RockZone 105 - 07/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Against Me! (Barcelona) © Rubén Navarro

EDITORIAL

Desde que a finales de mayo cerramos el último número han ocurrido un montón de cosas en este país. ¿Las elecciones europeas? ¿La renuncia de Rubalcaba? ¿La abdicación del Rey? ¿La eliminación de La Roja en el Mundial? Quizá algunos hayan ocupado su tiempo en estos asuntos, pero a nosotros nos han emocionado bastante más las visitas de Nine Inch Nails, Iron Maiden, Bad Religion, Against Me! o Silverstein, poder escuchar los nuevos discos de Every Time I Die, Mongol Horde, Mad Caddies o Biznaga, o volver a charlar una vez más con Tim McIlrath de Rise Against para el artículo de portada de este mes. Cada loco con su tema. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 105

9 / INTERFERENCIAS

24 / TESSERACT

34 / MASTODON

56 / DARKNESS BY OATH

72 / DISCO DEL MES

40 / CRoWBAR

58 / TITLE FIGHT

74 / CRร TICAS

26 / VANNA

28 / MASKED INTRUDER

44 / TEKSUO

48 / RISE AGAINST

62 / BLACK ANVIL

68 / BOB MOULD

100 / TOUCHÉ AMORÉ

104 / ENTROPIA

SUMARIO

nº 105

108 / ESPECIAL FOTOS

114 / ELi ‘PAPERBOY’ REED

118 / WOLVES IN THRONE ROOM 122 / EN DIRECTO

146 / DE GIRA + AGENDA

148 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Burzum Turner, Alejandro Lozano. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_¿BARCELONA METALERA? BARCELONA SE HA GANADO, MERECIDAMENTE, LA FAMA DE SER UNA CIUDAD QUE ROCKEA POCO Y DONDE PRIMA EL HIPSTERISMO. PERO TRES NUEVOS FESTIVALES PODRÍAN CAMBIAR LAS TORNAS ESTE VERANO...

a gran difusión mediática de eventos como el Primavera Sound, el Sónar o el Cruïlla han creado la imagen que la capital catalana no es ciudad para metalheads. Sin embargo, algunos promotores de conciertos no piensan lo mismo y este verano han apostado por estrenar tres nuevos festivales que, quien sabe si con el tiempo, podrían cambiar esta percepción. A falta de Sonisphere, éstos se posicionan como buenas alternativas. La promotora RockNRock juega fuerte con su Rock Fest que tendrá lugar en el recinto de Can Zam en la población colindante de Santa Coloma de Gramanet. Tendrá lugar los días 4 y 5 de julio y contará con una nutrida participación de bandas estatales e internacionales. Entre las primeras encontramos a Barón Rojo, Obús, Angelus Apatrida, Los Suaves, Ktulu, Mojinos Escozios o Mean Machine. De las segundas destacan Manowar, Twisted Sister, Kreator, Lacuna Coil, Napalm Death o Sabaton. El abono para los dos días cuesta 60 euros, pero gracias a un acuerdo con el ayuntamiento de Santa Coloma, también hay 5.000 entradas para el día 4 de manera gratuita para los empadronados en la ciudad. Por su parte, Doctor Music ha ubicado la pri-

mera edición de su Barcelona Metal Fest en el emblemático recinto del Poble Espanyol de la montaña de Montjuïc. Tendrá lugar el domingo 6 de julio y contará con las actuaciones de Within Temptation, Paradise Lost, Sôber, InMune y Ankor. El precio de la entrada es de 38 euros. También el Poble Espanyol será escenario el 12 de julio del Be Prog! My Friend organizado por Madness Live! Productions. Se trata de una apuesta novedosa, pues se trata del primer festival enfocado al rock y el metal progresivo contemporáneo. En este caso, el cartel lo forman Opeth, Anathema, Fish, Tesseract, Antimatter, Alcest y Pain Of Salvation. El precio de las entradas es de 60 euros. Esperemos que el éxito de convocatoria de todos ellos sea absoluto y esta apuesta por los sonidos duros tenga premio. Desde luego, público lo hay, como demuestra el que el Move Your Fucking Brain Extreme Fest cumpla este año su décimo aniversario. El 28 de junio en Molins De Rei actuarán entre otros Incantation, Nominon, Ouija o Antaeus. ¡Y encima gratis! Desde luego, quien este verano quiera hacer headbanging en Barcelona lo tiene más fácil que nunca.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ IGUALITO QUE AQUÍ

ace unos días nos enterábamos de que Foo Fighters habían aceptado ofrecer un concierto en Richmond, Virginia, que había sido promovido, sin que ellos lo supieran, a través de una campaña de crowdfunding. Aunque todavía no hay una fecha cerrada, el grupo confirmó a través de Twitter que aceptaba la oferta. La campaña fue iniciada el pasado marzo por un creativo publicitario fan del grupo, que se marcó el objetivo de vender 1.400 entradas al precio de 50 dólares para convencer a los Foos de que volvieran a su ciudad, donde no actúan desde 1998. Los donantes, que tenían que dar su número de tarjeta de crédito como garantía, sólo pagarían el importe si el concierto se llevaba a cabo, y en caso contrario no se les cobraría nada si éste no se llegaba a realizar. Si por un lado parece sorprendente que hubiera fans suficientes para apostar a ciegas por una iniciativa así, y todavía más que finalmente una banda de la envergadura de Foo Fighters haya aceptado el trato, de lo que más envidia sentí fue al leer que dos negocios locales (un concesionario de automóviles y una cadena de dónuts) habían donado 5.000 dólares cada uno para repartir entradas gratis entre sus clientes. ¿Os imagináis algo parecido por aquí? Tristemente, yo tampoco. (JORDI MEYA)

TWITEANOS...

INSTANTGRAMO

@curcunet Para qué sufrir cuando los gigantes del rock desaparezcan... El relevo es muy competente. Mastodon son la prueba. @Alex_Whibley Entrevista cojonuda @RockZone #TheHuntingParty @JohnnyDessu Que alguien postea sobre la entrevista de @RockZone a Linkin Park y darme cuenta que están Eyehategod en esa revista. @JohnnyDessu Ahora mismo prefiero a Mayhem o a Eyehategod que a Linkin Park antes y ahora. @silverstein SOLD OUT tonight in Barcelona. Stoked to be back here! See you tonight, we play at 20h45. @RockZone @daylightband Sólo @RockZone trayendo a @silverstein podía organizar tal pitote. @JoanLuna ¿Alguien conoce al chico que llamó “gordo y calvo” a Greg Graffin en el Doctor Music Festival? Me gustaría saber cómo anda de pelo y peso, jaja. @subnoise Atreyu no fue el mismo desde que se le murió Artax en el pantano de la tristeza.

Me llamo Christian, y desde hace unos años, soy un gran admirador de A Day To Remember. En febrero de este año decidí ir a verles a Bruselas y al terminar el concierto apareció Jeremy McKinnon. Fue increíble. Estuvimos hablando un rato y fue muy agradable y divertido. Es un tío de puta madre. *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Hay un colectivo que me mosquea. Soy incapaz de entender a esta peña que, día tras día, sistemáticamente, toque quien toque, llega antes que los artistas a la sala, se pasa horas esperando para saquearles sus púas, hacerse fotos con ellos... ¡Y luego ni siquiera entra al show! ¡Alguno al menos intenta colarse, pero es que la mayoría ni eso! Vamos a ver: primero, si te gusta el grupo tanto como para tantas horas de aguante, ¿cómo es que no te quedas a ver el bolo? Segundo: si sólo quieres la púa, ¿de verdad te gusta el grupo? Y tercero: Guti, ¿cómo puedes tener una de Backstreet Boys, si ni siquiera tienen guitarrista? Lo que haga cada uno a mí me da igual... Lo que no me da igual es que algunos de estos personajes hacen ver que son amigos, me vienen a dar la mano y a preguntar qué tal me va… ¡Falsos! ¡Materialistas ruines! Amigo, si lees esto y te dedicas a babear cada vez que ves a un artista y mueres por su púa, te voy a explicar algo: esos tíos que ves en el escenario, son sólo personas. No valen más que tú ni más que nadie, sólo tienen una profesión distinta a la de no hacer nada, todo el día esperando a conseguir una púa. Si usaras todas las que tienes en casa con una guitarra, valdrías igual o más que ellos. (ASSAF LASZEWICKI)

ESTÉS DONDE ESTÉS, EN AGOSTO NO TE LIBRARÁS DE NOSOTROS DISPONIBLE El 30 DE JULIO

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra SEQUOIA TREE

APEIRÖN

NAVES

What Will Come

Words Of The Snake

Pulso

(AUTOEDITADO)

Ni post metal, ni metalcore para progres, ni cualquier cosa que pueda tener alguna remota conexión con Coheed And Cambria… Pese a la portada de What Will Come, nada de esto tiene que ver con el debut de los ibicencos Sequoia Tree. Aunque algo espacial sí hay, como en ‘Wasted Years’ o ‘Sequoia’… Lo suyo es un pop rock desenfadado, que no quiere decir que le falte elaboración, y sobre todo, de melodías identificables y certeras a cargo de un más que correcto Christian Roig a la guitarra y el micro. Ya ven, nada como vivir en guirilandia para tener un inglés cojonudo… Lo más llamativo de todo es que Christian es hermano de Nathalie (bajo, coros) y Miquel Roig (guitarra, teclado), en un cuarteto que ahora completa el batería Joan Corda. ¡Cualquiera le tira un piropo a ésta con sus guardaespaldas sobre el escenario! ‘How Long?’ adopta un poso más serio, también la siguiente ‘Fish’, pero en general sigue reinando el espíritu ‘mediterráneamente’ en todo el trabajo. ¡Marcaros un Bandcamp para que os pueda escuchar la gente, hombre! Qué coño, me ha gustado su rollete… Ideal para los sudores veraniegos de nuestro Ignasi Trapero.

A los sevillanos Apeirön no les gusta andarse por las ramas. Lo suyo tanto bebe del viejo thrash de la Bay Area como del death prog, es una especie de groove noventero con guturales bastante Testament, Machine Head, Sepultura o DevilDriver. ‘Another Broken Toy’ tiene un inicio hasta Autopsy, aunque luego despegue la melodía y la velocidad para ir desarrollándose entre blasts agónicos y vueltas a la caverna. ‘Cracking The Sun’ es la más progresiva del lote, una sucesión de cambios de ritmo y riffs rudos que nos aproxima su faceta más complicada, y es que incluso se atreven con un fragmento que suena totalmente a Iron Maiden. ‘Be The Flame’ en cambio busca aplastar a lo Asphyx, ‘Guacamayo’ es una ida de olla, y la larga ‘Paranoid Man’ es otro bloque de cemento en forma de medio tiempo, aunque también incluye unos desarrollos difíciles. Para cerrar nos dejan ‘Suicide System’, que es el nombre que tenían cuando se fundaron en 2011. Mucho más accesible que la anterior, en ésta brillan las guitarras con buenos riffs y detalles, por no hablar de una segunda parte sorprendente. Si refinan un poco su sonido y ejecución, van bien encaminados.

Andreu Robusté (batería), Pepo Vidal (bajo), Juanjo Vidal (guitarra) y Teresa Martínez (voz, guitarra) son Naves, y se presentan ante nosotros con este primer EP, Pulso. Fundados en 2012, practican un pop rock etéreo y eléctrico en el que la voz de su cantante reina en todo momento. Así, entre cadencias delicadas como las de ‘Animal’ o esa ‘Gigantes’ que va desplegándose, Teresa comanda subidas y bajadas emocionales como las experiencias personales que relata en sus letras. La movida ‘L.C.D.S.H.’ le da más chicha al asunto, aporta ritmo, mientras que ‘Hielo Y Tiempo’ es la más pausada de todas, acústica, ambiental, dando por finalizado este trabajo con reflexión, sosiego y calma. Grabado, producido y mezclado por Gabriel Suárez en los Maik Maier de Barcelona, pero sobre todo masterizado por Mario G. Alberni en sus Kadifornia, ya pueden imaginar la calidez del sonido logrado. Naves me han pillado en un día bajo, así que me he sentido especialmente abierto a su propuesta. Tienen clase, y lo que es mejor, no reniegan de una buena instrumentación como tantas otras bandas descaradamente comerciales con voz femenina al frente.

www.facebook.com/pages/Sequoia-

https://soundcloud.com/apeir-n/sets/

http://naves.bandcamp.com/album/

Tree/142881985815934

words-of-the-snake

pulso

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INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_VINTAGE TROUBLE

FORMACIÓN: Ty Taylor (voz), Nalle Colt (guitarra), Rick Barrio Dill (bajo), Richard Danielson (batería)

PROCEDENCIA: Los Ángeles AFINES A: Black Joe Lewis, Eli ‘Paperboy’ Reed, Sharon Jones & The Dap-Kings PRESENTAN: The Bomb Shelter Sessions (Autoeditado)

VINTAGE TROUBLE

on apenas cuatro años de carrera y un álbum autoeditado, Vintage Trouble ya saben lo que es tocar en estadios, acompañar a los legendarios The Who en una gira de 50 conciertos o actuar en la fiesta de aniversario de Paul Stanley de Kiss. El próximo 23 de julio arrancarán su primera visita a nuestro país con una fecha en la sala Capitol de Santiago que terminará cinco días más tarde en Barcelona (ver agenda). “Tenemos muchas ganas de llevar nuestro soul rock’n’roll a la gente”, nos dice entusiastamente su vocalista Ty Taylor. “Queremos que la gente mueva sus cuerpos, que suden, que canten, que bailen y que se sientan sexys. Nuestra misión es llevar a la gente a otro estado mental y físico. Amamos la cultura española y queremos hacerlo muy bien para poder volver muchas veces más. Queremos ver museos, probar vuestra comida, conocer gente, queremos que nos influya en lo que hacemos”. Como veis, por ganas no será. Vintage Trouble iniciaron su andadura en 2010, cuando cuatro músicos de distintas bandas (Dakota Moon, 2nd Day Crush…) se juntaron para reivindicar el espíritu del soul, el R&B y el rock’n’roll de los 50 y los 60. “Ése era nuestro terreno común, nuestra sensibilidad”, cuenta Taylor. “Dimos nuestro primer concierto a las tres semanas de estar juntos y entramos al estudio al cabo de

tres meses”. De ahí salieron con The Bomb Shelter Sessions, una colección de diez canciones grabada en tres días que en un principio sólo iban a ser maquetas de uso interno, pero que finalmente, viendo su excelente resultado, decidieron autoeditar como su debut oficial. Taylor también tenía experiencia como actor en varios musicales de Broadway e incluso participar en el programa Rockstar: Inxs. “Mi pasó por ahí me ayudó mucho a ver cómo funciona la televisión. Con la cantidad de apariciones en programas que hacemos es importante que no me ponga nervioso cuando se enciende la luz roja de las cámaras. En cuanto a Broadway me ayudó mucho a actuar delante del público. Hacía ocho funciones a la semana, así que aprendí a ser disciplinado y a trabajar mi voz.”. Uno de los primeros padrinos del grupo fue Doc McGhee, uno de los mánagers más potentes de la industria (ha dirigido las carreras de Diana Ross, Bon Jovi o Kiss), y que tras quedar impresionado viéndoles tocar en un restaurante de Los Ángeles, se ofreció para ayudarles. Fue él quien decidió que la banda buscara en Gran Bretaña su plataforma de lanzamiento. “Gran Bretaña siempre ha sido un lugar muy abierto a la nueva música”, explica Ty. “La industria parece más abierta y los fans

también, así que sentimos que teníamos una oportunidad y realmente nos la dieron”. Tras dar tres conciertos allí a principios de 2011, el grupo volvió en abril para aparecer en el show televisivo Later.. With Jools Holland. Su actuación llevó a Vintage Trouble a ser trending topic en Twitter y alcanzar el número 5 de álbumes digitales. El remate final lo hicieron acompañando también por el Reino Unido a Brian May en mayo y en junio a Bon Jovi. Cosas de tener contactos. “Lo primero que notamos es que cuando hicimos la primera prueba de sonido, al probar la caja de la batería, notas ese eco infinito, te das cuenta de que no vas a tocar en un club”, dice riendo Tyler sobre la experiencia de tocar en estadios. “¡Es enorme! Hacer llegar tu arte a tanta gente de golpe es una pasada. El hecho que Bon Jovi, los Stones, The Who o Lenny Kravitz te den la oportunidad de tocar para su público es una gran responsabilidad y un gran desafío, pero si lo consigues, te hace sentir que has hecho algo bueno con tu vida”. Para responder si se imagina a Vintage Trouble convirtiéndose en una banda de estadios, Taylor tira de ironía. “¡Ya somos una banda de estadios! Lo que pasa es que la gente no está ahí por nosotros (risas). Nos encantaría. Es nuestro sueño. Si lo logramos, nuestro reto es que la gente sienta lo mismo que cuando nos ve ahora en una sala pequeña. Pero la verdad es que una vez has probado lo que es tocar en grandes lugares, tienes ganas de más. Es muy adictivo (risas). Pero aunque lo consigamos, nunca dejaremos de tocar en sitios pequeños”. De momento sus proyectos más inmediatos son la edición de un EP acústico y la publicación de su segundo álbum con Blue Note Records.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, IGNACIO REYO FOTOS: DR

INFORME SOBRE CIEGOS Ernesto Sabato, ilustrado por Luis Scafati (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

e dice habitual-

el Príncipe de las Tinieblas

mente

hay

y ese gobierno se hace

libros que engan-

mediante la Secta Sagra-

chan desde la primera pá-

da de los Ciegos. Es tan

gina; en el caso de Informe

claro que casi me pondría

Sobre Ciegos, el enganche

a reír si no me poseyera el

se produce ya desde la

pavor”. A pesar del hila-

primera frase:

“¿Cuándo

rante diálogo del capítulo

empezó esto que ahora va a terminar con mi asesinato?”, se

XI, la desesperanza y el mal rollo predominan en este informe

pregunta el protagonista y narrador de la novela de Sabato

(capítulo central de la novela Sobre Héroes Y Tumbas del es-

antes de empezar a desarrollar un informe que pretende des-

critor argentino), un terreno perfectamente abonado para que

granar la exploración llevada a cabo durante años sobre el

el artista Luis Scafati se inspire y cree unas ilustraciones pertur-

universo de los invidentes. Dicha investigación se irá convirtien-

badoras en blanco y negro con su característico estilo. Horror

do, página tras página, en un viaje al subconsciente humano

trasmiten, por ejemplo, las láminas del cuervo arrancando los

y un descenso hasta la paranoia más absoluta, aunque la con-

ojos al protagonista. Si la literatura de Sabato ya es imprescin-

clusión resulte lúcida a la par que obvia: “Sigue gobernando

dible, imaginen con semejante apoyo visual.

que

LA SEGUNDA VIDA Matías Candeira, ilustrado por Javier Jubera (ARISTAS MARTÍNEZ)

vida

oxidados. Allí había hombres y mujeres con los ojos enquista-

nos ofrece una

dos de oscuridad que me miraban, a medio camino entre el

segunda oportu-

terror y la expectación, cuando les entregaba su sobre”. No

nidad. No solamente para

me extraña que los editores de Aristas Martínez se vieran atra-

buscar la redención por un

pados por la fuerza narrativa y el misterio de este relato de

error del pasado, sino tam-

Matías Candeira (el cual pertenece a la edición original del

bién para romper con la

libro La Soledad De Los Ventrílocuos) y decidieran publicarlo

monotonía y probar nuevas

por separado junto a las numerosas y fabulosas ilustraciones

experiencias vitales. Eso es

de Javier Jubera. El número 10 de la Colección Pulpas de la

lo que le ocurre al protagonista de La Segunda Vida, un cartero

editorial extremeña es, además del número redondo, un cuento

que realiza diligentemente su trabajo a diario y al que no le

especial, emocionante y muy vital: “A veces uno necesita un

gustan los cambios ni las sorpresas. Hasta que debe entregar

puñetazo del destino en el estómago para ponerse en marcha

una carta en una antigua finca: “En ese edificio sentía que

y asumir ciertas búsquedas”. No lo necesites tú y corre hacia la

había otra vida tras las puertas, a unos metros de los timbres

librería más próxima.

veces

DJANGO DESENCADENADO Tarantino y VV. AA.

TODO UN HOMBRE

Tom Wolfe

MAJARETA

Ellen Forney (LA CÚPULA)

(ANAGRAMA)

(PLANETA DE AGOSTINI)

El primer borrador de guión de la cinta de Tarantino ofrecido en crudo para su adaptación a cómic da como resultado un interesante trabajo de acercamiento a la primera visión del film (que mostró sustanciales cambios y necesarias exclusiones). La fiel adaptación de ese primer guión, así como el estupendo trabajo gráfico realizado, aporta por tanto un extra a la peli ya que el cómic completa huecos narrativos y ofrece muchas escenas en sus primeras versiones. Muy recomendable para cinéfilos. SG

FF VOL 2 (TOMOS 1 Y 2) Matt Fraction y Mike Allred, y VV. AA. (PANINI)

Al final se nos ha quedado en una muela la etapa de Matt Fraction escribiendo los guiones de la serie paralela a Fantastic Four y dibujada por el siempre excitante Mike Allred. En dos tomos bien accesibles se finiquita una etapa cerrada de 16 números resultona y muy entretenida que, pese al aparente caos de algunos números, ofrece una aventura completa del equipo ‘sustituto’ de la Primera Familia. No es necesario ser un experto en la materia para gozar de mala manera con este cómic. No lo dudes. SG

Mientras en el presente milenio uno de los pioneros del nuevo periodismo ha perdido esencia del zeitgeist, su segunda novela todavía mantenía el poder latente de Wolfe al radiografiar, con escalpelo, la sociedad estadounidense. Si en su debut novelístico supo desvelar la mascarada del Nueva York de los 80, once años después tomó la medida al sur del país de las oportunidades. Con gracia y profundidad. IR

100 BALAS: HERMANO LONO

Brian Azzarello y Eduardo Risso

Relato autobiográfico en formato novela gráfica donde Ellen Forney describe de forma cercana, curiosa y sincera su vida como enferma maníaco depresiva. La artista recoge en sus más de 200 páginas todo el proceso de cambio, desde la aceptación a la convivencia con la enfermedad y su lucha para que su vida creativa no se vea afectada por la medicación. Sin duda el libro funciona en muchos niveles y no dudaré en regalarlo a personas que estén empezando a vivir conscientemente con esta enfermedad. SG

EL OJO EN LA NUCA Ilan Stavans y Juan Villoro (ANAGRAMA)

(ECC)

100 Balas fue una de las grandes series Vertigo de la primera década de siglo. Mafia, bandas callejeras, conspiraciones de alto nivel y mucha sangre entrelazando a un plantel de personajes fantástico. Fue un cómic que salpicaba. Sus creadores vuelven para contarnos qué fue de uno de los supervivientes del drama original. Si eres fan no debes dejar pasar este tomo. Si no has leído 100 Balas, lo vas a disfrutar y además querrás conocer todo acerca de Lono y su vida anterior al retiro que aquí se narra. SG

En cierta medida, con mucha menos beligerancia, réplica latina de aquel superlativo epistolario electrónico entre Michel Houellebecq y Bernard-Henri Lévy, Enemigos Públicos. Autobiografiándose, ambos autores mexicanos establecen un diálogo abierto a la reflexión, a las diferencias existenciales, al territorio común de la literatura. Su mismo título invita a recapitular el pasado, a teorizar sobre lo que ocurre tras nuestras nucas. SG

TOI’S IN THE ATTIC PRIMAVERA SOUND: HATERS GONNA HATE

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au! Antes de que concluyera unos de los festivales con más renombre del Estado, ya me había cansado de sus haters y su repetitiva y aburrida cantinela de todos los años, esta vez muy tarde y bastante menos contundente para mi satisfacción, todo hay que decirlo. Es triste, pero cierto que todavía hay mucho ignorante que continúa tachando a Primavera Sound de festival popero, y que centra su crítica en las pintas de sus asistentes. No offense, pero confundir poperismo o hipsterismo con heterogeneidad denota que estas voces críticas no tienen ni puta idea y que no están muy familiarizadas con otros macrofestivales europeos de la talla de Roskilde, Reading o Glastonbury. Ya hace unos cuantos años que el Primavera Sound dio un salto cualitativo a un nivel superior apostando por carteles más osados, abarcando diferentes estilos desde punk o metal hasta la vanguardia electrónica, contando con nombres más y menos prominentes del panorama musical actual que, por desgracia, ningún promotor ha querido o

ha podido traer a la Península bien por pasta, por voluntad o por ganas de asumir riesgos. ¡Pues yo soy proPrimavera, copón! Hace años pude ver a Neil Young, algo que es prácticamente imposible a menos que uno mueva su culo a otro país debido a su elevado caché, a The Afghan Whigs en su reunión en 2012, o a Neurosis en 2013. Queens Of The Stone Age, NIN, Deafheaven o Touché Amoré son algunas de las bandas que hemos podido disfrutar en esta edición, y os aseguro que no faltaron cuernos, parches, chalecos negros y macarrismo. Me pareció patético leer a diehard fans de Kvelertak poniendo a los noruegos a parir en Facebook por participar en un festival de gafapastas y además, caro. ¡Como si tuvieran que seguir una ética de contratación! ¿De qué cojones nos estamos quejando? ¿De una variada programación con 80 bandas diarias por un abono de tres días que sale a la venta a partir de 100 pavos? ¡Pues hala, venga! Apaga y vámonos. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE ¿PODEMOS?

n cualquier país democrático donde la política fuera tomada en serio no necesitaríamos de los sucios trucos de la publicidad para conseguir visibilidad, opciones de ganar, votos. Cualquiera que haya visto por la tele (espero no tener ningún lector adepto a semejantes saraos) los mítines de los partidos sabrá de qué hablo. ¿A quién votamos, a unos gobernantes por lo que sus programas dictan, o por sus preparados y estereotipados diálogos dignos del presidente de un club de fútbol? En España, sobre todo, con el bipartidismo que ha reinado, por mucho castigo que hayan tenido los dos grandes en las europeas, se podría extrapolar al fútbol. Da igual que tu equipo realice algo antideportivo, es tu equipo y lo importante es ganar. Es en ese abisal donde Pablo Iglesias ha tenido que sobresalir a través de los medios televisivos, algo por lo que se le ha criticado. Una de las opciones de cambio de sistema es utilizar el mismo desde dentro, explotarlo a nuestro favor, sin ser desleales a nuestros ideales. Pablo Iglesias ha surgido como estrella mediática, y el aluvión de críticas por su supuesto afán de protagonismo no ha cesado desde algunos sectores totalmente alineados de la prensa. No suelo creer en los políticos, ni siquiera me atrajo el eslogan “Yes We Can” que vi en multitud de merchandising en Nueva York, justo tras llegar a la ‘capital del mundo’ un día después de que Obama fuera elegido presidente. En cambio, sí creo en la honestidad de Iglesias en sus comparecencias catódicas. No negaré que, que calle la boca, educadamente y sin sofismos, a Eduardo Inda, responsable de mi despido en un diario, pueda nublarme la vista, pero tampoco obviemos que el tipo sabe codificar su mensaje y transmitirlo para que se entienda. También que es un ejemplo de educación en unos programas donde esta cualidad suele brillar por su ausencia, y que la única vía para que su partido sea viable es salir en ella. ¿Qué pasará con él y Podemos en el futuro? Es una incógnita, pero imagino que terminará o corrompiéndose o siendo engullido por ese mundo. ¿Podemos? La respuesta en unos meses. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_NOIR DÉSIR DISCO BÁSICO:

666667 Club (1996)

FORMACIÓN: Bertrand Cantrat (voz), Serge Tessot-Gay (guitarra), Frederic Vidalént (bajo), Dennis Barthe (batería)

AFINES A: Héroes Del Silencio, Placebo, Détroit (banda francesa)

a tradición del malditismo en la historia francesa viene de largo, y la música no iba a resultar una excepción. Junto a Héroes Del Silencio, Noir Désir ejemplificaron mejor que nadie que se debía realizar rock cantando en tu lengua autóctona sin caer en el ridículo, compitiendo a nivel musical con los primeros espadas del rock europeo de los 90, sean escandinavos o británicos. Llamadme provocador, pero no cambiaría Avalancha o Tostaky por la discografía entera de los Hellacopters. Uno de los grandes hallazgos de estas bandas fue conseguir de un discurso tan supuestamente limitado en esquemas como el rock, algo personal. Desde Burdeos en esta ocasión, con influencias de The Gun Club, el mensaje contestatario y la mezcolanza étnica sonora de The Clash o el poderío de un aura estilo The Doors, Noir Désir fueron la mejor banda de rock que ha visto Francia. Sus inicios fueron titubeantes, ejercicios donde vislumbrabas un potencial que no sabías si iban a alcanzar. A pesar de lo interesante de su trilogía inicial, Du Ciment Sous Les Plaines ya alcanzaba el notable, el punto 22

de inflexión vino de la mano de Tostaky, un álbum que a pesar de incluir algunas canciones en inglés, una variable que se repetiría en casi toda su discografía, rezumaba algo único, brioso, telúrico. Cuatro años después, la confirmación definitiva en un álbum que suponía a la vez un artefacto autóctono y cosmopolita, una yuxtaposición de términos contrarios que se hermanaban en 666667 Club. Todo en ese disco es de 10. Su canto del cisne vino dado de la mano del más relajado Des Visages Des Figures, en el que participó el antaño inspirado Manu Chao. El malditismo y la desgracia se cruzaron en su camino, y Bertrand Cantrat fue encarcelado por homicidio involuntario durante cinco años, tras matar en una pelea a su pareja, la actriz Marie Trintignant. Un escándalo nacional, algo impensable… se hizo realidad. La realidad del rock crea monstruos. Después de su estancia en penitenciaria hubo un intento de reunión que no fraguó. Ahora Bertrand está junto a su amigo de 16 Horsepower Pascal Humbert triunfando con Détroit. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Never Neverland de Annihilator. A pesar de que Canadá es el segundo país más grande del mundo, hay más gente apelotonada en el estado de California que en todo el país. De todas maneras, a pesar de que hay provincias que están más separadas entre ellas de lo que puede estar la costa este y Europa, existe todavía un nexo cultural común que nos une a todos. De acuerdo, nuestra escena local no era tan

abundante como algunas de Estados Unidos, pero tendíamos a compensarlo juntando todas las diferentes escenas del país y presentarlas como una única. Cuando me piden que hable sobre el metal en Canadá siempre hay tres banas en lo más alto de mi lista: Voivod de Jonquière, Québec, Sacrifice de Scarborough, Ontario, y Annihilator de Ottawa, Ontario. Tres bandas de escenas diferentes, pero de cara al mundo, pertenecientes a una misma ciudadanía. Como joven metalhead en busca de camaradería dentro de la escena me sentía muy orgulloso, no sólo de que estos grupos fueran de mi país, sino de que fueran una referencia en todo el mundo. Cada una tenía su propia personalidad: Voivod

con sus experimentos sci-fi, Sacrifice con su thrash metal majestuoso, y Annihilator con todo su poderío. Tres bandas copiadas y envidiadas. Me hacían sentir orgulloso de ser canadiense. Cada banda tiene, dentro de sus discografías, algún momento cumbre. Para mí Dimension Hatross de Voivod y Forward To Termination de Sacrifice estarían ahí. A pesar de lo rompedores e influyentes que esos discos puedan ser, uno no puede dejar de reconocer que eran propios de esa época. Never Neverland de Annihilator, por el contrario, es un disco que ha aguantado el tipo hasta nuestros días. Quizás es porque hay muchas nuevas bandas que se han fijado en ese álbum para crear su propia música, a veces incluso sin darse cuenta. La gran diferencia es que nadie, en esos combos, tiene a alguien con el talento del guitarrista y líder Jeff Waters. Incluso los mejores discos de mis artistas favoritos tienen algún momento donde el interés decae. Never Neverland nunca decae. Cada tema, ya sea

el inicio abrasador con ‘Fun Palace’ hasta el final contundente con ‘I Am In Command’, pide la completa atención del oyente. Canciones tan míticas como ‘Sixes And Sevens’, ‘Stonewall’ o ‘Phantasmagoria’ son verdaderas bofetadas de thrash metal. Temas tan buenos que me preguntaba cómo esta banda no era adorada por todos los metalheads. Poco sabía yo que fuera estaban teniendo toda esa recompensa que contrastaba con la apatía que tenían en casa... Saltando al año 2006, estando de gira en Ottawa, finalmente pude conocer al gran Jeff Waters. Después de mostrarle mis respetos, nos dimos nuestros contactos y de golpe y porrazo me encontré cantando en el álbum de Annihilator Metal, editado un año después. El año pasado Annihilator editaron Feast, disco que contenía otra canción, ‘Wrapped’, con mi voz. A veces, cuando me acuerdo de aquellos días escuchando Never Neverland, me tengo que pellizcar viendo mi nombre en un disco que lleva ese logo tan mítico. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA AL FILO DEL MAÑANA

ATRAPADO EN EL TIEMPO DE GUERRA

SÓLO LOS AMANTES SOBREVIVEN LA BAJONA DE LOS VAMPIROS

un toque que además sienta de maravilla a la estrella de la función, que se adueña de la película igual que siempre. No olvidemos que Tom Cruise lleva cuatro décadas petándolo, y

odo el mundo adora la trilogía Bourne y alaba la magnífica labor de Paul Greengrass, pero casi nadie hace hincapié en la fresquísima primera parte, y aquella estaba dirigida por Doug Liman, que es un tío muy fiable y capaz de lograr que te partas de risa (Swingers), vibrar con ciencia ficción moderna (Jumper) y rodar pasatiempos macarras que combinan toda su sabiduría (Sr. Y Sra. Smith), así que que ahora presente un trabajo escrito por Christopher McQuarrie, que dirigirá la quinta entrega de Misión Imposible (y ha dirigido la simpática Jack Reacher), era una garantía de diversión. Si a eso añadimos la presencia y entrega habitual de Tom Cruise, la estrella más grande del universo y un tío que sabe qué proyectos elegir mejor que nadie en la industria, entonces estamos ante el blockbuster de la temporada. Al Filo Del Mañana tiene el punto macarrilla marca de la casa, 22

que ha conseguido que cada una de sus películas sea algo más que el género al que pertenecen: Al Filo Del Mañana es una peli de Tom Cruise. Cuesta imaginar otra película de sus mismas características que se tome tan festiva a sí misma y, de hecho, podríamos decir que la primera mitad es casi una comedia. Si a Atrapado En El Tiempo sumamos ciencia ficción vigorosa, nervio y el puto Apocalipsis, el resultado es Al Filo Del Mañana. Bebiendo de fuentes tan dispares como la inolvidable comedia de Harold Ramis o los videojuegos de la nueva generación era difícil errar el tiro. Aunque parece que el gran público americano ha comenzado a darle la espalda, el esfuerzo y tesón de Cruise con cada uno de sus proyectos no tiene precio, sobre todo cuando lo más fácil sería cambiar el chip y tratar de buscar la estatuilla dorada que todas las estrellas de Hollywood ansían. Pero no, esa no parece la meta de un crack, un jugón y un tipo que lo único que parece tener entre ceja y ceja es que nosotros, espectadores con vidas mundanas tirando a la mierda, nos lo pasemos de puta madre. Gracias.

e gustan mucho las dos últimas pelis de Jim Jarmusch. Los Límites Del Control era el antithriller y ahora llega con la ‘anti-peli-de-vampiros’ por excelencia. Sólo Los Amantes Sobreviven es la empollona de la clase. Nosotros éramos el macarra (Noche De Miedo), el pomposo ricachón (Drácula De Bram Stoker) o el latin king (Híncame El Diente), pero a la hora de dar las notas, el profe se va a quedar con la visionaria y sencilla historia de dos seres (más o menos) inmortales en horas bajas.

La película funciona porque sus dotes superlativas y su sabiduría siempre van acompañadas de una fina capa de ironía disfrazada de comedia, donde vemos a un atormentado y deprimido vampiro músico, a su amante y a la zorra de su cuñada, el personaje más hostiable del año. La visión de los vampiros de Jarmusch es ejemplar, tachando de zombis a los seres humanos, destacando la ineptitud de quienes no hicieron caso a los verdaderos genios de nuestra historia y pagando por todo lo que necesitan, ya sea una Fender de 1905 o litros de sangre del hospital. Un no parar de guiños, chistes y bromas privadas siempre envueltas en una triste atmósfera de bajón, a la que ayudan sobremanera unos actores como la copa de un pino. Una película de vampiros con roadies es muy propia de nuestra publicación y su estreno a mediados de junio, una cita ineludible para todos los fans del arte en cualquiera de sus ramificaciones.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> GET DEAD INTERPRETAN ‘BURN OUT’ DE SU ÚLTIMO DISCO BAD NEWS EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

a banda de punk folk Get Dead llegaba a Barcelona después de haber estado girando por media Europa y haber actuado en el festival Groezrock. “Llegamos allí por la mañana, cuando todavía no había nadie, y cuando vimos el escenario tan grande nos acojonamos”, dice riendo el cantante Sam King. “Pero fue genial. Nos vio un montón de gente de todas partes de Europa. Allá donde vamos, hay gente que nos dice que nos vio en ese festival”. Como tantas grandes historias, la de Get Dead empezó hace siete años producto de una borrachera. Todos tocaban en distintos grupos y después de coincidir en un mismo concierto, Sam, Mike McGuire (guitarra), Moki Noodlez (guitarra), Tim Mehew (bajo) y Scott Powell (batería) decidieron quedar para tocar juntos. Todos se presentaron en casa de Moki, pero ninguno trajo su instrumento, sólo botellas de alcohol.

“Fue un ensayo muy raro (risas), pero lo pasamos tan bien que decidimos seguir juntos”, explica King. “Ninguno de nosotros pensaba que llegaría a producirse un segundo ensayo porque la casa quedó destrozada, así que es increíble que todavía sigamos juntos”. Su último disco Bad News (Fat Wreck Chords) se caracteriza por un sonido básicamente acústico, aunque en directo se pasan a las guitarras eléctricas. “La verdad es que empezamos siendo una banda acústica, pero también sacamos un EP homónimo de hardcore eléctrico”, explica Tim. “Lo que pasa es que a la gente le gustaron mucho más los temas acústicos y por eso hemos seguido esa línea. Bad News creo que es un poco una mezcla de ambos y creo que es por donde seguiremos en el futuro”. Sam añade que una de las ventajas de tener esa raíz folk es que pueden tocar donde quieran y cuando quieran. “Podemos presentar-

nos en casa de alguien y tocar, sin necesidad de llevar amplificadores, ni siquiera de tener electricidad (risas). Un poco como hemos hecho en vuestra redacción... Tenemos gustos muy eclécticos, podríamos hacer una polka si quisiéramos, así que el próximo disco seguro que será más variado. Pero hagamos lo que hagamos, seguirá siendo punk. Como Tom Waits”. Get Dead fueron una de las bandas participantes en el disco tributo al fallecido Tony Sly de No Use For A Name con una brillante versión de ‘Pre-Medicated Murder’, pero nos cuentan que no le llegaron a conocer en persona, aunque no dudaron en participar. “Muchos de nuestros amigos eran amigos suyos, y No Use For A Name tuvieron una gran influencia en bandas de la Bay Area, así que poder participar fue un gran honor”, dice Sam. “Un honor agridulce, claro, pero el disco quedó genial y además ayudará a su familia a tirar adelante”. 23

Gracias a su último disco Altered State, Tesseract se han convertido en la punta de lanza del djent británico. Ellos son uno de los grupos participantes en la primera edición del festival Be Prog! My Friend que se celebra el próximo 12 de julio en Barcelona. Texto: JORDI MEYA Foto: DR

TESSERACT

a vida del músico a menudo no es tan glamourosa como imaginamos. Sin ir más lejos, a James Monteith, guitarrista de Tesseract, lo pillamos en Camden pidiéndose un sándwich de pollo en un receso de su trabajo como diseñador en una agencia de prensa. “Soy freelance, así que es cuestión de gestionar bien tu tiempo. Con el grupo no se gana demasiado dinero, así que tienes que buscarte otras formas de ganarte la vida”, nos cuenta. Pero es muy posible que en un futuro no muy lejano, su 24

situación pueda cambiar. Altered State (Century Media), el segundo álbum del grupo aparecido hace un año, ha sido encubradísimo dentro de los círculos del metal progresivo, y ha hecho que junto a Monuments, se hable de ellos como dos de los grupos con más proyección de los próximos años.

centrados en el progresivo en los que tocaremos. Tengo muchas ganas de ver a Fish. A Opeth y Anathema los vi el pasado fin de semana en el Download Festival y estuvieron geniales. Soy un gran fan de Anathema y me encanta su nuevo disco. También me gustan mucho Alcest. Va a ser un gran día”.

En unas semanas vais a actuar en el Be Prog! My Friend. ¿Tienes ganas de ver algún grupo en especial? JAMES MONTEITH “El cartel es increíble, es uno de los festivales más

¿Cómo crees que encaja Tessseract con el resto de formaciones? “Supongo que en principio somos una banda progresiva, aunque más metal que el resto. Pero tanto Opeth como

cencia descubrí a Dream Theater. Fue la primera banda progresiva que me interesó y de ahí ya me fui metiendo más en el tema”.

