RockZone 101 - 03/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto Sumario: Red Fang (Barcelona) © Eric Altimis

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EDITORIAL No negaremos que cuando el mes pasado dimos el paso para convertirnos en una revista 100% digital, nos temblaban un poco las piernas. Por suerte, el tembleque nos duró apenas 24 horas al ver la gran acogida que tuvo nuestro número 100 y su correspondiente suplemento de versiones. Aunque hemos recibido muchos comentarios de gente apenada por ya no poder leer la revista en papel, e incluso algún lector realmente cabreado por el cambio, en general todo el mundo parece haber entendido nuestra decisión y nos ha felicitado por adaptarnos a los tiempos sin renunciar a ofrecer la misma calidad de contenidos. Que encima hayamos multiplicado el número de lectores por cuatro en un solo mes nos reafirma que quizá no estábamos tan locos como algunos decían. Enjoy!

SUMARIO

nº 101

9 / INTERFERENCIAS

26 / THE PRETTY RECKLESS

36 / CARNIFEX

40 / ARCHITECTS

54 / ESPECIAL FOTO

72 / DISCO DEL MES

60 / STEEL PANTHER

74 / CRíTICAS

28 / TAKING BACK SUNDAY

34 / THE DEAR HUNTER

46 / I AM THE AVALANCHE

48 / METALLICA

64 / NOCTEM

102 / CAPSULA

68 / CROSSES

106 / COMEBACK KID

SUMARIO

nº 101

112 / ERIC FUENTES

118 / EN DIRECTO

136 / El SETLIST

138 / DE GIRA + AGENDA

140 / FIGURAS COLATERALES

142 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

APRECIAMOS TUS COMENTARIOS. POR FAVOR DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP. PRÓXIMO nÚMERO DISPONIBLE EL 28 dE MARZo.

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Xavier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Francesc Feliu, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_AC/DC LA BANDA DE ROCK MÁS GRANDE DEL PLANETA ESTÁ DE VUELTA. 40 AÑOS COMO FORMACIÓN, 40 FECHAS PARA CONMEMORARLO, NUEVO ÁLBUM DE ESTUDIO. DURANTE 2014, EL RUGIDO DE AC/DC VOLVERÁ A HACER TEMBLAR EL MUNDO.

ualquier noticia que generen AC/ DC convulsiona a todo el rock. Si además su cantante Brian Johnson deja caer en una entrevista realizada en la cadena de radio Gater 98.7 FM que para celebrar su 40 aniversario como banda seguramente realizarán un nuevo tour por el globo, la excitación sube como la espuma. Súmenle a eso el conocer que dicha gira sólo abarcaría 40 significativas fechas para remarcar aún más lo especial del tour y que, encima, los australianos ya preparan un nuevo trabajo discográfico. Ya está liada. AC/DC serán una vez más, como en toda su longeva trayectoria, el centro de atención del universo rock de este 2014 que aún está dando sus primeros pasos. Este mismo mayo es el mes que tan legendaria banda de hard rock ha elegido para entrar a grabar su decimosexto álbum, que parece ya bien encaminado dado que el frontman

del combo no ha tenido miedo de desvelar sus planes. Así, seis años después, Black Ice, que recordemos vendió 10 millones de copias en todo el mundo, al fin tendrá sucesor en su discografía. Todavía no ha trascendido quién se pondrá a los mandos a la hora de producir su nueva obra, pero conociendo a AC/ DC, sin duda se tratará de uno de esos maestros a los que nos tienen acostumbrados. Sin llegar a confirmarlo del todo, aunque seguro que lo llevan a buen puerto, Johnson declaró a propósito de una hipotética gira para celebrar sus cuatro décadas de trayectoria que “Han pasado 40 años de existencia del grupo, así que creo que vamos a tratar de hacer 40 conciertos, 40 espectáculos para agradecer a los fans su lealtad inquebrantable”. Uno de sus públicos más fieles es el nuestro, así que a ver si nos recompensan como es debido con un apoteósico paso por nuestro país.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ EL GRAN DEBATE

raíz del comunicado que publicamos el pasado 24 de febrero anunciando la suspensión de la fecha en Barcelona de nuestro RockZone Bloody Birthday en el que iban a actuar Thirteen Bled Promises, Hyde Abbey, Hummano y Chaos Before Gea, hemos vuelto a comprobar que las malas noticias, por desgracia, se propagan mucho más rápido que las buenas. De repente mucha gente que decía no haberse enterado de que iba a celebrarse ese bolo se lanzó a dar su opinión sobre nuestra decisión de cancelarlo. Queda claro que no hay nada mejor que protagonizar una polémica para que tu presencia en las redes se multiplique. En ese gran patio de vecinos que son los foros, los muros de Facebook y los timelines de Twitter, hemos leído de todo. La mayoría comprendió y apoyó nuestra postura, pero también hubo quien aprovechó la ocasión para lanzarnos un pedrusco verbal. En cualquier caso, el objetivo que buscábamos, el de generar un debate sobre el apoyo real, que no virtual, a la escena local, se cumplió. Eso que nos llevamos. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@AlLorient Superada mi primera lectura de @RockZone digital. Creía que me iba a costar, pero me ha sorprendido gratamente. ¡Felicidades! @Luca31323 Lee la @RockZone de febrero gratis en el ordenador, tablet con Android o iPad. ¡¡Mola!! Disco del mes @MinorEmpires. @Cornetaglori79 Pasando este día de perros de escucha del tirón del Bipolar Sessions Vol. 1. Pedazo de versiones. Ánimo y un fuerte abrazo. @vuelofenix_r3 Sonando la versión de @ Hamletband de @nineinchnails para el número 100 de la @RockZone @radio3_rne @LaChozadeDoe Muy guapa la versión de ‘Old’ (Machine Head) por @AngelusApatrida para el suplemento de @RockZone. @Yucker90 El CD de @RockZone tiene auténticas joyas. Estoy flipando con la versión de Deftones hecha por Cohen. @ArnetteSpain Hoy felicitamos a los amiguetes de @RockZone por superar las 50.000 escuchas del Arnette Bipolar Sessions… ¡Rock! @SalvadorRey1 ¿Pasa algo con la distribución de la revista? La compro desde el #27 de la Rocksound y ésta no la encuentro. 10

Desde que escuché por primera vez a The Ocean, su música no ha dejado de sorprenderme. Leí que venían a Bilbao y corrí a por las entradas ese mismo día. Tras un show repleto de cabeceos, saltos, guturales y sudor, mucho sudor, logré entablar una conversación con Robin Staps y sacarme una foto. ¡Pocas veces llega uno a conversar y fotografiarse con uno de sus ídolos! La tortículis del día después valió la pena. (PABLO ASENSI)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Pues vaya pollo se está liando con el rollo éste en Catalunya. Que si ahora estamos en proceso de divorcio, que si tú me debes a mí, que si tú la mamas o yo qué sé qué hostias. Aplástate aquí, que diría El Fary, y piensa un poco: ¿Quién gana y qué de una hipotética rotura/fractura/partición de España? A decir verdad, no tengo ni puta idea de quién gana o quién pierde en cualquiera de las posibilidades... Ahora, tengo una cosa clara: la gente de a pie de momento estamos igual. En Barcelona cada vez es más difícil plantar un negocio a causa de los insultantes precios del suelo y de los descabellados impuestos. En España las libertades son recortadas día sí día también con leyes que no somos capaces de comprender por el entramado burocrático y legal. La justicia sigue siendo más tuerta que ciega, y a todo esto, ¿qué coño pasaría en el mundo de la música en Catalunya? ¿Cantará de nuevo Lluis Llach? ¿Pau Riba se hará españolista tan sólo por llevar la contraria? Ante la espera de un rotundo ‘no’ a todas las preguntas anteriores, os recomiendo poneros guapos para la foto del DNI, que al final, seamos catalanes o españoles, todos tenemos en común una cosa y eso nos hace estar por encima de las nacionalidades: todos odiamos Los 40 Principales. (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra OLD STUFF

7 WEEKS

NUBES Y CLAROS

Don’t Give Up

Carnivora

Infamia

(AUTOEDITADO)

(F2m Planet)

(AUTOEDITADO)

El nombre de esta banda no podría ser más esclarecedor para describir lo que musicalmente aporta. Como bien indica este combo de Barcelona, lo suyo es caña hardcore punk antigua, pues casi se remontan hasta los comienzos del género, a Bad Brains, de los que incluso ofrecen una versión de ‘Sailin’ On’, a Dead Kennedys, quizá a los primeros Agnostic Front, todo atacado con mucho sentimiento y sin ningún interés por acercarse al ‘machocore’ actual. Ni beatdown, ni bandanas, ni chulería gratuita, ni leches. Estos amigotes ponen el bajo de Kopito a máxima potencia y dejan que Xavi le dé a la matraca con su batería para reivindicar lo que muchos ya no recuerdan que era el hardcore. Hasta el sonido es añejo, muy ochentero, perfecto para una propuesta como la suya. El guitarrista Raúl no se está de nada y ofrece buenos solos, para que sea Thomas el que lleve la voz cantante sin llegar a desgañitarse. Temas cortísimos, como tradicionalmente era, algunos hasta con cierto regusto street punk, donde destacaría la ruda ‘Sick’N’Destroyed’, ‘Leck Mich’, ‘Trainspotting’ o la nostálgica ‘Apple Tree’. Y es que mucho más no se puede decir: todo aquí ha sido concebido como hardcore punk del de hace décadas.

Pertenecientes al siempre interesante colectivo francés Klonosphere, 7 Weeks son una formación de Limoges que nos envía su material para que lo catemos. Su historial consta ya de un EP, tres álbumes y una larga ristra de shows, aunque nunca hayamos oído hablar de ellos. Con ‘Bones & Flowers’ se ponen todas las cartas encima de la mesa, y ya no digamos con ‘Acid Rain’: lo suyo es una especie de stoner rock grungero que tiende hacia lo raro. Eso sí, cuando realmente han reclamado mi atención es en ‘Carnivora’. Parece que estemos ante una banda de post metal bien armado, etéreo, pero es tomar el micro Julien Bernard y que el clima se vaya al carajo. A ver, el chico no lo hace mal, de hecho pega totalmente con sus temas más rockeros, pero es que, simplemente, su registro rock indie no es de recibo con la introspección o incluso marcianada que a veces aporta el combo al completo. Lo mismo ocurre en ‘Ghosts On The Seaside Road’ o ‘Diary Day-7’, donde siempre aparece un elemento diferencial que se salta la norma, pero que la voz se encarga de vulgarizar. A los que les vayan los sonidos descritos encontrarán en Carnivora un trabajo recomendable.

Nubes Y Claros proceden de Andalucía y practican, según ellos mismos, una mezcla de rock alternativo noventero, metal americano contemporáneo y hasta pop oscuro. Y la verdad, no seré yo quien les contradiga, porque la descripción de su sonido me parece de lo más lograda. Para empezar, por la voz clara y nítida de Manuel Díaz de la Guardia, quien adereza bien los versos en un grupo que potencia y mucho sus facetas ante el micro. Así es como se despliega la primera ‘Glicerina’, pero le sigue de cerca ‘Rebelión’. Cierto aire blues toma ‘No Aceptar’ en un álbum que no corre, al que podríamos achacar que le falte algo más de ritmillo, aunque canciones como ‘La Respuesta’ y ‘Abismos’, donde se nota claramente de la tierra de la que proceden, te mantengan alerta. Como unos Hamlet que no pisan el acelerador al principio del álbum, con unas guitarras contundentes en su justa medida, y aunque temas como ‘Letargo’ o ‘Sin Ojos’ es cierto que suenan demasiado poppies, estos sevillanos más bien parecen gringos en ciertos momentos de esta obra. Demasiado lights para el que esto suscribe, pero no se puede negar que los chicos han trabajado y mucho para entregar Infamia.

http://7weeks.bandcamp.com/al-

http://nubesyclaros.bandcamp.

http://oldstuff-hxc.bandcamp.com

bum/carnivora-new-album

com/album/infamia-lbum-2013

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_BARBARIAN SWORDS FORMACIÓN: Von Päx (voz), Voice of Noise (guitarra), Steamroller (guitarra), Panzer (bajo), Joe Beltza (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Hellhammer, Darkthrone, Asphyx PRESENTAN: Hunting Rats (álbum, Blood Fire Death)

“Se ha desvirtuado el término ‘metal extremo’ y se ha perdido la violencia, la transgresión y la ofensa hacia el oyente” Von PÄX

e ha comentado en algún lugar que han grabado un disco de culto, una obra destinada a ser disfrutada por los pocos valientes que se atrevan a sumergirse en el putrefacto mundo de Barbarian Swords. Con toda la pobredumbre del sludge, la agonía del doom, la mala hostia del punk y la enfermedad del black metal, Hunting Rats, primer largo después de la demo Crusaders Of The Apocalypse, ha sido concebido para recuperar toda la transgresión y violencia perdida en el metal extremo, sin concesiones, sin reglas, sin ningún tipo de atadura. Sólo metal apocalíptico más hiriente que una sierra circular partiéndote por la mitad. Nos reunimos con su perturbado vocalista Von Päx para que nos explique de dónde demonios han salido estos psycho killers del metal. “La idea básicamente viene de tres hermanos que quieren montar una banda de metal extremo”, nos cuenta sobre sus orígenes. “El problema es que el mediano ya estaba involucrado como batería en otro grupo, además de tener otras obligaciones, y no pudo hacer frente a esa idea. Es entonces cuando llega marzo de 2011 y se publica Fallen de Burzum y nos visitan Electric Wizard. En ese concierto mi hermano mayor (Voice of Noise), que quería hacer una banda de doom, y yo, que quería

cantar black metal, decidimos formar un grupo que uniese ambos estilos. Yo la verdad es que nunca había cantado en una banda, en mi puñetera vida (risas), pero probé y me di cuenta que podía hacerlo. A partir de ahí empezamos a trabajar en las primeras canciones en el comedor de su casa”. Desde un principio tienen claro el concepto, la desesperación del doom fusionado con la rabia y urgencia del black, y es que todo tiene una explicación lógica: “El black metal es mi vida, y como fan soy adicto al blast beat, pero si imaginaba la música que quería hacer, no sé por qué, lo hacía pensando en el sonido más agónico y asqueroso posible, y eso tenía que pasar por el doom, y ahí es donde viene la aportación de mi hermano mayor, que se saca riffs desde la punta de la caralla (risas) y se pasa el día escuchando Weedeater, High On Fire, la primera demo de My Dying Bride… lo que estaba claro es que si queríamos hacer algo lo más podrido y blasfemo posible, tenía que pasar por el doom, y al principio era funeral, o sea, todavía más lento que el doom (risas)”. Que en los últimos años se ha desvirtuado el metal extremo es algo obvio, enterrado en producciones impolutas y dando en más de una ocasión mayor importancia a la imagen que a la música en sí. Barbarian Swords quieren recuperar aquel espíritu

perdido. “No es que queramos sonar lo más extremo posible, es que entendemos que eso debería ser el metal extremo. Se ha desvirtuado el término y se ha perdido la violencia, la transgresión y la ofensa hacia el oyente. Se ha perfeccionado tanto todo en busca del sonido perfecto y la producción impecable que se ha perdido la esencia, y nosotros simplemente somos todo lo contrario a eso”. A pesar de esto, el disco suena aplastante, contundente, dañino, pues su filosofía no es una excusa barata para sonar mal. Una cosa es crudeza y metal en estado primitivo, y otra bien distinta es enfrentarte a una grabación inaudible... Nada más lejos de la realidad: “Sonamos así de bien porque nos ha producido Javi Félez, que es un maestro. Yo estaba ya muy contento con el sonido que sacamos en la demo, porque sonaba a Darkthrone, a Hellhammer, mucha gente no podía ni discernir los riffs, y yo con eso estaba cómodo... En el momento de entrar en el estudio a grabar el debut pensé que quizás perderíamos parte del bofetón de sonido que teníamos en la demo, pero enseguida nos dimos cuenta de que Javi es un crack y que nos pilló muy bien el concepto, y lo único que hizo fue profesionalizar nuestro estilo sin perder perversión. Sonaba bien, era audible, pero la hostia sónica perduraba, así que salimos contentos”. En seis días se grabó esa malévola y lacerante rodaja de ultra black doom con una virulencia necesaria como el comer en los tiempos que corren. “No me importa si dicen que el álbum es bueno o es malo, eso me la suda”, asegura Von Päx. “Lo único que me jodería es que la gente tras escucharlo me dijera que no es extremo, eso sí que me preocuparía”. (ANDRÉS MARTÍNEZ)

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

DEEP PURPLE Live In CopenHagen 1972 (EAR MUSIC)

no no deja de sorprenderse por cómo sigue saliendo material de tan buena cali-

dad de Deep Purple después de tantos años, y de que haya tantas cosas en el mercado que conviven a la par de su discografía oficial. La última de todas éstas es este Live In Copenhagen 1972 –el título define a la perfección su origen-, hasta el momento una mítica grabación conocida por los seguidores más acérrimos, y que finalmente disfruta de un lanzamiento comercial con todos los honores. Que esté filmado en blanco y negro y que la

73, igualmente impactantes pero donde se nota a la banda

realización sea austera hasta el límite –planos fijos y cercanos

algo más desgastada, y un entretenido documental sobre el

que nos hacen perdernos por momentos lo que pasa en el

impacto del grupo en el mundo de la música. Esto redondea

escenario- no deben de restar ni una gota de entusiasmo al

un DVD sin un solo segundo de desperdicio. Igual deberían de

ver al Mark II de Deep Purple viviendo su mejor momento y

aprender de Black Sabbath, juntar a la formación clásica pese

escribiendo la historia del hard rock a tiempo real. Para com-

a no estar Jon Lord, y marcharse con un disco a la altura de lo

pletar el festín hay tres temas grabados en Nueva York en el

que su nombre merece. Realmente emocionante.

GENTE DE LA CALLE DE LOS SUEÑOS Teru Miyamoto (ALFABIA)

is conocimientos

equivale a un diminutivo; por tanto, ‘Shin-Chan’ sería como

sobre la cultura

llamar Juanito a un niño castellano. El libro de Miyamoto in-

japonesa se re-

cluye diez historias mínimas basadas en las vidas cruzadas

ducen a lo visto en series de

de los personajes que habitan en un mercadillo de Osaka:

dibujos como Shin Chan y en

un poeta frustrado, dos hermanos carniceros que habían per-

películas rollo Mapa De Los

tenecido a la yakuza, el hijo cleptómano de un relojero que

Sonidos De Tokio. Una vez

deja embarazada a su novia de 17 años, prostitutas, un fo-

declarada mi ignorancia al

tógrafo gay aficionado al culturismo, el dueño de un restau-

respecto, reconozco que la lectura de Gente De La Calle De

rante chino, etc. Gran acierto el de Alfabia al incluir en esta

Los Sueños me ha abierto un poco más los ojos a esta cultu-

edición una lista de los personajes al principio de la novela,

ra ancestral tan diferente a la occidental. Así, por ejemplo,

aunque lo de poner las notas explicativas al final rompe el

he aprendido que la superficie de las estancias se mide en

ritmo de lectura. Las historias de Teru no cambiarán el mundo,

tatamis (no en m2) y que añadir el sufijo ‘chan’ a los nombres

pero nos ayudan a entenderlo un poco mejor.

TALES OF SYMPHONIA

Hitoshi Ichimura (PLANETA DE AGOSTINI)

Adaptación en formato manga de la entrega de 2003 del JRPG Tales Of Symphonia para Gamecube y que también tuvo su versión anime. El dibujo corre a cargo de Hitoshi Ichimura sobre los diseños originales de Kosuke Fujishima (creador de Oh My Goddess!), respetando al máximo la esencia y aportando su propia visión. Una estupenda historia shonen de fantasía, amistad, filosofía y religión made in Japan. SG

DANI FUTURO Víctor Mora y Carlos Giménez (PANINI)

Más de 40 años de distancia hay entre este tomo recopilatorio y los primeros momentos de vida del personaje, creado por el guionista de El Capitán Trueno y modelado por el arte de Carlos Giménez en los inicios de su carrera. Apenas se nota el transcurrir de los años, la ligereza de las historias ayuda a la digestión de todo el trabajo y, sin duda, sobre todo en esta compilación de lo que se trata es de historia del cómic patrio. SG

DON QUIJOTE Flix

(DIBBUKS)

Tierna y original adaptación del universal texto de Cervantes llevada hasta la actualidad y publicada de forma serializada. Los elementos de la obra original se mantienen, pero el autor retuerce escenarios y personajes para crear una fábula que se amolda a nuestros tiempos y que guiña el ojo al lector constantemente. En verdad emotivo, el viaje que plantea, además de refrescante, engrandece. SG

RURAL: CRÓNICA DE UN CONFLICTO Étienne Davodeau (LA CÚPULA)

Drama en formato de cómic documental en el que el autor, durante un año, trabaja sobre el terreno de una granja agroecológica, la construcción de una autopista y el derribo de una casa que entorpece los planes estales. La pieza, rebosante de crítica e ilustrativa, se muestra orgánica y nada forzada, gracias al buen hacer del artista. Éste es un buen tomo por donde empezar a conocerle. SG

PROPHET

Brandon Graham y VV. AA. (ALETA)

Encontrarse en las librerías una serie que recuerda (y nos devuelve) el cómic de fantasía y ciencia ficción estilo Métal Hurlant es toda una celebración. Con dos tomos publicados hasta el momento, esta aventura espacial de clones, misiones divinas y destino sin duda embriaga desde su apartado gráfico, sobresaliente, aunque éste no sería nada sin la estupenda trama que serpentea, ¡y de qué forma!, entre sus viñetas. SG

EN SILENCIO Audrey Spiry (DIÁBOLO)

Historia de corte intimista y personal que narra el cambio vital de su protagonista mediante la metáfora del viaje/excursión/aventura del que que sirve a la autora como base, además, para deslumbrar talento pictórico en la plasticidad de sus viñetas y arriesgada narrativa. Pausado y hermoso, pide tomar aire con cada uno de sus capítulos y tras cada zambullida. En Silencio de Audrey Spiry es un acierto se mire por dónde se mire. SG

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA CUANDO TODO ESTÁ PERDIDO OTRA EXPERIENCIA

or la razón que sea todo el mundo vio Gravity, elegida de manera unánime como ‘la experiencia’ de la temporada pasada. Que si por Alfonso Cuarón, maestro del plano secuencia, que si por la revolución cinematográfica que supuso, que si porque Sandra Bullock es una gran actriz menospreciada, que si el tirón de George Clooney… Nada de eso importaba más que la propia experiencia que suponía ver la película. Bien, con poco más de un mes de este nuevo año ya tenemos nueva experiencia. Cuando Todo Está Perdido (All Is Lost) es otra película similar en cuanto a su disfrute. Escudada en el caparazón de cine puro, la película es una localización, un personaje y apenas un par de frases, todas en off al principio de la historia. Y dura algo más de 100 minutos. ¿Demasiado para lo que hay dentro? Personalmente, así lo creo. Robert Redford, que vuelve a

tener ganas de cine (Pacto De Silencio antes, la secuela deCapitán América después), se encarga de meter en situación al espectador con la ayuda de J.C. Chandor, que no es Cuarón, y un pequeño velero. Y la cinta va directa al grano desde la primera secuencia, aunque la que sirve de introducción resulte finalmente tramposa por culpa de un desenlace torpe y poco creíble que, curiosamente, también tiene mucho en común con el de Gravity. Sé que no es justo comparar ambas producciones, porque aquí sí estamos ante una cinta pequeña, modesta y artesanal, que no necesita el holgado presupuesto de la mencionada aventura espacial, pero el resultado se parece mucho en los dos casos. Una película con un guión ajustado, centrado en enviar a un personaje de un punto a otro, y las complicaciones que se encuentra por el camino para llevar a cabo su viaje. La película gustará, porque Redford (que nunca ha sido un gran actor) tiene suficiente carisma para llevar en volandas lo que sea y porque es uno de los últimos clásicos que nos quedan, porque las aventuras dramáticas de supervivencia gustan a las taquillas y porque está rodada con gusto. Aunque me preocupa que empiecen a llovernos aventuras mínimas y que la oleada post Gravity llene los cines de mediocridad.

NEBRASKA_POSTAPOCALIPSIS DEL CORAZÓN miliares, físicas y emocionales, y

s muy posible que mi película ideal de Alexander Payne siga siendo Election, puede que porque entonces aún no se había empeñado en hacerme llorar con cada una de sus películas posteriores. Después de acongojar al universo con Los Descendientes, Payne agarra un guión de Bob Nelson, simple y con ecos de Una Historia Verdadera, lo pinta de un glorioso blanco y negro y lo rueda con la maestría, la sencillez y las maneras de los directores de hace 40 años. La demencia senil, las herencias fa-

el buitreo familiar como telón de fondo, hacen de Nebraska una película casi perfecta. Actores haciendo su trabajo con una entrega sobrecogedora, sobre todo la pareja principal, ese padre (Bruce Dern) en busca de un premio que no existe más allá de su cabeza, que encontrará en su paciente y santo hijo (Will Forte) un compañero de aventuras y redención ideal en su viaje hacia ninguna parte que terminará cicatrizando eternas heridas abiertas. Es una verdadera pena que Payne se haya dejado llevar por la orquestación de un Mark Orton intruso y monótono que está cerca de tirar por tierra el resto de aciertos de la película, en especial la deliciosa fotografía del griego Phedon Papamichael, habitual del director y que obtiene su primera nominación a los premios de la Academia con este soberbio trabajo. Lo más alucinante puede ser su equilibrio entre el drama y la comedia.

TOI’S IN THE ATTIC

TV EYE

CUANDO ÉL SE CONVIRTIÓ EN ELLA

hora que Against Me! vuelven a ser actualidad musical y que Laura Jane Grace está en boca de muchos, llevo días dándole vueltas al tema de la transexualidad. En realidad no es algo tan novedoso, puesto que me vienen a la mente artistas como Jayne County, Mina Caputo o mi adorado Miss Guy, el líder travesti de Toilet Boys, pero no deja de ser chocante. Está claro que cada uno puede hacer con su cuerpo lo que quiera, así como follarse a quien le plazca, faltaría más, pero creo que desde el punto de vista de fan femenina esto es una putada. Si nos centramos en Grace y retrocedemos a la época en la que era Tom Gabel, nos encontramos a un tío bastante atractivo con el que muchas de sus fans (y no fans) hubiesen pasado una noche loca encantadas, y que además estaba casado y tenía una niña. De pronto, ¡zas! Decide convertirse en Laura Jane, demostrando tener los huevos muy bien puestos teniendo en cuenta su faceta pública. Entonces es cuando pienso en to-

das esa chicas con pósters de Tom abarrotando las paredes de su habitación, totalmente boquiabiertas tras conocer la noticia, y trato de imaginar mi reacción si a los 20 años me hubieran dicho que Eddie Vedder pasaba a convertirse en Josephine Waters. Creo que lo habría encajado fatal. Sí, sí, que el talento no cambia y que si el grupo te gusta esto no debería afectarte, pero de alguna forma la imagen icónica que te forjas de tu ídolo se desmorona y cambia radicalmente, y eso siempre es jodido de asimilar. ¿O acaso os creéis que todos los seguidores de Rob Halford se quedaron tan tranquilos cuando salió del armario? Ni de coña. Recuerdo la reciente actuación de Against Me! en el show de David Letterman con Laura Jane cantando y gesticulando como un tío y con una presencia escénica tremenda, y me planteo qué pasaría si de pronto me sintiera atraída por ella. ¿Sería una depravada? ¿O quizás lesbiana? ¡Ay, qué complicado es todo! (TOI BROWNSTONE)

BON APPÉTIT

a sociopatía como término aún no está registrada en la RAE. Debería. Una búsqueda absurda en otra de esas noches de insomnio, sudor y engaño al lector. De empatía hacia la relación entre el Destripador Chesapeak y su colega/antagonista Will Graham. Viendo la enésima basura Scorsese-DiCaprio con su montaje farlopero, me han entrado ganas de dejar de ser vegetariano y emular al más sibarita, exquisito caníbal que nos ha dado la ficción. De facto, Hannibal, la serie, por fin hace justicia a un personaje que en la pantalla sólo brilló en sus dos primeras adaptaciones, la oscura Manhunter y El Silencio De Los Corderos. Densa y nauseabundamente brillante en sus diálogos psicológicos, en una fotografía que establece claramente unos límites entre la cruda realidad y el ominoso sueño de un ser que se rige bajo otras normas. Si sabéis algo de psiquiatría y criminología, comprobaréis la multitud de recursos, de investigación para darle verosimilitud a la historia que hay en cada guión. ¿El resto? Unos actores excelsos en el reparto principal y en el coral: Mads Mikkelsen honra al personaje de la misma forma que humilla a sus víctimas. ¿Seré herético? Sí, mejor incluso que Anthony Hopkins. La serie no es enteramente fidedigna a las novelas de Thomas Harris, lo cual no es óbice dada su excelencia. Son medios diferentes, y como tal, las mutaciones son válidas. La ambigua permeabilidad que da al perturbado Graham Hugh Dancy, la sorpresa de reencontrarse con quien dio rostro a la escéptica Scully, Laurence Fishburne en su mejor papel en años, la hipnótica banda sonora… No mienten al describirla como una mezcla entre Kubrick y Lynch. Tampoco pasará nada si decae en sucesivas temporadas. Sus primeros 13 capítulos están facturados del mismo material del que se tejen las pesadillas. “Death makes angels of us all and gives us wings where we had shoulders smooth as raven’s claws”, J. Morrison. Bon appétit. (IGNACIO REYO)

GRANDES CATÁSTROFES RED HOT CHILI PEPPERS

Stadium Arcadium (WARNER, 2006)

na portada de disco que parece sacada de un videojuego de los años 80 de marcianitos, más de dos horas de soporífera música, un single de adelanto que, siendo lo único decente -‘Dani California’-, plagia descaradamente una canción de Tom Petty And The Heartbreakers, un título absurdo y una división sexista de cada rodaja, demostrando la ausencia de imaginación de las marionetas de un Rick Rubin apoltronado en su sofá… ¿Se necesitan más razones para elegir a Stadium Arcadium como el peor disco de los Chili Peppers? No podemos decir que fuera un gran fracaso comercial porque, en un experimento del gobierno estadounidense drogando a los oyentes de música con algún potente alucinógeno (teoría no probada, esperemos que Julian Assange despeje pronto la incógnita), alcanzó el número uno tanto en Inglaterra como en Estados Unidos y en una larga ristra de países, algo que jamás habían logrado y que dudo que repitan. Nunca una banda necesitó tantos minutos para no articular, ni en letras o sonidos, absolutamente nada, nada de nada, de interés. Un despropósito de dimensiones godzillianas. Un primer disco titulado Jupiter, otro, Saturno. Rechazar bocetos de portada del añorado genio Storm Thorgeson. Intentar rememorar tiempos pasados grabando en la mansión encantada de Blood Sugar Sex Magik y conseguir el efecto que producen en el paladar unas patatas fritas recalentadas, acá, intentar aglutinar todos sus sonidos pretéritos en un pastiche que, tras los efectos alucinógenos, los que tienen este disco en sus estanterías no creo puedan aguantar. Sí, hay aquí y allá guitarras de John Frusciante interesantes, pero quién es el listo que desea lanzarse a semejante lodazal en busca de escasas virutas de oro, seamos generosos con el abducido guitarrista. E invitar a Omar RodriguezLopez no es nada remarcable, dado el inocuo material. Los amantes de las emociones fuertes pueden adquirir la edición extendida que ganó un Grammy en su categoría. Se trata de una calamidad de todavía más insoportable minutaje y rácana calidad. ¿Cómo era aquello que cantaban Radio Futura? Ah, sí, “hace falta valor”… (IGNACIO REYO)

DE CULTO_EXHORDER DISCO BÁSICO: Slaughter In The Vatican (1990) FORMACIÓN:

Kyle Thomas (voz), Vinnie LaBella (guitarra), Jay Ceravolo (guitarra), Franky Sparcello (bajo), Chris Nail (batería)

AFINES A: Pantera, Anthrax, Machine Head

ue Pantera popularizaron el groove metal es un hecho indiscutible, pero lo que quizá no todo el mundo sabe es que Exhorder fueron, según varias fuentes, los inventores reales de este estilo. En 1985 surgieron en Nueva Orleáns los pioneros y efímeros Exhorder, y publicaron su demo inicial Get Rude en 1986. Ya en 1988 se reunirían los cuatro miembros más importantes del grupo para grabar una segunda maqueta de mismo nombre que su debut con Roadrunner, Slaughter In The Vatican: Kyle Thomas (voz), Jay Ceravolo (guitarra, bajo), Vinnie LaBella (guitarra, bajo) y Chris Nail (batería). Con una deliciosa portada en la que aparecía Juan Pablo II ahorcado entre el llanto de varios fieles, la perfeccionarían de cara a un primer álbum de 1990 cuya contundencia sónica sólo pueden explicarla dos nombres: Scott Burns y Mike Fuller. El legendario productor especializado en death metal se hizo cargo de la grabación y mezcla en los Morrisound Recording de Tampa, y con Mike Fuller masterizando en los Fullersound de Miami, dieron con una fórmula que sonaba a los Sepultura del Beneath The Remains, pero 22

con unas canciones que bebían y mucho de Death Angel o Anthrax. Groove metal primigenio, vaya, y es que Slaughter In The Vatican salió poco después de Cowboys From Hell. El eterno debate acerca de qué grupo inventó antes el sonido groove prosigue aún, pero se tiende más a identificar a Exhorder como a los verdaderos padres de la criatura. En 1992 Exhorder darían con una obra que, en paralelo al mítico Vulgar Display Of Power, realmente sólo pudo ser identificada como groove metal tal y como lo entendemos hoy en día: The Law. Sin embargo, la suerte nunca estuvo de su lado y la banda se disolvió ese mismo 1992, con un amago de retorno de 1998 a 2003 y otro que parece seguir en pie desde 2008, cuando anunciaron que estaban escribiendo nuevo material e incluso tocaron algunas veces con la formación de The Law. Por desgracia, eso incluía a Franky Sparcello, y su muerte el 22 de marzo de 2011 arruinó cualquier intento de volver a la actividad regular, aunque siempre se especula con un nuevo álbum suyo y parece que Vinnie LaBella sigue en la brecha. (PAU NAVARRA)

l escogido este mes para mi Hall Of Fame particular es Venus Luxure No. 1 Baby de Girls Against Boys. Hay una serie de discos fetiche que utilizo cuando… Mmm… tengo que pasar una noche romántica con alguien. Con todo lo excitante que el rock’n’roll puede ser, cuando planeo una noche amorosa, el rock no suele ser la opción más atractiva. Aun así, siempre hay alguna excepción que confirma la regla. Hay un álbum que he usado una y otra vez para que las veladas románticas subieran de tono y que además podía poner al 11 sin perder la compostura. Hablamos de la obra maestra de Girls Against Boy, Venus Luxure No. 1 Baby. Después de que la banda de post punk de Washington D.C. Soulside se separaran, no pasó mucho tiempo desde que el productor local, Eli Janney, se juntara con Johnny Temple, Scott McCloud y Alexis Fleisig. Aunque el increíble álbum de Soulside, Hot Bodi Gram, había lle-

vado el sonido post punk de Washington hasta sus últimas consecuencias, Girls Against Boys supieron ir más lejos consiguiendo un sonido distintivo, inigualable y caliente como el infierno. La palabra clave es ‘caliente’. Nunca había escuchado un álbum que con tanto riff heavy pudiera ser tan… jodidamente sexy. Captura al oyente de manera inmediata y es imposible no sentir escalofrios que recorren toda tu espalda y ante los que no puedes escapar. No estoy muy seguro de qué es lo que transmite ese feeling... ¿La voz ronca con aroma a whisky de McCloud? ¿El bajo palpitante de Temple? ¿El machaque constate de la batería de Fleisig? Probablemente todos esos elementos mezclados consiguieron ese sonido tan especial. Y todo eso, además, lo pude corroborar cuando tocaron en Toronto presentando ese álbum en el Rivoli Nightclub. No sabía muy bien a quién mirar: si a la banda o al público femenino que vibraba al compás de la música. Si Nirvana habían borrado todo ese elemento sexy hortera que había tenido la música heavy hasta entonces, GVSB lo habían devuelto, pero esta vez con estilo y sofisticación. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

CONCURSOS

Son muchos quienes nos han preguntado si había manera de conseguir nuestras BIPOLAR SESSIONS VOL.1 en formato CD. Pues bien, contamos con 5 copias de una edición promocional limitada para sortear entre quienes nos digan cuál ha sido su versión favorita de las 16 incluidas.

Los próximos 3, 4 y 5 de abril se celebrará en La [2] de Apolo de Barcelona una nueva edición del fabuloso ALOUD MUSIC FESTIVAL. Gracias a la organización tenemos 2 abonos para sortear entre los que nos envíen el nombre de una de las bandas participantes en la edición anterior.

¿Te imaginas lo bien que te quedarían estas gafas de sol? Gracias a ARNETTE tienes la posibilidad de recibirlas por la cara en tu casa. Para conseguirlas solamente tienes que mandarnos un mail diciéndonos a qué festival de los que se celebran en nuestro país te gustaría acudir este verano. ¡Corre, que vuelan!

