RockZone 104 - 06/2014

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Get Dead (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

Hacía siete años, desde que publicaron Minutes To Midnight, que Linkin Park no aparecían en la portada de RockZone. Una larga ausencia que ha coincidido con su etapa más, llamémosle experimental, y durante la cual muchos de sus fans han acabado renegando de ellos. Pero ya se sabe que las tendencias musicales son cíclicas y, casualidad o no, ahora que la influencia de Linkin Park se deja notar en bandas jóvenes como Bring Me The Horizon y Of Mice & Men, ellos regresan con un disco más guitarrero. ¿Será suficiente para recuperar la confianza de sus seguidores? El tiempo dirá, pero por ahora podéis deleitaros con la entrevista exclusiva que os ofrecemos. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 104

9 / INTERFERENCIAS

26 / BRODY DALLE

40 / LA DISPUTE

58 / EYEHATEGOD

74 / CRร TICAS

44 / VALLENFYRE

62 / VITA IMANA

102 /

MANCHESTER ORCHESTRA

32 / ARCH ENEMY

38 / SEX MUSEUM

48 / LINKIN PARK

56 / UGE

68 / THE BIRDS OF SATAN

72 / DISCO DEL MES

106 / ESTRICALLA

110 / HYDE ABBEY

SUMARIO

nº 104

116 / SEBASTIAN BACH

120 / MAYHEM

130 / EN DIRECTO

150 / DE GIRA + AGENDA

148 / EL SETLIST

152 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Xavier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48.

4º 1ª B. 08005 Barcelona.

Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Francesc Feliu, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner.

Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén.

Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak).

Foto de portada: DR

new del mes_FOO FIGHTERS EL MISTERIO QUE RODEABA LA GRABACIÓN DEL OCTAVO DISCO DE FOO FIGHTERS POR FIN SE HA REVELADO. EL ÁLBUM APARECERÁ EN OTOÑO Y VENDRÁ ACOMPAÑADO DE UNA SERIE DOCUMETAL PARA LA CADENA HBO.

P

ocos días después de que intentáramos, sin éxito, sacarle alguna información al batería Taylor Hawkins acerca del nuevo disco de Foo Fighters, era la propia banda la que emitía un comunicado en el que se desvelaba el misterio acerca del mismo.

Hacía meses que su líder Dave Grohl había declarado que nunca antes se había hecho algo igual, refiriéndose tanto a la grabación como al proceso de composición, en la historia del rock. Después de muchas especulaciones por fin sabemos que el secreto consistía en que Foo Fighters han estado grabando el álbum en ocho ciudades emblemáticas de la música de Estados Unidos: Seattle, Chicago, Austin, Nashville, Los Ángeles, Nueva Orleáns, Nueva York y Washington D.C.. Además, en cada una de ellas han colaborado con un músico local para que participe en un tema y Grohl escribió las letras inspirándose en las conversaciones que ha tenido con cada uno de ellos. Los nombres de los invitados que ya se han filtrado son Nancy Wilson de Heart, Rick Nielsen de Cheap Trick, Joe Walsh de los Eagles, Gary Clark Jr., la Preservation Hall Jazz Band, Paul Stanley de Kiss e Ian MacKaye de Fugazi.

Todo el proceso se ha filmado para una serie

documental, dirigida por el propio Grohl, que estrenará la cadena HBO coincidiendo con la salida del álbum, muy probablemente en noviembre, y que servirá también para conmemorar el 20 aniversario del grupo. “Después de hacer Sound City, me di cuenta que la unión de música y documental funciona bien porque las historias dan sustancia y profundidad a la canción, lo que hace que la conexión emocional sea más fuerte”, explicaba en una entrevista a la web de Billboard.

Sobre la dirección musical del disco Grohl contaba en la misma entrevista que, a pesar de su inusual concepción, podemos esperar un trabajo marca de la casa. “Después del éxito del último disco, pensé ‘Ahora tenemos la libertad para volvernos raros’. Si queríamos, podíamos hacer un disco loco y oscuro a lo Radiohead y flipar a todo el mundo. Pero entonces pensé ‘Que le den’. El objetivo es hacer himnos de estadio que asusten. En lugar de arrojar estos grandes estribillos, porque es lo que hacemos, los arrojamos en medio de partes instrumentales que te cogen por sorpresa. La música es una progresión, o una evolución, pero desde luego es un disco de Foo Fighters”. A morderse las uñas toca.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ DECIBELIOS

E

l pasado 12 de mayo recibíamos un mail en el que se nos invitaba a una rueda de prensa al cabo de tres días en la que se iba a anunciar la vuelta de un mítico grupo de Barcelona. Ni en un millón de años hubiéramos sospechado que se trataba de Decibelios. Hacía la friolera de 24 años que esta institución del oi! estatal se había separado, y aunque durante todo esto tiempo los rumores sobre una posible vuelta habían corrido por las esquinas de la capital catalana, la distancia que, sobre todo su vocalista Fray había tomado respecto a su pasado, y en general con todo lo que tuviera que ver con el punk, lo hacían impensable. Fue él quien tomó la palabra para explicar los motivos de este regreso que básicamente atribuyó a la mala leche provocada por el clima social que vivimos (acabó la intervención sacando tres cabezas de cerdo simbolizando a los causantes de la crisis). Por ahora tienen previstos varios conciertos en Latinoamérica y en noviembre tres bolos en Bilbao, Madrid y Barcelona. En el aire queda la posible grabación de un disco. Esperaremos a ver cómo se concreta todo para emitir el veredicto.

PD: Por cierto, preocupante la ausencia de otros medios, musicales y generalistas, para cubrir la noticia.

(JORDI MEYA)

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@rsainza Leer la @RockZone significa coger un papel y apuntar decenas de nombres de grupos que podrían interesarte y darles una oportunidad. @jonibaur Leyendo la entrevista de Killer Be Killed en la @RockZone, joe con el ego de Max, ¡tela! Por cierto, el disco tiene buena pinta. @Rober_rock Que en la @RockZone de mayo salgan Inner Xpose me mola. @upthisweek Debemos compartir esta cover metalcore de ‘Hey Brother’ de Avicii. ¡Gracias por el descubrimiento, RockZone! @NachoSykes El de Linkin Park, ¿es mejor que los dos anteriores o Chester está acabado? @missmayiband Spanish friends, check us out in the latest @RockZone magazine. @cmnd_ctrl Los amo. No presten atención a los hijueputas que los critican, si no les gusta que se abran :) ¡Los adoro, Miss May I! @Peq2010 Hola. ¿Cómo es que habéis dejado de editar la revista en papel?

10

Pues nada, iba paseando por Londres y vi que el señor Corey Taylor hacía una firma de libros y, bueno... ¡Me pasé por allí! (ATHE PONS)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF

Después de mi breve reflexión gastronómica del mes pasado, la verdad es que a una persona llana y mundana como yo le quedan pocas cosas sobre las que escribir.

Escribiría de ciencia y espíritu, pero no me interesa mucho.

Escribiría de geografía, pero tampoco me va mucho el viajar. Escribiría de deportes, pero soy hincha del Espanyol, así que hay poco fútbol que rascar. Escribiría de política, pero ya me sobran los enemigos. Escribiría de mi trabajo, pero no creo que a ninguno de vosotros le interese la vida de un tío que se gana el pan a base de ganar o perder dinero por la ilusión de ver algunos de sus ídolos de infancia/juventud y otros artistas de más que dudoso talento.

Escribiría a mano, pero mi caligrafía ya está podrida de tanto teclear y parece que escriba en otro idioma.

Eso sí, podría escribir de música... pero eso no le interesa a nadie.

(ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra CONJURO NUCLEAR

MELMAK

THE FOXHOLES

Conjuro Nuclear

The Only Vision Of All Gods

Escaparatismo Cósmico

(AUTOEDITADO)

(AUTOEDITADO)

(AUTOEDITADO)

Vas a tener que descender hasta las catacumbas más absolutamente subterráneas de Barcelona para poder invocar este Conjuro Nuclear. Tras su debut en cassette Luna Llena Y Radiación en 2013, este proyecto personal con ambición de convertirse en banda completa presenta su nueva obra homónima, mucho más lograda en cuanto a sonido pero igual de genuinamente underground. ‘Coros Radioactivos’ te retrotrae enseguida a la movida siniestra, al gótico de los 80, y aunque a Conjuro Nuclear se les pueda emparentar con el black metal más etéreo y ambiental, es esta corriente la que más prevalece en su segundo trabajo. Sin llegar a la maestría de Vinterriket, pero con algo de los Burzum o Ildjarn más minimalistas; de eso es de lo que beben junto a la evolución macabra del post punk. ‘Desechos Tóxicos’ le pone nervio al asunto, con un parón digno de una demo de Emperor, y ‘Ecos En La Noche’ es un corte instrumental de puro teclado para que los aullidos de ‘Sólo Para Locos’ te cacen en la noche cerrada. La voz, un tenue susurro durante el resto de álbum, es aquí maestra de ceremonias. ‘Conjuro Nuclear’ u ‘Oscura Lisergia’ son muy interesantes.

Conjuronuclear.bandcamp.com/al-

Está guapo lo que nos estampan Melmak en la jeta, gracias sobre todo al mecenazgo de un nuevo proyecto Verkami. Los hermanos Etxebarria, Jonan a la guitarra e Igor a la batería, ambos a las voces, ahondan en un sludge metal pétreo con algunos desarrollos hardcore muy en la onda de formaciones contemporáneas como Howl, Doomriders, Black Cobra o Kylesa. La rudeza es el hilo conductor de temas como ‘Terroristing’, la notable ‘Collective Suicide’, ‘Tigers Of Platinum’ o la totalmente doom ‘Escape Or Die’, donde te chillan posesos al oído entre riffs propios del paleolítico. Ésta última, junto a ‘Antimatter’, sorprende porque la voz aparece muy al final del corte, cuando ya crees que estás ante un tema instrumental. La decadente ‘Dinhuman’ muestra otra faceta suya, más arrastrada, aunque igualmente misántropa. Su logo no les identifica para nada con tan grata trepanación sónica, y un detalle tan simple como vital casi hace que pase de largo ante su obra, así que a este dúo le recomendaría un buen lavado de cara en ese aspecto. Presentando canciones como ‘The Only Vision Of All Gods’ y un remate como ‘Drag My Eyes, My Brain Will Remain’, visitar a un psiquiatra tampoco les haría ningún mal.

Hoy en día no es muy común toparse con un combo que fije sus coordenadas en el rock sinfónico de Yes, Genesis o Pink Floyd, pero como en este país hay más grupos que personas, aquí están The Foxholes para romper esquemas. La instrumental ‘Escaparatismo I’ inicia el cuarto álbum de los catalanes con garbo y mostrando por dónde irán los tiros, y ‘Todas Tus Horas’ muestra los múltiples recursos que la banda puede desplegar, pero con perdón, donde la cagan es en la voz y estilo de interpretación que ha elegido Jonah A. Luke para este corte. Sintiéndolo mucho, es un tema de acertada progresión y buen gusto por la electrónica, pero con esas aportaciones vocales les ha quedado una especie de balada de Mägo De Oz. Con acertadas melodías y el bajo de Jose Adames apuntalando con fuerza suena mejor ‘Falsa Ciencia’, dando paso a la contemplativa ‘Higgs Boson Ale’. Cambio de tercio con ‘Otro Mundo’, la más rockera y gamberra del pack, y esta vez sí la clavan con Enric Mora doblando voces. Quizá tendrán aspectos criticables, pero como bien demuestran en las tres partes finales de ‘Escaparatismo’, por lo menos se la juegan con características poco habituales.

bum/conjuro-nuclear-2014

Melmak.bandcamp.com

Thefoxholes.bandcamp.com

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INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_THE BITE

“INDUDABLEMENTE SOMOS MÁS FANS QUE MÚSICOS” JORDI FORMACIÓN: Xavi (voz), Jordi (guitarra), Martini (bajo), Sergi (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Buzzcoks, Undertones, The Jam PRESENTAN: Right Down Your Alley (Daily/BCore)

© MIREIA BORDONADA

T

he Bite empezaron su andadura hace seis años con la publicación del EP My Reason To Live, que les dio la oportunidad de, además de tocar en su natal Barcelona, visitar Madrid, Euskadi y Castellón. Luego llegaría un compartido con los estadounidenses The Cute Leppers, lo cual les dio un cierto bombo a nivel internacional, y su primer álbum In My Town. Ahora llega el segundo, Right Down Your Alley, en el que presentan una mezcla de punk rock y power pop pero con una marcha más respecto a su debut. “Sí, tiene más mala leche este último disco que el anterior”, confirma Jordi, su guitarrista. “No fue nada premeditado, simplemente ha salido así. Tal vez suene a tópico, pero seguramente la mierda que nos rodea también nos haya influido al respecto”.

Escuchando su nuevo disco se nota que, casi antes que músicos, son grandes fans de la música, sobre todo de toda la corriente surgida a finales de los 70 en Gran Bretaña, citando a The Who, The Jam y The Clash como sus tres grandes referentes. ¿Es hasta cierto punto The Bite un homenaje a la música con la que crecieron? “Ningún integrante de la banda ha estudiado formalmente música, la pasión por la música nos ha llevado a querer tocar y componer. Así que indudablemente, somos más fans que músicos”, explica Sergi, el batería. “No

sé si calificarlo como homenaje, a todos nos ha influenciado mucho el punk, el ‘hazlo tú mismo’, que en cierta manera es equivalente a ‘sé tú mismo’, quizás es ‘sé quien quieras ser’, quizás es ‘haz lo que quieras hacer’… Yo quiero hacer música, luego monto un grupo… ¿Se entiende algo de lo que estamos diciendo? (Risas) No sé, en definitiva, nos referimos a tomar las riendas del asunto sin esperar a que nadie venga a darte nada a cambio, hacerlo simplemente porque el cuerpo te lo pide”.

Sobre la grabación de Right Down Your Alley, The Bite nos cuentan que fue bastante diferente, ya que en el primer disco las canciones estaban más claras antes de ir a grabar y todo se grabó en el mismo estudio de grabación. “Este segundo ha sido más caótico. Fue grabado parte en un estudio parte por nosotros mismos en el local de ensayo, y a medida que íbamos pudiendo. Lo que había en primer lugar eran ganas de hacer algo digno, y después innumerables cabreos, malentendidos, etc.

Todos somos muy diferentes en el grupo, desde el que si fuese por él aún estaríamos perfeccionando las canciones del primer EP al que hubiese grabado el disco en directo y a la primera toma. La cosa al final se nos fue de las manos y nos tiramos casi un año con las mezclas. Pero bueno, finalmente, viendo el resultado, creemos

que ha valido la pena”.

En el álbum hay un poco de todo. Desde temas más punk a otros más power pop, e incluso uno ska. ¿Es The Bite una banda suficientemente abierta para que quepa de todo, o hay algún límite? “Como personas que escuchan y aman música, no hay ningún límite”, asegura Jordi. “Pero The Bite es el grupo que es y como nos gusta que sea. Casi todos los temas que se han traído al local siempre han sido aceptados.

Seguro que la razón de que sea más variado es que esta vez ha habido más manos componiendo que en los anteriores trabajos. Siempre nos gusta aportar algún tema que descoloque a nivel estilístico en los discos. Aun así, no os asustéis, posibles coqueteos con el drum and bass, reguetón y metalcore quedan descartados”.

En sus letras se nota una voluntad de criticar muchas de las cosas que no les gustan de la sociedad, sin embargo no consideran que The Bite sea una banda política. “Casi todos tenemos otros proyectos musicales, donde las letras son completamente diferentes”, cuenta Sergi. “Y cuando hay un debate sobre política en el grupo cada uno tiene una visión diferente del problema. Lo que sí nos gusta en las letras es expresar opiniones de cosas que conocemos y sobre las que tenemos algo que aportar.

Y claro, obviamente es imposible dar la espalda a todo lo que está aconteciendo últimamente. Por otra parte debemos decir que consideramos necesaria la existencia de este tipo de bandas, algunas de ellas nos han marcado la vida y nos han hecho crecer como personas, como por ejemplo los ya citados The Clash, Seein’ Red, ManliftingBanner, Kortatu o Dead Kennedys”.

15

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

FRANKENSTEIN O EL MODERNO PROMETEO Mary Shelley, ilustrado por Lynd Ward (SEXTO PISO ILUSTRADO)

E

inicial

esta obra universal. Supongo

de conocimientos:

que sabréis que la novela gira

¿Quién recuerda

en torno a Victor Frankenstein

a Frankenstein? Bien, veo

(aunque la fama la tenga su

muchas manos levanta-

criatura), un hombre de cien-

das. Siguiente pregunta:

cias cuya vida cambia radical-

¿Cuántos de vosotros se

mente: “Una lúgubre noche vi

ha leído el libro de Mary

finalizados mis esfuerzos. Con

Shelley? Parece que mu-

una ansiedad que rayaba en la

chos bajáis el brazo. Como os he pillado, hago una propuesta

agonía reuní el instrumental ne-

inmejorable para ponerse al día sobre una de las obras cumbre

cesario para poder infundir una

de la literatura gótica, de terror y de la ciencia ficción: la edición

chispa de vida en la cosa inerte que yacía a mis pies”. A partir

de Frankenstein O El Moderno Prometeo a cargo de la editorial

de este momento se desata su maldición, comienza la sutil pará-

Sexto Piso que contiene, aparte de los textos paridos por Mary

bola moral (“Como el demonio, llevaba el infierno en mi interior”)

Shelley, unas brutales ilustraciones de los grabados en madera

y se narra con todo lujo de detalles hasta dónde puede llegar la

que realizó Lynd Ward en el año 1934 inspirado, cómo no, por

desesperación humana.

valuación

JF

HIJOS APÓCRIFOS Víctor Balcells Matas (ALFABIA)

D

ecía Víctor Bal-

cuatro personajes diferentes que intervienen en la acción. “En

cells

en

la pared seguía colgando el anuncio del disco de Pink Floyd.

una entrevista re-

Dos hombres se daban la mano en una calle vacía, uno de

ciente que lo más ambicioso

ellos estaba envuelto en llamas”. Hay unas cuantas referencias

de su obra Hijos Apócrifos

musicales, además de una ácida crítica al arte contemporáneo

es su apuesta estilística y for-

y al mundillo editorial en particular; sin embargo, el trasfondo

mal. No puedo estar más de

de la primera novela de Víctor intenta reflejar la difícil relación

acuerdo, porque este autor

entre padres e hijos. “Pasamos junto a la tumba de Jim Mor-

de Barcelona presenta una

rison. Una congregación de rockeros lloraba en silencio y se

forma de escribir bastante

fumaba unos porros escuchando Riders On The Storm en un

original, con tintes surrealistas, que engancha rápidamente al

viejo cassette”. Si os animáis a leer Hijos Apócrifos no lo dejéis

lector gracias a que arriesga con las estructuras narrativas.

hasta el final: un remate quizás demasiado cruel después de

Especialmente en la tercera parte del libro, donde un mismo

430 páginas de persecución y búsqueda. Hacedme caso, no

hecho se narra y se continúa desde los puntos de vista de los

os defraudará.

16

Matas

JF

MAZO COMICS: COLECCIÓN CHUBASQUERO #9 A #16

ENJAMBRE VV. AA. (NORMA)

HECHIZO TOTAL Simon Hanselmann

(FULGENCIO PIMENTEL)

VV. AA.

(AUTOEDITADO)

Antes en los quioscos había ‘cómics costra’ publicados que daba gusto en un buen puñado de revistas. Ahora tenemos internet. No es lo mismo. Y doy gracias a que aún haya gente que saque adelante fantasías onanistas basadas en la putrefacción mental y en el material disgusting como éstas. Los cuatro nuevos lanzamientos de esta segunda tanda (dos cómics por fanzine) atesoran mala hostia, mal gusto y muy buen hacer de sus ocho creadores. Pedidos a http://migasfanthing.blogspot.com.es SG

ROSARIO Y LOS INAGOTABLES Laperla y Marcos Prior (LA CÚPULA)

Íntegral que recopila una de las mejores series patrias que se publicaron en la última etapa de vida de la revista El Víbora. Tanto la factura gráfica, ambientación como calidad del contenido de las mismas, pudo hacer pensar a más de uno que se trataba e una serie ‘usamericana’, pero nada más lejos de la realidad. Laperla y Prior (Kosinski) tejieron en 38 episodios un universo maravilloso y entrelazado de situaciones que recogen/homejean/se inspiran en lo mejor del sudor americano. Un material digno de ser revisado. SG

Enjambre es un grito colectivo, una suma de fuerzas con intención de reclamar, y denunciar, un espacio propio y, a la vez, compartido. Todas las autoras participantes en esta antología de cómics y relatos cortos ponen de su parte para que este trabajo brille tanto en lo estético como en lo ético. Siendo para quien escribe mucho más satisfactorias aquellas historias que se mojan en el contenido político y, por supuesto, feminista, éste es uno de los cómics de la temporada. SG

TODAS PUTAS: LOS CUENTOS GRÁFICOS VV. AA.

Mi ración de roña necesaria de este mes la he completado con el tomo que recopila el trabajo de Hanselmann con su sitcom politoxicómana Megg, Mogg And Owl. Es imposible no sentirse sucio y malvado tras reírse con las miserias y los gags mostrencos basados en drogas, sexo de mierda y abuso de amigos imbéciles. Hipnotiza por su sencillez y atrapa por el planteamiento narrativo que sigue el esquema de empezar con un gag y acabar desmadrando con algo completamente diferente y grotesco. SG

EL ANTICRISTO

Friedrich Nietzsche y East Press (HERDER)

(DIBBUKS)

Han transcurrido once años desde la edición del primer recopilatorio de cuentos de Hernán Migoya y la obra aún se encuentra bajo el estigma de la denuncia y acoso al que fue sometido por cuestiones políticas, sentenciado y condenado a muerte. En este recopilatorio 15 autoras recogen el testigo y trasladan a las viñetas unas historias que, ante todo, muestran la miseria humana y, sobre todo, recuperan el espíritu del esperpento del original y ponen a prueba la posible moral bien pensante del lector. SG

De nuevo una complicada obra del filósofo alemán trasladada al formato manga, en esta ocasión con toneladas de licencias si tenemos en cuenta el texto original. La colección de mangas filosóficos se enriquece ahora con esta traducción al castellano mediante una historia inédita. Dos jóvenes japoneses amantes de occidente entran en contacto con el líder de un grupo que busca profundos cambios sociales; a través de ellos se lanzan algunos de sus mensajes más reseñables con agradable resultado. SG 17

TOI’S IN THE ATTIC ¿OPERACIÓN BIKINI? I DON’T THINK SO!

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a no hay marcha atrás.

Llega el p**o verano.

Esa estación en la que, aparte de sudar como un cabrón y andar todo el día medio deshidratado, no haces más que ver cuerpos moldeados y bronceados por la calle (¡Buff!), pero claro, tú tienes que meter tripa y disimular porque te has pasado siete pueblos con las cervezas y los cocidos de tu madre en invierno y no te has apuntado al gimnasio como hacen todos los top models con los que te cruzas (que nadie venga con la mierda del metabolismo que ya no me lo trago).

Seamos sinceros, es bastante triste tener que pagar por sufrir en nombre de la salud y el bienestar (no olvidemos el aspecto físico), codearte con energúmenos narcisistas cuya máxima aspiración es tener unos bíceps del tamaño de un melón, y encima tener que aguantar hilos musicales penosos y clases de spinning a ritmo de chumbachumba.

Ascazo. En cierta ocasión me preguntaba por qué no existen gimnasios orientados al rock, y se lo comenté a

mi daddy cool, pero zanjé la conversación en cuanto empezó a hacerme la coña de que practicaría levantamiento de jarra y ejercitaría las cervicales haciendo headbanging... ¡Qué mamón! Así que después de muchos años y varios intentos fallidos por ‘adaptarme’ al medio, sigo creyendo que la imposición de la basura mainstream bailable, aparte de denotar ignorancia musical, comparte un objetivo con las tiendas de las cadenas de moda que nos invaden: estimular al usuario emulando esos momentos de felicidad en la discoteca poligonera de turno donde lucirá su cultivado palmito. Pues a mí me gustaría lo mismo inspirado en un antro de rock, ¡ni que pidiera escuchar a Frank Zappa mientras hago flexiones! ¿Acaso no motivaría más hacer step con Clutch o body combat con Beastie Boys?

Claro que sí, pero al final del día mi reflexión termina en el mismo punto: ¿Para qué ir a la playa o a la piscina teniendo el chiringuito con cerveza fría y unas olivas? Fuck the gym!

(TOI BROWNSTONE)

TV EYE TDT

L

o reconozco, no tengo TDT, luego no me ha afectado directamente la supresión de nueve canales, con La Sexta 3 como bastión de los cinéfilos. También el único canal con programación decente, echando un vistazo a todo lo que ofrece el pack TDT. Eso no es óbice en mi opinar, habiendo visto cómo funciona en casa de amigos.

Ya de por sí me pareció indignante el hecho de que obligaran, en 2010, a la mayoría de personas de este país a tener que comprarse un receptor externo o una televisión que incluyera la digitalización. ¿Estaba el país, tras los dos primeros años de crisis, para que tuviéramos que pagar si queríamos ver la televisión?

Quien crea vislumbrar un signo de demagogia en la pregunta, que abra un diccionario de la RAE, o consulte la página online de la misma, y sabrá lo que es la demagogia. Y tampoco vale que la televisión es terrible, ese cliché. Hay un abanico de posibilidades; como tal, siempre puedes hallar flores en la basura. ‘No Excuses’, que cantaban los verdaderos Alice In Chains de Layne Staley en su segunda alineación.

Volviendo al tema principal, que algo paupérrimo, con múltiples polémicas e intereses creados en el camino hasta este 2014, se deshaga de varios canales por orden del Supremo, en un galimatías jurídico, demuestra la salud de este país a niveles de programación de entretenimiento, sea lúdico o más divulgativo en cuanto a ciencia, cultura en la elitista expresión de la palabra, arte, etc. En efecto Scott Heron, la revolución no será televisada, ni tampoco el único canal con inquietudes hacia el séptimo arte y que programaba buenas películas. Se rumorea que Al Jazeera podría incluirse en un nuevo concurso. Sin ser BBC World News, al menos no cae en la estulticia de Fox News, es interesante.

Incluso se dice que van a expulsar más canales. Ahora sí que se hará realidad la profecía de Springsteen, ‘57 Channels (And Nothin’ On)’. Ver por primera vez Blade Runner, documentales de naturaleza entrañables por reiterativos, el programa de Garci, Lo + Plus en abierto, vía analógica. “Todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia”.

(IGNACIO REYO)

DE CULTO_LORDS OF THE NEW CHURCH DISCO BÁSICO: Is Nothing Sacred? (1983) FORMACIÓN:

Stiv Vators (voz), Brian James (guitarra), Dave Tregunna (bajo), Nicky Turner (batería)

AFINES A: The Damned, The Clash, Dead Boys

E

l mejor supergrupo que emergió del punk, y uno de los mejores de la historia de la música. Stiv Vators, fiera escénica en Dead Boys –el único alumno aventajado posible de Iggy Pop-, superlativo compositor power pop en solitario y en la precuela de los Lords, The Wanderers.

Brian James, miembro de los pioneros The London SS (en su única maqueta se encontraban Tony James de Generation X, Mick Jones de The Clash), parte del legendario debut de los Damned que supuso el primer larga duración de un álbum punk en la pérfida Albión. De secundarios de lujo, provenientes respectivamente de Sham 69 y The Barracudas, Dave Tregunna y Nick Turner.

Grabaron una trilogía perfecta, aparte de singles impolutos… ¡Esa versión de ‘Like A Virgin’! En el debut homónimo presentan sus credenciales: ritmos tribales, un híbrido entre punk, pop y gótico, la inefable voz de Vators, estética única. Inolvidable ‘Russian Roulette’. Firman por I.R.S. de Miles Copeland.

El segundo disco depura aún más su estilo. El éxito de

22

‘Dance With Me’, la rítmica, con toques negroides ‘Johnny Too Bad’ incluyendo saxo, el personalizado reggae de ‘Sorry For The Man’, todo bajo la producción de Todd Rundgren.

El último disco con Bators, The Method To Our Madness, es más agresivo y directo. Los tres temas que lo cierran son el mejor epitafio.

‘A Gun Called Justice’, ’Good To Be Bad’, ‘Mind Wrap’. El recopilatorio Killer Lords compila éxitos y rarezas. Psycho Sex EP, con otro sello, sin Nick Turner ni Dave Tregunna, es de notable bajo, o su revisión de ‘Dance With Me’.

Aunque el futuro del grupo resulta inconsistente, la trágica muerte de Stiv Vators en París tras ser golpeado por un taxi supone el adiós. Fue a un hospital, no le atendieron, creyó estar bien y falleció durmiendo en un piso debido a heridas internas. Hace poco una amiga me dejó un vídeo de los Lords en directo.

Más grandes que la vida. De su regreso con otro cantante y un disco final mejor pensar que fue un tributo. Stiv Vators, seduce me once again…

(IGNACIO REYO)

E

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es End Of The Century de Ramones. Hay bandas que amas. Hay bandas con las que creces. Hay otras bandas a las que persigues. Y finalmente hay bandas, a través de alguna interconexión universal, a las que Tú persigues. Eso es lo que sentí cuando descubrí

a Ramones. Ramones es una banda a la que es muy fácil amar. Sus canciones son endemoniadamente pegadizas.

Son divertidos y ligeros, pero su lugar en la historia de la música rock es digno de ser estudiado. Citados como pioneros del punk rock, no había nadie haciendo lo que hacían ellos en aquel momento. Su música es atemporal y un testamento de la verdadera devoción que siguen teniendo a día de hoy, incluso con tres cuartos de la banda fallecida. A lo largo de los años he tenido una relación con los Ramones con algunos altibajos.

Algunas de sus canciones han sonado hasta decir basta, hasta el punto de tener aversión hacia ellas. Para mucha gente los mejores discos de Ramones suelen ser su debut y Rocket To Russia, pero los míos son End Of The Century y Leave Home, los dos primeros discos que compré de ellos y que en cierta manera han sido ignorados por los críticos. Leave Home es un señor disco de punk. No tiene una mala canción y aunque tiene algunas de las más conocidas, ‘Suzy Is A Headbanger’ y ‘Pinhead’, no suele tenerse muy en cuenta. Por otra parte, End Of The Century, aunque suene menos consistente, contiene la que seguramente es la canción más conocida de su repertorio, ‘Rock ‘N’ Roll High School’, y mi favorita, ‘The Return Of Jackie And Judy’. Saltando al 2002, estábamos en el estudio gra-

bando nuestra canción favorita de Ramones, intentando hacerla sonar lo más fiel a la original como muestra de respeto.

El tema pertenecía a un tributo llamado The Song Ramones The Same en el que también participaban Backyard Babies The Dictators o Hellacopters.

Un poco más adelante, durante ese mismo año, estaba en el estudio con Backyard para hacer coros en una de sus canciones, ‘Friends’, que acabó por convertirse en la última canción en la que cantaba Joey Ramone. Fue definitivamente uno de esos momentos en que sabes que se ha cerrado un círculo y aún me tengo que pellizcar para darme cuenta de que fui parte de ello. ¿Quién iba a saber que mi historia de amor iba a acabar de una manera tan reverencial?

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INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA GODZILLA – GOJIRA RENACE

A

finales de os 90, todo Hollywood quería su dinosaurio. Estaban de moda, como ahora está entre el famoseo eso de adoptar niños exóticos y ponerles por nombre algo más horrible que el posible pasado de los mismos. Pero entonces lo que se llevaba era el tema dinosaurio. Roland Emmerich adoptó en 1998 Godzilla y lo trató de manera discutible. Nadie puede dudar que aquella era una locura divertida e irreverente, pero en el fondo aquello parecía una explotación animal de alguien que había adoptado a un viejo monstruo abandonado.

Hoy, el nuevo papá de la criatura es un tipo mucho más cauto, cuidadoso y, sobre todo, mucho mejor padre.

Gareth Edwards ha adoptado y adaptado de manera ejemplar la creación de Tomoyuki Tanaka, Ishiro Honda y Eiji Tsubaraya. De manera ejemplar porque se ha marcado una película que recuerda a las viejas producciones de calidad que Steven Spielberg presentó durante los años 70 y 80, con un tono muy alejado del actual blockbuster que es en realidad, tomándose las cosas con calma y con buena letra. Y con buena letra me refiero a las maneras de un director sorprendentemente maduro para lidiar con semejante bestia teniendo un currículo tan corto.

Godzilla es una película tan monumental que sus insalvables errores de guión quedan eclipsados por la sombra y el carisma de un monstruo que provoca destrucción a cada paso, pero que no está aquí para terminar con la humanidad. Nosotros, los seres humanos, somos víctimas colaterales de una guerra que sólo podemos contemplar mientras nos escondemos.

Esos insalvables errores son prácticamente todos los personajes que miden entre uno y dos metros, porque en realidad no nos importan en absoluto. Y eso es un grave error, pero como en el fondo a nosotros, y está demostrado, tampoco nos importa 24

lo que les sucede a nuestros semejantes no cercanos, incluso cobra sentido durante la película.

Y es que si algo está claro en este tipo de producciones, por muy genial que sea el estilo de su director, es que estamos asumiendo que un reparto sin carisma y unas interpretaciones de piedra no deben estropear el conjunto. Y no lo hacen, aunque puede que incluso reconociéndolo, el dato llegue a molestar.

Edwards esconde al monstruo durante casi todo el metraje, y cuando su descubrimiento empieza a ser inevitable, lo introduce poco a poco. Con un gusto excelente y una valentía inédita en una película de género, a base de decisiones de exquisito criterio y un puñado de planos perfectos que sacian no sólo nuestro apetito de guerra y destrucción, sino también el de buen cine.

A pesar de que la peluca de Bryan Cranston (Breaking Bad) tenga la misma personalidad que Aaron Taylor-Jonson o Elizabeth Olsen, o que el único que mantiene el tipo dentro del reparto sea Ken Watanabe, Godzilla es un triunfo de las mismas proporciones que el lagarto gigante que da título al film.

Desde sus prodigiosos créditos iniciales, que uno desea que no terminen nunca, donde se presenta un nuevo punto de vista de lo acontecido en el atolón Bikini, la película desprende la sensación de ser algo inaudito y lleno de amor por el espíritu de las viejas catástrofes y el cine de calidad que ya no se ve con facilidad cuando viene de un estudio que se gasta 200 millones de dólares y que pretende recuperar la inversión lo antes posible.

En resumen: Godzilla da más de lo que prometía, porque si bien es cierto que todos los actores son hostiables, nadie esperaba ese tono épico y esos planos preciosos. Ni tampoco a un monstruo tan condenadamente hermoso.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone.

A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> JOEL REYES, EXVOCALISTA DE BAKED BEANS Y AHORA EN MALACABEZA, NOS PRESENTA ‘UNIVERSOS PARALELOS’, TEMA EXTRAÍDO DE SU DEBUT EN SOLITARIO ELÉCTRICO.

J

oel Reyes es un viejo amigo de la

90 conciertos y nos pusimos a picar

es muy rockero, con letras que hablan

casa, de cuando lideraba la ban-

piedra. Para el segundo disco quería-

de la situación actual, muy cabreado,

da de rock alternativo Baked Beans a

mos un concepto más de banda, pero

y este álbum es todo lo contrario. Pre-

finales de los 90 y que se disolvió, tras

es complicado mantener una forma-

domina el tema del amor”. Eso se nota

publicar tres discos, cuando empeza-

ción estable, y al final sólo dimos diez

tanto en las letras como en su cálido

ba la pasada década. Fue entonces

conciertos. Hace un año grabamos un

sonido de clara inspiración pop. “Aun-

cuando Joel decidió mudarse de

tercer disco que todavía no ha salido,

que me gusta mucho el rock, mi raíz

Tarragona a Madrid y empezar una

porque después de muchas promesas

melódica es el pop. Creo que la gente

nueva carrera. “En el primer bolo que

y de que iba a ser un pelotazo nos

no esperaba un disco así y el factor

hice en Madrid toqué para cuatro per-

dijeron que no salía. Pero yo había

sorpresa creo que ha sido positivo”,

sonas”, nos cuenta de visita a nuestra

seguía componiendo y decidí hacer

asegura. Eléctrico es también el reflejo

redacción. “Yo componía, pero nunca

algo que pudiera tocar yo solo en un

de su experiencia vital tras mudarse a

me había enfrentado a tocar yo solo

bar. Llamé a Miguel (Zanón), el pro-

la capital. “Al principio escuché mucha

con la guitarra. Me di cuenta de que

ductor, y en veinte días lo grabamos.

música de calle. Me empecé a fijar

me faltaba mucho por aprender. Fue

La idea era hacer algo muy parecido

más en música sudamericana que no

un proceso, y hacia 2004-2005, ya

a lo que la gente verá en directo”. Y es

anglosajona. Estuve tocando en el

me planteé el primer disco de Mala-

que aunque el disco se llame Eléctrico,

metro de Madrid y, como músico y

cabeza, pero al final no salió hasta

su contenido es casi exclusivamente

persona es muy enriquecedor. Está muy

2009. Fue muy duro porque, como

acústico. “Habla de una electricidad

bien tocar para mil personas, pero si

no había dinero, no podía terminar el

emocional”, dice acerca el antagónico

tienes a veinte interesadas en lo que

disco. Luego salimos de gira, hicimos

título. “El disco inédito de Malacabeza

haces también es muy gratificante”.

25

ARCH ENEMY

es conocida por seR la líder de la banda punk The Distillers. Pero después de siete AÑOS y tres discos, lo dejaron y ella formó Spinerette, con quienes editó un disco en 2009 antes de desaparecer del mapa. Ahora regresa con su primer disco en solitario Diploid Love, su trabajo más diverso y experimental hasta la fecha.

Texto: Nadia Natario Fotos: DR/Nadia Natario (directo)

33

L

a música siempre ha sido una parte muy importante en la vida de Brody. De hecho, estar en un grupo es todo lo que conoce.

Nacida en Australia como Bree Joanna Alice Robinson en 1979, descubrió a Nirvana y Hole a los 12 años y desde entonces supo que su misión era aprender a tocar la guitarra y unirse a un grupo. Y eso es exactamente lo que hizo. En 1995, con 16 años, su primera banda Sourpuss tocó en el Summersault Festival en Australia, donde conoció a Tim Armstrong, quien estaba tocando con Rancid. Como un cuento de hadas punk rock, se enamoraron locamente y aunque Tim tenía casi 30 años, empezaron una relación. Poco después de cumplir la mayoría de edad, se casaron y ella se mudó a Los Ángeles, donde formó The Distillers. Sus dos primeros discos le dieron una credibilidad notable en la escena, pero fue con Coral Fang (2003) con el que cimentaron su reputación como una de las mejores bandas punk de su tiempo. Por eso, después de anunciar su separación los fans se sintieron decepcionados, incluso enfadados cuando Brody se aventuró hacia terrenos más pop con Spinnerette. Entretanto, se divorció de Tim y se casó con Josh Homme de Queens Of The Stone Age, se convirtió en madre (Camille tiene ahora 8 años y Orrin casi 3) y entonces pareció desaparecer de la faz de la tierra.

Por eso, cuando el año pasado Dalle anunció que estaba trabajando en un disco en solitario con Alain Johannes (Arctic Monkeys, Jimmy Eat World) y que había fichado por Caroline Records, muchos rezaron para que significara un retorno a sus raíces punk. En lugar de eso, Brody se ha dedicado a experimentar más

28

“la estabilidad de una vida familiar, la rutina, es todo lo opuesto a estar en la carretera”

que nunca y ha hecho su disco más personal. Ha escrito cada una de sus canciones y ha tocado el 99% de los instrumentos, además de producirlo con la ayuda de Johaness, grabándolo en el estudio de éste, su casa y Pink Duck, el estudio que tiene con Homme en California.

De vuelta a Europa para realizar unas pocas fechas coincidiendo con el lanzamiento de Diploid Love el 28 de abril, volé hasta Londres para asistir a su concierto en el Electric Ballroom y para realizar una entrevista que por poco no se materializó.

Como era de esperar, las entradas estaban agotadas y la pequeña sala se llenó con punks veteranos de Camden, chicas con mohawks enormes, algunos hipsters y un buen número de lesbianas. La mitad del setlist estuvo formado por temas de los Distillers (‘I Am A Revenant’, ‘Die On A Rope’, ‘Dismantle Me’, ‘Sing Sing Death House’, ‘Bullet & The Bullseye’, ‘Sick Of It All’, ‘Coral Fang’, ‘The

Blackest Years’), lo cual hizo muy feliz al público, y más con su voz sonando tan rasposa y fuerte como en los viejos tiempos. Sólo tocó ‘Ghetto Love’ de Spinnerette, pero pudimos escuchar seis temas nuevos (‘Rat Race’, ‘Don’t Mess With Me’, ‘Carry On’, ‘Parties For Prostitutes’, ‘Meet The Foetus/ Oh The Joy’ y ‘Underworld’) e incluso una versión de ‘Hybrid Moments’ de Misfits. Algunas de las nuevas canciones carecieron de los elementos extras que las hacen tan interesantes en el álbum, así que tengo curiosidad por ver cómo evolucionan en directo en el futuro. De todos modos, las cosas pintan más que bien para ella.

Mi entrevista estaba planeada para el día siguiente, pero entonces recibí la llamada con las malas noticias… no había tiempo para “encajarme en su agenda”. Pero a veces, cuando piensas que todo está perdido, las cosas dan un vuelco. Como todavía iba a estar unos días más en la ciudad, pude asistir a la fiesta de

a mis hijos e irme de gira. No me compensaría. Gracias a Dios también existe Face Time y esas cosas”.

Los hombres lo tienen más fácil.

“No es verdad. Es muy difícil, no importa cuál sea tu sexo si amas a muerte a tus hijos. Ya sabes, la estabilidad de una vida familiar, la rutina, es todo lo opuesto a estar en la carretera”. ¿Y eso hace que disfrutes menos girando?

“No, me encanta girar, pero al mismo tiempo, echo mucho de menos a mis hijos y a mi esposo”.

presentación en la tienda Rouge Trade East, y me buscaron un hueco justo antes de que saliera al escenario. A Brody, como a mí, no le gustó la idea de hacer la entrevista en medio de la tienda, así que me dijo que la siguiera y nos colocamos en las escaleras que llevaban a la oficina. Una situación un poco extraña…

Es genial tenerte de vuelta.

Hacía mucho que no actuabas en directo. ¿Cómo te sientes?

“Hoy me he dado cuenta de que sólo hemos dado 18 conciertos, así que todavía me estoy acostumbrando. El show de ayer en Birmingham fue muy malo… sonaba raro. Es una mierda cuando las cosas no salen bien. Pero me gusta interactuar con la gente y estar por el mundo”.

Recientemente estuviste de gira por Australia y Nueva Zelanda con tu marido y tus hijos. ¿Cómo es tener a la

familia contigo? ¿Es algo que ves haciendo más en el futuro?

“Sí, estuvieron ahí durante un mes. ¡Fue increíble! Vamos a hacerlo durante el resto del año, porque es muy duro estar separados… hace que no quieras salir de gira”.

Así que cuando Josh vuelva a girar, ¿te irás con él?

“Bueno, vamos a hacer los mismos festivales de julio en adelante a propósito. Así los dos podemos trabajar y estar con los niños”.

En este viaje no han venido. ¿Hay alguna manera razonable de conciliar ser madre y músico? Me imagino que tiene que ser muy complicado…

“Bueno, el hecho es que Josh está con ellos en casa y se implica mucho… Es como yo, está las 24 horas pendiente, y eso me consuela. Si no fuera así, no podría hacerlo. No podría dejar

Diploid Love es tu primer disco en cinco años. ¿Por qué decidiste lanzarte en solitario? ¿Por qué no seguir con Spinnerette?

“Mmm… creo que es una cuestión de experiencia. Las canciones que estaban en el disco de Spinnerette fueron bastante agridulces para mí.

Las compuse en un periodo en el que no estaba bien. Así que no sé, quería hacer algo distinto, y lo único que podía hacer era hacerlo por mi cuenta.

Empecé a hacer maquetas, y luego a grabar, y a mitad del proceso fue como ‘¿Y esto qué es?’. No fue nada consciente, simplemente ocurrió”.

Has escrito todos los temas, tocado casi todos los instrumentos y coproducido el trabajo. ¿Cuánto tiempo te llevó? ¿Fue muy distinto a hacer el disco de Spinnerette?

“La principal diferencia es que toqué muchos instrumentos distintos, lo cual fue emocionante, desde baterías a 29

“Funciono por impulsos, y luego tengo que ir a grabar o lo que sea.

Puede ocurrir a las tres de la mañana. Puede ocurrir mientras llevo a mi hija a la escuela. Es algo instintivo, sí”. ¿Escribes primero la letra y luego la música, o al mismo tiempo?

“Normalmente empiezo con un riff y una melodía, siempre”.

sintetizadores. En ‘Meet The Foetus’ toqué todo lo que suena. Fue muy divertido. Me llevó mucho tiempo, pero fue por culpa de mi agenda y la de mi marido”. ¿Cuándo lo empezaste?

“Empecé a componer antes de quedarme embarazada de mi hijo, y ya tiene dos años y medio. Luego me tomé un año libre, así que me llevó un año y medio en total”.

Es que me preguntaba si realmente dejaste la música. ¿Puedes desconectar totalmente, o para ti escribir canciones es algo que te sale de manera instintiva?

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Recuerdo que contaste que en Spinnerette usaste guitarras para simular los teclados y que no había nada de electrónica en ese disco. ¿Usaste un enfoque similar en éste?

“Sí, usamos guitarras que suenan como sintentizadores, pero también hay sintetizadores (risas). Y también hay baterías electrónicas”.

Grabaste en vuestro estudio Pink Duck. ¿Cuál fue el momento más memorable que recuerdas que ocurriera durante las sesiones?

“Supongo que uno que me viene a la cabeza fue cuando Alain estaba grabando algo y encontró una botella de vino que habíamos abierto la noche antes, y todavía le quedaba algo de líquido, y justo sonaba en la misma afinación de la canción, así que grabó la botella de vino (risas).

