RockZone 102 - 04/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Hives (Barcelona) © Carles Rodríguez

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EDITORIAL Ya hacía meses que teníamos entre ceja y ceja dedicar por primera vez nuestra portada a Against Me!. Está claro que por trayectoria lo merecían de sobras, pero no vamos a negar que el valor añadido por la transición que está viviendo su cantante también nos motivaba un montón. Nos ha costado lo nuestro conseguir una entrevista con Laura Jane Grace, pero por fin os podemos ofrecer sus interesantes reflexiones sobre este periodo tan especial en su carrera. La alegría además es doble, porque justo en esos días se confirmó también su visita a nuestro país para el próximo mes de junio. Enjoy!

SUMARIO

nº 102

9 / INTERFERENCIAS

26 / ANIMALS AS LEADERS

38 / I KILLED THE PROM QUEEN

44 / WEEZER

58 / LAYABOUTS

72 / DISCO DEL MES

60 / CHUCK RAGAN

74 / CRíTICAS

28 / THE USED

32 / IN SOLITUDE

48 / AGAINST ME!

56 / NOTHING

64 / WHITECHAPEL

68 / LACUNA COIL

104 / EL PÁRAMO

108 / KEVIN DEVINE

SUMARIO

nº 102

112 / BELOW

116 / TRIPTYKON

122 / HEAVEN’S BASEMENT

126 / THE THREE GENERATIONS

128 / EN DIRECTO

146 / EL SETLIST

148 / DE GIRA+AGENDA

150 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

new del mes_RECORD STORE DAY Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Xavier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Francesc Feliu, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

EL RECORD STORE DAY PREPARA UNA NUEVA EDICIÓN PARA EL PRÓXIMO 19 DE ABRIL. POR FORTUNA, LA MÁXIMA CELEBRACIÓN DEL VINILO Y LAS TIENDAS INDEPENDIENTES SE CONSOLIDA CADA VEZ MÁS EN NUESTRO PAÍS Y ESTE AÑO DISPONDRÁ POR PRIMERA VEZ DE EDICIONES LOCALES.

e entre todos los lanzamientos especiales a nivel nacional para el Record Store Day destaca, al menos para nosotros, la edición a todo lujo, doble carpeta y doble vinilo, y limitadísima a 250 copias en venta, de nuestro RockZone Bipolar Sessions Vol. 1. No se nos ocurre mejor manera de apoyar una iniciativa tan encomiable como ésta que editando en vinilo este recopilatorio de versiones que lanzamos digitalmente con motivo de nuestro número 100 y que tan buena aceptación tuvo gracias a las 16 colaboraciones de bandas como Hamlet, Berri Txarrak, Toundra o Crisix. Estad atentos además a la web del Record Store Day porque montaremos un concurso relacionado con nuestro lanzamiento. Otras novedades estatales dignas de mención son un single de Mambo Jambo, que además ese día pillarán su furgoneta y tocarán en tres de las tiendas participantes en el RSD, la reedición del primer álbum de Triángulo De Amor Bizarro o un single exclusivo de Nacho Vegas. En el apartado internacional las novedades, como ya viene siendo habitual, son muchas y de todo tipo de estilos y tendencias. Si hubiésemos de quedarnos con una de ellas

sería la edición en exclusiva del nuevo álbum de Pixies, Indie Cindy. 23 años después de su último trabajo, Trompe Le Monde, la banda de Frank Black, editará el próximo 28 de abril su nuevo trabajo, pero ya estará disponible unos días antes en un doble LP a todo lujo. También son dignos de destacar los dos vinilos oficiales más buscados de AC/DC, Stiff Upper Lip y Ballbreaker; Demolicious de Green Day, una colección de demos de canciones pertenecientes a su última trilogía, Candle Apple Grey de Hüsker Dü, un single de nuestros queridos OFF!, una caja de siete singles conteniendo todo el Never Mind The Bollocks de Sex Pistols; American Beauty, un EP con cuatro temas inéditos de Bruce Springsteen o los dos Unplugged completos que grabaron R.E.M.. Y eso por no hablar de las ya habituales ediciones de algún 7’’ de pesos pesados como David Bowie, The Rolling Stones, Nirvana o Bob Dylan. En definitiva, una avalancha de ediciones que nos harán rascar el bolsillo un año más, aunque en pocas cosas se puede gastar uno el dinero de una manera más placentera que comprando vinilos. Para ver el listado completo de tiendas participantes, visita la página web www.recordstoreday.es

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ ODERUS FOREVER

a noche del pasado 23 de marzo, mientras media España estaba pendiente de si la pelota entraba en una portería u otra del Santiago Bernabéu, al otro lado del Atlántico encontraban el cadáver de Dave Brockie en su apartamento en Richmond, Virginia. Puede que el nombre no os diga mucho, pero seguro que sí su apodo de guerra, Oderus Urungus, con el que lideró la banda GWAR a lo largo de tres décadas. Toda una vida, si consideramos que falleció a los 50 años, dedicada a hacer realidad una idea tan loca como la de unir heavy metal, humor, escatología y espectáculo. Que increíblemente lo consiguiera, y con bastante éxito, da a entender que estábamos ante un personaje único. Hace unos meses, con motivo de su último disco Battle Maximus, tuve la oportunidad de charlar con él por teléfono durante 25 minutos. Me sorprendió que después de tanto tiempo siguiera atendiendo a los medios inmerso totalmente en su papel de criatura venida del espacio exterior. Hablaba a gritos, con una voz monstruosa, de proyectos de futuro como un videojuego, una película dedicada a GWAR y de poder volver por aquí con un entusiasmo contagioso. Ojalá que sus compañeros logren llevarlos adelante, porque puede que Dave Brockie haya muerto, pero Oderus Urungus merece vivir para siempre. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@themusicremains Qué gustazo leer la @RockZone desde la tablet tranquilamente. Muy grande la última entrevista al de @RedFang, me he reído mucho. ¡Grandes! @GreenBeatle0 Pues no tenía mucho interés por Lost Forever // Lost Together de Architects, pero después de leer la @RockZone me han entrado muchas ganas... @ann_crush Leyendo la entrevista de @RockZone a Adam Lazzara. ¡¡Quién le ha visto y quién le ve!! @teren25 Ayer me descargué y leí @RockZone, el número de marzo. ¡Cuánto hacía que no leía una revista de música! @ikerffernandez ¡¡Viva vuestra edición digital!! @valenpatxi La quiosquera me anda buscando. Normal... después de 99 veces resulta que no aparezco. Se le oye gritar “madejaotirada”. @marina_j_g8 Debería de estudiar, pero no puedo soltar mi @RockZone. Jajaja @aloudmusicfest ¿Ya has leído @RockZone este mes? ¿Ya los sigues? Deberías :)

Desde que supe que iría al concierto de Bring Me The Horizon, no perdí la esperanza de poder hacerme alguna foto con ellos. Mientras tocaban Sights & Sounds, me di cuenta que tenía a Jordan Fish detrás mío, disfrutando desde la zona baja. En la foto, mis amigos Carlos, Juanmi y yo con Jordan. Un concierto que valió mucho la pena. (RICARDO SAÍNZA) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Vaya promotores de pacotilla los capos de esta revistucha. No tienen suficiente con cargarse el poco valor que tenía eliminando el papel, que además, para celebrarlo, hacen el pena intentando dar lecciones. ¿Que no va peña a los shows que montáis? Joder, montad uno decente. ¿Que nadie apoya la escena local? Igual es que nuestras bandas tampoco son tan buenas como nos queréis vender. ¿Que la gente no compra revistas? Para qué, si ya hay Facebook. Aparte, el rollete de ferretería y calcomanías que escogisteis para celebrar los eventos igual es que no le interesa tanto a la gente. Lo digo con todo el respeto a los grupos que tocaron y a las que tenían que tocar, excepto a Hyde Abbey, que entre luces y plataformas parecen más una disco-móvil que una banda de rock. Lo preocupante es que, más allá de la decisión de uno de ir, hacer o decir lo que quiera, venga alguien a tirar en cara a dónde fue, qué hizo o qué dijo. Es como si un amigo te pasa su lista de regalos de cumpleaños y se enfada si no le traes lo que te pidió. No gracias. No necesitamos salvapatrias del rock. Con hacer lo que te gusta, seas agente, promotor, músico, público, periodista musical o granjero, ya vale mientras lo disfrutes. A este último colectivo, todos mis respetos. (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra CONCEALING THE SUN

BIRLE

EXECUCIÓ

Decay Of Stars

Ardatzak

Demo

(AUTOEDITADO)

Viajamos a Sevilla a propósito del primer EP de Concealing The Sun, justo cuando se encuentran ultimando el que será su primer álbum. Ya en esta toma de contacto nos encontramos con una banda que, aunque necesita mejorar como cualquier otro combo novel, sí que como mínimo presenta una propuesta algo más personal y reconocible que muchos de sus contemporáneos. Estos jóvenes muestran un especial esmero por los riffs propios del thrash técnico de tintes modernos, a veces incluso progresivo, aunque tampoco les guste distanciarse de las tendencias metalcore, sobre todo en ciertos coros que, dicho sea de paso, ojalá perfeccionen en su próximo asalto. Ya la primera ‘Call Of Duty’ muestra claramente todo lo enumerado, con un trabajado teclado cerrando la canción con mucha clase, y en la veloz ‘Embrace The Beyond’ encontramos a una de sus mayores influencias: Sylosis, de quienes incluso versionan ‘Eclipsed’. La instrumental ‘The Warmth Of Your Hands’ te envuelve en una atmósfera interesante para que luego ‘Will Turn You To Stone?’ devuelva la caña al EP. Seguro que en su futura grabación logran mejorar todos estos aspectos y también reforzar sus puntos fuertes.

Mola que Birle sean de Birle, Mungia. Hay que reivindicar la tierra de la que es uno, faltaría más, así que desde Bizkaia nos llega esta banda de contagioso rock de correctos estribillos y perfecta producción. Y es que sí, si tuviera que destacar algo por encima de todo en Ardatzak, eso sería sin duda el pulcrísimo sonido que los estudios Magic Box Musika les ha conseguido sacar. Birle pueden acercarse al rock de tendencia algo pop ante los oídos más curtidos, también bastante más al punk rock de estribillos coreables, darle caña casi hardcore melódica a ‘Izenik Gabe’… Lo cierto es que cortes como ‘Beste Gauza Bat Da’, ‘Helburua’ o ‘Ukatuta’ juegan todos sus propias cartas, aunque siempre mantienen esa misma voz cristalina y unas guitarras que perfectamente pueden recibir también ese calificativo. Aitor Ganboa, Roberto Alonso, Gudiker Zugazaga y Garikoitz Balbas (¡Poned en algún sitio a qué os dedicáis cada uno, por favor!) tocan y graban sin pretensiones, sin querer alardear de nada con su propuesta, pero la verdad es que estos cortes están muy bien paridos. Aquí todo está en su justa medida, y no nos sorprendería que en futuras aventuras Birle incluso vayan a más.

Cuando aún colea el baptismo de fuego que Execució tuvieron en vivo, ni más ni menos que con Toxic Holocaust y Exhumed, estos salvajes nos presentan ahora esta burra demo de cinco temas de lo más definitorios. La presencia en este combo de ilustres como Javi (exTort) al micro o Letxon (exTempesta) a la batería ya da alguna pista de cómo sonarán, aportando cierto tufillo al thrash germano más remoto de Sodom o Kreator en ‘Raptors’ y ‘Shithead’. El inicio de ‘S S S’ es una especie de híbrido entre el ‘God Of Thunder’ de Kiss e ‘In League With Satan’ de Venom, aunque pronto adquiera de nuevo la urgencia desgarrada con la que este cuarteto nos ataca siempre en esta toma de contacto. En ‘Total War’ incluso se toman ciertas licencias técnicas en los riffs, ya no digamos en el bajo de Magu, pero no se me asusten, que la cera sigue reinando aquí. Prueba de ello es un final como ‘Under The Metal Wrap’, un hachazo directo al cuello para otra banda a sumar a Körgull The Exterminator, Insulters, Atonement y esa larga ristra de formaciones catalanas adscritas al thrash más guarro y blacker. Más ratas de cloaca destripando instrumentos, dignos hijos del underground más putrefacto.

http://concealingthesun.bandcamp.com

http://birle.bandcamp.com

http://execucio.bandcamp.com

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_ENCONO FORMACIÓN: David (voz, guitarra), Iván (bajo), Héctor (batería) PROCEDENCIA: Alicante AFINES A: No More Lies, Hot Snakes, Metz, Fugazi PRESENTAN: Encono (álbum, Mascarpone/BCore)

“Héctor pone su infinito optimismo, Iván, paciencia por un tubo, y yo, hiperactividad a capazos” David Esteve

e nuestro directo han dicho que somos una buena bofetada en la cara y que parece que llevemos diez años tocando juntos”, explica agradecido David Esteve, cantante y guitarra de Encono, la última apuesta de Can BCore. Sabe muy bien qué supone estar en el sello decano porque la publicación de Encono, coeditado con Mascarpone, supone su feliz regreso a la casa que publicó en 2007 El Orden De Las Cosas, la obra póstuma de su anterior banda, Qualude. “No tuvimos una difusión brutal, pero nos pateamos España y parte de Europa. De hecho, la facilidad que tenemos ahora para movernos por el mundo es gracias a la gente que nos recuerda y se interesa por lo que estamos haciendo ahora”, dice David, capaz de resumir la historia de su nueva banda en unas pocas líneas. Tampoco es tan difícil: no llevan ni dos años tocando juntos. “Tras la disolución de Qualude comencé a grabar algunas canciones en casa, y más tarde las llevé al local. Por divertimento, pero estábamos animados, con ganas de salir por ahí a tocar”. En cuanto a la grabación, querían

que el sonido fuese fiel a lo que suena en directo y que trasmitiese la misma mala leche. “Nos salieron dos novias, BCore y Mascarpone, y nos editaron un hermoso LP de 12’’”. Colorín, colorado… Este cuento no ha acabado. Todo ha empezado, a primeros de 2014, con la presentación por las Españas de su debut. Y tiene miga que su primera gira sea de la mano de otro grupazo que está de vuelta, No More Lies, el más veterano de BCore. Ellos también presentan trabajo este año, In The Shape Of Expectation. “La presentación en Barcelona, Madrid y Alicante con No More Lies salió muy bien. Somos fans y, con cada trabajo que sacan, más. Los conocemos desde su primer disco, y todavía recuerdo su bolo en Barcelona con Shanty Rd., The Shorts y Sweep The Leg Johnny hace un montón de años. ¡Fue increíble! Tiempo después fuimos los Qualude a grabar a los estudios de Santi Garcia, y hemos mantenido el contacto”. La banda, que completan en la actualidad Iván López al bajo y el Flyingpigmatanza Héctor Bardisa detrás de los parches (el batería original, Juli,

abandonó el combo después de grabar el disco) es un power trio de libro, electrizante y arrollador. Juntos hacen un rock’n’roll hardcorizado matador deudor de incontables bandas, pero curiosamente nombran un tridente que puede dar muchas pistas sobre su personal aportación al panorama actual: Black Sabbath, Fugazi y Nirvana. Tres estandartes en tres décadas diferentes. Visceralidad, cerebro y nihilismo. Da que pensar, porque sin quererlo han clavado el retrato de la banda. “En realidad coincidimos en muchas más. El otro día, por ejemplo, tomando unas cervezas después del concierto de Joan Colomo nos pegamos un bailoteo guapo con Metronomy y comentábamos la excitación que teníamos por la inminente salida del nuevo disco de Young Widows”, puntualiza el cantante y guitarra. “En un principio yo hago esbozos de canción, y en el local van mutando con las opiniones y la personalidad al tocar del resto”. Los papeles están muy definidos, también fuera del local. “Héctor pone su infinito optimismo, Iván, paciencia por un tubo, y yo, hiperactividad a capazos. Amor en triángulo, pero sin movidas bizarras”. Mejor así. (LUIS BENAVIDES)

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, JORDI MEYA, PAU NAVARRA FOTOS: DR

SIDONIE - UN DÍA MÁS EN LA VIDA Carles Rodríguez i Marín (66RPM)

oincidiendo con la publicación de su nuevo disco Sierra Y Ca-

nadá, aparece en el mercado

un libro de fotografías dedicado a Sidonie a cargo de nuestro querido Carles Rodríguez, de quien podéis disfrutar de sus magníficas instantáneas cada mes en estas páginas. Hacía tiempo que Carles llevaba dándole vueltas a un proyecto así, en el que poder plasmar gráficamente la vida de un grupo dentro y fuera del escenario, bajo los focos y alejados de ellos. Un Día Más En La Vida nos permite a través de sus ojos, en un precioso blanco y negro y cuidada edición, ver a Jes, Marc y Axel en entornos habituales como podrían ser su local de ensayo, el estudio de

coches en Santa Coloma de Gramenet. Prologado por otro de

grabación o actuando en el teatro Lara de Madrid, junto a otros

nuestros colaboradores, Toni Castarnado, éste es un libro que

muchos más íntimos como son sus casas o rincones asociados

debería trascender al estricto círculo de fans de Sidonie y llegar a

a su memoria como una cala de Port Lligat o un desguace de

cualquiera que le interese el noble arte de la fotografía. JM

DESORDEN PÚBICO. UNA PLEGARIA PUNK POR LA LIBERTAD DE EXPRESiÓN Pussy Riot (MALPASO)

uando leas esto las

espontáneas en espacios urbanos. Nuestras canciones abor-

componentes

del

dan cuestiones políticas de actualidad y nuestros intereses

colectivo Pussy Riot

son el activismo, la ecología y la supresión del autoritarismo

que habían sido procesadas

del sistema estatal ruso dando voz a la sociedad civil”. Una

y encarceladas por el régimen

de sus actuaciones consistió en interpretar 40 segundos de

de Putin ya estarán en libertad.

‘Virgen María, Llévate A Putin’, su particular plegaria punk por

Me refiero a una liberación

la libertad, junto al altar de la Catedral de Cristo Salvador

física, porque lo que han de-

de Moscú; lo único que pretendían era denunciar los trapi-

mostrado estas jóvenes rusas es que siempre han sido libres

cheos de un gobierno respaldado por las altas esferas de la

mental y moralmente. Por si acaso todavía queda alguien que

iglesia ortodoxa rusa. Este libro recoge todos los alegatos del

aún no conozca a este grupo punk a raíz de un caso que tuvo

juicio (unos racionales, otros surrealistas), letras de canciones,

eco mundial, aquí va la presentación de Nadia: “Pussy Riot es

poemas y cartas de apoyo. A releer junto a ¡Indignaos! de

un grupo musical que pretende sorprender con actuaciones

Stéphane Hessel.

CHUPACABRAS OF THE UNK(N) OWN #2

RANTIFUSO 11 – MONO DE MONO

7 VIDAS

(AUTOEDITADO)

(GRUPO RANTIFUSO)

(DIBBUKS)

VV. AA.

Fanzine de género coordinado por Javi Pauner y Dani Hellez donde dan rienda suelta, junto a un buen puñado de estupendos colaboradores, a sus neuras basadas en los mitos del terror y la fantasía. Presentado bajo el formato de cuadernillo grapado de la vieja escuela, en su interior encontrarás oligofrenia, fanatismo pop y comix cortados por el patrón del entretenimiento chungo y macarra. Pedidos en http://degollazine.bigcartel.com. No dejes de hacerte también con el resto. Joyazas. SG

EL GALÁCTICO, PIRÁTICO Y ALIENÍGENA VIAJE DE MI PADRE

VV. AA.

Lo underground no tiene por qué ser peor, para nada, y una prueba de ello es el colectivo Rantifuso y las grandes páginas que nos siguen brindando. En su undécimo tomo ya, estos veteranos del DIY nos ofrecen historietas tan espectaculares y diversas como Alegoría, Dios Te Salva, Muñecas Rusas, El Embargo o Tortura, situando esta vez el listón a una altura envidiable. Contra viento y marea, siguen luchando por el cómic nacional alejado del establishment. PN

TIEMPO DE CANICAS

Beto Hernandez (LA CÚPULA)

Este libro bello e ilustrado con exquisito gusto por Scottie Young nos regala a ese Neil Gaiman cómplice de la infancia y la fantasía, demostrando que sigue siendo un gran evocador de poderosos recuerdos, aun sin recurrir al estilo de otras de sus grandes producciones para infantes como El Día Que Cambié A Mi Padre Por 2 Peces De Colores. Una delicia que debería entrar en las bibliotecas juveniles de toda la chavalada que tengamos a mano. SG

Responsables de los webcomics JA! y First World Problems, la pareja creativa formada por Ángela y Jonás aborda en este tomo una historia sobre el respeto, la comprensión, la amistad, la solidaridad y la vida. La metáfora de las vidas como el número de los dueños de un gato les sirve para acercar al lector diferentes temas de calado social y con un importante poso educativo. Tanto su hermoso guión (mudo) como precioso acabado lo convierten en una obra a leer y luego regalar. Una y mil veces. SG

MALDAD ETERNA #1

Geoff Johns y David Finch (y VV. AA.) (ECC)

Neil Gaiman, con ilustraciones de Scottie Young (ROCA)

Jonás Aguilar y Ángela Cuéllar

Siempre hay un poso de melancolía y soledad en todas las obras de Beto Hernandez, y esta pseudo autobiografía sobre la infancia de unos chavales no iba a ser menos. El responsable de obras como Palomar o Luba retrata en estas páginas cómo crecen un puñado de críos en los años 60, con multitud de referencias a la cultura popular, a sus relaciones como iguales y la manera en que surgen sus diferencias a medida que dan el paso hacia la edad adulta. Tan hermoso como nostálgico. SG

Inmersos en el tercer año del reseteo (o del Nuevo Universo DC), toca evento que afianza ahora a los villanos de la casa y altera el statu quo de todas las cabeceras de la editorial. El hilo principal, disfrutable (y mucho) en su propio título, se completa con varios especiales dedicados a personajes claves y se ramifica luego en otras series de la casa. Un mundo sin los principales héroes, donde el Sindicato del Crimen se ha hecho con el poder y en el que Lex Luthor juega un papel clave son las premisas de esta historia. SG 17

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA EL GRAN HOTEL BUDAPEST OH

DALLAS BUYERS CLUB ENFERMEDAD DE PRESTIGIO

do el protagonista toma conciencia y comienza a ejercer de Erin Brockovich, la narración se resiente de su tono apaga-

de amor y dulces y, sobre todo, una fuga carcelaria que jamás podremos olvidar? ¿Cómo llegas a la conclusión de rodar tres líneas temporales en tres formatos diferentes y que también ese

oder, Wes, cómo haces estas cosas. Cómo es posible que cada vez que ruedas una peli, te superes. Bueno, con Moonrise Kingdom la cosa salió regular, pero creo que la razón era que, sin comerlo ni beberlo, rodaste una de las pelis de animación más alucinantes de nuestra vida. Ahora vas y te cascas El Gran Hotel Budapest, donde disipas todas las dudas que planeaban por nuestra órbita. Y lo haces, otra vez, con un reparto coral, lleno de actores, actorazos, veteranos, noveles, amigos… ¿Cómo es posible que con tantos personajes tan chulos y variopintos, aún engrandezcas más la historia? ¿Cómo es posible que tus personajes más cercanos y adorables pertenezcan a un mundo ficticio, que no vivan en nuestro mismo mundo? ¿Cómo haces para alternar una persecución animada con tus secuencias más violentas, con los malos más temibles de tu filmografía, con una historia

detalle sea un acierto? ¿Y cómo eres capaz de mover tanto y tan bien esa cámara, donde pasas de falsos subjetivos a generales en un segundo con la naturalidad de quien graba la boda de su primo? ¿Cómo es posible que recuperes el espíritu aventurero de hace casi un siglo y la comedia de vodevil para lograr el mayor acierto cinematográfico de tu carrera y tu película, a la vez, más moderna? ¿Cómo es posible que no pueda dejar de pensar en El Hotel De Los Líos o El Conflicto De Los Marx mientras veo tu película sentado en el centro de un enorme cine del futuro de centro comercial? ¿Cómo es posible que hace cuatro días la gente bebiera los vientos por aquella cosa rancia que era The Artist? Si tu película llega a ser en blanco y negro y muda, haría que los responsables de aquel pastiche empalagoso huyeran despavoridos a Marte. ¿Cómo es posible que tengas ese sentido del ritmo para la acción y los diálogos, y quién coño te pinta los fondos, qué cosa más bonita? Me ha gustado mucho tu película, amigo. Espero que el techo que tocas aquí no interrumpa tu crecimiento, tu sabiduría ni tus ganas de innovar.

ean-Marc Vallée dirige con aplomo la historia real de Ron Woodroof, un electricista aficionado al rodeo, bebedor, drogadicto y poco precavido a la hora de tener relaciones sexuales, al que se le diagnosticó sida allá por 1985, además de una esperanza de vida de 30 días. Su empeño en sobrevivir le permitió llegar a 1992. Dallas Buyers Club es agradecida, además de por el impecable trabajo de su protagonista, por su tono de comedia negra cruel y desalmada, al menos durante su primera parte. Cuan-

do y plomizo, sobre todo en la parte de la trama que implica al personaje de Jared Leto, probablemente el personaje más extrañamente premiado de los últimos años en lo que se refiere a reconocimientos de prestigio. Todo es correcto, nada desentona, la música, elaborada con éxitos de T. Rex o Shuggie Otis es infalible, y la fotografía de Yves Bélanger cumple con su cometido, pero Dallas Buyers Club no puede evitar caer en el farragoso terreno de películas con enfermos terminales, a pesar de huir con elegancia del melodrama facilón, adquiriendo con ello esa tonalidad de película de sobremesa con estrellas muy implicadas en el asunto. Que nadie olvide que sus protagonistas eran, hasta hace cuatro días, carne de cañón para las televisiones. La de vueltas que da la vida, ¿verdad?

Ya a la venta Disponible en EDICIÓN LIMITADA de CD+DVD;

LP + el álbum entero en CD y en DIGITAL ÁLBUM. Producido y mezclado por Jay Baumgardner.

TOI’S IN THE ATTIC ¡EQUIPOOOO!

lgunos domingos por la mañana me despierto con el teléfono echando humo lleno de mensajes de amigos y amigas reportándome cómo les fue el sábado noche con distintos resultados. Solteros o separados, éste es el único punto en común. A diferencia de los veinteañeros súper emparejados que ni remotamente os veis de aquí a diez años solteros, vosotros, queridos treintañeros, sí sabéis de qué va el tema, y muchos ya habéis descubierto que tarde o temprano shit happens. Esa primera fase en la que te quedas como en pelotas, atontado como cuando te dan una hostia, hasta que, una vez pasado el duelo, pues oye, las ganas de follar vuelven a aflorar, ¡menos mal! Dispones de un catálogo bastante más reducido del que recordabas de seres con los que copular, y encima tus armas de seducción, en la mayor parte de los casos, han quedado obsoletas y muy oxidadas. Por favor, a pesar de todo esto, de nuestros kilos de más y nuestros pelos de menos, no hay que

tirar la toalla. No pretendo abrir el consultorio de ligar en RockZone, pero ahora que estamos en primavera y que con el sol y el buen tiempo nos ‘pica’ todo bastante más, mi intención es la de contagiaros mi espíritu de superación y de triunfo eventual. Cada intercambio de número de teléfono, cada arrimada cebolletil, cada echada de tejos… son pasos hacia el triunfo y target del soltero: echar un casquete. Y nada de esto tiene sentido si uno no lo comparte con sus seres queridos. No estoy hablando de alardear como a los 18, sino de celebrar una hazaña, como si de la final de un torneo de cualquier deporte se tratara. Hace un tiempo me tocó uno de esos esporádicos trofeos, y me sorprendió la alegría que esto supuso en mi entorno, cuando la beneficiada era yo (y la víctima, ahora mismo irrelevante). Y es que jamás se me olvidará lo que me dijo un amigo: “Cuando follas tú, gana todo el equipo. Porque eso es lo que somos, un jodido equipo”. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE DANCI NG WITH MYSELF

ue la verdad jamás te estropee una buena historia. Fundamento clave en las aplicaciones de márketing. El ínclito tema de Generation X, en versión en solitario del cantante visualmente macarra Billy Idol que puso el rostro en multitud de pósteres de púberes, siempre se asoció al onanismo. Da igual que sus compositores, el citado Idol y el iconoclasta Tony James se hartaran de explicar que trataba sobre los nipones bailando en las discotecas mirando su reflejo en los espejos. En nuestro país la televisión fue, durante gran parte de los 90, la vía de escape de los adolescentes para dar vía libre a sus instintos lascivos, naturales. A no ser que tuvieras parabólica y pillaras algún canal alemán, estabas supeditado a la dictadura del Canal +, de esas cintas que reemplazaban el discurso típico de los hermanos mayores sobre la educación sexual. No es que fuera precisamente una educación para ambos géneros sexuales, si es que estos existen. Desgraciadamente, era una educación sexista, sin considerar a las mujeres más que como objetos. También poco imaginativa, comparada al porno setentas. Quiero decir, ¿esas bandas sonoras llenas de groove? ¿El trasfondo social rebelde? Absolutamente nada, gimnastas con diálogos absurdos (vale, todos los diálogos son absurdos en el cine para adultos). Aunque eso son inclinaciones personales. Era tal la importancia catódica en nuestras vidas, que algunos colegas, cuando Canal + era en abierto, pero como canal de pago, y codificaban lo interesante, en nuestro caso, el porno, daban rienda suelta a la imaginación los viernes por la noche e intentaban contemplar posturas entre lo poco que se vislumbraba en los grisáceos tonos de la pantalla. De hecho, creo que todavía echan películas picantes los viernes, sólo que con internet y la desaparición de Canal + en abierto, su importancia se ha devaluado. Ya hay canales temáticos dedicados al erotismo, al porno, anuncios a todas horas de chicas y chicos (el sexismo en televisión aún no se ha erradicado) prometiéndote placeres bajo la sugestión de la palabra. Los tiempos han cambiado, ya lo dijo el tahúr de canciones. No olvidéis jamás que durante una época, la generación que creció con el estertor del hair metal, el grunge y el nu metal en España, maridó perfectamente el sexo y la televisión. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_BLONDIE DISCO BÁSICO: Parallel Lines (1978) FORMACIÓN: Debbie Harry (voz), Chris Stein (guitarra, bajo), Clem Burke (batería, voz), varios bajistas (Nigel Harrison el de mayor importancia) y teclistas

AFINES A: The Cars, The Motels, The B 52’s

rupo paradigma de chica al frente, con Siouxsie And The Banshees como antítesis oscura al otro lado del charco, Blondie surgieron de aquel Nueva York heterogéneo que incendiaron, de forma directa, los New York Dolls. Convivieron junto a la escena del CBGB’s de Ramones y Dead Boys. A diferencia de aquéllos, lograron traspasar los límites del underground, triunfar en las listas de éxito, tanto en singles como en álbumes, algo que les ha permitido continuar pudiendo editar nuevos trabajos que, aun sin la repercusión de antaño, son la excusa perfecta para girar por festivales y garantizarse el carácter eterno de estrellas. Las pegadizas melodías de unas canciones brillantes, entremezcladas con el espíritu lúdico de la época, y la magnética presencia de Harry explican el porqué. Los cuatro álbumes que publicaron en la segunda mitad de los 70, la labor compositora de cada miembro, su brillante versión de ‘Hanging On The Telephone’, la factura de canciones inolvidables y que aún suenan vigentes, caso de ‘Heart Of Glass’, utilizada hace no demasiado en un anuncio de

David Lynch, los han sepultado más allá del selecto grupo de la new wave. Lo bueno de Blondie es que, más allá de los temas citados, todo el material incluido en esa tetralogía tiene enjundia. Los 80 no les sentaron tan bien, pero incluso en esa década nos dejaron canciones que, como ‘Rapture’, innovaban introduciendo bases rap en un contexto pop. Diversos problemas, entre ellos conflictos de ego debidos a la atención mediática que recibía Debbie Harry, adicciones a las drogas de algunos miembros y que enfermara Chris Stein de pemphigus, provocaron su disolución. Sin ellos, no hubieran existido Garbage ni tantos otros. Lo que nadie esperaba fue su fulgurante regreso en los 90, primero girando y después publicando un álbum que, gracias a su single ‘Maria’, en 1999, los redescubriría a una nueva generación. Desde entonces han editado dos álbumes, de irregulares resultados artísticos y comerciales. Lo que sí que no han perdido es su poderío escénico. Ver a Blondie continúa siendo garantía de calidad. Este verano publican nuevo trabajo. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es el 7” homónimo de Quicksand. Desde la llegada de internet seguro que el no tener que comprar discos a ciegas ha sido una liberación para algunos, pero no se puede negar que, ahora, cuando descubrimos

alguna joya, no la apreciamos de la misma manera. Nunca olvidaré el momento en que cerré los ojos y escuché esa voz en mi interior que decía que tenía que comprar el primer 7” de Quicksand. Cuando llegué a casa y puse el álbum en mi equipo, aluciné. Fue una música que me atrapó y capturó y, definitivamente, lo que estaba escuchando me dejó boquiabierto. Dos años después, en 1993, Quicksand lanzaron su continuación, el álbum Slip, sorprendentemente editado por Polydor. Ahora una alianza de

un grupo así con una major puede parecer sorprendente, pero hay que recordar que esto pasó durante el periodo post Nevermind, donde toda multi estaba buscando a bandas desesperadamente. De las cuatro canciones que había en el 7” tan sólo dos pasaron el corte del álbum: ‘Omission’, todavía mi canción favorita de ellos, y ‘Unfulfilled’, otra canción tremenda. Al principio pensé que la habían cagado con las nuevas grabaciones de éstas, pero con el tiempo creo que han superado a las originales. También incluyeron su brillante ‘hit’ ‘Dine Along’, aunque hubiese deseado que también hubiesen puesto ‘Clean State’. Vi a Quicksabd en la gira de Slip. Había menos de cien personas en una sala para más de 400, pero la banda tocó

de muerte. Años después, muchos años después, mi grupo estaba en Copenhage tocando en el Copenhell Festival con bandas como Megadeth, mis compañeros canadienses de 3 Inches Of Blood, Hatebreed y Deftones. Vamos, una día normal en nuestra vida. Estaba por ahí con Jamey Jasta y Cam Pipes y cuando alguien me comentó que Sergio Vega estaba tocando el bajo con Deftones, me cagué en los pantalones. Empecé a buscarlo pero no fui capaz de decirle algo con más sustancia que ‘tú molas’. Él simplemente asintió de una forma tímida el cumplido con cierta altitud. Fue un poco extraño todo. Nunca suele salir nada bueno cuando conoces a la gente que admiras. A pesar de todo, sigo amando ese 7”. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

CONCURSOS

El VANS MUSIC TOUR presenta este año un cartel de lujo con las actuaciones de Bad Religion y Against Me! el 17 de junio en Madrid (La Riviera) y el 18 de junio en Barcelona (Razzmatazz). Contamos con 2 entradas dobles para cada fecha a sortear entre quienes nos digan cuántos discos de estudio ha publicado la veterana banda de punk rock. No olvides indicar a qué ciudad quieres asistir.

Los amantes del metal oscuro están de enhorabuena. Los próximos 18 de abril en Madrid (sala Shoko) y el 19 en Barcelona (Razz 3) se vivirá una auténtica bacanal con los belgas AMENRA, Treha Sektori, Oathbreaker y Hessian. Por cortesía de Madness Live! contamos con 3 entradas para ambos conciertos para quienes sepan el nombre del último disco del cabeza de cartel. No olvides indicar a qué ciudad quieres asistir.

Este mes volvemos a sortear otro par de gafas modelo Slickster cortesía de ARNETTE. Si quieres tener la posibilidad de que sean tuyas, deberás mandarnos un mail diciéndonos cuál es la entrevista que más te ha gustado de este número de RockZone. ¡Más fácil, imposible!

Para participar, manda la respuesta a rockzone@rockzone.com.es junto a tu nombre completo, DNI y teléfono de contacto. Indica en el asunto en qué concurso quieres participar. Sólo se admitirá un mail por persona y concurso. 24

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> THE LAST 3 LINES INTERPRETAN EN NUESTRA REDACCIÓN ‘COLORBLIND’, TEMA DE SU ÚLTIMO TRABAJO NEW SONGS FOR OLD RITES.

he Last 3 Lines son una banda de

trabajo”. Por lo expuesto en sus últimas

do de una forma muy natural desde

Barcelona en activo desde 2006

referencias, da la sensación de que

entonces”. Sobre ‘Colorblind’, Dani lo

y en el que se encuentran viejos

The Last 3 Lines están evolucionando

describe como una conversación con

conocidos de grupos como Laihn o

hacia un sonido más orgánico, natu-

uno mismo. “Trata sobre la relación

Hedtrip. Su última referencia es New

ral y atemporal. Una línea que quién

que nosotros mismos establecemos con

Songs For Old Rites (Aloud Music),

sabe si se prolongará en su próximo

nuestro lado más oscuro y de cómo a

un EP que complementa al aparecido

álbum. “A la hora de componer

veces se puede llegar a convertir en

el año pasado bajo el título Leafless.

siempre tratamos de no partir desde

algo destructivo y obsesivo”. Entre su

“Ése fue un EP de versiones acústicas

una premisa que nos condicione de-

larga experiencia en directo, uno de

de nuestros propios temas que surgió

masiado”, aclara Dani. “Intentamos

sus fuertes, destaca su relación con los

casi como un experimento y una ne-

siempre hacer algo diferente, que nos

británicos Placebo, quienes en varias

cesidad de explotar ese lado de la

mantenga motivados, pero sí que es

ocasiones han reclamado su presencia

banda”, nos cuenta Dani, uno de sus

cierto que de alguna manera todo lo

para abrir sus conciertos. “Sí, nuestros

guitarristas fundadores, sobre la re-

que surge en el estudio últimamente

niños van a las mismas guarderías y

lación entre ambos. “Creo que New

apunta hacia lo que comentas. Hemos

hacemos barbacoas los domingos.

Songs… está más ligado a la trayec-

empezado ya con la composición del

Brian domina la parrilla que da gusto”,

toria eléctrica del grupo, aunque las

nuevo disco y tenemos la sensación

bromea. “No sabemos de ellos desde

fronteras nunca están definidas del

de que con New Songs… sentamos

el último concierto, tuvimos muy buen

todo y a mi parecer, también hay

unas bases en las que estamos todos

rollo y sabemos que nos aprecian y les

algo de ese aire folk en este último

muy cómodos, y los temas están fluyen-

gusta nuestra música… Eso es todo”. 25

ANIMALS AS LEADERS

Es poco habitual que una banda logre crear un sonido que escape de las etiquetas. Pero a LO largo de tres discos, los instrumentales y complejos Animals As Leaders han conseguido no sólo eso, sino, inesperadamente, ganarse a un montón de fans de todos los géneros. Texto: DAVID GARCELL Foto: DR

uando Tobin Abasi, anteriormente guitarrista en la banda de metalcore Reflux, editó su primer disco en solitario bajo el nombre de Animals As Leaders en 2009, era difícil imaginar que en 26

apenas cinco años músicos de la categoría de Steve Vai o John Petrucci de Dream Theater hablarían de ellos como el futuro de la música instrumental. Mezclando la progresividad rítmica de Meshuggah con virtuosismo guitarrero y arreglos cercanos

al jazz, el trío de Washington D.C. que completan el guitarrista Javier Reyes y desde 2012, el batería Matt Garstka, factura una música que a pesar de ser compleja, también es hermosa y melódica. Para Reyes, que como Abasi utiliza una guitarra de

“Usamos la técnica para componer, pero el fin es hacer música interesante, pegadiza y original”

ocho cuerdas, su secreto es no ver la técnica como un fin en sí mismo, sino como un vehículo para expresarse. “La técnica es lo que nos mantiene interesados en nuestro instrumento”, nos dice al otro lado del teléfono. “Es lo que usamos para componer, pero el fin es hacer música interesante, pegadiza y original. Diría que en realidad el objetivo es hacer canciones efectivas y nuestras habilidades son las que nos lo permiten. A veces ponemos la técnica en un primer pla-

no si a raíz de una técnica concreta sale una parte, pero normalmente pensamos en los temas en términos globales. De hecho, si hay algo que mola mucho tocar con la guitarra pero no encaja en la canción, no lo usamos”. Todo esto queda expuesto en su recién salido del horno tercer álbum que lleva por título The Joy Of Motion (Sumerian Records) y en el que han colaborado Misha Mansoor y Adam Getgood de Periphery y Diego Farias de Volumes. Si bien es cierto que la escena djent les ha acogido con los brazos abiertos, girar con bandas tan dispares como Deftones, The Dillinger Escape Plan, Thrice, Dredg o Decapitated les han llevado a alcanzar un público de lo más amplio. “Recuerdo que hicimos una gira con Circa Survive, que es un grupo que no tiene nada que ver con nosotros, y la respuesta de la gente fue absolutamente positiva”, cuenta Reyes. “Creo que fue ahí cuando nos dimos cuenta de que estábamos haciendo algo especial. No sé, creo que tuvimos suerte. Tocamos la guitarra y hacemos música como nos gustaría escucharla, y por algún motivo a otra gente también le gusta. Es lo que nos motiva a seguir adelante y crear cosas nuevas”. Teniendo en cuenta que vivimos en un momento en el que se premia la inmediatez y el placer instantáneo, su éxito todavía resulta más extraño. Para Reyes, el que sus primeros fans fueran a su vez otros músicos puede que haya sido decisivo. “Claro que nos considero una banda para músicos. Cuando alguien importante habla bien de ti es normal que sus seguidores sientan curiosidad por lo que haces, y si encima te llevan de

gira con ellos, todavía más”. A pesar de ser tan admirado, Reyes habla con una modestia encomiable y no se olvida de su lado más fan. “Para mí fue increíble poder girar con Meshuggah. Son una máquina increíble y aprendí mucho viendo su show cada día. Sin duda, son una de las bandas más innovadoras y precisas que he visto”. Aunque pudiera parecer lo contrario, Reyes explica que en directo la formación se centra en reproducir lo más fielmente posible lo que se escucha en el disco más que lucirse individualmente en largas improvisaciones. “Nos interesa más interpretar la canción que improvisar”, explica. “En eso somos distintos a otros grupos. Tenemos una mentalidad más como si la composición fuera una coreografía. Creo que en verdad las canciones más coreografiadas son más memorables que las que son simples jams”. Reyes, de familia salvadoreña y que aprendió tocando flamenco, rancheras y boleros cuando era un crío, también tiene un proyecto de fusión latina llamado Mestis (“Para mí, es mi parcela privada, soy yo y mi ordenador, sin nadie más. Es material que no necesariamente encajaría en Animals As Leaders, pero que creo que merece la pena dar a conocer”), por lo que le encantaría poder visitar España en un futuro cercano. “Ahora estamos de gira en Estados Unidos, pero no tenemos nada confirmado para más adelante. Quizá vayamos a Europa en otoño, pero aún está por ver”.

