RockZone 110 - 01/2015 by ROCKZONE

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THE NEW TOMORROW El nuevo proyecto proyecto de oscuro y atmosférico metal progresivo de Dan Swäno (EDGE OF SANITY, BLOODBATH, NIGHTINGALE)

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Mastodon (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Con este número arrancamos 2015, año en el que RockZone cumple su décimo aniversario. Como ya sabréis cualquier excusa nos sirve para montar una buena fiesta, pero en este caso la efeméride bien lo vale. Por eso ya estamos trabajando en montar algún sarao especial y poder celebrarlo con todos vosotros más adelante, aunque todavía no os podemos avanzar nada. De momento hemos pasado las últimas semanas confeccionando la lista de los 50 mejores discos que han visto la luz en estos doce meses y otros contenidos que esperemos sean de vuestro agrado. Enjoy!

SUMARIO

nº 110

9 / INTERFERENCIAS

24 / FRANK IERO

40 / MACHINE HEAD

48 / DIARIO GIRA: BASTARDS ON PARADE

80 / EL AÑO SEGÚN... NEW FOUND GLORY

82 / LOS MEJORES DISCOS NACIONALES

104 / KROKODIL

108 / DISCO DEL MES

28 / DANKO JONES

34 / MARDUK

55 / LOS MEJORES DISCOS INTERNACIONALES

74 / BANDA DEL Aﾃ前

94 / ESPECIAL FOTO

100 / COHEN

110 / CRITICAS

128 / CONCIERTOS

SUMARIO

152 / FIGURAS COLATERALES

nº 110

156 / DE GIRA+AGENDA

TÚ OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Guinovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_MARILYN MANSON EL 19 DE ENERO VERÁ LA LUZ THE PALE EMPEROR, EL NOVENO ÁLBUM DE ESTUDIO DE MARILYN MANSON. UN TRABAJO CON EL QUE EL POLÉMICO ARTISTA ASEGURA HABER DESCUBIERTO EL BLUES QUE LLEVABA DENTRO.

i algo está claro es que Marilyn Manson domina los medios como nadie. Pocos meses antes de que vea la luz su noveno disco The Pale Emperor (Hell, Etc.), el rockero ha vuelto a ser noticia por un par de motivos extramusicales. El primero fue su actuación en la última temporada de la serie Sons Of Anarchy, donde interpretaba a un líder racista encarcelado. El segundo, y más polémico, su supuesta participación en un vídeo dirigido por Eli Roth (Hostel) en el que se simulaba de manera muy gráfica una violación a la cantante Lana Del Rey. Aunque Manson ha negado cualquier conexión con el mismo, no hay duda de que le ha servido para caldear el ambiente de cara al lanzamiento de su nuevo trabajo. Centrándonos ya en éste, el cantante ha comentado que su origen hay que buscarlo en un libro que su amigo y actor Johnny Depp le regaló en el año 2000 sobre Heliogabalus, el emperador romano anterior a Calígula y que fue el primero en negar la existencia de Dios. Manson empezó a trabajar en él a mediados de 2013 en estrecha colaboración con Tyler Bates, compositor de bandas sonoras tan famosas como la de Guardianes De La Galaxia,

y que aquí ha ejercido de productor y co-compositor. Ambos se habían conocido hacía años cuando Manson participó en la serie Californication y habían intentado trabajar anteriormente, sin éxito, en un álbum en el que también iba a participar Dave Lombardo de Slayer. En este nuevo intento la química sí funcionó y dio como resultado diez nuevas canciones que Manson describe como muy cinematográficas y con influencias del viejo blues, sobre todo en su enfoque vocal, aunque conservando los elementos más duros que caracterizan su música. “Lo que no había descubierto hasta ahora es el blues. El blues cambió mi manera de cantar en el disco. Y la música tiene una melodía y un lenguaje en sí mismo”, ha declarado. Aunque a juzgar por los adelantos que ya se han ido publicando (‘Cupid Carries A Gun’, ‘Third Day Of A Seven Day Binge’ y ‘Deep Six’) tampoco se aprecia un cambio radical en cuanto a estilo, cabe destacar que en el álbum ha participado como guitarrista Shooter Jennings, el artista de rock americano hijo de Waylon Jennings, a quien Manson ha calificado como “otro hermano que nunca tuve”. De momento, ningún show confirmado en España.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ ESTRAPERLO, CLUB DEL RITME

as despedidas siempre son duras, pero cuando se trata de decir adiós a una sala como la Estraperlo de Badalona, todavía más. En los últimos seis años Estraperlo se ha convertido en todo un referente para la escena rock, metal, punk y hardcore y, tanto por su programación como por el trato familiar de sus responsables, personalmente siento que había tomado el relevo de la mítica sala Garatge. En él hemos podido vivir conciertos que nunca olvidaremos como los de Sick Of It All, Napalm Death, The Get Up Kids, Jello Biafra, The Black Dahlia Murder, Ratos De Porao, Terror, D.R.I., Cockney Rejects, Poison Idea, Toxic Holocaust, Adolescents, Extreme Noise Terror, Saint Vitus o Youth Of Today, entre muchos otros. Cuando se ponía hasta los topes la Estraperlo se convertía en una olla a presión que volvía locos tanto al público como a los músicos. Pero está claro que el entusiasmo no es siempre suficiente para tirar adelante un proyecto, y en el contexto de crisis que les ha tocado vivir, incluso puede considerarse una proeza que hayan resistido tanto. Desde aquí nuestro máximo agradecimiento a Jordi, Sara, David, Kai y todos sus empleados por todos estos grandes años. No lo olvidaremos. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@PauNavarraRZ Sólo cuando tengo que editar los tops con lo mejor del año odio @RockZone y a todas las putas bandas del planeta. A las indie, siempre. @paramoreARG our friends from @RockZone met @yelyahwilliams at @newfoundglory’s concert in Barcelona! @AtamNavi U2 a 80 euros la entrada, ¿no? Ay, ¿aquellos U2 progres dónde están? @GARA_mjauregi El nuevo de AC/DC. Inofensivo, aburrido, como una cerveza sin alcochol. Mejor invierte ese tiempo en otro disco (u otra cosa). :) @blancaolivella Seguimos buscando a un jodido batería. Punk rock, cerveza y buen rollo en Barcelona. @Llopapopa Estar salseando la @RockZone y encontrarte con esto. AMOR INFINITO. Viva Oblivion, joder. @carlos_detoro Tardes de sábado leyendo la nueva @RockZone y en ella unos grandes @puk2band presentando Forza Interna. Proud. @berritxarrak Somos #portada en la revista @RockZone, ¡qué ilusión! Además, se puede leer la entrevista también en euskera. #detallazo 10

Ésta es mi foto con Head, líder de Love And Death y guitarrista de Korn. Tuve la suerte de poder estar con ellos en el backstage del Graspop Metal Meeting de Bélgica en 2013. (MÍRIAM GONZÁLEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF ¡¡¡Qué pasa, paquetes!!! Quiero desde esta columna felicitar a la familia Young y sus allegados. Además de haber producido un disco cojonudo, habéis vendido miles y miles de entradas en un solo día a 75 pavos la barata. Eso sí que es saber hacer negocios. Ahora, yo me cago en todos los pajeros que me habéis dejado sin entrada; resulta que ahora tienes que hacer siete horas de cola y darle al regenerar de la pantalla de internet para poder comprar un ticket. ¿Qué vamos a ver, a las Spice Girls? Ya sé que hablo desde la rabia de quedarme fuera, pero me toca los X demasiado. Así que desde aquí aviso al promotor: me voy a colar. Aún no sé cómo, pero me voy a colar. Ahí van algunas ideas: pasar por la entrada de mantenimiento con alguna excusa disfrazado de lampista, caja de herramientas en mano; falsificar documentos a lo pequeño Nicolás y hacerme pasar por alguien del CNI que investiga las cuentas irregulares del artista en Sudáfrica; alquilar un coche con cristales tintados con disfraz de chófer y usar mi acento inglés de Oxford para convencer al segurata de turno que soy el runner, o mi favorita: ¡Estampida a la mexicana! Sea como sea, no me pierdo el concierto. ¡¡Pau Navarra, cabrón!! ¡¡Jódete!! (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra CATORCE

KASPARRATA

NODRIZA

Atlas

Eurotanasia

La Sombra Del Árbol

(AUTOEDITADO)

(FINNVOX/CARAMELO/ANIMAL MUSIC)

Catorce vuelven a nuestras páginas tras reseñar Frónesis, si mi maltrecha cabeza no recuerda mal, hace ya tres o cuatro años. Por lo que podemos escuchar, el tiempo no ha pasado en balde, y su nueva criatura, Atlas, editada incluso en vinilo tras una exitosa campaña de crowdfunding, les ha salido a pedir de boca. Estos “dos tíos muy grandes y uno más pequeño, tocando música para gente triste” han plasmado un disco de rock alternativo inteligente y cálido, potente y a su vez delicado, como demuestran ‘El Tiempo Del Fuego’ o la raspada ‘Libres’, más intimista en ‘En Esta Noche’ o ‘Marzo’. Desde luego, si algo denotan estos diez temas es mucho mimo y cuidado, el mismo que ha puesto Víctor García-Tapia (Toundra, Minor Empires, Hamlet, Berri Txarrak) a la hora de plasmar la portada que lo remata. Dicen que no tienen “Vans, tattoos ni dilataciones”, así que este Atlas poco tiene que ver con el de Parkway Drive… Unos cachondos, estos sevillanos, a la par que grandes músicos. Quizá a veces abusen algo de su lado más lacrimógeno, pero tampoco les cuesta arrancar algo de nu metal con ‘Caminantes’. Podéis estar bien orgullosos. http://catorceband.bandcamp.com/

Con un chorro claro y conciso, Joan, guitarra y cantante de Kasparrata, cuya voz guarda un leve parecido con la del inigualable Evaristo, sonando así a La Polla o Gatillazo, es el principal artífice de que la dialéctica antitodo de los de Barberà del Vallès te atrape con fuerza. Sobra decir que Eurotanasia es más punk que el glande de Sid Vicious agujereado con un imperdible, golpeando con furia al nauseabundo momento actual que estamos viviendo con la inestimable ayuda de la base rítmica de Daboto al bajo y, sobre todo, del solvente batería Albert. Con ‘Goldman Sucks’, ‘Culpables’, que cuenta con un inolvidable sampler de Pepe Rubianes, ‘No Se Puede Parar’, la redonda ‘Apartheid’ o ‘Expresidente’, los catalanes disparan con bala, sin pelos en la lengua, a la inmundicia facha, política y corrupta que infecta con veneno a nuestra absurda sociedad. Pese a que se muevan básicamente por los derroteros del punk rock, cabe destacar que no les tiembla el pulso a la hora de pisar el acelerador y casi llegar al hardcore melódico en ciertos momentos. Ocho nuevas canciones, ocho nuevos escupitajos contra los malditos partidos, los sindicatos vendidos y la falsa izquierdita.

Parece que en pleno 2015 todavía hay quien quiere reivindicar lo mucho que el nu metal le influenció en su momento. Parece existir cierto revival, y éste es sin duda el caso de Nodriza, combo metálico que, también hay que decirlo, nutre su principal influencia de muchas otras poderosas armas. De esta forma, entre claras referencias a Deftones, Korn o Coal Chamber también encontramos una gravísima afinación que, desde las cuerdas del bajo de Manuel Martínez y la guitarra de Alberto Vizcaíno, le da a la banda un aura ciertamente personal. Nodriza machacan como en el breakdown de la densa ‘Zaratustra’, pero en ‘Tus Ídolos Te Buscan’ incluso se permiten cierto rapeo y unos aires ambientales propios del rock alternativo. Por encima de todo siempre está el cantante Víctor Bellot, seguramente fan absoluto de Rage Against The Machine, el rap en general como demuestra ‘A-Track’ y auténtico protagonista de este EP, siendo sus facetas vocales las catalizadoras de todo el metal de los valencianos. ‘La Sombra Del Árbol’ sería el tema más directamente nu de todos, un regalo para los aficionados que aún pueda tener este género y de desarrollos muy System Of A Down.

album/atlas

www.facebook.com/Kasparrata

www.metalocaust.com/nodriza

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_JUPITER LION FORMACIÓN: Jose Guerrero (bajo), Sais (sintetizadores. programación), Gonzo In Vegas (batería)

PROCEDENCIA: Valencia AFINES A: Guerrera, Kraftwerk, Betunizer PRESENTAN: Brighter (BCore)

“No hay que tenerle un respeto a tu sonido. Tienes que poder cogerlo y moverte sin asustarte. Y cuanto más mejor” SAIS

JUPITER LION

l patio trasero de la tienda de discos BCore, en el barcelonés barrio de Gràcia, sirvió como escenario para el encuentro entre RockZone y los tres componentes de Jupiter Lion, quienes no venían del planeta que les da nombre, sino de otro mucho más lejano: Valencia. Quizá sólo de esa tierra donde durante años ha convivido la devoción por la electrónica, el after punk, el punk rock y los estupefacientes podía surgir un grupo como ellos. Formados a principios de 2011 de la unión de dos DJ’s, Sais y Gonzo In Vegas, y el polifacético Jose Guerrero (Betunizer, Orquesta Del Caballo Ganador…), Jupiter Lion lanzaron su debut homónimo en otoño de 2012 obteniendo una muy buena aceptación tanto aquí como fuera de nuestras fronteras por parte de medios como The Guardian o Spin. “Cuando lo haces lo haces con ganas, y si no creyeras que está bien ni lo enseñarías”, dice Jose respecto a si les sorprendió semejante respuesta. “Lo que quieres es que la gente lo escuche, le guste y tenga buenas críticas. Si salen malas críticas, seguiríamos haciendo lo nuestro y se acabó. Pero tampoco hay que darle demasiadas vueltas a lo que digan de ti”. Con esa misma actitud humilde y pasota, el trío ha puesto en órbita dos años después otro artefacto, Brighter, destinado

a tener incluso mejor suerte. Un álbum que insiste en esa senda de krautrock y psicodelia electrónica pero que fue gestado de manera distinta. “Todo se ha hecho de otra manera”, explica Sais. “Con el primero las canciones venían a partir de ideas hechas en casa, y en cambio en éste los tres hemos estado desde el principio. Creo que se nota bastante. A la hora de grabar y mezclar todo ha sido más fluido”. A lo que Gonzo añade: “Tampoco había nada predeterminado. Nos pusimos a hacer canciones y salió el disco. No había ninguna pauta, ni presión”. Sus largos desarrollos surgen a partir de improvisaciones, de la inspiración en caliente del local y basándose en el puro instinto de los músicos y las ganas de experimentar. “Es todo muy de sensaciones”, señala Jose. “No hay una teoría. Es jugar y a ver qué sale”. Y como ejemplo ponen ‘Lost Cannibal’, el tema que cierra el álbum, originalmente pensado como una pieza de un minuto y que acabó sobrepasando los doce. A la hora de buscar referentes para el sonido de Jupiter Lion los nombres de Kraftwerk, Can, Neu! o Stereolab suelen ser lo más empleados, y aunque sus componentes los aceptan en buena medida, también apuntan que hay muchos otros grupos que nunca se comentan. “Por ejemplo a mí

‘Your God Is Human’ me recuerda mucho a Bardo Pond”, indica Jose. “Y nadie habla de Bardo Pond en las entrevistas. Es un bucle, pero no a lo krautrock, sino a lo psicodélico. Lo veo más hurgar en la llaga que disfrutar del camino”. También es inevitable leyendo lo que se escribe sobre ellos encontrar adjetivos como ‘hipnóticos’ o ‘espaciales’, y aunque en general están de acuerdo con ello, Gonzo puntualiza: “A mí lo del espacio me cansa un poco ya. Más que nada, porque cuando estoy en el local no estoy pensando en el cosmos. Pero entiendo que a la gente le venga ese tipo de imágenes porque es música instrumental, y también porque en las primeras series de ciencia ficción se usaban sintetizadores”. Si bien Jupiter Lion siguen siendo un grupo básicamente instrumental, en Brighter también encontramos algunas líneas de voz melódicas. Otra muestra más de que no ven su sonido como un campo acotado, sino más bien todo lo contrario. “Esas canciones lo pedían, era como que faltaba algo”, cuenta Jose. “Hay que probar cosas. Igual metes las voces y no funciona. Esta música es de probar, probar y experimentar. Si te quedas encasillado en una movida, se limita todo”. A lo que Sais añade: “No hay que tenerle un respeto a tu sonido. Tienes que poder cogerlo y moverte sin asustarte. Y cuanto más mejor”. Una filosofía que muy pocos grupos se atreven a seguir, desgraciadamente. “Nos pasa a todos”, reconoce Jose. “Ninguno tenemos tanta, tanta personalidad como para no sonar a algo americano, a algo alemán… Todos tenemos nuestras influencias y no puedes huir de ellas, pero al menos no hay que tener miedo y romperlas. Así a lo mejor llegas a algo”.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, IGNACIO REYO FOTOS: DR

LEYENDA DE UN SUICIDIO David Vann (ALFABIA)

Alfabia

de la trama: este año

dio el petardazo en

Alfabia cumple cinco

2010 con la publi-

años de vida y, para

cación de Sukkwan Island, la

celebrarlo, ha publi-

ópera prima del hasta enton-

cado Leyenda De Un

ces desconocido David Vann.

Suicidio. Este volumen

Este escritor nacido en Alaska

en tapa dura incluye

buscaba redención en las pá-

Sukkwan Island y cin-

ginas y exorcizar los demonios que tenía dentro desde el suicidio

co relatos inéditos de

de su padre; por eso dotó a sus primeros relatos de muchos elemen-

Vann que inciden en

tos autobiográficos disfrazados de ficción: “Hace años que no me

la atmósfera opresiva

siento en casa, que no me siento parte de ningún lugar en el que

y en la falta de com-

he estado. Me faltaba algo, pero tengo la sensación de que estar

prensión entre padres

aquí contigo va a arreglar todo eso. ¿Sabes lo que quiero decir,

e hijos que el autor quiere subrayar con su obra. Sinceramente,

hijo?”. Por supuesto Roy no tenía ni idea de qué quería decir su pa-

adquirir el debut íntegro de David Vann no merece la pena si en

dre y la aventura que emprenden juntos en una isla desierta acaba

su día te agenciaste la novela mencionada; si no, es una manera

como acaba. Volvamos a la actualidad sin desvelar nada más

perfecta y más completa de adentrarse en su mundo.

diciones

LA NOSTALGIA YA NO ES LO QUE ERA Ignacio Julià (ALTERNIA)

ada mejor que,

aún sintiéndose mitómano –Sonic Youth- en su justa medida,

en tiempos de

escriba sin sentirse en una torre de marfil. En todo caso, aquí

desintoxica-

cambiaríamos esa torre por el pensador analítico y amable de

ción leve, sumergirte en un

un faro cuya luz puede disminuir en fuerza por los años trans-

buen libro, oasis cotidiano

curridos, que no en efecto de esta compilación de nostalgias

en el desierto que puede

revisadas a través de tres de las cuatro estaciones del tiempo.

llegar a ser en ocasiones la

Recopiladas y reconstruidas en algunos casos, extraídas de las

existencia. Desde una triste-

publicaciones en las que ha publicado esta última década,

za benigna, porque como todos, Julià se mueve en el espíritu

viajamos a través de su prosa por la audacia como entrevis-

de la contradicción humana, eliminando maniqueísmos prefa-

tado de Tony Visconti, el futuro cada vez menos distópico que

bricados, repasa a través de sus referentes lo que fue y es, en

vislumbraron ¿accidentalmente? los Sex Pistols, sentimos una

la actualidad, su perspectiva de los mismos; por ende, de su

bocanada de aire fresco y vitalista a través del iconoclasta

vida. No estamos acostumbrados en este país al crítico que

David Lynch, o una emotiva despedida de Lou Reed.