Para participar, manda la respuesta a rockzone@rockzone.com.es junto a tu nombre completo, DNI y teléfono de contacto. Indica en el asunto en qué concurso quieres participar. Sólo se admitirá un mail por persona y concurso.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> INMUNE nos interpretan ‘LeVITAR’, TEMA INCLUIDO EN SU DEBUT ILUMÍNAME, EN SU LOCAL DE ENSAYO.

e una concatenación de

De ahí, un ente con vida propia que

y su propia personalidad, parece

factores han surgido InMune,

vive a través de la interacción de sus

demasiado espiritual: “O intelectual. En

la nueva banda del siempre inquieto,

diferentes órganos, según prosigue

un tiempo de oscuridad y sombra, de

intelectualmente activo Morti: “El

Morti: “Unimos fuerzas. El material que

confusión tan grande, lo que estamos

proyecto nace por mi relación con

venía de Paolo, de Carlos Dogliani a

haciendo, sin saberlo ni entenderlo, es

Gorka Dresbaj, que había hecho

la batería, del bajista David Segado,

buscar un punto de luz que nos marque

remezclas para Skizoo y es nuestro

y con las bases que estaba trabajando

una referencia, y ese punto puedes

productor. Previamente me había

con Gorka, lo fuimos canalizando y

dármelo tú o lo puedo encontrar yo.

pasado bases de temas suyos.

sintetizando de su mano”. ¿Por qué

Cierto que puede apreciarse una

Aparte de su labor de productor de

ese nombre? “Es una idea compartida,

vertiente espiritual, simbólica, de

bandas tipo Vortice, es miembro de

aunque surge de mí, con todas las

que tal vez para salir, o ver con más

Cyan, un grupo de primera división

connotaciones que pueda reverberar

claridad, se necesita la implicación del

de la movida indie o alternativa. Es

el concepto en estos momentos tan

otro”. Hay que vertebrar a InMune en

muy polifacético. Simultáneamente

concretos y significativos”. También

un armazón intrínsecamente rockero,

en esta colaboración, apareció en

da juego a interpretaciones el título

pero que al mismo tiempo posee

escena Paulo Morete, el guitarrista

de su debut, Ilumíname. Le comento

connotaciones pop en sus melodías.

de InMune, y me propuso lo mismo”.

que, debido a conversaciones previas

Ignacio Reyo

“Para mí cantar es como una segunda voz, es como hablar”

THE PRETTY RECKLESS

Con su segundo disco Going To Hell, Taylor Momsen espera que por fin se vea a The Pretty Reckless como A una banda de rock de verdad y no como el simple vehículo de una joven actriz caprichosa. ¿Lo conseguirá? Texto: David Garcell Foto: DR

n octubre de 2012, Taylor Momsen, quien se hizo popular como actriz siendo una cría en la serie Gossip Girl, y sus compañeros en The Pretty Reckless, Ben Phillips (guitarra), Mark Damon (bajo) y Jaime Perkins (batería), se encontraban en unos estudios de New Jersey grabando su segundo disco cuando el Sandy atacó con fuerza. El huracán no tuvo piedad e inundó completamente las instalaciones, destrozando todo su equipo, así como el material que habían grabado hasta entonces. Pero las desgracias no vienen solas, y al cabo de unos meses, la tragedia volvía a golpearles al fallecer la esposa de su productor Kato Khandwala. A pesar de todo ello, la banda siguió adelante y durante 2013 logró completar Going To Hell (Cooking Vinyl), que se publica el 14 de marzo y que justo ahora presentan teloneando a Fall Out Boy en nuestro país. ¿Es Going To Hell una descripción de lo que tuvisteis que pasar para hacer este disco? TAYLOR MOMSEN “Desde una perspectiva, sí. Nos sentimos así en algunos momentos. Pasamos por muchas cosas haciendo este álbum”. Me ha parecido que el disco tenía un aire más clásico que Light Me Up. ¿Era uno de los objetivos a la hora de hacer este disco? “Siempre intento hacer música que

sea atemporal. Si lo conseguimos, eso puede llevarnos a que tenga un aire más clásico. El único objetivo que siempre he tenido es hacer canciones buenas y honestas”. ¿En qué aspectos concretos crees que habéis mejorado respecto al debut? ¿Te sentías más cómoda como cantante? “He crecido un poco y las canciones lo reflejan. La banda giró durante años, así que estamos mucho más compactados. No creo que me sintiera más cómoda como cantante porque para mí cantar es como una segunda voz, es como hablar. Hago lo que me gusta y si a los demás también les gusta, pues perfecto”. Háblame de tu socio compositivo, el guitarrista Ben Phillips. ¿Cómo explicarías la manera en que escribís las canciones? “Simplemente esperamos a que uno tenga una buena idea y vamos a por ella. Es un músico enorme y su guitarra es el arma secreta. La mayoría de los músicos que lo conocen te dirán que es un tipo con mucho talento y algo extraño”. Aunque Light Me Up tuvo bastante éxito, ¿crees que fue gracias a vuestro directo que la gente vio a The Pretty Reckless como a una banda de verdad? “Tocar en directo lo es todo. Es literalmente llevar la música a la gente.

No hay nada comparable a eso”. Habéis girado con algunos personajes muy interesantes. En 2011 con Guns N’Roses y al año siguiente con Marilyn Manson. ¿Cómo fue tu relación con Manson y Axl Rose? ¿Muchas locuras? “Los dos fueron geniales, y la verdad es que en el backstage veías cosas locas a veces, pero estábamos ahí para tocar. Lo que pasa en la carretera, se queda en la carretera (risas)”. ¿Qué te llevo a priorizar la música por encima de tu carrera como actriz? “Siempre he hecho música, lo único que pasaba es que nadie lo sabía”. ¿Has tenido algún mentor? ¿Le has pedido consejo a alguien como Juliette Lewis, que ha pasado por lo mismo que tú? “Tengo una gran equipo, desde la banda a mis mánagers… y un perro muy bonito. No podría haber pasado por todo esto sin ellos”. ¿Has tenido que salvar muchos prejuicios machistas dentro de la industria por ser chica y además, tan joven? “No creo que eso importe. Si eres bueno, al final la gente se dará cuenta”.

TAKING BACK SUNDAY

BUSCANDO EL EQUILIBRIO Escuchar los discos de Taking Back Sunday siempre ha sido como leer un diario personal de los miembros del grupo. Por eso no sorprende que con un título como Happiness Is, en su sexto trabajo nos encontremos CON que aquellos chavales que no se mordían la lengua han crecido. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

esde que hace cuatro años se reuniese la formación original de Taking Back Sunday, la misma que grabó su debut Tell All Your Friends en 2002, uno de los referentes de la explosión del emo a principios de la pasada década, las aguas corren tranquilas en el seno del grupo. Nada que ver con el cúmulo de circunstancias –diferencias musicales, líos de faldas, problemas de adicción a las drogas…- en gran parte provocado por el cantante Adam Lazzara, que llevó al combo a partirse en dos antes de grabar su segundo álbum. El grupo vivió sus mayores éxitos en años posteriores con discos como Where You Want To Be o Louder Now, pero muchos de sus fans siempre añoraron la química especial que existía entre Lazzara, John Nolan (guitarra), Eddie Reyes (guitarra), Shaun Cooper (bajo) y Mark O’Connell (batería). Más viejos y más sabios, desde que su reunión se hiciera realidad, viven una especie de segunda luna de miel que les permite hacer la música que realmente les apetece. Sin la presión externa impuesta por una multinacional, ni la interna por querer ser ‘the next big thing’, el

quinteto de Long Island ha entrado en una serena madurez que se transmite en su sexto disco Happiness Is (Hopeless Records). Está lejos de ser un trabajo redondo, y cuesta pensar a qué público puede enganchar, pero desde luego muestra que el grupo sigue vivo y que todavía es capaz de escribir buenas canciones, ni que hayan perdido pegada. ¿Eran mejores Taking Back Sunday cuando su vocalista era un bala perdida que ahora, que es el orgulloso padre de dos hijos? ¿Cuando Lazzara y Nolan se llevaban a matar que ahora que no paran de regalarse elogios? Es posible, pero es más que probable que, de no haber enterrado el hacha de guerra, el grupo ya no existiría. A pocas semanas de iniciar una gira americana con The Used, Lazzara atendió nuestra llamada desde su casa. El ruido de los niños jugando en el fondo indican hasta qué punto ha cambiado la vida del vocalista. En Happiness Is habéis abierto mucho más vuestro sonido. ¿Dónde situarías musicalmente a Taking Back Sunday a día de hoy? ADAM LAZZARA “Creo que nos vemos simplemente como una banda

de rock’n’roll. Y en especial en este disco, hemos hecho cosas que siempre habíamos anhelado”. Pero vuestra banda surgió de la escena punk y hardcore de Long Island. ¿Ya entonces queríais que Taking Back Sunday fueran una banda de rock? “Creo que sí. Pero nos ha llevado tiempo conseguirlo. Al principio sólo queríamos poder tocar en directo, pero luego fue evolucionando hacia lo que es ahora”. Supongo que pudisteis afrontar esta grabación con mucha más tranquilidad, ya que no había la gran expectación de ser ‘el disco de retorno de la formación original’... “Así es. Creo que tuvo su influencia a la hora de escribir. Con el disco anterior tuvimos que volver a conocernos porque la manera de trabajar de cada uno había cambiado. Esta vez todos nos sentíamos mucho más cómodos. Estábamos más familiarizados con las fortalezas y debilidades de cada uno de nosotros”.

banda se asumía que John Nolan y tú erais los dos compositores principales; ahora entiendo que el trabajo es mucho más colectivo. “Sí, ahora es totalmente colectivo. Somos una democracia. Ocasionalmente lleva a discusiones, pero creo que también nos lleva a hacer mejores canciones”.

“Con el disco anterior tuvimos que volver a conocernos porque la manera de trabajar de cada uno había cambiado. Esta vez todos nos sentíamos mucho más cómodos” ADAM LAZZARA

Y para empezar no tuvisteis que esconderos en Nueva Méjico para que nadie supiera que volvíais a estar juntos… “(Risas) Sí, claro. Pero aun así fuimos a una casa en una montaña, en West Virginia. Estábamos muy aislados, creo que incluso nos dio algo de claustrofobia porque la tienda más cercana estaba a 45 minutos en coche (risas). Nos volvimos un poco locos, pero creo que, de algún modo, ayudó en la composición (risas)”. 30

Me sorprende que estando tanto de gira todavía os queden ganas de estar encerrados juntos en una casa para componer (risas). “Sí, pero es importante saber cuándo tenemos que estar juntos y cuándo separados. Es un proceso de aprendizaje que tienes que ir resolviendo con el tiempo. Todavía espero que llegue el día en que me despierte y piense ‘por fin sabemos cómo manejar el grupo’ (Risas). Tienes que encontrar un equilibrio”. Y para componer, ¿también es necesario ese equilibrio? “Ahora tenemos la política de probar cualquier idea que tenga cualquiera de los cinco miembros. Eso no sólo lleva a probar nuevas cosas, sino a que todo el mundo se sienta escuchado. Y a partir de ahí dejamos que las canciones se desarrollen por sí mismas. Unas ideas funcionan y otras no”. En la primera etapa de la

El que hayáis vuelto a un sello independiente, ¿también crees que os ha ayudado a sentiros más libres? “Nos sentimos más relajados. De hecho, grabamos este disco por nuestra cuenta, sin estar en ningún sello. Fichamos por Hopeless Records casi al final, así que no había ningún sello diciéndonos que necesitábamos un tema más pop o un estribillo más pegadizo. Una de las cosas frustrantes de trabajar con Warner era ésa. Por ejemplo, en el disco anterior teníamos la canción ‘Faith (When I Let You Down)’, que John y yo habíamos escrito. Y al final teníamos como siete versiones distintas porque ninguna parecía gustarles del todo. Está bien tener a alguien que te motive para que des lo mejor de ti, pero es distinto a que alguien te diga que tienes que sonar más comercial. Esta vez no hubo nada de eso, así que fue mucho más agradable”. Lo cierto es que siempre has tenido un gran oído para la melodía, y en este disco ya hay dos estribillos que no me puedo sacar de la cabeza, los de ‘Flicker, Fade’ y ‘Like You Do’. ¿Tenéis menos miedo ahora de mostrar ese lado más pop? ¿De no esconderos

detrás de la distorsión de las guitarras? “Creo que antes siempre pensaba que había que mantenerme fiel a lo que Taking Back Sunday habían sido en el pasado. Quizá intentábamos ajustarnos a ese patrón. Por ejemplo ‘Like You Do’ era un cancioncita acústica que tenía y la mostré al grupo, y la convertimos en lo que es ahora. Pero seguramente hace años ni me hubiera atrevido a enseñársela o automáticamente me hubieran dicho que ni hablar”. ‘We Were Younger Then’ está inspirada en el viaje que hicisteis a Oriente Medio para tocar para las tropas americanas, ¿verdad? “Sí. La letra la escribió John. Intentó recordar lo que sentimos al tocar allí. Recuerdo que la primera vez que la tocó con una acústica automáticamente me sentí como si estuviera ahí, así que supimos que tenía que ir en el disco. Fue muy extraño porque aquello es completamente distinto de donde yo soy (risas). Pero está bien llevar un poco de casa a las tropas para que no se sientan tan aisladas”. ‘All The Way’ es otra canción muy bonita. Bastante distinta a lo que habíais hecho antes... “Diría que ahora mismo es mi favorita. Empezó como un tema de rock duro, pero a medida que avanzamos tuvimos la idea de desnudarla, pero manteniendo la línea de guitarra. La transformamos en algo más atmosférico y nos encantó. Creo que se acerca bastante a la música que nos gusta escuchar, así que representa muy bien nuestros gustos. Y además, es lo más cercano a una canción de

amor que hemos escrito. Siempre lo hemos intentado, pero siempre se acaba torciendo (risas). No es fácil escribir un tema de amor y que no suene baboso”. Te he leído decir que las letras de este disco son las más personales que has escrito nunca, lo que me ha sorprendido porque todos vuestros discos parecen muy personales y muchos fans se sienten muy apegados a las letras de las primeras obras precisamente por eso. “(Risas) Oh, sí. Bueno, tienes toda la razón. Todos los álbumes son personales, pero creo que lo que quería es que en éste las letras no fueran tan crípticas. En éste he escrito yendo más al grano”. Ahora que tu vida se ha estabilizado y eres padre, ¿te resulta más complicado encontrar temas sobre los que hablar que cuando llevabas una vida salvaje? “Bueno, sigue habiendo muchos temas sobre los que hablar aunque te hagas mayor y te hagas más responsable. Quizá lo más difícil es no cohibirte, porque antes no me preocupaba por cosas como que mi mujer o mis hijos fueran a escuchar estas letras, simplemente escribía. Pero ahora tienes una vocecita que te dice ‘¿Deberías decir esto que sabes que les va a cabrear?’, así que lo más complicado es superar ese miedo y cavar dentro de ti para decir lo que realmente sientes”. ¿Te preocupa qué pasará cuando tus hijos escuchen los primeros discos? No te dejan

EL SUSTITUTO El pasado otoño, con motivo del nacimiento prematuro del segundo hijo de Adam Lazzara, Spencer Chamberlain de Sleepwave accedió a sustituirle como cantante de Taking Back Sunday en algunos conciertos por Estados Unidos. “Fue muy divertido”, nos cuenta Chamberlain cuando le preguntamos sobre la experiencia. “Conozco a Adam de antes de Underoath o Taking Back Sunday porque los dos somos de Carolina del Norte. Las dos bandas giramos muchas veces juntos y son todos majísimos. Siempre he querido a Adam y a su familia. Conozco a su mujer, a su padre, a su hermano pequeño, así que cuando me llamó para decirme si podía sustituirle porque su mujer había salido de cuentas antes de tiempo, ni me lo pensé. Me aprendí los temas y lo hice. Intenté hacerlo lo mejor posible y creo que todo el mundo quedó contento”. Por su parte, Lazzara sólo tiene buenas palabras hacia su amigo. “No puedo agradecerle lo suficiente lo que hizo por mí. Nos ayudó muchísimo. En el concierto en Carolina del Norte en el que volví a la gira, él todavía estaba con la banda y cantamos un tema juntos. Moló mucho porque nos conocemos desde el instituto, así que fue como cerrar un círculo”.

TAKING BACK SUNDAY

pensara que era una gira nostálgica, pero no es eso para ninguno de los dos grupos. En absoluto queremos que la gira se venda de esa manera porque ambos estaremos presentando material nuevo”.

en muy buen lugar en muchos casos... “(Risas) Sí, tío. No sé. He pensado en ello. Mientras estamos componiendo siempre escucho las maquetas en casa o en el coche. A mí hijo le gusta nuestra música, pero estoy seguro que cuando tenga cierta edad pensará que es una mierda (risas). Tengo curiosidad por saber qué pasará cuando sea un adolescente y escuche nuestro primer disco. Será interesante ver qué ocurre”. En 2012 hicisteis una gira acústica para celebrar el décimo aniversario de Tell All Your Friends. ¿Cómo te sentiste cantando todos esos temas de nuevo? “La verdad es que reinterpretamos algunos temas para esa gira y eso hizo que me gustaran más (risas). Lo más loco de ese tour fue ver a gente que es mucho más joven que nosotros y otros que son mayores cantando todos juntos esas canciones. Saber que esas canciones han podido impactar a tanta gente distinta es lo mejor que me llevé de esa gira”. ¿Se te hace raro el culto que todavía provoca vuestro 32

debut? “Bueno, lo entiendo porque a mí me ha ocurrido con otras bandas. Eso pasa cuando estás en un momento de tu vida en el que un disco coincide totalmente con lo que estás pasando. Es como una conjunción perfecta que no tiene nada que ver con que el álbum sea mejor o peor, sino por pura coincidencia. Con Tell All Your Friends, que para nada creo que sea nuestro mejor trabajo, escribimos un álbum que por algún motivo conectó con mucha gente, y lo único a lo que podemos aspirar es que en algún momento escribamos un trabajo que vuelva a lograrlo. Todo el mundo crece, y quizá algunos de esos fans encuentren en el nuevo disco lo que necesitan ahora”. En breve empezaréis una gira por Estados Unidos con The Used. ¿Cómo surgió la idea? ¿Son muy amigos vuestros? “Les conocemos de hace muchos años y nuestros caminos se han cruzado muchas veces. Lo paso bien con ellos. La idea surgió porque sí. Los dos grupos estamos sacando nuevo disco en la misma época y tenía sentido que giráramos juntos. Si te soy sincero, me preocupaba un poco que la gente

Una de tus señas identidad en el escenario es tu manera de hacer volar el cable del micro. ¿Practicas mucho antes de salir de gira? “No, pero los dos primeros conciertos de cada gira siempre son un poco peligrosos (risas). Es en plan ‘voy a probar esto, espero que funcione’ (Risas)”. Siempre he querido preguntarte quién fue tu inspiración para empezar con esas acrobacias. “Fue Cedric de At The Drive-In. Él lo hace mucho mejor que yo. Él logra que el cable se mueva con él, yo sólo lo balanceo (risas). Me inspiré en él, pero como no quería copiarle intenté encontrar mi propia manera. Pero sí, At The Drive-In eran una de mis bandas favoritas”. Y para acabar, ya que el disco se titula Happiness Is, me gustaría saber cuál es tu definición de felicidad. “Para mí la felicidad ahora mismo es equilibrio. Es cuando aprendes a equilibrar todos los aspectos de tu vida para que funcionen armónicamente”. ¿Y eres feliz? “Me ha costado mucho tiempo, pero lo soy (risas)”.

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LIBERTAD Y COMPROMISO El polifacético y multitalentoso Casey Crescenzo, alma mater de The Dear Hunter, ha pasado toda su vida rodeado de música. Sin embargo, no ha sido hasta publicar su último disco, Migrant, que se ha sentido realmente como en casa. Texto: Jordi Meya Foto: DR

THE DEAR HUNTER

unque en Estados Unidos The Dear Hunter cuentan con una trayectoria consolidada, no ha sido hasta ahora, con la edición especial a través de Rude Records de su quinto disco, Migrant, retitulado Migrant Reprise y que incluye media docena de cortes de sus anteriores trabajos, que ha tenido la oportunidad de presentarse al público europeo. “Llevamos toda una década intentando que nuestros discos también estuvieran disponibles fuera de nuestro país, pero nunca lo habíamos conseguido”, nos explica su líder Casey Crescenzo en un tono tan reposado como muchas de sus canciones. “Migrant fue una especie de renacimiento para mí y la banda. Es mucho más libre, así que es el trabajo perfecto para llegar a un nuevo público y exponer lo que hacemos”. La música siempre ha estado presente en la vida de Crescenzo. Sus padres se conocieron cuando trabajaban en el estudio Record Plant en Sausalito, California, y él aprendió a tocar la guitarra con 6 años. Hasta los 14 no escuchó prácticamente nada más que a Jimi Hendrix y a esa edad ya era capaz de tocar acompañando discos de Steve Vai y Frank Zappa. “Empecé a tocar de tan joven que para mí era casi como ser bilingüe”, explica. “Aprendí a hablar y a tocar casi al mismo tiempo, así que expresar mis emociones me era igual de fácil a través de la música que hablando. Es una parte de quien soy”. Al terminar el instituto, Casey se unió como guitarrista de una banda de nu metal llamada Dillusion, pero después de editar un EP tuvo claro que no era la música que quería hacer y se mudó a Boston en 2004. Allí

se incorporó como vocalista de The Receiving End Of Sirens, un grupo de post hardcore. Un año después, editaría con ellos a través de Triple Crown Records su primer álbum y el grupo empezaría a girar con todo tipo de bandas de punk y hardcore. Parecía que el éxito llamaba a su puerta, pero por dentro Casey se sentía cada vez más incómodo e inseguro y al terminar su primera gira como cabezas de cartel en 2006, sus peores temores se hicieron realidad y lo expulsaron. Pero lo que podría parecer un final trágico se convirtió en lo mejor que podía haberle pasado. En el último año Casey había estado grabando música por su cuenta, por pura diversión, bajo el nombre de The Dear Hunter. El día después de que le hubieran echado su discográfica le dijo que debía tomarse ese proyecto en serio y que estaban dispuestos a apoyarle. A pesar de todos los problemas, el artista reconoce que recuerda toda esa época con cariño. “Pienso en ello de la misma manera que recuerdas cuando ibas al instituto. No es que sea una vida diferente, pero hace diez años todo era diferente y esperas que la gente haya cambiado. Veo cómo era en ese momento y la música que escuchaba entonces, y ahora es totalmente distinto, pero eso es lo que me ha llevado hasta aquí. Así que no me arrepiento de nada. En un principio nuestro público provenía de esa escena, pero desde entonces hay mucha gente que año tras año nos descubre sin saber nada de The Receiving End Of Sirens”. Ya con el álbum que hizo con The Receiving End Of Sirens, Casey empezó una tradición de concebir sus discos como obras conceptuales y que continuó con los cuatro que grabó

“Por suerte, hay suficiente gente que cree en mí y que me permite seguir haciendo lo que quiero” CASEY CRESCENZO como The Dear Hunter entre 2006 y 2011. Sin embargo, con Migrant rompió esa regla no escrita ofreciendo un álbum de lo más ecléctico que abarca desde el folk intimista al pop épico en la onda de Muse pasando por un indie rock en la línea de Manchester Orchestra. “Es el primer disco en el que salgo de mi zona de confort. Y también para la banda fue la primera vez que se involucraba tanto en la grabación porque antes solía hacerlo casi todo yo. Así que desde todos los ángulos fue algo nuevo y refrescante. También como escritor fue excitante poder escribir letras sobre cosas que llevaba dentro desde hacía mucho tiempo. Todo salió directamente del corazón y tuvo como resultado algo más orgánico”. Para Casey, que siempre había imaginado a The Dear Hunter siendo una banda de verdad, el momento actual es lo más cercano a la plenitud que ha vivido como músico. “Soy una persona muy testaruda y me ha llevado mucho tiempo abrirme a otra gente y ceder el control. Así que Migrant ha sido un gran paso adelante en ese aspecto. Además, nuestros fans son muy abiertos de mente y ha sido muy bien aceptado. Cada uno de nuestros trabajos representa un pequeño desafío porque no nos gusta repetirnos, pero en general ha gustado mucho. Por suerte, hay suficiente gente que cree en mí y que me permite seguir haciendo lo que quiero”. Con su desembarco en Europa, seguro que pronto serán muchos más.

LA MATANZA

CARNIFEX

El deathcore mundial ha recuperado para la causa a uno de sus mayores defensores. Tras un breve paréntesis, Carnifex han vuelto por sus fueros con lo mejor que saben hacer: despedazar a sus fans con su mortífera fórmula. Scott Lewis, la fiera que tienen como cantante, abandona por un momento el micro para demoler RockZone. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

UNQUE DURANTE ESTA ENTREVISTA parece que la cosa no vaya con ellos, para los que valoramos las propuestas musicales honestas, que no se andan por las ramas ni recurren a banales subterfugios para intentar aparentar lo que no son, Carnifex son algo así como un seguro de vida dentro del deathcore más agresivo. Por supuesto que el combo formado por Scott Lewis (voz), Cory Arford (guitarra), Jordan Lockrey (guitarra), Fred Calderon (bajo) y Shawn Cameron (batería) ha ido evolucionando a lo largo de su trayectoria, pero seamos sinceros: cuando uno se pone un trabajo de Carnifex, sabe que encontrará muerte, sangre y fuego por doquier. Se les echaba de menos, sobre todo porque varios de sus contemporáneos se han bajado del barco o han tendido a relajar su estilo compositivo, pero por suerte, el descanso que se dieron no duró demasiado tiempo… Tras sólo ocho meses separados, el 10 de junio del pasado año Carnifex se pusieron las pilas, se fueron de gira y ahora se encuentran presentando Die Without Hope (Nuclear Blast), un quinto álbum a rebosar de ese atropello musical que tanto necesitábamos para llevar mejor nuestras miserias

cotidianas. Hablando en plata, es una buena tralla de las suyas. Nos encontramos con un vocalista bastante esquivo a la hora de responder, a veces un poco borde, y es que incluso nos lanzó alguna que otra puñalada… Aquí tienen a Scott Lewis con cierta amnesia, intentando hacer borrón y cuenta nueva de lo que siempre ha declarado ante los medios, tratando de hacernos creer que él poco tiene que ver con el deathcore… pero se lo perdonamos si sigue siendo capaz de lanzar esas llamaradas cuando canta... Y eso que pasé de comentarle que su tipito me parece uno de los más apetecibles del momento… Ay, si es que a ti te lo perdono todo, Scott, que me tienes coladito, piratilla. Decidisteis realizar un hiato indefinido el 9 de octubre de 2012 y el pasado junio ya volvisteis para formar parte del Never Say Die! Tour 2013. ¿Por qué? ¿Qué pasó en ese algo menos de un año separados? SCOTT LEWIS “Había muchas razones detrás del hiato, y las razones comerciales eran gran parte de ellas. Personalmente había estado tratando con dos años muy difíciles que me habían dejado perdido y sin

“Había muchas razones detrás del hiato, y las razones comerciales eran gran parte de ellas. Personalmente había estado tratando con dos años muy difíciles que me habían dejado perdido y sin motivación” SCOTT LEWIS

motivación. En conjunto habíamos estado de gira cerca de siete años casi de forma consecutiva… Cuando se combinan la dura situación con la banda junto a mis problemas personales y lo que queman siete años en la carretera, el hiato fue la mejor decisión que pudimos haber tomado, y me alegro de que lo hiciéramos”. ¿Cuándo empezasteis a escribir canciones para el disco? ¿Fue la separación momentánea esencial para volver más fuertes que nunca? “Cuando decidimos tomarnos un descanso yo no creía que fuéramos a volver. Afortunadamente, Shawn fue más optimista que yo y continuó componiendo durante todo ese tiempo, así que, cuando vimos que íbamos a tener la oportunidad de regresar, que tanta música ya hubiera sido creada hizo del proceso muy fácil”. ¿Qué ha cambiado dentro de Carnifex? ¿Qué ha cambiado desde una declaración como “el futuro es muy incierto” hasta volver ahora a plena

CARNIFEX

habrás oído una serie de elementos en el álbum. Tenemos un montón de particularidades que no son lo que se espera de una típica banda brutal. Componemos lo que amamos y lo que queremos tocar sobre un escenario. La mayoría de las veces eso son riffs aplastantes y atroces, pero también apreciamos la melodía”.

potencia? ¿Cómo explicas vuestra recarga de batería y la nueva relación entre los cinco? “Cuando dijimos que “el futuro es muy incierto para nosotros” fue en referencia a todo lo que estaba más allá de nuestro control. Los problemas nunca fueron entre los miembros de la banda, eran entre todo lo que ocurría fuera de la formación. En cuanto a nuestra nueva motivación, mucha de ella viene del respaldo que hemos recibido de nuestros fans durante el hiato y el apoyo que Nuclear Blast nos ha proporcionado. La combinación de los fans y el sello ha dado como resultado que estemos imparables y que hayamos vuelto para quedarnos”. ¿Cómo te sientes respecto al nuevo disco? ¿Para ti sólo significa el quinto álbum o es una especie de reivindicación como banda? Como ‘Hey, Carnifex golpean de nuevo, hijos de puta’… “Estamos todos muy orgullosos de Die Without Hope. Pusimos todo lo que teníamos en el disco y nos arropamos a nosotros mismos en cada paso del proceso. Queríamos 38

que este trabajo marcara el regreso de Carnifex de forma masiva, ¡y hasta ahora parece que está funcionando!”. ‘Salvation Is Dead’ puede ser como una lección para el resto de la escena. Un despertador apocalíptico mandando levantarse a la humanidad para su destrucción, brutalidad, solos, breakdowns como para derribar un edificio… ¿Fue escrita buscando justamente esa idea? “Creo que cada canción fue compuesta con esa idea. Siempre nos obligamos a nosotros mismos a exprimirnos lo máximo que sea posible… ‘Salvation Is Dead’ es poéticamente brutal, pero ésa es la cuestión”. Cuando estáis componiendo nuevas canciones, ¿pensáis en términos de agresividad? En otras palabras, ¿elimináis elementos, riffs o ideas porque no son lo suficientemente duros? “No, no creo que lo hagamos. Si has escuchado Die Without Hope

Con Hell Chose Me enfatizasteis vuestras influencias black metal sinfónicas, y Until I Feel Nothing y Die Without Hope han seguido explotando esta vía. Eso está muy presente en temas como ‘Dark Days’, ‘Condemned To Decay’, ‘Die Without Hope’ o ‘Dragged Into The Grave’… ¿Cuál es el grado de importancia del black en vuestro deathcore? ¿Cuándo y por qué decidisteis usar esos recursos en vuestra música? “Para mí el black metal siempre ha sido una enorme influencia. Durante más de 15 años he sido un gran fan del black metal, y conforme pasa el tiempo, quieres componer más cosas que como músico quisieras oír, así que realizamos la elección de introducir esos elementos de la mejor manera posible por el bien de nuestro propio disfrute personal. Ésos fueron riffs con los que nos lo pasamos bien tocando y quisimos que los fans los oyeran también, que fueran partícipes de ello. Creo que también es una señal más de que Carnifex continúan siendo originales. El sonido blackened no es algo que habitualmente oigas en las formaciones que también están usando breakdowns”.

De esa misma manera The Black Dahlia Murder están mezclando su rapidísimo y melódico deathcore con black metal, y vuestra canción ‘Where The Light Dies’ está muy cerca de su sonido. ¿Cómo lo explicas? ¿Son The Black Dahlia un ejemplo para vosotros? “Me encantan Black Dahlia, son una gran banda y buenos amigos, pero no puedo estar de acuerdo con esta afirmación. ‘Where The Light Dies’ tiene cierto número de breakdowns, y en todos mis años escuchando a Black Dahlia nunca les he oído tocar un breakdown ni una vez, así que no puedo decir que vea esa comparación”. Vaya, ¿pero quién son mejores, Carnifex o The Black Dahlia Murder? (Risas). “Creo que los fans son felices con que ambas bandas existan”. ¿Consideras que los aficionados habituales del deathcore se encuentran algo encerrados en este estilo y que deberían expandir más sus mentes hacia otras expresiones musicales para ser gente más cultivada en ese aspecto? “No separo a los fans por subgéneros. No soy capaz de señalar a una persona que sólo escuche esto o aquello; de lo que sí soy capaz es de ver a un fan de Carnifex en un concierto divirtiéndose y disfrutando de la música. Etiquetar por géneros realmente sólo lo hacen los críticos musicales, personas que no tienen nada que ver con la creación real de la música”.

Cambiando de tercio, la verdad es que estás estupendo en el disco… ¿Realmente puedes cantar toda esa cantidad de guturales horribles y voces irritantes? ¿Cuál es el secreto? “Practicar te perfecciona. He estado en bandas desde hace más de 15 años siempre como vocalista, y en cada álbum me exprimo lírica y vocalmente para ser mejor”. Carnifex siempre habéis proclamado orgullosos que sois una banda de deathcore ahora, antes y mañana. ¿Qué te parece que los discos de muchas bandas del estilo cada vez sean más y más suaves? “Nunca hemos proclamado esto (parece que no se acuerda de su entrevista para Noisecreep publicada el 16 de marzo de 2010, por no decir que cualquiera antes de publicar este nuevo álbum –ndr.). De hecho, nunca hemos dicho que perteneciéramos a ningún género. Dejamos el etiquetado de nuestra música a los fans (¿Pero eso no lo hacíamos los críticos? –ndr.). Es una cosa subjetiva y no es algo que nos interese. En cuanto a esos álbumes blandos no sé muy bien cómo responderte, porque no estoy seguro de quién o qué bandas se consideran deathcore”. ¿Qué te parece Eddie Hermida como nuevo cantante de Suicide Silence? ¿Y cómo recuerdas el día en que falleció Mitch Lucker? “Eddie es un gran vocalista, estoy seguro de que va a hacer un trabajo

“Queríamos que este trabajo marcara el regreso de Carnifex de forma masiva, ¡y hasta ahora parece que está funcionando!” SCOTT LEWIS

increíble con ellos. No recuerdo exactamente el día, pero cuando se difundió la noticia fue un momento muy triste…”. ¿Era Mitch amigo tuyo o de la banda? “No, no conocía a Mitch personalmente. Sólo le conocí brevemente unas pocas veces en shows en los que nuestras formaciones coincidieron tocando”. ¿Y qué puedes decirme de las nuevas bandas de deathcore? ¿Puedes recomendarnos grupos de Estados Unidos o del resto del mundo? “Thy Art Is Murder son muy asesinos, y Lorna Shore también son un gran grupo”. Ya para terminar, ¿preparáis una gira planetaria? ¿Alguna noticia sobre fechas en mi país? “El 21 de febrero fue la primera fecha de nuestra gira con Die Without Hope. Tenemos un año extremadamente ocupado por delante, pero estoy seguro de que pronto estaremos de nuevo en España”.

ARCHITECTS

Durante buena parte de sus diez años de carrera, la prioridad para era la de buscar el éxito a toda costa. Pero con el tiempo han aprendido que su música podía ser mucho más que un vehículo hacia la fama. Su sexto trabajo, Lost Forever/ Lost Together, nos devuelve a la banda británica de metalcore en su faceta más humana. Texto: David Garcell Fotos: DR/IRENE BERNAD (DIRECTO) 55

“En este disco dejamos de pensar en esto como una carrera, o en meter melodías para ser más accesibles, dijimos ‘a la mierda, vamos a hacer un disco cañero’. Pusimos el acento en eso y no nos arrepentimos. Quizá el próximo incluso sea más duro” TOM SEARLE

ectificar es de sabios, y los ingleses Architects se dieron cuenta hace un par de años que su obsesión por querer seguir los pasos de compañeros suyos como Bring Me The Horizon o Bullet For My Valentine, abandonando sus raíces más técnicas para hacer música más accesible, no iba a llevarles a ninguna parte. Es por eso que su guitarrista y compositor Tom Searle, su hermano gemelo Dan (batería), Sam Carter (voz) y Alex Dean (bajo) decidieron que en su sexto álbum recuperarían su lado más duro a la vez que conservarían las letras de tono más político y social que empezaron a usar en el anterior Daybreaker. Compuestas durante su gira de presentación que visitó 25 países y quedó inmortalizada 42

en el documental One Hundred Days: The Story Of Architects Almost World Tour, las canciones de Lost Forever/ Lost Together abarcan temas desde el incidente nuclear de Fukushima al cáncer de piel que le diagnosticaron a Tom el año pasado. Para grabarlo, los de Brighton viajaron a finales del año pasado a Göteborg, una de las mecas del metal europeo, para trabajar con los productores Fredrik Nordström y Henrik Udd. Durante un intensísimo mes en el que apenas vieron la luz ni la calle, Architects dieron forma al que es su primer disco para el sello Epitaph y que presentarán en nuestro país en una gira junto a Stray From The Path, Northlane y More Than Life, los días 8 de abril en Barcelona (Razz 2), el 9 en Madrid (Caracol) y el 10 en Bilbao (Kafe Antzokia).

Desde la primera escucha, se nota que Lost Forever/ Lost Together es un disco muy trabajado. ¿Dirías que habéis trabajado más duro en él que en los anteriores? TOM SEARLE “Diría que sí, pero eso no quiere decir que no nos esforzáramos con los anteriores. Lo que ocurre es que cada vez que haces un disco es más importante que el anterior. Soy un poco más mayor y cuanto más mayor soy, más ganas tengo de hacer esto con más intensidad, no con menos. No quiero perder ninguna oportunidad que se nos presente porque no sólo quiero que Architects sean una buena banda, sino una de las mejores de su tiempo. Ésa es mi ambición, así que, efectivamente, me volví un poco loco haciendo este álbum (risas)”.

A favor tuyo hay que empezaste el grupo con 17 años, así que aunque ya tienes mucha experiencia, todavía tienes mucho recorrido por delante. “Sí, es una ventaja, aunque a veces miras atrás y ves que otros grupos han conseguido un mayor éxito con su primer o segundo disco, y quizá en algún momento te da un poco de vergüenza que nosotros no hayamos sido capaces de conseguirlo. Pero por otro lado me siento muy orgulloso de haber publicado, con éste, seis discos. Tenemos muchos álbumes, pero es porque realmente disfrutamos haciendo música”. Además, también hay muchos grupos que lo petan con el primer disco y luego desaparecen... “Es totalmente cierto. Sinceramente, no puedo ni expresar lo que siento por tener seis discos. Hace tres años pensaba que quizá el final estaba cerca, que a la gente ya no le gustaba el grupo, así que el que ahora todo vaya tan bien es increíble. Me siento muy agradecido”. La nueva obra recupera vuestro lado más duro y en cierta manera, conecta con vuestros primeros trabajos. ¿Cómo explicarías esta evolución? “Architects empezamos siendo una banda bastante cañera, y luego cambiamos y experimentamos, pero descubrimos que no era lo nuestro. Lo probamos y la realidad es que el resultado no era demasiado bueno (risas). Ni tampoco nos sentíamos muy cómodos. Otra de las ventajas de haber hecho cinco discos antes

es que puedes saber qué es lo que te sale mejor y qué es con lo que de verdad disfrutas. Y lo que descubrimos es que lo que más nos entusiasma y más nos divierte es hacer música cañera. En este disco dejamos de pensar en esto como una carrera, o en meter melodías para ser más accesibles, dijimos ‘a la mierda, vamos a hacer un disco cañero’. Pusimos el acento en eso y no nos arrepentimos. Quizá el próximo incluso sea más duro”. Muchos grupos jóvenes parecéis obsesionados con querer triunfar rápido. ¿No crees que es mejor que el éxito te llegue un poco más tarde, cuando sabes mejor cómo funcionan las cosas? “Estoy totalmente de acuerdo. Creo que tienes que ganarte las cosas. Y por otra parte, creo que a la gente también le gusta apoyar a los grupos que se lo tienen que currar y no les viene todo fácil o siguen la moda”. Y además, hay que recordar que hay mucho público para la música cañera también. Parkway Drive se hicieron más grandes con Deep Blue, que era su álbum más duro. No siempre tienes que suavizar tu música para crecer. “Desde luego. Creo que la música heavy también puede ser accesible. Un riff que te haga sacudir la cabeza o la agresividad que te da un subidón de adrenalina pueden ser igual de efectivos que una melodía. Para mí la música dura es excitante. Me llena mucho más que el pop. Creo que es algo que hemos descubierto en los dos últimos años”.

