Paula casa agosto 2018

lA ReVistA de

paula ediciÓn PRiMAVeRA 2018

casa martín dulanto nueva arquitectura

anish kapoor

el inadaptado no 46

emilia garcía la conquistadora

M.R.

talento

joven PRIMAVERA 2018 / Nº 46 EsPEcIAl cAsA

casa

M.R.

10 cOnQUIstAR MUnDO

FotograFía: Pablo rivara

LA REVIstA DE

74 sUsPIRO LIMEÑO

40 cAsA FOA 80 Un PAsEO EntRE VOLcAnEs

stAFF DIRECTORA NATALIE SCHECK Relaciones Institucionales: CECILIA SoLArI SCHECK Coordinadora General: JuLIA HELENA romEI Fotografía: NATALIA AyALA, PAbLo rIvArA, LATINSToCK Coordinadora de Diseño Uruguay: ANdrEA SAPorITTo, CLArA AvELLINo Colaboradores: yELLy bArrIoS, EugENIA LAgo, mArIELA bENTANCor Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Servicios: PAuLA CHILE, EL PAíS dE mAdrId Directora de Arte: SILvIA fLorES Diseño: mAríA JoSÉ SALdES, CAmILA ESPINozA Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354.

Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: SAN JoSÉ 1165, APTo. 204, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 46.

98 PARAÍsO AZUL

tEMAs Y EntREVIstAs 4 sUMARIO

62 VERDE VIVO

6 MERcADO DE IDEAs

70 IDEA DE LUGAR

8 LO Más nUEVO

88 LA JEFA

18 sWEEt HOME

En LA WEb www.paula.com.uy /paulauruguay rpaulauruguay @RevistaPAULA @RevistaPAULA /Revista Paula

24 EstAMPA nóRDIcA

94 OMM 97 InnOVAcIón & cALIDAD

32 REbELDE WAY

108 GEntE

54 DERRIbA FROntERAs

112 bUEnAs DIREccIOnEs

mercado de ideas el toque

Jugar con la paleta de colores y crear acentos brinda movimiento a la decoración. Para ello es bueno crear focos de atención con pequeños detalles y accesorios como esta vasija de cerámica de La Ibérica, ideal para decorar mesas, estantes y bibliotecas. Rincón 711.

romáNtiCA

La colección Just Home, de Sodimac, es tan versátil como funcional y propone mobiliario para todos los ambientes de la casa. La butaca Verdi, por ejemplo, crea una atmósfera de ensoñación tanto en el living como en un rincón del dormitorio. www.sodimac.com.uy

siempre verde

Augurando la primavera que se acerca, esta luminaria minimalista de Sophie Empapelados, realizada en madera y cordel con hojitas, se consigue en José M. Montero 2608.

CoN CAráCter

Las líneas rectas y depuradas de la butaca Charlote imprime un acento de estilo a cualquier ambiente.

El matelassé del tapizado ofrece extra confort. Es de Divino. Irlanda 2014.

BotANiCAl

vestir lA mesA

La vajilla puede ser un mero accesorio de la vida diaria o convertirse en un elemento para crear una obra de arte en el comedor. El juego Flor, de 16 piezas, de Sodimac asegura alegría y color en todas las comidas.

de diseño

La poltrona Mariposa Love Seat de Edward Barber y Jay Osgerby es ideal para vestir apartamentos urbanos y espacios pequeños.

El mullido tapizado y el ángulo ajustable de su reposabrazos y respaldo dan fe de su extrema comodidad.

Está en Zinc Design.

San Marino 1493.

Los complementos siempre imprimen un toque diferente al entorno. Este almohadón de Designers Guild es prueba de que hoy, la tendencia se nutre de la naturaleza. Es exclusivo de Sophie Empapelados.

ClásiCA

En cerámica y metal, esta jarrita con estampa floral pintada a mano tiene un diseño atemporal que permite un uso tanto decorativo como funcional. Es de La Ibérica.

Rollers

Día & Noche Minimalistas, modernas y discretas, así se presentan nuestras prácticas Rollers con variedad de texturas, simples o dobles, semitraslúcidas o en blackout.

Clásicas

Un estilo propio Tradicional y conservador, siempre con muy buen gusto, así es nuestra exclusiva varidad de telas y sistemas para la confección de sus cortinados convencionales.

Terminaciones especiales como ser los cubre cajones, un enroscado especial o un simple bandó.

Nanoclean Chau manchas!

Telas para tapizados inteligentes.

Extremadamente fáciles de limpiar, repelen agua y polvo.

2622 2233 099 26 2233 Palomacortinados Paloma Cortinados

lo más nuevo

la colección del chef

Samsung presentó su nueva línea para el hogar de la mano de Hugo Soca, quien pudo experimentar en persona las virtudes de la gama.“Cuando empecé a usar el nuevo anafe y la campana, comprobé que el arte de combinar eficiencia, estética y mis tiempos estaban perfectamente enlazados”, dijo el cocinero. Es que la colección se las trae. Los hornos con tecnología Dual Cook ahorran tiempo y energía pues permiten cocinar dos platos en simultáneo usando diferentes temperaturas y sin mezclar olores. Por otra parte, los anafes poseen un sistema de calor por inducción que es sinónimo de seguridad en la cocción, ya que incorporan un detector automático que verifica si el utensilio es el adecuado para cada zona de calor. Asimismo, las campanas son el complemento ideal para la cocina pues su diseño innovador posee cuatro velocidades operacionales y una opción boost que permite potenciar la succión. ¿Qué tal? www.samsung.com/uy/

paredeS que hablan

Aunque a Paula Piquet le queda poquito para recibirse de arquitecta, su creatividad no se limita a esa faceta. Desde siempre pintó, y en 2011 recibió su primer encargo: un tablón de madera para colocar encima de una estufa. La obra tuvo tanto éxito que pronto llegaron nuevos pedidos. Cuando vendió el décimo cuadro, abrió una cuenta en Instagram como Decopiq, y desde entonces no paró. Cuadros, murales, paneles; la lista es extensa. Es que la pintura decorativa de la artista acepta cualquier desafío y el resultado es una clientela adicta a sus pinceladas. Aunque la mayoría de sus trabajos se inspiran en la naturaleza, su obra es muy personalizada y todos los encargos son muy conversados. Se contacta a través del 099 711 117. Instagram|@decopiq

deSde oriente

Se sabe que los viajes abren la cabeza. Por eso no es de extrañar que dos contadoras cautivadas por los encantos de Nepal, destino que conocieron durante el viaje de Ciencias Económicas, quisieran potenciar su creatividad y hacer algo diferente a su profesión. Así nació Ambika, una propuesta que rinde homenaje a los materiales naturales de esa región y crea un universo que se identifica con su cultura. La línea enfocada al hogar incluye mantas en cashmere y alpaca con diseños originales y coloridos, almohadones bordados en lana y pantallas de papel reciclado con hojas naturales disecadas. A punto de estrenar su página de e-comerce con envíos a todo el país, sus textiles se pueden conseguir también a través de redes sociales o en el showroom de Punta Carretas, con cita previa. Cel.: 099 555 536. Instagram|ambikaoriente.

Sello perSonal

Montte es la firma que propone muebles de diseño con factura artesanal y un estricto cuidado en los detalles. No podía ser de otra forma, ya que Camilo de León, su alma mater, se encarga de todo para su emprendimiento. El diseñador industrial se lanzó a la aventura hace dos años con la colección Gris Humo, y desde entonces su iniciativa crece a paso firme. La clave está en el enfoque personalizado. “Estoy en todos los procesos. Soy como el hombre orquesta: compro los materiales, diseño, fabrico y entrego personalmente para asegurarme de que la pieza llegue perfecta. Todo se hace con muchísimas ganas y el espíritu de quien hace lo que le gusta”, dice de León. Su colección de aparadores, racks, mesas ratonas y mesas de luz se inspira en el estilo nórdico pero para nada queda atada a esta estética. De hecho, ahora incorporó hierro a sus diseños. “Líneas simples en materiales nobles y duraderos adaptados a la necesidad del cliente”, resume. Pasen y vean. Eduardo Acevedo 1141. Cel.: 099 987 548. Instagram|montte.uy

talento local

conquistarmundo tatú estudio de arquitectura comenzó su camino con metas a corto plazo.

Hoy, sus integrantes exploran nuevos Horizontes fuera de fronteras. ya en 2017 ganaron un concurso en lanzarote para reconvertir en vivero musical una vieja central Hidráulica. y van por más. por eugenia lago. fotografías: pablo rivara y tatú estudio.

Cuentan que en Lanzarote casi no llueve. Históricamente su sistema de recolección de agua era fundamental para la supervivencia de la población y por eso todavía se encuentran vestigios en todo el territorio. Es que con las nuevas tecnologías de desalinización, estas dos edificaciones que ahora Tatú reintegrará a la ciudad, quedaron totalmente obsoletas.

El concurso, tenía como cometido darle una nueva vida a estos edificios, sin perder sus estructuras fundamentales, su patrimonio y su historia. Durante una tarde en sus oficinas, ubicadas en el Centro de Montevideo, los arquitectos cuentan cómo fue el proceso creativo, cómo ven a la arquitectura hoy y cómo es trabajar con los ojos puestos afuera.

–¿Qué los motivó a presentarse al concurso para crear el vivero Musical en arrecife, lanzarote?

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L

eandro Alegre (L.A.), Horacio Goday (H.G.) y Martín Olivera (M.O.) nunca habían estado en Lanzarote y tampoco tenían muchas referencias del lugar. Sorprendidos por la diversidad de sus paisajes, su clima subtropical y su atractivo turístico, ellos conquistaron terreno en la tercera isla más poblada del archipiélago canario y le tomaron el gusto a exportar su creatividad al plasmar allí sus diseños. Es que a fines de 2017 su proyecto para reconvertir en vivero musical una antigua central hidráulica, ganó el concurso de arquitectura internacional de la ciudad, frente a otros 130 postulantes. Y les esperaba más suelo por conquistar, pues cuando el Consorcio del Agua los conoció, les duplicó la apuesta al encomendarles una central fotovoltaica en un depósito hidráulico en desuso.

casa i 2018 i paula

proyecto para la central fotovoltaica en lanzarote.

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proyecto para el vivero Musical en lanzarote.

M.o. –Paralelamente a los trabajos del estudio, siempre estamos atentos a los llamados internacionales. Buscamos qué hay de interesante para el año próximo, hacemos un listado y guardamos lo que más nos interesa. l.a. –Gran parte de los concursos piden que se presente una idea, un diseño, pero lo que nos motivó a encarar este puntualmente, fue el hecho de que se iba a construir. La idea de ver una obra nuestra realizada en el exterior fue el diferencial. Le da un grado de valor al concurso.

H.g. –Estos llamados también dan la oportunidad de trabajar a escalas que en Montevideo no son posibles.

–¿de qué trata el proyecto? l.a. –Propone solucionar la falta de espacios musicales y de interpretación en la isla, sin descuidar la zona. El objetivo era crear un centro de artes en la antigua central hidráulica, desde donde se bombeaba el agua de la lluvia que se juntaba en la isla.

Cuando el agua se comienza a desalinizar, el establecimiento queda en desuso y su estructura queda abierta, deteriorándose.

El desafío es que allí funcione ahora el Vivero Musical -le llaman así a los lugares donde se practica música y danza; con salas

de ensayos y espacios multiuso-. El plus por parte del estudio fue cumplir con los requerimientos del Cabildo de la ciudad y además sumar un área exterior, que también pueda tener su propio programa de actividades. Así se duplica la cantidad de disciplinas que se pueden practicar, con una parte cerrada y otra al aire libre.

–¿Cómo es el proceso creativo al ser tres socios?

H.g. –El proceso creativo lo hacemos los tres en paralelo.

Cada uno interpreta las bases desde su perspectiva, luego nos juntamos y las evaluamos. Nos complementamos, ya que tenemos perfiles marcados entre nosotros: uno aporta desde el punto de vista estético, otro desde el urbanístico y otro le da importancia a los materiales. Los concursos no tienen límite a nivel creativo, nada está bien y nada está mal. Se pueden poner varias ideas sobre la mesa, pero hay que estudiar y entender las consignas para comprender los límites que hacen que el proyecto sea factible. Hay que extraer las claves de lo que están pidiendo y tener en cuenta los aspectos que nosotros como estudio queremos resaltar. En un primer momento nos damos libertades, que luego al bajar a tierra hay que ajustar.

proyecto para el vivero Musical en lanzarote.

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proyecto para la central fotovoltaica en lanzarote.

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–en el caso del vivero Musical, ¿cuáles fueron los aspectos a tener en cuenta?

H.g. –Lo importante en ese caso era la reutilización de la infraestructura existente, para mantener la historia del lugar. Toda la isla tiene rastros de esqueletos acuíferos en desuso. Es una historia tangible, que convive con la población. Lo que hicimos fue respetar el patrimonio abandonado y enaltecerlo. Usamos todos los elementos del cubo construido, hasta las partes de entrepisos, escaleras, correas, hierros, vigas, aunque no tengan valor anecdótico. Lo dejamos funcionando como un espacio simple y le agregamos una estructura compleja; una cubierta superior con espesor que alberga parlantes, luces, telas, tribunas que suben y bajan. Es un gesto simple pero potente, que se suma a lo que ya está.

M.o. –También estudiamos los eventos que podían suceder allí. Por ejemplo, no es un lugar donde se vaya a realizar un recital multitudinario. Por el contrario, es probable que surjan mini recitales, donde el público está cerca de los artistas. Entonces no era necesario proyectar un gran escenario, sino espacios íntimos y de interacción. En lo estético, buscamos realzar el espacio industrial. Trabajamos la luz, el paisaje auditivo y las microatmósferas dentro del espacio. Es un proyecto con carácter urbano, que va a tener un eco en la ciudad, ya que va a atraer a los habitantes.

–¿Qué implica empezar a ser reconocidos en el exterior? l.a. –A partir de ganar este premio dejamos de percibir como algo lejano el trabajar desde acá para fuera. La experiencia de viajar hasta allá, de conocer a las personas del Cabildo de Lanzarote, y de reunirnos con los arquitectos, jurados y organizadores del concurso, nos hizo sentir que nos expandimos.

Ahora estudiamos todas las alternativas de internacionalización del estudio. Este fue el puntapié inicial.

H.g. –Queremos seguir avanzando en ese camino. No lo teníamos como un horizonte cercano y ahora se abrió otro universo.

M.o. –A la vez, con las competencias internacionales nos dimos cuenta de que hay una parte de arquitectura a explorar: la de exportar servicios. Al ir a España, en seguida nos surgió el proyecto de la central fotovoltaica que nos mostró de forma precisa que hay más puertas por abrir.

al consorcio del agua de lanzarote le propusieron un espacio público; Hacer los paneles solares en un sistema de pérgolas y debajo, generar un enclave en una zona industrial que necesita poblarse.

residencia familiar en las afueras de Montevideo.

para mí el desafío de los arquitectos de nuestra generación es el de exportar diseños. alcanzar mercados de afuera aHora es viable, dice martín olivera.

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–¿en qué consiste el proyecto de la central fotovoltaica denominada Balsa de maneje?

