rolê

estrela 10 o terrível otimismo dos hippies

22 paz e amor,

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 hobbies 32 bora conversar?

eita coisa boa

50 anos de história

o terrível o do

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otimismo os hippies

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paz e amor, 50 anos de história

conhecendo o rolê

Bem-vindos a uma viagem pela essência do movimento hippie, um universo que vai além dos estereótipos de paz e amor.

Nesta edição, revelamos as camadas menos conhecidas dessa subcultura, desafiando a visão simplista que muitos ainda têm. Vamos explorar como, entre o desejo de liberdade e a busca por autenticidade, surgiram questões profundas de resistência, conflitos e contradições.

Convidamos você a olhar além das flores e dos festivais, para descobrir um movimento de transformação que questiona a ordem, celebra a conexão com a natureza e desafia padrões.

Que esta edição inspire novos olhares e uma conexão renovada com a história, a luta e os valores hippies.

Natalia Luglio Natália Luglio é ativista vegana que transforma a alimentação em um ato de amor e respeito ao planeta, inspirado pela filosofia hippie de harmonia com a natureza.

Ela está revolucionando o veganismo com escolhas conscientes e éticas.

Flávia Melissa

feat.

Com o foco em práticas de autoconhecimento e sendo defensora do espiritualismo, ensina sobre equilíbrio, paz interior e conexão harmoniosa com a natureza, compartilhando, ensinando e utilizando filosofias orientais e práticas energéticas.

Ellen Oléria Ellen é uma artista que une música, ativismo e cultura de forma única. Ela se destaca pelo ativismo social e político, buscando mudança social com seu espírito de união por meio da arte e promovendo a inclusão e a liberdade de expressão.

Sofia Martins

um refúgio de arte, cultura e autenticidade em São Paulo feira de artes, sabores e encontros com a essência cultural

quando?

Sábados e domingos, 9h às 17h

onde? praça da República, República

quanto? entrada gratuita

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@zinerole

Se você faz parte do movimento hippie ou simplesmente aprecia um estilo de vida mais alternativo e conectado com a arte e a natureza, a Praça da República em São Paulo é um destino que vale a pena explorar. A praça é um verdadeiro reduto de criatividade e diversidade cultural, especialmente durante a feira de artesanato que acontece aos fins de semana. Ali, você encontra um ambiente que exala liberdade de expressão e valorização das produções manuais, com artistas independentes criando e expondo suas obras da feira.

As pinturas e os desenhos, muitas vezes feitos ao vivo, são um dos pontos altos do evento. A conexão com o artesanato é evidente: cada peça é única e carrega a essência do “feito à mão”. Você encontrará enfeites decorativos, bijuterias exclusivas, roupas feitas com tecidos naturais e estampas alternativas.

Além das artes e do artesanato, a praça oferece opções gastronômicas que atraem pela diversidade e sabor.

Há barracas de comida que servem desde doces caseiros até pratos inspirados em outras culturas, como as empanadas chilenas, além dos famosos churrasquinhos, que completam o clima de feira e confraternização.

A Praça da República é um lugar onde o urbano encontra o alternativo, que contam histórias. Então, se você busca um momento de paz e inspiração em meio ao concreto da cidade, a Praça da República é um verdadeiro oásis de diversidade e liberdade.

hippie

ricardo costa

qual a boa?

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Matt Owen

idealismo e psicodelia em busca de um mundo melhor

o terrível otimismo dos hippies

ra Uma Vez em Hollywood, o último filme de Quinton Tarantino, é estrelado por Leonardo DiCaprio como Rick Dalton — um ator irascível e beberrão cuja carreira está escorregando por entre seus dedos. É o verão de 1969; do outro lado da América, pensativo sob uma faixa vermelha na cabeça, Jimi Hendrix está dando a Woodstock uma versão fragmentada de The Star Spangled Banner. Mas Rick Dalton não é do tipo Woodstock. Ele odeia as “crianças das flores” vagando descalças por Los Angeles, e seu desprezo é divertido. Na exibição que assisti, cada vez que Dalton xingava os “malditos hippies”, uma risada ecoava pelas poltronas.

O filme de Tarantino brinca com uma verdade cultural: é aceitável desdenhar os hippies. Por quê? Em uma das primeiras passagens literárias que realmente amei, o protagonista de Medo e Delírio em Las Vegas, de Hunter S. Thompson, relembra os anos 60: “Havia uma fantástica sensação universal de que tudo o que fazíamos era certo, que estávamos vencendo... E isso, eu acho, era o ponto principal — aquela sensação de vitória inevitável sobre as forças do Velho e do Mal.” O desprezo da direita por essa visão hippie é fácil de entender; para um conservador, as forças do velho não são más, mas a própria base de uma sociedade habitável, e uma Era de Aquário definida por amor e harmonia soa como uma

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mistura de ficar mole e enlouquecer.

Mas e aqueles cujas almas são um pouco agitadas pela ideia da vitória inevitável de Thompson? Até hoje, milhares de pessoas se aglomeram na ensolarada São Francisco ansiando por um vislumbre do que quer que tenha florescido brevemente lá. Em 2006, eu era um deles. E então por que estamos — por que estou — rindo junto com o desprezo de Rick Dalton?

Por que pessoas que, nascidas uma ou duas gerações antes, poderiam ter sido hippies, agora sentem tanta compulsão para espantar os sonhadores?

O que os hippies eram incapazes ou não queriam acreditar era praticamente todas as normas da cultura dominante.

Assim como seus antecedentes filosóficos, os hippies consideravam a vida moderna das pessoas como uma máquina descontrolada e sem alma, um vasto conglomerado de burocracias que tornavam as pessoas encolhidas,

hippie mais velho fazendo sinal de paz

@zinerole

Foros Web

sexo, drogas e rock

hippie

assexuadas e mesquinhas. Para os hippies, cada um dos males da sociedade era um sintoma, não uma doença. A morte da alma; a morte térmica do planeta; o massacre no Vietnã; o massacre nas fazendas industriais — resultado de uma sociedade que havia priorizado todos os elementos errados possíveis do espírito humano. Em vez de amor, havia ego. Em vez de criatividade, conformidade. Em vez de alegria, existia a vergonha em seu lugar.

Sexo, drogas e rock se tornaram os meios pelos quais os hippies processavam sua crise de crença e buscavam o que Rorabaugh chama de “a grande ideia hippie”: “autoemancipação da cultura maior”.

Os hippies acreditavam que o condicionamento social dominante estava produzindo seres humanos reprimidos e engarrafados. A maneira de escapar dessa coerção era venerar aquelas coisas que a sociedade moderna, mergulhada em séculos de cristianismo severo, havia suprimido: emoção, intuição e o corpo. O compromisso hippie com o prazer era uma maneira de resistir ao que eles viam como uma inexistência cultural generalizada; uma pressão social para simplesmente medir a vida de alguém com colheres de café e então morrer. O compromisso de congregar e compartilhar era uma maneira de substituir o egoísmo isolado pela compaixão tamanha. Portanto, os festivais de música

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eram, como diz o historiador Timothy Miller, “tão importantes para o mundo hippie quanto quaisquer peregrinações, cruzadas ou reavivamentos já foram para seus próprios eleitores”.

Estas são linhas complicadas de se trilhar, e você dificilmente pode culpar um adolescente chapado por lutar com elas. Mas mesmo enquanto os hippies buscavam uma nova sacralidade, eles reiteravam uma velha verdade espiritual: o ego continuará encontrando você. Meio século depois, se alguém se declara dedicado à compaixão sem limites, não acreditamos que tenha realmente pensado bem nas coisas. Como um insulto, hippie também carrega isso: alheio, provavelmente pregador. Talvez você conheça alguns hippies modernos e tenha observado que eles lutam para olhar além dos limites de seus próprios sentimentos agradáveis. Nós

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realmente não compramos mais, não é mesmo, que uma jornada espiritual pode estar ausente de uma pitada de narcisismo? Que expandir a psique não é, no fundo, uma espécie de busca por conforto? Portanto, a Califórnia moderna é o marco zero para o que David Foster Wallace chamou de uma “estranha mistura ambiental de meleca da Nova Era e perspicácia financeira clássica de direita”.

A visão hippie da tecnologia também embaraça com sua esperança. Os heróis intelectuais dos hippies, como Buckminster Fuller e Marshall McLuhan, eram futuristas com uma veia selvagem e visionária, descrevendo um futuro no qual o reino digital libertaria os indivíduos para liberar os poderes plenos e celestiais da criatividade humana. Os hippies estavam certos de que os computadores transformariam tudo. Mas muitas pessoas hoje descreveriam a era da informação como um campo cibernético onde mamíferos e computadores vivem juntos em harmonia de programação mútua? Mais provavelmente eles farão referência a fraude eleitoral, vício em smartphones, câmaras de eco. É por isso que a cultura fica tão envergonhada com os hippies: porque, por alguma razão, é mais difícil perdoar a doce ingenuidade que a malevolência astuta. Estamos com raiva da simplicidade do utopismo hippie. Ele envergonha com sua simplicidade.

Paz e amor. Certo, ok. Estamos com raiva de como ele nos lembra dos @zinerole

a humildade de nossas esperanças limites do não transcendente, da vida como ela realmente tem que ser vivida, aqui embaixo na sujeira e no nunca-osuficiente. Em sua expulsão espiritual, os hippies muitas vezes realmente se assemelhavam a uma espécie de Jesus embriagado — de cabelos longos, cheio de profecias coloridas, implorando para que amemos nossos vizinhos, resistindo aos tesouros na terra onde a traça e a ferrugem corrompem. E a aversão pelos hippies é a mesma que nossa aversão pelo detonador da Bíblia, o crente de olhos arregalados que aparece na sua porta para lhe dizer que Deus o ama. O olhar perdoador de Cristo; o imaginário sentimental de John Lennon. Confirmam em nós a humildade de nossas esperanças, a pequenez do que podemos acreditar. Este é o coração secreto do ódio hippie: choque.

Que alguém tentaria seriamente juntar a madeira torta da humanidade e construir um mundo em que cada

hippie

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há algo sobrenatural prestes a nascer

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coração esteja livre do ódio. “Meu eu mais velho e astuto gosta de revirar os olhos para o garoto de 19 anos que eu costumava ser; e, no entanto, com mais frequência do que parece apropriado, lá está ele, mais magro e corajoso, exigindo saber: por que diminuí o ritmo, parei de buscar novas perspectivas?

Digo a ele que sim, estávamos, mas os produtos químicos ferveram meu cérebro por um tempo; e, de qualquer forma, acontece que gosto de colocar o ego para trabalhar honestamente. Digo a ele que a vida, no final, exige a cabeça no lugar. Era uma vez em Hollywood, apresenta um ramo distante e distorcido do movimento: a Família Manson. Na memória cultural, a Família funciona como um aviso sobre os fins obscuros e podres da expansão da mente hippie.

Mas aquele garoto que eu costumava ser não estava totalmente errado, e nós nos esforçamos para permanecer em termos concordantes. Porque a verdade é a verdade: nada melhor do que sair do rio da história por um tempo, dedilhar alguns acordes, passar um pouco de vinho, assistir alguém que você ama cobrir a boca enquanto ri. Deixe o cérebro para trás por um tempo; além da seriedade dos nossos dias, tudo é um vasto e silencioso vazio de qualquer forma — a não ser que... O que eu vi nos olhos daquela tartaruga? Algo profundamente vazio, mas carregado de palavras como: isso tudo é um show de palco, garoto, tudo uma dança, não se enrole por isso, o que realmente importa é o quanto você ama. @zinerole

faya ulm

Vou continuar perdendo a ingenuidade, porque, nesta vida, é isso que é preciso. Mas tente permanecer elástico, Matt. Pense em coisas selvagens, em possibilidades que escapam à razão. Nunca se sabe. A persistente esperança hippie, que pulsa por aí, ainda acredita: há algo sobrenatural prestes a nascer.

O futuro é cheio de potencial para quem ousa viver. Neste canto do multiverso, você terá que continuar pisando em sua própria ingenuidade, se quiser sobreviver. Mas na costa da Califórnia, o eco de um sonho ressoa: uma combinação de música, substância e toque que pode tirá-lo dessa pele ainda presa à terra, à rotina, ao peso do mundo dos ombros.

E talvez, no fundo, seja isso que todos buscamos: um momento de fuga, um espaço par aa alma respirar e dançar livremente, sem amarras, onde a música e a vida se entrelaçam, e o futuro se desenha em possibilidades infinitas.

hippie

vou continuar perdendo a ingenuidade 17

Rham Apush

som da revolução: a música da era hippie a música dos anos 60 expressou sonhos e lutas de uma geração

A década de 1960 é conhecida pelo crescimento da contracultura, ou era hippie, que se rebelou contra os costumes tradicionais e promoveu o uso generalizado de drogas ilegais junto com a liberdade de expressão.

Os hippies foram uma das características mais proeminentes da década, com camisas coloridas, jeans boca de sino, cabelos longos, uso de drogas e música de protesto, tudo isso enquanto dividiam os holofotes com os movimentos pelos direitos civis e protestos anti-guerra. Os hippies se opunham aos estilos e crenças de seus pais enquanto popularizavam os valores americanos: sendo profundamente críticos da sociedade aceita, simpatizando com as posições políticas de outros dissidentes e chamando a política de um jogo jogado por adultos convencionais. Rick Perlstein também comenta sobre essa psicologia turbulenta dos hippies em

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@zinerole

aumenta o som!

sua história, Nixonland, Os beatniks vinham flutuando o cânone da civilização decente há muito tempo, mas pelo menos eles tinham a decência de fazer isso em cafés escuros e úmidos.

Perlstein continua explicando até onde as pessoas da comunidade chegariam para fazer campanha contra os hippies, incluindo um jornal que os pintou de forma ruim, chamado Rockford Star (Perlstein 531).

Mergulhando ainda mais na música, vemos uma sequência de eventos loucos e confusos que parecem referências à história, mas na verdade estão tentando transmitir a aventura selvagem em que as drogas colocam uma pessoa. O terceiro verso da música diz: Quando os homens no tabuleiro de xadrez / Levantam-se e dizem para onde ir / E sua mente está se movendo para baixo (White Rabbit).

Mais uma vez, e desta vez de forma mais direta, sugere diferentes tipos

hippie

de uso de drogas. A letra deste verso afirma claramente que um cogumelo, ou um cogumelo, foi tomado, fazendo com que a mente da pessoa se movesse para baixo. Não apenas isso, mas o começo do verso final da música diz: Quando a lógica e a proporção / caíram desleixadamente mortas (“White Rabbit”). Indo mais fundo do que apenas fazer referência a drogas, Jefferson Airplane aborda os efeitos que as drogas têm no corpo: lógica e proporção distorcidas. Embora as mensagens subliminares sobre o uso de drogas sejam óbvias para os hippies da era da contracultura, as dicas são discretas o suficiente para obter sinal verde para serem tocadas na estação de rádio para serem apreciadas por centenas de milhares de ouvidos adoradores, ajudando assim, a contribuir para o crescente impacto da música no capitalismo hippie rebelde na década de 1960.

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Justyn Yeo

paz, amor e estilo: o impacto da moda hippie liberdade e resistência através da moda hippie nos anos 60

A década de 1960 foi marcada por uma convulsão social e política, à medida que os jovens em todo o mundo começaram a questionar o status quo e exigir mudanças. O surgimento do movimento hippie, distinguido por sua moda, estilo de vida e crenças políticas distintas, foi uma das manifestações mais aparentes dessa mudança cultural. Neste ensaio, investigaremos como o movimento antiguerra foi influenciado pela cultura hippie e veremos alguns d ​ essa influência.

Em meados da década de 1960, o movimento hippie começou a decolar nos Estados Unidos e rapidamente se espalhou para outras partes do globo. Os hippies desaprovavam a cultura predominante na época porque a percebiam como repressiva, materialista e conformista. Eles abraçaram ideais contraculturais, como vida comunitária, paz, amor e liberdade. As roupas do movimento

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@zinerole

hippie foram uma das manifestações mais aparentes desse ethos contracultural que já vivemos.

Impacto no movimento antiguerra A mistura eclética de estilos boêmio, étnico e psicodélico que caracterizou a moda de Woodstock refletiu a ampla gama de influências que moldaram o movimento hippie. Muitos frequentadores do festival usavam jeans boca de sino, jaquetas de couro com franjas e camisetas tie-dye, mas também havia pessoas usando caftãs vibrantes, kurtas indianas e blusas bordadas (Ramos). O festival também viu a estreia da coroa de flores, um tipo de chapéu que passou a representar a ênfase do movimento hippie na paz.

O festival de Woodstock foi necessário para o movimento antiguerra porque deu aos músicos e ativistas uma plataforma para se opor à guerra e espalhar uma mensagem de paz e harmonia (Ramos). Muitos dos artistas do festival, incluindo Joan Baez, Country Joe McDonald e Jimi Hendrix, usaram sua música para protestar contra a guerra e apoiar os ideais da contracultura (Serjeant).

O movimento hippie é genuinamente inspirador, pois vai além da moda e se estende a uma filosofia de vida. Ele não impactou apenas a estética e o estilo de uma época, mas também imprimiu crenças e valores não convencionais que, se resgatados, podem nos ensinar a valorizar a paz, a liberdade, o respeito à natureza e ao próximo, princípios que devem ser preservados e transmitidos.

hippie

lea lee

brilho do rolê

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Diego Manrique

movimento ‘hippie’ surgiu para inspirar o resto do mundo

paz e amor, 50 anos e história

m 7 de agosto de 1967, a subcultura hippie recebeu o equivalente a uma bênção papal.

George Harrison fez uma visita rápida ao bairro de Haight-Ashbury, em San Francisco, Estados Unidos. Conversou com as pessoas, tocou violão e posou para o fotógrafo que o acompanhava durante a visita.

De certa forma, tudo aquilo também era consequência da beatlemania: boa parte do rock de San Francisco era feito por folkies, violonistas que se eletrificaram depois de ver o filme A Hard’s Day Night: Os Reis do Iê Iê Iê.

Curiosamente, um ano antes os Beatles tinham feito seu último show na cidade californiana, mas na ocasião viajavam numa bolha e não se deram conta do que estava fermentando por lá.

Digamos que, já em 1966, cristalizavase uma rebelião contra os valores dominantes na sociedade norteamericana, uma rejeição às instituições (e, quando perguntavam o motivo, uma resposta imediata: Vietnã, uma guerra insensata promovida por tecnocratas). Mas essas posturas não se distanciavam muito das da Nova Esquerda, enraizada na vizinha Berkeley e outras universidades. O extraordinário de San Francisco era a congregação de dissidentes dispostos a explorar novas formas de trabalho, de relações sexuais, e de realização pessoal.

Sim, tinham conexão com os beats da era Eisenhower, embora

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esses veteranos os olhassem com condescendência. Chamavam-nos de hippies com um tom depreciativo, como se fossem uma versão degradada daqueles hipsters aceitados retratados por Jack Kerouac e celebrados por Norman Mailer.

Nada disso realmente incomodava os hippies. Comparando-se com os grupos de beatniks, sabiam ser um movimento de massa, produto do baby boom pós-guerra. Não tinham experimentado a privação e encaravam um futuro no qual, segundo a cantilena dos futurólogos, robôs e máquinas fariam os trabalhos desagradáveis, beneficiando os humanos, tornando a gestão do ócio uma questão central. Tinham música, moda e linguagem próprias. “Uma vida melhor graças à química”, o lema publicitário dos anos cinquenta, tinha se materializado na pílula anticoncepcional e em drogas como o lsd, legal até outubro de 1966. @zinerole

roy jones

1966 era um experimento social

hippie

Em San Francisco, concentraram-se em Haight-Ashbury, um bairro bonito.

E barato: sobravam casas chamadas de “vitorianas”, construídas após o terremoto de 1906, agora desprezadas pela classe média. A cidade sempre ostentou sua tradição de tolerância, e isso evitou a repressão que teria afogado projetos similares em outras paragens. Tanto que o mote “a geração do amor” veio do chefe de polícia de San Francisco, impressionado com a eloquência de seus líderes.

Isso é importante. O movimento hippie teve a boa sorte de contar com gente audaciosa e preparada.

Visionários do porte de Ken Kesey, autor de Um Estranho no Ninho, que difundiu o lsd como uma experiência festiva e comunitária. Eficientes organizadores de eventos como Billy Graham, depois o principal promotor de shows de rock nos Estados Unidos.

Mais criaturas marginais, como Augustus Owsley III, fabricante de milhões de doses de lsd de máxima qualidade, ou Emmett Grogran, inspirador dos Diggers, ativistas radicais anticapitalismo. E toda uma gama de pessoas que, diante da artrose do sistema, tomaram decisões corajosas: pensemos no madrilenho Ramón Sender, filho do exilado Ramón J. Sender, que investiu suas parcas economias para tocar o San Francisco Tape Music Center, laboratório de música eletroacústica. À primeira vista, o Haight-Ashbury era um experimento social marcado

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pela promiscuidade e pela abundância de drogas. Essa isca, junto com a atração estética de seus protagonistas, tornou-o um ímã para a mídia. Como efeito, San Francisco virou uma meca para adolescentes frustrados, dispostos a fugir de casa. Foram as reportagens na imprensa e na tv que fizeram o trabalho promocional: embora o Jefferson Airplane lançasse seus maiores sucessos (Somebody to Love, White Rabbit) em 1967, o rock de San Francisco só teria impacto nacional depois do Verão do Amor.