Siendo el compositor y guitarrista del grupo, ¿fuiste tú el principal instigador de ir en esta dirección? “He sido el compositor principal del grupo, así que para lo bueno y para lo malo, yo he sido el responsable. Pero en esta ocasión todos lo veíamos de la misma manera. Tocando en directo nos dimos cuenta que los temas más cañeros son con los que nos lo pasamos mejor. Así que casi no hubo ni discusión sobre hacer un disco más trallero porque nos permitiría poder tener un repertorio que nos motivaría más en los conciertos. Además, también es difícil de ignorar que el público también se divierte más con esos temas. Pero al mismo tiempo, tienes que tener cuidado de no sólo darle al público lo que quiere, sino que realmente tenga un significado para ti”. Para grabar el disco os fuisteis el pasado octubre a Suecia para grabar con Fredrik Nordström y Henrik Udd. Háblame de la experiencia de vivir en Göteborg. “Estuvimos allí un mes entero, pero creo que sólo fui a la ciudad dos o tres veces. El resto del tiempo estuve en el estudio. Fue muy intenso. Había un pequeño apartamento conectado al estudio, donde dormíamos. Sam y yo dormíamos en la sala de estar donde también teníamos los amplificadores, así que fue como si siempre estuviéramos en el estudio. Veíamos a Henrik al otro lado de la sala de control. Nos íbamos a dormir y le veíamos trabajando, y cuando nos levantábamos ya estaba ahí de nuevo (risas). Era un no parar. Tengo que decir que Henrik hizo un trabajo 43

“Queremos que el mundo sea un lugar mejor, sin corrupción, sin contaminación… Pero aUn con esa filosofía, hay gente a la que cabreamos. Es alucinante” TOM SEARLE

de ese tiempo. Así que había mucha presión, pero teníamos la experiencia de discos anteriores en los que quizá habíamos dejado de corregir ciertas cosas porque era demasiado agotador tener que reestructurar y regrabar un tema a última hora. Pero esta vez lo hicimos. No dejamos que nada quedara a medias”. Ahora que has trabajado con Fredrik y Henrik ¿cuál dirías que es su secreto para conseguir ese sonido enorme que buscabas? “Si lo supiera abriría mi propio estudio (risas). La verdad es que no tengo ni idea de lo que los productores y los ingenieros hacían con sus ordenadores, pero sea lo que sea que hagan, me gusta”.

estelar. Le puso muchísimas horas. Pero si fuimos a ese estudio es porque queríamos ese sonido enorme que tienen sus discos. Nos entendimos muy bien con ellos y estamos muy felices con lo que hicieron. La primera vez que escuchamos la primera mezcla de ‘Naysayer’ me quedé alucinado. Me sentí eufórico pensando que todo el disco iba a sonar así de bien”. 44

Supongo que si no saliste del estudio te daba igual que apenas hubiera horas de sol en el exterior… “Bueno, fue duro. No es agradable. El resultado fue fantástico, pero psicológicamente estar allí nos pasó factura. Nos sentíamos un poco deprimidos. Pero queríamos hacer un gran álbum y sólo disponíamos

En Daybreaker empezasteis a escribir canciones de contenido más político y social, algo que habéis continuado en éste. ¿Es un deseo de hacer que vuestra música sea más profunda? ¿Y cuándo despertó este interés por la política? “Puede que suene como el cliché de cualquier veinteañero que se interesa por la política, pero fue a través de ver las películas Zeitgeist. Luego empecé a leer libros, a ver gente que hablaba de estos temas en YouTube, a ver documentales… Me di cuenta que había mucha información fuera de los medios de comunicación tradicionales. Fue un periodo muy corto en el que aprendimos un montón de cosas, y decidimos actuar. Todos nos hicimos veganos y empezamos a querer incluir todo eso en nuestra música. Puedes cantar lo que quieras sobre

asuntos personales, y está bien, pero en el fondo es mucho menos arriesgado. En un par de ocasiones me ha sorprendido que haya gente que se haya cabreado por lo que cantamos. Porque no cantamos contra nadie, ni discriminamos a nadie, nuestra música es totalmente inclusiva. Queremos que el mundo sea un lugar mejor, sin corrupción, sin contaminación… Pero aun con esa filosofía, hay gente a la que cabreamos. Es alucinante”. ¿Pero por qué se cabrean? “Alguna gente cree que un grupo de metal debería tocar y callar. En el nuevo disco la canción ‘Broken Cross’ ya ha molestado a algunos porque creen que somos antireligiosos. Incluso unos amigos de mi hermano le dijeron que si se creía Nelson Mandela. Simplemente porque digas que hay injusticias no quiere decir que te creas mejor que nadie. Parece que la actitud que mola es la de pasar de todo y pensar que si el mundo se va a la mierda no es importante, pero para nosotros sí lo es. Y por suerte también tenemos fans que lo creen. Y además, ahora estamos en un sello como Epitaph, que viene de la tradición del punk y entiende que es importante decir lo que piensas”. En ‘C.A.N.C.E.R.’ se habla sobre el melanoma que te diagnosticaron el año pasado. Me gustaría saber si todavía te estás tratando y cuál fue tu reacción al saber que lo tenías. “Ahora estoy bien, gracias. Me operaron la pierna para quitarme el trozo de carne y músculo que tenía afectado y todas las pruebas

que me han hecho luego han salido positivas. Así que a corto plazo, todo está bien. A largo plazo ya veremos, pero estoy animado. En cuanto a mi reacción… Bueno, nadie espera tener cáncer con 25 años. Fue un gran impacto. Había mucha incertidumbre. Pasaron seis semanas desde que me diagnosticaron hasta que me operaron y luego unas pocas más hasta que me dieron los resultados. Así que durante ese tiempo no sabía si el cáncer se había expandido a otros órganos o no. Pensé mucho en la muerte. Fue un periodo muy intenso. Y de ahí me salió la idea de escribir la letra para la canción. Pero teniendo en cuenta que es Sam quien canta, tampoco quería obligarle a cantar algo que pudiera incomodarle. Así que intenté que la letra no fuera tanto sobre mí, sino más sobre la experiencia, hacerla más metafórica. Pero quería que fuera muy honesta porque ahora que estoy curado, me resultaría imposible recrear lo que sentí en ese momento. Estoy muy agradecido a Sam porque haya querido cantarla”. Entiendo que para un músico puede ser de gran ayuda escribir algo en un momento muy difícil, pero al mismo tiempo, ¿no te intimida pensar que una vez lo grabas en un disco va a estar ahí toda tu vida para recordártelo? No sé si hay algo de masoquismo en ello. “Bueno, creo que es la única canción realmente personal para mí que hemos grabado. Pensé en ello: ‘¿Querré tocar este tema en directo? ¿Querré que la gente la cante? ¿Será doloroso cuando la escruhe?’. Pero el hecho es que cada día cuando

me levanto veo una gran cicatriz en mi pierna, y eso es un recordatorio mucho más brutal de lo que me ha pasado que una canción. Si me hubiera incomodado tanto, no la hubiera grabado. Mirando atrás creo que toda esta experiencia ha sido positiva para mí. Me ha dado mucha perspectiva sobre lo que es realmente importante en mi vida. Cuando tuve que enfrentarme a ello, en parte fue una experiencia fascinante, porque tuve que enfrentarme a una realidad que todos sabemos que nos puede golpear en cualquier momento. Piensas que es surrealista que te esté ocurriendo a ti. Pero me alegro que no lograra destruirme, y no me refiero a que el cáncer me matara, sino anímicamente”. Supongo que en ese aspecto ha sido muy importante poder contar con el apoyo de tu hermano Dan. Siempre es interesante cuando en un grupo hay dos hermanos, y en vuestro caso más siendo gemelos. ¿Cómo explicarías a la gente la relación que tienes con él? “No sé si tienes hermanos, pero cuando conoces a alguien toda tu vida, sabes exactamente cómo cabrearle (risas). Así que nuestras discusiones son terribles. Pero por otra parte, estamos de acuerdo en el 99% de las cosas. Creo que hay una buena tradición de bandas con hermanos que hacen muy buena música, y quizá Architects puedan ser una de ellas”.

AL MAL TIEMPO…

Ni una hernia discal sufrida por su cantante ni el huracán SANDY fueron suficientes para evitar que I Am The Avalanche compusiesen y grabasen su tercer

I AM THE AVALANCHE

Am The Avalanche, la banda liderada por Vinnie Caruana (exvocalista de los punk poperos The Movielife), no lo han tenido fácil en sus diez años de carrera. Unos problemas con la discográfica que editó su primer álbum llevaron a los de Long Island a tener que esperar seis años para poder publicar el segundo. Avalanche United, aparecido en octubre de 2011, consiguió milagrosamente reconectar con su público y encima les valió unas merecidísimas buenas críticas. Quizás para aprovechar el tirón, que les llevó a tocar en el Warped Tour y el festival australiano Soundwave, el grupo, que ha incorporado al bajista John Oliva, uniéndose a los miembros originales Brandon Swanson (guitarra) 46

y Brett ‘The Ratt’ Romnes (batería), se decidió a crear su tercer disco lo antes posible. Les ha costado algo más de dos años, pero teniendo en cuenta los contratiempos externos, la aparición de Wolverines (Rude Records) puede considerarse toda una victoria. Un emocionado Vinnie nos lo confirma. Wolverines fue creado en unas circunstancias bastante adversas, pero al menos no hemos tenido que esperar seis años para un nuevo disco como ocurrió con el anterior… VINNIE CARUANA “Eso nunca más volverá a pasar (risas). El grupo está más vivo que nunca. Cuando nos pasamos tanto tiempo sin publicar nada sentí miedo. Algo hizo ‘clic’ en mi cerebro y me di cuenta que tenía

que hacer más música, más álbumes, y eso es lo que he estado haciendo desde que salió Avalanche United en 2011. Me he dedicado 100% a la música”. ¿Qué pasó exactamente con tu espalda? “Tenía una hernia discal y hacía que se derramase líquido y me presionara un nervio. Así que cada vez que me movía, la mitad de mi cuerpo se paralizaba por el dolor. No podía hacer demasiado, así que pasaba mucho tiempo en casa y ése fue uno de los motivos por los que pudimos ser tan eficientes escribiendo este disco. Estuve tres meses encamado. Al mismo tiempo estaba componiendo con un dolor físico extremo y cuando no sentía dolor era porque tomaba

disco. En Wolverines vuelven a morder con toda la intensidad y sinceridad que se espera de ellos. Texto: Jordi Meya Foto: DR

una medicación muy fuerte, lo cual era bueno pero también sentía que no era yo mismo. Así que era como una batalla. No quería escribir drogado, lo hacía cuando sentía todo el dolor. Y encima llegó el Sandy y destrozó mi ciudad. No es que el álbum trate sobre eso, pero fueron las circunstancias en las que se creó”. ¿Era esta lesión fruto de tus años encima de un escenario? “Mi teoría es que me la hice jugando a hockey. Me gusta jugar a fútbol, hockey, y una semana antes de que me emperezase el dolor, me hice algo en la espalda. Así que fue algo relacionado con el deporte, o quizá es simplemente que me estoy haciendo mayor (risas). Ya tengo 34. Ésa es mi otra teoría (risas)”.

En ‘Save Your Name’ cantas “tienes que vivir con las decisiones que tomas”. No sé si el estar en la cama durante tres meses te hizo plantear que quizá deberías cambiar de profesión... “A veces he estado sin un centavo y pasando hambre, y en esos momentos hay una parte de ti que desearía tener dinero en el bolsillo. No es que pienses que te has equivocado de camino. Al menos para mí la respuesta es no. En este punto de mi carrera, miro atrás y miro adelante, y ahora que saldrá Wolverines siento como si fuera mi primer disco. De verdad lo siento. Siento la misma emoción al mostrar este disco al mundo, al subirme a la furgoneta y salir de gira, que cuando empecé. Nada de eso ha cambiado. Siento que esto es lo que se supone que debo hacer. Y la gente que apoya al grupo y la música que hago tiene mucho que ver. Refuerzan esa idea de que hago lo correcto”. En estos años has visto muchas modas llegar y desaparecer, pero tú siempre has sido capaz de transmitir honestidad aunque hayas podido cambiar algo de estilo. “La honestidad y la autenticidad de nuestra música nunca va a cambiar. Ése es el enfoque que tomo cuando escribo música punk. Es de la única manera que sé hacerlo (risas). Creo que lo aprendí creciendo en la escena hardcore de Nueva York y Long Island. La integridad y la sinceridad provienen de allí. Nunca te abandona”. Con el tiempo, ¿has logrado entender por qué se produjo esa explosión de bandas en Long Island?

“La honestidad y la autenticidad de nuestra música nunca va a cambiar. Es DE la única manera que sé hacerlo” VINNIE CARUANA

“Creo que hay varios componentes. Uno es que Brand New, Taking Back Sunday, The Movielife, Glassjaw… todos crecimos al mismo tiempo, íbamos a los mismos conciertos y nos conocíamos entre todos. Íbamos a conciertos en los que tocaban seis bandas locales, de las que nadie había oído hablar fuera de Long Island, y veíamos a chavales un poco más mayores haciendo algo totalmente avanzado a su tiempo. Crecimos a unas 30 millas al este de Nueva York, así que era muy fácil saber lo que estaba ocurriendo ahí. Otro factor importante es que Vision Of Disorder eran de mi ciudad y eran los mejores amigos de mi hermano mayor. Tenían cinco años más que nosotros y cuando nosotros empezamos con The Movielife ellos ya llevaban muchas giras a sus espaldas. Así que fue la banda que nos enseñó a todos los demás qué es lo que tenías que hacer. O bien te quedas en casa y te buscas un trabajo y sólo tocas en Long Island, o si quieres realmente hacer esto, tienes que irte de gira. Así que eso nos dio el coraje y la ambición para seguir sus pasos. También había cierta competencia entre todos los grupos. Veías a Brand New, Taking Back Sunday o Glassjaw y ya no los veías como a una banda local, sino como grupos a otro nivel. Así que nadie quería quedarse atrás, querías impresionar a los demás combos”.

O D N A Z N ALCA

S E R B M U C NUEVAS

METALLICA

Con su concierto en una base argentina de la AntĂĄrtida el pasado 8 de diciembre, Metallica se convertĂan en la primera banda en haber tocado en los siete continentes del planeta. Una experiencia que permitiĂł a nuestro colega chileno Alfredo Lewin conversar con tres de sus componentes durante el viaje de vuelta. Texto: Alfredo Lewin Fotos: DR

o es que Metallica destaqueN por hacer las cosas a pequeña escala. Más bien todo lo contrario. Al igual que sus riffs, con ellos todo es a lo grande. Desde grabar con una orquesta filarmónica a filmar su propia película en 3D, a organizar un concurso para que un centenar de fans suyos viajen al lugar más inhóspito del planeta para verles actuar. Quizá es porque cuando una banda alcanza la magnitud de la que ellos disfrutan desde hace más de dos décadas, lo de publicar un disco y salir de gira ya no sea suficiente. Hay que buscarse nuevos retos, hazañas y desafíos que motiven a los músicos y que engrasen la gigantesca maquinaria que a día de hoy es Metallica. Desde un punto de vista humano es totalmente comprensible, pero harían bien James Hetfield, Kirk Hammett, Robert Trujillo y Lars Ulrich en no olvidar que para sus fans, al menos los de verdad, lo más importante sigue siendo la música. Y que por muy bien que se lo pasen afrontando nuevos proyectos, la vara por la que se les seguirá midiendo será la de la calidad de sus álbumes y sus conciertos. Teniendo en cuenta que han pasado casi seis años desde que publicaron Death Magnetic, ya pueden esmerarse en que el próximo sea, al menos, igual de bueno. Aunque por lo que se deduce de sus palabras, a menos que nos engañen, puede ser que tardemos muchos meses aún en poderlo comprobar. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en la Antártida? KIRK HAMMETT “Bueno, había alguien al frente mío a quien tenía 50

miedo de golpear con la guitarra, pero aparte de eso, me gustó tener a la gente tan cerca. Fue grandioso. Lo pasé increíble. No creo que hayamos hecho algo remotamente similar a lo que acabamos de hacer, y mirad el entorno…”. ROBERT TRUJILLO “Una vez tocamos en una tienda de discos en Tennessee, pero hubo más gente que aquí. Es lo más parecido en términos de público”. LARS ULRICH “Cuando llevas 32 años de carrera, y los que quedan, hay muchos puntos de inflexión. Este viaje ha sido excepcional por varias razones. La primera es que es raro que Metallica hagan algo o vayan a alguna parte que es completamente nuevo o desconocido, o donde no tienes ni idea de lo que va a pasar. A medida que el mundo se está haciendo más pequeño, hay una continuidad de cosas a nivel global, y no importa tanto dónde estés. Te presentas a tocar, se muestra de una manera concreta, los fans son grandiosos, conectas con ellos, y así sucesivamente. Esta experiencia ha sido completamente nueva para todos nosotros y también porque es un lugar al que vamos todos juntos. No es que vivas en la Antártida. Vamos todos juntos, la banda, los ganadores del concurso, la prensa, la gente de Coca Cola… es una experiencia que todos estamos compartiendo. El hecho de que estemos en este barco y nos veamos en el pasillo o en el restaurante produce unas circunstancias totalmente distintas. Cuando hablas de puntos de inflexión o de cosas que te inspiran y que te motivan, la música siempre fue la primera razón por la que me motivé a hacer cosas. Ahora tengo que abrir los ojos. Ya no

está limitado sólo a la música, como hace 20 ó 30 años. Las películas, la literatura, respirar el aire, ver el agua, la naturaleza, todo es inspirador en cierto punto. Ando con mi libreta, hice un ritmo de batería súper loco… todo te inspira, desde que te despiertas hasta que te vas a dormir. Ha sido todo una locura. Creo que lo asimilado en la cabeza aparecerá después. Tenemos que volver a casa y apreciar de verdad lo único que es todo esto. Así que quizás en otras partes del mundo van a decir ‘mierda, esto de verdad pasó’. Tocar para tan poca gente en un lugar tan reducido y tenerlos a todos tan cerca fue súper loco en sí mismo. Había que preguntarse ‘¿Cómo crearemos esta intimidad con 90.000 personas?’. No lo sé, pero ha despertado un montón de ideas”. ¿Qué equipo utilizasteis para el show? HAMMETT “Tanto James como yo tuvimos que usar unos amplificadores que no tenían altavoz, fue la primera vez que hacíamos eso, y funcionó muy bien. El problema con eso es que cuando estábamos tocando ‘Creeping Death’ y todos empezaron a cantar, el público cantaba tan fuerte que miré a mi técnico y le grité ‘¡Sube el volumen! ¡No puedo escuchar la maldita guitarra!’. Todo lo que podía escuchar era a la gente y la batería”. TRUJILLO “Aparte que el sonido con los audífonos era muy cálido”. HAMMETT “¡Y tenías mejor pinta que el tipo de Linkin Park! ¡Mucho mejor! (Risas)”. ¿Por qué sólo tocasteis canciones de 1991 para

“Para mí Lou Reed es un icono del rock’n’roll. Él llevó el rock a otro nivel. Sólo el hecho de TRABAJAR y estar en la misma sala con él fue algo mágico, algo maravilloso” KIRK HAMMETT

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METALLICA atrás? HAMMETT “Nosotros no lo vemos así. No decimos ‘mira, hay una canción de este disco, hay otra canción de éste’. Muchas veces cuando ideamos el setlist lo hacemos por instinto. Como teníamos una hora o algo así para tocar, queríamos un repertorio conciso, que incluyera todas las canciones que la gente espera que nosotros toquemos, así que fue eso lo que tocamos”. TRUJILLO “Además que no tuvimos tanto tiempo para ensayar... (Risas)”. ULRICH “Bueno, tenemos más de 140 canciones de donde podemos elegir. Lo que tenemos en mente es para quiénes estamos tocando. Cuando vamos a Buenos Aires, Santiago, México o Bogotá, somos conscientes de la historia que tenemos con los fans de allí, de los temas que tocamos la última vez que estuvimos ahí, y de lo que podemos hacer ahora para tratar de hacerlos diferentes. Aquí no había historia alguna, así que podíamos empezar de cero. No hemos tocado ‘Enter Sandman’ 19 veces antes. Había una libertad total. Así que elegí las que pensé que son las diez canciones más populares y reconocibles, canciones 52

que conectan con la audiencia. También tenía que tener en cuenta la gente del webcast. Era bien claro que no íbamos a estar tocando canciones rebuscadas. Pensamos en tocar ‘Tramped Under Ice’, pero tal vez lo haremos la próxima vez que toquemos aquí”. ¿Qué opináis de la devoción de vuestros fans, que son capaces de participar en concursos como éste, de ir en barco a la Antártida y de hacer prácticamente cualquier cosa? Hay gente de Chile, Argentina y Colombia en este viaje... ULRICH “Es brutal que se haga todo esto. No sé si conoces a Camila, pero ella viaja por todo el mundo con Metallica. La veo sonriendo en la primera fila del público. Creo que en un diario chileno se hizo una noticia sobre ella que llevaba el título “Súper fan”. O sea, tenemos súper fans que están tan locos como nosotros y lo apreciamos mucho, no lo tomamos a la ligera. Tenemos la suerte de contar con un equipo técnico que está tan chalado como nosotros. Creo que la gran diferencia entre la actualidad y veinte años atrás es que

lo podemos apreciar porque nuestros ojos están suficientemente abiertos, mientras que antes no lo notábamos. Tiene que ver un poco con la edad y también con la experiencia, donde tienes estos momentos en que te das cuenta de las cosas y ves que realmente es excepcional. Ha habido muchos momentos así en los últimos años. Para Camila los shows puede que no sean radicalmente diferentes el uno con el otro, al final somos nosotros, pero esta experiencia ha sido muy, muy diferente. Así que me gustaría pensar que cuando se hable de esto en diez años, mil personas van a decir que estuvieron ahí, y en veinte años 2.000 personas van a decir que estuvieron ahí, cuando en realidad fueron 110. Y todos sabemos la verdad. Pero ése será siempre un momento verdaderamente Metallica. Así que a esos súper fans que viajaron con nosotros al fin del mundo, les damos las gracias, los queremos”. En algunos conciertos del pasado verano volvisteis a tocar ‘Orion’. ¿Es una manera de remediar lo conservadores que habían sido vuestros repertorios en el pasado? ULRICH “Creo que en los últimos años ha habido una metamorfosis. Solíamos ser muy conservadores con los setlists, y tocábamos más o menos lo mismo en cada gira. Si queríamos cambiar una canción, el director de luces te decía que necesitaba tres días para programarla y todo eso. No nos aventuramos en temas que no tocábamos… pero cuando comenzamos la gira de St. Anger hace diez años, empezamos a tocar canciones distintas cada noche y creo que hemos pasado todo ese

tiempo sin tocar dos veces el mismo set. Tenemos más de cien canciones para tocar y creo que hacemos 70 u 80. Con la gira de Death Magnetic todas las noches hacíamos un repertorio diferente, y para hacerlo tenemos que irnos a lo más profundo y encontrar esos temas que no tocamos tan seguido. Hemos tocado ‘The Call Of Ktulu’ y diferentes instrumentales… cuando tocamos cinco noches en Copenhague, en uno de esos shows hicimos ‘Suicide & Redemption’. Tratamos de ir lo más profundo que podamos. Pero obviamente ‘Orion’ es un tema que resuena por la conexión con Cliff Burton, tiene un significado más espiritual”. Hace poco falleció Lou Reed, con quien trabajasteis en el disco Lulu. ¿Cómo os sentisteis con la noticia? HAMMETT “Estaba muy, muy triste. Fue un golpe duro. Me sentí muy mal por Laurie (Anderson), su esposa. Lou tenía muchos problemas de salud, y justo después que hiciéramos un par de conciertos juntos, tuvo que someterse al transplante de hígado. Después de la operación supimos que la cirugía fue bien, que su cuerpo estaba aceptando el órgano. Cuando tuvimos la oportunidad de tocar en el Apollo en septiembre, en Nueva York, se nos ocurrió que podíamos invitarlo en algunos temas y la respuesta que tuvimos fue que no estaba bien, que estaba en el hospital. Unas semanas después falleció. Pensé que iba a mejorar. Desafortunadamente, eso no pasó. Para mí Lou Reed es un icono del rock’n’roll. Él llevó el rock a otro nivel. Sólo el hecho de trabajar y estar en la misma sala con él fue

algo mágico, algo maravilloso”. Si tuvieras que escoger a otro músico histórico con quien pudieras grabar un disco, ¿quién sería? HAMMETT “Creo que sería Tom Waits. Sería muy interesante. También me gusta la bossa nova. Toco mucha bossa nova, toco mucho jazz, toco mucho blues. Puedo fingir que toco cualquier cosa (risas). Si algo así sucediera, por supuesto que lo haría”. Se dice que ya estáis trabajando en un nuevo disco. ¿Cómo componéis? HAMMETT “Bueno, al principio tenemos un montón de riffs. Después empezamos a improvisar sobre esos riffs, que nos lleva a otro riff y luego a otro riff. Lo primero es preguntarse si va en la dirección correcta, y si vamos por ahí, tenemos la canción. La canción puede venir de James, de Lars, de mí, de Rob, de cualquiera, pero lo importante es cómo contribuimos a eso y cómo ponemos nuestra propia personalidad y nuestro propio carácter. Ahí es cuando empieza a sonar como nosotros. Como una banda. Creo que tenemos como mil ideas, y tenemos que ir revisando cada una de esas ideas, pero no es lo que más me gusta hacer. Igual puede que tomemos algo que nos quedó de Death Magnetic. Pero a partir de ahí, no sabemos hacia dónde nos llevará”. ¿Qué planes tenéis con Blackened Recordings? ULRICH “Para ser honesto, es un poco abrumador. Creo que ahora nos estamos dando cuenta del verdadero potencial, de la gran

“El mayor problema de Metallica no es la falta de ideas, sino encontrar el tiempo para llevarlas a cabo” LARS ULRICH cantidad de cosas que puedes hacer. Por ejemplo, Deep Purple, una banda que conozco bien. Diría que el 99% del material audiovisual de 1970 a 1975 el mundo ya lo ha visto. Mientras que en 2013, el 20% del material audiovisual de Metallica ha sido visto. ¿Qué haces con el resto del material? ¿Dirías que hay que exhibirlo? ¿Mostrarlo de aquí a 50, cien años? Estamos siendo filmados en todas partes, entonces, ¿qué hacemos con esto? Hay diferentes modelos que considerar. Creo que ahora que somos dueños de todo y no tenemos que asociarnos con nadie, lentamente nos meteremos en la cabeza el potencial que existe detrás de eso. Aparte que a medida que nos hemos vuelto más autosuficientes, tenemos que saber lo que significa estar a cargo de un sello, y es abrumador. Además, tienes que hacer música nueva, hacer esto, lo otro, tienes que cuidar a tu familia, pero creo que hay muchas oportunidades para hacer algo en película. Hay muchas cosas que están empezando a gestarse, pero es muy temprano para hablar de eso. El mayor problema de Metallica no es la falta de ideas, sino encontrar el tiempo para llevarlas a cabo. La restricción de tener 24 horas al día… no es suficiente tiempo”.

ESPECIAL FOTO

LA M.O.D.A. - DE GIRA CON FRANK TURNER Frank Turner escogió a los chicos de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol para que les acompañase a lo largo de su gira española por las ciudades de Valencia, Barcelona y Madrid, y ellos me escogieron a mí para que, cámara en mano, captase los momentos que no se ven: los largos desplazamientos, la carga y descarga, las pruebas de sonido, la tensión antes de salir al escenario, el descanso en el hotel... Tres noches en las que las diferentes salas se llenaron para ver al cantautor inglés y también para confirmar en directo LAS BUENAS SENSACIONES Del reciente disco de los burgaleses. Texto y fotos: Javier Bravo

Es difícil pensar en un mejor momento para que veamos por primera vez a Steel Panther por estas tierras. La banda se encuentra en su momento de máximo esplendor y además, vienen a presentar su nuevo álbum, All You Can Eat, que se antoja como el mejor de su carrera. Así que recuperad las mallas del armario, PILLAD un bote de laca y prepararos para disfrutar de la banda más loca y divertida del mundo del rock. Texto: Richard Royuela Fotos: DR

“El año pasado estuve por España y tengo una pregunta para hacerte: ¿Cómo es posible que los tíos vayáis por la calle sin ir empalmados todo el día?” LEXXI FOXX

pesar de haber buscado por Internet algunas entrevistas con Steel Phanter, era difícil saber con qué me podía encontrar a la hora de charlar con ellos. ¿Iba a ir la cosa de cachondeo desde el minuto uno? ¿Habría la posibilidad de poder hacer una entrevista medianamente seria o que pudiese seguir un mínimo hilo argumental? ¿Son las once de la mañana la hora ideal para interrogar a una banda que afirma que no hay nada mejor que pasar las noches en vela follando? En definitiva, toda una serie de preguntas que nunca se plantearían con una formación, digamos, estándar. De lo que no cabe ninguna duda es que Steel Panther son una banda atípica, y más en los tiempos que corren. El cuarteto formado por Michael Starr (voz), Satchel (guitarra), nuestro interlocutor Lexxi Foxx (bajo) y Stix Zadinia (batería) empezó su andadura durante la década de los 90 con el nombre Metal Shop, que un poco más adelante cambiaron a Metal Skool, como grupo de parodia/versiones que vanagloriaba el hair metal de los 80 en un momento en que no había nada más uncool que hacer eso. Y además, lo hacían desde el mismo lugar del crimen, que no era otro que el Sunset Boulevard de Hollywood. “Sé que en esa época podía parecer una locura emprender un proyecto como Metal Shop”, explica Lexxi, “pero sabíamos que había un público dispuesto a escuchar todas esas canciones que habían sido tan grandes hacía unos años, y que si lo empaquetabas de manera adecuada podía resultar atractivo”. Lo que seguramente no esperaban es que el éxito del cuarteto fuese tan grande, llenando sus residencias semanales en Los Ángeles o Las Vegas y expandiendo su hair metal por todo Estados Unidos. Hasta ahí, una buena historia que contar. Ahora, de ser un divertido grupo de versiones a cambiarse el nombre y hacer tus propios temas, dista un abismo. Y en ese proceso, donde miles de formaciones han fracasado de manera estrepitosa –tanto por desinterés del público como por la propia incapacidad del grupo de hacer buenas canciones-, es donde la historia de Steel Panther toma sentido. No sólo han conseguido sacarse el estigma de ser un grupo de versiones, sino que es imposible encontrar una formación que haya sabido recuperar 61

“La filosofía del sex, drugs AND rock‘n’roll puede ser válida si la sabes llevar bien” LEXXI FOX

de una manera tan rotunda aquella época donde si no vendías un millón de discos eras un fracasado y en la que cada canción tenía vocación de himno. Sus discos son la leche, ¿quién puede olvidar esas ‘Party All Day (Fuck All Night)’ o ‘Asian Hooker’ que adornaban su debut? Y después de una irregular continuación, Balls Out, Steel Panther regresan con más fuerza que nunca con All You Can Eat, el que probablemente sea su mejor disco. Un trabajo lleno de temas con letras políticamente incorrectas, de melodías más pegadizas que un chicle y en definitiva, de ese excelente hard rock que tanto cuesta ver. Pero volvamos a Lexxi y a esas tan poco rockeras once de la mañana... “Buenos días, soy Lexxi ¿qué tal estás? Estamos en Dinamarca y ayer tuvimos una buena juerga en el autobús. ¿Qué hora es ahora mismo?”. Vaya, parece que Lexxi va a hacer honor a Steel Panther y la entrevista va a girar en torno a resacas, chicas y fiesta ininterrumpida. Craso error. Enseguida el bajista se recompone y da inicio a una conversación de lo más interesante. No hay que olvidar que los componentes de Steel 62

Panther llevan muchos años en el oficio y saben de sobras que todo lo que está sucediendo con la banda es algo inesperado. “Llevamos unas tres semanas girando por Europa y es maravilloso ver lo bien que están funcionando los shows. Podría decir que en ciertos momentos es hasta una cura de humildad comprobar cómo la gente disfruta con el grupo y lo bien que se lo pasa con él. Definitivamente, nos encontramos muy a gusto girando por Europa”. No deja de resultar sorprendente la buena aceptación que la banda ha tenido en el Viejo Continente. Para disfrutar a Steel Panther en toda su dimensión –tanto por sus letras como por la cantidad de sandeces que dicen en sus conciertos-, tener unos buenos conocimientos de inglés es prácticamente obligado. Algo que, evidentemente, no pasa con muchos fans de países en los que no es el idioma principal. “Eso es verdad”, comenta Lexxi, “no todo el mundo habla inglés a la perfección y puede que la gente se pierda alguno de nuestros chistes, pero la gente valora la banda por su conjunto. Pienso que la música tiene la suficiente calidad como para aguantar la banda

por sí sola. Setchel, nuestro guitarra y compositor, hace canciones buenas y yo soy el primer fan de ellas. Más allá de la locura que envuelve un show de Steel Panther, hay unas buenas canciones que tocar y eso lo transmitimos. Creo que nuestros shows son una combinación de locura, comedia y música. Y al fin y al cabo, a todo el mundo le gusta la música”. on tres discos a sus espaldas -All You Can Eat (Kobalt Music) verá la luz el 1 de abril-, Steel Panther poseen ya un potente catálogo de canciones que por ellas solas podrían aguantar un concierto aunque ellos fuesen los tíos con menos gracia del mundo. Un buen lugar para demostrar todo esto serán sus esperadas actuaciones en la Península, las primeras que harán por aquí. El día 7 de marzo en Barcelona, como cabezas de cartel, y al día siguiente en uno de los dos conciertos multitudinarios que harán Scorpions en Madrid. Le hago saber al bueno de Foxx que éste es un país donde la filosofía Steel Panther encaja a la perfección. Nos gusta pasarlo bien, las mujeres son guapas y aquí las juergas acaban cuando el día amanece. Parte de mi afirmación no le pilla por sorpresa. “El año pasado estuve por allí y tengo una pregunta para hacerte: ¿Cómo es posible que los tíos vayáis por la calle sin ir empalmados todo el día? De verdad, ¡qué mujeres tan guapas! Era sencillamente irreal. Y eso que yo vengo de un sitio como Los Ángeles,

donde puedes ver toda clase de mujeres y muy guapas, pero España... ¡Dios mío! De hecho, lo hablábamos sobre ayer: ¿Saben las mujeres en España lo guapas que son?”. Inocente pregunta al aire de todo un cock rocker... ¿Tú qué crees, Lexxi?

egresando a la parte musical, y antes de hablar de su nuevo trabajo, abordo al bajista sobre el momento en que decidieron dar el paso de grabar material propio. Un movimiento que les ha salido bien pero que definitivamente tenía muchos números para haber salido mal. “Fue todo casi por casualidad. Como grupo llevábamos un montón de años haciendo lo nuestro y tocando versiones. Satchel tenía algunas canciones escritas pero no sabíamos muy bien qué hacer con ellas. Fue la gente de Universal la que nos propuso hacer un disco con temas propios. Igual si no hubiésemos tenido un empujón externo, a lo mejor nunca nos hubiésemos atrevido a dar el paso, o a lo mejor hubiésemos tardado bastante más. Nunca se sabe. La cuestión es que lo hicimos y la cosa salió mucho mejor de lo que nunca podríamos haber esperado”. Aunque Steel Panther como banda sea relativamente nueva, ellos como músicos las han visto de todos los colores. ¿Es Steel Panther un grupo que sólo piensa en divertirse o está todo más controlado de lo que puede parecer desde fuera? “Sabemos perfectamente y apreciamos todo lo que estamos consiguiendo”, asiente que seriedad Foxx. “Nunca en la vida podíamos esperarnos esto. Y ya no te hablo sólo de que hayamos hecho de esto nuestro medio de vida, sino que las cosas vayan a más y puedas plantearte la banda como una cosa a largo plazo que requiere nuestra total

atención. Ya no somos unos chavales (risas), así que nos tomamos las cosas con cierta calma. Nos gusta la fiesta y pasarlo bien, pero somos cuidadosos con nuestro consumo de alcohol por ejemplo. Sería absurdo, ahora que hemos llegado hasta aquí, que se nos fuera de las manos. Queremos que esto se alargue lo máximo posible”. Si escuchamos con atención All You Can Eat, la banda puede estar tranquila de ese recorrido a largo plazo. El álbum está lleno de himnos -¿alguien puede resistirse al positivismo que transmite ‘Party Like Tomorrow Is The End Of The World’- y recupera el esplendor de su primer álbum Feel The Steel tras la pequeña decepción de Balls Out, al que le faltaban algunos de esos mágicos estribillos que se han convertido en una de sus grandes señas de identidad. “Vaya, aprecio tu honestidad sobre lo que me dices de Balls Out”, asegura Lexxi. “Está bien, porque rara vez en una entrevista me encuentro a un periodista que me dice que no le ha gustado uno de mis discos. A veces me da la impresión de que la gente no escucha con atención nuestra música y que se queda todo en un plano más superficial. Puedo no estar de acuerdo con lo que dices de ese álbum, pero está bien conocer opiniones diferentes para ponernos a nosotros mismos las cosas en perspectiva”. Dicho esto, pasa a hablar de su nueva obra. “Yo creo que es nuestro mejor trabajo. Satchel ha escrito sus mejores canciones. Hay un montón de temas increíbles como ‘Gloryhole’ o ‘Bukkake Tears’ y me vuelvo loco tocando esas canciones en directo. Es nuestro disco más equilibrado. Además, a nivel personal, es el que más he disfrutado como músico. Esta vez Satchel me ha retado como artista y he tenido que

volver a motivarme con el instrumento como hacía años que no hacía. Hasta ahora, para mí, tocar en Steel Panther era divertido y disfrutaba con los temas, pero con este álbum he tenido que sacar lo mejor de mí como músico y eso lo hace más especial si cabe”. En un mundo en el que estamos rodeados de bandas insulsas, que creen que tienen cosas por decir cuando la realidad es bien diferente, en una banda como ellos puedes ver las ganas de transmitir vibraciones positivas más que necesarias en los tiempos que corren. “Joder tío, muchas gracias por lo que has dicho, porque es justo eso. No todo el mundo lo ve, pero por encima de todo lo que queremos es que la gente sea feliz y hacerle ver que todo esto vale la pena. La filosofía del sex, drugs and rock’n’roll puede ser válida si la sabes llevar bien. Nunca voy a decir a alguien que tome drogas, porque lo que puede funcionar para mí puede que no lo haga para otro, pero todo con moderación puede hacer que tu vida sea más agradable. Se trata de que escojas un buena copa de vino o que te tomes unos cuantos chupitos de Jäger. Eso es lo de menos. Simplemente escoge el veneno que te haga sentir mejor, pero que todo el mundo sea consciente que una mentalidad positiva ayuda mucho. Y me hace feliz que durante los 90 minutos que estamos en el escenario la gente pueda sentirse bien”. A la mierda Jorge Bucay, yo me apunto a la filosofía de vida de Steel Panther. La verdadera autoayuda para todos aquellos que llevamos el rock hasta las últimas consecuencias.