SANDLAND

Akira Toriyama (PLANETA DE AGOSTINi)

Uno de los mejores trabajos de Akira Toriyama post Dragon Ball. Con un trazo y diseños exquisitos que abandonan la sencillez de línea mostrada en obras como Cowa o Kajika, SandLand se reedita en formato kanzenban para quienes no pudieron leer la historia de humor y aventuras que une a un viejo militar humano con el príncipe de los demonios en la búsqueda del agua que aplaque la sed de ambos pueblos. En la línea tontorrona pero bien eficaz de todas sus obras cortas, supone una lectura genial. SG

ESTOY HECHO UN COCINICAS

Xcar, Azagra y Revuelta (EDITORIAL CORNOQUE/ MALAVIDA)

El lanzamiento de la temporada del equipo de Malavida, grupo de autores aragoneses que, junto a su fanzine homónimo, ofrecen de manera periódica tebeos y álbumes de puro humor. Estoy Hecho Un Cocinicas es un libro de recetas ameno y divertido, con platos para todos los gustos y aderezadas todas las páginas con adorables historietas y gags desternillantes (algunos de índole privada). Un complemento para los fans de la cocina y un regalo fantástico con el que no se fallará en las citas que vienen. SG

ASTAROTH Y BERNADETTE

BALTASAR Y FRANCO

(ALETA)

(HIPITI LOVER/AUTOEDITADO)

Coax & Ensis

El cómic cochinote del mes con el que empezamos el año en Zona de Ozzyo. Presentado por entregas en formato librito apaisado, ahora sus autores -con una larga carrera en el mundo del cómic en España- remasterizan este trabajo en un tomo que presenta un relato de fantasía erótica y perversiones con demonios, pueblerinos cachondones y una mozuela retada a experimentar hasta la última de las consecuencias los placeres prohibidísimos. Su alto nivel de pornografía y descaro se agradece. SG

ATENTOS A SUS PANTALLAS Mauro Entrialgo

VV. AA.

Un fanzine que tienes que leer. Una bufonada maravillosa que esconde una de las críticas y denuncias más intensas que he leído jamás sobre el dictador Francisco Franco. Qué mejor forma de humillar a semejante individuo que presentándolo como una caricatura adorable y amiga de un imposible Rey Negro con el que vive episodios localizados en la historia de la España ‘negra’ de la dictadura fascista en clave de gags a lo Príncipe De Bel Air’s style. Te va a reventar las neuronas. Y vas a pedir más. Supremo. SG

TUNGSTENO

Marcello Quintanilha (LA CÚPULA)

(DIÁBOLO)

Ya su triple portada troquelada en tres niveles anticipa el festín de historietas que contiene este recopilatorio: trabajos previamente publicados en prensa especializada enfocados al cine, la televisión y los videojuegos. Con su humor marca de la casa y estilo hiperreconocible, Mauro Entrialgo ofrece a sus lectores apuntes en clave humorística, otras veces con dardos irónicos, pequeñas perlas sobre estos tres medios de comunicación de masas y entretenimiento. Más que recomendable, gente. SG

Estupendo thriller que quita la respiración gracias a su ritmo trepidante, estupendo dibujo y asfixiante narración enmarcada en unos espacios que, pese a su aparente libertad, ahogan al lector. Una historia que cruza las vidas de un exmilitar, un traficante de mala muerte, un agresivo policía y su (todavía) mujer; habitantes en el mismo universo sin ser conscientes de lo relacionados que pueden llegar a estar y lo fuertes y determinantes que llegan a ser algunos de sus actos en el devenir de sus vidas. SG 19

TOI’S IN THE ATTIC AÑO NUEVO... ¿VIDA NUEVA?

se termina otro año... ¡Ay, qué mayor me voy haciendo y qué rápido pasa el tiempo! En cuatro días me veo con un walker y con compresas Tena Lady... ¿No os resulta horroroso? A pesar de mis terribles pensamientos sobre lo efímero de la vida debo admitir que no ha sido un mal año. El balance para este 2014 ha sido excelente, plagado de novedades discográficas increíbles, conciertos memorables, grandes descubrimientos musicales y un montón de momentos inolvidables. Quién me iba a decir que os iba a estar dando el coñazo cada mes por aquí, o que podría entrevistar a Ann Wilson de Heart. Pero dejemos de lado los balances anuales y centrémonos. Después de sobrevivir al paripé navideño y a la locura descontrolada con la que hemos atajado el último mes, afrontamos enero con gran optimismo y una montaña de propósitos para 2015. Que si ir al gimnasio, que si encontrar pareja y sentar cabeza, que si llevar una vida más sana y ahorrar más... Pero vamos a

ver, ¿por qué nos engañamos de esta manera? Enero es un mes de mierda. Hace frío, estamos sin un duro, sube la luz y el primer día ya nos enfrentamos a un año entero con el mega resacón del siglo. Y lo más cachondo del tema es que NO APRENDEMOS, y repetimos el patrón una y otra vez. Hace un par de días me comentaban que Spotify registra este mes el mayor número de usuarios que escuchan playlists para hacer deporte. ¡Me parto! Me gustaría ver las estadísticas para echarme unas risas. En mi caso dejé de marcarme objetivos hace años, porque meterme más presión me parece innecesario. Con que todo aguante como está ya va bien. Aunque a lo mejor para 2015 voy a proponerme beber como una cerda, ir a la feria de Albacete, escuchar copla y no follar nada, y así si no se cumplen los propósitos probablemente hasta me sienta mejor. En cualquier caso, espero que comencéis bien el año y sigáis escuchando mucho rock. Cheers! (TOI BROWNSTONE)

TV EYE TWI N PEAKS

ntre los 7 y los 9 años, mientras mis hermanos pujaban por el mando de televisión y explosionaban Nirvana, o veías el adiós en vida que supuso Innuendo de Queen, recuerdo, con la nitidez de realismo mágico occidental (si es que ese concepto pudiera existir), la sintonía de abertura hacia un pueblo onírico, de sonora pronunciación. Imposible disociar el gótico americano, lleno de carpinterías, bosques, atmosféricas secuencias, con la melodía de Angelo Badalamenti. Twin Peaks se echaba en horas en las que, supuestamente, los nacidos cuando el chico de la moto murió, no debíamos estar despiertos. Oasis en el arenal de putrefacción, basura que era Telecinco. Destellos de un pasado en que todo parecía posible, hasta ser libre de poder vivir de tu sueño. Inocencia degenerada en pesadilla. No, no fui precoz y vi la serie entera en su época de esplendor, sólo fragmentos, episodios que se quedaron retenidos en mi psique de la misma forma que un accidente rompe la cáscara de huevo que regía el mundo feliz que nos prometían

los cuentos del ayer, igual que esa chica que apareció para no volver. Vi Twin Peaks casi en su décimo aniversario, en un regalo. Su ínfima primera aparición en DVD, escasa a todas luces, pero a falta de nada, oro puro. Recuerdo las veladas nocturnas en el colegio mayor viviendo, traspasando el límite entre realidad y deseo, frente a la pantalla gigante del salón de actos. Igual que he negado verla en su momento, afirmaré que no me gustó su final, que me dejó una herida que tardó en sanar. Y ahora me entero que Lynch pretende recuperarla y sólo pienso que, aún sin gustarme, prefiero que las cosas se queden como están. Demasiado tarde, más aún cuando me respondió en una entrevista: “Twin Peaks es un recuerdo lejano. Me encanta el universo de Twin Peaks, me encantan los personajes y las posibilidades que ofrecía ese universo, pero es algo que veo muy lejano. Ya no suelo pensar mucho sobre ello, la verdad”. Los ingleses tienen la expresión correcta: Let the sleeping dogs lie. (IGNACIO REYO)

ste mes los escogidos para mi Hall Of Fame particular son Frizzle Fry y Sailin’ The Seas Of Cheese de Primus. Ha pasado el suficiente tiempo para que la gente pueda mirar con perspectiva aquello que se llamó ‘Alternative Nation’, sus héroes, los grandes momentos, discos memorables y mejores conciertos. Quizá es porque tengo una especial debilidad por los más desvalidos, pero hay bandas que me sorprende que nunca sean consideradas las protagonistas del momento

que les tocó vivir. Una de esas bandas es Primus. Por supuesto estoy al tanto de las opiniones tan dispares que hay respecto a Primus. Me han llegado a llamar la atención por mostrar mi admiración hacia ellos delante de cierta gente, que por otro lado ha celebrado mis gustos hacia otras bandas. Entiendo que la tendencia de la formación hacia ese extraño prog que practica pueda echar para atrás al clásico oyente de rock, pero no hay duda de que también

pueden hacer canciones de rock clásicas de tres minutos. La primera vez que escuché a Primus fue por la canción ‘Jerry Was A Race Car Driver’, un título loco para una canción igual de loca. El cantante, y bajista extraordinario, Les Claypool sonaba como un dibujo animado cantando con ironía. Mientras el cuerpo de la canción tenía un ritmo juguetón y brillante, lo que se podía considerar como estribillo era algo así como un ruido sordo que salía de la nada sin motivo aparente. Era absolutamente brillante. Después de aquello fui inmediatamente a la tienda a comprarme el álbum Sailing The Seas Of Cheese, que era el que contenía la canción. Al Igual que ‘Jerry…’, el título del álbum y la portada era algo… bueno, algo difícil de explicar. Después de escuchar el disco una y otra vez tuve claro que el paso natural era explorar lo que habían hecho antes y si Sailing The Seas Of Cheese mostraba lo excéntricos que podían llegar a ser, Frizzle Fry, su anterior álbum, era todo un golpe en la cabeza. Incluyo los dos discos juntos

porque los veo como piezas complementarias. No puedes entender uno sin el otro. Navegar de ‘To Defy The Laws Of Tradition’ a ‘Tommy The Cat’ pasando por ‘Too Many Puppies’ o ‘Is It Luck?’ tiene todo el sentido del mundo. Si tuviera que descubrir a Primus para los no iniciados, habría que pensar en Parliament/Funkadelic mezclados con The Residents y los dibujos de la Warner (Bugs Bunny, el gato Silvestre, Piolín y el pato Lucas). Si alguien necesita encontrar su dosis de credibilidad, decir que el guitarrista Larry Lalonde estuve en la pionera banda de thrash Possessed y que Rush se los llevaron de gira. Incluso Geddy Lee retó a Claypool para el Ice Bucket Challengue. He de reconocer que hasta hace poco he tenidos mi fanatismo un poco apartado, pero esto ya no volverá a suceder. Tienes que escuchar estos dos discos para darte cuenta de los buenos que son Primus. Mientras escribo esto estoy oyéndolos con una sonrisa permanente en mi cara. Nos vemos, DANKO JONES

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> GORKA URBIZU DE BERRI TXARRAK INTERPRETA ‘LEMAK, AINGURAK’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

ualquier duda que pudiera tener Berri Txarrak acerca de la aceptación de su nuevo trabajo Denbora Da Polígrafo Bakarra (Only In Dreams) debió quedar rápidamente disipada al ver la gran respuesta que ha obtenido desde su salida a finales de noviembre. Gorka Urbizu (voz, guitarra), David González (bajo) y Galder Izagirre (batería) han podido comprobarlo de primera mano, más allá de las excelentes críticas que han recibido en los medios. La gira promocional que han efectuado en las últimas semanas por todo el Estado ha sido todo un éxito, llenando allí donde han tocado y vendiendo, de paso, unos cuantos discos. Ha sido la primera oportunidad que sus seguidores han tenido de escuchar en directo algunos de los 20 temas que se reparten en los tres EPs. A juzgar por lo que pudimos escuchar el pasado 11 de diciembre en Barcelona –y eso que las habían readaptado a un formato más ‘calmado’ para no hundir las paredes de la tienda donde realizaron la presentación-, los nuevos temas prometen ser una bomba cuando el trío empiece el 9 de enero en Donostia

la gira oficial de presentación. Se les nota muy a gusto y disfrutando con los matices que les permiten incorporar el nuevo material. Aunque como nos reconocía Gorka en la entrevista que publicamos el mes pasado, todavía no tienen muy claro cómo van a estructurar los conciertos. “Tenemos un marrón bastante guapo”, decía riendo. “Se aceptan ideas. Si quieres tocar los tres EPs ya es hora y veinte. Y tampoco nos gustan los conciertos muy largos, no por una cuestión física, sino porque para el oyente estar tres horas atento es muy difícil. Nuestro dilema es hacer un bolo de dos horas y poder tocar casi enteros los tres EPs”. Uno de los retos será también trasladar al escenario la personalidad que han querido dar a cada uno de los capítulos de Denbora Da Polígrafo Bakarra. Como explicaba Gorka, en este trabajo han hecho una “disección de estilos e influencias de las que bebe Berri Txarrak, pero creo que no sólo se queda en eso y hay una evolución más respecto a discos anteriores. Ofrecemos lo que somos capaces de hacer en tres versiones diferentes, pero en el primer EP sigue habiendo pasos adelante.

Y en el segundo, que puede que sea el que más sorprenda, casi se puede hablar de unos nuevos Berri Txarrak. Creo que como lo hemos enfocado es bastante novedoso. Quizá el tercero sea el más reconocible, donde la gente más se identificará, pero son canciones más cortas que nunca. Es Berri Txarrak en el 2014, un paso más”. La salida del disco está enmarcada dentro de su 20 aniversario, y aunque Gorka no es muy dado a mirar atrás y hacer balance, semejante efeméride invita inevitablemente a ello. “Cuando te cuelgas una guitarra no sabes qué va a pasar y, joder, fíjate qué viaje más alucinante”, nos decía. “También está bien darle un poco al ‘pause’ y valorar lo que ha pasado. Es mucho más de lo que cualquiera hubiera pensado. No había ningún objetivo en el horizonte, pero poco a poco te das cuenta de que has tocado por todo el mundo... Y luego está la comunidad de Berri. Yo creo que la gente asocia Berri Txarrak a una forma de hacer las cosas, a un respeto hacia la música, y creo que para mucha gente somos más que un grupo. Eso es emocionante. Tener un público así de fiel es un privilegio”. 23

FRNKIERO ANDTHE CELLABRATION

MEDICINA NATURAL Aunque Gerard Way haya acaparado toda la atención, el guitarrista Frank Iero debuta con un disco incluso mejor que el de su excompañero en My Chemical Romance, repleto de pegadizo punk garajero. ¿Quién lo iba a decir? Texto: Jordi Meya Fotos: DR

anto antes de entrar en My Chemical Romance, con Pencey Prep, como durante, con Leathermouth, Frank Iero había dado muestras de su inquietud musical. Así que era lógico que, también después, el guitarrista diera señales de que por su cabeza no pasaba dejar la música. A los pocos meses de la disolución de My Chemical Romance, el guitarrista publicó un EP con dos versiones, una de las Ronettes y otra de Johnny Cash,

y activó, en enero de 2013, Death Spells, un proyecto industrial junto a James Dewees de Reggie & The Full Effect. Todo indicaba que había superado el luto rápidamente, pero como suele decirse, la procesión iba por dentro. Desde finales de 2012, Iero venía sufriendo fuertes dolores por un problema en su aparato digestivo y a pesar de visitar varios médicos, ninguno parecía dar con el tratamiento adecuado. Pero en lugar de rendirse al sufrimiento, Iero decidió usar el

dolor como fuente de inspiración para componer y grabar su primer álbum en solitario, Stomachaches (literalmente, ‘dolores estomacales’). Aunque venga acompañado de la coletilla AndThe Cellabration, dando a entender que una banda le acompaña, en realidad ésta no se materializó hasta que reclutó a Evan Nestor (guitarra, Science), Rob Hughes (bajo, guitarra en Leathermouth) y Matt Olsson (batería) para actuar en directo. Con ellos se encontraba de gira por Inglaterra abriendo

“Creo que hubiese hecho lo que hubiese hecho no hubiera sonado a My Chemical Romance. Esa banda sonaba de una manera única gracias a la combinación de la gente que tocábamos en ella” FRANK IERO

Teniendo en cuenta que venías de la separación de My Chemical Romance y los problemas de salud que sufriste, el disco suena casi jovial. “Yo también lo pienso, y me alegro que lo digas porque mucha gente no lo ve así. Pero para mí hacer el disco fue una alegría porque logré convertir una situación personal mala en algo bueno. Para mí fue un acto de supervivencia, de preservar mi lado creativo”. ¿Te costó mucho tiempo averiguar en qué dirección musical querías ir o simplemente empezaste a grabar sin tenerlo claro? “La historia es que en realidad no estaba planeando hacer un disco. Simplemente intentaba llevar como podía mi situación. No había ninguna dirección, sólo escribía canciones e historias sobre cómo me sentía o cosas que les estaban ocurriendo a otras personas. Intenté capturar esos momentos concretos. No me di cuenta hasta bastante tarde de que estaba haciendo un disco. Fue un shock para mí no haberme dado cuenta hasta entonces porque no tenía nada que ver con cómo había hecho discos antes. Simplemente escribía lo que me salía ese día”.

para Mallory Knox en el momento en que le entrevistamos. Tengo que decirte que tu disco me ha soprendido mucho. Esperaba algo más en plan cantautor depresivo, pero no lo es… FRANK IERO “(Risas) No, no lo es. Por eso añadí el nombre de una banda a mi nombre para titularlo. No quería que la gente pensara que era yo sólo con una guitarra acústica”.

¿En algún momento consideraste incorporar a más gente y formar una nueva banda o querías terminarlo tú solo? “No. Cuando iba a grabar las baterías me di cuenta de que no podía hacerlo sólo y por eso llamé a mi amigo Jarrod (Alexander, excompañero suyo en MCR -ndr.). Pero por lo demás, lo hice todo yo porque, como te decía, ni era consciente de estar haciendo un disco o empezar una nueva carrera.

Fue mucho después cuando pensé en formar una banda para poder tocar los temas en directo”. Tus temas tiran bastante hacia el punk pop de los Buzzcocks o cosas más garajeras como Jay Reatard. ¿Era un lado tuyo que quizá no podías desarrollar en My Chemical Romance? “Bueno, yo creo que hubiese hecho lo que hubiese hecho no hubiera sonado a My Chemical Romance. Esa banda sonaba de una manera única gracias a la combinación de la gente que tocábamos en ella. Creo que ese lado garajero es debido a que lo grabé en el sótano de mi casa. Tiene ese sentimiento de garaje porque se grabó en uno (risas). Hay muchas bandas que se gastan un dineral en un estudio para conseguir ese sonido, pero en realidad lo único que tienes que hacer es no gastarte un duro y grabarlo tú mismo (risas)”. ¿Cómo era tu día a día durante la grabación? ¿Tenías un horario de trabajo o eras totalmente anárquico? “Componía y grababa cuando no me sentía bien, así que era mi cuerpo el que dictaba el horario. Si empezaba a sentirme mal, bajaba al sótano y me ponía a trabajar. Si al día siguiente me gustaba lo que había hecho, y me encontraba bien, entonces me pasaba un par de días sin trabajar porque me sentía genial. Pero luego cuando volvía a encontrarme fatal, pues me ponía a hacer música de nuevo. Por eso lo titulé Stomachaches, porque el dolor dictaminó la creatividad. Quería que el disco mostrara cosas que normalmente la gente encontraría dolorosas o terroríficas y 25

“Siempre he dicho que si tuviera que trabajar en un McDonald’s para poder hacer música, lo haría, porque forma parte de mí” FRANK IERO

transformarlas en algo hermoso”. Cuando estás enfermo te das realmente cuenta de lo importante que es tener salud. Del mismo modo, ¿la separación de My Chemical Romance te hizo darte cuenta de la importancia de la banda en tu vida? “Cuando cierras un capítulo haces balance de cómo has llevado tu vida. En los doce años que estuvimos juntos no paramos ni un momento. Y cuando estás metido en ello no distingues los árboles del bosque, por decirlo de algún modo. En ese momento de mi vida tenía mi familia, un hijo, y quería estar más presente. Quería disfrutar más de ese momento. En este negocio siempre estás persiguiendo lo que va a venir, el próximo disco, la próxima gira… y eso a menudo hace que no disfrutes de lo que estás viviendo. Así que en el último año he aprendido a vivir más el momento, a disfrutar de las cosas minúsculas o las que no das importancia. Supongo que me he hecho más sabio (risas)”. Sientes que con este disco se

te está apreciando más como músico que cuando estabas en My Chemical Romance. “La verdad es que sí. Es raro, pero creo que es algo que ocurre en dos direcciones. Hay gente que le gustaba My Chemical Romance que odia este disco, y a gente que odiaba el grupo le encanta. Es algo subjetivo y que depende del gusto de cada uno. Lo que esperas cuando haces un proyecto nuevo es que se valore por sí mismo. Lo frustrante es cuando se tienen prejuicios. A la gente le encanta clasificar las cosas y cuando te sales de su idea preconcebida no te suelen dar la oportunidad. Así son las cosas”. Ahora estás girando a una escala mucho más pequeña. Ni siquiera sé si tienes roadies... ¿Cómo te sientes tocando en salas pequeñas, cargando los amplis…? “(Risas) Yo he estado en grupos desde que tenía 14 años. Durante los años de My Chemical Romance ya había hecho proyectos paralelos como Leathermouth, así que esto no es algo nuevo. Siempre me encanta empezar

nuevos proyectos. Siempre he dicho que si tuviera que trabajar en un McDonald’s para poder hacer música, lo haría, porque forma parte de mí. No creo que tenga elección. Obviamente girar ahora en una furgoneta es diferente, pero si tengo que hacerlo, lo hago”. ¿Crees que algún día volverás a tener algo parecido a My Chemical Romance o un éxito así sólo ocurre una vez en la vida? “Ni siquiera me importa. Si ocurre, bien, y si no, pues no. Esas cosas no dependen del amor o el esfuerzo que pongas en un proyecto. Para mí el objetivo para este proyecto era terminar las canciones. Ahí se acababa todo. Ése era el éxito. El haberlo editado y salir de gira es algo que ocurrió detrás. Si las cosas van a más ya se verá. Pero honestamente, no tiene nada que ver conmigo. Yo trabajaré igual de duro si hay 20 personas o 20.000 en mis conciertos. Me considero un creador, y todo lo que ocurre después es un misterio”. Dado que este disco está tan ligado al dolor físico, ¿crees que podrás escribir el siguiente sin él? “No lo sé. El otro día pensaba en ello. Siendo esto mi carrera en solitario y mi nombre el que va en la portada, no pienso sólo en hacer discos. Quizá lo próximo que haga sea un libro o un dibujo. Haga lo que haga será la continuación de este disco”.

