RockZone 100 - 02/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto Sumario: Of Mice And Men © DR

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EDITORIAL Hacía meses que en la redacción de RockZone notábamos un cosquilleo especial. Alcanzar nuestro número 100 iba a ser un hito muy importante dentro de nuestra historia, pero desde que decidimos que éste marcaría el inicio de una nueva etapa, en la que la revista pasaba a ser exclusivamente digital y gratuita, más que un cosquilleo era un auténtico sinvivir. ¿Sabéis lo difícil que es mantener algo así en secreto? Por eso la liberación que sentimos el pasado 6 de enero, cuando por fin lo anunciamos públicamente, es sólo comparable a la ilusión que tenemos ahora que este número 100 (y su suplemento de regalo) es ya una realidad. Esperemos que disfrutéis leyéndolo (y escuchándolo) y que la pena que algunos tengáis por la desaparición de la edición en papel sea compensada con creces con lo que os hemos preparado. Muchísimas gracias a todos los que nos habéis ayudado a llegar hasta aquí y bienvenidos a quienes nos descubráis por primera vez. El futuro es ahora. Enjoy!

LIVING OFF THE WALL: A VANS DOCUMENTARY SERIES EAST LOS

DOCUMENTARIAN:

ALL THE STORIES: VANS.COM/LIVINGOFFTHEWALL

SUMARIO

nยบ 100

9 / INTERFERENCIAS

26 / BAYSIDE

38 / APUESTAS 2014

62 / VOTACIONES 2013

74 / CRร TICAS

102 / THE SOULBREAKER COMPANY

118/ en DIRECTO

132 / de gira + agenda

30 / SÔBER

36 / ALCEST

66 / ESPECIAL FOTO

72 / DISCO DEL MES

106 / DIARIO DE GIRA: BLOWFUSE

112 / NEKO CASE

134 / SAsHA grey

140 / últimas preguntas

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Xavier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Francesc Feliu, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Jon Aguirre Such, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_ROCKZONE BLOODY BIRTHDAY CELEBRA CON NOSOTROS LOS 100 NÚMEROS EL PRÓXIMO 22 DE FEBRERO EN MADRID Y EL 28 EN BARCELONA CON DOS FESTIVALES DE LO MÁS EXTREMOS Y CON GRANDES BANDAS DEL PANORAMA ESTATAL.

lgunos han querido ver nuestra nueva etapa gratuita y digital como un paso atrás, como un signo de flaqueza ante los duros tiempos que estamos viviendo, pero en RockZone, como siempre hemos mirado al futuro con esperanza, hemos querido demostrar que la confianza en nuestro proyecto sigue siendo ciega, que nada nos va a parar, y además, hemos querido compartir con vosotros nuestra felicidad actual con una serie de eventos espectaculares que servirán, y de qué manera, como celebración de este número 100 de la revista. Es con este espíritu que el próximo sábado 22 de febrero en la sala Taboó de Madrid y el viernes 28 de febrero en la sala Bóveda de Barcelona acontecerán las dos fechas del RockZone Bloody Birthday que os hemos preparado. A partir de las 20:00 y por sólo 10 euros ambos eventos, en la capital del Estado se podrá disfrutar de la tralla de Sound Of Silence (en la foto), Hyde Abbey, Barbarian Swords, Stained Blood y Agónica, mientras que en su hermano catalán repetirán Hyde Abbey junto a los bestias de Thirteen Bled Promises, Hummano y Chaos Before

Gea. Vamos, que van a caer hostias como panes, y todo ello reivindicando la grandísima escena metálica que gozamos en estos momentos. Por si fuera poco, las dos primeras fechas en la Península de Me First And The Gimme Gimmes el 20 de febrero en la sala Penélope de Madrid y el 21 en la Apolo de la ciudad condal también rendirán tributo a nuestra efeméride. Y es que acompañados por Old Man Markley, nada mejor que Fat Mike y los suyos para echarse unas buenas risas con su punk rock. No nos olvidamos del IV Festival Zona Zero que anualmente organiza nuestra web, que este año se celebrará el 22 de febrero en la sala Plataforma de Barcelona con nuestros amigos de El Altar Del Holocausto, Kain y Kids Of Rage como cabezas de cartel. Como veis, un mes de febrero de lo más nutrido y tan ecléctico como nuestra revista para que todo el mundo se entere de que tenemos cuerda para rato. Esperamos que asistáis a estos eventos con la misma ilusión con la que nosotros los hemos creado. ¡Felices 100 números para todos! 9

INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_VALOR AÑADIDO

ecuerdo un tiempo en que para aparcar en la calle sólo necesitabas la paciencia de dar vueltas hasta encontrar un hueco. Era gratis. Recuerdo un tiempo en que cuando ibas a comprar al supermercado no tenías que rascarte el bolsillo y encontrar unos céntimos para que te dieran una bolsa. Era gratis. Recuerdo un tiempo en que cuando ibas a comprar fruta, no tenías que pesarte tú mismo las piezas. También recuerdo que en las gasolineras, había alguien que te llenaba el depósito y venía a cobrarte, no al revés. Al mismo tiempo recuerdo cuando para escuchar música o ver películas había que pagar, y bastante. En las últimas semanas, desde que anunciamos que la revista pasaba a ser exclusivamente digital a la vez que gratuita, mucha gente me ha preguntado que por qué lo hacíamos. Motivos hay muchos. Para empezar porque los kioscos están desapareciendo al mismo ritmo que lo hicieron en su día las tiendas de discos. También que en un momento en que te hacen pagar por tantas cosas que antes eran gratis, está bien que a veces sea al revés. Pero el definitivo es que quizá ya sea un poco presuntuoso pretender que alguien pague por leer sobre música cuando no lo hace por escucharla. ¿O no? (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@Carlos_suitup Para @RockZone IV de The Bronx es el mejor disco del año y con pepinos como ‘The Unholy Hand’ no es de extrañar. @ChaosBeforeGea La vida es bella: ¡¡Nos vamos a Barcelona a celebrar que @ RockZone son más grandes que la manteca colorá!! ¡¡Olé!! @bauseee La última vez que pido a la quiosquera la @RockZone y me da La Razón. Jamás aprendió la tía, una pena. @NJMagazine Somos unas maleducadas que todavía no hemos felicitado a nuestros amigos de la revista @RockZone por su salto a la edición 100% digital. @marsalakid Ardo en deseos de escuchar a Berri Txarrak versioneando a Thrice. @Carlos_suitup La última @RockZone en papel. ¿Qué me voy a entrar ahora al WC? @valenpatxi @RockZone Han sido 99 veces. Me da pena no ir al kiosco cien. ¡¡¡Ya tenía a la quiosquera en el bote!!! Esto no se hace, coño. @soyjuanmamoreno No sé por qué, ayer me dio por ver capítulos de Estamos De Cierre de@RockZone y @ZonaZeroNet. Esa serie debería volver. XD 10

Me llamo Alicia Moreno. Os envío una foto con Chad Gilbert de New Found Glory y mis amigos Manuel y Jacob. Es del concierto de New Found Glory en Madrid en... 2009, creo recordar, en la Heineken. :) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Gracias al sorprendente avance de las tecnologías, los nuevos canales de comunicación y la cantidad sobrehumana de información que recibimos cada día, tenemos el placer o la desgracia de ser testigos de una nueva forma de ver la realidad que, de otra forma, quizás nunca nos habríamos planteado ver. La tele, aunque ya no copa el 100% de las miradas, sigue teniendo un gran peso a la hora de distraernos... Distraernos de lo que de verdad importa, porque si los debates de opinión (porque ya ni son de discusión) o los reality shows son los reyes de la audiencia, sencillamente tenemos que dar tumba al ser humano, al pensamiento racional y oficializar el estado vegetativo en el que nos encontramos. En casa de un amigo me descubrió una nueva serie de televisión: Warped Roadies. Lo que una vez fue una interesante gira de música alternativa y gente con talento ahora se expone como un programa en plan ‘lo que pasa detrás del telón’ con una sobrecarga de drama digna de una telenovela venezolana. Para los que no habéis visto nunca una, os recomiendo ver los dos capítulos iniciales: protagonistas buenorros/ as, historias de abandonos y desamores, triquiñuelas... En eso se ha convertido el punk rock, la comunicación y el ser humano. Triste, ¿eh? (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra UNBREATH

ZEROBYTE

THESAUROS

My Faith Against Me

Zerobyte

Index

(AUTOEDITADO)

Con un primer disco de acabados impecables, Unbreath podrían estar en cualquier sello del mundo interesado en death metal melódico o sinfónico. Y es que los bilbaínos sólo cuentan con un elemento que pueda suscitar un alejamiento por parte de su público potencial, o al revés, acercarlos a otro según los gustos: su vocalista Neska’RdKore. Personalmente no tengo nada en contra de que cualquier chica se ponga ante un micro, sólo faltaría, pero sí me molesta cuando ese metal se torna ‘femenino’. Para que nos entendamos, Gallhammer me flipan, cuando Rachel van Mastrigt-Heyzer se puso al frente de Sinister me pareció perfecto, pero precisamente porque su brutalidad era la misma que la que podía ofrecer un hombre. En cambio, aborrezco el gótico con fémina al frente. Neska aporta un poco de todo, y se nota que esa dualidad Unbreath la han querido acentuar, pero si fijara su estilo en ese potente rasgado que posee y no alternara con lo melódico, esta banda ganaría en violencia. Buenos temas los tienen, como ‘My Promise’, ‘We Are The Disease’, una ‘The End Is Near’ que es pura pirotecnia o ‘The Third Eye’, pero como ya he comentado, esas partes vocales pueden tirar a muchos para atrás. Es sólo una opinión. Unbreathoficial.bandcamp.com

Desde las Islas Baleares nos llega la interesante propuesta de Zerobyte, una gruesa formación djent que sobre todo me ha recordado a nuestros Vortice por la voz que imprime Albert ante el micrófono. En este EP de presentación encontramos tres canciones que, si bien ganarían en muchísima pegada con una producción mucho más profesional, ya dan atisbos de que, a poco que les dejen, estos amantes de las ocho cuerdas harán rodar cabezas. ‘Artificial Preselected Life’ aporta unos tempos dignos de reseñar, mientras que ‘Liberation’, aunque pueda parecer de inicio más asequible, pronto también se empieza a retorcer para estrangularte con sus graves. La última canción ‘War Of Emptiness’ es mucho más rápida que las anteriores, aunque cuando bajan revoluciones vuelven a engullirte sin sal ni pimienta entre enrevesados riffs tan pesados como el culo de Rita Barberá y una matraca de voz y batería que no cesa nunca. Poco a poco te van convenciendo, y es que hay buenas ideas y caña en estos escasos 15 minutos. No hace falta citar a referentes como Meshuggah, Tesseract o Periphery, ¿verdad? No está nada mal para empezar, y es que encima Zerobyte tampoco se olvidan de las melodías... pero queremos más. Zerobyte.bandcamp.com

Es complicado encasillar a Thesauros, pero eso acostumbra a ser una buena señal. Eso sí, un valor intangible planea en todas sus composiciones, y ése se llama ambición. Metal alternativo con rock noventero muy deudor del grunge y el post rock podría ser una aproximación al universo desatado en Index, un arte que tanto puede beber de Alice In Chains como de Mastodon, Thrice, los Dream Theater tragables o incluso Opeth, con algún que otro gutural presente en el álbum. Empezar el disco con un tema de más de 7 minutos como ‘Rewombed’ es toda una declaración de intenciones, pero es que el solazo que se casca en ‘Tricephalous’ Dani o Héctor, uno de los dos guitarristas, es absolutamente increíble. Me puso la piel de gallina al instante. Ni en el disco ni en su Facebook o Bandcamp he podido saber quién de ellos canta, aunque se discierne que en ciertos pasajes se alternan el papel, pero quizás estas facetas son lo único que criticaría de esta obra. Falta trabajar más las melodías, ensamblarlas, que esas gargantas adquieran también más potencia. Pero eso es todo, y ahora que lo ecléctico está en auge, puede ser su momento. Hasta con casi un réquiem se atreven en ‘Rhythm (I)’… Molta sort, amics. Thesauros.bandcamp.com

GHOST EMPIRE 28.01.2014. También disponible como: LTD. EDITION CD+DVD · LP+CD · ALBUM DIGITAL (+ 3 live tracks) EDICIÓN LIMITADA LP+CD en vinilo rojo sólo disponible en

www.CENTURYMEDIA.com

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_BLAZE OUT FORMACIÓN: Gerard Rigau (voz, guitarra), Víctor Català (guitarra), Carles Comas (bajo), Rafa Weber (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Megadeth, Skid Row, Black Tide PRESENTAN: Headshot (Blood Fire Death)

“Creemos que hay un espacio entre el rock y el metal, y es donde queremos estar” GERARD RIGAU

BLAZE OUT

ualquiera un poco interesado por la escena metalera de Barcelona de los últimos años estaba familiarizado con el nombre de Bustin’ Out, quienes desde que se formaron en 2009 habían realizado más de 80 conciertos en múltiples salas de la capital catalana y sus alrededores. Sin embargo, cuando a finales del año pasado llegaba su esperado debut discográfico en la portada no aparecía el nombre de Bustin’ Out, sino el de Blaze Out. La explicación la encontramos en una de esas desafortunadas historias que ocurren a veces, incluso entre quienes consideras amigos. “Tuvimos un problema legal con el nombre y nos vimos obligados a cambiarlo”, explica Gerard Rigau, cantante y guitarrista del cuarteto. “El antiguo batería lo registró al cabo de seis meses de haber partido peras. No sé si fue una pataleta o qué, pero tuvimos que cambiar de nombre. Le dimos muchos avisos, no reaccionó, y después de un año de decírselo vimos que no podíamos presentar un disco que él no podía tocar. Lo hablamos con él y en un principio le pareció bien, pero luego pasó lo que pasó. Además, era cuando estaba a punto de salir el disco y nos pilló en bolas. De todos modos, ya hacía tiempo que pensábamos que el nombre quizá era un poco teenager y mira, esto nos obligó

a hacerlo. Así que nombre nuevo, disco nuevo y vida nueva”. Por si el desbarajuste de tener que renunciar a su denominación original no fuera suficiente, el que decidieran regrabar el álbum con su nuevo batería, Rafa Weber, también tuvo sus consecuencias económicas. “Supuso retrasarlo todo un año y nos costó una pasta. Habíamos hecho un verkami para la grabación, pero devolvimos el dinero que habían puesto familiares y amigos del antiguo batería, y también lo que él había puesto para el disco. Quisimos hacerlo bien”. Aunque durante este tiempo de reestructuración Blaze Out compusieron nuevos temas, prefirieron dejar los que inicialmente estaban previstos. “El álbum ya tenía doce temas, y queríamos mantener los tres que estaban en nuestro EP de 2010 para que se viese la evolución del grupo”, explica Gerard. En Headshot nos encontramos a una banda que suena algo así como si Megadeth se hubieran puesto a hacer versiones de Skid Row. “Tenemos la suerte que desde el principio hemos tenido las ideas bastante claras”, cuenta Gerard acerca de su sonido. “Si no lo hicimos antes era porque técnicamente no llegábamos. No queríamos hacer algo en estudio que luego en directo no sonara. Nuestra idea siempre fue hacer una banda

de metal rock. Con el tiempo nos hemos ido volviendo más contundentes, y eso creo que nos ha dado más personalidad. Queríamos coger los clásicos que siempre nos han molado como Maiden o Metallica y hacerlos más rockeros. Creemos que hay un espacio entre el rock y el metal, y es donde queremos estar”. Dada su juventud resulta obvio que los cuatro componentes de Blaze Out no vivieron los 80 en primera persona, sin embargo la música de esa época les marcó tanto como la de su generación. “No los vivimos pero las influencias están ahí. Víctor, el otro guitarrista, mamó todo esto en su casa y le flipa AC/DC, por ejemplo. Carles, el bajista, y yo tiramos más hacia el metal actual tipo As I Lay Dying. Y a Rafa le mola más el progresivo. Así que hay una mezcla de varias cosas. A veces cuesta un poco cuadrarlo todo, pero al final hacemos la música con la que estamos a gusto”. El álbum lo grabaron con Edgar Beltri (The Eyes) como productor y Mario Patiño como ingeniero y mezclador en los estudios La Atlántida. “Lo bueno de ellos es que aunque han grabado discos de metal como el de Hyde Abbey o Riot Of Violence, hacen muchísimas otras cosas. Hacen pop, hacen mestizaje, y eso ayuda a que puedan darte un sonido más personal”. El disco cuenta con la participación de Armand Veleta de ’77 en ‘Behind The Bullet’, una colaboración que se fraguó en el mítico bar Ballbreaker. “La primera noche que me emborraché allí, cuando tocamos con Crisix y The Eyes en Apolo 2, me quedé dormido en el lavabo”, explica riendo Gerard. “Siempre me dicen que tienen un cojín para mí por si acaso (risas)”. Pues igual tiene que compartirlo con algún redactor de RockZone…

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, JORDI MEYA FOTOS: DR

BLACK SABBATH Live… Gathered In Their Masses (UNIVERSAL)

ace un par de meses un pequeño comando de redactores de RockZone se despla-

zó hasta París para ver a Black Sabbath en directo. Yo no me encontraba entre ellos... Así que mientras sigo con los dedos cruzados para que nos visiten este verano, me contento con volver a visionar este DVD grabado durante dos noches al inicio de la gira de

tipos que forman parte de la historia del rock a día de hoy

presentación de 13 en Melbourne, Australia. Si con su último

interpretando un repertorio (empiezan a saco con ‘War Pigs’

disco la mítica banda demostró haber estado a la altura de la

y acaban con ‘Paranoid’) para el que no pasa el tiempo es

leyenda, la incógnita era saber si también lo estarían sobre las

lo más valioso de esta reunión y lo que también se transmite

tablas teniendo en cuenta que muchos factores (su avanzada

en este DVD. De acuerdo, Tommy Clufetos no es Bill Ward,

edad, el cáncer de Tony Iommi, la ausencia de Bill Ward…)

pero cumple impecablemente a la batería, y el sonido parece

juegan en su contra. Pero si algo deberían decirnos sus más

haber sido altamente retocado en el estudio (nada que ver

de cuatro décadas de carrera es que Ozzy Osbourne, Tony

con lo desafinado que suena Ozzy cuando se miran vídeos

Iommi y Geezer Butler son por encima de todo unos supervi-

en YouTube)... Pero qué queréis que os diga, prefiero esto a la

vientes. El factor emocional de todavía poder ver juntos a tres

nada.

COMMANDO Johnny Ramone (MALPASO)

onsiderando que los

hicimos fue quitarle al rock todo lo que no nos gustaba, como

Ramones son, proba-

las influencias del blues y los largos solos de guitarra”; “Nues-

blemente, la tercera

tro atractivo visual era diferente, funcionaba gracias al factor

banda más popular de la his-

friki”) y, ya al final del libro, reconoce la causa de su ocaso:

toria después de los Beatles y

“Las canciones también se volvían cansinas, hay una crea-

los Rolling Stones, nadie debe-

tividad limitada en el alma humana”. La editorial Malpaso

ría perderse la oportunidad de

ha publicado una cuidada edición en tapas tan duras como

leer la autobiografía del que

el propio Johnny que nos desnuda tanto al músico como a

fue su único guitarrista. Así, desde los primeros conciertos en

la persona. Porque, tras ese flequillo y bajo la legendaria

el mítico CBGB hasta su batalla perdida contra el cáncer,

chupa de cuero, se escondía un gran profesional, ahorrador,

Johnny Ramone cuenta en primera persona un montón de

controlador, de fuertes convicciones políticas de derechas

anécdotas y detalles curiosos sobre el grupo de Nueva York.

(anticomunista y defensor de la pena de muerte) y fan hasta

Por ejemplo, nos desvela pronto el secreto de su éxito (“Lo que

la muerte de Elvis.

JLA TIERRA 2

Grant Morrison y Frank Quitely

BODY BAGS: TEORÍAS DE LA VIOLENCIA Jason Pearson

(ECC)

LOS NIÑOS DE BOSNIA

Tania Lobato (LA LLUVIA)

(ALETA)

Libro que obliga

una de las aven-

El presente vo-

a activar la me-

turas más rotun-

lumen

recopila

moria y poner en

das del Universo

todo el material

orden recuerdos

DC de principios

que Jason Pear-

para quienes ya

de los años 2000. Grant Morrison pre-

son ha realizado de su serie Body Bags,

teníamos uso de razón en los 90. Tania

senta a los dobles siniestros de la Liga

dando como resultado 240 páginas que

Lobato entrevista a refugiados de la guerra

de la Justicia en la conocida como Tie-

son años 90 puros y duros (aunque sus

de los Balcanes en España en la primera

rra 2 acompañado de los asombrosos

últimas páginas se realizasen ya entra-

parte del conflicto. Las guerras terminan

lápices de Frank Quilety. Este tomo se

do el siglo XXI) y supone todo un regalo

para comenzar otras. Las personas que

completa con parte del primer borrador

para el lector, ya que gran parte del

sobreviven a ellas quedan en el olvido,

de guión, anotaciones de los autores y

material se encontraba inédito en cas-

esperando que el resto haya aprendido

todos los bocetos de los storys de sus

tellano. Acción y desenfreno sangriento

algo de todo ese sinsentido repleto de

96 páginas. Una gozada.

para una lectura divertidísima.

muertos y lecciones mal aplicadas.

Reedición

MEDIOCRE Néstor F.

(¡CARAMBA!)

Segunda entrega de las aventuras y desventuras del crítico de cómic Bruno Kolin, que en esta ocasión se las tendrá que ver contra un recién llegado pero bien posicionado y valorado competidor. La parodia grotesca en esta ocasión se deja llevar por la salvajada entripada, lo que hace que el tebeo mantenga el nivelón de su primera parte, Mediocre, dejándonos así Néstor F. con ganas de muchas más barrabasadas. Ya contamos los días para tener en las manos su continuación. SG

EL QUINTO BEATLE

Vivek J. Tiwary, Andrew C. Robinson y Kyle Baker (PANINI)

Biografía

...NO OPTION! Pep Pérez

(ENTRECOMICS COMICS)

Fantasía de cienadere-

cia

ficción

se-

zada con licen-

rializada de la

cias ficticias sobre

que ya se han

el mánager de uno de los grupos defini-

editado dos números. De trazo grueso,

torios de la cultura popular del silgo XX.

colores brillantes y esquema de (tuttifruti)

Su excéntrica vida, que en parte ayudó a

Space Opera ...No Option! de Pep Pé-

dar forma a The Beatles, contada con un

rez se presenta segmentado en peque-

arte rotundo y cruzada con momentos cla-

ños episodios entrelazados y mudos en

ve de la banda, dando así nuevos puntos

los que ya nos ha dejado ver nazis del

de vista a sucesos ya relatados. El álbum

espacio, conans interdimensionales y di-

se completa con bocetos y textos de los

nosaurios postapocalípticopunkis. ¡Con

autores sobre la obra y el personaje.

pinta de que todo va a ir a más!

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA EL LOBO DE WALL STREET

CARRIE_CINE COMPRESA

LOS JÓVENES SALVAJES

i es joven ni encabeza el movimiento de la nueva comedia americana. Es Martin Scorsese, chicos. El director de Toro Salvaje, Alter Hours, Uno De Los Nuestros o el videoclip de ‘Bad’ de Michael Jackson. Un tipo de 70 años que ha puesto los cojones encima de la mesa y ha subido la apuesta que abrió Michael Bay hace unos meses con la goodfellesiana Pain & Gain. No estoy seguro de que el maestro de raíces italianas haya visto la película del director de Transformers, pero conociendo la pasión y lo enterado que está de absolutamente todo lo que pasa en el mundo del celuloide, lo habrá hecho y la habrá disfrutado. Centrándonos en El Lobo De Wall Street, quinta colaboración con su nuevo De Niro (y me atrevería a decir que el nuevo De Niro, a secas), tras las más o menos efectivas Gangs Of New York y El Aviador, la trepidante Infiltrados y la aterradora Shutter Island, parece 18

que tanto el director como su estrella han dado todo lo que tenían dentro para conseguir un escandaloso ejercicio de comedia majestuosa sobre la incorrección. O sea, estamos hablando de una película donde a lo largo de sus primeros segundos asistimos al lanzamiento de enanos, felaciones motorizadas y orificios corporales llenos de cocaína. Y así durante tres horas. Leonardo Di Caprio, probablemente el número uno del momento, después de encadenar al villano de Django y a Gatsby, se marca un tour de force como hacía mucho tiempo que no presenciábamos en una pantalla de cine. Además, demuestra sus sobradas dotes de comediante en un par de momentos que ya están en la historia del cine. Pero no sólo de Di Caprio se alimenta el lobo. Jonah Hill, que a lo tonto consigue su segunda nominación al Oscar, ejemplifica al eterno secundario del cine de Scorsese, un sosías de Joe Pesci, un robaescenas nato y pieza fundamental en el equilibrio de la película. Además está Margot Robbie, con un papel valiente y salvaje, pura belleza rubia del Hollywood dorado, pero con pubis del siglo XXI. Cuando una película de tres horas de duración tiene como mayor pega no durar seis, es que han hecho las cosas de manera ejemplar. Scorsese muy on fire.

teven Spielberg y George Lucas, dos tíos que básicamente inventaron esta cosa que nos gusta tanto, están convencidos de que el cine desaparecerá como tal en cuestión de cuatro días. De ser así, con películas como este remake de Carrie saldremos ganando. La película perpetrada por Kimberly Peirce, la directora de Boys Don’t Cry (cosa que se nota demasiado), es un ‘no se sabe qué’ de los más infames que recordamos. Quiere ser un drama, un thriller, una de abusos escolares y un terror religioso, pero no funciona en ningún

aspecto. Es más: provoca la incomodidad de la vergüenza ajena en el espectador más predispuesto. Este remake deja en una posición incómoda a nuestra pequeña Chloe Grace Moretz. No dudo que tendrá un futuro prometedor, que se forrará y que tendrá una carrera larga y brillante, pero es una niña muy joven que debería haber estado mejor dirigida y a la que no deberían haber permitido desfasarse como se desfasa en el tramo final, con unos tics que dejaron de estar de moda cuando The Ring se editó en DVD. No es cuestión de hacer más sangre, pero hablando de sangre, puede que el mejor punto de la película sea su primera secuencia: una revisitación a la sangre vaginal desde un punto de vista mucho más perturbador. Y qué lástima ver a Moore entregada a semejante desastre. En resumen: no da miedo, no da pena, no asusta, y sí provoca algún momento bochornoso que es mejor olvidar.

TOI’S IN THE ATTIC

TV EYE

PRIMERO LAS COSAS CLARAS Que yo recuerde, desde que tengo uso de razón, quise ser rockera. Con esta sentencia, parafraseando a Henry Hill en Uno De Los Nuestros, no se me ocurre mejor manera de comenzar una columna. Con una declaración de principios. Sí, amigos, el rock ha sido mi relación más estable y duradera a lo largo de un buen puñado de años. Mi orgullo y mi gloria, y también mi jodida maldición. Un novio bastante cabrón y muy caro, debo añadir. Todo gira en torno al rock, en cualquiera de sus etiquetas a las que os gusta tanto recurrir. Y no me refiero a ir con un carné en la boca, a esnifar coca, a tirar teles por la ventana o a destrozar hoteles, ni tampoco a llevar cinturones de tachuelas, o botas de cowboy, no. Hablo de sincronizar tu pulso vital con una canción o un disco, en tu estéreo, en el coche o mentalmente cuando estás currando como un cabrón delante de un ordenador. A caminar a ritmo de ‘Demon Cleaner’ de Kyuss, a follar con Danzig de fondo, a recurrir

a Neil Young cuando te han roto el corazón, y a cagarte en la puta de oros con ‘Now You Die’ de Zeke, porque tu día ha sido una basura. Para mí esto es rock. Mi vida. Cuando los capos de RockZone aceptaron que tuviera un espacio para contar mis tonterías, yo, una escritora de prestigio con relevantes artículos como Follar en inglés, Squirting: ahí va, qué chorrazo, Follar con la regla o Ligar a los 35, no sé si en realidad querían contar con mi magnífico estilo escribiendo, con mi sabiduría musical, o si en el fondo lo que en realidad quieren es que folle a cascoporro y deje de contarles historias de ligoteos desastrosos. En cualquier caso, si algo he aprendido del rock es que, además de la creatividad, expresividad, necesidad de satisfacer el ego, bla bla bla, el motivo principal por el que unos chavales se juntan y montan una banda es foll… Ligar, ¿me equivoco? Pues a mí me pasa igual, así que ya sabéis: Welcome to the jungle. (TOI BROWNSTONE)

REDENCIÓN Y CALMA ZEN “Mentalista: sustantivo. Se dice de quien emplea la agudeza mental, la hipnosis y/o la sugestión. Manipulador magistral de la mente y el pensamiento”. Sabiendo perfectamente que El Mentalista no es nada nuevo en su esquema, que hay varias series que explotan el mismo tipo de estructura, la considero superior a la mayoría de sus iguales, exceptuando Life, cuya breve duración en temporadas y desenlace cerrado, aparte del magistral reparto, la hace sobresalir. Sí, los protagonistas de Castle o Jaque Mate son simpáticos, pero no poseen esa aura ambigua que arrastra Patrick Jane, el personaje principal de la serie a la que nos referimos. Y tampoco están respaldados por secundarios de altura. A medio camino entre lo que los ingleses llaman guilty pleasure (placer culpable) y notable entretenimiento catódico, El Mentalista, antes de desgastarse cual Expediente X, es, al menos para un servidor, un descanso de la vida diaria. La manera de resolver los casos de la brigada criminal de Patrick Jane, de forma tan eficiente y fácil, me relajan de una forma que sólo han logrado conseguir determinadas sustancias o infusiones. Que además mezcle en su personalidad la arrogancia, el sentimiento de venganza, culpa y la empatía hacia los débiles hace más atractivo al ya de por sí carismático actor australiano Simon Baker. Su interacción con el resto de plantel, en especial la supervisora Lisbon, los sutiles homenajes a Colombo y su obstinada cruzada por cazar a John el Rojo, el asesino en serie que mató a su familia, son suficientes alicientes para que le deis una oportunidad. Es una serie que o te entretiene o te aburre. No hay otra disyuntiva posible. Los que necesiten coartada intelectual, está creada por Bruno Heller, la mente detrás de la aclamada Roma de la HBO, cancelada antes de tiempo. En El Mentalista, Heller escribe algunos capítulos de cada una de las temporadas. “Y el océano no hirvió, y el cielo no cayó”. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_THE MISSION DISCO BÁSICO: God’s Own Medicine (1987) FORMACIÓN:

Wayne Hussey (voz), Simon Hinkler (guitarra), Craig Adams (bajo), Mick Brown (batería)

AFINES A: The Cult, U2, Héroes Del Silencio

emasiado eclécticos y rockeros para los góticos, demasiado rockeros y eclécticos también para los rockeros. Ese paradigma creó la fractura que hizo de The Mission una de las bandas más famosas de Inglaterra a finales de los 80 y, a la vez, iniciados los 90, marcaron su progresivo olvido. Llamados los U2 del rock gótico, en realidad su carrera establece varios paralelismos con la de The Cult, en cuanto a sentido de la evolución, experimentación y crecimiento compositivo. The Mission nacieron de las cenizas de The Sisters Of Mercy. Wayne Hussey y Craig Adams eran parte importante del grupo, tanto como para que más de la mitad de canciones en el debut del tiránico Eldreitch vinieran firmadas por Hussey. Bautizados Sisterhood, The Cult les dieron la oportunidad de girar a nivel europeo en el tour del álbum que hizo estrellas a los últimos, Love. Aunque lanzaron primeramente unos cuantos singles en una independiente, enseguida los ficharía Mercury. God’s Own Medicine amplió la atención que ya habían conseguido de forma independiente y los llevó a protagonizar su primer cabeza de cartel en Reading,

amén de telonear a U2 en el máximo pico de popularidad de los de Bono. Místico, lleno de arpegios, melodías y trallazos hard rockeros, similares a los Cult de Love pero en versión más Led Zeppelin. Algo que se acentuaría en su consagración, Children, bajo la producción de John Paul Jones, teloneando a Plant en Estados Unidos y alcanzando el segundo puesto en las listas británicas. ‘Tower Of Strength’ es su himno por excelencia. Finalizaron su trilogía clásica con Carverd In Sand, otro éxito en listas y el fin de la formación original, hasta ahora, exceptuando su batería. De ahí al olvido, a través del fallido Masque, el infravalorado Neverland -su Acthung Baby particular- y el insulso Blue. Años de inactividad que rompieron en el intervalo de cambio de siglo con el reiterativo Aura. Afortunadamente, Hussey reinventó el grupo en lo que parecía su adiós: el pop a lo Manic Street Preachers de God Is A Bullet. Se tuvo que desdecir gracias al 25 aniversario, y el último álbum publicado con tres de los cuatro miembros originales, The Brightest Light, demuestra que aún podemos proclamar keep the faith. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es The Pod de Ween. Fue en una pequeña foto, en la revista Spin, donde hablaban de las próximas bandas que podían triunfar, donde vi por primera vez a Gene y Dean Ween. Estaban en un campo de maíz en medio de la nada. El artículo hablaba maravillas sobre su debut God Ween Satan y alababa esas canciones que giraban en torno a comer setas (‘Mushroom Festival In Hell’), fumar porros (‘Puffy Cloud’) o el cunnilingus (‘L.M.L.Y.P.’). Leí el artículo de manera ligera, los apunté en mi lista mental de ‘bandas a escuchar’ y seguí a otra cosa. Fue un año después cuando la continuación de ese debut, The Pod, me voló la cabeza. Afortunadamente estaba trabajando en una emisora universitaria y pude escuchar el disco un poco antes. ‘Pork Roll Egg And Cheese’, ‘Awesome Sound’, ‘Sketches Of Winkle’, ‘Pollo Asado’ y ‘Captain Fantasy’ me enseñaron que puedes in-

yectar humor a tu música sin que ésta pierda su esencia. Antes, sólo necesitaba que la música fuese agresiva y sin mucho sentido del humor, pero ese disco llegó justo en un momento en que no me venía mal un poco de frivolidad. No era tan sólo que sus canciones estaban excelentemente compuestas, fue el propio concepto de la banda lo que me hizo meterme en ellos de manera obsesiva. Mirando atrás, tranquilamente unos diez años antes de que The White Stripes fueran algo mínimamente notorio, el concepto de un grupo con dos componentes era inconcebible. Añade a eso el hecho de que The Pod fuese grabado en un cuatro pistas, y ya tienes un hilo de esperanza e inspiración enchufada a un montón de músicos sin banda, como era un servidor por entonces. Comentar que ese disco se editó la misma semana que Nevermind, es decir, justo antes de que la ‘nación alternativa’ fuese adoptada por la MTV, juega a favor de la pureza de The Pod. No había segundas intenciones. Debido a Nirvana, no es de extrañar que su siguiente Pure Guava lo editaran en una major, exponiendo a Ween a una nueva audiencia. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

CONCURSOS

¿Quieres ver a los cachondos mentales de Steel Panther el 7 de marzo en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona? Por cortesía de Madness Live! contamos con 5 entadas para sortear entre quienes sepan cómo se llama su primer álbum.

Tenemos para repartir 2 entradas para las fechas de Madrid (5 de febrero, Joy Eslava) y Barcelona (6 de febrero, Apolo) de los oníricos Alcest entre los que contesten bien de qué país procede el dúo. ¡Corre, que los tickets vuelan!

El de No More Lies ha sido uno de los retornos más sonados de nuestro rock alternativo, y vuestra felicidad puede ser total si ganáis una de las 5 copias que sorteamos de In The Shade Of Expectation tras responder bien a esta cuestión: ¿Quién es el productor de su nuevo disco de estudio?

