RockZone 107 - 10/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Masked Intruder (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

Desde que publicamos la reseña de su debut Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love en la extinta Rock Sound, siempre seguimos muy de cerca la carrera de My Chemical Romance. Fuimos testigos de su imparable ascenso, les entrevistamos en Las Vegas, en París y, naturalmente, también cada vez que se acercaron a nuestro país. Como a todo el mundo nos pilló por sorpresa su inesperada despedida, pero teníamos claro que eso no significaba que sus componentes fueran a retirarse de la música. Por eso nos alegramos de tener de vuelta a su cabecilla Gerard Way, quien arranca con buen pie una aventura en solitario que os presentamos en la portada de este mes. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 107

9 / INTERFERENCIAS

26 / NEW FOUND GLORY

40 / SAVAGE MESSIAH

62 /

DIARIO DE GIRA: DAYLIGHT

102 / WOLF

44 / SICK OF IT ALL

68 / AMERICAN HI-FI

104 / ROCK AL PARQUE

32 / SÓLSTAFIR

36 / JOHN GARCIA

50 / HEDTRIP

54 / GERARD WAY

72 / DISCO DEL MES

74 / CRÍTICAS

110 / HEADCRUSHER

114 / FINCH

SUMARIO

120 / SQUIZOPHRENIC SPACERS

140 / DE GIRA + AGENDA

nº 107

124 / EN DIRECTO

142 / Últimas preguntas

TÚ OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_AT THE GATES TRAS 19 AÑOS DE SILENCIO DISCOGRÁFICO, UNO DE LOS MÁXIMOS RESPONSABLES DEL SONIDO GÖTEBORG, AT THE GATES, YA TIENE LISTO SU NUEVO ÁLBUM, Y CON ÉL ASPIRAN A RECUPERAR EL TRONO.

t The Gates, pioneros del death metal melódico junto a formaciones suecas como In Flames o Dark Tranquillity, ya están listos para volver a golpear fuerte en la escena con un nuevo trabajo tras casi dos décadas sin producir obra de estudio alguna. Los responsables de With Fear I Kiss The Burning Darkness, Terminal Spirit Disease o, sobre todo, Slaughter Of The Soul, uno de los discos más brillantes e influyentes de la historia del metal extremo, siguen además con el lineup clásico, el que conforman Tomas Lindberg como vocalista, los guitarras Anders Björler y Martin Larsson, el bajista Jonas Björler y Adrian Erlandsson como batería. At War With Reality es el nombre de su quinto disco, y constará de 13 temas, dos más de bonus si se adquiere la edición en digipack. A juzgar por el gran estado de forma que han mostrado sobre las tablas desde que volvieran en 2007, el trabajo se prevé de altos vuelos, digno de una discografía que ya es mítica. Grabado por el responsable de sus trabajos más representativos, Fredrik Nordström, y mez-

clado por Jens Bogren, en palabras de Tomas Lindberg, At The Gates están “muy excitados por haber terminado finalmente este nuevo álbum, un álbum en el que hemos estado trabajando durante más de un año hasta ahora. Es, con diferencia, el disco más desafiante que hemos hecho, pero es un álbum honesto, y creo que vas a sentir que es fiel al legado de At The Gates. Estamos muy contentos de haber logrado producir un disco en el que sentimos que realmente somos ‘nosotros’. Algo en lo que hemos estado detrás al 100%. ¡No puedo esperar a que todo el mundo pueda escucharlo!”. La banda estuvo trabajando durante un tiempo en secreto para dar lo mejor de sí misma y la cosa pinta de maravilla, y es que, por fortuna, ya no queda nada para poder degustar el nuevo trabajo de una formación extraordinaria de veras. At War With Reality se editará el próximo 27 de octubre a través de Century Media Records, pero si ya no puedes esperar más, el tema que le da título hace días que causa estragos en la red.

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACiÓN DIARIA

INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ CABALLO REGALADO

i soy un gran fan de U2, ni en la vida haría días de cola para ser el primero en comprarme un nuevo modelo de iPhone, pero las reacciones que ha generado la unión entre la banda irlandesa y Apple para regalar su ultimo disco Songs Of Innocence al medio billón de usuarios de iTunes me parecen sobreactuadas y hasta ridículas. Está claro que U2, y en especial san Bono, se han ganado a pulso ser un blanco fácil, pero en esa carrera por aparecer como el más ingenioso de la clase y ganarse unos cuantos likes en Facebook se han escrito auténticas sandeces. Desde el mismo 9 de septiembre, día en que se puso en marcha la campaña, he leído proclamas al derecho a la intimidad, gritos de indignación por haber recibido algo que no se ha pedido y el facilón “¿Tan malo es que tienen que regalarlo?” hasta el aburrimiento. Vale, queda muy bien cagarse en U2, pero estaría bien que toda esa gente también pusiera el grito en el cielo cuando reciban el próximo catálogo de Ikea en el buzón de su casa o por supuesto, cuando alguno de sus amigos les envíe el enésimo vídeo chorra por WhatsApp o les ‘invite’ a jugar al Candy Crush. Quizá sea el único, pero por ahora me sigue interesando más escuchar un disco de U2 que lo otro. (JORDI MEYA)

TWITEANOS...

INSTANTGRAMO

@puk2band ¡¡¡Muchas gracias por el apoyo!!! @pablocore182 La caña como siempre, me quedo con la entrevista a Four Year Strong, ¡alegra saber que han vuelto pisando fuerte! @jauyhi Y hablando de la @RockZone de este mes, estoy entre los pocos a los que le gusta el disco de los In Flames por lo que veo... @SergiusBG Mierda. Me estoy acordando de que tengo la @RockZone de septiembre sin leer. #EstoNoEsVida @SergiusBG Leída la de septiembre. Genial la entrevista a Slash y gran noticia la de Antemasque. @Goomorillo23 Menos mal que si se me pasa conseguir algún disco, la @RockZone se encarga de recordármelo, como el discazo de Antemasque. De lo mejor del año. @MotsRadio Gran documental el de Descendents. Lo vimos en el pasado @ineditbeefeater y sí, lo volveremos a visionar algún día.

Yo con Phil Anselmo en el Resurrection Fest 2014. Tuve el privilegio de poder tocar en este gran festival de metal y hardcore, y me encontré a Phil. Le pedí hacerme una foto con él y me dijo que por supuesto. ¡Muy amable el ‘chaval’! (LLOBET)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Ayer viendo la tele (pues sí, a algunos no nos avergüenza reconocer que vemos la tele) salió un anunció muy molón intentando explicar que con las descargas ilegales se cargan la cultura y su industria, y bla bla bla… Luchar contra la piratería es, todos lo sabemos bien, imposible. Por lo tanto, yo abogaría por un sistema propiratería. Si no puedes con el enemigo, únete a él. ¿Que moralmente no es correcto? Sí, ¿y qué? Tampoco es moral y correcto que los impuestos sobre la cultura sean los que son. Tampoco es moral y correcto que las industrias culturales en cuestión sigan queriendo el lucro por el lucro mientras nos venden bazofia, mientras la oferta de calidad no pasa por sus manos. Así que todos a descargar música, pelis, libros (si es que lees algo más allá de esta basura); total, hay un montón de artistas que no les importa sólo los números, así que a ver si se reinventa ya la mierda de la industria cultural, llena de chupópteros, tragaleches y burócratas. A ver si sacáis buenos libros, buenos discos, buenas pelis, y con precios ajustados a la realidad, y quizás de esa manera volváis a esa misma realidad de la que parece que no os habéis querido enterar que ocurre. Y un sonoro ‘jódete’ a Pau Navarra también, porque sí. (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra FLATTENED FROGS MASSACRE

RATHER BE ALIVE

AKHVAN

Aurreskuak

Resiliència

Izeshne 33.4

(AUTOEDITADO)

¡La virgen! Si consideran que estilos como el deathcore o el beatdown hardcore son muy cafres, ¡esperen a oírlos cantados en vasco! No acostumbro a nombrar en qué lengua se expresan las bandas porque en pleno siglo XXI lo considero una ridiculez, pero en este caso, viendo cómo Flattened Frogs Massacre pueden reventarte los tímpanos a través de su lengua madre –aunque también en inglés-, lo considero indispensable. Con ‘Aurreskuak’ estos guipuzcoanos te pegan un puntapié en la boca que madre mía, ‘Scum Dweller’ es algo más abierta de miras, y ya con ‘Struggle Or Murder’ incluso se conceden ciertas melodías y nuevas disonancias, aunque acabe finalmente por borrarte del mapa. En ‘D.B.A.L.’ tiran con algo más de djent, aunque la huella de Thirteen Bled Promises es bastante clara. ‘Forsaken’ quizá no viene a cuento, pero no es nada que no pueda remediar la violencia de ‘Sinnoh’, ‘Erbesteratzera Behartuak’ o las duras y bromistas a partes iguales ‘Balada (Postureo Rumano)’ y ‘Miley Virus’. ¡Bravo por esos pig squeals, Marton! Estilísticamente hablando, este primer álbum puede ser un poco disperso, pero desde luego aquí hay madera. https://flattenedfrogsmassacreofficial.

No sé si es la poca hostia que tienen las guitarras, si es la batería lo que falla o qué carajo es, pero lo único que puedo decir es que el sonido de Resiliència no le hace justicia al robusto math metal que estos catalanes llegan a desplegar aquí. ‘Acaba Amb Mi’ es un torrente de buenas ideas y cambios de riff explosivos, donde sobresale, como en todo el trabajo, el bajo monstruoso de Rai Torres, pero donde también se observa ya la única pega que, musicalmente, puedan tener Rather Be Alive: esas voces necesitan más grosor, se debe entrenar el cuello para lograr más caña. ‘Sense Fugir’ es otro devaneo de mucho cuidado, pero de nuevo fallan en unos coros melódicos algo pobres. Por otro lado, el batería Miquel Camafort muestra aquí todos sus galones en la banda. Por último, ‘Camí De Vidre’ es el turno para el gran lucimiento de los hermanos guitarristas Oriol y Àlex Sanz, ¡aunque esto no quiere decir que hayan estado de brazos cruzados durante todo el EP, precisamente! No quisiera sembrar la discordia, pero estos tres temas llega a producirlos Alex Cappa en los The Metal Factory Studios y Rather Be Alive le pegan un buen mamporro a la escena. Mucho cuidado con esta peña en directo.

Lo que les mola a Akhvan son las cuerdas gordas, la contundencia y las partes más machaconas de unos Machine Head, por ejemplo, pero en un inicio marcado a fuego con la intro ‘Sadness Fog’, ‘Politics Of Revenge’, ‘Wake Up The Demon’, donde canta un bestiajo como Seyerot de los descomunales Carnivorous Voracity, y sobre todo ‘Hand To Hand’, los vascos nos muestran que el hardcore también ha tenido algo de peso en su background musical. Eso sí, las voces guturales y ahogadas de Pintxo no dan un solo respiro al oyente, logrando de esta forma un extraño groove death con algo de core. Especialmente la citada ‘Wake Up The Demon’ demuestra que Akhvan pueden desplegar muchísima violencia en cuanto se lo plantean. Por su parte, ‘Master Of Death’ nos acerca una visión de la banda más introspectiva y poco convencional, mientras que ‘It Calls You’ cierra el EP con el doble bombo de Gaizka golpeándote la sien y las guitarras de Gorka e Igor recurriendo de nuevo al severo puñetazo. Grandísima manera de cerrar Izeshne 33.4, demostrando que muchas veces la velocidad no es el único camino para sonar más heavies que el infierno. Ojo, que Akhvan no se andan con hostias.

bandcamp.com

http://ratherbealive.bandcamp.com

http://akhvan.bandcamp.com

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_HUMOR VÍTREO FORMACIÓN: Eloy Conde (voz), Borislav Cvetkov (guitarra), Fran Navarro (guitarra), Kike Morillas (bajo), Alex Roca (batería)

PROCEDENCIA: Granada AFINES A: Tenpel, Deftones, Hedtrip PRESENTAN: Percepción (autoeditado)

“Nos sobran ganas, fuerza e ilusión, pero no vamos muy sobrados de mÁnager, dinero y oportunidades” HUMOR VÍTREO

HUMOR VÍTREO

ormados en 2010, los granadinos Humor Vítreo acaban de presentar su ópera prima, Percepción. Decíamos en la reseña que publicamos el mes pasado que habían tenido mucha paciencia a la hora de crearlo en contraposición a tantos grupos que se apresuran a entrar en el estudio simplemente porque tienen los medios. “Desde luego, fue un asunto premeditado”, nos cuentan acerca de esta cuestión. “Es el lanzamiento de nuestro primer larga duración después de dos EPs previos y no queríamos fallar en tener una buena preparación. Lo hemos cocinado a fuego lento cuidando todos los detalles y pensando en construir un conjunto que definiese todas las canciones en una misma esencia. Todo ello más el tiempo que tiene preparar tanto la composición, la grabación, campañas de promoción y demás han hecho que el disco se hiciera un poco de rogar”. Humor Vítreo nacieron de la mano del batería Alex Roca y un guitarrista que ya no milita en la banda simplemente para divertirse. Pasó el tiempo y con la incorporación del resto de componentes todo cambió, y la progresión y las ganas por parte de todos hizo que ahora estén metidos en un proyecto que no imaginaban posible. Aunque se les clasifica como una banda metal, está claro que en sus

canciones no todo empieza y acaba ahí. “Todos somos músicos que desde siempre hemos escuchado metal, de un tipo u otro, claramente nos vemos influenciados por ello”, explican. “Lo curioso de todo esto es que el grupo no se inició con una idea clara de acabar siendo una banda metalera. Ha sido poco a poco cuando hemos ido formando este estilo gracias al aporte de cada uno de los miembros, dando así con la fórmula final”. Las letras de sus temas son bastante desesperadas, lo que choca bastante con el sentido del humor que muestran en otros aspectos. ¿Cómo explican esa dualidad? “Es parte del sentido del disco”, nos dicen. “Queríamos hacer un álbum en el que cada uno pudiese sentir su propia ‘percepción’ de los temas. Todos tienen una idea concreta, pero a la vez, son muy abiertos, dejando así que cada cual imprima sus propias experiencias en ellos. Nunca nos hemos decantado por unas letras o melodías muy alegres ya que sentimos la música como una forma de desahogo personal, pero es cierto que si te das una vuelta por nuestro canal de YouTube y ves algunas de nuestras fotos, contrasta un poco. En teoría somos un grupo de metal, que ya de por sí parece que es sinónimo de seriedad y rudeza, pero una de nuestras premisas como banda y como grandes amigos que somos todos, es la de

pasárnoslo bien, y cómo no, nos tomarnos la vida con mucho sentido del humor”. El grupo califica de “aventura estupenda” la experiencia de irse a Madrid para grabar con Alex Cappa, uno de los mejores productores de metal del país. Con él hicieron un disco cuyo uno de los mejores momentos lo depara la colaboración de Kantz, vocalista de Tenpel, en ‘A 10MIL Latidos’. “Tenpel son una de las bandas que más respetamos a nivel nacional, hace unos años tuvimos la oportunidad de compartir escenario con ellos y desde ahí hemos mantenido contacto con alguno de los miembros. Pensamos que era una idea genial el que Kantz participara en el proyecto y dejara su huella”. Granada siempre ha sido cuna de buenas y diversas bandas y Humor Vítreo se sienten parte de esa rica escena musical, aunque reconocen que hay peligro de que se pierda si no se cuida. “La posibilidad de ir a tantísimos conciertos y festivales hace que todos estemos o queramos estar vinculados de una manera u otra en el mundillo”, nos cuentan, “pero ahora tenemos la sensación de que esa cuna musical se está perdiendo, al menos en estilos como el nuestro, pero no por ello dejaremos de luchar por nuestro espacio y defender lo nuestro”. Pero naturalmente sus aspiraciones pasan también por hacer llegar su música a todos los rincones del país moviéndose en su “furgovítrea”, aun siendo conscientes de que necesitarán mucha voluntad. “Poco a poco, y sabiendo que obstáculos tendremos siempre, intentaremos solventarlos con buen rollo y mucho metal. Nos sobran ganas, fuerza e ilusión, pero no vamos muy sobrados de mánager, dinero y oportunidades”.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

DIEZ DE DICIEMBRE/PASTORALIA George Saunders

diciones

Alfabia

tiene una misión a medio plazo: publi-

car en castellano gran parte de la obra de George Saunders. El comienzo de esta tarea resulta esperanzador con las colecciones

que iba a obligar a su familia a comer pan rebañado en grasa

de relatos tituladas Diez De Diciembre y Pastoralia. Las historias

de panceta, el mundo andaba muy equivocado; él iba a triun-

del escritor estadounidense están ambientadas en la América

far”. Cuarentones solteros que todavía viven con sus madres y

profunda y periurbana, y sus tramas suelen girar sobre varios

otros personajes igual de grotescos dan pie a la tragicomedia,

ejes comunes: el tedio del curro, las difíciles relaciones en el

aunque Saunders normalmente deja el final abierto y no trans-

seno de la familia, las infidelidades, el amor, los sueños de

mite moralejas. Para iniciarse en su peculiar forma de narrar

triunfar, el fracaso… “Jo, colega, cómo se había cagado el

recomiendo el brutal relato futurista de Escapar De La Cabeza

mundo en papá, pero no se iba a cagar en él. Ni de coña.

De Araña, las anotaciones de un paleto tipo Homer Simpson en

Si el mundo pensaba que iba a vivir en un barrio donde los

Los Diarios De Las Chicas Sémplica y la propia Pastoralia, una

hispanos insultaran las tetas de su esposa, si el mundo pensaba

epopeya a lo George Orwell de rabiosa actualidad.

MEMORIAS DEL SUBSUELO Fiódor Dostoievski, ilustrado por Jorge González (SEXTO PISO)

oy un hombre en-

de un antihéroe solitario y vengativo que siente asco por la vida

fermo… Soy malo”.

verdadera. Especialmente brutal es el capítulo donde dialoga

De nuevo me dejo

con una prostituta después de haberse acostado con ella, y

atrapar por la primera línea

en el que pretende únicamente machacarla psicológicamente.

de un libro para sentirme

Ese hombrecillo sádico y despreciable también deja apuntada

profundamente atraído por

una reflexión interesante que se podría aplicar a cierto asun-

él. Y eso que un clásico

to político de rabiosa actualidad: “Sólo una cosa necesita el

como Dostoievski no estaba

hombre: querer con independencia, le cueste lo que le cueste

en mi lista de escritores pen-

tal independencia y cualesquiera que fueren las consecuencias

dientes de leer; de hecho, la primera parte de estas Memorias

que de ella se deriven”. Aunque pueda molestar que el traduc-

Del Subsuelo es pesada de digerir y gracias que se intercalan

tor abuse de la forma ‘mas’ en lugar de la equivalente ‘pero’,

las ilustraciones abstractas de Jorge González, que si no… La

se trata de una elección deliberada con el fin de situar al lector

segunda parte de las crónicas de este particular underground

en una época pretérita: la sociedad rusa del siglo XIX. Un autor

ruso es bastante más asequible y reconocible: se trata del relato

de cabecera dentro de la literatura universal.

SECONDS Bryan Lee O’Malley (y equipo) (DEBOLSILLO)

Seconds se trata de la tercera obra larga de Bryan Lee O’Malley tras Lost At Sea y la celebrada serie de Scott Pilgrim (adaptada al cine hace pocos años). Este nuevo trabajo mantiene toda la fuerza visual de su anterior cómic y añade el atractivo y embaucador encanto y estilo de las novelas juveniles de Neil Gaiman. Superado el tufillo ‘emprendedor’ que desprenden sus primeros compases, la historia fluye, los personajes enamoran y la respiración se entrecorta. Tremendo. SG

MIRACLEMAN: EL SUEÑO DE VOLAR VV. AA. (PANINI)

HENSHIN

Ken Niimura (NORMA)

Como muchos dibujantes españoles, Ken Niimura ha empezado una prometedora carrera fuera de nuestras fronteras, tanto en Estados Unidos (por ejemplo, con I Kill Giants junto a Joe Kelly) o en el mercado japonés, del que procede este recopilatorio de historias cortas que suceden en pequeños espacios de las islas y con todo tipo de personajes y situaciones. Niimura conoce los mecanismos para emocionar y sorprender en el relato corto, y este estupendo tomo es una perfecta muestra de ello. SG

LA COSA DEL PANTANO: LIBRO UNO Alan Moore y VV. AA.

DESDE EL MÁS ALLÁ Y OTRAS HISTORIAS Erik Kriek (LA CÚPULA)

Un clásico del terror al que muchos dibujantes acuden para dar forma a sus pesadillas en forma de cómic corto. Erik Kriek adapta de manera respetuosa, con un estilo exquisito y una ambientación conseguida varios relatos de H.P. Lovecraft, entre los que destaco el que da nombre al tomo, El Color Que Cayó Del Espacio y el obligado Dagon. Por supuesto, no defrauda, y Cthulhu hace acto de presencia en un trabajo por completo recomendable para los fans del escritor y de este tipo de recopilatorios. SG

ESTACIÓN ESPACIAL DESEO Ralf König (LA CÚPULA)

(ECC)

A principios de los años 80 Alan Moore sorprendió en la revista británica Warrior con la revisión de un personaje de los años 50. Inédita desde hace veinte años por cuestión de derechos y otras disputas, Marvel se encarga ahora de ofrecer, remasterizada, esta obra del guionista (se niega a que su nombre luzca en los créditos) acompañado de una estupenda batería de ilustradores. Magia y superhéroes en una aventura que los fans reconocerán como genuinamente Moore desde el capítulo uno. SG

DC contrató a Alan Moore para renovar La Cosa Del Pantano gracias a su trabajo en el mercado británico y en obras como la mencionada Miracleman. Gracias a esta oportunidad el cómic USA empezó a experimentar un cambio que muchos sitúan con el inicio en esta La Cosa Del Pantano de mediados de los años 80 (génesis también de la línea Vertigo) en la que Alan Moore crea un relato de terror angustioso que allanó luego el camino a otros colegas de fantasía y misterio como Neil Gaiman. SG

Nuevo trabajo de Ralf König (El Condón Asesino, Lisístrata) que recurre a sus entrañables Paul y Konrad para contarnos una historia de enredos en clave de comedia con su inconfundible estilo y marca de la casa. La excusa de una novela de ciencia ficción homoerótica (el trabajo incluye algunos de sus locos fragmentos) sirve de motor a los sucesos de esta nueva entrega en la vida de los personajes, su familia y demás relaciones afectivas. Lectura ágil, con contenido, a la vez que muy divertida. SG 17

TOI’S IN THE ATTIC SALVADOS POR LAS CAMPANAS

¿Quieres fabricarte un CD, DVD o vinilo para tu grupo con las máximas garantías? Gestionamos tu autoedición. Nos preocupamos de todos los trámites. Pide tu presupuesto en:

93 300 73 18 olga@tucd.es Ya han trabajado con nosotros

SOZIEDAD ALKOHOLIKA, NACHO VEGAS, ‘77, CRISIX, INMUNE, HYDE ABBEY, LEÓN BENAVENTE, SHERPA, TRANCE...

www.tucd.es

urra! Por fin se acaba el calor sofocante y podemos apagar el horrible aire acondicionado de las oficinas y abrir las ventanas. Los sonidos exteriores de la brisa en los árboles, la lluvia o incluso las odiosas sirenas de ambulancia me relajan. Ha quedado bastante ñoño, pero es que el tecleo de los ordenadores, el pitido de la impresora y los teléfonos sin parar de sonar despiertan mi deseo de matarrr -a todos- los humanos con mucha frecuencia. Si hay un sonido que me resulta más atractivo y, por qué no, evocador, es el de las campanadas lejanas de alguna iglesia del barrio, que consigue en muchas ocasiones sacarme de un estado de abstracción total causado por la vorágine de mails y marrones en los que acostumbro a estar inmersa, al menos durante unos instantes. No soy consciente de que las campanas repiquen cada hora, ni sé si se gestionan a través de un sistema automático o si hay un pobre señorín medio sordo encargado de tirar de una cuerda, aunque sospecho que el oficio de

campanero, por desgracia, ha quedado ya completamente obsoleto. Al menos yo nunca he visto un anuncio publicado en Infojobs. En el universo del rock las campanas han jugado un papel destacado en algunos momentos memorables, gracias a esa pesadez y solemnidad que imponen. Es fácil recordar temas tan espectaculares como ‘For Whom The Bell Tolls’ de Metallica o el poderoso comienzo de ‘Hells Bells’ de AC/DC, ¿verdad? Pues cuando oigo esas campanadas lejanas, imagino además una tormenta con fuertes truenos, y en mi cabeza empieza a sonar la oscura ‘Black Sabbath’ y vibro (iba a decir que me cago). Nunca el repicar de unas campanas resultó tan siniestro y aterrador, y creo que ninguna otra intro fue capaz de marcar un cambio de época como lo hizo ésta. Estoy convencida de que con estas campanadas y un riff de tres acordes los de Birmingham se cargaron de un plumazo la era hippie musical, y por ello les estoy eternamente agradecida. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE ADVERTS

or cada anuncio bueno que vemos en la televisión, la cantidad de excelsa basura que nos tragamos es de dimensiones godzilianas. No hay nada que joda más que ver una serie o película y, ¡bum!, anuncios. Los anunciantes un poco listos meten una canción pegadiza y asunto solucionado. Vendiéndonos un mundo en que McDonald’s parece el restaurante idílico para llevar una dieta saludable, tintes de pelo que jamás te joderán el cabello, secretos de belleza inmortal... Si viviéramos en la realidad alternativa de los anuncios de televisión, esto sería Shangri-La, el ficticio paraíso. Tampoco pasa nada. ¿Aún conservas un par de neuronas tras todo lo que te has metido entre pecho y espalda? Ya sabes lo que hay, e incluso encuentras anuncios que vendiéndote una mentira, aprecias la genialidad propia del mejor mentalista. Hace poco, para reconciliarme con esos eternos minutos, puse la opción YouTube. Bien, en los 60 la corrección política no es que fuera algo muy instaurado aquí, los 80 seguían siendo tan deliciosamente

horteras, pero encontré el único anuncio que me ha inspirado vitalmente. Nike, una de esas odiosas marcas que todos utilizamos a pesar de criticarlas, y el coliseo romano en plan apocalíptico. La élite de jugadores de fútbol de la época, desde Campos a Paolo Maldini, Ronaldo, Kluivert... frente a una pandilla de diablos. Un pandemonio que sólo un hombre tenía la testosterona necesaria para resolverlo, Eric Cantona. Eso era un anuncio. Ahora, ves un tráiler que parece de una película de ciencia ficción y te encuentras con un puto videojuego. El mayor de los cinismos. Como aquel anuncio en que varias personas decían todo lo que habían vivido... ¡A través del mando de la consola! La hostia… El día que quiten a la gente sus playstations, ese día sí que arderá Roma. Hasta entonces, bienvenidos al placebo, a no ser que veas a Ana Pastor, que al menos te enterarás de lo que es la buena tele y, encima, lo siento, soy un gay escondido en un heterosexual, que diría Brett Anderson, te alegrará la vista. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_INXS DISCO BÁSICO: Kick (1987) FORMACIÓN: Michael Hutchance (voz), Tim Farriss (guitarra), Garry Gary Beers (bajo), John Farriss (batería), Kirk Pengilly (guitarra, saxo), Andrew Farriss (teclados, guitarra)

AFINES A: U2, Duran Duran, Roxy Music

here’s no business like show business. Pocas bandas arrasaron tanto en las listas de éxitos como INXS a finales de los 80. Injusticia poética, ahora sólo queda su mero recuerdo en los fans más fieles y su Australia natal. Aunque Muse recoja en alguna canción parte de su herencia, el público usual no lo notará. Ni siquiera que todo un Springsteen, con toda la atención mediática que arrastra, versionara un tema de la primera época del grupo en la ciudad donde se dieron a conocer, en su gira oceánica con Tom Morello, ha despertado interés a nivel global. Desde su natal Perth, INXS empezaron siendo un grupo de new wave, convirtiéndose pronto en la segunda banda más importante del país tras AC/DC. Aquellos primeros discos todavía rezuman la frescura de la época en que el pop estaba abierto a la experimentación. Su cuarto disco marcó un punto de inflexión. A diferencia de otras bandas coetáneas de la época que viraban hacia el rock mesiánico tipo U2 o Simple Minds, empezaron a introducir ritmos funk y soul. Y el inolvidable Michael Hutchance empezó a

mutar en una especie de frontman que entremezclaba a Jim Morrison con la chulería inherente a esos años de una estrella del pop. El año del Live Aid les situó en la rampa de salida mundial gracias al disco Listen Like Thieves. Y todo explotó con Kick, su mejor álbum, lo que se dice un grandes éxitos de la primera a la última canción. Música que, aun siendo perfecta para la radio fórmula, los mostraba en su mejor momento. Una extenuante gira y otro álbum perfecto, X. Años de locura y desenfreno. De telonear a Queen y codearse con Freddie Mercury en Wembley, a llenar ellos mismos Wembley. Sus últimos tres discos fueron de más a menos en cuanto a popularidad, que no calidad. Desgraciadamente, el año de Elegantly Wasted, Hutchance en extrañas circunstancias, falleció. El grupo intentó recuperase de la tragedia, e incluso buscaron sustituto, finalmente conseguido a través de un concurso televisivo, J.D. Fortune. Grabaron un par de discos dignos más, pero nada volvería a ser igual. El álbum en solitario póstumo de Hutchance es de una calidad suprema. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Join The Army de Suicidal Tendencies. A veces miras la foto de una banda y sabes que la vas a amar. La primera vez que vi una foto de Suicidal Tendencies fue en una revista de metal/punk/skate, cuando estaban promocionando el que

era, por entonces, su nuevo disco, Join The Army. Algo me dijo que ésa era mi banda. Daban miedo y eran irresistiblemente cool. La casualidad y el destino hizo que esa misma semana viese los videos de ‘Institutionalized’, de su álbum de debut, y ‘Possesed To Skate’. Era casi como si una fuerza externa me dijera ‘te gusta esto, te gusta esto de verdad’. No sabía nada de ellos, pero me gustaban sus canciones, su imagen, su logo. Parecían un gang peligroso y unos tíos amenazantes a ojos de un teenager. Mucho más potente que un pentagrama o el signo

de los cuernos. Además, mi madre odiaba ese nombre... Así que perfecto. Sólo había una cosa que me apartaba de Suicidal Tendencies, el dinero. El frío y sucio dinero. No tenía nada. Ahí estaba, cercano a un grupo, pero con algo que me impedía ser su mayor fan. Estaba atrapado sin poder hacer nada al respecto. Afortunadamente, aunque estuviésemos en la era pre-prepre internet, existía una versión primitiva de intercambio de archivos. Era el llamado tape tradding, y gracias a la magia de una cassette de doble pletina uno podía grabar el audio de una cinta a otra. Ese tipo de grabaciones eran el equivalente a sacarte una muela sin anestesia, pero al menos te la sacaban, no sé si me entendéis. Un amante del buen sonido nunca iba a escuchar música de esa manera, pero al menos cumplía su propósito. Pero a pesar de ese audio de-

ficiente y una velocidad defectuosa por momentos, Join The Army se convirtió en mi banda sonora. Amaba ese disco. Canciones como ‘Suicidal Maniac’, ‘War Inside My Head’ y el tema título me daban la impresión de pertenecer a algo que ninguno de mis amigos sabía que existía. Me gustaba tener ese pequeño y peligroso secreto. Por supuesto, la tecnología avanza con el paso del tiempo y pronto mis oídos se convencieron de que las cintas de cassette estaban destinadas a ser tiradas a la basura. Me desprendí de todos mis cassettes y me puse a buscarlos en vinilo. A pesar de todos los años que han pasado todavía no he completado mi búsqueda, pero a día de hoy poseo todo lo que tuve en cassette en MP3 y, sí, tengo Join The Army en vinilo. Una vez lo tuve se quedó conmigo de por vida. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA SÉ DÓNDE NO FUISTEIS EL ÚLTIMO VERANO

oco a poco, y entre todos, vamos a terminar con el cine tal y como lo conocemos. Que en España somos unos trampas y que gran parte del espectador acude a las películas en formato 100% ilegal es un hecho demostrado. Pero desde la meca del cine tampoco están llevando a la gente a las salas. Y no sería una realidad tan alarmante si este verano, el peor en más de una década en Estados Unidos, no hubiera tenido los blockbusters más dignos y respetuosos con la audiencia en mucho tiempo. Seamos sinceros, aquí la distribución deja mucho que desear: sin estrenos en V.O., con películas que llegan cada vez más tarde, algo que favorece a la piratería y a los Blu-ray rip y con directos a DVD por la falta de confianza de las distribuidoras nacionales con su público. Es una situación incómoda porque, en 22

parte, no podemos negar parte de razón más o menos lógica a esas decisiones. Siempre buscamos excusas para no pasar por taquilla (‘Es que Infiltrados En La Universidad no tiene V.O., así que me espero a que se filtre el DVD’, o ‘hasta finales de año no llegará una peli que se estrenó en medio mundo hace tres meses’) y, poco a poco, con los cierres de las salas y el aumento del streaming legal (hola Netflix, pero no en España), lo de sentarse en una butaca pasará a la historia. Igual que el celuloide a favor del digital. Y doy esta brasa porque duele. Porque este verano hemos podido disfrutar de un gran número de títulos entretenidos y de calidad. Un ejemplo de la falta de confianza del espectador es el triste resultado de la notable Edge Of Tomorrow en su casa. Con un presupuesto de casi 200 millones, ha re-

caudado la mitad en territorio USA, sumando un total de 378 millones a nivel global. Ese dato, además, confirma que Tom Cruise no interesa tanto si no está en pantalla acompañado de la sintonía de Lalo Schifrin. Hércules no llega a los 80 millones, Robocop no alcanza los 70, el Sabotage de Schwarzenegger recauda 10 millones y Snowpiercer, la mitad. Todos esos títulos son heridas fatales para una industria que cada vez tiene menos ideas originales y a la que la fórmula del remake se le agota a velocidad de vértigo. Entre toda esa catástrofe, se agradece de corazón que la película más taquillera del año (en Estados Unidos) haya sido la extraordinaria Guardianes De La Galaxia, una joya que abraza a la audiencia de treinta y pico años, a la generación Footloose, y que antepone el sentido de la maravilla

y el cachondeo, pero también a la emoción, metiendo el dedito en la llaga del espectador más sensible, dando una nueva vida a los estudios Marvel gracias a una apuesta inaudita que incluso nos hace olvidar el triste asunto con Edgar Wright. Y otra vez Marvel en el segundo lugar con la secuela de Capitán América, un pelotazo que ha doblado la recaudación de la aburridilla pero simpática primera parte. La película de los hermanos Russo juega al cine de espías con unas hostias que se aproximan a las que dibuja Gareth Evans en sus Raids. El trío maravilla del top anual norteamericano lo cierra la extraordinaria The Lego Movie, otra muestra del genio infinito de Chris Miller y Phil Lord. Estupendos títulos, como Godzilla, 22 Jump St, la secuela simia o la de X-Men también han tenido buenos resultados, aunque los ingresos de la taquilla hayan disminuido de manera alarmante, con una recaudación un 15% más baja que el verano anterior. Resulta curioso que, para un verano donde casi ningún blockbuster falla (ay, mis mercenarios han rodado una castaña como un piano), la gente no haya respondido como cabía esperar. Nosotros ya sabemos lo que nos queda: comprar entradas y disfrutar de la proyección como si fuera la última.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> KEVIN DEVINE INTERPRETA ‘PRIVATE FIRST CLASS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

aciendo gala del gran momento creativo por el que pasaba, el cantautor de Brooklyn Kevin Devine nos obsequió el año pasado con una doble ración discográfica en la que mostraba que, ya sea con guitarras distorsionadas o con acústicas, el resultado siempre es el mismo: buenas canciones. El pasado octubre sacó Bubblegum y Bulldozer, financiados mediante la plataforma de crowdfunding Kickstarter. El primero, con un sonido parecido a los Nirvana más pop, algo que no resulta nada de extrañar después de que Kevin se diera el gustazo de grabar él mismo el Nevermind de cabo a rabo; y el segundo siendo algo más parecido a lo que nos tenía acostumbrados desde ese delicioso Put Your Ghost To Rest (2006), con temas bastante pegadizos que hacen pensar en que algo grande puede estar pasando dentro de no mucho para este pelirrojo. Ambos fueron producidos por Rob Schnapf (The Vines, Saves The Day). “Hicimos varios singles anteriormente,

pero ésta fue la primera vez que hicimos un disco de esta manera”, dice acerca de la experiencia. “Yo quería hacer un disco totalmente acústico, así es como lo escribí; Rob quería que tuviera más fuerza y pegada en algunos temas y para eso tenía que meter instrumentación, y bueno, tampoco era traicionar mucho a mi idea que tenía del disco mientras tuviera la esencia de lo que deseaba. Creo que es un disco que va a sonar muy diferente a los anteriores. Yo no conocía ni al bajista ni al batería que había escogido Rob, y el día que llegaron al estudio les toqué ‘Little Bulldozer’ y captaron enseguida cómo íbamos a desarrollar los temas. Se sentía como esos discos antiguos, cuando gente como Bob Dylan, Leonard Cohen o Neil Young mostraban sus ideas a los músicos que llevaban con ellos, y ellos hacían de esa idea algo espectacular. Porque con Bubblegum era más fácil poder compenetrarnos entre nosotros, ya que con Jesse hubo mucha preproducción, y los chicos de la Goddamn Band

llevan girando conmigo desde hace muchos años. Hacíamos dos o tres tomas y ya estaba hecho, pero esto era totalmente distinto y ha salido mejor de lo esperado”. Aunque el simpático pelirrojo está más que acostumbrado a tocar solo, es posible que en el futuro le veamos más acompañado de su banda. “Pienso que ahora, si todo va bien, estaremos dando más conciertos con la Goddamn Band aunque no hayamos podido traerles para esta gira en Europa, ya que desde un principio todo estaba pensado para hacer todas las fechas con la banda para poder presentar lo nuevo. Pero de momento no hemos tenido la demanda suficiente aquí en Europa como para poder costearnos un tour. Tocar para 200 personas o así, que es lo que suelo hacer en Europa, y tener que alquilar hotel para cuatro personas, transporte, y pagar salarios... Tenemos que ser más listos con eso y por eso somos más flexibles. Ya ha pasado de venir con la banda y que venga la misma gente que cuando lo hago solo (risas)”.

NEW FOUND GLORY

Puede que su música sea sinónimo de optimismo y jovialidad, pero eso no quita que New Found Glory estén exentos de tener que lidiar con asuntos muy serios. Uno de ellos les ha llevado a reconvertirse a la fuerza en cuarteto, aunque, por lo escuchado en su nuevo álbum Resurrection, siguen llevando el punk pop en las venas. Texto: JORDI MEYa Fotos: DR

in llegar a la gravedad de los CASOS de Lostprophets o As I Lay Dying, New Found Glory también se vieron salpicados el año pasado de un asunto escabroso que involucraba al miembro fundador Steve Klein. El guitarrista era acusado de haber mantenido charlas online de índole sexual con menores de 15 y 14 años y de tener en su posesión vídeos de pornografía infantil. Aunque Klein defendió en todo su momento su inocencia aludiendo que desconocía la edad real de las chicas con las que había contactado, la banda no dudó en expulsarle del grupo, aunque en un primer momento aludieron a “diferencias personales”. A pesar de tan inesperado golpe, el resto de New Found Glory, Jordan Pundik (voz), Chad Gilbert (guitarra), Ian Grushka (bajo) y Cyrus Bolooki (batería) decidieron seguir adelante como si nada hubiera pasado, y este mismo mes publicarán su octavo álbum Resurrection (Hopeless Records), en el que vuelven a mostrar su buen hacer para facturar punk pop en temas como ‘Ready & Willing’, ‘One More Round’ o ‘Degenerate’. Además, sus fans españoles pueden añadir otra buena noticia, pues la banda de Florida ha confirmado su visita para los días 8 y 10 de diciembre en Barcelona y Madrid. A principios de septiembre teníamos la oportunidad de charlar sobre ello con Cyrus Bolooki, aunque por petición expresa de la banda a través de su discográfica nos comunicaron que no podíamos hacer ninguna pregunta sobre Steve Klein dado lo delicado del asunto y que todavía hay cuestiones legales que resolver. Una petición comprensible, aunque inevita28

blemente tratada de manera indirecta. Antes que nada, quería decirte que estamos muy contentos de que en diciembre volváis a tocar por aquí. CYRUS BOLOOKI “¡Nosotros también! Creo que ya hace cinco años que no hemos tocado en España y la última vez fue fantástica. Tenemos grandes recuerdos de aquellos conciertos”. Supongo que os debe apetecer mucho tocar los temas nuevos, pero al mismo tiempo, los fans quieren escuchar vuestros temas más populares. ¿Os complica mucho la vida a la hora de elegir los repertorios? “Sí, cada vez más. Tenemos la suerte de haber tenido muchos hits que todo el mundo quiere escuchar y también otras canciones que son muy emblemáticas para nuestros fans, pero como dices, a nosotros también nos apetece tocar cosas nuevas. Cada vez nos cuesta más. Tendríamos que tocar tres horas para tener contento a todo el mundo (risas). Pero en cualquier caso, es un buen problema que tener”. Hablando ya del nuevo álbum, el título Resurrection parece indicar que estamos ante una especie de renacimiento del grupo. ¿Lo habéis vivido así? “No sé si exactamente es un renacimiento porque, al fin y al cabo, aunque ahora seamos cuatro, seguimos siendo el mismo grupo de siempre, pero está claro que es una nueva etapa. Más bien el título era una manera de decir a los demás que, a pesar de todo por lo que hemos pasado en el

“Aunque ahora seamos cuatro, seguimos siendo el mismo grupo de siempre, pero está claro que es UNa nueva etapa” CYRUS BOLOOKI último año, nosotros seguimos aquí y con las mismas ganas de siempre. A lo largo de nuestra carrera hemos pasado por muchos altibajos. Hemos tenido momentos en que todo nos iba de cara y no parábamos de sonar en la radio, y otros en los que parecía que nadie se acordaba de nosotros. Pero siempre hemos hecho esto por la música y lo hemos visto como una carrera de fondo”. A nivel del sonido del grupo, ¿os resultó fácil adaptaros a ser sólo cuatro u os llevó algo de tiempo? “Pues resultó más sencillo de lo que imaginábamos. La verdad es que cuando quedamos para ensayar para nuestra actuación en el crucero de Paramore nos dimos cuenta de que sonábamos igual de bien, incluso mejor. Así que decidimos seguir así. De hecho, en los conciertos que hemos dado hasta ahora como cuarteto todo el mundo nos dice que sonamos como nunca y que no se echa nada en falta. Y una vez nos pusimos a componer Jordan, Chad y yo, las cosas fluyeron muy rápidamente. Hay un montón de grupos de punk rock o hardcore con un solo guitarrista, así que en realidad no era un problema tan grave”. ¿Y en el aspecto personal? “Obviamente ninguno de nosotros

desearía haber tenido que pasar por esto, pero las circunstancias son las que son y hemos intentado encontrar la mejor solución”. ¿No considerasteis incorporar a otro guitarrista? “No. Llevamos juntos desde el principio y se nos haría muy complicado que alguien nuevo se adaptase a nosotros y nosotros a él. Por lo que a nosotros concierne, New Found Glory ahora y para siempre somos nosotros cuatro, y creo que nuestros fans también valoran que eso no cambie. Quizá pensamos por un minuto en añadir a alguien para el directo, pero como te decía, nos dimos cuenta de que no hacía falta. Además, musicalmente, al haber sólo una guitarra, los otros instrumentos tienen más espacio para sonar. Nuestro objetivo a la hora de grabar el disco era que todo sonase aún más grande a pesar de ser uno menos, y lo conseguimos”.