USAR Y

“Necesitamos más líderes y menos seguidores en Twitter”, reza una de las canciones del nuevo disco de The Used. Con Imaginary Enemy la banda de Utah quiere despertar la conciencia de sus fans a la vez que recuperan el pulso perdido en los últimos años. Texto: Jordi Meya Fotos: DR lguien podía imaginar que The Used llamaría algún día a la revolución? ¿Que su cantante que salía en los tabloides como novio de Kelly Osbourne citara a Adam Smith y Karl Marx como inspiración? Es más, ¿que todavía seguirían en activo en 2014? Yo desde luego no, pero pa-

rece que la vida de The Used, tanto a nivel personal como profesional, ha dado un giro de 180 grados y ahora, Bert McCracken (voz), Quinn Allman (guitarra), Jeph Howard (bajo) y Dan Whitesides (batería) se muestran como personas concienciadas a las que les preocupa más la paz en el mundo que pegarse una juerga en el Warped. Junto a su gurú y produc-

tor John Feldman han dado forma a su sexto álbum, Imaginary Enemies (Hopeless Records), buscando nuevas formas creativas con las que expresar su mensaje. Al poco de iniciar una gira por Estados Unidos junto a Taking Back Sunday, tuvimos la oportunidad de charlar con su bajista sobre esta nueva y sorprendente etapa de la formación.

NO TIRAR

THE USED

Habéis dicho que la creación de Imaginary Enemy fue muy distinta a la de discos anteriores. ¿En qué sentido? JEPH HOWARD “Escribimos 30 temas para este álbum, pero cuando llegamos al estudio decidimos tirarlos todos a la basura y empezar de cero. Fue algo muy temerario. Y empezamos al revés. Empezamos con las voces y luego hicimos la música, completamente al revés de como siempre lo habíamos hecho. Y eso también era bastante temerario (risas). Pero Bert tenía esta visión para las letras y la temática del disco, y eso exigía hacer las cosas de

manera diferente. En todos los discos nos esforzamos tanto como podemos. En ese aspecto creo que por un lado ha sido el álbum en el que más nos hemos esforzado, pero también el que ha sido más fácil de hacer. A nivel personal, como bajista, he disfrutado como nunca. Poder escribir las líneas de bajo con total libertad me hizo estar mucho más relajado. Creo que todos nos sentimos igual. En lugar de sentirnos estresados, nos sentimos liberados”. ¿Qué tenían de malo las 30 canciones que decidisteis tirar? “No es que fueran malas. De hecho

me gustan todas, pero simplemente no encajaban en este momento. Queríamos hacer algo diferente. Esas canciones están ahí y si queremos las usaremos en el futuro”. Supongo que una decisión tan drástica también es una manera de motivaros y que grabar un nuevo trabajo no se convierta en una rutina. “Sí, eso es verdad (risas). Estar en un grupo puede ser algo muy repetitivo si no buscas estímulos. Cuando las cosas se vuelven demasiado cómodas, empiezan los problemas porque 29

THE USED

ha dado la vuelta y ahora concentra toda su energía en algo positivo. Ha cambiado por completo su vida, la dinámica del grupo… Los conciertos ahora son una locura. Bert vuelve a ser el Bert de los inicios, de cuando empezamos a girar hace 14 años. Es una bendición estar a su lado ahora. Para mí su voz es lo que hace que sonemos a The Used. Musicalmente podemos hacer lo que queramos, pero su voz es lo que hace que todo tenga nuestra personalidad”.

empiezas a aburrirte”. Cuéntame un poco más sobre ese proceso de trabajar a la inversa. ¿Iba Bert al estudio, cantaba lo que tenía en la cabeza y luego vosotros construíais el tema en base a eso? “Lo que hacíamos era que Quinn iba al estudio y grababa distintas partes de guitarra que iba preparando. Ideas simples, no temas terminados. Y luego Bert iba y cantaba encima. Sus melodías eran las que determinaban la dirección de los temas. Luego añadíamos la batería para que sonara más sólido y luego yo grababa el bajo encima. Para mí fue muy interesante poder grabar el bajo sobre temas que no estaban terminados porque quizá se me ocurría una parte chula y podía convertirse en un puente o un estribillo. Todo era muy flexible. Había mucho espacio para crecer. Mucha intuición”. ¿Crees que debido a eso el disco es mucho más melódico? “Es posible. No diré que es la mejor manera de grabar, pero aprendimos mucho haciéndolo así. Algunas canciones nunca las hubiéramos escrito de no haber sido por este método”. 30

Me imagino que de no haber tenido una relación tan larga con John Feldmann, cualquier otro productor os habría dicho que estabais locos… “(Risas) Sí, tenemos una relación muy fuerte con John que hizo que fuera muy fácil. John trabaja muy, muy bien con Bert. Ésa es la razón por la que siempre volvemos a él. Ellos dos tienen una conexión muy especial”. De hecho, leí una entrevista con él hace poco y decía que Bert es uno de los artistas con más talento con los que ha trabajado nunca. ¿Qué tiene que sea tan especial? Porque desde fuera parece un poco desastre… “Bert se ha puesto las pilas. Lleva más de un año sin beber. Su actitud ante la vida ha cambiado completamente en los dos últimos años. Ahora se preocupa mucho por todo. Lee mucho. Está obsesionado con las palabras. Para un cantante leer mucho y obsesionarse por las palabras es muy importante. Le permite poner toda su energía en la música. La gente con problemas de adicción suele ponerla en las sustancias o en su rabia, pero Bert le

Eso significa que nunca podréis despedirle… “(Risas) Sería muy duro si lo hiciésemos”. ¿Te sorprende que el grupo todavía siga en activo? Personalmente no hubiera apostado por vosotros, porque siempre parecía que estuvierais a punto de explotar... “(Risas) De hecho explotamos un par de veces. Ha habido incendios, ataques de nervios, deserciones… Todos los altibajos que puedas imaginar, los hemos pasado. De hecho, ha habido más momentos bajos que altos. Pero eso es parte de lo que hace que este grupo sea especial. Somos amigos ante todo. Hacemos música porque nos gusta, vamos de gira porque nos gusta. Es lo único que sabemos hacer. Nos sentimos más cómodos durmiendo en un autobús de gira que en casa. Lo más duro para un grupo son los primeros años, porque estás preocupado por tu familia, por tus amigos, por tus novias… Todo te retiene y algunos músicos no pueden superarlo, pero nosotros hemos podido”. Ahora que sois una banda con

“Hemos desarrollado un vínculo tan fuerte a lo largo de más de 14 años que es indestructible. No importa dÓnde vivamos o lo que ocurra, ese vínculo no se romperá” JEPH HOWARD experiencia, ¿te ves reflejado en los músicos más jóvenes cuando tocáis en festivales? “Es muy interesante. Sólo por llevar tanto tiempo te ganas el respeto de los demás. Para mí todo el mundo es igual. No tengo ningún problema en abrir para un grupo que sólo lleva dos años. Si las cosas les van bien, ¿qué problema hay? Para mí no trata sobre quién es mejor, sino de hacer algo juntos. Si amas la música, haz arte, haz música, haz algo hermoso”. ¿Crees que el que vuestro primer disco tuviera tanto éxito os puso una presión excesiva? Como si hubierais estado persiguiendo desde entonces el recrear ese momento sin conseguirlo. “No lo creo. De hecho, creo que nuestro segundo disco vendió más que el primero, pero ni siquiera nos importó. Todavía no nos importa. Para nosotros lo importante es sentirnos inspirados. En realidad, ahora nos va mejor de lo que nos ha ido en los últimos ocho años. Ahora toda la gira que estamos haciendo está sold out, y eso no ocurría desde que sacamos el tercer álbum. Es muy positivo. Pero no estamos obsesionados por cuánto

vende el disco o si un tema suena en la radio, o cuántos amigos tenemos en Facebook. Lo importante es poder inspirar a la gente con nuestras canciones. Si logramos eso, estamos haciendo nuestro trabajo”. De hecho, el disco trata en parte sobre eso. Sobre cómo las redes sociales y la era de la información nos está volviendo cada vez más dóciles. ¿Era importante para vosotros hacer un comentario social sobre el momento actual? “Este álbum es una llamada a despertarse. Hay mucha mierda ahí fuera, muchas mentiras, muchos prejuicios. Se supone que si ves las noticias en la tele deberías poder fiarte de lo que cuentan, ¿no? Pero en realidad no puedes. No puedes confiar en nada. ¿Por qué la marihuana es ilegal si no ha matado a nadie y en cambio los cigarrillos, que sí lo han hecho, son legales? Es muy evidente que hay intereses detrás. Este disco quiere que te cuestiones todo lo que te cuentan. ¿Por qué Estados Unidos decide que ciertos países son los malos y nosotros somos los buenos? Es pura política. Es mucho más fácil que te disparen en Estados Unidos que en casi cualquier otro país considerado peligroso. Nos enseñan a tener miedo. De ahí lo de Enemigo Imaginario”. ¿Crees que vuestro público quiere de vosotros ese tipo de mensaje? “Yo diría que la mayoría sí. Conocemos a nuestros fans. Tenemos fans en todas las partes del mundo y son gente maravillosa. ¿Por qué deberíamos tener problemas con esa gente sólo porque viven en un país que nuestro

gobierno dice que es malo? No hay nada de odio. Nadie nace con odio. Yo amo a la gente, no tengo problemas con nadie. Sé que sueno como un hippie, pero me importa una mierda. El mundo puede vivir en paz. Si quitas los intereses económicos y la política, es posible”. Tengo entendido que ahora vivís en países distintos. ¿Cómo ha cambiado eso el funcionamiento del grupo? “Hemos desarrollado un vínculo tan fuerte a lo largo de más de 14 años que es indestructible. No importa dónde vivamos o lo que ocurra, ese vínculo no se romperá. Es más fuerte que un matrimonio. Estamos sincronizados. Bert vive en Australia, yo en Centroamérica, y el resto entre California y Utah. Estamos esparcidos por todas partes (risas). Pero cuando nos juntamos, siempre es genial. Nos conocemos muy bien”. ¿Y cómo llevas tu castellano? “No muy bien (risas). Estoy mirando de tomar clases, pero no sé si me quedaré en Centroamérica. Creo que me veo viviendo en el sudeste asiático. No quiero decir dónde estoy exactamente porque a veces puede no ser seguro, pero estoy en la zona del Caribe. Es precioso. Creo que la única manera de aprender de verdad es viajando. Puedes aprender cosas técnicas en la escuela, pero sobre la vida se aprende viajando. Es lo que deberían enseñarte: ‘Ves a este país tu solo y espabílate’. Así es como debería ser”.

JÓVENES OCULTOS

IN SOLITUDE

Con su último álbum, las acciones de In Solitude en el mercado de valores del metal europeo se han disparado. Tras haber encontrado su particular fórmula mágica, tiñendo de negro negrísimo su heavy metal, parece que estos jóvenes suecos están disfrutando de su idilio con la crítica musical. Texto: Laura Clavero Fotos: DR

cualquiera que haya tenido una infancia relativamente normal le resultará entrañable imaginar a un Gottfrid Åhman (bajo) de sólo 13 años reclutando a su hermano menor Pelle (voz), con apenas 12, para formar parte de su banda de metal. Un año más tarde, en 2004, In Solitude sacaban su primera demo con el mismo nombre a la edad en la que muchos de nosotros andamos todavía jugando con muñecos. Una década después, con tres álbumes de estudio y sus componentes en plena juventud, han conseguido labrarse un nombre en la escena metal junto a otras bandas de prestigio. Resultan inevitables las comparaciones con el ascenso meteórico de sus compatriotas Ghost, aunque, por el momento, estos cinco muchachos de Uppsala, Suecia, no han saboreado el éxito más allá de los círculos underground. Si con su anterior The World.The Flesh.The Devil parecían gritar a los cuatro vientos su pasión por la NWOBHM, con su último disco Sister han conseguido transmitir la sensación de que su amor ha evolucionado tomando matices mucho más intimistas. Cortes cercanos al occult rock o incluso al post punk, con melodías mucho más oscuras y siniestras, convierten a este álbum en una obra aparentemente más madura. Una madurez que probablemente sea la clave para que gran parte de la crítica especializada se haya rendido ante él, aupándolo a casi todas las listas de los mejores discos de metal del año pasado. Para todos los que quieran comprobar la solidez de su último trabajo y disfrutar de su directo, la banda pasará por España a finales de este mes (27 de abril en Madrid y

28 de abril en Barcelona). Puede que estos chicos hayan dejado de admirar la grandiosidad del paisaje para volver la vista hacia sí mismos. En cualquier caso, lo que refleja su espejo, da bastante miedo. Hablamos con su guitarrista Henrik Palm para que nos desvele algunos de estos misterios. Cuando te incorporaste a In Solitude, antes de que lanzaran su segundo álbum, eras vocalista del grupo de heavy punk Sonic Ritual. ¿Todavía sigues activo con el grupo? HENRIK PALM “Bueno, en realidad no hemos hecho un comunicado oficial, pero ya no seguimos activos. La última vez que tocamos fue hace tres años”. ¿Por qué os separasteis? “Nos separamos porque había mucho drama infantil en la banda. Yo estaba muy ocupado, y al mismo tiempo, empecé otra formación llamada Pig Eyes. Sentí que no podía seguir con aquello y que necesitaba hacer algo menos dramático. Sacamos un 7’’ hace medio año con material que habíamos grabado en 2009 y ése creo que fue el último signo de vida de Sonic Ritual”. ¿Cómo acabaste formando parte de In Solitude? “Ya conocía a Pelle y Gottfrid de años atrás. Tuvimos una banda de grindcore parecida a Repulsion durante unos meses en 2007. La coincidencia surgió porque ellos tenían un club underground en Uppsala y habían contratado a Sonic Ritual para tocar. Hubo unos problemas con el backline un poco antes y llame a Gottfrid para preguntarle sobre el tema. Él me contó

“Hemos dejado de ser sólo una pandilla de chicos jóvenes que tocan heavy metal” HENRIK PALM

que estaba triste porque Mattias (exguitarra) acababa de dejar la banda y yo les propuse tocar la guitarra con ellos. Unas semanas después estábamos ya ensayando, y aquí estamos, fue todo muy sencillo. En realidad, creo que cuando Mattias lo dejó estuvieron pensando en reemplazos y el primer nombre que les surgió fue el mío, así que el proceso fue muy natural”. ¿Cuál crees que ha sido tu mayor aportación al grupo? “¡Estrés! (Risas) Bueno, no estoy seguro. Por lo que sé, Mattias era muy distinto. Él estaba básicamente interesado en hacer su trabajo tocando la guitarra, pero yo en cambio estoy más predispuesto a salir de gira. Creo que nunca llegó a componer nada para la banda y yo empecé a hacerlo en cuanto llegué. Además, tengo un gusto musical más amplio, por lo que conecto con el resto a muchos niveles. Tenemos una visión similar en relación a la música y por eso hemos logrado cosas muy creativas. Quizá haya aportado también algo de punk a la banda, porque vengo de ese estilo. No estoy presumiendo de ello, pero creo que si otra persona se hubiera unido al grupo habrían sonado de forma muy distinta. Estoy muy feliz de poder formar parte de In Solitude”. De esta manera, ¿no sentiste que debías ganarte el puesto 33

IN SOLITUDE

queríamos escribir buenas canciones, no lo planificamos tanto. Compusimos las canciones durante dos o tres meses y luego las grabamos. Fue un proceso muy rápido. Por eso, cuando escucho el álbum de nuevo, es como si yo mismo aprendiera a procesarlo y comprenderlo. Estoy abrumado por la respuesta que ha tenido entre el público, no podría estar más feliz. La gente nos ha tomado muy en serio y hemos dejado de ser sólo una pandilla de chicos jóvenes que tocan heavy metal”.

en algún momento? “No, realmente no. Inicialmente hicimos un trato como remplazo temporal para algunos conciertos en verano, pero, después de tocar en dos o tres, todos nos dimos cuenta que la cosa funcionaba muy bien. Así que mi incorporación fue muy sencilla”. ¿Hay un líder en la banda? ¿Cómo trabajáis juntos? “Es difícil de decir, todos tenemos nuestro rol. Gottfrid es el líder espiritual junto a Pelle. Sin ellos seríamos algo así como The Stooges sin Iggy Pop. Obviamente ellos llevan la delantera, pero todos los miembros son igualmente importantes. Después de Sister hemos sido mucho más conscientes de esto, porque hemos estado tocando muchísimo juntos. Aunque cada uno tiene su papel, es cierto que ellos tienen la última decisión en ciertas cosas más importantes. A mí no me importa, ya que confío plenamente en ellos y ellos confían también en mí”. Sister aparece en casi todas las listas de los mejores álbumes metal de 2013. ¿Crees que eso es un reconocimiento que indica que estáis en el 34

buen camino para conseguir un mayor éxito? “Creo que el mayor éxito es que hemos conseguido que, a gente a la que no le gusta especialmente el metal, le haya encantado el disco. A muchas personas les gusta porque es distinto a lo que habíamos hecho antes. Algunos ya veían hacia dónde nos dirigíamos con el álbum anterior, así que no se han sorprendido. Creía que un 60% de ellos lo odiarían, precisamente por eso, pero resulta que ese porcentaje sólo ha sido de un 5%. No planificamos hacer algo enorme, simplemente nos pusimos a grabar. Me di cuenta de que era algo distinto porque las canciones nos hacían sentir algo más especial y real que las de antes. Aún pienso en términos de heavy metal, pero creíamos que era posible hacer algo distinto que siguiera representándonos como banda, incluso a un nivel más personal. Siento que mucha gente puede ver eso, porque es un trabajo muy honesto. Por eso creo que ha sido tan apreciado”. Así que surgió simplemente como una evolución natural de vuestra música… “Sí. En este último álbum simplemente

¿Sientes que en este disco habéis encontrado una dirección en la que seguir en el futuro? “No pienso en ello en términos comerciales, pero sí en cómo escribimos el disco y cómo lo trabajamos. Probablemente la próxima obra sonará totalmente distinta a Sister, pero la forma en la que la hagamos será parecida. Creo que la música siempre sonará a In Solitude. Hemos ganado mucha confianza, así que podríamos haber sacado el disco sin toda esta atención y no habría importado”. Aunque supongo que es agradable tenerla… “Claro que es agradable y te hace feliz que la gente diga cosas buenas del álbum, pero no es como si hubiéramos encontrado una dirección en la que ir, sino que hemos encontrado la manera de trabajar juntos”. Pero habéis entrado en un sonido más rock gótico, occult… ¿Fue algo buscado? “Estoy de acuerdo y en desacuerdo con lo que dices. No había un plan. Nos gustan muchos estilos distintos, nos gusta el rock gótico y el post punk, pero nuestra idea era hacer un disco

honesto de heavy metal. No teníamos la intención de probar distintos géneros, ni el objetivo era sonar como otra banda. Por supuesto tenemos varias influencias, pero la dirección vino marcada por cómo nos sentíamos nosotros. He escuchado esa descripción antes y puedo entenderla, pero simplemente ocurrió así, no fue algo buscado”. ¿Tenéis clara la identidad del grupo que queréis conservar de ahora en adelante? “Es difícil de decir. Siempre haremos música amenazante, eso es lo que queremos. Música que te haga sentir incómodo. Que la gente sienta algo más que querer beber cerveza y liarla. Me encanta nuestro anterior disco, estoy muy orgulloso de él, pero siento que era como estar en la cima de una montaña mirando el paisaje, era demasiado heroico. Ese sentimiento no nos define, porque nosotros no somos así como personas, somos más introvertidos. Quiero hacer música con la que la gente sienta, reaccione, piense. Ninguno de nosotros se identifica con los clichés del heavy metal. Queríamos escapar de eso y hacer un disco de metal de verdad. Todos los elementos góticos de los que la gente habla ahora… Creo que tomamos más de Fields Of the Nephilim y todo eso en el disco anterior, pero la gente no lo pilló. Y ahora que la gente habla de ello es cuando nosotros queríamos hacer un álbum de heavy metal (risas)”. Estáis confundiendo a los críticos… “Eso parece (risas)”. ¿Cómo fue la experiencia de colaborar con Jarboe?

“Me encanta nuestro anterior disco, estoy muy orgulloso de él, pero siento que era como estar en la cima de una montaña mirando el paisaje, era demasiado heroico” HENRIK PALM

“Fue genial. La conocimos en Estados Unidos cuando tocamos ahí y comentamos la posibilidad de colaborar. Al principio yo no estaba muy convencido con todo lo de hacerlo vía email. Fue un poco confuso porque no sabíamos qué saldría. Una noche, muy tarde, me llamó el productor y me dijo que tenía que ir al estudio. Así que cogí mi bicicleta, llegué allí y me puso lo que había mandado. Empecé a temblar en primer lugar por tenerla en una de nuestras canciones, pero sobre todo por lo que hizo. Su presencia no es muy relevante para alguna gente, pero yo soy un gran, gran fan de Swans. Nos llevamos muy bien con ella”. Me gustaría saber también tu opinión de Ghost. Musicalmente tenéis elementos en común, pero ellos parecen darle mucha más importancia al aspecto visual. “No creo que fueran tan grandes si no tuvieran buenas canciones. Le ponen mucha atención a la música, pero desde luego el misticismo les ayuda. Diría que su éxito se debe en un 70%

a la música y en un 30% a la imagen. No me gustan todas las canciones de su segundo disco, pero me encanta el primero. Durante un año tocamos mucho con ellos y desarrollamos un sentido de camaradería. Se merecen todo lo que han conseguido. Además, habían trabajado mucho en sus bandas anteriores”. En el grupo sois muy jóvenes, tú eres el mayor y tienes 26. ¿Tienes absolutamente claro que quieres ser músico el resto de tu vida o tienes un plan B? “Siempre tengo un plan B porque no podemos vivir de esto y hacemos otras cosas. Más bien es al revés, para mí In Solitude es mi plan B. Llevamos mucho tiempo peleando y tenemos bastante claro que no somos una banda para las masas. Queremos seguir siendo independientes y hacer lo que queremos. Por supuesto me encantaría tocar en arenas y ser amigos de Metallica, pero no los somos y creo que seguiremos así. Ni siquiera hablamos de cómo de grandes queremos ser. Estoy seguro que ni Ghost predijeron su éxito. Lo que ocurre es que, debido a ellos, ahora la gente nos hace este tipo de preguntas. Yo creo que somos más una banda underground, no conectamos con el gran público… y no pasa nada. Ninguno de nosotros está en esto para ser grandes. Me encantaría vivir de la música, ése es mi sueño, pero no lo espero. Y creo que es saludable pensar así porque muchos grupos piensan en tener éxito después de haber dado diez conciertos. Tienes que esforzarte. Prefiero que de aquí a diez años se nos vea con respeto y podamos seguir girando a pegar el bombazo y desaparecer. Creo que estamos en una buena posición”. 35

¿A QUIÉN QUIERES MÁS? Dada la cantidad de referencias que se citan a la hora de describir la música de In Solitude, decidimos formularle un pequeño cuestionario a Henrik para conocer un poco más sus gustos personales. ¿Black Sabbath o Mercyful Fate? “Posiblemente escogeré a Black Sabbath. Amo los dos, pero escuché a Sabbath antes que a Mercyful Fate”. ¿Iron Maiden o Judas Priest? “Iron Maiden. Mi relación con ellos es muy, muy profunda. Me encanta el primer disco por su rollo punk. También me gustan mucho Judas Priest, pero…”. ¿The Sisters Of Mercy o The Mission? “No me gusta ninguno de los dos. Bueno, me gusta el primer disco de The Sisters Of Mercy. The Mission me suenan demasiado ochentas. Dicen que tenemos temas que suenan a ellos, pero no los he escuchado demasiado. Para mí no son una influencia”. ¿Swans o The Cult? “Swans, por supuesto”. ¿Watain o Behemoth? “Respeto mucho a Behemoth, pero musicalmente prefiero a Watain. Hemos girado con ambos, pero Watain son amigos nuestros. Erik (Danielsson) siempre nos ha apoyado”. 36

¿Y te puedes organizar bien con tu trabajo, teniendo en cuenta todas las giras? “Sí. Trabajo en una escuela con niños, soy asistente. Es como un centro cultural, así que la gente que lo lleva entiende lo que significa ser un artista y que tengo que girar. Nunca he tenido un problema. Por eso no puedo quejarme por tener que volver al trabajo, porque se portan muy bien conmigo”. En España creo que algo así sería imposible. La música se entiende más como algo que haces por ocio, no como un trabajo. “En Suecia recibes educación musical desde muy pequeño, recibes ayudas… Es un país pequeño, así que hay más espacio para ser creativo. Toda la cultura se basa alrededor del arte, la música, crear cosas… No sé si con el gobierno de derechas las cosas seguirán siendo así, ya veremos. Suecia es un buen país para ser músico”. Siento envidia… “Es un buen lugar, sí. Y donde yo vivo no hace tanto frío (risas)”. Por último, ¿podrías decirnos qué podemos esperar de vuestros conciertos por aquí? “¡Rock’n’roll! (Risas) No lo sé. Siempre intentamos ofrecer el mejor concierto. La última vez que tocamos allí fue hace cuatro años y fue muy bien. Estamos ansiosos por volver. No sé por qué hemos tardado tanto. Creo que es un buen momento para ir”.

I KILLED THE PROM QUEEN

A veces es necesario parar y coger aire para poder volver con más fuerza. Es el caso de I Killed The Prom Queen, quienes después de un letargo de seis años reaparecen renovados y en plena forma. Texto: Sofía Cuevas Fotos: Tom Barnes

n el mundo en el que vivimos, parece que en cuanto algo deja de estar en el candelero y de recibir atención mediática, desaparece por completo de la memoria colectiva, como si nunca hubiera sucedido. Ocurre con noticias, personajes y, por supuesto, con muchísimos grupos de música. Si has tenido una ausencia tan prolongada como la que se han marcado los australianos I Killed The Prom Queen desde que decidieron dejar el combo en 2008, el reto de volver y hacerte un hueco de nuevo no tiene que ser tarea fácil, aunque hayas sido una de las referencias principales de muchas de las formaciones que ahora triunfan y giran sin parar por todo el mundo. Para el lanzamiento de Beloved (Epitaph), la banda se ha reformado con Shane O’Brien tras los parches, Benjamin Coyte a las cuatro cuerdas y los gritos de Jamie Hope, manteniendo al guitarrista Kevin Cameron y a Jona Weinhofen (a quienes algunos recordarán por su etapa con Bring Me The Horizon) como guitarra rítmico y único miembro de la formación original que continúa al pie del cañón. Con él hablamos, y esto es lo que nos contó sobre este segundo round de I Killed The Prom Queen. Fuisteis pioneros del metalcore en su día y ahora volvéis en un momento en el que el género está viviendo su mejor momento en términos de popularidad. ¿Cómo explicarías la historia de la banda y cómo la definiríais a alguien que acaba de empezar a interesarse por el metal y que no tiene ni idea de que existíais hasta ahora? 40

JONA WEINHOFEN “Definitivamente es genial estar de vuelta con I Killed The Prom Queen y poder hacer conciertos con mis amigos de nuevo. Hemos sido una banda por mucho tiempo, pero también tenemos un pasado interesante con nuestros otros grupos, y este gran descanso nos ha permitido centrarnos en estos otros proyectos. A alguien nuevo en esta música nos describiría como una banda de metalcore melódico muy influenciada por el sonido del death metal sueco, y que puede clasificarse dentro del estándar de metalcore de 2014”. ¿De alguna forma sentís que sois los recién llegados más veteranos? “Sí, es interesante tener tanta experiencia como la que tenemos y, a la vez, sentirte como un grupo nuevo gracias a este parón y a este disco. Es genial poder hacer borrón y cuenta nueva, gracias también a los nuevos miembros del grupo y a tener ahora una obra en la calle, lo que nos va a dar la oportunidad de presentar a la formación que tenemos a día de hoy como los I Killed The Prom Queen actuales”. Esta vuelta suena como si estuvierais diciéndole al mundo: ‘Ei, estamos por fin de vuelta después de todos estos años y, en caso de que os hayáis olvidado de nosotros, vamos a enseñaros de lo que éramos y aún somos capaces de hacer’. “¡Exacto! Escribimos Beloved en unos dos meses, pero utilizamos riffs e ideas sobre las que hemos estado trabajando más de dos años. Creo que es un buen álbum y que de verdad refleja lo que podemos llegar a hacer ahora mismo y también conseguir en el futuro”.

Justo después de anunciar vuestra vuelta, girasteis con Parkway Drive, The Amity Affliction y Asking Alexandria. ¿No os resultó un poco raro tocar con bandas a las que habéis influido y con las que habéis compartido primeros pasos y escena en el pasado? ¿Os asustaba un poco cómo iba a reaccionar la gente? “No, estas giras nos vinieron genial. Cuando eres una formación que se ha tomado un descanso tan largo no puedes esperar estar en lo más alto. Bandas como Parkway y Asking Alexandria han tomado los mandos y el metalcore está en 2014 más fuerte que nunca antes. Además, muchas de estas formaciones tienen un talento increíble, así que estamos contentos de que músicos sobre los que hemos podido ejercer una influencia en el pasado quieran girar con nosotros y nos ayuden a relanzar al grupo con este nuevo trabajo”. ¿Es el título del álbum una referencia a cómo os habéis sentido todos estos años en los que no habéis estado en el punto de mira? Siempre habéis sido una banda muy respetada, manteniendo la admiración tanto de la crítica como de los fans a lo largo de todo este tiempo, incluso cuando ni siquiera seguíais siendo una banda como tal. “Está relacionado con una cantidad de temas muy amplia. Representa todo lo que amamos sobre nuestros estilos de vida como salir de gira, el veganismo, nuestras relaciones con nuestros amigos, parejas y familia, y cómo estar lejos y de gira afecta a esas relaciones.

“Escribir Beloved ha sido apasionante porque hemos recurrido a un montón de nuestras antiguas influencias, pero es la primera vez que hemos incorporado ideas y elementos de otros géneros”

También se relaciona con la banda en sí misma: I Killed The Prom Queen ha sido mi vida desde que tenía 17 años, y representa muy fielmente todo lo que he apreciado y conseguido durante estos 14 años”. Tengo entendido que muchos de vosotros ni siquiera seguís escuchando este tipo de música. ¿Cómo ha ayudado esto a construir el disco y qué bandas que no están relacionadas con el metal os han influenciado a la hora de añadir detalles a las canciones? “Sin duda no escuchamos este género tan frecuentemente como antes, especialmente cuando estás inmerso constantemente en música heavy de manera diaria estando de gira continuamente. De todas formas, aún seguimos quemando algunos de nuestros discos favoritos de este estilo, y a mí todavía me encanta escuchar a grupos que me influenciaron como In Flames o

Soilwork, y me sigue encantando todo lo nuevo que van sacando. Supongo que la escena de metalcore es tan enorme a día de hoy y hay tantos grupos que me pierdo un poco, pero de vez en cuando hay alguno que sobresale, como Kvelertak, Thy Art Is Murder y Northlane. Escribir Beloved ha sido apasionante porque hemos recurrido a un montón de nuestras antiguas influencias, pero es la primera vez que hemos incorporado ideas y elementos de otros géneros”. ¿Así que dirías que cuanto mayor te haces, más tolerante te vuelves respecto a escuchar diferentes estilos? “Sí, totalmente. Con el tiempo, tu gusto cambia y empiezas a buscar nuevas ideas e influencias. ¡Cuando estás bombardeado con algo diariamente, se agradece poder tener tiempo libre y poder escuchar algo diferente!”. Cuando escuchas el álbum,

es bastante evidente vuestro amor por el metal noventero y cómo esto juega un papel muy importante en la composición. Sin embargo, habéis incluido otras estructuras más actuales y que casan más con el metalcore más moderno. “Sí, queríamos mantener nuestra esencia y el sonido I Killed The Prom Queen sin llegar hasta un punto en el que la gente fuera incapaz de hacer una conexión entre este disco y la época anterior. La verdad es que han pasado ocho años desde que sacamos Music For The Recently Deceased y necesitábamos ‘defendernos’ de todas las demás bandas del género, ¡y creo que hemos hecho un trabajo bastante bueno!”. ¿Crees que si el disco sonara como solíais hacerlo la década anterior no sería bien recibido? “No creo que ningún grupo quiera sa41

“Creo que sigo siendo el mismo chaval de siempre. Simplemente, he tenido mucha suerte de poder conseguir que todo mi esfuezo se haya visto recompensado con oportunidades tan increíbles”

car discos que suenen igual una y otra vez. Creo que nuestra música debe evolucionar un poco con el tiempo o la gente se terminará cansando de escuchar lo mismo de siempre. No hace falta reinventarte completamente con un sonido nuevo, sólo cambiar cosas de aquí y de allí de vez en cuando”. ¿Cómo se os ocurrió la idea de incluir vientos y sintetizadores en temas como ‘Melliors’, por ejemplo? “Grupos como In Flames, Soilwork o Dimmu Borgir me han hecho ser un gran fan de la utilización de elementos sinfónicos en el metal. Es algo que siempre había querido hacer pero para lo que nunca había tenido tiempo, ni presupuesto. Con Beloved vi la ocasión de poder llevarlo a cabo, así que… ¡Fui a por ello!”. Habéis grabado el disco en Göteborg con el productor y 42

músico Fredrik Nordström, quien ya grabó vuestra segunda obra. Supongo que al conoceros con anterioridad la experiencia ha sido un poco menos estresante... “Ha sido increíble volver a verle y poder hacer magia musical de nuevo con él. Fredrik convierte en oro todo lo que toca, así que sabíamos que queríamos grabar con él otra vez. Además, en esta ocasión tuvimos la ventaja de tener más tiempo en el estudio, por lo que pudimos probar unas cuantas ideas que realmente funcionaron”. Aparte de las razones obvias que pueden llevar a un grupo de metalcore a grabar en Suecia, ¿hubo alguna otra razón, un estudio concreto, un lugar, que os ayudara a decantaros? “He pasado muchísimo tiempo en Göteborg durante los últimos cinco años e hice muchos amigos allí porque

durante tres viví en Oslo, que está bastante cerca. En Suecia hay artistas muy talentosos con los que queríamos colaborar, como Christoffer Franzen de Lights And Motion. También conocimos a un nuevo amigo, Fredrik Sellegren, que es director de vídeos, con el que trabajamos para el trailer del nuestro y con el que espero poder rodar uno en el futuro. Ah, y también hay un montón de chicas guapas… ¿Inspiración? O distracción… (Risas)”. En el disco habéis contado con las colaboraciones de Bjorn ‘Speed’ Strid de Soilwork en ‘Calvert Street’ y Jonathan Vigil de The Ghost Inside en ‘No One Will Save Us’. “Los dos son viejos amigos, y todos somos muy fans de sus respectivos grupos, así que les ofrecimos colaborar y estuvieron encantados de hacerlo. Bjorn incluso pasó un tiempo con nosotros en el estudio trabajando

en técnicas vocales y de expresión… ¡Una auténtica bendición!”. Respecto a la composición, parece que en este trabajo todo ha sido mucho más democrático. ¿Cómo os habéis involucrado cada uno? “Sí, todos estuvimos más metidos en el proceso de escritura de los temas y ha sido genial, porque esto le ha dado a todo el mundo la oportunidad de exponer sus ideas, lo que siempre es mejor que cuando sólo uno o dos miembros lo deciden todo. Incluso gente que no es el vocalista ha colaborado en las letras, y Jamie ha puesto su parte en las ideas musicales. Creo que ésta es la principal razón de que el disco haya salido tan bien y sea tan especial para todos”. Es muy interesante que Jamie haya podido contribuir en la parte musical además de hacer su labor con las letras y como frontman. ¿Has notado esa mejoría con respecto a los anteriores vocalistas? “Sí, absolutamente. Jamie es un musicazo, no hay mucha gente que pueda tocar el bajo y la guitarra, gritar realmente bien y cantar y crear melodías vocales. Es la incorporación perfecta para la banda”. Vuestro guitarrista Kevin Cameron comentó que el arte del disco está relacionado con Cupido. ¿Es ésta vuestra manera metafórica de decirles a todos esos fans que se quedaron con el corazón roto cuando os separasteis en 2007 que vais a compensar todo este tiempo de ausencia con el

nuevo álbum? “En un repaso a todo lo que está relacionado con el arte, sí que estaría incluido eso que mencionas. Fue concebido por nuestro amigo Jacob Printzlau tras haber escuchado el álbum por primera vez. La portada muestra una manos curativas sosteniendo las flechas rotas de Cupido, refiriéndose a que el tiempo cura todas las heridas, especialmente aquellas del corazón”. Beloved es vuestro debut con Epitaph. ¿Tu experiencia previa en el sello con Bring Me The Horizon tuvo algo que ver para que os decidiérais a firmar con ellos? “Completamente. He tenido muy buenas experiencias trabajando con Epitaph durante mi época con Bring Me The Horizon y cuando empezamos a hablar con ellos para hacer cosas con I Killed The Prom Queen, nos llegaron opiniones de amigos como Parkway Drive, The Ghost Inside o Letlive. Todos ellos tenían grandes cosas que decir de ellos, así que supimos pronto que Epitaph sería la casa adecuada para el grupo”. En este disco tienes una participación vocal mucho más acentuada en ‘Bright Enough’, ‘Thirty One & Sevens’ o ‘Kjærlighet’. ¿Tener más responsabilidades de este tipo en Bring Me The Horizon te ha dado más confianza para hacerlo también con el grupo? “Siempre he disfrutado mucho cantando en este grupo y es genial que Beloved me haya dado la oportunidad de hacerlo más que en el pasado. El contraste entre mi voz y la de Jamie

funciona muy bien y nos ayuda a fusionar las partes más fuertes con los elementos más pegadizos y recordables. Esto también crea grandes oportunidades para singalongs y participación por parte del público en los directos”. En ‘Kjærlighet’ te vuelves muy emocional y me parece la canción más impactante y bonita del disco. ¿Cuánto de tus experiencias personales compartes cuando escribes? “Beloved es un álbum muy personal. La letra de este tema la escribí en relación a mis propias experiencias con el amor y a cómo el estar fuera de casa puede afectarte personalmente, tanto a ti como a tus sentimientos”. Después de todos estos años, giras, grupos y recuerdos, ¿qué queda de aquel chico de Adelaide que empezó a tocar con amigos y a interesarse por la música alternativa? “Con toda sinceridad, creo que sigo siendo el mismo chaval de siempre. Simplemente, he tenido mucha suerte de poder conseguir que todo mi esfuezo se haya visto recompensado con oportunidades tan increíbles. Nunca me creeré más que nadie y siempre apreciaré mis raíces de Adelaide. A todos los fans, deciros que si me veis en algún concierto o en la calle, acercaos y decidme ‘hola’, ¡sólo soy otro chico al que le encanta la música heavy y que se gana la vida con ello!”.

Gafas de sol, bañador, pasaporte… Ahí estaba otra vez. Dos años después de embarcarme en el primer Weezercruise, volvía a preparar la maleta para un viaje relámpago a lo más profundo del universo weezer. Para ellos, para la banda, era sólo una cuestión de números. Coger un barco, invitar a 14 grupos y TOCAR en alta mar para 2.000 fans. Ya lo habían hecho una vez y la cuenta les había salido bien. Mientras terminaba de cerrar la maleta sólo podía pensar una cosa: ‘¿Serán capaces de mejorarlo?’. Texto Y Fotos: José Rueda

ací en 1980. Eso quiere decir dos cosas, la primera es que ya llevo más años de mi vida escuchando a Weezer (los descubrí a finales del 94) que sin escucharlos. La segunda es que, como adolescente español en los 90, pasé muchas mañanas de verano viendo viejas reposiciones de Vacaciones En El Mar. Sí, yo también quise tener afro y bigotazo como Isaac y yo también sospeché que el Capitán Merrill y Arrigo Sacchi eran, en realidad, la misma persona. De alguna manera extraña y un poco arbitraria, Weezer, los cruceros y yo estábamos condenados a encontrarnos. El primer Weezercruise, el de 2012, fue una experiencia absolutamente

memorable, de verdad, lo fue. Hice cola en el buffet del desayuno con J. Mascis, vi tocar a Yuck y a Wavves en la cubierta del barco y, básicamente, cumplí el sueño de todo fanboy pasando cuatro días de vacaciones con mi grupo favorito. Uno no le puede pedir mucho más a la vida y, sin embargo, a veces ésta te regala una bola extra. En este caso, el Weezercruise 2.0 de este año. 12 de febrero de 2014. El viaje arranca accidentado para todos los que volábamos a Jacksonville. Un temporal de nieve ha colapsado varios estados de la Costa Este un día antes de embarcar en el crucero y el aeropuerto de Atlanta, donde hacían escala la mayor parte de los

vuelos domésticos e internacionales que iban al norte de Florida, ha cerrado sus puertas dejando bloqueados a miles de pasajeros. Cada uno se busca la vida como puede para llegar al barco, pero algunos, bastantes más de lo esperado, se acabarán quedando en tierra. Yo, después de una lucha encarnizada con teleoperadoras del infierno, cambié el billete para llegar hasta Orlando a través de Miami y allí conseguí que se apiadase de mí una buena samaritana (milagrosa Jill Sarmie, que los dioses del rock te lo compensen) y me llevase en coche hasta Jacksonville, donde tenía que reunirme con el resto de la expedición española. Por suerte, llegamos sin más contratiempos, superando así el amago de infarto.