Para participar, manda la respuesta a rockzone@rockzone.com.es junto a tu nombre completo, DNI y teléfono de contacto. Indica en el asunto en qué concurso quieres participar. Sólo se admitirá un mail por persona y concurso.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> Daniel Jordan de Kopek interpretó en nuestra redacción el tema ‘Sub Human’ de su álbum White Collar Lies.

uede que su nombre te haga

en Estados Unidos en 2011, donde

ganas de volver”.

pensar que Kopek son una

llegaron a colar el single ‘Cocaine

Lo que encontramos en White

banda de folk metal prodecente de

Chest Pains’ en las listas radiofónicas,

Collar Lies podría definirse como

Polonia o de algún país del Este, pero

y al año siguiente en Europa. Que

rock alternativo FM: guitarras

en realidad vienen de Irlanda. También

se fijaran primero en el mercado

post grungeras, una base rítmica

puede que pienses que, dado que

americano tiene su lógica, pues

contundente, una voz rasposa gritona

nunca hubieses oído hablar de ellos,

además de tener detrás a la misma

(‘Love Is Dead’), pero que también

se trate de una banda novel, pero

compañía de management que los

sabe moverse en registros más dulces

su currículum explica que llevan en

millonarios Nickelback, su sonido

(‘The Easy Way (D.B. Cooper)’,

activo desde 2002. En este tiempo,

puede cosechar más adeptos al otro

‘White Collar Lies’ con un deje a

el trío liderado por Daniel Jordan se

lado del Atlántico. “Nuestra primera

Stereophonics), y una cierta épica

ha ido curtiendo e incluso giró por

gira por Estados Unidos fue increíble

que no espantaría a los fans de U2

todo el mundo gracias a ganar el

y viajamos por todo el país”, nos dice

(‘Bigger Than Us All’). Y para que se

premio como mejor banda en directo

Jordan. “Más de 40.000 millas en

note que es un disco contemporáneo,

del concurso Global Battle Of The

total. Estuvimos en todos los estados.

incorpora ritmos más bailables que los

Bands en su edición de 2005. White

Aprendimos mucho y mejoramos

acerca a unos Placebo más rockeros

Collar Lies, su primer álbum, apareció

increíblemente como banda. Tenemos

(‘Love Sick Blues’). 25

CARRETERAS SECUNDARIAS

BAYSIDE

Tras su intento fallido de aproximarse al mainstream con su anterior disco, Bayside regresan a la escena que les vio nacer con un disco, Cult, en el que reúnen todo aquello que nunca debieron abandonar. Texto: MARC LÓPEZ Fotos: DR

nthony Raneri, vocalista, guitarrista y compositor de Bayside, me sorprende asegurando que cuando hace meditación la imagen que usa para relajarse es la playa de Barcelona. “No te lo digo para quedar bien, pero es la primera cosa en la que pensé la primera vez que empecé con eso”, me cuenta mientras conduce por las afueras de Nueva York rumbo al local de ensayo. Ahí le esperan Jack O’Shea (guitarra), Nick Ghanbarian (bajo) y Chris Guglieno (batería) para empezar a preparar la gira de presentación de su nuevo álbum Cult, sexto trabajo de su carrera y primero que graban para el sello Hopeless Records. Surgidos a principios de la pasada década a rebufo del éxito de bandas emo de su zona como Thursday, Taking Back Sunday o Brand New, aunque ellos tenían más que ver con el punk pop oscurillo de Alkaline Trio o Smoking Popes, la verdad es que era difícil de prever que fueran a tener una carrera dilatada cuando publicaron su debut Sirens & Condolences en 2004. Si somos sinceros, Bayside eran simplemente una banda más de las muchas de la escudería Victory. Sin embargo, tras el accidente de furgoneta que fatalmente acabó con la vida de su batería John Holohan en septiembre de 2005 y el disco que grabaron posteriormente, The Walking Wounded, la percepción que se tenía del grupo cambió. Tras la tragedia, su música adquirió un mayor significado y

de golpe la gente conectó de verdad con ellos generando ese ‘culto’ al que ellos hacen referencia en el título de su nueva obra. Justo de eso empezamos a charlar con Raneri. En la nota de prensa decís que el título del álbum es un homenaje a vuestros fans. Todos los grupos siempre dicen que sus fans son los mejores, pero ¿en qué se concreta en vuestro caso? ANTHONY RANERI “Hemos tenido mucha suerte de poder haber sido un grupo durante 14 años, de hecho la semana que viene hará diez años que publicamos nuestro primer disco, y eso se lo debemos a los fans. Pero más importante aún es que hemos conocido a muchos que todavía nos siguen desde el principio y han crecido con nosotros. A veces hemos probado cosas distintas en cada disco y los fans han seguido aceptándonos, es una lealtad que valoro muchísimo. Y por otra parte, el día que terminamos el nuevo disco, nos sentamos en el estudio y lo escuchamos entero y al salir de ahí todos coincidimos en que sonaba como una mezcla de todos nuestros discos. Estas canciones podrían haber estado en cualquiera de nuestros trabajos anteriores, así que pensamos que necesitábamos un título que en cierta manera resumiera toda nuestra discografía. Y de ahí salió lo de Cult”. ¿Qué crees que te llevó a escribir un disco así? ¿Habías

estado escuchando más vuestros discos antiguos? “En realidad siempre lo hacemos. Siempre nos influencian nuestros propios discos. Cuando componemos los revisamos. Siempre digo que yo soy el mayor fan de Bayside (risas). Así que me gusta tener la perspectiva de lo que hemos hecho antes de empezar con algo nuevo”. ¿Pero siendo juez y parte puedes ser realmente objetivo? “Me ha llevado tiempo, pero ahora soy capaz. A veces cuando escucho ciertas canciones me da ansiedad porque algunas son increíblemente buenas. Intento recordar en qué estado mental estaba cuando las compuse y pensar que tengo que hacer algo a la altura me provoca ansiedad”. A nivel de letras, Cult parece tratar temas más adultos, más amplios que los de las típicas de relaciones. ¿Crees que para que el grupo siga siendo creíble necesitas hablar sobre otros asuntos? “Estoy de acuerdo contigo en el análisis, pero no fue un acto consciente de querer escribir con más madurez. Cuanto mayor te haces, mayor se hace tu mundo. Cuando era más joven y escribí esos discos me basaba en situaciones. Algo ocurría en mi vida, fuera una relación, una pelea… era algo muy específico y escribía sobre ello. Y supongo que muchos fans pasaban por situaciones

BAYSIDE

esta vez la verdad es que estaba un poco nervioso de incluirla en el álbum porque es muy personal”.

parecidas y por eso se identificaban tanto con las canciones. Pero durante 2013, mientras hacíamos este disco, falleció mi abuelo, mi padrastro y mi hermanastro. Así que vi muchas cosas negativas, pero también me casé y nació mi primer hijo, que fueron cosas muy positivas. Todo eso me abrió los ojos e hizo que mi mundo fuera mucho más grande. Ya no me preocupa tanto lo que me ocurra a mí. Si me peleo con alguien o me discuto con un amigo o con mi mujer, ahora me parece algo mucho más pequeño comparado con todo lo demás. Lo que antes era lo que me inspiraba a escribir dejó de tener importancia. En lugar de escribir sobre mí, en este disco empecé a escribir sobre mi generación. ¿Qué es lo que queremos conseguir? ¿Por qué tenemos miedo a fracasar? ¿Por qué nos metemos presión por triunfar? Creo que son cuestiones mucho más importantes y con las que a la vez también puede identificarse mucha gente”. Aun así, una de mis favoritas es ‘Transitive Property’, que creo que escribiste como una disculpa a la que ahora es tu mujer. Está claro que funcionó con ella, ¿pero por qué decidiste incluirla en el disco? 28

“Fue un accidente. La escribí mientras estábamos en el Warped Tour, en 2012. Nos habíamos peleado por mi culpa y le escribí esa canción en el hotel para pedirle perdón, y la grabé yo solo en el autobús. Cuando entramos en el estudio para hacer este disco, alguien del grupo mencionó ese tema y dijo que deberíamos probar de tocarla todos juntos. Es una canción muy bonita. De hecho, es una de mis favoritas de todas las que he hecho. Es muy emocional, muy pura, porque la escribí con la idea de que sólo la escuchara ella. Así que no hay nada forzado, ni nada que intente ser pegadizo o inteligente… es puro sentimiento”. Por curiosidad, ¿habías usado antes esta técnica de escribir canciones con otras novias? “(Risas) No, era la primera vez. Creo que también era la primera vez que escribía una canción con la idea de que nadie la fuera a escuchar aparte de mi novia y yo. Técnicamente llevo siendo músico profesional desde que tenía 18 años. En realidad es el único trabajo de verdad que he tenido, así que cuando escribo una canción me lo tomo también como que es mi oficio. Es lo que hago. Pero

¿Sueles escribir muchos temas para cada álbum o te centras sólo en los que tienes claro que irán en un disco? “Nunca he sido ese tipo de compositor que escribe montones de canciones y luego selecciona. Normalmente sólo nos sobran dos o tres temas por obra. Tiro muchas canciones que desde el principio veo que no van a ninguna parte. Para Cult sólo grabamos un tema extra para una cara B y otra que tenemos en reserva para lo que sea. Tengo amigos en otras bandas que escriben 40 temas para un disco y es una manera de hacerlo, pero no es la mía (risas)”. ¿Dirías que tu voz es el instrumento más importante en el sonido del grupo? “No puedo contestar a eso porque cada uno escucha el grupo de manera distinta. Estoy seguro que hay gente que lo piensa, porque el tono de mi voz o las melodías que canto son reconocibles, pero también considero que la guitarra de Jack o la batería de Chris es lo que hacen que sonemos como Bayside”. Bueno, te lo preguntaba porque yo sí lo creo. Pienso que tu voz es lo que hace que todo el material, aunque sea distinto, suene a Bayside. “Bueno, muchas gracias. Cuando estaba el instituto, y tenía 13 ó 14 años, escuché a Glassjaw por primera vez y Daryl (Palumbo) hacía muchas cosas distintas con su voz. Parecía que tuvieran tres o cuatro cantantes distintos. Incluso cambiaba el registro

de frase a frase o de palabra en palabra, hacía que todo fuera muy interesante. Max (Beamis) de Say Anything también hace eso muy bien. Los productores con los que trabajamos o los chicos de la banda conocen muy bien mi voz, así que hacen sugerencias en plan ‘vamos a escuchar esta parte con tu voz rota’ o ‘vamos a escuchar esta otra con tu voz Sinatra’. Se trata de ir probando cosas distintas”. El último tema ‘The Whitest Lie’ está muy influenciado por el metal. ¿Quién es el metalhead en Bayside? “¡Jack es el metalhead! De eso no hay ninguna duda. A Jack le encanta tocar la guitarra. Es un guitarrista de verdad. Yo no me considero como tal. Yo soy un cantautor y la guitarra es el vehículo para hacer canciones, pero Jack domina el instrumento de verdad. Le encantan todo tipo de variedades del metal, pero también le gusta el jazz. Todas las partes más complejas las escribe él y el riff en la intro de ‘The Whitest Lie’ es todo cosa de Jack. Una de las cosas que me gustan de la banda es que cada uno trabaja en los arreglos de los temas por su cuenta. Jack trabaja en los solos, yo en las melodías, Chris en sus redobles, Nick en sus líneas de bajo… así que cuando nos juntamos en el estudio para grabar oigo el tema casi por primera vez, como lo haría un fan más. Y eso es muy importante porque tengo los oídos frescos y puedo ser más objetivo”. Antes mencionabas el décimo aniversario de vuestro primer disco. Recuerdo escucharlo en su momento y, si te soy sincero, no creía que fuerais

a durar tanto. Considerando la cantidad de bandas de esa época que han desaparecido, ¿lo ves casi como un milagro? “Desde luego cuando sacamos el primer disco no lo imaginaba, pero al mismo tiempo, es lo que deseaba. Desde el principio dijimos que preferíamos ser Bad Religion o NoFx que Fall Out Boy, y no tengo nada en contra suyo porque de hecho giramos con ellos entonces. Pero todas nuestras decisiones las hemos tomado con eso en mente. Probablemente Bayside nunca tengamos un hit o toquemos en arenas. Nunca seremos famosos, pero tenemos una carrera sólida y podemos vivir bien gracias a la música. Posiblemente cuando salió el disco homónimo o Wounded, cuando encontramos nuestro sonido, fue cuando imaginamos que podíamos durar. Fue cuando notamos que de verdad existía gente para la que Bayside eran su grupo favorito”. Aun así, cuando My Chemical Romance o Fall Out Boy explotaron, ¿no sentiste algo de celos? Sería muy humano por otra parte... “No, nunca sentí celos. Yo sé que podría escribir hits pop, de hecho lo hago para otra gente, es otro de mis trabajos. Pero nunca quisimos eso. Además, creo que Fall Out Boy escriben buenas canciones y también My Chemical Romance. De hecho, cuando triunfaron me sentí muy orgulloso porque les conocía de hacía mucho tiempo. Creo que estaban un poco en nuestra onda, haciendo punk oscuro y muy melódico. Para una banda como la nuestra era como una señal de que no tenías que sonar como Good Charlotte para triunfar. Así que para nosotros era emocionante”.

“Siempre nos influencian nuestros propios discos. Siempre digo que yo soy el mayor fan de Bayside (risas)” ANTHONY RANERI Con todo, vuestro anterior disco apareció con Wind Up. ¿Cómo valoras vuestro paso por un sello más corporativo y cómo ves Killing Time ahora? “Me encanta ese disco. Me siento muy orgulloso de él. Hacer el álbum fue una gran experiencia. Pudimos trabajar con un gran productor como Gil Norton, de quienes éramos grandes fans, y gracias al sello vivimos un montón de cosas. Sonamos en la radio, tocamos en grandes festivales con Stone Temple Pilots... Nos abrió los ojos y vimos un montón de cosas nuevas porque nunca habíamos estado en un sello tan grande. Pudimos ver cómo funcionan las cosas al otro lado, porque nosotros venimos del mundo punk/hardcore, muy Hazlo Tú Mismo, sube a la furgoneta y lánzate. Con Wind Up supimos cómo es que otra gente haga las cosas por ti, pero al mismo tiempo, descubrimos lo que no mola de eso. Aprendimos que poder controlarlo todo es muy valioso”. ¿Crees que era algo que tenías que vivir para sacarte la espinita y luego volver al mundo que ya conoces fichando por Hopeless? “Quizá sí. Lo más importante es que aprendimos que había cosas que pensábamos que queríamos, pero en realidad no las queríamos. Aprendimos a valorar lo que ya teníamos antes”.

HACIA LA LUZ

SÔBER

TAL Y COMO ANUNCIARON A SU REGRESO, SÔBER CONTINÚAN AL PIE DEL CAÑÓN DISPUESTOS A SEGUIR PRESENTANDO BATALLA. QUE SU NUEVO DISCO SE LLAME LETARGO NO SIGNIFICA NI MUCHO MENOS QUE HAYAN ESTADO GUARDANDO REPOSO. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR/Carles Rodríguez (directo)

uando uno descubre por primera vez la ubicación de los estudios Cube no puede evitar sorprenderse. Situados tras un recóndito portal del barrio de Carabanchel, de primeras cuesta asimilar que allí mismo hayan grabado algunas de las bandas de rock y metal alternativo más importantes del país: Skunk DF, Hamlet, Mägo De Oz... y por supuesto, Sôber. Allí mismo nos han citado la gente de Warner (la nueva casa discográfica de los madrileños) junto a un par de compañeros de la prensa para realizar una escucha exclusiva de su nueva obra. Desde el mismo instante que cruzamos el umbral de la puerta se respira un ambiente muy acogedor y distendido. Es el propio Jorge Escobedo (guitarra) el que se encarga de darnos la bienvenida, y a medida que pasamos adentro saludamos a Manuel Reyes (batería), Antonio Bernardini (guitarra) y Carlos Escobedo (voz, bajo). También se encuentra presente Alberto Seara, que una vez más y como suele ser habitual, se ha hecho cargo de las labores de producción. Aún quedan semanas para que el nuevo disco salga a la calle y están dando las últimas pinceladas al lanzamiento. Todos andan pendientes de sus móviles, chequeando los últimos mails y detalles (portada, videoclip, gira...). De hecho, escasos minutos después de nuestra entrada, han lanzado a la red el primer adelanto, ‘Insecto’. Más tarde nos confirmarán que el título final será Letargo. A pesar del ajetreo, en todo

momento nos hacen sentir como si estuviésemos en casa y no como unos forasteros. “A partir del mes que viene tenemos cientos de entrevistas y actos promocionales”, nos confiesa Jorge. “Pero hemos querido dar preferencia a los medios que siempre nos han apoyado a lo largo de todos estos años”. Entre que esperamos a que todo esté listo para iniciar la escucha, nos muestra unas fotos de su última gira por Latinoamérica en recintos abarrotados. Se ve que la popularidad de Sôber no ha disminuido en todo el tiempo que estuvieron separados. Una vez han llegado los responsables de la discográfica, arranca la escucha. A pesar de que aún queda la masterización, se nota que el sonido está cuidado hasta el milímetro, cosa que viniendo de ellos, no nos sorprende. Se van sucediendo los temas mientras tomamos notas en nuestros cuadernos. Jorge no puede evitar emocionarse recreando algunas partes de las baterías. Entre los más destacados estarían títulos como ‘Encadenado’ (un corte muy completo y bien construido), la citada ‘Insecto’, ‘Letargo’ (que apunta por caminos más progresivos), un par de serios candidatos a singles como ‘Blancanieves’ u ‘Otoño’ y especialmente, ‘Capricho’. Esta última es seguramente la canción más épica que Sôber hayan realizado hasta el día de hoy, con unos arreglos sinfónicos que le dan un toque casi cinematográfico. En general, podríamos decir que se trata de una versión aumentada de Superbia, su anterior álbum. Una vez finalizado

el disco, el grupo nos interroga sobre nuestras primeras impresiones, mientras charlamos con unas cervezas y refrescos de por medio. Por lo que les comentamos, parece que respiran tranquilos, sabedores de que han vuelto a dar en el clavo. Al día siguiente volvemos a encontrarnos en el mismo punto para realizar la entrevista y hablar de todo lo que rodea a esta nueva entrega con más profundidad. Aunque toda la formación está presente, son los hermanos Escobedo los que entonan la voz cantante. Cuando anunciasteis que volvíais hace cuatro años dijisteis que era para quedaros. Queda claro que no era una frase hecha... CARLOS ESCOBEDO “Pues sí. Siempre hemos sido muy sinceros y cuando alguien dice algo no es porque sea un pensamiento de ‘todo a cien’, como dicen Gomaespuma (risas). Es lo que teníamos claro. Arranca una nueva época, con unas composiciones y un concepto nuevos, que va a ser larga y duradera”. ¿Cómo os tomáis este nuevo disco? ¿Como el séptimo de una carrera ya larga y consolidada o como el segundo de una banda que acaba de arrancar? JORGE ESCOBEDO “Ésa es una buena pregunta. Yo creo que ambas inclusive. Por un lado te lo tomas con más responsabilidad por ser el séptimo álbum de estudio de una 31

banda, con lo cual es una trayectoria muy larga de veinte años. Y después te lo tomas como el segundo disco de una nueva etapa. Después de un reencuentro como el que ha sucedido, con la incorporación evidentemente de Manu Reyes, pusimos el listón muy alto con la nueva entrega de esta segunda etapa y tenemos que estar a la altura. Así que sí que hay esa presión, pero también esa seguridad de que el grupo se va a superar, va a evolucionar y va a hacer cosas con las que realmente se sienta a gusto. Sin ningún tipo de complejo, yo creo que estamos viviendo ahora mismo una etapa muy buena, y como decía Carlos, el grupo anunció e informó que venía para quedarse”. El título del álbum es Letargo, lo cual parece sugerir algo así como un despertar. Pero sin embargo, ése ya se produjo con el anterior trabajo. ¿Por qué este título? CARLOS “Yo creo que tiene que ver con una parte más personal, pero también estamos hablando del letargo de la sociedad. Estamos extrapolando lo que está viviendo todo el mundo a día de hoy, que está esperando a que pase algo. Pero en todos los aspectos, no sólo en lo musical, lo profesional... sino que todos están esperando a que venga alguien y lo solucione. Y ésta es una forma de decir que hay que despertar, coger las riendas de nuestras propias vidas y que tenemos que tirar hacia adelante. Lo que pasa es que también ese título lo podemos acercar un poco a lo que hemos vivido en este 2013. El estar enclaustrados en el local de ensayo, en el estudio... El oso solitario que sale del letargo, es un poco lo que queremos escenificar como la parte más central de todo el

asunto. Pero creo que se refiere más a cómo está viviendo la sociedad estos momentos. En cuanto a las letras hay dos temas que tienen mucho que ver con esto que estamos hablando. Por un lado, ‘Letargo’, por la parte más cercana que es la que nos toca, y ‘Otoño’, por la sociedad. Tiene ese concepto de ver las hojas caer y que se arrastran hacia donde el viento quiere. Hay muchos puntos que indican que nosotros tenemos que romper las reglas para tomar las riendas”. Tras haber escuchado el álbum, mi conclusión es que se trata de una versión extendida de Superbia. ¿Era lo que pretendíais? JORGE “Yo creo que no. Tampoco te voy a decir lo contrario, pero creo que buscábamos algo diferente. Una banda como nosotros antes de meterse a componer en el local o

entrar en el estudio, no busca nada en concreto. Solamente darle forma a esas ideas para que las canciones tengan un resultado óptimo. Puede ser que te suene a lo más reciente, pues es más lógico que recuerde a eso que a Morfología. Pero creo que las canciones de Superbia estaban hechas con un sentimiento y en un momento dado, y éstas se manifiestan de manera muy diferente. Están mucho más evolucionadas en todos los niveles. Evidentemente, tiene que haber una consecuencia y es que Sôber suena como suena. Pero para nada estamos de acuerdo en que este disco tenga mucho que ver con el anterior. De hecho, es curioso que digas esto, porque en las anteriores entrevistas a todos les pareció que estaba muy alejado. Pero bueno, es lógicamente respetable. No sabemos hacer las cosas ni mejor ni peor, sólo como las hacemos. Que cada trabajo tenga magia por sí mismo”.

Volviendo al tema de las letras, veo que hay mucha más luz, cuando en vuestros comienzos la temática solía ser algo más oscura. Hay más positividad. CARLOS “La hay, así es. Lo que queremos transmitir es el despertar. No estamos hablando de que estemos hundidos o en un momento bajo... Llevamos casi tres años sin editar un disco y tenemos muchas cosas que decir. Hay canciones que miran hacia el futuro, y el nuestro siempre intentamos verlo de la manera más optimista posible”. JORGE “Quizás ahí sí que tenga más similitud con Superbia, donde ya se dejaba entrever esa luz que tú dices”. Sin duda, el tema más sorprendente es ‘Capricho’, donde sonáis más épicos que nunca apoyados por una sección de orquesta. Casi

parece un tema para una película. ¿Cómo va surgiendo algo así? CARLOS “La idea arranca con una sola acústica y la voz para empezar a crecer desde ahí. Empieza a coger grosor porque es muy amplia a nivel de melodía y estructura. Poco a poco empezamos a estructurarla hasta que nos ponemos en contacto con José Villar, que es quien ha hecho los arreglos del disco. Le planteamos la canción y él todavía la ha potenciado aún más. Le ha dado ese punto tan grande y visceral. Además, la letra, tiene que ver con la parte más sensual que todos llevamos dentro y lo que para nosotros representa un capricho. Dentro del álbum es la canción que más se separa a todos los niveles”. JORGE “Y también el doble sentido que tiene. Es la canción número doce, así que pensamos en darnos ese capricho, el decir ‘vamos a apostar por esta canción y vamos a llevarla a este terreno, a ver cómo queda’”. Entre Superbia y este nuevo trabajo hicisteis una gira conmemorativa de Morfología, uno de los discos favoritos de vuestros fans más antiguos. ¿Qué es lo que os llevó a hacerla y qué sacáis de positivo de ella? CARLOS “Es algo que teníamos bastante claro desde hace tiempo. Para nosotros Morfología siempre ha sido un disco muy especial. Fue nuestro segundo álbum, pero para la mayoría del público fue el primero. Marcó un antes y un después de lo que se hacía aquí en cuanto a rock español. Era diferente a lo que estábamos acostumbrados. Nosotros buscábamos un punto más romántico de entender el rock. Mucha gente nos

“Morfología siempre ha estado ahí y seguramente pasará el tiempo y se nos seguirán ocurriendo cosas en torno a él, porque estamos aquí por eso. Nos ha marcado” JORGE ESCOBEDO ha comentado que gracias a ese disco empezaron a escuchar rock español y que de repente oír a una banda con este tipo de concepto les abrió a la hora de escuchar música nacional. Entonces pensamos en retomar todas esas canciones que llevábamos años sin poder tocar. Cuando uno ya tiene cinco o seis discos, realmente puede tocar cuatro o cinco de cada uno y hay muchas que se quedan fuera. Quisimos hacerlo por lo que significaba para nosotros lo primero, y también por las sensaciones que teníamos cuando las tocábamos en el local. Eran canciones que a lo mejor llevaban diez o 15 años sin tocarse, y volvíamos a sentir ese hormigueo en el cuerpo. En un principio íbamos a hacer tres o cuatro fechas, pero la demanda del público hizo que quisiéramos intentar llevarlo allá donde nos llamasen. Hemos tenido la opción de grabar un DVD con diez cámaras, que tenemos preparado y guardado para cuando llegue el momento. Este año que viene vamos a hacer el 20 aniversario como grupo, así que será un buen momento para poder lanzarlo”. JORGE “También decir que coincidió con la cantidad de discos vendidos para llegar al Disco de Oro. Fue de una manera anecdótica y nada planeada. Decidimos hacer eso y preguntar a la compañía cuántos discos llevaba vendidos y cómo ha 33

No sé si en un formato cañero o hacer algo más bonito, en plan acústico y con orquestación. Tendría una magia muy especial”.

bajado la cantidad de copias en la SGAE para que te concedan Disco de Oro, pues coincidió”. ¿Tenéis pensado hacer algo similar con otras obras, como Synthesis o Paradysso? JORGE “Se nos ocurrió hacer algo con Paradysso, porque igual que Morfología, también fue especial. No quiero decir que los demás no, pero creo que Synthesis es más consecuencia de haber hecho Morfología. Sin embargo, Paradysso salió en un momento determinado, con canciones muy sorprendentes y que funcionaron muy bien. Se sumó mucho público que no estaba antes ahí. El público más cercano a Sôber en ese momento se aleja por aquello de haber salido en radiofórmulas o haber vendido más de 100.000 discos. Le dimos la vuelta y demostramos que ese trabajo era tan importante como los anteriores, incluso más. Nos hemos planteado el hecho de hacer el día de mañana una gira de presentación única y exclusivamente de Paradysso. 34

Ahora parece ser algo muy socorrido esto de hacer giras rememorando discos ya pasados. ¿Creéis que la gente está más predispuesta a escuchar las canciones antiguas que las nuevas? JORGE “Bajo mi punto de vista eso tiene una explicación lógica. Todo el mundo cuando descubre algo que desconoce, lo hace suyo. Entonces se crea esa necesidad de pensar que tú los has descubierto y tú lo has hecho grande. Cuando todo el mundo se une ya a algo es como ‘bueno, ya hay mucha gente, paso y voy a otra cosa’. Pasa que cuando lo vuelves a recuperar, tú quieres demostrar que estuviste allí. Yo creo que es muy importante que un grupo aprecie a sus fans, que los sepa mantener y cuidar. En el caso de Sôber, eso nunca va a dejar de pasar. Otra cosa es que ellos, por el hecho de haber salido en una radiofórmula o por haber vendido tal cantidad de discos, se hayan desplazado y al final se han dado cuenta de que Sôber sigue teniendo la misma esencia que tenía en el 98. Lo dejamos de manifiesto cuando volvimos con una canción como ‘Sombras’. Es algo que disfrutas y lo llevas dentro. También hay que tener en cuenta que un grupo como nosotros no tiene la oportunidad de hacer una gira mundial. Nosotros tenemos que estar cumpliendo con nuestro público día a día, mes tras mes. Cuando acabas una gira como la de Superbia, no puedes llegar y meterte a grabar, porque no tienes la capacidad de hacer otras doce

buenas canciones tan rápidamente. Así que entremedias tienes que inventarte cosas, y una manera de hacer eso es darles a tus seguidores lo que quieren. Y también hay que decir que hay gente que se sumó a Sôber mucho más tarde. Hay chavales que cuando salió Morfología tenían 16 ó 17 años. Y también es bonito compartir algo que sucedió hace mucho tiempo con gente tan joven. Yo creo que al final las bandas lo hacemos un poco por eso, no por tirar de algo que no tenemos. Morfología siempre ha estado ahí y seguramente pasará el tiempo y se nos seguirán ocurriendo cosas en torno a él, porque estamos aquí por eso. Nos ha marcado”. Durante el tiempo que estuvisteis separados aparecieron varias bandas que cogieron mucho de vuestro sonido, en parte porque vosotros mismos las producíais. ¿Os sentís culpables de haber sobresaturado la escena con grupos similares a Sôber? JORGE “Bueno, ya hemos pagado tres años de prisión obligatoria (risas)”. CARLOS “Hombre, yo pienso una cosa: creo que el público y las bandas tienen un referente que antes no existía en España. Y eso es notable, porque se ha hablado mucho del sonido Sôber, sonido Cube, porque aquí hemos producido a muchos grupos. Llega un momento en que esa banda marca un poco el estilo y a partir de ahí salen muchas otras. ¿Qué ocurre? Que todavía se potencia más cuando Sôber se relaja y aparecen Skizoo y Savia. Entonces es como si hubiese quedado un vacío que mucha gente trata de llenar, pero realmente no hay ninguna banda que ocupe esa

posición. Cuando Sôber vuelven a aparecer, el público esta ahí. Para nosotros es algo gratificante y positivo. Entonces cuando te toman como un referente, te posicionan y te dan esa credibilidad. Pienso que las bandas a día de hoy siguen haciendo muy buena música, con mogollón de ideas y muchas ganas. Creo que simplemente falta un poco de apoyo, de presencia, y también sobra la saturación”. Volviendo a lo que comentabas antes de las radiofórmulas, cuando editasteis Paradysso y Reddo, llegasteis a ser habituales incluso en la radio, en televisión, Los 40 Principales... Ahora sigue habiendo mucha gente que os sigue, pero quizás no tenéis tanta presencia en los medios generalistas. ¿Creéis que hubo mucha gente que se subió al carro sólo porque erais el grupo del momento? JORGE “Evidentemente cuando tú tienes una exposición mediática importante, no sé por qué, a la gente le gusta. Hay mucha gente que nos dice que gracias a Sôber escucha rock, que hasta Paradysso o Reddo no habían escuchado jamás una canción de rock y gracias a ello han descubierto a Metallica, Iron Maiden, Red Hot Chili Peppers... Nunca grupos extremos, pero sí que poco a poco han ido decidiendo las sonoridades que les gustan. A raíz de haber una banda en España como Sôber hay mucha gente que escucha rock, y eso no se nos va a olvidar jamás. Y hay gente que convive en sus casas con cosas tan dispares como Pereza, Melendi o Sôber. Después vas a un

concierto nuestro y ves camisetas de Slipknot, Mägo De Oz o Juanes. Luego te dicen que el único grupo de rock que les gusta somos nosotros. No es que se suban al carro, sino que gracias a esa expresión artística que el grupo manifiesta en ese momento, hace que el público se acerque a algo que jamás lo hubiese hecho porque no lo entiende o porque nunca ha escuchado esa calidad musical cantada en castellano. Más que subirse al carro, aprovecharon la oportunidad que Sôber les dio para acercarse al rock”. CARLOS “Cuanto más rock haya en España mejor”. JORGE “Lo comentábamos antes. Para nosotros es lamentable, y lo digo sinceramente, que a raíz de nuestra separación no haya habido un grupo que haya cogido el relevo. Lo único que sucede después de que se separen Sôber es Skizoo y Savia. No pasa nada más. Las únicas bandas que se colocan ahí, evidentemente con la distancia que tenía Sôber, funcionando, trabajando y colmando festivales son esos dos grupos. Y eso es muy triste”. ¿Y por qué creéis que pasa? CARLOS “El público decide de una manera más importante de la que creemos. Hay muchos grupos que se piensan que se van a llevar al público de calle y no es así. La gente sabe cuándo un grupo está al 100%, porque además eso va intrínseco en las canciones. Si tú haces una canción y sale del fondo del corazón, la gente lo capta. Hubo un tiempo atrás en que las compañías buscaban una chica guapa, un compositor que le hiciese una canción y que funcionase. Pues de cien a lo mejor funcionaban una o dos. Y luego de repente una canción

“El público decide de una manera más importante de la que creemos. Hay muchos grupos que se piensan que se van a llevar al público de calle y no es así” CARLOS ESCOBEDO de un grupo de no sé dónde tenía ese chip, y se colocaba arriba. La gente decía ‘¿Cuánto dinero se habrán gastado?’ o ‘Jo, qué promoción tenéis’. Al contrario, la promoción empezó al revés. El grupo empezó a funcionar y una compañía dijo ‘Mira, llevan ya 30.000 discos vendidos. Vamos a apoyarles’. Y eso haciendo la misma promoción que cualquier grupo de rock o metal de este país. Algo pasó, no me preguntes el qué”. ¿Y veis alguna banda que esté dando los pasos correctos para llegar hasta donde vosotros lo habéis hecho? JORGE “Como decía Carlos, hay un montón de locales llenos de talento, de gente pasándolo bien, y que sobre todo, no tiene prisa. Saben muy bien lo que tienen que hacer sin perder los papeles y la perspectiva. Nosotros antes estábamos subidos a tejados poniendo antenas, trabajando en ópticas... y ya éramos conocidos, vendiendo discos y cobrando por hacer shows. Y nunca hemos perdido la perspectiva de seguir trabajando y luchando. A esos grupos les tocará. El tema es que no se tienen que cansar y estar dentro de ese círculo para que cuando cambie, estar ahí”.

Las razones que llevan a alguien a hacer música pueden ser de lo más variadas. Cada músico sabrá la suya. En el caso de Neige, lo que le llevó a empezar Alcest tiene que ver con una experiencia que casi podríamos calificar de mística. Texto: Jordi Pons FotoS: DR

DONDE HABITAN LOS MONSTRUOS

s por estar guiado por un impulso, que nada tiene que ver con la fama ni el dinero, que Neige (nombre artístico del francés Stéphane Paut) no ha dudado en ir mutando el sonido del proyecto que inició en el 2000 a lo largo de los años, despegándose de sus raíces black metal y acercándose a los postulados del post rock. Su recién publicado cuarto álbum Shelter (Prophecy Productions) fue grabado en Islandia (“Es un lugar hermoso, muy inspirador. Fue nuestro refugio. Nos sentíamos muy seguros allí”, nos dice) junto a Birgir Jón Brigisson, productor de Sigur Rós. Son pistas que una vez escuchado el disco confirman que seguir hablando de los actuales Alcest como una banda vinculada al metal es totalmente inapropiado. Los días 5 y 6 de febrero en Madrid y Barcelona tendremos la oportunidad de vivir la

experiencia en directo. Apenas hace tres días que ha salido Shelter. ¿Qué reacciones has observado por ahora? NEIGE “Apenas he podido mirar nada, me gustaría tener tiempo para hacerlo, pero por lo que veo, hay de todo. Hay quienes les encanta lo que hemos hecho y otros que echan de menos el viejo estilo, las partes duras… Pero no podemos agradar a todo el mundo. Es normal. En cierta, manera lo esperaba. Sabía que íbamos a cabrear a algunos porque nos hemos vuelto más ensoñadores”. ¿Ves este disco como una continuación de lo que habéis hecho antes o como el inicio de algo nuevo? “Para mí es un álbum que destaca dentro de nuestra discografía, pero

no es ni la continuación de algo ni el principio de nada. Es sólo un disco que hice para mí mismo porque necesitaba algo fresco después de tantos años de hacer música extremadamente mística y profunda. Quería hacer algo que me apeteciera escuchar. Si te soy sincero, en el pasado no escuchaba los discos de Alcest porque eran algo que necesitaba hacer, no que necesariamente quisiera hacer. Así que con el nuevo álbum pude tomar una mayor distancia y me divertí más haciéndolo. Tuve algunos invitados que admiro mucho, lo grabé en un bonito estudio en Islandia, y pude hablar de mi relación con el mar. El trabajo habla básicamente del mar”. ¿Pensaste en editarlo con otro nombre o para ti todo lo que haces cabe en Alcest?

Aunque empezaste Alcest solo, desde 2009 te acompaña el batería Winterhalter. ¿Qué influencia ha tenido en ti contar con un socio creativo? “Su opinión es muy importante. Cada vez está más involucrado en el grupo. Al principio yo le decía más ‘ves por aquí’ o ‘haz esto’, pero después de varios discos ya forma parte de la composición. Para mí es genial poder contar con él porque a veces llevo mucha carga sobre mis hombros y tengo mucha presión”. Mucha gente lo está describiendo como un disco muy bello. ¿Es una manera demasiado superficial de describirlo? “Siempre ha sido mi objetivo hacer música hermosa. Ése es mi estilo. Quiero hacer algo que sea emocional, pegadizo, simple, hermoso, ensoñador… No soy un rockero que quiera hacer riffs poderosos. La belleza es algo muy subjetivo. Diría que también es un disco muy romántico”. Cada vez vemos a más bandas procedentes del metal usando elementos del shoegaze o el post rock. ¿Te consideras el pionero de esta tendencia? “Es posible. Cuando empecé a hacer esta mezcla no había muchos grupos que lo hicieran, pero es difícil de decir. Sé que los chicos de Deafheaven han dicho que les influencié, así que puede ser (risas)”.

ALCEST

“Yo no lo veo como algo tan distinto. Si hubiera hecho un disco de hip hop quizá hubiera usado otro nombre, pero para mí sigue siendo Alcest. Es muy luminoso y espiritual”.

¿Cómo se te ocurrió esa idea en un primer momento? “Para serte sincero, no tenía ni idea de lo que estaba haciendo cuando hice el primer disco. Sólo quería hacer algo espiritual, mágico, luminoso… Pero no conocía nada del shoegaze. La primera vez que leí esa palabra fue en una reseña de Alcest, así que no fue nada intencionado”. Siempre has dicho que esta música es un vehículo para ponerte en contacto con un lugar mágico, imaginario. ¿Cuándo lo descubriste y cómo de real es para ti? “Para mí es 100% real. No es una fantasía. Por eso no quiero decir que sea un sueño. Fui consciente de él cuando tenía 13 ó 14 años. Fue entonces cuando decidí usar la música para describir estos lugares”. ¿Dirías que este lugar era un escape de la realidad porque no te gustaba? “No, no. Mi vida era feliz, es sólo que… No sé, era muy joven. Creo que son recuerdos que tengo de un lugar donde estuve antes de nacer. Algo no sé borró del todo en mi alma. Creo que sabemos muy poco de la vida y la muerte. ¿Qué es la realidad? ¿Lo que vemos con nuestros ojos? ¿Pero qué pasaría si no tuviéramos cuerpo? ¿Cómo veríamos el mundo?

“Una de las razones por las que empecé este proyecto fue para encontrar a otra gente como yo” NEIGE

Los animales ven el mundo distinto a nosotros”. Supongo que la gente te seguirá por razones muy distintas, pero no sé si percibes que sólo un porcentaje muy pequeño entiende de verdad lo que dices. ¿Te sientes aislado de tu propio público? “A veces sí. Pero también sé que hay gente que me entiende. Tengo un buen público. No intento discriminar quién me entiende y quién no. Creo que cada persona percibe a Alcest de una manera distinta. Lo curioso es que algunos conectan tanto que creen saber mejor que tú lo que tienes que hacer (risas)”. ¿Alguna vez te has encontrado a algún fan que también haya estado en ese lugar? “Sí, alguna vez. Nunca lo describen de manera exactamente igual, pero la base es la misma. Cuanta más gente conozco más me dicen que es de locos que describa lo mismo que ellos vivieron. Así que no soy el único. Una de las razones por las que empecé este proyecto fue para encontrar a otra gente como yo”.

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OF MICE & MEN

que LA FuerzA os Acompa単E

Todo apunta A que con la publicación de su tercer disco, Restoring Force, Of Mice & Men se convertirán en la banda más popular del nuevo metalcore americano… mal que les pese. Ellos encabezan nuestra selección de Apuestas para este 2014 que encontrarás en las siguientes páginas. Las hay para todos los gustos, así que pilla unas palomitas y disfruta de la lectura. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR/MAX FAIRCLOUGH

tres semanas de la salida de su nuevo álbum, Austin Carlile, vocalista de Of Mice & Men, se encuentra en las oficinas de su management en Los Ángeles atendiendo una tras otra la llamada de periodistas de todo el mundo. Las expectativas creadas alrededor de Restoring Force (Rise Records) no han parado de crecer desde que anunciaran que estaban empezando a grabarlo a finales de 2012. Aunque inicialmente estaba previsto que apareciera a finales de verano del año pasado, el afán de perfeccionismo de Carlile y sus compañeros Phil Manasala (guitarra), Alan Ashby (guitarra), Aaron Pauley (bajo, voces limpias) y Valentino Arteaga (batería), unido a un estricto régimen de vida en la carretera, ha provocado que finalmente no haya visto la luz hasta este 28 de enero. Si las expectativas del público y lo que queda de la industria, que ve en ellos al equivalente americano de Bring Me The Horizon, son altas, todavía lo son más las que el propio Carlile tiene puestas en él. El otrora cantante de Attack Attack! visualiza este álbum como el primer paso para desmarcarse de la escena metalcore y establecerse como una banda de rock duro actual en el sentido más amplio de la palabra. Desde luego, aunque no lo dijera, es lo que se deduce después de escuchar Restoring Force. Por momentos el

grupo se acerca al sonido de Linkin Park (grupo con el que Carlile comenta que le encantaría girar) o incluso de Tool, aunque no abandona por completo la fórmula que los encumbró con su anterior disco The Flood en 2011. El tiempo dirá si la insaciable ambición de Carlile se ha visto satisfecha o, por el contrario, sus palabras se quedan en la carpeta de los sueños incumplidos. Ahora que tantos grupos editan material con mucha continuidad, vosotros os habéis tomado vuestro tiempo para hacer vuestro tercer trabajo. ¿Teníais miedo de precipitaros? Austin Carlile “Exacto. Queríamos asegurarnos de que todo fuera perfecto. En el pasado siempre habíamos ido con prisas, pero esta vez le dijimos al sello que necesitábamos tiempo. No hemos parado de girar, así que desde principios de 2012 ya estábamos componiendo. Recuerdo que hicimos ‘Glass Hearts’ y ‘Bones Exposed’ en el autobús y luego a finales de año fuimos al estudio durante unos cuatro meses para hacer la preproducción y la grabación. Fue un proceso largo, pero queríamos tomarnos el tiempo necesario para hacer lo que queríamos. Trabajamos en muchos temas que no están en el disco, teníamos muchas ideas, pero finalmente nos decidimos

por las que considerábamos que hacían un mejor disco”. Como decías, en los tres años desde que salió The Flood no habéis parado de girar. ¿Crees que eso también ha sido determinante para que Restoring Force suene como lo hace? “Desde luego. Alan, el guitarrista, entró en el grupo cuando tenía 19 años, cumplió los 20 en Alemania, los 21 en Australia, y ahora tiene 22. Hemos crecido mucho individualmente y como grupo. Queremos ser un grupo con una carrera de veinte años, subir un peldaño, queremos sonar en la radio, queremos tocar en estadios, y este disco es el primer paso. Esto es sólo el principio”. ¿Hicisteis el álbum con eso en mente? “Básicamente queríamos hacer el disco que nos gustaría escuchar a nosotros y también el disco que nuestros fans quieren escuchar. Al mismo tiempo, queríamos hacer algo que rompiera las barreras y nos sacara del típico screamo/ metalcore con el que nos identifican porque no queremos ser ese tipo de banda. Nosotros no escuchamos esa música. Queríamos ser simplemente Of Mice & Men, establecer nuestro sonido. Así que la idea era sobre todo escribir buenas canciones.

