Paula casa junio 2018

la ReVista de

paula ediciร n inVieRnO 2018

casa

M.R.

hoteles del mundo

arquitecto

enrique cohe

san pablo

interiorismo

grafiteros

en la muy fiel nO 45 INVIERNO 2018 / Nยบ 45 EspEcIal casa

especial

arte

M.R.

22 muros que hablan

Fotografía: Casa Cor.

la revista de

48 casa cor

42 bestias cinéticas 73 locales copados

102 lujo catalán

staff DIRECTORA NATALIE SCHECK Relaciones Institucionales: CECILIA SoLArI SCHECK Coordinadora General: JuLIA HELENA romEI Fotografía: NATALIA AyALA, PAbLo rIvArA, ArCHIvo EL PAíS, LATINSToCK. Coordinadora de Diseño Uruguay: ANdrEA SAPorITTo, CLArA AvELLINo Colaboradores: CECILIA PrESA,yELLy bArrIoS guSTAvo SILvEIrA, mArIELA bENTANCor Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Servicios: PAuLA CHILE, EL PAíS dE mAdrId Directora de Arte: SILvIA fLorES Diseño: mAríA JoSÉ SALdES, CAmILA ESPINozA. Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354.

Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: SAN JoSÉ 1165, APTo. 204, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 45.

temas y entrevistas 4 sumario

60 un señor

6 mercado de ideas

66 n.y. arch.

8 lo más nuevo

84 de estilo

10 elegidos

en la web www.paula.com.uy /paulauruguay rpaulauruguay @RevistaPAULA @RevistaPAULA /Revista Paula

90 superbe

12 el nacimiento del op art

110 destino tasmania

16 mirada abierta

120 gente

34 arte a cielo abierto

128 buenas direcciones

mercado de ideas A TONO

Divino invita a armar mesas que enamoren y para eso propone vasos de cerámica opaca facetados, que vienen en una gama de colores pastel. Irlanda 2014.

ENCANTO RÚSTICO

Para quienes buscan la elegancia de las arañas, pero prefieren versiones menos solemnes que los modelos clásicos, ¿qué mejor que una lámpara de cuentas? Va con todos los estilos y todos los ambientes. Esta es de La Ibérica. Rincón 711.

uN muST

Con rebordes a tono con el tapizado y patas de madera, la silueta depurada de esta butaca de Divino habla de confort y estilo contemporáneo.

ESTIlO DANÉS

BoConcept es experto en diseño y sencillez. Así lo demuestran las líneas esbeltas y orgánicas de la butaca Adelaide, cuyo look ligero habla por sí solo.

Ellauri 363.

TIC TAC

AvANT-gARDE

El jarrón Do Not Litter de la línea StudioLine de Rosenthal le imprime diseño contemporáneo a la porcelana del más alto nivel. La pieza llama la atención por imitar las formas de una bolsa de papel.

Se consigue en: www.fidelius.com.uy

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fIvE O´ ClOCk TEA

La Ibérica se sumó a la onda de ofrecer productos alegres.

De la mano de Pip, la marca de loza holandesa caracterizada por sus estampas florales y vibrante colorido, la hora del té se volvió primaveral.

Utilitable se especializa en imprimirle un sello original y estético a los objetos de la casa. Para muestra, basta este reloj con alarma de la firma Incidence, que ayuda a recordar los momentos más importantes del día. Constituyente 2010.

líNEAS míNImAS

Rematada con un fino tablero redondo sobre tres esbeltas patas, la mesa Bornholm de BoConcept, genera ambientes relajados y ligeros. En chapa de madera de roble, se presta para ser combinada con otra de menor tamaño.

Rollers

Día & Noche Minimalistas, modernas y discretas, así se presentan nuestras prácticas Rollers con variedad de texturas, simples o dobles, semitraslúcidas o en blackout.

Clásicas

Un estilo propio Tradicional y conservador, siempre con muy buen gusto, así es nuestra exclusiva varidad de telas y sistemas para la confección de sus cortinados convencionales.

Terminaciones especiales como ser los cubre cajones, un enroscado especial o un simple bandó.

Nanoclean Chau manchas!

Telas para tapizados inteligentes.

Extremadamente fáciles de limpiar, repelen agua y polvo.

2622 2233 099 26 2233 Palomacortinados Paloma Cortinados

lo más nuevo con savoir-faire

La misión de Utilitable es brindar funcionalidad a través del diseño, y para lograrlo se vale de algunas de las marcas más destacadas del mundo. La casa abrió sus puertas hace poco en Zona Diseño y allí ofrece un universo de productos que incluye desde utensilios para cocina, gadgets novedosos y pequeños muebles, hasta juguetes infantiles. En las estanterías del lugar conviven por ejemplo, las legendarias cafeteras Bialetti con luminarias de la firma francesa La Chaise Longue, además de timers, balanzas digitales y artículos en bambú de Pebbly. Las palabras claves aquí son: calidad, diseño, funcionalidad y sustentabilidad. Capítulo aparte lo constituyen los juegos ludoeducativos con sello como los de Avenue Mandarine, pensados para fomentar la creatividad infantil. Agendar visita por el 099 663 636. Constituyente 2010.

crear hogar

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Para insPirarse

Nicole Herrnstadt se formó en Chicago como arquitecta interiorista y a su vuelta a Uruguay, descubrió que el mercado local tenía mucho para crecer en cuanto a telas y empapelados exclusivos. Así fue cómo nació Sophie Empapelados, la flamante marca que se nutre de materiales con diseños de alta gama y firmas top. Con ojo entrenado, a medida que Herrnstadt encuentra nuevos faltantes en la oferta local, los integra a su propuesta, que ahora incluye también iluminación traída de Suecia y Bélgica, además de ropa de cama. Herrnstadt confiesa que el suyo es un rubro que sigue muy de cerca las tendencias de la moda, por lo que ahora se llevan mucho los motivos vegetales. Para comprobarlo basta darse una vuelta por el local de José María Montero 2608, de lunes a viernes, de 11:00 a 19:00 y los sábados, de 10:00 a 14:00 horas. www.sophie. com.uy. Tel.: 2712 2525.

Luego de 20 años de trayectoria, Satec decidió que era hora de comenzar una nueva etapa. Fue así que la empresa especializada en crear espacios para vivir, encontrarse y trabajar, estrenó un shop room que se las trae. El lugar ocupa una construcción de 1920 y ofrece 700 metros cuadrados diseñados para brindar un espacio amplio y cómodo donde apreciar la nueva colección de muebles importados.

La apuesta trabaja líneas contemporáneas y estilos de tendencia como el shabby chic, minimalismo o rústico, a la vez que incorpora un muy atractivo mix de texturas en fibras naturales, elementos decorativos, luminarias y alfombras. Pasen y vean.

Abierto de lunes a viernes de 9:00 a 18:00 y los sábados hasta las 13:00 horas.

Consulado 3314.Tel.: 2209 5667. www.satec.uy

al calor de las llamas

Cactus Ecofogones es la prueba viviente de que se puede aprovechar la calidez del fuego tanto para ambientar una noche de verano como para crear una atmósfera hygge, a la usanza nórdica, durante el frío invierno. La propuesta surgió de la inquietud de Santiago García, quien un día empezó a investigar cómo crear fogones domésticos y cuando se dio cuenta, el emprendimiento había crecido tanto que tuvo que sumar a Nicolás Galatti. Los braseros decorativos vienen en dos tamaños con presentaciones en madera o símil cemento. Un detalle interesante es que funcionan con bioetanol, un alcohol de cereales que genera una combustión muy limpia pues no produce humo, ni olor, ni chispas. ¿Qué tal? Se consiguen a través de Facebook/CactusEcofogones.

PAULA casa ELEGIDOS

3. En polyester texturado y corderito, (1.50 x 1.80 mts) 2.890 pesos.

4. Tejido de lana virgen en dos tonos, con flecos (1.70 x 2.40 mts) 3.750 pesos.

1. Con diseño Op Art, en algodón y polyester (1.70 x 1.30 mts).

189 dólares.

5. Tejido en lana virgen natural (1.70 x 2.40 mts) 3.750 pesos.

2. Tejido en algodón, con textura (1.80 x 1.30 mts). 189 dólares.

espíritu

cozy

Las mantas y almohadones son accesorios imprescindibles especialmente en invierno porque no solo decoran sino que además aseguran confort y bienestar en los momentos de descanso. ¿O no?

6. En lana, importado de India, (2.00 x 1.40 mts), 250 dólares.

7. En algodón, con diseño geométrico, (1.25 x 1.50 mts) 150 dólares.

8. Tejido de punto en algodón y acrílico, (1.30 x 1.70 mts) 3.290 pesos 9. En mohair a cuadros, (1.30 x 1.70 mts) 5.490 pesos.

10. En lana merino, (0.80 x 2.30 mts) 1.790 pesos.

11. En polar con corderito, (2.60 x 2.60 mts) 2.446 pesos.

1 y 2. BoConcept, José Ellauri 363. 3. Arredo, Montevideo y Punta Carretas Shopping. 4 y 5. Don Báez, José Ellauri 532. 6 y 7. Vivai, Luis Alberto de Herrera 1118. 8 y 9. Zara Home, Montevideo y Punta Carretas Shopping. 10. África, San José 1106. 11. Divino, Irlanda 2014.

3. Con flores, (diámetro 40 cms) 90 dólares.

1. Con diseño hawaiano, (40 x 40 cms) 790 pesos.

2. Estampa tropical, (45 x 45 cms) 520 pesos.

4. Agamuzado con macramé y flecos, (45 x 45 cms) 349 dólares.

7. Funda en satín con rayas (30 x 50 cms) 1.090 pesos.

8. Funda en lino con estampa (30 x 50 cms) 1.090 pesos.

5. De punto, texturado, (50 x50 cms) 119 dólares.

6. En gamuza, con pespuntes, (45 x45 cms) 219 dólares.

9. Caramelo (64 x 23 cms) 560 pesos.

10. En tejido natural, (45 x 45 cms) 450 pesos.

11. Funda en paño con inscripción, (45 x 45 cms) 150 pesos.

1 y 2. Hestia, José Ellauri 309. 3. Vivai. 4, 5 y 6. BoConcept. 7 y 8. Zara Home. 9. Divino.

10 y 11. Arredo. 12. Decohogar, 18 de Julio 1490.

12. Tatami (diámetro 40 cms), 290 pesos.

Victor Vasarely

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El nacimiEnto dEl

Op Art

Del 7 De junio al 9 De setiembre, el museo nacional thyssen bornemisza presenta una exposición monográfica sobre Victor Vasarely paDre De este moVimiento Que Él mismo llamó cinÉtica Visual por ser el espectaDor el Que en realiDaD lo percibe.

Inspirado por las noticias que se publicaban sobre misteriosas señales que llegaban de remotas galaxias, Vasarely tituló

muchas de sus obras con nombres de estrellas y constelaciones. Estos cuadros se basan en distorsiones cóncavoconvexas de una retícula, en una compleja combinación del cubo y la esfera que remite simbólicamente al movimiento en dos direcciones de la luz que emana de las estrellas; al funcionamiento de las galaxias que nacieron por condensación, y a un universo que se expande. El artista se da cuenta de que las dos dimensiones pueden convertirse en tres, simplemente deformando la retícula básica y, según el grado de ampliación o reducción, los elementos se transforman en rombos o elipses.

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Estructuras Vega

Arriba, Zebra (1937), considerada como la primera obra de Op Art Abajo, Bi-Octans (1979), acrílico sobre lienzo.

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O

rganizada con fondos del Museo Vasarely de Budapest, del Museo Victor Vasarely de Pécs, de la Fundación Vasarely de Aix-en-Provence y otros destacados préstamos de colecciones privadas, la muestra del Thyssen-Bornemisza ofrece una visión global de la vida y obra del artista húngaro, quien realizó lo mejor de su producción en Francia.

Nacido en Pécs, Hungría, en 1908, con el nombre de Vásárhelyi Gyozo, el artista originalmente se interesó en la medicina y estudió la carrera durante dos años en la Universidad de Budapest.

Fascinado por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, al cabo de ese tiempo abandonó las ciencias para aprender pintura académica tradicional en la Podolini-Volkmann Private Academy. Un par de años después se matriculó en Mühely, el taller de Sándor Bortnyik, considerado como el centro de estudios de la Bauhaus en Budapest. A principios de la década de 1930 se marchó a París, donde empezó su investigación artística principal: un tipo de arte abstracto geométrico, que genera efectos ópticos de movimiento y juega con los espectadores, que son engañados por formas, perspectivas extrañas e imágenes inestables. Fue en París donde desarrolló Zebra (1937), su primer trabajo mayor, hoy considerado como la piedra angular del Op Art. En la obra se aprecian dos cebras que se entrelazan y superponen sobre un fondo negro. Las siluetas de los animales se definen solo al alternar las líneas blancas y negras que forman sus franjas, ya que no existe un delineado que defina los límites entre cada figura.

Ubicadas sobre el fondo oscuro, el contraste de las franjas crea una relación compleja entre lo abstracto y lo real pues las dos cebras aparecen, se desvanecen y se descomponen en diseños abstractos todo a la vez.

El húngaro llamó a todo esto cinética visual y proclamó que al fina, es la percepción del espectador lo que crea la obra, o más precisamente su ojo, un órgano muy fácil de engañar.

Por esta razón, se dice que el arte de Vasarely es una estafa en el buen sentido.

En la exposición del Thyssen estarán representadas las principales fases de su evolución artística. De esta manera, se podrá apreciar su aporte fundamental en el desarrollo de la abstracción geométrica, y de paso conocer, al hilo de sus principios y reflexiones teóricas, sus experimentos para integrar el arte en la sociedad.

La exposición se organiza en ocho secciones que mantienen un orden cronológico y están precedidas de un primer espacio dedicado a las Estructuras Vega, una de sus series más conocidas y emblemáticas, realizada en la cumbre de su carrera y cuyo nombre deriva de la estrella que más brilla en las noches estivales del Hemisferio Norte.

Belle-Isle - Crystal - Denfert

Manipur en negativo (1971), acrílico sobre lienzo.

Período gráfico

Dotado de una extraordinaria capacidad para el dibujo, de 1929 a 1930, Vasarely estudió con Sándor Bortnyik, pintor y diseñador gráfico conectado con la Bauhaus de Weimar. Allí se interesó por los problemas formales del arte geométrico y adoptó como maestros espirituales a Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Kazimir Malévich, El Lissitzky y Lászlo MoholyNagy. En este primer período de su carrera, sus imágenes todavía no son abstractas, pero las paradojas ópticas que generan sus retículas de líneas y cruces anuncian ya el ilusionismo espacial.

