actual es el que la caracteriza, aunque Villaverde no escapa a obras más clásicas, como fue la restauración del Palacio Hirsch. La labor de dos pares con sólida formación creativa que comparten la pasión por la decoración y las obras. n

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NORAY MUEBLES MODERNOS Barrio Norte: Arenales 1434 (4813-9783), CABA, Argentina.

De L a V de 10 a 20 hs. Sรกb. de 10 a 14 hs.

Belgrano: Av. Cabildo 2931 (4702-8977/4701-9275), CABA, Argentina.

De L a S de 10 a 20 hs.

Urquiza: Av. Triunvirato 4243 (4522-9833), CABA, Argentina.

De L a V de 10 a 14 s.- 16 a 20 hs. Sรกb. de 10 a 20 hs.

NORAY KIDS Av. Cabildo 3064 (4543-0792 / 4544-4134), CABA, Argentina De L a Sรกb. de 10 a 20 hs Noray Kids nueva sucursal Av. Beirรณ 4902 Villa Devoto - Cel. 1569431773 noraykidsbeiro@hotmail.com www.noraymuebles.com.ar - e-mail: info@noraymuebles.com.ar Noray Decoraciones DyD143_avisonoray.indd 1

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M i Ca rt ogra f í a / M a rí a Noë l

Texto: Sonia Diradourian Fotos: Adeline Thibaud

Visita al pasado en pleno siglo XXI El deleite de dar la vuelta a una esquina y pisar otro tiempo, otro ritmo. El valor de la tradición y del saber. El inmenso reconocimiento a aquellos que velan por la Buenos Aires que supimos ser –y por aquellos que la materializaron-. María Noël y rincones de la ciudad que se presentan sólidos, atemporales.

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Museo de Calcos y Escultura Comparada: siguiendo los pasos de los grandes “Inaugurado en 1928 a partir de una iniciativa de Marcelo T. de Alvear, fueron Ernesto de la Cárcova y Eduardo Schiaffino quienes, en sucesivos viajes a Europa, seleccionaron las piezas más significativas del arte clásico y renacentista y encargaron calcos “de primera colada” al Louvre, al Museo Británico y a la Galería de la Academia de Florencia. Hay algo ligeramente surrealista en este lugar, la presencia de estos calcos nos cuenta la historia del arte en salas que alguna vez fueron los talleres donde ensenaron Yrurtia, Lagos y el mismo de la Cárcova. Basta caminar entre los calcos, iluminados por una luz tamizada y cenital, para sentir la presencia de los viejos maestros del Río de la Plata. La Piedad y el Moisés de Miguel Ángel, la Victoria de Samotracia y la mirada que se va por la ventana a encontrarse con antiguos árboles plantados por Thays y, más allá, con el río de sueñera y de barro, tal como lo describió Borges.”

Bar almacén El Refuerzo: volver a las bases “Alfredo, el propietario, me explicó el porqué del nombre: es eso que te falta para seguir, para algunos será una copa de vino, para otros simplemente un momento. Tiene apenas ocho mesas, paredes coloradas, fotos viejas, un pizarrón con el menú y platos abundantes servidos en ollitas de barro o hierro; lo que nunca falla y siempre permanece, en pleno San Telmo.”

Galería Güemes: panorama porteño “Inaugurada en 1915, fue encargada por la salteñísima familia San Miguel al arquitecto Francisco Gianotti, el mismo de la Confitería del Molino. Antiguamente había departamentos –hoy son oficinas– que alojaban a personalidades como Antoine de Saint-Exupéry y Carlos Gardel. Los antiguos ascensores art déco llevan a una cúpula de cobre y a la vista magnífica de las principales de Buenos Aires: las cúpulas que Le Monnier diseñó para el Edificio Bencich –en forma de alfil–, las dos torres que Otto Wulff diseñó para la antigua Embajada del Imperio Austrohúngaro –llamadas Sissi y Francisco José–, la cúpula del ex Banco de Boston –de Chambers y Thomas–, la del Banco Popular –de los hermanos Vilar–, la de Alejandro Virasoro en La Equitativa del Plata; maravillas recortadas en el cielo.”

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Foto: Gentileza Museo

M i Ca rt ogra f í a / M a rí a Noë l

Club Burton: deleitarse entre páginas amarillentas “Es una librería de viejo, las paredes están totalmente cubiertas y hay un sector sin clasificar para placer de cazadores de tesoros. Hasta aquí podría ser como muchas otras pero la particularidad de Club Burton es que su dueño, Salvador Gargiulo, es un exquisito bibliófilo soñador que edita, junto a Christian Kupchik y Héctor Roque Pitt, libros de temas extraordinarios en ediciones limitadas que desaparecen apenas salen a la calle; cada libro lleva años de preparación. El sello editorial se llama Siwa, como aquel oasis en el desierto egipcio adonde le fue revelado a Alejandro que llegaría a dominar los confines del mundo.”

Mini Bio María Noël es artista plástica y expone regularmente en Londres, Nueva York y Madrid. Aplicando técnicas mixtas sobre lienzo y papel, elige materiales nobles: pigmentos naturales, polvo de piedra, papel de arroz, sanguina y carbón. Incorpora litografías hechas a la antigua en las que transcribe textos y citas, resultando en una estética muy contemporánea.

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Teatro Margarita Xirgu: L’humor et fará la vida amable, la llibertat te la fará sagrada “Estas palabras se leen en el frente de la chimenea que preside el hall del teatro, que funciona como tal desde principios de siglo. Fue inaugurado como Centro Catalán de Buenos Aires en 1886 y más tarde se convertiría en El Casal de Cataluña. El estilo neogótico del frente se combina con el modernismo de su interior; lleno de detalles fascinantes.”

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At ri l e s

Por Agustín Seijas

Impresiones artísticas

en Praxis

Aquiles Ferrario es el fundador de la mítica librería Paragráfica, esa que se resguarda de las modas y que fomenta la hojeada de libros en el codo interior de una galería oculta en Callao y Av. Córdoba.

Filósofo, se reinventó como librero por los años 70.

Feliz por la apertura de su espacio en Galería Praxis, con libros sobre artes visuales, arquitectura experimental, diseño gráfico, incluso diseño textil de belleza arrolladora, El LIBRERO -así en mayúsculas- de tenue voz y sólidos conceptos se extiende sobre su quehacer.

“El trabajo más gozoso es el de la elección a la hora de comprar los libros. Es una tarea de curaduría que depende fundamentalmente del saber establecer un equilibrio que contemple la seriedad y la frivolidad. En mi especialidad, dicha opción es decisiva. La verdadera clave de la gestión exitosa, comercial, no está en la venta sino primaria y holgadamente en la compra. Se me ocurre a mí que esta clase de trabajo se podría homologar en más de un sentido al de un editor porque, en última instancia, elegimos aquella clase de títulos que van a poder ser vistos, hojeados y manipulados por la gente.

Durante el último arteBA, los compradores de arte que buscaban obra chica, piezas que estuviesen al alcance de sus bolsillos, descubrieron en los libros algo muy atractivo y tentador; podríamos decir que tomaron venganza con el libro, pues con mil dólares uno se puede llevar una tonelada de libros de arte a casa”. n

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Bi e ne s Ra í c e s

La marca Alvear, de cara al río Obras que son hitos Hay que animarse a soñar y superar las trabas de la coyuntura incierta. Imaginar proyectos que se construyen con tiempo y que serán parte de ese legado que acaricia el futuro. Obras que marquen un hito en las ciudades, que dejen trascender la capacidad creativa en manos de arquitectos, ingenieros y desarrolladores decididos a complejos desafíos minuciosamente elaborados. Estas claras premisas que compone el Real Estate Premium a nivel internacional, dieron luz verde al Grupo Alvear en Buenos Aires para sumar su tradicional marca a otras obras, solo que esta vez no en Recoleta sino en Puerto Madero.