“Estamos orgullosos de ser nerds” JAMES MONTEITH

¿Qué es más importante en Tesseract, la técnica o la creatividad? “Sin duda la creatividad. Comparado con otras bandas progresivas, nosotros no somos tan técnicos. Trabajamos más con capas y atmósferas. Jugamos con los ritmos para hacer cosas interesantes, así que nos basamos más en experimentar que en ser virtuosos”. ¿Sigues algún método para expandir tu creatividad? “La vida es nuestra principal inspiración. Alce (Kahney, guitarra y fundador del grupo –ndr.) solía tener las mejores ideas cuando estaba totalmente fumado... Pero ya no fuma hierba y sigue produciendo grandes cosas (risas). En realidad somos gente bastante aburrida. Somos unos nerds. A todos nos gusta Star Trek (risas). Pero estamos orgullosos de ser nerds”.

Anathema tienen sus raíces en el metal extremo. Creo que todos tenemos un aire parecido y compartimos ideas. Lo que pasa es que nosotros estamos al inicio de nuestra carrera todavía, somos más jóvenes (risas)”. ¿Fue el progresivo lo que despertó tu interés por la música? “No, no, es algo que vino más tarde. Mi primer amor musical fue la música electrónica cuando era muy joven, The Prodigy, The Orb… Luego descubrí a Guns N’ Roses y Metallica y me volví un metalhead. Y a final de mi adoles-

¿Habéis ya empezado a pensar en el próximo disco? “Sí, tenemos muchas demos e ideas, pero todavía no hay nada terminado. No puedo contarte mucho, la verdad”. Dentro de la escena djent parece que hay una gran camaradería entre los grupos. ¿Es realmente así? “Creo que sí. Cada grupo hace su propia música y la hace mejor que nadie. La competencia empieza cuando todos los grupos intentan hacer lo mismo, pero no es nuestro caso. Creo que todos compartíamos la misma obsesión por Meshuggah y poco a poco empe-

zamos a hacer cosas interesantes cada uno por su lado. El mundo del metal funciona por ciclos, las modas vienen y van, pero espero que las bandas de esta escena sigan ofreciendo cosas frescas. Además, todos somos gente tranquila, y eso ayuda”. Otro grupo muy importante para la escena británica fue Sikth. ¿Tuviste la oportunidad de verles en su concierto de retorno en el Download? “Por desgracia no pude verles, pero les había visto cinco veces en su momento y pronto les veré en el Tech-Metal Fest. Ellos, Meshuggah y The Dillinger Escape Plan fueron las bandas que originaron esta escena. Además, Sikth son ingleses, así que era algo que nos hacía sentir orgullosos y nos inspiraba. Son músicos brillantes”. Ahora que estáis tocando en festivales, ¿sueles impresionarte cuando conoces a músicos que admiras? “Supongo que no me impresiona demasiado, aunque está bien conocerles. De todos modos conocí a Phil Anselmo en el festival Soundwave y me impresionó. Suelo pensar que los músicos son simplemente otros seres humanos, excepto Phil Anselmo (risas)”.

VANNA

Cuando a finales de 2005, y tras haber publicado sólo un EP, el sello Epitaph fichó a Vanna, parecía que esta banda de Boston iba a comerse el mundo. Y aunque el éxito decidió pasarles de largo, ellos siguen al pie del cañón en nombre del hardcore. Texto: DAVID GARCELL i para cualquier grupo ya es difícil tirar adelante, si encima tu formación va cambiando de piezas constantemente, todavía más. Nick Lambert (guitarra) y Shawn Marquis (bajo) son los únicos miembros originales de Vanna y Joel Pastuszak (guitarra) y Eric Gross (batería) apenas llevan en la formación un par de años. Nuestro interlocutor David Muise es ya su tercer vocalista. Seguramente ésa sea una de las razones principales por las que nunca han acabado de explotar a pesar de unos inicios muy prometedores. Otra puede haber sido una cierta indefinición en lo musical. Si bien nunca les ha faltado agresividad, a menudo no han sabido plasmarla en grandes canciones. Pese a todo, el quinteto de Boston ha resistido y acaban de publicar Void, su quinto álbum con el que se estrenan 26

en el sello Pure Noise Records. Un lanzamiento que Vanna presentarán este verano formando parte del Warped Tour, donde también colaborarán con la campaña Summer Of Hope en favor de la prevención del suicidio juvenil. Editasteis The Few And The Far Between el año pasado. ¿Cómo es que ya tenemos un nuevo disco vuestro en nuestras manos? ¿Estabais ansiosos por publicar estas canciones? DAVID MUISE “Hacer música es lo que hacemos y lo que amamos. Siempre estamos componiendo, siempre estamos tocando, así que cuando llegó el momento de trabajar con un nuevo sello, estábamos listos para poder sacar un disco nuevo. Void es el vehículo para escupir todo lo que

Foto: DR

teníamos dentro. Nosotros estamos preparados y esperamos que los chavales también”. ¿Cuáles dirías que son las dos canciones que mejor representan el disco y por qué? “Para mí ‘Personal Cross’ y ‘Digging’ resumen perfectamente lo que es el disco. Son duras y marchosas, pero también transmiten todos los sentimientos y emociones que queríamos. Las sientes. Las partes cañeras te incitan a destrozar algo y las partes más curiosas te incitan a aclarar tu mente. Hay un poco de todo en ellas”. ¿Cómo llegasteis a este resultado? “Vocalmente quería ser más flexible y variado. Will Putny (su productor -ndr.) me desafió a hacerlo, y me empujó para superar el límite de lo que había

“Si somos los marginados de la escena, pues bien, lo acepto, seguiremos luchando” DAVID MUISE

hecho antes. Queríamos más de mí y se lo di. El disco también es el segundo que hacemos con Joel y Eric y creo que ambos han subido de nivel con sus contribuciones. Creo que en general estábamos más abiertos a dejarnos llevar por el instinto. ¿Por qué reprimirte a poner cierta parte en una canción si te hace sentir bien? Will y Randy, el ingeniero, participaron mucho y casi era como tener a dos miembros más en el grupo que nos ayudaron a pensar de manera diferente. El resultado todavía es Vanna, pero maximizando todas las posibilidades. No sentimos geniales”. Vanna no tienen una repercusión mediática tan grande como otras bandas de metalcore, pero el hecho de que Void sea vuestro quinto disco por fuerza quiere decir que tenéis bastantes fans. ¿Os sentís un poco los marginados de la escena? “El apoyo de la gente que escucha

nuestra música es lo que nos mantiene vivos. Ellos son la razón por la que nos subimos a una furgoneta o a un avión para viajar por el mundo. Hemos visto a bandas llegar y desaparecer, pero nosotros seguimos aquí, todavía seguimos creciendo, todavía creemos en esto. Para mí eso es mejor que despegar y luego estrellarte. Si somos los marginados, pues bien, lo acepto, seguiremos luchando”. ¿Crees que el no contar con una formación estable os ha perjudicado a la hora de estableceros? “Siento justo lo contrario. Incorporar a Joel y Eric es una de las mejores cosas que nos han pasado. Siempre bromeamos con que ahora no podemos imaginarnos lo que sería sin ellos, porque se unieron a nosotros en un momento muy duro y se lo curraron como el que más. Lo he dicho otras veces, pero esto es lo más, esto es Vanna. Tener a mis cuatro hermanos en el escenario conmigo cada noche y ver cómo amamos nuestra música me hace llorar. Llámame niño si quieres, pero me siento muy orgulloso de estos tíos personal y profesionalmente”. Vuestros conciertos tienen la fama de ser muy salvajes. ¿Alguna vez has temido que se te fuera de las manos? “Me gusta tener esa fama porque todos los chavales que vienen a nuestros shows son salvajes. Son abiertos de mente, pero más importante es que se sientan libres por una noche. Libres para ser quienes son y hacer lo que quieran. Si eso significa subirse al techo, romperse cervezas en sus cabezas o quitarse la ropa, que así sea. Quiero que un caos alegre domine

nuestros bolos, que sea una locura”. La escena hardcore de Boston siempre ha tenido cierta autenticidad por encima de otras de Estados Unidos. ¿Os sentís parte de esa tradición? “Yo crecí en esa escena. Sólo vivía a 15 minutos de la ciudad y recuerdo ir a conciertos por toda la zona metropolitana y la costa del norte hasta que pude conseguir un coche y empecé a explorar toda la escena de Nueva Inglaterra. Para mí el hardcore siempre ha sido música agresiva con la que puedo sacarlo todo, así que para mí la palabra incluye hardcore, metal, punk o lo que sea. Ahora que somos una banda de hardcore activa intentamos ayudar a la escena local y representar a Boston en la carretera. Son incontables las bandas que han salido de aquí, y eso es una prueba del increíble apoyo que se les da en esta zona. Aunque tienes que demostrar que lo vales, lo cual me gusta porque aleja a los que no están en esta historia de verdad. No sentimos orgullosos de ser de aquí, Nueva Inglaterra es lo mejor”. Cuéntamos todo lo que necesitamos saber sobre vuestra campaña de crowdfunding Summer Of Hope. “Todo lo que necesitas saber es que conseguimos el dinero y estaremos en el Warped. Así que si alguno de vosotros está por ahí, ven a nuestro puesto y pasa el rato con nosotros. Siempre habrá alguien ahí para escucharte y hablar. Estaré ahí todo el verano con mi mujer, así que espero verte”.

MASKED INTRUDER

ESA ESTÚPIDA COSA LLAMADA AMOR

La irrupción de Masked Intruder ha sido un soplo de aire fresco en una escena cada vez más mimética. De acuerdo que no han reinventado la rueda, pero su peculiar filosofía de vida y su extraordinaria capacidad para crear pequeñas piezas repletas de melodíaS memorables hacen de ellos nuestra banda favorita del momento. Texto: Richard Royuela Fotos: DR

a sabemos de sobras su historia. O mejor dicho, su leyenda. Masked Intruder está compuesto por cuatro delincuentes que juegan peligrosamente a romper sus condicionales. Las informaciones sobre cómo se conocieron son confusas. Unas dicen que fue en la cárcel, otras que son un experimento social de reinserción de delincuentes, pero también se ha dicho que son músicos famosos de otros grupos… 28

Difícil de saber. La cuestión es que cada vez es más probable que algún día puedas encontrarte a cuatro tipos enmascarados respondiendo al nombre de Intruder Red (batería), Intruder Green (guitarra), Intruder Yellow (bajo) e Intruder Blue (voz y guitarra) dando un concierto en tu ciudad. Sobra casi decir que su apodo está relacionado con el color de sus pasamontañas. No sabemos hasta qué punto son peligrosos, probablemente ellos mismos estén agrandando su

reputación de tipos duros, y a estas alturas tampoco sabemos, como bien nos dice Intruder Blue en la entrevista, si el policía que tienen asignado como tour manager, Officer Bradford, es un bofia de verdad. Pero lo que podemos afirmar es que saben hacer canciones punk de apenas tres minutos con aromas a Weezer, la Motown y un fuerte componente pop como nadie es capaz en este 2014. Perderte su segundo álbum, M.I. (Fat Wreck Chords), es poco menos que un pecado, y lo mismo podemos decir

que es un gran paso adelante respecto al primero, y de paso, habéis demostrado que sois algo más que una banda de enmascarados cantando estúpidas canciones punk pop de amor. INTRUDER BLUE “(Risas) Muchas gracias. Definitivamente hemos crecido durante este periodo y pienso que nuestros fans tienen ahora mismo una idea más madura y cercana de lo que queremos hacer con el grupo. Pienso que hemos sabido seguir la línea inicial de la banda y mejorarla”.

de sus próximos conciertos del mes de septiembre en Barcelona y Madrid. Entiendo que tengamos que esconder a nuestras hijas y hermanas a su paso, pero el resto tenemos que dar la cara y darles la oportunidad de demostrarnos que detrás de un criminal también puede haber alguien con sentimientos, como demuestran esas letras que son verdaderas odas al amor más puro. No me queda otra que felicitarte por vuestro nuevo disco. Es fantástico. Pienso

En la revista vemos vuestro trabajo como un cruce perfecto entre Screeching Weasel y Weezer. Me imagino que son dos de vuestras grandes influencias... “Por supuesto. Son dos de mis bandas favoritas y han tenido una influencia enorme en lo que hago”. Lo que me llama la atención del tipo de pop punk que vosotros practicáis, es que es una música que debería ser muy popular pero sigue en el underground. Vosotros estáis empezando a tener repercusión más allá de ese ámbito. ¿Crees que podéis ser la formación que cambie esta

tendencia? “Oh, eso es algo que no puedo saber. Desgraciadamente, aunque trabajes muy duro, muchas veces es simplemente una cuestión de tener suerte, pero ojalá fuera así, sería alucinante. Eso significaría que vendrían más chicas a nuestros conciertos y tendríamos la oportunidad de estar con ellas” Así que al final todo esto es por las chicas... ¿Te metiste en un grupo sólo para ligar? “Sí, es el motivo principal. Obviamente nos gusta la música que hacemos y disfrutamos tocándola, pero la motivación principal es difundir nuestro mensaje entre las mujeres. Ojalá les podamos gustar”. El problema que veo con estilos como el punk pop es el mismo que ocurre en el cine respecto a la comedia: son géneros que la gente no valora, pero al final es más difícil hacer reír que llorar en una peli, y decir cosas en una canción de dos minutos que en una de diez. ¿Lo ves así? “Nunca he hecho una canción de diez minutos, pero lo que sí puedo decir es que no es fácil hacer una canción corta y pegadiza que enganche a la gente. Tienes que ir a las partes que realmente te puedan tocar y concentrarte en ellas. Puede ser muy complicado a veces. Incluso puedes tener una buena idea, pero que ésta no acabe de coger su forma definitiva en meses o incluso años, hasta que te llega esa revelación. Definitivamente, hacer canciones cortas no es nada fácil, hay mucha dedicación detrás de cada una de nuestras canciones y 29

“Me gusta tocar con una máscara bien limpia. Que seamos criminales no significa que seamos sucios” INTRUDER BLUE nuestros estribillos”. La parte vocal en Masked Intruder es fundamental. El trabajo en este álbum, y no sólo me refiero a un tema a capella como ‘Almost Like We’re Already In Love’, es muy bueno, y además, muchas melodías beben directamente de las girl bands de los 60. Creo que se ha convertido en una de las señas de identidad del grupo. “Sí, la Motown, los grupos de pop de los 50 y 60, han tenido una gran influencia en mí. También citaría el pop de los 70 y 80. Billy Joel, por ejemplo, es un artista que admiro mucho y él ya estaba influenciado por los grupos de Motown o Frankie Valli. Todo ese tipo de música es muy importante para todos los componentes del grupo. El punk rock siempre ha estado ahí, pero también el pop”. El jefe de vuestro sello es Fat Mike, quien tiene una manera muy propia de ver las cosas. 30

¿Se cachondea de vosotros por vuestras letras de amor y vuestras pintas? “(Risas) No, no se suele reír de nuestra imagen y nuestras letras. Quizás lo hace a nuestras espaldas, pero todavía no nos ha llegado nada de eso. Yo de él iría con cuidado si habla mal de nosotros porque no somos un grupo de florecitas, nosotros somos una banda peligrosa. Pero de momento nos llevamos muy bien. Somos amigos, nos entendemos muy bien, y mientras nos deje hacer lo nuestro, todo irá bien”.

amor? “No es ésa una buena manera de encontrar chicas, es algo que haces con alguien una vez la has encontrado. Si a alguien le gusta hacer eso me parece bien, pero no es lo mío. Además, con nuestro historial sería un problema; imagínate que estoy con una oficial de policía, me golpearía por los motivos equivocados, no porque busque el amor, y eso no me gustaría. Sé que Mike está metido en este rollo, pero a nosotros no nos funcionaría”.

Igual está viendo un inmenso signo de dólar detrás de vuestros pasamontañas. “(Risas) Sí, podría ser. Y si eso pasa, pues estaría muy bien, porque nos encantaría ayudar a Fat Records, ya que es un gran sello con muy buenos grupos”.

Vuestro primer álbum se llamaba Masked Intruder, el segundo M.I., ¿qué es lo siguiente? Ya no podéis acortar más. “(Risas) Ésa es una buen pregunta, y he pensado mucho sobre ello (por algún motivo se empieza a descojonar en este punto -ndr.). Cuando hicimos el primero, Masked Intruder, no sabía cómo se iba a llamar el segundo, no lo supe hasta un año después, cuando el álbum empezó coger forma en mi cabeza, y ahora mismo no tengo ni

Fat Mike está muy metido en todo el tema del sadomasoquismo. ¿Crees que puede ser una buena manera para encontrar el verdadero

idea de cómo se titulará el tercero... Pero estás en lo cierto, si seguimos está tendencia no podremos darle ni un nombre al disco. Igual lo podemos titular con un punto o algo así, ya veremos. Dependerá un poco de hacia dónde vayamos y la orientación que tenga”. Porque me imagino que cambiar el nombre del grupo no es una opción. “No, eso sería algo muy complicado. Cambia el nombre de los componentes y esas cosas. No, eso no va a pasar”. Antes has comentado que hacéis esto principalmente por las mujeres y supongo que ahora que vais siendo más populares, os debe de ser más fácil tenerlas a vuestro lado. ¿Cómo manejáis esto? “Bueno, es una situación extraña. Es verdad que cada vez hay más mujeres en nuestros conciertos e incluso a veces suben al escenario a bailar y cantar con nosotros. ‘Heart Shapped Guitar’ de nuestro primer disco es un tema perfecto para esto, pero eso es lo más a lo que llegamos. Cuando se acaba el concierto, como mucho vienen algunas a que les firmemos el disco, pero no se acercan mucho. Creo que nos ven como un tipo de dibujo animado de terror y no ponen cara de que se sientan muy atraídas por nosotros. Creo que se asustan”. Entonces, ¿me estás diciendo que no has tenido relaciones sexuales desde que estás en el grupo? “No, no he tenido ninguna relación sexual desde que estoy en el grupo. Ésta es nuestra realidad

desafortunadamente”. Joder, eso ha de ser muy duro, y encima hay algo que el otro día pensaba que a lo mejor os estaba pasando. Igual asustáis a las chicas, pero seguro que hay un público gay que se siente atraído por ese lado peligroso que tenéis, las máscaras, ir de negro... ¿Es así? “Creo que estás en lo cierto. Si nos gustaran los chicos, las cosas serían bastante más fáciles para nosotros, porque en los shows hay más tíos que tías y todo sería más fácil, pero tú no puedes elegir si eres gay o hetero, y en nuestro caso, está más que claro por dónde vamos. La verdad es que sería la hostia poder escogerlo y tener a unos cuantos tíos sudados esperándote tras el show, pero me gustan las mujeres por algún motivo. Supongo que es porque huelen mejor”. ¿Cómo describirías tu cita ideal con una chica, si tuvieras la oportunidad de hacerlo? “Iría a recogerla, la llevaría a ver una película, iríamos a comer helado, robaría un coche y conduciría para ella, nos meteríamos en casa de alguien... en definitiva, hacer ese tipo de cosas sencillas que son divertidas para todo el mundo”. Supongo que lo bueno de que lleves máscara es que cuando finalmente consigas a esa chica, te querrá por cómo eres. No se habrá fijado en tu físico o si tienes una cara bonita. Y eso es fantástico, es la pura esencia del amor. Querer a la persona, no a un físico.

“Tienes toda la razón. Sería como una bonita película. De hecho, creo que ya existe una película sobre eso, pero ahora no me acuerdo del nombre”. ¿Hay algún momento del día en el que no lleves el pasamontañas? Ahora mismo, si estás solo en casa, ¿lo llevas puesto? “Siempre lo llevo puesto. Hace un rato que me he duchado y ahora mismo está limpio y húmedo, pero normalmente lo meto en la secadora para que me sienta a gusto”. ¿Tienes sólo uno o tienes varios? “No, tengo unas cuantos. Es como los pantalones o los calcetines. Cuando estamos de gira, nos lo cambiamos prácticamente cada día, porque no es muy agradable sudarlo y volvértelo a poner en el siguiente concierto porque huele muy mal. Me gusta tocar con una máscara bien limpia. Que seamos criminales no significa que seamos sucios”. ¿Entre vosotros os veis las caras en algún momento? Es más, ¿has visto alguna vez la cara de los componentes de tu grupo? “No, nunca nos hemos visto entre nosotros”. O sea, que si te cruzas con un componente de tu grupo por la calle, ¿no podrías reconocerlo? “Exactamente, no sabría quién es”. ¿Cómo llevas esa situación? ¿Es divertido, asusta? No sé, si eso me pasara a mí me daría un poco de mal rollo no saber 31

“Los recuerdos de la cárcel son un poco como los del instituto. Puede ser divertido. No tienes responsabilidades, te pasas todo el día sin hacer nada, ves dibujos animados, haces amigos… aunque también enemigos” INTRUDER BLUE

quién es la persona con la que estoy trabajando. “No creas, tampoco lo había visto de esa manera. Para mí esto es lo normal y a lo que estoy acostumbrado. En el pasado a los criminales les solían poner máscaras, así que es lo que hay. Pero ahora que lo dices, sí que puede ser un poco peligroso, porque imagínate que Green y Red se cambian las máscaras sin yo saberlo. Sería una mierda de concierto porque Green no es muy buen batería. Pero es lo que hay, estamos expuestos a este tipo de cosas. Igual debería de tenerlo más en cuenta”. ¿Tienes familia directa? En plan madre, padre o hermanos. “Ninguno de nosotros hemos tenido padre pero sí que tenemos madres, por supuesto. Las queremos mucho, aunque no entiendan muy bien de qué va esto de la banda y, la verdad es que tampoco la suelo ver mucho

porque hay que ser honesto, y sé que no le gusta mucho la vida que llevo”. Como cualquier madre supongo que tendrá fotos tuyas en casa... ¿Las tiene con máscara o cómo va la cosa? “Es que siempre he llevado la máscara puesta. Incluso si ves fotos mías de bebé ya estoy con ella. No tengo ninguna foto hecha sin mi máscara”. Si una chica te propusiera una bonita cita de ésas de ir a comer helado y vieses la posibilidad real de tener sexo, pero te pidiera que te quitaras la máscara, ¿lo harías? “No sé, supongo que sí. Si ella me lo pidiera creo que debería hacerlo. Lo que pasa es que al mismo tiempo, tampoco es bueno estar con alguien que te pida que cambies. Te tienen que aceptar tal como eres. Lo ideal sería estar con alguien que no te pidiera eso, pero si lo hace, pues creo

que aceptaría”. ¿Cómo está ahora mismo tu situación criminal? ¿Estás ya libre del todo o tienes causas pendientes que puedan hacerte volver a la cárcel? “Desafortunadamente siempre hay riesgo de volver a la cárcel. Intentamos portarnos lo mejor posible y ahora mismo tenemos a un oficial de policía que va con nosotros de gira para evitar problemas, pero, si te digo la verdad, no tengo muy claro que sea un oficial de policía verdadero porque hace cosas que se supone que alguien como él no haría. Roba cervezas, hace cosas raras, así que estamos en una situación extraña porque no sabemos qué esperar de él. Me da que si hiciésemos algo malo no tendría la potestad de arrestarnos. Ojalá no volvamos a prisión”. Pienso que debe ser una situación complicada la

vuestra. Estáis de gira todo el tiempo y si un policía ve a cuatro tíos con máscara en una furgoneta es casi su obligación pararos y pedir explicaciones. ¿Cómo lo hacéis para convencerles de que sois una banda de rock y que no podéis quitaros las máscaras? Me imagino que esto os pasa con mucha frecuencia... “Les solemos enseñar nuestros discos para demostrarles quiénes somos. Pero lo mejor que podemos hacer es evitar estas situaciones. Intentar huir de ellos y que nunca nos vean. Nos hemos dado cuenta de que ésa es la mejor solución. Es algo que recomiendo a todo el mundo. Cuando veas que se acerca un policía, escóndete, así seguro que no tendrás problemas. El gran problema para nosotros es cuando conduce Red”. En Europa puede ser todavía peor. Imagínate en un país como España que os para un policía y éste no habla inglés. Inténtale explicar quiénes sois Masked Intruder... Creo que podéis tener un gran problema. Prefiero avisarte. “Lo sé, lo sé, pero te prometo que iremos con mucho cuidado para que no nos arresten y podamos tocar allí”. ¿Echas de menos tus días en la cárcel? O al menos, ¿tienes buenos recuerdos de cuando estuviste allí? “Sí, tengo buenos recuerdos. Los recuerdos de la cárcel son un poco como los del instituto. Puede ser divertido. No tienes responsabilidades, te pasas todo el día sin hacer nada,

ves dibujos animados, haces amigos… aunque también enemigos. Si te pasas, te pueden apuñalar en algún momento. El problema es que no hay tías, pero bueno, en el instituto tampoco ligaba con ellas, así que incluso en eso no hay una gran diferencia. No es un mal sitio para estar”. Ahora me gustaría preguntarte por otras bandas que por un motivo u otro también han ocultado su identidad. La primera sería la madre de todas las bandas enmascaradas. Hablamos de Kiss. “Todo el mundo que creció en América durante un cierto periodo conoce la existencia de Kiss. Para ser honesto, nunca he prestado mucha atención a su música. Tienen un par de canciones que me gustan, pero no puedo decir mucho más. Mi opinión personal es que todo lo centraban en su directo pero que les faltan más temas. Ésa es mi opinión”. ¿Y qué me dices de Slipknot? “Los conozco, pero no estoy muy familiarizado con ellos. Son buenos en lo que hacen, por momentos me recuerdan a Slayer y eso mola”. King Diamond y Mercyful Fate. ¿Estás familiarizado con lo que hacen? “¡Oh sí! King Diamond es un tío bastante friki cantando esas canciones sobre el Diablo y demás. Conozco su música, aunque él no es mi cantante favorito porque su voz a veces es un poco estridente”.

Network. Se dice que en esa banda había gente de Green Day, algo que también se ha comentado de Masked Intruder. ¿Qué me puedes contar de todo esto? “Estoy al tanto de esos rumores. No puedo decir si he conocido o no a Billie Joe porque ahora mismo no me acuerdo de haberlo hecho”. Pero, ¿me puedes confirmar si hay alguien de Green Day tocando en Masked Intruder? “No puedo ni confirmar ni desmentir esa información”. La última banda sería GWAR. ¿Los pudiste ver en directo? Desafortunadamente, su cantante murió hace un par de meses. “Sí, ha sido algo muy triste. Nunca los pude ver en directo pero sí el resto de la banda. Sé que van a tocar próximamente en Chicago, pero no los podré ver porque estoy en Europa. Me sorprende que hayan decidido tirar adelante sin su cantante, pero así igual tengo la oportunidad de verlos en vivo, ya que me han dicho que son muy buenos”. Pues nada, esto ha sido todo. Espero que no os pase nada y podamos disfrutar de vuestras canciones en directo en septiembre. “Gracias, tenemos muchas ganas de ir a tocar por allí y que puedas venir a vernos. Eso sí, vigila tu cartera si estás cerca nuestro”.

Tenemos que hablar de The

MASTODON

Una vida llena de excesos no impidió que Mastodon PUBLICAR AN algunos de los mejores discos del metal contempor áneo. Sin embargo, cuanto más éxito conseguía el grupo, más cerca estaba de su final. Con Once More ‘Round The Sun, la banda de Atlanta ha descubierto que se puede crear buen arte sin tener que morir en el intento. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

o tengo ni idea de dÓnde estoy. Creo que en algún punto de Alemania”. Así se despistado se muestra Bill Kelliher, guitarrista de Mastodon, cuando a finales de mayo contactamos con él para charlar sobre el nuevo disco de la banda, Once More ‘Round The Sun (Warner). En otros tiempos quizá habríamos atribuido su desorientación a un estado de embriaguez... o de resaca. En noviembre de 2008, Kelliher tuvo que ser ingresado durante dos semanas en un hospital de Londres para tratarle de una pancreatitis aguda. Y en verano de 2010 el grupo tuvo que cancelar una gira por Europa porque el guitarrista no se encontraba en condiciones. Tan grave se puso la situación que un año después el músico apenas participó en la creación de su anterior disco The Hunter porque ingresó en una clínica de desintoxicación. Pero, ni que Kelliher tuviera que aprender la lección a las malas, afortunadamente para su salud y su familia todo eso ya es cosa del pasado, y la historia con Once More ‘Round The Sun ha sido completamente distinta. Eso no quiere decir que todo haya sido coser y cantar, pues aunque no entra en detalles, Kelliher reconoce que 2013 fue un año duro para él y sus compinches Brent Hind (voz, guitarra), Troy Sanders (voz, bajo) y Brann Dailor (voz, batería) en lo personal. Sin embargo, en lo que a lo profesional se refiere, Mastodon lograron canalizar todas las vibraciones negativas en un trabajo que, como apuntábamos en la reseña del mes pasado, no rompe fronteras, pero sí suena exultante. Grabado en los Rock Falcon Studios de Tennesse junto a Nick Raskulinecz (Foo Fighters, 36

Deftones), su sexto trabajo plantea un viaje por la vida de Mastodon a lo largo de un año de su vida. “Somos una banda muy honesta, y las canciones y las letras en este disco explican nuestra historia”, nos dice Kelliher. “Sólo por eso ya lo considero un éxito. Todo lo que venga después será una propina”. En las manos de sus fans está cuán generosa será.

vista. Es un álbum más egoísta, sobre nuestros propios problemas. No quiero desvelar demasiado porque está todo ahí, aunque es una ventana por la que miras y ves mucha niebla. Siempre nos ha gustado que el oyente pueda interpretar las letras a su manera en lugar de decir exactamente sobre qué tratan. Tendrías que estar en nuestra piel para saber exactamente de qué tratan”.

El nuevo disco suena más eufórico que vuestros últimos trabajos… BILL KELLIHER “¿Eufórico? Mmm… Es una buena palabra. Mentalmente me encontraba bien, me sentía muy feliz. El año pasado fue bastante duro para todos, pero la parte buena fue que logramos sacar todo lo malo a través de estas canciones. Intentamos que cualquier sentimiento negativo o situación negativa que habíamos vivido pasara a convertirse en algo positivo. Creo que el álbum tiene una energía saludable”.

En el pasado tanto tú como tus compañeros habéis tenido problemas con el alcohol y las drogas. ¿Crees que esos excesos eran vuestra manera de afrontar vuestros problemas, o simplemente era que os lo queríais pasar bien? “(Risas) Creo que es una combinación de las dos cosas. Cuando estás en un grupo y te haces famoso, o más bien cuando te pagan para ir de gira y no tienes ninguna otra preocupación que actuar como una estrella del rock, todo el mundo quiere beber contigo, todo el mundo quiere ofrecerte cosas. Puedes estar de fiesta cada noche de la semana, y eso es lo que hicimos durante muchos años. Eso es lo que hacen las bandas de rock’n’roll. Pero cuando te haces mayor y tu cuerpo envejece y ves que hay gente que muere por culpa de ello, empiezas a tener en cuenta otras cosas. Empiezas a ver que, si quieres vivir, tienes que tomártelo con más calma. Cuando ves que la gente muere a diestro y siniestro, ves que no es ninguna tontería. Tu cuerpo, tu mente, necesitan descansar. Centrándome en mí, antes tenía que beber cada día, siempre tenía una copa en la mano, así era yo. Sólo sabía afrontar mi vida estando borracho constantemente. No es manera de vivir. No es sano. Pagué mi precio y

A eso es a lo que me refería. Sin embargo, creo que fuiste tú quien dijiste que la muerte es uno de los temas del disco. “La muerte siempre está presente en nuestros discos. Es una constante en nuestras vidas. No hay vida sin muerte. En los últimos trabajos hemos puesto mucho énfasis en recordar a personas que habían muerto. Once More ‘Round The Sun significa en realidad ‘un año más en nuestras vidas’, que es lo que nos ha pasado en este año. Todos hemos tenido pérdidas, avisos, relaciones, amor… lo que quieras, somos humanos. Este disco es mucho más personal y cercano a nosotros cuatro. Hemos escrito de la realidad desde nuestro punto de

“Centr ándome en mí, antes tenía que beber cada día, siempre tenía una copa en la mano, así er a yo. Sólo sabía afrontar mi vida estando borr acho constantemente. No es maner a de vivir. No es sano” BILL KELLIHER ción. Es muy duro. Pero cuanto más hablo sobre ello, mejor me siento. El primer paso para ganar la batalla es admitir que tienes un problema. Pero a estas alturas creo que todos sentimos que no hay nada que pueda destruir al grupo”.

espero no tener que volver a pasar por ello. El cuerpo tiene un límite”. ¿Dirías que todos estos problemas han puesto en riesgo la continuidad del grupo en algún momento? “Sí. Hemos tenido muchas peleas por culpa de que todo el mundo estuviera borracho. Nos hemos dicho de todo. Muchos días en los que tenía una re-

saca de muerte quería dejar el grupo. Quería alejarme de todo esto. Pero en realidad no quería alejarme del grupo, sino de la bebida, del alcohol. Cuando no duermes, cuando no descanas, tu cuerpo quiere que cambies. Pero tu cuerpo no quiere que dejes el alcohol, así que estuve a punto de dejar el grupo. Estuve a punto de perder a mi familia también, porque no quieres que nada se interponga entre tú y tu adic-

Cuando grabasteis el último disco, The Hunter, tú no pudiste participar mucho porque estabas en rehabilitación. ¿Sientes Once More ‘Round The Sun como más tuyo? “Sí, seguro. En The Hunter escribí tres o cuatro canciones, pero en el nuevo disco hay mucho de mí. Le dediqué mucho tiempo para asegurarme de que hacía mi parte porque quería compensar lo que pasó con The Hunter. Compuse muchas de estas canciones, así que sí”. Estuvisteis dos años girando con The Hunter y luego os metisteis directos a trabajar en el nuevo álbum. ¿No lo ves un poco precipitado? “Lo que ocurre es que no es algo tan tajante. No es como si tocamos, toca37

“No sabemos lo que saldr á hasta que lo hacemos. Cuando compongo estoy a merced de los Dioses del Riff, son ellos quienes me mandan los riffs” BILL KELLIHER

mos, tocamos y luego componemos al día siguiente de llegar a casa. Siempre estamos haciendo música. De hecho, compongo más en la carretera que en casa. Cuando estoy en casa estoy encerrado con mi hijos, mi mujer, mis perros, y apenas salgo. Es difícil plantarte en el local de ensayo y esperar a que salga algo bueno. A veces lo hacemos, pero la mayoría del tiempo componemos de gira. Piensa que, de 24 horas, sólo dedicamos hora y media a tocar, el resto estamos en el backstage, así que es mejor coger una guitarra, enchufarla al ordenador y componer con el Pro Tools. Eso es lo que hago. A la que tenía la oportunidad, lo hacía. Cuando volvimos a casa, nos tomamos unas pocas semanas libres y luego empezamos a ir al local y a compartir todos los riffs

que habíamos acumulado durante la gira. Intentamos encontrarles un sentido y convertirlo en canciones. Es como un trabajo, íbamos a las doce del mediodía, estábamos unas cuatro horas y grabábamos en el pequeño estudio que tenemos allí. Lo hace todo mucho más fácil que si intentas hacer toda la preproducción en un estudio ajeno. Es muy cómodo”. Para mucha gente habéis creado auténticas obras maestras del metal contemporáneo. ¿Os pesa todo eso a la hora de crear algo nuevo? “Sinceramente, para mí simplemente se trata de escribir canciones. No decimos ‘tenemos que sonar así’ o ‘tenemos que sonar de aquella manera’. No sabemos lo que saldrá hasta

que lo hacemos. Cuando compongo estoy a merced de los Dioses del Riff, son ellos quienes me mandan los riffs. Si nos paráramos a pensar cómo tiene que sonar un disco o lo que esperan los fans, nunca haríamos nada. No sonaría orgánico o natural. Somos muy espontáneos y así es como debe ser para que suene fresco y auténtico. Naturalmente, cuando componemos y nos lanzamos riffs, alguien puede decir ‘deberíamos darle un giro’ o ‘eso no me gusta’, o ‘vamos a simplificar esta parte porque queremos cantar encima’, pero forma parte del proceso creativo. A veces tendemos a complicar mucho las cosas y esta vez intentamos que las voces tuvieran más espacio para respirar. Quitamos algunas notas que hacían que sonara más progresivo”.

Un ejemplo de eso es ‘The Motherload’, quizá el tema más pegadizo que habéis hecho en vuestra carrera. ¿Tuvisteis dudas de incluirla precisamente por ser demasiado simple? “La verdad es que sí (risas). Cuando la escribí sonaba tan pegadiza que pensé ‘¿Somos realmente nosotros? ¿Es como queremos sonar?’. Pero una vez se la enseñé a los demás y les gustó a todos, dejé de preocuparme. Suena a Mastodon yendo al límite en ese aspecto. Es casi un experimento para ver si podemos tocar un tema así y que siga conservando la esencia del grupo. Si a la gente no le gusta, no pasa nada; a nosotros nos gusta. Pero confiamos en que nuestros fans tienen buen gusto, y que si a nosotros nos gusta, también ellos pueden disfrutarlo”. Como apuntabas, este disco es muy melódico, un aspecto que se ha ido acentuando desde Crack The Skye, pero la verdad es que luego en directo os cuesta mucho reproducir esas voces. “Bueno, ése es uno de los motivos por los que ahora nos lo tomamos con más calma y descansamos más. La fiesta, la bebida, te pasa factura a la hora de interpretar en directo, y a medida que nuestros discos han madurado, los conciertos se han vuelto más exigentes. Si estás toda la noche sin dormir no puedes esperar que al día siguiente cantes como un ángel. Creo que la calidad de las voces en el estudio nos ha hecho dar cuenta que tenemos que cuidarnos más, hacer ejercicio, calentar antes de los

EL ARTE DE MASTODON Desde sus inicios Mastodon siempre han mostrado un especial buen gusto a la hora de ilustrar la portada de sus discos. La de Once More ‘Round The Sun, obra del artista californiano Skinner, no es una excepción, y por eso le pedimos a Bill Kelliher que nos contara su origen. “Queríamos un dibujo que representara el ciclo de la vida, desde el nacimiento a la muerte. Skinner es un artista muy original y por eso le dimos total libertad para que interpretara esa idea a su manera. ‘Escucha la música y empieza a crear’. Cuando nos presentó los cuatro paneles que había hecho, como si fueran las cuatro estaciones, nos quedamos con la boca abierta. Me encanta que sea tan colorista y con tantos detalles. Es una de esas portadas que puedes mirar durante horas y siempre descubrirás nuevos detalles. Quedó genial”.

conciertos para estar a la altura de lo que merecen estos temas. Al final salir de gira consiste en hacer felices a tus fans que han pagado un dinero para verte. No les importa si estás cansado o si tienes resaca, quieren verte tocando al máximo de tus posibilidades”. Habéis explicado que durante las sesiones de Once More ‘Round The Sun grabasteis media hora más de música que quedó fuera del disco. Me gustaría saber si tenéis planes para publicarla en algún momento y qué podemos esperar de su contenido. “Creo que son unas tres o cuatro canciones. No encajaban del todo en el

álbum y decidimos no incluirlas. Son temas más lentos, algunos no están del todo terminados. Queríamos darles una vuelta pero no teníamos más tiempo porque nuestro presupuesto era para doce canciones. Así que vamos a esperar y las sacaremos en un EP en invierno con algún tema más que escribamos. Para nosotros Once More ‘Round The Sun es un disco de rock’n’roll y sale en verano, es un disco de rock para el verano, mientras que los otros temas son más lentos, más etéreos, y encajarán mejor en el invierno en un álbum más ambiental. Pero todavía tenemos que trabajar en ello”.