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Estudios precinéticos

En 1951, con motivo de una exposición en la Galerie Denise René de París, el plástico se plantea por primera vez trasladar sus composiciones espaciales a una escala monumental.

Utilizando métodos de la fotografía, amplía sus dibujos a pluma y los coloca en series que cubren paredes enteras. A partir de estos trabajos, crea la serie Naissances, en la que superpone los negativos de los dibujos para crear inquietantes y aleatorias configuraciones. En sus Oeuvres profondes cinétiques, emplea el mismo método con planchas de vidrio, acrílico o plástico transparente. Aprovechando las leyes físicas de refracción y reflexión, realiza collages en los que la interferencia mutua de los diseños abstractos, proyectados uno sobre otro, genera un movimiento constante que cobra vida cuando el espectador cambia de posición.

En 1947, pasa el verano en Belle Île, isla situada frente a la costa de Bretagne, donde queda fascinado por la geometría interna de la naturaleza.

Recoge elementos de formas irregulares y piedras pulidas por el mar que luego pinta, estilizando sus siluetas en elipses. Poco después, realiza una serie de delicados dibujos a pluma, que reproducen los meandros que observa en las grietas de los azulejos de la estación de metro parisino de Denfert-Rochereau. A partir de estos apuntes, que ponen de manifiesto una viva imaginación, pinta evocadores cuadros a base de colores muy unificados. En esos mismos años, inicia el período Crystal, que se inspira en la estricta geometría de las casas de piedra de Gordes, población medioeval del sur de Francia, cuyas figuras intenta trasladar al lienzo con ayuda de la axonometría.

Período blanco y negro

Inspirándose en la composición suprematista Blanco y Negro, de Kazimir Malévich (1915), que encarnaba la armonía de la espiritualidad y que se ha interpretado muchas veces como el punto final de la pintura, Vasarely realiza Homenaje a Malévich.

Su componente básico, un cuadrado que rota sobre su eje hasta parecer un rombo, sería el punto de partida de sus obras cinéticas.

Alfabeto plástico

En 1963, en una exposición en el Musée des Arts Décoratifs de París, el pintor presenta los resultados de sus estudios sobre la Unidad plástica. Este concepto se basa en la interacción de forma y color. El artista consideraba las formascolor como células o moléculas a partir de las cuales se construyó el universo: “La unidad de forma-color (…) es a la plasticidad lo que la onda-partícula es a la naturaleza”, declaró.

En los cuadros basados en esa asociación, aspiraba a que se percibiera una gramática del lenguaje visual, una serie de formas compositivas básicas que podían organizarse en un sistema similar al de la notación musical.

Algoritmos y permutaciones

En 1953, el húngaro considera por vez primera, la necesidad de que sus obras se multiplique y tengan una amplia difusión.

En el Manifiesto amarillo de 1955 resume sus ideas sobre las posibilidades de recreación, multiplicación y expansión.

Arriba izquierda, Bull (1973-1974), acrílico sobre lienzo. Arriba derecha, Amir Rima (1954), óleo sobre contrachapado. Abajo, Marsan-2 (1964-1974), acrílico sobre lienzo.

Gracias a su multiplicabilidad y permutabilidad, un conjunto básico de elementos podía transformarse, mediante un algoritmo, en un número infinito de composiciones distintas. Las programaciones con que se registraría ese proceso partirían de que los colores, los tonos y las formas que constituían cada imagen pudieran representarse numéricamente e, incluso, guardarse en una computadora para recuperarlos cuando se deseara. Aunque nunca había trabajado con la informática, de sus principios se deriva la posibilidad de crear imágenes con esa tecnología. Tal como eran concebidas por el artista, empleando códigos de color y forma que se definían mediante datos alfanuméricos, sus composiciones podían recrearse en cualquier momento, en cualquier lugar del mundo y por cualquier persona.

Múltiples –objetos basados en el mismo prototipo y producidos según un proceso que el artista supervisaba hasta el más mínimo detalle– como la forma de arte más democrática. Su objetivo era acabar con la elitista posesión de obras de arte únicas e irrepetibles. De ahí que experimentara con los más variados materiales y procedimientos técnicos, desde los más modernos hasta los más antiguos, como los talleres de tejeduría de Aubusson, que mantenían tradiciones centenarias y fabricaron tapices basados en sus diseños. A Vasarely le gustaba en especial la serigrafía; sus estampas, firmadas y numeradas se podían adquirir en el mercado, al igual que los Múltiples, integrados por láminas coloreadas a mano o reproducidas industrialmente y montadas en soportes de madera o metal.

Múltiples

Una parte importante de la filosofía del húngaro está relacionada con su negativa a distinguir entre obra de arte original y reproducción. Convencido de que las obras cobraban una nueva vida cuando se multiplicaban, consideraba a los

Hasta el 9 de septiembre de 2018. Paseo del Prado 8, Madrid. Salas de exposiciones Moneo (Planta -1) Por más información: www.museothyssen.org

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A principios de la década de 1960, Vasarely propone el empleo de un lenguaje visual universal con colores y formas dispuestos de forma regular, y numerados al estilo de los productos industriales. Su intención era que el placer estético formara parte del entorno cotidiano. Como él mismo señaló, las obras de arte no pertenecían solo a los museos y galerías, sino que eran necesarias en todos los segmentos de la vida urbana. Su visión se basaba en las ideas de Le Corbusier y Fernand Léger, y proclamaba una síntesis de las diferentes disciplinas artísticas. Consistía en que los componentes básicos de las ciudades del futuro fueran obras plásticas monumentales producidas en serie que se pudieran ampliar a cualquier tamaño, lo cual ofrecería unas posibilidades de variación ilimitadas. La primera de sus integraciones arquitectónicas se llevó a cabo en Venezuela en 1954, en el campus de la Universidad Central de Caracas; vinieron después instalaciones plásticas monumentales en edificios de Bonn, Essen, París y Grenoble.

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Folklore planetario

Con FlorenCia Varela

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Mirada

abierta

CoMo expresión de Vanguardia, el arte Callejero iMpliCa tantos desaFíos CoMo reFlexiones. aquí, algunas ClaVes para eMpezar a Mirar las paredes de MonteVideo Con otros ojos. por J.H.r. fotografías: Natalia ayala

Créditos: floreNCia Varela

-¿Hay diferencia entre graffiti, street art y muralismo contemporáneo?

-Sí, la hay. Lo que tienen en común estas tres (movidas) es el espacio urbano; la calle. Sin embargo, mientras que el arte urbano o street art -que a los efectos son casi lo mismo-, es más abierto y se le puede captar algún significado, el graffiti maneja códigos más cerrados. Generalmente es bastante autorreferencial, suele ser un tag, o sea, una firma o nombre, y a veces, es ilegible.

También es cierto que en Uruguay, y en otros contextos como el

de Mayo del 68’ en París, o en lugares más politizados, empieza como una expresión con connotaciones políticas. Graffiti proviene de grafía, de escritura. Hoy en día, o de un tiempo a esta parte, está más relacionado con el tag y con la expresión más rápida.

-¿Por qué es más cerrado? ¿No interesa el espectador?

-Porque es más como un marca. Eso es lo que dicen ahora los que hacen tags. Muchos de los que hacen arte urbano o street art comenzaron con graffiti. En algunos casos, es un primer estadio eso de agarrar el spray y expresar algo, marcar una esquina, marcar un territorio o poner su propio nombre. Entonces hay cierta clandestinidad que tiene que estar presente, porque una cosa es dejar marcada cierta identidad en la ciudad y otra que te identifiquen y te puedan multar. En esa etapa interesa mantener el anonimato.

Por otro lado, es una etapa proto artística; no suele haber una intención. Hay algunos que se quedan en eso y otros evolucionan; bueno, evolución no es la palabra; cambian hacia el arte urbano.

-¿Por qué no es la palabra?

-Porque de hecho hay obras de los primeros grafiteros que se venden a 40, 60 u 80 mil euros. Es un trozo de graffiti y tiene una cotización impresionante, además de una dimensión artística importante. No por la obra final, que también te puede gustar, sino por toda la vinculación que tienen con el arte como institu-

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s

eres fantásticos, mitad humanos, mitad criaturas marinas, figuras del candombe, pintadas ilegibles. Las paredes de Montevideo hablan cada vez con mayor fuerza y el transeúnte distraído ya no puede obviar las expresiones, algunas herméticas, otras muy claras, que chocan o invitan a la valoración, pero que de ningún modo, dejan indiferente.

Provocar una reflexión y contactarse con la realidad, tales son las claves del arte urbano contemporáneo. Así lo resume Florencia Varela, doctora en Filosofía, Estética y Teoría del Arte, quien se declara estudiosa del tema. Profesora de alta dedicación en la Universidad Católica del Uruguay, esto habló con PAULA.

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A principios de 2015, la galería parisina ArtCurial subastó piezas de grafiteros de los años 80' en miles de euros.

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ción. Abren un camino y su graffiti o su obra final, en realidad es reflejo y resultado de una postura frente a la institución que abre significaciones, emancipaciones estéticas...

-¿Como los impresionistas en su época?

-Por ejemplo.

-¿Dónde queda el muralismo?

-Tiene varias connotaciones. Podés decir muralismo como forma de decir en español street art o te podés referir a la técnica de hacer arte usando el muro o la pared. Hoy en día, si decís muralismo, me parece que lo asociamos con street art. También es cierto que en Uruguay se da la particularidad de que hay un movimiento muralista muy importante, desarrollado de la mano del taller Torres García, lo mismo que en México con Diego Rivera. Si te referís al muralismo en América Latina y no lo contextualizás, se puede entender como ese de Rivera o el montevideano de Torres García.

-¿No tienen conexión directa?

-Es simplemente extrapolar las técnicas vanguardistas del momento, relacionadas con distintas cosas: expresionismo, constructivismo, a lo que es la gran escala y el muro. Es más moderno, también arraigado en las problemáticas latinoamericanas, pero otra cosa es lo que nace después, a partir de los años 70’, 80’ con Jean Michel Basquiat, Keith Haring, Taki 183, que lo que escribe es su dirección, su número de puerta y empieza como una expresión de ‘aquí estoy yo’. Después lo multan y al final no lo hace más, pero es un personaje. Estos de los años 80’ ahora valen miles de euros.

-¿Cómo surgió el movimiento?

-La lectura que yo hago se conecta con una tradición artística anti institucional. Ese es uno de los motivos principales por los cuales nace el expresar o hacer una propuesta artística en la calle.

Uno de los precursores es un francés que se llama Daniel Buren.

En el año 75’ no lo dejan exhibir en el Museo Guggenheim de Nueva York y lo que hace es exponer enfrente, de modo que el cuadro se viera por la ventana. A partir de allí, queda inaugurada esta idea de lo que es anti institucional, también relacionado con lo que fue en su momento el arte conceptual, que intentaba ir en contra de la obra artística como objeto, y se queda con el concepto. Desde entonces, todo lo que tiene que ver con la expresión en la calle suele tener una vocación de conflicto con la institución, no necesariamente violenta, pero sí de repensar cuál es el gusto dominante. Cuando hablamos de la institución arte, nos referimos a la Academia, los museos, los centros culturales, los críticos, los que hablan y dicen ‘esto es y esto no’; incluso los mismos artistas. En algún sentido, plantear eso de ‘voy a hacer mi obra en la calle’ da cierta independencia y una gran visibilidad. Es decir ‘igual estoy; no adentro, pero estoy afuera’. La ventaja es que aparecen otros gustos y significaciones estéticas que no son las dominantes y se comercializan en el momento. En ese sentido, es más democrático. También es cierto que hay otra tradición conectada, la del arte público, que solía ser conmemorativa: los monumentos. El street art, al tener esta idea de irreverencia y participar desde la calle, tiene una vocación de reconquistar determinados

espacios. ¿Quién decide que vaya tal personaje en un caballo o no? No lo decidimos todos. Se paga al artista con dinero público, pero al fin y al cabo es una imposición. Lo mismo sucede con la publicidad. Hay avisos que yo, como mujer, no tengo ganas de ver. ¿Por qué tengo que tolerar un cartel enorme en una medianera, en el que la mujer es objetualizada? Y sin embargo me lo tengo que fumar. También hay algo en el arte urbano que trata de reconquistar esos espacios desde un lugar más emergente, y ahí se conecta con artistas o movimientos que han trabajado en el ámbito del arte público, problematizando lo que es la conmemoración, el homenaje y buscando resignificaciones en todo.

Tenés por ejemplo a Christo y Jean Claude que tapan el Reichstag de Berlín con telas. También están Daniel Buren, Richard Serra o Hans Hack, por ejemplo, que este último no hace mural, pero es arte público y comparten eso de buscar reconquistar espacios desde otro lugar.

-¿Cuándo deja de ser arte y se vuelve vandalismo?

-Se puede convertir en vandalismo a ojos de alguien. Existe la percepción, porque suele tener esta cuestión de ruptura y de choque, como muchas de las propuestas artísticas y culturales de vanguardia. Hay una idea que escucho mucho en los estudiantes y la gente en general, que dice ‘Montevideo necesita más color’.

Si lo que se quiere decir es que la ciudad precisa ser más ordenada y estar más en la onda de lo urbano, nada más lejos que el color. En el Primer Mundo es al revés; cada vez más neutro y

"desde entonCes, todo lo que tiene que Ver Con la expresión en la Calle suele tener una VoCaCión de ConFliCto Con la instituCión, no neCesariaMente Violenta, pero sí de repensar Cuál es el gusto doMinante".

uniforme. Está la idea de que poner color va a cambiar, y a veces uno se pregunta si lo que necesitamos no es que existan más cosas en el espacio público que nos hagan pensar, que planteen preguntas que no sean tan fáciles de digerir, que marquen espacios o cosas que no están bien y que reciclen lugares. Desde ese punto de vista, se puede ver como vandalismo o como una expresión efímera que aprovecha un espacio público que suele estar mercantilizado, porque lo conquista la publicidad o el gobierno de turno.