Eso fue increíble. Fue muy divertido

grabar este disco”.

Normalmente, cuando un músico graba un disco en solitario, tiene tendencia a querer controlarlo todo. ¿Qué influencia tuvo trabajar con Alain? ¿Fue tu primera opción?

“Sí, porque no hay nadie más a quien haya dicho ‘aquí está mi canción, escribe una línea de bajo’.

Siento que su manera de escribir es incomparable a la de nadie más que pudiera pensar. Por algún motivo su cerebro musical y el mío funcionan muy bien juntos. Es muy raro que haga algo y yo diga ‘eso es terrible, no me gusta’ (risas). No ha pasado nunca. Confío muchísimo en Alain”.

Dado el carácter experimental del álbum, ¿ha supuesto un desafío tocarlo en directo?

“No tanto con este disco, pero sí con el de Spinnerette. Fue una pesadilla porque había muchas cosas. Éste es un poco más fácil y además, usamos pistas pregrabadas, porque, ya sabes, a la gente parece que ya no le molesta”.

Shirley Manson de Garbage participa en el álbum. ¿Te costó mucho convencerla o accedió de inmediato?

“Sólo se lo pregunté. Le dije ‘¿Cantarías en mi disco?’, y ella dijo ‘¡Joder, sí!’. Somos buenas amigas. La conozco desde que tenía 20 años.

Les hicimos de teloneros hace años.

Solía ver cómo se maquillaba. Es muy guay. Es una mujer de verdad. Tiene mucho carácter y es súper divertida.

Tiene una visión muy propia de todo.

Y su voz es preciosa”.

¿Qué otros invitados hay?

“Nick Valensi (The Strokes), quien resulta que está casado con una de mis mejores amigas. Tiene mucho gusto tocando la guitarra, creo que está totalmente infravalorado. Le pregunté si podía tocar en dos temas, ‘Rat Race’ y ‘Blood In Gutters’, y dijo que sí. Fue muy modesto, lo cual es divertido”. ¿Hay alguien con quien te gustaría colaborar en el futuro?

“Mmm… No sé… ¿50 Cent? Eso sería interesante (risas). Acaba de fichar por mi sello. Sinceramente, no puedo pensar en nadie… quizás David Bowie. O Patti Smith, Debbie Harry… hay mucha gente, pero nunca he pensado en ello en serio”. ¿De qué manera el título Diploid Love está relacionado con el contenido de éste? “‘Diploide’ es una palabra sinónima de humano. La primera vez que nos convertimos en humanos es con una célula diploide, así que es una manera de decir que trata de asuntos humanos, de emociones, todo eso”.

En el vídeo de ‘Meet The Foetus/Oh The Joy’ tratas asuntos sociales y políticos.

“Bueno, no en la letra, sólo en el vídeo. Es un tema de amor hacia mis hijos”. ¿Te ha cambiado la maternidad como músico?

“No. Sólo cambia cómo puedo hacer música. Ya no puedo dedicarme todo el día a componer, ¿sabes? Tengo que administrar mi tiempo (risas). Pero hasta ahí llega su influencia”.

En el disco hay muchos temas destacables. Una de mis favoritas es ‘Underworld’, donde combinas punk rock con música mariachi. ¿Tuvieron Mariachi El Bronx algo que ver?

“Sí, tocan en ese tema. Escribí la parte de lo vientos, pero a mí me sonaba a algo ruso, no sé por qué.

Era como un coro búlgaro… Pensé ‘¿A quién conozco que sepa tocar eso?’, y los únicos en los que pude pensar fueron Mariachi El Bronx. Así que vinieron y le dieron ese toque mexicano. No era así al principio, pero salió de esta forma”.

Otra que me encanta es ‘Parties For Prostitutes’.

La voz me pone la piel de gallina, y la distorsión en medio es genial. Y el título también. ¿Cuál es su historia?

“Vi el título de camino al estudio.

Hay una iglesia en Buena Vista, en Burbano, y siempre tiene cosas interesantes en su marquesina.

Siempre ponen cosas raras y ese día ponía ‘Fiestas para prostitutas’, y pensé ‘¿Qué coño es eso?’ (Risas).

Así que hice una canción y le puse ese título porque es muy divertido.

Lanzamos el tema hace un par de semanas y estaba mirando internet y salió la web de una iglesia, y estaba relacionada con una cafetería en Florida donde las prostitutas pueden ir a las tres de la mañana para tomar café y descansar. Al parecer había un feligrés y escuchó a dos prostitutas hablando y una se lamentaba de que al día siguiente era su cumpleaños y nadie le iba a preparar una fiesta. Así que el feligrés se acercó al dueño y le propuso montarle una fiesta. Al día

“SHIRLEY MANSON ES UNA MUJER DE VERDAD. TIENE MUCHO CARÁCTER y ES SÚPER DIVERTIDA” siguiente, a las tres de la mañana, le habían montado una fiesta sorpresa y ella se emocionó muchísimo.

Dos años después de escribir la canción por fin he descubierto lo que significaba (risas). Un buen cristiano decidió montarle una fiesta a una prostituta”. ¿Te molesta que la gente siga acordándose de Distillers o que digan que ya no eres punk?

“No me importa lo que diga la gente”. ¿Crees que es posible que algún día se reúna el grupo como han hecho Refused o Soundgarden?

“No lo sé… ¿quién sabe? Quizás.

Generalmente las reuniones no me parecen una gran idea. Fui a ver a Refused y estuvo genial, parecían divertirse mucho. Y también me gustaron los Pixies. Soundgarden no me interesan”.

Cuando nos despedimos, las luces de la tienda ya estaban apagadas y unos 100 fans estaban esperando para verla tocar con su banda. El concierto fue más corto y estuvo interrumpido por una fan que dijo que amaba tanto a Brody que le dolía la vagina. Impagable.

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ARCH ENEMY

(R)EVOLUCIÓN INTERNA Es difícil imaginar a Arch Enemy sin la presencia y los berridos de Angela Gossow, pero sus miles de seguidores tendrán que ir haciéndose a la idea.

La banda sueca reaparece con una nueva cantante y un nuevo álbum, War Eternal, dispuesta a seguir batallando. Texto: David Garcell Fotos: DR

A

mediados de marzo saltaba la inesperada noticia.

Angela Gossow abandonaba Arch Enemy después de 14 años al frente de la banda. Pero al mismo tiempo, sin que sus fans tuvieran tiempo de reaccionar, se anunciaba también quién iba a ser su sustituta, Alissa White-Gluz, procedente de los canadienses The Agonist, y se lanzaba el vídeo de ‘War Eternal’ como anticipo del disco de mismo título que ve la luz el 10 de junio a través de Century Media. Un álbum en el que también debuta el guitarrista norteamericano Nick Cordle, quien en 2012 sustituyó a Christopher Amott. Que la noticia no se hubiera filtrado antes, durante los meses en los que la formación, que sigue contando con Michael Amott (guitarra), Sharlee D’Angelo (bajo) y Daniel Erlandsson (batería) en sus filas, lo estuvo grabando, es un pequeño milagro.

Es una obviedad que los cambios de vocalista suelen ser los más difíciles en cualquier formación pues, casi siempre, además de la voz son también la cara visible de los grupos.

En el caso de Arch Enemy, y a pesar de que Gossow no era la cantante original, quizá aún más dado que el hecho de contar con una frontwoman era una de sus señas diferenciales respecto a otras bandas de death

metal melódico.

Sea como sea, parece que los cambios han ayudado a que el grupo se haya puesto las pilas después de una temporada en que andaban algo acomodados, y los temas que presentan en War Eternal suenan con una nueva vitalidad.

Hace unas semanas tuvimos la oportunidad de comentárselo de viva voz a sus dos protagonistas principales.

A pesar de los cambios de formación, el nuevo disco sigue sonando a Arch Enemy. ¿Hasta qué punto queríais ofrecer algo nuevo, o precisamente por todos los cambios querías no alejaros demasiado de vuestro sonido?

MICHAEL AMOTT “La cuestión era encontrar el equilibrio entre las dos cosas. Creo que lo hicimos muy bien. El disco contiene aquello que hace reconocible a Arch Enemy. Los fans han reaccionado muy bien al single porque suena a nosotros... pero con un giro (risas). Es lo que queríamos. En el álbum hay temas que se adentran en áreas que no habíamos visitado antes, y eso es muy emocionante para mí como compositor. He formado parte de muchos discos, pero en éste hay

cosas que he hecho por primera vez. Como guitarrista creo que he subido a otro nivel, lo cual es difícil cuando llevas mucho tiempo. Pero la colaboración con Nick ha sido muy interesante y han dado lugar a muchas nuevas ideas, aunque sigamos siendo Arch Enemy. Creo

“Por muy brutal y terrible que fuera escuchar a Angela decir ‘ya no quiero cantar en este grupo, quiero dejarlo’, al final fue algo bueno” MICHAEL AMOTT que es un momento muy excitante para el grupo. Alissa tiene su propia identidad y eso también se nota en el disco. Ha hecho un trabajo jodidamente fantástico, así que estoy muy contento con el equilibrio entre elementos tradicionales y los nuevos. Creo que hemos grabado una colección de canciones muy buenas. Cuando escucho el álbum entero, fluye muy bien, es casi como un viaje con una combinación de melodías, partes muy heavies, un sonido profundo que te traga. Quizá es que he fumado algo… pero estoy muy feliz (risas)”.

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ARCH ENEMY Supongo que, después de tanto tiempo, que los acontecimientos te agiten de esta manera ayuda a que no te acomodes. ¿Crees que aunque haya sido un periodo duro puede haber sido beneficioso para el futuro del grupo?

MICHAEL “Desde luego. Por muy brutal y terrible que fuera escuchar a Angela decir ‘ya no quiero cantar en este grupo, quiero dejarlo’, al final fue algo bueno. Era algo que veíamos venir, no fue una sorpresa, pero cuando ocurrió fue muy duro.

Vernos sin cantante nos colocó en una posición muy complicada y nos obligó a plantearnos qué queríamos hacer. Incluso si debíamos seguir adelante. Nos hicimos muchas preguntas... Pero una vez decidimos continuar, fue Angela quien nos sugirió que probásemos con Alissa.

Pensaba que sería una buena opción. Y lo hicimos. Contactamos con ella y vino a Suecia para probar el material antiguo y también para colaborar en nueva música. Incluso grabamos algo con ella. Fueron los pasos necesarios para llegar a donde estamos ahora, pero la verdad es que el año pasado fue 34

una auténtica montaña rusa...”.

Durante este tiempo de incertidumbre, ¿os planteasteis incorporar a un cantante masculino como en vuestros inicios?

MICHAEL “Para serte sincero, en el mismo momento en que Angela nos dijo que se iba, nos soltó el nombre de Alissa. Así que eso ya nos dio una pista de por dónde podíamos ir. Yo sabía que quería hacer otro disco, que quería seguir haciendo música, pero no sabíamos si lo haríamos usando el nombre de Arch Enemy. Pero la verdad es que hubiera sido estúpido renunciar al nombre, ¡porque nosotros somos Arch Enemy! Una vez vimos que funcionaba tan bien con Alissa, ya no nos planteamos ninguna otra opción. La realidad es que no le compramos el billete de vuelta, así que no tenía escapatoria (risas)”.

Alissa, me gustaría saber cómo de familiarizada estabas con la música de Arch Enemy y si te llevó mucho tiempo decidirte a unirte al grupo. Para ti era una apuesta muy fuerte

porque no sólo suponía dejar a The Agonist, sino que tenías que irte a otro continente…

ALISSA WHITE-GLUZ “La verdad es que conocía muy bien la música de Arch Enemy desde Wages Of Sin. De hecho tuve la oportunidad de hacerme amiga de Angela un tiempo después. Cuando me hicieron esta propuesta me interesó mucho porque era una solución que iba a hacer feliz a Angela, feliz al grupo y también feliz a mí. Basada en mi experiencia musical y en la de Arch Enemy, pensé que también era algo que haría felices a los fans.

Sabía que podíamos hacer muy buena música juntos, así que mi decisión fue bastante rápida, pero me gustaría aclarar que no fue mi decisión abandonar The Agonist, sino que fue cosa suya. Mi plan era seguir con los dos grupos. He estado en varios proyectos durante muchos años y sabía que podía combinarlo bien. Es lo que yo quería, pero por desgracia pequé de inocente y me echaron del grupo. Me rompió el corazón porque lo había dado todo por esa banda y me sabía muy mal que los fans pensaran que los había abandonado. Así que quiero que quede claro que se me negó la oportunidad de seguir con ellos.

Pero bueno, estoy feliz porque ahora puedo ofrecerles nueva música con Arch Enemy. Estoy segura que los fans de The Agonist también disfrutarán de lo que hago ahora.

Como decías, era un gran cambio, pero nunca he tenido miedo de los cambios”. ¿Cómo llevas el vivir en Suecia?

ALISSA “Por ahora bien, aunque no

“Cuando me hicieron esta propuesta me interesó mucho porque era una solución que iba a hacer feliz a Angela, feliz al grupo y también feliz a mí” ALISSA WHITE-GLUZ hemos parado de viajar (risas). Soy bastante nómada, así que voy donde me lleve el viento. Es un país bonito, me gusta”.

Aunque The Agonist era una banda dura, era más ecléctica. ¿Cómo fue para ti hacer un disco de puro metal?

ALISSA “¡Me gustó mucho! Pude ser ecléctica, pero de un modo distinto.

A decir verdad, es una de las mejores experiencias que he tenido en el estudio. Había un ambiente muy bueno, con muchas risas. Fue un trabajo en equipo. Es un disco muy interesante y creo que las canciones son muy maduras”. ¿Os pusisteis a componer todo el material juntos o partíais de ideas que igual habíais trabajado previamente con Angela?

MICHAEL “En marzo del año pasado me fui a Estados Unidos a

visitar a Nick, nuestro guitarrista, que vive en Virginia. Estuve dos semanas y trabajamos en mis ideas en su estudio casero. Volví de ahí con cinco canciones, una de ellas el single ‘War Eternal’. Otra fue ‘No More Regrets’, otra ‘You Will Know My Name’. Así que ya estábamos construyendo el nuevo disco en ese momento, pero cuando vino Alissa, se puso a trabajar en las letras y las voces. Nos dividimos el trabajo: ella hizo las letras de cinco temas y yo de otros cinco, pero hemos colaborado mucho juntos”.

Me imagino que una de las dificultades de trabajar con alguien nuevo es aprender a cómo ser respetuoso pero a la vez, dar tu opinión sincera, sin pecar de timidez, ni tampoco ser muy agresivo a la hora de hacer una crítica. ¿Os llevó mucho tiempo encontrar esa química?

MICHAEL “Sé de lo que hablas

(risas). La suerte es que estoy acostumbrado a trabajar con gente distinta, pero era lo queríamos ver en esa primera visita que nos hizo.

Fuimos al local, se había aprendido veinte canciones, y cuando la escuché cantar los temas antiguos, sonó increíble. Cantó ‘Yesterday Is Dead And Gone’, ‘Nemesis’, ‘Ravenous’, ‘My Apocalypse’, y sonaron fantásticas. Vi que tenía una voz increíble y que estaba capacitada de sobras para el directo, pero el próximo paso era comprobar cómo íbamos a trabajar juntos. A veces, cuando colaboras con alguien nuevo, no sabes cómo encajará las críticas, pero es sólo cuestión de conocerse más... Aunque había mucho respeto y enseguida encontramos un terreno común para ser creativos”.

Obviamente los fans y los medios estamos prestando mucha atención a Alissa, pero ¿qué ha supuesto la 35

Los solos no están divididos entre uno y otro, están trabajados conjuntamente, hay muchas armonías y muchos detalles.

Suenan de muerte”.

incorporación de Nick Cordle?

No sé exactamente quién toca qué en el disco, pero los solos de guitarra tienen mucha presencia. ¿Crees que te ha puesto las pilas?

MICHAEL “(Risas) Desde luego.

Con él no puedo relajarme (risas).

Después de volver de grabar las demos en Virginia, se las puse al resto del grupo y me dijeron ‘¿Qué os ha pasado? ¿Habéis tomado crack?’, porque había un montón de solos. Lo único que tomamos fue mucho café (risas). Pero trabajamos 20 horas cada día. Hay muchas guitarras en el disco. He aprendido nuevas técnicas, nuevas escalas…

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Antes has citado ‘War Eternal’, y en apenas unos días tuvo un millón de visionados en YouTube. ¿Os sentisteis aliviados al ver que a pesar de la marcha de Angela, el grupo seguía generando interés?

MICHAEL “Sí, fue muy emocionante. En el mundo del metal los vídeos no llegan al millón en tres días, simplemente no ocurre.

Ver una reacción tan fuerte de los fans, y en su mayoría muy positiva, nos dio mucho ánimo. Pero de lo que tenemos más ganas es de salir a la carretera. Daremos el primer concierto el 23 de mayo”. ¿Vives con nervios ese primer concierto?

MICHAEL “Como ha dicho Alissa en otra entrevista, de lo que tengo ganas es de escuchar ese primer grito en el primer tema. ¡Será el grito más épico de la historia! (Risas) Tenemos preparado un gran show, nuevos temas, un nuevo escenario, nuevos instrumentos, nuevo vestuario (risas). ¡Todo es nuevo!”.

Antes de terminar me gustaría que, Michael, le dijeses a Alissa qué puede esperar de estar de gira con Arch Enemy.

MICHAEL “Creo que sobre todo tendrá que aprender a lidiar con mis chistes malos (risas). Puedo ver el pánico en sus ojos. En serio, creo que ha sido recibida en este grupo con los brazos abiertos.

Haremos todo lo posible para que se sienta cómoda y espero que los fans hagan lo mismo. Esto es lo que Angela quería, lo que el grupo quería y lo que Alissa quería, así que el ambiente es muy relajado, muy amistoso. Todo irá bien. Tendremos que trabajar más que nunca y sé que Alissa tendrá que soportar muchas comparaciones, pero sé que lo llevará bien. La veo muy confiada y nosotros la apoyaremos al máximo”.

Y Alissa, ya que eres amiga de Angela, ¿te ha dado algún consejo especial sobre cómo comportarte o cómo actuar?

MICHAEL “Sólo le dijo ‘nunca hables con los chicos de RockZone’ (Risas)”.

ALISSA “Angela, además de ser mi amiga, es ahora también mi mánager, así que me ha dado muchos consejos. Tenemos una relación personal y profesional. No ha intentado controlarme, pero si tiene una crítica constructiva sabe que puede hacerla. Pero no ha tenido que enseñarme nada, sabe que me las apañaré bien (risas)”.

VERDADES URBANAS

SEX MUSEUM Si hay un adjetivo que pueda definir a Sex Museum es el de incombustibles. Casi 30 años de carrera les contemplan, y como testifica su último trabajo Big City Lies, la gasolina está lejos de terminarse. Texto: JORDI MEYA

E

n Big City Lies (Tritone/ Sony), el decimotercer álbum de estudio de esta institución musical madrileña, sus fans de siempre reconocerán de inmediato esa mezcla de hard rock y psicodelia que a mediados de los 80, con más fuerza que maña, les puso en el mapa.

Sin embargo, más que una vuelta a las raíces o un disco retro, deberíamos hablar de una actualización de su programa. Así lo creen también Miguel Pardo (voz) y Marta Ruiz (Hammond, teclados) de visita a nuestra redacción –la banda la completan Fernando Pardo (guitarra, voz), Javi Vacas (bajo) y Roberto Lozano (batería)-, plenamente inmersos en la gira de presentación del álbum. Este mes puedes cazarlos el 26 de junio en Barcelona dentro de la sesión Stash de Apolo, y al día siguiente en Burgos.

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Foto: DR

¿Cómo habéis llegado al sonido del nuevo disco? ¿Fue consecuencia de la última gira Back To The Fuzz?

MIGUEL PARDO “Sí, ha tenido mucho que ver con la última gira. Te das cuenta de que es un sonido que nos sale de manera mucho más fácil y fluida. Como el espíritu sigue estando y también la actitud y la mala leche, te encuentras tan cómodo en la gira con todo que es lo que te sale. Estás a tope de revoluciones. De hecho, queríamos hacer temas más lentos y no pudo ser, no nos salió”.

MARTA RUIZ “Sobre todo el batería y el bajista, que son los que siempre hemos ido cambiando, son los que más poso añaden. Nosotros llevamos una evolución, pero cada miembro que viene aporta su toque en la época que esté. El meterlos en la gira del

Back To The Fuzz, donde volvimos a nuestras canciones primeras, les gustó y le pillaron el rollo. A la hora de componer quisimos aprovechar esa inercia.

No es que quisiéramos componer con una mentalidad antigua, pero sí esa manera de tocar más de grupo”.

MIGUEL “Lo que más nos costó de esa gira fue quitarnos el ‘vamos a tocar como antes’. Son unas pedazo de canciones, pero aquello era una época de aprendizaje y ahora es una época de desarrollo. Las canciones ahora sonaban como realmente hubiésemos querido que sonasen entonces, pero éramos demasiado chavales (risas)”.

Para un grupo como el vuestro, que ha ido experimentando, ¿llega un momento en el que dices ‘esto es lo que soy y esto es lo que hago’?

“Para nosotros la crisis es la realidad. Hay que ser menos materialista” MARTA RUIZ

MIGUEL “Tampoco puedes encontrar una ropa que te gusta y ponerte cada día la misma camisa y el mismo pantalón”.

MARTA “Nosotros hemos ido arriesgando, evolucionando. Nuestros mayores fans siempre que sacamos un disco dicen ‘lo siento, pero de entrada no me gustaba, me esperaba otra cosa’.

Ahora hemos encontrado un punto de frescura dentro de nuestro estilo”.

MIGUEL “Algo muy importante es el punto de confianza de cada uno con el resto de miembros. A la hora de componer ya no impones una canción, ya sabes que lo que hagan los demás te va a gustar. Sabes que vas a sonar a Sex Museum. Puedes hacer cualquier cosa que va a sonar a Sex Museum”.

Os quería preguntar también por esta relación incestuosa entre vosotros, Coronas, Corizonas… ¿Cómo os ha afectado eso?

MARTA “Ha tenido muchas fases. Al

principio es más como una infidelidad.

Luego entiendes que todo te aporta, todo te ayuda a crecer y ahora somos complementarios. Yo creo que Sex Museum es como el árbol de donde sale todo. Compartimos el local, músicos, podemos hacer proyectos juntos.

La verdad es que es algo que necesitamos para sobrevivir”.

MIGUEL “Para nosotros lo más importante es dedicarnos a la música y sabemos que en España, donde nosotros tenemos el foco puesto, no es un sitio donde venga el dinero. De hecho es bastante improbable. Así que hay que hacer diferentes cosas para ir manteniéndote. Pero todo tiene una coherencia muy grande. No es que de repente un grupo sea rockero y luego otro sea el más indie del mundo, o luego me tengas a mí haciendo canciones pop”.

Uno de los aspectos a destacar de vosotros es que siempre habéis tenido mucha mentalidad de currante, sin lamentaros.

MARTA “Nosotros hemos hecho un poco de todo para compaginar y poder vivir del grupo. Por ejemplo Fernando y yo, que somos los dos músicos, sin tener una red, tenemos la mentalidad de siendo coherentes, abarcar el máximo posible. Y no dejamos de currar. No tenemos vacaciones, no tenemos una doble vida. Lo que hay es lo que aparece y mientras podamos lo vamos a dar todo. Ha habido veces con Sex Museum que ves que no hay salida. A lo largo de 30 años hay épocas que fluye más y la gente se junta, y otras que estás solo”.

MIGUEL “Y lo peor es que a veces dentro del grupo la gente se desmoraliza y se nos va. Pero tenemos una ventaja muy grande, y es que somos

más críticos que la mayoría de la gente. Sabemos que para hacer algo que esté bien, tienes que trabajarlo mucho. Hay épocas que tendrás más público o menos, más suerte o menos, pero sabes que artísticamente es algo que merece la pena. A veces te pilla la ola, y a veces te arrastra la resaca para atrás”.

Después de tantos años, estaréis acostumbrados a vivir en la incertidumbre…

MARTA “Llevamos una vida sui generis. Yo no tengo nada domiciliado y voy pagando todo al día. Hoy en día hay mucha gente que lo hace así, y si eres autónomo, todavía más. A nadie nos regalan nada, ni tenemos un fondo debajo del colchón. Hay que saber apañarse con poco, reciclar mucho, mantener el mismo peso para que te entre la ropa (risas). Para nosotros la crisis es la realidad. Hay que ser menos materialista”. ¿Habéis sentido que tanto el público como los medios han dado por hecho que siempre vais a estar ahí, y quizá eso hace no se os valore lo suficiente?

MARTA “Yo lo que espero es que no haya quien espere que nos separemos para lamentarse y luego se lleve la pasta otro (risas). Nunca se sabe cuándo puede ser el último concierto”.

MIGUEL “A veces nos han dicho que nos tendríamos que haber separado para volver a reunirnos. ¡Vaya gilipollez! ¿Tú sabes lo que he vivido y disfrutado durante todo este tiempo?”.

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Int eriores Ext eriores Menos viscerales y mĂĄs introspectivos que sus compaĂąeros de batalla, La Dispute han conseguido atrapar la mente y los corazones de sus seguidores como en los 90 lo hiciera la primera ola del emocore. Objetivo cumplido.

Texto: Jordi Meya Fotos: DR

LA DISPUTE

E

n pocas bandas actuales las palabras son tan importantes como para La Dispute.

Las letras de Jordan Dreyer, en las que analiza de manera minuciosa situaciones cotidianas y sentimientos universales, podrían funcionar como relatos cortos por sí solas. Que además vengan, más recitadas que cantadas, sobre un elegantísimo y dinámico post hardcore creado por él mismo y sus compañeros, Chad Sterenberg (guitarra), Adam Vass (bajo), Brad Vander Lugt (batería) y hasta hace poco Kevin Whittemore (guitarra), es todo un lujo. En activo desde 2004, el grupo originario de Grand Rapids, Michigan, ha conseguido con extrema modestia y mucho trabajo convertirse en uno de los nombres más destacados de esa nueva escena formada por Touché Amoré, Pianos Become The Teeth, Balance And Composure o Title Fight y, como ellos, reciben elogios de aficionados y medios que normalmente orientan su atención hacia otro tipo de estilos. Su anterior trabajo Wildlife (2011) acabó en muchas listas de los mejores discos del año y durante el siguiente, el grupo rodó por todo el mundo, aunque por desgracia España quedó fuera de su itinerario.

Tan intensa fue la gira que, al terminarla, los componentes de La Dispute necesitaban oxigenarse antes de emprender la tarea de componer su tercer disco. Alguno, como Vander Lugt, llegó al extremo de mudarse a Australia. Por suerte, al cabo de unos meses volvieron a reunirse para confeccionar Rooms Of The House, grabado junto al productor Will Yip (Polar Bear Club, The Wonder Years),

y que hace tres meses publicaban ellos mismos a través de su sello Better Living. Aun conservando el punto introspectivo de sus predecesores, este tercer álbum supone una experiencia menos exigente para el oyente y temas como ‘First Reactions After Falling Thorugh The Ice’, ‘Scenes From Highways 1981-2009’ o ‘For Mayor In Splitsville’ se encuentran entre lo más accesible que nunca han grabado.

Ojalá que, esta vez sí, podamos catarlas en directo. ¿Hasta qué punto os cambió la vida la repercusión que tuvo Wildlife?

ADAM VASS “Sinceramente, no creo que lo hiciera. Esta banda empezó tocando en sótanos y, aunque yo entré más tarde, no creo que las cosas hayan cambiado demasiado. Lo único es que lo hacemos todo a una mayor escala”.

Después de la última gira, creo que sólo Jordan permaneció viviendo en Grand Rapids. Todos los demás os esparcisteis por diferentes lugares. ¿Necesitabais un respiro para volver a inspiraros?

“Habíamos estado girando mucho durante tres años y llegó un momento en que teníamos que parar. En la carretera adquieres una rutina, básicamente conducir, dormir y tocar.

Apenas queda tiempo para nada más. Mentalmente no estás listo para componer, prácticamente no lo estás para nada, de hecho. Necesitábamos limpiar la mente y coger aire antes de iniciar el proceso. Por eso nos asignamos un tiempo específico para componer. Nos fuimos un mes a una

cabaña en Michigan, bastante alejada de todo para no distraernos con cosas de la vida diaria”.

Muchos grupos parecen hacer eso, pero resulta sorprendente que después de estar juntos de gira todavía os queden ganas para encerraros a componer. ¿No os entra claustrofobia? “(Risas) La verdad es que a mí me ocurre siempre que estoy en un mismo sitio por más de dos días. Incluso si estoy en casa (risas). No me gusta la rutina, necesito hacer cosas nuevas constantemente para no aburrirme.

Estar durante 31 días únicamente viendo a los otros del grupo me volvió bastante loco. Hubo días en que no lo soportaba (risas). Pero entre la gira y la composición tuvimos bastantes meses para que cada uno recobrara su propia vida. Eso nos fue muy bien”.

Vuestros discos siempre tienen un aire conceptual.

Me gustaría saber qué va primero, si el concepto o la música.

“Casi siempre empezamos con el concepto. Tenemos una idea vaga de lo que queremos hacer con la música, y a partir de ahí, empezamos a construir las canciones. Una vez tenemos un par de temas, revisamos el concepto, refinamos las letras y todo el proceso se vuelve más específico. Para nosotros componer es un constante viaje de ida y vuelta entre el concepto y la música hasta que finalmente queda todo ajustado”.

Las palabras son muy importantes en vuestras canciones. ¿Dirías que dedicáis el mismo tiempo a escoger las 41

LA DISPUTE

suele hacer (risas)”.

palabras adecuadas que las notas?

“Bueno, eso es faena de Jordan, pero viendo el tiempo que le dedica él y el que le dedico yo, está claro que él le pone muchas más horas (risas). Hace un montón de revisiones de las letras porque no sólo se trata de que encajen en la canción, sino de hacer llegar el mensaje que quiere. Tiene un espacio limitado y además, tiene que sonar bien, así que es realmente difícil”.

La manera en la que Jordan canta es muy especial. Su manera de recitar casi parece que marque el ritmo de las canciones. ¿Lo ves como un elemento más de la sección rítmica?

“Creo que es más bien al revés. Brad y yo trabajamos los ritmos de manera muy meticulosa, de manera poco convencional, así que Jordan es quien se adapta. Por lo general es él quien nos sigue, pero es una integración muy especial y también me permite hacer cosas con el bajo que normalmente no se hacen”.

El disco trata sobre la relación entre las personas y los espacios que habitan, los 42

recuerdos y los objetos. Siendo gente que siempre estáis en movimiento, ¿hasta qué punto el disco es personal o es ficción lo que se cuenta en él?

“Es una combinación de los dos.

Es ficción ligeramente basada en la realidad. Jordan escribe sobre él, sobre alguien del grupo, pero también sobre gente que conoce desde su perspectiva, pero luego utiliza su imaginación para dramatizar la historia que se cuenta en el disco”.

El nuevo álbum es más directo, más accesible. En algunos momentos incluso se parece a una banda como Pavement. “¿Has dicho Basement?”.

No, Pavement.

“Ah, es que vivo con uno de los guitarristas de Basement. Alex (Henery) es mi compañero de piso”. ¿De verdad? “(Risas) Sí, sí. Es una curiosa confusión porque lo cierto es que le escucho tocar la guitarra constantemente y quizá inconscientemente me ha influido. Me encanta cómo toca y ahora que ha salido a colación, quizá he hecho algunas cosas que él

Mucha gente os ve como un grupo que podría haber salido de la escena emo de los 90. ¿Dirías que fue una época especial para vosotros o la que definió vuestros gustos?

“Es un honor que se nos compare con grupos de esa época porque muchas de ellas todavía tienen un legado muy potente y son muy influyentes veinte años después. Pero diría que nuestras influencias no vienen directamente de esos grupos, sino que los descubrimos retrospectivamente. Yo acabé el instituto en 2006…”.

A veces se olvida lo jóvenes que sois…

“Sí (risas). Así que la música que escuché primero fue la de los 2000, con bandas como Glassjaw o Thursday. Fue a raíz de que me gustaran ésas que me pregunté qué bandas les habrían influenciado a ellos y empecé a buscar. Fue así como descubrí los 90. No escuchaba a Fugazi cuando era un adolescente, pero sí lo hago ahora. Y está bien, porque creo que ahora puedo apreciarlos más que cuando era un mocoso. Así que todas esas bandas nos han influenciado indirectamente, pero las apreciamos mucho”. ¿Te da miedo que si el grupo sigue creciendo se pierda esa conexión tan especial con vuestro público?

“Es algo en lo que desde luego he pensado, pero por el momento no he visto que corra peligro, lo cual es alentador. Es difícil predecir qué pasará, pero creo que si no se ha roto hasta ahora, ya no creo que pase. Es

uno de los aspectos más poderosos de este grupo, o de cualquier otro combo en el que haya estado. Pero todo esto ha sido una coincidencia, no es lo que planeábamos cuando escribimos las canciones. Sinceramente, creo que siempre será parte de la banda”.

Cuando se produce este tipo de conexión tan fuerte, muchos fans creen que conocen cómo son los miembros del grupo a partir de la imagen que se han creado, pero obviamente, las personas y las obras que producen no son una misma cosa. ¿Os habéis encontrado en alguna situación curiosa debido a esto?

“Es curioso, pues justo hace un rato estábamos hablando de ello. Es muy extraño que la gente asuma cosas de ti sin conocerte. Pero para mucha gente descubrir a través de la música que hay otras personas que se sienten igual que ellas les ayuda mucho. Es un sentimiento muy satisfactorio saber que ayudas a alguien, pero al mismo tiempo, cuando alguien se me acerca piensa que soy como ellos, o que por hacer esta música tengo respuesta a sus problemas, y definitivamente no es el caso. A veces es frustrante porque no sé ni qué decir, aunque intento llevarlo lo mejor que puedo”.

Quería preguntarte por The Wave. Soy un gran fan de las bandas que la formáis y me gustaría saber cuál es vuestra relación actual con el resto.

“No sé, todo empezó como una broma y luego se hizo público y no sabíamos qué decir cuando nos preguntaban por ello (risas). En ese

sentido The Wave no existe. Pero tenemos relación. Yo hago de tour manager para Pianos Become The Teeth, trabajo para ellos y son mis mejores amigos. Ellos están en Baltimore y yo en Boston, sólo a una hora de avión, así que muchos fines de semana me voy a verles. Defeater también viven en Nueva Inglaterra, así que les veo de vez en cuando.

Solía compartir piso con Mike de Make Do And Mend. Y cada verano voy a California y veo a los chicos de Touché Amoré, así que todos seguimos siendo grandes amigos y creo que lo seguiremos siendo aunque no seamos músicos”.

Ahora son cuatro

Un par de días antes de nuestra entrevista, La Dispute emitían un comunicado para anunciar la salida de su guitarrista Kevin Whittemore, quien acabaría dando su último concierto con el grupo el pasado 14 de abril. Su marcha ha despertado algunas dudas sobre el futuro del grupo, y por eso le pedimos a Adam Vass que nos diera su opinión sobre esta baja. “Sabíamos desde hacía tiempo que iba a ocurrir. Creo que fue en enero cuando nos lo dijo. Todavía no había salido el disco y estábamos de gira, así que no había prisa por anunciarlo. Pero todavía seguimos de gira y realmente no nos hemos planteado qué haremos en el futuro. Es algo que tenemos que descubrir. Los cuatro que seguimos en el grupo estamos muy seguros con seguir adelante y no creo que nadie quiera dejarlo. Tanto si incorporamos a alguien más como si seguimos sólo los cuatro, el grupo seguirá siendo el mismo. En todo caso, será

Habéis editado el una transición fácil”. disco con vuestro sello Better Living. gente que lo hemos creado. Por ahora ¿Es una manera no queremos sacar álbumes de otros de tener mayor control? porque aún no estamos preparados, “Creo que tenemos un mayor control, pero es algo que hemos considerado. lo cual es bueno, pero también Quizá cuando sepamos cómo llevar significa mucho más trabajo (risas). mejor el sello lo haremos. Me gusta Cuando estaba en el avión volando tener nuevas responsabilidades más hacia aquí, no he parado de pensar allá de simplemente tocar. Para mí el en todas las cosas que tenía que sello es una manera de entrar en la hacer. Es algo que siempre habíamos vida adulta (risas)”. querido hacer y cuando se presentó la oportunidad decidimos arriesgarnos y dar el paso. Hasta ahora todo ha ido bien, porque todo el plan de negocio de este disco está pensado por la

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Extrema Crudeza

THE BIRDS OF SATAN

Vallenfyre

Si con su primer álbum bebían del espíritu de los pioneros en el metal extremo, su segundo trabajo Splinters es la culminación de los distintos estilos en su forma más radical. El principal mérito de este proyecto paralelo de Greg Mackintosh, guitarrista y compositor en Paradise Lost, es haber conseguido, no sólo retomar el sonido sucio y directo que caracterizó a una época, sino llevarlo al límite.

Texto: Laura Clavero Fotos: DR

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ntrevistando hace un tiempo al cantante de Paradise Lost, Nick Holmes, tuve la sensación de que, aunque todavía disfrutaba de su trabajo, había perdido parte de la pasión que se le presupone a un músico por su oficio. Imagino que es difícil mantener la misma ilusión a lo largo del tiempo, especialmente cuando los músicos se embarcan en giras interminables que les mantienen alejados de sus familias o amigos y, por qué no decirlo, se van haciendo también mayores. Hoy en día tocar en 44

un grupo viene siendo como cualquier trabajo, por mucha pátina de glamour que queramos darle al asunto. Puede acabar por provocar cierto hastío e incluso derivar en pérdida de capacidad creativa o emoción. Tras escuchar por primera vez a Vallenfyre, recuerdo que mi sensación fue precisamente la opuesta. La superbanda de death metal liderada por Greg Mackintosh es justamente un ejemplo de cómo un músico es capaz de recuperar la pasión volviendo a sus orígenes. Y, de paso, disfrutar de una segunda juventud haciendo el bruto con sus

colegas. Mejor aún si entre esos amiguetes se encuentran nada menos que Hamish Glencross (My Dying Bride), Scoot (Doom, Extinction Of Mankind) y Adrian Erlandsson (At The Gates, The Haunted, Paradise Lost).

Vallenfyre es el resultado de una especie de terapia que decidió llevar a cabo Mackintosh. Cuando a finales de 2009 su padre murió a causa de un cáncer fulminante, él empezó a canalizar su dolor componiendo. Después de eso, sólo hizo falta convencer a algunos ilustres compañeros para conseguir dar vida al proyecto. Una

este segundo álbum, ¿crees que el proyecto se ha convertido en algo independiente de tus sentimientos personales?

GREG MACKINSTOSH “Sí, definitivamente. Creo que todo empezó a cambiar cuando dimos los primeros conciertos después del primer disco. Por eso también tomamos la decisión de grabar otro. Se transformó de algo horrible y triste a algo positivo, algo con lo que divertirse”.

banda que nos traslada a los sonidos primitivos del death, el crust y el doom metal con los que creció el propio Greg.

Hablamos con Greg Mackintosh para que nos cuente cómo mezclar doom abrasivo, death metal old school en su vertiente más cruda y algo de grindcore para elaborar una receta perfecta. La que encontramos en su última obra, Splinters (Century Media).

Empezaste Vallenfyre como una forma de terapia durante un momento de duelo. Con

“Con Paradise Lost todo está muy ensayado, muy pulido, pero con Vallenfyre es como no saber qué va a pasar, disfrutar del momento”

Greg Mackintosh ¿Cómo te sientes convertido en frontman por primera vez?

“El primer concierto fue muy extraño.

Me costó dos o tres canciones hacerme a la idea de estar allí en el escenario sin una guitarra. Después de un tiempo, lo cierto es que estoy bastante cómodo y cada concierto me siento más y más a gusto. En realidad no damos muchos, así que cada uno de ellos nos lo tomamos como una especie de ‘sábado noche’. Es como una gran fiesta en la que intentamos disfrutar tanto como podemos. Normalmente nos tomamos unas cuantas copas antes de salir al escenario (risas)”.

Splinters suena más agresivo y extremo. Da la sensación de que has dado un segundo paso en ese proceso, de la tristeza a la rabia.

“Diría que es un comentario triste.

No es exactamente cierto, aunque entiendo a dónde quieres ir a parar en relación a las etapas del duelo.

Creo que el álbum muestra más rabia, pero los temas son mucho más variados. El primer disco trataba más sobre la pena, pero en éste hay sólo dos o tres canciones que hablen de ello. Las otras tratan sobre la sociedad en general, la enfermedad mental, las adicciones y cosas similares. Son temas sobre los que tengo sentimientos fuertes. A veces sientes rabia o frustración hacia situaciones que desearías que se pudieran evitar en muchos ámbitos, incluso en mi propia vida”.

A lo mejor ahora entiendes mejor la situación de Nick Holmes...

“Claro, sobre todo entiendo que para hablarle al público es mejor llevar unas copas encima (risas)”.

¿Sientes aún esa frustración o la música te ayuda?

“Sí, es bueno sacarla fuera. El primer álbum era como si me hablara a través de mis propios sentimientos o algo así. Este último es más como intentar asimilar ciertas cosas. Sacarme eso del pecho”.

Imagino que aun así te seguirás sintiendo más cómodo con la guitarra.

“Probablemente. Tocar la guitarra es algo que llevo haciendo desde hace mucho tiempo, pero después de unos cuantos conciertos con Vallenfyre he aprendido hasta dónde puedo llegar,

¿Eres tímido, quizás?

“No, no más que cualquiera. Es algo que hago para disfrutar de todo el proceso, para ponerme a tono”.

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“Creo que es bueno que la gente se haya dado cuenta de que es mejor hacer las cosas a tu manera.

No importa que sea perfecto. De hecho, los discos con los que yo crecí estaban llenos de imperfecciones”

Greg Mackintosh lo que puedo hacer y qué no a nivel vocal. Creo que me siento cómodo tocando, pero me resulta muy excitante cantar. Con Paradise Lost todo está muy ensayado, muy pulido, pero con Vallenfyre es como no saber qué va a pasar, disfrutar del momento. Eso es lo que lo convierte en más excitante. Es definitivamente más salvaje”.

A veces hablas con músicos que llevan muchos años de carrera y te das cuenta de que han perdido su pasión por la música en el camino. ¿Funciona Vallenfyre como un antídoto para recuperar el espíritu entusiasta que tenías al inicio de tu carrera?

“Ciertamente ayuda. Me recuerda por qué empecé en la banda, en primer lugar. También restaura mi fe en los fans de la música y en los críticos musicales. Estamos en una posición en la que no tenemos que convencer a nadie, no hay expectativas. Simplemente sacas algo, ves lo que ocurre, pero no te preocupas realmente de lo que pase después. Es algo genial no tener esa especie de historia pesando tras de ti”. ¿No tienes miedo a decepcio46

nar, entonces?

“Quiero que a la gente le guste el disco, pero no es la razón por la que estoy haciendo esto, en absoluto. No existe un motivo comercial. Si existiera, haría un disco más accesible”.

Y volviendo al tema del entusiasmo… ¿Alguna vez te has sentido hastiado con tu trabajo como músico?

“Puede, pero normalmente tiene más que ver con el hecho de viajar. Lo que menos importa es subir al escenario cuando no has comido o no has dormido. Eso pasa a veces. Hicimos un tour por Sudamérica con Paradise Lost. Los conciertos fueron geniales pero el viaje fue una locura. Dormíamos sólo una hora al día. Básicamente teníamos un vuelo cada noche y un concierto al día siguiente. Bajábamos del escenario para ir a un aeropuerto, llegar y volver a tocar. Fue bastante duro, pero sólo fue una semana de nuestra vida, así que lo asumes y tiras adelante. Nos costó dos semanas recuperarnos cuando volvimos”.

Tuvo que ser agotador. ¿Te sientes rejuvenecido volviendo a tus raíces en el metal?

“Podría decir que me siento revitalizado. Alguna gente confunde lo que intentamos hacer con Vallenfyre. No trato de copiar lo que se hacía en la escena durante los 80 y principios de los 90, lo que intento es capturar el sentimiento. Fue un momento muy emocionante. Cuando me metí en el metal fue cuando surgieron las primeras bandas grindcore, las primeras de crust, las primeras death metal… La gente no había escuchado nada igual, era muy excitante, así que intento capturar eso en el contexto actual”. ¿Y cómo ves la escena actual?

“En los últimos dos o tres años ha vuelto a mejorar. Al menos en el metal extremo, porque en general la escena musical es bastante horrible con todos esos concursos de talentos (risas). El metal extremo ha mejorado porque la gente se ha cansado de que todos los grupos suenen igual y que todos intenten sonar perfectos. Es aburrido. Creo que es bueno que la gente se haya dado cuenta de que es mejor hacer las cosas a tu manera. No importa que sea perfecto. De hecho, los discos con los que yo crecí estaban llenos de imperfecciones”.

Después de escuchar Splinters

pensé que lo debíais haber pasado muy bien grabándolo.

En especial Adrian, que tuvo la oportunidad de desfogarse con la batería. ¿Cómo fue el proceso?

“Todos vivimos en una casa durante tres meses en Salem, Massachusetts.

Estaba literalmente al lado del estudio. Íbamos ahí sobre las diez de la mañana y pasábamos unas doce horas. Las canciones ya estaban escritas antes de entrar al estudio, pero intentamos improvisar algunas cosas. Queríamos que el disco tuviera un punto espontáneo, de directo. Especialmente Adrian hizo muchas cosas que no estaban en las demos. Le encanta la espontaneidad, así que se dejó ir. Hubo un ambiente muy majo”.

los límites. Los temas lentos son más lentos, los cañeros son más cañeros, más rabiosos. Diversificamos nuestras influencias. Que subiera y bajara. Tenemos un tema doom de 7 minutos y luego pasa a un tema grindcore de 1 minuto, cosas así. También queríamos insuflarle un poco más nuestra personalidad. Que cuando lo escucharas a los 20 ó 30 segundos ya supieras que somos Vallenfyre y no una banda genérica de death metal. No sé si lo hemos conseguido, pero desde luego lo buscábamos. Kurt nos ayudó a ello, su manera de producir consiste en capturar la excitación del momento. Si cometes un error no importa, porque es mejor que parar la grabación y hacer un apaño. Lo único que consigues si haces eso es un sonido mecánico”.