CROWBAR

SIMETRIA VITAL No tiene que ser f谩cil tomar la decisi贸n de abandonar una banda tan grande como Down, pero Kirk Windstein ha optado por buscar la felicidad volviendo a centrar toda su atenci贸n en la criatura que dio a luz hace 25 a帽os: Crowbar. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

“Mi vida tiene una dirección, un propósito, es maravilloso. Todo lo que necesito es mi familia y Crowbar, y tengo las dos cosas” KIRK WINDSTEIN

n la vida a veces tomamos decisiones de las que sólo nosotros sabemos el porqué. A ojos del público, e incluso de otros músicos, parece bastante absurdo dejar un grupo tan reconocido y lucrativo como Down. Pero para el cantante y guitarrista Kirk Windstein,

centrarse exclusivamente en la banda que formó en 1989 es una manera de mandar un mensaje alto y claro: Crowbar es su prioridad. Naturalmente, todo esto no serviría de nada si su nuevo disco Symmetry In Black (Century Media) no hubiese estado a la altura, pero la realidad es que Windstein, junto a Matthew Brunson (guitarra), Jeff Golden (bajo) y Tommy Buckley (batería), han parido uno de los mejores trabajos de su extensa discografía. Es maduro, duro sin piedad, oscuro, pero también hermoso. Escuchando sus monumentales riffs, parece como si Windstein necesitara soltar el lastre de Down para liberarse. Si además eso ayuda a que mucha más gente vuelva a prestar atención a esta banda fundamental para entender el sonido del metal de Nueva Orleáns, pues bienvenido sea. Con tu decisión de dejar Down, parece como que hayas querido reivindicar a Crowbar. ¿Había algo de eso? KIRK WINDSTEIN “Así es. Es la primera vez desde que sacamos los dos primeros discos que toda mi

atención, toda mi determinación, toda mi alma está dirigida a Crowbar. Me hace sentir genial”. Pero supongo que la puerta de Down está abierta si quisieras volver, ¿no? “No lo sé. En realidad, creo que no, pero ya veremos qué pasa en el futuro. Seguimos siendo amigos y nos respetamos, pero yo he tomado mi decisión”. ¿Por qué has dado este paso justo en este momento de tu vida? “Para mí fue una decisión difícil decir adiós a Down, pero sentía que mi vida ya estaba muy ocupada y quería centrarme en una sola cosa. Y también disfrutar de mi vida familiar tanto como pueda. Mi mujer viaja conmigo, se ocupa del merchandising y lo coordina todo, así que es como un negocio familiar... Por eso merece la pena centrarse en Crowbar”. A lo largo de los años habéis pasado por muchos cambios de formación. ¿Sentiste que quizá tú debías comprometerte más para que los demás también lo hicieran? “En cierta manera, me sentía mal por los otros. No por Todd (Strange, bajista fundador de Crowbar –ndr.) porque también tenía Down, pero para Tommy Buckley y Matt Brunson, 41

“Lo que hicimos Crowbar, Eyehategod o Down fue rompedor, el futuro de la música metal cambió” KIRK WINDSTEIN no tenían mucho más que hacer y simplemente estaban en casa esperando a que les llamara cuando no estaba con Down. Así que para mí es genial que sientan que somos un grupo de verdad, porque tenemos una química muy buena. Hicimos este disco juntos, sin estrés, simplemente centrados en hacer el mejor trabajo posible”. ¿Has aprovechado alguna idea que te quedara colgada de discos anteriores? Lo digo porque, en cierta manera, suena como una vuelta a vuestro sonido clásico. “No, todo es nuevo, aunque tengo una cinta con un montón de 42

riffs por alguna parte. Matt y yo coescribimos la mayoría de temas, pero hubo un par que los hice yo solo. Sentimos que estábamos en racha, y de hecho, los temas que escribimos al principio no los usamos porque los de después eran mucho mejores. El tercer tema del disco es el primero que escribimos, y no paró de mejorar, así que no hubo necesidad de recuperar ideas antiguas. Fue un disco muy fácil de componer. La mayoría de músicos te dirán que las mejores canciones siempre parece que salgan solas. Para mí, ya sea en Crowbar, Down o Kingdom Of Sorrow, siempre ha sido así. Tuvimos suerte esta vez, eso es lo que pasó”.

Parece que te encuentras en un buen momento... sin embargo el disco conserva ese halo oscuro de vuestra música. ¿Lo ves como algo inherente a vosotros? “A excepción de cuando era un adolescente sin ninguna preocupación ni responsabilidad, éste es el periodo más feliz de mi vida. Mi vida tiene una dirección, un propósito, es maravilloso. Todo lo que necesito es mi familia y Crowbar, y tengo las dos cosas. Tengo mucha suerte. Soy un hombre sencillo, que no ignorante, así que no necesito ropa cara, ni mucho dinero. Sólo necesito lo suficiente para pagar mis facturas y disfrutar

de la vida. Sólo necesito el amor de mi familia y mis amigos. Lo que ocurre es que me gusta escribir música oscura, es mi terapia. De verdad. Es irónico, porque me gusta escribir pronto por la mañana o por la tarde, cuando el sol está brillando. Supongo que pensabas que me gusta escribir más por la noche (risas), o cuando llueve, pero la verdad es que me gusta sentarme con la guitarra y ver el sol. Y en dos minutos ya siento si me va a salir algo bueno o no. A veces a los cinco minutos lo dejo porque no me siento inspirado. No sé, es mi manera de hacer música”. Tus riffs tienen su propia identidad y, en cierta manera, han definido también la del metal de Nueva Orleáns. ¿Eras consciente de que estabas creando escuela? “Me gustaría pensar que lo hicimos. Mirando 25 años atrás, me doy cuenta que sí, pero no lo pensaba en ese momento. Lo que hicimos Crowbar, Eyehategod o Down fue rompedor, el futuro de la música metal cambió. Creo que Crowbar creamos un género que no existía. Todas las bandas de Nueva Orleáns lo hicimos. Lo bueno es que todas teníamos cosas en común, pero todas sonamos diferente. Me siento orgulloso de haber formado parte de algo tan importante”. Habiendo trabajado con Phil Anselmo y Jamey Jasta, ¿les has pedido consejo alguna vez sobre cómo cantar mejor? ¿Te ha sido útil tenerlos cerca?

“Está claro que trabajar con Phil me ha ayudado mucho, pero no tanto como vocalista. De lo que la gente no se da cuenta es que Phil es buenísimo haciendo los arreglos de las canciones. Y también escribe muy buenos riffs. Muchos de los de Down son suyos. Verle cómo construye canciones a partir de un riff me ha enseñado mucho. Ha sido una gran suerte poder aprender de uno de los mejores. Definitivamente, he aprendido a cómo componer mejor, cómo meter melodías, cambios de afinación, arreglos, y no sólo juntar unos cuantos riffs. En cuanto a Jamey, lo que más he aprendido de él es de negocios. Jamey es el cománager de Crowbar. Es un gran músico, claro, pero es buenísimo con el negocio. Phil en cambio pasa de todo (risas)”. Hoy he descubierto que naciste en Inglaterra. ¡No tenía ni idea! “Sí, pero nos mudamos a Estados Unidos cuando tenía 1 año, así que no recuerdo nada. Pero para mí siempre es especial tocar allí. Mi padre es de Nueva Orleáns, pero estaba en el ejército. Creo que de Inglaterra fuimos a Texas y luego a Nueva Orleáns, cuando yo tenía 2 años. Todos mis recuerdos son de Nueva Orleáns”. Es curioso, porque hay bastantes músicos que sois hijos de militares. ¿Crees que hacer música fue tu manera de rebelarse contra la autoridad? “No sé. Mi padre salió del ejército cuando era pequeño y se convirtió en un padre normal (risas). No era el típico sargento de hierro (risas). Pat

Bruders (antiguo bajista de Crowbar –ndr.) también era hijo de militar. Creo que se crió en una base cerca de Frankfurt, así que quizá tengas razón (risas)”. Este año vas a volver al Resurrection Fest, donde ya habías tocado con Down. ¿Tienes algún recuerdo especial? “Me encanta el marisco, así que tengo muchas ganas de volver (risas). La gente de Estados Unidos siempre cree que Italia es el país de Europa donde se come mejor, y es genial, pero yo me quedo con España. Me encanta la comida mediterránea. Nunca fuimos muy populares en España, pero creo que la cosa está cambiando, notamos mucho más interés”. Nueva Orleáns también tiene muy buena fama gastronómica... “Sí, aquí se come genial también. Creo que Nueva Orleáns es la única ciudad de Estados Unidos donde todavía hay restaurantes familiares, donde se consume producto local. América es muy corporativa. Hay grandes ciudades como Nueva York, Chicago o Boston, pero ninguna tiene el carácter especial de Nueva Orleáns. He viajado por 42 países, pero sólo viviría aquí. Si pudiera tendría un piso en Nueva York, otro en Dublín, pero no me lo puedo permitir (risas). Mi corazón está aquí”.

Ha hecho falta una buenísima versión de Rihanna para que muchos hayan descubierto a este diamante en bruto del metalcore patrio. Ahora Teksuo se preparan para arrasar en el Resurrection Fest después de haber sido una de las bandas escogidas para tocar en él por votación popular. Texto: David Garcell Fotos: DR

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o de grabar una versión de un tema popular para ganar notoriedad es un truco más que viejo dentro de la historia del rock. Ejemplos los hay a patadas (Van Halen con ‘You Really Got Me’, Faith No More con ‘Easy’, Limp Bizkit con ‘Faith’, Marilyn Manson con ‘Sweet Dreams’…) y por eso nadie debería escandalizarse con que los asturianos Teksuo, que forman Diego (voz), Rafa (guitarra), Christian (guitarra), Yorch (bajo) y Constan (batería, programaciones), hayan utilizado esta misma táctica. Escuchando cómo le han dado la vuelta a ‘Diamonds’, el tema de Rihanna, no sorprende que se haya convertido en un pequeño hit dentro del circuito. La versión forma parte del autoeditado Diamonds EP (disponible gratuitamente para descarga) en el que también presentan dos temas nuevos y una versión acústica del tema ‘For You’. Por lo escuchado, está claro que en Teksuo la progresión mostrada en sus dos discos hasta ahora, Jiang Shi (2010) y Thrênos (2012), lejos de pararse, está cogiendo una velocidad de crucero. En primer lugar, felicitaros por este EP. Me gustaría saber de dónde surge la idea de hacerlo y cómo fue su grabación. DIEGO “¡Muchas gracias! Pues la idea surgió de nuestro hermano y anterior guitarra Ricar. Cuando ya teníamos los arreglos y la canción estructurada, pensamos ‘¿Y ahora cómo lo sacamos?’. Obviamente en un LP no correspondía, así que nos tiramos a la piscina… Compusimos dos temas nuevos, más una versión acústica de ‘For You’, y montamos un EP muy resultón que a la vez le da a la gente una idea

de por dónde irán los tiros en nuestro próximo álbum. La grabación, la verdad, como siempre fue una experiencia enriquecedora y muy, muy tranquila gracias a que grabamos con nuestro batería Constan. Vamos a nuestro ritmo, sin prisa, y haciendo las cosas bien, que es como nos gusta”. Sobre la versión de Rihanna, ¿realmente os gusta el tema original y su música en general? ¿Era una manera de llamar la atención? ¿De provocar? “El tema original me parece un temazo, así de claro. La base de cualquier tipo de música es una buena melodía, ¡y en el pop abundan las buenas melodías! Honestamente, me gustan un par de temas más de su discografía pero ningún disco completo. Lo mismo me pasa con Katy Perry, por ejemplo, y Lana del Rey también me encanta. Como puedes ver, no tengo ningún tipo de reparo en escuchar cosas más poperas. Y como bien dices, fue una manera de llamar la atención, ¡y funcionó a la perfección! Las visitas del vídeo y la cantidad de gente que la canta en los conciertos es una buena prueba de ello”. El vídeo ya lleva 47.000 visitas y sigue subiendo... ¿Cómo os sentís al tener vuestro propio hit? “Siempre está bien que la gente valore tu trabajo, y sobre todo la primera semana, donde la media era de 2.000 visitas diarias... Me sentía muy bien, la verdad (risas). Pero somos conscientes de lo que supone hacer una versión de éstas y el poder mediático que tiene ayuda mucho, aunque ojo, hay que hacerlas bien o si no puede

“Llevo literalmente dos años soñando con estar en el escenario del Resurrection Fest y dejarme el alma allí arriba” DIEGO acabar funcionando al revés”. En los dos temas originales vuestros se aprecia una tendencia más melódica en las voces. ¿Vais a seguir explorándola en el próximo álbum? “Mucha gente dice lo mismo, pero sinceramente, yo opino que estamos volviéndonos cada vez más agresivos. Musicalmente hablando, ¿eh? Que en realidad somos un pedazo de pan (risas). Lo que pasa es que las melodías de ambos estribillos en mi opinión son muy buenas, al menos me he esforzado mucho para que fueran pegadizas e hicieran la canción mejor. Siempre vamos a tener esa parte melódica, y en el nuevo disco no va a faltar... Eso sí, como dije antes, seguimos acelerando el ritmo y sacando temas con muy mala hostia. ¡Pinta bien!”. ¿Cuándo podemos esperarlo? “Estamos ahora mismo currando a tope componiendo temas entre concierto y concierto. Tenemos aproximadamente cuatro terminados, y otros dos en proceso. Como te comentaba antes, son una mezcla de buenas melodías y un puntito más de caña sobre lo que veníamos haciendo. Contamos con sacarlo a principios de 2015”. La versión acústica de ‘For You’ tiene un aire muy Alice In Chains. ¿Fueron un referente a la hora de enfocar el tema? “La primera canción que canté y toqué 45

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Habéis sido una de las bandas ganadoras para tocar en el Resurrection Fest. ¿Qué significa para vosotros? “Llevo literalmente dos años soñando con estar en ese escenario y dejarme el alma allí arriba. Ya te puedes imaginar lo que significa esto para nosotros, estamos muy agradecidos por esta oportunidad y esperamos dejar el listón alto para los que toquen detrás. Vamos a ir a por todas, sin fallo, con ilusión y con cojones”.

con la guitarra acústica fue ‘Nutshell’ de Alice In Chains, así que seguro que en el fondo algo hay. Cuando hice los arreglos del tema en acústico no lo enfoqué con ningún estilo definido en mente, pero si me preguntas, para mí tiene toques evidentes de los temas acústicos de Times Of Grace/ Killswitch Engage. Me encanta todo lo que hace Adam D.”. En este disco te sales con la voz. ¿Cómo explicarías tu evolución? ¿Te has tomado algo? “(Risas) ¡La verdad es que no he tomado nada, no! Aunque alguna vez llevé té con miel en un termo y estos cabrones decían que sonaba peor... En fin, hay que quererles. Mi evolución vocal desde que entré en Teksuo ha sido muy positiva, teniendo en cuenta que hasta que decidí hacer la audición para entrar en el grupo nunca había hecho guturales. De hecho, la audición seguramente sería lamentable (risas). Pero me dieron una oportunidad y acabé creciendo muchísimo como vocalista. Cuando escucho Thrênos pienso ‘Joder, qué malo era’. Cuando grabemos el siguiente quiero pensar lo mismo de este Diamonds EP. ¡Siempre a mejor!”. ¿Cómo valoras tu paso por 46

el concurso Tú Sí Que Vales? Cuéntanos alguna anécdota. “Estuvo bien por la parte del dinero (risas). Por lo demás, aprendí un poco cómo va el rollo de la tele y conocí a gente guay, pero no repetiría, eso lo tengo clarísimo. Muchas horas de espera y demasiada tensión para lo que es. Anécdotas poca cosa, porque estuve muy centrado y a lo mío… Aunque sí que recuerdo con cariño a El Sevilla de los Mojinos, que me trató muy bien y estaba flipado con mi actuación, y que el presentador, que ni sé cómo se llama, era ultrafan de los Maiden (risas)”. Ya lleváis siete años con la banda. ¿Estáis contentos con lo que habéis conseguido? “Bueno, yo llevo cuatro y personalmente estoy muy contento, más que con lo que hemos conseguido, con el esfuerzo y trabajo que todos le ponemos a la música. Cuando estábamos componiendo los dos temas del EP, fueron muchas discusiones y horas de cambiar cosas aquí y allí, pero al final ves que merece la pena y que sin todo ese trabajo los temas no serían la mitad de lo que son ahora. Así que creo que cuando te lo curras bien, las cosas buenas acaban llegando”.

¿Qué es lo que más os gusta y lo que menos de la escena actual? “Lo que más es la cantidad de buenas bandas que tenemos: Thirteen Bled Promises, Left In The Wake, Against The Waves, Hyde Abbey, Hummano, Stained Blood, Legacy Of Brutality, Sound Of Silence... y en fin, no voy a seguir porque todos sabemos lo que hay. Y lo que menos es que las salas escasean. Las que quieren apoyar la música underground son cerradas por la policía... y a veces es difícil tocar sin perder dinero. Pero bueno, entre todos nos apoyamos y montamos nuestro pequeño circuito de conciertos”. Si quieres añadir algo más, ésta es la oportunidad. ”Pues muchísimas gracias por esta entrevista, en la que es la revista musical por excelencia en este país desde hace años y por apoyar bandas como la nuestra. Muchas gracias a Blood Fire Death por acogernos en su casa, y a todos los que nos votasteis para tocar en el Resu. Love you all!”.

2 de septiembre - ROCKSOUND BAR (BARCELONA) 3 de SEPTIEMBRE - WURLITZER BALLROOM (MADRID) ENTRADAS A LA VENTA EN www.CODETICKETS.COM

Después de un periodo alejados de los focos, Rise Against vuelven a la carga con The Black Market, Un disco en el que dejan parcialmente de lado su faceta más política para echar una mirada hacia su interior. No hay mejor manera De cambiar el mundo que empezar por uno mismo. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

RISE AGAINST

LOS JUEGOS DEL HAMBRE

a última vez que Rise Against protagonizaron una portada de RockZone -dejando de lado cuando su vocalista Tim McIlrath hizo los honores de entrevistarnos a Milo de Descendentsfue en febrero de 2011 dentro de nuestro monográfico sobre Los Discos Más Esperados Del Año. Al mes siguiente veía la luz Endgame, su sexto álbum, y posiblemente el menos inspirado de su carrera. Aun conservando su calidad para crear buenos himnos de punk rock reivindicativo, sonaba excesivamente plano, como si McIlrath y sus compañeros Zach Blair (guitarra), Joe Principe (bajo) y Brandon Barnes (batería) estuvieran actuando con el piloto automático puesto y se hubieran limitado a repetir la fórmula que tan bien les había funcionado desde que hubieran dado el salto al mainstream con Siren Song Of The Counter Culture, en 2004. Gracias a la inercia cogida Endgame fue igualmente un éxito (debutó en el número 2 de las listas americanas) y permitió que el grupo se diera otro baño de masas en sendas giras por todo el mundo. Tras casi dos años en la carretera, en los que también tuvieron la oportunidad de abrir para Foo Fighters, el propio grupo se dio cuenta de que necesitaba parar y tomarse un respiro. Así lo anunciaba Tim en una entrevista en enero de 2013, lo que hacía prever que no fuéramos a oír de ellos en mucho tiempo. Quizá porque desde entonces aparecieron la reedición de décimo aniversario de su Revolutions Per Minute y el recopilatorio de rarezas Long Forgotten Songs: B Sides & Covers, la verdad es que

la espera ha pasado volando. Y es así como, casi sin darnos cuenta, el próximo 15 de julio ya tendremos en las manos The Black Market (Universal). Puede que porque después de Endgame mis expectativas habían bajado, pero ya desde la primera escucha su séptimo trabajo me ha transmitido mejores sensaciones. Que nadie espere una vuelta a sus orígenes, pues Rise Against parecen más que convencidos de su actual sonido donde pesa más el rock que el punk, pero tanto las composiciones como las interpretaciones suenan con más fuerza, y desde luego todavía deberíamos apreciar que un grupo que canta una frase como “porque encontré a Dios en el sonido de vuestras fábricas quemando, ahora duermo más tranquilo” en un tema titulado ‘The Eco-Terrorist In Me’ pueda sonar en la radio. A primeros de junio teníamos la oportunidad de hablar nuevamente con Tim sobre cómo afronta este nuevo capítulo de la banda. Tras preguntarme sobre cómo les había ido a Berri Txarrak por Estados Unidos y decir que esperaba poder verles cuando volvieran por ahí, empezamos la entrevista. En enero del año pasado anunciasteis que os ibais a tomar un descanso para recargar las pilas. ¿Qué hiciste durante ese tiempo? ¿Te resulta sencillo desconectar del grupo? TIM MCILRATH “No siempre es fácil, pero lo intento (risas). A ver, qué hicimos... Básicamente estar con nuestras familias e intentar llevar una vida lo más normal posible.

También estuve de viaje por la India y Vietnam. Son países que no entran en nuestras giras y que me apetecía conocer. Además, es muy distinto poder viajar como una persona más, sin estar pendiente de tener que tocar esa noche (risas). Y también hice el Revival Tour con Chuck Ragan y Dave House. Era la primera vez que salía de gira sin Rise Against y lo pasé muy bien. Creo que nos fue muy bien este descanso porque necesitaba volver a sentir hambre de Rise Against. Creo que cuando nos reunimos para empezar a trabajar en el disco, todos nos sentíamos igual”. Si te soy sincero, a mí Endgame me sonó como el disco de una banda saciada, pero en éste noto esa nueva energía. “A mí Endgame me sigue gustando mucho. Creo que conseguimos lo que queríamos hacer entonces, pero ahora nos apetecía hacer algo distinto. No queríamos repetir el mismo disco. Ése era un disco de grandes temas, muy político, y en éste quería mirar más hacia dentro”. He podido escuchar el nuevo disco, pero por ahora desconozco el título. ¿Me lo puedes decir? “No sé si oficialmente puedo anunciarlo, pero... ¡Qué diablos! El disco se llama The Black Market”. Como una de las canciones. “Eso es. Básicamente esa canción y la temática del álbum tratan sobre nuestro papel como artistas. ¿Cuál es nuestra responsabilidad? ¿Qué se espera de una banda como la nuestra? Nunca he sentido que tenía

“Básicamente La canción ‘The Black Market’ y la temática del disco tratan sobre nuestro papel como artistas. ¿Cuál es nuestra responsabilidad? ¿Qué se espera de una banda como la nuestra?” TIM MCILRATH

las respuestas para todo, pero sí la responsabilidad de plantear las preguntas. Me apetecía reflexionar sobre todo esto. Por eso es un disco mucho menos político y más personal, es un disco mucho más introspectivo”. Hace unos días entrevisté a Jeremy de Touché Amoré y me contaba que para él resulta imposible no escribir letras muy personales. Contigo me ocurría un poco lo contrario. Creo que a través de tus canciones hemos podido saber lo que piensas, pero no lo que sientes. Sin embargo, esta obra es distinta... “Es muy curioso que nombres a Touché Amoré porque jugaron su papel en este disco. Justo cuando empezábamos a trabajar en él, me salió su tema ‘To Write Contempt’ de su último disco en el iPod, que habla sobre las expectativas que los demás ponen en ti a la hora de

crear algo, y me inspiró muchísimo. De hecho, empecé a escribir sobre ello, la temática de The Black Market es por esa canción. Recuerdo que le mandé un sms a Jeremy para decirle lo mucho que me había impactado. Tiene mucho talento. A mí me ha costado 15 años poder escribir sobre ello (risas)”. Lo extraño es pensar que él, que está en una banda todavía underground, ya piense en estas cosas. En tu caso, teniendo en cuenta que tocáis en arenas y vendéis muchos discos, debes tener los mismos problemas multiplicados por cien. “(Risas) Nunca lo he considerado un problema, pero no es algo que hubiera ocupado a la banda. Lo que pasa es que el mundo siempre me ha dado suficiente combustible para escribir y pensar en lo que era importante. Es un tema muy complejo y tenía que encontrar la manera

de enfocarlo, pero creo que si eres honesto, también puede conectar con la gente aunque hables de ti. Todavía no se me han agotado los temas sobre los que hablar, sigo teniendo los ojos abiertos y sigo poniendo mi alma y mi corazón en ello, pero no quiero escribir sólo artículos sobre lo que ocurre en el mundo, también quiero poder atrapar al oyente con otras cuestiones”. Habéis vuelto a trabajar con Bill Stevenson y Jason Livermore. ¿Nunca os habéis planteado hacerlo con otro productor? ¿No sería una buena manera de darle un giro a vuestro sonido, de refrescar las ideas? “Es algo que siempre consideramos, pero seguimos viendo a Rise Against como a una pequeña banda de punk, como chavales que tocan en un sótano, así que cuando nos sentimos a gusto con alguien intentamos mantenernos unidos a 51

“La verdad es que escuchar mi voz todavía se me hace raro. Si estoy conduciendo y sonamos en la radio, el cerebro se me colapsa. Ni siquiera reconozco qué canción es o que somos nosotros” TIM MCILRATH

ellos. Siento que Bill y Jason son una parte fundamental de la familia Rise Against, y no puedo imaginarme hacer un disco sin ellos, del mismo modo que no me imagino haciendo uno sin Joe, Brandon y Zach. Cuando vamos a hacer un álbum, no me planteo quién va a tocar el bajo o la batería porque sé que lo tocarán ellos, y Bill y Jason entran en la misma categoría. Tienen muy buena mano para tratarnos y nos mantienen con los pies en el suelo. No puedo decir que nunca haremos un disco sin ellos, pero tienen algo especial que logra sacarnos lo mejor de nosotros. No somos como otras bandas. No creo que lo que hacemos saldría igual si trabajáramos con otro productor. Necesito un productor que se preocupe por mis letras, que le importe lo que digo y lo que significan. He conocido a muchos tíos en Hollywood a los que les importa una mierda lo que canto”. ¿Te puso algunas canciones 52

nuevas de Descendents mientras estabais ahí? “Sí (risas). Tuvimos esa suerte. Son increíbles. Es increíble que después de tantos años tengan esa energía y todavía tengan tanto que decir. Será un gran disco. Están muy emocionados”. Espero que podamos escucharlo pronto. Este álbum está lleno de grandes melodías, como las de ‘Tragedy + Time’ o la propia ‘The Black Market’. ¿Te salen de manera natural o es algo a lo que tienes que dedicar mucho tiempo? “Las melodías vienen de manera natural. Cuando escucho un tema por primera vez, ya sé lo que quiero cantar encima. En el pasado, si tenía que dedicarle tiempo a encontrar a una melodía, entonces lo aparcábamos y pasábamos a otra cosa. Tiene que ser algo muy instintivo para que funcione. Los

otros del grupo se ríen de mí porque cuando empezamos un tema yo canto encima pero sin tener letra, canto chorradas. Es como si escucharas una canción en la radio sonando en la habitación de al lado (risas). Así es como suenan en mi cabeza en un primer momento. Pero nos ayuda a palpar el sentimiento de la canción, y luego trabajo en las letras. Como compositor no sé hacerlo de otra manera”. Aunque el disco suena 100% a Rise Against, en algunos temas he apreciado algunas variaciones. Por ejemplo en ‘Methodone’ la base instrumental tiene un aire a The Police… “Sí, sí. The Police es uno de los grupos que tuvimos como referencia en ese tema. Empezó con el estribillo y luego hicimos la estrofa, y entonces a Brandon se le ocurrió ese ritmo que era muy sutil y muy del rollo The Police. Era diferente, pero nos

gustó probar algo nuevo, molaba. En lugar de ir por el camino habitual decidimos tirar por otro lado, y salió bien”. Otro tema algo distinto es ‘Zero Visibility’, que tiene un gran riff y mucha fuerza. ¿Crees que resume la energía del disco? “Es un poco como los inicios del grupo, tiene esa energía. No quisimos hacer un tema corto porque sí, sino que dejamos que existiera como tenía que existir. Creo que se convirtió en uno de los temas favoritos de todos. Es muy rockero”. ‘Sudden Life’ es un poco más elaborada, más épica. “No recuerdo de dónde salió. Es como una jam lenta. Salió de la nada, pero desde luego es distinto a lo que hacemos normalmente y por eso quisimos probarlo”. Tu voz es uno de los elementos principales que atrae a la gente hacia vuestra música, pero es muy difícil ser objetivo con la voz de uno mismo. Por ejemplo, a nadie le gusta su voz cuando la escucha grabada. En ese aspecto, ¿cómo valoras tu voz o cómo sabes si has hecho una buena toma cuando estás grabando? “Cuando grabo confío mucho en Bill Stevenson. Conoce mi voz mejor que nadie. Cuando canto relajadamente, casi sin esfuerzo, es cuando sé que lo estoy haciendo bien. Puedo notarlo. O si estoy cansado o me cuesta, también sé detectarlo. Pero la verdad es que escuchar mi voz todavía se

me hace raro. Si estoy conduciendo y sonamos en la radio, el cerebro se me colapsa. Ni siquiera reconozco qué canción es o que somos nosotros. Por un momento mi cerebro se apaga y tardo unos segundo en decir ‘Oh, es Rise Against’. No sé explicarlo, pero es como si mi cerebro no computara que es mi banda (risas). Es una relación extraña. Intento siempre cantar lo mejor que puedo. Cuando cantas al 100% te sientes como Supermán, pero cuando te falla la voz es como si te cortaran las alas y es una mierda, es deprimente”. Cuando empezasteis era impensable que sonaseis en la radio, pero en los últimos años habéis tenido varios temas muy populares que se han convertido en hits. A la hora de hacer un nuevo disco, ¿es algo que ni que sea de manera inconsciente tienes en la cabeza o no es un factor que tengas en cuenta? “Mentiría si dijera que nunca me pasa por la cabeza, pero escribimos doce temas y sale lo que sale. La realidad es que mi instinto a la hora de saber qué tema puede ser un hit es bastante malo. Las canciones que pienso que podrían funcionar en la radio nunca lo hacen, y las canciones que no, acaban siendo hits (risas). Por ejemplo, los del grupo siempre me recuerdan que cuando grabamos Appeal To Reason yo quería dejar ‘Savior’ fuera del disco y acabó siendo un gran hit. Así que no me fío para nada de mi instinto en cuanto a eso. De esta manera, no escribimos pensando en la radio, pero si acaban sonando mucho, perfecto. Me da igual qué tema del disco sea

porque me gustan todos por igual. La verdad es que no puedes predecir lo que funcionará o no, así que no merece la pena intentarlo. Supongo que la única manera sería copiarte a ti mismo con un tema que ya ha sido un hit, pero eso no nos interesa”. ¿Qué es lo que más echas de menos de ser la banda que erais hace 12 ó 15 años? “Sobre todo poder conocer a toda la gente que venía a nuestros shows. Si tocábamos en un club nos podíamos pasar la noche en el puesto de camisetas, saludando y charlando con los fans. Mucha gente simplemente quería decirte hola, pero con otra tenías la oportunidad de hablar realmente sobre qué pensaban o cómo habían descubierto tu música. Muchas veces acabas durmiendo en su casa o comiendo con ellos en algún sitio local que te recomendaban. Ahora muchas veces tocamos para miles de personas, pero cuando subo al autobús me doy cuenta que no he podido hablar ni con un solo fan. Entiendo que es parte de la logística del tipo de giras que hacemos ahora, sería imposible que saliese a la pista a saludar a la gente porque sería un lío, pero echo de menos poder interactuar más. A veces puedes hablar con gente que tiene mucha paciencia y nos espera al lado del autobús, pero es extraño ver que a medida que tu grupo crece, la distancia con tus seguidores también lo hace”. Además de músico, eres muy fan de la música. Antes citabas a Touché Amoré y me preguntaba si hay otras bandas nuevas que te hayan 53

LA VIEJA ESCUELA Para algunos punk rockers más veteranos ver a Bad Religion o Rancid abriendo para Rise Against puede parecer casi una herejía, pero la banda de Chicago no ha desaprovechado el éxito que han conseguido para reivindicar algunas de las bandas que más les han influenciado y transmitir a sus fans más jóvenes el punk rock que tanto les inspiró en sus inicios. “Cuando giramos con Rancid en 2009, la primera fila estaba llena de adolescentes y creo que es un grupo que sigue siendo una puerta para la gente que quiere meterse en el punk rock”, nos cuenta Tim. “Ellos, Bad Religion, NoFx o Black Flag siguen siendo referentes vigentes de la misma manera en que lo fueron para nosotros. Son bandas que han ido trascendiendo de generación en generación, y para nosotros poder girar con ellos es una manera de absorber su cultura. Hay muchos grupos que venden millones una temporada y luego desaparecen, pero eso a mí no me impresiona. Sin embargo, siento verdadera admiración y respeto por los que logran aguantar durante tanto tiempo. Es a lo que aspiro que ocurra con Rise Against”.

inspirado. “Sí. Me encanta esta nueva ola de grupos como Touché Amoré, Balance And Composure, La Dispute… Todos esos grupos me dan esperanza en el futuro de la música porque hay mucha mierda por ahí. Cuando disfrutas de un grupo nuevo te devuelve la emoción por la música y te apetece llevártelos de gira. Ver a otros artistas siendo creativos me motiva mucho”. En la última gira os llevasteis a The Menzingers de teloneros. Por aquí nos encantan… “Sí, son un gran grupo. Son todo ciclos. Salieron todos esos grupos de hair metal screamo, totalmente narcisistas, pero hubo una rebelión contra eso y empezaron a salir grupos como Title Fight, The Flatliners o The Menzingers, que son totalmente auténticos. Grupos que te recuerdan a los que creciste escuchando, así que te das cuenta que siempre va a existir ese toma y daca, ese ying y yang, entre la buena música y la mala, y una se alimenta de la otra”. A pesar de que el disco sea menos político, muchas de vuestras canciones son una llamada a rebelarse.

¿Cómo crees que debería materializarse esa rebelión? “Creo que hemos visto cosas como la Primavera Árabe, que fue una revolución muy pacífica. Si tienes una gran masa de gente es posible cambiar las cosas sin violencia. Puedes definir la violencia de distintas maneras. La violencia contra la gente siempre es mala. Pero la violencia contra las injusticias o contra cosas que te impiden avanzar… hay áreas grises. Por ejemplo el ecologismo o el activismo político, si de verdad crees que hay una maquinaria destruyendo el planeta o la manera en la que vivimos, si harías lo que fuera por parar esa máquina, si estuvieras dispuesto a tumbarte en el suelo para que no pasara un camión, la gente subestima ese compromiso, lo que significa. Creo que una revolución pacífica es posible. Creo que fue John Kennedy quien dijo “si hacemos que la revolución pacífica no sea posible, entonces la revolución violenta es inevitable”. Así que si permites una revolución pacífica pueden producirse cambios, pero si reprimes a los protestas o a los ecologistas, a los Edward Snowden del mundo, si no les permites tener una revolución pacífica, será violenta. Creo que también tiene mucho que ver con si la gente tiene esperanza en su futuro. Si la tienen, no son violentos. Pero si estás infeliz, no te importa nada. Y esa felicidad depende de los que mandan. Tienes que darles opciones a la gente”.

EL LADO OSCURO

DARKNESS BY OATH Por ahora el death metal melódico de Darkness By Oath ha tenido más aceptación fuera de nuestras fronteras que aquí. Con su cuarto álbum, Seeds Of Desolation, los de Gipuzkoa esperan ser, por fin, también profetas en su tierra. Texto: DAVID GARCELL

arkness By Oath se formaron hace ahora doce años con miembros procedentes de bandas como Numen o Denial y gracias a su participación en 2004 en el disco Slaughterous Souls – A Tribute To At The Gates, en el que versionaban ‘The Swarm’ de los suecos, y a su debut Confidencial World Of Lies, consiguieron llamar la atención de los aficionados del buen death metal melódico. Tanto, que el sello alemán Cyclone Empire se animó a publicar su segundo trabajo Fear Yourself en 2009. Con el tercero, Near Death Experience, su proyección internacional seguiría escalando al contar con el respaldo de Metal Blade para su edición en Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, Aritz Navarro (voz), Tristan Iñiguez (guitarra), Alain Castano (guitarra), Gorka Otero (bajo) y Asier

Bilbao (batería) sentían que todavía tenían mucho terreno que recorrer dentro de la escena estatal. Y por eso, con Seeds Of Desolation (Erzsebet Records/Indar Productions), en el que renuevan su sonido e incluyen una versión de ‘Gangsta’s Paradise’ del rapero Coolio, sus objetivos son mucho más cercanos. Tengo entendido que estáis desperdigados en distintas ciudades. ¿Cómo os organizasteis a la hora de trabajar? ASIER BILBAO “Sí, vivimos en diferentes pueblos de Bizkaia y Gipuzkoa, pero siempre ha sido así, desde el inicio, o sea que el tema de la distancia no ha sido un excesivo problema a la hora de trabajar. Siempre encontramos momentos para hacer trabajo en común en el local, y hay otros en los que cada uno lo

Foto: DR

va realizando individualmente. La tecnología también da facilidades que antes no existían, por lo que puedes intercambiar archivos con temas, utilizar Skype para poner riffs en común, etc. En esta ocasión, el mayor peso a la hora de la composición del álbum ha recaído sobre Tris. Una vez nos iba pasando las estructuras de los temas, los escuchábamos, repasábamos y poníamos en común las cosas que nos convencían más o menos en cada tema, hasta quedarnos contentos con el encaje final. Ha sido un trabajo más laborioso que en otras ocasiones. Se han hecho cuatro, cinco preproducciones del CD completo probando armonías, estructuras y mezclas diferentes hasta dar con el resultado que más nos convencía”. Si bien el punto de partida musical es el death metal

“Siempre hemos intentado darle una vuelta de tuerca a las nuevas composiciones disco tras disco, creo que es algo que prácticamente todas las bandas tratan de hacer de una forma u otra” Asier

melódico, en este disco se aprecia una voluntad de incorporar otros elementos. ¿Había el riesgo de quedarse estancados? “Siempre hemos intentado darle una vuelta de tuerca a las nuevas composiciones disco tras disco, creo que es algo que prácticamente todas las bandas tratan de hacer de una forma u otra. También es cierto que el estilo en sí tiene ciertas limitaciones a la hora de incorporar nuevas estructuras y contenidos, pero creo que sí hemos conseguido incluir nuevos elementos y texturas, que al menos nosotros no habíamos utilizado hasta la fecha, y que eso da al álbum un carácter más abierto y variado. Creo que refleja por una parte nuestra marca personal, añadiendo las influencias de bandas que empezamos a escuchar y las que hemos descubierto durante los años. Todos esos elementos unidos han dado como resultado las canciones que pueden escucharse en Seeds Of Desolation”.

En cada álbum habéis ido mejorando. A la hora de dar algo por bueno, ¿el listón que os ponéis es lo que habéis hecho anteriormente o intentáis llegar al nivel de bandas que os gustan? “La verdad es que la exigencia ha sido siempre propia, más que el hecho de intentar llegar al nivel de una u otra banda. Hay que conocer las capacidades y límites de cada uno e intentar superarlas en cada trabajo, bien en CDs o en directo. Está claro que fijándote en grupos que son o han sido referentes puedes aprender cosas, bien en el aspecto positivo o negativo. Sin citar nombres, creo que en muchos casos hemos podido ver evoluciones de bandas grandes que han sabido mantenerse en un estilo utilizando nuevos elementos, y otras que han intentado innovar tratando de acceder a otros mercados y cuyo resultado no ha sido del todo bueno”. ¿Cómo se llega a hacer una versión de Coolio y que encima quede tan bien? “(Risas) Gracias, nos alegra que te haya gustado. La idea de hacerla fue de Tris, y la verdad es que algunos estuvimos un poco reticentes al principio. La idea era hacer una versión de un tema que no fuera puramente rockero o metalero, y a Tris le vino a la cabeza ‘Gangsta’s Paradise’, por tratarse de un tema que en su día sonó mucho y la gente podía recordar o reconocer por ser parte de la banda sonora de la película. El inicio tiene unos toques muy death metaleros, como elemento reconocible están el estribillo y los coros de voces femeninas que hemos incluido. En general, creo que hemos sabido llevárnosla a

nuestro terreno”. ¿Qué supuso para vosotros participar en los tributos de At The Gates y Dark Tranquillity? ¿Os abrió puertas? “Supuso ante todo una gran satisfacción personal y musical para cada uno de nosotros. En el caso del tributo a At The Gates fue nuestra primera grabación en estudio, y fue emocionante por tratarse de una versión de una banda a la que admiramos y a su vez, por realizar nuestra primera grabación como banda. En el caso de Dark Tranquillity fue también todo un placer, pudimos elegir el tema que queríamos versionar y creo que la cover fue más que digna. Podríamos decir que sí nos ha abierto puertas de alguna manera, porque son bandas a las que mucha gente presta atención y estando incluidos en sus álbumes tributo la exposición es grande. Luego hemos tenido ocasión de poder coincidir en directo con Dark Tranquillity y de conocer a la mayoría de miembros de At The Gates, con lo que poco más se puede pedir en ese aspecto”. ¿Cómo recordáis la colaboración de Anders Bjöler? ¿Seguís en contacto con él? “Tuvimos la oportunidad de entrar en contacto con él por el tema del tributo, así como con Tompa, el cantante de At The Gates. A raíz de eso, y manteniendo cierto contacto, le planteamos la posibilidad de aportar un solo en ‘Unequivocal Evil Excitement’ de nuestro anterior Near Death Experience, y aceptó gustosamente”.

UN LUGAR EN EL MUNDO LA VIDA SIGUE E

l pasado 9 de mayo Title Fight conseguían llenar hasta los topes el Ateneu Popular de Nou Barris de Barcelona demostrando que fuera de los circuitos convencionales y que con más ilusión que dinero, también se pueden hacer grandes cosas. El concierto, en el que también participaron bandas locales como Col.lapse, Crim, Appraise y Constrict, no se embarcaba dentro de la típica gira europea que los grupos americanos suelen hacer, sino que era consecuencia de motivos muchos más personales. Quizá por ello el concierto fue especialmente emotivo y fue un placer ver la cantidad de gente que coreaba como si le fuera la vida en ello los temas de Shed y Floral Green, sus dos álbumes publicados en 2011 y 2012, a los que hay que añadir su última referencia, el EP Spring Songs de noviembre de 2013. Diez años

antes Ned Russin (voz, bajo) y su hermano gemelo Ben (batería) empezaron el grupo siendo unos críos junto a Jamie Rhoden (voz, guitarra), y un par de años más tarde incorporarían a Shane Moran (guitarra). Desde sus inicios punk pop, la banda de Pennsylvania ha ido evolucionando hacia un post hardcore que podríamos situar a medio camino entre Jawbreaker y unos Hot Water Music universitarios, y que les ha llevado a ser altamente reconocidos por compañeros de generación como Touché Amoré o Balance And Composure. Pero por lo que nos contaba Ned unas horas antes de subirse al escenario, todo esto no ha servido todavía para resolver algunas cuestiones más existenciales. Los problemas crecen... En esta visita a Europa sólo habéis tocado en Antwerp,

Bélgica, y ahora en Barcelona. Es un viaje muy largo sólo para dar dos shows… NED RUSSIN “Básicamente lo que pasa es que en noviembre dimos un concierto en nuestra ciudad para celebrar nuestro décimo aniversario y la salida de nuestro EP con Revelation Records e invitamos a nuestros amigos de Justice para que volaran desde Bélgica para estar con nosotros, dieron un concierto y luego regresaron. Y ahora ellos con su nueva banda Not Afraid iban a dar un show en Antwerp y nos invitaron a nosotros. Además, mi hermano Ben ha hecho muchos amigos en España y su novia vive en Barcelona, así que decidimos también tocar aquí. Sólo lo habíamos hecho una vez y hacía mucho tiempo, así que pudimos atar las dos cosas y decidimos hacer el viaje”.