El sector, bien cotizado y preferido por los developers en el lado Este de los Diques 2 y 3, fue el elegido para levantar dos imponentes construcciones con diferentes destinos, que asoman en plena etapa de ejecución generando expectativas en esa original geografía porteña orientada hacia la ciudad y el río, con el respaldo de una demanda que acompaña entusiasmada estos nuevos iconos urbanos: Alvear Icon Hotel y Alvear Tower.

Sobre Aimé Paine al 1100, en el Dique 3, muestra su solidez el complejo mixto Alvear Icon hotel y residencias. Un proyecto que así describe Andrés Kalwill, director de Nuevos Negocios del Grupo Alvear: “Es una doble apuesta en Puerto Madero pensando en el aumento del mercado turístico más allá de los

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problemas inherentes a la vida política y económica del país; la Argentina es considerada un destino de excelencia aunque no es posible ignorar el momento actual. Desafortunadamente, esta industria en estos momentos muestra un déficit anual de casi 6000 millones de dólares (según datos del Balance Cambiario del BCRA de actualización trimestral, lo que implica que viajan al exterior muchos más que los que ingresan). Sin embargo y a pesar de estos números, la marca Alvear encierra un reconocido prestigio, lo que le ha permitido una vez evaluada la decisión minuciosamente, actuar pensando en el mediano y largo plazo, con una inversión que significa, al margen de los números, obras destinadas a convertirse en iconos del Real Estate Premium a través del tiempo. Elegimos Puerto Madero porque es un barrio de Buenos Aires valorado por su fuerte crecimiento. La idea fue sumar en el Dique 3 la presencia de un hotel Alvear cuyo edificio genere gran impacto, capaz de incorporar una obra identificada con la jerarquía tradicional de la marca pero integrado en armonía a una construcción del siglo XXI. Es decir, un punto de encuentro entre el diseño y la tecnología, donde lo clásico armoniza con la propuesta vanguardista. Una fusión de épocas que integra lo mejor de cada una para disfrute de sus propietarios, huéspedes y visitantes”.

La lujosa torre de 32 pisos, que se calcula estará lista aproximadamente para fines de 2016, aplica un concepto original y

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Por Adriana B. Anzillotti

En los diques 2 y 3 de Puerto Madero se construyen dos nuevos iconos urbanos que aportan lujo, tecnología y calidad constructiva en obras de gran magnitud. Son una torre residencial que será la más alta de Buenos Aires y un hotel que incluye algunas residencias. Fusión de épocas y estilos en busca de armonía, sin perder la esencia original. único que consiste en la incorporación de algunas residencias exclusivas y que se plantean como un complemento del hotel. Afirma Kalwill: “Es un proyecto de mucha complejidad; se trata de un edificio atípico en el sentido de que por primera vez un grupo hotelero aporta su experiencia y conocimiento en la industria para sumarlo a un desarrollo residencial, cuando en general siempre ha sucedido de manera inversa”. Entre los amenities (a los que podrán tener acceso los propietarios de las residencias) se incluyen sala de reuniones, pileta al aire libre, otra cubierta, área de esparcimiento, spa, entre otros. Merece destacarse que en el remate de la torre habrá un restaurante y bar de dos plantas, abierto al público. Un verdadero mirador desde donde contemplar Buenos Aires con un estilo propio, capaz de competir con otras propuestas similares en otras ciudades del mundo.

Lo exclusivo, en residencias Después de plantear la construcción de Icon Alvear Hotel, el grupo se animó a mucho más y decidió edificar una torre residencial de altísima categoría. Alvear Tower avanza en el Dique 2, sobre Azucena Villaflor al 500. En su conjunto exhibe una propuesta sofisticada y de altísima calidad, emplazada en un área rodeada de otras obras imponentes como las torres Chateau, Mulieres o El Faro. Cuenta Andrés Kalwill que de acuerdo

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con las características y la superficie del terreno, se planteó un edificio en el que –entre otras virtudes– se pudieran obtener plantas libres de 3 metros de altura. Fue un gran desafío lograr una propuesta de un volumen de 69.000 m2 cubiertos totales, que generara un espacio visual agradable y atractivo, capaz de llevar al futuro propietario a imaginar el sentimiento de pertenencia a ese espacio exclusivo.

El diseño es una parte esencial de esta imponente obra de ingeniería, donde se destacan con gracia y elegancia las líneas curvas que buscan lograr un equilibrio frente a la inmensidad de la construcción. La planta baja tendrá un diseño similar al acceso vehicular que caracteriza al Alvear tradicional, aunque modernizado. En cuanto a las residencias, todas ofrecen altísima calidad con los mejores materiales. Entre ellas hay que destacar cinco que incluyen en sus plantas pileta propia.

Alvear Tower ofrecerá una gran cantidad de servicios y amenities de alta gama, destinados al confort de sus residentes. Se destacan, por ejemplo, la sala de ensayo de música, el lavadero para mascotas, el taller de hobbies, las cavas, el microcine, el salón de fiestas, el business center, el salón de adolescentes, el salón de juegos para adultos, la peluquería, el spa, la piletas in y out y un roof club en el piso 54, devenido mirador desde donde contemplar toda la ciudad, ya que la torre tendrá 235 metros y se convertirá en la más alta de Buenos Aires. n

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editorial

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i asociamos libremente las sensaciones que traemos del reciente viaje a Tucumán para producir buena parte de las notas de este número, pensamos en folklore, paisajes, artesanías, tierra, olores y sabores. Todos valores permanentes de esta provincia tan bendecida por la naturaleza y por la calidez de su gente.

Nos sobran los agradecimientos y debemos expresarlos, sabiendo que seguramente faltan nombres, los de esos seres anónimos que nos cuidaron y atendieron con tanto cariño. Gracias a Omar Farhat, alma mater de este especial, y a Eugenia Dumit, su talentosa socia. A Lucía López de Zavalía, diseñadora y dueña de la nota de tapa, que nos ofreció su ayuda tan amorosamente.

A la Secretaría de Turismo, nuestro principal sponsor, y a Hugo Olgiati, quien tan bien la representó. Al Hotel Don Abel por alojarnos y a todos los que nos abrieron las puertas de sus casas para dejar impresa una exquisita muestra del interiorismo tucumano.

Seguimos festejando nuestros 30 años junto a todos ustedes.

Virginia Braun

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Redescubriendo

tucumรกn Fotos: A rq. Dan i e la Mac A dd e n

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niciamos nuestro recorrido de esta provincia con un alto en el Museo Jesuítico de La Banda, donde aprendemos que antes de la conquista, estas tierras pertenecían a los Yocaviles, que cultivaban el zapallo, la quínoa, el poroto y el maíz y que trabajaban la cerámica y la piedra desde tiempos inmemoriales. Con los jesuitas, que incorporaron a sus cultivos el trigo y la papa, cohabitaban en armonía. No así los Quilmes, que atacaban con frecuencia a la Orden. De ahí los túneles presentes en el complejo edilicio

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típicamente colonial que se muestra aquí y que eran la vía de escape para los religiosos en caso de emboscadas.