Fire Music nos presenta las doce nuevas canciones que Danko Jones ha compuesto mientras no estaba ocupado escribiendo su columna musical para RockZone. Quien disfrute del turbo rock del canadiense tendrá que esperar hasta el 10 de febrero para escucharlo, pero aquí te presentamos una entrevista para que se haga más ligera la espera. Texto: Toi Brownstone Fotos: Dustin Rubin

DANKO JONES

LLAMANDO AL D DOCTOR AMOR

anko Jones vuelve a la carga con Fire Music (Bad Taste), su duodécimo trabajo de estudio, con el que vuelve a darnos una lección de rock enérgico y rabioso en doce tomos contundentes, y deja claro que nunca se va a rendir. El álbum también sirve para que Rich Knox debute como batería, el séptimo ya, junto a Danko y su inseparable bajista John Calabrese. Como bien me recalcó a lo largo de nuestra conversación, el público tendemos a crearnos una imagen de los artistas basada en su actitud musical, las letras de las canciones y su lenguaje corporal sobre un escenario, y después de más de diez años la suya me la había creído. El canadiense es un excelente comunicador y un gran orador, pero si no está de acuerdo contigo en algo o no capta el tono jocoso también puede ser imbatible en la dialéctica y hacer sudar a su interlocutor. No era ésta la entrevista que tenía pensada para él, concebida como una introducción a su disco y una charla en un tono divertido. Al final fue una lucha de la que salí un poco vapuleada. Así que os lo advierto: do not mess with Danko!

Comienza el año 2015 con vuestro nuevo trabajo cargado de energía y más rabia que otros discos anteriores, e incluso me atrevería a decir que en su conjunto es bastante más ecléctico también. ¿Podrías explicarnos qué es Fire Music para ti? DANKO JONES “Como bien dices es un disco muy enérgico, que es lo que principalmente quería. No tengo tan claro que sea tan variado, porque en general es punk rock muy directo, son canciones de rock, una tras otra.

“Misfits y en concreto Glenn Danzig han sido la influencia principal a la hora de hacer este disco”

Como en los anteriores discos, sigue habiendo una canción melódica, seguida de otra mucho más dura, otras con un sonido más clásico, y otras más punk rock. Así que no tengo la sensación de que sea tan diferente”. Oye Danko, tengo que preguntarte esto: ¿Estás cabreado por algo? “¡Qué va! La verdad es que tengo muy pocos motivos por los que enfadarme, pero últimamente me están haciendo esta pregunta con mucha frecuencia. Todos nuestros discos tienen un punto de ira, siempre hay varios temas con mala leche. Por ejemplo, en el disco anterior estaba ‘The Masochist’, ‘I Don’t Care’. Es cierto que este disco sí transmite más esta actitud, sin embargo estamos más equilibrados que nunca en la banda. Tenemos un nuevo batería, Rich Knox, fuera de los escenarios pasamos más 30

tiempo juntos que nunca, y la grabación del disco fue muy fácil y fluida. Creo que como el nivel de armonía es tan bueno, podemos centrarnos en cómo queremos sonar. Me encanta la música agresiva y rabiosa, independientemente de si estoy de buen humor o no, así que quiero hacer esta música. En el pasado, sin ninguna razón en concreto, siempre había un par de canciones en cada disco que eran más suaves y más melódicas. En realidad, lo que tratamos de hacer es empastar el aspecto melódico con la parte más heavy y más cruda de la banda, y esto es lo que ha surgido”. Desde el primer momento hablas de una mujer salvaje que ya no atiende al amor, pero que encajaría contigo como un guante. ¿Qué es lo que falló con ella? “El titulo de la canción ‘Wild Woman’

puede englobar muchas cosas. Esta canción va de esta gente, que todos conocemos, y que a veces también somos, que sale de una relación y no quiere meterse en otra inmediatamente y que no quieren saber del amor durante cierto tiempo. Tenemos otra vieja canción, ‘Don’t Fall In Love’, y que comparte este mismo sentimiento. Ya sabes que mucha gente cuando pasa por una ruptura no quiere volver a salir con alguien, sólo quieren pasarlo bien y disfrutar estando solos, y éste es el sentimiento que se refleja en la canción”. Estás hablando de la historia de mi vida (risas). “(Risas) Claro. Creo que la gente se puede sentir identificada, porque es lo que nos pasa a todos cuando algo en lo que has estado poniendo tanto esfuerzo y energía durante tanto tiempo se termina, sean cuales sean

los motivos. Quieres largarte y estar solo, y quieres que pase tiempo hasta volver a ese estado”. Después de tanto tiempo luchando, ¿puede Danko Jones, ‘The Mango Kid’, afirmar que es imposible amansar a las mujeres? “¿Amansar a una mujer? ¡Oh, Dios mío! Jamás en la vida se me ocurriría intentar amansar a una mujer, me parece horrible, en serio. No estoy por la labor de controlar a nadie, y menos a una mujer, tampoco quiero que me controlen. Si no me gusta alguien, o yo no gusto a alguien, no tenemos por qué ser amigos, salir juntos o ser pareja. No soy un controlador, ni me gusta que me controlen, yo lo que busco es alguien con el que estar al mismo nivel en igualdad de condiciones. Así es como veo las relaciones tanto con hombres como con mujeres. El control sobre las personas pertenece a otra generación, a lo mejor nuestros abuelos funcionaban así y creían en ello, pero desde luego yo no”. ¿Qué opinas sobre las mujeres? ¿Crees que somos malas y retorcidas, o simplemente has tenido mala suerte? “¿De verdad piensas que para mí las mujeres son así?”. No, simplemente te estoy preguntando. En tus canciones hablas mucho de rupturas y como te decía, suenas en ocasiones cabreado y resentido. “Yo cuento mis experiencias, pero no creo que las mujeres seáis malas. Jamás lo he dicho y espero que mis letras tampoco expresen algo así, porque darían muy mala imagen de

nuestra banda. Mira, para mí hay tres fases muy sencillas dentro de una relación: chicas que me gustan, chicas con las que salgo, y chicas con las que he salido pero con las que ya no estoy. Y esto es universal para todas las relaciones. Nuestras canciones hablan de estas tres fases. Claro que tenemos un montón de canciones en las que hablo de que me han roto el corazón, algo que no es nuevo. Siempre se han compuesto canciones sobre este tema desde los comienzos de la historia de la música pop. Canciones sobre cómo les han roto el corazón, sobre el anhelo de estar con alguien, hay gente que ha escrito sobre cómo les hicieron daño, e incluso acerca de cómo se equivocaron. Yo también tengo canciones sobre esta tercera fase, y también las tengo de lo encoñado que estoy con una chica con la que estoy saliendo, como por ejemplo ‘Live Forever’ en este disco, o ‘Hot Damn Woman’ en We Sweat Blood. Y también hablo de cuando quiero conocer a una chica y me presento a ellas. Tengo mucho cuidado con las letras porque creo que cuando oyes a un tío cantando sobre la mujer de forma agresiva y con firmeza, esto puede provocar muchas reacciones”. Efectivamente, y esto es lo que quería comentar contigo, pero te has adelantado. Vivimos en una época en la que tienes que tener mucho cuidado con lo que dices, porque se tiende a juzgar negativamente y te pueden tachar de sexista. “Insisto en que tengo mucho cuidado con las letras porque además nacen de mi experiencia personal. Cómo no lo voy a ser si ¡hablan de mi vida!

Creo que no dejo lugar a ninguna duda. Mis letras son muy simples y muy transparentes y no doy opción a otras posibles interpretaciones. Si hablo de que me rompen el corazón, lo que escuchas es lo que siento en ese mismo instante. Tengo la sensación de que la gente presta mucha atención a nuestras letras, más que a las de otras bandas, y me preocupa la imagen que podamos proyectar. Pongo mis emociones en la mesa y éstas son mis experiencias. Por respeto a la privacidad de las personas de las que hablo no puedo ni debo dar nombres. Sí lo hago de forma privada a mis compañeros. A veces hablo de una persona en concreto, como en ‘Watch Your Slide’, y otras veces de una compilación de ellas, como en ‘I Will Live Forever’”. Todo aclarado. Perdona si en algún momento te he podido molestar. “No hay nada que perdonar. En ningún momento me he sentido ofendido ni me he enfadado, pero creo que estas cosas requieren una aclaración. En los últimos años he decidido tomar una actitud más activa sobre este tema y dar las explicaciones que sean necesarias”. Gracias, ya me siento mejor (risas). Me ha llamado mucho la atención que habéis metido bastantes coros que en ocasiones me recuerdan a Misfits. Creo que aportan mucha energía y, a la vez, frescura a las canciones. “Misfits y en concreto Glenn Danzig han sido la influencia principal a la hora de hacer este disco. En realidad Misfits han sido una influencia para 31

esta banda en todo momento, pero sobre todo en nuestros últimos trabajos. Queríamos que estas canciones mostrasen nuestros sentimientos hacia esta formación, y estoy muy orgulloso de ello”. ‘The Twisting Knife’, ‘Gonna Be A Fight Tonight’ y ‘Body Bags’, una detrás de otra, parecen declaraciones de guerra. “Podría decirse que sí. ‘Body Bags’ es una fantasía sobre venganza, en la que hablo de varios enemigos, ‘Gonna Be A Fight Tonight’ y ‘The Twisting Knife’, junto con la canción que cierra el disco, ‘She Ain’t Coming Home’, son canciones muy narrativas. ‘The Twisting Knife’ está sacada de la tradición de las murder ballads, aunque obviamente no es una balada... habla sobre un amante celoso que busca a una pareja, los mata, huye, pero le atrapan y termina en la cárcel, arrepintiéndose de sus actos. En este caso no se trata de una experiencia personal, sino de un ejercicio compositivo. Nunca antes había escrito una canción así. Para este disco he probado a escribir de esta manera, y creo que ha funcionado bastante bien. Y ‘She Ain’t Coming Home’ se acerca a esto bastante, con la diferencia de que no hay un final. ‘Gonna Be A Fight Tonight’ es también muy narrativa, pero cuando la compuse tenía en mi cabeza las películas West Side Story y The Warriors, y las mezclé. Nunca me he metido en una pelea callejera, pero sí tengo ese sentimiento de ‘yo contra ellos’. Como te decía, antes siempre plasmo mi experiencia personal en las canciones, pero esta vez no lo hice”. ¿Crees que la venganza y el contraataque son opciones 32

válidas cuando te han hecho daño? “Sí, claro que son válidas. Me gano la vida escribiendo canciones, y gracias a ellas tengo una vía de escape para expresar mis sentimientos. No creo que me hayan hecho más daño que a cualquier persona que tenga al lado, pero sí me siento afortunado de poder canalizarlo a través de mi música”. Para todos aquellos a los que les han plantado y están jodidos, ¿qué consejo les darías? “No puedo dar ningún consejo, porque de hecho soy yo el que busco que me aconsejen. No pretendo aleccionar a nadie con mis canciones. No escribo canciones para subirme a un púlpito y decirle a la gente cómo debe sentirse, y no tengo ninguna cualificación para aconsejar a nadie (risas). Lo único que creo que le diría a la gente, y creo que todos estaríamos de acuerdo, es que tratemos a las personas bien. Si no conectas bien con alguien y no funciona, pues no funciona. Y si estás frustrado porque las cosas no salen bien, intenta canalizarlas a través de algo. Probablemente un carpintero que esté dolido construya una mesa, y en mi caso, como te decía, me centro en escribir canciones hablando de la manera más honesta de cómo me siento. Si hay gente influyente que está en grupos y se dedica a dar consejos es porque son idiotas”. Entonces ni hablamos de que pudieras ser un consejero del amor (risas). “(Risas) No, no, ¡ni en broma!”. ¿De verdad crees que el amor

es desagradable? “Sí, totalmente. Es un tema complejo de abordar. Es un sentimiento que mantengo desde que escribí esa canción. El amor no es justo, y no debería ser así. El amor es difícil de controlar y de entender, y nunca puedes dar por hecho nada. Para cualquiera que ha tenido un fracaso sentimental seguro que le resulta fácil de entender lo que digo. Hay gente que es muy apasionada, y otros incapaces de sentir de esa manera. Cuando escribí esa canción mi vida era un auténtico infierno. Otra cosa es si sigo creyendo en el amor... Totalmente. ¿Me he vuelto a enamorar después? Por supuesto que sí. Esto no se puede programar. Sucede. Es un ciclo”. A la hora de componer, ¿cuándo te resulta más fácil, cuando estás enamorado o cuando estás hecho polvo? “He escrito un buen puñado de grandes canciones en momentos de ruptura, pero, ¿sabes qué?, también he escrito canciones muy cañeras cuando estaba enamorado. Puedo seguir escribiendo temas igual de duros cuando estoy así. Hay mucha gente que realmente cree que está convencida de que para crear algo bueno, en cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas, uno debe estar pasando por un momento complicado a nivel emocional, pero no estoy de acuerdo con ello. Debes pasar por ello, pero no creo que tengas que mantenerte en ese estado de sufrimiento para poder conseguir un buen resultado. Sin duda, estar jodido es un gran catalizador, pero no puedes estar en ese estado todo el tiempo, lo debes superar. Forzar un estado perpetuo de malestar resultaría una

“No creo que me hayan hecho más daño que a cualquier persona que tenga al lado, pero sí me siento afortunado de poder canalizarlo a través de mi música”

farsa. Tienes que sacar y expresar en lo que estés en ese momento si lo que pretendes es que sea un reflejo real de ti mismo”. Antes hablábamos de que te gusta componer música agresiva, pero al mismo tiempo, ¿crees que puede resultar sexy? “Sí, claro, aunque ésa es una conclusión a la que sólo puede llegar el que la escucha”. Danko, ¿besas en la primera cita? “¡Sí! ¡Siempre!”. Está bien saberlo. Como representante de tus fans españolas debo hacerte esta pregunta: ¿Estás disponible? “(Risas) Lo siento, no puedo responderte a esa pregunta, pero agradezco el interés (risas)”. ¡Vaya! Tenía que intentarlo. Ya que lo has mencionado antes, quería preguntarte por

vuestro nuevo batería, Rich Knox, y que nos cuentes qué ha significado su presencia en la banda. “Ha sido un gran fichaje. Ha aportado mucha armonía y estabilidad al grupo. Además no toca con timbales, algo que era súper importante para mí, porque en el último álbum Atom Willard insistió mucho en que eran necesarios. Y parece una chorrada, pero para mí es volver a la filosofía que tenemos en la banda, que es conseguir un gran sonido con lo mínimo posible. Cuando Rich entró en el grupo lo primero que dijo es que quería quitar el timbal, y me pareció algo fantástico. Fue un gran comienzo. Girar fue la siguiente prueba. Me preguntaba si nos llevaríamos bien, y así fue. Ya ha pasado un año y medio desde que se unió, la luna de miel ya ha pasado, y hemos grabado Fire Music con él. ‘Do You Wanna Rock’ surgió de un ritmo de batería suyo, y cuando por casualidad le dije que quería volver a grabar una canción con cencerro, vino al estudio con tres estructuras distintas. Nunca antes

habíamos tenido un batería tan proactivo. Es esencial en la composición de temas, es un batería técnicamente brillante, que en ocasiones puede ser complicado para el rock, pero mantiene un espíritu y una personalidad que son cosas muy importantes para mí. Me encantan esas baterías que parece que se van a desmontar pero consiguen mantenerse. Para mí eso es el sentimiento. Es muy difícil de encontrar, y creo que es algo innato, no se puede aprender. Puedes aprender a ser preciso, pero creo que en el rock no es tan relevante. Rich aporta las dos cosas. Nuestros anteriores baterías cumplían un aspecto u otro, pero él combina los dos”. Supongo que en 2015 os veremos por aquí. “No te quepa duda. Siempre que tengamos oportunidad, os visitaremos. Nos apetece mucho poder presentaros Fire Music en directo”.