Title Fight ejemplifican como nadie esa nueva corriente del hardcore

con influencias del indie rock noventero que se ha postulado como una alternativa al metalcore más corporativo. Una visita relámpago a Barcelona nos permitió conocerles un poco mejor. Texto: JORDI MEYA Fotos: Eric Altimis

Quería preguntarte sobre el EP Spring Songs. ¿Son temas que grabasteis al mismo tiempo que Floral Green o lo hicisteis después? “No, fue una sesión diferente. Teníamos dos temas que quedaron fuera de Foral Green en los que seguimos trabajando después. Y al cabo de un tiempo teníamos como ocho temas nuevos. La gente de Revelation nos propuso hacer un 7” y dijimos que sí porque es mi sello favorito. Fue muy surrealista. Al final acabamos escogiendo cuatro temas de esos ocho, pero ninguno de ellos es de los sobrantes de Floral Green. Son todos nuevos. Fue un proceso muy sencillo en comparación a los dos últimos álbumes. Lo hicimos todo en dos semanas y nos fuimos a casa (risas)”.

sar en el próximo disco? “A pensar sí, pero no tengo nada concreto que decir. El objetivo es que salga antes de finales de año. Tenemos algo de material, pero ya veremos lo que sale”.

¿Y habéis empezado a pen-

Lo bueno es que todo os está

Las cosas os han ido muy bien desde que sacasteis Floral Green… “Sí, ha sido una locura. Hicimos una gira nada más salir el disco y fue muy divertido. Luego estuvimos en Europa con La Dispute y el año pasado terminamos en Estados Unidos encabezando una gira con Balance And Composure y fue mucho mejor de lo que esperábamos. No sé cómo ocurrió, pero vino muchísima gente. Lo pasamos muy bien. Y todavía seguimos girando”.

sucediendo exclusivamente por la música. No sois una banda con imagen, ni tampoco sois polémicos o hacéis nada llamativo… ¿Crees que se puede tener éxito actuando al margen? “Me gustaría pensar que sí, pero no lo sé seguro. La verdad es que tampoco tengo demasiado contacto con lo que ocurre fuera de esta escena. No escucho otra música o voy a conciertos fuera de mi mundo. No sé lo que hace otra gente. Al menos en nuestros conciertos sí que veo que viene más gente, y más gente distinta. Si somos una banda que transmite esa idea entonces soy muy feliz, pero tampoco es nuestro objetivo. Nuestro objetivo es hacer música y dar conciertos. No pedimos nada más. Quizá somos un poco conservadores, pero no nos interesa demasiado 59

TITLE FIGHT

trabajo, quizá tendría un negocio… Ahora no sabemos qué hacer. ¿Intentamos tocar para más gente? Si tuviera un negocio sabría que tendría que hacerlo crecer o si estuviera en una empresa, intentaría promocionarme, pero... ¿Con la banda? ¿Cómo se hace eso?”.

salir de nuestra zona de confort, ni hacer demasiado caso a la prensa. Y por ahora ha funcionado (risas). Sobre el papel no debería, pero lo ha hecho”. Las letras de Floral Green eran muy reflexivas, incluso diría que mostraban dudas sobre si estar en un grupo tenía sentido para ti. ¿Todavía piensas lo mismo? “Sí, sí. Escribimos ese disco hace dos años y las letras salieron de un ataque de sinceridad. Son preguntas que todavía me planteo y para las cuales todavía no tengo respuesta. Para mí es importante encontrar mi lugar en el mundo, saber dónde puedo encajar con mi manera de pensar, la manera en la que me eduqué, la música que hago… Tengo cosas sólidas en mi vida, una banda que es seria, una relación seria, tengo un hogar, pero al mismo tiempo, todavía no tengo una respuesta seria a quién soy y cuál es mi lugar en el mundo”. ¿Pero qué crees que debería pasarte para que lo supieras con certeza? “¡No lo sé! Te aseguro que me encantaría tener respuesta a todo eso. 60

Preferiría no tener que cantar sobre esto, ni pensar sobre ello. Me imagino que llegará un momento en el que sienta que estoy haciendo lo que debo, que soy la persona que quiero ser, entonces igual me sienta satisfecho. Pero es duro. En un mundo con tantas opciones es difícil pensar que no te estás perdiendo algo que quizá es más importante que tocar en un grupo. A veces pienso que todo esto es una fantasía y que sólo es producto de mi imaginación. Quizá un día me despierte y tenga una respuesta para todo esto, pero por ahora estoy lejos”. ¿Crees que quizá el hecho de que el grupo haya ido creciendo sin marcaros objetivos, casi por accidente, hace que sea más difícil aceptar o valorar lo que habéis conseguido? “Es posible. Este grupo es todo lo que hacemos. No trabajamos en otras cosas. Yo ocasionalmente hago algunas cosas para ganar algo de dinero, pero no es nada serio. El grupo ha pasado de ser un hobby a ser nuestra profesión. Si no estuviera en el grupo, me hubiera graduado, y seguiría estudiando o tendría un

Pero creo que cualquier persona con 20 años puede tener las mismas dudas que tú, y más hoy en día. Si trabajases para una empresa estarías pensando ‘¿Me van a echar? ¿Me van a bajar el sueldo? ¿Va a cerrar la empresa?’... “Sí, pero creo que tienes el camino mucho más marcado. En la música todo es mucho más arbitrario. Nosotros llevamos diez años tocando y nos va bien, no me quejo, pero otro grupo puede llevar tocando un día, sube un vídeo online, lo ven un millón de personas y se convierte en la nueva revelación. Es muy difícil pensar en cómo hacer crecer tu banda sin ir contra tus principios, sin convertirnos en personas que no queremos, y seguir haciendo lo que queremos. Es muy duro. Mucho más de lo que pensaba hace cinco años. Es un negocio muy extraño”. Vosotros empezasteis el grupo siendo muy jóvenes. Normalmente tus gustos musicales entre los 14 y los 20 años pueden cambiar. ¿Cómo dirías que eso se ha dejado notar en Title Fight? ¿Crees que es posible que acabéis haciendo música que nada tenga que ver con lo que hacíais al principio?

“Creo que es muy posible. Cuando empezamos con 13 años queríamos ser una copia de Blink-182. Eso es lo que queríamos. Pero luego crecimos y pasé de eso. Somos la misma gente, pero la música ya no tiene nada que ver con eso. Así que de aquí a diez años quizá haya pasado lo mismo. Seguimos escuchando nueva música y sintiéndonos inspirados por ella. Supongo que ahora soy un adulto y tengo las cosas más claras, no creo que lo que me gusta ahora deje de gustarme, pero sí es posible que el sonido del grupo siga cambiando. Incluso podría ser distinto de aquí a dos años. No queremos ser un grupo que se encasille en función de lo que la gente espera”. Como oyente, ¿cómo fue esa transición del pop punk al indie rock, emo y otros estilos? “Tengo un hermano mayor, tiene siete años más que yo, fue quien me lo enseñó todo. Me pasaba CDs y yo me hacía cintas y luego lo escuchaba en mi habitación. A través de eso empecé a ir a conciertos, allí conocía a otra gente que me descubrió a otras bandas, y así fue como me metí en la música. Fue muy natural. Me siento muy afortunado de tener a mi hermano porque me ahorré mucha mierda. Tengo muchos amigos que dicen ‘antes me gustaban Linkin Park o me gustaban Limp Bizkit’. Yo fui directo a Minor Threat, así que me siento muy afortunado”. Una de las bandas a la que me recordáis mucho es Jawbreaker. ¿Fueron importantes para ti? “Muchísimo. Descubrí a Jawbreaker cuando iba al instituto. Siempre es un

periodo muy extraño. Sentía que no encajaba, no era nada popular, me odiaba a mí mismo… Fue cuando leí El Guardián Entre El Centeno, ya sabes, era el típico cliché de un adolescente incomprendido. Y cuando descubrí a Jawbreaker todo cobró sentido. Las letras de Blake (Schwarzenbach) hablaban sobre lo que yo sentía, y la música estaba tan bien escrita... Todavía hoy me transporta a esa época. Dear You es uno de los mejores discos de la historia. Y también soy fan de Jets To Brazil. Me encanta todo lo que hace Blake, y los otros tíos también. Creo que tuvieron un gran impacto en nuestra música”. Siendo un marginado en el instituto, ¿cómo te sientes ahora subiendo a un escenario y siendo popular? “No me gusta. Es muy extraño. Tengo una identidad muy insegura y se me hace muy raro haber pasado de sentirme marginado a que ahora haya gente que no conozco diciéndome que me quieren o que soy muy importante. Para mí es como una mentira. No quiero sentir que tengo un poder para influenciar a la gente. No me siento alguien importante. Esta noche vamos a tocar aquí y seguro que hay gente que se siente muy agradecida de que lo hagamos, y yo también lo estoy, pero luego cogeré el metro y nadie sabrá quien

soy. O incluso en mi ciudad puedo ir al supermercado y soy un don nadie. Es muy raro porque luego voy a una ciudad y hay entre 200 y mil personas esperándome. Es una vida extraña y me jode la cabeza (risas)”.

BLACK ANVIL

Salidos de Brooklyn, el barrio más hipster de Nueva York, y con un pasado en bandas hardcore como Kill Your Idols y None More Black, Black Anvil no lo han tenido fácil para ganarse la credibilidad dentro de la escena black metal. Pero con su tercer disco, Hail Death, todo esto debería empezar a cambiar. Texto: JORDI MEYA Fotos: DR

BLACK ANVIL

quedarme en casa y componer. Tuve que aprender a estar bien conmigo mismo y no depender de estar con otra gente. Disfruté mucho de mi soledad y de la banda. Todos nos concentramos mucho más en el grupo. Me siento orgulloso de lo que creamos”.

unque Black Anvil nunca han actuado en España, su cantante y bajista tiene un gran recuerdo de nuestro país de cuando realizó una gira con Madball en la que estuvo sustituyendo a su bajista. “Tener a un cantante como Freddy (Cricien), que habla español, ayuda mucho”, reconoce. Es con sus referencias a Madball, Agnostic Front o Sick Of It All que uno sabe que no está hablando con un músico de black metal al uso. Delaney y sus dos compañeros Gary Bennett (guitarra) y Raep Glicken (batería) –a los que hay que sumar desde hace dos años al guitarrista Sos- estuvieron toda una década formando parte de Kill Your Idols, con los que publicaron tres discos. Al disolverse en 2007, el trío empezó un nuevo proyecto con el que dar salida a su pasión por el metal. Con influencias que abarcan desde Hellhammer a Metallica, pasando por Celtic Frost o Kiss, Black Anvil no lo han tenido fácil para abrirse camino entre quienes les ven como a unos intrusos en una escena que no es la suya. Sin embargo, su perseverancia y el aval de Watain o Marduk, que se 64

los han llevado de gira, les han llevado a, poco a poco, ir validando su propuesta. La última parada en su continua evolución culmina en su reciente Hail Death (Relapse), para el que el grupo reclutó los servicios de alguien también ajeno al mundo black: J. Robbins (Jawbox, Goverment Issue). Tirar por el camino fácil no es una opción. ¿Ves este disco como una evolución de lo que habéis hecho hasta ahora o como un nuevo comienzo? PAUL DELANEY “Lo veo como una evolución y al mismo tiempo, como un nuevo comienzo. Creo que hemos pensado fuera de nuestros parámetros y hemos avanzado mucho. Pusimos a prueba nuestra creatividad”. En la nota de prensa se dice que escribiste el disco en un momento difícil de tu vida. ¿Qué te ocurrió? “Creo que se ha exagerado un poco con eso (risas). Todos tuvimos nuestros problemas. Entre nosotros, me separé, y tuve que mudarme dos veces de apartamento. Pero más que salir a quemarlo todo, tuve ganas de

Bueno, las rupturas han inspirado grandes discos a lo largo de la historia… “Exactamente. Pero el álbum no está inspirado en eso... Sentí un vacío y lo llené con esto, pero las letras no hablan de ninguna de esas circunstancias”. No es un disco emo… “Bueno, lo es, es muy emocional, pero no es un disco emo (risas)”. Lo que sí es, es un disco con más arreglos y más rockero también. ¿Dedicasteis más tiempo a pulir los detalles de cada canción? “En cierta manera sí, pero también nos dejamos llevar mucho. Hicimos maquetas para cuatro o cinco temas, pero luego la vida se interpuso, Gary tuvo un hijo, y no pudimos dedicar mucho tiempo al resto. Pero el hecho de poder volver a escuchar lo que habíamos maquetado inicialmente y darle unas vueltas marcó la diferencia. Componemos bastante rápido, pero esta vez tuvimos meses para pensar más. Había temas que necesitaban sonar más grandes y otros que necesitaban simplificarse”. ¿Son las canciones, el álbum, incluso la banda, tu visión personal, o dirías que es fruto de un trabajo colectivo? “Es un trabajo de grupo, pero desde

“Black Anvil es un el primer día ha sido mi visión. Soy el tirano, todos lo saben (risas). Pero sin el resto, no valgo para nada. Así que por mucho que mi mente sea el motor, ni de lejos podría tocar como lo hacen ellos. Cuando escucho cómo Gary toca la guitarra, ni siquiera pienso en que yo he escrito el riff porque hace que suene mil veces mejor. Además, muchas veces cambiamos los instrumentos. En algunas maquetas que nos mandamos yo toco la batería, Raeph es el que canta, Gary toca la guitarra… Somos un equipo, pero como te decía, yo soy el tirano y lo controlo todo desde arriba (risas)”. Gracias a la tecnología, cada vez es más frecuente encontrarse con bandas que ni siquiera viven en la misma ciudad o región. ¿Crees que se está perdiendo el arte de quedar en el local, ensayar y crear juntos? ¿O no lo ves como algo importante? “Tienes razón, cada vez pasa más. Tengo amigos en bandas que viven en ciudades diferentes y son capaces de crear discos cojonudos. Suenan súper compactos y siempre me pregunto cómo lo hacen. Los tíos de Sick Of It All, por ejemplo. Lo hacen todo por mail, pero el resultado final siempre es genial. O Madball es lo mismo. A mí me encanta quedar una o dos veces a la semana y ensayar todos juntos. Para mí es importante porque es divertido. Es genial estar con tus hermanos y hacer música”. Supongo que también tiene que ver que, cuando una banda gira mucho, lo último que quiere es ir a un local de

trabajo de grupo, pero desde el primer día ha sido mi visión. Soy el tirano, todos lo saben (risas). Pero sin el resto, no valgo para nada” PAUL DELANEY

ensayo… “Eso y que, a medida que te haces mayor y tienes familia, también quieres pasar tiempo con ellos. Pero también hay muchos chavales jóvenes que dominan la tecnología de una manera bestial. He escuchado demos hechas en habitaciones que suenan como un disco profesional... Pero cuando yo intento hacerlo, suena horrible (risas)”. Me sorprendió mucho que J. Robbins produjera el disco. Debe de ser la primera banda de black metal con la que trabaja... ¿Vino la conexión por tu pasado punk? “Sí, hice con él un disco de None More Black en 2007. Era una banda punk, pero muy rock’n’roll. Siempre lo recordaré porque la grabación fue muy bien y aprendí mucho. Tiene mucho talento. En un principio íbamos a ir a grabar a Suecia con Devo Andersson de Marduk, pero luego ocurrió lo que te he contado antes y era imposible dejar el país para el tiempo que necesitábamos. Todavía me fastidia porque tuvimos muy buen rollo con él y hubiese sido importante, pero lo haremos para otro álbum. Una vez decidimos grabar aquí fue en el jodido J. Robbins en quien pensé. También fue cuando empezamos, puesto que

el disco sería un poco más rock’n’roll, y sabía que podía hacernos sonar como yo lo imaginaba en mi cabeza”. Y además, tener a alguien ajeno a este estilo puede aportar mucha frescura. Muchos productores de metal parecen ir a piñón fijo. “Sí. Teníamos la posibilidad de trabajar con algunos grandes nombres, pero sabíamos que acabaríamos sonando como otros grupos y no queríamos. J. era el tío”. ¿Cómo crees que tu pasado punk y hardcore influencia a Black Anvil? “No es una pregunta que intente evitar, pero intento separarnos del hardcore. Pero has planteado bien la pregunta y te contestaré (risas). Creo que la influencia principal es que somos una banda con los pies en el suelo gracias a pasar meses en una furgoneta, durmiendo en los suelos de la gente, sacrificándolo todo por la música… Hemos hecho amigos por todo el mundo, de todas las escenas. Hemos tocado con Exhumed en Arizona. Mucha gente no ve una conexión, pero para mí está ahí. Creo que tenemos la piel dura no sólo por el hardcore, sino también por ser de Nueva York. No éramos una mierda de banda hardcore suave. Crecimos con Agnostic Front (risas). Raeph fue el que se metió en el metal antes porque es el mayor, vio a Mercyful Fate y todo eso. Yo me metí en el punk por Metallica. Creo que el hardcore nos llevó alrededor del mundo y ahora estamos centrados en lo que siempre nos ha gustado. No es como si hubiéramos decidido de golpe 65

“No es que quiera crearme enemigos, pero desde luego este grupo no está para hacer amigos y tomarse cervezas con otros músicos” PAUL DELANEY

hacer una banda de metal, siempre hemos sido así. Llevo una camiseta de Venom (risas). Eso no es que me haga auténtico instantáneamente, pero quien nos conoce sabe que para nosotros ésta fue una evolución muy natural”. Nueva York tiene una gran escena musical, pero en lo que a black metal se refiere… “Es inexistente (risas). Hay bares donde va gente guay, pero no existe una escena o una comunidad black metal. No quiero hablar mierda de amigos o aliados, pero casi prefiero que sea así y ser nuestra propia entidad. No es que quiera crearme enemigos, pero desde luego este grupo no está para hacer amigos y tomarse cervezas con otros músicos. Pero en Nueva York hay bandas que molan, como Tombs, aunque no hagan black metal. Tenemos una gran relación con ellos. Mike, su cantante, es muy amigo nuestro”. Hablando de amigos, habéis hecho varias giras con Watain. 66

Girar con ellos tiene que ser toda una experiencia. “Sí, lo es (risas). Pero está bien, nos entendemos con ellos. A veces no te das cuenta y de golpe a alguien le han dado un puñetazo (risas). En el fondo son tíos majos de Suecia, pero tienen ese lado peligroso. A pesar de su acento crecieron de una manera muy parecida a la nuestra. Estuve en el concierto que dieron en su ciudad, Uppsala, y nada más bajar del tren el rollo de la estación me recordó un montón a Nueva York. Había un tío enorme con un jersei de hockey y un mullet, unos chavales rompiendo una cabina telefónica… Así que entendí de dónde les venía todo (risas). Son auténticos. Siento lo mismo respecto a ellos que respecto a nuestros amigos Madball. Son lo más auténtico que puedas encontrarte”. ¿Qué te parece su último disco, The Wild Hunt? Ha confundido mucho a sus fans. “Así es. Creo que las expectativas eran muy altas. A mí me encanta

el disco. No sé lo que esperaba la gente, pero es un disco loco de Watain. Hay un montón de riffs buenísimos… Hay mierda caótica… Creo que han arriesgado. Quizá es demasiado para la gente. Para mí es un verdadero álbum de black metal y quizá si no ha gustado es porque mucha gente en realidad no son fans, sólo dicen que molan porque queda bien”. Siendo de Nueva York, ¿qué opinas del acercamiento del público hipster al black metal? ¿El que bandas black estrenen discos en Pitchfork y esas cosas? “Nosotros vamos a estrenarlo en Pitchfork (risas). Es muy raro. Dead Congregation y Eyehategod también estrenaron los discos con ellos. Creo que usar una plataforma como ésa es raro porque no somos cool, pero es una manera de poder llevar nuestra música a las masas. Sé que no vamos a tocar en un festival con Arcade Fire en un futuro cercano, ¿pero lo haría?

¡Claro que sí! Saldríamos ahí y lo destruiríamos todo. He aprendido que no importa con quién toquemos porque somos nosotros. En otoño vamos a hacer una gira con Skeletonwitch que todavía no se ha anunciado. Íbamos a girar con Mayhem, pero al final lo retrasaron hasta el año que viene y nos ofrecieron lo de Skeletonwitch. Mi primera reacción fue en plan ‘Buff…’, pero esa banda llena las salas donde toca y no deberíamos tener ningún problema en tocar con ellos. Si puedo escuchar a Sigur Rós, Townes Van Zandt y una banda de metal extremo en mi iPod, ¿por qué voy a cerrarme a tocar con un grupo aunque no sea mi rollo? Creo que no deberíamos decir ‘no’ a nada. Por ejemplo, sé que mucha gente odia a Deafheaven, pero no tengo una opinión sobre ellos. No los odio pero no soy un fan. Pero, ¿por qué debería odiarlos? Creo que ellos encajan mejor en esa ecuación que nosotros. Quizá porque no son peligrosos. Watain sí lo son. Sé que el hecho de autodenominarnos black metal nos pone en el disparadero en los foros y en otros países, pero para mí el black metal no es sólo un sonido. Hay muchas bandas que quieren sonar black metal, pero para mí las letras son muy importantes para poder considerarte black metal”.

“Soy un gran fan de Furia. Tengo dos discos suyos, aunque soy incapaz de pronunciar sus títulos (risas)”, nos decía en un momento de la entrevista Paul Delaney de Black Anvil. Y casualmente, el grupo polaco era uno de los invitados a la muestra Don’t Panic! We’re From Poland que el ministerio de cultura de Polonia organiza a través del Adam Mickiewicz Institute para dar a conocer a artistas de su país, que recaló un año más en el festival Primavera Sound, y que también contó con un debate sobre la escena metal polaca dentro del Primavera Pro moderado por nuestro compañero Richard Royuela. Su visita nos permitió conocer un poco más a este grupo black formado por Michal ‘Nihil’ Kuzniak (voz, guitarra), Przemyslaw ‘Voldtekt’ (guitarra), Kamil ‘Sars’ Taszalez (bajo) y Grzegorz ‘Namtar’ Cantor (batería) y que ha publicado tres discos, el último de ellos Marzannie, Królowej Polski, de 2012. A pesar de un inglés algo limitado, su líder nos contó algunas cosas interesantes. ¿Cómo habéis llegado aquí? Es raro que una banda de black metal tenga apoyo oficial. MICHAL ‘NIHIL’ KUZNIAK “Sí, es muy raro. No sé por qué estamos aquí. Simplemente nos llamaron y nos dijeron si queríamos venir, y dijimos que sí. Tengo entendido que el director del Primavera Sound nos vio en un festival en Polonia y le gustamos. Creo que fue él quien pidió que nos contactaran”. Antes sólo se hablaba del black metal de Escandinavia, pero Polonia ha logrado hacerse un hueco. “Cuando yo crecí en los 80 ya había una escena black metal en Polonia. Lo que pasa es que la escandinava se hizo más popular por la quema de iglesias. También hubo quemas en Polonia, pero no trascendieron. Para mí las bandas escandinavas eran más importantes, pero también disfrutaba de las polacas”. ¿Crees que Behemoth han sido quienes más han ayudado a la escena polaca a crecer en el mundo? “Sí, sin duda. Gracias a ellos la gente piensa en la escena polaca como algo grande. Cada vez hay más bandas, como nosotros, que salen a tocar a otros países”. ¿Por qué crees que ahora el black metal en general está obteniendo más repercusión? “Porque hoy en día las bandas de metal, musicalmente, tienen mucho nivel. En los 80 y los 90 era más garagero, más mierdoso. Ahora creo que es un estilo a la altura de cualquier otro, por eso tiene cabida en un festival como éste. Aun así, en nuestros conciertos veo el mismo público de siempre, metalheads (risas). Sólo es en festivales cuando veo a gente que no viste de negro (risas), pero a la gente le gusta. No se largan a los cinco minutos. Creo que les resultamos exóticos”. 107

BOB MOULD

BODAS DE PLATA En esta casa nos gusta de vez en cuando ceder el papel de periodista a un músico para que charle con uno de sus héroes. La edición del nuevo álbum Beauty & Ruin de Bob Mould bien merecía repetir la experiencia y por eso le pedimos a Xavi Calvet de Bullitt, de quienES os recomendamos fervorosamente su último trabajo So Many Ways, que hiciera los honores. Éste es el resultado de su charla. Texto: Xavi Calvet (Bullitt) Fotos: DR

uando Bob Mould sacó su primer disco junto a Hüsker Dü, yo todavía no había nacido. Nunca pensé que iba a tener la oportunidad de poder charlar con el creador de Copper Blue, su debut con Sugar, y sin duda uno de mis discos de cabecera. Claro que todo eso era antes de que RockZone me propusieran hacer esta entrevista. Como muchos de vosotros habréis intuido, soy muy fan de este hombre y de sus canciones, así que os podéis imaginar cómo me hallo aquí, en Sant Feliu de Guíxols, sentado en mi

escritorio, al borde del tembleque, esperando una llamada desde la Costa Este. ‘Valor y coraje’, me digo a mí mismo, pero todo se desvanece en el momento en el que Bob me saluda, le cuento que no soy periodista y que estoy muy nervioso, y él me tranquiliza y me da ánimos más que amablemente con sus primeras palabras. Amigos, estoy charlando con un señor. Todo un señor del rock. Beauty & Ruin suena grueso y rocoso, con una energía desbordante y nos devuelve al espíritu de tus primeros discos. En 2012 Silver Age fue mi álbum favorito del año, pero creo sinceramente que éste es incluso mejor que el anterior. Cuéntanos cómo ha llegado, ¿cuál ha sido tu motivación? “En primer lugar, gracias por tus bonitas palabras. Creo que en estos últimos años estoy muy relajado y en paz con la vida, con lo que me rodea, y eso es algo que de

manera ineludible impregna todo lo que vengo haciendo musicalmente. Si bien puede parecer que Beauty & Ruin es un disco que empieza muy lento y oscuro, enseguida se vuelve claramente optimista. Para mí hay cuatro claves esenciales para entender el disco y son exactamente las que han formado parte del proceso vital en el que me encontré en el momento de componerlo, justo después de la muerte de mi padre, el año pasado: amor, reflexión, aceptación y futuro. Por lo demás, tengo un sonido, y cuando lo uso, eso es definitivamente lo que hago. A estas alturas un disco de Bob Mould tiene que sonar a mí y no a mí haciendo de otro, ¿sabes? Es el resultado directo del trabajo que vengo haciendo junto a Jason (Narducy) y Jon (Wurster). Gran parte de lo que es este disco se lo debo a ellos. Hemos tocado poquísimas veces el disco antes de entrar en el estudio, pero llevamos un montón de tiempo interaccionando en los escenarios, viendo cómo el público reacciona a nuestra música, la

BOB MOULD vive y la hace suya, y sobre todo, conociéndonos, eso es vital para cualquier grupo, y nosotros somos definitivamente un grupo”. ¿Así que el proceso os une desde la creación de las canciones? “Bueno, no es exactamente así. Normalmente escribo para mí las ideas y luego las comparto con ellos. Lo que pasó esta vez es que las ideas surgieron de manera natural y muy rápida a partir de la muerte de mi padre, así que intenté capturar ese momento y aprovecharlo de una manera positiva en vez de lamentarme y compadecerme. Trabajamos los tres juntos poco antes de entrar en el estudio. Esta vez unos tres o cuatro días sin descanso, y no creo que llegáramos a tocar las canciones más de diez veces cada una antes de grabarlas. Era más que suficiente. Nos gustó hacerlo así, además de que fue casi inevitable, porque de esta manera las canciones mantienen una cierta frescura una vez grabadas y una especie de incertidumbre hasta que las acabas. Es algo que siempre me ha parecido necesario, la verdad”.

¿Crees que esa inmediatez se refleja en el sonido del disco, que tiene un grado de honestidad muy elevado debido a las circunstancias bajo las que fue elaborado? “(Risas) Siempre he intentado ser lo más honesto posible haciendo obras, que suenen naturales y que no tengan demasiados añadidos. Somos tres y sonamos a trío. Se supone que a estas alturas, después de 22 discos a lo largo de mi carrera, no puedo empezar a jugar a ser otro. Como te decía, he intentado mantenerme fiel a mi sonido, a lo que creo que es mi firma, ni más ni menos. Por supuesto, intentando no repetirme y aceptando los retos como se han ido planteando”. Después de más de 35 años haciendo álbumes, echando la vista atrás y teniendo en cuenta muchas de las adversidades a las que te has sobrepuesto a lo largo de tu vida, ¿crees que hay mucho de tu vida personal en tu música? ¿Has pensado alguna vez que quizás te estabas

exponiendo demasiado? O por el contrario, ¿crees que es mucho mejor hablar con sinceridad, con el corazón en la mano, de las experiencias vividas? “¿Sabes? Yo escribo sobre lo que sé. Sobre las cosas que le pasan a la gente de mi alrededor. De la vida, de las emociones. Observando a otra gente y pensando en todo lo que les ocurre, sobre todo en los malos tiempos. He tenido una vida realmente feliz y me siento afortunado, pero creo que si escribes sobre lo que sabes y lo que sabes es en lo que crees, la gente que te escucha va a creer lo que les cuentas. Antes hablábamos de honestidad; si estoy en un concierto cantando algo en lo que no creo, seguro que la gente que me está viendo tampoco me va a creer. Así de sencilla es para mí la búsqueda de la verdad”. A lo largo de tu carrera te hemos visto colaborar con multitud de bandas y producir a otras tantas, pero tengo especial curiosidad por saber cómo fue grabar ‘Dear Rosemary’ en el último trabajo de Foo Fighters. “Dave (Grohl) y yo nos habíamos cruzado miles de veces en los 90 pero nunca llegamos a conocernos. Un día tocamos juntos en Washington DC y esa noche después del show tuvimos oportunidad de conocernos mutuamente y charlar un buen rato. Durante la conversación, Dave me comentó la posibilidad de que un día colaborara con ellos en una canción y yo le contesté que sí

encantado. Al cabo de unos meses me llamó y me dijo que tenía una canción llamada ‘Dear Rosemary’, y entonces me pidió que le ayudara con la canción. El resto, si has visto el documental de Foo Fighters (efectivamente lo he visto, le digo –ndr.), ahí lo tienes, lo que puedes ver es lo que fue. Desde entones nuestra amistad y colaboración no ha hecho más que ir en aumento hasta el día de hoy”. Y hablando de Dave, él fue uno de los integrantes, junto a otros artistas como No Age, Ryan Adams o Tad Kubler de The Hold Steady, del concierto tributo See A Little Light que recibiste hace un par de años en el Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles. ¿Qué tal sienta ser homenajeado por tus colegas cuando sigues más activo que nunca, girando y haciendo discos que están a la altura de tus mejores obras? “Creo que en realidad fue una de las mejores noches de mi vida. Como músico siempre esperas que algo de lo que hagas le llegue a la gente, pero cuando realmente ves el efecto que esto puede haber tenido en gente más joven que tú, eso es algo que realmente llega a tocarte en lo más profundo de tu ser. Es tu pequeña contribución, tu legado. Ver a un montón de gente a la que amo cantando mis canciones me llegó a ruborizar, pero visto con perspectiva, es el acto más bonito al que he asistido en mi vida. Es una noche en la que pienso muy a menudo y que nunca olvidaré”.

¿Crees que quizás hayas contribuido a crear un sonido, un estilo, que es único? “Bueno, hay un montón de variables en una afirmación así y nunca creí en algo tan absoluto como ser único. Al menos creo que no realmente con algo que haya podido hacer yo solo. Si te refieres quizás a lo que hicimos con Hüsker Dü, ¿puedes llegar a pensar que nosotros hicimos aparecer a los Pixies? ¡Por supuesto que no! ¿Los Pixies escucharon a Hüsker Dü? Por supuesto que sí. Kevin Shields de My Bloody Valentine era, y espero que siga siendo, un gran fan de Sugar, pero todavía soy yo más fan de él. Su disco Loveless me voló la cabeza, literalmente, y a priori puedes pensar que no tiene nada que ver con la música que hago y he hecho, pero en cambio a mí me parece uno de los mejores discos que se han hecho nunca. Lo que intento decirte es que es una evolución constante la que te hace como artista y que siempre es un diálogo a dos bandas. Unas influencian a otras y viceversa. Y todo pasa siempre en un espacio de tiempo concreto en el cual el intercambio suele ser inmediato, pero nunca lo son las cosas que resultarán de ese intercambio. Éstas vienen con el tiempo y ahí si es donde puedes detectar las influencias que todos y cada uno tenemos. Imagina que le cuentas una historia a tu mejor amigo. Éste se la cuenta a otro. Y un día que coincides con éste último, él te vuelve a contar la historia. Aunque conoces la historia, te das cuenta de que no es exactamente igual, algo ha cambiado, pero tú puedes

“Se supone que a estas alturas, después de 22 discos a lo largo de mi carrera, no puedo empezar a jugar a ser otro” seguir perfectamente el hilo porque aun habiendo cambiado algunos detalles, el significado sigue siendo el mismo. Pues así es como creo que evoluciona la música”. Interesante reflexión. Me pasaría el resto de la tarde charlando contigo, pero se nos acaba el tiempo y no quisiera despedirme sin antes preguntarte si os veremos pronto por nuestro país. “Tenemos un viaje a Europa en noviembre, pero será corto, no puedo decir seguro si pasaremos por España, pero el año que viene tenemos planes de girar por Europa extensamente y quizás podemos pasar por algún festival como el Primavera Sound, donde siempre nos han tratado fenomenalmente”. Ha sido un verdadero placer charlar contigo, Bob. Espero poder conocerte en persona algún día y regalarte todos los discos de Bullitt. “El placer ha sido mío, muchísimas gracias por tus preguntas. Que pases una feliz tarde”.

DISCO DEL MES

A From Parts Unknown (EPITAPH) METALCORE

EVERY TIME I DIE

unque por culpa de muchos flequilleros con una sobredosis de tatuajes y Auto-Tune el término ‘metalcore’ se ha ido devaluando como en su momento le pasó al punk pop, al emo o al nu metal, hubo un tiempo en que el género se asociaba a grandes nombres como Converge, Coalesce o Botch. Grupos surgidos del underground que rompieron las barreras entre el hardcore y el metal por puro instinto, sin esperar nada a cambio y que destilaban sinceridad en todo lo que hacían. Every Time I Die no fueron unos revolu-

cionarios como ellos, pero merece ser destacado que surgieron antes del boom del género. Recogieron el legado original y le impregnaron una actitud más gamberra, menos intelectual y, de paso, algunas influencias southern metal. De algún modo se convirtieron en el eslabón intermedio entre la vieja y la nueva escuela, y por eso, aunque cuentan con un buen número de fans, nunca han contado ni con el mismo respeto de sus pioneros, ni tampoco con los fajos de dólares de quienes les sucedieron. Aun así, el grupo de Buffalo ha conseguido labrar-

se una carrera de más de 15 años superando cierta faceta autodestructiva. Para grabar From Parts Unknown, el séptimo de una discografía en la que no se encuentra ni un solo álbum flojo, Every Time I Die tuvieron la feliz idea de recurrir a Kurt Ballou, guitarrista de Converge y productor infalible, y plantarse en su GodCity Studio de Salem, Massachussets, el pasado marzo. “Trabajar con Kurt fue estresante en el buen sentido, como cuando tu padre te viene a ver por primera vez a jugar un partido y tú quieres que se sienta orgu-

lloso”, ha declarado el vocalista Keith Buckley a propósito de la experiencia. Y exactamente eso es lo que transmiten sus doce canciones. Una banda exprimiéndose al límite para impresionar a uno de sus héroes y tocando como si la vida les fuera en ello. No es exagerado decir que se trata del disco más devastador de su carrera, con Jordan Buckley y Andy Williams disparando riffaco tras riffaco, el batería Ryan Leger rompiendo las baquetas en cada golpe y Keith chillando sin respiro. Por lo visto una faringitis le obligó a grabar prácticamente todas las voces en un solo día, y eso se nota en una interpretación llena de urgencia y desesperación. Los temas son cortos y directos, pero suceden tantas cosas, que a

Como viene siendo una tradición en sus discos, From Parts Unknown también cuenta con un par de invitados sorpresa. Si en el pasado han contado con contribuciones de gente como Dallas Green (Alexisonfire), Daryl Palumbo (Glassjaw), Gerard Way (My Chemical Romance) o Pete Wentz (Fall Out Boy), en esta ocasión es el turno de Sean Ingram de Coalesce en ‘Pelican Of The Desert’ y Brian Fallon de The Gaslight Anthem, quien aporta su sello personal en el estribillo melódico de ‘Old Light’. Ésta es realmente curiosa, pues se fusionan de manera totalmente armónica e insospechada los estilos de dos bandas tan distintas. Aunque para sorpresa, la del sexto tema, ‘Moor’. Empieza como una balada sombría

“se trata del disco más devastador de su carrera, con Jordan Buckley y Andy Williams disparando riffaco tras riffaco” menos que le prestes atención ni te enteras de lo que está ocurriendo. Con el típico sonido crudo y abrasivo made in Ballou, las composiciones pueden pasar de un caos controlado casi matemático a un riff sureño con un groove tremendo, de partes gritadas a otras melódicas (las menos), sin que tengas tiempo de asimilarlo. A menudo intuyes que de un mismo tema (‘Decaying With The Boys’, ‘El Dorado’, ‘All Structures Are Unstable’) otros grupos podrían sacar tres o cuatro distintos; sin embargo ellos han preferido vaciarse y darlo todo.

con un piano disonante y un aire espectral a lo Queens Of The Stone Age antes de que entre un riff que te parte en dos. Es esta pieza la que le da al álbum otra dimensión. Un pequeño momento de respiro entre tanta salvajada y que amplifica aún más el vandalismo sonoro del resto de temas. Porque sólo así se puede calificar lo que ofrecen en ‘The Great Secret’ o ‘Idiot’. Justo cuando Every Time I Die corrían el riesgo de empezar a perder fuelle, From Parts Unknown los reivindica como una banda de lo más cafre. JORDI MEYA

críticas

MONUMENTS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Chris Barreto (voz, saxofón), John

Browne (guitarra), Olly Steele (guitarra), Adam Swan (bajo), Mike Malyan (batería, sampler) PRODUCIDO POR: John Browne AFINES A: Periphery, Protest The Hero, Tesseract PÁGINA WEB: www.thisismonuments.com

The Amanuensis (CENTURY MEDIA)

DJENT, METAL PROGRESIVO

n estos años en el que el metal progresivo, y el subgénero djent, están en plena ebullición, muchos grupos han caído en el error de intentar competir exclusivamente en el plano técnico. Enfocar tu música como un ‘a ver quién la tiene más larga’ puede que entretenga a sus creadores, pero no tanto a quienes tienen que escucharles. En su segundo álbum, los británicos Monuments se desmarcan de esta carrera absurda y se han estrujado el cerebro para ofrecer un álbum variado, dinámico y, sobre todo, audible para aquellos que les da bastante igual cuántas digitaciones por segundo son capaces de hacer los instrumentistas. A ello ha

contribuido en especial la incorporación del talentoso vocalista Chris Barretto, antes en Periphery y Ever Forthright, que ha plagado el álbum de buenas melodías y una interpretación admirable en cuanto a la diversidad de registros. A ratos recuerda Lajon Witherspoon de Sevendust, en otros a Mike Patton, y cuando canta en falsete, incluso a Michael Jackson. Además, Barretto también es el responsable de haber escrito la compleja historia de dos personajes, Sam y Sara, inspirado parcialmente en el espiritualismo budista del concepto Samsara (¿Lo pilláis?), la ciencia ficción y el libro Cloud Atlas de David Mitchell. Y para rematar, se desmarca colando el saxofón

en varios pasajes. Todo un fichaje digno de Florentino. Pero naturalmente, Monuments siguen haciendo gala de su virtuosismo instrumental, y quien quiera prestar atención a las virguerías del batería Mike Malyan o a los riffs imposibles del dúo formado por John Browne y Olly Steele, podrá dedicarle las horas que quiera sin aburrirse. Buscando el equilibrio entre el ying y el yang de la técnica y la sensibilidad pop, el grupo ha conseguido crear un trabajo mucho más redondo y compensado que su debut Gnosis, ni que sea por cuatro temazos como ‘I, The Creator’, ‘The Alchemist’, ‘Quasimodo’ o ‘Saga City’. En progresión ascendente. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... CHRIS BARRETO The Amanuensis es un álbum conceptual en el que cada tema es un capítulo. Por lo que sé de cómo está detallada la historia, casi parece el guión de una película de Peter Jackson. “¡Me encantaría que la hiciera! La verdad es que la historia simplemente ocurrió cuando la música ya estaba hecha. Fue casi por casualidad. Siempre había tenido esta idea pero nunca había tenido la confianza para escribirla. Pensé en ello cuando escuché ‘Saga City’, que es una de las últimas que escribimos. Todavía tenía que escribir todas las letras y pensé que era el momento. Quería hacer algo que conectara con mi corazón y mi mente, no que fuera un montón de mierda. Me encanta escribir y en cuanto empezó, fue como una bola de nieve. Al final salió genial”. Siendo tu debut con el grupo, ¿tuviste en cuenta lo que ellos habían hecho antes en Gnosis? “Había escuchado Gnosis como fan,

mucho antes de unirme al grupo. Estaba muy familiarizado con su música, pero la realidad es que yo no sueno para nada como los otros cantantes que habían tenido. Ni que lo intentara sonaría como ellos. Yo tengo mi propia manera de interpretar las cosas, así que intenté respetar lo que habían hecho pero también dejarme espacio para poder ser yo mismo. De otro modo no hubiera sido sincero”. El disco está lleno de melodías. ¿Crees que es tu trabajo ofrecer algo al oyente donde agarrarse dentro de una música tan compleja? “Para ser sincero, lo que intenté fue hacer algo que no hubiera hecho en el pasado. Siempre intento ponerme retos. A medida que me hago mayor, aunque tengo 28 años, tengo más ganas de hacer cosas melódicas. Escucho mucha música clásica y jazz. Todavía me gusta el rock y el metal, pero la verdad es que tiendo a escuchar cosas que armónica-

mente son más complejas. Y al mismo tiempo, también me encanta Michael Jackson. Era uno de los mejores, ya no como vocalista, sino como creador de melodías y armonías. Así que para mí el reto era intentar lograr algo parecido a eso. Algo que me gustaría escuchar y a la vez, sorprender a la gente”. También tocas el saxo. ¿Es muy complicado integrar un instrumento así en el contexto de una banda de metal? “Pues no es tan difícil como la gente pueda pensar. Sólo se trata de intentar encontrar el sentimiento que tiene la música y el ritmo. Si consigues encontrarlo, entonces puedes tocar cualquier instrumento. Al fin y al cabo, en la música sólo hay doce notas y se han usado durante miles de años. Eso es con lo que tienes que trabajar. Si creo que en una parte puede quedar bien el saxo, pues lo meto. Lo más importante es tener imaginación y no tener miedo”. (JORDI MEYA)

cr í tica s

LINKIN PARK

The Hunting Party (WARNER) NU METAL

arto de sintetizadores? ¿De ritmos pachangueros? ¿De sus colaboraciones con Steve Aoki? Si es así, el sexto disco de Linkin Park es justo lo que necesitas. En él, los californianos han vuelto a descubrir que sus canciones funcionan mejor cuando le aplican un punto de agresividad y suben el volumen de sus guitarras. The Hunting Party no es Hybryd Theory, ni Meteora, pero quienes echaran de menos escuchar riffs potentes y algunos estribillos con gancho, aquí los encontrarán.