Las Carreras, la estancia de Tafí del Valle que abre esta nota, también perteneció a los misioneros de la Compañía de Jesús.

Con casi 230 años de historia y reconocida por su producción de quesos manchegos, es uno de los cascos más antiguos del Valle Calchaquí. Hoy, con su arquitectura tradicional completamente remozada, funciona como hotel.

Y de eso habla este circuito: de un legado cultural enrique-

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cido por el presente, por los artesanos –como Rosendo Cancino, que trabaja con maestría la piedra, inspirándose en los menhires de la cultura tafí y que deja su impronta personal en objetos decorativos como los que se ven en la llamada Ruta del Artesano y en estas páginas–. Y por los diseñadores del lugar, los académicos y los espontáneos, moldeado su estilo tras siglos de convivencia con el paisaje. Bienvenidos a Tucumán. n

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Texto: Sol Del l ep i a n e A . Fotos: Arq. Da n i e la Mac Adde n

Como el resto de la casa, el living-comedor tomó nueva vida con pintura blanca en pisos, paredes y techos; las cortinas de algodón terminan de cerrar la blancura de la caja. El cuadro junto a la mesa es del artista local Mario López. El mobiliario, una sabia combinación de Popi López de Zavalía de lo que se hallaba en la finca (como dos camas viejas que le sirvieron para armar, con un respaldo y tapizados nuevos, el sillón larguísimo) y los muebles que ella misma produce en su taller.

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mplazada en el centro norte de la provincia, perfumada con aires campestres y con la brisa de los cerros que la abrazan, desde hace mucho tiempo Raco es la villa preferida de muchísimas familias tucumanas que buscan huir de la ciudad y que peregrinan a ella cada fin de semana y en las largas temporadas de verano. Julio Méndez y Estela Sanz habían adquirido una casa en el lugar pensando en sus siete hijos, ya grandes y con familias propias. Pero, un poco deteriorada como se encontraba, la propiedad no atraía demasiado a ninguno. Hasta que una de las nueras del matrimonio, Popi López de Zavalía, decidió arreglarla.

Y ahí la suerte de la casita, rodeada de un jardín que se integra al agreste paisaje lugareño, cambió su suerte.

“Los pisos estaban pintados de colores fuertes, todos distintos. Les di unas manos de blanco, al igual que a los techos, con vigas de madera, y a las paredes”, detalla Popi, genuinamente sorprendida de que su adorado rancho despierte nuestro también genuino interés. “¡Yo no puedo

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creer que les guste! –exclama simpatiquísima y risueña. “Usé todo lo que había. Sillones, camas, mesas. En esa pared que tiene los cuadros colgados –señala­– simplemente puse todo lo que había desparramado en los ambientes, para que todos pudieran ver les interesaba llevarse. ¡Y ahí quedó todo!” –y vuelve a reirse.

Como está a la vista, el suyo fue un interiorismo espontáneo, desprejuiciado, que supo ver la belleza de las cosas simples y combinarla con otros elementos. ¿Cuáles? Por ejemplo, los muebles que ella diseña y produce. Es que, valiéndose de materiales autóctonos como maderas y cueros y de técnicas ancestrales “de esta cultura, de esta gente, de estos cerros”, como ella misma explica, Popi, diseñadora amateur, produce muebles que reúnen artesanado y una mirada más contemporánea. Muchas de estas piezas llegaron a Raco para complementar el mobiliario existente, que de todas maneras fue aggiornado con nuevos tapizados y fundas (siempre en algodones y linos, lo sintético está fuera del espectro) y con el estilo que esta creativa nata le imprime a todo lo que pasa por sus manos.

Todos los momentos de descanso de la familia transcurren en esta casa de puertas siempre abiertas, sumergida en un paisaje sublime. Encarar los senderitos entre cerros, salir a hacer cabalgatas, ir a comprar dulces al vecino Monasterio Cristo Rey que los monjes benedictinos construyeron en 1955 con piedras y madera de la zona, son algunos de los programas posibles. El más convocante de todos, reunirse con primos y amigos en la casa. “Mis suegros tuvieron mucho ojo para elegirla. Queda en un lugar muy céntrico dentro de la villa. Todo el mundo pasa por acá, es un lugar súper familiar, la mayoría somos parientes, los chicos juegan en la calle, la casa está siempre abierta para todos, y esto es literal, no usamos llaves. Es muy lindo”. n

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ENCIMA DE UN ARCÓN CON AWAYOS Y JUGUETES AL QUE TODOS LOS NIÑOS DE LA CASA HAN RECURRIDO, UNA OBRA DE LA ARTISTA BLANCA MACHUCA ENGALANA LA PARED DE ESTE RANCHO LLENO DE GRACIA Y COLOR LOCAL.

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LA COCINA, UN LUGAR ESENCIAL EN TODO ENCLAVE QUE HACE DE LA REUNIÓN FAMILIAR Y DE AMIGOS, UN CULTO.

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En el comedor diario, mesa de madera clara y conjunto de sillas patinadas en colores diferentes. La alacena sin puertas deja expuesta la vajilla pero tambiĂŠn la simpleza de espĂ­ritu de la casa de fin de semana de los MĂŠndez.

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El jardĂ­n se funde en el paisaje de Raco, esta villa lo suficientemente cercana a la capital tucumana como para que muchas familias se trasladen todos los fines de semana para descansar entre los cerros y la pradera verde. La casa tiene una arquitectura simple y casi ancestral, con pintura a la cal, vigas de madera, techos de tejas y galerĂ­as resueltas con piedras del lugar.

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abrazo verde Texto: DĂŠbora Cam p os

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Fotos: A rq. Da n i e la M ac Add e n

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El estar ofrece un clima y una calidez muy especiales. La caja se resolvió en un tono gamuza; gran sofá de lino visón y mesa baja de metal empavonado con patas de madera de Mantova, butacas bajas de gamuza y cuero de Eugenio Aguirre y poltronas de diseño italiano. La alfombra se realizó ad hoc con pequeños círculos de fieltro superpuestos; manta de telar en lana de llama de artesanos de los valles.

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Sobre la pared oscura revestida con listones de madera, Capullo, de Charles Vuillermet. En el living, poltronas italianas en acero y cuero cortado con láser. Más atrás, caballete de madera rústica y obra del artista local Ezequiel Linares.

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icen que el camino que trepa el cerro San Javier tiene más de 100 curvas que se hunden en el bosque de montaña para volver a asomarse y otra vez zambullirse. El espectáculo es frecuente para quienes residen en la base, siempre rodeados por ese entorno de intensa belleza natural.

Por eso a la hora de destacar las señas particulares de este proyecto, Omar Farhat prioriza “las visuales, todas apuntando al río, al cerro y a la exuberante vegetación tropical”. Es que desde sus múltiples miradores, San Javier provee las mejores panorámicas de la ciudad de San Miguel de Tucumán.

“Esta antigua casa emplazada en la base del cerro, próximo a la ciudad de Yerba Buena, se recicló casi en su totalidad, manteniendo su arquitectura original”, explica el diseñador. El proyecto, realizado junto a Eugenia Dumit, buscó reformular los interiores conservando la fisonomía y los antiguos arcos perimetrales de la fachada.

Para lograrlo, los profesionales del estudio Interior Design diseñaron la mayor parte del equipamiento de la vivienda y vistieron los espacios con artesanías de la zona y obras de artistas locales curadas por las directoras de la galeria El Taller, Mariana Sabeh y María Elvira Forenza.