Y creo que lo conseguimos”. Me imagino que el mayor desafío para cualquier grupo es precisamente encontrar su propia personalidad y destacar con ella. Pero hay tanta música ahí fuera que es muy difícil lograrlo… “Por eso es tan importante escribir buenas canciones. Si las haces, ya tienes mucho ganado. Nosotros escuchamos de todo, de country a pop pasando por el hip hop o el blues, o de jazz a metal, porque lo que apreciamos son las buenas canciones, no tanto los estilos. Queremos ser una buena formación de rock que hace buena música y da buenos conciertos. No queremos formar parte de algo que nos encasille o limite”. Recuerdo leer una entrevista tuya cuando empezasteis a trabajar en el álbum y dijiste que habría influencias del nu metal. En un tema como ‘You Make Me Sick’ se notan dejes de Slipknot o Korn, o en ‘Break Free’ de Linkin Park. ¿Es esa época la que te marcó más cuando eras joven? “Desde luego. En esa época estaba en el instituto y fue ese estilo el que hizo que me metiera en el rock duro. Fue cuando descubrí a Korn, Pantera, Slayer, Slipknot, Linkin Park, Marilyn Manson... Todos esos grupos nos marcaron y por eso en este disco queríamos recuperar esa excitación de cuando descubres algo nuevo. Queríamos hacer un disco que cuando lo escuchemos de aquí a unos años nos emocione igual que lo hacen los grandes discos de Korn o Limp Bizkit”.

“Queríamos hacer algo que rompiera las barreras y nos sacara del típico screamo/metalcore con el que nos identifican porque no queremos ser ese tipo de banda. Nosotros no escuchamos esa música. Queríamos ser simplemente Of Mice & Men, establecer nuestro sonido” Austin CARLiLE Es muy curioso cómo funcionan las cosas porque la escena nu metal empezó a desaparecer cuando surgieron los grupos de emo y metalcore, y ahora salen grupos dentro de este estilo inspirados por el nu metal. “Sí lo es, pero yo creo que es porque los grupos están siendo más honestos y están dejando salir lo que llevan dentro en lugar de pensar que si lo que hacen encaja o no dentro de un determinado estilo”. También recuerdo una cita tuya diciendo que el disco sería una mezcla entre Meshuggah y Nickelback. ¿Era una provocación? ¿Qué querías decir exactamente? “Es divertido porque mucha gente me recuerda esa cita, pero lo que

pasó es que me preguntaron cómo sonaría el trabajo, y en ese momento apenas habíamos empezado y dije ‘tío, no tengo ni idea. Podría sonar a Nickelback o a Meshuggah. Habrá partes pegadizas y partes muy duras’, y luego el tío escribió otra cosa. Pero es que antes de entrar al estudio no tienes ni idea de cómo acabará sonando y si dices que lo sabes es que eres idiota. Porque la música tiene vida propia y tienes que dejar que se desarrolle. Si la pones en una jaula, entonces es difícil que salga algo interesante. Por eso dije eso, pero podría haber mencionado a cualquier otro grupo”. ¿Y os inspira por ejemplo escuchar un álbum como Sempiternal de Bring Me The Horizon? En el sentido de ‘tenemos que hacer un disco 41

â&#x20AC;&#x153;No quiero sentir celos si otro grupo agota las entradas para un concierto, ni quiero restregarle a nadie si las agotamos nosotros. Quiero centrarme en lo que hacemos nosotros, y por ahora no nos ha ido malâ&#x20AC;? Austin CARLiLE

igual de bueno que el suyo’. “No. Es curioso porque mucha gente nos compara con ellos o incluso dicen que les hemos copiado en el tema ‘Bones Exposed’, pero es que la habíamos escrito un año antes de que saliera su disco (risas). La verdad es que no nos fijamos en lo que hacen los demás. Como te decía antes, queríamos hacer algo que nos llenara a nosotros, no pensamos en lo que está de moda o deja de estarlo. Y si está de moda es muy probable que a mí no me interese. Creo que, en todo caso, Bring Me The Horizon nos inspiraron porque los vimos saliendo de su zona de confort y haciendo algo nuevo. Y es algo que nosotros también queríamos hacer”. ¿Cómo trabajaste las voces con Aaron, el nuevo bajista? Porque en un principio las ibas a grabar tú solo... “Lo hicimos todo durante la preproducción. Dedicamos mucho tiempo a ver qué queríamos decir, cómo funcionaban las melodías y cuáles podía cantar él mejor. Fue muy fácil porque nos entendemos muy bien. Si yo me encallaba con una frase él me ayudaba a terminarla. Trabajamos como un equipo y sería absurdo no utilizar todos los recursos que tenemos. Gracias a él el disco es mucho mejor que si lo hubiera hecho todo yo”. El álbum lo ha producido David Bendeth, que también ha trabajado con Bring Me. ¿Cómo lo compararías a Joey Sturgis, que produjo The Flood? “Es como la noche y el día. Es como trabajar con un entrenador de un equipo campeón del mundo 44

o hacerlo con el entrenador de un equipo aficionado que no sabe lo que hace. David sí lo sabe. Nos obligó a trabajar mucho y lo llegamos a odiar como odias a un entrenador que te dice que tienes que dar una vuelta más al campo. Le tienes que poner muchas horas, pero al final, cuando ganas el campeonato, a la primera persona a la que miras es el entrenador porque es el que te ha llevado hasta allí. David nos obligó a esforzarnos, a que nos saltaran las lágrimas, pero no podríamos estarle más agradecidos. Por eso quisimos trabajar con él, porque no queríamos a alguien que simplemente nos dijese ‘esa toma está bien, podemos usarla’. Queríamos algo que nos exigiera mucho más. No se conformaba con que algo estuviera bien, quería que fuese lo mejor”. Igual que lo has sido ahora, siempre has intentado ser muy sincero en tus letras. ¿Te ha causado eso algún problema a nivel personal? “En realidad no. Intento no darle vueltas a lo que los demás puedan pensar. En este disco hablo de forma muy directa. El primer tema ‘Public Service Announcement’ es mi mensaje al mundo. Es algo que quería decir. Hay mucha gente que habla de mí que no me conoce de nada, y esta es mi manera de decir ‘éste soy

yo, soy yo quien está hablando’. A veces leo cosas en internet que me hacen partir de risa porque no tienen nada que ver con la realidad. Esta canción es sobre eso y el resto del álbum es igual de honesto”. ¿Crees que la gente tiene una imagen muy distorsionada de cómo eres? “Sin duda. Hay un montón de mentiras tanto en las cosas buenas como en las malas. A menos que me hayas conocido en persona, no tienes ni idea de cómo soy, no me conoces”. El pasado abril por ejemplo te detuvieron por una pelea. Si fueras alguien anónimo ni nos habríamos enterado, pero al estar en un grupo todo el mundo habla de eso. ¿Cómo te sientes al respecto? “Soy consciente de que cualquier cosa llamativa que haga saldrá a la luz, pero me da rabia que no se cuente la verdad. Nadie que ha escrito sobre el tema estaba allí y

“Sé lo que quiero y lo que quiero que consiga el grupo, y personalmente, no voy a parar hasta conseguirlo” Austin CARLiLE “Bueno, vivo en Hollywood, así que sé cómo funciona esa mierda (risas). Sólo se trata de usar el sentido común”.

supo lo que pasó. Porque yo nunca he hablado de ello porque me importa una mierda. Si mato a alguien o salvo a alguien, ¿qué tiene que ver eso con la música? En el primer tema hablo de eso, digo “pasé tres días en la cárcel, y volvería a hacerlo si pudiera”. Vi a un tío pelearse con su novia y me metí en medio, pero no necesito entrar en las redes sociales para explicar eso porque no tiene nada que ver con la música o el grupo. No voy a darle publicidad y aprovecharme de ello como harían Falling In Reverse, eso es basura. Creo que no es el momento de tirarle mierda a la gente, sino de intentar levantarla”. Pero vivimos en una época en la que todo el mundo puede hacerte una foto o un vídeo y subirlo a la red. ¿Tienes más cuidado con lo que haces o lo que dices? Yo qué sé, si estás en una fiesta y te ofrecen drogas o se te acerca una chica, ¿tienes en cuenta que puede hacerse público?

¿Sientes que tienes rivales en otros grupos o ves a los otros músicos como colegas de oficio? “No. Para serte súper sincero, me da igual lo que hagan los demás. No quiero perder el tiempo con eso. No quiero prestarle atención a otros grupos de nuestra escena, sino fijarme en los artistas que son mucho más grandes que nosotros. No me fijo en los que están a mi nivel, no me importa lo que hagan con su vida porque no afecta la mía. No quiero sentir celos si otro grupo agota las entradas para un concierto, ni quiero restregarle a nadie si las agotamos nosotros. Quiero centrarme en lo que hacemos nosotros, y por ahora no nos ha ido mal. Estamos haciendo algo distinto a la mayoría de grupos de la escena. Sólo queremos ser Of Mice & Men”. En un par de meses cumplirás 26 años. Aunque eres joven, no sé si sientes que corres contra el tiempo. “Sí, depende de cómo lo mires. Lo que ocurre es que tengo hambre. Sé lo que quiero y lo que quiero que consiga el grupo, y personalmente, no voy a parar hasta conseguirlo. Sé

lo que quiero hacer con mi vida y aún no he llegado a ese punto, así que seguiré trabajando duro hasta conseguirlo. Nos quedan muchísimas cosas por hacer, apenas hemos rascado la superficie. Éste va a ser un gran año para mí y para la banda”. Ya, pero creo que a veces los músicos estáis demasiado obsesionados con lo que tiene que ocurrir en lugar de disfrutar de lo que estáis haciendo en el presente. “Es posible, pero si me paro a pensar en lo que he hecho hoy te aseguro que me siento de lo más feliz. Damos grandes conciertos, económicamente vamos tirando y me educaron en estar satisfecho con quién eres y agradecer lo que tienes. Pero yo siempre he querido más. Para mí la vida es una carrera constante hacia arriba. No quiero quedarme quieto. Hemos estado dos años y medio en la carretera sin parar, pero ahora estamos recogiendo los frutos. Si miras nuestro calendario para los próximos dos años, es de locos. Pero es lo que tenemos que hacer. Ahora estoy feliz porque sé que todos los que están en la banda están por las razones adecuadas. En el pasado no siempre había sido así, pero todo lo que haya ocurrido en el pasado no tiene importancia. Como te decía, esto es el inicio, sólo miramos al futuro”.

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GUARDIANES DE LA GALAXIA La publicación de un nuevo EP titulado Clear nos brinda la oportunidad de hablar con la banda puntera del djent. Este movimiento dentro metal progresivo ha venido para quedarse, y Periphery también. Texto: David Garcell Foto: DR

acidA en 2005 en la habitación del guitarrista Misha Mansoor, la música de Periphery fue circulando a través de foros de internet hasta que el proyecto fue captando a distintos músicos para poder presentar en directo su debut homónimo de 2010. Después de ir rotando miembros, la formación se estabilizó hace un par de años con Spencer Sotelo (voz), Mark Holcomb (guitarra), Jake Bowen (guitarra), Adam Getgood (bajo) y Matt Halpern (batería). Con ellos se grabó Periphery II: This Time It’s Personal y también el EP Clear, en el que cada miembro ha tomado las riendas de un tema, confirmándose que Mansoor está decidido a que Periphery se convierta en una democracia. Otro síntoma es que ya no es el único que atiende a los medios, siendo en este caso Mark Holcomb el encargado de hacerlo 46

con nosotros, quien nos sorprende contándonos que hace doce años fue vecino nuestro. “Viví dos años cerca de Cádiz y en Madrid estudiando español. Pero de eso hace doce años y ya no me acuerdo de hablarlo (risas)”. ¿Cómo surgió la idea para grabar este EP? ¿Es material que os sobró de Periphery II? MARK HOLCOMB “No, es algo completamente independiente. No estaba planeado. Fue una idea que se nos ocurrió en la pasada primavera. De hecho, fue Stephen Carpenter de Deftones quien la sugirió. Estábamos de gira con ellos por Estados Unidos y escuchó un tema en el que Jake y yo hacíamos unas melodías y nos dijo ‘vaya, nunca me había dado cuenta de lo que hacíais. Es como si cada uno hiciera su versión de un mismo

tema’. Así que nos dijo ‘deberíais hacer un EP en el que cada uno hiciera su propia versión de un corte’. Y más o menos eso es lo que hicimos. El primer tema del EP es ‘Overture’, que tiene una línea melódica, y los temas siguientes son nuestras distintas interpretaciones de esa misma línea. Fue un experimento para plasmar esa idea de Stephen”. Supongo que después de girar tanto con vuestro segundo disco, debíais tener ganas de volver a grabar y experimentar. “Sí, muchísimas. Nos encanta tocar en directo, pero esta banda en origen parte de la cultura de grabar en un estudio o en casa. Incluso cuando estamos de gira siempre estamos grabando cosas. Es parte esencial de lo que somos. Este EP lo grabamos

Para mí fue una revelación cuando giramos por Australia hace dos años y agotamos una sala de 400 personas en Melbourne. Era nuestra primera vez allí, así que no teníamos ni idea de que existiera tanta gente a la que le gustaba lo que hacíamos”.

PERIPHERY todos en cinco o seis semanas. Sólo era una canción por componente, así que fue muy fácil”. Háblame un poco del origen del djent. Empezó como una comunidad de músicos grabando a nivel doméstico. ¿Era algo que queríais mantener al margen de la industria o siempre hubo la vocación de llegar al público? “En mi caso lo único que quería era hacer música que me divirtiese, que no fuese un trabajo. Tenía un gusto muy concreto por cierto tipo de metal, y eso es lo que quería hacer en mi casa. Cuando hicimos el proyecto Haunted Shores con Misha no teníamos ninguna intención de tocar en directo o de publicarlo. Yo trabajaba de informático en una oficina y cuando llegaba a casa, hacía música, la colgaba online e interactuaba con la gente que la escuchaba. Era todo lo que quería. Quizá otra gente esperaba más, pero en todo caso sé que la reacción ante el primer disco de Periphery sorprendió a todo el mundo.

¿Cómo lleváis el nuevo disco? “Llevamos tiempo trabajando en él. De hecho, desde que salió Periphery II. Como te decía, en nuestra esencia está el ir grabando cosas continuamente y en todo caso, Clear es una indicación de que somos capaces de escribir muy buen material. La parte más difícil de esta banda es decidir qué vamos a utilizar y qué no para encontrar lo mejor. Pero es un buen problema que tener (risas). Para Periphery II teníamos unas 30 ideas que tuvimos que condensar en 70 minutos. Y además, todos somos bastante cabezotas, así que es un proceso duro (risas)”. Siendo seis virtuosos me imagino que igual os pasáis horas discutiendo sobre una sola nota... “Sí (risas). A menudo analizamos las cosas en exceso. Matt es un batería muy quisquilloso. Y Misha, Jake y yo, también. Pero la clave para que una banda funcione es que tienes que escoger bien tus batallas, y a veces ceder y confiar en el criterio de otro compañero. Si alguien está muy seguro de algo no siempre puedes discutir con él como si fuera la Tercera Guerra Mundial. Si algo he aprendido en este grupo, y sé que Misha también, es que tienes que relajarte (risas)”. ¿El disco será la obra conceptual Juggernaut de la que se está hablando?

“Queremos luchar contra esa imagen de que Periphery es la banda de una sola persona, porque es justo lo contrario” MARK HOLCOMB

“Sí, sí. Llevamos un par de años dándole vueltas. Tenemos la historia básica y un par de letras ya hechas con las que queremos jugar. Ése es el marco en el que vamos a trabajar. Vamos a tomarnos un par de meses de relax y luego iremos al estudio”. Mucha gente identifica a Periphery como el proyecto de Misha. Ahora que la formación es más estable, ¿empezáis a sentiros más como una banda? “Sí, creo que lo estamos consiguiendo. Misha y yo somos amigos desde hace ocho años. La primera vez que escuché lo que estaba haciendo desde su habitación, pensé ‘tengo que trabajar con este tío’. Así fue como empezamos Haunted Shores. Pero creo que la idea para Periphery desde el principio fue que fuera una banda. Aunque el primer disco básicamente era regrabaciones de temas hechos por Misha, desde entonces el proceso siempre ha sido muy democrático, muy igualitario entre seis personas. Es lo que quería Misha y es lo que es ahora. Queremos luchar contra esa imagen de que Periphery es la banda de una sola persona, porque es justo lo contrario”. ¿Así que el ego de Misha no es tan grande como su talento? “No, para nada (risas). Si lo fuera yo no estaría en el grupo”. 47

APUESTAS 2014

EXCESO DE VELOCIDAD Casi sin quererlo, Neck Deep se han convertido en el último fenómeno del punk pop. Lo curioso es que aunque su imagen y su sonido son claramente americanos, estos cinco chavales vienen de una ciudad de Gales. Texto: David Garcell Fotos: DR

ue en septiembre de 2012 cuando Ben Barlow (voz) y su amigo Lloyd Roberts (en aquel momento guitarrista de Spires) decidieron grabar un par de canciones y subirlas a YouTube. Su intención era simplemente rendir homenaje a bandas como New Found Glory, Blink-182 o Sum 41, pero la respuesta fue tan buena que pronto se decidirían a llamar a otros músicos de su ciudad, Matt West (guitarra), Fil Thorpe-Evans (bajo) y Dani Washington (batería), y que Neck Deep se convirtiese en algo tangible y no sólo un fenómeno online. Dos meses después el grupo actuaba en la sala Barfly de Londres ante un público entusiasta y la banda colgaba al principio de 2013 un nuevo EP, A History Of Bad Decisions, que captaría 48

la atención de los medios y también del sello americano Hopeless Records, que estos días edita su debut Whisful Thinking. Es habitual encontrarse músicos a quienes les da una pereza terrible hacer entrevistas. No es el caso de Ben. Y no porque se muera de ganas de hablar con nosotros, sino porque significa que puede escaquearse de descargar la furgoneta para el concierto que tienen que dar esa noche en Dundee. Vuestra historia es casi como un cuento... BEN BARLOW “Sí, siempre digo que lo que nos ha ocurrido a nosotros no le ocurre a mucha gente. Como mínimo tan rápido. Desde que sacamos el primer EP hasta ahora se

ha producido un efecto bola de nieve increíble y cada vez más gente se ha interesado por nosotros. Es una locura”. Pero al principio, ¿sólo querías rendir tributo a este género o queríais escribir canciones que tuvieran algo propio? “Bueno, intentábamos que fueran nuestras canciones y tener nuestro sonido, pero no esperábamos llegar a ninguna parte. Pero con el nuevo disco hemos intentado abrirnos un poco”. ¿Cómo descubriste esta música? “Era muy joven. Era a principios del 2000, así que debía tener 6 ó 7 años. Tengo dos hermanos mayores y

bien esta herramienta? “Desde luego ha sido muy útil para nosotros, pero como te decía, no teníamos un plan. Lo bueno es que puedes hacer llegar tu música a miles de personas en un segundo. Creo que facilita mucho las cosas, pero también hace que sean más difíciles porque hay muchísimos grupos. No creo que puedas tener éxito hoy en día sin presencia en internet y las redes sociales. La gente quiere conectar contigo y tienes que estar dispuesto a hacerlo”.

NECK DEEP el mayor hacía skate y le gustaba el punk de los 90 como Bad Religion, Millencolin, Green Day, y a partir de ahí mi otro hermano y yo empezamos a escucharlos”. ¿Y cuándo creíste que podías hacer tu propia música? “No lo sé. En casa había una guitarra acústica y escribía canciones para mí. De nuevo veía a mi hermano tocando en grupos y pensé que me gustaría hacer lo mismo. Salía al jardín, cogía un bate y simulaba que era una guitarra (risas). Así que tenía eso dentro desde hacía mucho tiempo”. Eres de una generación para la que internet siempre ha estado ahí. ¿Crees que eso os ha ayudado a saber usar tan

¿Eres de esos tíos que se pasa las 24 horas conectado? “(Risas) No, no estoy tan enganchado, pero la verdad es que todos somos bastante nerds... De antes del grupo ya nos gustaban mucho los ordenadores y los videojuegos. Supongo que estamos un poco enganchados, pero ya lo estábamos antes”. ¿Has pensado en algún momento que se os estaba yendo de las manos? “Posiblemente cuando fuimos a Florida de vacaciones. Todavía no habíamos grabado ni el disco, pero decidimos dar dos conciertos en Orlando y Tampa, y sólo con dos días para anunciarlos, logramos llenar las salas. Que hubiera gente tan lejos de nuestra casa que supiera nuestras canciones fue una locura”. Teniendo en cuenta lo rápido y fácil que os ha ido todo, ¿le ves un límite o eres realista? “Bueno, la verdad es que todo es posible. Hemos aprendido a tomar las cosas como vienen. Intentamos ser inteligentes con las decisiones que tomamos, pero creo que en el futuro

“¡Éste el mejor trabajo del mundo! No creo que nadie se divierta tanto como nosotros” BEN BARLOW podemos hacer grandes cosas”. ¿Habéis tenido muchas críticas en vuestro país por intentar sonar americanos? “Sí, pero intentamos ignorarlas. Sabemos que no es verdad. Creo que en este disco hemos demostrado que escuchamos a muchas bandas distintas. Nosotros sabemos que nuestras intenciones son buenas. Mientras nos critican, nosotros vamos sonriendo. No sé por qué una vez las cosas te empiezan a ir bien, en lugar de alegrarse por ti, sólo quieren tirarte mierda. Pero no nos afecta”. Siendo tan jóvenes, estar en la carretera tiene que ser un peligro. “¡Es el mejor trabajo del mundo! No creo que nadie se divierta tanto como nosotros”. ¿Cómo llevas que la gente sepa quién eres o que las chicas se interesen por ti de repente? “Soy una persona bastante tímida, pero lo llevo bien. Si alguien quiere tomarse una foto, no me cuesta nada. Es una muestra de que nos apoyan”. ¿Estás mojando más de lo que nunca hubieras imaginado? “No, tengo novia (risas). He visto cosas por ahí, pero yo no (risas). Lo que pasa en la carretera se queda en la carretera (risas)”. 49

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NO ES UN SUEÑO D

esde que en octubre de 2012 Underoath, la banda de más éxito de metalcore cristiano de la pasada década, anunciaran su separación, que Spencer Chamberlain ha vivido en una montaña rusa. Pero la rabia que sentía porque la banda en la que había ingresado con apenas 18 años cesaba su actividad en contra de su voluntad y la difícil situación económica en la que se encontró no fueron suficientes para hundirle. En el último año, junto a su amigo Stephen Bowman ha ido preparando en secreto su retorno bajo el nombre de Sleepwave. Cuando contactamos con él a mediados de enero, Spencer está a punto de empezar la grabación de su debut junto al productor Dave Bendeth. Si todo va bien, antes de verano podremos escucharlo.

Hablemos de Sleepwave. Por ahora lo único que hemos escuchado es la canción que colgaste en octubre, ‘Rock And Roll Is Dead And So Am I’. Si te digo la verdad, me sorprendió porque me esperaba que harías algo más tipo industrial y es un tema de rock. SPENCER CHAMBERLAIN “En el disco hay un poco de todo. Hay temas con un rollo más industrial y electrónico, pero desde luego esta canción es muy rockera. El motivo por el que la escogí es que quería presentarme con algo que fuera más animado y duro. A muchos de los fans de Underoath les gusta ese estilo, así que tampoco quería asustarles de entrada. Hay canciones de rock muy directas, con un rollo Nirvana, y también hay piezas más sucias a lo Nine Inch Nails, otras más

cinematográficas... Será un álbum, no una colección de singles o de temas raros. Quiero que haya un poco de todo lo que puedo hacer. Creo que tenemos una selección muy buena de temas”. ¿Quieres que Sleepwave sea una banda o lo ves como tu proyecto en solitario? “Sleepwave somos yo y mi mejor amigo Stephen. Componemos todo el material y grabamos todos los instrumentos excepto las baterías. Lo que hacemos es programarlas y luego nuestro amigo Chris, que también toca con nosotros en directo, las graba. El resto son músicos que nos acompañarán en directo, seremos unos cinco o seis en total, pero el núcleo de Sleepwave somos nosotros dos. Underoath éramos seis personas, y estaba bien, pero creo que es mejor que la gente nos

Las heridas por la separación de Underoath todavía no haN cicatrizado, pero su vocalista Spencer Chamberlain tiene motivos para mirar Al futuro con optimismo. Sleepwave, su nuevo proyecto, se antoja como el mejor antídoto para la nostalgia que puedan sentir sus fans... y él mismo. Texto: Jordi Meya Foto: DR

identifique sólo a nosotros dos como ocurre con The Mars Volta, que eran dos, o Nine Inch Nails, que se identifica con Trent Reznor aunque lleve una banda increíble. No quiero que si alguien se va del grupo sea un drama”. Por triste que fuera la disolución de Underoath, supongo que también te ilusionaba poder hacer la música que te diera la gana. “Amo todo lo que hice con Underoath y no me arrepiento ni de una canción que grabamos, estoy muy orgulloso de todo lo que hicimos y lo echo de menos. Pero no sólo me gustan el metal y el hardcore. Sleepwave es mi visión, mis sentimientos. Yo tengo muchas caras. Escribí unos temas yo solo con un piano que probablemente nunca se escuchen, pero disfruté haciéndolos”.

¿Quedaste contento por cómo fue el final de Underoath y la gira de despedida que hicisteis? “Para mí fue muy duro porque yo no quería que se acabara. En realidad la banda estaba divida entre los que querían seguir y los que no. Pero no puedes obligar a alguien a hacer algo si no quiere, eso hubiera sido peor que separarnos. Cuando me enteré de que Underoath iba a terminarse fue durísimo porque me di cuenta que ya no podría hacer más lo que amo. La gira de despedida sólo fueron doce fechas y eso me cabreó mucho porque dejamos a muchos fans sin la posibilidad de vernos. Yo hubiera hecho una gira mundial, pero otros no querían. Estuve cabreado toda la gira. No estaba listo para que acabara. Por eso ahora con Sleepwave quiero ir a la Costa Oeste, a Europa, a Australia y poder volver a contactar con nuestros fans. Sé que Sleepwave no va a gustar a todo el mundo, pero sé que a muchos fans sí”. ¿Has escrito alguna canción hablando de la separación? “En el disco hablo de muchas cosas, pero sí hay un par de canciones en las que se toca el asunto. Hay bastante rabia. Es muy honesto”. También leí una entrevista en la que decías que después de Underoath básicamente estabas arruinado. Está claro que no eres Jay Z, ¿pero cómo llegaste a esa situación? “Sí, fue muy duro. Me encontré sin trabajo, ¿sabes? Entre que anunciamos la separación e hicimos la última gira, me vendí el coche, perdí mi casa… No es que antes

“Cuando me enteré DE que Underoath iba a terminarse fue durísimo porque me di cuenta que ya no podría hacer más lo que amo” SPENCER CHAMBERLAIN

hubiera despilfarrado el dinero, pero me había comprado una casa un año antes de que estallara la crisis, todos lo habíamos hecho, y de golpe perdió el 75% de su valor y en cambio la hipoteca era altísima. Y también había ayudado a muchos amigos y familiares. Estaba sin un duro, casi sin poder comer y dos discos de oro colgados en la pared. Acabé durmiendo en casas de amigos. Por suerte la gira de despedida nos ayudó mucho económicamente, pero el dinero que saqué lo invertí en Sleepwave. Creía mucho en mí mismo y es una lección vital que aprendí. Tienes que estar dispuesto a sacrificarlo todo por cumplir tu sueño. Si tenía que escoger entre comprar cuerdas de guitarra o comer, compraba las cuerdas. Por suerte fui al South By Southwest y conocí a mucha gente, al mánager de Soundgarden y a mucha gente de la industria, y todos estaban interesados en lo que haría en el futuro. Pero te juro que cuando hablaba con ellos, sólo pensaba en si me podrían invitar a comer, porque estaba hambriento (risas). Y fue allí donde conocí a mi nueva empresa de management y todo empezó a funcionar bien otra vez. No hemos parado de trabajar desde entonces y en 2014 todavía lo haremos mucho más. Supongo que todo ocurre por una razón, y yo tenía que pasar por todo eso para llegar hasta aquí”. 51

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La reacción nuclear que provocan los japoneses Crossfaith fusionando metal y electrónica se está propagando más allá de su país. Su reciente álbum Apocalyze amenaza con sacudir a todo el mundo. ¡Alerta! Texto: David Garcell Foto: DR

uando Crossfaith empezaron a dar sus primeros pasos a mediados de 2006 tenían tres objetivos principales. El primero, fusionar su amor por el metal y la electrónica. El segundo, canalizar su odio hacia el pop japonés más popular. El tercero, y más complicado, conquistar el mundo. Desde entonces, Koie Kenta (voz), Takemura Kazuki (guitarra), Ikegawa Hiroki (bajo), Tamano Terufumi (teclados, programación) y Amano Tatsuya (batería) han salido exitosos en los dos primeros y desde luego han dado pasos de gigante para lograr el tercero. Su tercer álbum, Apocalyze (The End/Sony), publicado el pasado septiembre, y seguir abriendo bocas con su atómico directo, son los vehículos para conseguirlo.

BOLA DE DRAGÓN

Habéis sido muy activos desde que publicasteis vuestro primer disco en 2009, girando por todo el mundo y hacienda nueva música. ¿Estáis en el punto donde queríais cuando empezasteis esta aventura? KENTA KOIE “¡Sí! Cuando empezamos con Crossfaith teníamos el sueño de hacer llegar nuestra música y tocar a nivel global. El año pasado estuvimos mucho tiempo fuera de Japón y creo que en 2014 incluso estaremos más ocupados. Ahora estamos viviendo el sueño”. ¿Sois capaces de disfrutarlo o todo va demasiado rápido? “Es verdad, en 2013 todo fue muy rápido y fue de lejos el que más hemos trabajado, pero disfrutamos mucho

de todo lo que concierne al grupo. Para mí, el Warped Tour fue lo más memorable que hemos vivido como banda. Fueron muchas semanas, aunque se me hicieron muy duras mental y físicamente”. Grabasteis Apocalyze a lo largo de dos meses en New Jersey. ¿Cómo fue la experiencia de vivir en un país extranjero? ¿Os costó adaptaros a otra cultura? “No. El sitio donde grabamos Apocalyze es muy tranquilo. Era la segunda vez que estábamos ahí, así que estábamos muy relajados y pudimos concentrarnos en hacer buena música. Trabajamos con Machine y él y sus ayudantes son muy amables. Su estudio está cerca de Nueva York,

“Empezamos a componer en el verano de 2012. Básicamente Teru y Kazu son los compositores principales. Teru saca las ideas de los temas en su casa usando el programa Logic. Kazu le alquila una habitación a su abuela y eso se convierte en nuestro estudio. No teníamos una dirección clara, pero todos compartíamos el mismo sentimiento”. En vuestra música se mezclan metal y electrónica. ¿Qué descubriste primero? “Yo descubrí el metal y el hardcore al mismo tiempo. Escuchaba electrónica tipo The Chemical Brothers, The Prodigy, Pendulum… Todos tienen elementos de rock y fueron una gran inspiración”.

CROSSFAITH así que también estuvimos unos días por ahí. Hay mucha gente y mucha cultura”. El EP anterior, Zion, ya lo produjo Machine. ¿Es quien mejor os ha entendido hasta ahora? “Machine es conocido por su gran trabajo con Lamb Of God, Four Year Strong, Chiodos… Siente pasión por hacer música. La primera vez que trabajamos con él llevábamos maquetas casi terminadas, así que simplemente grabamos. Pero esta vez hicimos un par de temas con él y aportó un montón de ideas. A veces nos peleamos, pero de buenas”. Cuéntanos un poco más cómo fue la creación de Apocalyze.

Decís que queréis que vuestra música suene futurista. ¿Crees que el ser de un país tan tecnológico como Japón tiene algo que ver con eso? “No es por ser japoneses, es que nos encantan la películas de ciencia ficción, en especial Matrix, que nos inspiró mucho. Por futurista queremos decir que queremos llevar a nuestro público hacia el próximo nivel”. ¿Cómo de populares sois en Japón? “Nos encanta nuestro país, pero queremos ser una banda internacional. Tenemos muchos fans en Japón y nunca les dejaremos atrás, pero nuestra prioridad es el mundo”. El idioma parece ser una gran barrera para muchos grupos japoneses. Tú cantas en inglés, así que me imagino que no es un problema para ti. “No es un obstáculo, pero todavía

“Tenemos muchos fans en Japón y nunca les dejaremos atrás, pero nuestra prioridad es el mundo” KENTA KOIE

estoy aprendiendo inglés porque necesito poder comunicarme con la gente. Si todo el mundo pudiera hablar la misma lengua sería increíble, pero no es así. El inglés es lo más cercano a una lengua universal. La primera vez que fuimos al Reino Unido tuve que estudiar inglés porque quería dominar el mundo con mi música, pero no sabía suficiente. Pero ahora estoy contestando esta entrevista en inglés, así que estoy rompiendo esas barreras”. Este mes estaréis de gira con Limp Bizkit por el Reino Unido. ¿Fueron una banda importante para ti? “¡Sí! He sido un gran fan de Limp Bizkit durante muchos años. De hecho, cuando era joven tocaba en un grupo y hacíamos versiones suyas, así que tengo muchas ganas. Le pediré a Fred Durst si me deja cantar con él (risas)”. En vuestro EP Zion tenías una canción titulada ‘Jagerbomb’. ¿Cuál es la mayor locura que has hecho bajo la influencia de esa bebida? “Siempre bebemos Jägermeister cuando estamos de gira o de fiesta. Tengo muchos recuerdos y resacas por su culpa. La mayor locura fue que en el Warped Tour nos bebimos una botella de Jäger en un minuto para un programa de tele llamado Warped Roadies… Ni te cuento”. 53

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TODOS A BORDO

WE ARE THE IN CROWD

n nuestra visita al UK Warped Tour que os relatamos en el anterior número, además de disfrutar de un montón de grupos tuvimos la oportunidad de entrevistar a Tay Jardine, cantante del grupo pop punk We Are The In Crowd, que estaba por ahí de visita con motivo de la inminente publicación de su segundo álbum Weird Kids (Hopeless Records). Sin perder su facilidad para hacer canciones irresistiblemente pegadizas, el grupo de Poughkeepsie, Nueva York, ha ampliado su abanico sonoro creando un disco mucho más diverso y dinámico. Con tan sólo 23 años, Tay ya es un icono en Estados Unidos e Inglaterra, y lleva desde el año 2009 cantando en los cinco continentes junto a sus compañeros

Jordan Eches (guitarra, voz), Cameron Hurley (guitarra), Mike Ferri (bajo) y Rob Chianelli (batería). Siempre es divertido entrevistar a una chica en un mundo plagado de chicos... Y además, para qué esconderlo, está tremenda. ¿Cómo es que no estáis tocando We Are The In Crowd aquí en el Warped? TAY JARDINE “Nos hubiese encantado, pero no queríamos tocar más antes de sacar nada nuevo. Después de girar mucho decidimos hacer un break y dejar que la gente tuviera más ganas que nunca de volver a vernos. Ojalá hubiésemos tocado, a mí me encanta el ambiente del Warped, y por eso he venido igualmente”.

Ya hace dos años que sacasteis vuestro primer disco Best Intentions, y la verdad es que no habéis dejado de girar. ¿Qué es lo que os esperabais cuando empezasteis? “Ha sido una locura. Al empezar no esperábamos absolutamente nada. No sabíamos qué estábamos haciendo, y todo empezó a salir por sí solo. Primero un disco, después firmar con una discográfica, luego tocar en el Warped en Estados Unidos... Es increíble. Miras atrás y no te lo puedes creer. Teníamos 18 años y ahora ya 23. Para mí tocar en el garito de mi ciudad era como estar en la cima del mundo, ya no te digo salir en revistas o en la tele. Eso era impensable”.

Seguro que al ver la foto de We Are The In CroWd, muchos habréis pensado en cierto grupo que empieza por ‘Para’ y acaba con ‘More’. Y aunque es innegable que existen varios paralelismos entre ambos, su nuevo disco Weird Kids deja claro que quieren seguir su propio camino.. Texto: WOJTEK BUREK Fotos: DR

Desde que os habéis convertido en un grupo que gira todo el tiempo, ¿cuándo encontráis tiempo para componer? ”Tuvimos algo de tiempo en febrero del año pasado, y pudimos escribir algunas canciones, pero no fue suficiente. Es por eso que dedicamos todo el verano a encerrarnos en casa de Cameron para componer y grabar demos. Incluso su madre nos preparaba la comida y nos traía la merienda”. ¿Por qué escogisteis a John Feldman para producir Weird Kids? ”Hablamos con diferentes productores, y estábamos buscando a alguien con las ideas muy claras.

Que no tuviera tapujos en decirnos las cosas y que tampoco nos quisiera llevar demasiado lejos, en una dirección errónea. Después de hablar con él por teléfono, vi que tenía una visión muy clara de nuestra banda y del camino que debíamos seguir”. John tiene una trayectoria increíble junto a Goldfinger, pero a parte ha lanzado la carrera de grupos como Good Charlotte, Mest, Story Of The Year, The Used, Escape the Fate, Hilary Duff… ¡No se acaban! “¡Es una leyenda! En el grupo todos somos muy fans de Goldfinger, y después de conocerle, ves que es una persona tan segura de sí misma que puedes confiar completamente en él. Se toma su trabajo muy seriamente, pero a la vez puede llegar a ser muy divertido, ya que cualquier situación la convierte en una parodia”. ¿Es el rock’n’roll un deporte para chicos? “¡Para nada! En el rock’n’roll no hay reglas, así que las chicas también pueden jugar. Incluso en la carretera, con tanta testosterona alrededor, he sabido encontrar un punto medio. Y nunca me he sentido tratada diferente”. ¿Les va a gustar este nuevo disco a los fans que siguen a We Are The In Crowd desde el principio? “Por descontado que sí. Nunca quieres ser esa banda que varía de estilo continuamente, y aunque los cambios son positivos, es importante ser coherente. En nuestro caso, en dos años hemos crecido y hemos evolucionado en muchos aspectos.