‘Keys To The Kingdom’ marca el tono del álbum con un Chester Bennington desganitándose y Mike Shinoda rapeando con fuerza, y en temas como, ‘Guilty All The Same’, ‘War’ o ‘A Line In The Sand’ vuelven a sonar como una banda de verdad. De entre las ya conocidas colaboraciones (Page Hamilton, Tom Morello, Rakim) la más curiosa es la de Daron Malakian en ‘Rebellion’, quien logra que Linkin Park suenen más cerca de System Of A Down que nunca. También destacables son las más épicas ‘Mark The Graves’ o ‘Wasteland’, que sirven de contrapunto a sus clásicos medio tiempos para la radio como ‘Until It’s Gone’ o ‘Final Masquerade’. Siempre nos quedará la duda de si Linkin Park han vuelto a hacer un disco guitarrero porque cada vez recibían más palos con sus incursiones en la electrónica o porque realmente les apetecía. En cualquier caso, si The Hunting Party sirve para que algunos de sus seguidores se reconcilien con ellos, puede darse por buena su apuesta. DAVID GARCELL

ABORTED

The Necrotic Manifesto (CENTURY MEDIA) BRUTAL DEATH METAL

l feliz reencuentro con su mejor versión que significó su anterior Global Flatline les ha servido a Aborted para amplificar todo lo bueno que ofreció esa obra en The Necrotic Manifesto. Inspirándose en el sobreexplotado Necronomicón, el líder y cantante Sven ‘Svencho’ de Caluwé ha encontrado un filón para sus letras gores, purulentas y depravadas, y así, pronto, con ‘Necrotic Manifesto’, ‘An Enumeration Of Cadavers’, ‘The Davidian Deceit’ o una ‘Your Entitlement Means Nothing’ con la

colaboración de Vincent Benett de The Acacia Strain vas a ser vapuleado con un castañazo macabro que no cesa. Cambiarlo todo para que no cambie nada, ése es el tópico que podría explicar cómo las entradas de Danny Tunker y Mendel Bij de Leij a las guitarras y la vuelta del bajista J.B. van der Wal en 2012 devolvieron el mejor nivel a los belgas, el de trabajos como Goremageddon, por ejemplo… Y ya que estamos, si el responsable del sonido de éste y de su último disco fue Jacob Hansen, ¿para qué buscar más? Dando su clásico toque grind a ‘Coffin Upon Coffin’ o con monstruosidades como ‘Chronicles Of Detruncation’, ‘Sade & Libertine Lunacy’ o ‘Cenobites’ vas a disfrutar como si te encerraran a solas en una habitación con un machete y tu peor enemigo. ¡Sobre todo, no te pierdas la aparición estelar de nuestro Phlegeton de Wormed en ‘Excremental Veracity’! Sádico, técnico, redondo, maníaco y espectacular. PAU NAVARRA

CHEAP GIRLS

Famous Graves (XTRA MILE RECORDINGS) ROCK

Disfruta de un consumo responsable 35ª

i pusiéramos todas las canciones que han ido grabando Cheap Girls a lo largo de sus cuatro álbumes, las agitáramos y luego las distribuyéramos aleatoriamente, seguramente no notaríamos la diferencia entre los temas de un disco y de otro. En definitiva, que todos los álbumes del trío de Michigan suenan muy parecidos, y da igual que uno lo produzca Laura Jane Grace de Against Me! -como hizo en su anterior Giant Orange- como que lo hagan ellos mismos, caso de este Furious Graves. Pero el milagro reside en que las obras de Cheap Girls tienen ese ‘algo’ especial que hace que se aguanten por ellos mismos, y que la fórmula siga funcionando tan bien como el primer día. Los motivos pueden ser varios, desde esa personal

voz nasal de Ian Graham, esa imagen de chicos poco populares del instituto que hace que te encariñes de ellos, unas influencias perfectamente escogidas –desde Replacements a Jawbox pasando por Superchunck, The Smithereens, Smoking Popes o Neil Young, como dejan bien claro en la redonda ‘Knock Me Over’-, o porque son capaces de hacer canciones como la copa de un pino. Seguramente, en su honestidad de no querer ir de nada y tan sólo centrarse en presentar la mejor colección de temas posible es donde está su mojo. Visto el panorama, dudo que un día vengan con un trabajo que nos sorprenda, pero mientras sean capaces de mantener el nivel demostrado hasta el momento, todo irá más que bien. RICHARD ROYUELA

cr í ticas

HELLYEAH

Blood For Blood (ELEVEN SEVEN MUSIC)

GROOVE METAL

on todos mis respetos, no debo ser el único que se acercó a Hellyeah sólo por ser la nueva banda de Vinnie Paul tras la trágica disolución de Damageplan. A la mayoría de metalheads de este país las carreras del cantante Chad Gray con Mudvayne o del guitarra Tom Maxwell con Nothingface nos han marcado igual que las películas de Marujita Díaz, así que, para muchos, el exPantera sigue siendo el gran atractivo de esta formación. Lo que no cuadraba eran unos resultados artísticos tan ramplones, aunque éstos hayan ido en línea ascendente hasta llegar a Blood For Blood, su cuarta obra ya. Efectivamente, aquí los vaqueros al fin se dejan de chorradas y, aunque entregan dos semibaladas empalagosamente yanquis

BLITZ KIDS

The Good Youth (RED BULL)

POP PUNK

os jóvenes habituales del Blitz, el club londinense de moda en los años 80, eran en su mayoría estudiantes de moda. Según cuentan, y hay documentos gráficos impagables, la pista de baile se convertía en un improvisado desfile cada fin de semana con outfits barrocos en la onda romántica y maquillajes imposibles. Entre los Blitz Kids ilustres figuran personajes como Boy George de Culture Club y los Spandau Ballet, entre muchos otros. Merece la pena explicar esto para poner en contexto el nombre

como ‘Moth’ y ‘Hush’, en general el material presentado es más que apto para el noble arte del headbanging. La primera ‘Sangre Por Sangre (Blood For Blood)’ es uno de esos temas que de tan sencillo atrapa, uno de los cortes con más gancho que han logrado. ‘Cross To Bier (Cradle Of Bones)’ te pone bastante burro, y Gray, como en todo el álbum, lo borda en las voces. ‘Demons In The Dirt’, ‘DMF’, ‘Gift’ o

‘Soul Killer’ rockean, vaya si lo hacen, pero la que merece un alto es ‘Say When’. Vinnie Paul saca a relucir sus galones tras los parches y, así, firman el tema más extremo que les conocemos. Es curioso, ya que en un campo tan universal como es hoy en día el rock, un álbum como éste sólo puede publicarlo un combo tan genuinamente americano como Hellyeah. Simplemente mola.

de los autores de The Good Youth, Blitz Kids, un cuarteto británico de nuevo cuño entre el pop punk y el indie ultraproducido. Cualquier parecido con la corriente neoromántica que sugiere su nombre es pura coincidencia. ¿Subcultura? Ellos tiran de mainstream, de forma tan legítima como descarada. Deftones, Thrice e Incubus figuran entre sus máximas influencias, y algo de esto asomaba en sus dos primeras referencias, editadas por Small Town Records y Hassle. Sin embargo, en el presente trabajo, producido en Los Ángeles con John Feldmann, la banda parece más

preocupada por replicar a You Me At Six, All Time Low, We The Kings, Kids In Glass Houses y afines. The Good Youth es un ataque directo a las listas. Salió en enero y ya cuenta con media docena de videoclips. El tiempo dirá, pero a su favor tienen un amplio abanico de recursos: coros memorables para llenar estadios (‘All I Want Is Everthing’), ritmos bailables y algo de electrónica (‘Run For Cover’), punteos de guitarra modernetes (el de ‘Sometimes’ lo toman prestado de Franz Ferdinand directamente) y baladones (‘Long Road’).

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

BRODY DALLE Diploid Love

(QUEEN OF HEARTS/CAROLINE/MUSIC AS USUAL)

ROCK ALTERNATIVO

uando el nombre de Brody Dalle surge, uno no puede evitar recordarla como líder de The Distillers. Más de una década después y tras su experiencia con Spinnerette, la australiana está asentada y equilibrada, feliz con su faceta como madre y esposa, y ya no necesita expresar disconformidad o descontento a través de su música. La historia ha cambiado, Dalle prefiere experimentar, y tras un largo hiato presenta su debut en solitario, en el que empezó a trabajar hace cinco años con su amigo Alain Johannes. Diploid Love cuenta con colaboraciones de

la talla de su amiga Shirley Manson, con quien comparte tanto estilo como un registro de melodías bastante similar, Emily Kokal de Warpaint, o Nick Valensi de The Strokes. El resultado, aunque no del todo satisfactorio, tampoco es malo, pero sin duda a la primera conclusión que uno puede llegar en las primeras escuchas es que dejando aparte temas más contundentes como ‘Rate Race’, que abre el disco y que tiene un regusto a la banda de su marido, ‘Underworld’, que es puro punk, o ‘Blood In Gutters’, faltan composiciones con gancho, y se echa de menos algo de crudeza y suciedad en el sonido. El efecto que produce Diploid Love es que comienza con fuerza, pero a partir de ‘Dressed In Dreams’ va perdiendo fuelle. Y aunque ‘I Don’t Need Your Love’ pueda recrear una atmósfera cargada de sensualidad y su tono vaya elevándose hasta un clímax, al final no termina de atrapar. Queda pendiente su puesta en escena, y para el futuro debería definir y remarcar más su estilo. TOI BROWNSTONE

cr í tic a s

TOKYO POLICE CLUB Forcefield (MEMPHIS INDUSTRIES) INDIE ROCK

acía cuatro años que Tokyo Police Club no editaban álbum, y en este tiempo, es obvio que algunas cosas han cambiado. No, no es que David Monk, Graham Wright, Josh Hoop y Greg Alsop se hayan pasado al heavy, la electrónica o a la música experimental. Los canadienses siguen siendo una banda de guitarras y melodías con las estructuras arquetípicas del indie rock, pero seguramente han perdido fiereza y se han domesticado algo. Quizás la producción de Doug

Bohem (Mylie Cyrus, Fall Out Boy, Girls, Rancid, Dr. Dog…) tenga algo que ver. La sorpresa inicial es la obertura con ‘Argentina (Parts I, II And III)’, un tema de 9 minutos que es casi como una canción triple de giros diversos, y que acaba ocupando una tercera parte del total del disco. ‘Hot Tonight’ es seguramente la canción más reconocible bajo los parámetros habituales de la banda, con amable melodía pegadiza de anuncio de televisión, rematada por los correspondientes ‘uh, uh, uhs’ coreables en conciertos y discotecas indie. Temas como ‘Gonna Be Ready’, ‘Tunnel Vision’ o ‘Miserable’ tienen más garra y electricidad, mientras otros como los finales ‘Through The Wire’ o ‘Feel The Effect’ bajan las revoluciones. En conjunto, unos y otros acaban dando como resultado, bajo mi punto de vista, un disco algo irregular y con carencia nerviosa; un álbum de escucha agradable, no hay duda, pero sin llegar a memorable. IGNASI TRAPERO

VALLENFYRE Splinters

(CENTURY MEDIA) DEATH METAL

allenfyre son ahora mismo una de las expresiones más puras de lo que siempre debería ser el death metal. Encima, trasladado a esos deliciosos finales de los 80 y principios de los 90, donde la mugrienta frontera con el doom aún no estaba del todo definida en combos como Asphyx, Autopsy o Bolt Thrower. La monstruosa distorsión con la que te atacan, el depravado ruido del que nutren sus composiciones, el monumental vozarrón con el que Greg Mackintosh de Paradise Lost sepulta sus temas… Todo aquí es una gigantesca

felación para el aficionado al death de toda la vida, una celebración en toda regla de cuando, por supuesto, todo era mejor. Si el debut A Fragile King ya nos dejó acojonados por el nivelazo que exhibía, Splinters le sigue muy de cerca. Acople en ‘Scabs’, una guitarra destartalada de Hamish Glencross (ahora exMy Dying Bride) degradándote a gusano con un punteado, y hala, matraca cavernícola con el bajista Scoot de Doom y el batería Adrian Erlandsson (At The Gates, Paradise Lost, The Haunted) a los comandos rítmicos. Su abominable visión del death más rudimentario en ‘Instinct Slaughter’, ‘Savages Arise’, ‘The Wolves Of Sin’ o las salvajes ‘Cattle’ y ‘Thirst For Extinction’ es como para erigirles una estatua en Halifax, pero es cuando descienden a los más recónditos infiernos de la lentitud con ‘Bereft’, ‘Aghast’ o ‘Splinters’ que me conquistan definitivamente. Asusta que en algún momento se te pase por la cabeza que ojalá Vallenfyre se convirtiera en su banda a tiempo completo. PAU NAVARRA

EAT THE GUN

Stripped To The Bone (SPV) HARD ROCK

e de decir que me tengo que descubrir ante estos alemanes. La facilidad que tienen para construir hits en potencia es proporcional a su enorme habilidad para fusilar y copiar elementos de otras bandas y, eso, amigos, no ha de ser fácil. Que suenen comerciales y limpios hasta lo soportable no ha de ser un problema para cierto público, pero que lo hagan con tan poca gracia y originalidad les resta muchos puntos. ‘Loner’, el primer single, suena pegadizo y huele a éxito por los cuatro costados, la pena es que parece un calco de Pennywise o The Offspring, y esa misma fórmula la repiten con ‘Wake Me Up’ o incluso

en ‘Addicted’. Y eso que ellos se autoproclaman como una banda de hard rock... En ‘Won’t Let You Down’ fuerzan un tanto la máquina, le ponen menos azúcar a su propuesta y consiguen un tema que puede funcionar bien como el clásico himno en los conciertos. Imagino que con la intro de batería de ‘Bad Memories’ habrán querido homenajear el inmortal éxito de Twisted Sister, porque es clavada, aunque luego lo conviertan en un tema que podría haber sido compuesto por Danko Jones, mientras que en ‘Hot Blooded’ se ponen en la piel de The Hives y se quedan tan anchos. Me descolocan, lo he de admitir... Suenan bien y ciertamente, su vocalista, Hendrik Wippermann, sabe cómo cantar, pero hay tan poca consistencia, tan escasa originalidad, tal nivel de frialdad, que acaba convirtiéndose en uno de esos discos que olvidas a los cuatro días, aunque apuesto mi colección de vinilos de metal ochentero que con este álbum pueden pegar un pelotazo serio. Dejaremos esto para otros.

afortunadamente, eso sí hay que decirlo, de nuevo más alejados de su gótico inicial. ‘War In Heaven’ o ‘Dogma’ serían ejemplos de cómo disfrazar de grandilocuencia canciones más bien discretas, y es que, de hecho, no SEPTICFLESH hay mejor coartada que Titan el neoclasicismo para (SEASON OF MIST) SYMPHONIC DARK METAL rellenar de falsa maestría los alarmantes huecos que 60 deje la falta de inspiración. ‘Order Of Dracul’ y epticflesh presentan ‘Prototype’ son aceptables, hoy en día una pero ‘Prometheus’, el sexto fórmula tan personal corte, ya suena a excesiva e identificable que, a estas reiteración, profundiza en la alturas, siendo Titan su sensación de monotonía que noveno álbum, dudo mucho reina en todo el plástico, que vuelvan a entregar en un sólo rota mínimamente por futuro otra obra tan venerada unas ‘Titan’, ‘Confessions como Sumerian Daemons, Of A Serial Killer’ y o como mi preferida, su ‘Ground Zero’ que en excelso retorno de 2008, la parte final del trabajo Communion. La orquestación se reivindican como los sin fin tomó el mando en el mejores cortes del álbum. anterior The Great Mass y, Es paradójico, porque ya se sabe que eso, si no justo en el momento en que se domina a la perfección, los atenienses atraviesan como se te vaya un poquito su mayor momento de de las manos, acaba por popularidad, su tendencia saturar al oyente en menos creativa se muestra clara y que canta un gallo. Mucho peligrosamente a la baja. de esto hay en Titan, aunque PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas

GUANO APES HAS DE SABER... FORMACIÓN: Sandra Nasic (voz), Henning Rümenapp (guitarra), Stefan Ude (bajo), Dennis Poschwatta (batería) PRODUCIDO POR: Philipp Hoppen, Kurt Ebelhäuser AFINES A: Skunk Anansie, The Rasmus, Garbage PÁGINA WEB: www.guanoapes.org

G Offline (SONY MUSIC)

MODERN ROCK

uano Apes supieron aprovechar más que bien el boom del rap metal de finales de los 90 y principios de 2000. Con una buena frontwoman como Sandra Nasic y un toque melódico más pop que fue creciendo a medida que publicaban discos, lograron convertirse en una de las ban� das europeas de más éxito de aquellos años. Su carrera co� rrió en cierta manera paralela a la de Skunk Anansie, y como ellos, en 2005 decidieron dejarlo temporalmente. Cuatro años después volvían con una gira de reunión en la que vie�

ron que su público seguía ahí, y en 2011 publicaban Bel Air, que les colocó de nuevo en el número 1 de las listas alema� nas. Ahora aparece Offline, su quinto trabajo, que aunque a priori quizá no despierte tanta curiosidad como cuan� do volvieron, en realidad se trata de una obra superior. A estas alturas ya sabemos que Guano Apes�� no son una ban� da que le vaya a cambiar la vida a nadie, pero la realidad es que se les da la mar de bien componer temas a medio camino entre el rock alternativo y la radiofórmula. Los riffs más duros y las partes crossover

han quedado aparcadas, pero cada una de las canciones tiene un estribillo que funciona. La producción, aunque muy calculada, tiene la suficiente potencia para evitar que los abundantes medio tiempos suenen demasiado pastelosos. Se hace difícil destacar un tema por encima de otro, pero por ejemplo ‘�� Hey Last Beauti� ful’, donde suenan como unos The Pretenders alternativos, las más bailables ‘Jiggle’ o ‘Water Wars’, o ‘Close To The Sun’, seguro que no desentonarán entre sus hits cuando vengan a presentar Offline en otoño. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... HENNING RÜMENAPP ¿Cómo compararías la creación de Offline con Bel Air? “Bel Air fue el disco de debut de nuestra segunda carrera. Tuvimos todo el tiempo del mundo para hacerlo porque cuando empezamos a componerlo no teníamos management, no teníamos discográfica, así que simplemente hicimos las demos y luego lo presentamos a la gente con la que queríamos trabajar. Escribir Offline fue un poco más estresante porque estábamos de gira… Básicamente está� bamos de vuelta a la rueda. Bel Air fue un disco importante porque nos hizo ver qué es lo queríamos hacer de cara al siguiente, y que ha consistido en darle un toque más rock’n’roll, más crudo. Y creo que lo conseguimos”. ¿Os sorprendió la reacción obtenida con vuestra vuelta a la actividad? “Sí, quedamos muy contentos. Bel Air fue directo al número 1. Después de ocho años lograr nuestro tercer número 1 fue fantástico. Fue un gran logro. Sobre todo

porque significa que seguimos teniendo mucho público, y ésa es la razón por la que hacemos música”. ¿Sientes que en esta segunda etapa de vuestra carrera tenéis más libertad para hacer lo que queráis musicalmente? “Quizá porque somos músicos más ex� perimentados. Nos resulta más fácil con� seguir lo que queremos. Cuando hicimos el primer disco era nuestra primera vez en el estudio, estábamos muy nerviosos (risas). Ahora tenemos mucha experiencia tanto en estudio como en directo, y eso nos permite trabajar de manera más fácil y rápida”. Los temas nuevos están muy pensados para el directo. ¿Vais a incorporar bastantes en la próxima gira? “Seguro que sí. Mañana nos vamos a Rusia para hacer una gira de diez fechas y ya tocaremos unos cinco, pero para la gira europea de otoño segura� mente aún meteremos algunos más. La

gente ya habrá tenido la oportunidad de escuchar bien el disco y para nosotros siempre es estimulante tocar material nue� vo. Lo que pasa es que es difícil porque tenemos tantos hits antiguos que tenemos que tocar, que resulta complicado deci� dir qué quitamos o qué dejamos”. ¿El título Offline es un comentario irónico sobre el papel de internet en nuestras vidas? “Más o menos. Tiene un lado político, pero también un lado más personal. Hay que intentar escapar de la ava� lancha de información que nos asola y saber distinguir lo importante de lo que no lo es. También es una manera de decir que aunque hayamos usado mucha tecnología para hacer el álbum, a la hora de tocar en directo es cuan� do empieza la parte offline del grupo. Poder mirar a los ojos de los fans y que transmitan su emoción es algo que no puede descargarse. Tienes que estar ahí. Eso es a lo que aspiramos”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

ME FIRST AND THE GIMME GIMMES Are We Not Men? We Are Diva! (FAT WRECK CHORDS)

PUNK POP

i no son el grupo más pasota del mundo poco les debe de faltar. Si ya de por sí la mayoría de componentes de Me First And The Gimme Gimmes suelen tomarse a la ligera muchas situaciones en sus grupos principales (NoFx, Lagwagon, Swingin’ Utters…), con los que se supone que se ganan la vida, sobra decir que el caos y el cachondeo imperan en esta formación hecha precisamente para eso. Los que estuvieron es su conciertos de hace unos meses entenderán a la perfección a lo que me refiero... Pero ahí es justo donde está el encanto de la banda. Ahí y, evidentemente, en esas versiones punk de cualquier estándar al que le quieran echar mano. Nada menos que seis años han tardado en grabar un nuevo álbum –vagos también deben de serlo un rato porque da la

MONGOL HORDE Mongol Horde (XTRA MILE)

HARDCORE

iene guasa que ahora que todos los cantantes de punk rock se lanzan a sacar discos como artistas folk, sea precisamente uno de los máximos exponentes de este género el que se desmarque tomando el camino a la inversa. O no tanto, porque recordemos que antes de que saltara a la fama, Frank Turner ya había hecho sus pinitos dentro del hardcore con su primer grupo, Million Dead. Si le habéis visto alguna vez en directo habréis podido comprobar que algo de esa energía sigue presente en su discurso... Así, que le picase

impresión que Me First deben hacer los discos con la puntay en este caso, siguiendo la tendencia temática de sus trabajos, han decidido centrarse en las grandes divas del pop. Por lo tanto, esperen revisiones de Cristina Aguilera, Cher (‘Believe’ es uno de los momentos álgidos del álbum), Whitney Houston, Celine Dion (‘My Heart My Will Go On’ es otro de los highlights), Madonna o ese ‘I Will Survive’ de Gloria

Gaynor explotado hasta decir basta en su versión original. Uno de sus trabajos más divertidos y mi favorito personal después de Blow In The Wind, que demuestra que, a pesar de todo, el chiste todavía sigue teniendo gracia… Y si a estas alturas aún la tiene, me da a mí que aquí estaremos riéndoles las gamberradas por los siglos de los siglos. Por mi parte, ningún problema.

el gusanillo de volver a sus raíces más burras no parecía algo descabellado. Junto a Matt Nasir, teclista de su banda de acompañamiento The Sleeping Souls, aunque aquí se hace cargo de las seis cuerdas, y el batería Ben Dawson (ambos compañeros también en Million Dead), ha creado Mongol Horde para repartir estopa a mansalva. ‘Make My Way’ nos da la bienvenida con soberano leñazo en forma de riff que bien podrían haber firmado los Mastodon más primitivos. Más cercanos a Refused se muestran en ‘Casual Threats From Weekend Hardmen’,

que resulta perfecta para liarla brincando en los conciertos. Lo mismo que ‘Your Problem’, que parece sacada del libro de estilo del New York Hardcore, o el escupitajo de apenas un minuto de ‘Winky Face The Mark Of A Moron’, donde dejan claro que también les va el cachondeo y la ironía. Sólo ‘Stillborn Unicorn’ parece algo más amable, con un estribillo que no desentonaría para nada en sus discos en solitario, aunque ese final pesado nos recuerda que estamos ante un álbum de caña pura y dura. Un divertimento brutal.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA

APOSENTO Aposento (XTREEM MUSIC)

DEATH METAL

ale que Aposento vivieron una separación entre 1997 y 2012, pero han tenido que pasar 24 años para tener al fin su álbum debut entre las manos. Dos demos y un EP fue todo el legado que nuestra banda decana del death metal dejó en el 97, volviendo al buen camino el pasado 2012 con el EP Retorno A La Muerte y una metamorfosis hacia el castellano que continúa en este homónimo. Faltaba dar el paso definitivo, seguramente, en el mejor momento que ha vivido nunca nuestra escena extrema, y los riojanos

al fin lo han dado con el primer disco de su carrera. Como no podía ser de otra manera, para esta puesta de largo, y como ya ocurrió en su anterior lanzamiento, han dejado de lado cualquier tipo de experimento y han atacado con lo único que saben hacer: death metal clasicote, clasicote, que sólo puede obedecer a la época en que nacieron como banda. Con canciones como ‘Aliens – Seres Del Más Allá’, ‘Hijos Del Caos’, ‘Sacrilegio Consumado’ o ‘Mutiladora Genital’ te recordarán a Cannibal Corpse, Deicide, a Tampa por un tubo, incluso a Pathology en ‘Muerte Lenta’, y es que nos encontramos ante un verdadero ejercicio de estilo. Diego despliega mucha clase tras los parches, Manolo y Pispas sacan a relucir sus mejores riffs, Nacho tiene un gutural de aúpa… Y es que nunca es tarde si la dicha es buena, aunque dudo que Aposento alcancen en la actualidad el justo reconocimiento que seguramente la continuidad les habría dado. PAU NAVARRA

LEE BAINS III & THE GLORY FIRES Dereconstructed (SUB POP/POPSTOCK!)

GARAGE ROCK

onocía la existencia del tercero de la saga Lee Bains gracias a su relación con Dexateens, una de las bandas que mejor revitalizó el viejo estilo sureño y que sin embargo peor suerte tuvo. Como guitarrista y compositor, este redneck de Alabama es un amante de todo el southern rock clásico de los 70, y es que no creo que nadie que haya nacido en el Gran Sur haya escapado a la influencia de Lynyrd Skynyrd o ZZ Top. Pero el tipo tiene alma de punk y encima es un fanático del sleazy más cafre, y para acabar de adobarlo todo se junta con otro lunático

como Tim Kerr (recordemos, productor de gente como Riberboat Gamblers, Dt’s, Gasoline, Mooney Suzuki o los Now Time Delegation de Lisa Kekaula) para que le produzca el disco de raíces más sucio y caótico que he disfrutado en mucho tiempo. He escuchado a nuestro protagonista decir que lo que buscaba era “el sonido que hubieran tenido los Stooges si hubieran vivido y ensayado en un granero de Alabama”. No es mala definición, ‘The Company Man’ está muy cerca de eso, aunque más que los Stooges, yo diría que tira más hacia MC5, el tema título también va por ahí y ‘Burnpiles, Swinming Holes’ igual, aunque dándole un toque más blues selvatico a lo Bo Didley. Sin embargo, conforme va avanzando la grabación se vuelven más y más etéreos, y aunque no pierden en ningún momento esa crudeza primitiva (esa ‘Flags’ casi te parte por la mitad), van ralentizando decibelios para acabar ofreciéndonos deliciosas tonadas de blues desnudo y desgarrado como esa sexual ‘Mississippi Bottomland’. ANDRÉS MARTÍNEZ

cr í ticas

GRAVE DIGGER

Return Of The Reaper (NAPALM)

HEAVY METAL, POWER METAL

ay pocas cosas más heavies que Grave Digger. Esas guitarras a matar, esos coros, esos puños en alto, y claro, el amigo Chris Boltendahl… Esa voz cavernaria que te pone la polla más tiesa que el Empire State, esa cazalla que logra que hasta fans del extremo rindan pleitesía a la histórica formación germana. No es para menos. En su decimosexto trabajo vuelven por sus fueros con riffs incandescentes, con un Axel ‘Ironfinger’ Ritt que se sobra y se basta para llevar el peso del álbum junto a un Stefan Arnold monolítico a la batería, y que con sólo dos temas como ‘Hell Funeral’ y ‘Wargod’ ya están proclamando que esto va de puto heavy metal, de verdadero heavy metal. ‘Tattoed Rider’ empieza muy a lo ‘Turbo Lover’ de Judas

THE DESTROYED ROOM

The Dark Of The Sun (BOSTON PIZZA)

INDIE ROCK

na buena noticia y otra mala. La buena es que The Destroyed Room acaban de sacar a la luz su segundo álbum y, como nos tienen tan bien acostumbrados, el resultado es buenísimo. La mala es que ésta será su última publicación. Así es, el combo barcelonés ha decidido poner punto y final a una trayectoria de seis años, dejando atrás dos discos, un buen puñado de EPs en los que se ha podido seguir su evolución desde sus inicios más acústicos hasta la actualidad con un rock libre de etiquetas, y unos cuantos conciertos que

Priest, y con ‘Resurrection Day’ vuelven a cabalgar, impetuosos, prestos hacia la batalla. Toca un medio tiempo, toca ‘Season Of The Witch’, pero aquí no te vas a sobar como con la mayoría de grupos: cuando Grave Digger se ponen serios, cuidado. Éste es un tema oscuro y épico, digno de Tunes Of War, Knights Of The Cross o cualquiera de sus obras más celebradas.

‘Road Rage Killer’ y ‘Grave Desecrator’ son resultonas, marca de la casa, pero ‘Satan’s Host’ es speed metal como hacía años no practicaban. ‘Día De Los Muertos’ nos sonará un tanto freak, pero no es nada que no pueda enmendar ‘Death Smiles At All Of Us’. Superado el tedio de Clash Of The Gods, Grave Digger vuelven a patear culos.

a buen seguro quedarán grabados en las retinas de los que les han seguido durante todo este tiempo. Y es que es una verdadera lástima, porque en The Dark Of The Sun demuestran estar en un momento de forma envidiable. Basta con escuchar los primeros cortes (‘The Waiting’, ‘In Hope’) para darse cuenta de que estamos ante el trabajo más directo que hayan grabado, recordando incluso a The Gaslight Anthem en algunos momentos. La descaradamente rockanrolera ‘Highway II’ es un buen ejemplo de ello, pero teniendo las

melodías siempre presentes. ‘Teenage Werewolves’ supone un oasis en mitad del álbum, más contenida y con un tono casi místico que finaliza por todo lo alto con unas guitarras con sabor post rock. Como única pega, decir que ‘Don’t Ever Change’ no me parece un final a la altura como si lo fue la magistral ‘And That Night Never Happened’ de su anterior The Magic Indian Scene. Algo que no debería impedir que desde ya mismo consideremos a The Destroyed Room como todo un grupo de culto del underground patrio.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

MAD CADDIES Dirty Rice

(FAT WRECK CHORDS)

SKA PUNK

acía la friolera de siete años que Mad Caddies no publicaban un nuevo disco, y aunque no pueda decir que los hubiera echado de menos, después de escuchar Dirty Rice me he sorprendido a mí mismo viendo lo mucho que me ha gustado. Quizá sea porque el tiempo acompaña y estas doce canciones son la banda sonora para tumbarte en la playa o hacer una barbacoa con los amigotes. Como puede verse en las fotos interiores, los años también han pasado para el septeto

californiano, y eso explica que su música haya adquirido un punto más calmado y de madurez. Aunque hay algún guitarrazo (‘Down And Out’), su vertiente punk ha dejado paso claramente al pop y el tono del álbum es mucho más adulto, recordando en ocasiones a The Steve Miller Band. Vamos, que ahora te los imaginas más girando con Jack Johnson que en el Warped Tour... Lo cual en sí tampoco es nada malo, pues la calidad de sus composiciones es notable y han logrado hacer algo muy accesible, sin resultar demasiado obvio. Las melodías brillan como rayos de sol en ‘Brand New Scar’, ‘Airplane’, ‘Shot In The Dark’ o ‘Callie’s Song’ y sus habituales dejes de ska, reggae y dixie, amplificados por unos magníficos arreglos de viento, conservan la inmediatez de siempre. Si te va la ginebra a palo seco, no te entusiasmará, pero si de vez en cuando no le haces ascos a un cóctel dulzón y refrescante, Dirty Rice te entrará de maravilla. JORDI MEYA

BLOOD RED SHOES Blood Red Shoes (JAZZ LIFE)

INDIE ROCK

iempre me he preguntado qué motiva a una banda a utilizar su propio nombre como título de disco, y siempre he terminado pensando que con esa compilación de temas por fin han llegado a ver su identidad y estilo mejor plasmados. Y creo que ha sido esto precisamente lo que ha sucedido con el cuarto trabajo del dúo británico Blood Red Shoes, con el que parecen haber marcando también un punto de inflexión, atenuando su tono negativo en las composiciones y exaltando su lado más

hedonista, como se puede apreciar en ‘Everything All At Once’, toda una declaración de principios. El hecho de haber tenido el privilegio de poder coger sus bártulos y haber acampado en un estudio en Berlín durante seis meses para la grabación de este álbum, lejos de productores, técnicos de sonido o cualquier figura del business que pudiera condicionarles, ha supuesto una liberación en todos los sentidos. Un sonido mucho más crudo y agresivo, e incluso más directo, en un intento de alejarse de esa falsa perfección de épocas anteriores. La labor de Laura-Mary Carter con las guitarras es muy destacable, atreviéndose a jugar con distorsiones más extremas como en ‘The Perfect Mess’. Los registros de voz de ambos son excelentes, y la sensualidad de Carter en ‘Stranger’ con ese toque tan bucólico y decadente resulta irresistible. Pero es el tándem de estilos Ansell-Carter lo que realmente hace que esto funcione. Y que dure. TOI BROWNSTONE

críticas

BIRTH OF JOY Prisoner

(LONG BRANCH) ROCK

e han apresurado los medios a comparar a este trío holandés con los Doors, básicamente por la importancia que en su sonido tiene el Hammond de Gertjand Gutman, un tipo que maltrata su teclado con auténtica saña y que realmente sabe cómo sacarle partido a su instrumento. La banda de Jim Morrison es en efecto una influencia clara, pero no lo es más que el blues, el classic rock, el punk o incluso el grunge de los 90, por lo que no estamos ante el enésimo grupo vintage de fotos en blanco y negro tratando de recrear la magia de tiempos pasados. De hecho suenan muy frescos, luminosos, por momentos

no disimulan una clara vocación pop, aunque eso sí, con el órgano en primer plano y las guitarras de Kevin Stunnenberg a tope de fuzz. Les gustan las melodías pero tocan con pelotas, con muchas pelotas. ‘Keep Your Eyes Shut’ por ejemplo suena gloriosa, como si el espíritu de Doors se hubiera fusionado con el de Hives y hubiera parido un hit en potencia. ‘The Sound’ es el ejemplo más claro de lo que es su estilo, un riff atronador tocado al unísono entre guitarra y teclado, espíritu garajero, cadencia bluesera, algún subliminal ramalazo noventero en las voces y hasta ciertos latigazos glammys en un estribillo celestial. Un temazo. Y la cosa no acaba aquí: ‘Rock & Roll Show’ es un adictivo pildorazo de justamente eso, rock’n’roll selvático y salvaje, lo mismo que ‘Longtime Boogie’, donde se pasan al blues para pasearse por las mojadas calles de Chicago en una fría noche de invierno. Son jóvenes y están hambrientos; seguro que no tardaremos en oír su nombre con más asiduidad en el futuro. ANDRÉS MARTÍNEZ

SINISTER

The Post-Apocalyptic Servant (MASSACRE)

DEATH METAL

i bien es cierto que siempre han tenido que lidiar con muchísimos cambios en sus filas y varios momentos convulsos, incluso con una separación entre 2003 y 2005, a día de hoy Sinister siguen siendo un valor seguro dentro del death metal europeo. Holandés, para más señas, ése que siempre nos ha brindado páginas brillantes de la mano de Gorefest, Asphyx, Hail Of Bullets, Prostitute Disfigurement, Pestilence, Inhume o Severe

Torture. A toda leche inauguran su undécimo álbum con ‘The Science Of Prophecy’, pero es la segunda ‘The Macabre God’ la que nos certifica que nos encontramos ante un trabajo de armas tomar, donde Dennis Hartog (guitarra), Bas Brussaard (guitarra), Mathijs Brussaard (bajo) y Toep Duin (batería) demuestran su pleno asentamiento en el combo tras dos álbumes con el cantante Adrie Kloosterwaard, el único superviviente de la formación original. ¡Y es que éste es el primer disco que consiguen grabar con la alineación del anterior! Sinister sacan pecho en ‘The End Of All That Conquers’, músculo en ‘The Dome Of Pleasure’, se ceban con el oyente en ‘The Post-Apocalyptic Servant’, y así dan con una obra que no cambiará la historia del estilo, pero que sí regalará grandes momentos de tralla desatada a sus fans de siempre. No esperes hallar piedad alguna en temas como ‘The Burden Of Mayhem’, ‘The Sculpture Of Insanity’ o ‘The Saviour’. PAU NAVARRA

NEUMAN If

(SUBTERFUGE) INDIE ROCK

esde Subterfurge nos llega el nuevo trabajo de esta banda indie rock proveniente de Murcia, que para quien no los haya oído antes, siguen utilizando el idioma de Shakespeare desde que comenzaran en 2010. Avalados por dos firmes aportaciones anteriores en las que incluso contaron con la participación de Ken Stringfellow (The Posies), ésta última se hará destacar en cuanto escuchamos los primeros acordes de la canción ‘Turn It’, en la que un tremendo ritmo de guitarra y unos acertados coros nos animan a encarar un camino

por el que nos toparemos con diferentes estilos e influencias que iréis detectando conforme avanza el largo. Marcados por el indie pop de los 90 como Nada Surf en ‘Oh No’ y ‘Tell You’, o incluso por el, siempre eterno, Jeff Buckley, en ‘Baby in My Arms’ o la que da nombre al disco, ‘If’. Cuentan también con tintes más folk en ‘A Branch In A Forest Full Of Love’ y en ‘Too Young’ hasta que se transforma en una rockera bacanal de solos y punteos de guitarra. ‘Kids’, con su potente coro de voces y silbidos acompañados por una gran orquesta de vientos y cuerdas, y la batalla instrumental de ‘Battle Starship’ bajo una hipnótica base rítmica que irá in crescendo hasta una explosión final, se presentan como las mejores piezas del disco en mi opinión, incluso alcanzando los 8 minutos de duración respectivamente. La preciosa ‘Nobody Has to Worry’ pone fin a esta obra que propone a los murcianos como a una apuesta seria dentro del indie nacional e internacional. ALEJANDRO LOZANO