Assim, as cabeças pensantes imaginaram como seria o verão de 1967 [do hemisfério Norte] e planejaram uma resposta ao que perceberam como o que agora chamaríamos de crise humanitária. Uma onda de talvez 200.000 pessoas que viriam de fora, dispostas a mergulhar num nirvana de paz e amor. Diferente dos nativos, os visitantes não sabiam que o clima de

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San Francisco era úmido e inclemente.

Simplesmente, Haight-Ashbury não coseguiria absorver tal invasão.

Enquanto Scott McKenzie fazia sucesso com San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair, não esqueça de pôr flores no cabelo), disco concebido em Los Angeles, as autoridades locais discutiam formas de impedir aquele turismo indesejado. Foi a própria comunidade hippie que reagiu ao inevitável, com serviços que pretendiam mitigar o previsível desastre. Por telefone, o Switchboard fornecia informações básicas. A Communications Company mimeografava avisos espalhados por ruas e parques. Foi acionada a Free Clinic, que — sem recriminações morais — atendia quem abusava das drogas e tratava doenças sexualmente transmissíveis. Halo, um coletivo de advogados, oferecia apoio legal. E os Diggers se encarregavam de fornecer comida, obtida via doação ou roubo.

Evitaram com isso os anos de decadência, marcados pela epidemia de heroína. Escaparam de monstros como Charles Manson, que converteria sua “Família” num esquadrão de zumbis assassinos. Não contemplaram a transformação dos Hell’s Angels, companheiros de viagem de moto, num implacável grupo mafioso.

Mesmo hoje, o movimento hippie ainda provoca muita polêmica, especialmente entre setores conservadores, que viram sua hegemonia cultural sendo desafiada. @zinerole

fracasso de seu programa maximalista É fácil destacar o fracasso de seu programa maximalista, mas é necessário um esforço consciente para reconhecer as contribuições duradouras que ele trouxe ao modo de vida atual. A consciência ecológica, a flexibilidade sexual, o vegetarianismo e o ethos do faça-você-mesmo, promovido por iniciativas como o Whole Earth Catalog, são apenas alguns exemplos. Até as normas que regem a internet, com sua ênfase em compartilhamento livre de informações e descentralização, têm raízes na contracultura. Deixando de lado o folclore psicodélico, o mundo contemporâneo absorveu muitas das ideias do movimento hippie de 1967, criando uma rede global de práticas e filosofias. E Haight-Ashbury, com sua energia transformadora, permanece até hoje como seu marco zero, o berço de uma revolução que não cessou de influenciar as gerações seguintes.

hippie

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Wilian Vieira

a meditação é a resposta que você procura Bob Roth, guru de Hollywood e referência em meditação

Bob Roth, 69, californiano, começou a meditar há 50 anos, no auge do movimento hippie, quando a meditação budista chegou ao Ocidente. Apesar de não ser hippie nem usar drogas, vivia estressado e ansioso com a falta de perspectivas e os tanques nas ruas durante os protestos contra a Guerra do Vietnã. Foi então que descobriu que a serenidade de um colega de trabalho vinha da prática da meditação.

O Global Wellness Report afirma que a meditação é a nova tendência no setor de wellness. O que acha disso?

A meditação é muitas vezes simplificada, com as pessoas achando que, se não conseguirem “limpar a mente”, não sabem meditar.

Mas as meditações não são iguais.

Antigamente, acreditava-se que qualquer prática por quinze minutos era “meditação”, mas estudos mostram

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@zinerole

entre um rolê e outro

que diferentes práticas, como ouvir música ou cantar mantras, afetam o cérebro de formas distintas, assim como diferentes tipos de filmes, músicas, peças de teatro etc.

O que a ciência diz sobre os efeitos da meditação?

O cortisol, hormônio do estresse, é produzido pelo corpo diante de ameaças, algo essencial há 200 mil anos para nossa sobrevivência.

No entanto, hoje, com constantes preocupações e notícias alarmantes, o cortisol é liberado o tempo todo, o que enfraquece a imunidade. Em apenas 30 minutos de meditação transcendental, os níveis de cortisol podem reduzir até 40%, além de aumentar a serotonina, o hormônio da felicidade.

Mas é importante lembrar: nem toda meditação traz os mesmos benefícios.

Algum conselho para quem quer começar a meditar amanhã?

Eduque-se. Leve isso a sério, porque o verdadeiro sucesso vem da combinação de conhecimento e dedicação. Quando se tem uma boa ideia, é preciso convicção e persistência. Quando se tem uma boa ideia, é essencial não apenas acreditar nela. Convicção é acreditar em algo profundamente. Mas apenas isso não basta, é preciso ter essa convicção ao longo do tempo, isso é persistência. Persista. Meditar, cuidar de si de qualquer forma, não é mais um luxo, mas sim é uma ferramenta fundamental para vida.

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Kate Puss

vida hippie e a necessidade da meditação a incrível arte refinada de não fazer absolutamente nada!

Quando foi a última vez que você se sentou em silêncio e fez... bem, nada? Nem sempre é fácil relaxar completamente quando estamos grudados em nossos smartphones 24 horas por dia, 7 dias por semana, há tanta coisa acontecendo lá fora, as notícias geralmente são tão terríveis e a vida em geral pode parecer tão ocupada. A pandemia pode ser uma tragédia humana de proporções épicas, mas também permitiu que milhões de nós aquietássemos nossas vidas e mentes, pelo menos por um tempo e às vezes a longo prazo.

A magia da meditação, a meditação tem uma longa história de aumento da calma e relaxamento físico, melhora do equilíbrio psicológico, tratamento de doenças e melhora da saúde e bemestar geral das pessoas.

A meditação pode ser uma prática antiga, mas milhões de pessoas ao redor do mundo gostam dela. É a

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@zinerole

hobbies

ferramenta perfeita para focar nossas mentes. Ela reduz a atividade na rede de modo padrão do cérebro, que controla a tagarelice mental negativa e a divagação mental. Na verdade, aqueles que meditam tendem a superar os não meditadores em tarefas onde o foco é importante e também podem se concentrar melhor por mais tempo.

A meditação aumenta nossa capacidade de pensar e amplia o fluxo de pensamentos construtivos. Pode nos inspirar à criatividade. E apenas alguns minutos por dia são suficientes para notar a diferença. Você perceberá que desacelera, observando seu mundo e seu corpo para reduzir a preocupação e encontrar um equilíbrio calmo e focado.

A maioria dos tipos de meditação tem algumas coisas em comum.

Você precisa de um lugar agradável e tranquilo, onde não haja distrações. É bom encontrar uma postura confortável, seja sentado, deitado ou até mesmo

hippie

caminhando. Você precisa de um foco para sua atenção, geralmente sua própria respiração. E você precisa de uma atitude aberta, onde você deixa as distrações irem e virem sem julgá-las.

Falando sobre caminhar, há muitas evidências mostrando que simplesmente caminhar ajuda a esvaziar a sua mente, liberar sua criatividade e sentir os benefícios da meditação.

Então, sempre que tiver tempo caminhe um pouco!

Hippies e crianças das flores, amantes da natureza e pessoas com visões liberais, aqueles que amam a mãe terra e acreditam na liberdade, pessoas que protestam com a Extinction Rebellion, todos eles meditam. Mas a meditação não é exclusiva do estilo de vida boho. É uma prática popular, uma prática que as empresas levam a sério e que os tipos corporativos aproveitam para melhorar seu desempenho.

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bora conversar

consentimento é sobre dizer sim

sudakovaphotography

Jefersson Menezes

o valor do “sim” pode ser revisto a qualquer hora

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Consentimento não é um contrato que assinamos para seguir à risca – é uma escolha ativa, o direito de dizer “sim” e também “não.” Pode ser dado e retirado a qualquer momento, deve ser livre e esclarecido, e sempre específico. É um tema cada vez mais presente: ele é essencial para garantir o respeito, o conforto e a autonomia em todas as vivências sexuais. É importante lembrar que vivências sexuais saudáveis exigem diálogo.

O que funcionou ontem pode não funcionar hoje. Em qualquer tipo de relacionamento, estar atento ao que o parceiro ou a parceira deseja, e ao que você próprio quer, é fundamental. Esse diálogo não apenas evita desentendimentos, mas também fortalece o respeito mútuo e a liberdade de cada um.

Conhecer e garantir o consentimento é também uma forma de combater abusos e violências de gênero. A conscientização sobre esse direito e o respeito à escolha de cada um são passos fundamentais para relações saudáveis e seguras, onde todos têm voz e liberdade. @zinerole

estrela 10 ao redor do mundo, por trás do funk

22 a marginalização do funk é

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 +10 32 bora conversar?

eita coisa boa

muito forte

ao redor do por trá

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o mundo, ás do funk

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a marginalização do funk é muito forte

conhecendo o rolê

Uma viagem ao coração do funk, uma subcultura que pulsa nas ruas, ecoa nas favelas e transforma desafios em resistência. Muito além dos batidões e do ritmo contagiante, o funk carrega histórias de luta, sonhos e, muitas vezes, marginalização.

Nesta edição, enfrentamos o preconceito e os estigmas que a marginalizam, enquanto celebramos sua força em transformar desafios em arte.

Convidamos você a enxergar o funk de outra forma, reconhecendo sua força cultural e seu papel como voz de uma juventude que nunca desiste de se fazer ouvir. É hora de dançar, pensar e se conectar com uma realidade tão complexa quanto poderosa.

Tasha e Tracie

As irmãs gêmeas e artistas traduzem a força da juventude periférica em música. Suas letras abordam empoderamento feminino, orgulho racial e desigualdade social, conectando o rap e o funk às vivências da periferia.

Thiagson

feat.

Criador de conteúdo no TikTok, Thiagson captura a energia das periferias, trazendo humor, música e dança que refletem a essência do funk. Seus vídeos apresentam a resistência de forma autêntica e envolvente.

Chavoso da USP

Thiago Torres é um ativista e influenciador que usa sua vivência de jovem negro da periferia na usp para criticar desigualdades sociais e raciais. Critica as barreiras elitistas e promove a transformação social.

Lucas Oliveira

vibe e cultura na casa de Cultura Brasilândia mergulhe na essência da periféria e descubra um espaço de arte

quando?

terça à domingo, das 09h às 22h

onde?

Praça Benedicta Cavalheiro

quanto?

entrada gratuita

8

@zinerole

qual a boa?

São Paulo é uma cidade que pulsa com diferentes ritmos e estilos, mas é nas quebradas que a verdadeira essência cultural se revela. Para quem vive o funk e sente na pele a energia das periferias, os espaços de cultura popular da cidade são muito mais que pontos turísticos — são locais de pertencimento, onde cada batida e cada expressão são valorizadas.

Nesta coluna, vamos explorar lugares que fortalecem a cultura periférica, promovendo encontros e eventos autênticos. Começamos pela Casa de Cultura Brasilândia, um espaço que abre suas portas para a dança, o som e a força da comunidade, onde o funk encontra seu palco e o público da quebrada se reconhece e se representa.

A Casa de Cultura Brasilândia é o espaço ideal para quem faz parte da subcultura funk e valoriza a expressão artística das periferias. Esse local na zona norte de São Paulo oferece uma programação inclusiva, com oficinas de dança, música, e eventos que celebram a cultura urbana.

Em sintonia com o espírito do funk, a Casa de Cultura Brasilândia abraça a diversidade e o poder das manifestações populares, criando um ambiente de liberdade, troca e fortalecimento da comunidade. É o ponto de encontro perfeito para quem busca se conectar com as raízes culturais e vibrar com a energia da periferia. Não perca a chance de conhecer essa experiência única de arte e comunidade!

funk

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Danilo Cymrot

contestação do racismo e de desigualdades sociais

ao redor do mundo, por trás do funk

inda que o funk tenha nascido nos Estados Unidos e chegado ao Brasil na década de 1970, as diversas influências que atravessaram esse gênero musical a partir da década seguinte o alçaram a um lugar único na história da música brasileira. Julgado por melodias e letras capazes de provocar polêmicas, o funk brasileiro se tornou objeto de estudo na academia a partir dos anos 1980, com a dissertação de mestrado do antropólogo Hermano Vianna, que deu origem ao livro O mundo funk carioca (Jorge Zahar, 1988). Desde então, pesquisadores investigam o papel e a importância do funk, não só como estilo musical, mas também como ferramenta de contestação do racismo e de desigualdades sociais no mundo Da mesma forma, alguns artistas da chamada mpb, muito respeitados atualmente, chegaram a ser taxados de “descartáveis”, produtos de um “modismo” imposto pelo mercado e considerados muito inferiores a artistas de gerações que os antecederam. É recorrente, afinal – como Woody Allen mostrou no filme Meia-noite em Paris [Estados Unidos, 2011] –, o discurso que idealiza o passado e que denuncia de forma nostálgica uma suposta decadência cultural dos tempos atuais. É nesse quadro que o repúdio que o funk causa em tanta gente deve ser compreendido. Muitas das acusações

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sofridas pelo funk estão presentes em outros gêneros musicais associados a um público bem específico: jovens, negros, pobres, moradores de favelas e periferias. Assim como o pagode baiano e o tecnobrega, o funk é acusado de fazer apologia ao crime, às drogas e ao sexo. Assim como o sertanejo, o forró eletrônico e o pagode romântico, o funk, muitas vezes, é taxado de “música pobre”. Os critérios que fazem um gênero musical ser considerado “pobre”, no entanto, variam de acordo com os diferentes valores dos diferentes grupos sociais.

Uma música que valoriza mais o ritmo, a batida e a dança do que a letra e a harmonia pode ser a mais “rica” para se animar um baile, por exemplo. Ocorre que a diversão descomprometida pode desagradar grupos que veem no lazer de pobres um foco de caos social, pois questiona, ainda que não explicitamente, o papel a que os jovens

homem fazendo passinho

@zinerole

rioonwatch

Uma música que valoriza mais o ritmo

funk

pobres foram destinados, o trabalho precário. Da mesma forma, um espaço em que negros podem circular à vontade ganha um aspecto político em uma sociedade racista em que a circulação livre de negros pela cidade é interditada, haja vista as reações aos rolezinhos nos shopping centers de São Paulo. Já o funk ostentação, com letras que fazem apologia a marcas de luxo, apesar de ser acusado de alienado, questiona distinções sociais por meio do consumo e não deixa de expressar a demanda de jovens pobres e periféricos por reconhecimento e visibilidade devidamente merecida.

Tratar do funk é mais do que tratar apenas de um gênero musical. É tratar de temas como liberdade de expressão, o direito à cidade, juventudes e violência.

A gravidez na adolescência, assim como o abuso do consumo de drogas (lícitas ou ilícitas) e a violência são problemas complexos, com múltiplas causas. Atribuí-los a um gênero musical ou ao espaço onde ele está mais presente – o baile – responde a uma demanda por soluções rápidas e fáceis, mas apenas simbólicas e ineficazes, tendo em vista que a proibição dos bailes, como já foi feito, não impede que esses problemas se manifestem em outros espaços.

O funk de facção é comumente acusado de fazer apologia ao tráfico de drogas. Seus defensores, no entanto, argumentam que ele apenas retrata a realidade das favelas ou que deve ser

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entendido como qualquer obra de arte baseada na realidade, mas que não se confunde com ela.

Que proibi-lo equivale a “matar o carteiro”, e que os MCs cantam esse gênero de funk muitas vezes por não encontrarem espaço para cantarem, a não ser em bailes financiados por traficantes. Seja porque o mercado descarta rapidamente MCs, seja porque o Estado não cumpre com seu dever de garantir o direito ao lazer, seja porque o funk de facção faz sucesso entre jovens, que o encaram como um revide simbólico à violência policial ou uma forma de afirmação de orgulho coletivo territorial. O funk de facção ainda é um locus privilegiado para entender os valores difundidos pelas facções e a história de disputas e alianças entre elas. Um dos principais objetivos do meu livro O funk na batida: baile, rua e parlamento foi mapear as diversas formas como o Estado

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responde ao fenômeno do funk. As disputas se dão entre poderes políticos diversos, dentro do mesmo poder e até mesmo dentro do mesmo governo ou partido. Ora os projetos de lei, leis e políticas públicas reconhecem o funk como manifestação cultural, procurando disponibilizar espaços públicos para que vigore; ora o restringem de forma discriminatória, por meio de legislação administrativa que impõe uma série de requisitos burocráticos para a realização dos bailes; ou o criminalizam por meio do enquadramento de MCs em delitos como os de apologia ao crime ou associação ao tráfico de drogas.

Entendi cedo que a universidade de música é lugar de muito narcisismo e, contraditoriamente, pouca reflexão.

“Falta autocrítica nesse lugar!”, é o que penso muitas vezes quando estou na universidade e vejo as pessoas e a instituição. O funk é o espelho que a universidade precisa. O funk é um objeto de estudo que reflete a própria universidade e as pessoas que lá estão.

Hoje faço um doutorado sobre funk no departamento de música da Universidade de São Paulo. Mas, antes de tratar do tema, gosto de refletir sobre o conflito e a distância social que existe entre as pessoas do funk e as pessoas da universidade que pesquisam o funk. Muitos pesquisadores conseguem abordar o tema ignorando essa diferença de classe social favela/universidade.

Ou muitas vezes, pesquisadores são @zinerole

O funk na batida: baile, rua e parlamento

funk é, antes de tudo, música coagidos pela dinâmica institucional da universidade a ignorar os conflitos sociais surgidos pela presença do tema funk em uma pesquisa acadêmica.

Abordar os conflitos e diferenças sociais entre quem faz funk e quem escreve sobre ele é o que tem se colocado como um obstáculo libertador da minha pesquisa e do meu trabalho.

Sendo bem sincero, para mim é difícil tratar de funk. Tem tanto a ser falado antes de qualquer análise musicológica.

Por isso, digo que minha pesquisa é estranha. Não estou na universidade olhando para o funk. Eu estou no funk olhando a universidade. Por isso, meu trabalho é estranho… é estranhador. A posição social de pesquisador me é estranha, a de funkeiro não. O que é questionável em uma universidade que o funk nos mostra? Não houve estudos musicológicos sobre o funk nos departamentos de música das

funk

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a aristocracia e a burguesia europeia

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universidades do nosso país até o final da primeira década do ano 2000. Isso é bizarro, pois o funk é, antes de tudo, música. E uma música de grande impacto social, por isso merece atenção. A pesquisa em música que ocorre nas universidades, e o ensino musical em conservatórios, não têm interesse algum (há até desprezo) pela música do mundo real, a música que é realmente ouvida hoje.

Música de verdade nesses lugares é música de concerto de tradição europeia, o que se chama popularmente de música clássica.

Ou seja, a música do homem branco de uma tradição judaico-cristã heteronormativa que representou, historicamente, as igrejas, a aristocracia e a burguesia europeia – isso deixa as mentes vira-latas do nosso Brasil com muito tesão.

Ensino de música em universidade é projeto ultraconservador. Aliás, falo aqui dos departamentos de música das universidades, mas a própria universidade é um lugar conservador que resiste à mudança, apesar de vender a imagem de inovadora, como mostra o livro Outra universidade (Paco, 2011), de Pedro Demo. Sendo conservadora, a universidade não deixa de ser heterogênea. Há campos do conhecimento muito sintonizados no presente, e isso costuma ocorrer nas ciências sociais. Acreditem: o primeiro mestrado sobre o movimento funk foi escrito por Hermano Vianna, em 1987, dois anos antes de o dj Marlboro lançar @zinerole

o primeiro LP do funk brasileiro. O funk é estudado por cientistas sociais, linguistas e jornalistas ao redor do mundo há muito tempo. Músicos e musicólogos, crias de uma estrutura de ensino colonialista/racista, não veem estilos como o funk como algo que seja minimamente digno de ser analisado.

E também há muito pouco interesse social nos sons do funk, que acabam ficando à margem das discussões.

Falar sobre tabus sexuais, crime e drogas desperta mais facilmente o interesse público, por ser um tema mais polêmico e sensacionalista.

No entanto, os sons, que são a essência e a verdadeira causa das impressões e emoções que o gênero gera, frequentemente são relegados a segundo plano, ignorando sua complexidade e influência cultural.

Essa falta de atenção aos aspectos sonoros contribui para a perpetuação de estereótipos que desconsideram o valor artístico do funk.

funk

Grupo de jovens músicos

tabus sexuais, crime e drogas 17

João Santana

a música como voz da comunidade periférica nascido nas favelas, o ritmo é reconhecido internacionalmente

O funk, consolidado no repertório cultural e social do Brasil, assumiu um papel importante na transmissão da voz de uma comunidade marginalizada.

