D&D edición N°144

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cemento alisado. Apto para piso y paredes interiores y exteriores.

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dario

ivir con arte

e agranda la familia

La tercera edición de BADA -Boutique de Arte Directo de Artista-, la feria de arte contemporáneo de Zona Norte, se llevó a cabo a principios de octubre en Espacio Pilar Eventos. Allí tuvieron la oportunidad de exhibir sus obras artistas consagrados y emergentes. Este año, además, se coordinó un proyecto especial: Arte Orgánico-Proyecto Natural a través del cual los alumnos de los colegios de la zona fueron invitados a crear obras con pigmentos naturales junto con profesores de plástica y de química. www.directodeartista.com.ar

Susana y Vanesa Monis, madre e hija, crearon Minimissura, una línea de muebles para bebes y niños de la reconocida casa de interiorismo. Una vuelta a lo tradicional que no le teme a los detalles contemporáneos y coloridos. Este sillón mecedor de gabardina con patas de paraíso y almohadón de lino estampado es una de las tantas creaciones de Minimissura. missura.net/mini.php

na propuesta divertida

Hunter Douglas presenta su nueva colección de cortinas Roller Shadesign. Sus coloridos diseños son una buena opción a la hora de armar el cuarto de los chicos o cualquier otro espacio que se preste para una estética fresca y lúdica. Diseños geométricos, clásicos, infantiles y mucho más. www.hunterdouglas.com.ar

ápido y furioso

Correr para vivir, libro de Isabel de Estrada con fotografías de Clara de Estrada e ilustraciones de Martín Orozco, denuncia el flagelo que viven los galgos. “Hay miles de carreras clandestinas en todo el país”, cuenta Isabel. “Las apuestas son cada vez más grandes y los abusos también. Un galgo, para muchos competidores, significa solo dinero y si no está a la altura de las expectativas, es abandonado a su suerte, en el mejor de los casos”. Las ventas del libro serán destinadas a ayudar en esta causa en todo el país. www.fundacionzorba.org

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ATELIERMORALES Pintura y Dise単o

T辿cnica mixta sobre tela. 1,80m x 1,20m. A単o 2008. Obra 320

Varias obras de Mariana Morales pertenecen a coleccionistas de Argentina, Brasil, Estados Unidos, Uruguay, Espa単a y Australia.

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an simple

Bosch presentó el medidor de distancia a láser GLM 30.

Práctico, sencillo, compacto y fácil de usar, mide hasta una distancia de 30 metros en segundos, con una precisión exacta y tan solo presionando un botón. Ideal para el uso profesional, resuelve sencillamente los presupuestos con la función de suma automática. www.bosch.com.ar

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Desde 1930, Lañin ofrece productos de altísima calidad y realiza proyectos particulares y corporativos; sus muebles engalanan hoteles, embajadas y empresas. Exportan a Brasil, Uruguay, Chile, Canadá y Estados Unidos. Sus diseños se multiplican, como el de esta silla, realizada en madera de cerezo, con lustre de poliuretano y acabado brillante, tapizada en géneros superpuestos.

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tra dedicado

Julia Camargo de Mihanovich, de Nuts, sigue apostando a los diseños pensados especialmente para cada una de las ambientaciones que realiza. La atención personalizada, el atento seguimiento y el sumo cuidado al más mínimo detalle garantiza el resultado al que sus clientes, a esta altura del partido, ya están tan acostumbrados. www.nutsdesign.com.ar

F de E: Las fotos de la nota La mirada en los 60, en D&D 143, son de Xavier Verstraeten y no de Daniela Mac Adden.

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Fotografía plástica y más

El Paseo de las Artes del Palacio Duhau y galería Rubbers Internacional exhiben una exposición antológica de Carlos Gallardo (Buenos Aires, 19442008), presentada en el marco de Buenos Aires Photo 2014, que acaba de cumplir su décimo aniversario. El tiempo, la memoria y la palabra fueron parte de las preocupaciones del artista, también diseñador, dibujante, vestuarista y escenógrafo, que desarrolló su trabajo junto al coreógrafo Mauricio Wainrot. En estos trabajos se distinguen varias series, algunas dedicadas a la “fotografía plástica” -en el panorama actual de las artes visuales esta tendencia de “hacer” la fotografía tiene un inusitado protagonismo- y otras consagradas a la práctica tradicional de la fotografía. Hasta diciembre, día y noche en Park Hyatt Buenos Aires.

POR VICTORIA VERLICHAK Carlos Gallardo

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Alexandra Kehayoglou / Foto: Francisco Nocito

La luna de la cultura La próxima Noche de los Museos en Buenos Aires será el sábado 15 de noviembre. Es cuando nace la Luna de la Cultura, como llaman los organizadores -Ministerio de Cultura de la Ciudad- a esta velada donde tanto los edificios como el arte exhibido se ven distintos. El paseo nocturno suele cambiar la visión y actitud de los visitantes -en promedio, más de 800 mil- que se movilizan y concurren a uno o varios de los 180 museos y centros culturales participantes, como Fundación Proa, en La Boca. Aquí, además de las muestras Fabio Mauri y Lo Clásico en el Arte, puede verse un inusual homenaje a Julio Cortázar en la exhibición Final del juego a propósito del centenario de su nacimiento, con las intervenciones en el Espacio Contemporáneo de los artistas Alexandra Kehayoglou, Luciana Rondolini, Guillermo Rodríguez y curaduría de Laeticia Mello. El cuento Continuidad en los parques, impreso en los individuales de las mesas de Café Proa, ofrece a los espectadores la clave para desentrañar el misterio de las obras.

El gran memorialista Año de conmemoraciones, en este 2014 se cumplen también 100 años del nacimiento de Adolfo Bioy Casares, autor inolvidable de La invención de Morel (inspiración de la película El año pasado en Marienbad, de la serie Lost) entre otros textos, junto al monumental Borges, que lo muestra como un gran memorialista relator de una amistad y de un tiempo de la Argentina. En coincidencia acaba de salir a la luz una faceta desconocida del renombrado escritor: Bioy fotógrafo. El lado de la luz, con fotos seleccionadas por Daniel Martino (curador de la muestra y de su obra literaria) y desplegadas en el Hall de la Sala AB del Cultural San Martín, descubre imágenes familiares inéditas como las tomadas a su mujer -la escritora Silvina Ocampo-, a sus hijos, a Victoria Ocampo, a Borges y a otros colegas como Cortázar o Manuel Mujica Láinez, a sus amores, paisajes urbanos, vistas de su campo y de sus viajes, autorretratos como la selfie tomada en su casa de la calle Posadas.

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Foto: Daniel Merle

Sin manipulaciones Necesaria, didáctica y visual, Los 280 días es una muestra que destaca el contexto y la importancia del trabajo realizado por la CONADEP (Comisión Nacional sobre la desaparición de personas) en el Centro Cultural San Martín hace 30 años. El informe -basado en los testimonios recabados durante aquellos 280 días- fue entregado por Ernesto Sábato al entonces presidente Raúl Alfonsín (que decretó la creación de la Comisión) y dio origen al libro Nunca Más. Aquí se repasa ese período, el protagonismo de los integrantes de la comisión, videos con testimonios de los sobrevivientes y de los involucrados en el proceso de recabar información, jueces y fiscales del Juicio a las Juntas, Bioy y CONADEP se exhiben en Sarmiento 1551; lunes a domingo de 14 a 21; gratis.

Collage imaginario Puerto Quilombo es la exhibición de Sub, Cooperativa de Fotógrafos (Centro Cultural Recoleta) y además es la ciudad imaginada por Sub inspirada en las Ciudades invisibles de Italo Calvino, entendida como un collage cultural de fragmentos dispersos. El título de la muestra -quilombo, en honor a esos territorios autónomos creados por esclavos cimarrones- puede ser, incluso, un juego lingüístico en alusión al crecimiento desordenado de las ciudades. Son “mixturas que exceden lo estrictamente ‘nacional’: mercados populares, religiones paganas, arquitecturas anárquicas, tribus urbanas, colores; (…) un universo simbólico de experiencias y costumbres…”, dicen los artistas, acerca de las imágenes que tomaron en distintos países de América latina. Más allá del documentalismo, por el que son reconocidos, las imágenes de Sub capturan la poesía de la realidad.

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Atriles / Maraña

Familia

LUMINOSA En el departamento de los Morea se esconden un showroom, un taller y una oficina. Son una familia y son una empresa. Hermanas, socias, madres, padre, abuelos, pinzas, caireles, hierro, vidrio. Una verdadera maraña a la que se dedican hace 14 años creando arañas, lámparas, veladores, apliques y candelabros.

“Empezamos con la idea de hacer algo diferente y divertido en un momento en el que todo el mundo tenía las mismas cosas”, cuenta Alicia, la madre del clan, que estudió decoración pero que mientras vivió en el campo, volcó su creatividad en sus casas. Sus compañeras de equipo son sus hijas Belén y Bernie. Belén es socióloga y empezó este proyecto en paralelo con Alicia hasta que tuvo que elegir; ganó el diseño. Bernie es diseñadora de indumentaria y hace tres años se unió a Maraña aunque sigue haciendo algunos trabajos para marcas de ropa. Si bien las tres diseñan y producen, cada una tiene un papel en la dinámica de la marca. Alicia es el referente en materia de diseño sobre todo con respecto a las proporciones y los colores. Belén, con infinita humildad se define como “obrera” porque disfruta muchísimo del trabajo con las manos y se pasa horas entre alambres y pinzas. Bernie es muy buena vendedora y está a cargo de la comunicación.

Pero hay otros dos miembros que sin serlo oficialmente colaboran con el proyecto: Bárbara, otra hija-hermana, que es diseñadora gráfica y su papá, Alberto, ingeniero agrónomo que Maraña convirtió en electricista.

Alicia y Alberto viven en la misma cuadra que sus tres hijas y ellas trabajan juntas, se divierten y se elogian mutuamente durante toda la entrevista. En Maraña hay una armonía especial y por eso mismo, crecer no está entre sus prioridades en lo inmediato. “Somos una empresa muy chiquita, absolutamente familiar y queremos seguir trabajando de esta manera, es el encanto que tiene este emprendimiento”, explica Bernie.

Uno de los grandes valores que trae consigo una estructura tan chica que trabaja artesanalmente es que el cliente tiene la posibilidad de personalizar el producto. Al trabajar con piezas antiguas combinándolas con otras actuales y con colores novedosos, es muy raro que se hagan muchas piezas iguales. “Si hiciéramos todo en serie iríamos en contra de nuestra esencia, a mí me gusta que la gente tenga opciones”, precisa Alicia y Bernie agrega “nos gusta innovar e ir probando distintos materiales”. “Como la madera”, sigue Belén, “que últimamente estamos incorporando a lámparas y candelabros”.

El nombre del emprendimiento surgió de las distintas profesiones y caminos que las exploradoras recorrieron para luego encontrarse en este proyecto; del desorden, de lo inesperado; de la cantidad de piezas de bronce, hierro, cerámica y vidrio que esperan pacientes a ser convertidos en luminarias únicas, plenas de funcionalidad y buen gusto. n Texto: Sonia Diradourian

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Cartografía Personal / Federico Churba

Abrirse al

MUNDO Federico Churba es uno de los diseñadores industriales

argentinos más destacados de la actualidad. Sus muebles y luminarias han sido ponderados hasta en la Feria Federico se dedica a experimentar alternativas y variaciones de materiales, para apropiarse del mundo.

Por Natalia Iscaro Fotos: Emma Livingston

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Retrato: Emma Livingston

Internacional del Mueble de Milán. Desde su estudio,

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Mini Bio Federico Churba nació en Buenos Aires en 1976. Se graduó como diseñador industrial en la Universidad de Buenos Aires en 2001. Sus diseños se expusieron en las ferias 100% Design en Londres (2003), ICFF en New York (2004), Pitty Living en Milán (2006), y SaloneSatellite en Milán (2010 y 2011). Obtuvo el segundo premio Casa FOA Diseño de Autor (2002 y 2003), el 100% Foundation (2003), el CMD, contenedores para el mundo (2006) y el DesignReportAwardSpecialMention en Milán (2010). Actualmente dirige su propio estudio, en el que desarrolla piezas de mobiliario e iluminación para el ámbito doméstico. Para él, diseñar es abrirse al mundo y explorar sus posibilidades. www.federicochurba.com.ar

Gris Dimensión: las raíces “En marzo de 2015 se cumplen 30 años de Gris Dimensión representando lo mejor del diseño en el mundo en Buenos Aires. La tienda nació de la mano de León Churba, arquitecto y diseñador textil, y Mónica Melhem, arquitecta y quien sería su esposa.