Teniendo en cuenta que todos sois amigos, ¿hubo tiempo para divertirse o fue todo muy profesional?

“No, nos divertimos. Estábamos doce horas trabajando, pero luego cuando acabábamos a las diez de la noche nos íbamos al bar a emborracharnos.

Bebimos demasiado. Cuando volví necesité un par de semanas de rehabilitación. Al menos los americanos saben hacer buena cerveza ahora, no como antes (risas)”.

Como decías, lo que más me ha sorprendido es esa diversidad entre distintos estilos de metal. Es una mezcla muy especial.

“En cierto modo refleja cómo yo escucho música. No escucharía una hora de grindcore por placer. Prefiero escuchar uno o dos temas y luego escuchar algo de doom. Es algo casi más para nosotros que para el oyente”.

De un disco a otro habéis conseguido un sonido más personal y eso os ha dado una identidad más definida. ¿Tuvo vuestro productor Kurt Ballou algo que ver con ello?

“Kurt nos ayudó a materializar lo que nosotros queríamos hacer. Teníamos varias cosas en mente. Por ejemplo, queríamos que fuera un disco más diverso y extremo al mismo tiempo. Rebasar

¿Se supone que el grupo te permite tomarte como unas vacaciones de Paradise Lost?

“Bueno, al principio se suponía que ni iba a ser un grupo... Luego convencí a algunos amigos para que se unieran y todo fue tomando forma. Entonces pensé que estaba bien porque me permitía un espacio para respirar.

Puedo hacer lo que sienta que me apetece, simplemente”.

taras para tocar en la banda que te dijera que no?

“Inicialmente Jeff (Walker) de Carcass iba a estar en él, pero luego Carcass se reunieron y no pudo ser. Fue uno de los primeros en involucrarse, pero claro, luego vio que no tendría tiempo. Y al principio también Nick (Holmes) de Paradise Lost iba a meter algunas voces, pero no quería hacer voces death metal. Además, cuando escribí las letras vi que eran demasiado personales como para que las cantara otro, así que lo hice yo”.

Debe de ser complicado poder organizar una gira con Vallenfyre teniendo en cuenta las agendas con vuestros respectivos grupos...

“Sí, porque Adrian está como en cinco bandas y Scott también tiene algunas (risas). Es complicado. Tenemos un calendario donde ponemos todas las fechas libres de todos. Ahora haremos una pequeña gira americana y algunos festivales. Desde luego, queremos tocar más que con el primer disco.

Pero somos gente bastante pesimista, así que primero queremos que salga el disco y ver si le gusta a la gente”.

Pero si a la gente le gusta mucho, ¿hasta dónde te gustaría llevar este proyecto?

“Por ahora no tengo planes de hacer otro disco, pero nunca se puede decir nunca. Me gustaría dar algunos conciertos, pero no quiero hacer una gira como tal. Para mí el objetivo es divertirme, no quiero que se convierta en un trabajo”.

¿Hubo alguien a quien invi47

LINKIN PARK

Eran muchos los antiguos fans de Linkin Park que se habían ido distanciando a medida que el grupo experimentaba con nuevos sonidos. The Hunting Party, su sexto y más guitarrero trabajo, debería servir para que la reconciliación se hiciera realidad. Nos reunimos con ellos en Los Ángeles para descubrir los entresijos de su creación. Texto: Jorge Del Pinal Fotos: DR

UN PASO MAS CERCA

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arece increíble que Linkin Park lleven cosechando éxitos desde que en el año 2000 publicaron su debut Hybrid Theory. Mientras la mayoría de sus contemporáneos del nu metal han quedado olvidados, Linkin Park han sido capaces de sobrevivir a través de cinco discos de estudio, y tres más de colaboraciones y remixes. El grupo, que sigue estando formado por Chester Bennington (voz), Mike Shinoda (voz, guitarra, programación), Brad Delson (guitarra), Dave Farrell (bajo), Joe Hahn (teclados, programación) y Rob Bourdon (batería), ha encontrado la manera de conectar nuestra rabia colectiva con sus letras, al mismo tiempo que enfatizaba sus emociones a través de distintas influencias del rock, el rap y la electrónica. Con la ayuda y guía de dos superproductores como Don Gimore y Rick Rubin, el grupo ha cosechado megahits como ‘In The End’, ‘What I’ve Done’, ‘Numb’, ‘New Divide’ o ‘Crawling’, y es posiblemente la última banda de rock que puede contar sus ventas de discos por decenas de millones.

Pero en los últimos años Linkin Park parecían haberse sumergido cada vez más en la electrónica. En su anterior disco Living Things de 2012 tenían más peso los sintetizadores que las guitarras, algo que no gustó demasiado a gran parte de sus fans, aunque igualmente ocupó el número 1 de las listas Billboard. Su disco de remix del año siguiente, Recharged, aún estaba más influenciado por el EDM y el año pasado colaboraron con Steve Aoki. Teniendo en cuenta el éxito de Skrillex o Daft Punk, hubiera sido fácil imaginar que el grupo aún

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hubiera ido más en esa dirección para su nuevo disco, The Hunting Party (Warner), que se publica el 17 de junio. Pero en lugar de eso el grupo ha optado por dar un vuelco a su sonido, e ir a contracorriente de la tendencia que marca el mainstream, ofreciendo algo más duro y rabioso.

El pasado 9 de abril nos encontrábamos con Chester Bennington y Rob Bourdon en el ático de un hotel de moda en el Sunset Strip de Los Ángeles. El cantante apenas podía contener su emoción cuando hablaba de The Hunting Party, mientras que el batería se mostraba más calmado, pero igual de confiado respecto a su nueva obra.

En ese momento el disco todavía no estaba del todo terminado, pero la banda no podía esperar a que todo el mundo pudiera escucharlo. Incluso bromearon que si fuera por ellos, me darían una copia provisional para que me la llevase a casa. Antes de la entrevista, tuve la oportunidad de catar media docena de temas en una habitación habilitada para los medios, y la primera impresión fue más que buena. El primer single del álbum, ‘Guilty All The Same’, con la colaboración del legendario rapero Rakim, ofrece más músculo que ninguna de sus últimas creaciones y es lo más cercano que han estado de llenar el hueco que dejaron Rage Against The Machine. ‘Rebellion’, con Daron Malakian de System Of A Down y ‘All For Nothing’ con Page Hamilton de Helmet tienen una energía casi punk. ‘Wastelands Of Today’ ofrece una visión sombría del mundo con guitarras metal y un doble bombo de fondo. ‘Keys To The Kingdom’ es el tema más hip hop, con Mike Shinoda casi canalizando

“Sabíamos que queríamos hacer un disco más agresivo, era lo que nos apetecía de verdad, pero no podíamos quejarnos o criticar las mismas cosas que cuando hicimos Hybrid Theory. Ya no somos los mismos” CHESTER BENNINGTON la chulería del rapero Kendrick Lamar, mientras que ‘Until It’s Gone’ es un tema más lento y parecido a los Linkin Park de antaño. Como el mismo Mike Shinoda advertía en una entrevista previa, con The Hunting Party no quieren competir con Botch o Meshuggah en términos de dureza, pero sí es lo más cañero que han grabado en mucho tiempo.

Este endurecimiento del sonido puede explicarse por su decisión de haber tomado el control.

Mike Shinoda y Brad Nelson han producido el disco ellos mismos, sin apenas influencia externa, y sólo en ‘Wastelands Of Today’, uno de sus doce temas, contó con la supervisión del productor de Green Day, Rob Cavallo. Por sorprendente que parezca, éste es también su primer trabajo con material nuevo que cuenta con colaboraciones de otros músicos.

Y por lo que nos contaron, podría haber más en el futuro. Mientras eso llega, disfrutaremos con esta vuelta de Linkin Park al buen camino.

Hola chicos. Hace un rato he tenido la oportunidad de

escuchar algunos de los temas nuevos…

CHESTER BENNINGTON “…Y los odias (risas)”.

No, me han gustado mucho (risas). Me gusta vuestra música desde que iba al instituto. Recuerdo que os vi en la gira del primer disco y escuchar el nuevo álbum me ha recordado a esos tiempos. Es algo que no me había ocurrido con los últimos discos…

CHESTER “Sí, es distinto. Me alegro de que te sintieras así”.

Empezaré con una pregunta fácil: ¿Por qué el disco se llama The Hunting Party?

CHESTER “Cuando estábamos pensando títulos para el disco, uno de los que nos hacía más gracia era Carnivores. Era como si encajara perfectamente lo que sentíamos en el grupo y lo que era el álbum, del

mismo modo que Hybrid Theory encajaba con el grupo en su momento. Era una manera de decirle a la gente cómo sonaba el disco porque era más crudo y agresivo, pero después nos dimos cuenta que quizá nos describía la complejidad, la técnica y la intención de la música.

Explicaba la parte más instintiva del disco, pero no su totalidad. Y ahí es donde salió The Hunting Party. Sigue teniendo una naturaleza agresiva porque la idea es reunir a gente para matar algo (risas), pero sugiere más cosas. Y lo que hemos hecho es guardar el nombre para el Carnivores Tour, la gira que haremos este verano (en la que les acompañarán Thirty Seconds To Mars y AFI –ndr.). Porque ahí sí que la agresividad y la fuerza será muy importante. El nombre era demasiado bueno para dejarlo pasar (risas)”. ¿Soléis darle muchas vueltas a los nombres de las canciones?

CHESTER “Carnivores podría haber sido el nombre de una demo y normalmente es fácil encontrar nombres muy chulos para los temas, pero luego, cuando empiezas a escribir las letras y si la letra no tiene nada que ver con el título, a la gente le cuesta más indentificarse.

Es muy raro. Si titulas una canción ‘Velvet Rush’, pero luego no aparece para nada en la letra, la gente no lo recuerda, parece incompleta. Así que siempre ponemos los títulos finales una vez hemos hecho las letras”.

El disco parece un poco más oscuro en cuanto a su temática. ¿Es un reflejo de vuestra visión actual del mundo?

CHESTER “Sabíamos que queríamos hacer un disco más agresivo, era lo que nos apetecía de verdad, pero no podíamos quejarnos o criticar las mismas cosas que cuando hicimos Hybrid Theory. Ya no somos los mismos. Teníamos que encontrar algo 51

“En discos anteriores, cuando metíamos cosas más técnicas, rítmicamente nos apoyábamos más en samplers. En los dos últimos, la batería era casi un complemento DE los samplers, Pero en éste casi todos son instrumentos reales” ROB BOURDON

que tuviera sentido, que fuera sincero con quien somos ahora. Y hablando de esto surgió la idea de qué es por lo que merece la pena luchar. Es una pregunta vaga, pero también es muy inspiradora. Puedes hacer esa pregunta a un millón de personas y tendrás un millón de respuestas 52

distintas, pero encontrarías cosas en común. Merece la pena luchar por el amor, merece la pena luchar por la libertad, por tus ideas… Merece la pena luchar por tu integridad artística, pero también luchar contra el tráfico de personas. Así que abarca un montón de ideas distintas, pero

con las que todo el mundo puede identificarse. Hay aspectos sociales como la guerra, la rebelión... Por ejemplo en ‘Rebellion’ sólo con poner esa palabra en el estribillo (se pone a cantarlo –ndr.) ya es muy fácil que funcione, pero eso es una manera demasiado fácil de escribir. Por

eso queríamos ser más inteligentes, cuestionarnos sobre qué queremos hablar. Nos gusta la palabra, nos gusta la intención, pero ¿cómo hacemos que nos resulte interesante? Ésa fue una constante durante todo el disco. Por ejemplo ‘Until It’s Gone’ habla sobre dejar escapar algo.

‘No sabes lo que tienes hasta que lo pierdes’ es una frase que se usa mucho, pero quisimos darle una vuelta. Por ejemplo, los padres aman a sus hijos y quieren que sean siempre felices, pero es imposible. Pero si no dejas que se escapen y cometan errores, ¿cómo vas a saber cómo son en realidad? Así que a veces tienes que dejar escapar algo para apreciarlo de verdad”.

En cierta manera eso también sería aplicable a lo que estilísticamente habéis hecho en este disco. Dejar escapar el sonido de los últimos álbumes y hacer otra cosa…

ROB BOURDON “Musicalmente el disco es más heavy, más rápido.

Como batería fue un reto. Es más técnico que todo lo que hemos hecho antes. En discos anteriores cuando metíamos cosas más técnicas, rítmicamente nos apoyábamos más en samplers. En los dos últimos, la batería era casi un complemento de los samplers, pero en éste casi todos son instrumentos reales. Siempre hemos tenido guitarras, pero esta vez Brad tocó de manera muy agresiva, hizo solos… Antes hemos visto un vídeo en YouTube de alguien tocando la batería de ‘Guilty All The Same’. El hecho de que en 24 horas se haya sentido inspirado para aprender ese tema y tocarlo es muy emocionante.

Es lo que nos inspiraba a nosotros al

principio: hacer algo técnico pero que a la vez resultara una buena canción.

Hemos tenido que ponernos las pilas para tocar coordinados. He tenido que quitarle el polvo a mi doble pedal de bombo (risas). Nunca lo había tocado con Linkin Park, pero tenía uno que a veces tocaba yo solo haciendo versiones y para mí fue todo un desafío. Mike hizo la programación del ritmo…”.

CHESTER “Sí, recuerdo que estábamos haciendo ese tema y Mike me dijo ‘¿Qué crees que dirá Rob cuando le mandemos esto?’ (Risas). Y le dije ‘me da igual lo que haga, pero al menos sabrá lo que sentimos y si es capaz de hacerlo, será la hostia’.

Había cosas que parecía imposible que pudiera tocar. Mike es buenísimo programando ritmos. Daron de System Of A Down vio cómo programaba los de ‘Rebellion’ y alucinaba.

Suena realmente como un batería.

Personalmente para mí la batería es la clave de este disco. Es lo que hace que el álbum sea jodidamente increíble. Si quitaras la batería o pusieras un ritmo más normal, seguirían siendo buenos temas, pero no te darían ganas de ponerlo a tope de volumen y flipar. Rob, lo que hiciste en el estudio capturó exactamente lo que queríamos lograr.

Creo que Rob y Brad fueron los responsables en este disco de llevar a Linkin Park a un nivel que no creíamos posible”.

Después de trabajar con Don Gilmore y Rick Rubin, éste lo habéis producido vosotros mismos. ¿Hizo que fuera una experiencia muy distinta?

ROB “Éste ha sido un disco hecho muy colectivamente. Mike tenía una

idea muy clara de lo que quería. El primer lote de canciones que nos enseñó nos inspiró de inmediato. Nos emocionamos mucho. Creo que hacía tiempo que no nos sentíamos así.

Todos estábamos en la misma onda, y estuvo muy bien podernos comunicar de nuevo musicalmente. Y por eso queríamos ver si podíamos hacer el disco por nuestra cuenta. Hemos aprendido mucho trabajando con Don al principio y también muchísimo de Rick Rubin, no sólo sobre música, sino sobre cómo vivir la vida (risas). Rick nos ha enseñado lecciones vitales que tendremos para siempre”.

CHESTER “Tuvimos a Rob Cavallo en el estudio, pero realmente sólo vino a escuchar un par de temas.

Es un productor increíble y si nos hubiera dicho ‘podrías cambiar eso’, seguramente lo hubiéramos hecho.

Pero cuando nos dijo ‘es cojonudo, seguid así’, fue una manera de darnos cuenta de que podíamos hacerlo todo nosotros. Mike siempre ha estado involucrado en la producción de los discos. Podría producir a cualquier grupo. Y creo que ahora es capaz de producir a Linkin Park como si no fuera miembro de Linkin Park. Tiene una visión muy objetiva, y eso es lo que necesitas de un productor. Ahora estamos en ese punto y por eso lo hemos hecho, no fue una decisión premeditada”.

En el pasado habéis hecho colaboraciones con Jay Z y remixes, pero éste es el primer álbum en el que tenéis a músicos invitados. ¿Qué os motivó a hacerlo?

ROB “Parte de la diversión de este disco era hacer cosas de manera distinta. No tener a un productor 53

“Fue todo tan emocionante que seguramente hagamos más colaboraciones en el futuro. Hace que todo suene nuevo” CHESTER BENNINGTON

¿QUÉ MÁS PUEDE PEDIR UN FAN? En los últimos tiempos la influencia de Linkin Park se ha extendido a las nuevas generaciones a través de bandas de metalcore como Bring Me The Horizon o Of Mice & Men. Le pedimos al vocalista de estos últimos, Austin Carlile, que nos contara cuál es su conexión con el grupo. “Descubrí a Linkin Park cuando hacía atletismo en el instituto.

Hybrid Theory era mi disco favorito para calentar y lo escuchaba prácticamente antes de cualquier carrera. Pero mi disco favorito suyo es sin duda Meteora. Cada canción significa algo para mí. Cuando lo compré por primera vez en un Wal-Mart me enamoré de él. Mi segundo preferido es Reanimation, que es uno de mis discos favoritos de la historia. A pesar de todo lo que han hecho o cambiado con su música, siempre he seguido siendo fan de ellos. Poder hablar con Mike Shinoda, que nos aconsejara, e incluso nos ayudara con algunos temas, hizo que lo respete aún más. Su creatividad, su ética de trabajo y su visión son encomiables en todos los sentidos. Grandes personas, grandes álbumes y un gran legado. ¿Qué más podría pedir un fan?”.

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externo, trabajar con otros músicos… Quisimos darle la vuelta a todo. Hicimos algunas jams con ellos. No somos un grupo que suela hacer los temas a partir de jams con los seis tocando, pero esta vez lo hicimos y pudimos tocar con gente que está acostumbrado a hacerlo.

Aportaron mucho y pudimos ver cuál es su proceso creativo. En algunos casos fue porque los temas acababan sonando como si pudieran ser para sus bandas. Por ejemplo, en ‘All For Nothing’ la parte que Mike canta, sonaba como si fuera Page Hamilton de Helmet, así que dijimos: ‘¿No molaría que invitáramos al propio Page a grabar con nosotros?’. Y lo hicimos”.

CHESTER “O en ‘Guilty All The Same’, en la parte del puente, Mike dijo que quería un rap. Pero no se veía haciéndolo él mismo, y dijo ‘me imagino a alguien como Rakim’. Y nuestro ingeniero nos dijo que conocía a alguien de su equipo. ¿No es una locura que en ese momento se produjera esa conexión?

Y un mes después estaba ahí e hizo exactamente lo

que imaginábamos. Y con Daron de System, le pusimos varios temas para ver si le gustaban y dijo que le encantaban pero que no se le ocurría nada que pudiera hacer. Así que nos enseñó lo que acabaría siendo ‘Rebellion’ y decidimos grabar su tema. Aprendimos mucho. Me encantaría volver a trabajar con él.

Y Rakim nos dijo que quiere hacer un disco entero así, y ojalá podamos hacerlo. Fue todo tan emocionante que seguramente hagamos más colaboraciones en el futuro. Hace que todo suene nuevo”.

Por último me gustaría saber si tenéis algún recuerdo especial de vuestras visitas a España.

CHESTER “Hemos tenido grandes conciertos en España. Particularmente en Madrid. También hemos tocado en Barcelona, es una ciudad maravillosa.

Es única. Hay un par de lugares en el mundo donde he visto monumentos históricos con los que he flipado y uno de ellos fue en España con los acueductos. Parece alucinante que pudieran construirse. También hemos tocado bastante en Portugal. Desde luego España es un país en el que no sólo nos gusta tocar, sino estar”.

UGE

LA RUPTURA

E

stá garantizado que cualquiera que asuma lo que va a encontrarse al escuchar Nada Es Imposible (ETO Records) se llevará una sorpresa.

Habrá incluso quien se escandalice.

Para este tercer álbum de su proyecto personal, Eugenio Ortiz, a quienes muchos recordarán por su paso en los 90 como guitarrista de Extremoduro y Clandestinos, ha creado un híbrido de lo más original en el que se fusionan los sonidos cercanos al metalcore con algunas melodías más propias del rock 56

estatal. “Mucha gente hace este tipo de música con una voz gutural y otra melódica, pero nosotros lo hemos hecho de otra manera, en parte porque yo no puedo cantar así”, dice riendo Eugenio. “Pensamos que la mezcla está bien. Tampoco queríamos irnos al extremo. A la gente que escucha música nacional le puede seguir gustando, y a un guiri le puede sonar curioso. Si no hubiera sido simplemente copiar lo de fuera”. Este cambio tan radical, en el que incluso se ha lanzado a grabar un par de temas en inglés (‘Never Fuck

Me Again’ y ‘There Is No Freedom’) obedece sobre todo a una variación en sus propios gustos personales. “Yo era muy heavy”, confiesa, “pero como músico fui aprendiendo e hice música más limpia, más pop, también porque los músicos que me rodeaban en ese momento tiraban por ahí. Pero ahora escucho música más dura. Ya cuando hice el otro disco hace tres años ya estaba en Foo Fighters, y ahora se me han quedado atrás y escucho Architects, Your Demise… Me han influenciado muchísimo. Me he tirado

“Para nosotros la crisis es la Con el tercer álbum realidad.

Hay que ser menos de Uge, Eugenio materialista” Ortiz rompe con MARTA RUIZ

su pasado en bandas como Extremoduro o Clandestinos y se pasa al metal rock moderno. Como reza su título, nada es imposible.

Texto: JORDI MEYA Foto: DR

dos años estudiando sus estructuras, no copiando, pero me fijo en ellos del mismo modo que ellos se han fijado en otros. Queda muy guay decir que has inventado algo, pero la mayoría no inventan nada”.

Si para sus seguidores la distancia estilística de su anterior Escupes O Tragas? (2010) a este Nada Es Imposible resulta enorme, para Uge en el fondo ha sido una evolución lógica.

“Entre medio del disco anterior y éste hubo una maqueta que regalamos que era un poco el paso intermedio y que

pasó sin pena ni gloria. Quizá por eso el salto se ve mucho más grande.

Además, hemos tardado tres años en hacer este disco, y encima, quería partir porque quería quitarme la losa de Extremoduro. Estoy orgulloso de lo que hice con ellos, pero por favor, que la gente lo escuche porque no se parece a Extremoduro. Y ya no hay vuelta atrás. Me lo he pasado muy bien haciendo este álbum y además en directo me divierto mucho más”.

Si por un lado haber formado parte de una banda de la dimensión de Extremoduro pudo ayudarle a la hora de promocionarse en un primer momento, Uge no esconde que si con este disco no logra despojarse de su alargada sombra, se sentirá frustrado. “¡Si hasta canto en inglés! Si me siguen comparando a lo de antes voy a pensar que la gente no hace bien su trabajo, que de verdad creo que es lo que pasa en España. De ahí que nos fuésemos a Inglaterra a grabar. Creo que los guiris se lo toman todo de una manera más profesional. Éste es mi país, pero es can picha”. Como apuntaba, Eugenio y sus compañeros de entonces se fueron en otoño de 2012 hasta los Outhouse Studios de Reading para trabajar con los productores Ben Humpherys y John Mitchell, dos especialistas en el género con el que quería experimentar. “En este estudio ya han creado un sonido. Han pasado Architects y You Me At Six, y el sonido de las baterías lo tienen muy marcado.

Coincidimos con un grupo belga, así que ya hay varios grupos europeos que van buscando eso. Les caímos muy bien y hubo un par de temas que les gustaron mucho, ‘Cosas Prohibidas’ y ‘Nada Es Imposible’. Se notó en la mezcla, porque sin decirles nada ya sonaban muy bien. Nos cogieron cari-

ño”. A la hora de dar forma a la idea que tenía en la cabeza, Uge cuenta que la mayor dificultad fue la de encajar ciertas melodías cantando en castellano. “En cambio cuando saltaba al inglés todo me entraba”, explica.

“También tienes que buscarle un sentido al inglés, pero eso lo hicimos allí con el productor. Cogía las letras y nos hacía anotaciones. Ésa es la mayor dificultad. A nivel musical, si tienes un buen batería, que aquí cuesta, el resto no es complicado”.

Tras volver de ahí con la grabación terminada, Uge empezó la típica travesía en el desierto en busca de un sello que creyera tanto en el proyecto como él mismo, hasta que cansado de esperar finalmente optó por editarlo él mismo. En el camino también se quedaron los músicos que habían participado en el disco. “El resumen es que no hay banda. Tengo muy buenos compañeros, pero al final también tienen que vivir. Uno se va a tatuar, otro se monta otra banda… Es muy difícil que se mantenga un grupo. Todos cobramos lo mismo y se irán cuando ellos quieran. Que apareciera alguien y nos diese dinero para la gira ha sido una casualidad. Yo no puedo prometerle a nadie que se va a forrar, sólo que va a tener que currar un montón de horas”.

Pese a todo, ganas no le faltan y sus ojos y sus palabras transmiten verdadero ilusión por este nuevo proyecto.

“El disco anterior tuvo más recorrido del que imaginábamos. Se reeditó dos veces. Esperamos que con éste pase un poco lo mismo. La gente cuando lo escucha, alucina. Los que me conocen dicen ‘¿Pero de verdad eres tú?’”.

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EN NOMBRE DEL SUFRIMIENTO EYEHATEGOD

Hacía 14 años que estos pioneros del sludge metal de Nueva OrleÁns no publicaban un álbum con material nuevo, Aunque para terminarlo Eyehategod tuvieron que hacer frente a un montón de adversidades.

Suerte que están acostumbrados... Texto: Jordi MEYA Fotos: DR

A

excepción de su carrera como vocalista de Eyehategod, la vida de Mike IX Williams podría leerse como un cúmulo de desgracias. Sus padres fallecieron cuando era un niño, con sólo 15 de años se fugó de casa, ha estado enganchado a la heroína, su casa ardió en llamas en los días posteriores al huracán Katrina en 2009 y acabó entre 58

rejas por posesión de drogas, de donde salió después de varios meses gracias a que su amigo Phil Anselmo acabara pagando la fianza.

No debe sorprendernos pues que la música de Eyehategod suene a menudo como un auténtico grito de desesperación, a pesar de que a lo largo de tres décadas hayan contado con el reconocimiento de la comunidad musical. Pero siguiendo su estela de calamidades, la noticia de

la grabación de su primer disco de estudio desde Confederacy Of Ruined Lives del 2000 se vio empañada por la muerte de su batería Joey LaCaze en agosto de 2013. A pesar de ello, el grupo, que completa Jimmy Bower (guitarra), Brian Patton (guitarra), Gary Mader (bajo) y Aaron Hill (batería), logró completarlo y publica estos días a través de Century Media su quinto álbum, al que han titulado simplemente Eyehategod.

ir para abajo o ser una banda que nunca ha conseguido nada, nosotros estamos en medio, hemos conseguido el reconocimiento.

Además, somos una formación a la que amas u odias. También me gusta eso. Desde el último disco los fans se han mantenido fieles y en nuestros conciertos cada vez ha venido más gente. Es increíble”. ¿Cuándo os planteasteis en serio grabar nuevas canciones?

“Hace mucho. Éramos un grupo que solía sacar un disco cada dos o tres años, siempre teníamos material que grabar. En éste hay temas bastante viejos y otros más recientes.

Después del último recopilatorio, Preaching The End Time Message, de 2005, ya queríamos hacerlo, pero ocurrieron tantas cosas que fue imposible. Hemos sacado 7” y algún split, pero nos fue imposible hacer un disco”.

Después de tantos años sin publicar un nuevo disco, para ti tiene que ser muy especial por fin tenerlo en la calle.

MIKE IX WILLIAMS “¡Sí, lo es!

Estamos muy orgullosos de este disco.

Hemos estado trabajando mucho tiempo en él, así que es genial que por fin salga”. ¿Te sorprende que el nombre del grupo se haya mantenido vivo todos estos años? Casi parece que se os siga más ahora que antes...

“Supongo que hemos alcanzado un estatus de culto, lo cual me parece muy bien, me gusta. Más que ser una banda grande que sólo puede

También habéis estado involucrados en otros proyectos como Arson Anthem o Outlaw Order. ¿Crees que estas experiencias os han enriquecido a la hora de volver a grabar como Eyehategod?

“Sí. En el apartado vocal, la experiencia con Arson Anthem me ha influido porque si escuchas su segundo disco, puedes entender las letras. Por supuesto, Phil Anselmo me aconsejó mucho, trabajamos muy bien juntos en el estudio. Así que, para este álbum, tenía muy buenas letras y quería que se escuchasen.

Fue como si la experiencia de Arson Anthem se prolongara en esta obra al

volver a trabajar con Phil. Discutimos muchas ideas. Es el cantante de metal de más éxito de la historia, así que es increíble tenerle de nuestro lado”.

Sin embargo el disco lo empezasteis grabando con Billy Anderson, que ya había hecho Dopesick con vosotros, pero al final cancelasteis las sesiones. ¿Qué pasó?

“Antes que nada quiero decir que Billy es un bueno amigo, le amo, es muy divertido, así que me fastidió que la cosa no funcionara. Lo que pasó fue que había un equipo de filmación haciendo un documental sobre su vida y nadie nos avisó. Estábamos ahí hablando de cosas muy personales, y de golpe veías que tenías una cámara al lado, no me sentía cómodo. Y Billy no parecía que estuviera centrado en el trabajo. Y también hubo un par de miembros del grupo que tuvieron problemas personales. Además, todo parecía apresurado. Teníamos que hacer el disco en una semana y ésa no es nuestra manera de funcionar.

Somos del Sur, ¿sabes?”.

Y después de tanto tiempo sin grabar, parece estúpido tener prisa…

“Eso mismo. Así que decidimos borrar todas las sesiones excepto las baterías de Joey, y volver a empezar. Como dices tú, ya no venía de un año más.

No había ninguna presión, nadie nos exigía una fecha de entrega.

Pagamos el disco de nuestro bolsillo, sin saber qué sello lo sacaría. Fue entonces cuando les pedimos a Phil (Anselmo) y a Steve (Berrigan) que se involucraran. Steve grabó las guitarras y el bajo en nuestro local de ensayo, The Riff Room. Steve es el ingeniero 59

habitual de Phil, así que trabajan muy bien juntos. Phil ama el grupo y nos ofreció su estudio para grabar las voces. Es como una gran familia”.

Para los fans será muy emotivo escuchar a Joey tocar la batería por última vez. ¿Cuál dirías que fue su papel para crear vuestro sonido?

“Obviamente fue algo maravilloso.

Tenía su propio estilo. Nuestro nuevo batería también tiene su estilo, pero me dijo que una de sus mayores influencias era Joey. Joey moldeó el grupo en muchos aspectos, por su personalidad, por su manera de tocar, pero también mucha gente desconoce que escribió muchos temas de Eyehategod con la guitarra. Tiene temas en Dopesick, en In The Name Of Suffering o en Take As Needed For Pain. Era una parte esencial del grupo. Aaron tiene un gran hueco que llenar, pero está haciendo un gran trabajo”.

Su muerte fue totalmente inesperada, ¿no? Habíais estado girando con normalidad hasta entonces…

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“Sí, estuvimos en Europa durante seis semanas antes de que pasara. He afrontado muchas muertes en mi vida.

Desde que era un niño… Tienes que lidiar con eso. Puedes ser un idiota y quedarte en un rincón llorando, pero no somos así. Cuando pasa algo así, lo primero en lo que pensamos es en tirar adelante. Darle la vuelta y motivarte aún más”.

“Phil Anselmo es el cantante de metal de más Éxito de la historia, así que es increíble tenerle de nuestro lado”

Desde pequeño has tenido una vida muy dura. ¿Cómo te ha ayudado la música en los momentos difíciles?

“La música lo es todo para mí. Me ha gustado desde que era un niño.

Tenía dos hermanos mayores y me descubrieron muchas cosas buenas.

Uno me descubrió a Black Sabbath y Alice Cooper. El otro, a The Who y los Beatles, pero mis padres también escuchaban a Elvis Presley.

Iba a la iglesia, que odiaba, pero me gustaba la música góspel. Mis primos escuchaban rock sureño. Todo eso me ayudó a crearme mi propio gusto. Después de Kiss y Aerosmith me metí en los Sex Pistols, The Clash... Siempre he tenido música en mi vida”.

El sonido de Eyehategod ha determinado el metal de Nueva Orleáns. ¿Crees que habríais sonado igual de haber salido en otra ciudad?

“Es difícil de decir. Es algo inconsciente. No sé por qué salió así, pero el entorno tiene mucho que ver.

Puede ser el calor, la humedad, la manera tranquila de hacer las cosas, la parte oscura de la ciudad, hay muchos clubs de strips, puedes beber alcohol por la calle… Todo eso se te mete dentro. Siempre hay música en la calle. La gente tiene mucha pasión por la música”.

MIKE IX WILLIAMS

EL AÑO DE LA MEDUSA El miedo forma parte de la naturaleza humana, y por eso es comprensible que Vita Imana sintieran algo de vértigo a la hora de crear uno de los álbumes que ha generado más expectación dentro del panorama estatal. Pero los madrileños han sido capaces de vencerlo y ofrecer en Oceanidade justo lo que el cuerpo les pedía. Texto: David Garcell Fotos: DR

C

on su anterior trabajo, Uluh, Vita Imana consiguieron hacerse un gran hueco en la bulliciosa escena metal nacional.

La banda de Madrid integrada por Javier Cardoso (voz), Román García (guitarra). Puppy (guitarra), Pepe Blanco (bajo), Míriam Baz (percusión) y Daniel García (batería) veía así como sus años de trabajo a la sombra, durante los cuales habían publicado su debut En Otro Lugar, empezaban a dar sus frutos. Su participación en los principales festivales del país supuso el escaparate perfecto para que el público descubriera a una banda en el punto de maduración ideal.

Incluso quienes se mostraban a priori algo escépticos por el hype creado tuvieron que rendirse a la evidencia de que Vita Imana estaban aquí para quedarse. Y eso es lo

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que confirma su tercer álbum Oceanidade (Fair Warning), en el que el sexteto sigue extendiendo sus tentáculos partiendo del groove metal, pero añadiéndoles puntos progresivos y nuevos dibujos melódicos. Inmersos en una larga gira por toda la Península, Vita Imana saben que tienen que seguir trabajando tan duro, o incluso más, que antes para no desaprovechar la oportunidad que el público les ha brindado.

nuevas, habíamos compuesto de otra manera y estábamos expectantes por ver qué decía todo el mundo. Pero a día de hoy no nos podemos quejar.

Todas las críticas son inmejorables, parece que el álbum ha calado bien entre el público y en directo, que es donde se ve la fuerza de todo, está funcionando. Así que todo perfecto”.

¿Qué balance harías del recorrido del nuevo disco en estos dos primeros meses de vida? ¿Estáis contentos?

JAVIER CARDOSO “Si dijésemos que no, mentiríamos. Había mucha presión, tensión por sacar este tercer álbum. Habíamos hecho cosas

Aunque tenéis una trayectoria de diez años, está claro que hubo un antes y un después de Uluh. ¿Cómo recuerdas todo lo que ocurrió en ese periodo? ¿Os sorprendió el nombre que cogió la banda?

“La presión no era por dar un mejor disco a los fans, sino por nosotros mismos. Queríamos subir uno o dos peldaños porque nos lo pedía el cuerpo. Hubo nerviosismo, pero al final fue todo positivo” JAVIER CARDOSO cómo la vemos ahora, no a nivel de negocio porque sigue estando muy mal, sino personal, fue enorme. Recuerdas cuando comprabas discos y leías entrevistas con muchos grupos y soñabas con ello, y ahora te ves ahí, y aunque obviamente sea a otro nivel, nadie se esperaba algo así”.

“Si yo me pusiera a pensar fríamente en lo que pasó, me asustaría. Con Oceanidade ya tienes un poco más asentadas las bases y a lo mejor el impacto no es tan significativo como con Uluh. Con él tuvimos la oportunidad de pisar festivales muy importantes, al igual que también lo fue En Otro Lugar en Wacken.

Pero eso fue un concurso y es muy diferente a que ya te llamen de distintos festivales para que compartas cartel con el resto de bandas internacionales. Como disco creo que Oceanidade es ligeramente superior, pero la trascendencia que ha tenido Uluh en nuestras vidas y en cómo veíamos la música antes y

Muchas veces parece que los festivales pongan bandas nacionales porque hay que ponerlas, casi de relleno, pero sin embargo vosotros aprovechasteis muy bien esa oportunidad.

“En festivales como Sonisphere o Costa De Fuego ves normal que toques a según qué horas porque en el cartel estás con Slayer, Mastodon, Soundgarden, Metallica… Eso no es lo más llamativo. Para mí lo es que a nivel nacional hay diez, doce nuevas bandas que podrían tener más presencia y no que hubiera sólo una banda local. Eso sí me llama la atención. Hay mucha gente que nos decía que lo merecemos, pero yo también veo a otras bandas que lo merecen. Hay ejemplos claros como

los de Crisix o Angelus Apatrida que tienen más que demostrado su nivel, pero luego ves que representando a España sólo se coge a una banda entre 20 ó 30 extranjeras. En nuestro caso en el Sonisphere, que fuimos los segundos después de Sister, habría 8.500 personas viéndonos y para nosotros ya es algo impensable. Nos trataron de puta madre, pero nos gustaría haber visto a más bandas nacionales”.

Pero durante ese verano notasteis que en cada festival ibais ganando fans. Diría que fue decisivo que la gente os viera y se diera cuenta que ya erais una banda muy sólida capaz de dominar un gran escenario.

“Claro, de eso se trata, de aprovechar la oportunidad. Si no paras de poner pegas, porque tocas el segundo, por lo que sea, mal vamos. Tocar en el Sonisphere ya es un gran premio. En Costa De Fuego nos pusieron a la misma hora que a Guns N’ Roses, pero tocamos en una carpa brutalísima y estaba petada.

Y eso te lleva a otros festivales. Y al año siguiente tocamos en el Rock Al Parque, que es el festival más grande que hay en toda Latinoamérica.

Tocamos a las cinco de la tarde y el reclamo internacional a esa hora eran Cannibal Corpse, Sevendust, 63

Living Colour y nosotros. Y piensas, ¿y por qué ahí sí y aquí no? Es curioso”.

Después de todas esas experiencias, ¿cómo fue el momento de ponerse a preparar el tercer álbum?

“A medida que acababa la gira ya íbamos componiendo. Teníamos unos tres temas medio terminados.

Pero la presión llegó cuando terminó la gira y había que componer un buen disco, cuidar todos los detalles, buscar un ingeniero, la masterización… Ante todo mejorar muchísimo Uluh. Y es por eso que igual esos tres temas que tenías se convierten en cero, porque ya no te gustaban en ese momento.

Y el tiempo se iba acortando y llegamos a un punto de bastante agobio porque veíamos que no llegábamos. De hecho, tuvimos que retrasar la grabación que teníamos para octubre hasta enero porque no teníamos lo que queríamos. La presión no era por dar un mejor disco a los fans, sino por nosotros

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mismos. Queríamos subir uno o dos peldaños porque nos lo pedía el cuerpo. Hubo nerviosismo, pero al final fue todo positivo”. ¿En qué dirías que se concreta el haber subido esos dos peldaños que comentabas?

“Sobre todo en riqueza musical. A nivel vocal, que es la parte que a mí me corresponde, he arriesgado y me ha salido bien. Si te soy sincero, el tema ‘Mar De Cristales’, que es del que más habla la gente por ser más diferente, me costó porque no estoy acostumbrado. Quería hacer algo más profundo, estaba cansado de ser tan lineal, y meter más texturas melódicas. Pero incluso mis compañeros se echaban las manos a la cabeza en plan ‘qué va hacer este tío’ (Risas). Pero al final salió bien.

Compositivamente también creo que hemos dado un paso adelante.

Hemos abierto muchas puertas y creo que es el camino a seguir por la banda... Aunque en el cuarto vete a saber qué nos depara la cabeza”.

En todos los álbumes parece que le quieras dar un sentido general con las letras. ¿Cómo afrontaste ese aspecto para Oceanidade?

“El método ha sido el mismo: estarte hasta las cinco de la mañana hasta que te sale una letra (risas). Hay un poco de todo. Hay temas en torno a la medusa turritopsis, otros más personales y otros que se han fundido con el tema de la medusa, como en ‘Oceanidade’. No sé por qué se me ocurrió hablar de este bicho, porque podría haber sido otro. No sé, a mí me gustaría que me fundiesen en cenizas y me esparciesen en el mar o en un pantano, y mezclé el dónde me gustaría acabar mis días con un bicho que es capaz de longevizar su vida. Pero la libre interpretación de cada uno es otra historia. No es un disco en el que se hable siempre de lo mismo. Por ejemplo, Puppy me pidió si podía meter dos letras, las de las canciones ‘Ablepsia’ y ‘Oxígeno’, y yo estuve encantado y encajaron con todo lo que queríamos

contar. Ya sabes que los músicos estamos un poco locos y a veces queremos contar una cosa y la gente entiende otra”.

Yo lo que valoro es que aunque podríais haber hecho un disco de caña y groove metal, habéis sido más ambiciosos.

“Eso es lo que los fans, los medios, que son los que consumen, dirán si les transmite o no. Pero yo cuando recibí el master pensé ‘madre mía’.

Esto no me había pasado con Uluh, ni con el primero. Sabía que no iba a ser un disco que entrara a la primera, pero a mí me pasa el disco que ni me entero y tengo ganas de volver a escucharlo porque cada tema es diferente y en todos hay detalles nuevos que quieres volver a disfrutar. La gente nos dice que no cambiemos, pero no vamos a hacer flamenco ni como Dover, que primero hacen grunge y luego pop; te lo puedo asegurar porque no entra en nuestro corazón, pero te vas abriendo musicalmente, tocas

con otras bandas... El otro día un chaval jovencito me decía que daba gusto tocar con nosotros porque se aprendía mucho, y yo le contesté ‘¿Y tú te crees que yo no aprendo de ti?’. Ves a la criatura con 22 años dando un espectáculo que yo a esa edad no era capaz de dar. Yo no he cerrado mi baúl de pensamientos y de aprendizaje. Con el paso del tiempo te vas empapando, y eso hay que plasmarlo también en los discos”.

Igual lo que vivisteis vosotros en la gira con Hamlet, lo viven ahora los chavales con vosotros.

“Sí, eso es. Yo creo que son etapas por las que pasamos todos. Quizá a mí me haya pillado algo más mayor, pero la sensación es exactamente la misma. Yo entiendo que un chaval se flipe por tocar con nosotros porque a mí me pasa con miles de bandas que jamás hubiera pensado que compartiría escenario. Y más que escenario, porque como dice nuestro querido mánager, una banda con el

nivel de Hamlet no empieza cuando te subes al escenario, sino cuando te subes a la furgoneta en Madrid y hasta que regresas. Ahí se termina.

Hay una relación no sólo musical, sino personal. Y te ves ahí, y estás flipándolo”. ¿Cómo te planteas el hacer de Vita Imana una banda lo más profesional posible, aun sabiendo que será muy difícil vivir de ella?

“Indudablemente es así. No viviremos del grupo. El que no lo vea, se equivoca. Es un proyecto orientado exclusivamente a la música. El otro día un amigo mío me decía que era una putada que estuviésemos en el peor momento económico justo en el mejor momento de mi vida. Es contradictorio. Yo no he vivido esto en mi puta vida, y sería un error pensar que aquí se puede vivir del metal, pero no quita que las pretensiones y las formas sean lo más profesionales posibles.

Nosotros seguiremos trabajando igual. Quizá de aquí a cuatro

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VITA IMANA años las cosas habrán cambiado, pero nosotros seguiremos igual. A lo mejor si hubiésemos salido en los 90 estaríamos en otra posición, pero ahora las cosas son distintas. Y por otra parte el metal no tiene apoyo. Angelus Apatrida acaban de volver de hacer cinco fechas en Japón, que está al otro lado del mundo, y fuera de los que seguimos el metal, nadie se ha hecho eco de ello. Hay bandas que salen como Crisix, o Noctem o Vendetta, y aquí nadie se entera. Siempre es lo mismo”.

Y el tener más obligaciones, más presión, ¿cómo os ha afectado a nivel interno? El roce hace el cariño, pero también puede llevar a problemas de convivencia.

“Coincidimos seis personas con el mismo objetivo.

Cada uno tiene su carácter, su personalidad y sus formas, pero hay un objetivo común que es la banda. Aquí no hay líderes. Lo importante es la banda y la música. Para nosotros está primero la música y luego van los músicos. Roces existen, porque si ya te pasa con la pareja, imagínate con cinco tíos más, un mánager y un técnico de sonido (risas). Pero nunca hemos tenido un problema grave. Todo va por consenso desde las letras, los riffs, los conciertos… y todo suele llegar a buen puerto. Tenemos una buena relación”.

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“Yo no he vivido esto en mi puta vida, y sería un error pensar que aquí se puede vivir del metal, pero no quita que las pretensiones y las formas sean lo más profesionales posibles” JAVIER CARDOSO

HAY QUE PETARLO El próximo 11 de julio tendrá lugar la primera edición del Twister Open Air Festival en el Parque Pablo Picasso de Leganés. Allí, Vita Imana formarán parte de un cartel en el que también participan Hamlet, Sôber, Skunk D.F. y El Páramo entre otros. Le preguntamos a Javier Cardoso qué significa para ellos participar en un evento que tiene algo de reivindicación de la escena patria. “El cartel es de lo más exquisito que hay dentro del panorama nacional. Creo que es una oportunidad única.

Fíjate lo que son las cosas. Yo sólo he pisado una vez ese recinto y fue viendo a Hora Zulu, Narco y Slayer. Recuerdo que estaba con unos amigos y uno de ellos vio tres filas más arriba a Luís y Molly de Hamlet, que acababan de sacar el álbum negro. Y me fui a hablar con ellos. Y resulta que 15 años después tengo la oportunidad de tocar con ellos en el mismo escenario y con bandas de la talla de Adrift, Sôber, Skunk D.F.... Esto tendría que estar petado.

Tendría que al menos salir en la televisión de nuestra comunidad, pero nos gobiernan unos hijos de puta. Talento lo hay, y da gusto estar involucrado, pero lo que falta es promoción. Pero la noche va a ser la hostia. Si no se revienta, los músicos ya no podemos hacer más”.