Contudo, o gênero musical teve uma trajetória envolta de estigma e preconceito antes de atingir o patamar internacional que possui na atualidade.

O funk brasileiro nasceu nas comunidades periféricas do Rio de Janeiro (rj) e foi popularizado através de bailes orquestrados por dj ’s nas áreas nobres da cidade. O gênero teve como influência alguns ritmos estadunidenses em voga na década de 1970 e com o passar dos anos alcançou um público cada vez maior.

Somente nas últimas décadas que o ritmo se tornou popular no mercado internacional, com o impulso de parcerias entre artistas de outros países e brasileiros. Dentre eles, o grande destaque está em Anitta, cantora carioca que se propôs a

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@zinerole

aumenta o som!

alavancar o alcance do gênero brasileiro em países do exterior e obteve sucesso, com inúmeras parcerias de renome e um álbum de funk cantado em 3 línguas. A cantora pretende manter sua carreira assim.

Em entrevista ao Portal Jovem Pan, Anitta reforçou o preconceito que o ritmo sofre no Brasil, destacando a importância na mudança da visão negativa que as favelas têm no país.

Em abril, Anitta lançou Funk Generation, seu sexto álbum, com o objetivo de levar o funk brasileiro ao exterior. Com 15 faixas, o projeto foi bem recebido internacionalmente e acompanha uma turnê mundial que promete levar a experiência dos bailes funk ao público global.

No Brasil, o funk se diversificou em subgêneros como o brega-funk, com raízes no Nordeste, e o funk rave, que mistura o ritmo com música eletrônica e 150 bpm. Criado nos anos 1980, o

funk

brega-funk une batidas do funk e elementos do brega, enquanto o funk rave traz uma energia pulsante com influências eletrônicas.

Do Rio de Janeiro ao mundo, o funk reafirma sua importância como expressão cultural e resistência das vozes historicamente marginalizadas, consolidando-se como uma arte genuinamente brasileira em constante expansão. Ele carrega em suas batidas vibrantes e letras provocativas a vivência intensa das comunidades periféricas, transformando desafios sociais em potência criativa e identidade coletiva. Mais do que um ritmo, o funk é um grito de existência, que ecoa a força, os sonhos e as histórias de quem muitas vezes é silenciado. Hoje, o gênero transcende fronteiras, conquistando espaço global e consolidando sua relevância como um dos maiores símbolos culturais do Brasil contemporâneo.

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Lucas Andrade

o estilo mandrake não se resume a roupas estilo, identidade e resistência que nasce na periferia

O mandrake é um estilo que nasceuna periferia, em especial nas quebradas e nos fluxos de São Paulo e da Baixada Santista, mas não parou e naturalmente ganhou espaço em todo o país.

Nos últimos anos, o estilo que ficou famoso por algumas peças, como camisas de time, óculos Juliet, tênis esportivos e outros, se tornou dress code em festas de influenciadores e trends no TikTok com milhões de visualizações. Afinal, mandrake pode ser definido apenas como um estilo de roupa? Mylene Mizrahi, pesquisadora das artes e estéticas periféricas, reflete. Dentro da periferia, tudo gira muito em torno da criatividade, principalmente mais devido a fatores socioeconômicos, que cria a necessidade desses jovens se encontrarem na moda de um jeito ainda mais inovador.

A dupla de cantoras Tasha e Tracie são referência quando o assunto é

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@zinerole

brilho do rolê

moda, e elas já declararam algumas vezes que toda essa expertise para criar looks diferentes e autênticos veio de uma vontade de ter um visual diferente na quebrada, e que, por isso, passaram a customizar a costurar suas próprias roupas.

A verdade é que grandes manifestações culturais sempre vão incomodar. A antropóloga Mylene Mizrahi destaca que é daí que surgem os estereótipos. “Os estereótipos se formam sempre que alguma manifestação desafia o que é considerado como norma. E, de fato, a juventude periférica brasileira é de uma potência ímpar, e isso incomoda.”

Ainda de acordo com a especialista, o mandrake desafia o conceito de moda e estilo de vida de muitas pessoas, seja pela sua linguagem (as gírias), pelo seu gosto musical (o funk), seja pela estética corporal, pela relação com sexo e sexualidade, seja pela própria

funk

presença de jovens que, em sua grande maioria, são pretos e pardos em ambientes midiáticos, os quais tradicionalmente foram ocupados pela juventude branca de classe média.

O problema é que esses estereótipos que vemos na mídia são usados para discriminar, para exercer preconceito e até racismo. Nas festas de influenciadores e trends nas redes sociais, muitas vezes o jovem mandrake foi usado como uma fantasia, mas o estilo representa, na verdade, uma riqueza para os jovens de periferia.

Mandrake é um meio que os jovens da quebrada se mostram para o mundo, de terem controle da própria vida, de desafiarem o racismo sofrido e ganharem o seu espaço, que antes não eram ocupadas por eles. “É por meio da beleza corporal e da aparência que eles se mostram no mundo, como se entendem nesse mundo e entendem esse mesmo mundo”.

Baile Modernista Tasha e Tracie

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Gilson Jorg

a força cultural e política do funk nas periferias

a marginalização do funk é muito forte

funk já é um dos estilos musicais mais ouvidos no Brasil. Em termos de vendas, perde para o sertanejo, mas é um gênero que esteticamente está em vários estilos musicais. Esse é o reconhecimento do Estado brasileiro a uma manifestação cultural que tem um valor na cena cultural brasileira.

Quando eu soube disso, lembrei do que foi feito com o samba por Getúlio Vargas. Não estou fazendo comparação a Lula, mas lembrei de quando Getúlio escolheu o samba como música para uma identidade nacional do Brasil em 1930, como ato arbitrário de uma ditadura, que é diferente de agora.

O interessante, no caso, é que o samba também vem de um processo de marginalização e passa a ser a música representativa do Estado brasileiro. E o funk é também uma música muito marginalizada. E aí o presidente Lula faz esse movimento de reconhecer a contribuição cultural do funk carioca, de como ele é popular e relevante para boa parte da população brasileira que ouve funk, que trabalha com funk. O funk é um espaço de sociabilização importante em várias periferias do Brasil. Em Recife, tem o brega funk. A gente vai ter também o funk nas periferias de São Paulo, com outros estilos musicais.

Aqui na Bahia, por incrível que pareça, há opções estéticas do funk, inclusive no piseiro e no pagode. Se você for

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pensar naquela música de Leo Santana, Zona de Perigo, já vai ter ali referências estéticas do funk. Mas a marginalização do funk é muito forte, há um histórico de criminalização que cerca o gênero musical porque ele nasce nas favelas cariocas. Tem um livro muito interessante do Micael Herschmann, O funk e o hip hop invadem a cena, que mostra as associações do funk a uma extensão do crime.

E em 1992, quando acontecem os arrastões, quando a imprensa começa a vincular um ao outro e cola essa imagem de que o funk é o lugar do crime. Eu lembro de ter visto matérias no Jornal Nacional fazendo ligação entre os arrastões e o gênero musical.

A ideia de que a juventude da favela é violenta e tem como trilha sonora o funk. Eu não sei se quando Lula sanciona o Dia Nacional do Funk isso muda, o gênero continua marginalizado, mas nos últimos 20 anos há uma

favela no morro do RJ

@zinerole

tendência da intelectualidade branca funk

mudança substancial nesse lugar do funk, com esses bailes cada vez mais frequentados pela Zona Sul e a imersão de artistas do mainstream no funk também. Ou mesmo o fato de que Anitta é o grande nome da música.

Além disso, Rebeca Andrade usou Beyoncé, Anitta e Baile da Favela. Você vê o lugar que o funk ocupa hoje no cenário nacional. Uma medalhista de ouro, a melhor atleta olímpica do Brasil, que é Rebeca Andrade, usa o funk. E tem a inserção do funk em vários estilos musicais brasileiros. É inegável a força do funk na periferia brasileira como espaço de sociabilidade. As pessoas vão se divertir naquele espaço. A criminalização do funk é o grande equívoco. Em qualquer gênero musical você vai ter pessoas ligadas ao crime, principalmente em um espaço que não tem a presença do Estado, onde o Estado só entra com a polícia para matar. É um lugar estereotipado e toda cultura que vem dali é negativamente estereotipada também.

Mas mesmo na intelectualidade de esquerda há alguma resistência ao funk. Há críticas sobre uma suposta objetificação da mulher e que, juntamente a outros estilos populares, como o sertanejo, são alienantes e sufocam outras musicalidades. Como a senhora vê isso?

Eu vejo isso de uma maneira distinta. É uma manifestação que tem o corpo ali muito fortemente. E há uma certa tendência da intelectualidade branca,

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da branquitude, de negar o corpo. Toda vez que você coloca o corpo de frente ele é mal visto. Supostamente, o mais importante é o intelectual, a cabeça.

Chico Buarque tem músicas que podem ser consideradas machistas, mas ele nunca vai ser colocado no lugar do funkeiro que fala mais abertamente sobre sexualidade.

Uma das características do paredão, por exemplo, é ter esse acento sexualizado. As pessoas gostam disso. É uma objetificação necessariamente do corpo da mulher? Não vejo assim. É uma estética. Eu penso muito a partir do antropólogo baiano Osmundo Pinho, da ufrb, que é o corpo como um espaço de resistência.

O corpo negro não é objetificado?

Então, traz-se o corpo como forma de confronto mesmo. É político, um corpo muito mais político do que objetificado. Claro que boa parte das feministas pode discordar de mim.

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Eu também sou feminista, mas eu vejo de uma outra forma pela convivência que eu tenho tido em campo, principalmente nos paredões.

Eu tenho uma mestranda, Tertuliana Lustosa, que tem uma banda, A Travestis, que mostra o lugar das políticas da putaria, que é pensar a putaria como um espaço político. Um lugar que a branquitude, vê com uma série de restrições.

Estamos perto das eleições municipais, o que me lembra que apesar dessa marginalização da música periférica, há alguns anos os jingles dos candidatos majoritários são quase todos um pagodão, para se comunicar com o povo...

A senhora escreveu há algum tempo um artigo sobre o uso político que o Baiana System faz do espaço de Carnaval. Em Lucro, eles citam construções na praia, especulação imobiliária, meninas de minissaia que não conseguem respirar. Como vê a chegada desse grupo à cena?

Eu tenho pensado muito sobre o Baiana System ultimamente. Essa banda é reflexo de uma cena musical negra que a gente tem em Salvador a partir do Ilê Aiyê. O Ilê começa como um movimento cultural e político. Um bloco em que só vão sair negros, que tem como referências o movimento negro norte-americano, do soul.

Vovô ia para as festas escutar James Brown, Jackson Five. E ao mesmo tempo estava ligado à independência dos países africanos, essa ideia, esse @zinerole

Bonde das Maravilhas fazendo pose

O corpo negro não é objetificado? movimento de Atlântico Negro que Paul Gilroy traz, principalmente o Atlântico Negro Sul, que é o que nos interessa mais aqui. O Olodum traz o reggae, Bob Marley. É sempre um movimento político. A axé music é capturada de alguma forma pela branquitude, mas você depois vai ter uma reafirmação dessa cultura negra com o pagode, que devolve à música popular a força de sua origem periférica e ancestral. O Fantasmão não foi apenas importante para termos, posteriormente, o Baiana System; foi crucial para a construção de toda essa história musical negra que ecoa até hoje. O Baiana System, de certa forma, negocia com os blocos afros, conectando tradições culturais e políticas de resistência enquanto amplia a visibilidade da cultura negra em um diálogo global, traduzindo suas raízes em novas linguagens musicais, mostrando a relevância de movimentos culturais negros

funk

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Isabela Pacilio

MC Hariel fala sobre seu processo criativo aos 26 anos, o cantor já conseguiu ter impacto em causas importantes

MC Hariel, um dos nomes mais celebrados do funk paulista, foi o nosso entrevistado e compartilhou reflexões profundas sobre sua trajetória. Durante a conversa, falou sobre sua participação no Rock in Rio, um marco que consolidou sua carreira, o impacto social de sua música “Ilusão (Cracolândia)”, que gerou debates importantes sobre dependência química e marginalização, além de revelar sobre seu processo criativo.

o que podemos esperar do seu show do Rock’n Rio? O show vai ser bem no estilo de estrada, mas com algumas novidades, né? Não vou chegar de mãos abanando. Quero levar uma energia boa pro público e mostrar o que o funk é capaz de fazer. O Funk Superação é a minha forma de levar uma mensagem positiva, especialmente para quem está passando por dificuldades.

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@zinerole

entre um rolê e outro

Por que você acha que o funk merece seu próprio festival?

Acho que o funk tem a sua própria história e sua própria importância. Vejo uma boa vontade do Rock in Rio em mostrar nosso movimento, e entendo o respeito por outras trajetórias. Mas o funk também tem uma história gigante, e já está na hora de termos o nosso próprio espaço, como um Funk in Rio. A gente merece, e podemos fazer algo grandioso também.

falando da sua música “Ilusão (Cracolândia)”, qual a razão do se orgulho sobre ela?

Já recebi muitas mensagens de pessoas que abandonaram as drogas por causa dela. Tem até traficante que me falou que parou de vender crack por conta da música. Isso me toca profundamente. As drogas sempre fizeram parte da minha vida, desde a infância. Minha mãe sempre tentou se recuperar, e eu acompanhei de perto todo esse processo. A música surgiu disso, das experiências que vivi e da necessidade de falar sobre o que eu vi crescer ao meu redor.

você se considera mais compositor ou artista?

Eu sou mais compositor. Minha mente está sempre viajando em novas ideias.

Gosto de compor sempre. Quando entro no estúdio, quero sair com pelo menos 3 músicas novas. Se não estou pensando em nada, já fico preocupado, achando que estou com bloqueio.

funk

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Pedro De Salce

gêneros de funk que você precisa conhecer!

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não deixe de conferir nossos artistas

Funk Carioca

Funk Ostentação

mc Carol

mc Kevinho

Funk Proibidão

Funk Melody

mc Pipokinha

mc Livinho

@zinerole

+10

funk

Brega Funk

Funk 150 BPM

Nadson O Ferinha

Kevin O Chris

Funk Consciente

Funk Pop

mc pp da vs

Ludmilla

Funk Rave

Funk Mandelão

dj Tezinho

dj Arana

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bora conversar

Emerson Pereira

você reconhece as formas de violência sexual?

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nem sempre é o que você imagina A violência sexual vai muito além do que costumamos imaginar. Muitas vezes, pensamos que ela só ocorre em situações de agressão física extrema, como o estupro, mas a realidade é que ela pode se manifestar de formas subtis com atitudes ou palavras indesejadas, ou toques ou avanços forçados no caso de abuso sexual.

Além disso, a exploração sexual, seja no tráfico de pessoas ou prostituição forçada, é uma das violências mais cruéis, assim como o abuso dentro de relacionamentos íntimos é igualmente perigoso e traumático, com um parceiro impondo sua vontade sem o consentimento da vítima.

O mais importante é entender que toda violência sexual, em qualquer forma, é inaceitável. Se você é vítima, há ajuda disponível. O Disque 100 oferece apoio psicológico e orientações sobre como agir, além de serviços como os do cras, que podem proporcionar apoio legal e psicológico.

Ninguém deve enfrentar essa situação sozinha. É possível buscar apoio e recomeçar, pois a recuperação começa com o primeiro passo: pedir ajuda. @zinerole

estrela 10 drags do passado:

a histórias esquecida

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 +10 32 bora conversar?

eita coisa boa

22 nascemos nus, o resto é drag

drags do a histórias e

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passado: esquecida

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nascemos nus, o resto é drag

conhecendo o rolê

Com brilho e ousadia, apresentamos uma edição dedicada à subcultura drag! Aqui, celebramos a arte, a autenticidade e a criatividade.

Cada página é uma homenagem à resistência e à expressão livre, desde ícones do passado até as drags que marcam o presente. Explore a influência da cultura drag na moda, na música e descubra os lugares onde a energia drag se faz mais presente.

Esperamos que, ao virar estas páginas, você se reconecte com sua própria expressão e veja o mundo com uma nova perspectiva.

A rolê é um espaço de celebração e questionamento, uma zine feita por curiosos para aqueles que se atrevem a explorar e reinventar.

Rita Von Hunty

Guilherme Terreri Lima Pereira, mais conhecido pelo nome artístico, é um professor, ator, YouTuber, comediante, palestrante e drag queen, conhecido por seu humor afiado, inteligência e posicionamento crítico.

Ismeiow

feat.

Ismael Serafim é um influenciador, maquiador, youtuber e drag queen.

Reconhecido por seu carisma, autenticidade e humor cativante, aborda temas como cultura pop, maquiagem artística e questões lgbtqiap+.

Lorelay Fox

Danilo Dabague é uma drag queen, influenciador, youtuber e apresentador brasileiro. Aborda temas políticos e cultura pop, sempre com humor e empatia. Também é jurada fixa no reality Corrida das Blogueiras.

Melina Salce

gastronomia e arte drag em um só lugar uma experiência que mistura performances e a energia das drags

quando?

aos domingos, a partir das 13h15

onde?

Bourbon Music Street

quanto?

a partir de R$90

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@zinerole

qual a boa?

Para quem prefere atividades diurnas e deseja vivenciar o melhor da arte drag, o Drag Brunch Brasil oferece uma experiência única em São Paulo. Realizado mensalmente aos domingos no Bourbon Street Music Club, em Moema, o evento combina performances de drag queens com um delicioso brunch, proporcionando entretenimento para toda a família.

Cada edição apresenta um line-up exclusivo de artistas, garantindo shows vibrantes e interativos que ocorrem tanto no palco quanto entre as mesas, permitindo uma proximidade maior com as drags. O cardápio de brunch é vendido separadamente e oferece diversas opções gastronômicas para acompanhar as apresentações.

O Bourbon Street Music Club, conhecido por sua arquitetura inspirada em New Orleans e por ser um dos 100 clubes de música mais conceituados do mundo, serve como palco perfeito para essa fusão de cultura e gastronomia.

Para participar, é necessário adquirir o couvert artístico, que dá direito ao lugar na mesa, aos shows e à interação com as drags. Os ingressos estão disponíveis através do site da Fever, com valores que variam conforme o setor e a quantidade de lugares disponíveis na mesa.

Se você busca uma opção de entretenimento diurno que celebra a diversidade e a arte drag, o Drag Brunch Brasil é a escolha ideal. Garanta já os seus ingressos e prepare-se para uma experiência inesquecível.

drag

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Matt Cain

por que estamos esquecendo das pessoas que abriram os caminhos?

drags do passado: a histórias esquecida

raças a RuPaul, o drag nunca foi tão popular, então por que sua rica história não é mais conhecida? Está na hora de vermos mais romances, peças e filmes tratando a arte drag de forma séria.

De RuPaul’s Drag Race a shows de cabaré e teatro ao vivo, o drag nunca foi tão popular. Caso você tenha ficado numa caverna nos últimos 10 anos, o drag é a arte da imitação de gênero, exagerando e intensificando aspectos da feminilidade ou masculinidade para fins de entretenimento.

Mas fico chocado ao descobrir que há muito poucos outros romances, peças ou filmes com temática drag programados para serem lançados no próximo ano. Usando o vocabulário drag, se a biblioteca está aberta, não há muitos livros para ler. Em particular, a arte tem uma história rica que não é tão amplamente conhecida quanto deveria ser – algo que, ao entrarmos no Mês da História lgbt+ no Reino Unido, parece especialmente gritante.

Apesar de sua popularidade, o drag foi pouco representado nas artes. É preciso recorrer a filmes como The Birdcage, Priscilla, Queen of the Desert e Kinky Boots para vê-lo em destaque. No entanto, o drag costuma ser usado de forma cômica ou para explorar questões da experiência gay, quando poderia oferecer histórias mais complexas e transformadoras.

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por que as drags são ignoradas pelos escritores?

Por que mais escritores não se inspiraram? Divina de Campo, vicecampeã da primeira temporada de RuPaul’s Drag Race uk, argumenta que o drag foi vítima de snobismo cultural: “Porque o drag está enraizado na comédia, ele é tratado como grande parte da comédia, ou seja, o trabalho não é visto como sério ou digno.

O drag reúne todas as formas de arte – canto, dança, atuação, figurino, criação, escrita, direção – mas, por ser tão frequentemente engraçado, acaba sendo visto como algo inferior.”

O drag também pode ser subversivo – e, em particular, desafiar os estereótipos de gênero. “O drag pode funcionar em um nível mais profundo, desafiando expectativas, construções sociais, normas de gênero identidades,” continua de Campo. “Esse é o objetivo do meu drag; fazer e ser o que você quer, ao @zinerole

William Dorsey, primeira drag

o drag [...] é tratado como grande parte da comédia drag

invés do que fomos condicionados a fazer e ser… Isso torna o mundo complicado demais para algumas pessoas sequer contemplarem, por isso elas descartam e ridicularizam.”