A esa tienda llegaban los mejores ejemplos del diseño internacional, con representaciones de las mejores firmas de muebles y luminarias del mundo. Pero Gris Dimensión es más que un local o una marca, mis raíces de diseñador nacieron allí. Gris es mi referencia.”

Retrato: Emma Livingston

fCH: cerrar un círculo “fCH es mi primer local y donde hoy está mi estudio. Se ubica en el distrito Arenales, en Paraná 1172. La inauguración de la tienda, en 2012, representó un paso importante en mi intento de transmitir con mis diseños que habitar un mundo es más que ocuparlo: es hacerlo propio. Había fundado mi propio estudio en 2008, después de formar parte de diversos emprendimientos ligados al diseño, con la idea de concentrar mi trabajo en piezas ligadas al equipamiento interior. Pero fue con la apertura de fCH que el círculo se cerró y mis creaciones se volvieron al alcance de todos.

Además de nutrir mi tienda, el estudio trabaja para clientes locales e internacionales en el desarrollo de piezas de mobiliario e iluminación.”

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Cartografía Personal / Federico Churba

Florería Atlántico Bar: un momento de disfrute “Emplazado en una de las cuadras más lindas de Buenos Aires, en Arroyo 872, a este bar se entra por el local de flores que perfuma la entrada de una manera especial. Sin mampostería, tiene los caños y roturas a la vista y es un espacio con una carta de tragos impecable, además de tapeos y platos de parrilla. Tomar allí un gin tonic con amigos después de un día de trabajo, es un momento de disfrute absoluto.”

Foto: Cortesía Florería Atlántico

Galería Jorge Mara La Ruche: un montaje impecable “En Paraná 1133, la Galería Jorge Mara La Ruche es un oasis en la cuadra. Está frente a fCH, y la realidad es que ni yo mismo camino por la cuadra de mi estudio, prefiero ir por la de Mara, que siempre tiene alguna muestra para gozar. El tiene un concepto de montaje más allá de la calidad de los artistas y de la obra que cura. El trabajo que hace es impecable.”

Edificio en Suipacha y Paraguay: un hallazgo arquitectónico “Caminar por el microcentro y toparte con esta construcción de Bonet, en la esquina de Paraguay y Suipacha, es un regalo.

Estaba destinado a comercios de planta baja y ateliers de artistas en las plantas superiores. Este concepto de espacio para artistas era algo que en su momento no existía dentro de la planificación arquitectónica. El propio Bonet tenía su estudio en el último piso.”

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Diseñadora de TRANSICIÓN

Te r r y I r w i n

Durante el Encuentro Latinoamericano de Diseño organizado por la Universidad de Palermo, se realizó una gran cantidad de conferencias que analizaron distintos aspectos de una disciplina tan heterogénea como es el diseño. Digna de destacar fue la participación de Terry Irwin, quien ofreció tres ponencias sobre el tema que la desvela desde hace décadas: la interacción entre diseño, sociedad y medio ambiente.

Directora del Departamento de Diseño de la Universidad Carnegie Mellon, ubicada en Pennsylvania, diseñadora desde hace más de 40 años y docente desde hace 30, Irwin fue una de las socias fundadoras de MetaDesign, importante firma de diseño con varias sedes alrededor del mundo. Trabajó allí de 1992 a 2002, para clientes como Nike, Apple, y Nissan, entre otras, durante la época dorada de Silicon Valley. Sin embargo, “después de 10 años, quise buscar una manera de diseñar que se conectara con soluciones significativas y no que se dedicara exclusivamente a vender productos”. Dejó la compañía, vendió la mayor parte de sus pertenencias y se mudó a Devon, Inglaterra, para hacer un master en Ciencia Holística en Schumacher College.

Texto: Sonia Diradourian

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Te r r y I r w i n Luego comenzó a enseñar diseño ecológico, experiencia que la convenció de que la única manera de solucionar los grandes problemas del mundo es a través de equipos interdisciplinarios y de que el diseño tiene el poder de ser un catalizador de cambios positivos tanto en lo social como en lo ambiental.

“El diseño de transición plantea la siguiente pregunta: ¿somos capaces de visualizar un futuro al que queremos llegar? Si lo podemos hacer, lo más probable es que encontremos la forma de ir en esa dirección. En una gran ciudad es muy fácil pasar todo el tiempo en lo que yo llamo el mundo construido y olvidar la naturaleza. En general, no se sabe de dónde viene el agua que se usa, hacia dónde va la basura que se genera y cómo era originalmente el lugar en el que se vive. Es importante estrechar los vínculos intracomunitarios, apoyar a las tiendas que venden productos locales. Estamos encastrados en una red, podemos ignorarla pero vivimos dentro de ella”, explica. “Siempre le decimos a nuestros alumnos que los estamos preparando para trabajar en las firmas más importantes. Lo que queremos es que impulsen el cambio dentro de ellas y que las alienten a ser buenas ciudadanas a nivel local, regional e internacional”, precisa.

Es que, según la tesis de Irwin, todos los problemas del siglo XXI se relacionan, de una manera u otra, con el diseño. “Los problemas denominados retorcidos tales como la pobreza, la contaminación, la disminución de los recursos naturales, el terrorismo y el cambio climático son complejos, tienen múltiples facetas, distintos accionistas con intenciones opuestas, están conectados entre sí y no existe una única solución para resolverlos. Su opuesto es un problema sosegado, un ejemplo podría ser el diseño de algo simple, como un par de zapatillas. Sin embargo, si se expande su contexto hasta incluir conflictos sociales, entonces deja de ser un problema sosegado. Si nos preguntamos por las condiciones en las que trabajan las personas que fabrican

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las zapatillas, si el empresario a cargo es un buen ciudadano de la comunidad local, si se tiene en cuenta el factor medioambiental, habremos llegado a formular un problema retorcido”, explica.

Con respecto a la tecnología y su papel en el proceso de diseño, Irwin asegura: “Hubo más cambios durante los últimos 15 años que en cualquier momento de la historia del diseño. Cuando me convertí en diseñadora no había computadoras; en cambio, la mayoría de mis alumnos crecieron junto a ellas.

La tecnología está cambiando tan rápidamente que supone una conciencia cognitiva diferente. Mis alumnos se adaptan a los cambios fácilmente, no tengo que preocuparme por ellos, a mí es a la que le cuesta. Pero sí me preocupa que en la era de Twitter, el nivel de concentración es menor y más su-

“El diseño de transición plantea la siguiente pregunta: ¿somos capaces de visualizar un futuro al que queremos llegar? Si lo podemos hacer, lo más probable es que encontremos la forma de ir en esa dirección”. T.I. perficial. Mis alumnos ya no pueden escribir bien y les cuesta formular un argumento convincente, que a la hora de hablar sobre sustentabilidad y cómo solucionar problemas retorcidos es muy importante.

Por eso nuestro lema en la universidad es “Pencils before pixels” (lápices antes que pixeles). Hay que volver a las bases y conectar el diseño con la palabra escrita”, concluye. Y deja pensando.

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Preguntas Picantes / Gloria CĂŠsar

LA REINA

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Por Nina Segura Retrato para fotomontaje: Emma Livingston

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quién admirás en materia de diseño & decoración y por qué?

En mi especialidad que es el armado de fiestas, admiro a muchos extranjeros, algunos no están más por estos pagos, como Leonardo da Vinci, que hizo las fiestas más magníficas jamás imaginadas; a Battel, que se suicidó porque le llegó tarde el pescado para la fiesta en honor de Luis XIV; y a Pierre Celeyron, que me enseñó mucho de lo que sé de este oficio. De los vivos me encantan David Stark, Simon Doonan, Alexandre de Betak, Jung Lee, Van Vliet & Trap, Vic Meirelles, Rebeca Lee, Shane Connelly, Daniel Ost, etc. Y en Argentina, Gerardo Acevedo, Isabel Firmin Didot, Francis Mallmann.

A todos ellos los admiro por su generosidad con la vida y la profesión, su entrega, su locura, sus ganas de hacer, de empezar de cero cada vez, su pasión, su creatividad, su desmesura y su intensidad. ¿Cuáles son los mayores vicios de los argentinos al poner una casa?

La falta de originalidad, la copia de las casas de otros, la repetición de la foto de una revista, la falta de cultura, la “ombliguitud”, el estereotipo; todo eso viene de una cabeza miedosa del qué dirán. Las monjas nos decían que eso se llamaba “respeto humano”, que suena rarísimo, era hacer algo en función de lo que piensen los demás, no de lo que uno quiere o siente que está bien. ¿Y al pensar una fiesta?

La necesidad de competir con las fiestas de los otros. Es horrible pero en muchos casos es así. Para mí la fiesta es otra cosa: es soñar despiertos, compartir sensaciones únicas,

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sentir la felicidad de perder el sentido de la brevedad de la existencia, crear recuerdos inolvidables, agregarle a la vida los sueños, besar, bailar, abrazarse, rodar por el piso o por el aire, entusiasmarse, invadir los terrenos de la alegría, desbocarse, cantar, creer por un instante que la vida es siempre así, enloquecer sin necesitar de ser internado, perder las inhibiciones que nos atan a la rutina, descubrir amores y mundos paralelos, confiar en todos, creer que todos podemos ser amigos, aflojar las diferencias, crear similitudes, destrabar el cuerpo, sacudirlo, sentirse partícipe uno en todos y todos en uno; es fluir sin miedo, salir de la trampa abrumadora del destino, distraer al tiempo de su inexorable camino hacia la nada, conectar, dejarse envolver por el instante, el instante eterno de la poesía. Festejar, como el arte, es unir en una obra efímera -como toda obra si se observa desde la perspectiva del infinito universo– la naturaleza y la historia, la naturaleza humana y el tiempo de su vida. ¿Alguna gaffe que recuerdes con horror o que, desde la perspectiva de hoy, te cause gracia?

Para un casamiento en una capilla 150 velas en el altar, las prendimos un rato antes para un ensayo que hizo la novia, alguien las apagó y cuando entró la novia estaban todas sin fuego. Me quise morir en ese momento porque no había solución. Por suerte muchos no se dieron cuenta.

Otra vez una novia me dijo que pusiera cualquier color menos lila en su casamiento, a mí me quedó la palabra lila en la cabeza y compré todas flores lilas, le hice un casamiento lila. La novia fue tan divina que me dijo Te juro que desde hoy adoro el lila porque esta todo fabuloso. Zafé. Soy distraída, lo reconozco casi como una virtud, porque me permite pensar en otras cosas de las que no son tan intrascendentes.

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Preguntas Picantes / Gloria César

¿Hay algún trabajo del que te hayas arrepentido?

No me arrepiento de ningún trabajo que haya hecho, pero sí me arrepiento de los que no hice por no hacer a tiempo los presupuestos, que en realidad son proyectos, aunque a los clientes les guste llamarlos presupuestos. Y que dan un trabajo bárbaro si querés hacer algo inspirado y creativo. Lo que pasa es que no se hacer sándwiches de jamón y queso, me gustan originales y para hacer sándwiches diferentes tenés que imaginarlos y buscar los ingredientes, averiguar los precios y eso toma un tiempo. Si alguien quiere de jamón y queso los puede comprar en La Exposición o Santa Paula que son excelentes panaderías. ¿Algún vicio irritante que sea típico de tus colegas?

Mirar al costado, criticar a los colegas, estar pendiente de lo que hacen los demás. Pierden un tiempo maravilloso en el que se pueden descubrir cosas nuevas y hacer diseños más creativos. Además se generan climas desagradables e incómodos al divino botón. A mí me encanta compartir trabajos con colegas y me encantaría que se generalice. Uno aprende y se divierte tanto que es increíble. ¿Qué es lo peor que te puede decir o pedir un cliente?