“Incluso en la carretera, con tanta testosterona alrededor, he sabido encontrar un punto medio. Y nunca me he sentido tratada diferente” TAY JARDINE

Es por eso que el disco no va ser el mismo, porque nosotros ya tampoco lo somos”. Cuando empezasteis con el grupo, ¿cuáles eran vuestras influencias principales? “Yo soy una gran fan del pop, y me encanta Pink y Alicia Keys. Pero de repente me vi escuchando a Green Day y Rancid. Fue como descubrir un mundo completamente nuevo. Una música que es melódica, y a la vez, no deja de ser rockera. Fue cojonudo”. ¿Tenéis planes para girar por Europa? “¡Sí! Tan pronto como salga el álbum nos vamos a dejar caer por aquí”. ¿Algún consejo para las bandas underground? ”Hoy en día tenemos un montón de herramientas online que nos pueden ayudar a dar el salto. Fíjate en los youtubers. En nuestro caso no se trata de fama, se trata de hacer lo que nos gusta, y defender nuestra música. No somos un grupo que apunta a salir en la radio, pero si se diera el caso, ¡genial!”. ¿Cuál es la fórmula del éxito? “La fórmula del éxito pasa por ser tú mismo, y si a la gente le gusta, bien, y si no, realmente no me importa”. 55

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DAME RU IDO

Aunque su música está lejos de ser accesible, o incluso agradable, este cuarteto de Chicago ha ido llamando la atención fuera de los círculos estrictamente metal. Por si acaso, ellos han respondido grabando From All Purity, el disco más ruidoso de su carrera. Texto: JORDI MEYA Foto: DR

n activo desde hace una década y con el callo duro después de haber compartido escenario con bandas como High On Fire, Agalloch o Yob, parece que ha llegado el momento de que Indian puedan comer un plato caliente de vez en cuando. Su anterior trabajo Guiltless (2011) fue destacado como uno de los mejores trabajos de metal nihilista del año, y con el nuevo, From All Purity (Relapse), hasta parece que podrían pasar a engrosar esa lista de grupos metal bendecidos por los hipsters en la que ya están Deafheaven o Wolves In The Throne Room. Precisamente en estos últimos había militado nuestro interlocutor, el guitarrista y cantante Will Lindsay, pero si algo le preocupa ahora mismo no es eso, sino el frío

que hace en su ciudad. “Estamos a -40. Hace más frío que en Siberia”, nos cuenta. Seguro que en sus conciertos por aquí los próximos 28 y 29 de marzo para actuar en Madrid (La Boite) y Barcelona (Rocksound Bar) la temperatura será bastante más alta. ¿Qué destacarías más de From All Purity respecto a vuestros discos anteriores? WILL LINDSAY “Queríamos que el ruido fuera más prominente en la banda. Guiltless era un disco más de riffs y para éste queríamos algo distinto, que fueran más importantes las canciones que los riffs en sí. Yo no estaba en el grupo cuando hicieron los dos primeros discos, entré en Guiltless. Entonces Bill era el compositor principal, pero en Guiltless

yo aporté la mayoría de los riffs y los trabajamos con el grupo e hicimos los arreglos. Para From All Purity todo el mundo aportó riffs, fue mucho más colaborativo”. Para vosotros, uno de los mayores desafíos es captar la intensidad del sonido en el estudio, ¿verdad? “Siempre es difícil. Al final creo que Indian es sobre todo una banda de directo. Creo que es imposible reproducir la intensidad que tenemos tocando en vivo. Hemos hecho un buen trabajo, pero todavía no estamos ahí. La verdad es que nunca me ha gustado grabar en el estudio, aunque esta vez lo hicimos casi todo en directo cada uno en una sala con su ampli a tope, y por eso pudimos

hecho en los últimos veinte años? ¿Crees que necesitamos otro disco de Slayer? ¿Necesitábamos los últimos cinco discos de Slayer? Creo que Slayer me gustarían más si se hubieran separado en 1995”. Ya, pero si eres Tom Araya, ¿qué otra cosa vas a hacer? “Sí, y lo comprendo. Creo que leí que Kerry King decía que si dejaba el grupo qué iba a hacer, ¿trabajar en McDonald’s? Supongo que es lo mismo que ha pasado con Black Flag y Flag. Como dijo un amigo mío, entiendo que esta gente necesita trabajar, pero ¿tenemos que verlo todos?”.

INDIAN captar ese feedback tan sucio. Fue mucho más divertido que grabar Guiltless. Sentir el volumen ayuda mucho porque el feedback es una parte esencial del grupo”. Tú vienes de otras bandas... ¿Crees que Indian es la definitiva? “Supongo que sí. Nunca he estado casado y no tengo intención de hacerlo, pero Dylan (O’Toole, voz, guitarra), Ron (DeFries, bajo) y Bill (Bumgardner, batería) son lo más parecido a tener una esposa. Hasta ahora es la favorita en la que he estado. Es donde me he podido expresar con más libertad. Pero nada dura para siempre y supongo que tampoco es nada malo. No sé, ¿necesitábamos lo que Metallica han

¿Habéis notado si empieza a haber hipsters en vuestros conciertos? No seríais los primeros… “Creo que no, pero no estoy seguro (risas). En otras bandas en las que había estado (Wolves In The Throne Room, Middian –ndr.) había tenido contacto con ese público, pero desde luego no hacemos las cosas para gustarles. Al mismo tiempo, si le gustamos a alguien no voy a decirle que no nos escuche. Nuestro disco está en streaming en Pitchfork porque al director le encanta el álbum y vamos a tocar en un show que montan en el South By Southwest. Es muy raro (risas). Cuando vayamos a España ya te diré qué pienso del público hipster (risas)”. Siendo una banda underground, ¿os da miedo que el grupo pueda crecer demasiado? “Yo me siento muy cómodo con la idea que el grupo crezca. Sé que no hacemos música que pueda gustar a

“Creo que Slayer me gustarían más si se hubieran separado en 1995” WILL LINDSAY todo el mundo, pero al mismo tiempo, no quiero ponernos ningún límite. No queremos ser la típica banda cerrada”. ¿Crees que esta música libera a la gente de agresividad, o más bien la carga de ella? “Prefiero pensar que la libera, al menos es mi caso. No quiero decirle a la gente lo que tiene que hacer y si quieren hacer mosh me parece bien, pero cuando voy a ver a un grupo soy de los que se ponen en el fondo. Por muy violenta que sea la música, no me gusta que me empujen”. Supongo que cuando estáis de gira os debéis encontrar muchas salas que os dicen que os bajéis el volumen… “Oh tío, nos ocurre todo el tiempo. En un par de meses iremos a Europa y allí las restricciones de sonido aún son más fuertes que en América. Por ejemplo en Francia o en Suiza tienen un límite de 100 db’s, así que será interesante ver cómo lo hacemos. Cuando tocamos me gusta notar cómo me tiemblan los pantalones. Cuando lo conseguimos, sé que estamos en buen camino”. ¿No te da miedo quedarte sordo? “Bueno, uso tapones cuando ensayamos, cuando tocamos, cuando voy a ver a otros grupos... Creo que es una buena idea que la gente los lleve cuando venga a vernos (risas)”. 57

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Nadie sabe quién se esconde detrás de esas cuatro máscaras de colores, Pero de lo que no hay duda es que haciendo canciones pegadizas de amor y crimen Masked Intruder son unos hachas. Texto: JORDI MEYA Foto: DR

ice la leyenda que Intruder Blue (voz, guitarra), Intruder Green (guitarra), Intruder Yellow (bajo) e Intruder Red (batería), esos son sus nombres artísticos, eran cuatro criminales a quienes soltaron a causa de un exceso de reclusos en la cárcel en la que estaban en Wisconsin. Las especulaciones sobre sus identidades reales van desde que son miembros de Teenage Bottlerocket, The Lawrence Arms, Chixxdigit! a incluso Green Day, aunque todo apunta a que en realidad son el alias de la banda punk The Gusto, que son de su misma ciudad, Madison. Su debut homónimo fue editado originalmente a través de Red Scare Industries, pero el año pasado su reedición a cargo de Fat Wreck 58

Chords les puso definitivamente en el mapa. En el momento de atender nuestra llamada, la banda se encuentra en un estudio de Chicago grabando su segundo disco, que como el primero, está produciendo Matt Allison. Si todo va bien, quizá después de verano los tengamos presentándolo por aquí. Una de las cosas que más me gusta del grupo es que hacéis pop de guitarras de una manera muy natural, sin pudor ni vergüenza. No sé si cuando empezasteis os sentíais un poco fuera de lugar… INTRUDER BLUE “Un poco sí. Es raro subir al escenario y cantar todas estas canciones de amor porque la

gente piensa que eres un blando, pero es que a nosotros nos gusta esta música y tenemos la libertad para hacerla”. ¿Son las máscaras un elemento para endurecer un poco vuestra imagen? “En parte sí, pero no puedes diferenciar un elemento de otro. Somos criminales, llevamos máscaras y hacemos esta música, pero no se entendería la banda si fallase uno de los tres o la gente supiese quienes somos. La gente que sólo escucha la música no tiene la fotografía completa, hay que vernos en directo para tenerla”. ¿Cómo de importante es mantener vuestras identidades

“Es raro subir al escenario y cantar todas estas canciones de amor porque la gente piensa que eres un blando” nuestros conciertos, como ocurre con la mayoría de grupos, casi todo son tíos. Pero bueno, está mejorando ahora que somos más conocidos y vienen muchas chicas guapas”. ¿Cuándo empezó vuestra obsesión por el amor y las mujeres? “Ni lo recuerdo. Supongo que cuando era un niño. Las chicas son muy bonitas, así que es normal que te obsesiones con ello”.

MASKED INTRUDER en secreto? ¿Antes de un concierto os preocupáis para que nadie os vea las caras? “Llevamos las máscaras todo el día, así que es bastante fácil mantener nuestra identidad secreta”. Pues tiene que ser un coñazo… “Bueno, no tanto. Lo peor es cuando sales de la ducha y la máscara está mojada. Necesitas un secador para dejarla a punto para volvértela a poner”. Y si te ligas a una chica, ¿también te lo montas con la máscara? “Bueno, todavía no he tenido esa suerte. Supongo que si ocurriera, lo haría con la máscara. Creo que por el momento asustamos a las chicas. En

A menos que seas gay… “Sí, claro, y no pasa nada. Pero yo creo que las mujeres son más guapas que los tíos. Aunque también hay hombres guapos como Tom Selleck en Magnum. Era bastante guapo”. Desde que un hombre cogió una guitarra el amor ha sido parte fundamental de la música. ¿Es posible decir algo nuevo sobre el tema? “Es una buena pregunta. Tienes razón, hay millones de canciones de amor. La mayoría en la música pop lo son, pero creo que lo que hacemos nosotros son canciones que son conscientes de que existen esas otras canciones. Es una manera un poco distinta de enfocar el tema. Cuando componemos no intentamos ser originales, sino impulsar lo que nos sale de dentro. Seguro que hay muchos temas sobre los que nunca se ha hablado en el pop, pero también es interesante darle una vuelta

a algo que ya se ha hecho”. ¿El segundo disco también va todo sobre amor? “Sí, desde luego”. Musicalmente hay influencias del punk pop, pero también del rock’n’roll de los 50... “Cuando era niño escuchaba mucho rock’n’roll, mucho antes de saber lo que era el punk rock. Creo que no descubrí el punk rock hasta que Green Day se hicieron grandes. La realidad es que hay muchos puntos en común entre el punk y el rock’n’roll: las melodías, la energía… así que se mezclan muy bien”. ¿Qué banda punk crees que ha escrito las mejores canciones de amor? “Tío, eso es muy difícil de decir. Conozco a muchos de los grupos con los que crecí, así que no me gustaría destacar a uno por encima de otro, pero creo que los Descendents escribían muy buenos temas de amor, aunque muy a su manera (risas)”. Otro disco al que me recordó vuestro trabajo por su espíritu es el Blue Album de Weezer. “Oh, sí. Ese disco tuvo una gran influencia en mí. Cada canción era perfecta y estaba muy bien hecha. Tienen muchas canciones dulces y el sonido de las guitarras me encanta. Has dado en el clavo”. ¿El que lleves la máscara azul es un homenaje a ellos? “No, es sólo una coincidencia. Fueron nuestros padres quienes escogieron los colores. Por suerte no me tocó la máscara roja, porque el Red Album de Weezer no es muy bueno (risas)”. 59

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VALENTÍA ÉPICA LONELY THE BRAVE ¿Te imaginas cómo sonarían Pearl Jam haciendo VERSIONES DE Biffy Clyro y Coldplay? Si la idea estimula tu CEREBRO, espérate a escuchar a Lonely The Brave. Su debut The Day’s War es el secreto mejor guardado del rock británico. Texto: Jordi Meya Foto: DR

odavía no hemos podido escuchar su álbum de debut, pero el EP Backroads que publicaron hace unos meses y los tres temas de avance que nos manda su discográfica, Hassle Records, han sido suficientes para convencernos de que Lonely The Brave pueden ser una de las revelaciones de 2014. Formados hace tres años de las cenizas de otros grupos de Cambridge, Dave Jakes (voz), Mark Trotter (guitarra), Joel Manson (guitarra), Andrew Bushen (bajo) y Gavin Edgeley (batería) han conseguido poner de acuerdo a 60

medios de lo más dispares de su país. Desde Kerrang! al NME o el locutor Zane Lowe de Radio 1 coinciden en que el rock de guitarras y melodías más grandes que la vida de Lonely The Brave hará de ellos una historia de éxito. Estaba previsto que The Day’s War hubiera visto la luz en enero, pero como si supieran que a cada día que pasa la expectación es aún mayor, de momento su sello no ha anunciado una fecha de salida concreta y se limita a administrarlo a base de singles. El último es ‘Trick Of The Light’, que será lanzado el 24 de febrero.

No es normal que haya tanta expectación alrededor de un grupo que aún no ha publicado su primer disco. ¿Cómo os sentís al respecto? MARK TROTTER “Estamos muy sorprendidos. Es muy agradable porque hay tantos grupos funcionando que el que se fijen en ti, y lo hagan por la música en sí y no por otros aspectos, es muy gratificante. La verdad es que no esperábamos nada de esto”. Quizá tenga que ver con que no habéis tirado por el camino

grabado nosotros (risas)”. ¿Erais amigos antes de empezar el grupo? “Nos conocíamos porque tocábamos en distintos grupos. Nos llevábamos bien, pero realmente ha sido a raíz de tocar juntos que nos hemos hecho amigos de verdad”. Dave tiene una voz impresionante. ¿Intentáis que el sonido del grupo refuerce ese elemento? “Desde luego. Nada puede interponerse entre esa voz y el oyente. La primera vez que le escuché cantar fue como ‘¿pero esto es real?’. Creo que tiene una capacidad para transmitir increíble y mucha potencia. No es que compongamos pensando en él, pero es que hace que todo lo que hacemos suene mejor (risas)”.

fácil de copiar lo que está de moda, sino que vuestra música suena más atemporal. “No creo que seamos especialmente originales, ni tampoco buscamos hacer algo que no se haya hecho antes. Pero quizá es cierto que ahora mismo no haya un grupo que se parezca. Sólo intentamos hacer grandes canciones de rock con una gran carga emocional. Algo que te conmueva por dentro”. ¿Qué encontramos en The Day’s War? ¿Habrá algún tema de Backroads? “Creo que finalmente habrá algún tema del EP, pero básicamente es todo material nuevo. Estamos muy, muy contentos por cómo ha quedado. Casi no parece que lo hayamos

Ahora que tantos cantantes usan Auto-Tune, es genial escuchar una voz tan humana… “Oh, sí. La verdad es que me siento un privilegiado por poder estar en un grupo con un cantante así. Su voz es muy real, así que cuanto menos se retoque, mucho mejor”. Por su tono de voz, muchísima gente os está comparando con Pearl Jam. ¿Os molesta? “¡Para nada! Son una banda genial y es un honor que nos comparen con ellos. Aun así, no creo que nuestra música se parezca excesivamente a la suya. Son una influencia más dentro de muchas más”. ¿Dirías que vuestras canciones tienen un mensaje? “No especialmente. Hablan más

“Sólo intentamos hacer grandes canciones de rock con una gran carga emocional. Algo que te conmueva por dentro” MARK TROTTER bien de situaciones, pero la verdad es que ninguno sabe muy bien lo que escribe Dave (risas). Creo que en general intentamos aportar algo de esperanza a la gente. Estamos un poco cansados de grupos que sólo se centran en lo negativo. Aunque sean tiempos muy duros, todavía hay cosas por las que ilusionarse”. El año pasado tocasteis con Deftones en París, pero también con Bruce Sprinsgteen en Londres. No muchos grupos podrían hacerlo. ¿Crees que vuestro secreto es precisamente ése? “Creo que nuestra música es muy abierta, puede gustar a todo tipo de gente. Y también nosotros tenemos gustos muy abiertos. A nosotros no nos parece tan raro como alguna gente lo ve. Siempre hemos sido fans de Deftones, nuestro batería incluso tiene alguna de sus letras tatuadas. ¿Y a quién no le gusta Springsteen?”. ¿Tuvisteis la suerte de conocer al Boss? “No. Le vimos por ahí en el backstage, pero parecía muy ocupado. Aunque por lo que vimos, parecía ser muy simpático. La verdad es que no tuvimos huevos de ir a saludarle (risas). No queríamos que nos dijera ‘¿y vosotros quién coño sois?’ (Risas)”. 61

RESULTADos

2013 La voz de los lectores

En un año en el que mucha gente decía que no habían salido grandes discos, al menos dos grupos han conquistado los corazones de nuestros lectores. Queens Of The Stone Age y Biffy Clyro se han repartido los premios principales a nivel internacional, mientras que a Toundra les haN bastado sus directos para volver a colocarse como la banda nacional deL año. Vosotros habéis votado y Éstos son los resultados.

MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL

MEJOR DISCO INTERNACIONAL 1. OPPOSITES (BIFFY CLYRO) 2. …LIKE CLOCKWORK (QUEENS OF THE STONE AGE)

1. 2. 3. 4. 5.

QUEENS OF THE STONE AGE BIFFY CLYRO CLUTCH BRING ME THE HORIZON ALTER BRIDGE

3. EARTH ROCKER (CLUTCH) 4. IS SURVIVED BY (TOUCHÉ AMORÉ) 5. IV (THE BRONX)

MEJOR ARTISTA NACIONAL

MEJOR DISCO NACIONAL 1. ¿QUIÉN NOS VA A SALVAR? (LA M.O.D.A.) 2. RISE… THEN REST (CRISIX)

1. 2. 3. 4. 5. 62

TOUNDRA LA M.O.D.A. ANGELUS APATRIDA CRISIX L.A.

3. DUALIZE (L.A.) 4. MALDA (YAW) 5. SO MANY WAYS (BULLITT)

MEJOR ARTISTA EN DIRECTO

MEJOR PORTADA DE DISCO

1. BIFFY CLYRO 2. BRING ME THE HORIZON 3. BERRI TXARRAK 4. AVENGED SEVENFOLD 5. TOUNDRA

1. MEIR (KVELERTAK) 2. SEMPITERNAL (BRING ME THE HORIZON) 3. WHALES AND LEECHES (RED FANG) 4. ONLY REVOLUTIONS (BIFFY CLYRO) 5. VOLITION (PROTEST THE HERO)

MEJOR CANCIÓN

CANCIÓN INSOPORTABLE

1. ‘BIBLICAL’ (BIFFY CLYRO) 2. ‘SLEEPWALKING’ (BRING ME THE HORIZON) 3. ‘SIRENS’ (PEARL JAM) 4. ‘ADDICTED TO PAIN’ (ALTER BRIDGE) 5. ‘PASSING THROUGH A SCREEN DOOR’ (THE WONDER YEARS)

1. ‘WRECKING BALL’ (MILEY CYRUS) 2. ‘DIAMONDS’ (RIHANNA) 3. ‘STORY OF MY LIFE’ (ONE DIRECTION) 4. ‘BLURRED LINES’ (ROBERT THICKE) 5. ‘GET LUCKY’ (DAFT PUNK)

MEJOR CANTANTE

MEJOR INSTRUMENTISTA

1. MYLES KENNEDY (ALTER BRIDGE) 2. EDDIE VEDDER (PEARL JAM) 3. NEIL FALLON (CLUTCH) 4. SIMON NEIL (BIFFY CLYRO) 5. JEREMY BOLM (TOUCHÉ AMORÉ)

1. MARK TREMONTI (ALTER BRIDGE) 2. MIKE McCREADY (PEARL JAM) 3. DAVE GROHL (FOO FIGHTERS) 4. KURT BALLOU (CONVERGE) 5. TONY IOMMI (BLACK SABBATH)

RESULTADos

2013 La voz de los lectores

MEJOR DVD

MEJOR FESTIVAL

1. LIVE AT ROME OLYMPIC STADIUM (MUSE)

1. RESURRECTION FEST

2. SOUND CITY (VV. AA.)

2. PRIMAVERA SOUND

3. LIVE… GATHERED IN THEIR MASSES (BLACK SABBATH)

3. GROEZROCK

4. FILMAGE (DESCENDENTS/ALL)

4. AZKENA ROCK FESTIVAL

5. LIVE AT LUNA PARK (DREAM THEATER)

5. BILBAO BBK LIVE

MEJOR VIDEOCLIP 1. ‘BLOOD LIKE CREAM’ (RED FANG) 2. ‘BLACK CHANDELIER’ (BIFFY CLYRO) 3. ‘OPPOSITE’ (BIFFY CLYRO) 4. ‘SHADOW MOSES’ (BRING ME THE HORIZON) 5. ‘UP IN THE AIR’ (30 SECONDS TO MARS)

MEJOR NÚMERO DE ROCKZONE 1. Nº 98 (PORTADA BIFFY CLYRO) 2. Nº 94 (PORTADA QOTSA) 3. Nº 92 (PORTADA GHOST) 4. Nº 96 (PORTADA RED FANG) 5. Nº 93 (PORTADA BLACK SABBATH)

MEJOR PELÍCULA MEJOR VIDEOJUEGO 1. GTA V 2. DIABLO III 3. FIFA 14 4. ASSASSIN’S CREED IV: BLACK FLAG 5. THE LAST OF US

1. DJANGO DESENCADENADO 2. EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG 3. GRAVITY 4. EXPEDIENTE WARREN 5. PRISIONEROS

MEJOR LIBRO O CÓMIC

MEJOR PROGRAMA/SERIE DE TV

1. BEOWULF (GABRIEL RODRÍGUEZ, CHRIS RYALL) 2. INTEMPERIE (JESÚS CARRASCO) 3. INFERNO (DAN BROWN) 4. EL FESTÍN DE JOH SATURNALL (LAWRENCE NORFOLK) 5. LOS SURCOS DEL AZAR (PACO ROCA)

1. BREAKING BAD 2. JUEGO DE TRONOS 3. SONS OF ANARCHY 4. THE WALKING DEAD 5. SALVADOS

LO MEJOR DE 2014 SERá... 1. NUEVO DISCO DE FOO FIGHTERS 2. NUEVO DISCO DE MACHINE HEAD 3. NUEVO DISCO DE TOOL 4. ROCKZONE DIGITAL Y GRATIS 5. NUEVO DISCO DE ARCHITECTS

EL TIMO DE 2013 HA SIDO... 1. LOS POLÍTICOS 2. EL GOBIERNO 3. HAIL TO THE KING (AVENGED SEVENFOLD) 4. MARIANO RAJOY 5. LIGHTNING BOLT (PEARL JAM)

MÚSICO AL QUE TE GUSTARÍA CONOCER 1. DAVE GROHL (FOO FGHTERS) 2. EDDIE VEDDER (PEARL JAM) 3. SIMON NEIL (BIFFY CLYRO) 4. MYLES KENNEDY (ALTER BRIDGE)

MÚSICO AL QUE LE DARÍAS UNA COLLEJA 1. IAN WATKINS (LOSTPROPHETS) 2. JARED LETO (30 SECONDS TO MARS) 3. BILLIE JOE ARMSTRONG (GREEN DAY) 4. AXL ROSE (GUNS N’ ROSES) 5. RONNIE RADKE (FALLING IN REVERSE)

5. FRANK TURNER

GRUPO QUE DEBERÍA SEPARSE 1. LINKIN PARK 2. 30 SECONDS TO MARS 3. GREEN DAY 4. LIMP BIZKIT 5. THE STROKES

GRUPO QUE DEBERÍA REUNIRSE 1. RAGE AGAINST THE MACHINE 2. PANTERA 3. MY CHEMICAL ROMANCE 4. THRICE 5. ISIS

ESPECIAL FOTO

EN LA CARRETERA CON BRING ME THE HORIZON El pasado noviembre los británicos Bring Me The Horizon realizaban su primera gira por nuestro país como cabezas de cartel. El público de Barcelona, Madrid y Bilbao fue testigo de tres conciertos increíbles en los que también actuaron los canadienses Sights & Sounds y los californianos Pierce The Veil. Nuestro fotógrafo Rubén Navarro tuvo la oportunidad de asistir a los tres conciertos y retratar cÓmo es el día a día de las bandas en la carretera. Éste es el resultado. Fotos: Rubén Navarro

DISCO DEL MES

Minor Empires (RADIX)

ROCK ALTERNATIVO

o teníamos claro. Desde que se disparó el rumor de que varios miembros de Toundra y Nothink estaban tramando alguna fechoría de manera conjunta, éramos conscientes de que algo muy bueno podría salir de semejante alianza. Y es que el hecho de que dos de los mejores grupos del panorama nacional de los últimos años decidan unir fuerzas es algo digno de toda nuestra atención. Por eso quisimos ser los primeros en saber qué es lo que estaban preparando, tal y como os adelantamos en aquel repor-

MINOR EMPIRES

taje de nuestro pasado número de verano. Por aquel entonces, su obra de debut estaba casi a punto de caramelo y se tenía prevista su salida a comienzos de otoño del pasado año. Por desgracia, el asunto se demoró un poco más de lo esperado, pero ya se sabe que las cosas buenas se hacen esperar. Y desde luego, esta primera referencia homónima de Minor Empires es buenísima. Como bien nos contaron Juan, Víctor, Miguel y Javi (que ocupa el puesto inicial de Alberto al bajo. Por cierto, echadle una oreja a su banda madre, Moonich.

Van a dar que hablar dentro de poco), la idea inicial de la formación era hacer canciones sin ningún tipo de pretensión, acercándose a grupos como Thrice o Alexisonfire. Y desde luego, basta con una escucha al álbum para darse cuenta de que si bien no han sido capaces de escapar de sus propias influencias, sí que desprende ese aire de sencillez, sin más intención que la de disfrutar tocando juntos. Si sois capaces, imaginaros a los Nothink de la última época con las guitarras de Toundra; no andaréis muy lejos de lo que pueden

ofrecer Minor Empires. Como es obvio, todo el asunto de la grabación ha caído en manos del propio Juan Blas y sus solicitadísimos Westline Studios (de cuyo proceso podéis ver el documental que presentamos en nuestra web Zona-Zero), siendo registrado en directo, lo cual ayuda a que el sonido global resulte lo más espontáneo y natural posible. Tras una breve intro (‘The Physics Of Light’), se nos presentan con ‘Targets’, un tema bien construido donde ya vemos que las guitarras de Víctor y la voz de Juan van a ser las protagonistas, siempre apoyadas por una base rítmica sólida. El estribillo bien podría recordarnos a los momentos más épicos de Hidden State. ‘Empty Rooms’ embiste a continuación con

De estructura simple, pero con una resolución más que efectiva. Huele a hit en los conciertos. El suave interludio ‘Echoes From Nowhere’ marca de manera calmada que ya hemos pasado el ecuador, pero aún queda dinamita para rato. ‘Numbers’ apuesta por senderos más experimentales. Con un riff que se va repitiendo mientras Juan va creando una atmósfera tensa y opresora, hasta que la canción rompe con una guitarra que termina dando paso a un final más luminoso. Cuanto menos, sorprendente, y deja con ganas de más. ‘Drones’ destaca por su inmediatez y especialmente por la colaboración estelar de Xavier Calvet de Bullitt, formando un dueto en el que sus voces encajan a las mil maravillas.

“imaginaros a los Nothink de la última época con las guitarras de Toundra Y no andaréis muy lejos de lo QUE pueden ofrecer Minor Empires” un riff que te engancha de primeras y otro coro de los de entonar con el puño en alto. A continuación llega ‘The Story Of Timothy Treadwell’, una oscura pieza inspirada en un ecologista que convivió durante años con los osos grizzly y que falleció trágicamente a manos de uno de ellos. Una de las mejores del lote. Más combativos se muestran en ‘Truth Seeker’, con una línea vocal doblada en el estribillo que potencia una buena melodía. En ‘Linsey’ encontramos el tema más inmediato de todo el disco.

Y para finalizar, ‘The Season’ nos despide con un tono melancólico, sin antes cerrar con una guitarras que llevan el ‘made in Toundra’ escrito a fuego. Minor Empires no engañan. Tienen claro de dónde vienen y no pretenden ocultar sus orígenes. Puede que alguien esperase algo más innovador, pero personalmente, con semejante colección de canciones tan bien hechas, sólo me preocupa cuándo podré disfrutarlas en directo. Por el momento, no necesito mucho más. GONZALO PUEBLA

críticas

SKATERS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Michael Ian Cummings (voz), Josh Hubbard (guitarra),

Dan Burke (bajo), Noah Rubin (batería) PRODUCIDO POR: John Hill AFINES A: The Strokes, Arctic Monkeys, Wavves PÁGINA WEB: www.skatersnyc.com

H Manhattan (WARNER)

INDIE ROCK

acía tiempo que no se creaba tanto hype alrededor de una banda de Nueva York. Formados por músicos con experiencia previa en grupos como Dead Trees, Dirty Pretty Things y Viva Viva, Skaters han conseguido en apenas dos años que medios como Nylon, Interview o el New York Times se fijen en ellos, girar por el Reino Unido, que la multinacional Warner les fichara y grabar con John Hill, productor de Rihanna, M.I.A. o Santigold. ¿Pero estamos ante otro caso de mucho ruido y pocas nueces o realmente merecen tanta atención? Su debut Manhattan, que se publica el 24 de febrero, debe despejar la incógnita

y hay que decir que como mínimo presenta suficientes argumentos para convencer ante las naturales sospechas que puedan levantar. No es un disco revolucionario, ni tan fresco como para marcar una época como hizo Is This It? de The Strokes, pero desde luego atesora un puñado de buenas canciones (‘Schemers’, ‘I Wanna Dance’) que te imaginas siendo jaleadas en clubes indies o festivales de verano. Con un sonido a caballo entre la new wave y el punk neoyorquino de finales de los 70 y el indie británico de este siglo (el guitarrista Josh Hubbard es inglés), este primer álbum es un gran homenaje a la vida en la ciudad que nunca

duerme. Desde el asesino de policías de ‘Deadbolt’ a los hijos de papá que dicen no tener un duro para justificar que se han ganado todo lo que tienen de ‘To Be Young In NYC’, los personajes que habitan Manhattan son tan reales como las melodías sobre las que se cuenta su historia. Aunque algunos momentos te resultarán familiares (el estribillo de ‘Miss Teen Massachusetts’ podría cantarlo Julian Casablancas, el riff de ‘Symptomatic’ es el mismo que el de ‘London Calling’ y la base dub de ‘Band Breaker’ también recuerda a The Clash), es indudable que Skaters tienen aquí su pasaporte a la fama. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... MICHAEL IAN CUMMINGS Aunque el grupo opera desde Nueva York, os conocisteis en Los Ángeles. Cuéntamos, ¿cómo fue? “Así es. Josh y yo tenemos muchos amigos en común, pero nunca habíamos coincidido. Nos conocimos en una fiesta en Hollywood, donde los dos estábamos bastante aburridos y empezamos a charlar. Cuando estás borracho siempre dices ‘oh, podríamos empezar una banda juntos’ y nunca pasa nada, pero tres meses después Josh me llamó y me dijo ‘voy a estar en Nueva York’, ‘¿Cuándo?’, ‘Mañana’ (Risas). Y esa misma noche, cuando llegó, formamos el grupo y en los siguientes días cerramos tres bolos”. ¿Así de golpe? “Sí, yo ya tenía la idea de hacer una banda en Nueva York, algo animado y divertido. Los dos primeros conciertos fueron en fiestas y tocamos los temas cuatro veces más rápido de lo que debíamos, pero a la gente le gustó”.

¿Pero teníais la ambición de convertiros en una banda profesional o era sólo un pasatiempo? “Lo que no esperábamos es que un año después Warner nos fichara. Todo fue muy rápido, pero enseguida empezaron a salirnos buenos temas, así que le vimos color”. Aunque tenéis un sonido moderno, se notan influencias del primer punk neoyorquino y la new wave. ¿Es tu periodo musical favorito? “Me gustan muchos estilos distintos, pero desde luego ese periodo fue una gran inspiración para esta formación. El post punk clásico de Nueva York, toda la escena del Bowery. De algún modo queríamos coger un poco de eso y también algo de la actitud punk británica y hacer algo nuevo”. Grabasteis el disco en los míticos Electric Lady Studios. “Habíamos hecho los deberes,

teníamos 30 temas preparados, pero antes de entrar teníamos mariposas en el estómago. Pero a la que nos pusimos a trabajar, todo fue mucho más fácil. Estuvimos allí cuatro semanas. Yo he hecho discos en un día, o en tres días, y puede salir bien o mal, pero cuando estás un mes en el estudio tiene que salir bien por cojones (risas)”. ¿Te parece peligroso el globo que se ha creado alrededor del grupo sin que el álbum haya salido todavía, o te sientes cómodo? “Me siento bien al respecto. No creo que el que haya expectativas sea algo malo. Solamente lo sería si el disco fuese malo (risas), pero creo que no decepcionará a nadie que lo escuche. Me siento muy confiado. No respecto a la industria discográfica, pero sí respecto al disco que hemos hecho. Veremos qué pasa”. (JORDI MEYA) 75

cr í ticas

AGAINST ME!

Transgender Dysphoria Blues

(TOTAL TREBLE MUSIC/MUSIC AS USUAL) PUNK ROCK

i durante buena parte de su carrera los discos de Against Me! habían tratado temas políticos y Tom Gabel parecía estar en lucha contra el mundo, desde que en 2012 hiciera público su deseo de convertirse en mujer llegamos a la conclusión de que quizá contra quien en realidad estaba luchando era consigo mismo. Es por eso que Transgender Dysphoria Blues, el primero que graba como Laura Jane Grace, su nueva identidad, se antoja como su disco más honesto. Aunque lo haga a través del personaje de una prostituta transexual, el álbum aborda sin complejos los sentimientos que ha

experimentado al vivir con un cuerpo que no sentía como propio. Las referencias a su condición son constantes, como en ‘Trans Soul Rebel’, donde canta “Deberías haber sido madre. Deberías haber sido esposa. Deberías haberte ido de aquí hace años. Deberías estar viviendo una vida distinta”, y como era de esperar, hace que el tono del disco sea bastante crudo y triste. A nivel sónico eso se traduce en un álbum menos producido que los dos últimos y también menos eufórico (no esperéis grandes estribillos coreables). En algunos momentos se acercan más a The Replacements (‘Fuckmylife666’) o incluso a The Gaslight Anthem (‘Dead Friend’), pero está claro que Laura Jane no ha perdido su don para escribir buenos temas de punk rock (‘Unconditional Love’, ‘Drinking With The Jocks’), ni tampoco la voz rasposa para cantarlos. Quizá no sea el discazo que sus fans esperábamos después de tres años y medio de silencio, pero desde luego era el que Laura Jane necesitaba hacer. Y sólo por eso merece un respeto. JORDI MEYA

CARNIFEX

Die Without Hope (NUCLEAR BLAST) DEATHCORE

o sé vosotros, pero yo estoy hasta las pelotas de que las grandes bandas de deathcore se disuelvan a los pocos discos o lentamente se vayan amoñardando, para explicarlo de una manera simplista y neandertal. Este último ha sido el camino elegido por Bring Me The Horizon, el que parece que iban a escoger Suicide Silence antes de que la tragedia nos dejara sin Mitch Lucker, pero con el retorno de Carnifex tenía un pálpito, sabía que la máquina de matar no nos iba a decepcionar. Ya desde ‘Salvation Is Dead’ la masacre es bigarda y

despiadada, pues de algo tenía que servir el respiro que se dieron desde el 9 de octubre de 2012 hasta el 10 de junio del pasado año. ‘Dark Days’ es oscura, cruel y explota en un breakdown que te va a mutilar, y encima esa atrayente línea sinfónica y blacker que siempre han presentado continúa en ‘Condemned To Decay’, ‘Die Without Hope’, la muy Black Dahlia ‘Where The Light Dies’ o la fantástica ‘Dragged Into The Grave’. Más temazos como ‘Hatred And Slaughter’ o ‘Rotten Souls’, y un Scott Lewis al micro de nuevo haciéndote creer que Carnifex cuentan con dos o tres vocalistas. Una quinta obra de extremísima violencia y profunda aversión hacia todo… justo la paliza que sus fans necesitaban tras tres años de silencio discográfico. ¿Te acuerdas de cuando aún existían Despised Icon o Whitechapel eran capaces de publicar The Somatic Defilement y This Is Exile? Pues esto es lo que Carnifex te van a meter por el culo. Total deathcore a muerte. No cuesta tanto, carajo. PAU NAVARRA

NO MORE LIES In The Shade Of Expectation (BCORE)

ROCK, POST HARDCORE

Disfruta de un consumo responsable 35ª

a alargada sombra de No More Lies, su influencia, siempre ha estado ahí. Quizás por eso, y porque ya van nueve años de espera, el anuncio de un nuevo trabajo de la banda integrada por Santi Garcia (guitarra, voz), Roger Ortega (batería) y Max Triviños (bajo) generó tanta expectación. Grabado y masterizado por el hermanísimo Víctor Garcia, In The Shade Of Expectation añade al repertorio NML otros diez temas certeros, rebosantes de energía, con esas guitarras crujientes marca de la casa y una sección rítmica hiperactiva. Como el pez saltarín de la portada, No More Lies han decidido abandonar la tranquilidad en alta mar (‘Spiral Desidia’) y nadar río arriba como los salmones. Sin prisas (‘The Urgency Has Gone’), hasta su nacimiento

en 1997. Entonces ellos eran unos imberbes pero firmaron el sorprendente y ahora buscadísimo Seeds Of Enthusiasm. Después vendría su tornado de hits titulado ][ y, poco después, 41º46.5/’n3º1.9/’E/, las coordenadas a seguir para las nuevas generaciones. Con semejantes antecendentes sólo podíamos (y debíamos) exigirles otra colección de himnos y estribillos despatarrantes, y el trío ha respondido con una exhibición de pegada y clarividencia melódica. In The Shade Of Expectation, compacto y heterogéneo en el mejor de los sentidos, no desmerece en una discografía para enmarcar. Al contrario, transmite ilusión y demuestra que, lejos de quedarse obsoletos, estos tres entrañables tipos aún tienen mucho que ofrecer. LUIS BENAVIDES 77

críticas

YOKOZUNA

Quiero Venganza (TERRÍCOLAS IMBÉCILES)

STONER ROCK

Yokozuna, la banda de los hermanos Tranquilino, los conocí a través de unas declaraciones de Phil Anselmo que los ponía a la altura de los mismísimos Kyuss. Activistas y conocidos por denunciar toda la situación de corrupción de su país, la banda es para estos dos soldados mexicanos un vehículo para arremeter contra todo y contra todos los que ponen su bota encima de todas las cosas en las que ellos creen. Ya sabéis, ira contra la máquina. Para ello se arman de guitarras ultra saturadas, muy cercanas a las que Josh Homme utilizaba cuando junto a Garcia iban al desierto a encontrarse a sí mismos, bajos que literalmente te revientan en mil pedazos y textos explícitos no, lo siguiente. Según mis palabras podríais pensar en

THE GASLIGHT ANTHEM The B-Sides (SIDEONEDUMMY)

ROCK

ra evidente que tarde o temprano una banda con el potencial de The Gaslight Anthem acabaría ingresando en las filas de alguna disquera multinacional. Así fue de hecho como el pasado 2012 vio la luz su cuarto álbum, Handwritten, bajo el amparo de Mercury, lo cual suponía su confirmación en la liga de los grandes. Es por tanto lógico que su antigua casa, SideOneDummy, quiera aprovechar el tirón y sacar tajada del pastel. Algo que me parece totalmente lícito, ya que fueron ellos y no otros los primeros en apostar fuerte por los de New Jersey.

