RockZone 103 - 05/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Night Verses/Estraperlo © Carles Rodríguez

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EDITORIAL

Cada uno de los integrantes de Killer Be Killed podría haber aparecido en la portada de este mes con sus respectivas bandas. Tanto Soulfly, The Dillinger Escape Plan, Mastodon o The Mars Volta cuentan con suficientes avales para merecer esa distinción, pero tenerlos a los cuatro juntos ya es la leche. Desde el momento en que pudimos escuchar su debut, pusimos en marcha la maquinaria para poder charlar con ellos y descubrir los entresijos de tan insólita asociación, y nos hace muy felices poder compartir su historia con todos vosotros en un número de lo más cargado en el que también aparecen bandazas como Down, Pixies, The Menzingers, OFF! o The Afghan Whigs. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 103

9 / INTERFERENCIAS

28 / DOWN

40 / THE MENZINGERS

62 / ESPECIAL FOTO: H2O

102 / MISS MAY I

44 / DINERO

66 / THE AFGHAN WHIGS

108 / Off!

32 / HELLYEAH

38 / PORCO BRAVO

48 / KILLER BE KILLED

56 / PIXIES

72 / DISCO DEL MES

114/ PILGRIM

74 / CRÍTICAS

116 / THE COUP

SUMARIO

nº 103

120 / UZZHUAïA

126 / TOMBS

132 / DESAKATO

134 / HEART

140 / EN DIRECTO

156 / EL SETLIST

158 / DE GIRA + AGENDA

160 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Xavier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Francesc Feliu, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_PRIMAVERA SOUND 2014 QUEENS OF THE STONE AGE, NINE INCH NAILS, ARCADE FIRE Y PIXIES SON LOS PLATOS FUERTES DE LA NUEVA EDICIÓN DEL FESTIVAL PRIMAVERA SOUND, EN LA QUE TOUCHÉ AMORÉ Y DEAFHEAVEN VISITARÁN NUESTRO STAND PARA UNA SESIÓN DE FIRMAS.

l Parc del Fòrum de Barcelona volverá a ser escenario durante del 29 al 31 de mayo de uno de los festivales europeos más reputados y exitosos. Si en su pasada edición el Primavera Sound se despedía confirmando a los ansiados Neutral Milk Hotel como el primer nombre del cartel para 2014, todos los que han llegado después casi han hecho que nos olvidásemos de la banda de Jeff Magnum. Como siempre, el line-up del evento marea de sólo verlo por cantidad y variedad, pero reconocemos que este año hay varios grupos con los que sintonizamos especialmente. Para empezar, dos pesos pesados como Queens Of The Stone Age y Nine Inch Nails, que presentarán por primera vez en nuestro país sus últimos discos …Like Clockwork y Hesitation Marks. La visita de Trent Reznor y sus renovados secuaces es especialmente esperada teniendo en cuenta que no han actuado en la capital catalana desde hace siete años. Que ambos figuren como cabezas de cartel garantiza además que podrán desplegar sus shows al completo. También nos tienen muy excitados las apariciones de los californianos Touché Amoré y los noruegos Kvelertak, hasta

ahora inéditos en nuestros escenarios, con dos álbumes tan buenos como Is Survived By y Meir bajo el brazo. Al igual que los blackgazers Deafheaven, que lo harán con su magistral Sunbather. Entre nuestras recomendaciones también se encuentran bandas como Arcade Fire, Pixies, Slowdive, Mogwai, Superchunck, Slint, Television (tocando su célebre Marquee Moon), Jesu, Wolfs Eyes, The Dismemeberment Plan, Ty Segal, Haim, Clouds Nothing, The War On Drugs, St. Vincent o el maestro Dr. John. Pero como es habitual, la actividad del Primavera no se limita a un solo espacio, y así, desde el mismo lunes 26 de mayo en espacios como Apolo, el Teatre Principal o la sala Barts, habrá conciertos de artistas como Antibalas, The Ex, The Brian Jonestown Massacre o No More Lies. Como veis, la oferta es tan extensa que lo mejor es bajarse la aplicación del festival en tu móvil y organizarte bien la agenda. Ah, y no olvidéis pasar por nuestro stand, donde el jueves tendremos a Touché Amoré y el viernes a Deafheaven firmando discos, y alguna que otra sorpresa más. Pronto más información a través de nuestras redes sociales. ¡Que tengáis una feliz primavera!

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ ¿ESTAMOS DE BROMA?

C/DC sin Malcolm Young? ¿De verdad? ¿En serio? El pasado 17 de abril y después de dos días de intensos rumores sobre su posible disolución, la banda australiana emitía un comunicado en el que confirmaban que, efectivamente, su guitarrista y miembro fundador Malcolm Young padece un grave problema de salud que le obliga a retirarse temporalmente del grupo, pero que AC/DC seguirán haciendo música. Si la primera parte de la noticia es muy desgraciada y triste (se habla que como consecuencia de un coágulo cerebral Young no recordaba cómo tocar la guitarra en el último ensayo del grupo), la segunda parte es directamente indignante. Podría ser que haya sido el propio Malcolm quien haya insistido para que la banda siga su curso a las puertas de su 40 aniversario, para el que presuntamente lanzarían un nuevo álbum y se embarcarían en una gira mundial, pero ¿no debería tenerse en cuenta también la opinión de sus millones de fans? Al menos todos con los que yo he hablado prefieren no ver nunca más a AC/DC que verlos sin él, porque aunque el icono del grupo sea Angus y su uniforme escolar, todos sabemos que la esencia de la formación reside en el nervio y las manos de Malcolm. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@Agustingt21 @RockZone @ResurrectionESP ¡¡Si me ofreciesen montarme un trío sexual ideal, sería con vosotros!! #RockZoneResurrection4Life @MarggotJ @RockZone ¡Estáis dando un giro de 180 grados a la cultura musical de este país! :) @ignaciooooos Envidia insana leer la crónica de @weezermij del Weezer Cruise 2014 en @RockZone. @jonibaur Por fin estoy al día con la @RockZone. Leyendo el artículo del Weezer Cruise. ¡¡Menudo puntazo!! #pinkertonforever @Carlos_suitup Echando un vistazo a lo mejor de 2013 de @RockZone para ver si podía rescatar algún disco me he dado cuenta que fue un año muuuuy flojo. @rachel_damonen Hola, disculpen, ¿qué está pasando con vuestra revista que no llega a los quioscos de Madrid? Me gustaría saberlo. Gracias. @xavierpenya Un dato friki: @fitazero acaban de publicar una versión de Deftones en acústico y en mallorquín… y mola. http://fitazero.bandcamp.com/track

¡Hola chicos! ¡Os envío una foto del mejor cumpleaños de mi vida! Concierto y foto con los Biffy Clyro en Madrid. :) #MonTheBiff (ADRIANA MUTIS)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Estando de gira puedes comer tan mal como te propongas. Hay varios modelos de alimentación en la carretera, y la verdad, la mayoría son nefastos. Ahora, lo que más me choca es las pocas ganas que tienen algunos de probar bocado de algo suculento o sencillamente local. Parece que hasta tengan ganas de volver con una úlcera a casa. Por ejemplo, la fascinación que tienen con los kebabs algunas gentes. ¡Anda ya con la pata de elefante rodante! ¡No me jodas! Esa mierda cargada de glutamato ni siquiera es carne. ¡Si hasta parece que esté en descomposición! Para remediarlo, el Burger King, cómo no. Y el día de sentirse espléndido, al chino. Vaya hombre... te paras en un buen local de carretera de la provincia de León, ¡¿y no pruebas la dulce panceta?! ¡¿En Valencia un arrocito con conejo?! ¡¿En Málaga unas sardinas?! ¡¿Y en Cumbres Mayores un buen jamón?! ¡Ya está bien de querer parecer americanos en la imagen, la jerga y la comida! ¿Qué coño es eso de ‘Hey man’? Se dice ‘¡Qué pasa, tronco!’. ¿Qué coño tanta Nike? ¡Aquí se viste J’hayber! ¡Y que le den ya al McDonald’s! ¡Hasta que no sirvan McBocata de Salchichón, ni agua! Del cine nacional, prefiero no hablar. (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra BONESTORM

INHOSPIT

CRU

Demo 2013

Sacrifice 666

Trinxem-ho Tot!

(AUTOEDITADO)

(CRU RECORDS)

Es complicado encontrar información sobre esta banda, y a eso súmenle el sinfín de grupos que responden al nombre de Bonestorm que puede hallar uno tras un fugaz paseo por la red… Precisamente por ello, de este combo nacional sólo sé que me han volado las pelotas. Desde las Islas Canarias, estos gamberros marrulleros estallan en esta demo cojonuda de siete cortes incrustados en 9 putos minutos. Acople de la hostia como intro, un poco de batería para poner en situación, mucha rabia, y venga, a jodernos la vida con hardcore punk y powerviolence rematadamente iracundo. ‘Slammed Head’, ‘Kings Of Decadence’, la brevísima ‘In Ruins’, la celebrable ‘Jailed’… Si es que no hay que ponerle mucha imaginación para que esta peña te fastidie el día. ‘Dead Men’ es otro ampli reventando, furia lenta, pero claro, en algún momento tiene que desparramarse para terminar en una ‘The Biter Beast’ casi de vocación hímnica, donde no faltan unas buenas gang vocals. Es una demo, pero para mí tiene el sonido perfecto para una propuesta de estas características. Lo pasaréis en grande con este descubrimiento, atajo de cabrones. Ni imaginar quiero la que pueden liar en directo…

Dark metal es lo que ofrece desde Barcelona esta banda que se hace llamar Inhospit. A través de esta maqueta de tres temas y un outro en forma de ‘The End’, estos catalanes se muestran influenciados por bandas como Atrocity, aportando riffs robustos muy death metal y alejados de grandes alardes de virtuosismo, donde destaca una voz que podría recordar al gran Abbath de Immortal (‘Sacrifice 666’) si se le diera un punto más de gargajo y guarrería. Destaca el dominio que tienen del teclado en las introducciones de sus canciones, muy presente en temas como ‘Dark Blood In My Veins’ y el corte que cierra esta breve toma de contacto. Inhospit muestran varios claroscuros en su propuesta, pues si como decíamos cabe recalcar la facilidad que tienen para recrear atrayentes atmósferas oscuras y victorianas, también pecan de ciertos aspectos que deberían mejorar… Por ejemplo, ese inglés es evidente que no funciona. O todo en catalán, como en ‘Crits D’Infant’, quizá su canción más redonda, o una mejora más que notable de su pronuncia. El resto es resultón, aunque también habría que ponerle un poco más de imaginación a esos textos. Veamos cómo se las apañan en sus próximas aventuras.

Los chicos de CRU se están sabiendo mover muy bien por el circuito de salas y bandas alternativas de Catalunya. Su notable dominio de las redes sociales, su apuesta por regalar su último álbum desde su web, están haciendo que su nombre te suene a poco que tengas algo de inquietud por el underground antifascista de este país. Si la portada de Trinxem-ho Tot! podría remitir al nu metal o al crossover más aguerrido de bastiones como Soziedad Alkoholika o KOP, lo suyo en realidad tira mucho más hacia el hardcore melódico de estribillo coreable, aunque sin renunciar a algunas voces algo más agresivas. La verdad es que, desde mi punto de vista, cuando reparten más violencia, casos de ‘Troika’, ‘És L’Hora’ o el cañonazo ‘No Passaran’, ganan enteros. Si tuviera que crear algún puente entre ellos y algún combo algo más conocido, quizá les emparentaría con la vertiente menos oi! de Inadaptats. Consignas certeras de máxima actualidad mil veces gritadas en cualquier mani, el mismo enfado de siempre pero escupido con savia nueva. Te lo dejan aquí, bien bonito para que te lo descargues sin dificultades. CRU, como la clase obrera, merecen una oportunidad para salir de esta estafa llamada crisis.

bonestormtf.bandcamp.com

www.facebook.com/inhospit.work

www.trinxemhotot.cat

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_INNER XPOSE “No queremos cerrarnos sólo a un estilo, Con el siguiente material queremos sorprender” SEBASTIAN SENDON

FORMACIÓN: William UJ (voz, teclados), Sebastian Sendon (guitarra, programación), David Rilo (bajo), Vicenç Medina (batería) PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Periphery, Textures, Monuments PRESENTAN: Panoramic Horizon (autoeditado)

INNER XPOSE

unque todavía embrionaria, la escena djent nacional tuvo el año pasado una de sus mejores cartas de presentación con el EP de debut de Inner Xpose. El cuarteto de Barcelona exponía a lo largo de seis canciones un montón de ideas surgidas de la mente del uruguayo Sebastian Sendon, su guitarrista, programador y productor. Como tantas bandas djent, Inner Xpose empezó hace tres años siendo también un proyecto unipersonal. “Conozco varios casos así, pero no sé por qué es”, explica Sebastian sobre esta peculiaridad de la escena. “En mi caso siempre he compuesto en casa, no he tocado en muchas bandas. Me gusta tocar solo, me gusta investigar. Yo no sé componer con más gente en un local, lo tengo todo muy claro en mi cabeza. Yo me pongo a tocar porque me divierte y cuando hay algo que me gusta, lo grabo. Y luego van evolucionando las cosas, creándolo todo muy meticulosamente. Todo eso facilita después el trabajo en el local porque pueden aportar sus toques personales o influencias sobre lo que ya está hecho. Quizá al ser un estilo más técnico provoca que una persona que

tenga los conocimientos pueda crearlo todo en su casa”. Pero aunque tenía muy claro cómo quería que sonaran sus canciones, no dudó en buscar a otra gente para que Inner Xpose se convirtiera en una banda de verdad. “Esto empezó hace mucho tiempo y fue evolucionando dentro de los gustos musicales de todos. Al principio era un reflejo de los míos, pero luego se fue complementando bastante con los de los demás”. Por encima de una gran capacidad técnica, Sebastian buscaba gente con inventiva. “Tenía claro que quería gente que supiera tocar varios instrumentos. Will por ejemplo toca la guitarra, el bajo, la batería, sabe cantar, sabe grabar… yo busco eso, alguien polivalente y creativo”. Sebastian, que empezó tocando la batería con unos botes de pintura en el garaje de su casa cuando tenía 13 años, reconoce que su primer amor musical fue el punk rock de Green Day y el grunge antes de llegar al metal. “Lo primero de metal más duro y técnico que escuché fue Pantera. Luego escuché Slipknot, que me quedé flipando y no lo acababa de digerir (risas). Después Mudvayne, Machine Head, pero

no tenía nivel técnico para tocarlo. A nivel de progresivo ya fue aquí en Barcelona, hará unos tres, cuatro años. Descubrí a Periphery y me encantó. Luego Vildhjarta, Intervals, Cloudkicker… Cuando compuse el primer tema en 2011 fue porque venía escuchando tantas bandas que fue un montón de material inspirador. Cogí eso y lo mezclé con cosas que me gustaban más simples”. Y es que a pesar de lo que pueda parecer para el oyente, el guitarrista asegura que a nivel técnico la música de Inner Xpose, que abarca desde la fuerza de ‘Age Of The Universe’ a las atmósferas de ‘Essence’, no es excesivamente compleja. “Yo creo que los temas son bastante simples, no hay un nivel de complicación súper avanzado, simplemente aplicamos antes la creatividad y el buen gusto, más que la técnica. Obviamente, desde que me tomé el proyecto en serio, el tiempo de dedicación a los temas es mucho mayor. Yo soy muy impaciente y antes me urgía acabar la canción, quería terminarla en un día. Ahora hay temas que igual se han hecho durante cuatro meses. Por ejemplo ‘Essence’ se arrastró durante cinco o seis meses, pero no porque cueste tocarlo, sino por una cuestión de creatividad”. Quizá por ello no sorprende que Sebastian concluya que, aunque se les etiquete como djent, para ellos esto sea sólo un punto de partida y que en el futuro Inner Xpose puedan mutar hacia otra cosa. “No queremos cerrarnos sólo a un estilo. Con el siguiente material queremos sorprender. Si te soy sincero, me cansan bastante las voces guturales y en el siguiente disco lo metería todo melódico. Nos gustan las guitarras distorsionadas, las melodías, la electrónica, y nos gusta ver qué sale de todo eso”.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

VV. AA. Sombras (MUNSTER)

o deja de sorpren-

de entender como una casualidad. Eduardo Benavente fue la

der la cantidad

cabeza visible de todo ese movimiento, y sólo su prematura

de música que sa-

muerte nos privó de saber hasta dónde hubiese llegado su

lió de este bendito país justo

talento y evolución como músico. A partir de ahí nos encon-

cuando la democracia andaba en pañales, y que iba más allá

tramos un vasto muestrario de lo que fue toda esa escena.

de la Movida, el rock urbano, el heavy o el punk, que eran los

Desde encontrarnos con nombres de calado popular, caso

estilos con más aceptación mediática o popular. Sombras es

de Derribos Arias, Alphaville o los ya míticos Décima Víctima,

un faraónico trabajo, maravillosamente presentado, realizado

quizás el grupo que mejor definía lo que podemos entender

por Paul Hurtado de Mendoza y Pablo Siniestro, en el cual han

como post punk, a bandas procedentes de gran parte de la

recopilado 42 canciones de lo que podemos denominar post

Península u otras que utilizaban ese post punk para abrirse a

punk patrio. Pese a lo complicado que era encontrar aquellos

otros estilos como Los Coyotes con el rockabilly, Aviador Dro

discos a principios de los 80, y la poca información que de

con su tecno pop primigenio o los inclasificables Desechables.

ellos se tenía, nombres como los de Bauhaus, Killing Joke o

Un amplio paraguas estilístico pero con su nexo de unión y

Joy Division estaban dejando su poso en una serie de músicos

que aunque nos trae algún momento irregular –sería de ilusos

inquietos que querían ir más allá de aquella movida madrile-

esperar 42 canciones redondas-, deja con la impresión de ser

ña. Que el álbum se abra con Paralisis Permanente y ‘El Jardín’

el trabajo definitivo e imposible de mejorar sobre aquel estilo

-última grabación de Alaska Y los Pegamodides- no se debe

y aquellos días.

Manual Para Sobrevivir En Este Mundo De Mierda Laura Sánchez, Alfonso Román (FAST BOOKS)

ale, puede que el título

so Román han dado en el clavo entregando una de las mejores

esté hecho para lla-

obras de la temporada. Dividido en diferentes bloques temáticos

mar la atención, pero

–pareja o estilo de vida serían dos de ellos-, nos llevan en muchos

una vez devoradas las 120 pági-

momentos, después de la sonrisa o carcajada inicial, a más de

nas con la que nos obsequia este

una reflexión en profundidad sobre nuestro quehacer diario. ¿O es

artefacto, a medio camino entre

que acaso nadie ha tenido que hacer más de un suspiro de des-

el ensayo y la ficción más realis-

ahogo a la hora de enfrentarse a la familia política, a esos amigos

ta y sazonado con el sentido del

de compromiso que no los puedes enviar a freír espárragos o

humor y la ironía que demanda la

tener que dedicar más tiempo del necesario a las malditas redes

publicación, es difícil pensar en un título que venga más a cuento.

sociales? Tres de los muchos ejemplos cotidianos que nos pone

Porque así es, éste igual es un mundo de mierda, pero todavía nos

encima de la mesa un libro que puede que se quede como un

lo podemos tomar a cachondeo si somos capaces de reírnos de

simple fenómeno underground o que acabe llegando a un público

nosotros, nuestras debilidades y nuestras circunstancias. Artífices

masivo... aunque sabiendo que el reírnos de nosotros mismos no

del blog de culto New Musical Estréss, Laura Sánchez y Alfon-

es uno de los deportes nacionales, no lo va a tener fácil.

CROQUETA Y EMPANADILLA Ana Oncina (LA CÚPULA)

UNIVERSO MARVEL: UN MES DE VIDA VV. AA. (PANINI)

ROCKMEDIA PRESENTS... WOLF TALES Darel, Denis e Ivan Roca (DIBBUKS)

Debut en el mundo del cómic de la ilustradora alicantina Ana Oncina. Todo son risas al principio de una relación, hasta que las cosas se van al traste. Croqueta Y Empanadilla es una divertidísma sitcom con personajes estilo kawaii que incide con su humor blanco en todo lo bonito que tiene la vida con la persona que quieres. Y eso es genial porque, realmente, son ésos los recuerdos que quedan. Que sea un tebeo autobiográfico tiene también el puntillo mirón que tan bien le sienta a este tipo de trabajos. SG

1984

George Orwel y East Pres (HERDER)

Sorprende encontrar un relato que, con tantos autores metiendo mano, mantenga el tipo y no rehuya en su planteamiento y resolución a mirar de frente a problemas sociales que acucian a la sociedad. Un héroe anónimo descubre que posee superpoderes al tiempo que constata que sólo le quedan 30 días de vida. Sus interacciones con varios personajes Marvel y decisiones finales son los puntos en los que hay que incidir a la hora de valorar de forma muy positiva este trabajo. SG

Ivan juega con sus hijos de una forma muy especial: les ayuda a dar forma a su mundo de fantasía en cómics que luego hacen las delicias de los lectores en multitud de eventos en Catalunya. Denis y Darel cuentan historias de fantasía pensando como niños, e Ivan se encarga luego de darle empaque y ofrecerlo al respetable. Al igual que Los Señores Formas, estos cuentos son una muestra genial de cómo hacer crecer y aprender a la vez que disfrutas de tus canijos. Pedidos a rockmedia.es. SG

TRANSFORMERS UK Nº 1

KEN GAMES 0/ Louviers

VV. AA.

(PLANETA DE AGOSTINI)

Robledo y Toledano (DIÁBOLO)

La nueva entrega de mangas filosóficos de Herder corresponde a una de las distopías por excelencia de la literatura del siglo XX. Todos nos imaginamos cómo podrían ser Winston, Julia y O´Brien, así que nunca lloverá a gusto de todos. Pese a ello, la estética, deudora del imaginario estalinista, así como la fidelidad con la que se lleva al manga lo narrado en la novela, lo colocan como uno de los mejores títulos de la línea. A ver cuándo leemos una versión de 1984 que se asemeje más al terror capitalista actual. SG

Inédita en nuestro país, la continuidad británica de la serie de cómics de Transformers se mantiene en una bruma que la coloca entre las series mitificadas por los coleccionistas. Realizadas durante más de siete años, las aventuras no se solapaban con la continuidad de Marvel, salvo cuando era necesario hacer los ajustes pertinentes. Este tomo recopila con un buen nivel de reproducción las primeras aventuras UK y sus 300 páginas son obligadas para los que vivieron en los 80 y disfrutaron con estos juguetes. SG

Cuarta entrega de la serie Ken Games, creada por Marcial Toledano y José Robledo, que se centra en el pasado del personaje de Louviers, creando así una precuela de los sucesos acontecidos en las tres entregas previas. Funciona muy bien como historia independiente si no se conoce a los personajes (e invita a entrar en el universo de estos asesinos a sueldo), y para quien ya disfrutó de los episodios previos es un buen plato con el que completar la saga. SG 17

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA BIFFF 2014 - FANTASÍA EN BRUSELAS

esidir en Bruselas mola, entre otras cosas, para tomar contacto con uno de los festivales de cine fantástico más legendarios de Europa. En su trigésimo segunda edición, el Brussels International Fantastic Film Festival, conocido como BIFFF, me ha ofrecido sus butacas por primera vez, eso sí, durante unas pocas horas, ya que la aclimatación a la ciudad y los asuntos pendientes no me han permitido una cobertura total. Con todo, hemos sacado tiempo de la chistera para poder ver tres de las películas más esperadas por los aficionados para esta temporada. El certamen echó a andar con lo nuevo de Hammer Films, recordemos que la vieja productora volvió por todo lo alto (más o menos) con La Mujer De Negro hace un par de años. Ahora era el turno de The Quiet Ones, a la que asistimos un poco más escépticos, puesto que tras un segundo visionado de la anterior, ya sin la ceguera del entusiasmo, comprobamos que perdía fuelle por momentos. Y no es una buena película esta The Quiet Ones. La ambientación, mucho más festiva y menos oscura y solemne que la de La Mujer De Negro, funciona de maravilla durante sus primeros minutos: jóvenes estudiantes de parapsicología en plena ebullición hormonal y setentera, un profesor bastante oscuro y la misión de crear un poltergueist con una paciente suicida que no parece tener la cabeza muy bien amueblada. Pero toda esa festividad se diluye rápidamente, primero por la cargante ambientación musical, que abusa del ‘Cum On Feel The Noize’ de Slade de manera imprudente y, sobre todo, por el recurso del susto fácil y gratuito, muy tramposo durante toda la película y, más molesto aún, inexplicablemente fuera de campo la mayor parte de las ocasiones. Puede que a Hammer no le interese una forma narrativa tan agotada como el found footage, pero al no querer jugar en esa liga se convierte en un equipo de mitad de la tabla para abajo, que no se distingue de Sinister o del segundo Insidious, eso sí, sin la potencia para el suspense que tan bien maneja James Wan. Otra oportunidad perdida para la emblemática 18

compañía. A ver cuántas quedan... La otra película que esperaba con ganas era lo nuevo de Alexandre Bustillo y Julián Maury, los creadores de uno de los títulos más salvajes y acertados de aquella nueva ola granguiñolesca francesa de mediados de la década pasada, À L’Intérieur. Después de la fría acogida (merecida por hortera) de Livid, los directores estaban obligados a poner toda la carne en el asador con Aux Yex Des Vivants, pero se quedan a medias. Es tan grande su empeño por desviarse del camino establecido durante la primera parte de la película, sin duda la mejor, que al final la película se queda en un simpático film de género algo cobarde y mucho menos sangriento de lo que debería, rozando el ridículo voluntario durante su desenlace, loco como pocos, pero errando el disparo finalmente. Lo que iba a ser un cruce entre el cine juvenil de aventuras y el horror extremo se queda finalmente en un simpático mix multireferencial bastante hueco. Afortunadamente, estaba la gran apuesta del festival para salvarnos la vida: The Raid 2, de Gareth Evans, o la mejor película de acción de este siglo. Más grande, más violenta y con un salvajismo que su director ya dejó ver en su inolvidable segmento de V/H/S/2, la secuela de su sorprendente aventura policial son dos horas y media de adrenalina, sangre y sienes desencajadas. Más de una docena de set pieces adornan un desfase agotador, hermoso y lleno de traiciones familiares y poderes interesados de por medio, precio más que justo para llegar al clímax de la autopista de la gran hostia. Una obra maestra imbatible.

TOI’S IN THE ATTIC DEMASIADO NUNCA ES MEJOR

esde que esto del rock empezó a ocupar un lugar prioritario en mi vida, siempre he procurado mantenerme cercana a la actualidad musical a través de prensa, foros, y ahora gracias a la cantidad de plataformas digitales. A lo largo de estos años he podido disfrutar diversos movimientos como la escena de Seattle (soy una abuela, qué pasa), la aparición del stoner o la explosión del punk rock escandinavo, y he visto el auge y caída de otros estilos. Sin embargo, desde hace tiempo, y curiosamente en una época en la que estoy vinculada de forma activa a RockZone, me invade cierta sensación de frustración al ver que soy incapaz de abarcarlo todo. La avalancha de lanzamientos discográficos, la aparición de nuevas bandas, y las reuniones de otras que sí que fueron muy importantes en el pasado, me abruman. Y en algunos momentos no sé ni por dónde empezar. Si a esto sumamos que sigo dejándome los cuartos en discos, conciertos y merchandising, os podéis imaginar que esto

es un jodido drama (y una ruina). Veo a gente capaz de afrontar este bombardeo, que escucha ocho novedades por semana y que va a muchos más conciertos que yo. Y entonces me surgen muchas preguntas: ¿Asimilan y retienen todo lo que escuchan? ¿Saborean los discos? ¿Profundizan en las bandas? ¿Cómo coño llegan a fin de mes y de dónde sacan tiempo? Todavía recuerdo lo que me costaba comprarme un CD de Alice In Chains, la intensidad con la que abordaba un nuevo disco escuchándolo hasta la saciedad, devorando el libreto con ese olor tan especial, y aprendiéndome cada estrofa de memoria. Ahora mismo apenas recuerdo los títulos de las canciones, aunque sigo enganchándome a los discos. No escucho música para competir, ni para ser una base de datos, sino para disfrutar y emocionarme. Así que si alguien descubre que no tengo ni idea de de qué rollo van Triptykon, espero que nadie lo tenga en cuenta, pero es que paso de ir de puto culo. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE LOST

on la perspectiva del tiempo, las reflexiones se matizan, se calibran bajo otros puntos de opinión. En esta época de ‘gloriosas’ series que nos han querido vender -¿Acaso Yo Claudio o las series británicas, en general, han minimizado el nivel de calidad a lo largo de las décadas?-, Lost supuso el mayor acontecimiento catódico. Poco a poco va relegándose en el Leteo. Ese penúltimo capítulo sugiriendo una fallida metáfora de Caín y Abel, el no saber cómo terminar el círculo con un final que daba para dos temporadas, hizo que los creyentes se sintieran estafados, engañados en un subterfugio simplista de los guionistas. Es cierto, el contrato de ficción se pasó por el arco del triunfo. Suele suceder en series de largo recorrido: la demanda del público alarga hasta la saciedad, casi el infinito, tramas secundarias e innecesarias. ¿Conclusión? Terminan remando sin alcanzar la orilla. No por ello debemos desprestigiar la globalidad de la serie que a tantos telespectadores mantuvo inquietos. La ingente cantidad de capítulos de la ínclita isla nos dio a partes desiguales ambrosia y barro. Si pienso con detenimiento en mis predilecciones, me quedo con dos temporadas: la primera, ese inicio catastrofista, el misterio del naufragio con reminiscencias al triángulo de las Bermudas, y la tercera. Aunque las demás me defraudaran en mayor o menor medida, siempre había algún capítulo que emocionaba. Curiosamente, hace poco tuve la oportunidad de hablar con Randall Poster, conocido principalmente por su labor de asistente musical en las películas de Wes Anderson. Mi perplejidad fue absoluta cuando no quiso responder nada de Lost (participó en la tercera temporada). ¿Acaso el anatema de un mal final borra de un plomazo la validez de ciertos instantes sublimes? Es imposible ser sublime sin excepción, como anhelaba Baudelaire. No sé, pero yo echo de menos ver pasar por mis retinas la palabra ‘Lost’ acompañada de una ominosa sonoridad. Igual que echo de menos a Desmond. Nos veremos en otra vida, colega. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_THE HUMAN BEAST DISCO BÁSICO: Volume One (1969) FORMACIÓN:

Gillies Buchan (guitarra, voz), Ed Jones (bajo, voz), John Ramsay (batería)

AFINES A: The Doors, The 13th Floor Elevators, Cream, The Jimi Hendrix Experience

oy consciente de que esta vez hemos arriesgado de verdad, porque con este power trio de Edimburgo no estamos hablando de una banda de culto, sino de un grupo sólo controlado por los grandes seguidores y conocedores del hard primigenio y la psicodelia, y apuesto a que muchos de ellos ni siquiera conocen su existencia. Su historia fue corta y curiosa, y su disco Volume One, editado en 1969, una joyita que debería ser descubierta por todos los amantes de Jimi Hendrix, The 13th Floor Elevators o los mismos Doors. La lisérgica guitarra de Gillies Buchan es la gran protagonista. El tipo, un manitas que se construyó sus propios instrumentos, sus pedaleras e hizo diversas modificaciones en sus amplis, recuerda las sesiones de grabación de aquel álbum como un auténtico fiasco: “Condujimos desde Edimburgo hasta Londres en una pequeña furgoneta en pleno diciembre que nos dejó tirados. Decca, nuestra discográfica, sólo nos pagó doce horas de estudio, el técnico que había allí no había trabajado nunca con grupos de rock, se había dedicado a sonorizar el Festival

de Eurovisión, y para colmo, cuando llegamos, nuestro batería se dio cuenta de que se había olvidado los platos en nuestro local. Tuvo que grabar sólo con el charles y con un plato destrozado que había por allí, un desastre total”. Tuvo que ser un alucine ver la cara del técnico cuando Buchan puso el fuzz a tope y atacó un tema como ‘Mystic Man’, una monstruosidad de mastodóntico hard tripero que te deja con un palmo de narices. El trío asimiló sus influencias para parir algo absolutamente genial y atemporal. Si los monstruos que reinaron en los 60 como Cream, Hendrix o Yardbirds eran la base de su estilo y las influencias más claras de su guitarrista y compositor, el blues era la biblia de Ed Jones, el bajista de pelo ensortijado que también tenía una importancia capital en el mareante y psicótico sonido del grupo. Hacedme caso, si sois de los que les gusta la arqueología musical, investigad sobre este trío de losers escoceses, porque fueron los responsables de un enorme disco de rock´n´roll psicodélico que se ha perdido en la noche de los tiempos. (ANDRÉS MARTÍNEZ)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame personal es Nothing’s Shocking de Jane’s Addiction. Aunque crecí siendo un metalhead, poco a poco me fui metiendo en el punk. Cuando compré Rock For Light de Bad Brains y escuché ‘Rally ‘Round Jah Throne’ y ‘The Meek

TRIPTYKON MELANA CHASMATA

Shall Inherit The Earth’, me di cuenta de que no había barreras en la música, fue una revolución, y me metí en todo aquello sin hacer ni caso a lo que tenía que molar o no. Puede que cueste recordarlo ahora, pero antes del bing bang que supuso la Nevermind-MTV-Alternative Nation, muchos de los que estábamos insatisfechos con la música con la que nos estaban bombardeando nos lanzamos a la radio universitaria para escuchar algo underground. Gracias a eso pude escuchar un montón de música alucinante como

Sonic Youth, The Minutemen, Tad, Black Flag, Rollins Band, Butthole Surfers, Urge Overkill, Pussy Galore o Meat Puppets. Ésas fueron las bandas que ayudaron a dar un giro sísmico a esa cultura musical, que se fue haciendo más grande y que escogió a Nirvana para llevar el peso. Durante ese tiempo, uno de los álbumes que ayudaron a desarrollar mi nueva actitud fue Nothing’s Shocking de Jane’s Addiction. Era heavy, pero lo suficientemente diferente para que pudieran actuar tanto en shows de metal como undergrounds. Su vídeo de ‘Mountain Song’ se consideró como un rara avis, e incluso se veía como Perry Farrell y Dave Navarro se daban un beso, algo que no era fácil que pasara desapercibido para los rígidos censores. Los componen-

tes del grupo llevaban largos dreadlocks, lo que les daba un look de outsiders suficiente para tener a los rockeros de su parte, pero no lo suficientemente machista para asustar las chicas. Y ésa es la parte de la que nunca nadie habla: las chicas. A pesar de esos vídeos de Poison y Mötley Crüe llenos de ellas, cuando se trataba de rock y metal aquello era una verdadera fiesta de salchichas. Quizás la razón de que el metal continuara siendo heavy y furioso era debido a que ver chicas era tan raro como ver un unicornio. Cuando Jane’s llegaron con su personal manera de ver el metal y se dieron cuenta que en los shows había el mismo número de chicos y chicas, a los tíos no les quedó otra que cruzar la línea. Nos vemos, DANKO JONES

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INTERFERENCIAS

CONCURSOS

El próximo miércoles 25 de junio, la sala Apolo de Barcelona pondrá a prueba sus cimientos con la descarga de los poderosos THE DILLINGER ESCAPE PLAN. Por cortesía de la promotora Madness Live! contamos con 3 entradas individuales a sortear entre quienes nos digan el nombre del cantante que les entrevistó cuando fueron portada de RockZone.

Si te gustan Kataklysm y el Sonido Göteborg, RIOT OF VIOLENCE son tu banda. Los death metaleros catalanes se encuentran promocionando su nuevo álbum y han decidido sortear entre vosotros 5 packs de camiseta, pegata y sus dos discos en CD, Waiting For Death y el reciente Planet Of The Rapes, entre quienes respondan correctamente a esta pregunta: ¿Cómo se llama el productor de su última obra?

Un mes más tenemos un par de gafas modelo Slickster cortesía de ARNETTE para que las luzcas ahora que brilla el sol. Para conseguirlo, además de sonreír y contarle a tus colegas lo maravillosos que somos, deberás enviarnos una foto con la entrada del último concierto al que hayas asistido. ¡Corre, que vuelan!

Para participar, manda la respuesta a rockzone@rockzone.com.es junto a tu nombre completo, DNI y teléfono de contacto. Indica en el asunto en qué concurso quieres participar. Sólo se admitirá un mail por persona y concurso. 24

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> KATARSICK INTERPRETAN ‘DAMNATION’, TEMA DE SU ÁLBUM INSANE INSIDE, EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

espués de casi diez años como

en su primera maqueta, aunque adap-

seis. Así que hay que comprar votos

grupo, los barceloneses Ka-

tado a su sonido actual. A ello les ayu-

a cambio de algo (risas). Lo bueno es

tarsick han lanzado su primer álbum

dó el productor Gorka Dresbaj, quien

que funciona”. De eso no hay duda.

Insane Inside (Fair Warning). Pero más

después de estudiar los temas a fondo,

Katarsick consiguen una buena mezcla

que la culminación de su trayectoria

sugirió algunos cambios en las estruc-

de influencias metal y del rock alter-

hasta ahora, el combo de metal alter-

turas. “Él tenía una visión objetiva, que

nativo, y citan a Limp Bizkit, Red Hot

nativo lo ve como el inicio de lo que

era lo que necesitábamos”, asegura

Chili Peppers, System Of A Down,

esperan que sea la consolidación de

Will, uno de los guitarristas. “Nosotros

NoFx o Judas Priest como sus primeros

su proyecto como algo serio. “Hace

estábamos cansados de escucharnos

referentes musicales. “Tenemos grupos

tiempo que queríamos hacerlo, pero

y nos hacía falta lo que él aportó. Lo

muy dispares, pero hay una base que

no teníamos prisa. Después de diez

dio todo”. Gracias a este “lavado de

está a mediados de los 90”, recono-

años, no venía de uno más”, bromea

cara”, los 13 temas de la obra suenan

cen. Ante un panorama cada vez más

Cristian, el bajista. “Empezamos a gra-

con total coherencia a pesar de que

saturado, aseguran que intentan ser

barlo hace dos años, y nos daba igual

el grupo haya ido evolucionando.

muy creativos y eclécticos. “En vivo nos

lo que tardáramos; queríamos que el

“Tenemos seis puntos de vista distinto”,

han dicho que recordamos a muchos

resultado fuera profesional”. En cierto

explica Xoan, su vocalista, sobre cómo

grupos, pero a la vez a ninguno. Nos

modo el álbum funciona como un re-

funcionan. “Somos una falsa democra-

han comparado tanto a Slipknot como

copilatorio de todo lo que han venido

cia, es decir, algo muy parecido a la

a Pearl Jam”, concluye Will. “No creo

haciendo, siendo el tema que le da

democracia real. Votamos las cosas,

que hayamos inventado nada, pero sí

título el más antiguo y que ya apareció

pero solemos empatar porque somos

que tenemos un sello personal”. 25

DOWN

Niebla PĂşrpura

Siguiendo su plan, el supergrupo de Nueva OrleÁns acaba de publicar el segundo EP de cuatro que acabarÁn conformando Down IV. Con su batería Jimmy Bower charlamos sobre qué ha cambiado y qué permanece después de VEINTE años de insólita carrera. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

principios de los 90, una maqueta de tres temas de una banda llamada Down empezó a circular por el circuito subterráneo de la escena metal. A todo el mundo le encantaba cuando escuchaba su denso potaje de influencias de Black Sabbath y Saint Vitus, pero nadie sabía ni de dónde habían salido ni quiénes eran los músicos que lo formaban. En una época donde internet apenas estaba arrancando, el secreto se mantuvo hasta que empezaron a tocar en su ciudad, Nueva Orleáns, y se descubrió que Phil Anselmo de Pantera, Pepper Keenan de Corrosion Of Conformity, Kirk Windstein y Todd Strange de Crowbar y Jimmy Bower eran los responsables de semejante monstruosidad. Con semejante plantel no sorprende que una multinacional como Elektra se decidiera a ficharles y publicar en septiembre de 1995 su magistral debut NOLA, que todavía hoy suena tan fresco como entonces. La superbanda sólo ofrecería 13 conciertos para promocionarlo y no volvería a publicar material nuevo hasta 2002, con otra obra brillante como Down II: A Bustle In Your Hedgerow, con Rex Brown, bajista de Pantera, sustituyendo a Strange. No hay duda de que este halo de misterio que les rodeaba hizo aún más atractivo ese proyecto y que quizá a medida que su

actividad se ha vuelto más regular -en 2007 sacaron Down III: Over The Under y empezaron a girar internacionalmente- se ha perdido algo de misticismo, pero aun así cada vez que mueven un dedo generan interés. Hace dos años llegaba Down IV Part 1 – The Purple EP, el primero de cuatro EPs que configurarán su cuarta obra y de la cual ahora se publica el segundo capítulo, en el que se estrena el guitarrista Bobby Landgraf en sustitución de Windstein. Más leña al fuego que seguro harán arder con ganas en la próxima edición del Resurrection Fest. Me gustaría empezar preguntándote por vuestra decisión de dividir Down IV en cuatro EPs diferentes. ¿Os está permitiendo ser más creativos que si hubieseis hecho un álbum? JIMMY BOWER “Pepper fue quien propuso la idea. En Down tocamos diferentes estilos. Hacemos cosas más heavys, otras más tranquilas, y la idea era que cada EP reflejara eso. Es una buena idea sacar cuatro EPs. Y además, es más fácil escribir cinco o seis canciones que hacer un disco entero, aunque en realidad este nuevo EP es casi tan largo como muchos discos (risas). Para mí todo lo que nos permita volver al estudio y hacer música es positivo. Si tuviera que sacar singles de 7”, lo haría (risas)”.

“Creo que lo que hace que Down funcione es que todos respetamos el talento y las opiniones de los demás”

Jimmy Bower ¿Cuándo compusisteis y grabasteis este nuevo EP? “Lo hicimos en el estudio de Phil en septiembre del año pasado. Lo escribimos y grabamos en unas dos semanas y luego añadimos los solos, las voces y se mezcló. Fue un proceso muy fluido”. Así que intentáis mantener la espontaneidad… “Sí, es el mismo estudio, ¿sabes? Es un sitio genial para grabar porque tiene un rollo muy especial. Suena muy bien. Es el tercer trabajo que hemos grabado allí, así que nos sentimos muy cómodos. Si te sientes cómodo, es más fácil que salga un buen disco”. Explícame un poco cómo son las sesiones de grabación. ¿Estáis ahí 24 horas encerrados, vais a casa a dormir…? “Normalmente llegamos sobre las doce. Empezamos a tocar y sobre las tres o las cuatro de la tarde tenemos una idea general de cómo tiene que ser la canción. Luego viene Phil. Phil es muy bueno con 29

Cuando empezasteis había una gran mística alrededor del grupo. La gente pensaba que ibais totalmente colocados cuando hacíais esa música… “¡Lo estábamos! Fumábamos mucha hierba, pero no creo que tuviera nada que ver con la música. Seguimos haciendo cosas igual de buenas”.

los arreglos, es un genio. Y al cabo de unas horas grabamos y ya lo tenemos. Luego nos vamos a casa y al día siguiente volvemos a empezar. Algunas noches son más largas que otras, pero nos estamos haciendo viejos (risas)”. ¿Fue en una noche larga cuando os salió el último tema ‘Bacchanalia’? “Puede ser (risas). Ésa surgió de una idea que tuvo Pepper tocando un ukelele. Lo grabamos y luego Bob le añadió un par de tomas con una slide. Y más tarde le puso la voz encima. Creo que en un par de horas estaba lista. Me encanta cuando pasan esas cosas. Es un tema muy onírico. Me gustaría hacer más cosas así”. Si tuvieras que comparar la grabación de vuestro debut NOLA con la más reciente, ¿cuáles serían las mayores 30

diferencias? “Mmm… Supongo que cuando grabamos NOLA todo era muy nuevo para nosotros, era territorio desconocido. Ahora hacer música con Down es algo que nos sale de manera totalmente natural. Sigue siendo muy divertido. Creo que hemos evolucionado como compositores, pero la idea general y las influencias siguen siendo las mismas que cuando hicimos NOLA. Es otro momento. En este EP, Kirk decidió dejar el grupo para centrarse en Crowbar y entró Bobby, así que eso trajo algo de frescura, sangre nueva. Hicimos todo el EP con Bobby y creo que eso le hizo sentir muy cómodo, sentirse parte de la formación”. Parece increíble que el año que viene se cumpla el veinte aniversario de la edición de NOLA. “¡Dímelo a mí! (Risas)”.

Muchas cosas han pasado desde entonces, pero ¿dirías que seguís siendo los mismos? “Bueno, te haces mayor y maduras. Supongo que lo que hemos aprendido es a apreciar más las cosas. Lo pasamos muy bien haciendo música juntos y creo que eso ayuda a lidiar con todas las cosas negativas que pasan en la vida. Cuanto mayor te haces, más te das cuenta de ello”. Conoces a Phil de hace muchísimos años y también has trabajado con él en Superjoint Ritual. ¿Cómo has visto su evolución como persona y músico? “Primero quiero decir que es uno de mis mejores amigos. Le conocí antes de que entrara en Pantera. Nos hicimos amigos entonces. Fue un orgullo verle tener tanto éxito con esa banda. En Nueva Orleáns estábamos muy orgullosos de ellos. Y más tarde poder hacer música con él fue genial. Cada día que lo hago es un buen día. Creo que lo que hace que Down funcione es que todos respetamos el talento y las opiniones de los demás. Phil sabe sacar lo

mejor de mí como batería. A veces me cabrea, pero cuando alguien te conoce bien sabe cómo motivarte. Es un gran tipo”.

con él. Es lo que te decía, estamos muy entusiasmados con la banda y sabemos que nuestros fans también, y eso nos retroalimenta”.