MARDUK

GUERRA MUNDIAL MARDUK nos tienen muy bien acostumbrados… Su

maquinaria bélica nunca cesa, y cumpliendo 25 años, han vuelto a calzarse las botas, a desfilar bajo el fuego alemán y a parapetarse en su trinchera para soltar la enésima andanada de plomo. Otro álbum para los suecos, otra batalla ganada a sangre y fuego, otro obús de trepidante black metal. Texto: Pau Navarra Fotos: DR 34

“Al empezar a trabajar en este álbum surgió de forma natural volver al 1999 con el álbum Panzer Division Marduk, volver a inspirarnos de nuevo de la misma forma que nos llevó a hacer ese disco” MORGAN

RGULLO ES LO QUE SIENTE Morgan cuando le preguntamos cómo lleva ser el guitarrista de Marduk desde hace ya un cuarto de siglo, el único miembro original que queda en tan histórica formación del black metal sueco, y viendo su longeva trayectoria, ya no digamos

su abultada discografía, desde luego no es para menos. Editado por Century Media, Frontschwein, el decimotercer álbum del combo escandinavo, que se dice pronto, es un trabajo que en líneas generales rebaja los tempos, que equilibra el conjunto global de sus canciones a través de un sugestivo balance entre medio tiempos y cañonazos disparados, y que, por supuesto, da rienda suelta a la épica que tan bien se ha instalado en un veterano grupo que ahora mismo completan Devo al bajo, Mortuus al micro y el nuevo fichaje, el batería Fredrik Widigs. Siendo Marduk una de las formaciones más prolíficas que ha dado el género maldito en lo que a grandes nombres se refiere, uno puede estar tranquilo con ellos porque, tarde o temprano, te destripan con justo su versión que más disfrutas. De la misma forma, Marduk es un grupo inquebrantable que, con tantísimos años de trayectoria, todavía no muestra síntomas de flaqueza, más bien al contrario, y que pese a ciertos experimentos igualmente taimados, nunca se ha movido ni un ápice de

su discurso original. Una de esas bandas que despierta pasiones entre los que no buscamos demasiadas sorpresas en las formaciones que abanderan ciertos movimientos, pero obviamente un grupo que ahora mismo no aportará mucho a quienes no estén interesados en el black metal más puro y tradicional. Asimismo, todo esto son sólo divagaciones de un servidor, porque a Morgan sólo parece importarle hacer discos sin parar y, sobre todo, tocar, no parar de tocar por todo el globo. Marduk volvéis con nuevo álbum cada dos, tres años… Obviamente, no tienes muchos problemas a la hora de ser creativo. MORGAN “No, yo creo en el poder de la música, y Devo es también una persona creativa. Algunas veces pasas malas rachas en las que no te viene la inspiración para hacer algo distinto, como hace siete u ocho años, pero se supera”. ¿Cuándo empezasteis a crear este nuevo disco y, normalmente, cuál es vuestro método? “Cuando terminamos un disco ya pienso en los próximos shows, así que en la misma fecha en que eso se completó, empezamos a trabajar en mayo para el siguiente álbum”. 35

“Nunca he conocido a nadie que me diga lo que tengo que hacer, soy un artista y hago las cosas creativas que deseo hacer” MORGAN

¿Dónde se grabó y cómo os fue? “Se grabó como los últimos 24 álbumes (ni con EPs y demos me salen las cuentas… Quizá quiso decir ‘años’ -ndr.) en nuestra ciudad natal (Norrköping), en un estudio propiedad del bajista. Nos resulta mucho más fácil grabar cada disco en nuestra propia ciudad sin gastar en ir afuera, sin injerencias en la producción y con el bajista como ingeniero también, para tener así el control total de lo que hacemos, para que sea un reflejo real de las ideas que tuvimos para el álbum”. Éste es vuestro decimotercer trabajo de estudio, y volviendo un poco a la primera pregunta, ¿cómo lo haces para que esto te 36

siga resultando excitante? ¿Cómo mantienes la llama encendida tantos años después? “Siento esa llama ardiendo dentro y estaré contento siempre que esa llama negra me permita hacer lo que hago. Para eso es para lo que vivo, mi forma natural de vivir. Para mí dar rienda suelta a ese poder y energía que sale de dentro es un fuego glorioso al que quiero seguir recurriendo mientras tenga algo que dar”. No tengo las letras, pero fijándome en el título del álbum y algunos nombres de temas, pensé en el mariscal de campo alemán Erwin Rommel. ‘The Blond Beast’, ‘Afrika’, ya sabes… Bien, ¿es Frontschwein algo así

como un álbum conceptual sobre el Zorro del Desierto? Por otro lado, un tema como ‘Wartheland’ habla del territorio polaco ocupado por los nazis en la Segunda Guerra Mundial, ¿no? “Sí… No es un álbum conceptual, pero sí relata sucesos bélicos famosos como por ejemplo la ocupación en ‘Wartheland’, las llameantes y furiosas batallas alrededor de África descritas en la canción ‘Afrika’ o en ‘Falaise: Cauldron Of Blood’, el baño de sangre ocurrido en Francia. Hablan de la sangre vertida en toda Europa. Son temas asombrosos sobre los que componer por todo lo que ofrecen a la hora de escribir, así que dejé aflorar mi inspiración hacia estos temas históricos y fascinantes para componer en base a ellos”.

Marduk tenéis una personalidad muy definida. ‘Frontschwein’ es vuestra típica tormenta sin piedad que abre un nuevo disco… Wormwood quizá fue vuestro trabajo más diferente, igualmente oscuro, pero ahora ya no tenéis más compasión hacia el público, ¿verdad? “No, mira, nunca suelo comparar álbumes. Son todos diferentes porque hace un montón de tiempo que fueron hechos y realmente nunca suelo mirar hacia el pasado con este tipo de perspectiva. Para mí es sólo trabajar en un nuevo concepto, en un nuevo marco, en una nueva bestia, cada vez que tenemos que elaborar un nuevo álbum”. Alta velocidad en ‘Afrika’, una marcha militar en ‘Wartheland’, más canciones rápidas como ‘Rope Of Regret’ o himnos épicos como ‘Between The Wolf-Packs’ o ‘Falaise: Cauldron Of Blood’ con canciones más lentas como ‘Nebelwerfer’… ¿Es vuestro nuevo disco más diverso o variado que cualquier otro? Al menos, es un trabajo de lo más equilibrado… “No lo sé, eres tú o la gente quien debe decidir, porque yo no lo sé. No comparo, yo trabajo en algo que se convierta en una unidad que se refleje en la una con la otra, y no en si un disco es más diferente o no si los comparo, porque eso no es lo importante; lo importante es realizar música que venga de dentro”. ‘Doomsday Elite’ es un largo pandemonio, ¿pero qué

puedes contarme de este tema, sobre qué habla en concreto? “Ya, es una división específica (lo remarca mucho –ndr.), pero para comprenderlo todo el mundo deberá leer la letra para descubrir sobre qué división está basada, lo hemos hecho de forma abierta para que cada uno deba averiguarlo por sí mismo”. Ajá, vaya... Por otro lado, ‘Thousand-Fold Death’ es una verdadera bomba nuclear… Cuando la escribisteis, ¿sentiste que sería la última canción del álbum? “Realmente lo que pasó es que, cuando la estábamos terminando en el estudio, cuando terminamos las voces para esta canción, entonces dijimos ‘Mmm… Éste puede ser un final perfecto para el álbum, algo que realmente refleje un todo’. No fuimos hacia eso desde el principio, fue cuando grabamos las voces que… ‘Oh shit, es muy bueno’, ¿sabes? Fue terminando el disco, durante la grabación”. Es realmente una locura… ¿Y cómo decidís cuándo un trabajo debe ser satanista u ocultista, como Serpent Sermon, o centrarlo mejor en temáticas de guerra, como éste? “Es por un sentimiento que te guía. En concreto en Serpent Sermon decidimos focalizarlo al completo en desplegar nuestras visiones, pero en cambio al empezar a trabajar en este álbum surgió de forma natural volver al 1999 con el álbum Panzer (Division Marduk -ndr.), volver a inspirarnos de nuevo de la misma forma que nos

llevó a hacer ese disco”. ¿Y cuál es el origen de tu fascinación por la Segunda Guerra Mundial o el universo nazi? “Personalmente no es cierto que tenga una fascinación hacia eso, soy un gran lector, simplemente he leído un montón sobre historia. Todo sobre el Imperio Romano, guerras, sobre tantas culturas que me interesan… Sólo he escrito sobre eso en dos álbumes como mucho, y sólo porque son materias que ocurrieron que considero que encajan muy bien con el metal extremo. Es algo específico que he tenido desde que era un chico, desde que era joven, algo normal… Es algo que está ahí y que considero interesante”. Está claro… Una cosa es la política, y otra muy diferente, la simple historia… Pero en algunos momentos, ¿has tenido miedo a ser malinterpretado por presentar una cosmogonía alrededor de Panzer Division Marduk, Warschau, Live In Germania…? Ya sabes… “No, porque…”. Por otro lado, esto es puto black metal, no hay más. “Lo es. Nunca he entendido que la gente tenga problemas con que yo haga discos que estén bien para mí. Nunca he conocido a nadie que me diga lo que tengo que hacer, soy un artista y hago las cosas creativas que deseo hacer. No puedo entender que cuando trate una materia haya gente que desafortunadamente lo vea como un problema. Yo no causé eso, es algo que ocurrió en la historia; no 37

“Cada disco que hemos sacado ha sido una inolvidable victoria pasada. Considero los 13 discos editados igual de importantes, todos son los 13 pilares sobre los que nos hemos levantado como banda” escribo sobre nada que no sea cierto, escribo sobre historia. No veo el problema en ello”. Sí, sí, sí… Cambiando de tema, eres el único miembro original que queda en Marduk. ¿Cómo te sientes ante ello? ¿Es una responsabilidad, un gran honor… o quizá nunca miras hacia atrás con nostalgia? “No, por supuesto… Quizá en el último año me he dado más cuenta de lo que pasaba a mi alrededor, especialmente cuando conoces a gente que estuvo en los primeros discos y dices ‘OK, sólo estuviste ahí durante dos años…’. Y por supuesto es un orgullo, porque cada disco que hemos sacado ha sido una inolvidable victoria pasada. Considero los 13 discos editados igual de importantes, todos son los 13 pilares sobre los que nos hemos levantado como banda. Ha pasado mucha gente, pero yo he trabajado muy duro, por encima de cualquiera, y con la misma dedicación en cada álbum… Así que me siento orgulloso, claro que sí”. ¿Es Marduk una democracia, tú tienes más poderes que el resto, o ninguna de las dos cosas? (Risas). “Es una especie de… Bueno, no es que yo tenga más poderes, pero al final todo pasa por mí, aunque tú puedas decidir… ésa es la manera. 38

MORGAN

Por supuesto yo llevo en la banda desde siempre, he trabajado mucho en esta formación, pero tengo mucho cuidado y tomo las decisiones de una manera en que todo el mundo vaya hacia la misma dirección, trabajando igual de duro hacia el mismo objetivo. Todo el mundo puede opinar, y se trabaja mejor de esta forma. Todos pueden decir qué es lo que quieren porque queremos luchar juntos para lograr el mejor resultado”. ¿Qué me puedes contar de Fredrik Widigs? ¿Por qué le elegisteis y qué ha aportado? ¿Estás satisfecho con la decisión de incorporarle? “Lo estoy, pero antes que nada me gustaría decir que tuvimos que cambiar de batería (Lars Broddesson -ndr.) porque tuvo una seria lesión en los nervios de la espalda y no podía seguir tocando, así que tuvimos que buscar a alguien que pudiera continuar haciendo los shows… Por eso buscamos a un nuevo batería. Lo de Fredrik fue muy natural, y fue la primera persona en la que pensamos desde que le oímos tocar. Es muy tranquilo, así que hemos encontrado al chico perfecto para trabajar con nosotros”. Estáis trabajando ya en un nuevo tour mundial… “Sí (lo alarga efusivamente –ndr.)”. ¿Y cuál es tu lugar favorito

para tocar? “A mí me gusta tocar en todos los sitios posibles, hasta allí donde nos apoyen. Durante la gira nos gusta tocar tanto como podamos, aprecio mucho ir con la crew haciendo fechas alrededor del mundo. Vamos a tocar todo lo que podamos y vamos a empezar en enero, en Australia, Nueva Zelanda y Japón. Luego en febrero y marzo vamos a hacer un tour europeo, luego vamos a volver a hacer doce, 15 fechas en un tour de festivales europeos, y después en mayo tres semanas de gira por Suramérica, para hacer luego festivales de verano. Son muchas cosas las que se nos vienen encima ahora”. Este 2015 vais a cumplir 25 años como banda. ¿Estáis preparando algo para este aniversario? ¿Un álbum conmemorativo o una serie de shows especiales, quizá? “No, no que yo sepa. Vamos a tocar todo lo que podamos con el nuevo álbum, pero no con la intención de hacer algo único en mente...”. Y tantos años después, ¿no estás aburrido de pintarte la cara a cada concierto? “No, para mí es una parte importante de todo el simbolismo que llevamos detrás, de toda la espiritualidad que acarreamos. Nunca he pensado en tocar sin la combinación de todo lo que hago, es la vertiente espiritual de la música, algo que se respira en los sentimientos y las letras de nuestra música... Para mí es mágico”.

MACHINE HEAD

EL REY SIN CORONA Robb Flynn lleva dos décadas liderando Machine Head con mano firme. En este tiempo ha vivido momentos de gloria y momentos de oscuridad. El veinte aniversario de su debut Burn My Eyes y la publicación de su octavo trabajo Bloodstone & Diamonds eran motivos suficientes para sentarnos con él y volver a traerlos a nuestra portada. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

menudo comento a músicos con un exceso de ímpetu o impaciencia que el éxito muchas veces depende más de la voluntad y la capacidad de resistir que del talento. Salvo algunas excepciones la ‘cultura del pelotazo’ ha pasado a mejor vida, y los grupos que logran amasar a una cantidad considerable de público es más por ir sumando fans año tras año, gira tras gira, que por haberlo petado con un disco en concreto. Y ni siquiera eso es garantía de nada. Surgidos a mediados de los 90, cuando el metal pasaba por sus horas más bajas, Machine Head irrumpieron con su debut Burn My Eyes aportando una necesaria dosis de furia y mala leche a una escena en la que sólo Pantera y Sepultura resistían los envites del grunge, y donde Iron Maiden y Metallica parecían dinosaurios destinados a la extinción. La banda de la Bay Area podría haber mantenido su condición de bisagra entre el thrash y el crossover de finales de los 80 (recordemos que Flynn venía de tocar en Forbidden y VioLence) y el nuevo metal que estaba por llegar, pero posiblemente por sus ansias de triunfar, Robb Flynn prefirió subirse a los lomos del caballo ganador y en 1999 lanzó The Burning Red para acercarse al público del nu metal. Comercialmente su tercer disco funcionó, pero en el camino Machine Head perdieron la credibilidad que habían ganado hasta entonces. Lo suyo les ha costado recuperarla, pero gracias a Through The Ashes Of Empires (2003) y sobre todo con el aclamadísimo The Blackening (2007), la banda se situó de nuevo en la senda correcta.

Pese a ello, siete años después, y tras la tibia recepción de Unto The Locust (2011), el grupo sigue estando en esa zona intermedia que le permite situarse cómodamente como segundo cabeza de cartel en los festivales, pero sin todavía poder estar a la misma altura que Slipknot o System Of A Down, o por supuesto Metallica. A estas alturas Robb Flynn posiblemente piense que Machine Head ya debieran ser considerados como una banda clásica o legendaria que llenase arenas allá donde va, pero la dura realidad es que todavía les queden bastantes años más de duro trabajo para conseguirlo, más teniendo en cuenta que ni siquiera logran agotar las entradas para una sala como la Razzmatazz de Barcelona en la gira de presentación de su nuevo disco Bloodstone & Diamonds (Nuclear Blast). Y aun así, Flynn y su entorno actúan como si pertenecieran a esa zona de Champions con tics inexplicables: condicionan el dar entrevistas a ser portada de los medios, limitan el acceso de los fotógrafos a los shows y llevan de cráneo al equipo de producción con demandas ridículas. Naturalmente la mayoría de sus seguidores viven ajenos a todo esto, pero Flynn siempre ha tenido una cierta reputación de tener un gran ego y ser un tirano debido a los múltiples cambios de formación, siendo la salida el año pasado de Adam Duce, el bajista que había estado ahí desde el principio, la última señal de alerta. Dicho esto, Flynn es un personaje que gana en la distancia corta. En las distintas oportunidades que he tenido para entrevistarle se ha mostrado como un tipo amable, con ganas de explicarse incluso con sentido del humor. Y en la charla que mantenemos

pocas horas antes de su concierto en Barcelona, vuelvo a sentir lo mismo. Lo que desde fuera puede parecer chulería se convierte en seguridad, lo que parece ambición se transforma en ilusión, y su mano de hierro suena más como determinación. Quizá por todo ello, todavía no haya que descartar que Machine Head logren heredar la corona cuando otros reyes del metal decidan abdicar. Faltan ocho días para que se cumplan justo veinte años desde que actuaste en esta misma sala abriendo para Slayer. ¿Lo recuerdas? ROBB FLYNN “¿De verdad? ¡Eso es increíble! Toda esa gira fue un sueño hecho realidad para mí. Fue una gran oportunidad y la respuesta de sus fans fue fenomenal. Siempre se dice que abrir para Slayer es el trabajo más duro del mundo, pero creo que lo hicimos bien. Desde el principio ‘Davidian’ caló muy fuerte entre el público. Tengo grandes recuerdos de esa gira”. Burn My Eyes fue un disco muy importante no sólo para el grupo, sino para la escena metal. ¿Tienes claro por qué conectó con tanta gente? “Ni siquiera pienso en ello. Es raro, porque me lo preguntan... Ocasionalmente hay gente que me dice que le gustaría que hiciéramos otro disco como Burn My Eyes, pero es imposible. ¿Cómo puedes volver atrás veinte años? En aquellos días yo traficaba con drogas, estaba metido en peleas cada fin de semana, era una vida loca y caótica. Vivía en las calles de Oakland, pero todo eso cambió. Así que ahora no podría escribir como lo

“Ocasionalmente hay gente que me dice que le gustaría que hiciéramos otro disco como Burn My Eyes, pero es imposible. ¿Cómo puedes volver atrás VEINTE años?” ROBB FLYNN

hacía entonces, sería totalmente falso. Ni tampoco quiero hacerlo. Creo que tenemos suerte porque la mayoría de nuestros fans han evolucionado con nosotros. Hemos ganado fans nuevos y también hemos perdido algunos, pero no hay otra manera de hacerlo”. ¿Pero por qué crees que conectó? “Porque era auténtico. Era brutalmente real. Era a vida o muerte. Era así y podías sentirlo. Tenía esa urgencia vital. No es muy frecuente que se publique un disco así de real”. Hablemos de Bloodstone & Diamonds. Te diría que me ha parecido un disco más trabajado que Unto The Locust. No sé si el hecho de que ése no obtuviera tanta repercusión como The Blackening o la marcha de Adam Duce te hicieron sentir que teníais algo que demostrar.