Yokozuna como un combo stoner; podría ser así, pero a esa poderosa base le añaden pequeñas ráfagas de blues o incluso delicados y sombríos momentos acústicos que enriquecen una propuesta ya interesante de por sí. Escucha ‘Sangre Llama Sangre’ (al parecer, el tema que puso como a una moto a Anselmo) con esas apocalípticas voces, esa estruendosa guitarra y

esos versos cargados de mala hostia a mansalva. El tema título también hace daño, un dardo envenenado contra el poder con un riff que podría mover una montaña. Y para que nadie se queje, también se atreven con un zambombazo punk a toda velocidad en ese balazo titulado ‘Ola’. Harían falta más grupos así en los tiempos que corren.

El problema viene cuando nos encontramos ante una recopilación de rarezas y caras-B que poco aporta a los que ya hemos venido siguiendo con atención sus andanzas en los últimos años. La mayoría de los cortes de este The B-Sides se componen de tomas acústicas de algunos de sus temas más populares (‘The 59’ Sound’, ‘Great Expectations’, ‘American Slang’) o versiones ya conocidas por todos como las de Pearl Jam (‘State Of Love And Trust’) y The Rolling Stones (‘Tumbling Dice’), que se han podido encontrar fácilmente en EP’s digitales o como bonus track. Las

más interesantes, eso sí, son ‘Songs For Teenagers’, ‘Once Upon A Time’ y esa ‘She Loves You’ que quedó fuera de su magnífico American Slang. El tono a lo largo del álbum es tan austero que parece que nos encontremos ante un disco en solitario de Brian Fallon, por lo que tampoco sirve como una representación fiel de lo que es su sonido. Y aunque no negaré que por momentos llego a disfrutar de él, este artefacto ni mucho menos calmará las ganas que tenemos todos de escuchar sus nuevas canciones. Ánimo, que ya falta menos.

ANDRÉS MARTÍNEZ

GONZALO PUEBLA

cr í ticas

BRUCE SPRINGSTEEN High Hopes (COLUMBIA) ROCK

bsesionado como ha estado siempre con que sus álbumes tuvieran una importante carga narrativa, el propio Sprinsgteen ha advertido que High Hopes es “una anomalía” dentro de su discografía. Construido a base de versiones, descartes de la última década y nuevas grabaciones de temas ya conocidos, podría ser visto como un disco menor, pero incluso de sus sobras puede uno alimentarse. Es evidente que no es un disco perfecto, pero aun así después de escucharlo cualquier fan suyo preferirá que estos doce

temas hayan visto la luz. Entre lo menos interesante están las versiones, ya que aunque las elecciones huyen de lo obvio (The Havalinas, The Saints y Suicide), son simplemente agradables. En cambio, entre algunos de sus temas propios encontramos algunos superiores a otros aparecidos en el tramo que va desde The Rising a Wrecking Ball. La solemne y antibelicista ‘The Wall’, el vals post apocalíptico de ‘Hunter Of The Invisable Game’, el pop celta de ‘This Is Your Sword’ o el rock’n’roll desenfadado de ‘Frankie Fell In Love’ justifican por sí solas su adquisición. Pero si algo refleja su decimoctavo disco es el idilio entre Springsteen y Tom Morello, quien se ha convertido en interino de la E Street Band del siglo XXI. El que cante a medias con él la revigorizada ‘The Ghost Of Tom Joad’ y le haya dejado descargar a su antojo toda su pirotecnia guitarrística, hacen intuir que a sus 64 años, lejos de acomodarse, Springsteen todavía mira el futuro como un libro lleno de posibilidades. JORDI MEYA

ICED EARTH

Plagues Of Babylon (CENTURY MEDIA) US POWER, THRASH METAL

e muy esperanzador se puede tildar el inicio de la nueva obra de Iced Earth, Plagues Of Babylon. Y es que la misma ‘Plagues Of Babylon’ contiene todo lo que ha hecho grande al grupo de Jon Schaffer a lo largo de los años: un estilo de riffear único en su especie, aunque todavía mucha gente no lo quiera reconocer, y una épica en coros y voz que podría haber firmado el mejor Matt Barlow, pese a que haya sido un Stu Block que tras incontables bolos a su espalda y dos álbumes en su haber ya ha hecho callar a los más escépticos.

‘Democide’ imprime una mayor velocidad y te hace creer que estamos ante algo grande, ‘The Culling’ podría ser un medio tiempo suyo de los 90, ‘Among The Living Dead’ alcanza cotas de alta calidad, ‘Resistance’ es facilón pero tiene su gracia… Pero claro, todavía te quedan muchísimos minutos por recorrer, y la verdad es que el undécimo álbum de los de Florida pierde ritmo e inspiración a marchas forzadas. Y es que cada vez es más lento, y más, y más… Hasta llegar a convertirse en un auténtico peñazo. Tampoco se puede decir que ‘The End’ o ‘Cthulhu’ sean malos cortes, para nada, pero uno detrás de otro quizás te sirvan para dormir al sobrino, pero no para desfasar tras un duro día de trabajo. Mira que su anterior Dystopia tampoco era nada del otro mundo, pero al menos parecía que recuperaban algo de su vitalidad y potencia. A este paso los veo tocando entre abueletes en Generación Rock… Aburrido es poco, colegas. PAU NAVARRA

SCHNEIDER TM Guitar Sounds (BUREAU B/GREEN UFOS) EXPERIMENTAL

onidos De Guitarra, más explícito no puede ser un título. Guitarra es exclusivamente lo que contiene este disco, en efecto, y ésta no crea melodía ni sostiene ritmo, sino que funciona como máquina generadora de sonidos, limpios en ocasiones y la mayoría de las veces, polucionados. Dirk Dresselhaus carece del título oficial de subversor que en su momento se le adjudicó a Lee Ranaldo, y yendo hacia atrás, a gente tan distinta como Rhys Chatham, John Fahey o Eugene Chadbourne (me ciño a guitarristas), pero al igual que ellos, quizá de forma más callada, el

alemán se ha construido una carrera que tiende a mirar de soslayo diferentes géneros para darles la vuelta y convertirlos en otra cosa. Lo hizo con el electropop en sus primeros álbumes, llevó la música concreta a límites paródicos en Construction Sounds –un disco de ruidos de una obra en construcción– y en éste, con ayuda de ordenador, lo hace con la guitarra. Guitar Sounds suena luminoso en algunos (escasos) momentos, casi siempre lóbrego; escucharlo a oscuras es como caminar entre alambres en una noche húmeda de neblina. No los ves, pero te laceran la carne a cada paso. Intuyo que mayormente improvisados, los temas, más que estructurarse, avanzan en base a la intuición y el estado de ánimo de Dresselhaus, y en conjunto se me antoja lo que Neil Young, en lugar de poner música a Dead Man, se la hubiera puesto a Cabeza Borradora. No es disco para todos los días, pero en algunos encaja perfecto. JESÚS BROTONS

Manda un correo a rockzone@rockzone.com.es con el nombre de tu banda favorita y...

críticas

DAYS OF HEROES

HAS DE SABER... FORMACIÓN: José ‘Tweety’ Capmany (voz, guitarra), Manuel Carrasco (guitarra),

Fabio Blázquez (bajo), Jairo Ubiaño (batería) PRODUCIDO POR: Manuel Carrasco, José Capmany y Carlos Rodríguez AFINES A: Foo Fighters, Thrice, Amberlin PÁGINA WEB: www.facebook.com/daysofheroes

RECOMENDADO POR:

L Archetypes (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

o primero que piensa uno cuando da una primera escucha al álbum de debut de este cuarteto madrileño es que parece una banda guiri. Bien es cierto que la mezcla está firmada por Luc Tellier (Simple Plan, The New Cities), pero tanto el sonido, muy elaborado, como su técnica, son todo mérito suyo. Estos chicos suenan a formaciones de alta alcurnia como Thrice, Foo Fighters, The Ataris, The Fight, Down By Law o incluso tienen reminiscencias a los barceloneses Daylight y por supuesto a los jerezanos G.A.S. Drummers, ya que su cantante Tweety se acerca mucho a la tonalidad del gran Dani Llamas, referencia

nacional en esto que nos traemos entre manos llamado rock alternativo… Nacidos en 2011 con miembros procedentes de otras bandas como Avenues & Silhouettes, Never Draw Back y Notes For Adrienne y repartidos entre Madrid y Gijón, Days Of Heroes se convierten con Archetypes en una de las bandas de rock con mayor porvenir de nuestras fronteras. Jóvenes y preparados, esperamos que peguen duro y comiencen a sonar en todos lados y a forjarse como banda en la carretera. Himnos generacionales como ‘Goodwill’, ‘You Are Music’ o ‘Perspective’ llenan un disco muy recomendable para toda persona que

disfrute con lo melódico y se le ericen los pelos con las bases a medio tiempo bien elaboradas. Temas acústicos muy redondos como ‘Emerald Oceans’ otorgan equilibrio en un disco completo, variado y muy centrado en enaltecer a la guitarra como instrumento estrella. Voces muy curradas y una producción de 10 sobre 10, intachable y con un sonido muy potente y estudiado. Auguramos un futuro prometedor a estos jovenzuelos que ya, y con este primer LP, despuntan con sólo tres años de vida, pudiendo convertirse en una de las referencias fundamentales de nuestro país. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... JOSÉ ‘TWEETY’ CAPMANY Han pasado casi tres años desde que lanzasteis vuestro primer EP. ¿Por qué el álbum se ha hecho tanto de rogar? “Hemos estado inmersos en componer un disco que representase realmente lo que más nos gusta, lo que más nos define. Entre medias de esta composición tuvimos un cambio de formación, incorporando a Jairo Ubiaño como batería, lo cual hizo que le diésemos un repaso a canciones que creíamos cerradas. En realidad, por lo menos para mí, no parece haber pasado tanto tiempo”. Aunque hay temas muy pegadizos en la línea del principio, en otros se os nota evolucionando hacia terrenos más atmosféricos. Hay más Thrice que Foo Fighters... “Según cuando, tiramos hacia un lado o hacia otro. Yo creo que ninguno de nosotros se ha puesto a pensar sobre en qué rollo nos estábamos moviendo, pero

no te puedo negar que Thrice, desde luego, es una de nuestras influencias más fuertes. Incluso dentro del grupo algunos somos más fans de sus trabajos más tardíos y otros se dejan los oídos escuchando sus primeros pasos. En cuanto a composición, creo que todos seguimos una misma máxima para bien o para mal, y es el no cerrarnos a un estilo. Dicen que en la variedad está el gusto, ¿y quiénes somos nosotros para negar un dicho tan asentado?”. El disco tiene una intro y 14 temas. ¿No sabíais cuáles dejar fuera o qué? “¡Todos al saco! (Risas) Ha sido difícil elegir el track final del disco. La pizarra de nuestro local de ensayo era un Cristo cuando estábamos eligiendo qué temas incluir dentro de Archetypes. Teníamos más de 30 cortes, y no conseguíamos hacer una criba definitiva. Hasta llegamos a barajar la posibilidad de hacer un disco doble. Finalmente grabamos 18 temas, y, aunque el primer

setlist incluía todos éstos, decidimos reducirlo hasta los 14 temas más intro que podéis escuchar”. Por su estilo, el disco podría gustar más a fuera que aquí. ¿Os motiva? ¿Os preocupa? “Por suerte o por desgracia, ésta es una pregunta muy recurrente en España, pero siempre es más una motivación que una preocupación. Lo importante, al fin y al cabo, es el hecho de que se escuche, no el dónde. Podemos seguir de dónde es el grueso de nuestro público a través de nuestro Facebook y por las descargas y compras de Bandcamp. Por ahora sólo tenemos una edición digital de Archetypes y estamos viendo cómo gente de varios países compra nuestra música y nos preguntan por la edición física, lo cual ya es muy gratificante. Pero por el momento, España va en cabeza. Aun así, a quien nos esté leyendo, le invitamos a compartir nuestra música con sus amigos, ¡que es gratis!”. (JORDI PONS) 83

críticas

WHITE DENIM

Corsicana Lemonade (DOWNTOWN/PIAS)

ROCK, PSICODELIA

i hiciéramos una lista de las bandas más inclasificables del momento, seguro que White Denim estarían en ella, y en un puesto preferente, pues está claro que son capaces de fusionar la lambada con el thrash sin despeinarse. Austin sigue generando grandes talentos musicales y White Denim lo atestiguan desde 2005. Con este Corsicana Lemonade, su sexto trabajo, no hacen más que engrandecer su legado construido por tres músicos tan buenos que parece que se multiplican cuando oyes una de sus canciones. Garage, experimental, pop, country, psicodelia, jazz, progresivo, funk, sinfónico, boogie soul, dirty blues y un sinfín de estilos más se pueden encontrar en un disco de White Denim y verse entrelazados con una

THE SOULBREAKER COMPANY Graceless (ALONE)

ROCK

unque sean uno de los grupos que más admiro dentro de nuestras fronteras, debo decir que no me gustaría formar parte de The Soulbreaker Company. Y no me malinterpreten, pero el tener que intentar superar una obra maestra como Itaca tiene que ser un marrón de los gordos. Para nuestra suerte, los de Vitoria vienen a demostrar con su cuarto álbum que están hechos de una pasta distinta al resto. Cuando muchos habrían optado por hacer una continuación calcada a su anterior referencia, ellos han sido más inteligentes (o arriesgados, según se mire) y han preferido tirar por otro sendero. Sin haber

habilidad pasmosa. Sin duda, para trabajar así lo has de hacer sin pretensión alguna y dejándote llevar, apostando por la buena cultura musical de sus oyentes, que son los que compran sus discos, porque lo de White Denim es magia para los oídos pero no para todos. Corsicana Lemonade acentúa en estilos como el progresivo y el sinfónico para ser la

columna vertebral del álbum, dejando que el pop, el blues o el rock se cuelen por sus surcos para crear un disco meloso, delicado, sustancioso y trabajado. ‘At Night In Dreams’, su single ‘Pretty Green’ y ‘Cheer Up/ Blues Ending’ se cuelgan la medalla a lo mejorcillo del disco. Ya sea a fans o detractores, White Denim no dejan indiferente a nadie.

renunciado a un sonido que ya es reconocible dentro de su amplitud de miras, que recoge lo mejor de los 70 sin caer en la copia fácil, han optado por reducir un par de marchas y hacer que todo suene más espacioso. Con una producción más basada en capas en lugar de buscar la contundencia de los riffs. Al contrario que su predecesor, Graceless no te noqueará a la primera con una paleta de recursos incontestables, sino que te seducirá poco a poco hasta que ya no puedas desprenderte de él. Puede que en los primeros acercamientos muchos echen en falta un par de puñetazos sonoros (tendrán que conformarse con

‘1789’ y ‘You!’, esta última monumental), pero con el paso de los días seguro que caerán rendidos ante la majestuosidad de los arreglos de cuerda en ‘Dust From The Stars’ o la casi instrumental ‘Hard And Fast’. Los teclados de Óscar ganan muchísimo más peso, tanto que sin ellos sería imposible entender un baladón tan desgarrador como ‘So Blind’ o ese final en ‘How Will We Get By?’, en la que parecen unos The Who que han cambiado las anfetaminas por LSD. Hasta el cierre de ‘Good Times’ emociona por sí solo. Por enésima vez, toca descubrirse ante ellos. El mejor grupo de este país en la actualidad.

CARLES RAMÍREZ

GONZALO PUEBLA

BENIGHTED

Carnivore Sublime (SEASON OF MIST)

BRUTAL DEATH METAL GRIND

e costó un poco pillarle el rollo a Carnivore Sublime, la nueva atrocidad de los maestros galos Benighted, pero en el momento en que mi cabeza hizo ‘click’ ante semejante majadería, ya no hubo vuelta atrás. Y es que yendo de chaladura en chaladura en las líneas argumentales de sus discos, esta vez sí consiguen desquiciarte con una obra que te chafa desde los primeros berridos de ‘X2Y’ y la empalmada ‘Noise’. Julien Truchan es posiblemente el vocalista más versátil del brutal death grind planetario, y lo que seguramente le encumbra

por encima de Travis Ryan de Cattle Decapitation es que en directo él sí logra plasmar su barbarie vocal al completo. Sus porcinos suenan a diario en cualquier matadero, sus guturales pueden lograr que George Corpsegrinder de Cannibal Corpse se haga popós, y cuando le da por los alaridos esquizoides y rasgados suena absolutamente enfermo. Al combo sólo le faltaba uno de los mejores baterías del momento… Y es que en Kevin Foley tienen a su arma nuclear. La deathcore ‘Slaughter/ Suicide’, ‘Spit’, ‘Defiled Purity’ o ‘Collection Of Dead Portraits’ te arrancarán la piel entre riffs que sólo buscan la extinción de toda vida. Elijas el corte que elijas, Benighted te desollarán en menos que canta un gallo… ¡Y en ‘Les Morsures Du Cerbère’ incluso se cascan un estribillo bonito! Al final, entre tanta locura, el demente (éste sí que es real) de Niklas Kvarforth de Shining se pasó para colaborar en el álbum. Si es que se han juntado el hambre con las ganas de comer… PAU NAVARRA

críticas

LLOYD COLE/ HANS-JOACHIM ROEDELIUS

Selected Studies Vol. 1 (BUREAU B/GREEN UFOS)

EXPERIMENTAL

upongo inevitable destacar antes que nada la extraña liaison que han dado en formar el venerable (78 años) Roedelius, tótem viviente de la electrónica impresionista alemana, y Cole, un hombre que se dio a conocer en los 80 en el campo del llamado Nuevo Rock Americano. Roedelius es el del tridente Kluster/Cluster/Qluster, en efecto, y Lloyd el de los Commotions, eso es, si bien en 2001 ya publicó un disco, Plastic Wood, en el que daba rienda a sus querencias para con la electrónica ambiental. Relativas extrañezas al margen, en lo sonoro el crossover no ha sido tal: Selected Studies Vol. 1 presenta una ausencia total de guitarras, equiparándose de principio a fin con el ingente canon grabado por Roedelius en los últimos 30 años. Cole,

HARSH TOKE

Light Up And Live (TEE PEE)

PSICODELIA

os hijos de los 70 (o más bien los nietos) siguen floreciendo sin parar, aunque esta vez no vienen de las heladas tierras del norte de Europa; estos colgados en ácido son americanos, más concretamente de San Diego, aunque tienen mucho en común con todas esas bestias suecas que maltratan sus amplificadores Orange y que tan buenos resultados están consiguiendo. La gran diferencia está en que a este trío se la trae floja las canciones, las melodías o las ambientaciones, lo suyo es subir al 11 el volumen e improvisar en

más colaborador que coautor, se pliega aquí al sonido Cluster de toda la vida, el de las suaves pinceladas de sintetizador, ritmos apenas intuidos y tintineos de piano de la escuela Debussy, sosteniendo al alemán en una serie de contemplativas aguamarinas instrumentales que puntualmente derivan hacia lo nocturno (ahí esa ‘Wandelbar’, muy Eno etapa The Shutov Assembly) pero

toman casi siempre forma de luminosos tone poems. Destaca este disco entre la producción de Cole, por lo que tiene de diferente, pero entre la producción de Roedelius se diluye; es uno más. Uno de los buenos, eso sí, y harán bien en hacerse con él los adeptos al sonido de los Cluster clásicos, pues se mantiene aquí, incólume ante al transcurrir de los años.

una interminable, ácida y psicodélica jam, después de haberse metido un buen viaje de setas alucinógenas. Por eso es inútil destacar cualquiera de los cuatro desarrollos casi instrumentales (tan solamente en el primer corte encontramos algunas voces), que incluyen en éste, su debut. La guitarra de Justin Figueroa es la que manda, su Gibson, sus pedales, su ampli y su creatividad a la hora de viajar a base de puntear hasta el infinito mientras la base rítmica le sigue como puede, es la total protagonista de un blues

psicodélico y demoníaco que o bien te flipa o bien te mata de asco, no hay termino medio, o lo amas o lo odias. Como yo siempre he sido un apasionado de estos arrebatos sonoros esquizofrénicos, he disfrutado como un loco con una grabación que repito no es nada fácil, ni siquiera para oídos entrenados, pero si eres de esa facción de lectores triperos amante de engendros como Edgar Broughton Band, Human Instinct o Wicked Lady, enhorabuena: métete el cuarto de hora de ‘Weight Of The Sun’, y a viajar.

JESÚS BROTONS

ANDRÉS MARTÍNEZ

ILLINOISE

Loop Losers (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

i os gusta el rock alternativo con garra, electrizante y chica al frente, seguid leyendo. Loop Losers, tercer largo de Illinoise, merece muy mucho la pena. Y es que los catalanes capitaneados por la versátil voz de Nina se han superado con diez nuevos trallazos. Desde la guitarra machacona de ‘Stolen Nights’ al más puro estilo Refused a la tremendista ‘Losers’, donde acaban gritando “Play till the world die!” cual declaración de intenciones. El conjunto muestra una mayor consistencia y coherencia, tanto en el sonido como en las formas. Y aunque las comparaciones son siempre odiosas, para entender este salto cualitativo basta

con recuperar su anterior trabajo, el entretenido Killing Metronom-o, un disco con un puñado de temazos de efecto inmediato pero bastante disperso. En este álbum juegan sus mejores cartas, presentes de alguna manera pero desordenadas en sus anteriores referencias. Así, en Loop Losers encontramos velocidad, una muy personal mezcla de tensión y melancolía en las estrofas, dos guitarras enfermizas en diálogo constante (brutales en ‘I Can’t Find The Way’) y, sobre todo, la fiereza marca de la casa en los estribillos. A destacar también la frenética e hipnótica ‘Go’ y mi favorita ‘Wake Up’, con ese contraste tan especial entre la voz sedosa y un punteo infernal. Las letras de Loop Losers, en general, también han ganado muchos enteros. Mientras en ‘We’ll Have The World’ y ‘Brainwashing Machine’ arremeten contra la estupidez que nos rodea, ‘Luck’, ‘Wake Up’ y ‘Burning Inside’ se revuelven contra la mala suerte, los miedos y el odio respectivamente. Sin duda, el mejor disco del quinteto gerundense hasta la fecha. LUIS BENAVIDES

críticas

THE OBITS

Bed & Bugs (SUB POP) ROCK

i Rick Froberg, el alma de The Obits, quiere irse distanciando de su antigua banda Hot Snakes, lo está haciendo muy bien. Lento pero sin pausa, el sonido Hot Snakes que siempre ha sobrevolado la cabeza de The Obits va desapareciendo. No es que este Bed & Bugs sea el que dé el golpe de gracia porque todavía encontramos elementos que nos dirigen hacia ellos, pero pocos, la verdad. Los cuatro de Brooklyn son unos culos inquietos de la música y bajo la herencia de Hot Snakes van buscando su camino convenciendo a la parroquia. Con todo lo que deben saber de música sus miembros,

no es de extrañar que el preconcebido garage punk se decante por momentos hacia una especie de indie rock que convierte al disco en dispar, con elementos muy diversos que hacen de ésta, su tercera entrega, una obra desconcertante y rica a la vez. Rica por todos los tributos musicales y estilísticos que nos regalan, y desconcertante porque no creo que hayan encontrado su camino como banda y me da que nunca lo encontrarán, puesto que se juntan demasiadas buenas ideas sin crear una única y direccional donde coincidan todos. ¿Perdidos? No, no creo que sea esa la palabra, más bien nos encontramos con cuatro grandes músicos que se lo pasan muy bien grabando y así es como debemos entender y disfrutar a The Obits. Tanto te rascan las guitarras a tope en ‘Taste The Diff’ como se te ponen melódicos a lo Replacements en ‘Pet Trust’, y muy posiblemente no saquen un disco redondo en su vida, pero disfrutables todos, que no es poco. CARLES RAMÍREZ

CONAN

Blood Eagle (NAPALM) DOOM METAL

eniendo junto a The Sword el mejor nombre posible para una banda de metal, la verdad es que a Conan las cosas no les están yendo tan bien en cuanto a popularidad si los comparamos con muchos otros compañeros de generación. Cierto es que el más instruido en lentas agonías musicales conocerá de sobras las bonanzas de un EP de más de media hora como Horseback Battle Hammer o de su debut Monnos, pero no se puede negar que los de Liverpool no han acabado de petar en un movimiento que, pese a seguir siendo marginal, actualmente

goza de su mejor salud. Su fichaje por Napalm Records para publicar Blood Eagle obedece a un intento de cambiar esto, y viendo cómo empieza la obra, parece que Conan pueden por fin asomar el hocico entre la escena. ‘Crown Of Talons’ son más de 10 minutos en los que el headbanging es obligado por puro aplastamiento, pero lo que más llama la atención es inesperado… La batería de Paul O’Neill. Lejos de limitarse a ser el típico metrónomo que marca el tempo cual inalterable reloj biológico hacia la defunción, O’Neill acaricia sus platos y parches de una forma mucho más creativa y audaz de lo que estamos acostumbrados en el género. Es posible que le reste instinto asesino a las composiciones, pero el hecho de querer aportar nuevos matices merece un respeto. El tema acaba en empalamiento para que ‘Total Conquest’ certifique que aquí sólo mandan los riffs, y en ‘Foehammer’, una ‘Gravity Chasm’ que va a más o ‘Altar Of Grief’ así va a ser hasta que tus altavoces digan basta. PAU NAVARRA

MASTODON

Live At Brixton (WARNER) SLUDGE METAL, PROGRESIVO

na vez confirmado que Mastodon ya están de nuevo en el estudio, este directo se presenta como una buena manera de abrir el apetito de cara a su sexto disco. Grabado en febrero de 2012 en el Brixton Academy de Londres, el álbum recoge 23 temas en más de hora y media de bolo en el que repasan toda su discografía. Naturalmente el álbum que presentaban en esa gira, The Hunter, adquiere un especial protagonismo con ocho de sus cortes aquí presentes -por contra, sólo hay dos del anterior Crack The Skye-, lo cual da fe de lo mucho que los de

Atlanta confiaban en su última obra a pesar de que recibieran algunas críticas. No me encuentro entre esos detractores, pero me gustaría saber qué piensan de temas como ‘Curl Of The Burl’, ‘Blasteroid’ o ‘Black Tongue’, que con la contundencia propia del directo suenan perfectamente integrados con su repertorio más añejo. Es más, su orientación más melódica y directa ayuda como desengrasante entre el material más progresivo. Aunque la habilidad técnica de estos músicos está fuera de toda duda (en especial Brann Dailor se muestra capaz de reproducir sus infinitos redobles sin problema), el talón de Aquiles de Mastodon en directo siempre han sido las voces, en especial cuando Troy Sanders y Brent Hinds tienen que harmonizar, y eso también queda aquí documentado. Lo cual está bien, porque significa que no han querido retocar la grabación en exceso, pero también que deberían currarse más ese aspecto de cara al futuro. DAVID GARCELL

críticas

SHARON JONES AND THE DAP-KINGS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Sharon Jones (voz), Bosco Mann (bajo), Neal Sugarman (saxo), Binky

Griptite (guitarra), Fernando Velez (percusión), Homer Steinweiss (batería), David Guy (trompeta), Joseph Crispiano (guitarra), Cochemea Gastellum (saxo) PRODUCIDO POR: Bosco Mann AFINES A: Aretha Franklin, Lee Fields, James Brown PÁGINA WEB: www.sharonjonesandthedapkings.com

Give The People What They Want (DAPTONE/RESISTENCIA) SOUL

etrasada su salida unos cuantos meses debido al cáncer que le fue detectado a Sharon, y del que parece estar en vías de recuperación, finalmente llega el esperado quinto disco de Sharon Jones And The Dap-Kings, el primero que editan como estrellas mundiales y como los revitalizadores oficiales de este momento dorado que está viviendo el soul. Que el álbum se llame Give The People What They Want dice bastante de la intención con la que ha sido creado el trabajo. Con lo que les ha costado llegar hasta aquí, a buen seguro que The DapKings no tienen ninguna intención de ponerse a experimentar a estas alturas

y ofrecen lo que mejor saben hacer: soul clásico –partiendo de ahí, añádanle las subetiquetas que crean oportunas- de varios quilates, ejecutado por una banda impecable y una vocalista de otro mundo. Dicho esto, Give The People What They Want no es el álbum más brillante de Sharon Jones. Difícil superar I Learned The Hard Way, puede que porque el elemento sorpresa cada vez se va difuminando más o puede que porque esta vez las canciones tengan algo menos de gancho que otras veces. Aun así, hay bastante donde rascar. La inicial ‘Retreat’ nos trae a unos Dap-Kings sonando más grandes que nunca y rozando por momentos el Wall Of

Sound de Spector, y el que no sea capaz de infectarse de la contagiosa energía de ‘Stranger To My Hapiness’ es que tiene horchata en las venas. Quizás el problema mayor del álbum es que, fuera de esos dos temas, la obra carece de algún momento más que se pueda calificar de realmente memorable, pero tampoco sería justo no catalogar a éste como a un álbum sólido y que sirve para seguir reafirmando esta carrera que nos ha hecho creer en la justicia poética. Solamente nos queda pedir que Sharon se recupere pronto y nos vuelva a deleitar con ese dominio escénico sólo al alcance de las más grandes. RICHARD ROYUELA

HABLAMOS CON... SHARON JONES Antes que nada, ¿cómo estás de salud? “Luchando con ello. Estoy en mis últimos días de quimioterapia y parece que todo va bien, pero está siendo muy duro. En los últimos meses he tenido que batallar con la muerte de mi madre primero y con el cáncer después. Llevas luchando toda la vida por algo y en un momento tienes la impresión de que todo se desmorona y que no ha sido más que un sueño. Pensaba que iba a morir, así de claro. Ahora ya me encuentro algo más animada, aunque es un proceso largo, doloroso y cansado”. Debido a tu enfermedad el álbum se retrasó unos meses. ¿Lo que ha salido ahora es exactamente lo mismo que iba a salir en agosto? “Sí, no ha habido ningún cambio. Lo que ha cambiado es el significado de algunas cosas. Por ejemplo, el vídeo de ‘Retreat’ se hizo antes de saber que tenía cáncer. Tenía un significado completamente diferente. Ahora veo esos

lobos negros que salen como símbolo del cáncer y cómo he tenido que luchar contra ellos”. ¿Qué aporta este nuevo álbum a la carrera de The Dap-Kings? “Somos una banda de soul y estamos aquí para difundir eso. Esto es lo que mejor sabemos hacer y no tendría sentido hacer otra cosa. Dejando de lado lo que me haya podido pasar, estamos viviendo un sueño con el grupo. Tocando en todos los lugares del mundo, llevando un montón de gente en los conciertos y obteniendo ese reconocimiento con el que siempre soñamos”. ¿Cómo afrontas que el éxito te llegara alrededor de los 50? “Es un privilegio. He tenido trabajos de secretaria, vigilante… pero mi vida ha girado en torno a la música y lo he sacrificado todo por ella. He renunciado a tener hijos, pareja… para poder tirar adelante dentro de este mundo. Lo que hacía sencillamente no interesaba hace veinte años. No tengo palabras para

expresar cómo me siento una vez lo he conseguido. De ahí que me sintiera tan frustrada por el cáncer“. En el vídeo de ‘Stranger To My Hapiness’ sales con la cabeza rapada sin ningún complejo... “No te creas (risas). Me costó mucho dar ese paso. Fue muy duro verse delante del espejo sin pelo, pero al final decidí que no tenía sentido esconderse con una peluca. Es como un canto a la lucha y hacer ver que se puede superar la enfermedad. Además, si llevara peluca seguramente se me acabaría cayendo en los conciertos (risas)”. En 2001 tuvisteis una residencia de un mes en La Boite de Barcelona. ¿Cómo recuerdas aquellos días? “Con mucho cariño. Era nuestra primera experiencia en Europa. El dinero escaseaba y no siempre las cosas eran fáciles, pero tengo una experiencia inolvidable que sentó los cimientos de nuestra carrera”. (RICHARD ROYUELA) 91

crít i cas

TOY

Join The Dots (HEAVENLY/PIAS) SHOEGAZE

oy tienen un espejo donde mirarse y se llama The Horrors. Lo demostraron en su homónimo debut y lo siguen haciendo con su segunda entrega, Join The Dots. No sólo existe un obvio parecido musical, sino que también hay una misma intencionalidad a la hora de conducir sus carreras. Toy, al igual que The Horrors, ganan credibilidad con su segundo trabajo. Lo que no han conseguido es equilibrar la musicalidad con la melodía como en su debut y más bien se han limitado a crear largos y buenos periodos de música sin dar importancia o valor a las armonías vocales. En Join The Dots no hay ningún ‘Colours Running Out’, ‘The Reasons Why’ o ‘Heart Skips A Beat’, y a diferencia de sus colegas de The Horrors, que supieron con su segundo largo

JEX THOTH

Blood Moon Rise (I HATE)

OCCULT METAL

contrapié nos ha pillado a muchos esta segunda referencia de la banda de Wisconsin. Jex Thoth han arriesgado conscientes de que ese ‘cambio’ iba a granjearles críticas, pero han apostado y han ganado, porque todo lo bueno apuntado en su debut, que era mucho, y en su EP de 2010, ha quedado empequeñecido por una continuación abrumadora. Han dejado un poco (sólo un poco) de lado su obsesión por Black Sabbath y se han lanzado a componer canciones más atmosféricas, más tétricas, que fueran más en consonancia con

compaginar a la perfección música y melodía, Toy no han estado muy inspirados mezclando dichas facetas. Es ahora cuando se ha visto la diferencia entre ambas bandas. No sabría destacar un tema por encima de otro. Join The Dots es un buen álbum con un seguido hilo musical que entra muy bien y que escuchas con placer, pero que no detienes para repetir una canción o un corte

determinado, y posiblemente es un paso atrás que debería alertar a sus creadores. El quinteto de Londres lo están haciendo bien a la hora de decir y demostrar que no son un producto, pero quizás han tenido demasiada prisa en convencernos de ello. Espero que pongan el mismo ímpetu en su directo, una faceta suya que no hay por dónde cogerla.

los oscuros pasajes que nos propone los textos de la bruja Jessica Toth, el auténtico cerebro que mueve los hilos de estos paganistas convencidos. La agresividad todavía tiene su espacio (escucha si no ‘The Divide’) pero bien arropada por unas oscuros pasajes de pura lisergia donde la sensual y en ocasiones demoníaca voz de la protagonista se lo lleva todo por delante, y no, no estamos hablando de doom, ni de psicodelia, ni de rock ocultista, estamos, creo yo, ante algo mucho más grande, donde las etiquetas no sirven de mucho. Si os sirve, Pink Floyd serían

una referencia bastante válida, sobre todo por esos aterciopelados teclados y unos solos directamente inspirados en la guitarra de David Gilmour. Como decía antes, les han caído palos por diversos flancos, incluso les han acusado de querer aprovecharse de esta corriente favorable que hay hacia las bandas satánicas y de occult metal en la actualidad, cuando ellos fueron de los primeros en decantarse por un sonido y por una filosofía que con este Blood Moon Rise han llevado a la excelencia. Realmente soberbios.