Con la salida de Todd Strange, Rex Brown y ahora de Kirk, ¿no os daba miedo que desapareciera la química que teníais dentro del grupo? “No dio tiempo a pensar en ello. Kirk se fue y entró Bobby, que es un gran músico y tiene un estilo distinto. Es más de la escuela Stevie Ray Vaugahn, con mucha influencia blues. Empezamos a tocar con él y fue muy bien. Y tenemos a Pat, que sustituyó a Rex, y que ya hizo el EP anterior. Si te soy sincero, para mí el grupo está mejor que nunca. Sigue mejorando. Es un gran momento para Down porque todo el mundo muestra el mismo entusiasmo. No perdemos el tiempo en mirar el pasado. Rex y Kirk decidieron dejar el grupo ellos mismos y seguimos siendo grandes amigos. No hay nada que lamentar”.

Este mes también se publica un nuevo disco de Eyehategod. ¿Sigues considerándola tu banda principal o las ves las dos al mismo nivel? “Las dos bandas son muy importantes, pero para mí Down es la prioridad. Todo depende de cuadrar las agendas. Mientras no nos pisemos las giras o las fechas, no hay problema. A mí me gusta tocar música y no me estoy haciendo más joven, así que quiero aprovechar el tiempo al máximo”.

Parece que Down se ha convertido para todos vosotros en una parte muy importante de vuestra carrera, una prioridad. Antes os costaba siglos grabar o salir de gira, ahora tiene mucha más continuidad. ¿Qué ha cambiado? “Personalmente mi mujer y yo tuvimos una hija el año pasado y… no sé. Somos músicos, es como nos ganamos la vida, así que eso es lo que hacemos. Pat vive muy cerca de mi casa, así que tocamos mucho juntos. Y Pepper también vive cerca, así que también quedamos

Para alguien que no ha estado en Nueva Orleáns, ¿cómo le describirías el ambiente que se vive allí y qué es lo que hace que el metal de ahí tenga un sabor especial? “Creo que mucho tiene que ver con la atmósfera de la ciudad. Hay mucha música. En cualquier noche puedes ver a cinco bandas distintas. Hay muchos locales. La ciudad se ha construido alrededor de la música. Creo que el Mardi Gras tiene mucho que ver. Cuando eres un niño y ves las bandas en Mardi Gras te apetece hacer música. El blues es muy

Con el EP de Down y los nuevos discos de Crowbar, Eyehategod y Corrosion Of Conformity, parece que estáis más activos que nunca. “Lo estamos. Ya te digo que estamos todos muy entusiasmados”.

“Si te soy sincero, para mí el

grupo está mejor que nunca. Sigue mejorando. Es un gran momento para DOWN porque todo el

mundo muestra el mismo entusiasmo ”

Jimmy Bower importante. Es un blues diferente, casi funk”. ¿Crees que el blues es la principal conexión con Black Sabbath, quizá la mayor influencia de Down? “Totalmente. Todo se basa en el blues. Muchos bluesmen empezaron aquí. Y también tienes a grandes compositores como Doctor John o los Neville Brothers. Me siento muy orgulloso de ser de aquí. ¿Qué mejor manera de hacer de embajador de tu ciudad que haciendo buena música? Al menos, me gusta pensar eso (risas)”. Este verano volveréis a tocar en el Resurrection Fest. ¿Qué recuerdas de vuestra anterior visita allí? “Comimos muchas gambas. ¡Estaban buenísimas! Es un gran lugar. Fuimos a la playa. Un sitio precioso. De hecho la idea para ‘Witchtripper’ surgió ahí. La gente local pone piedras en las puertas para cazar brujas, así que ese lugar forma parte de la historia de Down. Tenemos muchas ganas de volver”.

HELLYEAH

CENTAUROS DEL DESIERTO Si un nuevo álbum de Hellyeah implica que siempre nos llamará un jefazo como Vinnie Paul, les deseamos la carrera más larga y fructífera posible. Los vaqueros más fiesteros están de vuelta con Blood For Blood, su referencia más cañera. Pantera, Mudvayne, Damageplan, Nothingface… ¿Os suena? Texto: PAU NAVARRA Fotos: DR

I BIEN ES CIERTO que la propuesta musical de Hellyeah no despierta grandes pasiones por estos lares, que ésta te dé la oportunidad de charlar amigablemente con todo un exPantera como el influyente batería Vinnie Paul ya es de por sí un hecho excitante. Sólo dos años después de la trágica muerte de su hermano Dimebag Darrell el 8 de diciembre de 2004, el redneck más campechano que hayamos conocido se embarcaba

junto al cantante Chad Gray (Mudvayne) y el guitarra Tom Maxwell (Nothingface) en una aventura southern groove metal que, hasta ahora, ya ha legado cuatro álbumes. Por el camino han quedado en la cuneta, y este mismo año, el también Mudvayne Greg Tribbett (guitarra) y el Damageplan Bob ‘Bobzilla’ Kakaha (bajo), pero antes ya se había bajado del carro el también bajista Jerry Montano en 2007. Mientras aún no se ha oficializado quién se encargará

de la otra guitarra, aunque Vinnie ya nos avanza algo, recientemente Kyle Sanders de Bloodsimple, curiosamente el hermano de Troy Sanders de Mastodon, se ha agenciado las cuatro cuerdas del combo. Para ser justos, ni su debut Hellyeah (2007) ni los siguientes Stampede (2010) y Band Of Brothers (2012) pueden considerarse obras imprescindibles de este siglo. De hecho, si no fuera por los apellidos que los sustentan, a saber si habrían

“Hemos encontrado nuestro sonido, nuestra dirección, lo que queremos remarcar, así que siento este disco como toda una declaración de principios para Hellyeah” VINNIE PAUL

gozado de tantas atenciones por parte de crítica y público… Sin embargo, su nuevo Blood For Blood (Eleven Seven Music), sin ser la repanocha, ha despertado en mí mucho más interés e incluso algún que otro headbanging gracias a una propuesta bastante más guerrera, rocosa, aunque no dejen de incluir alguna que otra yanquiada imposible de disfrutar para quienes las barras y estrellas no sean más que un símbolo de opresión mercantil. Con esto en mente acudía un servidor raudo a la llamada de Vinnie Paul

cuando un avispado lector le inquiría vía Twitter lo siguiente: “¿Pero tiene algo nuevo que decir?”. Y joder, a excepción de vendernos su nuevo álbum, lo cierto es que el tal Philc0re tenía razón. De esta manera, a toque de corneta, decidimos cambiar el rumbo de la entrevista para llevarla a un terreno mucho más familiar, con la preguntas protocolarias de rigor sobre su nuevo trabajo, de acuerdo, pero que también nos ilustrase acerca de la vida que una estrella del rock recientemente cincuentona pueda llevar hoy en día teniendo en cuenta su conocida afición por empinar el codo. De paso, Vinnie también nos mostró algo de la conciencia social que la banda pueda tener, y por si algunos no nos habíamos enterado, también se mostró tajante ante la pregunta de si Hellyeah serán ya para siempre su única banda: “Oh sí”. ¿Cómo te sientes ante este nuevo álbum? Trata de describirme el sonido de Blood For Blood en pocas palabras… VINNIE PAUL “Creo que es el sonido más heavy definitivo, es justo el sonido en el que hemos estado trabajando como banda tras haber publicado cuatro álbumes. Hemos peleado duro hasta poder desarrollar lo que queremos ser”. En ‘Sangre Por Sangre (Blood For Blood)’ se aprecia claramente una opinión crítica contra los males que provoca la política, contra la hipocresía de sus actores principales y nuestras democracias occidentales. ¿Está Chad cambiando su objetivo a la hora de hacer las letras o ésta

es sólo una canción más en el disco, aunque con un punto de vista algo más crítico de lo que nos tiene acostumbrados? “Cada canción trata temáticas distintas, pero ésta básicamente es una opinión de cómo, ante algunas cosas en las sociedades occidentales como los negocios llevados hasta el límite, la gente no debería pagar las consecuencias por ello, tal como hemos visto todos en los últimos dos, tres años. Es una locura el llegar al final del día con la mentalidad del ‘ojo por ojo, sangre por sangre’, y entre otras cosas, por eso se repite en el título”. ¿Y por qué os decidisteis a usar algo de castellano en esta canción? “Lo probamos un poco y funcionó. Siempre nos hemos sentido muy cercanos a la cultura española, a la gente latina, y queríamos dedicarles algo significativo y bonito, algo que fuera realmente cool. Algo así, como titular una canción ‘Sangre Por Sangre (Blood For Blood)’ (Lo pronuncia a lo George W. Bush –ndr.)”. Ajá, ¿y hablas castellano? “Mmm… No, no, lo siento, sólo chapurreo algo dado el lugar del que procedo. Soy de Texas y está muy cerca de México, pero me encanta España, es maravillosa y un lugar genial en el que estar de gira, un país que por cierto queremos visitar este año”. Ya, es que si la memoria no me falla, creo que Hellyeah nunca habéis estado por aquí… “Hemos estado cerca muchas veces, 33

aprendes a divertirte tú mismo. Beber, ir de copas, ir a locales de striptease, disfrutar con las otras bandas, verles tocar, conocerles… Eso es lo que mantiene fresco y excitante el estar de gira, y es lo que te anima a continuar teniendo este estilo de vida”.

pero nunca hemos tocado allí, así que con los promotores deberíamos hallar un hueco ente todos para organizar un tour, irnos de fiesta de una vez por allí y tocar definitivamente en tu país”. Por otro lado, Hellyeah sois famosos por vuestras letras acerca del alcohol, las drogas, sexo, fiesta… Bien, ¿necesitas algo más para vivir, para ser feliz? “Mmm… La música en parte conlleva eso, desde muy temprano uno ve que eso es gran parte de la fama, y por supuesto Hellyeah conocen esto, pero debo decirte que este grupo es mucho más que eso, que somos algo más profundos y que, sobre todo, lo mencionado es llevado a un nuevo nivel en este álbum”. Ya, ¿pero cuál es tu bebida favorita ahora mismo? Jägermeister todavía, ¿o no? (Risas). “De un tiempo a esta parte bebo mucho vodka con agua y dos limas altas”. ¿Y qué opina tu médico de tu 34

estilo de vida? ¿Está contento con tu hígado? “Ah, no te creas, bebo mucha agua porque para seguir en esto, para continuar de verdad haciendo lo que hago, necesitas beber mucha agua y cuidar de ti mismo. Eso me va bien. Me levanto cada día a las ocho de la mañana para empezar a caminar, y es que tienes que estar en forma para seguir en la brecha”. ¿Y cómo es girar con Hellyeah? ¿Es tan destructivo como con Pantera, ni por asomo, o quizás lo es más? “Oh, es muy comparable. Son tantas las bandas a las que no les gusta estar de gira, que no disfrutan de la carretera… Y eso es una de las muchas cosas que obviamente con Pantera entendimos, que tienes que aprender a disfrutar por ti mismo cuando estás de gira, y por suerte, esto es algo que todos en Hellyeah sabemos. Viajando por el mundo hay un montón de cosas que hacer para estar distraído, tienes 23 horas libres cada día además de la que vas a estar sobre un escenario, y eso puede ser muy aburrido y frustrante si no

¿Cuál es el mejor país para estar de gira con el grupo? “Oh tío, es difícil de decir… La música es realmente un lenguaje universal. Hemos estado tocando en Japón, en México, en Australia, Suramérica, he conocido España, y en todos estos lugares se habla una lengua diferente, pero entienden de la misma forma la música. Yo la verdad es que he disfrutado de todos los lugares en los que hemos estado”. Yendo un poco más hacia el grupo, Kyle Sanders es vuestro nuevo bajista, ¿pero qué pasó con Bob y Greg? “Bueno, terminamos de girar el pasado año, fue un tour genial para nosotros, y nos dimos como dos, tres semanas para empezar a preparar el nuevo álbum. Empezamos a escribir el material y ellos se enfrentaron a grandes dilemas en sus vidas que podían poner en peligro la continuidad de la banda, algunos fueron padres, pero todo podía destruirse, podía afectar el destino del grupo y al disco que íbamos a hacer. Por mi parte quería continuar, así que yo, Tom y Chad nos encargamos de escribir todo el material entero por nosotros mismos, y al terminar, le propusimos a Kyle Sanders si quería ser el bajista. Es un gran amigo de siempre de Bloodsimple, un bajista increíble y en definitiva, un gran tipo. Ha añadido una nueva visión al

proceso, es un tío muy majo, y a la hora de completar las guitarras para este tour, nos recomendó a Jeb hace unas pocas semanas, que también es un gran amigo y un gran guitarrista y hará de nosotros una banda fuerte, más feroz y poderosa que nunca”. ¿Cuál es vuestro método para elaborar canciones? ¿Tú escribes riffs? “Escribo riffs de batería, ¿sabes? (Risas) La forma que seguimos para crear los temas es a través de jams, lo llenamos de guitarras, lo llenamos de ideas y luego volvemos para sacar lo mejor de cada uno de nosotros, y como cualquier otra banda, por supuesto, tras mucho practicar empezamos a escribir las letras, componemos las melodías y finalmente grabamos las canciones en maquetas. Nos las pasamos entre nosotros, y ya estamos listos para grabar”. ¿Y cómo fueron las sesiones de grabación de este disco? “Estuve haciendo demos para el disco en mi casa de Texas y luego fuimos a Las Vegas a grabar con Kevin Churko en su estudio. Fue un proceso realmente fascinante, con toda la banda involucrada, fuimos grabando por líneas, se puso especial énfasis en las voces de Chad, y eso ha dejado una gran marca en el álbum, así que disfrutamos muchísimo al lado de un productor así de importante, que ha grabado con tanta gente, con grandes músicos. Fue fantástico y sacó lo mejor de todos nosotros”. Y si comparas Blood For Blood con los otros discos, ¿en qué sentido ha avanzado el grupo?

“Oh, los dos primeros discos son muy diversos, fueron una oportunidad para nosotros de demostrar que éramos capaces de hacer canciones muy diferentes respecto a nuestras bandas anteriores, Pantera, Mudvayne, Damageplan, Nothingface… Teníamos muchos registros distintos y realmente disfrutamos haciendo esos discos, me encantan, pero con Band Of Brothers volvimos a nuestras raíces metal para corresponder a las expectativas metálicas que la gente tenía con nosotros al empezar. Hicimos un disco muy metal, y Blood For Blood está defendiendo ese sonido heavy siete años después, hemos encontrado nuestro sonido, nuestra dirección, lo que queremos remarcar, así que siento este disco como toda una declaración de principios para Hellyeah”. ‘Soul Killer’, ‘Demons In The Dirt’, ‘Cross To Bier (Cradle Of Bones)’, ‘Say When’ o ‘DMF’ son canciones muy agresivas, y sólo ‘Moth’ o ‘Hursh’ forman la parte más suave del nuevo disco. Si lo comparas con los demás, Blood For Blood es el trabajo más duro que habéis hecho, ¿verdad? “Pienso que… Más que el más duro… Bueno, Band Of Brothers contenía una actitud muy agresiva, pero no tenía una selección tan equilibrada como la que puede ofrecer la canción que has comentado, ‘Moth’, dentro de un disco más thrash. Incluso puede ser demoledor con canciones muy heavies, pero digo ‘heavy’ no en el sentido de ‘rápido’ o ‘súper agresivo’, heavy lo puede ser por las letras, heavy lo puede ser en el groove del

“Si Pantera se reunieran sólo se produciría por una razón, y esa razón sería que Dimebag volviera a ser parte de este mundo” VINNIE PAUL

tema, y creo que hemos logrado esto en estas canciones, hemos abierto una gran vía por la que ir con frescura, con canciones poderosas de camino que serán una oportunidad para evolucionar, y como decía, siendo toda una declaración. No hemos parado hasta que el disco no ha terminado por salir”. ‘Say When’ es tu gran momento en el disco. ¿Cómo surgió ésta? Es el tema más cafre que habéis escrito nunca, ¿no? “Lo es, lo es, es el tema más furioso que hemos grabado. Definitivamente, es una canción que como batería te hace ir hacia adelante, pero lo sacamos entre todos. Hablé con Tom, básicamente vi que tenía algo maravilloso para la guitarra, algo muy fuerte, y probablemente ha sido la parte de batería más desafiante y extrema a la que me he tenido que enfrentar. Estoy muy orgulloso de ella y de haber podido desarrollar eso”. Volviendo un poco al principio de la entrevista, me sorprende que una banda genuinamente americana como Hellyeah, que también hace música para gente genuinamente americana, pueda conectar con gente tan distinta culturalmente en lugares como Europa, Asia o Suráfrica. 35

que rodea a esta cuestión”. Ya, ¿pero cómo te sientes cuando millones de personas están siempre hablando de ello, mintiendo acerca de lo que opinas o dejas de opinar, ante la presión de los medios cada día, cada semana, cada mes…? Siempre la misma mierda sobre la reunión de Pantera… “Personalmente, no es algo que vaya conmigo. Cada uno debe pensar en lo mejor para sí mismo, y si a alguien le parece egoísta mi decisión sobre Pantera… Nadie puede controlar lo que siento, ponerse en mi piel, porque lo que ocurre, ocurre, ¿sabes? Si no puedes entender eso, lo siento por ti, pero es la puta verdad”.

¿Cómo lo explicas? “Realmente creo que la música es un lenguaje universal para la gente, es de donde saca la energía, y nosotros hemos entendido que después de los cuatro álbumes de Hellyeah y girar mucho, hacer conciertos por Norteamérica, y hacer muchos más tours en un montón de sitios más, realmente hemos vuelto a restablecernos en el metal, y obviamente, desde luego Europa es el mejor lugar para ello”. Ya para terminar, todo el mundo sigue hablando de una hipotética reunión de Pantera con Zakk Wylde como guitarrista… ¿Algo que decir? “Ya lo he dicho muchas veces: eso suena bien pero no es algo que vaya a ocurrir. Si Pantera se reunieran sólo

se produciría por una razón, y esa razón sería que Dimebag volviera a ser parte de este mundo. No es algo que vaya a ocurrir, así que nos queda este castigo, el legado de todo lo que hicimos con Pantera. Fueron 14 años cuyo legado particularmente sigue siendo intocable, Pantera siguen siendo una de las cosas más grandiosas que han ocurrido nunca en el mundo del heavy metal… Pero no quiero volver a eso, quiero vivir esto, quiero trabajar para que Hellyeah alcancen algún día el mismo nivel que logramos con Pantera”. ¿Y no estás ya aburrido de tener que responder siempre a esta pregunta? “Ah, no creas… Entiendo que la gente realmente ama a la banda y hay que ser comprensivos con todo lo

Si miras hacia el pasado, ¿cómo recuerdas tus días con Pantera? ¿Qué te viene a la cabeza? ¿Nostalgia, orgullo, felicidad? “Oh, tengo grandes recuerdos, sin duda. Fueron 14 años increíbles siendo números 1 en las listas de Estados Unidos, la banda metal del momento, pero honestamente, no vivo en el pasado. Mucha gente vive en el pasado, pero si vives en él no tienes futuro. Amo todo lo que hicimos con Pantera, estoy absolutamente orgulloso de ello, fue maravilloso, pero también creo que se terminó, y estoy feliz ahora haciendo lo que hago, llegando a otra gente, presentando este nuevo álbum”.

PORCO BRAVO

CUERO DE JABALí Eléctricos, irreverentes y muy rockeros, los barakaldeses Porco Bravo tienen claro que para tocar en una banda hay que tener la piel muy dura. Tanto como la del animal que ilustra su nuevo álbum. Texto: JORDI MEYA

ue Porco Bravo son una banda única lo demuestran cosas como que en el momento de hacer la entrevista, su último disco, bautizado simplemente con su nombre, todavía no haya podido ver la luz porque la banda de Barakaldo se ha empeñado en que la edición física salga en 38

Foto: DR

cuero. Sí, sí, como lo lees. “Nadie en España ha querido cogernos ese trabajo excepto la gente de Alone Records, y están teniendo muchos problemas”, nos cuenta su vocalista Manu ‘Gallego’. La inspiración para tan curioso packaging les vino de un vinilo en cuero de Motörhead y de uno en polipiel del Scandinavian Leather de Tur-

bonegro, grupo al que se les compara frecuentemente, quizá más por cómo la lían en directo (pirotecnia, tablas de surf por encima del público, desnudos integrales…) que por lo que se escucha en sus discos. El propio Manu relativiza esta comparación: “Cuando empezamos a tocar éramos más malos que el copón y el punto que teníamos

“La carretera es muy dura, es una manera de vivir y te tienes que preguntar si la quieres o no la quieres” MANU ‘GALLEGO’

en común eran los Stooges. Era lo que mejor se nos podía dar. Era lo que nos salía. Pero de la formación que hemos hecho los tres discos, te puedo asegurar que Asier no ha escuchado a Turbonegro. Y coincidimos en un concierto de Hellacopters y no le gustaron (risas). Sí tenemos connotaciones muy fuertes de AC/DC aunque no broten, o bluesies pero más macarras. ¿Que nos lleva al rollo escandinavo? Pues puede ser. Igual lo que nos gusta del rock de allí son las influencias que tienen. Lo

que hacemos es contar historias de manera muy callejera. Te aseguro que nos ha influenciado más Motociclón, aunque tengan toques más heavilones, que las bandas escandinavas”. Aunque Porco Bravo llevan más de diez años en activo, ha sido en los dos últimos cuando su nombre ha empezado a calar más entre la parroquia rockera de toda la Península. Pero a pesar de esta mayor atención, el grupo, que en la actualidad completan Txelu Porco (bajo), Oskar Montilla (batería), Pulpo Bravo (guitarra) y Asier ‘Indomable’ (guitarra), no olvida de dónde viene. “Nosotros somos un grupo de garito, nacimos en uno. Casi todos hemos sido camaretas o DJ’s en baretos de rock. El grupo nació para tocar en un bar en concreto, lo que pasa es que cuando ves que viene gente, que te llaman de otros sitios, ¡que te pagan!, que lo dejas y que cuando vuelves viene más gente, te llaman del Azkena, luego del En Vivo, te pica el gusanillo y te vas desarrollando”. Es indudable que sus arrolladores shows han sido decisivos para que el boca oreja funcionase, pero como hace bien recordando Manu, hagas el estilo que hagas, lo más importante es tener buenas canciones. “Personalmente componer es el proceso que más me gusta; de la nada, hacer algo. Nos gusta mucho. Nosotros trabajamos de forma muy espontánea e instantánea, tocamos en el local y lo que no nos gusta se queda en el camino, no llega a ser ni canción. Y casualmente, siempre coinciden en número, una intro y nueve temas. Es el formato que buscamos, temas cortos, pildorazos que los llamamos, y discos que no den mucho la chapa”. Esta vocación de divertir al personal está muy presente en su nuevo

álbum, pero se aprecia en letras como la de ‘Dios’, una mala leche producto del crudo panorama que nos rodea. “No somos especialmente políticos o sociales, no es nuestra bandera”, explica Manu, “pero tenemos situaciones de hipoteca, de familia, de curro, que te obligan a trabajar en fin de semana, y todas esas cosas te van cargando. No nos podemos escaquear de decir lo que está sucediendo”. Una de las canciones que muestra mejor cuál es su espíritu es ‘Lemmy’, un homenaje con todas las de la ley al líder de Motörhead. “Vimos el documental y flipamos”, cuenta acerca de su origen. “Sobre todo por él. Por la valoración que hacen gente del rock mainstream que flipan con él, por la influencia que tiene, y sobre todo, porque no se ha casado, ni se casará con nadie. Intentamos que cantara una estrofa, pero nos fue imposible. Ya estaba muy pachuchillo. Lo seguiremos intentando”. Es charlando sobre el documental y el sabor agridulce que te deja en la boca tras visionarlo, que Manu termina haciendo una reflexión en voz alta sobre el compromiso vital que implica tocar en una banda de rock’n’roll. “En la canción está la estrofa “No hay compromisos que pueda vivir, la carretera le hizo así”. Yo estoy en la misma situación. Pero tienes que elegir, y eso hay gente que no lo aguanta. La carretera es muy dura, es una manera de vivir y te tienes que preguntar si la quieres o no la quieres. Y si la quieres, ¿la quieres para toda la vida? Ésa es la pregunta que hay que hacerse”. Por lo que parece, Porco Bravo tienen clara la respuesta.

THE MENZINGERS

LA VIDA SIGUE

¿Cómo dar continuidad a un disco que ha sido puesto en un pedestal tanto por el público como por la crítica? ¿Cómo superar el miedo escénico al fracaso? Si eres The Menzingers, la solución es tan fácil como abrir unas cervezas y dejarte llevar. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

ace un par de años una pequeña banda de Pennsylvania daba la campanada con su tercer trabajo, publicando uno de los mejores discos de punk rock de los últimos tiempos. On The Impossible Past fue coronado por éste y otros medios como el Álbum del Año y puso a The Menzingers definitivamente en el mapa. Es evidente que su éxito fue más cualitativo que cuantitativo, y Greg Barnett (voz, guitarra), Tom May (voz, guitarra), Eric Keen (bajo) y Joe Godino (batería) no se convirtieron de la noche a la mañana

en millonarios, ni empezaron a salir con supermodelos, pero lo que sí les permitió fue iniciar su vida adulta. Si hasta entonces se habían visto obligados a compartir casa, además de furgoneta, por primera vez disponían de suficientes recursos para instalarse cada uno por su cuenta y alquilar un local de ensayo para ellos solos. Esta nueva etapa vital queda reflejada en Rented World (Epitaph), un disco distinto al anterior y en el que la banda muestra que sigue creciendo, introduciendo influencias más británicas y del indie rock de los 90, pero manteniendo intacta su

pasión en cada nota que tocan. Tras dos intentos fallidos, a la tercera por fin pudimos charlar con Tom May a mediados de abril para que pusiera luz sobre el momento actual del grupo. On The Impossible Past fue un álbum muy bien recibido por la crítica y parece que tuvo bastante éxito. ¿Cómo ha cambiado vuestra vida desde entonces? Si es que lo ha hecho… TOM MAY “Sí, sí que lo hizo. Cuando se publicó el disco y

¿Es la primera vez que viste que era posible cumplir el sueño de vivir de la música? “La primera vez que sentí eso fue cuando cogimos un avión de Filadelfia a Los Ángeles para reunirnos con la gente de Epitaph. El que un sello que yo había seguido toda la vida nos pagara unos billetes de avión para hablar con nosotros fue increíble. Me hizo ver que lo que siempre había querido era algo real, estaba ocurriendo”.

empezaron a llovernos los elogios, empezamos a girar sin parar. Creo que se empezó a tomarnos más en serio. Vimos más de la industria musical que nunca antes. Empezamos a poder presentarnos y que la gente supiera quiénes éramos. Poder decir ‘Hola, soy Tom y toco en The Menzingers’ y que no te miraran sin saber de qué hablabas (risas). Estuvimos dos años en la carretera y han sido los mejores de mi vida. Antes éramos unos críos borrachos, y gracias a On The Impossible Past hemos crecido. Creo que se nota en el disco”.

Se nota que con Rented World no queríais hacer una segunda parte de On The Impossible Past. Muchas veces los grupos fracasan cuando intentan hacer algo distinto, pero vosotros habéis conseguido hacer uno igual de bueno. “Muchas gracias. Efectivamente, queríamos hacer algo completamente distinto. Mucha gente nos pregunta si sentíamos presión o si estábamos preocupados, pero no era el caso. Cada trabajo que hemos hecho es diferente, así que estamos acostumbrados a probar cosas nuevas. Pasamos tanto tiempo preparándolo y ensayando estas canciones que si miro para atrás veo que todo salió de manera muy natural. Tampoco es que hayamos hecho un disco con sintetizadores (risas)”. En el álbum noto muchas influencias británicas. Hay melodías que podrían ser de los Smiths o Manic Street Preachers. ¿Sois fans secretos del brit pop? “(Risas) No diría tanto. Los británicos pueden quedarse en su casa, pero desde luego nos hemos abierto a

“Estuvimos dos años en la carretera y han sido los mejores de mi vida. Antes éramos unos críos borrachos, y gracias a On The Impossible Past crecimos. Creo que se nota en el disco” TOM MAY

nuevas influencias. Lo que ocurre es que hay tal avalancha de nueva música cada día, más de la que puedas asimilar, que ahora que somos un poco más mayores hemos descubierto algunos grupos que se nos escaparon en su momento. Muchos grupos de los 90, por ejemplo. Así que hemos escuchado más música vieja que actual, y eso se nota en el álbum”. Antes solíais vivir juntos, pero ya no. ¿Cómo ha cambiado la relación entre vosotros? “Lo curioso es que no ha cambiado demasiado. Seguimos saliendo los cuatro juntos por ahí y vivimos muy cerca unos de otros. Casi cada día o cada noche nos mandamos un mensaje para ver cuál es el plan y quedar. Los otros tres se fueron a vivir con sus parejas, así que la vida evoluciona. Cuando tienes a cuatro veinteañeros viviendo juntos, la cosa puede desmadrarse un poco (risas). Fue un periodo muy intenso, pero está bien entrar en una etapa más adulta. Y seguimos teniendo el grupo para divertirnos (risas)”. ¿Crees que Rented World refleja esta etapa más adulta? 41

THE MENZINGERS

Tiene que ser genial estar ensayando y que te salga un tema así por las buenas. “Sí. Creo que hemos pasado por un gran periodo creativo porque ahora tenemos la habilidad para ser más creativos. Por primera vez teníamos un local de ensayo al que podíamos ir cada día las horas que quisiéramos. Y eso es lo que hacíamos. No teníamos que ir a trabajar a ninguna otra parte, sólo hacer música. Eso nos ha hecho mejorar muchísimo”.

“Sí, desde luego. El último disco era bastante nostálgico. Mezclaba el placer y la tristeza de recordar el pasado. Rented World no es que sea un trabajo pop o alegre, pero vivimos en Filadelfia y nuestra visión de la vida ha cambiado. Quizá es más optimista porque el anterior disco funcionó tan bien. Hemos podido viajar por el mundo los cuatro juntos, y eso es un lujo. Tampoco es que quisiéramos contar esa historia en el nuevo disco, sino que simplemente son doce canciones que nos gustan muchísimo”. ¿Habéis cambiado vuestra manera de componer? Los nuevos temas parecen más basados en riffs… “Así es. En el anterior usamos más acordes abiertos y en éste hay más riffs. Simplemente es porque hemos mejorado como músicos. Hemos podido hacer temas más interesantes, más melódicos. Dejamos más espacio para los arreglos también”. Un buen ejemplo de ello es ‘In Remission’, el primer tema que conocimos del disco. Suena mucho a los Weezer de Pinkerton. 42

“Gracias, es un cumplido. No es que intentáramos escribir un tema de Weezer, pero acabó saliendo así. Cuando la tocábamos en el local no sonaba así, fue cuando la grabamos y conseguimos ese tono de guitarra que empezó a parecerse más”. ‘Transient Love’ es quizá el tema más distinto del álbum. Cuéntanos, ¿cómo surgió? “Esa canción salió durante lo que llamábamos ‘viernes de relax’. Los viernes nos juntábamos, pillábamos cerveza y tocábamos lo que fuera. La intención era que cualquiera pudiera presentar cualquier idea por loca que pareciera, aunque pensara que era imposible que encajara en el disco, y ver qué ocurría. Así que un viernes de relax empezamos a tocar ese riff y la idea era dejar el máximo de espacio entre las notas. Creo que es el tema más interesante del álbum”. ¿Qué otros temas salieron en un viernes de esos? “Mmm… Desde luego salieron muchas ideas que aparecen en el disco, pero creo que ningún otro tema entero. Tendría que mirar mi diario. ‘Transient Love’ salió del tirón, la escribimos en una hora”.

Cuando vais a ensayar, ¿os dedicáis también a tocar versiones de otra gente, por ejemplo? “Sí, sí. De hecho, ahora en los conciertos hemos empezado a hacer versiones de grupos que nos gustan. A veces igual podemos estar tocando un mismo riff durante una misma hora para probar variaciones, pero en este momento estamos ensayando los temas nuevos una y otra vez para que suenen cojonudos en directo”. ¿Todavía ves a The Menzingers como a una banda de punk rock, o crees que ya es otra cosa? “¡Siempre seremos una banda punk! Aunque hiciésemos música dance, seríamos una banda punk. Cuando vienes de una escena, de una comunidad, te mantienes fiel a ella. Es como has aprendido a hacer las cosas”. En este disco habéis trabajado con el productor Jonathan Low, que viene de otra escena. ¿Os entendisteis desde el principio? ¿Por qué quería trabajar con vosotros?

“¡Siempre seremos una banda punk! Aunque hiciésemos música dance, seríamos una banda punk” TOM MAY “Fuimos nosotros los que queríamos trabajar con alguien ajeno al punk rock. Ir con él fue una gran decisión, es genial con lo que hace y una gran persona. Nos conocimos a través de un amigo común en una fiesta, hablamos un par de minutos sobre ello, así que fue muy informal. Pero luego, cuando ya empezamos, fue como con cualquier persona nueva, fue todo del revés (risas). Pero John es muy divertido y por su experiencia nos ayudó mucho a darle otro color al sonido”. También me gustaría saber cuál fue tu reacción cuando escuchaste por primera vez la versión de ‘Burn After Writing’ que hicieron The Bouncing Souls para vuestro compartido. “La escuché en su casa a las dos de la mañana en Asbury Park. Tenían una prueba de vinilo, lo pusimos y flipé. ¡Me encantó! El sentir que alguien que has admirado durante tanto tiempo toca una de tus canciones en su estilo es lo más. Es como ganar la lotería, es indescriptible”.

¿Y qué es lo que más te emocionó de leer de todo lo que se escribió sobre On The Impossible Past? “Mucha gente nos dijo que era un disco que les había ayudado, pero hubo un tipo que escribió un relato explicando las canciones, y su interpretación no tenía nada que ver con lo que nosotros queríamos hacer, pero me gustó muchísimo que alguien pudiera hacer su propia interpretación. Fue muy intenso. Su historia tenía muchos detalles que conectaban todas las canciones y me gustó mucho”. Y si tuvieras que escribir una historia sobre Rented World, ¿cuál sería? “Buff… necesitaría tiempo para pensar en ello. No lo sé, sería una buena historia con gente muriendo y esas cosas (risas)”. De cara a la gira, ¿preferís ir de teloneros de una banda grande como hicisteis con Rise Against o hacer vuestros propios conciertos?

“Lo que sé es que me gustaría ir a España, porque todos estudiamos castellano en la escuela, y todavía no hemos podido practicarlo (risas). Todos nuestros amigos nos dicen que vuestro país es precioso. Quiero ir a España y a Rusia (risas). Pero por lo que me preguntas la verdad es que preferimos ir por nuestra cuenta. Está bien abrir para alguien o tocar en festivales, pero lo más gratificante es tocar solos. Podemos tocar más rato, escoger las bandas teloneras e ir a nuestro rollo. Ahora tenemos cuatro discos, así que podremos hacer un repertorio muy chulo. Estamos trabajando en las transiciones entre temas y va a ser muy interesante. Empezamos la gira americana en mayo, pero luego está todo abierto”. Tengo una pregunta más: ¿Qué narices es un Menzinger? “Nunca lo sabrás (risas). Es nuestro secreto y vamos a mantenerlo así”.

DINERO

COMO SI FUERA EL ÚLTIMO Tal y como están las cosas, nadie puede asegurar un futuro a largo plazo en el panorama musical actual. Conscientes de ello, DINERO han decidido afrontar sin censuras la grabación de su tercer disco, DNR, para volcar la misma intensidad e inmediatez que caracteriza sus explosivos directos. El resultado es el trabajo más orgánico de la banda. Sin trampa ni cartón, de verdad. Texto: Sandra Astor Fotos: Rubén Navarro

oco se iban a imaginar Sean Marholm (voz, guitarra), Rubi Giménez (bajo) y Ekain Elorza (batería) cuando dejaron atrás Alicante y Bilbao hace más de cinco años para instalarse en Madrid y dar forma a Dinero, que poco tiempo después estarían teloneando a una de sus bandas favoritas, Foo Fighters, ante más de 15.000 personas. Tampoco auguraban el éxito rotundo de su debut homónimo al que seguiría un Año Perro que confirmaría el buen estado de forma de una banda igual de cañera que accesible. “Esto es como un sorteo de lotería, puedes comprar muchos números, pero nunca sabes si te va a tocar”, nos comenta su vocalista Sean entre risas minutos antes de un concierto acústico en la FNAC de Barcelona. Y precisamente a eso se ha dedicado en cuerpo y alma el trío desde buen principio, a tocar, a descargar toda su garra y energía en directo por un sinfín de escenarios, sacrificando mucho por el camino a favor de un sueño en común. Todo eso está en DNR (Tricornio/Warner): una autoafirmación, una declaración de intenciones, un ‘a mi manera’ que golpea furioso. Un nuevo comienzo. Esperemos que no sea el último. En el texto que firmáis en el libreto que acompaña el disco parecéis muy convencidos de que es vuestro mejor trabajo. O al menos, del que os sentís más orgullosos. SEAN MARHOLM “Ese texto resume muy bien nuestra situación en general. No pensamos tanto que sea nuestro mejor disco, sino del que más

satisfechos hemos salido tras la grabación y su proceso de creación. Nuestro objetivo desde el principio era que el camino fuera lo más indoloro y natural posible. Y así ha sido”. EKAIN ELORZA “Cuando ensayábamos en el local antes de entrar a grabar, los tres teníamos la sensación de que, viendo cómo está el contexto, éste podría ser nuestro último disco”. SEAN “Con eso en mente y antes de perder la oportunidad de grabar otro, queríamos que fuera un disco donde realmente hiciéramos lo que nos diera la gana, sin pensar en la industria u otras presiones. Creo que con los trabajos anteriores hemos conseguido una posición que nos ha permitido, por fin, hacer un álbum sin autocensurarnos de ninguna manera. Y eso nos ha sentado muy bien, nos hacía mucha falta”. Siempre habéis comentado la intención de lograr en disco la misma potencia que tenéis en directo. ¿Tenéis la sensación de haberlo conseguido? EKAIN “Sí, siempre lo hemos perseguido, y sin duda de los tres éste es el que más se acerca a lo que somos en directo, desde su composición hasta su grabación”. SEAN “Es el álbum más fácil de defender en directo como músicos, en el que más hemos mimado el mantener la pureza de una actuación en vivo, hasta el punto de que no se ha editado nada. Mucha gente no es consciente de que hoy en día, con herramientas como Pro Tools, los álbumes se retocan, se recortan y se recolocan tanto que creemos que pierden personalidad. Hemos intentado trasladar a la grabación lo que nos caracteriza a nosotros como banda en directo: la

energía en los tiempos, los volúmenes descontrolados, esa saturación involuntaria… Los tres grabamos juntos las bases de bajo, guitarra y batería tal cual estaban compuestas, repitiendo las veces que hacía falta hasta que quedaran bien, sin tener que retocar nada después. Y con las voces, el mismo proceso. Todo lo que suena es lo que se tocó”. EKAIN “El ingeniero del estudio donde grabamos siempre nos decía lo mismo cuando le preguntábamos qué tal estaba: ‘Está tocao’. Como diciendo: es de verdad”. Teniendo en cuenta el proceso orgánico de grabación, ¿le habéis dado más margen a la improvisación? SEAN “No tanto a la improvisación, sino más bien a la posibilidad de tomar decisiones juntos en el momento. Al llegar al estudio al principio, nos dimos un par o tres de días para tocar todos los temas del tirón e ir viendo desde fuera cómo sonaba. Lo bueno de grabar todos al mismo tiempo es que puedes cambiar cosas en el último momento, del tipo: ‘Suaviza el bajo’ o ‘rebaja aquí que ya relleno yo’, eso es algo que no puedes detectar al instante cuando grabas por separado”. SEAN “Íbamos cambiando básicamente los tiempos de las canciones. Lo tocábamos, entrábamos a escucharlo y lo comentábamos entre nosotros para decidir si darle más caña o no. Igual pasaban dos semanas de haber grabado una canción y nos dábamos cuenta de que había partes en las que faltaba un poco más de bajo o de guitarra y las volvíamos a grabar”. ¿Las siglas del título, DNR, es otro golpe de autoafirmación? 45

EKAIN “Queríamos representar un nuevo comienzo para nosotros. Hemos encontrado un lugar en el que estamos muy cómodos y vamos a explotarlo. Creo que lo que puede venir en el futuro va a estar mucho más cerca de DNR que de lo que hemos hecho antes”. Toda esa visceralidad que os caracteriza también está presente en las letras, cañonazos concisos y directos. SEAN “Sí, son así porque es lo que le va a la música que hacemos. Podríamos cantar sobre cosas que suenan muy bien aunque no se entienden, pero se perdería inmediatez en el mensaje. Y creemos que el rock es precisamente inmediatez”. EKAIN “Sí que es verdad que cada disco representa muy bien la época que vivíamos mientras lo escribimos. El primero es más desenfadado: el llegar 46

a Madrid, la fiesta, etc. El segundo representa un poco la dispersión interna que teníamos, el querer hacer otras cosas y no centrarnos tanto en los ritmos bailables que marcaban el primer disco”. SEAN “En Año Perro abrimos miras y empezamos a probar cosas a nivel de letras, pero seguíamos manteniendo un núcleo estilístico muy continuista respecto al primer trabajo. En este último, las letras tienen un punto más agresivo, una visión de las relaciones personales o del amor algo más fría y práctica. Un tono en general más triste u oscuro, aunque creo que hemos sabido darle el contrapunto de esperanza al final, que es lo importante. No queremos que sea un disco donde la gente se deprima, pero sí donde se puedan sentir identificados con las sensaciones que provocan esas letras dada la situación actual del país y de todo en general”.

¿Tenéis la sensación de que habéis sacrificado mucho para llegar hasta aquí? SEAN “No te imaginas cuánto… Hemos tenido un crecimiento que no se ha llegado a estancar nunca, ha sido constante pero tampoco muy agresivo en ningún momento. Es duro, tal y como están las cosas en el país en general y en concreto en la industria musical desde hace mucho tiempo, es muy complicado tener un grupo, mantener la ilusión y las ganas de sacrificar otras cosas por un proyecto muy personal que, en realidad, nunca tienes la certeza de si vas a conseguir convertirlo en tu vocación profesional. Pero creo que a partir de cierto punto piensas: ‘De perdidos al río’. Ya llevamos cinco años juntos con esto y si hay que aguantar más, se aguanta. Sí que es verdad que, en mi caso personal, por mi forma de ser he tenido que sacrificar cualquier

“Es verdad que no hemos entrado en ningún circuito, ni en el indie ni en el más rockero. Pero de este modo estamos poco a poco generando nuestro propio público” EKAIN ELORZA tipo de relación personal de pareja que implicara mucha atención por mi parte porque tengo la cabeza completamente volcada en esto. Lo mismo alguno de ellos con el trabajo, por ejemplo. No podemos tener un trabajo que nos permita vivir bien porque necesitamos una disponibilidad horaria para dedicar al grupo que es difícil de compaginar. Pero al final, te subes a un escenario, y ese momento hace que todo merezca la pena”. ¿Habéis alcanzado todos los objetivos que os pusisteis antes de empezar? RUBI GIMÉNEZ “No somos un grupo de objetivos, realmente”. SEAN “Para mantener la ilusión viva y saborearlo todo mejor, creo que nuestra clave ha sido ir cumpliendo pequeñas metas sobre la marcha. No hemos querido ponernos un gran objetivo a largo plazo para no desmoralizarnos por el camino. A cambio, hemos recibido cosas que jamás esperábamos que ocurrieran, como poder grabar en los estudios MECCA o telonear a una banda que tanto admiramos como Foo Fighters”. EKAIN “Nunca te planteas objetivos como ése. Incluso dos semanas antes de que nos confirmaran lo de Foo Fighters, en nuestra mente era algo imposible (risas)”. SEAN “Conociendo como funciona este mundo, cuando entras, te prepa-

ras y piensas: ‘Voy a intentar conseguir algo que es muy difícil y es probable que no consiga, pero seguramente el camino sea muy bueno’. Y esto se acabará el día en que, se consiga algo o no, cada uno de nosotros diga: ‘Bueno, lo he intentado hasta el final y ya me puedo dedicar a cualquier otra cosa en mi vida, que voy a tener la consciencia tranquila’”. Siempre os he escuchado decir que erais un grupo en tierra de nadie, huyendo de etiquetas. SEAN “Es como los colores, no quieres clasificarlo pero al final tienes que decir: ‘Pues esto tira más a rojo o a verde’”. Tampoco creo que sea algo tan negativo como muchos quieren ver. SEAN “No, no lo es. El problema está cuando la gente se cierra en banda”. O menosprecia a otros colores directamente… SEAN “Exacto. Algo que en este país ocurre muy a menudo (risas)”. ¿Pensáis que esa falta de etiqueta os ha podido beneficiar o perjudicar? SEAN “Al principio estábamos un poco temerosos pensando que igual era un salto al vacío y que quizás no había un sitio para nosotros. Pero con el tiempo, las giras y el feedback de la gente hemos comprobado que estábamos equivocados. Muchos chavales se nos han acercado a decirnos que les gustaría sonar como nosotros y se preguntan por qué no hay más bandas haciendo esto en castellano

aquí. Creo que es una de las cosas que nos ha animado a hacer un disco como DNR, a seguir por ese camino e incluso a potenciarlo aún más. Empezamos como ‘bueno, no sabemos lo que va a pasar, entramos por aquí y a ver…’. Y ahora es más bien: ‘Estamos aquí, y pase lo que pase, éstos somos nosotros’”. EKAIN “Sí que es verdad que no hemos entrado en ningún circuito, ni en el indie ni en el más rockero. Pero de este modo estamos poco a poco generando nuestro propio público”. ¿Cómo es el feedback que recibís de fuera de España? EKAIN “Las tres veces que hemos salido han sido la hostia: Portugal, Londres y Budapest fueron geniales. La idea de probar por Latinoamérica siempre está ahí también”. SEAN “Ellos tienen la barrera del idioma, pero no tienen tanto prejuicio por la música que viene de fuera. Más de una vez nos han dicho: ‘Si esto lo hicierais en inglés o fuerais una banda de aquí, iría genial seguro’. Pero nosotros decidimos hacer una apuesta por el castellano. Yo soy angloparlante por tema familiar y podría hacerlo perfectamente en inglés, pero defendemos el hecho de que cierta música que mucha gente quizás sólo consume de fuera, se puede nacionalizar y no hace falta imitarla en inglés, muchas veces sin conseguirlo. A la hora de salir fuera, pensamos en países de habla hispana, lo cual no quiere decir que si un día tuviéramos la oportunidad de salir por Europa, Inglaterra, etc., el inglés es una puerta que podríamos abrir. Pero hacia allí, no hacia aquí”.