Que no sea honesto, que haga trampa, que apriete a los proveedores para que bajen los precios, que pretenda que la obra sea más barata a costa de pagar mal a los que trabajan en ella. Que quiera tal o cual cosa para que lo de él o ella supere a otro amigo o para parecer importante. Que le importe la fiesta o la casa o la oficina para ostentar, no para disfrutar con los demás sino como herramienta de demostración de poder ser más que el otro.

Si pudieras diseñar al cliente ideal, ¿cómo sería?

Sería ante todo generoso consigo mismo y los que lo rodean, deseoso de compartir lo suyo

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con sus amigos, enérgico, creativo, proactivo, decidido, elegante, despampanante, un poco delirante, buena persona, aventurero, confiado, serio profesionalmente, visionario, actualizado y cultísimo. Tuve, por suerte muchos así, entre ellos Juan Larreta y su mujer María Elisa, Diego Alzaga, Mónica Mayer Wolf, mi tía Amalita, Nora Hojman, Nelly Blaquier y tantos otros que suman una lista encantadora y larguísima.

De esta ciudad o de otras, ¿a qué monumento, plaza, edificio o espacio público o privado, le cambiarías algo o demolerías?

El monumento a Vittorio Emannuel II en Roma.

El monumento a los Españoles porque parece una torta de casamiento. Todas las torres de la punta de Punta del Este, todas las casitas a la izquierda de la ruta desde el club de polo Medelín hasta el puente de la laguna de José Ignacio. El edificio de Norman Foster en Londres que arruinó la imagen de esa divina ciudad con un supositorio azul a rayas.

Si trabajaras en planeamiento urbano, ¿cuál sería tu primera medida?

Ocuparme de las villas miseria seriamente.

Trataría de convertirlas en espacios humanos donde se respeten los derechos del hombre en su sentido más amplio. ¿De qué proyecto realizado te hubiera gustado ser el autor?

Del Panteón de Agripa, del Palacio de Knossos, de la Villa de Adriano, del Disney Hall en Los Angeles, del cafe Greco, del cafe Florian, de San Ivo a la Sapienza, la Piazza del Campidoglio, etc., etc., etc.

Modestia aparte, ¿tu mejor obra hasta el presente?

No tengo una mejor obra, tengo obras que le dieron alegría a mis clientes, que respondieron a sus necesidades y cada una debe ser la mejor obra para ellos. La mejor obra es la que deja feliz a quien la encargó, y por suerte de esas tengo montones. n

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editorial “Y todos los espacios de nuestras soledades pasadas, los espacios donde hemos sufrido de la soledad o gozado de ella, donde la hemos deseado o la hemos comprometido, son en nosotros imborrables.” “…si nos preguntaran cuál es el beneficio más precioso de la casa, diríamos: la casa alberga el ensueño, la casa protege al soñador, la casa nos permite soñar en paz.”

ecordamos la casa natal y nos situamos en lo que fuera ese pequeño mundo de olores, sensaciones y materiales de nuestro origen, ese primitivo espacio propio que impregnará toda nuestra vida.

Pero, ¿cuáles son nuestros sueños a la hora de pensar un nuevo hogar, ahora que ya no somos niños? ¿Qué conceptos, estereotipos o modas, nos guían a la hora de diagramar nuestra casa? ¿Para quién la construimos?

En uno de los últimos videos que nos llegan desde las redes sociales a D&D, nos detuvimos en Ricardo Bofill, un arquitecto posmodernista español que habla de “la apariencia del lujo”. Dice: “El lujo está en el espacio, en la manera de vivir, pero no está en tener un objeto de oro o pintar una fachada de oro”. Desde su casa en lo que fuera una antigua fábrica abandonada, nos muestra espacios amplios y techos infinitos, pero –afirma con convicción- todos con un fin específico, organizados en función de actividades mentales y psicológicas: un laberinto donde cada quien puede vivir como quiera.

Los profesionales que piensan el espacio –arquitectos, interioristas, paisajistas–, tienen cada vez más presente la arquitectura sostenible, que aborda esos lugares de manera responsable y en sintonía con un mundo cada vez más complejo. La ecología ya es condición necesaria a la hora de proyectar una casa. Y tal vez el trabajo más profundo sea conciliar esa conciencia con el deseo más íntimo, que atiende a la memoria y a los deseos propios. Una dialéctica entre el yo y el universo para soñar esa casa o la que, como a la de nuestra infancia, siempre regresamos.

Virginia Braun

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FOTO: DANIELA MAC ADDEN.

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La poética del espacio, Gaston Bachelard

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COMO EN EL CAMPO T EXTO: D É BORA CAMP OS

FOTOS : A R Q. DANI ELA MAC ADDEN

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En el acceso, una extensa banqueta tapizada en género a rayas aparece acompañada por una colección de seis dibujos de Roberto Aizenberg. Enfrente, mesa hecha con caballetes sobre la que fue dispuesta una colección de bustos. Inconfundibles las dos obras de Nicolás García Uriburu.

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Un par de mesas bajas de madera alineadas con la chimenea y la obra de Luis Felipe Noé señalan el eje central del living. Dos sofás enormes tapizados en gris, dos sillones individuales y cuatro lámparas Tolomeo integran un conjunto de estricta simetría.

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UN VENTANAL VERTICAL DE DOBLE ALTURA INUNDA DE LUZ NATURAL TODO EL TRAYECTO DE LA ESCALERA, CON UNA ESCULTURA DE V. ROSELLI EN EL DESCANSO.

El comedor se armó con una mesa redonda -pies de hierro y tapa de madera- y un juego de sillas con fundas en dos colores. Los cortinados claros matizan la luz. Junto a la ventana, dibujos en lápiz de García Uriburu.

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ay oposiciones que, cuando son desafiadas por personalidades audaces y posibilidades especiales, se revelan más frágiles de lo que parece a primera vista. Es lo que sucede con la tensión entre lo rural y lo urbano. “Buscábamos salir de la ciudad y acercarnos más al campo”, explica la dueña de casa y enuncia, tal vez, el sueño de muchos.

Hoy evoca ese plan desde su rincón bucólico distante apenas veintipico de kilómetros del centro de Buenos Aires, detrás de la cortina verde que forman robles centenarios y El comedor diario, un espacio una prolífica huerta.

100% familiar, se abre hacia “Si bien estamos cerca de la ciudad, cada vez que nos movemos al centro senti- el parque gracias a un generoso bow-window que mos que solo hacemos una escapada. Porque nuestro espacio es este lugar, al que lo integra con el exterior. El volvemos y en el que vivimos como si estuviéramos siempre de vacaciones en el cuadro es de Blanca I. Alvarez de Toledo. En la campo, con este entorno natural y la chimenea prendida para recibirnos”. barra, banquetas de Santo. Íntegramente diseñada por la dueña de casa, la cocina combina la funcionalidad necesaria con una identidad acogedora y femenina. Los muebles bajomesada en vidrio repartido se proyectan en toda la pared lateral e incluso sobre el marco de la ventana y contrastan con la mesada en madera oscura.

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n efecto, hay dicotomías que son solo aparentes. Pero para descubrirles las fisuras, son necesarios esfuerzo y paciencia. “Llegamos hace dos años con nuestro sueño de habitar una casa eternamente veraniega. Y aquí pudimos construirla”.

Con algunas intervenciones arquitectónicas, la casa y su gran jardín se adecuaron no solo a las necesidades de un matrimonio y sus hijos, sino también a la búsqueda de un cambio radical de vida. Así, algunos espacios interiores fueron íntegramente reformulados Todo es luz en la suite mientras que el parque fue abordado por el estudio de paisajismo de Martina Barzi principal, con una caja blanca y neta y un y Josefina Casares. enorme ventanal que Quizás la síntesis –declaración de principios y manifiesto personal– sea un cactus capitaliza la vista del pintado por Nicolás García Uriburu especialmente para dar la bienvenida desde el jardín. Sobre la cama y el sillón, óleos de hall de acceso a la casa. Como la familia en cuestión, aquí él también encontró su Octavio Pinto y de Burgoa Videla. hábitat perfecto. n

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SOBRE UNA MULLIDA ALFOMBRA DE LANA, EL BALDAQUINO DE LA CAMA RETOMA EL TONO OFF-WHITE Y LA SENSACIÓN EFÍMERA.

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La casa incluye una construcción separada para recibir huéspedes y agasajarlos con la intimidad y el confort ideales. “Este espacio se pensó, sobre todo, para los amigos de los chicos; por eso su estilo juvenil y lúdico”, explica la dueña de casa. Mesas y diversos rincones invitan a disfrutar del juego y la charla. Los colores: el del cemento alisado en piso, sillones y cortinas; y los tonos cálidos de la madera.

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A mitad de camino entre jardín de invierno y espacio de trabajo, esta estructura de hierro y vidrio se levanta en un rincón del jardín ganando un discreto protagonismo. Toques de color en los marcos de puerta y ventanas. Adentro, sobre la gran mesa de madera, dos lámparas de mimbre pintadas de colorado continúan el juego cromático.

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BAJO ROBLES CENTENARIOS EN EL PARQUE DISEÑADO POR EL ESTUDIO BARZI-CASARES, UN RINCÓN PARA EL DISFRUTE CON EL SELLO DE MARÍA VICTORIA DE LAS CARRERAS.

Las intervenciones arquitectónicas incluyeron una serie de pérgolas que generaron espacios cubiertos y semi-cubiertos en un camino de transición entre la casa, la pileta y el jardín. Las especies altas de los canteros delimitan cierta intimidad.

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Neoyorkino en

Londres TEXTO: D E B ORA CA MP OS FOTOS: CA RLOS D OMI N GUE Z

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Una silla Tokyo Pop, de Driade; un jarr贸n de lirios; y una obra de Terry Frost conforman una llamativa naturaleza muerta (apertura).

Los muebles del living incluyen un sof谩 en L, sillas Barcelona y mesa de Mies van der Rohe y una pintura abstracta de John Paul.

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spacio, luz, atmósfera, diseño. Esas eran las premisas. Claras y contundentes desde el comienzo, guiaron una búsqueda atípica. Desde la margen izquierda del Atlántico, en la ciudad de Nueva York, este cliente soñaba con un espacio londinense de características industriales en el que cual pudiera reproducir su estilo de vida en el SoHo norteamericano.

Así dio con un ático de 276 metros en la zona de Shepherds Walk en el que podía integrar la vida doméstica y las ocupaciones profesionales. Las tareas de acondicionamiento priorizaron la necesidad de mantener el espacio lo más abierto y ligero posible. Para eso, las situaciones que requerían de intimidad fueron trazadas a partir de la utilización de una serie de paneles corredizos de metacrilato arenado. Así, el loft conserva sus dimensiones y cierta esencia indivisible.

De este modo, a medida que uno se acerca a la puerta de acceso, es recibido por una perspectiva ininterrumpida que apenas enmarcan las grandes puertas de la fábrica Crittal originales que conducen desde el pasillo hasta el salón principal.

La decoración es casi etérea: pocas piezas y de líneas sencillas: una silla Tokyo Pop, de Driade por aquí, un par de sillas Barcelona, de Mies van der Rohe, por allá. Algunos cuadros de artistas contemporáneos y el resto es el blanco que alcanza a cada sector de la caja unificándolo todo en una amable calma sensorial. n

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Mientras vivía en Nueva York, el propietario emprendió al otro lado del océano la búsqueda de un espacio de características industriales que le permitiera recrear un estilo de vida similar al del SoHo neoyorkino, en pleno corazón de Londres.

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Espacio, luz, atmósfera, diseño.

Esas cuatro palabras definen la esencia del proyecto de recuperación de este predio londinense. Habilitar la posibilidad de vivir y trabajar en el mismo espacio también fue determinante para el proyecto.

En todo el loft los tablones de madera en los pisos y las vigas de acero pintados en blanco permiten conservar el carácter industrial del edificio, aunque alivianando un poco su presencia. El comedor fue ambientado con una mesa de cristal y acero un juego de sillas igualmente etéreo.