-Al vecino que le pintan la fachada, le cuesta ver eso…

-Sí, lógicamente. Por lo general, los artistas urbanos piden permiso, pero también está el tag que irrumpe en espacios privados; que esa es la otra cuestión. También es cierto que se trata de pintura; otra cosa es que rompan los vidrios y te asalten. Pero es verdad que hay un grado vandálico que hay que pensar.

-¿Hay un auge en Montevideo?

-Sí. Hay un auge que llega un poco tarde, porque esto es algo que pasa a nivel mundial. La comunidad artística está más madura, los grupos se están juntando y los que quieren continuar por este camino están tratando de formarse. Está bueno que empiece a surgir porque es una reivindicación del espacio público y de una vocación artística que revisa lo que pasa a nivel institucional, lo que pasa con la especulación y lo que tiene que ver con reproducir algunos gustos tradicionales o una idea más decorativa y no con un rol social más marcado. El arte contemporáneo no es

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"está la idea de que poner Color Va a CaMbiar la Ciudad y a VeCes uno se pregunta si lo que neCesitaMos no es que existan Más Cosas en el espaCio públiCo que nos hagan pensar, que planteen preguntas que no sean tan FáCiles de digerir, que Marquen espaCios o Cosas que no están bien". decorativo; al revés, busca recuperar su rol social y su conexión con la realidad. La idea de arte contemporáneo es esta; después, los artistas tienen que vivir y hacen obra que también pueden vender, porque se supone que hay un plano expresivo que es propio del arte y no es tan conceptual. Tiene que conservar una poética que te diga algo, con la que establezcas alguna relación, y eso puede tener un valor comercial. Yo puedo tener en mi casa u oficina una imagen que me suscite determinadas preguntas y reflexiones, y puedo pagar para que me lo hagas.

-¿Qué mercado hay para el arte callejero?

-Muchísimo. En Uruguay recién despierta, pero en el mundo es súper cotizado. Tanto es así que Oriente también empieza a hacer sus exposiciones, subastas y festivales para llevar artistas.

Lo que innova y está al margen, siempre llama la atención, y por otro lado, el arte emergente se puede comprar barato, esperar, y venderlo muy caro. Es parte de la especulación del coleccionismo y hay compradores que pagan mucho por esto. Hay artistas a los que les han pagado un montón, por ejemplo, Blu o Banksy. A veces, encuentran un pedacito de su obra y enseguida la venden a no sé cuánto. Lo que pasa es que el arte urbano tiene mucha visibilidad porque uno de los soportes que utiliza es Internet. Al ser efímero e inmaterial, porque no podés llevarte la pared, lo que se genera es una marca del artista que circula en las redes. Hay algunas páginas que son las responsables de esto, como woostercollective, que fue de las primeras en empezar a publicar, al punto que ellos determinaban qué sí y qué no. Los que aparecían ahí, saltaban a la fama. También son importantes juxtapozmagazine y streetartnews. Todos los artistas hacen su obra e inmediatamente se la envían porque estos lugares los validan y difunden.

La razón por la cual ahora se ve este auge es porque va muy de la mano de Internet y las redes.

-¿Cuál es la finalidad de los festivales como los realizados por Casa Wang?

-Los festivales generan un espacio en el cual la intervención de estos artistas es visible. Hubo otro en La Teja con la idea de armar una movida cultural allí. Lo que se hizo en el entorno de

la ex cárcel de mujeres tuvo un fuerte diálogo con el tema de la cárcel. David de la Mano participó y después recibió una carta de una ex presa en la que le decía que cuando vio su obra, se sintió identificada. Es decir que se generan cosas. Entonces, además de lo que hacen en la calle, los artistas tienen otra obra: bocetos, ilustraciones, lienzos, y ahí venden su universo y su estilo, en otro tipo de soporte.

-¿Montevideo puede aspirar a un Wynwood Walls como el de Miami?

-A escala uruguaya podría ser porque, por suerte y de forma insólita, llegan bastantes artistas. A nivel institucional se podrían pensar algunos espacios para aprovechar cuando vienen. Se han intentado hacer cosas, por ejemplo, Distrito Urbano en Punta del Este. Una de las que lo promueve es Pepi Gonçalvez, que fue una de las primeras grafiteras acá; hacía Honguito. Claro, ellos tratan de hacerlo de forma súper ordenada: pagar al artista, conseguir medidas de seguridad, proporcionar una grúa, y todo eso cuesta caro. Para esto, todavía no hay Fondos Concursables. Creo que hay algo en Artes Visuales, pero para arte urbano recién se está abriendo y descubriendo que tiene condiciones y que hay que financiarlo también. En Miami tenés una visibilidad que acá, ¡ojo!, no tenés, pero puede que sí. Una de las imágenes que pintó David de la Mano en el Prado, despertó pasiones a nivel mundial.

-¿El arte urbano se concentra solo en Montevideo?

-Salvo esa iniciativa en Punta del Este, no se ve mucho en el interior. Lo que hizo la francesa (Léo Arti) en 25 de Agosto no es street art, pero está buena la iniciativa. El street art tiene una vocación anti institucional y es reivindicativa de determinados espacios. Cuando hacés algo tan decorativo y digerible, es otra cosa. Lo de San Gregorio de Polanco tampoco es arte urbano contemporáneo, es muralismo clásico; con técnicas más modernas y gente con habilidades que fue capaz de hacerlo a gran escala. Hay un chico, Andrés Boero que tiene un lugar en Villa Soriano y mueve bastante, no solo a nivel de street art. Y también en Pueblo Garzón, hubo una movida de intervención artística contemporánea. Luis Fabini estaba atrás de eso.

de cara al sol

muros QUE HABLAN cual si fueran lienzos gigantes, cada vez más paredes en montevideo adquieren el valor de piezas de colección. diez artistas callejeros manifestaron sus visiones y destacaron murales realizados por ellos en la capital.

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por: cecilia presa.

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ada vez son más los murales que invaden los barrios montevideanos y gusten o no, se adueñan del entorno, y nos interpelan. En los último años, las intervenciones artísticas convirtieron a la capital uruguaya en una verdadera galería a cielo abierto.

Colores, escenas, personajes, figuras y texturas; forman parte de una muestra variopinta de manifestaciones que, más allá de la nacionalidad de sus autores, mucho tienen que ver con un mensaje propio, en diálogo con lo que los rodea. Detrás de estas intervenciones hay personas con una intención artística y comunicacional.

Exponen sus formas de ver el mundo ante todos y le ponen sus firmas: apodos que los identifican a veces más que sus ver-

daderos nombres de pila. Todos trabajan de forma independiente o en colectivos, y muchos de sus trabajos son hechos literalmente por amor al arte, es decir, sin ningún tipo de remuneración económica. Varios de ellos viajan por el mundo, dejando sus huellas en distintas ciudades. En Montevideo, la Casa Wang, un taller y sala de exposiciones ubicado en el bajo de Ciudad Vieja, nuclea a la mayoría.

En general el muralismo es solo una parte del trabajo que realizan, pero sus obras transmiten mensajes que quedan escritos en la ciudad y pueden ser interpretados por cualquiera. “El medio es el mensaje”, decía Marshall McLuhan (1988). Es que a través de estas pinturas, los artistas dejan en claro que el muralismo es parte de su esencia.

ColECtivo liCuado MuraL ELEgiDo: La resistencia. ubiCaCión: Cabildo y Miguelete, antigua cárcel de mujeres (La Comercial).

MoTiVo DE La sELECCión: se trata de un homenaje a Edith, adriana y María Luz, tres mujeres que estuvieron presas durante la dictadura uruguaya. “Tuvimos una primera reunión con ellas y contaron varias de sus vivencias, pero lo que rescatamos entre todos, fue la unión que las ayudó ante la represión, y el dolor que vivieron por años”, contaron.

Dibujos hiperrealistas y el uso de colores pastel, caracterizan a este dúo conformado por Florencia Durán y Camilo núñez, que funciona desde 2010, aunque hace cinco años que lo hace profesionalmente. Ellos investigan y combinan en su arte, la cultura y la tradición del entorno en el que pintan.

Entre otros, son los responsables de la obra en la fachada de Cinemateca 18. También manejan conceptos como la mitología griega llevada a un formato más contemporáneo, el rol de la mujer en el mundo actual y la importancia de viajar y conocer otras culturas. además de muralistas contemporáneos, admiten que buscan “muchos referentes en la pintura clásica”. www.colectivolicuado.com Facebook: colectivo licuado

Fitz (Florencia Durán) “El muralismo se convirtió en un estilo de vida”.

tHEiC (Camilo Nuñez)

Camilo, que al momento de hablar con PAULA se encontraba pintando en albania, puso en relevancia el valor humano del arte callejero. “Trabajar en las calles brinda experiencias increíbles y otras no tan buenas. Desde que vecinos te inviten a comer en sus casas como si fueras uno más; pintar en lugares donde no te podés comunicar dado que no tenés ningún idioma en común; hasta ser llevado a la comisaría porque al propietario no le gustaba el mural, y eso que lo estábamos pintando legalmente”, contó. Para el joven, el muralismo actual es muy distinto al fenómeno que se dio en México a principios del siglo XX o en Chile hace 30 años debido a que “no tiene una connotación política tan fuerte como la tenía en aquellos tiempos. Esto no quiere decir que ningún artista contemporáneo hable sobre política en estos días”, aclaró. La diferencia consiste en que el arte callejero hoy tiende a asimilarse a cualquier otra forma de arte; antes solo podían visualizarse en casas de personas adineradas, museos o bibliotecas.

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“Hoy en día no hay muralismo, hay arte plasmado en muros o paredes como si estas fueran un lienzo”.

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su visión aporta al colectivo un foco en la mujer. “Trabajo mucho en el cómo nos vemos. Me parece muy necesario que las mujeres aportemos al legado femenino en el arte, dado que en el mundo, y también en el mundo del arte y del arte callejero, sigue predominando el protagonismo del hombre. Y esto no es porque no hayan mujeres, por supuesto, sino por la desigualdad de oportunidades que históricamente hemos tenido”, manifestó. Cuando PAULA se comunicó con Florencia, ella se encontraba pintando en Europa. sobre esto comentó: “hoy en día, con el mural se puede viajar y trabajar en otros países, lo cual nos da la libertad que buscamos por mucho tiempo y nos hace conocer a mucha gente”. Confesó que, aunque al principio no es fácil para ningún artista vivir del muralismo, y que muchas veces se pretende que se realicen obras de forma gratuita sin valorar su trabajo, ama el camino transitado: “sin duda fue el adecuado”.

DaviD De la MaNo “El muralismo ha sabido conectar con la gente y lograr gran popularidad, hoy es un fenómeno casi global”.

MuraL ELEgiDo: Dilemma. ubiCaCión: nicaragua y acevedo Díaz, antigua cárcel de mujeres (La Comercial).

MoTiVo DE La sELECCión: fue pintado en el marco del Festival de Arte Callejero Wang en marzo de este año y "lo destaco por lo especial de la ubicación y porque genera un juego escenográfico muy interesante”.

El español es un artista reconocido mundialmente.

radicado en Montevideo desde hace 6 años, considera que comenzó a generar un discurso propio a través de los muros a partir de 2008. sus obras en la calle se caracterizan por tener una intención de quebrar con la norma y generar un impacto visual que remite a lo onírico a través de siluetas que interpelan y una paleta de colores reducida al blanco y el negro. Pinta de forma directa en el muro, sin hacer un boceto previo. Para él, el muralismo es un oficio y una vocación. “al momento de entrar en esto de pintar, es como una adicción”, manifestó. “El público uruguayo valora mucho el arte, es un público culto y muy agradecido en general. Los españoles también lo hacen, pero creo que no tanto como aquí”, destacó. además distinguió el talento de los artistas emergentes de la neófita escena del muralismo local. “Llevan muy poco tiempo en marcha, pero son brillantes y muy profesionales”. daviddelamano.blogspot.com | instagram: Daviddelamano_

ÁkitE (alejandro arín) “Pintando murales he podido ver la satisfacción que cualquier persona tiene por el arte”.

MuraL ELEgiDo: Mamá Luz. ubiCaCión: acevedo Díaz y Miguelete, antigua cárcel de mujeres (La Comercial).

MoTiVo DE La sELECCión: es un retrato de su novia, embarazada de pocos meses. “representa un momento divino para mí, y además, luego de pintarlo me enteré de que mujeres que habían pasado su embarazo dentro de la cárcel lo vieron, se sintieron identificadas y se emocionaron mucho.

Me pareció un buenísimo guiño de la vida”.

La postura de alejandro, mejor conocido como Ákite, sobre el muralismo, es la excepción que confirma la regla. si bien sostiene que siempre entendió su arte “como un contenido y una expresión honesta donde el soporte es secundario”; admite que el acto de pintar murales es único. “Lo considero un encuentro entre la inspiración y la acción, porque implica pintar con todo el cuerpo: trepar a un andamio, pintar grandes dimensiones, realizar un esfuerzo físico intenso; a la vez que estás realizando un trabajo creativo”, confesó. sus obras tienen rasgos geométricos muy marcados, con dibujos logrados puramente a partir de triángulos y rectángulos. “En mi proceso de crear hay siempre un intento de simplificar lo que veo”. Esa búsqueda está influenciada por el arte indígena latinoamericano y el africano, así como el cubismo en algunos casos. Ákite pone énfasis en que ver obras en las calles ayuda a erradicar la visión de estas como un lujo. “Que el arte pueda ser para todos, es para mí parte de la belleza del muralismo”. www.akite.uy | Facebook: akitearte

lolo (Rodrigo lópez)

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“El muralismo me permitió acercarme a la cultura, generar un poco de movimiento y vida en la ciudad”.

MuraL ELEgiDo: Sigue tu luz. ubiCaCión: acevedo Díaz y Miguelete (La Comercial) MoTiVo DE La sELECCión: fue realizada en colectivo por Pardos, grupo conformado por Lolo y Demo (Lucas butler). “Podría decir que este mural fue de los que más pienso le pusimos, en cuanto al color y la imagen. además, simboliza para mí el resultado de varios años insistiendo con la pintura como medio de expresión”, resumió rodrigo.

Empezó como un hobby con amigos, algo para hacer en sus tiempos libres. Por ese entonces Lolo tenía 20 años. Cuatro años después, un rodrigo más maduro afirma que pintar oficia para él como herramienta de catarsis y autoconocimiento. "intento pintar lo que me pasa en determinado momento de la vida y lo que siento. Expreso sensaciones relacionadas con momentos especiales que quiero recordar y valorizar”. su gusto por el dibujo en sí es algo que también se refleja en sus pinturas a gran escala.