KILLER BE KILLED

SOSPECHOSOS HABITUALES

No es la primera vez que varios músicos que han hecho carrera por su cuenta se juntan para formar un supergrupo, Pero es justo reconocer que EN muchas ocasiones la música resultante de semejantes experimentos NO está a la altura de la expectativas. la excepción es Killer Be Killed. El proyecto de Greg Puciato, Max Cavalera, Troy Sanders y Dave Elitch presenta candidatura a uno de los debuts del año. Aquí hay química. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

na mezcla perfecta de una leyenda, un freak, una bestia y un wookie”. Así define Troy Sanders, bajista y vocalista de Mastodon, el conjunto del que también son parte Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan), Max Cavalera (Soulfly) y el batería Dave Elitch (The Mars Volta). Para encontrar el origen de semejante asociación de talentos tenemos que retroceder en el tiempo hasta el 19 de noviembre de 2009 y viajar hasta Los Ángeles. Fue en un concierto a beneficio de Chi Cheng, bajista de Deftones, que en aquel momento se encontraba en coma y que desgraciadamente acabaría falleciendo en abril del año pasado, donde Cavalera y Puciato, que habían actuado juntos cantando un tema de Soulfly, hablaron por primera vez de colaborar haciendo un disco. Pasarían varios meses hasta que por fin Puciato viajaría hasta Phoenix para trabajar con Cavalera en una maratón de 72 horas en la que ambos intercambiarían riffs, ideas y muchas risas. Usando una caja de ritmos y la misma grabadora que Max había utilizado para hacer las maquetas de Chaos A.D. de Sepultura, el dúo acabaría almacenando un total de 15 temas. Si originalmente su idea era hacer algo muy crudo y salvaje al estilo de lo que Max había grabado junto a Alex Newport (Fudge Tunnel) como Nailbomb en 1994, el proyecto tomaría una nueva dirección con la incorporación, primero de David Elitch, y más tarde de Troy Sanders. Las increíbles posibilidades que se abrieron después de unos cuantos ensayos a principios de 2013 les llevaría a meterse en el estudio The Fortress de Los Ángeles en septiembre para oficializar junto al pro-

ductor Josh Wilbur su compromiso en forma de álbum. Su impactante debut, en el que podemos escuchar dejes de todas sus bandas sin sonar a ninguna de ellas, se publica el próximo 13 de mayo a través del sello Nuclear Blast y gracias a ellos pudimos conversar con dos de los padres de tan hermosa, y salvaje, criatura.

ello y simplemente intentamos divertirnos. La única regla que nos pusimos fue que el resultado final no tenía que sonar como ninguna de nuestras otras bandas, y que todas nuestras voces estuvieran presentes en cada canción. Particularmente para mí, estilísticamente, no tendría sentido hacer lo mismo que ya hago en Dillinger Escape Plan”.

¿Quién fue el primero en dar el paso para iniciar este proyecto? MAX CAVALERA “Fue Greg quien me lo pidió, fue su idea. Yo no estaba buscando montar un nuevo proyecto. Yo ya tenía Soulfly y Cavalera Conspiracy y estaba muy ocupado, así que no buscaba nada más. Pero Greg fue muy persistente, realmente quería hacer algo conmigo, y después de hablar con él pensé ‘¡Qué diablos! Puede ser divertido’. No hay reglas, puedes hacer lo que quieras. Así que fuimos al estudio con esa mentalidad. Mi única preocupación era hacer un buen disco, y creo que lo hicimos. Estoy muy feliz y espero que sea bien recibido por los fans”.

¿Fue muy complicado arrancar el proyecto? MAX “Al principio dimos pasos muy pequeños. Greg y yo hicimos unas demos con una caja de ritmos. El primer tema que hicimos fue ‘Face Down’, que era muy punk rock, muy cruda. Algunos temas cambiaron de nombre. Por ejemplo ‘Kiluminati’ se convirtió en ‘Fire To Your Flag’, y ‘Dead Body Bag’ se convirtió en ‘I.E.D.’. Luego, cuando entró Dave, empezamos a ensayar los tres, durante unos tres meses, y luego cuando entró Troy durante un mes más. Al final han sido tres años desde que empezamos”.

¿Teníais una idea precisa de lo que queríais hacer cuando formasteis el grupo? GREG PUCIATO “Sí, cuando empezamos y éramos sólo Max y yo, intentábamos agitar un poco las cosas. Teníamos en mente un álbum tipo el de Nailbomb, pero cuando Troy se subió a bordo, el aspecto melódico empezó a crecer y nos dimos cuenta de que teníamos que dejar el volante y dejar que pasara lo que tuviera que pasar”. ¿Cómo fue escribir música para Killer Be Killed entonces? GREG “No pensamos demasiado en

¿Pensasteis en Troy y Dave desde un principio? GREG “Desde muy al principio sabía que Dave sería el batería. Le conocía de antes, de hecho había probado para Dillinger hace unos años. Estuvo en la fase final, así que entre eso y su tiempo en The Mars Volta sabía que era un fuera de serie. Soy amigo de Troy desde hace doce años, de haber tocado en giras y festivales, y básicamente fue él quien me dijo que estaba en el grupo. Es tal como te lo cuento (risas). Literalmente un día en la gira me vino y me dijo ‘Greg, quiero tocar el bajo y cantar en la banda contigo y Max. Espero que te parezca bien’. No sabía si era una broma o no, pero me alegro de que no lo fuera”.

“Mi única preocupación era hacer un buen disco, y creo que lo hicimos. Estoy muy feliz y espero que sea bien recibido por los fans” MAX CAVALERA ¿Cómo evolucionó vuestra idea inicial cuando entraron ellos dos? MAX “Al principio era más crudo. Era más parecido a Nailbomb, más punk. Pero yo no quería una segunda parte de Nailbomb, quería que fuera algo distinto. Por eso añadimos a Dave y a Troy. Cuando Troy se unió y tuvimos tres voces, todo cambió. El grupo se convirtió en un animal distinto. Me gusta mucho ver cómo una pequeña idea que Greg y yo empezamos haciendo maquetas se ha convertido en algo tan grande. Estoy muy emocionado porque hay mucha expectación por este disco en todo el mundo”. Cuando lo escucháis, ¿veis elementos de vuestras otras bandas u os suena a algo totalmente distinto? MAX “La idea era simplemente reunir

a un grupo de gente que se respeta, que se admira, y crear algo nuevo. No se suponía que debía sonar como nuestras bandas, sino como algo distinto, y creo que lo conseguimos. Por supuesto hay partes que me recuerdan a Mastodon o Soulfly, pero en general el álbum es algo nuevo. Me siento muy orgulloso. Me involucré mucho en la composición, escribí la mayoría de los temas y grabé todas las guitarras. Es el disco en el que he grabado más guitarras de mi carrera. Es un álbum fuerte y poderoso, con una mezcla de rapidez thrash y melodía. Ésa era la idea. Para mí lo más importante de nuestro sonido es la combinación de thrash y melodía, que no está presente en nuestras otras bandas”. Max, con Soulfly siempre has tenido un espíritu muy colaborador y estás acostumbrado

a trabajar con otros músicos. ¿Ejerciste un poco de director musical de Killer Be Killed? MAX “Bueno, yo escribí la mayoría de riffs, así que cogí el liderazgo en ese aspecto porque me gusta mucho escribir riffs. Me motivaba escribir riffs sobre los que Greg y Troy pudieran cantar. Escribí riffs más melódicos y me divertí mucho porque no suelo hacerlo con Soulfly. Poder escribir riffs fuertes, riffs rápidos y riffs melódicos todo a la vez fue muy estimulante. Grabé el 90% de las guitarras porque Greg no quería hacerlo. En la parte musical yo tuve un mayor peso, pero una vez empezamos con las voces y las letras fue cosa de los tres, y fue genial. Todos lo compartimos todo. Tener una banda con tres vocalistas es lo que más me gusta de todo esto. Mola mucho”. Especialmente porque vuestras 51

KILLER BE KILLED tres voces son muy distintas... MAX “Sí, especialmente por eso. Troy tiene una voz melódica, casi de predicador. Greg tiene un grito agudo loco y canta muy melódico cuando quiere, casi para sonar en la radio. Y yo tengo la voz de Max (risas), que permitía que todo siguiera siendo metal. Creo que las tres voces nos empujan en tres direcciones distintas y es lo que hace que sea tan interesante”. ¿Fue difícil decidir quién iba a cantar qué? GREG “En realidad fue muy natural. Si uno de nosotros tenía una idea muy fuerte para una parte de una canción, era quien la cantaba. Y construíamos el resto a partir de esa persona y le dábamos color. Una vez tenías tú parte era fácil imaginar dónde irían el resto. También hubo mucha improvisación en el estudio, en plan ‘oh, acabas de hacer esto, déjame el micro durante cinco minutos para probar una idea’. Fue un toma y daca continuo”. También los tres tenéis un enfoque muy distinto para escribir letras. Max es más social, Troy es más mitológico y Greg es más abstracto. ¿Cómo lo hicisteis? 52

MAX “Queríamos hacer una mezcla de todo eso que has dicho. A veces en un mismo tema estamos cantando sobre tres cosas distintas (risas). Por ejemplo, en ‘Wings Of Feather And Wax’, Greg canta sobre Ícaro cayendo del cielo y yo canto “Fire, fire, let’s start a riot”, que es más al estilo de ‘Refuse/Resist’ de Chaos A.D., así que la combinación es bastante salvaje. En otros intentamos que tuvieran un mismo sentido, como ‘Forbbiden Fire’, que trata sobre los chavales de Oriente Medio que escuchan metal. A la hora de escoger títulos también se nota el sello de cada uno. Yo nunca hubiera puesto un título como ‘Wings Of Feather And Wax’ porque no es mi estilo, fue cosa de Greg. Y Troy tituló ‘Save The Robots’, que es muy de su estilo. El mío es más ‘Face Down’, que es más político, es sobre la brutalidad policial. Dejamos que el estilo de cada uno surgiera y se mezclara con el de los demás”. Max, ¿qué es lo que más te sorprendió de Greg, Troy y Dave ahora que has tenido la oportunidad de trabajar con ellos a fondo? MAX “Dave es un batería impresionante, fenomenal. Es muy técnico,

pero es un animal. Puede tocar cosas brutales, rápidas y a la vez, técnicas. Es muy divertido tocar con alguien así. De los otros dos me sorprendió mucho cómo cantan. Como decía, Greg tiene esa voz para la radio y se le ocurrieron algunos estribillos geniales. No me esperaba eso. Sé que en los dos últimos discos de Dillinger tiene algo de eso, pero me sorprendió que lo hiciera con Killer Be Killed. Y Troy tiene una gran voz. Adoro Mastodon. Ver a esos dos tíos grabar sus voces y crear idea tras idea fue asombroso. Una vez la música estuvo terminada, las voces la llevaron a otro nivel”. ¿Por qué decidisteis trabajar con Josh Wilbur? GREG “Bueno, para mantener el espíritu de colaboración absoluta, queríamos a alguien con quien ninguno hubiera trabajado antes. Josh era uno de los nombres en la lista y parecía ser el que más ganas tenía de hacerlo, y además, nos dio buen rollo como persona. A nivel de sonido, sabía que tenía la habilidad para conseguir lo que necesitábamos. Cuando has trabajado con gente tan diferente como Lamb Of God, Gojira, Lil Kim o Mobb Deep, está claro que sabes lo que haces”. Aparte de trabajar en el disco, ¿tuvisteis tiempo de salir o socializar? MAX “Salimos bastante. Sobre todo cuando estábamos en los ensayos. Con Greg sobre todo al principio. Con Troy, Cavalera Conspiracy giramos con Mastodon en Sudamérica, así que pude estar con él. Y en el estudio pasamos mucho tiempo juntos. Fue fantástico estar con ellos. Sabíamos que era un proyecto, pero realmente nos sentíamos como si fuera una

“Para mí lo más importante de nuestro sonido es la combinación de thrash y melodía, que no está presente en nuestras otras bandas” MAX CAVALERA banda. Realmente éramos un equipo, muy profesional, con todo el mundo entregándose al máximo. Y encima, si tienes un buen productor como Josh, que sabe capturar la magia, es genial. Escribimos bastante en el estudio, dejamos bastante lugar a la espontaneidad. A veces es bueno no ensayar mucho y dejar que las cosas pasen. Es cuando ocurren las sorpresas”. Supongo que muchos supergrupos fracasan porque el respeto que se tiene hacia los otros músicos impide que nadie se atreva a dar una opinión sincera, y lo que ocurre es que todo el mundo hace concesiones y al final queda un híbrido que no contenta a nadie. ¿Recordáis algún momento de discusión o tensión? MAX “Sí. Hubo un par de riffs suyos que no me gustaban demasiado y me puse a trabajar en ellos para mejorarlos. Y también recuerdo que el estribillo de ‘Snakes Of Jehova’ era una mierda (risas). Me alegro mucho de que fuéramos lo suficientemente hombres para admitirlo. Dejamos de lado nuestros egos y fuimos sinceros. La realidad es que no era lo suficientemente bueno. El tema del respeto... para mí fue como un fan trabajando con dos de sus músicos favoritos. Fue genial ver cómo lo hacen. ‘Wings Of

CAVALERA SOUNDSYSTEM

ace unos meses saltaba la noticia que James Murphy de LCD Soundsystem iba a ser el productor del tercer disco de Cavalera Conspiracy. Una unión aún más sorprendente que la de Killer Be Killed sobre la que no ha trascendido más información y sobre la cual no podíamos dejar de preguntar a Max Cavalera. “Al final decidimos guardar esa idea para más adelante y hemos hecho un disco en plan más casero. Lo hicimos en Phoenix con un amigo mío como ingeniero y yo como productor. Es un disco grindcore. Quería hacer un disco muy brutal. Es el más bruto de los tres. Es metal de principio a fin, muy rápido, nada de groove. Por eso quizá se titule Fuck The Groove (risas). La idea de James Murphy era hacer un EP conmigo e Igor solos, los dos hermanos. Es una buena idea y seguramente la llevemos a cabo en el futuro”.

Feather And Wax’ era sólo un montón de riffs, no tenía nada especial, pero una vez pusimos las voces se convirtió en algo fabuloso y ahora es un tema muy importante para nosotros”. ¿A quién se le ocurrió el nombre Killer Be Killed? MAX “Troy sugirió el nombre Kill Or Be Killed. Y yo para hacer una gracia

dije Killer Be Killed. Y al final se quedó en el mío. Así que la idea original fue de Troy y yo la modifiqué (risas). Queríamos un nombre fuerte”. Siempre es complicado inventar un nombre nuevo... MAX “Sí, porque los nombres buenos ya están pillados. La idea original de Greg era llamarnos The Negative 53

“Como puedes imaginar, a nivel logístico es una pesadilla... Pero queremos tocar. El deseo está ahí. No es algo que podamos hacer mucho, pero ocurrirá, sólo falta saber cuándo y dónde” GREG PUCIATO

Fucks, que es un nombre muy punk rock, y mola mucho. Y yo pensé en 99 Scalps, que es más tribal por las calaveras de los indios, pero a nadie le entusiasmó. Mientras estábamos en el estudio nos llamamos Killed, pero resulta que ya había otro grupo que se llamaba así, y entonces surgió lo de Killer Be Killed. Mola porque tiene un rollo de asesino en serie y también matar al asesino tiene un sentido de justicia. A todos nos gustó”. Ahora que va a salir el disco, ¿podemos esperar una gira? ¿Os podremos ver en Europa? GREG “Como puedes imaginar, a nivel logístico es una pesadilla... Pero queremos tocar. El deseo está ahí. No es algo que podamos hacer mucho, pero ocurrirá, sólo falta saber cuándo y dónde”. MAX “Sí, es la pena de estar tan ocupados. Pero vamos a resolverlo. 54

Creo que el año que viene todos nos guardaremos tiempo para poder hacer una gira. Nos gustaría tocar en Europa, en Australia, en Sudamérica, en Estados Unidos... una pequeña gira mundial. Sería genial poder hacer un par de conciertos en cada territorio porque la energía de este grupo en directo sería bestial. Me imagino a Greg dando botes y a Troy y yo cantando, me encantaría”. ¿Tenéis pensado hacer un vídeo al menos? GREG “No tengo ni idea. Es difícil con nuestra agenda. Un vídeo es básicamente un anuncio para una canción… así que es difícil emocionarse por rodar un anuncio. Pero si alguno de nosotros tiene una buena idea, quizá merecería la pena dedicar un día a hacerlo”. ¿Os gustaría que Killer Be

Killed tuviera continuidad en un futuro? GREG “Cuando lo imaginamos en un principio iba a ser algo más puntual, al menos a mí me parecía que iba a ser sólo un álbum. Cuando tienes claro lo que quieres hacer, no tiene mucho sentido llevarlo más allá. Pero al final todo resultó ser mucho más orgánico de lo que imaginaba. Al final el resultado fue mucho más dinámico, no algo predeterminado, así que cuando lo escucho, veo muchas opciones que podríamos desarrollar en el futuro. Veo detalles que podríamos elaborar o desarrollar más de aquí a un tiempo. Pero de nuevo tenemos que tener en cuenta la logística. Ya veremos. Es muy posible que ocurra”.

PIXIES Han tenido que pasar más de veinte años, desde que editaran su último ÁLBUM de estudio, y toda una década, desde que la banda decidiera juntarse, para que Pixies hayan editado un nuevo TRABAJO DISCOGRÁFICO. Pese a que todavía es pronto para equipararlo a cualquiera de sus discos pasados, en estos primeros días de vida se puede decir de Indie Cindy aguanta el tipo sin ningún problema. Este mes lo presentarán en el festival Primavera Sound. Texto: Richard Royuela Fotos: DR a la impresión que Pixies son hoy en día una banda reconciliada con su pasado, disfrutando de su actual estatus de padrinos del rock alternativo y, por lo escuchado en su nuevo álbum, con todavía algunas 56

cosas interesantes que decir. Indie Cindy (PIAS) es la recopilación de tres EPs que los de Boston han ido editando desde el pasado mes de septiembre y que les ha servido para salir a la carretera para hacer una gira mundial en loor de multitudes.

Pese a que las tomentosas relaciones personales que siempre rodeaban a la banda parecen haber quedado atrás, sí que han tenido su propia interpretación de Spinal Tap en lo que respecta a sus bajistas. Sorpresivamente Kim Deal anunciaba en julio

prestar atención. Estuvimos girando durante un par de años por todo el mundo sin plantearnos mucho más que ir tocando. Diría que fue hace unos seis o siete años cuando la idea de grabar temas nuevos empezó a considerarse de una manera más seria, hicimos algunas demos y todo quedó ahí. Tuvieron que pasar un par de años más que para que la cosa cogiese forma de verdad y todos estuviéramos convencidos de hacerlo. Teníamos unas siete canciones como punto de partida que nos gustaban, fuimos haciendo más temas con calma y sin ninguna presión hasta llegar a editarlas. Podríamos decir que ha llevado mucho tiempo, pero finalmente lo hemos conseguido (risas)”.

de 2013 que abandonaba el grupo, supuestamente para centrarse en las también reactivadas The Breeders, aunque parece que su relación con Black Francis (guitarra, voz), Joey Santiago (guitarra) y David Lovering (batería) no ha acabado de la mejor de las maneras. Tampoco ha quedado muy contenta de su paso por el grupo la que sería su sustituta, Kim Shattuck de The Muffs, siendo ésta sustituida por Paz Lenchantin, conocida por su paso por Zwan o A Perfect Circle, entre otras formaciones, que de momento parece haberse adaptado a la perfección. Veremos cómo acaba esto, pero viendo lo relajado

que estaba David Lovering durante la entrevista, unas horas antes de su actuación en Coachella, da la impresión de que las cosas van bastante bien. Lleváis ya unos años de vuelta. ¿Por qué ha sido ahora y no antes cuando habéis decidido editar nuevas canciones? DAVID LOVERING “Básicamente cuando nos juntamos en 2004 fue para girar y ver qué pasaba con el grupo. En ese momento grabar no era una prioridad para nosotros, porque había otras cosas a las que

Con el paso del tiempo cada uno de vuestros discos ha sido considerado como un auténtico clásico. ¿Erais conscientes de que teníais una gran responsabilidad a la hora de ofrecer temas nuevos? “Absolutamente. Sabíamos que existía algo con lo que ser comparados y eso ha tenido mucho que ver con que hayamos tardado tanto en editar nuevas canciones. No puedes obviar todo tu pasado, hacer como si no existiera, así que por ese lado nos daba bastante respeto. Aun así, llega un momento en que tienes que estar contento con lo que haces y olvidarte un poco del entorno de la formación, porque si no te volverías loco. Cuando vimos que esas canciones tenían sentido y nos gustaba tocarlas, creímos que había llegado el momento de lanzarlas. Pero sí, daba un poco de miedo”. 57

“Me sentí muy afortunado de tener una segunda oportunidad con Pixies. Valoro más estar con la banda que al principio, porque sabes lo que supone estar en ella una vez lo has dejado” principio. ¿Queríais darle a Indie Cindy el carácter de un álbum en toda regla y no el de ser una recopilación de EPs? “Sí, creo que existía esa intención. De todas maneras, ten en cuenta que nuestra idea inicial no era la de sacar un álbum. Cuando se decidió hacerlo hubo que trabajar en darle a los temas un orden coherente para que se pudiese escuchar de principio a fin”.

La música que podemos escuchar en el álbum ha sido lanzada en diferentes EPs durante estos meses anteriores. ¿Grabasteis todos los temas juntos o cada EP se creó por su lado? “Oh no, fue grabado todo en una misma sesión en los Rockfield Studios de Gales. Cuando llegamos sabíamos que había unas ocho canciones 58

que teníamos claro que podíamos utilizar y el resto se hicieron allí mismo. Todo el material que se está escuchando es de esas sesiones, no hay nada adicional”. El álbum tiene una secuencia diferente a la de los EPs. No habéis puesto los temas por el orden cronológico por el que fueron editadas en un

¿Cómo ves personalmente estas canciones? Es pronto pero, ¿crees que estas composiciones pasarán el test del tiempo y serán futuros clásicos de Pixies? “Oh, eso espero, me encantaría. Ahora saldremos a tocar esas canciones en directo y veremos. La gente tiene gustos diferentes y no puedes contentar a todos. Sabes que habrá algunos que digan que no suena como Surfer Rosa, otros que esperaban algo más cercano a Trompe Le Monde… pero esto es así. Nosotros estamos contentos con el resultado y ahora veremos qué pasa”. Una de las cosas que une el álbum a vuestro pasado es

la producción de Gil Norton, que hizo la mayoría de vuestros trabajos anteriores, y que gracias a ello se convirtió en uno de los productores más respetados. ¿Fue vuestra única opción? “Bueno, le dimos muchas vueltas a este tema y pensamos en algunos nombres o incluso hacerlo nosotros mismos, pero al final era casi evidente que Gil Norton era la mejor opción. Nos sentimos muy a gusto trabajando con él y sabe cómo tratarnos, lo cual es importante, por lo que al final vimos que era la persona perfecta para acompañarnos en esta nueva etapa de Pixies”. Es de dominio público que Pixies no acabasteis de la mejor manera. ¿Hasta qué punto fue fácil o difícil encontrar una dinámica de trabajo? ¿Os ayudó Gil Norton a encontrar esa dinámica? “No, no creas que hubo muchas diferencias. La grabación transcurrió de la misma manera que en el pasado. Mismo método, misma atmósfera… Lo que sí puedo decir es que mi actitud fue mucho más relajada. En el pasado me sentía muy frustrado porque las cosas se tenían que hacer de una manera rápida. No podía pasar mucho tiempo entre disco y disco, se había de grabar en el menor tiempo posible y todo eso me hacía sentir incómodo. Esta vez tuve el tiempo suficiente para familiarizarme con las canciones, aprendérmelas bien, y eso me llevó a un nuevo nivel y a disfrutar del estudio de una manera que antes no era posible. Pero en general fue todo muy cómodo. Llegamos al estudio y nos pusimos a tocar de la

misma manera que lo hacíamos veinte años atrás. Podía no haber funcionado, porque nunca sabes cómo van a salir las cosas, pero lo hizo”. Y en la carretera, ¿cómo funcionan las cosas? Estoy convencido de que debes de disfrutar mucho ahora mismo de lo que es estar en una banda como Pixies, más que como lo hacías en los 80, cuando la banda estaba inmersa en aquella vorágine... “Si te digo la verdad, siempre he apreciado estar en una banda como ésta. Tocar es lo que me gusta y el simple hecho de poder hacerlo ya está bien para mí. Cuando el grupo se separó fue muy complicado para mí. Dejó de interesarme progresivamente la música e incluso tocar la batería, ya que no había nada que se pudiese comparar a tocar con Pixies. Cuando nos reunimos en 2004 me di cuenta de lo mucho que me gustaba tocar la batería, algo que casi había olvidado. Por otro lado me sentí muy afortunado de tener una segunda oportunidad con Pixies. Valoro más estar con la formación que al principio, porque sabes lo que supone estar en ella una vez lo has dejado”. Como has comentado al principio, vais a tocar en el Coachella, en Barcelona seréis cabezas de cartel del Primavera Sound... ¿Te sorprende lo grande que se ha hecho la banda durante vuestra ausencia? “Claro. Cuando la banda estaba activa en los primeros años, sabíamos que éramos un grupo apreciado

por la crítica, pero no excesivamente popular. Cuando nos separamos y luego volvimos a juntarnos, curiosamente uno de los primeros conciertos que dimos fue en Coachella, y fue una experiencia surrealista (risas). Ahí nos dimos cuenta del potencial y la gente que había conocido a la banda durante nuestra ausencia. Lo que nos llamó la atención fue saber que nuestra música había llegado a otras generaciones, viendo la cantidad de gente joven que estaba disfrutando el show. Fue una experiencia maravillosa. Y sí, la verdad es que a veces sorprende a dónde hemos llegado. Ahora me alegro de habernos separado porque de no ser así, no sé cómo hubiese sido la historia del grupo (risas)”. Así es como va este mundo: te tienes que ir para saber lo mucho que te aprecian. “(Risas) Supongo que es así”. Si comparamos a Pixies con otras bandas de su generación que también han sido influyentes y se separaron, pongamos como ejemplo a The Replacements o Hüsker Dü, a pesar de ese reconocimiento de la crítíca, nunca han conseguido el nivel de popularidad que tenéis vosotros. ¿Dónde crees que está la clave? “Antes de nada me gustaría decir que no considero que toque en una banda que se pueda considerar grande; simplemente somos felices haciendo lo que hacemos y el resto es una consecuencia. Lo único que puedo decir a favor nuestro es que me gustan todas nuestras canciones, 59

pienso que todas son buenas y creo que es precisamente por esas canciones por lo que somos tan populares y hemos sobrevivido el paso del tiempo”. Uno de los grandes cambios en esta nueva etapa de Pixies es que Kim Deal no está con vosotros. De hecho, su sustituta, Kim Shattuck, tampoco está con la banda y ahora es Paz Lenchatin quien está de gira. No deja de sorprender lo diferentes que son las tres entre sí. ¿Qué estabais buscando a la hora de encontrarle una sustituta a Kim? Tú como batería tendrás algo que decir… “Bueno, cuando pasó lo que pasó 60

con Kim Deal, que no quiso continuar con nosotros y llegó el momento de buscar una nueva bajista, tuvimos claro desde el principio en seguir la tradición de Pixies buscando una chica. Kim Shattuck apareció en el momento justo para la gira europea, que es lo que hizo, y después de ese tour apareció Paz y decidimos continuar con ella. Lo que te puedo decir de todo esto es que Kim Deal no era una bajista, era una guitarrista que tocaba el bajo. Exactamente lo mismo que pasaba con Kim Shattuck. Paz Lenchantin sí es una bajista, ¡por fin hay una bajista! (Risas) Paz es que es muy buena y me obliga a tocar mejor porque si no me dejaría en mal lugar (risas). Estoy disfrutando mucho con ella. Es fantástica, de verdad”.

No deja de ser irónico que hayan tenido que pasar 30 años para que tengáis una bajista en el grupo. “(Risas) Sí, definitivamente. Nos ha costado un poco” El álbum ha sido editado diez días antes en formato vinilo para hacerlo coincidir con el Record Store Day. Supongo que es vuestra manera de reivindicar el formato a pesar de las mutaciones que ha sufrido la música en cuanto a cómo es escuchada... “Exactamente, ése ha sido el motivo. Queríamos hacer algo especial con el álbum y no se nos ocurrió mejor idea que avanzar el lanzamiento del vinilo para un evento tan especial

como el Record Store Day. No hay más”. Hay un par de cosas que me gustaría comentar de tu carrera fuera de Pixies... La primera es, ¡¿cómo acabaste tocando en una banda como Nitzer Ebb?! “Cuando la banda se disolvió hice unos cuantos trabajos como batería. Estuve con Cracker, grabé como músico de sesión, etc. Resulta que Nitzer Ebb estaban en Chicago para grabar y me llamaron. Eran unos chicos muy majos, estuve muy a gusto en el estudio con ellos”. Pero, ¿eras fan? “Conocía algunas canciones y luego al grabar con ellos me metí un poco más en su música. La verdad es que guardo un buen recuerdo de ellos”. Por otro lado la leyenda dice que te ofrecieron el puesto de batería en Foo Fighters. ¿Qué hay de cierto en ello? “Eso es lo que me dijeron en su momento, que mi nombre había salido como uno de los posibles candidatos. No recuerdo ni el momento ni el lugar donde todos estos rumores empezaron, pero sí sé de buena tinta que pensaron en mí para tocar con ellos”. Por lo que comentas, me imagino que no llegaste ni a hacer una audición... “No, no llegué a eso. No recuerdo muy bien el motivo. Supongo que tuvo algo que ver con mi disponibilidad en aquellos momentos. Hace muchos años, la verdad”. ¿Cómo crees que te hubiese

ido con ellos? “Bueno, no sé muy bien cómo hubiese sido la vida en Foo Fighters... Al menos me conozco muy bien las canciones de los Pixies, por lo que la vida con ellos es mucho más fácil para mí (risas)”. Otra cosa a comentar es tu carrera como mago. ¿Te dedicas todavía a ello o estás totalmente concentrado en Pixies? “Sí, todavía sigo practicando y tengo mi propio show. Ahora que estoy liado con el grupo suelo hacer el show en pequeños bares, allá donde tocamos, o incluso en el backstage. Lo hago de manera más íntima, lo cual es mejor porque la magia tiene mucho más poder. Es algo que sigo disfrutando muchísimo”. ¿Llegaste a convertirte en un mago profesional? “Cuando Pixies se separaron estuve diez años estudiando magia para convertirme en un profesional para actuar en shows, fiestas… Fue mi principal ocupación durante muchos años y me preparé para ello”. Muchos músicos se sienten vacíos cuando dejan de tocar en directo con sus grupos. ¿Encontraste en la magia ese sustituto al directo, o simplemente a ser músico? “Es interesante. Lo que me dio la magia fue básicamente seguridad. Cuando tocas en un grupo, pese a que soy el tímido del combo, aunque sea en un gran festival, siempre estoy escondido tras la batería. No estoy nervioso porque es muy fácil estar ahí, ya que no estás expuesto a la gente.

“Hemos sido un grupo con más éxito del que nunca hubiésemos podido imaginar y son muchos los músicos y las bandas que han reconocido nuestra influencia” Cuando hice mi primer show como mago, fue sólo para diez personas, pero nunca he sudado tanto ni he estado más asustado en mi vida. Pero gracias a eso me he acostumbrado y ahora tengo más confianza conmigo mismo y he vencido mi timidez un poco. Además, un show de magia puede hacer a la gente muy feliz. Es un sentimiento muy agradable, el que te da la magia”. Para acabar, y aunque supongo que no es una pregunta fácil de responder, ¿cuál es el papel que para ti van a tener Pixies dentro de la historia del rock? “(Risas) Eso es muy difícil de decir. Además, siempre hay un punto subjetivo en estas cosas... Todo lo que puedo decir es que hemos sido un grupo con más éxito del que nunca hubiésemos podido imaginar y que son muchos los músicos y las bandas que han reconocido nuestra influencia”. Bueno, pues eso es ya mucho más de lo que pueden decir la mayoría... “Eso es totalmente cierto (risas)”.

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VANS MUSIC TOUR – H20 + TWENTY FIGHTERS La primera cita del Vans Music Tour de este año ya es historia. Seis conciertos en seis días alrededor de la Península a cargo de los neoyorquinos H20 y los gallegos Twenty Fighters que en estas páginas resumimos en imágenes. Mucho mosh, mucho stagediving, mucho hardcore, muchos himnos, mucha hermandad y sobre todo, mucha diversión. Quienes estuvisteis ahí ya sabéis de lo que hablamos. fotos: Ricardo López (www.flickr.com/photos/rickyhombrelibre)

THE AFGHAN WHIGS in duda, el comeback de The Afghan Whigs, una de las bandas más carismáticas de la década de los 90, ha sido uno de los más esperados de los últimos años. Desde que se reactivara la maquinaria, y tras disfrutar de aquellas maravillosas actuaciones que ofrecieron en 2012, aquí en el festival Primavera Sound, muchos nos preguntábamos si estábamos ante una reunión temporal fruto de la nostalgia, o si realmente los de Cincinnati pretendían ir más allá, pese a declara68

ciones de Greg Dulli que daban a entender que estaban muy lejos de volver a entrar en un estudio de grabación. Cuando finalmente el anuncio de la publicación de Do To The Beast (Sub Pop/Popstock!) se hizo realidad, las dudas y los miedos volvieron a surgir, temiendo que este trabajo no estuviera al nivel de la impresionante discografía que le precedía, pero afortunadamente, Dulli y sus gentlemen han apostado fuerte y han ganado, y nos encontramos ante una banda fresca, motivada y con mucha energía, que sigue man-

teniendo esa clase y esa originalidad que la hace tan única. Inmerso en una promo a un ritmo infernal, tuve la oportunidad de poder conversar un ratito con Greg Dulli, uno de esos tipos con un halo de elegancia y de personalidad arrebatadora como pocos, que resulta ser un hombre encantador, especialmente atento, educado y tremendamente amable. Debido al límite de tiempo impuesto por los numerosos medios a los que debía atender, desafortunadamente quedaron bastantes preguntas en el

mos a estar girando la mayor parte del tiempo”. ¿Crees que los fans van a encajar bien vuestro retorno? “Sí, sin duda. De momento las reacciones están siendo muy positivas. Tengo muy buenos presentimientos y muchas ganas de ver cómo se va sucediendo todo”. ¿Crees que este álbum es la confirmación del retorno de The Afghan Whigs a la línea de acción? “Bueno, no sé si es el definitivo, pero desde luego sí es un gran paso (risas)”.

DO TO THE BEAST SUPONE LA RESURRECCIÓN DISCOGRÁFICA DE THE AFGHAN WHIGS. LA BANDA MÁS SEXY SURGIDA DE LA ERA DEL GRUNGE No ha perdido su mojo. Texto: TOI BROWNSTONE Fotos: DR

tintero, pero al menos quedó bastante claro que con Do To The Beast parece que tendremos a The Afghan Whigs para largo. Primero felicitarte por vuestro flamante retorno. Todos los que lo hemos escuchado en RockZone estamos encantados con el resultado. GREG DULLI “¡Uau! Muchas gracias. Recibir vuestros elogios siempre es muy halagador y ahora mismo me acabas de hacer sonreír”.

Bueno, esto está muy bien, es un buen comienzo, me alegro. “Sí, yo también (risas)”. Habéis comenzado 2014 poniendo toda la carne en el asador con el lanzamiento de Do To The Beast. ¿Tienes idea de qué va a suceder este año? “Bueno, de momento creo que vamos a tocar en un montón de conciertos (risas), de esto es de lo único que estoy seguro. Cada vez vamos teniendo más confirmaciones, y me parece que va-

Para entender y sopesar el valor de una reunión es importante tener claros los motivos por los que os separasteis en el año 2001. Es obvio que no fue por una mala relación entre vosotros... ¿Crees que os estancasteis a nivel creativo? “Creo que lo que sucedió es que éramos un grupo de personas que habíamos estado tocando juntas durante muchísimo tiempo, hasta que nos desperdigamos por el país y cada uno empezó a hacer cosas diferentes. Cuando la vida de cada uno pasa a ser algo prioritario y la gente comienza a tener en cuenta y a preocuparse por otro tipo de cosas ajenas al grupo, es el momento de probar con algo nuevo”. Así que realmente lo que necesitabais era un cambio. “Sí, eso es, creo que todos lo necesitábamos. Fue como si ese mismo cambio se nos revelara. Gradualmente esas 69

“La clave está en la canción. Intentas reflejar tus ideas y tu energía en una cinta y que suenen de la manera que tú quieres” GREG DULLI

ganas de cambiar van creciendo hasta que un día llegas y piensas que ha llegado el momento de hacer algo”. En el pasado habíamos leído numerosas declaraciones tuyas en las que asegurabas que no ibas a reunir a la banda. ¿Qué fue lo que realmente te hizo cambiar de opinión? “Hice esta gira acústica en 2010, con varias actuaciones en España, por cierto, y John Curley se unió en uno de estos conciertos. Disfruté tanto esa noche, que le invité a que también participara en la siguiente actuación, en Chicago. Era la primera vez en diez años que el público de Chicago nos veía juntos compartiendo escenario. Eso es mucho tiempo. Fue una ocasión muy especial, todo esto me hizo muy feliz. Recuperé canciones 70

que hacía muchísimo tiempo que no había tocado, fue como hacer las paces con aquella época de mi vida. Disfruté mucho tocando esos temas, además en acústico, que es como los había compuesto en su mayoría. Salió todo de forma muy instintiva y natural. Y todo eso fue lo que me hizo pensar que había compuesto todos estos magníficos temas, que no los había tocado en directo en mucho tiempo y que disfrutaría mucho recuperándolos”. ¿Cómo es volver a juntar a una banda y poner en marcha la maquinaria? Ya sabes, retomar el pulso y la energía, y sobre todo, volver a convivir con tus viejos compañeros. “¡Es genial! Te lo digo de verdad. He llegado a un punto en mi vida en que ya no me molesto en hacer cosas que

no me gustan. Desde el momento en que decidí juntar al grupo, siempre he pensado que era lo que tenía que hacer. Me estoy haciendo mayor, así que no hago nada que me haga sentir incómodo, que no me cause felicidad o que no me estimule a nivel creativo. Únicamente puedo hacer cosas de una forma pura y satisfactoria, que es como intento disfrutar de mi propia vida”. Han transcurrido 16 años desde que grabasteis 1965. ¿Qué crees que ha cambiado más? “Sinceramente, dejando a un lado todo el tema de la tecnología, mira, empecé a grabar desde que era un adolescente, y es cierto que ahora todo resulta mucho más fácil, pero aun así, lo más importante es que la canción que vayas a grabar te guste. La clave está en la canción. Intentas reflejar tus ideas y tu energía en una cinta y que suenen de la manera que tú quieres. Yo compongo para mí, para mi propio entretenimiento, y después ya lo comparto con el mundo”. ¿Has sentido algún tipo de presión teniendo en cuenta vuestro legado? “No. No. No puedes pensar en ese tipo de cosas, tienes que seguir tu propio instinto y hacer lo que quieres en realidad. Los legados y las expectativas no son otra cosa que prisiones. No quiero sentirme encerrado. Quiero sentirme libre en el mundo”. El paso del tiempo es inevitable... ¿Crees que todos estos años han influido de alguna manera en la grabación? “Bueno, estuvimos grabando desde mayo hasta diciembre, y lo que sí te

puedo decir es que quería asegurarme de que este disco estuviera terminado en 2013 porque mi intención era comenzar 2014 celebrando su lanzamiento. Así que una vez estuvo terminado, regresé inmediatamente a Nueva Orleáns para continuar con mi vida. Allí tengo un bar en el que he estado trabajando, esperando a que los ensayos comenzaran. Como te decía, ahora nos tomamos las cosas de otra manera. Todos tenemos nuestras vidas fuera del grupo, y siguen siendo lo más importante. Por fin volvimos al local de ensayo el lunes. En pocos días actuamos en el festival de Coachella, y ahora lo principal es prepararnos a conciencia para poder ofrecer un gran concierto”. Habéis vuelto a vuestro antiguo sello discográfico, Sub Pop. ¿Qué os ha supuesto? “Bueno, he estado trabajando con Sub Pop desde que empecé con Gutter Twins hace seis años. La gente que trabaja allí son mis amigos, es un gran sello y siempre me han apoyado muchísimo en todos los aspectos posibles. Conmigo se comportan como una familia”. Cada uno de vuestros discos es una historia diferente. Do To The Beast tiene toda la esencia de ese material pasado, pero a la vez desprende ese halo de frescura que viene con un nuevo comienzo. ¿Cómo describirías tú este álbum? “Pues creo que lo acabas de hacer ahora mismo mejor de lo que yo soy capaz (risas). Mira, a la hora de hacer un disco siempre intento hacerlo lo mejor posible. Quiero que sea el mejor, y sentirme muy orgulloso de mi

trabajo. En este caso, me puse un límite de tiempo. Como te he comentado, empezamos en mayo, y quería terminarlo a finales de 2013, de hecho, quedó finalizado el 30 de diciembre. En el momento que tenemos un par de temas más o menos listos, bueno, más bien cuando ya la mitad del disco está bastante definida, ya tengo el rodaje suficiente para reaccionar y centrarme en si quiero este sonido aquí o este otro allá, si quiero que haya un poco de trayecto y unión entre los temas o si quiero que suenen distintos entre sí, pero que puedan funcionar bien en un mismo espacio. Con Do To The Beast los primeros temas que compuse fueron el primero, ‘Parked Outside’, y el último, ‘These Sticks’, así que después me dediqué a llenar el espacio entre ellos centrándome en escribir el resto de canciones”. Ahora que mencionas ‘Parked Outside’, hace unos días pude leer tu track-by-track del álbum publicado en un magazine británico, una pequeña aproximación a Do To The Beast en la que dabas a los lectores unas claves para abordarlo mejor, y comentabas que cuando tú y Dave Rosser os pusisteis a trabajar en ella, te diste cuenta de repente de que era una canción muy de stripper. Y resulta que cuando la escuché por primera vez también lo pensé. “¿En serio? ¡Qué bueno! (Risas)”.

¿Lo ves? Tu madre sabe de qué habla. “Lo sorprendente es que mi madre casi nunca dice ese tipo de cosas, así que resultó ser un comentario muy interesante por su parte”. Siempre habéis editado vuestros discos con portadas y artworks estupendos. Se nota que todos los detalles son cuidadosamente elegidos. ¿Es algo en lo que te involucras, o lo dejas en manos de otros? “Me encargo de elegir todas las portadas y superviso toda esta parte estética”. Para Do To The Beast, tanto el nombre como la portada son muy impactantes. La imagen de ese estallido de polvo, que estoy segura de que a muchos nos hace pensar en cocaína, es muy potente y muy violenta. “Cuando vi esa imagen me pareció tan impresionante que supe desde el primer momento que ésa iba a ser la portada. Es explosiva y muy llamativa. Transmite mucha energía”. Energía la que desprendes ahora mismo, que no paras. Ahora sólo queda que confirméis unas fechas por aquí. “Sí, yo también tengo ganas. Disfrutamos mucho del concierto que ofrecimos en el Primavera Sound hace un par de años, y nos sentimos muy arropados por el público. Espero que podamos volver a vernos pronto”.