O potencial do drag para subverter e perturbar está no coração do gloriosamente anárquico show Sound of the Underground, que atualmente está em cartaz no Royal Court Theatre de Londres, e que é uma mistura de cabaré e manifesto político. O escritor reúne alguns dos performers drag mais empolgantes de Londres, todos os quais colocam o queer no centro de seu trabalho. É um longo caminho até a “dama de pantomima”.

E serve como um lembrete de que o drag sempre foi fortemente associado à cultura gay – ou queer.

Jacob Bloomfield é um historiador nascido no Brooklyn que atualmente é pós-doutorando na Universidade de Konstanz, na Alemanha, se apresenta sob o nome de drag Cupcake e escreveu o próximo livro Drag: A British History. Ele diz “Assim como o gênero disco – que, como o drag, é frequentemente associado a fãs e artistas gays – foi desprezado e até abertamente ridicularizado, o drag também foi muitas vezes desconsiderado. Existe preconceito” Esse preconceito ajudou a suprimir do registro histórico mainstream uma subcultura queer inteira. E há algumas histórias reais fascinantes que foram praticamente esquecidas – histórias que com certeza poderiam resultar

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em ótimos romances, filmes, peças ou outras produções, por exemplo, há John Cooper, o inglês do século 18 que se vestia como sua alter ego drag, Princesa Seraphina, e frequentava tavernas em Londres conhecidas como molly houses, desfilando pelas ruas com um grau notável de ousadia para uma época em que o sexo gay era punido com execução. Cooper é amplamente aceito como o primeiro drag queen na história inglesa – desculpe, herstory – ou pelo menos o primeiro homem para quem se vestir como uma alter ego feminina era uma parte essencial de sua identidade.

Em 1880, ocorreu um baile de drag no Temperance Hall em Hulme, um bairro de Manchester. O evento foi frequentado por 47 homens, metade dos quais vestiam roupas femininas, e todos ganhavam acesso sussurrando a palavra-chave “Sister”. Mas o local foi invadido pela polícia, e todos os homens

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foram presos, processados e expostos pela imprensa. Muitos deles foram arruinados. Imagine contar essa história para o público atual – imagine a empatia que isso poderia despertar, o impacto emocional que poderia causar.

Apesar da perseguição feroz, a cultura drag floresceu ao redor do mundo. Em Berlim, entre o final do século 19 e os anos 1930, incontáveis bailes de cross-dressing, conhecidos como Urningsballs ou Tuntenballs, aconteceram em vários locais. A estrela era Hansi Sturm, cujo número como Miss Eldorado terminava jogando seios falsos na plateia.

Nos Estados Unidos, a primeira pessoa conhecida a se descrever como uma “rainha do drag” foi William Dorsey Swann, um ex-escravizado. Nos anos 1880, Swann organizou vários bailes de drag em Washington. Mas após uma batida policial em 1896, Swann foi condenado e sentenciado a passar 10 meses de prisão.

Com o tempo, o “drag” se expandiu para além dos bailes e se estabeleceu como uma forma global de arte performática para o entretenimento do público geral. A partir disso, artistas de drag passaram a influenciar não apenas a cena lgbtq+, mas também a moda, a música e a cultura pop como um todo.

O “drag” se tornou uma plataforma de expressão criativa, onde a identidade e a resistência se misturam, provando que a liberdade de ser quem se é pode, e deve, ser celebrada em todas as suas formas possíveis e impossíveis. @zinerole

drag queens negras de indianopólis

sobre drags, as queens e os kings

Se pouco se sabe sobre as drag queens do passado, ainda menos se sabe sobre as drag kings . E elas têm sido quase totalmente ausentes nas artes narrativas. Podemos rastrear as origens da cultura drag king até a década de 1660, quando as mulheres foram pela primeira vez autorizadas a atuar no palco inglês. Uma das primeiras dramaturgas, Aphra Behn, criou vários papéis masculinos que deveriam ser interpretados por mulheres. “Ela escreveu papéis de ‘calças’ por razões políticas, para que ela pudesse fazer sua voz ser ouvida dessa maneira, falando sobre política e costumes sociais.”

Uma mulher que se destacou ao interpretar papéis masculinos foi Mademoiselle de Maupin, nascida em Paris em 1673. Exímia espadachim, de temperamento ardente, ela ficou

drag

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homens usando vestidos é uma comédia

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conhecida por ter casos com homens e mulheres. Sua vida dramática também incluiu condenações por sequestro e incêndio criminoso.

Outra figura importante foi Charlotte Cushman, nascida em 1816, que se tornou uma das atrizes mais populares dos EUA, antes de se mudar para Roma, onde montou um lar habitado exclusivamente por mulheres artistas.

Seus documentos pessoais estão guardados na Biblioteca do Congresso dos EUA e revelam que todos os seus relacionamentos românticos e sexuais foram com mulheres. Mas foi apenas no final do século xix que a cultura drag king assumiu a forma que reconhecemos hoje. Gladys Bentley foi uma figura chave no Renascimento do Harlem nos anos 1920, uma artista negra lésbica, ousada e orgulhosa, conhecida por usar um terno branco e cartola, além de cantar músicas com letras ousadas em speakeasies e clubes de jazz underground.

Mo B Dick define a cultura drag king como sendo “sobre usurpar o poder e o privilégio masculinos”, apontando que essa subversão é o que causa desconforto em muitas pessoas. Ele acrescenta que, embora drag queens sejam amplamente celebradas, os drag kings ainda enfrentam um estigma significativo, principalmente porque “homens usando vestidos é uma comédia, mas mulheres usando ternos é visto como ameaçador”. Isso, segundo ele, evidencia a resistência de muitas pessoas em desafiar o patriarcado, @zinerole

tornando o drag masculino ainda mais transgressor e desconfortável para as convenções sociais.

Apesar da grande visibilidade atual do drag, especialmente das drag queens que se tornaram celebridades internacionais, as histórias mais fascinantes sobre a evolução dessa arte ainda permanecem desconhecidas para o público em geral. Bloomfield atribui isso ao “esquecimento cultural”, onde a sociedade acredita estar mais aberta e consciente do que as gerações anteriores, ignorandomuitas vezes as influências e experiências que moldaram a arte do drag ao longo do tempo. Esse esquecimento, de acordo com ele, faz com que as contribuições anteriores da comunidade drag sejam minimizadas ou até apagadas, levando as novas gerações a subestimar as lutas e os desafios enfrentados por aqueles que pavimentaram o caminho para a visibilidade que o drag tem hoje.

drag

grupo de drag kings babadeiros

mulheres usando ternos é visto como ameaçador 17

Flávio Ismerim

Pabllo Vittar entra no Top 50 Global do Spotify a participação na canção “alibi” foi o responsável

A cantora Pabllo Vittar fez história nesta quarta-feira (10), ao se tornar a primeira drag queen brasileira a figurar entre as 50 músicas mais ouvidas do mundo no Spotify. A conquista foi alcançada com a canção Alibi, fruto de uma parceria com a cantora irani-neerlandesa Sevdaliza e a artista francesa Yseult.

A faixa acumulou impressionantes 2,1 milhões de reproduções em apenas 24 horas, garantindo a 47ª posição no ranking global da plataforma. Com isso, Alibi se juntou a hits internacionais que dominam a lista, como Birds Of a Feather, de Billie Eilish, e os sucessos Espresso e Please Please Please, de Sabrina Carpenter, que ocupam os três primeiros lugares no mesmo período, além de se popularizarem entre os jovens no TikTok. Lançada no dia 28 de julho, Alibi já ultrapassou 20 milhões de streams no Spotify, consolidando-se como um dos

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@zinerole

aumenta o som!

maiores sucessos da carreira de Pabllo Vittar. No YouTube, o videoclipe da música não fica atrás: já soma mais de 12 milhões de visualizações, encantando fãs ao redor do mundo com sua estética impactante e coreografias elaboradas.

O impacto da música também reflete o crescimento internacional de Pabllo, que vem conquistando novos públicos e consolidando seu nome como um dos maiores expoentes do pop global.

Um dos fatores que contribuíram para o sucesso estrondoso de Alibi foi sua viralização nas redes sociais, impulsionada pelo uso de um sample da música tradicional colombiana Rosa, de Totó La Momposina.

Esse trecho emblemático, que traz os versos Rosa, que linda eres, é usado como base para o refrão cativante da canção, onde o título Alibi é repetido com intensidade durante a música, foi usado em danças e trends.

A colaboração entre as três artistas também chama atenção pela diversidade cultural que representa.

Sevdaliza, conhecida por sua sonoridade experimental, e Yseult, famosa por sua voz marcante e autenticidade, somaram seus talentos ao carisma e à potência de Pabllo Vittar, criando uma música que transcende barreiras linguísticas e culturais por todo o mundo. A união desses estilos distintos, que vão do experimental ao pop, é um reflexo de uma geração que abraça a pluralidade e a busca por uma expressão artística sem limites, levando suas influências e raízes ao público.

drag

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Samuel Spencer

como drag queens estão influenciando a moda você nem imagina, mas a cultura drag está em todos os lugares

Nos últimos anos, o drag se tornou uma parte fort do mundo da moda.

Hoje em dia, artistas drag aparecem em capas de revista,estrelam campanhas para marcas de moda e ocupam posições de destaque nas passarelas das semanas de moda em todo o mundo.

Para a atual geração de fashionistas, as ligações entre moda e drag são óbvias. Ambos visam encontrar autoexpressão, criatividade e liberdade nas roupas, dizem os especialistas.

Mas nem sempre foi assim. A moda e o drag eram vistos como mundos separados. “Antes, você não podia tocar em uma drag queen porque perderia negócios”, diz o designer Brad Callahan, que criou looks para ícones pop como Lady Gaga e Miley Cyrus — assim como para muitos participantes do reality show de drag renomado RuPaul’s Drag Race. Agora, porém, trabalhar com artistas drag

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@zinerole

drag

capa vogue Gloria Groove

não é apenas aceitável, mas celebrado, diz ele. Da influência da moda desde as celebridades à maquiagem que compramos na internet e nas ruas, o que mudou para tornar o drag na moda?

Em 2020, as drags quebraram uma grande barreira da moda quando as performers Pabllo Vittar e Gloria Groove se tornaram as primeiras a aparecerem na capa da Vogue.

“A Vogue é uma das revistas mais icônicas da história”, diz a grande e talentosa drag performer e cantora Pabllo, “Então foi uma honra ser a primeira drag queen na capa. Essa foi uma das coisas que sonhei enquanto crescia — e se tornou realidade.”

“Drag é sobre se expressar como artista — e definitivamente não podemos fazer isso sem moda.”

Na mesma época da capa da Vogue, Bimini, estrela da RuPaul’s Drag Race uk, fez sua estreia na London Fashion Week para o estilista Richard Quinn e sua co-estrela Tayce, que também se destacou como o rosto de uma campanha de fragrâncias de Jean Paul Gaultier. As rainhas da RuPaul’s Drag Race uk têm se mostrado profundamente conectadas à história da moda, com designers como Vivienne Westwood e Alexander McQueen frequentemente citados como grandes inspirações nas passarelas. Essa conexão com a moda não só fortalece a visibilidade das drag queens no universo fashion, mas também as posiciona como referências de estilo e poder fora do estético tradicional.

capa vogue Pabllo Vittar

brilho do rolê

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Rita von Hunty

como a arte drag influência a moda, a beleza e a cultura desde sua origem

nascemos nus, e o resto é drag

e você já ouviu falar sobre contornos e iluminações faciais, perucas lace, enchimentos de quadril, lingeries modeladoras, cintas de compressão, espartilhos e meiascalças perfeitas, pode ser que você esteja sofrendo de “influenza drag, uma febre nada nova que ronda, influência e molda os universos da moda, da beleza e da maquiagem há, pelo menos, meio século.

De início, vale frisar: drag é uma linguagem artística, como a pintura, a escultura ou a tapeçaria. Mas, historicamente, na maioria das vezes, ela é feita por grupos socialmente minorizados, como pessoas racializadas, gays, lésbicas, pessoas trans e travestis. Há muito debate sobre a origem do termo “drag”, e as duas teorias mais difundidas remontam a práticas dos séculos xvi e xix.

Respectivamente, o teatro elisabetano, na Inglaterra, e a luta contra a escravidão nos Estados Unidos. No primeiro caso, como papéis femininos eram desempenhados por homens, o próprio Shakespeare teria cunhado um acrônimo para distinguir a caracterização desses atores: Dressed Resembling A Girl (vestidos para lembrar uma menina, em tradução livre).

Já a segunda teoria, amplamente mais sustentada na academia, foi defendida pelo pesquisador estadunidense Channing G. Joseph, que estuda a

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cultura das populações negras recémlibertas no sul dos Estados Unidos durante os séculos xix e xx, mais especificamente William Dorsey Swann, a primeira pessoa que temos registro de se autointitular uma drag queen.

Independente da origem do termo, a criação de personas que emulam gêneros está presente no teatro grego e no cinema. Em 1903, os irmãos Lumière produziram o filme Now That Takes the Cake!, com um dançarino em drag (Jack Brown) apresentando uma versão do cakewalk, dança comum entre negros no sul dos eua, que mais tarde influenciaria o voguing. Parece que a arte drag sempre exerceu fascínio sobre múltiplos artistas e os intercâmbios de inspiração são muitos. É possível traçar uma cronologia de influências drag desde 1900.

O início dos anos 1980 marca, no Ocidente, um recrudescimento do preconceito e dos ataques contra os

drag com maquiagem meio a meio

@zinerole

David Bowie com macacão e tapa olho

drag é uma linguagem artística drag

grupos associados à epidemia letal de hiv e aids. Uma resposta coletiva do campo artístico foi deliberadamente formulada a esses ataques. Na moda e na beleza, um dos imperativos era “bagunçar” a linha imaginária que separa o “masculino” do “feminino”.

Figuras como Boy George, Prince, David Bowie, Annie Lennox e RuPaul são alguns dos nomes mais icônicos do showbiz a encarnarem esse contraataque cultural. Na moda, Thierry Mugler fez história ao ter em sua passarela a drag estadunidense Lypsinka; Jean Paul Gaultier eternizou sua coleção de 1992 com saias para homens e ternos de risca de giz para mulheres; Marc Jacobs fez seu nome em 1993 ao desfilar uma coleção na qual todas as modelos estavam maquiadas como drags. No mesmo ano, a própria RuPaul se tornou um sucesso internacional com o single Supermodel e chegou às capas de revistas como Vanity Fair e Cosmopolitan. Pouco depois, a marca de maquiagem mac a escolheu para estrelar a campanha Viva Glam (1994) de arrecadação de fundos e conscientização sobre a epidemia.

Nos anos seguintes, drag queens se tornaram sucessos de bilheteria ao redor do mundo em filmes como Priscilla, a Rainha do Deserto (1994) e Para Wong Foo, Obrigada por Tudo!

Julie Newmar (1995). A estética drag saía das telas para as premiações toda vez que artistas decidiam desafiar as normas de gênero impostas a eles de

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várias artistas abusaram de referências do universo drag

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forma divertida e audaciosa – Celine Dion encapsula este momento em 1999 com seu smoking invertido para a cerimônia do Oscar.

Ao longo dos anos 2000, várias artistas abusaram de referências do universo drag para construírem looks inesquecíveis, como Britney Spears no VMA, em 2001, e Gwyneth Paltrow no Oscar de 2002. Alexandre McQueen se tornou um nome incontornável da indústria, e sua paixão arden por drags aparece de forma icônica na sua coleção para a primavera de 2005.

Lady Gaga, diva pop da comunidade lgbtiqiap+, edificou uma das maiores plataformas de influência visual de massas no mundo com seu terceiro álbum de estúdio, Artpop, lançado em 2013, que marcou uma intensa troca com a cena drag. Isso aconteceu em videoclipes, como Applause; parcerias com RuPaul, em 2013 e 2017; e colaborações com o estilista Brad Callahan, que assinou um dos figurinos da sua turnê.

O designer, cuja carreira começou na cena drag nova-iorquina, disse que a potência das drags de criarem imagens virais era a essência do pop na década de 2010, e Lady Gaga foi uma das artistas que melhor compreendeu essa dimensão, e a explorou de forma inteligente, ousada e criativa.

Começamos os anos de 2020 com RuPaul’s Drag Race como um dos programas mais premiados da história do entretenimento (catorze Emmys, três glaads e um Tony). @zinerole

Em sua turnê mais recente, a Celebration Tour, Madonna escolheu Bob, the Drag Queen como mestre de cerimônias e, no Brasil, convidou ao palco, no maior show de sua carreira, a drag superstar brasileira Pabllo Vittar para abrir o evento.

Resumir as influências que a cultura drag trouxe à mídia mainstream é uma tarefa quase impossível, visto que são anos de trabalho criativo, o intuito deste texto é apontar para a capacidade inventiva e irreverente de uma forma de arte que leva um trio de coisas muito a sério: subverter valores, desafiar normas e contestar tradições. Ao longo das décadas, a arte drag nos lembra que toda imagem é uma “montação” e que devemos ter coragem para sustentar nosso desejo de sermos algo de propósito. Não importa o que digam, dar corpo à fantasia é uma força de libertação irrefreável que todos deveriam experimentar.

E, você, qual drag vai montar hoje?

drag

Lady Gaga para o clipe de Applause

potência das drags de criarem imagens virais 27

Léo Gregório

Rita Von Hunty: drag, política e luta a drag queen que usa arte para promover inclusão e reflexão

Rita von Hunty, nome artístico de Guilherme Terreri Lima Pereira, é uma drag queen brasileira que se destaca por suas análises políticas e sociais.

Criada em 2013, Rita combina humor e profundidade em suas discussões, abordando temas como feminismo, lgbtqiap+, política e literatura. Além de seu canal no YouTube, “Tempero Drag”, com mais de 1,26 milhão de inscritos, Rita possui uma coluna quinzenal na revista Carta Capital desde 2021, intitulada “O Gabinete”.

Formado em Artes Cênicas pela UniRio e Letras pela usp, Guilherme utiliza sua formação para enriquecer as discussões de Rita, tornando-as acessíveis e educativas. Em 2023, Rita lançou o livro As Crônicas de Rita von Hunty, que reúne reflexões sobre política, sociedade e cultura. Sua abordagem única e engajamento nas redes sociais consolidaram Rita como uma figura influente cultural brasileira.

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@zinerole

entre um rolê e outro

como a arte drag se conecta com sua luta política?

A drag sempre foi de resistência e acolhimento. Quero que as pessoas entendam a importância da liberdade de expressão e da união na luta contra a exploração.

qual é sua visão sobre a sociedade atual?

Vivemos em um sistema misógino e patriarcal, que deslegitima o feminino e cria uma cultura de violência. A luta contra isso é fundamental para a construção de um mundo mais justo.

como a cultura drag pode ser inclusiva?

A drag é uma arte de resistência que todos podem praticar. Todo mundo tem suas personas, dependendo da situação e do ambiente.

qual a realidade das pessoas lgbtqiap+ no nosso país?

Apesar de avanços legais, o Brasil ainda lidera em mortes de lgbtqiap+.

A violência e a marginalização são realidades diárias, especialmente para trans e travestis.

quem são seus aliados no ativismo?

Amanda Marfree, Renan Quinalha, Laerte, Erica Malunguinho e outros nomes de são figuras essenciais que fazem a diferença no ativismo lgbtqiap+, ele inegavelmente contribuem de forma significativa.

drag

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Pabllo Vittar

5.491. 672 mi ouvintes

5.281.830 mi ouvintes

4

Gloria Groove

3 30

2

drag queens vêm dominando o mundo, inclusive o da música

1

ig queer

as 10 drag queens mais ouvida no spotify

RuPaul

Grag Queen

1.1738.035 mi ouvintes

337.402 mil ouvintes

@zinerole

183.301 mil ouvintes

8

Aretuza Lovi

309.338 mil ouvintes

7

Trixie Mattel

Alaska Thunderfuck

180.363 mil ouvintes

131.317 mil ouvintes

10

Lia Clark

9 drag

6

5

+10

Shea Couleé

Violet Chacki

118.043 mil ouvintes

82.045 mil ouvintes

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bora conversar?

Maju Ferreira

é preciso mesmo tanto medo de engavidar?

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a tocofobia assombra muitos, mas você não precisa dela A tocofobia, o medo intenso de engravidar e dar à luz, é uma condição que pode causar grande angústia e afetar tanto mulheres quanto homens.

No entanto, quando se utiliza métodos contraceptivos de forma adequada, não há razão para temer uma gravidez indesejada, porque ela tem chances minúsculas de acontecer.

Atualmente, existem diversas opções contraceptivas seguras e eficazes, como a pílula anticoncepcional, o diu, implantes hormonais e preservativos, que, quando usados corretamente, oferecem proteção eficaz contra a gravidez. Essas opções permitem que as pessoas planejem a maternidade e a paternidade com maior controle e sem o risco de uma gestação não planejada.

Além disso, o acompanhamento médico regular e a escolha do método mais adequado para cada pessoa ajudam a garantir maior segurança e confiança no processo.