NOCTEM

INFIERNO IBÉRICO Mucha gente todavía no lo sabe, pero después de Angelus Apatrida, los valencianos Noctem son nuestra formación metálica con mayor proyección internacional. Sin embargo, CON Exilium, parece que esta vez el país está algo más receptivo a la hora de rendirse ante su tercera demostración de poder. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

A PRIMERA VEZ QUE VI A NOCTEM en directo pensé que este país se les quedaría pequeño en muy poco tiempo, que ‘desgraciadamente’ iban demasiado fuertes y que su profesionalidad, al menos sobre un escenario, no tenía parangón en nuestra escena. Esa dramatización black propia de Cradle Of Filth o Dimmu Borgir, esa propuesta que ya 64

dura desde 2001 tan atractiva como extrema… Pronto nos los sacarían de las manos en Europa o en cualquier lugar del globo donde el blackened death y llenar una sala no tuvieran que ser, a la fuerza, dos polos opuestos. Qué decir de su debut en 2009 Divinity y una continuación tan arrolladora como su Oblivion de 2011. Tamaño poderío en vivo y en estudio les valió para girar con Marduk

o Immolation, para ser reclamados en festivales foráneos, y con Exilium (Art Gates) va a ocurrir lo mismo. Noctem saben muy bien lo que se llevan entre manos y no parece que nada vaya a frenarlos. Clamaba al cielo que RockZone aún no los hubiera entrevistado, así que de una formación que completan Nekros (guitarra), Ul (bajo) y Vhert (batería), son Beleth (voz)

mismos. Por supuesto es enormemente reconfortante observar cómo algo que has creado con tu sudor, sangre y lágrimas se materializa en una obra que recibe elogios… Es espectacular”.

y Exo (guitarra) los encargados de respondernos de forma coral todas esas preguntas que siempre nos han rondado sobre ellos. Sobre el papel, Noctem parecen mucho más humanos que encima de las tablas. Parece que con Exilium al fin medios y público os brindan el respaldo que merecéis desde hace tiempo, ¿verdad? ¿Cómo estáis viviendo su salida? EXO “Para nosotros esto siempre ha sido una carrera de fondo, no pensamos en cuándo llegará el reconocimiento definitivo, sino en crear música y superarnos a nosotros

Ya son muchos los años que lleváis de carrera, ¿pero por qué tardasteis ocho en debutar con Divinity? BELETH “Creo que siempre hubieron dos razones principales: la primera fue que el material anterior no era lo suficientemente técnico como para hacer un álbum en condiciones, y la segunda fue, y más importante, que, con los anteriores miembros de la banda, los roles no estaban bien definidos en los primeros años y la figura del líder era inexistente, por lo que Noctem caminaba sin rumbo fijo en cualquier dirección. Teníamos una teclista y una violinista… definitivamente era una formación para hacer una música más densa y atmosférica, nada parecido a lo que hacemos hoy en día. En 2007 cambiamos totalmente la formación y Exo y yo tomamos el mando y comenzamos a labrar lo que ahora es Noctem. Este verano en el festival Leyendas Del Rock me enteré de que los antiguos miembros de la banda todavía quedan para hacer cenas privadas de lo que ellos consideran que es Noctem de verdad… En fin…”. Muchos cambios anteriormente, pero Nekros entró como guitarrista ya en 2013. ¿Le dio tiempo a componer algo para el disco? ¿Qué creéis que más ha aportado a Noctem? EXO “Nekros ha sido el último miembro oficial en incorporarse a la

“Con cada nuevo trabajo intentamos desmarcarnos un poco más del resto de formaciones extremas, y en este caso creo que hemos conseguido un sonido todavía más propio, más íbero diría” EXO

banda, es cierto. Puedo decir que sí que ha aportado, por ejemplo en cuanto a la frescura y la motivación que supone trabajar con alguien nuevo, con una visión exterior por así decirlo. Es sangre nueva, y además, un músico muy talentoso”. Ya entrando en Exilium, ‘Enuma Elish’ te pone en situación, pero ‘Apsu Dethroned’ y ‘Decrepit Human Kingdom’ vienen a demostrar que seguís fieles a la fórmula Noctem de blackened death a un ritmo infernal. No sois una banda que vaya a dar un giro vertiginoso en su propuesta de la noche a la mañana, ¿no? EXO “No vamos a lanzar un álbum con el que los seguidores de la banda no se sientan identificados, no queremos decepcionarles. Sí que creo que se puede observar una lógica evolución entre cada uno de los discos de Noctem, pero siempre siguen una línea, algo que los conecta con el trabajo anterior y, a la vez, los hace desmarcarse, pero identificando siempre al grupo”. Visto desde dentro, compositivamente hablando, ¿qué diferencias estableceríais entre Exilium y los anteriores 65

en la escucha. Personalmente odio las bandas repetitivas, y creo que una de las mayores bazas para ser un artista original es crear discos variados y que enganchen, no que aburran”.

Divinity y Oblivion? ¿Qué habéis buscado esta vez? BELETH “No hemos buscado nada más que superarnos, eso es lo que nos proponemos en todos y cada uno de nuestros nuevos álbumes. Superar el trabajo anterior y hacer que sea una progresión natural de la banda, que no sea nada forzado. Exilium creo que se diferencia de los dos discos anteriores por ser un álbum más técnico, mucho más elaborado y profesional, creo que se nota la madurez musical que ha adquirido la formación. A pesar de que lo compusimos muy rápido, en tres meses, esta vez trabajamos más las composiciones, no cayendo otra vez en canciones directas”. Es fácil asociaros estilísticamente con bandas como Behemoth, Belphegor o los mejores Dimmu Borgir, ambientalmente también con Septicflesh, ¿pero qué influencia directa pensáis que siempre se les escapa a vuestros oyentes y que vosotros encontráis básica para explicar vuestro sonido? EXO “Las bandas que has nombrado son mucho más mayores que nosotros, 66

por supuesto son formaciones que conocemos y hemos escuchado muchos de sus trabajos, les admiramos en muchos sentidos, pero creo que, además de ser la única banda española de todas ellas, aportamos frescura a la escena. Con cada nuevo trabajo intentamos desmarcarnos un poco más del resto de formaciones extremas, y en este caso creo que hemos conseguido un sonido todavía más propio, más íbero diría”. En un tema como ‘Halo Of Repugnance’, aunque siga siendo un tornado, puedo apreciar un mayor esfuerzo por ofrecer nuevos matices y no ir tan a piñón fijo como antaño. ¿Son imaginaciones mías o es una apreciación cierta? Un interludio como ‘Egregor’ también reforzaría esta idea… EXO “Es un tema más variado, no tan rápido, no tan directo, más ambiental y atmosférico, es parte de nuestra idea de crear un disco más completo y se trata de un tema 100% Noctem. ‘Egregor’ es un tipo de tema que solemos incluir desde los tiempos de Divinity, un interludio acústico que divide el álbum y crea un equilibrio

¿Y qué temáticas aborda la nueva obra? Hasta donde llegan mis conocimientos, entiendo que al mencionar a Namtar, Apsu o Eidolon, estamos ante un disco basado en la mitología griega, babilónica y sumeria. BELETH “Exilium es el título que cierra la trilogía que comenzó con Divinity. Con este nuevo disco volvemos al principio, a los inicios, y hemos querido hacer referencia a la antigua Mesopotamia, a la cuna de la civilización donde el peor mal de la tierra se formó como primera civilización para pudrir este planeta. En Exilium hablamos de los sumerios y los acadios al igual que de su mitología, sus demonios, el fervor de la batalla y la selección natural; el fuerte siempre prevalece sobre el débil”. En general, el sonido es tan cristalino como demoledor. ¿Cómo fue la grabación, dónde y con quién? EXO “Grabamos en los AGR Studios de Valencia el pasado verano con Daniel Cardoso, quien ha trabajado como productor con Anathema o Angelus Apatrida. Estuvo presente durante todo el proceso de grabación y se encargó de moldear el sonido de la banda desde el primer día. Alquilamos un chalet y pudimos disfrutar de la experiencia de estar 100% centrados en el disco, lo cual ha hecho que el resultado final sea algo mucho más compacto y cohesionado que obras anteriores”.

Vaya… Y siendo ya el tercer álbum, ¿destacaríais algo especial de ese paso por el estudio? ¿Sois ya todo unos veteranos en esta materia? BELETH “Mentiríamos si dijéramos que cada vez que pasamos por el estudio no aprendemos nada nuevo. Realmente somos muy exigentes y perfeccionistas allí, lo miramos absolutamente todo respecto al sonido y la ejecución, y muchas veces repetimos tomas hasta la saciedad para conseguir la fuerza que buscamos en cada riff, pero no creo que seamos unos veteranos… Aún nos quedan muchos discos por grabar y seguir aprendiendo”.

os vi sobre las tablas y flipé… Básicamente me quedé muy, muy impresionado. ¿Pensáis que es vuestra mejor baza? BELETH “Creo que el directo es un punto más de la banda, es una forma más de llegar al público y dar a conocer nuestra música. Al igual que te pasó a ti, hay más gente que nos ha dicho lo mismo, no conocían realmente la banda o no sabían qué hacíamos en el escenario, luego se han interesado o nos han seguido algo más la pista. También hay gente que se ha horrorizado con los shows, hay gente muy sensible que no está dispuesta a ver trozos de animales en el escenario mientras la banda toca”.

¿Y cómo surgen riffs tan brutales como los que inundan ‘Tiamat’s Crown’ o ‘The Splint Of Destinations’? EXO “La línea de guitarra es lo primero que se crea a la hora de componer los temas de Noctem, y la verdad, nos comemos mucho la cabeza a la hora de descartar riffs, y sobre todo ha ocurrido esto en este disco. Ha sido un proceso muy concienzudo y en ocasiones nos hemos comportado como unos auténticos obsesos, pero si el resultado final es bueno, yo creo que merece la pena. Por supuesto vamos a seguir así, siempre nos gusta crear temas que dejen huella, no sesiones de música, sino piezas que puedas recordar. Las guitarras son mi terreno y la verdad, agradezco mucho las aportaciones de Nekros en este disco, pues han significado sangre nueva y talento añadido”.

Cuando os he visto en directo siempre he pensado que un país cerrado y musicalmente conservador como el nuestro nunca os haría justicia… Aunque quede mal que lo digáis vosotros, ¿opináis más o menos lo mismo? EXO “España no es exactamente el mejor sitio para una banda de metal extremo, porque el estilo en sí no tiene la mayor de las aceptaciones. Hoy por hoy en España lo que se lleva es el thrash metal, por hablar de un estilo más cercano al extremo. Nosotros nos sentimos como en casa en España, no nos podemos quejar para nada, nos han acogido en festivales de la talla del Costa De Fuego, Leyendas Del Rock, Resurrection Fest, y muchas veces nos han hecho sentir como auténticos estandartes nacionales”.

La verdad es que yo os descubrí viéndoos en directo. Ya os conocía de nombre, pero

Con el anterior álbum ya girasteis con Marduk e Immolation, y ahora os vais de gira con Taake y Aeternus. ¿Cómo es percibida la banda

“Hay gente que se ha horrorizado En los shows, hay gente muy sensible que no está dispuesta a ver trozos de animales en el escenario mientras la banda toca” BELETH en el exterior? ¿Se os respeta más afuera que aquí? EXO “Pienso que Noctem encajan mejor en el exterior que aquí. Además, ya sabes que nadie es profeta en su tierra, y eso es algo que hemos vivido desde múltiples puntos de vista. Pero es como todo, tiene sus pros y sus contras, en España no hay escena pero es más fácil destacar. Por ejemplo, en Europa, sí hay una gran escena pero es un mundo abierto comparado con aquí”. ¿Qué lecciones habéis sacado de vuestras giras internacionales? ¿Qué aprendisteis de una banda como Marduk, por ejemplo? BELETH “Creo que Helion (guitarrista entre 2008 y 2013 –ndr.) aprendió a no contar chistes malos porque se llevó una hostia en la cara (risas). Bueno, esta anécdota fue con Marduk, pero la hostia se la dio un chavalillo francés de una banda soporte. Bromas aparte, cuando giras de seguido con bandas tan grandes aprendes de todo, como lo importante que es la convivencia y el saber estar, no sólo con tu grupo, sino con las demás bandas, ya que todos estáis en la carretera como una gran familia. Lo más importante es disfrutar del tiempo con ellos”.

LASANTÍSIMA

TRINIDAD

Tres cruces. Una para cada uno de los músicos que forman Crosses, la banda que une a dos viejos amigos, Chino Moreno y Shaun Lopez, con un mismo objetivo: hacer música con la mayor libertad posible. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

“Lo que mola es que desde el primer EP ha sido la gente la que corrió la voz, no dimos entrevistas, no dimos conciertos, fue todo muy espontáneo” SHAUN LOPEZ

CROSSES

tipo de expectativa”.

CROSSES

uando en agosto de 2011 Crosses colgaron un EP de cinco temas que podía descargarse gratuitamente desde su web, ninguno de los implicados -Chino Moreno (Deftones, Team Sleep, Palms), Shaun Lopez (Far, The Revolution Smile) y Chuck Doomimaginaba que su aventura fuera a llegar tan lejos. Pero casi tres años más tarde, la banda se encuentra presentando su primer álbum por Estados Unidos como teloneros de Phoenix, con una visita programada para Australia junto a AFI y con incluso una de sus canciones, ‘†he Epilogue’, sonando en la radio. Es el premio por haber seguido su instinto artístico y no haber tenido miedo de abandonar su faceta más rockera para abrazar otro tipo de sonidos. Quienes conozcan los gustos musicales de Moreno no se sorprenderán tanto al escuchar los que contiene † † † (Sumerian Records): medio tiempos ambientales de base electrónica e imaginería oscura, que Moreno ya había explorado parcialmente en los discos de Deftones y Team Sleep, pero que aquí desarrolla en todo su esplendor. El día después de que Crosses actuaran en el popular late night Jimmy

Si no me equivoco, la idea inicial era contar con varios cantantes, ¿no? “Sí. Queríamos a tres o cuatro cantantes y que se repartiesen los temas. Algo tipo Massive Attack o Gorillaz. Pero a Chino le gustó tanto que nos dijo que no quería que nadie más se involucrase (risas). Fue un alivio porque, la verdad, no me apetecía tener que lidiar con tanta gente”. Kimmel Live!, Shaun Lopez atendió la llamada de RockZone para contarnos los entresijos del proyecto. Sé que eres un amigo de la infancia de Chino, ¿pero cómo empezó a gestarse Crosses? “Fue en 2011. Conocí a Chuck a través de un amigo común porque estaba buscando un estudio para empezar un nuevo proyecto. En un principio buscaba hacer algo mucho más duro, y yo le estaba ayudando con la producción y a encontrar un buen cantante para ese grupo. Finalmente eso no cuajó, pero yo empecé a hacer música con él. En ese momento Chino era prácticamente mi vecino. Siempre que estaba en casa, venía al estudio y me hacía ponerle música en la que estaba trabajando. A Chino siempre le ha encantado mi estudio y se siente muy creativo allí. Así que me dijo si podía cantar algo encima de lo que había hecho con Chuck. Y poco a poco fue convirtiéndose en algo más real. Vimos que teníamos algo. Luego vino Chuck, acabamos el primer EP y al cabo de dos semanas lo colgamos gratis en la web. Moló mucho hacerlo así porque nadie sabía que iba a salir, así que no había ningún

¿En ese momento lo veías como un pasatiempo o esperabas que se convirtiese en una banda? “Nunca pensé que sería lo que es ahora, pero eso es lo que mola. Es lo que es porque sucedió así. No había ningún plan. Ahora estamos de gira, tenemos conciertos, ayer tocamos en la tele, cosas que nunca pensé que haríamos. No es que no creyera en la banda o que la música era buena, pero no veía posible que pudiera ser algo tan sólido. Lo que mola es que desde el primer EP ha sido la gente la que corrió la voz, no dimos entrevistas, no dimos conciertos, fue todo muy espontáneo. Y espero que siga siendo así porque lo importante es la música, no hay nada comercial detrás”. Hasta ahora habíais editado dos EPs, cuyos temas aparecen en vuestro primer largo junto a cinco temas que deberían haber aparecido en un tercer EP. ¿El plan había sido siempre sacarlo todo junto como un disco o fue algo que sucedió a posteriori? “El plan original era editar tres EPs. Sacar el primero, al cabo de un

mes el segundo y al cabo de unos meses, el tercero. Y quizá una vez estuvieran los tres sacar una cajita con los tres y material extra. Pero una vez empezamos a hablar con el sello, pensaron que era mejor editar un álbum normal con todo, lo cual tenía su lógica y tampoco era tan distinto a lo que habíamos pensado nosotros”. ¿Cuando trabajabais pensando en el formato EP, queríais darle una personalidad distinta a cada uno? “La mayoría de las canciones fueron escritas al mismo tiempo, así que teníamos claro que todo lo que sacáramos tendría una coherencia. Trabajamos aprovechando los momentos libres que teníamos. Chuck y yo hacíamos la música, y aunque Chino estuviera de gira, se la mandábamos para que pudiera ir pensando ideas. Luego cuando volvía a casa, lo grabábamos. Todo fue bastante rápido porque trabajábamos sin ningún tipo de presión. En intervalos a lo largo de un año y medio más o menos”. En el primer EP tuvisteis a Duff McKagan tocando el bajo en el tema ‘This Is A Trick’. ¿Cómo se involucró? “Le conocí a través de mi mujer. Se convirtió en amigo mío y lo típico, me preguntó en qué estaba trabajando, le puse ese tema y me dijo ‘¿Qué es esto? ¡Es buenísimo!’. Fue bastante alucinante porque Duff formó parte de una de las mayores bandas de la historia del rock. Más que grabar con él, lo divertido fue escucharle explicar un montón de historias de Guns N’ Roses. Era el momento en que estaba editando su libro, así que tenía la

memoria fresca. Es un tipo genial”. Chino siempre ha declarado su amor por el post punk, la new wave, Depeche Mode… pero me gustaría saber si tú también eres tan fan de esa música como él. “A mí me gusta todo tipo de música. No escucho una sola cosa. Creo que puedes sacar cosas buenas de cualquier estilo. Sea pop, metal o electrónica. En ese sentido, todos somos muy abiertos”. Como guitarrista, ¿te costó adaptar tu estilo a este material? “Sí, pero siempre me gusta ponerme retos. Tocar la guitarra en un grupo que no se basa en las guitarras fue muy interesante. La primera vez que mi mánager escuchó los temas de Crosses, me dijo ‘debe joderte mucho que no suene la guitarra’ (Risas). Pero en realidad, ya he tocado mucho la guitarra. Lo que más me gustó fue el trabajo en la producción. Me encanta programar ritmos. Diría que ahora me divierte más eso que tocar la guitarra. De hecho, muchas veces intento que ésta no suene como tal”. Pero me imagino que en directo los temas suenan más duros… “Un poco sí. Las hemos cambiado un poco para que sean más excitantes para el público”. ¿A quién se le ocurrió el nombre y toda la imagen del grupo? “El nombre fue cosa mía. En un principio nos íbamos a llamar Holy Ghost, pero resulta que ya había un grupo con ese nombre. Creo que

empezamos una cuenta de Twitter como Holy Ghost, pero luego cambié el nombre a las tres cruces. Me gustaba la imagen, y además, éramos tres. Luego hice el logo. Siempre me ha gustado el diseño gráfico y hacer cortos. Me gusta mucho el aspecto visual. Les presentaba mis ideas a Chino y Chuck y parecían gustarles igual que a mí. Es otro de mis papeles en el grupo”. La música es muy cinemática... ¿Pero qué influencia real tiene el cine en ella? “Creo que es algo inconsciente. A todos nos gusta mucho el cine y cuando estamos en el estudio teníamos siempre alguna película puesta sin volumen. Cosas de Fellini, de Russ Meyer, de Jodorowsky, o incluso de dibujos animados como Fantasia (risas). De algún modo, tener esas imágenes de fondo nos inspiraba”. Aunque Chino es tu amigo, ¿te cabreó que hiciera Palms también? Ya está bastante ocupado con Deftones… “No (risas). Chino es un tío muy creativo y para él es muy interesante hacer varias cosas a la vez. No tengo ningún problema con eso”. Para acabar, quería preguntarte si hay planes para reactivar Far. Me encanta ese grupo. “No por ahora. No es algo que descarte, pero tendrías que preguntárselo a Jonah (Matranga). Lo pasamos bien cuando volvimos a reunirnos, pero por ahora cada uno está haciendo sus cosas”.

DISCO DEL MES

E The Satanist (NUCLEAR BLAST) BLACK METAL

s curioso constatar cómo una convalecencia por enfermedad grave y el observar con morbo las evoluciones de un artista que se debate entre la vida y la muerte pueden atraer más miradas que el hecho de llevar más de veinte años publicando discazos. Éste es el triste aunque beneficioso caso de Behemoth, y de cómo, de acuerdo, la banda más popular del blackened death metal ha visto cómo su presente obra se convertía en una de las más esperadas del año para gran parte de la comunidad metálica. Más

BEHEMOTH

interesante es comprobar la manera en que la lucha contra la leucemia y posterior victoria sobre dicha enfermedad afectó a los ideales de su líder Nergal, y sobre todo, a su nueva propuesta musical. Sólo un hombre que se ha enfrentado a los avatares más extremos de la existencia puede reconducir su vida hacia formulaciones puras, y por eso el satanismo filosófico de los polacos es ahora creíble. Lo mismo ocurre con los nueve temas que encontramos en The Satanist. En una insospechada involución hacia sus tiempos más remotos, a

cuando publicaron Sventevith (Storming Near The Baltic) o Grom a mediados de los 90, aunque echando mano de una producción simplemente espectacular, Behemoth han abandonado el estilo que les puso en el mapa mundial, el blackened, para ponerse a disfrutar de este reciente estatus con auténtico y guitarrero black metal. Para que nos entendamos, tras cinco años de obligado silencio, en su décimo álbum la banda más grande de Polonia junto a Vader se acerca más a los Marduk actuales o a Setherial que a Belphegor o Necro-

phobic. Eso sí, sus viejos fans seguirán hallando un estilo totalmente reconocible y arrolladoramente disfrutable. También cabe recalcar que nos encontramos ante un trabajo extremo en todas las acepciones que este término pueda contener, donde la violencia que pueden desplegar temas como ‘Amen’, la brutal ‘In The Absence Ov Light’ o ‘Furor Divinus’ es totalmente proporcional a la negrísima épica que encierran ‘Messe Noire’, ‘Ora Pro Nobis Lucifer’, una ‘Ben Sahar’ que no debe tener mucho que ver con el exjugador del Espanyol, el maravilloso final que es ‘O Father O Satan O Sun!’ o la homónima ‘The Satanist’. No nos encontramos cada día ante una variedad de recursos tan rica como perfecta-

y mucho menos en recargar al oyente. El tratamiento de las voces también merece un capítulo aparte, pues la grabación en los Hertz y RG Studio y la masterización de Ted Jensen en los Sterling Sound han dado como resultado a un Nergal poderoso y aterrador, que masculla y te escupe en la cara consignas que más te valdría no entender, y es que, créanme, cuando el cantante, guitarrista y fundador de la formación te susurra su “Amen” al oído, te eriza el vello de pavor. Oscuro hasta el límite, sincero como pocos, tan tormentoso como balsámico, The Satanist inaugura para ellos una nueva página de oro que ni la mismísima muerte podrá frenar. Siendo prácticos, quizá este disco

“estamos ante un trabajo extremo en todas SUs acepciones, donde la violencia es proporcional a su negrísima épica” mente seleccionada, con la pizca justa en cada momento adecuado del plástico. Un coro excelente en ‘Blow Your Trumpets Gabriel’, un solo abrumador en ‘Messe Noire’, la infernal percusión de ‘Amen’, luego una inspiradora sección de viento en ‘The Satanist’, un sutil saxo y una acústica en ‘In The Absence Ov Light’, después un toque de teclados y orquestación allá, el bajo de Orion brillando en ‘Ben Sahar’, y la piel de gallina ante tamaño despliegue de medios entendido de la mejor de las formas, sin caer en la sobrexplotación

es lo que tendrían que haber entregado Watain y lo que podrían haber creado Dimmu Borgir hace demasiados años. Este álbum recibirá la atención de todos los medios del planeta, se centren en el metal extremo o no, pero lo que contiene desde luego no intenta convencer a más personas que las que conforman su público natural. Con The Satanist bajo el brazo y con el Diablo como aliado, a Behemoth sólo les queda disfrutar de esta merecida y recién inaugurada senda del triunfo terrenal. PAU NAVARRA

críticas

MOGWAI

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Stuart Braithwaite (guitarra, voz), Dominic Aitchison

(bajo, guitarra), John Cummings (guitarra, programación), Barry Burns (guitarra, bajo, teclados), Martin Bulloch (batería) PRODUCIDO POR: Paul Savage, Mogwai AFINES A: Explosions In The Sky, This Will Destroy You, Stereolab PÁGINA WEB: www.mogwai.co.uk

Rave Tapes (ROCK ACTION/PIAS)

POST ROCK, ELECTRÓNICA

l nuevo álbum de Mogwai ha cogido a contrapié a todo el mundo. Después de un transitar en los últimos tiempos un tanto anodino, parece que han vuelto a recuperar el mojo. Y eso, a estas alturas de partido, es tan sorprendente como si Zidane vuelva a jugar al fútbol. El combo de Glasgow parece no sufrir nunca sequías compositivas. En los últimos tiempos casi nunca han faltado a su cita editorial. Para este nuevo trabajo, hemos de decir que no estamos ante una ruptura radical con su anterior legado; de hecho, su discografía, aunque pueda parecer variada si comparamos por ejemplo Young Team con Happy Songs For Happy

People, viéndola en su glabalidad resulta del todo homogénea, y sin duda coherente. Rave Tapes presenta un título engañoso –el grupo escocés siempre ha utilizado los títulos de sus discos para algo más que hacer una atractiva frase-. Lógicamente, ni se trata de un recopilatorio de maquetas, ni mucho menos de música rave. En definitiva, no es más que un guiño al uso de la electrónica que en esta ocasión se presenta con mayor protagonismo. Pero no piensen en electrónica de baile, o en divagaciones digitales en forma de laptops o Pro Tools. Ahora se sirven de la electrónica primigenia, aquella de sintetizadores vintage de los años 70.

‘Heard About You Last Night’ sirve de cordón umbilical, y es una auténtica oda a su sonido. Es un tema con estructura piramidal, de intro y conclusión en calma y un desarrollo épico de por medio. Pero los cortes con un sonido más característico tras esta nueva vuelta de tuerca son ‘Simon Ferocious’, en el que los elementos electrónicos analógicos se combinan con su habitual arsenal sónico, y ‘Remurdered’, un nuevo gancho de izquierda que te noquea con la primera escucha. En definitiva, los crescendos ahora adquieren un matiz diferente gracias al uso de teclados retro. Mogwai regresan renovados, pero sin abandonar su identidad. LLUÍS S. CEPRIÁN

HABLAMOS CON... BARRY BURNS Mucha gente espera que Mogwai sean una banda de guitarras, pero en este disco no son para nada protagonistas. ¿Fue el trabajar en bandas sonoras lo que os llevó en esa dirección? “Mmm… puede ser. Hicimos la música para la serie francesa Les Revenants, en la que trabajamos con muchos sintetizadores, y puede que este disco sea la resaca (risas). Creo que el que nos compráramos sintetizadores nos dio ganas de jugar con ellos. Incluso Dominic toca un bajo sintetizador. Creo que todos nos aburrimos fácilmente y por eso nos gusta cambiar”. ¿Es un reflejo de que vuestros gustos también han cambiado? “Cada uno tiene sus gustos. A medida que nos hacemos mayores no sé si se parecen más o todo lo contrario. Recuerdo cuando girábamos al principio, todos escuchábamos lo mismo en el autobús, pero ahora cada uno va

con sus cascos y no tengo ni idea de lo que escuchan los demás (risas)”. ¿Cambió vuestra manera de componer o básicamente era lo mismo pero con distintas herramientas? “Básicamente ha sido como siempre. Desde el tercer disco que componemos por separado y luego ponemos en común las ideas. Esta vez teníamos unos 22 temas sobre los que trabajar. Nos funciona muy bien así. Parece increíble, pero creo que nunca hemos tenido una discusión mientras trabajamos (risas)”. ¿Cuál fue el sonido más difícil de conseguir? “Es cuestión de suerte con los sintetizadores modulares. A veces tardas cinco minutos en conseguir el sonido y otras, una hora. Dedicarle más tiempo no merece la pena porque te vuelves loco (risas). Pero la verdad es que el sintetizador del final de ‘Remurdered’ nos costó muchísimo, aunque quedamos contentos”.

En ‘Repelish’ hay una parte hablada acerca de ‘Stairway To Heaven’ y los mensajes subliminales. ¿De dónde salió? “La canción ya estaba terminada y estábamos escuchando samplers vocales. Geoff de Portishead le había regalado a mi mujer un recopilatorio, porque ella tiene un bar y pide a los músicos que conoce que le graben música, y esa parte era el primer corte. Es alguien loco de Estados Unidos hablando sobre música satánica y nos reímos tanto que decidimos incluirlo en nuestro disco”. Cuando te uniste al grupo en 1998, ¿pensaste que algún día Mogwai sonarían así? “No (risas). No creo que ninguno lo pensara. No tenemos un plan, para nosotros es normal ir variando. Hemos estado ensayando los temas nuevos y la verdad es que desde dentro no nos parece tan distinto una cosa de otra”. (MARC LÓPEZ) 75

cr í ticas

OF MICE & MEN Restoring Force (RISE)

METAL

los que leyeron la entrevista en nuestro anterior número con Austin Carlile, el vocalista de Of Mice & Men, ya les quedaron claras sus altas ambiciones y su intención de que su banda llegue a lo más lejos posible. Por ello, a nadie debería extrañarle que este tercer álbum de los californianos los desmarque del metalcore para convertirse en un grupo que empieza a mirar de reojo al mainstream norteamericano. Que nadie se rasgue tampoco las vestiduras, porque tampoco estamos hablando de un álbum pop y, además, la calidad de las canciones recogidas en Restoring Force

es de muy buen nivel. Para no hacer despistar al oyente, la inicial ‘Public Service Announcement’ ya deja entrever por dónde van los tiros. Ecos de nu metal y un trabajo vocal, tanto de Carlile como del nuevo bajista Aaron Pauley –encargado de las voces limpias-, denotan esa intención de romper barreras. Un interesante punto de partida que nos descubre a una banda con unas capacidades musicales desconocidas hasta ahora. Siguen sonando heavies en más de un momento, no creo que nadie se pueda quejar de la rabia en un tema como ‘You Make Me Sick’, pero es definitivamente en canciones como ‘Break Free’, ‘Would You Still Be There’, que puede recordar al metal FM de Disturbed o Chevelle, y el deje alternativo 90’s que revolotea en más de un pasaje donde Of Mice & Men dan pistas de la banda que pueden, y quieren ser, en un futuro muy cercano. Un paso correcto dentro de una evolución que muchos combos han intentado, pero que muy pocos han conseguido hacer en la dirección adecuada. RICHARD ROYUELA

TRONO DE SANGRE

La Mitad De Lo Que Somos, La Mitad De Lo Que Creemos (CALEIAH/MANUFACTURAS SONORAS) POST HARDCORE, SCREAMO

ste combo formado por músicos inquietos con experiencia en The Hardtops, Tuya, Emerge, Moltisanti o Gone With The Pain captaron nuestra atención con el EP Deus Ex Machina hará casi tres años. Su hardcore punk con influencias noise y metal fue un auténtico chute de adrenalina, pero nos supo a poco. Es comprensible que teniendo una agenda tan apretada como la suya, Trono De Sangre hayan tardado más de lo deseable en poder presentar su primer largo, pero como reza el tópico,

la espera ha merecido la pena. Con Koke Díez como productor, los madrileños vuelven a practicarnos una trepanación en toda regla a base de riffs retorcidos, voces gritadas, una base rítmica que tontea con el caos matemático y continuas referencias cinematográficas. Aun conservando la rabia de su anterior referencia, este primer disco les ha permitido explorar y desarrollar un número más amplio de ideas e incorporar nuevos matices. Que lo expongan todo en poco más de media hora todavía amplifica cierta sensación de agobio placentero por parte del oyente. Porque puede que los Trono no lo pongan fácil con sus constantes cambios de ritmo y unas estructuras que de entrada parecen un puzzle por completar, pero en el fondo siempre hay una línea de bajo, un fraseo de guitarra o una melodía de voz a la que agarrarse. Y es que se nota que por mucho que les gusten The Dillinger Escape Plan o The Locust (ambos más en concepto que en sonido), también han quemado los discos de At The Drive-In. JORDI MEYA

MERGE Elysion (RED CORD)

POST HARDCORE

Disfruta de un consumo responsable 35ª

a hemos comentado en más de una ocasión que a pesar de la proximidad con Francia, el intercambio musical con nuestro país vecino es más bien escaso en ambas direcciones. Seguramente la culpa sea tanto suya como nuestra, pero haríamos bien en afinar un poco el oído porque desde allí salen también sonidos tan interesantes como en el caso que nos ocupa. Merge es un quinteto de París que recientemente ha compartido escenario con Dawn Of The Maya y que tras haber publicado en 2012 un EP, Transmission, edita ahora su primer álbum a través de Red Cord Records. No sorprende que un sello americano se haya fijado en ellos, pues musicalmente encajan

como un guante en la escena post hardcore de allí con un estilo que podríamos situar entre Circa Survive y Memphis May Fire. La versátil voz de Anthony Hamin, capaz de pasar de los registros más agudos a los más rasgados sin que suene forzado, planea sobre unas guitarras que por lo general apuestan por sonidos cristalinos, aunque ocasionalmente se cargan de distorsión para lanzarnos algún que otro breakdown o riff metalero. Es muy apreciable que aun teniendo influencias metalcore, Merge no jueguen la baza de la contundencia gratuita o efectismos fáciles, sino que intenten crear momentos de pura belleza auditiva (‘Divina Comedia’, ‘In Details Part II’). A descubrir. DAVID GARCELL 77

cr í ticas

(DAMN) THIS DESERT AIR Pyramids

(BCORE/MASCARPONE)

POST HARDCORE

unque Pyramids es el primer trabajo de (Damn) This Desert Air, detrás de esta formación de New Jersey no encontramos a unos debutantes cualquiera. El quinteto peina canas, alguna calva también, y acumula ya varias batallas al frente de otras bandas como Elemae, Ex Number Five, Mercina, No Reward o The Fire Stills Burns. Aunque sus nombres seguramente no os digan nada, lo cierto es que en las filas de (Damn) This Desert Air encontramos viejos e infatigables fajadores de la escena emocore y alternativa de la East Coast norteamericana. Todo ese bagaje queda patente en Pyramids, aunque también encontrarás pasajes bastante más maduros, sosegados y casi ambientales en ‘Slave’, ‘Obvious’ y la instrumental

SÔBER Letargo (WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

ener un grupo de rock en España y pretender triunfar a lo grande con él suele ser casi un imposible. Si encima tienes la suerte de llegar a la cima, siempre habrá críticas en tu contra. Lo que llaman el precio del éxito. Les pasó a Héroes Del Silencio, les pasó a Dover, les pasó también a Sôber cuando explotaron comercialmente con un disco como Paradysso, y les volverá a pasar ahora que sacan a la calle su segundo largo tras reunificarse en 2010. Siempre llevarán esa losa de quienes no les tragan por el mero hecho de haber llegado a donde

‘Segue’. Nada que objetar. En estos registros se mueven con finura, y visten los temas con mimo, al detalle, sin prisas… Pero entonces hacen acto de presencia los riffs metálicos y los ritmos aplastantes, su genética musical se impone y aflora el hardcore que llevan dentro desde que eran unos chavales. Del bloque más fibroso del disco destacaría el cañonazo inicial, ‘Hanger’, con un parecido más que

razonable con Boysetsfire, y la épica grandilocuente de ‘Egypt’, que inspira el título. También ‘Cyclone’, con una melodía tan machacona como edulcorada que podría haber firmado el propio Jonah Matranga con sus reputadísimos Far, y esa versión del ‘Shovel’ de sus contemporáneos e imagino admirados Quicksand con la que rubrican este disco tan recomendable.

muchos sólo pueden soñar. Está claro que a todos ellos esta nueva entrega no les va a agradar, y que por el contrario, a aquellos que les encantó la última etapa de los madrileños es muy probable que acaben disfrutando con Letargo. Y es que, por mucho que los hermanos Escobedo digan que el sonido de la banda ha evolucionado, su esencia, guste más o menos, sigue siendo la misma, reconocible a la primera. Cortes como ‘Insecto’ o ‘Fugaz’ muestran su cara más directa y dura, donde las guitarras de Jorge y Antonio mandan gracias a una producción

de lujo. Otros como el single ‘Blancanieves’ y ‘Mañana’ entran directos y de inicio, en una onda que gustará más a los que les descubrieron tras el salto al mainstream. Y entre medias está ‘Capricho’, que sorprende gracias a su orquestación, haciéndoles sonar más épicos y grandilocuentes que nunca. Lástima que hacia el ecuador el álbum vaya perdiendo fuerza, entrando en la monotonía. Vamos, que Letargo es justamente lo que uno podría esperarse de Sôber a día de hoy con todo lo bueno y lo malo que esto conlleva. Ni más ni menos.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

NECK DEEP

Whisful Thinking (HOPELESS)

PUNK POP

hisful Thinking, que podría traducirse como ‘hacerse ilusiones’, es un título perfecto para el debut de este joven quinteto británico. Ni en sus mejores sueños Ben Barlow (voz) y Lloyd Roberts (guitarra) podían imaginarse que dos años después de empezar a componer temas de punk pop y colgarlos en internet como un divertimento estarían editando un disco con un sello americano y girando por Estados Unidos. Pero fuera de lo sorprendente de su historia, tiene su lógica que haya sido al otro lado del Atlántico donde hayan

tenido tan buena acogida. Su música es un puro homenaje a la segunda ola del punk melódico de finales de los 90 y principios del 2000. Esta docena de canciones te transportan a esa época en la que Blink-182, New Found Glory, Set Your Goals, Good Charlotte o Simple Plan dominaban el percal. Melodías a toda pastilla, baterías haciendo tupa-tupa y alguna parte para hacer mosh es lo que ofrecen ‘Losing Teeth’, ‘Staircase Wit’ o ‘Zoltar Speaks’. Nada nuevo bajo el sol, pero Neck Deep lo hacen con tanta convicción que seguro que conectarán con quienes vivieron todo aquello de primera mano. Y para los que no, incluso puede que les resulte fresco escuchar a una banda que simplemente se dedica a recrear la música que más les gusta en un momento en que parece que todo tenga que fusionarse con otra cosa. Está claro que de cara al segundo disco tendrán que ofrecer algo más personal, pero por ahora Whisful Thinking es una notable carta de presentación. DAVID GARCELL

críticas

NEIL YOUNG

Live At The Cellar Door 1970 (REPRISE/WARNER) FOLK

e comentaba un amigo que no le hacía ninguna ilusión escuchar material en directo de casi ninguno de sus artistas favoritos. “Se ha perdido la magia de aquellos míticos live albums, donde desde sus espectaculares dobles portadas hasta su contenido todo destilaba autenticidad”. Una sentencia atrevida teniendo en cuenta que muchas de esas antológicas grabaciones estaban en realidad retocadas y maquilladas con toda clase de trucos. Eso sin embargo no se le puede achacar a esta nueva entrega

que el canadiense saca de sus inacabables archivos, porque aquí absolutamente todo suena terriblemente auténtico, crudo, real y maravilloso. Sólo una guitarra, un piano, la inconfundible voz del protagonista, un repertorio casi perfecto y una pequeña audiencia que tuvo la enorme suerte de presenciar este íntimo show. Su historia con Crosby y compañía acababa de pasar a mejor vida, Young se enfrentaba a sus demonios en un mar de drogas y alcohol y estaba a punto de editar una de sus obras clave, After The Gold Rush. Ésa era la realidad en aquel principio de década para un artista que no tenía ni idea de lo importante que iba a ser para la historia de la música. Podréis decir que ya teníamos buenos directos de Neil Young, que se está expoliando su catálogo, y seguramente tendréis razón, pero yo escuchando ‘Cinnamon Girl’ u ‘Old Man’ no encuentro ninguna razón para otorgarle otra vez una puntuación alta, acorde a uno de los talentos más grandes que ha dado nuestra música. ANDRÉS MARTÍNEZ

KAMPFAR Djevelmakt (INDIE RECORDINGS) BLACK METAL

ampfar son especiales. Esa clase, ese poso, ese aura, ese refinado pagan black que muchas veces tira hacia un black’n’roll indiscutiblemente suyo. Dolk ya ni se pinta, qué coño. Veinte años de antigua tradición, seis álbumes sólo entendibles como un claro y sentido homenaje a la patria noruega. ‘Mylder’ despeja la niebla con su habitual maestría, ‘Kujon’ ya entraña toda la sencillez pero siempre apabullante puntería del combo nórdico. Su música va destinada al espíritu, y así se manifiesta, atemporal. Largos temas para

transitar entre la espesura, entre escarcha que resiste ante un sol languidecido. Criaturas olvidadas durante eones vuelven a la vida en ‘Blod, Eder Og Galle’, viejos poderes que despiertan ante la llamada de la agónica ‘Swarm Norvegicus’. Ésta es lenta, tan emocionante como rica en teclados evocadores que apelan a lo desconocido. No tan señoriales como los que abren ‘Fortapelse’, otra oda escandinava. ‘Do Dødes Fane’ es quizá el corte más elaborado, rápido y orquestal, que demuestra la de recursos que Kampfar pueden desplegar en su universo sonoro. ‘Our Hounds, Our Legion’ es el cierre amplio y perfecto que una obra así demanda. Djevelmakt apunta a gran disco, pero ante la pregunta de si supera a los anteriores Kvass, Heimgang o Mare, la respuesta es no. Es complicado permanecer durante tantos años al máximo nivel, por muy notable que sea este nuevo trabajo. Aun así, no defraudará en absoluto. Puro sentimiento. PAU NAVARRA

A.D.