¡Te lo juro! No sé, ese tema es súper decadente y sucio, pero tiene un punto muy sexy. “Sí, sí. ¿Sabes qué? Mi propia madre dijo que era sexy”. 71

DISCO DEL MES

N Cope (LOMA VISTA/MUSIC AS USUAL) ROCK ALTERNATIVO

o, Manchester Orchestra no se han vuelto locos y han dedicado su nuevo disco a la infame emisora de la Conferencia Episcopal Española. Cope en inglés significa ‘superar’, ‘lidiar’, ‘hacer frente a una situación’. En cierta manera, parece un título dedicado a sus fans. ¿Pero con qué tienen qué lidiar exactamente? Pues con los 38 minutos más estruendosos de su carrera. Si hasta ahora una de las mayores cualidades de la banda de Atlanta era su capacidad para ofrecer discos muy dinámicos, donde

MANCHESTER ORCHESTRA

preciosas baladas orquestales se alternaban con fogonazos guitarreros en la línea del indie rock de los 90, en su cuarto álbum han decidido subir los amplificadores al 11 y rockear de principio a fin. Cómo se lo tomará el sector más indie de su público está por ver, pero desde luego quienes no se asusten por escuchar riffacos propulsados por una potente distorsión disfrutarán de verdad. Los que hayan seguido su impecable trayectoria hasta ahora -si todavía no los conoces no dudes en recuperar sus anteriores trabajos I’m Like A

Virgen Losing A Child, Mean Everything To Nothing y Simple Math- se sorprenderán la primera vez que escuchen Cope. Eso viniendo de un grupo que no ha hecho dos discos iguales, ya es mucho. Cuando recibí la copia de avance y esa misma tarde corrí a casa para pegarle una primera audición no me esperaba que me recibiesen con un riff como el ‘Top Notch’, que podrían haber firmado los Foo Fighters más on fire. Naturalmente la voz aguda de Andy Hull y su manera de encarar las melodías no tienen nada que ver con las

de Dave Grohl, asegurando que la personalidad del grupo permanezca intacta. Y ahí radica la gracia de Cope, que aunque hayan endurecido su sonido, sigue sonando a Manchester Orchestra. Sin embargo, reconozco que de entrada me decepcionó un poco sobre todo porque veníamos de la majestuosidad, elegancia y sutileza de Simple Math. Aquí prácticamente todos los temas siguen la misma estructura (intro alborotada, estrofa más suave y estribillo redondo con explosión de guitarras) y eso viniendo de una banda que trabajaba cada canción como si fuera una obra única, parecía una salida demasiado fácil. ¿Pero conocéis aquella sensación de pensar ‘este disco debería gustarme

Harbor’ sigue esa línea más pop y cuenta con un puente estratosférico. Luego llegan ‘The Mansion’ y ‘The Ocean’, que bajan un poco el pistón en cuanto a tempo, pero con unas melodías en sus estribillos que se balancean como si los Flaming Lips o Modest Mouse hubiesen puesto los dedos en un enchufe. Más adelante encontramos una delicia como ‘Indentions’, canción redonda donde las haya, y ‘See It Again’, donde exprimen al máximo la fórmula de alternar sonido suave y duro. El álbum se cierra con ‘Cope’, que parece un hermano gemelo de la inicial ‘Top Nocht’, con un riff gigantesco que unido a la voz de Hull hace que suene como una jam entre My Morning Jacket y Black

“si de lo que se trataba era de enseñar su lado más musculoso, han cumplido la misión de sobras” por cojones, sólo es cuestión de tiempo’? Pues justo eso es lo que creí, porque sabía que Cope no me había decepcionado por lo que era, sino por lo que esperaba de él. Y así fue. A los pocos días se produjo el click que imaginaba y empecé a descubrir que, aunque en un formato aparentemente más basto y simple, las canciones eran tan buenas como siempre. Si ‘Top Notch’ abre el álbum en tromba con un riff cortado, ‘Choose You’ te anima con un ritmo más frenético y unas guitarras escuela Built To Spill, y la inmediata ‘Girl

Sabbath. Un final de lo más rotundo. Es una lástima que el grupo no haya incluido por ejemplo un tema en la línea de ‘I Can Feel A Hot One’ de Mean Everything To Nothing o, sin ir más lejos, ‘After The Scripture’, que recientemente cedieron a la banda sonora de Dallas Buyers Club, porque hubiera aportado un contrapunto de calma y emotividad que aún hubiera hecho resaltar más el resto. Aunque si de lo que se trataba era de enseñar su lado más musculoso, han cumplido la misión de sobras. JORDI MEYA

críticas HAS DE SABER... FORMACIÓN: Kip Berman (voz, guitarra), Christophe Hochheim

(guitarra), Alex Naidus (bajo), Anton Hochheim (batería) PRODUCIDO POR: Andy Savours AFINES A: The Pastels, Silversun Pickups, The Wedding Present PÁGINA WEB: thepainsofbeingpureatheart.com

THE PAINS OF BEING PURE AT HEART

H Days Of Abandon

(YEBO MUSIC/FIERCE PANDA) INDIE POP

an pasado cuatro años desde que The Pains Of Being Pure At Heart sorprendieron a la parroquia indie con Belong. Aquél era un álbum que con una robusta producción de Flood apostaba por las guitarras y los situaba más cerca de unos Smashing Pumpkins en versión pop que de la cantidad de influencias británicas que habían impregnado su debut. Por eso Days Of Abandon suena desde el principio como una vuelta a los orígenes, y si te dijeran que es la obra perdida de alguna banda de Manchester o Glasgow de finales de los 80 en lugar de un grupo contemporáneo de Brooklyn, no te quedaría más remedio que creértelo. Quizá esta

involución se deba también a los cambios internos sufridos por la banda, siendo Kip Berman el único miembro original que permanece. Sin embargo, que se haya quedado solo no parece obedecer a un exceso de tiranía creativa, pues en este tercer disco ha dado mucho cuartel a sus nuevos colaboradores. Sin ir más lejos, Jen Goma (A Sunny Day In Glasgow) adquiere total protagonismo haciéndose con la voz principal de ‘Kelly’ y ‘Life After Life’, dos de los temas más pop del trabajo y que podrían funcionar bien como singles. También el productor Andy Savours (The Horrors, My Bloody Valentine) parece haber tenido su papel a la hora de desprenderles de las

guitarras más shoegaze que les caracterizaban y ofrecer un sonido más limpio donde las voces y los coros están en primer plano. Donde antes la melodía romanticona de ‘Simple And Sure’ hubiera quedado enterrada por capas de distorsión, ahora salta y brinca a sus anchas y nunca como ahora habíamos escuchado tan clara la voz del propio Kip. Conciso como siempre –Berman dice que le disgustan los discos de más de diez temas-, Days Of Abandon también se sustenta sobre su melancolía habitual (‘Art Smock’, ‘Coral And Gold’), aunque personalmente la prefería cuando venía envuelta de un poco más de ruido. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... KIP BERMAN Por sonido y orientación, este disco parece más la continuación de vuestro debut que de Belong. ¿Cómo lo explicarías? “Creo que hacer Belong nos ayudó a ver qué aspectos de nuestra música nos gustaban y cuáles no. En este disco hemos querido enfatizar la idea original del grupo, que era que las canciones son lo más importante y no tanto la producción o el sonido. Pero al mismo tiempo, toda la experiencia que hemos ganado tocando en directo nos ha permitido componer partes más interesantes. En cualquier caso, no lo veo como una vuelta atrás, sino como una evolución”. Vuestra música siempre ha tenido mucha melancolía, y diría que en este álbum incluso más, aunque no lo parezca. “Creo que el disco puede parecer más pulido o adornado, antes nos basábamos más en la distorsión, pero como dices, en su interior hay mucha melancolía y soledad. Unas cuantas

canciones muestran el lado oscuro de las emociones. Han pasado tres años desde Belong y ha sido un periodo de transformación, no sólo por los cambios en el grupo. Escribí unas 50 canciones para este disco, pero la mayoría eran malas (risas). Necesitaba tiempo para reflexionar y quizá eso marcó el tono de la obra. Los artistas no sufrimos más que el resto de personas; es la vida”. ¿Cómo te han afectado los cambios en el grupo? “Todavía tengo la idea romántica de que un grupo debería estar formado por los músicos que lo empiezan, pero los cambios que hemos tenido me han hecho ver que también nos han permitido expresar mejor nuestros ideas. La aportación de Jen Goma, que participa en el disco y se vendrá de gira, fue genial. Tener temas donde no tengo que cantar como ‘Kelly’ o ‘Life After Life’, y que sea su preciosa voz la que se escucha, las lleva a otro nivel. También hizo que los coros fueran mucho más potentes. Lo

mismo con Kelly Pratt, que ha trabajado con Beirut y Arcade Fire. Sus partes de vientos son algo que no hubiéramos podido hacer antes. Hizo que todo fuera más emocionante. Pero entiendo que no todo el mundo quiera dedicar su vida a la música como yo y por eso estoy agradecido a todos los que han formado parte del combo hasta ahora. Seguimos siendo amigos, no hay nada de drama”. Antes comentabas la importancia de tocar en vivo y recuerdo declaraciones tuyas en las que te mostrabas muy inseguro con eso. ¿Has ganado confianza? “Sí (risas). Lo que ocurrió es que cuando sacamos el primer disco apenas habíamos tocado en directo. Nuestra idea de un show era tocar en el sótano de algún amigo, pero no ponernos enfrente de mucha gente. Es una faceta que desde luego hemos trabajado mucho. Creo que los nuevos shows serán muy buenos”. (MARC LÓPEZ)

cr í ticas

PIXIES

Indie Cindy (PIAS)

ROCK ALTERNATIVO

lack Francis y compañía, a excepción de Kim Deal, que anunció que dejaba Pixies en 2013, se lo han tomado con mucha calma para lanzar su quinto álbum, 21 años después de la publicación de Trompe Le Monde. Sin duda han escogido un momento óptimo, ahora que estamos presenciando el retorno de un montón de bandas clásicas. Fragmentado en tres EPs que han ido publicando a lo largo de los últimos meses, el resultado final de Indie Cindy (terrible título, por cierto) no ha terminado de ser tan redondo, quizás por eso de eliminar el factor

sorpresa. La sensación inicial al afrontar estos doce cortes es que nos encontramos un trabajo que toma como punto de partida su anterior disco, y que se trata de un viaje al pasado que hubiese encajado perfectamente de haber sido publicado en esa época. Sin embargo, después de tanto tiempo, y aun teniendo en cuenta que Pixies siguen ofreciendo un gran directo, algo falta en estupendos temas como ‘Greens And Blues’, ‘Bagboy’ o ‘Jaime Bravo’ que no terminan de entusiasmar. ‘What Goes Boom’, canción que abre el trabajo, ‘Blue Eyed Hexe’ o ‘Another Toe In The Ocean’ son claros ejemplos de que no se trata de una cuestión de falta de energía o de frescura. Entonces, ¿qué es lo que falla? El presente Indie Cindy no es un mal álbum, ni mucho menos, pero tampoco es un trabajo de regreso con una declaración de intenciones implícita. En realidad, da la sensación de ser el resultado de la obligación de justificar que Pixies sigan en activo tanto tiempo después. No era necesario. TOI BROWNSTONE

THE USED

Imaginary Enemy (HOPELESS) ROCK ALTERNATIVO

n sus tres primeros discos, The Used consiguieron unir agresividad y sensibilidad pop con bastante acierto. De ahí su éxito entre la generación emo. Pero ya hace bastante tiempo que se les habían acabado las ideas y sus canciones no conseguían ni ser pegadizas, ni tampoco tener suficiente fuerza para sonar creíbles. En su sexto trabajo han resuelto al menos el primer aspecto facturando un puñado de temas que podrían ser candidatos a single gracias a unos estribillos altamente radiables (‘Revolution’, ‘Cry’, ‘Make Believe’), y resultando

en que éste sea su disco de vocación más comercial. También se nota una voluntad de ofrecer un trabajo variado en el que pasamos del punk funk de ‘A Song To Stifle Imperial Progress (‘A Work In Progress’)’, a la épica a lo 30 Seconds To Mars de ‘Generation Throwaway’ al pop de ‘Make Believe’, acercándolo en concepto al Danger Days de My Chemical Romance. Sin embargo, la típica producción ultraclínica de John Feldman acaba unificando tanto el sonido que le resta interés y la personal voz de Bert McCracken está tan autotuneada que pierde carisma. Tampoco sus letras con aspiraciones de comentario político-social acaban pasando de ser una retahíla de clichés, y más que llamar a la revolución, como mucho incitarán a que algún teenager cambie de peinado. Como disco de pop guitarrero Imaginary Enemy acaba siendo resultón y mejora en algo sus últimas entregas, pero quien busque algo más que eso es muy posible que se lleve una decepción. JORDI MEYA

EL PÁRAMO El Páramo

(LA POLVAREDA/NOOIRAX/GRAN SOL) ROCK INSTRUMENTAL

Disfruta de un consumo responsable 35ª

l Páramo siempre son citados como una de las bandas más interesantes del panorama stoner nacional. La lástima es que no se prodigan demasiado... Que algunos de sus miembros también lo sean de Adrift y Toundra seguramente ralentiza la marcha de una banda que, sinceramente, no tienen rival en este país. Su estilo altamente lisérgico y tripero sigue sonando celestial, a estas alturas han conseguido un sonido absolutamente personal, y es complicado no escuchar esta obra del tirón, viajando, alucinando y disfrutando de los mil y un detalles de una grabación en la que el cuarteto madrileño se muestra certero en la ejecución, inspirado a la hora de crear atmósferas únicas. Pero no puedo evitar destacar algunos momentos especialmente brillantes.

‘Turbina’, el tema con el que abren de manera majestuosa, es uno de esos momentos sublimes. 10 minutos de pura psicodelia donde mezclan deliciosos momentos de ácida sutileza con subidones hasta las cejas de fuzz que convierten la experiencia en una loca montaña rusa sónica. ‘La Reina Del Sol’ también merece ser citada, y es en este tema donde nos damos cuenta de que la etiqueta ‘stoner’, aunque muy práctica a la hora de meter a ciertas bandas en una misma escena, es una auténtica idiotez tratándose de ellos, ya que estamos ante un verdadero ataque de de puro psych abrasivo y ambiental. Podrán tener influencias de Kyuss, pero son mucho más que eso. Rock instrumental, poderoso, etéreo, espiritual, especialmente indicado para paladares exigentes. ANDRÉS MARTÍNEZ 77

críticas

STEEL PANTHER All You Can Eat (KOBALT LABEL SERVICES)

HARD ROCK

ormalmente unir música y humor suele tener un recorrido bastante corto. Ejemplos los hay a patadas, desde Dread Zeppelin a Tenacious D a Lordi, pero Steel Panther siguen siendo la excepción. Estoy seguro de que su secreto –aparte de que bajo esas pelucas crepadas se esconden grandes músicoses que sus componentes aman de verdad el género que parodian. Cualquiera que no llevara toda su vida con el hair metal corriendo por sus venas no podría reproducir con tanto acierto todos los topicazos del género a nivel musical, ni tampoco sacar lo peor (es decir, lo mejor) del machismo cutrón que caracterizaba las letras de las hordas del Sunset Strip de los 80. A modo de ejemplo, Michael Starr canta en ‘Bukkake Tears’ “Tenía tanto

THE PRETTY RECKLESS Going To Hell (COOKING VINYL/PIAS)

ROCK ALTERNATIVO

aced lo que queráis, de verdad, pasad olímpicamente de The Pretty Reckless por el simple hecho de que Taylor Momsen, su cantante, sea una actriz famosa y penséis que esto es sólo el divertimento de un personaje de moda, pero estaréis cometiendo un error. Con esta segunda entrega se confirma lo que muchos pensábamos: que esto es un grupo de verdad, que los tipos tocan de cojones, que nuestra protagonista además de ser famosa y guapa, canta de puta madre y encima, compone auténticos himnos. A medio camino entre el hard rock melódico

amor en la cara que no podía ver las lágrimas”. No hace falta decir nada más, señoría. Lo que no deja de ser irónico es que Steel Panther sean ahora mismo capaces de ofrecer discos mucho mejores que los de algunos de sus héroes (Aerosmith, Mötley Crüe, Def Leppard…), convirtiendo All You Can Eat en mucho más que un guilty pleasure. Quien aprecie el buen hard rock tendrá un subidón al comprobar que

todavía hay un grupo que puede crear himnos como los de antaño. ‘Party Like Tomorrow Is The End Of The World’, ‘The Burden Of Being Wonderful’ o ‘Fucking My Heart In The Ass’ merecerían aparecer en cualquier recopilatorio de glam metal al lado de ‘Talk Dirty To Me’, ‘Photograph’ o ‘Girls, Girls, Girls’, y convierten este disco en el antídoto perfecto para ahuyentar a hipsters.

de guitarras afiladas y el rock alternativo, la banda se cansa en este nuevo álbum de ofrecernos razones para que confiemos en ellos en forma de composiciones redondas, brillantes, exitazos que uno tras otro van cayendo y nos hacen pensar en que éste es el tipo de disco que debería reventar las listas si no estuviera el mercado como está. Estoy seguro de que Dave Grohl, por ejemplo, se enamoraría al instante de un tema como ‘Follow Me Down’, con esa muralla de guitarras asesinas y ese estribillo matador, lo que se dice una apertura perfecta. ‘Going To Hell’

conserva intacto el poder melódico, auténtico hard rock de calidad extrema que a mí me ha recordado a los mismísimos Def Leppard, y os aseguro que aquí la rubia se sale, qué manera de cantar... Sigue la audición y me imagino trasladándome a la época pre internet y escuchando un tema como ‘Heaven Knows’. Cuántas bandas hubieran matado por un tema como éste, fijo que hubiera ido directo al número 1, con esa melodía que se te pega como una segunda piel y ese estribillo hooligan en plan Queen, brutal. Aquí hay buen material.

JORDI MEYA

ANDRÉS MARTÍNEZ

TEITANBLOOD Death

(NORMA EVANGELUM DIABOLI)

DEATH METAL, BLACK METAL

iempre es sorprendente, incluso para el aficionado más conocedor, el espacio que existe aún dentro del death y el black metal para crear paisajes sonoros en los que la gravedad, la brutalidad y la densidad se distingan con una personalidad propia. Éste es, sin duda, uno de los méritos de Death de Teitanblood, banda española que cuenta con los respetos del mismo Fenriz de Darkthrone (busca su logo en la portada de su

Circle The Wagons si no te lo crees). En este disco, Teitanblood se distinguen de sus contemporáneos con una interesante obra de siete temas, por lo general, larguísimos (de hasta 12 y 16 minutos) de un death/black metal (más tendente a lo primero) que bebe directamente de la putrefacción de las bandas primigenias del género logrando un nivel de agresión que va más allá de la brutalidad y que resulta absolutamente primitivo a la par que de una sofisticación técnica envidiable, rudo aunque con una producción impresionante y con un aura de oscuridad, caos y mugre que resulta totalmente efectiva. Sin duda, un nuevo logro de una banda que ya es tan histórica y legendaria como las principales del género, y que a diferencia de otras que se duermen en los laureles, desafía cualquier preconcepción para destruir las fronteras entre lo musical y lo infernal. SALVA RUBIO

críticas

MAYHEM

Esoteric Warfare (SEASON OF MIST) BLACK METAL

n general, los teasers, singles y videoclips me importan una puta mierda. A mí sólo me interesan los álbumes, pero tengo que reconocer que con ‘Psywar’ hice una excepción. No porque Mayhem llevaran siete años sin publicar un largo, pues al fin y al cabo eso forma parte de la adorable idiosincrasia del grupo, sino porque me corroía por dentro el comprobar cómo había evolucionado esta vez la siempre mutante maquinaria de guerra de la formación más polémica y legendaria que ha dado el black metal. En ese tema

encontramos a unos noruegos caóticos, tormentosos, con un Hellhammer en plan percutor en la batería y un Attila Csihar poseído ante el micro, emulando la mejor tradición de su más que mítico De Mysteriis Dom Sathanas, pero esta enajenación no es una excepción en Esoteric Warfare. La misma ‘Watcher’ con la que se inicia el trabajo es ya monumental de principio a fin, y ‘Trinity’ y ‘Pandaemon’ dos bestialidades extremas y altamente experimentales que muestran a unos Mayhem en un estado de forma admirable. Tras una primera parte de álbum para enmarcar, con ‘Mylab’ caemos en un ladino pozo de perversidad en el que Teloch nos desquicia con su guitarra mientras Csihar se doctora en las voces, como también en la laberíntica ‘Six Seconds’ y las increíbles y perniciosas ‘Throne Of Time’ y ‘Corpse Of Care’. Depravado, taimado, anómalo. Vayan ustedes perdiendo el tiempo con el ‘post esto’ y los ‘proto lo otro’, que contra los grandes no se puede luchar. Magistral. PAU NAVARRA

WOLFMOTHER New Crown (WOLFMOTHER) HARD ROCK

o hay quien entienda a Andrew Stockdale. El año pasado decidió dar salida a las canciones que debían haber sido el tercer disco de Wolfmother bajo su nombre, en lo que suponía su debut en solitario. A pesar de que sus coordenadas estilísticas apenas habían variado y que la banda que le acompañaba seguía siendo la misma, la jugada a nivel comercial fue un desastre, pasando Keep Moving inadvertido para la mayoría. Insatisfecho con el resultado, no tardó en anunciar que retomaba el nombre con el que se dio a conocer y volvía a entrar

inmediatamente al estudio para grabar nuevo material, que es lo que nos llega, ahora sí, como el tercer trabajo de los australianos. Si algo queda claro es que Stockdale no tiene la cabeza lo suficientemente bien amueblada como para saber hacia dónde quiere conducir su carrera. Al menos, en cuanto a lo que respecta a lo meramente musical, no deja de darnos alegrías. New Crown vendría a ser aquello de ‘dar dos pasas atrás para ir tres hacia adelante’. Recuperando el formato de power trio con el habitual Ian Peres al bajo y el nuevo batería Vin Steele, en esta ocasión ha optado por una producción más vintage y, por momentos, con un sonido tirando a guarrete. ‘Enemy Is In Your Mind’, ‘How Many Times?’ y ‘My Tangerine Dream’ evidencian tanto que su mente sigue estancada en los 70 como que sigue siendo un privilegiado a la hora de componer, aunque las fusiladas a The Hives y Rolling Stones cantan demasiado. Esperemos que no le dé por cambiar de opinión otra vez. GONZALO PUEBLA

NICK WATERHOUSE Holly

(OTHER HAND MUSIC/INNOVATIVE LEISURE) RHYTHM’N’BLUES, SOUL

ecuerdo descubrir el soul clásico en plena adolescencia, cuando aquellas canciones parecían hablar de mi tormenta de emociones interna, tan propia de la edad del pavo. Haya dejado ya ese estado aviar o no, lo cierto es que me sigue emocionando igual esa música. Y por eso he celebrado y disfrutado como un mono (y va de animales) toda esta resurrección estilística en los últimos años, importándome una mierda debates absurdos sobre su pureza, originalidad o cualquier otra gilipollez que

vaya más allá del terreno puramente emocional y sensorial. Si escuchaste Time’s All Gone (2012) o le viste en el Primavera Sound, sabrás de lo que te hablo. Nick Waterhouse sigue calzando elegante rhythm’n’blues de corte clásico en un disco concebido como una historia con hilo argumental entre canción y canción, y con el destino como concepto bien presente. Producido a medias con Kevin Augunas (Black Keys, Edward Sharpe…), el californiano asegura haber tenido en mente Chinatown a la hora de componerlo, y lo cierto es que las atmósferas que supura pegarían perfectamente con una buena peli de gángsters: soul (‘Holly’), R’N’B (‘This Is A Game’), jazz (‘Hands On The Clock’) y swing (‘Well It’s Fine’) se mezclan en un álbum lleno de clase y beat, y con tributos a un grande como Mose Allison (‘Let It Come Down’) o a un marciano contemporáneo como Ty Segall (‘It Nº 3’). ¡Danzad, malditos, danzad! IGNASI TRAPERO

MISERY INDEX The Killing Gods (SEASON OF MIST) BRUTAL DEATH METAL GRIND

a batería disparadísima de Adam Jarvis (Pig Destroyer, Hate Eternal), los emocionantes riffacos de Mark Kloeppel y Darin Morris a destajo… No falla, son Misery Index. Todavía sin la veneración absoluta que merecerían, pero sin duda son ellos. Inconfundibles. Con los cinco primeros cortes de su nuevo The Killing Gods enmarcados en la canción colectiva ‘Faust’, es decir, los que van de ‘Urfaust’ a la sensacional ‘The Harrowing’, los de Baltimore dan el pistoletazo de salida a su quinta obra. ‘The Killing Gods’ supone el

inicio del resto de material, pero también es marca de la casa. Masacre musical como primer punto de la orden del día, bronca de lo más controlada, pero como en Heirs To Thievery, quizá en este disco también se echa en falta un himno del estilo de ‘Conquistadores’, ‘Traitors’ o ‘Ghosts Of Catalonia’, aunque tampoco es que éste vaya faltado de temazos, la verdad… Con más medio tiempos aplastantes que de costumbre, como en la humillante ‘Cross To Bear’, ‘Sentinels’ o ‘The Weakener’, en su nueva obra también aportan una melódica ‘Gallows Humor’ donde se nota el pasado de su bajista y cantante Jason Netherton en Dying Fetus, aunque la destacable colaboración del jefazo de John Gallagher se dé en ‘Colony Collapse’. ‘Heretics’ cierra con clase, pero el tema bonus es una buena sorpresa: ni más ni menos que una versión de ‘Thieves Of The New World Order’ de Ministry. Hasta a medio gas reinaría esta banda. Nivelón, nivelón. PAU NAVARRA

cr í t icas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Aiora Renteria (voz), Piti Imaz (guitarra), Rubén Gonzalez (bajo),

Asier Basabe (batería) PRODUCIDO POR: Dave M. Allen AFINES A: Magnapop, Fromheadtotoe, Maika Makovski PÁGINA WEB: www.zea-mays.com

ZEA MAYS

R da

(AUTOEDITADO) ROCK

ecuerdo perfectamente que la primera, y hasta ahora única, vez que vi en directo a Zea Mays me topé con una banda cargada de energía y de furia bien dirigida. Fue en el marco del Mercat de la Música Viva de Vic del año 2009, así que ya han pasado unos cuantos años de eso, aunque no deja de sorprender el rumbo que ha tomado el grupo de Bilbao en da, su séptimo disco. Se nota que el toque final del álbum lo ha dado Dave M. Allen, un prestigioso productor inglés que ha trabajado con gente como Depeche Mode o The Cure, pero sobre todo me asombra la naturalidad con la que Zea Mays han hecho

progresar su rock tiznado de post hardcore hacia un sonido propio impregnado también de indie y de pop en una evolución parecida a la que sufrieron en su día bandas como Fromheadtotoe. En da el cuarteto vasco suena más domesticado, más sutil, pero no por ello dejan de componer grandes canciones: desde el estribillo irresistible de ‘Bi Bihotz, Bi Ero’ hasta la épica ‘Prest’, transitando por la cadencia exquisita de ‘Egiten Dudan Soinuak’ y la intensidad de ‘Kolpeka’. Lo que no ha cambiado ni un ápice desde su formación en 1997 es su apuesta firme por expresarse en euskera y, de alguna forma, la manera de cantar de Aiora Renteria sigue

dignificando una lengua que algunos piensan que no sirve para crear buenas melodías y armonías vocales. Es éste un disco rico en matices y que ofrece mucha variedad para el oyente, apostando en ciertos momentos por bases más bailables (‘Gaur’), en otros por una elegancia intimista (‘Irria’), y que tiene en ‘Ilunetan’ uno de esos temas pop redondos que podrían sonar sin problemas en la radio. Un derroche de recursos e ideas que pocos grupos conservan después de tanto tiempo en activo. Más de una hora de música rock cantado en euskera para reivindicarse como grupo, eso y mucho más es da. JORDI FORÉS

HABLAMOS CON... AIORA RENTERIA Antes de empezar a componer un nuevo disco, me imagino que tienes que superar el pánico a la hoja en blanco. ¿Os ocurrió con da? “Creo que a todos los grupos nos pasa. Vienes de una gira larga, te metes en el local, cuesta que salgan los temas y te llegas a cabrear. Pero luego de repente encuentras un caminito y parece que todo salga solo. Pero para este disco tuvimos suerte porque estábamos muy concentrados, pues sabíamos que íbamos a trabajar con Dave y era una gran responsabilidad. Ha ido todo bastante fluido y sin nubes negras por encima de nuestras cabezas, aunque para mí siempre es igual de angustioso (risas)”. Es obligado preguntar cómo surgió el contacto con Dave M. Allen y si afectó en algo el planteamiento del álbum. “Nosotros habíamos decidido trabajar con un productor. Habíamos pensado

en alguien estatal, pero justo la semana que íbamos a hablar con él tocamos en las fiestas de Lekeitio y Dave estaba de vacaciones ahí con un conocido nuestro, nos vio en directo y nos pareció que no podíamos dejar pasar la oportunidad. Le preguntamos si estaría interesado, se lo pensó, luego tocamos en Londres y nos dijo que sí. A partir de ahí sí cambiaron las cosas porque nos pidió 14 temas, para grabar doce y que meter diez en el disco, que le mandásemos maquetas… Al final luchamos con él y acabamos metiendo 13. Salió todo redondo a pesar del miedo inicial que teníamos”. El disco suena diverso pero coherente. ¿Cuál es el truco? “En nuestra historia siempre hemos hecho un poco de todo, intentado tocar todos los palos, pero al final siempre hemos sido nosotros. Al darle el nombre da, que significa es, queríamos marcar que el hilo conductor es que somos los mismos. Aunque hagas algo más bailable, no vas a dejar de ser tú. Pero

lo que unifica más ha sido el sonido de Dave en las mezclas. Cuando hemos grabado nuestros discos aquí te da mucho más palo utilizar cualquier efecto y éste es un sobrado. Le ha dado una redondez brutal con esa mesa tan especial que parece que tiene”. Aunque sois una banda con experiencia internacional, ¿crees que el tener una tarjeta de visita como la producción de Dave os puede ayudar? “Pues eso es lo que estamos intentando. Se abren más caminos, hay más sellos interesados y queremos aprovecharlo. Aparte de su trabajo, creo que es un álbum muy, muy digno, y que puede funcionar bien a nivel internacional también”. ¿Cuál es la experiencia más irreal que habéis vivido fuera? “Japón es muy gracioso. La gente es como muy seria hasta que empieza el concierto y se vuelve loca”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

BELOW

Across The Dark River (METAL BLADE)

DOOM METAL, HEAVY METAL

l sortilegio de Below no causaría efecto si no contaran con un vocalista portentoso como Zeb. En efecto, la banda sueca tiene los riffs, el pulso firme para esgrimir con destreza un notable dominio de los tempos, de las lúgubres ambientaciones que sus historias de fantasmas y apariciones demandan, pero sin esta especie de híbrido entre Dio, Tony Martin, Messiah Marcolin y, como nos sugirió en el número pasado su batería Doc, Bruce Dickinson, éstos no habrían logrado copar toda la atención que han conseguido con este debut. No hace falta decir que los fundamentos del cantante también son trasladados en el plano musical, pues Across The Dark River es un celebrable compendio que proclama su pasión

S THE HOLD STEADY Teeth Dreams (WASHINGTON SQUARE)

ROCK, INDIE

upongo que todos coincidiremos en que, el día en que Franz Nicolay dejó The Hold Steady, la banda perdió algo más que su carismático bigotillo daliniano. El teclista suponía uno de los pilares básicos del sonido de los neoyorquinos y su baja ya se notó sensiblemente en el irregular Heaven Is Whenever. También se sigue echando en falta su aportación en este nuevo sexto plástico, pero aun así sus excompañeros parecen negarse a tirar la toalla y han tirado de orgullo para demostrar que todavía les

por Black Sabbath, Candlemass y, claramente en las deliciosas ‘Ghost Of A Shepherd’ y ‘Portal’, también por Mercyful Fate. De hecho, ‘Portal’ es totalmente King Diamond, es una gozada de canción en la que se nota la mano del productor del álbum, ni más ni menos que el legendario Andy LaRocque, guitarrista de siempre de tan mítica banda. ‘Trapped Under Ground’, ‘Bid You Farewell’ o las

estupendas ‘Mare Of The Night’ y ‘Across The Dark River’ tampoco escatiman en cuanto a calidad, así que este primer disco de Below es un ferviente alegato a favor del doom metal épico, aunque también reúna todos los ingredientes necesarios para gustar al fan del heavy metal de toda la vida. Coros espectrales, cuervos, lluvia, campanas lejanas… Un trabajo redondo.

quedan cosas por decir dentro del panorama indie americano. Tad Kubler ha sacado brillo a las guitarras y se ha puesto a comandar la nave dando como resultado uno de sus trabajos más rockeros. Prueba de ello son esos balazos tan inmediatos, caso de ‘I Hope This Whole Thing Didn’t Frighten You’, ‘On With The Business’ o la extensa y final ‘Oaks’ en la que se explaya a gusto. Por su parte, Craig Finn continúa cantando (o recitando, más bien) con ese tono que hará que lo ames o lo odies y unos fraseados que me hacen emparentarle de alguna

manera con Michael Stipe (los R.E.M. de la última década habrían matado por un single tan bueno como ‘Spinners’). Al mismo tiempo sigue escribiendo alguna de las mejores letras que podremos leer este año. Por algo muchos le consideran una de las plumas más infravaloradas de su generación. El estado de forma que mostraron en Stay Positive parece ya algo lejano y tal vez estén a tiempo de pegarle una llamada a Nicolay para que regrese, pero aun así, Teeth Dreams continuará justificando su estatus como grupo de culto.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

STEPHEN MALKMUS & THE JICKS

Wig Out At Jagbags (DOMINO/PIAS)

INDIE ROCK

ltimamente ando algo mosca con el paso del tiempo. Más que nada, porque empiezo a tomar consciencia de que es una realidad. Sólo hay que mirar alrededor, o al espejo, o enfrentarte a un disco de Stephen Malkmus y ver que el tipo tiene ya 47 años y ha publicado más discos con The Jicks que con los inimitables Pavement. Y es que (¡Aléjate de las cuchillas de afeitar!) ‘Crooked Rain, Crooked Rain’ ya tiene veinte años. Las canciones de Malkmus siempre sonarán

a Pavement y el hombre no se quitará nunca ese aura de chico travieso al que le encanta jugar con las palabras y reírse de todo, pero los discos con The Jicks son como tu actual reflejo en un cristal. Grabado en una granja de la región belga de las Ardenas junto a Remko Schouten (antiguo colaborador de Pavement) y con la participación de Fran Healy de los Travis (eran vecinos en sus dos años de estancia en Berlín), el disco se mete en los rincones del pop psicodélico y la mente juguetona de Malkmus. Canciones fragmentadas, discontinuas, como puzzles de esta realidad de zapping y caprichos que nos ha tocado vivir: golpes de esquizofrenia enérgica (‘Surreal Teenagers’), medio tiempos livianos (‘Lariat’), guitarras de aires pixianos (‘Shibboleth’), y una bella joyita sin fecha de caducidad por la que ya vale la pena escuchar el disco, ‘J Smoov’. Con arrugas o sin ellas, Stephen Malkmus no dejará nunca de hacernos sonreír como veinteañeros. IGNASI TRAPERO

SKINDRED

Kill The Power (PIAS/COOKING VINYL)

METAL, CROSSOVER

kindred se presentan en el tema ‘Ninja’, primer adelanto de su quinto largo, como la última máquina de lucha. Y los galeses hacen buena la descripción en el corte encargado de abrir el disco, ‘Kill The Power’, pero poco más. Que no os confunda el puño cerrado de la portada, que Benji Webbe y sus compinches no son los nuevos Rage Against The Machine. El entretenimiento gana por goleada al compromiso, presente en contadas letras y de forma demasiado vaga. ‘Kill The Power’ es un trallazo pegadizo, eso sí, con una cadencia en la entrada deudora de Cypress Hill y

una estrofa machacona que podría recordar a los Limp Bizkit del Significant Other. El crossover de estos tipos de Newport no tiene límites. Así, en ‘Ruling Force’ tienen los santos cojones de abrir con un riff nu metalero para luego empalmar una base hip hopera con un rapeo mueve caderas que ni los Black Eyed Peas. Y cuando piensas que su osadía ya ha llegado muy lejos y no pueden sorprenderte, en ‘Playing With The Devil’ bajan el tempo con un arranque de reggae espiritual rematado con un estribillo entre industrial y dubstep. Su poderoso cantante, extremadamente versátil, merece todos nuestros respetos. En su contra, y aunque su directo se me antoja como una auténtica fiesta, tanto cambio de chaqueta desconcierta. Porque cuesta creértelos cuando facturan tan alegremente piezas pop rock como ‘More Fire’ y ‘We Live’, los temas posiblemente más radio friendly de su carrera, y pocos minutos después mueven la melena como posesos en la trallera ‘Proceed With Caution’. LUIS BENAVIDES

cr í ticas

BRUTALITY WILL PREVAIL Suspension Of Consciousness

(SIEGE OF AMIDA/CENTURY MEDIA) HARDCORE, SLUDGE METAL

nalizando con perspectiva la trayectoria que llevaban Brutality Will Prevail con Root Of All Evil, el EP Sleep Paralysis o Scatter The Ashes, escuchando el mismo tema que da nombre a este último disco, tampoco debería sorprender tanto lo que los galeses ofrecen en Suspension Of Consciousness… Porque una vez presentas un sonido tan rocoso y te permites excentricidades del palo temas instrumentales u otros recursos poco habituales en el hardcore, poca distancia hay entre apostar directamente por el sonido sludge. Aunque, eso sí, añádanle también algunas voces de inquietante mal gusto y el resultado puede no ser tan disfrutable. A ver, ‘Tower Of Silence’ o ‘Abandon’ son saludable

H JOAN COLOMO La Fília I La Fòbia (BCORE)

INDIE

ay muchos músicos, y muchos son muy buenos. Luego está Joan Colomo, un privilegiado, mágico y maravilloso. Han pasado unos cinco años desde su debut en solitario, Contra Todo Pronóstico, y su eclecticismo pop sigue siendo infalible e inimitable. En el presente La Fília I La Fóbia, su cuarto trabajo con nombre y apellido, el bueno de Joan se enfunda su traje de superhéroe de la canción protesta, con unas composiciones redondas a prueba de kriptonita. Así, encontramos críticas realmente mordaces con

caña, ‘Pray For Cleansing’ atrae mucho, ‘Anxiety’ con Liam Cormier de Cancer Bats es un pepinazo de los buenos, pero no sé, hay ahí algunos coros que, sinceramente, me han provocado sarpullidos… ¡Por no hablar de un corte instrumental como ‘Ritual’, un tripi psicodélico digno de un pantanoso grupo de Nueva Orleáns! ‘Escapist’ también es extraña, junto a otro pasaje como

‘Celephais’ parecen de Mastodon, y luego, vuelta al duro hardcore con ‘Back To The Earth’. La voz de Louis Gauthier en ‘Burden Of Love’ es ya para flipar… Brutality Will Prevail son otro caso en el que logo y pintas no se corresponden demasiado con la música que despliegan, pero tras varias escuchas este largo ha acabado convenciéndome algo más. Bizarro.

formas pop como ‘Dona Negra’ y ‘Reses Sociales’, con uno de los estribillos más potentes del álbum; también reflexiones pseudo filosóficas en ‘La Fília I La Fòbia’ y ‘Una Bala Perdida’. Pero en La Fília I La Fóbia, grabado en los estudios Nautilus por Iban Puigfel, no todo es denuncia social e ironía nihilista. Aunque ‘Cançó D’Amor Nº2’ tiene un ritmo apocado y unos teclados decadentes, su tono triste esconde un precioso canto al amor. Pasa tres cuartos de lo mismo con la melancólica ‘Els Amigos’, rematada con unos certeros parapapá llenos de color a cargo de la pizpireta Inés

M. de Albornoz, bajista de La Célula Durmiente. Mención especial para las inclasificables ‘El Nuevo Orden Cósmico’, una fábula sideral con guitarras incisivas y un bajo muy marcado, y ‘La Màquina Del Temps’, donde este hardcore kid venido a cantautor reivindica el poder de los recuerdos. Terriblemente ocurrente y creativo, el Zeidun se sirve del castellano y el catalán para abordar con una falsa ingenuidad algunos aspectos de la condición humana y provocar cosquillas auditivas. En otras palabras, buenrollismo ilustrado.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

PANTONES

¿Quién Quiere Primavera? (SUBTERFUGE)

PUNK POP

ese a que derrochaba frescura por cada uno de sus surcos, Ruido Rosa, el EP de presentación de Pantones, mostraba a una banda con las ideas claras pero todavía en vías de desarrollo. Al fin y al cabo, frescura es lo mínimo que se le puede pedir a un grupo así, y su punk pop soleado de escuela californiana siempre ha tenido en nuestro territorio unos cuantos representantes de nivel elevado. Así que era más que evidente que tenían que dar un paso adelante si querían meterse en la

pomada del punk patrio y no quedarse simplemente como un simpático trío que parece caer bien a todo el mundo. Las 13 canciones que contiene ¿Quién Quiere Primavera? son ya suficientes no sólo para evaluar a Pantones, sino para afirmar que han sabido dar ese paso adelante y que de sus cabezas han salido unas cuantas melodías dignas de ser recordadas. Bajo la batuta de ese pequeño dream team de la producción del punk patrio, Joaquín Rodríguez y Javier Pelayo, los madrileños ha entregado un álbum variado en el que podemos encontrar de todo, desde pildorazos punk pop de manual como ‘Ya No Puedo Esperar’ hasta esos medio tiempos que evocan a las girl groups de los 60 como la propia ‘¿Quién Quiere Primavera?’, pasando por arrebatos punk como la efectiva ‘Lo Intenté’ o himnos nuevaoleros caso de la fantástica ‘Minifalda’, que cierra el álbum por todo lo alto. Estamos ante un grupo con el que puede pasar algo. RICHARD ROYUELA

TRIPTYKON

Melana Chasmata (CENTURY MEDIA)

BLACK METAL, DOOM METAL

arece increíble que, desde que Celtic Frost volvieran por la puerta grande con Monotheist en 2006, Tom G. Warrior haya sido capaz de grabar otras dos obras maestras con Triptykon. Ocho años de magnificencia, y es que, por si alguien lo dudaba, Melana Chasmata es otra maravilla a la altura del fabuloso debut Eparistera Daimones. ‘Tree Of Suffocating Souls’ abre con brío e ideas renovadas, con un agresivo juego de voces con el guitarra V. Santura (Dark Fortress) que encima engancha, pero ‘Boleskine

House’ nos trae a los Triptykon graves y ominosos, a la par que bellísimos, con la voz de la bajista Vanja Slajh brillando cual sol de verano. ‘Altar Of Deceit’ es marca de la casa, decadente, también muy Black Sabbath en su estribillo, Norman Lonhard arrasa tras lo parches, y así llegamos a la virulenta ‘Breathing’. Luego nos atenaza la espléndida ‘Aurorae’, mientras que ‘Demon Pact’ se convierte en una conversación con Caronte mientras guía su barcaza hacia el Hades. Pantagruélica y vanguardista, esta canción es la mismísima oscuridad. Con ‘In The Sleep Of Death’ al fin llega la depresión, justo para que ‘Black Snow’ te someta a un largo viaje de desasosiego y existencialismo. Para terminar, la mayúscula ‘Waiting’, un sorprendente y fabuloso arrebato casi new age que sólo podría surgir de un cerebro curtido y privilegiado a pleno rendimiento. Como en 1985, el arte del genio suizo sigue inalcanzable para el resto de los mortales. Que baje Dios y lo vea. PAU NAVARRA

cr í ticas

THE BLACK KEYS Turn Blue

(NONESUCH/WARNER) ROCK

ómo consigue un dúo de blues rock de Ohio superar la presión de dar continuidad a un disco que inesperadamente ha vendido millones de copias, les ha hecho ganar un Grammy y les ha convertido en estrellas? La respuesta es bien fácil: sin intentarlo. Lo mejor que puede decirse de Turn Blue es que no es, ni quiere ser, una segunda parte de El Camino. Si bien por lo escuchado en el primer single ‘Fever’, con su repetitiva línea de bajo y Farfisa que se te queda a la primera, parecía que Dan Auberbach, Patrick Carney y el productor Danger Mouse habían optado por no romperse la cabeza, una vez te pones a

escuchar el disco entero, la cosa cambia. El primer tema ‘Weight Of Love’ es toda una declaración de intenciones. Si El Camino se abría con el hit ‘Lonely Boy’, Turn Blue lo hace con esta balada setentera de casi 7 minutos con largos solos de guitarra. Un tema ideal para escuchar después de una borrachera del tamaño que ellos han vivido en los últimos tres años. Las sexys y negroides ‘In Time’ y ‘Turn Blue’ confirman esta línea más lounge que hará subir la temperatura en cualquier cita íntima. Después de la citada ‘Fever’, quizá el único tema que te imaginas triunfando en los festivales, pero que no es ni mucho menos la bomba, el álbum retoma su carácter más psicodélico, experimental y cinemático en piezas como ‘It’s Up To You Now’. Aunque quizá la mayor sorpresa llega justo al final con ‘Gotta Get Away’, un boggie infeccioso que recuerda tanto a Credence Clearwater Revival como a la E.L.O. Un estallido de júbilo que redondea un disco que probablemente venda menos que su predecesor, pero que es igual de bueno. JORDI MEYA

All Hat And No Cattle, una expresión que en castellano puede traducirse como ‘hablar mucho y decir poco’. Las diferencias con su primer trabajo son remarcables. Para empezar, el primero de los trabajos de Chris Shiflett & The Dead Peasants era un plástico homónimo CHRIS SHIFLETT con mucho folk alternativo & THE DEAD y rock americano. Éste en PEASANTS All Hat And No Cattle cambio ahonda en el country (LE COQ NAPOLEON/SIDE ONE DUMMY) de los años 60, y si en su AMERICANA debut encontrábamos una versión del tema ‘Burning 70 Lights’ popularizado por Joe Strummer, en el nuevo trabajo uando los Foo Fighters sólo encontramos un tema anunciaron su último original: ‘A Woman Like hiato indefinido, los You’. El resto de All Hat And escuderos de Dave Grohl No Cattle es un simpático aprovecharon para descansar homenaje a mitos del honky de tanta gira, pero también tonk como The Buckaroos para dar continuiad a sus (‘Guitar Pickin’ Man’), Del proyectos paralelos. Así, Reeves (‘Good Time Charlie’), mientras el batería de los Dwight Yoakam (‘Playboy’), foos Taylor Hawkins prepara Wynn Stewart (‘Happy Part el lanzamiento de sus Birds Of Town’) o Faron Young (‘Live Of Satan, el guitarrista Chris Fast, Love Hard, Die Young’). Shiflett sigue girando por Veremos cuánto tiempo le los bares y cantinas con queda a Shiflett con las botas sus Dead Peasants. Y es camperas y el gorro de que el bueno de Shifty está vaquero, que cualquier día le presentando desde finales llaman a filas para presentar de 2013 su segundo largo el octavo disco de los Foos. LUIS BENAVIDES con los granjeros muertos,