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Discretamente situados detrás de los paneles corredizos de metacrilato, el dormitorio y el baño.

En la decoración se destaca la silla Scandinavia (una de un par existente en la vivienda), la manta de pelo de caballo y la minimalista obra de Trevor Sutton titulada Flowers East.

Unas pantallas corredizas de metacrilato arenado permiten separar el dormitorio principal del gran salón creando un espacio íntimo a partir de un elemento liviano. “Era importante para el dueño de casa mantener el ático lo más abierto y ligero posible”, explican los responsables del proyecto.

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Todos los matices TEXTO: DÉBORA CAMP OS FOTOS: XAVI ER VERSTRAE TE N

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arias razones definieron la compra de esta propiedad: la zona de Palermo donde se encuentra; los trazos de los años´40 que aún la definen; las dimensiones del edificio, que con sus doce unidades genera una cercanía entre los vecinos. “Sin embargo, lo determinante fue que el departamento estuviera en muy malas condiciones, lo cual nos daba la oportunidad de reformarlo totalmente”, rememoran sus dueños actuales. Y es que, lo que para algunos es inconveniente, en esta historia fue ventaja.

El flamante propietario llevaba casi dos décadas viviendo entre Madrid y Roma. Los cambios fueron drásticos, la planta se desperezó, acomodándose a una coreografía audaz: se derribaron paredes, se reunieron antiguos ambientes, desaparecieron baños y surgieron dormitorios inesperados. “Además, se reemplazaron todas las aberturas generando enormes ventanales y, como no se pudo recuperar el parquet original, se decidió cambiarlo por mármol en todos los pisos”, apuntan.

“En cuanto a la decoración, sabemos que es bastante particular. Hay una fusión de varios estilos, con una gran influencia asiática. Sucede que un lugar monótono nos parece aburrido y por eso elegimos el color –que nos acerca a la naturaleza– y el diseño por sobre todas las cosas”. En esa línea, se priorizaron los muebles que cuentan una historia, que tienen personalidad, con verdadera indiferencia hacia las modas. n

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Orientalismo Para el comedor se opt贸 por una mesa oriental laqueda y un juego de sillas indonesas hechas en hojas de banano.

Un obi (cintur贸n que se utiliza en los kimonos) cumple aqu铆 las funciones de camino. Copas de cristal de Baccarat y vajilla pintada a mano y llegada de Izmir, Turqu铆a.

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Ecléctico En el baño, de inspiración marroquí, araña comprada en El Rastro de Madrid y grifería Axor, de Hansgrohe. Mueble asiático transformado en vanitory y espejo indonés tallado a mano. En la habitación principal la cama se dispuso debajo de un óleo de aves pintado por el dueño de casa. Alfombra turca de seda de Estambul, cómoda y mesa de luz francesas del Mercado de Pulgas y serie de seis retratos de Sultanes del Imperio Otomano.

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A L E STI LO DE

C RISTIAN MOHA DED “El estilo debería reflejar una forma singular de pensar el mundo”.

Jean Nouvel en diálogo con Jean Baudrillard en Los objetos singulares. Arquitectura y filosofía

TEXTO: SOL DEL L E P I A N E A . R E TR ATO: E MMA L I V I N G STON

PRESENTE La primera vez que D&D publicó el nombre de Cristian Mohaded fue a mediados del año 2008. Con él Gastón Girod, arquitecto, diseñador y docente, inauguraba una columna sobre jóvenes promesas en los temas de su especialidad. El potencial que Gastón supo ver en este chico recién llegado del interior, entusiasta y voluntarioso, se fue desenrollando como lo hacen las cosas irreversibles, las que tienen que ser. Hoy, con un portfolio nutrido, una agenda de clientes que trasciende las fronteras y su figura de autor multiplicada en varios proyectos simultáneos, Cristian merece que volvamos a hacer foco en su obra. Todavía joven, ya es mucho más que una promesa.

A Mohaded hace tiempo que empezó a pasarle lo que a todas luces es el sueño del diseñador: ser convocado por diferentes profesionales y marcas para desarrollar producto con su propia firma. Estos días lo encuentran repartido entre su estudio en el barrio porteño de Caballito, su Catamarca natal y Córdoba, donde ultima detalles en un proyecto de hotelería. Ya es la segunda intervención de Cristian en obras del mismo arquitecto, José Lorenzo, que lo invita a aportar una mirada fresca en el interiorismo de sus emprendimientos, y a dejar su impronta a través de algunas piezas de mobiliario.

La lista de los trabajos en danza es kilométrica. Una línea de alfombras inspirada en mallas trisimensionales que diseñó para El Espartano. Una colección de objetos de decoración para la marca VacaValiente, diestra

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como pocas en el trabajo con cuero. Una serie de lámparas para la empresa cordobesa Fog Concept en base a un material muy poco explorado, el Tyvek –la primera parte de la colección, denominada Bonaparte, se presentó en PuroDiseño, y ahora se encuentra en instancia de maqueta la segunda, bautizada Tokio–.

Además, está involucrado en un desarrollo de marca para la tienda Ravanal y, en tándem con Gabi Lopez y Mónica Kucher, en el prototipo de un sillón. Alfred Fellinger, Martín Zanotti y Julio Oropel son otros de los profesionales que lo han invitado a participar de diferentes espacios y proyectos en tiempos recientes.

Y esto no es todo. Desde el año pasado, Cristian integra el codiciado elenco de diseñadores que crean material exclusivo para la compañía francesa Roche Bobois. El acuerdo comenzó con unas lámparas de caño súper minimalistas que fueron lanzadas en la última Feria de Milán y en la Design Week de Nueva York; y este octubre salen al mercado luminarias nuevas, mesas bajas, espejos y unos floreros de gran tamaño, todo bajo el sello de esta mega productora de diseño que hace de la alianza con creativos afamados un modus operandi.

Hay más. Hace varios meses, Mohaded fue convocado por el sello local Voilà –de Eduardo Aldacour y María Garzón Maceda– para que diseñara los productos de la colección Simbol (ver nota en esta misma edición). Las mesas y lámparas que resultaron de esta cooperación se realizan a base de un yuyo que –nada es casual– crece en la estepa catamarqueña. La cuna de Cristian.

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RECREO

Cuencos Alfred.

Mohaded nació hace 34 años en Recreo, ciudad del sudeste de la provincia de Catamarca. El nombre fue lo que quedó de la antigua denominación –Recreo de las Carretas–, en obvia alusión a ser zona de descanso en una ruta, presumiblemente una de las que unía el Río de la Plata con el Alto Perú. El camino pedregoso, la polvareda que levantan los caballos, quizás también el sol ardiente del Norte y el fresco del árbol elegido para el reposo; todo eso llega como en ecos con el nombre del poblado devenido urbe, en esos viajes a los que nos tienen acostumbrados las palabras.

Allí en Recreo la infancia de Cristian BREVES transcurrió sin estridencias: “Me dicen • UN MATERIAL: madera que la simpleza y la • UN COLOR: rojo

• UNA TEXTURA: algodón 1 Colección Simbol para Voilà.

(el capullo) • UNA PALABRA: paz • UN SIGLO: XX • UN MUEBLE: silla • UN PAISAJE: atardecer en la playa de Ipanema • UNA CIUDAD: París • UN RINCÓN DE BUENOS AIRES: los bosques de Palermo • UN MUSEO: el Guggenheim de Bilbao y el Niteroi de Niemeier: un sueño • UN MAESTRO: Ricardo Blanco • UN ÁRBOL: el paraíso • UN ARTE: pintura • UN LIBRO: El sistema de los objetos, de Jean Baudrillard • UN DIRECTOR DE CINE:

Lars von Trier

• EL ARTISTA DEL SIGLO XX: Picasso • EL ENCARGO SOÑADO: que Patrizia Moroso me llame para hacer algo • LA ESTÉTICA CM EN UNA PALABRA: blanco

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sensibilidad de los productos que hago tienen que ver con la simplicidad con que fui criado. Si es así, espero nunca perderlo. Sería trágico”.

Evocar la niñez es volver a largas tardes de dibujo con su hermano mayor, los crayones y papeles desplegados en el suelo mientras su abuela se rebelaba al mandato milenario de la siesta y hacía lo propio desde un atril. “Mi abuela pintaba paisajes y usaba los colores de un modo muy peculiar. Teníamos tele pero no todo este acceso a la tecnología que hay hoy.

Siempre fui muy observador. Podía quedarme un buen rato mirando cuántas vueltas daba un tornillo, cuántas veces giraba en sí hasta meterse adentro de otra cosa. Todavía soy de observar mucho esas situaciones: la composición de las rejas de una casa, las ventanas, las proporciones. Lo macro y lo micro.

Cuando voy a exposiciones de arte también miro eso.

No sé de escuelas, técnicas ni nombres. Busco la composición, la luz, el material, un color y lo que eso te genera. Mi mirada va por otro lado. Me gusta descontextualizar el arte para ver otras cosas”.

MIRADAS Entre lo telúrico y lo industrial; entre la imaginación infinita a la que obliga la limitación de recursos y el abanico tecnológico al servicio de la creación; entre el pueblo natal y la vidriera del diseño global, Cristian Mohaded ha aprendido a ir y venir, a entrar y salir, también a combinar. Junto con su evidente talento innato, esta gimnasia para la alternancia ha pasado a integrar su capital más valioso.

La ciudad de Córdoba funcionó como una de las primeras bisagras en esta historia de opuestos. A ella recurrió por proximidad geográfica para encarar su formación universitaria. “Me inscribí en la Universidad Nacional de Córdoba en Arquitectura, que me gustaba. Pero vi algunas cosas de Diseño que me interesaron y cambié de plan. La verdad es que no me iba muy bien en los primeros años… . Es más, diría que hasta 3º año, no entendía nada. El sueño de mis compañeros era hacer autos. Y las chicas buscaban una mínima formación para hacer diseño de indumentaria, que en ese momento no había en la Facultad.

Estaba a punto de dejar cuando me tocó de profesor José María Aguirre. El me mostró otra mirada, que el

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Reversión Silla Twist de Ricardo Blanco.

diseño pasaba por un lugar más conceptual; me hizo ver la parte más sensible de esta profesión”.

En la etapa que comenzaba, Mohaded iba a descubrir que la disciplina que había elegido trasciende lo utilitario. “Hay una función que el producto debe cumplir, pero también hay una comunicación; tiene que transmitir algo”, reflexiona.

“En cuarto año, me fui unos meses a Europa. Cuando volví, con una compañera hicimos la tesis: un proyecto medio futurista de audioguías para museos. Era salirse un poco del típico producto: allá todos hacían máquinas agrícolas y camas para odontología, con las que yo no me siento cómodo. Tengo afinidad con otras cosas…”, remata entre resignado y divertido.

La etapa universitaria dio pie a numerosos concursos y Cristian, ya sin vacilaciones de que lo suyo era diseñar, aprovechó cada una de las oportunidades que se le presentaron. “En la mayoría me fue bien y eso me permitió venir bastante a Buenos Aires. En esa época lo conocí a Ricardo Blanco, casi un padrino para mí porque como jurado de los concursos, me hacía devoluciones que me enseñaron mucho. Me gusta escuchar lo que otras personas dicen sobre mi trabajo. El producto se enriquece”.

A los 27 años (meses más, meses menos, de aquella primera publicación en D&D) Cristian –una mochila con su computadora por todo equipaje– se instaló en la ciudad capital. Un par de piezas que había expuesto

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Silla Once.

en una muestra en Buenos Aires Design le habían gustado a las personas indicadas y él conseguía su primer trabajo. “Fue para la empresa Solantú, que me permitió entender lo que era producir. Además claro de conocer Buenos Aires, de la que yo solo tenía La Rural y la Recoleta –el circuito de exposiciones–. Al tiempo empecé a trabajar con los chicos de La Feliz y también con los ingenieros de Pragmat, que hacen cartelería y publicidad y con los que sigo vinculado”.

Cuenco Cabeza.