“Siempre siento que tenemos algo que demostrar, aunque no sé si en este disco lo he sentido más. Con Unto The Locust sabíamos que nunca iba a ser fácil después de lo que ocurrió con The Blackening (risas). Fue tan aclamado a nivel universal, y giramos con Metallica, con Slipknot… Así que cuando nos pusimos a preparar el siguiente le dije a Dave que no importaba lo que hiciéramos: nunca iba a estar a la altura de The Blackening. Podríamos haber hecho el mejor disco de la historia, pero para mucha gente nunca iba a igualar a The Blackening porque ese disco había conectado de una manera muy profunda con los fans. No es un mal problema que tener. Prefiero ser el tío que escribió The Blackening que el que no lo escribió (risas), pero al mismo tiempo necesitábamos cerrar esa etapa. ¡Fueron cinco años! Desde el momento en que empezamos a componerlo, hasta editarlo, hasta terminar una gira de tres años y medio. Cuan-

do acabó ese ciclo estaba con muchas ganas de pasar página porque The Blackening había consumido mi vida durante cinco años, y fue genial, pero tenía ganas de vivir otro momento. Creo que uno de los secretos de la longevidad de Machine Head es que no vamos a lo seguro. No intentamos repetir la misma fórmula y esperar los mismos resultados, porque muchas cosas cambiaron en esos cinco años. Así que quisimos hacer algo que tuviera su propio recorrido y que al menos en nuestras cabezas igualase a The Blackening (risas). Ése era el objetivo entonces y era el objetivo ahora. Creo que tienes que vivir la vida de esa manera. Es como si te echas novia; no puedes estar constantemente comparándola con tu antigua novia (risas). Cuando tu trabajo es público la gente siempre compara lo que haces con lo que has hecho, pero para nosotros la música es una fotografía de un momento concreto de tu vida, así que nunca deberías 43

MACHINE HEAD compararlas realmente porque son fruto de momentos distintos. Cuando nos pusimos a componer Bloodstone & Diamonds por fin habíamos salido de la sombra de The Blackening. Ya había desaparecido toda esa losa psicológica y fue muy liberador. Además, porque creo que Unto The Locust superó el examen. Así que poder hacer algo con cosas nuevas y al mismo tiempo mantener nuestra esencia era muy excitante para nosotros. Lo he dicho en otras entrevistas, pero Bob Dylan dijo una vez que cuando ya has grabado varios discos tienes que encontrar nuevas maneras de decir lo mismo. Y es totalmente cierto. Para mí esto es lo que resume el nuevo disco”. No parece nada fácil conseguir eso... “No, tienes que trabajar (risas). Existe ese mito que cuando te pones a componer dices ‘vamos a hacer los riffs así, los grooves de esta manera y las letras de esta otra’. Pero nunca es así. Nunca sabes de dónde te viene. La primera canción que escribimos fue ‘Beneath The Silt’, que es el tema más distinto del disco. Así que no había ninguna indicación de por dónde iba a ir la cosa. Sólo teníamos una canción que nos gustaba mucho y seguimos componiendo. A veces sabes 44

rápidamente qué dirección quieres seguir y otras no. Por ejemplo, con Unto The Locust fue rápido: quería ir a por el estilo neoclásico. Podía oírlo y creía que lo hacíamos muy bien. Pero con Bloodstone & Diamonds durante diez meses no tenía ni idea de hacia dónde íbamos (risas). Recuerdo una noche salir con Dave a tomar unas cervezas. Fuimos a este bar, Beer Revolution, que es genial. Tienen un rollo muy punk rock y sirven hasta 400 cervezas distintas. El caso es que estábamos ahí y le dije ‘No tengo ni idea de hacia dónde vamos’ (Risas). Por un lado teníamos ‘Beneath The Silt’ y por otro ‘Eyes Of The Dead’. En ese momento todavía no habíamos escrito ‘Now We Die’ ni ‘Sail Into The Black’. Pero cuando escribimos estas dos, vi la luz. Es como si de repente hubiera tenido claro lo que quería. Me imaginé el sonido del disco, el tono, los arreglos, los samplers para ‘Imaginal Cells’… Fue un gran momento. Así que nunca sabes realmente lo que vas a hacer, pero tienes que trabajar en ello. Cualquiera que te diga que sabe lo que está haciendo, miente. Nosotros sólo somos el catalizador de la música”. Muchos grupos sólo se preocupan por los hits, pero vo-

sotros intentáis ir más allá. Y de hecho, desde que os lanzasteis a hacer canciones más largas y complejas, más éxito habéis tenido. “Sí, pero es importante tener algo que enganche, saber hacer canciones redondas. Aunque sea metal súper brutal todavía tienes que saber escribir canciones. Hay bandas de metal que sólo quieren ser lo más brutas posible y me parece bien, pero para mí tienen que haber algo que enganche. ‘Roots Bloody Roots’ no tiene melodía, pero tiene algo que engancha. Creo que en Machine Head intentamos escribir ese tipo de canciones. Para mí la música es como un viaje, es algo muy cinemático. Soy un gran fan de Star Wars y para mí cada disco tiene que ser como El Imperio Contraataca (risas). Los discos tienen que tener una escena inicial y luego subir y bajar hasta un final triunfal o triste. Tienen que hacerte vivir distintas emociones. Y eso en realidad no es lo que es popular ahora. Ahora lo que se lleva son las canciones, no los álbumes. Pero para mí un disco tiene que ser algo más que una colección de temas. Y con eso no estoy diciendo que éste sea un disco conceptual, porque para mí sería algo que me limitaría demasiado, pero aun así para mí es una sola pieza. Tienes que escucharlo entero para entender el contexto de unas canciones con las otras”. Entre otras cosas, en este nuevo álbum me han llamado especialmente la atención tus interpretaciones vocales. Por ejemplo nunca te había escuchado cantar como en ‘Damage Inside’. ¿Te fue difícil sacar ese lado más sensible?

“Dave (McClain, batería -ndr.) escribió esa pieza de guitarra. ¡De hecho, la tocó en el disco! Creo que hacía cuatro o cinco años que la teníamos. Ya la probamos para Unto The Locust con piano, pero sonaba como una canción horrible de Fiona Apple (risas). Así que para este disco me estuvo insistiendo para que volviéramos a intentarlo. Tuve una idea y empecé a hablar con Jordan de Bring Me The Horizon para que lo probara. Le dije a Dave que quería usar su misma pieza de guitarra, sin pasarla a piano ni nada. No quería ni volver a grabarla porque la original que había grabado era jodidamente perfecta. La había grabado en un viejo cuatro pistas Korg, pero había captado algo especial. Meses antes de que el disco estuviera terminado, tuvimos que terminar el diseño y puse ‘Damage Inside’ en el listado para obligarme a terminarla y que estuviera en el álbum (risas). El caso es que al terminar la gira me fui unos días a Göteborg para descomprimirme, y salí con unos amigos que tengo allí varias noches. Desfasamos a gusto y fue genial. Cada mañana cuando me despertaba, a las cuatro de la tarde (risas), podía ver las vistas desde la habitación del hotel y era precioso. Podía ver los tejados, las iglesias, la lluvia… Así que un día me levanté y me puse a escribir la letra en mi iPhone. Me salió toda entera con la resaca (risas). Ese mismo día alquilé un estudio para grabar las voces sin saber lo que haría, pero hice un loop con la parte de teclado y empecé a probar distintas líneas vocales. En un momento me salió la cadencia que se escucha en el disco y pensé ‘joder, voy a hacerla a capella’. Y da miedo porque es exponer tu voz al completo. La primera

BLOODSTONE & DIAMONDS TEMA X TEMA

Robb Flynn nos ofrece una guía exhaustiva por los doce temas que componen su nueva obra.

‘Now We Die’: “Fue una canción difícil de hacer. Durante mucho tiempo el título provisional del tema fue ‘Back From The Grave’, porque continuamente la descartábamos. Pero había algo en esta canción que creía que era la leche. Y decidí que iba a trabajar en ella por mi cuenta, fuera del local de ensayo. A recomendación de Dino Cazares de Fear Factory acabé contactando con un teclista llamado Rhys Fulber, a quien conozco desde hacía años. Le dije que iba a ponerle una maqueta muy básica con una pista de guitarra y una de batería. Le lancé algunas ideas. Y luego me puse a escribir la letra. Cuando escribo muchas veces no intento contar una historia o ser específico, sino simplemente crear imágenes mentales a través de metáforas y poesía oscura. La letra decía “Bloodstones and diamonds, nothing can break the spring of these stones”, y cuando lo escribí me di cuenta de que era sobre Machine Head”.

‘Killers & Kings’:

“Fue la segunda canción en la que trabajamos para este disco y la

primera que terminamos de principio a fin. Phil (Demmel, guitarra -ndr.) había traído una gran parte de la canción, con muchos riffs. A todos nos encantó. Era rápida y sabía que arrasaría en directo”.

‘Ghost Will Haunt My Bones’: “Recuerdo que cuando la escribimos fue uno de esos momentos inusuales en los que la canción te sale entera en apenas una hora. Phil empezó a tocar el riff inicial, y nosotros empezamos a hacer esas pausas, y luego escribimos el estribillo. No había ideas previas, todas ocurrieron en ese preciso momento. David hizo un ritmo muy bueno para la estrofa, Jared hizo una línea de bajo muy interesante. Y luego yo hice la parte armónica en el medio. Para mí tenía un rollo un poco hardcore, en plan S.O.D., y salió tan rápido... Fue un momento mágico”.

‘Night Of Long Knives’:

“Trata sobre los asesinatos de Charles Manson en 1969.

Siempre me han fascinado. He leído muchos libros y visto muchos documentales, e incluso utilicé algunas de las citas de su juicio en ‘Death Church’ de Burn My Eyes. Nunca había considerado escribir sobre ello, pero una mañana lo hice y resulta que la noche antes Dave había visto un nuevo documental sobre ello. Empezamos a hablar de detalles, y cuanto más pensaba en ello más me apetecía hacerlo. Fui al estudio y tenía tres versiones distintas que quería probar, cada una con una temática diferente. Las grabé y el ingeniero me dijo que la letra sobre Manson era la hostia, así que nos quedamos con ésa”.

‘Sail Into The Black’: “Escribí gran parte de esta canción en el desierto. Con mi mujer

y mis dos hijos vamos a una ciudad del desierto a media hora al oeste de Indio, California. Es un paisaje sin nada más que pueblos fantasma y caravanas abandonadas. Es bastante depresivo. Dave había escrito una parte de guitarra limpia que utilizamos en la parte dura de la canción. Tenía esa línea de guitarra en mi cabeza y de golpe se me ocurrió ese canto gregoriano. Phil había escrito otra pieza acústica muy melancólica que pensaba que quizá podía usarse como interludio entre canciones, pero finalmente decidimos conectarla con la parte que ya teníamos y creamos este tema tan épico”.

‘Eyes Of The Dead’: “Fue una de las primeras canciones que hicimos para el disco. Es la pieza thrash que no para desde que empieza hasta que termina. Trata sobre nuestros fans más acérrimos. Utiliza metáforas de grupos de animales que nuestros fans usan para describirse”.

‘Beneath The Silt’: “Es la primera canción que hicimos para el disco. Es un poco extraño porque es totalmente distinta a lo que hayamos hecho antes. Recuerdo estar con Phil en una habitación de un hotel estando de gira tocando riffs en guitarras acústicas y empezamos a afinarnos cada vez más y más grave. Sonaba muy heavy y lenta y sludge. En diciembre de 2012 empecé a escribir el blog Los Diarios Del General e hice un post titulado ‘Beneath The Silt’. Me sentía muy deprimido, me costaba respirar y una de las cosas que decía era que me sentía debajo del limo, que es el fango que hay en el fondo del mar. Me sentía como si estuviera enterrado. Al cabo de un mes volví a leer el post y pensé que era un buen título para una canción”.

‘In Comes The Flood’:

“Originalmente era

un tema thrash, la más dura que hubiéramos hecho nunca. Fue un momento crucial en el proceso porque nos dimos cuenta de que no teníamos que hacer algo así. No necesitamos ser los más rápidos o los más duros. Me gustaban algunos riffs y algunas partes, pero simplificamos el ritmo y la hicimos más rock. Había empezado a trabajar con Jordan Fish de Bring Me The Horizon en los arreglos de cuerda y fue su mujer la que grabó la voz que se escucha en la intro. A medida que la canción progresó, Jared me enseñó una letra muy agresiva que tenía sobre el culto al

parte de la canción es así. Pero lo hice, y cuando lo escuché, me encantó”. En el metal y la música agresiva en general siempre se suele buscar la inspiración en la rabia. ¿Has sido capaz de componer alguna vez para Machine Head cuando eras completamente feliz? “He escrito canciones de amor para mi mujer, para mis hijos. Mis hijos y yo escribimos canciones de lo más estúpidas (risas). Pero en mi experiencia, aunque puede ser distinto para cada músico, cuando estás en lo más profundo de tu rabia, o en lo más profundo de tu tristeza o también cuando estás en la alegría más absoluta, es demasiado emocional para poder componer. Es sólo cuando has superado ese estado y estás más equilibrado que puedes componer y reflejar lo que has vivido. Cuando he escrito letras oscuras o depresivas siempre ha sido cuando estaba saliendo de la depresión. Cuando estaba en el fondo era como si tuviera niebla en mis ojos y no fuera capaz de hacerlo”. Los músicos de cierto nivel tenéis una vida muy llena, visitáis muchos lugares, conocéis a mucha gente... pero cuando estáis de gira, el tiempo se os escapa de las manos. Psicológicamente no tiene que ser fácil… “Cuando estás de gira simple-

mente rezas para mantenerte a flote (risas). Siempre he querido que mi vida fuera ésta. Desde que yo recuerde, siempre había querido estar en un escenario. Lo disfruto mucho. Y tristemente no estoy capacitado para hacer nada más (risas). Esto es todo (risas). Llevo haciendo esto desde los 17 años. He tenido algunos trabajos, pero nada serio. Me encanta estar en Machine Head, pero es mucho más duro de lo que la gente puede imaginar. Es muy duro, pero es difícil expresarlo en palabras porque parece que te estés quejando. Pero no es eso, es simplemente que echo de menos a mi mujer, a mis dos hijos. Estás ocho semanas fuera, luego vuelves tres semanas y vuelves a irte ocho semanas más. Es duro. Ahora que tienen 10 y 7 años es un poco más fácil para ellos, pero no les gusta. El otro día mi hijo me dijo ‘Odio que te vayas. No quiero que te vayas’. Te rompe el corazón”. Quería preguntarte por la marcha de Adam. La vida te enseña que a veces la visión romántica que se tiene de la amistad no siempre es posible. ¿Cómo de duro ha sido para ti no sólo perderle como miembro del grupo, sino también perderle como amigo? “La realidad es que esa amistad se perdió hace mucho tiempo… (Larga pausa –ndr.) Cuando una banda empieza es como una pandilla. Tienes 20 años y eres tú contra el mundo. Pero luego creces, tu vida cambia, pero sigues haciendo lo mismo. Y aunque, como dices, existe esta visión romántica de la amistad, lo cierto es que los amigos no conviven 24 horas al día durante veinte años. Simplemen-

“Creo que uno de los secretos de la longevidad de Machine Head es que no vamos a lo seguro” ROBB FLYNN te nos separamos. Nosotros tres íbamos en una dirección y él iba en otra. Intentamos solucionarlo, pero no pudimos. A veces la gente se divorcia”. ¿Cómo supiste que Jared MacEachern era el sustituto adecuado? “Muchas veces la gente no se da cuenta de que estar en un grupo no trata sólo sobre la música. Lo más importante es la convivencia. Con Jared hicimos el examen saliendo a cenar con él. Enseguida nos dimos cuenta de que era un tío de lo más tranquilo y divertido. Supimos que encajaría muy bien y así ha sido. Estamos encantados”. Cuando eres joven quieres ser aceptado, pero a medida que te haces mayor cada vez te importa menos lo que piensan los demás. ¿Cómo te ha afectado eso a la hora de hacer música? ¿Te ha condicionado mucho el deseo de ser popular? “Cuando tienes 20 años y estás escribiendo Burn My Eyes quieres ser el tío más heavy. Quieres poder tocar con una banda de death metal, con una banda de hardcore y ser aceptado. Y quizá eso no sea malo porque te obliga a curtirte, y hasta cierto punto puede que te ayude. Nosotros salimos en un momento en que la era dorada de la escena thrash de la Bay Area había pasado. La escena estaba muerta. No había casi bandas de metal, así que tocábamos mucho con bandas de hardcore o

de punk. Tocar para ese público no era fácil. Nadie se cortaba un pelo en decirte que apestabas (risas). Y luego, aunque nos llegó el éxito, seguíamos teniendo ese deseo de encajar. Pero llega un momento en que tienes que dejarlo ir porque las cosas siguen cambiando y de hecho, cuando intentas encajar, hace que la gente se aleje. Es algo que aprendimos. Tienes que construir tu propio camino, y cuando lo haces, quizá haya gente que te siga. Soy consciente de lo que ocurre a mi alrededor, tengo el oído puesto en la calle. Me gusta estar al corriente de las bandas nuevas que salen, creo que es importante. Si vives en una casa y quieres pintarla, y el vecino de al lado tiene la casa pintada de naranja y el del otro lado la tiene pintada de verde, no querrías pintarla de naranja y verde (risas), querrías que fuera distinta. Pues lo mismo ocurre con la música. Tienes que conocer lo que hacen los otros para poder hacer lo tuyo. No intentamos ser más comerciales ni tampoco ser los más duros. Creo que ahora nos sentimos cómodos en nuestra propia piel. Somos más viejos, llevamos veinte años, ocho discos, así que guste a la gente o no, seguimos haciendo lo que queremos”.

dinero y cogí esa idea y la apliqué en esta canción”.

‘ Damage Inside’: “Ésta la escribió Dave. Para mí Dave es nuestra arma secreta porque es el batería que sabe tocar la guitarra. De nuevo conté con la ayuda de Jordan Fish. Es una pieza muy emocional”.

‘Game Over’: “La escribimos Phil y yo. Él hizo el riff inicial y me gustaba mucho, pero no podíamos encontrar nada que encajara bien. Pero un día estaba paseando a mis perros por la montaña y empecé a escribir música en mi cabeza, algo que hago a menudo. Escribí la estrofa, el estribillo, los puentes, todo durante ese paseo de media hora. Cuando llegué a casa, cogí la guitarra y empecé a mezclarlo con la pieza de Phil. Y luego Dave le añadió esa increíble parte en el medio después del puente. Hace auténticas locuras con la batería. La letra habla sobre una relación en mi vida que tenía que terminar”.

‘Imaginal Cells’: “Es un tema instrumental. Es un guiño a otro tema instrumental de nuestro primer disco, ‘Real Eyes, Realize, Real Lies’, que era un collage de trozos de audio que juntamos para contar una historia. En este caso el audio es de un libro auditivo que me regaló mi amigo Nick de Job For A Cowboy que se llama Spontanuos Evolution. Es un libro maravilloso. Llegó en un momento de mi vida en el que lo necesitaba. Me inspiró mucho para este disco. Contacté con sus escritores, el Dr. Bruce H. Lipton y Steve Bhaerman, y les dije que quería samplear sus voces y crear una historia sobre esta pieza instrumental. Me contestaron de inmediato diciendo que sabían quiénes éramos Machine Head y que sería un gran honor para ellos. Una de las cosas que me dijeron que más me gustó es que los fans del metal estaban a la cabeza del pensamiento de la sociedad”.

‘Take Me Through The Fire’: “Para mí tenía que ser como el final de una película. Hay discos que terminan de manera triste como ‘Descend The Shades Of Night’ o ‘A Farewell To Arms’, pero en los dos últimos queríamos que fueran finales triunfales. Para mí esta canción es del tipo ‘vamos a comernos el mundo’. A veces la gente me dice que estas canciones les ayudan a superar momentos duros. A veces soy yo el que necesito escuchar estas canciones, aunque sea yo quien las cante. Necesitaba hacer una canción así”.

ON PARADE BASTARDS IO DE UN EUROTOUR CON GBH ¡DAME FUEGO! DIAR

El pasado mes de noviembre los coruñeses Bastards On Parade iniciaban una larga aventura de la mano de LA veterana banda de hardcore punk GBH para recorrer buena parte de Europa. Éste es su testimonio. Texto: David (voz, guitarra), Ruper (guitarra) Fotos: Bastards On Parade

odo empezó en Bilbao. Allí estábamos nosotros en plena Semana Grande listos para tocar en una de las txosnas, fiestón donde los haya por cierto, y de paso hablar con Jess e Isa de Skullswar, nuestro nuevo management. Acabábamos de empezar a trabajar juntos y la verdad que cogimos el proyecto con muchas ganas e ilusión. Después del concierto estábamos cenando en una terraza junto a la ría cuando soltaron la bomba. "No os habíamos dicho nada hasta ahora porque no estaba todo atado, pero os vais a ir de gira por Europa con GBH en noviembre, ¿qué decís?". Joder. Literalmente hubo fuegos artificiales, las fiestas de Bilbao estaban en su momento álgido, y nosotros no dábamos crédito. ¡Había que celebrarlo como es debido! 48

La vuelta a casa fue curiosa. Seis horas de furgoneta debatiéndonos entre la resaca y el entusiasmo de lo que se nos venía encima. El verano estaba a punto de terminar y teníamos mucho trabajo por delante. Estábamos quedándonos sin copias del último disco Empty Bottles & Broken Things, apenas quedaban camisetas, algún cambio en el repertorio... Íbamos a hacer algo grande y queríamos hacerlo bien. No era nuestra primera vez en Europa, de hecho ésta sería nuestra sexta aventura allí, pero sin duda iba a ser diferente. Nunca habíamos girado con un grupo grande todo el tour y no tener que organizarlo todo ya era de primeras un alivio importante. Hasta ahora habíamos hecho todo DIY, con ayuda de algunas agencias y promotores, pero siempre con esa filosofía. Y es algo de lo que estamos orgullosos. Sin embargo, cuando pones en la misma ecuación DIY y no ser el grupo con la mejor de las suertes, te ves en situaciones, digamos, interesantes. Con esto me refiero a que prácticamente ya nos había pasado de todo: reventar la furgoneta, calabozos alemanes, no cobrar y dormir en la calle en el Reino Unido, persecuciones policiales en la autopista al más puro estilo Alerta Cobra en Bélgica o tres días viviendo en un pabellón en los Alpes italianos

cual refugiados... En definitiva, todo tipo de situaciones y gente surrealista que te encuentras tras recorrer durante cinco años la mitad de las okupas europeas. De todo se aprende y siempre acabamos riéndonos de todo, y si cabe, más unidos y con más ganas. Decir también que no todo fue ‘mierdismo’, término con el que acuñamos nuestra suerte, y que también pudimos saborear las mieles de la vida en la carretera. Conciertos que para siempre quedarán grabados en nuestras retinas, amistades con gente increíble y fiestas locas con grupos que nos flipaban antes de compartir escenario con ellos y que ahora podemos considerar amigos. Con esto queremos decir que no nos arrepentimos de nada y sólo podemos brindar con licor café por esos años y celebrar que ahora tendríamos más respaldo por parte de una agencia que cuidaría de nosotros. Después de esta parrafada sentimental por la que os pedimos disculpas, empieza la gira.