THE BIRDS OF SATAN

NO DISPAREN AL BATERÍA

MIENTRAS FOO FIGHTERS TERMINAN DE PONER A PUNTO SU ESPERADÍSIMO NUEVO TRABAJO, TAYLOR HAWKINS SE DEDICA A MATAR EL TIEMPO CON SU NUEVO GRUPO, THE BIRDS OF SATAN. SU ÁLBUM DE DEBUT ES EL REMEDIO PERFECTO PARA HACER MÁS LLEVADERA LA ESPERA. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

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E

s bien sabido por todo el mundo que no hay nadie que le haga sombra a Dave Grohl dentro de Foo Fighters. Para algo es su grupo y es él quien manda.

Tampoco es que sus compañeros vayan sobrados de carisma, con la excepción del batería Taylor Hawkins. Si hay alguien con un mínimo de posibilidades de robarle algo de protagonismo al bueno de Dave durante un concierto, ése es Taylor. Desde que se incorporó en 1997, su nombre ha sido destacado como uno los mejores en su puesto y muy poquito tiene que envidiar a Grohl en lo que a técnica detrás de los parches se refiere. Por si fuera poco, también ha demostrado sus dotes de frontman en algunas ocasiones especiales, como cuando interpretó ‘Tie Your Mother Down’ de Queen durante el concierto que los Foo ofrecieron en 2006 en Hyde Park con Brian May y Roger Taylor como invitados, o lo propio con el ‘Rock And Roll’ de Led Zeppelin años más tarde en el mismísimo estadio de Wembley con Jimmy Page y John Paul Jones de testigos.

Casado, con dos hijos, aficionado al surf y a la bicicleta de montaña, lejos parecen quedar sus problemas con las drogas que casi le mandan al otro barrio en 2001, como ya pudimos ver sin ningún tipo de tapujos en el documental Back And Forth. Durante los pocos descansos que tiene en su apretadísima agenda, Hawkins ha encontrado tiempo para grabar un par de discos con su otra banda, The Coattail Riders, y divertirse con su grupo de versiones, Chevy Metal.

Precisamente, a raíz de estos últimos,

surge su referencia más reciente, el debut de The Birds Of Satan. Con motivo de ello, pudimos hablar durante unos minutos con él y ya de paso, intentar sonsacarle algo sobre el próximo disco de Foo Fighters... aunque sin mucha suerte.

The Birds Of Satan nacen a raíz de Chevy Metal, vuestra banda de versiones. ¿Cómo y cuándo os conocisteis?

TAYLOR HAWKINS: “Conozco a Wiley (Hodgden), el bajista, desde hace unos 14 años. Un amigo mío me lo presentó y más tarde conocí a Mick (Murphy, guitarra -ndr.) y comenzamos a tocar como Chevy Metal. Y bueno, ya sabes... Somos amigos, músicos, y disfrutamos tocando. No hay mucho misterio en ello”. ¿Cómo surgió la idea de grabar un disco?

“Bueno, yo quería grabar un álbum por mi cuenta. Cada dos años siempre hago un disco fuera de Foo Fighters. Todos lo hacemos, ya que es una manera de refrescarnos las ideas. Probablemente vuelva a grabar otro disco en un par de años. ¿Quién sabe si será con The Birds Of Satan o con otro grupo de músicos con los que pueda tocar? Lo que quiero es poder tocar mis propias canciones”.

Sois los tres mismos tíos que tocáis en Chevy Metal. ¿Por qué decidisteis cambiar el nombre a The Birds Of Satan?

“Bueno, Chevy Metal es una banda de versiones y quería establecer una distinción respecto a The Birds Of Satan. En un primer momento

“Cada dos años siempre hago un disco fuera de Foo Fighters. Todos lo hacemos, ya que es una manera de refrescarnos las ideas” TAYLOR HAWKINS

pensé en sacar este disco como Chevy Metal, pero tras pensarlo detenidamente, creí que era mejor diferenciar los dos grupos, que deberían ser algo distinto. No deberían ser lo mismo, aunque seamos las mismas personas”. ¿Qué diferencias estableces entre The Birds Of Satan y The Coattail Riders, tu otro grupo?

“Bueno, para empezar somos gente distinta (risas). Es una manera muy diferente de enfocar la música.

The Coattail Riders está formado por músicos que vienen del jazz, el rock, tocan cualquier cosa... como Chris Chaney, el bajista (exJane’s Addiction, entre muchas otras colaboraciones -ndr.), son súper abiertos a cualquier estilo.

En cambio, The Birds Of Satan es un poco más como una banda de rock a la vieja usanza, y yo quería hacer algo que tanto técnicamente como a la hora de grabar fuese algo diferente”. ¿Qué material soléis versionar en vuestros conciertos?

“Tocamos muchas cosas. Veamos: 69

Black Sabbath, The Faces, Aerosmith, Van Halen, un poco de Queen...

No sé. También alguna cosa de la new wave. Solemos tocar muchas canciones de rock clásico. Puedes buscar por internet y consultar los setlists”.

En el disco se pueden reconocer influencias obvias de grupos de hard rock de los 70, especialmente de Queen, como acabas de mencionar. ‘The Ballad Of The Birds Of Satan’, por ejemplo, que es una canción loca de 9 minutos con un montón de cambios de ritmo...

“Bueno, no es como si fuésemos tremendamente conscientes de querer hacer eso necesariamente, pero es la manera en la que interpretamos la música. Echo un vistazo a todos esos grupos como Aerosmith, Queen, The Beatles, y pienso en ellos como profesores de música (risas). Son como mis maestros, musicalmente hablando, desde que era un niño.

Escucharlos es como ir a la escuela”.

Siempre he sentido curiosidad por los baterías que cantan al mismo tiempo ¿Cómo te las apañas para poder coordinar ambas tareas?

“Es muy, muy complicado (risas).

Es una de esas cosas que tienes que practicar y practicar hasta que llegues al momento en el que no estés pensando en que lo estás haciendo. De hecho, hicimos un actuación para el programa de Jimmy Kimmel el otro día. Aún no estamos cerca de dar lo que yo llamaría una actuación de gran nivel, pero seguimos trabajando en 70

ello. No es fácil, es una tarea difícil, pero ésa es una de las razones por las que me encanta tener este grupo. Tienes que ponerte desafíos en la vida, porque si no te retas a ti mismo y ni lo intentas, entonces te quedarás en el mismo sitio donde estás. Ésa es una de las razones por las que me gusta hacerlo. Pero tienes razón, es todo un reto. No es nada sencillo y supone un trabajo muy duro, especialmente en este tipo de música, que no es precisamente fácil.

Así que estoy al borde del precipicio todo el tiempo (risas). Pero me gusta, no me importa estar así mientras tocamos y que todo se pueda venir abajo en cualquier segundo. Hay muchos grupos que me gustan que siempre han sonado así. Si escuchas a The Police siempre sonaban como si estuviesen al límite, a punto de estrellarse y arder (risas). Y eso me gusta”. ¿Tenéis pensado hacer una gira para presentar el disco o con tu agenda es imposible?

“Bueno, nunca diría que es

imposible. En este momento estamos estudiando un par de opciones sobre lo que podríamos hacer, pero tiene que ser algo rápido, porque no dispongo de mucho tiempo. No hay mucho que hacer al respecto.

Así que tengo que elegir sabiamente y decidir qué es lo que puedo y no puedo hacer, pero espero que podamos llevarlo a cabo”.

Quería aprovechar para preguntarte sobre tu paso por la banda de Alanis Morrisette. Fuiste su batería durante la gira de Jagged Little Pill. ¿Qué recuerdas de aquella época? “Éramos jóvenes, casi unos críos, y tremendamente salvajes. Estábamos en la carretera, con un poco de dinero en nuestros bolsillos y ella estaba en mitad del jodido huracán.

Recuerdo que cuando el disco salió aquello fue una auténtica locura durante los siguientes meses. En aquel momento era la persona más famosa del mundo. Yo estaba alucinando. Fue una época genial y

“Echo un vistazo a todos esos grupos como Aerosmith, Queen, The Beatles, y pienso en ellos como profesores de música” TAYLOR HAWKINS

muy divertida, pero definitivamente aquello afectó a mi sistema nervioso y a mi salud mental aquel año. Nunca paramos. Aquella banda giró durante 18 meses seguidos, sin descansos. Fue una jodida locura, pero fue divertido.

Yo no sabía lo que era estar de gira hasta aquel entonces. Había días en los que no sabía ni dónde estaba. Te preguntabas: ‘¿En qué país estamos ahora mismo?’ (Risas)”.

Supongo que aquello te preparó de alguna manera para lo que vivirías poco después cuando entraste en Foo Fighters.

“Bueno, yo diría que todo lo que hice hasta el momento que entré a formar parte de los Foo Fighters de alguna manera me preparó para ello.

Pero también es un tipo de música diferente”.

Y si tuvieses la oportunidad de volver atrás y elegir, ¿hubieras preferido estar con Alanis en lugar de los Foo Fighters?

“No, de ninguna manera. Fue algo

genial mientras lo estuve haciendo y fue una oportunidad increíble para mí. Me gusta la música de Alanis Morrisette, creo que escribe buenas canciones de pop.

Cuando la escuché por primera vez supe que sería grande, antes incluso de que nadie lo hiciera, pero no cambiaría los papeles de ninguna de las maneras (risas)”. ¿Sigues manteniendo el contacto con ella?

“No. Probablemente no haya hablado con ella desde hace doce años o así.

No es que las cosas acabaran mal, si la vuelvo a ver algún día la saludaré y le preguntaré qué tal le va y eso, pero ya no sigo en contacto con ella”.

Otra colaboración destacada en tu carrera fue la grabación de No World For Tomorrow, de Coheed And Cambria. ¿Eras seguidor suyo antes de que te propusiesen que les ayudaras?

“No, la verdad es que no tenía ni idea de quiénes eran (risas). Aquello surgió porque mi colega Nick Rasculinecz, que ha producido algunos discos de Foo Fighters, estaba grabando con ellos y necesitaban a alguien para hacer el disco porque habían despedido a su antiguo batería y el

chico nuevo que tenían tampoco podía grabar porque tenía problemas de contrato con otro sello y no le dejaban.

Es terrible que haya gente que no te deje grabar en un disco. Pero ésa era la situación, así que me llamaron. Fue divertido, son grandes músicos y gente realmente simpática”.

Para ir terminando, me siento obligado a preguntarte sobre el nuevo álbum de Foo Fighters.

“Genial (risas)”. ¿Qué me puedes contar? ¿Es cierto que lo habéis estado grabando en diferentes estudios?

“No puedo decir nada. Todo lo que te puedo contar es que hemos estado grabando”. ¿Pero podemos esperar algo similar a Wasting Light o será algo completamente distinto? “¿Te refieres musicalmente? Realmente no puedo hablar de esto, tío. Todo lo que has leído acerca del nuevo disco podría ser verdad o muy probablemente no. He prometido que mantendría la boca cerrada. Lo siento”.

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DISCO DEL MES

N Once More ‘Round The Sun (WARNER) HARD ROCK, PROG METAL

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72

o parece arriesgado augurar que cuando en el futuro se escriba sobre la escena metal de principios de este siglo, el nombre de Mastodon aparezca como uno de sus nombres más destacados.

Creadores de una discografía por ahora intachable, en ellos confluyen muchos de los subgéneros que más aceptación han tenido dentro de la escena (stoner, sludge, progresivo, metal técnico, post metal…) y en buena medida su influencia ha revertido con gran fertilidad en igual número y diversidad de bandas.

MASTODON

De ahí que la llegada de su sexto álbum venga precedida de la expectación reservada a los grandes lanzamientos.

Y ahí es donde empiezan los problemas…

El cuarteto de Atlanta nos ha malcriado ofreciendo trabajos que siempre llevaban un paso más allá su visión original. Ya fuera acentuando su faceta más melódica, complicando los desarrollos o exprimiendo al máximo su calidad como músicos, Mastodon nos habían hecho creer que su capacidad para evolucionar era infinita... aunque naturalmente, también existen aquellos

fans que piensan que después del magistral Leviathan (2004) todo fue cuesta abajo. Es desde ese punto de vista que Once More ‘Round The Sun supone una ligera decepción.

No se trata de un mal disco en absoluto, de hecho está más que bien, pero sí deja la sensación de que el grupo ya ha llegado a su cima creativa y ahora simplemente se contenta con mantenerse.

Mirando el vaso medio lleno, Once More ‘Round The Sun nos deja al menos media docena de canciones que deberían entrar en el repertorio de su nueva gira sin problemas.

Hablo de ‘The Motherload’, que contiene el estribillo más pegadizo que nunca han parido, ‘High Road’ con un riff inicial abrumador; la original ‘Aunt Lisa’ con las chicas de The Coathangers haciendo de cheerleaders a grito de “Hey ho, let’s fucking go! Hey ho let’s get up and rock and roll!”, el vitalista tema titular, la épica ‘Chimes At Midnight’, y ‘Halloween’, con unas guitarras serpeantes. En el resto, como en ‘Treat Lightly’ o ‘Feast Your Eyes’, se limitan a dejar clara su personalidad, pero simplemente ahondan en lo ya conocido en sus dos últimos discos.

Haciendo memoria, la sensación que he tenido es muy parecida a la que en su momento tuve escuchando Down On The Upside de Soundgarden.

el local de ensayo para componer, tal como explican que han hecho. Naturalmente, Troy Sanders, Brent Hinds, Bill Kelliher y Brann Dailor acumulan suficiente talento como para hacer un buen trabajo a la que se ponen en faena, pero quizá para alcanzar la excelencia hace falta algo más.

Hay algunos detalles que ponen en alerta. Para empezar, la elección de Nick Raskulinecz (Deftones, Alice In Chains) como productor.

No hay duda de que el tipo es bueno en su trabajo y desde un punto de vista técnico nada hay que reprocharle, ¿pero se trata de alguien capaz de apretarles las tuercas e inspirarles? Personalmente, lo dudo. Por otra parte la cuarta aparición de Scott Kelly

“deja la sensación de que el grupo ya ha llegado a su cima creativa y ahora simplemente se contenta con mantenerse” Ahora todo el mundo lo considera un grandioso álbum, que lo es, pero después de la evolución mostrada en Louder Than Love, Badmotorfinger y Superunknown, también pensé que se habían estancado.

Espero que en el caso de Mastodon el motivo de este frenazo no sea como en el de Soundgarden, que están quemados y esto sea el aviso de su separación, pero quizá sí les convendría tomarse un largo respiro y oxigenarse.

Es difícil pensar que después de estar girando durante dos años con The Hunter la mejor idea sea meterse de nuevo en

de Neurosis en sus discos, en este caso en el tema final ‘Diamond In The Witch House’, ¿obedece a que quieren crear una especie de tradición o es simplemente un síntoma de rutina? Y sinceramente, tampoco entiendo por qué se han complicado todavía más la vida con el tema de las voces (aquí más excesivas que nunca) cuando luego en directo no son capaces de ejecutarlas cómodamente. Son preguntas que espero se hagan la próxima vez que entren al estudio.

Aquí estaremos esperándoles con los brazos abiertos.

JORDI MEYA

críticas

ITCH HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Jonathan ‘Itch’ Fox (voz), John Feldman

(guitarras, programación), Martin Johnson (guitarra), Luke Johnson (percusión), Thomas Pridgen (percusión) PRODUCIDO POR: John Feldmann, Silas AFÍN A: The King Blues, Matistyahu, Skindred PÁGINA WEB: www.itchofficial.com

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A The Deep End (RED BULL)

HIP HOP, POP, ROCK ALTERNATIVO

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pesar de que en España no obtuvieron apenas repercusión, el trío londinense de ska punk contestatario The King Blues obtuvo bastante notoriedad en el Reino Unido. Por eso ahí sorprendió mucho que anunciaran su separación en la primavera de 2012, justo cuando la banda había alcanzado su máxima popularidad, y por eso el lanzamiento del debut de su vocalista Jonny ‘Itch’ Fox en solitario ha levantado bastante expectación. Lo que no tengo claro es cómo se tomaran los miles de fans del discurso político del grupo un trabajo como The Deep End. Parece como si con él, Itch quiera conquistar a toda costa el mercado america-

no, teniendo en cuenta su decisión de grabarlo en Los Ángeles, su elección de John Feldmann (Goldfinger) como productor y la selección de invitados que participan en él: Adam Lazzara (Taking Back Sunday), el rapero Matisyahu, Roger Manganelli (Less Than Jake) o las cantantes BC Jean y Megan Joy, entre otros. Todo ello desemboca en un disco muy pop, ligero y divertido. Porque puede que en algunos temas Itch filosofee rapeando con su habitual intensidad, pero desde luego el envoltorio es mucho más amable, mientras que en otros, las letras son simplemente intrascendentes.

Lo que no ha cambiado es su vocación de coctelera musical, siendo capaz de

utilizar cualquier estilo para lanzar sus rimas. Así tenemos la inicial ‘Life Is Poetry’ con un riff de guitarra a lo Rage Against The Machine que da paso a un estribillo 100% pop cantado por Feldmann, la folkie playera ‘Laugh’, la electro ‘Like I’m Drugs’, el híbrido pop punk de ‘Homeless Romantic’, con una gran melodía a cargo de Lazzara, o la soulera ‘Another Man’, que recuerda al ‘Fuck You’ de CeeLo Green. De poder colar alguno de estos temas en la radio, Itch puede petar a lo grande porque va sobrado de hits ideales para el verano, pero igual de probable es que sus viejos fans se sientan algo decepcionados ante tantas dosis de azúcar.

MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... JONATHAN ‘ITCH’ FOX La mayoría de la gente te conoce como el cantante de The King Blues. ¿Cuál fue tu principal motivación para lanzarte en solitario?

“Empecé a hacer cosas por mi cuenta porque quería hacer algo distinto. Al principio era sólo para divertirme, pero muy pronto se convirtió en mi principal pasión. No me gusta hacer las cosas a medias, así que me lancé de cabeza y eso me llevó a donde estoy ahora”.

En este álbum has trabajado mano a mano con John Feldmann. Cuéntanos, ¿cómo es la relación creativa entre vosotros dos?

“Estaba grabando el último disco de The King Blues con él al mismo tiempo que empecé a hacer mi disco en solitario. Fue él quien inicialmente me dijo que deberíamos hacer algo distinto.

Fue así como empezamos a trabajar en ello. Es un gran productor, compo-

sitor y mentor. Trabajamos muy bien juntos”.

Tienes a varios invitados interesantes en las canciones de este disco. ¿De quién fue la idea? ¿Los conocías de antes? ¿Y cuál fue el que más te sorprendió?

“No conocía a ninguno de ellos a excepción de Tim de Rancid. A todos los demás les conocí a raíz de hacer el disco. Mi criterio principal era que ante todo debía admirar lo que hacen.

Y después era cuestión de ver quién encajaba mejor en cada canción. Lo que más me sorprendió fue que todos quisieran estar en mi álbum”.

Ya que siempre te ha gustado mezclar estilos, ¿hay alguien más con quien te hubiera gustado colaborar?

“Tengo una lista de músicos con los que quisiera trabajar tan larga como mi brazo, pero si pudiera elegir a uno, aunque ya está muerto, sería Joe Strummer”.

¿Qué papel juega la política en esta nueva etapa de tu carrera? ¿Sigue siendo tan importante como antes?

“La política es una gran parte de quien soy. Es algo que siempre me apasionará. Me sentí decepcionado con que, cuando The King Blues nos separamos, nadie llenó nuestro vacío de música protesta. Eso era y todavía es necesario en el Reino Unido. Y desde luego, sigue presente en mi trabajo en solitario”.

Es justo decir que el disco tiene un lado pop muy acentuado. ¿Es tu intento de colarte en el mainstream?

“Cuando estaba haciendo el disco lo único que quería era hacer las mejores canciones posibles. No creo que sea inteligente pensar en el éxito que puedas obtener. Lo mejor es hacer buena música y esperar que conecte con la gente”.

(MARC LÓPEZ)

75

críticas

BLACK STONE CHERRY

Magic Mountain (ROADRUNNER) HARD ROCK

78

C

onfieso que nunca he sido demasiado fan de Black Stone Cherry, los encontraba demasiado comerciales, de ese tipo de bandas de rock destinadas a las FM americanas y a ese público de paso que hoy está escuchando rock y mañana vete a saber qué.

Sin embargo, lo que son las cosas... cayó en mis oídos de manera casual el single ‘Me And Mary Jane’ y me enganchó con ese poderoso riff y ese estribillo infeccioso. Rápidamente me puse a investigar y me topé con cosas como ‘Holding On… To Letting Go’. Las guitarras sonaban más

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saturadas, con muchísimo más músculo que antes y además conservaban una de sus señas de identidad, esas melodías marca de la casa que siempre los han acercado a los gigantes del hard rock de los 80 y 90.

En ‘Runaway’ por ejemplo se les vuelve a ir la mano con el azúcar, son las baladas su punto vulnerable, pero se nota que han querido dar un puñetazo encima de la mesa y demostrar que saben cómo patear culos a base de bien.

‘Peace Pipe’ por ejemplo me recuerda a los Van Halen de Sammy Hagar con más testosterona mientras que en ‘Hollywood In Kentucky’ se vuelven a poner tiernos sacando a relucir su poso southern rock con algunas bonitas slides, pero insistimos, cuando mejor nota sacan es cuando ponen el volumen al 11 y nos regalan pelotazos hard rockeros como ‘Never Surrender’ o esa tremenda ‘Bad Luck & Hard Love’.

Ahora tendré que repasar esos trabajos anteriores a los que tan sólo me asomé con curiosidad y comprobar si he sido tan estúpido de estar perdiéndome a una gran formación.

ANDRÉS MARTÍNEZ

BOB MOULD

Beauty & Ruin (MERGE/POPSTOCK!) ROCK ALTERNATIVO

70

C

onsagrado como uno de los padrinos del rock alternativo gracias a la reivindicación de personajes como Ryan Adams o Dave Grohl (que le invitó a participar en el último disco de Foo Fighters), Bob Mould vive una madurez dorada sin la necesidad, como tantos otros de sus contemporáneos, de haber reunificado a la banda que dejó atrás hace 25 años.

Beauty & Ruin certifica el buen momento por el que está pasando el exlíder de Hüsker Dü y Sugar y puede verse como una perfecta continuación de su anterior Silver Age, teniendo en cuenta que le acompañan

los mismos músicos, el bajista Jason Narducy (Split Single, Verbow) y el batería Jon Wurster (Superchunk) y que la orientación musical es la misma. Es una alegría comprobar que su idilio con la música de guitarras continúa después de unos años en los que, asqueado del rock, se acercó a la electrónica, y que su inspiración no decae. A sus 53 años, Mould suena en temas como ‘I Don’t Know You Anymore’, ‘Fire In The City’ o ‘Hey Mr. Grey’ con el mismo ímpetu que muchas bandas a quienes dobla la edad. Totalmente cómodo usando un vocabulario que conoce a la perfección, el de las buenas melodías mezcladas con distorsión, ha creado una colección de canciones que no situaríamos entre lo mejor de su repertorio, pero que acaban resultando absolutamente satisfactorias para quienes admiramos al personaje.

Y que todavía sea capaz de crear un temazo como ‘Tomorrow Morning’, que hubiera encajado en el debut de Sugar, o una joya pop como ‘Fix It’, da motivos para seguir haciéndolo.

JORDI MEYA

MASKED INTRUDER M.I.

(FAT WRECK CHORDS) PUNK POP

Disfruta de un consumo responsable 35ª

80

N

adie ha descubierto todavía la identidad de estos cuatro criminales enmascarados y romanticones que hace un par de años facturaron un debut absolutamente delicioso y se convirtieron en el grupo favorito de la hija de Fat Mike, quien no dudó en ficharles para su sello. Pero da igual quiénes sean en realidad estos cuatro tipos, lo importante es que durante este tiempo no han perdido frescura alguna para crear 13 temas de chicletoso punk pop que de nuevo logra fusionar a Screeching Weasel con Weezer, con la banda sonora de Grease y el sentido del humor de Toy Dolls. Después de escuchar M.I., producido por Matt Alison (Alkaline Trio, Lawrence Arms), las ganas de verles en directo en sus dos fechas a principios

de septiembre ya están a niveles máximos. Puede parecer que lo que hacen está chupado, pero basta ver la cantidad de grupos que intentan hacer lo mismo y fracasan para que valoremos su buena labor. Orgías melódicas como ‘The Most Beautiful Girl’, ‘When I Get Out’, ‘Hey Girl’ o ‘Don’t Run Away’ son memorables, y composiciones como ‘Stars’ o ‘Locked Up And Lonely’ están más elaboradas de lo que pueden parecer a simple vista. Encima Masked Intruder saben evitar sonar repetitivos yendo al grano (el disco dura apenas 30 minutos) y ofreciendo pequeñas sorpresas como el tema a capella ‘Almost Like We’re Already In Love’. Si necesitas que te suba el ánimo, olvídate de antidepresivos y pégale una escucha.

JORDI MEYA 77

cr í ticas

KILLER BE KILLED Killer Be Killed (NUCLEAR BLAST)

METAL

93

C

omo dicen las abuelas de mi pueblo, más sabe el diablo por viejo que por diablo. Y es que la experiencia es un grado importante, y si os digo que Killer Be Killed está formado por Max Cavalera (Soulfly, exSepultura), Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan), Troy Sanders (Mastodon) y Dave Elitch (exThe Mars Volta), ya podéis intuir por dónde irán los tiros y que lo que no faltará es calidad en este debut que reúne lo mejor del metal actual. Once cortes (doce en formato vinilo) casi perfectos, todo pensado y compuesto con buen gusto.

Caña brava, riffs aplastantes, estribillos pegadizos, y qué mejor que su primer single y ‘Wings Of Feather And Wax’ para demostrar que lo que digo es verdad de la buena. En el apartado

C

DOWN

Down IV Part Two (ROADRUNNER)

DOOM METAL, SLUDGE METAL

35

78

uando pasas de los 16 años, el ser fan de un grupo no debería hacerte perder el espíritu crítico. Amo a Phil Anselmo, amo su legado musical y, cómo no, amo a Down, pero no por ello voy a aplaudírselo todo. Si el primer EP que empezó esta serie ya me pareció fácil teniendo en cuenta el descomunal talento que este supergrupo podría desplegar a poco que se esforzara, esta segunda parte ya me ha parecido una torpe tomadura de pelo, encima, explicada tranquilamente por Jimmy Bower en nuestro número anterior.

vocal quienes cogen las riendas son Greg y Troy, Max Cavalera sólo hace algún featuring esporádico, y por un lado está bien porque las cualidades en el canto de estos dos señores están más que demostradas, pero por otro hacen que en la escucha de todo el disco, en más de una ocasión, el espíritu de Mastodon se nos pase por la cabeza, y con los estribillos más melódicos es la virgen The Dillinger

Escape Plan la que se nos aparece, haciéndonos dudar cuál de las tres bandas estamos escuchando. Espero que este proyecto no quede en una anécdota y que haya una continuación donde encuentren un sonido más personal, donde sus otros proyectos no influyan en las nuevas composiciones. Estos diablos saben mucho, y tienen todo lo necesario para sacar un 11 sobre 10.

“Lo escribimos y grabamos en unas dos semanas”… Y se nota, vaya si se nota…

‘Steeple’ tiene un pase, es densa y claustrofóbica, pero ‘We Knew Him Well’ y ‘Hogshead/Dogshead’ son dos medianías de mucho cuidado. Fusilada en toda regla a Black Sabbath en ‘Conjure’, una bosta como ‘Sufferer’sYears’, paja mental, eso sí, como digno final, ‘Bacchanalia’, y, venga, a por otro EP a un año o dos vista para completar un boxset que los reúna a todos. Una jugada la mar de rentable. Down ahora mismo no tienen tiempo, ni ganas, ni inspiración para entregar

algo mejor que este EP. ¿Ustedes se creen que con el caché que ahora mismo tiene este combo en directo va Kirk Windstein y los deja sólo por amor a Crowbar? Vamos hombre, este tío vio de lejos el apalancamiento y se fue a hacer álbumes de verdad con su banda madre. Y ojo, que luego Down vendrán al Resu, tirarán de NOLA y fliparé con ellos como el que más, pero al menos aquí hay uno al que ya no le levantan la camisa, aunque mucho me temo que cada vez somos más. ¿Ni un estribillo memorable o temazo en dos EPs? Venga, no me jodas.

BURZUM TURNER

PAU NAVARRA

FU MANCHU Gigantoid (AT THE DOJO)

STONER ROCK

75

F

antástica manera de celebrar los veinte años del lanzamiento de su primer disco No One Rides For Free, sacando Gigantoid, el undécimo álbum de estudio de la banda californiana.

Sin gozar de la popularidad de QOTSA, ni vivir de un legado pasado como John Garcia, incapaz de mantener activo un proyecto, la banda liderada por Scott Hill sigue cumpliendo con admirable constancia. Sabedores de que nunca arrasarán en ventas y que sus años dorados ya pasaron, Fu Manchu se lo han tomado con la calma. No volverán a firmar trabajos tan magníficos como The Action

Is Go ni California Crossing, pero los que hemos seguido su trayectoria de cerca sabemos que, como si de maquinaria precisa se tratara, no van a fallar. Gigantoid sigue siendo el resultado de aplicar esa fórmula secreta que contiene fuzz a tope, los salvajes riffs de Balch capaces de levantar el flequillo a cualquiera, esa voz de eterno chulo adolescente de Hill y una potente base rítmica a cargo de Brad Davies y Scott Reeder.

Maestros de la repetición, siguen siendo capaces de crear estribillos tan pegadizos como el del single ‘Anxiety Reducer’, que mantiene ese groove al que nos tienen tan acostumbrados, y otros temas como ‘Invaders On My Back’ o ‘Radio Source Sagittarius’ nos aportan esa dosis de headbanging tan necesaria.

En general se puede apreciar que estas últimas composiciones tienden a un sonido oscuro, bastante crudo y mucho más pesado como se demuestra en ‘Dimension Shifter’ o ‘The Last Question’, que seguramente en directo sonarán espectaculares.

TOI BROWNSTONE

57

cr í t i cas

FOR THE FALLEN DREAMS Heavy Hearts (RISE)

METALCORE

70

U

na de las bandas que surgieron del metalcore a principios de milenio vuelve al asalto con su quinto trabajo, Heavy Hearts. Con el regreso de su vocalista original, Chad Ruhlig, For The Fallen Dreams han apostado por un balance entre metalcore, hardcore melódico y pequeños ramalazos deathcore que hacen de este nuevo disco un claro ejemplo de la reciente tendencia de los grupos de este género por modernizar su estilo para seguir siendo relevantes dentro de una escena que está virando

80

hacia terrenos más hostiles y agresivos. ¿Es esto bueno?

Pues quizá sigan en la cresta de la ola, pero a mi parecer, y tras cinco discos, optar por adaptarse a las nuevas generaciones en vez de apostar por su estilo propio no es algo que aplauda.

Tampoco aplaudiré el calco de sonido Rise Records, que me está mosqueando y me hace pensar que es un plugin que los productores le pasan a todas sus obras al hacer el mastering. Dicho esto, he de decir que es un disco sólido, contundente, más centrado en el lado oscuro y pesado del metalcore que en su vertiente melódica y alegre. Aquí podremos encontrar grandes riffs y partes muy cañeras y pesadas que oscilan desde el hardcore y el metalcore a lo Parkway Drive a la modernidad y simpleza del estilo de Emmure. Este álbum es sin duda una regresión a sus primeras obras, y aunque no brille especialmente por su composición, supera con creces su anterior álbum y sienta las bases para una nueva era de los de Michigan.

FER DÍEZ

ELI ‘PAPERBOY’ REED Nights Like This (WARNER) POP

30

D

esde que apareciese en 2008 con esa andanada de revival soul llamada Roll With You, Eli ‘Paperboy’ Reed dejó bien claro que tenía madera suficiente para convertirse en una superestrella. Amén de tener un buen ramillete de canciones con sabor a clásicos de la época dorada del soul, el chaval desprendía carisma y nervio en los shows.

Pero para desgracia de los que caímos enamorados de él cual flechazo instantáneo, ha optado por tomar un atajo rápido hacia el estrellato.

No es algo que nos pille desprevenidos, ya que en sus últimos movimientos se veía

de lejos que se preparaba para el salto definitivo al mainstream. Pero aun así, escuchar un disco como Nights Like This es una dolorosa decepción. Es como si todo lo que le hacía especial hubiese desparecido de un plumazo. La sección de vientos de los True Loves ha desaparecido para dar paso a una producción excesiva y pachanguera rozando lo hortera (experimentos como ‘WooHoo’ o ‘Lonely World’ son vergonzosos).

Desde luego un artefacto así parece más orientado a los seguidores de Bruno Mars que a los que tengan a Sam Cooke y al sello Stax en un pedestal. Y eso que si nos ponemos a valorarlo como el disco de pop descaradamente comercial que es, encontramos singles como ‘Shock To The System’ y ‘Nights Like This’ que bien podrían funcionar en un anuncio de coches o en la nueva sitcom de risa enlatada de turno. Puede que la jugada le salga bien, pero desde luego su credibilidad se ha disipado tan rápido como su mojo. Una lástima.

GONZALO PUEBLA

BLACK ANVIL Hail Dead (RELAPSE) BLACK METAL

85

M

e encanta todo lo que rodea a Black Anvil.

Su música, sus portadas de los discos (esta vez el encargado del diseño ha sido Mestatazis, conocido por haber ilustrado discos de gente como The Black Dahlia Murder o Behemoth, entre otros), y sobre todo su eclecticismo de influencias, aunque dentro del black metal a veces decir según qué cosas pueda ser motivo de paliza. Para empezar, han grabado este Hail Dead en los estudios Magpie Cage, poniéndose en manos de J. Robbins, conocido por ser miembro de los míticos Jawbox, grupo post hardcore que nada tiene que ver con

el black, incluso me atrevo a afirmar que seguramente éste ha sido el primer trabajo de este género que le han encargado... pues su especialidad son, claro, los grupos post hardcore. Y el resultado es cojonudo. Las composiciones han bajado un poco de revoluciones y han apostado por enriquecer su propuesta. La base sigue siendo black, pero puedes encontrar guiños a múltiples estilos como el pasaje post metalero de ‘Seven Stars Unseen’, el doom de ‘Next Level Black’ y muchos riffs rockeros de bajo mesa como en la demoledora ‘Eventide’.

Como declaró el bajista y vocalista de la banda, Paul Delaney, “Para componer este disco hemos utilizado a Kiss y a los Metallica del Master Of Puppets como fuente de inspiración”. Ahora entiendo por qué cierran el álbum con una muy buena versión de la balada ‘Under The Rose’ de Kiss. Un notable disco de black metal del siglo XXI, que sin perder la esencia del combo y el estilo, ha conseguido llenar de coloreados matices el mismísimo infierno.

DINERO DNR

(TRICORNIO/WARNER) ROCK

80

D

NR es instinto animal, tres purasangres galopando a toda hostia, a contracorriente, esquivando modas y etiquetas con la necesidad de sobrevivir y perder el control. DNR son los focos en la cara, los brazos en alto y los amplis petando los tímpanos. El trío afincado en Madrid ha logrado plasmar en su tercer disco un sonido desnudo de artificios y florituras que potencia la intensidad de su famoso directo. Son esencialmente los mismos Dinero que sorprendieron para bien en su debut homónimo y que siguieron ganando

adeptos con Año Perro a base de sudar escenarios.

Fácilmente identificables en la rabia que machaca temas como ‘Parásito’ o ‘Duelo de Titanes’, y en la sensualidad que desprenden ‘Dinamita’ y ‘Sobran Las Palabras’.

Con una idea conceptual muy marcada, DNR es un álbum de rock que no pide adjetivos ni aditivos, sólo la fuerza del momento. Se echan de menos algunos ritmos más bailables como en los anteriores discos, y aunque no dejan de lado las melodias pegadizas, es un disco más dedicado a detonar cortes en un suspiro.

Tan directo y conciso como los versos que su vocalista Sean grita sin pelos en la lengua cuando el espíritu del Dave Grohl de ‘Best Of You’ le posee por un instante en ‘Autoafirmación’, un medio tiempo acústico que crece y crece instrumentalmente.

Cuesta imaginar un solo tema de este DNR que no vaya a funcionar en directo; cuesta imaginar no corear el estribillo de la perfecta ‘Efecto Granada’ como si no hubiera un mañana.

SANDRA ASTOR

BURZUM TURNER

81

críticas

THE BLACKJAW HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Germán Picazo (voz, guitarra), Eduardo Velasco (voz,

guitarra), Carlos De Frutos (bajo), Guillermo Pedro-Viejo (batería) PRODUCIDO POR: Juan Blas AFINES A: Hot Water Music, The Bronx, Foo Fighters PÁGINA WEB: www.theblackjaw.com

74

S Undertow (REDNECK CHESSE) PUNK ROCK

80

iempre ha parecido ocupar un plano más secundario para el gran público que otros géneros como el metal o el indie, pero a día de hoy el punk rock está viviendo una de las mejores épocas que se le recuerdan en tiempo. Formaciones jóvenes como The Menzingers o The Flatliners están irrumpiendo con muchísima fuerza en los últimos años, mientras que veteranos de la talla de Bad Religion, Pennywise o NoFx aún se resisten a colgar las botas. En nuestro país, como suele pasar, parece que vamos un pasito por detrás, aunque últimamente también nos estamos poniendo las pilas.

Si el año pasado los locuelos de Blowfuse fueron una de las grandes revelaciones de

la temporada, en 2014 ese puesto deberían ocuparlo los madrileños The Blackjaw.

Dando caña desde hace algo más de seis años, con un par de referencias muy interesantes y habiendo compartido escenario con gente de nivel como A Wilhelm Scream, los ya citados The Flatliners, Authority Zero o recientemente abriendo para Minor Empires, todo parece apuntar que en este curso los chavales pueden dar un gran salto en su carrera. Lo suyo es la zapatilla sin concesiones, con los maestros Hot Water Music como principal referencia, pero mirando de reojo el rock gamberro de The Bronx o las melodías vitalistas de unos Foo Fighters. Registrado en los Westline Studios de Juan Blas, en Undertow han

conseguido encontrar el punto exacto donde convergen los dos estilos por los que se mueven, dando con la mejor colección de temas que han firmado hasta ahora. ‘Benlliure’ es un muestrario perfecto de lo que saben hacer, combinando las voces de Eduardo y Germán (aquí el propio Blas también les echa una mano).

Más cazurros suenan en el pepinazo que es ‘Wolves’, con unas gang vocals que me hacen pensar en unos primerizos Gallows. Hasta sus colegas de La M.O.D.A., The Backseats y Fragile Things se han unido a la fiesta en la hímnica ‘Today Is The Day’. Todo un señor discazo que pone de manifiesto la buena salud del punk patrio.

GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... THE BLACKJAW Este nuevo disco suena más definido que vuestros anteriores trabajos. ¿En qué aspectos creéis que habéis mejorado?

“Al llevar más de cinco años juntos cada vez somos más conscientes de nuestros defectos y virtudes, tenemos más claro qué queremos hacer. Cuando empezamos, quizás por los grupos de donde veníamos, queríamos hacer rock y nos cerramos un poco a otras vertientes; ahora no nos ponemos límites. Empezando a componer Undertow sabíamos que no íbamos a seguir con un tema si no nos convencía la forma que iba cogiendo”. ¿A qué resaca hacéis referencia con el título y cómo lo asocias con el diseño de la portada?

“El título se refiere a la resaca del mar, representa el verte arrastrado por todo lo que va en tu contra, pero también el esfuerzo que debes hacer para salir de esa espiral. Queríamos mantener el mensaje sociopolítico sin necesidad de poner un puño en la portada porque

el disco también refleja situaciones personales. La idea de la portada la tuvo Edu y está hecha por Hugo, cantante de nuestros amigos Mademoiselle X y dueño de Chirrikenstein Estudio. Captó la idea a la perfección e hizo una portada espectacular”.

Habéis compartido escenario con bandas de mucho nivel como A Wilhelm Scream o The Flatliners. ¿Con qué otra banda os gustaría tocar en el futuro?

“Te podríamos decir un millón, como por ejemplo The Bronx, Hot Water Music, The Hellacopters, Beatsteaks o Thrice.

Tocar con bandas de ese nivel te da estatus y es como cumplir pequeños sueños, pero para nosotros no es una finalidad, es una oportunidad cojonuda que esperamos seguir teniendo en el futuro.

También puede ser un problema, porque si algún día remoto tocamos con Pearl Jam, no podremos aspirar a nada más grande y al día siguiente probablemente disolveríamos el grupo (risas)”.

¿Cómo veis la actual escena punk rock en España? Si es que consideráis que la hay...

“El concepto ‘escena’ es complicado, nosotros no creemos en una ‘escena punk rock’ o ‘escena metal’, creemos que una escena se define por la manera de trabajar y de entender la música. Es decir, nos gustan más las bandas que tienen una ética de trabajo y una visión parecida a la nuestra que una que haga nuestro rollo sin más. Por suerte, con la gran mayoría de los grupos con los que hemos tocado nos hemos entendido a la perfección. Por otro lado, creemos que hay muchísimo nivel de bandas y de colectivos, cualquier estilo está cubierto por buenas formaciones, pero aunque duela reconocerlo, la mayoría de las veces falta público y por ello las salas endurecen sus condiciones y los medios especializados no tienen suficiente difusión. Sin olvidarnos de la legislación cultural de este país, que roza el esperpento”.

(GONZALO PUEBLA)

83

críticas

THE WAX

We Are Failing (DESERT PEARL UNION)

POST HARDCORE

78

S

ólo ha pasado un año de su debut discográfico, End Know Sense, pero el quinteto The Wax hace gala en el presente We Are Failing de una mayor seguridad e inspiración. Basta con escuchar el incontestable primer corte ‘Ed Wood’, una declaración de intenciones inspirada en la filmografía del director, destapada con un fragmento de la antológica narración del actor Bela Lugosi en la película Glen Or Glenda.

Un puñetazo en la mesa, con pasajes y susurros deftonianos, y el primer gran estribillo del disco, melódico y ultrapegadizo. El siguiente tema, ‘Wither’, engorila desde los primeros compases con un tutupá delicioso y unas guitarras de otro planeta.

Para el tema ‘Nadia Fusini’ los catalanes se sirven de un riff muy gordo, de ésos que

N LIONIZE

Jetpack Soundtrack (WEATHERMAKER)

HARD ROCK

85

84

o nos extraña nada que Neil Fallon de Clutch esté como loco con este trío de Maryland, se los haya llevado de gira y esté recomendándolos a todo Dios. Ya he leído y escuchado comparaciones de todo tipo, hard rock clásico, stoner, metal, de todo tienen, y lo que está más que claro es que después de más de una década de existencia y cinco álbumes, la banda ha adquirido la suficiente experiencia y personalidad como para labrarse su propio sonido, que además ha sido pulido por el productor

te perfora el cerebro a la primera de cambio. Juraría que encontraron la inspiración en la despedida de la escritora británica Virginia Woolf, quien se quitó la vida en 1941, pero no me hagáis mucho caso… Muy atentos a ‘The Void’, una bomba con dos detonaciones.

En la primera, una voz familiar nos pone los pelos como escarpias. Es Dani de Nunnery e intercambia con Aitor un surtido de

gritos, guturales y melódicos alucinantes. En la segunda parte The Wax se sueltan la melena y abrazan diferentes géneros sin complejos, desde el rock instrumental al post metal. Filiu de los alicantinos Zombies And Diamonds ha escrito y canta la letra de ‘Snake Charmer’, una suerte de thrash bastardo y guiños arábigos. En total, cinco entretenidísimos cortes que dejan con ganas de más.

Machine. De entrada tenemos que decir que estamos ante su disco más completo, quizás el más accesible, pero también el más contundente y musculoso. Se han olvidado de experimentos reggaes y demás marcianadas y se han centrado en componer una potente colección de riffs que han de ser descubiertos por todos esos miles y miles de fans que tienen por ahí Queens Of The Stone Age. De hecho, se muestran mucho más inspirados que Josh Homme. Escucha ‘Replaced

By Machines’; podría estar en Songs For The Deaf con esa línea guitarrera tan marcada,

ese bajo inhumano y ese estribillo matador. ‘Reality Check’ también debería ser un hit si existiera la justicia en este mundo... la negroide melodía vocal es de otro mundo, las guitarras se tornan más sutiles, los teclados te transportan y, una vez más, nos presentan un estribillo de antología. Y no te creas que todo lo bueno acaba con un par de temas a destacar... los brutales ritmos de ‘Skynet’ podrían hacer descarrilar una locomotora y ‘Electric Reckoning’, con ese groove, haría que un paralítico saltara de su silla de ruedas.

LUIS BENAVIDES

ANDRÉS MARTÍNEZ

BURY TOMORROW Runes

(NUCLEAR BLAST)

METALCORE

70

P

ara todos los fans del metalcore llega Runes, el nuevo trallazo de Bury Tomorrow, otra banda británica que, como Bring Me The Horizon, Architects o While She Sleeps, por su calidad e impacto mediático global no necesita ser americana. Es sabido que este tipo de metal no es conocido por ser un estilo que rompa esquemas. Nació, evolucionó y prácticamente se ha quedado en el mismo sitio desde entonces, pero este quinteto ha sabido igualar su anterior y aclamado LP, The Union Of Crowns, con el que irrumpieron en la escena mundial con su mezcla de,

cómo no, caña y melodía, con este nuevo trabajo de estudio que claramente reafirma su presencia en el mercado. No soy especial fan de los esquemas tan básicos y repetitivos dentro de un mismo grupo y mucho menos dentro de un mismo género musical, pero lo que sí puedo decir a favor de Bury Tomorrow es que sus voces melódicas empastan muy bien y que este disco es entretenido y un buen ejemplo de metalcore bien hecho, pues se deja escuchar entero sin ganas de cambiar de corte, ‘a ver qué me ofrecen en el siguiente tema’. Sus riffs son más grooveros que técnicos y tienen un ligero regustillo a Killswitch Engage, especialmente por la voz melódica del guitarrista Jason Cameron, la cual a ratos me llega a recordar a Howard Jones. La banda tenía difícil superar su anterior álbum, una complicada prueba a la que se enfrentan muchísimos grupos a la hora de sacar la continuación del disco que les sitúa en el mapa, pero temas como ‘Shadow’, ‘A Creator’ o ‘Watcher’ les suben al podio una vez más.