Al día siguiente el crucero acabó saliendo con cuatro horas de retraso porque incluso Pat Wilson, batería de Weezer, había tropezado con el temporal y no llegaba a tiempo para el embarque. Mientras esperábamos hubo tiempo de estrenar la barra de cócteles (muy horteras, muy ricos, mucha sombrillita), recorrer el barco, descubrir el tobogán gigante o el campo de minigolf, y ver el primer concierto de unos entregados The Orwells mientras devorábamos un trozo de pizza junto a la piscina. El sol nos pegaba en la cara y

uno de sus tres conciertos. Porque, y ése es uno de los puntos fuertes del Weezercruise, los grupos tocan varias veces a lo largo del viaje y uno se puede hartar, literalmente, de ver en directo a DIIV, Caveman o Palma Violets. Volviendo a Ash, la verdad es que a Tim Wheeler, probablemente uno de los tipos más majos del rock y amigo de Weezer desde que les telonease en el 96, se le veía entusiasmado con todo lo que sucedía en la cubierta. Tim, camisa hawaiana, sonrisa permanente y cerveza

Después de un segundo día con parada y chapuzón en Freeport, Bahamas, más conciertos (Ozma, The Cribs…) y noche de karaoke animada por Toro y Moi, llegó el día grande del Weezercruise, el tercero. Paramos en Nassau y allí tomamos un barco pequeño y desvencijado que nos acercó a una isla privada, una de las 700 que hay en Bahamas. Allí esperaba un austero pero funcional comité de bienvenida: hamburguesas, bebida, playa y un escenario espectacular para escuchar a Cat Power primero y a Weezer

“Esa última noche en el crucero nos dejó el que para mí, y les he visto nueve veces, es el mejor concierto de Weezer que he presenciado” era difícil no sonreír pensando en lo que quedaba por delante. Ese mismo día tuvimos la oportunidad de ver a Rivers Cuomo tocando cinco rarezas en acústico durante un miniset dedicado a sus recopilatorios en solitario (Alone), a Bleached desprendiendo energía y carisma mientras defendían su primer disco (discazo) o a unos renacidos Ash, que aprovecharon al máximo cada

en ristre, no se quiso perder un concierto. Mientras, Rick McMurray, el batería, no se quiso perder una fiesta. Y cada noche hubo una más grande y delirante que la anterior, pero un pacto de caballeros con el resto de weezercruisers (y los efectos secundarios de cierto licor de hierbas) me impiden revelar/ recordar lo que ocurrió durante las madrugadas del crucero.

después. El sol en lo alto calentando la arena, las palmeras moviéndose por el viento y los primeros acordes de ‘My Name Is Jonas’ desde el escenario dibujaban una estampa imposible de olvidar. Sonaron, sobre todo, grandes éxitos, pero hubo espacio para alguna sorpresa agradable (‘Miss Sweeney’, ‘Across The Sea’, ‘Susanne’) y Weezer aprovechó para probar con una 45

canción que seguramente acabe en su nuevo álbum (previsto para dentro de unos meses): ‘Back To The Shack’. Me duele admitirlo, pero es muy floja, aunque sin embargo la letra es una declaración de intenciones bastante esperanzadora de cara al disco. Pero bueno, ¿a quién quiero engañar? Es Weezer, me lo voy a comprar igual.

l crucero no acabó con los conciertos idílicos en la playa. Aún quedaba un día entero de navegación para volver a Jacksonville desde allí. Un día en el que pudimos jugar al ping pong con las chicas de Bleached, hacer el bestia en la piscina con Ash o escuchar algunas anécdotas de Weezer contadas por sus protagonistas. Y comer pizza, mucha pizza (nunca insistiré suficiente en lo deliciosa que era la pizza). Por la noche, los últimos conciertos, Ash tocando del tirón su primer disco, 1977, y Ozma cerrando su glorioso paso por el Weezercruise con una versión de ‘Friends Of P’ de The Rentals en la que les acompañaron The Cribs y los propios Ash (ya os he

dicho que no se perdían una). Pero, sobre todas las cosas, esa última noche en el crucero nos dejó el que para mí, y les he visto nueve veces, es el mejor concierto de Weezer que he presenciado. Sonaron perfectos, el setlist incluía muchos de sus mejores temas y su emblemática ‘W’ gigante lució épica, brillante y vanhaleniana como nunca. Hasta ‘Back To The Shack’ sonó más convincente que en la playa y Rivers, eufórico y entregado, no perdió la oportunidad de hacernos salivar con la idea de un posible Weezercruise 3.0. Y todos ahí pensando ‘otros dos años… Será 2016, veinte aniversario de Pinkerton… Tengo que empezar a ahorrar ya…’. La mayoría de los que estábamos allí ya hemos empezado, porque el crucero vale cada céntimo de lo que cuesta y todavía sales ganando, porque todas estas palabras (que han sido muchas, lo sé) no le hacen justicia a un viaje como éste y porque, no sé si habrá sido mejor o peor que el primero (tampoco importa demasiado), pero ojalá la vida se pareciera un poco más al Weezercruise.

5 MOMENTAZOS DEL WEEZERCRUISE 1- Rivers sacando a su hija pequeña a tocar los teclados durante ‘Perfect Situation’. 2- La pizza. En serio. Salvadora, milagrosa, inagotable… Pizza. 3- Pat Wilson y Scott Shriner mofándose de un mamarracho demandante de atención y disfrazado de Jesucristo (¿?) que llevaba dando el coñazo todo el crucero. 4- Ash dejando subir al escenario a cantar a un dentista cincuentón que armaba pogos en absolutamente todos los conciertos. 5- Rivers Cuomo disfrazado de Kiss y de Cíclope en las noches temáticas Metal y Superhéroes del crucero.

AGAINST ME!

AMOR INCONDICIONAL

EN LOS DOS ÚLTIMOS AÑOS, AGAINST ME! HAN PASADO POR TODOS LOS CAMBIOS POSIBLES QUE UNA BANDA PUEDA IMAGINAR... AUNQUE NINGUNO ES COMPARABLE AL QUE HA AFRONTADO SU LÍDER, CUANDO DECIDIÓ DEJAR ATRÁS SU VIDA COMO TOM GABEL Y EMPEZAR UNA NUEVA COMO LAURA JANE GRACE. CON ELLA HABLAMOS SIN TAPUJOS SOBRE ESTA TRANSICIÓN REFLEJADA EN SU ÚLTIMO DISCO TRANSGENDER DYSPHORIA BLUES. . Texto: JORDI MEYA Fotos: DR “Si hubiera podido elegir, habría nacido mujer. Mi madre me dijo una vez que me hubiera llamado Laura. Habría crecido para ser fuerte y hermosa como ella. Un día habría encontrado a un hombre honesto y lo hubiera hecho mi marido”. ‘The Ocean’ del disco New Wave (2007).

n mayo de 2012 Tom Gabel, cantante, guitarrista y fundador de Against Me!, decidió anunciar públicamente su deseo de vivir como una mujer a través de una entrevista en la revista Rolling Stone. Aunque Gabel asegura que siempre se había sentido mujer -recuerda cómo con 5 años vio a Madonna en la tele y soñó con ser como ella- y en canciones como ‘Searching For A Former Clarity’ o ‘The Ocean’ había dado pistas muy explícitas de lo que sentía por dentro, no fue hasta tener 31 años que se sintió con suficiente fuerza para presentarse al mundo como Laura Jane Grace. Obviamente, Gabel no es el primer músico transexual –sin ir más lejos, en 2011 Keith Caputo de Life Of Agony empezó una nueva vida como Mina Caputo-, pero quizá sí el más mediático en la historia reciente. Si su revelación fue un auténtico shock tanto

para sus compañeros de banda como para sus fans, todavía lo fue más para su mujer Heather Hannoura, con la que lleva casado desde 2007 y con quien tiene una hija de 5 años. Como en tantas historias trágicas, Laura Jane vivió la mayor parte de su vida sufriendo su condición en silencio y con un gran sentimiento de culpabilidad. Su embrollo mental al padecer disforia de género pero sentirse sexualmente atraído hacia las mujeres aún le hacía más complicado procesar lo que le estaba ocurriendo. Eso, añadido a una difícil relación con un padre militar e intransigente y las palizas que recibió por parte de compañeros de escuela, que le insultaban llamándole maricón, comportó que con 13 años empezara a abusar del alcohol y las drogas y acabara con problemas de adicción a los 20. Si algo le salvó de suicidarse –algo que ha admitido que le pasó por la cabeza en varias ocasionesfue la música. Gabel empezó Against Me! como un proyecto unipersonal de folk punk en 1996. Poco después, incorporaría a su amigo Kevin Mahon como batería, con quien grabaría una maqueta y saldría de gira. Poco a poco el grupo se iría ampliando y con discos como Reinventing Axl Rose (2002) y As The Eternal Cowboy (2003), Against Me! se convertirían en una de las formaciones más reverenciadas del punk rock. Pese a que

en su DVD We’re Never Going Home documentaban de manera totalmente sarcástica la lucha de varias multinacionales por ficharles y su decisión de seguir en Fat Wreck Chords para publicar su siguiente disco Searching For A Former Clarity (2005), Against Me! acabarían fichando por Sire Records, un sello del grupo Warner, por la mareante cifra de un millón de dólares. Con ellos editarían New Wave (2007) y White Crosses (2010), ambos producidos por Butch Vig (Nirvana, Garbage) y un sonido más orientado al rock. Aunque ambos fueron muy bien recibidos, no colmaron las expectativas comerciales que el sello había puesto en ellos. Frustrado por el poco apoyo de Warner, quemado por años de gira y con su lado femenino aflorando cada vez más, Gabel decidió romper con todo y, de cara a su siguiente trabajo, construir su propio estudio, crear su propio sello Total Treble Music y producir él mismo lo que sería Transgender Dysphoria Blues, un disco confesional sobre su transición a mujer. A finales de 2011, el grupo empezaría a darle forma, pero cuando ya tenían todo el álbum grabado excepto las voces, el batería Jay Weinberg (hijo de Max Weinberg de la E Street Band) abandonaría la nave obligando al grupo a regrabarlo de nuevo con el fichaje de Atom Willard (Rocket From The Crypt, Danko Jones). Pero las convulsiones in49

ternas no acabarían aquí, y en mayo de 2013, sería el bajista Andrew Seward quien decidía irse. A pesar de todo, y gracias al apoyo recibido por parte de gente como su antiguo ‘jefe’ Fat Mike, que grabó el bajo en un par de temas, Dave Grohl, que les cedió su Studio 606, su fiel compañero, el guitarrista James Bowman, y por supuesto, de su esposa que, en una decisión que la honra y demuestra su amor incondicional, decidió seguir con ella, Laura Jane fue capaz de terminar el álbum y armarse de valor para salir a la carretera. Si hace dos veranos pudimos verla en acción en el Resurrection Fest, donde el público le dedicó una calurosa acogida, en junio tendremos la oportunidad de tenerla al frente de los renovados Against Me! -que además de Willard, completa el exbajista de The (International) Noise Conspiracy Inge Johansson- como invitados especiales de Bad Religion los días 17 y 18 en Madrid (La Riviera) y Barcelona (Razzmatazz), y ellos solos el 19 en Vitoria (sala Jimmy Jazz). Había entrevistado a Gabel anteriormente en tres ocasiones y, aunque amable, siempre me había parecido que tenía una actitud a la defensiva. Nada que ver con la simpatía y sinceridad que demuestra hablando como Laura Jane. Supongo que estás cansada de que muchas entrevistas se centren en tu transexualidad, pero ¿sientes la responsabilidad como figura pública de hablar de ello abiertamente y quizá ayudar a abrir algunas mentes? LAURA JANE GRACE “Sí, eso es lo que espero y por eso estoy dis50

puesta a hablar de ello. Por ahora la comunidad transexual está muy poco representada en los medios y mi esperanza es que yo pueda representarla y educar a la gente sobre estos asuntos, porque ayudará a que sea algo mucho aceptado por la sociedad. La sexualidad y el género de cada uno no debería ser un asunto tan importante”. Tengo que confesarte que aunque respeto totalmente tu decisión de vivir como quieras, no fue hasta ver la reacción tan positiva de tu mujer y tu hija que realmente me di cuenta de que no era nadie para juzgarte. “Oh, te agradezco mucho que digas eso”. A raíz de tu anuncio para mí el nombre Against Me! ha adquirido un nuevo significado. ¿Habías pensado en ello? “Mmm… No (risas). No, pero tomo nota”. Bueno, hablemos de Transgender Dysphoria Blues. El disco empezó como una obra conceptual sobre una prostituta transexual. Me gustaría saber cómo evolucionó esa idea inicial a medida que avanzaba su creación. “Empecé a escribirlo como un disco conceptual porque quería tomar un poco de distancia con lo que quería contar. Me sentía un poco incómoda hablando tan abiertamente sobre lo que me estaba pasando, pero poco a poco me fui sintiendo más cómoda y acepté que, en realidad, el álbum siempre había sido sobre mí. La parte

de la prostitución venía por cómo me había sentido durante nuestra etapa en una multinacional, y la de la transexualidad… bueno, es obvia”. En realidad, en antiguas canciones de Against Me! ya habías abordado el tema… “Sí, pero nunca nadie se dio cuenta de nada. Nadie. Quizá lo hacía de manera más metafórica, pero en otras era muy explícita. De todos modos, creo que a pesar de lo personal que es el disco, hay temas, como el sentirse distinto o inadaptado, que son universales”. Incluso dejando de lado tu situación personal, éste fue un trabajo difícil de hacer. La mitad del grupo se fue, tuvisteis problemas en el estudio… ¿Cómo lograste tirar adelante? ¿Y crees que la marcha de Andrew Seward y Jay Weinberg tuvo algo que ver con tu decisión de presentarte como mujer? “Como dices, ocurrieron un montón de cosas que se escapaban de nuestro control. Un árbol cayó sobre el tejado de nuestro estudio y tuvimos que parar. Y como eso, varias cosas. En cuanto a Jay y Andrew, fueron dos situaciones completamente distintas. Jay sólo llevaba un año en el grupo, nunca habíamos grabado un disco con él y había una gran diferencia de edad. Todos pasamos de la treintena y Jay tenía 21, así que decidió irse para hacer otras cosas y eso es todo. Pero con Andrew obviamente era diferente. Habíamos tocado más de una década juntos, es de la familia. Creo que llegó a un punto en que quería llevar otra vida. Tiene una hija

“Mi personalidad es mi personalidad y no ha cambiado. Si alguien pensaba que era gilipollas antes, lo va a seguir pensando ahora (risas)” LAURA JANE GRACE

pequeña y quería estar más en casa y centrarse en su familia. Ahora tiene su propio grupo también. No creo que ninguno de los dos casos tuviera que ver con mi transición. Mi personalidad es mi personalidad y no ha cambiado. Si alguien pensaba que era gilipollas antes, lo va a seguir pensando ahora (risas). Y si le caía bien antes, le seguiré cayendo bien”. Comparado con New Wave y White Crosses, Transgender… es un disco más modesto, más crudo. No sé si era importante para ti hacer algo más casero teniendo en cuenta lo personal que era. “Desde luego. Saber por lo que iba a pasar a nivel personal, sobre lo que iba a escribir y que no podía trabajar con el mismo equipo que en los dos últimos discos, me decidió a hacerlo

todo nosotros. Si fuera por mí hubiera vuelto a trabajar con Butch (Vig) y Billy (Bush), pero económicamente no era viable. Así que no quería ir a un estudio nuevo y trabajar con desconocidos. Supongo que construir nuestro estudio y autoproducir el álbum fueron mecanismos de autodefensa. Lo mismo con empezar nuestro propio sello. Todo eran maneras de intentar mantener el control ante algo que iba a ser difícil”. ¿Estás contenta con la respuesta hacia el disco? “Bueno, todavía todo está muy fresco. Apenas ha salido hace un mes. Hemos estado de gira por Estados Unidos y los conciertos han sido geniales. En febrero nos hemos tomado un descanso para poder hacer prensa y en marzo arrancaremos de nuevo y luego iremos a Europa. Pero por aho-

ra ha sido fantástico”. ¿Y respecto a tu decisión de hacer pública tu transexualidad? ¿Has recibido más apoyo del que esperabas? “Sin duda. Con eso no quiero decir que esperara lo peor, simplemente no sabía qué esperar. Pero después de haber recibido tanto apoyo y de que todo el mundo lo encajara tan bien, fue una de esas cosas que piensas ‘¿Y por qué no lo hice antes?’ (Risas)”. No eres el primer músico en hacerlo. Antes habían hecho lo mismo Jayne County, Mina Caputo o Marci Free. Me pregunto si contactaste con alguna de ellas para pedirles consejo antes de hacerlo público. “Bueno, Mina en particular lo hizo público un año antes que yo y escu51

AGAINST ME!

Mike me ha apoyado desde el principio. De todas los sellos con los que hemos trabajado, Fat Wreck Chords han sido los más honestos. Siempre le estaré agradecido por todo lo que ha hecho por mi banda”.

char su historia fue muy inspirador para mí. Fue como si me abriera un universo. Desde entonces, Mina y yo hicimos una pequeña gira acústica por Estados Unidos en agosto. Es una persona maravillosa y me ha ayudado mucho”.

verles tocar, lo cual fue maravilloso. Pero cuando era joven y escuché su disco Let It Be, esa canción en particular me tocó de manera muy profunda. No creo que su influencia fuera algo que buscara deliberadamente, pero si te recuerda a ellos me alegra mucho”.

Volviendo al disco, se trata de un trabajo musicalmente muy extremo, con canciones más suaves de lo habitual y otras muy duras. ¿Es un reflejo de lo que sentías dentro de ti? “Sí, claro. Para mí componer siempre ha sido así, pero pasar por un periodo tan intenso y que me iba a cambiar la vida por fuerza tenía que reflejarse en la música”.

¿Cómo acabaron Atom Willard y Fat Mike tocando en el disco? “Jay dejó el grupo justo antes de empezar una gira por Australia y, claro, necesitábamos un batería. Conocíamos a Atom por haber tocado con su anterior banda Angels & Airwaves y se presentó voluntario para hacer esa gira. Así que la hicimos y nos llevamos tan bien que le pedí si quería tocar en el disco. Dijo que sí y de nuevo funcionó muy bien, así que decidimos proponerle si quería hacerlo algo permanente y dijo que sí. Maravilloso. Con Mike, como te he contado antes, un árbol cayó en nuestro estudio y necesitábamos un lugar donde poder terminar el álbum. El primero que se me ocurrió fue el que tiene Mike, así que le llamé para saber si estaba libre. Lo hice y me dijo que podíamos usarlo, y entonces le pregunté si le apetecía tocar el bajo en un par de temas y dijo que sí.

Una de mis canciones favoritas es ‘FUCKMYLIFE6666’, que me ha recordado a The Replacements. Sé que en directo habías interpretado su tema ‘Androgynous’, pero no sé si es un grupo que has recuperado y que te haya servido de inspiración para esta obra. “Soy una gran fan de The Replacements. Les adoro. Este septiembre actuamos con ellos en dos festivales, el Riot Fest en Denver y Chicago, y pude 52

Sin embargo, recuerdo haber hecho una entrevista con él poco después de haber salido New Wave y habló bastante despectivamente de vosotros. Como que sólo os preocupa sonar en la radio… “Bueno, es natural que estuviera cabreado cuando dejamos Fat Wreck”. ¿Consideraste volver a su sello discográfico? “Sí lo pensé. Me encanta el sello, pero también nos apetecía ir más por libre. Hablé con varios sellos pero percibía que pensaban que el grupo estaba acabado o algo así. Sacar nosotros el disco fue una reacción a eso. Quería demostrar algo”. Cuando se publicó New Wave se creó un gran revuelo a su alrededor. Algunos incluso lo veían como un nuevo Nevermind. ¿Desde dentro cómo lo veías? ¿Creías que podía marcar una época musical realmente? “Nunca creí que fuera a marcar una época. Para nosotros era un álbum más, así que nunca me llegué a creer nada de lo que se dijo (risas). Me siento totalmente orgulloso de los dos discos que hicimos con Butch. Es una de las mejores experiencias que nunca he tenido. Cada paso que dimos fue hacia adelante y siempre me sentiré agradecido por haberlos podido grabar”.

“Pasar por un periodo tan intenso y que me iba a cambiar la vida por fuerza tenía que reflejarse en la música”

Against Me! en 2010

LAURA JANE GRACE

Aun así, vuestra historia es la arquetípica de casi cualquier banda punk o underground que ficha por una multi. Se pelean entre ellas para ficharos, esperan vender millones, cuando no sucede echan a todo el personal y los nuevos que llegan pasan de vosotros. ¿No es algo que veías venir? “Puede ser, pero no me arrepiento de nada. Insisto, todo lo que aprendí trabajando con Butch es algo que no cambiaría por nada. No puedes trabajar con un sello en base a la percepción de otra gente. La mayoría de gente que tiene problemas con eso es por motivos que nada tienen que ver con la realidad. Hay quien piensa que por fichar por una multi ya te has vendido al diablo, pero las cosas no funcionan así. Para nosotros fue una gran oportunidad. Si alguien viniera y te dijera ‘te voy a dar un millón de dólares para hacer exactamente lo mismo que haces ahora pero en mejores condiciones. Y pase lo que pase, no tendrás que devolvernos ese millón…’. Ése fue el trato. ¿Quién podría negarse?”. Está claro, pero quizá porque hicisteis el DVD We’re Never Going Home donde básicamente os reíais de las multis, puede pensarse que fuiste un hipócrita.

“Lo que ocurre es que el DVD termina pero la vida continúa. Nos cortejaron un montón de multis y decidimos seguir en Fat Wreck. En ese momento ésa fue nuestra decisión porque pensábamos que había diferencias entre un sello independiente y una multi. Pero luego cuando empezamos a hacer New Wave, a (Fat) Mike no le gustaban las canciones, no le gustaba la portada y no paraba de dar su opinión sobre todo lo que hacíamos, así que nos habíamos quedado en una indie para mantener el control artístico, pero en el fondo teníamos a alguien opinando todo el rato. Con lo cual vimos que en realidad quizá era lo mismo que si estuviésemos con una multi. Al final tanto un sello grande como pequeño están dentro del capitalismo, los dos ganan dinero vendiendo discos. Así que habiendo estado en ambos lados, lo único que puedo decir es que lo importante es si te sientes cómodo con la gente que trabaja contigo, si te proporcionan el ambiente necesario para que puedas

ser creativo, si te permiten tener una vida para que tu arte sea mejor… Si todas las respuestas son afirmativas, entonces no deberías tener miedo a fichar por una multi”. ¿No es ‘Black Me Out’ del nuevo disco un ataque contra las multis entonces? “No. Mucha gente piensa eso, pero no. En realidad es sobre esa gente con la que te relacionas y que te impiden ser tú mismo. La canción expresa la rabia que sientes cuando eso ocurre”. Precisamente leí una entrevista hace poco con Bruce Springsteen donde decía que ‘Black Me Out’ le parecía una gran canción. Él os ha apoyado desde hace tiempo porque su hijo mayor era fan vuestro. ¿Mantienes algún contacto con él? “¡Yo también lo leí! Pero no es como que tenga su móvil para llamarle y 53

darle las gracias... (Risas)”. Uno de los aspectos relevantes de Against Me! siempre ha sido el lado político de vuestras letras. Me pregunto si la rabia que sentías por dentro por no sentirte a gusto con tu cuerpo fue lo que originó también tu rabia hacia el mundo exterior y te hizo tener una visión más crítica de la sociedad. ¿Crees que ambas cosas están relacionadas? “Creo que sin duda mi experiencia de sentir que no encajaba en ninguna parte, de alienación, de nos sentirme aceptado por la sociedad, tiene mucho que ver con mi visión política. Yo crecí en una familia militar, me crié en bases, y eso también tuvo una gran influencia en mí de muy joven. Luego cuando mis padres se divorciaron, nos trasladamos a Naples, Florida, con mi madre, que es de una ciudad muy conservadora, llena de policías chungos que te hacían la vida imposible. Así que juntando todos esos factores es bastante lógico que sintiera rabia hacia el mundo (risas)”. Habiendo crecido en los 80 y sintiéndote como lo hacías, puede parecer tonto, ¿pero nunca te atrajo la escena glam metal? Lo digo porque viendo fotos de Mötley Crüe estaba claro que no tenían miedo a maquillarse y usar ropa femenina. “(Risas) La verdad es que cuando tenía 8 ó 9 años me gustaban grupos como Guns N’ Roses, Mötley Crüe o Skid Row. Veía fotos de Poison y el no saber si eran chicos o chicas me hacía sentir bien. De algún modo, 54

incluso de tan joven, me hacía sentir que no estaba sola. Desde luego, despertaron mi interés por el rock. Pero el glam ya venía de antes... No hay duda de que los New York Dolls también me influenciaron”. De hecho, vuestro primer disco se llamaba Reinventing Axl Rose… Mucha gente lo interpretó como una burla, pero en realidad eras fan suyo. “Bueno, era muy fan de Guns N’ Roses, pero obviamente Axl Rose es un personaje muy criticable en muchos aspectos. Lo que ocurre es que cuando eres joven eres muy impresionable y a medida que te haces mayor descubres cosas que no te gustan y te desilusionas un poco, sobre todo porque en la escena punk todo el rollo de estrella del rock no es aceptable. El título era como reclamar una parte

de tu juventud por la que todavía tienes cariño pero transformarlo en algo nuevo”. Teóricamente la comunidad punk es mucho más abierta, pero no sé si con los años has notado que en algunos aspectos es más conservadora de lo que pensabas. ¿Es de eso sobre lo que trata ‘Drinking With The Jocks’? “El tema no va exactamente sobre eso, pero hay aspectos de la comunidad punk que por desgracia son muy conservadores y cerrados. Hay dejes de racismo y de homofobia. Gente que dice ‘no soy homófobo, pero ahí va un chiste de maricones’. Y la gente se ríe. Yo mismo me siento mal porque también me reía”. En los últimos años habéis he-

“En la comunidad punk hay dejes de racismo y de homofobia. Gente que dice ‘no soy homófobo, pero aHí va un chiste de maricones’. Y la gente se ríe. Yo mismo me siento mal porque también me reía” LAURA JANE GRACE

cho un par de giras sobre las que te quería preguntar. Una es con Mastodon y la otra es con The Cult. Son dos grupos muy distintos a Against Me! y me gustaría saber cómo viviste la experiencia. “Las dos fueron experiencias increíbles. Seguramente la gira con Mastodon me quitó dos años de vida porque esos tíos están de fiesta todo el día (risas). Fue muy divertido. Y con The Cult también fue muy bien. El tocar para un público que normalmente no vendría a verte y poder ganarte a los fans de otro grupo me gusta mucho. Y además, contribuyes a que su público sea más diverso. Recuerdo estar en el backstage viendo entrar al público y con el grupo intentábamos adivinar a quién venían a ver”. En junio vendréis con Bad Re-

ligion. ¿Qué recuerdos tienes de España? “Tocamos en el Resurrection Fest no hace tanto, pero sobre todo recuerdo la primera vez que fuimos allí en nuestra primera gira europea. Estuvimos allí una semana y tuvimos un día libre en el País Vasco. Era precioso. No recuerdo el nombre de la ciudad, pero estuvimos en un bar en un sótano donde había un tipo tocando el piano, con la gente bebiendo y fumando… Fue algo inolvidable”. Por último me gustaría saber en qué fase de tu tratamiento hormonal te encuentras. ¿Es algo que puedes llevar con normalidad o tienes que dejar de girar? “Bueno, es tan fácil como tomar una pastilla. Eso es todo”.

que tu plan es acabar sometiéndote a una reasignación de sexo. “Sí, es lo que me gustaría, pero eso sí que necesita un largo tiempo de recuperación y no es fácil estando en una banda. Es algo en lo que tengo que trabajar para ver cómo lo encajo. De todos modos, lo que la gente tiene que entender es que nuestros genitales no definen cómo nos sentimos. Hay transexuales que deciden no operarse, pero son tan mujeres como la que más. O hay hombres que pueden perder su pene en un accidente y eso no los hace menos hombre. No es donde empieza y acaba todo, y cada uno debe decidir por sí mismo”. De aquí a muchos años, cuando te hayas retirado, ¿te gustaría ser recordada como la Joan Jett del siglo XXI? Alguien que rompió moldes y que siempre fue fiel a sí misma. “Si pudiera escribir una canción tan buena como ‘Bad Reputation’ ya sería feliz, pero todavía no lo he conseguido (risas)”.

¿No hay efectos secundarios? “No, ninguno. Mucha gente me pregunta si afecta a mi voz, pero no es así, de ninguna manera”. De todos modos, ya has dicho 55

NOTHING

DISTORSIÓN ASOCIAL Si todo el mundo merece una segunda oportunidad, Domenic Palermo sigue buscando la suya a través de la música. Con un disco tan bueno como Guilty Of Everything, el debut de Nothing , tiene muchas posibilidades de enderezar su vida. ¿Pero será capaz de no fastidiarla? Texto: Jordi Meya Foto: DR

stoy en las Islas Vírgenes de vacaciones. Llevo tres días sin dormir, voy hasta el culo de calmantes y ya estoy borracho. Pero estoy bien, podemos hacer la entrevista”. Sinceramente, no son estas palabras 56

las que esperaba que salieran de la boca de Domenic Palermo. Un tipo que en 2002 vio cómo su antigua banda de hardcore Horror Show se iba al garete cuando fue condenado por un apuñalamiento a siete años de cárcel y que, al menos en teoría,

intenta ir por el buen camino desde entonces. “Desde luego. Ahí dentro me puse en orden por dentro”, asegura sin que logre convencerme del todo. “Antes reaccionaba con rabia en lugar de intentar resolver los problemas que tenía en mi cabeza. Aho-

ra es distinto”. Finalmente Palermo sólo cumplió dos de condena, pero se mantuvo apartado de la música hasta 2011. Fue entonces cuando decidió formar Nothing en Filadelfia, banda que no lograría consolidar hasta que se asoció con el guitarrista Brandon Setta y que, tras un EP en 2012, acaba de publicar su primer álbum. Lo primero que sorprende de Guilty Of Everything (Relapse), que ha producido Jeff Zeigler (Kurt Ville,

War On Drugs), es que aquí no hay nada de punk o hardcore y sí mucho de ese shoegaze intenso y melódico que definitivamente vuelve a estar en voga. A la hora de explicar su propia evolución como músico, Palermo cuenta cómo para él ha sido un proceso totalmente natural y que nada tiene que ver con el oportunismo. “Desde que tocaba en bandas hardcore que tenía la idea de hacer algo distinto porque ya escuchaba mucho shoegaze, pero en ese momento todavía no tenía ni las piezas ni los conocimientos para hacerlo. En los 90 surgieron Nirvana, Smashing Pumpkins… Me gustaba todo eso, pero todavía era un crío que intentaba rebelarse y escuchaba punk rock (risas). Muchos grupos se me pasaron por alto. Fue unos años después, cuando ya era un poco más maduro, que empecé a apreciar lo que Nirvana hicieron. Ya no me importaba tanto que hubieran sido populares. Puede ser que ahora haya un resurgimiento del shoegaze, pero no creo que ningún grupo lo esté haciendo realmente bien todavía”. Un revival que también está penetrando en la escena metal como hemos visto con bandas como Alcest o Deafheaven. Posiblemente sólo con que la voz de Palermo fuera gritada en lugar de cantada, quizá a Nothing también se les metería en ese saco, más estando en un sello como Relapse. “No es algo tan calculado. Canto de la manera en la que creo que las canciones suenan mejor. Cuando la gente dice que Deafheaven son shoegaze o blackgaze o newgaze… Todas estas etiquetas son muy cansinas. Para mí somos una panda de chavales punk, haciendo música punk. Seguimos siendo muy DIY. Brandon y yo lo

“Puede ser que ahora haya un resurgimiento del shoegaze, pero no creo que ningún grupo lo esté haciendo realmente bien todavía” DOMENIC PALERMO

hacemos todo nosotros”. A la hora de componer, Palermo y su compañero tienen el propósito de extraer la belleza de la melancolía utilizando la distorsión como lienzo. “Intentamos escribir los riffs más tristes que podemos pero buscando en ellos algo hermoso. Y también que sea pegadizo”, concreta. “Cuando Brandon entró en el grupo trajo una nueva dinámica. Le gusta que todo sea muy compacto. De hecho, tiramos a la basura algunas canciones porque eran demasiado pegadizas. Sabemos que no vamos a sonar en la radio de todos modos, así que dimos un paso atrás. Y en directo nos gusta sonar muy fuertes porque es una manera de mantener el espíritu punk rock”. Naturalmente, una vida como la suya es ideal para captar la atención de los medios, pero Palermo no está interesado en explotar ese aspecto y quiere centrarse en lo realmente importante. “Si no fuera por la música, ya no estaría aquí. No quiero olvidar nada por lo que he pasado, forma parte de quién soy, pero al mismo tiempo, no quiero que mi historia domine la banda. No quiero ser el centro de atención. El grupo es más que eso”.

LAYABOUTS

CONTRA LA PARED Demasiado indies para el público rockero y demasiado rockeros para el público indie. Cansados de encontrarse en esa encrucijada, Layabouts han decantado la balanza subiendo el volumen de sus guitarras en su nuevo EP Monsters. Texto: Jordi Meya Foto: DR

unque durante sus ocho años de trayectoria los madrileños Layabouts han contado con el beneplácito de la escena indie de este país, sonando en Radio 3 y actuando en sus principales festivales, los corazones de Jon A. (voz, bajo), Javi (guitarra), Rober (guitarra) y Vito (batería) siempre han latido a ritmo de punk rock. En la última gira que hicieron presentando su último disco Savage Behavior (2011), que se prolongó durante 18 meses, era habitual verles incluyendo versiones de Ramones, Stooges o The Damned en su repertorio y todos ellos dieron sus primeros pasos en bandas del estilo. 58

Ese lado más rabioso ha quedado reflejado en un reciente EP titulado Monsters, que desde el mes pasado y hasta finales de mayo están presentando en una gira conjunta con Idealipsticks bautizada como 2 Bands 2 Kill. De todo ello hablamos con Jon. ¿Cómo surgió la idea de este tour con Idealipsticks? JON A. “La verdad es que desde hacía tiempo teníamos ganas de hacer algo con una banda similar a nosotros. Una banda con un patrón de música rockera, agresiva y que cantara en inglés. Venimos reivindicando desde hace muchos años y muchos discos

a los grupos que hacemos rock, pero también hardcore, punk, post punk, de un porte más cañero y en inglés, que parece que cada vez estamos más arrinconados, bien porque no cantamos en castellano o porque en el circuito hay cada vez más bandas similares. Así que queríamos hacer una gira para reivindicar eso, juntar públicos y hacer algo especial. Queremos demostrar que hay grupos en España que, como en Suecia, donde el inglés no es la primera lengua, también podemos hacer música al mismo nivel”. ¿Habíais tocado ya con ellos? “No. Teníamos varias bandas en men-

te que nos gustaban. Con ellos había habido lo que llamamos ‘tirada de trastos en redes sociales’ (risas). Un día vinieron a tocar a Madrid, fuimos a verles y luego a tomar algo. Y muchas veces dices ‘venga, habría que hacer algo’. Todas las bandas pecamos a veces de individualistas, sin adaptarte a nadie, pero en este caso hubo muy buen rollo y la persona que trabaja con ellos el tema del management también había trabajado con nosotros. A los cuatro o cinco días, nos dijeron de reunirnos y de repente tomó forma”. Lleváis bastante tiempo sin publicar disco. ¿Es Monsters un anticipo de un nuevo álbum o es incluso una manera de ganar aún más tiempo? “Desde 2011, que sacamos Savage Behavior, hemos estado mucho de

gira. De hecho la cerramos en 2012, y el año pasado seguimos dando conciertos casi mensualmente. En ese tiempo estuvimos componiendo y sacando conclusiones. Nosotros somos un grupo un poco atípico. Muchos combos crean un concepto a la hora de crear un disco y lo desarrollan luego en la gira. Nosotros hacemos eso en cuanto al grafismo o la imagen que acompaña, pero donde evolucionamos es en las giras. Aunque suene raro, los discos para nosotros cierran etapas. Evolucionamos en la carretera y todo lo que hemos aprendido allí luego es lo que plasmamos en el disco. En la gira de Savage Behavior acabamos con un nivel de brutalidad, cambiando los arreglos, haciendo muchas versiones de punk, y ese momento de la banda es este EP. También es fruto de una reflexión. Llevamos ocho años de carrera y grabamos discos de diez temas, pero luego sólo tocamos cuatro, que suelen ser los que tienen vídeo. Quizá ahora preferimos hacer sólo cinco temas que nos permiten salir de gira, hacer festivales y después del verano, ya se verá. Quizá hagamos otro EP o un álbum. Estamos investigando dar nuestra música donde cada esfuerzo que hagamos se aproveche y tenga su difusión”. ¿Es este sonido más duro o incluir una versión de ‘New Rose’ una reacción al indie cada vez más ñoño? “A nosotros nos sale de forma natural. Queríamos meter una versión en el EP y las que barajamos todas eran de punk. Puede que haya seguidores que valoren que una banda joven haga una versión de The Damned. Desde la primera gira quisimos alejarnos de toda la pose indie porque no nos inte-

“Queremos demostrar que hay grupos en España que, como en Suecia, donde el inglés no es la primera lengua, también podemos hacer música al mismo nivel” JON A. resaba nada. Antes había más variedad, pero se ha tendido cada vez más al pop. Para mí es un declive total. Por otra parte, creo que culturalmente para una banda de rock es una obligación tocar versiones. Todos los grupos grandes han tocado versiones y hay que seguir tocando ‘Johnny B. Goode’, ‘Surfing Bird’ y ‘California Sun’, es algo que tenemos muy presente y que nos divierte mucho”. A pesar del tiempo que lleváis, ¿crees que todavía queda mucha gente por descubriros? “Siempre somos ambiciosos y siempre queremos más. Creemos que por el nivel y la trayectoria que tenemos en otros países, no te digo que seríamos The Hives, pero estoy seguro que nos iría mejor. Pero por otro lado, dentro de lo que hacemos hemos tocado en el escenario principal de Benicàssim, y hemos tenido buenas oportunidades. Pero como dices, parece que estamos ahí pero nos falta dar el paso. Quizá estamos un poco en tierra de nadie. Hay que luchar para que las nuevas generaciones pidan un poco más de caña cercana al rock. Pero somos muy tozudos y no nos cansamos. No buscamos más rédito que el que la gente nos conozca y pasarlo bien”.

CHUCK RAGAN

ABRIENDO CAMINO

Sin pretenderlo, Chuck Ragan se convirtió en uno de los primeros cantantes de punk rock que abrazó las raíces del folk americano, descubriéndolo así a un público más joven. Ocho años después de iniciar su camino en solitario, aún sigue siendo un referente para los que aman la música a corazón abierto. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

unque ha llovido mucho desde entonces, todavía mantengo fresca en mi memoria la primera vez que escuché la voz de Chuck Ragan. Fue con ‘Remedy’, aquel misil tierra-aire con el que arrancaba el quinto álbum de Hot Water Music, Caution. Me cuesta recordar por aquel entonces haber oído a nadie cantar de semejante manera, con unas ganas y una fuerza fuera de lo normal. Era como si te agarrase bien fuerte de las solapas

del cuello de la camisa y te obligase a escuchar lo que tenía que decir, aunque tú no quisieras. Esa misma energía fue la que me encontré tiempo después en Feast Or Famine, su debut como cantautor tras el paréntesis que los de Gainesville, Florida, decidieron tomarse entre 2005 y 2008. Puede ser que la forma de transmitirla hubiera cambiado, pero nadie podía dudar que la pasión que le ponía Ragan a sus nuevas canciones continuaba siendo la misma. Quizás porque nunca ha sabido hacerlo de otro

modo. “Si me pongo a pensarlo, realmente mi carrera en solitario comenzó muchos años antes de formar Hot Water Music. Hará unos 26 años que di mi primer concierto yo solo. Comencé a tocar la guitarra a una edad muy temprana y como la gran mayoría de la gente que empieza, era solamente yo con mi guitarra”, relata Chuck al otro lado del hilo telefónico desde su casa cerca de lago Tahoe, al norte de California. “He estado componiendo música acústica durante años, incluso al mismo tiempo que

“Ahí fuera hay cantautores increíbles que hacen exactamente lo mismo que yo, incluso desde muchísimo antes”

estaba en Hot Water Music. Lo que pasa es que por aquel entonces todos en la banda estábamos centrados en ello a tiempo completo y así es como la gente nos conoció. Pero cada uno tenemos distintos proyectos. Vivimos y respiramos música. Cuando en 2005 estuvimos en hiato, los chicos formaron The Draft y yo volví a trabajar como carpintero. Pero nunca dejé de escribir nuevas canciones. La única diferencia es que, muchísimos años después, volvía a estar solo por mi cuenta”. Ha pasado tiempo desde

aquel primer disco en solitario, al que le han seguido otros tres, con un nuevo trabajo de Hot Water Music de por medio. El último de ellos, Til Midnight (Side One Dummy), lleva pocos días de vida entre nosotros, pero no cabe duda de que sus fieles seguidores acabarán acogiéndolo de manera tan calurosa como con los anteriores. “Nunca jamás llegué a pensar que sería capaz de desarrollar una carrera en solitario. Es algo de lo que me siento muy afortunado. El tener gente a mi alrededor que se interese por mi música y lo que hago es una bendición. Que haya gente como tú o los fans que quieran saber lo que sucede, me hace sentir que formamos una comunidad entre todos”, me confiesa emocionado. “Cuando era más joven lo único que pensaba es que quería escribir canciones para siempre, y aún lo sigo haciendo. Pero ni en mis sueños más hermosos llegué a imaginar que tendría la oportunidad de conocer a tanta gente maravillosa alrededor del mundo y que me dieran la bienvenida en tantos lugares diferentes. Pero nunca podría haberlo hecho yo solo”. Precisamente ése es uno de los puntos que hacen a este cuarto álbum diferente de los anteriores. Por primera vez Ragan ha contado con una banda con todas las de la ley para grabar su nuevo material. Los motivos que le han llevado a ello responden a una progresión natural de lo que es su música sobre un escenario. “He estado tocando durante mucho tiempo con Jon Gaunt (violín) y Joe Ginsberg (contrabajo) como trío. Siempre hemos incluido a otros músicos en los discos, pero nunca podían venir de gira con nosotros. Tomamos la decisión de que queríamos tocar en conciertos

más grandes, en salas, en festivales... La manera en la que nosotros tres tocamos es muy percusiva, pero había momentos durante las actuaciones en los que nos perdíamos, por lo que pensamos en que sería genial tener a alguien que marcase un ritmo sólido, así que incorporamos a un batería”. En este caso el elegido fue David Hidalgo Jr., quien ya viene desarrollando esta función desde hace unos cuantos años en Social Distortion. “A partir de ahí, hablamos con Todd Beene (miembro de Lucero –ndr.) para que tocase el pedal steel. Ya lo había hecho antes en Covering Ground, Gold Country y también en el Revival Tour, además de ser un gran amigo. Cuando se dieron las circunstancias para que pudiésemos tocar todos juntos, no tuvimos ni que plantearlo. Para mí son todos increíbles como personas, y como músicos son extremadamente profesionales. Es una combinación de buenos amigos haciendo música juntos”. En cuanto al proceso de composición y a pesar de las notables diferencias en cuanto al resultado final, nuestro interlocutor parece seguir el mismo método tanto para Hot Water Music como para sus propios discos. Al interrogarle acerca de esta cuestión, él me contesta de la siguiente manera: “Para mí es raro pensar que voy a escribir algo específicamente para esto o aquello. Únicamente escribo, y lo suelo hacer muy a menudo. De vez en cuando, aparto algo pensando en que puede ser una buena canción para Hot Water Music, o viceversa, que definitivamente no sería un buen tema para el grupo (risas). En la mayoría de los casos, lo que sale es lo que sale, pero creo que tiene más que ver con el enfoque 61

“Estoy orgulloso de poder decir que este año es el veinte aniversario de Hot Water Music. No estoy seguro de lo que vamos a hacer, pero seguro que hay algo esperándonos en el camino, aunque aún no SÉ lo que es”

que tengo cuando entro en el estudio y cómo la energía fluye a través de la grabación”, confiesa. “Honestamente, la mayoría de las canciones de Hot Water Music fueron escritas con una guitarra acústica. Siempre lo hacemos así. En ambos casos, puedes tocar esas canciones de una manera más desnuda, por así decirlo, con una guitarra y la voz”. En cuanto a las letras, sí existe una pequeña variante. “Siempre ha habido una parte muy personal de mí cuando escribo para Hot Water, pero esa banda es más un colectivo, así que es una mentalidad distinta. Cuando escribo para mis propias canciones, y a pesar de que me siento honrado de tocar con toda la gente que tengo en mi grupo, al final del día, sólo soy yo y mi voz, por lo cual es muy sencillo. Cuando estás componiendo sin que nadie se te interponga, aunque no quiero utilizar un término negativo, eres solamente tú y puedes ser completamente personal”, concluye. Aunque a día hoy el hecho de que un cantante que viene de la escena punk rock publique un álbum como cantautor folk no es ninguna novedad y estamos más que 62

acostumbrados a ello, lo cierto es que hasta hace unos cuantos años no era así. Precisamente Ragan fue uno de los primeros en abrir camino dentro del género para toda una nueva generación. A pesar de ello, no se siente ni mucho menos como un guía para los demás. “No soy quién para decir eso, amigo (risas). Ahí fuera hay cantautores increíbles que hacen exactamente lo mismo que yo, incluso desde muchísimo antes. No sé cómo la gente puede llegar a tener esa impresión. Tal vez sea cierto, pero no me siento bien pensando eso. Hay mucha gente haciendo un trabajo muy válido poniendo su corazón y alma en la música. La verdad es que muchos de nosotros hemos estado tocando música acústica, folk, americana o como quieras llamarlo durante muchísimos años. Por alguna razón, ha habido este resurgir de la música folk, tanto dentro de nuestra comunidad musical como en el mundo entero. Creo que es algo muy bonito”. Aun así, nuestro protagonista, que ya lleva bastante tiempo en este mundillo y ha visto ir y venir a grupos y modas a lo largo de los años, es consciente de que este éxito desmesurado bien

podría cambiar en cualquier momento. “Hay gente que hace cosas sólo porque están de moda. Y quizás luego en seis meses, un año o dos, estén haciendo algo completamente diferente. Pienso que así es como funciona la música. Siempre habrá gente que apoye ciertos géneros y también habrá quienes los escuchen simplemente porque es lo que se está promocionando en la televisión o en las revistas, y no se preocupan de investigar por su cuenta. No estoy diciendo que sea algo malo, pero creo que muchos de nosotros seguiremos tocando esta música aunque a nadie le interese y tengamos que tocar para nosotros mismos en nuestras habitaciones. Pero como te he dicho antes, puede ser algo muy guay ahora y en dos años puede que a nadie le importe. Tal vez dentro de un tiempo se lleve el jazz o la polka (risas)”. Como ya hemos comentando, particularmente dentro del circuito punk rock el ver a cantantes cambiando la guitarra eléctrica por la acústica cada vez es algo más habitual, hasta el punto de que tal vez esté empezando a convertirse en un cliché y cabría preguntarse si se trata realmente de un movimiento artístico en sí o de una moda pasajera. Para Ragan no resulta muy complicado distinguir entre los que necesitan

expresarse de una manera distinta a los que lo usan como una mera fachada. “Creo que la gente que amamos la música, como tú y como yo, cuando vamos a un concierto y vemos a alguien tocando en el escenario, ¿acaso no sabemos si es de verdad o no? Siento que cuando veo a alguien tocando puedo ver cómo se está dejando la sangre, el sudor y las lágrimas en ello. ¿Entiendes lo que quiero decir? Lo sientes, se introduce dentro de tu sistema y se mete en tu piel, es lo que hace que se te pongan los pelos de punta. Pienso que cuando ves a estos artistas que de verdad están tocando con convicción, como si fuese la última vez que fuesen a hacerlo... A eso me refiero. Creo que ese tipo de músicos son los que aguantaran el paso del tiempo”. A la hora de preguntarle sobre quién considera que es ahora mismo el mejor dentro del género, Chuck no sólo se moja, sino que afirma de manera rotunda que su favorito es “Cory Branan. Si nunca has oído hablar de él deberías escucharlo, tío. Es uno de los más grandes cantautores de nuestra generación ahora mismo”. Tomamos nota pues. Para ir terminando, aprovecho para preguntarle en qué estado se encuentran Hot Water Music de cara a dar continuación a su último trabajo, el magnífico Exister. “Últimamente estamos todos un poco esparcidos cada uno por nuestro lado. Todos tenemos responsabilidades que debemos atender. Se hace muy difícil poder estar juntos y planear cosas”. Sin embargo, finaliza dejando ver que más tarde o más temprano sus caminos volverán a cruzarse. “Estoy orgulloso de poder decir que este año es el veinte aniversario de Hot Water Music. No estoy seguro de lo que vamos a hacer, pero seguro que hay algo esperándonos en el camino, aunque aún no sé lo que es (risas)”. Mientras seguimos a la espera para descubrirlo, disfrutaremos desgranando la nueva maravilla de uno de los pilares básicos de la escena punk rock de los últimos años.