Com o uso correto desses métodos, o medo de engravidar pode ser minimizado, proporcionando mais tranquilidade e liberdade para decidir sobre o futuro reprodutivo. @zinerole

estrela 10 nada é mais gótico do que ser negro

22 garras do capitalismo

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 +10 32 bora conversar?

eita coisa boa

nas subculturas

nada é ma do que s

10

ais gótico ser negro

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garras do capitalismo nas subculturas

conhecendo o rolê

Nesta edição dedicada ao universo gótico, exploramos a riqueza dessa subcultura que mistura melancolia, rebeldia e uma busca incessante por autenticidade, iremos muito além do esteriótipo de quem usa preto. Falaremos sobre racismo, sobre uma cultura que vai além da moda, diferentes tipos de música gótica com destaque para álbuns marcantes. Também refletiremos sobre o impacto do capitalismo nas subculturas, questionando como o consumo influencia as raizes e razões de existir do movimento.

A rolê é um espaço para explorar a profundidade da cultura gótica e seu poder de reinvenção, sem medos irracionais enraizados.

Rubia Nosferotika

É uma influenciadora digital brasileira que se destaca na cena alternativa. Ela atua como youtuber, maquiadora e dj, compartilhando conteúdos relacionados à beleza, moda e estilo de vida gótico.

Adriana a Nébula

feat.

É uma gótica maranhense que atualmente reside em São Paulo e atua como modelo alternativa. Ela se destaca na cena alternativa, compartilhando conteúdos sobre moda, maquiagem e estética.

Sandila Vieira

É uma influenciadora digital brasileira que atua como maquiadora, fotógrafa e criadora de conteúdo, compartilhando tutoriais de maquiagem, dicas de produtos e insights sobre estética dark.

Paolla Chave

passeio noturno consolação e suas vozes nada mais gótico que um rolê (responsável) no cemitério a noite

quando?

31 de outubro das 19h15 às 21h30

onde?

Cemitério da Consolação

quanto?

1kg de alimento não perecível

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@zinerole

qual a boa?

O Cemitério da Consolação, em São Paulo, recebe o passeio noturno “Consolação e suas Vozes”, parte do projeto “O que te assombra?”.

Organizado em parceria com a Consolare, o evento oferece uma nova visão sobre figuras históricas sepultadas no local e aspectos sociais e culturais da cidade.

Os participantes serão guiados por Thiago de Souza e pela historiadora Viviane Comunale. O percurso inclui túmulos de personalidades como Líbero Badaró, Luís Gama, Tarsila do Amaral e os poetas Mário e Oswald de Andrade.

Também são abordadas histórias de devoção popular, como os milagreiros Antoninho da Rocha Marmo e Maria Judith, além de episódios como o crime do Castelinho da Rua Apa e a trajetória de Dona Yayá, que passou seus últimos anos em um manicômio.

Outro destaque é a arte tumular do Cemitério da Consolação, considerada um dos maiores tesouros do patrimônio funerário da cidade. O evento visa valorizar cemitérios como espaços de memória histórica, como explica Thiago de Souza, que defende a popularização da cultura funerária.

O passeio noturno, que ocorre mensalmente desde agosto de 2023, é limitado a 130 participantes, devido à alta demanda. A participação é gratuita, mas requer a doação voluntária de 1kg de alimento não perecível e a reserva prévia do ingresso. Em caso de chuva, o evento será cancelado automaticamente por razões óbvias.

gótico

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Ruth Terry

imagine uma pessoa gótica e me diga, qual a cor da pele dela?

nada é mais gótico do que ser negro

ara muitas pessoas da minha idade—na transição entre os Millennials e a Gen X—“gótico” traz à mente imagens de pessoas vestidas de preto, com cabelos de alto contraste, olhos delineados com kohl, algumas modificações corporais e envoltas na fragrância de cigarros de cravo e melancolia. Você pode imaginar tipos específicos de góticos: rivethead, romântico, cyberpunk, Lolita ou, surpreendentemente, o pastel goth.

Mas um tipo de gótico que provavelmente você não visualiza?

Um gótico negro.

A subcultura gótica é muitas vezes associada à branquitude, mas os góticos negros, ou “Afrogoths”, estão desafiando essa percepção—primeiro, pela sua presença na comunidade, e segundo, questionando a história e estética eurocêntricas dominantes.

“Mesmo fora da comunidade [gótica], a beleza negra está sendo reconhecida agora,” diz Brat, um jovem de 23 anos de Washington, D.C., que adota elementos do estilo gótico, mas se identifica como “alternativo.” “Nas comunidades brancas, as pessoas veem os alternativos como inferiores, e quando se trata de pessoas de cor, parece que não existimos. As pessoas não ligam essas coisas à negritude ou a outras etnias, exceto a branca.”

Não há um consenso sobre quando e onde o movimento gótico começou,

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mas muitos atribuem isso às bandas de pós-punk e dark wave dos anos 80, como Bauhaus, Joy Division, Siouxsie and the Banshees, Depeche Mode e The Cure. Diferente do punk e da new wave mais extrovertidos, a música gótica e seu estilo de vida eram mais introspectivos e ecléticos, influenciados por arte e arquitetura góticas, vestuário e estética vitorianos, além da música contemporânea. Ser gótico também implica uma fascinação quase obrigatória pelo sombrio e macabro.

Muitos góticos veem sua comunidade como um espaço que aceita os “outros”, tornando-a mais acolhedora para pessoas lgbtqiap+, segundo insiders.

Porém, como qualquer espaço de maioria branca, há problemas.

A história do rock frequentemente ignora as contribuições de negros e pardos, e no punk, esse tema ainda é pouco abordado. A canção de 1956 do bluesman negro Screamin’ Jay @zinerole

a cultura vampiresca é muito comum entre góticos num geral

as pessoas não ligam essas coisas à negritude gótico

Hawkins, I Put A Spell on You, é vista como um dos primeiros hinos góticos, mas continua obscura; nenhum dos góticos negros que entrevistei a mencionou como influência.

Todos eles, no entanto, me contaram que outras pessoas negras em suas vidas os chamavam depreciativamente de “brancos” por ouvirem rock e adotarem uma persona gótica.

“Infelizmente, quando você é uma pessoa de cor e ouve algo considerado ‘coisa de branco’, imediatamente você está abandonando sua cultura. Você está abandonando sua raça,” diz Nnaus A.O. Feratu, um “gótico mais velho” e bruxo vegano, que administra o site Goth in the Raw. Desiree Gibbs—uma designer gráfica, designer de joias e artista de 26 anos baseada em Dallas, Texas— disse que não percebeu que a música rock tinha origens afro-americanas até começar a se conectar com outros góticos negros para uma série de retratos financiada por uma bolsa.

“Assim que encontrei essa comunidade… fiquei realmente surpresa com quanto disso vem da cultura negra,” diz Gibbs, que cita Nova Orleans, vodu e a música blues como influências-chave entre os góticos que pintou. “É incrível como esse projeto me expôs à verdade por trás da cultura gótica, como a verdadeira verdade.”

A cultura gótica se tornou popular na década de 1990 devido a uma combinação perfeita de fatores: a desilusão dos adolescentes com

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a cultura de consumo americana; estrelas em ascensão como Marilyn Manson e Nine Inch Nails, no contexto da música alternativa; e lojas como a Hot Topic, que tornaram mais fácil replicar a estética da moda gótica.

Blockbusters de Hollywood como The Crow e The Craft também foram lançados nessa época, trazendo histórias sombrias e estreladas para as telas em todo o país. A cultura gótica mainstream frequentemente retratava o bruxo e o sobrenatural como antitéticos aos valores cristãos, misturando ícones da mitologia judaico-cristã (por exemplo, o anticristo, culto ao diabo) com aqueles do paganismo europeu—excluindo tradições como o vodu e a santería, que têm raízes africanas e latinas distintas. No entanto, a cultura gótica apropriou símbolos como serpentes, o ankh, caveiras e ossos de culturas africanas e indígenas, como observou

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a escritora Shanna Collins em 2017.

A ex-gótica que se tornou diretora criativa de uma biblioteca, Leila Taylor, explora temas profundamente semelhantes em seu tratado Darkly: Black History and America’s Gothic Soul e descobre que as interseções fascinantes entre a preocupação gótica com dor, horror, violência e trauma tornam a cultura gótica singularmente adequada para investigar e confrontar a complexa e dolorosa história americana de escravidão, colonialismo e a violência constante direcionada a corpos negros. Taylor argumenta que as pessoas negras são a verdadeira personificação do gótico, na medida em que representamos o maior medo da América branca. Ou, como dizem: “tão gótico, que nasci negro.”

Nesse contexto, artistas como M. Lamar estão performando a goticidade como uma crítica da história americana e das estruturas de poder dominantes, por meio de uma música assombrosa e imagens intensas e provocativas. No extremo oposto, Fat Bat Dana mescla positividade corporal com humor, uma maneira enganosa de desafiar paradigmas de cor, tamanho e feminilidade dentro do espaço gótico.

Quando entrevistei Feratu—com herança nigeriana, camerunesa e das Índias Ocidentais; se identifica como vegano, queer e não-binário; e é parceiro e pai de dois “filhotes de morcego”, além de praticar bruxaria na cozinha—sua goticidade serve como @zinerole

tão gótico, que nasci negro uma lente pela qual suas outras identidades são amplificadas.Apesar de todas as interseções entre a negritude e a goticidade, ainda existe racismo dentro desse espaço. Embora o assédio tenha sido “horrível nas redes sociais” há muito tempo, segundo Feratu, houve um aumento no ódio entre góticos durante a era Trump, tanto online quanto pessoalmente. As hashtags #GothRight e #GothsforTrump existem, e também há o que Feratu chama de “elitistas”, góticos brancos que acreditam que “é preciso ser de pele pálida” para ser gótico, muitas vezes usando a “exatidão” como desculpa para o racismo, na grande tradição de misóginos fãs de Game of Thrones e racistas que citam a ciência e não conseguem aceitar uma Pequena Sereia negra.

Ainda assim, os Afrogoths em todo o mundo continuam a mudar a relação entre a negritude e a expressão

gótico

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Eu trago dor, mas a dor também pode ser uma coisa bela

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criativa individual de maneiras novas e profundamente interessantes.

A Nigéria, um país de maioria negra que é relativamente conservador socialmente em comparação com os Estados Unidos, possui sua própria cena alternativa em crescimento vibrante e diversificada, assim como o Brasil, que também apresenta expressões artísticas únicas. Ficções afrofuturistas, como a trilogia Broken Earth da premiada e talentosa vencedora do Hugo Award N.K. Jemisin, e o famoso festival de música Afropunk têm incorporado a negritude em subculturas que há muito foram dominadas por brancos. O álbum visual Lemonade de Beyoncé, lançado em 2016, está repleto de imagens góticas impactantes e significativas, e Rihanna, que apropriou a expressão #ghettogothic, dominou o inovador “goth chic casual.”

Aumentar a representação é extremamente importante e necessário, mas o aspecto mais contracultural de ser Afrogoth continua sendo a autoexpressão—embora não da mesma forma que para os góticos brancos. Ser uma pessoa gótica preta é resistência.

“Quando a escravidão ocorreu, tudo o que nos fazia quem somos foi arrancado,” diz Feratu. “Quando os escravos chegavam e queriam se apegar à espiritualidade tradicional, isso foi espancado de nós… tivemos que abandonar isso.”

E é isso que torna os Afro Goths verdadeiramente únicos em relação @zinerole

a seus colegas dentro da subcultura gótica: além da estética sombria e da expressão artística característica, há uma camada adicional de emoções profundas que emergem. Essas emoções estão enraizadas em uma longa tradição de exclusão histórica e cultural vivida pela comunidade negra, agregando um peso emocional e simbólico ainda maior ao movimento.

“Eu trago dor, mas a dor também pode ser bela,” afirma Feratu, uma artista multifacetada que representa essa identidade. “Essa dor é algo que eu transformo em beleza e arte.

Como pessoas negras na cena, trazemos coração, dor, alegria e uma cultura vibrante. Trazemos tudo de nós mesmos, e você pode ver isso claramente em cada expressão.” Essa combinação de experiência pessoal, resistência e criatividade transforma os Afro Goths em agentes culturais que desafiam as narrativas da subcultura gótica de maneira única e poderosa.

gótico

E essa dor é algo que eu transformo em beleza e arte 17

Aaron Grey

desobscurecendo o dark wave você já ouviu falar? não? agora você não vai viver sem

Dark Wave é um gênero musical que surgiu no final dos anos 1970, emergindo da convergência entre os sons do new wave e do post-punk.

Caracterizado por suas sonoridades sombrias e melancólicas, a música dark wave é uma mistura única de letras introspectivas, tonalidade em ré menor e um uso distinto de sintetizadores, máquina de bateria e outros instrumentos eletrônicos.

Os primeiros dias do gênero foram marcados por uma ética diy, com bandas lançando suas músicas em fitas cassete e em pequenas gravadoras independentes. À medida que o gênero evoluiu, ele se inspirou em uma variedade de influências, incluindo rock gótico, synth-pop, cold wave, neofolk, música etérea e neoclássica.

A música dark wave é frequentemente descrita como romântica e sombria, com nuances de tristeza e melancolia.

O som essencial do dark wave é

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@zinerole

gótico

capa Depeche Mode capa Bauhaus

capa Cocteau Twins

capa The Sisters of Mercy

capa Joy Division

capa The Cure capa Christian Death

caracterizado por sintetizadores e guitarras elétricas, frequentemente acompanhados por violinos, pianos e outros instrumentos eletrônicos.

O uso de tonalidade em ré menor e letras introspectivas cria um som sombrio e emotivo que evoca uma gama de emoções complexas e profundas nos ouvintes.

A beleza da música dark wave reside em sua capacidade de evocar emoções, criando um senso de conexão entre o ouvinte e a música. Com sua mistura única de sons e influências, o dark wave se tornou um gênero amado entre os fãs de música underground e alternativa.

Algumas das bandas mais populares da Europa trouxeram a música dark wave ao público, incluindo The Cocteau Twins, In the Nursery, Xmal Deutschland, Wolfsheim, Unlimited Systems, Moloko e Clan of Xymox. Essas bandas ajudaram a definir o som do dark wave e inspiraram uma nova geração de músicos a explorar o gênero.

Com a chegada dos anos 1990, a segunda geração de artistas de dark wave começou a emergir com força, especialmente na Alemanha, consolidando o país como um dos principais centros dessa cena musical.

Bandas como Girls Under Glass, Das Ich e Deine Lakaien desempenharam um papel fundamental nesse período, muitas vezes conectadas ao movimento Neue Deutsche Welle.

Essas bandas não apenas perpetuaram o espírito sombrio e introspectivo do dark wave.

capa Siouxsie and the Banshees

aumenta o som!

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Arcana Craft

gótico é muito mais que uma questão de moda … mas existe muito do goth fashion que você precisa conhecer

A moda gótica dos anos 1980 é predominantemente conhecida por delineador escuro, capas de veludo e roupas de luto. O famoso visual gótico de Siouxsie incluía roupas pretas combinadas com maquiagem de olho de gato e batom muito escuro. Esse visual chocante e contrastante tomou a cena da moda de assalto, e ela rapidamente se tornou um farol para aqueles que tentavam trazer o mundo da moda gótica para uma nova era.

O visual dos anos 90 para os góticos abraçou minissaias, com jeans skinny sendo uma característica marcante.

Um vestido preto ou uma jaqueta de couro pesada também poderiam ser usados. A cena punk estava em plena atividade, e o mundo da moda viu ainda mais rostos famosos adotando esse visual, popularizando o estilo.

Nos anos 2000, em termos de moda, o gótico significava sombras de olhos pretas e vermelhas, com

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@zinerole

brilho do rolê

sobrancelhas inexistentes ou muito finas e estilizadas. Embora as pessoas antes se concentrassem em ter cabelo preto, a cena logo mudou, com pessoas ostentando tons duplos. As dreadlocks voltaram com força, e se você tivesse luvas recortadas, poderia combiná-las com qualquer roupa gótica e parecer no estilo. Durante esse período, modelos góticos se tornaram muito mais populares e começaram a se tornar mais mainstream.

Apesar de os góticos frequentemente serem vistos como uma minoria, é evidente que esse estilo está sendo abraçado por um número crescente de pessoas, especialmente no cenário contemporâneo. No mundo da moda, por exemplo, a estética gótica ocupa um lugar de destaque, consolidandose como uma tendência na vanguarda das passarelas. Na verdade, se você olhar para o mundo da moda, verá que a tendência gótica está na vanguarda das passarelas, como na coleção de primavera de 2021 de Rick Owens, Sacai e até mesmo Yohji Yamamoto, verá que a moda gótica é muito predominante. Marcas como Noir Kei Ninomiya também são muito populares. Agora, parece que o gótico está fazendo um grande retorno, e elementos como cores espinhosas, aquecedores assimétricos e correntes estão mais em destaque do que nunca.

O xadrez também é uma influência importante no estilo gótico e está se tornando mais popular a cada dia. O gótico está em todos os lugares.

gótico

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Thalia Roychowdhury

quando foi que a contracultura perdeu seus traços de ir contra a cultura

garras do capitalismo nas subculturas

ara muitos, o Punk evoca uma rebelião há muito perdida: uma era de resistência underground marcada pelo estilo de Vivienne Westwood, olhos esfumaçados e valores jovens otimistas, anti-establishment. No entanto, na GrãBretanha moderna, estrelas pop usam peças inspiradas no gótico em editoriais de revistas, e camisetas de bandas de heavy metal invadem as ruas. As garras do Punk foram limadas para que as cadeias de moda possam vender xadrez e tartan em massa.

Isso não significa que todas as subculturas tenham sido absorvidas universalmente pelo mainstream. No Japão, observei que um pouco do espírito underground original do Punk está sendo recuperado no movimento Visual Kei. Baseado principalmente na música e na moda, esse movimento se destaca como uma rebelião contra os aspectos hierárquicos e conformistas da sociedade japonesa.

Examinar esses dois movimentos – o Punk, comercializado há muito tempo, e o Visual Kei, vivo e vibrante – pode revelar a complexidade das subculturas na era moderna que vivemos.

Embora Vivienne Westwood tenha evoluído para uma marca de alta moda, sua loja original na Kings Road representava o verdadeiro espírito Punk.

Ali, jovens experimentavam roupas ungêneras, inspiradas em bondage, criando uma estética provocativa. Um

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exemplo marcante foi a camiseta Cowboys, famosa por Sid Vicious dos Sex Pistols, que exibia a intimidade entre homens, gerando até uma acusação judicial por “exibição indecente”. Assim, a moda se tornava um protesto político radical, refletindo um zeitgeist de resistência.

Com o envelhecimento do Punk e a mudança de seus membros, ele perdeu seu fator de choque, dando espaço a outras subculturas que reagiram a novos valores sociais.

O movimento Grunge dos anos 90 adotou a cultura diy do Punk, preferindo roupas de brechó ao couro e maquiagem extrema. Essa evolução não é negativa, já que subculturas costumam coexistir, respondendo a mudanças sociais. Contudo, o Punk foi transformado em uma estética comercial, explorada por marcas que ignoram sua essência original.

Hoje, o Punk é frequentemente visto @zinerole

membro do Dir En Grey, banda japonesa

as garras do punk foram limadas para que possam vender gótico

curiosidade, exemplificada pela figura do ‘Zombie Punk’ em Camden Town, que, embora represente os valores Punk, se tornou uma atração para turistas, simbolizando a transformação da resistência em espetáculo escravo do capitalismo.

Enquanto isso, o movimento Visual Kei no Japão mantém um espírito underground, permitindo à juventude expressar sua não-conformidade.

Diferente do Punk, o Visual Kei não se restringe a um único estilo musical, incorporando influências variadas, mas se destaca pela estética marcante de seus membros: cabelos espetados, roupas extravagantes e maquiagem pesada. Essa expressão visual se distancia das vestimentas convencionais da sociedade japonesa, tornando-se uma declaração política em um contexto onde a conformidade é a norma. Assim, tanto o Punk britânico quanto o Visual Kei japonês revelam a luta contínua pela autoexpressão em um mundo saturado pelo consumismo e pela superficialidade. “O prego que se destaca é martelado”.

Níveis de dedicação assim não são únicos do jiluka, mas são um fenômeno generalizado no gênero Visual Kei: os fãs não medem esforços para comprar produtos, como fotos polaroid (cheki) de 500 ienes de seus membros favoritos. A camaradagem entre fãs e artistas na comunidade Visual Kei é encorajadora, embora sublinhada pelas quantias desconfortáveis de dinheiro que

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um fã é forçado a dedicar à banda.

Assim como no Punk britânico, a comercialização parece desagradável.

Em vez da massificação do Punk, os fãs de Visual Kei assumem pesadas cargas financeiras para apoiar uma banda, deixando a sobrevivência de seus artistas favoritos dependente de um pequeno grupo de seguidores leais.