FER DÍEZ

THE BIRDS OF SATAN The Birds Of Satan (SHANABELLE/POPSTOCK!)

HARD ROCK

77

L

a primera vez que escuché la voz rota de Taylor Hawkins fue en la versión del tema de Pink Floyd ‘Have A Cigar’.

Sólo era la cara B del ‘Learn To Fly’ de Foo Fighters.

Había mucha madera, tenía rollo con el micrófono; sin embargo, tuvieron que pasar otros seis años para escucharle en otro tema. Me refiero a ‘Cold Day In The Sun’, uno de los 20 cortes del In Your Honor, compuesto con una acústica por el propio Taylor. En cierta forma, esa canción es el verdadero germen de los presentes The Birds Of Satan. Pero para entender la nueva aventura discográfica del rubio batera

no podemos pasar por alto Taylor Hawkins & The Coattail Riders, con los que llegó a publicar dos trabajos. Y es que el disco homónimo de los pájaros de Satán, con un sonido setentero más norteamericano que unas camperas, no difiere en exceso de esos dos álbumes previos. Tampoco de los últimos Foos. Esta vez le acompañan sus compañeros de juergas, Mick Murphy y Wiley Hodgden, guitarra y bajista respectivamente, con quienes solía tocar versiones en bares y pizzerías de carretera bajo el nombre de Chevy Metal. Siete temas que dan para mucho. Desde las harmonías vocales de los Beatles (‘Rasperries’) al poderío rítmico de los Queens Of The Stone Age más accesibles (‘Thanks For The Line’) pasando por unos riffs dignos de Black Sabbath (‘Wait Til Tomorrow’) y virguerías técnicas a lo Rush.

Que el nombre de la banda no os confunda. The Birds Of Satan suenan celestiales, brillantes y vitales, con mil y un detalles de batería alucinantes en primer plano y una voz que engancha.

LUIS BENAVIDES

85

cr í ticas

JACK WHITE Lazaretto

(THIRD MAN/XL RECORDINGS/POPSTOCK!)

ROCK’N’ROLL

75

L

a manera de trabajar de Jack White poco tiene que ver con la de otros músicos de su envergadura, y da la sensación que, desde que en 2011 se librara de The White Stripes, hace en cada momento exactamente aquello que le apetece, desde grabar con Alicia Keys a producir el último rústico álbum de Neil Young o inventarse un sistema para que el vinilo de su nuevo álbum genere un holograma cuando gire. Esa absoluta libertad es la que también transmite Lazaretto, su segundo álbum en solitario, que llega dos años después de su exitoso debut Blunderbluss. Como en aquél, White hace una relectura absolutamente personal de la música americana teniendo en el rock’n’roll clásico y el country sus dos mayores fuentes de inspiración. A

A

BANNER PILOT Souvenir

(FAT WRECK CHORDS)

PUNK ROCK

78

86

lgo estás haciendo muy bien cuando tu grupo recuerda a los geniales Jawbreaker, Samiam y Alkaline Trio.

Mejor aún, cuando tu banda convence a los más exquisitos seguidores de las citadas bandas. Ése podría ser el caso de Banner Pilot, un cuarteto de Minneapolis que sin hacer nada nuevo nos robó el corazón en el 2009 con las melodías rasposas e irresistibles de su segundo largo, Collapser, reseñado por un servidor en estas mismas páginas.

Luego vendría la reedición de su debut, Resignation Day, publicado originalmente por

pesar de ser un purista a la hora de utilizar los artefactos de grabación más añejos posibles, White sabe que la única manera de conservar el espíritu original de esa música es ser algo irreverente. Por eso no duda en introducir todo tipo de efectos disonantes en las guitarras, los teclados, en su propia voz, o cambios de ritmo inesperados, para agitar unas canciones que en manos menos atrevidas sonarían absolutamente tradicionales.

En algunos casos, como las más acústicas ‘Temporary Ground’, ‘Entitlement’ o ‘Just One Drink’, aderezadas con un violín salido de las Montañas Rocosas, muestra su lado más comedido, mientras que en otras como ‘Lazaretto’, ‘High Ball Stepper’ o ‘That Black Bat Licorice’ se deja llevar por su bendita locura, pero lo más importante es que nunca, nunca, deja de ser él mismo.

Go-Kart Records, y Heart Beats Pacific, lanzados todos ellos por Fat Wreck Chords. Para su cuarto trabajo, el presente Souvenir, Nick Johnson y compañía han bajado ligeramente la velocidad y limado algunas aristas. ¿Buscarían el disco de la madurez? Tampoco nos pasemos. La banda no estaría muy por la labor de evolucionar su propuesta cuando ha repetido estudio y productor, Jacques Wait, responsable de sus anteriores trabajos. Además, en Souvenir también disparan cortes de punk rock a piñón como ‘Fireproof’ y ‘Hold Fast’. Las diferencias son

sutiles, pero la progresión está ahí, para los más puñeteros y observadores. En la inicial ‘Modern Shakes’, por ejemplo, percibo un acercamiento a las guitarras de los actuales Against Me!, una banda con una más que loable evolución en la que podrían sentirse reflejados. En otros temas, como ‘Letterbox’, ‘Colfax’ y ‘Shoreline’, subrayan por primera vez una onda emo post adolescente al más puro estilo The Wonder Years. En cualquier caso, otra entrega inspirada y honesta.

Al fin y al cabo, no pedimos mucho más a una formación del género.

JORDI MEYA

LUIS BENAVIDES

CLOUD NOTHINGS Here And Nowhere Else (WICHITA)

INDIE ROCK

80

E

l tercer trabajo de los de Cleveland convence sin rematar.

Su cerebro, Dylan Baldi, afina la fórmula pero no acaba de despuntar como se podría esperar. El salto que hizo de su debut a Attack On Memory ahora se queda en un pasito, cosa que no es nada malo ni tendría mayor importancia si no viéramos a Baldi como un genio de su tiempo y una especie de joven prodigio con una proyección meteórica que se ha visto algo frenada.

Quizás se espera demasiado

de él y se quiere rápido a un nuevo Cobain o Reatard...

Tiempo y potencial le quedan para demostrarlo. Lo sigue haciendo disco a disco y con este Here And Nowhere Else lo ha hecho una vez más.

Su noise pop, indie rock y lo-fi maravilla de nuevo con unos temas cargados de melodía que se ve envuelta, empujada y acompañada por un convincente, pleno y fuerte impacto sonoro de buenas guitarras y compacta sección rítmica que golpea en su justa medida. ‘I’m Not Part On Me’ con su punk melódico de aire teenager, la gloriosa ‘Now Hear In’ que enamora sin remedio y ‘Just See Fear’, que no se queda para nada corta tampoco, son las que dirigen en su inicio el transcurrir de un muy buen disco que con la suma de cortes como ‘Pattern Walks’, ‘No Thoughts’ o ‘Psychic Trauma’ sigue poniendo en un punto de mira privilegiado a Cloud Nothings. Se espera de una banda tan buena que crezca y no dudamos que lo seguirá haciendo.

CARLES RAMÍREZ

MARVEL HILL

Marvel Hill Army (AUTOEDITADO)

ROCK

78

E

n la línea del largo The Assassination Of Marvel Hill pero casi cuatro años después, los canarios Marvel Hill han planchado seis nuevos cortes de rock melódico en un vinilo de 10’’. El nombre de la nueva referencia, Marvel Hill Army, es un guiño claro a los seguidores más fieles de la banda, una auténtica armada de mecenas. Y es que gracias a sus generosas aportaciones a través de una conocida plataforma de crowdfunding han visto la luz temas como el inicial ‘Straight To The Sky’, un trallazo de altura marca de

la casa, ideal para mover el culo. El rotundo ‘Imperfection Evolution’, con un estribillo gordo y pegadizo, tampoco está nada mal. En ‘New Foundation’ pisan el freno y encontramos al cantante y guitarra, Jon Ramsden, en su versión más crooner. A lo Greg Dulli. Casi nada.

Cambian de registro una vez más, con sus maneras habituales y reconocibles, y con ‘Celebrate’ reparten rock’n’roll del bueno mientras ‘Pay If You Wanna Play’ saca a pasear el lado más pendenciero, sucio y punkerizado del cuarteto. Los coros del sexto corte, ‘Don’t Waste My Time’, con un final de guitarreo portentoso y tremendista, devuelven el EP a las sonoridades más radio friendly. Se nota que ellos entraron en los estudios Ultramarinos Costa Brava con ganas de marcar músculo y hacer mucho ruido, pero también se nota el trabajo de Santi Garcia, un maestro puliendo aristas a favor de las melodías sin restar ni un ápice de fuerza. La combinación perfecta.

LUIS BENAVIDES

© HÉctor Eme

87

cr í ticas

ENTHRONED Sovereigns (AGONIA) BLACK METAL

60

L

a última vez que vi a Enthroned en directo, en el Move Your Fucking Brain catalán del pasado año, me llevé una buena decepción.

Nornagest, el miembro más longevo de la banda pese a no quedar ninguno de sus fundadores, no estuvo a la altura como cantante, y es más, tampoco lo estuvo ante el legado del combo belga, en activo desde 1993. Escuchando Sovereigns, veo que la cosa no ha ido a mucho mejor, y es que el problema es de raíz. Si Enthroned eran una banda respetada por todo el underground extremo por su propuesta hiriente y desquiciada,

88

hasta histérica en álbumes como Armoured Bestial Hell, poseedora de riffs memorables, ahora mismo sólo son un combo black metal al uso, que presenta temas que tampoco pueden catalogarse de desafortunados, pero que sí han perdido su antigua esencia y, encima, es la voz lo que menos encaja en su música. Tocaron techo con Carnage In Worlds Beyond o XES Haereticum, y al final tanto cambio de miembro ha acabado por desdibujarles hasta acabar siendo casi irreconocibles. ‘Nerxiarxin Mahathallah’, la sombría ‘Lamp Of Invisible Lights’ u ‘Of Shrines And Sovereigns’ son convincentes, ‘The Edge Of Agony’ es un auténtico martirio, pero a un álbum publicado bajo su bandera se le debe exigir mucho más. A estas alturas no creo que Lord Sabathan vuelva a la formación, así que esto es lo que hay y deberemos conformarnos. Los nombres tienen un peso, Enthroned tienen una historia, y ahora mismo no le están haciendo justicia.

PAU NAVARRA

RIOT OF VIOLENCE Planet Of The Rapes (AUTOEDITADO)

DEATH METAL

75

S

i bien es cierto que el metal peninsular está viviendo una, en mi opinión, época de grandes lanzamientos (que ojalá de una vez nos coloquen en el mapamundi), lo cierto es que de vez en cuando surgen discos que llaman la atención por haber pulsado, quizá de forma literal, esa nota de genio que los hace destacar por encima de los demás, y no necesariamente en función de los habituales valores de tecnicismo o brutalidad, sino de algo más esquivo, como es la

clase. En pocas líneas, los barceloneses Riot Of Violence han acertado a componer un álbum que abunda en los ritmos calmados y aplastantes del death metal clásico aportando un sentido de la melodía que nos lleva a la herencia de Göteborg y a bandas como Amon Amarth.

Dicho esto, su death metal melódico no es un calco de nada escuchado con antelación; su personalidad es propia y las vueltas de tuerca que les dan a recursos clásicos son perfectamente suyas, siendo precisamente el único riesgo que corren el de no ser obvios: ni estribillos melódicos, ni sobreproducción siliconada, ni composiciones obvias, ni bestialidad ultra tecnicista, sino lo que se escucha como un disco de death metal honesto, trabajado, serio y que hubiese provocado el máximo respeto de un seguidor de la escena sueca a mediados de los 90. Si lo que buscas es categoría y distinción, aquí encontrarás toda una lección.

SALVA RUBIO

HOWE GELB

The Coincidentalist (NEW WEST) AMERICANA

75

B

ienvenidos al desierto. Aquí hace calor, claro, y las cosas pasan despacio, porque somos enanos en la inmensidad gigantesca. Pero corre una agradable brisa, y no es viento precisamente.

Son notas musicales, y una voz que te da masajes en el alma con la técnica del susurro. Se me ocurren pocas cosas mejores que hacer en un día de resaca que encomendarte a Howe. Él se encarga de todo, y se apoya en sus amigos para conseguirlo. Y qué colección de amigos, gente... M Ward, Steve Shelley (Sonic Youth),

Andrew Bird, Bonnie Prince Billy… incluso John Parish mete mano en este ritual de lo, desgraciadamente, no tan habitual. Un piano por aquí, una pedal steel guitar por allá, un violín, unas campanas, un bajo lisérgico, la voz de distancias cortas de KT Tunstall, coros femeninos… esto es una delicia de baja fidelidad y alta intensidad (hipnótica).

No puedo evitar entrar en ese estado semiinconsciente donde el placer te viene porque el mundo parece pararse. Orgía de lentitud.

Devoción a la calma. Me da igual todo lo que haya más allá de estas cuatro paredes y estos dos altavoces. Es nuestro momento, y nada ni nadie podrá romperlo, sea realidad, o sea sueño. Nos dirán que el disco jadea americana, que combina rock’n’roll 50’s con flamenco, que aúlla blues, o que acaba llorando jazz y bailando swing a la vez, pero aquí todo eso no importa una mierda. Dejen el cerebro en la puerta, señoras y señores.

Aquí hemos venido a sentir… y a disfrutar.

IGNASI TRAPERO

CUELLO

Modo Eterno (BCORE) POST HARDCORE

80

L

ejos quedan ya en el tiempo los dos últimos movimientos musicales surgidos en Valencia que tuvieran cierta repercusión en el resto del Estado. Me refiero, por supuesto, a la Explosión Naranja y a la infame Ruta del Bakalao.

Cuestionables ambos, lo que no admite discusión es que algo fuerte se está gestando en la ciudad del Turia en los últimos años: hay grupos con cosas que decir, un par de sellos interesados en editarlos y hay varios sitios donde tocar.

Jose Guerrero (Betunizer, Jupiter Lion, La Orquesta Del Caballo Ganador) es uno de los músicos más activos de

esta nueva escena que ha salido del underground y que tiene al rock, al punk y al garaje como principales ejes vertebradores. Modo Eterno es el segundo disco de sus Cuello, y en él su peculiar forma de cantar y de frasear es el hilo conductor de diez nuevos temas entre los que destacan los pegadizos ‘Campeón’ y ‘San Balón’.

Dejando aparte la rareza de los títulos y de las letras, lo cierto es que la mezcla de post hardcore con indie rock noventas resulta bastante excitante. De hecho, ambas caras del LP empiezan con la sección rítmica a pleno rendimiento: el bajo nervioso de Nick Perry y la batería inquieta de Óscar Mezquita (Zanussi, Derrota). No hay arranques crusties en Modo Eterno pero sí un final bastante destructivo: el de la canción ‘Hunde Mis Cárceles’. Si añadieran segundas voces y algún que otro coro, sin lugar a dudas hablaría de Cuello como una de las bandas de rock más grandes de Valencia.

JORDI FORÉS 89

cr í t icas

PLAGUE VENDOR

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Brandon Blaine (voz), Jay Rogers (guitarra),

Michael Perez (bajo), Luke Perine (batería) PRODUCIDO POR: Tom Livemore AFINES A: Ceremony, The Cramps, Liars PÁGINA WEB: www.plaguevendor.com

RECOMENDADO POR:

L

Free To Eat (EPITAPH)

PUNK ROCK

67

a primavera nos ha traído la edición de este energético debut de Plague Vendor a través de la mítica escudería Epitaph, uno de los sellos más respetados por mi persona y que más me han influido durante toda mi vida. Free To Eat es obra de cuatro veinteañeros de Los Ángeles amantes de los sonidos contundentes, eso sí, contundencia punk rockera californiana que recuerda por momentos a unos primigenios Dead Kennedys, The Damned o Plasmatics, o incluso a bandas más actuales como Liars por sus connotaciones artísticas.

En tan sólo 18 minutillos Plague Vendor ofrecen una descarga sónica apetecible,

muy lineal y dentro de un sonido punk rock indiscutible, con esa suciedad armónica, interpretación excelente pero intencionadamente desordenada. Guitarras con trémolo surfero, voces rasgadas y estridentes a cargo del descarado Brandon Blaine, baterías enloquecidas y de charles abierto, y un bajo que no improvisa ni un ápice convierten a Plague Vendor en una banda pop punk en muchas ocasiones, pero no de ese pop punk de The Story So Far, Handguns o The Wonder Years que tanto amo, si no algo mucho más setentero, crudo, serio, más maduro y garajero que para nada tiene que ver con el espíritu Defend Pop

Punk con granos en la cara y piruletas en los bolsillos…

Lineales temas como ‘Black Sap Scriptures’, que abre el disco, el propio ‘Plague Vendor’, que da nombre a la banda o ‘Finical Fatalist’ son auténticos himnos a la cultura del riff repetitivo guitarrero que, por momentos, parece que estuvieras escuchando hasta a Black Flag o Parálisis Permanente... ¡La leche!

Pruébalos y saca tus propias conclusiones. Para mí es un buen disco que no se va a convertir en el álbum del año, pero que, a buen seguro, tendrá muchos adeptos y sin duda sonará en nuestra isla sonora de Radio 3 llamada Bandera Negra.

RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... LUKE PERINE Plague Vendor os formasteis hace cinco años. ¿Qué tipo de banda queríais ser?

“Cuando empezamos nos dimos cuenta de que estar en un grupo era mucho más que hacer música. Salíamos juntos cada noche. Todos vestíamos de negro. Íbamos a fiestas de artistas juntos y tan pronto como salíamos de ahí, nos íbamos al estudio a ensayar toda la noche. Nos convencimos a nosotros mismos de que no había tiempo para sentarnos y decidir si una canción podía mejorarse. Tenía que ser muy buena desde el principio”.

Grabasteis el disco completamente en directo, sin añadidos. ¿Era una declaración de principios?

“Me gustaba la idea de grabarlo en directo. Sabíamos que sería una buena historia que contar, y hasta cierto punto fue fruto de nuestra impaciencia, quería hacer el disco rápidamente. Al final no significa nada. Se trata de hacer un

buen disco, no importa cómo”.

En algunos temas hay una fuerte influencia de la música surf. ¿De dónde os viene?

“Sé que ‘My Tongue Is So Treacherous’ tiene un sonido surf en la primera parte de la canción por el ritmo de batería.

Todo el mundo puede reconocer ese ritmo surf. Si alguien quiere decir que tenemos una influencia surf me lo tomo como un cumplido, sobre todo si se refiere al aire extraño que Dick Dale consiguió en algunos de sus discos”.

Vuestras letras escapan de lo obvio. ¿Las veis más como poesía?

“Sí, las letras son poesía”. ¿Cuál fue vuestra reacción cuando Epitaph quiso ficharos?

“Me alegró mucho que un sello con el que había crecido escuchando se interesara por nosotros. Hubo un periodo en que ninguno de nosotros entendía nada del papeleo legal que nos daban y pensaba que todo ser iría al garete.

Pero de nuevo, era culpa de nuestra impaciencia. Ahora que estamos con ellos, podemos hacer las cosas como nos gusta a nosotros. Es el hogar ideal”.

Habéis hecho de teloneros de Jello Biafra, Iggy Pop y Mike Ness. ¿Cuál fue el más simpático con vosotros? ¿De quién aprendisteis más?

“No puedo decirlo porque no conocí a ninguno de ellos. Brandon y yo saltamos al escenario y bailamos con Iggy durante su show. Mike Ness dijo algo sobre nuestro grupo antes del bis.

A Jello parecía no importarle un pimiento quién tocaba con él ese día. Una noche estábamos saliendo de un bar y mientras subíamos al coche vimos a un tipo que Brandon estaba convencido que era el cantante de una vieja banda punk, pero no lográbamos adivinar el nombre. Así que le preguntamos de qué banda era y nos dijo ‘¡Que os jodan!’. Creo que fue de él de quien más aprendimos”.

(JORDI MEYA)

91

críticas

IMELDA MAY Tribal (DECCA)

ROCKABILLY

80

C

uatro largos años han pasado desde que Mayhem fuera publicado. Suficientes para que comenzásemos a echar de menos a nuestra queridísima Imelda May. El principal motivo de su ausencia de los escenarios fue debido a que en 2012 dio a luz a su primera hija, cuyo padre no es otro que Darrel Higham, guitarrista de su banda. Podría uno llegar a pensar que la irlandesa fuese a acomodar su sonido tras su reciente maternidad, pero ni mucho menos. Ya desde la misma portada en la que la vemos calzando chupa de cuero en actitud desafiante, Imelda viene a dar un puñetazo sobre la mesa con el que posiblemente sea su disco más rockero hasta la fecha, que ya es decir.

Basta escuchar las Gretsch rugiendo en ‘Tribal’ y balazos

H STONEBURNER Life Drawing (NEUROT/POPSTOCK!) SLUDGE DOOM

78

92

ace como un año un amigo amante de todos los sonidos más extremos (y no, no es Pau Navarra) me puso un disco de vuelta de un concierto para ver qué me parecían.

Sonaban cojonudos. Lentos, sucios e infernales, los tipos practicaban un conglomerado hiperdenso de sludge doom muy pasado de vueltas que me atrajo la atención de inmediato. Eran un cuarteto de Pórtland y el disco se llamaba Sickness Will Pass. Desde entonces les seguí la pista y ahora nos presentan su segundo largo, una continuación aún más enferma y pantanosa que su

como ‘Wild Woman’, ‘Hellfire Club’, ‘Right Amount Of Wrong’ o la tremendamente pegadiza ‘Round The Bend’ para certificar que ha vuelto con las pilas cargadas, dispuesta a hacer arder las suelas de nuestras creepers hasta que se nos despeine el tupe. No faltan tampoco las tan habituales como deliciosas baladas donde su aterciopelada voz brilla con luz propia, caso de ‘Gipsy In

Me’ o esa sugerente ‘Wicked Way’ que bien podría aparecer en los créditos de inicio de una peli de James Bond. Hasta un single tan simple como ‘It’s Good To Be Alive’ tiene su gracia, y eso que es la más prescindible de todo el disco. Al contrario que el nuevo despropósito de Eli ‘Paperboy’ Reed, esta mujer sí ha hecho que nos volvamos a rendir a sus pies.

prometedor debut. Su lentitud es en ocasiones desesperante y enormemente dramática, esos enguarrados riffs vienen a por ti, te envuelven y te engullen sin piedad, de la misma manera que esos textos cargados de mala leche y desesperación pueden hacer que te vueles la cabeza en un día malo. Musicalmente se emparientan con los conceptos de gente como Weedeater, Eyehategod o los mismos Saint Vitus, pero vocalmente Damon Kelly es otra cosa... Fanático hasta la médula de monstruos como Mayhem, Death o los ahora grandes Watain, su estilo bebe de las diferentes

propuestas del metal extremo, aunque es más que evidente que Scott Kelly ha de ser un dios para él. Dicho esto, ahí tienes auténticas odas a la violencia sonora como esa gigantesca ‘Caged Bird’, 10 minutos de apocalipsis sludge que te dejan como si te hubieran metido una paliza de mil demonios. Por no hablar de la sobrada de ‘The Phoenix’, una bomba que empieza pausada, oscura y muy ambiental para ir dando paso a otra monstruosidad de riffs cavernosos, acoples infernales y berridos salidos de la más pura demencia.

Brutales.

GONZALO PUEBLA

ANDRÉS MARTÍNEZ

BOIKOT

Boikotea!!!

(MALDITO)

SKA PUNK

78

T

engo claro desde hace tiempo cuál es el secreto del éxito de Boikot: mezclar con sencillez y humildad varios estilos musicales como el ska, el rock urbano y el punk melódico tan característico de California. Si Juankar y Kosta cantaran en inglés esta veterana banda de Madrid no desentonaría en el catálogo de Epitaph o Fat Wreck. Además, la presencia de Txikitín de SKA-P en el escenario, encargándose de la trompeta y de los ritmos latinos, recuerda al papel más festivo de El Hefe en NoFx. Con todo, Boikot lanzan un nuevo disco en

directo grabado en varias ediciones del Getafe En Vivo, el Viña Rock, las fiestas de San Fermín o el Rockafalles. En dichas ocasiones lo petan y el público acude en masa, aunque a mí me chirría un poco que el CD empiece con una niña cantando ‘Inés’. El repaso a toda su carrera musical es bastante exhaustivo a lo largo de los 17 temas que incluye pero, como ya sabéis lo que hay en un directo del combo madrileño, me gustaría centrarme en los extras de Boikotea!!!. En primer lugar el disco ofrece la canción inédita ‘Salgo A La Calle’ (original de Elektroduendes) además de tres versiones diferentes de ‘Enloquecer’ cantadas en euskera, en galego y en català. Habría preferido que esta última la cantara alguien diferente a Gerard Quintana, aunque la intención es lo que cuenta.

Por su lado, el DVD contiene lo mismo pero acompañado de las imágenes y clips correspondientes, a parte de un corto de lo más simpático.

JORDI FORÉS

ELS SURFING SIRLES Música De Consum (BANKROBBER)

GARAGE PUNK, PSICODELIA

70

E

l cuarto y último disco de Els Surfing Sirles tiene la muerte como uno de los ejes centrales, por temática de algunas canciones (‘Festa Amb Morts’, ‘Cançó Funeral’, ‘Àngel’, ‘Minifalda Rural’, ‘Epitafi’), o por la misma foto de la portada, el multitudinario entierro del anarquista Buenaventura Durruti en Barcelona. Un tema trascendental, pero relativizado por el particular punto de vista gamberro y desenfadado de la banda catalana: fiestas con muertos, funerales donde el protagonista silba desde el ataúd, excompañeros de

clase que protagonizan atracos mortales, bares que son el centro del mundo, colecciones de camisetas viejas, devociones secretas, misantropías, antiguos amores letales, políticos corruptos o despedidas van pasando por eléctricas canciones garajeras, o hasta krautrock (‘Merda Alemanya’) o blues (‘El Fons De La Qüestió’), en otro disco tan enérgico y vitalista como los tres previos. Pero, como en una broma macabra, el día antes de acabar definitivamente el disco, el guitarra Uri Caballero murió de manera repentina.

A pesar del terrible hostión de vida, antes de dar por acabado el grupo, Martí, Xavi y Guille quisieron grabar el álbum como último homenaje y epitafio musical a su amigo, compañero y hermano.

Como bien dicen en la última frase del disco, “L’important és que et plori algú, i si no ho fa ningú… tururut!”. A mí sólo se me ocurre decirles un ‘gràcies per haver existit’.

IGNASI TRAPERO 93

críticas

RADIO MOSCOW Magical Dirt (ALIVE) ROCK

62

E

sta más que claro que Radio Moscow, o mejor dicho Parker Grigs, son una gran banda de directo.

Los que hemos tenido la suerte de disfrutar de alguno de sus shows sabemos que les bastan pocos minutos para poner la sala patas arriba...

Pero otra cosa son los discos.

Una cosa es tener un talento especial como músico y otra es tenerlo como compositor, y el señor Riggs, factótum total y absoluto de Radio Moscow, va sobrado de lo primero, pero muy justo de lo segundo. A la hora de puntear su guitarra escupe

94

fuego con ese estilo tan deudor de Jimi Hendrix, pero ésta es su quinta referencia ya y aún estamos esperando un disco sólido de verdad, incontestable, sin tanta pirotecnia pero con más canciones, y eso de momento no llega.

Seguramente los amantes del sonido setentas y de todos aquellos guitarristas estratosféricos que fundían sus pedaleras y sus amplificadores en aquellos dorados años verán en Radio Moscow una banda para idolatrar, pero no tenemos que olvidar que Hendrix poseía composiciones celestiales, lo mismo que Randy Holden, Eric Clapton, Jeff Beck, Alvin Lee o Randy California, músicos que seguro han influenciado fuertemente al trío. De todas maneras no me entendáis mal, hay cosas muy disfrutables, temas como ‘Rancho Tehama Airport’, ‘So Alone’ o la lisérgica ‘Sweet Lil Thing’ rayan a gran altura, pero a una banda de su trayectoria debemos pedirle más.

Seguiremos esperando.

ANDRÉS MARTÍNEZ

TOMBS

Savage Gold (RELAPSE) BLACK METAL, SLUDGE METAL

83

E

s increíble que a veces un sonido pueda volcarte ideas abstractas tan nítidas dentro del cerebro. Es el caso de ‘Thanatos’, tema que abre el tercer trabajo de los neoyorquinos Tombs. Como su nombre indica, la cosa va de la muerte, de desaparecer de la faz de la tierra, y como decíamos, con unos pocos segundos te ponen en situación para un viaje de nada optimista mensaje lírico. Tras el laureado Path Of Totality el renovado cuarteto ha tirado más que

nunca de black metal y, sobre todo, como muestran cortes como el reseñable ‘Portraits’ o ‘Seance’, de emoción en las voces del guitarrista y líder Mike Hill, así como en los riffs. Savage Gold va mucho más al grano que su predecesor, no se anda por las ramas y goza de una velocidad nada desdeñable, aunque también aporte momentos de gozoso ruidismo o, en su caso, de necesaria pausa intelectual por mucho que los temas vayan empalmados sin un solo segundo de silencio.

‘Echoes’ capitanearía esta última vertiente de Tombs, con su largo y afectado recorrido, pero con una vuelta de tuerca final que no da tregua alguna.

La suicida ‘Deathtripper’ o ‘Severed Lives’ serían dos canciones más a destacar para aquellos que no sólo busquen caña a destajo, aunque sin duda encontrarán eso y a raudales en ‘Edge Of Darkness’, ‘Ashes’ o ‘Legacy’.

Si te alucinan Triptykon o Neurosis, ya tardas.

PAU NAVARRA

MICAH P. HINSON AND THE NOTHING

Micah P. Hinson And The Nothing (TALITRES) FOLK

70

H

ará cosa de tres años, cuando se dirigía por carretera hacia Barcelona, un accidente de coche en Tarragona junto a su entonces banda de acompañamiento Tachenko nos dejó sin verle en aquella gira. Cuando le vimos tocar meses después, arrastraba signos evidentes de aquel incidente que, afortunadamente, quedó en un gran susto. Y por aquel entonces, Micah P. Hinson grabó este disco en Santander de la mano de Fernando Macaya. Las alegrías post nupciales

de grabaciones anteriores quedan atrás, dando lugar a paisajes más oscuros, dolores, desamores, escepticismos y fatigas: ‘The One To Save You Know’ es pura muestra de que el dolor suele ser uno de los motores más potentes de la creatividad y la belleza artística. Aunque el disco empiece con el ritmo de ‘How Are You Just A Dream’, personalmente es en los momentos más lúgubres donde, paradójicamente, le encuentro más brillo y luz: ‘I Ain’t Movin’, ‘The Quill’, ‘A Million Light Years’… La voz quebradiza y semironca del crooner de Memphis parece arrastrarnos al pozo de sus demonios internos, casi sin poderlo (ni quererlo) evitar.

Pero, por momentos, él mismo parece querer disfrazarlo todo de falsa alegría hillbilly o de esperanza góspel (‘God Is Good’), aunque en el fondo nos recuerde que todo sigue siendo la misma mierda de siempre (‘The Same Old Shit’). Puestos a vivir entre mierda, mejor retozar con las canciones de uno de los artistas preferidos del olvidado Dmitro Chygrynksiy.

IGNASI TRAPERO

PILGRIM

II: Void Worship (METAL BLADE) DOOM METAL

72

D

oom! ¡Doom! ¿Quién es? Somos Pilgrim y venimos a destrozarte la vida. Queridos amigos, no os dejéis engañar por la portada de este álbum. Aunque sea una ilustración ‘heavy-épicamágico-Señor De Los Anillos’ y las letras de las canciones hablen de guerreros, brujas y hechiceros, no estamos delante de un disco de Blind Guardian; lo que realmente esconde este discos es depresión en slowmotion.

Yo, que me considero una persona alegre y llena de vida, me ha faltado poco para tirarme por la ventana de mi casa. Y eso, señores, significa que este disco ha

podido conmigo. Ocho cortes en las muñecas para desangrarte mientras las manos oscuras del más allá te van acariciando hasta que pierdes el espaciotiempo del presente. Esta gente de Rhode Island supera su debut Misery Wizard (2012) tanto por la grabación que les ha dado un sonido más poderoso y pesado, como por las composiciones, que son más hipnóticas, maquiavélicas y malignas. En 2013 su bajista Count Elric the Soothsayer abandonó el proyecto y, este hecho, en lugar de perjudicar a la banda, parece que les haya ido bien para ir a más. A mí este disco me deja con el corazón partido. Por un lado me encanta escucharlo y dejar que las voces me digan a quién tengo que matar, ¡pero es que yo no soy así! A mí me gusta vivir la vida a tope y con alegría… Ellos no sé si son malos de verdad, si de noche matan a gente o se cagan en todo Dios, pero a mí me están acercando al lado oscuro.

BURZUM TURNER

95

críticas

SKIP THE USE HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Mat Bastard (voz), Yan Stefani (guitarra), Jay Gimenez (bajo), Lio

Raepsaet (teclados), Manamax Catteloin (batería) PRODUCIDO POR: Dimitri Tikovoï, Adrian Bushby AFINES A: Royal Republic, The Police, Bloc Party PÁGINA WEB: www.skiptheusemusic.com

96

S

Little Armageddon (UNIVERSAL) ROCK

78

i nos remontamos a tiempos pretéritos, no es difícil adivinar que con bandas como Mano Negra o Berurier Noir, Francia siempre ha sido un país pionero a la hora de fusionar rock con influencias alejadas de éste. Algo en cierta manera lógico, teniendo en cuenta las mezclas étnicas que desde hace años tiene nuestro país vecino, y que lo han aprovechado muy bien en el terreno musical.

Skip The Use se podrían considerar como herederos actuales de bandas como las mencionadas. Pese a que en sus inicios empezaron como una banda punk, han bastado tan sólo tres discos para que Skip The Use se

conviertan en una buena alternativa para el rock en Europa. En Little Armaggedon el grupo ha abierto sus fronteras musicales y aunque en todo momento sigue presente el elemento combativo de la banda –inspirado principalmente por los textos de su cantante y líder Mat Bastard-, aflora un lado pop y melódico que hasta ahora se había visto en cuentagotas. ¿Que la banda se ha vuelto más comercial?

Puede ser, pero teniendo en cuenta que Skip The Use saben escribir canciones con gancho, eso tampoco supone un problema. El primer single del álbum –no os perdáis su videoclip animado- ‘Nameless World’ es el perfecto ejemplo de lo

que es el quinteto galo a día de hoy. Un tema de base electrónica en el que juegan con el ska y el reggae y donde las guitarras tienen un papel importante. Un tema de ésos que no tendría problema en reventar las pistas de cualquier club.

Y sobre esas premisas transitan... Moviéndose unas veces cerca del grunge, caso de ‘Gone Away’, y en otras a unos Police modernos, ‘The Wrong Man’, Little Armaggedon es definitivamente un trabajo digno de ser explorado, hecho por unos Skip The Use que a poco que tengan algo de suerte los podremos ver hasta en la sopa no dentro de mucho.

RICHARD ROYUELA

HABLAMOS CON... MAT BASTARD Éste es vuestro tercer álbum, y después del éxito en Francia del segundo Can Be Late, parece que estáis preparando el terreno para dar el salto a Europa y habéis grabado un álbum más variado “Sí, es verdad. Éste es nuestro tercer disco y es el que más se aleja de los principios punk que teníamos en nuestros inicios, aunque la filosofía de la banda sigue siendo la misma. De todas maneras, siempre hemos sido una banda con un espectro musical muy amplio, pero en éste hemos dado una mayor importancia a la electrónica y nos ha salido un álbum con una vocación más internacional. No digo que haya sido premeditado, simplemente es parte de la evolución natural que tenemos como formación”.

El disco se ha grabado en Londres con dos pesos pesados

en busca de ese sonido más internacional?

“Hay una parte de eso. Grabar fuera te da otra perspectiva, y más si lo haces con gente experimentada que ha grabado muchos discos de los que eres fan. Pero ése no ha sido el único motivo.

Tiene quizás más que ver con un tema de identidad. Londres siempre ha sido el epicentro musical para nosotros, y tiene lógica que al final quieras grabar en un sitio donde te sientes tan identificado musicalmente. Es más fácil que puedas conseguir eso que tienes en la cabeza si vas a los sitios donde se ha hecho. La verdad es que la experiencia ha sido fantástica y ha cumplido con nuestras expectativas”.

Dicen que sois una auténtica bomba en directo. ¿Es allí donde la banda tiene su verdadera esencia?

“El directo lo es todo para nosotros.

como Dimitri Tikovoï y Adrian Bushby. ¿Habéis ido a Londres

Somos un grupo social, que cantamos sobre cosas que suceden a la gente,

sobre cómo está el mundo... La mejor manera de saber lo que le pasa a la gente es estar junto a ella, comunicarte con ella, y la mejor manera para eso es tocar en directo. No hay nada mejor para un grupo a la hora de expresarse que estar encima de un escenario. Ésa es la manera en que vas ganando fans, por ello nos tomamos el directo con mucha intensidad porque sabemos que es un momento único donde puedes conectar con la gente. Nos encanta tocar”.

Dicho esto, ¿podremos veros algún día por aquí?

“Ojalá. Sabemos de mucha gente en Barcelona que le encantaría vernos y que dicen que nos están esperando.

Pondremos todo lo que está en nuestras manos para que eso suceda. De hecho, queremos tocar en todos los sitios que nos sea posible. Espero que este disco nos ayude a conseguir todos esos objetivos”.

(RICHARD ROYUELA)

97

cr í ticas

ROLL THE TANKS Broke Till Midnight (EPITAPH) ROCK

70

R

oll The Tanks escriben el tipo de canciones que te hace querer escribir canciones”. Con estas palabras Brett Gurewitz daba la bienvenida al sello Epitaph a este cuarteto de Massachussetts ahora afincado en Los Ángeles.

Teniendo en cuenta que Brett ha escrito algunos de los mejores temas de la historia del punk rock, la frase es para tenerla en cuenta. Lo que sorprende al sumergirse en el segundo álbum de Roll The Tanks (reconozco no haber escuchado su debut Suffer City de 2008) es que, aquí, de punk poco, más allá de alguna ligera influencia de The Clash. Lo

98

cual, naturalmente, no ha sido obstáculo para que haya disfrutado bastante con su música. Broke Till Midnight es un disco de rock, con dejes pop, que podríamos situar entre la etapa 80’s de Tom Petty & The Heartbreakers y el deje cool de The Strokes o Hot Hot Heat. Desde luego buenas canciones no les faltan. ‘24th & Buckets’, ‘Toe The Line’, ‘Goodninght Jimmy Lee’, ‘Lock Your Daughters Up’ o ‘Assumption’ disponen de melodías pegadizas y un buen trabajo con las guitarras, y el toque más comedido de ‘Computer Money’ y ‘Hornet’ hasta quizá pueda hacerles ganar adeptos entre el público indie. Desde luego la banda transmite frescura y honestidad respecto a sus influencias más clásicas, pero habrá que ver si son argumentos suficientes para que logren hacerse un hueco, pues la sensación es que apuntan, pero no rematan. Una gira con sus compañeros de sello The Menzingers para foguearse desde luego no les iría nada mal.

JORDI MEYA

VALLEY OF THE SUN

Electric Talons Of The Thunderhawk (FUZZORAMA) STONER ROCK

70

I

mpresionante progresión la de este power trio de Ohio, que se formó en junio de 2010. En tan sólo tres meses de existencia ya habían grabado su primer EP y en un año ya destacaban compartiendo escenario con The Sword o Karma To Burn, y grababan un segundo EP, The Sayings Of The Seers.

Ahora es el turno de Electric Talons Of The Thunderhawk, quizás un título demasiado grandilocuente para su primer largo... Los diez temas de este

debut se mueven entre el hard rock y el aire más desértico.

Con ‘Worm Teeth’, que abre el disco, uno parece estar masticando arena. Sin duda uno de los mejores cortes junto con ‘Maya’, ‘As Earth And Moon’ y ‘Gunslinger’.

La influencia de Kyuss es omnipresente, y es más, aunque suene arriesgado decirlo, ‘Nomads’, ‘Within The Glare’ y ‘The Sleeping Sand’ recuerdan demasiado a Hermano. Por no mencionar las melodías e inflexiones de voz, en ocasiones cargantes, de Ryan Ferrier, directamente inspiradas en John Garcia. Todo esto podría no contemplarse como algo negativo, pero relacionar las composiciones de una banda tan joven de forma tan obvia con el legado de otros grupos antecesores no termina de convencer. La necesidad de tener nuevos nombres en una escena provoca una pérdida de objetividad por parte del público. Valley Of The Sun son excelentes ejecutores del género, pero carecen de estilo propio.

TOI BROWNSTONE

IMPALED NAZARENE

Vigorous And Liberating Death (OSMOSE PRODUCTIONS) BLACK METAL, PUNK

80

H

ace poco me vi en una curiosa situación: me presentaron a un distinguido ciudadano finlandés muy orgulloso de su metal nacional, y de bandas como Nightwish y Amorphis... y me miró como si fuese un delincuente al ver mi camiseta de Impaled Nazarene. Esta anécdota relata por sí misma que en el país del metal, en la escena del black metal y en la historia del metal extremo, Impaled Nazarene siempre han sido un molesto grano

en el culo de dimensiones sadonucleares, y a juzgar por Vigorous And Liberating Death, no piensan dejar de serlo. Y es que al igual que otras bandas veteranas, los fineses liderados por Mika Luttinen repiten su fórmula incansablemente, pero mientras otros grupos dan la impresión de reciclar su música, olvidada largo ha la pasión y la fuerza con la que comenzaron, el black punk de los Nazarenos Empalados aún sabe destilar una pasión, una potencia, una garra y una seguridad en sí mismos pareja a su veteranía. No es en vano éste su duodécimo álbum: se nota claramente cómo manejan a la perfección estructuras, ritmos y flow en un disco esencialmente gamberro en el que la media por canción es de dos minutos y medio, siempre presentes las muy macarras influencias de siempre: Motörhead/Sodom/ Exploited, entre otros. Una vez más, ¡arriba esas crestas y larga vida a Satán!

SALVA RUBIO

SUBLIMINAL CHAOS Witchcraft

(MOGRA/CRIMINAL HARDCORE...)

DEATHCORE

70

D

e la alianza de unos cuantos sellos como Mogra Empire, Criminal Hardcore Crew, Noizeland Records y Nooirax Producciones no podía salir nada delicado. En efecto, la sutilidad no es un factor que caracterice la música de Subliminal Chaos... más bien deberíamos hablar de baterías ultra rápidas, bajos punzantes, guitarras que rajan, voces cavernosas y poca, muy poca melodía.

Este quinteto de Sevilla (del que ya reseñamos su anterior EP en RockZone, titulado The Little Story Of The Cloud And The Thunder) publica

ahora un nuevo álbum bajo el nombre de Witchcraft.

Aunque se nota que la banda ha evolucionado (para bien) y que cada vez son más técnicos, la principal pega que le puedo poner es lo mismo que comenté en su día respecto al anterior EP: sólo ofrecen cuatro nuevas composiciones, más una intro.

Es decir, poco más de 16 minutos de música extrema, y ya se sabe que no es lo mismo jugar bien media parte que aguantar hasta el final del partido como un campeón.

Nos volvemos a quedar con ganas de más destrucción masiva y subliminal, sobre todo después de escuchar temas como ‘Lords Of The Night’ (en el que derivan a un ‘emometal’ de voz desgarrada) y ‘Absolution’ (donde hacen un parón en forma de respiro que les sirve para coger aún más fuerza). Además, me sigue sorprendiendo mucho que una banda de estas características haya decidido escoger la mariposa como principal elemento gráfico de su imagen corporativa. Contraste puro, antagonismo total.

JORDI FORÉS

99

críticas

LA CENA

Canciones Para Nadie (AUTOEDITADO/GRAN SOL) POP

75

R

esulta irónico que La Cena hayan bautizado su segundo disco como Canciones Para Nadie cuando su contenido más bien hace pensar que estas canciones podrían gustarle a todo el mundo. O al menos, a todos aquellos que aprecien el buen pop de corte clásico. Es un equívoco con el que el propio Miguel Mérida, líder y compositor casi exclusivo de sus temas, juega en el estribillo de la preciosa canción que le da título y que acaba con una trompeta sustraída de Sgt. Pepper’s.

El malagueño demuestra

100

tener un instinto natural para cazar melodías y armonías al vuelo y darles un nuevo hogar, y sus compañeros saben revestirlas con el punto exacto de precisión y sutileza que merecen.

Aquí no hay excesos, ni exhibiciones, todo trabaja al servicio de la canción logrando un envoltorio de lujo que el productor Manuel Torres ha sabido capturar perfectamente. Los ingredientes con los que el cuarteto nos sirve sus platos están cocinados para que identifiquemos perfectamente su sabor: 2 kilos de Beatles (‘Continuar’), 150 gramos de Teenage Fanclub (‘Debería Estar’), dos cucharadas de The Byrds (‘Funcionará), una pizca de los Zombies (‘Canciones Para Nadie’), un chorro de Matthew Sweet (‘El Mundo No Es Real’) y unas gotas de La Habitación Roja (‘Un Día De Playa’). Una receta que no por conocida nos cansaremos de degustar una y otra vez, aunque me encantaría que de cara a la próxima cita se atreviesen a electrificar un poco más su discurso.