THE REVIVAL TOUR - EL FOLK QUE HACE LA FUERZA

i hay una cita especial cada

que tiene el espectáculo en sí.

año para los seguidores de la

“Queríamos traer algo diferente a la

música folk que vienen del punk

vieja escuela de la música de raíces

rock, ésa es sin duda el Revival Tour.

en la manera de viajar y compartirla,

Desde 2008, Chuck Ragan lleva

y hacerlo de una manera en la que

organizando este singular festival

la gente fuese bienvenida dentro del

itinerante que ha ido ganando adeptos

concierto y se sintiese inmediatamente

de una manera increíble. Le pedimos

unida. Nuestro concepto es que

que nos explique el concepto que se

cuando el show empiece haya seis o

esconde detrás de una de las giras

siete cantantes tocando juntos. Habrá

más especiales que se pueden ver en

gente que haya venido a ver a uno u

la actualidad: “El festival lo creamos

otro artista, pero al inicio del concierto

mi mujer y yo. Empezó de una manera

todos juntos salimos al escenario.

muy sencilla. Yo estaba dando muchos

Para mí esto hace que todo el público

conciertos donde al final todos los que

que está en la sala se sienta unido de

estábamos allí acabábamos cantando

una manera inmediata, porque toda

canciones juntos. Aquello era lo mejor

esa gente que han venido a ver están

de la noche, pero solo duraba cinco

tocando juntos. Así que piensan: ‘Están

minutos (risas), así que de alguna

unidos, así que nosotros también lo

manera empezó así”. Con el propio

estamos’. Es como si cogiésemos esa

Ragan como maestro de ceremonias

energía y la mantuviésemos durante

y sus ya mencionados compinches Jon

toda la noche. Esto hace que sea algo

Gaunt y Joe Ginsberg, por el Revival

completamente impredecible, pero

Tour ha pasado una lista envidiable

también absolutamente inolvidable.

de cantantes como Brian Fallon de

Eso es lo que hace especial al Revival

The Gaslight Anthem, Frank Turner,

Tour. No hay esperas, la música

Tom Gabel (ahora Laure Jane Grace)

nunca para. Cuando alguien acaba

de Against Me!, Dave Hause de

su canción, otro empieza. Es una

The Loved Ones, Dan Andriano de

estimulación constante. Todos amamos

Alkaline Trio, Tim McIlrath de Rise

la música de la misma manera

Against o Ben Nichols de Lucero,

y queremos compartirlo así. Me

entre muchos otros. Pero lo más

encantaría poder llevarlo algún día a

llamativo del Revival Tour no es quién

Europa otra vez. Sería maravilloso”.

participe en él, sino el planteamiento

Crucemos los dedos. 63

Se acabó la tregua Desde que en 2008 publicaran el disco que les hizo resonar por todo el mundo, Whitechapel haN evolucionado su característico sonido deathcore a un estilo personal que, al oírlo, indudablemente sabes de qué grupo se trata. Ahora vuelven con Our Endless War. Texto: Fer Díez Fotos: DR

WHITECHAPEL

hitechapel está compuesto por el vocalista Phil Bozeman, los guitarristas Ben Savage, Alex Wade y Zach Householder (sí, son tres), el bajista Gabe Crisp y el último batería de la banda, Ben Harclerode, que entró a formar parte de la banda en 2011 y que ha sabido recoger el testigo dejado por el brutal Kevin Lane. Durante sus escasos ocho años de historia el sexteto ha pasado por los mejores festivales del mundo y hoy en día son considerados uno de esos grupos extremos deathcore con identidad propia que perdurarán a través de los tiempos sin que las modas, en alza o caída, afecten su impresionante carrera musical. Cada dos años la banda nos presenta un nuevo trabajo de estudio y siendo 2014, ya toca nuevo plástico de estos monstruos del espesor con el cual endulzar nuestros oídos entrenados. Our Endless War es el título del álbum que saldrá a la venta el próximo 29 de abril a través de su discográfica de siempre, Metal Blade. Un disco potente que combina ese groove que nos encandiló en This Is Exile con la oscuridad y densidad de su sonido actual. Un puñado de temas más rápidos y dinámicos que sus últimos dos trabajos, A New Era Of Corruption (2010) y el homónimo Whitechapel (2012), y que ha hecho que un servidor vuelva a flipar con esta banda de Tennessee, llevándolo conmigo al baño, al curro y a donde haga falta. Por la trágica muerte de un familiar de uno de los componentes de la banda, hace escasas semanas, Whitechapel anunciaron que no podrían asistir al Soundwave Festival

de Australia, uno de los festivales más grandes del mundo que condensa en un mismo recinto una gran variedad de estilos dentro del metal y el rock, siempre apostando por los grupos más punteros de todo el planeta. La banda ya actuó en dicho festival en 2010 y debido al interés popular que siguen suscitando, el evento contaba con ellos una vez más. En plena campaña de promoción de su quinto LP, tenemos el placer de sacarle un hueco al guitarrista rítmico Zach Householder, y hacerle unas preguntas sobre la carrera y dirección de la banda, y de su esperado nuevo álbum, Our Endless War. Algo que me asombra de Whitechapel es el hecho de que usáis tres guitarras. Imagino que habrás hablado de esto infinidad de veces, pero es que realmente me gustaría saber por qué tres guitarristas. ¿Para lograr un sonido más gordo? ¿Para añadirle profundidad a la música? ZACH HOUSEHOLDER “La banda, cuando empezó, no sabíamos hasta dónde llegaría y había tres guitarristas que querían formar parte de ella, y dijimos ‘joder, intentémoslo con tres guitarristas’, pero ahora, los tres componemos y siempre ayuda tener una cabeza pensante extra en la mezcla, que ayude a escribir las canciones. En directo es un sonido más pesado y es otra dinámica, ¿sabes? Obviamente, con tres guitarras no puedes tocar punteos o riffs muy técnicos todos a la vez porque en vivo es un desastre, pero intentamos usarlo lo máximo posible para tener diferentes capas de sonido

y que así sea mejor y más interesante”. ¿Y cómo componéis las canciones entre los tres? ¿Depende de quién viene con qué o lo hacéis todos a la vez? “Bueno, siempre escribimos riffs, durante todo el año, nos los enseñamos los unos a los otros y a la hora de escribir los temas para un disco… digamos por ejemplo que yo escribo un tema entero que le gusta a todo el grupo, pues es algo menos que el resto tiene que hacer aunque puedan añadir cosas. Hay canciones que tienen riffs de todos. Realmente, sólo depende de lo que mejor le venga a la canción, no estamos condicionados por quién escribe más, sólo lo buena que sea la canción y qué va dónde”. ¿Y es difícil encajar las voces en la música? “No, realmente no. Una vez que tenemos el esqueleto de una canción, Phil (Bozeman) siempre está detrás comentando ‘me gusta esta estructura, puedo escribir con esto, repitamos esta parte otra vez así y hago un estribillo, y de esto una estrofa, bla bla bla’. Así que no es difícil. Es nuestro quinto álbum, ya estamos acostumbrados (risas)”. ¿Es Phil el único encargado de escribir las letras o ayudáis todos? “Nosotros le damos ideas de estructuras, pero generalmente Phil se encarga de todas las letras. A veces en los ensayos le damos ideas de cómo usar esta sílaba o esta letra en cierta parte, pero el 90% de lo que Phil hace lo hace solo”. 65

WHITECHAPEL

una meta, pero no puedes concretarla hasta que te inmersas en el proceso”.

¿Y en cuanto a temas sobre los que escribir? Cuando componéis, ¿se os ocurren cosas? “Bueno, yo tengo mis ideas, pero es Phil el que desarrolla. Tiene su forma de escribir y sus ideas son buenas y frescas, nunca discuto sobre ellas. Dejamos que él las haga. Suelo tener una idea a la hora de escribir y se lo digo a Phil, y él lo toma en consideración”. Os sigo desde que escuché This Is Exile, que considero una obra maestra, especialmente por el groove que tienen las canciones y la forma en la que se suceden los riffs, tan natural. En los discos venideros, en mi opinión, he visto cómo las canciones se han ralentizado y el groove ha dado paso a la oscuridad y la densidad. Digamos que habéis virado de un sonido deathcore genérico a un estilo más personal. ¿También ves esta evolución? ¿Estaba planeada u os dejasteis llevar? “Sí, estoy de acuerdo, ha cambiado aunque no ha sido nada que 66

hiciéramos aposta, simplemente nos cansamos de que la gente esperara que escribiéramos un álbum sólo para ellos, personalmente. Dijimos, ‘que le jodan a eso, vamos a escribir para nosotros a partir de ahora’. Mira, ya estamos cansados de que la gente nos diga que ya no somos suficientemente heavies. Tío, ¿a quién le importa? Estamos tan por encima de esa mierda… sólo escribimos para nosotros mismos, y queremos a los fans que nos siguen desde el principio porque hace el proceso mucho más especial”. ¿Qué me puedes decir de Our Enless War? ¿Teníais un plan para el disco? “Con este álbum hemos tenido el tiempo más largo para sentarnos y hacer un disco porque con el resto de ellos hemos solido tener una mierda para escribirlos, y eso apesta. Con éste hemos tenido mucho tiempo y cuando empezamos no lo teníamos muy claro, pero una vez comenzamos a tener material y estructuras de canciones, nos dimos cuenta de qué tipo de rollo le queríamos dar a este disco y dónde queríamos llevarlo, así que… es como cualquier álbum: tienes

Me asombra cómo en este nuevo trabajo habéis mezclado ese groove del que te hablaba antes con vuestro sonido actual. Es energético, rápido y tiene mucha personalidad, cuando ahora hay un montón de grupos que hacen lo mismo... ¿Cómo ves la importancia de tener esa personalidad? “A ver, no es que seamos pioneros, no hacemos nada especial, sólo somos un grupo de metal y creo que es bueno para nosotros el tratar de salirse de lo típico a veces y… no es que cambiemos el mundo, pero intentamos sentirnos bien con nosotros y seguir con lo que creemos que es el metal. Hacemos lo mejor que podemos para hacernos notar y no sonar al resto. Oigo tanta música y escucha todas estas producciones tan pulidas y estos riffs tan currados, pero no le veo el sentido a la canción. Creo que hay que escribir canciones con partes con las que la gente pueda sentir algo al escucharlas”. Últimamente vemos cómo géneros como el deathcore se hacen populares y fans que escuchaban metal y que pensaban que el death era muy extremo, cuando el deathcore y el metalcore se pusieron de moda, pasaron a decir que el metal estaba anticuado. ¿Crees que esto es la evolución del estilo o es una moda pasajera? “Realmente no creo que sea una evolución, es un subgénero que está

“No voy a mentir, nuestra música transmite bastante odio pero me gustaría que se dieran cuenta de que es sÓlo música” ZACH HOUSEHOLDER

por ahí. Al final del día, ¿a quién coño le importa qué género escuchas? No importa, es metal, crece un poco, a nadie le importa, es sólo música, tío. Me molesta que la gente espere cierta fórmula para cada álbum porque tenemos la etiqueta ‘deathcore’, que me parece muy bien, pero lo siento porque no vamos a hacer eso en cada disco, así que… Creo que no es una evolución, es sólo otro ingrediente que echar dentro de la mezcla del metal”. ¿Qué opinas sobre la violencia que hay en los conciertos? Me da la impresión de que cada vez hay un ambiente más agresivo. Me refiero a los pogos, que no es que precisamente haya violencia, sino que desde fuera puede dar esa impresión. “Sí, la verdad es que lo veo mucho, con los bailoteos hardcore y todo eso. A mí me parece muy bien que la gente venga a los conciertos y se suelten, hay mucha gente que necesita esa sensación y nosotros estamos encantados de poder dársela. Sal ahí fuera, haz tu movida, pero has de tener cuidado con el resto de la gente. Si alguien se cae, levántale, y si estás haciendo algún baile hardcore, no puedes ser un gilipollas. Hay gente que le pega a todo el que esté alrededor y le da igual.

Yo personalmente prefiero que la gente esté en un pogo empujándose y pasándoselo bien que soltando puñetazos al aire y pegando patadas a quien esté al lado, pero esto nunca parará y siempre habrá alguno al que le hagan daño. Lo odio, no me gusta ver cómo la gente se pelea. No voy a mentir, nuestra música transmite bastante odio, pero me gustaría que se dieran cuenta de que es sólo música. Sé que es una forma de escape, que merece la pena, pero la música es algo muy bonito, pero si te lo tomas de la forma equivocada, puede ser algo muy malo”. ¿Has notado que haya empeorado desde que empezó? “Realmente ha sido constante desde el principio, no sé si ha sido diferente para vosotros, pero en Estados Unidos, joder, algunos de los conciertos más pequeños en los que tocamos cuando empezamos fueron los más violentos y gradualmente, como decías antes, al ser más aceptado, más gente lo hace e imagino que irá a peor si sigue de moda y se hace más grande”. Hablando de vuestra carrera, a través del tiempo y siendo un grupo tan extremo, ¿crees que hay una posibilidad de que crezcáis y lleguéis a un público mucho mayor, u os quedaréis un poco en la relativa escena underground? “Esta pregunta viene cargada. Como dices, los géneros extremos se aceptan cada vez más, pero siempre hay una fórmula para los grupos famosos de radio, una fórmula que han mantenido durante años y años, pero a nosotros nos escucharás en la radio por satélite

y prácticamente ya. No nos oirás en la radio pública. Con nosotros no voy a ilusionarme demasiado y estoy muy feliz de hasta dónde hemos llegado y dónde estamos. Si seguimos creciendo sería genial, pero no creo que eso pase y si pasa, será un shock para mí (risas)”. Y para ir terminando, ¿hay algún grupo o grupos que hayas escuchado últimamente que merezca la pena recomendar para que escuchemos? Creo que eres muy fan del black metal. “Sí, el black metal es un ingrediente importante de toda la mezcla, pero escucho de todo. Recientemente he estado escuchando Volbeat, que creo que son de Dinamarca. Tienen un rollo old school a lo Metallica que me gusta mucho, el estilo antiguo de Metallica, y una especie de estilo pop punk a lo Rise Against. Un concepto muy raro, pero es el grupo que más me ha gustado y que he escuchado mucho últimamente. Nada en el lado del death metal. Nuestro productor Mark Lewis está grabando el nuevo disco de Cannibal (Corpse) y estoy esperando a que esto salga”. Pues nada más, Zach, muchísimas gracias por tu tiempo y espero que podamos veros pronto. “Siempre nos encanta venir a España e Italia, es una locura. Me encantaría volver a España, así que espero que nos veamos pronto y gracias a vosotros por todo vuestro apoyo”.

“Como grupo intentamos jugar un poco con nuestro sonido en cada disco, y es normal que con algunas decisiones acertemos y con otras no” ANDREA FERRO

JUEGO DE TRONOS

LACUNA COIL

De Italia al mundo. Lacuna Coil han conseguido con su metal rock de tintes oscuros lo que ninguna otra banda de su país había logrado antes. Con su séptimo álbum, Broken Crown Halo, esperan que su reinado siga intacto. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

on más de un millón de copias acumuladas únicamente en Estados Unidos se entiende por qué los milaneses Lacuna Coil han hecho de ese país su prioridad. Sus intensivas giras al otro lado del Atlántico y su elección a la hora de grabar con productores norteamericanos les han ayudado a llegar más lejos que ninguna otra banda italiana de rock. Sin embargo, su conquista del sueño americano les ha valido no pocas críticas de quienes añoran sus inicios más cercanos al metal gótico. No es que su nuevo trabajo Broken Crown Halo (Century Media) suponga una vuelta a sus raíces, pero en él Cristina Scabbia (voz), Andrea Ferro (voz), Marco Biazzi (guitarra) y Marco Coti Zelati (bajo) sí han intentado jugar con un sonido que cada vez se acercaba más a la radiofórmula. Si en general Lacuna Coil no pueden quejarse de cómo les han ido las cosas, el pasado 14 de febrero, el guitarrista Cristiano Migliore y el batería Cristiano Mozzati decidían abandonar el grupo después de 16 años de carrera por motivos personales. Por desgracia, nuestra entrevista con Andrea fue anterior a este anuncio, por lo que no pudimos preguntar sobre ello, ni tampoco él en ningún momento hizo alusión a que tuvieran problemas internos. ¿Cuestión de diplomacia? ¿Discreción? ¿Ganas de no mojarse? No lo sabemos, pero en cualquier caso, la banda ya ha anunciado que

Ryan Folden (The Agony Scene, Burn Halo) se hará cargo de las baquetas en su nueva gira. Después de haber trabajado en los dos últimos discos con Don Gilmore, en éste lo habéis hecho con Jay Baumgardner, que ha producido a Evanescence o Papa Roach. ¿Qué buscabais con el cambio? ANDREA FERRO “Es importante para nosotros contar con alguien de fuera del grupo que perciba otro sentimiento respecto al disco. Porque tú trabajas tanto en él, en las maquetas, en las canciones, en tus ideas, que está muy bien tener a alguien fresco, pero con experiencia, que pueda venir y decirte ‘este tema está bien, pero quizá este otro necesitaría un cambio’. Trabajar con Jay fue muy distinto a hacerlo con Don. Don es el tipo de productor que se involucra al máximo en cada paso que das. Aunque no imponga su criterio, sí que te da su opinión sobre cada cosa. En cambio, Jay era más de adquirir una visión general y dejar que seas tú mismo quien busque las soluciones. También da su opinión, pero te deja más libertad. Quizá por eso hemos podido experimentar un poco durante la grabación, usando distintos amplificadores, distintas guitarras, pedales… nos ha molado poder trabajar más en los sonidos”. En general parece que

buscabais un sonido más atmosférico. Al menos habéis citado a un grupo como Goblin como una influencia directa en este álbum. “Sí. Hay varios aspectos entorno a esta cuestión. En primer lugar, el cine siempre ha tenido una gran influencia en nosotros a la hora de hacer vídeos, del diseño, de los uniformes que usamos en el escenario, pero esta vez Marco, el bajista y nuestro principal compositor, escribió mucho material viendo películas sin volumen, como intentando hacer una banda sonora, sacando riffs a partir de imágenes, lo cual es una manera muy distinta de trabajar. Creo que en ese sentido los temas y los arreglos han salido más cinemáticos. Y el sonido de los teclados, como decías, están muy inspirados en Goblin, quienes hicieron esas bandas sonoras de películas de terror de los 70 y los 80. Además, Cristina y yo también nos hemos inspirado en el cine para hacer las letras, así que en ese sentido, el disco es como una banda sonora”. Pero no es un disco conceptual… “No hay un concepto como tal porque no todas las canciones están conectadas a una historia, pero sí que tomamos un enfoque parecido a la hora de escribir las letras y que fue resultado de lo que vivimos el año anterior. Siempre hablamos de cosas reales. Esta vez usamos personajes de películas de terror o suspense como 69

LACUNA COIL

nosotros. Pero es lo que te decía, hemos buscado distintos sentimientos en cada canción. En ésta el riff tiene mucho groove y por tanto la voz es más rítmica, pero otros temas son completamente distintos”.

metáfora de situaciones que habíamos vivido. Hay una mezcla de fantasía y realidad”. ¿Este deseo de experimentar surgió del propio grupo o fue Jay quien os animó a ello? “Creo que básicamente fue cosa nuestra. Si escucharas las maquetas originales verías que son muy parecidas a cómo son los temas en el disco. Es algo que hablamos porque es nuestro séptimo disco y ya sabemos cómo escribir temas para Lacuna Coil, así que decidimos dejarnos llevar un poco por la música y ser un poco más espontáneos. Si quería poner una voz gutural, la ponía. Si quería gritar, lo hacía. Si queríamos poner un estribillo épico, lo poníamos. No pensamos tanto en hacer singles, o en si sonaba más europeo o más americano, simplemente en hacer lo que nos salía. Si nos gustaba a nosotros, era suficiente”. Hablando del sonido americano, mucha gente criticó vuestros últimos trabajos discográficos, y en especial Shallow Life, precisamente por eso. ¿Crees que esas críticas 70

fueron justas? “Creo que algunas críticas fueron justas, claro. Como grupo intentamos jugar un poco con nuestro sonido en cada disco, y es normal que con algunas decisiones acertemos y con otras no. A veces pruebas algo y no funciona, pero no pasa nada. Podríamos repetir la misma fórmula una y otra vez, pero realmente no queremos eso. A veces la gente tiene razón cuando algo no le gusta. Pero no hay que olvidar que somos una banda que vive la mitad del tiempo en Europa y la otra en Estados Unidos, así que nos influencian ambas cosas. Creo que en el nuevo álbum hemos encontrado un buen equilibrio entre los dos. Además, cuando era joven no sólo escuchaba bandas europeas, también escuchaba grupos americanos. Creo que en parte eso también nos ayuda a ser únicos. Siempre hemos estado contaminados por el rock o el metal americano, no es un secreto (risas)”. Sí, por ejemplo en ‘Die And Rise’ el riff es muy nu metal… “Sí, fue como salió. Siempre hemos tenido ese tipo de riffs de metal moderno, no es algo nuevo para

A pesar de que dices que no queréis repetiros, cada vez tiene que ser más difícil escribir temas que no suenen a los que ya habéis hecho antes… “No lo es si estás inspirado. Aunque no queramos, nuestros temas siempre suenan a Lacuna Coil. Tenemos nuestra personalidad y hay ciertos elementos que son muy reconocibles. Es imposible que no sonemos a Lacuna Coil. Y tampoco es que busquemos evitarlo, sino que simplemente buscamos darle un toque fresco. También influyen las experiencias que hayas vivido en el momento de hacer el álbum. Para mí siempre estamos evolucionando y eso hace que todavía deseemos escribir nueva música. Mientras no perdamos eso, no creo que nos resulte difícil hacer nuevos temas”. Italia ha pasado y está pasando por una situación política muy complicada. ¿No habéis sentido la necesidad de hablar de ello? “Lacuna Coil no es una banda política, no somos como Rage Against The Machine o System Of A Down, pero desde luego la política también influye en nuestra vida. Así que aunque no tomemos una posición específica, también hablamos de ello. Por ejemplo en la canción ‘Victims’ decimos ‘vamos a seguir luchando por lo que creemos’. Cada día en

las noticias vemos tragedias, gente que se suicida por culpa de la crisis económica, especialmente en el sur de Europa. La gente está asfixiada, se han destruido sus sueños y el gobierno sigue contándote mentiras. Estamos hartos de mentiras y la gente quiere rebelarse. Esa canción habla sobre eso, así que aunque no digamos si este partido tiene la razón o éste otro no la tiene, estamos implicados. Todos necesitamos tener sueños y esperanza en un mañana mejor, así que el que nos hayan arrebatado todo eso era algo ante lo que no podíamos quedarnos impasibles”. Es obvio que sois la banda de rock o metal más internacional salida nunca de Italia. Me gustaría saber cómo habéis vivido el ir dando pasos en territorio desconocido porque no teníais ningún referente al que seguir. ¿Habéis sentido miedo en algún momento o que estabais fuera de lugar? “Claro, había muchos aspectos distintos que nos hacían sentir así. El ser italianos y que no hubiera habido otro grupo de nuestro país que hubiera girado por todo el mundo, por ejemplo. Pero también que tuviéramos a una mujer al frente, porque cuando empezamos era bastante raro. Creo que fue muy importante el que ficháramos por un sello alemán y que quisieran de inmediato que trabajáramos a nivel internacional. Si no hubiéramos salido de Italia posiblemente no hubiéramos durado más de tres años porque es un mercado muy limitado. Trabajamos muy duro y enseguida ganamos la experiencia para poder ser una banda

“A todos nos gusta ver a una chica guapa encima de un escenario, pero si no la respalda una buena banda, entonces prefiero sólo ver fotos suyas en Internet o en una revista” ANDREA FERRO

más grande. Más tarde, cuando hicimos Comalies, fue muy importante irnos a Estados Unidos y girar allí. Nos llevó a otro nivel”. No sé si en Italia es igual, pero aquí si un grupo de metal alcanza cierto éxito, enseguida mucha gente lo machaca. Me gustaría saber si a estas alturas todavía sufrís este tipo de rechazo por parte del público italiano. “Es exactamente igual aquí (risas). Debe ser la cultura latina. La verdad es que en ciertos ambientes sí nos atacan, pero la mayoría de la gente se alegra por nuestro éxito. Sobre todo los fans que no escuchan exclusivamente metal, sino que también escuchan rock, no están tan pendientes de estas cosas. Tenemos un público muy amplio, pero solemos encajar mejor tocando con bandas como Korn, System Of A Down o Faith No More, mientras que apenas tocamos con bandas de metal clásico como Iron Maiden. La gente del metal más conservadora es la que se mete más con nosotros, pero bueno, es lo que hay”.

gira americana presentada por la revista Revolver bajo el nombre de Hottest Chicks In Hard Rock Tour. Supongo que es una gran oportunidad, pero ¿cómo te sientes respecto a que el foco sea que tenéis a una cantante que está buena? “Bueno, creo que es sólo una manera de enfocar la promoción. No me molesta si también se tiene en consideración nuestra calidad musical y la historia del grupo. Si todo fuera por una cuestión de físico, entonces me molestaría. A todos nos gusta ver a una chica guapa encima de un escenario, pero si no la respalda una buena banda, entonces prefiero sólo ver fotos suyas en internet o en una revista, ¿sabes? Para serte sincero, creo que hay demasiados grupos que se apoyan en la imagen y no hay nada más detrás. Creo que Cristina es una especie, si no de icono, sí de modelo para muchas chicas. Tiene una personalidad fuerte y ése es un mensaje importante que mandar a nuestras fans”. Y cuando estás en el escenario, ¿notas que el público la mira mucho más a ella que a ti? “(Risas) Quizá ocurría más en los inicios. La gente que no está familiarizada con nosotros se centra en ella, no sólo por su imagen, sino porque tiene una voz maravillosa. Es natural que la miren a ella porque es distinta a un tío gritando y haciendo headbanging (risas). No tengo ningún problema con eso”.

En breve empezaréis una 71

DISCO DEL MES

The Mitch Lucker Memorial Show (Ending Is The Beginning) (CENTURY MEDIA) DEATHCORE

uando parece que los álbumes en directo han dejado de gozar de la importancia que tenían hace no tanto tiempo, ocurren sucesos incontrolables que los devuelven al lugar de privilegio que siempre habían tenido en el mundo del rock. Porque, desde luego, si un concierto merecía pasar a la posteridad a través de una publicación de lo más lujosa, en CD y DVD, ése era el que aconteció la noche del 21 de diciembre de 2012 en el Fox Theater de Pomona, California. Si el trágico fallecimiento

SUICIDE SILENCE

de Mitch Lucker el 1 de noviembre de 2012 dejaba en el aire el futuro de Suicide Silence y totalmente conmocionada a la escena deathcore, el show que se organizó para recaudar fondos y sufragar así los estudios de la hija del cantante sirvió también como merecida despedida para el personaje más carismático que ha dado el género. De esta forma, resulta abrumadora la cantidad de artistas que enseguida se volcaron en la iniciativa, aportando sus aberrantes cuerdas vocales para dar de nuevo voz a unas letras que un accidente de trá-

fico quiso acallar demasiado pronto. Chris Garza (guitarra), Mark Heylmun (guitarra), Dan Kenny (bajo) y Alex Lopez (batería) no están solos en el dolor, pues hasta se suben al escenario Robb Flynn de Machine Head para interpretar una significativa versión de ‘Die Young’ de Black Sabbath, Max Cavalera para su ‘Roots Bloody Roots’, Randy Blythe de Lamb Of God para la final ‘You Only Live Once’ o, de forma más que emotiva, el propio Mitch Lucker a través de un sampler en la tercera versión del show, esta vez de ‘Engine #9’ de Deftones.

Chad Gray de Hellyeah se atrevió con ‘Fuck Everything’, quizá Ricky Hoover de Suffokate, extraño en el caso de éste, y Austin Carlile de Of Mice & Men no están a la altura del chorrazo atronador que demandan cortes como ‘Bludgeoned To Death’ y ‘O.C.D.’, pero poco importa en un evento donde las buenas intenciones eran lo primero. Eso sí, aparte de Mitch, en esta obra en vivo hay dos protagonistas absolutos, uno porque es un monstruo que se los come a todos, el otro porque casi sin saberlo ya está abriendo una nueva página en la carrera de Suicide Silence: Phil Bozeman de Whitechapel y Eddie Hermida de, por aquel entonces, All Shall Perish. Como ya vimos en uno de

Davy de Job For A Cowboy es, como no podía ser de otra forma, una bestialidad. Danny Worsnop de Asking Alexandria se apunta un tanto importante con ‘The Price Of Beauty’, y Myke Terry de Bury Your Dead convierte en una fiesta del horror ‘Girl Of Glass’. Y es que por el Fox Theater pasaron desde gente de Winds Of Plague a After The Burial, pasando por Greg Wilburn de The Devastated o Brook Reeves de Impending Doom en la aplastante ‘Ending Is The Beginning’. Esto es Suicide Silence elevado al cubo, la mayor monstruosidad que va a salir este año. Aquí el público está loco, es una salvajada que dura bastante más de una hora. Sin florituras ni grandes alardes en materia de pos-

“De aquí a un tiempo se hablará de esta velada como de un suceso histórico en el metal contemporáneo” los adelantos de este lanzamiento, Bozeman se encarga de ‘Unanswered’, no podía ser otra, y la convierte en una bomba de hidrógeno, interactuando con la gente congregada y convirtiéndola en una absoluta masacre. Lo de Hermida en ‘Slaves To Substance’ tampoco tiene nombre: el nuevo vocalista del grupo de Riverside toma el tema y lo convierte en algo histérico e inhumano, erigiéndose como digno sucesor de Lucker. El resto de cortes no se crean que son un canto a la primavera… La primera ‘Destruction Of A Statue’ con Jonny

producción, aunque con dos reproches: una portada tan poco vistosa y que, al menos a los medios, no nos haya llegado la ‘Wake Up’ que realizó el ahora denostado Tim Lambesis de As I Lay Dying. Aun así, una vil tropelía que sirve como genial adiós. Ésta es ya mi grabación favorita de todo lo que se ha publicado dentro del deathcore. De aquí a un tiempo se hablará de esta velada como de un suceso histórico en el metal contemporáneo. El mejor homenaje que Mitch Lucker podía recibir. PAU NAVARRA

críticas

GAMEFACE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jeff Caudill (voz, guitarra), Todd D. Trout (guitarra),

Guy Julian (bajo), Steve Sandersson (batería) PRODUCIDO POR: Eric Stenman AFINES A: Jimmy Eat World, Bullitt, Gin Blossoms PÁGINA WEB: www.facebook.com/gamefacerock

Now Is What Matters Now (REDFIELD) ROCK

a disolución de los californianos Gameface en 2004 no ocupó grandes titulares ni provocó ríos de lágrimas, y su regreso discográfico diez años más tarde está claro que tampoco. Pero para quienes en algún momento entramos en contacto con su música, su retorno ha supuesto una pequeña alegría, como cuando tienes noticias de un viejo amigo al que habías perdido la pista. ¡Y encima son buenas! Porque su sexto álbum recupera las sensaciones positivas que siempre había transmitido su música, pero además conlleva el plus de una madurez bien entendida. Jeff Caudill sigue conservando esa voz sedosa taaan americana que los emparienta con bandas

como Gin Blossoms, Counting Crows o Goo Goo Dolls, aunque tradicionalmente se les hubiera asociado más con el punk rock o el emo. En cierta manera, Now Is What Matters Now es un disco que le ves grabando a Jimmy Eat World de aquí a un tiempo con un buen equilibrio entre temas más guitarreros y otros más contemplativos que con una instrumentación distinta podrían encajar dentro del rock americano de toda la vida. Seguro que a la gente de G.A.S. Drummers o Bullitt les encantará. El trabajo empieza de maravilla con ‘Come On Down’ y ‘Swing State’, dos canciones con dos estribillos como la copa de un pino que hacen perder cualquier miedo ante el sín-

drome de disco de retorno. A continuación ‘Regular Size’ contiene un riff cortado y una armonía vocal en el puente y coro que te retrotraen a los tiempos de Every Last Time o Always On, mientras que ‘Now’ es un medio tiempo con mucho feeling y un bonito arreglo de guitarra. Más adelante, en el lado más punk de su espectro, encontramos el doblete formado por ‘Lifetime Achivement Award’ y el autoreferencial ‘Always On’, mientras que ‘Save Your Words’ no desentonaría en un disco de Foo Fighters. En total son once temas, no hacen falta más, que tienen pinta de acompañarnos por lo menos diez años más. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JEFF CAUDILL Después de diez años sacar un nuevo disco tiene que ser algo especial… “Sí, todo es especial. Mucho más que cuando publicábamos discos regularmente. Son diez años, ¿sabes? El proceso con el que hicimos el álbum no tiene nada que ver tampoco”. Aunque os reunisteis en 2012 para dar algunos conciertos, ¿te sorprende que hayáis podido grabar un nuevo álbum? “Cuando nos reunimos simplemente fue para tocar los temas viejos, pero lo más extraño fue que habíamos perdido el contacto y teníamos que volver a conectar como amigos. Las relaciones se habían roto, así que nos llevó un tiempo sentirnos totalmente cómodos. Pero una vez empezamos a tocar fue como si todo ese tiempo hubiera desaparecido y hubiésemos vuelto a los viejos tiempos. Todas las cosas que nos habían separado habían desaparecido y logramos disfrutar mucho estando juntos de nuevo”.

Obviamente no sois los Pixies o Soundgarden, que pueden volver por una cuestión económica. ¿Cuál fue de verdad la motivación para reuniros? “(Risas) Todd y yo empezamos a volver a hablar y fue él quien insistió en que quizá debíamos intentarlo. Cuanto más insistía más curiosidad me despertaba. Mi duda era si podríamos superar el pasado, pero como te decía antes, una vez lo conseguimos, todo fue en genial”. ¿En estos diez años habías escrito nuevos temas sólo por si un día os reuníais? “No (risas). No empecé a componer hasta que terminamos los shows de reunión. No quería hacer nada nuevo en ese momento. Pero luego empecé a sentirme inspirado, escribí una canción, la probamos, y sonaba genial. Y a partir de ahí todo ocurrió de manera natural. Sinceramente, creo que de no habernos separado no hubiésemos sido capaces de hacer un disco tan bueno”.