M.o. –Cuando viajamos por el concurso conocimos a los representantes del Consorcio del Agua de Lanzarote. Ellos habían visto el proyecto ganador y nos llevaron entonces a la balsa, un antiguo depósito de agua al aire libre. Nos propusieron hacer allí una central fotovoltaica para recolectar energía solar y abastecer desalinizadoras de agua. l.a. –Lo que hicimos fue proponerles un espacio público; hacer los paneles solares en un sistema de pérgolas y debajo, generar un enclave en una zona industrial que necesita poblarse e integrarse. Así que en el lugar donde ellos querían ubicar estacionamientos, propusimos un área de sombra.

En Uruguay, el estudio trabaja a su vez proyectos de viviendas que priorizan los ambientes funcionales y con diseño.

–¿Cuál es la libertad del arquitecto frente al deseo del cliente?

H.g. –Hay que entender la dinámica. Hoy, hay varias instancias de negociación. Por un lado, lo que queremos como arquitectos para las viviendas y por otro, los objetivos que tiene la familia para su casa. Tenemos una lógica de trabajar a la misma altura del cliente, para entender cuáles son sus necesidades y qué aspectos son negociables para llegar a una construcción de tinte contemporáneo. La libertad de creación está dada en lo receptivos que sean los clientes a nuestras propuestas, más allá de que después se vayan amoldando las ideas a sus necesidades de habitar el espacio.

–una de sus construcciones es una casa familiar en el barrio exclusivo los olivos, en Montevideo. en este caso, ¿cómo fue el acuerdo de estilo con los propietarios?

M.o. –Nos llamó el cliente. Se trataba de una pareja joven con dos niños. Lo tomamos porque era una residencia a una

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escala que presentaba un desafío para el estudio. Con la familia se dio una dinámica fluida e intensa. Diseñamos desde la planta hasta la luminaria; llegamos a cada detalle teniendo en cuenta sus rutinas, horarios y ocupaciones. En este caso, la familia se sintió parte de todo el proceso. No construimos la primera casa que nos plantearon, pero sí la que más los identifica.

–¿En qué aspectos se ve la identidad de su estudio?

M.O. –Creo que la identidad está en todo. Principalmente en la rigurosidad de las plantas para que funcionen bien. Que lo hagan según las dinámicas del usuario. En esto hacemos un proceso muy exhaustivo, teniendo en cuenta cómo quieren vivir esa casa. También está presente la utilización de los materiales, el hecho de usarlos en su estado rústico y aprovechándolos al máximo. Eso toma un valor estético y conceptual fuerte. Como otro punto, plantearía la libertad que tuvimos al manejar las espacialidades interiores, ya que pueden usarse como un único ambiente o como ambientes fraccionados.

L.A. –Los dueños de casa nos decían que iban a usar mucho la cocina por ser el lugar de reunión del día a día, y le dimos prioridad. La parte social era fundamental, es el corazón de la casa. Ellos querían que en la planta baja estuviese todo integrado. A nivel de diseño, allí están las áreas sociales y en el primer piso las más íntimas, como los dormitorios. Esto fue un pedido de la familia y es un objetivo que intentamos plasmar en todas las viviendas.

M.O. –Terminó siendo una casa con impronta contemporánea, pero con calidez de hogar. Con la cocina como un lugar de vida, de encuentro. Muchas veces las reuniones de amigos terminan allí, en charlas, todos apoyados sobre la isla de mármol.

–¿Consideran que hay una nueva forma de habitar el hogar?

H.G. –Si, seguro que sí. Es visible en el caso de las cocinas que ahora tienen un nuevo rol. Nos piden que estén integradas a las salas comunes. Los clientes jóvenes buscan vivir en espacios integrados, flexibles, sin límites y más despojados.

L.A. –Otra cosa que cambió es el parrillero. Ya no quieren una barbacoa al fondo, sino que nos piden integrarla cerca de la cocina, próxima a la casa.

Leandro Alegre, Horacio Goday y Martín Olivera, integrantes del estudio Tatú Arquitectura.

El estudio está conformado por tres arquitectos jóvenes y tal como ellos lo expresan, llevan un crecimiento paulatino y firme por lo que es curioso ver cómo viven la profesión que eligieron en su país.

–¿Consideran que en la actualidad se está desarrollando una identidad arquitectónica local?

L.A. –El tema de la identidad ha mutado. Cuando empezamos la facultad los referentes e ideas se tomaban de revistas y de profesores. Existía Internet, pero no era algo masivo y menos en el área de arquitectura. Hoy se accede a mucha información, por parte del arquitecto y por parte del cliente, que también busca otras referencias. Hoy construir un estilo propio es más difícil, predomina lo ecléctico. Tal vez la línea que hay que trazar es hasta dónde se pueden mezclar distintas arquitecturas para que no sea un mix de estilos.

–¿Entonces piensan que cambió el rol del arquitecto en la sociedad?

H.G. –Creo que la sociedad ve al arquitecto más cercano, accesible. Hay temas de normativas, para las que antes no se necesitaba la firma del arquitecto y ahora sí; eso hace mantener el contacto. El cliente tiene acceso a conocimientos que antes quienes estaban por fuera del rubro, no tenían. Esto lleva a que la relación entre el profesional y el cliente sea horizontal, lo que es favorable para ambas partes.

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punta carretas

Basta descender del ascensor para percibir los detalles de diseĂąo.

En una de las entradas, un despojador hecho a medida marca el ingreso.

En la otra, se accede directamente al living.

Por EUGENIA LAGo. FotoGrAFíAs: PABLo rIVArA Y NoNE FossAtI.

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en las alturas, Frente al GOlF, este apartamentO de estilO mOdernO cuenta cOn ambientes mOnOcrOmáticOs, relajadOs y eleGantes a la vez. la diseÑadOra nOne FOssati es la respOnsable de su interiOrismO.

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sweethOme

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Izquierda, el living comedor con vista a la rambla y al Club de Golf, es el espacio mรกs amplio y el que marca el carรกcter de la puesta. Derecha, uno de los tantos detalles decorativos.

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Los sillones del living estรกn inspirados en los clรกsicos Chesterfield, con un look muy vintage. El mueble contra la pared realizado en hierro y madera integra la pantalla, uno de los tantos aparatos tecnolรณgicos del espacio.

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El principal requisito fue concebir un ambiente donde recibir a muchos invitados. De ahĂ­ la larga mesa en pinotea rodeada por 14 butacas en cuero blanco. Dos importantes alacenas aportan a la funcionalidad del espacio.

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Arriba, las luminarias circulares, en hierro con caireles incoloros, son las protagonistas del comedor.

Abajo, una singular vinoteca aporta a la dĂŠco minimal.

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En el dormitorio principal tambiĂŠn abundan los detalles vintage, a saber: la mesa de luz, los postigos con espejo, la araĂąa de cristal central y los textiles, entre otros.

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Los dormitorios de los chicos comparten una misma impronta. Ambos exhiben colores pastel con muebles a tono. La familia disfruta de los viajes por eso en la decoración se incluyen aviones, valijas e incluso la imagen de un planisferio didáctico en el cuarto del bebé.

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El cuarto de la niña es romántico y naif, y su puesta imita una casa de muñecas. El empapelado de flores, los almohadones bordados y los espejos reafirman lo femenino y delicado de la habitación.

OFICINA MODELO

Hormigón, hierro, vidrio y madera son los cuatro elementos que le ponen carácter a estas oficinas de negocios rurales.

ESTAMPA

NÓRDICA PERFECTAMENTE INTEGRADA AL CONTEXTO ENJARDINADO DE CARRASCO, LA NUEVA SEDE DE ZAMBRANO & CÍA. CONVIRTIÓ UN CHALET TRADICIONAL DE LA ZONA EN UN CENTRO DE NEGOCIOS MODERNO, FUNCIONAL Y CÁLIDO. DIGAN SI NO. FotograFías: Pablo rivara.

El proyecto y la dirección de obra estuvieron a cargo del arquitecto rodrigo Zambrano, quien trabajó el interiorismo con la decoradora Carolina aguiar.

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El hall de acceso conecta los dos volúmenes que componen la construcción de estilo contemporáneo.

Destacan, sin embargo, los techos a dos aguas, característicos de la zona.

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las piezas de arte se fusionan naturalmente en los espacios. a la izquierda, una escultura de JosĂŠ belloni decora la oficina del director. los cuadros son firmados por el artista Diego Donner.

CON UN EXTERIOR DE LÍNEAS DEPURADAS, EL DISEñO INTERIOR MANEJÓ UNA IMPRONTA ACTUAL CON TOqUES INDUSTRIALES. DE AhÍ, EL ROL PROTAGÓNICO DE MATERIALES NOBLES COMO EL CUERO Y LA LANA, TAN ASOCIADOS AL RUBRO.

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arriba izquierda, las mamparas de cristal con hierro contribuyen a crear un espacio visualmente integrado. arriba derecha, el revestimiento exterior se realizĂł con madera de grapia, proveniente de PerĂş. abajo, destaque de la fuente en el patio central.

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Arriba izquierda, la terraza permite extender la influencia de la cafetería hacia el jardín, con un enclave diseñado para aprovechar el buen tiempo. Arriba derecha y abajo, los múltiples espacios verdes son obra de la paisajista Lucía Jaume y de vivero El Ceibo.

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Anish KApoor

rebelde way El Escultor Angloindio Es uno dE los ArtistAs vivos más importAntEs dEl mundo. En rEino unido, dondE sE instAló En los 70', dEjó dE sEr un buen chico y dio sus primEros pAsos En El ArtE. FiEl A su cAráctEr, hoy AsistE constErnAdo A lA dErivA nAcionAlistA dE EsE pAÍs y miEntrAs hABlA dE su oBrA, dEspotricA contrA El BrEXit.

Kapoor decidió que no borraría los insultos antisemitas sino que formarían parte de la imponente escultura de acero corten. De nuevo, el escándalo –hasta François Hollande, por entonces presidente de Francia, se vio obligado a intervenir–. En el episodio final de la controversia, un político local demandó al artista por “incitación al odio” y un juez estimó que Kapoor –que pone los ojos en blanco al recordar el desenlace– debía retirar los graffitis antisemitas.

–En los pulcros jardines deVersalles aspiraba a sembrar el caos. ¿Qué planes tenía para los de Serralves?

–Versalles es un espacio muy difícil para trabajar. En parte porque Le Nôtre, que diseñó los jardines, era un auténtico genio.

Son casi renacentistas porque en ellos todo está supeditado al espectador y a su mirada, que es claramente masculina. Todo está bajo control. Todo está impecablemente cortado. A la naturaleza se la ha obligado a portarse bien. Y yo quería alterar el orden, llevar una presencia caótica, problemática, compleja, turbulenta.

Francamente, creo que superé con creces mi objetivo. Aquí la situación es muy diferente. Estos son unos jardines idílicos, que se organizan en distintas estancias y me parecía bien respetar el fluir de esos recintos; experimentar con espacios de distintos tamaños. Y, por supuesto, está el maravilloso edificio del señor Siza (el arquitecto autor del Museo Serralves). A mí me parecía buena idea poner una de mis obras junto a él. Veremos qué le parece a él.

–En los 80', cuando daba sus primeros pasos como artista, un jardín japonés, no francés como los de Serralves, ejerció una gran influencia sobre usted.

–Sí, coincido con Frank Lloyd Wright, Richard Serra y muchos otros artistas, escritores, poetas o arquitectos de tradición modernista que han citado al jardín japonés como una referencia para entender el espacio de otra forma: los objetos no ocupan

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enudo, de luminosa cabellera blanca y sobrio atuendo rematado con unas desenfadadas deportivas, Anish Kapoor, de 64 años, se disculpa varias veces durante la charla por el enfado que se apodera de él al hablar del Brexit. Criado en Bombay, de padre indio y madre judío–iraquí, a los 16 años dejó su India natal para mudarse a Israel: el plan era estudiar ingeniería, pero abandonaría a los seis meses –las matemáticas no eran para él– y se matricularía en Bellas Artes en Londres.

Llegó a Reino Unido en los 70' y hoy, dice, le cuesta reconocer al país que tan bien le ha tratado. Fue ganador del prestigioso Premio Turner en 1991, expuso su obra en templos como la Tate Modern o la Royal Academy of Arts –donde batió récords de asistencia–, el distinguido título de Sir antecede a su nombre y sus esculturas ilustran las páginas del nuevo pasaporte británico, que en su edición de 2015 se diseñó bajo el leitmotiv “íconos de la cultura”. El país, al fin y al cabo, que le ha permitido proyectar su obra al resto del mundo. Chicago. Río de Janeiro. París. Buenos Aires. Ámsterdam. Nueva York. Tokio. Milán. Tel Aviv. Ahora acaba de inaugurar su primera muestra individual en Portugal, Anish Kapoor: Works, Thoughts, Experiments. Sus esculturas a gran escala permanecerán hasta el próximo mes de enero en los jardines de la Fundación Serralves de Oporto.

Precisamente fue en unos jardines que prendió una de las polémicas más agrias en las que el artista angloindio se ha visto envuelto en toda su carrera. En 2015, Kapoor aseguró en una entrevista que Dirty Corner, una de las obras que formaban parte de su exposición en el palacio de Versalles de París, tenía un claro “simbolismo sexual”. Varios artículos y twits ofendidos después, la escultura acabaría bautizada como La Vagina de la Reina, sirviendo de pasto a los vándalos, en tres ocasiones. En la segunda,

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Por Virginia Collera. FoTograFÍaS: laTinSToCK.

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Sectional Body Preparing for Monadic Singularity.

espacio, sino que crean más espacio.

–Nació en Bombay en un hogar cosmopolita y moderno. ¿El arte siempre estuvo presente?

–La cultura india es muy visual, pero durante mi infancia, ¿pensaba que todo eso que había a mi alrededor era arte? No. Aunque, por supuesto, conocía los grandes templos y las tradiciones, sobre todo la tradición escultórica india, que es verdaderamente relevante. Mis orígenes son, inevitablemente, muy importantes, pero soy reacio a que todo gire en torno a mis raíces indias.

Debemos superar la etiqueta del origen exótico. En el mundo del arte estamos obsesionados con hablar de “artista de África”, “artista de China”, pero no se menciona la procedencia cuando el artista es americano. Basta su nombre. Parece que su arte sea pura invención suya mientras que en el caso de los demás automáticamente se piensa: “oh, es de Camerún, así que debe de haber algo de cultura camerunesa de fondo en su obra”. Esto se llama neocolonialismo y soy totalmente contrario a esta idea.

Es un verdadero problema. Hoy deberíamos mirar una obra y valorarla en función del resto de la creación artística que se hace en el mundo. Hay que tener puntos de vista más sofisticados y menos colonialistas.

–¿Y vamos por el buen camino?

–No, de hecho creo que está empeorando. Pero con el auge del neonacionalismo prácticamente en todo el mundo, como creadores de cultura debemos oponernos con fuerza a estas ideas que nos encierran en pequeños compartimentos. Mira lo que está sucediendo en Reino Unido con el estúpido Brexit, que es de una ignorancia imposible de creer, ¿cómo ha podido pasar?