“El área social se compone de un hall con columnas de abedules blancos, un gran estar con varias funciones y una galería de invierno”, describe Omar, detallando que todos estos sectores se enlazan con la cocina - comedor diario, que funciona como verdadero corazón de la casa. En todas partes, el cerro captura las miradas. “En la planta alta –se explaya el decorador– está la suite principal, con vistas inigualables del paisaje, y conectada con un altillo muy simpático de usos múltiples”.

En el exterior también se privilegió la vinculación con la geografía circundante: una antigua pérgola de hierro fue rescatada para dar reparo en las horas de calor, mientras que la pileta directamente aparece plantada en medio de la naturaleza del cerro. Un abrazo verde y tropical. n

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No hay barreras entre la cocina y las áreas sociales de la casa y la terraza. Todo integra un mismo espacio, abierto y confortable. El equipamiento se realizó con madera de roble claro, con una mesada de Silestone color Unsui de Cozzi para Destefano. La mesa de vidrio y metal blanco se conjuga con sillas tejidas e iluminación de Gris Dimensión.

“Al toque de color lo da la obra Cocineros de Milo Lockett”, apunta Farhat.

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Las vistas sobre el cerro son verdaderas protagonistas también en la suite principal gracias al gran ventanal en esquina. Para este ambiente donde continúan los tonos neutros, Omar Farhat y Eugenia Dumit eligieron mesas de luz y un respaldo de madera y cuero de Eugenio Aguirre, con ropa de cama de lino y tejidos de rafia natural irregular. Encima de la cómoda, un caballo de madera pintado a mano por el artista tucumano Guillermo Rodríguez.

Sobre la cabecera, obra de Lazarte.

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En el interior de esta galería de invierno, con puertas vidriadas y arcos de medio punto, sobre el piso símil piedra de SBG se dispusieron una gran mesa de madera de demolición y bancos informales. Singulares artefactos de iluminación de Tom Dixon en metal oscuro y bronce viejo en su interior y esculturas de madera de colores del artista plástico Enrique Salvatierra.

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La pileta estĂĄ emplazada en medio de la naturaleza del cerro. De trazos simples, tiene un revestimiento de venecitas blancas y negras y piso perimetral atĂŠrmico.

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Una antigua pérgola de hierro fue rescatada por los diseñadores, con un jazmín que también se encontraba en el jardín. A resguardo se instalaron una mesa y asientos bajos en madera de incienso con almohadones para exterior de Coin Vert. El piso se hizo con adoquines de piedra. Las lámparas viajaron desde Buenos Aires: fueron compradas en Paul.

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Columnas de piedra trabajadas por artesanos locales trazan una abertura hacia el comedor, donde se destacan dos 贸leos firmados por Mario L贸pez que representan personajes costumbristas tucumanos. Sobre una consola, las ollas de barro que los propietarios usan a diario para cocinar.

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Amplios sillones permiten disfrutar de la chimenea en el living “escuchando los diferentes sonidos de la madera cuando arde y con una vista increíble del lago”, describe la dueña de casa. “Acá pasamos largas tertulias de charla tomando café, leyendo poesía y tocando la guitarra. O simplemente, viendo cómo juegan las nubes”. Acompaña una silla Barcelona modelo MR90 del célebre van der Rohe aunque con cuero trenzado.

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oñábamos una casa con vista al lago La Angostura, con mucho silencio y en medio de los cerros”. Los soñadores, Silvana y Osvaldo Alvarez, abiertos a la idea de un proyecto para ellos y sus cinco hijos ya grandes, en medio de un paisaje que adoran.

A la manera de un inusual espejo de agua de más de 350 hectáreas nacido del embalse de aguas dulces, La Angostura se acomoda al pie del Cerro Nuñorco. Cuenta la leyenda que los pejerreyes que el hombre transplantó a esas profundidades reciben la gracia de los menhires de piedra que los engordan hasta alcanzar un tamaño descomunal. Mito o realidad, lo que nadie pone en duda es que la pesca es uno de los mayores atractivos de la zona.

“Elegimos Tafí porque nos gustan los cerros tucumanos que aquí se potencian; también por la presencia de este paisaje y de un clima privilegiado”, avanzan los Alvarez.

“Cuando fueron hechas estas imágenes era el fin del invierno y aun así es imponente, con sus colores amarillos y marrones que conmueven. Luego, en el verano, estarán los mil distintos tonos de verdes como dice la zamba de Atahualpa. Es muy lindo y por eso queremos rescatarlo siempre”, explican.

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Guiados por esos colores intensos y esos silencios expresivos, el matrimonio llegó a Tafí y dio con una casa adecuada. “Estaba terminaba pero, para adaptarla a nuestras necesidades, fue importantísimo el asesoramiento de Popi López de Zavalia”, reconocen. Así comenzó un proceso de remodelación y “junto, a Popi un gran aprendizaje”. Y detallan el sentido de esa búsqueda: “Nosotros queríamos redefinir el estilo tucumano que muchas veces se confunde con el jujeño o el salteño, por caso”.

Lucía López de Zavalia, subrayan, “trabaja para rescatar el estilo tucumano y no la identidad tucumana, porque la palabra identidad rotula, limita, mientras que la idea de estilo transforma y rescata pautas puras, como puede ser un sillón Barcelona trabajado con tiento, o puertas de placard con cuero tensado y acero”.

El resto lo hizo el paisaje. “Fuimos claros en la consigna: el entorno tenía que entrar a la casa por los ventanales y de esa presencia surgieron la paleta de colores neutros y la de materiales nobles”. Tanta fue la vinculación con ese afuera que ahora, cuentan divertidos, disfrutan mucho del jardín y de la huerta diseñada por Felicitas Napp de Nougues: “ella nos advirtió que nos transformaría en jardineros ¡y lo consiguió!”, concluyen. n

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Amplios y luminosos, los dormitorios mantienen la premisa de utilizar principalmente materiales nobles y aut贸ctonos que invitan a siestas proverbiales.

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Sofás de diseño italiano en lino de seda, mesa baja de cuero visón con bandeja blanca y auxiliares de roble natural y mármol Calacata. La biblioteca con nichos superpuestos se realizó a medida en roble natural y laca blanca. La alfombra rayada de fibra italiana es de Gris Dimensión, las poltronas tejidas de Mausy Design, el poncho del Norte y los cuencos de madera, de LZ Muebles. En el comedor, una talla de madera plana del artista cordobés Raúl Díaz acompaña la gran mesa tapa de cristal con sillas Simplice y colgantes de Artemide. En ambos espacios, obras de Enrique Salvatierra y Guillermo Rodríguez.

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El dormitorio principal ofrece una gran perspectiva del lago y el interiorismo cede el protagonismo a esta vista que cambia todos los días. Dos paneles entelados funcionan como eje de las mesas laterales y de las Tolomeo. Las cortinas y la ropa de cama son de lino natural y rafias; el pie de cama y los almohadones bordados se consiguieron en La Felipa, la banqueta, en Eugenio Aguirre. En el baño, mármol Ebony Cristal Leather de Marmolería Cozzi para Destefano.