¿Hubo alguna canción que os marcara la dirección? “No sé si fue la primera que escribimos, pero en cuanto tuvimos ‘Resurrection’, en especial el tono de la letra, sí que nos marcó un poco la pauta para el resto. Digamos que puso el listón con el que íbamos a medir el resto de temas. En especial el estribillo de ese tema tenía una energía que nos contagió a todos. A decir verdad, éste ha sido el disco más fácil de componer de todos los que hemos hecho. Todas las ideas fluían muy bien y por primera vez fuimos al estudio con todas las canciones terminadas. Teníamos muy claro lo que queríamos”. ¿Fue también el motivo por el que decidisteis coproducir el nuevo disco con Paul Miner? ¿Os sentíais totalmente preparados? “Sí. A Paul le conocemos de hace mucho tiempo, así que sabíamos que iba

a funcionar. Queríamos un álbum que sonase de manera muy natural, muy fiel a como tocamos. Además, Chad tiene experiencia produciendo a otras bandas, así que no teníamos dudas de que seríamos capaces de hacerlo. Este disco lo hicimos pensando exclusivamente en nosotros, sin pensar en el sello o en nada más”. El disco está lleno de grandes riffs y melodías. Parece como que nunca se os acaban... “Sí (risas). La verdad es que cuando nos juntamos siempre surgen buenas ideas. Después de tantos años es una suerte y toco madera para que siga siendo así. Todavía nos quedan muchos trabajos por delante”. A nivel de las letras, ¿os costó encontrar el equilibrio entre no ignorar lo que había pasado dentro del grupo pero a la vez, no centrar el 29

NEW FOUND GLORY

“Es genial ver que hay bandas nuevas que siguen adelante con este estilo”

disco sólo en eso? “Siempre hemos escrito sobre experiencias reales, ya sean nuestras o de amigos o conocidos, pero nunca lo hemos hecho dando detalles específicos porque queremos que todo el mundo pueda identificarse con lo que contamos. Creo que ése es uno de los secretos de nuestro éxito, y en Resurrection no ha sido distinto. Todo lo que contamos es real, pero no tendría mucho sentido escribir sobre algo que sólo nosotros hemos vivido. Muchas de nuestras canciones hablan de relaciones, pero en este disco también se habla de otras cosas. El mensaje más importante que queríamos transmitir es que a pesar de todo lo malo que te pueda suceder, si tienes un sueño tienes que luchar con todas tus fuerzas para conseguirlo”. Ahora que ya pasáis de los 30, ¿os planteáis cómo seguir haciendo punk pop y que siga conectando con un público joven sin sonar falso? “Es cierto que tenemos un público joven, pero también hay mucha gente que nos ha ido siguiendo a lo largo de nuestra carrera y que ahora tiene nuestra edad. Por eso creo que es importante que las letras reflejen quiénes somos ahora. Ya no tenemos 30

CYRUS BOLOOKI

los mismos problemas que cuando empezamos el grupo, ahora tenemos familia, esposas, y eso se refleja en las canciones”. ¿Es más difícil escribir sobre esposas que sobre novias? “(Risas) ¡Te aseguro que sí!”. En ‘Stubborn’ tenéis a Anthony Raneri de Bayside cantando. De hecho, sustituyó a Chad en algunos conciertos en 2010. ¿Invitarle fue una manera de darle las gracias? “No nos lo planteamos así, pero ahora que lo dices... La verdad es que cuando invitamos a alguien a cantar en nuestros discos no es algo que pensemos de antemano, sino que cuando escuchamos ciertas canciones nos vienen a la mente algunas voces y tanto en el caso de Anthony en ‘Stubborn’ como de Scott Vogel (Terror) en ‘Resurrection’, fue así. Es como si las canciones pidieran sus voces y por suerte, pudimos tenerles a los dos”. En los últimos años hemos visto bandas reivindicando a New Found Glory como una influencia. ¿Qué opinas de esta nueva ola de punk pop?

“Como músico no creo que haya mayor satisfacción que el saber que has podido inspirar a otros músicos como otros lo han hecho contigo. A muchos de estos grupos nos los hemos llevado de gira y nos encanta poder apoyarles. Algunos como A Day To Remember ya no lo necesitan porque son incluso más grandes que nosotros, pero en cualquier caso, es un orgullo”. ¿Tienes alguna favorita? “Ahora vamos a girar con We Are The In Crowd. Son distintos a nosotros, pero nos gusta mucho lo que hacen. Hay muchas. Es genial ver que hay bandas nuevas que siguen adelante con este estilo”. ¿Cómo recuerdas ahora vuestra época de mayor popularidad con Stick And Stones y Catalyst? ¿Sientes nostalgia? “Obviamente fue un momento muy dulce. Éramos muy jóvenes y todo era nuevo para nosotros. Tuvimos la suerte de aparecer cuando el punk pop volvía a estar en el mainstream y fue como coger una gran ola. Es gracias a esos discos y a todos los fans que hicimos entonces que todavía seguimos aquí. Pero no siento nostalgia. Creo que seguimos haciendo música revelante y con Resurrection estoy igual de ilusionado como lo estaba entonces”.

¡Ya a la venta!

SEX IN THE SEVENTH CIRCLE ¡Ya a la venta! Disponible en CD EDICIÓN LIMITADA DIGIPACK, CD ESTÁNDAR, LP +CD y en DIGITAL. Otra obra maestra del género de los genios del Hardcore punk de Nueva York.

Disponible en CD EDICIÓN LIMITADA DIGIPACK, LP + CD y en DIGITAL El segundo trabajo de este atronador cuarteto de metalcore.

www.CENTURYMEDIA.com

¿QUIERES ESTAR A LA ÚLTIMA DE TODO LO QUE SUCEDE EN LA ÓRBITA DE ROCKZONE? SÍGUENOS EN NUESTRAS CUENTAS DE TWITTER, FACEBOOK E INSTAGRAM Y NO SE TE ESCAPARÁ NADA.

Es imposible explicar el arte de SÓLSTAFIR sin reparar en su tierra natal, Islandia. Su post rock y hard psicodélico tiene la fuerza de sus volcanes, es caliente y vívido como la lava que éstos escupen con furia, aislado como su propio estado insular, bello y poético como el Atlántico en plena tempestad. Desde luego, no son una formación al uso, así que había que contactar con ellos como fuera. Texto: Pau Navarra FotoS: DR

SÓLSTAFIR

O POR SABER de qué eran capaces la nueva criatura de Sólstafir ha dejado de sorprendernos por su giro hacia canciones más luminosas y directas, aunque pervivan esas voces afectadas tan emocionantes o esa visión del rock tan alejada de convencionalismos o fronteras estilísticas. Ótta, que renueva su fidelidad hacia el sello Season Of Mist, es otra obra de melodías preciosas, rock robusto y embriagadores lapsos de plena comunión con la tierra de la que proceden, otro álbum que, como ocurrió con su anterior y doble Svartir Sandar, es preferible ser sentido a explicado. Los islandeses son una especie de Primordial cada vez menos metálicos, para entendernos… A través de respuestas con sólo lo justo y necesario, el cuarteto formado por Aðalbjörn Tryggvason (voz, guitarra), Sæþór Maríus Sæþórsson (guitarra), Svavar Austmann (bajo) y nuestro interlocutor Guðmundur Óli Pálmason (batería) demuestra que habla mejor a través de la música que de las palabras, pues ya se sabe que la jovialidad de los artistas procedentes de tierras heladas suele ser directamente proporcional a los días soleados que disfrutan durante el año. Eso sí, Sólstafir tienen ahora un motivo para estar más que contentos… Si al término de nuestra conversación le preguntábamos a Guðmundur por qué no pasaba su gira por países como el nuestro, Italia o Portugal, a lo que contestaba que “Los cachés de los promotores de estos países no cubren el coste de ir hasta allí”, parece que ahora sí ha surgido un alma caritativa que nos los traerá el 25 de noviembre en Barcelona y el 26 en Madrid. Bravo. Será grande.

Muchas cosas han cambiado para Sólstafir desde que se editó el aclamado Svartir Sandar. ¿Cómo estáis viviendo vuestra nueva situación en la escena rock y metal? ¿Qué me puedes contar de vuestra irrupción? GUDMUNDUR ÓLI PÁLMASON “No ha habido un gran cambio en lo que a nosotros respecta, estamos un poco más ocupados con los festivales de verano. Vamos a ver qué pasa después de que Ótta sea publicado. Supongo que la gente está ya sedienta de algunos nuevos sonidos, ya que no somos los mismos viejos que llevan veinte, 30, 40 años repitiendo la misma receta una y otra vez”. Sólstafir es una banda en continua evolución, sí… En un lejano y remoto futuro, ¿podría el grupo terminar sus días tocando algo cercano a un pop rock adulto y oscuro, o tenéis líneas que nunca cruzáis? Desde luego, y sin que ello sea negativo, canciones como ‘Dagmál’ o ‘Miðdegi’ van en esa dirección… “No tenemos ningún tipo de fronteras. Tocamos la música que sale de nosotros, y si nos gusta, la mantenemos. No hay reglas, y nunca decidimos de antemano hacia dónde nos va a llevar la música. Ella nos lleva allí”. Exactamente, ¿qué papel juega vuestro país, Islandia, en vuestra propuesta, letras y emociones musicales? La etiqueta que emplea Season Of Mist para describiros, ‘Icelandic heathen metal’, es bastan-

te acertada… “Supongo que nos influye de una forma subconsciente. Influye en nuestra manera de pensar, en nuestra forma de vida y en la manera en la que vemos el mundo. Eso crea canales, conexiones, en la música y las letras. Cuanto mayores nos hacemos, más nos sentimos conectados a nuestro país de origen y su psique”. ¿Sobre qué está cantando Aðalbjörn Tryggvason en este disco? ¿Puedes contarme qué inspiró estas nuevas ocho canciones? “Todos los nombres de las canciones están basados en la antigua forma islandesa de decir la hora del día. Generalmente, antes la gente tenía relojes en los que había que estimar la hora a través del sol. En Islandia tuvimos que dividir el día en ocho partes, por lo que cada una abarcaba tres horas modernas aproximadamente. El álbum empieza con ‘Lágnætti’, ‘noche baja’, y continúa durante la noche. ‘Ótta’ es la hora que va entre las tres y las seis de la mañana. Entonces es tiempo de levantarse con el sol en ‘Rismál’, en ‘Dagmál’ el día está totalmente iniciado. ‘Miðdegi’ es la mitad del día y ‘Nón’ el mediodía, aunque en este sistema el mediodía no es justo a las doce, sino más bien el tiempo que transcurre entre las tres y las seis de la tarde. Después de esto viene ‘Miðaftann’, o media tarde, y finalmente ‘Náttmál’, la noche. Las letras se basan libremente en nuestras experiencias personales durante los diferentes sentimientos de las distintas horas del día, pero los momentos del día también son diferentes en función de las estaciones. Algunas tienen un

“Cuanto mayores nos hacemos, más nos sentimos conectados a nuestro país de origen y su psique” GUDMUNDUR ÓLI PÁLMASON

sentimiento más invernal, mientras que otras están más asociadas al verano. También tomamos inspiración de la literatura islandesa. De las letras que escribí, porque escribí cuatro, mientras que Addi realizó las otras cuatro, me inspiré en Halldór Laxness, especialmente en su obra Sjálfstætt Fólk, y los poemas conmemorativos de Jóhannes úr Kötlum. Sé que Addi estuvo leyendo un montón a Hallgrímur Pétursson y creo que tomó algunas influencias de ahí”. Así, ¿es Ótta tan bello como vuestro país? En vuestro siempre presente contraste entre la furia, melodías preciosas y fragmentos psicodélicos puede encontrarse vuestro secreto, ¿no? El mar helado puede ser agresivo y terrorífico, pero al mismo tiempo, extraordinariamente hermoso e hipnótico. “Supongo que estás en lo cierto. Tratamos de hacer que nuestra música sea dinámica. Una flor en el duro y áspero 34

desierto es aún más hermosa debido a su entorno”. Dado que Svartir Sandar era doble, si lo comparas con vuestro anterior trabajo, ¿fue Ótta más fácil de componer? “Es proceso de composición fue bastante similar. Ambos álbumes fueron escritos en un periodo de unos cuatro meses”.

Y en tu opinión, ¿en qué han evolucionado Sólstafir respecto a vuestra obra de 2011? “Supongo que las canciones son un poco más lentas, pero más atmosféricas. Además, siento que el nuevo disco funciona mejor en su conjunto si lo comparas con Svartir Sandar”. La canción ‘Ótta’ es simplemente maravillosa. ¿Cómo creáis temas hard rock con pasajes instrumentales tan increíbles como ése? “Solamente cerramos los ojos y tocamos la música que viene a través de nosotros”. ‘Nón’ o ‘Náttmál’ son ejemplos perfectos de lo que sois Sólstafir a día de hoy. Canciones yendo hacia un enorme clímax emocionante y, después, cerrados con un piano sutil, o con mucha grandeza, todo muy poderoso. Es vuestra marca registrada, ¿no? “No sé si tenemos una marca registrada… No somos conscientes de si

tenemos cierto estilo en el que fijar las canciones a la hora de crearlas. Pero sí, creo que puede decirse que éstas son las típicas características de Sólstafir”. ¿Y cómo es la escena rock y metal islandesa? En vuestro caso, creo que internet jugó un papel importante para traspasar fronteras y pasar a ser una formación con repercusión mundial… ¿Fueron Sigur Rós un ejemplo importante para vosotros? ¿Sois amigos? “Sí, conocemos a los chicos de Sigur Rós, ellos son definitivamente una banda a la que podemos mirar y aprender de ellos. Alguna de su música me parece genial, especialmente su nuevo disco, mientras que algunas de sus canciones me parecen aburridas. Sin embargo, han demostrado que se puede ser una banda islandesa, con un nombre islandés, cantando en islandés, escribiendo canciones largas sin demasiado juego para las radios, seguir su propio camino y, aun así, tener éxito en la escena internacional. Para conocer otras bandas de mi país prueba con Legend, Kontinuum, Brain Police, Saktmóðigur, Dimma, The Vintage Caravan, Beneath, HAM, Gone Postal, Agent Fresco, Oni, Samaris, Skálmöld, Momentum, Strigaskór nr. 42 o muchas, muchas otras”. Ya para terminar, ¿qué aprendisteis de vuestros inicios como banda de black metal? “Que quemar iglesias te meterá en problemas”.

A John Garcia, la voz más reconocible del stoner rock, le ha costado 43 años publicar su primer disco en solitario. Ahora que lo ha conseguido, se siente más libre que nunca. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

ras haber grabado cuatro discos con Kyuss, cuya influencia en toda la escena stoner rock es fundamental, a lo largo de las dos últimas décadas John Garcia ha ido alternado distintos proyectos (Slo Burn, Unida, Hermano…) con su vida familiar y su otra pasión, ser veterinario. Al contrario que su excompañero Josh Homme, quien encontró el éxito con Queens Of The Stone Age, Garcia siempre se ha tomado su carrera sin tanta presión 36

y, como él mismo dice, si existiera un reglamento sobre en cuantas bandas puede estar un cantante, lo tiró a la basura hace mucho tiempo. Pese a su actitud, Garcia comprobó hace un par de años la cara fea del negocio al tener que enfrentarse a una demanda interpuesta por Homme y el exbajista de Kyuss Scott Reeder por el uso que el cantante y el exbatería Brant Bjork hacían del nombre Kyuss Live! para su nuevo proyecto. Finalmente se vieron obligados a cambiar el nombre por el de Vista

Chino y publicaron en 2013 su disco de debut. Quizá el mal sabor de boca que le dejó toda la trifulca -aunque recientemente ha asegurado que a nivel personal todo está bien con Homme y Reeder- fue el empujón que Garcia necesitaba para dar forma al disco en solitario que siempre había soñado hacer y que este verano publicaba a través de Napalm Records. Los días 26 de noviembre en Barcelona, el 27 en Madrid y el 28 en Bilbao lo presentará en directo junto a temas de toda su trayectoria.

“Es duro ser un músico y tener dos hijos, Pero tener un negocio propio siempre lo es. Da igual si es un restaurante o dar clases de buceo, o tener una banda”

Has dicho en entrevistas que llevabas toda tu vida esperando para poder editar un disco en solitario. ¿Cómo te sientes ahora que por fin lo has conseguido? “Me siento genial. Como dices, había deseado esto durante mucho tiempo y aquí estamos. Me siento muy bien por poder ir a tocar con los tíos con los que lo estoy haciendo. Acabamos de volver de Australia y tenemos mucho trabajo por hacer todavía. Esta semana volvemos a ensayar y estoy

emocionado con este momento de mi carrera”. ¿Ves el disco casi como una especie de retrospectiva de una carrera en solitario que nunca tuviste? “Sí, un poco. Es un grupo de canciones que acumulé a lo largo de los años y con las que tengo una relación especial. No son caras B o descartes”. ¿Cómo te sentiste grabando temas que compusiste hace diez o 15 años? ¿Te sorprendió que todavía fueran relevantes para ti? “Sí. Como te decía, tengo una relación personal con ellas, pero cantarlas ahora en lugar de cuando tenía 20 años es distinto. Pero todavía hay pasión. Es como recordar una relación. Si una canción te transporta a lo que sentías en 1977, el sentimiento vuelve. Yo recuerdo lo que sentía cuando las escribí en 1987 o 1991. Pero las canciones han cambiado y yo he cambiado, pero para mejor. Poder trabajar en ellas y darles una nueva vida ha sido un placer. Así que es una mezcla de viejos y nuevos sentimientos”. ¿Ves estas canciones casi como tatuajes que tuvieras en el cuerpo? “Sí, podrías decir eso. Es una buena analogía. Pero son tatuajes que, en lugar de en mi piel, están en mi cerebro y mi corazón”. ¿Con qué disfrutaste más trabajando en solitario en comparación a hacerlo dentro de la estructura de una

formación? “Ésta es mi primera aventura en solitario, pero a mí la expresión ‘artista en solitario’ me parece pobre. No me siento como tal. Es pretencioso. No soy esa clase de tío. Pero fue divertido. Hubo momentos de nervios porque no tenía una banda, todo eran músicos que escogí para cada una de las canciones. Tuve un guitarrista y un bajista distinto para cada tema. Los únicos que lo grabamos todo fuimos el batería y yo. Así que esa parte fue dura, no voy a repetirlo en mi próximo disco, que vamos a empezar en breve. Pero el poder editar las canciones y salir de gira como John Garcia puede que no signifique algo importante para los demás, pero lo es para mí. Me siento afortunado de poder ir a España y tocar canciones que ni Vista Chino ni siquiera Kyuss Lives! tocamos. Canciones como ‘Tangy Zizzle’ o ‘Gloria Lewis’. Pero también cantaré temas de Slo Burn y por supuesto, de mi disco. Me encanta vuestro país”. En verano estuviste en el Azkena Rock Festival con Unida. ¿Tienes planes de hacer algo más con la banda? “Me encanta ese grupo, pero esa gira fue como una despedida. No es que vayamos a separarnos, pero vamos a aparcarlo en el garaje. Y mi idea ahora es conducir el coche en solitario por bastante tiempo”. Desde fuera puede parecer que trabajar dentro de un grupo implica muchas discusiones porque el proceso es más democrático. ¿El que ahora fueras el jefe facilitó el trabajo? “En parte sí. Si algo no me gustaba 37

JOHN GARCIA

y Brant Bjork también ayuda. Fui autodidacta y me costó mucho trabajo. Todavía no soy perfecto”.

lo decía. Si un guitarrista se ponía un poco pesado le decía ‘no, no, no hagas eso, vamos a hacerlo más simple’. Ésa es la dirección que quería, una obra de rock simple. El próximo disco será más fácil porque ya tendré a la banda que me acompaña en directo, será mucho más compacto”. La gente te conoce por ser un gran cantante, pero quizá no se te valore como compositor. ¿Crees que eso puede cambiar con este trabajo? “Espero que sí. Soy un fan de las canciones, me da igual quién las compusiera. Si una canción me gusta, la cantaré, me da igual si la ha compuesto Barry Manilow. No me importa. Si la gente me aprecia como compositor, perfecto, y si no, también. Pero soy compositor. Reto a cualquiera que no lo crea a que coja la letra de otro o el riff de otro y convertirlo en una canción. Llevo escribiendo desde que tenía 10 años. Pero al mismo tiempo, me gusta cantar temas de otros”. En ese sentido has incluido ‘Rolling Stoned’, una versión del grupo Black Mastiff. ¿Qué relación le ves con tus propias 38

canciones? “Es una gran canción de una gran banda. Si escuchas su versión y mi versión, verás que son muy distintas. La cadencia, la energía, la pasión, es distinta. Para mí encajaba muy bien con lo que quería hacer en este disco. Fue algo del último momento. Y además, el grupo vino a Palm Springs y les ayudé a grabar su nuevo álbum. Soy fan suyo. Soy fan de Danko Jones, que escribió ‘5000 Miles’ para mí hace diez años. Y desde que la escuché, supe que quería grabarla para mi disco. También compuse con Eric Belt, Dave Angstrom o Mark Diamond, son guitarristas con mucho talento con los que es muy fácil sentarse y componer”. ¿Consideras tu voz un don o es algo en lo que tuviste que trabajar mucho? “(Risas) No soy el tipo de persona que vaya a decir que tiene un don. Son pocos los que podrían decir eso, Mozart, Beethoven, Freddie Mercury o Michael Jackson. Sinceramente, cuando empecé a cantar lo hacía fatal, pero no importaba. Simplemente seguí haciéndolo. Quería ser cantante y cantaba canciones de The Cult para mejorar. Y trabajar con Josh Homme

¿Nunca tomaste clases? “Cuando era un niño tomé tres o cuatro clases de canto, pero sólo porque quería mejorar. Al final paré porque el profesor no entendía lo que yo quería. Simplemente fue cuestión de encerrarme en un local con otros tres tíos y ensayar mucho. Para mí lo más importante siempre fue la melodía, la melodía, la melodía. Nunca pensaba en gritar, sino en hacer melodías”. Desde Kyuss siempre has estado cambiando de banda o proyecto... ¿Es porque te aburres fácilmente? “No sé el motivo, no lo sé. Algunas bandas se han separado, otras han parado, no sé. Yo quería hacer este álbum. Cualquiera que conoce mi carrera sabe que no me gusta estar en el mismo sitio por mucho tiempo. Si existe un reglamento sobre en cuantas bandas puede estar un cantante, lo tiré a la basura hace mucho tiempo. Alguna gente cree que haciendo tantas cosas me estoy devaluando o quemando, pero me da igual. Si la gente cree que voy de fracaso en fracaso me da igual. La gente echará mierda igualmente. ¿A quién le importa? ¡A mí no! Los únicos a quienes tengo en cuenta su opinión son mi mujer y mis hijos. Yo sólo quiero divertirme y lo estoy haciendo. Si la gente quiere escuchar lo que he hecho con Hermano, Slo Burn, Kyuss, Unida, Vista Chino, Crystal Method, Arsenal, Mad City Rockers, Danko Jones, Orange Goblin, ahí está. Y voy a hacer mucho más”.

“Estoy muy orgulloso de lo que hicimos y sé que sin Kyuss no estaría en mi posición, Así que para mí cantar esos temas es rendir homenaje al grupo y a esa parte de mi vida” ¿Siempre has tenido la misma actitud o fue tu decepción con el negocio musical la que te empujó a tenerla? “El negocio siempre ha estado jodido. Es duro ser un músico y tener dos hijos, pero tener un negocio propio siempre lo es. Da igual si es un restaurante o dar clases de buceo, o tener una banda. Depende de lo bien o mal que vaya esto puede que vuelva a hacer de veterinario. Ya veremos qué pasa. Pero todavía disfruto subiendo a un escenario y cantando”. ¿Cuándo nació tu amor por los animales? “Cuando era un niño. No lo recuerdo. Soy una persona de animales. Tengo dos gatos, dos peces y un perro. El otro día abrí la ventana y mi mujer me gritó ‘¡John, John!’ porque había un lince. Tenemos media montaña en medio del desierto y vemos linces, serpientes de cascabel, coyotes, ovejas… Mi mujer lleva la clínica de animales de Palm Springs, ¡ahí fue donde nos conocimos!”. ¿Has aprendido algo de los animales que hayas podido usar en tu carrera musical? “Bueno, no lo creo. No escribo canciones sobre parásitos, virus o

infecciones (risas). Para mí son dos carreras completamente distintas, pero se retroalimentan porque siento pasión por las dos”. Estoy seguro de que estás harto del litigio con los exmiembros de Kyuss, pero me gustaría saber si crees que el disco de Vista Chino hubiera sido recibido de manera distinta de haber aparecido como Kyuss Lives!. “Probablemente. Es curioso lo que puede hacer un nombre... Te daré un ejemplo. Tocamos en Minneapolis como Kyuss Live! y agotamos un local de 800 personas. Volvimos a tocar como Vista Chino y había doce. Sólo por el nombre. Así que estoy seguro que hubiera sido recibido de manera distinta”. ¿Y te entristece que los fans sean tan influenciables por un nombre? “No. No pienso en ello. No me siento delante de una hoguera y me pongo a llorar pensando ‘¿Pero qué ha pasado?’. Ni siquiera me pasa por la cabeza. La vida es demasiado corta. Las cosas son así. Yo ya estoy en otra pantalla. Ya estoy escribiendo el siguiente disco”. Volviendo al álbum, una de las grandes colaboraciones es la de Robby Krieger en ‘Her Blues Energy’. ¿Eras muy fan de The Doors? ¿Fue uno de esos momentos únicos de tu vida? “Desde luego. Hizo que la canción y el disco fueran mejores. Siempre se lo agradeceré. Vino a través de mi productor. Conozco a Robby, pero

no salimos, no vamos a jugar a golf, pero soy fan de The Doors. Fue una experiencia increíble”. ¿A quién matarías por tener en el próximo álbum? “¡Hombre, no mataría a nadie! (Risas) Pero me encantaría tener a Ian Astbury de The Cult, pero no creo que ocurra”. ¿Tan difícil te parece? “No es que sea difícil, pero no creo que él quiera hacerlo”. Antes decías que vas a tocar temas de Kyuss en tus conciertos. ¿A qué atribuyes que su legado sea tan longevo cuando el grupo siempre fue minoritario en su momento? “No lo sé. Cuando estábamos en activo había algunas partes del mundo donde sí éramos apreciados. Pero creo que en general, cuando un grupo se separa, un disco es descatalogado o un producto deja de fabricarse, adquiere un nuevo valor. Estoy muy orgulloso de lo que hicimos y sé que sin Kyuss no estaría en mi posición, así que para mí cantar esos temas es rendir homenaje al grupo y a esa parte de mi vida”. Y además, tú eres el único capaz de cantarlas como las cantas tú… “Sí, soy el único que puede cantarlas como las canto yo (risas). Y me divierto cantándolas. Después de tantos años, cantar ‘Green Machine’ sigue siendo divertido. Si fuera algo mecánico, no lo haría”.

SAVAGE MESSIAH

Acero Británico Si te gusta el heavy metal tradicional tocado a toda velocidad, los solos melódicos y explosivos, y estribillos para cantar mientras haces los cuernos, los británicos Savage Messiah tienen todo lo que necesitas... Y un poquito más. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

ave Silver, cantante y guitarrista de Savage Messiah, tiene claro que estar en un grupo es una carrera de fondo. Formada hace siete años en Londres, la banda ha ido dando pequeños pasos que le ha permitido hasta el momento publicar tres álbumes y compartir cartel con Overkill, Evile, Death Angel o Skeletonwitch. Durante el trayecto la inestabilidad les ha acompañado en todo momento, pero por fin parece que Silver ha encontrado en Jeff Bailey (guitarra), Mira Slama (bajo) y Andrea Gorio (batería) a los compañeros ideales para facturar su mezcla de thrash y heavy metal clásico tal y como la había concebido desde un principio. Y eso es lo que ofrecen en su último álbum The Fateful 40

Dark (Century Media), que salió en marzo y que presentarán en directo los días 6 de octubre en Barcelona (Rocksound Bar), 7 de octubre en Madrid (Wurlitzer Ballroom) y el 8 en Donosti (Le Bukowsky). ¿Se han cumplido las expectativas que teníais puestas en The Fateful Dark después de la repercusión que tuvo Plague Of Conscience? DAVE SILVER “Sí. El disco salió y tuvimos muy buena prensa, lo cual siempre ayuda, y las ventas han sido mucho mejores que con los discos anteriores. Creo que hicimos un gran trabajo, el mejor que hemos hecho, aunque yo soy del grupo, claro (risas). Creo que además es una buena base de cara al

siguiente porque empezamos a tener nuestro propio sonido. El trabajo fue mucho más colectivo ya que llevamos dos años con una formación estable y todo el mundo está dando lo mejor de sí. Creo que tanto la interpretación como las composiciones son mejores. Siempre hemos tenido ideas, pero a la hora de plasmarlas ahora sabemos mejor cómo hacerlo”. ¿Os resulta muy complicado despegaros de las influencias más evidentes? “Eso cuesta, pero también cuesta ser un buen compositor. En todo grupo cuando empieza es muy fácil ver a quién ha escuchado o a quién intentan emular. Es difícil escapar de eso, pero creo que uno de los motivos por los

ta que todavía no has llegado a ese nivel? “No lo sé. Obviamente sólo puedes intentar escribir lo mejor que puedas, pero es la respuesta del público la que define si un disco es culturalmente importante o no, como The Number Of The Beast. Así que ni siquiera me planteo escribir un álbum como ése porque no depende de ti”.

“Cuando descubrí el heavy metal supe que era para mí, que era lo que quería hacer” DAVE SILVER

que ocurre es porque hoy en día los grupos no tienen el tiempo suficiente para encontrar su sonido. Nosotros ya estamos en nuestro tercer disco, y muchos no consiguen ni eso por el estado de la industria. Si escuchas a bandas clásicas como Iron Maiden te das cuenta de que es en su tercer o cuarto trabajo cuando de verdad definen su personalidad. Y como te decía, ser un buen compositor también es difícil porque no es algo cuantificable, es algo muy subjetivo. Tienes que tocar desde el corazón y ver qué pasa”. Supongo que en tu mente la ambición es siempre escribir el próximo The Number Of The Beast o Master Of Puppets. ¿Es frustrante cuando te das cuen-

Muchos grupos británicos parecen más influenciados por el sonido americano... ¿Crees que eso puede cambiar? “Es posible. Ahora es un momento difícil para la industria musical, así que la gente no quiere tomar riesgos. Muchos grupos hacen lo que creen que puede funcionar, lo que está de moda. Pero al final creo que la calidad permanece. Hay mucho metal británico clásico que puede ser redescubierto. Pero no tengo ni idea de lo que puede pasar en el futuro”. Mucha gente a la que le gusta la música, empieza por el metal pero cuando se hace más mayor, lo deja de lado y pasa a otros estilos. ¿Qué es lo que te da el heavy metal para que siga siendo importante? “Es una buena pregunta. Para mí se trata más de un estilo de vida que de una elección musical. Cuando descubrí el heavy metal supe que era para mí, que era lo que quería hacer. Es verdad que hay gente que lo tiene como algo pasajero, pero para mí ya es demasiado tarde para salirme (risas). Para mí es más una vocación que una carrera. Por la razón que sea, es lo que me llama”. Eres el único miembro original

que queda en el grupo. ¿Te has sentido muy frustrado al ver que eras el único que de verdad creía en el grupo? “Sí, ha sido muy frustrante. La mayoría de la gente quiere estabilidad, y un grupo no la tiene. Lo que más me frustra es que pasas muchas horas ensayando, estableciendo una relación con los otros miembros, y cuando uno se va toda esa inversión en tiempo resulta inútil y tienes que volver a reconstruir el grupo. Pero la continuidad de un combo también depende mucho del nivel en el que esté. Cuando no eres nadie es mucho más fácil que te dejen, pero cuando vas teniendo más reconocimiento todo el mundo se compromete más. Aunque siempre es complicado porque todo el mundo tiene su vida fuera del grupo. Y también tú mismo eres más objetivo y te das cuenta que quizá alguien no está al nivel que se requiere. Son decisiones difíciles, pero hay que tomarlas. Ahora las cosas están más calmadas y espero que sigan así”. ¿Pero qué es lo que a ti te ha hecho mantener la fe? ¿Lo ves como tu única opción? “No es eso. También hago otras cosas, soy contable, así que podría dedicarme a un trabajo, digamos, normal. Sigo en el grupo por puro amor a la música. Para mí el éxito es algo subjetivo. Si nos hiciéramos enormes sería maravilloso, pero ése no es el fin. Sólo queremos hacer heavy metal y compartirlo con la gente”. Habéis estado en tres sellos distintos, Candlelight, Earache y ahora Century Media. ¿Cuál crees que es la importancia de una discográfica para el desti41

“Metallica se hicieron enormes siendo una banda de metal y luego quisieron dejar de ser una banda de metal” DAVE SILVER

no de un grupo a día de hoy? “Creo que todavía siguen siendo importantes. Puedes hacer cosas por tu cuenta y conseguir cosas porque, por ejemplo, es muy fácil fabricar discos, pero lo que un sello te debe aportar es una inversión. Si no la tienes, deberás hacer tú mismo la inversión. Además, también creo que a ojos de la prensa y de los fans, hay sellos que te aportan cierta credibilidad. Nosotros hemos tenido suerte porque hemos trabajado con buenos sellos”. Hablando de eso, ¿cuál es tu opinión de Angelus Apatrida, con quienes habéis girado? “Son una gran banda y muy majos. Además, siempre están dispuestos a una buena fiesta. Son como nosotros, están en esto por los motivos adecuados. Son buenos músicos y tienen buenas canciones. Les respeto mucho por venir de España, que no es un país conocido a nivel internacional por su escena metal. Creo que están luchando por poner el metal español en el mapa y les respeto mucho”. ¿Es fácil que la fiesta se vaya de madre? “No demasiado, pero tienes que respetar el derecho de todo el mundo a divertirse. No tienes que ser el agua42

fiestas en plan ‘¡Ésta ya es tu quinta cerveza!’. Tienes que respetar. Que cada uno haga lo que quiera”.

por la escalera poco a poco. No hay que olvidar que esto es por encima de todo una expresión artística”.

Hoy en día a menudo ves a grupos actuando para muy poca gente. ¿En qué medida la asistencia a vuestros conciertos os afecta el ánimo? “Está claro que quieres que venga mucha gente a verte, pero esto es una carrera de fondo. No se trata de tener grandes beneficios, sino de sacar lo suficiente para llegar al próximo concierto y así hasta volver a casa. Si hay diez personas tienes que tocar con la misma energía, pero obviamente es más fácil transmitirla si hay cientos. Es una vida nómada, la misma que tenían los trovadores”.

¿Qué banda veterana crees que ha tenido una carrera más ejemplar? “Para mí Iron Maiden. Han tenido sus altibajos, pero musicalmente siempre han hecho lo que querían hacer. Incluso aunque no te guste lo que han hecho después de Seventh Son Of A Seventh Son, ellos han seguido fieles a su idea del grupo. Que una banda tan grande a nivel comercial haya logrado conservar su integridad es increíble”.

Sé que es mucho más duro pero, ¿no crees que es mucho más fácil para un grupo conseguir un gran impacto en la gente si lo da todo en una sala pequeña que si lo ves abriendo para una gran banda en un estadio? “A todo el mundo le gustaría abrir para grandes bandas y tirar por la vía fácil, pero si quieres ser una estrella del rock, ahora mismo estás en el negocio equivocado. Tienes que ir subiendo

¿Y la banda que más te ha decepcionado? “Es un tópico, pero tengo que decir Metallica. Si retrocedes a los shows de 1989 eran una banda increíble, lo tenían todo: música, imagen… todo. Pero luego se torcieron. Se hicieron enormes siendo una banda de metal y luego quisieron dejar de ser una banda de metal. Si los ves en directo ahora musicalmente ya no son tan buenos. Es una pena. Lo curioso es que no parece haber afectado a su éxito”.

CUENTA

SALDADA

RISE AGAINST

CUANDO ESTUVIMOS TRABAJANDO EN NUESTRO ESPECIAL SOBRE EL PASADO RESURRECTION FEST SE NOS QUEDÓ LA ESPINITA CLAVADA DE NO HABER PODIDO ENTREVISTAR A SICK OF IT ALL. POR SUERTE, EL LANZAMIENTO DE SU DÉCIMO DISCO, LAST ACT OF DEFIANCE, ES LA EXCUSA PERFECTA PARA VOLVER A CONTACTAR CON LOS REYES DEL NEW YORK HARDCORE. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR/RUBÉN NAVARRO (DIRECTO)

o me suelen gustar las frases hechas, pero eso de que ‘la música amansa a las fieras’ es algo totalmente aplicable a tipos como Lou Koller. Sólo así me explico que un tipo capaz de desatar un auténtico vendaval cuando se sube a un escenario gracias a la visceralidad que desprenden sus cuerdas vocales, me atienda de una manera tan amable durante los 20 minutos que dura nuestra conversación telefónica. Incluso se disculpa por haber llamado un par de minutos más tarde de lo acordado mientras de fondo puedo escuchar a su hija pequeña corretear por la habitación, creando una estampa de lo más entrañable. Sí, amigos. Sick Of It All, las leyendas del New York Hardcore, se hacen mayores, y como el resto de la humanidad, crean descendencia, cambian pañales y cumplen como buenos ciudadanos llevando a los pequeñines a la escuela. Pero ni aun así se toman un mínimo descanso en cuanto a lo de repartir cera sónica a lo largo y ancho del globo se refiere. Al fin y al cabo, es con lo que se ganan la vida y pagan las facturas a finales de mes. Apenas un par de meses después de que volviésemos a ser testigos de su impecable directo en el Resurrection Fest, ya tenemos disponible su nuevo plástico, Last Act Of Defiance (Century Media), el décimo de estudio y el cuarto en el que se han puesto bajo las órdenes de Tue Madsen. Una asocia-

ción que garantiza que estamos ante uno de los trabajos más potentes en su estilo dentro de este curso. Obvia decir que tanto Lou como su hermano Pete (guitarra) y sus socios de toda la vida Armand Majidi (batería) y Craig Setari (bajo) volverán a salir a la carretera por enésima vez para demostrar su poderío allá por donde vayan. Pero antes de todo eso, pudimos hablar largo y tendido sobre varios asuntos con el vocalista. Han pasado cuatro años desde que publicasteis Based On A True Story. Cada vez tardáis más en sacar material nuevo. ¿Os sentís más cómodos girando que teniendo que batallar con la idea de que cada dos años tenéis que grabar canciones nuevas? LOU KOLLER “En parte sí. Especialmente el tiempo entre este nuevo disco y Based On A True Story se debe a una serie de cosas que hicieron que se retrasase. Cuando acabamos Based On A True Story hicimos toda la gira de presentación, coincidió con nuestro 25 aniversario y tuvimos la idea de hacer Nonstop (un recopilatorio de sus temas más míticos regrabados con su actual productor, Tue Madsen -ndr.). Lo grabamos e hicimos su correspondiente gira, que era algo que no teníamos planeado. No esperábamos que la gente quisiera vernos tan rápido otra vez después de sacar un disco, pero

nos hicieron muchas ofertas, así que lo hicimos y estuvimos alrededor del mundo dando conciertos. Ése es uno de los motivos. También Pete tuvo un bebé, así que durante ese tiempo se tomó un descanso para ayudar a su mujer. Eso es todo”. Es curioso, ya que cuanto más tiempo lleva un grupo en esto, algunos acaban relajándose y prefiriendo quedarse en casa con sus familias en lugar de salir de gira. No es vuestro caso... “(Risas) No, no. Es gracioso porque ya no giramos tantísimo como antes y Pete es uno de los chicos del grupo que siempre quería estar en la carretera. Pero ahora tiene una hija. Antes solíamos salir tres semanas, quizás un poco más, o incluso uno o dos meses. Ahora estamos fuera tres semanas, volvemos a casa durante un par más, y volvemos a salir. Así que hay más espacios. Pero de ninguna manera queremos dejar de tocar. Para nosotros Sick Of It All siempre ha sido una fuerza viva. Tenemos que tocar en directo y estar de gira, porque eso es lo que somos. Y especialmente viendo la manera en la que están las cosas en la industria musical... ahora que nadie gana dinero vendiendo discos, tenemos que seguir así de todas maneras (risas)”. Exacto, al final es vuestro trabajo y lo que os da de comer...