VRADEMARGK

The Black Chamber (AUTOEDITADO) MELODIC DEATH METAL

o solamente en el aspecto visual han mejorado Vrademargk respecto a su primera obra de 2010, Transition To Nowhere. Si cuando lo reseñamos en su momento este combo de Terrassa ya nos dejó un buen sabor de boca, ahora amplían todo lo ofrecido con un trabajo que debería abrirles unas cuantas puertas. En efecto, el death metal melódico está en auge en nuestro país, y álbumes como The Black Chamber no hacen más que subir su listón cualitativo, aunque por fortuna, Vrademargk se enmarcan en la línea más

trallera que dicho estilo pueda ofrecer. El blast beat de ‘Undesired Funeral’ hará rodar cabezas, lo mismo ocurre con ‘Fear Itself’, aunque ésta ya incorpore más matices, pero con ‘Anima Invictus’ los catalanes demuestra poseer un amplio abanico de recursos. En plan medio tiempo machacón, allana el camino para que la técnica ‘Taste The Sin’ te arree luego un buen mamporro. Así llegamos a ‘Més Enllà De L’Abisme’, una canción muy en la línea de sus vecinos Maleït y que si me permiten, al cantar en su lengua materna les aporta un manto de oscuridad interesantísimo que deberían explotar bastante más. ‘The Empathic Misanthrope’ tira a temazo, ‘The Black Chamber’ no se queda corta y ‘Deathcell Migration’ redunda en todos los puntos fuertes enumerados. Con un álbum tan variado, robusto, incisivo y malvado, Vrademargk ya pueden enfrentarse a casi cualquier enemigo que se les presente. Más talento para nuestro metal extremo. PAU NAVARRA

GAIN

Entropía (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

an pasado tres largos años desde Somos Aire, el tercer trabajo de los catalanes Gain. Su propuesta, sin embargo, ha cambiado poco o nada desde entonces. Ajenos a las modas, aunque nos consta que consumen música guitarrera muy variada, el ahora cuarteto sigue en la brecha con un rock aguerrido, pedales que te transportan a la era dorada del grunge y un discurso en primera persona existencialista en castellano. Grabado una vez más en su propio estudio, Lafleur Soundstudios, propiedad del batería, Dani P. Lafleur, Entropía captura a la perfección la intensidad

de una banda honesta que nació con el único objetivo de abrasar orejas, levantar puños y hacer sudar. Si los descubres ahora, el primer tema, ‘Insomnio’, te hará pensar en unos Pearl Jam desbocados, con voz profunda y una maraña de guitarras tan pegadiza como alucinógena. Le sigue el riff machacón de ‘Escapismo’, con un final oscuro y apretado, angustioso. Sentirás el dolor con ‘Kaksipäinen Varis’, un tema instrumental dedicado a la bicefalia, representada en la propia portada del disco con un cuervo con dos cabezas. Una luz blanca nos abraza en ‘Esperanza’, un todo o nada cargado de buenas intenciones, y la preciosa ‘Instinto’. Como buenos corredores de fondo, Gain no pierde fuelle en la recta final y Entropía mantiene esta vehemencia hasta el último segundo. A destacar, el estribillazo en ‘Testigos del Abismo’ y los espasmos de ‘Entropía’, donde reparten sus últimos zarpazos como una bestia herida luchando por su vida. Porque su lucha no acaba aquí. Bravo por ellos. LUIS BENAVIDES 89

cr í t icas

PUP

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Stefan (voz, guitarra), Steve (guitarra), Nestor (bajo), Zack (batería) PRODUCIDO POR: Dave Schiffman AFINES A: Iron Chic, Piebald, Hot Snakes PÁGINA WEB: www.puptheband.com

RECOMENDADO POR:

PUP

(SIDEONEDUMMY) PUNK ROCK, INDIE ROCK

orpresón que me he llevado al escuchar a esta banda de punk rock que recién comienza su camino, los canadienses PUP. Estos cuatro chavalejos de Toronto proceden de otra banda llamada Topanga (que sacaron allá por 2011 la demo llamada Oceans, que fue reeditada al año siguiente en 7’) y cambiaron el nombre antes de tener movidas con Disney (es un personaje de la serie Yo Y El Mundo). Así que en su Facebook anunciaban: “¡¡¡Que le jodan a Disney y que le jodan a Topanga, esto es PUP!!!”, y con el discazo que han hecho no les hará falta mirar atrás. PUP es el acrónimo de Pathetic Use of Potential,

sus miembros son amigos desde el cole y su carrera no ha podido comenzar mejor, ya que han recibido un montón de menciones y premios en Canadá. El disco tiene diez temazos de power punk pop con increíbles coros, complejas estructuras propias de músicos a los que les molan las matemáticas, una energía punkarra furiosa y letras contundentes. La producción es simple pero muy efectiva, temas como ‘Dark Days’, ‘Never Try’ o ‘Lionheart’ certifican la influencia británica, y otros como ‘Back Against The Wall’ o ‘Factories’ son rudos pero potentes. ‘Reservoir’ con esa onda punk 100% o el atmosférico rock de raíces

de ‘Mabu’ hacen que nos enamoremos a la primera de este álbum. Por momentos uno cree que está escuchando una mezcla entre The Clash, Beach Boys, Fugazi o cualquier banda que surja del Reino Unido en estas fechas y que sean rockeros de verdad. Atentos, ya que darán que hablar a base de bien, y prueba de ello es que haremos un fiel repaso a este primer lanzamiento en nuestra isla sonora llamada Bandera Negra, y que podrás encontrar todos los jueves en www.rtve.es/banderanegra. Eres bienvenido a entrar y formar parte de nuestra propuesta musical, ¡te esperamos! RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... STEFAN Tengo entendido que antes que con PUP habíais estado funcionando con otro nombre... “Sí, antes nos llamábamos Topanga, pero era un nombre tonto. Los otros crecieron en el mismo vecindario y siempre han tocado en grupos juntos. Hace dos años aparecí yo, nos llevamos muy buen y empezamos a hacer música juntos. ¡Y así hasta ahora!”. Vuestra música es muy pegadiza y cruda a la vez. ¿Hubo algún grupo en concreto que os inspirara a ir en esa dirección? “Hay muchos grupos que admiramos que son crudos y pegadizos. The Bronx es un gran ejemplo, o Titus Andronicus. Uno de mis grupos favoritos son Built To Spill. Su disco There’s Nothing Wrong With Love es superpegadizo, pero también suena como una mierda, es un caos. Siempre hemos admirado esa

estética”. Aunque vuestra música es fácil de digerir, musicalmente ocurren muchas cosas, es un poco como en los Descendents. ¿Sois virtuosos disfrazados de punks? “(Risas) ¡Gracias por darte cuenta! Eso es mérito de los otros chicos. Personalmente, no soy un gran músico. Me encanta escribir canciones, pero no soy un músico técnico. Los otros son músicos increíbles y tienen muy buen oído. Encuentran la manera de hacer las canciones interesantes a partir de mis ideas más básicas. Me impresionan cada día. Tengo mucha suerte”. ¿Cómo ves a la formación evolucionando en el futuro? “Es difícil de decir ahora mismo. Lo nuevo que hemos escrito suena un poco más duro. Creo que con el primer disco aprendimos mucho sobre qué tipo de

banda queremos ser y espero que el próximo álbum sea menos una colección de canciones de las que nos sentimos orgullosos, y más un conjunto compacto”. ¿Qué tal fue trabajar con Dave Schiffman? “Dave es el mejor, trabajar con él fue un sueño. Lo principal para él era que no pensáramos mientras tocábamos. Su objetivo era capturar la energía y emoción de un directo, y creo que la clavó”. La escena de Toronto está en plena ebullición. ¿Cuáles son algunas de tus bandas favoritas de allí? “Sí, Toronto es una ciudad increíble con una gran escena. Aquí van algunos amigos que merecen tener reconocimiento mundial: Pkew Pkew Pkew (Gunshots), The Dirty Nil, Greys, Metz, Alvvays y Grounders”. (JORDI MEYA)

crít i cas

TEKSUO

Diamonds (AUTOEDITADO) DEATHCORE/METALCORE

briendo con una genial versión del tema ‘Diamonds’ de Rihanna, la banda asturiana nos introduce en su nuevo EP que lleva por título el nombre de esta cover de la cantante de Barbados. La formación ha dado un giro de 180 grados dentro del metal que practicaba en su anterior trabajo, el LP Thrênos (2012). Con un sonido más moderno que apuesta fuerte por el deathcore/ metalcore de libro, Teksuo nos sorprenden con dos temas nuevos y una versión acústica de ‘For You’. En lo primero que me quiero centrar es en el impresionante trabajo vocal de Diego, un frontman que posee una auténtica baraja de registros, la cual pone sobre la mesa con mucho estilo y con la que sabe jugar increíblemente bien. Lo que más me ha gustado de Diego

OFF!

Wasted Years (VICE)

HARDCORE

on tanto machocore luciendo musculito de gimnasio y dilataciones en los conciertos, hablando de lo que es la escena hardcore y lo que no, es de agradecer que todavía existan tipos con voz autorizada como el señor Keith Morris para dar unas cuantas lecciones. ¡Al cuerno con los malditos breakdowns! De vez en cuando es necesario que alguien nos recuerde que al principio de toda esta historia la base era pillar tres acordes y tocarlos a toda pastilla con la mayor convicción del mundo. Eso es lo que siempre ha hecho Morris y lo que continúa

no es sólo que tiene varios tonos guturales: agudo, medio y grave, a la vez que un melódico y melódico rasgado que se pasea por agudos y graves como si fuera el pasillo de su casa, sino que la voz es muy incitante, es decir, que mola, que se sale, que es la puta caña. Si es capaz de hacer lo mismo en directo, es sin duda uno de los mejores vocalistas que tenemos actualmente en la escena nacional. La voz además está

perfectamente acompañada por una instrumentación impecable que no sólo suena correcta, sino que realmente es interesante y apetece escuchar, algo que no consiguen muchos grupos de nuestro país. En Diamonds podemos encontrar todo lo que puedes esperar de un disco de metalcore y deathcore. No inventan nada, pero lo que hacen, lo hacen muy bien y con cojones.

haciendo con OFF!. Más de un chavalín que se cree el más duro del barrio por escuchar a Hatebreed haría bien en pincharse cualquiera de sus anteriores trabajos o directamente este nuevo Wasted Years. A lo largo de poco más de 20 trepidantes minutos nos ofrecen toda una demostración de lo que fue, es y debería seguir siendo eso que hoy en día seguimos llamando hardcore. Canciones que en apenas minuto y medio lo dicen todo, sin florituras ni adornos innecesarios. Directo y sin tomar respiro. ‘Red White And Black’, ‘It Didn’t Matter To Me’, ‘Death Trip On The Party

Train’ y especialmente ‘Time’s Not On Your Side’, con esa demostración por parte del Burning Brides Dimitri Coats de cómo dar con riffs simples a la par que certeros, confirman el excelente estado de forma de estos veteranos. Como escuchar un viejo cassette con Black Flag en un lado y a los Circle Jerks en el otro, la música que practican OFF! puede ser igual de reveladora para los chicos que hoy en día empiezan a adentrarse en el punk como lo fue en los 80. Y eso, viniendo de un tipo que podría tener la misma edad que tu viejo, sólo merece respeto.

FER DÍEZ

GONZALO PUEBLA

SERPENTINE PATH Emanations (RELAPSE)

DOOM METAL

ntre los componentes de esta banda hay gente de Ramesses, Unearthly Trance y Electric Wizard. Teniendo en cuenta esto, no esperéis ningún tipo de sorpresa, ya que siguen ceñidos a lo que tanto les gusta, la lentitud y el arrastramiento en toda su plenitud. Han pasado ya dos años desde que debutaron con un disco homónimo, y aunque el mundo ha seguido girando y cambiando a un ritmo vertiginoso, su sonido y sus composiciones no han variado nada. Siguen tirando de su doom desmotivador, arruina vidas ajenas que aparte de hacerte aborrecer tu existencia, también te hace

aborrecer este Emanations. El doom tiene la dificultad de hacerse interesante e innovador, y pocos grupos consiguen el objetivo de destacar dentro de este pantano. Aunque este quinteto de Nueva York no son unos principiantes y tienen muchas tablas a sus espaldas con sus otros proyectos, han apostado para no apostar nada y seguir sobre seguro. Se hace muy difícil diferenciar los temas entre sí, es un bucle de recursos que hace complicado digerir este plato pesado y lleno de grasas saturadas. Básicamente, un disco llano sin nada que destaque, y esto, señores, hace que los 45 minutos que dura se hagan muy largos. A lo mejor la estoy cagando, porque su objetivo era éste, aplacar, machacar y dejar sin ganas de nada al oyente. Si es así les felicito, misión cumplida. Cuando sea un viejo con artritis y cirrosis y esté agonizando los últimos días de mi vida en una cama de hospital, le volveré a dar una oportunidad. Mátenme por favor. BURZUM TURNER

ZOOPARTY

You Must Be Joking! (DEVIL) PUNK ROCK

ecopilando información actualizada para completar la reseña de este disco me topo de bruces con la triste noticia de que hace un par de meses falleció el bajista y miembro original de Zooparty, Per Karlsson. Descansa en paz, HardPer, y si sirve de consuelo a sus familiares y amigos, tengamos el convencimiento de que, como mínimo, ha legado un par de buenos discos de punk rock como el más reciente You Must Be Joking! o los anteriores Re-fuse y You Are Here. No bromeo cuando digo que el tercer álbum de esta banda sueca suena a punk del 77, cuando The

Damned todavía no eran tan góticos y los Buzzcocks empezaban a acuñar el término ‘punk pop’. Sí, las melodías vocales facturadas por Zooparty son poderosas, pero no por eso estos tres veteranos de la escena renuncian a mostrarse más cañeros y rápidos en canciones como ‘Shout It Out’ y ‘First Degree Stupidity’; atención porque este último tema sólo lo podréis escuchar si os pilláis la edición en vinilo editada por Devil Records. Además, Glen Matlock (primer bajista de los Sex Pistols antes del reclutamiento de Sid Vicious) toca la guitarra en la inicial ‘PMA’ y Brian James (exDamned) hace lo propio en los temas ‘Another Pack Of Lies’ y ‘Like Dancing On Deathrow’. Me sabe mal decirlo porque estas colaboraciones son las que dan caché al álbum, pero ya sabéis que no soy muy aficionado a los solos de guitarra, así que, si por mí fuera, eliminaría algunos virtuosismos de los señores Matlock y James. El resto, más que correcto. JORDI FORÉS 93

cr í ticas

ANNA CALVI One Breath (DOMINO/PIAS) ROCK

ersonalmente, creo que Anna Calvi es de lo más interesante que ha dado el rock en los últimos años. Sea en disco o sea en directo, es de esas mujeres magnéticas que te seduce y te atrapa con su sola voz y su presencia felina, para acabar devorándote con fiereza en cuanto te echa encima sus redes musicales. Imposible escaparse. Al contrario, uno querría poder bucear al fondo de ese mundo interior intenso, de contrastes extremos y mil y una aristas. Y así es su música, como no

podía ser de otra forma. Su primer disco ganó mil y un premios, recibió elogios de gurús como Brian Eno o Nick Cave, y le valió comparaciones con diosas como PJ Harvey o Patti Smith, pero eso no parece haberle hecho temblar, como cuando tocar ante la gente le daba vértigo. Y sigue moviéndose entre polos opuestos de intimismo oscuro (‘Bleed Into Me’) y descargas de épica poderosa (‘Eliza’), entre guitarras áridas (‘Suddenly’) y orquestaciones barrocas (‘One Breath’, ‘Tristan’), entre dulces susurros a milímetros del lóbulo (‘One Breath’) y fieros rugidos que acaban en sangría (‘Love Of My Life’). Y encima, como cuando exploraba en la hipnosis junto a sus padres psicoterapeutas, te inyecta en vena ese orgasmo sensorial que es ‘Sing To Me’ para dejarte absolutamente noqueado, en un estado de catarsis dolor-placer imposible de explicar con algo tan vulgar como las simples palabras… IGNASI TRAPERO

TWILIGHT

III - Beneath Trident’s Tomb (CENTURY MEDIA) BLACK METAL, NOISE

unca puede hablarse de Twilight sin recorrer brevemente su currículum y mencionar a alguna de las figuras que han pasado por la difunta banda: gente como Wrest de Leviathan, Blake Judd de Nachtmystium, Neill Jameson de Krieg, Malefic de Xasthur o Aaron Turner de Isis. Sumemos al exSonic Youth Thurston Moore y tendremos un paso más en esa tendencia que lleva al black metal al terreno del indie desde hace unos años. Más allá de las certezas o dudas que su

personal pueda despertar, lo cierto es que estamos ante un disco crudo y orgánico, en el que el black metal de la más vieja escuela se mezcla con influencias noise rock, trazas de hardcore e industriales, sin perder en ningún momento una esencia oscura y dañina. Formalmente, el disco navega entre las cabalgadas clásicas del black metal por momentos mucho más graves y groovies que, según los oídos que las juzguen, aportarán variedad o lo sacarán de la ortodoxia para, como suele ocurrir con tantas bandas norteamericanas, confundir innovación con heterodoxia. En cualquier caso, III no es un mal álbum, es incluso un intento interesante de experimentar con el lado más crudo y ruidoso del black metal; sin embargo, según pasan las escuchas, no puede evitarse la sensación de que algo no está a la altura de lo que podía esperarse de los ínclitos nombres que conformaban este supergrupo y su obra póstuma. SALVA RUBIO

LYDIA LOVELESS Somewhere Else (BLOODSHOT) ROCK

ás de uno nos quedamos con la boca abierta cuando escuchamos el anterior álbum de Lydia Loveless, Indestructible Machine, descubriendo a una artista con carácter casi punk facturando temas de aires country o folk. Lo diferente en ella es que no era una más de esos punk rockers que han descubierto las guitarras acústicas y se lanzan al ruedo como si hubiesen escuchado a Johnny Cash desde la cuna, y que se han acabado convirtiendo en un cansino cliché. Para nada, en Lydia había algo que la hacía auténtica y que la desmarcaba del resto, de

ahí que no hiciera más que recoger elogios que la han llevado a sacar su nuevo álbum, Somewhere Else, ante merecida expectación. Y esa expectación ha sido de sobras correspondida, no sólo porque estemos ante un álbum monumental, indudablemente el mejor de su aún corta carrera, sino porque el giro que ha dado su música en este trabajo es impresionante. La actitud punk sigue ahí, pero más presente en unas letras personales y llenas de fuerza que en la propia música. Musicalmente parece que Lydia tiene claro el camino a seguir, y ése es el de convertirse en una Stevie Nicks contemporánea. Las similitudes con la musa de Fletwood Mac son más que evidentes, hasta su timbre de voz parece acercarse al de la rubia cantante, y como si de una versión moderna de Belladona se tratase, Lydia ha dado en el clavo entregando un álbum de canciones pop rock atemporales que va a situar Somewhere Else entre los momentos destacados del año, y a ella a la cabeza del pelotón de próximas estrellas. RICHARD ROYUELA

DRENGE Drenge (INFECTIOUS) GRUNGE

veces no entiendo a según qué tipo de prensa, pues más de la mitad de los comentarios que he leído citan a la banda de los hermanos Loveless como los ‘nuevos White Stripes’. Bien, debe de ser por su propuesta minimalista y rudimentaria de guitarra y batería, porque ahí, amigos, se acaban los posibles parecidos. No, a estos dos tipos de Sheffield se la debe sudar el viejo blues del Mississippi, por mucho que citen a Willie Dixon. Ellos más bien deben adorar las ruidistas propuestas de los primeros Nirvana, lo que hacían Queens Of The Stone

Age antes de explotar en las listas o bandas guarras a morir como Zen Guerrilla, Tad o Mudhoney, o sea, mucho grunge, algo de garaje y un poco de actitud punk. No hay duda de que suenan bien, son una bocanada de aire fresco en la paupérrima escena británica y la crudeza de su estilo está bien entendida y no la utilizan como excusa para sonar como el culo, pero tampoco veo en ellos ni en sus canciones algo tan rompedor como para que esté todo el mundo tirándoles flores de una manera tan desmesurada. Con temas de mucho peso como ‘People In Love Make Me Feel Yuck’, ‘Face Like Skull’ o ‘Nothing’ se alternan otros no tan inspirados, y la audición acaba convirtiéndose en una montaña rusa que acaba descolocándote. Les seguiremos la pista y sobre todo trataremos de verlos sobre un escenario; ahí seguramente se podrá ver la medida real de un grupo que de momento no pasa de ser una promesa. Veamos cómo evolucionan... ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas HAS DE SABER... FORMACIÓN: Bob Wayne (voz, guitarra), Andy Gibson (steel, pedal guitar),

Charlie Cushman (bajo), Tyson Rodgers (piano), Donnie Herron (banjo), Dave Roe (contrabajo), Joe Mitchell (batería), Matt Sheppard (batería) PRODUCIDO POR: Andy Gibson AFÍN A: Hank III, David Allan Coe, Shooter Jennings PÁGINA WEB: bobwayne.org

BOB WAYNE 96

Back To The Camper (PEOPLE LIKE YOU) OUTLAW COUNTRY

a dignidad de lo que uno hace no viene por el valor que le otorgan los demás, sino por el que uno mismo decide darle. Es algo que muchas veces olvidamos y que personajes como Bob Wayne nos recuerdan. Wayne es músico, pero podría ser carpintero o paleta y caminaría con la cabeza igual de alta. El tipo empezó su carrera vendiendo camisetas para una banda punk como Zeke, haciendo de roadie de Hank III y vendiendo sus grabaciones caseras en su furgoneta fuera de los garitos de mala muerte donde le dejaban actuar. Al igual que otros forajidos del country, Wayne sabe que para hacer música real tiene que tener una vida

real, alejada del glamour y de los círculos corporativos instalados en Nashville. De ahí que sus discos sean una retahíla de historias que documentan borracheras, rollos de una noche, peleas de bar y, de vez en cuando, alguna victoria. No siempre son reales como él mismo admite en ‘Violent Side Of Me’, pero como recuerda, tampoco Johnny Cash estuvo preso en Folsom. En su tercer álbum para People Like You, Wayne se ha impregnado más que nunca de sus raíces country, suavizando su lado más punk, y temas como ‘Evangeline’ o ‘Granuaile’ casi suenan más como versiones de temas tradicionales que composiciones propias. Acompañado por un elenco

de músico entre los que destacan Dave Roe, que fue contrabajista de Johnny Cash, Billy Contreras que tocó el violín de George Jones o Donny Herron que tocó el banjo con Bob Dylan y con la producción de Andy Gibson, steel guitar de Hank III, encontramos a un Wayne algo más serio de lo normal, pero igual de convincente. Merece la pena destacar sus duetos con Elizabeth Cook en ’20 Miles To Juarez’, en la mejor tradición de las canciones country sobre relaciones, o con el veterano Red Simpson en ‘Dope Train’, una advertencia casi fantasmagórica sobre los peligros de engancharse a las drogas. JORDI PONS

HABLAMOS CON... BOB WAYNE ¿Qué era de tu vida cuando estabas escribiendo este disco? “¡Mucha carretera! Pero ha sido así desde que empecé a tocar con esta banda en 2006. Aunque hace poco compré 5 acres cerca de un lago en Alabama. Ahí puedo aparcar mi caravana y tocar el banjo y la guitarra y admirar la naturaleza. Así que mi vida se divide entre tocar por el mundo y estar en el bosque haciendo barbacoas y escribiendo canciones”. En este álbum parece que has tirado hacia arreglos más folk. ¿Qué te empujó a ello? “Bueno, nunca intento hacer nada a propósito. Bueno, a veces lo hago, pero las canciones que salen no suelen ser muy buenas. Mi trabajo consiste en estar abierto a que las experiencias vitales se conviertan en canciones. En observar. La inspiración puede venir de cualquier parte, películas, música, una conversación. Por ejemplo, ‘The River’ me surgió mirando un río y pensando en

su viaje hasta el océano”. El tema final es ‘All Cops Are Bastards’. ¿No tendrás problemas con los polis? “No, mi experiencia me dice que la mayoría de policías piensan que estos temas son divertidos. Incluso un poli del programa Cops vino a un concierto en Las Vegas y me pidió que la tocase (risas). De todos modos, el tema no está en el álbum, es un bonus track y también saldrá en un 7” compartido con la legendaria banda punk alemana Slime”. Eres un gran contador de historias. ¿Nunca te has planteado hacer monólogos? “Es curioso que lo digas, porque he empezado a escribir un disco de historias yo solo con mi guitarra. Un día lo editaré y haré una gira en ese formato, y en él contaré muchas historias. Será épico. Quizá lo haga en dos o tres años. Será mucho menos estresante que girar con la banda, y de hecho, hay gente que me ha visto en solitario

que me dice que le gusta más porque pueden escuchar mejor las letras”. ¿Cómo se te considera dentro de la comunidad country? “Para serte sincero, ¡no tengo ni idea! (Risas) Probablemente no sepan ni quién soy ni les importe. Cuando se trata de country sólo escucho a los maestros, los tres Hanks, Johnny Cash, Merle Haggard, Townes Van Zante, George Jones, Waylon Jennings, Kris Kristofferson, David Allan Coe, Red Simpson… y muchos más. Pero la mayoría son de los 70 o antes. No puedo escuchar el nuevo country pop. Me da náuseas”. Este mes vuelves a España. ¿Tienes alguna anécdota que te haya ocurrido por aquí? “Mmm… Estoy pensando... Se me ocurre alguna, pero no sé si debería contarla a la prensa (risas). Quizá debería escribir una canción y ponerla en el próximo disco (risas)”. (JORDI PONS)

cr í ticas

MY CHEMICAL ROMANCE

May Death Never Stop You (WARNER) ROCK, PUNK, EMO

odrá decirse lo que se quiera sobre My Chemical Romance, pero escuchando este recopilatorio, que viene a certificar su defunción, resulta evidente que pocas bandas de la última década supieron evolucionar con tanto atrevimiento e imaginación. A lo largo de cuatro discos, los de New Jersey mutaron de una banda de punk emo a una de rock mainstream sin dejar nunca de escribir buenas canciones. Habrá quien prefiera las de su primer álbum con un sonido más crudo (aquí se incluyen sus tres primeras maquetas de lo más primitivas) a

las de su fase más punk pop (‘I’m Not Okay (I Promise)’), o quien valore más el clasicismo de la etapa The Black Parade (‘Teenagers’) que la más frívola de Danger Days (‘Planetary (Go!)’), pero es indudable que en cada paso que dieron dejaron una colección de melodías que ya forman parte de la banda sonora de la vida de miles de personas. Habrá quien siga pensando que eran simplemente un grupo para adolescentes, pero al menos supieron enseñarles que antes del emo existían Queen, Bowie o T. Rex, y en un acto de coherencia, My Chemical Romance decidieron dejarlo cuando todavía tenían mucho tirón comercial, y eso ya merece un respeto. Quizá se dieron cuenta de que ya no tenían nada más que decir (el regulero tema inédito ‘Fake Your Death’ así lo apunta), o quizá simplemente se quemaron y algún día vuelvan, pero por el momento su cadáver es bastante más bonito que el de otras bandas que han intentado tomar su relevo. JORDI MEYA

SCOTT H. BIRAM Nothin’ But Blood (BLOODSHOT) BLUES

e alegro de todo el reconocimiento que está logrando últimamente Scott H. Biram después de años y años de lucha. No se puede negar que es un personaje del que es difícil no encariñarse si uno siente aprecio por la profesión de músico, vista ésta desde el punto de vista más artesanal. Años de perseverancia ante la indiferencia general, un accidente que casi acaba con su vida y ese orgullo de ser un one-man band han hecho de él un artista de culto, al cual han acabado versionando Nashville Pussy o Hank

Williams III. Es innegable que es un buen momento para artistas como él, y que su blues grasiento y con olor a whisky goza de buen reconocimiento, pero en el fondo no hay nada que haga Biram que no hayamos oído una y mil veces a lo largo de las décadas. Se habla mucho de sus raíces punks y heavies, y si bien encontramos guitarras distorsionadas en ‘Only Whiskey’ o ‘Church Point Girls’, éstos son temas que están bastante alejados de lo que podemos entender como heavy metal o hardcore punk, si dejamos de lado su simplicidad. Es más, cuando Biram realmente funciona es a la que pilla su slide o harmónica y se lanza a cantarnos sus odas a la mala vida, casos de ‘Jack Of Diamonds’ o ‘I’m Troubled’. Siendo un buen disco, Nothin’ But Blood no deja de ser otro granito de arena más de una vasta discografía que, al fin y al cabio, tiene como función sacar a Scott a la carretera y ponernos la piel de gallina si tiene una noche inspirada. RICHARD ROYUELA

CROWBAR

Symmetry In Black (CENTURY MEDIA) SLUDGE METAL

ue Kirk Windstein haya decidido apearse de una reputada, y seguro que lucrativa, superbanda como Down para centrarse al 100% en su grupo de toda la vida, debería darnos una idea de lo mucho que cree en el décimo álbum de Crowbar. Motivos no le faltan. Ahora que el sludge y el doom pantanoso están viviendo un momento de efervescencia, parece lógico que uno de los padres del invento se haya roto los cuernos para intentar revalorizarse después de un cuarto de siglo de carrera. Symmetry In Black es tan oscuro, denso y monstruoso

como cabía esperar, pero también se antoja como uno de sus discos más diversos y trabajados. ‘Walk With Knowledge Wisely’ te recibe con un redoble, un riff que te degolla al instante y la poderosa voz de Windstein advirtiéndote en el estribillo que “que andes con conocimiento, no tienes que morir”. Un consejo a tener en cuenta viniendo de un superviviente. ‘Symmetry In White’ con su fraseo arrastrado y una voz lánguida también es Crowbar en estado puro, al igual que la pesada (en el buen sentido) ‘Shaman Of Belief’ que sorprende con una parte casi thrash en su ecuador. Pero decía que éste es su disco más variado y eso se concreta en ‘The Taste Of Dying’ con una parte melódica que debería atraer a los fans de Mastodon, la rápida ‘Ageless Decay’, que suena como si Slayer se hubieran criado en New Orleáns, la balada espectral ‘Amaranthine’ o el lamento funerario de ‘The Forebonding’. Un gran álbum para reivindicarse. JORDI MEYA

TEMPLES

Sun Structures (HEAVENLY / PIAS) INDIE

emples son de esas bandas que surgen casi de la nada y provocan recelos: la eterna y sospechosa historia de dos amigos (Tom Warmsley y James Bagshaw) de un pequeño pueblo donde no hay nada que hacer (Kettering), que se reúnen para tocar en casa, cuelgan una canción en internet (‘Shelter Song’) y llaman la atención de sellos, público y programadores cuando ni siquiera tienen banda de acompañamiento. Firman por una discográfica (Heavenly), obtienen elogios de gurús como Johnny Marr, Noel Gallagher o Brett Anderson, hacen de

teloneros de los Stones o Suede, y, finalmente, graban disco (con portada que recuerda al ‘Who’s Next’ de The Who). Y, aunque todo suene a demasiado bonito para ser verdad, las sospechas me las paso por el forro cuando escucho estas 12 canciones de bendito crimen: pop psicodélico, más melódico que coetaneos como los Tame Impala, no tan oscuro como The Horrors y, aunque ellos pretendan lo contrario, tan retro como Last Shadow Puppets (la parte vocal recuerda mucho). La primera mitad brilla especialmente, gracias a canciones como ‘Shelter Song’, ‘Sun Structures’, ‘The Gold Throne’, ‘Keep In The Dark’ (¿son los BRMC de ‘Howl’?), o ‘Mesmerise’. Y aunque la segunda parte se diluya un poco, es allí donde personalmente encuentro la canción más redonda del disco (‘The Guesser’). Cuando publiquen el segundo disco ya veré si sospecho de ellos o no, pero de momento, sólo me apetece disfrutarlos… IGNASI TRAPERO

críticas

NOTHING

Guilty Of Everything (RELAPSE) SHOEGAZE, ROCK ALTERNATIVO

o confundir con nuestros Nothink, Nothing es un cuarteto de Filadelfia liderado por el exconvicto Domenic Palermo que presenta aquí su primer largo a través de Relapse Records. A pesar de aparecer bajo la etiqueta de un sello conocido por sus bandas de metal, Nothing no lo son en absoluto. La única conexión con el resto de sus compañeros de escudería puede ser su gusto por las guitarras a todo volumen (se dice que en directo son ensordecedores), pero ahí acaba todo. Los nueve temas de Guilty Of Everything nos retrotraen directamente al

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shoegaze de los 90, con una voz ininteligible, susurrante y vaporosa rodeada de un muro de distorsión. Realmente los amantes de ese sonido no deberían dejarlo pasar, ya que no por haberse utilizado antes, y ahora con todas las bandas revival del género, significa que esté agotado. Sobre todo porque aquí viene formateado en muy buenas canciones. Bien equilibrado, con una alternancia entre temas más lentos y densos (‘Hymn To The Pillory’, ‘Endlessly’, ‘B&E’ ), más atmosféricos (‘Somersault’), con otros muy inmediatos (‘Bent Nail’, ‘Get Well’), este debut es una sólida tarjeta de presentación que puede gustar tanto a los viejos fans de The Jesus & Mary Chain o My Bloody Valentine, como a quienes hayan estado últimamente envolviendo sus oídos con los discos de Deafheaven o Alcest. Que alguien que ha estado entre rejas por apuñalamiento se haya redimido creando momentos tan bellos, demuestra que la rehabilitación no sólo es posible, sino totalmente deseable. JORDI MEYA

THE BITE

Right Down Your Alley (BCORE/DAILY)

PUNK ROCK, POWER POP

l segundo largo de los barceloneses The Bite, y primero para el sello BCore, viene a recordarnos que por mucho que pase el tiempo, la historia siempre se repite. Si a finales de los 70 la situación social en Inglaterra provocó la explosión del punk, ahora que las cosas no andan mucho mejor, incluso podría decirse que peor, parece de lo más adecuado que la banda sonora sea parecida. Vivimos en un bucle, pero cada generación tiene el deber de rebelarse utilizando sus propias armas, pero también las que les dejaron sus predecesores.

De ahí que The Bite puedan servirse del pasado para retratar el presente. Un himno magnífico como ‘Wake Up’ es tan vigente ahora como lo hubiera sido 40 años atrás, y posiblemente lo será, por desgracia, de aquí a 40 más. Está claro que el cuarteto mamó, probablemente mientras hacían pellas en la escuela, las discografías enteras de los Undertones, The Jam, The Boys o Buzzcoks, pero tienen tan asimilado su vocabulario musical que aunque sus canciones recuerden a las de sus héroes, no parecen platos recalentados en el microondas, sino delicias melódicas de lo más frescas. Ya sea cuando sacan su vena más punk (‘Smart And Clean’, ‘TV Personality’, ‘Nasty Love’) como el más pop (‘I Realized’, ‘Don’t Go), como cuando juguetean con el ska (‘Doublethink’), The Bite se bastan con apenas dos minutos para contarnos aquello que ya sabíamos, pero que tantos se empeñan que olvidemos. JORDI MEYA

VITA IMANA Oceanidae (FAIR WARNING) METAL

n una época en que la oferta musical es tan descomunal, el que una banda logre centrar todas las miradas tiene mucho mérito. Si además esta banda cuenta con una dilatada experiencia a sus espaldas, las posibilidades de éxito se multiplican. Más allá del reconocimiento que consiguieron con su segundo álbum Uluh hace un par de años, fue cuando la gente pudo a ver a Vita Imana en sus múltiples apariciones en festivales que el boca oreja empezó a funcionar de verdad. Encima de un escenario se veía a un grupo totalmente hecho y con total solvencia para

defender sus canciones cómo y donde fuera. Por eso Oceanidae más que una supuesta reválida a ojos del público, es simplemente una reafirmación en lo que hacen y en lo que creen. Su tercer trabajo toma como punto de partida Uluh, pero lo lleva un paso adelante. La base sigue siendo un groove metal bien sustentado en la batería de Daniel García y las percusiones de Míriam Baz, pero su ambición compositiva los lleva a no abusar de un recurso que tienen más que comprobado que funciona, sino a encontrar nuevos caminos donde integrarlo. Y es que por muy efectivos que resulten temas como ‘Oxígeno’ o ‘Manos De Sangre’, con una contundencia tribal en la línea de Sepultura, es en los temas donde arriesgan más como la expansiva ‘Mar De Cristales’ (con una especial contribución vocal de Míriam), la progresiva ‘Oceanidae’ o la poliédrica ‘Ablepsia’ (algo Gojira) cuando los madrileños exponen que, además de agitar cabezas, también pueden hacerlas soñar. DAVID GARCELL

LACUNA COIL

Broken Crown Halo (CENTURY MEDIA) METAL ALTERNATIVO

ado que éste es su séptimo álbum y que la gente tiene perfectamente claro cómo suenan, dudo que nadie que no sea ya fan de Lacuna Coil se moleste en escuchar Broken Crown Halo o, quizá ni siquiera, en leer esta reseña. Es una premisa que la propia banda parece tener clara y por eso han hecho un disco en el que básicamente ofrecen once canciones dirigidas a su todavía cuantioso público. ¿Y qué es lo que quiere éste? Pues canciones sencillas, con riffs y progresiones de acordes que resulten familiares y fáciles de asimilar, una base rítmica

que pase desapercibida, algún teclado ambiental y la combinación de la voz agresiva de Andrea Ferro y la melódica de Cristina Scabbia. Desde luego es una fórmula que saben hacer mejor que nadie y que todavía produce buenos resultados. Mientras Evanescence pegaron el pelotazo y desaparecieron, los milaneses siguen en primera línea. La única lástima es que por muy pegadizas que puedan resultar canciones como ‘Nothing Stands In Our Way’ o ‘I Forgive (But I Won’t Forget)’, se echa de menos que no arriesguen un poquito más. En realidad, cuando lo hacen, como en ‘Cybersleep’, que podría sonar en una peli de James Bond o la dramática ‘One Cold Day’, resultan bastante más sugerentes. Quizá con la reciente marcha del guitarrista Cristiano Migliore y el batería Cristiano Mozzati -ambos participaron en la obra-, Lacuna Coil tengan la oportunidad de, no sólo renovar las piezas, sino también su discurso. DAVID GARCELL

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EL GRAN RUGIDO

MISS MAY I

Les ha costado cuatro ĂĄlbumes y algunos pasos en falso, pero por fin Miss May I estĂĄn convencidos de haber materializado lo que siempre habĂan ambicionado: ser una banda de metal desligada de las modas y etiquetas. Con Rise Of The Lion los cachorros ya rugen. Texto: David Garcell Fotos: Travis Shinn

MISS MAY I

on apenas 18 años, Levi Benton (voz), Justin Aufdemkampe (guitarra), B.J. Stead (guitarra), Ryan Neff (bajo) y Jerod Boyd (batería) ya estaban grabando su primer álbum. Apologies For The Weak era un disco ramplón, pero gracias al empuje de Rise Records, un sello que empezaba a tomar fuerza al arrancar esta década, lograron conectar con un público igual de joven que ellos y hambriento de cualquier cosa que oliera a metalcore moderno. Participando en las giras de rigor empaquetados con bandas como We Came As Romans, Of Mice & Men o Pierce The Veil, y publicando dos discos más, Monument en 2010 y At Heart en 2012, el quinteto de Ohio vio como su número de seguidores iba aumentando al mismo ritmo que les llovían críticas por su falta de originalidad. Se imponía parar, coger aire y plantearse en serio su futuro. De ahí que para su cuarto disco decidieran dejar de lado algunos de los clichés del género e inspirarse en bandas más ‘adultas’ en la parte musical, y contratar a un maestro como Terry Date (Soundgarden, Pantera) para robustecer la producción. El plan ha 104

Killswitch Engage. Ése el tipo de banda que nos gustaría ser, que no están sujetas a ninguna moda actual. Pero cuando empezamos no éramos capaces de escribir ese tipo de canciones, sonábamos como lo que sonaba en ese momento, aunque siempre hemos aspirado a ser una banda de metal con una carrera larga. Creo que este nuevo disco muestra esa cara más metal, hay solos de guitarra, sonidos más duros… Sí, creo que es un trabajo más metal”. funcionado y Rise Of The Lion puede considerarse justamente su mejor trabajo. Teniendo en cuenta su juventud, quizá los que vieron algo en ellos no andaban tan desencaminados. Vuestro anterior disco At Heart tuvo una respuesta muy desigual. Yo mismo no lo dejé muy bien en la crítica y sé que vosotros tampoco quedasteis del todo contentos. ¿Qué opinas de él ahora? LEVI BENTON “Para nosotros fue un disco de transición. Sabíamos que necesitábamos hacer un cambio, pero la verdad es que el álbum fue mejor recibido de lo que pensábamos. Creíamos que la gente lo odiaría porque era distinto. A algunos les gustó, otros lo odiaron, pero es normal porque no era un disco de Miss May I como los otros. Era un paso necesario”. Si tuvierais que describir esa transición entre donde estabais y adonde queréis ir, ¿cómo lo harías? “Siempre hemos sido vistos como una banda de metalcore joven, pero queremos que se nos tome en serio. Nos gustaría ser como Lamb Of God o

Os queríais deshacer de los clichés del metalcore… “Más que deshacernos de cosas, ¡queríamos añadir más cosas! Queríamos añadir solos, hacer canciones sin breakdowns… básicamente no teníamos miedo. Nos sentimos libres para hacer lo que queríamos y poder enseñar nuestras influencias. La gente puede escuchar influencias de In Flames o Lamb Of God y no tanto de otras bandas jóvenes”. Pero a las bandas de metalcore siempre os cuesta ganaros la credibilidad del público metal. Siempre se os mira con sospecha. “Es verdad, pero hemos hecho varias giras con bandas de metal mainstream, como Five Finger Death Punch o Killswitch Engage, y a sus fans les gustamos. Y a la vez, también podemos hacer giras con bandas metalcore como Asking Alexandria o Memphis May Fire y nos va bien. Está bien poder saltar de una escena a otra”. Tiene que ser estimulante salir a tocar para un público al que te tienes que ganar. “¡Es lo que más me gusta! Tienes que

currártelo mucho más”. Las letras de este disco están inspiradas en cartas que os habían mandado vuestros fans. ¿De dónde surgió esa idea? “El último álbum fue muy profundo y personal y no quería volver a escribir el mismo disco. De hecho, al inicio del proceso de composición tiramos a la basura muchas letras, así que teníamos que encontrar otro ángulo desde el que escribir. Se me ocurrió lo de inspirarnos en las cartas y estuvo muy bien porque cada miembro pudo escoger la temática que quería tratar. Fue un soplo de aire fresco. Siempre escribimos cosas personales, así que estuvo bien coger otra perspectiva. Sólo por eso ya sabíamos que haríamos un disco diferente”. ¿Recibís muchas cartas íntimas de los fans? “Sí, es una locura. El motivo por el que quisimos hacer esto es porque la mayoría de cartas no hablan sobre música en sí, sino de lo que las canciones significan para ellos o lo mucho que les han ayudado. La verdad es que muchas veces te dicen cosas en las que ni siquiera habías pensado al escribirlas”. ¿Qué cartas escogiste personalmente? “Tenía muchas ganas de escribir una canción sobre el divorcio y otra sobre un amigo o un familiar fallecido. Son dos temas muy frecuentes en las cartas que recibimos”. ‘Tangled Tongues’ es la canción sobre el divorcio. ¿Es algo que hayas vivido de pri-

“Siempre hemos sido vistos como una banda de metalcore joven, pero queremos

que se nos tome en serio. Nos gustaría ser como Lamb Of God o Killswitch Engage” LEVI BENTON mera mano? “No, mis padres no están divorciados. Por eso me gustó, porque pude usar mi imaginación. Fue como un proyecto de investigación. Leer todas las cartas y ver qué tenían en común. Fue muy chulo”. En realidad, todo el disco está enfocado a los fans. Incluso el tío de la portada con el león tatuado es fan vuestro y aparece en el vídeo de ‘Gone’. ¿Cómo lo encontrasteis? “Hicimos un concurso en Facebook. Tuvimos miles de entradas. Buscábamos a alguien que no fuera un crío, y ese tipo tenía pinta de metalhead, así que le escogimos. Le pagamos el viaje, estuvo con nosotros y le hicimos el tatuaje en la espalda para la portada”. Ahora tendrá que ser fan vuestro de por vida… “(Risas) Sí, así es”. El primer tema que habéis lanzado como single, ‘Gone’, tiene un estribillo que huele a hit. ¿Lo celebrasteis mucho después de escribirlo? “(Risas) Es curioso. Queríamos escribir un tema sobre una ruptura, porque antes siempre habíamos sido muy vagos

con el tema. Este disco es mucho más directo. Cuando estábamos en el estudio haciendo preproducción y componiendo nos gustaba lo que estábamos escribiendo, pero cuando escuché las guitarras de ‘Gone’ y escribí el estribillo, pensé: ‘Ya lo tenemos’. Hasta ese punto creo que no teníamos nada realmente espectacular, y ‘Gone’ nos obligó a subir el nivel de todo el resto. Para mí es como ‘The End Of Heartache’. Es un tema con el que todo el mundo se puede identificar. Definitivamente, nos puso las pilas a todos”. El segundo single, ‘Echoes’, es bastante distinto. “Sí, es muy distinto (risas). Queríamos algún tema más lento. De hecho, teníamos varios así, pero recuerdo cuando estaba haciendo las voces me puse muy triste. Ésta es la que habla sobre perder a un familiar. Le dediqué mucho tiempo. Quería cantar un poco más de lo que hago normalmente. Fue una de las últimas que terminamos porque teníamos mucho miedo. Pensábamos que todo el mundo la odiaría y no se la enseñamos a nadie. Fue una locura, porque nadie sabe esto, pero la melodía principal la hicimos cuando el disco ya estaba casi terminado. Volvimos al estudio para los retoques finales después de la gira de Five Finger Death Punch y Justin, de algún modo, se le ocurrió la melodía, la grabamos y alucinamos. Así que entró en el disco en el último suspiro”. En el polo opuesto está ‘Saints, Sinners And Greats’, que casi parece un homenaje a vosotros mismos. “Sí, es un viaje al pasado. Tampoco queremos que la gente piense que hemos perdido nuestras raíces. No nos 105