PSICOLOGÍA DE LOS MATERIALES Después del aprendizaje formal en la Academia había llegado el entrenamiento empírico que los manuales no enseñan pero los talleres y la calle, sí. La sociedad con La Feliz no fue perfecta ni eterna; pero mientras duró, Mohaded se nutrió del know-how comercial de Patricio Lix-Klett y a la vez aportó agilidad de resolución en materia de diseño: Win-Win. “Una vez en una charla dije que yo siento que me posiciono como un psicólogo del material. Todos se rieron. Pero es así: al material hay que entenderlo, hay que ser empático, saber cuáles son sus cosas buenas,

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ver cómo resolverle los puntos flojos. Mi papel es escucharlo y entender que todos tienen diferentes características y procesos. No podés pretender que la madera te resuelva algo que resuelve el metal. Y no hablo solo desde lo físico, sino también desde la sen-

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¿CÓMO DEFINIRÍAS A LA BELLEZA?

La belleza es lo que uno quiere ver. Para mí alguien es bello cuando cumple con lo que uno quiere ver. Depende del que mira. Y la belleza es neta, es simple. ¿QUÉ NO FALTA NUNCA EN UN DISEÑO TUYO?

El detalle. Creo en los gestos. Las formas están todas creadas, todo pasa por cómo uno las maneja y relaciona; qué acento le pone. Y creo que eso es justamente el detalle. ¿TRABAJÁS EN EQUIPO?

Me gusta mucho. Creo en la sinergia. Soy de trabajar en soledad en el momento de buscar el concepto fuerte del proyecto. Pero después, en el proceso de desarrollo, necesito el feedback constante ya sea del cliente o del par con el que estoy trabajando. ¿CÓMO TE SITUÁS EN RELACIÓN A LAS TENDENCIAS?

Indiferente. Creo en mi propia evolución. ¿CUÁL ES EL MOVIMIENTO ARTÍSTICO MÁS IMPORTANTE DE LA HISTORIA?

Me gusta muchísimo el cubismo, los elementos geométricos, ese tipo de línea. ¿CREÉS EN UN DISEÑO CON IDENTIDAD ARGENTINA?

Creo que para que el diseño argentino tenga una identidad falta muchísimo y que cuando se dé, va a pasar más por la forma de pensar y diseñar las cosas, por el recurso. El diseñador argentino 3 tiene esta cuestión de resolver desde lo que tiene a su alcance y no, soñar con una cosa utópica sino diseñar todo el proceso, hasta la forma en que el producto se va a vender. Eso es positivo.

La Argentina forma diseñadores que son hasta sus propios fotógrafos. Uno se da maña.

sibilidad, de lo que cada material te transmite. Me gusta, entonces, entender a los materiales pero desde otro ángulo; en vuelta de tuerca de lo obvio”.

“Un día le propuse a Ricardo Blanco hacer una reinterpretación de la silla Twist, un clásico suyo. Me dejó. La presenté en la Galería de arte y diseño Serge Benzimon de París y les gustó. Ellos hicieron una serie limitada de 12 unidades, que se vendieron todas.

Cuando estaba exhibida, se acercó a la galería una señora que resultó ser curadora del Museo de Arte Decorativo de París, una de las colecciones de diseño más importantes a nivel internacional. Hace un mes me mandaron notificación de que la silla iba a ser incorporada a la colección del Museo: es el primer producto de diseño argentino en entrar”.

Su estudio no es grande pero a Cristian la situación de entrepiso y la luz que entra a raudales, le encantan.

“Ahí tengo las herramientas para dibujar, pegar, cortar. Necesito hacer dibujos, colgarlos en la pared, analizarlos, volverlos a analizar; estar empapado de las cosas; tener las muestras de los materiales ahí conmigo para ir comprendiéndolos…”.

La empatía tiene efectos insospechados. Dicen que vuelve posibles todo tipo de transformaciones, como que objetos inanimados se carguen de alma. n Lámpara Mini Volta de mesa.

¿TENÉS REFERENTES EN DISEÑO A NIVEL INTERNACIONAL?

Me gustan mucho los Campana, que son carnavalescos y resuelven con goma Eva y, en contraposición, los Bouroullec, franceses, que son limpios, sofisticados, con un manejo de la estética, las proporciones y el color, increíbles. También Patricia Urquiola, que me dio el premio cuando gané un concurso para De Padova.

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PATIO CENTRAL Arq. Julia Daruich Bouvier Arq. Juliana Zorza Medalla de Plata Paisajismo

BAÑO PÚBLICO CABALLEROS - ROCA Arq. Augusto Castignani Arq. Esteban López

FOA 2014

En el magnífico claustro de la Abadía de San Benito de Palermo -un clásico de Belgrano- transcurre hasta el 16 de noviembre una nueva edición de Casa FOA, la exposición de arquitectura, industria, diseño interior y paisajismo creada por iniciativa de la recordada Mercedes Malbrán de Campos.

Aquí, una selección de espacios que vale la pena recorrer.

FOTOS : A R Q. DANI ELA MAC ADDEN

COMEDOR Arq. Javier Iturrioz

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A

De izquierda a derecha, Roxana Punta Alvarez, María Zunino, Miguel Bornstein, Eduardo Aldacour, Gaby Lopez, Moira Golberger de MP, Javier Iturrioz, Julio Oropel, Ernestina Anchorena, Paula de Elía y Martín Zanotti. ¡Gracias a todos por su talento!

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ESPACIO CETOL Arq. Julio Oropel Medalla de Plata y Premio Buenos Aires Design

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EL CUARTO DE NINA Sergio Muchnik & Dash Design Team Con un cuadro de Mariana Guerrero Premio Alba Vení al color

AUDITORIO MASISA Arq. Jorge Muradas Eliana Elesgaray Medalla de Oro. Apliques de Iluminación Agüero 4

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STUDIO PARA TUPPERWARE Arq. Marysol Kraviez Arq. Valeria Matayoshi Arq. Alexia Barousse Mención Especial a la Arquitectura y Diseño de Interiores. Cortinas de Gunter Dillenberger.

BAÑO PÚBLICO ROCA Renata Gilli Faudin María Jimena Vicario Silvia Mariel Acuña Premio a la mejor exhibición de baño

LOFT Arq. Flavio Domínguez Segunda Mención a la Arquitectura y Diseño de Interiores 5

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HALL Matty Costa Paz Premio a la mejor intervenci贸n en espacios comunes 6

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PAISAJISMO PARA AYSA Ing. Agr. Marta Carena Florencia Calvella Verónica Lozano Menciones al Paisajismo y Alba Vení al color

LIVING PARA SUPERVIELLE Arq. Juan Alvarez Morales Arq. Andrés Levy Primera Mención a la Arquitectura y Diseño de Interiores

WINE BAR TRAPICHE Arq. Julio Oropel

ESPACIO CHEVROLET José Luis Zacarías Otiñano Premio al mejor Arte Aplicado 7

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HOME OFFICE Arq. Angela Dub Addor Arq. Ornela Boffito Arq. Luciana Szechter Arq. Rodrigo Battaglia

PLAYROOM Walter Russo

BIBLIOTECA Arq. Adriana Randazzo Natalia Benedetti Arq. InĂŠs Margot Arq. Luchelli Paula

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COCINA LAUNDRY Para Longvie Arq. Francisco Marconi Arq. Guadalupe Diez

ESTAR BIBLIOTECA Gustavo Yankelevich Mรกximo Ferraro

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LOFT Arq. Viviana Melamed Premio Rielamericano a la mejor exhibición en cortinas

SALA DE BAÑO Arq. Laura Urzanqui Inés Calamante

COCINA Gabriela López Premio Longvie Mejor exhibición de producto

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VESTIDOR Arq. Mónica Kucher Arq. Rosana Saban Arq. Adriana Grin Mesas Cerro de Voilà

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ESPACIO D&D Arq. Jorge Muradas

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Villa italiana

en Buenos Aires TE XTO: D É B ORA CA MP OS FOTOS: I OA N A ME N É N D E Z

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U

na serie de referencias fue conduciendo al propietario de esta casa hacia Isabelle Firmin Didot. Cuando llegó al Estudio, acercó un proyecto que partía de una casa estilo villa italiana.

Sin embargo, no se trataba aquí de acentuar los trazos característicos de este tipo de construcciones sino, por el contrario, de difuminarlos. “La idea era lograr un ambiente cálido pero moderno y más liviano que el clásico de estas villas”, recuerda Isabelle.

Con esa intención, se plantearon algunas directrices: colores neutros, materiales nobles y una convivencia de muebles antiguos con algunos toques más actuales en lámparas, géneros y alfombras.

“El cliente tenía claro que quería vivir en una casa, por un lado clásica, pero al mismo tiempo fresca, en la que dominara una paleta de colores suaves”. Por eso el proyecto dio protagonismo al mármol de las chimeneas y a la utilización de maderas macizas gastadas, lavadas o patinadas; a la piedra para los pisos y a los géneros de lino en tonos naturales. Tales, los trazos centrales de una villa trasplantada a la Zona Norte de Buenos Aires. n

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Isabelle Firmin Didot buscó imprimir en esta casa un ambiente cálido aunque actual y más liviano que el clásico estilo de las villas italianas.

En el comedor, obra de gran formato de Eduardo Hoffmann, mesa redonda diseñada por Didot y realizada por El Chañar en madera patinada; sillas antiguas tapizadas en terciopelo con relieve gris claro y lámpara de Iluminacion Agüero. El toilet para jóvenes se revistió de madera pintada de blanco.

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Paredes trabajadas por Upstairs en una pátina color ladrillo componen la caja del comedor informal, donde se destaca el gran mueble aparador de Didot y El Chañar. Los objetos que lo pueblan pertenecen a una colección que el dueño de casa fue nutriendo en cada uno de sus viajes. Sillones capitoné de cuero completan la ambientación.

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Denominado Espacio Preboliche, “este sector es un quincho independiente de la casa donde se juntan los adolescentes con sus amigos”, explica la diseñadora. Las paredes fueron revestidas con tablones de madera patinada. Gran sofá en L diseñado por Didot con mesas bajas también en madera blanca y sillones de cuero.

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La cama con respaldo capitoné, la banqueta de terciopelo con respaldo y las mesas de luz en madera negro africano fueron diseñadas por Isabelle Firmin Didot para el dormitorio principal. La caja blanca se logra a partir de la serie de tablones de madera de 30 centímetros que cubren las paredes. En el detalle, bibliotecas negras con una colección de máquinas de fotos antiguas.

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I n s p i r a c i o n e s / A n a To r r e j ó n

AQUELLAS PEQUEÑAS COSAS

Texto: Sonia Diradourian Retrato: Emma Livingston Fotos: Archivo Harper´s Bazaar

El universo de Ana Torrejón está lleno de pequeños lujos y rituales sagrados. Femenina, coqueta, solitaria, es una mujer profunda que se define, ante todo, patagónica. Es que el viento y el agua de Puerto Madryn esculpieron un carácter inquieto y curioso, y definieron la noción de que lo difícil no es imposible y de que el placer más grande puede brotar de la cosa más sencilla. “Mis padres me dieron una enorme libertad y nunca han minimizado lo que pienso; desde chica me brindaron un montón de herramientas”, destaca. Su rica carrera, que desarrolló en prestigiosas publicaciones de moda, la llevó hasta el lugar que ocupa hoy: directora editorial de Harper´s Bazaar Argentina. “Es un proyecto que quiero mucho y es una primera persona del plural, somos un equipo. Me interesa profundamente el ejercicio periodístico, soy periodista todos los días de mi vida. A la moda y al estilo de vida, lo que los reduce es que sean autorreferenciales; lo que los potencia es su vinculación con la realidad. Si a la moda se la despega de lo coyuntural, es transcendente, inclusiva; es un lenguaje inherente al ser humano”, precisa. Otra actividad que desarrolla con pasión es la docencia, en la Universidad de Palermo y en la UADE, entre otras. Reniega de nociones preestablecidas, frases hechas y conceptos cómodos y tranquilizadores; descree de fórmulas y recetas: “Cuanto más afinado está el acuerdo con el propio interior, cuanto más una persona se conoce, se acepta y se potencia, le va a resultar más fácil hacer elecciones que hablen por sí mismas”.