Marcha Al Abismo (CRUZADE) METAL

e habían asegurado que este disco no contenía ‘demasiados’ solos de guitarra, así que mis tímpanos no corrían peligro de quedar perjudicados tras la audición. Creo a mi confidente y pongo el CD en el reproductor: suena ‘Esclavo Del Mal’ y a los pocos segundos un solo al más puro estilo Slayer/All Out War taladra mis oídos. Y no es el único, he contado al menos un solo de guitarra en cada canción de Marcha Al Abismo. No importa, lo entiendo, es uno de los elementos sonoros que engorila a la Metal Militia Crew. Lo que no acabo de

comprender es por qué A.D. definen su música como ‘brutal crossover’... brutos lo son un rato, pero creía que el crossover era la mezcla de metal, hardcore y punk, y aquí el tercer factor del combinado brilla por su ausencia. Los de Markina puede que tengan una actitud punk y underground, pero en su segundo trabajo este estilo yo no lo encuentro por ningún lado. A ver, tampoco es que lo necesiten: metal a dolor y unas pizcas de hardcore sobran para no dar tregua a lo largo de once temas (los tímpanos sólo descansan en los tres minutos del final de ‘Gran Traición’). Como la voz parece salida directamente del averno, los coros del resto de miembros ofrecen otro registro menos cavernoso. Por culpa de los textos de este grupo de Bizkaia, en la marcha al abismo sentiremos miedo atravesando muros de muerte hasta llegar delante del Anticristo. El Armagedón ya está aquí y álbumes como éste son la banda sonora perfecta. JORDI FORÉS

KAYSER

PÁGINA WEB: www.kaysertheband.com

AFINES A: Megadeth, Slayer, In Flames

PRODUCIDO POR: Kayser

Bob Ruben (batería)

FORMACIÓN: Spice (voz), Mattias Svensson (guitarra), Jokke (guitarra), Biff (bajo),

HAS DE SABER...

cr í t icas

Read Your Enemy (LISTENABLE) METAL

Christian ‘Spice’ Sjöstrand le recordamos sobre todo por su militancia durante los 90 en Spiritual Beggars, la aventura stoner de Michael Amott (Arch Enemy). Pero desde que abandonara el proyecto, el vocalista sueco vive una segunda carrera al frente de Kayser, banda que formó con Mattias Svensson de The Defeaced y Bob Ruben, exbatería de The Mushorrom River Band, en 2004. Orientados a sonoridades mucho más duras, Kayser publicaron dos discos y un EP entre 2005 y 2006, sin embargo tanta actividad se truncó de golpe y no ha sido hasta ahora que ha visto la luz el tercero. Si en un principio su idea

era rendir pleitesía al thrash metal, está claro que durante este periodo de silencio las cosas han evolucionado y ahora sería difícil ubicarlos en un subgénero concreto. Algo de aquello queda, claro, y en varios temas la velocidad de los riffs y los solos (‘Bring Out The Clown’, ‘Dreams Bend Clokwise’, ‘Forever In Doubts’) son los que marcan la pauta, pero en otros tantos Kayser no se casan con nadie. Por ejemplo en ‘I’ll Deny You’ se desmarcan con un estribillo bastante pegadizo que los acerca al metal más contemporáneo, mientras que ‘Almost Home’ se sirve de un riff a lo Black Sabbath para hacernos cabalgar. Y quizá ahí se encuentre la

mayor virtud y a la vez el mayor defecto del disco. Si por un lado su variedad hace que Read Your Enemy se escuche con suma facilidad, por otro su indefinición hace que nada acabe de calar del todo y no quede clara cuál es la verdadera personalidad del grupo. La producción, tirando hacia sonidos más actuales, desde luego juega en su contra en ciertos momentos. A favor de Spice hay que decir que vocalmente conserva la fuerza de antaño y sabe amoldarse a los distintos registros, pero con lo dura que está la competencia cuesta pensar que Kayser logren el impacto que esperaban con su vuelta. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... SPICE ¿Por qué habéis querido reactivar Kayser ocho años después de vuestro último disco? “Siempre estoy trabajando en ideas para el grupo y sabía que tarde o temprano haríamos un nuevo disco, pero nos costó un poco saber en qué dirección queríamos ir. Fue un proceso largo. Además, tuvimos muchos problemas con el sello anterior. Tuvimos que solucionar eso y también un par de tíos del grupo también tuvieron sus propios problemas. Y por otra parte, también estuve ocupado con mi disco en solitario. Ahora estoy mezclando uno nuevo. Es muy variado. Un tema suena a Dire Straits y otro a Black Sabbath (risas)”. Cuando empezasteis la idea era hacer una banda de thrash metal, pero Read Your Enemy no es un disco de revival de ese estilo. ¿Cómo ha evolucionado la idea que tenías del grupo

con los años? “La idea de la banda se me ocurrió hacia 2003, pero luego sufrí una parálisis facial y perdí la capacidad para hablar. Tuve que aparcarlo todo, incluida mi carrera musical. Al cabo de un año, cuando me recuperé, te aseguro que tenía muchas ganas de dar caña (risas). Conocía a Mattias de unos años atrás y fue la primera persona en la que pensé. Quería hacer algo en plan Slayer, pero a los otros tíos del grupo no les gusta Slayer (risas). Sólo al batería y a mí. Así que todos tuvimos que llegar a un acuerdo. Este álbum es complejo. Teníamos un montón de ideas”. Eso a priori debería ser algo bueno… “¡Y lo es! Pero lleva a infinitas discusiones entre nosotros. Somos muy cabezotas y no es fácil ponernos de acuerdo”. ¿Cómo te sientes siendo un músico con tanta experiencia teniendo que dar a conocer a

una banda que para mucha gente es nueva? “Lo complicado es no quedar perdido entre toda la avalancha de bandas. Ya no estamos en 1994. Es triste. Es muy difícil sacar dinero de esto. Antes solía vivir de esto, pero ahora es difícil. Saco algo, pero básicamente vivo de mi mujer (risas)”. Bueno, mientras ella lo acepte… “Llevamos mucho tiempo juntos, así que lo acepta (risas)”. Mucha gente todavía te recuerda como el cantante de Spiritual Beggars. ¿Cómo recuerdas esa época? “Me siento muy orgulloso. Hicimos algo que era distinto y logramos que funcionara. Pero tenía muchos problemas con las drogas entonces... Aun así, tengo muy buen recuerdo, especialmente de España. Abrimos para Iron Maiden y fue genial”. (DAVID GARCELL)

críticas

LIVING DEAD LIGHTS Black Letters (GB SOUND)

HARD ROCK

stán causando bastante revuelo agitando la escena de clubes de Los Ángeles y dicen que son una apuesta personal de Doug Goldstein, ya sabéis, uno de los nombres que puso a gente como Guns N’ Roses o Mötley Crüe en la cumbre. Ahora todo es diferente, no estamos en los 80 o en los 90, el mercado ha cambiado, la industria discográfica prácticamente ha desaparecido y es complicado que ningún nuevo nombre, por prometedor que sea, reviente las listas. Ahora bien, si volviéramos a la época preinternet, es más que probable que este cuarteto pudiera llegar a ser the next big thing de la escena, porque aptitudes tienen de sobra, poseen buenos temas, una imagen convincente y por lo que dicen las críticas que nos vienen de fuera, sobre un escenario lo petan. Dead Letters es un gran disco de hard rock, con el estilo y las

A Etilla

(SOLITUDE PRODUCTIONS)

FUNERAL DOOM METAL

o se conoce de qué recóndita parte de Rusia proceden. Quiénes son o cuántos, ni siquiera posibles identidades falsas. Qué instrumentos tocan. Ni fotografías ni nada. Solamente se contempla desde 2005 la majestuosidad de su funeral doom cual virginal amanecer en el Jardín del Edén. Uno se rinde en genuflexión durante los 49 minutos con 12 segundos que dura ‘A Etilla’, el único corte que compone el quinto álbum de Ea, y tras extraviarse entre los textos sagrados en

influencias bien marcadas en lo que se hizo entre principios y mediados de los 90, pero a la vez suenan frescos y actuales. Seguramente esto va a sonar muy marciano, pero es como un cruce bastardo entre los Skid Row más melódicos y los Foo Fighters más desenfrenados. Por ahí, aunque suene raro, van los tiros. De todas maneras, no todo son parabienes... En algunos medios se les ha atizado con saña por el exceso de melodía de alguno de sus hits (he llegado

a escuchar que son como una continuación de lo que hicieron olvidados líderes del nu metal como Papa Roach), algo que por otra parte no pueden negar por mucho que su cantante Taka Tamada nos quiera convencer de que son una banda punk. Dadles una oportunidad, convincentes pepinazos como ‘I’ll Be Your Frankenstein’ (lo más kamikaze y punk rock del lote), ‘Follow’ o ese pegadizo single titulado ‘This Is Our Evolution’ lo merecen.

lenguas muertas que usan como lírica se descubre ante la magnificencia de esta hermética formación. Especialistas en las larguísimas composiciones, lo cierto es que ya en 2012 se atrevieron con un solo corte copando todo el recorrido de su disco homónimo. Ahora vuelve la lentísima belleza, los pasajes evocadores, el espectacular dominio del ritmo para que no decaiga la audición, el crescendo celestial, el abrumador peso de lo divino frente a la levedad del ser humano. Un ejercicio hercúleo que por

mera concepción ya debe alejar a oyentes de andar por casa y enteradillos que quieran ponerse medallas escuchando singles en 30 segundos. Hay música tan mayúscula y espiritual que ni siquiera una suculenta llamada de según qué festivales podría mancillar. Hay ciertas expresiones artísticas que demuestran que la ciencia no puede explicarlo todo. Revelador como el prohibido Evangelio De Judas, arcano como el Poema De Gilgamesh. Éste puede significar el primer peldaño hacia la Verdad.

ANDRÉS MARTÍNEZ

PAU NAVARRA

LOVE DIVISION

Anthems For The Lost Generation (WELCOME TO THE OTHER SIDE MUSIC)

ROCK

ove Division es una banda que me intriga a la par que me atrae desde que la descubrí. Porque no es habitual que tres músicos procedentes de Madrid y Bilbao formen un grupo en Nueva York y que su primera referencia sea un directo grabado en la mítica sala CBGB. Desde ese Live In NYC le he intentado seguir la pista a su rock adictivo hasta llegar a Anthems For The Lost Generation, su tercer trabajo. El título está íntimamente ligado con el concepto y el artwork, los cuales remiten a la imaginería del comunismo soviético. Para quien no

los conozca todavía, Love Division presentan sus credenciales en el segundo corte del álbum (‘End In The Beginning’ es una intro acústica): primero la batería de Enrique Parra, luego el bajo de Tony Wanhjör y, a continuación, la guitarra y voz de Ricardo de Abiega. Gracias a ‘Chain Of Command’ y a otros cortes destacables (como ‘The Unkept Promises Of Communism’, una ópera rock donde se mezclan acústicas, guitarrazos y discursos políticos), podríamos hablar ya del disco de plena madurez de un power trio que supura rock (a lo Sex Museum, Nothink), que se nota que ha mamado bastante punk (Bad Religion o Green Day servirían como referentes) y otras muchas cosas: por ejemplo, el solo de batería del principio de ‘Case Study: The Strongest Of Them All’ es clavado al de ‘You Could Be Mine’ de Guns N’ Roses. Guitarrazos, generosidad y una complicada gestión de las marchas de velocidad para una banda especial. JORDI FORÉS

THE RIFF TRUCKERS Healing The Soul (AUTOEDITADO)

ROCK AMERICANO

u anterior disco On Route tardó una buena temporada en salir de mi reproductor. Estos vascos sabían hacer rock’n’roll, joder si sabían... A pesar de proceder del norte peninsular, escuchabas su música y la mítica Ruta 66 te venía a la cabeza a la velocidad de la luz. Rock americano de primera calidad, con influencias del outlaw country, del southern rock y del boogie más infeccioso que te puedas echar a la oreja. Ahora vuelven tras haber financiado la grabación a través de Verkami, y eso a pesar de haber ganado en Villa de Bilbao y de tocar

en el Azkena... las cosas están así de mal. La que no está deteriorada es la salud del grupo, que a juzgar por cómo suena este Healing The Soul, se encuentra en un estado de forma pletórico. El paso adelante dado es gigantesco... Normal, han tenido tiempo de tocar mucho, de madurar su propuesta, de componer a saco, y el resultado es un discazo de puro hard boogie blues rock´n´roll que tira de espaldas. Montones de guitarras rindiendo tributo a gigantes como ZZ Top, Lynyrd Skynyrd o los Status Quo que todos amamos, y gente más contemporánea e igualmente adorada como The Four Horsemen, Raging Slab o Nashville Pussy. Como ves, puro y grasiento rock’n’roll. Si os va este rollo lo tengo fácil para convenceros: tan sólo tenéis que escuchar ‘4 AM’, una brutalidad sureña donde las guitarras arrasan. Si eres de los exigentes o simplemente un poco rarito y todavía necesitas algo más, métete en vena ‘Stranger’ con su trote country y su increíble crescendo y seguro que flipas. ANDRÉS MARTÍNEZ

cr í ticas

ENCONO Encono

(BCORE/MASCARPONE)

POST HARDCORE

n viento enconado puede derribarnos, arrastrarnos o, peor aún, separarnos. El poeta y dramaturgo Miguel Hernández, republicano convencido hasta su dolorosa despedida entre rejas, se refería en estos términos a nuestro país en uno de sus comprometidos poemas. En pleno siglo XXI, su querida España sigue dividida, fragmentada, y tres paisanos afiliados al post hardcore de corte clásico (véase Dischord) han recogido el testigo con Encono. Porque la nueva apuesta de BCore destila malestar, inconformismo y rencor en sus primeras siete poesías musicalizadas. Su homónimo debut te inocula todo eso. Desde los redobles y las estrofas atropelladas de la inicial ‘Tiempo Para El Hombre Muerto’, despachada en apenas dos minutos de punk’n’roll a lo No

SUPERSUCKERS Get The Hell (ACETATE/PIAS)

ROCK’N’ROLL

los Supersuckers bien podríamos meterles dentro de esa categoría de formaciones que no van a cambiar el mundo ni la vida de nadie, pero que si de repente dejasen de existir no seríamos precisamente pocos los que les echásemos de menos. Y teniendo en cuenta que han pasado cinco años desde el flojete Get It Together, la llegada de un nuevo plástico de los chicos de Eddie Spaghetti a las estanterías es digna de celebrarse con una cerveza bien fría mientras ponemos el volumen a tope en el coche. Sí, amigos, los de Seattle recuperan su

More Lies. ‘El Interlocutor’ se sirve de una guitarra oscura, interrumpida en seco por una base rítmica pesada, encargada de rematar el tema al ralentí. Y por si fuera poco el dramatismo que adquiere el plástico, ‘Desenlace Trágico’ hace honor a su nombre con un aumento progresivo de la intensidad tremebundo. Antes, cabe decir, se marcan una betunizada muy sugerente: ‘Delante, Atrás, Qué Bien

Nos Sale. Ven Y Dale’. Porque no todo podían ser poesías… Después de ‘Bipolar’ es el turno de la casi instrumental ‘Tu Crueldad’ y ‘Crecer Rápido’, con un rollo surfero en los primeros compases y una posterior explosión digna de los mejores Metz. Sin lugar a dudas, este debut, rematado con la visceral ‘Duelo’, es uno de los más firmes candidatos a disco revelación del año.

mejor nivel, aunque sin llegar a la excelencia de The Evil Powers Of Rock ‘N’ Roll y Motherfuckers Be Trippin’. Nada de medios tiempos ni devaneos con el country. Get The Hell es un disco que sabe a lo que va, lo que esperas de él y encima, te lo da. Ni más ni menos. Rock directo y sin contemplaciones. Rápido y con buenos coros para cantar en sus conciertos (‘Something About You’, ‘Get The Hell’) y las guitarras sonando bien fuerte. Poca novedad vamos a encontrar salvo algún corte que nos podría recordar a los Social Distortion más melódicos, como en ‘Pushin’ Thru’,

algún arreglo testimonial de armónica (‘Fuck Up’) o una curiosidad como la cover de Depeche Mode ‘Never Let Me Down Again’. Insisto en que Get The Hell seguramente no aparecerá a final de año entre lo mejor de la cosecha de 2014, y es hasta probable que cuando saquemos el siguiente número de RockZone ya ni me acuerde tan siquiera que existe... Pero sólo por el buen rato que me hace pasar, merece la pena abrir otra lata mientras lo hago sonar de nuevo. Si es que las cosas simples no deberían cambiar nunca...

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

DIFÍCIL EQUILIBRIO La Pèrdua (MUSEA)

ROCK PROGRESIVO

ntuyo que la etiqueta de grupo ‘crimsoniano’ va a colgar de los ropajes de Difícil Equilibrio hasta el final de su longeva carrera (veintipico años ya, contando su etapa como Clan), por mucho que en los últimos tiempos se hayan ido despojando de rastros carmesíes y que este disco en particular contemple un abanico de estilos bastante variado, aunque homogeneizado por la fuerte personalidad de la formación. Cierto, cierran con una versión en directo de ‘21st Century Schizoid Man’, Lluis Rodrigues sigue

baqueteando con una contundencia y versatilidad que enorgullecerían al mismo Bill Bruford, y el rock progresivo es aún la turbina que mueve todo el mecanismo, pero su nuevo trabajo es en su primera mitad un disco abierto, receptivo, por momentos asequible a oídos más puestos en el pop, y en él se reflejan destellos del soleado sinfónico italiano de los años 70, retazos del hard progresivo de la misma época y reminiscencias del sonido del sello Delerium (la casi bailable ‘Reacción En Cadena’ me trae a la cabeza a Ozric Tentacles, mira tú por dónde). En el segundo tramo recuperan en una suite de cuatro temas el tono oscurantista ‘in Aspic’ de los discos anteriores, y los tres cortes de cierre son una propina grabada aquí y allá en años diferentes que lo que lleva a pensar es que la diferente, ahora y entonces, es España, por obviar durante tantos años a un grupo de la talla de Difícil Equilibrio. No hagan ustedes lo mismo. JESÚS BROTONS

OUTSHINE

Prelude To Descent (DEAD TREE MUSIC)

ROCK GÓTICO

iempre es difícil escuchar nuevas bandas que puedan aportar algo original, pues es cierto que el panorama está saturado y es difícil destacar sobre todo cuando uno se cierne a los parámetros de un género concreto. Aunque estos suecos llevan intentándolo desde 2007, no ha sido hasta ahora que han hecho algo de verdad interesante. Con el fichaje de un nuevo vocalista, Micke Holm, han dado en el clavo, y por otra parte ayuda que hayan conseguido una

producción cuidada, pero no sobresaturada como a veces ocurre en este tipo de música. No olvidemos que su estilo va por el lado del gothic rock, con suficientes elementos para ser considerados, a su vez, metal. Lo importante es que nos encontramos ante una banda con ideas muy claras y aunque no descubran nada nuevo en el horizonte, lo practican de una forma fresca. Viniendo de Suecia, país de muchas bandas que desatan pasiones a lo largo de Europa, Outshine también podrían conseguirlo. De hecho, deberían lograrlo. Lo digo porque hacen buenas canciones, de ésas que tras una única escucha ya puedes recordar sus melodías, y eso es algo que pocos consiguen. En realidad, con este Prelude To Descent prueban que no tienen nada que envidiar a sus mentores. Su propuesta seguro va a satisfacer a todos aquellos buscadores de largas y emotivas melodías inmersas en la oscuridad y la tiniebla. JOAQUIM VALLS

c ríti c as

PRIMAL FEAR

Delivering The Black (FRONTIERS) POWER METAL

a los tenemos aquí, sin fisuras, prestos para una nueva lección de verdadero metal. Para su décimo álbum, el irrompible tándem formado por los fundadores Ralf Scheepers y el bajista Mat Sinner ha ideado otra vez un trabajo de power de la mejor cosecha y un sonidazo reconocible como Primal Fear desde el primer instante. ‘King For A Day’ inaugura el disco a lo grande, ‘Rebel Faction’ es un estupendo cohete oscuro, pero como aquí hay para todos, ya en la tercera ‘When Death Comes Knocking’ se aventuran en esas tesituras más reposadas

y de medio tiempo que empezaron a introducir en su New Religion de 2007. Producido por Mat Sinner y mezclado y masterizado por Jacob Hansen, lo que más llama la atención de esta obra son las fantásticas guitarras y el estado de forma del voceras Scheepers. ¿Es que para este hombre no pasa el tiempo? Puedes escuchar su primera aparición con Gamma Ray en los 90 y luego Delivering The Black, y no sólo hallar el mismo poderío, sino mayores registros. ‘Alive & On Fire’ es rockera, pero pronto la autoreivindicativa ‘Delivering The Black’ recupera la senda cañera para que ‘Road To Asylum’ te ponga también en tu sitio. Considero que, aunque trabajadísimas, ‘One Night In December’ y ‘Born With A Broken Heart’, donde incluso colabora Liv Kristine, no ayudan a que la obra mantenga el ritmo… Aun así, y con un cierre como ‘Inseminoid’, Primal Fear siguen siendo de las pocas bandas power que aún merecen un respeto. PAU NAVARRA

DR. DOG B Room (ANTI/PIAS) POP

ué habilidad la de esta panda de freaks, qué manera de reinventarse, de metamorfosear su propuesta, de destapar sus influencias sin tapujos y a la vez, de sonar tan personales, porque basta escuchar esa oda al soul y al Philadelphia Sound titulada ‘The Truth’ para darte cuenta que, a pesar de que suenen más negros que nunca, son Dr. Dog sin ningún tipo de duda. Sí señor, siguen jugueteando con todos los sonidos que aman y pueden meter algo de psicodelia sesentera (beatleniana en su mayoría) por aquí o algún ramalazo de pop de alta calidad por allá, pero aquí

esta vez hay mucho, mucho soul, en una cálida grabación realizada en su recién estrenado nuevo estudio, que además le ha dado nombre al álbum. Dicen que el tener este nuevo cuartel general, el B Room Studio, donde se pasan los días y las noches tocando, componiendo y experimentando, ha tenido mucho que ver en una explosión de creatividad que probablemente haya dado como resultado su mejor álbum. A pesar del gran sentimiento negroide que se respira en esta grabación, hay que dejar claro que no se olvidan de construir otros paisajes sonoros igual de atractivos. Escucha esa gema pop trufada de banjos y voces a lo Beach Boys titulada ‘Phenomenon’, por no hablar de esa dylaniana ‘To Weak To Rumble’ o la luminosa ‘Distant Light’, una de esas piezas capaces de arreglar el día más cabrón que hayas podido tener. Dice Scott McMicken que han querido hacer un disco acogedor y sexy; pues quedaros tranquilos porque lo habéis conseguido. Una delicatessen de verdad. ANDRÉS MARTÍNEZ

JOHN THE CONQUEROR The Good Life (ALIVE) BLUES, SOUL

erán John The Conqueror el próximo hype adoptado por el gran público? A juzgar por cómo les está tratando la prensa más indie y el interés que están despertando entre los ambientes más modernos, lo más probable es que sea así. Son buenos, impecables músicos, Pierre Moore es un gran guitarrista y un buen compositor, la base rítmica formada por Michael Gadner y Ryan Lynn suena poderosa, y esa mezcla entre blues, soul y classic rock que practican es resultona y convincente a partes iguales... sin embargo, algo falla. Tanto en esta última referencia como sobre un

escenario hay demasiada pulcritud, demasiada frialdad, y esa mezcla que debería resultar caliente y explosiva no acaba de convencer. No me entendáis mal, el disco cumple, hay suficiente buen material aquí como para que nos acerquemos a conocer lo que nos tienen que ofrecer, desde ese soul funk titulado ‘What Am I Gonna Do’ hasta el blues descarnado de ‘Mississippi Drinkin´’, pasando por cortes netamente comerciales como ese enganchoso ‘Get Em´’ o ese inmaculado soul blues llamado ‘John Doe’, pues aquí sin duda hay buenas ideas y notable música, pero no podemos hablar de ellos como de una banda de primera división, y mucho menos compararlos con gigantes como North Mississippi All Stars como he podido leer por ahí. Una promesa que apunta maneras a la que quizás se la esté encumbrando demasiado pronto, algo que a la larga les puede hacer más daño que otra cosa, aunque no me extrañaría verles triunfando en el Primavera Sound del año que viene. ANDRÉS MARTÍNEZ

LUMERIANS

The High Frontier (PARTISAN) PSICODELIA

l quinteto de Oakland vuelve a acertar con su space psicodélico prog rock. Famosos por sus proyecciones de arte visual, Lumerians enamoran con sus ritmos que surgen del krautrock y los sonidos de la psicodelia africana y sudamericana de los 60 y 70 para darnos una vez más un carrusel de riffs repetitivos, fuzz por un tubo

y formas electroétnicas que invitan al baile. Basándose en la obra literaria de mismo título y ahora sin la sabiduría del multiinstrumentista Luis Vazquez, este The High Frontier goza de una mayor presencia vocal y un ingenio compositivo que no desmerece a ninguna de sus obras antiguas. Alejados de otras bandas incluidas en el saco como Dead Moon, el quinteto de la San Francisco Bay Area, con temas como la tremenda e inicial ‘Dogon Genesis’ donde sus riffs monótonos recuerdan a unos Dead Skeletons, ‘High Frontier’ donde sus cambios de ritmo la convierten en notable, los ritmos de la India de ‘Koman Tong’ o los apabullantes 6 minutos de ‘Life Without Skin’, nos regalan otra obra disfrutable y dispuesta de múltiples espacios donde sumergir tus sentidos. CARLES RAMÍREZ 89

críticas

BAND OF HORSES HAS DE SABER... FORMACIÓN: Ben Bridwell (voz, guitarra), Tyler Ramsey (guitarra), Bill Reynolds

(bajo), Ryan Monroe (teclados), Creighton Barrett (batería) PRODUCIDO POR: Band Of Horses AFINES A: My Morning Jacket, The Jayhawks, Crosby, Still & Nash PÁGINA WEB: www.bandofhorses.com

Acoustic At The Ryman (BROWN/POPSTOCK!) AMERICANA

n un país con una historia relativamente corta como Estados Unidos no es fácil encontrar edificios con un gran significado simbólico, pero sin duda el Ryman Auditorium de Nashville lo es, y por eso está calificado como un edificio histórico por el gobierno americano. Inaugurado en 1892, fue el hogar de las retransmisiones del Grand Ole Opry entre 1943 y 1974 en las que se dieron a conocer todas las estrellas de la música country y, a día de hoy, sigue acogiendo las actuaciones de todo tipo de artistas que quieren beneficiarse de su prodigiosa acústica. Dentro de la música americana es lo más parecido que tienen a un gran teatro de la ópera.

Por todo ello tiene todo el sentido del mundo que Band Of Horses quisieran grabar un directo allí y, además, decidieran hacerlo en formato acústico. Aunque en sus discos de estudio el grupo liderado por Ben Bridwell ha ido progresivamente añadiendo más y más capas de sonido y su público se haya multiplicado exponencialmente, en esencia siguen siendo una banda de country folk. Escuchando estas diez canciones grabadas con una gran calidez durante dos conciertos en abril del año pasado nadie dudaría en situar a Band Of Horses en la tradición de Crosby, Still & Nash o America, más que en la de las bandas indies con las que coinciden en

muchos festivales. El quinteto desnuda aquí sus temas a la mínima expresión, sin florituras innecesarias y dando un gran protagonismo a la voz de Bridwell y a las armonías vocales. Es una auténtica delicia escuchar cómo juegan con ellas en ‘Everything’s Gonna Be Undone’ o la parte a capella de ‘Neighbor’. Y hay momentos, como la emotiva ‘No One’s Gonna Love You’ o la versión con piano de ‘The Funeral’, que ponen los pelos de punta. Lo único que sabe mal es que no se hayan decidido a meter algunos temas más porque la verdad es que esta decena de cortes, en la que quedan representados sus cuatro discos, se queda corta. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... BILL REYNOLDS El que hayáis grabado un directo en formato acústico parece muy apropiado para una banda como Band Of Horses. Me imagino que para vosotros fue algo completamente natural hacerlo. “La verdad es que sí. Muchas veces tocamos en acústico cuando vamos a programas de radio y cosas así, pero nunca habíamos tenido la oportunidad de grabar un concierto. Así que poder hacerlo en el Ryman era genial. No es que le diéramos muchas vueltas, pero al público le gustó mucho y después de dos noches salimos de allí con una muy buena grabación. Por eso nos decidimos a publicar el disco”. El álbum suena fabuloso y muy natural. Me imagino que no habéis retocado nada, ¿no? “No, no hay ningún retoque. Lo que tocábamos se colaba en los micros de los demás, así que era imposible hacer nada (risas). De hecho, ése era uno de

los miedos que teníamos, que hubiese demasiado fallos y no pudiésemos editarlo. Y aunque hay alguno, ninguno lo suficientemente grave”. El Ryman es un local con mucha historia. ¿Es algo que se nota desde el escenario? “Sí, es algo que notas nada más entras allí. Para empezar, el sonido es inmaculado. Das una palmada y notas el eco. Eso hace que toques mejor. Y por otra parte mucha de la música americana surgió de ese edificio. Muchos artistas grandes debutaron en el Grand Ole Opry, así que su importancia es enorme. Es como una catedral”. ‘The Funeral’ es la canción que se lleva los mayores aplausos. ¿Suele ser así en todos los conciertos? “Sí, es nuestra mayor canción. Ha salido en series de la tele, películas, así que la gente la reconoce. No sé si es nuestra mejor canción, pero es la más popular (risas). Lo curioso de

esa versión es que decidimos tocarla sólo con piano y bajo una hora antes de salir a tocar. Nunca la habíamos tocado de esa manera, pero la verdad es que salió muy bien. Con este grupo suelen ocurrir cosas como ésta... cuanto menos planeamos las cosas, mejor salen (risas)”. ¿Crees que el haber grabado este acústico tendrá alguna influencia en la línea del próximo disco de estudio? “No. Siempre habíamos querido grabar un disco acústico, pero no queremos convertirnos en una banda de ‘soft rock’ (risas). Posiblemente vayamos en una dirección totalmente opuesta”. ¿Estáis muy metidos ya en el nuevo disco? “Tenemos muchos temas escritos. Entraremos en el estudio en abril. Estamos contentos porque está empezando a tomar forma, pero todavía no sabemos muy bien cómo acabará siendo. Es emocionante”. (JORDI MEYA)

críticas

SEBADOH

Defend Ourself (DOMINO/PIAS) INDIE ROCK

in ser un gran amante de los regresos musicales, siempre hay algunos que hacen cierta ilusión y éste es uno de ellos. Son 15 años después que Lou Barlow, Jason Loewenstein y Bob D’Amico han decidido volver a la actualidad, pero no es tan grave cuando uno sabe que Barlow lo hizo muy bien cuando sus Dinosaur Jr. de toda la vida decidieron hacer lo mismo en 2007. Al igual que éstos, que cambiaron noise por mayor melodía, los reactivados Sebadoh se mueven por las mismas coordenadas y casi les sale igual de bien. Cual batalla compositiva, Barlow y Loewenstein se reparten la tarea y como resultado les ha salido un disco como mínimo digno, que ya es mucho. Lo cierto es que muchos de sus

BOTTLE ROCKETS Bottle Rockets/ The Brooklin Side Reissued (BLOODSHOT)

ROCK AMERICANO

ottle Rockets son, probablemente junto a Uncle Tupelo, los responsables de que la música de raíces americana (o el alt country, la etiqueta que la prensa cool se sacó de la manga) viviera una época dorada a mediados de los 90. Los tipos eran gente rural, habían crecido con el country, el blues y también el punk rock, y de esa bastarda unión nació su estilo, una forma de hacer música que más tarde influenció de manera notable a gente tan importante como Whiskeytown, Drive By Truckers o a tantos otros. Después de un tiempo

temas gozan de una gran calidad con unas melodías vocales muy acertadas que no me extrañaría que Barlow las tuviera pensadas para los Dinosaur Jr. de los tres últimos discos. Que nadie espere aquel virulento post hardcore y alt rock grunge de finales de los 80 porque no lo va a encontrar; son otros tiempos y ellos no son unos chavales, pero sí que demuestran hacer lo que mejor saben hacer

y no se esconden en ñoños ritmos, sino que abordan las canciones con justa energía y muchas ganas de saber que no han vuelto sin tener material bueno. ‘I Will’, la instrumental ‘Once’, ‘State Of Mine’ o ‘Final Days’ son cortes de este disco que convencen, gustan mucho y no se conforman con sólo recordar al pasado... Y de eso se trata.

descatalogados, Eric Roscoe Ambel (productor de la banda, además de ser miembro de Del Lords) se metió en el estudio, buceó en los archivos y remasterizó las cintas originales añadiéndole demos, jams acústicas y antiguos temas inéditos rescatados de los tiempos en los que todavía se hacían llamar Chicken Truck. Todo un ejercicio de investigación que duró más de un año, aunque el resultado ha sido espectacular. Un placer volver a disfrutar de clásicos del root rock como ‘Trailer Mama’, ‘Kerosene’, ‘Sunday Sports’ o ‘1.000 Dollar Car’, pero aún más placentero

resulta descubrir pequeños tesoros escondidos como esa ‘Farmer John’ donde se hacen acompañar del mismísimo Gary Louris o esas piezas acústicas tocadas y compartidas con Uncle Tupelo en los tiempos en los que ambas bandas compartían hasta local de ensayo. Los dos discos originales, una veintena de piezas inéditas, más un libreto donde colegas como Lucinda Williams, Steve Earle, Patterson Hood, Bun E. Carlos o Jason Ringenberg te cuentan el porqué has de ser fan de esta banda hacen de este lanzamiento oro puro.