DESTINO POLONIA Recogemos la furgoneta y comenzamos la ruta recogiendo a cada uno en su casa y después al local a cargar el equipo. Una vez más tenemos que poner en práctica nuestras habilida-

des en el tetris para que entre todo y no quede nada ni nadie fuera. Cuando quedaban sólo un par de mochilas por cargar un rayo como pocas veces habíamos visto cae a escasos metros de donde estábamos con un estruendo increíble. Empezamos bien. Alguno se encontraba aún en el local y salió acojonado del temblor que hubo y porque el sistema eléctrico había reventado. ‘¿Qué coño fue eso?’. El mierdismo acechaba y aún no habíamos ni arrancado. Galicia es increíble y creemos que nuestra música refleja que no podemos estar más orgullosos de nuestra tierra, pero hay que reconocerlo: estamos a tomar por culo. Cada vez que empezamos una gira europea necesitamos mínimo dos días de carretera sin parar para plantarnos en el meollo, y esta vez la gira empezaba en Polonia. Llevábamos media hora en la furgoneta cuando de repente se alza una tímida voz: "Tíos.. tengo que volver por casa". Llegamos a un acuerdo por el que la persona en cuestión surtiría de tabaco al resto ese día, y al fin, después de tres horas al volante, empezamos el largo camino hasta Polonia. Habíamos decidido afrontarlo haciendo tres escalas. La primera en Olazti, Nafarroa. Siempre que empezamos una gira fuera del país la prime49

ra parada es la misma, la Maisuenea Gaztetxea, ya sea para tocar o simplemente cenar y echar unos tragos de patxarán con Aritz, Iker y el resto de amigos. Había que acostarse pronto que al día siguiente tocaba la primera paliza hasta Saulzoir, en el norte de Francia. Arreglamos un concierto allí para engrasar motores antes de empezar el tour oficial. Tocamos con una banda local y el público rondaba el centenar de personas. Fue una buena velada de calentamiento y nuestra intención era dormir pronto, pero nos equivocamos. Dormíamos en casa de Alex, el promotor, que nos esperaba allí con unos amigos, una vieja guitarra española y unas botellas de Jäger... Fue una grata sorpresa descubrir que por esa casa había pasado gente como Authority Zero, Madball o Street Dogs y había una pared llena de fotos con ellos. Nosotros acabamos también en esa pared y la sensación de estar donde deberías es algo indescriptible. Tras la despedida y la promesa de volver pronto, cogimos la carretera dirección a Spangenberg, un pueblecito alemán donde nos esperaba nuestro buen amigo Armin, quien una vez más nos cedía su casa para hacer noche. El plan era el mismo: una birra rápida con Armin y a dormir. Nada más lejos 50

de la realidad. Ya nos lo temíamos, pero Armin nos estaba esperando con cervezas y su infame whiskey McEntire. Madrugar al día siguiente se veía cada vez más difícil... Pero no quedaba otra, y a las cinco de la mañana todo el mundo en pie con mejor o peor cara para afrontar el último tramo. Turnos para conducir, risas y paradas para hacer el tonto en alguna estación de servicio y, al fin, después de otras doce horas de furgoneta, llegamos a Gdynia, Polonia. Recorrimos más de 3.000 kilómetros en tres días, pero las ganas que teníamos de empezar no eran normales y en cuanto vimos a Krystoff, el promotor, todo fue bien. Ya habíamos trabajado con él anteriormente y sobra decir que es una de las personas más auténticas que nos hayamos encontrado en este circuito. Lleva más de 25 años haciendo esto, desde NoFx a Bastards, siempre con ilusión y una maleta llena de discos para montar el puestecillo de su sello DIY. Íbamos a pasar tres días en Polonia y sabíamos que todo iba a ir bien con él. GBH aún no habían llegado, así que echamos un vistazo a la sala, con capacidad para 500 personas, y directos al backstage, pues estábamos muertos de hambre. Pizza y cerveza. Krystoff sabe lo que hace. Nos

ponemos a devorar y beber y justo en ese momento entran GBH en escena. La primera imagen que tuvieron de nosotros fue la de seis famélicos comiendo pizza y bebiendo cerveza como locos, y les hizo gracia. Enseguida agarraron unas latas y tras las presentaciones empezó el buen rollo que duró hasta el último momento del tour. Cuando conoces a gente que lleva tocando más de 30 años y con ese estatus de leyendas, la verdad, no sabes muy bien qué esperar o cuánta gracia les iba a hacer pasar veinte días con nosotros, pero desde el primer instante fueron encantadores e hicimos muy buenas migas. Se lo pasan bien de gira, disfrutan comiendo pizza, bebiendo cerveza y puteándose entre ellos... Como nosotros. Toca ponerse a trabajar y hacemos la prueba de sonido. Decir que GBH se comieron todas y cada una de nuestras pruebas de sonido, siempre atentos a echar una mano, y lo mismo hicieron con todos los conciertos. Los primeros viéndolos desde atrás en el público, después detrás del escenario o en la puerta del backstage, y acabando encima del escenario con nosotros haciendo bromas y pasándolo bien. Llegó la hora del primer concierto del tour y salimos a darlo todo. La sala estaba prácticamente llena y después

de un par de canciones la gente empezó a bailar y a pasarlo bien, terminando con una gran fiesta. Tras 50 minutos de baile, sudor y cerveza estaban listos para reventar con GBH; a eso habíamos venido y cumplimos. "Fuck yeah, guys...". A nuestros compañeros de tour les había sorprendido muy gratamente y ahora era su turno. Y qué manera de repartir... La sala se vino abajo desde la primera nota, y es que esta gente da una caña impresionante, zapatilla de principio a fin. Nos fuimos al hotel. Estábamos reventados y esto no había hecho más que empezar, así que mejor descansar y coger fuerzas porque todos teníamos la sensación de que esto iba a ser increíble. Y lo fue. Todos bajamos a desayunar con una sonrisa de oreja a oreja y listos para lo que fuera. Allí estaban ellos también y Krystoff con su maleta. ¡Qué grande es! Quedaban dos fechas más en Polonia, Varsovia y Wroclaw. Distancias de dos o tres horas, más pizza, más cerveza, buenas salas y buenos hoteles. Perfecto. Nos encanta Polonia y los conciertos fueron igual de bien. Salas grandes prácticamente llenas, nosotros a lo nuestro calentando al personal y los de Birmingham rematando la faena con su directo arrollador. Fue un auténtico placer y un privilegio el poder verles en acción cada noche.

Aprendimos, disfrutamos y nos reafirmamos en que esto es lo que queremos hacer. Con la primera parte del tour superada, recogimos los bártulos, cambiamos los zlotys de la venta de camisetas y CDs (¡En tres días terminamos los vinilos!) y pusimos rumbo a la República Checa.

DESTINO ALEMANIA Praga a golpe de lunes. No sabíamos cómo iba a responder la gente siendo lunes y no queríamos llevarnos el primer batacazo. Sold out. Con el cartel de ‘no quedan entradas’ el concierto de Praga fue genial. La sala era algo más pequeña, unas 250 ó 300 personas, pero el ambiente era increíble, con el escenario muy cerca del público y todos con ganas de fiesta. Stage diving, gente cantando y bailando. Nos lo pasamos genial y como el camerino tenía una vista perfecta del escenario, pudimos ver el concierto de GBH relajados y disfrutando de la cerveza checa. En la prueba tuvimos un pequeño problema con el acordeón, pues uno de los cables del sistema de amplificación no funcionaba. Por suerte, Aspy, el gaiteiro, es un manitas para estas cosas y con una navaja y un poco de cinta aislante solucionó el problema. Vuelta al hotel a descansar y a prepararse porque al día siguiente nos

íbamos a Alemania, nuestra querida Alemania. Posiblemente sea el país donde más hemos tocado hasta ahora y siempre ha sido un placer. Bueno, como habéis leído más arriba, a lo mejor no siempre, pero sin duda, siempre divertido. Buena cerveza, buenos amigos y conciertos inolvidables como el Festival Folk Punk Rock de Berlín en la mítica SO36, o cuando abrimos para nuestros venerados Street Dogs o Flatfoot 56. En esta gira sólo teníamos tres fechas por allí, Berlín, Giessen y Lindau, y estábamos dispuestos a darlo todo. Primera parada en la capital. Berlín siempre está bien. Es una de nuestras ciudades favoritas, el ambiente que se respira en las calles es una maravilla y tenemos un montón de amigos allí. Primera parada en Core Tex Records para hacer las compras de rigor y llevarnos la grata sorpresa de ver que se han agotado nuestros discos en la tienda. Después directos a la sala, Cortina Bop, en pleno Kreuzberg, y donde ya habíamos tocado en febrero de este mismo año. Primeras birras y vemos que los GBH miran de reojo el futbolín... "¿Una partidita?". Lo pasamos en grande jugando unas bolas con ellos y, hay que decirlo, en Galicia se inventó el futbolín, y como galegos de pro, les ganamos. "Fuck off!". No quedaron contentos con el 51

resultado de la primera ‘Futbolín party at 526’, pero habría más ocasiones para la revancha. Llegados a este punto la relación con ellos ya era buenísima. Scott y Doval, los baterías, ya se llamaban ‘father & son’, David y Colin intercambiando mil historias entre humos, Ross no paraba de meterse con todo el mundo, "Fuck off you, wankers!", y ambas bandas ya habíamos hecho un intercambio de camisetas y merchandising enorme. Llega el concierto, un montón de caras conocidas, muy buen ambiente y primera juerga en condiciones. Berlín mola. Amanecimos algo resacosos y era el turno de ir a Giessen. Ninguna de las dos bandas habíamos estado allí antes, ni conocíamos la sala ni al promotor, y sentíamos curiosidad. El promotor era un tipo extraño así de primeras, y cuando preguntamos dónde estaba el técnico simplemente se encogió de hombros y devolvió la pregunta. OK. Jock, el guitarrista y un tío con una clase increíble, acabó siendo nuestro técnico de sonido, y Aspy, el de GBH. Sacamos el concierto adelante y todo fue bien. Aunque no lo parezca, aquí en Giessen vivimos uno de los mejores momentos de la gira. Ya cuando llegamos a la sala nos encontramos fuera a dos jóvenes punks que parecía iban 52

a dar mucho juego. Los dos chavales resultaron ser geniales. Crestas de colores, chaquetas de cuero, imperdibles, y con esa inocencia propia de los 16 años y estar en el mejor lugar donde podrías estar. Resultó que a uno de ellos lo habían despedido ese mismo día por venir al concierto. "¿Estás de coña? Que le den al trabajo, esto no me lo perdería por nada del mundo". Verlos en el concierto nos hizo sentir humildes con lo que hacemos. Era el mejor día de sus vidas. Gritaban, bailaban, se subían al escenario a cantar y, totalmente sincronizados, agitaban el puño con una pierna encima del escenario. Parecían recién salidos de una película y eran la mar de graciosos. Después del concierto los invitamos a cenar y a unos tragos y se fueron para casa realmente contentos. Y nosotros también. La última fecha en Alemania fue en Lindau. En una sala enorme, muy cerca de la frontera con Suiza y Francia, y llena de carteles de bandas como NoFx, Mad Caddies o No Use For A Name. El trato, la cena, los camerinos, todo fue excelente y una vez más nos fuimos de Alemania con un sabor de boca inmejorable.

DESTINO ITALIA La siguiente parada fue Italia, y tampo-

co era la primera vez que íbamos por allí. Un par de conciertos por Roma y alrededores más los tres días de cámping forzoso eran nuestra experiencia previa. Esta vez serían tres conciertos en el norte, Bolonia, Bérgamo y Caramagna. Así que cogimos carretera y emprendimos un viaje agradable por los Alpes hasta llegar a un atasco demencial en Milán, en el cual la furgoneta empezó a oler a quemado y los fantasmas del pasado hacían su aparición augurando un nuevo fallo de mecánica y las consecuencias que podía traer. Por suerte, al llegar al local, aunque seguía oliendo un poco raro, vimos que no había sido nada. Alguna tontería con la calefacción, y no volvió a dar problemas. Arriba los ánimos, y al lío. Según empezamos la prueba de sonido, un zumbido atronador se apoderó del escenario: el amplificador de guitarra de David había dicho adiós y, casualidad o no, también empezó a oler a quemado. En ese momento Jock se levantó de la silla desde donde veía nuestra prueba y con la clase que le caracteriza nos ofreció usar su JMC900 para lo que restaba de tour. Con todo resuelto tocaba cenar y tocar. La sala, que parecía pequeño a primera vista, se llenó hasta el techo, y gozamos de uno de los conciertos más sucios en el buen sentido de la

palabra. Local lleno, mucho calor y gente con ganas de bailar y darse unos empujones. El mejor ejemplo de que el local estaba abarrotado fue que cuando acabamos nuestro concierto, un par salimos fuera a respirar y cuando quisimos volver a entrar, nos resultó prácticamente imposible, teniendo que ver el bolo casi en la misma puerta. Y más rutina: cerveza, recogerlo todo y para el hotel. Trayecto corto hasta Bérgamo a la mañana siguiente. Una vez en la sala, sorpresa, un balón de fútbol. Ross, ávido de revancha, cogió el balón y empezó a tentarnos. Al segundo teníamos montado allí un partidillo mientras el técnico de sonido temía por el equipo e iba llamando uno a uno para ir probando. El resultado dejémoslo en que estuvo muy igualado... Teníamos dudas si iba a venir tanta gente como para llenar ese local, ya que tenía un aforo aproximado de 800 personas. Principalmente por lo terrorífico que estaba el tiempo fuera, pero poco a poco la tormenta fue amainando y el local estuvo prácticamente lleno. Y quedaba Caramagna, ese precioso pueblo italiano donde habíamos pasado tres días de ensueño refugiados en un pabellón gracias a una tormenta de nieve y a una furgo que no daba más de sí. Esta vez sin embargo

salió todo a pedir de boca. Buen concierto, muchos conocidos, y colaboración nuestra en la canción que siempre nos dedicaban GBH. ‘Give Me Fire’ o ‘Dame Fuego’, que decía Colin, y esto se convirtió en la colaboración habitual para el resto de conciertos.

DESTINO CROACIA Nos vamos de Italia con la sensación de que huele a quemado destino a Croacia. Día libre, y nos dio por ir a Venecia a dar una vuelta y montar en góndola lloviendo y de noche… Unos lumbreras, vamos. No hace falta decir que la jugada nos salió fatal. Hicimos unos cuantos kilómetros de más, que al devolver la furgoneta tuvimos que pagar, claro, por haber pasado por una zona en la que teníamos que meter la furgoneta en un párking que costaba unos 35 euros. Damos la vuelta como si no hubiera pasado nada y dirección a Croacia nuevamente. Una vez pasada la aduana, llegamos al primer peaje. Allí nos sorprende un dicharachero trabajador croata que nos empieza a decir palabras aleatorias en castellano, ‘tortilla’, ‘paella’… Aparece un precio en la pantalla, al cambio no llegaba ni a un euro, y nos dice que son 2 euros. Entre risas decidimos darle los

2 euros y al pedirle el ticket, “No ticket amigo”. OK. Subió la barrera y a seguir. Ya estábamos en Zágreb y pudimos disfrutar del segundo día libre de toda la gira. Un paseo nocturno por el centro, unas porciones de pizza... Decir que nos intentaron volver a hacer el lío con el cambio, pero esta vez no les salió tan bien. Ya llevábamos unos cuantos días sin parar y hacía falta una noche tranquila. Ya en la habitación tocaba hacerle alguna gracia al primero que se quedara dormido. Los seis compartíamos habitación y era la ocasión perfecta. David fue el primero en caer y una maquinilla de rapar el pelo pasó sobre su cabeza haciendo un estropicio. No quedaba otra que terminar la faena que le habíamos hecho y entre risas terminamos de raparle el melón. Un par de llamadas de atención desde la recepción y a dormir. El día siguiente lo aprovechamos bien, haciendo una buena colada de la ropa más sufrida y un paseo que nos enamoró aún más de la ciudad. Visita al mercado, buenas tiendas y tabaco barato. Tras una buena comilona nos dirigimos a la sala, la cual nos sorprendió gratamente. Capacidad aproximada de 700 personas, y de nuevo un cartel en la puerta anunciaba el sold out. Nos esperaba otra noche épica. Llegaron 53

nuestros compis y fue como si llevaran años sin vernos. Abrazos, qué tal todo; lo dicho, gente encantadora. El sonido fue maravilloso en la prueba. Una cena de impresión y a tocar. Quizás sea ese el concierto que más cariño le guardemos, ya que la gente respondió desde el primer momento. La sala se llenó por completo para vernos, bailaron y hubo alguno por ahí cantando las canciones. Es realmente emocionante ver que en un país donde no habíamos tocado nunca haya gente que se sepa tus canciones. Al acabar nos quedamos en el local con Scott tomando unos tragos y hablando con unos cuantos asistentes que se quedaron hasta última hora para poder cruzar unas palabras con nosotros. A mucha gente le sorprendió para bien nuestro estilo y básicamente de eso se trata en un tour en el 54

que vas abriendo para una superbanda. El día siguiente tocamos en Austria. Llegamos directos al local, ya que no había mucho tiempo para hacer un poco de turisteo por Viena. Hacía un frío terrible, pero el sitio era genial. Se trataba de un enorme complejo okupado de edificios llamado ARENA, donde había un bar con un escenario pequeño para conciertos acústicos, una sala pequeña, una mediana, una grande y, lo mejor de todo, un escenario de festival al aire libre. Colin nos comenta que ahí tocaron con Rancid en 2012 y que fue memorable. La noche prometía, y así resultó. Con la sala mediana llena salimos a la palestra. Mucha caña sobre y fuera del escenario, un par de cuerdas rotas, calor impresionante y rock’n’roll es el resumen del concierto. El evento terminó temprano y después nos dieron una cena la mar de buena y acorde con el frío que hacía, en especial la sopa de patatas y champiñones, que hizo las delicias de todos. Una vez más una noche para el recuerdo, como todas las que tuvimos el placer de compartir con estos grandes.

DESTINO ESLOVAQUIA Y HUNGRÍA Al día siguiente ponemos rumbo a Eslovaquia. Primer concierto que íbamos a dar en este país. A lo lejos desde la autopista se ve un castillo imponente, íbamos bien de tiempo y decidimos ir a verlo. Desde fuera era impresionante, con unas vistas a la

ciudad increíbles, pero una vez dentro, resultó ser muy regulero. Parecía una especie de patio de colegio con todas las puertas cerradas y nada interesante que ver. Compramos algunos souvenirs y directos al hotel. Nos tiramos un rato en la cama y venga para la sala. En ningún momento nos faltó de nada, cena a la carta, cata de cervezas artesanas, y al lío. Mucha gente expectante por nuestro concierto, ya que nunca habíamos estado allí, y decir que salió todo a las mil maravillas. Bromas por parte de GBH mientras tocábamos, grabaciones con la go-pro por debajo del kilt de Aspy, intentos de bajar algunos pantalones… gran noche. En el local había un futbolín. Allí acudimos con nuestros brothers ingleses a por la esperada revancha. Por un euro te daban 29 bolas, así que os podéis imaginar lo mucho que dio de sí el tema. Sin darnos cuenta quedaban sólo dos fechas en Hungría. Aún no habíamos terminado y ya los echábamos de menos. Los conciertos fueron geniales, con muy buenas entradas y grandes fiestas para terminar el tour. Llegaba el momento de despedirse y se hizo difícil. Habíamos pasado juntos veinte días recorriendo Europa y lo pasamos realmente bien. Prometimos vernos y hacer algo juntos pronto, de hecho David se va directo a Birmingham a pasar tres semanas allí y ya le tienen organizada la visita. Abrazos, fotos y comienza el viaje de vuelta. Budapest - A Coruña. Otros 3.000 kilómetros sin paradas que se hicieron muy largos y que aprovechamos para planificar el año que viene. A la vuelta empezaremos a componer un nuevo disco que esperamos salga en verano, y ya tenemos ganas de salir a la carretera otra vez.