Esse sacrifício financeiro produz uma hierarquia distinta entre os fãs. Os mais dedicados afirmam superioridade sobre os fãs mais novos, ocupando os melhores lugares mais próximos ao palco, exibindo suas camisetas e bottons da banda como um símbolo de senioridade. Se um novato tenta se aproximar da frente, é discretamente empurrado de volta para a multidão.

Essa hierarquia rígida e não verbal reflete desconfortavelmente a dinâmica senpai-kōhai (sênior-júnior) da cultura corporativa japonesa, minando a atitude não-conformista do

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Visual Kei. A atmosfera dos shows também é muito mais sóbria do que a de seus equivalentes britânicos; em vez de intensos mosh pits e multidões empurrando, os fãs de Visual Kei balançam a cabeça em sincronia e aplaudem em uníssono à música.

Embora seja inegavelmente poderoso se destacar em meio a uma maioria vestida de bege, há pouco além daquela filosofia originalmente “visual” a ser encontrado no Visual Kei. Meu momento mais desconfortável como fã de Visual Kei me forçou a encarar o conservadorismo escondido na subcultura. Em um taiban, assistindo a um show de bandas desconhecidas, percebemos hoodies com a ‘Bandeira do Sol Nascente’, símbolo ligado ao imperialismo japonês. Quando os artistas subiram ao palco, vestiam uniformes brancos e dourados dos oficiais navais.

Imediatamente nos afastamos, perturbados pela romantização dessa imagem. Era estranho ver os outros espectadores indiferentes, balançando a cabeça como se nada estivesse acontecendo. Não sabíamos se eram imperialistas ou se viam aqueles emblemas como moda. Essa reação destacou um problema na subcultura: uma estética “visual” que parece ignorar um protesto político real.

Quando a discussão se resume a uma imagem superficial, ignoram-se implicações sociais e políticas que em teoria deveriam ser fundamentais.

Esse episódio me fez perceber que, @zinerole

mesmo em uma subcultura ousada, pode haver falta de consciência mesmo em uma subcultura ousada, pode haver falta de consciência crítica sobre o que essas imagens representam. É um alerta sobre como a estética pode desviar a atenção de realidades históricas que não podem ser ignoradas.

Claramente, nem o Punk britânico nem o Visual Kei japonês são perfeitos.

Seja pela massificação e estética do Punk ou pela intersecção entre finanças e amizade no Visual Kei japonês, as subculturas tiveram que se agarrar ao capitalismo para sobreviver. O Punk britânico dos anos 70 quanto o Visual Kei japonês contemporâneo ainda podem proporcionar um meio de autoexpressão. Vestir-se no estilo delas é uma forma de não-conformidade e conexão com uma identidade coletiva, desafiando normas sociais e dogmas.

Mais do que estética, são espaços de liberdade e criação em meio ao ruído da conformidade.

gótico

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André Zuliani

conheça Emily Armstrong, nova vocalista do Linkin Park Emily confessa medo em chegada ao Linkin Park:

como você foi convidada a se juntar ao Linkin Park?

Eu estava gravando músicas e produzindo com eles no estúdio.

Em um certo momento, o Mike Shinoda me abordou e disse “Ei, temos alguns shows chegando e grandes festivais.

Achamos que você seria ótima para cantar as músicas antigas.

Estamos amando o que você faz.”

Eu fiquei muito empolgada, mas, ao mesmo tempo, não sabia como reagir.

e como foi sua reação a esse convite?

Eu já tinha conversado com minha banda, o Dead Sara, e eles me apoiaram totalmente. Depois, tentei voltar ao trabalho normalmente, mas a empolgação era tanta que comecei a sentir uma ansiedade absurda. Fiquei pensando “Isso é real?”

Por três dias, mal conseguia acreditar que minha vida ia mudar.

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@zinerole

entre um rolê e outro

você sentiu algum medo ou insegurança?

quais são suas expectativas para essa nova turnê?

Sim, foi muito intenso. Tentava parecer tranquila, porque o pessoal do Linkin Park foi super calmo e acolhedor. Mas, por dentro, eu estava em pânico! Foi uma mistura de emoções, mas no final tudo se encaixou.

A expectativa é enorme! A turnê passará por várias cidades icônicas, e estou animada para levar essa nova fase do Linkin Park aos fãs. Vai ser uma experiência inesquecível.

e como você se sentiu depois de aceitar o convite?

É muito promissor. Estamos todos muito focados e animados para mostrar o que estamos criando. A química entre nós é ótima, e o Linkin Park está de volta, mais forte do que nunca.

Foi como voltar a um “mundo dos sonhos”. Eu sabia que minha vida seria diferente, mas de uma maneira incrível.

O apoio deles me ajudou a me sentir pronta para essa nova fase.

como foi sua participação no lançamento do novo álbum?

Foi uma experiência única. Eu me envolvi totalmente no processo criativo, e o álbum reflete isso. Estamos super empolgados com o lançamento e com a turnê que virá a seguir.

gótico

Emily tocando em show da turnê

e como você vê o futuro?

O que você trouxe da sua experiência no Dead Sara para o Linkin Park?

No Dead Sara, sempre exploramos intensidade e vulnerabilidade, e trouxe essa mesma abordagem para o Linkin Park. Eu queria honrar o legado da banda, mas também adicionar um pouco do meu próprio dna musical.

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Corey Taylor

10 álbuns que você precisa ouvir!

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só o melhor do rock direto para você

Closer

Pornography

Joy Division

The Cure

In the Flat Field

Junkyard

Bauhaus

The Birthday Party

@zinerole

+10

gótico

Clan of Xymox

Tender Prey

Clan of Xymox

Nick Cave and the Bad Seeds

Phantasmagoria

Deep

The Damned

Peter Murphy

Juju

Floodland

Siouxsie and the Banshees

The Sisters of Mercy

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bora conversar?

Ana Flores

se prevenir é o melhor caminho a escolher

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saiba como protejer sua saúde reprodutiva Quando se trata de contracepção, há uma série de opções que atendem a diferentes necessidades e estilos de vida. Para quem busca praticidade, os métodos hormonais como a pílula anticoncepcional, a injeção e o implante oferecem eficácia e conveniência. Já os métodos de barreira, como o preservativo, além de evitar a gravidez, protegem contra doenças sexualmente transmissíveis, sendo ideais para quem busca segurança adicional.

O diu é uma boa opção de longa duração, disponível nas versões hormonal e de cobre. Já para quem prefere métodos naturais, a tabelinha e o método da ovulação permitem controle, mas não protegem contra dst.

Em casos de relações desprotegidas, a pílula do dia seguinte e o diu de emergência podem ser usados como prevenção.

Escolher o método contraceptivo ideal depende das necessidades individuais e deve ser feito com orientação. A informação é a chave para tomar decisões seguras e responsáveis sobre sua saúde. @zinerole

estrela 10 um relógio que corre rápido demais

22 o esforço criativo

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 quiz!

32 bora conversar?

eita coisa boa

na cultura otaku

um re corre rápid

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elógio que do demais

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o esforço criativo na cultura otaku

conhecendo o rolê

É com entusiasmo que apresentamos a primeira edição dedicada à subcultura otaku! Neste número, mergulhamos no fascinante universo dos animes, mangas e a paixão que une milhões de pessoas ao redor do mundo. Através de um olhar mais profundo e crítico, exploramos um pouco da história e filosofia por trás dessa subcultura, mexendo com as suas certezas.

Esperamos que você, caro leitor, encontre aqui um convite para se reconectar com sua própria expressão e para experimentar o mundo sob uma nova ótica. A rolê é um espaço de celebração e questionamento, uma zine feita por pessoas curiosas e para pessoas que não têm medo de explorar e reinventar.

Cahwho

Carolina Lima, cosplayer brasileira apaixonada por animes, mangás e games. Nesta edição, ela traz sua visão única sobre a subcultura otaku, enriquecendo o universo da zine com o seu grande talento e criatividade.

Eric Araki

feat.

É o importante country manager do Pokémon GO no Brasil. Nesta edição, ele compartilha sua visão sobre o jogo, sua conexão com a comunidade e o Carnaval do Amor.

Marcelo Campos

É um dos dubladores mais renomados do Brasil, conhecido por dar voz a personagens como Goku em Dragon Ball Z e Sonic. Com mais de 30 anos de carreira, ele é um ícone no universo otaku e na cultura pop.

Wagner Massaki

cultura e culinária japonesas marcaram São Paulo o Brasil tem a maior população nipônica fora da nação asiática

quando?

19h às 23h

onde?

Rua Lisboa, 55, Cerqueira César

quanto?

A partir de R$200

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@zinerole

Os primeiros imigrantes vieram para o país no início do século passado, quando o Japão passava por uma crise em virtude da transição do regime feudal para a modernidade. O Brasil, por outro lado, necessitava de mão de obra, especialmente após a Itália proibir a imigração subsidiada de seus cidadãos.

Assim, em 1908, desembarcavam no país as primeiras 165 famílias de japoneses. Este número só cresceu com o passar dos anos. Para se ter uma ideia, em 1940 ele já chegava a 179 mil pessoas, 75% deles concentrados em São Paulo.

A imigração japonesa teve um impacto significativo na cultura e na economia brasileira, trazendo inovações que se tornaram parte do cotidiano do país. Entre as contribuições mais notáveis estão frutas como a maçã Fuji e a mexerica poncã, que ganharam espaço nas mesas brasileiras, além de popularizar o jiu-jítsu.

Para quem busca uma experiência única de culinária japonesa em São Paulo, o restaurante Jun Sakamoto é uma escolha imperdível. Comandado pelo renomado chef Jun Sakamoto, o local oferece um menu exclusivo que valoriza cada ingrediente, destacandose pelos delicados niguirizushis de atum gordo, cavalinha e lula polvilhada. Em um ambiente intimista e sofisticado, a experiência no balcão com o próprio chef é incomparável, ideal para os apreciadores da alta gastronomia japonesa que buscam qualidade e autenticidade em cada detalhe.

otaku

topntp

qual a boa?

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Mauro Rucovsky

a erótica da resistência antineoliberal e além!

um relógio que corre rápido demais

m aglomerado de significados se dissipa.

Durante os protestos de 2019 no centro de Santiago do Chile e ao redor da Plaza Dignidad, há muitos componentes envolvidos: bandeiras, cartazes e slogans, ativismo e militância, comunidades, nações, sociedades, cosmopolítica e outros mobiliários ontológicos, formas com contornos definidos e estáveis, outras imperceptíveis e porosas. Os oradores cantam refrões de Víctor Jara, Los Prisioneros, Bella Ciao, Quilapayún, Inti-Illimani ou o povo unido nunca será derrotado. As tradições políticas da esquerda, suas performances e suas normas erótico-sexuais profundamente enraizadas. As formas de protestar, de territorializar o espaço público e os códigos culturais implícitos neste legado: uma certa masculinização expansiva e branca das ruas, das marchas e comícios. Essa cultura esquerdista, seus códigos culturais, estereótipos normativos e genealogia erótica são tomados por uma agitação transbordante, uma dança molecular: coreografias e muitos passos de dança, um penteado otaku e drag de Cosplay, apetrechos de mangá, broches, cabelos tingidos fluorescentes e muitas referências a animes.

Um senso de si é legitimado, a canonização da alta cultura, a hegemonia da arte moderna e do establishment estético, ou suas versões

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alternativas mais experimentais (em algum último bastião do requintado e os nichos isolados do kitsch). Ou dentro dessa tradição, a cumplicidade da cultura esquerdista vernacular que desacredita essas práticas por sua falta de comprometimento político com a realidade. Mas aqui o gesto é diferente.

Como vemos nos óleos de Wladymir Bernechea, nas pinturas de Marco Arias ou na performance mapuchequeer Millaray Calfuqueo Aliste: Nombre para un posible nacimiento, [Millaray Calfuqueo Aliste: Nome para um possível nascimento] de Sebastián Calfuqueo Aliste. Um gesto menor, mínimo, ou quase gesto. Iconoclastas da cultura herdada, do mundo do espetáculo, do massivo e do degradado, uma arte desvalorizada e minorizada; não há investimento oponível, mas as memórias compartilhadas que habitam em algum lugar na corrente cultural subterrânea. Inversamente, o gesto @zinerole

Esta é uma maneira de escapar da submissão

otaku

é amplificar e engrandecer o pop (ou melhor, seu retorno recursivo, o pós-pop), exagerá-lo, usá-lo perversamente ou paranoicamente.

Esta é uma maneira de escapar da submissão, de olhar por cima do ombro da cultura legitimada que foi o problema ao longo da história recente: toda uma micropolítica subterrânea da arte que confronta o sensorium neoliberal e a gramática emocional do neocolonialismo predominante.

Nas ruas e barricadas, um laboratório; nas largas avenidas, praças e slogans, saídas, submissão e blasfêmias ao ar livre. Abrindo um beco sem saída, aquele clima de exaustão estilística e fadiga erótica, desobstruindo-o. Mas para isso era necessário amplificar o anime pop até o absurdo, até a comédia, para transformá-lo em slogan, canto e traje, para depois transformá-lo em arte popular e, portanto, pop.

Outra agência erótica emerge do imaginário midiático regional de Abya Yala e do sul periférico, do Chile e dos corpos marrons, tão multicoloridos quanto massivos (um possível nome: otaku pós-pop), um erotismo indígena.

Mapuche e Rapa Nui, gênero descolonizado, são os hueye, os curandeiros machi e os xamãs weye ou weyun (parentes de Claudia Ancapán Quilape e Sebastián Calfuqueo Aliste).

Uma tradição sobreposta à outra, o Chile pós-ditadura, os espectadores dos anos 1990 e 2000. Embora as linhas temporais se esfreguem em

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repositório de imagens e se entrelacem em coligações insuspeitas. As tribos urbanas de Pokémon dos anos 2000, a Revolução dos Pinguins dos estudantes que usaram o Fotolog em 2006, Sailor Moon pulando as catracas do metrô durante os movimentos estudantis de 2011 e o ressurgimento desses códigos adolescentes desterritorializados como uma bandeira popular dos protestos de outubro de 2019.

Há um antecedente histórico nas xilogravuras ukiyo-e do período Edo (com cenas de sexo explícito conhecidas como shunga) ou os possíveis relacionamentos sexuaisemocionais entre dois ou mais personagens, sejam eles humanos, animais, não humanos, alienígenas, robôs, seres com tentáculos e deuses, seres anômalos e liminares. É sobre a produção animada japonesa, as histórias em quadrinhos e mangás

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que foram a senha de uma geração inteira para a diferença sexo-gênero e um mundo antinormativo, muito antes da massificação da internet (e da teoria queer e pós-pornô), farejando entre identidades maleáveis ​​(como na série Ranma ½ ou Cardcaptor Sakura) e exposição sexual aceitável, fitas VHS tocadas em televisores comprados a crédito como resultado do endividamento social.

Das televisões às grandes avenidas, uma política cultural que se move pela tela da sala de estar ao museu, ou uma tecnologia do corpo 54 erótico que viaja das telas, museus e ruas para qualquer território. Os coletivos Otaku Feminista Antifascista e Otakus Antifascistas L7 Ñuñoa são formados a partir do calor da convulsão popular (Lute como Marinheiro ou Femininjas juntas — lutemos contra as forças do mal). Com interpretações multicamadas, Pikachu, o épico de Neon Genesis Evangelion, e Tsunade Senju (a deputada Pamela Jiles que se transforma em avó Hokage em referência ao universo de Naruto) Joo eAnime, otaku, hentai e mangá, ferramentas para a fuga coletiva, uma sensibilidade artística que expressa um mecanismo de resistência, o poder da ingenuidade e da ternura que se desdobra como um fluxo corrosivo.

Imediatamente, em um ritmo intensivo e em um ritmo acelerado de vertigem, as tradições disponíveis se tornam ultrapassadas e desmobilizadoras.

Esquerdistas legitimados, ativismo gay@zinerole

Hentai, ferramentas para a fuga coletiva friendly e recursos culturais progressistas batem em uma parede.

Sua estética é tão suave quanto policromada e, acima de tudo, deserotizante; eles não aquecem mais e agitam os corpos. Aqui o queer e sua experimentação pós-pornô, também é um catálogo da branquitude colonial porque as condições revolucionárias são outras. Um outro termostático. Para isso: encontre seu próprio ponto, seu jargão, seu terceiro mundo, sua promessa de monstros. Montagem e desvio, o anime pós-pop chileno é carregado de chakra/ki/nen. Um traço alternativo que faz furos, um traço oriental nipônico, uma espécie de exotismo orientalista que irrompe, mas sem história prévia ou longas genealogias ou uma narrativa contínua que não seja a educação sentimental disponível.“Para ver claramente, o melhor é se trancar em um quarto escuro”, diz a escultora Leonora Pardo.

otaku

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Para ver claramente, o melhor é se trancar

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E acrescentamos: “Para ver claramente, o melhor é se trancar em um quarto escuro e olhar um mangá”.

Os ninjas pós-pop são, aqueles que percebem na noite mais escura através da decepção. Assim, o impacto do anime na educação sentimental dos artistas (como pedagogia cultural disponível) implica uma forma precisa de coletivizar o descontentamento.

Uma mudança no imaginário político ocorreu, no nível da sensibilidade e das tradições visuais (capacidade de vibrar os corpos), do erótico sexual-afetivo e dos slogans e discursos articulados.

Voltando a outras superfícies, a textura do otaku se torna uma linguagem pública. O mangá e o anime funcionarão como um desmantelamento, uma análise e um prognóstico de forças e correntes sociais. Prosperidade e abertura, consumismo alimentado pelo crédito e pela infeliz dívida — a fórmula para a aceleração neoliberal no Chile no final do século — precede e arrasta o genocídio colonial em curso.

Um curto-circuito dentro do sensório neoliberal compartilhado, o otaku pós-pop se constituiu como um modo de desvio da subjetividade caucasiana ocidental. Em vez de refletir um humor da sociedade de seu tempo, ele apresenta uma realidade dentro de um aglomerado de significados um tanto dissipador. Não há boas intenções nelas, apenas a criação de fluxos, dispersão de estratos e a vitalidade da força; trata-se, na verdade, de @zinerole

aumentar o poder enfrentando a própria desilusão — reivindicando o fracasso e a depressão sofrida.

A aspereza do fracasso abre rachaduras profundas em uma vasta planície árida, expondo a fragilidade que nos constitui. Fracassar, perder, ficar deprimido, se isolar, não se tornar e não participar. Essas experiências se chocam com o que é entendido pela sociedade como sucesso e desejo pelo futuro, elementos que constantemente nos empurram a perseguir uma sonhada vida próspera. Entre nós, um erótico plantou nos corpos algo tão episódico quanto passageiro: caprichos e fantasias que, por sua natureza, oferecem não apenas consolo, mas também uma maneira de habitar a escuridão de forma mais criativa, cooperativa e, quem sabe, de certa forma transformadora.

Esses momentos de reconstrução, mesmo em meio ao caos, revelam formas inesperadas de existir.

otaku

um quarto escuro e olhar um mangá 17

Megan Peters

Tower of God apresenta nova música do Stray Kids a segunda temporada de Tower of God está chegando com tudo

O K-Pop não tem um representante de anime em termos de música recebendo uma série com foco na indústria em si, mas bandas e artistas do gênero musical estão se aproximando mais do mundo do anime.

Nesse outono, uma das maiores bandas de K-Pop está pronta para retornar a uma série de anime que ajudou a boy band a começar, enquanto The Stray Kids retorna a Tower of God para sua segunda temporada.

Para aqueles que ainda não tiveram a chance de conferir Tower of God, a primeira temporada e os episódios atuais da segunda temporada estão disponíveis para transmissão no Crunchyroll. A história em si se concentra em participantes de anime tentando escalar uma torre que lhes concederá seus desejos mais loucos caso cheguem ao topo. A segunda temporada abalou um pouco as coisas, pois se afastou do protagonista

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@zinerole

principal da primeira temporada, Bam, e agora acompanha o novato Ja Wangnan enquanto ele conhece um novo aliado em potencial em Viole.

A nova música tema de Tower of God, intitulada Night, chegou trazendo uma abertura marcante para a série.

A faixa começa com um ritmo suave e atmosférico, preparando os fãs para mergulharem no arco da Batalha da Oficina, um dos mais intensos da história. No entanto, a música não permanece nesse tom por muito tempo. À medida que progride, ela ganha força, explodindo em um refrão poderoso que exibe toda a energia característica do Stray Kids. Com vocais profundos, um riff de guitarra viciante e uma produção impecável, Night carrega a essência do grupo de K-pop, tornando-se uma adição obrigatória à playlist de qualquer fã. Se você ainda não adicionou essa música à sua fila no Spotify, é melhor se apressar, porque ela já está conquistando o público.

Tower of God se une ao Stray Kids, claro, e essa colaboração de anime não é a primeira que o Stray Kids faz.

O grupo de K-pop trabalhou na primeira temporada de Tower of God, se você se lembra. O single top foi um sucesso em seu lançamento, encantando tanto os fãs do anime quanto do grupo, e agora o Stray Kids está dando continuidade com Night. Essa nova faixa não só reafirma a força da parceria, mas também destaca o impacto que a combinação de anime e K-pop pode ter em audiências globais.

otaku

JYP entertainment

aumenta o som!