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spacio privilegiado para disfrutar de los paisajes de Yerba Buena es el del Jockey Club de Tucumán, que se abre hacia al cerro y un entorno de privilegio. Cuentan por aquí que el escritor, historiador, crítico literario y bibliotecario franco-argentino Paul Groussac caracterizó este rincón casi vecino a la capital provincial como

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una “situación feliz y pintoresca entre el cerro y la ciudad”. No es seguro que conozcan la leyenda de Paul Groussac, pero los propietarios de este lote tenían en claro que esta extraordinaria geografía merecía ser protagonista y así se lo expusieron a los diseñadores Omar Farhat y Eugenia Dumit. “El proyecto buscó lograr líneas netas, volúmenes puros, colores neutros, iluminación dirigida –casi imperceptible– y mucha austeridad

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en el tratamiento de los espacios, para no ceder el protagonismo del paisaje exterior”, detallan.

Con esas ideas como eje, compusieron un área social integrada por el hall, con amplias vistas hacia el fondo; un ambiente que integra living, comedor, cocina y estar diario y que se abre desde todas hacia una extensa galería perimetral, que a su vez se comunica, en su remate, con un quincho. En la planta alta, un estar distribuidor

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con home-theatre deriva en los dormitorios.

“El estilo de la casa se puede definir como vanguardista, moderno y cálido a la vez, lo que fue difícil de lograr trabajando con materiales fríos como el hormigón, el acero y la piedra”, señala Farhat. Para contrarrestar esas fuerzas, recurrieron a tonos neutros con toques de negro y el clásico blanco. El resto de la apuesta cromática viene del paisaje, que regala sus mejores colores en cada estación. n

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Amplia y llena de luz, la galería es un espacio intensamente disfrutado por los dueños de casa.

Para el piso se usaron bloques símil piedra de SBG y se la equipó con sofás, mesas y poltronas de exterior a medida para este proyecto de Mausy Design.

Maceteros de barro de Coin Vert y almohadones de La Felipa. Anterior: El quincho se integra totalmente con el jardín y la galería a partir de un gran cerramiento de paneles traslúcidos corredizos.

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manece en Yerba Buena. El cerro San Javier ya aparece cubierto de verdes en este principio de primavera. Con las primeras luces se va poblando Interior Design, el estudio de interiorismo y diseño que funciona desde hace más de 20 años en la ciudad de Tucumán bajo la dirección de Omar Farhat, uno de nuestros guías de lujo en este recorrido. A través de los ventanales enormes del edificio de corte modernista donde funciona su firma, todo es luz y paisaje.

Separada de la capital provincial por apenas 12 kilómetros, Yerba Buena tiene un pasado de selva de tipas y pacaráes que hoy sobrevive en los senderos del Parque Percy Hill. El resto es un presente activo y pujante: se multiplican los bares y centros comerciales, mientras aquí y allá surgen desarrollos residenciales atractivos.

Ese mismo lenguaje contemporáneo es el que atraviesa este cuerpo de dos plantas de 600 metros cuadrados que balconea, desde todos sus rincones, hacia el jardín común trazado por la arquitecta Adriana Raed y el licenciado Gustavo Rubinstein.

El proyecto fue desarrollado por Farhat y la diseñadora Eugenia Dumit y contempla seis estudios profesionales en

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la planta baja y las oficinas de Interior Design en el primer piso. “Trabajamos a partir de materiales nobles como el hormigón, el acero, el vidrio y la madera”, indica Omar. Y da detalles del sistema de iluminación que diseñó y que es casi imperceptible debido a la gran importancia de la luz natural.

En el jardín central, un banco de hormigón remata en un cantero y en una escultura metálica del artista cordobés Claudio Gómez. Más allá da la nota un espejo de agua con fondo de venecitas negras.

Protagoniza la planta baja una gran mesa que parece suspendida en el aire bajo tres lámparas hechas con soga cruda y bulbos redondos dimerizados. La zona de los dibujantes se independiza virtualmente gracias a un biombo de tubos rectangulares blancos que contiene pequeñas cajas traslúcidas con una colección de sillas de diseño años 50. Todo proyecta modernismo.

Una singular serie de obras de arte aparece diseminada por el estudio. Las mesas de trabajo se maridaron con sillas Zody de Manifesto y se iluminaron con colgantes de Disegno con cable amarillo. Se destaca la imponente biblioteca de 12 metros de largo. Con el sol ya plenamente instalado en la mañana tucumana, la jornada laboral ha empezado. n

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Apertura. En la zona de espera, sobre una gran carpeta redonda de lana de Vanina Mizrahi, sofá art déco retapizado en lino blanco, Chaise de Charles y Ray Eames, mesa redonda de Carrara leather y acero inoxidable y taburetes Bepos laqueados, de Disegno. Aquí. En la planta baja recibe un mostrador en voladizo bajo tres lámparas de la marca americana West Elm.

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Una gran biblioteca modulada de 12 metros de largo realizada en placa blanca de Masisa Roble Touch, acompaña la longitud de todo el espacio de trabajo. Para las reuniones se recurrió a mesa oval y sillas Saarinen bajo lámpara Balloon de Flos.

Más allá, zona de living sobre alfombra diseñada por Alfred Fellinger, sofá de lino visón con almohadones de rafia natural, par de poltronas de Patricia Urquiola para B&B tapizadas en lino gris y compradas en Gris Dimensión y mesas de Disegno.

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En la entrada del edificio hay una gran plaza de adoquines rectangulares y césped para estacionamiento, con una escalera central desde la cual acceder a las oficinas. En la terraza se colocó una pérgola tecno de zinc, con una red de media sombra de Mónica Melhem Shop. Debajo del espacio semicubierto, mesas de mármol blanco y sillones de exterior de Saarinen.

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memoria viva

Texto: DĂŠbora Camp os

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Un comedor muy tradicional, de muebles ingleses o coloniales con lustre oscuro, sillas Chippendale, pisos originales de pinotea, todo bajo lรกmpara de bronce quinque. En el mueble con alzada y tapa de mรกrmol, buenas piezas de vajilla de porcelana inglesa.

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El baño, con artefactos antiguos, piso calcáreo beige con guarda, paredes revestidas con azulejos blancos. La historia está ahí, protagonizándolo todo.

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En la cocina, piso en damero azul y blanco, azulejos hasta media altura y el ladrillo sin revoque pintado de rosa viejo.

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55 kilómetros de San Miguel de Tucumán se encuentra Raco, a una altura de 1100 metros sobre el nivel del mar. La precordillera ofrece un verde que alcanza los mil matices. Los circuitos turísticos coinciden con los senderos por los que circulan, desde hace siglos, los residentes. Porque aquí todos son nacidos y criados.

Y todos conviven con la Historia.

Este paraje, que es destino para viajeros que buscan deportes como el mountain bike y la pesca de truchas, nació casi al mismo tiempo que Tucumán.

Los que saben dicen que la referencia más antigua sobre la población quedó anclada en el siglo XVIII, cuando el capitán García Medina donó a los jesuitas algunas tierras para la Estancia del Valle de Raku, en el Potrero de Raco.

Como es sabido, la Orden fue expulsada en 1767 y sus propiedades fueron vendidas a la familia Ruiz de Huidobro, que fundó en ellas la primera estancia de la zona.

Conocedores de dichos antecedentes, los propietarios de esta casa han sabido atesorar las huellas que guarda de su dilatada existencia. No solo la protegen: también la

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comparten con sus hijos y nietos. Cuando todos llegan en amoroso malón, las doscientas empanadas caseras que se preparan para darles la bienvenida, casi no alcanzan.