CARLES RAMÍREZ

ANDRÉS MARTÍNEZ

MASSACRE

Back From Beyond (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

a insistencia de los fans y la fiebre de los retornos han hecho posible que, 18 años después, volvamos a tener un nuevo álbum de Massacre. Mejor no entrar en detalles acerca de su Promise de 1996, pero lo que está claro es que su debut From Beyond de 1991 es una de las mayores maravillas escondidas que dio el death metal de Tampa. Creados en 1984 y reformados varias veces, Massacre siempre fueron la última prioridad de su alma máter, el bajista Terry Butler, que suficiente trabajo ha tenido siempre con Death, Six Feet Under, Obituary o Denial Fiend. Lo

mismo puede decirse del otro principal compositor del combo, el guitarrista Rick Rozz, y es que si escuchando esta obra te viene a la mente el genio creativo de Chuck Schuldiner es porque éste también tocó en Mantas/Death. De esta forma, con semejantes hojas de servicio, lo único que hallarás en estos generosos 14 cortes es death metal de la mejor y más vieja escuela estadounidense. No es hasta ‘Ascension Of The Deceased’ que empezamos a discernir de lo que es capaz a día de hoy el cuarteto, con el bajo de Butler martilleando altísimo, sin cesar, y Ed Webb ladrando tanto en plan Exhumed como también Benediction. Con canciones como ‘Darkness Fell’, ‘Succumb To Rapture’, ‘Remnants Of Hatred’, ‘Sands Of Time’ o ‘The Evil Within’, está claro que estamos ante un trabajo muy equilibrado, que alterna lacerantes medio tiempos con la justa pizca de velocidad, con solos de aúpa, ruidoso y pesado, que sólo pueden firmar veteranos de verdad. Así sí vale la pena volver de entre los muertos. PAU NAVARRA

EAGULLS Eagulls

(PARTISAN/HOUSTON PARTY) INDIE ROCK

ucha gente está apostando por esta nueva banda inglesa y creo que mucho no se van a equivocar. Son cinco, muy jóvenes y con lo que hay que tener. Su post punk lo-fi con una atractiva voz que se alza entre una maraña de sonido y que se esconde en su homónimo debut ya ha conquistado a mucha gente y se ha hecho escuchar en bolos de Hot Snakes o Fucked Up. Los de Leeds ha conseguido un primer disco más creíble y sincero que el que hicieran The Horrors; ahora estaría

bien que tuviera la misma buena progresión y crecieran noblemente, pero no les leamos el futuro, que ya llegará, y centrémonos en lo que tenemos entre manos, que no es poco y no está nada mal. Admirable es siempre comprobar cómo unos músicos tan jóvenes reproducen tan bien y con tan buen gusto sus influencias y crean un noise con clase que despunta por méritos propios. Eagulls consiguen que diez temas cortados por el mismo patrón y con desarrollos muy similares no te aburran y obtengas rápidamente tus preferidos. Para gustos los colores, pero para mí lo son sin duda la inicial y generosa ‘Nerve Endings’, ‘Yellow Eyes’, que por momentos me recuerda la crudeza del primer disco de los irrepetibles The Ponys, ‘Amber Veins’ y ‘Possessed’. Como a toda banda novel prometedora, y más si es inglesa, se les seguirán los pasos con cierto recelo, pero de momento a mí me han conquistado. CARLES RAMÍREZ 93

críticas

BECK

Morning Phase (CAPITOL/VIRGIN EMI) FOLK

l nuevo disco de Beck merece más de una escucha antes de poder extraer una conclusión definitiva. Morning Phase es uno de sus trabajos más intimistas, que enlaza directamente con Mutations y Sea Change. El polifacético creador norteamericano vuelve tras seis años de silencio, su lapso de sequía más largo desde que publicase su debut hace ya veinte años. Este álbum se instala en un lado separado de su anterior Modern Guilt, un trabajo que abandonó definitivamente la senda de los días gloriosos de Odelay y Midnight Vultures, desechando su acostumbrado crisol expansivo de registros

sonoros para concentrarse en un paisajismo mucho más retrofuturista. Para la ocasión contó con la participación de Danger Mouse, uno de los luminarias de la producción más inquietos y originales del panorama actual. Pero ahora los impulsos que emocionan a Beck parecen ser otros. Ha dejado atrás la cinética enlatada del ‘ratón peligroso’ y se ha decantado por la tradición country folk de aires californianos. Desprovisto de una producción barroca vuelve a buscar la confección de piezas directas. Eso sí, no aporta estructuras de libro, sino más bien lo contrario. Los arreglos están cuidados al detalle y el sonido es cristalino. Los doce cortes que conforman el disco progresan de forma relajada, como si de un plácido despertar se tratase. Y nos encontramos con un Beck sincero (‘Say Goodbye’), melancólico (‘Unforgiven’) e incluso devastado (‘Wave’), mostrando las pocas cartas que todavía se guardaba en la manga. LLUÍS S. CEPRIÁN

IEPI

New Wr (ALOUD) ROCK ALTERNATIVO

oise progresivo, punk alternativo o eléctrico rock metal; qué más da, llamar como queráis a este pelotazo a los sentidos y a los oídos. Los tres de Banyoles esculpen ocho temas instrumentales llenos de velocidad, nervio, vertiginosos cambios de ritmo, aplicada catarsis, ritmos viscerales y todo esto aplicado a múltiples campos de batalla donde los catalanes demuestran sentirse cómodos en todos ellos. Vamos, que el mismísimo Serj Tankian de System Of A Down estaría encantado

con ellos visto lo que aquí son capaces de desplegar. Grabado en directo en el estudio y del tirón, algo muy poco habitual hoy en día, ya nos da a entender lo bien conjuntados que están para conseguirlo, y después de ponerles a las canciones nombres de individuos famosos por sus excéntricas habilidades como el hombre que más cosas colecciona sobre Los Pitufos, el atleta finlandés que no para de ganar pruebas con su mujer a cuestas, el hombre que ingiere objetos de todo tipo, la atleta que corre los 100 metros vallas con aletas de buceo o el hombre con los bigotes más largos y cuidados del mundo, ya tenemos ante nosotros uno de los discos más locos, agradecidos y vitales que podéis encontrar por estos lares. Por su técnica, destreza y forma está claro que esto se tiene que verse y deleitar en directo, donde sabemos de buena tinta que son imparables. Habrá que ir sí o sí. CARLES RAMÍREZ

BROKEN BELLS After The Disco (COLUMBIA) INDIE

a tenemos aquí el segundo arrebato sonoro de los norteamericanos Broken Bells. Este proyecto se convirtió al instante en uno de los más suculentos del panorama alternativo internacional. Las claves estaban básicamente en los integrantes del dueto. Por un lado Danger Mouse, el hombre del momento, sobre todo por sus dotes de alquimista de la producción, y por el otro, James Mercer, el cantante y guitarrista de The Shins. La gracia de este proyecto está en que ambos proceden de escenas diferentes –Danger Mouse viene del hip hop underground y Mercer del

indie pop-, pero su música no es el resultado de la unión de sus respectivas naturalezas, sino que se construye sobre cimientos totalmente distintos. En Broken Bells, la música disco, el tecnopop y las soundtracks retro son los ingredientes básicos de una ensalada sonora que igual que las dietas milagro, siempre promete mucho más de lo que realmente aportan. Ya pasó con su disco de debut de hace más de tres años. Si en Broken Bells la paleta fue más bien de grises y negros, ahora con After The Disco el combo se muestra mucho más colorista. Pero aun así, se echan en falta hits de mayor calado que ‘After The Disco’ o ‘Holding On For Life’, un tema multifases en el que se rinde homenaje a Bee Gees, Pet Shop Boys y The Beatles. Tras la escucha del álbum queda la sensación de que han compactado una serie de ideas, en su mayoría sin concretar. Los temas, en muchas ocasiones, sólo logran ser atractivos por sus detalles en la producción, y eso dice poco de la parte compositiva. LLUÍS S. CEPRIÁN

DELINCUENCIA SONORA

Estados Delincuentes (LENGUA ARMADA) PUNK ROCK

elincuencia Sonora debe de ser una de las primeras bandas que empezó a tocar punk rock en este país pero, curiosamente, de las que menos reconocimiento han recibido por parte de prensa y público. Formados en Madrid en 1981, puede que su escasa producción discográfica haya sido un factor clave para que este grupo aparezca en pocos anales sobre música española: más de 30 años después de su constitución, Estados Delincuentes es todavía su sexto disco. En él los cinco guerreros del antifaz que salen en la

portada ofrecen un punk rock maduro de tintes urbanos, con unas guitarras que suenan geniales. Además, en un par de temas han contado con la participación de un acordeonista que les da un rollo a The Damned que también encaja a la perfección con su espíritu del 77. A parte de eso, hay más curiosidades en este álbum. Por ejemplo, ‘Liber’ es una canción reggae ejecutada con mucha solvencia y que han colocado estratégicamente en la mitad del CD. ‘¿Dónde Estaban?’ es un tema compuesto por Fragile (proyecto efímero entre un exbajista de Habeas Corpus y una de las chicas raperas de BKC) llevado al terreno de Delincuencia Sonora, además de la adaptación de textos del gran Miguel Hernández (‘Las Puertas De Madrid’) y de Antonio Vega (‘Relojes En La Oscuridad’). A estas alturas de la vida no creo que lluevan los elogios sobre este grupo madrileño, pero Nano Ruiz y otros como yo les brindamos, como mínimo, el respeto que se merecen. JORDI FORÉS

críticas

LA PLAGA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Lud Sánchez (voz, guitarra), Nacho Alcaide (guitarra), Paco Arroyo

(bajo), Antonio Aguilar (batería) PRODUCIDO POR: La Plaga AFINES A: Ramones, Airbag, Riverdales PÁGINA WEB: laplaga.bandcamp.com 96

RECOMENDADO POR:

D El Punk Me Da Sueño (WPR) PUNK ROCK

e la mano de Wild Punk Records nos llega un El Punk Me Da Sueño que sitúa al sello del mítico Novi y compañía en el epicentro del punk rock nacional, con un montón de referencias ya. Sonidos primaverales podría ser la acepción más apropiada para el primer álbum de La Plaga que ha visto la luz después de una década en la que se habían decantado por el formato EP. En él nos encontramos ante frescas canciones con pensamiento positivo, alegría melódica y guiños a cientos de bandas de la esfera ramoniana como The Meanies, Screeching Weasel, The Queers, Alkaline Trio o Parasites en lo internacional y Airbag o

No Wonder en lo nacional. Ver el vaso medio lleno es más fácil si escuchas este disco de temas muy al estilo punk-playero con duraciones al uso, o sea, menos de tres minutos, y con generosas guitarras, limpias melodías empastadas entre bajo y batería que invitan a la sonrisa y a la alegría en un espíritu teenager declaradísimo. Nuestros bombones favoritos de este primer escupitajo sonoro serían ‘Playa Bonita’, ‘Hablar Por Hablar’ o la propia ‘El Punk Me Da Sueño’, haciendo un juego dialéctico e irónico sobre el manido tema de lo que es o no es punk. Indudablemente éste es un disco de punk rock en toda regla con influencias

power pop, con sabor a helado de vainilla encima de un longboard por las prolongadas cuestas de alguna colina en la Costa Oeste americana. Seguro que sus composiciones nos acompañarán hasta el verano para que nos nutra de su buena onda mientras tomamos unas birras después de habernos tostado al delicioso sol. Suena bien, ¿verdad? Pues ése es el rollo que transmiten los chicos de Málaga siguiendo la estela dejada por bandas de su misma ciudad como Airbag y que, sin lugar a dudas, pincharemos también en nuestra isla sonora con bandera de color negro, Bandera Negra. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... LA PLAGA Se cumplen diez años de vuestro primer EP. ¿Qué recordáis de aquellos tiempos? LUD “Pues muchas cosas, tenemos muy buena memoria… Y ya en serio, una época muy buena, compartir escenario con los Queers, grabar en Pig Studios con Javi PPM, muchas ganas de tocar, de conocer sitios y gente nueva. Vamos, que cuanto más cambian las cosas más siguen igual”. ANTONIO “Pues se guardan buenos recuerdos de aquella época. Con el tiempo uno tiene la sensación de que todo era más auténtico, pero es que era así de verdad porque no había redes sociales, funcionaba más el boca-oreja, se hacían carteles a mano y se pegaban a mano también… Cada tiempo tiene sus más y sus menos, pero creo que en aquella época todo era más real, había menos postureo e interés por las apariencias que ahora. Aunque lógicamente los medios actuales nos facilitan más las cosas

para promocionarnos y funcionar, los principios fueron geniales”. ¿Por qué os habéis decidido finalmente a grabar un LP? ¿No os veíais capaces hasta ahora? NACHO “Ha sido un poco el curso natural de las cosas. Si bien es cierto que durante muchos años hemos apostado sólo por ediciones de no más de seis temas, en este punto surgió la posibilidad de grabar el primer largo, tras conversaciones con Novi de Wild Punk había material y medios para hacerlo, y nació la criatura… Era su momento, sin duda. Ahora, a la vez que promocionamos el LP, ya estamos preparando otro EP en vinilo para este año con temas clásicos nuestros regrabados para la ocasión”. ¿Cuál es el mayor reto a la hora de poneros a escribir un tema punk rock de dos minutos? LUD “¿Te parece eso poco reto? La verdad es que vemos más desafío en

eso, en condensar una historia en dos minutos, que entretenga, que diga algo, en la que la melodía te atrape y no te suelte, que en componer en otro tipo de estilos”. ANTONIO “Dos minutos es un tiempo maravilloso para contar una buena historia acompañada por una melodía que se pegue al cuerpo, aun así no son temas muy cortos... Strung Out tienen temas de menos de un minuto que te dicen más que un disco entero de Manowar, con todos los respetos hacia el metal”. ¿Cuál es vuestra banda ramoniana favorita que no sean los Ramones? LUD “Que nos gusten hay muchas, Screeching Weasel, Lillingtons, pero hoy nos gustaría romper una lanza por los HEAD, una banda pensamos que menos conocida y que dentro del estilo ha influenciado a muchos otros grupos”. NACHO “¿Ramoncín?”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

MORE THAN A THOUSAND

Vol.5 Lost At Home (GOOD FIGHT) METALCORE

ore Than A Thousand tienen la suerte de haber encontrado su zona cómoda en el metalcore con estribillos melódicos ideal para la juventud de hoy en día, y encima se les da bien. Vol.5 Lost At Home tiene todos los elementos del metalcore siglo XXI: breakdowns aplastantes, algún jugueteo con la electrónica, estribillos melódicos brokenhearts y una producción impecable. Este pepino no flaquea y cuesta decir algún tema que sobresalga por encima de los demás (la balada final ‘Midnight Calls’ me sobra, la verdad), pero a parte de ese lapsus, unas de las que más me gustan son ‘Feed The Caskets’ (Wilson Silva demuestra que si quisiera podría meterle más mazurcarra al asunto) y ‘No Mercy For The Weak’.

BAYSIDE Cult

(HOPELESS) PUNK ROCK

a pasado una década desde aquel Sirens And Condolences editado por unos Victory Records en racha. Por aquel entonces eran una banda del montón, de las muchas que salieron a rebufo del éxito de Thursday. El emo, su segunda ola, vendía. Con su segundo y homónimo trabajo, la banda se destapó con un puñado de hits que no podían ser flor de un día. Pienso en ‘Hello Shitty’, ‘Devotion And Desire’, ‘Montauk’ y ‘Half A Life’. Prometían. Fue entonces cuando de camino a un festival un aparatoso

Es verdad que no inventan nada nuevo, pero con los tiempos que corren, donde el metalcore está saturado de bandas, encontrar una que haga bien su trabajo es de agradecer. Todo el grupo da la talla y Vasco Ramos se sale en todos los registros. Aunque contenga 14 cortes, no se hace largo y encima, a un viejales como un servidor le ha quitado unos añitos de encima y le han dado ganas de volver

a estudiar. Esperamos que la superproducción no sea un problema para plasmar este disco en directo y que puedan demostrar que lo suyo no tiene ni trampa ni cartón, aunque por lo que sé... ya hace tiempo que demostraron que sus directos no son una obra de teatro barata. A principios de marzo pasarán por nuestro país a presentarlo... ¿Alguien me paga la entrada?

accidente de tráfico acabó con la vida del batería, John ‘Beatz’ Holohan, e hirió al resto de la banda. En esa maldita placa de hielo acababa una trayectoria prometedora, y empezaba el culto que ahora da nombre al presente trabajo. El desafortunado accidente unió más si cabe a sus miembros, y tiraron adelante sin caer en el reverso oscuro del emo. Walking Wounded, Shudder y Killing Time fueron cayendo, y sus pildorazos de energía y esperanza calaron hondo en su pequeña pero fiel legión de seguidores. El presente Cult, quintaesencia

de la banda, no desentona. Y es que su sexto largo concentra lo mejor de Bayside con un arranque potente (‘Big Cheese’), temas melódicos con la versatilidad de Raneri como principal gancho (‘Time Has Come’, ‘Pigsty’, ‘Bear With Me’), patrones de batería adictivos y riffs melenudos (el mejor ejemplo lo encontramos en ‘The Whitest Lie’), coros grandilocuentes (‘Stuttering’ y ‘Objectivist On Fire’) y alguna balada de mechero de factura inmejorable (‘Transitive Property’). El culto continúa vivo, muy vivo.

BURZUM TURNER

LUIS BENAVIDES

THE LAST 3 LINES New Songs For Old Rites (ALOUD) ROCK

a banda barcelonesa en activo desde 2006 y surgida de las cenizas de Laihn ha conseguido por méritos propios situarse fuertemente en el mapa musical después de tres EPs, dos largos, el tercero de camino y ser el telonero preferido de Placebo en nuestro suelo. Ahora toca mirar en sus entrañas y volver al sonido de sus inicios para sentirse más libres que nunca en la tarea de creación, porque si algo distingue y hace especial a The Last 3 Lines es su estado constante de evolución y su complejidad y versatilidad en su forma musical. No

buscan un sonido, ellos crean sonidos. Apartándose de esos toques rítmicos y bailables con que adornaban algunos de sus temas y que los hacían comerciales, este segundo EP en un año (a principios de 2013 publicaban Leafless con seis canciones acústicas) nos brindan un hard rock de dejes folk creativo y épico, un progresivo rock 70’s rico y seductor, y la posibilidad de escuchar a The Last 3 Lines en estado puro, sin tapujos, libres, sin ataduras y más creativos que nunca. Sin duda es una perfecta carta de presentación para su cercano y próximo álbum que promete darnos muchas alegrías. Una cautivadora intro abre el camino a cuatro temas más que empiezan con la exitosa ‘Undisclosed Paths’ que me trae recuerdos de los mismísimos Woven Hand, le siguen la creciente y emotiva ‘Colorblind’ y la mística y misteriosa ‘Home’, para cerrar con la arrebatadora ‘Ghost In Disguise’. No sé si les irán mejor las cosas ahora, pero lo que sí van a tener son mejores críticas de los que amamos este noble arte de la música. CARLES RAMÍREZ

dúo junto al guitarrista Bryan Kehoe. Four Foot Shack está compuesto por reinterpretaciones de temas de Primus, de su obra en solitario y de versiones de otros artistas pasados por un filtro acústico y un estilo que sólo se me ocurre definir como bluegrass venido de LES CLAYPOOL’S Marte. El disco lo abren y lo DUO DE TWANG Four Foot Shack cierran dos composiciones (ATO) de Primus, ‘Wynona’s Big BLUEGRASS FREAK Brown Beaver’ y una casi irreconocible ‘Jerry Was A 80 Race Car Driver’. En medio hay de todo. Desde una gran versión de ‘Stayin’ demás de ejercer Alive’ de los Bee Gees (de su liderazgo en lo mejorcito) a una muy Primus durante 25 especial ‘Man In A Box’ de años, Les Claypool tiene en Alice In Chains transformada su haber una serie de discos en una canción de y colaboraciones realmente cowboys, el clásico del surf destacables. En su tiempo ‘Pipe Line’ de The Ventures o libre aprovecha lo que sea una ‘Rumble Of The Diesel’ para montarse una nueva con guiños a la infame ‘La banda o proyecto con los Macarena’. No me cabe que ofrecer sus distintas duda de que Claypool se lo inspiraciones musicales. Siempre con el factor sorpresa ha pasado genial y que sus seguidores lo van a disfrutar. como mayor reclamo, esta JOAQUIM VALLS vez el trabajo es en formato

críticas

Reset

(AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

R NICK CAVE & THE BAD SEEDS Live From KCRW (MUTE)

ROCK

100

esulta insultante el nivelón de este hombre y su séquito. Desde hace años, cada cosa en la que se embarca este australiano, se sabe a ciencia cierta que va a ser una maravilla. El músico se ha marcado un nuevo reto, uno de los pocos que le deben quedar: hacer un directo, pero no en una gran sala donde los errores se pueden ocultar más, sino en un estudio de la radio californiana KCRW ante unos cuantos afortunadísimos y esa pedazo de banda llamada The Bad Seeds que da la tranquilidad necesaria

MOTHER IN LAW

a última sensación en Santa Cruz de Tenerife responde al nombre de Mother In Law y cinco refrescantes temas componen su explosivo debut, Reset. Su sonido es arrollador; sus registros, variadísimos. Así, mientras en mi favorita ‘Enemy’ clavan un tema de metal moderno en la onda Skunk Anansie y Guano Apes, en ‘Fat & Furious’ y ‘Virtual Paradise’ se aproximan peligrosamente al punk pop de guitarras más radiofriendly. Este prometedor proyecto pivota alrededor del extraordinario talento de su cantante, Cristina Ruiz, un culo inquieto de la escena isleña que después de tocar en diferentes bandas y flirtear recientemente con la electrónica ha decidido entregarse de nuevo al rock alternativo. Merece

la pena apuntar que ella, además de haberse echado a la espalda la producción, también se ha encargado de grabar las partes de bajo. Este nuevo giro en su ya dilatada carrera podría explicar el título del disco y su lema principal: “Everything changes. Reset your life”. Completan la formación oficial una banda curtida en mil batallas y con

hambre de bolos por toda la geografía: Tato (Guerrilla Urbana, Brutalizzed Kids), Jaime (Pachumba), Jon (Marvel Hill) y Esteban (Shining Crane, Mr. Smoke). El álbum nos ha dejado con muchas ganas de más y, sobre todo, de verlos sobre las tablas. Estaremos muy atentos a sus próximos pasos.

para lanzarte al vacío sin red y sin paracaídas. Con un repertorio exento de clásicos, tan sólo con los temas que se le antojan abordar, Nick Cave, ese gran narrador de palabras, vuelve a dar vida a la tristeza y el desencanto, no sin añadir también algo a lo que agarrarnos o una pequeña esperanza que nos da la belleza con la que siempre ha construido sus canciones. Nada más empezar te desarma con ‘Higgs Bosson Blues’, para seguir embelesando con ‘Far From Me’, que suena más actual que nunca, y de ahí al final, la misa del reverendo

Cave embruja con pedazos de gloria como un ‘The Mercy Seat’ divino, un ‘Mermaids’ de coros angelicales, un impresionante ‘People Ain’t No Good’ que acaba dando al disco The Boatman’s Call una relevante importancia aquí o un hechicero ‘Push The Sky Away’ que acaba por rendirte a los encantos artísticos de estos grandes músicos. Para dejar claro que Cave no está hecho sólo de susurros y melancolía, y que aún le gusta sentirse visceral, hay está ese ‘Jack The Ripper’ final que contenta a todos. De nuevo, mágico.

LUIS BENAVIDES

CARLES RAMÍREZ

YOU ME AT SIX Cavalier Youth (SONY BMG) POP ROCK

a no somos jóvenes, ¿de qué tienes tanto miedo?”, canta Josh Franceshi en ‘Too Young Too Feel This Old’, el tema que abre el cuarto disco de You Me At Six. La pregunta es retórica, pero podría ir dirigida a ellos mismos o a sus propios fans. Después de haberse convertido en una de las bandas de pop punk más populares de Gran Bretaña con sus tres trabajos anteriores (no olvidemos que en su última gira se consagraron llenando el Wembley Arena de Londres), el grupo se sentía con la necesidad de madurar musicalmente y expandir sus horizontes.

Un objetivo loable pero que por desgracia no se ha materializado en una mayor calidad de su trabajo. Podríamos estar de acuerdo en que el grupo tenía que evolucionar, pero lo que transmiten estas doce canciones es que los de Surrey quieren desembarcar en el mainstream a toda costa. ‘Cold Night’, ‘Room To Breath’ o ‘Forgive And Forget’ podrían pasar por temas de One Direction con algo de guitarras y la épica mal entendida de 30 Seconds To Mars. ¿Cuántos grupos más tendremos que escuchar incluyendo artificialmente coros gigantescos para disimular la falta de ideas? Si algo les salva es que parcialmente conservan la chispa de antaño y despachan buenas melodías (‘Lived A Lie’, ‘Hope For The Best’, ‘Love Me Like You Used To’, ‘Carpe Diem’ o ‘Fresh Start Fever’, donde se acercan a los Fall Out Boy funkies), pero en general da la sensación que You Me At Six han vendido su alma al diablo y que no se arrepienten de ello. MARC LÓPEZ

MORBUS CHRON Sweven

(CENTURY MEDIA) DEATH METAL

uevo álbum de este joven cuarteto sueco después de su primer Sleepers In The Rift. En esta entrega deciden abrir su death de sonido crudo hacia al doom ambiental y en más de una ocasión a un post metal pagano. No es que se les dé nada mal los paisajes ambientales, pero para mi gusto abusan y hacen que este disco sea como una maratón en pleno desierto del Sahara: subidas y bajadas en unas dunas que a medida que avanza el disco se hacen más difíciles de superar. La intro ‘Berceuse’ te va poniendo en tensión esperando el momento hasta que empieza la oscuridad con ‘Chains’,

que ya te descubre que el black metal ha tenido una importante influencia de este disco. Y a partir de aquí todos los temas siguen el mismo patrón de calma-caña-calma. Cuando a mitad del álbum empiezas a estar un poquito harto de este baile esquizofrénico, aparece ‘Solace’, un interludio de 3 minutos instrumental, y lo primero que se me pasa por la cabeza es ‘¡Nooo, ahora no!’. Hubiera sido mejor separar las cosas, sacar un doble EP, uno con la caña y otro con las partes ambientales. No se les da nada mal escribir canciones, pero a mí me gustan mucho las gambas y el café, aunque mi estómago no soportaría ingerir estos dos gratos productos a la vez. A la gente que le gusta la inestabilidad musical, que tanto le pone morcillón Repulsion como Autopsy y/o unos hipotéticos Toundra haciendo un tributo a Immortal, este álbum les gustará. Voy a pedirme unas gambas, y si eso, luego un café. BURZUM TURNER 101

CAPSULA El trío hispano-argentino continúa acelerando su ascenso al podio de mejor grupo de rock del siglo XXI una vez fenecidos The Mars Volta. En esta ocasión, Capsula contaron, cual milagro psicomágico propio de Jodorowsky, con la producción de Tony Visconti en su noveno álbum, Solar Secrets. Texto: IGNACIO REYO Fotos: DR

omo una maratón de fondo, Capsula han ido puliendo una mezcolanza de sonidos, entre el glam, el garage y la psicodelia que han dado como resultado que ya sean indisociables a cualquier 102

comparativa. Su personalidad es intransferible, su proyección internacional, imparable. ¿El límite? Haciendo alusión al título de su último álbum, bien podría decirse que su techo es el cielo. El formato power trio, creando una base

musical pétrea, y la combinación de las voces de Martin Guevara y Conni Duchess, a cada capítulo discográfico, los entronca en la evolución lógica del rock, guiándose por las influencias y a la vez siendo el presente y futuro de un género que

DESENTRAÑANDO

LOS ARCANOS DEL SOL

algunos han querido matar en estos tiempos de atomización de estilos y corrientes, de hypes y bandas que explosionan tras una efímera trayectoria. Otra característica que hace de Capsula una banda distinta es que incluso los combos de trayectoria longeva, cuyos primeros discos sustentan lo mejor de su cancionero, suelen terminar en un estado de autoindulgencia e inercia. No pasa con los hispano-argentinos, que lejos de estancarse, ganan enteros. En este

caso, la manida respuesta que dan los músicos de que su último disco es el mejor, contestación de obvias connotaciones regidas por el márketing, se palpa realidad empírica en ellos. Solar Secrets es un sincretismo de lo que han sido Capsula hasta ahora, en su mejor versión, bajo la pátina de una producción brillante vía Tony Visconti. Anteriormente contaron con productores de menor renombre en el radar de la mitomanía rock, pero de igual importancia, caso de John Agnello. O su asociación en álbum y directo con el exVoidoids Ivan Julian. Intentemos desvelar los secretos del astro rey. Es la cuestión obvia pero… ¿Cómo surgió la oportunidad de trabajar con Visconti? MARTIN GUEVARA “Surgió a partir de un amigo en común, el periodista Ignacio Julià. Digamos que él nos empujó a proponerle a Visconti trabajar en el siguiente disco. Para nosotros era algo totalmente fuera de lo posible, de lo real. Pero ese surrealismo es parte de la dinámica de Capsula. Además, justo era la salida del disco de Bowie, la dupla BowieVisconti había vuelto con todo. Nos presentamos y a Tony le encantaron tanto las canciones como el grupo. Encontramos un equilibrio de trabajo muy bueno entre su inmensa experiencia en el arte del rock’n’roll y nuestra pasión por el mismo. Fuimos un buen equipo y nos divertimos mucho también. Tony tiene un humor muy parecido al nuestro”. ¿Qué referencias le disteis a la hora de enfocar la producción? ¿Cuáles son

“ese surrealismo es parte de la dinámica de Capsula” MARTIN GUEVARA

los discos que ha producido que más os gustan y los que menos? CONI DUCHESS “Era difícil porque su discografía es espectacular para una sola persona. Desde todo T. Rex, David Bowie, Iggy Pop o Morrisey. Trabajar con él ha sido un gran aprendizaje. Hubo complicidad con su costado más rockero, sus comienzos con T. Rex y la época de The Man Who Sold The World de Bowie, un sonido incluso más pesado diría”. Inevitable preguntaros por el regreso de Bowie. También, reconocer que, para mí, Heathen fue su último gran álbum; no ha superado nada como ‘Sunday’ o ‘Slow Burn’. MARTIN “Su regreso fue impactante. Es un gran disco. Heathen fue muy grande, también con Tony, y por cierto, al piano estaba Kristeen Young, quien grabó unos coros y teclados en dos canciones de nuestro disco”. Por cierto, ¿cómo recibieron los fans fatales de Bowie vuestra reinterpretación de Ziggy? Lo digo porque de la misma manera que a mucha gente le gustó, incluyéndome, otros odian ese tipo de proyectos como los de Beck de recrear un disco clásico. MARTIN “Con nosotros muy bien. La respuesta fue siempre positiva y apasionada. Ha sido una sorpresa 103

CAPSULA enorme. Creo que tuvo buena aceptación porque primero hicimos los directos y participaba mucho el público, cantando todas las canciones, entonces cuando salió el disco ya era una experiencia compartida, cómplice para muchos y una reivindicación de uno de los discos que amamos”. La sombra de Bowie y ese álbum está presente en gran parte de los mejores artistas del rock: Trent Reznor, Nirvana, Bauhaus, Smashing Pumpkins, Pixies… CONI “Todos los que nombras tienen una fuerte influencia de la imagen y el sonido de Ziggy. Hay muchísimos más y sería imposible enumerar a todos. Lo que ocurre con las generaciones más jóvenes es que muchas veces no saben hasta qué punto están influenciados directamente por Bowie, ya que la influencia es a través de los influenciados. Nos pasó en un concierto de Capsula donde se nos acercó después de la actuación un chavalito de unos 16 años que estaba convencido de que ‘Moonage Daydream’ era una canción de Zen Guerrilla”. 104

Aparte de que tengáis sonidos de Bowie, del punk y el garage, hay un elemento psicodélico en vuestra música. Eso da pie a los opiáceos. ¿Alguna opinión sobre la relación drogas y rock? Y no hablo de cocaína, sino de alucinógenos… Experiencias de las llamadas extra sensoriales, vaya. MARTIN “Nosotros hemos dejado las drogas a un lado. Porque no todos los organismos responden igual a las drogas. Venimos con componentes alucinógenos en nuestra genética, generaciones anteriores vivieron con la psiquis cargada de imágenes, con lo cual si agrego más, es insoportable. Es como si de pequeños nos hubiesen arrojado en un cazo de LSD como a Obélix. Tenemos el poder natural de sobredimensionar las sensaciones y ver dioses, barcos luchando en el cielo, y en el escenario eso se nota”. ¿Qué tal la última gira estadounidense? He visto colaboraciones con Os Mutantes, habéis tratado con una leyenda como Exene Cervenka...

MARTIN “Estuvimos dos meses de gira por América además de la gira anterior en abril, hicimos alrededor de 80 conciertos este año. Con Os Mutantes somos una gran familia. Sergio es encantador. Él es música las 24 horas del día. No hay nada más para él. Estamos todo el tiempo juntos, compartimos camerino. Él pasa todo el tiempo haciendo nuevos sonidos para sus pedales. Y pasamos muchas aventuras en la carretera, somos como un gran equipo. Con Exene fue increíble. Estaba muy emocionada al ver a Capsula. Cuando terminamos el concierto nos agarró contra la pared y nos dijo que no nos separemos nunca porque tenemos la obligación de mantener vivo el rock’n’roll, como unos continuadores, porque veía en nosotros los 60, los 70, los 80, los 90, todo junto. Fue impresionante”. ¿Alguna anécdota Spinal Tap? CONI “En esta gira nos pasaron cosas geniales ya que pudimos conocer a muchos de nuestros héroes musicales. Fue increíble que en cada ciudad aparecieran por el backstage gente a vernos. En Washington vinieron los hermanos McKaye. Y les encantó el grupo. Nunca lo hubiésemos imaginado. Luego en Seattle se presentó el guitar tech de Nirvana y nos prestó guitarras que él mismo había fabricado. Fue un tour muy emocionante”. ¿Y los conciertos en México? El público allí suele ser muy apasionado, e incluso hay ciertos lugares no muy recomendables. En una ocasión, la mayoría del público de un concierto de Héroes Del Silencio iba puesto

de peyote y alucinógenos, con mucha tensión. En otras actuaciones, todo era muy religioso, como si fuera un ritual místico y el público los adoradores de Valdivia y compañía. MARTIN “Fue brutal. Tocamos en D.F. y luego en Tijuana cruzando la frontera desde San Diego. Hay mucho guiño porque Buenos Aires es parecido. Nosotros lo vivimos también, la pasión del público latinoamericano. Es precioso. Nosotros invitamos al caos, al pogo. Y aunque no lo creas, es algo que se está perdiendo. La gente es más cool. Pero con nosotros eso dura la primera canción. Luego viene el desenfreno”. De la canción al directo la traslación es diferente y puede variar. ¿Cómo enfocáis el directo, como un ritual que se sale de las normas rompiendo todo formato programado? MARTIN “A nosotros nos gustan los directos con conexión con la gente, con lo cual no podemos estar quietos, ni con muchos aparatos alrededor, ni programaciones, ni teclados. Para eso tenemos que salir con la formación power trio matadora y con esos mínimos elementos, hacerlo todo”. ¿Creéis que la audiencia conecta más con vuestra música en Estados Unidos que en España? Aquí tenéis grandes reseñas, pero no dais tantos conciertos como allí. Aparte, lleváis ya un largo recorrido… supongo que ha habido momentos de

EXENE CERVENKA Y EL FUTURO DEL ROCK

uedan pocas voces que se muestren tan lúcidas y honestas en el mundo del punk rock, lo que sea, como la de Exene Cervenka, legendaria cantante del mejor grupo angelino de los 80 -con permiso de Gun Club-, X. Al igual que en Capsula, una de las características que han hecho tan especiales a X es la dualidad vocal entre Exene Cervenka y el bajista John Doe. A diferencia de ellos, es Coni Duchess la que se encarga del bajo, aparte de la distinción en el formato de grupo, siendo tres en Capsula y un cuarteto X. Viendo una foto en Facebook de Exene con Capsula, imposible resistirse y preguntar a la legendaria poetisa/ cantante sobre el combo que tantas gratas sorpresas nos está dando últimamente. “No esperaba algo como Capsula. Me sorprendieron,

todo tipo. ¿Es duro conseguir vivir de la música? MARTIN “En Estados Unidos conectamos muy rápido, pero acá tenemos nuestros seguidores fieles también. Cuando nos ven por primera vez la reacción es ‘por qué no los conocía de antes’. Todos estos años han sido de trabajo para poder estar haciendo nuestro sonido sin restricciones durante el tiempo que queramos. Vimos pasar muchas modas y muchos grupos que

de la misma manera que The Blasters, The Cramps y Alleycats lo hicieron en el pasado. Me encanta la fuerza, la base rítmica sesentas. Tienen un gran respeto por las bandas americanas que aparecieron antes. Eso hace que sea consciente de que aquí hay músicos increíbles, y me alegra que el resto del mundo lo sepa. Me gustan Capsula porque son increíbles, impredecibles, honestos, bravos y bellos. Me gustan Capsula porque cantan y tocan de verdad. Es raro que me llame la atención cualquier banda nueva. ¡Hemos hablado ya sobre grabar algo de música juntos! Muchos grupos son simples marionetas de las corporaciones, falsos, tratando de vender discos y ser famosos. El verdadero punk era contrario a eso, y todavía lo es”.

duraron seis meses, un año. Por eso nosotros no estamos en ese grado de exposición. Nosotros defendemos nuestro sonido a muerte. Eso es lo que estuvimos haciendo todos estos años y ahora estamos recogiendo los frutos, que más que frutos son joyas, como trabajar con Visconti”.

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“No diría que estemos cabreados. Es verdad que el sonido y las letras del disco son muy intensas, pero no es el de enfado el sentimiento que queremos transmitir” ANDREW NEUFELD

DAR Y RECIBIR COMEBACK KID

Desde que debutaran en 2003 con Turn It Around, Comeback Kid se han convertido en una de las piezas claves del hardcore hecho en Canadá. Este mes publican su quinto disco, Die Knowing, sin haber perdido ni un ápice de fuerza. Texto: Sofía Cuevas Fotos: DR

todos nos han dicho alguna vez en la vida que los proyectos, si no se afrontan con pasión y ganas extremas, es mejor dejarlos a un lado. Seguramente si trabajas en una oficina pueda resultarte complicado ponerte en la piel de unos tipos que llevan recorriéndose medio mundo durante más de diez años. Pero la entrega y el amor por lo que haces deberían hacerte superar todos los marrones, añoranzas o malos momentos que se presenten. Este sermón es algo que no hace falta recordarles a los canadienses Comeback Kid, que el pasado año celebraban su décimo aniversario como banda y, lo más complicado de todo, manteniendo la misma energía que tenían cuando eran unos chavales que apenas empezaban a interesarse por la escena hardcore de Winnipeg, su ciudad natal. Esa fuerza es la que transmite su quinto disco Die Knowing (Victory), que se publica en estos días. Y es que a Andrew Neufeld (voz, guitarra), Jeremy Hiebert (guitarra), Stu Ross (guitarra), Matt Keil (bajo) y Kyle Profeta (batería) más que ponerse medallas por lo que han hecho, les interesa seguir avanzando. Un poco más tranquilo que estos últimos meses en los que empalmó la grabación del álbum con una gira europea con su otra banda Sights & Sounds, Andrew contesta al otro lado del teléfono de su casa en Toronto. Tras pedirnos que esperemos un momento mientras termina de prepararse un café,

empezamos la charla. Para una banda llamada Comeback Kid, cuatro años sin publicar un álbum de estudio parece mucho tiempo. Ya era hora de ‘volver’, ¿no? ANDREW NEUFELD “Bueno, la verdad es que nunca descansamos, estamos continuamente girando y pasamos poquísimo por casa, así que no lo llamaría exactamente una vuelta porque realmente nunca nos hemos ido del todo, siempre estamos por ahí de alguna u otra forma”. ¿Qué os ha pasado para sonar tan cabreados? Die Knowing suena muy contundente y con un montón de energía contenida. “No diría que estemos cabreados. Es verdad que el sonido y las letras del disco son muy intensas, pero no es el de enfado el sentimiento que queremos transmitir. Hay muchísima emoción fluyendo en él, pero va más por la línea de una explosión enorme y de algo hecho con mucha pasión que en relación a un sentimiento de ira o algo por el estilo”. Éste es, sin duda, el disco de Comeback Kid con un sonido más enorme y heavy. ¿Qué papel ha jugado vuestro productor, Kyle Black, en la consecución de la meta que teníais en cuanto al sonido? Creo que ha hecho un trabajo increíble.