Para su arte tiene como referentes a artistas locales. “grafiteros y muralistas que vienen pintando desde antes y son quienes rompieron el hielo”. además de participar en el Colectivo Pardos, Lolo suele pintar de manera colaborativa con otros artistas. “El muralismo es una herramienta para recuperar espacios urbanos que suelen caer en manos de la publicidad o de campañas políticas, que nada aportan al barrio ni a los vecinos”.

Facebook: arteslolo

Pez Dani (Daniel Freitas) “Es un medio de comunicación muy democrático donde poder expresarse, resignificar un espacio o empoderarse en el entorno donde se habita”.

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Mural elegido: Ahora es más fácil obtener tu vivienda. ubicación: Joaquín de Salterain y rivera (cordón).

Motivo de la Selección: el mural tiene un alto contenido social y un mensaje logrado con muy pocos elementos, con gran poder de síntesis. “también lo elijo por ser uno de los trabajos en los cuales se logró una paleta equilibrada con una estética acorde al discurso”, detalló.

Si se encuentra un pez o varios en un mural de Montevideo es probable que pertenezca a este artista. de ahí su sobrenombre. el uso de rostros muy expresivos, resaltados a través del manejo cuidado de las luces y sombras, y la paleta de colores, son otros rasgos de su trabajo. Sus mensajes tienen bastante crítica social, aunque también se pueden ver referencias al amor, la espiritualidad o el indigenismo.

Dani considera que los festivales en todo el mundo y las redes sociales, han permitido aumentar de gran manera la visibilidad del arte urbano. “esto hace que se valore mucho más la disciplina”. Pez cuenta que para crear “absorbo de todo un poco: artistas del ámbito local y de todo el mundo”. “en uruguay veo un desarrollo sostenible y en constante crecimiento, estamos todavía lejos de otros países de la región en cuanto a valoración social, proyectos, organización y escuela”, sentenció.

Facebook: Pez Dani Arte

nulo (Lucía Pintos) “El muralismo es el vínculo más estrecho entre la ciudad y las personas que la habitan”.

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en sus comienzos pintaba retratos y era buena en ello. Sin embargo, un día lucía decidió que eso ya no era lo suyo. “llegó un momento en que me aburrí de la técnica perfecta y fue ahí cuando empecé a experimentar con el abstracto”. así surgió su nombre artístico: Nulo, porque la joven quiso reinventarse y crear de cero, como una niña, de forma libre y sin parámetros sobre lo que está bien y mal. Hoy, el universo de colores, líneas y formas que genera a través de los muros está presente en varios puntos de uruguay y del mundo. resalta que pintar en las calles es la mejor forma de conocer un lugar. “así conocés de cerca a las personas que lo habitan, porque mientras estás pintando se te acercan vecinos a charlar que te cuentan su vida, sus sueños, sus miedos, todo” y agregó: “he conocido experiencias de vida que me han hecho cuestionar mi forma de pensar y me han hecho crecer muchísimo como persona, y eso para mí es algo de gran valor”. además, Nulo opinó que el muralismo “es la voz de las personas, en donde realmente se vive la libertad de expresión”. www.nulo.info | Facebook: NULO

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Mural elegido: Sin nombre. ubicación: nicaragua (tres cruces).

Motivo de la Selección: se trata de la fachada de una de las sedes del instituto del niño y adolescente del uruguay. “es un mural muy especial para mí, además de que fue uno de los más divertidos de pintar”, contó.

CeCi Ro (Cecilia Rodríguez)

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“Rompemos de a poco con la idea de que toda pintada en la calle es sobre política partidaria o sobre equipos de fútbol”.

Mural elegido: Sin título. ubicación: Plaza Pasaje de la vía. acevedo díaz y Miguelete (tres cruces).

Motivo de la Selección: fue realizado por el colectivo Las Pintadas, integrado por Ceci y Fér (Fernanda Piñeirúa). “lo pintamos cuando se estaba construyendo la plaza hace dos años. el mural, junto con la obra arquitectónica de la plaza, hicieron que ese espacio cambiara radicalmente. antes era un callejón oscuro y abandonado; ahora es un lugar que lo disfrutan un montón de niños y padres. tuvimos muchas devoluciones súper positivas de esa intervención y le tenemos un gran cariño”.

la figura femenina, la naturaleza y el mundo de lo abstracto, son conceptos recurrentes en las intervenciones que llevan la firma de Ceci. Sin embargo, la joven, que pinta muros desde 2012, desarrolla un arte muy dependiente del lugar y el espacio que desea intervenir. Flores de tres pétalos, aves con alas desplegadas y otro tipo de figuras, se muestran en convivencia con formas geométricas y abstractas en su arte. en ese esquema, cada parte está pintada con un color sólido, casi sin sombras. cuando trabaja junto a Fér en Las Pintadas, las ideas para esas creaciones colectivas se basan usualmente en “el barrio, el contexto y las anécdotas que surgen allí”, según afirmó. “cada vez más gente sale a pintar y a decir cosas a través de sus pinturas. esto hace que los vecinos tengan más referencias de lo que es un mural y cómo estos cambian positivamente el lugar”, manifestó. “el muralismo en espacios públicos es una forma de participar y habitar la ciudad”. www.webceciro.com | Instagram: Ceci.roo

Fulviet (Fulvio Capurso) “El muralismo se ha vuelto un elemento de atracción turística muy importante”.

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Mural eleGIDO: Sin título. ubIcacIón: nicaragua y Duvimioso Terra (la comercial).

MOTIvO De la SeleccIón: “es uno de los últimos que hice y tiene un elemento adicional; una intervención metálica con una chapa oxidada arriba. creo que es interesante para mí no solo la búsqueda de la pared como lienzo para pintar, sino también integrar elementos escultóricos tradicionales, me gustan los materiales básicos como la madera o las piedras”, contó a PAULA. Personajes que parecen salidos de libros infantiles, ubicados en lugares ingeniosos, que cuentan una pequeña historia, aparecen en distintos rincones de Montevideo, con la firma: Fulviet. “Mi mundo viene de la ilustración de cuentos”, explicó este italiano que se instaló en uruguay en 2012 y desde entonces da vida a su arte en las paredes montevideanas. Fulvio incursionó en el arte callejero con solo 18 años. en ese momento hacía graffitis, pero este pasaje solo duró dos años. Su formación siguió por el lado de la arquitectura hasta que en 2008 viajó a México y redescubrió su pasión. además de ver de cerca la obra de rivera, Orozco y alfaro Siqueiros, conoció un movimiento incipiente en la ciudad de Oaxaca. Sus pinturas tienen la intención de embellecer los espacios públicos con detalles delicados. “la clave es crear algo con el entorno, jugar con una forma particular del edificio o algún elemento como por ejemplo, un árbol”. aunque aclara que su obra nunca ha sido de carácter político, afirma que últimamente está explorando la temática de la migración. “al ver que les están cerrando las fronteras a los inmigrantes en europa, con David de la Mano sentimos que es una exigencia para nosotros, hacer algo con eso”. berootstudio.wordpress.com | Instagram: Fulvietl

Mural eleGIDO: Sin título. ubIcacIón: Soriano y ciudadela.

MOTIvO De la SeleccIón: es un graffiti desarrollado en varias cortinas metálicas de un local comercial. “lo hice hace algunos años, volví después de estar un año de viaje y seguía intacto. Fue de los pocos que hice con aerosol, así que técnicamente fue muy interesante para mí. el hecho de que no tenga ninguna intervención después de años, por más que tenga planos bastante grandes, me alegra muchísimo”.

Hace alrededor de ocho años, no lo recuerda bien, una inexperiente María noel comenzó a realizar pequeñas intervenciones esporádicas en Montevideo. Poco a poco, la cantidad de pinturas en su haber creció. Hoy, bajo el nombre artístico de Noe Cor, puede afirmar que tiene varios muros importantes en su acervo. Y no solo en uruguay. en diciembre viajó a Francia y allí realizó dos murales que forman parte de una serie en la que reinterpretó la obra de dos fotógrafas de finales del siglo XIX y principios del XX. “lo hice como manera de luchar contra la invisibilidad de las mujeres en la historia del arte, y como pequeño homenaje a dos artistas casi olvidadas”. Noe también destacó la diversidad de manifestaciones artísticas en las calles. “no creo que exista una manera en la que se deban hacer las cosas. Me encantaría que siempre se valore el trabajo del artista en todas sus expresiones y en todos lados. en mi experiencia el muralismo se valora en Montevideo. es realmente hermoso el apoyo”, dijo. www.noecor.com | Facebook: NoeStreetArt

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“Parte fundamental de la valoración del arte es entenderlo como el trabajo que es y apoyarlo pagando lo que se debe por el tiempo y el talento”.

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Noe Cor (María Noel Silvera)

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chile bOheMiO

arte acieloabierto

En Valpo, como denominan los residentes a esta ciudad trasandina, la creatividad es un rasgo de su identidad. Allí cohabitan artistas alternativos, con consagrados y emergentes, quienes muestran su obra en talleres, galerías y calles.

Por YellY Barrios. FotograFías: garcía tores.

ay algo en Valparaíso que inspira, con sus cerros desbordados de graffitis y sus casas pintadas de distintos colores, disparatadas y superpuestas entre sí, apreciables de cerca y a la distancia.

La ciudad se erige como un anfiteatro con escaleras serpenteantes y subidas agotadoras que los funiculares ayudan a superar. Sin embargo, los porteños, gentilicio de los habitantes de esta ciudad al borde del mar, casi nunca se quejan de las condiciones geográficas del lugar.

El encanto de Valparaíso también está en el desorden y la arbitrariedad de su puerto de gran calado, que por un lado, es el punto de conexión comercial entre Chile y el mundo, y por otro, el muro que separa al océano de sus habitantes.

Molesto por esta circunstancia, Gonzalo Ilabaca, uno de los artistas plásticos más reconocidos de la zona, generó un movimiento en el que involucró a los porteños para que recordaran su pasado y su vínculo con el Pacífico. El proyecto se materializó como una instalación a la que llamó Museo de la Memoria y la Amnesia del Mar, que se compone de veintitrés testimonios de pescadores, abogados, oceanógrafos, trabajadores portuarios, poetas y estudiantes, algunos locales otros extranjeros residentes, que respondieron a tres preguntas que pretendían, desde una mirada artística,

dar visibilidad a un problema del siglo XXI: "¿cuál es el recuerdo más triste o más bello que tienes del mar?;¿cuándo fue la última vez que te bañaste en una playa de Valparaíso?; ¿cómo te gustaría que fuera el borde costero de la ciudad?" Las respuestas varían por la edad, por la procedencia o por la profesión, aunque en todas permanece la nostalgia y la sorpresa de comprender que naturalizaron la distancia que existe, desde hace décadas, con el océano.

“Cuando visualizas la realidad problemática que tenemos en la costa, los pescadores desplazados, los derrames de hidrocarburos, las partículas de metales pesados producto de las cargas y las descargas en los puertos, la contaminación y el virus Isa, entre otros, uno se pregunta, ¿verdaderamente no es necesario crear una institución que se haga cargo de esto en un país como el nuestro, que

Valparaíso se erige como un anfiteatro con escaleras serpenteantes y subidas agotadoras. llama la atención el colorido de sus casas y el desborde de murales que salpica sus paredes.

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la sebastiana.

somos el décimo con más extensión de mar en el mundo y el primero en Latinoamérica?”, concluye el testimonio de Rodolfo Ponce, marino mercante, presidente de la Alianza Marítima de Chile.

Luis Álvarez, director del Instituto de Geografía de la Universidad Católica de Valparaíso, opina que “los parques hacen a una buena ciudad, hacen los espacios públicos, el espacio de vida y la sostenibilidad. El gran parque, nuestra gran área verde de Valparaíso es el mar, solo que es azul. Si fuera verde quizás entenderíamos que es nuestra gran plaza. Si no entendemos nuestro mar, difícilmente tendremos sustentabilidad. Mi recuerdo más bello

La designación de Patrimonio de la Humanidad de Unesco, como en otros tantos sitios con el mismo sello, es un imán para atraer turistas de todas partes del mundo. Una de las visitas obligadas es La Sebastiana, una de las residencias del poeta Pablo Neruda.

fue cuando salí de Valparaíso rumbo a la isla Robinson Crusoe en donde está el archipiélago Juan Fernández. El más triste es no poder ver el mar desde mi casa, quemada en el incendio de 2014”, que fue uno de los más devastadores en la región.

La disposición de los testimonios de cada uno de los protagonistas del museo efímero que creó Ilabaca se acompañó con un retrato y objetos de valor personal. El geógrafo Luis Álvarez eligió para la ocasión los que pudo rescatar de entre las cenizas: unas cajitas de lata, un estuche de lentes, monedas, un muñeco de metal y un par de fotos tiznadas. Cada objeto contenía en sí la intención de mostrar la diversidad

humana que vive entre los cerros que conforman Valparaíso. Para Ilabaca “La riqueza de Chile es el mar. El sueldo, la billetera, puede que provengan del cobre y el litio, pero, ¿a través de dónde se transporta? A través del mar.

Lo tenemos totalmente olvidado. Tú le preguntas a cualquier porteño (de Valpo) ¿cuál crees que es el problema en tu ciudad? y te responderá que la basura, los perros, o la inseguridad, todos problemas derivados de esta distancia que separa la riqueza del del océano de su propia ciudad. Esa es la amnesia del mar”.

El montaje de la instalación de Ilabaca se realizó en el interior de un contenedor en el marco de la VI edi-

ción del Festival Teatro Container, que organiza todo su proyecto creativo utilizando una decena de estos enormes cubos metálicos como sede para charlas, presentaciones y también como sala de exposiciones.

tres propuestas institucionales Entre las variadas actividades a pie de calle se incluye la oferta museística de la municipalidad y del gobierno nacional. Destacan el Parque Cultural Valparaíso, un antiguo centro penitenciario reconvertido en espacio de arte contemporáneo; el Museo Lukas, destinado a recordar al afamado caricaturista chileno Renzo Antonio Giovanni Pecchenino Raggi, que eligió Lukas como un apodo más práctico para definirse, y el Museo de Historia Natural de Valparaíso, un enclave interactivo y didáctico para aprender y divertirse. Ideal para niños y para adultos con espíritu aventurero.