Por mucho que el contexto no sea el más propicio, como artistas tenemos que ser radicales para tratar de desbancar tales ideas.

–En 1973 se matriculó en la escuela de arte en Londres. ¿La universidad supuso una liberación para usted?

–Crecí en India. Era un buen chico indio. Muy educado. Y

"vErsAllEs Es un EspAcio muy diFÍcil pArA trABAjAr. En pArtE porquE lE nôtrE, quE disEñó los jArdinEs, ErA un Auténtico gEnio. son cAsi rEnAcEntistAs porquE En Ellos todo Está supEditAdo Al EspEctAdor y A su mirAdA, quE Es clArAmEntE mAsculinA". cuando llegué a la escuela de arte me di cuenta de que no era tan educado y empecé a entender que era posible dar un espacio a mi vida interior. A esas cosas difíciles que experimentamos como seres humanos. A las preguntas muchas veces complicadas que nos planteamos. Crecer en India, vivir en una cultura distinta, ¿qué significado tiene? ¿Cómo construyes un puente entre una y otra? ¿Qué significa ser indio? Yo nací seis años antes de la independencia de India y, durante mi infancia, el país estaba intentando entender qué significaba ser una nación independiente.

–¿Qué recuerda de aquel Londres al que se mudó con 19 años?

–En esa época Londres era un desastre. Ahora está ligeramente mejor. La comida es mejor. Por entonces ni siquiera podías comprar aceite de oliva en el supermercado. ¡Tenías que ir a tiendas especializadas! Hablo en serio: era espantoso.

En 1973 Reino Unido estaba con una semana laboral de tres días que duró meses y meses. Pero esa es solo una parte de la historia. También se atravesaba un momento muy emocionante porque había en nosotros una actitud de protesta, nos recorría una fuerza antiautoritaria. Esa horrible Margaret Thatcher llegó al poder y todos nos echamos a las calles a decir “fuera, fuera, fuera”. Compartíamos la sensación de que podíamos pelear para lograr algo diferente. Ahora la única libertad es para comprar. Todo está a la venta. Y la sociedad está muy dispuesta a hablar solo en términos económicos. Debería darnos vergüenza.

–Y en el arte, ¿hay libertad?

–Técnicamente tenemos libertad. El problema para los artistas de hoy es la omnipresencia del mercado. Solo puedo hablar de mi experiencia, pero mi trabajo tiene dos partes: por un lado tengo obras que están en el mercado y que no son baratas, no puedo pretender lo contrario, pero hay otra gran parte de mi creación que apenas está en el circuito y que es muy difícil o imposible de vender. Quizás sea romántico por mi parte, pero

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es quizás el mayor proyecto de paz que jamás haya existido. La idea de un empeño coordinado y colaborativo para permitir el libre movimiento de personas, de mercancías, de cultura… El cierre de una nación es una historia triste. Siempre he pensado que Londres era la ciudad más liberal del mundo, pero ya no lo tengo tan claro después del Brexit. Ha dado vía libre a la gente para ser racista, para ser violenta, para decir “este es mi país, no el tuyo”.

Lo escucho más de lo que me gustaría. Es como si hubiéramos regresado a los 70'. Para mí supone un gran retroceso.

–¿Lo vio venir?

–No. Creíamos que simplemente no era posible. Pero lo cierto es que estamos dirigidos por los políticos más estúpidos del mundo. Reino Unido se lleva la palma. No saben hacia dónde nos están dirigiendo ni sus implicaciones, y vamos a estar al menos una década inmersos en una conversación estúpida en lugar de hablar de pobreza, de educación, de vivienda… De los problemas reales de la gente real.

–Reconoce que el término inmigrante siempre ha sido problemático para usted.

–Nunca pensé en mí como en un inmigrante. Tan solo como un indio que vive en Reino Unido. Tengo dos hijos que han nacido, crecido y viven en Reino Unido, y se consideran británicos. Por

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creo que los artistas debemos ser conscientes del problema: si el arte se convierte en otro producto debemos preguntarnos si no está perdiendo parte de su valor. El dinero es mitológico, no es una mera transacción. Cuando ves un Picasso por el que se han pagado 100 millones, el precio se convierte en parte de lo que miras: estás delante de una obra de 100 millones y, además, de un Picasso. Este aspecto del dinero representa un gran peligro para quienes nos dedicamos al arte.

–Usted califica de “sofisticada” su relación con el dinero.

–Como artistas, solo puede ser así. No podemos dejarnos seducir por el dinero. Hay artistas que acaban haciendo obra sobre dinero. Eso me aburre. El dinero simplemente forma parte del contexto en el que se desenvuelve tu obra. Nada más.

–Entonces considera que ha conseguido mantener un equilibrio entre dinero y libertad.

–No lo sé. Eso espero. Lo único que se puede hacer es intentar ser consciente del problema.

–Lleva 45 años viviendo en Reino Unido. ¿Cómo ha cambiado el Brexit su relación con el país?

–El Brexit es una vergüenza nacional. Europa es una gigantesca estructura burocrática, pero solo puede cambiarse desde dentro. Si estás fuera, estás fuera. Y lo que Reino Unido deja atrás

Sky Mirror. Casino de Monte Carlo.

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El escultor junto al activista chino Ai Weiwei.

todo esto, tengo una relación problemática con la cuestión de ¿pertenencia sí o pertenencia no? Al final creo que no. Incluso a pesar de que he vivido aquí durante tanto tiempo y probablemente sea muy británico en muchos aspectos. La cuestión es si la gente de fuera tiene que incorporar la tradición cultural del pueblo que la acoge. Estamos obsesionados con la idea de que la sociedad tiene que ser una única cosa, como si buscáramos una especie de pureza social. Para mí, la pureza, del tipo que sea, artística, social o ética, no solo me parece extremadamente vulgar, también sabemos a qué nos conduce: al fascismo. Así que ¿por qué no adoptamos el modelo contrario? “¿Eres de África?

Ven a vivir aquí, tráete tu tradición africana, enriquece nuestra vida con tu cultura. Qué maravilloso”. No hace falta ser británico, sé quien seas y realiza tu aportación. Todos saldremos ganando.

Francamente, no le veo ningún beneficio a la idea del inmigrante.

–Si no siente que Reino Unido sea del todo su sitio, entonces ¿cuál es? ¿India?

–No lo sé [risas]. Sí, pero no. Sobre todo teniendo en cuenta la ridícula locura que, tristemente, también recorre India.

Cuando el artista y disidente Ai Weiwei fue detenido por las autoridades chinas en 2011, Kapoor le dedicó la obra Leviathan, una gigantesca escultura que expuso en el Grand Palais de París.

Al año siguiente, emuló los movimientos del surcoreano Psy para grabar su propia versión del Gangnam Style –reunió a 400 participantes, entre ellos el escritor Hanif Kureishi y la bailarina Tamara Rojo– para denunciar que el gobierno chino había censurado la divertida parodia del hit de K–pop de Ai Weiwei. Los artistas por fin se conocieron en Londres en 2015, donde protagonizaron una mediática marcha para llamar la atención sobre la necesidad de articular una respuesta a la crisis de los refugiados.

–Han pasado casi tres años desde su protesta con Ai Weiwei y Europa todavía no ha encontrado una solución. ¿Cómo ve la situación actual?

–La crisis continúa, pero los refugiados ya no ocupan las páginas de los periódicos. La tensión desapareció. Y estamos quizás ante uno de los más grandes conflictos éticos de la actualidad.

"crEo En ir todos los dÍAs Al Estudio, EstAr AhÍ. intEnto hAcEr, Al mEnos, unA oBrA Al dÍA. y EsA prácticA propiciA un EspAcio pArA quE pAsE Algo quE dE otro modo no ocurrirÍA. yo quiEro quE surjA Algo no plAnEAdo, AjEno A mi voluntAd; Eso Es lo quE Busco".

Podría decirse que la guerra en Siria es una razón por la que tenemos Brexit. Hay una excepcional falta de liderazgo, muy pocos políticos se atreven a decir: “bienvenidos, venid y cambiadnos, encontremos un nuevo camino”. Son cuestiones muy complejas.

Estoy a punto de empezar un proyecto en el que voy a explorar si es posible abrir un Parlamento para refugiados. Un Parlamento sin poder, sin mandato, un espacio donde se aborden las cuestiones del extranjero. No sé si seré capaz de hacer una obra así. Veremos.

–Donó un millón de dólares del Premio Genesis (concedido a judíos que alcanzaron el reconocimiento en sus respectivas disciplinas de trabajo) a organizaciones que ayudan a los refugiados.

–Mi padre fue refugiado y mi madre fue refugiada, así que está en mi ADN. Es extraño ser considerado extranjero.

–Su arte no tiene mensaje, pero usted no duda en alzar la voz para apoyar a otros colegas, a las mujeres, y demás. ¿Forma parte de su labor como artista o simplemente lo entiende como deber ciudadano?

–Hacia el final de su vida, alguien le dijo a Picasso: “Señor Picasso, esto es un ordenador”. Era el primer aparato de la historia. “¿Le gustaría tener uno? Hace que todo sea comprensible”.Y Picasso respondió: “¿Comprensible? Me he pasado toda mi vida tratando de no comprender. ¿Por qué querría un ordenador para hacerlo?”. El conocimiento es tremendamente problemático, en especial para los artistas. Nosotros queremos bucear en nuestro subconsciente y arrastrar a la superficie cosas con la esperanza de que surja algo sensible, humano, frágil, conmovedor, así que el conocimiento simplemente se interpone en el camino. Esto es un problema y por eso digo que mi arte no tiene mensaje. ¿La actividad política y social forma parte del trabajo que realizo en mi estudio? Creo que el arte se debe a lo que se debe. No es propaganda, no es un vehículo para realizar declaraciones políticas, al menos para mí. Pero también soy consciente de que tengo una voz y hay cosas sobre las que tengo una opinión y trato de expresarla, de ser activo. En un mundo tan injusto como este, todos como ciudadanos tenemos esa obligación.

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Dirty Corner, también bautizada como La Vagina de la Reina.

–¿Se sintió arropado por la comunidad artística cuando su obra Dirty Corner sufrió vandalismo en París?

–He de reconocer que ese episodio fue raro. La verdad es que no, no me sentí apoyado, y creo que se debe a que fui muy estridente. Cuando la obra fue atacada por segunda vez y decidí que no iba a borrar esos mensajes antisemitas tan violentos, que iban a formar parte de ella porque ahora eran arte y yo no iba a cambiarlo, a mucha gente le pareció muy ofensivo. Incluso hubo artistas, no daré nombres, que me hicieron saber que mi actitud les parecía repugnante.

–A usted, que siempre le ha preocupado que su arte no se confundiera con entretenimiento, ¿cómo le ha sentado que Orbit, la escultura pública que creó con motivo de los Juegos Olímpicos de Londres 2012, tenga un tobogán, se autodenomine atracción turística y prometa una experiencia que pondrá “los pelos de punta”?

–Es horrible. Concebí Orbit como una pieza escultórica… El por entonces alcalde de Londres, Boris Johnson, el señor Brexit, debería colocar su culo gordo en el tobogán y deslizarse por él hasta aterrizar en Europa… En fin, él después decidió que tenía que ser una atracción turística y dar beneficios y me llamó un buen día y me dijo: “quiero que diseñes un tobogán para Orbit”.

Yo respondí que no era lo que hacía y que no lo haría. Pero pensé: “¿Peleo con él? Puedo hacerlo. Es mi arte. Podría empezar una guerra”. Pero decidí no hacerlo y acabé pidiéndole el tobogán a Carsten Höller [artista alemán]. Hay cosas por las que no merece la pena luchar. La vida es demasiado corta para entrar en todas las batallas.

–¿Ha visitado la atracción?

–Nunca. No. Pero Orbit es un objeto extraño, incómodo.

Espero que eso lo salve.

–Tuvo algunas buenas reseñas…

–Y otras terribles.

–¿Le importa lo que opinen sobre su trabajo?

–Mire, siempre va a haber gente a la que le encante lo que haces y otros a los que les horrorice. Es comprensible. ¿Qué vas a hacer? Sí que leo las críticas, pero yo me dedico a seguir con mi trabajo.

–Nada perturba su rutina.

–No. Para mí el estudio es una práctica: yo acudo todos los días a la misma hora, visto más o menos la misma ropa, desayuno más o menos lo mismo, como más o menos lo mismo. Llevo una vida completamente regulada. Al menos, tanto como puedo.

Creo en ir todos los días al estudio, estar ahí, crear arte diariamente. Intento hacer, al menos, una obra al día. Y esa práctica propicia un espacio para que pase algo que de otro modo no ocurriría. Yo quiero que surja algo no planeado, ajeno a mi voluntad, eso es lo que busco.

–Suele repetir que un artista debe tener una gran ambición. Sin ella, no merecería la pena dedicarse a la creación. ¿Conserva intacta la ambición de sus inicios?

–Sí, tengo la misma ambición de entonces. Pero no le doy importancia a las exposiciones, mi ambición se circunscribe al estudio. ¿Podré colmar el potencial que parece estar ahí? ¿Seré capaz de hacerlo? Porque el trabajo pasado no es una medida de nada. Es bonito mirarlo y pensar “vale, quizás es una buena obra, funciona, ¿seré capaz de repetirlo? Ay, Dios”. [risas] –Es uno de los artistas vivos más importantes del mundo. ¿Qué significa el éxito para usted?

–Supongo que el éxito te brinda la oportunidad de seguir trabajando, de sumergirte en las búsquedas que te motivan como artista. El mayor lujo de ser artista es que me permito el espacio y el tiempo para ir al estudio y hacer algo o no hacer nada. De pasar el tiempo sentado pensando, trabajando. Ese es un gran lujo y, por supuesto, es el lujo del éxito.

(Derechos exclusivos, El País de Madrid).

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Casa foa desde su desmbarco en santiago de chile hace dos años, la muestra con las últimas tendencias en decoración se convirtió en una cita ineludible, para profesionales del rubro y también para el público general. vean por qué.

FotograFías: revista ed.

interiorismo

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el equipo de Hielosur recurriĂł a los grandes del diseĂąo europeo para armar esta cocina. el concepto explora la elegancia de la penumbra a travĂŠs de una paleta oscura, texturas opacas y materiales nobles.

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el estudio Fuentes realizó un dormitorio contemporáneo y sofisticado, con zona de estar y de lectura para propiciar la comunicación de sus habitantes. el efecto se logró mediante una paleta de colores neutros, iluminación regulable para destacar puntos de interés y mobiliario hecho a medida.

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inspirado en la arquitectura de Bali y sus espacios abiertos, el espacio de aQ estudio mezcla materiales naturales y poco convencionales, para lograr un lugar funcional y de desconexiรณn.

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Hugo grisanti y Kana Cussen se despacharon con un novedoso Bar en la biblioteca. Colores intensos y motivos geomĂŠtricos originan una ambientaciĂłn retro muy sofisticada.

el Foyer Bar de Paola Molina y Felipe Cardemil crea un ambiente muy teatral con aire actual. La cava de techo curvo y el mesรณn perimetral crean la sensaciรณn de estar en una bodega subterrรกnea.