MARC LÓPEZ

AUTOPSY

Tourniquets, Hacksaws And Graves (PEACEVILLE)

DEATH METAL

76

C

on todavía The Headless Ritual de cuerpo presente, pues aún estaba lejos de cumplir el año de vida que ya tenía predecesor, Autopsy demuestran que se han tomado muy en serio su vuelta regurgitando un nuevo trabajo. Y cuidado con su séptima obra, ya que durante las primeras escuchas puede sonar falto de imaginación, algo reiterativo, sobre todo los primeros cortes, pero después, como el sexo con cadáveres, Tourniquets, Hacksaws And Graves mejora con el tiempo. Ya sabes, otra vez se ponen

blanditos tras el rigor, cuando la putrefacción hace mella en ellos, y de esta forma, jugosos, es cuando más tontorrón te ponen, cuando comes pezón a la par que gusanos. Así, ‘Savagery’, ‘After The Cutting’ o ‘The Howling Dead’ pueden parecer meros ejercicios de estilo del grupo de Oakland, que no deficientes, sobre todo esta última, pero con avisos como ‘King Of Flesh Ripped’ o ‘Tourniquets, Hacksaws And Graves’, en la recta final la banda luce sus galones abrazando el death doom más decadente hasta alcanzar el gozoso despertar zombi. Casi toda la nota que le pongo a este álbum deberían llevársela las canciones ‘Deep Crimson Dreaming’ y ‘Burial’, dos genialidades grotescas con un Chris Reifert intratable al micro, un par de odas tumefactas que sólo la legendaria formación californiana podría firmar.

Y es que, como siempre en Autopsy, lo mejor de este disco es el desalmado trabajo en las voces de su batería. Un puto jefe.

PAU NAVARRA

THE BAKED BEANS IN TOMATO SAUCE BROTHERS Roscoe’s Farm

(AUTOEDITADO/GRAN SOL) AMERICANA

70

Q

uizá les conozcas por su primer disco o por su EP del año pasado, quizá por haberles visto tocar en el madrileño Parque del Retiro algún fin de semana, o puede que incluso nunca hayas oído hablar de ellos. En todos los casos os animo a degustar el segundo largo de estas habichuelas en salsa de tomate. Su título hace referencia a la granja del tío de Moisés, donde en 2008 se inició este proyecto de voces y guitarras acústicas junto a Rafa, y al que más tarde se uniría Lete a la batería y Rodrigo al bajo. Aun conservando ese aire cálido

y hogareño de sus inicios, su segundo álbum se muestra más ambicioso. El arranque con ‘A Long Way (Me And My Baby Were Wrong)’ se adentra en el rock sureño con una potente riff con slide y un bombo poderoso. A continuación ‘Look Back’ nos adentra en la segunda cara de Led Zeppelin III, con unos arreglos de guitarra sacados del libro de estilo de Jimmy Page. Una armónica dylaniana da la bienvenida a una ‘Spring Is Coming’ de acento country folk, mientras que ‘White Limousine Blues’ se sitúa entre los Drivin’ N’ Cryin’ y los Black Crowes más blueseros. Más adelante llega la delicada ‘Steppin’ Stones’, que parece salida de Rainy Day Music de The Jayhawks, o el folk susurrante de ‘Bridge To Niteroi’, con sutiles arreglos de piano y cuerdas que desemboca en una jam final.

Instrumentalmente impecable, el único ‘pero’ es que a veces las voces suenan un poco forzadas, intentando sonar excesivamente americanas sin convencer. Es la putada de haber nacido en Madrid en lugar de en Nashville.

MARC LÓPEZ

VIOLETS Violets

(AUTOEDITADO) PUNK ROCK

70

S

e puede haber nacido en los 90 y ser un nostálgico del punk rock que lo petaba en esa década? Si alguien lo duda solamente tiene que dedicarle menos de media horita a escuchar los once temas que estos tres barceloneses han incluido en su primer disco, Violets. Tres peliteñidos que, en apenas un año y medio desde que comenzaron a tomarse en serio dejar de gritar el Smash en la ducha para hacerlo sobre el escenario, ya han hecho un par de giras nacionales (sin perder pasta, algo que a veces parece imposible estos días…) y tocan sin parar en casa.

Aún en pañales cuando sus mayores influencias publicaban sus discos estrella y los Punk-O-ramas vivían sus días de gloria, Glory (voz, guitarra), Mon (voz, bajo) y Vic (batería) no esconden su amor más profundo por bandas como Bad Religion, The Offspring, The Distillers o Dover. La parte más característica de la banda es la mezcla de las dos voces femeninas, combinando registros agudos y graves y consiguiendo crear pasajes y estribillos sencillos que se te quedan en la memoria desde la primera escucha, como en ‘Hangover, Bald’ o el de la más pausada y emotiva ‘Let It Die’. En ‘Good Vibes’ reflexionan sobre la temible madurez y en ‘Tree House’ aparecen todos los tópicos de la década (el sótano para ensayar, la casa del árbol, el bus de vuelta del instituto…). Para cerrar, al trío le da tiempo a quejarse del futuro que parecemos tener por delante en ‘Deaf Ears’, incluyendo unos coros de los que el yayo Greg Graffin estaría más que orgulloso.

SOFÍA CUEVAS

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MANCHESTER ORCHESTRA

“Teníamos una idea muy clara de lo que queríamos hacer, lo que eso suponía un disco que sonara más rock y ruidoso, algo que creo se encuentra desaparecido dentro del mainstream actual” CHRIS FREEMAN

TODO ES NADA

Manchester Orchestra han descolocado un poco a sus fans facturando un álbum, Cope, donde las guitarras fuertes han barrido del mapa su cara más íntima. Nos encontramos en Londres con una de las bandas más consistentes del indie rock americano actual.

Texto: Alejandro Lozano Fotos: DR/Alejandro Lozando (directo)

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a formación de Atlanta liderada por el atareado, joven compositor, guitarrista y cantante Andy Hull (Bad Books, Right Away, Great Captain), junto el resto de la orquesta formada por Robert McDowell (guitarra), Tim Very (batería), el recién incorporado Andy Prince (bajista) y Chris Freeman (teclados, percusión), volvían al Reino Unido para presentar su cuarto trabajo, Cope (Loma Vista/Music As Usual).

Sería con este último componente con el que tendríamos la oportunidad de charlar horas antes de que la banda tocara en el mítico Scala de Londres.

Un antiguo cine convertido en sala de conciertos, que lucía el famoso cartel de ‘sold out‘ que iban a llevar durante su paso por todas las fechas del país anglosajón. Esta visita, junto a la de Brand New dos días después, suponía una fecha difícil de perderse para los amantes del rock y, por qué no, del emo, ese género que pocas veces es usado con propiedad. Para afrontar la jornada nos desplazaríamos temprano a la sala para la hora acordada antes de la prueba de sonido, la cual pude presenciar encantado debido a una descoordinación sin importancia por parte de la banda, que sin problema alguno pudimos solucionar para tener un agradable encuentro con el también teclista y percusionista de Bad Books, Chris Freeman.

Os acabáis de embarcar en una larga gira para presentar Cope, que no lleva más de una semana en la calle y además suena de maravilla. ¿Cómo os sentís en estos momentos?

CHRIS FREEMAN “Estamos encantados. La respuesta de la gente con el nuevo material está siendo muy positi-

va, y eso nos hace estar felices. Todos los shows que tenemos aquí agotaron entradas con mucha antelación, por lo que suponemos que el público está reaccionando bien. Teníamos muchas ganas de darle la oportunidad a nuestros fans de escuchar el material con el que habíamos estado trabajando durante estos últimos años”.

Habéis estado dejándoos ver casi siempre por Inglaterra en vuestro paso por Europa, ¿se podría nombrar al Reino Unido como vuestra segunda casa?

“Pues se podría decir que sí. Supongo que el nombre ayuda bastante (risas).

La verdad que hemos tenido la oportunidad de venir en diferentes ocasiones con muchas bandas, además de por nosotros mismos, a lo largo de los años. Si no recuerdo mal, creo que ésta es nuestra decimotercera vez en tierras inglesas. Estamos muy cómodos en este país; al principio lo sentía como muy diferente al nuestro, pero ahora me resulta muy divertido estar por aquí, ya sabemos movernos mejor por sitios que nos gustan (risas)”.

Volviendo al nuevo material, quería preguntarte por cómo fue ese proceso de grabación en el que estuvisteis inmersos en una casa en Atlanta, haciendo el álbum por vosotros mismos.

“Sí, estuvimos por el norte de la ciudad. Nos llevó mucho tiempo construir el estudio en una casa de los suburbios donde vivíamos juntos hace años. El proceso resultó ser muy cómodo en cuanto a la fase de composición y producción, ya que cada uno podíamos estar en nuestras habitaciones

tranquilamente componiendo, descansando entre tomas y probando juntos las ideas en el estudio, el cuál anteriormente era el salón de la casa. Se hacía extraño ver cómo lo habíamos transformado en nuestro propio estudio de grabación (risas)”.

He podido ver la casa en la webserie que estáis colgando en vuestro canal de YouTube, y parece que lo habéis estado pasando bastante bien.

“Totalmente. Era genial que pudiéramos estar la banda al completo durante todo el proceso, creando un ambiente bueno y divertido. Estábamos entusiasmados todo el tiempo con el hecho de que tuviéramos la oportunidad de poder estar haciendo un nuevo disco juntos, así que disfrutamos mucho, sobre todo al ver el resultado”.

Noto por tus palabras que el resultado ha sido satisfactorio... ¿Os sentís orgullosos con cómo ha quedado el álbum?

“Por supuesto. Teníamos una idea muy clara de lo que queríamos hacer, lo que eso suponía un disco que sonara más rock y ruidoso, algo que creo se encuentra desaparecido dentro del mainstream actual, y creo que hemos conseguido aportar lo que queríamos desde el principio”.

Estoy totalmente de acuerdo.

He de decir que me ha encantado de principio a fin, y sobre todo creo que habéis conseguido volver a ese sonido tan enérgico de Mean Everything To Nothing.

“Muchas gracias. Ésa era nuestra intención desde el principio. Queríamos alejarnos un poco de lo que habíamos 103

MANCHESTER ORCHESTRA

porque les gusta nuestro trabajo. Lo de Letterman también ha sido genial. Ésta era la cuarta vez que salíamos en el programa. Y bueno, la canción para la película era una canción que teníamos compuesta de hacía un tiempo y pensamos que era la mejor vía de salida para que se escuchara”.

hecho anteriormente con Simple Math.

Fue un disco conceptual que quisimos hacer en su momento, y escuchándolo hemos aprendido mucho para poder llegar a lo que hemos conseguido ahora. Creo que partimos con una ventaja para enfocarnos a volver a sonar más fuerte. Por ello pensamos que lo mejor era dejar el camino de lo experimental para presentar un disco que nos hiciera entrar de manera contundente al público, y que vieran que somos capaces de volver a ser nosotros. No dejamos mucho lugar a la improvisación. Estuvimos grabando demos durante la fase de composición y nos juntamos con 50 canciones, de las cuales sacamos las once pistas del disco. Mucha gente nos sigue preguntando qué hemos estado haciendo durante estos últimos años, y la verdad que entre construir el estudio, componer los temas y girar con Bad Books, hemos tenido que alargarlo sin querer”.

Ahora que andas de gira, ¿a qué dedicas tu tiempo libre?

“Pues la verdad es que veo muchas películas y series, y ahora que estamos encargándonos de nuestro merchandising me dedico a preparar y mandar todos los pedidos que recibimos. A veces suelo dar también paseos por 104

la ciudad, o buscar sitios de comida diferentes. Aunque cada día tenemos el tiempo más justo entre concierto y concierto...”.

Hablando un poco de cine y tele, habéis salido en series como Cómo Conocí A Vuestra Madre, aportasteis una canción inédita para la oscarizada Dallas Buyers Club y habéis vuelto a aparecer en el show de David Letterman. ¿Os está ayudando esto a ser más comerciales en vuestro país?

“No creo que nos estemos volviendo más comerciales. Creo que estamos haciendo lo que nos gusta de verdad, sonando como queremos sonar, y disfrutando de lo que hacemos con la música. Por supuesto que nos sentimos agradecidos y entusiasmados al tener más reconocimiento saliendo en series como Cómo Conocí A Vuestra Madre, porque además hemos estado viendo la serie desde siempre, y ver cómo suena nuestra canción con Bad Books hace que te sientas orgulloso por el trabajo que haces. Pienso que mientras mantengamos esta dinámica de trabajo, y seamos fieles al grupo que queremos ser, quizá nos ganemos un reconocimiento cada vez mayor, pero será

Por cierto, no he podido evitar fijarme que lleváis tatuado en el dedo, Andy y tú, las tres barras verticales que forman parte del símbolo de vuestra banda... ¿Es por superstición o algo por el estilo?

“No, lo llevamos tatuado desde hace muchos años (risas). Nos los hicimos después de un concierto en Austin, Texas, porque queríamos tener algo que nos recordara el no comportarnos como unos gilipollas entre nosotros (risas), así que cada día que me levanto lo miro y me acuerdo de que tengo que comportarme bien con él”.

Hace un par de meses Kevin Devine me dijo que ir de gira con vosotros era como estar de vacaciones, y ahora en una semana volvéis a Estados Unidos para volver a girar juntos. Parece que habéis formado una sólida familia entre artistas con la que os apoyáis entre todos.

“Sí, Kevin viene ahora con nosotros y estamos impacientes por empezar la gira y estar con él y su banda por ahí, son unas personas fantásticas.

Todos los grupos y personas con las que salimos de tour se convierten en familia para nosotros. En este caso Kevin es un miembro de la familia, lo apreciamos mucho. No paramos de reírnos con él todos los días, hace mi

vida mejor cada vez que giramos. No sé cómo explicarte, es una persona loca y divertida en el buen sentido de la palabra, cada día que pasas con él es especial”.

Otros con lo que tenéis muy buena amistad tocan en dos días aquí en Londres también, Brand New. Es una semana marcada en rojo por los amantes del género.

“Es verdad, volaban esta mañana para Londres. Es una pena porque no sé si les dará tiempo a vernos tocar, hemos intentado ponernos de acuerdo para coincidir con la fecha, pero no ha podido ser. Nos hubiera encantado poder verles también con The Front Bottoms. ¿Los has escuchado?”.

Sí, de hecho estoy bastante enganchado (risas). Hay ganas de verles en vivo al igual que a vosotros, que ésta es la primera vez que os veo. Ojalá para la siguiente vuelta podáis pasaros juntos por España.

“Sería genial (risas). Tenemos ganas de ir a explorar mejor Europa, ya que sólo hemos estado por aquí y un poco por Alemania. Hemos oído maravillas

sobre España, de hecho Cage The Elephant nos han hablado bastante sobre lo bien que lo pasaron la última vez. El año pasado tuvimos la oportunidad de visitar sitios en los que aún no habíamos podido estar anteriormente, como Alaska, Sudamérica o Sudáfrica.

Pero ya te digo, no hemos tenido aún una buena oportunidad de venir por el resto de Europa, aunque lo tenemos en nuestra cabeza constantemente porque estaríamos encantados de poder ir por allí. Espero que disfrutes del concierto esta noche”.

Así pues, pocas horas más tarde y con puntualidad inglesa, la gente empezaría a agruparse en cola ya en la puerta para coger sitio en el que sería la primera actuación de la noche, a cargo de la banda por la que venían acompañados, Gang Of Youths. Este grupo de rock conceptual, proveniente de Australia, dejaba tintes del pop de los 80 y el rock paisajístico de los 2000, mientras desplegaba su directo de ocho canciones antes de que saltaran a escena los protagonistas de la noche. Con una sala ya abarrotada, empezaron a sonar los acordes del tema con el que abrirían el show, ‘Shake It Out’. Un temazo que toca-

ron a la perfección para enchufar al público desde el primer minuto. Luego seguirían con dos de las mejores canciones de Simple Math, ‘Pensacola’ y ‘Pale Black Eye’. Siguieron con ‘I Can Barely Breath’ de su primer I’m Like A Virgin Losing A Child, con un Andy Hull totalmente metido en su papel y haciendo alguna que otra coña entre canción y canción con algunos de los asistentes que no paraban de pedir ‘Where Have You Been?’ entre cada corte del show. Antes de seguir con ‘Pride’ y ‘100 Dollars’, aparecieron a un lado del escenario la banda al completo de Brand New, que llegaron a tiempo y de sorpresa para disfrutar de cerca la contundencia que demostraban unos descomunales Manchester Orchestra. Dieron paso a un corte del nuevo Cope, ‘The Ocean’, con el que dejarían paso a uno de sus temas por excelencia, ‘I’ve Got Friends’, fuertemente coreado por el público presente.

En un abrir y cerrar de ojos llevaban la mitad del concierto, y para continuar lo que quedaba nos dejaron con la preciosa ‘Colly Strings’, el nuevo single que pone nombre al último álbum, ‘Cope’, los dos últimos temas de Everything To Nothing, el que también recibe el mismo nombre del disco y ‘The River’, para irse antes del típico bis con la especial versión del famoso artista country Willie Nelson, ‘The Party Is Over’. Pasados menos de cinco minutos volvían a salir tocando dos nuevos cortes, ‘Top Notch’ y ‘Every Stone’, para terminar con ‘Simple Math’ y la sorpresa de cierre con ‘Where Have You Been?’, dedicada al fan ‘cansino’ de la noche. Un final perfecto.

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ESTRICALLA Después de haber incendiado el panorama con El Corazón Del Sapo y Kuraia, su vocalista Fernando Sapo formó hace seis años Estricalla junto a los músicos de la banda cántabra Kloakao. Lejos de apagarse, el fuego sigue creciendo. Texto: Jordi Forés Fotos: DR

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stricalla significa ‘destruye’ en aragonés, y para los que leáis RockZone, éstos no deberían ser unos desconocidos porque hemos ido publicando las reseñas de sus tres álbumes. Para los que os habéis incorporado hace poco, recomiendo descubrirlos con Triple Asalto Mortal (Stop Control AntiRecords), su último álbum y el más completo hasta la fecha. Estricalla es un puzzle cuya 106

resolución no es fácil, pues su música y su mensaje requieren atención y cierto interés. Por eso, le pedimos a Fer que nos dé unas cuantas claves para profundizar y comprender un poco más este suceso sonoro y comprometido.

En los títulos genéricos de vuestros tres álbumes podemos encontrar juegos de palabras con la temática olímpica/deportiva de fondo: Gimnasia Revolucionaria,

Fuegos Olímpicos y Triple Asalto Mortal. El artwork de los discos también muestra fotos de esta temática… ¿Hay alguna razón para ello?

FER “Desde un principio nuestra idea fue la de aunar música, revolución y deporte, y que todos nuestros discos tuvieran cierta conexión entre sí a través de esa idea. Nos parecía un reto y una manera de motivarnos y esforzarnos a la hora de hacer las cosas, y así ha sido hasta este momento”.

diseños de nuestros discos, en los carteles de nuestros conciertos, en los títulos de nuestras canciones, etc. Los títulos son un buen soporte para deleitarse y para transmitir ideas o expresar sentimientos, y más cuando en Estricalla apenas hay espacio para decir muchas cosas en canciones de poco más de un minuto…”.

Algunos de los títulos de vuestras canciones son largos y bastante curiosos. Por ejemplo, ‘Bailes Imposibles En Cajeros Automáticos En Noches De Luna Llena’, ‘La Alucinante Venganza Sónica De Los Psicópatas Cósmicos’, o ‘La Elegante Y Delirante Caída Libre De Una Pluma Blanca Sobre 1 Diminuto Charco De Sangre Roja Y Su Dimensión Estética’. ¿De dónde viene la inspiración?

“La rapidez con la que transcurre todo hace que cada vez prestemos menos atención a los detalles, pero para nosotros el detalle es importante: en las canciones, en los

Siguiendo con las letras, la de ‘397 Días Encerrado En Un Cuarto De Baño’ me ha fascinado. Supongo que los textos de Jack Kerouac, Alejandra Pizarnik, William Burroughs y muchos otros escritores son una fuente de inspiración para tus letras. ¿Me equivoco, o te gusta leer más que a mí?

“Me he dado cuenta a lo largo de estos años que todos los poetas, escritores, músicos, que me han apasionado han sido artistas malditos, excluidos, outsiders que vivieron su paso por el mundo con una intensidad única y que recorrieron el camino de la vida de una manera solitaria y a contradirección… Las palabras de Rimbaud, Artaud, Alejandra Pizarnik, Panero o Kerouac muestran la cruel desnudez de la vida de una manera apasionada e intensa. Nos gusta leer, pero me conformo con que la gente a la que va dirigido nuestro mensaje sepa leer entre líneas y desaprender lo aprendido”.

En ‘The Real Terrorist And His 1001 Weapons Of Mass Oppression’ de vuestro nuevo disco hay una larga colaboración de Jello Biafra

metiendo voces. Pregunta obligada: ¿Cómo surgió el contacto y la idea del cameo?

“Coincidimos tocando juntos en el Antzoki de Bilbo y cuando estábamos haciendo una versión del tema ‘Lost Cause’ de Cosmic Psychos, una banda australiana mítica que nos mete mucha marcha, un tipo se subió a hacer coros. Yo recuerdo que al principio me mosqueé un poco, pero como lo vi dándolo todo, dije: ‘La tira milak’… Cuando acabamos el concierto ese tipo se me acercó con una sonrisa enorme y me felicitó por la actuación, nos dijo que quería el disco y una camiseta, me dio la mano y se presentó soltando ‘I’m Jello Biafra’. Yo, que todavía no le había reconocido, acostumbrado toda la vida a verlo en los vídeos de conciertos de Dead Kennedys y en las fotos de aquella banda que tanto nos ha marcado, me quedé paralizado sin saber qué decir.

Uno de mis ídolos y referentes de juventud estaba frente a mí y lo único que me salió decir cuando nos despedimos fue: ‘And remember this is not Spain, this is not France…

This is Basque Country’. Más tarde estuvimos hablando sobre la situación política en Euskal Herria, de la represión, la tortura, las últimas redadas y me sorprendió el interés y el conocimiento que tenía de todo esto… En ese momento ni se nos pasaba por la cabeza proponerle grabar algo con nosotros; eso se nos ocurrió al día siguiente con la resaca”.

Con El Corazón Del Sapo tú te expresabas principalmente en castellano y aragonés; después en Kuraia las 107

“No descarto una reunión de Los Sapos o Kuraia, pero creo que cada cosa tiene su tiempo y su momento, y ahora para mí este momento se llama Estricalla y Matxura” FER letras eran en euskera.

También participaste como vocalista en el disco Nostrat de KOP cantando en catalán… En Estricalla se pueden escuchar canciones en diversas lenguas. Da gusto encontrarse a una persona con tanto interés por aprender las diferentes lenguas que existen en el Estado. ¿Fue fácil el aprendizaje o hubo muchas dificultades al respecto?

“Bueno, creo que todas las lenguas tienen un lado misterioso que las hace atractivas y emocionantes y siempre he sentido curiosidad por conocer cómo se comunican los demás, sobre todo aquellos a los que no les dejan comunicarse libremente.

De todas maneras, el aprendizaje de una lengua te lleva toda una vida”.

Os vi en directo hace poco en el Estraperlo de Badalona y en la primera canción ya flipé con la energía de vuestra descarga. ¿De dónde sacáis la fuerza después de tantos años en la lucha? Porque ninguno de nosotros somos ya unos chavales de 20 años…

“En efecto, ya no somos unos chavales 108

pero tampoco unos putos viejos, y eso lo pudiste comprobar tú mismo.

La música es un acto mediante el cual tomamos y liberamos energía, y quien no tiene esa energía desconoce el valor, no sólo cultural, sino político y social que la música tiene. Si verdaderamente tienes algo que decir siempre vas a tener fuerza para decirlo. Cuando crees en lo que dices y haces, la fuerza surge sola”.

En ese mismo bolo me emocionó mucho que tocarais ‘Matarifes’ y ‘Stop Control’ de tu etapa con El Corazón Del Sapo. Ya sé que el proyecto Estricalla crece con fuerza y se consolida con cada disco que editáis, pero ¿existe la posibilidad de una reunión de Los Sapos y de una gira tocando material de Fuego Al Cielo De Los Cuervos y La Casa Magnética? “‘Matarifes’ y ‘Stop Control’ son dos temas que a mí también me siguen emocionando, pero creo que hay que ir haciendo cosas nuevas y cerrando etapas. No me hubiera gustado estar 15 ó 20 años tocando o haciendo lo mismo, para mí sería la muerte.

Prefiero empezar de cero e iniciar un nuevo viaje… No descarto una

reunión de Los Sapos o Kuraia, pero creo que cada cosa tiene su tiempo y su momento, y ahora para mí este momento se llama Estricalla y Matxura”.

Pasados los años y echando la vista atrás, ¿cuál crees que es legado que El Corazón deja a las nuevas generaciones? ¿Dicho mensaje es más necesario ahora que nunca?

“Creo que El Corazón Del Sapo, como muchas otras bandas, dejó un reguero de pólvora, palabras, actitud y compromiso que hoy siguen vivos en la lucha de miles de personas contra los opresores. El mensaje sigue vivo y más en esta época de involución social en la que estamos viviendo”.

En RockZone hemos publicado las reseñas de vuestros tres discos. Mójate y dinos sinceramente qué os han parecido.

“A mí personalmente la que más me ha gustado ha sido la que has escrito para el último disco. ¡Una pena no tenerla en papel!”.

A TODO GAS

HYDE ABBEY

Los catalanes HYDE ABBEY acaban de vivir el año más importante de su carrera, pero no todo ha sido de color de rosa… Cuando se cumplen 365 días desde la salida de Ooparts, toca pasar revista a los doce meses más locos de la trayectoria de esta formación puntera de nuestra emergente escena deathcore. Texto: PAU NAVARRA Fotos: DR

C

UANDO HACE JUSTO UN AÑO nos sentamos con Arnau (batería) y Raul (bajo) en los sofás de nuestra oficina para charlar sobre su segunda obra Ooparts y lo que significaba su fichaje por el sello Fair Warning, poco nos imaginábamos cómo iban a cambiar las cosas para el joven grupo de Mataró apenas doce meses después. Para empezar, y después de patearse toda

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la geografía estatal junto a bandas como Hatebreed, Napalm Death, Parkway Drive, Crisix o Sound Of Silence, porque dos importantes miembros de su organigrama han dejado de formar parte de su disciplina. Así es, amigos y amigas, ya se sabe que en el momento en que una banda va para adelante es cuando emergen las prioridades vitales, y de esta manera, uno de sus dos vocalistas, John, hizo las maletas

para cederle el micro a Rober (Bellako) y, más recientemente, el guitarrista David le pasó el testigo en un tiempo récord a Edgar Beltri, exThe Eyes que ya les había echado una mano en algunas fechas y que conocía su repertorio al dedillo al ser su productor en los estudios La Atlántida. Cambio de cromos, misma pegada.

Con Kurti (guitarra), Presta (voz), Arnau y Raul inamovibles, el sexteto

“Tenemos que sacrificar muchas cosas para poder tocar, una de ellas es trabajar, o trabajar con normalidad como haría cualquier chico de nuestra edad” RAUL el más importante para la banda, ¿no?

RAUL “Sí, ha sido el más importante, eso seguro. Hemos hecho muchos bolos, también era el primero en el que hacíamos gira, y eso nos ha ayudado a crecer, está claro”.

sigue en la brecha con perseverancia, aunque tocando de pies en el suelo y, sobre todo, aprendiendo tanto de las victorias, que han sido muchas, como de las pequeñas derrotas que ha deparado un curso en el que les ha pasado de todo. Con su capitán Raul, un tipo entrañable como pocos y un buen amigo de esta casa, hacemos balance de tantos kilómetros y gasolina quemada… ¡Y eso que en el momento de realizar esta entrevista Hyde Abbey aún no habían sido confirmados para el próximo Resu!

Os formasteis en 2010 y en cuatro años el estirón ha sido considerable, siendo este último, tras sacar Ooparts, quizá

Hablando de la gira, la verdad es que es la primera vez que se os oye nombrar en el resto del Estado, fuera de Catalunya… Pero la respuesta ha sido genial, ¿verdad?

“La verdad es que sí, no nos podemos quejar de cómo está funcionando el tour, que aún no hemos terminado, y no sé, en general todos los shows han ido bien, aunque sí es cierto que ha habido alguno más flojito, pero bueno… Han ido todos bastante bien y estamos muy contentos. La verdad es que estamos flipando, porque nunca habíamos tocado fuera de casa y la respuesta ha sido muy positiva”.

Por encima de todo, ¿qué destacarías de este año, qué te ha hecho más ilusión?

“Uff… Lo que más ilusión me ha hecho… Ostras, pues todo un poco, porque además de algún bolo concreto del tipo tocar con Hatebreed o Parkway, que está muy bien y fue divertido, yo aparte de eso destacaría la gira en general... como experiencia ha sido brutal. Aparte del concierto en sí, te llevas mil recuerdos, tonterías, momentos en que, hostia, hemos ido a hacer el café en algún lado o cosas

así… Para mí, lo mejor de todo”.

Estamos destacando las cosas guapas de este año, pero la verdad es que también habéis sufrido bastante… Nada más sacar el disco se os fue John, el vocalista que junto a Presta os dio a conocer, y también hace nada el guitarra que más compone, David… ¿Cómo ha sentado eso en el grupo?

“Sí, bueno, a ver… Esto ha sido una putada muy heavy, sí, lo cierto es que sí. Un poco es la situación por la que tarde o temprano acabaremos pasando todos, porque tener una banda como Hyde Abbey es bueno por un lado y malo por el otro. La parte buena es que somos un grupo que giramos mucho, tocamos mucho y nos lo pasamos muy bien, y la parte mala es que no da para vivir. Entonces, claro, tenemos que sacrificar muchas cosas para poder tocar, una de ellas es trabajar, o trabajar con normalidad como haría cualquier chico de nuestra edad, y claro, con David y John llegó un momento en que no se lo pudieron combinar, y tuvieron que escoger su empleo, obviamente. Nosotros somos conscientes de que ésta es una decisión que todos nosotros tendremos que tomar tarde o temprano, pero bueno, también es cierto que entró Rober, y estamos muy contentos con él, y ahora hace poco Edgar, y también lo estamos con él. Hemos renovado un poco las energías, y los que ya estábamos, pues a seguir con muchas ganas y a 111

tirar adelante a muerte, sin parar”.

Rober tiene más o menos vuestra edad y ya casi se le veía acoplado en el grupo antes de que entrara, así que quizá la incorporación estrella es Edgar, con toda la experiencia que tiene grabando en La Atlántida, también a vosotros, y encima habiendo tocado en un grupo como The Eyes, quizá la banda de metalcore más importante que ha habido en este país… ¿Cómo se ha notado su entrada en Hyde Abbey?

“Ha sido muy natural, porque hicimos el disco, ya hubo muy buena sintonía con él incluso antes de entrar a grabar, y siempre nos lo había dicho, que éramos una banda que le gustaba mucho.

David dio unas fechas que él no podía hacer y las hizo Edgar con nosotros.

Se lo dijimos, le hizo mucha ilusión, se sacó los temas y se vino. Hubo muy buen rollo, nos lo pasamos muy bien, hicimos el burro lo que quisimos y más, y mira, ahora que David anunció que nos dejaba, pues se lo comentamos y el tío encantado de estar con nosotros.

El cambio ha sido muy natural, como decía, no se ha forzado, no es una persona que no conozcamos de nada, somos amigos desde hace mucho tiempo, y es genial, es de puta madre”. ¿Cómo os lo haréis para componer? ¿Kurti y Edgar se ven capaces de capturar la esencia de Hyde Abbey?

“Claro, un poco la cosa con David era ésta. Podemos decir que un 45% de Ooparts era suyo, otro buen porcentaje lo hizo Arnau, y el resto, los demás, pero bueno, sí que es cierto que con 112

“Es guay que los grupos nos apoyemos entre nosotros. Es que es básico, si eso no existe no hay escena, no habría nada” RAUL David llevamos muchos años tocando y Hyde Abbey somos todos, y aunque él hiciera las canciones, nosotros siempre estábamos ahí con él. Sabemos

más o menos por dónde van los tiros, y Edgar seguramente nos dará un aire diferente, pero la esencia de Hyde Abbey estará siempre. Además, Kurti

siempre ha sido el que hace las partes burras, así que esas partes seguirán siendo las que eran, o aun mejores.

Para lo otro a los demás nos tocará currar más en ese sentido, pero bueno, lo sacaremos adelante seguro, y de hecho, hemos empezado a hacer alguna cosa ya, y ya sé que es típico y tópico decirlo, pero es que realmente, hostia, estamos muy contentos porque estamos sacando cosas muy, muy guapas”.

Quizá el punto más negativo del año lo vivisteis en Madrid con nuestro festi RockZone, aunque a fin de cuentas, nos lo pasamos de la hostia, la verdad… (Risas).

“Bueno, la fecha de Madrid vaya tela… Por un lado nos lo pasamos muy bien, disfrutamos mucho, pero claro, por el otro nos supo mal que no funcionara. Realmente, te diré que esta fecha en concreto y otra que hicimos por aquí en Catalunya han sido las dos peores entradas que hemos hecho durante la gira, con bastante diferencia además”.

Esto significa que, aunque curres y curres y este año seguramente vayáis al Resurrection Fest, aún no hay nada hecho.

“Claro, eso está clarísimo. Dejar de currar no tenemos que dejar de hacerlo nunca. Es complicadísimo… Estuvimos hablando bastante de lo de Madrid y tampoco acabamos de entender del todo bien qué pudo haber pasado.

Realmente, aunque hubieron muchas críticas en que la gente decía que el problema eran las bandas o que no hicisteis suficiente promo, bueno, son grupos que todos han puesto gente en muchos lugares, quiero decir que no entiendo que eso pase en Madrid, un

lugar que a priori tiene que funcionar muy bien y no pasó, y más siendo el aniversario de RockZone. Pero bueno, que es evidente que no hay que parar de trabajar, que lo tenemos clarísimo y, de hecho, no hemos parado de hacerlo”.

Ahora que termina este primer año del ciclo Ooparts, ¿cómo veis el próximo y los objetivos a corto plazo de la banda?

“Los próximos objetivos del grupo son salir fuera, eso lo tenemos entre ceja y ceja. Es cierto que tenemos que pensar en un nuevo disco y que estamos empezando ya a hacerlo, pero creemos que aún le queda un poco de cuerda a Ooparts, pues sólo hemos tocado aquí, y aun así todavía nos queda trabajo por hacer, pero la idea es irnos a Europa. El problema de Europa es que, claro, si girar por España es caro, por allí imagina, multiplícalo por los muchos kilómetros más que hagas. Es un paso que haremos, tenemos algún contacto ya, y seguramente hacia finales de año, principios del próximo, algún concierto caerá, pero un tour entero de momento es complicado. Intentaremos hacerlo, pero bueno, es caro y es difícil, no es tan sencillo como aquí, o nosotros no tenemos los contactos para que así sea. Es algo que se hará seguro, y la idea para el año que viene es componer el nuevo álbum”. ¿En un tiempo os veis entrando en una gira por Alemania con Aborted o The Dillinger Escape Plan, o no?

“El problema de esto es que depende un poco del dinero que tengas. A ver, es complicado y, de hecho, en todo esto de la música el rollo es el dinero.

Tú puedes tirar hacia cierto punto, y a partir de otro, pues necesitas más pasta, y ése es el problema de todo ello. ¿Que nos gustaría? Seguro. Que lo intentaremos, segurísimo también, pero si podremos o no hacerlo ya lo veremos, esperemos que sí. Nosotros creemos en la banda como para que pueda pasar algo así, pero bueno, estamos seguros de que aún quedan muchos pasos por dar y poco a poco los iremos dando. Todo a su tiempo”.

Como mínimo estamos viviendo una etapa brillante en el deathcore de este país, y yo supongo que vosotros habéis hecho muchos colegas entre estas bandas que ahora mismo están abanderando la escena… Además, vosotros en poco tiempo también os habéis situado allí.

“Sí, ha sido un poco un golpe de suerte, no sé… Muchas veces decimos que no entendemos bien del todo qué ha pasado, que Hyde Abbey parece que seamos un grupo con la flor en el culo.

Hemos hecho lo mismo que muchas otras formaciones que llevan tiempo, y hemos llegado donde otros se lo han tenido, no que currar más, porque realmente hemos trabajado mucho…

Pero sí que en poco tiempo hemos conseguido tirar mucho del carro.

También es cierto que hemos llegado en un momento en el que el deathcore está en un punto que… vamos… está subiendo como la espuma aquí. Eso es bueno también, ya era hora de que reviviera un poco el metal nacional más allá de las bandas clásicas”. ¿Vosotros sentís hermandad con otros grupos o vais un poco más por vuestro lado?

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“Sí que es cierto que al principio nosotros íbamos un poco por libre, no es que tuviéramos mal rollo con nadie ni mucho menos, pero realmente, como tampoco habíamos girado mucho aunque sí conocíamos algunas bandas de fuera que habían venido, faltaba un poco vivir más experiencias con ellos.

Pero a medida que hemos ido tocando hemos hecho amigos, colegas de muchas bandas, y podría decir que no en toda España, pero sí en muchos lugares de ella tenemos amigos de verdad, y es guay que sea así y que los grupos nos apoyemos entre nosotros. Es que es básico, si eso no existe no hay escena, no habría nada. De hecho, creo que lo chulo del deathcore y de todo esto que está pasando es que las bandas nos ayudamos, es importantísimo que vengan unos Ponies Killing Chickens a Barcelona y que tú les ayudes a encontrar una sala, o que tú vayas allí y ellos te ayuden. Y como ellos, pues todos: Thirteen Bled Promises, o Dawn Of The Maya, o Sound Of Silence, o Stained Blood… De todas estas bandas todos hemos tocado con todos y todos en algún momento u otro hemos coincidido en un bolo, y eso es genial, es como tiene que ser”.

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Sois la generación que os ha pillado de lleno el boom de internet, Facebook, el intercambio de comentarios o fechas, y la verdad es que lo habéis usado muy bien como promoción, sois ejemplo de ello.

“Es que esta herramienta es brutal, es básica… Es que en nada, en dos clicks, puedes llegar a una sala, yo qué sé, de León, que tiempo atrás ves y encuéntrala… O contactar con un grupo de allí, o lo que sea. Eso es genial para nosotros, nos lo hace todo muy fácil, incluso para hacer contactos de cosas más bestias, como algún sponsor u otra cosa, lo tienes mucho más al alcance que hace unos años. Y si no llegas a éste, siempre hay alguien que conoce a alguien y siempre consigues llegar, es sensacional. Yo creo que Facebook ha sido la herramienta clave para la música, al menos la que nosotros estamos viviendo aquí. A nosotros nos ha ido de puta madre, y todas las bandas que están más o menos también en la movida vemos que mueven Facebook arriba y abajo. Es perfecto, te crea relaciones y hallas contactos muy fácilmente”.

Yo creo que toda esta escena core ha crecido mucho en la red y goza de mucha hermandad, pero sigue totalmente en la sombra de toda la escena metal de este país, que sigue anclada en lo clásico, el thrash y ese típico groove de finales de los 90. Entonces, lo que pasa es que cuando hay una gira importante o un festi grande, exceptuando el Resu, es casi imposible que hagan caso de una banda como Hyde Abbey.

“Sí, sí, es totalmente cierto. Hace un par de días lo hablábamos, que hostia, que suerte que tenemos el Resurrection, porque si no todas estas bandas nos quedaríamos sin un festival grande donde poder tocar. Realmente sí parece que parte del público ha hecho el salto de generación, las bandas lo han hecho, pero algo sigue fallando… Parece que alguien no acaba de apostar por este tipo de formaciones, y traen gente a los conciertos igual y hacen muy buen trabajo. Con todos mis respetos a las bandas clásicas nacionales, que se lo merecen, joder, sólo faltaría, son grandes grupos, pero también hay que decir que hay bandas nuevas que tiran, y que pueden tirar mucho. A ver qué pasa si con algo de tiempo conseguimos que festivales más grandes u otro tipo de eventos también hagan caso a esto, porque realmente creo que es interesante y, a la larga, no habrá más narices que tenerlo que hacer, porque tarde o temprano las bandas de toda la vida se tendrán que jubilar”.

SEBASTIAN BACH

ESPECIE EN EXTINCION Le guste o no, a Sebastian Bach siempre se le recordará como el cantante de Skid Row. Cuando se cumplen 25 años de su debut con la formación, el canadiense publica Give ‘Em Hell con el mismo entusiasmo de un principiante. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

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usto cuando los 80 llegaban a su fin, el hard rock asistía al nacimiento de su última gran estrella. La larga melena rubia y la increíble voz de Sebastian Bach dominó las ondas hertzianas y la MTV con los himnos de Skid Row, y aunque en sus inicios los metalheads le veían como el arquetipo de tipo que había triunfado por su cara bonita, con los años se ganó el respeto de personajes como Axl Rose o Phil Anselmo, e incluso de la crítica teatral de Broadway, que aplaudió su interpretación del clásico Jekyll & Hyde.

A pesar de que su popularidad no es lo que era, Bach sigue siendo un personaje mediático como demuestran sus apariciones en series como Las Chicas Gilmore o el reality Supergroup de VH1, y desde la pasada década viene publicando discos en solitario que le permiten seguir girando y hacer felices a sus fans, que todavía se emocionan coreando ‘Youth Gone Wild’ o ‘Slave To The Grind’. La edición de Give ‘Em Hell (Frontiers), el quinto que firma con su nombre y en el que colaboran Duff McKagan, Steve Stevens y John 5, nos permitió charlar un rato con él sobre su momento actual y cómo vive una estrella del rock pasados los 40.

Ahora que se cumple un cuarto de siglo del debut de Skid Row, ¿qué significa a estas alturas de tu carrera sacar un

nuevo disco?

“Siento la misma emoción que hace diez años, que hace veinte años.

Amo la música. Saqué mi primer disco con Skid Row hace 25 años y me siento orgulloso de decir que la mayoría de la gente con la que hablo me está diciendo que Give ‘Em Hell es lo mejor que he sacado nunca. ¡Eso mola mucho! Seguiré haciendo discos toda mi vida, igual que Ozzy Osbourne que ha sacado 13 con Black Sabbath. Me encanta hacer discos”. ¿Pero crees que para el público de ahora éstos siguen teniendo tanta importancia?

Todo parece más orientado a los singles, a los hits...

“No sé. Tenemos estos teléfonos en nuestros bolsillos que pueden almacenar todos los discos que queramos...

Si cojo un avión y voy de América a España, no miro mi teléfono y pienso ‘no puedo esperar a escuchar este single o este EP’. Lo que me apetece es escuchar un álbum. Es lo que siempre he hecho y siempre haré. Creo que siguen saliendo muy buenos discos como A Different Kind Of Truth de Van Halen, Monster de Kiss o el último de Aerosmith. He hecho discos increíbles a lo largo de mi vida y no quiero parar. Un día moriré y todo lo que quedará de mí son estos álbumes. No creo que la gente diga ‘oh, hizo unos singles increíbles’ (Risas)”.

Quizá si tuvieras 15 años pensarías de otra manera.

“Yo no escucho menos álbumes porque tenga un iPhone. Tengo toda mi colección ordenada en la nube. Puedo escuchar Moving Pictures de Rush, a Judas Priest, a Black Sabbath. A mí basarlo todo en una sola canción me parece demasiado fácil (risas)”.

Para grabar Give ‘Em Hell has reclutado a grandes músicos y a un productor como Bob Marlette. ¿Cómo conseguiste que todo el mundo aceptara?

“Soy muy afortunado por conocer a algunos de los mejores músicos del mundo. Duff McKagan al bajo, soy un gran fan suyo. John 5 es increíble.

Steve Stevens es otro tío del que soy muy fan. Realmente sólo tuve que preguntarles (risas). Hace un par de discos tuve de invitado a Axl Rose y nadie podía creer que hubiera cantado en mi disco hasta que lo escucharon”.

A pesar de que ya llevas muchos años en solitario, ¿echas de menos ese sentimiento de banda que tenías con Skid Row? “Sí, lo que ocurre es que me resulta muy difícil encontrar músicos que quieran girar tanto como yo (risas). Es todo un arte. Es físicamente duro, y no hay muchos músicos que quieran pasar por eso”.

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Pero al menos en el estudio, ¿intentas estar con los músicos, comer con ellos, vivir con ellos?

“En el estudio la cosa es completamente distinta. Hacer un álbum es algo muy introspectivo, tienes que mirar dentro de ti y capturar las emociones. Necesito tranquilidad para poder cantar desde el corazón.

Normalmente estoy yo solo con el productor. John 5 me mandó el tema ‘Temptation’ y por eso lo grabé. Con Duff fue distinto, escribimos juntos un tema en el estudio con Bob Marlette.

Fue muy espontáneo. Cada canción tiene su propia historia”.

Pero en todos los discos el instrumento más importante es tu voz. ¿Eres muy paranoico acerca de cuidar tu voz, o cómo ha cambiado con los años?

“No, porque cuando escucho el nuevo disco suena igual que hace 25 años. No estoy nada paranoico. En todo caso estoy muy feliz. Bob Marlette es un gran productor, pero lo que se escucha es el sonido de mi voz.

La edad no es un problema si sabes cantar. Steven Tyler sigue teniendo una gran voz. Trabajo con un profesor de ópera y practico cada día. Es el único secreto”. ¿Dónde buscas la inspiración hoy en día para hacer una gran interpretación?

“Sólo busco una conexión emocional.

Cuando escribo las letras, intento que las palabras encajen con la música.

En ‘Gun To A Knife Fight’, los riffs de Steve Stevens me sonaban como una metralleta y eso es lo que intenté capturar. No sé cómo explicarlo. El 118

primer tema, ‘Hell Inside My Head’, me sonaba a eso (risas)”. ¿Crees que tu etapa haciendo musicales en Broadway te ayudó a conservar tu voz?

“Desde luego. Hizo que mi rango vocal fuera mayor. Adoro estar en el estudio, más que nunca. Para mí es un arte que por fin creo que domino a la perfección. Disfruto mucho del proceso de hacer canciones y grabarlas.

Para mí estar en el estudio es algo más mental y estar de gira es algo más físico. Estar en la carretera es un gran desafío (risas)”. ¿Hay días en los que necesitas desconectar de la música?

“Algunas veces, pero para descansar mis oídos. Me estoy haciendo mayor y no quiero reventarlos, a veces necesito silencio (risas). Escucho muchísima música. Cuando estoy en el gimnasio escucho metal, si estoy cenando con mi novia escucho otra cosa, si estoy viajando escucho a los Allman Brothers”.