FIT FOR AN AUTOPSY

Hellbound (SPV) DEATHCORE

omo un puto martillo pilón van cayendo tema tras tema a cada cual más cafre, a cada cual más cabreado, a cada cual más violento. Es evidente la mejora de estos energúmenos respecto a su disco de debut. Sin haber perdido un ápice de brutalidad, han reorientado su deathcore hacia unas composiciones menos saturadas de breaks para dirigirse a terrenos más ricos y variados, y no sólo estoy hablando de la composición y la ejecución (que sigue siendo extremadamente técnica e impoluta). Los registros vocales de Nate Johnson también han evolucionado de manera

sorprendente. El disco no da tregua, y desde los arpegios iniciales de ‘The Great Gift Of The World’, Fit For An Autopsy me demuestran a mí, que en los últimos meses estaba siendo muy crítico con la inmovilista situación en la que estaba sumido el estilo, que sí, que todavía quedan muchas cosas por decir en el deathcore, y que los de New Jersey están aquí justamente para eso. Con algún que otro zarpazo black, el ataque sónico conseguido por tres guitarristas más bestias que un puñetazo en la mandíbula de Rocky Balboa es inhumano, como sorprendente es el trabajo percusivo de Josean Orta, un batería que ha conseguido los elogios del mismísimo Dave Lombardo. ‘Still We Destroy’ te destroza, o mejor, te destruye como reza su título, pero cuando alcanzan a los dioses es cuando apuestan por las ambientaciones y te matan con apocalípticos riffs como en ‘Tremors’ o ‘There’s Nothing Here Worth Keeping’. Una perfecta y mejorada continuación. ANDRÉS MARTÍNEZ 89

cr í t icas

BIZNAGA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Álvaro (voz, guitarra), Jorge (bajo, coros), Pablo (guitarra), Hernán (batería) PRODUCIDO POR: Pepe Tigruss AFINES A: Parálisis Permanente, Eskorbuto, Gabinete Caligari PÁGINA WEB: www.facebook.com/biznagapop

RECOMENDADO POR:

Centro Dramático Nacional (HOLY CUERVO) PUNK

orprendidos por este discazo que se han marcado los madrileños Biznaga. Contundentes como una patada en la jeta, evocadores del sonido punk más primigenio que pusieran en el candelero bandas como Parálisis Permanente, La Banda Trapera Del Río o decenas de formaciones ochenteras a las que podríamos referenciar cuando escuchamos esta delicia sonora. Con este tercer lanzamiento, Centro Dramático Nacional, Biznaga están destinados a llevarse el merecido Disco del Año 2014. Temarrales como ‘Fiebre’, ‘Las Brigadas Enfadadas’ o ‘Cul-DeSac’ están encaminados a convertirse en auténticos

himnos generacionales de una banda que cuenta con muy pocos años de existencia pero con un futuro muy prometedor. Editados por Holy Cuervo, grabado por Pepe Tigruss y mezclado por Victor Saldaña, este discazo no hace más que sorprender a medida que vas avanzando en su escucha. Por ejemplo lo consiguen con la onda surfera de ‘Caja Negra’ y la voz a lo Eduardo Benavente de ‘Maldita Mi Estampa’, por momentos pareciera que estoy escuchando a Dead Kennedys y un Jello Biafra castizo… Con un sonido sucio, antiguo, acertadísimo y unas letras punzantes, poéticas y callejeras, Biznaga son un soplo de aire fresco digno de

reconocimiento por parte de público y crítica. Después de publicar Demo en 2011 y Biznaga EP, en este Centro Dramático Nacional, con portada ilustrada por Ernesto Sevillano, se quedan muy a gusto y se consolidan como una de las bandas con mejor sonido y actitud de la Península, superando las expectativas de mucha gente, entre ellos servidor, Ramiroquai, que cada semana comparte desde Bandera Negra en Radio 3 Extra su amor hacia estos sonidos tan peculiares que nos traemos entre manos y donde este mes podrás escuchar una extensa entrevista con ellos. Biznaga, recomendables no, lo siguiente. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... JORGE ¿Ha quedado Centro Dramático Nacional tal como soñabais antes de empezar a grabarlo? “Suena bastante parecido a como nos lo habíamos imaginado, aunque siempre hay cosas que son producto casi del azar, alguna revelación de última hora, algún tema al que no le dabas mayor importancia y acaba convirtiéndose en uno de los pepinos, y ese tipo de cosas”. En ciertos aspectos parecéis una versión punk de los grupos españoles pop de los 60 y 70. ¿Es lo que habíais mamado de pequeños? “Nunca nos habían hecho esa comparación pero, aunque nos agrada bastante, no creemos que sea una influencia directa en nuestra música”. En varios temas se notan

dejes castizos, incluso en ‘Los Duelistas’ se escuchan unas castañuelas. ¿De dónde sale? ¿Estáis intentando reivindicar algo? “No es un intento de reivindicar nada. Es más bien un capricho, un aire que nos dio. Algunas de las otras canciones tienen un toque español y con ésta decidimos rizar un poco el rizo. Los Gabinete, que nos gustan mucho, metían castañuelas en sus temas, y éste nos lo pedía a gritos”. Vuestros temas suenan muy espontáneos. ¿Los componéis a fogonazos o les dais bastantes vueltas antes de darlos por buenos? “Hay de todo. Algunos nacen prácticamente ya cerrados, otros en cambio, sí que sufren variaciones de todo tipo. Normalmente Álvaro trae

una melodía de voz y unos acordes al local y los arreglamos y les damos forma entre todos. Luego yo les pongo la letra”. Las letras son especialmente brillantes. En mi opinión reflejan muy bien lo que puedes sentir cuando vas pasado por las calles de Malasaña. ¿Es la noche madrileña una gran inspiración para vosotros? “La inspiración viene de muchos sitios, pero no cabe duda alguna que la noche juega un papel preponderante en todo esto. Nosotros siempre hemos dicho que el lugar idóneo para escucharnos no es en casa tranquilamente, sino andando por la ciudad con el volumen metido a toda hostia”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

CHRIS CRESSWELL One Week (ONE WEEK) FOLK

e veía venir de lejos que más pronto que tarde el bueno de Chris Cresswell, vocalista de The Flatliners, acabaría sucumbiendo a grabar un disco en solitario en formato acústico al igual que otros tantos cantantes de punk rock llevan haciendo en los últimos años. Ya le comentaba hace no mucho al mismísimo Chuck Ragan que esta tendencia comienza a convertirse en un cliché dentro de la escena, pero supongo que mientras sigan saliendo trabajos tan buenos como los que nos están llegando, nadie alzará la voz. Por supuesto, el del amigo Chris es uno más que añadir a una larguísima lista. Grabado en apenas una semana en el estudio casero de Joey Cape y con la ayuda del propio líder de Lagwagon en los arreglos, el disco supone también el

D ME AND THE BEES Mundo Fatal (LA CASTANYA) INDIE

escubrimos a las Me And The Bees en 2010 con Fuerza Bien. Los piropos, algunos quizás exagerados, abrazaron este debut con melodías certeras (‘Don’t Come Back’ y ‘The Bags’ todavía me persiguen) y un sonido lo-fi por exigencias del presupuesto. Y cuando ya comenzábamos a echarlas de menos, la disquera La Castanya nos las ha devuelto con un redondísimo Mundo Fatal. Detrás de la portada rosa con ilustraciones de Jad Fair -el genio de los seminales Half Japaneseencontramos 14 temas variados, con un importante

debut para la discográfica de este último, One Week. La premisa del sello es la de publicar trabajos de diez canciones registrados en una semana en la casa de Cape, de una manera totalmente natural y espontánea. Y eso mismo es lo que desprenden piezas como ‘Meet Me In The Shade’, ‘One Hundred’ o ‘Daggers’ (que recupera de su split con Make Do And Mend), aunque dejan un

poco la sensación de que estamos más cerca de una demo de andar por casa que de un álbum con todas las de la ley. Sin embargo, ahí reside su encanto, y Cresswell demuestra apañárselas más que bien con una acústica, rebajando la agresividad de sus cuerdas vocales, consiguiendo un registro muchísimo más melódico hasta ahora casi inédito.

regusto indie noventero pero atemporales como el mejor pop rock. Las diferencias con su primera referencia son evidentes, y no sólo por una mejor producción. Ahora el peso de la banda recae en la menuda y encantadora Esther Margarit, quien además de cantar todos los temas se atreve con el bajo. Su inseparable Eli Molina, cofundadora de la banda, ha dejado la disciplina de las abejitas. Eso sí, para dejar patente el amor que se profesan, la guitarrista colabora tocando y a los coros en mi favorita ‘Hugo’ y ‘You And You’. La formación que completan Verónica

Alonso detrás de los parches y el exHalf Foot Outside Carlos Leoz a la guitarra se ha sacudido el amateurismo de Fuerza Bien y el resultado está a años luz del debut. Muchas bandas de indie y pop guitarrero, como las recurrentes The Breeders o The Amps sin ir más lejos, matarían por temas tan inspirados y traviesos como el citado ‘Hugo’, ‘Silver Cross’, ‘Joykiller’, ‘Dimwit’ o la final ‘Cry, Fight, Try’. Es difícil de explicar, pero sus nuevas tonadillas tienen un ‘no-sé-qué’ que engancha mucho. ¡Qué bueno que volvieron!

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

DA SOUZA

Flors I Violència (FAMÈLIC)

INDIE ROCK

oge unas cuantas frutas y reventémoslas sobre un tapete. Coloca al lado un bote con un par de flores dentro y ya tenemos solucionada la parte gráfica de nuestro álbum debut. Necesitamos un título… Viendo las fotos se me enciende la bombilla fácilmente: Flors I Violència’. Da Souza no tocan de una forma violenta ni agresiva, sino que su música transmite el buen rollo de su tierra natal: Mallorca. La luminosidad de la isla se imprime en un sonido basado en estructuras sencillas y textos cortos aunque con más miga de lo que parece en un primer

momento. Por ejemplo, ‘Paella’ es una canción de menos de un minuto y que cuenta solamente con una estrofa, pero trasmite mucho más que otros temas de heavy metal de ocho minutos. Aunque a mi juicio deberían explotar más los gritos corales (como en ‘Cap Blanc’ y ‘Toro Sentado’) e ir con cuidado cuando bajan demasiado la intensidad (quedándose en el límite del sonido lo-fi), el cuarteto balear acierta de pleno con el crescendo de ‘Fugaç’ y ese inicio tan emo de la final ‘D’Hivern’. Se trata, pues, de un nombre más a añadir a la lista de formaciones que en la actualidad cantan en catalán y que mezclan con soltura y desparpajo las sonoridades del indie rock y del post punk añadiendo fuertes dosis de pop. Además, militan en Famèlic Records, una discográfica bastante activa hoy en día y que cuenta con uno de los logos más molones de los últimos tiempos: un puño cerrado con el meñique como único dedo levantado. Guay. JORDI FORÉS

DARKNESS BY OATH Seeds Of Desolation (ERZSEBET/INDAR PRODUCTIONS) DEATH METAL MELÓDICO

i lo tuyo es el death metal melódico del estilo de Dark Tranquillity, In Flames o Amorphis, como dirían en nuestro país anglosajón vecino, you are in for a treat. Y es que Seeds Of Desolation, el nuevo disco de esta banda guipuzcoana formada en Arrasate en el año 2002, es una auténtica delicia melódica que hará sangrar tus oídos con gusto. Dejando la producción vocal a un lado, que a mi parecer está demasiado presente en la mezcla y hace entrever el flanco más débil de la formación, Darkness By Oath nos presenta un producto

musical bien estructurado y entretenido. No me canso de hablar sobre los grupos patrios que bien se podrían considerar como formaciones extranjeras ya que su calidad está a la altura de semejante etiqueta, y con este grupo del norte de la Península lo vuelvo a repetir. Con esta comparativa no me refiero a la producción de su álbum, sino a la composición y estructuración de sus canciones que fácilmente podrían haber nacido en el mismísimo centro de Helsinki. Con este cuarto álbum y tras su gran obra de 2012, Near Death Experience, el grupo ha apostado por continuar con la misma fórmula que tan bien supieron hacer en su anterior disco. Canciones como ‘The Dull Blow Of Death’, ‘Towards The Darkness’ o ‘Screams That Walk With You’ son ejemplos representativos del nuevo trabajo de este quinteto, compuesto por once cortes y una curiosa versión del tema de rap de los 90, ‘Gangsta’s Paradise’ de Coolio. FER DÍEZ 93

críticas

SURVIVE THIS!

The Life You’ve Chosen (EPITAPH) POPCORE

i conociste al tatuadísimo Ronnie Radke como cantante de Escape The Fate y sigues sus progresos al frente de Falling In Reverse, esa versión ‘glam core’ de Fall Out Boy, ya sabrás que su ambición no tiene límites. Ahora también quiere probar suerte como productor y los primeros en ponerse a sus órdenes han sido sus vecinos Survive This!. El jovencísimo quinteto de Las Vegas, formado en 2009, debe estar flotando. Y es que les ha tocado la lotería con la implicación de su ídolo, quien también les ha asegurado algo de repercusión enchufándolos

en el sello Epitaph. The Life You’ve Chosen atruena con nitidez y color. Sin embargo, una brillante producción nunca podrá ocultar una combinación demasiado trillada de riffs potentes, coros poperos, pinceladas electrónicas y breakdowns previsibles. Para ser sinceros, sólo sorprenden de verdad con el chiste ‘Wrong Direction’ y cuando cierran el disco con la balada semiacústica ‘Father’. A favor de Survive This!, porque estamos hablando de un debut más que meritorio por el que matarían los miles de clones de A Day To Remember que no suenan ni medio bien pero esperan impacientemente su momento de gloria, estos veinteañeros van sobrados de estribillos pegadizos y saben explotar unas muy buenas melodías vocales, a medias entre el cantante Shawn Zyvoloski y el guitarra Daniel Ingram. Este disco se quedará cogiendo polvo en mi estantería, no os engañaré, pero me he quedado con su nombre para seguirles la pista. Algo me dice que se me podrían ganar más adelante si perseveran. LUIS BENAVIDES

ORIGIN

Omnipresent (AGONIA)

BRUTAL DEATH METAL TÉCNICO

ierto que siempre estuvieron Gorguts, Death, Cynic o Morbid Angel haciendo alarde de una técnica desmedida, pero cuando Origin publicaron su debut homónimo en el año 2000, el death metal dio un vuelco. La violencia de bandas pioneras en el brutal como Krisiun, Cryptopsy o Suffocation fue llevada a un nuevo nivel de demencial virtuosismo, a un exacerbado dominio instrumental que poco a poco se asentó en el panorama gracias a obras posteriores como Informis Infinitas Inhumanitas, Echoes Of Decimation o Antithesis,

o al avance en paralelo de formaciones vitales como Nile o Decapitated. Hoy en día ya lo hemos visto todo, un disco como Omnipresent no nos va a descubrir nada nuevo, pero nunca debemos olvidar la importancia capital que Origin desempeñaron en el desarrollo del metal extremo de este siglo. En éstas se encuentran los de Kansas, obligados a mantener el tipo ante su trayectoria, pero la verdad es que no se les ve muy preocupados por ello en ‘Manifest Desolate’ o ‘The Absurdity Of What I’… ‘Redistribution Of Filth’ sorprende por lo terrenal que suena, sin ningún tipo de ida de olla o riff frenético, pero entre hábiles cortes instrumentales como ‘Permanence’, ‘Continuum’ y ‘Obsolescence’ los estadounidenses hacen honor a su historial con trallazos mareantes e híper vitaminados como ‘Malthusian Collapse’ o ‘The Indiscriminate’, y es que este año pocas cosas vas a escuchar más enrevesadas que ‘Unattainable Zero’. Omnipresent es una rotunda continuación de un legado ejemplar. PAU NAVARRA

DODOS Carrier (POLYVINYL) INDIE

unque los Dodos sean, en esencia, Meric Long y Logan Kroeber, existía un tercer miembro que les había acompañado en giras e iba a colaborar en este disco: Christopher Reimer. Pero el guitarrista de la banda canadiense Women falleció en 2012 mientras dormía, y eso supuso un duro golpe anímico para el dúo de San Francisco, algo que queda reflejado en algunas letras del álbum. Grabado en los estudios Tiny Telephone de esta ciudad californiana, una de las señas de identidad de este quinto álbum de los Dodos es que, contrariamente a su celebrado Visiter

(2008), predominan las guitarras eléctricas sobre las acústicas. Long y Kroeber continúan dándole singulares ritmos sincopados a muchas de sus composiciones, y suben y bajan por montañas rusas de ambientes calmados con subidas épicas. Así, el sonido típicamente Dodos no difiere demasiado de anteriores grabaciones, manteniendo un estándar de calidad, aunque menos sorprendente. Sea como sea, canciones como ‘Substance’, ‘Relief’, ‘Holidays’ o ‘Destroyer’ se disfrutan igual si las afrontas sin complejos ni estúpidas comparaciones, haciéndolas valer por sí mismas. La inclusión de secciones de vientos enriquece temas como las finales ‘Death’ o ‘The Ocean’, escritas por Minna Choi e interpretadas por su Magik Magik Orchestra (también colaboradores de Two Gallants, Death Cab For Cutie, Santana…), poniendo así el broche a un bonito homenaje póstumo. Larga vida a la buena música, y a todas las historias que esconde. IGNASI TRAPERO

RAINBOW

Black Masquerade (EAGLE ROCK) HARD ROCK

uchos de los diehard fans de Rainbow no aceptaron a Doogie White. La inmensa mayoría dieron por finiquitada la carrera de la banda con Final Vinyl y le dieron la espalda a la nueva reencarnación que Blackmore se sacó de la manga cuando en teoría la historia había terminado. A mí sin embargo me encantó el disco resultante de aquella formación, Stranger In Us All, lo disfruté en su momento, cuando el hard rock cada vez más melódico del hombre de negro tenía que luchar en los charts con las bestias grunges que se lo estaban llevando todo por delante.

Lo que tenemos aquí es una grabación en vivo de aquella gira de 1995, tan poco documentada y olvidada que puede servir para reivindicar una etapa que parece que no haya existido. Ahí están brillando con luz propia megaclásicos como ‘Long Live Rock’n’Roll’, ‘Spotlight Kid’, ‘Man On The Silver Mountain’ o la misma ‘Burn’ de los Purple, al lado de pequeñas gemas que merecen ser degustadas y citadas como grandes composiciones, porque me gustaría que alguien me explicara qué de malo hay en temazos como ‘Too Late For Tears’ o ’Hunting Humans’. Blackmore está magistral, White demuestra que en gusto, clase y elegancia podía competir con el mismísimo Joe Lynn Turner, y los únicos puntos negros los podríamos encontrar en esos aburridos y tediosos solos de teclado o los coros totalmente innecesarios de una Candice Night que ya entonces estaba por ahí dando el coñazo. Por lo demás, si eres fan de la banda, esto es otro pedazo de historia imprescindible en tu colección. Eternos. ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas

THE STORY SO FAR

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Parker Cannon (voz), Kevin Geyer (guitarra),

William Levy (guitarra), Kelen Carpenter (bajo), Ryan Torf (batería) PRODUCIDO POR: Ben Hirschfield, Scott Goodrich AFINES A: Yellowcard, The Swellers, New Found Glory PÁGINA WEB: http://thestorysofarca.com

G Songs Of (PURE NOISE) PUNK POP

racias a su último disco What You Don’t See, el año pasado The Story So Far se consolidó como una de las bandas punteras de la nueva hornada del punk pop americano. No es de extrañar que con su juventud, su cara de no haber roto nunca un plato y un puñado de buenas canciones, el público consumidor de este estilo les hiciera tanto caso. Pero después de la borrachera de haber estado dos años en la carretera, cruzando el globo terráqueo de punta a punta, llega la resaca, y Songs Of se antoja como el antídoto perfecto para aspirar profundamente y coger fuerzas de cara a la expectación que sin duda levantará su

próximo trabajo. Se trata de un EP acústico, un ejercicio de descompresión en el que la banda liderada por Parker Cannon ha reinventado tres de los temas de su último disco, ha compuesto un tema específicamente para la ocasión y le ha añadido una versión de Bob Marley. Como si fuera una premonición, las canciones antiguas escogidas, ‘The Glass’, ‘All Wrong’ y ‘Bad Luck’, aparecían juntas en What You Don’t See, aunque viendo la facilidad con las que las han adaptado al nuevo formato, podrían haberlo hecho con cualquiera. Una de las gracias del EP es que no se han limitado a desenchufarse y ya está, sino que le han dado un giro a los temas haciendo que parezcan

que, desde su concepción, hubieran sido pensadas así. La melancólica interpretación de Parker y la sutileza instrumental les otorgan un aire más tristón y romántico que pasaba desapercibido en su forma original. ‘The Glass’ y ‘Bad Luck’, con un fraseo de guitarra medio country, brillan en especial. El tema nuevo, ‘Navy Blue’, es una balada que recuerda a los Dashboard Confessional de sus inicios. En cuanto a ‘Waiting In Vain’ de Marley, no es que sea la bomba, pero al menos se han agarrado más a la melodía que a su base musical. Una buena muestra de que quizá The Story So Far tienen más caras de las que habían mostrado hasta ahora. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... KELEN CARPENTER ¿Es este EP acústico una reacción a tantos meses de gira? ¿Necesitabais un poco de calma? “Es una buena manera de verlo. Simplemente estábamos ociosos y decidimos que podía ser divertido hacerlo, y que podría ser curioso para la gente”. ¿Cómo escogisteis los temas para el EP? ¿Os costó mucho decantaros por unos u otros? “Hablamos de las canciones que queríamos hacer mientras nos dirigíamos al estudio. Lo único serio sobre este disco es lo en serio que nos tomamos hacerlo relajadamente. No había ninguna presión, sólo buscábamos entreternos con algo”. ¿Cuál es el mayor desafío para una banda como la vuestra al tocar en acústico? ¿Se os hizo extraño? “En realidad es bastante sencillo. Es un desafío mayor escribir un buen

álbum y tener canciones que se puedan adaptar bien a este formato. Cualquier neandertal puede coger una guitarra acústica y tocar sus canciones eléctricas de rock”. Una de ellas es una versión de Bob Marley. ¿Sois fans suyos de siempre? “Bob Marley escribió música muy suave, y encajaba muy bien con lo que queríamos hacer. Habíamos hablado hace tiempo de tocar alguno de sus temas y ésta era la oportunidad perfecta. Somos fans”. ¿Qué opinas de este resurgir del punk pop? ¿Os sentís parte de él? “El pop punk está llegando a su cima. La última generación de bandas que replican a las anteriores ya han entrado en la escena, y posiblemente sean las últimas. El pop punk es un ejemplo de cómo la música es cíclica. A principios de los 2000 estaba arriba de todo, pero luego la gente

perdió interés y desapareció. En los últimos años ha vuelto a ganar vida con bandas frescas, pero cuantas más salen, más aburrido se vuelve. Espero que nuestra banda sea más grande que una moda pasajera que inevitablemente volverá a perder popularidad. La gente puede llamarnos lo que quiera, pero antes que nada somos músicos”. ¿Es este EP una manera de decir ‘somo más que una banda de punk pop’? “No, no lo creo. No hay una verdadera razón para ello. Era simplemente algo que queríamos hacer para divertirnos”. ¿Cuándo podemos esperar vuestro próximo disco? ¿Puedes avanzarnos algo sobre su contenido? “Todavía es demasiado pronto, pero seguimos trabajando en él y vamos bien. Manteneros alerta”. (DAVID GARCELL)

cr í ticas

KEVIN DEVINE Bubblegum (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

pocos días de su paso por nuestro país, era necesario hablar del último trabajo de este simpático pelirrojo. Sacando dos álbumes totalmente distintos, nos centramos en Bubblegum, con el que iba a experimentar por primera vez una composición en conjunto con su Goddamn Band y su queridísimo Jesse Lacey de Brand New, en su estreno bajo la producción. Desde ‘Nobel Prize’ se aprecia a un Devine aportando un nuevo registro dentro de su estilo. Él mismo nos declaró hace unos meses las obvias influencias de Nirvana y los primeros Weezer, y no podía tener

más razón. Encontramos, como siempre, estribillos y melodías pegadizas en cada uno de los cortes; un claro ejemplo es ‘Private First Class’, basada en la sonada historia del soldado Bradley Manning. La furiosa ‘Fiscal Cliff’ hace que se te quede irremediablemente ese “in my mirror I see you” que tanto repite entre la chirriante distorsión de guitarras. ‘I Can’t Believe You’ y ‘Redbird’ se transforman mediante potentes riffs en canciones de alto nivel, aun con la larga duración de ésta última. Siguiendo con ‘Bloodhound’, el pegajoso y acertado single ‘Bubblegum’ y la tremenda melodía de ‘Sick Of Words’, consiguen mantenerte enganchado para lo que queda. Tras descansar con la intro ‘Cabybara’, vuelven con su maravillosa versión grunge de ‘She Can See Me’ y la también espléndida ‘Somewhere Unoccupied’, para así acabar relajándonos con su armonía vocal más característica en el tema ‘I Don’t Care About Your Band’. Una pequeña joya para amantes del género. ALEJANDRO LOZANO

MUNDOZERO Memoria

(THE BLOODY DIRTY SANCHEZ) POST ROCK, POST METAL

e esta ola ‘post’ que sigo observando desde la barrera puedo sacar varias conclusiones. Por un lado, no me parece tan fuerte lograr despertar emociones sólo con instrumentación, pues, de hecho, los más dados al metal extremo estamos acostumbrados a no entender nada de lo que nos chillan, y bien que nos llega su mensaje descorazonador o furioso. Y es que esto podría explicar también el auge del estilo, pues ¿cuántos de nosotros nos hemos alejado de un grupo, aunque nos gustara su música, porque no podíamos con la voz? Eliminado el problema, lo que más aprecio

de estas formaciones es que el recorrido de sus obras no decaiga, que el tripi no flaquee, y en los 38 minutos que dura Memoria, el primer álbum de los delicados Mundozero, el ejercicio de concreción y correcta lectura de los tempos es encomiable. Otro asunto es la supuesta coartada conceptual “en torno a la idea de los recuerdos y el desarrollo humano, individual y colectivo”, pero que no impide que a mí los ruiditos iniciales de ‘La Cuerda Del Futuro’ me recuerden a la forma en que se comunican las ballenas, y que siguiendo con mi paranoia al estilo Jordi Meya con el último de Toundra, no me parezca que ‘Memento Mori’ describa en realidad el rito de apareamiento del cetáceo, o el estallido épico de ‘Moldeando La Realidad’, cuando consigue consumar al fin con una hembra bien traviesa, y la contundencia de ‘Vida’, una ruptura oceánica. Seguro que los de Jaén han tenido esto en cuenta, pero no les molesta que cada uno se monte su peli. No me va este rollo, pero sé que con un poco más de riesgo, aquí hay banda para rato. PAU NAVARRA

AMEN DUNES Love

(SACRED BONES) INDIE FOLK

men Dunes es Damon McMahon, y juntos nos llevan a un nuevo viaje musical donde las sensaciones, las emociones y los estímulos son los objetivos. El tercer trabajo del de Filadelfia es un flechazo directo a los sentidos más puros del oyente que se deje envolver por su sonido atmosférico de indie folk y neopsicodelia alternativa. Cerrando filas en torno a Spacemen 3, Syd Barrett, Skip Spence o Roky Erickson de los 13th Floor Elevators, Amen Dunes absorbe a todos ellos para

dar a la luz un disco que respira libertad y transmite sosiego y belleza como si de una pócima sanadora se tratase. En un momento óptimo donde la psicodelia lleva unos años gozando de una segunda juventud, este trabajo de delator título será sin problemas un grato y fiel compañero de los amantes del género con tintes más folkies, y alumbra como pocos un camino asfaltado en los últimos tiempos y con largo recorrido. Canciones como ‘Splits Are Parted’, la preciosa ‘Love’ final, la interesantísima ‘White Child’ inicial, ‘Lilac In Hand’, la destreza emotiva de ‘Sixteen’ o ‘I Can’t Dig It’, con la distorsión del disco, son algunas de las grandes creaciones que recoge este hermoso canto llamado Love, que cortejado por la delicada y especial voz de McMahon se convierte en su mejor obra y un regalo para nuestros oídos. La suma de atenta música con espíritus abiertos es igual a goce infinito. No falla.

VADER

Tibi Et Igni (NUCLEAR BLAST) DEATH METAL

ecimoprimer disco de estudio de estos legendarios polacos, y un paso más que afianza su hegemonía en su propio terreno. Hace muchos años ya que Vader se especializaron en un death metal de intensísima rapidez nacido del coito blasfemo entre sus influencias aún más reconocibles: Slayer y Morbid Angel. Gran parte de su personalidad siempre estuvo en esa dinámica rapidez con la que fluyen sus temas y álbumes, en los

que la intensidad no afloja un segundo, el trémolo de las guitarras es constante, los solos vertiginosos se suceden y la peculiar voz de Peter escupe invocaciones como llamadas a la guerra. Y lo cierto es que... poco ha cambiado desde entonces, como no sea para simplificar su propuesta desde sus inicios: conocen su fórmula, la practican y la defienden, pero la complejidad en riffs y estructuras de Morbid Reich, The Ultimate Incantation o De Profundis no ha vuelto a brillar. Ahora los temas son más directos y efectivos, quizá demasiado sencillos y algo menos interesantes que antes, pero eso sí, sin traicionar su propuesta, pues para bien o para mal, poco hay de nuevo en este disco... Los que busquen algo rompedor deberían hacerlo en otro sitio, y los fans acérrimos estarán completamente satisfechos. Tan simple como eso. SALVA RUBIO

CARLES RAMÍREZ

EQUILIBRIO Y SERENIDAD La banda de Los Ángeles sigue ganando adeptos con un post hardcore salido directamente de sus corazones. Su último disco Is Survided By les ha llevado alrededor del mundo desde que su publicó el pasado septiembre, pero hasta ahora habían pasado de largo de nuestro país. Por fin, en el Primavera Sound saldaron la cuenta pendiente. Texto: JORDI MEYA Fotos: Carles Rodríguez

TOUCHÉ AMORÉ

ouché Amoré llegaban por primera vez a nuestro país con su grandioso tercer disco Is Survived By (Deatwish Inc.) bajo el brazo, pero también envueltos de una cierta polémica. Para sus seguidores españoles resultaba bastante difícil de entender que la primera, y por el momento única, oportunidad de verles en directo fuera en el contexto de un festival como el Primavera Sound, donde la presencia de bandas de punk y hardcore es prácticamente nula, y con un precio de abono no al alcance de todos los bolsillos. Seguramente las críticas que han recibido sean comprensibles, pero también denotan cierta candidez a la hora de saber cómo funcionan los entresijos del negocio musical. Cuando los grupos alcanzan cierto nivel -y pese a que Touché Amoré siguen siendo una banda pequeña, todo el mundo les reconoce un potencial para que crezcan mucho más- decisiones sobre cómo, cuándo y dónde tocas se escapan de su control y pasan a manos de agencias de contratación que organizan sus itinerarios en función de la demanda y el rendimiento que puedan obtener. Es una pena, pero la realidad es ésta. En cualquier caso, lo mejor es quedarse con la parte positiva. Por un lado, su show en la madrugada del jueves en el que cumplieron las expectativas creadas, y sobre todo por el lado humano, que les presumíamos, pero que pudimos vivir en primera persona. Jeremy Bolm (voz), Clayton Stevens (guitarra), Nick Steindhart (guitarra), Tyler Kirby (bajo) y Elliot Babin (batería) llegaban a Barcelona después de haber tocado la noche antes en Biarritz en un concierto junto a Birds

In A Row, No Omega y The Rodeo Idiot Engine. A pesar del cansancio, a las ocho de la tarde aparecieron puntuales y sonrientes en nuestro stand del festival para realizar una sesión de firmas, donde pudieron comprobar que también aquí tienen fans. Tanto trajín había pasado factura especialmente a Jeremy, que apenas tenía un hilo de voz para hablar, pero increíblemente apareció totalmente recuperado cuando salió al escenario. Aprovechando que éste era su último show de su gira europea, la banda decidió quedarse todo el fin de semana y disfrutar del cartel del Primavera Sound, siendo Slowdive y Neutral Milk Hotel los dos grupos que, según nos contaron, más ganas tenían de ver. Pero antes de dejarles que se perdieran entre la multitud, tocaba sentarse, charlar un ratito y hacerse las fotos que aquí os ofrecemos.

“Quiero escribir sobre lo que siento y hacerlo de la manera más directa y honesta. Creo que si alguien dedica su tiempo a escucharnos merece que le cuente la verdad” JEREMY BOLM gente no sepa ni quiénes sois? TYLER “Estar fuera de tu ambiente no es lo más cómodo, pero intentaremos tocar lo mejor que podamos y ganarnos a la gente”. JEREMY “En estos festivales con las dos primeras canciones ya ves cómo será el resto del set. Si no hay ningún tipo de reacción entonces simplemente nos centramos en tocar bien, en lugar de intentar interactuar con la gente”.

Es genial teneros por fin por aquí. Empezaré por una pregunta que mucha gente se hace: ¿Por qué tocáis en este festival en lugar de haber hecho vuestros propios conciertos? TYLER KIRBY “Es la primera oportunidad que hemos tenido de venir”. JEREMY BOLM “Por lo que sabemos, es la primera vez que alguien ha intentado traernos”. NICK STEINDHART “Es complicado cubrir toda Europa. Necesitaríamos muchas semanas para recorrer todo el continente de punta a punta y no hemos dispuesto de ese tiempo. Pero prometemos que volveremos lo antes posible”.

¿Qué impresión os gustaría dejar en un fan de Queens Of The Stone Age o Arcade Fire que os vea por casualidad? JEREMY “Creo que tenemos la suerte de no sonar como ninguna otra banda del evento. Creo que eso nos ayuda. Si alguien nos ve pensará ‘oh, esto es diferente a todo el resto’ porque no hay ninguna otra banda de hardcore. O puede que piense ‘esto no es lo mío’ y se largue a los tres minutos. Lo ideal sería que le gustase, se comprase el disco y quizá se interesase por otras bandas de nuestra escena”. NICK “Eso sería lo mejor que podría ocurrir”. JEREMY “Y lo peor sería, ‘voy a pillarme una cerveza’ (Risas)”.

¿Os motiva más tocar en un festival donde quizá mucha

Hoy tocáis casi a las dos de la mañana. ¿Habéis tocado 101

TOUCHÉ AMORÉ en alguna ocasión tan tarde? ¿Creéis que puede afectar a vuestra energía en directo? JEREMY “Antes hablamos de esto. Pero no lo es, una vez tocamos en una casa en Gainsville, Florida, a las dos y media de la noche. Anoche estuvimos conduciendo desde Francia, así que si tocáramos mañana, estaríamos más descansados. Pero no nos preocupa el concierto. Unos cuantos Red Bulls nos ayudarán (risas)”. Ayer en Biarritz pudisteis reencontraros con los chicos de Berri Txarrak, con quienes compartisteis una sesión de fotos en Los Ángeles hace un par de años para nuestra portada. ¿Cómo os fue? JEREMY “No tenía ni idea de que estaban ahí hasta que se iban. Salí al puesto de merch para hablar con los fans y se acercaron a decir hola. Flipé con que estuvieran ahí. Sólo hablamos con ellos cinco minutos, pero fue genial”. ¿Cómo os sentís ahora respecto a Is Survived By? NICK “Me encanta tocar estos temas en directo y ver cómo evolucionan. En cada gira que hemos hecho hemos 102

añadido un tema del disco al repertorio y cada uno ha ido incorporando nuevos detalles. Es divertido escuchar cómo siguen creciendo desde que lo grabamos. Hemos tenido la oportunidad de grabar una sesión para la BBC, así que tenemos una versión grabada de cómo suenan los temas ahora”. JEREMY “Creo que a nuestros fans les gustó el álbum y también hemos hecho de teloneros de grupos con los que normalmente no tocaríamos, y eso nos puede haber hecho llegar a público nuevo. En ese sentido, ha funcionado bien”. TYLER “Sí, creo que todo eso ha funcionado, pero en realidad no intentamos hacer música para llegar a más gente. Sólo hacemos la música que nos gusta”. ¿Cómo valoráis la gira que hicisteis con AFI? CLAYTON STEVENS “AFI vienen del mismo mundo que nosotros, del punk y el hardcore de California. Son mayores que nosotros, pero nos llevamos muy bien y con su crew también. Fue un desafío tocar con ellos porque la gente iba a verles a ellos, pero creo que gustamos bastante. Tyler y yo crecimos escuchándoles”.

Hay un par de aspectos que llamaron la atención del disco. Uno es que el sonido de las guitarras es más limpio, y otro que los temas son más largos. ¿Qué propició estos cambios? NICK “Simplemente hacemos lo que sale de manera natural. Todos estamos de acuerdo en cuándo un tema debe terminar (risas)”. TYLER “Creo que hay un par de factores que moldearon el álbum. Uno es que es el primero que hacíamos con esta formación al completo, y otro que hemos girado muchísimo. Así que cada vez nos entendemos más y sonamos más compactos. Cada vez más es un trabajo colectivo. El resultado final del disco es simplemente una consecuencia de ello”. ¿Creéis que es importante para ser una buena banda de hardcore escuchar todo tipo de música excepto hardcore? NICK “No necesariamente, pero los grupos que se centran exclusivamente en escuchar hardcore acaban haciendo una música derivativa. Es importante escuchar otras cosas y tener gustos amplios. Aquí tienes a cinco personas con gustos muy distintos, pero todos tenemos en común que nos gusta Converge y Envy, por ejemplo”. TYLER “A mí me gusta mucho el rap, a Nick le gusta mucho el pop... Creo que todos tenemos nuestros gustos personales”. JEREMY “Yo llevo un año escuchando sólo a Yo La Tengo (risas)”. Las letras son una parte fundamental del grupo. En Is Survived By casi parecen relatar

el proceso creativo, son muy autoreferenciales. JEREMY “No sabría escribir de otra manera. Quiero escribir sobre lo que siento y hacerlo de la manera más directa y honesta. Creo que si alguien dedica su tiempo a escucharnos merece que le cuente la verdad. No quiero edulcorar, disimular o guardarme nada. Eso es lo que hago. Creo que ése es el motivo por el que los chavales se identifican con lo que escribo”. Se ha convertido en un cliché que los fans digan a los músicos ‘me habéis salvado la vida’, ‘me habéis cambiado la vida’. ¿Creéis que realmente vuestra música tiene ese impacto u os tomáis esos comentarios con cierta reserva? JEREMY “Es difícil saber quién lo dice por decir y quién lo dice de verdad. Es algo muy fuerte que alguien te diga ‘no estaría aquí si no fuera por vosotros’. No sé si la gente se da cuenta del alcance de esas palabras. ¿Qué significa? ¿Que si nos separamos, te vas a suicidar? O si nuestro próximo disco es malo, ¿qué pasará con tu vida? Algunos fans no entienden la presión que esos comentarios nos ponen encima. Hicimos una gira en la que pedí mucho consejo a otros músicos acerca de esta cuestión. Chris #2 de Anti-Flag me dijo que no me lo tome muy en serio porque hay gente que lo único que busca es llamar tu atención, impactarte para que les recuerdes, pero en realidad no lo dicen en serio. Pero me preocupa porque he escuchado algunas historias terroríficas. Geoff (Rickly) de Thursday me contó que una vez le llamó un padre que había

conseguido su número de móvil para que convenciera a su hijo de que no se suicidara. Cosas así me asustan. En realidad, no puedes hacer nada, sólo esperar que todo el mundo esté bien”. TYLER “Yo espero que realmente la gente esté exagerando cuando dice esas cosas. Quizá es catártico para ellos, pero no debería llegarse a ese extremo. La música es catártica para mí, pero no debería ser más que eso”. JEREMY “Hacemos esta música para ayudar a la gente. Nosotros no seríamos quienes somos sin la música punk, así que entiendo lo que la gente quiere decir, pero como artistas no sé si debemos cargar con esa responsabilidad”. Hasta hace poco todos trabajabais en otras cosas... ¿Ahora ya podéis vivir del grupo o todavía no? CLAYTON “Depende de cómo definas ‘vivir del grupo’ (risas). Algunos de la banda todavía viven con sus padres o tenemos otros trabajos”. JEREMY “Una vez alguien me preguntó si ganábamos ‘dinero de adultos’ y con eso querían decir si podíamos pagar nuestro propio piso...”. TYLER “Vivimos por debajo del nivel de pobreza”. JEREMY “Seguimos haciendo otras cosas para ganar dinero. Todo ayuda a sobrevivir”.

“Estar en Barcelona tocando en un festival con Nine Inch Nails es surrealista” JEREMY BOLM

las expectativas que teníais cuando empezasteis el grupo, ¿todavía os cuesta creer que todo esto es real o habéis asumido que es vuestra vida? NICK “Es como vivir una fantasía”. JEREMY “Estar en Barcelona tocando en un festival con Nine Inch Nails es surrealista”. NICK “Habiendo empezado a tocar la guitarra con 6 años y estar aquí con Nine Inch Nails y Queens Of The Stone Age es más de lo que hubiera imaginado. No parece real”. JEREMY “Pensar que tocar canciones punk de minuto y medio nos ha llevado hasta aquí... Quiere decir que todo es posible (risas)”.