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En 2003 el casco antiguo de Valpo, con la Aduana, la Iglesia Matriz, y las áreas urbanas comprendidas por los cerros Alegre y Concepción, fue designado Patrimonio de la Humanidad por Unesco. Es que Valparaíso es centro histórico, administrativo y universitario de referencia en Chile. Es sede del Congreso Nacional, de la Armada, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, de la Aduana, y de los servicios de Pesca y Acuicultura. Según un censo realizado en 2012, unas 300 mil personas son residentes permanentes. Si además se considera el área suburbana, es la tercera más poblada de Chile con casi un millón y medio de habitantes. Aunque es difícil explicar cómo, muchos de ellos se dedican a las artes plásticas ya sea como galeristas, creadores, coleccionistas o como

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el origen de su fama

izquierda, Bertrand coustou, fundador de Bahía Utópica, la primera galería de cerro alegre. Derecha, Herna Freire, alma máter junto a su esposo, José Martínez garcía, del taller de los alquimistas.

cristian rojo en su casa y galería, espacio rojo, un punto de visita obligado. De ahí el gran nivel de artistas que maneja su espacio.

admiradores aficionados. Solo en Cerro Alegre se encuentra una muestra significativa de esta característica local.

En la calle Almirante Montt 263, una de las de acceso principal a este cerro, está el taller de Ariel Flores, Ciudadano Arte como firma y como se le conoce en la región. Instalado aquí desde 2014, este cubano trotamundos pasó una temporada en Estados Unidos, otra en España y finalmente, eligió a Chile como país de residencia.

Primero trabajó como ilustrador creativo para marcas internacionales como Pernod Ricard en Santiago de Chile. Después, fiel a su inquietud por el cambio, se mudó a Valpo. “En la creación artística me gusta explorar nuevos materiales, nuevas formas expresivas. El cambio es mi definición”, comparte Ciudadano Arte desde su taller tapizado con xilografías. En el presente, su estilo consiste en tomar un ícono del Pop Art como son las latas sopas de Campbell, de Andy Warhol, y redefinirlas para esta ciudad. “La obra no es solo la lata, es la idea completa”.

En sus comienzos artísticos exploró otras técnicas, pese a que los temas que invoca en sus obras suelen ser una constante: la identidad y los paisajes de atmósferas fantasiosas en los que un edificio de Brasil, por ejemplo, puede encontrarse en un cuadro con la Patagonia chilena de fondo. Ahora se dedica a darle esta vuelta de tuerca al Pop Art, que en sus orígenes proponía

la industrialización del arte y que en el concreto de Ciudadano Arte pretende volverlo manual. “Yo soy una máquina de trabajar. Hay que tratar de vivir con lo que tiene sentido para uno. En un momento mi inquietud fue encontrar cómo vivir de mi arte. Fue a partir de allí, y de un momento conflictivo de mi vida, que comencé a explorar otros horizontes. En Valpo supe que había mucho por hacer y entonces me aboqué a mi tarea”.

Su taller de xilografía da a la calle y las ventanas y la puerta están abiertas todos los días para que quien camine por allí, y sienta curiosidad, entre. Y funciona. Hace un año tuvo un pico de exposición en redes sociales con la llegada de Germán Garmendia y su novia Lenay Chantelle Olsen, conocida como Lele. El chileno es una verdadera estrella de YouTube con más de treinta millones de seguidores. Ella, una cantante, conductora de televisión y actriz estadounidense con un perfil en Instagram igualmente célebre. Tal contacto con un público muy joven, al que poco contemplan los artistas más conservadores, le dio al cubano una visibilidad que no calculó.

Si se sigue en dirección ascendente por la misma Almirante Montt, en el número 372, está Bahía Utópica. Sus fundadores, la chilena Nancy Arancibia Moya y el francés Bertrand Coustou, la definen como la primera galería de arte de Cerro Alegre. “Cuando abri-

grar a la galería es difícil. Aquí se respira arte, con muralistas que están en el top ten de los mejores del mundo, como Inti Castro. Aquí vienen muchos estudiantes de Bellas Artes atraídos por este espíritu. Llegan a probar suerte, pero entrar en una galería no es tan rápido como parece. A nosotros nos interesa conocer al creador, saber que tiene oficio, cuáles son sus deseos, conocer su pasión”.

En la calle Lautaro Rosas entre Miramar y Templeman, está Hiperfocal, el espacio de trabajo y galería del fotógrafo porteño Alberto Lagos, y elTaller de los Alquimistas, de Jorge Martínez García y su esposa ecuatoriana, Herna Freile.

Hiperfocal comenzó en Santiago de Chile en 1994, aunque el formato de trabajo lo inició Lagos bastante antes en París, donde vivió diez años.

Desde 2006 el método de trabajo que le caracteriza es la emulsión fotográfica y los temas que le inspiran son los cotidianos para los porteños: el troley, los taxis colectivos, los murales, los puestos de frutas y verduras del mercado El Cardonal. “Estoy súper agradecido porque estas fotos las he disparado todas yo, o sea que lo que está aquí es mi arte y a la gente le gusta”.

En el caso de Jorge Martínez García y Herna Freile, la obra se expone en una de las salas de su propia casa. El estilo

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mos en 2008, habían muchos talleres en la zona, pero nada que reuniera a consagrados y emergentes. En aquel momento comenzamos a trabajar con los creadores más reconocidos de la ciudad. Ellos tenían más que perder que nosotros y apostaron por la propuesta que aquí permanece”, comenta Coustou.

Pasó una década desde entonces.

Como ayer, lo que los define es la búsqueda de talento. La galería mantiene consigo a los artistas más destacados de la ciudad: Gonzalo Ilabaca, Felipe Quiñones, Pablo Villegas, y mira de cerca a los nuevos creadores. “La elección de qué artistas emergentes inte-

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arriba, gonzalo ilabaca en el interior del container que albergó El Museo de la Memoria y la Amnesia del Mar. abajo a la izquierda, alberto lagos, fotógrafo y fundador de Hiperfocal. abajo a la derecha, ariel Flores, conocido como ciudadano arte, y su obra.

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En otoño el clima en este puerto, fundado en abril de 1536, es variable. Las mañanas amanecen tapadas de una niebla que se dispersa a medida que el sol avanza. La luz más plena empieza a disfrutarse a partir del mediodía. del matrimonio se mueve entre el dibujo, la pintura, el grabado y las aguafuertes.

Los temas que les mueven varían desde la poesía y la filosofía en el caso de él, a la soledad, la nostalgia y el concepto de hogar como lugar de creación, en el caso de ella. “Me importa trabajar desde el enfoque positivo de cada uno de estos tópicos. La soledad como punto de encuentro, tan necesario para crear y para conocerse a uno mismo. La nostalgia como una mirada al pasado que cuenta lo mejor que hay en mí”, explica Freile, que suele organizar su agenda entre la atención al público en el tallergalería y la introspección que necesita.

Un poco más alocado y alternativo es Apolo 77 Casa de Arte. En este espacio vive el valenciano José Manuel de Belda, un abogado artista que se enamoró de una chilena y después de vivir varios años en India, decidió radicarse con ella para desarrollar su talento relacionado con lo figurativo.

En su sala de exposiciones de Apolo 77 concentra artistas de distintos puntos de Chile; uno de ellos es Chávez, radicado en La Serena, al norte del país. Otros son: Gabriel Santander

de Puerto Montt, Reinaldo López o Amaru. “Hace dos años y medio que estamos con esto. Nos identifica la presentación de artistas jóvenes”.

En otro de los tantos recovecos de Cerro Alegre, en Pasaje Miramar 175, está Espacio Rojo. La galería lleva el apellido de su fundador Cristian Rojo y es un lugar de encuentro con el arte contemporáneo contingente y con la propia ciudad. Cuando el visitante entra en esta galería es usual que su dueño les reciba. Su propia calidad de anfitrión es una invitación a quedarse y conocer lo que tiene para contar. “Espacio Rojo nace de la idea de promover a los artistas nacionales. Me formé en Estados Unidos, viví unos años en Los Ángeles, y luego quise regresar a mi país para poner esto en funcionamiento. Aquí es donde trabajo y vivo. La curaduría de la galería es mía y hay artistas como José Fernández, Matías Santamaría, Anis, Dalia Karü y José Oyarzún Sardi.

Estamos en un punto obligado y por eso tengo que traer talento, es una obligación”.

Cristian Rojo hace también un recorrido por la arquitectura del espacio

al que define como “la casa mentirosa”. Primero lo anuncia como un titular, mientras continúa con la visita guiada por las obras y después explica el porqué, desde el balcón que da al patio trasero: “Acá está el estómago de la ciudad. Desde aquí nos damos cuenta que la casa, que parecía de una planta única tiene dos más debajo. Por eso la llamo la casa mentirosa. Es un signo arquitectónico de distinción en Valparaíso. Desde afuera uno tiene una impresión y adentro se sorprende con las superposiciones. Y al mirar desde este balcón, se aprecia todo lo que caracteriza a la ciudad: sus casas abandonadas o quemadas, las construcciones aún en pie con mezclas de estilos arquitectónicos, como el racionalista, con sus formas que emulan grandes buques marinos, con las fachadas color azul cobalto que recuerda el océano Pacífico. Es más, en los días de mucha claridad, desde este balcón se ve el pico nevado del Aconcagua”, añade el galerista en voz baja, como quien revela un secreto que quiere mantener intramuros. Después, sin más, recita un fragmentos de Pablo Neruda.

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DEKTON introduce la nueva serie INDUSTRIAl, fruto de la colaboración con Daniel Germani Designs.

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Bestias cinéticas La obra de este artista fusiona arte e ingeniería en escuLturas de aspecto animaL, que se mueven a través de compLejas estructuras compuestas por tubos y boteLLas de pLástico. eL objetivo deL creador es Lograr un organismo casi viviente, capaz de andar y resistir en Las ventosas pLayas de HoLanda. fotografías: marco zwinkels, doris van iperen,

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bopra hwang y adriaan kok.

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tHeo jansen

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l viento le eriza la cara, se la hace de cartón, es áspero y violento. Va cargado de una combinación de arena seca y húmeda que lija sus mejillas. Él sigue colocando esos tubos amarillos y flexibles como si fueran piezas de ajedrez; materiales comunes que por ley se usan en los hogares holandeses para conducir los cables de la electricidad.

Theo Jansen está obsesionado con estos tubos desde niño. Los usaba como cerbatana para lanzar bolitas de papel. Hoy es un físico que practica un juego evolutivo en la playa de Scheveningen, en las costas de La Haya, donde nació y se crío. Esa playa también es el hogar de sus bestias, criaturas que se asemejan a esqueletos prehistóricos hechos con el pálido plástico de la modernidad. Estos animales entubados se han adueñado de la vida de Theo, de su imaginación y de su tiempo. Sueña códigos binarios e imagina a Da Vinci volando en una de sus criaturas. Suele despertarse pronunciando el nombre Scheveningen. Lo repite una y otra vez como si quisiera descifrar una respuesta inconclusa. Como un espía alemán que ensayaba cómo pronunciar este nombre para no ser descubierto durante la Segunda Guerra Mundial. La palabra servía como contraseña de seguridad y en paralelo, ese mismo vocablo bautizó a una de las aperturas más populares en el ajedrez, conocida como “defensa siciliana”.

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theo Jansen sueña con que sus bestias no lo necesiten. Quiere morir sabiendo que galopan libremente por la playa, valiéndose por sí mismas.

Códigos y juegos; eso es lo que produce la mente de Theo Jansen. Las bestias sobre la playa también se defienden a la manera siciliana; se mueven para sobrevivir en el entorno que las rodea. Son esculturas que semejan animales impulsados por los vientos, mecanismos hechos de materiales reciclados que funcionan sin ningún aparato eléctrico, solamente con lo que les brinda el ecosistema al cual buscan sobrevivir. Theo les dio un cerebro simple con combinaciones que les permite saber su posición a través de un tentáculo que van arrastrando y que al tener contacto con el mar, succiona el agua y la saca por uno de sus tubos, lo que genera una señal para que cambien de dirección, así no se ahogan. Saben dónde está el mar, dónde están las dunas y dónde se encuentran.

“Quiero dejar una nueva especie en Scheveningen. Por eso no quiero ir a los desiertos o a otras playas en el mundo; quiero que estas construcciones aprendan a vivir aquí, y si fallan o mueren, que sea sobre esta arena”.

De esta forma el físico juega a ser Dios. Le gusta pretender serlo, y crear mundos de fantasía: “espectáculos jugados en nuestras mentes”. Por eso es que para Theo, el yo es una herramienta.

“Necesitamos del yo para ser egoístas; sin egoísmo, no hay fantasía”. Jansen no escapa del sentimiento mesiánico de salvar el mundo. Al menos su idea inicial con estos animales era llevarlos a una misión, a un objetivo concreto: el de salvar la playa que según algunas estadísticas parece inminente que la marea la devore. De

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Animaris.

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"no es fรกciL ser dios, todo eL tiempo te decepcionas, te deprimes, pero en esas ocasiones en que Las cosas funcionan, ser dios es Lo mรกs maraviLLoso deL mundo".

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Animaris Adulari.

ahí el sueño de que sus bestias lleguen a construir dunas que contengan el mar y así salven a su comunidad.

Para él la realidad no siempre es agradable, pero es necesaria, de otra manera todo sería demasiado leve y aburrirse es lo más trivial en la vida, por ello necesita retos en que la imaginación sea la protagonista. “¡Tú puedes imaginar lo que quieras!”. Y remarca la necesidad de recordar que estar vivo no es simple, sino que es una complejidad. Como decía Richard Dawkins: “una cosa compleja es aquella cuya existencia no podemos dar por supuesta, porque es muy poco probable”.

“Yo veo a la vida como un milagro, como esa playa en la que estoy bajo el cielo sintiendo el oleaje. No dejo de sorprenderme por estar aquí, sin embargo nuestras agendas de trabajo nos hacen olvidar lo especial que es eso. La sociedad vive distraída, yo vivo distraído, pero trato de recordar siempre lo especial que es estar vivo; por eso es tan necesario mirar a los ojos a un niño y entender que allí también está nuestro reflejo”.