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Azrin Tan

a influência do anime no cenário da moda interseções nos mundos da anime e nossos mundos de alfaiataria

Os reinos da moda e do anime compartilham os mesmos espaços há muito tempo, até mesmo interagindo voluntariamente um com o outro na forma da recente onda de colaborações inesperadas da moda ou da cultura cosplay em constante evolução. Seria difícil não notar a atração crescente que as casas de luxo têm tido pela animação japonesa nos últimos anos. Da cápsula Gucci x Doraemon à coleção Spirited Away da Loewe, e o desenvolvimento mais recente da Balmain trabalhando com o instantaneamente reconhecível.

Mas vá um pouco mais fundo e talvez alguém possa ver como certas séries de anime tiveram um papel ainda maior a desempenhar no impacto das roupas que os jovens estavam vestindo. Dois animes shoujo em particular — Sailor Moon (1992) e Nana (2005) — foram mais influentes sobre os estilos de jovens adolescentes do que se poderia

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@zinerole

o brilho do rolê

esperar. Direto de uma cápsula do tempo dos anos 90, o início de Sailor Moon na mídia ocidental remonta a 1995, quando a edição dublada das expedições das Sailor Scouts estreou na televisão aberta. E entre lutar contra monstros, sair umas com as outras e ir à escola, as meninas Sailor estavam dominando seu estilo pessoal.

E embora a tripulação do Sailor possa ter inspirado a estética casualmeets-preppy dos anos 90, outra personalidade altamente influente viveu em Nana Osaki, de Ai Yazawa.

Uma das duas principais protagonistas da série de mangá que virou anime intitulada Nana, ela era o epítome do que toda garota punk-gótica queria ser. As roupas de Nana eram frequentemente espelhadas nas passarelas de Vivienne Westwood: uma propensão para bustiês de espartilho, meias rasgadas por baixo de blazers xadrez plissados ​​e as plataformas

otaku

‘Rocking Horse’ exclusivas de Westwood constituíam uma parte substancial de sua rotação de roupas, combinando com seus lábios frios e vermelho-vinho e sombra borrada que lhe davam a intriga da artista excêntrica encontrando seu caminho na sociedade japonesa. Era uma estética que a encorajava das sombras: visionários românticos, artistas com sensibilidades emocionais e garotas incompreendidas admiravam Nana.

Então, à medida que os mundos do anime e da moda continuam a se misturar cada vez mais, podemos esperar que o reino das colaborações criativas das casas de moda com a animação japonesa se expanda ainda mais — especialmente com o espaço cada vez maior para a arte visual proliferar nas passarelas. Afinal, está o palco ilimitado para a arte e o estilo ecléticos se desenrolarem. Onde os monstros podem falar, o cabelo rosa chiclete e suas roupas podem ser tão fantásticas quanto você quiser.

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Kristine Santos

uma cultura de resistência e identidade no Japão

o esforço criativo na cultura otaku

omo educador de estudos japoneses, frequentemente encontro alunos navegando em seus apegos ao Japão, particularmente como eles se relacionam com seus produtos culturais, como anime e mangá. Alguns com as brincadeiras dos colegas que se referem a eles como weeaboo na expressão de seu interesse em anime e mangá. Alguns se orgulham de seu vasto conhecimento do Japão e se identificariam facilmente como japonófilos. Curiosamente, nos anos em que lecionei, nenhum dos meus alunos se identificou abertamente como otaku. Isso não é uma surpresa.

Afinal, a palavra otaku carrega um estigma negativo nos discursos de mídia social, informados por vários artigos que associam essa cultura à perversão e pornografia.

Otaku and the Struggle for Imagination in Japan é um texto oportuno que responde à enxurrada contínua de recursos e discursos que perpetuam uma compreensão paranoica dos fãs japoneses que são intimamente ligados e afetados por mídias populares como anime e mangá. Esses fãs são chamados de otaku, um termo e cultura que Patrick Galbraith desvenda completamente ao longo do livro, examinando suas transformações na história e seus impactos no Japão contemporâneo. Como visto no livro de Galbraith, impressões negativas da cultura otaku existem desde a década

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de 1980 no Japão e continuam a persistir em artigos de notícias globais que difamam os interesses e práticas dos otakus. Em resposta a afirmações que perpetuam a desconfiança da cultura otaku,Otaku and the Struggle for Imagination in Japan oferece contra-argumentos críticos, usando entrevistas importantes com pessoas relacionadas à cultura otaku e vários exemplos significativos que desvendam os vínculos afetivos e as expressões dos otakus por meio de uma lente mais ampla, se não reparadora.

Crítico para o livro de Galbraith é seu uso da teoria queer para examinar a cultura otaku. Ao usar a teoria queer, Galbraith espera entender o otaku como uma crítica ao que é normalizado e nacionalizado, especialmente quando se trata de processos, práticas e resultados imaginativos que operam fora do que é percebido como normal. A imaginação é central

Galbraith ilustra seu estudo sóciohistórico

@zinerole

“otaku” carrega um estigma negativo

otaku

para este livro. Galbraith explora a imaginação dos otakus para entender suas aspirações, desejos e lutas na negociação de suas fantasias no mundo real. Galbraith também analisa a falta de imaginação em sistemas e pessoas que imediatamente colorem as fantasias otakus como estranhas e obscenas. Por fim, Galbraith convida os leitores a terem uma imaginação aberta, que acolha o imenso potencial da imaginação otaku.

Através de sete capítulos, Galbraith conduz seus leitores ao processo de criação da paisagem cultural que a imaginação, a identidade e a cultura otaku ocupam no Japão. O livro fornece imagens impressionantes que ilustram a imaginação dos otakus, imergindo os leitores em seus apegos afetivos e suas várias transformações.

Do icônico Lum de Urusei Yatsura aos manifestantes de empregadas domésticas em Akihabara, Galbraith ilustra como seu estudo sócio-histórico da cultura otaku negociou ativamente mundos reais e fictícios nos últimos quarenta anos.

De muitas maneiras, esses capítulos refletem muito a jornada antropológica de Galbraith enquanto ele navega pela cultura otaku. Os leitores veêm suas reflexões enquanto ele processa as imagens, práticas e espaços que navegam em mundos imaginados e reais. O último capítulo é um resumo pungente de suas reflexões, que captura os desafios que acadêmicos, escritores e mesmo fãs da cultura

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popular japonesa enfrentam ao lidar com uma cultura complexa que navega fluidamente entre fantasias e realidades e é cada vez mais utilizada e higienizada para propósitos nacionais, ao mesmo tempo em que é denegrida em conversas locais e globais.

Processar a cultura otaku exige mente aberta, sensibilidade e respeito. Por meio deste livro, Galbraith lidera pelo exemplo. Otaku mostra a possibilidade de lidar com a luta pela imaginação e seus impactos sociais e políticos afetivos com empatia. O cuidado que Galbraith coloca em lidar com questões íntimas em Otaku é louvável.

Embora possa parecer que tudo sobre a cultura otaku foi abordado neste livro, Galbraith ainda deixa espaço para mais perguntas. Por exemplo, a representação esparsa de mulheres otaku abre oportunidades para explorar as negociações de mulheres otaku com as imaginações

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femininas vistas dentro da cultura otaku. Ele deixa curioso sobre as lutas que as mulheres otaku enfrentam ao se envolver com imaginações como bishōjo e lolicon ao lado de noções normativas de feminilidade. Embora figuras femininas icônicas na cultura otaku, como Takahashi Rumiko e Momoi Halko, tenham sido mencionadas, estou pessoalmente curioso para saber se as mulheres têm uma presença duradoura e mais bem-sucedida em um espaço cheio de mulheres imaginadas. Este livro também convida os leitores a refletir sobre as maneiras como a cultura de fãs japonesa foi adotada e adaptada fora do Japão e se essas comunidades de fãs vivenciam lutas semelhantes pela imaginação. No mínimo, o livro serve como um trampolim valioso para estudos posteriores sobre culturas de fãs na Ásia e além.

Otaku and the Struggle for Imagination in Japan não é apenas para fãs anglófonos de anime e mangá que buscam uma compreensão mais profunda da cultura otaku. Em vez disso, este livro é útil para um público muito mais amplo, de jornalistas que lidam com tópicos culturais asiáticos a educadores e estudantes de cultura japonesa ou asiática; estudos culturais, de mídia ou de gênero; sociologia; e estudos de fãs. Este amplo público pode apreciar a abordagem ousada do livro em se envolver ativamente com os estigmas que os cercam e sua cultura, oferecendo uma perspectiva queer que @zinerole

ranma

processar a cultura otaku exige mente aberta busca compreender identidades, sexualidades e práticas que navegam para muito além, longe do que é percebido como normal do que vemos no cotidiano.

Específico para estudos de fãs, o livro se apresenta como um exemplo relevante das lutas e transformações das culturas de fãs, especialmente à medida que essas comunidades se envolvem cada vez mais em políticas locais, nacionais e transnacionais de forma profunda e necessária.

Ele revela uma faceta de uma comunidade de fãs que, enquanto imersa em seus mundos imaginados, não apenas consome, mas também age ativamente em relação a diversas questões políticas, sociais e culturais.

Essa dinâmica mostra como os fãs não se limitam a ser receptores passivos, mas se tornam agentes engajados em moldar narrativas e discursos dentro e fora de seus universos fictícios.

otaku

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Lauris Kitty

dois dos maiores nomes de Pokémon GO no Brasil como o Pokémon GO vem alavancando cada vez mais em novo país!

Com uma comunidade maior, coo são os eventos de Pokemon Go? É incrível. Desde 2017, temos grupos organizados que se reúnem, e nosso papel na Niantic é apoiar essas comunidades, entendendo suas demandas e ajudando-as a crescer.

Um exemplo é o projeto Club Campfire, ativo em 65 cidades do Brasil e que conecta quase 20 mil jogadores mensalmente nos Dias Comunitários.

Enviamos kits, brindes e melhoramos a experiência para promover esses eventos. É gratificante ver tantas famílias inteiras participando e jogadores de todas as idades se encontrando e se divertindo.

Como é o processo de criação de eventos específicos?

A Niantic aprende muito com os fãs locais. O Carnaval do Amor nasceu assim: percebemos que o Valentine’s Day não funciona tão bem aqui, então

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@zinerole

Pokemón GO

entre um rolê e outro

adaptamos, misturando amor e carnaval.

Foi uma celebração única, muito bem recebida pela comunidade. Criar conteúdo exclusivo para brasileiros gera um engajamento único, comono filme de Pokémon GO produzido e filmado no Brasil, que trouxe a música de Pokémon com batida de funk.

Como sua experiência na revista Pokémon Club influencia seu trabalho hoje?

Trabalhei como editor na Pokémon Club desde 2000, e organizar eventos era um grande desafio, pois tudo era mais complicado na época. Hoje, ver o crescimento de Pokémon no Brasil, com campeonatos e milhões de jogadores, é gratificante. Recentemente, percebi o impacto desse trabalho quando um jornalista comentou que aprendeu a ler com a Pokémon Club. Esse legado é muito especial para mim, e eu sou grato de poder ter participado disso tudo.

otaku

Sobre o Ginásio físico na Paulista, como foi o planejamento?

Sempre quisemos um ginásio no Brasil, similar aos dos eua e Japão. Criamos uma estrutura de 8 metros, que muda de cor conforme o time que domina o ginásio no jogo. Queremos que os jogadores brasileiros vivam essa experiência única nesse espaço. É um projeto complexo mas que com certeza terá impacto na vida dos fãs.

Como ocorre a expansão do Club Campfire para outros países?

Selecionamos os países com base no engajamento local. O Brasil foi o ponto de partida por sua forte comunidade, seguido pela América Latina e Sudeste Asiático. Cada projeto é adaptado à cultura local, com logos e elementos icônicos de cada país, oferecendo uma experiência única personalizada para cada jogador, fator que consideramos essencial para os projetos.

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o quão boa é sua memória de One Piece?

6. Issho (Fujitora) 7. Buggy 8. Zoro 9. Koby

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1. Zoro 2. Luffy 3. Ivankov 4. Sanji 5. Usopp

José Silva

você sabe qual personagem de One Piece disse isso?

@zinerole

quiz!

1. “Cicatrizes nas costas são a desonra de um espadachim.”

Rayleigh Mihawk

Shanks Zoro

2. “Ficar sozinho dói mais do que se machucar!”

Luffy Chopper

Ace Sabo

3. “Milagres só acontecem com aqueles que nunca desistem!”

Nami Robin

Bell-mere Ivankov

4. “Não importa se um milhão de pessoas a acusem, eu... Eu acredito nas lágrimas de uma mulher!”

Momonosuke Brook

Buggy Sanji

5.“Eu serei seu herói lendário agora!”

Usopp Franky

otaku

Roger Yamato

6. “Se perdemos a credibilidade ao admitir falhas, que credibilidade temos, afinal?!”

Issho (Fujitora) Sakazuki (Akainu)

Borsalino (Kizaru)Sengoku

7. “E queremos sacudir o mundo com a chegada de um novo herói.”

Buggy Shanks

Oden Kid

8. “Se eu inventar uma desculpa, alguém vai aparecer para nos salvar? Se eu morrer, será testando os limites de quem sou!”

Law Zoro

Kid Sanji

9. “É um mar onde se reúnem aqueles que abrirão os portões da nova era. Aquele que conquistar este mar será o Rei dos Piratas.”

Sabo Koby

Ace Shanks

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bora conversar

Alice Soares

corpo em guerra: os transtornos alimentares

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além do peso, um reflexo distorcido da mente e do corpo Os transtornos alimentares vão além dos comportamentos alimentares em si. Eles são uma manifestação de uma relação complexa com a comida, o corpo e as emoções, e entender essencial para a recuperação.

No aspecto psicológico, os transtornos alimentares se tornam desafiadores. Para muitas pessoas, a alimentação se torna uma forma de lidar com emoções difíceis, como ansiedade, estresse e baixa autoestima. A anorexia pode ser uma maneira de sentir controle em meio a uma sensação de falta de poder sobre a vida. Na bulimia, os episódios de compulsão seguidos de purgação são uma forma de lidar com sentimentos de culpa e vergonha. E, na compulsão alimentar, o comportamento age como um mecanismo de contra um vazio emocional e sensação de perda.

Se você está enfrentando um transtorno alimentar, é fundamental buscar ajuda. A recuperação é possível e envolve, acima de tudo, cuidar da saúde emocional e física, sem se prender a padrões de beleza que não definem o seu valor. @zinerole

estrela 10 como o skate ajuda a vivenciar a cidade

22 mulheres f*das

tempero 08 qual a boa?

18 aumenta o som!

20 brilho do rolê 28 entre um rolê e outro 30 +10 32 bora conversar?

eita coisa boa

nas pistas de skate

como o skat vivenciar

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te ajuda a r a cidade

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mulheres f*das nas pistas de skate

conhecendo o rolê

Nesta edição, celebramos o skate não apenas como esporte, mas como uma subcultura que transforma a cidade em um grande playground.

O skate vai além das manobras e picos, é uma forma de explorar, se conectar e viver intensamente o ambiente urbano. Falaremos sobre a crescente presença das mulheres no skate, moda streetwear, a relação do skate com a música e tudo que você precisa para se integraro.

Esperamos que você, encontre aqui um convite para se reconectar com sua própria expressão e enxergar o mundo sob uma nova ótica.

A rolê é um espaço de celebração e questionamento, uma zine feita para pessoas curiosas e corajosas.

colaboradores

Gabriel Fortunado

Um skatista brasileiro de destaque, reconhecido por seu estilo técnico e criativo nas ruas e pistas. Inspirando a nova geração, representa marcas importantes e encanta com manobras consistentes e fluídas.

Giovanni Vianna

Profissional brasileiro, reconhecido pelo talento e versatilidade em competições e nas ruas. Inspirando jovens skatistas, se destaca por manobras técnicas e consistência no cenário internacional e nacional.

Kelvin Hoefler

Um skatista brasileiro de destaque mundial, medalhista de prata no skate street nas Olimpíadas de Tóquio.

Reconhecido por sua técnica precisa, brilha em competições como o x Games e a sls.

Marcos Hiroshi

os picos de skate símbolos da cidade conheça um pouco da história de São Paulo e do skate paulista

pátio do colégio

Esse é o ponto histórico onde São Paulo começou, com sua primeira construção em 1554. Hoje, o Pátio do Colégio é um lugar sagrado para skatistas, ideal para manobras de solo.

O chão de mármore com faixas de pedra portuguesa oferece um pop único para as manobras, sendo um clássico.

praça da sé

Com sua imponente catedral neogótica, a praça se tornou um verdadeiro playground para skatistas.

Após a reforma de 1970, que trouxe a estação de metrô, a praça atrai skatistas com suas bordas, escadarias e o icônico monumento “Espaço Cósmico” de Yutaka Toyota, agora valorizado como espaço de manobras.

Hoje, esse monumento não é apenas uma obra de arte admirada, mas também uma plataforma criativa e desafiadora para manobras.

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@zinerole

qual a boa?

pátio do colégio

Com uma vibe que lembra o famoso Embarcadero na Califórnia, o Anhangabaú foi construído nos anos 80 como uma área verde suspensa que conecta pontos icônicos do centro da cidade. Hoje, é um local vibrante para sessões de skate, especialmente em eventos como a Virada Esportiva. A história do vale também se cruza com a de grandes manifestações populares, como as Diretas Já.

avenida paulista

vale do anhangabaú

praça roosevelt

Um dos picos de skate mais emblemáticos do Brasil, a Praça Roosevelt oferece uma diversidade de obstáculos — escadarias, corrimãos, gaps e bordas. Nos anos 2000, passou por uma reforma e ganhou um espaço exclusivo para skatistas, facilitando a convivência entre o público diverso da região, que inclui artistas e frequentadores dos teatros e bares próximos ao ponto.

praça da sé

praça roosevelt

A avenida mais famosa do Brasil é um destino essencial para skatistas, especialmente aos domingos, quando fica fechada para carros. Em 2008, o calçamento foi renovado com blocos de concreto lisos, ideais para o skate. Com várias áreas culturais e um cenário arquitetônico diversificado, a Paulista é o lugar perfeito para explorar obstáculos legalizados ao longo da via e curtir a liberdade de se movimentar em um dos maiores ícones da cidade.

skate

vale do anhangabaú

avenida paulista

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Tulio Ramos

muito mais que um esporte, a cultura do skate abre portas em São Paulo

como o skate ajuda a vivenciar a cidade

abriela Santana é skatista e tatuadora e começou a andar de skate há 10 anos, quanto tinha 14 anos. Murilo Romão além de skatista é videomaker, diretor do documentário Valeros, que registra a mobilização dos skatistas para evitar que a arquibancada de granito do Vale do Anhangabaú fosse destruída pela reforma do local.

Gabriela e Murilo são os entrevistados do episódio do podcast Hackeando a Cidade sobre o skate, um esporte que ajuda a vivenciar a cidade, como eles mesmo explicam.

A presença de skatistas nas ruas de São Paulo vem crescendo nos últimos anos, e o centro de tem pontos tradicionais, como a Praça Roosevelt e o Vale do Anhangabaú. Com a reforma, o Vale ficou ainda mais convidativo para os adeptos do esporte, que se concentram na parte entre a Avenida São João e o Viaduto Santa Efigênia, onde foi instalada uma pista de skate com as pedras que foram retiradas do meio do Vale, durante a reforma. O projeto inicial previa a destruição do antigo ponto de skate, mas a mobilização dos skatistas, que foram conversar com a Prefeitura, impediu que isso acontecesse e as pedras foram retiradas e reaproveitadas no novo local. Um episódio anterior do podcast conta essa história.

Gabriela também conta o que mudou para as mulheres no skate nos

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últimos anos, especialmente após as Olimpíadas e a medalha de ouro para Rayssa Leal, conhecida como Fadinha.

romão sentado na pista

Começo no skate Gabriela começou a andar de skate aos 14 anos. No início, era na rua mesmo, sem muita noção, só descendo ladeiras. Com o tempo, descobriu que existiam pistas de skate e que elas não eram exclusivas para profissionais, o que abriu novas possibilidades.

Também foi conhecendo as diferentes modalidades do esporte. Hoje, morando no centro de São Paulo, perto do Vale do Anhangabaú, considera o local o seu quintal para andar sempre que pode.

Ela reconhece que ser mulher no skate não é fácil, mas acredita na importância de se posicionar e fortalecer outras meninas que compartilham dessa paixão. “É complicado, mas a gente precisa se fortalecer e fortalecer umas às outras”, destaca. @zinerole

skatista manobrando no vale

Murilo começou a andar de skate aos 11 anos, uma idade próxima à da Gabriela. Ele lembra que, nessa época, era comum se apaixonar pelo skate e passar o dia todo envolvido com isso.