Lo guapo es que mantiene vuestra identidad, pero no intentáis fingir que seguís teniendo 20 años… “Me alegro que transmita eso. No intentamos sonar como antes o distintos a antes, sólo reflejar quiénes somos ahora. Somos más viejos, más maduros, y eso se tenía que notar por fuerza”. Aunque venías de la escena punk rock, la verdad es que yo siempre os he visto más como una banda de rock americano con un punto clásico, y este disco me lo ha confirmado. “Estoy totalmente de acuerdo. Salimos del punk rock, del post hardcore, pero nunca nos sentimos parte de ello. Yo crecí escuchando a Cheap Trick y Boston, aunque luego me fliparan Hüsker Dü. Ahora a nuestra edad es mucho más fácil revelar nuestra verdadera personalidad. Desde luego, somos demasiado viejos para llevar maquillaje (risas)”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

THE MENZINGERS Rented World (EPITAPH)

PUNK ROCK

n The Impossible Past, el anterior trabajo de The Menzingers, fue elegido por esta revista y otros medios afines como Rock Sound, Absolute Punk o Punk News como el Disco del Año en 2012. De ahí que la curiosidad que sentíamos por escuchar el nuevo álbum desde que se anunció que el cuarteto de Filadelfia había entrado en el estudio estaba a niveles máximos. ¿Y bien? ¿Qué nos depara su cuarto disco? Pues bastantes novedades. La elección de Jonathan Low, productor que ha trabajado con The National, The War On Drugs o Kurt Ville, es una buena pista de sus ganas

de no quedarse estancados. Todavía podemos considerar a The Menzigers como a una banda de punk rock, pero desde luego ahora en su música tienen cabida otro tipo de influencias. Quizá siempre habían estado ahí latentes, pero ahora han aflorado como nunca. Al igual que sus vecinos The Wonder Years, aquí también hay dejes de indie rock y emo noventero (‘In Remission’ une a los Weezer de Pinkerton con los Pixies), pero además, varias de sus melodías podrían encajar en un disco de The Smiths (‘Bad Things’) o incluso de Manic Street Preachers, como en la sombría ‘Transient Love’. Para decirlo llanamente, es un disco mucho más pop. Aunque me imagino a más de uno arqueando las cejas, os aseguro que el espíritu del grupo se mantiene, así como la crudeza de una banda que sigue moviéndose en furgoneta. A eso hay que sumarle que su nivel compositivo sigue por las nubes y perlas como ‘Rodent’, ‘The Talk’ o ‘I Don’t Want To Be An Asshole Anymore’ no deberían faltar en sus shows de ahora en adelante. Lo han vuelto a hacer. JORDI MEYA

LA DISPUTE

Rooms Of The House (BETTER LIVING/STAPLE) POST HARDCORE, INDIE ROCK

ooms Of The House es un disco dedicado en cuerpo y alma a la tragedia de lo inanimado, a la tristeza y melancolía que depositamos a menudo en ciertos objetos, insignificantes a primera vista pero cargados de sentido para el que mira un poco más allá. Como le sucede a Jordan Dreyer, vocalista y escritor, que recorre, esta vez con un enfoque más pausado y reflexivo, todos los objetos y habitaciones de una casa imaginaria donde la nostalgia se ha adueñado del aroma a muebles viejos, descoloridos, y alfombras desgastadas. A veces se impone cierto orgullo, ansia de darle un

sentido mayor a tanto polvo y recuerdo de otros tiempos, y la rabia hace presencia, y enlazan con clase con un Wildlife que todavía resuena y crece tanto tiempo después. Se impone lo orgánico ahora, la profundidad de los bajos, las estructuras impropias de un grupo que ‘grita’, te obliga, como siempre, a atenderlo todo, a separarte de Jordan, abstraerse de las palabras y centrarse en el resto, porque las guitarras de Kevin Whittemore y Chad Sterenberg dibujan, solicitan atención, hacen del grupo algo único en su especie. En esta ocasión han ido un poco más allá, generan la emoción en sus canciones de una forma distinta, no tan inmediata, sino más exigente. Rooms Of The House es un paso más en la carrera de La Dispute, y atendiendo a la edad de sus miembros, quedan muchos por dar. Creo que la sinergia de estos cinco chavales es muy especial y os aseguro que en directo es algo que notas. Tanto la prosa de Dreyer como la forma de construir canciones de sus compañeros exigen trabajo. No se te ocurra perdértelo. JAVIER YELA

I AM THE AVALANCHE Wolverines (RUDE)

PUNK ROCK

Disfruta de un consumo responsable 35ª

e das al play y aparece un riff de guitarra que parece salido de un disco de AC/ DC, y a la que entra la voz de Vinnie Caruana sonando más rasposa que nunca, te preguntas: ‘¿Me abre equivocado de álbum?’. Pero no. Wolverines es el tercer trabajo de su banda I Am The Avalanche, lo que ocurre es que los años no pasan en balde y la vida te putea a la que puede, así que es normal que los callos se endurezcan, las primeras arrugas empiecen a hacer acto de presencia y tu carácter se agrie. Más si como nos contaba el mes pasado, una hernia discal le dejó encamado durante meses y vio como el huracán Katrina destrozaba su ciudad. Aquel chavalito que se dio a conocer cantando punk

pop con The Movielife ya es un hombre adulto y es cojonudo que ello se refleje en la música que hace, sobre todo si le salen temas tan bestiales como esa inicial ‘Two Runaways’. Su tono más rockero se mantiene a lo largo de todo el disco, con una instrumentación simple de guitarra, bajo y batería, y sin florituras ni trucos de estudio. Pero pese a ello, la cabra tira al monte y en algunos temas Caruana saca su lado más melódico, como en ‘The Shape I’m In’, ‘Anna Lee’ o ‘Young Kerouacs’, cuyo estribillo tiene algo de No Use For A Name. Quien necesite escuchar a una banda completamente honesta y armada con grandes canciones y la verdad, no hace falta que busque más. DAVID GARCELL

cr í ticas

BIGELF

Into The Maelstrom (INSIDE OUT MUSIC)

PROG DOOM, PSYCHEDELIC ROCK, HARD ROCK

ay discos cuyas primeras impresiones jamás serán definitivas a la hora de decidir si gusta o no. También depende del estado de ánimo de cada uno que causen mayor impresión o menos. Cuando escuchaba ‘Incredible Time Machine’, tema con el que comienza el último tripazo de Bigelf, me di cuenta de que había captado tanto mi atención, que aquello que estaba haciendo había quedado en quinto plano y me encontraba sumergida y completamente absorta en Into The Maelstrom. Hacía mucho tiempo que un disco no me hipnotizaba de semejante manera, así que volví a escucharlo, y terminé en un bucle durante horas. Después del flamante Hit The Gallows y un largo periodo de silencio que apuntaba a lo peor, Damon Fox

S ERIC FUENTES

Eric Fuentes/Barcelona (BCORE)

ROCK

eguramente la mayoría de nosotros pensaba que el motor creativo de The Unfinished Sympathy no era otro que Eric Fuentes y que este mismo era su medio para saciar todas sus inquietudes musicales. Si bien lo primero es cierto, no deja de resultar curioso que tras la separación de éstos Eric haya terminado de explotar a nivel de composición, alcanzando la cima de su trayectoria hasta el momento. Tras el atípico a la par que genial Copper & Gold, el artista ha decidido tirar la casa por la ventana y editar una obra triple que es todo un homenaje a su peculiar universo musical. Y es

consiguió, con un tremendo esfuerzo, reorganizar una banda completamente desmembrada, gracias al apoyo e implicación del virtuoso batería Mike Portnoy. Into The Maelstrom no es tanto un regreso como el resurgimiento de una banda con energías completamente renovadas y un poderoso sonido progresivo que hace pensar en las grandes bandas clásicas gracias a esos riffs súper Sabbath y a

esas llamativas y evocadoras líneas de teclado, pero que a la vez crean una atmósfera tremendamente futurista y muy visual. No puedo quitarme de la cabeza temas como ‘Alien Frequency’, ‘Control Freak’ o ‘The Professor And The Madman’. Into The Maelstrom es simplemente apabullante, una auténtica delicia para los sentidos y una confirmación de que Bigelf están mejor que nunca. ¡Qué barbaridad!

que Eric Fuentes/Barcelona, más que un disco, es una fiesta donde tiene cabida de todo, siendo el nexo común la historia personal que cuenta a través de sus letras. Así, el primer CD cantado casi al completo en catalán cuenta con colaboraciones tan variopintas que pasan del metal post apocalíptico de ‘Caus Al Fang’ con Guillem Funollet de Moksha a las voces, hasta el pop rock desenfadado en ‘Trist I Patètic’, en la que participa su socio Joan Colomo. La segunda rodaja resultará más familiar a los que le vienen siguiendo desde su etapa en The Unfinished Sympathy,

pues aquí demuestra lo bien que domina el lenguaje del rock con melodías dando de pleno en el centro de la diana con joyitas como ‘Journey’, ‘To Dust’, ‘They Don’t Like Us’ o una frenética cover del ‘Hanging On The Telephone’ de Blondie. Para finalizar, en el tercer acto se nos descubren sus influencias más 80’s (‘Outness’, ‘Disfruta Perdiendo’, ‘Platja Dels Morts’). Un trabajo que a pesar de su aparente magnitud, no se hace pesado en ningún momento, confirmando que estamos ante un artista en estado de gracia. Genio y figura.

TOI BROWNSTONE

GONZALO PUEBLA

WHITECHAPEL Our Endless War (METAL BLADE)

DEATHCORE

l quinto álbum de Whitechapel es enteramente una gran noticia para ellos. Porque han superado el bache compositivo que significó su anterior trabajo homónimo de 2012, porque este Our Endless War incluso me parece mejor que A New Era Of Corruption. La intro ‘Rise’ te pone en situación para que ‘Our Endless War’ te embista con furia, aunque ojo, con el punto de madurez y riqueza musical que los de Knoxville han ido adquiriendo desde 2006. Esta obra no es tan destructiva como The Somatic Defilement, pero en resumen,

sí te aplasta con parte de la categoría de This Is Exile. ‘The Saw Is The Law’ es deathcore matador y refinado a la vez, acabará con tus cervicales en menos que canta un gallo, y Phil Bozeman vuelve a demostrar que en cuestión de guturales no se anda con chiquitas. Es el amo. Hay que ver cómo atruenan las tres guitarras de Alex Wade, Ben Savage y Zach Householder en cortes como ‘Mono’, pero lo que finalmente te destruirá es el flow del absoluto temazo que es ‘Let Me Burn’, por no hablar de otras brutalidades como ‘Worship The Digital Age’ o las paranoicas ‘How Times Have Changed’ y ‘Psychopathy’. Tremendo castigo el de ‘Blacked Out’, final de alto copete con ‘Diggs Road’. Hay mucha rabia en este álbum, y así es como mejor salen las cosas en el mundo del metal extremo. Que con tan sólo oír la palabra ‘deathcore’ volvamos a pensar inmediatamente en Whitechapel es lo mejor que nos podía pasar. Todo un señor golpe encima de la mesa. PAU NAVARRA

críticas

BLACK SPIDERS

This Savage Land (LISTENABLE) HARD ROCK, STONER ROCK

ace unos meses, con motivo de la gira europea de Airbourne, algunos tuvimos la oportunidad de disfrutar de una breve pero destacable actuación de Black Spiders. Su potente hard rock clásico con toques de stoner nos encantó, pero apenas pudimos saborear un par de temas incluidos en su segundo álbum This Savage Land. Una vez mascado y digerido, éste me recuerda a un trozo de pastel de tiramisú cuyo aspecto me seduce, pero tras saborearlo al final no termina de enloquecerme. Y no estoy hablando de un

trabajo mediocre, puesto que la ejecución de los temas es buena, y algunos de ellos son muy disfrutables, pero sí de diez cortes que continuamente me recuerdan a otros estilos y a otras bandas, sin que transmitan una cohesión o un estilo definido. Simplificando, tocan demasiados palos. Por un lado la influencia de los clásicos queda más que patente en temas como ‘Balls’ con un sonido muy AC/DC, ‘Teenage Knife Gang’ que recuerda exageradamente a Motörhead, o ‘Trouble’. Por otra parte otros temas más con un sonido más pesado y unos riffs más marcados y prominentes como en ‘Young Tones’ y ‘Sleepy Demon’. La impresión final que sacamos de This Savage Land es que a Black Spiders aún les falta cierto rodaje y tiempo de maduración, y que todavía están experimentando con distintos sonidos hasta encontrarse cómodos en un estilo propio. Si consiguen encontrar su lugar, seguramente nos darán gratas sorpresas en el futuro. Concedamos a los de Sheffield algo más de tiempo. TOI BROWNSTONE

SEETHER

2002-2013

(COOKING VINYL/PIAS) ROCK, GRUNGE

ace más de una década que unos jovencísimos Shaun Morgan y Dale Stewart hacían las maletas y dejaban su Johannesburgo natal para probar suerte en unos Estados Unidos en plena era post grunge. Con la globalización a la orden del día, con la cada vez más evidente americanización de nuestros hábitos, era normal que les salieran clones a los Cobain, Vedder y compañía hasta en Sudáfrica. Y no les fue nada mal. El presente doble disco es la mejor prueba: una retrospectiva de 27 temas con ni más ni menos que once singles que alcanzaron la

primera posición en las listas yanquis. Como ‘Fine Again’, ‘Gasoline’, ‘Remedy’, ‘Truth’, ‘Fake It’ o esa balada con Amy Lee de Evanescence llamada ‘Broken’; todos ellos pretendidamente afectados pero inocuos como mandan las multis, resultones para las grandes masas como Nickelback y afines, con la rasposa voz de Shaun como hilo conductor. Los conocidos anteriormente como Saron Gas tuvieron siempre de su parte un sello con posibles como Wind-up, quienes lanzaron en 2002 su primer largo como Seether y pagaron las minutas de un batería de categoría como Josh Freese. Por cierto, como bien sospechábamos, su actual nombre está inspirado en el tema de Veruca Salt y se han atrevido a grabar una versión del mismo expresamente para esta compilación aderezada con tres nuevos temas y otras tantas rarezas. Aunque quizás no os importe mucho, porque tampoco calaron muy hondo por aquí, su sexto trabajo ya está grabado y en cualquier momento verá la luz. LUIS BENAVIDES

Path), The Banner We Follow mantiene un sonido similar a su predecesor aunque con un nuevo brillo que hace que cada canción tenga luz propia. No puedo evitar pensar que si me vendieran este disco como el trabajo LEFT IN THE WAKE paralelo de miembros de The Banne We Follow August Burns Red, me lo creía sin dudarlo. Digamos que (AUTOEDITADO) METALCORE ambos grupos caminan en la misma dirección solo que en 80 calzadas separadas, ya que Left In The Wake aportan su arece que los chicos visión personal de la vertiente, de Left In The Wake digamos, más progresiva, han pegado un dentro del metalcore. El pequeño gran salto entre dominio de Hans a la batería su anterior EP, Blind To junto con las guitarras de The Tragedy, y su nuevo y Dani y Carlos, tan bien primer LP, The Banner We acompañadas por el bajo de Follow. Dentro de su estilo Ángel, hacen de estos temas de metalcore han compuesto pequeñas nubes de energía diez temas brillantes, dentro de una tormenta de cargados de sentimiento, creatividad y buen gusto. coherencia, desarrollo y Personalmente me quedaba evolución, y un abanico con temas cañeros como de recursos, melodías e ‘Silicon Eyes’ o más profundos interludios musicales que como la impronunciable ‘-- ..- decoran este disco de la .. -. -.--’. El disco lo colman mejor manera. Grabado y los vocalistas de Memories mezclado por Alex Cappa en y Against The Waves, que los estudios The Metal Factory aportan el toque melódico a y masterizado por Will una línea vocal continua de la Putney (Impending Doom, The mano de Damon Lumley. Acacia Strain, Stray From The FER DÍEZ

hacer temas memorables a la par que cañeros y sin renunciar a cierta complejidad. Al contrario que les ocurría antes, ni las partes melódicas ni elementos como los breakdowns o las partes más sinfónicas suenan forzadas, sino que logran un ARCHITECTS Lost Forever // Lost Together conjunto armonioso dentro de canciones bestiales como (EPITAPH) METALCORE ‘Gravedigger’, ‘Naysayer’ y ´Broken Cross’, que forman el 80 arranque más mortífero de su discografía. El guitarrista Tom Searle se lo tiene que haber asta ahora parecía pasado pipa desplegando un poco que riffs que cortan como Architects iban guillotinas, punteos herederos dando palos de ciego a de In Flames o creando medida que avanzaba su texturas como en el interludio carrera. De sus inicios más ‘Red Hypergiant’. De igual técnicos pasaron en 2011 manera el siempre destacable a intentar subirse al carro Sam Carter ha sabido del metalcore más melódico impregnar un punto extra de con su álbum The Here And rabia que, por ejemplo, sienta Now. Vistas las collejas que de maravilla al tema final ‘The les cayeron, quisieron arreglar Distant Blue’, el más lento del las cosas con Daybreaker álbum pero que conserva el sacando a relucir su lado nivel de fiereza. Donde antes más político y endureciendo se habrían frenado ahora un poco su sonido. Pero Architects pisan el acelerador, es con Lost Forever // Lost y de ahí que dispongan de Together que consiguen artillería pesada como ‘Dead redimir definitivamente sus Man Talking’ o ‘C.A.N.C.E.R’ pecados. Architects por fin para conquistarnos. han conseguido lo que quizá DAVID GARCELL buscaban desde el principio:

cr í t icas

BLACK LIPS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Cole Alexander (voz, guitarra), Jared Swilley (voz, bajo), Ian Saint Pé

Brown (guitarra), Joe Bradley (voz, batería) PRODUCIDO POR: Tom Brenneck, Patrick Carney, Ed Rawls, Black Lips AFINES A: Thee Oh Sees, The Black Keys, Fuckin’ Bollocks PÁGINA WEB: www.black-lips.com

Underneath The Rainbow (VICE)

GARAGE ROCK

l igual que aquellos grupos de la década de los 60 que poblaban las maravillosas y coloristas cajas de Nuggets, y que en gran medida configuran su ADN musical, los Black Lips no debían soñar con mucho más que editar tres o cuatro singles y desaparecer. Pero mira por dónde, ya llevan 15 años en la brecha, son reclamados para actuar en todo el mundo y acaban de publicar su séptimo disco. Toda una proeza para un grupo que se hizo célebre, entre otras cosas, por salir a tocar puestísimos y vomitar en el escenario. Si en el anterior Arabia Mountain experimentaron un poco de

la mano del productor Mark Jonson (Robbie Williams, Amy Winehouse), aquí han vuelto al redil del garage rock en un álbum que ha sido grabado a caballo entre Nueva York, Nashville y su Atlanta natal, y que cuenta con la asistencia de Patrick Carney, batería de The Black Keys, en siete de sus doce canciones. Poco misterio nos aguarda en su interior, pero sí mucha diversión. Su brillantez radica en coger elementos de los más simples y lanzarlos contra la pared sin más. Los que se quedan pegados van al disco; el resto, a la basura. Es la sencillez extrema de tonadillas como ‘Drive-By Buddy’, ‘Smiling’ o ‘I Don’t

Wanna Go Home’ la que hace de Underneath The Rainbow una especie de oasis entre tanta oferta grandilocuente y pretenciosa. Como si fuera el hilo musical de una tienda vintage nos encontramos con el power pop de una ‘Make You Mine’ compuesta a medias con otro ilustre vecino de Atlanta, ni más ni menos que Brent Hinds de Mastodon, el surf de ‘Do The Vibrate’, el glam bluesero de ‘Dandelion Dust’ o una balada sureña como ‘Boys In The Wood’. Desde luego no les darán un premio a la innovación, pero como arqueólogos seguro que podrían ganarse muy bien la vida. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... JARED SWILLEY La semana pasada actuasteis en Colombia. ¿Todavía te sorprende que haya gente en todo el mundo dispuesta a pagar por veros? “Un poco sí. Por Facebook y Twitter vas recibiendo mensajes y te das cuenta de que tenemos fans en muchos países, pero el año pasado fuimos a Bangkok y mil personas vinieron a vernos. Eso me sorprendió mucho. También tenemos bastante éxito en Oriente Medio, aunque sospecho que vienen simplemente porque quieren ver a una banda de rock, no porque seamos nosotros (risas)”. Siete de los temas del disco fueron producidos por Patrick Carney de The Black Keys. ¿Cómo fue la experiencia? “Moló mucho. Somos amigos suyos y siempre está bien trabajar con alguien que conoces. Su método de grabación fue bastante tradicional, sólo nos animó a usar un par de sintetizadores

viejos. Lo bueno de él es que ha vendido millones de discos, pero se ríe de eso”. ¿Te gustaría venderlos a ti también? “Me encantaría tocar en la Super Bowl y vender un millón de copias. Estoy de broma (risas), aunque molaría porque eso significaría que un millón de chavales compran buena música. No hay nada malo en vender mucho”. Vuestras canciones suenan muy espontáneas. ¿Realmente os salen en ráfagas o hay más trabajo detrás del que parece? “Normalmente no dedicamos mucho tiempo a una misma canción. Todas las canciones son cortas y simples, así que no llevan mucho trabajo. Apenas ensayamos. Vamos al estudio y nos ponemos a tocar. Tocamos rock’n’roll tonto y es inevitable que nos repitamos. Casi todos los temas de Bo Diddley tienen la misma base rítmica. Lo mismo con Chuck Berry, los Ramones y todos

los artistas que me gustan”. Tengo entendido que ‘Smiling’ está inspirada en una noche que pasaste en la cárcel. ¿Qué hiciste? “No me gusta hablar de ello, ni puedo, porque todavía está pendiente el juicio. Básicamente tuve un altercado con un policía. Pero intenté convertir algo negativo en algo positivo, y por eso hice la canción”. La foto de la portada la tomó el legendario fotógrafo Mick Rock. ¿Fue sólo una excusa para que os contara sus batallitas con Bowie y Queen? “(Risas) Algo de eso hay. Hicimos la foto en Atlanta, en nuestro vecindario. Fue un honor trabajar con él porque ha hecho algunas de mis portadas favoritas. Y sí, nos contó muchas anécdotas. Dice muchos tacos (risas). Me llamó gilipollas como unas 40 veces (risas)”. (JORDI MEYA)

críticas

CROSSES †††

(SUMERIAN/RUDE)

TRIP HOP, ROCK

a sabíamos desde hace tiempo que a Chino Moreno le encanta la música más ambiental y experimental de lo que suele realizar en Deftones. Es algo que ya creó ciertas disputas en el pasado, especialmente con Stephen Carpenter, responsable de la parte más dura del sonido de los de Sacramento, y que con el tiempo han sabido encontrar el equilibrio perfecto dentro de la banda. Pero Chino es uno de esos artistas que no puede parar quieto como ya hemos visto con Palms o unos Crosses de los que llevamos un tiempo disfrutando en pequeñas dosis. Es con la excusa de que ahora se publica por separado su tercer EP, que han aprovechado para sacar un solo álbum que reúna todo su material existente hasta ahora, convirtiéndolo así en su disco de debut. Tras el proyecto fallido de

D BARBARIAN SWORDS Hunting Rats (BLOOD FIRE DEATH)

DOOM METAL, BLACK METAL

esde que escuchamos su maligna demo y los pudimos ver sobre las tablas, que nos dimos cuenta de que la amenaza de que Barbarian Swords iban a ser la banda más blasfema, violenta e hiriente de la escena extrema nacional iba en serio. Sólo les faltaba acabar de cumplir su promesa con un primer largo que rubricara todo lo apuntado, y los cabrones han cumplido: aquí está con toda su pobredumbre y agónica belicosidad Hunting Rats. La amenaza era real. Putrefacción sónica en estado puro, con una base de

Team Sleep, parece que Moreno ha encontrado junto a su socio de Far, Shaun Lopez, el vehículo ideal para expresar sus inquietudes dentro del trip hop. En sus primeras referencias ya pudimos comprobar que la unión funcionaba a las mil maravillas con cortes como ‘Thholyghst’ o ‘Telephaty’ (¡Qué bajo, señores!), donde la voz de Chino descubre su lado más sensual. Pero es que los nuevos temas resultan incluso superiores. ‘Bitches Brew’ muestra

todo el misticismo a plena potencia, mientras que ‘The Epilogue’ se sitúa al otro lado de la balanza, en una línea más accesible, así como las atmósferas etéreas que son capaces de crear en ‘1994’. Quizás se haga un tanto largo para los que no estén tan habituados a estos sonidos, pero en líneas generales, es un trabajo que cualquier seguidor de Deftones puede llegar a disfrutar desde la primera escucha. Una delicia.

ultra pesado doom infernal combinado con voces black directamente salidas del averno. Lo interesante es que no se dedican sólo a destripar riffs a bajas revoluciones; de vez en cuando te sueltan un zarpazo de metal punk como esa ‘Putrid Whore - The Holy Church’ y se quedan tan anchos, o ‘Pentecostal Black Punishment’, un apocalíptico himno de trash doom más que aplastante. Hablar aquí de cualquier elemento comercial es irrisorio, una herejía. Tanto musical como líricamente esto es lo más extremo que he escuchado en años, y para demostrarlo nada mejor

que bombas como ‘The Warmaster’s Revenge’ (como unos Celtic Frost cruzados con Bathory) o los casi 11 minutos de angustioso doom que machacan en ‘Pyrenean Nightfall’. El disco suena crudo, molesto y desagradable, como ha de ser cuando le cantas a la muerte, a la guerra y a la aniquilación, y advertimos que no es apto para oídos no entrenados. Si aguantas la tortura a la que someten al oyente, enhorabuena y bienvenido al enfermo mundo de Barbarian Swords. Grandes.

GONZALO PUEBLA

ANDRÉS MARTÍNEZ

OHIOS

Faceless (FAMÈLIC)

INDIE ROCK, POST HARDCORE

os jovencísimos Ohios, con veintipocos años, nativos de la era digital y familiarizados con conceptos como la tarifa premium del Spotify, tiran de noventas en su primer largo, Faceless. Y esto me parece tan encomiable como curioso con toda la música que han tenido siempre a su alcance. ¿Por qué los 90? ¿Crecieron escuchando a hurtadillas la discografía clásica de su hermano ahora treintañero adicto al indie rock? Pues eso parece. Solamente así me explico la soltura y la vehemencia con la que estos jovenzuelos reivindican esa maravillosa década en

Faceless, sólo así me entraría en la cabeza que cuatro post adolescentes puedan firmar estos diez irresistibles cortes en pleno 2014. Para que os hagáis una idea, a nivel estrictamente nacional, estos Ohios podrían recordar viejas glorias del catálogo de BCore como los primeros Aina o los Half Foot Outside más urgentes del It’s Been A Hot Hot Summer (‘Dead Man’, ‘Weekend’, ‘Running Away’), con unas guitarras afiladas y líneas de bajo muy gordas que también gastan otros niños prodigio a seguir de cerca como Please Wait, al más puro estilo de No More Lies (‘Aunt’, ‘15 Lps’). Precisamente con el líder y cantante de estos últimos, Santi Garcia, grabaron este rabioso trabajo publicado ahora por Famèlic Records, hogar de otras bandas como Furguson, Aliment y L’Hereu Escampa. Ahora es el turno de los benjamines, el turno de Pau, Claudi, Martí y Joan. Si yo fuera ese imaginario hermano mayor, ese treintañero aficionado al indie rock, estaría muy orgulloso de ellos. LUIS BENAVIDES

DEVIL YOU KNOW The Beauty Of Destruction (NUCLEAR BLAST)

METAL

iempre me ha costado hablar de un vocalista como Howard Jones sin faltarle al respeto a los fans de Killswitch Engage, pero debo decir que esta vez los tiros no van por ahí… Porque, en parte, Jones se ha ganado mi respeto con este debut de Devil You Know. De hecho, se nota que el guitarrista Francesco Artusato (All Shall Perish) y el batería John Sankey (Fear Factory, Divine Heresy, Devolved) son también parte del aparato creativo de esta nueva banda por la cera que reparten algunos temas y que, por tanto, le obligan a berrear con celebrable asiduidad.

Lo que ya no nos ha gustado tanto es esa descarada voluntad de ofrecer una de cal y otra de arena en lo que a caña y melosidad mainstream se refiere, una cadena que a veces se rompe con esas ‘Seven Years Alone’ o ‘Crawl From The Dark’ que aportan ambas características. Así, ‘A New Beginning’ pronto nos dejará sin respiración, ‘My Own’ nos la devolverá sin problemas, ‘Embracing The Torture’ significará otro tortazo, y ‘For The Dead And Broken’ volverá a mecernos con calma. ¡Que se os ve el plumero! En ‘It’s Over’ se pasan de afectación, pero claro, ya está ‘A Mind Insane’ para levantar el ánimo a base de leña en esta mezcla de core y metal moderno que, dicho sea de paso, suena fresca. Te guste o no cómo canta Howard, hay que reconocer que se pasea, que tiene un don. Ahí va un álbum y un combo que pueden arrasar a poco que les dejen, pues como podrán imaginar, la producción de Logan Mader (Gojira, DevilDriver, Soulfly) y la mezcla de Zeuss (Hatebreed) han hecho el resto. PAU NAVARRA

críticas

EDGUY

Space Police – Defenders Of The Crown (NUCLEAR BLAST) POWER METAL

ebo decir que nada más empezar a sonar la potente ‘Sabre & Torch’ me puse a buscar alarmado por la red si Tobias Sammet había abandonado la formación de toda su vida y yo, tonto de mí, todavía no me había enterado. Pero qué va, esa voz notablemente más grave y menos metálica imprimida en el primer tema de su nuevo trabajo es tan suya como la habitual en, por ejemplo, ‘Defenders Of The Crown’, donde todo suena como los Edguy de siempre: emoción metalera clásica, solos a cascoporro, teclados por encima de cualquier otra línea y, en definitiva, su feliciano feeling teutón a pleno rendimiento. Se trata de otro registro más para las cuerdas vocales del cerebro de Avantasia, vamos, aunque lo que no cambia es

TRAVELLIN’ BROTHERS

Magnolia Route (GAZTELUPEKO HOTSAK)

ROCK AMERICANO

e comenta un buen amigo que, para él, los vascos son una de las mejores bandas de blues del mundo. Así de claro y rotundo sentencia, una afirmación atrevida que puede estar caragada de fanatismo pero a la que no le falta razón. Una década les contempla, y en esta fecha tan especial se han dejado de tonterías y han grabado un disco sencillamente matador, una pequeña obra maestra que rinde tributo a esa ruta que va de Chicago hasta Mississippi en la que ellos se han inspirado para parir esta maravillosa colección

el buen rollo ochentero de canciones como ‘Love Tyger’ o la puntería en el riff de ‘The Realms Of Baba Yaga’. Con la versión de ‘Rock Me Amadeus’ es probable que se les haya ido un poco la mano en cuanto a caspa, pero bueno, tratándose de Edguy, es totalmente perdonable. Uno ya sabe en qué jardín se mete con ellos, aunque luego sorprenda que puedan desplegar tamaña clase en la redonda ‘Do Me Like A

Caverman’. ‘Alone In Myself’ evidencia una bajada de ritmo sustancial en el disco y éste no se eleva con la curradísima ‘The Eternal Wayfarer’… Pero aunque evidentemente este álbum no sea Mandrake, Vain Glory Opera o Hellfire Club, ya les gustaría a muchos llegar a los 22 años de carrera con tanta vitalidad. Otro coherente paso en su dilatada andadura.

de canciones. Y como no podía ser de otra manera, en este viaje emprendido dan un recorrido por toda esa música americana de raíces que va desde el swing hasta el jazz pasando por el country, el blues, el sonido de Nueva Orleáns, el soul, el góspel o aquel poderoso y mastodóntico sonido que sacaban las big bands de los 40. Y sí, son vascos, ya sabemos que estos tipos tienen más cojones que nadie. Todos disfrutamos de aquella hornada de grupos de neo swing como Royal Crown Revue o Big Bad Voodoo Daddy; pues bien, escuchad el tema título o

mejor ‘Creole Queen’ y alucinaréis, os lo garantizo. ‘Love, Joy & Hapiness’ podría haberse incluido en la banda sonora de Blues Brothers sin problemas, ‘Oh What A Shame’ es un blues que tira de espaldas, en ‘Song For You’ nos meten en un Cadillac para llevarnos hasta Nashville, mientras que en ‘Ballroom 24’ vuelven a sacudirnos a base de un contagioso jump swing donde es prácticamente imposible tener los pies quietos. Ya los conocíamos y los amábamos, pero esta vez se han pasado. Monumental disco.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

I AM HERESY Thy Will

(CENTURY MEDIA)

METAL, HARDCORE

a hablamos el pasado verano con Nathan Gray acerca de su otra banda paralela a Boysetsfire, I Am Heresy. En aquella ocasión, el vocalista nos comentaba que se trataba de una formación más centrada en el metal y con una temática lírica orientada hacia cómo la religión afecta a las personas y a la sociedad. Escuchando su nuevo lanzamiento, Thy Will, sí que cabe destacar que aquí lo que prima es la caña y la inmediatez por encima de todo con unos textos incendiarios que cargan contra todo lo establecido,

pero tampoco dista mucho de lo que nos ofrece con su grupo de toda la vida. Si obviamos el doble bombo y algunos fraseos de guitarra muy deudores de la música más heavy, muchas de estas canciones bien podrían haber entrado en el repertorio de Boysetsfire. De hecho, hay instantes en los que incluso llega a resultar superior a su último ...While A Nation Sleeps. Nathan se desgañita a gusto en cortes muy breves como ‘Year Zero In The Temple Of Fire’ o ‘Seven Wolves And The Daughters Of Apocalypse’, lo cual ayuda a dotar de un mayor dinamismo a un trabajo que, a pesar de su extensión, no se hace pesado en ningún momento. Algo a lo que también ayudan ciertos pasajes acústicos que sirven para tomar aire ante semejante bronca. Hasta es capaz de insertar melodías de manera acertada sin edulcorar el resultado, como tantas veces sucede en los discos de metal moderno. Una agradable e inesperada sorpresa viniendo del bueno de Nathan. GONZALO PUEBLA

TAKING BACK SUNDAY Happiness Is (HOPELESS)

ROCK

n 2011 fueron capaces de encerrarse en un mismo local casi una década después y facturar un más que correcto disco homónimo. La formación original, con el mismo quinteto responsable de uno de los últimos grandes tratados emo para adolescentes, Tell All Your Friends, de vuelta. Y ahí siguen los cinco, unidos, defendiendo el presente Happiness Is. Curiosamente este sexto largo ha sido parido en el local como su debut: sin discográfica, sin presiones. Esta libertad creativa se nota

en la variedad de registros, cada vez más lejos del screamo que les hizo tan populares. Sin ir más lejos, escuchad cómo encadenan la tremendista ‘Preface’, con esos violines como cuchillos, y la genial ‘Flicker Fade’, un medio tiempo con un estribillo cargado de pirotecnia. En ‘Stood A Chance’, en cambio, cruzan a Samiam y Weezer con un resultado ultrapegadizo. Y de vuelta a la introspección con ‘All The Way’ y mi favorita ‘Beat Up Car’, un bombazo con unas partes vocales sublimes. Como ‘They Don’t Have Any Friends’ y ‘Better Homes And Gardens’, con un Lazzara impecable, con mucha clase. La cursi ‘Like You Do’ sonroja pero tampoco desentona, y ‘We Were Younger Then’ se me antoja como un clásico rock instantáneo. Para el final dejan ‘Nothing At All’, un ejercicio semiacústico precioso, con un crescendo sin fin bastante imaginativo. No esperéis otro Tell All Your Friends ni un disco de efecto inmediato como Louder Now y disfrutaréis como enanos. LUIS BENAVIDES

críticas

NOCTEM Exilium (ART GATES) BLACKENED DEATH METAL

esde ‘Enuma Elish’ hasta ‘The Adamantine Doors’ que el nivel desplegado por Noctem en toda su nueva obra es insultante. Ya no digamos cuando estalla un torbellino como ‘Apsu Dethroned’ o una virguería a mil por hora como ‘Decrepit Human Kingdom’. La caza sin cuartel sigue en ‘Namtar’s Crown’, y si ésta no te parece tan espectacular es porque lo que la ha precedido es de otro mundo. Genial ese coro apocalíptico antes de que ‘The Rising Horns’ te empale con vocación épica, otro corte que proclama a

los cuatro vientos que se te van a acabar los adjetivos a la hora de cantar las bonanzas del tercer plástico de los valencianos. Recursos como el de la guitarra acústica demuestran que su música no es sólo violencia sónica, que también saben evolucionar y embellecer sus cortes con certeras pinceladas infernales. En ‘Halo Of Repugnance’ es posible que sí bajen algo el pistón, aunque siga siendo una canción por la que mataría media escena… Así llegamos al pasaje ambiental ‘Egregor’, el cual no ayuda a despejar las dudas acerca de si Exilium pierde fuelle hacia su segunda mitad, pero nada que no se pueda replicar con una recta final de álbum demoledora como la que depara ‘The Splint Of Destinations’, ‘Eidolon’ y ‘The Adamantine Doors’. A los que les seguimos de hace tiempo no nos sorprende tamaño poderío, aunque por fin parece que este país se ha dado cuenta de que un titán habita en sus fronteras. Sobradísima dominación. PAU NAVARRA

INNER XPOSE

Panoramic Horizon (AUTOEDITADO) DJENT, METALCORE

e he quedado de piedra al escuchar por primera vez el primer EP de Inner Xpose, Panoramic Horizon. Había escuchado un tema suelto por ahí y no llega a ser porque lo vi en Facebook, donde pone claramente que son de Barcelona, que voy y me creo que son del mismo barrio que Periphery. Los catalanes nos presentan seis temas de djent metalcoriano que recuerda a bandazas como los ya mencionados Periphery u otros grandes como Animals As Leaders o Tesseract. Pero es precisamente ese ligero toque metalcore/progresivo (aunque sea redundante, ya

que el djent que practican es ya progresivo de por sí) que les dista de estos grupos, otorgándoles su propia identidad que, junto a una voz melódica que me recuerda a una mezcla entre Guillaume Bideau de Textures y el tono apagado de Myke Terry de Bury Your Dead, hacen de este banda un pequeño islote dentro del creciente océano de este género. El EP se compone en su mayoría de canciones enérgicas como las brutales ‘Perpetual Motion’ o ‘Self Similarity’, y un pequeño porcentaje reservado a la agresividad controlada y más canalizada como es ‘Essence’ o el interludio electrónico ‘Quintessence Inception’. Lo que más me ha llamado la atención de este combo no es su gran sonido, que lo tienen, sino que componen temas entretenidos. Parece que está de moda tirar hacia este estilo de metal extremo, pero de ahí a hacerlo bien hay un largo camino, e Inner Xpose ya lo han recorrido. Tengo ganas de escuchar su próximo trabajo, y a ser posible, escribir sobre su evolución. FER DÍEZ

VAMPIRE Vampire

(CENTURY MEDIA) DEATH METAL

quí todo vale! Death, black, thrash, y hasta algún pianillo para rematar la faena. Vampire es un grupo tributo, pero no a una banda, sino a un momento en la historia de la música. Me refiero a los años que van desde finales de los 70 hasta finales de los 80, donde aunque ahora puedan sonar más lights, se engendraron los primeros discos de metal extremo. Venom, Possessed y sobre todo Celtic Frost están muy presentes en el sonido del debut de este cuarteto sueco. Grabado de forma analógica, este artefacto nos hace recuperar el espíritu

añejo del metal, donde no se perdía el tiempo en separar las cosas por estilos ni en ‘a ver quién es más mejor que el otro’. Podrás hacer cuernos, molinillos capilares y si eres un true, degollar una gallina y desvirgar a una virgen mientras te bebes la menstruación de tu hermana. ¿Quién quiere vivir en el presente cuando puede recordar un pasado dorado? Y es que temas como ‘Cellar Grave Vampire’, ‘Black Deserts’ o ‘The Bestial Abyss’ son himnos perfectos para levantar los puños y mover la cabellera encima de la cama en calzoncillos. Si eres un fanático del metal siglo XXI gorra plana triggeado, ni te acerques a este disco, porque no te va a gustar ni de broma, pero si en cambio eres como yo, que no le hace ascos a nada, o tienes más de 30 (también como yo) y cuando eras un adolescente te hinchabas a porros escuchando las cintas de cassette de Slayer de tu hermano mayor a escondidas, este álbum te encantará y te dará buenos momentos. BURZUM TURNER

WE ARE SCIENTISTS

Tv En Français (100%) INDIE

s posible que hayan pasado cuatro años desde que escuchamos Barbara al completo por última vez. Aquel irregular trabajo, de cara A sobresaliente y B muy deficiente, implantó en nuestros cerebros y corazones la sombra de la duda. Si gente como Franz Ferdinand ya no publica discos en condiciones, por qué iban a hacerlo estos dos chalados. Pues mira por dónde, We Are Scientists presenta su mejor trabajo desde el sobresaliente With Love And Squalor. Entre medias, un recopilatorio de cosas raras y videoclips muy locos

(Crap Attack), un disco que no estaba mal (Brain Thrust Mastery), el molesto Barbara (aunque incluyera alguna de las mejores canciones de su carrera, como ‘Rules Don’t Stop Me’, ‘Nice Guys’ o ‘Jack And Ginger’) y algún EP de notable calidad, como Business Casual o el sencillo ‘Something About You’. Desde los primeros segundos de ‘What You Do Best’, un temazo marca de la casa, las voces y guitarras de Murray y el bajo de Tapper, con la colaboración del más o menos oficial Andy Burrows (exRazorlight), gran batería y autor de dos discos muy interesantes en solitario, se solapan en poco más de media hora en una serie de composiciones pequeñas, juguetonas y traviesas que convierten TV En Français en el disco más homogéneo y espontáneo de su carrera. Temas tan hermosos como ‘Sprinkles’, ‘Courage’ o ‘Don’t Blow Out’ destacan por encima del resto, colocando a la banda a la altura de unos Arctic Monkeys sin presiones. Uno de los discos del año si hablamos de pop, calidad y melodía. KIKO VEGA 89

DRINK HUNTERS

PÁGINA WEB: www.facebook.com/drinkhunterspage

AFINES A: The Real McKenzies, Flogging Molly, Swinging Utters

PRODUCIDO POR: Óscar David

(violín), Rosa (acordeón), Isra (tin whistles, banjo)

FORMACIÓN: Aaron (voz, bajo), Pau (batería), Daniel Raja (guitarra, voz), Nando

HAS DE SABER...

cr í ticas

RECOMENDADO POR:

Lurking Behind The Woods (MALDITO DIGITAL) CELTIC PUNK

egundo lanzamiento de esta banda de Barcelona con espíritu tabernero y aroma a cerveza negra. Nacidos en 2008 cuando Aaron (bajista, voz) y Pau (batería) toman la decisión de hacer del celtic punk rock su modus vivendi, se unieron a Daniel Raja (guitarra, voz), momento en el que sólo precisaban de elementos que dieran más realismo a su propuesta plagada de power punk rock con toques folclóricos irlandeses. De ahí que cerraran filas con Nando (violín) y Rosa (acordeón diatónico), finalizando de dar forma a su original sonido dentro de nuestras fronteras fichando en 2013 a Isra (tin whistles, banjo). Todos

juntos entraron en el estudio para grabar este Lurking Behind The Woods, que contó la ayuda de sus fans más incondicionales, ya que este proyecto fue financiado parcialmente a través de una plataforma de crowdfounding. Maldito Digital ha decidido apoyar el lanzamiento de esta autoproducción donde a los y las pelirrojas, como el de la portada o como un servidor, se nos pondrán los pelos de picos pardos instantáneamente, mientras que el resto de la humanidad podrá bailar y disfrutar en modo festivo de los cánticos protesta y ancestrales de la cultura celta. Aquí podemos escuchar potentes temas como ‘Kill The King’, ‘The Same

Story’ o ‘Nasty Dictator’, donde la voz de Aaron nos evoca a lo largo de todo el disco a la de Greg Graffin de Bad Religion y en ciertos momentos, incluso a la de un rasgado Billie Joe, líder de Green Day. Si te mola el punk rock acelerado, el hardcore melódico Costa Oeste y las pintas de cerveza de un trago, éste es, sin duda, tu disco para esta primavera. El álbum, además, cuenta con las colaboraciones especiales de Conrad Bescós en dos solos de guitarra, Victor Mañas, bajista de Blowfuse, al banjo, y Jordi de Crack Del 29 añadiendo su voz en un tema. Por lo visto, nadie quería perderse esta fiesta. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... AARON Y PAU ¿Cómo surgió vuestro amor por la música irlandesa y celta? AARON “Pues en realidad, yo por lo menos no tenía ni idea de todo este movimiento hasta que mi cuñado me paso un CD recopilatorio de irish punk para a ver si me molaba, y bueno, sí que lo hizo... Al final rayé el CD de tanto ponerlo (risas)”. PAU “Yo en verdad fue por un disco de Jethro Tull (risas)”. Obviamente no sois los primeros en mezclar punk y folk, ¿pero cuál de las bandas que lo practican es vuestra favorita? AARON “Supongo que por semejanza a nuestro estilo en algunas canciones, aunque sin tanta caña (risas), serían The Real McKenzies, con los cuales hemos tenido el placer de tocar, y aparte también salen al escenario ¡con kilts! Es un punto a favor…”.