“Es verdad que con este álbum nos propusimos sonar más contundentes si cabe, y Kyle es un tipo que ha hecho muchas cosas de metalcore, por lo que pudo orientarnos muy bien a la hora de meter más caña en algunas partes de las canciones. Recuerdo que hace un tiempo coincidimos y estuvimos hablando sobre nuestro anterior disco, Symptoms + Cures, y en base a aquello, Kyle se interesó y empezó a seguirnos más los pasos, así que cuando decidimos grabar el nuevo con él nos ayudó a incorporar sonidos algo más fuertes en éste sin dejar de lado nuestro estilo, mezclando lo que él sabe hacer mejor con lo que le gustaba de nosotros”. ¿Dirías que con este trabajo habéis conseguido el sonido que estabais buscando para la banda desde que tú te pasaste al micro? Es el que mejor aúna las partes instrumentales con las vocales, en las que mejor compactadas están... ¿Le habéis dado muchas vueltas en ese sentido? “Comeback Kid es una banda para la que cada disco es diferente, y siempre que nos enfrentamos a un álbum nuevo intentamos hacerlo mejor y superarnos a nosotros mismos. Recuerdo que hace un tiempo, Kyle (Profeta) y yo podíamos eternizarnos con una canción pensando cómo podría sonar más hardcore, y gastar una cantidad de tiempo enorme en componerla, luego grabarla… 107

hasta el punto de desesperarte porque parecía que nunca íbamos a terminarla. Con el tiempo he aprendido que por lo general es algo que surge de manera natural y no creo que por dedicarle más tiempo del necesario a un tema el resultado vaya a ser mejor”. Sois un grupo que toca muchísimo, parece que siempre estáis de gira. Pasando la mayor parte del año de una ciudad a otra y tocando casi cada noche, ¿no te resulta complicado cambiar el chip cuando entras a grabar en el estudio? “Me gusta cambiar y disfruto muchísimo estando de gira, pero también tengo momentos en los que pienso ‘¡Quiero irme a casa!’ (Risas). Parece que nunca nos conformamos con lo que tenemos y es verdad que el estudio requiere dedicarle mucho tiempo y no es comparable a, por ejemplo, tocar en un festival con un montón de ambiente… En mi caso, las voces para este disco han requerido sesiones de más de 14 horas al día, en las que tienes 108

que estar muy concentrado, y al final de todo el esfuerzo lo único que te importa es que quede y suene perfecto. En directo ya es otra historia, y el tema de tener la voz perfecta me da más igual (risas). Este disco lo grabamos en septiembre en Estados Unidos y justo después yo tenía un tour con Sights & Sounds por Europa, así que al final combino todo y suelo estar tan ocupado entre unas cosas y otras que nunca me aburro”. Si tuviera que definir este disco, diría que es una vuelta a la parte más fuerte de vuestros primeras obras mezclada con los matices diferenciadores made in CBK que incluisteis en Symptoms + Cures. ¿Estás de acuerdo con la descripción? “Sí, lo que hemos intentado es hacer todo más simple, las letras las he escrito para ir directas al grano…”. De hecho, la mayoría de los temas no llegan a los tres minutos de duración... “Es verdad que desde Broadcasting… teníamos canciones

que duraban más y que para Die Knowing hemos intentado no alargarlas en exceso, ni abusar de los breakdowns; nos hemos centrado en hacer todo lo más sencillo y directo posible”. Hay canciones como ‘Didn’t Even Mind’ y ‘Unconditional’ que son algo más suaves y que podrían haber encajado perfectamente en Symptoms + Cures. “Creo que está bien poder variar y, aunque hagas hardcore, puedes tomarte la licencia de bajar un poco el listón en cuanto a intensidad a veces. Cuando escribí estos dos temas no tenía ni idea de si los demás iban a querer usarlos para la banda, así que se los enseñé a los chicos para que me dijeran si les gustaban o mejor me los guardaba para otra cosa, pero parece ser que aunque no son tan duros, les gustaron porque al final, como has visto, los hemos incluido también (risas)”. Esa parte un poco más calmada la habéis

compensado con otros temas como ‘I Depend, I Control’, la más corta del disco, de apenas 1 minuto y medio de puro hardcore y sin un momento de descanso. “¡Y tanto…! Vocalmente me exige muchísimo, ¿sabes el típico momento en el que escribes algo, y dices… ’Esto es de lo mejor que he hecho nunca’? Eso te hace motivarte muchísimo, pero luego a la hora de grabarla te das cuenta de lo difícil que es hacer las voces y ya no hay marcha atrás (risas)”. Has comentado en varias ocasiones que no tratáis de inventar nada nuevo, sino simplemente escribir y tocar música con la que os sintáis felices y que os llene. Sin embargo, habéis conseguido tener un estilo bastante diferenciado y personal, y sin caer en la obviedad de la que hoy en día pecan muchas bandas del género. “Me alegra mucho que me digas eso. Es verdad que somos un grupo que queremos diferenciarnos en cuanto a estilo o a incluir cosas innovadoras o extrañas en nuestras canciones, y aun así, seguro que utilizamos recursos muy parecidos a los de otros grupos (risas). También noto que mi voz es diferente en cada disco, pero sí creo que alguien a quien le guste este tipo de música podría reconocer una canción de Comeback Kid si la escucha durante unos segundos, y eso es algo que me enorgullece muchísimo”. Siempre habéis incluido partes coreables, pero en este álbum están aún más presentes. Temas como ‘Wasted

Arrows’ o ‘Should Know Better’ pueden ser increíbles en directo si el público se entrega. Cuando las incluís, ¿pensáis directamente en cómo va a resultar a la hora de ejecutarlas en directo y en involucrar al público? “Es verdad que hay determinadas partes que puedes intuir que van a funcionar mejor en directo, y de hecho, con este disco una de las cosas que nos propusimos fue trasladar toda la energía de nuestros shows al disco, pero es verdad que hasta que no las tocas y no ves la reacción de la gente, no te convence (risas). Acabamos de volver de girar por Sudáfrica y hemos flipado con la reacción de la gente con ‘Should Know Better’, un tema que nunca antes habíamos hecho en vivo, y es brutal ver cómo la gente se vuelve completamente loca con una canción que no ha escuchado en la vida”. Ahora que hablas de Sudáfrica, es un sitio en el que pocas bandas de esta escena llegan a tocar y que aparentemente no está demasiado relacionado con la cultura más underground. ¿Cómo fue la experiencia? “Muy interesante, es muy difícil llegar allí tanto por un tema económico como puramente logístico, pero te sorprendería ver la escena que hay en el país. Todos los shows que hicimos fueron bastante intensos y vino mucha gente a vernos, y tuvieron poco que envidiar a cualquiera de los demás que hemos hecho por Europa o el resto del mundo. Además, es una locura poder visitar un lugar en el que todo el tema del apartheid sigue estando presente y es bastante

“Es brutal ver cómo la gente se vuelve completamente loca con una canción que no ha escuchado en la vida” ANDREW NEUFELD

chocante y toda una experiencia llegar a conocer una sociedad con una forma de vida tan diferente”. Con tantos grupos dejándolo tanto por diferencias estilísticas como personales entre sus miembros, es genial que Scott Wade siga siendo de alguna forma parte de la banda, aunque ya no pertenezca a ella como tal. ¿Cómo surgió su colaboración en ‘Full Swing’? “Scott, mucho más allá de haber sido un miembro de la banda, es un gran amigo. Es alguien al que siempre voy a tener cerca aunque ya no esté en el grupo. La gente deja sus bandas, y es algo normal. Estar en un grupo, sea del género que sea, y girar sin parar durante tantísimo tiempo, no es fácil, y hay personas que en algún momento de sus vidas se dan cuenta de que dedicarse por completo a esto no es lo que quieren hacer para siempre, y es algo completamente respetable. Seguimos teniendo una relación estupenda, y durante la gira del décimo aniversario como banda le contamos que teníamos planes de entrar a grabar en breve, y que íbamos a hacerlo con Kyle, así que le enseñé unas letras en las que estaba trabajando en ese momento, le gustaron y me las quitó (risas)”. Siempre lo dais todo en vuestros conciertos. He tenido 109

Sí, un poco ‘fashion before passion’… “Al final es su opción y cada banda decide y toma sus propias decisiones; yo no podría ni valdría para ser un rockstar (risas)”.

la oportunidad de veros media docena de veces y no puedo decir que haya salido decepcionada de ninguno. Aun así, tiene que haber días en los que estés cabreado, triste o en los que simplemente lo que menos te apetezca del mundo sea salir a gritar delante de un montón de gente. ¿Cómo los afrontas? “Me encanta lo que hago, es una hora al día en la que sientes el montón de energía concentrada del público, y tampoco nadie te está pidiendo que compartas algo de lo que no te apetece hablar…”. El escenario tiene la capacidad de animarte y es, en cierto modo, terapéutico. “Sí, cuando ves a toda esa gente en un festival que se te acerca, o en el momento de salir a tocar... por ejemplo, este último año en el Resurrection fue increíble”. Ya habéis venido unas cuantas veces a Viveiro, la última, como dices, este año, y la anterior, en 2011. Seguro que habéis notado cómo ha crecido el festival en apenas 110

dos ediciones... “Muchísimo, creo que ya es indudablemente una referencia europea y sin duda el mejor festival que se organiza en toda la parte sur del continente. Quiero volver y tocar de nuevo en él desde el mismo momento en el que terminamos nuestro set aquí (risas)”. Hace unos meses estuviste en España con Sights & Sounds compartiendo gira con Bring Me The Horizon y Pierce The Veil. Supongo que el tipo de público que atraen estos dos grupos no es el que normalmente podéis ver en un concierto de Comeback Kid... ¿Cómo ves esta escena actual? “Pfff… Sinceramente no, no es para nada el tipo de público con el que nos solemos encontrar en nuestros conciertos. Me parece que muchas bandas han dejado de tener músicos y han pasado a estar formadas por rockstars. No sé si lo llamaría una escena como tal, porque para mí ese término conlleva unos valores que creo que no están presentes en esto, en lo que parece que todo gira alrededor de un show más que en torno a las canciones”.

Vuestros planes más inmediatos son, además de una gira por Estados Unidos, venir al Viejo Continente. Sin embargo, en la gira europea os habéis olvidado de nosotros y no vais a pasar por España. Sin revelarnos nada que pueda ponerte en un aprieto, ¿hay alguna posibilidad de veros por aquí próximamente? “Estamos empezando a cerrar fechas para este disco y, claro que sí, tenemos todavía unas cuantas giras que no han sido confirmadas y de las que no podemos detallar nada aún, así que…”. Para terminar, como comentábamos antes, acabáis de celebrar vuestro décimo aniversario como banda pero, ¿te ves dentro de otros diez años organizando la gira correspondiente al vigésimo aniversario? “¡No jodas! (Risas) Honestamente, no tengo ni la más mínima idea de dónde voy a estar en diez años. Al menos espero estar vivo (risas), pero sí, me encantaría poder seguir con esto, es lo que me gusta y me hace feliz”. Y que nosotros lo podamos celebrar con ellos.

YO,

YO MISMO,

& ERIC

ERIC FUENTES

QUE A ERIC FUENTES SE LE DA BIEN ESO DE ESCRIBIR CANCIONES ES ALGO QUE YA SABÍAMOS DESDE HACE TIEMPO. CON SU NUEVO TRABAJO NO SÓLO VUELVE A DEMOSTRARLO UNA VEZ MÁS, SINO QUE TAMBIÉN FIRMA LA QUE POSIBLEMENTE SEA SU OBRA DEFINITIVA. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: Marta Busquets

uando comencé a escribir para RockZone hace ya algo más de un año, una de las primeras entrevistas que tuve la suerte de realizar fue con el exlíder de The Unfinished Sympathy, Eric Fuentes. En aquel primer acercamiento, pude notar que aparte de ser un tipo

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agradable y dicharachero con el que podría tirarme horas hablando de cualquier asunto, Eric es un artista con las ideas claras y que sabe perfectamente hacia dónde y cómo quiere dirigir su discurso musical. Seguramente sea por eso mismo que me sorprendió que, doce meses exactos después, me viese

descolgando el teléfono para entablar conversación nuevamente con él con motivo de su quinto disco como artista en solitario, Eric Fuentes/Barcelona (BCore). Pero tras nuestra charla, todos y cada unos de los puntos de este lanzamiento parecen encontrar un sentido lógico. En su nuevo y triple trabajo, Eric da rienda suelta a toda la

“En general todo lo que hago musicalmente es un homenaje a mi infancia”

música que lleva dentro, siendo un fiel reflejo de sus inquietudes. En el álbum podemos escucharle cantar desde temas en inglés, castellano y catalán, a una amalgama de estilos que van desde el rock de melodías guitarreras con el que siempre le hemos identificado pasando por el metal, el punk, versiones que rinden tributo a los 80... Amén de un buen puñado de colaboraciones de amigos de lo más dispares. Todo ello unido por una historia que hace de hilo conductor entre las canciones, marcando un ruta

de viaje que conecta el pasado con el presente. Un auténtico festín musical que sin duda tiene todos los números para ser uno de nuestros discos favoritos de 2014. Hace justamente un año estábamos hablando con motivo de la edición de Copper & Gold, y ahora tienes un nuevo disco a punto de salir y encima triple. ¿Qué te ha pasado? ¿Sufriste un ataque repentino de inspiración? “Digamos que el proyecto de este disco es anterior incluso a Copper & Gold. Para que nos entendamos, yo justo después de hacer el disco de Eric Fuentes & El Mal, el del águila, me puse a hacer maquetas para lo que sería el siguiente trabajo. Fue en ese momento que empecé a hacer una mezcla de canciones nuevas que estaba pariendo esos días con una serie de cosas que repesqué del pasado buscando en mi archivo de demos. Después tenía demos antiguas que las actualicé y reconvertí completamente y acabé teniendo un saco, por decirlo de alguna manera, de canciones bastante grande, de unas 70 u 80. Entonces pensé en hacer una cosa muy bestia y colosal que sería meterlas todas en cinco discos. Una producción de un quíntuple disco, que sería una historia conceptual que se llamaría Eric Fuentes/Barcelona, el título estaba claro desde el primer momento, esto ya te lo contaré más adelante... Y en ese momento, con todas esas canciones, fue cuando por circunstancias vi que era un buen momento para sacar un disco de formato pequeño para poder hacer una gira con esas premisas. Ahí fue

cuando separé de alguna manera diez canciones de aquel conjunto y las convertí en Copper & Gold, porque como te digo, me interesaba tener un disco tranquilo para poder hacer esta gira en este formato por cuestiones prácticas y logísticas. Además de todas esas canciones, había también una parte que era más bien electrónica. Combinar en un mismo disco música rock y electrónica y meter canciones tranquilas me resultaba demasiado heterogéneo. Preferí desmontar la idea loca del quíntuple disco e ir trabajando conjuntos más pequeños de canciones por separado. De este modo salió Copper & Gold, quité la parte electrónica y me puse a trabajar para sacarla de otra manera como un proyecto paralelo. Y de todo lo que me quedó hice una selección de 30 temas para ir a grabar y sacar un disco doble. Pero cuando las estaba grabando me pasó lo típico: que me gustaban todas y quería sacarlas. Después hubo un paso más, que fue el de decidir cómo sacarlo, porque claro, a mí me gusta el vinilo y todo lo que puedo lo saco así. Pero un vinilo triple significan seis caras y a la hora de escucharlo es un coñazo, tienes que estar levantándote constantemente para cambiar de cara. Y si por contra lo hacía doble y no triple, aunque por timing sí que me cabían, el problema era que tenía dos listas de reproducción demasiado largas, que se me hacían pesadas. Si yo esas 30 canciones te las empaqueto en dos grupos de 15, yo creo que cuando vayas por la once del primer disco ya desconectarás y el resto te las vas a perder. Al menos es lo que me pasa a mí. Como a mí siempre me ha gustado hacer discos más bien sintéticos y cortos, que vayan al meollo sin meter paja, pensé 113

que lo mejor era hacer tres discos en mi formato preferido, que son diez canciones y media hora de duración. Con lo cual, cuando te dé la gana te escuchas un disco, a los tres días otro y el tercero cuando quieras, o si lo prefieres, los tres de seguido... Pero tienes varias posibilidades sin tener que escucharte 30 temas seguidos. Y ésta es la historia (risas)”. Si no lo he entendido mal, de esos cinco discos, aparte de Copper & Gold y este nuevo trabajo triple, hay uno que saldrá en un futuro que será electrónico... “Ahí está. Si saldrá en un futuro no lo sé, pero que hay una carpeta de proyecto paralelo, sí. Lo que pasa es que el mundo del rock y la electrónica, tal como los veo yo, me parecen muy distintos. Así que prefería separarlos”. ¿La canciones más antiguas del disco de qué fecha datan? “Las canciones más antiguas son de mediados de los 90”. Así que podríamos decir que estamos casi ante un resumen de tu vida musical... “Pues la verdad es que es una buena manera de verlo. Incluso en cuanto a variedad de estilos y tonalidades encuentras algo de lo que yo hacía a finales de los 90 en catalán, cosas de The Unfinished Sympathy y también otras más ochenteras u oscuras, más difíciles de lo que es normal en mí, como Bahía Paraíso, en esa vertiente. Así que es verdad que hay un poco de todo en este álbum. Además, me ha pasado una cosa muy curiosa y divertida. En algunos casos tenía dos o tres canciones que yo conservaba en una letra escrita a máquina del año 114

98 y al mismo tiempo, cuando estaba preparando el disco, estaba haciendo canciones nuevas. Entonces me pasó que algunas veces cogía el papel con la letra antigua y a medida que la iba leyendo, la métrica me iba cuadrando con la música que estaba trabajando. Con lo cual hay canciones en las que se ha unido una música totalmente actual a una letra de hace 15 años. Y lo fuerte es que la combinación me ha parecido de las mejores cosas que he hecho. Es acojonante, piensas ‘los satélites se han alineado’ (Risas)”. ¿Qué criterio usaste para agrupar las canciones en cada disco? “Es una combinación de variables. Una de ellas es la idiomática. La segunda, el estilo musical, el tipo de producción. Básicamente son estos dos puntos. Si te fijas, el primer disco es íntegramente en catalán, excepto la primera que es en castellano. En el segundo no encontrarás nada que no

sea inglés, y en el tercero, hay una mezcla. Eso en cuanto a idiomas. Y en lo musical, digamos que... Bueno, en el primero hay un tema de heavy metal, pero en el tercero está la parte más pop oscuro, ochentero, en la primera mitad, mientras que la segunda es radicalmente diferente, mucho más joven, frívolo y jovial. Quería que el final del disco no fuera triste, sino más bien energético. No pasa nada con mezclar idiomas, pero si puedo agruparlo en bloques, mejor, porque si voy haciendo una canción en cada idioma me parece demasiado disperso en cuanto a discurso. Así también puedo explicar en las letras unas cosas que tengan más que ver las unas con las otras”. Siguiendo con el tema de los idiomas, cuando te sientas a escribir las letras, ¿cómo lo decides? “En muchos casos la letra se desarrolla a partir de un verso en concreto que

“Cuando empecé a descubrir a Sunny Day Real Estate, Jawbreaker, toda la escena de Washington DC y emo... fue un poco cuando encontré mi sitio”

se me ha ocurrido espontáneamente. Un día estoy intentando escribir y me sale una frase ocurrente en inglés. Pues entonces voy a desarrollarla a partir de ahí. Y lo mismo con el catalán y el castellano. Yo me siento bastante suelto con los tres idiomas. Está claro que el que menos he utilizado para cantar es el castellano. La verdad es que en cuanto a referentes no tengo demasiados ni en catalán ni en castellano dentro del mundo del rock’n’roll. Casi todo es inglés y americano. Pero bueno, de toda la vida he escrito de todas las maneras y al contrario de lo que la gente piensa, no es más fácil escribir en catalán o en castellano que en inglés, porque yo conozco centenares de letras en inglés y muy poquitas en catalán o castellano. Por lo cual mis recursos literarios en el formato canción de rock tienen mucho más que ver con el inglés que con los otros”. Otro punto sorprendente

son las colaboraciones. Hay muchos temas en los que tú ni siquiera cantas. Casi podría ser un ‘Eric Fuentes & Friends’... “Sí, o un Alan Parsons Project (risas). Si te digo la verdad, se me ocurrió lo de las colaboraciones, más allá que por un sentido de hermandad o causa noble, por el hecho de que al ser tantas canciones y tantas letras, requerían por mi parte un montón de trabajo. Y fue cuando se me ocurrió invitar a cantantes que no sólo cantaran, sino que hicieron una letra. Con lo cual las colaboraciones que oyes, excepto un par de casos que son una versión y la otra hice yo la letra, los cantantes han puesto su propia letra. A mí me interesaba tener letras cubiertas y variadas, así que acudí a mis amigos. Entonces me di cuenta de que era un valor por sí mismo hacer un álbum con muchísimas colaboraciones, sobre todo porque no lo había hecho nunca y Copper & Gold fue una cosa

extremadamente austera que hicimos Bernat Sánchez y yo encerrados en un zulo. Aquél era un disco minimalista, y yo aquí quería algo maximalista. Es decir, ‘voy a invitar aquí a todos los colegas. Esto va a ser una fiesta’. Y quiero celebrar de alguna manera que no estoy muerto, que tengo mucha gente a mi alrededor que en mayor o menor medida me tienen cierto aprecio y que he tenido la suerte de desarrollar una carrera musical satisfactoria en los últimos años y, vaya, para mí todo esto eran motivos de celebración, de querer plasmarlo en este trabajo. Es como una obra magna”. Creo que el tema que más llama la atención de todos es sin duda ‘Caus Al Fang’, que casi podríamos meter dentro del metal, como apuntabas anteriormente. “El que la canta es Guillem Funollet de Moksha. Ahora tiene otro proyecto, donde por cierto me ha invitado a hacer unos coros también, que se llama Assot. Él se caracteriza por tener esta voz tan gutural. Y bueno, mi amor por el metal es de sobras conocido. A ver, lo estándares del heavy metal no me gustan. No me gustan las mallas, ni las mazmorras, ni los cantantes haciendo ‘Uuuoooh’ (risas). Pero en cambio el thrash metal de los 80 de California, toda la movida de Slayer, Megadeth, o Anthrax en Nueva York, Overkill, Testament, Suicidal 115

Tendencies, después Sepultura... Todo ese tipo de grupos eran como la avanzadilla moderna, la revolución del metal, y a mí eso es lo que me interesa del heavy. No me interesan Judas Priest. Tengo mucho amor por Iron Maiden, pero es más una cuestión de infancia”. A mi también me pasa lo mismo. Del heavy clásico sólo me gustan Iron Maiden, el resto... “Ahí está. Y seguramente Black Sabbath también”. Sí, bueno. Pero Sabbath son otra historia. “Es verdad, es más proto heavy. En cualquier caso, cuando yo hablo de mis gustos sobre el metal siempre es de los thrashers modernos en su día. Total, la cosa es que teníamos esta canción en el local que no sonaba demasiado heavy, sobre todo porque el riff principal lo hace un cello y al principio lo hacía la guitarra, y claro, el riff es más heavilón clásico de la vida (risas), así que le dimos la vuelta. Si te fijas, es una canción heavy por la voz, la atmósfera... pero las guitarras no suenan como tal. Las guitarras son las 116

mismas que tú oirás en cualquier otra canción mía, no tienen más distorsión. Lo que pasa es que el riff de cello en plan Apocalyptica te remite un poco a eso. Pero bueno, lo que hicimos fue una versión modernizada, por decirlo así, más cercana al indie del metal de esa época, y nos ha terminado quedando una cosa parecida a Entombed, rollo death’n’roll. La verdad es que estoy bastante encantado con cómo ha quedado”. En el otro extremo estarían las canciones del tercer disco, que tiene sobre todo una parte muy de los 80. Aparte de las versiones de Blondie y Polanski Y El Ardor ¿lo consideras como un homenaje a tu infancia? “A ver, en general todo lo que hago musicalmente es un homenaje a mi infancia, ¿sabes? Es algo que se puede ubicar concretamente en el pop ochentero, y más todavía de lo que hemos estado hablando con el heavy. Es decir, para mí, mi infancia es la música que yo descubrí entre el año 79, que tenía 4 años, y cuando ya me estandaricé a los veintitantos. Si antes hablábamos de Slayer y Metallica, sus

carreras fueron en los 80. Si hablamos de otro de mis géneros de cabecera como es el punk rock o hardcore melódico californiano, volvemos otra vez a los 80. Y si hablamos de pop rock británico más o menos oscuro, desde The Cure, The Smiths, New Order, Joy Division, la parte más techno, Duran Duran como lo más comercial, Depeche Mode... A mí todo eso me fascina igual que Bad Religion, NoFx o el thrash metal. Esos tres grupos de estilos, digamos que son un poco mi piedra angular en cuanto a influencias de joven. Después, algo más mayor, descubrí la escena post hardcore americana y ahí ya me quedé. Cuando empecé a descubrir a Sunny Day Real Estate, Jawbreaker, toda la escena de Washington DC y emo... fue un poco cuando encontré mi sitio. Pero si tú les preguntas a toda la peña de esos grupos qué escuchaban de pequeños, a todos les gustaban Kiss o Iron Maiden, Duran Duran y el punk rock californiano. Para mí es un todo que comparto con una generación de músicos, sobre todo americanos”. También te quería preguntar sobre el titulo, Eric Fuentes/ Barcelona, que resulta bastante evidente en un principio. Pero quería saber si tiene otro tipo de explicación... “Desde luego que tiene una explicación, y no es tan pensado el título como quien habla de una postal. En este disco no describo nada de Barcelona, no pretendo denotar un especial amor o desamor hacia la ciudad. El título del disco no es Barcelona, sino Eric Fuentes, barra, Barcelona. Por una razón que es que la barra que separa, para mí implica un dilema, una dicotomía.

Es o Eric Fuentes o Barcelona. Y el porqué de este título, aparte de como estamos comentando, tener varios colaboradores, idiomas... tiene una pequeña historia de fondo, que es la historia de una chica que vive en un pueblo y que hace una apuesta en su vida para irse a la gran ciudad, emprender una aventura, encontrar su futuro y tal. Y esto le pasa en paralelo a que se enamora de un chico que está en esa ciudad donde ella pretende ir a vivir. Con lo cual a esta chica se le juntan dos cosas, por un lado un proyecto de vida en Barcelona, y por otro un proyecto amoroso con ese chico. Esas dos cosas pasan al mismo tiempo y a la chica se le hace difícil saber si se ha enamorado del chico o del proyecto de vida que implicaba ir con él, es decir, Barcelona. Y ésta es un poco la historia, el título es una dicotomía en la que la chica tiene que escoger si lo que quiere es al chico o a Barcelona”. Y el chico, evidentemente, eres tú... “Eso ya no te lo explico (risas). No, ése es un primo mío que... (Risas)”. OK, no voy a seguir por ahí (risas). Cambiando de tema radicalmente, cuando fuiste a Jordi BCore y le planteaste que el álbum fuese triple, ¿te puso algún tipo de traba? “Bueno, primero tuvimos que reanimarlo (risas), pero una vez reanimado, ya lo vio todo distinto. No, a ver, la verdad es que pese a lo inusual de la propuesta, y precisamente por ello, yo creo que a BCore le gustó especialmente la idea de editar un disco triple. Simplemente porque es algo que ni lo ha hecho mucha gente ni se hace. Yo por lo que tengo

entendido, cuando hablo con amigos músicos, investigando el proceso de creación y demás, veo que en general es una cosa bastante dolorosa y difícil para la gente que hace música. En general, cuando un cantante hace una canción es como ‘¡Hostia, por fin! Llevo meses intentando hacer una canción y por fin me ha salido una’. Y en cambio a mí me pasa todo lo contrario. A mí me das una guitarra, un teclado o cualquier instrumento para aporrear un rato, y a la mínima ya me he inventado una canción. Entonces este exceso de productividad por mi parte, mostrarlo en un disco triple es una manera también de decir que aquí tenemos una fuente de la que fluye bastante creación. Y eso a Jordi BCore le gustó por lo excepcional que resultaba. Además, muy pronto empezó a pensar en el diseño. Él es diseñador, le encanta la parte grafica de los discos y se ha currado un diseño guapísimo. Es una pieza, un objeto que a él le hace mucha ilusión poder publicar como sello”. Ya para ir terminando, con Copper & Gold hiciste algo totalmente diferente a lo que tenías acostumbrado al público. Ahora, este nuevo es otro puñetazo encima de la mesa, por decirlo así. ¿Crees que tras retomar tu carrera en solitario ahora puedes hacer lo que te dé la gana y que antes con The Unfinished Sympathy no podías? “Bueno, sí, pero yo creo que la libertad no viene tanto de que esto sea mi proyecto en solitario y The Unfinished Sympathy fuese el proyecto de un grupo, porque siempre la parte creativa la llevaba yo, entonces el proceso de trabajo

“Con Unfinished la gente esperaba una cosa, y si no se lo dábamos, el público nos daba la espaldA”

en el local es muy parecido en aquella época y en la actual. Yo llego con una canción más o menos hecha, hablo con todos los miembros del grupo para explicarles mi idea de cómo tiene que ser una línea de bajo, un ritmo de batería, etc. y por suerte, en general, mis compañeros confían y les gusta lo que les propongo, y si no, pues se discute y ya está. Quiero decir que en ese aspecto no hay un cambio de libertad. Lo que sí hay de diferente es que en Unifinished teníamos que mantener un estatus porque éramos un grupo que venía de la escena underground, hardcore, punk, o dilo como quieras, y claro, si nos hubiera dado por hacer un disco de reggae nos hubiéramos cortado, porque Unifinished es una marca de tal tipo de música. Como Eric Fuentes no es una marca de ningún tipo de música, sino más bien un personaje por decirlo de alguna manera, pues esto no pasa. Tiene que ver más con lo que se espera de ti. Con Unfinished la gente esperaba una cosa, y si no se lo dábamos, el público nos daba la espalda. En mi caso, o en el de cualquier otro cantante, a ti lo que te acaba gustando es la propuesta en general de ese tío, de cómo lo canta, cómo lo viste, de estética, incluso morales, en fin... Pero no es tanto una cuestión de estilo musical como para decepcionar al público”.

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RED FANG 26 de Enero DE 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: TOI BROWNSTONE Fotos: Eric Altimis

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THE SHRINE

omingo y concierto. Horror. Domingo, concierto y Red Fang. ¡Maldición! Perderse semejante triple cartel resultaba inconcebible, pero por otro lado se presagiaba una noche dura e impredecible. Seguramente si se hubiera celebrado un sábado, creo que más de uno hubiese acabado en urgencias o en la comisaría más cercana. La expectación creada gracias al magnífico último trabajo de los de Pórtland, Whales And Leeches, consiguió que se reflejara en la estupenda venta de entradas, que culminó en un espectacular sold out en Bikini, un ambientazo tremendo y un público que abarcaba todas las edades y condiciones, con un núcleo de gente joven en las primeras filas bastante prominente. Lord Dying se encargaron de dar comienzo a esta velada tan macarra. La banda nos presentó varios temas de

su primer trabajo editado también por el sello Relapse, Summon The Faithless, lleno de potentes riffs, que de inmediato me hicieron pensar en High On Fire. Habrá que seguirles la pista. El trío californiano de skaters fumetas no podía fallar. The Shrine tienen un directo tan potente que en apenas media hora se metieron a todo el público en el bolsillo con su violencia psicodélica, como definen a su estilo, que es ni más ni menos que una mezcla de punk salvaje y thrash clásico, con un punto de locura e histrionismo que funciona a la perfección, y un sonido muy crudo. Aunque incluyeron temas de Primitive Blast como ‘Zipper Tripper’ o ‘Whistlings Of Death’, The Shrine aprovecharon para presentarnos su nuevo trabajo Bless Off, que saldrá a la venta en marzo, y que a juzgar por lo bien que entraron ‘The Duke’ y ‘Nothing Forever’, apunta maneras. Con un público encendidísimo, por

fin Red Fang salieron al escenario dispuestos a arrasar con todo. Resultó curioso que comenzaran su recital con ‘Hank Is Dead’ de Murder The Mountains teniendo en cuenta que acaban de lanzar Whales And Leeches, un álbum que ha traído la polémica consigo, calificado como demasiado ‘comercial’ por sus seguidores más puristas. La banda optó por una selección de temas muy equilibrada entre sus dos trabajos más recientes, sin olvidar su debut. Una decisión acertada que nos permitió disfrutar de ‘Wires’, ‘Into The Eye’ o ‘Sharks’, así como de trallazos más recientes como ‘Blood Like Cream’, ‘Crows In Swine’ o ‘1516’, todos ellos ejecutados de manera brillante, sin interrupciones, con una contundencia y una intensidad impresionantes. Red Fang bien podrían atribuirse la frase de Julio César “Veni, vidi, vici”. Vinieron a conquistarnos y no hay duda de que lo consiguieron. ¡Jo, qué nochecita! 119

CITY AND COLOUR 22 de enero de 2014 Olympia Theatre, Dublín (Irlanda) Texto Y Fotos: Rubén Navarro

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urante un tiempo, la crisis global que está afectando a prácticamente todos los países que se me pasan por la cabeza, favoreció a que los artistas internacionales visitasen nuestro olvidado país. Pero la alegría nos duró relativamente poco, pues mientras en otros lugares se promueve la cultura y se facilita el acceso a ésta, nuestros políticos no hacen más que poner trabas para que económicamente resulte casi inviable. Dicho esto, me centraré en lo que nos ocupa, que no es otra cosa que la crónica del maravilloso concierto que Dallas Green y los suyos dieron en el precioso y acogedor teatro Olympia de Dublín. Cierto es que la velada podría haber comenzado mucho mejor con un telonero a la altura del evento, porque desde luego Hanna Georgas no me dio la impresión que llegase a conectar con un público que obviamente esperaba con ganas la actuación de City And Colour. Aun así, la audiencia se mostró respetuosa con la cantante y su banda, manteniendo un silencio al

que poco estoy acostumbrado a oír en los conciertos de por aquí. Tras una breve pausa para realizar los cambios necesarios en el escenario, Dallas Green salió al entablado acompañado de Jack Lawrence de The Raconteurs al bajo, Doug McGregor de The Constantines a la batería, Dante Schwebel de Hacienda a la guitarra y por último, Matt Kelly de Yukon Blonde a los teclados. Sin demasiados preámbulos, Green y el resto de músicos se pusieron manos a la obra para repasar su discografía. El ambiente íntimo que se respiraba en el pequeño teatro era idóneo para escuchar tranquilamente la sucesión de temas de The Hurry And The Harm y Little Hell de la que prácticamente se compuso la primera parte de la velada. Por si todavía quedaba alguien sin la piel de gallina después de seis canciones en las que destacaron ‘Of Space And Time’ o ‘The Grand Optimist’, el resto de la banda se tomó un descanso para dejar todo el protagonismo a Dallas y su guitarra. Acompañado de su acústica y

una harmónica, el canadiense comenzó la segunda parte del repertorio con ‘Body In A Box’. El público enloqueció desde el primer momento y brindó a Green una gran ovación a la que respondió con una tímida sonrisa. Aún no habíamos acabado de aplaudir por el tema anterior, que se nos juntaron con los siguientes al escuchar los primeros acordes de ‘Comin’ Home’. Por desgracia, ésta fue la única ocasión en la que Dallas recuperó un tema de su debut Sometimes. Nuevamente la banda regresó al escenario y mientras se preparaban Green aprovechó para hacer alguna broma, contrastando así con el resto de la noche, durante la cual se mostró bastante escueto y reservado. Nuevamente, temazo tras temazo, se metieron al público en el bolsillo, llevando el show a un gran clímax gracias a ‘Little Hell’, ‘Waiting…’ o ‘Sleeping Sickness’. Mención especial al motivadísimo Dante durante este tramo del concierto, un crack a las seis cuerdas. El punto y final de la noche llegó con ‘The Girl’ y ‘Two Coins’. 121

FRANK TURNER 1 DE FEBRERO DE 2014 SALA ARENA, MADRID Texto: Gonzalo Puebla Fotos: Carles Rodríguez/Fernando Ramírez (Barcelona)

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LA m.O.D.A.

ustamente un año después de su visita con Dropkick Murphys, los protagonistas de nuestra portada de enero volvían a dejarse caer por la capital. Un espacio de tiempo en el que tanto Frank Turner como La Maravillosa Orquesta Del Alcohol han experimentado un notable aumento de popularidad allá por donde vayan. Lo de los burgaleses nos pilla más de cerca, ya que nos hemos acostumbrado a ir viéndoles crecer a una velocidad pasmosa, y más aquí en Madrid, que casi se podría considerar su segundo hogar. No deja de sorprenderme que, cada día que pase, sean mejores. Y eso también se notó en una buena parte de la audiencia que los arropó como si ellos mismos fuesen los cabeza de cartel de la noche. Ya fuese con temas de sus primeros EPs como ‘No Easy Road’ o ‘Masters Of The World’ o las más recientes ‘Los Hijos De Johnny Cash’ y ‘¿Quién Nos Va A Salvar?’, los chicos salieron ovacionados por los que ya somos fieles, mientras que los neófitos tomaban nota de su buen hacer sobre las tablas. En cuanto a

Frank Turner, le teníamos ganas desde hace ya un buen tiempo y su actuación el año pasado teloneando a los Murphys no hizo más que ponernos los dientes aún más largos. De hecho, estas tres fechas por España suponían un paréntesis durante la presentación en el Reino Unido de su último Tape Deck Heart. Una muestra de que el inglés es consciente de que aquí tiene un público potencial que explotar. Y precisamente eso mismo es lo que le ha llevado a estar en la posición en la que se encuentra. La del músico currante hasta el límite, pero con la entrega y pasión necesarias para llegar a la gente. Tras más de 1.500 shows, eso es algo que se tiene que notar a la fuerza. Poco importó que el arranque resultase un tanto frío, porque sólo estaba tomando carrerilla para lo que empezó a caer más tarde. Un repaso continuo a toda su trayectoria que debió de contentar tanto a los que le han descubierto hace poco como a los más acérrimos. Especialmente significativo fue el set en solitario que se marcó atendiendo la petición de unos seguidores brasileños

al interpretar ‘Romantic Fatigue’ y ‘Wishdom Teeth’ de su primer álbum. Fue en ese momento, tras ‘Polaroid Picture’, que Frank cedió su guitarra a uno de sus roadies para, micrófono en mano, desenvolverse por el escenario con mayor soltura. Y ahí el concierto pegó un subidón tremendo con unos The Sleeping Souls completamente desatados. Sin apenas respiro, empalmando una detrás de otra ‘The Road’, ‘If I Ever Stray’, ‘Eulogy’, ‘One Foot Before The Other’ (¡Mientras caminaba sobre el público!), ‘Long Live The Queen’ y ‘Recovery’. Tras semejante tour de force se le notó exhausto en la intima ‘Broken Piano’. Momento para salir a cortar las dos orejas y dar la vuelta al ruedo. Primero en solitario (‘The Ballad Of Me And My Friends’) y luego con ‘I Still Believe’ y una apoteósica ‘Four Simple Words’ que terminó por hacer enloquecer a los allí reunidos. Casi dos horas impecables de un tipo que continúa ascendiendo como un cohete hacia el estrellato. Para que algunos digan que ya no quedan artistas como los de antes.

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ALCEST

6 de febrero de 2014 La [2], Barcelona Texto: JORDI MEYA Foto: Carles RodrÍguez

oche de examen. Me imagino que Neige, el líder de Alcest, es consciente que la ruta emprendida en sus últimos discos, aún más agudizada en el más reciente Shelter, no iba a ser un camino de rosas. Puede que su nuevo trabajo esté recibiendo muy buenas críticas, pero eso no significa que el público potencial al que puede llegar, ahora que su música es mucho más accesible, se haya enterado. ¿Y cómo iba a tomarse la parroquia metalera su acercamiento a los sonidos oníricos de Sigur Rós? Eran preguntas que flotaban en el aire mientras los teloneros británicos The Fauns, que causaron una buena impresión con su indie atmosférico, y los finlandeses Hexvessel, practicando un rock setentero algo psicodélico, calentaban el ambiente. Quizá la visita de Alcest a nuestro país apenas unos días después de la 124

edición del álbum fuera demasiado prematura para que su mensaje calara y aunque en La [2] vimos a un público no estrictamente metal, es evidente que el grueso lo seguían formando quienes ya conocían al grupo de antes. La buena noticia para Neige es que tanto los curiosos comos los viejos fans quedaron convencidos con lo que vieron a tenor de los aplausos que recibieron. Cierto es que ni el músico francés ni sus compañeros -su socio, el batería Winterhalter, y los músicos de directo, el guitarrista Zero y el bajista Indra- tienen una gran presencia escénica ni van sobrados de carisma, pero es evidente que musicalmente están muy bien compenetrados y que saben recrear el sonido envolvente de sus discos. De entrada se hizo un poco extraño ver a unos greñudos tocar algo tan poppie como ‘Opale’ (la típica disonancia cuando lo que ves y lo que escuchas

no se corresponde), pero teniendo en cuenta que Alcest te conquistan por los oídos, tampoco importa demasiado. La alternancia entre la oscuridad de antaño y la luminosidad del presente, entre la intensidad y la ligereza, funcionó más que bien en un repertorio que picoteó de sus cuatro álbumes. Naturalmente, cuando se enfrascaban en pasajes más duros como el subidón de ‘Summer’s Glory’ (donde no sonaron demasiado lejos de Smashing Pumpkins) o cuando Neige pegaba algún grito como en ‘Là Où Naissent Les Couleurs Nouvelles’ o ‘Percées De Lumière’, el público vibraba más, pero en general la conexión se mantuvo en todo momento. El propio Neige debía estar más que contento, pues se le veía realmente satisfecho y agradecido cuando, tras una larga ‘Délivrance’, se despidió del público con una sonrisa de oreja a oreja. Prueba superada.