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Marcelo varetto y Felipe HernĂĄndez planearon el estudio de un arquitecto que combina formas y estilos. el enclave fusiona un estar formal de simetrĂ­a ordenada con un espacio mĂĄs relajado.

Salón de Baño Exotique, de Bito Feris y María Matte, evoca tierras lejanas y misteriosas.

Las imágenes del empapelado, el piso de ébano y la iluminación sutil crean relax y confort.

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en Flux, el estudio esmeralda abordó la arquitectura desde la experiencia. aquí los ambientes de fuerte inspiración retrofuturista y espacial se ven, se huelen, se perciben y se conectan con recuerdos que transportan.

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Paola Rossi y Cristián Cortez de Project Container crearon en un espacio mínimo un departamento completo de referencias más bien nórdicas.

El estudio Saenz Villareal proyectó una habitación infantil cálida y funcional en un espacio reducido.

Destaca el colorido del mix, el revestimiento ranurado en paredes y techos y el mobiliario aéreo.

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DiseĂąada para la vida al aire libre, esta GalerĂ­a Quincho busca volver a lo esencial. El proyecto reinterpreta elementos de la naturaleza como la tierra en la piedra utilizada, el fuego en la chimenea, el metal como soporte y la madera para los detalles nobles.

La apuesta futurista y orgánica de Brainworks Diseño propuso un quiebre estimulante a la arquitectura colonial del Centro Cultural Montecaramelo, sede del evento.

El mobiliario se inspiró en el diseño futurista de Ross Lovegrove, con bancos escultóricos que muestran otras posibilidades para los espacios exteriores.

Con emilia GarCía

derriba

fronteras

radiCada en san pablo, la uruGuaya de asCendenCia española es referente de la arquiteCtura de interiores en la metrópolis brasilera. aquí habla de sus Comienzos, del estilo paulista y de Cómo vive su métier hoy. pasen y lean.

Por julia helena romei. FotograFías: Pablo rivara y arChivo emilia garCía.

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uando era apenas una adolescente, una profesora de dibujo le sugirió estudiar decoración. La idea prendió fuerte y aunque ya estaba cursando Facultad de Arquitectura, cuando alguien le mencionó una escuela de interiorismo (la de Gino Moncalvo) en la calle Canelones, la recorrió de cabo a rabo hasta encontrarla y matricularse. Se recibió, viajó a Europa y a su vuelta se casó, pero no pasó mucho tiempo antes de que hiciera de nuevo las maletas y se marchara con su familia a San Pablo, donde finalmente se radicó. Allí tuvo que retomar la carrera de Arquitectura de cero, pero el desafío no la amilanó. Pisó firme el acelerador y trabajó incansablemente hasta lograr un nombre propio en el competitivo escenario del interiorismo paulista.

Participaciones en muestras de gran prestigio, obra publicada y clientes fieles aquilatan una experiencia que trascendió las fronteras de Brasil y llegó hasta Estados Unidos donde realizó proyectos en ciudades tan diferentes como Washington, Nueva York y Palo Alto. Todo sin perder de vista Uruguay, donde armó equipo con una sobrina y ya realizó varios trabajos. Así es la arquitecta de interiores Emilia García.

–¿Cómo encontró su vocación?

–Con 16 años una profesora de dibujo vio mis habilidades y cómo combinaba los colores, y me sugirió hacer decoración. A mí siempre me gustó dibujar y eso me quedó en la cabeza. Me habían dicho que había una escuela de decoración en la calle Canelones, que es muy larga. Yo soy muy determinada y la caminé toda hasta encontrarla. Me inscribí y empecé a hacer el curso mientras estudiaba Arquitectura en paralelo. Me recibí de designer de interiores, o decoradora, como le dicen acá. En Brasil el decorador es una profesión menor, es el que arregla los adornos.

En cambio, el designer de interiores tiene más conocimiento téc-

nico. Luego de terminar el curso viajé a Europa y enseguida me contrataron en una empresa aquí en Montevideo. Me casé y nos fuimos a San Pablo. En aquella época, el arquitecto no era muy apreciado porque lo importante era el ingeniero. Entonces resultaba más chic decir que eras decorador, que en aquel momento se le decía así a la profesión. A mí me quedaba muy poco para recibirme y en Brasil hice muchos cursos de especialización técnica en la Universidad de San Pablo: proyectos de arquitectura de interiores para restaurantes y fast food, para hospitales, para escritorios. Luego me vi en la necesidad de sacar mi título en Brasil y fue muy complicado. Para poder revalidar todo hay que traducir la totalidad de las materias, ellos las analizan y después las validan. Mandé a buscar acá la documentación, pero mucho había desaparecido porque durante la dictadura se quemaron un montón de archivos. La cuestión es que empecé de cero. Fue difícil porque lo hacía de noche, yo ya tenía una empresa y trabajaba mucho. Por otro lado me resultó más fácil porque el conocimiento ya lo tenía y la práctica también. Fue muy enriquecedor estar en contacto con gente joven, con nuevas ideas y propuestas.

Además, hoy existen cosas que en la época en que yo hacía la facultad, no estaban.

–¿Cuándo se orientó hacia la arquitectura de interiores?

–Con el tiempo el arquitecto vino a tomar el lugar de lo que hoy sería un designer de interiores. En el mercado, existe un 20 por ciento de arquitectos que se dedica a la profesión y el resto a esta área en la que trabajo. Cada uno tiene su foco, porque dentro de la arquitectura y el design hay una cantidad de caminos a seguir. Yo tenía una formación muy clásica. En Montevideo primero trabajé con un español en una empresa que se llamaba Connaisance y luego en Antique, de JorgeTossi, que era un decorador de la época, una empresa muy conceptuada de más de cien años. Se trabajaba a un nivel altísimo.

tienda del museo de arte moderno para Casacor (2006).

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"hay que juntar todo: la belleza, la forma y la funCión. las tres Cosas tienen que estar presentes en un buen diseño, y la armonía en el Conjunto".

–¿Fue difícil el cambio de montevideo a san Pablo?

–Fue medio difícil adaptarme porque cuando llegué no conocía a nadie. En Uruguay el ritmo de vida es diferente y además, en aquella época, los años 70’, la mujer era más liberal; trabajaba normalmente. En Brasil no. Las vecinas me preguntaban ‘¿tú trabajas afuera?’ Yo les contestaba que sí y se quedaban mirándome extrañadas. Apenas llegué me indicaron una empresa y trabajé varios años con ellos. Fue lo que me permitió tener contacto con el público y el gusto del brasilero, que es muy diferente al nuestro.

Me adapté muy bien. El brasilero te recibe con los brazos abiertos. Además siempre fui buena para el dibujo y sabía hacer perspectivas a mano. A la entrevista llevé algunos dibujos y el dueño se interesó. Me dijo que quería hacer un test conmigo y me pidió que le dibujara un living y un comedor, que eran de estilo.

Quedaron fascinados. Ellos tenían un decorador, pero me contrataron porque yo ofrecía un diferencial muy grande. Al muchacho le llevaba una semana hacer un proyecto y a mí una pocas horas. No te puedo decir lo que facturaron conmigo; hicimos trabajos para todo Brasil, Argentina, Bolivia, Paraguay y Venezuela, que venían a comprar a Brasil; hasta para el Líbano, hicimos una casa de dos mil metros cuadrados. Fue una experiencia interesante porque me hizo tener contacto no solo con el pueblo en sí, sino también con la parte comercial y eso me ayudó a saber vender mi trabajo.

Después, llegó un momento en que sentí que había dado todo

lo que tenía que dar y quise emprender sola. Ellos empezaron con un showroom de mil metros y terminaron con tres; yo me encargaba de todos. Hacía toda la paginación de las telas que se compraban, consultoría con la fabricación, la ergonomía de los muebles. Cuando vi que el mueble clásico empezaba a caer, los convencí de hacer cosas más actuales, y cambiaron. Entonces cada vez que les decía ‘me voy’, me aumentaban el sueldo y no me dejaban ir, pero llegó un momento en que me podían dar todo el oro del mundo, pero igual me fui. Quería ser yo.

–se instaló por su cuenta.

–Abrí una empresa con mi marido; él tenía fábrica de relojes para todo Brasil y pusimos un showroom compartido. Yo con una boutique de objetos de decoración, alfombras persas y complementos para la decoración Me fue muy bien y muchos clientes me siguieron a pesar de que yo no le avisé a nadie que me iba.

Después, me hice sola. Es un trabajo de hormiga: empezás a trabajar, lo hacés bien y luego viene otro. Para hacer lo que yo hice en Brasil, me puedo considerar victoriosa porque es muy difícil darte conocer en una ciudad tan grande. Hoy tengo un nombre respetado y mucha cosa publicada. En octubre sale otra obra mía en un libro de arquitectura.

–¿Cuándo empezó a participar en Casacor?

–Participé varias veces en exposiciones antes de Casacor, que era un núcleo muy cerrado. En el año 97’ vine a Punta del

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oficios) no se reciclaron. Como acá, es la misma cosa. Se tornó en un estilo muy caro y la gente no tenía posibilidades. En 2005 hice una gran reforma en mi showroom; es una casa montada y decorada por ambientes, entonces la persona que entra ve cómo es mi trabajo y se siente más segura porque tiene que confiar en el profesional. Es que yo no me encargo solo del proyecto; ejecuto desde la obra hasta el último alfiler que existe en la casa.

Hay clientes que dejan todo en mis manos, hasta comprar ropa de cama o la loza.

–¿Cómo es el cliente paulista? ¿Da carta blanca o atento a todos los detalles?

–Con la crisis no existe más carta blanca. En nuestra área se sintió muchísimo. El sector de la construcción perdió un millón y medio de puestos de trabajo. Los profesionales con nombre no paran de trabajar, lo hacen menos y se adaptan. En una época tenía cuatro personas solo dibujando para mí. Hoy en día, la tendencia es continuar más light, más ajustado, y se terceriza todo.

La nueva ley favorece esto y el coworking. Por el momento continúo con el showroom porque el cliente lo prefiere. Por ejemplo, si gastan 500.000 dólares y te dan el dinero en la mano, saben que uno tiene un inmueble establecido, saben que uno no se va a ir.

Es un respaldo, además lógicamente del nombre.

–¿Qué proyectos prefiere realizar?

–Hice casas muy grandes, pero últimamente hago apartamen-

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Este con una amiga y vimos que iban a hacer Casacor allí. Preguntamos si había algún espacio y nos cedieron un lugar. Hicimos un loft tropical que fue un suceso y eso me dio espacio para que después yo presentara mi book. Haber participado en Punta del Este, que no dejaba de ser la primera en el Mercosur, era tenido en cuenta, más las otras exposiciones en que ya había actuado. Además, ya me había dado cuenta que tenía que catalogar mi trabajo con un fotógrafo profesional y eso me dio una ventaja. Cuando presenté el book, me llamaron inmediatamente. Hice la primera Casacor en 2004. Era un espacio muy pequeño y después no sé por qué motivo cambiaron de lugar y tuve que hacer una casa de 80 metros cuadrados y el jardín, todo inspirado en el briefing de ese año. Presenté una casa de muñecas. Me imaginé una niña empezando la adolescencia y busqué lo que una chica de esa edad quería y le gustaba. ¡Hasta la música que escuchaba! Hice un lugar para ballet, otro para maquillaje. Estaba sectorizado. Fue un suceso rotundo y había cola para entrar. Tan es así que salió reseñada en el Folha de São Paulo, en O Estado de São Paulo y en varias revistas. Los grandes profesionales me decían ‘pero ¿cómo? ¡Recién entraste y ya saliste en primera plana!’. Al año siguiente hice la lavandería de una casa de playa y después hice la boutique del Museo de Arte Moderno. Tenía que ser muy representativa de lo que es la ciudad y hoy lo que caracteriza mucho a San Pablo son los graffiti. Entonces contraté a un grafitero para que hiciera una pared. Fue bien interesante. Después hice la casa office, pero fue la última vez que participé por un malentendido, creo yo, con un tema de las placas donde se menciona a los proveedores. Al año siguiente Cristina Ferraz, un ícono de Casacor, a quien adoro y es una lady, me invitó de vuelta. Me llamó, se disculpó por el tema, pero no fui más. También hay otro punto y es que algunos clientes son muy absorbentes. Algunos son más light, pero otros son muy dependientes, entonces es problemático porque cuando uno asume la responsabilidad de un evento tan importante hay que comprometerse con los plazos. Puedo quedarme sin dormir la noche entera, pero tiene que quedar pronto. Yo no tendría cara de hacer una Casacor y presentar algo sin terminar. Viene muchísima gente, no solo de Brasil. Se tornó un evento muy importante. El año pasado abrió en Miami, aunque la más relevante es la muestra paulista.

Después las de Río de Janeiro y Minas Gerais. La de Porto Alegre es buena, pero esas son las de mayor peso.

–¿existe un estilo paulista en interiorismo?

–Sí. Es más despojado, con colores súper neutros por la temperatura de la ciudad, que es muy caliente. Se basa prácticamente en eso, una decoración más light, con toques de color.

Hoy se usa mucho, o hay una tendencia a una decoración vintage, inspirada en los años 50’, 60’ y 70’, pero es para un público más joven. De los 50 años para arriba todavía es más tradicional.

Hacen contemporáneo, que es lo que predomina. Cuando abrí mi primera oficina trabajé solo con estilo clásico y tenía mis clientes, pero llegó un momento en que la mano de obra se tornó muy difícil. Los artesanos se hicieron mayores, se fueron muriendo y (los

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lavanderĂ­a, espacio en la Casa de Playa de Casacor (2005).

Proyecto para la ediciĂłn Casa Office de Casacor (2008).

trabajos de emilia garcía con una paleta neutra y objetos de aire minimalista que logran una atmósfera muy clean.

que imprimir su carácter en el proyecto, tenés que pasar un mensaje subliminal. En una casa entran otras sensibilidades y sentimientos. Yo respeto mucho a mis clientes y me gusta contar historias. Si una clienta me dice, ‘tengo este mueble que me lo regaló mi mamá, pero no va a combinar’, yo le respondo ‘¿por qué no? Hacemos una adaptación y dejamos este mueble como centro; creamos un espacio que genere una historia para que cuando venga alguien, vos le cuentes’. No podemos borrar nuestra historia. Nos anclamos en el pasado para tener un presente y un futuro.

–¿hay alguna tendencia marcada para este año?

–Existen varias, pero uno no puede seguirlas. Existen cosas que aparecen en la sociedad, por ejemplo, los colores. Yo frecuento congresos. Voy a Italia, a la feria de Milán y ahora lo que viene son materiales. Una holandesa que va detrás de las tendencias había dicho en 2010 que lo que iba a predominar eran los colores de la naturaleza. Es cómico, pero al brasilero no le gustan mucho.

No tolera el verde porque lo asocia con la bandera, o con un cuadro de fútbol rival como el Palmeiras. Los colores que vienen son terrosos y volcánicos, inspirados en la tierra. También vienen los gasificados inspirados en las galaxias; es una mezcla de colores en realidad. Esta tendencia la van a seguir los jóvenes sobre todo.