“Si, pero bueno, ya sabes... Es algo que nos encanta hacer”. Lleváis casi tres décadas en esto y a estas alturas es de suponer que un nuevo álbum de Sick Of It All no va a sorprender a nadie. Vuestros fans saben perfectamente lo que pueden esperar de vosotros y no desean que cambiéis lo más mínimo en el terreno musical. Como artista, ¿no hay ocasiones en las que te gustaría desviarte un poco del camino marcado e intentar algo distinto con el grupo? “Entiendo lo que quieres decir. Los fans del hardcore esperan un determinado tipo de sonido, algunos incluso sólo quieren que las canciones sean exactamente iguales que en 1988 (risas). Pero cualquier músico o persona, sea lo que sea que le apasione, va a crecer de una manera natural en ese sentido. Puedes escucharlo en la manera en la que componemos ahora comparado con la de entonces. Siempre hemos intentado experimentar, pero sabemos cuáles son nuestras limitaciones. Tenemos melodías en las canciones pero yo no tengo una voz melódica, así que intentamos hacerlo lo mejor que podemos. Si intentase hacer canciones melódicas que ni siquiera puedo cantar, entonces seguramente no funcionarían. Lo mismo pasa con todos los estilos de música que nos gustan, pero el hardcore es nuestra pasión y siempre es un desafío para nosotros mantenerlo fresco y vivo”. Nuevamente Tue Madsen se ha hecho cargo de la producción. Es la cuarta ocasión con46

secutiva que trabajáis con él y parece que definitivamente habéis encontrado al hombre adecuado para esta tarea. ¿Qué es lo que hace diferente a Tue de los demás? “Creo que simplemente es que él entiende a los grupos con los que trabaja. Puedes ver toda la lista de bandas que ha producido o mezclado, como The Haunted. No se sienta y nos dice: ‘Creo que deberíais hacer esto’, o si fuésemos un grupo enorme, ‘Sí, esto es lo que va a funcionar con vosotros’. Él observa al grupo y de una manera natural coge lo que nosotros hacemos e intenta llevar la energía y el caos de nuestro directo al disco. Él puede hacerlo. Otra gente es incapaz de lograrlo porque intenta forzarnos para que sonemos como ellos piensan que debería de ser en lugar de hacerlo de un modo natural”. La portada me parece muy buena. ¿Podrías explicarme qué relación tienen el título y el dibujo de la serpiente y la rata? A mi modo de ver, es como si a pesar de que la rata tiene todas las de perder, aun así se resiste a ser derrotada. “Exacto. Eso es justo lo que es. El título se me ocurrió a raíz de la idea de que no importa lo que suceda porque siempre vamos a caer luchando. Es como lo que comentaba en una entrevista anterior en la que me preguntaban sobre escribir algo más comercial para ser aceptado, no musicalmente, sino a nivel de letras. Nosotros escribimos sobre las cosas que sentimos cercanas, y ésas son las injusticias que continuamos viendo en el mundo. Hay políticos y muchísima gente que no quiere escucharnos, sólo escapar de esta mierda

de mundo, pero para nosotros eso es como una provocación. Siempre vamos a luchar. Si a la gente no le gustan las cosas sobre las que hablamos, vamos a seguir haciéndolo. Es como nos sentimos. Toda la idea del título y el artwork del álbum encaja perfectamente. Hablé con Ernie Ferrato, que ha trabajado con muchas bandas de Nueva York y ha tenido una gran influencia en la escena. Le expliqué mi idea y lo primero que nos presentó parecía exactamente la portada de un disco de Black Flag, y en ella se veía a un chico escupiéndole a la cara a un policía, y le dijimos: ‘Es genial, pero resulta demasiado obvio’. No queríamos pecar de misteriosos, pero sí hacer que la gente se parase a pensar. La cosa es que cuando tuve la idea del título, recordé que, de crío, en los 70, había una tienda de camisetas de dibujos animados y en una aparecía un ratón enseñándole el dedo corazón a un águila y ponía: “Coming Down To Kill The Mouse”. The last act of defiance. Era como si a pesar de que sabía que tenía todas las de perder, él pensaba ‘que te jodan’. Cuando se lo expliqué a Ernie, al día siguiente me enseñó su idea para la portada y le dije: ‘Esto es increíble. Es exactamente lo que queremos. Perfecto’. Porque aunque la rata sabe que va a morir, que va a ser engullida, va a seguir peleando hasta su último aliento”. Has dicho que seguís hablando de las cosas que la gente se niega a escuchar. Hace un par de semanas salió la noticia de que Eddie Vedder condenaba los ataques de Israel contra Palestina y muchísima gente del pueblo americano se volvió en su contra. Me parece

“El hardcore es nuestra pasión y siempre es un desafío para nosotros mantenerlo fresco y vivo” LOU KOLLER

alucinante que alguien pueda criticar algo así. “Ciertamente, parece una locura. Tienes que tener mucho cuidado cuando dices algo así y expones opiniones como ésa. Es gracioso porque tengo a muchos amigos que están en ambos bandos. Algunos dicen que Israel tiene derecho a defenderse o que los palestinos atacan con bombas, pero ninguno aplica el sentido común. Y ése es el problema de este mundo, que no existe el sentido común. Y en Estados Unidos todo el mundo es muy reaccionario, como en todas partes, y especialmente en internet. Puedes opinar sobre cualquier cosa, pero todo el mundo va atacarte por ello, así que tienes que estar preparado. Incluso con la música. Puedes entrar en los foros y decir: ‘Aquí está la nueva canción del próximo disco de Sick Of It All’. Y al instante habrá cientos de respuestas de gente quejándose en plan ‘oh, estos tíos todavía siguen aquí, bla bla bla...’ (Risas). Es siempre lo mismo. En internet la gente es muy radical con sus opinio-

nes, pero si les metieses dentro de una misma habitación, podrían escuchar tu punto de vista y tal vez entrar en razón. Creo que es muy valiente por parte de Eddie Vedder que saliese y dijese eso”. Cambiando radicalmente de tema, me gustaría saber tu opinión sobre cómo ves la música hardcore actualmente. Hoy en día hay muchos grupos del estilo que parece que van vestidos como si fuesen raperos del Bronx y meten como 200 breakdowns en todas las canciones, que es algo más propio del metal. No sé si piensas que la escena se ha terminado desvirtuando un poco a lo largo de los últimos años y apenas hay diferencia entre el hardcore y el metal... “Es curioso, porque en cada generación eso va cambiando. Por ejemplo, me encuentro con gente joven que se refiere a Sick Of It All como a un grupo

de punk. Eso me da igual. Pero como decías, hay una parte o una facción de la escena hardcore que solamente son metalheads con el pelo corto, lo cual no es malo de por sí. Ahí tienes a Bad Brains incorporando el reggae, luego vino el thrash, también creo que el crossover ayudó mucho a que la música creciese y cambiase. Pero hay gente que reduce el hardcore a llevar camisetas enormes y hacer breakdowns. Eso es estúpido. Creo que Roger Miret lo definió muy bien una vez: “Jamás te fíes de un hardcore kid que nunca ha escuchado punk”, porque a muchos de estos grupos jóvenes, si les preguntas por sus influencias, creo que lo más cercano que mencionan es a Pantera o Slayer (risas)”. Sí, ni siquiera saben nada sobre Black Flag o Minor Threat... “Exacto, sí. Sé que parezco un tipo chapado a la antigua cuando hablo así, pero es cierto. Cuando me metí en el hardcore, yo venía de la escena 47

“Recuerdo cuando tenía 15 años y sólo era una crío flacucho que quería ser el tío más duro dentro del pit. Pero eso es porque eres joven e inmaduro” LOU KOLLER

metal. Escuchaba Iron Maiden, Motörhead o Black Sabbath, pero aun así también me gustaba el punk, como los Sex Pistols. Entonces me introduje en el New York Hardcore cuando conocí a Armand, pero cuando estuve dentro, empecé a investigar todos los grupos que habían estado antes que nosotros. Los chicos de ahora no hacen eso. Creo que la mayoría de los que son así no van a durar mucho tiempo en la música, porque para ellos es como una moda”. Una de las cosas que más me gusta de vuestros conciertos es que, a pesar de lo dura que es vuestra música, conseguís crear un buen ambiente entre el público. No es como 48

en otros bolos hardcore, donde parece que hay más gente preocupada de parecer el más duro del barrio que de disfrutar. ¿Qué te parecen este tipo de actitudes? “Creo que es verdad, pero no puedo decir que yo nunca haya sido así. Recuerdo cuando tenía 15 años y sólo era una crío flacucho que quería ser el tío más duro dentro del pit. Pero eso es porque eres joven e inmaduro. Cuando crecí, empecé a escuchar los mensajes que lanzaban bandas como 7 Seconds o Agnostic Front: ‘Todos estamos juntos en esto. No importa cómo vistas’. Me acuerdo de los primeros días del crossover, cuando los metaleros venían a los conciertos de hardcore y les atacaban en el pit... y cuando nosotros íbamos a conciertos de metal pasaba lo mismo. Pero nosotros no queríamos eso. No queremos que te sientas como un marginado social, si no que te unas a nosotros. De todas maneras, no hay una gran parte del público que haga eso. Lo único es que algunos son demasiado intensos demostrando lo machotes que son y llaman mucho la atención. Nosotros intentamos que todo el mun-

do lo pase bien. ¿Que quieres bailar y hacer el loco? Adelante. Si no quieres bailar y sólo ver a la banda, también es perfecto. Queremos que todos se diviertan porque quiero que tengan la misma experiencia que tengo yo cuando voy a un concierto de hardcore o metal y veo que el grupo se preocupa por su público, y quiere que participen en lugar de adoptar una pose de estrella del rock”. Tu voz rasgada es muy característica. Me pregunto cómo eres capaz de cantar de esa manera sin jodértela todas las noches. ¿Utilizas algún método para conservarla? “(Risas) Fui a ver a un par de profesores de canto, pero no fueron capaces de enseñarme a hacerlo de otra manera. La manera en la que canto es mi propio estilo, me sale así. Aprendí intentando imitar a otros grupos de hardcore con los que crecí, como Negative Approach. Principalmente canto usando los músculos de mi garganta y mi diafragma. Cuando paramos de girar y no voy al estudio, incluso si estoy cantando cuando escucho el iPod o un CD, mi voz se vuelve muy débil. Y ahí es cuando surge un problema antes de empezar otra gira o entrar a grabar. Acabamos de volver tras la gira europea de este verano, he estado en casa durante una semana y media y tengo que volver al estudio porque si no mi voz se volverá a romper otra vez (risas)”.

¿Y alguna vez has llegado a quedarte sin voz justo antes de un concierto? “Suelo tener problemas cuando estoy enfermo en las giras. Recuerdo dar algunos conciertos estando malo, con 40 de fiebre, y mi voz sonaba realmente fatal, pero no se me fastidiaba. No importa si suena como un grito de death metal o como el monstruo de las galletas, para mí está bien (risas). Por ejemplo, tocamos en un festival en Japón llamado Magma Festival, puedes verlo en YouTube, donde mi voz estaba muy castigada por la falta de sueño y había un montón de cosas estúpidas sucediendo en el backstage entre los grupos y los promotores. Nosotros no nos vimos involucrados, pero acabó con que nuestro concierto se tuvo que retrasar dos horas más tarde de lo planeado. Es una de las peores actuaciones que he tenido nunca y está por todo YouTube. Lo odio, tío (risas)”. Tendré que buscarlo pues... “Es realmente vergonzoso, créeme (risas)”. Para ir acabando, tenemos que hablar del Resurrection Fest. Os vi allí hace un par de semanas y no deja de sorprenderme la energía con la que os movéis y saltáis por el escenario. Hay grupos muchísimo más jóvenes que no le ponen ni una cuarta parte de esa energía. ¿Hasta cuándo creéis que podréis aguantar a este nivel en directo? “Espero que para siempre (risas). Mi hermano Pete entrena todos los días, tanto si está de gira como si no. Yo soy un poco más vago. Suelo empezar a ponerme en forma una semana antes

de que salgamos (risas), lo cual está mal porque debemos tener la mejor forma posible. Pero sí, entiendo lo que dices. No es algo que tengamos planeado, como si de repente fuese: ‘OK, en esta parte de la canción yo salto y tú haces esto’. Es todo natural. Es por la excitación del momento. No sé, quizás otros grupos se creen demasiado guays. Cuando nosotros íbamos a ver a grupos como Reagan Youth, Bad Brains, Agnostic Front, Cro-Mags o Murphy’s Law, siempre tenían mucha energía y creaban un buen ambiente entre el público. Yo me aburro cuando alguien me dice: ‘Esta banda es genial, ver a verles’. Y yo pienso: ‘Sí, la música está bien, pero están en el escenario como si no les importase lo que están haciendo’”. Fuisteis la principal razón para que se celebrase la primera edición del Resurrection Fest. ¿Cómo se pusieron en contacto con vosotros en 2006? “Sólo recuerdo que nos lo pidieron. Siempre hemos sido de las primeras bandas en las que se interesaban muchos de los festivales europeos que se han hecho muy grandes con el paso del tiempo. Supongo que es porque somos muy cooperativos con todo el mundo (risas). Sé que suena a tópico, pero es todo un honor que nos pidan hacer este tipo de cosas. También en Alemania, con el With Full Force Festival, estuvimos en sus tres primeras ediciones cuando era realmente diminuto, y ahora es uno de los festivales más grandes de metal y hardcore de toda Europa junto al Resurrection. Intento pensar en la primera vez que tocamos en el Resurrection y no tengo ningún mal recuerdo. Sé que lo pasamos bien, pero no soy capaz de acordar-

me de los detalles (risas)”. Luego volvisteis a actuar cuatro años después... ¿Te sorprende que haya crecido tanto en tan poco tiempo? “Sí, es increíble ver que cada vez es más grande. Creo que este año tocaban Megadeth, ¿no? Está bien, pero creo que es genial que no se olviden de grupos como el nuestro, porque puede que seamos conocidos, pero no somos un gran reclamo para la gente. Estábamos un poco nerviosos después de que hubiesen tocado Down, NoFx, había también un grupo de death o black metal en otro escenario antes que nosotros...”. Sí, Watain. “Sí, estábamos en nuestro escenario y lo veíamos desde lejos: ¡Mirad, hay fuego por todas partes! ¿Como vamos a salir después eso?’ (Risas). Pero dimos uno de los mejores conciertos de la gira. El público estuvo alucinante... Incluso los chicos de NoFx y Down estaban por ahí y nos dijeron: ‘Tíos, nos habéis robado el concierto’, lo cual es realmente agradable de escuchar viniendo de ellos”. ¿Volveréis por España el año que viene? “Sí, no está cerrado todavía, pero queremos volver. Regresamos a Europa con el Persistance Tour en enero, aunque creo que no pasamos por España. Pero seguramente regresaremos más adelante y haremos algunas fechas en salas como grupo principal. Serán conciertos mucho más íntimos”.

El próximo 11 de octubre los barceloneses Hedtrip volverán a subirse al escenario para sacarse la espina que tenían clavada desde que se disolvieron hace cinco años. Un concierto único que, además de para celebrar el décimo aniversario de su inolvidable About Useless Need, TENDRÁ un fin solidario. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

HEDTRIP

HOLA Y ADIÓS

os reencuentros siempre son mucho más agradecidos que las despedidas. Por eso el concierto que darán Hedtrip el 11 de octubre en la sala Apolo [2] de Barcelona tiene un aire especial. Por un lado servirá para que el público pueda volver a ver en directo a uno de los grupos más inquietos y queridos que dio la escena del rock alternativo

de la pasada década, pero también para que Jonathan Pulido (voz), Ferran Mestre (guitarra), Ramón Gulín (guitarra, voz), Raúl Martínez (bajo) y Víctor López (batería) puedan dar las gracias con un concierto final que tenían pendiente desde hacía cinco años. Hedtrip nacieron a finales de los 90 y a lo largo de diez años dejaron tres discos, The Last Impossible Desire (2002), About Useless Needs (2004,

segundo disco nacional en nuestra lista de lo mejor del año) y Roma (2007), e incontables conciertos y apariciones en festivales como Festimad o Derrame Rock, en los que siempre quedó clara la pasión que sentían por su música. Pero como ocurre a menudo con tantos grupos, la vida se interpuso y el paso de la juventud a la vida adulta hizo imposible la continuidad del proyecto. Algunos de ellos han seguido vincula-

en un escenario en una fecha, por el momento, única y para la cual el público podrá entrar de manera gratuita llevando un kilo de alimentos destinado al Banc Dels Aliments, una fundación que se encarga de proveerlos a la gente más necesitada. Jonathan y Raúl se pasaron por nuestra redacción para contárnoslo. Antes de hablar del día 11, me gustaría saber cómo recordáis el último concierto de Hedtrip. JONATHAN PULIDO “El último fue en Malevaje, en Almería. No recordamos mucho, la verdad (risas)”. RAÚL MARTÍNEZ “Yo tengo muy buen recuerdo. Malevaje era una sala mítica para nosotros, siempre dábamos buenos conciertos y siempre que íbamos nos acogían de forma genial y nos cuidaban muy bien. Y luego las fiestas que nos pegábamos eran antológicas. Ese bolo lo acabamos a las diez de la mañana desayunando cervezas y callos”.

dos a la música -Raúl toca en The Last 3 Lines y Víctor con Dorian-, mientras que otros se han dedicado a otras labores que nada tienen que ver con ella. Muchas cosas han cambiado, incluidas varias paternidades; sin embargo, lo que se ha mantenido a lo largo de los años ha sido su amistad y el cariño por lo que habían hecho juntos. Es lo que ha posibilitado que en unos días podamos verlos de nuevo

¿Pero sabíais que era el último show? JONATHAN “Yo me di cuenta volviendo. Ya lo tenía claro”. RAÚL “No lo sabíamos, pero había algo en el ambiente que daba que pensar que podía serlo”. JONATHAN “Yo lo sabía porque me veía haciendo cosas que ya no tocaban. Es una cuestión de desgaste. Cuando empiezas tienes unas expectativas y vas haciendo cosas y todo va sumando. Pero llega un momento en que estás como en stand by y además tu vida coge una complejidad que hace muy difícil que puedas hacer más. Es cuando llegan las preguntas. Depende de cómo seas puedes contestarlas o dilatarlas eternamente, o

no responderlas nunca. Pero si las respondes y eres consecuente y honesto contigo mismo, tienes que tomar una decisión. Son más circunstancias personales del momento y cómo te encuentras que algo que tenga que ver con la música o con el grupo”. RAÚL “Yo creo que tuvo mucho que ver con la situación personal de cada uno, con cómo había avanzado su vida. No hay un solo motivo, sino que son cinco vidas que separan sus caminos. Pero como colectivo, creo que fuimos víctimas de nuestra autoexigencia. Nos metíamos mucha presión. Eso te ayuda a mejorar mucho como banda, pero también nos machacaba mucho”. ¿Musicalmente, sentís que disteis todo lo que podíais dar? JONATHAN “No, no”. RAÚL “Yo creo que si las circunstancias personales hubieran acompañado, Hedtrip todavía tenían recorrido”. JONATHAN “Todavía había ideas buenas…”. Visto con perspectiva, quizá fuisteis un grupo que evolucionó muy rápidamente y que descolocabais a la gente con cada disco. Desde los inicios más metal al final, donde rozabais el indie rock. JONATHAN “Sí. De las pocas cosas que teníamos claras es que éramos un grupo muy honesto con lo que queríamos hacer. Siempre intentábamos evolucionar nuestro sonido y eso iba muy atado a cómo evolucionábamos nosotros. Cada vez teníamos más inquietudes. Teníamos claro que no íbamos a ser un grupo de etiqueta y lo sufrimos bastante”. RAÚL “Era algo que habíamos habla51

do. Puedes mantener una línea estilística y fidelizar un público, pero nosotros hacíamos lo que nos salía. No nos gustaba quedarnos en un sitio”. JONATHAN “Creo que a los grupos como nosotros el tiempo les da una perspectiva más uniforme. La vista en corto no ayuda a que te entiendan bien… Quizá nos faltó más trayectoria”. RAÚL “Al mismo tiempo, pienso que aunque cada disco fuera distinto, Hedtrip sí tenían una identidad propia que se mantenía. Si bien nunca petamos, teníamos un público. De hecho, en la última gira con Roma no hubo ningún bolo que fuera mal”. JONATHAN “La sensación era que íbamos añadiendo gente que tenía interés en la banda, no que rompieran. Aunque no les gustara un disco seguían respetando lo que habíamos hecho. Hace poco comentábamos que los dos primeros discos han envejecido muy bien, no suenan raros, ni nos da vergüenza volver a escucharlos. Y creo que el recuerdo de la gente de esos álbumes es bueno”. ¿A nivel personal, después de la ruptura, os distanciasteis? JONATHAN “Todo lo contrario. Estamos mejor que nunca”. RAÚL “Al principio no es que dejáramos de hablarnos, pero sí nos veíamos menos”. JONATHAN “Pero siempre quedamos para hacer una birra, para ir a un bolo. Si ahora hemos vuelto es porque nunca se rompió el hilo conductor. Todo surgió de decir un día ‘¿Y por qué no quedamos para tocar?’”. ¿Cómo fue volver a encontrarse los cinco en un local? RÁUL “Fue hace un año, en verano. 52

No había ninguna intención más que quedar para tocar. No sonaba con el aplomo de cuando has ensayado todos los días, pero sonaba”. JONATHAN “Sí, no sonaba tan mal. Ha habido mucho trabajo y todavía lo hay, pero tiene buena pinta”. RAÚL “Ayer mismo quedamos para ensayar y sonaba bastante bien”. ¿Y de ese primer ensayo a decidir que daríais un concierto pasó mucho tiempo o enseguida os pusisteis cachondos con la idea? JONATHAN “Pasó un año en el que nos fuimos engorilando. Creo que el detonador fue el décimo aniversario de nuestro segundo disco”. RAÚL “Personalmente, desde que el grupo se acabó, sentía que teníamos que dar un bolo de despedida. Justo en ese momento no teníamos el ánimo para hacerlo”. JONATHAN “Es verdad, ése fue otro motivo. No dimos un último bolo para dar las gracias a toda la gente que nos había apoyado durante 16 años, como vosotros. Era una espinita que teníamos clavada. Así que pensábamos que era una buena idea dar este

bolo en nuestra ciudad, para reunir viejos amigos, dar las gracias y hacer una noche de remember un poco especial para todos. No hay ninguna otra motivación”. RÁUL “Ahora es más un bolo de reencuentro que de despedida”. ¿Cómo surgió la idea de convertirlo en un show solidario? JONATHAN “Yo hace un tiempo que colaboro con el Banc Dels Aliments en la Parroquia del Padre Julián en Sant Adrià Del Besòs, que lleva un comedor social. Es todo voluntariado. Mi hermano y yo colaboramos en el tema de logística. Se me ocurrió que podíamos echarles una mano porque hay mucha gente jodida. Es un pequeño grano de arena, pero si además de ayudar conciencias un poco a la gente sobre esta obra social, pues ganamos todos. En lugar de una entrada queríamos que la gente se involucrase y llevase comida al concierto. A veces pagar un dinero mantiene una barrera, y en cambio así es algo directo. A Banc Dels Aliments le pareció perfecto y nos dio todo su apoyo, y también hay que decir que la sala Apolo nos cedió la sala 2 para hacerlo”.

“Yo tenía un punto de tristeza de haber acabado de esa manera y quería recobrar la alegría. Y este concierto nos lo ha permitido” RAÚL MARTÍNEZ

Hace unos meses también pusisteis todos los discos a disposición del público en Bandcamp. JONATHAN “Era otra deuda que teníamos”. RAÚL “Cuando terminamos el grupo ya dijimos de poner a disposición libre todos los trabajos para que la gente pudiera disfrutarlos cuando quisiera. Pero como decía antes, acabamos con el ánimo un poco bajo y no pudimos hacerlo... Ahora, con la perspectiva de este concierto, recobré las energías y monté el Bandcamp”. ¿Habéis tenido algún mensaje de gente que os haya descubierto ahora? RAÚL “Alguno ha llegado, pero lo que más me emociona es que hemos recibido mails de gente de Bilbao, Madrid o Valencia diciendo que vendrán al concierto”. JONATHAN “Es algo que nos ha conmocionado. Estamos muy agradecidos”. ¿Qué tipo de concierto estáis preparando? JONATHAN “Sé que es un tópico,

pero habrá sorpresas (risas). Sorpresas que tienen muy en cuenta nuestra trayectoria. El repertorio será mezclado, un poco más centrado en el segundo disco por los diez años. Sobre todo será una fiesta de reencuentro entre colegas”. Me imagino que tenéis la seguridad de que lo haréis bien. No vayáis a cagarla ahora… JONATHAN “(Risas) Me gustaría decirte que sí. Hay una responsabilidad y una presión, pero lo intentaremos hacer bien”. RÁUL “Cuando lo dejamos, la banda era sólida, y en este concierto queremos dejar la sensación de que lo sigue siendo. Yo tengo la seguridad de que sonaremos bien. Desde el primer momento teníamos claro que no era cuestión de hacer dos ensayos y ya está. Nos lo hemos trabajado”. JONATHAN “Yo llevaba cinco años sin cantar, pero en los ensayos ha salido bien. Queremos hacer algo bonito”. ¿Hay alguna posibilidad que os planteéis dar algún show más si todo sale muy bien? RAÚL “No lo sabemos. Es algo que ya ha salido entre nosotros, pero lo vemos muy difícil. Quizá tocamos y nos ponemos palotes y decidimos dar

otro. No estamos cerrados”. JONATHAN “Es algo que se verá el día siguiente. A ver cómo tienes el cuerpo, cómo estás de ilusión. Hacer un bolo de revival siempre es más fácil”. RÁUL “Plantearnos el volver es complicado. Sólo por los compromisos de cada uno ya es muy difícil”. ¿Qué es lo que más os ha sorprendido de toda esta historia? JONATHAN “La verdad es que ha sido mucho más fácil de lo que imaginábamos. Inicialmente pensábamos que sería imposible simplemente por coordinación de agendas y compromisos, era súper difícil vernos los cinco, pero luego pareció que se alienaron los planetas y de golpe todo fue muy fácil. Estamos súper motivados”. Si este concierto supone el punto final definitivo para Hedtrip, ¿con qué recuerdo os gustaría que se quedase la gente? JONATHAN “Sobre todo, con que fuimos un grupo honesto”. RAÚL “Que hacíamos la música en la que creía y que lo daba todo en cada bolo. Este espíritu es el que quiero que se transmita en este concierto. La historia de Hedtrip es nuestra historia. Empezamos que no teníamos ni 20 años y acabamos con más de 30. Crecimos juntos, y eso queda muy arraigado a tu vida. Yo tenía un punto de tristeza de haber acabado de esa manera y quería recobrar la alegría. Y este concierto nos lo ha permitido”.

GERARD WAY

O D N A AM N E I L AL A

Gerard Way lideró durante doce años una banda que, gustara o no, marcó a toda una generación. Tras haber enterrado My Chemical Romance en el momento de su máxima popularidad, con Hesitant Alien el cantante inicia su carrera en solitario para mostrar su nuevo yo. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

odos los grupos son disfuncionales. Del más grande al más pequeño. Si mantener una relación entre dos personas puede resultar a veces la mar de complicado, imaginad una relación entre cinco donde se mezclan múltiples factores como la amistad, las inquietudes artísticas y los negocios. A ello hay que añadir otro elemento de inestabilidad como es que los grupos suelen formarse cuando sus componentes están en una edad en la que muchos todavía no tienen claros sus objetivos vitales o ni siquiera su personalidad. Si nos paramos a pensarlo, es casi un milagro que haya grupos que sobrevivan más allá de unos cuantos años. My Chemical Romance no fueron una excepción. La banda de New Jersey que se convirtió en todo un buque insignia de la generación emo a principios de la pasada década decía adiós el 22 de marzo de 2013 tras doce años de carrera y cuatro discos en los que había mostrado una versatilidad y una ambición musical al alcance de pocos. En sólo cuatro años pasaron del emo punk de su debut I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love al clasicismo épico de The Black Parade, dejando entremedio un álbum tan redondo como Three Cheers For Sweet Revenge. Que les costará cuatro años más editar el colorista y más popero Danger

Days: The True Lives Of The Fabolous Killjoys ya podía interpretarse como que quizá su caudal creativo no fluía con la misma fuerza que antes, y como su cantante Gerard Way ha admitido posteriormente, así era. Con su último trabajo, el vocalista sintió por primera vez que la visión conceptual y estética que proyectaba en cada nuevo álbum había dejado de ser el germen para pasar a ser un simple envoltorio. Y fue básicamente esto lo que le llevó a resolver que era el momento de acabar con My Chemical Romance. Han pasado 19 meses desde que su separación fuese oficial, un tiempo en el que Way se ha dedicado a buscar la felicidad que ya no le proporcionaba la banda. Liberado de las obligaciones que corresponden al frontman de una de las mayores formaciones del planeta, Gerard se centró en ser un buen esposo para su mujer Lindsey (conocida como Lyn-Z de Mindless Self Indulgence) y un buen padre para Bandit, su hija de 5 años. También se estrenó como director para un programa de televisión, The Aquabats! Super Show!, y prosiguió escribiendo guiones de cómic para su serie The Umbrella Academy. Pero durante este periodo, Gerard también redescubrió su amor por el britpop y el shoegaze, por los discos de David Bowie, Iggy Pop o Joy Division, y empezó a maquinar cómo podía canalizarlo a través de un nuevo proyecto musical.

Hesitant Alien (Warner), su debut en solitario, es la expresión de todo eso. Hay temas con suficiente gancho como para que pueda gustar a sus antiguos seguidores (‘Zero Zero’, ‘No Shows’, ‘Action Cat’) junto a otros que podrían convencer de su valor a quienes nunca vieron más allá de su maquillaje (‘Drugstore Perfume’, ‘How It’s Going To Be’). Dos semanas antes de que viera la luz pudimos charlar con él sobre su pasado, presente y futuro. Tanto la portada como el título, como algunas canciones, tienen un aire muy David Bowie. ¿Haciéndolo te sentiste un poco como él pasando de Ziggy Stardust a Young Americans o Station To Station? “Sí lo hice. Pensé mucho en ello porque Bowie estaba en una situación en la que se esperaban ciertas cosas de él porque había tenido mucho éxito, especialmente a la hora de crear distintos personajes. Leí mucho sobre ese periodo de su carrera, especialmente lo que Brian Eno contaba sobre su experiencia de trabajar con Bowie en Alemania y cómo quería escapar de ese éxito y cambiar el rumbo de su trayectoria. Yo también pensaba en cambiar mi trayectoria, así que me interesaba mucho saber cómo Bowie había experimentado en Berlín para conseguirlo. Así que como tenía todo eso en la cabeza, a la hora de

“My Chemical Romance es algo que nunca me abandonará, pero eso no significa que no pudiera ir en otras direcciones con mi carrera y tener una vida distinta”

pensar la imagen y el título se notó su influencia. En definitiva, es un guiño a ese periodo de su carrera”. Parece que hoy en día los artistas de éxito no tengan esa libertad para cambiar o reinventarse... ¿Crees que es culpa de cómo funciona la industria, o simplemente que los artistas son cobardes? “Bueno… Es todo eso. Yo soy tan culpable como otro de sentir cobardía. La libertad que decidas tener, finalmente depende del artista. Puede que te digan que no la tienes o que sientas que no la tengas, o que te presionen para que no la ejerzas, pero depende de ti. Este proyecto va sobre eso, sobre crear esa

libertad y vivir con ella. Conseguirla es duro porque no puedes hacer concesiones. No es sólo que te presionen o te empujen para que una canción presente un estrillo mejor o que tengas que explorar un sonido más pop, sino que debes tener una visión firme de lo que quieres hacer y no moverte de ella. Necesitas tener perspectiva sobre lo que haces e imponerla en tu carrera o en tu vida. Creo que el poder de la industria es una ilusión porque el artista puede cambiarla”. Cuando rompes con alguien o fallece un ser querido durante un tiempo tienes la sensación de que esa persona sigue a tu lado, que todavía no se

ha ido. ¿Te pasó lo mismo respecto a My Chemical Romance, o cuando hicisteis pública vuestra separación ya habías pasado por ese periodo? “Pasé por ello muy al principio y de manera bastante rápida porque durante mucho tiempo en mi cabeza sabía que no quería seguir adelante. Aunque no lo hubiera verbalizado, lo sentía. Así que seguramente estaba más preparado para afrontar la ruptura. Ya había pasado el luto antes de distintas maneras. Lo acepté y me alegré porque me siento orgulloso de haber creado algo así con mis amigos. Es algo que nunca me abandonará, pero eso no significa que no pudiera ir en otras direcciones con mi carrera y tener una vida distinta. Pero siento que quizá vi las señales antes que otros”. No suele ser común ver cómo un grupo decide dejarlo estando todavía arriba. ¿Crees que los fans entendieron los motivos de vuestra ruptura? “Creo que no, precisamente porque a la gente le cuesta aceptar que puedas dejar de hacer algo cuando tienes éxito. Supongo que es el error de asociar éxito a felicidad. O pensar que porque has 57

GERARD WAY luchado muchos años por un sueño y lo consigues, lo vas a desear para siempre. Pero las cosas son mucho más complejas. La realidad es que los objetivos que nos habíamos propuesto cuando empezamos el grupo los habíamos rebasado de sobras y después de The Black Parade todo empezaba a ser una repetición. De hecho, en ese momento, cuando éramos más populares que nunca, yo me sentía peor que nunca. Estaba totalmente deprimido. Nunca había mirado más allá del tercer disco, pero quizá entonces no tuve el valor para dejarlo”. Al contrario que otros miembros, nunca publicaste material en solitario fuera de My Chemical Romance, ¿pero ya estabas trabajando en estas canciones mientras funcionaba el grupo? “No, no. Todo lo que componía o hacía iba para My Chemical Romance. Cualquier idea creativa era para la banda. No fue hasta que sentí que se acercaba el final que empecé a hacer esta música, pero tampoco sabía para qué la utilizaría porque aún no habíamos hablado de separarnos. No sabía si sería para My 58

Chemical Romance, para una nueva banda o para un proyecto en solitario. Simplemente seguía haciendo música, y una de las cosas que me gusta del disco es que refleja esa necesidad de hacer música porque tienes que hacerla, porque te sale de dentro, no porque tuviera una finalidad concreta. Y estoy contento porque sentía que hacía mucho tiempo que no hacía música con ese espíritu”. Todos los álbumes de My Chemical Romance tenían un concepto musical y estético detrás. ¿Cómo fue trabajar sin tener que ceñirte a uno? “Fue genial porque no lo había hecho antes. Fue un desafío. Otro de los aspectos importantes de este disco es que era mi manera de desafiarme a hacer cosas nuevas. No tener un concepto o una historia en la que basarme lo era. No pensé en el título hasta que el disco estuvo terminado. No le di tantas vueltas, ni tampoco a la imagen, como solía hacerlo. Todo fue mucho más espontáneo”. Uno de los grandes peligros para cualquier artista que se lanza en solitario es acabar grabando con músicos de

estudio, a los que igual no conoce, o no tiene buena química, y eso se acaba notando en el resultado final. ¿Eras consciente de ese peligro? “Sí, era muy consciente de ello. Hubo dos aspectos que tuve en cuenta. El primero es que simplemente no escogí a músicos que pensaba que encajarían bien en el proyecto. Hay muchos músicos de estudio a los que puedes llamar en cualquier momento y que tocarían estas canciones a la perfección, pero prefería tener a gente que hubiera estado en bandas, que hubiera chupado carretera y que tuviera química. Ian (Fowles, guitarra) y Jarrod (Alexander, batería) habían tocado juntos en su primera banda en el instituto, así que sabía que la tenían. Sabía que funcionarían bien juntos. El segundo aspecto es que estuvimos tres meses ensayando juntos para crear ese sentimiento de banda y conocernos mucho mejor. Ensayamos mucho para que cuando nos subamos a un escenario todo el mundo se sienta cómodo y podamos divertirnos porque conocemos el material a la perfección”. ¿Sentías algún deseo de desmarcarte o reivindicarte como artista sin tener que discutirlo con nadie? “No realmente. Es algo que quería hacer, que necesitaba hacer, pero no para desmarcarme de nadie ni probar que podía hacer un disco solo. Puede que haya otros artistas que rompen con su grupo y necesiten hacer eso, pero no era mi caso. Nos seguimos llevando bien y estoy encantado con que cada uno esté haciendo cosas distintas”.

“Yo soy tan culpable como otro de sentir cobardía. La libertad que decidas tener, finalmente depende del artista” A mucha gente le ha sorprendido el aire británico del disco, pero en realidad ya había canciones de My Chemical Romance que lo tenían, como ‘Teenagers’, que era muy glam, o ‘Planetary (Go)’, que sonaba a Blur. ¿Crees que a mucha gente se le pasó por alto porque se os tenía simplemente como a una banda emo? “Es muy posible que ocurriera eso, pero también creo que ése es el motivo por el que el legado de My Chemical Romance es tan fuerte. Puede que no se escribiera sobre ello, pero éramos una banda con muchos aspectos y facetas distintas. Era muy fácil para la prensa decir que éramos una banda emo, pero el legado de tu música queda ahí y la gente descubrirá todas esas influencias con el tiempo. Eso no desaparece. Hay bandas que requieren tiempo para que de verdad se las valore en toda su extensión. Puede que seamos una de ellas”. ¿Qué es lo que más te gustaba del britpop? “Sobre todo la actitud de las bandas. En realidad me gustaba todo, la música, la imagen, los diseños… Para mí suponía una alternativa al grunge. En realidad mi disco se acerca mucho más a los gustos que tenía antes de My Chemical Romance. Ahora no suena nada parecido en la radio,

lo cual es una pena. Ojalá este disco sirva para cambiar un poco la tendencia”. Seguro que hay gente a la que podría gustarle Hesitant Alien que quizá nunca se había interesado por My Chemical Romance... ¿Pero crees que te darán esa oportunidad? “No tengo ni idea. No pensé en ello cuando hice el disco... bueno, quizá un poco. Si alguien me quiere dar una oportunidad, perfecto. Pero es lo mismo que ocurrió cuando decidí volver a hacer un cómic. Mucha gente pensó que tendría un rollo oscuro, emo, y no lo era. Y la gente

sí le dio una oportunidad, porque al final el boca oreja funciona. Es muy importante para un artista porque si haces un buen trabajo y la gente habla bien de él, al final incluso los escépticos le dan una oportunidad. Hacer algo distinto siempre conlleva riesgo”. Precisamente uno de los temas más diferentes es ‘How It’s Going To Be’. Me imagino que trabajaste en él de una manera muy distinta a como solías hacerlo, simplemente cogiendo una guitarra y buscando acordes y melodías. 59

unque tiene cierta lógica que Gerard Way esté acaparando todas las miradas con su debut en solitario, es lo que tiene ser el cantante, eso no significa que los otros miembros de My Chemical Romance estén inactivos. El bajista y hermano de Gerard, Mikey, tiene un nuevo proyecto llamado Electric Century (en la foto) que ha formado junto a su viejo amigo y cantante David Debiak. El dúo tiene listo un EP que planean publicar próximamente y que, al parecer, también presenta un sonido más británico con influencias electrónicas y new wave. Por su lado, el guitarrista Frank Iero ha aparcado su banda punk Leathermouth y los electrónicos Death Spells y publicó en agosto su debut como FrnkIero And The Cellabration titulado Stomachaches, en el que combina temas de rock con otros más intimistas. Por último, el otro guitarrista Ray Toro es el que ha estado más desaparecido del mapa y se ha centrado en ser padre. Pero como anunció vía online hace unas semanas, ya está preparado para grabar su primer disco en solitario, Minimization Procedure, junto al productor Doug McKean, curiosamente el mismo que contrató Gerard para Hesitant Alien.

“Es curioso que lo digas porque ésa más que ninguna otra la hice con la guitarra (risas). El tema empezó como una canción acústica agresiva, como folk agresivo, con guitarra y batería. Pero sentía que no era suficiente y que no encajaba con el resto. Me gusta el folk tradicional pero no el nuevo folk, así que buscamos la manera para alejarla del folk y salió eso”. 60

Las letras, ¿las escribiste todas al mismo tiempo o vas guardando textos a lo largo del tiempo aunque no tengas todavía la música? “Tengo letras que voy guardando cuando me siento inspirado, pero las letras definitivas no las terminé hasta que tuve que cantarlas. No quise darles demasiadas vueltas. Me senté e intenté cantar lo que sentía en ese momento y lo que me transmitía la canción. En el 99% de las tomas de voz que utilizamos fueron las primeras que grabamos porque quería darle esa frescura y espontaneidad”.

¿Quién fue la primera persona que escuchó tu nuevo álbum aparte de los productores y músicos que lo grabaron? “¡Oh! Veamos… La primera persona fue probablemente mi esposa. Le sorprendió mucho y le pareció que había hecho algo nuevo y que era lo que la gente quiere. Le pareció que transmitía una energía que había en los 90 y que quizá ahora se echa en falta. Es mi mayor apoyo”.

Vivir en vuestra casa debe de ser como mínimo curioso… “(Risas) Sí, siempre estamos haciendo cosas creativas. Mi mujer tiene la misma energía que yo y cuando no está de gira se pasa el día pintando. Pasamos mucho tiempo en casa compartiendo esa energía creativa y luego cuando la niña vuelve de la escuela lo pasamos muy bien juntos. Es una gran madre”. ¿Ves este disco como una manera de definir lo que harás en el futuro, o en el próximo disco podrías hacer algo completamente distinto? “Creo que para mí esto es un gran comienzo para mi viaje. No lo miré como nada más que eso. Por eso no quise darle demasiadas vueltas a las canciones que iba a incluir u otros aspectos, porque lo que quería era sacar este disco reflejando este momento. Pero estoy casi seguro que el próximo disco será completamente distinto. Sólo necesitaba una manera de volver a empezar. También me gustaría tocar en una banda noise, pero sin tener que cantar, sólo tocando la guitarra. Es algo que tengo en mente”. ¿Y te veremos en España? “Sí. Todavía no tenemos las fechas, pero seguro que el año que viene iremos a Europa. Ahora tocaremos en Estados Unidos y luego iremos a Inglaterra, Japón y Australia. Después de eso nos dedicaremos intensamente a Europa, así que espero veros entonces”.