¿Cuál es la mayor dificultad a la hora de mezclar los dos estilos? AARON “Desde mi punto de vista mezclar los dos estilos no cuesta tanto, simplemente es adaptar ritmos; lo que realmente cuesta es decidir en qué trozos dejamos de hacer tantas melodías, ya que somos seis y hay momentos en que queremos hacer tantas cosas a la vez que al final no se entiende nada”. PAU “El truco está en preparar una buena base de punk rock o hardcore melódico, o lo que te salga, y luego vas añadiendo los instrumentos folk, como si se tratara de una receta de pizza (risas). Visto así parece complicado, pero con el primer disco aprendimos mucho”. ¿Hay algún tipo de mensaje detrás de vuestras canciones? AARON “Normalmente las letras hablan sobre críticas sociales y cosas que nos molestan, por ejemplo algún

colega que es súper pesado y no para de hablar... Pues toma, una letra cagándonos en él (risas). Por otra parte, también tenemos letras sobre hechos históricos o sobre fiestas que nos hemos pegado”. ¿Ocurrió alguna anécdota digna de mención durante la grabación? PAU “Al técnico que nos grabó casi le da algo mezclando nuestro disco, con tanta cosa. Sólo con decir que le petó el ordenador y se tuvo que pillar otro... Ahora mismo no nos puede ni ver (risas)”. AARON “También para que viniera a colaborar Jordi de Crack Del 29. Pau y yo estábamos grabando voces y nos sobraba un hueco y llamamos a Jordi, pero era sábado por la mañana y claro, tuvimos que llamarlo veinte veces para que se despertara, y cuando lo consiguió, vomitó y vino directamente a grabar con toda la resaca (risas)”. (JORDI MEYA)

críticas

MORNING GLORY War Psalms (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

escubrí a Morning Glory gracias al encargo de hacer la reseña de su anterior Poets Were My Heroes hará un par de años. Aquel trabajo supuso el regreso al ruedo de Ezra Kire tras una larga temporada de parón y si bien no me volvieron loco, vi que había potencial suficiente como para seguirles la pista en un futuro. Su punk rock con sorprendentes arreglos a lo Anti-Flag tenía muy buena pinta, pero les faltaba terminar de rematar la jugada. Por desgracia, no han tenido el tino suficiente para hacerlo en este nuevo intento. War Psalms es un plástico excesivamente descompensado y falto de equilibrio, con demasiados altibajos. Bien es cierto que encontramos sus señas de

H THE WIDOWBIRDS Heart´s Needle (Whistling Dixie) ROCK’N’ROLL

ablar de The Widowbirds es hablar de Simon Meli. Él es la banda, compone, arregla, graba, produce, mezcla, y además, aporta su voz, una voz prodigiosa, cálida, imponente, deudora directa de los grandes soul man del pasado y de los gigantescos vocalistas que embelesaron mastodónticas audiencias en los 70. Por eso, si nuestro hombre está bien, todo está correcto en estos australianos que nos ofrecen esta segunda entrega cargada de grandes canciones con aroma a tiempos pasados. Rock clásico sin trampa ni cartón,

identidad combativa en canciones como ‘Standard Issue’, ‘Punx Not Dead, I Am’ o incluso tirando de arreglos más épicos de cuerdas, trompetas y pianos en ‘I Am Machine Gun’. Pero hay cortes que aportan más relleno que otra cosa (‘War Haka’, ‘Calm And Alarm’), y teniendo en cuenta que hablamos de apenas media hora, esto resulta más que preocupante. Como dato

anecdótico, decir que un viejo conocido como el exThe Dresden Dolls Brian Viglione se ha hecho cargo de las baquetas en esta ocasión imprimiendo su habitual pegada. Lástima que no sea suficiente para que Morning Glory confirmen de manera positiva su progresión. Tal vez en el próximo lanzamiento tengan más suerte.

sin perderse en florituras innecesarias y mezclando variadas influencias (desde Free hasta The Band, pasando por Led Zeppelin, Small Faces o Humble Pie). Podrían compararse a los Cuervos quitándole el elemento colgado de la banda de los Robinson y añadiéndole mucho gusto por el soul, dado sobre todo por la garganta de Meli. El sector más rockero no acaba de dar su visto bueno porque no suenan lo suficientemente agresivos, y es cierto. Enemigos de los solos inacabables y los riffs facilones, centran sus fuerzas en las líneas melódicas y

los arreglos vocales que son de sobresaliente. De todas maneras, no consigo entender qué ‘peros’ se le puede poner a un tema tan extremadamente bello como ‘Shambala Sun’ o a la energía desatada de ‘Calm Before The Storm’, composiciones que os aseguro no se escuchan cada día. Una fría noche de enero la convirtieron en una calurosa y sudorosa velada de puro rock’n’roll no hace demasiado en un concierto absolutamente antológico, y no puedo esperar a comprobar cómo suenan estas canciones sobre un escenario.

GONZALO PUEBLA

ANDRÉS MARTÍNEZ

PORTRAIT

Crossroads (METAL BLADE)

HEAVY METAL

a hostia, lo nuevo de Portrait no puede sonar más vetusto y primigenio. Proto metal, me atrevería a decir… Preocupado andaba un servidor acerca de a qué banda le recordaban ‘Liberation’ y ‘At The Ghost Gate’, porque no sólo era a los primeros Iron Maiden y obviamente a Mercyful Fate, qué va… Ese bajo, esa lejanía sonora casi setentera, la voz de Per Lengstedt, esas letras de espada y brujería… ¡A Cirith Ungol es a quien más rememoran los suecos al principio de su nuevo Crossroads! No había ni salido Powerslave para hallar lo que realmente

ha inspirado este tercer álbum de Portrait, con una speedica ‘In Time’ bastante Accept, otra ‘Black Easter’ que no podría ser más jodidamente King Diamond, y así sucesivamente hasta recrear este festín de la exhumación metálica. Cómo deben de haber disfrutado estos jefes creando temas como ‘Ageless Rites’ u ‘Our Roads Must Never Cross’, y es que además, en ésta especialmente se nota que han grabado con Tore Stjerna en el Necromorbus Studio de Estocolmo, pues esas voces desgarradas extras sólo pueden surgir de uno de los mayores templos del black metal planetario. Llegas a los 9 minutos finales de ‘Lily’ y compruebas que los nada desdeñables 42 minutos que dura este trabajo te han pasado volando, así que el viaje entre demonios, fantasmas y hechizos que Portrait te han planteado no puede ser más placentero. Nada nuevo bajo el sol, toda la diversión del mundo. Un oopart discográfico para los más avezados. PAU NAVARRA

IMPENDING DOOM Death Will Reign (SPV) DEATHCORE

staba algo cansado del deathcore, lo confieso. Salvo excepciones como las de Hyde Abbey, Suicide Silence o Whitechapel, me parecía que el estilo se había metido en un bucle cerrado donde los breaks se alternaban con los blast beats hasta el infinito ofreciendo siempre lo mismo. A Impending Doom los conocía, pero vete a saber por qué no les había prestado la atención que merecían y mira por dónde, este tremebundo Death Will Reign me ha noqueado y de paso ha reavivado mi interés por el estilo. Sigue agobiándome y sorprendiéndome esos textos cargados de mensajes cristianos, y digo que me

sorprende porque el contraste entre esa lírica tan positiva y la violencia casi homicida de su música es realmente brutal. Nadie diría escuchando esos abruptos guturales que lo que están predicando es el amor al prójimo. Una vez repasados trabajos anteriores la mejora es evidente, suenan más compactos, más oscuros, precisos, impecables (quizás hasta demasiado en ocasiones), pero es admirable la colección de impenetrables riffs que se sacan de la manga como si tal cosa. ‘Doomsday’ te machaca, 3 minutos de orgía death donde incluso se muestran más clásicos que nunca rindiendo pleitesía a Morbid Angel o los mismos Death. ‘Ravenous Disease’ en cambio es deathcore puro y duro, los blast beats te parten por la mitad y los armónicos te revientan los tímpanos mientras te preguntas cómo cojones es posible que Brandon Trahan, el batería, pueda aplastar parches de esa manera, y llamadme loco, pero a mi ‘Rip, Tear And Burn’ me ha recordado horrores a los maestros Suffocation. Tremendos. ANDRÉS MARTÍNEZ 93

críticas

DEER TICK Negativity (PARTISAN) AMERICANA

uy mal le ha sentado a John McAuley su ruptura matrimonial, porque si en el anterior disco Divine Providence se mostraba optimista, bullicioso y con ganas de juerga, aquí nos presenta unas composiciones mucho más intimistas, maduras y ciertamente melancólicas. Se ha olvidado de la distorsión para acercarse a los cánones del rock americano, aquél que transita entre las melodías de Tom Petty y la lírica del primer Springsteen, pero se acerca peligrosamente a un sonido demasiado estándar,

demasiado pulido, sobre todo en las baladas donde los niveles de azúcar sobrepasan la media permitida. A pesar de todo esto que decimos, el tipo es un gran compositor, de eso no hay ninguna duda, y se las apaña para regalarnos alguna de esas joyitas que por sí solas valen su peso en oro. ¿Ejemplos? La inicial ‘The Rock’ es una lánguida maravilla de pop soul que corta la respiración. ‘In Our Time’ es otra perla, esta vez de country campestre que además cuenta con la voz de la cantante Vanessa Carlton, que borda en forma de dueto un tema sencillamente perfecto. Hay más: ‘Trash’ es puro soul y ‘The Dream’s In The Ditch’ te emborracha a base de embriagadoras melodías de pop certero y cristalino. El problema para que no acabe de volarnos la cabeza quizás sea que esperábamos más de un hombre que seguramente esté todavía recuperándose de un año pasado que fue especialmente duro en lo personal. Ánimo, que el tiempo lo cura todo. ANDRÉS MARTÍNEZ

SNA-FU

Knives & Bells (KLONOSPHERE) POST HARDCORE, ROCK

i tuviera que hacer una lista de las grandes aportaciones a la humanidad que ha hecho Francia, sin duda tendría que mencionar una increíble selección de quesos, la exuberante belleza de Leticia Casta y los cómics de Astérix que tanto me alegraron la infancia. Los chicos de Sna-fu Grand Désordre Orchestre (nombre completo de esta formación parisina) aún distan de pertenecer a tan selecto grupo, aunque no será por falta de méritos. Formados en los comienzos

del nuevo milenio, este combo ya puso en alerta a los más avispados con su anterior referencia Mighty Galvanizer, una andanada post hardcore que debía mucho a las enseñanzas de gigantes del rollo Refused o At The Drive-In, pero que era presentado de una manera fresca y potente. Han pasado tres años y ahora los chavales regresan con un nuevo plástico que podría significar una de las revelaciones de la temporada. En Knives & Bells han pulido su sonido consiguiendo un resultado algo menos alocado pero más redondo en su totalidad, haciendo que seas capaz de enchufarte sus 40 minutos del tirón y que encima luego tengas ganas de repetir. ‘Furious & Fast’ y ‘You Don’t Like This Song’ te enganchan de primeras por su ritmo pegadizo y saltimbanqui irresistible. Un disco variado y divertido pero lo suficientemente homogéneo para que el ritmo no baje en ningún instante. GONZALO PUEBLA

COMEBACK KID Die Knowing (VICTORY) HARDCORE

Comeback Kid parece haberles sentado de maravilla la gira que el año pasado hicieron para conmemorar el décimo aniversario de su debut Turn It Around, y en su quinto álbum ofrecen un disco de hardcore punk de tomo y lomo. No siempre resulta fácil para grupos con tanta energía como la suya trasladarla al estudio, pero en este caso la música brota por los altavoces con una fuerza increíble y contagiosa. Al igual que sus compatriotas Cancer Bats en su último disco, Comeback Kid inician con un tema a medio tiempo, ‘Die Knowing’, cuyo riff amenzante podría

ser visto como su versión de ‘Rats’, para acto seguido desplumarnos con la frenética ‘Lower The Line’ en la que Kyle Profeta arrea la batería sin piedad (su aportación a lo largo de todo el álbum resulta digna de mención). A partir de ahí, los canadienses no dan su brazo a torcer ni un momento y mantienen el nivel de intensidad y precisión capaz de desatar la locura en cualquier pogo. Riffs muy sólidos, gang vocals por doquier, un bajo que retumba en el estómago y un Andrew Neufeld que se destripa las cuerdas vocales a cada segundo hacen de temas como ‘Wasted Arrows’, ‘Losing Sleep’, ‘I Depend, I Control’ o ‘Beyond’ de lo mejorcito que nunca han parido. Incluso cuando se ponen algo más melódicos, como en ‘Didn’t Even Mind’, no pierden la garra. El punto emotivo lo encontramos en ‘Full Swing’, en la que Wade comparte micro con su buen amigo y vocalista original Scott Wade. Prueba de que, en su caso, el sentido de hermandad no es una pose sin nada detrás. JORDI MEYA

WE ARE THE IN CROWD Weird Kids (HOPELESS) POP PUNK

a sabemos cómo funciona la industria. A la que un grupo triunfa, las discográficas se echan a la calle en busca de otra banda lo más parecida posible para intentar sacar tajada. Posiblemente de no ser por el éxito de Paramore nunca hubiéramos oído de We Are The In Crowd, pero eso no quita que estemos ante un grupo que merece ser conocido por méritos propios. Weird Kids, su segundo álbum, así lo confirma. Además, gracias a la atractiva voz de Tay Jardine y a sus juegos con el guitarra y covocalista Jordan Eckes, pueden presentar sus

propias señas de identidad. Es indudable que en estos dos últimos años la banda de Nueva York se ha convertido en especialista en componer estribillos de altura como los que habitan en ‘Attention’, ‘Manners’ o ‘Come Back Home’ que se te meterán en la mollera por mucho que te resistas. Sin distanciarse completamente del pop punk como la banda de Hayley Williams (ahí están el infalible single ‘The Best Thing (That Never Happened)’ o la final ‘Reflections’), We Are The In Crowd también muestran aquí su voluntad de dirigirse a un campo menos acotado que les permita crecer musicalmente a medida que vayan cumpliendo años, alternando pildorazos melódicos de tres minutos con algunos medio tiempos (‘Don’t You Worry’) o baladas (‘Windows In Heaven’), que si bien no siempre convencen por su exceso de dulzura, permiten ver su versatilidad. Vete acostumbrándote a su nombre porque tienen toda la pinta de dar el pelotazo más pronto que tarde. JORDI PONS

críticas HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jorge Martí (voz, guitarra), Pau Roca (guitarra), Marc Greenwood

(bajo), Jose Marco (batería), Jordi Sapena (guitarra, teclados) PRODUCIDO POR: Santi Garcia AFINES A: Niños Mutantes, Dorian, Teenage Fanclub PÁGINA WEB: lahabitacionroja.com

LA HABITACIÓN ROJA 96

E La Moneda En El Aire (MUSHROOM PILLOW) POP ROCK

n un momento en que las circunstancias obligan a replegar velas y a contentarse simplemente con sobrevivir, es alentador ver cómo todavía hay bandas que le ponen un par y, yendo a contracorriente, nos demuestran que para que los demás crean en ti, tú tienes que ser el primero en creértelo. Para grabar su noveno álbum, La Habitación Roja se liaron la manta a la cabeza y se fueron a los estudios Rockfield de Gales -por donde han pasado desde Black Sabbath a Coldplay pasando por Paul Weller- para darle forma junto a Santi Garcia. Eso ha dado como resultado un disco exquisito en cuanto

a sonido y también con una orientación algo más bailable en algunos temas como ‘De Cine’ o ‘La Casa Del Silencio’. En general las guitarras han aparcado la distorsión (siendo ‘Donde No Exista El Miedo’ la excepción) y en cambio la sección rítmica ha ganado peso, pero lejos de ser una fusión con la electrónica, La Habitación Roja lo han conseguido utilizando las armas de siempre. En el fondo, estamos ante la banda que ya conocíamos probándose un traje con un corte nuevo. Su concepción de fabricar canciones pop no ha cambiado, apostando por el romanticismo nostálgico de las letras de Jorge Martí y unas melodías que en los

estribillos se elevan hasta el cielo como en la épica ‘Si Tú Te Vas’, que cuenta con la colaboración de Tim Lewis (exSpiritualized) al piano. En todos los temas se palpa también un sentido de resistencia y de optimismo resignado que hacen de La Moneda En El Aire un disco muy de ahora, siendo la magnífica ‘Carlos Y Esther’ su máximo exponente. “Si te tiran del trabajo, y también a tu mujer, al final alguien tendrá que responder”, canta Jorge sobre un ritmo de aires marciales. Es en esa capacidad por retratar la realidad sin renunciar a soñar una que sea mejor donde reside el corazón de este notable trabajo. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... PAU ROCA A nivel de sonido éste es un disco un poco diferente. ¿Habéis intentado buscar nuevos caminos para presentar vuestras canciones? “Siempre creemos que hemos cambiado, pero luego la gente dice que no lo hemos hecho tanto. Es una cosa extraña. En este caso el estudio nos permitió grabar las baterías de una manera muy natural, el sonido es muy bueno. Creo que la influencia viene por una cuestión técnica de cómo hemos grabado. Intentamos incorporar nuevos sonidos, si por ejemplo sacamos algo nuevo con los teclados, intentamos meterlos. Pero creo que es difícil cambiar en el pop porque la melodía siempre marca mucho. Y hay que respetarla”. ¿Así que se trata de una cuestión más formal que de las composiciones en origen? “Lo que ocurre es que ahora cada vez estamos más separados y todos tenemos en casa Pro Tools y trabajamos cada

uno por su cuenta. Antes el trabajo era 100% de local, todos tocando a la vez. Ahora trabajamos en casa y es más fácil intentar probar cosas distintas. Eso también tiene su influencia”. Ahora que muchos grupos optan por grabar lo más casero posible, vosotros os habéis ido a Gales. ¿Qué os hizo iros allí? “Fue difícil ajustar el presupuesto, pero como fuimos en furgoneta, llevamos nuestros instrumentos y fuimos pocos días, pues pudimos hacerlo. En el tiempo que grabamos nuestro disco, al lado había una banda británica que sólo grabó los bajos. Teníamos claro que teníamos que trabajar mucho y aprovechamos las 24 horas del día. Fue una maratón. Es caro, pero tampoco tanto como pueda parecer. Y luego también rematamos la faena en el estudio de Santi”. ¿El título es una manera de decir ‘hemos hecho algo nuevo, a ver cómo funciona’?

“Sacar un disco nuevo siempre es una incógnita. Tú flipas con lo que las hecho, pero luego la respuesta externa es siempre una moneda en el aire. La tiras, pero nunca sabes lo que ocurrirá. También es una referencia a la incertidumbre que a nivel laboral padecemos todos en este país”. Quizá para un músico esta incertidumbre hasta puede ser buena, ¿no? Quizá tienes menos a perder sin un trabajo ‘normal’ y es el momento de arriesgarse con la banda... “Se puede ver de dos maneras. Por un lado hay más libertad que nunca, pero también hay aspectos muy conservadores. Puedes hacer lo que quieras, pero también corres el riesgo de que nadie te haga caso. Pero es cierto que los músicos tenemos una profesión muy inestable y al estar todo el mundo inestable, me siento más acompañado. Yo llevo toda la vida en crisis”. (JORDI MEYA)

críticas

THE AFGHAN WHIGS

Do To The Beast (SUB POP/POPSTOCK!) ROCK ALTERNATIVO

ada vez que me enfrento a la reunión de una banda venerada me invade un temor absoluto consciente de que el paso del tiempo y otros factores pueden provocar que se pierda la magia en el camino, como estamos presenciando últimamente. En esta ocasión una larga separación, ocho años sin grabar un solo tema y 16 sin editar un disco, podían hacer presagiar lo peor ante el anuncio de su nuevo álbum, Do To The Beast, que además no cuenta con el guitarrista original Rick McCollum. Sin embargo, la confirmación del regreso al sello Sub Pop, que garantiza a la banda cierto

control sobre su trabajo, y el buen sabor de boca que nos dejaron tras su última actuación hace un par de años nos seguían ayudando a mantener la esperanza. Pero fue en el momento en que pudimos disfrutar de ese exótico y adictivo primer single, ‘Algiers’, con ese halo sudoroso de western clásico en tierra árida, cuando por fin se disiparon las dudas. En lugar de intentar rescatar el legado que nos dejaron, The Afghan Whigs han preferido situarse en el presente de su timeline, aprovechando esa frescura propia de un nuevo comienzo. Do To The Beast tiene personalidad propia, mantiene intacto el estilo único del grupo, y conforme aumenta el número de escuchas se va volviendo más rico en matices, ofreciendo distintas atmósferas súper evocadoras y amargas gracias a cada arreglo de piano, cada rasgueo de guitarra y cada imperfección perfecta de las melodías de Greg Dulli. De lenta combustión pero firme, apesta a disco clásico. Ahora sí lo podemos decir: los gentlemen del rock han vuelto. TOI BROWNSTONE

GUIDED BY VOICES Motivational Jumpsuit (FIRE) INDIE ROCK

l nuevo trabajo de Guided By Voices no va a sorprender a nadie ni por original ni tampoco por rupturista. Más bien todo lo contrario, a estas alturas de partido el combo liderado por Robert Pollard se decanta por seguir a rajatabla los preceptos tan bien aprendidos en sus casi 30 años de militancia alternativa. Cuentan con una discografía nutrida –que va a casi disco por año- y como suele pasar con las bandas que crean compulsivamente, no todo lo que publican es relevante. Es exactamente lo que

pasa con este Motivational Jumpsuit. Con veinte cortes en apenas 37 minutos, es fácil que los momentos álgidos se contrapongan a otros que no lo son tanto, o que simplemente son prescindibles. ‘The Littlest League Possible’ es el primer tema del disco y sin duda podemos decir que no va más allá de ser un mero ejercicio de estilo, eso sí, perfectamente resuelto. En cambio, con ‘Until Next Time’, el tempo se ralentiza. Se trata de una balada que ahonda en la tradición americana. Entre los temas que más se aproximan a su esencia sonora está ‘Zero Elasticity’, una composición que se sustenta sobre guitarras cortantes que recuerdan a The Fall. ‘Writer’s Bloc (Psycho All The Time)’ es uno de los temas con más fuerza del disco. Se nutre de guitarras crudas que crean un riff concéntrico que atrapa a la primera de cambio. En definitiva, es un álbum que, pese a mostrarse desigual, sigue proporcionando muestras del indie lo-fi más clásico. LLUÍS S. CEPRIÁN

cr í ticas

ESTRICALLA

Triple Asalto Mortal (STOP CONTROL ANTIRECORDS) HARDCORE PUNK

hora sí, después de practicar mucha Gimnasia Revolucionaria para poder participar en los Fuegos Olímpicos, Estricalla ejecutan un Triple Asalto Mortal que les otorga la medalla de oro en la escena hardcore punk estatal. Si con sus dos anteriores esfuerzos en forma de EP este grupo surgido de la unión de Fernando Sapo al micro y los Kloakao tocando nos dejaba con ganas de más, os aseguro que con su tercer trabajo cumplen las expectativas creadas y suben al podio. Diez temas nuevos para una carrera que dura casi media hora y el corredor negro que se adelantaba en el artwork de Fuegos Olímpicos coge impulso y da un salto que le permite sobrevolar las ruinas de la ciudad moderna. No en vano un segundo guitarrista

CHUCK RAGAN Til Midnight (SIDE ONE DUMMY)

FOLK, AMERICANA

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ras finalizar el exitoso ciclo de presentación de Exister con Hot Water Music, Chuck Ragan retoma su carrera en solitario decidido a dar un paso al frente dentro del circuito de cantantes que vienen de grupos punk rock metidos a cantautores folk. En los últimos años nos hemos hartado de ver cómo muchos han terminado subiéndose a este tren, aunque a su favor hay que apuntar que el de Florida fue de los primeros en abrir camino antes de que esto se convirtiese en casi una moda. El caso es que con el paso del tiempo, su

se ha unido al equipo de saltadores habituales y el sonido de este 12” gana en poder y en solos. No es la única incorporación: la inconfundible voz de Jello Biafra en la final ‘The Real Terrorist And His 1001 Weapons Of Mass Destruction’ es la colaboración más fácil de detectar, pero también echan un cable gente de Dut, Kuraia y BAP.

Estricalla dan el pistoletazo de salida a su particular carrera de fondo con ese misil que es ‘Rockbespierre 1793’; poco después, la cara A del vinilo para de girar con el corte más completo, ‘397 Días Encerrado En Un Cuarto De Baño’. Además, la edición en vinilo incluye un fanzine en blanco y negro como los de antes, de recorta y pega.

carrera ha ido ganando el peso suficiente como para tomársela en serio y no como un manera de cubrir huecos entre los lanzamientos de su banda madre. Til Midnight, su cuarto larga duración, supone un punto de inflexión al tratarse del primero que cuenta con banda de acompañamiento al completo. Admito que Feast Or Famine o Covering Ground me cautivaron precisamente por esa sencillez especial que transmitían, pero es cierto que a sus composiciones les viene como anillo al dedo que sean arropadas al calor de una instrumentación más rica. Si

encima se sabe rodear de expertos en la materia como Todd Beene de Lucero, que da colorido gracias a su maestría con el pedal steel, o el Social Distortion David Hidalgo Jr. a la batería, el resultado no puede ser otro que el discazo ante el que nos encontramos. Puro sabor americana que raya lo excelso en canciones como ‘Gave My Heart Out’, ‘You And I Alone’, ‘Rewed’ y ‘Non Typical’. Al igual que vienen demostrando con Hot Water Music, en solitario Chuck Ragan sigue un par de pasos por delante de sus alumnos.

JORDI FORÉS

GONZALO PUEBLA

SABATON Heroes

(NUCLEAR BLAST) HEAVY METAL, POWER METAL

a publicación de Heroes era para Sabaton un auténtico examen. Todos habíamos comprobado que la nueva formación completada con Thobbe Englund (guitarra), Chris Rörland (guitarra) y Hannes Van Dahl (batería) daba el callo de lo lindo en directo, pero faltaba ver cómo se las arreglarían a la hora de grabar un álbum junto a los dos únicos miembros originales que quedan en la banda, el cantante Joakim Brodén y el bajista Pär Sundström. Y a tenor de los resultados escuchados en su séptima obra de estudio, consideramos

que necesitan mejorar y mucho. El primer gatillazo llega con la inicial ‘Night Witches’. Acostumbrados como nos tienen a darlo todo desde el minuto cero, esta vez la cosa se queda sólo en aceptable. En ‘No Bullets Fly’ y ‘Smoking Snakes’ nos los encontramos ya en coordenadas más conocidas, pero aunque la atmósfera de ‘Inmate 4859’ es atrayente y más que trabajada, ésta no mata. ‘To Hell And Back’ es una horterada inadmisible, otro traspié a lo ‘The Art Of War’, pero donde Sabaton la clavan es en ‘The Ballad Of Bull’. Como todo indica, se trata de una balada enmarcada en la mejor tradición Manowar, así que, por lo tanto, estamos ante un corte precioso. ‘Soldier Of 3 Armies’ al fin alcanza la calidad épica a la que nos tienen acostumbrados, ‘Hearts Of Iron’ es un medio tiempo para recordar, pero éste es un balance demasiado pobre para tanta banda. Y mira que soy fan de esta gente, ¿eh? Hala, castigados al rincón de pensar. PAU NAVARRA

DREAD SOVEREIGN

All Hell’s Martyrs (VÁN)

DOOM METAL

on el doom me pasa un poco como con las mujeres. Me gusta, pero soy muy selectivo para un estilo que muchos se ven capaces de hacer, pero pocos llegan a decir algo. La lentitud musical es una cosa que no se puede tomar a broma y Dread Sovereign no lo hacen. Al poner el disco en el reproductor y mirar el minutaje de la canciones me ha entrado un poco de bajón y he pensado ‘buff… Vaya vía crucis musical que me espera’, y así ha sido, pero para llegar a la gloria del mundo de los muertos. Señores, esto es un discazo de doom y en gran parte gracias a la crudeza con la que canta

Nemtheanga, que seguro que de pequeño dormía abrazado a un peluche de Ozzy Osbourne. All Hell’s Martyrs te hipnotiza de principio a fin, juega con tu mente y tus emociones para hacerte ver que el futuro es la oscuridad. Un trabajo que reinventa el doom old school y le da una atmósfera dramática que te hacer recordar que no somos nada y que la muerte vendrá a por ti el día en que menos te lo esperes. Una hora y 10 minutos de existencialismo musical que se agradece, y aunque sus tempos vayan a paso de tortuga, el disco se te hace corto. Lo he escuchado tres veces seguidas y porque tenía que hacerme la cena, que si no lo volvía a poner fijo. Este trío de Dublín se ha superado. Si con su EP anterior Pray To The Devil In Man ya mostraban buenas maneras, con su primer largo han aprobado con nota. El doom es pesado, lento y a veces desesperante, pero yo con éste he encontrado el amor. BURZUM TURNER 101

c ríti c as

MORTSUBITE Black Nécora (GRP) METAL, DEATH METAL

unque esté hablando de su segundo disco, Black Nécora es para mí la primera toma de contacto con los burgaleses MortSubite, una formación que lleva en el panorama nacional desde 2005 y que ya editó su primer álbum en 2010 a través de Fragment Records. Sería bastante fácil para mí el pegarles en la frente la etiqueta de ‘deathcore’, aprovechando que es un género que está muy de moda y que cualquier cosa que sea bruta y no llegue a ser death metal se le cuelga el cartel de vendido. Pero no, MortSubite son una versión de metal extremo que aunque sea colega del death

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metal es íntimo del groove. Una mezcla un tanto curiosa pero efectiva que hace que este Black Nécora sea una obra, cantada en castellano, fácil de escuchar y muy efectiva. Grabado en los estudios Sadman con Carlos Santos tras los controles, me hace dejar lo que esté haciendo y centrarme en canciones como ‘Renuncia’, ‘Cada Respuesta Es Otro Interrogante’ o ‘Ekpyrosis’, las cuales resumen un LP plagado de altibajos musicales, blast beats y breakdowns que se asoman a la vuelta de cada riff groovero y machacón. Es en definitiva un disco más melódico (aunque sin llegar al estilo de la Europa central), elaborado y contundente que su predecesor y que tiene mucho que agradecer a la calidad de su producción. El grupo, liderado por dos grandes vocalistas que se reparten las labores de growls agudos y graves, ha dejado su huella en la escena extrema nacional y con un grito desgarrador anuncia su presencia y su intención de repartir bofetadas a diestro y siniestro. FER DÍEZ

INDIAN

From All Purity (RELAPSE) SLUDGE, DOOM METAL, NOISE

ablo Picasso decía que para crear, hay que destruir. Indian parecen haberse tomado estas palabras al pie de la letra y en su quinto disco, que llega dos años después de su aclamado Guiltless, se proponen destrozarnos los tímpanos con su malévola interpretación del sludge más arrastrado. Como si Eyehategod hubieran sido diagnosticados con la más severa de las depresiones, el ahora cuarteto de Chicago –con la incorporación del guitarrista y covocalista Wil Lindsay (Wolves In The Throne

Room, Nachtmystium)- vomita riffs cáusticos sobre un tempo agónico que se te clava en el cerebro como un mantra. El nivel de distorsión, tanto en las guitarras como en el bajo, es tan bestia que parece increíble que no frieran los micros en el estudio. Buen trabajo el del productor Sanford Parker al haber sabido captar un sonido tan denso en toda su grandeza. Si a ello le añadimos los gritos desesperados de Dylan O’Toole, con dejes muy black en temas como ‘Rhetoric Of No’, tenemos la combinación perfecta para que asustes a tus futuros suegros cuando vengan de visita. Pero pese a lo impenetrables que puedan parecer, Indian saben dónde están los límites y ofreciendo únicamente seis temas consiguen que su aplastante sonido no acabe por agotarte. De hecho, el último de ellos, ‘Disambiguation’, es una marcha fúnebre de más de 7 minutos que incluso te sonará accesible después de tanta maldad sónica. No apto para los débiles de espíritu. JORDI MEYA

EL PÁRAMO

A VECES VEO MUERTOS

No eran pocos los que se preguntaban si El Páramo seguían en activo o habían hibernado para siempre. La respuesta la encontramos en su monumental segundo álbum que ve la luz estos días. La bestia ha despertado. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

ormados en 2005 como una escisión de Sou Edipo, banda siempre a reivindicar, El Páramo y su lisérgico metal instrumental plasmado en un gran álbum de debut tres años más tarde, se constituyeron casi en una leyenda urbana de la escena underground de Madrid, teniendo en cuenta la errática actividad del grupo. Sin ir más lejos, su segundo álbum, que al igual que el primero lleva el nombre del grupo por título, fue grabado durante un fin de sema-

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na en octubre de 2012 en una casa en el campo en Salamanca junto a Miguel Lorenzo. Sin embargo no ha sido hasta ahora, después de que Frank Rotthier hiciera las mezclas en Bélgica y James Plotkin lo masterizara en Estados Unidos, que estará disponible a través de su propio sello La Polvareda en colaboración con Nooirax y distribuido por Gran Sol. Pero muchas cosas han cambiado en los seis años transcurridos desde que publicaran su debut. Para empezar, sus dos guitarristas, Jorge

García y David Macon López, han acumulado una experiencia impagable con su otra banda, Adrift, y en el caso de David, también incorporándose como miembro de Toundra hace un año. Se da la paradoja que mucha gente veía El Páramo como una referencia para Adrift y Toundra, pero ahora, dada la gran notoriedad alcanzada entre el público, especialmente por los segundos, quizá ocurra justo lo contrario. Como bien nos cuenta Jorge, El Páramo, que completan el bajista Santiago González y el

que son más largas o más cortas dependiendo del día. El concepto de El Páramo tiene que ser así, grabar del tirón e ir haciendo tomas hasta que te quedas con una en la que has estado más inspirado. Sin trampa ni cartón (risas)”. Os ha llevado más de un año tener el disco totalmente terminado, ¿pero hasta cuándo hay que remontarse para encontrar el origen de los temas? “Buff, muchos años. Para que te hagas una idea, cuando salió el primer disco ya teníamos un tema del segundo. Pero como lo de El Páramo nos lo tomamos con calma y vamos poco a poco, entre que íbamos tocando, íbamos componiendo... pero ha sido un proceso bastante largo, muy lentamente. Muchos de los temas del disco ya los hemos tocado en directo, incluso algunos son medio conocidos y no han salido todavía (risas)”.

batería Santiago Núñez, tienen ahora la oportunidad de que su música vaya a ser descubierta como nunca antes. Tonto será el que no lo haga. De nuevo habéis grabado este álbum en directo. ¿Es una cuestión de principios? JORGE GARCÍA “Tampoco vemos otra manera de hacerlo. Creemos que es lo más honesto por nuestra parte porque cada vez que tocamos las canciones las vamos variando. Por pistas es imposible… Hay partes

Igual ya tenéis hasta para el siguiente… “Eso no (risas), pero sí es verdad que intentaremos darnos algo más de prisa. Tampoco mola esperar tanto tiempo porque la gente se desconecta. Incluso hubo quien nos preguntó si seguíamos tocando... Por circunstancias ajenas ha habido temporadas que no hemos podido ensayar mucho y hemos estado algo parados, pero seguíamos preparando el álbum”. Aludes a razones ajenas, pero también las hay propias con vuestras aventuras con Adrift y Toundra. “Pero a eso, al fin y al cabo, si quie-

res le sacas huecos. Han sido más razones por trabajos y cosas así. Al final todo eso retrasa”. ¿Se os hace raro que ahora se cite a Toundra al hablar de vosotros cuando antes era al revés? “Obviamente Toundra es muchísimo más conocido que El Páramo y muchísima gente que sigue a Toundra no tiene ni idea de que existimos. Muchos nos conocen a raíz de que Macon está tocando con ellos y lo mismo pasa con Adrift. Está la gente de siempre que nos conoce, y también Toundra han dicho que nosotros fuimos muy influyentes a la hora de que se formara el grupo. Es curioso. El otro día tocamos con ellos y veías caras de ‘¿Y éstos quién coño son?’ (Risas). Es como un referente al revés. Pero a nosotros nos viene bien, la verdad. Cuanta más gente nos conozca, mejor”. Igual tendríais que poner una pegatina en la portada de ‘con miembros de Adrift y Toundra’ ni que sea para vender… “La tendrían que poner ellos, creo (risas)”. Desde que salió el primer disco quizá el público también se ha acostumbrado más a escuchar grupos como el vuestro. “Sí, y mola porque hay mucha gente que está esperando el trabajo. Te das cuenta que no te han olvidado. En Madrid más o menos se sabe porque hemos ido tocando, pero fuera parece que también están expectantes”. 105

“El concepto de El Páramo tiene que ser así, grabar del tirón e ir haciendo tomas hasta que te quedas con una en la que has estado más inspirado. Sin trampa ni cartón” JORGE GARCÍA Ahora, cuando te viene un riff o una idea, ¿cómo decides si te lo guardas para Adrift o lo usas para El Páramo? ¿Hay un poco de disputa en ese aspecto? “No. Desde que nos planteamos el grupo inconscientemente la cabeza lo separa. Cuando estás ensayando con uno estás con la mente de una forma y cuando estás con el otro, pues de otra. A veces sí que salen cosas que dices ‘esto parece Adrift’ o ‘esto parece de El Páramo’. Joder, es que somos los dos guitarras... Pero de algún modo sabemos separarlo, aunque el proceso de componer sea parecido porque lo hacemos todos a la vez en el local improvisando. Pero El Páramo es un poco más abierto, dejamos los temas no tan cerrados porque nos gusta así”. En medio del meollo, ¿hay alguien que ejerza de director de orquesta? “No sé cómo explicarlo... Empezamos a tocar algo, y si nos gusta lo intentamos desarrollar. Si tardamos tanto en componer los temas es 106

porque nos gusta darle vueltas y que salgan un poco solos, dejarnos llevar. Muchas veces los cambios te los va pidiendo la propia canción. La vas tocando y dices ‘joder, aquí nos hemos pasado de brasa’. No hay nadie que lleve la batuta, aunque a veces sí que hay que poner un poco de orden (risas)”. Uno de los temas más llamativos es ‘La Cruzada’, que se encuentra justo en la mitad. ¿Cómo surgió? “Teníamos ganas de hacer algo acústico ya que todo el disco es como es. La hicimos Macon y yo en casa tranquilamente. Tampoco queríamos hacer algo muy complicado, sino más bien un interludio. En ésa sí que grabamos las acústicas en directo, los dos a la vez, y luego metimos los arreglos de percusiones y toda la cacharrería que está por ahí. Es en la única que hicimos posproducción (risas). Es un tema distinto y que relaja un poco el disco”. ¿En lo que queda de año os vais a poder centrar en girar

o sólo haréis cosas puntuales como lo del Aloud Music Festival? “Lo que haremos es ir girando los fines de semana. Haremos la presentación en Madrid e iremos mirando fechas por toda España aprovechando que sale el álbum. La idea es presentarlo en todos los lados donde nos dejen. Ya iremos anunciando cositas”. ¿Y con Adrift qué? “(Risas) Pues ahí seguimos preparando cosas para el siguiente disco. Tenemos pendiente un compartido con Moksha, que aprovechamos para grabar cuando hicimos la versión para vosotros. También estuvimos grabando un vídeo en directo en la casa de un amigo en Cantabria con cinco temas. No sabemos muy bien qué hacer con ello, pero está grabado en plan profesional. Pero con Adrift vamos también lentos. Hasta 2015 no creo que salga el álbum”. Por curiosidad, ¿qué reacción habéis tenido con vuestra versión demoníaca de Soundgarden para nuestro disco Bipolar Sessions? “En general muy bien. Mucha gente nos ha dicho que no le molan Soundgarden y le ha gustado la versión (risas). También he leído comentarios de ‘mecagüen la puta, la madre que os parió’. Pero ésos ya me los esperaba (risas). Nosotros estamos muy contentos, es algo que nos apetecía y creemos que quedó muy bien”.