Otra cosa muy marcada son los patrones florales: los papeles de pared con flores gigantes. Claro, no todo el mundo lo acepta y hay que saber colocarlos en el lugar. Continúa también mucho el estilo vintage porque en realidad la gente más joven no se puede identificar con Luis XV o Luis XVI. En cambio, sí lo hacen con los años 50’, 60’ y 70’. Además, la tecnología ha avanzado mucho y hay muebles de grandes diseñadores como Mies van der Rohe, Eero Saarinen o Charles Eames, que ahora son más accesibles.

–¿Qué características tiene esa preferencia?

–Es un estilo sin estilo. Es una mezcla de todo lo que sienten y consumen. Entonces no existe un estilo. Es totalmente personal, como lo es la moda. Hubo un momento en que existía la marca y era importante mostrarla. Hoy no. Lo que vale es la persona y cómo lleva esa ropa. No es por una marca que va a quedar bien un ambiente. La moda va muy de la mano del design. Por algo todos los grandes designers tienen sus líneas de muebles y home.

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tos por el tema de la inseguridad. Las casas son todas fuera del centro. En Campos do Jordão, por ejemplo, que es un balneario invernal a 80 kilómetros de la ciudad, con temperaturas de cero grado porque es muy alto tengo un cliente, que es hijo de suizos.

Contrató un arquitecto de allá porque lógicamente tenía que firmar todos los planos en la intendencia de Campos do Jordão, y me encargó a mí la arquitectura de interiores. Tuve que hacer casi todo de nuevo; una casa de 1.200 metros cuadrados en un terreno de 5.000, con un estilo suizo bien característico. Tuve que dibujar hasta las aldabas de las puertas, los herrajes, las escaleras trabajadas. Para mí fue un placer porque allá es casi imposible mandar a hacer todo porque es muy caro. El estilo contemporáneo es más accesible y si la gente se cansa, lo cambia. Cuando llegué a Brasil, los clientes renovaban todo cada cinco años. Hoy, pueden llegar hasta 15 años sin hacerlo. Ahora mismo vino un cliente de 25 años atrás. Los apartamentos son 99 por ciento contemporáneos. Lo que le pasa al brasilero, dicho groseramente, es que no tiene la cultura del rioplatense. Entonces prácticamente no respeta su historia. En el año 70’ vinieron los norteños para trabajar en la construcción porque hubo un boom. Los paulistas empezaron a tener grandes mansiones y edificios, y la cosa cambió mucho. Derribaron todo el patrimonio histórico maravilloso que tenían. Hoy existe un instituto del patrimonio porque se dieron cuenta de que se quedaron sin historia. Cuando vengo a Uruguay me quedo fascinada con la arquitectura cuando miro para arriba. Ellos tienen esa cosa de querer copiar al europeo, y por dentro lo hacen más moderno. Pero eso está cambiando, ahora hay una línea más clean, con muchos vidrios. También hubo un cambio muy importante en la arquitectura de los edificios con la varanda. La característica brasilera era tener la casa con fondo, pero por motivos de seguridad hubo que cambiar el quintal por el apartamento con terraza. Generalmente, todas son amplias y con churrasquera. Llegan a tener 10 o 12 metros, y algunos ya lo integran al living.

–¿Qué tan diferente le resulta diseñar una residencia de una empresa?

–Es muy personal. Lo que pasa con la empresa es que tenés

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"lo más lindo es terminar y dejar a una familia o persona feliz. esa Creo que es la misión que tenemos Como designers".

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"para haCer lo que yo hiCe en brasil, me puedo Considerar viCtoriosa porque es muy difíCil haCerte ConoCer en una Ciudad tan Grande".

–¿tiene referentes en su obra?

–Oscar Niemeyer, porque en el contexto de los arquitectos brasileros, fue una revelación. Cómo trabajaba las formas totalmente orgánicas; parecían imposibles de ejecutar, pero tenía un muy buen calculista. Una vez, viajando por España me encontré con una obra suya en Asturias. Yo no sabía que él había hecho algo allí, pero lo reconocí, y es tan bueno ver una arquitectura que es posible identificar. De los brasileros me gusta también Paulo Mendes Da Rocha. Hay muchos arquitectos muy buenos. De los internacionales me gusta el italiano Renzo Piano, Álvaro Siza, que es portugués y Richard Rogers, que es inglés. En cuanto a design de interiores, Roberto Migotto, John Armentano, Marcio Kogan, con una arquitectura muy clean, o Arthur de Mattos Casas, que para mí es uno de los mejores.

–¿Qué hace a un buen diseño?

–Debe perdurar. Por eso no hay que arraigarse a las tendencias. Tú ves ropa hecha por Chanel o Gucci de hace 30 años y es actual. El diseño es para el resto de la vida; no es moda. Por eso no soy fanática de la moda, solo trabajo calidad y terminaciones, y me ocupo de pensar en una ergonomía porque hay que juntar todo: la belleza, la forma y la función. Las tres cosas tienen que estar presentes en un buen diseño, y la armonía en el conjunto. Hasta los colores tienen una influencia psicológica y fisiológica en los seres humanos. Hice cursos sobre cromoterapia en Estados Unidos y tuve clientes que tenían depresión, y al transformar su ambiente aplicando los colores, lógicamente acompañados con tratamiento médico, tú ves que salen. Tuve el caso de una clienta muy querida, para quien armé un penthouse de mil metros cuadrados. Había hecho su apartamento y el cuarto de la hija, que le encantaba el azul. Cada tres años mi clienta me llamaba para renovar y me comentó que la hija no estaba estudiando. ‘Llega a casa y solo duerme’, me contó. Yo ya había hecho ese curso de cromoterapia y le dije, ‘vamos a tener que cambiar ese cuarto por otros colores’.

Usamos amarillo quemado y toques de azul. Fue increíble el

cambio; a los dos meses la chica estaba estudiando. El amarillo es el color de la atención. Para quien está deprimido, el azul y el negro son los peores. También aplico feng shui, que es la acupuntura del espacio. Lo hago porque quiero darles a mis clientes calidad de vida. Esto no es lujo.

–actualmente existe un auge de la déco y la gente está más formada, ¿el cliente es más exigente?

–Siempre es exigente y en ocasiones busca detalles que no tienen sentido, por eso no se puede hacer una crítica hasta que la obra esté terminada. Lo que sí me parece es que con Internet, las personas buscan mucho precio para hacer comparativos.

Como me manejo por referencias, los clientes confían mucho en mi trabajo y mis propuestas son adecuadas al tipo de vida que tienen. Como dije, la moda no existe en un trabajo que se hace para que la persona viva y comparta sus días en un ambiente con la familia. La moda hoy en día es literal y pierde vigencia así como la ropa. Mis trabajos son atemporales, para personas más sólidas económicamente que no cambian las cosas tan rápido.

No tienen época, duran en el tiempo.

–¿Cómo encara sus proyectos? ¿Qué la inspira?

–¡Ah!, la diosa inspiradora... Me inspiro cuando me siento en mi mesa de dibujo. Después lo paso a los dibujantes para que lo hagan en el computador. Ya intenté hacer cursos de CAD y todo lo demás, pero al no tener tiempo de practicarlo, me olvido, pero tengo quien lo realice. Estoy muy atenta al cliente.

Uno tiene que escucharlo y no estar preguntando qué es lo que quiere, excepto algún tipo de necesidad. Hay que ver cómo se viste, cómo es la casa, porque generalmente las reuniones son allí. Siendo observador y dejándolo hablar, uno capta detalles para hacer las propuestas. Tengo 40 años de profesión y nunca llegó un cliente que me dijera ‘no me gusta’. Siempre hago dos opciones y les digo, ‘ésta me parece que es la mejor; después tengo esta otra’. Entonces van por la que yo les digo. Lo más lindo es terminar y dejar a una familia o persona feliz. Esa creo que es la misión que tenemos como designers.

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verde vivo

casa i 2018 i paula

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se trata de un proyecto integral de la arquitecta emilia garcía, ubicado en el corazón de la mega ciudad brasilera, donde se conjuga estética, forma y función en un diseño con toques vintage. por j.h. romei. fotografías: emilia garcía.

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el jardín tropical se cuela en el amplio living a través de los grandes ventanales. Destaca la estufa a leña incrustada en uno de ellos. el ambiente compuesto por dos áreas de recibo enfrentadas, queda integrado gracias a un recamier revestido en gamuza. cabe señalar el excelente manejo del color.

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arriba izquierda, la mesa de centro en cristal alberga un puf debajo, que provee asiento adicional. arriba derecha, objetos traĂ­dos de viajes decoran el nicho en madera. abajo izquierda, un recamier de mies van der rohe dialoga con el lienzo en la pared. abajo derecha, una butaca Egg con puf, ambos tapizados en lino hindĂş bordado, completan la dĂŠco.

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en el comedor, una gran mesa en madera, acero y cristal, estรก rodeada por confortables butacas en tonos que recrean a la naturaleza.

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arriba izquierda, un sofรก en lino rematado por dos chaiselongues invita a disfrutar del Home theatre que luce recostado sobre una pared recubierta en madera de demoliciรณn. arriba derecha, un sillรณn giratorio llama la atenciรณn por su estampa colorida. abajo, el estar de los menores.

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el papel de pared adamascado, enmarcado por paneles de madera, el cabezal en cuero de la cama y las mesas de luz en nogal marcan el tono de la master suite. luminarias italianas, tonos cĂĄlidos y fibras naturales completan la apuesta. el baĂąo revestido con venecitas, exhibe doble duchero y baĂąera.

SUSPIRO LIMEÑO

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nUEva aRqUItEctURa

Casa Lapa (2015).

IDEa DE

lugar

EL PERUanO MaRtín DULantO habLa DE SU PROFESIÓn cOMO Un REtO EStRUctURaL qUE DEbE RESPEtaR La RELacIÓn cOn EL aMbIEntE y La natURaLEza PaRa qUE tODO FLUya. cOn aPEnaS 34 aÑOS ya tIEnE En SU habER ObRaS RESIDEncIaLES qUE Dan qUE habLaR.

emplaza cada proyecto, y por su entorno. Esto nos lleva a implantar nuestros trabajos de una manera bastante humilde y sensible, sin invadir, sin opacar, sin competir, de manera tal que lejos de pretender protagonismo, lo que buscamos es la exaltación del espacio en sí mismo, entendiendo que éste está compuesto por la conjunción de nuestra obra y lo que la rodea.

–¿Qué le motivó a ser arquitecto?

–En un principio lo que me acercó a la arquitectura fue la idea de que me permitiría tener una relación cercana al arte. Sin embargo, al iniciar la facultad me desencanté, pues no me encontré con el tipo de cursos que esperaba, ni sentía la pasión que veía en la mayoría de mis compañeros. Esto me hacía pensar que era yo quien estaba haciendo algo mal. Sí tenía muy claro en la cabeza que era la carrera que había elegido, e independientemente de si luego la ejercía o no, tenía que terminarla. Al finalizar mis estudios, muy rápido empecé a trabajar, con la idea de ganar algo de experiencia mientras encontraba mi verdadera vocación y, fue en esa etapa, ejerciendo, cuando me enamoré de mi trabajo.

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e describe como un hombre simple, aunque es muy crítico y exigente consigo mismo. Con aspecto descontracturado y jovial, Martín Dulanto cuenta que nació en Tumbes, al norte de Perú y se graduó en la Facultad de Arquitectura de la UPC (Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas). En sus inicios fue socio fundador de Taller 33 donde trabajó durante 4 años. Hoy vive en el distrito de Miraflores, en Lima, y desde 2012 tiene su propio estudio dedicado a la arquitectura residencial. Su obra ha sido publicada en diversas revistas de diseño y arquitectura de Perú, Colombia, México y España, así como en portales web de Estados Unidos, Holanda, España y México, entre otros. Actualmente se encuentra desarrollando un nuevo proyecto de apartamentos en el distrito de Cienegüilla en la capital.

–¿Cómo definiría la arquitectura en perú?

–En mi opinión, la arquitectura en Perú, si bien tiene que luchar diariamente con temas importantes como son limitaciones de presupuesto, tiene un carácter muy fuerte, y lo que dice, lo dice gritando. Es una herramienta que los arquitectos utilizamos para reforzar nuestra identidad como peruanos.

–¿Cómo influye la cultura indígena hoy?

–La cultura indígena interviene en cada arquitecto peruano de una manera distinta. En nuestro caso, su influencia se percibe en el profundo respeto y admiración por el terreno en el que se

casa i 2018 i paula

por CLara aveLLino. FotograFías: martín duLanto.

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Casa ave (2014).

–¿por qué eligió especializarse en arquitectura residencial?

–Elegimos dicha especialización pues nos sentimos muy cómodos con la escala de los proyectos y con la posibilidad de que éstos nos permiten conocer a los clientes; llegar a ellos.

–¿piensa cambiar de área en algún momento?

–No sé si en el futuro lo haré; por ahora nos sentimos muy a gusto.

–¿Qué le mueve de su profesión hoy?

–Considero que son varias las cosas que me entusiasman en lo que hago. Lo primero es que mi trabajo me dio la oportunidad de conocerme, entenderme y asumirme, y esto me permitió llevar y vivir la arquitectura a mi modo, es decir, de una manera bastante lúdica, sin dejar de ser seria y responsable. Por otro lado, me da la oportunidad de estar día a día en contacto con mi equipo, conformado por un grupo maravilloso de chicos de los que aprendo muchísimo.

–¿Cuál es la relación con ese entorno de trabajo?

–Me considero bastante afortunado porque tengo la suerte de vivir mi profesión como algo que realmente me apasiona. Gracias a este sentir, he tenido la posibilidad de conocer a gente realmente maravillosa. Mi equipo de trabajo lo integra un grupo de extraordinarios arquitectos que, más que compañeros, los considero mi familia. Nuestro entorno laboral es agradable, flexible, y bastante horizontal, donde todos aportamos y nos sentimos como en casa. Tenemos una visión común con respecto a la arquitectura.

Consideramos que el proceso que conlleva cada proyecto, lejos de ser estresante o tortuoso, puede y debe disfrutarse, llevarse de manera divertida, responsable y ligera. Debe vivirse.

–¿Cómo define su arquitectura?

–Hacemos una arquitectura que se caracteriza por su simpleza, su fuerza y su carácter atemporal. Creemos que la buena

Casa Blanca (2014).

arquitectura debe ser simple, directa y, sobre todo, contundente.

Debe hablar por sí misma. Debe tener personalidad y ser respetuosa con su entorno. Tiene que ser sensible y consciente.

Nuestra obra es una suerte de constante oda al enclave, y el trabajo que realizamos gira siempre en torno a lo que llamo la “idea de lugar“.

–¿a qué se refiere con “idea de lugar”?

–Esta idea va por entender que la arquitectura, por sí sola, no es, ni debe ser jamás, protagonista. El protagonista es, y siempre debe ser, el espacio. La arquitectura no es más que uno de los elementos que compone el espacio, pero no es el único. Está, también, la naturaleza. Aquí se trata de una suerte de trabajo en equipo entre ambas: la arquitectura y la naturaleza. Una sumatoria de esfuerzos en pro del lugar. Estamos convencidos de que los grandes ambientes, los vibrantes e inolvidables, son los que se generan en dicha conjunción.

–¿Cómo logra fusionar todo esto?