Tú saliste en una época en la que era posible convertirse en una estrella del rock y hacer realidad todas tus fantasías...

Ahora tocar en un grupo se parece más a tener un trabajo. ¿Te alegras de haber vivido esa época?

“Sí, sí. Cuando salgo al escenario la gente me mira siempre como ‘oh Dios mío, ahí está esa leyenda’ (Risas). No es que yo crea que lo sea, pero para cierta gente soy muy conocido, he formado parte de sus vidas. Recuerdan mi voz. Pero creo que de aquí a veinte años también habrá fans que sientan lo mismo con Black Veil

Brides. Cada generación tiene sus héroes”.

Quizá lo que faltan son grandes frontmen. Tú eras, y sigues siendo, uno de los mejores. ¿Has visto últimamente a alguien del que pienses que puede ser una estrella?

“La verdad es que no escucho voces únicas. No escucho vocalistas que tengan su propio sonido. Cuando yo empecé lo más importante era tener tu propio sonido. Vince Neil no suena como Bon Jovi, no suena como Rob Halford, o como Bruce Dickinson. Cada uno de nosotros tenemos nuestra propia voz.

Creo que eso es lo que se echa de menos. Si conoces a alguno, dímelo (risas). Cuando empecé con Skid Row yo era un adolescente y Jon Bon Jovi, que nos ayudó mucho, me llevó a un lado y me dijo ‘Sebastian, a veces cantas como Vince Neil, a veces pareces Dio, a veces pareces Gene Simmons... Quiero escuchar al verdadero Sebastian’. Y pensé ‘Dios mío, tiene razón’. Me volví loco buscando mi propia voz porque íbamos a grabar nuestro primer disco. Intenté eliminar todos los rastros de los demás que intentaba imitar. Fue un gran desafío.

“La edad no es un problema si sabes cantar. Steven Tyler sigue teniendo una gran voz. Trabajo con un profesor de ópera y practico cada día.

Es el único secreto” que es morirse y dejar un cadáver bonito (risas). Así que prefiero estar vivo (risas). La semana pasada lancé el vídeo de ‘Temptation’ y verás que no tengo ningún problema con mi físico. Lo que la gente no se da cuenta es que cuando estaba en Skid Row mi imagen no me preocupaba en absoluto. Simplemente me duchaba, me ponía una camiseta, una chaqueta de cuero y ya está (risas). Nunca pensé en el rock’n’roll como un desfile de moda. Nunca intenté tener una imagen”.

Me encantaría que más cantantes intentaran hacer eso, que encontraran su propia humanidad”.

Es evidente que además de tu voz, tu físico también contribuyó mucho a tu proyección.

Conozco un montón de chicas que te llevaban en sus carpetas y tenían pósters tuyos colgados. ¿Cómo llevas lo de hacerte mayor y que obviamente tu cuerpo haya ido cambiando? ¿Es algo que te preocupe?

“No me preocupa porque no es algo que pueda controlar. Intento hacer ejercicio y cuidarme. Pero hacerse mayor es mejor que la alternativa,

¿Y cómo era estar en el escenario delante de miles de chicas y saber que cada una de ellas quería acostarse contigo? “(Risas) Bueno, todavía me sucede.

Cuando salgo al escenario sigue siendo lo mismo. A las chicas les gustan los cantantes, los músicos. Y no creo que eso cambie nunca. No me pasa sólo a mí. Puedes preguntarle a Tom Jones (risas). Es algo que va con el trabajo. Como cantante quieres afectar a la gente y si afecta a una chica, querrá acostarse contigo. Es así (risas)”. ¿Te llegó a afectar mental o emocionalmente a la hora de establecer una relación? ¿Te saturaste del sexo en algún momento?

“Siempre busqué a una chica con la

que compartir mi vida. Sólo he estado enamorado dos veces. No voy buscando muchas chicas, quiero una chica especial, que sea mía. Es muy difícil de encontrar porque siempre estoy en la carretera y no es fácil que una chica quiera estar en un autobús rodeada de tíos. No es fácil (risas)”.

Y tampoco tiene que ser fácil estar con un tío que todas las chicas te quieren robar… “(Risas) Ahora con internet es una locura, porque cualquier chica puede inventarse algo y ponerlo en Twitter o Facebook sin preocuparse por los sentimientos de los demás. Cuando eres súper famoso, cualquiera puede escribir sobre ti. Es una pesadilla (risas)”.

Antes de que se acabe el tiempo quería preguntarte por The Last Hard Men, en la que coincidiste con Kelley Deal de las Breeder y Jimmy Chamberlin de Smashing Pumpkins. Para mí es una de las bandas más bizarras de la historia y me gustaría saber cómo llegaste a formar parte de ella.

“La verdad es que no le veo sentido hablar de esto cuando Give ‘Em Hell está a punto de salir. El disco que hicimos no era muy bueno. Salió en 1996, el grunge estaba triunfando y fue un experimento. Hay algunas canciones buenas, pero prefiero que los fans se centren en Give ‘Em Hell, que representa mejor quién es Sebastian Bach”.

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Orden en el Caos

Dur ante sus controvertidos 30 años de tr ayectoria, lo único que se ha m antenido inalter able en M ayhem ha sido su incuestionable capacidad par a publicar obr as m aestr as cuando les da la gana. Dur ante una hor a y media de insólita entrevista, constatamos que su cantante Attila Csihar podría ser cualquier cosa menos una leyenda del black metal. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

HARLANDO AMIGABLEMENTE con la absoluta mente pensante que es Attila Csihar, nadie diría que el húngaro es el vocalista de los míticos Mayhem, la banda más peligrosa y polémica que haya existido nunca. Siempre en el ojo del huracán durante los años en que el Inner Circle atemorizó a la sosegada y recta sociedad noruega, parece increíble que la

conversación que leerán a continuación, muy resumida para no hacer de este ejemplar de RockZone un monográfico suyo, haya tenido lugar con la voz más destacada que ha tenido un grupo con, no lo olvidemos, un antiguo líder como Dead que se voló la cabeza, una portada de bootleg con la foto de tan estremecedora estampa, colgantes con trozos de sus sesos según algunas fuentes, restos humanos reales

como atrezo en sus shows, micrófonos reposando con animales muertos para impregnarse de su esencia, quema de iglesias y el asesinato más célebre de la historia del black metal. En definitiva, con un largo historial delictivo a sus espaldas y dos de sus miembros básicos criando malvas desde hace dos décadas.

Attila Csihar posee una inteligencia desmedida, es un privilegiado, y a día

“Queríamos ir hacia el cor azón del espíritu de Mayhem, hacer algo más acorde con el metal extremo, algo con más gancho, con un poco más de agresión y con más fuerza” ATTILA CSIHAR

de hoy, a sus 43 años, parece muy lejos de todo lo que aconteció en torno a la tienda de discos Helvete de su antiguo compañero Euronymous. Y es que, a decir verdad, incluso durante los tiempos más salvajes de la gran ola noruega ya se mantuvo algo al margen de tamaña marabunta de sucesos escabrosos con los que sus compañeros de formación y escena alimentaron los titulares de la prensa más sensaciona-

lista de Escandinavia. Actualmente, con su timbre amable y dicharachero, Attila es simplemente un músico con muchísimas caras, un artista inquieto que ha plasmado su genio de la mano de Sunn O))), Burial Chamber Trio, Grave Temple, Aborym o Plasma Pool, y que no ha dudado en colaborar con compañeros de profesión como Emperor, Anaal Nathrakh, Sear Bliss, Jarboe, Ulver o Limbonic Art. Un padre de familia que, eso sí, siete años después de su último trabajo, ha vuelto a grabar con Mayhem un álbum antológico como Esoteric Warfare (Season Of Mist) junto al debutante Teloch (guitarra) y los incombustibles Necrobutcher al bajo y Hellhammer a la batería.

Dos preguntas, una eternidad como respuesta. Guión de la entrevista roto en mil pedazos, toca disfrutar.

Ha llegado el orden en el caos, y si perdiéndote entre el discurso del cantante llegas a pensar que estamos ante todo un astrofísico de la NASA o un renombrado historiador, tranquilo…

No andarás muy lejos de la realidad. ¿Cuándo empezasteis a crear nuevo material para Esoteric Warfare?

ATTILA CSIHAR “Para éste creo que hace un año y medio que encontramos el buen camino, la buena dirección, básicamente fue hasta el pasado otoño. Sin embargo, debo decir que el line-up de la banda sufrió algún cam-

bio y eso provocó un retraso de tres años. No es fácil encontrar un nuevo miembro para la banda, a un nuevo guitarrista que pueda tocar como el fantástico músico que es Blasphemer o como lo era Euronymous, y cuando Blasphemer tuvo una banda normal y voló (risas), eso nos tomó mucho tiempo. Teníamos mucho material y cuando Morten (Bergeton Iversen, alias Teloch –ndr.) estuvo libre de Gorgoroth nos pusimos en contacto con él porque había formado parte de una buena banda hermana, pero para que se sintiera libre y no tuviera por qué romper o algo así. Entonces él entró en la formación hará unos tres años, y ya empezó a escribir algo de música. Creo que hizo un trabajo con mucho misterio, un trabajo realmente cool, tuvo un inicio excelente, pero, ¿sabes? Creo que le insufló un espíritu futurístico, al menos para mí. De todos modos, la gente piensa en nosotros como en una banda old school, de los 80 y los 90, pero para nosotros, desde mi punto de vista, cuando volvemos a los 80, si escuchas a Slayer, o a Bathory, o a Destruction, ya eran muy futurísticos (risas). ¿Entiendes lo que quiero decir? Tan nuevo, tan loco…

Es lo mismo que en un álbum de Mayhem, si escuchas canciones de De Mysteriis Dom Sathanas, antes nosotros grabamos demos, y todo es muy futurista, música muy avanzada. Si te fijas en todos nuestros lanzamientos siempre hay algo que está apuntando hacia

adelante en el tiempo, nunca hay algo que sea una repetición del pasado, y eso es porque en cada uno reina la libertad artística, especialmente con un compositor como Morten. Él también entendía eso y estuvo conforme con que debíamos ir hacia otra dirección y encontrar algo más único y desafiante, no volver hacia las vibraciones de De Mysteriis…, al menos no ahora, no con este álbum. Algo del disco encaja ahí, pero él lo entendió muy rápido en muchas canciones (risas). Creo que hemos dado un paso. Empezamos a trabajar en este disco hace un año y medio, más o menos dos, y ése fue el tiempo en el que tomamos una nueva dirección, la correcta, en la forma de escribir, y también para Morten fue un gran reto escribir un trabajo de Mayhem, se desarrolló y evolucionó para sí mismo dentro de la formación, pues Morten ha sabido profundizar en la banda con un material como éste. En las canciones de Mayhem, la mente viaja, si no, no sería Mayhem (risas).

El último álbum, Ordo Ad Chao, fue muy progresivo, muy complejo y loco, no había posibilidad de retorno e incluso fue algo inconcreto (risas). Para nosotros fue brillante y conseguimos situarnos en una propuesta ardua, pero para ser honestos, no queríamos seguir adelante en esa dirección, hacerlo más técnico, más loco, más inhumano en cuanto a las estructuras, pues creo que así habría sido actualmente. Es muy complicado tocar estas canciones en directo, parecen de otra dimensión (risas), y de hecho así es a veces para el público, que se quedan como diciendo ‘¿Qué coño es esto?’ (Risas).

Así que queríamos ir hacia el corazón del espíritu de Mayhem, hacer algo más acorde con el metal extremo, algo con más gancho, con un poco más de

agresión y con más fuerza, pero manteniendo las partes divertidas que este trabajo tiene. Aquellos a los que les gustara Ordo Ad Chao o las partes experimentales de la historia de Mayhem pueden seguir encontrándolas, las vibraciones siguen ahí, pero yendo hacia adelante con algo más atrayente.

Hemos incorporado todos los discos de Mayhem, pero introduciéndolos a una nueva forma. Hay aires de Ordo, vibraciones de Grand Declaration Of War y Chimera, e incluso pienso que De Mysteriis… también está ahí. Creo que están ahí de una forma u otra, es complicado de explicar… Es difícil hablar de algo que procede de los instintos, no es algo que sepas que va a ocurrir cuando estás componiendo un álbum o una canción, es algo que nadie ve hasta que no has terminado del estudio. Es complicado de resumir porque cuando estás ensayando, haces una demo, suena muy diferente de los resultados finales. Y bien, ésta es básicamente la historia que hay detrás del nuevo álbum”.

formación, aunque yo no estaba en ella… Abiertos a nuevos horizontes, a nuevas dimensiones. Tenemos una base de fans dividida con gente que no puede entender esta música, pero opino que es muy necesaria para nosotros artísticamente hablando, y actualmente creo que hemos ampliado nuestro espectro con más espacio que sentir, con más temáticas entre las que elegir, y no sólo satanismo, no con las típicas cosas del black metal. Andamos metidos en aspectos más oscuros del universo, en aspectos más lúgubres de la naturaleza. Por ejemplo el último álbum es una contienda diferente, está mucho más conectado, cada canción está conectada con la cara oscura y malvada de la naturaleza humana, de nuestra propia naturaleza, y eso ya es un punto de vista diferente respecto al Demonio; aquí es más extraterrestre, ¿sabes? (Risas) Pero es la misma cosa, viene a ser la misma respuesta malvada, pero con la diferencia de que es algo más artístico, aunque quizá ésta no sea la palabra adecuada…”.

Desde mi punto de vista, Mayhem ha sido siempre vuestra particular visión del black metal y nada más, y al mismo tiempo, es como una hidra con muchas cabezas que siempre van mutando para expresar vuestras ideas de renovación y experimentación.

“Sí, sí, sí… Somos una banda de black metal, pero una muy particular, no somos la típica. Creo que somos un poco más abiertos, y nuestra historia lo ha demostrado. Creo que el grupo siempre se ha puesto metas y ha realizado experimentos, como Grand Declaration Of War, que pienso que fue fabuloso y un gran paso para la

Siempre he creído que el Diablo vive en la mente humana.

“Exacto, sí, sí, es una gran apreciación. Lo que hay detrás de las letras de las canciones es la mente, la conciencia, este álbum trata del control mental, de adolescentes, de la conciencia, cómo nuestra mente es manipulada…

Eso es esotérico, entiendo que es esotérico en la guerra de los campos mentales, ¿entiendes? El control mental es un poder técnico, es cuando poca gente controla a las masas. Lo han realizado en la historia moderna, en los tiempos modernos, cuando no es posible controlar a toda la gente con poder y armas, pero es posible controlar sus mentes. Porque la mente es una

“Gr abar un disco tr as 30 años en el metal extremo es un reto enorme. Se tr ata de sostener el sentimiento, pues si puedes conservar esa honestidad y llevarla a la música, eso es lo que el black metal es, algo que debe provenir del cor azón” ATTILA CSIHAR

cosa asombrosa, la mente es mente y punto, es complicado de decir… Antes que nada usas un porcentaje muy pequeño de mente de forma consciente, y puedes usar otras mentes sin que sean conscientes de ello. Es muy interesante, y también que las dos partes del cerebro están trabajando diferente y responden con diferentes funciones porque una es más lineal y la otra más paralela, por decirlo de algún modo.

Esto aparece en las letras, en la última canción (‘Aion Suntalia’ –ndr.)… Eso es muy inspirador, es la idea que enlaza todo el álbum. Nuestra conciencia está aparentemente conectada de una forma oculta con el campo cuántico, la física cuántica es algo básico para ello, así que hay que volverse hacia la física cuántica porque trata con las partículas como átomos, electrones, las partículas más pequeñas, algo muy

importante para la Física. Hoy en día las teorías dicen que son más importantes que las macrofísicas, así que la física cuántica dice que la resolución de los experimentos depende de la conciencia de la gente que los está observando, y que sin esa conciencia no podemos hacer prueba alguna en el concepto matemático que hay, por así decirlo. Eso significa que estamos yendo hacia algo como la física mainstream, es decir, nada de teorías extrañas u otras mierdas, no; física mainstream. Ahora mismo estamos yendo hacia que tú mismo creas tu universo, o nosotros mismos sacamos de nuestro cerebro una proyección del universo, y que si tú puedes elegir dentro de tu mente, en los fundamentos más profundos de tu conocimiento, esto afecta la percepción que tienes del universo.

Es un poco como la película Matrix,

realmente, y eso es lo que nos dice la física cuántica actualmente. Nadie puede explicar que tenemos una parte más social en nuestra mente, y nadie puede explicar que tenemos una conexión que ocurre. Y aparentemente todo viene de nuestro ADN, el ARN (ácido ribonucleico –ndr.) que levanta nuestro ADN, pues todo el universo y conocimiento funciona por ADN, y el ARN lo alza y divide en sus partes. Es increíble que el ADN resulte todo lo que somos con su porcentaje, no un 3 o un 4%, no, se podría decir que somos en un 99% yonquis del ADN (risas), y se sabe que es una puta mierda así. Según la Física ahí fuera sólo hay un 0,4% de realidad que podemos percibir, como de materia. Todas las estrellas y galaxias, y en esta galaxia hay 50 billones de estrellas, y se dice que habría cien billones de galaxias

“Había escuchado Deathcrush, estaba bien, pero er a en el 87 cuando yo estaba en Tormentor, y er a un poco lo mismo que hacíamos nosotros, pero las canciones de De Mysteriis… er an algo nuevo que nunca había escuchado” ATTILA CSIHAR

como ésta, imagina este número, pues toda esta materia proviene del átomo de antes del boom, ¿sabes? Es algo muy jodido de pensar, es imposible pensar en ello… Todo lo que ves ahí fuera es un 0,4% y el resto, el gas, el gas cósmico, las nubes gaseosas del cosmos y toda esa mierda, son un 4%, y todo el universo está vacío, y si tú miras el tamaño, el tamaño de la materia, dentro del átomo y fuera en el cosmos, todo es espacio vacío con pequeños objetos como las estrellas y cosas así. No sé si me sigues, pero el caso es que si miras hacia el cosmos hay eso a lo que llaman la materia oscura, también conocida como energía oscura, eso existe, eso está probado, eso está en nosotros, eso está alrededor nuestro, eso está ahí y no sabemos nada de ello, no sabemos qué es, no sabemos de dónde viene, y sólo conocemos ese 4%, pero el resto de 96% es la materia oscura y energía oscura.

Eso es Google, no es una idea mía, es física mainstream. Eso es por supuesto un tipo de teoría, pero creo que es genial y me gusta juguetear con ello, introducirlo en Mayhem. Es oscuridad (risas), he tratado de conectarlo con esta lírica y cada canción he tratado

de basarla en teorías reales, con algo que está ahí fuera, que es una realidad común”.

Joder, suena asombroso…

Como bien dices, Esoteric Warfare es una obra conceptual, también centrada en las experimentaciones esotéricas de las potencias nucleares durante la Guerra Fría, pero cuéntame, ¿cuánta influencia tuvo en tu decisión de escribir sobre ello el hecho de que pasaras tu infancia en Hungría, un país que por aquel entonces era un estado satélite de la Unión Soviética, dentro de la influencia del Telón de Acero?

“Mmm… Sí, me acuerdo, nací en 1971 en un área comunista pura, recuerdo la puta propaganda militar, como el 1 de mayo los tanques marchaban por la principal avenida con esas celebraciones propagandísticas… ¿Recuerdas la guerra espacial? Eran los tiempos de la guerra espacial por ser el jodido número 1, todo era control de la mente, puro control mental. Todo el mundo sabía que no podía haber una guerra abierta, todo

el mundo sabía que si se pulsaba el botón el mundo entero volaba por los aires (risas). A través de las bombas atómicas jugaron con las mentes humanas y el miedo. Eso es lo que pasó, creo yo. Por supuesto que este álbum está conectado con ello, no sé si es un pronunciamiento, pero algo de eso hay sobre la conciencia y la mente.

El miedo de la mente, el miedo en nuestros cerebros, y eso resulta muy interesante, algo muy interesante porque entran en juego las creencias de la gente. De la era atómica tenemos la canción ‘Trinity’, y Trinity era el nombre de la primera bomba de átomos, la primera en explotar en la historia de la humanidad y, claro, resultó muy, muy importante. En realidad no sabemos mucho de ello, no hay mucha información, pero se convirtió en el experimento más importante, la primera bomba atómica, pero nadie lo supo cuando ocurrió, nadie supo cuándo abrió un jodido agujero negro, y podría haber sido el final de todo sin que nadie supiera qué estaba pasando.

Actualmente hay muchas organizaciones histéricas o teorías conspiratorias, pero se sabe que gente como ‘Deak’ Parsons, Wernher von Braun, chicos muy avispados, eran los principales

oficiales de este proyecto. Wernher von Braun era el responsable de la Operación Paperclip, él era el cerebro detrás de los cohetes nazis, era el ingeniero de eso, y se trataba de una operación ultra secreta que tomó a todos los científicos nazis después de la Segunda Guerra Mundial, les dieron nombres clandestinos y fueron hacia Rusia y las potencias occidentales.

Nadie sabía de ello, pero la historia tiene hechos que lo prueban. Wernher von Braun era uno de estos tíos, era el más importante, y Parsons era un enorme conocedor de la magia negra, estaba muy involucrado en ella, y ésa es una historia muy inspiradora, ésa era la autoridad máxima en cohetes de los Estados Unidos hasta que murió.

Toda esa gente estaba involucrada en esta mierda… Mira en Google porque hay muchas cosas interesantes acerca de ello, mucho más que en mis propias letras (risas). Creo que la mente y la conciencia en esos niveles atómicos, en la era atómica, viven en ellas, pues para mí todo eso es muy inspirador, como que drogaran a la gente, o por ejemplo que trataran de conseguir el superguerrero, ya sabes, cuando intentaron hacer el guerrero con la mente en blanco para operaciones militares.

Como un robot humano, básicamente, como un droide, pero siendo humano.

Lo intentaron. 52.000 electroshocks hacia el cerebro, o con drogas… Lo intentaron con todas las técnicas para borrar el cerebro de las personas e implantar una nueva personalidad, la del soldado perfecto. Es como un cyborg”.

Como Terminator.

“Como Terminator, pero él es un robot… Lo que digo es un humano; no está hecho de metal, es humano. Es un soldado al que le han sacado la memoria, al que le han sacado el ce-

rebro y le han implantando una nueva personalidad para que cumpla exactamente normas y órdenes. O también es una forma de lograr el espía perfecto, ellos querían programar información en el subconsciente de los humanos para que no fueras consciente de ello, y si eras espía, no tenías que almacenar la información en tu cerebro, lo único que tenían que hacer para llegar a ella era acudir a tu subconsciente con símbolos particulares, verbos, olores o sensaciones. Estos experimentos suceden, tío, y Edwin Cameron, en Canadá, escribe acerca de ellos. Es una puta locura lo que dice este hombre, y hay gente que lo hacía durante la Guerra Fría, sí, pero también en Estados Unidos, no sólo aquí, porque la gente tiende a identificarlo con el comunismo, pero en Estados Unidos era la misma mierda.

La gente eran víctimas, la gente iba al hospital porque les dolía algo y allí los drogaban. Y se iban y se encontraba raro porque les habían drogado sin que lo supieran, por supuesto. La mayoría de estos experimentos en humanos, en víctimas, eran con gente normal que no tenían nada que ver con eso, y hay un par de artículos concluyentes, que yo no sé si son ciertos o no, pero que aportan documentación muy seria, sobre mujeres de entre 10 y 50 años que empezaron a sufrir extraños flashbacks que las situaba en otras personas anteriores, y habían estado en un hospital y fue probablemente entonces cuando, tras una operación, les habían cambiado la personalidad.

Es puta droga tío, es jodidamente malvado, para mí es black metal, tío, para mí es malévolo y oscuro, y por eso me atrae, y aunque todavía haga discos surrealistas, esto es un poder oculto o un control de la humanidad que, al ser un control mental, no conocemos. No sabemos qué ocurre, pero es un tema

interesante, una idea guay, y algo en lo que fijarnos con una obra así. Es en lo que nos hemos basado para este disco, en estos trabajos de dementes”.

Cantas increíble en él… Es otra lección para toda la escena, es una locura, es muy similar a la forma clásica que emprendiste en la obra por la que siempre se os va a medir, De Mysteriis Dom Sathanas, y bueno, la verdad es que estoy tratando de hallar las palabras adecuadas para describir tu extrema maldad en el micro, pero no me salen… Supongo que tratas de expresar todos estos sentimientos e ideas de los que hemos hablado con una demostración así de agonizante y opresiva, ¿no?

“Gracias, y lo cierto es que sí…

Siempre me ha gustado experimentar con mi voz, buscar nuevos tipos de sonidos inhalando (lo hace muy fuerte –ndr.), y no sé de dónde me viene eso, pero combino mis respiraciones cuando hago una voz, a veces inhalo, otras exhalo. Tampoco te puedo contar mucho, eso es lo que hago…

Actualmente escribimos la música por puntos. Teloch, nuestro nuevo guitarrista, ha compuesto todas las canciones, ha sido fantástico, e incluso me decía ‘hey, muéstrame o ponme voz ahí, en las canciones, para ver qué tipo de voz puedes meter’, porque él es guitarrista, y deseaba escuchar su visión de la música que había venido por puntos. La verdad es que fue simple, por decirlo de alguna forma, y luego en mi estudio casero aquí probé varias cosas y luego ya en Noruega lo probamos con samplers, más demos, escribí las letras y otras cuestiones, así que estaba muy preparado por la preproducción.

“Mucha gente piensa que en Noruega er an todos unos putos locos borr achos; no, er an muy centr ados, así que me sorprendió el asesinato de Euronymous, porque er an muy listos, muy educados, como caballeros” ATTILA CSIHAR

Siete canciones creo que las grabé en un día, y el resto, las tres que quedaban, las grabé en el siguiente par de días. Como ves, fue muy fácil, ‘OK, que me jodan, que pase el siguiente’, y ésa fue una cuestión que cambió, porque la tecnología está bien, me gusta para realizar investigaciones en un estudio casero, pero la gente le da la vuelta cuando hace muchas tomas, copia y pega y toda esa mierda. Ahí es cuando opino que empieza a perder el espíritu, cuando las estrellas de la música se convierten en plástico. Ése es el problema de la música pop moderna, está demasiado robotizada en pantallas. Así que no, primeras tomas, tratando de centrarme completamente, meditando sobre la canción.

Una o dos tomas, no más, así es como consigues estar más cabreado y agresivo que nada como cantante. Por

supuesto que presioné a mi voz todo lo que puede, pero es normal. Hay unas pocas técnicas nuevas, creo que son gritos black metal aunque haya alguna cosa nueva, pero en general creo que es muy loco, inhumano, como debe ser el black metal, y no es que sea algo que no es humano, es de otra dimensión, como creo que suenan todos los discos black metal, pues esto son cosas básicas, claro.

Tampoco creo que haya hecho algo rematadamente especial, sólo creo que me gusta practicar, sobre todo con diferentes respiraciones, y es que todavía lo hago mucho explorando nuevas vías. Por ejemplo, para éste he estado practicando cómo pronunciar, como (balbuceos irreproducibles con vocales –ndr.), con los tonos, pero en gritos, y ejercicios como éstos.

Tengo mucha suerte porque éste es mi

trabajo, mi ocupación es hacer este tipo de música, y nunca lo traiciono, me gusta aprovechar el tiempo para honrar a la música. Me gusta practicar y mantener y moldear mi voz para ver hasta dónde puedo llegar. Empiezo a estar viejo, qué te voy a contar, por lo que grabar un disco tras 30 años en el metal extremo es un reto enorme. Se trata de sostener el sentimiento, pues si puedes conservar esa honestidad y llevarla a la música, eso es lo que el black metal es, algo que debe provenir del corazón. Se trata de lo que esperes tú de ti mismo, no de lo que los demás esperen de ti, de no engañarte a ti mismo. Es muy desafiante, y se trata de practicar. Mira a Hellhammer, cuando lo ves piensas ‘¿Qué coño está tocando en la batería?’, y es porque se está ejercitando todo el tiempo, así que resulta muy inspirador,

amo tocar con él. Es muy importante, él es el conductor de todo. Es tan silencioso, nunca habla durante las entrevistas, este chico es maravilloso, tío. Es mi hermano además, le amo, y probablemente sea uno de mis músicos favoritos incluso si no tocáramos juntos. Incluso fuera de Mayhem, con cualquier grupo en el que haya estado, Arcturus, o en Thorns, o también en Covenant, no sé en cuántos ha estado…”.

Vamos a hablar de tus inicios en el grupo, a principios de los 90. ¿Cómo conociste a Euronymous, Hellhammer y los demás? ¿Cómo un tío húngaro empieza a cantar en Mayhem tras dejar Tormentor?

“Sí, exacto, tú mismo casi has respondido a esta pregunta. Yo estaba en una banda llamada Tormentor en los 80 y entonces, lo que ocurrió, y no había internet ni nada de esto, ni revistas de metal extremo, sólo fans, todo era extremadamente underground…

Pero bueno, lo que ocurrió es que tras grabar el disco Anno Domini (de 1989 –ndr.), el primero que hicimos en un estudio en condiciones, dejamos de tocar porque éramos muy jóvenes, teníamos 17, 18 ó 19 años cuando el álbum fue realizado. Así que dejamos el grupo y quizá cometimos un error si lo pienso ahora, pero de cualquier forma teníamos el material y al final dijimos ‘que le den, esto tiene que salir’ e hicimos una cinta, un cassette, desde el estudio. Lo hicimos por los fans, porque ciertamente teníamos una base de fans potente en Hungría, una multitud infame y muy buena, y así es cómo empecé a los 17, fue muy divertido pero no mucho más (risas). Lo que pasó es que algunos fans intercambiaron esas cintas con Euronymous,

porque Tormentor y toda la gente de alrededor de esa música tenían como grupos favoritos a lo que hacía Dead, el antiguo vocalista de Mayhem, Euronymous, a los chicos de Darkthrone, Immortal… Todo el mundo amaba a ese equipo. Entonces llegó un tiempo del que yo no supe nada en que recibí una carta después, en el 90-91, y yo no sabía nada de la escena noruega antes de este acercamiento de Mayhem, y pensé ‘esto es interesante, está guay, Tormentor nunca realizó un disco de verdad, sólo grabar las voces, es mi sueño un día al menos estar en una grabación si miro a los 80 sin tener un trabajo en condiciones, un disco apropiado’. Cuando escuché acerca de la banda, su historia y en qué se habían convertido, está claro que se volvió todo mucho más interesante. ‘¿Qué pasa con estos chicos?’, ¿no?

Tenían muchas historias detrás, pero lo más atrayente llegó seguramente cuando me mandaron cintas, las demos del álbum (De Mysteriis Dom Sathanas de 1994 –ndr.). Joder, nunca antes había escuchado nada igual. Era muy futurista para mí, sonaba realmente avanzado, avanzado a su tiempo, y el riffing era algo muy raro, único.

Había escuchado Deathcrush, estaba bien, pero era en el 87 cuando yo estaba en Tormentor, y era un poco lo mismo que hacíamos nosotros, pero las canciones de De Mysteriis… eran algo nuevo que nunca había escuchado, nunca antes nadie había tocado así la batería, tal vez para mí, porque tras abandonar Tormentor estuve fuera de la escena ese año… Así que pensé, ‘hostia, tocan la batería el doble de rápido que Slayer, qué coño…’ (Risas), eran los primeros blast beats que había oído hasta ese momento, y toda la música y la composición también eran

interesantes, muy inspiradoras, y de pronto me imaginé ahí, quería hacerlo.

Por todo, por razones artísticas y musicales, no sólo porque estaba fuera del álbum y yo lo completaba, sino porque te veías envuelto totalmente de oscuridad y esoterismo. Todo era muy atrayente y familiar, como un desagradable sentimiento de gusano (risas), por decirlo de algún modo… Y eso es lo que ocurrió, empezamos a hablar de ello a través de cartas, y hubo un momento alucinante cuando Euronymous me llamó a Hungría cuando sólo había recibido cartas de él, y luego yo y los demás chicos empezamos a tener más contacto porque tenían mi dirección.

Luego por supuesto hablamos por teléfono y así estuvimos dos años antes de que viajara a Noruega. Ellos no tenían dinero, así que pidieron prestado y así es como fue posible que ese álbum ocurriera y fuera creado. Fue realmente un gran, gran esfuerzo en todos los niveles, porque no teníamos algo como un gran sello detrás, básicamente era autoproducción y no en un buen estudio, pues eso era muy caro y especialmente en Noruega. Pero sí, hicimos un gran esfuerzo e invertimos tiempo tras estar todos en contacto por carta y por teléfono. Me estuve preparando para cuando estuvieran las canciones y entonces, en el 93, fui a Noruega a grabar sólo las voces. En ese momento, el resto del álbum, el 99% del disco, ya estaba grabado”.

Para mucha gente Mayhem es la banda más controvertida y polémica de la historia. ¿Cómo recuerdas esos tiempos a inicios en los 90, o el asesinato de Euronymous a manos de Varg Vikernes?

“Me quedé muy impresionado porque

“Al quemar una maldita iglesia debes pensar que es una pieza de arte, parte de una cultur a, es parte de las naciones, así que pienso que no está bien destruirlo” ATTILA CSIHAR ese chico era súper cool, muy inteligente, era súper abstemio, tío… Nadie bebía, mucha gente piensa que en Noruega eran todos unos putos locos borrachos; no, eran muy centrados, así que me sorprendió, porque eran muy listos, muy educados, como caballeros, pero se les veía jodidamente extremos, todos con botas de pinchos por la calle, con cuchillos enormes y toda esa mierda. Dijeron que eran peligrosos, claro que yo era muy joven por aquel entonces para conocer toda la mierda que estaba ocurriendo… A veces los cristianos estaban asustados de alguna religión cristiana, en realidad Noruega tiene extraños descendientes religiosos, antiguas creencias extrañas, dondequiera que estés ves que es un país algo raro, pero en general son una gente adorable, especialmente hoy en día. Es un país precioso… De todos modos, eso era bastante extremo.

Cuando fui a Noruega por primera vez a casa de Euronymous, en Oslo, y me enseñó su colección de revistas, lo supe todo acerca de Mayhem. Supe lo de la quema de iglesias, gente suicidándose, toda esa mierda… Así que por supuesto conecté con esta banda, era algo así como un enemigo público, pienso que era muy guay mirando hacia atrás, claro que también era joven, por supuesto… Realmente me gustaba eso, me parecía una buena

idea quemar iglesias aunque nunca hubiera participado de ello, pero actualmente no diría yo que… La quema de iglesias fue algo muy controvertido porque ante todo una iglesia es un edificio por lo menos… Esos chicos, Euronymous y Varg, quemaron aquellas iglesias porque eran dos manchas antiguas de iglesias que los cristianos habían quemado antes. Así que fue algo así como una venganza, algo con ese tipo de motivación detrás. Creo que fue una buena decisión respaldarlos, pero hoy en día debo decir que no es guay, que son patrimonio, que eso son piezas de arte y que al quemar una maldita iglesia debes pensar que es una pieza de arte, parte de una cultura, es parte de las naciones, así que pienso que no está bien destruirlo. Ahora pienso diferente; cuando veo que todo arde en Egipto me pongo triste, aunque esté contento porque la gente sea libre, o en Bagdad, tío, cuando oigo que los museos son saqueados…

Creo que eso causa una gran dosis de dolor porque es herencia de la humanidad, nadie había tocado esas culturas durante 5.000 años, nadie lo había robado porque era público.

Creo que no fue tan fuerte, pero algo de eso había en esas iglesias, y no está bien. Yo diría que eso de la quema de iglesias es lo que el black metal estaba mostrando ahí fuera, convertir

esos lugares en algo más útil. Creo que las religiones se colapsarán pronto por el alto aspecto espiritual de nuestro cerebro, porque es un tipo de dimensión espiritual que no tiene nada que ver con lo que predica la Iglesia. Eso está ahí, puedes usar esa energía, esa forma de naturaleza, y la fantasía y la capacidad subconsciente del cerebro, porque eso es control mental. Toda esa puta mierda de mantener a la gente sumisa, y desde luego mantener a la sociedad ahí. Por supuesto que hay valores morales, probablemente es positivo decir que no robes o no te folles a la novia de tu amigo, eso puede ayudar, sí, eso es una cosa, pero otra es el poder y control del dinero de todo ese negocio mierdoso en el que se han envuelto todas las guerras de la historia. No me quiero extender más, pero opino que hoy tengo más respeto por la herencia de la humanidad e incluso una iglesia es parte del arte, eso es lo que tengo que decir hoy en día.

No me importan las religiones, digo ‘OK, están ahí’, seguramente soy afortunado por estar en esta parte del mundo… Por supuesto en la otra es más poderoso, ahí la gente no puede salir del control de sus mentes, asesina por su profeta o lo que sea, creo que eso es una puta droga, es increíble que alguien pueda hacer algo así, y eso es porque está totalmente controlado,

es como lo que hablábamos de que alguien poseyera su mente. Sólo me gusta hacer música porque es un viaje, un viaje para mi alma a través del cual he descubierto un montón de cosas. Lo he compartido con los fans, y eso es muy interesante. La música es una cosa muy cool, creo que es un arma muy poderosa actualmente, pero no sólo un arma, porque si no quieres no la escuchas. Nadie escucha sólo música porque es irreal, aunque es gran parte de nosotros. Así que que le jodan, que le jodan a las religiones, que le jodan a las potencias, a las iglesias, es como cuando alguien miente, que te vuelves contra ello, y al final, creas chicos locos, y por eso salió toda la escena del black metal, y sigue ahí. Es muy interesante, y si miras al mundo, deportes extremos, las películas, todo se está volviendo más y más extremo…

Si miras la sociedad actual y la comparas con la de los 80... si vas a una librería contemplas un mundo entero de libros de esoterismo, religiones arcanas, muchas cosas que marcan una nueva era, de alguna forma la gente es más abierta, está adquiriendo más conocimiento de dimensión espiritual, de aspectos extraterrestres, y creo que eso marca una nueva era, donde se usa el cerebro sin ser consciente de ello en un grado menor de cierto tanto por ciento, que podría estar allí, y eso es algo espiritual y esotérico”.

Tras grabar el debut volviste a Hungría para terminar tus estudios universitarios, ¿no?

“Sí, exacto”.

Supongo que estarías algo cansado del Inner Circle, con Mayhem siempre en el centro de la tormenta... ¿Era tu inten-

ción escapar hacia una vida de músico normal?

“No, mirando atrás estaba on fire, tío.

Estaba totalmente inmerso en todo lo que envuelve a la magia negra y el esoterismo, ¿sabes? Volví para terminar mis estudios porque, para ser sincero, era el trato que tenía con mis padres, de otra manera no habría podido dejar el colegio. Igualmente se trataba sólo de mi último año de universidad, así que pensé ‘joder, OK, voy a ser profesor de ingeniería durante más años’, lo hablé con los chicos y dijeron ‘OK’. Terminé mis estudios y el plan era moverme de nuevo a Noruega, yo estaba realmente interesado en ello, me preparé para ello, pero la verdad es que fue un shock cuando supe del asesinato, y la verdad es que todo eso hizo trizas mis planes. Debo decir que estoy muy en desacuerdo con el sistema de educación actual, yo aprendí Física superior, pero lo que aprendí antes no era correcto. Luego fue como ‘Hostia, ¿y qué he estado aprendiendo entonces?’, porque ves que en la educación primaria y secundaria no cuentan exactamente lo que es. Estoy muy en desacuerdo de cómo se desaprovechan chicos súper talentosos porque el sistema escolar es muy típico. Recuerdo un compañero de clase en la universidad que me decía ‘he oído este rumor’, y me dijo que tenía un satélite casero, en el 90 o el 89. Yo le dije ‘¿qué coño has hecho, tío?’, ‘sí, pincho la secuencia de un satélite desde casa y capto el canal militar’, y yo ‘¡¿Cómo!?’. Bueno, pues a este chaval lo echaron, suspendía exámenes o lo que fuera, pero alguien tendría que haber pensado que tenía que ser ingeniero electrónico. Eso es lo que ese chico tendría que haber sido, así que aquí nos encontramos con

gente de enorme talento sin funciones en este sistema. Pensaron ‘este chico no puede ser profesor y debe irse’. Ése es el problema, por desgracia casi todos los estudios tienen ese aspecto de lavado de cerebro, y por eso mucha gente que vale no progresa, porque lo odian, porque nunca van a usar mucho de los que les hacen aprender y casi todo lo que cuentan es una mierda centrada en miles de páginas de libros de cualquier estudio, y por eso muchos chicos brillantes no lo son tanto ante sus profesores, y por eso son repudiados. Y bueno, volviendo a Mayhem, por eso no ocurrió, porque sólo fue un año entre que terminé mis estudios y ocurrió el crimen, cuando estaba cerca de terminarlos, y entonces las cosas tomaron una dirección distinta, por supuesto”. ¿Has escuchado lo último de Burzum?

“No los nuevos, creo que el último fue Belus… Creo que se ha vuelto más experimental, ¿no? ¿Qué hace ahora?”.

Es una especie de black amable, con voces claras, folk…

Para mí es fantástico. Varg Vikernes está loco, pero es un genio musical (risas).

“Oh sí, absolutamente… No puedo compartir sus jodidos puntos de vista, para mí todo eso es porquería política, pero bueno, para mí está bien si eso es lo que opina… Pero musicalmente, siempre ha sido una persona muy cool, es obvio que es un chico muy pero que muy talentoso. Voy a escucharle, ahora que lo dices…”.

EN DIRECTO

GROEZROCK 2 y 3 de mayo de 2014 Meerhout, B茅lgica Texto: Eduard Petrolillo Fotos: Hara Amor贸s

TERROR 120

NOFX

C

omo ya es habitual en los últimos años, en RockZone tenemos una cita obligada cada primavera en la pequeña localidad belga de Meerhout. Ya puede hacer sol, lluvia, calor o más frío que en la comunión de Pingu (como en esta última edición), que nosotros no podemos faltar al Groezrock. Más aún con el cartel que nos brindaba el festival, tan lleno de bandas jóvenes y prometedoras como de míticas y consagradas. Teniendo en cuenta el auge que vive en Europa el metal y sus subgéneros, el Groezrock presentaba su cartel más punk rockero de los últimos años, aunque esto no evitó que cerca de 40.000 asistentes, que se bebieron hasta el agua de los floreros, disfrutaran de un fin de semana lleno de música y un ambiente muy especial.

La guinda de este pastel la ponían dos de las bandas más grandes del punk rock interpretando dos de sus discos más clásicos: The Offspring tocando Smash y NoFx tocando Punk In Drublic enteritos. La fiesta estaba asegurada.

ALKALINE TRIO

VIERNES 2 Una de las consecuencias de que el festival haya crecido considerablemente en sus últimas ediciones es que el recinto cada vez sea más grande. Y no sólo eso, sino que al separar la entrada para prensa, ésta ha quedado a 1 kilómetro (literal) de la entrada principal, con lo cual, después de levantarnos un poco tarde, hacer cola donde no debíamos y rodear casi el recinto entero, nos perdimos la actuación de los portugueses Devil In Me. Lo remediamos echando la primera cerveza viendo unos temas de los canadienses PUP, unas promesas del punk melódico, quienes después del festival acompañarían a Pure Love en su gira de despedida. Su buena actuación preparó el terreno del Etnies Stage para Red City Radio, quienes ya habían tocado en el festival y se marcaron un conciertazo. La gente no paró de subirse y saltar del escenario, e incluso hubo momentos de piel de gallina con toda la carpa cantando con ellos. De camino al Impericon Stage nos

paramos a escuchar un par de temas de Fathoms en el Macbeth Stage, el más pequeño de los escenarios y con un aspecto muy mejorado respecto a ediciones pasadas, aunque el horrible sonido nos ahuyentó rápidamente a ver a Bayside. Los neoyorkinos demostraron que están en plena forma y nos deleitaron con sus temas más clásicos y un sonido excelente.

El buen rollo que transmitieron se quedó en esa carpa para recibir a los fiesteros Deez Nuts. O mejor dicho, a los empalmadores. Esta vez se dejaron de hacer coña y tocaron todo lo que pudieron, empalmando los temas de tres en tres y sin descanso. Aunque la barrera entre ellos y él público hizo que el concierto fuera algo frío, consiguieron el clímax cerrando con ‘Band Of Brothers’ y con la carpa cantando a pleno pulmón este himno a la fiesta y a la amistad.

En el escenario principal estaban The Menzingers, a quienes vimos claramente con más tablas sobre el escenario que hace dos años. Los de 131

BOYSETSFIRE

Scranton presentaron los temas de su último disco Rented World y, aunque no tuvieron el mejor sonido posible, contentaron a sus fans. The Lawrence Arms también hicieron muy buen papel en el mismo escenario pero con menos gente. Una lástima teniendo en cuenta los años que llevan pateando escenarios y que a algunos nos recuerdan grandes momentos de nuestra adolescencia.

Por fin llegó la mazurca con Terror, a quienes ansiábamos ver y no defraudaron. Pese a que su cantante Scott Vogel estaba incómodo por no poder incitar al público al stage diving, dieron una lección de hardcore a todos los presentes. Energía, mala leche y colegueo con muchas colaboraciones nos dieron la fuerza que necesitábamos para afrontar el resto del día. El concierto de Boysetsfire fue flojo en comparación al que dieron en la edición de 2011, aunque el sonido fue muy correcto y sus miembros parece que se hagan mayores haciéndose jóvenes.

TERROR 132

BRAND NEW

Les queda cuerda para rato y nosotros lo celebramos.

Abandonamos el escenario antes de que acabaran para no perdernos ni un tema de los reyes del NYHC. Si lo de Terror fue una lección, lo de Madball fue una masterclass. Pocos frontmans tienen el carisma de Freddy, y esto hace que cada vez que vemos a Madball sea especial. Nos deleitaron con sus mejores temas e incluso se dejaron alguno en el tintero. Los que también se dejaron algo fueron Alkaline Trio, aunque en su caso, fueron las ganas de tocar. Secos y apáticos, hicieron sonar grandes todos sus temas pero con muy poca entrega. Fue mejor la colaboración que se marcó Matt Skiba con H2O que la actuación entera del trío californiano.