Cresceu na zona norte de São Paulo e sua primeira pista foi a Expansão, atrás do Memorial. Sem internet, a cena do skate era conectada por revistas, que tinham um papel essencial na divulgação de informações e ainda permanecem relevantes, mesmo com as mídias digitais.

Por volta de 2008, Murilo começou a filmar com uma câmera digital pequena, daquelas de uso doméstico.

Anos depois, decidiu levar a filmagem a sério, unindo sua experiência no skate com a formação em Rádio e tv. Isso culminou na criação do coletivo Flanantes, que documenta o skate na cidade de forma orgânica, sem compromissos com marcas. “Acho muito legal filmar pessoas que estão na correria do skate, muitas vezes sem patrocínio. Tem gente que vem de longe só para andar no Centro, e registrar isso é importante”, explica.

De onde vêm os skatistas que andam no Centro?

nessa época, era comum se apaixonar pelo skate skate

Gabriela acredita que o Centro de São Paulo atrai skatistas pela sua energia única e por ser repleto de picos históricos e spots diferentes. Quando morava na zona sul, gastava bastante em passagens só para andar em locais como o Theatro Municipal ou o Pátio do Colégio, mesmo que o chão liso

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vale do anhangabaú visto de cima

experienciar a cidade, não apenas em pistas ou clubes fechados, mas em interação com o espaço urbano.

Gabriela reforça que essa vivência vai além do esporte. “Todo dia no Centro é diferente. Conheço alguém novo, vejo algo inesperado. Até os moradores de rua interagem. O skate tem essa energia única, que chama a atenção das pessoas”, diz. Para ela, o olhar curioso que recebem reflete como o skate tem algo especial, que muitos ainda enxergam com fascínio.

não tivesse muito a oferecer. “A energia de andar no Centro me fazia evoluir mais no skate”, conta. Além disso, andar no Centro é vivenciar a cidade: encontrar pessoas, fazer parte da vida ao redor e, ao mesmo tempo, ser uma vitrine para quem observa.

Ela lembra que muitos skatistas chegam ao Centro motivados por vídeos que destacam os picos da região. “A primeira revista que comprei vinha com um vídeo. O Murilo e o Rafael Gomes estavam nele. Quando vi, pensei: ‘Caramba, dá pra andar de skate aí!’”.

Murilo complementa, destacando que o Centro é um ponto de encontro para skatistas de todas as periferias.

“Se perguntar no Vale, vai ouvir gente do Grajaú, Santo Amaro, Brasilândia... É o lugar onde todo mundo se encontra”, afirma. Ele também destaca o conceito do “skate citadino”, estudado por especialistas como Jean Machado, que vê o skate como uma forma de

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Mais do que um esporte, o skate como estilo de vida Gabriela vê o skate como sua melhor companhia, enquanto Murilo destaca como ele carrega elementos culturais como música e arte. “Quantos raps a galera aprendeu assistindo vídeos de skate? Nos anos 90, músicas que estavam começando a bombar lá fora já chegavam aqui pelos vídeos”, lembra.

Ele cita ainda o documentário All the Streets Are Silent, que explora a convergência entre o rap e o skate em Nova York nos anos 80 e 90, mostrando como o esporte reflete diferentes culturas ao longo do tempo.

A arte também é parte essencial desse universo. “Vários artistas famosos estamparam shapes de skate. A gente acaba descobrindo novas artes nas lojas ou por amigos”, comenta Gabriela.

Atualmente, marcas têm aberto mais espaço para colaborações artísticas, trazendo relevância e diversidade.

“O skate não é só esporte.”, conclui. @zinerole

Ocupação da cidade pelo skate e aceitação na sociedade

Murilo vê o skate como uma forma natural de ocupar a cidade, algo que sempre fez parte da essência desse esporte. Nos últimos dez anos, a discussão sobre o “direito à cidade” ganhou força, mas ele acredita que os skatistas já viviam isso muito antes.

“Sempre estivemos na rua, explorando lugares que, muitas vezes, eram perigosos, mas em grupo a gente desbravava”, comenta.

Com o tempo, o skate se tornou mais aceito, mas essa aceitação nem sempre é desinteressada. Ele cita o exemplo do Beco do Valadão, na Faria Lima, onde a presença dos skatistas não durou muito por ser uma área nobre. Em contraste, no Centro de São Paulo, especialmente em regiões mais degradadas, a prática é mais bemvista, muitas vezes como uma forma de afastar outros grupos

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os skatistas precisaram se mobilizar...

marginalizados. “Não dá pra ser inocente com essa aceitação, mas também acho positivo o convite para o skate ocupar esses espaços”, reflete.

Murilo defende que o diálogo é essencial para uma ocupação sustentável e respeitosa da cidade.

Ele menciona o exemplo do deck de madeira na Parada Inglesa, onde sugeriu o uso de madeira plástica para evitar degradação e conflitos. Porém, ele critica a falta de escuta do poder público em projetos como o do Vale do Anhangabaú, onde os skatistas precisaram se mobilizar para serem ouvidos ou então nada muda.

Mobilização no Vale do Anhangabaú A campanha Salve o Vale, liderada por Murilo e Formiga, foi uma mobilização para salvar a escadaria de granito do Vale do Anhangabaú, usada como pista de manobra pelos skatistas. Com o risco de descarte das pedras durante a reforma, eles criaram um vídeo que viralizou e organizaram uma petição online, reunindo apoio da comunidade e de outros interessados na preservação cultural. Apesar das dificuldades em confiar no poder público, o apoio do arquiteto Rafael Murolo, ligado ao skate, foi fundamental para garantir a preservação das pedras, que foram incorporadas ao novo projeto.

O esforço deu resultado: o Vale se transformou em um dos principais pontos de encontro para skatistas na cidade, sempre cheio de energia e vida.

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@zinerole

O local, constantemente movimentado, se tornou mais do que um espaço para manobras — é também um símbolo da cultura do skate, atraindo pessoas de diferentes lugares para compartilhar truques, histórias e a paixão pelo esporte. Murilo faz questão de homenagear Rosa Kliass, paisagista do antigo projeto, destacando a importância de manter viva a memória do espaço. “O Vale antigo era muito especial pra gente, e essa memória ainda vive”, afirma, ressaltando como a união entre skate e mobilização comunitária ajudou a transformar o local em um símbolo de convivência e cultura.

Com isso, skatistas ocupam espaços, transformando a paisagem urbana e espalhando sua cultura pela cidade.

Mais do que praticar o esporte, eles criam um movimento que une arte, estilo de vida e expressão, deixando sua marca em praças, ruas e monumentos, enquanto inspiram novas gerações.

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.... ou então nada muda nunca 17

Marcos Hiroshi

clipes clássicos que unem skate+música artistas que fizeram os videoclipes incríveis com skate

Dinosaur Jr “Over It”

O clipe de Over It (2009) do Dinosaur Jr destaca J. Mascis, vocalista e guitarrista da banda, já com mais de 40 anos, andando de skate enquanto seu dublê assume as cenas mais perigosas, como um tombo memorável aos 2:00.

A direção é assinada por Mike Manzoori, especialista em capturar o skate em sua essência e reconhecido por seu trabalho em Stay Gold da Emerica. Esses videoclipes ilustram a profunda influência do skate sobre grandes artistas, ao mesmo tempo que mostram como a música molda a personalidade dos skatistas. Essa união entre música e skate segue criando clássicos inesquecíveis, perpetuando uma conexão única e celebrando a fusão vibrante desses dois universos. Essa parceria entre música e skate não apenas ressoa nos videoclipes, mas também inspira uma geração de jovens.

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@zinerole

aumenta o som!

Possessed To Skate do Suicidal Tendencies, lançada em 1987, se tornou um hino do skate. Com letras como “ele é um gladiador moderno e não tem medo algum” e “cuidado, ele está possuído pelo skate”, a música reflete a essência do esporte. A banda, formada em 1981 em Venice, Califórnia, é considerada a criadora do gênero músical skate punk.

skate

Suicidal Tendencies “Possessed To Skate”

Suicidal Tendencies “Possessed To Skate”

Dinosaur Jr “Over It”

Devo “Freedom Of Choice” Lançado em 1980, Freedom Of Choice do Devo talvez seja o primeiro videoclipe com skate na história. Além disso, os skatistas em ação no clipe eram ninguém menos que Stacy Peralta, Tony Alva, Eddie Elguera, Steve Olson, Steve Alba, Brad Bowman e Duane Peters. Devo até hoje esta presente na trilha sonora dos vídeos de skate, além de ser uma banda clássica da história do skate.

Urban Dance Squad “Deeper Shade of Soul”

A banda holandesa Urban Dance SA banda Urban Dance Squad ficou mundialmente conhecida com o single Deeper Shade of Soul. O clipe mostra uma poolparty de skate, com skatistas e a banda se divertindo em uma piscina vazia. Em 1991, a música ficou 18 semanas nas paradas da Billboard, e no Brasil, o clipe foi uma das poucas formas de ver skate em piscinas na tv, em uma época pré-internet.

Devo “Freedom Of Choice”

Urban Dance Squad “Deeper Shade of Soul”

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Artur Rica

skatewear, um rolê com estilo e sustentabilidade a evolução da maior tendência de moda global

Na moral, o skatewear vai muito além de ser uma união de vestimentas práticas para a session; ele representa uma forma de expressar sua personalidade ao mundo, e isso transborda as pistas. Nesse estilo, estão presentes peças confortáveis, funcionais e cheias de estilo, características que combinam perfeitamente com o streetwear e o tornam único e marcante.

Curioso para explorar todas as possibilidades das roupas de skateboarding? No post de hoje, vamos desvendar todos os segredos do skatewear: sua origem, evolução e como adotar o estilo. Prepare-se para uma jornada completa pela moda do skate, sem mais delongas! As raízes do skatewear remontam aos anos 70 e 80, quando o skateboarding começou a ganhar popularidade global. Com o crescimento do esporte, surgiram peças pensadas

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@zinerole

brilho do rolê

para as necessidades dos skatistas, funcionando como verdadeiros uniformes. Essas roupas evoluíram, incorporando elementos da cultura punk e do estilo street, o que resultou em um visual cheio de atitude.

Com o tempo, o skatewear deixou as pistas e entrou no mainstream da moda e da cultura, ganhando destaque no estilo de artistas como asap Rocky, Rihanna, e Pharrell Williams. O visual característico de skatista passou a ser reconhecido e adotado por muitos, tornando-se um ícone da moda urbana e uma influência poderosa.

Hoje, o skatewear vai além da moda; ele representa uma cultura vibrante e influente, com fortes raízes no lifestyle skatista. Essa estética autêntica e descontraída inspira designers e marcas de moda, sendo uma forma de expressão que se reflete na música, na arte e até no cinema. Grafites e exposições culturais em galerias são exemplos de como o estilo skatista marca presença no cotidiano urbano.

Além de ser altamente expressivo, o skatewear também está adotando práticas mais sustentáveis, com marcas como a Baw® incorporando materiais recicláveis e processos eco-friendly na produção de suas peças. Esse movimento reflete uma tendência crescente no mercado, que busca não só manter o estilo skatista autêntico e moderno, mas também garantir que a indústria da moda se alinhe com a responsabilidade ambiental, promovendo um futuro mais consciente.

skate

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Joanna Marta

lutaram muito pra chegar, e agora ninguém tira elas

mulheres f*das nas pistas de skate

skate feminino no Brasil é uma história de superação, determinação e conquistas. Embora o skate tenha chegado ao Brasil na década de 60 e ganhado popularidade nos anos 70 e 80, foi somente nas últimas décadas que o skate feminino começou a ganhar o reconhecimento e o espaço que sempre lhe foi negado.

Historicamente, o skate era predominantemente masculino, refletindo as normas sociais e culturais que limitavam a participação das mulheres em muitos esportes. No Brasil, as mulheres que se aventuraram no skate nos seus primeiros anos enfrentaram estereótipos, falta de apoio e visibilidade limitada. No entanto, a paixão e a perseverança dessas pioneiras abriram caminho para as futuras gerações.

Uma das primeiras skatistas a se destacar no Brasil foi Stepanie Moraes, que nos anos 80 começou a competir em eventos de skate. Apesar de competir em um ambiente dominado por homens, sua habilidade e dedicação trouxeram atenção ao potencial das mulheres no esporte. Outra figura emblemática é Karen Jonz, que se tornou uma das primeiras brasileiras a ganhar reconhecimento internacional no skate feminino. Campeã mundial de skate vertical, Karen abriu portas e quebrou barreiras, inspirando uma nova geração de skatistas femininas no

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Brasil e no mundo todo. Karen começou a andar de skate com 17 anos, idade considerada até tardia no meio dos atletas, mas isso não foi um empecilho para sua profissionalização.Em 2005, conquistou o vice-campeonato mundial na categoria vert feminina e, logo no ano seguinte, em 2006, se consagrou a primeira mulher brasileira campeã mundial no vertical. Após conquistar o posto de ser uma medalhista no famoso X-Games, ela decide se mudar para os Estados Unidos da America com intuito de focar mais na competição.

Hoje, residente no Brasil, Karen além de ser uma vencedora nata de títulos mundiais e medalhas, ela é fundadora da Associação Brasileira do Skate Feminino. Fundação essa que teve início em 2009 com foco em “Promover a qualidade de vida e inclusão social à mulher utilizando a prática esportiva radical do skateboard”e está ativa até os dias de hoje. @zinerole

momento histórico para o esporte skate

Fora das pistas, a skatista também teve passagens como comentarista na Olimpíada de 2020, pela Sportv, e tem atuações no meio musical.

O skate feminino no Brasil começou a ganhar mais visibilidade e apoio nos anos 2000, com o surgimento de competições e categorias exclusivamente femininas.

Organizações e coletivos de skate feminino, surgiram para promover o esporte entre mulheres, oferecendo workshops, campeonatos e encontros que incentivaram a participação feminina e a construção de uma comunidade inclusiva e de suporte mútuo. Além disso, o reconhecimento das skatistas femininas no cenário nacional e internacional aumentou significativamente, com a inclusão da categoria feminina em eventos importantes e a presença de skatistas brasileiras em competições internacionais de destaque.

A inclusão do skate nas Olimpíadas de Tóquio 2020, com categorias masculinas e femininas, marcou um momento histórico para o esporte, elevando ainda mais a visibilidade e o reconhecimento das skatistas.

O evento foi palco para que nossas meninas brilhassem pela primeira vez nas categorias street e park (uma ampliação do vertical praticado por Karen Jonz). Os talentos e conquistas das participantes inspiram e incentivam outras mulheres a se dedicarem ao skate e buscarem o sucesso e evolução no esporte.

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preparada para continuar deixando uma marca

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Aos 13 anos, Rayssa Leal (conhecida como fadinha) fez história nas pistas de Tóquio após se tornar a 5ª medalhista mais jovem da história das Olimpíadas. Ao lado das campeãs mundiais Letícia Bufoni e Pâmela Rosa, a skatista provou que, apesar dos desafios, o Brasil tem potencial para dar continuidade ao seu legado como referência global na modalidade de skate street feminino. Já no skate park, as atletas brasileiras Dora Varella, Yndiara Asp e Isadora Pacheco não alcançaram o pódio, mas mostraram a todos que, independente dos resultados em competições, o espírito esportivo é o que importa.

Com os olhos voltados para os Jogos Olímpicos de Paris 2024, Rayssa Leal está preparada para continuar deixando uma marca indelével no esporte.

O legado da fadinha ultrapassa suas vitórias no esporte, pois motiva jovens skatistas de todas as faixas etárias. Sua dedicação pelo skate e sua determinação em buscar seus objetivos com felicidade consolidaram sua posição como uma referência no universo do skate. Mesmo com a pouca idade, a atleta segue superando expectativas e se reforçando a sua relevância na modalidade.

“Estou muito feliz por ser uma inspiração, não apenas para pessoas da minha idade, mas também para pessoas mais velhas do que eu”, conta Rayssa em entrevista exclusiva.

“Fico sempre muito feliz quando as meninas vêm até mim e dizem que @zinerole

começaram a andar de skate por minha causa. Que me viram, gostaram e pediram aos pais que as deixassem andar de skate”, completa.

O skate foi o 4º esporte mais comentado mundialmente durante os Jogos Olímpicos de Tóquio em 2021.

Após a modalidade, até então inédita nas Olimpíadas, conquistar a atenção de diversos espectadores, o interesse foi além das mídias sociais, despertando o interesse de milhares de pessoas e atraindo novos praticantes. Nas pistas brasileiras, as atletas mulheres desempenharam um papel fundamental para a popularização dessa febre, que vem conquistando jovens e adultos ao longo dos últimos anos, quebrando barreiras e mostrando que o skate é para todos. O esporte ganhou ainda mais destaque no cenário internacional, consolidando-se como uma das modalidades de maior crescimento no Brasil e no mundo.

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as atletas mulheres desempenharam um papel fundamental 27

Aline Küller

uma adolescente comum, exceto pelas medalhas Rayssa Leal sobre fama após medalha olímpica

Rayssa Leal voltou a fazer história e garantiu o bronze do skate street nos Jogos Olímpicos de Paris. A ‘fadinha’ se tornou a brasileira mais nova a conquistar medalhas em Olimpíadas diferentes e foi celebrada por uma multidão de brasileiros em Paris – além, claro, da torcida à distância. Por mais que a adolescente seja uma das atletas mais tietadas do Time Brasil, ela não pensa muito na fama. “Na minha cabeça, sou só uma adolescente normal”, disse, em entrevista exclusiva.

estão se referindo a você como superstar, como é isso?

Olha, agora... Eu me considero agora realmente, assim, famosa, sabe? Eu acho que superstar é demais. É coisa, assim, de, tipo... Cara, não sei sabe? Na real, nem me passa na cabeça que eu sou famosa. Na minha cabeça, eu sou só uma adolescente normal. Sei que eu não sou, mas eu acho que eu sou.

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@zinerole

entre um rolê e outro

o que te faz sentir falta de ser uma adolescente normal?

Na verdade, não, eu faço tudo o que um adolescente normal faz. Vou para a escola, quando tem aniversário, vou para a festa. Saio. Então, independente de eu ter a minha vida com o meu skate, eu tenho a minha vida pessoal, que também é muito importante para o nosso crescimento. Então, está tudo certinho, em ordem.

o que mudou de Tóquio para cá?

Cara, foi algo maluco, assim. A gente estava até conversando depois que acabou tudo. O quanto isso, sabe, foi… Foi lindo. Porque a gente não imagina... Pelo menos na minha primeira Olimpíada, eu não imaginava o quão grande eu era. E nem o skate, acho, imaginava. Mas nessa, a Olimpíada mesmo provou o quão grande é.

você ficou com medo de decepcionar o público?

Toda atleta se cobra, e eu não fui diferente. Minha tela de bloqueio ainda está com a medalha de ouro, mas vou mudar. Era meu sonho desde Tóquio.

Esse sonho foi adiado, mas tem muito pela frente. Me cobrei, sabia da chance.

Mas a bronze está incrível.

você está pensando na volta para a escola?

Eu estou tentando me concentrar na Matemática, especialmente em algo chamado “matriz”, que confesso que não entendo muito bem.

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Pedro Chaves

10 manobras que você deveria tentar!

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é facinho, tenta po

ollie

pop shove-it

o salto básico do skate, essencial para diversas manobras

o skate salta e gira 180º com a ajuda de um chute dos pés

manual

nollie

manobra em que o skatista se desloca usando apenas as rodas de trás

variação do ollie, onde o skatista bate o nose no chão e chuta com o pé

@zinerole

+10

skate

frontside ollie

kickflip

variação em que o skatista gira 180º enquanto faz o salto

o skate gira em 360º no ar com um movimento do pé dianteiro

nollie shove-it

fakie ollie

variação do shove-it, realizado a partir de um nollie

ollie feito a partir de uma base de fakie (posição invertida)

fakie shove-it

half-cab

shove-it executado a partir da posição de fakie

uma variação do 180º, onde o skatista gira para o lado oposto à sua base

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bora conversar

Mariana Pereira

um ouvido amigo para momentos difíceis

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CVV: apoio emocional disponível 24 horas Está ou conhece alguém passando por momentos difíceis? O Centro de Valorização da Vida (cvv) oferece suporte emocional gratuito e confidencial para quem precisa de um espaço seguro para falar e ser ouvido. Com atendimento 24 horas por dia, todos os dias da semana, o cvv disponibiliza canais como telefone (188), chat, e-mail e atendimento presencial em algumas cidades.

Os voluntários da organização praticam uma escuta ativa, permitindo que o interlocutor desabafe e reflita sobre suas emoções. O serviço é sigiloso e preserva o anonimato de quem busca ajuda, proporcionando apoio emocional em um ambiente de respeito e compreensão.

O trabalho do cvv não envolve diagnósticos ou conselhos, o objetivo é dar espaço para que as pessoas se expressem com liberdade, sem pressões, contribuindo para aliviar o peso emocional e promovendo a valorização da vida. Mais que um canal de conversa, o cvv é uma rede de acolhimento e empatia, pronta para escutar e amparar quem precisa. @zinerole