DIARIO DE GIRA

DAYLIGHT ASIA TOUR 2014

Daylight siempre hemos sido de esas bandas que han soñado con hacer cosas grandes. Llevamos desde 2004 viviendo con la música y por ella, sin escatimar en trabajo duro ni constancia. Sabemos bien lo complicado que es ser una banda independiente, y lo que cuesta desde un país llamado España lanzar nuestro rock’n’roll al mundo. ¡Nos vamos de gira! Texto Y FotoS: Daylight

venturarse a una gira no es algo que uno pueda tomarse en mofa, hay muchas variables y riesgos. A parte de los vuelos, pasaportes, seguros médicos y visados en regla, nos preparamos a consciencia física y técnicamente en el local de ensayo. Van a ser seis semanas de gira: 34 conciertos en 41 días. Una burrada. Hacemos un recuento de todo el material que nos vamos a llevar, conscientes de que estamos limitados 62

según el luggage allowance de las compañías aéreas y que no siempre vamos a disponer de furgoneta. Por eso, hemos de ser capaces de arrastrar el material en trenes, taxis y trasladarnos a pie por las ciudades o estaciones. Establecemos que sólo nos llevamos el lastre que podamos cargar a mano: dos guitarras, un bajo, caja, platos, pedal de bombo, soportes especiales, baquetas, sistemas inalámbricos, herramientas, cables, cuerdas, material de foto y vídeo, maletas con ropa,

higiene personal y una pequeña caja con material médico y medicamentos. Puede parecer lo justo y necesario, pero nos plantamos en el aeropuerto de Barcelona con 170 kilos entre maletas y material. ¿Cómo íbamos a facturar todo eso? Atentos todos los músicos, que los Daylight tenemos una táctica perfecta para evitar costes extras en bultos, ya que los hermanos Burek estuvimos trabajando como personal de handling aeroportuario, y sabemos cómo va

estaba tirado en la cama, pálido y gimiendo de dolor en su costado, era grave. La verdad es que nunca se está preparado para una emergencia hasta que ésta se presenta. Hay que saber reaccionar. in saber el idioma ni el procedimiento sanitario chino, en menos de cinco minutos ya estábamos metidos en un taxi dirección al Centro Médico Internacional de Pequín. Ver sufrir tanto a un compañero es muy duro y durante todo el trayecto pasan por nuestras mentes todas las posibles fatalidades a medida que Víctor cambia los gemidos por gritos de ayuda. Tuvimos suerte que nuestro taxista era consciente de la gravedad del asunto y que no tenía ningún reparo en saltar semáforos y obviar las normas LA PESTILENCIA de circulación. Ya con la idea de media gira cancelada, irrumpimos en la clínica al más puro estilo House. “Painkiller, painkiller!”, se oía mientras se verificaban los papeles del seguro médico. Un doctor de origen jordán encontró una piedra en el hígado de nuestro batería favorito y con un par de inyecciones y menos de cuatro horas éste ya estaba listo para dar guerra. Nunca sabremos si su afección la curaron las inyecciones o las bellas enfermeras chinas. Fuera de tu zona de confort es donde suceden las aventuras, donde se corren riesgos y donde se vive de verdad. Sólo habían pasado 24 horas desde nuestra llegada y ya estábamos curados de espantos, listos para cualquier cosa. China, en agosto, es un país muy cálido, y nos disponíamos a hacer del tirón 15 días de conciertos sin descanso a través de unos cuantos miles de kilómetros. Es impensable viajar en

la cosa. En primer lugar, hay que presentarse en el mostrador de checkin con una gran sonrisa, obviando la existencia de los instrumentos guardados por algún amigo en retaguardia. También es necesario marcarse el rollo de ‘Somos una banda de rock, nos vamos de gira y aquí tienes un par de discos’. De este modo las maletas se van en un plis plas facturadas rumbo a Pequín y con algún seguidor/a más en las redes sociales. ¡Victoria! Volamos a través de Moscú con un largo tránsito de siete horas. En los vuelos intercontinentales la mayoría de pasajeros se inclina por dormir; nuestra misión es vencer el jet-lag aguantando el sueño hasta la llegada a destinación. Sentados en la aeronave de Aeroflot, aprovechamos para mirar películas acompañadas de vino servido por las atractivas asistentes de vuelo rusas. ¿Chicos, hacemos un Melendi? Aterrizados en China aún nos queda una última cruzada. Todos hemos oído historias de bandas que se han dado de narices con los controles aduaneros y fronterizos, cancelando shows y giras.

No tenemos visado de trabajo, el riesgo es alto y se huele a kilómetros queKILLSWITCH somos un grupo de rock’n’roll que viene aENGAGE patearse medio país. Con el nerviosismo a flor de piel, pasamos por el control de pasaportes donde toman fotografía y huellas dactilares de todos los componentes. Aunque esta primera parte es un éxito total, justo después recolectamos los equipajes y los agentes de aduanas inspeccionan cada guitarra, maleta y componente de nuestro equipaje. Finalmente, sonriendo sueltan: “Welcome to China!”. NÍN HAO ZHONGGUÓ! China es un país barato, y por 475 yuanes (unos 60 euros) previa reserva en Booking, descansamos en dos habitaciones de un hotel de cuatro estrellas con todos los lujos y late checkout. Una pena que la piscina y spa quedaran cerrados a medianoche. Creo que no eran más de las nueve y media de la mañana cuando nos despertó alguien aporreando fuerte en la puerta. Se trataba de Albert y era evidente que algo no iba bien. Víctor

furgoneta, las distancias entre ciudades son tan grandes que viajar por carretera haría imposible el ritmo que tenemos marcado. s por eso que, durante la mayor parte del tour, nos desplazamos con CRH, los trenes bala que llegan a velocidades de hasta 300 km/h. Ahora es donde os preguntáis, ‘¿Cómo van a apañarse cuatro occidentales en un país donde una ínfima parte de la población habla inglés?’. Suerte que contamos con un tour manager y sherpa personal, Mark RV, el reconocido músico de Xi’an. Él es el encargado de llevar a cabo el planning a la perfección, marcando el ritmo del viaje, comprando los pasajes, procurando puntualidad y despertando a los dormilones Daylight, si hace falta, con cubos de agua helada. También (¡Importante!) el que se encarga de recoger la pasta antes de cada bolo y

vender las camisetas. Con la crew montada, empezamos a afrontar los primeros días de gira. Subimos al escenario de Dalián, una pequeña ciudad de seis millones de habitantes, en el norte del país. Por fin estábamos tocando en China delante de algo más de un centenar de chavales dándolo todo. Cuesta arrancar, pero una vez empiezas a soltar los singles, ves cómo hasta el más tímido empieza a bailar. Es cojonudo ver que, a más de 10.000 kilómetros de casa, tu música ha llegado, ha calado y se ha reproducido. La escena china es muy diferente a la occidental. Por ahí no acostumbran a girar las grandes bandas extranjeras y por Daylight hay bastante expectación. Todas las redes sociales y páginas convencionales (Facebook, Twitter, Google…) están bloqueadas por el gobierno, y la difusión de la música

que escuchamos a diario es algo compleja. El pop y chumba chumba chino están a la orden del día en la radio. Suerte que siempre queda esa irreductible población rockera que es la nuestra. Los conciertos de suceden, Shenyang, Pequín, Xin Xiang, Changsha, Guangzhou, Shenzhen… y nos metemos de pleno en la dinámica de gira. Todo empieza en un hotel, con un despertador que siempre suena demasiado temprano. Son las seis de la mañana y en diez minutos hay meeting en el lobby. Ducha, maleta, recuento de material y enfilamos en taxi a la estación de tren. Una vez ahí cargamos el material por los andenes hasta nuestro vagón, donde nos espera una media de cuatro a siete horas de viaje que aprovechamos para dormir y compensar el cansancio. Llegados a destino empaquetamos todo el equipaje en otro taxi y vamos directos a la sala

–allí las llaman ‘Livehouse’- a hacer la prueba de sonido. os encontramos de todo. La palabra ‘Livehouse’ engloba tanto salas enormes y bien equipadas como sótanos y pubs clandestinos con un backline muy justo. Siempre acabamos comiendo a deshora en algún garito que nuestro amigo Mark selecciona cuidadosamente. ¿La dieta tradicional? Fideos y arroz. Con estos dos ingredientes hacen una infinidad de sopas y mezclas, todo con un punto extra picante marca de la casa. Una delicia para el paladar, pero no para el intestino. Descansamos un par de horitas en el hotel o visitamos un poco la ciudad antes de volver a la sala para el bolo. En menos de lo que uno se espera ya suena la intro del concierto y estamos tocando la primera canción del set: ‘Anthem Of The Broken’. Vender merchandising, recoger todo, cenar

en una barbacoa callejera, dormir, y vuelta a empezar. Nos vamos curtiendo a medida que la gira avanza y nos acostumbramos a nuestro nuevo estilo de vida hotel-taxi-tren-taxi-sala-hotel. Chengdu, Chongquing, Lanzhou, Xi’An, Luoyang, Zhengzhou… Cada día una ciudad muy diferente, sólo hay que mirar en un mapa y es fácil perder la cuenta. Cogemos varios vuelos nacionales, en uno de los cuales nos engancha el tifón que todos visteis por el telenoticias, retrasando la salida algo más de seis horas y teniendo un vuelo, por decirlo suavemente, movidito. En Shanghai tocamos en el ZM Festival, organizado por la televisión musical privada número uno. El evento supera todas nuestras expectativas. Daylight es coheadliner en el Main Stage ubicado en medio de la playa con un despliegue de medios increíble. Conscientes de que en España nunca

hemos tenido la oportunidad de tocar en un festival similar, subimos a dar un buen espectáculo que se retransmite en directo por Shanghai TV. No sé la cantidad de gente que estaba ahí abajo, pero fue increíble. Llegando a la recta final tocamos en Wuhan, Nanchang, Hangzhou, Suzhou, algunas de las ciudades que tuvimos oportunidad de visitar en nuestra gira de 2012. Es por eso que vemos muchas caras conocidas y un montón de camisetas del Barça. Con todo el rodaje, hacemos los conciertos más impresionantes que hemos dado nunca. Todo un masaje con final feliz para nosotros. ¡Zaijiàn China! KON’NICHIWA NIHON Aterrizamos en Japón, ansiosos por descubrir el país del que todo el mundo habla, la tercera potencia musical y meca de la música alternativa. Con 65

Bullion Records, nuestro disco se edita y promociona a un nivel muy pro. os topamos de nuevo con nuestros amiguitos de aduanas, a los cuales les colamos 300 camisetas embutidas en varias cajas con etiqueta Gildan, obviamente no declaradas. Nuestro tour manager nos espera a la salida con la comitiva y nos conduce al hotel en la furgoneta que iba a ser nuestro transporte durante los próximos diez días. ¡Una gran mejora! Tuvimos un par de días libres que aprovechamos para hacer lavadoras de toda nuestra ropa pestilente, descansar y prepararnos para los siete conciertos que se nos venían encima. Al fin estábamos en Japón, algo que llevábamos planeando desde hacía meses y que habíamos intentado en el pasado sin éxito. Cruzamos medio país dejando en la lejanía el monte Fuji y llegamos a Nagoya. Teníamos la

oportunidad de vivir una aventura más y llegar con nuestra música a gente nueva. En Japón el número de bandas de calidad por cápita es muy elevado, y no es un estereotipo; estos tipos saben muy bien lo que se hacen y el listón es muy alto. La presión aumenta al ritmo que los grupos se suceden. El precio de la entrada para el concierto de Daylight es de 2.500 yenes (unos 18 euros) y no podemos decepcionar. Subimos al escenario y las 150 personas del público se vuelcan en el concierto como lo no habían hecho con ninguna otra banda. Jugamos con ventaja, una ventaja continental. Aquí no somos un grupo local, y los chavales cantan a pleno pulmón todas y cada una de las canciones de nuestro álbum 2Cool4School. Los más alocados nos caen encima del escenario y las chicas inmortalizan el momento con sus teléfonos móviles. 75 minutos de set que

vuelan y que se convierten en la tónica general de toda la gira. Celebramos el concierto en casa de Hiromi, una fan que por Twitter nos había propuesto alojarnos en su casa. Vaya casa y vaya cena que sus padres nos tenían preparada: sopa de miso, sushi de calidad, arroz con filete, postres variados y por supuesto, sake y cerveza local. Sentados en un comedor tradicional con las piernas cruzadas hacia atrás, engullimos todo lo que nos ofrecían. Estábamos en Japón y esto no había más que empezado. Esta isla tiene ese ambiente que todos hemos visto en series como Doraemon, Slam Dunk o Dragon Ball, y no sólo las chicas son guapas, también es apasionante descubrir sus tradiciones y cultura. ¿Nuestra perdición? El sushi y los wáters automáticos, también llamados ‘con chorrito’. Creo que todos nos quedamos con ganas de importar

uno o abrir un negocio en Barcelona. En esta gira tenemos algo más de tiempo libre y en Nakatsugawa aprovechamos para visitar templos, castillos y pagodas que nuestro tour manager, Waki, nos enseña. Aquí los japoneses somos nosotros, con la cámara arriba y abajo, fotografiándolo todo. Viajamos a a Tokyo, donde tenemos tres conciertos programados. La ciudad es tan grande que todas las bandas internacionales que giran actúan en los diversos barrios como Shibuya, Shinjuku o Edogawa en días diferentes. Aprovechando el relanzamiento de 2Cool4School y acompañados de nuestro amigo Daisuke de Bullion Records, pegamos una visita al Tower Records de Shibuya. Subimos a la quinta planta y vemos que nuestro álbum está expuesto en un display junto a Pennywise y Rise Against. Desconcierta mucho el hecho de que en España las

tiendas de discos son un desierto y esto parece un supermercado en plenas rebajas. ¡El formato físico aún vive! Los conciertos y estancia en Tokyo nos marcan para siempre. Cuando empezamos, ni en nuestros sueños más absurdos hubiéramos imaginado que estaríamos en Japón, tocando para dos centenares de chavales dispuestos a sudar la gota gorda en nuestro show. Y ahí estábamos después del concierto, firmando autógrafos, tomando fotografías y desbordados vendiendo merch. ¡Que alguien nos despierte! Pero era realidad. n Nakatsugawa, dormimos en un hotel tradicional al más puro estilo de Nobita, donde el suelo era de mimbre y una manta-colchón son nuestras camas. Volvemos a cruzar media isla por carretera para llegar a Osaka, nuestra destinación final, donde nos espera el mejor concierto de toda

la gira. Se venden en taquilla las últimas diez entradas y colgamos el cartel de sold out. No había fallo, era nuestra última noche, sobraba la adrenalina y el público era nuestro. Repasamos todo el repertorio y finiquitamos el bolo con ‘Consequences’ y ‘Summer Season’, nuestro himno con stage invasion incluido. Junto al resto de bandas nos montamos un afterparty en un restaurante cercano de Hot-Pot, adueñándonos del equipo de sonido. Brindamos a la japonesa (‘Kanpai!’) y a la española, que tanto les gusta (‘¡Arriba, abajo, al centro y pa’ dentro!’), para despedir una de las mejores experiencias en toda la trayectoria de Daylight. Nos vamos con buen sabor de boca y con ganas de volver en 2015 presentando nuestro nuevo álbum One More Fight. Aún queda mucha carretera, faena y ensayos, pero volvemos a casa con más ganas e ilusión que nunca. 67

Stacy Jones tiene la oportunidad de tocar cada noche ante miles de personas y viajar por todo el mundo. La lástima es que no sea con su banda, American Hi-Fi, sino como batería de Miley Cyrus… Texto: JORDI MEYa Fotos: DR

I No te acordabas de American Hi-Fi o si ni siquiera te suena su nombre, no te sientas culpable, tranquilo. El grupo de Boston formado en 1998 vivió su momento de mayor éxito en 2001 coincidiendo con la publicación de su primer disco de estudio, que contenía el hit ‘Flavour Of The Weak’. Aunque la banda formada por Stacy Jones (voz, guitarra), Jaime Arentzen (guitarra), Drew Parsons (bajo) y Brian Nolan 68

(batería) publicaría tres álbumes más durante la pasada década, ninguno de ellos volvería a suscitar el mismo interés. Además, las continuas comparaciones con Foo Fighters, no solamente por su afinidad musical, sino también por estar liderada por un exbatería como Jones, que había tocado en Letters To Cleo y Veruca Salt, siempre jugarían en su contra. No es de extrañar que sus componentes acabasen buscándose la vida por otro lado... En el caso de Jones,

el destino le llevaría a ser director musical de las giras de Miley Cyrus. Quizá porque ya tiene los ingresos garantizados, después de cuatro años de silencio se ha decidido a reactivar el grupo y publicar su quinto álbum Blood & Lemonade (Rude Records). Una oportunidad perfecta para conocer de primera mano cómo se lleva la dualidad entre tirar adelante una banda de rock y trabajar para una de las mayores estrellas del pop del momento.

“En este disco volvimos a lo que se nos da mejor, que es hacer rock melódico. Y creo que seguiremos haciendo esto” STACY JONES

esté listo para que el concierto salga bien. Es mucho trabajo montar un espectáculo gigantesco como éste”.

AMERICAN HI-FI Estás en México con Miley Cyrus. ¿Podrías contarnos qué trabajo haces exactamente con ella? STACY JONES “Toco la batería en su banda y también soy su director musical. Eso significa que estoy al mando de sus actuaciones en directo. Cada vez que toca en vivo tengo que asegurarme de que la banda está a punto, coordinar las coreografías, el equipo de sonido, su management… básicamente que todo

Muchos aficionados al rock sospechan que en estos conciertos de estrellas del pop todo está pregrabado. ¿Qué hay de cierto en ello? “Miley lo canta todo en directo. No hay voces pregrabadas. Ni una. Y nunca las ha habido desde que empecé a trabajar con ella. Una de las cosas que me atrajo de ella es que tiene una voz fantástica, con mucho carácter. Creo que eso es lo que la distingue de otras estrellas de pop. Para ella siempre ha sido muy importante que su banda también toque en directo. Todo el show pasa por un ordenador. Cuando empezamos un tema se envía una señal a ese ordenador y éste lo envía a la gente de vídeo, a la gente de luces… Pero no hay ninguna pista pregrabada en ese ordenador. Como mucho algún efecto de sonido, algo insignificante. Así que el 98% de lo que suena está siendo tocado por seres humanos en el escenario. Es un concierto orgánico y de nuevo creo que eso es lo que la separa del resto. Tengo a directores musicales de otras estrellas pop que me preguntan cómo lo hacemos. Y yo les digo que ellos también podrían hacerlo, pero sus jefes no les dejan porque hay artistas pop que no pueden cantar. Hay muchos artistas pop que tienen miedo de hacerlo en directo, pero no es el caso de Miley”.

Una última pregunta sobre este tema: ¿Cómo se consigue un trabajo así? ¿Qué conocimientos hay que tener? “Es una buena pregunta (risas). Yo vengo de tocar en bandas de rock, no tenía ni idea de lo que era un director musical cuando me ofrecieron el trabajo. Cómo surgió es que yo estaba produciendo a una banda de un programa de la MTV llamado Laguna Beach. Era chavales del instituto de Laguna que tocaban en bares. MTV decidió llevárselos a Nueva York para que tocaran en directo en TLR, que era uno de los programas más populares del momento. El grupo nunca había tocado en la tele, así que me pidieron que les ayudara a prepararse para ello. Acabé tocando la guitarra y haciendo coros fuera de plano, encerrado en un armario de limpieza (risas). Sus mánagers quedaron muy contentos con lo que había hecho y al cabo de un tiempo ellos mismos me llamaron por si me interesaba trabajar para otro programa llamado Hanna Montana. En ese momento ni había visto el show, ni sabía quién era ella. El caso es que fui a conocer a Miley y desde el momento en que nos conocimos empezó a burlarse de mí diciendo que llevaba un mullet como su padre (risas). Me cayó muy bien. Así que cogí el trabajo sin ni saber qué era un director musical, pero a partir de ahí todo se fue haciendo cada vez más grande”. Bueno, centrémonos ya en 69

AMERICAN HI-FI American Hi-Fi. He disfrutado mucho con el nuevo disco, especialmente con la canción ‘Portland’. “¡Oh, fantástico! Es muy interesante porque cuando dedicas tanto tiempo a hacer un álbum nunca sabes lo que va a pensar la gente. Y es curioso porque mucha gente me ha comentado que les gusta mucho ‘Portland’, y la verdad es que fue un tema que escribí en diez minutos sin darle mucha importancia. La letra trata sobre algo muy profundo para mí, pero pensábamos que igual resultaría aburrida para el oyente porque no le pusimos mucha producción, la dejamos muy desnuda. Y quizá precisamente por eso ha conectado tanto. Me encanta que la menciones”. ¿Por qué habéis sacado un disco nuevo? ¿Es algo en lo que llevabas pensando desde hace mucho tiempo? “Cuando sacamos Fight The Frequency en 2010 fue un desastre. Intentamos editar el disco nosotros mismos, usando la oficina de nuestro management como discográfica, contratar a un publicista, contratar a alguien para la radio… y fue una debacle. Todos estábamos muy 70

decepcionados y seguramente pensamos que nunca más haríamos otro álbum. Dimos algún concierto aquí y allá, pero nada importante. Pero un día me puse a escribir canciones de nuevo y pensé que sonaban a American Hi-Fi. Hice un par de maquetas y se las mandé a los otros chicos y les gustaron mucho. Así que les pregunté si estarían dispuestos a intentarlo de nuevo y todos dijeron ‘Joder, sí’. Alquilamos un estudio y grabamos el disco. No fue algo planeado y creo que es lo que ha provocado que sea uno de nuestros mejores trabajos. No teníamos ningún otro objetivo que pasarlo bien. No había un sello o un mánager pidiéndonos que hiciéramos un hit como ‘Flavour Of The Weak’. Nuestras expectativas eran muy bajas, fue un acto de amor”. Para serte sincero, me gustó mucho vuestro primer disco, pero los otros tres sonaban un poco forzados. Como si quisierais eso, buscar el éxito a toda costa en lugar de hacer la música que queríais. “Sí, era realmente así. En parte era algo autoimpuesto porque queríamos que la gente siguiera teniendo interés en nosotros. Cuando trabajas con

multinacionales y tienes a una gran maquinaria a tu alrededor, hay mucha presión. Pero descubrimos muy pronto que cuando la radio dejó de ponernos con el segundo disco, el sello perdió todo interés. Para ellos estábamos acabados. Seguíamos teniendo fans, pero el sello nos echó. Así que había algo de eso y también teníamos un deseo de experimentar un poco. Creo que en algunos casos sorprendimos a la gente para bien, pero en otros el resultado fue horrible (risas). Hay algunas canciones que desearía que nunca hubiesen visto la luz. Por eso en este disco volvimos a lo que se nos da mejor, que es hacer rock melódico. Y creo que seguiremos haciendo esto. Somos una banda de rock”. Es curioso que a las bandas de rock como la vuestra os cueste tanto tener un impacto en el público o lograr la atención de la industria cuando al mismo tiempo, Foo Fighters son uno de los mayores grupos del mundo y sí suenan en la radio. ¿Por qué crees que pasa? “Es una pregunta muy buena para la que no tengo respuesta. Por algún motivo, Foo Fighters han logrado conectar con la gente a la que le gusta el rock. Son los mejores haciendo esto. Dave tiene una gran personalidad, tiene mucho carisma, dan grandes conciertos y son reales. La emisora rock de Los Ángeles tiene como veinte canciones suyas en rotación (risas), pero no sé por qué se ignora a otros grupos. De hecho, una de las motivaciones para hacer este disco fue precisamente que no hay muchos grupos de rock guitarrero. Sigue

“Nuestras expectativas son muy bajas, ya no queremos ser grandes estrellas del rock, sólo tocar música” STACY JONES habiendo mucho metal, pero no rock como el nuestro o el de Foo Fighters. Nosotros lo hacemos bastante bien, así que por qué no intentarlo”. Tienes 43 años, ¿alguna vez has sentido que se te había escapado el tren? “Sí, muchas veces. Pero al mismo tiempo, aunque yo no fuera músico, me seguiría gustando el rock. Cuando Soundgarden vinieron a Los Ángeles me moría por verlos y tengo 43 años. No voy a clubes todas las noches o me intereso por el último grupo indie que sale, pero me sigue gustando ver a bandas de rock. Y estoy seguro que hay mucha gente de mi edad a la que le sigue gustando. Así que nosotros estaríamos contentos con poder seguir tocando al nivel que fuera. Fuimos a Londres y llenamos una sala de 300 personas y fue un gran show. Para mí eso es suficiente. Nuestras expectativas son muy bajas, ya no queremos ser grandes estrellas del rock, sólo tocar música. Pero siento que estoy haciendo algunas de mis mejores canciones, especialmente por las letras. Es una de las cosas buenas de hacerse mayor (risas). Cuando tenía 20 años no tenía nada profundo que contar”. ¿Crees que por eso gente de tu generación como Butch Walker toma el camino fácil de dedicarse a componer para otra gente o dedicarse a producir? “Bueno, no creo que sea un camino

fácil. Piensa que por cada estrella del pop que existe hay miles de compositores que intentan colocar sus canciones. Por ejemplo, a mí me pidieron escribir canciones para 5 Seconds Of Summer, pero no tenía tiempo para hacerlo porque estaba de gira con Miley y con Matchbox Twenty. Así que no podía reunirme con ellos y hacer lo que hay que hacer para tener una buena canción. Porque eso es lo que tienes que hacer, involucrarte con el artista, tener una buena relación con él para ni siquiera tener la oportunidad. Y luego tienes que escribir una gran canción, y luego tiene que ser mejor que las 500 otras canciones que recibirán de Butch Walker o Jeremy de Lit, o quien sea (risas). No es un camino fácil”. Bueno, es más fácil que montarte en una furgoneta durante un año… “Eso es verdad. Y por eso es una buena opción para gente que llevamos mucho tiempo en esto. Yo llevo veinte años de giras, estoy casado, quiero empezar una familia y no me estoy haciendo más joven, así que igual en cinco años si tengo un hijo pequeño no me apetecerá seguir en la carretera. También me gusta mucho producir, así que es algo que tengo en mente para el futuro”.

son más rentables? “En este momento estamos planeando una gira, no sólo por los otros trabajos que tenemos, sino también porque tenemos familias y porque el mercado está muy complicado. Estamos recibiendo más interés desde Europa, Japón o Australia que de Estados Unidos. Aquí parece que a la gente ya no le importe el rock’n’roll. Así que queremos girar, pero iremos donde haya cierta demanda. Nos encantaría girar con Foo Fighters, claro (risas). De hecho, hace un par de semanas me encontré con Dave, a quien conozco desde los 90, y me preguntó que qué tal nos iba. Le dije que estábamos a punto de sacar un disco y que estábamos disponibles (risas), pero ya veremos…”. Antes decías que Dave Grohl tiene una gran personalidad... ¿Crees que es precisamente eso lo que se echa en falta en los grupos de rock de hoy en día? “Desde luego. Me siento muy orgulloso de poder decir que American Hi-Fi tenemos una buena reputación. Somos buena gente y somos trabajadores. Muchas veces te encuentras a periodistas, DJs o promotores que te hablan pestes de otros grupos. Y eso no ayuda a nadie. La realidad es que no nos tomamos demasiado en serio. Sabemos que no somos los Beatles, que no vamos a cambiar el mundo, pero queremos ser una buena banda, hacer buenos discos y dar el 100% en directo”.

Teniendo todo esto en cuenta, ¿cómo de comprometidos estáis con el grupo teniendo otras ocupaciones que seguro 71

DISCO DEL MES

D Everything Will Be Alright In The End (REPUBLIC/UNIVERSAL) ROCK ALTERNATIVO

ecía el batería Pat Wilson en una entrevista publicada en 2005 que para ser un verdadero fan de Weezer tenías que odiar a Weezer. Pocos grupos atesoran unos fans más devotos y, a la vez, más críticos con ellos. Pero si hay algo en que todos están de acuerdo es que el grupo llevaba demasiado tiempo sin entregar un clásico a la altura de sus tres primeros discos. Y lo peor es que parecía que fuera más por cierta desidia por parte de la propia banda que por incapacidad creativa, porque en cada uno de sus

WEEZER

trabajos, incluso en los considerados menores, seguían habiendo destellos de esa brillantez para hilvanar grandes melodías con distorsión que enamoró a tantos en los 90. Varios indicios hacían pensar que la situación podía cambiar de cara a su noveno álbum. El primero es que después de haber publicado tres discos en tres años consecutivos –The Red Album en 2008, Raditude en 2009 y Hurley en 2010; eso sin contar el recopilatorio de descartes Death To False Metal también en 2010-, Rivers Cuomo había decidido cancelar las

sesiones de grabación para ofrecer otro nuevo trabajo en 2011 y tomarse más tiempo para seguir componiendo. El segundo, que el productor inicialmente previsto Shawn Everett, con quien ya habían trabajado en Hurley, había sido sustituido por Ric Ocasek de The Cars, con quien el grupo tiene una especial sintonía, como quedó demostrado en su inolvidable debut y el impoluto The Green Album. Por último, el Memories Tour, en el que interpretaron íntegramente sus dos primeros álbumes, así como el éxito de las dos ediciones del Weezer

Cruise, invitaban a pensar que el grupo habría comprobado de primera mano qué es lo que de verdad querían sus seguidores. Y a falta de ver cómo reaccionarán sus exigentes fans, hay que decir que Everything Will Be Alright In The End cumple con las expectativas. Casi podríamos hablar de él como un disco de síntesis, donde escuchamos ecos de su pasado pero, a la vez, presenta una madurez que difícilmente podrían haber alcanzado antes. Aquí se reúne la inmediatez que les caracteriza (‘Ain’t Go Nobody’, la muy Pixies ‘Lonely Girl’, ‘Eulogy For A Rock Band’, la sensacional y melancólica ‘Foolish Father’) con unos arreglos y una musicalidad mucho más elaborada (‘Da Vinci’, ‘The

en especial con personajes acostumbrados a fabricar hits para artistas mainstream. Una queja que el propio Cuomo recoge en la letra de ‘Back To The Shack’, primer single del disco y de lejos, el tema más simplón del lote, en el que reconoce que Weezer pertenecen al mundo del rock y que por haber intentado agradar a todo el mundo se estaban quedando sin nadie. Irónicamente una canción tan autoreferencial como ésta ha sido compuesta a medias con Jacob Kasher, colaborador de Ke$ha y Selena Gomez... Pero así son las cosas en el peculiar mundo de Weezer. Otras colaboraciones a mencionar son la de Justin Hawkins de The Darkness en ‘I’ve Had It Up Here’ con un Cuomo cantando en falsete

“se NOTA QUE WEEZER HAN TRABAJADO A FONDO PARA HACER SU MEJOR DISCO EN UNA DÉCADA” British Are Coming’) y algunos giros inesperados (‘Cleopatra’ empieza como un tema folkie en el que irrumpe un riff casi metalero). Especialmente bienvenidos son los juegos entre las guitarras de Cuomo y Brian Bell que pueblan la mayoría de canciones y que tienen su máxima expresión en ‘The Futurescope Trilogy’, la suite final de tres actos, mayormente instrumental, en la que parece que estén en una partida al Guitar Hero. En los últimos años uno de los mayores reproches que se les echaba en cara era la obsesión de Cuomo por compartir las labores compositivas con gente externa al grupo,

y una sección central muy Queen en la que se deja notar la mano del británico o la de Bethany Cosentino en la deliciosa ‘Go Away’, un dueto con la líder de Best Coast con sabor a pop californiano de los 60. Dicho todo esto, quizá Everything Will Be Alright In The End no sea una obra magistral como Pinkerton, pues carece de su punch emocional, pero desde luego, está repleto de melodías sensacionales y se nota que Weezer han trabajado a fondo para hacer su mejor disco en una década y que han salido victoriosos. Bien por ellos y por nosotros. JORDI MEYA

críticas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Justin Broadrick (voz, guitarra,

programación), GC Green (bajo, programación) PRODUCIDO POR: Justin Broadrick AFINES A: Flesh, Ministry, Scorn PÁGINA WEB: www.godflesh.com

GODFLESH

A World Lit Only By Fire

(AVALANCHE RECORDINGS) METAL INDUSTRIAL

n abril de 2002 Justin Broadrick anunciaba la disolución de Godflesh agobiado por la marcha del bajista original GC Green, la costosa cancelación de una gira americana causada por una crisis nerviosa y la sensación de que ya había dicho todo lo que tenía que decir al frente de su banda de metal industrial. Desde su entierro, la influencia de Godflesh se ha mantenido viva en el underground y Broadrick ganó nuevos adeptos con los más ambientales y melódicos Jesu. Pero 14 años después y tras haber reunificado Godflesh en 2010 para actuar en directo, de nuevo con Green a su lado, el músico de Birmingham se ha sentido con fuerza para volver a publicar

material nuevo bajo tan emblemático nombre. Que se lo haya tomado con cierta calma es comprensible, pues ya se sabe que una cosa es subirte a un escenario protegido por tu propio legado, y otra bien distinta ponerse a crear desde cero. Pero el prolífico y polifacético Broadrick sabe bien a lo que juega y domina estos elementos como pocos. En palabras suyas, su objetivo era crear un disco lo más violento posible, y gracias a la ayuda de un nuevo aliado, una guitarra customizada de ocho cuerdas, y las monolíticas y temibles líneas de bajo de Green, lo ha conseguido en buena parte. Es evidente que en 2014, cuando los oídos de cualquier aficionado se

han ido curtiendo a medida que evolucionaba el estilo, el impacto que puedan tener Godflesh no será el mismo que cuando publicaron su debut Streetcleaner en 1989, pero aun así es agradable comprobar cómo su música no se ha domesticado. Nada más empezar ‘New Dark Ages’ ya se percibe que tus altavoces retumban más de lo normal movidos por unas frecuencias de ultratumba. Acercándose al minimalismo de sus primeras obras, tanto en las estructuras como en los arreglos, temas como ‘Deadend’, ‘Curse Us All’ o ‘Carrion’ exhiben la misma claustrofóbica visión musical de Godflesh que les recordábamos. Más que suficiente. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JUSTIN BROADRICK ¿Con qué mentalidad afrontaste el grabar un nuevo disco como Godflesh? ¿Sentiste cierta ansiedad, responsabilidad…? “Sí sentí algo de miedo, pero no por mucho tiempo. Nos llevó mucho tiempo escribir el disco porque queríamos asegurarnos de que era uno de nuestros mejores trabajos. Cuando empezamos ya a grabar tenía la confianza de que lo sería y todo fue muy natural”. ¿Por qué creíste que era un buen momento para resucitar Godflesh? ¿Fue una pura motivación personal o también había factores externos? “La verdad es que llevaba muchos años pensando en hacerlo, o como mínimo, en volver a hacer algo más agresivo porque es algo que llevo en mi alma creativa. Greymachine y también JK Flesh salieron de ese deseo. Todavía sigo pensando en Jesu, pero realmente necesitaba expresarme de otra manera. Y para mi sorpresa, hubo mucha deman-

da por parte de promotores y festivales para que volviera con Godflesh, así que nos reunimos. De todos modos, si no hubiese tenido ganas, no lo hubiera hecho. Además, el mundo sigue rodando con la misma violencia y horror que siempre, así que estaba muy inspirado (risas)”. ¿Cuál es la importancia de GC Green en Godflesh? ¿Era importante para ti tenerlo de nuevo a tu lado? “Yo compongo todo el material y luego se lo presento a él y se encarga de las líneas de bajo. A veces le hago sugerencias y las discutimos. Luego cuando viene al estudio, buscamos el sonido juntos y dejo que grabe mientras yo hago otras cosas. Se siente muy cómodo y confía lo suficiente en mí para trabajar en esos parámetros. Su participación es importante y si algo no le gusta, no se lo calla. Pero normalmente, el 95% de lo que hago le gusta y hablamos el mismo lenguaje. No podría hacerlo sin él, su criterio musical es muy

sólido y toca el bajo como nadie. Es una combinación de todos mis bajistas preferidos. Su bajo es fundamental para el sonido de Godflesh”. Por primera vez has usado una guitarra de ocho cuerdas en Godflesh. ¿Te influyó? “Tuvo bastante influencia. Sigo usando guitarras de siete cuerdas, pero la de ocho me permite tener el sonido más grave y violento que buscaba para lo nuevo de Godflesh. En nuestros primeros discos afinábamos las guitarras de seis cuerdas tan graves como podíamos, pero no podían resistirlo y siempre se desafinaban. Las guitarras en los últimos diez años han evolucionado y permiten que los artistas podamos expresarnos mejor, así que quise probar una guitarra de ocho cuerdas y llevarla al límite. También me gusta porque al tener más cuerdas puedes explorar más disonancias. Ésas dos cosas son la clave del sonido de Godflesh en cuanto a las guitarras”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

SLEEPWAVE

Broken Compass (EPITAPH) ROCK ALTERNATIVO

o peor que podría haber hecho Spencer Chamberlain es intentar replicar en solitario lo que había ofrecido junto a Underoath. Aquella era una banda compleja, en la que cada una de las partes aportaba mucho y cuya tensión interna se manifestó en una música que logró trascender los confines del metalcore. Difícilmente Chamberlain hubiera logrado superarlo y, seamos sinceros, ya tenemos suficientes bandas de metalcore ahí fuera como para que nos resulte estimulante la idea de otra

más. En su lugar, el vocalista en compañía de su amigo y programador Stepgen Browman nos proponen un viaje al rock alternativo de los 90 con dejes electrónicos que recuerda en muchos momentos a los Filter de su segundo álbum (en ‘Hold Up My Head’ o ‘Whole Again’ casi parece que estemos escuchando a un joven Richard Patrick). Se trata de un disco oscuro en tono y de letras introspectivas en las que Chamberlain se revela como un alma torturada por los acontecimientos que han marcado sus últimos años, que se contrapone por una excesiva pulcritud sonora de David Bendeth (Bring Me The Horizon, Of Mice & Men), buscando que Sleepwave tengan también su oportunidad de sonar en la radio. Quizá lo consiga, pues ‘Rock And Is Dead And So Am I’ o ‘The Wolf’ tiene suficiente gancho para ello. Broken Compass no le cambiará la vida a nadie, pero aunque el título lo sugiera, Chamberlain no tiene su brújula tan perdida como podría parecer. DAVID GARCELL

IN FLAMES

Siren Charms (EPIC) METAL ALTERNATIVO

ue In Flames hayan sido una banda importante en la vida de tanta gente y en el devenir de la escena metal de las últimas décadas explica por qué cada vez que publican un nuevo disco se genere debate. Los bandos están claros entre aquellos que repudian el constante alejamiento de los suecos del death metal melódico con el que se hicieron populares y quienes no ven con malos ojos que un grupo pueda evolucionar. Ambas posiciones son defendibles, pero a veces se nos olvida juzgar a los

discos por lo que son, y no por quienes los firman. Es evidente que resulta muy difícil, sino imposible, abstraernos de dónde vienen sus autores, pero ¿qué nos parecería Siren Charms si, por ejemplo, fuera el debut de una nueva banda? Para empezar, quizá esperaríamos a escucharlo más de una vez antes de emitir un veredicto. También es posible que entonces valoráramos composiciones como ‘Paralyzed’ o ‘Through Oblivion’, o que destacáramos cómo un grupo consigue encajar melodías más propias de U2 con riffs metaleros como en ‘Rusted Nail’. Teniendo en cuenta que In Flames no tienen ninguna intención de volver al pasado, en todo caso lo que se les debe criticar es que no sean aún más atrevidos y hagan una obra que de verdad sea rupturista. Porque como queda claro en ‘When The World Explodes’, donde unen su lado más agresivo con la voz operística de Emilia Feldt, lo peor siempre son las medias tintas. DAVID GARCELL

OBLIVION

No Room For Fools (AUTOEDITADO)

STONED HARDCORE

Disfruta de un consumo responsable 35ª

omo con el milagro de la semilla, de la que primero sale un brote y acaba convirtiéndose en un árbol capaz de dar frutos, siempre es agradable observar cómo una banda a la que conoces va creciendo delante de tus narices. Algo más de dos años les ha llevado a los barceloneses Oblivion asentar sus raíces, encontrar a los miembros adecuados y finalmente madurar, a base de ensayos y conciertos, hasta ofrecer su primer álbum. En ese aspecto su historia no es nada distinta a la de miles de grupos, pero el resultado os aseguro que sí. No Room For Fools es un álbum con la categoría suficiente como para que, si nos hubiese llegado de la mano de un sello como Deathwish o Relapse, no nos hubiese sorprendido.