“Cuando hicimos el primer disco teníamos 18 años, ahora tenemos 22, todavía somos unos críos. Hay muchas cosas que ahora toman sentido que no veíamos antes” LEVI BENTON olvidamos de que somos Miss May I y todavía podemos tocar estos temas rápidos y locos. Por ejemplo Avenged Sevenfold ya no hacen temas así, pero nosotros no queremos perderlo. Es la canción más rápida que escribimos, salió de manera muy natural porque es lo que siempre hemos hecho. Me sentí como si tuviera 16 años de nuevo”. ¿Te pones muy ansioso cuando ves que las composiciones no están al nivel que desearías? “Sí, pero lo que me pone más ansioso es saber si la gente conectará o no con los temas. Cuantos más discos haces, peor es, porque estás jugando con fuego. Ya no somos la banda joven a la que todos prestan atención, ya eres una banda establecida y se te va juzgar como tal. Dependemos de nuestros fans. Pero la verdad es que en este caso estuvimos más tranquilos porque trabajamos con Terry Date y por primera vez pudimos rearreglar algunos temas. Podíamos grabarlos y si algo no nos gustaba, podíamos vol106

ver a trabajar en ello para mejorarlo y grabar de nuevo. Nunca habíamos podido hacer eso. Creo que en el disco anterior sólo dimos el 75%, aunque yo dijera que era la bomba, pero esta vez, pudimos dar el 100%. Hubo temas que reescribimos hasta cinco veces, hasta que ya no veíamos cómo podía ser mejor. Y por eso estoy súper feliz”. ¿Crees que el tener más tiempo también ha ayudado a que el disco sea más diverso? Quizá antes era sólo un fogonazo de un momento muy concreto y no podías desarrollar otras facetas. “Creo que la diversidad vino más de fuera. El sello, las críticas, el nuevo management… todos nos decían que tenían que ofrecer más variedad. Para nosotros era el principal objetivo. Aunque hubiésemos hecho un disco de mierda, hubiese sido diverso (risas). Ése era el mayor desafío. Antes nunca pensábamos en eso. Si salía una parte

que nos gustaba, nos daba igual si habíamos hecho una parecida. Esta vez nos esforzamos mucho más. Y fue duro, porque si salía una buena canción pero era parecida a otra, la teníamos que dejar de lado. Nos exprimimos el cerebro más de lo normal, pero el resultado es mucho más memorable. Es otro signo de que hemos crecido como músicos. En los otros discos quizá había tres temas que de verdad creía que perdurarían; en éste lo creo de todos. Cuando voy al gimnasio lo escucho de arriba a abajo y flipo. Espero que a todo el mundo le pase”. Todo lo que me cuentas me hace ver paralelismos con bandas como Bring Me The Horizon u Of Mice & Men, en el sentido de que os ha llevado tiempo lograr hacer buenos álbumes y no sólo buenas canciones. “Sí, es el problema de cómo funcionan las cosas ahora. Si tienes que hacer un disco cada año para poder girar,

sólo te van a salir unas pocas buenas canciones. Si haces un álbum realmente bueno creo que puedes girar varios años porque tiene mucho más recorrido. Es lo que estamos aprendiendo. Pero es que cuando hicimos el primer disco teníamos 18 años, ahora tenemos 22, todavía somos unos críos. Hay muchas cosas que ahora toman sentido que no veíamos antes”. Guste o no, Miss May I ya es como una empresa. Con 22 años, ¿cómo llevas esa responsabilidad de saber que hay gente que depende de ti para ganarse la vida? “Nuestro tour manager nos hace ser responsables. Si no tuviéramos canguros para adultos no creo que supiéramos hacerlo. Pero tenemos la cabeza bien amueblada. Siempre hemos querido hacer esto. Firmamos nuestro contrato discográfico cuando estábamos en el instituto y éste es el único trabajo que hemos tenido. ¡Y queremos seguir haciéndolo! Es todo lo que sabemos hacer. Pero sí, es de locos que ahora sea una empresa. Ya no somos sólo cinco chavales, hay casi 30 personas trabajando sólo para nosotros. ¡Es de locos! Estoy seguro de que somos más jóvenes que todos ellos... Pero es un proyecto muy bonito, muy familiar”. Otro hecho remarcable es que seguís siendo los cinco del principio. Hoy en día casi parece un milagro. “Sí. Creo que es porque la mayoría de grupos se forman a partir de músicos de otras bandas y cada uno tiene sus intereses, pero nosotros somos cinco amigos que fuimos a la escuela juntos, y todavía nos vemos como cinco amigos que lo pasan bien haciendo músi-

ca. Nunca nos peleamos por temas de negocios, somos una piña. No puedo imaginarme tocando con otra gente. Tuvimos a una persona cuando uno se puso enfermo y ya se me hizo raro”. ¿Quién de vosotros dirías que ha hecho el mayor progreso como músico desde que empezasteis? “Diría que Justin, nuestro guitarrista, o yo mismo como cantante. Creo que para cantar bien tienes que tener confianza, y eso es algo que sólo ganas con los años después de haber dado muchos conciertos. En este disco he hecho muchas cosas distintas. Pero Justin está totalmente inmerso en mejorar como compositor. Es lo que hace las 24 horas. Escribe hip hop, metal… lo que sea. Ha aprendido teoría musical. Yo no sé diferenciar un Sol de un Re. Si suena guay, suena guay. Él ha tomado un enfoque más científico (risas)”. También creo que Ryan ha mejorado mucho con las voces. “Oh, desde luego. ¡Muchas gracias! Ha trabajado muchísimo con profesores de canto. En este disco se sale. Creo que el haber mejorado como bajista le ha permitido poder centrarse más en su voz. Estoy muy contento porque hasta ahora las voces limpias siempre estaban en un segundo plano, pero ahora podemos darle más importancia. De nuevo, mucho tiene que ver con Terry Date. Su mentalidad es que nada debe mejorarse por ordenador, así que obligó a Ryan a cantar de verdad. Antes siempre hacíamos apaños con los ordenadores, pero no esta vez”.

Date, tiene pinta de ser muy exigente, especialmente con los cantantes. Ha trabajado con Chris Cornell, Phil Anselmo, Chino Moreno… ¿estabas cagado? “(Risas) La verdad es que sí hasta el primer día que trabajamos con él. Pensábamos que gritaría mucho, pero era muy tranquilo. Nosotros somos súper tranquilos, no armamos follón, así que de inmediato conectamos. Lo peor para él es que cada noche cuando terminábamos le agobiábamos para que nos contara batallitas. Quizá nos pasamos (risas). Pero como vocalista fue una locura para mí. Me dijo que había cosas que nunca había probado antes produciendo, lo cual era un gran halago porque lo ha hecho todo. Ni en un millón de años hubiera imaginado trabajar con él”. Obviamente, trabajar con alguien de su categoría significa que os habéis gastado muchísimo más dinero. ¿Os pone una presión extra trabajar con un gran presupuesto? “Bueno, da miedo porque si el disco fracasa será un buen marrón. Pero tenemos mucha fe en nuestros fans. Como decía antes, era algo necesario. No queríamos volver a grabar en un garaje. Si queríamos dar un paso importante, teníamos que rascarnos el bolsillo. Me gustan sus discos porque en todos ellos se nota que el grupo se ha encontrado a sí mismo. Y creo que por fin hemos encontrado quiénes somos”.

Teniendo en cuenta el impresionante currículum de Terry 107

OFF!

PERROS VIEJOS, NUEVOS LADRIDOS A sus 58 años Keith Morris sigue agitando sus dreadlocks a ritmo de hardcore como nunca. Ya sea viviendo el presente con OFF! o rememorando su pasado con Flag, el cantante está en un momento de actividad máxima. Charlamos con él a propósito de Wasted Years, el segundo álbum de la banda que le ha devuelto a la primera línea del frente. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR 108

Coats (guitarra, Burning Brides), Steve McDonald (bajo, Redd Kross) y Mario Rubalcaba (batería, Rocket From The Crypt) arropando la furiosa y excéntrica voz de Morris. Tras haber girado por todo el mundo, los cuatro han grabado otro torpedo de hardcore punk (17 temas en 23 minutos) bautizado como Wasted Years (Vice Records) y que como sus dos referencias anteriores, viene ilustrado con un dibujo del gran Raymond Pettibone. Cuando Morris canta, suena como si se hubiera tomado diez cafés, y cuando uno habla con él tiene un poco la misma sensación. No ha terminado de desarrollar una idea que ya le han venido 15 más a la cabeza. Pero aun así, es un placer charlar con alguien que se sale de los tópicos habituales. Morris siempre ha dicho lo que piensa, y ahora todavía más.

i la música de OFF! te recuerda mucho a la de Circle Jerks, la banda que Keith Morris lideró tras salir de Black Flag, hay un buen motivo. Sus primeras canciones recogidas en la cajita First Four EPs de 2010 fueron originalmente escritas para un disco de la mítica banda californiana que se fue al traste. Pero si bien nos quedamos sin Circle Jerks, a cambio obtuvimos una suerte de supergrupo con Dimitri

Me gustaría saber si cuando empezasteis con OFF! lo veías como un proyecto esporádico o pensabas que tendría continuidad. KEITH MORRIS “Cuando Dimitri y yo empezamos a escribir música, lo hicimos para un nuevo disco de Circle Jerks que no llegó a materializarse. Fue un desastre absoluto y me di cuenta que necesitaba dar un golpe de timón, cambiar las cosas, aparcar esa banda y trabajar con otra gente. De ahí surgió OFF!. Dimitri creó un ambiente muy intenso. Me hizo ver que no somos unos chavales y que no podemos perder el tiempo dándole vueltas a las cosas; tenemos que actuar. Así que eso me llevó inmediatamente a mis raíces, a lo que hacía en Black Flag. El

programa de Dimitri consiste en escribir nuevas canciones de manera muy espontánea, apenas unas pocas semanas antes de entrar en el estudio. Y eso es lo que hemos hecho desde el principio con OFF!: pasar a la acción”. Vuestra música suena muy pura, pero sin embargo Dimitri viene de un background más rock... ¿Te sorprendió que pudiese escribir temas así con tanta naturalidad? “Había trabajado con su grupo Burning Brides cuando yo trabajaba en V2 Records. Eran uno de mis grupos favoritos del sello y desarrollé una gran amistad con él. Detecté que en sus discos siempre había un par de temas con mucha energía e intensidad, como ‘Glass Slipper’ de su primer álbum Fall Of The Plastic Empire, que me recordaban a Black Flag. Las letras no parecían como algo que Henry Rollins, Ron Reyes, Dez Cadena o yo mismo hubiéramos escrito, no tenían nada de político o social, pero la música sí. Dimitri no escribe pensando en la música que se hace ahora. Ha trabajado en tiendas de discos, conoce cosas como Black Flag, The Damned, The Dickies, Blue Öyster Cult, Alice Cooper. Ésa es la música que escuchamos antes de empezar a componer. Un día estaba en mi casa y empezó a tocar usando la técnica del downstroke (consiste en tocar la púa verticalmente hacia abajo –ndr.) que popularizó Johnny Ramone de los Ramones, aunque probablemente inventó Link Wray. Y de inmediato me emocionó, y vi claro que podía hacer música con él”. 109

OFF!

mi novia se compró la casa de Flea en Los Ángeles, y cuando voy allí siento que el espíritu de Flea todavía sigue en la cocina, el comedor o la piscina”.

Dado que los primeros EPs eran canciones pensadas para un disco de Circle Jerks, ¿cambió en algo cuando os pusisteis a componer específicamente para OFF!? “En realidad no. Escribimos igual, teniendo en cuenta nuestro espíritu y sin importarnos lo que nadie más pensara. Una de las cosas buenas que ha ocurrido con este grupo es que la gente dice que es maravilloso porque suena totalmente libre. Esta música no es para gustar a todo el mundo”. Por eso mismo, ¿no te sorprende la gran acogida que ha tenido el grupo? “Me siento súper afortunado porque la vida me ha dado una nueva oportunidad. No miramos atrás, sólo adelante. Es algo fantástico. Todos compartimos una misma mentalidad musical, cuando tocamos juntos es algo instintivo. Sabemos lo que hay que hacer. Apenas ensayamos. Tocamos los temas del disco un par de días antes de grabarlos. Queremos conservar esa chispa”. Unos de vuestros grandes 110

valedores fueron Red Hot Chili Peppers. Anthony Kiedis apareció luciendo una gorra vuestra en el vídeo de ‘The Adventures Of Raindance Maggie’ y os cogieron de teloneros en varios conciertos. “Llevo siendo amigo suyo desde antes que formaran el grupo. Recuerdo que la primera vez que vi a Flea tocar iba en pijama, Jack Irons tocaba la batería, Hillel Slovak era el guitarrista y Alain Johannes era el cantante. De hecho, ahora Dimitri está con él y Matt Cameron grabando en Seattle. Los Red Hot Chili Peppers son mis amigos y constantemente nos bombardean con si son horribles, con si dejaron de valer la pena con tal disco o con si son la mejor banda del mundo, pero eso no importa, porque son mis amigos. ¡Son un gran grupo! ¡Es música! Si te gusta la escuchas, y si no, no hace falta que lo hagas. Tocamos con ellos y les encantó. Tocamos en Los Ángeles y luego en el Big Day Out en Australia y Nueva Zelanda. Nos invitaron a hacer más fechas, pero alguien del grupo no podía. El marido de la hermana de

El nuevo disco se titula Wasted Years. ¿Es una referencia a un periodo concreto de tu vida o es algo más genérico? “Esos años perdidos podrían estar ocurriendo ahora mismo para alguna gente. El personaje de la portada es un amigo mío del instituto, pero podría ser el personaje en el que se inspiraron para hacer Fast Times At Ridgemont High. Efectivamente, yo tuve mis años perdidos, pero estoy seguro que hay mucha gente que ha estado dos o tres años sin saber qué hacer, sólo buscando la próxima fiesta, persiguiendo a tías o persiguiendo a tíos, sin hacer nada, sin ser creativo… El título se refiere a eso”. Te pasaste la mayor parte de la última década dejando de lado tu carrera como músico. ¿Lo ves como algo necesario o como una pérdida de tiempo? “Bueno, mucho tiene que ver con que soy diabético. Me lo detectaron hace 15 años y casi me mató. Durante seis o siete meses me dieron por muerto, así que tuve que dejar la mala vida. Puede ser que también fueran años perdidos, pero fueron por culpa de mi salud, no porque yo decidiera perder el tiempo”. Pero ahora parece que quieras recuperar el tiempo, pues además de OFF!, el año

“Durante seis o siete meses me dieron por muerto, así que tuve que dejar la mala vida. Puede ser que también fueran años perdidos, pero fueron por culpa de mi salud, no porque yo decidiera perder el tiempo”KEITH MORRIS pasado estuviste cantando con Flag. “¡Nunca había estado tan ocupado!”.

¿Volveréis a hacerlo? “Puede ocurrir en el futuro, pero yo estoy liado con OFF! hasta octubre. Bi lly Stevenson y Stephen Egerton están grabando un nuevo disco de Descendents y también saldrán de gira, así que Flag no es una prioridad, es sólo una diversión que haremos de vez en cuando”.

¿Cómo te sientes respecto a la polémica entre Flag y Black Flag? “No estoy aquí para hablar de ello, pero pienso que es una gran jodienda. No mola nada. Todo lo que puedo decir sobre Flag es que nos divertimos tocando esas canciones. Puedes ser el guitarrista que hayas escrito esas canciones, y te mereces todo el reconocimiento por haberlo hecho, pero si te rodeas de músicos mediocres, terribles, ¿quién querrá escuchar eso? ¿Puede alguien devolverme el tiempo que he perdido escuchándolo? Las canciones sólo son tan buenas como la gente que las toque. Con Flag nos rodeamos un gran grupo y les hicimos justicia”.

En el disco suenas con la misma rabia que hace 30 años... Lo cual es genial para los fans, pero no sé si resulta agotador para ti. “Bueno… Hay muchas cosas que me cabrean. Una de ellas es que parece que la industria musical produce personajes en cadena que coloca en todos los grupos. No quiero decir todos porque hay muchas bandas con personalidad, pero la mayoría parece que hayan sido escupidas desde una fábrica gigantesca. Nosotros haremos todo lo necesario para poder ganarnos la vida, no sabemos hacer otra cosa. No sabemos no pensar con nuestro corazón”.

Creo que a ojos de los fans le ganaste la batalla a Greg Ginn. “Bueno, nunca quisimos que fuera una batalla o una competición. Fue él quien lo convirtió en eso. Fue él quien nos demandó. Nosotros no hicimos nada malo, sólo queríamos tocar esas canciones”.

¿Ves alguna banda actual que mantenga el espíritu original de Black Flag o Circle Jerks? “¡Me encantan The Bronx! Tiene algo de eso pero también tienen otras influencias porque crecieron escuchando el hard rock de Sunset Boulevard de bandas como Guns N’

Roses. The Bronx salieron haciendo de Black Flag en The Lords Of Dogtown. Son amigos nuestros. De hecho, nos dejaron material para grabar. Joby, Matt y Jorma son grandes tíos. Nos hicieron de teloneros en una gira con Circle Jerks y GBH. Son geniales. La verdad es que hay un montón de grupos que me gustan, pero no necesariamente están influenciados por mis bandas. Me gustan Career Suicide, la banda del batería de Fucked Up. ¡Fucked Up son increíbles! También Double Negative, que por desgracia se han separado. Pero lo que ocurre con mis grupos es que influenciamos a muchas bandas, pero si las escuchas, no se aprecia en su música. Chris Robinson de The Black Crowes dijo que si no fuera por Black Flag no hubieran existido. Y desde luego no suenan para nada a nosotros. Otro ejemplo es mi amigo Ryan Adams. No tiene nada que ver con nosotros y es un gran fan”. De hecho, grabó una versión de ‘Nervous Breakdown’… “Sí, fui yo quien convenció a Henry Rollins para que lo incluyera en el disco benéfico para los West Memphis Three. Henry estaba escogiendo a los grupos habituales, se limitaba a seguir la lista que había hecho, pero yo le sugerí que debía hablar con Patti Smith, o Michael Stipe de R.E.M., que arriesgara un poco. Estaban Hank Williams III, Iggy Pop y Lemmy, que son geniales, pero Ryan Adams hizo algo inesperado, y eso hizo que destacara mucho más”. Quería preguntarte por varias colaboraciones que 111

gráficas The Umbrella Academy. Yo aprendí a leer leyendo cómics de superhéroes, así que apreciaba mucho eso. El caso es que un tiempo después me encontré a Frankie (Iero) en una gasolinera al lado de donde yo trabajaba y me dijo que estaban grabando un disco y que si quería hacer un recitado en un tema. Le dije que me dejara escuchar el tema… y así fue todo”.

has hecho a lo largo de los años. Algunas de ellas llaman bastante la atención. La primera es con Fu Manchu. Cantaste en ‘Bultaco’ de su disco California Crossing. “Esos tíos son del sur de California, así que crecieron escuchando toda la música de mis bandas. Cuando tocan tienen intensidad, pero no es punk rock, no es hardcore. Sin embargo, tienen influencias de muchos grupos que me gustan y con los que yo crecí, como Black Sabbath, Grand Funk Railroad. Así que ellos me devolvieron a ese sonido”. La siguiente es ‘We’ve Had Enough’ de Alkaline Trio. “Me encanta estar con esos tíos, son cojonudos como amigos. No tengo ninguno de sus discos, pero lo que ocurrió fue que a Circle Jerks nos pidieron sustituir a NoFx en cuatro conciertos del Warped Tour. Mi opinión del Warped no es muy buena porque no puedo identificarme con la mayoría de grupos, pero la verdad es que tuvimos suerte porque tocaban Bad Religion, The Damned 112

y también Alkaline Trio. Lo cierto es que me sentía intrigado por ellos. Son una banda pop con influencias de los Misfits, y para mí es una gran combinación. Me pidieron cantar en uno de sus temas y salir en el vídeo, y el sello en el que estaba me animó a hacerlo”. Otra es ‘Hang ‘Em High’ de My Chemical Romance. “Lo que ocurrió es que mientras yo trabaja en V2 Records les vi tocar en el CMJ (una feria discográfica –ndr.), en Nueva York. El concierto que hicieron fue jodidamente salvaje. Me dejaron con la boca abierta. Cuando trabajas en un sello, además de fijarte en la música tienes que hacerlo en la reacción de la gente, y veía que los chavales estaban como locos, colgándose del techo, saltando desde los altavoces, la policía iba de culo… La energía era innegable. Algo estaba pasando ahí. Quizá la música no me entusiasmaba, pero hablando con ellos, noté que estaban emocionados porque estuviera ahí y Gerard (Way) hacía otras cosas además de cantar en My Chemical Romance, también hacía las novelas

Y la última es ‘Wasted Again’ de Turbonegro. “Turbonegro son una panda de freaks. Son unos punks afeminados. Deberían estar en un barco vikingo o de piratas surcando el océano, y restregándose entre ellos. Steve McDonald estaba produciendo su disco, y durante las mezclas tuvo la idea brillante de que cantara un tema e hiciera el spoken word de ‘Wasted Again’. Son grandes fans de Black Flag y OFF!. Me invitaron a cantar en un festival en Noruega ante 40.000 personas. También invitaron a Nick Oliveri de Queens Of The Stone Age y Kyuss. Mi diabetes me la jugó cuando estaba ahí y la primera noche acabé en un coma diabético y no pude actuar. Me encanta su música”. Pues me dicen que no nos queda más tiempo. Ha sido un placer. “Déjame decir una cosa más. La vida es dura e injusta, así que disfrutad, divertiros, follad, pasad tiempo con vuestros amigos, montad una gran fiesta, pasadlo bien. ¡Salud!”.

PILGRIM

Aunque la segunda obra de

PILGRIM no haya logrado igualar la magia de su debut,

la alta hechicería desplegada en II: Void Worship bien merecía una entrevista. The Wizard aparca por un momento el mástil con el que combate a trasgos y dragones y nos adentra en las catacumbas de esta destacable banda de doom metal. Texto: PAU NAVARRA O ERA TAREA FÁCIL superar un primer álbum tan completo como Misery Wizard. Desde el primer instante en que oí ese cavernoso doom de agónicas voces supe que estábamos ante una banda de muchísima calidad, pero quizá luego Pilgrim me decepcionaron un poco en directo, por no hablar de su segundo capítulo discográfico, II: Void Worship (Metal Blade Records). Por supuesto que los de Rhode Island siguen desplegando una propuesta muy por encima de la media, pero que en este reciente álbum se hayan decantado por incluir algo más de 114

hard rock setentero no me ha sentado del todo bien, teniendo en cuenta que lo que un servidor esperaba de ellos era más ofuscado y fúnebre doom que pusiera en jaque mi equilibrio mental. Tampoco es que ahora sean Witchcraft o Graveyard, pero quizá no han evolucionado de la forma en que a muchos nos gustaría. Pese a todo, la recta final que han deparado para este trabajo su compositor The Wizard (voz, guitarra, bajo) y Krolg, Slayer of Man (batería) es todo lo mortecina que sus fans del inicio podíamos esperar. De todo esto y de quién es su nuevo bajista tras la

Foto: DR

marcha de Count Elric the Soothsayer hablamos con el maestro de ceremonias de la formación americana. Y por si alguien lo dudaba, en efecto: The Wizard vive en otra dimensión. En 2012 Misery Wizard fue muy aplaudido en el circuito doom mundial… ¿Sentisteis algo de vértigo a la hora de superarlo? ¿Cómo crees que ha evolucionado la banda en dos años? THE WIZARD “Creo que la presión proviene más de nosotros mismos. Tenemos realmente muchas ganas

de que salga el nuevo álbum. Hay muchas cosas que nos gustaron de Misery Wizard, pero también muchas que odiamos, como por ejemplo las estructuras de las canciones y la calidad de la producción. No queríamos joderla otra vez, así que en ese sentido nos sentimos presionados para hacer de II: Void Worship algo increíble, y creo que lo hemos conseguido. Hemos evolucionado fuertemente desde nuestro primer disco. La química entre Krolg y yo se ha desarrollado mucho. Ahora somos una unidad musical, estamos totalmente unidos. Hemos aprendido mucho acerca de cómo escribir canciones y no hacerlo de forma aburrida”. ¿Qué pasó con Count Elric the Soothsayer? ¿Cómo fue trabajar como una banda de sólo dos piezas? “No nos gusta mucho hablar de su salida. Tuvimos una situación personal que finalmente acabó con él fuera de la banda. Fue un proceso muy complicado de pasar… Ahora estamos en buenas condiciones, y ya no hay ningún tipo de resentimiento. Nos vemos de vez en cuando”. ¿Es Bradoc the Barbarian vuestro nuevo bajista oficial? “¡Sí!”. A mi modo de ver, la primera parte de II: Void Worship tiene más ritmo, es más rock setentas, melódico, pero la segunda parte es toda una demostración de doom metal ultra lento. ¿Fue ésta una intención expresa a la hora de confeccionar el tracklist final? “No, definitivamente ésa no era nues-

tra intención. La verdad es que no tratamos de ir hacia cualquier tipo de ambiente que no sea nuestro propio concepto de fantasía oscura, pero ahora puedo ver cómo alguien puede analizarlo así. Tenemos que poner las canciones animadas al principio del disco para que el sello no nos dispare”.

“Creo que las personas metidas en el doom fueron dañadas mentalmente, y es por eso que pueden relacionarse con la oscuridad del mismo”

(Risas) Hay gente por ahí opinando que introducir conceptos rock en vuestra música es un síntoma de madurez, pero el doom no es un tipo de música para niños de ninguna de las maneras… “Creo que es para cualquier persona que lo persiga. Hay mucha sabiduría en el doom, por lo que puedo ver por qué muchos chicos jóvenes no lo captan. Creo que las personas metidas en el doom fueron dañadas mentalmente, y es por eso que pueden relacionarse con la oscuridad del mismo”.

mejor, tocando rock o descendiendo hasta los confines más remotos del doom? “Realmente no estamos tratando aspectos de subgéneros, sólo tocamos lo que sabemos y nos gusta. Para mí, Pilgrim sólo suena como una banda de rock oscura, heavy y lenta, y esa es la sensación que estamos tratando de transmitir también. A veces con más emoción vienen tipos de canciones más extremas”.

¿Continúa este nuevo trabajo la historia de vuestro debut? En Pilgrim cantáis acerca de fantasía de espada y brujería, ¿pero estás interesado en problemáticas sociales actuales como la política o la economía global? “A la mierda el mundo real. Vivimos en nuestro propio mundo. Los chicos están bastante al día sobre el estado actual del mundo, pero a mí me gusta mantener mi mente lo más lejos posible de estos conceptos. Pero sí, el legado de Pilgrim es continuado en este nuevo disco”.

El pasado otoño estuvisteis de gira por Europa con Windhand. ¿Cómo lo recuerdas? ¿Con qué te quedas de vuestro paso por mi país? “¡Fue tan divertido! Somos realmente muy amigos de los tíos de Windhand, así que fue todo un placer salir de gira con ellos. ¡Y los shows en España fueron la hostia! En Bilbao, se fue la luz justo antes de nuestra descarga y todo el mundo gritó. Luego las sirenas de la ciudad se apagaron, así que fue realmente espeluznante y surrealista. Ahora vamos a hacer nuestro primer tour como cabezas de cartel con Age Of Taurus este verano, ¡y nos gustaría volver a Europa antes de que termine el año!”.

‘Void Worship’ es la canción más ominosa y funeraria del álbum, ¿pero cómo te sientes 115

THE COUP

AMANECER ROJO Boots Riley es todo un personaje. Comunista, activista, líder de The Coup y amigo de Tom Morello, su nombre apareció en Wikileaks, donde constaba que había sido vigilado por el servicio de inteligencia norteamericano. Este mes nos visita para traernos su música y su mensaje. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR 116

“Puedes llamarlo después de los atentados del 11-S, su discográfica les obligó a cambiar la portada y a retrasar su lanzamiento un par de meses... Pero el daño ya estaba hecho, y The Coup sufrieron una campaña acusándoles de antiamericanos. Desde entonces el grupo que completan Silk-E (voz), B’nai Rebelfront (guitarra), J.J. Jungle (bajo), Hassan Hurd (batería) y LJ (órgano) ha seguido a la suya, ofreciendo canciones de contenido político y eclecticismo musical. Este mes llegarán a nuestro país en una extensa gira para presentar su último trabajo Sorry To Bother You (Anti) aparecido en 2012 y en el que colaboraron miembros de Anti-Flag, Living Colour y Japanther. El día después de celebrar su 43 aniversario en un bosque en Santa Cruz, California, Riley encontró una señal de wi-fi para comunicarse con nosotros.

unque The Coup publicaron su primer álbum en 1994, no fue hasta 2001 cuando una desgraciada coincidencia puso a la banda de Oakland en el ojo del huracán. La portada original de su disco Party Music, que debía aparecer en septiembre de ese año, fue la culpable. En ella se veía a Boots Riley y su compañera Pam The Funkstress con las Torres Gemelas explotando de fondo. Naturalmente,

Este mes actuaréis en España por primera vez. Después de más de veinte años de carrera, ya tocaba… BOOTS RILEY “Bueno, hace años, en 2007, estuve ahí, en VitoriaGasteiz con Galactic y aprendí mucho de política por las malas (risas). Ya sabes, Galactic es una banda funk y yo salía a cantar con ellos cinco temas de The Coup en medio de su set. La gente se puso como loca y al final dije ‘Gracias España’. Nadie dijo nada, pero después del concierto una mujer me dijo ‘Nos encanta tu música, nos encanta cómo bailas, nos encanta tu mensaje, y por eso te lo diré una sola vez: esto no es España’ (Risas). También estuve en Madrid cuando era un niño, mi madre nos llevó de viaje. Tengo muchísimas ganas de poder ir con The Coup”.

comunismo, socialismo o como quieras, pero necesitamos un sistema donde la gente domine democráticamente la riqueza que crea con su trabajo”

BOOTS RILEY

Siendo la primera vez, ¿afrontarás estos shows de una manera distinta? “Siempre los afrontamos de la misma manera, queriendo dejar a la gente boquiabierta. La gente no sabe qué esperar. Aunque se diga que hacemos punk, funk, soul, hip hop, nuestro estilo no es una mezcla aguada de todo eso. Como lo hacemos nosotros es una mezcla agresiva y bailable. Es optimista, pero no lo es. Cuando empiezas haciendo hip hop piensas que hay unas reglas, una estética que seguir, pero a medida que avanzas empiezas a desarrollar toda la música que te gusta. Sin reglas. Queremos que la gente acabe agotada, sudada. Somos como Sly And The Family Stone y The Clash juntos”. Suena muy bien, ¿pero cuál fue la música que de verdad te fascinó en un principio? “Cuando era un niño fueron los Ohio Players, es lo que escuchaba mi hermana. Y también lo que sonaba en la radio, como Stevie Wonder, Sly And The Family Stone o cosas más disco como KC & The Sunshine Band. Pero de adolescente, cuando intentaba descubrir cuál era mi tribu, empezó a gustarme mucha música británica. Me gustaban Tears For Fears, The Cure, New Order, cosas así. Y al mismo 117

THE COUP

no dirían que eres blanco. Si tienes el pelo oscuro y hablas español, no te verían como a un blanco”.

tiempo, me obsesioné con Prince. Quería ser él. No es que quisiera ser músico, es que quería ser él (risas). Ver a alguien en televisión, alguien tan importante, me hizo querer ser él. Luego, a los 15, me metí en una organización radical comunista. Vi que también podías ser importante sin salir en la tele. Vi que podía ser parte de un cambio en la historia. También descubrí entonces a Dead Kennedys, The Clash, Gang Of Four. Bandas punk que no estaban tan influenciadas por otras bandas punk. Me pone de los nervios que los grupos copien sólo a los grupos que se parecen a ellos. Es aburrido. Tienes que abrirte a otras músicas. Por eso en The Coup cabe de todo y hemos podido girar con artistas country como Steve Earle, que es un buen amigo mío. A mí me gustan los buenos compositores. Quiero escribir canciones que signifiquen algo durante mucho tiempo. Eso es lo quiere mi ego (risas). Sé que una canción no cambiará el mundo, pero quizá sí inspirar a un movimiento para que lo cambie”. Deduzco que desde su origen tu idea para The Coup era unir tu pasión por la música y la 118

política. ¿Cómo mides vuestro éxito? Por su impacto político, por su relevancia musical… “Lo pasé mal durante mucho tiempo por culpa de esta cuestión. No sabía si el grupo estaba sirviendo de algo o no, pero hace unos pocos años, cuando empezó el movimiento Occupy, empecé a ir a distintas manifestaciones y literalmente cientos de personas se acercaron a mí para decirme que mi música les había inspirado. En ese momento sentí que había tenido éxito. Puede que Occupy no parezca gran cosa para alguien de España, que sois los padres de todo esto, pero fue muy importante. Tenías un movimiento en cada ciudad. Cualitativamente, fue muy importante”. Quizá es la primera vez desde los 60 que los blancos se involucraban tan a fondo en un movimiento social… “¿Eres blanco? ¿Es la gente en España blanca?”. Sí, lo soy. Aquí hay mucha mezcla, pero muchos somos blancos. “Pero tenéis sangre árabe, mora… Yo creo que si vinieras a Estados Unidos

Bueno, no tengo el pelo oscuro (risas). Ya te digo que negro no soy (risas). ¿Cómo se vive siendo negro y comunista en Estados Unidos, que es el epicentro del capitalismo? “Bueno, es el mejor lugar donde estar, ¿no? No quisiera vivir en una comuna en la montaña porque no estaría haciendo mi trabajo. Mi trabajo es estar en el epicentro y señalar las contradicciones. Mi misión es ayudar a propagar la idea que tiene que haber un movimiento obrero radical. Un movimiento revolucionario que use las huelgas para hacer cambios. Y además, no hay ahora ningún lugar que no esté dominado por el capitalismo”. ¿Crees que esa revolución puede tener éxito sin violencia? “No. Pero la violencia no es lo que provoca que haya una revolución. La violencia ocurre cuando la gente recupera sus posesiones. Como los trabajadores en Argentina entrando en una fábrica y diciendo ‘esto es nuestro’. Eso no es un acto de violencia. La violencia viene cuando los dirigentes mandan a los militares para oprimirles. No puedes tener un sindicato sin violencia. Una huelga se basa en que los trabajadores no trabajen y que los esquiroles no los reemplacen. ¿Cómo vas a evitar que lo hagan? Tienes que estar ahí físicamente e impedir que los esquiroles entren. Aunque no haya puñetazos, el impedir que alguien entre físicamente, ya es violencia.

“La música de Rage Against The MachinE es todA rabia, pero la rabia no organiza a la gente. Lo que hace que la gente se organice es cuando cree que puede ganar” BOOTS RILEY

Esa cantidad mínima de violencia es imprescindible. Mira lo que paso en China. Tenían un ejército financiado por el Oeste y millones de gente sin armas lo derrotaron. No lo hicieron al estilo de Gandhi, lo hicieron con violencia. Puedes llamarlo comunismo, socialismo o como quieras, pero necesitamos un sistema donde la gente domine democráticamente la riqueza que crea con su trabajo. Dudo que haya muy poca gente que pueda estar en contra de eso”. ¿Viste la película 12 Años De Esclavitud? ¿Qué te pareció? “Pensé ‘no vayas al Sur a tocar el violín con dos tíos blancos’ (Risas). El problema es que el mensaje que lanzaba es que todo está perdido. En general, en el arte con mensaje político falta un análisis de clase. Si haces ese análisis ves que la clase obrera es mucho mayor en número que la dirigente, así que es sólo cuestión de tiempo que ganemos. Por eso intento hacer música optimista, porque tengo esperanza. En eso estoy en desacuerdo con mis amigos de Rage Against The Machine. Su música es toda rabia, pero la rabia no organiza a la gente. Lo que hace que la gente se organice es cuando cree que puede ganar. Hay que decirle a la gente que puede ganar y muchas películas sobre la esclavitud no transmiten eso”.

Y en la película al final es un blanco, Brad Pitt, el que le salva… “Lo que aprendí leyendo el libro es que en realidad el personaje de Brad Pitt recibió la carta, pero pasaron diez años más antes de que lo liberaran”. Ya que has mencionado a Rage, quería preguntarte para acabar por tu relación con Tom Morello y cómo formasteis Street Sweeper Social Club. “Bueno, la historia fue, y esto me enteré tiempo después, que cuando Zach se fue del grupo, pensaron en mí para sustituirle. La cosa estaba entre yo y Chris Cornell”. Sois igualitos… “Sí (risas). Al final escogieron a Chris Cornell y creo que fue una mala idea, pero pensaban que conmigo no funcionaría porque me parecía demasiado a Zach. Hubiera ganado mucho dinero con eso, pero intentar recrear Rage Against The Machine no hubiese sido correcto. No creo que a sus fans ni a los míos les hubiese gustado. Un año más tarde, recibí un mail de Tom, al que no había conocido todavía, diciéndome que había estado con Rick Rubin en un concierto de The Coup y que me invitaba a un concierto de The Nightwatchman. Y fue entonces

cuando empezamos el grupo. Hicimos un par de discos, pero a él no le gusta girar mucho, así que pude seguir con The Coup. Él hace la música, yo hago las letras, es una colaboración. Ahora es uno de mis mejores amigos. Estoy seguro de que al menos haremos un álbum más juntos en la línea del EP Ghetto Blaster, con toda la banda tocando junta”. ¿Y para cuándo un nuevo álbum de The Coup? “Aún tardaremos. Todavía estamos presentando Sorry To Bother You. No somos como una multinacional que saca un disco a la vez en todas partes. Nosotros tenemos que trabajar zona por zona, incluso en Estados Unidos. Pero sí vamos a sacar un nuevo EP que grabamos en Francia y que se llama La Grande Boutique, y yo voy a publicar dos libros. Uno que es el guión de una película cuya banda sonora es Sorry To Bother You, y otro de letras de The Coup. Todo el mundo cree que sólo hablo de política, pero en mis canciones también hablo de relaciones, de coches averiados, de sexo… lo que pasa es que todo lo escribo desde mi manera de ver el mundo”.

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UZZHUAÏA

UNA HISTORIA QUE CONTAR 120

RESULTABA IMPERDONABLE DE LOS TRABAJOS NACIONA CAMPAÑA AÚN NO HUBIÉS ASÍ QUE APROVECHAMOS E LA CAPITAL PARA TRAERLES Texto: Gonzalo Puebla Fotos: PEDRO LLORCA

E QUE HABIENDO PUBLICADO UNO ALES MÁS ALABADOS DE LA PASADA SEMOS ENTREVISTADO A UZZHUAÏA, EL PASO DE LOS VALENCIANOS POR S DE NUEVO A NUESTRAS PÁGINAS.

esde que viera la luz el pasado otoño su sexto álbum, Santos & Diablos (Maldito Records), Uzzhuaïa no han parado de recoger todo el trabajo que vienen sembrando desde hace más de una década. Un escalón más en una de las trayectorias más sólidas y regulares que se recuerdan en los últimos tiempos dentro de nuestras fronteras, que tuvo su punto de inflexión en 2003 con aquel Diablo Blvd. en el que ya encontrábamos la alineación definitiva por la que les hemos conocido siempre (recordemos: Pau Monteagudo a la voz, su hermano Álvaro al bajo, los guitarristas Alex Simón e Israel Ferrer y José Luis García tras la batería). Con cada nuevo lanzamiento, los valencianos han ido sumando calidad a la vez que repercusión, y reclutando una base de seguidores que les asegure una buena entrada en cualquier sala de nuestra geografía, aunque ellos mismos, conscientes del potencial que guardan la mayoría de sus canciones, reconocen que siguen aspirando a muchísimo más a pesar de haber alcanzado un cierto estatus que muchas bandas de aquí firmarían. Lejos de una falsa modestia pero con la honestidad del que tiene los pies en el suelo, sabiendo lo que toca tragar en un país donde practicar rock’n’roll es casi considerado un deporte de riesgo. Prueba de ello es que han recurrido al sistema del mecenazgo para poder tirar adelante con su nueva obra. Para pulsar el estado en el que se encuentran, concertamos una cita al paso de su gira por Madrid el pasado 21 de marzo, donde esa noche volverían a dar una muestra de su calidad sobre las tablas de la sala Penélope. Previamente nos recibieron con los brazos abiertos a su prueba de sonido para más tarde charlar en el camerino sobre el devenir del grupo en particular y el rock en general en estos tiempos extraños que nos está tocando vivir. De nuestra apasionada discusión sobre Mike Ness y sus Social Distortion antes, durante y después de la entrevista bien podríamos hacer otro artículo aparte, aunque eso lo dejaremos mejor para otra ocasión. Santos & Diablos hace ya unos siete meses que salió a la calle. ¿Qué recibimiento os habéis encontrado respecto a la prensa, público, en los conciertos...? ALEX SIMÓN “Inesperado, aunque bueno, eso nos pasa siempre con todos los discos. Cuando acabas de

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UZZHUAÏA grabar un trabajo hay siempre los típicos miedos de ‘en éste la critica nos va a dar caña...’, y todo lo contrario. Las críticas han sido fantásticas, y sobre todo lo que más valoramos es la opinión de nuestros seguidores, que ya de por sí hicieron una apuesta con el tema del crowdfunding sin haber oído nada. Ellos han sido los primeros sorprendidos con la calidad del disco”. PAU MONTEAGUDO “Es más, yo creo que ha sido el álbum con el que más rápido se han aprendido las canciones. Cuando hicimos los conciertos acústicos, que el primero fue aquí en Madrid en septiembre del año pasado, creo que acababa de salir hacía una semana. Tocamos algún tema nuevo y la peña ya los cantaba. A mí me sorprendió mucho. Un puntazo”. A nivel musical, sigue la línea ascendente que venís marcando desde Diablo Blvd.. Me he encontrado con gente que se atreve a decir que es vuestro mejor trabajo, algo con lo que yo también empiezo a estar de acuerdo. ISRAEL FERRER “La gente nos lo dice: ‘Joder, habéis sacado otro dis122

cazo. Y mi álbum favorito antes era Destino Perdición o el blanco, pero es que el nuevo lo pongo y me encanta’. Creo que no es sólo una continuidad del sonido, sino de una manera de hacer las cosas”. PAU “De todas maneras, eso se ve con el paso de los meses, porque cuando estás componiendo en el local tampoco eres consciente. Los temas te gustan o no te gustan, y cuando lo grabas, a las pocas semanas lo llevas todo el día en el coche y tampoco eres consciente. Yo por lo menos dejo de escucharlo radicalmente durante un tiempo, pero luego lo retomo. Yo lo veo como una especie de grandes éxitos de temas nuevos, si cabe la expresión (risas). Creo que hay lo que tú decías antes cuando nombrabas Diablo Blvd., hay partes que recuerdan a ese disco, pero también a Destino Perdición, el disco blanco, 13 Veces Por Minuto... Entonces lo que hemos hecho ha sido repasar la historia del grupo estilísticamente, pero con canciones nuevas. No lo hemos hecho adrede, pero ha salido así. Es como lo veo”. A pesar de que hace tiempo que encontrasteis vuestro

sonido, ¿aún hay gente que os compara con cierto grupo inglés? ALEX “Yo creo que con este disco ya podemos nombrar a The Cult sin que se tenga que hacer una comparación. Es que, además, es una banda que nos encanta y jamás nos ha molestado que nos comparen con ellos”. PAU “La etiqueta siempre estará, pero yo creo que no. El que profundiza un poco en el grupo sabe que hay mucho más, pero en algunas webs, no lo digo por ti, que hacen la crítica del disco así un tanto superficial, por encima, sin seguir de verdad la trayectoria del grupo, sale a la luz otra vez el nombre de The Cult. Pero creo que como dice Alex, está ahí, pero cada vez menos”. ALEX “Creo que esta vez ha sido la primera en la que menos nos han relacionado con ellos. Y, de hecho, a pesar de que siempre va a estar esa influencia porque probablemente sea el grupo en el que los cinco coincidimos en que nos gustan mucho, éste es el trabajo que menos suena a The Cult, pese a que ‘Santos & Diablos’ por ejemplo podría ser de ellos”. Es algo que me resulta curioso, porque quitando algún arpegio muy típico de Billy Duffy como en ‘No Intentes Volver Atrás’, nunca he terminado de ver muy clara esa influencia. A mí me sonáis a hard rock, pero viniendo de muchos sitios diferentes. ALEX “Pero es que en el caso de ‘No Intentes Volver Atrás’ fue adrede además. Dentro del grupo cada uno escucha muchísima música, no sólo hard rock. Social Distortion nos encantan y pocas veces vas a leer en una crítica

nuestra que tenemos paralelismos con ellos, cuando yo sí que los veo. ‘Una Historia Que Contar’, por ejemplo, yo la veo muy Social Distortion”. PAU “O incluso ‘Destino Perdición’. Son temas de poder tocar con tus colegas un domingo de paella, de melodías bonitas que se te quedan. Hay de todo en nuestra música, no sólo hard rock. A mí me jode un poco esa etiqueta porque nos cierra puertas. Hay mucha gente que cuando lee en un titular ‘hard rock’ obviamente deja de interesarles como a mí me sucede cuando leo ‘heavy metal’. Y a lo mejor no me preocupo por ese grupo cuando en vez de heavy metal es más Black Sabbath y a mí me molan. Ojo, no estamos renegando de ello, pero creo que no somos un típico grupo de hard rock”. En cuanto a producción, ¿buscasteis algo diferente? ISRAEL “Sí, se diferencia principalmente porque fuimos con la idea de entrar y grabar. Es decir, ir con nuestros amplis, nuestra batería, instrumentos, alguna guitarra que nos han dejado... pero lo que hemos traído para tocar esta noche aquí es lo mismo que había en el estudio. Por eso creo que también suena muy crudo. Buscábamos que sonara más real”. PAU “Incluso en preproducción, en las maquetas, tampoco quisimos liarnos con muchos arreglos, que tampoco es algo de lo que hayamos abusado en otros discos, pero a lo mejor antes había veces que teníamos cuatro pistas de guitarras, seis u ocho... todas haciendo lo mismo, creando una muralla que luego no puedes llevar en directo. En éste queríamos reflejar algo más simple. Tampoco hay exceso de coros. Queríamos que so-

nase como en un ensayo. De hecho, la maqueta no dista mucho de cómo ha terminado siendo”. Volviendo a lo que comentabais antes del crowdfunding, es algo que está funcionando muy bien para la mayoría de grupos de un nivel pequeño o mediano. Hace un par de días salió la noticia de que el Gobierno quiere limitar las aportaciones hasta 3.000 euros. En vuestro caso, pedíais 8.000 y llegasteis hasta los 17.000. ¿Qué opinión os merece este asunto? ALEX “Yo creo que lo que quieren es limitar la aportación máxima de una persona a 3.000 euros, del mecenas, no del que recibe, para así evitar el blanqueo de dinero. En cualquier caso, me parece absurdo dedicarse a estas alturas a inspeccionar el crowdfunding como mecanismo de blanqueo. Obviamente tendrán que estar pendientes, pero empezar a jugar a eso es un poco ridículo”. PAU “De eso se han quejado seguro las grandes compañías, porque te estás saltando distribución y muchas otras cosas, como las tiendas. Estás vendiendo tú el disco. Entonces creo que eso no tiene que hacerle gracia a la industria, que por otro lado está muy jodida, las cosas como son. Pero al final el agua acaba en el mar, te tienes que abrir camino como puedas. Ojalá se vendieran copias, ojalá las tiendas funcionaran, las distribuidoras también... Entonces no haría falta recurrir a eso. Pero llega un momento en el que llevar un grupo adelante cuesta muchísimo dinero y más como a nosotros nos gusta, que es con la máxima calidad. Te tienes que buscar la vida

“Ojo, no estamos renegando de ello, pero creo que no somos un típico grupo de hard rock” PAU MONTEAGUDO

o no puedes hacerlo. O lo hacíamos de esta manera o no sacábamos el disco, porque para grabar en un estudio de peor calidad, hacer una edición de una cajita de plástico con un libreto de cinco páginas, mejor no lo hacemos”. ALEX “Son muchas cosas. Hacer un disco no es sólo grabar tal y como nosotros queremos hacerlo. Tienes que tener buenos diseñadores que se ocupen de la portada, plantearte una estrategia de márketing por lo menos hasta donde puedas llegar tú y que el álbum salga adelante. Son muchísimos gastos: fotografía, videoclip... No es solamente grabar. Tú te puedes grabar en tu casa con la calidad que quieras, pero sacar un disco es mucho más que eso y el crowdfunding nos permitía que nuestros seguidores fueran los primeros que apostaran por nosotros, ya que ningún sello importante lo ha hecho jamás. Lo vimos como una solución fantástica y no nos arrepentimos en absoluto, porque también nos ha permitido contactar con toda esa gente, ver que les ha llegado, que se han sentido satisfechos con lo que les hemos ofrecido”. PAU “Y que hacer los paquetes y demás fue una experiencia interesante. Al final ese paquete que has confeccionado con la camiseta de la talla tal, el disco con el parche, etc., a esta dirección... Al final es todo más personal. Te estamos empaquetando tu álbum y te lo estamos dando en mano”. 123

“La historia del rock está llena de bandas que a nosotros nos pueden gustar y se han comido los mocos” ALEX SIMÓN

ISRAEL “Yo creo que lo que pasa es que la gente lo ha visto como una novedad, cuando en realidad es como una preventa. De hecho, los grandes grupos están empezando a hacer ese tipo de cosas. Sacan un primer lanzamiento especial y luego el disco estándar”. Aun así, hay un punto que me ha llamado la atención y es que, a pesar de todo esto, el álbum salga editado por Maldito Records... PAU “A Maldito también le sorprendió cuando se lo planteamos, pero entendimos su posición y ellos también entendieron la nuestra porque se lo planteamos claramente: o hacemos esto o no hay disco”. ALEX “Básicamente, el hecho de sacarlo con Maldito ha sido principalmente el evitar tener que trabajarnos nosotros todo el tema de fábrica, licencias con SGAE... Todo eso te lo tienes que comer tú. Si lo haces con una discográfica, ellos se llevan su parte de dinero obviamente, pero te 124

facilitan la faena. Tú sabes que tal día van a estar los discos y no vas a tener que estar a una semana de la salida y la presentación llamando a la fábrica para ver qué pasa que no llega”. ISRAEL “Aparte de que esto del crowdfunding no quiere decir que seamos un grupo independiente en el sentido de que vamos solos por la vida. Yo no he leído en ningún lado que haya unas bases que si sacas un crowdfunding tienes que ser independiente. De hecho, en algún foro ya nos hicieron este mismo comentario”. ALEX “Además, que a la hora de vender un disco no podemos ir directamente a las tiendas y decirles que lo pongan en las estanterías. Maldito también lo que nos ofrecía es esa distribución. Los primeros en recibir el disco fueron los mecenas, pero una vez que has hecho todos esos envíos, tiene que salir a la calle, estar en las tiendas... Y de eso es de lo que se ocupa Maldito”. ¿En qué momento de vuestra carrera os veis ahora mismo?