–Esta constante búsqueda de pulir la “idea de lugar“ nos lleva con frecuencia a explorar y ensayar distintos temas recurrentes en nuestra obra. Entre ellos, destacan por ejemplo, la flexibilidad espacial, el reto estructural, el difuminar los límites, la exploración de distintas texturas y el uso de acentos, entre otros.

–al momento de pensar un nuevo proyecto, ¿también piensa en el interiorismo o lo hace como otro paso?

–Siempre que el cliente lo permita, abarcamos el proyecto de manera integral; desde la concepción arquitectónica hasta el diseño de interiores y la decoración. Consideramos que es fundamental que el interiorismo se plantee en absoluta consecuencia con el concepto arquitectónico. Es muy importante que haya una relación pensada entre ambos.

vivir liMa

casa lapa es una de las obras MÁs destacadas del arquitecto Martín dulanto. se construyÓ en 2015 y se ubica en el distrito de pucusana, en la capital.

Por Clara avellino.

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FotograFías: marCo símola.

el terreno fue cortado antes de iniciar el proyecto y sobre él se construyó una plataforma que se incrusta levemente. esta contiene el área de servicio y el ingreso.

suspirolimeño

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la planta principal integra en un solo ambiente el living, el comedor y la cocina, con colores neutros y mobiliario simple.

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Una escalera de forma libre y escultรณrica se despliega entre el bloque constructivo y el terreno, conformando una espina dorsal que comunica los tres niveles de la casa. en el รกrea social comparte protagonismo con la roca hacia un lado; y al otro la panorรกmica que se abre de cara al mar.

casa i 2018 i paula

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Con cerramientos de vidrio casi invisibles, el interior de la casa se integra por completo con el exterior. allí, una amplia terraza con piscina y parrilla al aire libre invita a apreciar la vista sobre la bahía de Pucusana. las líneas de la arquitectura se imponen en un entorno que se caracteriza por su textura rocosa. Un árbol solitario, en medio de la piedra, acusa la presencia vegetal.

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el tercer nivel contiene la zona privada de la vivienda. todos los dorMitorios Miran al Mar. la fachada cuenta con celosĂ­as que terMinan por configurar el voluMen del edificio, a la vez que protegen de la luz solar.

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Un paseo

entre volcanes

tUrIsMo sostenIBle

Perú es Un destIno conocIdo Por sU gastronoMía, sUs tesoros ancestrales, y sUs Playas. Pero hay tantísIMo Más entre las escarPadas Montañas. esta crónIca de cUatro días Por el País ProfUndo recorre sU geografía con la gUía de PoBladores locales.

Como mínimo es una manera peculiar de responder a una pregunta tan sencilla que cualquier otro subsanaría con un número estimado y punto final.

Desde hace unos años Dorita es parte del grupo de pobladores que, asesorados por la Organización de Gestión de Destino Valle de los Volcanes (OGD) (que encabezan el ingeniero Mauricio de Romaña, asesor principal, y Faviana Deglane Salaverry, directora de promoción), se mueve para convertir a la región en un punto atractivo del mapa turístico de Arequipa, en el sur de Perú. La OGD es una entidad autofinanciada que integran autoridades locales, empresas regionales, como las mineras, además de representantes de organizaciones civiles de las comunidades.

Pero la historia reciente no comienza aquí. Hace ya 87 años que dos exploradores, Robert Shipee y George Johnson, sobrevolando la zona del Colca, descubrieron un área con volcanes que no aparecía en los mapas de la época. Decidieron visitarla y tras cuatro días de periplo en mula llegaron al valle.

Lo fotografiaron y lo registraron en sus libretas. Antes de partir prometieron enviar a los pobladores, que tan bien los recibieron, los periódicos del 26 de julio de 1931. Así lo hicieron. Tres años después, en The National Geographic Magazine publicaron el artículo que mostró al mundo anglosajón ese valle hasta entonces ignorado, su geografía, su fauna, su flora y las costumbres de sus gentes. Pasaron décadas y recién en los 80' Mauricio de Romaña puso en marcha un proyecto que revitalizó toda la región. De hecho, él es el responsable de que el Cañón del Colca sea uno de los grandes destinos de turismo en Perú. Un pionero.

Mientras esperaban la llegada de la guía local, los viajeros terminaron el almuerzo en el almacén y restaurante Lucerito, en la calle Jerusalén, sin número, de Andahua. Una casa de comidas con tres mesas cubiertas con manteles de colores y seis sillas cada una, piso de cerámica roja, un televisor plasma, paredes decoradas con juncos y madera, y una carta única. Este día: sopa de quinoa, timbal de arroz con pollo y papas fritas naturales (en tiempo de deshidratadas, vale la aclaración), y ensalada de remolachas. De beber, agua de manzana. A las 13:00 horas el lugar estaba repleto de comensales esperando su turno para ser servidos.

Dentro de la sencillez de la zona, Andahua tiene algo aún más distintivo: la plaza principal es una exposición de arte vivo donde los cipreses adquieren las formas de corazón, niños trepando a un árbol, un conejo, figuras geométricas y hasta una guitarra. Cada una, recortada a la perfección por las manos del jardinero local, la envidia de los demás poblados cercanos que se atreven a copiarle con resultados menos exitosos. Allí esperan los viajeros a Dorita, que llega agitada, se presenta, saluda y se explica.

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D

ora Uchuquicaña Álvarez, Dorita, aprieta el paso. Tiene unas cuantas llamadas perdidas en su celular. Dos viajeros y un chofer la esperan en la plaza central de Andahua, su pueblo natal, para conocer con ella el corazón del Valle de los Volcanes. Camina tan rápido que casi parece que corre y su pollera ancha de terciopelo rojo gastado con guardas de colores, típica de las mujeres locales, hace un bamboleo gracioso.

Trae puesto un chaleco de la misma tela, un par de trenzas largas y apretadas que caen a los costados de sus hombros, un sombrero negro de fieltro y ala ancha, medias cancan y championes. Saltan a la vista no porque sean estridentes, sino más bien porque no es usual ver a las mujeres con ese tipo de calzado. Pero Dorita tiene algo que la diferencia y que va mucho más allá de su apariencia: su carácter.

–¿Cuántas personas viven en el pueblo? le pregunta uno de los viajeros.

–¿Aquí en Andahua? Somos unos 600 sufragantes.

–Mayores de edad quiere decir.

–Sí, votantes. Los demás son jóvenes, que hay poco más de cien y preescolares que deben ser unos quince.

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Por YellY Barrios. FotograFías: garCía tores.

Yaretas al borde del camino.

Cómo llegAr

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El Valle de los Volcanes, de una topografía singular e impresionante, está estratégicamente integrado al corredor turístico más importante de Perú, conformado por los grandes atractivos del sur del país: Machu Picchu (una de las Siete Maravillas del Mundo), el Lago Titicaca, las Líneas de Nazca, la Reserva del Manu y el Valle del Colca.

El Valle de los Volcanes se encuentra al pie del Coropuna (6.400 mts), uno de los doce más altos del mundo. Está situado entre dos cañones, posiblemente los más profundos del planeta, el Colca y el Cotahuasi.

Desde Uruguay lo más práctico es tomar un vuelo a Lima con conexión a Arequipa en una hora. Desde allí hay opciones diferentes, dependiendo de las exigencias y pretensiones. Por más información: www.vallevolcanesperu.pe

–Disculpas, estaba en mi chacra que queda camino a Soporo, el pueblo de al lado. No tenía cobertura y cuando venía me cayeron todos los mensajes perdidos –dice mientras guarda el teléfono en un bolsito pequeño de cuero que lleva cruzado en el pecho y en el que un smartphone no cabría.

Esa mañana Dorita aprovechó que un veterinario fue a examinar a los animales de un vecino y le pidió que mirara también a los de ella. El mismo veterinario fue el que la trajo de regreso al pueblo en moto, para llegar más rápido. Lo usual para ella es hacer el camino de ida y vuelta, lo que lleva una hora a pie por cada tramo.

–¿Están listos para salir? Vamos entonces, ya pasamos del mediodía y me preocupa un poco el viento de la tarde.

El sol brilla en un cielo completamente despejado. Es la temporada seca, pero así y todo el frío pega. A 3.587 metros de altura y en lo alto de un volcán, lugar al que se dirigen los viajeros y su guía, todavía sopla más. Por eso hay que tratar de llegar antes de que avance la tarde.

En camioneta 4x4 desde el centro de Andahua hasta la base de los volcanes Mellizos, también conocidos por el nombre de sus descubridores Shipee y Johnson, hay unos diez minutos. Para subir a una de estas cimas, se demora

Dorita, la guía.

el Coropuna.

bastante más. Es una media hora de marcha a pie con intensidad moderada, en la que Dorita, a sus cincuenta, marca el paso con firmeza. Durante la caminata se detiene para hacer descripciones de las plantas autóctonas como el chic chimpu (en quechua), una planta aromática del lugar, que se utiliza para sazonar la ocopa (plato típico que consiste en una salsa especial servida sobre papas hervidas) o el airampo, fruto típico que se aplica como medicina en casos de anemia. Estos pequeños reconocimientos de terreno son una manera lúdica de darle un respiro al grupo que la acompaña en la ascensión.

–¿Estuvieron alguna vez ante el cráter de un volcán?, pues estamos acá –dice y alza el brazo para mostrar el paisaje. El otro Mellizo se ve al costado. Es algo más alto y tiene un camino más empinado. Está reservado para visitar en los días de fiesta del pueblo, que son varios a lo largo del año. En uno, la gente desarma la cruz que está allí en la cima, la adorna con flores y la vuelve a erigir. Luego, entregan ofrendas, celebran con música, bebida y comida. Bailan a su alrededor y luego bajan y siguen con sus vidas.

Aunque hay matices, la mayoría de las comunidades que componen el valle tiene características parecidas. Las poblaciones se dedican a la agricultura, a sus animales y los que no, a la minería. La explotación del turismo está aún en fase inicial, por eso, para los más aventureros y también para biólogos, antropólogos, topógrafos, geólogos, arqueólogos, y por supuesto vulcanólogos, esta región es un paraíso que ofrece opciones para conocerla en una escala de contacto muy próxima con la gente del lugar.

En los pueblos son varios los que ya han construido sus casas vivenciales para recibir a las visitas. Pero también hay propuestas más completas, como el Hotel Turista de Chilcaymarca, que se puede tomar como base para recorrer con comodidad todos los rincones del valle. El gerente del lugar, Hernán Swayne, tiene décadas de experiencia en hostelería con trayectoria previa en puestos similares, como en Casa Andina, cadena cinco estrellas famosa en Perú.

Las opciones que manejan los gestores turísticos contemplan las inquietudes de distintos públicos, aunque saben, y así lo prefieren, que este no es un destino pensado para masifi-

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carse. Ante los ojos de muchos viajeros eso es exactamente como el néctar que atrae a los colibríes. Por cierto, para los fanáticos del avistamiento de aves, aquí habita el Patagonas gigas peruviana, el picaflor más grande del mundo que puede llegar a medir 18 centímetros.

–Estamos en un lugar rodeado de minas de oro. En otros pueblos se explotaría ese recurso; aquí la comunidad no quiere que se abran más. Ya hay suficientes. Nosotros apostamos al turismo porque es para siempre. La mina viene, se lleva el oro y se va, y la gente de acá se queda pasando hambre. Eso con la agricultura no sucede. En el pueblo como ven no hay mercado. Nosotros cultivamos todo lo que necesitamos en nuestros jardines y siempre tenemos qué comer. El que no, es un vago.

Cuando recupera el aliento, la voz de Dorita es suave y pausadísima. Modula y elige muy bien las palabras que usa.

Está alegre porque la visita de la prensa significa la posibilidad de llegar con su historia lejos e invita a los viajeros a recorrer un poco más el área que rodea a su pueblo.

Durante el camino cuenta que estudió la primaria en Andahua y que para la secundaria se fue a la capital regional, Arequipa. Para cuando tuvo edad de ir a la universidad se trasladó a Puno donde estudió Derecho. Luego, ya cuando sus padres fueron mayores regresó para cuidarlos y se quedó.

Ahora se ocupa de sus animales, de su chacra y de su casa en la que, cada tanto, recibe a los turistas. Su sueño es tener un hostal para albergar más visitas, cocinarles y guiarlos por los volcanes, por el cañón Paccareta y el puente de piedra, por la ciudad perdida de lava o por el cráter del Kanallamauras, que está partido como una vasija de barro y en cuyo domo aún se aprecian los restos de una de las contadas plazas de toros construidas dentro de un volcán. Allí, asegura Dorita, si se cierran los ojos y uno se concentra es posible escuchar un tuc

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a fUtUro la organIzacIón de gestIón de destIno valle de los volcanes asPIra a qUe la Unesco declare a la zona coMo geoParqUe dadas sUs característIcas únIcas en el MUndo.

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Una comunidad fuerte

tuc tuc tuc, como si fuera el latido de un corazón. Durante el intento, dos vizcachas (un roedor de pelaje grueso y suave muy parecido al conejo pero con cola larga) golpearon con sus saltos en las piedritas, quebrando el silencio y cualquier posibilidad de meditación.

Todos estos paisajes están ahí, vivos, para que quien llegue pueda apreciarlos. Cuidarlos y hacer sostenible el turismo es uno de los propósitos de la OGD, cuyos integrantes tienen el compromiso de preservar la región para las futuras generaciones, pero también para proteger lo propio, como los guanacos, los venados, el mirlo acuático, el carpintero peruano o las siete especies de murciélagos. Una de estas, en peligro de extinción, es fundamental para mantener el ecosistema ya que se encarga de polinizar los bosques de tunas de la zona.

Los animales no salen al encuentro del visitante porque este lo desee, pero durante los cuatro días por el valle, los viajeros o bien fueron muy afortunados; o bien apreciaron una pequeña muestra de lo que se vive en el lugar a diario.

En sus visitas encontraron flamencos andinos, huallatas (aves que mantienen la misma pareja toda la vida), vicuñas, alpacas, colibríes y hasta apreciaron a distancia el poderoso planear de ocho cóndores.

Desde el mirador, diseñado por Mateo Lira Pacheco, arquitecto del grupo, se encuentra una réplica en cemento de los principales volcanes de todo el valle.

Además, a partir de aquí comienza a verse a los costados de la carretera, el rastro perfecto de la lava sedimentada desde hace cientos de años. Se encuentran también ruinas, sobre todo en forma de terrazas, que se extienden por kilómetros y dejan en evidencia que fueron muchos los que habitaron este territorio.

La carretera es serpenteante y sin mapa, la ubicación de cada lugar es una tarea compleja. Sin embargo, y a modo de orientación, vale decir que el mirador Soporo, está a 1.6 kilómetros, Chachas a 17 y Ayos a 34.

Y allí se llega a un tesoro escondido entre las piedras: la laguna Mamacocha, una joya ecológica en medio de un mar de rocas, que es el hábitat de una enigmática familia de huallaques, nutrias que los estudiosos aún no se explican cómo llegaron hasta ahí.