CARLES RAMÍREZ

ANDRÉS MARTÍNEZ

SAVES THE DAY Saves The Day (RORY/EQUAL VISION) EMO POP

ras terminar con Daybreak en 2011 la ambiciosa trilogía que había empezado en 2006, Chris Conley, el líder absoluto de Saves The Day, tenía total libertad para dirigir a su grupo hacia donde le diese la gana. El que haya titulado su octavo disco con el propio nombre de la banda refuerza la idea de que se lo ha tomado como el inicio de una nueva etapa. Lo curioso es que más que dar un salto hacia delante, parece que Conley haya vuelto atrás, hacia los tiempos de Stay What You Are (2001) e In Reverie (2003), facturando un disco de power pop luminoso, aun

sin desprenderse del todo de su habitual melancolía. Hacía años que el grupo no sonaba tan ligero como aquí y que las melodías burbujeantes salidas de la dulce voz de Conley no tenían tanto protagonismo. A eso ayuda que el sonido sea limpio y la instrumentación de lo más básica pero ejecutada con gran gusto, como por ejemplo en ‘Xenophobic Blind Left Hook’, donde la sección rítmica ayuda a subrayar el sentido narrativo de la canción. Aunque ya tiene 33 años, en caramelos de colores como ‘Remember’, ‘In The In Between’, ‘Ain’t No Kind Of Love’ o ‘Ring Pop’ Conley suena como si todavía estuviera en el instituto y se hubiera enamorado por primera vez. ¿Nostalgia? ¿Complejo de Peter Pan? Vaya usted a saber qué pasa por la cabeza de un personaje mucho más torturado de lo que aparenta su música (en el pasado tuvo problemas psiquiátricos), así que como oyentes disfrutemos de este capítulo más soleado porque no hay garantías de que las nubes oscuras no vuelvan a asolarle. JORDI MEYA

ENDSTILLE

Kapitulation 2013 (SEASON OF MIST) BLACK METAL

erdad que a un grupo que canta en castellano no lo tildamos de franquista? ¿A caso no es cierto que usar la palabra ‘caudillo’ no es lo mismo que ensalzar al Caudillo? Pues bien, algunas mentes subdesarrolladas parecen no llegar a un razonamiento tan lógico, y por ser alemanes y cantar sobre la guerra en su lengua, Endstille han tenido que oírse de nazis para arriba. Es comprensible que nos

chirríen títulos como Verführer o Endstilles Reich, pero gente, un poco más de cultura, de mundo, y sobre todo, no dejarse llevar por esa bazofia que los fracasados han convertido en las verdulerías del siglo XXI: los foros de internet. Para los que tengan un poco de sesera ahí está la bandaza de Kiel, una de las recientes expresiones más representativas de lo que siempre debería ser el black metal, y que encima no baja el listón. Como unos Marduk del Panzer Division Marduk llevan destruyéndonos desde el 2000, y este Kapitulation 2013 no es una excepción. Con toda la artillería disparan en ‘Aborted’ y en temas como ‘Reich An Jugend’ o ‘Monotonus 2013’ la aniquilación es completa. El dardo envenenado ‘Sick Heil’ y una versión del ‘Blasphemer’ de Sodom rendirán cualquier nación a sus pies. PAU NAVARRA

cr í ticas último esfuerzo discográfico: diez temas caracterizados por la intensidad y la calma tensa. En efecto, se respira mucha tensión en la música del quinteto, pero en ningún momento llegan a la explosión instrumental ni al desgarro vocal de Vicente. EL AGENTE NARANJA Creo que, después de tantos años, ya he descubierto el Marathon propósito que persiguen (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO con su sonido: hipnotizar al oyente a través de una 82 voz que susurra mientras que el bajo hace las igo con cierto interés veces de péndulo. Sutiles, la carrera musical de enigmáticos, elegantes, El Agente Naranja sugerentes, los componentes prácticamente desde su de El Agente Naranja se pistoletazo de salida, pero acercan al pop en algunos pensaba que ya habían momentos de este disco colgado los instrumentos e incluso recurren a tres hace tiempo. Cuando era un temas instrumentales: la chaval me tocó en un sorteo inicial ‘Vamos’, la intermedia Error, su primera maqueta, y ‘Ansia’ y ‘Arriba’. Un recurso desde entonces he seguido que los emparenta con los la evolución de esta banda Toundra más calmados, surgida en mi ciudad natal: aunque el cartel de gira más desde el nu metal de sus coherente lo completarían comienzos pasando por la Standstill y Pülsar. También etapa en la que pretendían merece la pena destacar emular descaradamente a que la edición en CD de Deftones, y hasta la fecha. Marathon es una bonita 16 años de carrera de fondo serie limitada en cartón y para estos valencianos y con portadas distintas. llegamos a Marathon, su JORDI FORÉS

BEASTMILK Climax (SVART) POST PUNK, GOTH ROCK

sí de entrada, escuchar a una banda de rock gótico de Helsinki no se encontraría entre mis prioridades, pero el descubrir que la producción de este debut de Beastmilk venía firmada por Kurt Ballou fue suficiente para que me decidiera a hacerlo. Al fin y al cabo, si el guitarrista de Converge aceptó el encargo es que algo debían tener. Además, se ve que Fenriz de Darkthrone lleva alabándoles desde 2010, cuando grabaron su primera maqueta, y teniendo en cuenta que fue de los primeros en declararse fan de Kvelertak y Ghost, está

claro que mal gusto no tiene. Súmale que su vocalista, el británico Matt ‘Kvohst’ McNerney, había militado en dos bandas black metal, Code y Dødheimsgard, y tienes la combinación perfecta para que Beastmilk tengan la credibilidad asegurada en todos los frentes. Pero más importante que todos estos avales es que el contenido de Climax es realmente bueno. Su música es de manual, succionando recursos del post punk y del rock gótico primigenio (voz profunda, líneas de bajo turgentes, punteos de guitarra, un halo de oscuridad…) que hemos escuchado antes en grupos como The Sisters Of Mercy, Joy Division, Danzig o The Cult, pero desde luego, son alumnos muy aplicados y tienen gracia a la hora de facturar temas. Los dos primeros, ‘Death Reflect Us’ y ‘The Wind Blows Through Their Skulls’, son suficiente para que te atrapen por su vocación hímnica, pero la verdad es que los ocho restantes están al mismo nivel y cuando quieres darte cuenta, ya te han seducido. JORDI MEYA

SPIDERS

Flash Point (CRUSHER) HARD ROCK

a tardado en llegar a nuestro país, pero ya tenemos aquí el debut de estos suecos que están causando cierto revuelo en Europa. Quizás sea porque en sus filas milita todo un exWitchcraft como es el guitarrista John Hoyles, o puede que el encanto y belleza de su vocalista Ann Sofie Hoyles también tenga algo que ver. De cualquier manera, escuchando con atención este Flash Point, la conclusión final es que a pesar de tratarse de un buen álbum, tampoco es como para que nos pongamos a tirar cohetes. Me atrevería a decir que el atractivo más grande que encontramos es

la voz de la rubia cantante, melódica pero contundente, deudora de grandes voces del pasado (a lo mejor me paso un poco, pero me ha parecido un cruce entre Grace Slick y Joan Jett) y con la suficiente garra y poderío necesarios cuando sus compañeros se lanzan a tumba abierta para recuperar el sonido que los combos escandinavos pusieron en lo más alto de la escena rockera a finales de los 90. Porque por ahí van los tiros: rock’n’roll macarra e hipervitaminado que lo mismo te puede sonar a Hellacopters que a unos Motörhead menos asesinos, incluso el nombre de MC5 te viene a la cabeza cuando se ponen un poco retros. Nada nuevo, es cierto, pero siempre es un placer escuchar guitarrazos ruidosos y con pelotas de acero, y de esto, el disco tiene hasta hartarse. No hay duda de que temas como ‘Rules Of The Game’, ‘Hang Man’ o ‘Weekend Nights’ rayan a gran altura, pero tampoco nos volvamos locos, pues en directo sin ir más lejos son bastante justos. Les seguiremos los pasos. ANDRÉS MARTÍNEZ

JAMIE LENMAN Muscle Memory (XTRA MILE RECORDINGS)

ROCK ALTERNATIVO

n enero de 2008 servidor aplaudía en estas mismas páginas el tercer trabajo de los británicos Reuben, In Nothing We Trust. Por desgracia, ese fabuloso trío no tardaría mucho en disolverse. Hasta hace poco sólo sabíamos de la sección rítmica, que fundó otro proyecto, Freeze The Atlantic. Al cantante y guitarra, Jamie Lenman, en cambio, parecía habérselo tragado la tierra. Y digo ‘parecía’ porque el ahora reputado diseñador e ilustrador comenzó a dar señales de actividad musical hace apenas un año con una colaboración en el

disco de los barceloneses Zimt. Le pillaron con un estudio a mano: en plena grabación de su doble disco en solitario. En total, 22 nuevos temas divididos en dos plásticos antagónicos. Como el In Your Honour de Foo Fighters pero con un contraste mucho más bestia. Porque en Muscle el bueno de Lenman despierta a su Mr. Hyde, su lado más físico y animal, su versión más atroz y metálica, con gritos de ultratumba y riffs pesados. El segundo disco, Memory, no puede estar más en las antípodas con una deliciosa colección de temas redondos entre el folk, el country y el pop. Su hermano y su mujer le acompañan en las partes vocales de un par de temas y, por si fuera poco familiar el asunto, toca en el segundo disco diferentes instrumentos heredados de su tío Arthur. Desde trombones a banjos y ukeleles. Sólo al exfrontman de Reuben, un artista total, se le podía ocurrir hacer una salvajada así y convencer en dos facetas tan opuestas. Una auténtica obra maestra. LUIS BENAVIDES

cr í ticas

LINKIN PARK Recharged (WARNER)

ELECTRÓNICA

n su sección Lo Peor De Mí del anterior número de RockZone, Jordi Meya comentaba que las veces que escucha un disco antes de escribir la reseña correspondiente dependen de varios factores. Estoy de acuerdo, pero yo hace tiempo que me fijé un número mínimo de escuchas antes de aporrear el teclado: tres veces. Como mínimo escucho tres veces un álbum antes de criticarlo, aunque normalmente son muchas más. Así considero que valoro más objetivamente el esfuerzo de la banda a la hora de componerlo y también se me ocurren más cosas que comentar en el artículo. Pues bien, en el caso de Recharged me he limitado a la norma mínima: no pienso dedicarle más tiempo porque me parece una tomadura de

L VV. AA.

Inside Llewyn Davis (NONESUCH/WARNER) FOLK

a música juega un papel fundamental en la última película de los hermanos Cohen, en la que se relata la vida durante una semana de Llewyn Davis, un cantante de folk en el Greenwich Village de 1961. El contraste entre la delicadeza y sensibilidad con la que el personaje principal interpreta sus canciones y su incapacidad para relacionarse con el resto del mundo de una manera responsable –Davis es un tipo un poco cretino amargado por su fracaso como músico- es uno de los elementos más interesantes del film, y por eso escuchar

pelo que un disco como éste se publique bajo el mismo nombre que otro tan redondo como Hybrid Theory. Linkin Park pretenden explotar su fama y seguir viviendo de rentas, cuando Recharged debería ir firmado por Steve Aoki, Killsonik, Dirtyphonics, Enferno, Datsik, Schoolboy y todos los demás que se encargan de remezclar las canciones de Living Things. Ojalá que el título del CD significara que los de

California han recargado las pilas, pero nada más lejos de la realidad: electrónica, cortes con vocación de convertirse en rompepistas, sonidos más propios de la escena de clubbin’ de Ibiza que de una banda de rock… El colmo llega con ‘Victimized’, un intento de imitar a Atari Teenage Riot que conforma una sonrojante pieza de bakalao. Muy poco crédito le queda ya a Linkin Park.

su banda sonora es casi como volver a revivir sus escenas. Más teniendo en cuenta que son los propios actores (Oscar Isaac, Justin Timberlake, Carey Mullingan, Adam Driver...) quienes han grabado los temas y que las letras de éstos están íntimamente asociadas a la trama. Así, muchas de ellas tratan sobre la desesperanza, la muerte, el desamor, aunque al igual que en la película, también hay espacio para una sonrisa, como en la poppie ‘Please Mr. Kennedy’ o la cantada a capella ‘The Auld Triangle’. Asesorados por T-Bone Burnett y el líder

de Mumford & Sons, los Cohen han conseguido reunir un repertorio exquisito de canciones tradicionales e incluso una grabación inédita de Bob Dylan (‘Farewell’). Aunque sin duda el gran descubrimiento de este proyecto es Oscar Isaac, quien demuestra ser tan buen cantante como actor (emociona escucharle en ‘Hang Me, Oh Hang Me’, ‘The Death Of Queen Jane’, ‘The Shoals Of Hearring’), en un papel para el que fueron rechazados Conor Oberts de Bright Eyes y Scott Avett de The Avett Brothers.

JORDI FORÉS

JORDI MEYA

JYSUS Jysus (FOLC)

FOLK ROCK

l asturiano afincado en Madrid Isaac Mangas es el alma mater y voz de la formación Jysus después de probar suerte en bandas como Los Perloras y Los Energéticos. Esta vez parece que su culo inquieto ha dado en la diana y puede reposar ya tranquilo. Después de reclutar a Javi (bajo en Wild Honey, Fumestones y Mittens), David (guitarra en La Reacción) y Marco (batería de Hollywood Sinners), nace este homónimo EP de debut con la ayuda de dos músicos más y toda la pasión y sapiencia puesta en los Byrds (de ahí el guiño en el nombre), el folk rock, el

country rock y la psicodelia. Luz cegadora y música celestial para la paupérrima escena folk rock de nuestro país. Seis temas, tres por cara, son suficientes para ver las grandezas del grupo y rendirnos a la evidencia de un trabajo bien hecho. Grabado a caballo de León y Madrid, el álbum es toda una revelación, con texturas y formas muy logradas que dan como resultado canciones tan soberbias y celebrables como ‘It Was Fine’, la poderosa ‘I Dreamt A War’ o la bella ‘A Town Called Somewhere’, que son todo un vicio escuchar. Uno después de prestar atención a este suculento material no puede esperar a escuchar ese largo que están a punto de lanzar, pues no me cabe ninguna duda de que será algo muy, muy grande. Después de quedarnos sin los Holy Family, el relevo de Jysus sabe a gloria y sabemos que nos harán disfrutar de lo lindo porque ya lo están haciendo ahora mismo. Será un tópico decirlo, pero no parecen de aquí y emociona saber que sí lo son. CARLES RAMÍREZ

DREDD

Visceris

(GRP/MEGACITY) THRASH METAL, DEATH METAL

lgo bueno guarda Visceris cuando empieza con una de las intros más prometedoras y misteriosas que he escuchado en mucho tiempo. ¡Y la verdad es que el resultado está a la altura! Estilísticamente, Dredd se mueven en una interesante zona que combina ese thrash con toques core que parece ser parte de la tradición del metal nacional, con esa influencia de Sepultura y Pantera tan bien asimilada, junto a un death metal con

toques muy Schuldiner y ese hardcore heredado de At The Gates que tanto se nota, para bien, en los momentos de caña. Las guitarras son complejas, sin llegar al virtuosismo, pero llevando en todo momento un groove que hace imposible no cabecear al ritmo de sus trallazos, y llaman la atención por la cantidad de recursos que despliegan, algo raro de ver en tantas bandas de thrash que simplemente machacan la sexta cuerda sin crear variaciones tan interesantes. Si hubiese que destacar algo a la baja sería la calidad de la producción, que suena un tanto falta de brillo, lo que se nota especialmente en el sonido de la batería. En suma, amantes del metal español, hacedle justicia al talento y esfuerzo de Dredd y juzgar por vosotros mismos que el thrash de aquí puede romper tantos cuellos como el de cualquier heredero de la Bay Area. SALVA RUBIO

cr í ticas

DIRTY SANCHEZ Dirty Wolf (CRUZADE)

HARDCORE PUNK

ejor no queráis saber de dónde se ha sacado el nombre este combo de Barcelona. Los que ya lo sabéis o habéis introducido las dos palabras en la barra de búsqueda del Google, sois conscientes de que se trata de una guarrería escatológico-sexual. En fin… Con miembros procedentes de otras bandas, este nuevo grupo de la ciudad condal recrea sin rubor y con orgullo el sonido ochentero del hardcore punk a lo largo de los seis cortes que forman Dirty Wolf, su EP de presentación editado por varios sellos estatales. El vinilo empieza a girar con ‘Drink And Drive’ (toda una declaración de principios) y una buena línea de bajo que luego se vuelve a manifestar. Ya en ese primer tema se destacan

N MUTANT SQUAD Titanomakhia (SUSPIRIA)

THRASH METAL

o podíamos darle el carpetazo definitivo al pasado 2013 sin reseñar una de las obras que más aplausos se llevó en el panorama metalero nacional: Titanomakhia de Mutant Squad. Procedentes de la siempre bulliciosa escena de Galiza, esta formación practica thrash metal y nada más que thrash metal en su vena más ortodoxa y ochentera. Son una delicia para los fans de Testament, incluso diría, porque pocos temas como ‘Overdose’ para acercarse a Chuck Billy y

los punteos de guitarra que añaden cierto dinamismo a una música bastante homogénea en su conjunto. A pesar de que el sonido del disco es mejorable y que se aprecian fallos en la ejecución, el cuarteto catalán va sobrado de lo más importante en esto: la actitud. De hecho, ya tienen algo parecido a un himno al haber compuesto ‘Hey Ho! Brigade’, el segundo corte del 10’’. Además, dejan

para el final la que, para mí, es la composición más interesante de este debut: ‘Heavy Beat It’. Se trata de un tema que empieza con una intro al más puro estilo Misfits y que posteriormente va desarrollando cambios de marcha, eso sí, sin salirse nunca de la rueda del skate punk, el patín que impulsa a Dirty Sanchez a tocar rápido y sucio allí donde les dejen guarrear.

los suyos. Mutant Squad destacan por los cambios de tercio sin aviso alguno, con verdaderos mamporros como ‘Dead Man Wade’, el trallón ‘Cult Of Ignorance’ o la rocambolesca ‘Titanomakhia’ como principales cabecillas de sus circle pits. Y si hay que buscarles parientes cercanos en la actualidad, tal y como muestra ‘Rage Of Ohms’, ésos serían los ingleses Evile. De elaborados riffs (‘Blood Over Neo Tokyo’) y frenando la caña para hacerla estallar justo en el clímax de sus temas, también se les aprecia cierta predilección

por los Sodom o Kreator de su etapa intermedia. Sacaron hace nada el videoclip de ‘Mutants Will Rise’, y es que éste es el cierre perfecto para tamaño bofetón de álbum. En definitiva, que la cosa está clarísima… Si estás hasta los cojones del revival thrash, ni te acerques a ellos, pero si moshear como un cabrón sigue siendo una de tus prioridades vitales, con Mutant Squad te vas a dar un atracón del bueno. Aún no son Warbringer o Crisix, pero mucho cuidado con los de Santiago de Compostela.

JORDI FORÉS

PAU NAVARRA

STAINED BLOOD

One Last Warning (AUTOEDITADO)

MELODIC DEATHCORE

l igual que los protagonistas del videoclip del tema ‘One Last Warning’, canción que da título a su primer trabajo de estudio, Stained Blood han entrado rodando a lo más alto de la escena metalera nacional. Quizá las listas con lo mejor de 2013 no fueron especialmente receptivas con este discazo, pero la verdad es que mereció una mayor atención. Tras ocho años en activo, el quinteto ha tenido el privilegio de tocar en directo con grandes bandas como Parkway Drive, Despised Icon, Cancer Bats, War From A Harlots Mouth, Rise Of The Northstar,

Betraying Ths Martyrs o Trigger The Bloodshed, lo que les ha proporcionado una experiencia que han sabido plasmar de forma majestuosa en su álbum de debut. Con la gran producción que cabe esperar al haber grabado en The Metal Factory Studios con un experto en la materia como Alex Cappa, One Last Warning es un estandarte a la buena música y el saber hacer de los grandes grupos que últimamente afloran a este lado de la frontera. Arropados por el característico estilo de un monstruo del death metal moderno como es The Black Dahlia Murder, Stained Blood nos propician nueve puñetazos directos a nuestras partes pudientes, nueve jabs seguidos que nos dejan una mezcla entre dolor y placer que no sabemos describir bien. ¿Baladas? ¿Interludios? ¿Acústicos? Una intro y a correr, el resto son mariconadas. One Last Warning es death sin letra pequeña. Sólo me imagino una forma de superar lo escuchado, y es en directo. Stained Blood son una bandaza como la copa de un pino. FER DÍEZ

muestran haber aprendido perfectamente todas las lecciones que las mejores bandas internacionales han ido dando en los últimos años, y no les van a la zaga ni en brutalidad, ni en tecnicismo. Su música recuerda inevitablemente (lo cual, en el universo del UPCOMING OF DEVASTATION brutal death es muy bueno) Visceral Hate a grupazos como Dying (HECATOMBE) Fetus, Origin, Abominable BRUTAL DEATH METAL Putridity o Defeated Sanity y con estas referencias, llama 75 poderosamente la atención la variedad y calidad de recursos que muestran, unque sea especialmente en lo que se posiblemente la refiere a la impresionante escena que mejor representa todos los aspectos instrumentación y la versatilidad de la voz de la muerte, hay que reconocer que el brutal death en todos los registros del gutural. Podemos apostar a siempre ha sido uno de los estilos que se han mantenido que con más tiempo para consolidarse, lanzamientos, más vivos con los años, lo experiencia compositiva y que no es de sorprender madurez musical podrán teniendo en cuenta que existen grupos tan dedicados competir con alguna de las a su conservación y desarrollo bandas más establecidas de la escena mundial. como Upcoming Of SALVA RUBIO Devastation. Estos orensanos

críticas

MARK LANEGAN Has God Seen My Shadow? An Anthology 1989-2011 (LIGHT IN THE ATTIC) ROCK, BLUES

a iba siendo hora que una figura como la de Mark Lanegan tuviera su propio recopilatorio de grandes éxitos. Con una discografía en solitario que abarca ya más de dos décadas, lo cierto es que hasta se podría hacer una compilación de sus incontables y numerosas colaboraciones. Es por esta misma razón que un disco con tan sólo veinte temas se me hace un tanto insuficiente para representar la vasta obra del exScreaming Trees. Son todas las que están (no pueden faltar clásicos de la talla de ‘One Hundred Days’, ‘Kimiko’s Dream House’, ‘One Way Street’, ‘Creeping CoastlIne Of Lights’ o ‘Sunrise’), pero no están todas las que son (incomprensibles me resultan las ausencias de temas como ‘Metamphetamine Blues’,

CALIBAN

Ghost Empire (CENTURY MEDIA) METALCORE

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reo que ya va siendo hora de asumir que Caliban es un grupo que no me gusta. Llevo tiempo esperando a que saquen ese disco que les vuelva a poner en el mapa, pero con este noveno LP que han sacado a la venta bajo el nombre de Ghost Empire, definitivamente tiro la toalla. La banda alemana realmente se esfuerza en mantener su peculiar fórmula de metalcore a flote, compensando la brutal voz del vocalista Andy Dörner con la voz melódica del guitarrista Denis Schmidt, mezclando sutilmente en su

‘No Easy Action’, ‘House A Home’, ‘Kingdoms Of Rain’ o ‘Ugly Sunday’). Cosas que pasan en este tipo de artefactos. Tampoco se incluyen cortes de su notable último trabajo, Blues Funeral, supongo que por motivos contractuales. Más interesante para los ya iniciados será el bonus disc que le acompaña, con algunas joyitas como ‘To Valencia Courthouse’,

‘Following The Rain’ y ‘Halcyon Daze’, que ya de por sí justifican la edición de este Has God Seen My Shadow? An Anthology 1989-2011, que aunque insuficiente como decía al principio, servirá como buen punto de partida para los que aún no se hayan convertido a la religión del crooner del grunge.

música las últimas tendencias metaleras del momento. No estoy diciendo que Caliban sea mal grupo o que Ghost Empire sea un mal disco, simplemente que me aburre, que le doy un buen repaso para escribir la crítica y que probablemente empiece a coger polvo desde ayer. Por otro lado, he de reconocer que el quinteto de Hattingen ha puesto sobre la mesa doce temas más cañeros de lo que nos tienen acostumbrados en sus últimos trabajos. La voz de Dörner ha evolucionado considerablemente llegando casi a parecer otro vocalista

y en la música se percibe una influencia djent/ deathcore que se hace notar a lo largo de todo el disco. Creo que a los fans actuales de la banda este nuevo trabajo les encantará, ya que han vuelto con temas potentes y riffs muy sólidos acompañados de voces guturales de lo más deathcore. Dentro del universo Caliban, Ghost Empire es un rotundo 9 sobre 10. Dentro de mi universo personal, están siendo lentamente absorbidos por un agujero negro.

GONZALO PUEBLA

FER DÍEZ

DRIVE-BY TRUCKERS English Oceans (ATO)

AMERICANA

ejos queda ya aquella maravillosa trilogía compuesta por Southern Rock Opera, Decoration Day y The Dirty South con la que los de Athens nos encandilaron. Demasiados cambios en la formación de la banda, una sensación de declive paulatino y lo que podríamos considerar un tropiezo en su discografía como lo fue su anterior trabajo Go-Go Boots, nos hacían presagiar la agonía de Drive-By Truckers. Sin embargo estamos de suerte, y aunque el material de esta banda ya sabemos que es de combustión lenta y que cuesta asimilar

sus 13 cortes en pocas escuchas, por su extensión, su ausencia de estribillos y su ritmo narrativo, da la impresión de que la química entre Patterson Hood y Mike Cooley ha fluido positivamente y que English Oceans ha terminado siendo una grata sorpresa. Es posible que el secreto radique en haber creado un sonido más directo y más inmediato, y por qué no, hasta más crudo, potenciado principalmente por un proceso de grabación y masterización muy rápido frente a un periodo de tiempo bastante extenso a la hora de componer, o también por la intención de vincular unos temas con otros para crear una mayor cohesión entre ellos, como parece ser el caso de ‘Made Up English Oceans’ y ‘The Part Of Him’, ambos temas centrados en visiones políticas. Escuchando ‘Pauline Hawkins’ es fácil llegar a la conclusión de que English Oceans crecerá con el tiempo, confirmando que Drive-By Truckers aún tienen bastante por ofrecer a sus acérrimos. TOI BROWNSTONE

MEAN MACHINE Livin’ Outlaw (AUTOEDITADO) HARD ROCK

stá claro que con títulos como ‘I Was Made For Rock’N’Roll’, ‘Rock’N’Roll Wizard’ o ‘Jailbait Rock’, Mean Machine no podían ser un grupo de dubstep. Lo que practica este trío de Barcelona, que ya lleva unos cuantos años dando guerra por garitos y cuenta con dos EP’s, es puro y duro rock’n’roll de alto octanaje. Si en directo las comparaciones con Motörhead siempre les han perseguido (Raúl Mesa también canta y toca el bajo

aunque no tiene verrugas en la cara), en su primer largo la banda demuestra que no sólo de Lemmy vive el hombre. La velocidad con la que acometen algunos de sus temas (‘Ain’t No Justice (But The Death)’, ‘N.S.E.’, ‘Brawler’) y algunos coros hooliganescos hacen aflorar su lado punk, mientras que en otros (‘Ridin’ The Iron’, ‘Jailbait Rock’) de base más blues se nota lo mucho que también les gusta AC/DC. Con la misma energía como si se tratara de un concierto –el inicio de ‘We Want Violence’ y el final de ‘Rolling To The Sin’ te transportan directamente a esa situación-, y con gran despliege en los solos del guitarrista Juan Pedro Quesada, Livin’ Outlaw se dibuja como el anzuelo perfecto para que la próxima vez que toquen en tu ciudad te acerques a verlos. JORDI MEYA 101

THE SOULBREAKER COMPANY

SECRETOS CON THE PINK ALCHEMIST AVISARON DE SU POTENCIAL. ITACA LOS CONFIRMÓ, Y AHORA CON GRACELESS SE ASIENTAN EN LO MÁS ALTO DEL PANORAMA NACIONAL. ABRAN PASO A THE SOULBREAKER COMPANY. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: Musicsnapper

uando uno escucha la tranquilidad y naturalidad con las que Asier Fernández, guitarrista de The Soulbreaker Company, responde a nuestro cuestionario, cuesta creer que cuando se sube a un escenario junto a sus compañeros Jony Moreno (voz), Daniel Triñanes (guitarra), Jose Javier Manzanedo (bajo), Andoni Ortiz (batería) y Oscar Gil (teclados), éstos se conviertan en una auténtica maquinaria desbocada de rock’n’roll. Y es que sus canciones son capaces

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de aglutinar todo lo que cualquier buen amante del hard con reminiscencias a la década de los 70 busca en una banda de estas características. En su cuarto disco, Graceless (Alone), vuelven a demostrar que manejan ese lenguaje con la misma facilidad con la que uno se toma un vaso de agua. En él han dado una vuelta de tuerca más a su sonido. “No queríamos repetir lo que habíamos hecho en Itaca, aunque cuando empezamos a componer el disco, tampoco nos planteábamos mucho hacia dónde

queríamos ir. Sí que existía cierta presión porque sabes que tu trabajo ha gustado y hay esa expectativa de que las nuevas canciones puedan gustar o no. Pero nosotros estamos contentos con el resultado, y ése es el primer paso para ello”. Uno de los cambios más destacados es la incorporación de nuevos arreglos. “Lo único que teníamos claro es que no íbamos a usar arreglos de viento. Queríamos probar con cuerdas, sintetizadores nuevos... Y también queríamos intentar hacer temas más directos, con

DEL NORTE otro tipo de estructura. Pero eso va apareciendo durante la composición, no es algo que premeditadamente hayamos hablado. En cuanto a los arreglos de cuerda, los incluiremos en directo con sintetizadores. No tenemos pensado llevar a nadie. Ya somos suficientes y cuesta a veces meternos a todos dentro del escenario”. Otro síntoma significativo de esa evolución que han venido experimentando a lo largo de su carrera es el mayor protagonismo de los teclados en sus canciones. Algo en lo que obviamente Oscar Gil, responsable de esa parcela, ha tenido mucho que ver. “Es cierto. Cuando empezamos a tocar, era un

Hammond al uso, con sus solos y sus colchones. Pero luego empezó a meter más arreglos de piano, poco a poco sintetizadores también. Se ha convertido en otro instrumento principal más y también por cómo ha acabado la producción del álbum, ha terminado en un primer plano. A mí me gusta que esté ahí delante, otras veces más atrás, arreglando... Es otra manera de darle textura al sonido”. Unas texturas que también se han acentuado en detrimento de un sonido más grueso y robusto. “Lo de que hay más capas me lo han dicho más veces y lo comparto. En vez de sonar tan a bloque, jugamos con las diferentes capas y texturas que hay. Generalmente,

“No queríamos repetir lo que habíamos hecho en Itaca, aunque cuando empezamos a componer el disco tampoco nos planteábamos mucho hacia dÓnde queríamos ir” ASIER FERNÁNDEZ

cuando vamos al estudio lo llevamos todo bastante trabajado. En el local ya teníamos previsto que las guitarras no tuvieran tanta presencia en según que partes. Luego todo eso se reproduce de manera natural y también es verdad que la producción es muy directa, como se hacía antes. Liam lo entendió y en la mezcla se exagera más todavía”. Asier se refiere a Liam Watson, el encargado de registrar lo que podemos escuchar en Graceless. Hasta sus estudios Toe Rag de Londres se desplazaron los de Vitoria para grabarlo de manera analógica y casi en directo. Aunque cuando le pregunto sobre los motivos que les llevaron a 103

“Yo creo que al final la gente necesita situar un poco a los grupos para intentar venderlos. No sé, Cada uno debe ocuparse de hacer lo que le guste y ya se encargarÁn los demás de situarlos en el mapa” ASIER FERNÁNDEZ hacer las maletas, sus razones de peso no tienen que ver tanto con cuestiones de técnicas de grabación como podría pensarse en un primer instante... “Mira, para nosotros el principal punto de inflexión a la hora de grabar son las vacaciones (risas). Cogemos las vacaciones que tenemos en el trabajo y aprovechamos el dinero que tenemos ahorrado con el grupo. Preferimos probar cosas diferentes como irnos fuera. Lo primero que nos planteamos es pasar una o un par de semanas fuera”, apunta. “También queríamos probar el formato analógico. Al ver el trabajo de Liam con gente como Electric Wizard, Tame Impala o el de The White Stripes, que es quizás el más conocido, nos pareció que entraba dentro del presupuesto. No sé si la diferencia con grabarlo aquí es tan grande, pero a nosotros nos resulta idóneo”. Sin embargo, en una época en la que lo digital está ganando importancia a pasos agigantados (nosotros mismos como revista somos un claro ejemplo), cuesta encontrarle el sentido a seguir realizando estas grabaciones en el formato tradicional que están pensadas para la escucha en vinilo, cuando al final la mayor parte del público acabará escuchándolo a través de 104

MP3. “Pues sí, parece un paradoja... Pero nuestra decisión de primeras no va en base al resultado, sino a lo que nosotros vamos a experimentar. Luego sí que es cierto lo que dices, vivimos en un tiempo en el que lo digital se acaba de imponer, pero aún existe lo analógico. Todavía no queda muy claro. Personalmente, si tuviéramos que jugar con esos factores, sería una locura (risas). Yo sigo comprando en vinilo y escuchándolo así, por lo que no me planteo demasiado cómo acabaría sonando de la otra manera”. Independientemente de cómo prefiera escucharlos la gente, lo cierto es que gracias a Itaca, el combo recibió críticas muy favorables tanto de prensa especializada como del público. Sin embargo, aun así siguen moviéndose en un nivel muy underground para lo que la calidad de su música demuestra. Nuestro interlocutor piensa que gracias al buen recibimiento que últimamente están teniendo formaciones similares

a ellos, es posible que corran mejor suerte. “Podría ser que nos viésemos salpicados por su éxito, aunque nunca sabes hasta qué punto. Aunque parece injusto, se tiende a valorar más lo de fuera. Witchcraft han estado un montón de años, desde sus principios más doom y oscuros, hasta lo último que están haciendo que se acerca un poco más al heavy rock. Graveyard también han dado un giro a su sonido hacia el rock clásico y sí que es verdad que en su última gira por aquí tuvieron bastante éxito. Pero es complicado. Si nos basáramos en eso, estaríamos coartando un poco nuestra libertad”, termina reconociendo Asier. Quizás pueda ser que fuera de nuestras fronteras los fans de este tipo de sonidos sean más receptivos... “Ya hemos salido fuera y hecho tres fechas en el extranjero. Por motivos de trabajo no nos podemos permitir más. Es difícil. Es verdad que la acogida fue muy buena. Se vende mucho, pero tampoco más que aquí.

Sería faltar a la verdad si dijese lo contrario. Sí que hay otra cultura con respecto a los sonidos space rock, psicodelia, el rock clásico, pero es lo que decíamos antes: hasta que no aparece una banda como Graveyard, la gente no se plantea escuchar a Pentagram o Saint Vitus”. También el hecho de que este tipo de grupos estén cada vez más en boca de todos pueda hacer pensar a algunos que la moda retro está volviendo a pegar fuerte o que incluso los haya que se quieran subir al carro. Está claro que The Soulbreaker Company, ya con diez años pateándose la carretera y cuatro discos en la calle, están fuera de toda sospecha, pero aun así les interrogamos acerca de qué piensan sobre este posible hype. “No creo que haya grupos que se suban al carro. A lo mejor sí ver por dónde tirar y ajustar su sonido un poco, pero es absurdo. Al final uno tiene que escuchar la música porque le gusta y juzgar... pues bueno,

puedes hacerlo con una cerveza en la mano, pero tampoco ganas nada con ello. Siempre ha habido bandas haciendo este rollo. Hoy en día tienes a Spiritualized, que se pueden acercar al rock 70’s, tocan en el Primavera Sound y no se les considera un grupo retro. En cambio Graveyard, como llevan bigote y pantalones largos de campana, sí que se les considera así (risas). Yo creo que al final la gente necesita situar un poco a los grupos para intentar venderlos. No sé, cada uno debe ocuparse de hacer lo que le guste y ya se encargarán los demás de situarlos en el mapa”. Para ir finalizando, no quería dejar de preguntarle sobre la interesantísima escena rock de Vitoria que se está desarrollando en los últimos tiempos. Aunque sea a un nivel muy pequeño, grupos como la propia Compañía o los geniales Arenna están comenzando a situarla como a una de las ciudades más fiables del rock patrio. “Sí, la verdad es que sobre todo en los últimos años se ha movida bastante la cosa. Me acuerdo cuando teníamos 14 ó 15 años... Sólo había una sala que programaba conciertos y ahora los hay todos los fines de semana. Es normal que los chavales jóvenes tengan ganas de montar grupos, porque ven que hay posibilidades de tocar. Siempre ha habido un background musical en toda Euskal Herria, desde el rock radical vasco al punk. La verdad es que es bonito que unas cuantas bandas como Arenna o Erizo estén saliendo de aquí y hagan cosas chulas”. Esperemos que gracias a discazos como Graceless sean muchísimas más las que se animen a seguir sus pasos.

ANIMALES DE DIRECTO Cualquiera que los haya tenido alguna vez en frente sobre las tablas, sabe que The Soulbreaker Company son un valor seguro en cuanto a entrega y calidad se refiere. Pero seguramente uno de los conciertos más especiales que hayan realizado en sus más de diez años de existencia sea el que ofrecieron el 3 de febrero de 2012 en en el Cafe Antzoki de Bilbao interpretando una de las obras capitales de Pink Floyd, Animals. Asier nos relata cómo surgió la idea: “En Bilbao hay una promotora llamada Izar & Star que organiza este tipo de conciertos con las bandas de Euskadi. Este año han hecho algo con Lou Reed. Capsula hicieron el Ziggy Stardust de David Bowie, que también lo han hecho en gira. A nosotros nos plantearon también elegir una banda. Elegimos una serie de discos y al final el que más se adecuaba y nos gustaba era Animals. Si te digo la verdad, en un primer momento también nos planteamos el Ziggy Stardust al igual que Capsula (risas). Pero queríamos elegir algo que nos saliese bien. Nos cuesta mucho ponernos de acuerdo y con Animals es el único con el que nos sentimos todos a gusto”. Tanto les gustó el experimento que ya tienen pensado repetirlo en una futura gira. “La idea a partir de septiembre es volver a ensayarlo y hacer fechas en otros lugares de la Península. También tenemos pensado grabarlo en directo”. Avisados estamos. 21

BLOWFUSE –

EUROPA ÜBER ALLES ¿Te apetece viajar por media Europa con la banda de punkcore Blowfuse? Lo tienes muy fácil. Sigue leyendo y te sentirás como si estuvieras dentro de su furgoneta. Texto: Blowfuse Fotos: DR, Iago Alonso (directo VIGO)

orpresas. Si algo ha habido y siempre hay en una de nuestras giras, son sorpresas. Más larga, más grande, y llena de locura. Nunca antes nos habíamos embarcado en una gira de este calibre… hasta hace poco, ni nos planteábamos poder estar más de dos semanas en la carretera, y más cuando nosotros mismos organizamos los tours, ya que los recursos son limitados y se trata de introducir al mapa europeo una

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banda española. Algo complicado, y que más tarde remarcaremos... Pero sin verlo venir, la oportunidad surgió. Una oportunidad que, obviamente, llegó tras muchos sacrificios y premeditación en un momento en el que decidimos darle prioridad a la banda por encima de todo. De repente teníamos planeada una gira de casi dos meses, con más de 40 conciertos programados por Europa, España y Portugal. Y sin apenas descanso. Tras atar los

últimos cabos (cerrar últimas fechas, dejar nuestros trabajos y estudios, y eliminar cualquier otra piedra en el camino que pudiera impedir irnos de gira), llenamos la furgoneta de amplificadores, comida basura y seis tíos, y nos dispusimos a salir de Barcelona. DESTINO ITALIA Normalmente en continentes como Europa, la media que pasas por día en una furgoneta es de entre cuatro y

seis horas, algo que, no sólo revienta tus lumbares, sino que te desquicia y te hace querer saltar por la ventana. Pero encima luego siempre hay el típico día en que te chupas tus nueve e incluso diez horas para llegar a la siguiente ciudad, y éste fue el caso en nuestra primera parada: Génova, Italia. En Italia podríamos decir que la escena es bastante parecida a España. El trato y el tipo de gente tienen un perfil no muy alejado del que tenemos en casa. Fue un buen inicio de gira, en el que las tres fechas que teníamos planeadas funcionaron muy bien, incluso conseguimos una fecha más moviendo algunos hilos ya en la carretera y rellenando lo máximo de días libres. ¿Quién necesita descansar pudiendo tocar? Así pues, después de Génova nos dirigimos al norte, a Tortona. Después del concierto, el promotor nos ofreció meternos a tocar en el Skate Punk Fest; aceptamos sin dudarlo. Tras pasar la noche en un silencio sepulcral en su apartamento, pues el chico temía que el vecino mafioso se sintiera molesto por el ruido y pudiera causar problemas, cinchamos la furgoneta y nos dirigimos al festi. Lo que no imaginamos fue encontrar una granja abandonada en medio

del prado, donde los skaters locales habían construido unas instalaciones increíbles para patinar. Un sitio acojonante llamado –Skate Farm- que absorbió todas nuestras energías en pocas horas. DESTINO ALEMANIA De Italia, rodeando los Alpes, llegamos a Alemania. Primera parada, Mannheim. Una ciudad donde ya habíamos tocado antes y donde nos esperaba un público entregadísimo. Cuando entras en Alemania, todo cambia. La cultura en el ámbito del punk y el hardcore pasa a otro nivel. Allí el Estado subvenciona, no sólo a los músicos, sino a cualquier tipo de centro o sala, aun habiendo sido okupado. En Mannheim tocamos en la mítica JUZ, un centro okupado que lleva más de veinte años en funcionamiento, con dos salas, gimnasio, lavandería y una interminable lista de bandas míticas que han pisado el escenario. Uno de los mejores conciertos de toda la gira. Mannheim ha pasado a ser nuestra segunda casa cada vez que vamos. De Mannheim saltamos a Regensburgo, una ciudad que parece haber salido de una película Disney, donde todo es bonito y maravilloso. Cuesta creer que haya

una escena en un sitio así… Incluso el más punk parecía tener más dinero que cualquiera de nosotros aquí. Un lugar donde no falta el trabajo, no hay pobreza ni delincuencia... Pero claro, todo tiene una explicación: parece ser que el gobierno de la ciudad, tiempo atrás, inició una campaña para retirar todas las ayudas que recibía la gente desamparada o de clase baja, de manera que fueron emigrando a los suburbios de la urbe germana. Esto le dio a la ciudad esa imagen tan distinguida. Otra cosa de la que te das cuenta es que ya no estás en el sur; parece que tengan horchata en vez de sangre en las venas. Jodidos robots. Salimos del sureste de Alemania con un pequeño contratiempo, y es que nuestra furgoneta alquilada de bajo coste no se encendía... así que, después de que el chico de ‘Asistencia en Carretera’ nos solucionara el problema, expresándose en forma de símbolos (sólo hablaba alemán), conseguimos llegar a Teplice, República Checa. La sala era un puto búnker de la Segunda Guerra Mundial a 30 pies bajo tierra y de un tamaño descomunal. Allí podías encontrar no sólo una sala insonorizada de madera, sino un pequeño estudio

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de grabación, un bar, locales de ensayo, y lo mejor de todo, una mini-ramp junto a otro skatepark en el piso inferior. ¡Nosotros siempre fáciles de contentar! DESTINO POLONIA De Teplice nos aventuramos por primera vez a Polonia. Creo que era el sitio donde más ganas teníamos de ir, no sólo por las historias que cuentan, sino porque era nuestra primera vez en ese país. Por dónde empezar... Polonia es una paranoia y la gente está zumbada. Eso da puntos a favor en el momento del show, pues lo dan todo, pero fuera de eso, nos llevamos algún susto. Nuestro primer concierto en Polonia fue en una ciudad llamada Trzebiel. Cruzamos maravillas naturales y, al llegar, pensamos que el GPS se había equivocado otra puta vez. Estábamos en un parvulario, una escuela de infantes, en medio de la nada, que parecía más bien la Casa del Terror. Creíamos estar en el sitio equivocado, hasta que apareció un chico de cara ‘agraciada’ preguntándonos si éramos la banda. Efectivamente, el concierto se iba a dar en la Casa del Terror. Para nuestra sorpresa, fue un concierto increíble, después de todo. Se llenó, la gente lo dio todo y, entre otras cosas, fuimos testigos de ver la peor banda, musicalmente hablando, que 108

jamás hemos visto. El frío empezaba a ser un problema a medida que subíamos hacia el norte. En lugares con temperaturas tan bajas, matas por calefacción y agua caliente; desafortunadamente, no siempre dispones de ello… Seguimos subiendo hacia Torun, la tercera ciudad más grande de Polonia. La sala se encontraba debajo de un puente; era un antro pequeño y sucio. La noche empezó bien, con más colgaos de lo habitual, pero bueno, era Polonia, y era su encanto. Empieza el show: todo el mundo salta y grita, con un público de lo más variado, desde heavies hasta tipos con smóking y corbata, dándolo todo después de una dura jornada de trabajo. Fue a la mitad del set cuando un pelado empezó a dar problemas. No sólo se convirtió en un incordio para el público, sino que se encaró con Óscar sin motivo aparente mientras tocábamos, pero seguimos manteniendo la compostura... Por poco tiempo. Estábamos a punto de finalizar con nuestro tema ‘Eat Fast, Swell Young’ y el retrasado, que apenas se mantenía en pie (de lo sablado que iba), terminó cayéndose sobre el amplificador de Sergi, tirándolo al suelo. Sólo hay dos cosas en el mundo capaces de enfurecer a Sergi de esta manera: una, ver que alguien

toca a su hermano; dos, que el amplificador que tanto esfuerzo y sudor le ha costado comprar caiga al suelo. Recuerdo tener que saltar nosotros tres y cuatro más del público para poder pararle. El pelado desapareció de la sala al instante, y el concierto acabó de manera incómoda y violenta. Más tarde nos enteramos del escarmiento que sus propios colegas le dieron después del concierto. Esa misma noche conocimos a unas chicas que nos invitaron a salir de fiesta y nos llevaron a un club. Lo que no supimos hasta más tarde fue que el sitio estuviera regentado por un tío con tendencias nacionalsocialistas. Entramos allí entre miradas de desprecio para más tarde salir fuera y empezar a presenciar palizas en la calle. En la puerta del local, un skinhead pegó a un chico una paliza sin que nadie se inmutara. Doblamos la esquina y vimos cómo una batalla entre dos bandas se libraba delante nuestro, y para finalizar la fiesta, un coche negro con los cristales tintados frenó a nuestro lado, con cabezas rapadas con palos dentro, que abrieron la puerta para darnos lo nuestro... Pero supongo que reconocieron al colega polaco que nos acompañaba, que debía ser del mismo barrio y desaparecieron sin más. En palabras propias del colega, “En Polonia hace frío, no hay

nada más que hacer”. Una noche movidita. Algo que remarcar de Polonia son las carreteras. Están todas a medio construir y tienes que dar muchos rodeos y perderte tres veces para llegar al lugar. Tocamos en Piotrków Trybunalski, y seguidamente en Lodz, una fiesta que acabó con concursos de vómito, y Víctor, como siempre, ganador indiscutible. Nuestro paso por Polonia llegó a su fin. Cabe destacar que, si bien los conciertos son una locura, el dinero escasea. Pagan muy poco, no sólo por el cambio de moneda, sino por la pobreza del país, comparada con el resto de Europa. Aun así, fue inolvidable, hicimos muy buenos amigos y, por supuesto, volveremos. DESTINO REPÚBLICA CHECA Volvimos a visitar República Checa para un último concierto allí. Esta vez en la capital del Estado, Praga. Allí la pobreza también abunda, aunque es la droga lo que barre la ciudad; calles abarrotadas de yonquis, camellos y prostitución (al menos en los suburbios), y te prohíben dejar desatendida un solo momento tu furgoneta. Tocamos en el famoso CrossClub, un enorme edificio estilo Hard Rock Café con cuatro plantas y con unas instalaciones sublimes, fabricado todo (absolutamente todo) a partir de metales reciclados.