Y cuando dice milagro, Theo se refiere a la selección natural, ese proceso automático, ciego e inconsciente que Darwin compartiría con el mundo y que ahora sabemos es la explicación de la existencia. Incluso Jansen, en su juego a ser Dios, busca esa selección natural creando una especie de patrones, códigos genéticos que van evolucionando en sus bestias: “los códigos ganadores que se adaptan mejor a sobrevivir se replican”, por ejemplo, aquellos que le permitieron hacer que sus animales caminaran cuando no hay viento, por medio de una función parecida a la del cactus con el agua. Se trata de un proceso que permite almacenar el viento, bombeándolo hacia botellas de refrescos y así generar energía.

Si bien sus criaturas se llaman animaris, hay una segunda especie, la animaris currens, que goza de un mecanismo de piernas fuera de lo común. Se trata de una suerte de hueso trasero conectado a un carril de 12 piernas, que hace un movimiento circular para que el animal camine con la elegancia de un caballo sobre la playa. Para Jansen, es una nueva versión de la rueda, cinco mil años después de haber sido inventada. El verano pasado, este creador también desarrolló un sistema inspirado en

las orugas. Sus esculturas están hechas en base a tecnologías; son esqueletos meticulosamente construidos con materiales usados que lo han categorizado como artista, título que respeta y necesita para compartir con el mundo sus obras, aunque en realidad no le gusta ser llamado así. “Las categorías son invenciones de los institutos y los institutos no están pensados para las personas”, dice. Cuando Theo está en la playa, trabajando en ese clima ventoso y húmedo, los institutos, son lo que menos le importan. Su atención es hacia la propia complejidad humana y por ello desea deshacerse de todas esas etiquetas que muestran el hambre de una sociedad por categorizar el mundo. Sin embargo, se ha quedado en eso, en un deseo de Theo, porque su egoísmo creativo está consciente de la necesidad de las instituciones para mostrar su trabajo.

Lo más sustancial para este inventor es crear otra perspectiva para ver la vida y en ese proceso la imaginación es transcendental para que la gente vea otros mundos posibles. Es precisamente una facultad producto de la evolución, algo que entra en rebelión y que irrumpe diciendo: “aquí estoy y me niego a ser ciega”.

“Cuando estoy trabajando en la playa, yo me dejo llevar por el material con el que me manejo. Puedo planear algo en la mañana y después ver cómo, dramáticamente, mi plan cambia porque los tubos quieren ir hacia otro lado. Eso me decepciona, pero a la mañana siguiente surgen nuevas ideas basadas en la experiencia del día anterior.”

La intención de este físico no es hacer objetos bellos, sino funcionales a su entorno y cuando lo son, las estructuras parecen encontrar una estética fascinante.

“Pienso que las bestias se convierten en algo hermoso por sí mismas. Se puede decir que el material básico de la vida es la proteína, entonces cada mutación se puede ver como un plan de la coincidencia, pero solo algunos funcionan, es entonces que otra ilusión aparece en forma de plan. Así es como la evolución trabaja, yo hago cosas aleatorias y la mayoría termina funcionando. Es el ensayo y el error; el principio de la evolución”.

(Theo Jansen: el ajedrez y las bestias, nota de Luis Alberto González Arenas, publicada en Nexos.com.mx, cedida a PAULA por el autor).

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Gustavo Neves ideรณ un espacio de 200 metros cuadrados en el que los materiales y elementos esenciales, despojados de todo artificio, son protagonistas.

una vez más el jockey club de san pablo reunió lo más sobresaliente de la arquitectura, la decoración, el diseño y el paisajismo del continente. la 32ª edición de la muestra paulista hace foco en un estilo de vida rodeado de verdes y memorias afectivas. la misma permanecerá abierta hasta fines de julio.

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interiorismo

Arriba, el comedor de Naomi Abe se nutre de mobiliario y obras firmadas por diseñadores y artistas brasileros para construir un estilo contemporáneo y alegre.

Abajo, el estudio de Mattar Tayar intentó recrear el hogar soñado de un millenial, con espacios integrados y piezas de Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi y Ricardo Fasanello.

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Especializada en arquitectura para la población senior, Flávia Ranieri diseñó un apartamento de 45 metros cuadrados con muebles contemporáneos, colores suaves, recuerdos de familia y soluciones de seguridad.

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Nildo JosĂŠ projectĂł un apartamento completo a travĂŠs de un concepto compartimentado y una paleta neutra que transmite el alma de su morador.

Izquierda, inspirado en las townhouses de Amsterdam y Londres, Dado Castello Branco armó una casa práctica y acogedora en la que destacan la madera y el concreto. Derecha, Gustavo Paschoalim diseñó un loft con cocina integrada al living, que combina elementos rústicos y contemporáneos con objetos de los siglos XVIII y XIX. Abajo, BC Arquitetos, se despachó con una sala de estar que integra cine, obras de arte, bodega y biblioteca.

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Paula Bignardi y Paulo Azevedo crearon un ambiente intimista y masculino, pensado para un escritor que busca inspiración en los viajes por Europa y Asia.

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Preocupadas por la sustentabilidad, Gabriela Lotufo y Larissa Silva trabajaron conceptos de montaje y desmontaje con separaciones realizadas en madera laminada y aplicaron pastillas de botellas PET en la cocina y el baĂąo, ademĂĄs de madera de demoliciĂłn en el piso.

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Arriba, Marcelo Salum ideó un concepto multiuso que aprovecha las dimensiones del área. Abajo, Triart Arquitectura buscó resignificar las edificaciones del Jockey Club y para ello se valió de una dèco con jarras, platos y aderezos coloridos, además de un mobiliario ecléctico y profusión de verdes.

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Arriba, con fibras naturales, linos crudos, toques metálicos y madera, Rosa May construyó una biblioteca elegante y moderna.

Abajo, Ricardo Borges se valió de texturas ricas, una paleta glamorosa y espejos, para integrar áreas de estudio, trabajo, dormitorio y baño en un solo lugar.

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Arriba, Jean de Just evocó la cultura brasilera a través del uso de colores y formas geométricas que contrastan con muebles de diseño.

Abajo, Erica Salguero apostó por un ambiente despojado, moderno y lujoso en el que mezcló tonos de blanco, gris y pinceladas de verde con mobiliario de diseño.

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Flรกvio Abilio Rodrigues pensรณ un lugar lleno de sensaciones donde la gente se pudiera sentar y disfrutar. Para lograrlo se valiรณ de plantas de variado porte y colorido, junto a un mobiliario realizado con materiales naturales.

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Arriba, el estudio Lao Design se despachó con 400 metros cuadrados de áreas de estar acogedoras, intervenciones artísticas y jardines.

Abajo, Daniela Sedo preservó la vegetación del local y desarrolló un punto de disfrute para niños, con materiales amigables con el medio ambiente.

un señor CON EL CARISMA Y LA GENTILEZA QUE LO CARACTERIZAN, ESTE PESO PESADO DE LA ARQUITECTURA URUGUAYA ABRIÓ LAS PUERTAS DE SU ESTUDIO EN PLAZA CAGANCHA, UN PRIVILEGIADO MIRADOR ABIERTO A LA CIUDAD. por: clara avellino.

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fotografías: pablo rivara.

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s probable encontrarse con él caminando por las inmediaciones del kilómetro cero de La Muy Fiel.

Allí trabaja y es donde se encuentra su cuartel general. Medido en sus gestos, a veces callado, y hasta tímido por momentos, siempre se lo verá atento al devenir del entorno, donde sea que su pasión viajera lo lleve. Se podría decir que Enrique Cohe representa al caballero por antonomasia, con la palabra y el ademán justos. Cálido con los amigos, sagaz, divertido y buen anfitrión, socialmente se lo ve afable, y sus puntos de vista son bien recibidos. Se conoce su ojo clínico, se respeta su trayectoria, se valora su opinión. Pero, ¿cómo piensa Enrique Cohe? ¿Cómo se definiría: un vanguardista o un conservador? Aquí un mano a mano con él disipa todas las dudas.

–¿Qué lo motivó a ser arquitecto?

–Sinceramente, siento que elegí la profesión por vocación directa, siempre supe que era lo que me gustaba hacer. Desde niño estuve rodeado de diseño y de dibujos, porque mi padre era un excelente dibujante, ilustraba afiches para publicidad y era ayudante de arquitecto en los estudios más importantes del momento. Mi tío también influyó, ya que era arquitecto y docente de la Facultad de Arquitectura, por lo que crecí viendo el trabajo de otros. Por fortuna, siempre fui un buen dibujante y eso me fue forjando a seguir por esta ruta con una base que otros chicos a veces no tienen.

–¿su actividad se parece a lo que pensó?

–La verdad es que nunca imaginé la profesión en sí, más bien la viví de forma muy lineal. Solía visitar las obras con mi padre y

CON ENRIQUE COHE

mi tío. Fue recién en secundaria que comencé a definirme. No tuve influencias directas que me dijeran ´tenés que hacer esto´, sino motivaciones que fui descubriendo, y eso está bueno. Fue un proceso de menos a más.

–¿a qué generación de arquitectos pertenece?

–Nuestra generación, y cuando digo nuestra hablo de mis compañeros directos, era la generación de mediados de los 70'. Si bien fue un período histórico muy complicado, sobre todo a partir del 72', nos fuimos recibiendo, algunos con más dificultad que otros.

–¿considera que fue una generación de hacedores brillantes?

– Sin duda. Salieron profesionales muy valiosos, con un nivel muy importante. Compañeros míos, y otros que no eran compañeros del taller, pero que también conozco desde esa época. Todos teníamos un nivel muy bueno.

–¿Qué nombres destacaría de su generación?

–Me gustaría destacar a dos compañeros de la época, amigos muy queridos. Uno de ellos viajó conmigo como estudiantes a Europa, Estados Unidos y a Oriente. Es Iván Arcos, de Estudio Cinco. Siempre fue brillante. El otro es Carlos Ott que todo el mundo conoce, pero que además vale destacar que a mediados de los años 80' ganó el concurso para construir la Ópera de la Bastille en París, inaugurada en el 89'. De destacada trayectoria, ambos siempre apuntaron a la excelencia y la vanguardia arquitectónica.

–¿cómo fueron sus inicios?

–Para muchos, los principios son sacrificados y casi imposibles; a mí también me resultó difícil porque en ese momento no había mucho trabajo, pero fue alentador pues tuve la suerte de empezar en un lugar que a mí me gustaba mucho. No me pagaban y tampoco ellos cobraban, pero ser socio en el momento de encarar las obras hizo que fuera muy interesante. Se me empezaron a abrir puertas y comencé a conocer gente, a entender cómo era el modus operandi de un estudio de arquitectos. Además, en ese momento se produjo el boom constructivo en Punta del Este, que empezó a mediados de los años 70' y duró muy fuertemente hasta principio de los 80'. Luego mermó con la crisis financiera y económica, que aceleró la inflación y la desocupación. Algo parecido a lo que sucedió luego en 2002.

–¿cómo fue el camino para llegar a ser quien es hoy?

–Si bien de muy joven revalidé el título en la Universidad de Buenos Aires, lo cual me permitió realizar algunas obras en la República Argentina, aposté a quedarme acá; y además, tuve la suerte de que enseguida de recibirme, me llamaran del estudio de Guillermo Gómez Platero y Rodolfo López Rey. Me dijeron: '¿sabés qué? No tenemos mucho trabajo pero te queremos asociar. Queremos que trabajes con nosotros'. Eso fue fantástico porque hice mucha trayectoria junto a ellos. No fue una casualidad, ellos sabían de mi actuación, no solo por mi rendimiento en facultad sino también por mis innumerables premios ganados con mis afiches. Así fue el comienzo, y luego pasamos a ser el estudio Guillermo Gómez Platero, Rodolfo López Rey y Enrique Cohe. Años después se suma a la dirección de obra, Roberto Alberti. Y juntos tuvimos la oportunidad de hacer y proyectar muchas viviendas, tanto en Punta del Este como aquí en Montevideo. Siempre de manera constante, tal la impronta que seguimos a través de los años, haciendo investigación permanente de las innovaciones y tratando de estar actualizados

radisson victoria plaza.

"EL CAMINO DE LA CREACIÓN VA DESDE LA MENTE A LA MANO QUE LA EXPRESA, PASANDO SIEMPRE POR EL CORAZÓN"

"ME HE MANTENIDO FIEL A UN RACIONALISMO Y A UN MINIMALISMO NO EXTREMO, RESPALDÁNDOME SIEMPRE EN LAS NUEVAS TÉCNICAS, TRABAJANDO EN EQUIPOS INTERDISCIPLINARIOS, RETROALIMENTÁNDONOS UNOS A OTROS."

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proyecto parque agroindustrial coronel oviedo en paraguay.

desde el punto de vista tecnológico. Abiertos a cambios en el camino, no solo enfocándonos en viviendas, sean individuales o colectivas. Igualmente tenemos en Punta del Este más de 26 edificios construídos, pero ya sobre los 80' comenzamos a incursionar en la proyección de shopping centers y en hotelería. En ese entonces, aquí no se sabía mucho sobre eso y me esforcé en estudiar el tema. Fuimos a San Pablo y a Estados Unidos para ver como lo hacían los pioneros. Fue así que proyectamos las instalaciones de Montevideo Shopping, el primero en el Río de la Plata. Y ese fue un camino diferente que nos arriesgamos a tomar y que nos permitió incursionar en otras disciplinas.

–¿Qué experiencias le dejó el viaje de arquitectura?

– Supongo que tal como a todos, después de casi un año recorriendo el mundo, se logra una ampliación exponencial de nuestro aprendizaje, tanto técnico como cultural. De un estudio previo se pasa a la sorpresa, a un exhaustivo análisis de lo conocido y lo desconocido, decantando en una síntesis de lo vivido que nos acompañará toda la vida. Aunque he viajado en otras ocasiones, esta primera experiencia constituyó el sacudón intelectual más importante a una edad temprana.

–¿recuerda alguna anécdota en particular?

–¡Anécdotas hay miles! Me acuerdo un día que teníamos una reunión en una universidad de Londres e iba a ir Reyner Banham, un crítico muy conocido de arquitectura británica sobre el que todos habíamos estudiado. Lo estábamos esperando y yo, asomado a una ventana, lo vi aparecer en bicicleta. Muy sorprendido, les dije a mis compañeros: '¡miren ahí está Banham!'. Luego nos explicó que andaba en bicicleta para poder llegar a tiempo a sus compromisos en el centro de la ciudad, ya que en auto era imposible acceder hasta allí, y entonces lo dejaba lejos. Ya en esa época, sobre los años 70' había que resolver el caos urbano de alguna forma. Hoy, 2018 recién estamos manejando ideas para desarrollar soluciones a este problema del tráfico; sin dudas era un visionario en movilidad urbana.