Recorren los rincones de la propiedad con atención y amor verdadero. En la galería, piden un momento de atención para las marcas que supieron dejar las botas con espuelas de decenas de hombres que la caminaron. Unos pasos más allá, recuerdan que el aljibe tiene la misma cantidad de años que el árbol que le da sombra.

La dueña de casa se divierte señalando un letrero que indica: “En esta casa la reina no cocina” y asegura que ella no piensa aprender los secretos de la gastronomía a estas alturas de su vida. No quiere contradecir la leyenda, dice sonriente. n

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El comedor diario se equip贸 con mesa de campo de madera clara y sillas bien aut贸ctonas, de maderas del lugar y cuero trenzado. Un mueble de pinotea concluye el espacio de guardado. Los limones, cosecha de los frutales del jard铆n.

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Toda una vida compartida. El aljibe y el ĂĄrbol, cubierto con la hiedra, cuentan la misma cantidad de aĂąos.

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V i dri e ra s / Ca sa Al m a c é n

Texto: Aurora Bidau

Colores verdaderos

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En 2010 Mariana Pussacq, arquitecta y artista plástica, desarrolló una paleta de colores propia. Fue así que terciopelos, linos, lienzos y algodones, entre otros, se colorearon en un sinfín de matices. Estos más de 80 tonos se convirtieron en el sello indiscutido y personalísimo de Mariana, quien los aplicaba en cada uno de sus proyectos de interiorismo. De a poco aparecieron también en el trabajo de sus colegas, con quienes fue compartiendo sus creaciones y, en 2012, llegó la consagración, cuando acompañó el espacio que ganó la medalla de oro en Casa FOA. El estandarte de su emprendimiento, que bautizó Casa Almacén, es su método íntegramente artesanal; es el origen de maravillosos colores realizados a partir de fórmulas profesionales y que son sólidos al lavado y a la luz. ¿La materia prima? Pigmentos naturales de la India para aquellos géneros que son teñidos, e ingleses para los que son pintados a mano. En Villa Flandria se encuentra su fábrica y laboratorio, donde se logran estos teñidos textiles, preciados por el carácter único de su diseño y composición.

Su última colección, Puro Impulso, está inspirada en la energía de la acción, en la capacidad y en la posibilidad de actuar y de plasmar cualquier tipo de inspiración sobre un género, de manera libre y orgánica. n

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I nspi ra c i one s / Sa c ha La ki c

Texto: Sonia Diradourian Retrato: Emma Livingston

Minúsculo. “Me interesa la fotografía y el hecho de que la tecnología moderna permita acercarse tanto a los objetos; llegás a ver cosas que el ojo no puede ver. Ese nivel de detalle me aporta muchas ideas interesantes. El patrón de estos ojos, por ejemplo, se parece mucho al género del sofá Bubble –ver retrato-. Cuando diseño busco arriesgarme, siempre desconfío de las ideas que me gustan. Aunque esté contento con el resultado, sigo trabajando, prefiero tener todas las opciones a mi disposición, para poder tomar la mejor decisión posible.”

REVISITAR LOS SUEÑOS A los 10 años, Sacha Lakic caminaba por París cuando se cruzó con su destino. Ver acercarse el Ford Mustang que Steve McQueen manejaba en Bullitt le causó una enorme impresión. “Lo que me impactó fue el poder del diseño, que es lo que define que un objeto genere o no emoción. Cuando trabajo intento usar más el corazón que la cabeza, busco que mis diseños tengan alma.

Creo que el métier del diseñador industrial es más interesante que el del artista. La primera etapa del trabajo de ambos es casi idéntica pero mientras uno se queda allí, el otro sigue trabajando para que lo que ideó sea cómodo y funcional”.

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I nspi ra c i one s / Sa c ha La ki c LE CIEL. “No le prestamos demasiada atención, caminamos por la calle pero nadie levanta la cabeza. Lo mirás cuando estás en la playa o en Nueva York porque la perspectiva vertical de los edificios te hace levantar la mirada, pero fuera de eso no lo hacemos. Adoro viajar en avión y observar el cielo, se ven cosas extraordinarias allá arriba y tiene un aspecto misterioso que es muy atractivo. Para mí representa la vida y el movimiento.”

TEXTURA. “Es indisociable del objeto. Siempre digo que una persona descubre, un sofá por ejemplo, en tres etapas. La primera tiene que ver con el aspecto global, lo va a mirar y se va a sentir atraída por la proporción, el color; cosas que se ven de lejos. Si esta etapa le resultó interesante, se va a acercar y va a ver los detalles, el volumen, las costuras; y si sigue interesada, va a pasar a la tercera etapa, se va a sentar, va a tocar el género. Esta forma progresiva de descubrir es parecida al encuentro entre un hombre y una mujer, es una especie de seducción que puede darse o no.”

A partir de ese encuentro, Sacha empezó a interesarse por los autos y las motos. Trabajó como diseñador en grandes estructuras de la industria automotriz y después estableció su propio estudio de diseño. En ese momento, otro encuentro le abrió un nuevo abanico de posibilidades; François Roche, cofundador de Roche Bobois, le sugirió que debía diseñar muebles y le pidió que creara una cama para la firma. “Si un tipo como él me dice que soy capaz de hacerlo, quizás sea así, pensé, y decidí revisitar mis sueños de niño. Soñaba que mi cama era una alfombra

THE BAILEY HOUSE, CALIFORNIA, AÑOS 60. “El trabajo del arquitecto Pierre Koenig es un ejemplo excelente de mi casa particular ideal. El hecho de que se integre perfectamente a su entorno, que el interior y exterior estén fusionados, que todos los elementos –el auto, el jardín, las piedras y el agua, se combinen en un estilo ligero– es una estética que no se impone y que no es para nada arrogante.”

SWINGING SIXTIES. “Me gusta la época, la gente era libre de pensar y de hacer, de crear sin límites; todo era posible. Fue muy rica en términos de creatividad a todo nivel: música, cine, mobiliario, relojes, muebles, autos, arquitectura. En moda Courrèges y Paco Rabanne, por ejemplo, imaginaban obras de arte que podían usarse. Hoy no existe esa extravagancia.”

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TERMINAL 5, JFK AIRPORT. “Diseñada por Eero Saarinen, es otro tipo de arquitectura que me interesa, con formas orgánicas y esculturales. Este edificio está inspirado en la naturaleza, es funcional pero al mismo tiempo es una escultura. Da la impresión de que se puede mover, lo cual es una idea muy lógica para un aeropuerto, su forma es completamente coherente.”

CX500 GTS, FIRMADA LAKIC. “Me apasionan los autos pero incluso más las motos. Siempre amé las ideas de libertad, independencia y anticonformismo que evocan. El piloto es el elemento final del diseño, juntos conforman una sola pieza. Esta la diseñé hace poco, estilo Cafe Racer, todo se ve y cada componente es estético y técnico al mismo tiempo. Con el mueble pasa un poco lo mismo, la estructura no te permite esconder mucho.

Así es que cuando diseño muebles pienso en la manera en que trabajo sobre una moto.”

voladora y que viajaba mientras dormía; me dediqué a materializar ese sueño.” Ese fue el origen de Onda, en 1995, la primera criatura de una larga y fecunda colaboración.

Sacha y Gilles Bonan –Presidente del Grupo Roche Bobois– acompañaron a Raúl Scarpeccio –Presidente de Roche Bobois en Argentina y Chile- en el festejo de los 25 años de la firma en el país. Así fue que, en el local de la calle Petrona Eyle, nos pusimos a mirar fotos y a navegar el universo Lakic.