O N A M R E H E R G N A DE S

KEVIN DEVINE

Haciendo gala del gran momento creativo por el que pasaba, Kevin Devine nos obsequió el año pasado con una doble ración discográfica en la que mostraba que ya sea con guitarras distorsionadas o con acústicas, el resultado siempre es el mismo: buenas canciones. Texto: Alejandro Lozano Fotos: DR/Alejandro Lozano (vídeo)

ecuerdo que fue en esta revista donde leí por primera vez sobre este chico crecido en Brooklyn. Puede que a algunos no os suene ahora mismo, pero pronto no podréis quitároslo de la cabeza. Este cantautor de folk, pop y rock se expresa mediante la música desde hace más de una década. A veces acompañado por su Goddamn Band y otras por una guitarra acústica y un micro delante, se encuentra, a día de hoy, en plena efervescencia. El pasado octubre sacó Bubblegum y Bulldozer, ambos financiados mediante la plataforma de crowdfunding Kickstarter. El primero, con un sonido parecido a los Nirvana más pop, algo que no resulta nada de extrañar después de que Kevin se diera el gustazo de grabar él mismo Nevermind de cabo a rabo; y el segundo siendo algo más parecido a lo que nos tenía acostumbrados desde ese delicioso Put Your Ghost To Rest (2006), con temas bastante pegadizos que hacen pensar que algo grande le puede ocurrir a este pelirrojo dentro de no mucho. Sus principios como vocalista de la banda neoyorquina Miracle Of 86 iban a durar poco tiempo, ya que a la vez estaba trabajando ya en su primer largo, Circle Gets The Square (2002), que no haría el mismo ruido que hizo al año siguiente Make The Clocks Move (2003) con un tema, ‘Ballgame’, que le hizo estar en

boga durante un tiempo en el que incluso rechazó tener una audición con el famoso productor Rick Rubin, para después hacer Split The Country, Split The Street (2005), en el que no se mordía la lengua para seguir hablando de política y experiencias personales, esta vez con más ritmo y rapidez que en los anteriores por la presencia de acompañamiento a la batería y el bajo. De esta manera se había empezado a ganar el respeto de gente influyente dentro de la escena, ya establecido como músico en solitario y fuera de su anterior grupo. Es de buen saber que las buenas relaciones en el mundo de la música siempre dan buenos resultados cuando éstos se juntan, ya que, entre esa gente conocería a Jesse Lacey, vocalista de Brand New. Convirtiéndose éste en una figura importante para Kevin desde que se encontraron en un festival en el que ambos participaban. Desde ahí pudimos verle habitualmente como telonero en las giras de la banda de Jesse por Estados Unidos y colaborando en canciones de Brand New, como la versión que sacaron de la magnífica ‘Jesus Christ’. Todo esto sería antes de que, este último año, Jesse se ofreciera a estrenarse como productor con Bubblegum. Otra amistad importante fue la que fraguó con Andy Hull, cantante de Manchester Orchestra, con el que formaría junto a varios miembros de la misma banda Bad Books, un

“Mi intención era la de hacer un punk rock a mi manera, o al menos, algo que tuviera mucho de mí” proyecto con el que ya han sacado dos trabajos, componiendo la mitad de cada álbum entre uno y otro. Temas como ‘Forrest Whitaker’, ‘You Wouldn’t Have To Ask’ o ‘Never Stop’ son algunas de las perlas que nos dejaron para deleitarnos con tan magnífica formación. La etapa en la que empezaría a alcanzar la madurez artística sería con el hattrick de álbumes compuesto por Put Your Ghost To Rest (2006), Brother’s Blood (2009) y Between The Concrete And Clouds (2011), de los que nos hicimos eco en esta revista en su momento. Para poder presenciar ese directo tan cercano del que hace gala, tuvimos la suerte de trasladarnos a Londres y también mantener una interesante charla con él sobre su futuro más cercano. El local había colocado el cartel de ‘no hay billetes’ a un mes vista, y siendo la sala de un tamaño reducido, se podía intuir una velada especial en la capital inglesa. Entre los asistentes nos topamos con Matthew Caws, cantante de Nada Surf y amigo de Kevin, que había 109

KEVIN DEVINE asistido como público por coincidencia de fechas en el Reino Unido. Anécdotas aparte, el show comenzó con los acordes del primer single que pone nombre al álbum, ‘Bubblegum’, seguida por ‘Little Bulldozer’ y ‘She Can See Me’, única canción que se encuentra en ambos discos como bien dijo al público presente. Así se fueron sucediendo una detrás de otra, y a contrarreloj, diferentes canciones de su discografía. Temas como ‘Cotton Crush’, ‘Another Bag Of Bones’, ‘Brooklyn Boy’ o la coreada al unísono por la sala (desde el silencio que implica un concierto acústico) ‘Just Stay’, que hizo sonrojar al propio Devine. Se atrevió también a versionar alguna que otra canción de su último material en acústico, y escuchar alguna petición del público, como suele acostumbrar. Con el tiempo encima cerró de la mejor manera el set de la noche, primero con ‘Brother’s Blood’, en la que se suele rajar la voz mientras canta sin micro en un rincón del escenario. Pelos como escarpias para terminar con la maravillosa ‘Ballgame’, y dejarnos tras hora y media de actuación, para salir después a agradecer la presen-

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cia a todos los que se quedaron en la sala. Un acercamiento propio de un artista tan entregado a su público. ¿Qué tal Kevin? ¿Cómo estás llevando la gira? “Muy bien, han sido dos semanas de conciertos por seis países de Europa. Empezamos a mitades de enero en Alemania, donde la gente ha estado increíble. Parecen estar muy entusiasmados con el nuevo disco, lo cual es fantástico. Vuelvo a casa de vacaciones hasta que vuelva a girar con la Goddamn Band en abril, acompañando a Manchester Orchestra y Balance And Composure por varias fechas en Estados Unidos. En verdad, estos tours con grupos con los que tenemos tan buena relación son como unas vacaciones para mí”. Bubblegum ha sido el primer álbum de estudio que grabas con tu Goddamn Band. Además, lo ha producido un buen amigo tuyo como es Jesse Lacey. ¿Cómo fue ese proceso de grabación? “¡Fue increíble! Muy creativo, habían muchas ideas y energía que se

pueden ver en el álbum, quería que fuera algo que sonara con crudeza y a la vez, que fuera bonito de alguna manera. Mi intención era la de hacer un punk rock a mi manera, o al menos, algo que tuviera mucho de mí, con un sonido parecido a esos discos de finales de los 80, siendo Nirvana un claro ejemplo, junto con The Pixies, The Breeders, o los primeros dos discos de Weezer. Básicamente un pop ruidoso. Así es como imagino el punk rock en mi cabeza, como música pop retorcida, y eso es lo que creo que hemos conseguido. Además, el entusiasmo de Jesse y la dedicación que pone a todo lo relacionado con la música han ayudado mucho a conseguir un resultado maravilloso para el álbum. Estoy muy feliz con cómo lo hemos llevado a cabo, sobre todo porque estábamos diciendo de hacer un disco juntos desde hacía más de diez años, y finalmente tenemos algo de lo que nos sentimos muy orgullosos”. En Bulldozer podemos ver más de lo que llevábamos escuchando desde Put Your Ghost To Rest, siendo Rob Schnapf el productor de ambos. ¿Cómo fue volver a trabajar con él? “Hicimos varios singles anteriormente, pero ésta fue la primera vez que hicimos un disco de esta manera. Yo quería hacer un álbum totalmente acústico, así es como lo escribí; Rob quería que tuviera más fuerza y pegada en algunos temas, y para eso tenía que meter instrumentación, y bueno, tampoco era traicionar mucho a la idea que tenía de la obra mientras tuviera la esencia de lo que de-

seaba. Creo que es un disco que va a sonar muy diferente a los anteriores. Yo no conocía ni al bajista ni al batería que había escogido Rob, y el día que llegaron al estudio les toqué ‘Little Bulldozer’ y captaron enseguida cómo íbamos a desarrollar los temas. Se sentía como en esos discos antiguos, cuando gente como Bob Dylan, Leonard Cohen o Neil Young mostraban sus ideas a los músicos que llevaban con ellos, y ellos hacían de esa idea algo espectacular. Porque con Bubblegum era más fácil poder compenetrarnos entre nosotros, ya que con Jesse hubo mucha preproducción, y los chicos de la Goddamn Band llevan girando conmigo desde hace muchos años. Hacíamos dos o tres tomas y ya estaba hecho, pero esto era totalmente distinto y ha salido mejor de lo esperado”. Hablando de buenos temas como ‘Little Bulldozer’, pienso lo siguiente: ¿Crees que este tipo de canciones, al ser tan pegadizas, pueden acercarte más a la gente? “Eso espero, vamos a sacarla como siguiente single. Creo que es una de las mejores canciones que he compuesto en mi vida, y me siento muy orgulloso de ella, pero al igual que con el single ‘Bubblegum’, que sacamos en el otro disco, pienso que son canciones que llegan fácil y directas al público porque entran de una manera que hace que te guste desde la primera vez que la escuchas. Estoy notando cosas que aún no me habían pasado en América, como que estén poniendo mis canciones en emisoras de radio bastante conocidas y entremos en las listas de canciones

más escuchadas. La verdad es que este tipo de cosas son raras cuando no estás metiendo dinero para que ellos las pongan, porque nosotros no disponemos de recursos para eso. Supongo que a veces las cosas van bien cuando se hacen con esfuerzo y dedicación, aunque también podían haber ido mal, nunca se sabe. Es gracioso, porque cuando terminé la composición del disco pensé que había muchas canciones pegadizas y ninguna compañía se atrevía a poner dinero para encarar este proyecto, así que tuve que hacerlo yo, aunque fuera bajo mi propio sello... Justo ahora que había decidido hacer canciones pop (risas)”. Sinceramente, pienso que ahora, con estos nuevos discos bajo el brazo, te veremos más con la banda que en solitario. “Sí, la verdad que ya he tocado anteriormente con ellos, pero pienso que ahora, si todo va bien, estaremos dando más conciertos con la Goddamn Band aunque no hayamos podido traerles para esta gira en Europa, ya que desde un principio todo estaba pensado para hacer todas las fechas con la formación para poder presentar lo nuevo. Pero de momento no hemos tenido la demanda suficiente aquí en Europa para poder costearnos un tour. Tocar para 200 personas o así, que es lo que suelo hacer en Europa, y tener que alquilar hotel para cuatro personas, transporte, y pagar salarios... Tenemos que ser más listos con eso y por eso somos más flexibles. Ya ha pasado de venir con la banda y que venga la misma gente que cuando lo

“Supongo que a veces las cosas van bien cuando se hacen con esfuerzo y dedicación, aunque también podían haber ido mal, nunca se sabe”

hago solo (risas)”. ¿Estás pensando ya en una próxima vuelta a Europa y, de paso, en venirte a visitar España, por ejemplo? Nos encantaría... “Probablemente vuelva a Europa dentro de no mucho, puede que para verano. Y a España me encantaría volver. Estuve en 2003 en mi primera gira por Europa, tocando con una banda americana llamada Koufax, y recuerdo que tocamos en Madrid, Barcelona, Castellón, e incluso en un sitio de playa precioso, que creo recordar que se llamaba Sant Feliu (de Guíxols). Recuerdo que tocamos en enero, ¡y hacía frío! (Risas) Tengo muy buenos recuerdos de España y varios amigos que he hecho a lo largo de los años, como Pepo Márquez (miembro de grupos como The Secret Society y Buenaesperanza –ndr.), de cuando tocábamos juntos en Brooklyn. También es promotor, así que supongo que estaremos en contacto para ver si pudiera ser posible reservar alguna fecha por allí en verano”.

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BELOW

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Si existiera un supergrupo formado por miembros de Black Sabbath, Candlemass y Mercyful Fate, seguramente sonaría a Below. Un solo EP y

do una calificación de 9/10 en la Metal Hammer alemana, pero va a ser con su primer álbum que Zeb (voz), Paud (guitarra), Berg (guitarra), Hedman (bajo) y Doc (batería) hechicen a la escena doom con sus inquietantes historias de ultratumba.

el debut en largo que ahora presentan les ha valido a estos suecos para colocarse en la vanguardia del doom épico y, desde luego, que el legendario Andy LaRocque les haya apadrinado ha ayudado lo suyo.

Below os fundasteis en otoño de 2011… Cuéntanos vuestro origen y cuál era vuestro background metálico. DOC “Bien, venimos de un pequeño pueblo donde nos conocemos desde hace mucho tiempo, y algunos de nosotros ya habíamos tocado juntos antes, pero nunca a este nivel”.

Texto: Pau Navarra Foto: DR

STA ES UNA DE LAS BANDAS más heavies con las que he trabajado en el estudio en mucho tiempo, ¡y el sonido logrado hasta ahora es increíble, siempre es un placer trabajar con grandes músicos!”. Así de entusiasta se mostraba desde sus Sonic Train Studios el productor Andy LaRocque, también guitarrista de King Diamond desde 1985, acerca de Below y el material que andaba ultimando junto a su ayudante Olof Berggren. Y es que no es para menos… Una vez en nuestras manos, Across The Dark River (Metal Blade Records) se nos presenta como el cruce perfecto entre los riffs imperiales de Tony Iommi, el inconfundible estilo al cantar de Messiah Marcolin de Candlemass y la tenebrosidad de Mercyful Fate y la carrera en solitario de su mítico cantante. Ya su primer EP les valió para recibir muchos piropos y darse a conocer en Europa, incluso recibien-

Tal como yo lo veo, Across The Dark River es un puente tendido entre los Black Sabbath de Ronnie James Dio y los álbumes clásicos de Candlemass. ¿Fue ésta la intención de la banda desde un principio? “Lo cierto es que a todos nos gusta mucho la etapa en Black Sabbath de Tony Martin, y Dio, Candlemass y King Diamond, así que es natural que se oigan algunas influencias de estas formaciones. Sin embargo, creo que en estas canciones hemos encontrado nuestro propio sonido en cuanto a riffs, melodías y atmósferas”. Zeb está fantástico en las voces… Es como una mezcla espectacular de Dio y Messiah Marcolin de Candlemass, ¿verdad? “Sí, Zeb hizo un trabajo al micro absolutamente asombroso para este álbum. Pienso que tu observación es correcta, pero me gustaría sumar a Bruce Dickinson en esa mezcla también”. 113

“Queremos que el oyente se vea arrastrado hacia una historia, que sienta que las palabras que Zeb canta y esas historias encajan perfectamente con las atmósferas dramáticas de las canciones” Los coros oscuros y las atmósferas lúgubres son constantes durante todo el trabajo en canciones como ‘Bid You Farewell’ o ‘Across The Dark River’. ¿Cómo creasteis estos efectos durante las sesiones de grabación y cómo se llevarán a término cuando actuéis en directo? “Algunos se lograron sólo con un bajo tocado en un tono muy bajo y otros con efectos de teclado. Todos vamos a arrimar el hombro más o menos para conseguir los mismos arreglos del disco en directo, pues tratamos de no componer nada que no pueda replicarse en un show en vivo”. ‘Ghost Of A Shepherd’ y ‘Portal’ son las canciones más influenciadas por Mercyful Fate… ¿Cómo de importante es su legado en vuestra música? “Bueno, yo personalmente opino que las influencias son una parte importante de la música. Es complicado no dejarse influir por esas bandas que escuchas a diario… Sin embargo, tienes que crear algo nuevo y no sólo copiar a otro grupo, aunque tampoco se deba olvidar a los que fundaron la música metal tal y como la conocemos hoy en día”.

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Las historias de horror y los cuentos fantasmagóricos son vuestra principal influencia a la hora de escribir las letras, ¿no? “Sí, estás en lo cierto. Creo que las letras son una parte importante de todo lo que envuelve nuestra música. Queremos que el oyente se vea arrastrado hacia una historia, que sienta que las palabras que Zeb canta y esas historias encajan perfectamente con las atmósferas dramáticas de las canciones”. Y dinos, ¿cómo es trabajar con Andy LaRocque? ¿Estabais muy nerviosos la primera vez que estuvisteis con él? “Sí, lo estábamos. Andy es una parte importante de la historia del metal, alguien cuya obra hemos escuchado un montón, alguien que puede decir ‘yo estuve allí, hice esto’ durante los últimos 30 años más o menos… Pero consiguió que nos sintiéramos como en casa de inmediato… ¡Es un verdadero profesional y un gran tío!”. Un álbum como éste sólo lo podría haber grabado Andy, ¿verdad? “Así lo creo, él es el hombre perfecto para nosotros. Él y Olof Berggren realmente nos hicieron trabajar muy duro en los Sonic Train Studios y sacaron lo mejor de cada uno de nosotros. Queremos capturar las atmósferas dinámicas y dramáticas de nuestra música, ¿y quién mejor que Andy LaRocque para eso?”. Cuéntanos más sobre esas sesiones de grabación… “Personalmente, disfruté de cada

minuto que estuve en ellas. Pasó muy rápido, en realidad hice todas las pistas de batería 24 horas antes de entrar en el estudio… Pero en nombre de todos puedo decir que fue física y mentalmente agotador, aunque no podríamos estar más contentos con el resultado”. ¿Y os contó Andy algo de los planes futuros de King Diamond? ¿Están grabando una nueva obra o algo así? “Nosotros realmente no le preguntamos acerca de los próximos pasos de King Diamond, estábamos más interesados en tomar parte de todas esas experiencias… Aunque creo que de nuevo hablo en nombre de todos cuando digo que nos encantaría tener en nuestras manos un nuevo disco de King Diamond en algún momento de un futuro no muy lejano”. Ya para terminar, en términos musicales, ¿con qué bandas os sentiríais más cómodos, con grupos nuevos de doom como Pilgrim o Windhand, o con formaciones de heavy metal oscuro del estilo de bandas como Portrait, In Solitude o Huntress? “Realmente no importa. Nos sentimos bien en cualquier lugar donde vayamos a tocar nuestra música, pero hacemos doom épico, así que si nos tienes que comparar con otras formaciones, sería más con los primeros que has mencionado”.

PADRE DIOS CREADOR

“Para mí la oscuridad es hermosa. No siento la oscuridad como algo que no sea bello como mucha otra gente, para mí es un concepto precioso al que dedicarse” TOM GABRIEL WARRIOR

TRIPTYKON

En la única entrevista concedida a un medio de nuestro país, Tom Gabriel Warrior nos abre las puertas de su fascinante Melana Chasmata, la segunda obra de los magistrales TRIPTYKON. El fundador del metal extremo sigue sentando cátedra tres décadas después, aunque con una modestia inaudita para tratarse de una absoluta leyenda. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

A MAYORÍA DE NOSOTROS íbamos en pañales o incluso no habíamos ni nacido cuando Tom G. Warrior ya estaba cambiando el heavy metal para siempre. En 1982, primero como Hammerhead y luego ya como Hellhammer, uno de los músicos más influyentes de la historia del metal daría sus primeros pasos como artista para, junto a Bathory y Venom, y ya bajo la bandera de los inigualables Celtic Frost, poner los pilares básicos para la fundación del black metal en particular y del metal extremo en general. Sin embargo, charlando con tan extraordinario compositor, cantante y guitarrista a propósito del segundo álbum de sus Triptykon, Melana Chasmata (Century Media), no parece que esto vaya con él… Con una educada solemnidad que intimida un poco, aunque con un agudo cinismo, el helvético parece no querer tener ninguna vinculación con esa aura mitológica que muchos le achacamos, para él es como si sólo se hubiera dedicado a componer canciones y los demás hubiéramos creado un cuento que para nada tiene que ver con su carrera. Visto sobre el papel, podría parecer que Thomas Gabriel Fischer muestra ante los medios una posición de falsa modestia, pero os aseguro que al otro lado del teléfono, con esa voz que parece proceder de otro tiempo, hipnótica, incluso podría convencer al fan más acérrimo de

que la incuestionable huella vertida en generaciones posteriores con álbumes como To Mega Therion (1985) o Into The Pandemonium (1987) fue mínima. Tom lo argumenta convencido, está bastante lejos de simular una pose, y aunque quizá se pase un poquito, muchos músicos con ni un cuarto de su talento deberían tomar nota. Su nueva banda fue fundada en Zúrich en 2008, cuando rompió con unos renacidos Celtic Frost que habían sido capaces de volver a asombrar a la escena con el extraordinario Monotheist (2006), aunque como vimos con el debut de Triptykon en 2010 junto a su nuevo escudero V. Santura (guitarra, voz), Vanja Slajh (bajo, voz) y Norman Lonhard (batería, percusión), Eparistera Daimones, todo había estado siempre en el cerebro de nuestro contertuliano. Algo que ese mismo año Shatter EP acabó por constatar. Llegados a este punto, si hay álbumes capitales que sólo se pueden grabar con 20 años, uno como Melana Chasmata sólo puede concebirlo una mente privilegiada a los 50 años. Mucho respeto y cuidado ante toda una institución, aunque eso sí, tuvimos la osadía de preguntarle por Cold Lake (1988)… Y por lo que parece, Warrior tiene el mismo aprecio hacia él que nosotros. Con todos ustedes, “un músico modesto” según sus propias palabras… Un genio sin parangón para el resto de los mortales.

‘Tree Of Suffocating Souls’ es un inicio fulgurante para un nuevo álbum extremadamente filosófico… Pero explícanos, ¿qué tipo de temas religiosos y misantrópicos has querido mostrar en vuestra nueva obra? TOM GABRIEL WARRIOR “Es un disco muy personal, es un álbum muy íntimo e introspectivo. Es un trabajo muy íntimo que trata de dar réplica a nuestras emociones ya vertidas con el álbum anterior”. En tu cosmogonía personal, ¿qué es más importante, la música o transmitir tu trascendental mensaje a vuestra audiencia? “Me siento muy cómodo con los mensajes filosóficos, no creo que tuviera nada que decir, nada importante, si no tuviera un mensaje para la gente. Trato de que las letras salgan de mí, pero leo a muchos escritores con un mensaje filosófico, me interesa su arte. De todos modos, las letras, los conceptos de estas canciones, la música, se muestran como una única cosa a la gente. Está muy unido, no se puede separar”. ¿Qué significan para ti la muerte, la oscuridad, la religión, y qué papel tienen en nuestra sociedad? “Son realidad, son la realidad, parte de cada vida, parte de todo en este

venir en Celtic Frost (no, no nos entendimos –ndr.). Fui simplemente honesto al ponerle de nombre Triptykon porque el de Celtic Frost, para mí, pesa más que yo, así que el mío está bien, pero para ser honestos teníamos que llamarnos de una forma distinta. Musicalmente es exactamente igual que Celtic Frost, pues en realidad el primer disco y el segundo de Triptykon son básicamente el ocho y el nueve de Celtic Frost (también cuenta algún que otro EP –ndr.)”.

“Creo que no hubiera sido músico sin Black Sabbath” TOM GABRIEL WARRIOR

planeta. En la sociedad occidental, así como en todas, la muerte es el completo cese de todo, y todo el mundo sabe de gente que ha muerto, todo el mundo sufre la muerte y ha oído hablar de ella, y a decir verdad, incluso la muerte de Cristo, su asesinato, fue para llegar a la absoluta comunión del uno con el otro”. Con tu experiencia acumulada, ¿cómo explicas la muerte, su por qué? “No me lo explico, no tengo ni idea… No puedo aportar mucho sobre ello.

Yo no creé este mundo, yo no creé la raza humana, así que no puedo explicarlo. Sólo puedo contarte que pienso en ello muy a menudo porque es parte de toda existencia, porque no todo en esta vida es comer y dormir”. ¿Y vuestro nuevo trabajo qué es, sólo un segundo álbum o toda una aseveración de que esto es una banda diferente de todos tus anteriores proyectos? “Es lo segundo, Triptykon fue especialmente formado para continuar el pasado y lo que estuviera por

Ya, es que de hecho, si uno se pone el gran retorno de Celtic Frost Monotheist y después vuestro álbum de debut Eparistera Daimones, comprueba que están exactamente al mismo nivel. Eso demuestra que tú eras el mejor compositor de tan legendaria formación… “No hay la misma gente tocando, pero desde luego hay el mismo compositor en Celtic Frost que en Triptykon. Amo escribir música, no se resume de igual forma, pero amo tocar música, crearla, es mi pasión”. Melana Chasmata es oscuro, opresivo, pero con canciones como ‘Boleskine House’ o ‘Aurorae’, éste se muestra abierto a nuevos arreglos y sonoridades, aunque en tu estilo musical de siempre. Es otra nueva obra maestra de Tom G. Warrior, ¿no? “(Risas) No lo sé, no ando creando mi música para promocionarla puntuándola. No tengo ni idea de si es una obra maestra o es absolutamente malo, yo simplemente

escribo la música que llevo dentro, y dentro de mis posibilidades, trato de componer con claridad”. El nuevo disco puede ser crudo, depresivo, y al mismo tiempo, hermoso, brillar con una misteriosa luminosidad. ‘Waiting’ es un gran ejemplo de ello… ¿Cómo explicas esta característica tan poco usual? ¿Se trata de una decisión consciente? “Por supuesto que es una decisión consciente, para mí la oscuridad es hermosa. No siento la oscuridad como algo que no sea bello como mucha otra gente, para mí es un concepto precioso al que dedicarse, al que buscarle un sonido, y pienso que ello se ve reflejado en la música, así que lo que has descrito es correcto”. El estribillo o el riff de guitarra de ‘Altar Of Deceit’ y la primera parte de ‘Breathing’ se acerca a los padres del heavy metal, Black Sabbath. ¿Opinas que en esta obra has estado un poco más influenciado por el heavy metal clásico? “No sólo un poco, está claro que mucho más. Creo que no hubiera sido músico sin Black Sabbath. Descubrí a Black Sabbath con Vol 4, en 1975, empecé con ese álbum, a sacarme versiones de él desde muy joven. Intuí que quería tocar la guitarra, practicando con Vol 4 y tratando de aprenderme las voces. Entonces, eso seguro que ha tenido una influencia en mi estilo de tocar, en todo lo que he hecho en mi vida, esto es así”.

Por otro lado, ‘Demon Pact’ es una nueva brutalidad vanguardista digna del fundador del metal extremo… Y también ‘In The Sleep Of Death’ es toda una demostración del poderío de Triptykon. Tres décadas después, Tom G. Warrior todavía tiene muchas ideas que mostrar al mundo… ¿Cómo es posible? “(Risas) No lo sé, no sé por qué compongo mucho de lo que hago, es terrible, es complicado el conocer qué lleva a uno hacia la creación de los álbumes. En mi caso, para mí, que es de lo único de lo que puedo hablar, se trata de buscar un significado para la gente, es que es difícil de decir… No sé por qué mi vida es ésta, no sé por qué mi personalidad es ésta. Sólo sé que me encanta hacer música, que me apasiona esto”. De acuerdo. ‘Black Snow’ es un tormento monumental muy del estilo de ‘The Prolonging’ del anterior Eparistera Daimones. Norman además parece que esté haciendo magia negra en la batería… ¿Qué me puedes contar de este enorme tema? “Como siempre, trato de hacer canciones muy largas, muy oscuras, como por ejemplo ‘Dawn Of Megiddo’ o ‘Synagoga Satanae’ en Celtic Frost, y obviamente, ‘The Prolonging’ en Triptykon. Son largas por la pasión que me inspira este estilo de música, no porque no pueda concretar en tres o cuatro minutos, pero tengo que ser honesto y poner como un álbum en una canción de estas características”.

¿Tienen algún papel Vanja y Norman en el proceso de composición? ¿Pueden escribir o crear arreglos en Triptykon? ¿O quién decide cuándo Vanja aparece con su voz femenina? “Es todo muy cómodo, cada canción es ensayada por toda la banda hasta conseguirla. Las voces de las canciones, así como la música, salen de un mismo ambiente. Norman y Vanja no tienen que componer todavía porque mucho de lo que hacemos lo escribo yo en casa, pero sí que cada uno debe dar su toque personal según lo que sienta hasta tener listo el tema del grupo”. ¿Y cómo conseguís ese sonidazo profundo y terrorífico con las guitarras? Por ejemplo, ¿cómo fueron las sesiones de grabación con V. Santura? “Somos un gran equipo, trabajamos extremadamente bien juntos, y así es muy fácil trabajar en el estudio, donde todo es totalmente profesional y se convierte en una experiencia increíble”. Con este álbum ya son tres las colaboraciones que has tenido con H. R. Giger en materia de portadas de disco. ¿Cómo es vuestra relación 30 años después? ¿Opinas que, inconscientemente, él siempre ha pintado las ideas que hay detrás de tu música? En pocas palabras, ¿tenéis tú y Giger una conexión artística especial? “Tenemos una muy gran amistad, pero no una conexión artística. La diferencia es que para mí él es un

genio, y no simplemente un músico modesto. Él es un artista que siempre que ha creado cualquier cosa ha influenciado durante muchos, muchos años. Su arte es absolutamente asombroso. Ante mis ojos, es mucho más que un pintor, es un creador. Nunca me pondría al mismo nivel que él. Es una persona increíble y muy interesante, tenemos una amistad muy cercana”. ¿Realmente opinas que eres sólo “un músico modesto”? “Sí, por supuesto. Cuando ves lo que Giger ha creado, eso para mí es verdadero arte. ‘Artista’ es una palabra que implica muchísimas cosas, y cuando ves un estudio artísitico real, es como por ejemplo Miguel Ángel, Milo y otros… Él es parte de eso”. Bien, está bien… Ahora quisiera saber qué pasó con Celtic Frost después de vuestro último tour mundial. ¿Cómo fue romper con la banda de tu vida en 2008? “Fue la decisión más difícil que he tenido que tomar. Como bien has dicho, es la banda de mi vida, y no fue una decisión fácil para mí. Para que me entiendas, todo en ese grupo tenía un significado para mí. Pero al mismo tiempo, no quería continuar en ello, la banda gastaba toda su energía en conflictos personales en vez de en la música. Eso era constante, estuvo pasando durante mucho tiempo. Yo quiero tocar música, no quiero perder el tiempo luchando o discutiendo. No fue agradable para nadie, fue una decisión dura, pero me alegro de haberla tomado porque ahora estoy feliz con Triptykon”.

En este momento, ¿cuál es tu relación con Martin E. Ain o Reed St. Mark? “Con Reed seguimos siendo muy buenos amigos, y a Martin lo veo ocasionalmente ya que ahora tenemos vidas muy diferentes. Pero ya no nos peleamos, diría que tenemos una relación normal”. ¿Y cómo es trabajar ahora con V. Santura? ¿Le consideras un nuevo hermano musical? “Al parecer lo es, sí, al parecer lo es. Es una persona muy diferente, pero somos como una sola cuando trabajamos juntos. Creo que me completa, y por eso hemos desarrollado una relación muy estrecha y positiva”. Vamos a volver un poco a tu pasado. Venom, Bathory y Celtic Frost fueron los creadores del black metal, también del metal extremo en general, ¿pero cuándo notaste vuestra extraordinaria influencia en las siguientes generaciones? “Es una pregunta muy extraña, porque realmente no me creo todo esto que has comentado”. ¿De verdad? “Nunca he pensado que fuera una influencia. Siempre he hecho lo que me llena, la música que llevo dentro, y no creo que a través de ello haya sido una influencia para todo el mundo. Tuve unos inicios muy simples y todo esto me suena muy raro a mí”. Ya Tom, pero yo nací en 1985 y todavía no entiendo cómo

“Nunca he pensado que fuera una influencia. Siempre he hecho lo que me llena, la música que llevo dentro, y no creo que a través de ello haya sido una influencia para todo el mundo” TOM GABRIEL WARRIOR pudisteis publicar un álbum tan avanzado y vanguardista como To Mega Therion ese mismo año. Explícame esto. “Era la música que llevaba dentro y que salió de una forma natural. Puedo aceptar que fuera un trabajo vanguardista, pero yo simplemente compuse canciones de la misma forma que ahora, de manera muy pasional. La música es mi vida, la banda… Yo compongo la música que llevo dentro y que está por venir”. ¿Cómo recuerdas los tiempos de To Mega Therion, su composición y grabación? “Fue muy complicado, fueron unos tiempos muy difíciles con el productor que nos grabó (Horst Müller –ndr.). Creo que en ese momento fue una prueba muy significativa si hacías metal, fue extremadamente difícil crear este disco, y opino que no suena como nosotros pretendíamos al no hacerlo la misma persona. Creo que si hubiéramos vuelto atrás hubiera tenido cambios importantes. Desgraciadamente, nos fuimos del estudio muy decepcionados con el sonido que teníamos”. Bueno, para mí y muchísimos aficionados y músicos de todo el planeta, vuestro legado ha

tenido una enorme influencia en el metal, ¿pero cuáles fueron las tuyas primero con Hammerhead y luego como Hellhammer en 1982? “Amaba la música de Black Sabbath, por supuesto, amaba la música de Discharge, Venom, así que sólo se trataba de trasladar esa pasión a tratar de hacer canciones para mí mismo. Era sólo un principiante con la guitarra, era difícil, pero vi que esa música creaba un fuego increíble dentro de mí”. Así, en pocas palabras, ¿cómo resumirías tu carrera musical? Por ejemplo, ¿qué opinas de vuestro álbum más controvertido, Cold Lake? “Es un pedazo de mierda”. ¿En serio? (Risas). “Cold Lake es un pedazo de mierda, absolutamente”. (Risas) ¿Y qué ocurrió entonces? “Muchas cosas ocurrieron. Yo

normalmente componía buena música, pero anduve completamente perdido en mi parcela, e hice lo que nunca debería de haber hecho. Es mi responsabilidad, probablemente es la más grande porquería que he escrito en mi vida, es un pedazo de mierda”. ¿Y cómo recuerdas cuando la escena black metal noruega estalló en Europa, quemando iglesias y cosas por el estilo? Principalmente, si lees entrevistas suyas, lo hicieron influenciados por bandas como Celtic Frost… ¿Cómo te lo tomaste? “Me cogió concentrado en otros menesteres, no conocí la escena black metal hasta varios años después. Estaba en un momento totalmente diferente en mi vida, Celtic Frost se habían disuelto y yo había regresado de Estados Unidos a Suiza. Tenía otras cosas en mente y no les presté atención. Luego he entablado amistad con mucha de esta gente y desde luego he explorado esos grupos, pero fue unos años después”.

¿Qué te parecen las nuevas bandas de metal extremo? No sé, ¿estás por ejemplo interesado en Watain, Portal, Behemoth o Fleshgod Apocalypse, o no? “Behemoth y Watain son grandes amigos míos, y respeto a todas esas bandas que has mencionado, absolutamente”. ¿Estáis preparando una nueva gira mundial? ¿Os veremos por aquí? “Estamos trabajando en el tour, y en consecuencia, contamos con las apreciaciones de un montón de gente. Definitivamente, cuando se planea una gira no puedes anunciar así de primeras lugares en particular, aunque por supuesto haremos un tour por Europa. Ya he estado antes en España con Celtic Frost y me encantaría volver, sólo puedo decir que fueron unos conciertos fantásticos, así que consideraremos repetir”.

HEAVEN’S BASEMENT

Reivindicando el hard rock clásico a la vez que dándole un toque contemporáneo, Heaven’s Basement han conseguido unir con sus himnos a dos generaciones. Después de un año de gira mundial, este mes vuelven a nuestro país para rematar la faena. Texto: Jordi Meya Fotos: DR esde que el grunge aniquiló por completo el hard rock en los 90, cada X años aparece una banda dispuesta a recordar que no hay nada malo en llevar el pelo largo, fabricar estribillos coreables y hacer solos de guitarra. 122

Lo que ocurre es que normalmente estos grupos sólo acaban convenciendo a los ya conversos, en parte porque es difícil vender el factor nostálgico de algo a alguien que no lo ha vivido en primera persona. De ahí que el acierto de los ingleses Heaven’s Basement, que forman Aar-

on Buchanan (voz), Sid Glover (guitarra), Rob Ellershaw (bajo) y Chris Rivers (batería), haya sido coger el legado de un estilo clásico y ponerlo al día. Su álbum de debut Filthy Empire (Red Bull Records), aparecido en febrero de 2013, cosechó muy buenas críticas, y gracias a un directo sin

“Quizá no estemos en la portada de las revistas, pero tenemos la libertad para hacer lo que queremos y los fans que tenemos lo son sólo por la música, no porque seamos cool”

ni trucos, sólo cuatro tíos tocando jodidamente fuerte. Y parecía gustarles”. ¿A nivel personal, os llevasteis bien con ellos? “Nos llevamos muy bien. Somos amigos. Ya habíamos estado de gira con ellos. También coincidimos en el Soundwave de Australia e hicimos un par de shows con ellos. Son buenos tíos”.

fisuras se han ganado la credibilidad necesaria ante el público de bandas tan variopintas como Bon Jovi, The Cult, Deftones o Papa Roach. Los días 23, 24 y 25 de abril estarán en Barcelona (Razzmatazz 3), Madrid (Moby Dick) y Bilbao (Azkena) respectivamente junto a Glamour Of The Kill y The Dirty Youth para cerrar su actual gira europea. Hacemos balance con su guitarrista Sid Glover. El año pasado estuvisteis por aquí como teloneros de Black

Veil Brides. Para mí fue una demostración de la diferencia entre una banda de verdad y una banda de pose. ¿Os sentíais cada noche como si les estuvieseis dando una lección? SID GLOVER “(Risas) Bueno… Somos una banda de rock moderno, pero tenemos una mentalidad old school. Supongo que muchos chavales que fueron a esos conciertos nunca habían visto a una formación de nuestro estilo, sin cosas pregrabadas

Como dices, sois sólo cuatro tíos tocando y nada más. ¿Notáis que os cuesta más captar la atención de la gente o de los medios que otras bandas más orientadas a la imagen? “Quizá en las revistas sí… Lo mejor de Heaven’s Basement es que no formamos parte de ninguna escena o de una moda. No nos cubrimos de sangre ni nos pintamos. Quizá no estemos en la portada de las revistas, pero tenemos la libertad para hacer lo que queremos y los fans que tenemos lo son sólo por la música, no porque seamos cool. Si nunca estás de moda, nunca puedes pasar de moda (risas). Creo que gracias a eso tenemos una de las bases de 123

“Nos llevó un par de años poder crecer todos juntos en la carretera. Y veo bien que nos llevara un tiempo hasta poder sacar el disco porque ahora estamos mejor que nunca. Se necesita tiempo para que las cosas cuajen” fans más amplia en cuanto a edad. Tenemos fans que van de los 13 años a los 55. A veces ves a chavales que traen a sus padres al concierto y los padres flipan también”. Supongo que lo que ocurre es que para la gente joven una banda como vosotros puede sonarles como algo fresco y para sus padres incluso les podéis ganar por un rollo más nostálgico. “Exacto”. ¿Qué opinas de Steel Panther? Son una formación con la que musicalmente podéis tener algún punto en común, pero el toque cómico es lo que ha hecho que funcionen tan bien. 124

“La gente va a ver a Steel Panther porque su show es muy divertido, pero la realidad es que son músicos con mucho talento. El aspecto cómico es muy importante, pero no hay que olvidar lo otro. Es un poco como Tenacious D. No lo veo como algo negativo”. Pero como músico tiene que ser un poco triste saber que si eliminaras el aspecto cómico, aun siendo los mismos temas, a la gente no le interesarías. “Es que no funcionaría. Las letras son lo que venden canciones. La verdad es que la clavan. Pero sinceramente, vivimos en mundos distintos”. Filthy Empire se editó hace poco más de un año. ¿Estáis donde imaginabais cuando

salió el trabajo? “Si te soy sincero, no me había hecho ninguna idea de cómo nos iría el año. Hemos ido semana a semana. Hemos dado un montón de conciertos, creo que unos 170 en 2013. Hemos estados en Estados Unidos, Canadá, Europa, Australia, Nueva Zelanda… Sólo me preocupaba dar buenos shows. Ahora estamos en nuestra mayor gira como cabezas de cartel y en el Reino Unido están casi todas las fechas agotadas. Nos hace sentir muy bien porque es señal de que hemos progresado”. ¿Y cómo te sientes respecto al disco? Muchos grupos con el tiempo empiezan a verle defectos o cosas que habrían cambiado. ¿Es tu caso? “La verdad es que no. Todavía dis-

fruto mucho tocando estos temas en directo y creo que es un gran álbum. Tiene un rollo muy guapo. Es muy directo. Lo grabamos en sólo ocho días, así que todo está basado en nuestra manera de tocar. Estábamos en América y teníamos que volver a Inglaterra para tocar en el Download, así que trabajamos todas las horas del día para terminarlo. Creo que eso le dio una urgencia y una fuerza al disco que le fue muy bien. Casi diría que fue una suerte no tener más tiempo”. El disco lo produjo John Feldmann, que tiene fama de meterse mucho en la composición de los temas. ¿Tuvisteis algún conflicto con eso? “Tuvimos muchos desacuerdos (risas). Sobre el papel, John Feldmann y nosotros no pegamos para nada, pero la realidad es que fuimos a Estados Unidos a reunirnos con varios productores y con él conectamos al instante. Nunca había trabajado con un grupo como el nuestro y se mostró muy entusiasmado. Su pasión nos ganó. El que viniera de un background tan distinto al nuestro fue genial porque no intentó enseñarnos a tocar rock. Nos dio una nueva perspectiva, pero por supuesto chocamos porque teníamos ideas muy distintas”. Dame un ejemplo… “Bueno, en realidad yo no trabajé con John. Él estaba durante el día grabando las voces y la batería, y yo y Rob íbamos por la noche a grabar las guitarras y bajos. Era la única manera de poder aprovechar el estudio todas las horas posibles. Pero teníamos claro que nadie iba a cambiar nuestros temas, no necesitamos eso”.

Aun así, en los créditos aparece gente como el productor Bob Marlette o Patrick Stump de Fall Out Boy como co-compositores. ¿Qué papel jugaron? “Un papel muy pequeño. Incluir a Marlette fue una manera de darle las gracias porque al principio nos ayudó mucho y grabó con nosotros sin cobrar para que pudiésemos conseguir un contrato. Si alguien cree tanto en ti se merece un reconocimiento. En cuanto a Patrick Stump un día vino al estudio y escuchó un riff que estaba tocando y dijo que le molaba mucho y sugirió que lo añadiésemos al tema ‘Jump Back’. Lo probamos y funcionó muy bien, así que fue una manera de agradecerle su idea, pero tampoco escribió nada. En los créditos siempre ponemos a todo el grupo, aunque no todos hayan escrito algo en ese tema. Sólo porque todo el mundo siente su influencia. No es que Chris coja una guitarra y escriba los temas, pero está ahí en el local y su presencia afecta el resultado. Lo dividimos todo entre cuatro y así no hay problemas”. ¿Pero te sientes más cercano a las canciones que has escrito tú solo? “No, para mí todos son iguales. Quizá siento un cariño especial por ‘Executioner’s Day’ porque es la primera canción que escribimos como grupo hace años y toda la parte central la compuse cuando tenía 14, así que poder meter algo que hice de crío en un disco y tocarlo cada noche por todo el mundo me mola mucho”.

de Heaven’s Basement es que tengáis a un cantante como Aaron, que recuerda a los cantantes de antes, con una voz muy versátil, pero lo cierto es que os costó bastante dar con el vocalista adecuado. ¿Qué importancia le das a su entrada en el grupo para vuestro desarrollo? “Bueno, hicimos varias pruebas y él se ofreció. Sonará raro, pero no creo que su entrada nos hiciera mejorar porque él tenía muy poca experiencia. Nosotros veníamos ya de un grupo y estábamos volviendo a empezar, pero lo que nos gustó de él fue que era un diamante en bruto. Me gustó que no viniera en plan estrella del rock y también que aunque tuviera buena voz, no nos hiciera sonar clásicos o retro. Pero estaba verde, nunca había estado de gira. Nos llevó un par de años poder crecer todos juntos en la carretera. Y veo bien que nos llevara un tiempo hasta poder sacar el disco porque ahora estamos mejor que nunca. Se necesita tiempo para que las cosas cuajen”. A muchos grupos les puede la impaciencia. Como dices, convertirte en un grupo es un proceso largo. “Sí, la mayoría de los grupos no lo entienden. Primero se comportan como estrellas de rock y luego se preocupan de la música. Pero también creo que hay muy buenos grupos como Halestorm, que son súper currantes y apasionados. No todo está perdido”.

Para mí uno de los secretos 125

THE THREE GENERATIONS

PLANTANDO CARA Power trio de contrastes, inicialmente mezcolanza de Queens Of The Stone Age y las melodías de grupos como Arctic Monkeys, ThE Three Generations dan un paso al frente en su segundo disco, Poverty In The Land Of Plenty, hacIa un sonido acorde a los turbulentos tiempos que vivimos. Texto: IGNACIO REYO Foto: DR

xperimentaMos una época paradójica. Hace décadas en etapas de tensión económica, racial o cualquier índole que se os ocurra, esa tensión se contagiaba a la música, tanto underground como mainstream. Puede que ni MC5 o The Doors predicaran un discurso coherente, pero al menos enviaban un mensaje. Igual que los 80 de la Dama de Hierro nos dio la angustia de The Smiths o The Sound. Curiosamente, desde que diera el pistoletazo de salida la crisis en 2008, no se ha visto reflejado en ambos mundos, o, mejor argumentado, el mainstream se ha quejado desde una perspectiva tan corporativa como in126

sulsa. En esta tierra de la abundancia, The Three Generations beben de las fuentes británicas del 77 en un disco combativo y contundente, ampliando horizontes. No es casual que José Montero (guitarra, voz), Alberto María (bajo) y Eduardo Abad (batería) incluyan versiones de The Clash o los Pistols en sus recientes recitales. Con este disco habéis adquirido querencias más punk, con un mensaje contestatario. Se ve reflejado no sólo en las letras, sino que lo habéis extrapolado al sonido. ¿Cómo se consigue trasladar un pensamiento o sentimiento concreto

en música? JOSÉ MONTERO “Es algo que funciona en ambos sentidos. Hay canciones que te conducen a un determinado estado de ánimo, y hay estados de ánimo que te conducen a crear sonidos acordes a lo que sientes. Las canciones de este disco han sido creadas en momentos de cierta furia que necesitábamos liberar. No quiere decir que nos pasemos las 24 horas del día en ese estado, lo que sucede es que todo el material incluido en el álbum fue creado en ratos de enfado ante cosas concretas. Pero también se puede apreciar el poso de otras influencias que inevitablemente salen a flote, sea cual sea el estado de ánimo”.

no vaya a ser que seas el tonto que no se sube al tren. Hasta la fecha es ley de vida que una parte del dinero que ganas te lo quiten para mantener a la élite, y si no ganas dinero te conviertes en un pobre rodeado de abundancia, y a nadie le importa. Algunos parásitos sólo necesitan de una mayoría para nadar en la abundancia, y no me refiero sólo a los políticos, éstos son únicamente los peones mejor remunerados. Y luego algunas personas creen que viven en una democracia de libre mercado, cosa que nunca hemos catado, porque esto se parece más a un sistema feudal muy sofisticado”.