Habiendo superado todas 103

ENTROPIA

HAY QUE SEGUIR LUCHANDO Los Entropia grind/death de antaño se convierten en su nuevo disco en unos Entropia sludge/drone; cambio de sonido pero no de actitud, que sigue siendo tan libertaria y militante como les recordábamos. Texto: Jesús Brotons Foto: DR

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a publicación el pasado 1 de mayo, Día Internacional de los Trabajadores, de Pànik Sagnant (AnarkoSatanisme Records/ Voliac Rock Produccions), el nuevo trabajo de los catalanes Entropia tras Takte Mòrbid, un disco lejano en el tiempo (nueve años) mas no en la memoria, funciona –conscientemente o no– a efectos de conmemoración

del vigésimo aniversario del grupo; una efeméride, ésta de las dos décadas, que quizá sería anécdota en países más respetuosos con su acervo cultural, pero que en este en el que vivimos, que no allana las cosas a los grupos musicales y menos a los que se salen de lo establecido, más parece hazaña. “Entropia se formó en 1994 con las ideas muy claras: jamás viviríamos de la música”, me explica su bajista y cantante, Selrak. “Este realismo nos ha permitido trabajar y crear con libertad y con la conciencia tranquila. Entropia no será una fuente de financiación para nosotros. Somos clase trabajadora, somos los de abajo, somos mayoría. Intentamos subsistir con nuestros trabajos, precarios, efímeros, duros, positivos en ocasiones”. “Entropia”, continúa Selrak, “siempre ha exhibido una marcada personalidad, tanto en lo musical como en lo ideológico. Musicalmente, ser diferentes, en ocasiones, no nos ha ayudado, pero indudablemente nuestra elección siempre ha estado clara: personalidad antes que concesiones a cambio de una efímera popularidad. Nuestro camino es una carrera de fondo; mejor dicho, un viaje, veinte años de crecimiento y cambio, de compromiso con nosotras y con la sociedad”. Música e ideología, para el grupo tan importante lo segundo como lo primero, sino más. De las dos cosas hablaremos, y empezamos por la música. Pànik Sagnant es un disco que, en lo sonoro, se aleja bastante de su

“Nuestro camino es una carrera de fondo; mejor dicho, un viaje, veinte años de crecimiento y cambio, de compromiso con nosotras y con la sociedad” SELRAK predecesor; si Takte Mòrbid se podía enmarcar sin excesivos problemas en los terrenos del grindcore y el death metal, el nuevo álbum, que integran cuatro temas –uno de ellos acústico–, presenta a unos Entropia para mí desconocidos hasta ahora; unos que profundizan en una música lenta, agónica, próxima al drone y el doom mortuorio de grupos como los antiguos Khanate o Unearthly Trance. Selrak: “Takte Mòrbid nos abrió las puertas a la combinación del grind y el death, que a lo largo de los siguientes años se materializó en canciones cada vez más extremas, intrincadas, elaboradas, donde el sonido grind y la estructura y ejecución brutal death encontraron un equilibrio perfecto. El cambio estilístico hacia la ralentización, la distorsión, la profundidad, el drone, ya se inició hace unos años. Hoy, ya consolidado, nos ha permitido hacer aflorar otra de nuestras pasiones: unir la música y lo visual para conseguir que el mensaje sea lo más potente posible”. El componente visual de Entropia lo aportan Inmä y Morwen, responsables ambas de danza y coreografía. ¿Curioso, dicen, que un grupo de sustrato metal cuente con un cuerpo de baile como 105

miembros estables? En detalles como éstos reside la personalidad que mencionábamos arriba. Su incorporación, dice Selrak, partió de la idea de “conseguir una experiencia para los asistentes a un concierto lo más intensa posible. Un concierto de Entropia busca la comunión con los allí reunidos. Y con nuestra performance, música e impacto visual quedan unidos”. Y en esa sinergia entre música e imagen, ni una ni otra queda subordinada: “Las coreografías se basan en la música, pero una vez planteadas son capaces de interactuar en ambas direcciones”. Más aún: “Hemos presentado el vídeo de ‘Konjur De Creació MMXIV’, estamos editando el de ‘Tel De Greix’ y el de ‘Lament XIX’ va avanzando. Tenemos el objetivo de ofrecer un vídeo de cada canción y para ello la aportación de la expresión corporal es imprescindible”. Pasemos al segundo –o primero, según se mire– de los rasgos definitorios del grupo, ése que atañe a la ideología. Entropia es, siempre ha sido, una banda ungida de un fuerte componente libertario, y si su música ha cambiado, sus preceptos no lo han hecho lo más mínimo. “Jamás podríamos desligar Entropia del compromiso y de la conciencia de clase”, dice Selrak, y tras leer una de las explícitas frases que contiene la nota de prensa de Pànik Sagnant (“Una nueva obra tan opresiva y nociva para el ser humano como la actual dictadura ultraliberal que padecemos”), no puedo dejar de preguntarle si este disco ha surgido, precisamente, como una 106

reacción contra el presente estado de las cosas. “Ciertamente, esta situación política la padecemos, con matices, hace muchos años, unos doscientos”, me responde. “La maldad ha tomado forma en el ultraliberalismo económico y en la represión intelectual que lo contamina todo. Desde el nacimiento hasta la tumba, todo está intervenido por el mercantilismo más desaforado y esto nos subleva. La indiferencia es complicidad y todas nuestras acciones, opiniones, posicionamientos, por pequeños que puedan ser, cuentan. El día a día es una oportunidad constante para tomar partido, para intentar marcar la diferencia, la alternativa a la corriente que se nos quiere imponer, a todos”. Definiéndose ellos mismos como feministas (“Por supuesto. ¿Se puede no serlo?”), anarquistas (“Creemos en la autogestión y en la organización horizontal de la sociedad, en la libertad individual dentro del colectivo, en la acción como método de transformación y mejora”), anticapitalistas (“La lucha contra la injusticia es prioritaria y esta filosofía económica propugna lo contrario, la injusticia y la explotación”), antifascistas (“Evidentemente, el fascismo históricamente no ha hecho más que ser el perro de presa del capitalismo más salvaje. El dinero no es el centro de la vida, y su ausencia no puede ser el centro de la vida de las personas”) y, como “unión de todas las tradiciones libertarias”, anarkosatanistas (“La clase obrera necesita la ayuda de la mística revolucionaria. Todos los planos de realidad son necesarios para

conseguir nuestro objetivo como clase, como individuos”), Entropia han creado a su regreso un disco cuyo sonido podrá ser nocivo y opresivo, pero en el que el trasfondo no podría ser más luminoso. En tiempos opacos y descreídos, nunca viene mal un poco de transparente militancia. Sonido, estética y combatividad formando un todo indisoluble, Selrak desea finalizar explicando el porqué de la niña de ojos rojos que ilustra la portada de Pànik Sagnant: “Título, portada y sonido son un trabajo global. Pànik Sagnant y la mirada de la niña forman un eje compositivo que obliga a desplazar la mirada de forma ascendente y descendente estableciendo la relación cromática entre el rojo, el negro y el blanco. Rojo y negro, colores del anarcosindicalismo, y el blanco es el contrapunto que ayuda a establecer los claroscuros. También es necesario observar el blanco y negro utilizados en una imagen antigua, anónima, desde la cual surge con fuerza explosiva el rojo de la mirada. Un puente entre aquello que es pasado y aquello que llega con fuerza. Ante el miedo ancestral que nos atenaza, el pánico, se hace necesaria una reacción violenta, sangrante, sangrienta como metáfora o no... Pretende crear un impacto. Muestra la aparente fragilidad y la fuerza interior de la niña, la cual simboliza la determinación de todos y cada uno de nosotros para transformar la realidad”.

ESPECIAL FOTO

ALKALINE TRIO (2003)

EN EL OBJETIVO DE CARLES RODRÍGUEZ Carles Rodríguez Marín (Barcelona, 1967) lleva casi media vida con la cámara a cuestas. Empezó a publicar sus fotos en 1994 en la revista Popular 1 y cuatro años más tarde empezaría a colaborar en Rock Sound, y posteriormente seguiría con nosotros cuando dimos el salto a RockZone. Además, también puedes ver su trabajo en publicaciones como Rolling Stone y Enderrock. A lo largo de todo este tiempo ha tenido oportunidad de retratar a algunos de los artistas internacionales y nacionales más significativos del momento. Para celebrar sus 20 años de profesión le hemos pedido que nos hiciera alguna selección de sus fotos más queridas. Todo un lujo para la vista.

STANDSTILL (2006)

DAVE NAVARRO (2006)

THE MARS VOLTA (2003)

THURSDAY+ BAD RELIGION (2002)

BRANT BJORK (2005)

ANTI-FLAG (2005)

HIM (2005)

NOTHINK y BIFFY CLYRO (2007)

DREDG (2009)

THE USED (2003)

STONE SOUR (2003)

LACUNA COIL (2006)

MARK LANEGAN (2004)

MACHINE HEAD (2004)

MELISSA AUF DER MAUR (2004)

FANTÔMAS (2004)

FLAMING LIPS (2006)

MOTÖRHEAD (2006)

MUEVE TUS CADERAS SI HASTA AHORA ELI ‘PAPERBOY’ REED SE HABÍA CARACTERIDAZO POR HACERNOS DISFRUTAR CON UNA REVISIÓN DEL SOUL MÁS CLÁSICO, CON NIGHTS LIKE THIS PRETENDE SEGUIR HACIÉNDOLO USANDO SUS PROPIAS REGLAS, LE PESE A QUIEN LE PESE... Texto: GONZALO PUEBLA Fotos: DR

ELI ‘PAPERBOY’ REED

o sé si al resto de mis compañeros redactores les pasará lo mismo, pero soy incapaz de enfrentarme a una entrevista sin que me entren los habituales nervios antes de empezar. No importa si es un grupo local que acaba de sacar su primer disco o los mismísimos 114

Metallica, que siempre me invade la tensión, aunque sea mínima. Sin embargo, esta tarde del 17 de mayo el motivo de que mi corazón esté algo más inquieto de lo habitual no es porque dentro de un par de horas tenga que encontrarme con Eli ‘Paperboy’ Reed en el hotel que está justo enfrente del Matadero de

Madrid, donde este fin de semana se está celebrando el festival Back Is Black, en el que el de Boston es uno de los platos fuertes del cartel, sino porque el equipo de mis amores se está jugando el poder ganar su primera Liga en casi dos décadas. Así pues, una vez finalizadas las casi dos horas de sufrimiento en un bar cercano

al punto de encuentro y tras responder a todos los mensajes de felicitación que me van llegando, acudo a la cita más relajado de lo normal. De hecho, mientras espero en la entrada a que aparezcan los responsables de su nueva discográfica, veo que Eli cruza la calle en dirección al hotel. Vestido de paisano, con unas gafas enormes

y un tupé perfectamente peinado que le dan un aspecto casi cómico, se le ve un tipo muy tranquilo, algo diferente al vendaval en el que se suele convertir una vez sube al escenario. Hechas las presentaciones de rigor, nos sentamos en un sofá del hall para empezar a hablar de Nights Like This (Warner), tercer álbum con material propio, que ha venido acompañado de una gran polémica desatada en los foros debido al acento marcadamente pop de sus nuevas canciones. A pesar de que al menos en concierto sigue manteniendo un nivel muy bueno, los que vimos en él a la nueva esperanza blanca del soul con un señor discazo como Roll With You, publicado en plena efervescencia revivalista de la música negra hace unos años, empezamos a temer que éste sea un giro de timón sin camino de retorno y que sus futuros trabajos nos ofrezcan una versión cada vez más domesticada de lo que solía ser. Como es lógico, Reed se defiende abogando por la libertad creativa sin tener que ceñirse a los cánones de un estilo determinado, y aunque insiste en que sigue manteniendo sus raíces musicales, no oculta que su objetivo es alcanzar el estrellato de gente como Bruno Mars o Beyoncé. Sólo el tiempo nos dirá si la jugada le ha salido bien o se convertirá en un caso más de ‘lo que pudo haber sido y no fue’. Esta noche terminas aquí en Madrid la gira de presentación de tu nuevo álbum. ¿Qué tal han ido estas últimas semanas? “Ha sido genial. Hemos estado dando

“QUERÍA ROMPER LAS BARRERAS, PORQUE QUIERO TENER UNA CARRERA LARGA Y QUIERO HACER DISCOS PAra mÁS GENTE. NO quiero hacer el mismo álbum una y otra vez” muchos conciertos realmente fantásticos alrededor de Europa. El público ha respondido muy bien al nuevo material y para nosotros es bueno poder comprobar esto de primera mano. También tocamos canciones antiguas, porque la gente quiere escucharlas, así que es un poco una mezcla de ambas cosas. Estoy excitado de poder tocar esta noche en Madrid de nuevo. Va a ser divertido”. Nights Like This suena muy diferente a lo que solías hacer hasta ahora. ¿Qué es lo que te motivó a transformar radicalmente tu sonido? “No creo que haya sido un cambio tan radical. Creo que es una progresión gradual y, de alguna manera, quería romper las barreras, porque quiero tener una carrera larga y quiero hacer discos para más gente. No quiero hacer el mismo álbum una y otra vez. Quería probar algunas cosas nuevas. Durante el proceso en el que estuvimos trabajando en nueva música, este tipo de sonidos fueron apareciendo mientras escribía canciones y producía el disco. Así que es una progresión natural y pienso que por la manera en la que canto y el sonido de mi voz, cuando lo llevas incluso a un contexto pop, sigue sonando a mí, sigue sonando a música soul”. Personalmente, me cuesta mucho encontrar algo que sea 115

ELI ‘PAPERBOY’ REED

“Me encantaría. Creo que todo el mundo está inspirado por ese tipo de éxito. No quiero decir que quiera sonar como Bruno Mars, pero él está haciendo muy buena música pop, tiene una gran banda en directo, con mucho sentimiento, y un show muy poderoso. Creo que está llevando la música pop mucho más lejos. Está estableciendo las normas ahora mismo dentro del negocio”.

mínimamente parecido al soul a lo largo del disco. “No estoy para nada de acuerdo. Creo que canciones como ‘Well, Alright Now’, por ejemplo, o ‘Grown Up’ o ‘Shock To The System’ están bastante cerca del soul. En realidad, la música soul es música pop y la música pop es música soul. Todo está ahí. Y como cantante estoy haciendo lo que siempre he hecho. No he cambiado mi sonido ni mi estilo. Creo que eso se puede escuchar en el trabajo”. Pero no hay ni tan siquiera una sección de vientos, con trompetas, saxofón... ¿Era algo premeditado? “Bueno, queríamos probar algunas cosas nuevas. Cuando estaba en el estudio, yo y mi colega Ryan (Spaker, colaborador y productor habitual -ndr.) a veces teníamos a un batería, pero la mayoría de las veces tocábamos todos los instrumentos. Así que esta vez reemplazamos la sección de vientos poniendo más voces, armonías vocales, coros... Pero para el directo sí que llevamos una sección de vientos, porque es una parte muy importante de los conciertos. Supongo que habrá gente que piense que si no hay vientos no es soul, pero deberían echar un 116

vistazo a todos los grupos vocales que había en los 60, donde tampoco tenían vientos, y hay grandísimos álbumes de esa época”. Antes solías componer con la guitarra acústica. ¿Utilizaste esta vez un método diferente para escribir las canciones? “Sí, definitivamente esta vez me involucré mucho en el proceso. Hice muchas sesiones con compositores en Los Ángeles. Es interesante ver cómo trabaja otra gente, sea como sea. Un ritmo de batería, un loop, una línea de bajo o una idea para una melodía. Nunca antes había trabajado de esa manera y estaba muy interesado por descubrir el cómo se hace una canción, cómo la empiezas... Por primera vez, no estaba componiendo en la habitación de un hotel, sino en el estudio, así que pudimos trabajar desde muchos puntos de partida diferentes. Lo cual es verdaderamente divertido y liberador para mí, como artista y como compositor”. En alguna entrevista te he leído que Bruno Mars es un referente actualmente para ti. ¿Aspiras a llegar tan alto como lo ha hecho él?

Supongo que eres consciente de que con este nuevo álbum estás asumiendo muchos riesgos. Puede que a muchos de tus antiguos fans no les termine de gustar el nuevo camino que está tomando tu música y te den la espalda. “Creo que eso sería una pena. Espero que no sea el caso, y que le den una oportunidad al nuevo disco y lo escuchen. Lo que quiero decir es que yo no hago música soul, sino que soy Eli ‘Paperboy’ Reed. Y puedo hacer otro tipo de discos. Si no te gusta, está bien. Hay mucha gente a la que sólo le gusta la música que suena a una época específica. Yo solía ser así, pero ya no (risas). Pero eso no quiere decir que le esté dando la espalda a esa música o que nunca vaya a hacer otro disco de soul que suene a los 60. Lo que quiero decir es que quiero hacer algo nuevo porque creo que tengo ese deber como artista”. ¿Así que no descartas volver a hacer una obra en la línea de Roll With You en el futuro? “Todo es posible. Yo quiero hacer el disco que quiera hacer en cada momento. Hacer un álbum que suene al soul de los 60 es de alguna manera... No quiero decir que sea

restrictivo, pero hay muchas reglas que tienes que seguir. Y yo no quiero seguir las reglas. Creo que este disco tiene muchas referencias de toda la música que amo, como el góspel, el soul... Pero no es un álbum de soul de los 60, así que creo que en el futuro habrá otros discos que hagan más referencia al soul de los 60, al góspel, el country, blues o cualquier cosa con la que haya crecido escuchando. Pero espero que todo lo que haga en en los próximos años sean álbumes de Eli ‘Paperboy’ Reed”. Precisamente, también he leído que te gustaría hacer un disco de música country. ¿Quizás sea lo siguiente que vayas a hacer? “Absolutamente. Hay mucha gente con la que me gustaría colaborar como Miranda Lambert, Kacey Musgraves o Rascal Flatts, que están haciendo trabajos muy buenos. Se está haciendo muy buena música country ahora mismo”. Hace unos años, cuando apareció Roll With You, había una cierta fiebre por el revival soul gracias al éxito de Amy Winehouse. ¿Crees que en parte te viste beneficiado de que la gente estuviese más abierta a escuchar este tipo de música? “Por supuesto. Creo que aquel momento, aunque no era consciente de que formaba parte de ese movimiento, cambió el panorama de la música popular. No creo que algo como que Bruno Mars saliese a tocar en la Superbowl con una sección de vientos hubiese podido suceder sin que antes hubiera una Amy Winehouse.

Creo que más que seas fan mío o no, o que estés molesto con el nuevo disco porque no sea un disco de soul, deberías de estar contento porque haya canciones con influencias de esa música sonando en la radio”. Una de mis canciones favoritas de tu repertorio es la versión del ‘Ace Of Spades’ de Motörhead. ¿Cómo se te ocurrió hacerla? “Fue una idea muy sencilla: estaba escuchando a Motörhead y pensé ‘deberíamos intentar hacer esto’. Lo probamos y sólo nos llevó unos cinco minutos tenerlo listo. Fue súper sencillo. Cambiamos el riff principal por los vientos y ahí estaba. Sonaba muy funky”.

CONEXIÓN CATALANA

Los Bad Brains, que también podríamos decir que son música negra... (Risas). “Sí, bueno... Yo no pienso en si la música es negra o blanca. Es música americana”.

‘Paperboy’ Reed, hay un trabajo que nos llama especialmente la atención. Y ése no es otro que el

EP Time And Place, publicado en 2012 en colaboración con la banda barcelonesa The Pepper Pots, en el que revisionaban oscuras piezas como ‘Don’t Mess Up A Good Thing’ de Fontella Bass o ‘Take It Like A Man’ de Kip Anderson. Eli nos cuenta cómo fue: “Vinieron a verme tocar en un concierto en Girona. Se presentaron y me pidieron que me viniese a trabajar con ellos y a producir su disco. Fue genial y son gente fantástica, grandes músicos. Fue realmente divertido”. Fruto de aquel EP pudieron compartir escenario durante una pequeña gira por el Estado aquel mismo año. Al plantearle la posibilidad de una continuación, se muestra abierto a ello: “Es posible. Yo creo que lo están haciendo muy bien, pero es un poco diferente a lo que estoy haciendo ahora mismo. Me gustaría volver a trabajar con ellos y hacer algunos conciertos con ellos en el futuro. Puede pasar cualquier cosa”.

¿Sueles escuchar otro tipo de música más dura, como podría ser el hard rock, heavy metal o punk rock? “Suelo escuchar muchos tipos de música. Me gustan los grupos de garage de los 60 o el hardcore de los 80”. ¡Hardcore de los 80! ¿Como por ejemplo...? “Pues Bad Brains y cosas así”.

chando un vistazo a la discografía de Eli

Es evidente que eres un gran amante de mi país. Casi todos los años haces unas fechas por aquí. ¿Qué es lo que más te gusta de España? “Hay tantas cosas que me encantan de este país... Amo la comida de todas las partes. Me encanta el pulpo de Galicia. Todas las diferente regiones. Y me gusta mucho Madrid, es una ciudad muy moderna pero al mismo tiempo, muy tradicional. Hace siete años que me mudé de Boston a Nueva York y ahora tengo mi hogar allí junto a mi mujer, pero no me importaría vivir durante un tiempo aquí”.

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WOLVES IN THE THRONE ROOM

Desde 2003 y a lO largo de cINCO álbumes y cientos de conciertos, Wolves In The Throne Room han moldeado el black metal a través de su propio prisma. Con Celestite se sumergen en las aguas del ambient para buscar nuevas vías de inspiración. Texto: MARC LOPEZ Fotos: DR

a música de Wolves In The Throne Room está íntimamente ligada a los paisajes salvajes del noreste de Estados Unidos donde residen. Viviendo prácticamente como ermitaños los hermanos Aaron y Nathan Weaver permanecen bastante ajenos a la repercusión que su trabajo ha tenido dentro y fuera de los círculos del black metal. En especial su anterior Celestial Lineage (2011) fue reconocido como uno de los discos más visionarios del género al expandir su paleta sónica de forma impredecible. Pero para los Weaver aquél era sólo un punto de partida. En su nuevo estudio Owl Lodge en Olympia, Washington, y rodeados de viejos sintetizadores analógicos, Wolves In The Throne Room han ido un paso más allá creando un álbum formado por cinco paisajes sonoros que intentan llevar al oyente a otra dimensión. Una vez finalizado su contrato con Southern Lord, la banda ha decidido publicar Celestite a través de su propio sello, Artemisia Records, en una muestra más de su total independencia. En una entrevista que diste cuando salió el disco anterior dijiste que creías que era el momento de cambiar y pasar a otra cosa. Evidentemente, Celestite representa ese cambio. ¿Te sientes especialmente satisfecho de haber dado el paso? AARON WEAVER “Lo siento como algo muy natural, ni bueno, ni malo. No lo siento como un gran triunfo sino como una evolución lógica para Wolves In The Throne Room. No teníamos ninguna duda que el disco

que íbamos a hacer después de Celestial Lineage no sería un disco de metal basado en guitarras, batería y voces duras. Llevamos más de diez años siendo una banda y si hubiéramos hecho otro disco de metal existía la posibilidad de que nos acomodáramos o hubiéramos utilizado patrones ya existentes. Hubiera limitado nuestra creatividad, así que la solución era eliminar todos los sonidos con los que nos sentimos cómodos, las estructuras que dominamos y hacer algo completamente diferente. Pero al mismo tiempo, no creo que sea un cambio total. Es muy posible que en el futuro volvamos a utilizar sonidos del pasado. Celestite es un experimento, una manera de sacudirnos y coger nuevas energías para futuros proyectos”. ¿Os impusisteis reglas estrictas a la hora de no utilizar guitarras, batería, voces… o trabajasteis con cierta flexibilidad? “Bueno, en el disco hay guitarras, pero las utilizamos de una manera que normalmente no haríamos. Así que había reglas, pero eran flexibles. Las de no utilizar baterías o voces sí que eran irrenunciables, pero en cuanto al resto, simplemente queríamos experimentar. Era la única manera de dar con nuevas ideas”. En algunos temas encontramos melodías que ya habíais utilizado en Celestial Lineage. ¿No es un poco contradictorio intentar hacer algo nuevo a partir de algo ya hecho? “Que sea nuevo o viejo no es lo importante. Para nosotros este disco es una oportunidad para explorar más profundamente el mundo musical que hemos desarrollado en los últimos diez

años. Queríamos hacerlo con una nueva perspectiva. Nuestra música es muy espacial, tiene una arquitectura. Es un lugar al que vamos. Cerramos los ojos, hacemos músicas y abrimos nuestra mente. Y eso nos sitúa en un nuevo lugar que tiene una estructura, una geografía propia. Este álbum es una exploración de ese universo, así que no es ni nuevo ni viejo, es el mismo lugar”. A nivel de equipo, ¿tenías todo lo que necesitabas para grabar el disco o tuviste que comprar nuevos sintetizadores para hacerlo? “Llevo comprando material desde hace cinco o seis años. Tengo una colección bastante buena de sintetizadores vintage analógicos. En todo caso, tengo demasiados (risas). Te entra el gusanillo y… Estos sintetizadores son como una especie en extinción que va muriendo. Ya no los hacen como antes. Tenemos lo que necesitamos. Tampoco me considero un coleccionista, me interesa tener el equipo que funcione y con el que poder plasmar nuestras ideas. Hay gente que acumula equipo porque sí, pero tiene que ver más con el coleccionismo que con la música”. ¿Dónde compras el material? ¿A través de eBay, de otros coleccionistas? Me imagino que tiene que ser caro… “Sí, por desgracia es muy caro (risas), porque como te digo, están en manos de coleccionistas. Gente que trabaja como programadores, nerds, que ganan pasta y hacen de esto su hobby. Me vuelve loco. Si compras un instrumento, esperaría que lo utilizases para hacer música, no para tenerlo en 119

un rincón”. ¿Os resultó complicado grabar Celestite o todo fue de manera fluida? “No, fue un gran desafío. Grabamos el disco entero cuatro veces y descartamos las tres primeras hasta quedar completamente satisfechos. Teníamos que ir evaluando el resultado a medida que lo obteníamos. Cuando encontrábamos una idea que nos gustaba, intentábamos desarrollarla de distintas maneras. Le dedicamos mucho tiempo. Normalmente vamos al estudio con todo planeado, con todos los arreglos hechos, sabiendo qué irá en cada sitio, de una manera muy orquestal. Esta vez fuimos al estudio sin nada. Sólo teníamos el deseo de hacer algo nuevo, así que nos llevó tiempo dar con algo que nos emocionara”. Un tema como ‘Turning Ever Towards The Sun’, que dura 11 minutos, podría prolongarse durante 10 ó 20 minutos más. ¿Cómo decidisteis cuándo debía terminar? “Es una cuestión de intuición. No lo supimos hasta que escuchamos el disco entero. Siempre hemos trabajado los discos como un global. Para nosotros los temas son sólo partes de un total. En este disco todo estaba muy abierto. Un tema podía durar una hora o 30 segundos. Era difícil marcar la línea, así que no lo supimos hasta que juntamos todas las piezas y pudimos escucharlo entero. Fue entonces cuando decidimos qué tema podía expandirse o cuál debía acortarse para que el producto final fluyera de principio a fin. Es algo a lo que estamos acostumbrados porque escribimos canciones muy largas, de 20 minutos, 120

así que sabemos bastante bien cómo trabajarlo. Los temas son largos porque necesitan respirar, que el oyente tenga tiempo de entrar en ese mundo”. ¿Grabasteis y mezclasteis el disco vosotros mismos? “Trabajamos con Randall Dunn, que ha hecho con nosotros los tres últimos discos, empezando con Two Hunters. Se involucra mucho en el proceso. La manera en la que trabajamos fue coger los masters de Celestial Lineage, y Nathan y yo fuimos escogiendo las partes que encontrábamos más interesantes. Luego procesamos todas esas partes a través del equipo en el estudio de Seattle donde trabajamos. Y luego cogimos todos esos nuevos sonidos improvisados y volvimos a nuestro estudio en Olympia y los trabajamos. Fuimos yendo y viniendo entre los dos estudios y chequeando con Randall cómo lo veía y escuchando sus consejos. Hizo de productor de verdad”. ¿Crees que para el oyente escuchar este disco puede ser un desafío aún mayor que el que ha sido para vosotros hacerlo? “No tengo ni idea. Lo interesante de Wolves In The Throne Room es que no tenemos demasiado contacto con otra gente. No vivimos en la ciudad, donde puedes interactuar con otros músicos o con gente que escucha tu música. Hacemos música aislados. En muchos aspectos es una bendición porque hacemos música que sale de nosotros sin tener en cuenta la opinión de nadie más. No sé cómo va a reaccionar la gente. Espero que la gente conecte con la música y entienda que es una progresión muy natural, pero puede entender que quizá confunda a alguien en un principio. Sólo pido que

lo escuchen varias veces y verán que empieza a cobrar sentido”. Siempre se suele considerar que los metalheads son muy cerrados de mente, y puede ser cierto, pero ¿no reaccionaría igual un fan de una banda electrónica si de repente ésta hiciera un disco de puro black metal? “Seguro que sí. Yo no creo que los metalheads sean cerrados, es un estereotipo. Lo que pasa es que son unos pocos los que hacen oír su voz muy fuerte. Son los metalheads que sólo aceptan un sonido, y eso ha empeorado por culpa de internet porque es muy fácil tener repercusión diciendo tonterías. Es una caja de resonancia llena de tonterías, pero en realidad sólo son palabras escritas en una pantalla”. ¿Cuándo surgió tu interés por la música ambient? ¿Fue a través de artistas black como Burzum, o gente como Brian Eno te ha interesado siempre? “Siempre me ha interesado, desde que era un niño. Con 8 ó 9 años me gustaba mucho Enya (risas). Creo que para bien o para mal puedes escuchar su influencia en Wolves In The Throne Room (risas). Siempre me ha interesado la música con sintetizadores que es capaz de evocar emociones. También me ha gustado siempre la electrónica, cosas como Boards Of Canada… Y también el dark ambient como Coil y Throbbing Gristle, y cosas industriales. Todo eso siempre nos han influenciado, lo que pasa es que ahora lo hemos puesto en primer plano”. Siendo también batería, ¿cómo ha sido la experiencia

“Siempre me ha interesado el ambient, desde que era un niño. Con 8 ó 9 años me gustaba mucho Enya (risas). Creo que para bien o para mal puedes escuchar su influencia en Wolves In The Throne Room” AARON WEAVER de trabajar una música donde el ritmo desaparece, en cierto modo? “Bueno, hay ritmos en el disco, pero de manera muy sutil. En realidad son ritmos muy complejos, sobrepuestos unos contra otros. Para mí es muy natural porque cuando escuchas black suena muy simple, como un muro de sonido, pero cuando te metes en él y piensas sobre ello, te das cuenta que hay paisajes sonoros muy profundos. Así que siempre he sentido la profundidad y la complejidad de los ritmos en nuestra música. Siempre me ha interesado el ritmo, el pulso que está ahí pero que necesitas tiempo para que se te revele”. ¿Qué tenéis pensado para presentar este disco en vivo? “Para nosotros Celestite está concebido como un proyecto de estudio, no

para tocar en directo. Haremos unos pocos conciertos en julio en la Costa Oeste, son los únicos que tenemos programados, pero básicamente tocaremos material de los otros discos. Pero quiero llevarme algunos sintetizadores y expandir nuestro set. Siempre hemos tenido espacio para improvisar un poco, y lo que haremos es ampliarlos”. ¿Crees que es posible transmitir vuestra filosofía simplemente con música, sin palabras? “Por supuesto. Para nosotros las letras siempre han sido lo menos importante. No sabría decirte si necesariamente tenemos una filosofía o un mensaje, es más un sentimiento, una energía que viene de nuestros corazones y es el reflejo de nuestra experiencia en el lugar salvaje donde vivimos. No queremos

decirle a nadie lo que tiene que hacer, sólo reflejamos lo que es auténtico para nosotros. Creo que el sonido es incluso una manera más pura de transmitirlo. A veces las palabras pueden ser un obstáculo”. ¿Pero crees que si hubiera más gente que sintiera lo mismo que tú el mundo sería un lugar mejor? “No quiero ponerme en un pedestal. Es mi filosofía e intento hacer lo que creo que es correcto para mí, pero no quiero juzgar lo que hacen los demás. Ya es suficientemente duro intentar hacer lo correcto como para ponerte a predicar a los demás. Ya hay demasiada gente que lo hace”.

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EN DIRECTO NINE INCH NAILS

PRIMAVERA SOUND 29, 30 y 31 de mayo de 2014 Parc del Fòrum, Barcelona

Texto: Lluís S. Ceprián, Jordi Meya, Marc López Fotos: Carles Rodríguez

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QUEENS OF THE STONE AGE

l festival de festivales llegó a una nueva edición. Y lo hizo con uno de los carteles de mayor valor artístico de toda su historia. Ciertamente no era fácil superar el techo que logró en la edición del año pasado, pero lo hizo aglutinando a nada menos que a 190.000 personas, una cifra récord para un acontecimiento musical en nuestro país. A nivel organizativo se acercaron a la perfección, superándose definitivamente las colas en barras y lavabos, y si algo se tuvo que reprochar fue por causas ajenas al festival, ya que de momento el factor meteorológico queda fuera de su jurisdicción. JUEVES La jornada del jueves del Primavera Sound 2014 se presentaba con nada menos que con una setentena de conciertos. Lo único malo de una

NEUTRAL MILK HOTEL

oferta tan bestial es que sabes que te vas a perder algo… pero en la vida hay que elegir. Lógicamente tuvimos de todo un poco. Desde los que sorprendieron por la soltura y firmeza de su propuesta, como fue el caso de los chilenos cósmicos Föllakaoid, que en el escenario ATP lograron aglutinar a una cantidad importante de público. Su gancho fue ofrecer un rico surtido de sonidos de rock pretérito. Los australianos Pond pusieron la nota psicodélica de la jornada. Su concierto fue más contundente que el que ofrecieron Tame Impala el año pasado. Por el contrario, las norteamericanas Warpaint protagonizaron uno de los mayores blufs de la jornada. Lo suyo no había por dónde cogerlo. El directo se les quedó grande, como músicos iban más bien justas, y las dotes vocales de Emily Kokal dejaron mucho que desear.

Mientras St. Vincent daba muestras de su gran clase en el escenario Sony (ver cómo Annie Clark se fusiona con su guitarra es digno de ver), el anfiteatro del ATP se llenaba para ver a Neutral Milk Hotel, pero por desgracia su concierto no cumplió con las expectativas. Aunque su folk orquestal es delicioso en disco, los de Jeff Magnum no consiguieron conectar del todo. Quizá el Auditori, a cubierto y con el público sentado, hubiera sido más apropiado. Luego llegó el turno de Queens Of The Stone Age, uno de los cabezas de cartel de este año, pero su directo no fue lo prolífico en cuanto a rendimientos electrizantes. Basaron el set en su útimo disco … Like Clockwork, con paradas en ‘My God Is The Sun’, ‘Smooth Sailing’, ‘… Like Clockwork’, ‘If I Had A Tail’ y ‘Fairweather Friends’, pero se echó en falta un repertorio con menos medio 123

DEAFHEAVEN

TERROR 126

ARCADE FIRE

tiempos y con más temas afilados. Justo después fue el momento de Arcade Fire, otro de los invitados de excepción para esta edición. Salieron con ganas de encandilar a la concurrencia, y qué mejor fórmula que empezar con ‘Reflektor’. A partir de ahí hilvanaron hit tras hit a una velocidad de crucero: ‘Flashbulb Eyes’, ‘Neighborhood 3’, ‘Rococo’, ‘The Suburbs’, ‘No Cars Go’, ‘Keep The Car Running’, y en el tramo final, y tras una sorpresa en forma de rumba con el ‘Tequila’ de Serrano Y Sus Jamones, enlazaron ‘Normal Person’ –uno de los momentos álgidos del concierto-, ‘Here Comes The Night Time’ y ‘Wake Up’. Acabaron y se fueron. No se salieron del guión, pero ¿quién quiere hacerlo cuando éste es casi perfecto? Sin duda, se llevaron el gato al agua de la noche. Pero todavía quedaba rematarla en el escenario Vice con las brujos nipones Bo Ningen, quienes volvieron a practicar un exorcismo

SLOWDIVE

ruidista de gran calado, y el debut en nuestro país de Touché Amoré, a quienes unas horas antes habíamos tenido echando unas firmas en nuestro stand. Quizá no fuimos muchos, pero nos sabíamos los temas y por eso Jeremy Bolm saltó una y otra vez a la valla para dejarnos gritar en su micro. Pocas veces el hardcore suena con tanta elegancia y garra al mismo tiempo como en sus manos. VIERNES El viernes venía igual de repleto de grandes nombres. Desde grandes clásicos como los geniales Dr. John And The Nite Trippers, que pusieron la cota de calidad y madurez en un concierto que supo a poco. Fue un momento entrañable en el que entre el público se llegó a ver familias integradas por miembros de tres generaciones diferentes. El mago del blues rock de Nueva Orleáns se centró en su excelente último

disco Night Tripper. Poco más tarde Slowdive tocaron en nuestro país después de muchos años. Su show tuvo dos partes diferenciadas. Una primera más afín a sus devaneos ambientalistas de su última época, y una segunda -mucho mejorabsolutamente más rica en texturas, centrada, eso sí, en sus inicios, con más músculo y distorsión sónica. Antes también habíamos visto a las hyperizadas Haim. Delicioso pop con ecos de Fleetwood Mac y The Bangles que sonó con mucho más empaque del que cabía esperar de estas tres hermanas. Lo de Prurient, que durante el festival actuaría con otros dos proyectos como son Coldcave y Vatican Shadow, sorprendió a propios y extraños con un set duro a base de doom, electrónica experimental y efluvios post industriales. Fue una propuesta extrema que cataron pocos paladares. Lee Ranaldo And The Dust también 125

PIXIES

se encontraron con un público poco numeroso. Puede que la razón fuera su reciente gira por nuestro país, aunque la tesis más acertada sería la que se sustenta en el hecho que War On Drugs estaban ofreciendo uno de los mejores conciertos de todo el festival a escasos metros de allí. Fue una lástima, porque el guitarrista de Sonic Youth se regaló con su fórmula secreta que combina dosis de distorsión con tempos sosegados. Pero volviendo a lo de War On Drugs, diremos que lo suyo fue un triunfo en toda regla. Tuvieron problemas con el sonido y eso les llevó a empezar con 40 minutos de retraso. Pero bendito retraso. Empezaron con una sonoridad pulcra y una pose en escena tan convincente como la de los Wilco de la gira de A Ghost Is Born. Sin duda el escenario se les quedó pequeño. Y en cambio a Pixies el escenario Heineken les fue grande. TERROR 126

KVELERTAK

Si teníamos un gran recuerdo de su última aparición en el festival, esta vez algo falló. Puede que los temas de su nuevo disco Indy Cindy no estén a la altura de sus clásicos o porque ellos parecían un poco más autistas de lo normal, pero aquello no acabó de arrancar. Aunque claro, siempre compensa volver a escuchar ‘Wave Of Mutilation’ o ‘Where’s My Mind?’. The Growlers saltaron festivos al escenario Vice y arremetieron con su cancionero de estética retro con toques surf, psicodelia y garage. En el escenario Sony, The National congregaban a una gran masa de público. Algo sorprendente, porque su repertorio de americana oscura no es precisamente festivalero, pero comprensible vista su solvencia sobre las tablas. Justin Vernon (Bon Iver) y Hamilton Leithauser (The Walkmen) aparecieron como invitados. Deafheaven fueron los otros

triunfadores de la noche en el escenario Pitchfork. El quinteto de San Francisco dejó con la boca abierta al respetable con un torbellino en forma de post black metal escapista. Habrá a quien las posturitas de George Clarke le pongan de los nervios, pero la verdad es que les da un toque aún más personal. Justo en el escenario de al lado, los noruegos Kvelertak tocaron a la velocidad de Motörhead, eso sí, pasado por el particular filtro escandinavo, o lo que es lo mismo, añadiendo unas dosis de black metal, heavy y testosterona vikinga. Si llegan a tocar en un espacio cerrado, el techo hubiera volado por los aires con tanto riff. SÁBADO De cara al sábado Volcano Choir eran uno de los grupos más esperados del día, pero su concierto no acabó de atrapar. Y es que este proyecto

TOUCHÉ AMORÉ

paralelo de Justin Vernon, que esta vez sí apareció con su banda, cuenta con la paradoja de poseer un sonido casi perfecto pero a su vez, de no contar con grandes hits. Y durante el concierto lo pudimos comprobar. Una lástima, porque de no ser así, podrían estar en la misma liga de otros grandes del pop americano como Death Cab For Cutie. Su set giró en torno a su último disco Repave. Al menos como primicia estrenaron dos nuevos temas: ‘The Agreement’ y ‘Valleyinaire’. The Dismemberment Plan eran una opción para después de cenar que no decepcionó. El cuarteto de Washington fue ganando adeptos conforme desarrollaban su repertorio. Sus arrebatos en forma de hardcore pop encandilaron más allá de los fans del grupo. La elección del escenario donde debía tocar Cloud Nothings fue un error. Poco antes de comenzar su

concierto ya no cabía ni un alfiler y se hacía complicado verles y oírles de forma óptima. Empezaron golpeando fuerte con ‘Quieter Today’ de su último disco, y a partir de ahí, el ritmo acelerado no paró hasta el final. Sonaron entre otros ‘Now Hear In’, ‘Psychic Trauma’ y ‘I’m Not Part Of Me’, y acabaron con ‘Wasted Days’ de su penúltimo trabajo, el que fuera producido por Steve Albini. Pero lo mejor todavía estaba por llegar, y es que Nine Inch Nails llegaban como uno de los cabezas de cartel. Los de Trent Reznor salieron al escenario entonados desde el mismo momento en que sonó la primera nota. ‘Me, I’m Not’ puso sobre aviso a todo el mundo. Luego dieron un salto en el tiempo hasta la época de su primer disco, con ‘Sanctified’, de ahí a ‘Copy Of A’ de su último álbum. Los saltos temporales dentro de su discografía fueron constantes, y fue un acierto, ya

que muchos pensaban que el directo iba a pivotar exclusivamente alrededor de su último trabajo. Fue un repaso en toda regla a lo más destacado de su carrera, con grandes momentos como los de ‘Reptile’, ‘The Day The World Went Away’, ‘Disappointed’, ‘The Frail’ o ‘The Great Destroyer’. Al final regalaron ‘Hurt’, el tema que hace unos años versionó Johnny Cash. En una hora y tres cuartos prácticamente pusieron el cerrojo a la edición de este año... Aunque todavía quedaban cartuchos para la noche, como Foals, Ty Segall o Coldcave, pero ciertamente, la mejor de las despedidas la pusieron Black Lips y su rock retro de tintes lo-fi. Enorme final de fiesta la suya, donde no faltaron temas como ‘Family Tree’, ‘Modern Art’ o ‘Bad Kids’. Si el año que viene hemos logrado recuperarnos de esta edición, seguro que repetimos.