–¿cómo se definiría profesionalmente?

–Me causa gracia la pregunta. Soy innovador y vanguardista. En cada momento histórico, y ya vimos varios pasar, siempre intento hacer diseño de vanguardia. No desde el punto de vista de las tendencias, porque estas siempre van cambiando formalmente, sino en cuanto al tiempo, a ese concepto de que nunca va a pasar de moda. Me gusta lo minimalista, lo despojado. La tendencia hoy es salir con formalismos que no siempre están bien logrados. Muchas construcciones son más esculturas que edificios; tal el caso del museo Guggenheim de Bilbao, que es como entrar al interior de una escultura. Las torres retorcidas (The twisting towers) que hay en distintas partes del mundo, son un claro ejemplo de que a veces se exceden en los formalismos y no se logra algo que perdure, sino un diseño que representa la euforia de estilo del momento.

–¿tiene un arquitecto de referencia?

–Hay varios y es difícil elegir uno solo, pero sin dudas Richard Meier. Desde la primera casa que hizo hasta hoy tiene un proceso lineal y sigue el racionalismo a ultranza. Es como si vieras la escuela de Le Corbusier, con ese purismo en las formas. Tuve la

las funciones. En la arquitectura se propone utilizar los típicos materiales de la zona, como tejas cerámicas y madera.

–¿cuáles serían las ventajas y desventajas de Uruguay como escenario arquitectónico?

–Las ventajas de Uruguay es que está todo por hacerse.

Debemos tener la habilidad de seguir los ritmos del mundo, porque si no, nos vamos quedando cada vez más atrás.

Lamentablemente hoy no hay obra pública, los concursos y oportunidades casi no existen, o no tienen inversión. Esto afecta directamente al crecimiento y la innovación, porque son instancias donde la gente joven puede plantear sus ideas.

–¿cómo evalúa el nuevo proyecto de viñoly en punta del este? ¿lo ve fácil de integrar al entorno?

–A Viñoly lo conocí de estudiante, cuando él era arquitecto en Buenos Aires. Es muy inteligente. De acuerdo a nuestras experiencias, este es un proyecto que va a tener una gran transformación del dicho al hecho, del plano o la maqueta a la obra final. A lo largo de nuestra historia, supimos estar muchas veces en el ojo de la tormenta, cada vez que hacíamos algún proyecto innovador que salía de lo común y para el cual no había normativas. Por ejemplo, definir la altura del Hotel Victoria Plaza, (hoy Radisson Montevideo) nos llevó varias idas y venidas. En ese entonces no se aceptaba la altura propuesta (más de 120 mts), que superaba la altura del Palacio Salvo. Luego cambiamos los planos y bajamos pisos. La gente opinaba por teléfono, llamaban a las radios ya que no había redes, y junto con Gómez Platero padre, Arana y la comisión de Ciudad Vieja, más los inversores, se fue debatiendo cada paso. Fue muy interesante y duro a la vez. Finalmente, se llegó a construir y hoy tiene 25 pisos. Un día le dije a Arana: 'si la hubiéramos hecho alta, ¿te parecería tan mal?' y me contestó: 'no, la verdad que no'. Otro ejemplo fue el Shopping Tres Cruces, allí estábamos en un punto neurálgico de la ciudad y tuvimos que trasladar el monumento, que si se rompía, debíamos reponer a

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suerte de estar en su estudio en dos instancias y siempre tenía las más actuales tendencias constructivas y la última tecnología en materiales, eso es con lo que él innova. Pero sigue una línea formal y de diseño que en el tiempo se va manteniendo, es uno de los grandes, al igual que Piano, que tienen gran pureza.

–¿cuál de sus obras es la que más lo representa y porqué?

–Me siento representado en cada uno de los proyectos concretados o no. De elegir, destaco la Torre de los Profesionales.

Esa fue una obra en la que propusimos lo que se podía construir para oficinas según la normativa. En ese entonces era un terreno baldío, una caries en una manzana muy consolidada, con el Automóvil Club al costado, sobre la calle Colonia. Recuerdo que al arquitecto Mariano Arana no le gustaba ninguno de los proyectos que se habían presentado y a decir verdad, a nosotros tampoco.

Pero finalmente se logró hacer. En el centro de manzana hay una anacahuita centenaria de 35 metros de altura, que se quería salvar y para ello se generó un espacio semi público abierto, muy interesante de ver. Teníamos varios compromisos a nivel de todos los profesionales, no solamente con los arquitectos, sino también con los inversores y Arana (Mariano, Intendente de Montevideo en la época) que nos peleó al principio y luego estaba fascinado. Es un claro ejemplo de que todo se puede, en buen diálogo y con las personas adecuadas para lograr fusionar las ideas, los requisitos y las necesidades. Entonces es ahí donde se descorcha el champagne. Y tengo entre manos algo muy interesante y actual que es el Parque Agroindustrial Coronel Oviedo en Paraguay. Se trata de una región agrícola de pequeñas familias rurales en donde es política de gobierno incorporar su producción granjera a un nivel más desarrollado. En un predio de 120 hectáreas se planea llevar a cabo un sector que incluya tareas de procesamiento, packing, y conservación frigorífica, entre otras, además de un gran centro comunitario.

La propuesta, altamente tecnológica, cuenta con naves separadas por espacios amplios y galerías abiertas que interconectan todas

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ex hotel conrad, hoy enjoy punta del este.

Dos tomas de la fachada de la torre de los profesionales en el centro de Montevideo.

ping pong De pregUntas Un destino: Siempre volver a Francia. n Un maestro: El japonés Tadao Ando. n Un estilo: El minimalismo. n su plato preferido: Salmón con verduras al vapor, aunque un día frio como hoy Cazuela de lentejas. n ¿cómo vive la amistad?

Intensamente, con total naturalidad, me gusta la reunión con quienes quiero y valoro. n ¿Qué lugar ocupa la familia?

Un lugar provilegiado en mi vida. n ¿Qué le inspira de Montevideo hoy?

Como ciudadano y como técnico...desazón. Ha perdido calidades en limpieza, cuidados y protección. n

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torre de los profesionales.

nuestro riesgo. Y salió bien, reformamos el escenario de un punto estratégico de la ciudad. Ese tipo de cosas a la gente le gusta, pero cuando cambiás el contexto de la ciudad, creás un polo nuevo y das otra impronta que cambia demasiado, el uruguayo se pone un poco en contra y se empiezan a escuchar voces. En el caso de Montevideo Shopping, la gente criticaba que íbamos a destruir un parque para construir un centro comercial. El hotel Conrad en Punta del Este, es otro claro ejemplo. Fue un concurso que ganamos con Hilton y Baluma Sociedad Anónima, que era el inversor. Presentamos tres proyectos, uno incluía un puente de punta a punta que terminaba en un club de playa, menos mal que no lo hicimos. Fue muy criticado por la gente y por Viñoly. El polo de atracción del hotel ocupa cuatro manzanas, es inmenso. Del proyecto que se presentó en un comienzo, al que luego se construyó, se dieron muchos pasos, y eso está bueno porque tenés que convencer al municipio o el municipio te convence a vos, y además tenés que convencer al inversor. En el caso del proyecto de Viñoly supongo que va a pasar lo mismo. Se hará una comisión que se dedique a estudiar, analizar y sintetizar el proyecto, poner en valor los pro y los contra para negociar y llegar al mejor resultado. En definitiva, lo veo viable y fácil de integrar pero no con ese proyecto tal cual está. Hay que darle una impronta urbana,

la volumétrica máxima hay que definirla y la ocupación del suelo también. La adaptabilidad y la relación con el entorno hay que valorarla y balancearla. No puede volver a pasar lo que pasó con Conrad, que se hizo retirado y escalonado para no generar un bloque, respetando la altura; y años después se hicieron las primeras torres fuera de norma, que no se controlaron, y claramente las construcciones se fueron expandiendo y el hotel quedó ahí, como el petiso. Esto es lo que no puede pasar con el San Rafael, se debe plantear una normativa y mantenerla.

–se sabe que su hobby es tocar la batería y que le gusta el jazz, ¿se relacionan de alguna manera con su ser arquitecto, por lo general perfeccionistas y definidos a las formas?

–Sí, si bien el jazz parece muy fluido, espontáneo y libre, no lo es tanto. Tiene una métrica y una armonía fija y compleja. Pero tiene las improvisaciones y las fusiones, con elementos de otros ritmos y culturas, como la africana o la jamaiquina, que le dan espacio a la creatividad. La arquitectura tampoco es tan esquemática, también hay deconstrucciones o formalismos que evaden las improntas racionales y que marcan un ritmo o un módulo.

Eso es lo que genera la sorpresa de sentirla, saberla interpretar y buscar la perfección, al igual que en la música. Es apasionante, me hubiera gustado ser un buen músico.

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The Oculus (2017). sanTiagO calaTrava Finalmente terminado, el conjunto con su terminal interconectora deslumbra por su gran escala. Obra controversial en su proceso, no por su concepción espacial o técnico arquitectónica, sino porque su construcción insumió doce años, siete más de lo pautado. con un costo final de 4.000 millones de dólares, se caracteriza por una llamativa imagen estructural de muy compleja realización en el área del ground Zero. interconecta once vías de metro y el Path Train a nueva Jersey, con los accesos directos a las cuatro nuevas torres del WTc, el World Financial center con su Winter garden, el 9/11 Memorial y el Battery Park. el complejo incluye además un gran mall con casi cien tiendas de alto nivel.

432 Park avenue (2016). raFael viñOly. reconforta este proyecto skinny de viñoly que tuvo como desarrolladores a ciM group + Macklowe. la implantación de un volumen bajo con destino comercial sobre Park avenue, se articula perfectamente con la esbelta torre a través de una plazoleta de carácter urbano. la estructura simple y segmentada cada doce niveles, con espacios de doble altura, ofrece un guiño en el skyline del Midtown, y se distingue por su elegancia. sus 425 metros hacen de este edificio, la torre más alta en Occidente, destinada a uso residencial.

Todas las ventanas son de diez metros cuadrados, conformando una retícula en cada fachada. los 104 apartamentos se desarrollan en 1, 2 y 4 unidades por nivel, con costos estimados de 7 a 95 millones de dólares, en el caso del penthouse.

via 57 WesT (2015-16).

BJarke ingels grOuP archiTecTs. un logro diferente en el skyline neoyorquino.sorprendente propuesta del grupo danés para un edificio de 700 apartamentos, en un contexto formal diferente. el basamento se transforma en una pirámide de 142 metros de altura, con faldones inclinados, pero asimétricos. un espacio central con jardín elevado permite una mayor superficie de asoleamiento. enfrenta al hudson West, una de las vías de acceso a Manhattan, y a los embarcaderos de los cruceros.

WhiTney MuseuM (2015). renZO PianO + cOOPer rOBerTsOn.

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en este nuevo desarrollo del Meatpacking District de Manhattan, se proyectó un museo de 7.520 metros cuadrados, superando ampliamente la capacidad del anterior Whitney, diseñado por Marcel Breuer. se desarrolla en ocho plantas, con una configuración asimétrica que genera amplios espacios para mostrar arte americano moderno y contemporáneo. el quinto nivel, con sus 1.600 metros cuadrados, constituye la galería de arte de planta libre de mayor superficie de nueva york.

arMani FiFTh avenue (2009-10).

MassiMilianO & DOriana Fuksas.

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el showroom se desarrolla en cuatro niveles de definiciones claras y espacios en armonía, conectados por una poderosa escalera/rampa. ubicada en el corazón del edificio, dicha escalera es un elemento constructivo y un espléndido gesto escultural que interconecta todos los niveles del Mundo armani. la caja vidriada que envuelve la tienda con iluminación lineal de leds, no hace más que invitar al visitante a descubrir el atractivo interior, que remata en el último piso con el café-restaurante.

identidad propia

Los Leños.

La Casa de Rose.

Audi Zentrum.

locales copados

el interiorismo y la decoración cobran cada vez mayor relevancia en los espacios comerciales. aquí, cinco exponentes montevideanos que dan que hablar.

Hoy te quiero.

La Tostaduría/Nómade.

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con una estÉtica muy limpia, pocos accesorios y una paleta neutra que tiÑe incluso el mobiliario de la Firma taller capitÁn, se resolvió esta dèco despojada.

LA TosTADuRíA/NóMADe

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Ambas firmas comparten el espacio proyectado por el arquitecto Jeremías Merino. Allí, son centrales las paredes medianeras y los materiales en bruto: el hierro omnipresente, las chapas del cielorraso y el hormigón del piso.

Destaca el mural de Kill Beef entre otros graffitis.

Hoy Te quieRo

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el arquitecto Gustavo Bardavid fue el encargado de plasmar el espíritu de la firma en el nuevo local de Carrasco. Rico en texturas y recursos, el diseño pone énfasis en elementos como la naturaleza y la luz.

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con sectores bien delimitados, la puesta sorprende con detalles como el empapelado de adela casacuberta, la pÉrgola de metal en el patio y la proFusión de verdes.

LA CAsA De Rose

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Fue la propia Galfione quien le imprimiรณ a su local, ese sello de hogar y calidez que la caracterizan. La obra respetรณ la arquitectura original, salvo los canteros al frente y la cocina, que fue completamente reciclada para ganar en comodidad y amplitud.

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la atenciรณn a los detalles y los rincones con encanto son una constante en este enclave, que desprende savoir faire a raudales.

AuDi ZeNTRuM La obra del arquitecto Carlos Ponce de Leรณn se desarrolla en mรกs de 5.000 metros cuadrados y concentra todos los sectores que requiere la firma: un imponente showroom, oficinas de lujo, servicios y atenciรณn posventa.

el proyecto se realizĂł segĂşn las estrictas pautas de la casa matriz, y luce a imagen y semejanza de los demĂ s centros audi del mundo.

las paredes de ladrillos, el cemento, la instalación elÉctrica a la vista, y una Frondosa vegetación hacen al carà cter de este restaurante totalmente renovado.