Para empezar, destaca por la habilidad del grupo por no circunscribirse a un solo estilo, y tan pronto te pueden recordar a Brutality Will Prevail como a Black Tusk, a Cancer Bats como a Converge. La manera en la que Alex ataca su voz les emparenta con el hardcore, así como algunos gang vocals y puntuales breakdowns, pero por otra parte, los riffs de Petro y Karl rezuman stoner cuando se ponen pesados y metal sureño cuando les da por animar la fiesta. Y de vez en cuando incluso se atreven con algún pasaje más atmosférico que no desentonaría en un grupo de post metal. Estamos pues ante una banda con múltiples recursos pero que opta por hacerlo todo de la manera más cafre posible. Con dos cojones. JORDI MEYA

cr í ticas

CAVALERA CONSPIRACY Pandemonium (NAPALM)

THRASH METAL, DEATH METAL

istos los dos ladrillos que Cavalera Conspiracy habían publicado anteriormente, que lo peor del presente Pandemonium sea su portada es una gran noticia. De hecho, tan ignominiosa estampa para nada ilustra el inesperado y gratificante contenido musical. Con semejantes antecedentes, la ‘Babylonian Pandemonium’ con la que se inicia este álbum es toda una revelación, un sopapo neandertal al que no das crédito. Más flipado te quedas ante ‘Bonzai Kamakazi’, un bombazo propio del Schizophrenia que, cuando oigas a un Max gravísimo escupir aquello de “¡Thrash!”, te pondrá el pito como una zanahoria. Y el resto, casi que también es sólo tralla, sin concesiones, solamente

N U2

Songs Of Innocence (ISLAND)

POP ROCK

o es que me considere ni mucho menos un gran analista de márketing, pero supongo que es fácil de ver que a U2 les ha salido una jugada redonda regalando su nuevo disco a todos los usuarios de iTunes directamente por la patilla quieran o no. Aparte de lo que habrán ingresado en su ya de por sí holgada cuenta bancaria con lo que Apple les haya pagado por el álbum, el hecho de que ahora mismo millones de personas tengan descargadas sus nuevas canciones automáticamente cual spam en el ordenador, el móvil o

matraca. Al más puro estilo de los Cavalera noventeros, con esos riffs tan fáciles pero efectivos de toda la vida (‘Cramunhao’), con una producción ruidosa y sucia de John Gray, el bajo del Converge Nate Newton sonando a cubo de basura, y con sólo algún respiro como ‘Not Losing The Edge’. Caos en ‘Insurrection’, furia en la aplastante ‘The Crucible’, ‘Father Of Hate’ y ‘Apex

Predator’. ‘I, Barbarian’ tiene un aire a Nailbomb, mientras que ‘Porra’ es todo un guiño a Roots. ‘Scum’ es la caña, pero nada tiene que ver con Napalm Death. El disco suena a revancha, y como los mismos brasileños comentaron, rápido como cuando teñían 15 años. Bruto, crudo, simple, macarra... ¿Tanto les costaba recordar que se lo deben todo a Sepultura?

su tablet, es sin duda una publicidad inmejorable. Pero como RockZone no somos una revista de economía, procuraremos centrarnos en lo meramente musical, que es lo que nos interesa. Y lo mejor de todo este asunto es que, además, los irlandeses han facturado su trabajo más decente en muchísimo tiempo. Vale que el nivel mostrado en los últimos años no haya sido precisamente alto, y tampoco es que Songs Of Innocence sea ninguna maravilla, pero escuchando cortes como ‘Song For Someone’, ‘Raised By Wolves’ y ‘Cedarwood Road’, se llega a vislumbrar la sombra de lo que algún

día llegaron a ser. Quizás la respuesta de esta ligera mejoría se encuentre en la elección como productor de Danger Mouse, que de alguna manera, ha sabido llevarles de nuevo al sonido más post punk de sus comienzos bajo una perspectiva adulta. Lástima que hacia la recta final la cosa decaiga un poco, pero por lo pronto ya han conseguido que mantenga cierta expectación con la continuación que han anunciado del mismo, Songs Of Experience. Y eso con U2 es algo que no me sucedía desde hace mucho tiempo.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

TEXAS IN JULY Bloodwork (EQUAL VISION)

METALCORE

l metalcore no está en su mejor momento. De hecho, está de capa caída desde hace ya bastantes años, pero el género subsiste y avanza, evoluciona a su ritmo y se adapta a nuevos tiempos y a la creciente juventud dentro de la escena. Podemos decir que, aunque sí han tenido relevancia dentro de este estilo, Texas In July tampoco han sido considerados uno de los grandes al lado de grupos como As I Lay Dying, Killswitch Engage o August Burns Red (con quienes han sido comparados infinidad de veces y de una forma negativa). La banda publica

su nuevo trabajo de estudio, Bloodwork, con el que presentan a JT Cavey, su nuevo vocalista. Digamos que Cavey no es un cantante con un amplio registro de voces, pero bajo mi parecer ha dado una necesaria vuelta de página a este grupo de Pensilvania. Max Cavalera tenía apenas un registro y en su época con Sepultura no le hizo falta más y a todos nos encantaba; pues bien, lo mismo pasa con JT. Si a esto le sumamos una línea musical madura, personal y trabajada, nos encontramos con lo que es para mí el mejor disco de este quinteto. Sí, sigue habiendo breakdowns, pero no aburren, no suenan a viciados. Sí, sigue habiendo partes melódicas en cada estribillo, pero la voz es rasgada y no son partes moñas, tienen garra. Texas In July no están intentando innovar dentro del metalcore, lo están mejorando y modernizando. Si nunca han sido tu rollo, dales otra oportunidad, y si eres un ferviente seguidor, probablemente te apasione su nuevo disco. FER DÍEZ

cr í t i ca s

MADBALL Hardcore Lives (NUCLEAR BLAST) HARDCORE

adball no engañan. NYHC quieres, y NYHC tendrás. Cuatro años separan Hardcore Lives de Empire, pero por el camino, al grandullón de Hoya Roc y compañía no se les ha ido la pinza. Sus señas de identidad ahí siguen, simples y claras como el primer día, y eso te lo muestra la ‘Intro’ de minuto y cuarto y una ‘Hardcore Lives’ que va a partir muchas narices en su próxima gira. Desde luego, quien no reconozca la típica jerga de Freddy Cricien y su caña old school en ‘The Balance’ es que le

falta un tornillo… Su octavo álbum está compuesto de 15 balazos entre los que destacan cortes como ‘DNA’, que es toda una invitación al violent dancing, o la veloz ‘True School’, con Scott Vogel de Terror al micro. La furiosa ‘My Armor’ llama mucho la atención porque cuenta con Toby Morse de H2O, Chad Gilbert de New Found Glory y hasta con el exluchador de pressing catch CM Punk, mientras que en ‘Born Strong’ Candace Kucsulain de Walls Of Jericho suelta su adrenalina. ‘Nothing To Me’ es un temazo barriobajero y crossover thrash de mucho cuidado, y no podía faltar el himno latino ‘Mi Palabra’. ‘Nbnc’ es tan ochentera y brutal que te quedas pasmado, pero ‘Doc Marten Stomp’ suena a revitalizante street punk, de cuando Madball eran aún un mero proyecto paralelo supeditado a Agnostic Front, y joder, eso es una gran noticia. Esta gente todavía sabe rockear, y mejor todavía: se encuentra en un momento dulcísimo. PAU NAVARRA

RYAN ADAMS 1984 (PAX-AM)

PUNK ROCK

odos los que seguimos de cerca su trayectoria sabemos que, aunque pase por periodos de aparente letargo, el neoyorkino nunca podrá parar de crear. Ni siquiera sus episodios de enfermedad de Ménière han conseguido detenerlo. Así que no nos sorprendió la noticia del lanzamiento de su último trabajo en septiembre... pero con lo que no contábamos era con este aperitivo en forma de EP. Adams, al que siempre le ha gustado mostrar al público su pasión por bandas de metal como Emperor, Iron Maiden o Danzig, esta vez ha decidido

dejar a un lado su estilo más profundo y sensible y dedicar 1984 al recuerdo de míticos sellos de punk y hardcore como Dischord, SST o Touch And Go y sus primeros lanzamientos a principios de los 80. Su homenaje es más bien conciso, puesto que los diez temas que lo conforman apenas tienen una duración total de 13 minutos. Canciones de poco más de un minuto, con estructuras muy básicas y estribillos muy repetitivos, que suenan tan frescas, tan guitarreras y son tan intensas que crean la imperiosa necesidad de escuchar el EP repetidas veces de forma compulsiva, porque siempre quieres más. Un poco pesado si eres de los pocos afortunados que lo ha podido adquirir en vinilo... su único formato físico ya agotado, claro. ¿Significará 1984 el comienzo de otra de sus prolíficas épocas con varios lanzamientos anuales? ¿Montará varios proyectos musicales simultáneos? Con Ryan Adams nunca se sabe, pero de momento nos está preparando un otoño caliente. TOI BROWNSTONE

RYAN ADAMS Ryan Adams (PAX-AM) ROCK

espués de 14 discos este enfant terrible nos ha vuelto a sorprender con este último trabajo tras tres años de parón, el mayor de su carrera. Que a estas alturas sea capaz de reinventarse y desenvolverse a la perfección en un estilo distinto al habitual, dejando a un lado esa faceta más lánguida y emocional a la que nos tenía acostumbrados con The Cardinals, no hace más que confirmar lo que muchos llevamos pensando desde hace años: que este tío es un genio. Ryan Adams no busca innovar sino todo lo contrario, se aferra a un sonido más clásico y más crudo, con guitarras distorsionadas y riffs

más marcados. Un disco de rock en definitiva, sin etiquetas adicionales superfluas. A medida que uno saborea este álbum como si de un buen vino se tratara, los distintos matices se comienzan a apreciar: esa forma de cantar de Adams más arrastrada huyendo de la perfección, esos coros en su justa medida sin buscar un predominio, los estribillos repetitivos y pegadizos, la sencillez de las baterías o los rasgueos de las guitarras. Es entonces cuando te encuentras con temas como ‘Trouble’ o ‘Tired Of Giving Up’ y caes en la cuenta de que hay mucho de Tom Petty And The Heartbreakers de su primera época. Y eso nunca puede ser malo. Escuchando ‘Shadows’ o ‘I Just Might’ se aprecia a un Adams preocupado y pesimista, que cuestiona su seguridad en ‘Am I Safe’ y busca consuelo, puesto que le han vuelto a romper el corazón en la magnífica ‘My Wrecking Ball’. Ya lo dijo él mismo hace años, el amor es dolor, y por muy mal que suene, éste es el Ryan Adams que muchos hemos estado esperando durante demasiado tiempo.

WHITE LUNG Deep Fantasy (DOMINO/PIAS) PUNK ROCK

os hechos podían hacer temblar a los fans de White Lung ante la publicación de este tercer disco: uno, que su cantante y líder Mish Way dijera que quería sonar más rock y menos punk. Y dos, que los problemas vocales que le habían dejado sin voz en algunos festivales provocaron que fuera a una especialista para que le enseñara a ‘cantar’ sin ‘gritar’. Para rematar la faena, su bajista Grady Mackintosh dejó la banda meses atrás, teniendo que hacerse cargo de este instrumento el guitarrista Kenny William durante el

disco. Pero nada de todo esto parece haber restado capacidad de intimidación y agresión a la música del trío canadiense. No están los tiempos como para cantar a las florecillas entre tanta crisis, corrupción, fanatismos y guerras absurdas. Aunque Mish opta por otras temáticas desde su punto de vista de acentuada feminidad, como los miedos y prejuicios hacia la sexualidad que todavía afectan a esta sociedad de tarados, reprimidos y víctimas de los cánones de belleza (‘Snake Jaw’, ‘Down It Goes’…). Los cañonazos de hardcore y de punk se siguen sustentando en rapidísimos ritmos de batería y bajo, y punteos de guitarras afiladas (‘Drown With The Monster’, ‘Wrong Star’…), en canciones que apenas superan los dos minutos. Sí que es verdad que algunas canciones ganan carácter melódico (‘Face Down’, ‘In Your Home’), pero en general el disco sigue supurando rabia e incomprensión ante tanta estupidez humana ahí afuera… y aquí adentro. IGNASI TRAPERO

TOI BROWNSTONE

críticas

DARKEST HOUR HAS DE SABER... FORMACIÓN: John Henry (voz), Mike Schleibaum (guitarra),

Mike Carrigan (guitarra), Aaron Deal (bajo), Travis Orbin (batería) PRODUCIDO POR: Taylor Larson AFINES A: Unearth, Chimaira, Trivium PÁGINA WEB: www.fuckwaitingaroundtodie.com

C Darkest Hour (SUMERIAN) DEATH METAL MELÓDICO, METALCORE

on unos inicios mar� cados por un estilo metalizado de prac� ticar hardcore, Darkest Hour fueron convirtiéndose en uno de los máximos exponentes a la hora de mezclar death melódico con metalcore. Ya saben en qué consiste… Se puede hacer con mayor o menor gracia, pero desgra� ciadamente, aquí se trata de componer nuevos trallazos como ‘Infinite Eyes’, ‘Hypatia Rising’ o ‘The Great Opresser’ para luego despojarlos de toda credibilidad con voces de pijillo con nomofobia y es� tribillos patateros que hasta a Miley Cirus sonrojarían. ‘�� Rap� ture In Exile’, ‘Lost For Life’ y ‘Beneath The Blackening Sky’

son los únicos cortes mediana� mente salvables de su octavo disco… En cambio, ‘Futurist’ y ‘Departure’ son vomitivas obscenidades impropias de un metalhead en sus cabales. ‘Anti-Axis’ tiene un principio y ciertas voces de absoluto insul� to a la inteligencia, pero aun así, hay desarrollos que son audibles. No lo es en cambio la premeditada estructura de alternancia entre tema duro y tema blando… ¿Se creen que soy gilipollas? Más cojones y menos flequillo, lloronas. El colmo llega con el feat de la cantante pop Dræmings en ‘By The Starlight’, el último y más descarado acercamiento al mainstream artificial. Lo publica Sumerian Records…

¿Qué esperaban? Este homó� nimo representa el debut en la formación del bajista Aaron Deal y el batería Travis Orbin, pero oigan, como si Josmar se hubiera encargado de las cuatro cuerdas y Barragán de ponerse tras los parches… Ninguna persona con un míni� mo de pedigrí musical encon� trará aquí nada que rascar. Por primera vez soy partidario de las descargas ilegales… Sólo para darte el gustazo de tirar esta inmundicia a la basura, ni que sea virtual. Obama, antes de bombar� dear el Estado Islámico, quizá que mires un poco de puertas para adentro… Grosero y vergonzante. PAU NAVARRA

HABLAMOS CON... MIKE SCHLEIBAUM Sorprende que hayáis hecho un disco tan accesible… “Nos gusta mucha música pegazida. Siempre hemos tenido estrofas y estri� billos, así que hemos puesto un poco más el foco en hacerlo más accesible. Es un disco de rock melódico o algo así (risas)”. ¿Nadie puso resistencia a ir en esta dirección? “Tenemos una nueva sección rítmica, así que eso cambió la perspectiva y nos motivó a hacer algo distinto. Todos estábamos de acuerdo en eso, pero aun así discutimos bastante sobre cómo hacerlo”. John y tú sois los únicos miem� bros de la formación original. ¿Os sentís a cargo del destino

del grupo? “Bueno, es que antes de grabar el primer disco ya habían pasado varios músicos por el grupo. John y yo siempre hemos tenido una relación muy sólida y fuimos los que íbamos a definir la per� sonalidad del grupo. Nunca ha habido una lucha de poder porque nosotros dos tomábamos las decisiones juntos”. ¿Alguna vez os habéis sentido en sintonía con lo que ocurría en la escena metal? “Hemos tocado con todo tipo de bandas... Cursive, Anti-Flag, Machine Head, Between The Buried And Me, Soilwork, así que hemos tenido suerte de tocar para todo tipo de públicos. Hemos tocado con todas las bandas de death metal suecas, con todas las

americanas, con bandas punk, con bandas hardcore, así que siempre nos hemos sentido ajenos a todo, pero que a la vez encajábamos”. ¿Cómo fue trabajar con un pro� ductor joven como �� Taylor Lar� son en lugar de alguien más experimentado como Devin Townsend? “Fue muy distinto. Los productores más veteranos obviamente tienen mucha más experiencia y tienen más trucos, pero Taylor nos dio lo que necesitábamos, que era una nueva perspectiva. Tenía pasión y muchas ideas, y no creo que nadie más mayor hubiera resistido una grabación como la que hicimos. Nece� sitábamos esa pasión”. (DAVID GARCELL)

críticas

68-75

Stay On The Ride (AUTOEDITADO)

ROCK AMERICANO

ste disco me llegó casi por casualidad uno de esos días que te dedicas a bucear entre las cubetas de las pocas tiendas de discos que quedan abiertas, y allí apareció bien recomendado por el disquero, que conocedor de mis gustos sabía que iba a caer rendido ante ellos. Son de Atlanta y aman el blues, el classic rock, el soul y el rhythm & blues, su guitarrista Andrew Cylar es un hacedor de riffs, armonías y melodías prodigiosas que te roban el corazón a la primera, y a pesar de que por estilo Stay On The Ride podría perfectamente haberse editado en 1971, suenan frescos, contundentes, muy lejos de las cansinas recreaciones de los combos que todos sabemos. Pero es que además, tienen un as en la manga llamado Suzanne Sledge, una fémina de voz

SICK OF IT ALL

Last Act Of Defiance (CENTURY MEDIA)

HARDCORE

n el buen sentido, enchufarte un nuevo disco de Sick Of It All es como ir a un McDonald’s y pedir una hamburguesa. Sabes exactamente lo que te van a dar y, además, sabes que te va a gustar. Sin sorpresas. Porque admitámoslo, llegados a este punto de su carrera, en el que no tienen nada que demostrar, a nadie le gustaría encontrarse con que Lou Koller ha empezado a cantar en un registro más melódico. O que su hermano Pete hubiese decidido meter alguna guitarra acústica de por medio. O aún peor, que se

prodigiosa que además compone como los ángeles y que dota a la banda de un plus extra importante a la hora de desmarcarse de algunos de sus compañeros de generación. Antes de empezar me he jurado no compararlos a los Black Crowes, pero qué diablos, imposible no hacerlo cuando escuchas la luminosidad bluesera de ‘Detroit’ o la crudeza de ‘Deal With The Devil’, dos piezas que

valen su peso en oro. En ‘Tuesday’ recurren a una melodía embriagadora que unida al poderoso timbre de la rubia vocalista, dan como resultado otro tema para el recuerdo, y no me gustaría despedir esta reseña sin recalcar que ‘Camel’s Back’ sea probablemente la mejor composición de rock clásico que he escuchado últimamente. Recomendables es decir poco.

les hubiera ido completamente la cabeza y que les hubiese dado por incluir una orquesta con coros de niños. Nadie quiere eso en un nuevo trabajo de los reyes del New York Hardcore. Si lo que buscas es un álbum que en apenas media hora te cargue las pilas a base de voces rasgadas, baterías trepidantes y riffs furibundos, Last Act Of Defiance es justo lo que necesitas. En su décimo largo, estos veteranos del género se dedican a hacer un auténtico ejercicio de estilo, reafirmando el camino que vienen siguiendo desde que Tue Madsen se hiciese cargo

de los controles en Death To Tyrants y Based On A True Story y que les ha vuelto a colocar en la punta de lanza de la escena (si es que en algún momento dejaron de estarlo). ‘2061’, ‘Road Less Traveled’ o esa ametralladora llamada ‘Part Of History’ son broncazos marca de la casa, mientras que los coros de ‘Never Back Down’ y ‘DNC’ demuestran que el hardcore puede ser hasta algo festivo sin perder ese tono tan garrulo como encantador. Ya saben, lo mismo de siempre y con el sabor de siempre. ¿Para qué más?

ANDRÉS MARTÍNEZ

GONZALO PUEBLA

…AND YOU WILL KNOW US BY THE TRAIL OF DEAD Live At Rockpalast 2009 (MIG MUSIC)

ROCK

na de las grandes virtudes que siempre se han destacado de …And You Will Know Us By The Trail Of Dead es la fiereza de sus directos, y esto es lo que pretende captar este álbum de la colección de directos en CD/DVD del programa televisivo alemán Rockpalast. Este lanzamiento recoge la actuación de la banda de Austin del 14 de mayo de 2009 en el Live Music Hall de Colonia, Alemania, en la gira de presentación de The Century Of Self. Casi una

hora y media de tormenta sónica en el que el proyecto de Conrad Keely y Jason Reece, aquí en formato sexteto, enseña todas sus credenciales: desde la obertura instrumental hasta la final ‘A Perfect Teenhood’ van dejando caer la tempestad de sus piezas con electricidad, atmósferas intensas y, como ellos mismos dicen, una “aproximación agresiva” de su música. “Tocamos hasta que sangramos”, afirma Jason, y resulta obvio que huyen de la apatía y la desgana de otras bandas coetáneas en descargas de rabia como ‘Isis Unveiled’, ‘Homage’, o ‘Caterwaul’, en que la violencia no sólo rezuma de la música, sino también de la parte vocal de Conrad y el mismo Jason. El contraste (relativo) llega en piezas de tensa calma como ‘Bells Of Creation’ o ‘Will You Smile Again’. El concierto tiene también el valor de esa parte final en que recuperan cuatro canciones de su ya lejano Madonna (1999): ‘Claire De Lune’, ‘Totally Natural’, ‘Mistakes And Regrets’ y ‘A Perfect Teenhood’. IGNASI TRAPERO

HIDDEN CABINS / EYESWAN Hidden Cabins / Eyeswan (ENGINEER/KOI)

INDIE ROCK

os formaciones y dos temas por barba. El disco compartido por las bandas de New Jersey Hidden Cabins y Eyeswan es tan rácano en temas como rico en matices. Los surcos de este precioso vinilo contienen folk, rock alternativo, indie, punk rock y soul. Para los primeros, un dúo con miembros y exmiembros de Elemae, Bomb Paris, (Damn) This Desert Air y Books, es su segunda referencia y su segundo split. Hidden Cabins imprimen al plástico su característico intimismo y gusto por el preciosismo, en las antípodas de sus

anteriores bandas. Así, abren con la semiacústica y sinuosa ‘Feeding Time’, cargada con un estribillo imponente y un final ascendente con unos coros angelicales, y ponen el broche a la cara B con los punteos delicados de la aterciopelada ‘The Holding Vine’. Brian Hofgesang y Craig Cirinelli se bastan y se sobran con la ayuda de sus voces, una guitarra, unos sencillos loops, un triángulo y unas curiosas maracas de arena. Sus vecinos Eyeswan, en cambio, son el clásico cuarteto de rock alternativo, con dos guitarras, bajo y batería. Sus derroteros, sin embargo, son incluso mucho más bizarros e inclasificables. No así en estos dos cortes, con un evidente deje noventero, oscuritos en la estrofa como los últimos Brand New, facturan ‘The Cannibal’. Con ‘Self-Loathing Theme Song’ los Eyeswan, en cambio, tiran de power pop resultón con tendencia a la bajona del emo. Con toda probabilidad, y aunque ya cuentan con tres largos en su haber, dos de sus mejores temas hasta la fecha. Descubrimiento doble. LUIS BENAVIDES

crít i cas

OBEY THE BRAVE Salvation (EPITAPH)

HARDCORE, METALCORE

o os voy a engañar, el primer disco de esta formación canadiense llamada Obey The Brave, Young Blood, que irrumpió en la escena hardcore metalera en 2012, no significó nada especial para mí. A excepción de un par de temas como ‘It Starts Today’ o ‘Live And Learn’, me pareció poca cosa, aunque sí me dio la impresión de que ese trabajo era sólo el comienzo de un grupo que podía llegar a parir un discazo. A mediados de septiembre salió a la venta su segundo álbum, Salvation. Comparando ambos, su predecesor era una perita en dulce, y es que Salvation es un resumen de todo lo que me aburría de su anterior disco. Si ofrecen algo nuevo son más coros melódicos, pero han eliminado su aspecto metalero y se han allanado

P YOB

Clearing The Path To Ascend (NEUROT/POPSTOCK!)

STONER, DOOM

rimera referencia de los de Oregón para Neurot Records, y ellos siguen a lo suyo. De hecho, las composiciones de Mike Scheidt son cada vez más abruptas, más agónicas, más densas y más desesperadas, un crisol de sonidos tan infernal que incluso algunos oídos entrenados en sonidos extremos se han declarado no aptos para tal salvajada. Sus discos no son discos normales, y su escucha por descontado tampoco lo es. Esto es como un ritual, un puto aquelarre de extrema lentitud doom, oscuras ambientaciones y

hacia un terreno más hardcore mainstream, accesible para un mayor rango de edades y gustos. Un claro ejemplo de esto es ‘Raise Your Voice’, con el que básicamente nos dicen ‘eh, que somos jarcore, pero no tanto, que también tenemos nuestro lado emo’. Si lo que te gusta es que todo suene a lo mismo, no vaya a ser que no puedas justificar tu ‘jarcoretismo’ ante tus amigotes dilatados, éste

es tu disco. Si por el contrario tienes algo de personalidad, no hace falta que leas esta crítica; escúchate el álbum y juzga tú mismo. Quizá, como de costumbre, me esté sobrando un poco, pero me decepciona ver cómo grupos con semejante potencial se conforman con sacar obras mediocres y que el cantante de los jodidos Despised Icon tenga horchata en sus venas.

suciedad sludge, donde aguantar el tipo durante los cuatro largos, larguísimos, desarrollos de enfermedad sonora es complicado. Los que flipen (los de verdad, no los que siguen la moda de lo extremo) con los podridos mundos de formaciones como Neurosis, U.S. Christmas o Godflesh (por poner unos ejemplos más o menos válidos) sabrán a lo que me refiero, y si bien algunos ya incluían a YOB en una hipotética y privilegiada lista de las formaciones metálicas más originales y poderosas del panorama actual, con este sobresaliente nuevo álbum

confirman esa posición de ventaja sobre el resto. Una hora de pura locura, pero en esa hora sobresalen los 12 minutos de ‘Nothing To Win’, una perfecta mescolanza de ambientación etérea y puro caos sludge, con un juego de voces asombroso y un riff de guitarra que haría moverse una cordillera entera, una auténtica brutalidad tocada de manera impecable y apocalíptica. Hace ya mucho que dejaron de ser una promesa; ahora son una auténtica realidad que seguramente jamás saldrá del underground... pero eso, ¿a quién le importa?

FER DÍEZ

ANDRÉS MARTÍNEZ

CLAP YOUR HANDS SAY YEAH Only Run

(XTRAMILE RECORDINGS)

INDIE

a putada de conseguir un hitazo como ‘The Skin Of My Yellow Country Teeth’ en tu disco de debut es que todo el mundo va a esperar temazos similares en cada álbum que publiques. Y si encima el resto de canciones de ese primer disco acompañaban y hacían un ‘todo’ muy resultón, el listón se hace incluso más difícil de saltar. Lo cierto es que desde aquel ya lejano disco homónimo de 2005 la trayectoria de Clap Your Hands Say Yeah ha sido irregular, y el foco de

atención ha ido derivando hacia otras bandas que les han ido relegando a la sombra del superpoblado escaparate indie. Ya sin tres de los cinco miembros originales, y aunque la característica voz de su líder y vocalista Alec Ounsworth les siga haciendo fácilmente reconocibles, su música ha ido perdiendo chispa. El talento sigue asomando en canciones como el single ‘Coming Down’, junto a Matt Berninger de The National a las voces (también colabora en el álbum el DJ canadiense Kid Koala en ‘Cover Up’), los teclados le ganan terreno a las cuerdas, y por momentos le dan un giro a su música hacia terrenos más propios de Radiohead (‘Beyond Illusion’). Pero a nivel global, el trabajo cae muchos momentos en el tedio, y se acaba haciendo algo aburrido, con abuso de medio tiempos de atmósferas densas que pueden hacerte perder la atención con cierta facilidad. Seguramente, un álbum que paga la hipoteca de su hermano nueve años mayor. IGNASI TRAPERO

HAMMERFALL (r)Evolution (NUCLEAR BLAST)

POWER METAL

ector’s Hymn’ es lo mejor que han grabado HammerFall en… ¿¡Ocho, nueve años!? Con ella vuelve la súper épica, las guitarras de Oscar Dronjak y Pontus Norgren echando chispas, letras esenciales con su “Templars of steel”… ¡La gloria pura de los suecos! Hay que ver lo bien que les sentó el período sabático para aclarar ideas y corroborar que el camino iniciado con No Sacrifice, No Victory y el bodriaco Infected no era para nada el correcto, aunque habrá

dos lecturas posibles de este disco. Con un inicio formado por ‘Hector’s Hymn’, el poso de ‘(r)Evolution’ y la tremenda ‘Bushido’ la cosa se dispara, pero es justo reseñar que los fans del power más acelerado echarán en falta algo más de nervio en un ecuador con ‘Live Life Loud’, la balada ‘Winter Is Coming’ o ‘Ex Inferis’, aunque, desde luego, con la clase que atesoran, ése no sea mi problema. Con ‘We Won’t Back Down’ retoman la velocidad para conseguir un tema que toca la fibra, igual que con ‘Origins’, una canción genuinamente HammerFall, y ‘Evil Incarnate’ y ‘Wildfire’ tampoco se quedan cortas. Joacim Cans está inconmensurable, para el cantante no pasan los años, pero para obtener semejantes resultados han tenido que repescar a Fredrik Nordström, que no les producía desde su clásico Legacy Of Kings de 1998, así como también llamar de nuevo a Andreas Marschall para recuperar su inconfundible artwork. ¡Un back to the roots de los de verdad! PAU NAVARRA

críticas

NEIL YOUNG A Letter Home (REPRISE/WARNER) FOLK

onfieso que al principio pensé en una marcianada ideada por el maestro al lado de Jack White, una extravagancia que se habían sacado de la manga para echarse unas risas mientras registraban unas cuantas versiones escogidas por el mismo Neil Young, pero no, nada de eso: el proyecto ciertamente podía ser de difícil digestión, pero estando involucrado el canadiense, casi es ofensivo dudar de él. Ya sabéis de que va el tema: en los 40 se hizo muy común que los ciudadanos usaran una cabina de grabación llamada Voice O Graph, sobre todo para registrar mensajes familiares destinados

a los soldados que combatían en la Segunda Guerra Mundial. Una de esas cabinas fue comprada y restaurada por Jack White, que enseguida invitó a nuestro trovador favorito a grabar un álbum dentro del artilugio, a la vieja usanza, de la manera más cruda y primitiva posible, y Young aceptó. Se escogieron unas cuantas versiones (Dylan, Willie Nelson, Gordon Lightfoot, Phil Ochs o Bruce Springsteen conviven sin problemas) y nuestro hombre se adentró en ese pequeño habitáculo armado con su voz, su acústica, su armónica y su talento, bien vigilado por el Sr. White, que se encargó de las tareas de ‘producción’. El resultado es maravilloso. En estos tiempos de producciones estériles, sonidos perfectamente manipulados e impolutas grabaciones, se agradece que alguien eche la vista atrás y reivindique la música desnuda, las canciones en su estado más puro, la esencia misma de una manera de hacer arte. Otra referencia indispensable de un hombre en gracia continua. ANDRÉS MARTÍNEZ

UNIVERS

L’Estat Natural (FAMÈLIC)

INDIE ROCK

a nueva referencia de Famèlic es L’Estat Natural, el primer largo de Univers, una de las bandas franquicias con el permiso de los ya veteranos L’Hereu Escampa o los prometedores Ohios. Porque han crecido de la mano, comenzaron juntos desde cero, han compartido sinsabores y ahora toca disfrutar un discreto pero innegable éxito. El cuarteto comandado por las voces y las guitarras de Yago Alcover y Eduard Bujalance -también conocidos por su trabajo en Mujeres y Aliment

respectivamente- sigue su camino después de los cinco temas de pop garajero e inmediato de La Pedregada, y el single a medio caballo entre el indie y el surf ‘Cavall Daurat’. El presente trabajo fue grabado a finales de 2013 en los estudios Maik Mayer de Barcelona. Sonido despreocupado, natural como la vida misma, y un deje afectado heredado de las bandas post punk de los 80. “Congelemos aquel instante, ahora. Sería ideal volver al estado natural”, cantan en ‘Iceberg’, con toda la nostalgia y en catalán. Es uno de sus mejores temas hasta la fecha, un hit inmediato, e inspira el nombre del disco. Y es que el cuarteto canta a las personas, a los momentos, que conforman su universo personal en nueve cortes, a cuál más hipnótico, bailón y dramático. A destacar, la fantasiosa carta de amor que es ‘Heather’, el frenesí interestelar de ‘Minerals’ y ‘Travessant La Llum Del Sol’, y las guitarras apretadas de ‘Estàtua En Moviment’. LUIS BENAVIDES

ACE FREHLEY Space Invader (SPV) HARD ROCK

a introducción de Kiss a ese dudoso honor de formar parte del Rock And Roll Hall Of Fame trajo consigo la enésima pelea entre sus miembros originales. Ya sabéis, lo de siempre, el ya cansino debate sobre si es lícito o no que dos impostores estén en la piel de los personajes que un día crearon Frehley y Criss. Polémicas aparte, un revitalizado y limpio Space Ace vuelve, y lo hace en mejor forma que nunca, porque no nos engañemos, Anomaly, su anterior largo, era simplemente correctito, muy lejos de lo que nos esperábamos del guitarrista espacial después de estar más de una década sin

ofrecernos nuevo material. Space Invader sin embargo contiene todas las señas identitarias del mejor Ace. Su personal e inimitable estilo guitarrístico, esa arrastrada y característica voz, y un ramillete sobresaliente de canciones de puro, simple y efectivo hard rock. Si dejamos de lado la potente versión del ‘The Joker’ de Steve Miller Band, todas las composiciones están escritas por Ace. Las ha producido, las ha cantado e incluso se ha encargado de casi todos los bajos, algo muy parecido a lo que hizo en su primer disco en solitario de 1978. Se ha involucrado a fondo y se nota, hacía tiempo que no lo escuchábamos puntear de una manera tan fina, y esos solos los ha arropado con temazos. ‘Space Invader’ patea culos con ese pegadizo estribillo, ‘Gimme A Feelin’’ me ha recordado, siendo exagerado, algo de la vieja magia kissera (¿Os acordáis de ‘Getaway’?)... Y podríamos seguir. Ace is back, amigos, y bien harían Simmons y Stanley en chequear lo que está haciendo su viejo colega. Seguro que se sorprenderían. ANDRÉS MARTÍNEZ

THE ATTACK OF THE BRAIN EATERS

Titan

(KTC DOMESTIC PRODUCTIONS) ROCKIN’ HARDCORE

arece que The Attack Of The Brain Eaters estaban impacientes por publicar material nuevo que diera continuidad a Blood, Sweat & Smoke, su primer largo, que recibió una cálida acogida. En RockZone publicamos la reseña correspondiente hace un par de años, pero no fuimos los únicos en hacernos eco de su refrescante propuesta. De esta manera, sin esperar a disponer de más canciones, este trío de Oviedo lanza ahora un EP de sólo cuatro temas publicado en vinilo. Locos por tocar donde les sea posible, The Attack Of The

Brain Eaters siguen puliendo su potente rockin’ hardcore de estribillos acertados, aunque cada vez la dosis de stoner vaya ganando peso en la fórmula. Así, por ejemplo, una composición como ‘Facts’ ofrece en su parte final un desarrollo progresivo que alarga su duración hasta casi los 4 minutos antes de cerrar la cara A del 7’’. En la cara B, ‘Daydream’ supera los 4 minutos y medio. De hecho, en esta última canción me parece oír hasta un cencerro… De todas formas, poco se puede objetar a una propuesta musical que se va afianzando poco a poco en la escena estatal. Por mi parte considero que el artwork de regusto futurista resulta poco afortunado para Titan, la tercera referencia de los asturianos; por otra, espero que no les ocurra lo que a otras bandas, que es quedarse en tierra de nadie. Es decir, que para el público hardcore sean demasiado stoner, y que para el público más rockero su sonido sea demasiado duro. El tiempo dirá. JORDI FORÉS 89

cr í ticas

THE CAPACES

HAS DE SABER...

RECOMENDADO POR:

FORMACIÓN: Martillo (voz), Cleve (guitarra), Sergi (bajo), Saul (batería) PRODUCIDO POR: The Capaces, Manuel Bernal AFINES A: The Distillers, MC5, Poison Idea PÁGINA WEB: www.facebook.com/thecapaces

FOTO: © MIKELSOLITARIO

V For Good (FILFERRO)

PUNK ROCK

uelven a la carga The Capaces con toda la fuerza de sus anteriores álbumes pero con un sonido aún más depurado. Engañan a la hora de abrir el disco ya que en su primer corte ‘Dead Woman’ realizan un auténtico homenaje a Johnny Cash y a la música americana de raíces, pudiendo ser una perfecta banda sonora para un film de John Ford, pero esto es solamente para despistar, ya que arranca con un demoledor ‘Rocket From My Soul’ en la que la desgarradora y potente voz de Martillo, cantante y frontwoman de la banda, vuelve a partir la pana en la totalidad de este discazo, ganando en técnica, y que

ya imaginamos cómo debe sonar en directo, haciendo que nos pongamos nerviosos a la hora de esperar a la primera cita posible para ver a Cleve, Sergi y Saul destilando junto a la mítica Martillo dosis de auténtico punk. Ya sabéis, temas de menos de dos minutos, letales estribillos y un tsunami sónico imparable que hará las delicias de los que busquen la continuación de este legado que disco tras disco nos deja esta banda. Inevitables referencias a Poison Idea, The Stooges, MC5 o incluso unos primigenios Maiden hacen a este For Good obtener un imprescindible hueco entre las mejores referencias salidas en la Península durante este 2014.

Pepinos como ‘Survive!’, con imposibles riffs y solos en menos de un minuto, bofetadas sonoras como ‘I´m Abrasive’ o la redonda ‘For Good’ que da título a este flamante último álbum, mezcladas con cañonazos como ‘Scarwoman’, en el que parece que estuviéramos escuchando a la banda donostiarra La Perrera, o el medio tiempo ‘Road Ahead’, convierten a la formación catalana en una auténtica oda al punk rock, con todas sus derivaciones latentes en este acertado LP que, sin lugar a dudas, tendrá un lugar de honor en nuestra isla sonora con bandera de color negro y que podrás encontrar en www.rtve.es/ banderanegra RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... CLEVE En For Good nos encontramos con una banda mucho más ambiciosa, y sin perder vuestra esencia, con un sonido más trabajado. ¿Qué idea teníais en la cabeza antes de empezar? “Sin duda la esencia es la misma, y la palabra que más se ajustaría quizá sería ‘premeditado’ más que ‘ambicioso’. La diferencia básica con los otros discos es que en éste ya teníamos pensado darle un poco más de importancia a la producción, en cuanto a sonido y mezcla se refiere”. ¿Hicisteis algo de manera distinta a la hora de componer o grabar? “No, en realidad no, excepto ‘Dead Woman’, que es la intro que abre el disco, y que forma parte de una banda sonora que llevo un tiempo elaborando. El resto del álbum ha

seguido nuestra línea habitual, tanto en composición como en maduración, es decir, tocar siempre los temas nuevos en directo antes de grabarlos”. Martillo sigue creciendo como vocalista. ¿Dónde está su límite? “Totalmente de acuerdo. Seguir creciendo; al fin y al cabo, en realidad se trata de eso. Este próximo noviembre, el sábado 22, The Capaces tocaremos en el Speedfest de Eindhoven, uno de los mejores festivales del mundo en su género, y en la promo del mismo califican a Martillo como la voz femenina más feroz de Europa. Son muchos años de trabajo y se nota, y siempre hay margen de mejora. ¡Ésa es la magia! También la banda suena más compacta que nunca, y eso ayuda mucho”. Aunque siempre sacáis discos de mucha calidad, parece que

todavía hay demasiada gente que no os conoce. ¿Qué creéis que os falta para que eso cambie? “(Risas) No sé, dímelo tú… No, en serio, una agencia de management y booking internacional sería un paso importante para la banda. De hecho, es lo que estamos buscando ahora mismo... Tras cinco giras europeas y una por Estados Unidos, tenemos claro que tocar fuera es nuestra mejor baza”. ¿De qué experiencias guardáis mejor recuerdo de las que habéis vivido con el grupo? “¡Los conciertos, sin duda! Más de 600 a lo largo de 15 años. Todos diferentes, excitantes, vibrantes, duros, extraños, impresionantes... Nos han proporcionado la posibilidad de conocer personas de la hostia y tener experiencia”. (JORDI PONS)

críticas

EARTH

Primitive And Deadly (SOUTHERN LORD)

ROCK EXPERIMENTAL

asi 15 años les contemplan, década y media reptando por el underground del metal, donde han ido experimentando y creciendo continuamente, probando sonidos, mezclando conceptos y si me apuras, hasta siendo pioneros a la hora de buscar ese nuevo giro de tuerca en un estilo ya complicado de por sí. Hay que tener mucho talento para cocinar tu propio guiso aglutinando todos los géneros que has ido cultivando a lo largo de tu ya extensa carrera y conseguir tu propia personalidad, aunque como es el caso, haya salido una retorcida pócima de doom, psicodelia, drone y stoner ciertamente difícil de asimilar y con nula salida comercial. Es igual, al trío de Washington poco le importan las grandes audiencias y los

Q WOVENHAND

Refractory Obdurate (GLITTERHOUSE/DEATHWISH) FOLK ROCK

ue la nueva entrega del reverendo Dave Eugene Edwards venga bajo el paraguas de Deathwish no debería ser tan sorprendente a priori. Sin resultar tan extrema a niveles sónicos, la propuesta de Wovenhand siempre se ha caracterizado por su intensidad y oscurantismo aunque fuese vestida de elementos acústicos. Y aun con todo, un disco tan imponente como Refractory Obdurate no podría encajar mejor en esta nueva andadura. Con el anterior The Laughing Stalk, Edwards parecía decidido a enfocar las composiciones

cheques inflados, va a la suya y por lo que sabemos, esta vez han quedado especialmente satisfechos. Después de una larga y lisérgica instrumental marca de la casa, viene la primera sorpresa con la poderosa ‘There Is A Serpent Coming’, una farragosa pieza de puro drone psicodélico y ambiental donde el profundo y diabólico timbre de voz del mismísimo Mark Lanegan aporta un punto blues absolutamente delicioso.

‘Even Hell Has It’s Heroes’ suena fantasmagórica, llena de polvo del desierto y mugre, con la guitarra de Dylan Carlson escupiendo pausados y oscuros solos con sabor setentero sobre una base de lento y pesado doom. Otra de esas instrumentales que ejecutan de manera impecable. Grabado en el Rancho De La Luna, seguramente estemos ante su mejor y más completa grabación.

a lo que suele mostrar sobre el escenario, mucho más crudas y viscerales. Pues bien, tras pulir aristas y dotando a la bestia de una producción más rocosa, ahora la transformación es total, y sin lugar a dudas este séptimo trabajo es lo más inmediato y potente que jamás haya firmado el ex16 Horsepower. Esta vez Dave se sacude los pecados a base de guitarrazos tremebundos vía post punk, donde destacan misiles como ‘Good Shepard’, ‘Field Of Hedon’ (donde por momentos recuerdan incluso a The Cult), una ‘Masonic Youth’ con un cierre descomunal o esa

barbaridad llamada ‘Hiss’, que en directo debe sonar el triple de contundente. También es capaz de encontrar el justo punto intermedio y dar en el centro de la diana con ‘The Refractory’, en la que consigue aunar poderío, misticismo y belleza a partes iguales, para más tarde hacernos entrar en trance como la ritual ‘Obdurate Obscura’. Si escucharlo en casa ya impone, no me quiero ni imaginar cómo debe ser poder presenciar esto en vivo. Seguramente toda una experiencia religiosa que podremos presenciar en su inminente gira por España.