MOVIMIENTO, FOTO DE IAIN CRAWFORD. “Me gusta la idea de movimiento detenido, de ese desfasaje entre el color que se mueve y la chica estática. Las formas femeninas son una fuente constante de inspiración para mí; las líneas suaves son más bellas y reaseguradoras que las formas rígidas y cuadradas. Al diseñar una moto o un auto es fácil transmitir una idea de movimiento, tienen un efecto de velocidad natural, aunque no estén andando. El tema es hacerlo a la hora de imaginar un mueble. Puedo utilizar una metáfora, como en el caso de la cama Onda o el sofá Bubble, que es una especie de nube, o la técnica de la fotografía. Cuando se fotografía a un atleta o a un bailarín, la foto es inmóvil pero sus gestos están cargados de movimiento, ahí radica la fuerza de la fotografía; es lo que trato de transmitir con mis muebles que, como resultado, suelen ser un poco ladeados o asimétricos.” n

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V i dri e ra s / I l um i na c i ón Agüe ro

un festejo A todas luces En un matrimonio, 60 años son las bodas de diamante. Para llegar hasta ahí es necesario pasar por las de papel, las de madera, las de cobre y diferentes materiales que van progresando desde los más frágiles hasta los más sólidos y nobles. Hoy Iluminación Agüero puede dar cuenta también de ese trayecto y festejar su recorrido. No en vano al comenzar la charla Miguel Agüero se retrotrae a 1955, cuando su padre comenzó a trazar esta historia en un pequeño local del microcentro porteño. Más tarde vendría el paso por Marcelo T. de Alvear, el Buenos Aires Design y, hace ya diez años, el corazón de Palermo: al 1900 de la calle Armenia finalmente pudieron concentrar los proyectos, agrupar las distintas patas del emprendimiento, seguir dotando de identidad, excelencia y profesionalismo a la empresa.

Sostenerse a lo largo de tantos años no es casual y algo de eso se percibe en la conversación. Eli Böttrich y Miguel Agüero trabajan juntos desde los 70: “Yo me había focalizado más en las obras y Eli en el diseño y comenzamos a complementarnos”, explica Miguel no sin cierta timidez de hablar de ellos mismos. Recuerdan aquellas décadas como complicadas, pero entrelazadas con los viajes y los recorridos por las grandes exposiciones: Milán y el resto de Italia, Alemania. “A su vez, en Argentina se daban varias situaciones simultáneas que nos dieron fuerza. Ya existía gente muy inquieta por el diseño, incluso en la iluminación. Pero nos apoyó mucho la aparición de FOA, D&D y DArA, de la cual somos socios fundadores”.

Seis décadas Una extensión de tiempo tan importante no sólo permitió vivir los distintos contextos, sino ser parte de grandes hitos, tanto del diseño como de la tecnología. Ambos recuerdan la aparición de la dicroica en el año 85 y más tarde la revolución del LED. “En cuanto al diseño, ha habido huellas tan fuertes de la época de la Bauhaus, del modernismo, del diseño italiano de los 60, que se vuelve allí todo el tiempo”, cuenta Eli, que caracteriza al público como alto y exigente, pero finalmente tradicional en sus elecciones. “Al argentino le encanta la vanguardia pero siempre es medio conservador”, sonríe. Por eso, en tanto representante de las grandes empresas de iluminación del mundo, evoca con alegría las corresponsalías que en estas mismas páginas “me permiten mostrar libremente lo que más impacta en diseño en cada feria”, aunque quizás luego no traiga todas esas propuestas, a sabiendas de que el mercado local no las elegirá.

El catálogo de Iluminación Agüero incluye una selección de importados de excelencia, las mejores marcas nacionales, el trabajo en conjunto con destacados diseñadores y también creaciones propias. “Hay que estar a la vanguardia en diseño y diferenciarse, y para eso tenemos una muy buena selección de productos que sólo se encuentran acá; y un gran equipo que acompaña”, celebra Miguel. El evento de principios de octubre con que la marca selló su aniversario, dio cuenta de este gran entramado que la respalda. n

Texto: Violeta Moraga Foto: Emma Livingston

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Pre gunt a s Pi c a nt e s / Ja m e s Boyd Ni ve n

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¿A quién admirás en materia de diseño & decoración y por qué?

Jacques García porque vive mejor que María Antonieta. JeanLouis Deniot porque hace lujo contemporáneo con un sofisticado conocimiento de materiales. Renzo Mongiardino por su vuelo delirante. William Kent por su manejo de las proporciones clásicas.

Y muchos más, me aburrió la pregunta. Para todo lo demás existe Amazon… los libros aun llegan a Argentina. ¿Alguna gaffe que recuerdes con horror o que, desde la perspectiva de hoy, te cause gracia?

Googleo el significado de gaffe. Aprendo que gaffe es un error y que en ingles “to make a gaffe” es meter la pata. No hay error si al momento de hacerlo pensábamos que era lo correcto. Un camino obligado a recorrer en esta profesión. Hacer, autoevaluar y rehacer.

El único error posible sería tomar una decisión en contra de nuestro propio criterio, dejar de lado la intuición para tratar de gustar. Promediar con “esto se usa” es el camino asegurado a la mediocridad. A pensar menos las cosas, a jugarse más, si las cosas están hechas con pasión, los espacios siempre terminan funcionando.

Como a se habrán dado cuenta me aburro muy rápido de las cosas. “Boring” es mi palabra de cabecera. Tengo una inquietud y un acelere de salir corriendo a hacer mi propia experiencia. No creo en los errores en esta profesión, son experiencias, nadie se va a morir si las cortinas no pegan con la alfombra. Eso sí, asegúrense que esas arañas estén bien colgadas.

Te pueden explicar la teoría, pero solo se aprende haciendo. La enseñanza es un proceso interno donde descubrimos nuevas maneras de hacer las cosas, ya tendremos una próxima oportunidad para aplicar el conocimiento.

Ver obra de nuestros pares sirve para descubrir nuevas maneras de resolver una misma problemática y salir a explorarla. Si no, es como ver una película que no hablás el idioma, muy linda fotografía pero no entendí nada. Para eso los dejo con los adictos a Pinterest. ¿Cuáles son los mayores vicios de los argentinos al poner una casa?

Me molesta el uso de la palabra vicio en la pregunta. Como verán me irrito con facilidad. Me remito al diccionario y encuentro varios adjetivos, todos horribles. Me quedo con “tan solo un mal hábito”. Me vuelvo a amigar con la pregunta, a medias porque lo de Argentinos me parece una generalización. Me voy a remitir a casas en Argentina; dado que en su mayoría son de extranjeros o argentinos tan cultos y viajados, que de gauchos poco tienen. Yo me esmeré en venderme como el decorador ecléctico internacional y este año terminé con clientes que me pedían “look argentino”. En mi búsqueda por complacerlos, me fui a la Rural a ver qué nos identifica: ¿el mate de alpaca? ¿el poncho pampa? ¿polo? Si de productos aplicables a una decoración se trata, nada es argentino. Es un copia o cita a algún otro estilo proveniente de otro lugar. País de inmigrantes que hace 100 años miraban a Europa para decorar sus casas, nada ha cambiado,

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como comentaba antes hoy usan Pinterest. Prefiero quedarme con la ilusión que ha cultivado en el exterior el argentino, muy similar al retrato de príncipe que acompaña esta nota. Se dice que el argentino se cree mil, yo lo tomo como un cumplido, hemos logrado mucho ruido con pocas nueces. En Buenos Aires soy James Boyd Niven, en el exterior “el argentino”. ¿Algún defecto irritante que sea típico de tus colegas?