COMO OCURRE CON LOS VINOS, HAY AÑOS MEJORES Y PEORES. SI SOMOS SINCEROS, A NUESTRO ENTENDER, LA DE 2014 no pasará a la historia como una de las mejores cosechas... pero aUn así, estamos seguros de que en nuestra selección de 50 discos encontraréis algunO que os hará vibrar como el que más. Empezando por...

LOS 30

MeJORES

DISCOS de 2014

INTERNACIONALES

Esoteric Warfare (SEASON OF MIST)

MEJOR DISCO INTERNACIONAL

MAYHEM A

mí sólo me interesan los álbumes, pero tengo que reconocer que con el single de ‘Psywar’ hice una excepción. No porque Mayhem llevaran siete años sin publicar un largo, pues al fin y al cabo eso forma parte de su adorable idiosincrasia, sino porque me corroía por dentro el comprobar cómo había evolucionado esta vez la siempre mutante maquinaria de guerra de la formación más polémica y legendaria que ha dado el black metal. En ese tema encontramos a unos noruegos caóticos, tormentosos, con un Hellhammer en plan percutor en la

batería y un Attila Csihar poseído ante el micro, emulando la mejor tradición de De Mysteriis Dom Sathanas, pero esta enajenación no es una excepción en Esoteric Warfare. La misma ‘Watcher’ con la que se inicia el trabajo es ya monumental de principio a fin, y ‘Trinity’ y ‘Pandaemon’ dos bestialidades extremas y altamente experimentales que muestran a unos Mayhem en un estado de forma admirable. Vayan ustedes perdiendo el tiempo con el ‘post esto’ y los ‘proto lo otro’, que contra los grandes no se puede luchar. Magistral. PAU NAVARRA

HABLAMOS CON... ATTILA CSIHAR

ola Attila. ¿Qué te parece que hayamos escogido Esoteric Warfare como nuestro Disco del Año? “¡Guau! ¡Eso es increíble! ¡Muchas gracias! ¡Estoy alucinado! La verdad es que la respuesta hacia el disco ha sido muy buena. Después de siete años desde el disco anterior y los cambios de formación fue un poco estresante hacerlo. De hecho, teníamos otro disco entero hecho, pero lo dejamos de lado y entonces empezamos la dirección correcta con nuevas ideas para hacer éste. A partir de entonces todo fue más rodado. A la mayoría de gente le ha gustado, aunque no a todo el mundo… Eso sería demasiado extraño (risas)”. En una banda con vuestra trayectoria muchos fans suelen preferir los primeros discos, incluso cuesta que se molesten en escuchar el material nuevo. ¿Os frustra a veces? “Un poco. Es difícil mantener la intensidad, la integridad y el extremismo durante tantos años. De Mysteriis Dom Sathanas se publicó hace veinte años. Es de locos pensarlo. Entonces era un álbum futurista y ahora es un disco old school (risas). También los fans que lo escucharon entonces han cambiado. Nadie permanece igual, ni los fans, ni los músicos. Posiblemente haya gente que ya no escuche música y se han quedado en los 80 o los 90... Pero para mí Esoteric Warfare es una mezcla de todo lo que hemos hecho Mayhem a lo largo de los años. Ya

no escribo sobre ocultismo o la Edad Media, porque necesito hacerlo sobre cosas que me interesan ahora. Pero como te decía, en general el feedback ha sido bueno”. ¿Tienes algún recuerdo especial de la composición o grabación del trabajo? “Sí. Empezamos a trabajar en los cimientos del disco en Budapest. Luego tiramos la mayoría de lo que habíamos hecho. Psicológicamente, al menos para mí, fue muy duro. Yo me sumerjo totalmente en la atmósfera oscura que requiere el disco. Me afecta profundamente. Luego fuimos a grabar a Oslo y todo el mundo me preguntaba si me encontraba bien. Incluso mi novia me lo notaba. Durante un par de meses me sentía totalmente extraño. Salía al bosque, hablando solo, estaba fuera de mí (risas). Fue un proceso muy intenso y doloroso. Pero para hacer un disco de Mayhem tiene que ser así. Ya me ocurrió con Ordo Ad Chao. No fue hasta que empecé a grabar las voces y pude sacarlo todo que me sentí aliviado. Pero ésa es mi experiencia personal, posiblemente el resto del grupo te contaría otra cosa”. Fuera de Mayhem, ¿has hecho otras colaboraciones este año? “Unas pocas. Tuve muchas peticiones, pero no quería hacer nada hasta que terminase el álbum. Grabé con un grupo de black metal de chicas de Armenia. Creo que es bueno para la escena que las chicas hagan cosas, así que quise apoyarlas. También trabajé en un proyecto nuevo sobre el que todavía no puedo hablar que es

una especie de alianza entre músicos de bandas extremas. Yo soy uno de los invitados. Y también colaboré con Pierre La Pape en el proytecto Melted Space. Es metal extremo con un toque clásico con distintos vocalistas. Es casi como una ópera y yo hago uno de los personajes”. ¿Con qué discos o conciertos has disfrutado más este año? “La verdad es que no he escuchado nada porque estaba inmerso en el disco de Mayhem. Pero disfruté mucho viendo a Watain. También a Iron Maiden en Budapest. Y hace poco me gustaron Combichrist. Es más industrial que metal, pero me divertí mucho viéndoles... O quizá es que yo estaba de buen humor (risas)”. Empezáis 2015 girando por Estados Unidos con Watain. ¿Qué expectativas tienes? “Creo que es una buena idea. Tenemos una actitud muy parecida. Ya hicimos una gira juntos por Australia y nos llevamos bien. Soy un buen amigo de Eric. Había una competencia sana entre las dos bandas. Creo que más gente vendrá a vernos y será positivo para todos porque los costes son enormes. La gente no lo sabe, pero piensa que el visado para tocar en Estados Unidos ya nos cuesta casi 5.000 dólares y por lo menos 5.000 más para los vuelos. Es de locos, porque por ejemplo cuando he girado con Sunn 0))) y ellos vienen a Europa no tienen que pagar visado. Ni tampoco en Japón o Australia. Pero 5.000 dólares dificulta mucho las cosas. Apenas ganaremos nada, pero no me quejo”.

WEEZER

Everything Will Be Alright In The End (REPUBLIC/UNIVERSAL)

asi podríamos hablar de Everything Will Be Alright In The End como un disco de síntesis, donde escuchamos ecos de su pasado pero, a la vez, presenta una madurez que difícilmente podrían haber alcanzado antes. Aquí se reúne la inmediatez que les caracteriza (‘Ain’t Go Nobody’, la muy Pixies ‘Lonely Girl’, ‘Eulogy For A Rock Band’, la sensacional y melancólica ‘Foolish Father’) con unos arreglos y una musicalidad mucho más elaborada (‘Da Vinci’, ‘The British Are Coming’) y algunos giros inesperados (‘Cleopatra’ empieza como un tema folkie en el que irrumpe un riff casi metalero). Especialmente bienvenidos son los

juegos entre las guitarras de Cuomo y Brian Bell que pueblan la mayoría de canciones y que tienen su máxima expresión en ‘The Futurescope Trilogy’, la suite final de tres actos, mayormente instrumental, en la que parece que estén en una partida al Guitar Hero. Dicho todo esto, quizá Everything Will Be Alright In The End no sea una obra magistral como Pinkerton, pues carece de su punch emocional, pero desde luego, está repleto de melodías sensacionales y se nota que Weezer han trabajado a fondo para hacer su mejor disco en una década y que han salido victoriosos. Bien por ellos y por nosotros. JORDI MEYA

MANCHESTER ORCHESTRA Cope

(LOMA VISTA/MUSIC AS USUAL)

i hasta ahora una de las mayores cualidades de la banda de Atlanta era su capacidad para ofrecer discos muy dinámicos, donde preciosas baladas orquestales se alternaban con fogonazos guitarreros en la línea del indie rock de los 90, en su cuarto álbum han decidido subir los amplificadores al 11 y rockear

LA DISPUTE

Rooms Of The House (BETTER LIVING/STAPLE)

ooms Of The House es un disco dedicado en cuerpo y alma a la tragedia de lo inanimado, a la tristeza y melancolía que depositamos a menudo en ciertos objetos, insignificantes a primera vista pero cargados de sentido para el que mira un poco más allá. Como le sucede a Jordan Dreyer,

de principio a fin. Cómo se lo tomará el sector más indie de su público está por ver, pero desde luego quienes no se asusten por escuchar riffacos propulsados por una potente distorsión disfrutarán de verdad. Los que hayan seguido su impecable trayectoria hasta ahora -si todavía no los conoces no dudes en recuperar sus anteriores trabajos I’m Like A Virgen Losing A Child, Mean Everything To Nothing y Simple Math- se sorprenderán la primera vez que escuchen Cope. Eso viniendo de un grupo que no ha hecho dos discos iguales, ya es mucho. Es una lástima que el grupo no haya incluido por ejemplo un tema en la línea de ‘I Can Feel A Hot One’ de Mean Everything To Nothing, aunque si de lo que se trataba era de enseñar su lado más musculoso, han cumplido la misión de sobras. JORDI MEYA

vocalista y escritor, que recorre todos los objetos y habitaciones de una casa imaginaria donde la nostalgia se ha adueñado del aroma a muebles viejos, descoloridos, y alfombras desgastadas. A veces se impone cierto orgullo, ansia de darle un sentido mayor a tanto polvo y recuerdo de otros tiempos, y la rabia hace presencia, y enlazan con clase con un Wildlife que todavía resuena y crece tanto tiempo después. Se impone lo orgánico ahora, la profundidad de los bajos, las estructuras impropias de un grupo que ‘grita’, te obliga, como siempre, a atenderlo todo, a separarte de Jordan, abstraerse de las palabras y centrarse en el resto, porque las guitarras de Kevin Whittemore y Chad Sterenberg dibujan, solicitan atención, hacen del grupo algo único en su especie. JAVIER YELA

REENCUENTRO DEL AÑO: NIRVANA

MASKED INTRUDER M.I.

(FAT WRECK CHORDS)

adie ha descubierto todavía la identidad de estos cuatro criminales enmascarados y romanticones que hace un par de años facturaron un debut absolutamente delicioso y se convirtieron en el grupo favorito de la hija de Fat Mike, quien no dudó en ficharles para su sello. Pero da igual quiénes sean en realidad estos cuatro tipos, lo importante es que durante este tiempo no han perdido frescura alguna para crear 13 temas de chicletoso punk pop que de nuevo logra fusionar a

l pasado 11 de abril, con motivo del ingreso de Nirvana en el Rock And Roll Hall Of Fame, Dave Grohl, Krist Novoselic y Pat Smear se subían a un escenario juntos para interpretar cuatro temas del grupo en el Barclay Center de Brooklyn. Era la primera vez que esto ocurría desde que Kurt Cobain se quitara la vida hace veinte años. Con la ayuda de varias cantantes femeninas (Joan Jett, Kim Gordon, St. Vincent y Lorde) revivieron ‘Smells Like Teen Spirit’, ‘Aneurysm’, ‘Lithium’ y ‘All Apologies’. Pero la cosa no acabó aquí, y el grupo se trasladó después de la ceremonia al bar St. Vitus para ofrecer un set completo de 19 canciones de Nirvana en el que también participaron J. Mascis de Dinosaur Jr. y John McCauley de Deer Tick. El concierto fue filmado, pero se desconoce todavía si algún día verá la luz este histórico reencuentro. La noche también sirvió para que Dave Grohl y Courtney Love enterraran el hacha después de muchos años de guerra a través de los medios y los juzgados.

Screeching Weasel con Weezer, con la banda sonora de Grease y el sentido del humor de Toy Dolls. Puede parecer que lo que hacen está chupado, pero basta ver la cantidad de grupos que intentan hacer lo mismo y fracasan para que valoremos su buena labor. Orgías melódicas como ‘The Most Beautiful Girl’, ‘When I Get Out’, ‘Hey Girl’ o ‘Don’t Run Away’ son memorables, así que si necesitas que te suba el ánimo, pégale una escucha. JORDI MEYA

BIGELF

Into The Maelstrom (INSIDE OUT MUSIC)

uando escuchaba ‘Incredible Time Machine’ me di cuenta de que había captado tanto mi atención, que aquello que estaba haciendo había quedado en quinto plano y me encontraba sumergida y completamente absorta en Into The Maelstrom. Hacía mucho tiempo que un disco no me hipnotizaba de semejante manera, así que volví a escucharlo y terminé en un bucle durante horas. Después de Hit The Gallows y un largo periodo de silencio que apuntaba a lo

peor, Damon Fox consiguió, con un tremendo esfuerzo, reorganizar una banda completamente desmembrada gracias al apoyo del batería Mike Portnoy. Into The Maelstrom no es tanto un regreso como el resurgimiento de una banda con energías completamente renovadas y un poderoso sonido progresivo que hace pensar en las grandes bandas clásicas. Una auténtica delicia para los sentidos y una confirmación de que Bigelf están mejor que nunca. TOI BROWNSTONE

PELOTAZO DEL AÑO: ROYAL BLOOD

BEHEMOTH The Satanist (NUCLEAR BLAST)

s curioso constatar cómo una convalecencia por enfermedad grave y el observar con morbo las evoluciones de un artista que se debate entre la vida y la muerte pueden atraer más miradas que el hecho de llevar más de veinte años publicando discazos. No nos encontramos cada día ante una variedad de recursos tan rica como perfectamente seleccionada, con la pizca justa en cada momento adecuado del plástico. Oscuro hasta el límite, sincero como pocos, tan tormentoso como

balsámico, The Satanist inaugura para Behemoth una nueva página de oro que ni la mismísima muerte podrá frenar. Este álbum recibirá la atención de todos los medios del planeta, se centren en el metal extremo o no, pero lo que contiene desde luego no intenta convencer a más personas que las que conforman su público natural. Con The Satanist bajo el brazo, a Behemoth sólo les queda disfrutar de esta merecida y recién inaugurada senda del triunfo terrenal. PAU NAVARRA

EVERY TIME I DIE

From Parts Unknown (EPITAPH)

ara grabar From Parts Unknown, el séptimo de una discografía en la que no se encuentra ni un solo álbum flojo, Every Time I Die tuvieron la feliz idea de recurrir a Kurt Ballou, guitarrista de Converge y productor infalible, y plantarse en su GodCity Studio de Salem, Massachussets, el pasado marzo. “Trabajar con Kurt fue estresante en el buen sentido, como cuando tu padre te viene a ver por primera vez a jugar un partido y tú quieres que se sienta orgulloso”, ha declarado el

vocalista Keith Buckley a propósito de la experiencia. Y exactamente eso es lo que transmiten sus doce canciones. Una banda exprimiéndose al límite para impresionar a uno de sus héroes y tocando como si la vida les fuera en ello. No es exagerado decir que se trata del disco más devastador de su carrera, con Jordan Buckley y Andy Williams disparando riffaco tras riffaco, el batería Ryan Leger rompiendo las baquetas en cada golpe y Keith chillando sin respiro. JORDI MEYA

n apenas dos años desde que Mike Kerr (voz, bajo) y Ben Thatcher (batería) formaran Royal Blood, el grupo de Brighton ha pasado de ser absolutamente desconocido a haber sido escogido para telonear a Foo Fighters en su gira por estadios el próximo verano. Su primer álbum alcanzó en agosto el número 1 de las listas británicas, vendiendo casi 66.000 copias en una semana, y fue nominado al prestigioso Mercury Prize como mejor disco de 2014. Su música, a medio camino entre Muse y Queens Of The Stone Age, con la particularidad de que no hay guitarras, ha seducido a músicos como Jimmy Page, Tom Morello, Lars Ulrich o el popular locutor norteamericano Howard Stern. También en nuestro país la fiebre por Royal Blood se ha dejado notar, y los conciertos en Barcelona y Madrid que suspendieron por enfermedad en noviembre se han traslado a salas de mayor capacidad para cuando vengan en marzo.

LAS 10 MEJORES PELÍCULAS DE 2014

STEEL PANTHER

UNA SELECCIÓN DE KIKO VEGA

All You Can Eat (KOBALT LABEL SERVICES)

GUARDIANES DE LA GALAXIA James Gunn

James Gunn es un maestro lanzando dardos envenenados directos a nuestro corazón. Guardianes De La Galaxia es una fiesta a la que todos estamos invitados. El gamberrismo del director campa a sus anchas, desde el emocional prólogo (¿Cuántas pelis Marvel han conseguido colar el logotipo de la casa después de la intro?) hasta la aparición de Lloyd Kaufman. Peleas, acción, lágrimas y muchas risas al servicio de un reparto inolvidable formado por un árbol, una tía verde, Batista el del pressing catch, un puto mapache y un exgordo. Increíble.

JOHN WICK

Chad Stahelski y David Leitch

ormalmente unir música y humor suele tener un recorrido bastante corto. Ejemplos los hay a patadas, desde Dread Zeppelin a Tenacious D o Lordi, pero Steel Panther siguen siendo la excepción. Estoy seguro de que su secreto –aparte de que bajo esas pelucas crepadas se esconden grandes músicos- es que sus componentes aman de verdad el género que parodian. Lo que no deja de ser irónico es que Steel Panther sean ahora mismo capaces de ofrecer discos mucho

Imagina que Commando y Crank echan un polvo la noche de la primera cita después de ir al cine a ver un programa doble formado por The Killer y La Jungla 2: Alerta Roja. John Wick es la peli de acción más potente de los últimos años, con unas coreografías y un estilo difíciles de recordar en el género USA. Ojalá llegue a las pantallas españolas en algún momento, porque John Wick, el personaje, es un clásico desde el primer fotograma.

mejores que los de algunos de sus héroes (Aerosmith, Mötley Crüe, Def Leppard…), convirtiendo All You Can Eat en mucho más que un guilty pleasure. Quien aprecie el buen hard rock tendrá un subidón al comprobar que todavía hay un grupo que puede crear himnos como los de antaño. ‘Party Like Tomorrow Is The End Of The World’ o ‘Fucking My Heart In The Ass’ convierten este disco en el antídoto perfecto para ahuyentar a hipsters. JORDI MEYA

AGAINST ME!

Transgender Dysphoria Blues (TOTAL TREBLE MUSIC/MUSIC AS USUAL)

NIGHTCRAWLER Dan Gilroy

El ojo público, el fotógrafo del pánico, Kolchak, L.A. noche, vampiros sin colmillos, Telecinco… La cantidad de información y referentes que se vienen a la cabeza viendo la divertida y negrísima Nightcrawler es interminable. La carrera de Jake Gyllenhaal es un misil teledirigido hacia un estrellato intocable. Radiografía en carne viva de los medios de comunicación, como en Perdida, pero sin su capa de cinismo. Aquí lo que hay es mucha, mucha mala hostia.