Porque con Destino Perdición hubo mucha gente que os señaló como una banda que iba a triunfar por todo lo alto y parece que os quedasteis a medio camino... PAU “Yo creo que hay dos maneras de enfocarlo. Por nuestra parte, con respecto a la familia, el grupo, internamente... estamos contentos, porque en nuestra opinión lo hemos vuelto a hacer. Nos gusta el nuevo disco y en directo lo estamos pasando muy bien. De cara al exterior sí que es verdad que hay un poco de enfado, pero no con la gente, que no tiene la culpa, sino ‘¿Por qué no hemos nacido 15 años antes o en otro sitio?’, y nos hemos empeñado en luchar contra eso. No te digo que sea imposible, pero es muy jodido. Llega un momento que dices: ’¿Qué más tenemos que hacer?’. ALEX “Sobre todo porque te lo va diciendo todo el mundo.” Por lo que veo, al contrario de lo que algunos grupos se niegan a reconocer, vosotros sí que aspiráis a llegar a un nivel más alto. PAU “Siempre tienes que aspirar a eso si quieres hacer las cosas bien. Te voy a decir una cosa: yo soy capaz de escuchar un álbum y distinguir si ese grupo cree que puede conseguir algo o está por estar”. ISRAEL “Nosotros pensamos que tenemos la calidad suficiente como para dar un paso a lo profesional. También es verdad que hace un tiempo que nos dimos cuenta de que esto no es lo que pensábamos. Antes hemos estado hablando de The Cult, Social Distortion, Black Sabbath... de grupos profesionales al más alto nivel, y nosotros nos comparamos con ellos,

dentro de nuestra humildad, claro. No digo que seamos lo mismo, pero queremos tener un avión igual que lo tienen Mötley Crüe. Yo quiero tener un chalet, pero no comprarlo con el dinero que gano yo, sino con el dinero de hacer giras por estadios. Tocar en todos los garitos rockeros de este país ya lo hemos hecho. Queremos llenar los estadios de este país”. PAU “Además, en el momento en el que esto empiece a convertirse en un hobby, pararemos”. ALEX “En parte sí es un hobby porque no ganamos un puñetero duro ni lo hemos hecho nunca, pero no lo planteamos así. Si fuese de esa manera no estaríamos esta noche en Madrid tocando en la sala Penélope presentando un sexto disco, ni sacando un álbum cada dos años”. PAU “Y sobre todo, por respeto a la trayectoria y al ímpetu que hemos puesto siempre. Si esto empieza a ser un problema, entonces pararemos. Por respeto a nosotros mismos también, a todas las horas, kilómetros y garitos que hemos hecho. Eso se queda ahí, pero yo no quiero que en la biografía del grupo dentro de veinte años salga ‘y bueno, luego sacaron algún disco más y ya’”. ¿Y cuando hay veces que os dais de bruces contra la realidad de lo que es hacer rock en este país? El hacerse una pateada de kilómetros para que luego vengan 40 personas a verte y volver hasta casa... ¿Qué se os pasa por la cabeza en situaciones así? ISRAEL “En momentos como ésos, el camino de vuelta en la furgoneta es jodido. Pero ya te digo yo que por lo menos esas 40 personas que han ve-

nido, con nosotros van a flipar como no han flipado en su puta vida”. ALEX “Es algo que cuando pasa en el escenario la gente no se da cuenta, pero sí que es cierto que luego te llevas el resquemor a casa”. ISRAEL “No es sólo porque te hagas 800 kilómetros, sino porque consideramos que estamos haciendo las cosas bien, sacando discos con calidad...”. PAU “Lo que está diciendo Isra es cierto. No podemos sacar algo porque sí. Quizás estemos equivocados y no estemos ni en el momento correcto ni en el lugar adecuado. Dicho con toda la humildad, no creo que seamos el mejor grupo de este país, pero somos conscientes de que no lo hacemos mal y sacamos buenos álbumes. Lo único que cabe pensar es que he nacido donde he nacido. Como la gente de 20 años que ahora no encuentra curro. Imagínate que has estudiado, te has formado, te has especializado en lo que sea... y no hay trabajo para ti”. ALEX “La historia del rock está llena de bandas que a nosotros nos pueden gustar y se han comido los mocos. Tampoco es algo que nos extrañe, es algo que eres consciente de que puede pasar, nos ha pasado y no sé si todavía estamos a tiempo de coger ese tren. Pero somos felices con lo que tenemos. La gente que nos sigue a nosotros, yo desconozco si habrá algún tipo de seguidor así de un grupo español. Bajo mi punto de vista, tenemos los mejores seguidores del mundo, lo que pasa es que no son todos los que querríamos tener (risas)”.

quieran currar y sean cercanos con el público? Hay gente que sigue esperando a que aparezca un nuevo Axl Rose, cuando yo al menos no veo que eso sea posible viendo cómo están las cosas... ISRAEL “Es que estamos pasando por una época en la que no queda otra. Una estrella de rock necesita una industria musical, y ya no la hay. Si no, es una estrella de rock de barrio”. PAU “Yo definiría primero ‘estrella del rock’. Yo creo que sí que las sigue habiendo, pero no hacen rock. Todos tenemos colegas que pensamos ‘si te montaras un grupo te ibas a hacer enorme’ (risas). Aparte, el otro día también lo comentábamos en el local. Antes, aunque era complicado, si salía un supergrupo en Estados Unidos y venía de gira a España, salía en los informativos y el filtro eran esos programas que había en la televisión, programas musicales, etc. Eso ya no existe. Ya no hay filtro. Ahora de repente no sabes quiénes son Biffy Clyro, te pones a buscar y ves que llenan Wembley. Por esa misma razón hay peña que no sabe quiénes son Uzzhuaïa. No se pueden crear iconos así”. ISRAEL “De todas maneras, como decía antes, estamos en una época de cambio a todos los niveles: sociales, musicales, artísticos, económicos... No somos conscientes de que estamos metidos en ese huracán. Entonces pasará, y cuando eso ocurra, no sé qué es lo que volverá... Aunque no creo que vuelva Axl Rose (risas)”.

¿Creéis que ya no queda hueco para las estrellas del rock y sí para los grupos que 125

EL LARGO SUEÑO

Que la revista Decibel nombrara disco del año a su anterior Path Of Totality, logrando la consiguiente atención mundial tras ello, no parece haber alterado lo más mínimo el camino de TOMBS. La banda sigue a lo suyo, si cabe más rápida y directa, en una nueva entrega centrada en esa gran incógnita universal que nunca hallará respuesta: la muerte, y todo lo que pueda venir después. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

TOMBS

E SIGUE PARECIENDO EXAGERADO que Decibel, la publicación de referencia dentro del metal extremo, colocara Path Of Totality, el anterior trabajo de Tombs, en la cúspide de su lista con los mejores álbumes aparecidos en 2011. Con esto tampoco quiero decir que ese disco no fuera una pasada o que no mereciera un lugar destacado entre lo más selecto de esa cosecha, pero lo que sí es cierto es que, al fin y al cabo, ningún aficionado con algo de experiencia en el campo de los sonidos más duros y experimentales descubrirá nada demasiado novedoso a través de bandas como Kvelertak, Deafheaven o los mismos Tombs… Aunque ya sabemos todos cuánto vende hoy en día lo ecléctico y lo importante que es también, por desgracia, entrar por los ojos. Sinceramente, no creo que ningún pinturillas asiduo del Primavera Sound se hubiera interesado jamás por una banda como Deafheaven si éstos aparecieran en sus fotos con corpsepaint, ratas colgando de sus cinturones y pinchos por todos lados, de la misma forma que una legión de trues del black metal tampoco les escuchará nunca por esas pintas de telecos habituales de las discotecas de moda. Así están las cosas, con bandas de hábil refrito sobrevaloradas por caer bien en según qué escenas y grupos fuera de su círculo natural por dejar de lado ciertos clichés, pero si una cosa me quedó clara tras hablar con Mike Hill, el líder, vocalista y guitarra de Tombs, es que su grupo quiere mantenerse alejado de todo eso, que están aquí por y para su música, y que aunque no se pinten ni hagan declaraciones polémicas por pura pose, su culto y veneración hacia

el metal extremo es evidente, tangible y real. Creados en 2007 y encasillados injustamente dentro del post metal, Tombs ya publicaron ese mismo año un EP inicial para debutar en largo algo más tarde, en 2009, con Winter Hours. Un par de años después, con el mencionado Path Of Totality, a su áspera propuesta de black metal, sludge, doom y experimentación le lloverían los elogios, todo ello culminado con esa distinción por parte de Decibel que los pondría en el mapa definitivamente. Han pasado tres años y la formación que completan Andrew Hernandez II (batería), Ben Brand (bajo) y Garett Bussanick (guitarra) vuelve a la palestra con el esperado Savage Gold (Relapse Records), una obra que nos los devuelve más accesibles, aunque no por un relajamiento en cuanto a agresión, sino por ir más al grano e insuflar mayor velocidad a muchos cortes. El neoyorquino Mike Hill es un hombre inteligente, agradable, con discurso, y con él nos adentramos en el universo de Tombs para caer, un día más y para variar, en esas preguntas sin réplica que nos atormentan desde que el mundo es mundo. La revista Decibel colocó a vuestro anterior álbum, Path Of Totality, en lo más alto de su lista de los mejores 40 discos de 2011. ¿Cómo te sentiste, cómo recuerdas ese momento? MIKE HILL “Recuerdo recibir un mail de la compañía discográfica, estaba muy excitado por ello. Hubo muchos grandes álbumes en 2011, así que fue un honor que una revista como Decibel nos nombrara el disco número 1 de ese año. Fue un sentimiento muy

especial, por supuesto”. Y después de esta distinción por parte de Decibel, ¿notaste que aumentara la presión hacia vosotros a la hora de publicar o componer el nuevo trabajo? “No especialmente… En el momento del anuncio y de recibir esa sorpresa nosotros ya estábamos creando mucho material para Savage Gold, ya teníamos puestas todas nuestras ideas en trabajar en él. Además, obtener un reconocimiento tan bestia como éste nos hizo ver que habíamos dado con la clave, fue un extra necesario para sentir algo así como ‘OK, tenemos el número 1, vamos a por otro’, pero también te digo que obtener ese reconocimiento no es mayor que el hecho de sentirnos bien con lo que publiquemos”. ¿Por qué habéis necesitado tres años para entregar este álbum? ¿Qué habéis estado haciendo todo este tiempo? “Oh, bueno, debes saber que el álbum fue grabado el pasado año, así que en verdad hemos tardado apenas dos en hacerlo… (Risas) Lo que pasa es que fue programado para salir a la calle tres años después. En realidad tenemos dos nuevos miembros en el grupo, hemos trabajado con ellos, hemos girado mucho, y hemos compuesto de una forma muy potente. Teníamos mucho material en el que trabajar y nos hemos tomado nuestro tiempo para grabarlo para que golpeara, para que no sonara exactamente igual a Path Of Totality”. ¿Qué precipitó la entrada de Ben y Garett en Tombs? ¿Qué 127

“Si lo comparamos con los otros dos, éste es definitivamente el trabajo más agresivo y black que hemos hecho” MIKE HILL

pasó en la banda? “Nuestro bajista, el que tuvimos para Winter Hours y Path Of Totality (Carson Daniel James –ndr.), cambió su estilo de vida, y eso hizo que no quisiera estar en la banda nunca más. Él actualmente se ha alejado de todo esto y por eso buscamos a un nuevo bajista. Lo del segunda guitarra, la idea era tocar en directo con uno, pero después de la gira de Path Of Totality, la idea 128

era encontrar a un segundo guitarra prominente, encontrar al chico ideal, y después de probar a un par dimos con Garett para esta plaza. Se trataba de rellenar la banda, completarla, conseguir un sonido más grande en directo y en álbum, porque yo la verdad es que me sentía un poco aislado haciendo todas las partes por mí mismo, así que el hecho de tener a otro guitarra haciendo otras partes en el disco fue

realmente nuevo, cambió mucho las cosas, yendo todo a mejor”. Para ser honestos, ¿cuál es vuestro nivel de popularidad en Estados Unidos hoy en día? “Oh no tío, no somos enormes o una banda de metal de mucho tamaño en realidad. En Estados Unidos vamos a hacer algunas fechas como cabezas de cartel para promocionar el disco, pero también como banda de soporte”. Yendo hacia Savage Gold, ¿te sientes cómodo dentro de una etiqueta como el post metal? Porque, la verdad, a mí esta catalogación me parece errónea dado que Tombs abarcáis muchas caras distintas a través de vuestra música… “Sí, el post metal, el post rock, el ‘post lo que quieras’, es algo que pretende romper, transformar… a mí no me gusta ese término y debería dejarse de emplear con nosotros, no estoy cómodo dentro de esta catalogación. Creo que lo nuestro es más una banda de metal básica, pero que incorpora ideas de fuera del metal a su música. Además, todas estas bandas que hacen post rock o post metal tienen algo en común, y eso es que hacen música lenta, y en cambio a nosotros muchas veces nos gusta tocar rápido, con double-kicks, blast beats y todo eso, y ésas no son partes que esos grupos incorporen a su música”. Canciones como ‘Portraits’, ‘Seance’, ‘Ashes’ o ‘Edge Of Darkness’ están muy inspiradas por el black metal tradicional, aunque mantienen vuestro toque personal…

¿Crees que este álbum está más influenciado por el black que ningún otro que hayáis publicado? “Pienso que la influencia del black metal ha estado siempre presente en la banda y que, si lo comparamos con los otros dos, éste es definitivamente el trabajo más agresivo y black que hemos hecho”. Por otro lado, con ‘Echoes’, ‘Severed Lives’ o ‘Deathtripper’, Tombs exploráis vuestra veta más experimental de practicar metal con el objetivo puesto en bandas oscuras como Neurosis, Celtic Frost o Triptykon. ¿Es ésta una decisión ecléctica y consciente o esto sólo obedece a vuestra inspiración concreta durante el proceso de composición? “Oh sí. Muchas de esas canciones son mías, las tocamos juntos como banda, pero la inspiración original viene de mí y luego cada uno añade o cambia sus partes y creamos los arreglos de voz. Las bandas que has mencionado, Celtic Frost, Triptykon, Neurosis, todas han sido una gigantesca influencia para mí personalmente, puesto que la música es obviamente y en primer lugar influencia. Del resplandor de estas bandas, porque cada una habrá servido para hacer una cosa o la otra, hemos incorporado muchas texturas diferentes y maneras de cantar que están en su música”. Es raro, porque vuestro disco puede ser muy extremo, muy lúgubre, pero al mismo tiempo, emocionante y luminoso, y eso especialmente viene dado por tu forma de cantar. ¿Qué

opinas, cómo lo explicas? “Bien, trato de poner mucho de mí mismo como vocalista, y sí, canto en un estilo muy extremo, pero también estoy muy influenciado por Ian Curtis de Joy Division, por su forma de mostrar sus sentimientos. Él ha sido una gran influencia en mi estilo de cantar. Le pongo más alma porque también lo demanda la música, hemos querido que haya más de esto en Savage Gold, donde se han volcado las ideas en las que hemos estado trabajando los últimos tres años”. Estuve leyendo las letras del nuevo plástico y, bueno, desde mi punto de vista, todas dan círculos alrededor de una única idea: la muerte. La muerte como término filosófico que viene a explicar nuestras vidas y el poco tiempo que tenemos en este mundo, ¿verdad? “Sí, absolutamente. Ésta es la gran temática del último álbum y también del anterior, Path Of Totality. El tema de la muerte es el gran concepto sobre el que canto en Savage Gold, también Path Of Totality estuvo envuelto en él, pero definitivamente en Savage Gold ha tomado el mayor protagonismo y a la hora de escribir quise tomar esta idea, pero a través de distintos puntos de interés”. En realidad, la muerte es la temática universal de la condición humana. “Sí, sí, por supuesto. La religión proviene de la muerte, de que la gente se muestre inconforme con la idea de fallecer, y por eso busca explicaciones para paliar esa situación de inconformidad, de marcharse tras morir. Pero esa esencia no tiene porque caer

necesariamente en una religión, en una dogmática creencia judeocristiana. Quizás ésta es una de las ideas que aportamos”. ¿Cómo explicas nuestra vida en este planeta? (Risas). “Ya, ya… ¿Sabes? La explicación que tengo para ello se encuentra básicamente en tratar de describir el universo, es una idea muy primitiva. Tenemos una mente muy primitiva para tratar de describir la idea de la infinidad… Es desbordante, pero mi propia idea es que hay múltiples dimensiones y que esta hora, las experiencias que vivimos, forman parte de nuestro mundo, que es muy rápido, es muy poco el tiempo del que disponemos para vivir. Pienso que súbitamente nos transformamos cuando la muerte ocurre, cuando la forma física desaparece, y la energía que tenemos se transforma en otra cosa para ser parte de otra dimensión, alguna otra vida o parte de otro estado en una forma energética. Esto es básicamente en lo que creo, no pienso en ídolos y etiquetas, es lo que personalmente he desarrollado al imaginar la esencia de quien soy viajando a otra dimensión, reino, o quién sabe dónde”. Es una extraña y gran putada (risas). “Oh, sí, definitivamente lo es, cierto. Es en gran medida un enorme cambio (risas)”. Bien, volviendo al disco, ¿qué influencia tuvo en él el hecho de grabar con Erik Rutan en sus Mana Recording Studios? ¿Por qué Erik? “Volvimos a donde hicimos la masterización de Path Of Totality, con el inge129

“Si lo comparamos con los otros dos, éste es definitivamente el trabajo más agresivo y black que hemos hecho”

“Pienso que súbitamente nos transformamos cuando la muerte ocurre, cuando la forma física desaparece, y la energía que tenemos se transforma en otra cosa para ser parte de otra dimensión, alguna otra vida o parte de otro estado en una forma energética” MIKE HILL

niero que trabajó en él, Alan Douches, que llegados a este punto es ya un gran amigo que a lo largo de 15 años se ha convertido en todo un maestro de la producción, y cuando le comenté que estábamos haciendo otro disco en ese momento, él me puso una canción. Sonaba increíble y como todas esas cosas de las que habíamos hablado de intentar lograr durante el proceso de grabación de Path Of Totality. Le dije ‘Alan, ¿quién ha grabado esto?’, ‘Erik Rutan’, y la verdad es que siempre me ha gustado mucho su obra, siempre he sido fan de Morbid Angel, de Hate Eternal, he escuchado todos sus discos… Estábamos buscando trabajar con alguien así de cualquiera de las formas, y escuchando las sensaciones que consigue con sus trabajos, vi que finalmente podría llevar a cabo todas mis ideas si lo teníamos a él para el siguiente álbum. Un par de días después ya estábamos trabajando con Erik Rutan, y lo más cool de toda la experiencia fue el tiempo que invirtió en preproducción, haciendo demos, discutiendo qué sonido debía tener el disco, qué aspectos potenciar… Pienso que el punto fuerte de Erik como productor es que es capaz de hacer realidad cada idea que tienes exactamente, ‘ésta es 130

mi idea’, y él reproduce exactamente ese sonido como le dices. Estaba abierto a hacer muchas sugerencias, a aportar un montón de ideas, y realmente fue muy diferente a cualquier experiencia que hubiéramos tenido en el pasado. Confiamos en él porque estaba describiendo el material que amábamos, confiamos en qué sonidos debía incluir este disco. ‘OK, siempre que haya un gran sonido de guitarra, puedes hacerlo’, de manera que él varió muchos sonidos en el disco, y de la misma forma, creo que ésta es la mejor representación sónica de lo que es esta banda. Erik Rutan hizo un gran trabajo con toda la formación, fue una gran experiencia trabajar con él”. ¿Y qué me puedes contar del mastering con Alan Douches en sus West West Side de Nueva York? “Alan ha sido otra vez un referente, él es en mi opinión el más grande ingeniero de masterización, así que volvimos a trabajar con él y, de hecho, nunca hemos dejado de hacerlo. Como decía antes, llegados a este punto somos amigos desde hace diez, 15 años, e ir a su estudio es una gran experiencia. Verlo trabajando ahí es brutal y esperamos que sea por muchas veces más”. Así, de nuevo, fue la primera elección. “Absolutamente, siempre es la primera elección. De hecho, lo ha sido desde los últimos tres discos con Relapse, en los que hemos trabajado con Alan. El equipo con el que trabaja y otras cosas han hecho de él un maestro, y por eso todo lo que hacemos siempre pasa por Alan”.

Hablando de Relapse, parece la casa de un auténtico ejército de ruidosas bandas sludge y experimentales como Indian, Black Tusk, Culted, Locrian, Howl… Yo supongo que en un sello así sois extremadamente felices, porque Relapse ciertamente parece un paraíso, la Tierra Prometida, para un grupo como Tombs… ¿Os han ayudado mucho? “(Risas) Sí, sí… Nos han apoyado un montón y ayudado en muchas cosas en los últimos tres años, así que continuamos allí. En este momento estamos con ellos otra vez porque ya hemos estado juntos en los últimos cinco, seis años, somos amigos, y eso está muy bien, y nos encontramos en una situación confortable con ellos”. ¿Estáis preparando una gira por el globo? ¿Alguna fecha en mi país o algún festival veraniego en el que podamos veros? “No tenemos grandes festivales este verano, pero en unas pocas semanas vamos a estar en Inglaterra, Gran Bretaña, en el Temples Festival con Neurosis y Amenra, y seguro que será muy divertido y estaremos de coña. En junio giraremos por aquí, por Estados Unidos, y ahora mismo estamos cerrando más cosas para lo que queda de año. Ciertamente, creo que iremos para Europa hacia noviembre o así, aunque creo que aún es un poco temprano para decirlo… Será por esas fechas de este año o ya en el siguiente cuando podamos hacer un tour por Europa”.

DESAKATO

MARCADOS POR LA K Bien posicionados dentro del circuito del rock estatal, los asturianos Desakato no se resignan a seguir abriendo su discurso musical en su nuevo álbum Buen Viaje. Esperemos que lleguen a buen puerto. Texto: Marc López

i tradicionalmente se hablaba de las dos Españas irreconciliables, en el plano musical son muchas más. Las escenas y subescenas van apareciendo a medida que grupos y públicos desarrollan sus gustos y rara vez se establecen puentes entre ellas, ni se interrelacionan. Una gran paradoja teniendo en cuenta que si mirásemos los playlists de la mayoría de aficionados, encontraríamos más diversidad que nunca. Desakato llevan varios años intentando romper barreras. Desde sus inicios más cercanos a los postulados del rock estatal ortodoxo han ido introduciendo nuevos elementos a 132

Foto: DR

sus discos que aporten frescura a una escena que, a menudo, se muestra demasiado endogámica. En su cuarto trabajo, Buen Viaje (autoeditado), el sexteto asturiano juguetea con el punk, el hardcore, el stoner o el hard rock sin perder ni un ápice de su personalidad. Pablo, su guitarrista y covocalista, nos cuenta cómo se vive en la encrucijada. Creo que en Buen Viaje habéis dado un salto cualitativo importante, como que os habéis abierto más. ¿Lo veis como el inicio de una nueva etapa? PABLO “No lo creo. De hecho, el disco anterior también era bastante

ecléctico. Nos cuesta bastante estarnos quietos. Es verdad que la base del grupo es punk rock, pero nos aburren los discos monótonos y siempre buscamos nuevos colores”. Una curiosidad: el primer tema del disco es instrumental y se llama ‘Estepa’. ¿Es un guiño a Toundra? “Sí lo es. Eres el primero que me lo dice (risas). Fue hecho aposta. Toundra es un grupo que admiramos. Queríamos hacer un pasaje así, no sabíamos si meterlo al principio o en medio, y al final nos encajó más como intro. Es un guiño a Toundra, a su sonido y a su manera de entender

“El relevo hay que el rock’n’roll”. Pues os ha quedado muy bien (risas). Otra que me ha gustado es ‘Pánico En Frankfurt’… “¡Qué raro! En Facebook hay gente que nos dice que cuando llegó a esa canción le habían venido ganas de no escuchar más al grupo. ¡Así es la gente del rock estatal! Cuando la hicimos tenía mis dudas, sabíamos que podía provocar alguna reacción de este tipo y que nos arriesgábamos a que nos tiraran piedras, pero nos gustaba tanto que nos dio igual. Yo creo que es una de las mejores del trabajo”. Una de las señas de vuestro sonido son las dos voces, la tuya más melódica y la más cañera de Pepo. ¿Cómo surgió en un principio esa idea y cómo lo trabajáis? “Si fuera todo línea melódica sería aburrido y si fuera todo gutural, también. No queremos pasarnos de maricones ni de duros (risas), queremos buscar el equilibrio. Hay partes que directamente llevan su nombre. En un principio, cuando éramos críos, él tenía 14 años, Pepo tocaba la batería, pero no se le daba demasiado bien. Era un poco zurdo de ambas manos (risas). Luego cuando empezamos a tocar más, teníamos un colega, Nano, que tocaba muy bien y Pepo dijo que se contentaba con hacer otra cosa. Empezó a hacer percusiones, luego vientos, hizo mil cosas, y un día empezó a pegar berridos y dijimos ‘chaval, lo que tienes que hacer es cantar’. Y desde entonces dejó toda la morralla que había hecho y ahora es casi el referente de la formación”.

Siguiendo vuestra tradición, habéis incluido un tema en asturiano, ‘Trompetes De Xericó’. ¿Creéis que es importante seguir reivindicando vuestro idioma? “Sí, es una cuestión reivindicativa. Aquí tenemos lo que llamamos un apartheid lingüístico. En Asturias tenemos una lengua propia que la gente usa con normalidad y no conseguimos que las administraciones lo legalicen. Nosotros metemos uno o dos temas por disco para darle promoción y que todo el mundo sepa que no es una lengua que queda en el recuerdo del siglo XVIII, sino que se hace arte con ella. Nos sentimos muy cómodos cantando en asturiano porque es la lengua que hablamos. Es una cuestión de justicia. Es un poco vergonzoso que nuestros hijos no puedan estudiar en la lengua que hablamos”. ¿Vuestro eclecticismo es el reflejo de los diferentes gustos de los componentes? “Todos escuchamos de todo y nos vamos descubriendo grupos los unos a los otros. Intentamos huir de los convencionalismos del rock estatal y creo que lo único que conservamos de eso es el nombre, sin más. La verdad es que nos gusta ir en consonancia con lo que escuchamos de grupos internacionales y abrir un poco la mente del rock estatal”. Sí, el problema es que parece que haya grupos que sólo hayan escuchado a Extremoduro, Barricada, Reincidentes y Marea, y así es muy difícil hacer algo nuevo... “Sí, de hecho he tenido conversaciones con gente en festivales. Se quejan

currárselo y buscárselo. Si estás haciendo la misma música que llevan haciendo Reincidentes o Extremoduro durante VEINTE años, lógicamente estás condenado al fracaso” PAB LO de que no hay relevo generacional y yo digo que el relevo es verdad que está en manos de los promotores y los festivales, pero también de los grupos. El relevo hay que currárselo y buscárselo. Si estás haciendo la misma música que llevan haciendo Reincidentes o Extremoduro durante veinte años, lógicamente estás condenado al fracaso. Esos grupos lo hacen bien y su público es muy fiel. Hay que ofrecer cosas nuevas”. De cara al futuro, ¿dónde os veis más, siguiendo en el mundo del rock estatal o entrando en otros círculos? “Es complicado. Por un lado tenemos la etiqueta del nombre con K, que a la gente que no escucha este tipo de grupos le puede rechinar. Es difícil que te den la oportunidad. Y sinceramente, nosotros estamos bastante acomodados en el circuito del rock estatal porque nos contratan en un montón de sitios y nos sentimos considerados. Pero no nos queremos acomodar a nivel estilístico. Como te decía, somos muy eclécticos y queremos conservarlo. Hacer canciones diferentes pero dentro de ese circuito porque es el que nos quiere, el que nos ha abrazado”.

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Es muy posible que muchos lectores no estén familiarizados con la música de Heart o que incluso se pregunten quÉ hace una banda de AOR en una revista como ésta. Pero a lo largo de 40 años, el grupo de las hermanas Wilson se ha ganado el respeto de la comunidad rockera y por sus estudios pasaron algunas de las grandes bandas de Seattle. De todo ello hablamos con su vocalista, Ann Wilson. TEXTO: JOAQUÍN KÁISER/TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

HEART

o todos los días una tiene la oportunidad de poder entrevistar a Ann Wilson, la cantante del grupo Heart, y sin duda una de las grandes damas del rock. Junto a Nancy Wilson, su hermana y guitarrista, rompieron moldes en los 70 demostrando que las mujeres también podían rockear. Cuando me preguntaron si me gustaría entrevistarla me quedé paralizada por la sorpresa, sin saber qué respon134

der ante la responsabilidad que ello iba a suponer. Afortunadamente, mi cabeza dio para recordar que cuento con uno de los mayores conocedores y seguidores de la banda de las hermanas Wilson, mi amigo Joaquín, y entonces pensé que la unión siempre hace la fuerza, y que íbamos a ser capaces de superar con éxito el reto de abordar a una artista de tal envergadura. Y por supuesto, mi amigo se subió al barco. Es imposible no admitir el nerviosismo compartido llegadas las nueve de la noche del día seña-

lado, que fue aumentado conforme nuestra llamada iba siendo transferida a distintas personas, como si de una conexión con algún organismo oficial se tratara, hasta que finalmente llegamos a Ann. Su actitud relajada nos fue tranquilizando poco a poco, y a medida que nuestra conversación se fue desarrollando, la sensación de buen rollo en el ambiente se hizo patente. Si algo me sorprendió fue su humildad, el amor que siente por Seattle, y el interés que sigue profesando por cualquier manifestación

proyectos también. La verdad es que tenemos la agenda llena... ¡Es genial!”.

DE TODO CORAZÓN musical y cultural que tenga lugar en su ciudad, nada que ver con grandes estrellitas inaccesibles que están de vuelta de todo, con tal ego que les impide ver qué sucede a su alrededor. Conocedores de su cercanía a la explosión del sonido de Seattle y de su amistad con miembros de bandas muy conocidas de la escena, nuestro objetivo era viajar en la máquina del tiempo hasta principios de la década de los 90, con la que muchos crecimos, y que influenció y marcó a otros tantos. Creo que lo conseguimos.

Primero de todo, queríamos felicitarte por el lanzamiento de vuestro nuevo disco Fanatic Live From Caesar’s Colosseum. Todos tus fans estamos encantados de que nos regaléis estas maravillas que nos demuestran que estáis en muy buena forma y muy activos actualmente. ANN WILSON “Sí, la verdad es que nos encontramos muy bien. Estamos actuando en bastantes conciertos últimamente y participando en varios

¿Cómo surgió la idea de grabar otro disco en directo? Parece que no hace tanto que sacasteis Dreamboat Annie Live, aunque pensándolo bien, ya hace siete años... “Bueno, Heart es en esencia una banda de directo. Hemos sacado un montón de discos, aunque en 37 años de carrera musical sólo hemos grabado 14, y sin embargo hemos actuado seis trillones de veces en vivo. Para una banda como la nuestra, grabar otro concierto y sacarlo en DVD para que la gente pueda ver cómo estamos ahora sale de forma muy natural”. Cuando decidís grabar un álbum en vivo, ¿cuáles son los factores más importantes a tener en cuenta? ¿La fecha, el lugar, el setlist…? “Pues todo lo que mencionas son cosas importantes, pero cuando grabamos éste último, Fanatic Live, nos encontrábamos en mitad de una gira, y habíamos actuado la noche anterior, y volvimos a hacerlo la noche posterior a la grabación, así que elegimos esa noche en concreto para la grabación porque el recinto era maravilloso, y contaba con luces magníficas y un escenario muy bonito, y otros atractivos añadidos que necesitábamos para ofrecer un espectáculo atrayente. Ésa fue la razón principal. No importaba tanto si la sala estaba bien equipada, puesto que siempre vamos preparados con todo lo necesario, es que visualmente era un lugar precioso para captar en vídeo”. 135

“Creo que si te fijas en Alice In Chains y LUEGO en Heart, te das cuenta de que nosotras somos la versión femenina y ellos la masculina de lo mismo” ANN WILSON Heart estáis imparables en la actualidad. Los fans están entusiasmados con tanta actividad en los últimos años, como vuestra autobiografía con Charles Cross, discos en estudio, el box set Strange Euphoria, o por ejemplo la versión que hicisteis de ‘Starway To Heaven’ en el tributo a Led Zeppelin en 2012. Parece que por fin estáis recibiendo el reconocimiento a toda vuestra carrera como muchos consideramos que merecéis, por ejemplo, con el ingreso en el Rock and Roll Hall of Fame en 2013, o vuestra propia estrella en el Walk of Fame de Hollywood en 2012. Y por supuesto, lo más importante es que estáis 136

constantemente girando. “Bueno, para el futuro nuestra intención es continuar tocando en directo y poder grabar más trabajos. No planificamos a largo plazo como otras bandas, Heart más bien vivimos el momento. Estamos en abril y el resto del año ya está completamente planificado en cuanto a proyectos y conciertos. Hay un montón de cosas muy interesantes en marcha. Además, vamos a intentar programar una gira por Europa el próximo año. Sería fantástico. Llevamos nueve años sin hacerlo. Es demasiado tiempo. Ahora estamos estudiando cuáles son las mejores salas y los festivales más óptimos. En definitiva, lo que queremos es poder girar durante tres semanas o un mes”. Cambiemos un poco de tema, pero no nos movamos dema-

siado. Hablemos de tu amada Seattle, que has mencionado en varias ocasiones. Para muchos de nosotros es una de las ciudades con más referentes a nivel musical. Heart han sido señalados por muchos grupos locales, algunos muy conocidos como Pearl Jam o Alice In Chains, como la banda más influyente de Seattle, pero sin embargo siempre dio la sensación de que la explosión del movimiento grunge tuvo un impacto bastante negativo para vosotros. ¿Qué opinas de aquel momento? ¿Cómo lo aceptasteis? “Lo que sucedió en los 90 fue algo muy inusual, porque antes de esta explosión ser un músico de Seattle era algo muy raro. Ya sabes, para que la

gente te tomara en serio tenías que ser de Nueva York, Los Ángeles, Londres, o sitios así. Pero entonces de repente, creo que principalmente por Nirvana, y después por Pearl Jam, Soundgarden y Alice In Chains, todas las bandas se dieron a conocer a nivel global a la vez, la industria discográfica se fijó en ellos, enviando a nuestra ciudad a agentes con contratos millonarios en sus manos, vestidos con camisas de cuadros (risas). Era divertido porque los músicos de Seattle no eran conscientes de ser tan deseados, y además, eran muy rebeldes y se enfrentaban a los sellos discográficos que realmente querían contratarles, pero este movimiento no duró demasiado tiempo dentro del negocio, porque no querían entrar en el juego. Fue una época muy interesante, creo que muchos artistas jóvenes no pudieron aprender lo suficientemente rápido la diferencia entre querer ser una estrella de rock y lo que esto implicaba y el tipo de sacrificio que requería conseguir serlo. Por otro lado, fue muy positivo que el resto del mundo descubriera la música de Seattle”. ¡Ya lo creo! Yo misma crecí con esa música y llevaba camisas de leñador (risas), ¡Es verdad! (Risas) Mucha gente por aquí desconoce tu vinculación a la escena musical local hace 20-25 años, y que estuvieras especialmente unida a miembros de bandas que mencionabas antes, en especial Alice In Chains, a un nivel más personal. ¿Nos puedes contar cómo os conocisteis? “Supongo que ya sabes que Seattle es una ciudad muy pequeña y siempre ha contado con una comunidad artística y musical muy activa que ha crecido

muy unida. La gente se conocía en fiestas, y así fue como conocí a Jerry Cantrell y Mike Inez, y a Chris Cornell. Estos chicos estaban en distintas fiestas y clubs, hasta que en algún momento alguien dijo ‘¿Dónde podríamos ir a relajarnos y hacer unas jams?’, y acabé ofreciendo mi casa, porque estaba en el centro de la ciudad, así que se acabó convirtiendo en el punto de reunión para mucha gente durante cierto tiempo. Tuve que quitar parte del mobiliario, porque a la gente le gustaba sentarse en el suelo, o en la encimera de la cocina… (Risas) Fue algo genial, porque muchos de ellos se sentían perdidos y confusos, y necesitaban un lugar al que acudir, así que Nancy y yo fuimos para ellos más que amigas, fuimos sus hermanas mayores. Entonces ya llevábamos bastante tiempo en el negocio musical. Nos hacían preguntas y nosotras les dábamos respuestas. Básicamente, lo que hacen los amigos”. Es alucinante lo que nos estás contando, Ann. Heart sois y erais un grupo muy famoso, y os relacionabais con jóvenes que estaban comenzando, abriendo las puertas de vuestra casa y tratándoles como familia. “Pues sí, hasta cocinábamos para ellos, que algunos estaban esqueléticos. La recuerdo como una época muy dulce porque algunos de estos chicos, bueno, la mayor parte de ellos, tenían problemas muy serios relacionados con la adicción a las drogas, y con el alcohol, y algunos no pudieron superarlo, de hecho un par murieron. Estos problemas azotaron a la comunidad muy duramente. Afortunadamente, casi todo el mundo ha superado esa etapa

bastante bien y se encuentran bastante bien en la actualidad. Pero algunos no lo consiguieron, ya sabes”. Me consta que sigues en contacto con Cantrell, Cornell y Mike McCready, ¿verdad? “Sí, sí, y con Mike Inez”. Esto me lleva al tema de las colaboraciones, que han sido continuas en el pasado. Soy un poco despistada, fue Joaquín el que me recordó que participaste en un par de temas del EP de Alice In Chains SAP. También Layne Staley participó en la versión del tema de Dylan ‘Ring Them Bells’, y Mike Inez estuvo girando con Heart. Tu relación con Alice In Chains me resulta fascinante. “Creo que si te fijas en Alice In Chains y luego en Heart, te das cuenta de que nosotras somos la versión femenina y ellos la masculina de lo mismo. Las dos bandas son muy intensas y muy apasionadas, somos como hermanos. Nosotras somos más equilibradas, pero porque somos mujeres, pero sí, somos hermanos de sangre”. ¿Cómo superaste la muerte de Layne? “¡Oh, sí! Echo de menos a Layne. Lo sigo echando mucho de menos. Tenía un alma muy especial. Era como si saliese un llanto desde su interior, como si tuviese un pequeño dentro. Cada vez iba teniendo más y más problemas con las drogas, y todos notábamos que ese fuego le estaba consumiendo, y cuando finalmente acabó con él, nos dejó totalmente destrozados. Y lo mismo sucedió con Kurt Cobain. Ambas 137

“El movimiento que más predomina ahora mismo en Seattle es el de la música folk” ANN WILSON pérdidas afectaron a todo el mundo”. A pesar de su actitud depresiva y oscura, y de la popularidad de la banda, cuando falleció Kurt Cobain hace veinte años, aquí en España nos sorprendió muchísimo, quizás porque fue algo totalmente inesperado. Sin embargo, lo que le sucedió a Layne, parece que todo el mundo lo anticipábamos de alguna manera, que no por ello fue menos triste. Estaba inmerso en una espiral autodestructiva de la que todo el mundo parecía ser consciente, y que quedaba reflejado sin tapujos en las letras de sus canciones. “Sí, estoy de acuerdo. Creo que probablemente Layne, y ésta es sólo mi opinión, como cantante de aquellas letras tan oscuras, las vivía, e igual que Philip Seymour Hoffman, se consumió por su propia representación. Creo que esto fue lo que acabó con él”. Perdona si hemos hablado demasiado de esto... ¿Qué te parece si hablamos de vuestro estudio Bad Animals? “¡Oh, sí, claro!”. Unos cuantos álbumes que ya se consideran clásicos fueron grabados allí, entre otros Su-

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perunknown y Down On The Upside de Soundgarden, Vitalogy y Yield de Pearl Jam, Alice In Chains o Above de Mad Season. Cuando adquiristeis el estudio en 1991, dejando al margen toda la parte del negocio puro y duro, ¿qué intención teníais? ¿Cuál era vuestro objetivo? “Cuando abrimos Bad Animals, nuestra finalidad principal era darle a Seattle su propio estudio de grabación. En aquella época no había ningún estudio disponible al que los grupos pudieran ir a grabar sin tener que dejar su hogar en Seattle, porque incluso nosotras mismas estábamos hartas de tener que ir a otro lugar, como Nueva York o Los Ángeles, cada vez que queríamos encontrar un buen estudio de grabación... Así que decidimos comprar la propiedad, e invertimos un montón de dinero para poder reabrir este lugar, para nosotras mismas, que estuvimos el primer año entero allí haciendo Desire Walks On, y después ya lo abrimos para todo el mundo. Y aún sigue en marcha. Hace poco estuve allí trabajando con mi propio material. Después de todos estos años, los dueños han mantenido este lugar con la misma manera que lo abrimos, con los mismos detalles, por ejemplo unos servicios muy cuidados y limpios, con toallas suaves y una ducha… cosas que no acostumbras a encontrar en un estudio, ya sabes (risas)”. Bueno, ésos son los detalles que marcan la diferencia, ¿verdad? “El toque femenino, ya me entiendes (risas)”.