Una verdadera obra de arte que vale la pena visitar. Muy a destacar de República Checa es el conocimiento de la sonorización. Ya nos lo advirtieron. Allí disponen de las mejores salas y estudios de grabación de Europa; incluso los técnicos de sonido más colgados controlan sobre el tema. Después de tocar nos llevaron al hostal: el sitio más jodido donde jamás hemos dormido. El edificio, custodiado por yonquis, tenía el baño y los pasillos llenos de sangre, y sofás empolvados con polvo blanco... VUELTA A ALEMANIA Salimos de República Checa para entrar otra vez a Alemania. Esa noche íbamos a tocar en Berlín por primera vez, así que estábamos bastante ansiosos por llegar. Berlín se conoce como la capital del punk europeo por excelencia, o al menos, eso habíamos oído todos. El problema es que se ha abusado tanto de la ciudad que ya nada crea expectativas. Hay una media de cinco conciertos al día durante toda la semana, y no me refiero solamente a grupos locales... Para que me entendáis: podrían estar tocando Bad Religion y Black Flag el mismo día, en la misma calle, en clubs distintos. Eso ha hecho que sea muy difícil aglomerar grandes cantidades de gente en un solo concierto, y ha

hecho aborrecer la escena, pues lo creas o no, la gente acaba por no ir ni a uno ni a otro. Es curioso lo poco que valoras las cosas cuando las tienes al alcance de la mano... Si esto ocurriera en España, ¡otro gallo cantaría! Así que la noche y el concierto, organizado por un gordo de al menos 60 tacos, acabó por ser un concierto más. Por otra parte, conocimos a gente muy interesante y con una enorme cultura punk. Pasamos nuestro último día casi libre en la ciudad. Con ‘casi libre’ nos referimos a que ése era el plan, pero nos pasamos toda la mañana arreglando la parte delantera de la furgoneta –tras haberla estampado la noche anterior (el cansancio pudo con Óscar, que perdió la concentración durante una maniobra)-, y por la tarde tuvimos un pequeño percance con las autoridades alemanas en el que acabamos detenidos y esposados. Mejor no entramos en detalles… Pero fue divertido, no os queremos engañar. DESTINO HOLANDA Y BÉLGICA Siguiente parada, Holanda, Emmen. En toda gira siempre hay un concierto que sobrepasa lo surrealista, y te ves envuelto en algo que se aleja demasiado de lo que esperas de un tour. Me refiero a esa clase de pueblo donde tocas con un

grupo stoner y otro grupo que no sabes muy bien dónde encasillarlo, donde la media de edad del público es como la de tus padres, y donde no importa qué banda esté tocando, que se entregan al máximo. Pues bien, Emmen fue esa clase de pueblo. Volvimos a Alemania para hacer un último show, en Dortmund. Una ciudad que, según nos contaban, estaba mayoritariamente frecuentada por neonazis que habían conseguido que se dejaran de hacer conciertos allí. Esa noche tocamos en un local de ensayo clandestinamente, muy pequeño pero a reventar de gente (incluso algunas personas se quedaron fuera). Volvimos a Holanda para dar dos conciertos más. El primero en Hoorn, el segundo y por segunda vez, en Wormerveer. Éste fue un concierto especial. Tuvimos el privilegio de abrir para la mítica banda D.O.A. en uno de sus últimos conciertos de su carrera. Siempre aprendes algo de estos grupos y, joder, Joey Shithead sigue siendo igual de punk que en los 80 y sigue moviendo el cotarro con sus 50, rozando los 60. Tras la estancia en los Países Bajos bajamos hacia Bélgica; también primera vez allí. Un primer concierto en Leuven, organizado por Kick Ass Records (uno de los más prestigiosos sellos europeos de skate punk) junto a la banda alemana Save The Embers, y otro en el minúsculo pueblo de Ieper (donde se organiza el famoso festival de hardcore IeperFest). DESTINO FRANCIA Siguiente parada, Lille, Francia. El país vecino es una putada. Es por donde siempre has de pasar si eres de aquí, y joder, cuesta muchísimo montar cosas interesantes allí. Se lleva más otra movida, no sabría decirte qué, pero el punk rock allí está jodido. En cambio esta vez fue diferente. Qué cojones, ¡estuvo de puta madre! En Lille tocamos con una de las mejores bandas de toda la gira, los recientemente disueltos Wes Waltz. Funk punk psicodélico –una mezcla del Mother’s Milk de los Red Hot Chili Peppers con los Bad Brainscon un directo agresivo y acojonante. A diferencia de ellos, nuestro directo fue boicoteado por la pasma a medio setlist, obviamente cancelándonos el concierto. Fue un chasco porque la gente realmente lo estaba viviendo con emoción, aunque no era de extrañar: el garito era un pequeño bar en un edificio residencial, y a los vecinos no les debió contentar oír ‘Ripping Out’ a más de 110 decibelios un miércoles por la noche.

De Lille fuimos a París. Organizado en La Miroiterie, donde se juntó un cantidad ingente de peña, compartiendo escenario con The Filaments –miembros de Luchagors-, hubo gente que vino desde muy lejos para vernos, y un fotógrafo chino loco se obsesionó con la idea de retratarnos en su estudio pidiéndonos hacer cosas dudosas, unas curiosas fotos que podréis ver en nuestra página web. ¡Últimas dos fechas en Francia antes de volver a casa! La primera en Venthon, un pueblo perdido en lo alto de los Alpes, en un festival organizado en un gigantesco pabellón. La última, Perpignan. Éste fue un concierto de última hora que cerró nuestro paso por el continente. Y tras un largo viaje del día 3 de octubre al 4 de noviembre, ¡volvimos a casa! DESTINO PORTUGAL ¡Pero eso no fue todo! Tres días intentando descansar fueron los que pasamos en Barcelona antes de volver a salir durante dos semanas más por la Península. Una gira que, cruzando España por el norte, pasando por Portugal, y volviéndola a cruzar por el sur, nos hizo recorrer casi toda la Península. Portugal… Hay algo especial con Portugal. No sabemos bien el qué, pero tenemos una gran cantidad de fans allí y nos hacen sentir como la mejor banda del planeta cada vez que vamos. En lo que se refiere a España, una locura, todas y cada una de las fechas han sido increíbles, y nos sentimos muy afortunados de tener un apoyo tan grande en este país, donde las cosas no están nada fáciles, pero la gente sigue luchando por mantener una escena en su ciudad. Y como siempre aquí, percales con la policía, farras… ¡Siempre en nuestra línea! A día de hoy, creemos en que girar es la única forma que hay para dar a conocer a tu banda. Ya no se trata de discográficas ni de sacar discos. Se trata de tocar, interactuar y conocer gente. Y es que no sólo te abre puertas, te expande la mente y te da perspectiva para crecer como grupo. ¡Y esperad, porque el Into The Spiral Tour aún no se ha cerrado oficialmente! Ya que no tuvimos oportunidad de tocar en nuestra ciudad natal, Barcelona, el próximo 9 de febrero rodaremos nuestro nuevo videoclip en un concierto gratuito, donde no faltará birra y comida gratis, mucha fiesta, patín... ¡Y locura en estado puro!

MAREA ROJA

NEKO CASE

Ya sea en solitario o con los New PornograPhers, siempre es una delicia escuchar la voz de esta maravillosa cantautora norteamericana. Pero aunque parezca increíble, conversar con Neko Case todavía es mejor. Texto: Toi Brownstone Fotos: DR

ecuerdo a principios del año pasado haberle expresado a la diosa pelirroja mi deseo de que sacara un disco en 2013, y su respuesta fue, así como muy hippie, que como lo había pedido al universo, se haría realidad. Pensaba que iba de cachondeo, pero en septiembre se publicó The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You (ANTI/PIAS), y además, para nuestro deleite, nos visitó dos veces en 2013. Determinadas situaciones dan a entender que debemos tenerle más respeto al destino, porque apenas un par de días antes de que a mediados de diciembre actuase en la sala Apolo de Barcelona, me confirmaron que iba a tener una cita con Neko Case, algo que ni remotamente podía imaginar... ¡Qué emocionante! ¡Iba a entrevistar a una de mis heroínas musicales! A continuación, lo de siempre: ‘¿Y qué le pregunto? ¡Va a pensar que soy idiota!’, y un montón de nervios que se desvanecieron en cuanto se acercó y me tendió la mano con una enorme sonrisa, y me preguntó si me apetecía salir al tejado del edificio a hacer la entrevista para estar más relajadas. Y así estuvimos charlando al aire libre, disfrutando de un fresco atardecer de diciembre y escuchando a pajaritos y gaviotas como si fuéramos amigas de toda la vida. Toda una experiencia. ¿Qué tal ha sido la recepción del disco por parte de tus fans y los medios?

“La verdad es que ha sido muy buena, estoy muy sorprendida. No estaba muy segura de que a la gente le gustara el hecho de que haya dejado de lado mi faceta de contar historias y me haya centrado en hablar sobre temas más personales, pero en general parece que la gente ha reaccionado bastante bien ante este cambio”. Uno de los aspectos del disco que más se ha comentado, precisamente tiene que ver con el tema de las letras de las canciones. Hemos percibido lucha, una gran parte de confesión, de añoranza, y da la impresión de que este álbum haya funcionado como un ejercicio de catarsis para ti. “No quiero sonar discordante con lo que dices, pero en realidad este disco surgió a pesar de los malos momentos por los que estaba pasando, y no como una consecuencia de esta etapa, así que no fue una catarsis, sino más bien el resultado de trabajar duro cada día durante una temporada nefasta para mí. Estaba muy triste, y esto supuso un esfuerzo tremendo. Cuando llegó el momento de entrar a grabar en el estudio y ver qué temas tenía, no era capaz de asimilarlos, así que tuve que darles un giro y buscar algo que me alegrase más. Traté de darles un enfoque más narrativo aunque desde una perspectiva más negativa de la que había sido después de estos últimos años, pero cuando vi lo que había compuesto, los aparté y los guardé en un cajón. Fue en ese

“La gente es menos peligrosa cuando pueden explorar quiénes son en realidad” momento cuando pensé que podía volver a hacer un disco con más historias, como había estado haciendo hasta ahora, o probar y asumir el riesgo de cambiar, confiando en todos los fans que han estado conmigo durante todos estos años. Creo que a la gente le agrada que se les dé la oportunidad de poder confiar en ellos, así que pensé que podía hacerlo. No con la idea de que les estaba haciendo un gran regalo, pero decidí ver qué podía suceder. Nunca me hubiese imaginado componiendo de esta manera. No es que lo evitara, pero es algo que en general no me apasiona, más bien al contrario”. Todo es muy significativo en este álbum. Desde el artwork o las letras, hasta la música e incluso la portada. Todo es como retorcido, e incluso muy oscuro. Se nota un gran cambio. Me llamó mucho la atención la portada. De esa imagen en la que apareces sobre un coche en una actitud desafiante, segura y muy poderosa blandiendo una espada que supuso la portada de Middle Cyclone, tu anterior trabajo, pasaste a ser Neko, con tu rostro y tu mirada

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completamente distorsionados. Está claro que algo te sucedía. Espero que ahora te sientas mejor. “Sí, ahora me siento muchísimo mejor, aunque no me empecé a encontrar bien hasta que no acepté el hecho de que estaba fatal, y hasta que me di cuenta y lo asimilé, costó bastante tiempo. Varios miembros de mi familia fallecieron en un periodo muy corto de tiempo y no tuve tiempo de sentir dolor por ellos, porque lo único que hacía era girar y tocar, hasta que llegó un momento en el que mi cuerpo fue el que dijo ‘Ya basta. Quédate en casa un tiempo y empieza a sentir todo esto que ha pasado, porque no es sano seguir así’. Y eso es lo que hice”. Como te comentaba antes, algo que nos ha impresionado a la mayor parte de tu público 114

tiene que ver con las letras y el significado de las canciones. En particular me gustaría hablar de ‘Nearly Midnight, Honolulu’, y ese momento en el que dices, o mejor dicho, la madre dice “Get the fuck away from me! Why don’t you ever shut up?”. A lo largo de los años, escuchando rock, he oído muchos tacos, pero poniendo esta frase en contexto y entendiendo el significado de la historia, resulta especialmente dura, sobre todo para la persona que la recibe, en este caso una niña, y me hace pensar en el tremendo impacto que esto puede suponer en un futuro semejante maltrato verbal y psicológico. “Fue una escena que presencié entre

una madre que le gritaba así a su hija de 5 años. Fue terrible. Yo he sido esa niña muchas veces y lo sentí mucho por ella. Mucha gente me criticó por no haber interrumpido ese momento, pero fue la propia niña quien mejor supo solventar esa situación, dando media vuelta y caminando hacia otro lado sin reaccionar, con una actitud como diciendo ‘vale, es tu problema’, y continuó cantando. Fue entonces cuando me di cuenta de que esa niña lo pagaría de alguna manera en el futuro, aunque fue lo mejor que pudo hacer en ese momento. No me gusta decir tacos en mis canciones, pero esto en realidad fue la recreación de una conversación que escuché. Claro que me planteé si debía hacerlo o no, pero finalmente opté por contarlo tal como fue. En otra canción también suelto un taco, pero fue más por diversión, pero no creo que haya

tenido el mismo impacto”. Hay otra canción sobre la que me gustaría que hablaras. Se trata de ‘Man’ y la frase “That’s what you raised me to be”. A lo largo de tu discografía el tema de la masculinidad ha estado bastante presente. ¿Qué querías decir en esta ocasión? “Entre otras cosas me refería a los medios de comunicación en Norteamérica. Crecí en Estados Unidos prácticamente sin mis padres, y veía un montón la tele, y recuerdo cómo se separaban explícitamente las cosas para niños y para niñas. Todas las cosas que eran para chicos molaban, tenían que ver con aventuras o superpoderes, mientras que las cosas de chicas eran ponis, todo de color de rosa, vestiditos y disfraces de princesa. ¿Crees que no hay nada mejor para una niña que cambiar de vestiditos a sus muñecas? Así que pensé que si me dieran la oportunidad de elegir, querría ser ‘el Rey del Castillo de la Montaña’ en lugar de ponerle zapatos a una muñeca. Me resulta increíble que la gente pueda sorprenderse de mi elección. ¿Están de coña?”. Estás hablando de mi infancia ahora mismo. No podía jugar con juguetes de Star Wars porque era una chica, y siempre me compraban disfraces de princesa que odiaba. Crecí en una época en la que tenía que ser una señorita, y durante mi adolescencia empecé a revelarme y a llevar ropa talla XL. “Claro, empiezas a rechazar tu propio

cuerpo. Me pasó lo mismo, empecé a llevar camisetas enormes para que no se me viera nada. Creo que un montón de chicas pasan por esta fase, y lo pasan fatal porque odian su cuerpo y no quieren que nadie repare en él”. Esto me lleva a otro tema, que es el de la feminidad, que también tratas bastante, expresando sobre todo que quieres ser tratada de la misma manera que un hombre, que buscas la igualdad. “Yo lo único que quiero es equilibrio”. Eso es, equilibrio. Por eso hablas de que no crees que merezca la pena ser tratada como una dama en ‘I’m From Nowhere’, y tampoco quieres que te envenenen por ser una chica. No quieres que la sociedad te trate de manera positiva o negativa por el hecho de ser mujer. “Como te decía, nuestra etapa de crecimiento fue muy confusa para mí y para muchos otros niños. Por un lado por todo el márketing, los anuncios y programas de la tele que separaban tanto a niños y niñas. Pero por otro lado teníamos por ejemplo Barrio Sésamo, que no diferenciaban a los niños de las niñas. Además, en el colegio, empezaron a decirnos que en América podías ser quien quisieras, y aunque suena a propaganda patriótica, me lo tomé muy en serio. Para mí era como ‘¡Oh! Puedo ser lo que quiera. Puedo ser granjera si me da la gana’, y lo creía totalmente. Me alegro de que esta idea se impusiera a los anuncios de la casita de Barbie, aunque tampoco creo que Barbie sea mala, porque entonces, ¿qué pasa con

“Hay muchos artistas que me encantan y que han llegado a ser ridículamente famosos, pero yo no me veo con esa energía” todos esos chicos a los que les gusta jugar con ellas en lugar de querer jugar a fútbol, o los que quieren jugar a las dos cosas? No es justo, creo que todo el mundo debería hacer lo que quisiera, porque no hace daño a nadie. De hecho, creo que todos nos llevamos mejor cuando nos dejan ser nosotros mismos puesto que no hay ningún tipo de presión. La gente es menos peligrosa cuando pueden explorar quiénes son en realidad”. No me gusta la tendencia de buscar en artistas o personajes famosos o influyentes a mujeres abanderadas del feminismo, pero lo cierto es que siempre me ha gustado tu manera de expresar que eres una mujer a través de tus canciones, sin intentar aparentar algo o ser alguien que no eres, ni forzar la atención de cierto tipo de público explotando una apariencia. ¿Cuál crees que es la situación actual de la mujer en la música? “Ahora mismo creo que es bastante buena. En realidad la gente confunde la situación de la mujer en la música como un enfrentamiento hombre contra mujer, cuando en realidad todo gira en torno al dinero, y aún hay mucha gente que teme perder dinero o una oportunidad. El gran mito del mundo

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NEKO CASE

parte de su espectáculo. No es que sea malo, insisto, es que no hay un equilibrio”.

del espectáculo es aquello de que ‘tienes mucha suerte de estar aquí’, que hasta cierto punto es verdad, pero hay una parte que nadie debería poder arrebatarte. Hollywood y la industria musical aterrorizan a las personas, les hacen cuestionarse si son lo suficientemente buenas, y constantemente les recuerda que todo podría acabarse en cualquier momento, que claro que podría pasar, ¡pero a quién le importa! Es tan pequeño el porcentaje de artistas y músicos ligado a todos esos millones de dólares de la industria... La mayor parte vivimos de esto y pertenecemos a la clase trabajadora, y aun así podemos hacer prácticamente lo que queramos, sin vendernos. Y es que el arte y la fama son dos cosas muy distintas. Y algunas personas han conseguido convertir la fama en una forma de arte también, como las Lady Gagas del mundo, que han conseguido de la fama y el proceso de convertirse en estrellas una forma de arte. Yo lo único que quiero es componer y tocar y ser yo misma. No necesito mi propio programa de tele, yo disfruto componiendo música y grabando discos. En mi mente pienso en el enfrentamiento entre ser un cineasta y un músico, y pienso en 116

todas las cosas que formarán parte de una película y todo el dinero necesario, y creo que es demasiado complicado para mí. Puedo liarme en hacer un disco, pero no me veo capaz de embarcarme en un proyecto tan ambicioso como una película, porque en algún momento perdería el control y yo estoy obsesionada por controlarlo todo. Así que prefiero dejar las cosas como están. No tengo la necesidad de convertirme en una superestrella. Cada uno se forja su propio destino, y hay muchos artistas que me encantan y que han llegado a ser ridículamente famosos, pero yo no me veo con esa energía”. Mencionabas antes a personajes como Lady Gaga. ¿Qué piensas de esa hipersexualidad tan dominante en la música de hoy? ¿Crees que afecta negativamente a otras artistas? “No lo creo, en el sentido del estilo Gaga. No es que las mujeres estén haciendo algo malo, lo que pasa es que no hay una representación masculina que haga lo mismo. No hay hombres que introduzcan la provocación y la sexualidad como

Un par de preguntas más acerca de The Worse Things Get… ¿Cómo surgió la colaboración del guitarrista de My Morning Jacket, Carl Broemel, en ‘City Swans’? “Estuvimos girando con My Morning Jacket durante un tiempo y lo hablamos por encima. También participan Jim James y Bo Koster. ¡Ésta es la grandeza de los estudios a distancia! Cada uno puede grabar sus partes en su propia casa, como hicieron Jim y Carl. Bo sí vino a nuestro estudio y grabó un montón. Fue un momento perfecto. Como tardé bastante en grabar el disco pude ofrecer un montón de partes en las que colaborar. Hicieron un buen trabajo. Carl es muy elegante tocando la guitarra y también es un cantante excelente. Todos en My Morning Jacket saben cantar... ¡Tienen demasiado talento!”. ¿Por qué decidiste recuperar ‘Magpie To The Morning’ para este disco? “En realidad cogí la grabación original de hace años que nunca había sido publicada porque pensé que estaría bien que apareciera en un disco, porque es un tema que siempre me ha gustado. Mi amiga Karen participa, es una canción muy simple. Lo mismo he hecho con ‘Madonna Of The Wasps’, que grabé hace mucho tiempo y no había podido incluirla en ninguna publicación”. Antes de verano ofreciste tu primera actuación aquí, en Barcelona, dentro del Festival Primavera Sound. Vuestro set

no llegó a una hora… “Sí, fue muy corto. Apenas nos dimos cuenta y ya habíamos terminado”. A todos nos supo a poco. Los fans que estábamos allí presentes tuvimos la sensación de que no te sentiste muy a gusto, que no estabas demasiado cómoda en ese escenario. “Tienes razón, no lo estaba. Acabábamos de aterrizar en España, literalmente. Habíamos tenido además problemas en casa, asuntos que tenían que solucionarse, por lo que retrasamos el viaje al mismo día del concierto. Además era una de las primeras veces que tocábamos en directo todos juntos, porque además contábamos con dos nuevos miembros en el grupo. Ahora ya tenemos el rodaje que nos hacía falta y sonamos muy sólidos. En realidad somos una banda de sala, de club, y estábamos tocando a plena luz del día. Nunca había estado en Barcelona antes, y en lo único que podía pensar, por los años que estuve en la escuela de arte, es que había un montón de museos en la ciudad y que no podría visitar ninguno. ¡Menudo bajón!”. Neko, tienes que venir de vacaciones… “Lo sé, lo sé. Esta vez tampoco he podido ir a ninguno porque estoy tan cansada... y además requieren perder mucho tiempo. No quiero que parezca que no disfruté en el concierto del Primavera Sound, ¡pero es que era tan grande y tan abrumador! Tenía un montón de jet lag, estaba muy cansada porque habíamos tenido que prolongar el tiempo en el estudio. De hecho, creo que fui directa del estudio al aeropuerto. De verdad que

no fue nada personal con la ciudad o el festival, sino con todo lo que estaba sucediendo con la grabación del disco. Ahora ya llevamos meses tocando y estamos mucho más relajados como banda. Nos encanta interactuar con el público y que la gente sienta que estamos disfrutando todos juntos una noche cualquiera”. Hablemos de las redes sociales. Eres una de las primeras artistas que comencé a seguir en Twitter hace ya unos años, y no hay duda de que eres una de las más activas. Me gusta que compartas cosas personales, como por ejemplo la última película que has visto, tus mascotas, o que tienes el día de comer chocolate y pizza sin control. La imagen que percibimos de ti es que eres una persona muy accesible, que no quiere decir que pierdas tu intimidad, por supuesto, y que te gusta interactuar con tus seguidores. “Me encanta. Adoro a mis fans y a mis seguidores. Hay un montón de gente en Twitter con la que hablo que estoy segura de que no tienen ni idea de que soy música, pero hablamos de mantequilla orgánica o cosas así. La idea de poder estar viva y expresar todo lo que sucede a mi alrededor al instante me resulta fascinante. No me refiero a ir en plan ‘qué guay soy’, sino más bien en plan ‘¡Hey! Mirad esto, es increíble’. Kelly Hogan también está todo el día buscando por la red y siempre está recomendando un montón de cosas interesantes. Hay otras cosas que no hago, por ejemplo, no llevo mi cuenta de Facebook, de esto se encarga el sello discográfico

porque sinceramente, no tengo tiempo para todo, pero comparto lo que dijo en cierta ocasión K.D. Lang: “Ya me gustaban mucho mis fans antes, pero desde que estoy en Twitter, adoro a mis fans. Tengo la sensación de que puedo llegar a conocerlos de una forma más personal, y son gente maravillosa. Mejor de lo que me imaginaba”. Estoy citando a K.D. de forma incorrecta y me sabe mal, pero creo que es la mejor manera de definirlo. Descubres las cosas cotidianas de tus fans, y no se trata de conversaciones por obligación, sino de hablar de ti. Casi siempre pienso que soy un coñazo, pero a veces me apetece hablar de mi perro y cosas así, porque creo que es muy interesante, aunque no lo sea, pero bueno, la gente puede ignorar lo que digo al fin y al cabo. O a veces necesitas ver algo agradable que te haga sentir mejor después de un día desastroso”. Ya por último, siento curiosidad por saber qué estás escuchando últimamente. “La verdad es que girando escucho muy poca música, y aunque queda un poco mal decirlo porque participo en él, cuando tengo oportunidad no paro de escuchar el último disco de Camera Obscura, Desire Lines. Es imposible que me canse de la maravillosa voz de Tracyanne Campbell, tan aterciopelada. Siento mucho respeto por este grupo, son excelentes músicos. Los adoro. Me enorgullece haber podido participar en algo tan maravilloso”.

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EN DIRECTO

PROTEST THE HERO 19 de enero de 2014 Sala PenĂŠlope, Madrid Texto: Gonzalo Puebla Fotos: Eric Altimis (Barcelona)

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lgo me debo de haber perdido en la trayectoria de Protest The Hero. No sé en qué instante dieron el paso de ser un grupo de salas pequeñas a las de mediana capacidad como en el caso de la Penélope. Más sorprendente aún es que ya hubiese una cola considerable para entrar antes de que se abriesen las puertas. Y todo esto con un nuevo trabajo que ha sido financiado vía crowdfunding. En cualquiera de los casos, me alegro, pues formaciones como ésta son las que verdaderamente se merecen semejante reconocimiento. Entrando en faena, el espectáculo arrancó de la mano de Intervals, cuya intervención sobre las tablas se nos hizo amena y nada pesada. Metal progresivo con registro melódico muy bien ejecutado. Más contundentes se mostraron The Safety Fire. Sin piedad atacaron durante unos bien aprovechados 40 minutos las composiciones de su reciente Mouth Of Swords, sobresaliendo títulos como ‘Glass Crush’ u ‘Old

Souls’, que les acercaban más en sonoridad a los protagonistas de la noche que a los siguientes encargados de pisar el escenario. Había cierta expectación también para ver a los británicos Tesseract. Contando con un guitarrista menos entre sus filas, los de Ashe O’Hara disfrutaron de un buen sonido para presentar los diferentes movimientos del plástico Altered States. Pero su djent progresivo de melodías etéreas me resultó un tanto plano y lineal, aparte de tirar en exceso de efectos vocales. Sin embargo, parece que agradaron a la chavalada y salieron ovacionados. Turno ahora sí para unos Protest The Hero que empezaron a la velocidad de un rayo con un repertorio iniciado con la irónica ‘Underbite’ y ‘Hair-Trigger’, donde el mal sonido hizo acto de presencia. Afortunadamente y como suele ser habitual, el asunto fue mejorando y acabaron de ofrecer una actuación enérgica a la par que divertida. Y es que los tipos ejecutan esos malabares

instrumentales como si tal cosa, y encima se permiten la licencia de estar de cachondeo con el público durante gran parte del concierto. Con un setlist muy bien repartido equitativamente entre todos sus trabajos (‘Sequioa Throne’, ‘Heretics & Killers’, ‘Mist’, ‘Bloodmeat’, ‘C’est La Vie’), aprovecharon los parones para bromear con el idioma mediante uno de sus roadies que hacía la función de traductor o subir a algún espectador al escenario para tomarse unas birras. Una chorrada que bien podrían haber aprovechado para tocar algún tema de más, pero que no se hizo excesivamente plomiza, si no que ayudó a dar un tono más relajado y menos serio. Muestra de ello fue que salieron para el bis ataviados con unas ridículas y gigantescas pelucas para interpretar la ya mítica ‘Blindfolds Aside’. Y quizás ahí esté el secreto del éxito de los canadienses: el ser capaces de hacer música sobrehumana para luego terminar siendo ese colega perfecto para salir de juerga todas las noches. 119

BRUTALITY WILL PREVAIL

11 de enero de 2014 Estraperlo CLUB, Badalona Texto: Jordi Meya Fotos: Eric Altimis

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o recuerdo el motivo, pero en el último Resurrection Fest se me escapó la actuación de los galeses Brutality Will Prevail. Por lo que me contaron estuvo la mar de bien, así que había ganas de catar su directo y todavía más celebrándose en el ambiente familiar de la planta superior de la sala Estraperlo. Los galeses llegaban a Badalona tras haberse pateado la Península de arriba abajo y algo quemados por las acusaciones de haber robado un amplificador en su concierto en Murcia (cojones, hay que estar 100% seguro antes de lanzar este tipo de denuncias en las redes). Pero ninguno de los dos factores pareció achantarles y haciendo honor a su nombre, ofrecieron un concierto donde la brutalidad hizo acto de presencia. Como aperitivo teníamos a dos bandas locales, Oblivion y One Life One Sentence, que están dando que hablar dentro de la escena hardcore. Los

primeros se presentaban con su nuevo cantante, y aunque el chaval estaba un poco verde en cuanto a su faceta de frontman, la verdad es que voz no le falta. Más agresivos de lo que los recordaba, su sonidaco engoriló al personal y al poco rato las patadas voladoras transformaron el pit en una película de Jackie Chan. Curiosamente, con One Life One Sentence, incluso aún más brutos, la reacción no fue tan visceral, aunque quizá el que su bajista actuara en calzoncillos y su cantante pusiera el espectáculo tuvo algo que ver. En cualquier caso, el ambiente estaba a punto de caramelo para que Brutality Will Prevail triunfaran... y así fue. Con su hardcore con dejes old school mezclado con unos riffs más lentos y terroríficos, el quinteto no tardó ni media canción en volver a sacar la bestia entre los asistentes. Especialmente poseído parecía un tipo ya entrado en años, con americana

y camisa de topos, que aunque no se sabía ni la letra de un solo tema, no se cortaba un pelo a la hora de subirse en medio del escenario e intentar agarrar el micro. ¡Toda una estampa! El hiperactivo Louis Gauthier se pasó la mitad del bolo en la pista interactuando, e incluso logró darse una buena vuelta montado encima de los brazos de la gente. Mazazos como ‘Casket’, ‘Trapped Doors Moving Walls’ o ‘Heavy Eyes’ y sus breakdowns de puro down tempo ejecutados con precisión quirúrgica nos castigaron las cervicales a gusto. ¿Porque a quién no le gusta un poco de dolor cuando va unido al placer? También presentaron un tema de su nuevo disco que publicarán en abril, y aunque intuimos que había alguna parte más melódica, confiemos en que Brutality Will Prevail no abandonen un estilo que han logrado dominar como pocos. 121

DREGEN

17 de diciembre de 2013 La Boite, Madrid Texto: Gonzalo Puebla Foto: Carles RodrÍguez (Barcelona)

unque su debut discográfico en solitario haya gustado más o menos dependiendo de a quién se pregunte, no cabe duda de que un nombre como el de Dregen era suficiente reclamo para animarse a asistir a una noche de rock con sabor escandinavo. A pesar de que durante el resto de la gira se vio acompañado en el cartel por Imperial State Electric, en el tramo final por nuestro país los de Nicke Andersson se apearon del plan de ruta. Recordemos que ellos ya nos visitaron el pasado mes de abril, así que esperamos que vuelvan a repetir para presentar las nuevas composiciones de Reptile Brain Music dentro de muy poco. Así pues, el guitarrista de Backyard Babies lo tenía todo de cara para ser el protagonista indiscutible de la noche. Empezando por un puesto de merchandising de lo 122

más completo, en el que uno podía adquirir desde el disco o la camiseta hasta un body para bebe e incluso una bolsa de snacks personalizada. Está claro que las lecciones de sus adorados Kiss van mucho más allá de lo musical. Sin muchos preámbulos y con una buena entrada de público, la banda de acompañamiento apareció en escena para más tarde hacerlo un enérgico Dregen. A pesar de su baja estatura, es un tipo cuya presencia se hace notar a base de echarle ganas. Lástima que éstas no fueran suficientes para salvar un concierto que no pasó de correcto. Obviamente, su debut homónimo hizo las funciones de hilo conductor, y temas como ‘Divisions Of Me’, ‘Just Like That’, ‘One Man Army’ o ‘Pink Hearse’ sonaron bien gracias a unos miembros competentes, pero les faltó ese puntito que adolecen de

igual manera en la versión de estudio. Tampoco ayudaron algunos desvaríos instrumentales que no terminaron de cuajar y rebajaron un tanto las pulsaciones a mitad de la actuación, más teniendo en cuenta la justa duración de la misma, de apenas una hora y poco más. Sin duda, los mejores momentos fueron ‘Flat Tyre On A Muddy Road’, en la que supieron acertar dándole ese toque de aggro blues tan stoniano, y las versiones tanto de Backyard Babies (‘Star Wars’, ‘Minus Celsius’) como de The Hellacopters (‘Soulseller’, ‘(Gotta Get Some Action) Now!’) que sí consiguieron encender al respetable. Una velada disfrutable, pero que tampoco recordaremos como una de las mejores visitas que hemos vivido junto a Dregen. Para la próxima que se traiga a su amigo Nicke.

VORTICE 20 de diciembre de 2013 La [2], Barcelona Texto: Pau Navarra Foto: Eric Altimis

aya por delante que el cantante de Vortice no sale a escena drogado hasta las trancas. Más que nada, lo decimos para desmentir la idea con la que salió prácticamente todo el público que asistió a la presentación de su nuevo álbum en la sala pequeña de Apolo. Decir que Àlex Misas es un nervio es quedarse muy corto, comentar que se deja la piel no es ni una quinta parte de lo que este chaval hace además de desgañitarse como un animal. A mucha gente le flipa, les parece pura energía, y a tanta otra no les mola de ninguna de las maneras, les parece una especie de cantante de los Who pasadísimo de vueltas que desentona ante el tono serio y sobrio del resto del combo y su música. De todas formas, para dosis de solemnidad y compostura la que despacharon los fundadores Llorenç Puig a la batería, Pere Sànchez a la guitarra y Àlex

Fernàndez al bajo, unas trituradoras que llevaron los nueve cortes de Host al directo de una forma fidedigna y atronadora. No nos olvidamos de Florian Schartner, quien desde su portátil y diversos artilugios nos obsequió con las programaciones y teclados que han irrumpido para bien en el death metal experimental de su último trabajo. El germano incluso agarró la guitarra en una ‘What Everyone Says’ perfecta y se quedó solo con Llorenç interpretando ‘The Spaceship Destroyer Of Mankind’, que sirvió para marcar la recta final del show. ‘Unmoving In Motion’ para abrir pese a no sonar el micro de Misas de inicio, ‘(In)puts’, ‘Before The Blast’, ‘Meet The Locals’, una ‘Reeternal Insanity’ que nos resquebrajó las vértebras o ‘Host’ fueron cayendo una a una con la única concesión de ‘Dawn Of The Dead’ como material antiguo y que demás echó el cierre.