Cerca de Ayos también se construye una carretera hacia Humbo, que se espera esté terminada en los próximos meses, la cual comunicará la zona con las rutas que circulan próximas al cañón del Colca, uno de los más profundos del mundo. Otra razón para tener expectativas altas por fortalecer el turismo sostenible en el área de los volcanes. Por eso la OGD trabaja en perfeccionar y asistir a los pobladores para que estén preparados. De ahí que la experiencia en Chachas sea modélica. Allí, entre las 7:00 y las 9:00 horas de la mañana, desde lo alto del mirador Jojoioche, se ve el despertar del pueblo en el que viven y sueñan unas 300 personas de todas las edades. Por un lado están: el pastor que sale a campo con su ganado, el agricultor que entra a su chacra con azada al hombro, la señora con balde en mano para ordeñar su vaca, los niños en bicicleta y a pie camino a la escuela; y por otro, la inmensa laguna que lleva el nombre del pueblo que la bordea.

"Hace unos días nos visitó un biólogo español con el que fuimos a recorrer el campo al amanecer, mirando mariposas, pájaros, tunas. Algunas plantas que él reconocía pero que no había visto nunca", cuenta José Rozas, vicepresidente de turismo en la municipalidad de Chachas, quien acompaña a los viajeros en su recorrido.

La mayoría de las personas son incapaces de reconocer medio centenar de especies del reino vegetal. En el valle en cambio, es parte del conocimiento general. Como Dorita, José también muestra las que se encuentran por aquí: la Flor de los Andes, la Liga Liga, que crece como un parásito sobre

Petroglifos en el Complejo arqueológico toro Muerto.

Los volcanes enanos

En el Valle de los Volcanes se identificaron 36 conos enanos y 67 cúpulas o grietas eruptivas de menor tamaño.

Investigaciones que realizaron Andrzej Paulo y Andrzej Galas de la Universidad de Ciencias y Tecnología de Cracovia, en Polonia, permitieron determinar la edad de estos pequeños.

Los más antiguos, según indica la web de la OGD, pertenecen al Pleistoceno, de la época glacial (800 mil a 300 mil años). Estos se distinguen por una mayor altura (alrededor de unos 100 metros), abruptas laderas cinceladas por la erosión en el lado Sur y una cobertura vegetal en las laderas del lado Norte. Los volcanes de la época intermedia corresponden al Holoceno Tardío (menos de 300 mil años atrás) y se encuentran a veces cubiertos de cactus o arbustos. Los más jóvenes, de tan solo unos 400 años, tienen alrededor de cincuenta metros de altura, muestran una superficie áspera y filosa, suelen ser más escarpados y sin vegetación.

Sus diferentes formas se deben, en algunos casos, a la lava que se elevó sobre la terraza del valle sin encontrar salida lateral. En otros casos, la ladera del cono volcánico no soportó la carga de lava de su cúpula y se creó un orificio de escape lateral en forma de media luna, por el cual fluyó el torrente. Algunas de estas lenguas de lava llegaron hasta un río sepultándolo a lo largo de 17 kilómetros, desde la laguna de Chachas hasta la de Mamacocha.

Al norte de Andahua, en la zona que rodea a la ciudad de Orcopampa (donde se encuentran las minas más importantes), se establecieron poblados pintorescos por los que los viajeros también pasan. Entre esos están Chapacoco, Tintaymarca, Huilluco, Huancarama (con aguas termales habilitadas para el baño), Misahuanca (con su iglesia del siglo XVI declarada Patrimonio de la Nación en 2014) y los dos Panahuas. Es que hay un Panahua de arriba y un Panahua de abajo, dos pueblos que nacieron uno en cada lado de un valle y que, al menos una vez al año, se reúnen en las fiestas patronales en la iglesia que queda, más o menos, a medio camino entre ambos.

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Una región inagotable

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las tunas y da una flor roja; la Lágrima de la Virgen, que emana aroma solo cuando se va el sol; la Yareta, una especie endémica que se caracteriza por crecer de uno a seis milímetros al año. Durante mucho tiempo se usó como combustible, sobre todo para cocinar. Hoy es una especie protegida.

En el bajo, a pie de calle, el pueblo sigue con su ritmo.

Esta es una comunidad organizada y solidaria. Los comuneros, como le llaman a los miembros más activos que les representan en reuniones ante el gobierno, trabajan por fomentar el turismo sostenible como nuevo medio de subsistencia.

Santusa Cayani es una de las líderes del grupo. En 2010 puso en marcha una casa vivencial en la que ha recibido visitantes, en su mayoría, de Europa. La suya queda cerca de la plaza principal en la que, dicho sea de paso, lo que se destaca es una iglesia colonial de adobe.

A las casas que dan alojamiento también se las podría llamar casas de campo. En la de Santusa hay una habitación con seis camas armadas con una buena capa de frazadas para dar abrigo en las noches más frías. Las paredes, de barro pintado de blanco, están decoradas con dedicación. Hay florcitas sobre las mesas de luz y fotos de distintos momentos significativos para la dueña de casa.

–Me apasiona esta posibilidad que tenemos. Nos falta mucho por mejorar pero me gusta recibir personas de distintos lugares y conversar con ellas sobre cómo es su vida– dice Santusa.

–¿Junto a quién lleva la casa?

-Ahora mi marido me apoya y está contento. Al principio tuve que convencerlo porque no quería.

Santusa siente con pesar que aún le falta mucho por ofrecer a sus huéspedes. Dice que necesita perfeccionarse en otros idiomas y mejorar su propuesta gastronómica. Quiere que el turismo sea una fuente de sustento para su familia y su comunidad, y se prepara para eso.

–Cuando recién empezamos llegaron dos alemanes que no hablaban mucho español. Por suerte traían un diccionario y con eso nos arreglamos. Es la razón por la que me quiero preparar.

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A esta altura se incorporan al grupo, Mabel, de la oficina de turismo de Orcopampa, y Betty, asistente social que se suma para hacer algunas visitas que tiene pendientes. Mabel es de Cuzco y hace unos meses que está radicada aquí, así que quien guía por los caminos de trocha es Betty, nacida en la zona. Es habitual aprovechar las oportunidades de hacer el recorrido por los pueblos en automóvil, porque la movilidad es limitada. Los habitantes de los sitios más remotos caminan horas hasta llegar a un centro poblado y muchas veces, cuando tienen niños en edad escolar están obligados a abandonar la vida en el campo.

El recorrido se orienta ahora hacia el Valle Encantado de Hielo, en las afueras de Panahua, compuesto por tres cascadas que en pleno invierno quedan totalmente congeladas.

Para llegar hasta ellas hay que caminar veinte minutos. Ahora se encuentran a medio congelar. Es un paisaje hermoso en el que además hay bloques de hielo multiformes, puros y translúcidos como una burbuja. Es un lugar casi virgen, tanto que algunos pobladores todavía no lo han visitado. Betty recuerda que cuando era niña se subía a los cerros con sus amigos para ver las vistas al bofedal (humedal de las zonas altoandinas).

Se reían, contaban historias o escribían mientras pasaba el tiempo. Hoy, dice, ya no se dedica tanto a estas cosas porque tiene trabajo y familia que atender.

Todas estas son postales generales del Valle de los Volcanes, porque es tanta la riqueza y diversidad que incluso en el camino hay paradas con más atractivos. Parece que a cada momento algo nuevo espera para sorprender. Alcanza decir que próximo al poblado de Corire Uraca se encuentra el Complejo Arqueológico Toro Muerto, un área desértica que contiene más de dos mil petroglifos grabados entre los años 500 y 1300 después de Cristo. Es el más grande de Sudamérica y contiene representaciones geométricas y antropomórficas de danzarines, sacerdotes, reptiles, camélidos, batracios y aves. Por si el asombro no resulta suficiente,

unos kilómetros más adelante se pueden observar huellas petrificadas de dinosaurios.

La carretera de acceso se asfaltó el año pasado, lo que facilita el traslado a lugareños y forasteros, a quienes se les recomienda planificar el viaje en compañía de guías locales, tanto por seguridad como para aprovechar mejor la experiencia.

El recorrido es largo y sinuoso, unas siete horas aproximadamente desde el centro de Arequipa. De todos modos el entretenimiento está asegurado porque en el horizonte hay senderos con rastros de trillos de arrieros; partes de la ruta Panamericana construida sobre el que fue el Camino Inca hace cinco siglos atrás; despeñaderos en tonos ocres y amarillos, que en su base tienen valles ricos y nutridos y más pueblos metidos entre los huecos donde la orografía es más llana.

A medida que se avanza hacia el abra -paso a 5.000 metros de altura que comunica un lado con el otro de la montaña-, las variaciones del paisaje van de campo verde a pedregoso. Se puede ver el volcán Coropuna, uno de los doce más altos del mundo. Su pico nevado todavía es imponente, aunque los pobladores están inquietos porque debido al cambio climático se especula que en los próximos años se inicie el deshielo de la cumbre.

La ruta del Pisco

El final del viaje es igualmente estimulante, más si se toma en cuenta que se regresa por la misma carretera. Es todo a la inversa: de los volcanes al desierto y a los valles que están junto a los ríos Majes y Mamacocha, esos que permiten que la zona sea tierra de vides. Así es que se encuentran por aquí media docena de las pisquerías artesanales más famosas del sur de Perú. Una de esas es Cheneaux, que lleva produciendo desde hace treinta años.

"La bodega lleva el apellido de mi madre. Heredé la tradición de mis abuelos que comenzaron con la plantación de las varieda-

principales productos comerciales de Arequipa durante varios siglos. “Los cultivos de vid se implantaron tempranamente en esta región. Su venta en el Altiplano proveía los recursos necesarios para compensar el flujo de los impuestos reales y de las importaciones de las mercancías europeas. En 1555, Bartolomé Terrazas, un miembro de la expedición de Almagro a Chile, obtuvo vides de las Islas Canarias, plantándolas en Condesuyos al noreste del departamento. Al año siguiente los residentes empezaron a cultivarlas en el Valle de Vítor donde encontraron un clima cálido ideal para los viñedos. Según algunos manuscritos coloniales encontrados a inicios de 1550, la primera generación de vecinos que habitó Arequipa, y que conformó la élite política y económica, dirigió sus negocios a la comercialización del vino por su alta rentabilidad”.

El vino y el aguardiente fueron el motor de la economía regional y llegaron a sustentar desde 35 familias en el siglo XVI hasta 65 en el siglo XIX. La producción de ambos llegó hasta la ciudad de Potosí, en la actual Bolivia, y se usaba como medio de pago habitual para los mineros.

No es una estadística, pero sí es factible que la primera idea que se asocia con Perú, sea Inca y luego, Machu Picchu.

En tiempos del turismo globalizado, las visitas a esta tierra para ver las ruinas de la ciudad redescubierta en 1910 por el estadounidense Hiram Bingham, se cuentan por millones. La oficina de turismo del gobierno, iPeru, trabaja a la altura de los mejores destinos del mundo. Pero el país es muchísimo más que ruinas incas y preincas; es la suma de estos paisajes de belleza dramática entre los cuales muchos aún están casi vírgenes, sin explotar. Llegar hasta el Valle de los Volcanes es para espíritus aventureros. Sin embargo, hay propuestas que se preparan a medida de cada viajero. Esto lo convierte en un destino ideal para conocer el alma de Perú.

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Fin del viaje

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des moscatel, italia y torontel. Por eso nuestra especialidad es el pisco acholado que se realiza procesando los jugos de los tres tipos de uva a la vez", cuenta Julio César Z. Cheneaux, propietario de la marca y dueño del restaurante Rambo.

La parada obligatoria fue para probar el célebre chupe de camarones, el pescadito frito y el pisco. Julio no deja pasar la ocasión y enseña a identificar uno bueno de uno regular.

Como muchos de sus compatriotas, cree que el producto de tradición peruana es, sin discusión, el mejor. Lo justifica al explicar que el pisco de calidad no huele a alcohol y al tragarse no quema la garganta. El suyo es así.

"No necesitas ser gran conocedor de aguardientes; se trata de tener criterio. Ya cuando pruebas uno bueno, sabes notar bien la diferencia. Este es claro como el agua. Eso ya lo califica. Pero para no dejarte engañar, antes de tomar vas a pasar el pisco por la nariz. ¿Quema? No, ¿verdad?. Ahí te das cuenta de lo puro que es. Cuando lo paladeas, lo pasas un momento de lado a lado en la boca antes de tragar para sentir los aromas de las uvas. Es suave, ideal para después de la comida. Todos los días una copita digestiva. ¡Salud!"

La Ruta del Pisco de Arequipa, es reconocida por la presencia de unos 400 productores de vides y un centenar de bodegas de tradición y calidad. Desde hace unos años, la Asociación de Productores de Pisco impulsa acciones para fortalecer al sector. Una de las medidas que tomaron fue declarar que en la última semana de setiembre se celebre el Día del Pisco de Arequipa. Es que esta región es la tercera en producción a nivel nacional en Perú, luego de Lima e Ica. Un repaso muy breve de la historia cuenta que la vitivinicultura representó una actividad muy importante para la región durante la época de la colonia. De hecho, la prosperidad económica arequipeña dependía en gran medida de su desarrollo.

La página web Ruta del Pisco de Arequipa narra detalles de la evolución histórica del vino y el aguardiente, que fueron los

Rosa EstEva

la jefa

Más quE una EMpREsaRia dE la gastRonoMía, Esta luchadoRa E inclasificablE MujER paREcE una filósofa. Educada paRa sER la pERfEcta aMa dE casa catalana, sE REbEló contRa El dEstino y cREó MoRdisco, un Mítico local baRcElonés. al fREntE dEl gRupo tRagaluz, coManda 20 REstauRantEs con 900 EMplEados. lEnguaRaz, diREcta y dE idEas claRas, hasta los hERManos Roca lE dEdicaRon un plato llaMado huEvo dE oRo. ¿poR qué sERá?

comensal que en las cocinas. “Llegué a la conclusión de que en mis restaurantes tenía que actuar como clienta y no como dueña. Ese es mi truco, adelantarme. Pero nunca me llamaron para contar mi caso en las escuelas de negocios“, se queja.

–¿la intuición se puede enseñar?

–Todo se aprende si uno se fija. Pero emprender es una carrera de obstáculos. Este país no fomenta que la gente se haga empresaria. Hay muchos funcionarios que hacen que las cosas no marchen. Consigues dinero endeudándote y lo pierdes en años, ¡años!, de espera para poder abrir un local. Necesitamos otra lógica. Un 60 por ciento se lo lleva el Estado. Y si viene poca gente, nadie te compensa. El de la hotelería es un mundo que debe profesionalizarse. Quien exige trato serio debe empezar por ofrecerlo. En España es barato el despido y cada vez se indemniza menos a los trabajadores. Pero el empresario sigue ahogado. Aquí es casi imposible aspirar a cobrar más de 30 euros por comensal.

Mientras que restaurantes como los nuestros en París o

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H

oy se la llamaría emprendedora. Rosa Esteva (76) (1942, Barcelona) era ama de casa cuando se metió a cocinera para sacar adelante a sus cuatro hijos. Consiguió montar un imperio hotelero, el grupo Tragaluz, con surtidos restaurantes entre Barcelona y Madrid. Es la Benetton española, solo que en lugar de ponerse a tejer para alimentar a sus vástagos, como la matriarca italiana, montó un pequeño comedor. Así fue que Mordisco se convirtió en el favorito de la Ciudad Condal preolímpica. Y Esteva pasó de ser una mujer intuitiva y burguesa, a convertirse en una empresaria autodidacta, segura de lo que quería: tratar a los demás como espera que la traten a ella.