ANDRÉS MARTÍNEZ

GONZALO PUEBLA

TRAGIC VISION Negactivity

(KTC DOMESTIC PRODUCTIONS) HARDCORE

uando te das cuenta de que en este mundo no te puedes fiar ni de tu propia madre, escuchar discos como éste y sacar toda la rabia acumulada en tu interior puede resultar la salvación. Try to escape from this place. ¡Joder! Pero, ¿de dónde ha salido esta gente? De Gijón y de Avilés, cinco años ya tocando bajo el nombre de Tragic Vision. Sólo un EP publicado antes de este Negactivity, y han conseguido parir la media hora de hardcore más excitante del año (y eso que faltan todavía unos cuantos meses para la puta navidad): rápido, enérgico,

brutal, furioso, negativo, metálico, doloroso y muchas cosas más. There is no shelter, a place that I called home. Javier Sampedro varía los registros vocales a su antojo: ahora chilla, después algunos graves, a continuación un registro más gutural, y luego vuelve a chillar; espeluznante. La intro de ‘Brand New Shit’ ya presagiaba algo especial, cuando parece que el equipo de rugby de los All Blacks de Nueva Zelanda vaya a abalanzarse sobre ti con sus cánticos y danzas maoríes. Nowhere to hide, no one to trust. ¿Necesitáis referencias de su sonido para atreveros con Tragic Vision? Apunto un par o tres, va: Comeback Kid, Converge y, un poco más cerca, los tristemente disueltos Read My Lips. Por cierto, muy sutil la puya a Terror de la primera frase del disco y gran cierre con la única canción de este trabajo cantada en castellano, ‘Engullidos Por El Vacío’. This is all you have. Las cosas claras: ésta no es la juventud del Papa. JORDI FORÉS

EMPTY

Etica Profana Negativa (OSMOSE PRODUCTIONS) BLACK METAL

ormal que Osmose se pusieran las manos a la cabeza al oír Etica Profana Negativa, el cuarto álbum de los zaragozanos Empty. En resumidas cuentas, para ellos debió ser como reencontrarse con toda esa gran ola de black metal escandinavo que, como sello, ayudaron a popularizar en los 90. Porque la nueva invocación de Empty es descorazonadora, fría y solitaria como una noche de invierno sin luna, repleta de indecibles secretos contados a través de tormentosas posesiones. Personalmente, y aunque mucho más

encarado al depressive black, este disco me ha recordado a los primeros Emperor si les eliminas toda luminosidad épica, y ahí es donde entra Javi Félez, renombrado productor extremo que consigue cualquier sonoridad arcana que le pidas. He trabajado con él y, creedme, sé de lo que hablo. Estamos pues ante una obra coral donde el crepitar de la guitarra en ‘…And Also Misery’ ya aterra, preparando el terreno a la magistral ‘Terrifying Lucidity Of The Wakefulness’, pero como también demuestran las excelentes ‘The Funeral Song Be Sung’ y ‘Born Under The Sign Of A Moribund Star’, aquí hay muchísimo más que blasts a piñón o riffs lo más raw posibles. Empty encierran un talento compositivo fuera de lo común, y la moribunda ‘Kind Solace In A Dying Hour’ o la demoníaca ‘The Deepest Void’ lo siguen atestiguando con creces. Una de esas obras que demuestran que el black metal es mucho más que un estilo musical. PAU NAVARRA 93

críticas

INTERPOL El Pintor

(MATADOR/PIAS) INDIE ROCK, POST PUNK

nterpol llevaban cuatro años sin editar disco y siete desde el último que servidor hubiera querido escuchar viniendo de ellos. Y en una coyuntura así, y tras la marcha del bajista Carlos Dengler (a quien el batería Sam Fogarino describió como “una parte enorme del sonido Interpol”), este quinto álbum suponía un gran riesgo: quedar enterrados para siempre, o intentar renacer de sus cenizas. Y seguramente no ha pasado ni una cosa ni la otra. Mejorar el homónimo Interpol (2010) no parecía muy difícil, y eso lo han hecho

de sobras: canciones como ‘All The Rage Back Home’, ‘Anywhere’ o ‘Everything Is Wrong’ recuperan la chispa perdida en el disco precedente, y pueden llegar a recordar de lejos a los Interpol de sus brillantes inicios. Pero, tampoco nos engañemos: ninguna de estas canciones llega a hacer sombra a grandes clásicos de la banda como ‘Slow Hands’, ‘Evil’, ‘Obstacle 1’… y el álbum como conjunto queda lejos del nivel de los tres primeros. Producido por la misma banda, mezclado por Alan Moulder (Arctic Monkeys, NIN, The Killers, Smashing Pumpkins…) y con el cantante Paul Banks al bajo, el disco juega en el título con un anagrama del nombre de la banda neoyorquina. Y seguramente el álbum en sí también lo es: ahora cojo esto y lo pongo aquí, ahora muevo esto de sitio y lo coloco diferente… así que no te extrañe si El Pintor te suena a Interpol, aunque sientas claramente que donde esté lo original, no hay cambio que valga. IGNASI TRAPERO

EMPRESS AD

Still Life Moving Fast (ROADRUNNER/WARNER) POST HARDCORE

i disfrutas los últimos derroteros de Mastodon y echas de menos los viajes espaciales de Cave In, hazte un favor: busca Still Life Moving Fast de Empress AD y dales una escucha con un volumen generoso. De nada. Ahora no te dicen absolutamente nada, pero aparecerán a final de año entre las bandas revelación del 2014 si los señores de Roadrunner mueven como saben este extraordinario debut, una suerte de post hardcore ambiental con un especial gusto por los desarrollos progresivos de unos King Crimson y Pink Floyd que bien podrían ser sus abuelos. En

ese abismo temporal, entre la tralla más actual y unos detalles más bien clásicos, la banda de los hermanos Alex y Ollie Loring se muestra muy cómoda y derrocha un buen hacer alucinante, impropio para su corta edad e inexperiencia. Porque saben enseñar los dientes y provocar el headbanging, pero también facturan pasajes sosegados de una belleza espeluznante. En el primer grupo destacaría el riff matador de ‘Invisible Conductor’, la épica rabiosa de ‘Deeper In Disguise’, que parece cantada por el mismísimo Jamie Lenman, y la melódica pero intimidante pieza heavy titulada ‘Blurred Perception’. En cuanto a los momentos atmosféricos, Empress AD no tienen rival con temas como ‘Delve Into The Retrospect’, una pieza digna del primer volumen de esa sobrada llamada The Alchemy Index de Thrice con un final de infarto, o la caricia con trampa que es ‘From Where I Cannot Reach’, una pieza donde juegan con tu vida con la ayuda de unos cuantos pedales y muy malas ideas. Serán grandes. Primer aviso. LUIS BENAVIDES

Blind Rage (NUCLEAR BLAST) HEAVY METAL

ada uno tendrá sus preferencias, pero lo que está claro es que, desde el retorno de Accept en 2009, tanto Blood Of The Nations, como Stalingrad y el presente Blind Rage, son tres discazos de bella factura metalera. Y eso que yo mismo fui reticente a la resurrección de tan mítica banda sin su vocalista de siempre, pero tras cinco años, Mark Tornillo ha demostrado sobradamente que es el sustituto perfecto de Udo Dirkschneider, no sólo clavando su timbre, sino aportando carisma y buen hacer a la ya suficientemente reputada formación. ‘Stampede’ y

‘Dying Breed’ nos devuelve a unos Accept exultantes, con sus inconfundibles guitarras subiéndonos el ánimo, pero ‘Dark Side Of My Heart’, ‘Fall Of The Empire’, ‘Trail Of Tears’, ‘200 Years’, ‘From The Ashes We Rise’ o ‘Final Journey’ nos demuestran que estos teutones son únicos en esto de practicar heavy metal, y que su estilo se mantiene en plena forma casi cuatro décadas después. Incomprensiblemente, un temazo como ‘Thrown To The Wolves’ sólo aparece como bonus en países como Japón, y es que éste bien podría haber entrado en el track final sin problemas. Sobrándoles material con tanto potencial, si algo reitera Blind Rage por tercera vez consecutiva es que la genialidad de Accept siempre ha residido en los cerebros del bajista Peter Baltes y, sobre todo, del guitarrista Wolf Hoffmann. A ver quién es el listo que pide ahora la vuelta de Udo… Parece que conozcan el secreto de la inmortalidad, que hayan bebido del mismísimo Santo Grial. PAU NAVARRA

HELLTRIP Extinción (CLIFFORD) HARD ROCK

os cambios y problemas que nos comentaba la banda en la entrevista que les hicimos el mes pasado han hecho que hayan pasado cuatro años desde su última referencia. Pero tranquilos, los asturianos han dado un puñetazo encima de la mesa y superando todos los obstáculos, nos han entregado un nuevo catálogo de poderoso y musculado rock´n´roll. A lo largo de su ya dilatada trayectoria se han movido entre diferentes palos, pero siempre con el sonido de guitarras bien presente, ya fueran composiciones que se acercaban al high energy escandinavo, al hard rock enguarrado en

decibelios o el punk rock de alto octanaje, su estilo siempre ha estado claro y ahí siguen, reventando amplis con sus certeros pelotazos de crudo rock´n´roll. Después de unas cuantas escuchas el tema título se te clava como un puto estilete en el cerebro gracias a su obsesivo riff y su persistente ‘estribillo’. Antes de eso ‘Cuchillo’ ya nos había hecho abrir nuestros oídos con un temazo que irremediablemente nos recordaba los primeros discos de bandas como Gluecifer o Hellacopters, puro powerage rock´n´roll donde una vez más, las guitarras te destrozan. Los watios descontrolados siguen inundando los altavoces, a veces de manera más sutil (‘Te Perseguiré’ suena más hard incluyendo esos pegajosos coros), otras a todo trapo (‘Los Buitres’ es una patada punk en la boca del estómago), pero siempre logrando esa melodía, ese estribillo (escucha ‘C´mon Yeah’ y flipa), ese riff que hace que estos temas brillen con luz propia. Gran retorno, la espera ha valido la pena. ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas

THE SHIPS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Dani Llamas (voz, guitarra), Juan Ewan (bajo, voces),

Paco Loco (guitarra) PRODUCIDO POR: Paco Loco AFINES A: Teenage Fanclub, The Posies, The Jayhawks PÁGINA WEB: www.facebook.com/theshipsmusic

D The Summer Of Our Lives (MIEL DE MOSCAS) POWER POP

on’t need hipsters at my shows”, repite Dani Llamas en el estribillo de ‘Hipster’, el tercer tema del debut de The Ships. Toda una declaración de principios que el cantante de G.A.S. Drummers lleva demostrando con hechos a lo largo de toda su carrera. Quizá por eso no ha tenido ningún problema en asociarse con su viejo amigo Juan Ewan, aunque toque en una banda tan poco cool como El Sueño De Morfeo, para junto al productor Paco Loco formar un nuevo proyecto en el que da rienda suelta a su vena más power popera. Dani es una auténtica mina a la hora de hacer temas y es una suerte que tenga la energía suficiente para

encontrarles un hogar fuera de su banda. Hubiera sido una auténtica lástima que esta docena de preciosas canciones hubiesen quedado archivadas como maquetas sin pulir. En lugar de eso tenemos un álbum en toda regla, en el que las melodías, las armonías vocales y las guitarras de doce cuerdas son las protagonistas. Si se quiere puede ser visto como un mero ejercicio de estilo, como un homenaje a algunas de sus bandas favoritas o un simple divertimento, pero nada de eso debería ser visto de manera peyorativa escuchado el resultado final. ‘Want’, con un delicioso punteo muy The Byrds, brilla con la luminosidad de los mejores Teenage Fanclub,

‘Second Hand Store’ es un recuerdo a bandas olvidadas y al amor por la música en general; ‘Telephone’ ofrece esa mezcla de pop y americana que tan bien manejan The Jayhawks, ‘Who?’ es un ataque de lo más pegadizo quizá a alguna estrella del indie español a la que se le han subido los humos, en el que le dicen que no quieren formar parte de su circo, y en ‘I Got Lost’ se disfrazan de Beach Boys con unos coros muy californianos. Son sólo algunos ejemplos de lo que encontrarás aquí. Y para acabar, una petición: ¿Por qué no invitan para el siguiente también a Eric Fuentes? JORDI MEYA

HABLAMOS CON... DANI LLAMAS ¿De qué os conocías los tres? “Conozco a Juan desde el primer concierto que hicimos G.A.S. Drummers en Madrid, en mayo del 99, en Ritmo y Compás, cuando íbamos de gira con Randy y Amphetamine Eaters. Un poco más adelante estuve grabando voces en el primer disco de Hard Ups, la banda de hardcore de Juan, que sacaron disco con Slide Chorus. Al tiempo empezamos a mandarnos ideas que hacíamos en casa y fuimos completando canciones. Llegado el momento, allá por 2010, teníamos un buen saco de material. La idea de ir a grabar con Paco era algo totalmente consensuado. A Paco le conozco desde el año 97, tenía yo 17 años cuando fui a grabar por primera vez a su estudio en El Puerto”. ¿Teníais claro que queríais hacer algo en plan power pop? “Al principio era muy emo todo lo que nos mandábamos Juan y yo. Piensa en Mineral, o incluso en los primeros discos de Sunny Day Real Estate. Con

el tiempo todo se fue volviendo más luminoso, y para 2010 estaba claro que The Ships iba a ser un proyecto de

creo que estuve bastante inspirado en este periodo de tiempo para sacar buenas melodías y buenos temas, en

power pop. Muchas de las canciones eran descartes de mi primer disco en solitario, pero que quedaban un poco más arriba, y que tampoco formarían parte de un disco de G.A.S. Drummers. Juan también consiguió esconder la melancolía asturiana y sacar canciones muy luminosas”. ¿En qué dirías que se nota más la mano de cada uno? “Juan tiene bastante desarrollado un sentido para saber por dónde tienen que ir las canciones. Tener ese sentido es algo muy difícil. Hacer canciones con él es algo muy espontáneo, y muy fácil. Es casi magia. De Paco no puedo decir mucho más de lo que siempre digo... Es un genio, cuando crees que llevas una canción muy cerrada, él siempre encuentra el hueco para abrirla más y conseguir más de ella. Su parte en este proyecto es clave, vital. Y yo, bueno,

general. Ésa es mi humilde aportación”. ¿Alguna esperanza de que los fans de El Sueño De Morfeo se interesen por el grupo? “Conozco a Juan desde hace mucho tiempo, desde antes de que entrara en El Sueño. Sé que es su curro, un curro mucho más digno que otros. No puedo hablar someramente sobre los fans de un grupo, pero en la industria musical, la poca esperanza radica en los gruposllave. El hecho de que Juan toque en un combo que suena en los circuitos comerciales igual hace que los fans más curiosos se interesen por The Ships. Y que ése sea el principio de un viaje de buceo hacia un mundo de músicas mucho más complejo y extenso que el que aparece en Los 40 Principales, o que suele estar ligado a marcas que poco tienen que ver con la cultura”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

SLASH FEATURING MYLES KENNEDY & THE CONSPIRATORS World On Fire

(ROADRUNNER/WARNER) HARD ROCK

lash nunca ha dejado de ser un guitarrista fuera de serie. Myles Kennedy es un cantante excepcional. Que sus caminos se cruzaran fue una buena noticia y en este segundo álbum que han hecho juntos, en compañía de The Conspirators, la sociedad ha dado lo mejor de sí. World On Fire es un disco ambicioso, tanto en su extensión (17 temas en 77 minutos) como en su diversidad. En él encontramos temas con vocación de arena rock (‘World On Fire’, ‘Too Far Gone’, ’30 Years To Life’), baladas y medio tiempos

(‘Bent To Fly’, ‘Battleground’), exhibiciones instrumentales (‘Safari Inn’) y también épica (‘Beneath The Savage Sun’, ‘The Unholy’). En todos ellos exhiben un gran nivel y, desde luego, quien disfrute de los solos de Slash, aquí tiene un filón. Sin embargo, le falta actitud, suciedad, macarrismo. Porque ¿es posible hacer un disco de hard rock que sea relevante en el siglo XXI? Musicalmente es posible que sí, pero la esencia misma del género parece tan fuera de lugar en el contexto actual que a menos que seas un bala perdida como Michael Monroe o adoptes una actitud totalmente irónica, al estilo de Steel Panther, difícilmente funcione. Al último disco de Aerosmith me remito. Con eso no quiero decir que Slash o Kennedy no crean en lo que hacen, seguro que sí, pero creo que para el público, e incluso para muchos músicos, resulta difícil empatizar con un estilo que en su origen está tan conectado a los excesos de los 80, y en definitiva, a un mundo que ya hace mucho que dejó de existir. JORDI MEYA

BIG DEAL Sakura EP (MUTE) INDIE ROCK

os son pareja y tres son multitud. Bajo esta premisa, y porque parece que los dúos han caído en gracia, están viendo la luz una infinidad al más puro estilo The White Stripes. Como la exbanda de Jack White, o los más recientes Blood Red Shoes, los Big Deal son además un chico y una chica. En su caso, ambos cantan y tocan la guitarra, y sólo en el estudio y en algunos directos se dejan acompañar por un par de amigos de confianza. La química entre el californiano Kacey Underwood y la londinense Alice Costelloe es la gran baza de una formación musicalmente

discretita con destellos de inspiración. Su segundo y más redondo trabajo hasta la fecha, June Gloom, publicado a mediados de 2013, es altamente disfrutable. Con ayuda de Rory Attwell de los Test Icicles les quedó un trabajo de indie rock con pasajes de fantasía y ecos noventeros la mar de resultón. Hace unas semanas sacaron un brevísimo EP de cuatro temas titulado Sakura, y no es fácil emitir un veredicto. Mientras en el primer tema, ‘Talk (Reprise)’, están a punto de destrozar con una base excesivamente repetitiva el tema original, publicado en su largo debut de 2011, en la delicada ‘Always Boys’ la guapísima Costelloe saca sus mejores armas vocales y convencen con una suerte de dream pop con final feliz de explosión guitarrera. Luego llega el turno de ‘Sakura’ y ‘Figure It Out’, con una actitud loable pero sin destacar en ningún aspecto. Y me quedo a medias. Quizás con sacar el single ‘Always Boys’ habría sido suficiente. En cualquier caso, tomad buena nota de su nombre porque apuntan alto. Tiempo al tiempo. LUIS BENAVIDES

PL GIRLS

Vamos A Arder (DISCOS SIRENAS) ROCK

uchos cambios han contemplado la banda madrileña desde que lanzaran en 2012 su esperanzador debut. Uve, su vocalista, dejó la banda, pasando la guitarrista Ashen a asumir las tareas vocales y, además, en esta segunda entrega se han lanzado al castellano desdeñando el inglés de manera definitiva, pero por lo demás, todo sigue igual en el seno de este cuarteto, que ha seguido adelante esquivando los problemas con gran madurez. Una madurez que se ve confirmada en los diez cortes

que conforman este segundo asalto, donde inciden en esa efectiva mezcla entre el poderío del hard rock, la sencillez e inocencia del glam y el descaro y la inmediatez del punk. Más contundentes y asalvajadas, pero a la vez más certeras que nunca, las cuatro amazonas abrazan la suciedad y simplicidad del más genuino rock´n´roll en lo sonoro, pero sus textos van más allá del simple cliché, y temas como la muerte o la reafirmación personal son las protagonistas en la lírica del grupo. Desde temas más blueseros y sutiles como ‘Infierno’ hasta pildorazos ultra directos como ‘Sirenas’, pasando por trogloditas ejercicios de garaje como ‘Hey Hey Hey’ o zarpazos de oscuro hard rock como ‘Soma’, hacen que Vamos A Arder sea un completísimo catálogo de excelente rock´n´roll, del de verdad, del que está tocado con el corazón y las pelotas (aunque en su caso no esté muy acertado el término), y encima en directo lo petan. ANDRÉS MARTÍNEZ

TRIGGER TRAVIS Nada Cambia (KTC/LENGUA ARMADA) ROCKIN’ HARDCORE

amos a ver, Trigger Travis: en vuestro anterior disco The Zoo, publicado en 2007, cantaba una chica que se llama Marga, lo hacía única y exclusivamente en inglés, el sonido del CD era poco más que correcto y, encima, vuestra música tiraba más hacia el punk; ahora habéis fichado a Alberto de las Heras (Fallen, Crickbat, entre otros) para que se ocupe del micrófono, canta en castellano los once temas de vuestro segundo trabajo, el sonido del CD es atronador y vuestra música se decanta hacia el rockin’ hardcore. Teniendo

todo esto en cuenta, ¿va y tituláis el nuevo álbum Nada Cambia? En fin, lo que no cambia es lo que os cabrea de este mundo: la fiesta de la democracia, que el Tribunal de La Haya juzgue asesinos cuando ya es demasiado tarde, los sindicatos que se venden por una subvención, los dinosaurios del rock, esos elementos de la coerción que son los polis, la esclavitud animal, etc. Vuestras letras no son muy largas pero constituyen críticas sutiles a lo que no funciona; además, se agradece el breve texto explicativo en inglés y euskera debajo de cada letra. Enhorabuena porque habéis conseguido que vuestro trabajo se pueda escuchar entero, desde ‘Preguntas Sin Respuesta’ hasta ‘Tormenta’, sin notar altibajos gracias a la combinación de registros desgarrado/melódico de la voz, los juegos entre guitarras y esos máquinas que forman la sección rítmica. Vamos, de notable alto, y deseo que poco (o nada) cambie para el próximo disco. JORDI FORÉS

cr í ticas

J MASCIS

Tied To A Star (SUB POP)

ROCK

Mascis ha estado involucrado en mil proyectos en su extensa carrera musical, pero con el permiso de Dinosaur Jr., la otra faceta que más me llega son sus discos en solitario. El anterior Several Shades Of Why (2011) ya era una joyita con momentos deliciosos, y Tied To A Star vuelve a ser un estimulante viaje para los sentidos. Y no es que Mascis invente nada, pero desprende sensibilidad por los cuatro costados (‘Me Again’, ‘Wide Awake’, ‘Trailing Off’…), lo acompaña con sencillas pero efectivas melodías (‘Every Morning’), y lo adereza mayoritariamente con guitarras acústicas, algún que otro riff eléctrico muy de su vena dinosáurica, y esa inconfundible voz amarga que duele sólo de oírla (‘And Then’, ‘Come Down’…). Autoproducido por él mismo,

BRAWLERS

I Am A Worthless Piece Of Shit (ALCOPOP)

PUNK POP

100

i verano fue un poco más divertido cuando cayó entre mis manos el disco de los debutantes Brawlers, una banda que parece de nuevo cuño pero cuyos miembros vienen rodados tras tocar en Leftlover Crack, Castrovalva o Dinosaur PileUp. Su EP presentación consta de seis temas despachados en apenas 15 minutos, tan ligeros como ultrapegadizos. La saltarina y facilona ‘Mothers & Fathers’ recuerda a los últimos Everclear, con un estribillo incontestable, directo al cerebelo, tremendamente adictivo. Su punk pop desvergonzado,

J Mascis se ha acompañado también de cómplices de lujo: Chan Marshall (Cat Power) le pone la voz femenina en la sobrecogedora ‘Wide Awake’, Pall Jenkins (Black Heart Procession) toca la guitarra en esa misma canción y en ‘Me Again’, y también pone voces en ‘Every Morning’ y ‘Trailing Off’; Mark Mulcahy (Miracle Legion) también hace coros en ‘Every Morning’ y en ‘And Then’; y en la mitad

de las diez canciones el piano es de Ken Maiuri (quien había tocado en la banda de acompañamiento del entrañable coro de ancianos Young @ Heart, ilustrado en el documental de mismo nombre). Como en su anterior disco, los preciosos e intrigantes dibujos de la portada corren a cargo de Marq Spusta, poniéndole el lazo a un gran regalo para los poros de tu piel.

irreverente y deslenguado encuentra en ‘Instagram Famous’ otro momento de genialidad, una colleja para los amantes del selfie. Con piezas como ‘No Sweat’ podemos emparentarlos con los anteriormente citados Dinosaur Pile-Up, tan de moda últimamente, y con ‘Heart Attack’, con un sonido musculoso, tres cuartos de lo mismo. Sin complicarse la vida, sacando partido a los cuatro acordes básicos pero tocados con energía. Se esmeran en ‘Baudelaire’, donde sobresalen unos coros muy bien metidos y unas guitarras agonizantes deudoras de

los omnipresentes Nirvana; y rematan con la genial ‘I Am A Worthless Piece Of Shit’, con una parte final inexplicable. Ni caso a la falsa modestia que apuntan estos chavales de Leeds en el título de su primera referencia, auspiciada por el sello Alcopop, porque aquí hay canciones. Y no quisiera cerrar esta crítica sin hacer una mención al trabajo de su cantante, el fiera Harry George Johns, un frontman de los que ya no quedan, con un empuje contagioso y una variedad de registros alucinante. Mi nueva banda de punk pop favorita.

IGNASI TRAPERO

LUIS BENAVIDES

THE VASELINES V For Vaselines (ROSARY MUSIC)

INDIE POP

eguramente la historia de The Vaselines habría acabado a finales de los 80 si no hubiera sido por Kurt Cobain. Los repetidos elogios hacia la banda escocesa y el haberle versionado tres temas les convirtieron en banda de culto y provocaron la reedición de sus canciones (tan sólo habían editado dos EPs y un único disco), y que la banda se reuniera tras veinte años separados. Su vuelta con Sex With An X (2010) fue una grata sorpresa, y este tercer disco les vuelve a revelar como unos notables creadores de melodías infalibles. El mismo

Eugene Kelly decía que sólo es capaz de componer grandes canciones cuando se junta con Frances McKee, y lo cierto es que el dueto chicochica, en su caso, funciona a la perfección. V For Vaselines empieza fuerte con la muy surfero-ramoniana ‘High Tide Low Tide’. Pero es que en los 34 minutos que dura el álbum pasean por el ‘twee-pop belle&sebastiano’ (‘Single Spies’), por el britpop a lo Sleeper o Echobelly (‘Number One Crush’, ‘The Lonely L.P.’…), por las girl bands de los 50 (‘Ink Lies’) o por el garaje pop reverberado de los Raveonettes (la final ‘Last Half Hour’). Y todo esto sin dejar de hacer sentir su sello personal, esos diálogos cantados entre el uno y la otra, y esos estribillos que se meten en la cabeza y te estiran las comisuras de los labios hacia arriba. Colaboran en el álbum miembros de otras bandas escocesas como Belle & Sebastian, Teenage Fanclub o The 1990’s. De aquellos discos frescos y chispeantes que entran solos, sin necesidad de vaselina… IGNASI TRAPERO

CANNIBAL CORPSE A Skeletal Domain (METAL BLADE)

DEATH METAL

arece ser que, a diferencia de otros muchos estilos y pasando por alto el ultraje de Morbid Angel, las bandas clásicas del death metal han comprendido que, si sus fans les han sido leales durante décadas, es precisamente porque esperan algo muy concreto de ellos. Así pues, sin experimentos extraños o giros incomprensibles, en los últimos tiempos hemos asistido a un auténtico festival de discazos por parte de los grandes nombres de siempre, y Cannibal Corpse no han sido una excepción. Tras

unos Evisceration Plague y Torture intachables, que renovaron totalmente la fe hacia los de Buffalo e incluso se colaron en las listas Billboard, Cannibal Corpse retoman ahora la senda discográfica con A Skeletal Domain, un álbum que si bien no se muestra tan vigoroso como los predecesores citados, sí en cambio aporta suficientes alicientes como para ser altamente disfrutado. La estampida ‘High Velocity Impact Spatter’ tiene su réplica en ejecuciones sumarísimas como ‘Kill Or Become’, pero sacrificando la velocidad en varios temas, Rob Barrett y Pat O’Brien han hecho especial hincapié en adornar sus guitarras con, aparte de riffazos, nutridos solos y arreglos (‘The Murderer’s Pact’), mientras que el bajo en primer plano de Alex Webster es una cuchillada tras otra. Tras 13 discos de estudio y con canciones como la propia ‘A Skeletal Domain’, Cannibal Corpse aún saben cómo meterte el miedo en el cuerpo. PAU NAVARRA

101

WOLF

Con su séptimo álbum, Devil Seed, los suecos Wolf se han aventurado a salirse del camino trazado hasta ahora para acabar en el mismo sitio. Es lo que tiene amar el heavy metal por encima de todo. Texto: Jordi Pons FotoS: DR

ucho antes de que el revival del heavy metal estuviera en boga con bandas como Bullet o Enforcer, Wolf ya vivían con el lema “Real metal for true bastards” grabado a fuego. Las miradas de escepticismo, cuando no directamente de desprecio, que recibían a finales de los 90 se han convertido con el tiempo en reconocimiento por haber sido de los primeros en recuperar un estilo por entonces denostado. Pero los años han pasado y ahora Niklas Stålvind

102

(voz, guitarra), Simon Johansson (guitarra), Anders Modd (bajo) y Richard Holmgren (batería) no se conforman simplemente con rendir homenaje a sus héroes de adolescencia, sino que desean, aun manteniéndose fieles a sus orígenes, dejar su propia impronta. Devil Seed (Century Media), su séptimo álbum, es justo eso. Una proyección del heavy metal hacia el futuro partiendo del pasado. “Yo no estaba en el grupo hasta hace cuatro años, pero no creo que quisiéramos acabar con lo que habíamos hecho

antes, sino que fuera una evolución natural”, nos dice Simon Johansson. “Posiblemente tenga mucho que ver con el hecho de que contribuí a la composición y aporté mis ideas. Otra razón puede ser que seamos un poco mayores y, sin que queramos hacer algo más maduro, sí que queríamos que cada canción tuviera su propia alma. La mayor preocupación era hacer buenas canciones, no centrarnos tanto en la técnica. Creo que todos disfrutamos mucho yendo en esta dirección. Además, el disco suena

WOLF podía dar pie a malentendidos. Pero este grupo siempre ha hecho lo que ha querido sin pensar en las modas o si la gente piensa que somos idiotas (risas). Tocamos la música con la que disfrutamos”. Si ellos mismos se han encargado de proyectar una imagen de vivir por y para el heavy metal, el guitarrista reconoce que tampoco es “Este grupo siempre que sean unos enfermos ha hecho lo que ha que se pasan las 24 horas querido sin pensar escuchando a Iron Maiden, en las modas o Saxon y Judas Priest. “Persosi la gente piensa nalmente escucho de todo. que somos idiotas” Cuando tocas metal todo el SIMON JOHANSSON día tienes esa música en la cabeza, así que es refrescante escuchar otras cosas. Mientras tenga calidad no increíble gracias a la producción de me importa si es heavy metal Jens Bogren”. o Michael Jackson. Y por mi estudio Simon niega que su intención fuera pasan grupos que no tienen nada que distanciarse de la cantidad de bandas ver con el metal. Pero naturalmente, que ahora reivindica el heavy clásico, llevo el heavy metal en mi corazón”. pero reconoce que algunas cosas sí Otro elemento ligado a la repuhan cambiado dentro del grupo. “Con tación de la banda es que les gusta mi entrada todo se ha vuelto más serio, casi tanto beber como tocar. Mientras más centrado”, asegura. “Por lo que otros grupos han lanzado su marca de me decía Niklas, al principio no se les cerveza, ellos han ido un paso más tomaba muy en serio, fue duro porque allá y cuentan con su propia absenta. la gente no entendía lo que hacían. “En nuestro último disco teníamos una Y también es que el directo del grupo canción llamada ‘Absinthe’ porque era bastante desmadrado, así que eso a Niklas y Anders les gusta mucho”,

nos cuenta sobre cómo surgió la idea. “Una destilería sueca empezó a fabricar su propia absenta y la novia de Anders contactó con ellos y les habló de la canción. De inmediato nos propusieron hacer una absenta nueva e involucrarnos en su creación. Fuimos a su destilería y fuimos probando distintas variaciones. Nos mandaron media botella, una especie de muestra, y nos encontramos en mi casa. A todos nos gustó mucho y cogimos un buen ciego, así que dimos el visto bueno para que la empezaran a producir (risas)”. Pero la línea de productos no musicales no acaba ahí, y si lo deseas en sus conciertos también puedes adquirir una botella de salsa picante. “La idea salió mientras estábamos de gira con Firewind. Tocamos en Viena y mientras estábamos tomando una cerveza un tipo vino y nos dijo que tenía un amigo que vendía salsa picante y que estaba buscando una banda de heavy metal para poner su nombre en una salsa. Nos pareció una idea genial porque es algo distinto. Además, a todos nos gusta la comida picante. Contactamos con él y acabamos haciéndolo. Yo hice el diseño de la etiqueta. No sé si la has probado pero es muy, muy fuerte. A su lado el tabasco es como agua (risas). Sólo puedes usarla mientras cocinas, no directamente en el plato porque podría matarte (risas)”. 103

ROCK AL PARQUE 2014 Texto: Jordi Meya Fotos: Angélica Vargas

MÚSICA POPULAR

ANTHRAX

120

Con motivo del 20 aniversario de Rock Al Parque, el festival más grande de Sudamérica, RockZone fuimos invitados a vivir la increíble experiencia sobre el terreno y participar en un foro sobre periodismo musical en la ciudad de Bogotá. 87 actuaciones de lo más eclécticas y el rugir de más de 100.000 personas pusieron la banda sonora.

KILLSWITCH ENGAGE

on las seis de la mañana del 15 de agosto y me despierto con calambres en manos y piernas, desorientado y con la cabeza dándome vueltas. En otra situación podría achacarlos a algunos excesos nocturnos, pero no es el caso. Ahora lo recuerdo. Estoy en la habitación de un hotel a miles de kilómetros de casa, y soy víctima de... A) el jet lag por las siete horas de diferencia horaria respecto a España y, B) el mal de altura, dado que la capital de Colombia se encuentra a 2.500 metros por encima del nivel del mar. ¡Bienvenidos a Bogotá! Lo primero que uno descubre es que en estas latitudes amanece muy temprano, sobre las cinco y media y que antes de las seis de la tarde ya es de noche. Eso explica que cuando miro por la ventana vea un atasco

en una de sus avenidas principales digno de la hora punta en cualquier capital española. Poco a poco voy recuperando flashes de lo sucedido el día anterior... ¿O todavía es hoy? La primera toma de contacto en el aeropuerto El Dorado fue un tanto surrealista. Tras ser recibido por los súper atentos Alejandro y Jorge de la organización, me informaron de que íbamos a esperar a otro de los invitados del Foro De Periodismo Musical que se celebra por segundo año coincidiendo con el festival. Ni más ni menos que Eddie Trunk, el célebre DJ norteamericano y presentador del programa That Metal Show de VH1. Por lo visto, Eddie es toda una celebridad en Sudamérica y pronto lo compruebo cuando varios fans se acercan para pedirle autógrafos y hacerse fotos

LA PESTILENCIA

como si fuera una auténtica rock star. La sensación se acentúa cuando un policía motorizado, requerido por su mánager, nos hace de escolta hasta llegar al hotel, situado en frente de la embajada de Estados Unidos. Está claro que todos los extranjeros que llegamos a Colombia por primera vez todavía estamos imbuidos por la cantidad de noticias, casi siempre negativas, que hemos recibido durante años a través de los medios de comunicación. Por lo que nos contaban, casi parecía inevitable que durante nuestra estancia fuéramos a ser secuestrados, extorsionados o víctimas de un tiroteo entre la policía y miembros de un cártel. Y desde luego, puede que hace años viajar ahí fuera arriesgado, pero afortunadamente para sus ciudadanos, la situación ha dado un gran giro. En los cinco días

105

BLACK LABEL SOCIETY que estuve no viví ni una sola situación que pudiera considerar peligrosa… más allá del temerario estilo de conducción de algunos taxistas. Sigue habiendo barrios que te aconsejan no pisar, pero lo mismo que haríamos nosotros con alguien que visitase Madrid o Barcelona. En todo caso, los ecos del pasado se notan en la gran presencia policial que observas por todas partes y en algunas de las terroríficas historias que te cuentan quienes las vivieron. Teniendo en cuenta el complejo contexto político y social que ha vivido Colombia durante décadas, todavía resulta más insólito que una iniciativa como Rock Al Parque no sólo naciera, sino que haya logrado sobrevivir hasta celebrar este 2014 su vigésimo aniversario.

i algo me queda claro es que Rock Al Parque es más que un festival; es un símbolo. Un evento del que los bogotanos hablan con orgullo y cuya evolución explica, en cierta manera, la propia transformación que ha vivido la ciudad y el país. Organizado por diferentes entidades gubernamentales y de carácter gratuito, Rock Al Parque ha servido además como estímulo para crear otros eventos similares como Ópera Al Parque o Jazz Al Parque, que dinamizan la oferta cultural de la ciudad. Ello explica que a pesar de los cambios de color en el partido político de la alcaldía, la apuesta por el festival siempre haya sido firme. Desde luego, la respuesta del público es inmejorable y el gigantesco Parque Simón Bolívar acogió una media de 130.000 asistentes por día con un

106

cartel formado básicamente por artistas nacionales y salpicado por algunos nombres de fuera de sus fronteras. También de nuestro país. El año pasado actuaron Vita Imana, y en esta edición fueron Muchachito Bombo Infierno y Guadalapute Plata los que ejercieron de embajadores. Otra cosa que me queda clara después de mi estancia es que a los colombianos les encanta la música, y en especial el metal. Hay muchos números que si entablas conversación con cualquier tendero, camarero o taxista acabes descubriendo que son fans a muerte de Ozzy, Metallica o Pantera. Y probablemente, el 80% de las bandas locales practiquen una rama u otra del metal. Y al contrario de lo que ocurre en España, aquí al poder público no le da miedo programar a grupos que tocan a todo volumen, y si lo tienen, se aguantan. Si en ediciones anteriores uno de los tres días del festival estaba íntegramente dedicado al metal, en la de 2014 optaron, a mi criterio de manera acertada, por mezclar todos los géneros indistintamente. Aun así, los grandes reclamos internacionales recaían en bandas como Exodus, Soulfly o Anthrax. Sobre el papel, y desde nuestra perspectiva, puede resultar extraño que bandas que aquí actuarían en salas de capacidad media sirvan como anzuelo para convocar a tanta gente, pero como decía antes, Rock Al Parque sobrepasa lo musical y su celebración es un punto de encuentro y un modelo de convivencia para los jóvenes de toda la región. El festival también sirve como epicentro de actividades paralelas

como talleres musicales, con invitados como el productor danés Tue Madsen, encuentros entre bandas y promotores foráneos o el foro de periodismo al que fuimos invitados. El auditorio de la biblioteca Virgilio Barco sirvió el día 15 como escenario para que colegas de profesión venidos de Chile, México y Argentina y un servidor habláramos sobre cuestiones como el papel del crítico musical en la actualidad o la revolución digital

acceso para escucharla. La verdad es que fue de lo más interesante poder escuchar su testimonio. Con una gran humildad y sencillez, Trunk explicó detalladamente su trayectoria, desde sus inicios en una radio local hasta llegar a VH1, pasando por su período en Megaforce Records, gracias a haber sido el primer DJ en pinchar a Metallica en una radio. El tipo se emocionó con la ovación que recibió al final, y no era para menos.

dentro del sector. Para mi sorpresa, al público pareció interesarle de verdad lo que allí debatimos, aunque lo que de verdad me impresionó fue, de nuevo, el poder de convocatoria de Eddie Trunk, quien iba a protagonizar una hora más tarde una charla con el veterano periodista colombiano Andrés Durán. La sala se llenó hasta los topes y cantidad de gente se quedó fuera, provocando alguna que otra avalancha en la puerta de

AL LÍO Más aclimatados y después de un almuerzo ofrecido por Invest In Bogotá, donde tuvimos la oportunidad de conocer a algunos de los responsables del festival, era el momento de empezar la triple maratón musical en el Simón Bolívar. Durante la comida, uno de los aspectos con los que Bertha Quintero, cofundadora del festival, se había mostrado más crítica era con el escrupuloso celo con el que la policía controlaba los accesos al parque. Uno de los principales motivos, dejando de lado las lógicas medidas de seguridad teniendo en cuenta la aglomeración de público, es que no se puede acceder con bebidas alcohólicas al festival y, de hecho, dentro del recinto, tampoco se sirven, ni siquiera cerveza. Cotilla como soy me decidí a comprobarlo por mí mismo y en lugar de usar el acceso de prensa, me metí de lleno en una gigantesca cola que parecía no tener fin. Por unos instantes maldije mi curiosidad, pero el ritmo de entrada fue bastante rápido teniendo en cuenta que había que pasar hasta cuatro controles, aunque me requisaron el mechero y sólo me salvé de quedarme sin cinturón (uno

de lo más normal, sin remaches ni una gran hebilla) porque, ahí sí, utilicé el comodín de mi pase de periodista. “¿Pero seguro que usted no se va a pelear?”, me decía un agente al que probablemente doblaba en edad y casi en altura. “No, no, que vengo a trabajar. Mire el pase, mire el pase”. Desde luego, el comentario de Quintero estaba fundado. Ya dentro lo primero que vislumbro es la gigantesca explanada donde se encuentra el escenario Plaza, el más grande de los tres con que cuenta el festival. Es un poco como una versión más alargada del Milton Kenyes Bowl de Inglaterra, con gradas naturales en los lados que permiten una buena visión desde todo el recinto. Aunque todavía es media tarde, calculo que por lo menos ya hay unas 40.000 personas que animan a Arkanot, una banda local de power metal. No quiero ni pensar cómo puede ser aquello unas horas más tarde. De ahí me dirijo al escenario más pequeño, el Eco, que ese día está dedicado casi exclusivamente al black metal colombiano con bandas como Lost Above Ether, Luciferian o Nosferatu. En ese momento están actuando Liturgia, una veterana banda con 22 años de carrera, a quienes el sonido no acompaña y tras tres temas, opto por irme al escenario Bio donde están a punto de empezar Memphis May Fire. Allí me encuentro con, al menos, otras 10.000 personas que reciben su metalcore radiofónico con gran entusiasmo. Matty Mullins resulta un frontman bastante empático y parece tan alucinado como yo de que la gente cante sus letras a pleno pulmón. Después de los bogotanos Patazera, como unos Lamb

107

EXODUS

SOULFLY

Of God más thrashers, llega uno de mis descubrimientos del festival, Headcrusher. Esta banda colombiana, pero afincada en Austin, impresiona por su solvencia sobre las tablas y un repertorio de lo más sólido con toques de Pantera y At The Gates. Tras ellos vuelvo al escenario Plaza donde todavía están actuando Nile. Los jefes del death metal apabullan con su sonido, pero es evidente que no es una banda hecha para tocar ante, ahora ya, 60.000 personas. Además, entre el escenario y la primera barricada del público hay una enorme zona reservada para prensa e invitados (de al menos 40 metros) que en ese momento está casi vacía, con lo cual en realidad para el grupo parece que esté tocando para nadie. Otros dos platos internacionales nos esperan para cerrar la noche, pero con resultados desiguales. Killswitch 108

Engage lo bordan en el escenario Eco. A Jesse Leach se le ve mucho más suelto que cuando actuaron el año pasado en el Resurrection Fest, y regalan un extenso concierto de 21 temas con momentazos como ‘Rise Of Sharyn’, ‘My Last Serenade’ o ‘Numbered Days’. En cambio, a Exodus en el Plaza, de nuevo se les queda demasiado grande el escenario y encima suenan bastante mal. Por mucho que nos guste su thrash metal, está claro que no son Metallica, aunque a juzgar por los cinco o seis enormes circle pits que se forman entre la multitud, casi lo parecen. Pero me temo que tiene que ver más con la pasión de los colombianos que con los méritos del grupo esa noche...

a segunda jornada la íbamos a centrar casi exclusivamente en el escenario Plaza, ya

que en los otros dos estaban más centrados en el mestizaje, el ska y el reggae. Arrancamos con el street punk guarrote de The Casualties para luego quedarnos con las buenas sensaciones y la energía hardcore punk dejada por los colombianos The Tryout. A continuación los neoyorquinos ProPain hacen retumbar el suelo con su crossover de metal y punk. Pasan los años, pero el cantante y bajista Gary Meskil no pierde fuelle. Sorprendente es la actuación de El Sagrado, una banda hardcore bogotana con dos vocalistas, uno de ellos, Lucas Daniel, un niño de 11 ó 12 años, que representa el espíritu familiar del combo. Después nos escapamos al Escenario Bio para ver a unos Fishbone en plena forma. La batidora musical de Angelo Moore, que a sus casi 50 años se muestra tan hiperactivo como siempre, sigue siendo toda una fiesta.