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I n s p i r a c i o n e s / A n a To r r e j ó n

Esté donde esté, su norte está en Puerto Madryn, lugar que visita todos los años. “Volver significa reencontrarme con un montón de secretos y pactos de infancia. Camino mucho sola, los patagónicos somos reservados por naturaleza. Es un lugar de contrastes, los cielos escandalosamente azules, la aridez más cruda, el agua escasa, el clima inclemente; allí todo cuesta trabajo y cuando algo finalmente se logra, da mucha alegría. Es un lugar que forja el carácter. Mi infancia en Madryn fue maravillosa, fueron años muy lúdicos, con tiempo para crear, leer, para dedicarle a mis plantas. Mi mamá, que es fanática de la jardinería, me dejaba un rincón en el que yo desarrollaba mis propios proyectos.”

Foto: Fernando Lungo

París, ciudad favorita. “La conozco muy bien ya que durante muchos años hice el ejercicio de quedarme en barrios distintos para no acostumbrar el ojo, porque hay una diferencia entre mirar y ver. Soy una exploradora de la ciudad, me gusta recorrerla sola, mi oficio favorito es caminar, me la pasaría caminando el día entero.”

Por la prevención. “Octubre es el mes de la lucha contra el cáncer de mama y compartir esta inquietud es uno de los compromisos que asumimos en Bazaar. Con la prevención se garantiza la salud de todas las mujeres y no mata el diagnóstico si no el miedo. El broche de la foto lo realizó el joyero Pérez Sanz para la revista.

El rouge rojo, su marca registrada. “Me pinto los labios desde que tengo uso de razón, es instintivo. Soy una verdadera catadora de tonos y texturas y uso una enorme variedad, dentro de los rojos, toda la gama. Mi mamá es muy coqueta, no se baja jamás de los tacos y mi abuela, que era vasca, también estaba siempre impecable. Me gustan mucho los rituales, es algo muy femenino. De chica me encantaba pispear la vida de los adultos, ver, por ejemplo, a mis tías charlando con sus amigas en el baño, viendo qué se ponían.”

Pequeños lujos: “Gardenia, de Chanel, mi perfume favorito. Hace muchos años viajo a París por trabajo dos veces al año y el ritual era y es ir a la Rue Cambon a comprarme mi Gardenia. Uso varios más, los perfumes son muy importantes en mi vida y los jabones también, hago blends con ellos en los cajones. A través de estos rituales logro una sensación de armonía que no es banal, es una manera de vivir. Durante toda mi infancia, mi mamá nos ponía, a mi hermana y a mí una flor en un vasito de cristal en la mesita de luz, era una cosa que ella consideraba importante y que para mí lo sigue siendo. Son placeres simples, todos somos capaces de identificar cuáles son los que tenemos al alcance de la mano y honrarlos. El placer no es tener el mejor mueble o cuadro, o viajar al hotel más despampanante; es, quizás, identificar la mejor panadería en la cual comprar el pan más rico o pedir prestadas unas lavandas en un jardín para meter entre las sábanas. Son nuestras ceremonias secretas.”

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Inspiraciones. “Trabajo mucho la selección de imágenes, en mi oficina tengo un board enorme que es un gran disparador creativo. Voy eligiendo texturas, olores, hago composiciones, paso horas trabajándolo de una manera muy aleatoria, no hago una identificación de la tendencia del momento. Lo tengo que poder mirar, no tiene por qué servir para nada.”

Le monde d´Hermès.

“Trabajar en Hermès fue maravilloso, me permitió conocer políticas de comunicación de un nivel excelso y descubrir la historia detrás de cada producto, que es fascinante.”

Vivir de viaje. “Viajar es vivir. Siempre llevo muy pocas cosas, porque el ejercicio es llevarse a uno mismo. Trato de ir y volver con el mismo equipaje y si puedo ni despacho.

Me interesa todo el mundo del viajar: las valijas, lo que pasa en los aeropuertos, el material de lectura; soy especialista en armar todo tipo de valijas. Invierto en ellas porque son una herramienta y solo uso carry-on o porta traje con ruedas. Los hoteles también me fascinan, me encantaría tener un hotelito, vivir ahí y charlar en el lobby.”

Diana Vreeland: “Fabulosa a toda edad, una de las mujeres más trascendentes en el mundo de la moda; inteligente, extravagante, picante, supo trasgredir los clichés de su época con absoluta inteligencia y sensibilidad.” Una de sus muchas referentes; otras son Carmel Snow, Hélène Gordon-Lazareff, Maria Callas y Tina Modotti.

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Innegociable café.

“Practico bastante Ayurveda pero mi médico sabe que dos cafés por día me tengo que tomar, porque el límite de cualquier cosa que uno practica es el placer. No fumo, no soy excesiva, tengo un espíritu bastante austero; no voy a negociar el café.”

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Vidrieras / MP Estudio

CUARENTA años después MP cumple 40 años, toda una vida. Margarita Papouchado, alma mater de este verdadero estudio de diseño de muebles, evoca los inicios junto a su hermana en la calle Quintana. Y luego, ya sola, su decisión de continuar con el negocio; la compra de la casa sobre Talcahuano; la meticulosa refacción, hasta que pudo abrir las puertas de la que continúa siendo su exquisita tienda.

“Es algo que me encanta, me apasiona, me hace bien.

Mi madre tenía algo muy estético y yo la fui siguiendo, compartiendo con ella muchas cosas”, cuenta Margarita. Así, de un modo bastante intuitivo, tuvo un comienzo informal con los encargos de los primeros clientes y después ya sí, un desarrollo crecientemente profesional.

Uno de los pilares de la marca es el trabajo con artesanos de la mejor talla. “Su rol es fundamental”, define Margarita, que se declara fanática de los talleres. “Me encanta hacer pruebas, ver los materiales, la resistencia que tienen. Sé bastante sobre maderas, cómo

trabajan, cuáles sirven para ciertos muebles, cómo tratarlas. Me pasaría todo el tiempo en los talleres.”

Intuición y búsqueda Si bien al principio MP ofrecía un estilo más bien clásico, el tiempo dio lugar a la creación de objetos y piezas más contemporáneas. Todavía juega mucho con las mixturas. “Siempre les digo a mis clientes que no tiren los muebles que tienen. Busco la manera de integrarlos.

Me gusta esa mezcla, creo que genera un clima diferente, de casa vivida”. Desde siempre la casa se caracterizó por realizar lámparas y mesas fuera de los parámetros habituales. Le pasa con frecuencia a Margarita de viajar y encontrar que diseños que creó y vendió hace dos o tres décadas, se exhiben como novedades en grandes centros del diseño como París. Realmente hay en sus piezas algo de moderno y atemporal.

Con la madurez y la alegría de los 40, MP renueva su espíritu búsqueda. Feliz aniversario. n

Texto: Violeta Moraga Foto Archivo: Ioana Menéndez

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W A L L C O V E R I N G S

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P I N T A D O S P I N T A D O S

Buenos Aires Design - Pueyrred贸n 2501, Loc. 19 Tel (011) 5777-6019 - raldua.design@gmail.com

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Vi d r i e r a s / B o z a r t

Butterfly House, Jim Thompson

Guayana, Gastón y Daniela

Más allá de los géneros Hace años que Bozart engalana ambientes con géneros exclusivos de altísima calidad. Lejos de dormirse en los laureles, la casa ha ampliado su gama de productos y apostado por los papeles pintados a mano de Jim Thompson y Gastón y Daniela.

Texto: Sonia Diradourian

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Villa Fiori, Gastón y Daniela

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Bamboozle, Jim Thompson

Neptune, Jim Thompson

Guayana Roja, Gastón y Daniela

“Son diseños que se distinguen por su originalidad y atrevimiento”, describe Juan Venzal, titular de Bozart.

La nueva colección de la firma es tan variada como interesante e incluye “un diseño inspirado en las tradicionales rayas de lino, que nos transporta al mundo de las texturas naturales de los cáñamos y los talleres de artesanos, una simulación de collage de páginas de anotaciones de contabilidad, un homenaje al toile de Jouy en una chinoiserie completamente renovada y un diseño que, recreando un jardín de invierno, juega con el cromatismo de los pájaros y el movimiento de las ramas”.

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Vi d r i e r a s / B o z a r t

Illusion, Jim Thompson

Jim Thompson fue un arquitecto americano que después de la Segunda Guerra Mundial se instaló en Bangkok. Cautivado por la seda tailandesa en un momento en el que las técnicas artesanales estaban perdiendo su lugar ante el avance de la maquinaria industrial, Thompson se dedicó a preservar los procesos tradicionales. Al principio, la empresa que montó se dedicó exclusivamente al mercado del tejido de la seda natural realizada a mano. Con el tiempo fue incorporando algodones y linos lisos o estampados, terciopelos y jacquards, entre otros. “Su primera colección de papeles imitaba la textura, el colorido y el brillo de la seda natural, las que le siguieron fueron más informales con algunos diseños que imitaban distintos tipos de raffias en dégradé o imitando diferentes telas de su colección”, relata Juan.

La española Gastón y Daniela, en tanto, siempre se ha caracterizado por sus diseños exóticos y provocadores, que más tarde fueron trasladados al papel. La firma realiza productos de vanguardia desde 1876, amalgamando el uso de la tecnología de punta con el aporte constante de su archivo histórico.

Lujo, diseño y la oportunidad de transformar por completo un ambiente con unos rollos de papel. n

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Verona, Gastón y Daniela Calidoscopio, Gastón y Daniela

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D&D Mundo / Biennale des Antiquaires

Mil y una

MARAVILLAS Del 11 al 21 de septiembre, el Grand Palais de París festejó el métier del anticuario, aquel que recorre el mundo en busca de obras y objetos únicos, notables. Con ojo experto, detecta lo extraordinario, aprecia la mano artesana que supo crearlo y se convierte en su guardián; tutor provisorio, encargado de encontrar al próximo custodio del tesoro.

Corona de oro de Bactriana (actual Afganistán), siglo III-II AC, 18cm de diámetro.

Galerie Jaques Barrère: Ubicada en Saint-Germaindes-Prés, desde 1969 se dedica a promover y preservar el arte del Lejano Oriente.

Texto: Sonia Diradourian

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Para la edición número 27 de la Bienal de Anticuarios y Alta Joyería, el Grand Palais de París, se vistió de jardín. Jacques Grange, quien decoró las casas de personajes tales como Yves Saint Laurent, Isabelle Adjani, Carolina de Mónaco y Francis Ford Coppola, estuvo a cargo de la escenografía. Inspirado en los fabulosos exteriores de Versailles, creados por André Le Nôtre en el siglo XVII, llenó el edificio de plantas y de 300 topiarios realizados en colaboración con los jardineros del famoso palacio real. En la entrada, una gran fuente de agua perfumada recibía al público y lo invitaba a entrar en este mundo irreal, dolorosamente estético.

No faltaron los representantes argentinos, Andrea y Luis Guevara y Federico y Graciela Marino por la Asociación de Anticuarios y amigos de San Telmo, Guillermo Pastrana y Alejandro Figueroa de la Asociación Art Nouveau de Buenos Aires, Javier Iturrioz

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D&D Mundo / Biennale des Antiquaires

Para su primera participación en la bienal, la Galerie Jean-David Botella, especialista en artes decorativas del siglo XX, construyó un espacio impactante. En vez de exponer los objetos independientes uno del otro, los englobó en un solo concepto estético: esculturas de Claude y FrançoisXavier Lalanne, piezas de orfebrería de Jean Despres, espejos de Line Vautrin, mesa y lámparas de Diego Giacometti, Lit Egyptien de Marc du Plantier.

Tête de Marguerite et fleurs, Henri Matisse, circa 1915-1916.

Acuarela sobre tres hojas de papel ensambladas y pegadas sobre tela, 105x75cm.

Galerie Berès: Fundada en 1951, también se especializa en arte del Lejano Oriente y en pintura francesa de vanguardias (siglo XIX y XX).