“Las canciones de este disco han sido creadas en momentos de cierta furia que necesitábamos liberar” JOSÉ MONTERO Poverty In The Land Of Plenty son las consecuencias lógicas de unas confianzas depositadas hace años, ¿no crees? Porque cualquiera que reflexionara un poco, ya podía ver a finales de los 90 que esto era una burbuja con fecha de caducidad. “Cualquiera que tenga una cierta edad, o que dedique algo de tiempo a leer en las hemerotecas, ya sabe que esto es siempre lo mismo en lo esencial. No nos engañemos, tendemos a estar muy distraídos mientras nos la meten doblada. Además, los buenos trileros se toman muy en serio su modo de vida y procuran mantenernos entretenidos mirando hacia donde no sucede nada importante. En un mundo en el que cada vez tenemos más pasatiempos resulta habitual pasarse el día en el limbo, engordando burbujas,

En ‘Economic Bubbles’ parece que Johnny Rotten de Sex Pistols te haya poseído... “Quién sabe (risas). Me gusta mucho la forma de transmitir ideas que tiene Rotten, en cambio no me gustan los exorcismos. Cuando me sucede algo así dejo que fluya. Dentro de un estudio de grabación se queda grabado, eso es lo que ocurrió. El resultado siempre será la manera en que yo veo a Rotten tras hacerle una digestión en mi organismo. Habrá gente que diga que no suena a Rotten ni de lejos”. Poseéis una sección rítmica muy potente y unos estribillos de la ola británica de los últimos diez años, un curioso contraste. ¿Qué proceso seguís? “En nuestro caso el sonido final no es el resultado de algo sometido a debate. Somos un grupo formado por gente de gustos muy variados. Hemos dejado que cada músico imprima su propio carácter a las canciones. Así todos estamos cómodos tocando, y es la mejor solución para no discutir por cuestiones de estilo, en cierto modo

cada uno se cree que está tocando lo que le mola (risas). Para mí lo bueno de un grupo es la mezcla de diferentes personalidades, eso te puede hacer construir algo especial”. ¿Es difícil consensuar las ideas en un grupo de tres? ¿Hay democracia real en un grupo? Porque en pocas bandas componen todos los miembros… “En nuestro caso no tenemos muchos quebraderos de cabeza a la hora de componer. Básicamente, cada uno compone las partes de su propio instrumento. Ninguno de nosotros le dice al otro lo que tiene que tocar, sólo debemos consensuar cosas como la duración de las partes, los cortes acompasados... También permitimos que el sonido de cada instrumento sea algo personal de cada músico. Todo esto no son reglas escritas, nos sale de forma natural el dejar hacer. En definitiva, partimos de una idea básica que podría terminar teniendo mil caras. Cada uno aporta lo que considera oportuno y eso es lo que hace que al final sea de los tres. En vez de democracia, esto es anarquismo”. ¿Qué ventajas y desventajas supone en directo ser un trío? “Normalmente el sonido en directo es más definido cuando hay menos músicos tocando. Se aprecian mejor los matices y sus fallos, lo cual también tiene su encanto siempre que no abunden, suena más humano. La desventaja es que los tríos de rock no suelen molar mucho en grandes escenarios. Tocar en estadios no es nuestro caso, esto es música de garito”.

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EN DIRECTO

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FALL OUT BOY 1 de marzo de 2014 SANT JORDI CLUB, BARCELONA Texto: Sandra Astor Fotos: Carles Rodríguez

ientras esperaba en el Sant Jordi Club, recordé la primera vez que vi a Fall Out Boy en el Decaydence Fest de París junto a Gym Class Heroes, Cobra Starship, The Academy Is y Panic! At The Disco. Por aquel entonces, Fueled By Ramen lo petaba en la escena emopunkpopera, Pete Wentz era una celebrity y la relación entre estos grupos era muy estrecha. No es que hayan pasado décadas, pero en la actualidad parece que sólo los de Chicago y quizás Paramore son los pocos que siguen colgando sold outs a nivel internacional (aunque en Barcelona sólo llenaron la mitad del recinto). Tras aquel parón de dos años en 2010, la banda anunció su regreso

por todo lo alto dejando intuir que los que un día fueron aclamados como reyes del pop volvían con ganas de recuperar su trono. Antes de comprobar si lo merecían había que catar a Pretty Reckless en horario merienda-cena, liderados por una Taylor Momsen que, aunque yo no me acabo de creer, creó tendencia entre muchas asistentes que le copiaron el look de niña mala rockera. La verdad es que la exGossip Girl se acompaña de una buena banda y tanto ‘Make Me Wanna Die’ como ‘My Medicine’ o los adelantos de su nuevo disco, Going To Hell, sonaron la mar de cañeros. Cubiertos con unos pasamontañas aparecieron Fall Out Boy con el exflequillero Wentz ondeando una bandera antes de arrancar con

‘The Phoenix’. Más de veinte temas equilibrando cortes de su último Save Rock And Roll con celebradísimos hits de antaño. Dos horas en las que demostraron estar en forma (sobre todo Patrick) y, afortunadamente, haber dejado de lado los ataques de egoWentz. Con apenas descanso entre temas, un par de solos de guitarra y batería, Patrick Stump al piano salvando el rock, y un fragmento acústico en el que se desplazaron a la parte de atrás del recinto acercándose a los fans para interpretar ‘I’m Like A Lawyer With The Way I’m Always Trying To Get You Off (Me & You)’ y ‘Grand Theft Autumn/ Where Is Your Boy’, se despidieron como no podía ser de otro modo, coronándose con ‘Saturday’. 129

ada vez cuesta más respirar ese ambiente de cita esperada, de bolos que la gente lleva tiempo ansiando ver, de poder asistir a un concierto de una banda de las que, incluso en la era de YouTube, pocas referencias se tienen. Por ello la expectación por ver a la formación liderada por Joel Grind estaba más que justificada. De ello se beneficiaron los renacidos Exhumed, que de tocar en la misma sala para unos pocos entregados fans en su anterior visita, tuvieron delante a un público entregado ante ese goregrind del que fueron uno de sus máximos exponentes, aunque cada vez estén llevando su música hacia el brutal death. Tirando de clásicos como esa ‘The Matter Of Splatter’ que cerró el show, dudo que alguien saliese decepcionado de su actuación, repleta de garra y energía y que con la ayuda de ese cirujano demente que

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igual repartía vísceras, amenazaba con una sierra mecánica, como le sucedió a nuestra Toi Brownstone, o reavivaba a los componentes de la banda a base de cerveza, provocó que todos acabarámos su set con una sonrisa en la cara. Tras la tormenta de los californianos era el momento de ver si todos los elogios que ha ido cosechando el geniecillo de Pórtland eran justificados. Cuesta encontrar a un músico que haya sabido aunar de una manera tan brillante el punk y el metal como Joel Grind, pero otra cosa podía ser su directo. Por todos es sabido que el gran problema de Toxic Holocaust ha sido encontrar músicos que le hayan dado estabilidad a la banda –recordemos que los primeros discos los grabó Grind tocando todos los instrumentos-, de ahí que las apariciones en directo hayan sido escasas. Pues bien, aunque Philtty Gnaast (bajo) y Mikka Roge (batería)

estén ya establecidos en la formación, es el carisma de Joel Grind el que tira del carro en todo momento. Empezando con la primitiva ‘Metal Attack’, Toxic Holocaust apenas dieron un segundo de respiro –los necesarios para afinar instrumentos- con un repertorio que abarcó los diez años de trayectoria del nombre –mención especial, como era de esperar, para ‘Nuke The Cross’- pero, pese a ello, no queda otro remedio que darles un pequeño tirón de orejas por ofrecer sólo unos míseros 50 minutos de actuación. Toxic Holocaust tienen energía y repertorio de sobras para haber estado en el escenario algo más de tiempo. Fue ese raquítico minutaje el que, al menos a mí, me privó de haber vivido una noche que podía haber sido memorable, y es que, por si no había quedado claro, Toxic Holocaust estuvieron inconmensurables de principio a fin.

TOXIC HOLOCAUST 7 de marzo de 2014

Estraperlo CLUB, Badalona Texto: Richard Royuela FotoS: Eric Altimis

THE LONE BELLOW 14 de marzo de 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Jordi Meya Fotos: Eric Altimis

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iempre había sido arriesgado para una banda pequeña pisar por primera vez un nuevo país. Más todavía si los medios aún no se habían enterado de su existencia y su discográfica ni siquiera había publicado su material en ese territorio. Pero gracias a internet las reglas del juego han cambiado, y ahora casi cualquier grupo, sea del estilo que sea, tiene la posibilidad de conectar con sus fans potenciales allá donde estén. Aun así, sorprende que un centenar de personas se acercaran a ver a The Lone Bellow, un trío de Brooklyn de country folk que en su país ya están empezando a tener bastante éxito pero que por aquí son todavía muy desconocidos. Y remarco el ‘todavía’ porque estoy convencido que a medio plazo estarán llenando salas como Bikini. Condiciones no les faltan. Como tampoco les faltan a los barceloneses Oso, que abrieron la noche con

su visión particular de un indie folk que no teme a la electricidad. La incorporación de un saxofonista hizo que su sonido adquiriese un toque aún más personal. Si el exquisito gusto de The Lone Bellow por los sonidos tradicionales americanos ya quedó plasmado en su debut homónimo aparecido el año pasado, en directo sus canciones alcanzan un nuevo nivel. En ello tiene mucho que ver la pasión que Zach Williams, Brian Elmqusit y Kanene Donehey -que en directo se hacen acompañar de un bajista y un batería de apoyo- transmiten encima del escenario, logrando que todo el mundo coreara la melodía de ‘Bleeding Out’, su tema más hímnico. Además, puede que vayan armados con guitarras acústicas y mandolinas, o que un 30% de su repertorio sean bonitas baladas o esa versión de ‘Slip Slidin’ Away’ de Paul Simon que nos regalaron, pero

os aseguro que ahí todos acabaron sudando. Williams adopta el papel de reverendo, Elmqusit se desquita en los solos eléctricos y Kanene hace volar su melena rubia como si estuviera haciendo headbanging contagiando su entusiasmo al público mientras bordan grandes temas como ‘Green Eyes And A Heart Of Gold’, ‘You Don’t Love Me Like You Used To’ o ‘Teach Me Now’. Pero si algo seduce definitivamente de su directo es ver cómo hacen lo que les da la gana con sus voces. Sin duda, el momento más especial de la noche ocurrió cuando colocaron un micro en el centro y ellos tres se situaron en semicírculo para interpretar ‘Two Sides Of Lonely ‘ y ‘Tree To Grow’. El silencio sepulcral permitió escuchar cada respiración, cada inflexión de sus armonías, cada punteo de guitarra. Si en su próximo trabajo logran capturar esa magia, estaremos ante algo grande. 133

a anunciada como gira de despedida de Scorpions recaló en Madrid el pasado marzo por partida doble. Debido a la gran demanda por parte del público se añadió un concierto adicional para el cual también se agotaron las entradas. Esta crónica corresponde a la primera fecha original, la del sábado 8 de marzo, de la que los fans que asistieron ambos días dicen que se respiró un mejor ambiente, eso sí, rodeado de un exagerado control policial algo alucinante para un foráneo de Madrid, pero algo habitual para la gente de allí. Parece ser que para algunos el heavy metal sigue siendo peligroso. El cantante Klaus Meine y el guitarrista Rudolf Schenker llevan las riendas de la banda tanto en estudio como en directo. Ellos mandan y lógicamente podemos olvidarnos de los temas de los 70 en sus conciertos -para eso ya está Uli Jon Roth en solitario-, pero sorprende que para el repertorio de greatest hits

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que han escogido para este tour se hayan olvidado por completo de un disco como Savage Amusement o de temas clave como ‘Dynamite’. Pero es que escoger entre tantos grandes discos y tantos temas excelentes debe ser muy difícil, y los fans lo perdonan todo. Empezaron con un poderoso ‘Sting In The Tail’, pero hasta ‘Is There Anybody There?’, su tercer tema, Rudolf Schenker no se lanzó a la pasarela del medio para tocar y señalar con su dedo a todos los fans que estaban en primera fila. A partir de ese momento casi toda la banda se situó junto a él para tocar casi todas las canciones con todo el público de Vistalegre cantándolos uno tras otro. Tuvieron su parte más dulce y menos rockera con las baladas pertinentes, con un ‘Send Me An Angel’ donde su batería Kottak se unió al grupo en primera línea para hacerla en formato acústico, le siguió ‘Holiday’ y ya dentro de los bises, ‘Wind Of Change’ y ‘Still Loving You’ que, digan

lo que digan, es quizás uno de sus temas que más repercusión ha tenido en la vida de muchos metalheads. La parte más metalera llegó de la guitarra de Schenker en ‘Blackout’, ‘Big City Nights’ y ‘Rock You Like A Hurricane’, el tema que debería culminar el set. Pero no fue así, ya que el sábado era el día original de su concierto, no el añadido. Los fans gritaban, lanzaban banderas y ropa al escenario, en definitiva, no los dejaban marchar para casa. Esa insistencia y perseverancia tuvo su recompensa con la extra ‘When The Smoke Is Going Down’ de su gran álbum Blackout. No sé si será la última vez que vengan aquí, aunque su guitarra Matthias Jabs decía en una entrevista al periódico El Mundo el mismo día del concierto que para nada The Final Sting era su última gira, pero lo que resulta evidente es que aún arrastran mucho público y que su directo sigue a un gran nivel.

SCORPIONS 8 DE MARZO DE 2014 PALACIO VISTALEGRE, MADRID Texto Y FotoS: EDUARD TUSET

BCN LIVE!

26 de febrero de 2014 Teatre Principal, Barcelona Texto: Jordi Meya Fotos: Carles Rodríguez

THE HIVES 120

THE SOUNDS

on motivo del Mobile World Congress, Barcelona se convierte durante una semana en la capital mundial de las fiestas más superchachiexclusivas donde las grandes corporaciones se gastan una millonada y se dan caprichos como traer a Psy o a los mismísimos Stones para premiar a sus altos mandos. Por supuesto el populacho no estamos invitados a ellas, pero en este caso la multinacional Sony aprovechó para montar un minifestival en el remodelado, y guapísimo, Teatre Principal, al cual, además de sus invitados, pudo entrar el público general (previo pago, claro) y algunos medios como nosotros. Con un ambiente a medio camino entre una convención de empresa (abundaban los ejecutivos trajeados y los tacones) y un concierto al uso, lo cierto es que quien no se divirtió es porque no quiso.

Abrieron la noche los suecos The Sounds, que con un ramillete de ocho temas -más de la mitad hits como ‘Tony The Beat’, ‘Livin’ In America’ o ‘Paint By Numbers’- y la actitud pija descarada de Maja Ivarsson se bastaron para animar el cotarro. Nunca serán mi banda favorita, pero su directo es impecable. A continuación aparecían los británicos Klaxons, a quienes el técnico de sonido proporcionó un sonido demasiado atronador. Su tercer álbum no se publicará hasta junio, pero eso no les privó de presentar temas nuevos como ‘There Is No Other Time’ o ‘New Reality’, que apuntan a una vocación más comercial, aunque como los antiguos ‘Atlantis To Interzone’ o ‘Echoes’, consiguen su propósito de hacerte bailar con rotundas líneas de bajo y melodías entre el indie y el funk. Se fueron encantados. Por último,

la bandera del rock sueco volvía a clavarse en el escenario de la mano de The Hives. Dada la popularidad del grupo a día de hoy, poderles ver en un teatro de mil personas puede considerarse todo un privilegio, y como no podía ser de otra manera, Pelle Almqvist y los suyos arrasaron. Durante hora y cuarto fueron cayendo temazo tras temazo –‘Main Offender’, ‘Go Right Ahead’, ‘1000 Answers’, ‘Walk Idiot Walk’, ‘Wait A Minute’, ‘Tick Tick Boom’- acompañados de todas las monerías habituales: los saltos, parlamentos y volteos de micro de Pelle, los solos alocados de Nicholaus Arson, las baquetas voladoras de Chris Dangerous, los roadies ninja… Pero como los buenos magos, The Hives consiguen que aunque ya conozcas cómo acaba el truco, te quedes con la boca abierta mientras lo ejecutan. 137

upongo que es frustrante y triste empezar un concierto con tan sólo 15 personas viéndote, más si sabes que estás dentro de una gira potente en la que seguramente has invertido mucho esfuerzo y dinero, y además con la idea que poco más tarde tendrás una sala rozando el sold out. Solamente por este motivo valía la pena ver y analizar a una banda como Mortillery. Pese a su nombre horrible, supuestamente enlazado con el death metal, la realidad es que fueron una agradable sorpresa, con un metal clásico de toques thrash y un sabor retro. Pero está claro que lo mejor estaba por llegar, sobre todo teniendo en cuenta que en esta gira de Sepultura se hacían acompañar de otro nombre grande del metal ochentero. Flotsam And Jetsam sólo tuvieron tiempo para descargar ocho temas, pero creo que todos quedamos más que satisfechos, aunque con ganas de más de la que

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un día fuera banda de Jason Newsted, pero que pese a su perseverancia, nunca se ha situado en el lugar merecido. Gran actuación dentro de un tour que en cierta forma celebra la reedición de su segundo disco No Place For Disgrace, del que sonaron cuatro canciones a las que sumarían ‘Hammerhead’, ‘Iron Tears’ y un novedoso y gran tema perteneciente a su infravalorado último álbum Gitty Up. Tras esta demostración de buen hacer llegaron unos previsibles Legion Of The Damned. Más allá de ofrecer pura caña, a estos holandeses no les veo ningún sentido, y creo que en realidad sólo convencieron a los ya convencidos de antemano. Llegado este momento era la hora de volver a comprobar que Sepultura siguen siendo una apisonadora en directo. Sin duda, el jefe absoluto y la razón de su existencia es desde hace tiempo Andreas Kisser, que junto al histórico Paulo Jr. ha encontrado

en sus compañeros a unos grandes ejecutores de la música de los brasileños. Es evidente cuando uno ve esta formación que cualquier cosa que hagan paralelamente los hermanos Cavalera no se acerca lo más mínimo a la brutalidad y efectividad de la banda madre. No solamente convencen con sus clásicos, muy esperados y, evidentemente, también muy celebrados, pero lo que más me fascina es que ya van siendo muchos discos sin Max, y luego sin Igor, y el señor Kisser consigue crear un ambiente con temas nuevos bastante difícil de igualar. Supongo que se nota que me gustó muchísimo este show en el que nos emocionaron tocando canciones antiguas como ‘Dusted’ o ‘Desperate Cry’ y sorprendieron con agradables versiones nunca tocadas como ese ‘The Hunt’ de New Model Army. Ya hace 18 años que Max se fue, pero le pese a quien le pese, Sepultura siguen siendo una banda especial.

SEPULTURA 26 de febrero de 2014 Sala Salamandra L’Hospitalet de Llobregat Texto Y FotoS: Joaquim Valls

uarenta minutos antes de que Steel Panther inicien su primer concierto en Barcelona, para el que inesperadamente lograrán llenar casi toda la sala mediana de Razzmatazz, el tour mánager del grupo se me acerca en la cola, me coloca un pase laminado por el cuello y me invita a conocer al grupo en el backstage. Cuando entro allí no doy crédito. Veo al menos una docena de chicas semidesnudas bailando al ritmo de ‘Paradise City’ de Guns N’ Roses. Por la normalidad con la que el tipo las va apartando para que nos dejen pasar, deduzco que esto debe ser el pan de cada día en las giras de Steel Panther. Tras lograr llegar al fondo del pasillo, abre una puerta y entramos en un lujoso spa, que en todos los años que llevo yendo a Razz 2 nunca había visto. Dentro de un jacuzzi rodeados de burbujas y cinco chicas más, se encuentran el vocalista Michael Starr, el guitarrista Satchel, el bajista Lexxi Foxx y el batería Stix Zadinia. Por sus caras de felicidad, se nota que están 140

en el séptimo cielo. “¿Quieres que te hagamos un hueco? Todavía cabe uno más”, me dice Satchel. “Bueno, es que no llevo bañador”, le digo. “¿Te crees que alguno de nosotros lo lleva?”, responde partiéndose el culo. Total, que ya me veis ahí, quitándome la ropa a toda prisa y sumergiéndome en pelotas en el jacuzzi mientras todos aplauden y gritan como si acabara de marcar un gol en el último minuto. Mientras les saludo uno a uno, veo que el tour mánager se les acerca por detrás y les pasa una bandejita con diez rayas de palmo que van desapareciendo a medida que pasa de mano en mano. Después de veinte minutos de risas, cachondeo y tras pulirnos una botella de Jack Daniels, Starr se levanta y dice “Bueno, tenemos que ir a prepararnos para tocar. Puedes quedarte un rato más si quieres”. Sin saber muy bien qué hacer, noto al menos cuatro manos por debajo el agua que de manera muy convincente me acarician el bajo vientre haciéndome pensar que si me largo de ahí es que soy gilipollas…

Naturalmente, nada de lo que acabo de relatar es cierto, pero durante una hora y media estos cuatro gañanes logran transportarnos a un mundo de fantasía en el que tanto desmadre sí hubiera sido posible. Con canciones como ‘Asian Hooker’, ‘Glory Hole’, ‘Death To All But Metal’ o la súper balada ‘Community Property’ (igual de buenas y en algunos casos incluso mejores que las de muchas bandas de hair metal de Los Ángeles), unos clichés del género que son revividos con un gran sentido del humor (mallas, pelucones, laca…), una ejecución impecable y una total complicidad por parte del público (desde Mötley Crüe que no había visto a tantas chicas enseñando las tetas), Steel Panther salen tan victoriosos como si acabaran de tocar en el Madison Square Garden en 1988. Estamos en Barcelona en 2014 y fuera les espera un autobús de gira, no un jet privado, pero ni la banda ni sus fans están dispuestos a que la cruda realidad les amargue la fiesta. ¿Y quién es nadie para criticarlo?

STEEL PANTHER 7 de marzo de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Jordi Meya Fotos: Nadia natario

aking Back Sunday regresaban a Inglaterra por primera vez en cinco año dentro de algunas fechas promocionales antes del lanzamiento de sus sexto disco Happiness Is. Era también que, por primera vez, la mayoría de sus fans podrían ver aquí a la formación original que grabó su debut Tell All Your Friends desde que John Nolan y Shaun Cooper volvieran en 2010. La banda de Amityville, Long Island, fueron junto a sus colegas Brand New los responsables de iniciar la segunda ola del emo a principios de los años 2000 y multitud de bandas post hardcore quisieron seguir sus pasos. El show en la sala Koko de Londres era uno de los dos que iban a ofrecer en el Reino Unido, por lo que las entradas se habían agotado en tiempo récord y la sala estaba tan llena que me llevó diez minutos poder llegar hasta el foso de fotógrafos. Cuando John Nolan (guitarra, voz), Eddie Reyes (guitarra), Shaun Cooper (bajo), Mark O’Connell (batería) y finalmente Adam Lazzara (voz) 142

salieron al escenario y empezaron con la brillante ‘A Decade Under The Influence’, el público gritó de histeria, recordándome esos viejos vídeos de los Beatles. Todo el mundo se moría por ver las acrobacias con el micro por las que Adam se ha hecho famoso, pero después de accidentes en el pasado (el más serio cuando fui testigo de cómo noqueó al exbajista Matt Rubano en el festival Give It A Name en 2006) fue precavido y no lo lanzó mientras estábamos haciendo fotos. También noté cómo John no dejaba de mirar lo que hacía… debía sentirse un poco nervioso. El show fue estelar, con el único ‘pero’ de que la iluminación fue muy escasa, incluso para lo pobre que suele ser en el Koko. El setlist fue una combinación de los grandes hits de sus tres primeros discos Tell All Your Friends, Where You Want To Be y Louder Now, con sólo tres temas de anterior disco homónimo (‘Faith’, ‘Best Places To Be A Mom’ y ‘Call Me In The Morning’) y pasando por comple-

to del flojo New Again. El público británico es el campeón de los singalongs y de esta manera, sus fans cantaron cada palabra que salía de la boca de Adam o John con tanta pasión que parecía que formaran parte de la banda. Sólo pudimos escuchar dos temas nuevos, el pegadizo single ‘Flicker Fade’ y ‘Beat Up Car’, pero lo que convirtió la pista en un peligroso mosh pit fueron ‘Liar’, ‘Timberwolves At New Jersey’, ‘Bonus Mosh Pt. II’, la muy destacabable ‘Number Five With A Bullet’ (que casi nunca tocan) o ‘Cute Without The E (Cut From The Team)’. La interacción vocal entre Adam y John tan reconocible en Tell All Your Friends no tiene tanta chispa en directo, pero aun así después de un bis perfecto con ‘MakeDamnSure’, quedó claro que habíamos visto una noche para recordar. Habiendo visto a Taking Back Sunday a ambos lados del océano, el de esa noche lo situaría al mismo nivel que su legendario e íntimo show en el 93 Feet East de Londres.

TAKING BACK SUNDAY 26 de febrero de 2104 Koko, Londres (Inglaterra) Texto Y Fotos: Nadia Natario

CONCURSO ME FIRST AND THE GIMME GIMMES Raquel García y David Alda, los ganadores del concurso que organizamos para asistir a los dos conciertos de Me First And The Gimme GimMes en nuestro país, nos cuentan su INOLVIDABLE experiencia EN LAS SIGUIENTES LÍNEAS.

uando compartí la foto en mi muro de Facebook pensé: ‘Como me toque, mi acompañante será el hombre más feliz del mundo’. El día de Navidad recibía la noticia: “Enhorabuena Raquel, has sido la ganadora del concurso”. 17 años después de comprar en vinilo su primer disco Have A Ball, siendo unos groupies de todo lo que conlleva el sello de Fat Mike y acudiendo a todos los conciertos que llegaban a la Península, podéis haceros una idea de lo que fue para nosotros. ¡Por fin les íbamos a ver en directo e incluso a tocar! Eso era el karma. Llegó el día: Madrid. Con nervios, y después de despedirnos de nuestros dos hijos (su primera vez durmiendo fuera de casa y mi primera noche de fiesta desde hacía cuatro años), llegamos a la Sala Penélope. La verdad es que ver el concierto desde un lado, tener delante el orden de los temas y llevártelo, estar tan cerca y sin agobios, no tiene precio. Tampoco lo tiene el que allí dentro no te pierdas detalle de ésos que se te pasan

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cuando estás entre el público. Se rompe una cuerda, no aparece su caja, técnicos buscando con linternas, y entonces, Spike saca su ukelele e improvisa para hacer tiempo. Aun así, uno necesita salir un rato a bailar con los amigos. Y aunque digan que la sala no fue la idónea, que el grupo no estuvo al 100%, que faltase el ‘gordo’ y bla bla bla… fue perfecto. Es difícil la vinculación maternidad-lactancia-gira, así que yo me quedaría en Madrid y mi acompañante continuaría la aventura. Lo mejor estaba por llegar: Barcelona. Llegué al hotel a las cinco de la mañana. Madrugón, viaje resacoso, escuchando aventuras e historias del mundillo de boca de los promotores, y sabiendo que por esa

poder ver bien a los Old Man Markley, que estuvieron divertídisimos. Comencé a bailar tema tras tema. Descanso, empiezan los Me First y continúo en el palco viendo su entrada triunfal con ‘I’ll Survive’. Ya no podía parar de moverme. De repente, una voz dentro de mí dice: ‘Puedes entrar por esa puerta y bajar al escenario, nadie te lo va a impedir’. Y así lo hice. Pasé por la puerta enseñando mi pulsera roja y tras recorrer la sala, bajé por esas escaleras empinadas al escenario. Sin darme cuenta estaba detrás del batería viendo el concierto encima del escenario. ¡Fui el hombre más feliz del mundo! Se me caían las lágrimas. Al final, me mezclé con todos. Cervezas, conversaciones, fotos para la posteridad y

furgoneta y tapicería habían pasado muchos de mis ídolos. Llegamos al hotel. Ducha, descanso y directos a la sala Apolo. Verla vacía con el escenario montado y andar por ahí como uno más es impactante. Empieza el show. Me subo al palco para

viviendo un sueño. Más tarde acabaría en la fiesta de los Old Man Markley, viéndoles de nuevo en el Rocksound Bar. Gracias a HFMN y a RockZone por realizar el sorteo, a Farting Gramps por el trato, por hacernos sentir uno más y por su trabajo, y a todos los patrocinadores.

THE SETLIST FREDRIK LARZON / MILLENCOLIN Muchas veces no nos damos cuenta de lo importante que es para un grupo ese papel destrozado que vemos tirado en el escenario después de un concierto… En cambio, detrás de Él, aunque haya sangre, sudor y lÁgrimas, hay sobre todo años de diversión. Este mes tenemos a los míticos suecos Millencolin, quienes nos mandan su setlist actual para comentarlo. Texto: Iri (Adrenalized) FotoS: DR

¿Cómo elegís el orden de las canciones? ¿Lo hacéis entre todos? “Casi siempre, Mathias (guitarra) nos plantea un setlist que piensa que puede funcionar y en base a eso, miramos a ver si es necesario hacer cambios en el orden, o incluir algún tema que nos motive y se haya quedado fuera. Siempre intentamos tocar canciones de todos los discos, salvo en el último tour, que al ser el aniversario del Pennybridge Pioneers, lo tocamos íntegro y en el mismo orden. Era un poco raro que todo el mundo supiera lo que venía después, pero a la vez nos motivó mucho”. Muchas veces, cuando se saca un tema nuevo, se le da un nombre provisional que sólo el grupo sabe. ¿Soléis hacer esto? “(Risas) Pues sí, la verdad es que siempre ponemos un montón de nombres raros como ‘Sea-song’, ‘Plink-song’…”. Hay veces que utilizas ese nombre provisional durante tanto tiempo que al oír el nombre definitivo casi ni lo reconoces... ¿Te ha pasado alguna vez? “La verdad es que más de una vez hemos metido la pata en directo, sobre todo en los primeros conciertos tras salir del estudio. Lees el nombre y dices ’¿Y ésta cuál es?’”. ¿Os importa lo que el público 146

quiere oír? “Claro que nos importa. Siempre tratamos de ofrecer una mezcla de temas nuevos y antiguos. Aunque algunas canciones sean más populares como ‘No Cigar’, ‘Mr. Clean’, ‘Fox’… siempre tratamos de meter las que más molan de cada álbum”. ¿Qué canciones son las que más os piden en los conciertos? “Sobre todo las que te he comentado hace un momento. El público casi siempre pide canciones de Pennybridge Pioneers, como ‘Fox’, aunque también temas antiguos como ‘Mr. Clean’”. ¿Con cuál disfrutas más en vivo? “Es difícil de decir. Tocar temas clásicos motiva mucho porque la gente se vuelve loca en cuanto escucha las primeras notas. Por otro lado, siempre está bien tocar temas nuevos, porque aunque el público no los conozca tanto, tú no los has tocado un millón de veces”.

bomba a no motivar tanto, aunque a veces da pena quitarlos.

Muchos grupos hacen dibujos o cosas especiales en los sets. ¿Soléis usar algo así, o un aburrido diseño hecho con ordenador? “Pues siento decir que somos de los que los hacemos a ordenador… aunque a veces ponemos nombres graciosos”.

Nunca me ha gustado cuando una banda pequeña hace un bis, sobre todo si lo lleva preparado y nadie le pide un tema más. ¿Qué opináis, os mola hacer bises? “Pues la verdad es que mola hacer un bis cuando notas que la gente quiere que vuelvas al escenario. Es lo que te hace sentir que has dado un buen espectáculo”.

Hay temas que pasan de ser una

¿Cómo sabéis cuándo ha llegado el momento de jubilarlo? “Los quitamos cuando ninguno de nosotros quiere seguir tocándolo. Muchas veces, de forma natural, te das cuenta que puedes incluir temas mejores o que aporten más”.

DE GIRA

NORMA JEAN

21 DE ABRIL ESTRAPERLO CLUB (BADALONA) 22 DE ABRIL SALA PENÉLOPE (MADRID)

ara muchos seguidores del metalcore, Bless The Martyr And Kiss The Child, el debut de Norma Jean, es una de las piedras angulares del género. Pero la inestabilidad siempre ha acompañado al grupo de Georgia y de la formación que lo grabó sólo queda el guitarrista Chris John Day. Aun así, desde 2004, el vocalista Cory Brandan se ha mantenido a su lado tirando la banda adelante y grabando discos tan interesantes como Redeemer o Wrongdoers, su sexto trabajo que apareció el año pasado, con los que se han ganado el respeto que una vez les fue negado. Este mes los tendremos presentándolo por aquí junto a Liferuiner, Night Verses y Branson Hollis. Un día después de cancelar nuestra entrevista por una supuesta bronquitis, pudimos hablar con su sincero vocalista. ¿Cómo te fue con el doctor ayer? CORY BRANDAN “Fue muy raro. Fue muy raro porque llegué y el doctor

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me dijo ‘estás bien, no te pasa nada’. Y yo le dije ‘le juro que llevo días con una tos de muerte’ (Risas). Me recetó un medicamento igualmente, pero estoy bien, gracias”. En esta gira europea vais a dar 33 conciertos en 33 días, sin un día libre. ¿Te preparas de algún modo especial para afrontar algo así? “Estoy seguro de que lo pasaremos bien, pero da un poco de miedo. No tengo ningún truco. Sólo tenemos que asegurarnos que descansamos lo suficiente y que nadie enferma. Si te pones malo ya no puedes hacer nada, lo vas a arrastrar durante toda la gira. Por suerte, tendremos un autobús, así que podremos ir a descansar directamente después de los bolos”. El cantante siempre es el eslabón más débil del grupo… “Por ese motivo odio ser cantante (risas), porque mi instrumento soy yo mismo. Tienes que cuidarte más.

Muchas veces me voy a dormir pronto y los demás piensan que es porque soy un vago, pero en realidad me estoy cuidando. Hago lo que puedo”. De hecho, en Living Sacrifice eras guitarrista. ¿Lo echas de menos? “Sí, muchísimo. Desde pequeño siempre había querido ser guitarrista. Nunca me había interesado cantar. Pero cuando empecé a tocar en grupos con 13 ó 14 años yo era el único que podía hacerlo. Así que empecé y hasta que entré en Norma Jean siempre había cantado y tocado la guitarra. En todos los discos de Norma Jean he grabado también algunas guitarras, pero muy pocas veces en directo”. A pesar de que ya hace diez años que sustituiste a Josh Scogin en el grupo, para muchos fans sigues siendo el nuevo cantante. ¿Cómo te hace sentir eso? “Bueno, para mí cualquier fan de

Norma Jean es un buen fan. Me da igual si les gustaba más el primer trabajo que el resto. No voy a juzgar a nadie. Desde el principio intenté encontrar mi propio estilo y no imitar a nadie. Creo que musicalmente encajaba en la banda porque tenemos gustos parecidos. Ya he grabado cinco discos, éste es mi décimo año en el grupo, así que esto es Norma Jean”. En los tres últimos años habéis cambiado de guitarrista, bajista y batería. ¿Qué influencia crees que tuvo en Wrongdoers? “Intentamos ser lo más realistas posibles. Sabemos que perder a un miembro no es algo fácil porque tienes que construir la química a nivel personal y musical con alguien nuevo. Eso lleva tiempo porque tú estás acostumbrado a hacer las cosas a tu manera e intentas que quien entra se adapte a ello. Por esa razón hemos intentando no caer en eso y ser muy abiertos a la hora de aceptar lo que proponga el nuevo miembro. Intentamos evolucionar con cada cambio y ver a dónde nos lleva. No hicimos un gran anuncio sobre los cambios porque queríamos que el disco hablara por sí mismo. Sigue siendo Norma Jean aunque cada uno de nuestros álbumes sea distinto. Cuando terminamos uno, no sabemos cómo será el siguiente. Siempre intentamos experimentar en el estudio, es lo que nos mantiene vivos”. Os soléis definir como un grupo de la vieja escuela... ¿Qué es lo que más te disgusta de la nueva escuela? “Para mí sería fácil ponerme a rajar, pero no quiero ser un viejo cascarrabias. Hay muchos grupos nuevos que creo que son terribles, pero también recuerdo que Norma Jean fue como ellos. Se reían de nosotros, no teníamos buenas críticas, todo el mundo nos odiaba. Así que si algo no me gusta, simplemente no lo escucho, pero tampoco lo critico”. ¿Crees que todavía podéis llegar a nuevos fans? “Desde luego queremos tener nuevos fans. Queremos llegar a la gente joven. Siempre es algo positivo, pero no vamos a cambiar nuestra música y hacer lo que está de moda para conseguirlo. Supongo que de algún modo tendremos que adaptarnos con las redes sociales y esas cosas, pero al mismo tiempo, somos muy testarudos. Estamos satisfechos por dónde estamos, pero queremos sangre fresca”. (JORDI MEYA)

AGENDA ABRIL AMENRA 16 Erandio, 18 Madrid, 19 Barcelona ARCHITECTS 8 Barcelona, 9 Madrid, 10 Bilbao BEN POOLE 8 Zaragoza, 9 CÓrdoba, 10 Bilbao, 11 Ourense, 13 Madrid, 13 Monzón BLACK CADILLACS 3 Villava, 4 Barcelona, 5 Castellón de la Plana, 6 Orihuela, 8 Estepona, 9 CÁdiz, 10 Plasencia, 11 León, 12 Cangas dE Morrazo, 13 A Coruña, 14 LiÉrganes, 15 Madrid, 16 Llodio BLUES PILLS 5 Barcelona, 7 Murcia, 8 Madrid, 9 Erandio THE CASUALTIES 3 Madrid, 4 Gijón, 5 Vitoria, 7 CÁceres, 8 Murcia, 9 Valencia, 10 Badalona D-A-D 10 Barcelona, 11 Madrid DARE 10 Zaragoza, 11 Erandio, 12 Madrid FRANZ FERDINAND 5 Barcelona FREEDOM CALL 2 Gijón, 4 Zaragoza, 5 L’Hospitalet de Llobregat, 6 Madrid GAMMA RAY 3 Barcelona, 4 Madrid, 5 Villava GORGUTS 25 Madrid, 26 Murcia, 27 Barcelona H2O 15 Badalona, 16 Madrid, 17 MÁlaga, 19 Viveiro, 20 Oviedo HAKEN 10 Madrid, 11 Barcelona HEAVEN’S BASEMENT 23 Barcelona, 24 Madrid, 25 Bilbao HIRAX 25 Madrid, 27 Almeria, 28 Bilbao, 29 Badalona IN SOLITUDE 27 Madrid, 28 Barcelona JEREMY IRONS & THE RATGANG MALIBUS 3 Barcelona, 4 Madrid, 5 Santiago de Compostela, 6 León LORDS OF ALTAMONT 9 Barcelona, 10 Castellón de la Plana, 11 Zaragoza, 12 Madrid, 13 San SebastiÁn NEGURA BUNGET 26 Madrid, 27 Barcelona SASQUATCH 24 Barcelona SINISTER 11 Aldaia, 12 Irún SLEEPOMAKESWAVES 22 Barcelona, 23 Madrid STU LARSEN 22 Madrid, 23 Barcelona SOURVEIN 20 Barcelona TAKE OFFENSE 7 Basauri, 8 Oviedo, 10 Madrid, 11 Badalona TALCO 10 Logroño, 11 Vitoria, 12 Ayherre, 30 Badalona US RAILS 20 Aldea de San Miguel, 21 AvilÉs, 22 Zaragoza, 23 Cangas do Morrazo, 24 Bilbao, 25 Madrid, 26 Valencia, 27 Barcelona WE ARE SCIENTISTS 2 Madrid, 3 Barcelona, 4 Bilbao XENTRIX 12 AlmerÍa

ÚLTIMAS PREGUNTAS

TOBY MORSE (H20) El 15 de este mes arranca en el Estraperlo Club de Badalona una nueva edición del Vans Music Tour en el que H20 y Twenty Fighters se pasearán a lo largo y ancho de nuestra geografía. El vocalista Toby Morse accedió a responder a nuestro cuestionario durante un receso en la grabación del esperado séptimo álbum de la banda neoyorquina de hardcore. Texto: David Garcell Foto: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago? “Pues de hecho ahora mismo. Normalmente me voy a dormir a las diez de la noche, pero ayer tocamos y estuve despierto hasta la una de la madrugada. Y lo estoy notando… Disculpa si no estoy muy lúcido para la entrevista”. ¿La última vez que has visto un gran concierto?

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“¡Ayer por la noche! Gorilla Biscuits, Judge, Strife y Soul Search en el OC Fairgrounds. ¡Un show increíble!”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “También anoche. Me encantaría haber escrito cualquier tema de Gorilla Biscuits”. ¿La última vez que alguien te

dijo que estabas equivocado? “La gente me lo dice continuamente… De todos modos, decido ignorarlos el 90% del tiempo”. ¿La última vez que infringiste la ley? “Cada vez que me pongo al volante. ¡Me encanta conducir rápido!”. ¿Recuerdas la última vez que quisiste pegar a uno de tus

compañeros? “Probablemente sobre 2002…”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “La última vez que estuvimos de gira. Siempre me añoro cuando estoy lejos, pero eso es lo que hace que volver a casa sea bonito”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “El pasado sábado, después de estar grabando en el estudio. Fui al Crossroad, en Los Ángeles. ¡Es un gran restaurante vegano!”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “El otro día ayudé a una viejecita a llevar su carro de la compra. ¿Eso cuenta?”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Cada vez que entro en un Starbucks”. ¿La última vez que lloraste? “Posiblemente la semana pasada. Soy un llorón con los vídeos ñoños que la gente cuelga en Facebook. Siempre acabo con los ojos húmedos”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Cada día de mi vida”. ¿La última vez que te impresionó una película? “Me alucinó Argo. Estuve en tensión durante toda la película”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio? “Cuando aprendí cómo hacer una taza de café francés a la perfección”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Esta mañana cuando mi mujer se fue al trabajo”. ¿La última vez que pensaste que H2O eran el mejor grupo del mundo? “Nunca lo pienso, aunque tenemos días buenos en los que creo que estamos bastante cerca”.

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