Otros que transmitieron menos de lo que esperábamos fueron Ignite. Aunque hacía tiempo que no les veíamos, la verdad es que ofrecieron el mismo show que llevan a cabo desde que

publicaron su último Our Darkest Days.

Eso sí, adelantaron un par de temas del disco que grabarán este mismo año y consiguieron ponernos la miel en los labios. Llegados a este punto de la noche, uno tiene que tomar decisiones y perderse algún grupo. A pesar de perdernos Descendents, que ya habíamos visto en el Resurrection Fest, pudimos disfrutar de Taking Back Sunday presentando su nuevo Happiness Is y corroborar que aún tienen la capacidad de escribir grandes temas melódicos y bailables, y que Adam Lazzara es capaz de dejarnos embobados con sus juegos de piernas y micro. Una lástima que una de las guitarras no funcionara durante la mitad del bolo, pero aun así, salvaron el sonido notablemente.

Mientras tanto la fiesta que tenía lugar en el Etnies Stage con H2O daba a pensar que se caería la carpa de un momento a otro. Éste es un festival especial para ellos y se les ve en la

THE GHOST INSIDE

cara a Toby y los suyos cuando tocan.

La invasión de escenario con ‘What Happened’ fue el final perfecto para un concierto épico. También épicos pero de otra manera estuvieron Brand New. No sólo sonaron perfectos, también desbordaron personalidad y demostraron que uno no tiene por qué ir a un festival y tocar todos sus hits para contentar a sus fans, sino tocar lo que quiere, lo mejor que puede y ofrecer un espectáculo a la altura. Y así lo hicieron. Quizás sus fans más puristas quedaran un poco decepcionados, pero los amantes de la música salimos rebosando alegría y aún con la piel de gallina. ¿Quién mejor para cerrar el primer día que Fat Mike y los suyos haciendo el tonto y echando unas risas? El que a estas alturas aún se toma los conciertos de NoFx en serio puede que acabe odiando la banda de un momento a otro, ya que su nivel de pasotismo y cachondeo pasan los límites de lo serio.

I KILLED THE PROM QUEEN

Aun así hay que reconocer que tocaron muy bien y respetaron su promesa de tocar el Punk In Drublic entero. Fat Mike no dejó de meterse con Milo de Descendents llamándole viejo y al final le invitó a cantar un tema con ellos, y tampoco faltaron algunas burlas a los negros presentes entre el público. En el fondo, uno no puede enfadarse con NoFx, con tantos temazos en los últimos 30 años... Lo mejor es unirse a la fiesta con ellos.

SÁBADO 3 Haciendo honor a la noche anterior, la primera banda que vimos el segundo día fueron Drug Church. Su hardcore noventero con toques de Fugazi no llegó a mucha gente debido a la temprana hora en que tocaron, pero llegó bien a los que estuvimos ahí. Los británicos Apologies I Have None endulzaron la mañana con su pop punk de nueva escuela mientras que en el Monster Stage, The Casualties conseguían reunir

a todas las crestas del festival, que no eran pocas. Aunque un poco aburridos, consiguieron abrir los primeros circle pits del día. Los australianos I Killed The Prom Queen pasaron por el escenario sin pena ni gloria (como siempre), aunque ofreciendo un show sólido. Sus temas son muy repetitivos, pero siempre es un placer ver a sus guitarristas haciendo cabriolas con sus instrumentos.

Especial atención teníamos puesta en las bandas de Deathwish que actuaban ese día. Los primeros fueron Doomriders, liderados por Nate Newton, bajista de Converge, que ejecutaron a la perfección su mezcla de stoner rock, metal y hardcore recordando más a unos Mastodon que a cualquier banda con la que comparten sello. Que la carpa estuviera medio vacía no les hizo venir abajo y se entregaron a los que estábamos ahí. Aunque para entrega, lo que vivimos con Touché Amoré, también del mismo sello. Es normal que no dejen de recibir grandes 133

RED CITY RADIO

críticas, pues su directo es, como poco, increíble. La fuerza con la que tocan y la sinceridad que transmite Jeremy a la voz les hacen únicos.

El mismo escenario fue invadido minutos después por tíos mucho más grandes para ver a los míticos Cro-Mags. Pese al pasado turbulento de sus miembros, sus fans siguen apoyándoles hagan lo que hagan y ellos se lo agradecen con conciertos como éste. Mientras tanto, The Ghost Inside daban la sensación de estar más bien pasando el rato que tocando delante de una carpa a rebosar. Recurrieron a los temas viejos y a las bombas de graves para impresionar al personal, y parece que les funcionó. El público les coreó aunque a nosotros nos parecieron muy vacíos. De un extremo al otro, nos fuimos corriendo para coger sitio y ver a Modern Life Is War desde las primeras filas. Éste era su primer y único concierto en Europa desde que se volvieron a juntar el año pasado, así que se presentaba épico, y la verdad es que cumplieron con creces. Más, si cabe.

Puede que esta banda no sea de las más representativas del hardcore, pero es inexplicable lo que transmiten sus TERROR 134

letras y lo que consiguen hacernos sentir desde el escenario. Desde las primeras notas de ‘The Outsiders’ la gente se volvió loca y cantó todos y cada uno de los temas a pleno pulmón. No fue para menos. Un concierto para recordar toda la vida. New Found Glory nos pusieron una sonrisa de oreja a oreja repasando algunos himnos de nuestra adolescencia, aunque su puesta en escena ha perdido desde que se han quedado con un solo guitarra. Ganas no les faltaron, pero sí sonar bien y compactos. En el mismo escenario hicieron lo contrario The Hives.

Encargados de preparar el terreno para The Offspring, se marcaron un bolo espectacular. Sonido e iluminación a la altura de grandes bandas y una puesta en escena preparada y ejecutada a la perfección. También es verdad que con temazos como ‘Tick Tick Boom’ y ‘Walk Idiot Walk’ lo tienen más fácil, pero no les vamos a quitar para nada el mérito que se merecen. Antes de ver a los de Dexter Holland nos fuimos a echar unas risas con Falling In Reverse, aunque el panorama que habia allí era más bien para llorar. La carpa medio vacía, Ronnie Radke enfadándose con

sus compañeros y con ganas de irse de allí, unos músicos con más pinta de maniquíes que de personas... Y como guinda recurrieron a tocar temas de Escape The Fate para tener al público ‘contento’. Lamentable.

No hace falta decir que el escepticismo en torno a lo que The Offspring iban a ofrecer era generalizado. Pero sí hace falta decir que esas dudas se fueron más rápido de lo que todos esperábamos. ¡Menudo concierto que se marcaron! Acompañados del guitarrista de H2O y con nuevo batería, nos transportaron a los 90 con sus temas más pegadizos. Dexter estuvo enorme a las voces y Noodles se equivocó menos que de costumbre.

Tocaron todo el Smash de principio a fin y hubo tiempo para tocar todos sus hits. Se despidieron con ‘The Kids Aren’t Allright’ con tanta gente cantando que era difícil distinguir a la banda del público. Un cierre immejorable (excepto por el feo detalle de no dejar entrar a los fotógrafos al foso) para un festival que, una vez más, nos hizo vivir dos días increíbles de música y fiesta con grandes momentos para el recuerdo. ¡Hasta el año que viene!

TOUCHÉ AMORÉ

THE HIVES

NEW FOUND GLORY

MICHAEL MONROE 11 de Mayo de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Nadia Natario

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S

e podrían dedicar al menos tres programas íntegros de Cuarto Milenio al fenómeno paranormal denominado Michael Monroe, y aun así, Iker Jiménez seguiría estirándose de sus cuatro pelos incapaz de llegar a ninguna conclusión.

Para empezar, ¿por qué demonios no llena Razz 2? Es cierto que el concierto era en un puñetero domingo, pero la inteligente maniobra de los promotores a la hora de unificar los dos espectáculos programados en el complejo de Razz ofreciendo un triple cartel hard rockero a cargo de Shock!

Hazard, Cheap Thrill, con miembros del grupo Cinderella, y Michael Monroe, parecía que podría haber arrastrado a más público al evento... sin embargo, aunque el ambiente que se respiraba era muy festivo y la gente estaba con muchas ganas de disfrutar, la entrada resultó vergonzosamente modesta.

Cheap Thrill es una banda de hard rock clásica cuyo atractivo reside en sus miembros, artistas de renombre dentro

de la escena angelina, como Jeff LaBar y Eric Brittingham de Cinderella, el vocalista Brandon Gibbs, y el batería Troy Patrick Farrell, de White Lion. Con semejante tarjeta de presentación, la expectativas eran mayores de lo que en realidad ofrecieron: una verbena animada gracias a himnos de Cinderella como ‘Gipsy Road’ o ‘Heartbreak Station’, algún homenaje a White Lion, y una versión bastante descafeinada de ‘Home Sweet Home’ de Mötley Crüe. Teniendo en el recuerdo a unos Cinderella pletóricos hace no tantos años, presenciar la decadencia de artistas que llegaron a llenar estadios en su momento de gloria fue un trago bastante agridulce.

Menos mal que Miguelito y sus cuatro jinetes del Apocalipsis salían al escenario al son de las melodías desérticas de Ennio Morricone, dispuestos a destrozarnos con un repertorio basado principalmente en el estupendo álbum Horns And Halos.

Arrancaban con el tema homónimo,

‘Trick Of The Wrist’ y ‘TNT Diet’. Ya no había marcha atrás, y los presentes sabíamos que nada podía fallar. Ni la ausencia de Ginger Wildheart o Dregen, ni un set centrado en sus últimos trabajos, impidieron que la banda se metiera al público en el bolsillo al instante. Michael Monroe es uno de los frontmans más espectaculares y con más personalidad de la historia del rock. Canta, baila, salta, trepa, hace el spagat, toca el saxo, interactúa con la audiencia y se deja los huevos en cada actuación. Sus escuderos Sammi Yaffa y Steve Conte tienen una presencia y una chulería que no cabe en el escenario, y el rookie, Rich Jones, se adapta perfectamente al groove de la banda.

Como siempre, la guinda del pastel la guardaron para el final recuperando los himnos ‘Nothin’s Alright’, ‘Death, Jail Or Rock ‘N’ Roll’ y ‘Hammersmith Palais’, y dejándonos fundidos con ‘Malibu Beach Nightmare’ de Hanoi Rocks. En definitiva, una noche de rock y gloria. ¡El mundo necesita a Michael Monroe!

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GRAND MAGUS 15 de mayo de 2014 Sala Bóveda, Barcelona Texto: Andrés Martínez Foto: Eduard Tuset

L

o que más me gusta de Grand Magus es que no se afilien a ningún subgénero. No son doom (queda ya lejos esa etapa suya), no son stoner, no son retro, y ni siquiera se puede decir que practiquen ese true metal inspirado en la NWOBHM y que bandas como Enforcer están poniendo de moda últimamente. No, ellos son heavy metal, ni más ni menos, ese metal que lo mismo puede recordarte a Judas Priest que a Black Sabbath (época Dio), a Manowar que a Iron Maiden, en definitiva, ese estilo clásico imperecedero que el trío sueco lleva cultivando y perfeccionando desde hace más de una década y del que, amigos, hoy son unos maestros.

Aunque triste, poco importó que la sala no se llenara ante la primera 138

visita de JB y los suyos a nuestro país. Los tipos, enfundados en su look 100% metalero, fueron soltando tema tras tema como si de hostias se tratase. A cada título que tocaban, más baldados nos dejaban, siempre sonando precisos y contundentes, siempre respetando toda esa liturgia metálica que un show de esas características debe poseer.

El resto para que esa noche fuese casi perfecta lo hizo el repertorio, muy bien escogido, fácil si se tiene en cuenta el innato talento que la banda escandinava tiene para componer auténticos himnos para que el respetable se desgañite mientras alza sus puños encuernados. No hubo altibajos, el grupo consiguió desde el mismo comienzo una total comunión con el público, pero sí que

hubo momentos estelares. Uno de los temas de su último largo, el demencial ‘Steel Versus Steel’, fue uno de esos momentos, y deberíamos citar las apocalípticas interpretaciones de ‘Valhalla Rising’, ‘Ravens Guide Our Way’ o de ‘Iron Will’ como otros de esos instantes inolvidables de la noche. Pero fue con los bises donde acabaron de pasar sobre todos nosotros de manera inhumana con una tríada absolutamente demoledora: ‘Triumph And Power’ convertida desde ya en un nuevo clásico, ‘Kingslayer’ y una coreadísima ‘Hammer Of The North’, donde la Flying V de JB literalmente ardía. Todavía teníamos frescos en nuestro recuerdo los últimos conciertos de gente como In Solitude o Night Demon, pero éstos juegan en otra liga, éstos son de los grandes.

THE COUP 14 de mayo de 2014 La [2], Barcelona

Texto: Jordi Meya FotoS: Carles Rodríguez

S

omos The Coup. Venimos de Oakland, California. Y estamos aquí para funkear”.

Así presentó una y otra vez Boots Riley a su banda después de los cinco primeros temas de su magnífico concierto en Barcelona. Quizá porque ésta era su primera visita a nuestros escenarios después de veinte años de carrera, no quería que nadie saliera de ahí sin tener claro lo que había visto. Fue un detalle simpático pero no hacía falta porque dudo que ninguna de las 200 personas ahí presentes fuéramos a olvidarlo. Es evidente que en el carisma y desparpajo de Riley, que no dejó de bailar y animar al personal en todo momento, radica mucha de la fuerza de su directo, pero es igualmente destacable el papel que juegan los otros músicos de la

banda, en especial el guitarrista B’nai Rebelfront, el teclista LJ (que ejerció de telonero con un set de hip hop al piano muy curioso) y la corista Silk-E, un torbellino de mujer que llevó el show a otro nivel cuando salió en el segundo tema para cantar ‘The Magic Clap’.

Todos juntos consiguieron un perfecto cóctel molotov de funk, rock y hip hop que hizo que el habitualmente tímido público barcelonés se soltara la melena por una noche y no dejara de bailar, saltar y sonreír. Aunque se tenga a The Coup como a una banda política y reivindicativa, que lo son, en directo su rollo es absolutamente festivo y si yo fuera responsable de programar un festival, no dudaría en ficharlos para la próxima temporada. Pese a ello, casi en la recta final Riley no dudó en pedirle a una chica del público que le

hiciese de improvisada traductora para asegurarse de que su mensaje llegaba alto y claro aun existiendo la barrera idiomática. “Ahora vamos a tocar la única versión del concierto”, dijo. “Es un tema que originalmente escribieron los esclavos. Es un tema del que luego hizo una adaptación Woody Guthrie.

Es un tema que luego tocaron los dos Bobs, Dylan y Marley. Es un tema que luego hicieron The Clash. Y nosotros le hemos cambiado la letra y la música.

Este tema se llama ‘5 Million Ways To Kill A C.E.O.’”. Brillante presentación para la que es una de sus canciones más conocidas y que nos hizo recordar por qué al establishment de su país no le hace puñetera gracia que existan.

Seguramente, si nuestro Ministro de Interior les escuchara, tampoco se la haría.

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DEEZ NUTS

E

l cartelón con el que Terror se presentaron en Badalona prometía sangre… y sangre tuvimos. Quizá esperaba una mayor afluencia de público, pero la verdad es que Estraperlo ofreció un buen aspecto que, al mismo tiempo, dejaba respirar a los más calmados mientras alentaba con suficiente espacio las tortas y mamarrachadas propias de un buen show de rudo y duro hardcore.

De esta manera, todos contentos en una velada con pocos ‘peros’.

Los jóvenes Broken Teeth fueron los primeros en salir al ruedo con una puntualidad máxima. De corte muy old school, los ingleses se lo tomaron muy en serio y ante una sala todavía a medio llenar, su caña dio lugar a las mejores hostias de la noche. Con temas como ‘My Law’ le pusieron un par de huevos y, sobre todo su cantante, demostraron que tienen mucho que decir en la escena. Nasty eran para muchos uno de los grandes atractivos del pack. Una cosa es 140

que, tradicionalmente, a los belgas les vaya el beatdown que te cagas, y otra muy distinta es la bestialidad que estos cuatro armarios pueden desplegar tanto en álbum como en directo. Presentando Love, las tropas de Matthi, un vocalista del que muchos frontmans deberían aprender qué es vivir las letras y dar un buen show, nos bombardearon a placer hasta terminar con un alegato antifascista, a favor de la hermandad, y todo ello rematado con ‘Zero Tolerance’. Joder, casi sonaron a slam. Bandaza, bolazo.

Le pese a quien le pese, Deez Nuts saben cómo montar un buen jaleo.

Tendrán nombre de chiste, les pesará que empezaran como una banda paródica, pero a día de hoy, y a juzgar por la que liaron, son muchos los que han caído rendidos a sus encantos. Pegándole un repaso de aúpa a su último Bout It!, despachando hasta la ultrasónica ‘I.D.K.W.Y.T.Y.A.B .I.K.W.D.G.A.F.A.Y.’, los australianos fueron una continua invitación al stage

diving con temas como ‘Streets Are Watching’, ‘Go Fuck Yourself’, ‘Popular Demand’, la enorme ‘Keep On’ o la final ‘Band Of Brothers’. JJ Peters…

Menudo personaje.

Como un veterano del Vietnam se presentó ante nosotros Scott Vogel para ponernos en cintura y llevarnos al campo de batalla de Terror. Ese pedazo de hooligan tiene los huevos pelados de dar conciertos, y ya no digamos su banda… Sin dar ningún tipo de tregua, en un no parar frenético, fueron desfilando ‘Return To Strength’, ‘Keepers Of The Faith’, ‘Live

By The Code’ o una ‘Keep Your Mouth Shut’ con la que se despidieron.

Madre mía, cómo se lo pasó el chalado de la camiseta de Brasil…

Peña de las demás bandas tomando el micro, hasta su gigantesco pipa dando voces, un bodyboard dando tumbos por el recinto… Y es que la cosa fue un jodido desmadre a la americana, ¿pero sólo a mí se me hizo cortísima su descarga?

TERROR

7 de mayo de 2014 Estraperlo Club, Badalona Texto: Pau Navarra FotoS: Mauricio MELO

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MISERY INDEX

P

artiendo de la base que cualquier propuesta técnicamente retorcida y mínimamente cercana al prog me produce una indisimulable urticaria y que acudí a la sala más pequeña de Razzmatazz para no faltar a la cita con los teloneros Misery Index, tengo que reconocer que, una vez allí, los pioneros Gorguts me entraron mucho mejor en vivo que en álbum. De esta manera, si cuando me enfrenté la temporada pasada a su primer trabajo tras doce años de silencio, Colored Sands, éste me pareció un ladrillo sólo apto para mojabragas, cuando los del Québec prácticamente lo reprodujeron casi enterito con la crudeza del directo lograron atraparme y, lo más importante, sólo arrancándome un par o tres de bostezos durante toda la descarga.

Con los que es imposible dormirse es con Misery Index. Aunque la 142

apisonadora de Baltimore todavía no tenía su nuevo trabajo The Killing Gods en las calles, ya nos avanzó ‘The Weakener’ o ‘Conjuring The Cull’ y, yendo de menos a más, con sus 45-50 minutos se bastaron para desollarnos con un sonidazo atroz y tortazos como ‘You Lose’, el combo descomunal formado por ‘Thrown Into The Sun’ y ‘Black Sites’ o su obligado final con ‘Traitors’. Como siempre, sin grandes alardes sobre las tablas ni demasiado teatro, sólo su inigualable brutal death grind haciendo temblar las paredes. ¿Quién dice que el death metal no produce cañonazos coreables?

‘Le Toit Du Monde’, ‘An Ocean Of Wisdom’, ‘Forgotten Arrows’, ‘Colored Sands’, ‘Enemies Of Compassion’…

Estaba claro que Gorguts iban a centrarse en su nuevo álbum y, de paso, también a callarme la boca con una tralla que me pilló por sorpresa.

Así, el histórico cantante y guitarra Luc

Lemay demostró con esa educación tan canadiense por qué Gorguts fueron básicos para el devenir del death metal técnico a principios de los 90, pues las incursiones a sus obras más pretéritas con las tres finales ‘The Carnal State’, ‘Orphans Of Sickness’ y ‘Obscura’ dieron buena cuenta de que, si bien su alto nivel de complejidad no es apto para todos los gustos, la oscuridad que también consiguen desprender puede atraer a otro tipo de públicos para una formación especial como pocas.

Eso sí, quien mereció un buen aplauso fue Patrice Hamelin, un titán que en Beneath The Massacre demuestra que es uno de los baterías más letales del planeta, pero que en Barcelona nos mostró una faceta de jazzman absolutamente brillante. Por cierto, Lemay es el primer metalero al que veo atreverse a subir a un escenario con gafas… Si es que hasta en eso Gorguts siguen rompiendo moldes.

GORGUTS

27 de abril de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Carles RodrĂ­guez

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IN SOLITUDE 28 de Abril de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Carles RodrĂ­guez

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GRAVEYARD

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rimera oportunidad de ver en España a los jovencísimos suecos In Solitude y comprobar cómo se desenvuelven en directo con su heavy metal de corte ocultista.

Abrieron los catalanes Graveyard, ofreciendo una muestra del extraordinario nivel al que se encuentran muchas de las bandas de metal extremo en nuestro país. Toda una exhibición de su poderoso death metal de la vieja escuela. Sonaron atronadores repasando sus dos discos One With The Dead y The Sea Grave. Un muro de sonido capitaneado por su nuevo cantante J.F. Fiar (Foscor), demostrando sobradamente las tablas adquiridas a lo largo de todos estos años.

Ya sabemos que la afluencia de público a los conciertos está bajo mínimos hoy en día, pero resultaba casi doloroso comprobar el escaso aforo. In Solitude no juega todavía en las grandes ligas del metal, pero no olvidemos que, además de ser su primera visita, presentaban su último Sister, un álbum

precedido por excelentes críticas.

Sólo hizo falta escuchar los primeros acordes de ‘Death Knows Where’ para comprobar su capacidad para sobreponerse a la falta de público...

In Solitude salieron arrasando, con la misma actitud que si estuvieran tocando en un estadio para miles de personas. Siendo honestos, el sonido resultó bastante embarullado al inicio y apenas se distinguía la voz de Pelle. Un sonido algo irregular, compensado con creces por el extraordinario derroche de energía de los hermanos Pelle y Gottfrid Åhman (bajo). Sin desmerecer la excelente labor de su actual guitarra Henrik Palm, el carisma que demostraron ambos fue incuestionable. Como dos animales salvajes, sin dejar de moverse ni un solo instante, arrastrándose por el suelo como poseídos por el diablo.

Ellos son los líderes de la formación y lo dejaron bien claro a lo largo de la noche.

El setlist se centró en temas de su último álbum, destacando la buena

acogida de la rockera ‘Sister’ o la hipnótica y exquisita ‘A Buried Sun’.

Nada que objetar, si no fuera porque el concierto duró una hora escasa. Pocas concesiones a sus dos discos anteriores, con apenas un par de temas como ‘We Were Never Here’ o ‘To Her Darkness’ de su magnífico The World.The Flesh.

The Devil y un broche final con ‘Witches Sabbath’ de su debut. Regalos que acogimos con entusiasmo desmedido, pero que no nos hicieron olvidar las casi imperdonables ausencias de algunos himnos como ‘Demons’, ‘Serpents Are Rising’ o ‘Kathedral’.

Por momentos tuve la sensación de estar presenciando un concierto mucho más cercano al after punk que al heavy metal. De ésos en los que la actitud vence a la pulcritud, y en los que la audiencia termina hipnotizada por el magnetismo y la energía del propio grupo más allá de los tecnicismos. Lo lamento mucho por aquellos que no pudieron o no quisieron asistir, pero os perdisteis uno de los conciertos del año.

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DAWN OF THE MAYA 17 de mayo de 2014 Salamandra 2, L’Hospitalet De Llobregat Texto: Jordi Meya Foto: Carles Rodríguez

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awn Of The Maya volvían a tierras catalanas con motivo de la edición deluxe de su último disco, The Truth Is In Front Of You, prácticamente un año después de haberlo presentado en la sala Plataforma de Barcelona. Así que era una buena ocasión para poner, figurativamente, el termómetro al momento que está viviendo el grupo de Pamplona y por extensión, a la escena de la que forman parte. ¿Y cuál es el diagnóstico? Pues entre positivo y frustrante. En lo que concierne a la banda, las sensaciones son totalmente afirmativas. Las múltiples fechas que han realizado en el último año les han ayudado a crecer y se les ve muy sueltos y seguros, y con el material de su nuevo álbum totalmente asimilado.

Los desajustes que a veces ocurrían entre el sonido de los teclados de Marta, los coros, y el resto se han 146

solventado, y ahora suenan como un auténtico cañón. Y la verdad, cualquier grupo que cuente con un batería como Marcos tiene el espectáculo garantizado. A pesar de que Igor reconoció que venía medio enfermo (por lo visto se ha emancipado y en su piso hace un frío de pelotas) cumplió muy bien con las exigentes voces y, como siempre, lo dio todo. Tanto que al final le dio un pequeño mareo, aunque sacó fuerzas para culminar su set con ‘The Age Of Darkness’, coreada como si fuera un himno por el público. Antes habían sonado los temas de The Truth Is In Front Of You casi en su integridad (‘The Balance Is Broken’ y ‘Endless Void’ fueron las más celebradas) y con sólo una representación de su debut Me, The Planet en forma de ‘Desolated Cosmos’. Pero naturalmente, el gran aliciente era escuchar por primera vez en directo los temas nuevos de

la edición deluxe y hay que decir que tanto la atmosférica ‘Atmosphere’ como su nuevo y pegadizo single ‘Everest’, como ‘Pacific’, sonaron de lujo.

También dejaron buenas sensaciones Vultures Overhead, con un metalcore bien fibrado, en quienes recayó en exclusiva la responsabilidad de abrir el concierto tras la cancelación a última hora de los madrileños Somas Cure.

Y ahora pasemos a la parte frustrante y que no es otra que la resabida falta de apoyo del público a las bandas locales. Es una verdadera lástima que todos aquellos que agotan las entradas para ver a Parkway Drive o Bring Me The Horizon sigan sin creerse que aquí también hay grupos con los que pueden disfrutar. Un aplauso fuerte para el menos de un centenar que se acercaron y ojalá que logren convencer a sus amigos para que se vengan la próxima vez.

GET DEAD

19 de mayo de 2014 Rocksound Bar, Barcelona Texto: Jordi Meya Foto: Eric Altimis

H

ay algo encantador en los bolos en locales pequeños como el Rocksound Bar de Barcelona. Algo que la gente que sólo asiste a macroconciertos o festivales nunca experimentará: poder fumarte un cigarro con los músicos antes de que empiece el show tranquilamente, sin mánagers pesados ni seguratas que quieran proteger a las ‘estrellas’, poder felicitar personalmente al grupo después de haber tocado o que sean ellos mismos quien te venden la camiseta o el vinilo que hayas decidido comprarles... Es este sentimiento familiar el que en origen nos atrajo a muchos hacia el punk rock y que seguramente Get Dead encarnan como nadie. A pesar de que habían tocado el día antes para apenas 40 personas en Madrid, de haber ‘dormido’ en un

cámping en las afueras de la capital y de haberse hecho 600 kilómetros, se les notaba encantados con la idea de tocar por primera vez en Barcelona.

Y es que mientras no les falte cerveza, todo lo demás es superable. Aquí les esperábamos un poco más de gente, aunque menos de la que merecen, y ellos respondieron con justo lo que esperábamos de ellos. O no. Porque si en disco su sonido es básicamente acústico, en directo la electricidad se hace presente y la etiqueta ‘punk folk’ se queda sólo en ‘punk’. Eso hace que temas como ‘Bartender’, ‘Welcome To Hell’, ‘Leave A Message’ o ‘Here’s Your Song’ adquieran nuevas tonalidades y suenen con total frescura. Los de San Francisco no son la mejor banda del género, ni tampoco sus canciones perdurarán en la historia (‘Fallon And

Victory’ pasaría como cara B de Rancid), pero desde luego pocos generan tan buen rollo como ellos. Sam King es el típico vocalista con mala dentadura y una voz que roza la afonía, pero que sabe transmitir cada palabra que canta. Su dedicatoria a Tony Sly antes de empezar ‘Pre-Medicated Murder’, que grabaran para el disco tributo al fallecido líder de No Use For A Name, sonó absolutamente sincera, y cuando sacaron un pastel de cumple para su batería Scott Powell y la gente cantó el ‘Cumpleaños Feliz’, su sonrisa valió un imperio. El cierre con ‘This One’s For Johnny’ y su estribillo fraternal, en el que King acabó siendo llevado a hombros por algunos fans, es la imagen que resume a la perfección lo que vivimos quienes optamos por vencer la pereza de un lunes noche.

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THE SETLIST ¿Cómo elegís el orden de las canciones?

“Hacemos una primera lista y, después, entre todos, vamos modificándolo hasta quedarnos a gusto.

Casi siempre Fat Mike interviene en el tema, ya que suele involucrarse bastante en el orden de las canciones, tanto para el álbum como para el directo”.

Muchas veces, cuando se saca un tema, se le da un nombre provisional que sólo el grupo sabe. ¿Soléis hacer esto? “¡No lo dudes! Siempre hacemos eso, de hecho, te puedo decir que de cada disco solamente una o dos canciones suelen conservar el mismo nombre desde el principio”. ¿Nos puedes comentar algún nombre de esos provisionales de alguno de los temas actuales?

“Casi todos nuestros temas de estilo reggae, New Orleans o dixie tienen ese concepto en el nombre provisional, por ejemplo ‘Dixie Slut’, ‘Dixie Punk’, ‘Chuck Reggae’, ‘Todd Reggae’, ‘Dustin Rag’, ‘Sascha Latin’… Por lo demás, casi siempre les ponemos nombres guarros (risas)”.

Hay veces que utilizas ese nombre provisional durante tanto tiempo que, al oír el nombre definitivo, casi ni lo reconoces. ¿Te ha pasado alguna vez?

“Por el tipo de preguntas, tiene pinta de que tocas en una banda, así que ya 148

SASCHA LAZOR / MAD CADDIES Este mes les toca el turno a los reyes del baile, Los californianos Mad Caddies. La mitiquísima banda ska punk de Fat Wreck vuelve a la carga con su nuevo album Dirty Rice después de tener a miles de fans en vilo desde 2007.

Nos sentamos un rato a charlar con su guitarra y banjo Sascha Lazor para que nos desvele los detalles sobre su actual setlist. Texto: Iri (Adrenalized) FotoS: DR sabrás que esto... ¡Pasa siempre! Muchas veces en directo no sabes ni qué tema es cual y te lo tiene que chivar el de al lado”. ¿Cuál de estas canciones es la que actualmente más disfrutas tocando en directo?

“Me motivan todos lo temas que tocamos, pero yo creo que con los que más sigo disfrutando son ‘Drinking For 11’, ‘Contraband’, ‘No Hope’ y ‘Brand New Scar’”. ¿Dais mucha importancia a lo que el público quiere oír, o sólo tocáis lo que os mola?

“Sabemos perfectamente los temas que más motivan a la gente y la verdad es que tenemos suerte porque son también de los que más nos gustan a nosotros, así que no hay problema. Muchas veces si ves que la peña no se mueve, es porque es nueva y no la conocen, pero si después de un tiempo siguen sin moverse, ya te das cuenta de que no les mola mucho”. ¿Cuál de estos temas es el que más os piden en los conciertos?

“Casi siempre nos piden los mismos temas. En concreto yo creo que la que más nos siguen pidiendo es ‘Drinking For 11’.

Muy pocas veces nos piden temas poco conocidos. Hace poco, por ejemplo, nos pidieron un tema que se llama ‘Wet Dog’, pero ya nunca la tocamos”.

Los setlists son todo un arte

efímero y cambiante. Muchos grupos hacen dibujos o cosas especiales. ¿Soléis usar algo así, o un aburrido diseño hecho con ordenador?

“Keith, el trompetista, es la persona que siempre se encarga de hacer los setlists.

Lo lleva haciendo durante muchos años.

Como te he dicho antes, siempre pactamos una lista y él se encarga de escribirla.

Algunas veces la fotocopiamos, pero siempre una lista a mano, nunca a ordenador”.

Muchas veces grabas un tema y aunque no sepas por qué, escucharlo no te motiva mucho pero tocarlo en directo sí. ¿Te pasa esto con alguno de los temas?

“Pues la verdad es que no. Casi todas las canciones que hemos decidido grabar es porque antes las hemos tocado bastante en directo y creemos que tienen que estar en un disco. Le damos mucha importancia a lo que tocamos en un escenario. Básicamente somos una banda de directo”.

Hay canciones que pasan de ser una bomba a no motivar tanto, aunque, a veces, da pena quitarlas. ¿Cómo sabéis cuándo ha llegado el momento de jubilarlas?

“La verdad es que nunca jubilamos una canción del todo. Algunas de ellas simplemente dejas de tocarlas por un tiempo, pero más adelante acabas tocándolas de nuevo”.

2 de septiembre - ROCKSOUND BAR (BARCELONA) 3 de SEPTIEMBRE - WURLITZER BALLROOM (MADRID) ENTRADAS A LA VENTA EN www.CODETICKETS.COM

DE GIRA

BLUE COUPE

11 DE JUNIO LA BOITE (MADRID) 12 DE JUNIO SALA BÓVEDA (BARCELONA)

E

l término ‘supergrupo’ está en estos tiempos tan adulterado que lo que antes era un reclamo, ahora causa escepticismo o directamente rechazo. Blue Coupe encajarían perfectamente en esa definición pero, por favor, no nos los juzguen antes de empezar. Quizás los nombres de Dennis Dunaway (bajo/voz), Albert Bouchard (batería) y Joe Bouchard (guitarra/voz) no sean de primera línea o reconocibles de salida, pero cuando pasamos a decir que ellos fueron fundadores, y componentes durante su época más gloriosa, de Alice Cooper, el primero, y Blue Öyster Cult, los hermanos Bouchard, la cosa cambia por completo. Ahora bajo el nombre de Blue Coupe, estas tres leyendas han decidido no sólo unir fuerzas, sino que han hecho el esfuerzo de coger los bártulos y hacer algunas fechas por Europa. Dos citas que recomendamos no perderos, no sólo porque será una oportunidad única de escuchar ‘Don’t Fear The Reaper’ o ‘I’m Eighteen’, sino que podremos degustar su segundo álbum, Million Miles More, que nos muestra a una banda que, lejos de vivir

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de rentas, suena fresca y en forma.

Vuestro nuevo álbum os confirma como banda, más allá de la unión de tres nombres conocidos intentando sacar rédito de su fama. Algo que no es muy común de ver...

DENNIS DUNAWAY “¿Qué sentido tendría entonces tocar? Por mucho que hayas conseguido en el mundo de la música, tu instinto como músico es el de estar siempre creciendo y creando.

No me interesa recrearme para nada en lo que he podido conseguir en el pasado, aunque esté muy orgulloso de ello. Empecé Blue Coupe junto a Joe y Albert Bouchard, porque los conocía de hace años y sabía que junto a ellos podía crear un proyecto sólido, no sólo basado en la nostalgia. El primer disco ya sorprendió a mucha gente por ello, y con éste, definitivamente, vamos a consolidarnos como grupo”.

Para la producción habéis contado con todo un Jack Douglas, un síntoma más de que vais a por todas.

“Nuestra relación con Jack viene de lejos. Él fue el ingeniero en School’s Out y Muscle Of Love y también trabajó con Blue Öyster Cult en alguno de sus discos más populares. Esta vez fuimos capaces de buscar un mayor presupuesto y teníamos claro que habíamos de contratar a un productor de primera.

Le escribimos un mail y quedamos un día para vernos y hablar. Y fue genial.

Congeniamos, nos reímos mucho hablando de los viejos tiempos. Él tenía compromiso con un disco de Aerosmith que estaba haciendo al mismo tiempo, pero quiso también trabajar en el de Blue Coupe y, aunque a veces tenía que hacerlo de noche, nos tranquilizó ver lo comprometido que estaba”.

El álbum tiene muchos invitados de lujo. Algunos que se podrían catalogar de menos sorprendentes, por el nexo que tenéis, como el propio Alice Cooper o Buck Dharma de Blue Öyster Cult, pero, por ejemplo, me ha sorprendido la participación de Ross The Boss.

“Conocemos a Ross The Boss desde

hace mucho tiempo. Además, Andy Shernoff ha coescrito una de las canciones del disco, por lo que hay una importante conexión Dictators en el álbum. La conexión es básicamente Nueva York. Siempre que hemos ido a tocar allí hemos tenido contacto con ellos. Recuerdo que estuve tocando en una de las últimas noches que estuvo abierto el CBGB con mi Dennis Dunaway Project, en el que ya estaban Joe y Albert, y Ross The Boss estuvo tocando con nosotros. Amamos a Ross y le pedimos que tocara en nuestro disco. Es un guitarrista increíble, ¿verdad?”.

A estas alturas, ¿te sigue gustando girar?

“Bueno, no negaré que cada vez se hace más complicado salir a la carretera. Vivimos en sitios diferentes y a nivel logístico tampoco es muy fácil, pero por otro lado, sabemos que si queremos mostrar nuestro trabajo tenemos que tocar en directo y además, es la manera en que podemos dar las gracias a nuestros seguidores personalmente. A mí me sigue gustando subir a un escenario, a cualquier músico le debería de gustar, y aunque a veces es cansado, todavía sigue siendo muy emocionante cuando ves que eres capaz de crear esas reacciones entre tus fans”.

El Alice Cooper Group entró en el Rock And Roll Hall Of Fame en 2011. ¿Crees que ése fue el momento donde toda la banda obtuvo el merecido reconocimiento, más allá de la sombra del propio Alice?

“Desde luego. Fue un momento muy emocionante que no podré olvidar nunca. Recuerdo estar muy nervioso, pero al mismo tiempo, muy feliz porque nuestro trabajo se recompensó, y tener la oportunidad de tocar juntos después de tantos años es algo que no se puede olvidar”.

Has grabado un montón de canciones que suenan sin parar en las emisoras de classic rock.

Por ejemplo, tus vecinos deben alucinar cuando se enteran de que has sido parte de clásicos como ‘School’s Out’ o ‘Under My Wheels’... “(Risas) Ahora llevo una vida más o menos tranquila y ya todo el mundo me conoce, pero sí, no sabes la de veces que he dejado a gente sin habla cuando les decía que había tocado en el Alice Cooper Group. Evidentemente, muchos fans ya me conocen, pero hay otro tipo de gente más casual que sólo está familiarizada con la imagen de Alice y que los dejas de piedra cuando se lo dices”.

(RICHARD ROYUELA)

AGENDA JUNIO AGAINST ME! 19 Vitoria AZKENA ROCK (Blondie, Scorpions, Unida…)

20-21 Vitoria BAD RELIGION + AGAINST ME! 17 Madrid, 18 Barcelona THE BLACK DAHLIA MURDER 17 Madrid, 18 Barcelona BLACK TUSK 25 Madrid, 26 Barcelona BLUE COUPE 11 Madrid, 12 Barcelona BRUTAL TRUTH 17 Zaragoza, 18 Valencia, 19 Madrid, 20 Badalona DAN BAIRD 1 Lleida, 3 Madrid, 4 Zaragoza, 5 Barcelona, 6 Bilbao, 7 Burlada, 9 A Coruña, 10 Cangas do Morrazo DILLINGER ESCAPE PLAN 25 Barcelona DOWNSET 21 Oviedo, 22 Malaga, 23 Madrid DR. JOHN 1 Madrid ELECTRIC EEL SHOCK 4 Santander, 5 Zaragoza, 6 Hondarribia, 7 Vitoria ELLIOT MURPHY 7 A Coruña EXTREME 27 Barcelona, 28 Bilbao, 29 Madrid GILBY CLARKE 16 Madrid, 17 Ourense, 18 Zaragoza HARDBONE 7 Barcelona, 8 Leganés, 9 Torre Pacheco, 10 Estepona, 11 Bilbao, 12 Irún, 13 Cangas Do Morrazo, 14 Ourense HOBBS ANGEL OF DEATH 10 Jaén, 12 Murcia, 13 Barcelona, 14 Madrid KYLESA 21 Vitoria, 23 Madrid, 24 Barcelona MANTICORA 5 Barcelona MARKY RAMONE FEAT. ANDREW W.K. 16 Barcelona, 17 Valencia, 18 Murcia, 19 Granada, 20 San SebastiÁn de los Reyes, 21 Ourense NOMINON 27 Madrid, 28 Molins de Rei, 29 Zaragoza THE OFFSPRING 20 San SebastiÁn de los Reyes POW! 11 Santander, 12 Barcelona, 13 Madrid PROTEST THE HERO 22 Bilbao ROB ZOMBIE 22 Barcelona, 23 Madrid ROGER HODGSON 5 Madrid, 6 San SebAstiÁn THE ROLLING STONES 25 Madrid RORY KELLY’S TRIPLE THREAT 1 Torredembarra, 2 Orihuela, 5 Plasencia, 6 AvilÉs, 7 Ourense, 8 Cangas do Morrazo, 9 León, 11 Burgos SILVERSTEIN 15 Barcelona SKID ROW + BUCKCHERRY 17 Barcelona, 18 Madrid, 19 Bilbao SLAPSHOT 22 Badalona STICK TO YOUR GUNS 22 Murcia, 24 Oviedo, 25 A Coruña WO FAT 6 Barcelona, 7 Madrid

ÚLTIMAS PREGUNTAS

SHANE TOLD (SILVERSTEIN) El próximo 15 de junio los canadienses Silverstein estarán actuando en la sala Bóveda de Barcelona dentro de una fiesta bautizada como Summer Slasher Party en la que también participarán los barceloneses Oblivion y que tendrá al gran Andrew W.K. como DJ invitado. Antes de su llegada contactamos con el vocalista Shane Told para que respondiera nuestra cuestionario. Texto: JORDI MEYA Foto: DR ¿La última vez que te sentiste muy vago?

“Justo antes de contestar tu llamada.

Son las 9 de la mañana y ahora nos vamos para México. He tenido que levantarme muy pronto y me ha dado muchísima pereza”. ¿La última vez que has visto un gran concierto?

“Cuando giras con buenas bandas cada noche ves un gran concierto.

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Hemos estado con Blessthefall y The Amitty Affliction, así que hemos disfrutado mucho”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya?

“Me pasa constantemente. Cuando escucho la radio siempre pienso ‘eso es una gran idea para una canción’.

Ayer me pasó. Ni siquiera sé qué canción era. Siempre siente un poco

de envidia cuando eso pasa, pero es lo que hace que te esfuerces en hacer mejor música. Siempre intento usar Shazam cuando suena algo que me gusta y no conozco. Soy suficientemente viejo para saber lo que era no poder usarlo (risas)”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado?

“La semana pasada discutí con mi novia. No recuerdo sobre qué, pero

yo estaba seguro de que tenía razón y ella me decía que no. Al final me demostró que ella estaba en lo cierto y yo reconocí que me había equivocado. No me cuesta admitirlo cuando ocurre”. ¿La última vez que infringiste la ley?

“No lo recuerdo, pero sí recuerdo que el otro día alguien me robó una guitarra. Fue una putada. Cuando alguien te hace algo así te das cuenta de lo mal que está romper la ley. No es que nunca haya robado nunca, pero desde luego cuando te pasa ves que no mola nada”. ¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros?

“Oh, de eso hace muchísimo tiempo. Nos llevamos muy bien en la banda. Veo a muchos grupos que siempre están peleándose, pero no es nuestro caso para nada. Quizá he tenido alguna discusión acalorada, pero nunca he pegado a ninguno”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa?

“Normalmente me ocurre a mitad de la gira. Hace un mes por ejemplo. Al principio de la gira estás emocionado, y hacia al final ya ves que te queda poco para volver a casa, pero justo a la mitad es lo más duro”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida?

“Ayer por la noche aquí en San Diego. Fuimos toda la banda a cenar con nuestro agente y disfrutamos mucho.

Intentamos hacerlo tanto como es posible, como una cena familiar. Fuimos a un restaurante llamado Yardhouse que es de comida típica americana, pero con una gran oferta vegetariana y vegana, lo cual es genial para nuestra banda. Además tienes más de cien cervezas distintas, así que aunque no seas vegetariano y te gusta la cerveza merece la pena”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías?

“Ayer cuando llegamos al aeropuerto de San Diego. Ayudamos a una anciana a descargar su equipaje y a llevarle una silla de ruedas. Te sientes muy bien cuando haces algo por el prójimo”.

¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo?

“Cada mes cuando recibo el extracto de la tarjeta de crédito (risas). Siempre repaso todas las cifras porque no entiendo cómo el total suma tanto. Pero vas sumando y al final te das cuenta que no falla nada. Es duro (risas)”. ¿La última vez que lloraste?

“Soy muy sentimental con las películas (risas). Me da vergüenza admitirlo pero la última fue esta nueva película sobre béisbol, Million Dollar Arm, en la que van a buscar jugadores de cricket a la India para que jueguen en la liga americana. Reconozco que solté una lagrimita”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado?

“Hace dos semanas jugué en un casino y gané 1.300 dólares en una tragaperras. No está nada mal (risas)”. ¿La última vez que te impresionó una película?

“La de béisbol me gustó (risas). Pero más en serio hay un documental que se llama Blackfish sobre cómo tratan las ballenas en el parque temático Sea World, y de hecho también hablan sobre una filial que tienen en España. No recuerdo el nombre. Mucha gente debería verla para entender cómo funciona esa empresa”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio?

“Nunca lo pienso. Aunque hay mucha gente que cree que yo creo que soy un genio (risas). Pero me tengo por una persona humilde, no me creo más listo que nadie”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería?

“Hace un rato cuando he hablado con mi madre. He tenido una bonita conversación con ella”. ¿La última vez que pensaste que Silverstein era el mejor grupo del mundo?

“Nunca. Hemos luchado mucho y hemos mejorado mucho desde que empezamos. Hemos mejorado como músicos, como compositores y tocando en directo, pero no creo que seamos los mejores. Tampoco es lo que intentamos. Sólo queremos divertirnos y ver mundo”.

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EDICIÓN TA NIS O I C C E L CO ILO N I V E L DOB NTA E V A L YA A AS! D N E I T EN