Collar de platino con nueve diamantes corte brillante y diamantes pavé de Bulgari. Sorprendente también la variedad de piedras –amatistas, turmalinas, topacios y calcedoniasque ostentan las creaciones de la tradicional casa italiana.

y Doris Oliva por DArA. “Cuando entramos, nos estaban esperando el Presidente del Sindicato de anticuarios de París y el Ministro de Cultura que fueron muy amables.

A cada paso nos encontramos con anticuarios y galeristas amigos de todo el mundo”, destacó Luis Guevara.

Obras de arte y piezas de arte decorativo desde el siglo XVII hasta la edad contemporánea, libros antiguos, piezas arqueológicas y de alta joyería se sucedían de stand en stand. A continuación, algunos destacados de la última edición de esta hipnótica bienal.

Esmeralda de Colombia, 26,60 quilates; zafiro de Cachemira, 29,06 quilates; rubí de Birmania, 10,17 quilates, diamante tipo Iia, 30,21 quilates. Sencilla extravagancia chez Cartier.

La Galerie Kraemer, que se especializa en arte y muebles del siglo XVII y XVIII desde 1875, concibió un juego de dobles con sus piezas seleccionando ejemplares que tienen un “gemelo” en los museos más prestigiosos de Europa, Rusia y Estados Unidos. Este secretaire con marquetería Luis XVI, por ejemplo, tiene un doble nada más y nada menos que en el Louvre.

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Armadura del escudo de armas –llamado kamon– del Daimyō Matsudaira, señor de Matsue, siglo XVIII. Galerie JeanChristophe Charbonnier: Especialista en arte, armas y armaduras japonesas.

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Retrato: Emma Livingston

Dise単o que es historia HUGH FERRIS

POR ARQ. MARCELO NOUGUÉS

DISEÑANDO LA CIUDAD DEL MAÑANA Cuando en 2003 los finalistas del concurso del World Trade Center Memorial presentaron sus propuestas, ninguno de los ocho había optado por una representación tradicional. Atrás quedaban las perspectivas coloreadas y los croquis a mano alzada.

El siglo XXI desterró para siempre a los dibujantes de arquitectura para darle ingreso a los nuevos renderistas que, apoyados en la nueva tecnología, logran efectos tan realistas como sorprendentes. Animaciones en tres dimensiones nos permiten hoy prácticamente interactuar con la futura obra de una manera casi hiperrealista.

Pero antes que esta tecnología llegara a nuestras manos, la mejor manera de mostrar o presentar un proyecto arquitectónico era contratando a un buen dibujanteperspectivista.

Dentro de esta extinguida casta, hay uno que, por el dramatismo y la sutileza de sus trazos, hizo historia. Hugh Ferris (1889-1962) era arquitecto, dibujante técnico, urbanista y un avanzado utopista. Fue el dibujante más destacado y solicitado de su época.

Curiosamente no trabajó jamás para un proyecto propio, pero dejó un centenar de propuestas, casi ninguna realizada, con una visión futurista de las ciudades de principios del siglo XX. Recién recibido en la Washington University en su St. Louis natal, llega muy joven a Nueva York, donde es contratado por el estudio de Cass Gilbert. El proyectista del que entonces era el rascacielos más alto del mundo, el gótico Woolworth Building, encarga la perspectiva del edificio a Ferris, que en pocos días le entrega una deslumbrante imagen de la imponente construcción.

Después de este éxito, en 1915 Ferris decide abrir su propia oficina, desde donde saldrían los dibujos de los edificios más afamados de las décadas siguientes.

Algunos autores comparan su trabajo con el de Piranesi, pero en realidad nada es más lejano que esa similitud. Así como Piranesi se nutría de la historia, de la antigua Roma y de sus ruinas, Hugh Ferris soñaba con un futuro utópico; su única meta era mejorar la calidad de vida de los habitantes de las grandes ciudades.

El dibujante logra crear un estilo muy propio de representación, donde gracias a su magistral empleo del grafito, llega a un dramatismo casi fantasmagórico de las

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Diseño que es historia / HUGH FERRIS

ciudades, siempre con improntas nocturnas. Son varios también los autores que afirman que sus dibujos inspiraron a los creadores de DC Comics en 1940 para delinear Gotham City, escenario de las proezas del célebre Batman.

Pero tal vez sus dibujos más famosos y recordados sean los que salieron publicados en el New York Times en 1922. Debido a una reglamentación de planeamiento, la ciudad de Nueva York se ve afectada por una nueva ley de desarrollo en altura que obligaba a construir en una novedosa forma de Zigurat, para evitar los efectos sombríos y penumbrosos que las calles de la zona de Wall Street ya padecían a principios de la década del 20.

La ley era tan compleja y confusa, que ningún profesional conseguía terminar de entenderla o aplicarla. Es entonces que Harvey Wiley Corbett le encarga a Ferris cuatro gráficos explicativos de las distintas instancias de la nueva ordenanza. Los dibujos casi babilónicos que Hugh realiza entonces, están archivados en la Avery Library de la Universidad de Columbia.

En mis días de estudiante en el Cooper Hewitt, me encargaron como trabajo práctico que fuera a Columbia para hacer un paper sobre este tema. De más está decir que no tenía la más remota idea de lo que iba a ver, ni conocía a este reputado dibujante que mis colegas tanto alababan.

Desde el día en que tuve sus dibujos en mis manos, guardo una profunda admiración y respeto por este maravilloso artista. Fue el intérprete más cabal de los mejores ejemplos de la arquitectura moderna del siglo XX.

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DISEÑO

que nace de la tierra

Colección Simbol

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Simbol Una planta grácil, callada y austera como el paisaje de donde proviene, condensa todo el proyecto: Colección Simbol, el último emprendimiento de Voilà, se cifra en un yuyo. El simbol es una especie vegetal nativa del noroeste argentino, específicamente de la estepa precordillerana catamarqueña. Allí, sobre la tierra amarillenta que bordea a los ríos y entre las ondulaciones de los cerros de mil colores, crece, y a su encuentro fueron Eduardo Aldacour y María Garzón Maceda, reconfirmando su norte: hacer diseño bajo el lema Argentina nos inspira.

Como todo proceso de diseño, Simbol implicó una investigación. De ella resultó la elección de esta planta como materia prima. Un segundo paso fue convocar al reconocido Cristian Mohaded (Ver Al estilo de… en esta misma edición) para que aportara su mirada en este nuevo desarrollo.

Como el camino está lleno de confluencias, resulta que Mohaded es oriundo de Catamarca; igual que el simbol. Así que hacia sus propios pagos viajó el diseñador en lo que fue una exploración científica y sensible del material: de sus características, posibilidades y límites.

Allí dio con los escasos artesanos que dominan la técnica de tejido milenaria que trabaja con el yuyo. Ya empapado de las peculiaridades de esta tradición y en contacto con el Señor artesano Lorenzo Reyes, un referente regional en la materia, Mohaded dio a este tejido configuraciones inéditas.

Por Sol Dellepiane A.

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Colección Simbol

Todo comienza en la espigada soledad de un yuyo: la naturaleza es el punto de partida, aunque la mano del hombre no tardará en intervenir para enaltecerla.

Homenaje a los cerros La colección está integrada por mesas, lámparas y accesorios de varios tamaños y formatos: la familia de productos Cerro.

Así, una técnica tradicionalmente utilizada para elaborar pequeñas piezas de cestería, ahora da cuerpo a objetos de una nueva escala, pero que además se insertan en la contemporaneidad con acabados que solo son posibles en la gran ciudad.

Las piezas tejidas viajan a Buenos Aires portando los colores, el aroma y el espíritu de su terruño. En talleres porteños se les incorpora una chapa repujada horneada en laca –lo que oficia de tabla superior en el caso de las mesas–, y distintas terminaciones industriales en el resto de los productos.

El proyecto tiene un fuerte espíritu de comunidad. De hecho, en palabras de Eduardo Aldacour, “uno de los hallazgos más importantes en este proceso ha sido que el diseño teje: teje

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vínculos, teje tradiciones, teje lazos”. En efecto, Simbol trasciende el diseño e incluye contenido social. Para los artesanos locales, descubrir que un saber que aprendieron de sus ancestros es valorado y resignificado en el presente, que existe un interés de proyectarlo hacia el resto del mundo y hacia el futuro, es toda una experiencia. Por eso la iniciativa ha sido validada y apoyada por la Secretaría de Turismo de la Provincia de Catamarca.

Desde Voilà, Aldacour y Garzón Maceda se trazaron la misión de buscar, relevar y valorizar muebles populares olvidados, para imprimirles una lectura contemporánea. Su primera colección fue Clorofila, a la que pertenece la exitosa reversión de la tradicional silla Mar del Plata. Con Simbol la marca ratifica la visión original. Esta vez, la ruta condujo a Catamarca. Quién sabe hacia dónde llevará la próxima bifurcación. n

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Eduardo Stupía

Eduardo Stupía en su taller rodeado de papeles y pinturas.

Foto: Richard Schultz

Por: Victoria Verlichak Fotos de obra: Oscar Balducci 2

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UNARTISTA APASIONADO

Eduardo Stupía “Paisaje”, 2011 Técnica mixta sobre tela, 200 x 200 cm.

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El gato es negro y se llama Félix. Es de un vecino pero cuando quiere acompaña en silencio a Eduardo Stupía (Buenos Aires, 1951) en su amplio y luminoso taller de Almagro, donde trabaja en imágenes que aparecen como paisajes alucinados, vestigios de sueños.

Notable artista, con singular trayectoria de 40 años, Stupía participa de manera incesante en la escena del arte local e internacional.

Lejos de lo grandilocuente, desarrolla su proceso creativo a partir de la escritura y reescritura de dibujos, de la miniaturización de la representación de objetos y personajes, con tinta negra sobre papeles blancos y, desde hace unos años, técnicas mixtas sobre telas, sumando pinturas blancas y negras y algún toque de color. Símbolos gráficos y abstractos, quizá micro relatos, son trabajados vivazmente en las dos vertientes de su obra: dibujo y collage.

Como un director musical Es en la intimidad de ese mismo taller desbordado de papeles -libros, manuales y enciclopedias; diarios, revistas y cuadernos; fotonovelas, folletos de cine y papeles de música-, donde Stupía crea los potentes collages que exhibe a partir de 2011.

El artista recolector derivó en artista ensamblador y director musical de una orquesta (en su juventud formó bandas y tocó música en público) integrada por pliegos de distinto calibre y origen, a modo de instrumentos. Stupía compone collages con disímiles pedazos y texturas, formas y colores, que corta y pega buscando su ubicación en los ritmos de la improvisación y la armonía, cruzando viejos papeles y nuevos trazos de tinta y pintura.

Su amor por las letras y la letra impresa viene de lejos. Fue librero y es diseñador de portadas de libros; incluso, realizó con el escritor 5 Ricardo Piglia un proyecto en galería Jorge Mara. En la intersección de las pasiones artísticas de los autores, la muestra y libro Ricardo Piglia-Eduardo Stupía. Fragmentos de un diario (2012), desplegó la vitalidad de la poesía y del pensamiento crítico.

El artista persevera en sus intereses vinculados al cine, la traducción, la poesía, la música; realizó la puesta visual (no la escenografía) en Centro de Experimentación del Teatro Colón, para la obra Gallos y huesos (2013) del compositor argentino Pablo Ortiz. Autor de textos, jurado de salones y concursos, es uno de los organizadores del ciclo de La línea piensa, junto a Luis F. Noé en el CC Borges.

Empedernido lector, ahora está inmerso en el texto El mal absoluto: en el corazón de la novela del siglo XX, del escritor y crítico literario italiano Pietro Citati. “Es apasionante por el fervor y enjundia que transmite y también por cómo estructura y desarrolla su aguda mirada para desentrañar, en el corazón de textos muy diversos, la presencia metafísica de ciertas fuerzas oscuras, filosas reflexiones”, dice el artista, que ansía que el espectador de sus obras -inductoras de otras escenas- descubra potencias liberadoras, relatos autónomos y emociones propias. n

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Eduardo Stupía “Paisaje”, 2009 Técnica mixta sobre papel montado sobre tela, 180 x 140 cm.