MOLOTOV De vuelta al Plaza, la vista es impresionante. 130.000 personas para recibir a los héroes nacionales, La Pestilencia, como si fueron los mismísimos Rolling Stones. Personalmente vibro más con la reacción de la gente que con la propia música, pero que una banda con un discurso radical y con un estilo arraigado en el punk de los 80 con algunos dejes metal haya conseguido impactar a varias generaciones tiene mucho mérito. Y la gente también vibra mucho con Soulfly, y especialmente cuando acuden al repertorio de Sepultura aquello es una locura, pero a mí me parece ver a una banda en declive. Max Cavelera está en muy baja forma y lo mejor que podría hacer es parar, cuidarse y recobrar fuerzas para el futuro.

l festival llegaba a su clausura el lunes 18 y no era cuestión de perder el tiempo, así que a la una del mediodía ya me planto en el escenario Plaza donde actúan los colombianos Fatso. Otro gran hallazgo con un cantante-contrabajista con una voz a lo Tom Waits y una elegante sección de vientos que navega entre el jazz y el soul. En el escenario Eco, los andaluces Guadalupe Plata causan una muy buen impresión con su freak blues y la pericia y clase guitarrera de Pedro de Dios. Nada nos llama realmente la atención hasta que Molotov y De La Tierra actúan simultáneamente en los escenarios Plaza y Bio. Los primeros la lían a base de bien con sus descarados himnos, mientras que los segundos prueban que esta extraña unión entre miembros de A.N.I.M.A.L., Maná, Los Fabulosos Cadillacs y Sepultura tiene más fuerza en directo que en disco. Ver a Zakk

Wylde tocando siempre es estimulante, y aunque el repertorio de Black Label Society no contiene tantos clásicos como debería, lo ejecutan con mucha eficiencia y entrega. Con Aterciopelados se repiten las escenas de delirio popular que ocurrieron con La Pestilencia. La formación con más proyección de Colombia ofrece su primer show de reunión y celebra también sus veinte años con un show impecable en el que destaca el carisma de Andrea Echeverri. Y como remate final unos Anthrax muy

engrasados ofrecen un concierto sin pausa que empieza con ‘Among The Living’ y termina con una apoteósica ‘Antisocial’ cantada por 100.000 personas, y que contó con la invitación de Andreas Kisser en ‘I Am The Law’. Después de haberlo vivido, uno entiende definitivamente porque Rock Al Parque es todo un referente en el sur del continente americano. Ojalá que más gobiernos, empezando por el nuestro, confiaran más en la música para transformar positivamente sus sociedades. 109

HEADCRUSHER

Muchos son los grupos que dicen que lo darían todo por la música, pero muy pocos los que lo hacen. Los colombianos Headcrusher decidieron dejarlo todo y emigrar a Estados Unidos en busca de un sueño. Y poco a poco, y con mucho esfuerzo, ven como éste se va haciendo realidad. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

arece que el destino había planeado que los caminos de RockZone y Headcrusher tuvieran que cruzarse en algún momento. Ellos fueron el primer grupo al que conocí en el aeropuerto apenas aterrizar en Bogotá y aunque nunca había oído hablar de ellos, su actuación en el Rock Al Parque fue suficiente para darme cuenta de que estaban a otro nivel respecto al resto de bandas 110

colombianas. Con un metal contemporáneo perfectamente elaborado con influencias del thrash, el hardcore y el groove, Headcrusher tienen el poderío suficiente para lograr un reconocimiento a escala internacional. Su historia bien merece ser contada. Nacidos en una ciudad muy pequeña llamada Pereira, Headcrusher empezó como una banda local de amigos de la universidad. Durante sus primeros años publicaron dos demos

y en 2005 hicieron su primera participación en Rock Al Parque. Al año siguiente publicarían su primer disco, I Felt This Before, con el que hicieron una gira por la Costa Este de Estados Unidos. Una vez allí intentaron grabar nuevo material, pero no lo consiguieron y la banda se deshizo. Luego el grupo se rearmó con nuevos integrantes en Nueva York, para finalmente mudarse en el verano de 2008 a Austin quedando la formación estable-

“Al final la gente se fija más en la música que en nuestro origen. Obviamente siempre va a salir algún chiste de la cocaína, de Pablo Escobar y todo eso, pero sabemos manejarlo” ‘KIKE’ VALDERRAMA

cida con Gustavo ‘Kike’ Valderrama (voz), Carlos Ramírez (guitarra), David Coloma (guitarra), Gustavo Calderón (bajo), con el batería Alejandro Ospina como único miembro original. Su último lanzamiento es una edición en vinilo doble que recoge su álbum Let The Blood Run de 2012 y el EP Black Burning Skies (2014). Al día siguiente de su exitosa actuación en el festival, nos alejamos un poco del ruido para poder hablar tran-

quilamente con su vocalista. Es admirable vuestra fe en el grupo. Irse a Nueva York, además de toda una aventura, es una gran apuesta vital. ¿Cómo fue la experiencia? ‘KIKE’ VALDERRAMA “Cuando nos fuimos a Estados Unidos fue un gran cambio, un gran proceso de aprender un nuevo idioma y de convivir, porque vivíamos todos juntos. Una cosa es tener una banda con amigos y verte sólo en el ensayo, y otra es vivir como una familia. Fue difícil. Por eso cuando nos fuimos a Austin dijimos que cada uno se buscara su propio apartamento y que ya nos veríamos en los ensayos (risas)”. Y a nivel musical, ¿qué aprendisteis? “Cuando llegas a Estados Unidos las cosas son totalmente distintas a como son en Colombia. Nosotros estábamos acostumbrados a que aquí cuando vas a tocar te lo ponen todo, los amplis y casi hasta los instrumentos (risas). Cuando llegamos allí para nuestra primera gira, nos dijeron ‘¿Pero dónde están sus cosas?’ y dijimos ‘Ah, ¿pero había que traerlas?’ (Risas). Así que aprendimos mucho. Aquí en Colombia las bandas se concentran en sonar duro, mientras que allá son muy importantes la composición, la afinación, que tengas tu propio tono…”. ¿En qué situación legal vivíais en Estados Unidos? “Afortunadamente fuimos muy meticulosos y aunque nos costó casi un año de trabajo, nos fuimos con visado de artistas. Lo tuvimos alrededor de tres años. Obviamente no vivimos de la música, así que a medida que encontramos

trabajos fuimos organizando nuestros papeles. Ahora ya somos todos americanos (risas). Hay tres residentes y dos ciudadanos. Así que ha sido un proceso de seis años de aprender el idioma, la parte musical, adaptarse a una nueva cultura y volverse un ciudadano de un país completamente distinto”. Tiene que ser complicado porque te vas con un objetivo, que es el grupo, pero luego tienes que buscar la manera de sobrevivir el día a día. “Sí, y eso es lo que le pasó a la banda cuando se fue para Nueva York inicialmente. Cuando vas a otro país tienes la imagen que te ha llegado por televisión, los vídeos de la MTV y las bandas con miles de fans. Te piensas que te bajarás del avión y la gente gritará ‘¡Ya llegaron Headcrusher!’ (Risas). Pero llegamos y tocábamos para nadie o para gente dándonos la espalda mientras miraban fútbol americano. Eso creó en algunos una total decepción y se volvieron a Colombia. Nos quedamos tres y encontramos a estos dos amigos que ya estaban en Austin, y por eso decidimos irnos ahí”. Todo el mundo habla muy bien de Austin… “Es la capital de la música. Tiene festivales casi todos los fines de semana. Hay muchos shows, mucha oferta y viendo bandas todos los días, uno también aprende mucho. No pudimos haber elegido una mejor ciudad. Nueva York es una ciudad bastante pesada, muy cara y bastante difícil para un inmigrante. Así que decidimos irnos a Austin, Texas, en 2008. Allí empezamos a tocar y durante dos años estuvimos dando shows locales, abriendo para otros grupos. Tocando a las siete 111

de la tarde para cinco personas, para seis personas o para ninguna. Pero cada show que nos ofrecían lo agarrábamos. Tocando y tocando fue como la banda se puso bien apretada, y en 2010 grabamos con Scott Sargeant y Billy Milano de M.O.D.”. ¿Cómo conocisteis a Billy? “Le dimos nuestro material en un concierto y nos lo devolvió diciendo ‘esto es una mierda’. Al mejor estilo de Billy Milano (risas). Y entonces nos sugirió grabar algo distinto con él. Hicimos una demo de tres canciones y a partir de ahí, la cosa empezó a funcionar. Empezamos a abrir para bandas que giraban nacionalmente y en 2011 volvimos a grabar, y esta vez con Tue Madsen de Dinamarca, que nos mezcló y masterizó el disco. Nos salió una gira con Cavalera Conspiracy y luego abrimos para Soulfly, y a partir de ahí empezamos a abrir para bandas como Soilwork. Todo esto lo hicimos 112

hormiguita. En 2013 grabamos de nuevo con Tue Madsen. Hicimos un par de giras más por Estados Unidos y en 2014 nos volvieron a invitar a Rock Al Parque”.

en Estados Unidos y nos perdimos del panorama colombiano. En 2012 nos llaman de nuevo para Rock Al Parque para una nueva sección llamada Colombianos En El Exterior. Volvimos con el nuevo trabajo y fue un show muy emotivo pero distinto, porque nadie nos conocía. La gente nos decía que nunca habían escuchado de nosotros. Fue como volver a agarrar el público de aquí y fue muy bonito porque a raíz de eso ya empezamos a ver que la gente nos escribía por email, por las redes sociales”.

¿Pero habéis girado por Colombia alguna vez? “No, sólo hemos tocado en los festivales, pero este año sí que vamos a aprovechar para tocar la semana que viene en otras tres ciudades. Ahora notamos que la gente ya quiere a la banda y la ves con nuestras camisetas”.

¿Cuáles fueron los siguientes pasos? “Los siguientes dos años tocamos en el festival que Phil Anselmo organiza en Austin, tocamos en uno de los cruceros Barge To Hell y ahí conocimos a Anders Björler, guitarrista de At The Gates, y nos hizo un vídeo. Así que una cosa fue llevando a la otra. Todo ha sido un trabajo independiente, de

A nivel de industria americana, ¿el venir de Colombia o de otro país supone un hándicap, o si eres bueno tienes las mismas oportunidades que una banda americana de origen? “Ése siempre fue nuestro temor. Pero creo que al final la música habla por sí sola. Nos han pasado cosas muy lindas. En un South By Southwest

“Personalmente, creo que ya está un poco agotada la fórmula de tocar la conga para sonar latino” ‘KIKE’ VALDERRAMA estábamos tocando para no mucha gente y atrás vimos a Rex Brown de Pantera aplaudiendo. Y al acabar el tipo se acercó a saludarnos y nos invitó a su autobús. Le contamos nuestra historia y no lo podía creer. Nos decía ‘¿Pero habéis venido de Colombia a Estados Unidos para tocar metal?’. No lo creía. También la primera vez que conocimos a Max Cavalera le gustó mucho nuestra historia porque se parecía a la suya. Pero al final, la gente se fija más en la música que en nuestro origen. Obviamente siempre va a salir algún chiste de la cocaína, de Pablo Escobar y todo eso, pero sabemos manejarlo. Por ejemplo, en los Halloweens siempre hacemos un show donde nos presentamos como Cocaine Cowboys y nos disfrazamos de drug lords, y todo eso para burlarnos un poquito de nosotros mismos”. Al contrario que otras bandas con raíces latinas como Ill Niño o Puya, en vuestra música apenas se nota esa influencia. ¿Ha sido algo premeditado para no asociaros a la escena del metal latino? “Creo que ha sido algo muy natural. Nunca hemos tendido a hacer eso. Nuestro sonido está más arraigado en el metal europeo y americano. Si miras una banda como Puya, te das cuenta de que Puya sólo hay unos. Nadie más volverá a sonar como ellos. Nues-

tro batería es 100% death metal. Ayer estaba feliz porque estaba hablando con Internal Bleeding, que estaban aquí. Un guitarrista es totalmente hardcore, New York, old school, y al otro le encanta el metal sueco. Así que nuestro sonido ha salido de manera muy natural a través de las influencias que cada uno tiene a pesar de que nos encanta una banda como Puya. Pero no hemos querido meternos por ahí porque no creo que lo disfrutáramos tanto. Sería una manera forzada para meternos en ese hueco. Personalmente, creo que ya está un poco agotada la fórmula de tocar la conga para sonar latino”. Vuestra llegada a Estados Unidos ha coincidido con unos años en que el metalcore y el metal en general ha ganado popularidad. ¿Os ha ayudado? “Claro, hemos sido muy afortunados. Hay un resurgimiento del metal con un montón de bandas girando constantemente. Eso nos ha permitido pegarnos a muchas de ellas. Trabajamos mucho y tocamos con muchos grupos de un nivel intermedio que pueden estar fichados por Relapse, Season Of Mist. Eso te permite contactar con los promotores y mantenerte activo”. ¿En qué discográfica crees que encajaría bien el grupo? “Están los grandes clásicos como Metal Blade o Nuclear Blast, a quienes conocemos y que nos dicen que ya casi estamos listos. A mí me gusta mucho Season Of Mist de Francia. Me parece un sello increíble. Cada banda que fichan marca la diferencia. A mí me encantaría. No son muy grandes, pero son muy serios. Nuestros amigos

de Inquisition están con ellos”. ¿Estáis moviendo algo así para el próximo disco? “Estuvimos por mucho tiempo hablando con Roadrunner. Tocamos en un concurso organizado por ellos y ganamos entre 3.000 bandas. Pudimos abrir el showcase de Roadrunner en South By Southwest. Estaban muy interesados en la formación, pero luego el sello fue comprado por Warner Bros y todo se acabó. También hemos hablado con Nuclear Blast, pero quizá necesitamos hacer algunos shows un poco más masivos. El próximo paso será dar el salto y hacer un pequeño tour por Europa. Sabemos que va a ser durísimo, pero hay que hacerlo. En la primera gira americana que hicimos en Carolina del Norte nos pagaron con hielo, en Nueva York con marihuana, en Louissianna con pizza…”. Ya, pero al final son esas cosas las que dan carácter a una banda. Habéis tragado mierda durante diez años, pero cada vez sois mejores. Muchos grupos quieren llegar arriba sin pasar por todo eso. “Así es. No lo digo con ánimo de criticar las bandas de mi país, pero en Colombia igual hay grupos que han dado tres conciertos y ya tocan en Rock Al Parque, y ya se creen que están listas para que los fichen y abrir para Slipknot o Slayer. Pero es mucha mierda la que hay que comer antes. Cuando lo vives es muy duro, pero con el tiempo te llegas a reír de ello y verlo hasta con cariño”.

113

ESTALLID O RENACID O

FINCH

Hablar de Finch es hablar del renacimiento de un grupo que hace menos de media década estaba completamente sepultado en algún sucio cementerio de la localidad de Temecula. Contra todo pronóstico, haN vuelto con Back To Oblivion. Texto: Pablo Porcar FotoS: DR

l caso de Finch es digno de estudio: llegaron a tocar el cielo con la punta de las dedos con su debut What It Is To Burn, incluso consiguieron crear una ejemplar obra de compleja tesitura titulada Say Hello To Sunshine. Pero todo se fue a pique a partir de 2005, punto de inflexión en el que la banda se obsesionó con su ansia perfeccionista. La tensión almacenada en sus pechos y demasiados dobles pensamientos obligaron al grupo a cancelar los planes de lanzar un tercer álbum. Todo cambió en sus vidas a partir de diciembre de 2010: debían decir adiós a su proyecto conjunto. Había que probar fortuna de otra manera, sin Finch, sin enamorar a las adolescentes con ‘Letters To You’, sin enloquecer al personal con ‘Perfection Through Silence’. Afortunadamente el tiempo consiguió sanar las heridas. Dos años después, en 2012, la banda californiana se volvió a reunir para actuar en un par de conciertos que homenajeaban a su álbum debut. Lo que empezó siendo un mero tributo a su pasado acabó postulándose como un firme paso hacia un sólido futuro. Las energías habían vuelto a recorrer sus venas y existía la firme intención de extender el número de actuaciones programadas. Tal fue la sinergia generada en ese tour que Finch empezaron a contemplar silenciosamente la posibilidad de engendrar aquel álbum que se les había resistido desde 2005. Sorprendentemente, lo que no se pudo hacer en media década se

consiguió ejecutar en un año. Es por ello que los estadounidenses vuelven a ser protagonistas hoy gracias a Back To Oblivion (Spinefarm), tercer y dorado álbum que estos chicos publican el 30 de septiembre. Polvo, furia y destierro es lo que se puede atisbar en un álbum que nos remite a la esencia directa de los Finch más primitivos. No se han ido por las ramas: en Back To Oblivion divisamos rock sin ataduras, repleto de temas que recuerdan ligeramente a Faith No More (‘Play Dead’) o Thrice (‘Tarot’). Tal ha sido el shock que nos ha generado este lanzamiento que desde RockZone nos vimos obligados a viajar al Reino Unido para entrevistarlos. Más concretamente, a la trastienda del Hevy Fest, un pequeño festival de Kent que por perfil recuerda bastante a nuestro entrañable Resurrection Fest. En un pequeño callejón colindante nos sentamos durante media hora con el cantante Nate Barcalow y el guitarrista Alex Linares. Con ellos hablamos de su nuevo álbum, como también de las experiencias personales vividas en esta última década. Sin olvidarnos del gran directo que realizaron hace poco más de un año en el Brixton Academy de Londres, concierto que desgraciadamente me perdí pese a tener entrada... Este hecho motivó sonoras carcajadas (sanas, eso sí) a lo largo de toda la entrevista. Hola chicos. Acabáis de tocar en Manila, ahora estáis haciendo una mini gira por el Reino Unido… Si pudieses ex115

plicarle esto a tu yo del 2010, ¿crees que te creería? ALEX LINARES “¡Ni de coña! Aún menos si hablamos de lo de Manila”. NATE BARCALOW “Aún me cuesta creer que algo como lo de Manila haya pasado. No por el hecho que jamás pensase que llegaríamos a actuar allí, sino porque es realmente acojonante lo que vivimos en esa ciudad”. ALEX “Creo que es el lugar más alocado en el que he estado. De hecho, cuando estaba en el aeropuerto recuerdo que me quedé parado y pensé ‘¡Joder, qué coño ha sido lo que ha pasado aquí!’”. NATE “Completamente diferente a lo que hemos vivido hasta ahora”. ¿Mucha gente os estaba esperando allá? ALEX “Muchísima”. NATE “Y no paraba de haber tráfico, tráfico y más tráfico”. ALEX “Nos pasamos todo un día entero enfrascados en la carretera”. De locura, casi como lo que sucedió en vuestra carrera musical justo antes de vuestra reunificación. De hecho, estuvisteis entre 2005 y 2010 intentando grabar vuestro tercer álbum, pero no había manera humana de que se pudiese finiquitar. ¿Qué os impidió que por aquel entonces no se llegase a materializar? NATE “Creo que estábamos extremadamente fatigados. Dábamos demasiadas vueltas a todo, y eso acabó siendo un muro para nosotros”. Nate, leí en una entrevista que en ese momento te sentías muy frustrado. ¿Qué fue lo 116

que te lo generó? NATE “¿En qué momento concretamente? (Risas)”. Hacia 2009 y 2010… NATE “Por entonces sabía que podíamos hacer algo tremendo si nos concentrábamos un poco más, pero ni el resto de miembros del grupo ni yo estábamos en el momento adecuado para ello. Pensaba que no estábamos luchando lo suficiente, pero lo cierto es que nos estábamos excediendo en nuestra lucha por conseguir algo digno. Probablemente, y sin saberlo, habíamos tomado un sentido que no era el idóneo en ese punto justo de nuestra trayectoria. Eso consiguió poner encima mío una nube que no me dejaba pensar con claridad (risas)”. ¿Y qué recuerdos tenéis los dos de la etapa que llegó justo después de haberos separado como grupo? ALEX “Todos nosotros acabamos haciendo cosas completamente diferentes a las que habíamos hecho hasta el momento. Yo aproveché para formarme como cocinero mientras trabajaba en algunos restaurantes. Estuvo bien, aunque no tan bien como tocar en una banda de rock (risas). Es una buena segunda pasión la que tengo ahí, pero ahora estoy donde me pedía el corazón estar”. ¿Y tú Nate? ¿No estuviste trabajando en alguna banda como Earthbound Ghost? NATE “Sí, estuve componiendo cosas con ellos, pero la cosa se evaporó rápido. No era exactamente lo que quería hacer. Fue entonces cuando formé Reverend Crow, banda en la que aún estoy metido. Mi sueño desde

“Creo que estábamos extremadamente fatigados. Dábamos demasiadas vueltas a todo, y eso acabó siendo un muro para nosotros” NATE BARCALOW

que era pequeño era tocar la guitarra y cantar en mi propio grupo, por lo que esa banda ha conseguido hacer eso realidad. Ambos proyectos no me dieron nada de dinero, sólo me ayudaban a pasarlo bien. Para ganar pasta tuve que buscarme la vida con trabajos de todo tipo. Mi mujer trabaja, por lo que estuvo un tiempo ayudándome monetariamente hablando (risas). Fue un momento difícil para mí, fueron días oscuros. Me sentaba en el sofá y me preguntaba: ‘¿Qué estoy haciendo con mi vida? ¿Hacia dónde estoy yendo?’. Pero entonces… ¡Finch llamó! (Risas)”. Debías estar un poco asustado al recibir esa propuesta… NATE “Bastante. Inicialmente estaba aprensivo con todo esto, no quería hacerlo. Habían muchos nervios… ¡De hecho, aún estoy nervioso con lo que está sucediendo! (Risas) ¡Jamás sabré lo que pasará justo después en esta banda! Como dice nuestro batería, formar parte de Finch siempre es una aventura (risas). Pero todo está bien ahora”. ¿Cuándo decidisteis reincorporar a Alex Pappas en el grupo? ALEX “Esta movida empezó con sólo dos conciertos. La intención era que se reuniese de nuevo la formación original o acercarnos a lo máximo que pudié-

semos a ella. Estuvo genial contar con él desde entonces. No lo había visto desde que salió del grupo”. NATE “Bueno, creo que yo sí que lo vi algunas veces por la ciudad”. ALEX “Vivimos en una ciudad bien pequeña. Sería casi imposible no encontrarnos por ahí, pero lo cierto es que jamás coincidí”. NATE “A sus padres los vi muchas veces también (risas). De verdad, diría que cada mes los veo”. ALEX “Creo que tener tanto a Alex Pappas como a Daniel (Wonacott, bajo) sirve para generar la mejor encarnación posible de Finch. Fue una gran elección”. ¿Cuándo fue el momento exacto en el que empezasteis a pensar en grabar un nuevo álbum? ALEX “Personalmente fue tras realizar ese fabuloso concierto que dimos en el Brixton Academy a principios del año pasado (nos reímos los dos -ndr.). Recuerdo salir del escenario esa noche

pensando ‘o me muero hoy mismo o debería continuar trabajando en este proyecto’. Eso fue lo que me llevó a pensar que quería meterme a grabar este nuevo álbum”. ¿Y para ti, Nate? NATE “Creo también que lo del Brixton fue un punto de inflexión. Fue absolutamente increíble para nosotros. Creo que fue el mejor concierto que hemos tocado nunca (me mira a los ojos y me pide perdón mientras se parte la caja -ndr.)”. ¡No pasa nada, toca vivir con ello! (Risas). NATE “Creo que fue un gran momento, y de alguna manera consiguió alimentarme con energía. Tras la gira de What It Is To Burn recuerdo llegar a mi casa y creer de pleno en esa posibilidad sin necesidad de que aún nadie me hubiese llamado. Diciéndome a mí mismo: ‘¿Por qué no hacemos un nuevo disco? ¿Qué puede hacerme daño en este punto? Sólo inténtalo’.

No sé si fue Randy o mi mánager el que me llamó proponiéndome eso, y le respondí: ‘Justo me encontraba ahora pensando exactamente lo mismo’. Fue algo muy natural. Creo que todos lo pensábamos pero ninguno de nosotros nos atrevíamos a comentarlo. Nos dejamos llevar y pasó”. Es increíble ver cómo ahora habéis grabado un álbum en un solo año… y en el pasado no pudisteis incluso intentándolo durante cuatro o cinco... NATE “Sí, creo que eso nos ha demostrado que teníamos los ingredientes para hacerlo. Lo único que teníamos que hacer era alimentarnos de la inspiración ideal y contar con la sinergia perfecta dentro del grupo. Cada uno de nosotros necesitaba sentir que tenía su espacio. Necesitábamos sentir que llegaba el momento de llevarlo a buen puerto”. Y concretamente, ¿cuál fue la primera canción que compusis117

teis para Back To Oblivion? NATE “Fue una que no ha aparecido en el tracklist final del disco. Entré en el local de ensayo y sonaba bastante bien la primera vez que la escuché. Acabó siendo desechada ya que después compusimos un montón de buenas canciones”.

sí sola. Al final ya no queda casi nada de ella y esto incita a una reconstrucción de sus pilares. La única cosa que hay que albergar es esperanza. Todo puede acabar funcionando. Hay un mensaje, hay un tema, hay incluso una historia que recorre el disco. Incluso tiene relación con la portada del álbum”.

¿Y ‘Picasso Trigger’? ¿De dónde sacasteis el nombre? ¿Algo que ver con Pablo Picasso? NATE “En mi casa tengo un libro en el que aparecen listadas un montón de películas de terror de serie B. Un día estaba echándole un vistazo cuando di con un film titulado Picasso Trigger. Jamás he visto la película, pero pensé que el título sonaba muy bien. Decidí entonces que quería titular un tema con ese nombre. Posteriormente estaba componiendo un tema en mi casa y pensé ‘es ésta, ésta tiene que ser ‘Picasso Trigger’’. Escogí el nombre así, por lo que no hay ningún mensaje oculto detrás de él”.

¿Esa mano no es la famosa mano que Mario Irarrázabal construyó en el desierto chileno de Atacama? NATE “Es esa misma. Sabía que era una mano que se había utilizado en muchos otros proyectos, pero creo que su estructura tiene mucho que ver con el disco. Parte de ella está oculta bajo la arena. En diferentes partes de Back To Oblivion no sabes bien si te estás enterrando o si estás elevándote. La mano me recuerda mucho a esa idea: cuando la miras no sabes si se está enterrando o desenterrando. Creo que encaja bien. Aunque debería revisar qué otros grupos ya la han utilizado... (Risas)”.

¿Y existe algún tema que englobe al conjunto de canciones que forman Back To Oblivion? NATE “Sí, hay un concepto en el disco. El álbum explica la historia de una sociedad que se viene abajo por 118

Interesante. ¿Y tenéis alguna canción que por el momento sea vuestra favorita? ALEX “La mía es una que está al final del disco. Se titula ‘New Wave’ y pue-

de sonar de forma simplona, pero creo que es la canción más diferente que hemos compuesto. Es preciosa, estoy muy orgulloso de ella”. NATE “La mía es la número 6. Es ‘Play Dead’. En ese punto del álbum todo se está tambaleando. Es muy oscura. La destrucción hace acto de presencia en esa canción”. En la parte vocal, ese tema me recuerda a Mike Patton. Siempre he sabido que eras fan. NATE “¡Sí! Lo soy”. ¿Le llegaste a conocer alguna vez? NATE “Sí, una vez. Fue bastante maleducado conmigo. Ahora entiendo su comportamiento, pero antes no, porque por entonces yo aún no formaba parte de una banda. Esperé a que saliese de un club. Lo seguí hacia su bus y le pregunté si podía firmarme una cosa. Él me soltó ‘¡Todos vosotros tenéis que iros a casa! Tú a tu casa’. Pero me firmó el disco. Entonces me quedé pasmado. En ese momento no entendí su forma de actuar, pero ahora sí que lo hago. Puedes pasar un mal día o puedes no estar con humor para ciertas cosas. Quiero decir: yo no actuaría así con nadie, pero puedo

entender que él lo hiciese”. ALEX “(Sin parar de reír -ndr.) ¡Jamás me hubiese imaginado que Patton actuaría así!”. NATE “¡Yo tampoco! Había escuchado que era uno de los mejores tipos en la industria musical”. Seguro que lo es. Siempre ha sido un fenómeno ese tío. Lo que es increíble es cómo ha pasado el tiempo desde los 90… Hay pocas cosas que se mantienen, quizás el Warped Tour, aquel festival rutilante en el que habéis vuelto a tocar en 2014. ¿Consideráis que el Warped ha cambiado mucho desde principios de la anterior década hasta ahora? NATE “Muchísimo. Ha cambiado todo. Las bandas, la forma en la que está organizado, nuestro rol era diferente… Ahora ya tengo 33 y pensaba que no necesitábamos tocar más en el Warped Tour”. ALEX “¡Éramos los tíos viejos del Warped! (Risas)”. NATE “Lo éramos. Pero nos llamaron para irnos con ellos. Me di cuenta de que la escena musical ha cambiado muchísimo. No le he prestado nada de atención en estos últimos años... Es por eso que en esta vuelta al ruedo, viendo a las bandas tocar, noté que había un abismo entre lo que somos y lo que son muchas de ellas”. ¿Qué opinas de esta corriente enorme de grupos de post hardcore que hay ahora? NATE “Hemos tocado con tantas bandas que suenan igual que me resulta difícil opinar al respecto. Ese sonido que tienen está muy generalizado. Personalmente me gusta

escuchar algo que no suene como todo eso, algo refrescante, algo que me haga decir ‘¡Oh! ¿Qué es eso?’. Aunque sea algo que pueda disfrutar en pequeños escenarios, me da igual. Eso es lo que me gusta”. ALEX “Creo que el problema de estas bandas es que suenan muy duras y su fuerza se centra en gritar la parte cantada. Nosotros venimos de otro lado. Bandas como Finch, The Used, Brand New, contábamos con unas partes cantadas que nacían de la melodía. El perfil ha cambiado por completo. Quizás es que soy muy viejo, pero es que no le pillo el sentido a este rollo. A veces me quedo como ‘bien, bien, esta parte de la canción… Una pregunta: ¿Ésta no es la banda con la que tocamos hará una semana?’ (Risas)”. Cierto es que hay un trecho entre vosotros o The Used y los grupos que hay ahora. Por cierto, ¿aún estáis en contacto con estos chicos? NATE “Sí, de hecho tocamos con ellos hace bien poco en Las Vegas. Son simpáticos. Supongo que ahora están más sobrios…”. ALEX “Es increíble recordar lo raros que llegaron a ser estos tipos (risas)”. NATE “¡Sí! Pero lo cierto es que jamás nos intercambiamos los teléfonos para quedar ni nada parecido. Generalmente estás con bandas así de gira y al volver a casa te separas. Es muy extraño que se genere un contacto frecuente por entonces. Bueno, se podría generar, pero yo soy terrible en ese sentido. No me gusta que la gente se piense que soy colega cercano de todas estas bandas. No es verdad”. ALEX “Y la gente se piensa que en el backstage hay unas fiestas brutales...

“en esta vuelta al ruedo, viendo A las bandas tocar, noté que había un abismo entre lo que somos nosotros y lo que son muchas de ellas” NATE BARCALOW ¡Lo cierto es que es aburrídisimo lo que pasa ahí detrás! Cuando acabe esta entrevista me iré allí, cogeré mi libro y me lo leeré mientras me tomó una copa de whisky escocés (risas)”. No te preocupes, acabaremos en un segundo, pero no me iré sin antes preguntaros una cosa: en cuestión de unos meses se cumplirá el décimo aniversario de Say Hello To Sunshine. ¿Creéis que…? ALEX “¡No! No va a pasar (risas)”. NATE “Hay un montón de problemas técnicos que tendríamos que afrontar de cara a hacer una gira como la de What It Is To Burn”. ALEX “Lo que quizás sí puedo ver es algún concierto a modo de homenaje programado en Los Ángeles. Si no sucede, todo estará centrado en Back To Oblivion”. NATE “Quizás hagamos algo especial… Un día o dos en algún lado… En California… Pero montar una gira sólo para eso sería algo muy extraño, y más teniendo el nuevo disco lanzado en 2014. No sé… pero me gustaría hacer algo que le rindiese homenaje. Una edición especial, quizás. Algo, aunque no tenemos nada planeado”.

119

La carrera de Schizophrenic Spacers puede definirse como un acto de amor. Amor al rock, al vinilo, a los grupos que les han inspirado, al sentido del espectáculo… Todo eso y mucho más lo encontramos en Riot, su último trabajo. Texto: Andrés Martínez FotoS: DR

SCHIZOPHRENIC SPACERS

chizophrenic Spacers son conocidos como una de las más originales bandas de rock’n’roll que ha dado la ciudad de Barcelona. Los que hemos seguido sus pasos desde sus ya lejanas demos hasta la actualidad les tenemos un cariño especial, y se lo tenemos porque a lo largo de su crecimiento como banda, les hemos visto luchar contra viento y marea contra todas las adversidades que se les han puesto por delante, y siempre han salido victoriosos. Porque al fin y al cabo, se trata de mirar hacia adelante y componer las mejores canciones posibles, y eso, amigos, lo han conseguido de sobras. Riot es su última obra, un pedazo de disco que aglutina en su interior todo lo que el rock´n´roll debería ser. Con su cantante, Lon Spitfire, nos pusi-

120

CUARTO ROUND mos en contacto para hablar de lo que han vivido y vivirán. Felicidades por el disco, os ha quedado de verdad muy bien. ¿Creéis como yo que por fin habéis podido capturar en vinilo la compleja personalidad del grupo? Porque sois a grandes rasgos una banda de rock clásico, pero de muy amplias miras y, a mi modo de ver y a pesar de que siempre habíais ofrecido calidad en vuestras grabaciones, es en estas canciones donde parece que habéis encontrado una personalidad definida. LON SPITFIRE “Creo que cada obra de las cuatro que tenemos, descontando las primeras demos, refleja

el momento en el que se encuentra la banda. Y dentro de ese factor cuenta también la formación que la grabe. No creo que en eso Riot difiera de cualquiera de los otros. La personalidad de la banda está bien definida desde el primer día. Cualquier atisbo de cambio es fruto de la evolución. Por el tipo de grupo que somos, estamos obligados a grabar un álbum cada tres años como muy pronto. De seguir una trayectoria formal, o de poder vivir del grupo, lo lógico es que en 15 años tuviésemos seis álbumes en lugar de cuatro. Riot es tan ecléctico como 2nd Round o Give ’Em. A veces las composiciones son más acertadas, ésa es la diferencia. Mira, al público en general parece gustarle mucho más Riot, pero en directo siguen funcionando ‘Sick Minds’, ‘Someday’ y ‘There Goes The

Misery’. Volviendo al inicio de la banda, hace poco estuve desempolvando viejos vídeos y colgué unos cuantos en YouTube aprovechando el 15 aniversario del grupo. Hay uno de ellos, de 2002, con César a la batería y con Manolo recién ingresado en el grupo, en el que se da fe de que ya entonces no nos parecíamos a nadie. ¿Personalidad definida? Eso es precisamente lo que este grupo tuvo desde el primer día”. ¿Qué diferencias ha habido respecto a otros discos en cuestión de grabación? ¿Teníais las canciones compuestas desde hace tiempo? “Las canciones fueron escritas para el álbum. Ninguna de ellas había debutado en directo, como sí sucedió con la mayoría de las que se incluyen en los otros tres trabajos. Hay que contar, por otro lado, que el disco surgió de la frustración de estar parados, sin directos a la vista, sin batería. No teníamos nada que hacer como grupo y se nos ocurrió grabar otro disco y hacer sólo vinilo. Como el anterior, el trabajo se grabó en diferentes partes, de forma totalmente casera. Somos sólo nosotros tres: Alberto, Manolo y yo. La única ayuda externa vino de nuestro amigo Julio Sedano, que es quien tiene el equipo”. Vayamos con algunos temas. Para mí hay tres joyas que sobresalen por encima del resto, ‘Witches From Western World’, ‘The World Is Done When You´re Dead’ y ‘Vincent The Cat’, que a lo mejor crees que estoy loco, pero me ha parecido un pildorazo de hard glam absolutamente delicioso. Pero

hay muchas más: el hard poderoso de ‘Lottery’, ‘Predicting A Riot’… Sabemos que vuestras influencias son variadas, ¿pero cuáles han sido en esta ocasión la fuente de inspiración para que logréis una variedad estilística tan grande? ¿Quizás las cinco décadas de historia del rock’n’roll? “Nunca hay una influencia concreta. Creo que has dado en el clavo: el rock’n’roll en su máxima expresión, desde su creación hasta la actualidad. Aún podríamos ir más lejos y añadir gotas de jazz, de blues, de música de salón, de vodevil... Cuando hay fronteras, bloqueas tu arte. Cuando era un niño y escuchaba a los Beatles o a Alice Cooper, apreciaba más de una dirección, y ése es mi enfoque en todo lo que escribo”. Y déjame decirte que ‘Willoughby’ es una de las piezas más bonitas que he escuchado en el último año. “Gracias. Tenía miedo de hacer una chapuza y parecer osado, pues buscaba sobre todo un sonido cercano al de un club nocturno y maloliente, pero el resultado ha quedado creíble. Creo que aun sin poseer un gran trabajo de producción, el álbum posee calidez y humanidad. Quizás porque se diseñó para ser un vinilo, pues el CD suena infinitamente peor en todos los aspectos, incluso las bonus track”. ¿Cuándo decidís recurrir al Verkami para financiaros el álbum? ¿Crees que éste va a ser un camino cada vez más adoptado por las bandas? ¿Habéis sentido un plus de responsabilidad o presión a la

“¿Personalidad definida? Eso es precisamente lo que este grupo tuvo desde el primer día” LON SPITFIRE hora de grabar o teníais claro que la obra iba a ser buena de verdad? Lo digo por la polémica que cierto sector de público genera al opinar que no es justo adelantar dinero sobre un producto que no sabes si va a acabar gustándote... Aunque personalmente creo que esta gente no ha entendido ciertamente la filosofía de una modalidad creada para ayudar a los artistas en estos tiempos de dificultad... “La gente contraria al micromecenazgo tiene la opción más simple: no aportar nada. En serio, ¿qué puede haber de malo en el hecho de tener trato directo con el artista sin mediadores? ¿Que el disco luego no es bueno? Hay que joderse, ¿cuántos discos hemos comprado a ciegas sin saber lo que nos íbamos a encontrar? Me importa realmente una mierda si el nuevo disco de Alice Cooper es bueno o malo, pero si decidiese hacer algo así, yo sería el primero en poner la pasta. Es curioso que los que tengan problemas con el crowdfunding sean los que están todo el tiempo descargando discos de forma ilegal. O los que reciben copias gratis. Mira, si nosotros no hubiésemos reunido esa pequeña cantidad de dinero no habríamos podido hacer el vinilo o pagar al diseñador de la portada. Por lo tanto, ahora tú y yo no estaríamos hablando de Riot, lo cual sería una lástima. Para todo debe 121

“Es curioso que los que tengan problemas con el crowdfunding sean los que están todo el tiempo descargando discos de forma ilegal” LON SPITFIRE

haber una opinión, pero sinceramente, prefiero que las bandas se gestionen su música a través de sus fans”. Es obvio que en este país tenemos una gran y prolífica escena de bandas que están siendo prácticamente ignoradas por el público. ¿Qué crees que debería de pasar para que la gente se dé cuenta de la calidad de nuestros grupos? Ahora mismo la lista de discos de calidad grabados aquí con sangre, sudor y lágrimas es larguísima, y sin embargo, a los conciertos va cada vez menos gente, mientras crecen los blogs y foros de manera casi descontrolada que ignoran por completo lo que está pasando en su propia casa. “Bueno, no me sorprende ni la ignorancia del público ni el hecho de que haya buenas bandas. Hemos perdido el miedo a enfrentarnos al músico foráneo, pero por otro lado el público prefiere seguir viendo bandas de otros países aunque sean basura. Lo cual es contraproducente, pues pagan por ver mediocridades y luego no arriesgan

122

por una banda local esperando que ésta vaya a ser peor que la que vieron procedente de cualquier otro lugar. Creo que los músicos son los peores enemigos de la propia escena, pues aquí nadie apoya al vecino. Al revés, si van a tu concierto intentarán sacar cuantas faltas sean posibles. Aun y cuanto estén copiando tu concepto original, ya sea el cantar en inglés, las noches tributo o editar en vinilo, siempre tendrán algo que murmurar”. ¿Qué esperáis del futuro? ¿Qué queda de aquellos Schizophrenic de First Round? “Espero tener ganas suficientes de componer otro álbum, de seguir buscando un batería estable y, principalmente, de mantener viva a la banda. Lo que queda del primer álbum es la originalidad, la pasión y los santos cojones de sobrevivir en el país más miserable de toda Europa”. Una curiosidad: en todos estos años habéis compartido escenario con muchísima gente, desde Wayne Kramer hasta Drivin´N´Cryin´, pasando por Jim Jones Revue o Warrior

Soul. ¿Cuál ha sido la anécdota más loca vivida en uno de esos conciertos? “Oh, hay muchas historias bonitas detrás de todos esos conciertos. No sé, quizás cuando Angelo Moore de Fishbone hizo una performance entera de mi show. Era la época en que llevaba un baúl lleno de trastos e iba sacando uno nuevo en cada canción. Él no paraba de decir “The man with a box”, mientras imitaba mis gestos”. Para finalizar, y aunque no tenga nada que ver con la banda, ¿para cuándo la segunda parte de la biografía de Alice Cooper? Imagino que ha debido de ser una experiencia inolvidable... “Pues sí, disfruté mucho la gestación del libro, pero después de la edición del mismo pudimos hacer un show con Michael Bruce y recientemente he tenido el honor de contribuir a la primera llegada de Dennis Dunaway a España junto a Blue Coupe. Todo ello ha sido el resultado del libro, y es genial. En cuanto a la segunda parte, pues la verdad, no lo tengo claro todavía. Espero tenerlo listo para el año que viene y que se publique en 2016”.