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o se me hubiera ocurrido mejor manera de que los renovados Against Me! hiciesen su debut por salas españolas que acompañados por toda una leyenda del punk rock como Bad Religion. Semejante doble cartel suponía sin lugar a dudas la gira del año para todos los amantes del género, y es que no todos los días se puede ver compartiendo el mismo escenario a dos de las formaciones más punteras de su estilo. Con los de Florida la expectación era máxima desde hace meses, ya fuese porque algunos llevan desde sus comienzos siguiéndoles la pista o por los que se han interesado en ellos a raíz de la transformación de Tom Gabel en Laura Jane Grace. Evitando entrar en terrenos extramusicales, basta decir únicamente que con el inmejorable arranque de ‘Pints Of Guinnes Make You Strong’ ya nos tenían ganados. Pero es que durante la siguiente hora Against Me! ofrecieron una auténtica exhibición de lo que debe ser un concierto de punk rock. Sin parar en ningún momento, dieron un buen repaso a toda su trayectoria, destacando temas ya clásicos en su haber como ‘New 128

Wave’, ‘Miami’, ‘I Was A Teenage Anarchist’, ‘Cliché Guevara’ o ‘Thrash Unreal’. De las nuevas composiciones, decir que tanto ‘FUCKMYLIFE666’, ‘True Trans Soul Rebel’, ‘Unconditional Love’, ‘Drinking With The Jocks’ como ‘Black Me Out’, con la que coronaron su actuación, ganaron en un sonido incluso más robusto que lo que ofrecen en su versión de estudio. En cuanto a Laura, se la vio extremadamente feliz y con muchísimas ganas. Desconozco cómo sería antes como Tom Gabel, pero sin duda su presencia escénica no pasa inadvertida para nadie. Si a eso añadimos que ahora cuentan con el plus de disponer de una sección rítmica de auténtico lujo con el exThe (International) Noise Conspiracy Inge Johansson y un ‘secundario’ de renombre como Atom Willard, me atrevería a decir que la banda pasa por uno de sus mejores momentos. Ya veremos si en el futuro podremos volver a disfrutar de ellos, aunque para ser la primera vez, no se les puede poner ni un solo ‘pero’. Los que no son ningunos novatos por aquí son Bad Religion. Para los que ya les hemos visto en unas cuantas ocasiones, se

agradeció que optasen por variar un poco el repertorio. Entiendo que los que debutantes entre el público echasen en falta temas más célebres (no sonaron ‘Suffer’, ‘No Control’, ‘Los Angeles Is Burning’...), pero fue un gustazo escuchar piezas menos habituales, caso de ‘Skyscraper’, ‘Supersonic’, ‘Best For You’ o ‘New America’. Eso, unido a los himnos infalibles (‘21st Century Digital Boy’, ‘Punk Rock Song’, ‘I Want To Conquer The World’, ‘Sorrow’) y un bis a la altura con ‘Generator’, ‘Infected’ y ‘American Jesus’, debió servir para que todos acabásemos más que contentos a la salida. Y es que pasan los años, y aunque el señor Greg Graffin ya peine canas y luzca unas gafas que le dan un aspecto de entrañable abuelete, a sus casi 50 primaveras sigue siendo todo un ejemplo sin necesidad de llevar cresta ni tachuelas. Del resto de la banda, aunque echamos muchísimo de menos los brincos de Greg Hetson (Mike Dimkich pasó inadvertido), decir que siguen ejecutando con una elegancia y precisión milimétricas. Seguirán siendo los más grandes hasta el día en que decidan dejarlo, y esperemos que todavía quede mucho para eso.

VANS MUSIC TOUR

BAD RELIGION + AGAINST ME! 17 de Junio de 2014 La Riviera, Madrid

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Rubén Navarro (Barcelona)

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STAINED BLOOD

er camisetas de Motörhead, Marduk, Benighted o incluso Einstürzende Neubauten entre el numeroso público asistente al show de The Black Dahlia Murder en Barcelona me abrió una puerta a la esperanza. Por lo menos en parte, parece que la banda se va alejando poco a poco de la denostada –para algunos- etiqueta ‘deathcore’ y pasa a ser, simple y llanamente, una de las mejores formaciones de metal extremo actuales. Con todavía en la memoria la lección perfecta que los de Michigan nos dieron durante su anterior visita en Estraperlo, lo cierto es que nos pegaron una buena paliza, pero por varios factores no lograron igualar esa cota de excelencia. Para abrir la velada nada mejor que una formación local, y si ésta tiene el nivel de Stained Blood, cada euro invertido en el ticket empieza a estar bien empleado. Su debut les sirvió de base para dar una última muestra de 130

su gran potencial antes de encerrarse a componer su segunda obra. Pese a estar algo limitados de espacio en el escenario al no compartir backline con los yanquis, los catalanes se ganaron un buen puñado de nuevos fans con, al igual que los protagonistas de la noche, un deathcore melódico que ha evolucionado hacia un melodeath virulento. ‘Are We Alive?’, una nueva canción repleta de cambios de riff, dio muestras de que algo grande traman para su próximo álbum, y una recta final con ‘One Last Warning’ y ‘Rotten Roots’ dejó el listón muy alto. Con su último Everblack bajo el brazo, The Black Dahlia Murder se parapetaron en la sala Bóveda sin más armas que su tralla y una imponente lona. Para qué más… Lo primero que llamó la atención es el estado físico de Trevor Strnad, que ha pasado de rollizo a directamente obeso. Lo segundo también tiene que ver con el cantante: esa extraordinaria

capacidad para pasar en milésimas de segundo del rasgado al más profundo de los guturales estaba algo mermada. El resto, sin novedades: esa simpatía sobre las tablas, la batería de Alan Cassidy dominándolo todo, y en términos generales, una banda repartiendo cera, cera y nada más que cera durante su descarga. La falta de nitidez en el sonido hizo que en algunos momentos no supieras qué tema estaban tocando, y la verdad es que su show empezó con fuerza, hacia su mitad tuvo altibajos, pero con el furioso bis demostraron que The Black Dahlia Murder son una apisonadora en cuanto se lo proponen. No fue el mejor concierto que les hemos visto, pero despachando canciones como ‘Phantom Limb Masturbation’, ‘In Hell Is Where She Waits For Me’, ‘Goat Of Departure’ u ‘On Stirring Seas Of Salted Blood’ nadie puede irse a casa descontento.

THE BLACK DAHLIA MURDER 18 de junio de 2014 Sala B贸veda, Barcelona Texto: David Garcell FotoS: Carles Rodr铆guez

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SUMMER SLASHER PARTY

SILVERSTEIN

+ OBLIVION + ANDREW W.K. 15 de junio de 2014 Sala B贸veda, Barcelona Texto: Jordi Pons FotoS: Eric Altimis

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ANDREW W.K.

a última vez que Silverstein tocaron en Barcelona poco más de cien personas se acercaron a verles. Dos años más tarde lograban agotar las 400 entradas de la sala Bóveda. ¿Qué había pasado para este súbito aumento de convocatoria? Pues sin restarle ningún mérito a la banda canadiense ni al hecho que su último disco This Is How The Wind Shifts estaba realmente bien, está claro que el reclamo de poner las entradas a 5 euros y darle al bolo un aire de fiesta tuvo mucho que ver. Más grupos deberían tomar nota. Porque, ¿acaso no es mejor ganar menos dinero y tocar para una sala petada? Aunque las puertas se abrieron con 45 minutos de retraso, con la larga cola aguantando estoicamente bajo la llovizna, los catalanes Oblivion aparecieron sobre el escenario a la hora prevista. Sabían que era una gran oportunidad para ellos y no la desaprovecharon en absoluto. A pesar de que musicalmente no tienen nada que ver con Silverstein, el público fue totalmente receptivo a su hardcore machacón a lo Brutality Will

Prevail. La banda catalana ha dado el estirón definitivo con la incorporación de Álex a las voces y Will a la batería, sonando como un cañón y moviéndose por todo el escenario (y la barra de la sala) sin parar. Tocaron prácticamente íntegro su debut No Room For Fools, que aparecerá en septiembre, y no miento si digo que pueden dar la campanada. A continuación era el turno del gran Andrew W.K., quien iba a ejercer de DJ invitado en esta Summer Slasher Party. Subió al escenario, como siempre vestido de blanco, pero enseguida pudimos ver que no tenía el día. El rey del ‘Party Hard’ parecía ausente tras sus gafas de sol y durante su sesión en la que pinchó temas de Pantera, Dio, Morbid Angel y varios de los Ramones sólo se movió para simular que tocaba la batería. Será que incluso los más fiesteros tienen sus días de bajón. Muy, muy freak. Finalmente Silverstein salieron entre gritos de histeria con ‘Your Sword Versus My Dagger’ de su segundo álbum Discovering The Waterfront y acto

OBLIVION

seguido lo empalmaron con ‘Sacrifice’, uno de sus temas más potentes, y ‘Massachusetts’, single de su último disco con ese gran estribillo melódico. A todo el grupo se le veía encantado viendo los pogos que se formaron en la pista, y Shane Told no paraba de animar para que la gente cantara. Con ‘Vices’ de A Shipwreck In The Sand echamos en falta la participación como en el disco de Liam Cormier de Cancer Bats, pero aun así hicieron saltar al personal. ‘Smashed Into Pieces’ fue la única visita a su debut, con el que conocimos su habilidad para combinar riffs metal con melodías emo. El guitarrista Paul Marc Rousseau fue el encargado de cantar a solas la balada ‘Arrivals’, que funcionó a modo de intro de ‘Departures’ con ya todo el grupo de vuelta al escenario. ‘To Live And To Lose’ y la esperada ‘My Heroine’ pondrían el punto final a casi hora y media de actuación. Quizá nunca serán el mejor grupo del mundo, pero después de 14 años de carrera, Silverstein ofrecen shows de lo más sólidos y cuentan con un repertorio sin fisuras. Ya quisieran muchos. 133

BUCKCHERRY

ada cierto tiempo algún promotor de pronto decide dar una alegría a la cada vez más extinta pero fiel comunidad hard rockera organizando unas cuantas fechas con grupos emblemáticos y, por qué no decirlo, legendarios, que llegaron a llenar estadios en sus años de gloria, y ahora, con sus looks un tanto trasnochados, se dedican a tocar en salas de modesto aforo, con una entrega al público bastante respetable. Esta vez era el turno de Skid Row y la inseparable coletilla ‘¿Pero con Sebastian Bach?’, compartiendo escenario con Buckcherry, y con Buffalo Summer como teloneros, en un horario infantil al que, a diferencia del resto de Europa, no estamos acostumbrados. Desafortunadamente los de Gales no pudieron llegar a Barcelona a tiempo puesto que su furgoneta falló, por lo que la velada se convertía en un duelo, con Buckcherry como responsables de enfrentarse a un público especialmente motivado y fácil de contentar, y hasta demasiado benévolo respecto a otras ocasiones. Necesito respirar hondo 134

para atenuar el cabreo que me produjo que recurrieran a ‘Lit Up’, el single que les dio fama a nivel mundial y posiblemente su mejor composición, como pistoletazo de salida. Con semejante arranque y ‘Fall’ y ‘All Night Long’ a continuación, todo apuntaba a que los californianos iban a dejarnos sin aliento; sin embargo optaron por recuperar demasiados temas de su álbum 15, y a partir de ahí comenzaron los altibajos. Muy llamativa la frialdad y la falta de comunicación de Josh Todd, contrastando con el entusiasmo del resto de la banda y de un público totalmente exaltado con temas como ‘Porno Star’, ‘Ridin’’ o ‘Crazy Bitch’. Todavía no me explico por qué decidieron acabar su actuación con una versión de ‘I Love It’ de Icona Pop, pues no tuvo gracia. Después de este sabor de boca tan agridulce daba un poco de miedo afrontar la segunda parte con Skid Row. Era inevitable pensar en Sebastian Bach aunque Johnny Solinger lleve más años como vocalista, así como recordar que estábamos ante la que fuera una gran banda de estadios en

su época de máximo esplendor. Al final uno se lo toma como una verbena con la que poder disfrutar y pasar un rato. Y afortunadamente, así fue, a pesar de un pésimo sonido pasado de decibelios. Skid Row fueron a lo seguro y apostaron por su primer disco para la primera mitad de su set, recuperando ‘Big Guns’, ‘Makin’ A Mess’, ‘Piece Of Me’ y ’18 For Life’ para ponernos las pilas, nos regalaron ‘Psycho Therapy’ de Ramones, y remataron sus escasos 70 minutos de actuación a lo grande con un final imbatible gracias a ‘Monkey Business’, una versión de ‘Surrender’ de Cheap Trick, y las gloriosas ‘Slave To The Grind’ y ‘Youth Gone Wild’. Hay que tener cuidado y mantener las expectativas en un plano real cuando se afrontan espectáculos de viejas glorias... Uno quiere recuperar sensaciones pasadas, pero se puede encontrar envuelto en un halo de decadencia bastante deprimente, y volver a casa hundido por el inexorable paso del tiempo. No asistimos al concierto de nuestras vidas, pero al menos fue divertido.

SKID ROW

+ BUCKCHERRY 17 de junio de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Nadia Natario

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SLAM DUNK FESTIVAL – NORTH 24 de mayo de 2014 Leeds University, Leeds (Inglaterra) Texto Y Fotos: Olek y Wojtek Burek

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THE ALL-AMERICAN REJECTS

BLITZ KIDS

n la sala de actos donde te graduaste han montado una PA de festival, tus aulas de mates y física se han convertido en camerinos y en el bar donde te tomabas el café para despertar, ahora sirven copas y Guinness. Cuando los Ramones cantaban ‘Rock’n’Roll High School’ seguro que tenían en mente una locura como la que nos encontramos en el Slam Dunk Festival. En el Reino Unido las cosas van a otro ritmo. EL Slam Dunk nació en 2006 como una fiesta alternativa semanal que rápidamente se transformó en un festival de música universitaria. Una idea genial: emplear las instalaciones existentes para traer a grupos como

Fall Out Boy, Paramore o Story Of The Year y juntarlos en un solo escenario. Ahora ya cuenta con tres ediciones distintas en Leeds, Hertfordshire y Wolverhampton. Llegamos y empezamos a explorar los edificios mientras en los stands de patrocinadores hacían maravillas para capear el tradicional temporal británico. Nos plantamos para ver a los metaleros Heart Of A Coward en la única carpa exterior. Con poco público y el suelo enfangado sacaron adelante un buen bolo de apertura. Rastreando en busca del Main Stage nos tropezamos con Fandangle, que con su ska punk crearon el primer pit de la jornada. Unos cuantos pasillos más allá, en un teatro equipado con

20.000w de sonido, disfrutamos del pop punk de los local heroes de Birmingham, Light You Up. Este año van a publicar su primer álbum y después de ver su directo, seguro que nos sorprenden. Por fin encontramos el escenario principal y ahí pudimos disfrutar de Blitz Kids, una joven banda de rock alternativo que, repasando su último disco, The Good Youth, pusieron en evidencia el altísimo nivel de la escena y cultura musical de Gran Bretaña. Seguidamente escuchamos a Canterbury, más jóvenes aún, y con una masa compacta de sing alongs que nos dejó boquiabiertos. ¿Qué está pasando en Inglaterra? ¿A qué edad empiezan a tocar? El Reino 137

THE ATARIS

CHUNK! NO, CAPTAIN CHUNK! Unido es un país donde los chavales de 12 años ya se arman con su primera guitarra eléctrica y bien saben que para destacar hay que currar muy duro. Esto queda demostrado en la cantidad de grupos locales que inundan todo el festival, haciendo competencia a los intocables combos yanquis. Un claro ejemplo son Save Your Breath, que con su himno ‘Nothing Worth Having Comes Easy’ desbordaron la capacidad de los seguratas y pidieron refuerzos para recolectar a los surf-crowders que caían incansablemente en el foso del escenario pop punk. Una vez la lluvia dio una tregua, salimos a ver a unos Chunk! No, Captain Chunk! que llenaron la carpa de tal modo que no cabía ni un alfiler, formándose una enorme cola mientras los de seguridad calculaban el aforo máximo permitido TERROR 138

y concedían la entrada a cuentagotas. Este grupo vecino de París es una de esas bandas que han sabido coger la ola estando en el momento y lugar oportuno haciendo la música pertinente. Una mezcla entre pop punk y metalcore con lo mejor de cada casa: estribillos melódicos y breakdowns que despeinan. Repasaron su último álbum Pardon My French al completo abriendo con un temazo como ‘Restart’ y tocando su último hit ‘All Star’, la cover de Smashmouth. Después de ver a los pop punkers A Loss For Words y State Champs dimos una vuelta por el campus, donde encontramos gran variedad de restaurantes. Desde el kebab más suculento hasta un fast food vegano, y tomamos una pinta de cerveza en el UPRAWR Stage, donde pinchaban DJ’s como MC Lars o Tek-One. Con evidentes problemas de sonido

y 30 minutos tarde, We The Kings dieron probablemente el concierto más agridulce de todo el festival, con pocas ganas y con constantes interrupciones por problemas técnicos y de monitoraje. Se las apañaron como pudieron. Suerte que para animar la fiesta siempre están ahí Zebrahead, que rozando los 40 tacos tienen energía suficiente para revivir a los muertos. Con temazos old school como ‘Hello Tomorrow’ o los más nuevos, como ‘Call Your Friends’, pusieron patas arriba el auditorio con constantes invasiones de escenario, circle pits y mucho alcohol, que toleran aparentemente bien. Increíbles. Flipamos con la cola que había para entrar al teatrillo universitario. ¿La razón? Neck Deep. Los británicos, que han firmado por el sello americano Fearless Records, encabezan la resurrección del pop punk de los 90. Quintas a todo trapo

NECK DEEP

y estribillos pegadizos. ¡Un grupo made in the UK que suena a Estados Unidos! Los seguratas del foso se han multiplicado por tres, evidentemente, pues tan pronto abren con ‘Losing Teeth’ del álbum Wishful Thinking, el público enloquece. The Ataris son uno de esos grupos con los que tienes una relación de amor-odio; amor por ese par de álbumes que te marcaron la adolescencia, y odio por todas las decepciones que el grupo ha ido repartiendo por el mundo. Kris Roe, su frontman, apareció en el escenario con una legión de mercenarios prestados por Mike Herrera de MXPX, afirmando que sólo llevaban 48 horas de ensayos. Ya les teníamos vistos de otras veces, pero echaron un cable a nuestro solitario Kris y sacaron adelante un concierto interpretando todos los hits. ¡Siempre nos quedará So Long Astoria!

WE THE KINGS

Echamos el ancla en el Main Stage, donde se iban a suceder los mejores conciertos de toda la jornada. We Are The In Crowd, que venían presentando su último álbum Weird Kids, fueron los primeros en subir al escenario. Entre el público, mayoritariamente chavales jóvenes, pero con unas voces más que calentadas, cantaron todo el repertorio de ‘pe a pa’. Como en todos los festivales, a medida que va pasando el día los horarios se estrechan y se solapan las mejores bandas. Es entonces cuando tienes que tomar una difícil decisión. ¿Less Than Jake o… The All-American Rejects? Haciendo balance, nos decantamos por los segundos. ¡Adelante, sorprendednos! Horas atrás nos cruzamos con el frontman Tyson Ritter en su paradita de merch, donde estuvo solo firmando autógrafos y haciendo coñas con los fans durante más de una hora. Menudo crack, seguro que no se

esperaba que después de cinco años sin pisar Europa, la gente aún les tenía muy presentes. Es imposible abrir un concierto con ‘Dirty Little Secret’ y no trastornar completamente a las 2.500 personas que se habían comprimido en un espacio para 1.500. Menuda locura. Un concierto perfecto y con una actitud 100% rock’n’roll repasando todas las canciones que querrías oír. Una tras otra ‘Top Of The World’, ‘Swing Swing’, ‘Gives You Hell’, ‘Falling Apart’ y explotando al final con ‘Move Along’. Con los pelos aún erizados, nos preguntamos… ¿Sería posible organizar tal festival en una universidad de las nuestras sin después salir por las noticias de medio mundo? ¿Por qué ninguno de estos grupos de rock alternativo de asombrosa calidad nunca llega a sonar o girar por España? Because Spain still is different.

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BULLITT

staba claro que la presentación en casa de Minor Empires no podía ser un concierto más. Aquello tenía que ser una fiesta de las grandes y como en todo buen sarao, lo que hay que hacer es invitar a tus mejores colegas. Y eso es lo que hicieron los madrileños rodeándose de dos bandas amigas que están ahora mismo en un momento envidiable, lo que convertía esta ocasión en una fecha imprescindible dentro de la gira que han venido realizando en los últimos meses. Desde luego la velada prometía mucho y ninguno de los tres participantes decepcionó. Los primeros en salir a escena con extrema puntualidad fueron The Blackjaw, que se encontraron ante una sala que ya disfrutaba de una buena entrada. Si alguien no les conocía de nada antes de pisar la Moby Dick, a buen seguro que apuntó bien su nombre a la que terminaron. Con su segundo trabajo Undertow recién salido del horno, demostraron echarle muchísimas ganas sonando como un 140

THE BLACKJAW

tiro con ‘Wolves’, ‘Robert Told Me To’ y las colaboraciones, primero de Juan Blas en ‘Benlliure’ y acto seguido de Rodrigo y Birko de The Backseats y Fragile Things en ‘Today Is The Day’, confirmaron el ambiente fiestero. Creciendo concierto a concierto. Los que llevan ya un buen tiempo convenciendo allá por donde pasan son Bullitt. A pesar de que las melodías son la base principal de sus composiciones, aquella noche supieron sacar un sonido compacto a la par que nítido, del que se vieron beneficiadas principalmente las joyitas que esconde So Many Ways, su disco del año pasado. Los de Sant Feliu de Guíxols derrocharon simpatía y buen rollo gracias a ‘Back To The End’, ‘Have It All’ o esa ‘Lucky’ que es el paradigma de la canción pop rock perfecta. Rápidos en los cambios entre bandas, no tardaron demasiado en aparecer los grandes protagonistas de la noche. Con ese bosque que ilustra la portada de su debut como telón de fondo aparecieron Minor Empires para

repasar en poco más de media hora todos sus temas. ‘Targets’ y ‘The Story Of Timothy Treadwell’ retumbaron a todo volumen, mientras que ‘Empty Rooms’ y ‘Linsey’ animaron al movimiento y bailoteo de las primeras filas. Si esta banda nació sin ningún tipo de pretensiones y solamente por el mero hecho de disfrutar tocando música, únicamente hizo falta ver la enorme sonrisa de Juan en todo momento para certificar que lo han conseguido. Tras hacer subir otra vez a Bullitt y The Blackjaw al escenario para que recibiesen el calor del público, Xavi Calvet se marcó otro momentazo cantando a dúo ‘Drones’. Con la sobrecogedora ‘The Season’ nos despidieron de una cita para el recuerdo. Y es que aunque no debería ser algo extraordinario, ver hoy en día a tres grupos nacionales triunfar a lo grande como lo hicieron aquella noche te hace creer que con esfuerzo e ilusión los milagros aún son posibles. Gran velada que recordaremos durante mucho tiempo.

MINOR EMPIRES 14 DE JUNIO DE 2014 MOBY DICK, MADRID Texto: GONZALO PUEBLA FotoS: LUCÍA SILVERA

ANTHRAX

i las cuentas no me fallan, ésta era mi vez número 16 con la Doncella. Desde aquella lejanísima gira de presentación de The Number Of The Beast, he visto conciertos antológicos, buenos y también discretos, pero es un hecho que Iron Maiden ya han trascendido a lo que significa ser una banda más. Ahora son unos clásicos más grandes que la vida, capaces de reventar un Palau Sant Jordi y poner de acuerdo a todo el mundo, veteranos y jóvenes, en que si Maiden vienen a tu ciudad, has de estar allí. Ellos corresponden a su público ofreciéndonos justo lo que esperamos de ellos, un show impecable, donde todos, repito, todos sus miembros conservan un estado de forma excelente. Aun manteniendo el grueso del repertorio del Maiden England Tour, aquello fue un no parar. Esto no es AC/DC o los Stones, donde la mitad del público ni tan siquiera conoce el legado del grupo que han ido a ver. Maiden quizás no llenen

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un Estadi Olímpic, pero han creado fanáticos que conocen su discografía al dedillo, por lo que la comunión entre banda y audiencia es brutal. Abriendo a saco con ‘Moonchild’ y ‘Can I Play With Madness’, pronto nos dimos cuenta de que si bien todos se muestran pletóricos, hay dos alienígenas en el grupo que han hecho un pacto con el Diablo, Bruce Dickinson y Steve Harris, dos tipos que hacen exactamente lo mismo ahora que hace veinte años, sobre todo el cantante, que conserva intacta toda su energía y poderío vocal. Lo que vino después fue el paraíso para todo aquel que haya crecido con las inmortales canciones de la banda: ‘The Prisoner’, una sorprendente ‘Revelations’, ‘Two Minutes To Midnight’, ‘The Trooper’, ‘Phantom Of The Opera’, ‘Run To The Hills’, ‘Wasted Years’, ‘The Number Of The Beast’, una nueva sorpresa con ‘Wrathchild’, ‘Iron Maiden’, ‘Fear Of The Dark’… Dos décadas del mejor metal de todos los tiempos iban sonando una detrás de otra, y era

reconfortarte tener ante ti la visión de un Dave Murray incisivo y elegante o un Adrian Smith tan sobrio y efectivo como siempre, recordándonos que a la hora de puntear nadie tiene más gusto que él. Los bises nos acabaron de rematar con ‘Aces High’, ‘The Evil That Men Do’ y esa eterna ‘Sanctuary’, dejándonos con el convencimiento de que acabábamos de vivir la ceremonia definitiva del heavy metal. Antes de eso, Anthrax también nos demostraron que sobre las tablas siguen siendo unos jefazos. Himnos como ‘I Am The Law’, ‘Indians’ o esas potentes versiones que han hecho suyas como ‘Antisocial’ o ‘TNT’ caldearon el ambiente a base de bien a pesar de que tuvieran que lidiar con un sonido por momentos infame. Volviendo a casa, no me quitaba de la cabeza la imagen de Harris apuntando con su bajo a la audiencia, mientras pensaba en lo afortunados que somos de poder seguir disfrutando, en pleno 2014, de un grupo que ya está por encima del bien y del mal.

IRON MAIDEN + ANTHRAX

27 de mayo de 2014 Palau Sant Jordi, Barcelona Texto: Andrés Martínez FotoS: Carles Rodríguez

IRON MAIDEN + ANTHRAX 29 de mayo de 2014 BEC Barakaldo, Bilbao Texto Y FotoS: Eduard Tuset

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omo buen fan de Iron Maiden, cuando empieza nueva gira se tiene que hacer todo lo posible para asistir al máximo número de conciertos que realicen por la Península o fuera de aquí. La de Bilbao era su segunda fecha y parte de la emoción de ver qué cambios en el setlist hacían respecto al año pasado se había esfumado después del concierto de inauguración de Barcelona. Por desgracia, y debido a la complejidad de sus shows, y por qué no decirlo, por algo de comodidad Iron Maiden, no varían casi nunca sus temas dentro de sus giras. En cambio, los teloneros Anthrax cambiaron el tema ‘N.F.L.’ por ‘Madhouse’, pero su actuación dejó mucho que desear, sobre todo habiéndolos visto a un nivel muy alto en el pasado Sonisphere. Creo que el buen batería que es Jon Dette no pega en Anthrax, pero claro, ésa es mi humilde opinión... Pero vayamos a lo importante: a Iron Maiden. Destacar la estupenda quedada y

tapeo previo al show en Somera con gente del MaidenSpain FC y con fans del grupo de todo el mundo; esto sí que es una familia unida. Una vez en el recinto y con el ‘Doctor, Doctor’ de UFO sonando por los altavoces del BEC, y con un servidor con la piel de gallina, empiezan las primeras explosiones y el show. Los temas nuevos en esta segunda parte de gira son ‘Revelations’, ‘Wrathchild’ y ‘Sanctuary’, que acompañan al mismo set de Barcelona, eso sí, raro es que ensayaran ‘Hallowed Be Thy Name’ tal como informaban compañeros que estuvieron al tanto de las pruebas de sonido en la Condal, y por el momento no la hayan interpretado. Bruce Dickinson y sus compañeros salen a por todas, y tocan todos los temas a un ritmo frenético y sin pausa alguna. ¡Algo inusual, os lo aseguro! Ese ritmo endiablado le juega una mala pasada a Bruce, y durante ‘Can I Play With Madness’, después de uno de sus saltos, se desestabiliza y cae de espaldas, con la suerte de

no hacerlo en el agujero que le queda un metro más allá. Bruce es casi un superhéroe y ni así suelta el micro ni deja de cantar. Los temas van cayendo uno tras otro y el público de Bilbao responde de manera enorme, cantando tema tras tema, ya sean clásicos de los 90 como ‘Fear Of The Dark’ o de los 80 como ‘The Prisoner’. Cuando suena ‘Wrathchild’ un fan como yo de los discos de Paul Di’Anno enloquece, pero es cierto que después del viaje que causa ‘Seventh Son Of A Seventh Son’ queda un poco desubicada en ese momento. Salen todos los Eddies posibles, pero claro, son los dedicados al álbum Seventh Son… los que causan más impacto por su belleza, y porque la gira es en homenaje al Maiden England de 1988. Nadie sale descontento del concierto y generaciones de fans de todo el mundo observan por qué estos señores del East Side de Londres se han convertido en la mejor banda de heavy metal de la historia. Hasta la próxima fecha. Up the irons! 145

DE GIRA

FRANZ FERDINAND

10 de julio Bilbao BBK Live (Bilbao) 11 de julio 101 Sun Festival (Málaga)

os escoceses Franz Ferdinand son unos habituales de nuestros escenarios y casi se podría decir que unos especialistas a la hora de encabezar festivales. Este verano estarán haciéndolo por toda Europa con dos paradas en nuestro país en el Bilbao BBK Live y el 101 Sun Festival. Allí Alex Kapranos (voz, guitarra), Nick McCarthy (guitarra, teclados), Bob Hardy (bajo) y Paul Thomson (batería) interpretarán los temas de su último disco Right Thoughts, Right Words, Right Action (Domino) junto a rompepistas como ‘Take Me Out’, ‘Do You Want To’ o ‘This Fire’. Para conocer cómo afrontan esta nueva temporada festivalera contactamos con su bajista, que si bien tiene fama de hombre de pocas palabras, con nosotros estuvo la mar de amable. ¿Es muy distinto para vosotros tocar en festivales que en vuestros propios conciertos? BOB HARDY “Sí, lo es. Tienes que trabajar un poco más duro porque hay gente que no ha venido a verte a ti. Tienes que intentar ganártelos. Otra 146

gran diferencia es el backstage. Si es nuestro concierto estamos nosotros solos, pero en los festivales puedes estar con otros músicos y tomarte una copa. Es más divertido. La verdad es que nos encanta tocar en festivales y poder ver a otros grupos. Siempre miramos los horarios del día para ver qué bandas podremos ver. Otra de las cosas buenas es que no todo depende de ti, eres sólo una banda más, así que no te sientes presionado. Eres uno más dentro de una gran fiesta”. Cada vez hay festivales más variados. ¿Alguna vez os habéis encontrado teniendo que tocar antes o después de alguna banda con la que no pegarais ni en pintura? “Hace diez años tocamos en un festival en Finlandia antes de Nightwish. Sobre el papel nunca pondrías a las dos bandas juntas, pero lo pasamos muy bien. El público respondió bien, incluso el de Nightwish. Creo que la gente va a los festivales con una mentalidad abierta”. Ya han pasado nueve meses

desde que salió vuestro último disco. ¿Ha funcionado como esperabais? “Sí. Hemos dado muchos conciertos y el público ha reaccionado muy bien con los temas nuevos. Muchos fans a través de Twitter nos han dicho que les gustaba, y eso es lo más importante”. Muchas críticas ha dicho que con este disco os habéis vuelto a poner en forma, lo cual implica que quizá antes no lo estabais… “(Risas) Quizá es un disco más clásico de Franz Ferdinand, así que entiendo el comentario. Creo que el segundo y el tercer disco también eran muy buenos, pero quizá eran un poco distintos”. Os tomasteis bastante tiempo para sacar este álbum. ¿Te gustaría poder editar material con más rapidez? “Los tres primeros discos los hicimos seguidos, del estudio a la carretera y vuelta a empezar, así que necesitábamos un descanso. Si no lo hubiéramos hecho no creo que estuviéramos tan

contentos con el álbum. Hay tiempo para la fiesta y hay tiempo para relajarse. Tienes que encontrar el equilibrio. Si cada noche te desmadras, cosa que hicimos los dos primeros años, te acabas quemando. Por eso era necesario que paráramos, necesitábamos volver a centrarnos en la música”. Con cuatro discos ya tenéis muchos temas para elegir en los conciertos. ¿Discutís mucho sobre lo que queréis tocar cada noche? “En realidad no. Últimamente estamos tocando muchos temas del nuevo disco y el resto son los singles de los anteriores. Parece lo normal. La gente viene a un concierto de Franz Ferdinand a pasarlo bien, y por eso tocamos los hits. Especialmente en los festivales de verano, es lo que quiere escuchar la gente. Mucha gente son los únicos temas que han escuchado. No es un problema para nosotros”. ¿Sientes que los hits a veces eclipsan otros temas que quizá consideráis mejores? “Hay algunos temas que son más lentos o más raros que también tocamos, pero tienes que saber dónde colocarlos. Si tocamos hora y media hay sitio para todo. Puedes ponerlos en medio y luego ir a por el clímax con los hits. Hace que el show sea más dinámico”. Como dices, vuestros conciertos son una fiesta, pero es imposible que cada día estés de humor para ello. ¿Cómo os mentalizáis? “No tenemos una rutina establecida. En realidad no importa cómo te encuentres, o si estás muy cansado; cuando sales al escenario y oyes al público gritar, automáticamente te sientes lleno de energía”.

AGENDA JULIO AIRBOURNE 22 Bilbao, 24 Betanzos ARENAL SOUND (Biffy Clyro, Placebo, Die Antwoord...) DE 29 de julio a 3 de agosto, Gandia BARCELONA METAL FEST (Within Temptation, Paradise Lost...) 6 Barcelona BARCELONA ROCK FEST (Twisted Sister, Manowar, Kreator…) 4-5 Santa Coloma de Gramanet BBK LIVE (Franz Ferdinand, The Prodigy, The Black Keys...) 10-12 Bilbao BE PROG! MY FRIEND (Opeth, Anathema, Alcest…) 12 Barcelona BJÖRN AGAIN 24 Barcelona BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB 15 Madrid BRYAN FERRY 3 Madrid, 5 Barcelona CHICAGO 1 Barcelona, 2 Madrid, 3 Fuengirola CRUÏLLA FESTIVAL (Damon Albarn, Mackelmore, Imelda May…) 11-13 Barcelona COSMIC PSYCHOS 3 Madrid, 4 Vitoria, 5 Badalona, 6 Castellón de la Plana FIB (Kasabian, The Libertines, Paul Weller…) 17-20 BenicÀssim GOV’T MULE 11 Hondarribia, 12 BÉjar H.O.M. Fest (Ensiferum, Grave Digger, Axxis…) 4-5 Salas de los Infantes (Burgos) IAN ANDERSON’S JETHRO TULL 7 Barcelona, 8 Madrid, 9 Valencia, 10 Fuengirola THE JAYHAWKS 12 Riaza, 14 Barcelona, 15 Julio, 17 NigrÁn JOE SATRIANI 10 Burjassot, 11 Valladolid, 12 CÓrdoba, 14 Barcelona, 15 Madrid, 16 Vigo JOHN FOGERTY 5 Ávila LA CHINGA 17 Barcelona, 20 Zaragoza, 21 León, 23 Cangas dO Morrazo, 24 Ourense, 25 Alijó, 28 Madrid PLACEBO 30 Madrid

‘Take Me Out’ sigue siendo vuestro himno. ¿Cuando la compusisteis pensabais que llegaría a convertirse en vuestro mayor clásico? “La primera vez que la tocamos entera pensamos que era bastante buena (risas), pero nunca puedes predecir lo que pasará. Una vez la publicamos cobró vida propia”. ¿Y hay algún tema que pensabas que sería más popular y no lo ha sido? “Todos los demás (risas). Nunca sacamos temas que no nos gustan, así que esperas que todas funcionen. Hay que gustan mucho a los fans más acérrimos, caras B y así, y de vez en cuando las tocamos y es muy especial para ellos”. (MARC LÓPEZ)

RAY DAVIES 20 Cartagena, 23 San SebastiÁn SIMPLE MINDS 12 Barcelona SODOM 4 Palma de Mallorca, 5 Burgos SPEEDBUGY U.S.A. 2 Madrid, 3 A Coruña, 4 AvilÉs, 5 Cangas do Morrazo, 6 Carbonera, 7 Aldea de San Miguel, 8 Liérganes, 9 Monzón, 10 Zaragoza, 11 Castellón de la Plana, 12 Barcelona STEVE HARRIS BRITISH LION 17 Madrid, 18 Sevilla THOUGHT FORMS 17 Barcelona VIDA FESTIVAL (Lana Del Rey, Yo La Tengo, M. Ward...) 3-6 Vilanova i la Geltrú VINTAGE TROUBLE 23 Santiago, 24 Madrid, 25 Soria, 26 San SebastiÁn, 28 Barcelona WARLORD 19 Barcelona

ÚLTIMAS PREGUNTAS

CHRIS DANGEROUS (THE HIVES)

El idilio entre el público de nuestro país y The Hives volverá a revalidarse cuando la banda sueca actúe este verano en el Low FestiVal que se celebraRÁ entre el 25 y el 27 de julio en Benidorm. Cualquiera que los haya visto sabe que su directo es infalible, y quizá por ello su batería Chris Dangerous se siente un genio cada vez que se sube a un escenario. Texto: JORDI MEYA FotoS: DR

¿La última vez que te sentiste muy vago? Chris Dangerous “Ahora mismo, justo en este momento. Estoy en casa y no me apetece hacer absolutamente nada. De hecho, no estoy haciendo absolutamente nada. Bueno, sí, cierto, esta entrevista, pero no cuenta...”.

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¿La última vez que has visto un gran concierto? “Hace un mes vi a Kvelertak y me encantaron. Si tienes oportunidad de verles, no te los pierdas”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya?

“Ayer, cuando escuché un disco de Roy Orbison. Su voz era absolutamente maravillosa”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “Esta misma mañana. Mi mujer me dijo que estaba equivocado. Ni siquiera recuerdo el motivo porque me

lo dice continuamente”. ¿La última vez que infringiste la ley? “Esta manaña con el coche. Me he pasado el límite de velocidad. Suele ocurrirme”. ¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “De eso hace mucho, mucho tiempo. Hace mucho que no tenemos una pelea o una discusión tan grave como para que quiera pegarles”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “Cuando estuvimos en Japón. Tuve un par de días malos y me hubiera encantado estar en casa. Es normal con tanta fecha...”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Hace dos días. Tuvimos una fiesta en casa y tuvimos una cena fabulosa”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Esta mañana estaba dando un paseo y se me ha acercado un desconocido para preguntarme si podía dejarle un mechero para encender su barbacoa. Naturalmente se lo he dejado”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Hace poco estábamos de vacaciones con mi familia y en una estación de servicio me cobraron 27 euros por una botella de agua y unas patatas fritas. Me sentí totalmente estafado”. ¿La última vez que lloraste? “No lo recuerdo. Me cuesta mucho llorar”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Hoy. Cada día cuando me levanto lo pienso. Tengo salud, tengo una familia y me gano la vida haciendo rock’n’roll. ¿Qué más puedo pedir? Me siento realmente muy afortunado”.

¿La última vez que te impresionó una película? “Pues no se me ocurre ninguna”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio? “Cada vez que estoy en el escenario lo pienso en algún momento”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Hace 10 minutos. Me lo ha dicho mi hija”. ¿La última vez que pensaste que The Hives eran el mejor grupo del mundo? “Hace una semana. Estábamos en un ensayo de la banda y tocamos un tema nuevo que espero que aparezca en el próximo disco. ¡Es absolutamente increíble! Nada más terminarlo de tocar pensé que éramos el mejor grupo del mundo”. 149

EDICIÓN TA NIS O I C C E L CO ILO N I V E L DOB NTA E V A L YA A AS! D N E I T EN