Eduardo Stupía “Paisaje VIII”, 2008 Técnica mixta sobre tela, 160 x 120 cm.

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Expo Real Estate

El mercado inmobiliario

EN PLENO

Desde un importante stand ambientado por Walmer, D&D participó de la sexta edición de Expo Real Estate Argentina, que se llevó a cabo a fines de agosto en el Hotel Hilton. Como todos los años, Grupo SG organizó este reconocido encuentro, el más importante en negocios e inversiones inmobiliarias de Latinoamérica, en el que se exponen las opciones y los emprendimientos más destacados y atractivos de este mercado apasionante.

Agradecemos a Prototype por la lámpara de pie “Office”

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Un gran número de inversores nacionales e internacionales, se estima que 15 mil, se acercaron a la exposición para enterarse de todo lo que se viene en materia de Real Estate. 500 desarrollos inmobiliarios, workshops comerciales, charlas y actividades dedicadas a presentar e incentivar inversiones y potenciar negocios, networking; en fin, todo lo que se puede esperar cuando el mercado en pleno se reúne en un sólo lugar.

En esta última edición el polo indiscutido de atracción fue Miami, que sigue a la cabeza de las inversiones más interesantes del mercado. Related –la empresa que dirige Jorge Pérez-, Fortune International Realty, Cervera, One Sothebys, ISG, Miami Association of Realtors y cientos de brokers y empresas de dicha ciudad presentaron sus proyectos. Entre los más destacados: SLS LUX, Biscayne Beach, The Bond, Intown, ION, Aria, Costa Hollywood, 1791 y Brickell City Centre.

Panamá, Ecuador, Paraguay, Uruguay y España también se destacaron como mercados atractivos, así como Dubai, que fue representada por la desarrollista DAMAC. Como en cada uno de los encuentros, el rol de anfitrión fue asumido por las principales empresas de Argentina que, además, presentaron los desarrollos inmobiliarios más prestigiosos de la ciudad de Buenos Aires, Zona Norte, Pilar, Escobar, Canning –localidad que crece exponencialmente-, Córdoba, Mendoza y la Patagonia.

Dos días intensos en los que fue posible cerrar negocios, generar contactos, conocer nuevos emprendimientos y tener la oportunidad de evaluar futuras inversiones teniendo al alcance la variadísima oferta que existe hoy en el mercado. n

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Vidrieras / Bosquejos

MADE IN SALTA

Texto: Sonia Diradourian

Carolina D’Andrea, diseñadora salteña con 20 años de experiencia, creó Bosquejos en 2011. Con Prosapia, su emprendimiento anterior, en 2004 ganó el premio Puro Diseño a la artesanía contemporánea. Su hija Pini Day y su hermana, Lucila D´Andrea, la acompañaron en el desafío de generar esta nueva marca. Carolina reside en Salta, cuartel general de Bosquejos desde donde imagina los productos, y Lucila en Buenos Aires, al frente del showroom sobre la calle Junín.

Pini, por su parte, está a cargo del diseño gráfico y de las producciones fotográficas.

“Nuestros diseños tienen un estilo contemporáneo, con una fuerte identidad argentina y toques vanguardistas que se adaptan perfectamente a distintas ambientaciones”, describe Lucila. “Son objetos étnicos pero exclusivos, todos hechos a mano en Salta con materiales típicos de allá como cuero, alpaca, asta, lana, piedra y cobre. Una veintena de artesanos que fuimos seleccionando cuidadosamente a través de los años en función de la calidad y de la terminación de sus trabajos materializan las creaciones de Carolina.”

La filosofía de Bosquejos apuesta a lo natural y a lo artesanal adaptándolo a las últimas tendencias. “Estamos todo el tiempo bosquejando, garabateando ideas propias o de clientes que nos piden cosas que imaginan y vamos concretando.

De ahí salió el nombre del proyecto y el slogan “donde la idea se hace materia”. Para nosotras no hay reglas; lo importante es lograr ser creativos manteniendo siempre la armonía. Hay que saber romper el molde y crear lo propio”, precisan. “Nos gusta ser ese lugar medio oculto, medio mágico, al que alguien va a buscar algo diferente, único”. n www.bosquejosargentinos.com.ar

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MIL A N CIUDAD GLOBAL Es uno de los centros de la vanguardia actual. Ya conocía sus magníficos museos así que me di un baño de frivolidad admirando vidrieras de lujo para después comprar buen diseño a precios accesibles.

POR: LUI SA ZU B E RB UHL E R. FOTOS: CA MI LO A L DAO

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s la capital industrial y financiera de Italia, es la que tiene los rascacielos más altos –la Torre Unicredit, el Palazzo Lombardia y el Pirelli, de 127 metros alto construido en 1959–. Es sede de la Bolsa de Milán, uno de los principales centros financieros de Europa, cuenta con importantísimos núcleos universitarios, editoriales y televisivos. Es la ciudad de Alfa Romeo, de los muebles Kartell y de la Feria de Milán, con la mayor superficie expositiva de la Unión Europea. Pero sobre todo es una de las grandes capitales de la moda, base de los grandes monstruos del diseño italiano: Armani, Prada, Versace, Dolce & Gabbana, Etro y Miu Miu.

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1. La Galleria Vittorio Emanuele II, estupendo mall construido por Giuseppe Mengoni entre 1865 y 1877, con techo de acero y cristal. Va desde la Piazza del Duomo a la Piazza della Scala.

Adentro, elegantes bares y carísimas boutiques incluyendo la Prada original de 1913.

2. Vidriera de la Rinascente Piazza Duomo, otro icono de Milán.

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EL CENTRO: LUJO TOTAL Las boutiques más paquetas están en el “Quadrilatero d’ Oro” -entre la catedral de San Babila, Via Senato, Corso Venezia, Via Monte Napoleone y Via Manzoni- que se impone recorrer aunque más no sea para ver sus vidrieras. Imperdibles, la Rinascente Piazza Duomo, lujosa tienda de bandera de esta cadena y la histórica cafetería Cova, desde 1817 en Via Monte Napoleone 8.

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1. Dolce & Gabbana, que cuenta a Madonna, Lady Gaga, Britney Spears y Kylie Minogue entres sus clientas.

2. Guantes de mil colores que derrochan glamour a precios lógicos en Via della Spiga, entre Blumarine y Bang & Olufsen. Amé los de cashmere hasta el codo.

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3. También están Jimmy Choo, Louis Vuitton, Cartier, Tiffany y todas las marcas caras del planeta.

4. El colorido Corso Vittorio Emanuele II 5. Coin, Corso Vercelli 30, recomendable tienda por departamentos, con etiquetas juveniles de ropa y decoración.

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1. Las calzas WR.UP/ Freddy: mezcla de pantalón y faja que esculpe el cuerpo creando figuras de diosa.

2. Nike Milano, para fanáticos del deporte.

3. Original publicidad

de Les Chaussures Mon Amour, zapatería ubicada en una lateral: Via Francesco Cherubini 3.

4. Concurrida esquina con via Giovanni Omboni. De un lado las paquetísmas carteras de Furla y

enfrente, un mega Benetton con Sisley al costado.

5. Coin, Corso Vercelli 30, recomendable tienda por departamentos, con etiquetas juveniles de ropa y cosas para la casa.

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Para caminar y tentarse con una amplia oferta de ropa, accesorios y cosas para la casa de grandes marcas internacionales y de diseñadores italianos más accesibles como Twin Set, de Simona Barbieri. Vale la pena llegar hasta la Via Marghera incursionando en las calles laterales. Otro dato para todos los gustos y bolsillos es el Corso Buenos Aires.

Anote: Stendhal, via Ancona 1, tel 026572059; Rigolo, via Solferino 11, tel 02804589.

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1. Mármol y araña de Murano de Barovier & Toso, en el hall de entrada al Palazzo Parigi Gran Hotel & Spa, diseñado por Paola Giambelli y decorado por Pierre Yves Rochon en estilo neoclásico

milanés con sutiles influencias francesas.

2. El Restaurante Gourmet, ultra clásico con un touch moderno: el túnel de cristal que conecta con la cocina.

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habitación ejecutiva.

4. El Caffé Parigi, con bar de alabastro y piso con marqueterie.

Reservas: 011 4129 0010, sales. buenosaires@ lhw-offices.com

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UN PALACIO LUMINOSO Y MUY BIEN UBICADO

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Amé la ubicación de este hotel: justo entre el famoso cuadrilátero de oro y la zona de Bréra, la más canchera y animada de Milán, con imponentes edificios del siglo XVIII –se destaca el Palacio de Brera con su magnífica Pinacoteca– además de bares y restaurantes. Anote: Stendhal, via Ancona 1; Rigolo, via Solferino 11.

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Vi d r i e r a s / S a l a z a r C a s a

Saber hacer Texto: Sonia Diradourian

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Cuando cerraba una muy positiva etapa como socio gerente de La Mersa, Sebastián Salazar empezó a imaginar un espacio propio que le permitiera dedicar toda su energía a proyectos de diseño y decoración de interiores. Como una especie de continuación, o quizás como un homenaje al legado de su abuelo y sus tíos, dueños de la tradicional mueblería Salazar, decidió firmar el flamante emprendimiento con su apellido. Idea sencilla pero contundente: nacía Salazar Casa.

Ya desde el nombre, es evidente que este es un proyecto muy personal. “Son piezas que, sin excepción alguna, pondría en mi casa”. Con los años y toda la experiencia adquirida, Sebastián fue descubriendo su propio estilo y decidió que ya era tiempo de contar con un espacio que reflejara ese proceso de búsqueda y reconocimiento. Es ahí donde surge este nuevo proyecto, tan ecléctico y libre. “En Salazar hay desde muebles reciclados, piezas únicas a las que les devolvemos su esplendor, hasta fotos gigantes de fotógrafos nuevos, pasando por mesas laqueadas de colores, lámparas en metales

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cromados y productos de valores muy accesibles que son perfectos para hacer un regalo”, enumera.

“Creo que cada nuevo emprendimiento que se abre, con todas las coincidencias que pueda tener con otros, aporta una mirada particular y especial.

En este caso, la mía. La esencia de Salazar es la

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combinación de elementos glamorosos y sofisticados, muchas veces de otra época, que se tejen con detalles actuales, a tono con las últimas tendencias”. Brindamos por este nuevo lanzamiento que lleva el sello inconfundible del saber hacer de Sebastián Salazar.

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OCTUBRE NRO. 144

D I RECTO R A ED ITO RIAL

V IRGINI A BR AUN

D I RECTO R CO M ERCIA L

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PRO D U CTO R A D EPA RTA M EN TO D E A RT E

M ARKETING Y COMUNICACIÓN ARCHIVO D EPA RTA M EN TO D E F OTO G R A FI A COL ABOR ARON EN ESTE NÚMERO

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JOSEFINA T. DE BR AUN R ICA R DO BR AUN LASA LA M A R INA BR AUN M A R I A INES PER EZ PR IETO SOL DELLEPI A NE A. DEBOR A CA MPOS LUISA ZUBER BÜHLER V ICTOR I A V ER LICH A K SONI A DIR A DOUR I A N SOFI A DI M AGGIO M ACCHI-AZCUENAGA EUGENI A CH A MPA LA NNE SILVA NA SUA R EZ A DR I A NA A LBA R IÑO A RQUITECTA DA NIELA M AC A DDEN EMM A LI V INGSTON X AV IER V ERSTR A ETEN CA R LOS DOMINGUEZ M A LELI FIR PO DE IBA ÑEZ M A R I A NA FIR PO DE LOPEZ SAUBIDET BEATR IZ OJEA ESPIL M A RCELA PODESTA COSTA M A R I A COPELLO DE UTHUR R I AGA M A R INA SOLA NAS PACHECO PASTITA P. DE PEÑA (pastitap@hotmail.com) W W W.DY D.COM.A R LEV ISM A N MULTIMEDI A GER A R DO LEV ISM A N

ROSA M AY SA MPA IO M AGDA LENA PUIG ESTUDIO PÉR EZ MÓNACO Y ASOC. JAV IER CORTÉS

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