Los Leños Luego de una extensa etapa de demolición, el artista Gastón izaguirre generó un espacio de nuevas formas en el que la iluminación es tan protagonista como el mobiliario y los accesorios.

de estilo La tradicionaL casona de La embajada rusa en pocitos, guarda La memoria de otro montevideo. se trata de una obra modernista deL uruguayo Horacio azzarini que Hoy se considera patrimonio de La ciudad. fotografĂ­as: natalia ayala.

dominio extranjero

antigua propiedad de la familia Darnaud pasó a manos de la república federal rusa quién se ocupa de mantenerla en excelente estado de conservación. Vitrales, frescos en paredes y techos, y detalles de molduras en pisos y aberturas destacan en todos los salones.

la sala de la residencia luce armónica tanto en el manejo del color como en el estilo de su mobiliario. Una importante araña de cristal se roba las miradas. El piso de parquet destaca por su calidad y diseño, diferente en cada habitación.

tapizados, empapelados, adornos y demรกs elementos decorativos se ajustan en esta puesta de clara influencia europea. Destaca la calidad de los materiales utilizados en la construcciรณn, como mรกrmoles y maderas. abajo, dama leyendo, realizada en bronce.

la casa se construyó como lugar de veraneo, de acuerdo a las técnicas más avanzadas de entonces. En todas las habitaciones hay radiadores y teléfonos internos que facilitan la comunicación entre ellas. En el comedor impactan la estufa y el dressoir en mármol, a ambas cabeceras de la mesa. los ventanales que dan al parque también integran la ambientación del espacio.

superbe

luego de cuatro aĂąos de reformas, el legendario hotel parisino abriĂł sus puertas bajo la marca rosewood hotels & resorts. las obras estuvieron a cargo del arquitecto richard martinet.

lujo francés

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De cara a los Campos Elíseos y en plena Place de La Concorde, el Hôtel de Crillon, construido en 1758 para el rey Luis XV, hoy luce renovado. Si bien el edificio mantiene su magnificencia, el interior se ajusta a los requerimientos de este siglo.

Arriba, el lobby del hotel conjuga la tradición del mobiliario con el modernismo en la iluminación.

Abajo, la puesta del Cour Gabriel, bajo el control del diseñador Tristan Auer, invita al relax entre los verdes profusos.

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El bar Les Ambassadeurs a cargo del diseñador Chahan Minassian, ilustra a la perfección el concepto inspirador de la decoración, restaurando piezas emblemáticas con cierto toque atrevido para dar carácter al lugar.

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El Salon Des Aigles (arriba) y el Salon Marie-Antoinette (abajo), conservan el espíritu del lujo y refinamiento propio del siglo XVIII, con una decoración en paredes y techos que se mantiene hasta hoy. La dèco en ambos se adapta al carácter de cada evento.

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Arriba, el Jardin d´Hiver, está en uno de los espacios más históricos del hotel y ofrece un ambiente décontracté ideal para la hora del té. Allí destacan las luminarias en Baccarat y las paredes cubiertas en piedra Mica. Abajo, la Brasserie d´Aumont se diferencia del resto de los salones por su colorido en tonos oscuros.

Arriba, la impresionante arquitectura de época luce en todo su esplendor en escaleras y zonas de distribución. Aquí, el toque actual está presente tanto en la iluminación como en el sofá de diseño.

Abajo, el Cour d´Honneur ambientado por Tristan Auer es un punto de encuentro en el que desembocan diferentes salones.

Suite Deluxe.

Baño de la Suite Deluxe.

Suite Grand Premier.

Las habitaciones del Crillón cuentan con una muy cuidada decoración, lo que las hace confortables y únicas. Decoradas en diferentes grises, azules y tostados cálidos, exhiben piezas hechas a medida, antiques y objetos de arte que aportan distinción. Por su parte, los baños en mármol brindan al huésped los adelantos que hoy ofrece el lujo contemporáneo.

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Tres de las suites de autor del Crillon fueron decoradas por Karl Lagerfeld. Dos de ellas constituyen Les Grands Appartements; y fueron diseĂąadas y decoradas con su marcado estilo. En las fotos, la Suite Eiffel revive la esencia del siglo XVIII en un espacio actual con mobiliario firmado por el artista.

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La Suite Marie Antoinette está inspirada en la esposa de Luis XVI, leal visitante de este hotel.

Decorados en gris perla con toques en rosa, todos los espacios que la componen revelan el espíritu femenino de la misma.Tanto el dormitorio, como el baño (arriba) y el living (abajo) hacen honor al confort y a la distinción del hotel.

Todas las habitaciones de súper lujo disponen de una vista panorámica de la ciudad y algunas ostentan terraza o balcón privado. Tal el caso de la Suite Bernstein (arriba y abajo) que mira hacia la Place de la Concorde. La misma recibe el nombre del conocido compositor (1918-90), cliente asiduo del hotel.

Hôtel de Crillon 10 Place de la Concorde.

París, Francia. +33 1 44 71 15 00 www.rosewoodhotels.com

fusiรณn de culturas

lujo catalรกn

El hotel sobre el Paseo de Gracia.

Desde del rooftop del noveno piso, se disfruta una panorรกmica de la ciudad.

ubicado en el corazรณn de la ciudad, el mandarin oriental barcelona ocupa el elegante edificio del antiguo banco hispanoamericano y comparte un carรกcter cosmopolita y abierto, con esta urbe mediterrรกnea. pasen y vean.

en

La diseñadora Patricia Urquiola, a cargo de la dèco, fusiona diseño contemporáneo con estilo clásico. A la izquierda, el restaurante Blanc, en el corazón del edificio, exhibe grandes claraboyas por donde se filtra la luz y una imponente grilla metálica sobre las mesas. A la derecha, en el restaurante Moments la cocina está a la vista y es notorio el contrapunto cromático entre techos, pisos y mobiliario.

En el Bankers bar la diseĂąadora despliega el mismo juego de elementos que utiliza en todas las ĂĄreas sociales. El cielorraso de la barra, los vidrios esmerilados, el colorido de los tapizados, todo se conjuga para lograr impacto.

Las 120 habitaciones del hotel exhiben una paleta de color neutra con mobiliario de vanguardia y detalles de influencia oriental.

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La decoraciĂłn de la suite Barcelona ofrece un ambiente lujoso, de lĂ­neas despojadas y con colores profundos. Entre sus bondades vale resaltar su terraza privada.

Igual que las otras suites, la Junior Mandarin hace gala de materiales tales como cuero, terciopelo, maderas nobles, alfombras de lana y seda, mรกs un mobiliario de autor.

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El spa contempla un estética minimalista con muebles oscuros, techos negros, cortinas metálicas y pisos claros. En el área de la piscina un gran panel de malaquita esconde el baño turco.

La propuesta del rooftop es más informal con piscina, reposeras y especialidades de la gastronomía peruana a cargo del afamado Gastón Acurio.

MANDARIN ORIENTAL BARCELONA

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Paseo de Gràcia, 38-40, 08007 Barcelona, España. www.mandarinoriental.es

naturaleza cruda

destino

tasmania

diseñado por el arquitecto australiano robert morris nunn, el selecto hotel saffire freycinet es único por sus formas orgánicas y su perfecta fusión con el entorno. digan si no.

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En medio del paisaje agreste, las lĂ­neas depuradas del proyecto se inspiran en las formas del mar, las olas, las criaturas marinas y la arena.

La explotaciĂłn minera de zafiros, los pueblos balleneros y las antiguas granjas son parte de la historia local que evoca el hotel.

Destaque del techo de vigas curvas en madera de Tasmania, construido en una estructura acanalada.

Aunque complejo en concepto, el aspecto del cielorraso ofrece una vista muy simple.

Realizado por el estudio Chhada Siembieda, el interiorismo del hotel se inspira en el entorno. AsĂ­ lo refleja el uso de la madera, la piedra y el cuero, que reflejan el paisaje, con colores, matices y texturas que crean un diĂĄlogo perfecto entre interior y exterior..

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Puras y despojadas, las รกreas sociales se abren al entorno cuya vista espectacular estรก muy bien capitalizada. Como en el resto de los espacios, los materiales nobles gozan de su presencia soberana.

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Las alfombras tejidas a mano exhiben una textura que imita el granito de la cordillera de Hazards, en colores y diseños que celebran la belleza escarpada de estas dramáticas formaciones rocosas.

Los sillones, clásicos y confortables, invitan a la contemplación.

El vidrio de los numerosos ventanales tiene un porcentaje muy bajo de reflectividad, lo que permite apreciar panorámicas de máximo impacto.

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la pureza del entorno dominado por la piedra el mar y la vegetación, agrega carácter al diseño fresco, moderno, y sin restricciones.

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Las habitaciones son amplias y luminosas, decoradas en una paleta que roba las tonalidades del lĂ­quen tĂ­pico de la zona.

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El mobiliario de líneas modernas, cuenta con piezas originales de los diseñadores Charles y Ray Eames, que se combinan con un uso extensivo de cueros y tejidos exclusivos.

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Cómoda y funcional, la puesta de las suites maneja un mix de estilos entre tradicional y contemporáneo, que alude a la cálida hospitalidad australiana.

Las montañas Hazards, sobre la bahía Great Oyster, proporcionan un impactante telón de fondo, apreciable desde todos los puntos del hotel.

SAFFIRE FREYCINET HOTEL 2352 Coles Bay Rd, Coles Bay, Tasmania, Australia, 7215. +61 3 6256 7888.

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GENTE PAULA

como en parís

C'est superbe: Odile Caubarrère & Mirta Gutiérrez.

Moira Vázquez, Alfonso Martínez, Lucía Barbosa.

El artista.

Astrid Bertín & Cristina Berenbau.

La muestra 51 años después, de Gustavo “Pollo” Vázquez en la Alianza Francesa, rememoró la estadía del artista en la Ciudad Luz.

Catálogo en mano: Alejandra Lasarte & Cecilia Malan.

Tocayos: Álvaro Carrau & Álvaro Mastroianni.

GENTE PAULA

de muestra

El expositor.

Tonos de rosa: Sandra Devoto, Paula Espasandín, Rossana Ferrari.

Hernán Suárez & Ramón Pereda.

Rafael Smolinski & Cecilia Alem.

La exposición de pinturas con la obra más reciente de Daniel Ramos convocó a los amantes de la plástica a una soirée ilustrada en La Muy Fiel.

Juntas por el arte: Claudia, Rosario & Ana Saralegui.

María Speranza & Álvaro Rodríguez.

Inspiración animal: Mario Moyano & Romina Chenlo.

GENTE PAULA

trazo firme

De tal palo: Rodrigo & Alfonso Lessa.

Martha Callaba & Adriana Felipe.

Para la foto: Luis Lacalle Pou & Leandro Aguirre Regules.

En el marco del 40° aniversario de Ediciones de La Plaza, Óscar Larroca presentó el libro Gráfica Ilustrada, en el Museo de Artes Visuales. Así se vivió el encuentro.

El autor.

Omar Bouhid & Carlos Pascual.

Presentadores: Elvio Gandolfo & Jaime Clara.

Gustavo Fernández & Javier Wijnants.

Ángel Kalenberg & Julio María Sanguinetti.

GENTE PAULA

saborarte

Plana mayor: Ximena Arcos Pérez, Carina Martínez, Emma Sanguinetti, Renata Battione.

Hermanos unidos: Federico & Francisca Martegani.

Con bombos y platillos, se lanzó la segunda edición del evento que combina arte contemporáneo con propuestas gastronómicas para desafiar los sentidos.

Juan Carlos Areoso.

Mariana Payssé & Paulina Fernández.

Pablo Fernández & Mirlo Zorrilla.

En familia: Stefanía & Patricia Damiani.

GENTE PAULA

en la cancha

El pintor.

Un hit: Fernando Picón & Eva Fischer.

Juan Carlos Suárez & Leonardo Costa.

Daniel Supervielle estrenó Fiebre, la muestra que se inspira en la temática mundialista. Así fue el vernissagge.

Amiguísimas: Gabriela Benia & Florencia Muñoz.

La hinchada: María Supervielle, Magdalena Pérez del Castillo, Sofía Supervielle.

Ignacio Paz, Soledad Etcheverry, Juan Bonomi.

Jorge & Daniel Supervielle.

Héctor Deus & Pedro Rodríguez.

Felipe Fertis & Raquel Valeriani.

GENTE PAULA

nuevo enclave

Maru Vidal, Enrique Aguerre, la anfitriona, Alejandro Denes.

Dúo dinámico: Ciara Pascual & Gastón Izaguirre.

Diana Saravia inauguró su galería de arte contemporáneo en la Ciudad Vieja y nadie quiso faltar a la cita.

Sandra Torrecillas & Ricardo Pena.

Nomi Rozanski & Flavia Erenberg.

Juan Solanas & Paula Moore.

Entonados: Fernando Oliveri & Ana Ramos.

Eduardo Karas & Carlos Presto.

En su salsa: Rafael Zalkind, Francisco Sánchez, Nelson Mancebo.

Guillermo García Cruz.

Brindan por el arte: Hugo Manini Ríos, Beatriz Methol, Carlos Flores.

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Direcciones

ACCESORIOS Y DECORACIÓN DIVINO Irlanda 2014 0800 3484 www.divino.com.uy LA IBÉRICA Rincón 711 2901 6051 www.laiberica.com.uy MUSAI Canelones 1982 Constituyente 2017 VIA SONO Rambla República del Perú y Plaza Gomensoro 2711 0050 Avenida Italia 6190 2604 2546 www.viasono.com.uy VINIBEL Gral. Flores 2857 2200 5627 www.vinibel.com.uy AUTOMÓVILES GENERAL MOTORS 0800 2438 www.chevrolet.com.uy BAÑOS ACHER 8 de Octubre 2645 2487 5630 www.acher.com.uy BOSCH & CÍA Gral. Rivera 2560 2708 4545 www.bosch.com.uy CORTINADOS Y TAPICERÍA

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ELECTRODOMÉSTICOS SAMSUNG www.samsung.com/uy/ JAMES Fraternidad 3948 2309 6066 www.james.com.uy HERRAJES MONTECUIR 8 de Octubre 4599 2506 5450 www.montecuir.com MARMOLERÍA ANIBAL ABBATE Av. Italia 3577 2507 3757 www.anibalabbate.com PINTURAS INCA Carlos A. López 7897 2320 0891 www.inca.com.uy PUNTO COLOR Gral. Flores 3068 2203 0205 www.puntocolorpinturas.com.uy OFICINAS Y EQUIPAMIENTO DE MARCO Yaguarón 1828 2924 1331 www.demarco.com.uy TOLDOS ARATOLDO Bvar. Artigas 2320 2480 4014 www.toldosaraujo.com.uy