Nerviosa, impaciente por demostrar cómo es y orgullosa de lo que ha conseguido, recibe en el restaurante de su todavía hotel Omm (a punto de traspasarlo), que ocupa un vestíbulo convertido en salón junto al Paseo de Gracia de Barcelona.

Durante horas, contesta con los ojos puestos en la coreografía de clientes y camareros. Asegura que aprendió más como

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Por AnAtxu ZAbAlbeAscoA. FotogrAFíAs: gruPo trAgAluZ.

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xxxx xxxmprar mi negocio. pero mi negocio soy yo.

Tengo genTe desde hace 20 y 30 años. eso da la clave de la seriedad de los locales. aquí viene genTe de axxx

Londres cobrarían 120 euros por persona. El Estado podría ayudar a la gente que hace bien las cosas, creando trabajo o utilizando materia prima procedente de granjas saludables.

Pero no, al empresario lo están matando.

–¿De dónde saca entonces la fuerza para abrir más negocios?

–De mi ego.

–¿siempre ha creído en sí misma?

–Yo no era nadie en mi casa. Mi hermano Jacinto (el desaparecido arquitecto y cineasta español Jacinto Esteva, cinco años mayor que ella) hacía tonterías sin parar. Era mi ídolo. Con él crucé el desierto. Me decía: “tírate por esos zarzales” y yo lo hacía. Cuando estaba cayéndome me decía: “¡no! Era para ver si eres valiente”. Me enviaba a robar un conejo de nuestros labradores, en Vilafranca, y yo, con siete años, lo hacía. No soy cobarde. En la vida no quiero participar, quiero ganar.

–¿cómo conseguirlo?

–Una misma es su mejor guía. ¿Qué quiero? Comida más sana, un techo más alto, una mesa más larga, un ambiente más agradable. Lo mejor que tengo es el sentido común.

Al final, casi todo consiste en hacer que la espera, para que sucedan las cosas, sea agradable. No hay mucho más.

–Mueve la cabeza como si fuera un radar. ¿está nerviosa?

–Siempre estoy nerviosa y cómoda a la vez. Si bien estoy aquí no puedo dejar de mirarlo todo. Hablo contigo y veo que una flor está mal puesta, que un cliente está intranquilo, que aquella luz debería estar encendida. Veo cosas. No solo malas.

Y corrijo o anoto. Delante de quien sea, así fuera el rey. De hecho, han venido los dos. El actual, de joven. Al padre le dije que estaría más cómodo en mi casa.

–¿en su casa?

–Es que vivo arriba. Residí toda la vida en el ático y me hice un hotel debajo de casa. Queda cursi decirlo así, pero es la realidad.

–se descubrió como empresaria cuando se separó, con 40 años y cuatro hijos. llevaba tiempo mentalmente separada.

–Me casé con 19 porque o te casabas o no te podías meter mano. Una chica de mi época para sentir algo tenía que casarse. Y con 23 ya tenía cuatro hijos. Pero a mi marido lo mantenía yo. Le alquilé un piso para poder separarme. Y le llevaba la cena todas las noches.

–¿A qué se dedicaba él?

–A nada. Hacía negocios que no eran negocio. Vendí parte de mi patrimonio para pagar sus deudas.

–o sea que a pesar de ser burguesa y de que su padre amasó una fortuna, usted sí empezó de cero.

–De menos cero. Lo que me puso las pilas no fue mi separación, sino que mi madre murió de cáncer. Papá era mayor y jamás imaginó que ella moriría antes. Yo tenía 30 años. Estuve cinco viajando por el mundo con ella. Mi padre era el dueño de

–Pepe viene mucho. En Mordisco tenemos un solomillo sobre pan con tomate bautizado con su nombre. Cuando supe que a Mariscal no le iban bien las cosas, le compré cuatro cuadros. A mí lo que me hace vivir es la posibilidad de dar y recibir cariño.

–Fue pionera en darle la misma importancia al diseño que a la comida.

–Mis restaurantes tienen sillas danesas que cuestan 1.300 euros. Tienes que estar muy segura para hacer una inversión así porque no es un gasto para llamar la atención, es para ofrecer bienestar.

–Apostó por los hermanos roca antes de que tuvieran ninguna estrella Michelin.

–Son una fiesta de la imaginación. Los quiero tanto como a mis hijos. Lo primero que hice fue llevarlos de viaje, como mis padres hicieron conmigo. Luego les dije que si no cambiaban la decoración no triunfarían.

–¿la nueva cocina está sobrevalorada?

–Ferran Adrià es como Picasso. ¿Cuántos más puede haber? Él puede cambiar los ojos de sitio. Los demás copian.

Una vez me ofreció una cucharada de agua de mar. Salí, me acerqué a la orilla y cogí agua con un vaso. Cuando regresé, comparamos. La suya era una maravilla y la del mar horrible.

Su cocina mejora y reinventa la realidad.

–los roca le han hecho un plato a medida…

–Sí, el Huevo de Oro, porque yo tengo huevos de oro y de lo que se come, se cría.

–¿sus empleados le temen?

–Me temen y me quieren. Los formo y me los quitan.

–Igual es que no les paga bien.

–Yo no puedo pagar más de lo que pago. Aquí la gente crece, en otros sitios no. Hay financieros que no saben qué

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"la coMida tiEnE quE sER MEMoRablE, algo Más quE coMER. y El caMaRERo no Es un siRviEntE, dEbE sER un anfitRión".

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la farmacéutica Carlo Erba, que inventó la chemicetina (una pomada con corticoides), pero lo vendió todo para tratar de curarla. Viajamos a Cleveland, a Nueva York. Le dieron cuatro meses y vivió tres años. Se lo gastaron todo. Yo fui testigo de ese amor y eso te destroza porque es casi imposible encontrar algo así.

–en su primer restaurante, Mordisco, se puso de cocinera.

–No solo de cocinera. Hacía de todo. Si un día no podíamos abrir porque había gatos sobre la claraboya, yo me subía y los sacaba. Soy posibilista. Cuando no me dejaban ver a mi madre en la clínica de Nueva York, esperaba a que saliera una enfermera por la puerta de emergencia y me colaba. No sé inglés. Pero sabía que quería ver a mi madre. Siempre sé lo que quiero. Y voy por ello. En determinado momento supe que mi padre se había gastado el dinero tratando de curarla. Que no podía contar con mi marido ni con mi hermano.

Traté de hacer camisas. Todas las de hombre eran aburridas.

Y quise hacerlas verdes y azules. Intenté asociarme a un empresario textil catalán pero rechazó el proyecto. Ahora come en mis restaurantes y cuando me ve lo recuerda: “me ofreciste ser Massimo Dutti y dije que no”. Total, que tuve que empezar sola. Y cuando digo sola quiero decir sin apoyo ni crédito. Yo pagaba las Coca–Colas antes de venderlas. Mi idea fue diseñar un lugar al que a mí me hubiera gustado ir.

–¿Qué es importante en un restaurante?

–No soporto esperar.Tampoco que te pregunten: “¿comerá sola?”. Yo solía tener moscones porque era guapa. Y me daban ganas de contestar: “mire, ya me haré una paja, pero comeré sola”. No necesito un hombre. Que las mujeres puedan comer cómodamente solas, sin que nadie las moleste, es feminismo, es lógica y es modernidad.

–¿De qué depende la calidad de un restaurante?

–He estado en miles y sé lo que dan: una hamburguesa que tiene un poco de oreja, y un poco de lengua. Al final te comes esa mezcla. Para mí la calidad es buena materia prima y que esté recién hecha, no recalentada.

–¿cocinaba en su casa?

–Sí. Y durante años, con lo que sobraba en el restaurante preparaba el plato de mis hijos del día siguiente. Hasta que empecé a enviarlos a estudiar fuera. Algunos no querían ir, pero era mi manera de hacerlos fuertes. Luego, cuando venían de vacaciones, hacían de camareros.

–¿los educó lanzándolos al mundo?

–Yo vi que a muchos de mis primos no los habían educado para trabajar. También tenía amigas con hijos con problemas de drogas y depresiones. O amigas que se abrían de piernas para vivir. Por eso mi obsesión era educar en el esfuerzo y la imaginación. A mis tres hijas les dije: aunque os caséis os tenéis que alimentar solas. Lo que es tuyo es tuyo, y esa es tu fuerza en el mundo.

–Para su segundo local, tragaluz, encargó la vajilla a Mariscal, el interiorismo a Pepe cortés, los frescos a Isabel esteva, y arrancó un negocio que ha llegado a tener dos decenas de locales y un hotel. ¿sigue siendo amiga de tantos artistas?

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hacer con el dinero. Vienen día sí, día no, a comprar mi negocio. Pero mi negocio soy yo. Tengo gente desde hace 20 y 30 años. Eso da la clave de la seriedad de los locales. Aquí viene gente de año en año que besa a los camareros. Esto no ocurre cuando el dueño de un establecimiento es un poder financiero o un ejecutivo que está jugando al golf.

–Desembarcaron en Madrid con un restaurante llamado Tomate.

–Queríamos demostrar que se puede comer bien sin tener que ir con corbata. Lo entendieron enseguida porque nuestra cocina es honesta.

–¿Quiere decir que el mundo de la gastronomía es deshonesto?

–Creo que hay locales que parecen fábricas. En un restaurante se tiene que cocinar, no recalentar.

–¿sus padres no la empujaron a estudiar? sus dos hermanos sí lo hicieron.

–No creo que fuera machismo. Yo era la peor de la clase.

Estuve en las monjas alemanas y no hablo alemán. Viví un año en Francia y no hablo francés. Tampoco sé hablar catalán. La gente se piensa que soy estirada, pero soy disléxica. Decía tonterías. Por eso cuando supe de la dislexia me tranquilicé.

Hoy tengo 900 empleados.

–¿900?

–Entre mi hijo Tomás y yo, sí.

–¿usted es el centro de todos sus negocios?

–Sí, me sirvo a mí misma como conejillo de Indias. Por eso no hago cadenas de mordiscos o tragaluces. A veces me arrepiento, pienso que sería rica.

–¿no lo es?

–En absoluto. Siempre tengo deudas y problemas de liquidez. Solo me faltaba el procés. He pasado del 97 por

ciento de ocupación a tan solo el 40. La gente ahora se está empezando a ir a Portugal. Barcelona es bonita, no es cara y es acogedora. Pero los turistas no quieren ni oler los problemas. Cuando piensan en las vacaciones, no quieren toparse con disturbios o manifestaciones.

–¿cómo son sus clientes?

–Más que cultos, son gente con mundo. Vienen a comer, a mirar y a estar tranquilos. Había llegado un punto en el que los camareros eran mucho más elegantes que los clientes.

En un restaurante, los comensales deberían venir vestidos de acuerdo a cómo va el camarero. Si van con una camiseta, adelante. Si se esfuerzan en llevar una americana, ponte a la altura. Si alguien te invita a su casa, se molesta en poner la mesa, en decorar con flores y en cocinar todo el día, no vengas con shorts. No me gusta ser cursi ni la comida cursi, pero el respeto hacia los demás me parece esencial para el respeto hacia uno mismo.

–¿el ambiente es tan importante como la comida?

–La comida tiene que ser memorable, algo más que comer. Y el camarero no es un sirviente, debe ser un anfitrión. Si vas a casa de tu madre y ella no te hace caso porque está centrada en hacer la comida, se te van las ganas de volver. Lo mismo sucede con el camarero. Si es impecable pero no te mira, se convierte en una máquina, por fino que sea. La gentileza es lo que genera bienestar. La educación indica hasta dónde puedes llegar, tampoco se trata de tomar a los clientes del brazo.

–¿Qué tiene que tener alguien para que usted lo contrate?

–Ganas. Un buen camarero debe dar y no pasarse. En el mítico restaurante barcelonés Via Veneto ponían un almohadón para que te descalzaras. Eso no es ser anfitrión, es ser servil. Otra cosa que no me gusta es que a las mujeres no les den la carta con los precios. ¡Pero si siempre pago yo!

–¿cómo evitar los micromachismos?

–Mis camareros no le dan el vino a los hombres y la Coca–Cola a las mujeres porque se fijan y, conociéndome, están acostumbrados a mujeres que beben vino. Pero no es solo el machismo. Hay restaurantes en los que esconden las sillas de ruedas. Nosotros les damos el mejor sitio. Si alguien a quien le cuesta moverse llega a tu casa, tienes que hacer que se lo pase bien. Ser anfitrión es una educación.

–¿tiene relación con todos sus empleados?

–Me implico en sus problemas. Pero cuando son cabrones, soy muy dura. Yo creo que amor con amor se paga. Y me gusta el trato familiar: si hay, se reparte; si no hay, nos esforzamos juntos. Creo que eso es viable como modelo de negocio. Este mes pedí un crédito para pagar a la gente. Y hace unos años vendí un piso. En mi época había que trabajar cada una de las fases: labrar la tierra, plantar la semilla y cuidarla para recoger el fruto. El trabajo, si es bueno, te hace mejor persona. Pero ahora todos quieren éxito rápido. Se está educando en ser egoísta. Y el egoísmo es poco inteligente.

Aboca a la soledad. Es pan para hoy y hambre para mañana.

(Derechos exclusivos, El País de Madrid).

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Arriba, el Lagoon Bar, es un รกmbito reservado solo para adultos. situado sobre el agua invita a degustar aperitivos junto con hermosas puestas de sol.

GENTE PAULA

partida doble

Javier Abdala no para. No conforme con inaugurar su muestra de retratos escultóricos, también presentó un libro. Nadie faltó a la cita en el Hotel Cottage.

El artista.

José Ley, Gilberto Echeverry, José Domínguez.

Brindan por el arte: Eduardo Maya & Gonzalo Barreneche.

Dúo dinámico: Flavio Cilintano & Pato Gil Villalobos.

GENTE PAULA

ecléctica

Paleta colorida: Paula Pietra.

Artista y organizadora: María Berriel.

Con el objetivo de acercar el arte al público, once uruguayos expusieron su obra en el Café Bar Tabaré. Pasen y vean.

Lourdes Álvarez & Pablo Bobba.

Lyli Díaz & Zahir Winters.

Para la foto: Natalia Rodríguez.

Pasión por el color: Judith Rozenblum.

Sandra Atijas, Jaime Galperin, Ximena González.

GENTE PAULA

sin fronteras

En acción: David de La Mano.

En su salsa: Diana Saravia & Florencia Varela.

Lata en mano: Chiara Giuria & Pablo Lagomarsino.

Nico Soto & Julieta Keldjian.

Diana Saravia Contemporary Art estrenó Limítrofe, la muestra del muralista David de la Mano y del artista plástico Guillermo García Cruz. Así fue el vernissage.

Martina Mateos, Federico Castro, Mariangela Giaimo.

Una pinturita: Guillermo García Cruz.

Locas por el arte: Agustina Latorre & Fabiana Iglesias.

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