BEADY EYE 13 de FEBRERO de 2014 Razzmatazz, Barcelona Texto Y FotoS: Nadia Natario

uando Noel Gallagher anunció su marcha de Oasis en 2009, su hermano Liam no dudó ni un segundo y formó Beady Eye junto a sus compañeros en la banda, Gem Archer (guitarra), Andy Bell (guitarra) y Chris Sharrock (batería). Esto creó una división entre los fans de Oasis. Quienes creen que el éxito de éstos se debía a Noel, le siguieron a él y a sus High Flying Birds, mientras que quienes creían que el sonido más rockero era cosa de Liam, se aliaron con Beady Eye. Después de haber visto a sus respectivos grupos en el mismo local, tengo que decantarme por el bando de Noel. No diría que el concierto de Beady Eye fue terrible, para nada. Y eso que había escuchado bastantes comentarios negativos sobre su directo, con gente quejándose de que Liam desafinaba, así que esperaba lo peor. Por suerte, en Razzmatazz

no fue así y su voz estuvo perfecta (menos fiesta, supongo). Por supuesto todavía conserva esa arrogancia que tanto nos gusta, pero en general la actuación parecía ir en piloto automático. Salieron, tocaron y se fueron. Podrían haberlo hecho con los ojos cerrados. Empezaron con la potente ‘Flick Of The Finger’, pero por desgracia hubo problemas con el micro de Liam y éste no paró de lanzarle miradas asesinas al técnico de sonido. Con un largo abrigo negro atado hasta el cuello y con un nuevo corte de pelo, se mantuvo en la misma posición todo el show, como si tuviera los pies pegados al suelo. Cuando se dirigió a echar un trago a su bebida, anduvo hacia los fotógrafos con la boca llena, como si fuera a escupirnos. Parecía realmente cabreado. Después de una floja ‘Face The Crowd’, el problema del micro se solucionó y pudimos disfrutar de

una matadora ‘Four Letter Word’, que está al nivel de los mejores temas de Oasis. Disfrutamos con sus buenas canciones, ‘Shine A Light’, ‘I’m Just Saying’, ‘The Roller’, ‘Start Anew’, ‘Soon To Come’ y ‘Wigwam’, pero ‘Soul Love’, ‘Second Bite Of The Apple’, ‘Iz Rite’, ‘The World’s Not Set In Stone’ y ‘Bring The Light’ no dejaron ningún tipo de huella. Además, los coros de Andy, Gem y Jay Mehler apenas se oían. También tocaron un par de temas de Oasis, la siempre maravillosa ‘Wonderwall’ y ‘Cigarettes & Alcohol’, pero se saltaron ‘Champagne Supernova’, que sí habían tocado en la prueba de sonido. Ya en el bis terminaron con una excelente versión de ‘Gimme Shelter’ de los Rolling Stones, pero saliendo de la sala no pude evitar desear que ojalá Liam y Noel hagan las paces. Necesitamos una reunión de Oasis por el bien de la música. 125

stoy segura de que más de uno decidió no acudir a la cita con Monster Magnet tras haberse anunciado que la banda tocaría su último trabajo en estudio, Last Patrol, de forma íntegra. Estaremos todos de acuerdo en que basar el repertorio de una actuación en un único disco que, a pesar de haber sido una grata sorpresa para fans y crítica, no se considera ni el más clásico ni el más emblemático, es una apuesta muy arriesgada, e incluso casi suicida, pero a la banda responsable de Dopes To Infinity y Powertrip hay que verla en directo sí o sí. Fue una lástima no ver la sala Bikini llena hasta la bandera, sobre todo después de haber presenciado un espectacular sold out apenas unos días antes cuando nos visitaron Red Fang, pero allí estaba la vieja guardia 126

pretoriana del rock prácticamente al completo para presentar sus respetos a una formación que nos lo dio todo hace años. Cualquier duda que el público tuviera sobre la calidad de la actuación que iba a presenciar se disipó en el momento en que el señor Wyndorf abrió el concierto con un saludo, “Barcelona you look good, and welcome to The Last Patrol Show”, y arrancó con la estupenda ‘I Live Behind The Clouds’. La interpretación de un disco respetando el orden de canciones real resta ese factor sorpresa con el que muchos seguimos disfrutando, pero en este caso fue también la confirmación de que el último trabajo de los de New Jersey es en realidad un viaje en el que todos nos vimos involucrados. Vimos a una banda muy cohesionada, con un sonido muy sólido y

contundente. La ausencia de Ed Mundell resulta ya algo anecdótico a nivel musical, aunque visualmente el carisma que desprendía es difícil de igualar, pero Dave Wyndorf, con 57 años a sus espaldas, un extenso historial de excesos y un declive físico ahora ya superado, demostró que sigue siendo el amo del cotarro y que todavía le quedan muchos cartuchos por quemar. Muy comunicativo con el público de las primeras filas, no le costó transmitirnos su entusiasmo. Si el concierto se tuviera que juzgar por los cuatro temas que conformaron el bis, estaríamos hablando de una noche épica: ‘Twin Earth’ de Superjudge, ‘Look To Your Orb For The Warning’, y ‘Dopes To Infinity’ y ‘Space Lord’ para rematar. Si hubiera llevado puesto un sombrero, me lo hubiese quitado y me hubiese puesto de rodillas.

MONSTER MAGNET 5 de Febrero de 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: TOI BROWNSTONE FotoS: ERIC ALTIMIS

TOUR OF CHAOS 2014 16 de febrero de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra Fotos: Carles RodrĂguez

HATEBREED

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NAPALM DEATH

l infarto que sufrió Wattie Buchan en Lisboa dejó algo cojas las citas del Tour Of Chaos en Oviedo, Bilbao y Barcelona, pero con semejantes bandas locales, al menos en la ciudad condal pudimos disfrutar de un espectáculo por todo lo alto. Está claro que The Exploited eran el principal reclamo del público punk, pero no se puede decir que la baja de última hora de los escoceses ahuyentara a las crestas… De hecho, entre un público tan variopinto como los carteles que últimamente nos ofrecen los anfitriones del Resurrection Fest, quizá lo que realmente faltó para acabar de reventar la sala y a juzgar por la alta actividad en las barras fue la presencia masiva de los hardcore kids. Lo pasamos de la hostia con todos los grupos, pero lo de Hatebreed fue apoteósico. Invencible. A muy temprana hora los cracks de Human Ashtray saltaron al escenario ante un público ya destacable y bastante receptivo con su brutal death. Los que les seguimos de cerca sabemos de su gran valía, y lo mismo puede decirse de los siguientes en tocar. Hyde Abbey, con la energía que les caracteriza, se llevaron un buen puñado de fans para Mataró con Rober y Presta

aullando como bestias, la melena de Kurti barriendo Razz 2 y su deathcore machacando cráneos. Lo de Anal Hard ya fueron palabras mayores. Muchos años y muchos kilómetros a sus espaldas, los de estos clásicos de nuestro hardcore. Su cera eróticofestiva fue recibida a lo grande entre un público que ya colmaba en gran medida la sala para disfrutarles. Saliendo a tocar con la humildad que les caracteriza, como si pasaran por ahí, Napalm Death dieron el pistoletazo de salida para las bandas foráneas. Con un sonido embarullado, casi se puede decir que su show no empezó hasta ‘Suffer The Children’. El pit fue un hervidero de empujones y golpes, pero centraron demasiado su set en temas de sus últimos tiempos, y quizá los vemos tanto por estos lares que su paliza grind empieza a ser monótona. Eso sí, siempre es un placer tener a estas cuatro leyendas despachando ‘Scum’, ‘Nazi Punks Fuck Off’ o su divertidísima retahíla de canciones de apenas segundos. Unos jefes. Sólo había una banda capaz de que la actuación de los pioneros del grindcore quedara en anécdota. Con un sonido que te partía en dos desde el primer

segundo y un Jamey Jasta dejando de lado su faceta de cheerleader para repartir berridos a cascoporro, Hatebreed dieron una lección difícil de olvidar. Es que no pararon, no importaba si eran temas nuevos o antiguos… ‘Dead Man Breathing’, ‘Honor Never Dies’ o ‘Indivisible’ no desmerecieron ante ‘Straight To Your Face’ o ‘Facing What Consumes You’. Contra las implacables ‘I Will Be Heard’, ‘Defeatist’, ‘This Is Now’ o la ‘Destroy Everything’ con la que nos mandaron para casa con el culo más escocido que el de Boris Izaguirre no se puede luchar, aunque yo sobre todo me quedé con ‘Perseverance’. Santo cielo, cuánto daño hicieron esos breaks… Muchas veces nos fijamos en el tiempo que ha estado un combo encima de las tablas para determinar la valía de su actuación, pero si una banda va a piñón fijo, se deja de parlamentos chorras y se dedica a bombardear a destajo con sus mayores himnos sin pausa alguna, uno no puede más que sacarse el sombrero ante tamaño bolazo. Unanimidad tanto para los que Hatebreed es parte indisoluble de nuestra vida como los que no: la hora y poco más rotunda de la temporada. 129

s muy triste comprobar el papel residual al que han quedado relegados Turisas en cuanto a afluencia a sus shows se refiere. Porque una cosa es el thrash metal y otra es Metallica, una cosa es el hard rock y otra bien diferente AC/DC, o por un lado está el industrial y en un peldaño más alto del podio, Nine Inch Nails o Godflesh… Pero sobre todo, aunque obviamente hablando en términos mucho más minoritarios, una cosa es el folk metal y el sinfónico y otra muy diferente son Turisas. Son bandas que trascienden a etiquetas, demasiado mayúsculas para encorsetarlas. De acuerdo que la moda pagana en nuestro país fue mucho más efímera y pasajera que en cualquier otro rincón de Europa, pero estamos hablando de una de las bandas más visionarias del metal de los últimos años, de unos monstruos de la orquestación y la épica. 130

No me gusta pensar esto, pero quizá una obra maestra como Stand Up And Fight era demasiado buena para su audiencia media. Ante una Razz 2 que daba pena verla y tras la apertura testimonial de los estadounidenses Starkill, los fineses empezaron a presentar con energía su reciente Turisas 2013 con ‘Ten More Miles’. La siguió una fantástica y cinemática ‘Take The Day!’ para llegar al primer pelotazo del show, ‘To Holmgard And Beyond’. Relajados, distendidos, la conexión entre banda y público fue perfecta. Mathias ‘Warlord’ Nygård estaba parlanchín, bromista, y para la posteridad quedará esa ‘En Joan Petit Quan Balla’ con la que le obsequiamos cuando nos pidió una canción típica catalana mientras se pimplaba una birra. Hasta el guitarrista Jussi Wickström aparcó su timidez para ser partícipe del jolgorio. Fue un

repertorio algo corto pero que repasó en gran medida sus mayores logros, hasta sorprendiendo con la espectacular ‘The Land Of Hope And Glory’ y la improbable ‘Rex Regi Rebellis’. Puño en alto para ‘The Great Escape’, ‘Greek Fire’, ‘For Your Own Good’, su himno ‘Battle Metal’, ‘No Good Story Ever Starts With Drinking Tea’, ‘We Ride Together’… Y así hasta llegar al bis. Para el final se dejaron otro tótem de lagrimilla como ‘Stand Up And Fight’ y una archiconocida cover de ‘Rasputin’ que se veía a la legua desde el primer movimiento de arco del violinista Olli Vänskä. Su asignatura pendiente sigue siendo traspasar la barrera de la hora y media de show, pero fue la mejor descarga que les he visto. Para cuando terminaron, en sus rostros ya no quedaba ni rastro de pintura de tanto sudar. Desde luego, Turisas saben cómo montar una buena fiesta.

TURISAS 13 de febrero de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: ERIC ALTIMIS

KATAKLYSM

+ KRISIUN + FLESHGOD APOCALYPSE 25 de enero de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra Fotos: Edu Tuset

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FLESHGOD APOCALYPSE

s curioso comprobar cómo cada vez somos más los que nos sentimos bastante más atraídos por los teloneros que por los grupos que actualmente copan la zona noble de los carteles. Así, dio gusto ver una larga cola para entrar en la Razz 2 (larga para tratarse de metal extremo), pues nadie quería perderse ni un segundo de la banda que realmente reinó esa noche: Fleshgod Apocalypse. Junto a Mastodon, Turisas o Wormed, seguramente estamos hablando de una de las pocas formaciones contemporáneas de metal que haya logrado grabar un disco que quizá llegue a ser un clásico, y por su repertorio se notó que también Fleshgod son conscientes de ello. Sólo así se explica que, viniendo a presentar su segundo álbum Labyrinth, éste solamente contara con dos canciones en el set y en cambio recuperaran de su sublime debut Agony hasta cinco inmejorables

temazos. Que hayan decidido incorporar a la soprano Veronica Bordacchini en toda su gira para recrear a la perfección su nunca visto universo y que Francesco Ferrini siga tocando en directo un llamativo y voluminoso piano de pared hizo del show de los italianos, de nuevo, una experiencia única. La intro ‘Temptation’ abrió la veda y cuando arrancó el doble bombo de Francesco Paoli, el batería más rápido que haya visto nunca, ya no hubo escapatoria. Nos cayó encima ‘The Hipocrisy’, luego ‘Minotaur (The Wrath Of Poseidon)’, y con ‘The Deceit’, la obligada ‘The Violation’, ‘The Egoism’ y ‘Elegy’ nos dejaron planchados. La semi balada ‘The Forsaking’ cerró 45 minutos que supieron a muy poco. Es complicado que Krisiun te sorprendan en vivo, también que te decepcionen. En los riffs exacerbados de Moyses Kolesne y el blast beat de su hermano Max no hay trampa ni cartón, y de

esta manera, cualquier aficionado a los cañonazos de vértigo disfrutó con ‘Combustion Inferno’, ‘Blood Of Lions’ o la versión de ‘Black Metal’ de Venom. La institución brasileña del brutal death siempre es garantía de caña infalible. Llegó el momento de Kataklysm, quienes me reafirmaron en mis convicciones hacia ellos. Lineales, poco dotados técnicamente, hasta limitados diría si nos fijamos en su batería, pero eso sí, muy efectistas. Con una buena ristra de canciones como ‘Let Them Burn’, ‘Push The Venom’, ‘Blood On The Swans’, ‘Fire’, la reivindicativa ‘Kill The Elite’ o las aclamadas ‘Iron Will’, ‘Crippled & Broken’ o ‘In Shadows & Dust’, estuvieron distraídos, aunque se hubieran cavado su propia tumba saliendo tras los dos portentos anteriores. Yo les sigo echando en falta el toque grind tan especial que tenían antaño, pero si a sus fans les parecen bien estos Kataklysm, todos contentos. 133

ME FIRST AND THE GIMME GIMMES 21 de febrero DE 2014 Sala Apolo, Barcelona Texto: Luis Benavides Fotos: Nadia Natario

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OLD MAN MARKLEY

agwagon, Face To Face, NoFx, Swingin’ Utters, RKL, 22 Jacks, Jackson United, Bad Astronaut, Viva Death… Y así podría seguir, citando las bandas en las que han tocado los cachondos de Me First And The Gimme Gimmes, para llenar la crónica. Sobran las presentaciones con semejante supergrupo, iconos de la época dorada del hardcore más melódico de la Costa Oeste; y tratándose de su primera visita al país de la siesta y la cena a las diez de la noche, el sold out en Madrid y Barcelona estaba asegurado. Y eso que a la baja ya habitual de Chris Shiflett (quien aparece en los créditos con su viejo nombre de guerra, Jake Jackson) se sumó la inexplicable y repentina ausencia de Fat Mike, pieza clave en este auténtico desparrame de versiones punkerizadas. Para superar el desplante del gordito

bastaba recordar que celebrábamos el número 100 de esta santa revista, recordar el subidón que nos produce cualquiera de sus adaptaciones aceleradas y recordar las ganas que les tenemos por aquí desde 1997, cuando lanzaron Have A Ball, del que rescataron si mal no recuerdo ‘Leaving On A Jet Plan’, ‘Me & Julio Down By The Schoolyard’ y ‘Rocket Man’. Para ser justos, debo decir que Jay Bentley, bajista de Bad Religion, lejos de quedarse en un segundo plano como buen novato, mostró una vis cómica desconocida para el gran público. Por otro lado, con un frontman como Spike Slawson, ya van sobrados de carisma y puesta en escena. Porque me quito el sombrero, amigos. Spike no es sólo un Elvis de karaoke. Abrió el bolo cantando a capella la estrofa de ‘I Will Survive’ y llenó solito el escenario en el bis con la única ayuda de un ukelele.

¿Quién dijo ‘Fat-dependencia’? No sé si tuvimos la suerte de verle su mejor bolo hasta la fecha, pero no me extrañaría. ¡Qué chorrazo! ¡Qué versatilidad! ¡Qué aplomo! Y los hits fueron cayendo: ‘(Ghost) Riders In The Sky’, ‘Summertime’, ‘Over The Rainbow’, ‘I Believe I Can Dream’, ‘Don’t Cry For Me Argentina’… Despacharon el concierto en apenas 90 minutos. Los más puristas dirán que no son la mejor banda de versiones, y ellos mismos no se toman demasiado en serio, pero sí son una de las más simpáticas y queridas. Puro espectáculo. Antes, el sexteto Old Man Markley, compañeros de los Me First en Fat Wreck, hicieron un alarde de tablas y buen gusto con su folk punk y bluegrass con instrumentos tradicionales e himnos de bar. Ahora sólo falta que los Me First no tarden otros 100 números de RockZone para volver de visita. 135

THE SETLIST Joey Cape / Me First And The Gimme Gimmes En esta nueva sección llamada The Setlist, Iri de Adrenalized intentará satisfacer algunas dudas o curiosidades que todos hemos tenido alguna vez sobre ese papelito que las bandas colocan en el suelo del escenario como guía de su repertorio. Para abrir el juego y dejarle el camino fácil a IRI, hemos realizado una prueba piloto en la que Alex Tamburini le hace el test a Joey Cape de LAGWAGON Y Me First And The Gimme Gimmes. Obviamente, la primera impresión del entrevistado no podía ser otra: “Somos un grupo de versiones, así que esto es un poco tonto, ¿no?”. Lo es, no lo vamos a negar, pero nos apetecía empezar con ellos…

¿El orden de las canciones del concierto lo decide alguien en particular o surge entre todos los componentes del grupo? “Solemos tocar cualquier canción que hayamos interpretado en la gira anterior, ajustamos a partir de ahí”.

motiva más? “Todas motivan y todas son muy divertidas, tal vez ‘Jolene’”.

Muchas veces, cuando se escribe una nueva canción, se le pone un nombre provisional que sólo la banda sabe. Algo así como ‘el nuevo’, ‘el thrash’… En vuestro caso, ¿cuál destacarías? “’Cunt-ry Roads’”.

Muchos setlists son piezas de arte efímero. A veces las bandas los escriben a mano antes del show o dibujan cosas estúpidas. ¿Utilizáis este tipo de ‘arte’ en vuestras listas o una aséptica impresión? “Antes lo hacía, ahora sólo escribo a continuación de lo impreso”.

A veces se utiliza ese nombre provisional durante tanto tiempo que ni siquiera se reconoce la canción cuando oyes su versión definitiva. ¿Te ha sucedido? “Sí, eso le sucedió anoche a Dave (batería), tocó la canción equivocada”. ¿Hasta qué punto tenéis en cuenta lo que el público quiere escuchar? ¿Tocáis lo que más os apetece? “Bueno, como todos son grandes éxitos, podemos tocar los que nos apetezca”. ¿Qué canción de este setlist te 136

¿Y cuál de estas canciones es la más reclamada por el público? “’I Believe I Can Fly’”.

A veces grabas una canción que no te gusta mucho cuando lo escuchas, pero te flipa tocarla en directo. ¿Te ha pasado esto con algún tema? “Por supuesto, muchísimas veces”. Hay canciones que tras muchos años, incluso si las has aborrecido, las sigues tocando solamente porque es triste eliminarlas del setlist. ¿Cuándo se decide el momento de dejar de tocar esa canción? “Cuando nadie del grupo quiere tocarla

nunca más, es el momento”. Algunas bandas se tocan unos bises aunque nadie se lo haya pedido. ¿Qué opinas sobre ello? “En todos los casos el gusto es subjetivo. En general, una banda puede y debe ser algo más indulgente con ella misma. La mayoría de las bandas saben, después de algún tiempo, las canciones que funcionan bien para crear un clímax en la culminación de un concierto, supongo… Por cierto, la siguiente canción es una versión”.

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DE GIRA

THE LONE BELLOW 13 de marzo Independance Club (Madrid) 14 de marzo Sala Bikini (Barcelona)

l debut homónimo de The Lone Bellow, publicado en enero de 2013 por el sello Descendant, fue considerado por la prensa especializada norteamericana como uno de los mejores trabajos de música de raíces del año. Este trío de Brooklyn formado por Zach Williams (voz, guitarra), Kanene Donehey Pipkin (voz, mandolina) y Brian Elmquist (voz, guitarra) pasó de actuar para apenas 30 personas a más de 3.000 en su último concierto, y muchos están convencidos de que seguirán los pasos de otras bandas afines como los Lumineers, Mumford & Sons o The Civil Wars, con quienes han compartido cartel en varias ocasiones. Este mes tendremos la oportunidad de escuchar en directo la mágica aleación de sus maravillosas voces. Este mes visitaréis España por primera vez. ¿Qué expectativas tenéis?

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ZACH WILLIAMS “Es increíble pensar que estaremos en un país al otro lado del océano y que haya gente que quiere escuchar nuestra música”. Hay otro músico que se llama Zach Williams en la banda The Reformations. ¿Te ha llevado a alguna confusión? Sé que hay gente por aquí que pensaba que The Lone Bellow era un nuevo proyecto suyo... “Al principio causó cierta confusión en MySpace, pero no ha sido un problema desde hace mucho tiempo”. Parece que The Lone Bellow pasó de 0 a 100 en 2013. ¿Lo sentiste así? “A principios de 2013 todos teníamos otros trabajos, pero tuvimos que dejarlos para poder asistir al South By Southwest en Austin, donde dimos 17 conciertos. Hicimos más el

año pasado de lo que ninguno de nosotros pensaba que era posible. Hemos estado por todo nuestro país y hemos conocido a gente majísima en ciudades que nunca hubiéramos visitado de no ser por este disco. Estamos agradecidos con que la gente quiera escuchar nuestra música. No es algo que demos por sentado. Vivimos de la música y eso no es algo común en la mayoría de bandas, así que estamos muy felices”. Tengo entendido que la semilla para empezar The Lone Bellow se plantó cuando tu mujer estuvo hospitalizada en 2005. ¿Habías pensado en ser músico antes? “Formo parte de una familia que ama la música, y creo que es algo que los tres tenemos en común. Brian fue, de hecho, la primera persona que me escuchó cantar en público... pero no me lo tomé en serio hasta el año 2005”.

Algo muy especial ocurre cuando vuestras tres voces suenan juntas. Es muy emocionante y contagioso. ¿Cuándo os disteis cuenta de que teníais ese ‘poder’? “Ocurrió cuando cantamos por primera vez ‘You Can Be All Kinds Of Emotional’ y llegamos a esa gran nota. Creo que fue entonces cuando me di cuenta de que teníamos algo especial”. ¿Qué recuerdo tienes de la grabación del disco? ¿Fue una experiencia agradable? “Cada vez que trabajas con letras que vienen de un lugar profundo y personal puede ser duro. Hacer el álbum con Charlie Peacok fue un honor y facilitó mucho las cosas. Y poder grabar en Nueva York fue genial para nuestras familias. Además, lo grabamos en nuestro local favorito, el Rockwood Music Hall, en el Lower East Side”. Defines vuestra música como ‘Brooklyn country’. ¿Siempre te ha gustado la música de raíces? “Todos crecimos con este tipo de música y queríamos hacer algo que fuera auténtico para nosotros. Todos somos del Sur de Estados Unidos, así que no puedes escapar de ella. Se te mete en el alma de muy joven”.

AGENDA MARZO AMARANTHE 21 Bilbao, 22 Madrid, 23 L’Hospitalet de LLobregat ANNEKE VAN GIERSBERGEN 28 Barcelona, 29 Madrid BLAZE BAYLEY 11 Sevilla, 12 Murcia, 13 Madrid, 14 Barcelona BREW 5 Barcelona, 6 Madrid, 7 Lleida, 8 Reus BUSINESS 21 Barcelona, 22 Madrid, 23 Cáceres CAULDRON 6 San SebastiÁn, 9 Madrid, 11 Barcelona CROWD DETERRENT 26 Barcelona DAMIEN JURADO 7 Vigo, 8 Valladolid, 9 Zaragoza, 10 Barcelona, 11 Valencia, 12 Algeciras DEAD LORD 3 Barcelona, 4 Zaragoza, 5 Castellón de la Plana, 6 Alcalá de Henares, 7 Estepona, 8 Cádiz, 9 Torredembarra DOBERMANN 6 Toledo, 7 AlhaurÍn El Grande, 8 MÁlaga, 9 Marinaleda, 10 Baiona, 11 Ourense, 12 Bueu, 13 AlcÁzar de San Juan, 14 Tres Cantos, 15 Benidorm, 16 Alzira, 17 Castellón de la Plana, 19 Monzón, 21 Calella, 22 Manlleu, 23 Torredembarra ECLIPSE 13 Gijón, 14 Burgos, 15 Zaragoza, 16 Madrid, 17 Barcelona EUROPE 28 Marzo, 29 Barcelona FALL OUT BOY 1 Barcelona JOHN MAYALL 1 Zaragoza, 2 AvilÉs, 3 Bilbao, 4 Madrid, 5 MÁlaga, 7 Girona LLOYD COLE 20 Madrid, 21 Barcelona MALCOM HOLCOMBE 11 Madrid, 12 Barcelona

Aunque no habéis explotado como los Lumineers o Mumford & Sons, hay mucho interés en el grupo. ¿Estaríais preparados para un gran éxito como ése? Vuestra música tiene un carácter íntimo y no sé si crees que podría perderse. “Somos protectores con estas canciones porque son muy importantes para nosotros. Vienen de un lugar doloroso y hermoso, pero están hechas para ser compartidas con la gente y que ésta encuentre su propia historia en las letras. Estamos muy agradecidos, pero la música no forma nuestra identidad. Intentamos disfrutar de ella, pero tampoco es el principio o el fin de todo”.

MICHAEL GIRA 6 Madrid, 7 San SebastiÁn, 8 Barcelona

Por curiosidad, ¿has visto la película Inside Llewyn Davis? ¿Te identificaste con la historia? “La vimos todos juntos el mes pasado. Es una pena que no pudiera encontrar su camino, pero no creo que la vida de un músico tenga que ser siempre trágica”.

STEEL PANTHER 7 Barcelona, 8 Madrid

(MARC LÓPEZ)

VANDEBERG’S MOONKINGS 29 Madrid

MONKEY3 7 Vitoria, 8 Madrid, 9 Barcelona MORE THAN A THOUSAND 2 Madrid, 3 Murcia, 4 Barcelona RHINO BUCKETT 4 Lierganes, 5 Madrid, 6 Ourense, 7 A Coruña, 8 Cangas Do Morrazo, 9 León, 10 Cádiz, 12 Estepona, 13 Orihuela, 14 Castellón de la Plana, 15 Barcelona ROBIN BECK + HOUSE OF LORDS 13 Barcelona, 14 Madrid, 15 Zaragoza, 16 Bilbao SCORPIONS 7-8 Madrid SHOOTER JENNINGS 5 Barcelona, 6 Zaragoza, 7 Madrid, 8 Bilbao SOILWORK 5 Madrid, 6 L’Hospitalet de LLobregat STEEPWATER BAND 1 Gijón, 2 Santander, 4 Cangas de Morrazo, 5 A Coruña, 6 Madrid, 7 Valencia, 8 Murcia, 9 Estepona, 10 CÁdiz, 11 Sevilla

THALIA ZEDEK 20 Barcelona THE ADICTS 28 Aizoain, 29 Terrassa, 30 Murcia TOM ODELL 11 Barcelona, 12 Madrid TOXIC HOLOCAUST 4 Erandio, 6 Madrid, 7 Badalona

WASTED BULLET 4 Castellón de la Plana, 5 Alzira, 6 Murcia, 7 Madrid, 8 Barcelona

FIGURAS COLATERALES A lo largo de 15 AÑOS el Roadburn Festival se ha convertido en una de las referencias mundiales en cuanto a música underground. Su éxito demuestra que anteponer la calidad por encima de la cantidad también funciona. Hablamos con su ideólogo Walter Hoeijmakers. Texto Y Foto: Joaquim Valls

pocas semanas de su edición DE 2014, de nuevo con un cartel de infarto que ha tenido a Mikael Akerfeldt de Opeth como comisario artístico y que contará con la presencia de bandas como Candlemass, Napalm Death, Triptykon, Goblin, Yob, Old Man Gloom o Indian entre muchas más, el teléfono de Walter Hoeijmakers saca humo. El Roadburn, que se celebra en la ciudad de Tilburg, ya hace años que dejó de ser un festival sólo holandés para convertirse en un sitio especial al que acude gente de todo el mundo atraída por los sonidos extremos del underground. Un auténtico lugar de peregrinación donde ver y escuchar formaciones que comparten la misma integridad artística que año tras año identifica al evento. Cuéntanos un poco los 140

orígenes del festival... “El evento es un subproducto de la página web Roadburn. El primer Roadburn tuvo lugar en 1999. Al principio tratamos de trasladar la sensación y el espíritu de la página web también al escenario, así que empezamos a colaborar con las bandas y artistas de vídeo y gráficos que conocíamos, esto se nota visualmente cada año en el escenario principal, que también habían participaron en la elaboración de la web. Además de ofrecer la mejor programación y bandas stoner rock de los alrededores en el aquel momento, fuimos pioneros en transmisiones en directo de audio y vídeo también a través de nuestra web”. ¿Cómo se consigue que un festival pequeño tenga tanto éxito? ”Hacer el Roadburn tiene que ver con la locura, ya que organizar un festival como éste conlleva un montón de dedicación. Siempre queremos mantener el ambiente relajado del Roadburn a cualquier precio, por lo que se necesita coraje y sangre, sudor y lágrimas a veces, para mantener el fenómeno Roadburn como es”. ¿Pero había algún plan para llegar a esto? “Nunca hubo un proyecto original para convertirse deliberadamente en un festival exitoso a nivel musical y

artístico. Simplemente sucedió durante los años, y todavía estoy sorprendido por todo lo que ocurrió desde nuestros humildes comienzos. Hacer el Roadburn fue y siempre será un homenaje a la apertura mental de las bandas, artistas, asistentes, periodistas y gente de la industria por igual. Por eso apostamos por la apertura de los estilos y sonidos. Al principio nos centramos únicamente en el stoner rock y el doom, y de ahí fuimos abriéndonos”. ¿Cuándo notaste que el festival había dado un salto? “En 2005 se convirtió en el fenómeno que es ahora, ya que tuvimos a Sunn O))), High On Fire, Electric Wizard y Alabama Thunderpussy en el mismo cartel. Era algo realmente único. Estas bandas estaban empezando a obtener una gran cantidad de atención en el mundo subterráneo también y la venta de tickets se multiplicó. Fue entonces cuando el Roadburn comenzó a convertirse en un peregrinaje para todos los que adoramos el riff. Hasta ahora el 85% de los asistentes del festival vienen de todo el mundo”. ¿Os sentís unos privilegiados? “Como he dicho anteriormente, nunca pensamos en que el festival llegara a tener tanto éxito. Todo sucedió a medida que avanzábamos. Es algo que no damos por hecho, y estoy muy agradecido a todos los que lo hicieron

posible. El éxito del Roadburn es en su totalidad culpa de las bandas, los asistentes, la gente de la industria, los artistas y los periodistas. Todos forman una parte indispensable del Roadburn”. ¿Cómo se escoge la programación y los artistas que ejercen de comisarios artísticos para confeccionar el cartel? ¿Qué criterios se siguen? ”Siempre hay una gran cantidad de opciones que se basan sobre todo en nuestra primera impresión, en la mía y la de Jurgen, mi compañero de programación. Al final, yo elijo las bandas musical y artísticamente adecuadas para el festival, los comisarios y los que están capturando una cierta sensibilidad en el mundo musical. Para ellos tiene que ser una especie de fiesta o celebración. No es tan fácil de explicar... Elegimos artistas que han jugado un papel fundamental en ciertos géneros que atraen a Roadburn, es decir, nuestros comisarios han abierto las puertas artísticamente a muchos y han creado un proyecto original para muchas de las bandas que participan en el festival. Es difícil, a veces se tarda un par de años para llegar a un comisario confirmado”. A pocas semanas de empezar esta locura anual, ¿cómo te sientes antes de arrancar? ¿Y cómo encaras el organizar los horarios? ”Siempre tengo mucho estrés desde el momento en que empiezo a trabajar en el próximo Roadburn. Yo mismo soy un fan, y quiero ver a todas y cada una de las bandas, por lo que siempre me rompe el corazón

“No sentimos la necesidad de cambiar esto con el fin de vender más entradas. De eso no es de lo que va el festival” cuando necesito tomar decisiones. Hay muchos aspectos a tener en cuenta, pensar en un montón de cosas, la producción… Por desgracia, a la hora de montar los horarios es inevitable que se solapen bandas”. ¿Has pensado en ampliar el festival? ”No queremos corromper la camaradería única y el ambiente relajado que se respira en el Roadburn ampliando el festival, por eso lo mantenemos como es. Roadburn es y debe ser un hogar lejos del hogar, por lo tanto mantenemos la fiesta íntima, el lugar, la sala 013 es perfecta, y la ciudad de Tilburg también forman parte del éxito del Roadburn. No sentimos la necesidad de cambiar esto con el fin de vender más entradas. De eso no es de lo que va el festival”. ¿Así que no hay posibilidades de que crezca más? ”No podemos vender más entradas, o trasladarnos a un lugar más grande... Sin embargo, podemos considerar crecer ofreciendo un programa paralelo, como seminarios, clínics, exposiciones… En ese aspecto vamos a ser pioneros en el futuro”. ¿Cuál es tu objetivo principal? “Mi principal objetivo es mantener el festival de forma subterránea, underground, que conduzca al Roadburn Europa a ser una referencia mundial en el universo de la psicodelia

más oscura, avantgarde, ya sea metal, doom o cualquier otra variación de los placeres sónicos. Queremos empujar los límites de la música. Con tantos festivales emergentes alrededor del Roadburn, es un reto para nosotros”. Y para terminar, ¿cuál sería tu sueño en cuanto a bandas o comisarios para el festival? “Mi mayor sueño sería tener a ZZ Top tocando sus seis primeros discos de blues rock en el Roadburn o a Golden Earring tocando un repertorio de los 60 o principios de los 70. ¿O qué hay de Ted Nugent tocando Doble Gonzo Live! en su totalidad? En el fondo, soy un fan del rock clásico, ¿sabes? En cuanto a mis deseos de próximos comisarios serían… Phil Anselmo, Josh Homme, Dave Grohl y Jack White. Pensar que pudieran aceptar ser comisarios para el Roadburn sería una pasada”.

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ÚLTIMAS PREGUNTAS

BRYAN GILES (RED FANG) Apenas media hora antes del comienzo de su espléndida actuación en Bikini, seguimos a Bryan Giles por un laberinto de pasillos y puertas hasta llegar a un garaje, donde se encendió un cigarrillo dispuesto a afrontar nuestras últimas preguntas. Un tipo súper amable y muy fácil de tratar. Fue todo un placer compartir un par de pitis, unas preguntas atípicas y bastantes risas. Texto: Toi Brownstone Foto: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago? “Hoy. No sé por qué. Creo que porque hoy sí podía serlo. Ha sido un día muy relajado, así que cuando no hay mucho que hacer, aprovecho”.

a Graveyard en directo… creo. No fue hace mucho. Bueno, ahora que lo pienso fue la primavera pasada. La verdad es que he visto muy buenos conciertos, pero éste para mí ha sido el más destacable”.

¿La última vez que has visto un gran concierto? “¿La última vez? Uno de los shows que más he disfrutado recientemente fue viendo a The Shrine y a Graveyard en Pórtland, Oregón. Las dos bandas estuvieron increíbles. Además, era la primera vez que veía

¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “Aaron puso el otro día un tema que se llama ‘Rock Bottom Riser’ de Smog. Las letras son muy evocadoras y me encanta la simplicidad del tema. Sí, ahora mismo es la primera canción

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que se me pasa por la cabeza que me hubiese gustado componer”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “La verdad es que ahora mismo no me acuerdo. Estoy seguro de que me sucede constantemente porque me equivoco con mucha frecuencia. No sé, hace un rato por ejemplo pensaba que el hotel donde nos alojábamos se llamaba Bikini. Me pasa un montón con los lugares. Me equivoco con frecuencia y además, tengo una memoria terrible”.

¿La última vez que infringiste la ley? “Pues ayer mismo, que meé en la calle, en Madrid. Ya sé que no es un delito como atracar un banco, pero sí, ésta fue la última vez que quebranté la ley”. ¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “Continuamente. Es algo que me pasa cada día. Les pegaría a todos”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “¡Hoy! No entiendo muy bien el motivo, porque acabamos de comenzar la gira y está siendo fantástica, pero hoy me he puesto un poco nostálgico”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Hoy al mediodía. Hemos estado en este restaurante, ‘Pisco-algo’ (Piscolabis -ndr.), tomando unas tapas, y he pedido una hamburguesa, bastante pequeña, que se llamaba La Sorpresa De Queso De Cabra. Afortunadamente la sorpresa ha sido que estaba deliciosa aunque no estuviera rellena de queso de cabra, y el tamaño de la hamburguesa era perfecto para mí”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “¡Joder! Otra pregunta difícil de responder (risas). No tengo demasiados gestos agradables. Podría decir que estar aquí contigo justo antes de empezar el concierto, pero no sé si quedará bien. A ver,

déjame pensar... Corté el césped de mis vecinos porque no tienen una máquina cortacésped, ¿qué te parece? ¿Mejor? (Risas). Lo hice justo antes de salir de gira. Tenía que arreglar mi jardín, y lo hice, aunque no los conozco. De hecho, intento evitar a mis vecinos”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Pues fue la última vez que miré mis últimos movimientos de tarjeta. Me di cuenta de que me había gastado un montón de pasta en bares el mes pasado. Estuvimos en Nueva York una semana y ya sabes, hice lo que me dio la gana. Hasta que miré mi cuenta bancaria y pensé ‘¡Joder, me he pasado!’ (Risas)”. ¿La última vez que lloraste? “La verdad es que no lo recuerdo. Te diría que fue cuando tenía veintipocos años, y lo divertido es que empecé a llorar mientras hablaba con un amigo. Me imagino que fue porque alguna chica me dejó. Para que no se diera cuenta, fui a la nevera, me sequé las lágrimas y me puse jalapeños en los ojos, así que en realidad no parecía que estuviera llorando por una chica, sino porque me escocían los ojos por culpa de los jodidos jalapeños”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Me siento muy afortunado cada día. Tengo la suerte de tocar en un grupo y encima, ése es mi trabajo. Nunca pensé que esto me pudiera suceder, así que mientras sigamos adelante, seguiré sintiéndome así cada día”. ¿La última vez que te

impresionó una película? “Pues quedé fascinado por una película llamada Moon. La dirige el hijo de David Bowie (Duncan Jones -ndr.). La vi en el cine y después llevé a mi novia a verla dos días después... Imagina”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio? “No me considero un genio ni en broma, de hecho, pienso que soy un imbécil. Mira, te voy a decir cuándo fue la última vez que me sentí como un tonto. Ha sido hoy, cuando trataba de abrir nuestro remolque, y no era capaz. Y es ¡nuestro! remolque. Ha sido uno de los chicos que trabaja en la sala el que me ha enseñado a abrir mi propio remolque. Ha sido muy estúpido”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Hace un par de semanas hablé con mi madre, que me quiere mucho”. ¿La última vez que pensaste que Red Fang eran el mejor grupo del mundo? “Jamás lo he pensado, pero sí es el mejor grupo en el que he estado tocando (risas). A veces creo que hemos hecho un buen trabajo. Por ejemplo creo que ayer en Madrid ofrecimos un buen concierto, así que cuando terminamos nos felicitamos todos por haber realizado un buen trabajo. Pero creo que cada día hay una nueva actuación y no puedo permitirme pensar que soy increíble porque mañana podría ser una mierda. No puedes volverte un engreído porque entonces sí que lo arruinarás todo o la banda estallará por los aires”.

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