No conozco bien a mis colegas locales. Hace poco DArA me incluyó en una subcomisión de asociados y nos hemos reunido casi semanalmente. Fue una de las experiencias más gratificantes del año. Me quedo con este tipo de colegas: creativos, talentosos y generosos.

Todo me irrita por demás, soy de mecha corta. Evito a quien comunica por demás en redes sociales. Nadie tiene algo interesante para contar todos los días. Los buenos trabajos llevan tiempo, prefiero ver poco, bien fotografiado, curado sintéticamente. Como una buena revista, que lleva su tiempo de producir, que nos dan ganas de descubrir su contenido. Hasta los diarios online se han puesto chimenteros. En un mundo digital que comunica por demás, es el doble de trabajo filtrar toda la porquería para llegar a lo que tiene contenido. ¿Qué es lo peor que te puede decir o pedir un cliente?

Nada. Si es un cliente, ya le corresponde el lugar de pedir lo que quiera. Te digo más, las veces que cuestioné al cliente, realmente… el cliente siempre tuvo razón. No estamos en terapia, respondemos a necesidades, resolvemos problemáticas.

Si pudieras diseñar al cliente ideal, ¿cómo sería?

El que sabe lo que quiere con un claro objetivo. Idealmente con fecha específica de entrega.

De esta ciudad o de otras, ¿a qué monumento, plaza, edificio o espacio público o privado, le cambiarías algo o demolerías?

Haría que Corrientes pase por debajo de la 9 de Julio con un túnel para evitar las vueltas alrededor de una plaza obsoleta en el medio de la avenida más ancha del mundo. Dejen el Obelisco en el medio si quieren, pero eviten la siniestra circulación dada por las obsoletas plazas que lo rodean y solo taponan el tráfico.

Si trabajaras en planeamiento urbano, ¿cuál sería tu primera medida?

La próxima vez que se me tape el inodoro voy a llamar a la modista. ¿De qué proyecto realizado te hubiera gustado ser el autor?

De ninguno. Soñaba con trabajar con los decoradores que admiraba hasta que tuve la oportunidad de conocerlos. Son unos obsesivos laburantes como quien te habla, nadie comparte nada con nadie, en cada proyecto damos un pedacito de nosotros, con amor y dedicación, ¡a nuestro modo parimos un hijo!

Modestia aparte, ¿tu mejor obra hasta el presente? ¿Qué la define?

Mi madre le pregunta a su mejor amiga, ¿vos de qué color tenés el pelo? Ella contesta, ¡hace tantos años que me tiño el pelo que ya ni se que color de pelo tengo! n

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Rincones secretos de la Bella

ITALIA Un laberinto mendocino en una isla de Venecia, un asombroso anfiteatro en la llanura toscana, una romántica basílica en lo alto de Florencia y una ciudad tapizada de bellísimos mosaicos.

P OR LUI SA ZUB E RB UHL E R

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talia es un país fascinante que no deja de sorprender: en cada localidad hay mil cosas para ver y visitar. Acá van cuatro ejemplos que vale la pena tener en cuenta: San Miniato, el primero, es el más conocido pero no me canso de visitarlo cada vez que paso por Florencia. A Rávena la descubrí porque fue una de las paradas de un crucero

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Silversea por el Adriático. Al laberinto borgiano, en Venecia, también pude ir aprovechando el mismo crucero. Aclaro que si bien la Basílica de San Giorgio se visita libremente, para ver el Laberinto y la biblioteca hay que pedir permiso. Y al Teatro del Silenzio llegué de casualidad, intrigada por los carteles que vi en la ruta, camino a Volterra.

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1. Estupenda panorámica de Florencia con el cementerio en primer plano.

2. La fachada de mármol blanco y verde, con arcadas y un mosaico del siglo XII representando la figura de Cristo entre la Madonna y San Miniato.

3. Hoy la iglesia de este santo que llegó a Florencia cerca del año 250 y fue decapitado durante la persecución del emperador Decio, es un lugar elegido por los novios para su foto de boda.

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San Miniato al Monte Esta basílica, uno de los mejores ejemplos románicos de la Toscana, está en el Mons Fiorentinus, el lugar donde San Miniato, el primer mártir de Florencia, tenía su cueva de ermitaño. La fachada es espectacular y en el interior se siente el paso de los siglos. Se destaca una capilla construida en 1473 para un cardenal portugués, el único enterrado dentro de la basílica, aunque afuera hay un pintoresco cementerio con tumbas y bóvedas.

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1. El Mausoleo di Gala Placidia -hermana del emperador Honorio-, mundialmente famoso por sus mosaicos, los más antiguos de la villa.

2. El Battistero degli Ariani y su espléndida cúpula con el bautismo de Jesús por San Juan Bautista.

3. Basílica di San Apollinare Nuovo, construida por Teodorico el Grande.

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4. Basílica di San Vitale, uno de los templos más impactantes del arte bizantino.

Rávena y sus mosaicos Acá están los mosaicos más espectaculares del mundo y los monumentos paleocristianos y bizantinos que los albergan han sido declarados Patrimonio de la Humanidad. Estas construcciones revelan el origen antiguo de la ciudad y su papel histórico en el desarrollo italiano. Imperdibles: Basílica di San Vitale, mausoleo di Gala Placidia, Battistero degli Ariani, Basílica di San Apollinare Nuovo y el Museo Dantesco e la Tomba di Dante, el autor de La divina comedia, enterrado en Rávena.

Todo está cerca y se puede recorrer a pie en el día, aunque da para quedarse un poco más de tiempo.

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1. Camilo Aldao (h) plantó en Mendoza las 12.000 plantas de Buxus sempervivens del primer laberinto, diseñado por Randoll Coate, en 2003.

Las 3.250 plantas del veneciano se plantaron en junio de 2011.

2. Interior de la Nuova Manica Lunga, que se suma a la antigua biblioteca del monasterio, una de las más grandes de Italia.

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3. Claustros de proporciones perfectas, típico de Palladio.

San Giorgio y su Laberinto Una de las obras más destacadas de Andrea Palladio es un monasterio en la isla de San Giorgio Maggiore, en Venecia, frente a San Marcos y con estación de vaporetto. La Fundación Cini ocupa el emblemático edificio con campanile y claustros palladianos; en el último, donde los monjes benedictinos tenían un huerto medicinal, se plantó el laberinto borgiano, hermano menor del original que está en San Rafael, Mendoza.

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El Teatro del Silenzio En las afueras de Lajatico, un pueblito toscano cerca de la ciudad de Volterra, existe un lugar mágico, rodeado de colinas en la provincia de Pisa: es un anfiteatro al aire libre que cada año, entre julio y agosto, ofrece un concierto del tenor Andrea Bocelli. Y que permanece en silencio el resto del año. Se construyó para el primer concierto de Bocelli, que nació en esta localidad en 1958 y contribuyó en gran medida en su financiación.

1. En la entrada hay una piedra grabada con las palabras de Bocelli: “Esta es mi tierra, una tierra que ama el silencio como lo amo yo. Y si lo rompo con mi voz lo hago en homenaje a este lugar y a sus gentes”

2. De lejos parece una ruina etrusca pero en realidad se construyó en 2006.

3. Uno de los muchos carteles que anuncian el espectáculo.

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