Cuéntanos acerca de The Lovemongers. Este grupo con vuestra amiga Sue Ennis nació en esta época. Todavía se me pone la piel de gallina cada vez que escucho la versión que hicisteis de ‘The Battle Of Evermore’, que aparece en la banda sonora de la película Singles. Si te soy sincera, fue el primer contacto que tuve con Heart. Una banda sonora que compilaba a todos los grupos que adorábamos en ese momento, y luego estaban The Lovemongers, con esa versión tan brillante de un tema de Led Zeppelin, una de las primeras bandas que veneras cuando empiezas en esto del rock y eres adolescente. ¿Qué supuso participar en esta banda sonora? ¿Imaginabais que iba a tener tanta repercusión? “La razón principal por la que The Lovemongers participamos en Singles fue porque el director, Cameron Crowe, quería que todas las bandas que aparecieran fueran de Seattle, y además, resulta que estaba casado con mi hermana (risas). En realidad no creo que esto tuviera mucho que ver con que estuviéramos dentro del proyecto... Al fin y al cabo, éramos un grupo de Seattle y la versión nos quedó muy bien. The Lovemongers supuso una vía de escape de la prisión en la que nos habíamos encerrado a finales de los años 80, y además, estábamos en casa, en Seattle. Fue entonces cuando tuve a mis hijos, y pude permitirme una buena vida hogareña durante varios años. Realmente necesitábamos mucho ese parón y mantener las distancias con el negocio”.

Pero al mismo tiempo no podías dejar de tocar, así que aparentemente era la solución perfecta, ¿no es así? “Tienes razón, no podíamos parar de tocar (risas). Una semana después de que mi hija hubiera nacido, ya estaba otra vez subida a un escenario con The Lovemongers”. ¡Qué dices! ¡No me lo puedo creer! “Ya, ya, ¡pero es verdad! (Risas) También era otro estilo de música, acústico, con mucha parte vocal, más suave y con mucho más sentimiento”. ¿Qué opinas de la escena actual en Seattle, si es que la hay? Nosotros pudimos ver hace un par de años a The Head And The Heart en directo, y eran estupendos, pero ya no tenemos la sensación de que haya una ‘escena Seattle’. “Creo que ahora mismo la ciudad está pasando por otro tremendo cambio. Ahora mismo las bandas jóvenes que están apareciendo son puro punk, imitando a The Clash o Sex Pistols, chavales muy locos. Y por otro lado, hay otras bandas que son muy muy hippies, de un estilo parecido a Alabama Shakes. El movimiento que más predomina ahora mismo en Seattle es el de la música folk”. Bueno Ann, ¿nos vas a contar qué problema tienes con nuestro país? ¿Vas a venir a visitarnos pronto? Nos has comentado acerca de una probable gira europea para el próximo año, y esperaremos pacientemente, pero ¿qué pasa con España? “De verdad que es algo en lo que estamos poniendo mucho empeño, y de verdad queremos encontrar los lugares perfectos donde pueda vernos mucha gente y no pasar desapercibidas. Cada año seguimos insistiendo a nuestros mánagers, ‘Europa, Europa, ¡Europa!’”. Por favor, venid a vernos pronto y continuad sacando estos discos que nos hacen tan felices. “¡Oh, muchas gracias chicos! Ha sido un placer hablar con vosotros”.

EN DIRECTO

ARCHITECTS 8 de abril de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona

Texto: Pau Navarra, Jordi Meya Fotos: RubĂŠn Navarro

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STRAY FROM THE PATH

isto el poder de convocatoria de Architects en Barcelona, unas 400 personas, está claro que todavía les queda trabajo por hacer para rivalizar con Bring Me The Horizon o Killswitch Engage. Aun así, los diez años que llevan no han sido en vano y cuentan con fans capaces de corear sus temas de pe a pa y que están ahí por una conexión real con el grupo más allá de las modas. Los británicos More Than Life abrían la velada precedidos por un pequeño hype dentro del mundillo hardcore, pero la verdad es que sus 20 minutos de actuación no lo justificaron en absoluto. Estáticos y faltos de intensidad sónica, desde luego el escenario se les quedó demasiado grande. Mejores estuvieron los australianos Northlane, como mínimo su frontman de origen uruguayo Adrian Fitipaldes, quien se esforzó en comunicarse en castellano, y defendieron bien los temas de Singularity, aunque tampoco fuera para

echar cohetes. A las formaciones que tienen la posibilidad de girar por los 50 estados que componen su país y encima Canadá se les notan las tablas al instante, y así, Stray From The Path despacharon un gran show desde el principio. Enfundado en una camiseta del Barça, Drew York le puso todas las ganas del mundo para que su rabia al micro no desmereciera entre el potente hardcore experimental que sus compañeros destripan con sus instrumentos. Tras pasar “un par de días de sol y playa” en Barcelona, a Architects se les notó muy enchufados en su show. En especial brilló Sam Carter, quien ya desde esa inicial ‘Gravedigger’ se resquebrajó las cuerdas vocales para estar a la altura de los muchos temas que presentaron de su nuevo Lost Forever // Lost Together. Cayeron ‘C.A.N.C.E.R.’, la demoledora ‘Naysayer’, ‘The Devil Is Near’, ‘Broken Cross’, ‘Dead Man Talking’ o ‘Colony

Collapse’, y es que se notó en gran medida lo cómodos que se encuentran los ingleses con su apuesta por un sonido más duro. La banda hizo sentar a toda la sala para luego obligarla a saltar con guitarrazos, Adrian de Northlane y Drew de los Stray se pasaron para ayudar con algunas frases y no faltaron ‘Alpha Omega’, ‘Follow The Water’, ‘Day In Day Out’ o ‘Devil’s Island’ ante un público entregado. Eso sí, ya sean británicas, australianas o americanas, a todas estas bandas idolatradas por la chavalada se les ven las vergüenzas compositivas en directo, cuando casi una por una se repiten las mismas estructuras en sus hits, evidenciando una falta de imaginación preocupante… Pero cuando terminó la rigurosa hora que Architects estuvieron sobre las tablas con ‘These Colours Don’t Run’, ninguno de sus acérrimos pareció disgustado con ello. Un poco tostón para la vieja guardia, aunque todo profesionalidad. 141

er fan de Franz Ferdinand a estas alturas es, aceptémoslo, muy poco cool. Si perteneces a los de mi calaña, demostrar interés por sonidos carentes de potentes riffs de guitarra y blast beats de batería provocará como mínimo un arqueo de ceja entre tus compañeros de la religión del true metal. Si eres un hipster, ir a ver a un grupo que tuvo su momento de gloria hace casi diez años, es probablemente peor que meterte en un concierto de Bisbal. Y mientras vas meditando sobre ello llegas a Sant Jordi Club (con aforo para unas 4.000 personas), te enteras de que las entradas para el concierto están agotadas y entiendes que el mundo está lleno de gente que, a pesar de no molar nada, tiene unas ganas locas de disfrutar sin prejuicios. Y hablando de no molar, ¿qué mente diabólicamente retorcida es capaz de diseñar esos uniformes setenteros con los que aparecieron en escena los muchachos de Glasgow? Afortunadamente, 142

pudimos recomponernos del shock inmediatamente con ‘Bullet’, uno de los pocos temas interesantes de su último álbum Right Thoughts, Right Words, Right Action. Apenas unos minutos desde el inicio del partido y ya tenían al público entregado con ‘The Dark Of The Matinée‘ o pegando botes y desgañitándose como locos con ‘Do You Want To’. La última parte de ‘Can’t Stop Feeling’ terminaría asemejándose a una rave electrónica, para empalmar directamente con esa preciosa ‘Auf Achse’ que calmó la excitación. Parece que Franz Ferdinand no son de los que guardan su artillería para el final y decidieron lanzar directamente ‘Michael’ seguida de ‘Take Me Out’ para delirio colectivo. Juegos de luces y sombras para dar teatralidad a un tema como ‘Love Illumination’, que sonó bastante menos soso de lo que cabía esperar. Hasta que llegó ‘This Fire’ y se convirtió en uno de los mejores momentos de la noche, mientras Alex Kapranos transformaba

el recinto en una karaoke gigantesco y Nick McCarthy se desfogaba con su guitarra entre el público. Carpetazo a la primera parte con ‘Ulysses’ tras haber conseguido enlazar veinte temas sin apenas permitir que el interés decaiga. Curiosamente, lo menos destacable de la noche serían los bises. Un Kapranos bastante parco en palabras a lo largo de la noche se tomaba una copa de vino a nuestra salud y soltaba los agradecimientos de rigor para anunciarnos que se trataba del último show de la gira. Disfrutamos tremendamente de ‘Jacqueline’ y de una especie de batucada sobre la batería en la que participó todo el grupo, para terminar despidiéndose con una tan prescindible como predecible ‘Goodbye Lovers & Friends‘. Una noche de fiesta en letras mayúsculas y una reivindicación de que a veces es tremendamente sano disfrutar de un rollete con la música aunque no la pretendamos en matrimonio.

FRANZ FERDINAND 5 de Abril de 2014

Sant Jordi Club, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Carles RodrĂguez

ALOUD MUSIC FESTIVAL 2014 3, 4 y 5 de abril de 2014 La [2], Barcelona Texto: Marc López, Jordi Meya Fotos: Eric Altimis

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JARDÍN DE LA CROIX

MINOR EMPIRES

s una gran noticia que todavía queden sellos como Aloud Music, que dan todos sus pasos únicamente motivados por el amor a la música. Sólo así se explica una iniciativa como la de montar un festival dedicado casi exclusivamente al rock instrumental. Detalles como que los menores de 23 años puedan asistir gratuitamente demuestran que, además de apasionados, son inteligentes. ¿Hay mejor manera de crear una cantera de público que ofreciendo la posibilidad de que éste se empape durante tres días de buena música? Entrando ya en materia, el festival se iniciaba el jueves con la actuación de los barceloneses Audiolepsia, a quienes por desgracia nos perdimos. A quien sí cazamos fue a los también locales Exxasens, quienes siguen ascendiendo con su último disco Satellites. Viendo su impecable directo con canciones que invitan a viajar por el espacio, se explica fácilmente por qué en países como Rusia son capaces de llenar salas como La [2] ellos solitos. Por último los ingleses Maybeshewill

UNICORNIBOT

aportaron un punto extra de energía escénica. Su post rock altamente melódico fue interpretado como si se tratara de una banda post hardcore, con los mástiles de los instrumentos sesgando el aire y logrando que las cabezas de los asistentes no pararan de moverse. Gran arranque. En la segunda jornada tomaron el protagonismo bandas con una mayor voluntad experimental. Los mallorquines Fura apuntaron que bien podrían llenar el hueco dejado en el sello por Toundra, con quienes comparten su facilidad para hilvanar desarrollos instrumentales con fuerza. The Physics House Band dieron una vuelta de tuerca al estilo con una apuesta más técnica y ruidista. Los de Brighton no nos dejaron indiferentes. A Shelter In The Desert llegaban desde México, pero bien podrían haberlo hecho desde Japón, pues su apuesta por la épica y la distorsión recordó mucho a la de los nipones Mono. Vessels llenaron el escenario de equipo y nuestros oídos de muchos matices. Temas de poso electrónico ejecutados

con absoluta precisión y emoción. El dúo británico That Fucking Tank y los catalanes Iepi nos devolvieron al rock, lo cual se agradeció ya entrada la madrugada. Fue una buena transición hacia lo que nos esperaba al día siguiente. Del sábado, en el que también actuaron Kokomo y Umberto, destacamos sobre todo el triple ataque mortal llegado de Madrid. El Páramo puso sobre la mesa contundencia a base de riffacos y aspereza stoner. Minor Empires, sin ser una banda instrumental, no desentonaron en absoluto, pues en el fondo sus temas bien podrían funcionar sin voz con sus interesantes juegos de guitarra. La apuesta progresiva de Jardín De La Croix con dejes de math metal también fue todo un vendaval. Muy grandes. Y no podemos dejarnos a los gallegos Unicornibot, tan efectivos como siempre con un post core que te sacude la espina dorsal de arriba abajo. Sólo queda felicitar a Aloud Music y esperar que en 2015 sigan igual de locos. 145

íjense cómo son las cosas que hasta un par de días antes de que The Wild Feathers diesen su primer y único concierto en nuestro país prácticamente no había oído hablar de ellos. Fue gracias a nuestros colegas de Warner, los cuales nos propusieron asistir a dicha fecha, que me interesé por este combo de Nashville. Un par de escuchas a su debut homónimo fueron suficientes para convencerme de aceptar su invitación. Pero cuál fue mi sorpresa al llegar a la sala y encontrarme con que el cartel de ‘no hay billetes’ estaba colgado. ¿Tanto fervor levantan como para poder llenar una sala de 400 personas en su primera visita a España con tan sólo un disco bajo el brazo? Pues eso parece. Supongo que debo de vivir en un burbuja aparte. Lleno hasta la bandera para recibir a este quinteto cuya peculiaridad es que cuenta en sus filas con hasta tres cantantes

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que se reparten las tareas vocales facturando un rock americano de toda la vida ideal para sonar en la radio mientras conduces por la autopista. Quizás ese punto que les hace tan accesibles para todos los públicos fuese la razón por la que me encontré con una audiencia que superaba fácilmente la treintena de media. En cuanto a su actuación en sí, decir que The Wild Feathers es de esos grupos que van a tiro hecho. En apenas hora y cuarto arriesgaron lo mínimo, pero también se debe reconocer que son una banda que dentro del género por el que se mueven lo hacen con un desparpajo tremendo. Desde el electrizante inicio con ‘Hard Wind’ y ‘Backwoods Company’ ya se vio que el buen sonido iba a imperar por encima de todo. Y es que hacía muchísimo tiempo que no veía a un grupo sonar tan rematadamente bien. Las voces de Ricky Young, Joel King y Taylor Burns empastaban a las mil

maravillas cuando se lanzaban a hacer coros, mientras que la guitarra de Preston Wimberley coloreaba unas composiciones que parecía como si las llevases escuchando desde hace meses. He ahí otro de sus aciertos, el hacer cortes de fácil asimilación. Como único punto en contra, decir que tal vez abusan un poco de los medio tiempos, pero si son tan buenos como ‘Got It Wrong’, ‘If You Don’t Love Me’ o esa joyita en forma de balada country que es ‘Left My Woman’, se lo perdonamos. Hacia la recta final volvieron a apretar el acelerador con ‘I’m Alive’, ‘American’ y una rotunda cover de ‘The Weight’ de The Band (también cayó el ‘Listen To Her Heart’ de Tom Petty y los rompecorazones para gozo de éste que les escribe) que acabó por dejarnos a todos contentos. Con semejante carta de presentación, quizás con el paso del tiempo ésta se convierta en una de esas noches de las de ‘yo estuve allí’.

THE WILD FEATHERS

26 DE MARZO DE 2014 SALA CARACOL, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Daniel Claudín

LIFERUINER

oche de lunes, último día de fiesta de Semana Santa con su correspondiente depresión post vacacional, cielo amenazante y la sensación de que quizá Norma Jean llegaban a nuestro país con unos años de retraso. Desde luego, las circunstancias no acompañaban, pero aun así fue un shock comprobar que apenas 40 personas se habían acercado a ver a una de las bandas de referencia del metalcore de la pasada década. Pese al triste panorama, empañado todavía más por otro factor que luego contaremos, todos los grupos decidieron ponerle buena cara al mal tiempo y dar lo mejor de sí. Por desgracia, en el caso de los franceses Branson Hollis, eso no es mucho. Su post hardcore medio progresivo (al estilo de Circa Survive), con juegos a tres voces y adornos de teclado, no acabó de calar y aunque se les notan buenas intenciones, no dejaron ningún tipo 148

de huella. Todo lo contrario que los americanos Night Verses, a quien nadie podrá negar que lo dieron todo. Su frontman Douglas Robinson (exThe Sleeping) es un auténtico torbellino, y su música, a medio camino entre Ceremony y letlive., fue la sacudida necesaria para que despertáramos. Además, su batería Aric Improta es una bestia de la que es difícil apartar la mirada. Buen descubrimiento. Era el turno de los canadienses Liferuiner y como era de esperar, la cosa se puso seria. Jonny O’Callaghan optó por no subirse al escenario y cantar a ras del suelo, gritándonos a la cara y circulando de un lado a otro como un toro a punto de salir al ruedo. Su mensaje de igualdad, antihomófobo y antirracista se escuchó tan alto y claro como sus contundentes breakdowns. La suya fue una actuación catártica, y cuando terminaron con ‘1990’, más de uno tuvimos que recoger los huevos

del suelo. Difícil lo tenían Norma Jean para superarlos, y más cuando luego explicaron que el guitarrista Jeff Hickey había tenido que volver de urgencia a Estados Unidos por la muerte de un familiar y que le sustituiría Nick Depirro de Night Verses, que se había aprendido el repertorio el día antes. Tal desgracia les condicionó a ofrecer un repertorio mermado en el que mezclaron algunos temas nuevos (‘If You Got It At Five, You Got It At Fifty’, ‘Wrongdoers’, ‘Swod In Mouth, Fire Eyes’) con algunos de su etapa intermedia (‘Birth Of The Anti Mother’) y algunos de sus inicios como ‘Memphis Will Be Laid To Waste’, que empalmaron con ‘Stone Dog’. Está claro que después de tantos años, Norma Jean saben hacer frente a las adversidades y ofrecieron un buen bolo, desde luego Cory Brandan lo intentó, pero seguro que tanto ellos como nosotros esperábamos más.

NORMA JEAN

21 de abril de 2014 Estraperlo Club, Badalona Texto: Jordi Meya Fotos: Carles RodrĂguez

ROADBURN FESTIVAL 2014 10, 11, 12 Y 13 de ABRIL de 2104 013, TILBURG (HOLANDA) Texto Y Fotos: JOAQUIM VALLS

TRIPTYKON

CANDLEMASS

AVATARIUM

NOOTHGRUSH

a estábamos puestos de nuevo en órbita para disfrutar de la edición 2014 del Roadburn Festival, que desde hace unos cuantos años nos lleva a viajar hasta Holanda. La verdad es que esta vez, casi como siempre, iba a ser un evento muy especial y, de la misma forma, extremadamente variado. Además el comisario artístico invitado era ni más ni menos que Mikael Åkerfeldt (Opeth), alguien conocido por sus eclécticos gustos musicales y que, por tanto, garantizaba una buena aventura cognitiva durante el día en que la programación era responsabilidad suya. El festival, enclavado en una de las mejores salas de Europa como es la 013 de Tilburg, agotó sus entradas como es habitual, aunque en esta ocasión les ‘costó’ una semana en lugar de unos pocos minutos. ¿Cosas de la crisis? JUEVES 10 El jueves daba oficialmente el pistoletazo de salida. Los primeros que pude

ver fueron los nórdicos Brutus, con un excelente show de aires setenteros y en una onda que a día de hoy practican bastantes bandas. Pero os aseguro que estos Brutus hay que tenerlos en cuenta entre los mejores, pues nos emocionaron con esos duelos de guitarras. A continuación llegaron una de las bandas que más expectación están levantando. Hablo de Beastmilk, que con su rock alternativo un tanto gótico y post punk se les ve que pueden llegar lejos, al menos si siguen este camino. No era una formación muy acorde con la mayoría del festival, pero sin duda lo hacen muy bien y si os va su estilo, el disfrute está asegurado. Cambio de registro para adentrarme de nuevo en los sonidos setenteros con unos Lord Dying resultones y unos correctos The Shrine. Llegado este momento, uno de los conciertos especiales del festival era el de Napalm Death con un setlist único y alejado de lo que normalmente nos ofrecen. Su show fue realmente bueno,

teniendo en cuenta que nos mostraron su cara más agónica y lenta, algo poco habitual en ellos. Hubo opiniones para todo, pero a mí, aunque sean unos jefes del grindcore, me sorprendieron gratamente con esta nueva visión del grupo. Luego tocaba ver otro proyecto exclusivo para el evento, una banda llamada Corrections House con Mike IX (Eyehategod), Scott Kelly (Neurosis), Bruce (Yakuza), Sandford (Minsk) y Seward que intenta ofrecer algo nuevo pero que visto su directo, es un quiero y no puedo. El tema es que los personajes que lo forman son importantes y por tanto se les ha de pedir calidad, pero lo que nos ofrecieron fue algo infumable y sin sentido. Lo siento, no puedo con ellos. Mi siguiente objetivo era ver de nuevo a unos maestros del doom/sludge como son Crowbar. Ofrecieron uno de los mejores shows de todo el Roadburn con un gran sonido y mucha fuerza. Luego unos desconocidos Anciients nos entretuvieron, para dar paso a un final 151

OPETH

HORISONT de jornada por todo lo alto con la actuación de Freedom Hawk, gran banda de heavy metal primario. VIERNES 11 El segundo día del festival, el dirigido por Michael Åkerfeldt, empezó con unos clásicos franceses en esto del rock psicodélico llamados Magma, quienes dieron una lección magistral de dominio de todo lo que tocaban, y además, con buen gusto. Fue una gozada y un privilegio disfrutar de una banda como ellos. Luego tenía curiosidad por ver a los islandeses The Vintage Caravan, con ese hard rock psicodélico a la vez que moderno. Estos jovencitos demostraron tener un gran futuro por delante. Y de los más jóvenes del festi pasamos a los más viejos. Los británicos Comus, reunidos para el evento por Åkerfeldt, nos cautivaron con su prog tan clásico desde el primer segundo. Con los nórdicos Änglagärd el subidón fue realmente memorable y también ejecutaron uno de los grandes momentos del evento. Algunos alucinaron también con las excelencias de los italianos Goblin, y a pesar de que no son lo mío, admito que hicieron un gran concierto, de ésos que muchos recordarán y que matarían por volver a ver. A su vez, unos reunidos Trettioärica Kriget también nos hicieron disfrutar de lo lindo. Y si con lo visto no era suficiente, la actuación de Candlemass pudo calificarse de memorable, con un Mats Levén im152

parable y una banda que nunca había sonado tan bien. Tocaron en su integridad su tercer álbum Ancient Dreams al lado de otros clásicos. Era difícil superar lo vivido durante esta jornada, y Opeth, muy a su pesar, no lo hicieron. De todas formas pudimos ver un buen show aunque puede que el sonido fuera demasiado bajo o que la formación no estuviera engrasada lo suficiente, pero nos hicieron vibrar con un set de greatest hits y estuvieron súper profesionales, como siempre. SÁBADO 12 Última jornada, empezando con unos punks de mucho cuidado. Lo que pasa es que Noothgrush, a pesar de todo, van muy lentos, y por eso son considerados con todos los merecimientos una de las mejores bandas de sludge que existen. Con su concierto certificaron la brutalidad absoluta que transmiten. Luego rápidamente cazamos unas canciones de Monster Truck, que también nos hicieron disfrutar con ese hard rock clásico con teclados y muy efectivo. Algo parecido a lo que nos ofrecieron también Scorpion Child, con un aire más psicodélico. En directo crecen y eso se agradece. Siguiendo con el mismo estilo nos encontramos de nuevo a unos Horisont en perfecto estado de gracia. Ahora se les nota cómodos en el escenario y ya llevan el tiempo suficiente para que su popularidad suba a otro nivel. Llegado este momento había

que ver cómo se desenvolvían Loop, a quienes vi un tanto apáticos o faltos de motivación. En cambio, unos jefes del sludge como 16 se mostraron mucho más correctos. DOMINGO 13 Quedaba el último día, con la presencia especial de la que fuera la banda del difunto Selim Lemouchi, His Enemies. Un concierto cargado de emoción dado que la tragedia había ocurrido tan sólo dos semanas antes y que pese a las circunstancias, tiraron adelante con mucho aplomo. A continuación tocaron Avatarium, la banda de Leif, miembro de Candlemass que por motivos personales no pudo estar presente. Tienen muchas similitudes con el grupo del bajista, y lo que llamaba la atención era la voz femenina, que les da un punto original. Por su parte Yob, unos viejos conocidos del festival, volvían a demostrar su poderío auditivo ante un público receptivo. Pero sin duda la atracción principal de la jornada era el debut de Tom G. Warrior y sus Triptykon presentando su segundo disco Melana Chasmata, del que sonaron un par de temas. La sensación que tuve era la de ver un ensayo, se notaba que la banda hacía demasiado tiempo que no tocaba. Al igual que Opeth, muy profesionales pero faltados de la chispa que todos hubiésemos deseado. Aunque por lo vivido en todo su conjunto, como siempre ésta resultó ser otra gran edición del Roadburn Festival.

xisten pocos grupos que ejerzan un misticismo tan marcado en el rock mainstream como Brand New. Una banda que con el paso de los años ha ido alejándose tanto de la prensa, como de la composición de nuevo material. Lejos queda ya la última obra Daisy (2009), en la que se estancaron hasta próximo aviso. Si a esto le sumamos su escasa presencia por nuestro continente, y la cancelación el pasado verano de su gira europea, era de esperar que hubiera cierta expectación por ver a los de Long Island repasar parte de su discografía en directo. Un directo sobre todo conocido por la intensidad física y mental con la que se desenvuelven Jesse Lacey y compañía. Muy a mi pesar iba a perderme la primera actuación de la noche, a cargo de unos fantásticos The Front Bottoms. Los que sí dio tiempo de ver fue a Saves The Day, y desde una buena posición para escurrirme entre las primeras filas. Los de New Jersey salieron con una idea clara, y era tocar cuantas más canciones mejor. Así se cascaron hasta 13 en poco más de media hora, entre las que pudimos escuchar muchos de los temas más recientes de la banda, 154

como ‘In The In-Between’ o ‘Remember’, entre algún que otro clásico como ‘Firefly’, ‘Cars And Calories’ o el más conocido ‘At Your Funeral’. Acabados ya los entrantes era el turno del plato fuerte, Brand New. La impaciencia por saber a qué dedicarían el setlist londinense corría por todos los habitantes de la primera fila, ya que siempre suelen tocar lo que les apetezca en cada actuación sin preferencias de ningún tipo. Con el cuarteto sobre el escenario, Jesse Lacey (voz, guitarra), Vinnie Accardi (guitarra), Brian Lane (batería) y Garret Tierney (bajo), sacarían las armas bajo la expectante mirada de unos fans entregados desde que abrieran fuego con ‘The Shower Scene’, tema que abre su primer disco Your Favourite Weapon. La adrenalina ya se palpaba tanto en los músicos como en el público, y aprovecharon para tirar por la senda del Deja Entendu con ‘Sic Transit Gloria... Glory Fades’, ‘Guernica’ y la romántica ‘The Boy Who Blocked His Own Shot’, con final sorpresa por parte de Jesse versionando ‘Yellow’ de Coldplay, seguida de ‘Trailer Trash’ de Modest Mouse. Sonrisas y alguna que otra lágrima para dar paso a ‘Millstone’ y

ponernos en nuestro sitio con el último material desplegado en Daisy. Así se sucedieron ‘Sink’, ‘Gasoline’, ‘At The Bottom’, y ‘You Stole’. Nos devolvieron otra vez al pasado con ‘Okay I Believe You, But My Tommy Gun Don’t’, ‘I Will Play My Game Beneath The Spin Light’, acordándose de cuando visitaron el Reino Unido por primera vez con Finch y dando las gracias a los allí presentes por el cariño depositado. Seguidamente sonaron ‘Mix Tape’ y la colérica ‘Seventy Times Seven’, con la que parecen seguir guardándole rencor al ‘roba-novias’ de John Nolan (Taking Back Sunday). La más que conocida ‘The Quite Things That No One Ever Knows’ fue la última pieza antes de terminar con cuatro descomunales cortes del The Devil And God Are Raging Inside Of Me que pondrían los sentimientos a flor de piel con ‘Jesus Christ’, ‘Luca’, ‘Degausser’, y el apoteósico final de ‘You Won’t Know’, en el que se contuvieron sin destrozar instrumentos esta vez. Sin intenciones de ningún bis, abandonaron exhaustos, y por separado, el stage para volver, según ellos, dentro de poco. Esperemos que se acuerden de nosotros a la vuelta.

BRAND NEW

12 de abril de 2014 The Troxy, Londres (Inglaterra) Texto y fotos: Alejandro Lozano

THE SETLIST ¿Cómo elegís el orden de las canciones? “Solemos elegir el orden en función de dónde tocamos. No nos gusta repetir el mismo repertorio dos veces en la misma ciudad, así que siempre solemos hacer cambios. Aunque no sigamos esta fórmula siempre, yo creo que la clave es poner algunos de los temazos al principio y otros al final… ¡Que la gente esté motivada todo el rato!”. ¿Tiene más peso la opinión de alguno de vosotros o lo hacéis entre todos? “Pues casi siempre es Greg quien nos plantea un setlist que le mola y en base a eso, matizamos y hacemos cambios si es necesario”. Muchas veces, cuando se saca un tema nuevo, se le da un nombre provisional que sólo el grupo sabe. Algo así como ‘el nuevo’, ‘el thrash’, ‘el número 5’... ¿Soléis hacer esto? “(Risas) ¡Siempre! Te pongo un ejemplo: hay un tema en nuestro último disco que se llama ‘My Friend Kyle’ y hasta el momento siempre lo habíamos llamado ‘P.D.C’. Lo siento mucho... pero me temo que os quedaréis con las ganas de saber lo que significaba”. Hay veces que utilizas ese nombre provisional durante tanto tiempo que, al oír el nombre definitivo, casi ni lo reconoces. ¿Te ha pasado alguna vez? 156

TOM MAY / THE MENZINGERS Parece que nadie pueda frenar a este cuarteto de Pennsylvania. Después de hacerse miles de millas en la carretera, acaban de lanzar su nuevo álbum Rented World, que ya está causando furor. Este mes me siento a hablar con ellos con la sensación de que dentro de un par de años será mucho más difícil pillarles. Texto: Iri (Adrenalized) FotoS: DR “Pues sí suele pasar, aunque nos pasaba más hace años. Ahora casi todos los nombres que verás en nuestro setlist son abreviaciones de los nombres originales. Por ejemplo ‘Born’ en vez de ‘I Was Born’, o ‘Partner’ en vez de ‘Who’s Your Partner’, etc.”. ¿Dais importancia a lo que el público quiere escuchar? “Tenemos mucho en cuenta lo que la gente nos suele pedir. Esto te hace no acomodarte porque ves que por temporadas la gente quiere escuchar canciones que llevas tiempo sin tocar, así que las ensayas o sonarían fatal. De todas formas, también hay muchas veces que no tocamos algunas canciones simplemente porque ya no nos apetece”. ¿Cuál es el tema que más os piden en los conciertos? “Pues de este setlist yo creo que el que últimamente nos piden más es ‘Casey’. No sé si es la más popular, pero desde luego, normalmente a quien le gusta este tema, le encanta. Es curioso porque tengo la sensación de que la gente nota cuando la vamos a tocar, porque nos la piden más justo antes de hacerlo. Por suerte, es una canción que me encanta y de la que no creo que me pueda cansar”. ¿Y el que más te motiva tocar en directo? “La verdad es que de esta lista la que más me mola es ‘Nice Things’. Es una canción que la solemos tocar de cara al final del

concierto, cuando ya estoy más cansado. Lo bueno es que en cuanto Joe marca el primer golpe con la batería me entra como una dosis extra de energía que me pone las pilas para el resto del show”. Los setlists son todo una arte efímero y cambiante. Muchos grupos hacen dibujos o cosas especiales. ¿Soléis usar algo así, o un aburrido diseño hecho con ordenador? “Nunca hacemos setlists a ordenador. ¡Nunca! Tenemos una especie de superstición con este asunto. Muchas veces dejamos que nuestros colegas nos los hagan y nos pinten lo que quieran. Suelen ponernos notas y cosas por el estilo. Siempre le pido a Greg que pinte un pentagrama en el mío para invocar los poderes del pasado, pero nunca me lo pinta porque es un idiota (risas)”. Hay canciones que pasan de ser una bomba a no motivar tanto, aunque a veces, da pena quitarlas porque te han acompañado en muchas aventuras. ¿Cómo sabéis cuándo ha llegado el momento de jubilar ese tema? “Yo creo que tocaría cualquiera de las canciones que hemos hecho mientras siga habiendo gente que quiera escucharlas. En cuanto al resto del grupo, hay muchas veces que alguno cambia su percepción de una canción y le deja de gustar, así que poco a poco tiende a desaparecer del repertorio”.

2 de septiembre - ROCKSOUND BAR (BARCELONA) 3 de SEPTIEMBRE - WURLITZER BALLROOM (MADRID) ENTRADAS A LA VENTA EN www.CODETICKETS.COM

DE GIRA

GALLON DRUNK

8 DE MAYO CHARADA (MADRID) 9 DE MAYO ALMO2BAR (BARCELONA) 10 DE MAYO CC INTXAURRONDO (DONOSTI)

a mejor banda de los 90 en Inglaterra –con permiso de Massive Attack y Radiohead- vuelve a nuestros escenarios en la gira de presentación del festival VillaManuela que se celebrará el próximo mes de octubre. El cartel, además de Gallon Drunk, cuenta con ZZZ’s, trío femenino de post punk procedente de Japón, además de Celestial Bums y Sangre (en Barcelona), Sagrados Corazones (en Madrid) y Bob Log III, Pelo Mono y Frank (en Donosti). La banda británica de rock oscuro de alto octanaje presentará el volcánico, atmosférico y excelente The Soul Of The Hour, editado a inicios de año. Perdérselos sería una insensatez. De facto, si el mundo fuera justo, serían portada de todas las revistas musicales de mayo de este país. Para serte sincero, tengo una resaca importante. Fue una noche salvaje. Va a ser una entrevista algo informal... JAMES JOHNSTON “¿Una noche salvaje? Cuéntame, ¿qué has estado haciendo?”. 158

Fue la típica noche que empieza sin ser nada del otro mundo, pero empiezas a beber y... “Sé a lo que te refieres (risas)”. Ya que hemos empezado hablando de resacas, ¿cuál fue tu peor resaca? ¿Y el mejor remedio para una de ésas? “¿La peor? Ufff... (Se lo piensa -ndr.) Debe hacer bastante tiempo, pero siento decirte que no conozco ningún remedio eficaz. ¡No puedo ayudarte! (Risas) No sé, tío... Beber más. Ve al médico. O tírate de un puente”. Bueno, hablemos de música. ¿Cómo fue la grabación del nuevo disco? ¿Qué diferencias ha habido entre éste y los anteriores? Toda tu obra es muy reconocible, siempre lleva tu marca... “Lo grabamos en el mismo estudio que el anterior. La primera gran diferencia es el nuevo miembro en la banda, Leo Kurunis, el bajista. Ha supuesto un cambio brutal. También hemos querido

cuidar más la grabación, otros discos están prácticamente grabados en directo. No queríamos perder ese toque, pero sí hacer un disco más de estudio. Por ejemplo, lo primero que grabamos fueron las baterías”. Tu música suele tener una pátina de oscuridad. ¿Se debe al tiempo en Inglaterra? “(Risas) Probablemente. Es cuestión de gustos. Éste es más romántico de lo que hemos hecho antes. El material es menos oscuro, lo cual me parece una buena señal”. ¿Te molestan las comparaciones con The Birthday Party? “Por suerte, la gente ya ha parado”. Creo que hay más conexión con The Gun Club. “Desde luego. No en los últimos discos, hemos evolucionado. Pero me encantan Gun Club”. Has colaborado varias veces con Nick Cave. Primero en un

Lollapalooza, posteriormente como miembro de los Bad Seeds… “Es una gran banda, ocho personas… Fue un rol diferente del que suelo ejercer. Toqué órganos. Lo primero que hicimos fue Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus. Nick toma las decisiones, es su banda. A pesar de todo, es muy libre. En cuanto a ese festival… hace tiempo. Lo mejor fue pasárnoslo bien con algunos grupos que tocaban. The Breeders, George Clinton y su banda Parliament-Funkadelic daban conciertos increíbles cada noche”. E incluso has actuado. ¿Qué diferencias hay entre actuar en una peli y tocar en una sala? Hay shows que parecen obras de teatro... “Sí. No es mi caso, es más amar la música y sentirla. Una cuestión bastante más visceral que alcanzas en el escenario, te dejas llevar”. From The Heart Of Town, el álbum que presentabais, es el que más éxito ha tenido. “Sí… Sabes, jamás lo he vuelto a escuchar. Me encanta la atmósfera de ese disco, tuvo que ver con el estudio. No toco ese material en directo. Es la tercera semana de gira y prefiero tocar los dos últimos discos, se lo merecen. Apenas tocamos algunos temas de los inicios”.

AGENDA MAYO AXXION 23 Barcelona, 24 Murcia, 25 Madrid BIOHAZARD 2 Villarobledo, 3 Terrassa CHEAP THRILL 6 Cangas, 7 Gijón, 8 Madrid, 9 Burlada, 10 Burgos, 11 Barcelona THE COUP 8 A Coruña, 9 Oviedo, 10 Vitoria, 13 Madrid, 14 Barcelona, 15 Zaragoza DANNY AND THE CHAMPIONS OF THE WORLD 28 Barcelona, 29 Madrid, 30 Liérganes, 31 Vitoria DEVIL’S TRAIN 2 Oviedo, 3 Irún, 4 Barcelona, 5 Cartagena, 6 Estepona, 7 Zaragoza, 8 Madrid, 9 Córdoba, 10 Ourense DORO 24 Madrid, 25 Barcelona DREAM SYNDICATE 7 Madrid, 8 Santiago de Compostela, 9 Bilbao, 10 Zaragoza THE FLOWER KINGS 2 L’Hospitalet de Llobregat, 3 Peralta, 4 Madrid FM 2 Barcelona, 3 Madrid FUZZTONES 1 Barcelona, 2 Girona, 3 Valencia, 4 Castellón, 5 Orihuela, 6 Madrid, 7 León, 8 Zaragoza, 9 Reus, 10 Logroño GET DEAD! 16 Oviedo, 18 Madrid, 19 Barcelona GRAND MAGUS 15 Barcelona, 16 Erandio, 17 Oviedo, 18 Madrid HOPES DIE LAST 12 Bilbao, 13 Vigo, 14 Murcia, 15 Barcelona, 16 Madrid JACE EVERETT 6 Barcelona, 7 Zaragoza, 8 Madrid, 9 Liérganes, 10 Bilbao JOSEPH ARTUR 22 Madrid, 23 Santander, 24 Zarautz

Eres de Guilford. Pasé un par de días allí en diciembre y no es el mejor pueblo de Inglaterra en el que he estado... muy pijo (risas). “Pudiste ver por qué me fui a Londres tan pronto como me fue posible”. Quizá lo veas nerd. Fui a ver al batería de Queen. Hasta hace poco estaban mal considerados. Me pasa también con The Mission... los llamados ‘placeres culpables’. “Queen son hilarantes, geniales (risas). ¡A mí me encanta Neil Diamond! Odio la gente que tiene esa actitud snob. Es sólo música. Puede que The Mission sonaran en una época brillante de tu vida. Odio ese elitismo. Es basura. No tengo problemas con los gustos musicales distintos”. Hoy aquí es la final de la Copa del Rey de fútbol. ¿De qué equipo eres? “De ninguno. Eso me hace ser una especie de paria aquí (risas)”. (IGNACIO REYO)

KRISTONFEST (Colour Haze, Karma To Burn…) 24 Bilbao LOST SOCIETY 8 Barcelona, 9 Madrid, 10 Zaragoza, 11 Reus MANTAR 15 Barcelona MARC FORD 7 Barcelona, 8 Valencia, 9 Murcia, 10 Madrid, 11 Estepona, 12 Cádiz, 14 Santander, 15 Pamplona, 16 Bilbao, 17 Gijón, 18 Cangas, 19 A Coruña MICHAEL MONROE 8 Erandio, 9 Madrid, 10 Zaragoza, 11 Barcelona NIGHT DEMON 1 Zaragoza, 2 Vitoria, 8 Estepona, 9 Cádiz, 10 Fuenlabrada, 11 Barcelona POUNDING METAL FEST (Raven, The Rods, Crisix…) 10 Fuenlabrada PRIMAVERA SOUND 29-31 Barcelona RADIO MOSCOW 21 Barcelona, 22 Madrid, 23 Bilbao, 24 San SebastiÁn RED DRAGON CARTEL 8 Madrid, 9 Azpeitia, 10 L’Hospitalet de Llobregat RIFF RITUAL FEST (Karma To Burn, The Gravitators…) 23 Barcelona SONATA ARCTICA 5 Barcelona, 6 Madrid STONER ÜBER ALLES (Nightstalker…) 3 Barcelona TALCO 1 Reus, 2 VillarRobledo, 3 Figueres TERROR + DEEZ NUTS + NASTY 6 Madrid, 7 Badalona

ÚLTIMAS PREGUNTAS

LAGS (GALLOWS) Intentando superar la resaca del día posterior a su pinchada en la sala Aguere Cultural de Tenerife y tras habernos dejado escuchar en primicia dos temas del próximo disco de Gallows que aparecerá a finales de año y de su proyecto metal Krokodil, Lags, el guitarrista de la banda británica, se abrió una cerveza y contestó a nuestras últimas preguntas. Texto: JORDI MEYA Foto: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago? “Joder, ¿hace diez minutos? (Risas) Seguramente ayer por la tarde cuando fuimos a la playa con vosotros y los chicos de This Drama. El sol, el mar, las cervezas, los amigos… Fue como si todos mis problemas hubieran desaparecido. Creo que es lo más vago que me he sentido en todo el año. Siempre estoy mirando mails o pensando en diferentes proyectos musicales, pero ayer conseguí relajarme del todo”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “Hace unas semanas en Noruega vi 160

un dúo de chicas raperas que se llama Kuuk. En noruego quiere decir ‘polla’ (risas). Son increíbles. Hacen un rap muy agresivo, son la hostia”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “Ésta es buena. Va a ser una respuesta un poco rara, pero es de una cantante sueca que se hace llamar Elliphant. Tiene un single nuevo que se llama ‘Revolusion’. Es tan simple y pegadizo… Me encantaría poder escribir algo así”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado?

“La respuesta es un poco triste. Hace poco rompí con mi novia y estaba muy deprimido. Mi madre me dijo que no me preocupara, que estaba equivocado y mi vida era genial. Lo típico”. ¿La última vez que infringiste la ley? “Siempre me ponen multas por aparcar mal. Me cabrea... Quizá no sé leer las señales de aparcamiento (risas)”. ¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “Nunca he querido pegar a nadie, pero Stu, nuestro bajista, es muy bueno tocándonos las pelotas. Hace unas

semanas, en el estudio, le habría pegado a él”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “Cuando llevo de gira mucho tiempo me añoro un poco”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Ayer. Fuimos a comer arepas. Nunca las había probado. Me dijiste que tomara dos, pero sólo pude con una y media. Dijiste que era un moñas por no acabármelas, pero tú tampoco pudiste acabarte la segunda, así que, ¿quién es el moñas? (Risas)”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “En el vuelo hacia Tenerife cedí mi asiento a un pareja mayor para que pudieran estar juntos”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Hay noches en las que me pregunto dónde se me ha ido todo el dinero. La semana pasada fui al show de unos amigos, y lo que tenía que ser sólo un concierto se convirtió en una noche de farra pagando un montón de copas. Ésa fue la última vez”.

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¿La última vez que lloraste? “Hace unas semanas, cuando se rompió mi relación. Fue muy deprimente”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? ”Ayer. Poder venir a Tenerife, poner música, estar con amigos. Es uno de esos momentos en que sientes que la vida está bien”. ¿La última vez que te impresionó una película? “Hace unos días vi El Inocente (The Lincoln Lawyer). Matthew McConaughey es un actor increíble. Deberías verla”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio? “Cada día lo pienso (risas)”. ¿La última vez que alguien te dijo ‘te quiero’? “Mi amigos me lo dicen siempre cuando van borrachos. Probablemente ayer me lo dijo alguien (risas)”. ¿La última vez que pensaste que Gallows eran el mejor grupo del mundo? “Hace nada, cuando he escuchado los temas nuevos”.

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