Un fin de concierto que nos recordó la calidad que también atesora Zombie. Y es que lo cierto es que, cuatro o cinco garruladas menos entre tema y tema, y habría sido un bolo para enmarcar. Mención especial para los teloneros Wis(H)key, quienes sonaron mucho más contundentes que en álbum en un concierto pétreo y sin fisuras. Apenas les vimos la cara por un surtidor de humo que parecía el local de ensayo de Chris Barnes, pero dieron buena cuenta del sopapo que puede significar su sludge metal con southern si se olvidan de las baladas noventeras. A priori no parecían el mejor aperitivo para una banda de las características de Vortice, pero con semejante pegada nadie pareció quejarse. Entre los cañeros Wis(H)key y los protagonistas de la velada nos volvieron a mostrar que no hay que buscar muy lejos para encontrar metal de primer orden. 123

REDD KROSS 20 de enero de 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Richard Royuela Fotos: Carles RodrĂguez

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s casi un milagro que siendo Redd Kross una banda tan disfuncional –en algún momento todos dimos por hecho que Researching The Blues nunca vería la luz-, estén llevando esta nueva etapa de su carrera con una solidez que no esperábamos. Es verdad que había cierto encanto en esa disfuncionalidad mencionada y en desesperarse ante la falta de noticias concretas sobre el grupo, pero, no nos engañemos, es mucho más gratificante haber comprobado que siguen siendo capaces de grabar grandes discos y de saber que en cualquier momento pueden volver a visitar tu ciudad. Probablemente Redd Kross estén ofreciendo ahora mismo los mejores conciertos, como mínimo, desde su retorno oficial hace ya un tiempo. Lo demostraron hace un año durante su visita al Primavera Club y lo han vuelto a clavar ahora en su gira estatal. Los más puristas del

lugar echan en falta que el guitarrista Robert Hecker no esté allí, pero lo cierto es que Jason Shapiro encaja como un guante en su sitio y sería muy osado decir que los conciertos se resienten debido a ello. Si hace un año el repertorio se dividió en canciones de toda su carrera, esta vez los temas protagonistas se centraron en su mayoría en los que van desde Third Eye hasta la actualidad. En definitiva, los temas que la mayoría de los asistentes queríamos escuchar. El inicio con ‘Switchblade Sister’ ya dio pistas de que aquella iba a ser una noche de hits... Y noche de hits fue. Si cualquiera de los que estuvimos allí –pese al buen aspecto de la sala, éramos menos de lo que una banda como Redd Kross merece- hubiésemos tenido que hacer un setlist a medida no hubiese sido muy diferente de lo que acabamos oyendo: ‘Crazy World’, ‘Mess Around’, ‘Stay Away

From The Downtown’ –convertido ya en un clásico del repertorio-, ‘Annie’s Gone’... Todas tuvieron su momento y, ¡cómo no!, nos volvieron a hacer tocar el cielo con la punta de los dedos. La banda estuvo compacta a más no poder, Steve McDonald, feliz con su camiseta de Stryper, sigue siendo el animador del cotarro, y su hermano Jeff, aunque cada día sea más freak y se le vea más amanerado, sigue cantando como Dios. En definitiva, la pregunta de siempre salió una vez más: con esos temas y melodías tan redondas, ¿cómo es posible que Redd Kross no sean una de esas bandas clásicas capaces de reventar arenas por todo el mundo? Joder, si hasta a los mismos Kiss se les caería la cara de vergüenza escuchando la increíble versión de ‘Deuce’ con la que acabaron la velada... Seguro que hacía siglos que esa legendaria canción no sanaba con tanta garra en directo. 125

ualquiera que haya visto un par de directos de los ingleses no esperará probablemente encontrar enormes sorpresas en las crónicas de los últimos años. El concepto de ‘música para las masas’ sigue funcionándoles a la perfección gracias a una cartera de temas que no necesitan de grandes esfuerzos para conseguir enloquecer al público y al inagotable carisma que su cantante Dave Gahan sigue derrochando en el escenario. A los padres del rock electrónico parece que no les van los grandes artificios, así que tiraron de puesta en escena austera, con sólo un fondo de pantallas gigantes proyectando imágenes. Con ‘Welcome To My World’, uno de los temas principales de su último álbum, entraba en escena un Gahan pletórico, sin parar de dar vueltas sobre sí mismo y flanqueado por tres sintetizadores. Poco le costó 126

quitarse su chaqueta, devolviéndonos su icónica imagen vistiendo chaleco, y empezar a recrearse con sugerentes contoneos para compensar el hieratismo del resto de sus compañeros (a excepción de una batería que sonó sorprendentemente potente). Hasta aquí, todo perfecto, si no fuera porque a medida que avanzaban los primeros temas era inevitable la sensación de falta de conexión con gran parte del público. Una irreconocible ‘Precious’ mostrando imágenes de perros en pantalla provocó cierta vergüenza ajena y fue uno de los mayores exponentes de esta falta de empatía. Puede que las canciones de su último Delta Machine, salvo una potente ‘Should Be Higher’, no terminen de funcionar en directo. Puede que tampoco ayudara el habitual momento que invita al público a irse a buscar un par de cervezas en el que Martin

Gore se regaló la voz en un par de temas acústicos con pianito de acompañamiento. Afortunadamente, llegó un tema redentor como ‘Behind The Wheel’ para darle la vuelta al asunto. La apatía se transformó en un jolgorio, temazo tras temazo, de la mano de un remix de ‘A Pain That I’m Used To’ que sonó de lo más funk y un par de clásicos infalibles como ‘Enjoy The Silence’ o ‘Personal Jesus’. Tras la pausa, apareció Gore luciendo camiseta reivindicativa “Free Paco Now” para interpretar un ‘Shake The Disease’ en versión acústica bastante convincente. ‘Just Can’t Get Enough’ sonó a placer culpable para complacer a nostálgicos de la horterada ochentera y un par de joyas como ‘I Feel You’ y ‘Never Let Me Down Again’ se encargaron de echar el cierre a un show indiscutiblemente efectivo, pero que probablemente no pasará a la posteridad.

DEPECHE MODE 15 de enero de 2014 Palau Sant Jordi, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Nadia Natario

CRISIX 21 de diciembre de 2013 Sala B贸veda, Barcelona Texto: Jordi Meya Fotos: Toni Vill茅n

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a sabemos que todo está muy mal, que es frecuente ver conciertos con cuatro gatos y que muchísimos músicos llevan la mochila cargada de desánimo, pero de vez en cuando aparecen destellos que invitan a la esperanza. En la recta final de 2013 pudimos comprobar cómo tres bandas a quienes nos sentimos muy cercanos (Toundra, Angelus Apatrida y Crisix) eran capaces de agotar las entradas para sus conciertos en la sala Bóveda. De acuerdo, no estamos hablando del Palau Sant Jordi, pero teniendo en cuenta la coyuntura actual, tiene muchísimo mérito. Aun siendo distintas, las tres han aplicado la misma fórmula, una suma de trabajo, modestia y fe ciega en lo que hacen. Seguramente haya muchos grupos que piensan que también la aplican y no consiguen el mismo resultado, pero ahí ya intervienen dos elementos intangibles como son el talento y la

capacidad de conectar con el público. Y desde luego, Crisix van sobrados de ambas cosas. Por la reacción que obtuvieron al salir al escenario con todo el mundo cantando la intro que abría su debut parecía que fueran a tocar Metallica. Piel de gallina. Con una sonrisa de oreja a oreja los de Igualada arremetieron con ‘I.Y.F.F.’, primer trallazo del que ha sido nuestro disco nacional de 2013, y a continuación ‘Internal Pollution’ de The Menace. Intensidad y acción a tope encima y debajo del escenario que no cesaría ni un segundo. Después de que Juli enseñara orgulloso el cartel de ‘sold out’ y diera las gracias a todo el mundo por haberlo hecho posible, tocaba el turno de la brutal ‘Rise… Then Rest’. La rabiosa ‘Scars Of The Wolf’, ‘Seven’ y ‘Spawn’, con un circle pit que parecía imposible teniendo en cuenta el poco espacio que había, sirvieron para que Requena y Busy, uno

de los mejores tándems de guitarristas del país, lanzaran riff tras riff y solo tras solo, y para ver que el nuevo bajista Dani Ramis se ha integrado a la perfección. Después del habitual número escénico de la silla eléctrica en ‘Electric Possession’, llegaba el momento de cambiar instrumentos y ofrecer algunas versiones. En esta ocasión fueron ‘Whiplash’ de Metallica y ‘Nos Vimos En Berlín’ de S.A. que convirtieron definitivamente el concierto en una gran fiesta. Cuando parecía que la euforia no podía ir a más, llegaron la coreada ‘Frieza The Tyrant’, ‘Brutal Gadget’, el nuevo himno ‘Bring ‘Em To The Pit’ -con su ‘football of death’ que quedará inmortalizado para un videoclip-, una versión a mil por hora de ‘Ace Of Spades’, ‘Waldi Gang’ con la colaboración de LG de ’77 con un solo incandescente y su gran clásico ‘Ultra Thrash’. Sin llegan a tocar una más juro que no llego aquí para contarlo. 129

l concierto de Imagine Dragons en el Palau Sant Jordi ilustra a la perfección lo que le ocurre a una banda nueva que de repente logra el éxito comercial. La combinación de un gran management, la discográfica adecuada y canciones tremendamente pegadizas ha dado a Imagine Dragons la posibilidad de inyectar su música en todas partes. La primera vez que oí de este grupo fue en la televisión alemana, donde ‘Radioactive’ fue usada en el anuncio de un canal por cable. Y claro, también está ‘On Top Of The World’, conocida como la canción FIFA de 2013. Por lo menos diría que cuatro de sus canciones se han usado en distintos anuncios. Eso puede llevar a algunos a acusarlos de vendidos, pero las cosas no están fáciles para los músicos en estos tiempos, así que ¿qué tiene de malo que intenten hacer llegar su música al máximo número de gente posible? ¿No se trata de eso? Imagine Dragons tenían que tocar inicialmente 130

en la sala Razzmatazz, pero las entradas se agotaron rápidamente y de ahí se pasó al Sant Jordi Club. Al agotarlas de nuevo se pasó al Palau Sant Jordi, lo cual no sé si fue una buena decisión. La grada trasera del recinto estaba tapada por una gran cortina y los asientos del tercer piso estaban vacíos. Aun así, esto no pareció importar a los miles de fans que llenaban la pista como sardinas, algunos desmayándose sólo 15 minutos después de que empezara el concierto con una intro instrumental y ‘Round Round’. No paro de escuchar gente que compara a Imagine con The Killers, quizá porque los dos grupos son de Las Vegas o porque tienen un sonido similar de tecnopop rock 80’s, pero en directo no podrían ser más distintos. Si Brandon Flowers suele parecer arrogante y pretencioso, Dan Reynolds aparece como un frontman carismático y con mucha energía. Todo el tiempo interactuaba con el público y nada de

su actuación parecía forzado. Junto a sus compañeros Wayne ‘Wing’ Serman (guitarra), Ben McKee (bajo) y Daniel Platzman (batería) tocaron su debut Night Visions entero más algunos extras. Como era de esperar, sus hits ‘It’s Time’, ‘Demons’, ‘On Top Of The World’ y ‘Radioactive’ fueron las favoritas, pero estos tipos tienen otras canciones de calidad como ‘Amsterdam’, ‘Tiptoe’, ‘Hear Me’, la bella ‘Rocks’ y la escalofriante ‘30 Lives’, que dejó el Palau Sant Jordi en absoluto silencio, iluminado por las luces de los móviles. Cada noche el grupo elige una versión sorpresa y en Barcelona tuvimos ‘Song 2’ de Blur. Después de 13 canciones volvieron para hacer un bis con ‘Bleeding Out’ y ‘Nothing To Say’, la manera perfecta de despedir la noche. ¿Son estos tíos un hype? ¿Desaparecerán tan rápido como llegaron con su segundo disco? Espero que no, pero sólo el tiempo lo dirá.

IMAGINE DRAGONS 7 de diciembre de 2013 Palau Sant Jordi, Barcelona Texto Y Fotos: Nadia Natario

DE GIRA

FALL OUT BOY 28 de febrero Palacio Vistalegre (Madrid), 1 de marzo Sant Jordi Club (Barcelona)

l retorno de Fall Out Boy el pasado abril después de tres años de separación ha superado las expectativas de todo el mundo, incluso de los propios componentes de la banda. A finales de este mes los tendremos por aquí presentando su último álbum Save Rock And Roll acompañados de The Pretty Reckless. La excusa perfecta para contactar con un viejo conocido de esta casa, su cantante y guitarrista Patrick Stump. ¿Qué balance haces de esta nueva etapa de Fall Out Boy? PATRICK STUMP “Definitivamente ésa es una buena manera de verlo. Somos la misma banda pero con algunos cambios respecto a lo que éramos antes. Todo está siendo mejor de lo esperado. La formación ahora mismo es más grande de lo que probablemente era cuando lo dejamos, y eso es algo que nos ha sorprendido. Hemos vuelto a tener hits en la radio, el disco se está vendiendo muy bien y estamos tocando en sitios muy grandes que se están llenando. Decidimos

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reactivar la banda porque pensamos que había algo que decir y porque había llegado un momento en que volvíamos a necesitarlo. Eso ya es un triunfo personal, pero ver cómo la gente ha reaccionado tan bien a todo esto nos ha sobrepasado”. Visto este éxito, me sigue sorprendiendo el poder de un nombre. Aunque tuvieron buenas críticas, ni tu álbum en solitario ni The Damned Things funcionaron muy bien a nivel comercial. Pero definitivamente, la gente no os ha olvidado. “Ya, así es, pero es hasta cierto punto comprensible. Pero mira, visto lo que está pasando, esa etapa en solitario nos ha servido para valorar más todo esto. Ten en cuenta que pasé de tocar en arenas a tocar en bares que no estaban ni llenos. Tuve que acostumbrarme a ser un artista pequeño y a tener que ganarme una audiencia, y eso te pone las cosas mucho más en perspectiva y hace que

no des nada por hecho. Me llama mucho la atención cuando veo ahora a las bandas jóvenes y se quejan de cosas como el sonido, el cátering, hacer entrevistas. Lo puedo entender porque yo también era así, pero deberían darse cuenta que el simple hecho de poder tocar y hacer tu trabajo es ya todo un privilegio. Que pueda hacer esta entrevista ya es un regalo porque significa que mi trabajo sigue interesando. Está bien tocar en pequeños sitios, pero es mejor esto que tocar en un bar medio lleno (risas). De todas maneras, para mí fue un gran aprendizaje hacer mi disco en solitario”. Es increíble, en esta época en que todo se sabe al momento, cómo fuisteis capaces de mantener todo en secreto respecto a vuestro retorno. Eso es casi imposible hoy en día... ¿Cómo lo conseguisteis? “Por un lado lo mantuvimos muy en secreto y sólo lo comentamos al círculo realmente mínimo y necesario. Ni mi

propia familia sabía muy bien lo que estaba sucediendo. Pero por otro lado, también es cierto que las cosas se pueden hacer de una manera mucho más rápida. Ya no necesitas la burocracia de otras épocas para hacerlo. Para que te hagas una idea, cuando anunciamos nuestra vuelta la canción que pusimos en iTunes se había acabado hacía unos diez días, y si no recuerdo mal, el vídeo lo habíamos finalizado apenas 48 horas antes del comunicado. Anunciamos nuestra vuelta y el álbum todavía no estaba ni en fábrica (risas). Planchar el disco apenas lleva una semana, así que pudimos movernos de una manera rápida y eso nos ayudó a mantener el efecto sorpresa”. No creo que te extrañe si te digo que Save Rock And Roll sorprendió a mucha gente. No era lo que se esperaba. ¿Crees que ese punto de riesgo ha jugado a vuestro favor para revitalizar vuestra carrera de esta manera? “La gente en general tiene miedo a los cambios. Cuando un grupo vuelve la nostalgia juega un papel muy importante, y en cierta manera, quieren escuchar lo mismo. Pero si te fijas en grupos como Queen, The Clash o los mismos Beatles, pasaron por diferentes fases en su vida musical y eso ha jugado a su favor. Es que mira una banda como Queen: ‘Bohemian Rhapsody’ no tiene nada que ver con ‘Another One Bite The Dust’, de la misma manera que ésta no tiene nada que ver con ‘Crazy Thing Called Love’, pero al final del día eran Queen. No es que me esté comparando con ellos, pero sí que teníamos claro que habíamos de ser honestos con nosotros mismos y hacer un álbum en el que creyéramos. Así que no sé si eso ha influido en nuestro éxito, pero sí que te puedo decir que era el disco que teníamos que hacer”. Hacer un setlist a estas alturas tampoco debe de ser fácil. “No (risas). Por fortuna tenemos muchas canciones que han sido hits y que tenemos que tocar, temas nuevos, favoritas de los fans… todo un lío, vamos. A veces veo una banda como los Rolling Stones y me pregunto cómo lo deben de hacer. Si tocaran todos sus hits tendrían que hacer conciertos de al menos cinco horas. Nosotros no llegamos a eso, pero ya empezamos a tener problemas con ello. Aún no sé muy bien qué haremos. Me imagino que en unos días tendremos que ir a la guerra entre nosotros para ver qué canciones tocamos (risas)”. (RICHARD ROYUELA)

AGENDA FEBRERO ALCEST 5 Madrid, 6 Barcelona ARISTOCRATS 6 Bilbao, 7 Madrid, 8 Valencia, 9 Barcelona BEADY EYE 12 Madrid, 13 Barcelona BEASTÖ BLANCÖ 4 Barcelona, 5 Zaragoza, 6 Erandio BOMBAY BICYCLE CLUB 21 Barcelona, 22 Madrid BUTCHER BABIES 21 Erandio, 22 Madrid, 23 Zaragoza, 24 Barcelona CRYSTAL VIPER 8 Barcelona THE DEEP END 13 Zaragoza, 14 Barcelona, 15 CastellÓn de la Plana, 16 Orihuela, 17 Estepona, 18 CÁdiz, 20 Madrid, 21 A Coruña, 22 Cangas Do Morrazo, 23 Ourense, 26 León, 27 Aldea de San Miguel, 28 Burgos DeWOLFF 13 Madrid, 14 AvilÉs, 15 Zamora, 16 Ourense, 17 Burgos, 18 Lierganes, 19 León, 20 Getafe, 21 Vitoria, 22 Zaragoza, 23 Torredembarra THE EXPLOITED 8 Zaragoza, 9 Almassera FRANK TURNER 1 Madrid GIUDA 4 Castellón, 5 Valencia, 6 Madrid, 7 Vitoria, 8 Badalona HATEBREED + THE EXPLOITED + NAPALM DEATH 11 Madrid, 12 MÁlaga, 14 Oviedo, 15 Bilbao, 16 Barcelona HORISONT 19 Barcelona, 22 Cádiz IMMOLATION 6 Madrid, 8 AlmerÍa, 9 Barcelona JAMES ARTHUR 7 Joy Slava, 8 Bikini JOHN THE CONQUEROR 13 Bilbao, 14 Madrid, 15 Barcelona LONG DISTANCE CALLING 11 Madrid, 12 Barcelona MAMONT 27 Zaragoza, 28 Barcelona ME FIRST AND THE GIMME GIMMES 20 Madrid, 21 Barcelona MERCENARY 7 Erandio, 8 Madrid M.O.D. 10 Barcelona MONSTER MAGNET 5 Barcelona, 6 Madrid NASHVILLE PUSSY 11 Bilbao, 12 Santiago de Compostela, 13 Madrid, 15 Sevilla, 16 Barcelona THE POODLES 7 Villava, 8 San SebastiÁn, 9 Madrid ROYAL HUNT 27 Barcelona, 28 Madrid SEPULTURA 26 L’Hospitalet de Llobregat, 27 Madrid TARJA 1 L’Hospitalet de Llobregat TRANSATLANTIC 27 Madrid, 28 Barcelona TURISAS 12 Madrid, 13 Barcelona U.D.O. 1 Bilbao, 2 Barcelona THE WHYBIRDS 14 Hondarribia, 15 Lierganes, 16 Cangas Do Morrazo, 18 Gijón, 19 Madrid, 20 Valencia, 21 Bilbao, 22 Barcelona

FIGURAS COLATERALES La Lucha Continua ES EL nombre de una extinta organización comunista italiana... Y la firma perpetua de Sasha Grey. Gracias a la presentación de su primera novela La Sociedad Juliette pudimos charlar con ella en Madrid. Texto: IGNACIO REYO Fotos: DR/VÍCTOR VS

ibertaria por definición, desde que irrumpió en el negocio del espectáculo, recién cumplidos los 18 años, la californiana ha estado peleando a la contra. Ya queda lejos el programa en el que Tyra Banks intentó humillarla frente a la puritana audiencia que sigue a la exmodelo, o que se la vendiera como la próxima Traci Lords en versión intelectual. Aún quedan prejuicios hacia una persona que demuestra ser más que un rostro bonito. No es PJ Harvey involucrada en mil proyectos artísticos, tampoco un vacío icono pop. Sus notables dotes interpretativas en películas no sólo pornográficas, el tipo de música que escucha y ha practicado, el apoyo que recibe de personajes de exquisito criterio -David J. o Virginie Despentes-, y que participe altruistamente en el fomento de la lectura en escuelas de niños, son suficientes argumentos. 134

En una concatenación de causalidades propias del guionista de Lost, surgió esta entrevista en persona con la mujer que ha aunado cánones que parecían antitéticos: el porno y el feminismo. En 2008, el director de la web PE Magazine me descubrió vía MySpace a Sasha Grey; el denominador común eran los oscuros gustos musicales afines entre la emergente estrella y servidor. En 2010 pude gestionar una entrevista con su agente y charlar con ella por teléfono cuando aún actuaba en la industria del porno. Esa conversación dio lugar a la primera portada en una revista española a la multidisciplinar artista. Posteriormente sería invitada a Canal+ para hablar de su trayectoria. Pongamos otra fecha a la máquina del tiempo de H.G.Wells y vayamos al 2013. Madrid. Sasha Grey presenta su primera novela, que no libro, La Sociedad Juliette, publicada en la prestigiosa editorial Random Mondadori. Comentan que hay paralelismos con Cincuenta Sombras De Grey. Hasta ese día, no conocía la existencia del último fenómeno literario, que me explica mi acompañante, el fotógrafo Víctor VS. Leída la novela de Sasha, mantiene las pulsaciones clásicas de la mejor narrativa erótica entremezclada con cierto estilo literario a lo Palahniuk y referencias al último film de Kubrick. Antes de la entrevista en persona, asistimos a la rueda de prensa, en donde abundan preguntas

sobre su pasado en el porno y el sexo. Las respuestas publicadas de la misma son las formuladas por el aquí presente. Después de un tiempo de asueto, y debido a complicaciones de agenda, la entrevista será de 15 minutos, no 30. No pasa nada, la estrategia continúa valiendo: coger una bolsa de Channel, meter en papelitos las preguntas o conceptos, y que ella agite la bolsa y escoja al azar, pudiendo surgir lo inesperado. Frente a la inteligente pero defensiva Sasha de hace tres años, tenemos ahora a una persona agradable y encantada de prestarse a algo así. Supongo que también ayudó regalarle una camiseta del concierto de regreso de Psychic TV en Nueva York.

RUEDA DE PRENSA ¿Crees que con esta novela puedes escandalizar o revolucionar la literatura como hiciera Dennis Cooper, que incluso consiguió que lo amenazaran personas de su misma tendencia sexual? “Sé que con La Sociedad Juliette continúo la tradición de novelas eróticas de Voltaire, Sade, que tiene influencia de la obra Teresa Filósofa del filósofo Jean-Baptiste de Boyer. Y se da cierto error porque no viví esa época, soy una chica del siglo XXI. Puede que esté equivocada, pero esos libros no se escribieron para la

gente, sino para un sexo en particular. Con mi novela quería ser lo más universal posible, que los personajes fueran contemporáneos, que la lean mujeres u hombres. Por eso digo que hay diferencias entre lo erótico y lo romántico. No sé en España, en Estados Unidos lo ves en las revistas porno. Sí, sé que no he escrito nada nuevo, ni revolucionario, sólo que es para todos los sexos. En cuanto a Dennis Cooper, que haya un sector de gays que no se identifiquen con sus novelas no tiene nada que ver con sus experiencias y el proceso de crear su arte, su propio mundo, independientemente de las opiniones ajenas. Sé que hay gente que odia el porno, a mí me gusta”. ¿Qué opinas de Genesis P-Orridge y su transformación a través de la teoría de la pandroginia? “Soy una gran fan de su arte. Es precioso lo que hizo por su pareja, aunque desgraciadamente falleciera. Sacrificó muchas cosas, tomó su propia decisión con todas las consecuencias que conllevaba. Yo no lo haría. Le han llamado loco, no lo creo. Vive su vida como su arte”. De todas las películas porno que has protagonizado, una de las que destacan es Malice In Lalaland. Se notan los guiños a David Lynch, Daniel Clowes, las road movies desérticas… Demuestra que puede ser un género tan artístico como cualquier otro. “Sobre el papel tenía mejor pinta. Contamos con un autor australiano (Jeremy Ley –ndr.), ilustrador de cómics, para el guión gráfico. El storyboard era fascinante e inspirador. Más tarde

“Con mi novela quería ser lo más universal posible, que los personajes fueran contemporáneos, que la lean mujeres u hombres. Por eso digo que hay diferencias entre lo erótico y lo romántico”

fuimos a Canadá, luego al desierto de Los Ángeles... No sé por qué los europeos estáis tan intrigados por el desierto (risas). He crecido en California, no es nada especial, si no lo sitúas como si fuera un personaje más. En algunos aspectos podía haber sido mejor. Lo seguro es que definitivamente me gustaría ver más películas así en el género. Si no, se repite y se convierte en un aburrimiento. No es que haya visto todas las películas porno en las que he actuado, sólo que ésta fue de las interesantes”.

LA CAJA DE PANDORA Su estilista Candice Beauty nos felicita la originalidad de la propuesta, no había visto algo así nunca. No hay nada nuevo bajo el sol, la idea proviene de una entrevista de Jordi Meya a David Bowie. En algunas respuestas, obviamente, hay interacción. ¡Las reglas están para saltárselas! I Melt With You. “(Risas) La película en la que todos se suicidan. Fue una gran experiencia poder trabajar con gente de tanto talento. Aprendí mucho en un breve periodo de tiempo con Mark (Pellington, director de la película -ndr.). Grabamos a las cinco de la mañana, teníamos tres cámaras todo

el rato. Me dijo “OK, empieza tu monólogo, recupéralo desde el inicio a tu manera”. Es un director con la mente abierta. Es bueno probar nuevas maneras de enfocar las cosas, como volver a cambiar la iluminación, o el tono de la habitación. Había una energía en ese set que jamás he sentido. La escena de la fiesta fue una locura, la grabamos de noche. Le preguntaba a la gente ‘cómo tomáis cocaína’. La esnifaba de forma rara, me atragantaba (hace ruidos raros de nariz –ndr.) y me decían ‘así no es cómo se hace’, y yo ‘No lo sé, enseñadme vuestra forma’ (Risas). Se rodó en Big Sur, uno de los sitios más bonitos de California en mi opinión. Recuerdo que entre toma y toma el equipo se relajaba. Thomas Janes tocaba la guitarra, y yo no paraba de bailar porque no entiendo cómo la gente a esas horas se puede relajar sentada en un sofá. En mi caso me iría 135

pensando que la sociedad es amable, mamá y papá te dicen que eres especial, pero no nos prepararon para el mundo real, que no siempre es agradable. También está la situación psiquiátrica; los suicidas se sienten completamente rotos y destrozados. Es un tema tabú del que hablar, del que deberíamos tener más conciencia”. Dejando la bolsa, se pueden establecer suicidios diferentes. El de Hunter S. Thompson. “Soy fan, es uno de mis escritores favoritos. Fue una salida esperada. Creo que al tener un cáncer terminal es diferente. Si te lo dicen, cambias de estilo de vida, en plan ‘voy a tomar todas las drogas que existen bajo el cielo, gastarme todo el dinero, hacer locuras’, fuera del estilo normal de vida (risas). Se salió con la suya, simplemente”.

“Animaría a la gente a no ser tímida, A llevar a cabo sus fantasías siempre y cuando no hagan daño a terceros” a dormir (risas). Esa noche fue intensa, mucha diversión”. Es un papelito trampa, hay otra pregunta detrás. El suicidio. “Hablando del suicidio en la literatura o en la vida, ha tenido un impacto 136

tremendo. Es un tema recurrente, especialmente cuando conoces gente que se ha suicidado. Obviamente, creo que no ha habido suficiente apoyo hacia la población en los últimos años, sobre todo la gente joven que sufre bullying. A nuestra generación nos han educado

¿Diferencias entre viajar por promo o por placer? “Ahora mismo tengo jet lag, me resulta difícil mantener los ojos abiertos. Si estuviera aquí de vacaciones pasearía, porque es lo único que me mantiene despierta. Si me quedo quieta se me viene todo el cansancio encima. Es duro aguantar el día. No ves mucho la ciudad, pero afortunadamente ya he estado aquí y me gustaría volver de nuevo”. ¿Cómo componéis las atmósferas en tu grupo ATelecine? “Improvisamos un montón. Nada está ensayado. Cada sonido que sacamos está creado de forma distinta. A veces empezamos con spoken word. Lo único que ensayamos, o lo más estructurado de la música, son las letras. Los últimos álbumes están

basados en un sueño (risas). O sea, que cogemos temas del sueño y lo introducimos en la música. A veces empezamos con el bajo y desde ahí lo desarrollamos. O usamos cartas davoli estratégicas para inspirarnos y continuar. Otra papeleta (risas)”. Bukowski dijo: “El sexo está muy sobrevalorado, tío. Sólo es algo especial si nunca te acuestas con nadie”. “(Carcajadas) Me encanta esa cita. Es en parte verdad. Es como cuando tienes la tarta a la vista y no puedes comerla. Es como una relación de pareja: estás tres días sin esa persona y cuando te la encuentras estás encantada, es lo que quieres, porque has creado ese deseo. Y una vez que ese deseo ha desaparecido, lo debes crear de distintas maneras… Era un borracho (risas). Eso no ayuda a la libido”. ¿Te has sentido menospreciada o malinterpretada al ser actriz porno? “Todo el tiempo. Sobre todo borrachos (risas)”. Por el artículo de la revista, pregunté a varias personas su opinión sobre ti. Por ejemplo, Bebe Buell rechazó hablar de ti, me pareció estúpido… “(Risas) Solía preocuparme, pero ya no pienso nunca en ese asunto. Es gracioso en algunas situaciones sociales, me dicen ‘Uoh, eres tan increíble, tan inteligente’. Es como un insulto, es como si estos tipos pensaran que fuera a ser tonta”. Las series de televisión

últimamente están eclipsando a la mayoría del cine. ¿Alguna explicación? “Es interesante, quiero decir, es algo en lo que estamos de acuerdo casi todos en que la televisión americana y británica es tan buena ahora que compite con el mainstream del cine. En Hollywood sólo quieren hacer películas de dinero con actores de relumbrón. Remakes y más remakes… Y en la televisión está la originalidad. Por eso tiene tanto éxito. Antes la televisión

era como la hija bastarda. Los actores famosos no querían hacer televisión por miedo a no volver a la gran pantalla, porque no ofrecía buenos contenidos. Ha cambiado la situación, aunque todavía siga habiendo estúpidas sit coms que entretienen. Breaking Bad es una de las mejores series. Sons Of Anarchy es de mis favoritas”. No me gusta nada. “Es muy Shakespeare”. 137

“No hay nada preferible a la palabra escrita, conecta con los individuos mejor que ninguna otra cosa”

Es una mezcla entre Los Soprano con Shakespeare, pero en versión edulcorada. Es sólo mi opinión. “(Risas) Sólo pienso que parece que ahora es más fácil mantener una audiencia en la televisión que en el cine”. Últimamente la nostalgia es el trend topic vital. “De hecho alguien dio una conferencia del tema hace un par de meses, sobre lo que pensé bastante pero que jamás he sabido explicar. América todavía vive en un estado postraumático tras el 11-S, no nos hemos recuperado y vuelto a la normalidad. Por eso está todo modelado y basado en la nostalgia. No quieren asumir riesgos, sino evadirse. No se preocupan de los directores, sino de la recaudación y de los actores más vistos, lo que es exitoso, y repetirlo hasta la saciedad. Es sólo negocio”.

RAPSODA BOHEMIA L a protagonista de la película The Girlfriend Experience de Soderbergh creó un grupo en el que, al contrario que Massive Attack, en vez de hacerte soñar bandas sonoras positivas, te sumergían en una pesadilla propia del mejor industrial primigenio. Poco después de esta entrevista Sasha Grey dejó ATelecine, quedando estructurada la banda por su expareja y otra cantante, ninguno de los dos miembros originales del proyecto. Pero su relación con la música va más allá de ese grupo. Es una confesa melómana. En la primera conversación telefónica salieron a relucir Joy Division, o sus colaboraciones con Lee Perry, David Tibet y Smashing Pumpkins. En esta entrevista, justo cuando la representante de la editorial me avisa de que el tiempo ha terminado, echándole cara pido un último favor ante la risa cómplice de Sasha. Demuestra que no sólo de oscuridad se alimentan sus oídos.

Toda tu obra es muy honesta, no escondes casi nada. ¿Resulta sencillo compartir esos sentimientos? “Es fácil. Creo que tengo una responsabilidad con este mundo. La gente quiere ver la chica dañada, la víctima de la industria del porno. Parte del libro trata sobre fantasías oscuras de mujeres que supuestamente no deberían tener, y creo que debemos incidir en ello. Animaría a la gente a no ser tímida, a llevar a cabo sus fantasías siempre y cuando no hagan daño a terceros. No hay nada preferible a la palabra escrita, conecta con los individuos mejor que ninguna otra cosa”.

Es de gustos eclécticos y sabe de lo que habla. Meses después, Roger Taylor, el Tony Stark de Queen, “genio, multimillonario, playboy y filántropo”, me pediría el teléfono de la renacentista Sasha en broma. Ya no queda más tiempo. Lo siento Sasha, una pregunta más… Querría saber si te gustan Queen, estoy escribiendo un libro sobre el grupo “¿Sobre Queen? (Grita) ¡Oh, jodidamente fabuloso! Roy Thomas Baker de productor… Me encantan Queen”. Es mi banda favorita. “¿De verdad? Nací escuchando ‘Bohemian Rhapsody’, hablando de nostalgia. Es parte de mi niñez y aún la tengo todavía en mi iPhone. Freddie Mercury fue uno de los mejores frontmans de la historia. Fíjate en

Nos ha tocado terminar con tu primer libro, Neu Sex. El círculo se cierra… “Fue un libro con mucho material gráfico, con autorretratos míos, fotos que fui haciendo en los sets de rodajes y fuera de ellos. Traté de imprimirle mi filosofía sexual. Es algo que me hacía especial ilusión porque llevaba mucho tiempo trabajando en ello”.

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los conciertos de Wembley y compáralo con Oasis (risas). Ya no existen ese tipo de bandas de rock. Lo especial de Freddie Mercury es que convivió en un tiempo en que el rock clásico finalizaba por el surgimiento del punk, del metal… y pudo optimizar esas experiencias. Tenía una voz tan operística, que si lo deseaba podía continuar en cualquier género que quisiera. Espero que tu libro se traduzca al inglés y lo pueda leer”.

Entrevista cedida por la web www.paisajeselectricos.com Si os gustan Weezer, escuchad el tema ‘Sasha Grey’ del grupo Frantic Clam.

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ÚLTIMAS PREGUNTAS

JORDAN RUDESS (DREAM THEATER) Horas antes de su concierto en Barcelona nos encontramos con Jordan Rudess en un céntrico hotel de la ciudad. Aunque al parecer la noche anterior habían tenido algunos problemas técnicos en Madrid, el teclista de Dream Theater se encontraba relajado y de buen humor. Texto: Jordi Meya Foto: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago? “¿Muy vago? Vaya pregunta... Muchas veces me siento cansado, pero no vago. Quizá la última vez fue cuando llegamos a Europa para hacer esta gira. Habíamos hecho una preparación bestial pero todavía quedaba mucho por hacer cuando llegamos, pero me sentí con ganas de no hacer nada y relajarme. Así que en ese momento me sentí vago, aunque no actué como tal”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “El verano pasado vi a Rush en el Jones Beach Arena en Nueva York. Llevaban una producción increíble y el concierto fue espectacular. Son excelentes”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? 140

“No sé, no sabría decirte una canción en concreto, pero cada vez que escucho un disco de Sigur Rós pienso ‘mmm... me gustaría haber escrito eso’. Son una banda muy especial”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “Creo que me ocurre cada día... Estoy casado, ¿sabes? (Risas) A menos que se trate de decirle a alguien ‘esa nota está equivocada’ o ‘ese ritmo no va así’, en todo el resto suelo estar equivocado”. ¿La última vez que infringiste la ley? “No suelo infringir la ley. Quizá me he saltado algún semáforo, pero sin querer. Fuera de eso no se me ocurre nada. Me porto muy bien (risas)”. ¿La última vez que quisiste

pegar a uno de tus compañeros? “Nunca me he pegado con nadie y no tengo intención de hacerlo. Nunca he sentido ese deseo, y mucho menos con un compañero. Nunca me enfado tanto como para llegar a eso”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “Cada día cuando estoy de gira. Es duro. Anoche cuando me puse en mi cama en el autobús pensé ‘qué hago aquí dentro, me gustaría estar en mi propia cama’ (Risas)”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “La noche antes de empezar esta gira me llevé a mi mujer a un restaurante muy bonito en Nueva York. Quería charlar con ella, estar tranquilos y

conectar. El sitio se llama Restaurant X, es muy bueno”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Posiblemente esta mañana. Siempre me gusta ayudar. La semana pasada un amigo mío me pidió que tenía un conocido que era muy fan nuestro y si podía enviarle algo firmado. Y esta mañana lo he hecho y se lo he enviado”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Me gustan mucho los aparatos electrónicos, los iPhones, las cámaras y todo eso. Me compré una cámara profesional que se pone en la cabeza. Sólo la he usado una vez y pienso ‘¿Por qué me gasté tanto dinero en eso?’ (Risas)”. ¿La última vez que lloraste? “Ni siquiera lo recuerdo. Hace mucho tiempo. Soy una persona muy equilibrada (risas)”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Ayer en Madrid cuando estábamos tocando pensé ‘este trabajo mola mucho’ (Risas). Fue justo antes de volver al autocar y a su horrible cama (risas)”. ¿La última vez que te impresionó una película? “No suelo ir mucho al cine, pero hace poco volví a ver las pelis de Underworld y me gustaron mucho los efectos, y especialmente el sonido”. ¿La última vez que pensaste ‘soy un genio’? “No suelo pensar en mí mismo como un genio. Quizá la última vez fue cuando grabamos la parte orquestal de ‘Illumination Theory’. John (Petrucci) me dijo ‘toca algo que sea bonito y triste’. Y toqué lo que está en el disco y todos me dijeron ‘oh, eso es perfecto’. Así que cuando volví a escucharlo pensé ‘vaya, no me ha costado nada y ha salido muy bien’. A veces la música sale así de fácil”. ¿La última vez que alguien te dijo ‘te quiero’? “Ayer por la noche mi mujer me mandó un mensaje diciendo que me quería”. ¿La última vez que pensaste que Dream Theater eran el mejor grupo del mundo? “Cuando fui a ver nuestra peli Live At Luna Park en el cine y vi el solo de batería de Mike Mangini, lo pensé (risas)”.

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