EN DIRECTO

NO DEVOTION 25 de julio de 2014 O2 Academy Islington, Londres (Inglaterra) Texto Y FotoS: Alejandro Lozano

136

OBLIVION

omo bien es sabido, Lostprophets pasarían a la historia desde el momento en que su cantante, Ian Watkins, confesara una serie de horribles actos de pederastia por los que le cayeron 29 años de cárcel. Los miembros restantes de la formación, después de un tiempo sin saber hacia dónde dirigirse, decidieron seguir ligados a la música y por causas del destino, iban a contar con una más que conocida figura del post hardcore neoyorkino como es Geoff Rickly para que fuera la voz principal en esta nueva experiencia. El que fuera líder de Thursday declaró hace poco en una entrevista que nunca fue seguidor de los galeses, pero le sorprendieron las demos que tenían grabadas tiempo antes del declive de la banda, pudiendo así aportar su voz y letra, agilizando todo el proceso de composición. Así pues, con tan sólo dos temas publicados bajo el sello de Rickly, Collect Records, se intuía especial

expectación por el tiempo que llevaban inactivos, y que además significaría la primera vez que se mostraban en la capital inglesa sobre un escenario como No Devotion, en el casi abarrotado O2 Academy del barrio de Islington. Una sala de 800 personas que tiene la particularidad de estar dentro de un centro comercial. Abrieron la noche unos jóvenes británicos llamados Samoans con un set corto pero bastante potente y un sonido con influencias Deftones que dejó muy buenas impresiones entre el público, ya impaciente por ver a los de Pontypridd bajo los focos. Llegada la hora prevista, el sexteto saltaba a escena ofreciendo el primer tema de la noche, ‘Night Drive’, bajo la atenta mirada de los allí presentes, que sólo interactuarían en las únicas conocidas ‘Eyeshadow’ y ‘Stay’. Ésta última vino precedida por un pequeño discurso de Rickly, convertido ya en el alma de la banda, en el que soltó cosas como “Habéis sido testigos de la ruptura más desagradable

de la historia de la música”, y en el que también confesó haber sido rescatado por ellos de una depresión, al romper con su pareja y estar fuera de la música una temporada. Entre las canciones a destacar también hay que mencionar el que será su próximo single, ‘10,000 Summers’, y la instrumental ‘Death Rattle’, primera canción compuesta tras la ruptura de Lostprophets, que fue interpretada sin el exThursday en el escenario, dejando un momento de intimidad a los cinco galeses para dejar fluir los sentimientos a través del ruido de sus instrumentos. Se despidieron con otro corte que despertó sensaciones, ‘Grand Central Station’, que al igual que alguno más, sonaba a unos Thursday mezclados con Joy Division. Al final, se marcharon con una gran ovación por parte de un estático público que, seguro, coreará con más fuerza la próxima vez, cuando ya esté en la calle el LP que están preparando. Sin duda alguna, una apuesta firme para la nueva temporada. 125

PANTONES OBLIVION

uando se abrió la puerta del Rocksound y apareció Officer Bradford custodiando a los cuatro criminales más buscados del punk rock, enseguida tuvimos claro que aquello no iba a ser una noche como todas las demás. Mientras los enmascarados entraban en la sala, Pantones se encontraban finalizado su concierto. No se nos puede ocurrir una banda más ideal para abrir semejante velada. Presentando temas de su excelente álbum de debut ¿Quién Quiere Primavera?, el adorable trío madrileño formado por Paty, The Ant y Any se encargaron de ponernos una sonrisa en la boca, que ya no se iría en toda la noche, con su contagioso punk pop. En la entrevista que hicimos con Intruder Blue, él mismo ponía en duda que Officer Bradford fuera un policía de verdad, y visto lo visto,

126

creo que estaba en lo cierto. Si él es el encargado de poner orden en los conciertos de Masked Intruder, es más que evidente que no hace bien su trabajo. Nada más empezar el concierto con la imbatible ‘Stick Em Up’, allí no hubo una sola persona que pusiera un poco de cordura en todo aquello. Todo lo contrario, armado con su porra y un vaso de bourbon, que parecía ser una prolongación más de su cuerpo, Officer Bradford no paró de hacer el loco durante la actuación, ya fuese fustigando al personal, haciendo pogo, practicando stage diving o bailando con las respetables señoritas que acudieron al evento. Encima del escenario la cosa tampoco se quedaba corta. A ritmo endiablado, como si les fuese la vida ello –quién sabe si habían hecho alguna de las suyas por el camino y la policía local les pisaba los

talones-, Yellow, Blue, Green and Red la liaron parda a base de punk rock de alto voltaje y melodías irresistibles que tomaban forma en canciones como ‘How Do I Get To You’, ‘Most Beautiful Girl In The World’ o desconcertantes –y acertadas- versiones como ‘Your Love’ de The Outfield de pura esencia ochentera. Y así, tan rápido como llegaron, se fueron sin dejar rastro con todo el personal todavía levitando y con la impresión de que habíamos vivido una de las descargas del año. Y si alguno os lo estáis preguntando, Masked Intruder se fueron, una vez más, con las manos vacías. Barcelona –y por lo que nos dijeron lo mismo pasó en Madrid- no fue el lugar en el que encontraron ese ‘Unconditional Love’ que buscan desesperadamente desde hace tiempo. Espero que vuelvan pronto para volver a intentarlo.

MASKED INTRUDER 2 de septiembre de 2014 RockSound Bar, Barcelona Texto: Richard Royuela FotoS: Eric Altimis

133

GRAVEYARD

REVERENCE FESTIVAL 10 de Septiembre de 2014 Teatro Latino, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Eric Altimis

136

SPINDRIFT OBLIVION

sta primera edición de Reverence Festival sirvió tanto de vuelta al cole oficial como de pistoletazo de salida a la temporada de conciertos 2014/2015. La programación de seis grupos podía parecer una apuesta un tanto arriesgada por lo concreto del estilo musical del evento, enfocado a recuperar una muestra del panorama psicodélico actual, pero finalmente resultó convertirse en una exitosa velada, a juzgar por el entusiasmo y el estado de euforia de la mayoría de los asistentes. Debido al temprano horario ‘europeo’, para algunos el festival comenzó con Prisma Circus, banda local barcelonesa que está consiguiendo hacerse un hueco en la escena traspasando fronteras a base de mucho trabajo en directo. El trío repasó varios temas de su estupendo álbum Reminiscence, como ‘Napalm’ o su tributo al hombre elefante ‘John Merrick’. Sin duda un grupo a reivindicar, que va asentando sus bases a pesar de tirar de mucho cliché todavía, pero que parece ir en muy

buen camino. White Hills, formación en la que muchos tenían bastantes expectativas, no terminaron de cuajar ni de conectar con el público, que durante su set se encontraba muy disperso, haciendo aún más complicado meterse en un show no apto para todos los públicos. Mucho efecto espacial y temas demasiado planos y ruidosos, perfectos quizás para un globo de setas o LSD, o en otro tipo de ambiente. Nos dejaron bastante fríos en general. La gran sorpresa la dieron los veteranos Spindrift, que a diferencia de los neoyorquinos, consiguieron entusiasmarnos con ese rock psicodélico orientado a un elemento tan iconográfico como es el western. Esas melodías tan evocadoras nos transportaron al desierto de cualquier película clásica, e inevitablemente nos recordaron al gran Ennio Morricone, el maestro de las bandas sonoras de Sergio Leone y absoluta inspiración. Si el compositor se hubiese decantado por un estilo más guitarrero y rockero, su sonido no hubiese distado mucho del que nos presentaron los de Delaware,

que se ganaron el aplauso unánime de la sala. Graveyard contaban con todos los elementos para ser los triunfadores de la noche. Para empezar, por ser los cabezas de cartel del festival, sumado a ello el tremendo éxito de su visita anterior, que desbordó las expectativas de venta de tickets, dejando a muchos con las ganas de poderlos disfrutar, y porque a esas alturas el público ya estaba tremendamente motivado para su set. Así que entraron por la puerta grande con ‘Blue Soul’ y ‘Hisingen Blues’, que pusieron el Teatro Latino patas arriba. Aunque se mostraron más cercanos al público que en otras ocasiones, los suecos siempre pecan de parecer fríos y contenidos, aunque al final este detalle termina pasando por alto cuando están tocando ‘Goliath’ o ‘Evil Ways’, porque suenan como una auténtica apisonadora. Una interesante propuesta la de este festival, que esperemos se pueda seguir llevando a cabo en el futuro y se posicione como una sólida plataforma para el rock psicodélico. 129

ué pesadez, qué cansancio, que sí, que ya lo sabemos, que Imperial State Electric no son The Hellacopters, ¿y qué? Ni falta que les hace, y aunque me temo que Nicke Andersson va a tener que soportar las comparaciones una y otra vez con su glorioso pasado, ya es hora de que veamos y disfrutemos de Imperial como lo que son: una cojonuda banda de rock’n’roll. Mucho más sueltos, engrasados y agresivos que en su anterior visita, Andersson y sus huestes nos dieron una lección de cómo una banda puede asumir de la manera más natural gustos e influencias tan variopintas como las del hard rock, el power pop, el punk o hasta el soul rock, y salir airosos de la aventura, algo que por otra parte no debería de sorprendernos, pues estamos hablando de un tipo que desde Entombed hasta The Solution, pasando por proyectos como Hydromatics o los mismos 130

Hellacopters, ha estado acostumbrado a saltar de un lado a otro sin ningún tipo de problema y ahora, si obviamos el death metal, ha incorporado todo ese bagaje en esta batidora sónica llamada Imperial State Electric. Como decíamos al principio, salieron a matar desde el principio, con esas guitarras híper vitaminadas y musculadas de Nicke y Tobias que elevaban sus mástiles en esos movimientos tan típicos como efectistas. Los nuevos temas sonaban como un puto cañón. ‘Emptiness Into The Void’ abrió la velada a lo grande y ‘Reptile Brain’ sonó atronadora, lo mismo que ‘Stay The Night’. Luego empezaron a descargar una tras otra todas esas perlas que han ido regalándonos a lo largo de esa envidiable trayectoria que atesoran, recordándonos que los cabrones tienen ya un catálogo de canciones realmente imbatible. ‘A Holiday From My Vacation’ fue coreada y bailada por todo el

respetable, cuando atacaron ‘Throwing Stones’ no pude evitar que me vinieran a la cabeza los Hellacopters, seguramente porque ese bendito tema podría haber sido incluido sin problemas en Grande Rock, y cuando sonaron cristalinas piezas de orfebrería pop como ‘Uh Uh Uh’ o ‘Lee Anne’ reafirmé mi convencimiento de que pocos compositores hay tan lúcidos y certeros en la actualidad como este sueco obsesionado con el rock’n’roll. Para los bises, una lección de historia con sendas covers de ‘Johnny B Good’, ‘I Stole Your Love’ de Kiss (antes ya habían utilizado la intro de ‘Black Diamond’) y una frenética ‘Sonic Reducer’ que nos trasladó a los años del high energy. Un gran concierto de una gran banda liderada por uno de los pocos genios que quedan en la escena actual. A ver si los que todavía esperan una hipotética y de momento imposible reunión se dan cuenta de una vez.

IMPERIAL STATE ELECTRIC 12 de septiembre de 2014 Sala Bóveda, Barcelona Texto: Andrés Martínez FotoS: Nadia Natario

141

THE JIM JONES REVUE 15 de septiembre de 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Eric Altimis

136

OBLIVION

n una situación tan complicada como la que actualmente está sufriendo la escena musical más modesta, cada vez son más frecuentes las noticias de disoluciones de grupos. Es triste decir adiós a una banda como The Jim Jones Revue, con una trayectoria impecable durante sus siete años de existencia, pese a no haber sido demasiado prolífica en cuanto a discos editados. No hay duda de que a los ingleses todavía les quedaban unos cuantos cartuchos por quemar, pero ya se sabe que una retirada a tiempo suele ser un triunfo, y el anuncio de su Last Hurrah, tour de despedida por distintas ciudades europeas, resultaba cuanto menos un gesto elegante. El escenario escogido para su cita en Barcelona, el de la sala Bikini, sin duda fue de lo más acertado. Como otra prueba

de cómo están las cosas, aunque la asistencia fue alta, no se registró el llenazo que cabría imaginar. Olvidemos las etiquetas imposibles y las complejidades musicales y partamos de la premisa de que el rock’n’roll fue creado para follar. En su última actuación quedó claro que la misión que este quinteto ha estado llevando a cabo durante estos años ha sido la de devolver al estilo su esencia más sucia y más sexy. Hacía tiempo que no veía a una banda saltar a un escenario con una actitud tan triunfante, con ganas de complacer, pero sobre todo, de disfrutar de sus últimas noches con sus fans. La selección de los temas que conformaron el set marcó un ritmo ascendente implacable. Fue fácil caldear el ambiente con ‘Never Let You Go’ y ‘Shoot First’, pero fue a partir de ese desgarrado ‘Chain Gang’ que

marcó el punto de inflexión del show, cuando Bikini se convirtió en una fiesta con bombas como ‘7 Times Around’, ‘Cement Mixer’, ‘Rock N Roll Psychosis’ o ‘Princess And The Frog’ sonando una tras otra, que hicieron que el público sucumbiera hipnotizado ante los teclados diabólicos de Henri Herbert y la descarga de energía del líder de la banda, que estaba totalmente desatado, deleitándonos con toda clase de poses macarras y bailes que en ocasiones recordaban al mismísimo Elvis en Las Vegas. The Jim Jones Revue funcionaron como una maquinaria de precisión con todo el espectáculo perfectamente ensamblado, pero a la vez fueron capaces de recuperar la magia incendiaria de su primer concierto en Barcelona hace ya casi cinco años. Ésta sí que fue una despedida por todo lo alto. 133

FALL OF SUMMER 2014 5 y 6 de septiembre de 2014 Base rĂŠgionale de loisirs de Vaires-Torcy, Torcy (Francia) Texto: Pau Navarra Fotos: Eduard Tuset

120

VENOM

PENTAGRAM

maginen el increíble emplazamiento: a orillas de un enorme lago con patos y fauna de todo tipo, pradera con dos verdes colinas haciendo de anfiteatro en ambos escenarios, a 30 kilómetros de París, estupendos días nublados sin sol de justicia ni tampoco lluvia, y todo previsto para un aforo de unas 5.000 personas, de las cuales finalmente sólo acudieron unas 2.000 ó 2.500. Seguramente, un batacazo muy serio para la organización, pero un ambiente absolutamente idílico para todos los que nos desplazamos a Torcy en busca de ese auténtico metal extremo que en este país se disfruta en cuentagotas. En una Europa donde surgen festivales hasta de debajo de las piedras, lo que debe buscarse es la especialización, y el Fall Of Summer, creado este mismo año para celebrar el fin de temporada de esta clase de eventos, la buscó en bandas de culto del black metal, el doom y el thrash old school, ése que nunca copó portadas de ningún tipo y que jamás saldrá del más profundo

underground. Un festival estupendo, en familia, con precios asequibles incluso para tratarse de Francia, pero con un único y grave problema que debe resolverse si quiere abrirse internacionalmente: la falta total de transporte público y taxis durante la madrugada. Un sadismo inexplicable que tuvo su contrapartida en un evento en el que, disfrutando de la más cruel de las trallas, casi podías tender el mantel, sacar la canastilla y disfrutar de un feliz picnic en el césped. VIERNES 5 Descorchamos el Fall Of Summer con dos bandas reverenciadas en el país vecino, las ochenteras Mercyless y Agressor, que nos entretuvieron para el primer gran show del evento, el que protagonizaron el dúo Bölzer. Como si de unos Inquisition se trataran, HzR a la batería y KzR a las voces y guitarra nos hechizaron con un primitivo black death sludgero que olía a mística por los cuatro costados, en una descarga que se asemejó más a un ritual. Un sinfín de

voces de otro mundo nos mantuvieron en vilo durante todo el concierto. Hacia las siete de la tarde, en el escenario principal, el Blackwaters, a orillas del lago y con el foso situado en la playa arenosa, era el turno de uno de los combos más esperados del día: los renacidos Exumer. En su primera vez en Francia, los germanos tiraron de los dos álbumes por los que son conocidos, Possessed By Fire de 1986 y Rising From The Sea de 1987, aunque sin olvidarse de su disco de retorno de hace un par de años. La verdad es que se les notó poco rodados, como si tocar para un público algo mayoritario les fuera grande, y sobre todo Mem Von Stein evidenció que, de técnica vocal, más bien poquita. Aun así, imposible resistirse a tiros fijos como ‘Winds Of Death’, ‘Xiron Darkstar’, ‘I Dare You’ o la final ‘Possessed By Fire’, e incluso temas más recientes como ‘Vermin Of The Sky’, ‘Fallen Saint’ o ‘Fire & Damnation’. Algo decepcionantes. Sin duda, Rotting Christ fueron la nota discordante de todo el cartel. Sus inicios 135

AURA NOIR

son más que respetables, pero ese extraño híbrido entre Septicflesh y Amon Amarth que han decidido ser en sus últimos tiempos no pintaba nada en el festival. Tirando de teclados por mesa a lo banda de gotiquillo chusquera, riffs de tres notas y pareciendo unos Ex Deo con exceso de testosterona, flipados además por la peli 300, demostraron que no hay mucho que rascar en su presente como banda. Ridículos. En cambio, Aura Noir estuvieron en las antípodas del grupo griego. Arrastrados y mugrientos, the ugliest band in the world dieron una buena muestra de cómo popularizaron el black thrash en un show magistral. Con Apollyon de Immortal como maestro de ceremonias, atacaron sin piedad con armas blancas oxidadas como la primera ‘Upon The Dark Throne’, ‘Hell’s Fire’, ‘Abbadon’, ‘South American Death’, ‘Condor’, ‘Snake’ o ‘Conqueror’. Con un sonidazo descomunal, nos destriparon a su antojo. Brutales. De vuelta al escenario pequeño, TERROR 136

Bölzer

llamado Sanctuary, nos encontramos con unos Borknagar muy centrados en su etapa más representativa, la cual es tan vomitiva, zafia y repugnante que no les dedicaremos más que esta frase. Era el turno de cosas más serias, al fin era la hora de uno de los cabezas de cartel: los legendarios Venom en el principal. Como ustedes sabrán, sólo el icónico Cronos sobrevive de la formación original, pero la verdad es que tanto al bajo como en la voz sigue tan asesino como hace más de tres décadas. Quemando su mejor cartucho a las primeras de cambio, abriendo directamente con la seminal ‘Black Metal’, la verdad es que sonó un tanto descafeinada, aunque luego se nos comieran vivos. El repertorio fue confeccionado para verdaderos fans del combo de Newcastle, no para los que se contentan con llevar una camiseta de Black Metal, así que entre una grandiosa ‘Buried Alive’, la ominosa ‘Warhead’ y clásicos como ‘Bloodlust’, ‘Welcome To Hell’ y ‘Leave Me In Hell’

también encontramos varias perlas de los Venom más actuales, que para nada desentonaron. Con ‘Hammerhead’, ‘Antechrist’, ‘Hail Satanas’, ‘Pedal To The Metal’ o ‘Resurrection’ vimos que Danté es un batería formidable y que el guitarrista Rage soporta perfectamente el peso histórico que estos riffs encierran, así que todos lo pasamos en grande. Cerraron con ‘In League With Satan’ y ‘Witching Hour’… No hace falta decir nada más. Pocos como Impaled Nazarene para continuar con la erección a pleno poder, quienes nos bombardearon con un divertidísimo concierto de blast beat perpetuo. Mika Luttinen andaba justito de voz y se movió menos que Ian Hill en un geriátrico, pero repasando su longeva e influyente trayectoria black grind, desde sus más tiernos inicios en los 90 hasta su último Vigorous And Liberating Death, los fineses se ganaron, de largo, el premio a los más gamberros del Fall Of Summer. Menuda punkarrada, menudo trallón. Volviendo

EXUMER

CARCASS al escenario grande, ya entrada la madrugada, teníamos cita con La Perfección, y es que es imposible sonar mejor en un festival que como Carcass llevan haciéndolo este verano, ¡y con menudos repertorios y visuales! Nitidez absoluta, pulcritud de sibarita desde la intro ‘1985’ hasta las empalmadas ‘Ruptured In Purulence’, ‘Heartwork’ y el outro ‘A Congealed Clot Of Blood’ con las que finiquitaron la mejor descarga del día. Por el camino, pues ‘Buried Dreams’, ‘Incarnated Solvent Abuse’, ‘Cadaver Pouch Conveyor System’, ‘The Granulating Dark Satanic Mills’, ‘Corporal Jigsore Quandary’ o ‘Reek Of Putrefaction’, y un Jeff Walker impecable y muy bromista, mandando varios recaditos a la escena. Una oda al headbanging. Un puñetero 10. Para terminar la dura jornada, Vampire, una de esas bandas a las que parece que un gran sello les haya ofrecido un contrato sólo por ser suecos. Su debut vale poco, su directo, algo más, aunque eso sí, haría bien su vocalista Hand

Of Doom en centrarse en su vozarrón death en vez de en las posturitas de los frontmen de Watain e In Solitude. Muy poca personalidad y hora de irse a dormir, no sin una primera odisea para encontrar un taxi hacia el hotel. SÁBADO 6 La segunda jornada se presentaba algo menos jugosa, y ya de inicio, aunque apetecía unos Code, decidimos que una banda que dice hacer ‘progressive black metal’ no merecía un madrugón. A los que no nos quisimos perder de ninguna de las formas fue a Assassin. Vueltos de entre los muertos tras pasar sin pena ni gloria por los 80, a diferencia de Exumer, ellos sí fueron ejemplo de retorno thrash alemán con todas las de la ley. Fichado este mismo año, el vocalista Ingo Bajonczak soltó guturales y rasgados al frente de un grupo que se mostró en plena forma, repartiendo tortazos a mil por hora como ‘Breaking The Silence’, ‘Baka’, ‘Forbidden Reality’ o la final y altamente

coreada ‘Assassin’. Una carnicería. Inaugurando el Blackwaters ese día, Salem eran toda una incógnita que se resolvió al primer tema: no por haberse fundado una banda en 1985 y proceder de un país exótico tiene que ser buena a la fuerza. De hecho, estos Candlemass de cuarta regional dieron una pena tremenda, con unos temas más pobres imposible y horteras a más no poder. Ya que el estado nacionalsocialista de Israel es tan dado a vulnerar los derechos fundamentales, a ver si a este intento de grupo le prohíben salir del país para siempre. Patéticos de verdad. Artillery eran la siguiente formación thrash en pisar el escenario Sanctuary, y aunque debo reconocer que estuvieron mucho mejor que la última vez que los vi en Barcelona, lo cierto es que te tienen que gustar mucho para disfrutar enteramente de sus conciertos. El cantante Michael Bastholm Dahl ha aportado energía a sus descargas, pero su timbre agudo chocó con el 137

ASCENSION

resto de cartel, y en algunos momentos, hasta con su propio repertorio. Están abueletes, pero rescatando restos arqueológicos como ‘Khomaniac’, ‘The Challenge’ o ‘Terror Squad’, dieron el callo. Puede decirse que, en el último día de evento, las cosas no se pusieron serias de una vez hasta que los maestros del funeral doom Ahab nos chafaron en el escenario principal con todas las toneladas de agua que puedan contener los océanos del planeta. Dado el reducido repertorio que una banda de sus características puede ofrecer en este tipo de eventos, el combo teutón optó por cuatro temas devastadores de lentitud, belleza e introspección. Así, ‘The Divinity Of Oceans’, ‘Old Thunder’, ‘Deliverance’ y ‘The Hunt’ desfilaron al son del metal de alta alcurnia, haciéndonos perder entre la fuerza poética de sus ejecuciones y el entorno en el que nos encontrábamos. Enormes como esa Moby Dick que les obsesiona hasta la perdición absoluta, pero con un único reproche: ese molesto crepitar que soltaba la PA situada a nuestra derecha, TERROR 138

aunque pensábamos que procedía del bajo de Stephan Wandernoth… En el escenario pequeño, los death thrash Cancer repartieron leña afilada y de la buena, aunque un poco más de decibelios no habrían estado mal. Se quedaron muy a gusto con ‘Body Count’, ‘To The Glory End’, ‘Tasteless Incest’, ‘Death Shall Rise’, ‘Blood Bath’ o una ‘Die Die’ dedicada a los políticos, centrándose así en sus primeros álbumes, e incluso nos obsequiaron con una ‘Dethroned Emperor’ de Celtic Frost. Letales. Turno para los mitiquísimos Pentagram, quienes, pobrecitos, pagaron los platos rotos de unos graves abominables de Ahab que parecieron dañar de muerte las PAs del Blackwaters. Simplemente, dejaron de sonar a los pocos temas. Afortunadamente, y en un tiempo récord, uno de los padres del doom continuó como si nada sólo sonando por sus pantallas hasta que se restableció el sensacional sonido que, dicho sea de paso, reinó en todo el Fall Of Summer. Y qué decir de Bobby Liebling… Éste era uno de esos shows

CANCER

que se había de vivir en primera fila sólo por las caras que ponía el demacrado frontman. ¡No es que tuviera un gesto para cada guitarrazo, es que Bobby tenía una mueca para cada maldita nota del guitarrista Victor Griffin! El tipo parecía que fuera a romperse con tanto contorneo, extremadamente escuálido, haciendo ver (o no) que todavía era politoxicómano, pero todavía dándolo todo en el micro. Los 70 volvieron a la vida, cayendo ‘Forever My Queen’, ‘Broken Vows’, ‘Be Forewarned’, ‘20 Buck Spin’… Una descarga sorprendentemente brillante. Tenía mucha curiosidad por ver a Ascension, pues no pasa todos los días que una banda black tan arriba del cartel no me suene absolutamente de nada. Sin escatimar con la máquina de humo y entre decenas de espectrales velas, me topé con una banda de tomo y lomo que nos humilló en todo momento, pasándonos por encima a piñón fijo con los clichés del género aprendidos al dedillo. Sólo tienen un álbum, Consolamentum, pero fueron

SODOM

toda una revelación. Tras la tempestad ocultista, orgía con Sodom, quienes no se cortaron un pelo con la tralla en un bolo que se nos hizo tremendamente corto. Abriéndonos en canal desde el minuto uno con ‘Agent Orange’, eso fue un no parar con lo más salvaje de su repertorio, casos de ‘Outbreak Of Evil’, una ‘The Saw Is The Law’ que contó con una ‘Surfin’ Bird’ de The Trashmen previa, ‘Sodomy And Lust’, ‘Stigmatized’ o la guarrada máxima de ‘Blasphemer’. Nos dejaron con ganas de más, pero a ver quién es el listo que le hace ascos a una traca final formada por ‘Burst Command ‘Till War’, ‘M-16’ y ‘Remember The Fallen’. Máquinas de matar. Hasta ese momento me había mantenido muy despierto, sin amago de cansancio alguno, pero una sola canción de los Enslaved actuales, a las doce de la noche, casi me manda directamente a la piltra. ¡Madre mía, qué soberano coñazo! Reverencié a los noruegos hasta Ruun, pero la verdad es que les había perdido la

WATAIN

pista por pesados y por gafapastas. Se acordaron del “old stuff” cuando sólo faltaban 20 minutos para terminar su show, pero era demasiado tarde… Aquello ya no lo levantaba ni Dios. Exbanda de metal. Lo del Resu fue un chiste comparado con lo que Watain nos brindó en Torcy. Con el obvio principio de ‘De Profundis’ ya vimos a los suecos infinitamente más metidos en el show que en toda la descarga gallega, saliendo a por nuestro cuello desde el primer guitarrazo. Devaneos de cabeza continuos y, esta vez sí, entre los suyos, Erik Danielsson puestísimo en su papel de sacerdote. El cantante estuvo fantástico, nunca le habíamos oído todos los matices vocales, ni en sala ni en festival. Un sonido crudo y despiadado, pero sensacional. Fueron desfilando ‘Black Flames March’, ‘Malfeitor’, ‘Reaping Death’ y ‘The Wild Hunt’, pero mucho cuidado con la que se nos venía encima… La banda ya había anunciado que para rematar la temporada de festivales iba a tirar de material poco

habitual, así que se cascaron del tirón las tres últimas canciones de Lawless Darkness en una especie de sinfonía del fin del mundo. ‘Hymn To Qayin’, ‘Kiss Of Death’ e incluso el cuarto de hora de ‘Waters Of Ain’. Memorable. Un completo ceremonial como los de antes. ¿Que Watain ya no son lo que eran? ¿Que esta gente se ha amanerado? Y una mierda. Reyes del black metal. El fin de fiesta perfecto vino directo desde Bergen con Bömbers, ni más ni menos que la banda de tributo a Motörhead de Abbath de Immortal. Cachondeo máximo y, sobre todo, estupefacción ante cómo clavaba el mítico vocalista black la voz y entonación del más mítico todavía Lemmy Kilmister. Increíble, en serio… No pararon de llovernos clásicos, e incluso se subió Tom Angelripper de Sodom a cantar ‘Iron Fist’, aunque la borrachera que llevaba le impidió seguir al micro. ‘Motörhead’ y, cómo no, ‘Ace Of Spades’ significaron el cierre perfecto para un Fall Of Summer que, en su primera edición, fue para enmarcar. 139

DE GIRA

WAYNE HUSSEY

17 de octubre Sala Caracol (Madrid) 18 de octubre Sala Bikini (Barcelona)

a es un clásico acudir a los conciertos de Hussey, líder sempiterno de The Mission, para verle actuar en solitario. Esta ocasión será especial, presentando su nuevo disco Candelights And Razorblades (Eyes Wide Shut Recordings), de tono intimista y crooner en la mayoría de su minutaje. Unas 50 fechas que cuando leáis estas páginas habrán empezado teloneando a Peter Murphy, otro que estrena disco. Al bueno de Wayne lo veremos este mes en Madrid y Barcelona. Servidor, que lo acaba de ver hace escasamente un mes y medio, garantiza la energía de este veterano del rock que merecería más réditos.

En esta gira nueva, ¿qué repertorio harás? “Ni idea, cambia cada noche. No suelo tener un repertorio, sólo un punto de inicio y un punto final. El viaje entre ambos depende de varios factores. Un montón de detalles me pueden influenciar: cuánto vino he bebido, si el Liverpool ha ganado o perdido, si hay pistachos o cacahuetes en el cátering, si llevo calcetines limpios… (Risas) En serio, el factor más importante es el sentimiento entre la audiencia y yo. Estos conciertos demandan interacción. Cuando la hay, suele ser una buena noche, si no, tienden a terminar pronto. Llevo un libro de canciones que contiene unos cien temas a elegir”.

¿Qué sentiste la primera vez que te enfrentaste a un acústico? Imagino que sin el soporte de una banda fue difícil... “Sí, absolutamente terrorífico. Durante la mitad de una gira en Sudamérica, Craig volvió a caer en la bebida y dejó el grupo a la mitad. Decidí seguir por mi cuenta, con una guitarra acústica prestada. El primer concierto en Córdoba, Argentina, fue divertido. No tuve tiempo de ensayar, fue un repertorio de calle. El público me apoyó y ayudó hasta el límite”.

¿Has pensado en publicar un directo en solitario? “Sí, quizá. Estoy buscando tocar en un par de clubes íntimos en Sao Paulo, al regresar en diciembre. Filmarlos y grabarnos para publicarlos en un DVD y un álbum. Ya veremos”.

140

Sueles realizar versiones. ¿Cómo las seleccionas? “Es un criterio fácil, me gustan y pienso cómo puedo adaptarlas”. ¿Versionarás al grupo que tú y

yo sabemos? Ya sabes, firmaste Sheer Heart Attack, tu disco favorito suyo. “¡No puedes escuchar mis carcajadas desde allí! (Risas)”. ¡En otra vida! (Risas) Al menos espero que hagas ‘Litany For The Faithful’, mi canción favorita del último de The Mission. “Caerá alguna noche. Si no, sería muy cruel, ¿eh? (Risas)”. ¿Qué diferencias notas entre el público estadounidense, el latino y el europeo? “En Latinoamérica son más apasionados y cantan más que en Europa o Norteamérica. El público británico es muy físico, el estadounidense está de pie y te mira fijamente. En Europa depende de en qué país te encuentres. Disfruto más en los países donde da más el sol, generalmente son más divertidos”. ¿Vivir en Brasil ha cambiado tu música hacia tonos menos oscuros? “No, no lo creo. Nunca he considerado a The Mission o a mi propia música oscura. Eso es periodismo vago. Me encanta la música y soy feliz, pero

no me verás hacer un disco de samba (risas)”. Bossa nova mejor… Has colaborado incluso con Andreas Kisser. “Lo conocí en Inglaterra cuando Sepultura vino a principios de los 90. Buen tipo. Tocó la guitarra en unas cuantas canciones en un concierto que hice en solitario en Sao Paulo hace unos años. Es muy buen guitarrista”. Leí que tu primera colaboración con The Cure fue cantantando en el bis sin Robert Smith. “Nunca he cantado con The Cure, sólo he tocado guitarras. En ‘In Between Days’, ‘A Forest’ y una tercera canción que no sabía ni sé. Simon Gallup escribió los acordes en mi brazo para que pudiera continuar. Fue en Los Ángeles y Robert (Smith) tenía que viajar a Inglaterra nada más acabar el show. Mientras tocábamos ‘A Forest’, en la parte instrumental Robert se escapó en un gran coche negro hacia el aeropuerto antes de que todo terminara y no pudiera coger el avión por el tráfico. Un chico sensible, Robert. Encantador”. Fuiste a ver un partido del Mundial. “Sí, Inglaterra contra Uruguay en Sao Paulo. Una gran atmósfera y ocasión, aunque no fue un gran partido. Lo único bueno es que casi seguro sea la última vez que veamos a Steven Gerrard y Luís Suárez en el mismo terreno de juego. Hubo partidos geniales, otros más pobres... Ganó el equipo más fuerte al final”. Y ahora otra temporada para el Liverpool. Billy Duffy me dijo que te dijera, como hice en Buenos Aires, ¡Manchester City campeones! “Llegaremos al cuarto puesto pero no creo que seamos candidatos al título, por desgracia. Somos conscientes de lo que hay y de los progresos que se han realizado. El título lo ganará el Chelsea o el Manchester City. ¿Billy? Ponte serio, hombre. Disfrútalo mientras dure. La verdadera clase es permanente. No puedes comprarla. Dicho esto, el Manchester City se mereció ganar la última temporada. Estaba y estoy inmensamente orgulloso de lo que los Reds hemos conseguido considerando nuestros recursos; compáralos a los clubes más potentes. El Manchester City fue más poderoso que el Liverpool, pero no tan excitante. Ya notaste que canté un fragmento de ‘You’ll Never Walk Alone’ en Buenos Aires”. Y llevas la bandera del club en el escenario. “¡Sí!”. (IGNACIO REYO)

AGENDA OCTUBRE ACCEPT 10 Villava, 11 Madrid, 12 Barcelona ANATHEMA 8 Barcelona, 9 Madrid CANNIBAL CORPSE 24 Barcelona, 25 Madrid COCKNEY REJECTS 2 Zaragoza, 3 Vitoria, 4 Madrid, 5 Murcia DAY OF DOOM (Saint Vitus, The Skull, Confessor…) 10-11 Barcelona DICTATORS 15 LeganÉs, 16 Burgos, 17 Bilbao, 18 Vitoria, 19 Barcelona, 21 Orihuela, 22 Castellón de la Plana, 23 Valencia, 24 Madrid, 25 San SebastiÁn, 28 A Coruña, 29 Ourense, 30 Ponferrada, 31 AlcalÁ de Henares, 1 Jerez de la Frontera EDGUY 17 Madrid, 18 Bilbao, 19 Barcelona ELEPHANT STONE 1 Barcelona, 2 Madrid, 3 Bilbao, 4 San SebastiÁn FLYING COLORS 7 Barcelona GOTTHARD 24 Bilbao, 25 Madrid, 26 Barcelona HARDCORE SUPERSTAR 23 Barcelona, 24 Zaragoza, 25 Madrid, 26 Barcelona HEAVY TIGER 16 Cangas Do Morrazo, 17 Santiago de Compostela, 18 Madrid, 19 San SebastiÁn, 20 Santander, 21 Bilbao, 22 Zaragoza, 23 Barcelona, 24 Castellón de la Plana, 25 Almería, 26 Granada, 27 Málaga, 28 Estepona HELMET 9 Barcelona, 10 Madrid, 11 HondarrIbia IN FLAMES 7 Madrid, 8 Barcelona, 9 Zaragoza LEFT LANE CRUISER 8 Barcelona, 9 Madrid, 10 Bilbao LOST ALONE 17 Madrid, 18 Barcelona MORRISSEY 9 Madrid, 10 Barcelona OVERKILL 30 Barcelona, 31 Madrid, 2 Bilbao PASSENGER 30 Barcelona, 31 Madrid PAUL DI’ANNO 15 Tarragona, 16 Murcia, 17 Aldaia, 18 CÁceres, 21 Madrid, 22 Salamanca, 23 Ourense, 24 Oviedo, 25 Erandio, 26 Zaragoza, 27 Palencia RITUAL CVLT FEST (Yob, Foscor, Ghost Brigade...) 2-3 Barcelona SAINT VITUS 11 Barcelona, 12 Madrid, 15 Bilbao SAVAGE MESSIAH 6 Barcelona, 7 Madrid SISTER SIN 14 Estepona, 15 CÓrdoba, 16 SedavÍ, 17 Erandio, 18 Oviedo, 19 Madrid, 21 Burgos, 22 Zaragoza, 23 Barcelona SWANS 1 Barcelona, 2 madrid, 3 DUrango SWORN ENEMY 29 Madrid, 30 Barcelona TEXTURES 18 Madrid TRIGGERFINGER 22 Madrid, 23 Bilbao, 24 Barcelona TY SEGALL 23 Barcelona, 24 Madrid, 27 San SebastiÁn VREID 19 Barcelona, 20 Madrid WILD FEATHERS 2 Barcelona, 3 Madrid WOVENHAND 3 Barcelona, 4 Madrid Y&T 9 Madrid, 10 Bilbao, 11 Calella, 12 Zaragoza

ÚLTIMAS PREGUNTAS

MATT HAYWARD (BAND OF SKULLS)

El trío británico Band Of Skulls regresaba a España como parte del cartel del Dcode Festival y con su último disco Himalayan bajo el brazo. 48 horas antes de que cogieran el avión hasta Madrid, tuvimos la oportunidad de hablar con su batería Matt Hayward. Texto: Jordi Pons FotoS: DR

142

sin parar y al final ya estaba un poco agobiado con todo. Fueron demasiados meses seguidos”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “La última vez que comí en casa de mi madre. Disfruté de una buena comida casera. ¡Espero que lea esto! (Risas)”.

¿La última vez que te sentiste muy vago? “Esta misma tarde, pero no me siento culpable por ello (risas)”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “Vi a Beck la semana pasada en Londres e hizo un concierto maravilloso, así que tengo muchas ganas de volver a verle en Madrid”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “Hace unos días estaba en mi iTunes y me salió ‘Only Love Can Break Your Heart’ de Neil Young. Pensé que era buenísima”.

¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Suelo dar dinero a los músicos callejeros en Londres. Son geniales. Son como la banda sonora de tus paseos”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Cada vez que me llega la factura del alquiler de mi apartamento. Porque nunca estoy allí”. ¿La última vez que lloraste? “Puede que hace dos semanas. No suelo llorar mucho, pero ese día sí. Creo que fue en mi habitación de hotel”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Ahora mismo. Si lo pienso bien, poder estar en este grupo es una suerte”.

¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “Mmm... No recuerdo exactamente cuándo, pero seguro que fue mi mánager quien me lo dijo (risas)”.

¿La última vez que te impresionó una película? “Four Lions. No la había visto y es brillante. Te hace reír y llorar al mismo tiempo”.

¿La última vez que infringiste la ley? “El otro día me paró la policía en París por fumar accidentalmente en un sitio que no debía. Me pidieron el pasaporte y me pegaron la bronca, pero al final no pasó nada”.

¿La última vez que pensaste que eras un genio? “Creo que nunca, nunca, nunca he dicho que fuera un genio”.

¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “Hace tres semanas que hicimos un parón en la gira, así que probablemente hace tres semanas y media estuviera deseando matarlos a todos (risas)”.

¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Creo que no hace demasiado me lo dijo un amigo”.

¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “Probablemente también hace tres semanas y media. Estuvimos girando desde marzo hasta bien entrado el verano

¿La última vez que pensaste que Band Of Skulls eran el mejor grupo del mundo? “(Risas) No sé qué decirte. La verdad es que siempre he pensado que éramos el mejor grupo del mundo... Pero soy el único que piensa así (risas)”.

143

EDICIÓN TA NIS O I C C E L CO ILO N I V E L DOB NTA E V A L YA A AS! D N E I T EN