EL LOBO DE WALL STREET Martin Scorsese

Imagina que te introducen (por la vía que prefieras, aunque yo apuntaría a la rectal por aquello de un mayor impacto), una por una, toda una caja de latas de bebida energética de medio litro. Imagina que después de meter la última, te pegan una patada en el culo y te lanzan escaleras abajo. Más o menos eso es El Lobo De Wall Street, con un protagonista que ha tenido que esnifar las cenizas de los personajes que Scorsese ha dejado atrás para dar un triple mortal con tirabuzón.

i durante buena parte de su carrera los discos de Against Me! habían tratado temas políticos y Tom Gabel parecía estar en lucha contra el mundo, desde que en 2012 hiciera público su deseo de convertirse en mujer llegamos a la conclusión de que quizá contra quien en realidad estaba luchando era consigo mismo. Es por eso que Transgender Dysphoria Blues, el primero que graba como Laura Jane Grace, su nueva identidad, se antoja como su disco más honesto. Aunque

lo haga a través del personaje de una prostituta transexual, el álbum aborda sin complejos los sentimientos que ha experimentado al vivir con un cuerpo que no sentía como propio. Las referencias a su condición son constantes, y como era de esperar, hace que el tono del disco sea bastante crudo y triste. Quizá no sea el discazo que sus fans esperábamos, pero desde luego era el que Laura Jane necesitaba hacer. Y sólo por eso merece un respeto. JORDI MEYA

ALLELUIA

Fabrice Du Welz

TRIPTYKON

La mejor película de Fabrice Du Welz y con diferencia la más salvaje, sucia, grotesca y aberrante de la temporada. Enfermiza radiografía del amour fou con dos protagonistas que dejan a los Natural Born Killers como unos Locomía de la vida. No es una película fácil, pero si entras, no sales. No sales en tu puta vida. Atención al sorprendente y loquísimo número musical camuflado en la película.

Melana Chasmata (CENTURY MEDIA)

GODZILLA

arece increíble que, desde que Celtic Frost volvieran por la puerta grande con Monotheist en 2006, Tom G. Warrior haya sido capaz de grabar otras dos obras maestras con Triptykon. Ocho años de magnificencia, y es que, por si alguien lo dudaba, Melana Chasmata es otra maravilla a la altura del fabuloso debut Eparistera Daimones. ‘Tree Of Suffocating Souls’ abre con brío e ideas renovadas, con un agresivo juego de voces con el guitarra V. Santura

que encima engancha, pero ‘Boleskine House’ nos trae a los Triptykon graves y ominosos, a la par que bellísimos, con la voz de la bajista Vanja Slajh brillando cual sol de verano. ‘Altar Of Deceit’ es marca de la casa, decadente, también muy Black Sabbath en su estribillo, Norman Lonhard arrasa tras lo parches, y así llegamos a la virulenta ‘Breathing’. Como en 1985, el arte del genio suizo sigue inalcanzable para el resto de los mortales. Que baje Dios y lo vea. PAU NAVARRA

Gareth Edwards Disparo certero desde los créditos, aunque paguemos el obligado peaje de observar a unos seres humanos mediocres y sin carisma ni alma pasear por el mundo con cara de bajona. A pesar de ese lastre, la película de Edwards es un ejemplo de maneras Amblin, sentido de la maravilla y espectáculo. Una glorificación de la visibilidad, algo que ni siquiera consiguió mostrar el bueno de Guillermo Del Toro con su simpática y mucho más oscura Pacific Rim. A falta de Cloverfields, buenos son Godzillas.

LA LEGO PELÍCULA

Phil Lord y Chris Miller Una película sobre jodidas piezas de construcción que consigue brillar más que ninguna otra peli animada esta temporada. La peli con más personajes del año y la que dispara chistes con más gracia que nadie. También es la prueba que demuestra que Phil Lord y Chris Miller son la pareja de directores más talentosa de la década. Lo más parecido a la magia que hayas podido ver este año.

EL GRAN HOTEL BUDAPEST Wes Anderson

Anderson consigue la mejor peli de aventuras del futuro recuperando el cine del pasado. La cámara se mueve más y mejor que nunca, y los personajes parecen vivir en el universo de los hermanos Marx. Alexandre Desplat, que no ha parado de trabajar este año, pinta una música prodigiosa y los actores disfrutan de todos los matices de libertad que Anderson diseña con sus personajes. De no ser por su gloriosa Fantastic Mr. Fox, estaríamos ante su mejor obra.

THE MENZINGERS Rented World (EPITAPH)

THE RAID 2

n The Impossible Past, el anterior trabajo de The Menzingers, fue elegido por esta revista y otros medios afines como Rock Sound, Absolute Punk o Punk News como el Disco del Año en 2012. De ahí que la curiosidad que sentíamos por escuchar el nuevo álbum estuviera a niveles máximos desde que se anunció que el cuarteto de Filadelfia había entrado en el estudio. ¿Y bien? ¿Qué nos depara su cuarto disco? Pues bastantes novedades.

Gareth Edwards

La elección de Jonathan Low, productor que ha trabajado con The National, The War On Drugs o Kurt Ville, es una buena pista de sus ganas de no quedarse estancados. Todavía podemos considerar a The Menzigers como a una banda de punk rock, pero desde luego ahora en su música tienen cabida otro tipo de influencias. Quizá siempre habían estado ahí latentes, pero ahora han aflorado como nunca. Lo han vuelto a hacer. JORDI MEYA

Llega un momento en la película donde uno ya pierde la cuenta del número de secuencias de acción, así que todo bien. Más de dos horas y media llenas de las habituales traiciones familiares mafiosas y ansias de poder, algo que además de aportar personalidad a la película, sirve para que todos podamos respirar entre hostia y hostia. No se ha visto más allá del circuito festivalero, pero a mediados de mes tendrás el Blu-ray en tu tienda habitual. Una película con moratones en tiempo real.

CALVARY

John Michael McDonagh McDonagh es un excelente guionista, pero es que ahora también es un director espectacular. Si ese trabajo viene acompañado de un puñado de actores maravillosos, el resultado es una de las más descorazonadoras, pochas y cínicas obras maestras de los últimos años. Un equilibrio perfecto entre el ‘ji ji ji’ y la bajona.

RÉCORD DEL AÑO: U2

RIVAL SONS

Great Western Valkyrie (EARACHE)

ómo hacer felices y cabrear a millones de personas al mismo tiempo? U2 tienen la respuesta. El pasado 9 de noviembre, durante la presentación del nuevo iPhone 6 en California, el grupo irlandés aparecían al lado del CEO de Apple, Tim Cook, para anunciar que su nuevo disco Songs Of Innocence iba a lanzarse ese mismo día de manera gratuita para todos los usuarios de iTunes. 500 millones de usuarios en 119 países comprobaron como, efectivamente, el álbum se había instalado en sus cuentas y según cifras de Apple, 33 millones accedieron al disco durante la primera semana convirtiéndolo en el mayor lanzamiento discográfico de la historia. Pero obviamente, a no todo el mundo le hizo gracia este ‘regalo’ e incluso algunos músicos y otros sectores de la industria criticaron que se hubiera mandado el mensaje de que la música es gratis, y algunos analistas lo consideraron ‘spam corporativo’. Una semana después Apple lanzaba una aplicación para poder borrar el disco, pero se desconoce cuánta gente la ha utilizado.

on Great Western Valkyrie parece que Rival Sons han encontrado definitivamente su identidad, y viendo que éste ha sido recibido con los brazos abiertos tanto por el público como por la prensa, no cabe duda de que están en un momento clave de su carrera. A lo largo de diez cortes vuelven a evidenciar lo bien que se mueven por el rock más cercano a Led Zeppelin (‘Electric Man’, ‘Open My Eyes’ o esa tremenda ‘Secret’) en su primera mitad, mientras que en la segunda

parte se zambullen de lleno en el misticismo, disfrazándose por momentos de unos The Doors más actuales (la incorporación de un teclista les ha terminado de dar un plus más que necesario), caso de ‘Good Things’ o ‘Belle Starr’, en las que Jay Buchanan muestra una seguridad pasmosa que le confirma como uno de los vocalistas más en forma de la actualidad. Rival Sons avanzan firmes hacia el futuro con uno de los discos rock de la temporada. GONZALO PUEBLA

ANTEMASQUE Antemasque (NADIE SOUND)

los seguidores de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala nos resultaba inconcebible que esta pareja tan singular y prolífica pudiera estar demasiado tiempo en standby, a pesar del extraño final de The Mars Volta y de los continuos rumores acerca de tensiones y diferencias entre ambos, así que recibimos esta estupenda noticia con alegría y buenas expectativas, que afortunadamente se han colmado. En una época en la que la saturación de elementos es la nota

predominante en artes y música en general, con Antemasque se apuesta por lo contrario: soltar mucho lastre en cuanto a densidad de efectos consiguiendo un sonido más fresco y directo con ayuda de guitarras más limpias y estructuras más simples, y volviendo a composiciones muy dinámicas y enérgicas de tres minutos. Antemasque es tan accesible y disfrutable de escuchar que cuando uno se da cuenta ya está totalmente enganchado. TOI BROWNSTONE

SUPERGRUPO DEL AÑO: KILLER BE KILLED

LAGWAGON Hang

(FAT WRECK CHORDS)

l motivo por el que Lagwagon hayan tardado casi una década en dar continuidad a Resolve se debía a que la banda prefirió esperar al momento adecuado para meterse en el estudio que estar editando trabajos que no les convenciesen simplemente por las exigencias del mercado. Y bien que han hecho, porque si a algo suena Hang es a un grupo con energías renovadas y, sobre todo, sonando fresco, que eso hablando de gente que lleva más de veinte años en esto

ya es bastante. Puede que alguien se sienta descolocado cuando escuche ‘Cog In The Machine’, ‘Drag’ o ‘Absolute Obsolete’, pero no se crean ustedes que Lagwagon se han olvidado de fabricar esos temazos veloces con melodías fantásticas. ¿Y qué decir de ‘In Your Wake’? Ese glorioso coro final se te queda grabado a fuego antes de que arremetan con todo para despedirse. Les ha costado, pero a cambio nos han traído uno de los mejores discos de su carrera. GONZALO PUEBLA

PIANOS BECOME THE TEETH Keep You (EPITAPH)

i algo me gusta de las bandas que forman esa nebulosa llamada The Wave es que a pesar de tener elementos en común (en especial la influencia del post hardcore y el emo de los 90), cada una los expresa a su propia manera. En definitiva, lo que les une es más una actitud que un sonido, y eso se palpa en sus ganas de evolucionar lanzamiento a lanzamiento. En su tercer álbum Pianos Become The Teeth sorprenden canalizando su característica energía en unas

composiciones fantasmagóricas y reposadas. Evidentemente, lo primero que salta al oído es el registro vocal de Kyle Durfey, quien ha dejado de gritar para pasar a cantar con voz limpia, y sus compañeros parecen haberse adaptado también a ello. Es curioso cómo una voz distinta puede cambiar tanto el sonido de una banda. El grupo no ha titubeado a la hora de sumergirse a fondo en su opción por el cambio. JORDI MEYA

l proyecto que Max Cavalera (Soulfly) y Greg Puciato (The Dillinger Escape Plan) venían gestando desde principios de 2011 por fin se materializó el pasado mayo en un magnífico disco de debut. Con la incorporación de Troy Sanders (Mastodon) y el exbatería de The Mars Volta, Dave Elitch, la banda tomó un empaque que no se preveía en un principio y dio como resultado un sonido en el que se entrelazaban en perfecta armonía las señas de cada uno de sus componentes (groove, melodía, toques progresivos…). Aunque las críticas fueron, por lo general, positivas, los compromisos de cada uno han impedido que, hasta el momento, el grupo haya podido salir a la carretera, pero ya tienen cerrada su participación en febrero en el festival australiano Soundwave. Esperemos que la aventura se prolongue un poco más y podamos verles también por aquí.

LAS 10 MEJORES SERIES DE 2014

TOMBS

UNA SELECCIÓN DE Laura Clavero

Savage Gold (RELAPSE)

E HOUSE OF CARDS (NETFLIX) Confieso que nunca me han llamado la atención las series sobre política, así que imagino que puede pasar desapercibida entre aquellos que compartan mis prejuicios. Si en su primera temporada todavía albergábamos esperanzas de encontrar resquicios de humanidad en el personaje de Kevin Spacey, en esta última nos ha dejado bien claro que su ambición extrema y su total falta de escrúpulos están por encima de todo y de todos. Una obra maestra que hace uso de los más oscuros entresijos de la política americana para darle una nueva dimensión a la famosa cita de “El hombre es un lobo para el hombre”.

FARGO (FX)

s increíble que a veces un sonido pueda volcarte ideas abstractas tan nítidas dentro del cerebro. Es el caso de ‘Thanatos’, tema que abre el tercer trabajo de Tombs. Como su nombre indica, la cosa va de la muerte, de desaparecer de la faz de la tierra, y como decíamos, con unos pocos segundos te ponen en situación para un viaje de nada optimista mensaje lírico. Tras el laureado Path Of Totality el renovado cuarteto ha tirado más que nunca de black metal y, sobre todo, como

Para los fans de la película de los Coen, esta adaptación en formato miniserie no pintaba nada bien. Afortunadamente, lejos de tratarse de un remake, la serie utiliza los mejores recursos de su predecesora para contar una historia con entidad propia. Hereda de su homónima, eso sí, la desolación de sus hermosos paisajes helados, el acertadísimo uso de la música como elemento dramático, el tratamiento de la violencia extrema y, sobre todo, las enormes dosis de humor negrísimo. Un reparto coral excelente en el que destacan los personajes de Billy Bob Thornton y Martin Freeman.

muestran cortes como el reseñable ‘Portraits’ o ‘Seance’, de emoción en las voces del guitarrista y líder Mike Hill, así como en los riffs. Savage Gold va mucho más al grano que su predecesor, no se anda por las ramas y goza de una velocidad nada desdeñable, aunque también aporte momentos de gozoso ruidismo o, en su caso, de necesaria pausa intelectual por mucho que los temas vayan empalmados sin un solo segundo de silencio. PAU NAVARRA

MASTODON

Once More ‘Round The Sun (WARNER)

TRUE DETECTIVE (HBO) Este thriller policiaco de aires sobrenaturales es sin duda el hit de la temporada. La historia de una investigación a lo largo de casi dos décadas, a través del dueto formado por el atormentado detective al que da vida Matthew McConaughey y su compañero, Woody Harrelson. Una ambientación inquietante e hipnótica y unos intensos diálogos plagados de reflexiones filosóficas que, aunque pecan de pretenciosos en muchos momentos, consiguen enganchar por completo al espectador.

HANNIBAL (NBC) Tras su espectacular cierre, resulta difícil imaginar cómo se las van a ingeniar los guionistas para darle continuidad después de esta magnífica segunda temporada. De nuevo, un Mads Mikkelsen en estado de gracia, encarnando a uno de los más inteligentes y refinados villanos que hayamos visto jamás en pantalla. Tan abrumadoramente estética como en su premier y manteniendo las mismas dosis de tensión dramática. Nada mejor para regalar estas Navidades que un libro de recetas del maestro Lecter.

o parece arriesgado augurar que cuando en el futuro se escriba sobre la escena metal de principios de este siglo, el nombre de Mastodon aparezca como uno de sus nombres más destacados. Creadores de una discografía por ahora intachable, en ellos confluyen muchos de los subgéneros que más aceptación han tenido dentro de la escena y en buena medida su influencia ha revertido con gran fertilidad en igual número y diversidad de

bandas. De ahí que la llegada de su sexto álbum venga precedida de la expectación reservada a los grandes lanzamientos. Y ahí es donde empiezan los problemas… Quizá les convendría tomarse un largo respiro y oxigenarse, pero naturalmente, Troy Sanders, Brent Hinds, Bill Kelliher y Brann Dailor acumulan suficiente talento como para hacer un buen trabajo a la que se ponen en faena, aunque quizá para alcanzar la excelencia hace falta algo más. JORDI MEYA

THE GOOD WIFE (CBS)

OF MICE & MEN Restoring Force (RISE)

GAME OF THRONES (HBO)

nadie debería extrañarle que este tercer álbum los desmarque del metalcore para convertirse en un grupo que empieza a mirar de reojo al mainstream norteamericano. Que nadie se rasgue las vestiduras, porque tampoco estamos hablando de un álbum pop y, además, la calidad de las canciones recogidas en Restoring Force es de muy buen nivel. Para no hacer despistar al oyente, la inicial ‘Public Service Announcement’ ya deja entrever

por dónde van los tiros. Ecos de nu metal y un trabajo vocal, tanto de Carlile como del nuevo bajista Aaron Pauley, denotan esa intención de romper barreras. Un interesante punto de partida que nos descubre a una banda con unas capacidades musicales desconocidas hasta ahora, un paso correcto dentro de una evolución que muchos combos han intentado, pero que muy pocos han conseguido hacer en la dirección adecuada. RICHARD ROYUELA

DWARVES

The Dwarves Invented Rock & Roll (RECESS)

Parece mentira que, tras seis temporadas, esta serie de abogados haya logrado mantener su lugar en el podio. Detrás de su éxito, la respuesta se encuentra en unos guiones labrados con la delicadeza del mejor orfebre y un reparto de personajes, tan soberbios y con tantos matices, que es imposible no caer rendidamente enamorados. Julianna Margulies y su ‘santa’ Alicia sigue siendo uno de nuestros personajes femeninos favoritos.

espués de un parón de más de media década y tres años después del que podemos considerar su álbum de retorno, The Dwarves Are Born Again, creo que podemos respirar tranquilos y pensar que vamos a tener Dwarves para una buena temporada. Y eso no es más que una buena noticia, porque en un mundo saturado de bandas y donde todo parece inventado, siguen siendo únicos e incomparables. Es más, seguramente The Dwarves Invented Rock & Roll sea su mejor

obra desde el nunca suficientemente reivindicado Sugarfix. No cabe duda de que tanto Blag Dhalia como Hecannotbenammed tienen una fórmula secreta y personal para facturar punk rock de muchos quilates. Presidido por una nueva e impagable portada y dedicando cada uno de sus surcos a Bobby Faust –el mítico enano protagonista de alguna de sus cubiertas-, estamos ante un auténtico manual de lo que es la música de Dwarves. RICHARD ROYUELA

Seguramente ostente el honor de ser la serie más spoileada del momento, pero el culto a la obra fantástica de George R.R. Martin sigue provocando toneladas de comentarios entre sus hordas de fans. Los sorprendentes giros argumentales de su cuarta temporada y su falta de conmiseración a la hora de aniquilar a los personajes más carismáticos convierten a esta reina del cliffhanger en un deber para todo buen seriófilo.

THE AMERICANS (FX) Este retrato de la vida de un matrimonio de espías rusos infiltrados en Estados Unidos durante la época de la Guerra Fría continúa creciéndose a lo largo de su segunda temporada. Combina a la perfección el drama de sus protagonistas enfrentándose a sus dobles vidas y las tramas propias del thriller más trepidante. Un juego de ajedrez en el que todos los personajes son meros peones a manos del poder político.

IN THE FLESH (BBC THREE) Si bien se trata de una serie menor al lado de sus hermanas, merece la pena darle un vistazo a esta pequeña joya británica. Una reflexión sobre la xenofobia en la que los zombis reinsertados se convierten en singulares enfermos rechazados por la sociedad. Si creíais que ya lo sabíais todo sobre los no muertos, aquí tenéis una buena ocasión para comprobar que todavía es posible reinventar un género.

BOARDWALK EMPIRE (HBO) Si algo nos ha enseñado esta quinta y última temporada es que la maldad no nace intrínseca en el ser humano, sino a consecuencia del choque con la brutalidad de la propia vida. Esta serie, plagada de popularísimos gángsters y ambientada durante la época de la Ley Seca, se despide manteniendo su impecable factura made in Scorsese y un protagonista hecho a la medida de un tremendo Steve Buscemi.

PENNY DREADFUL (SHOWTIME) No nos engañemos, esta serie sólo merece entrar en la lista de placeres culpables. A pesar de su exquisita ambientación y una magnífica fotografía, está plagada de despropósitos argumentales. Su habilidad para mezclar las figuras de Drácula, el monstruo de Frankenstein, Dorian Gray y El Hombre Lobo en una misma temporada hará las delicias de cualquier amante del terror gótico clásico.

MARRÓN DEL AÑO: SCOTT STAPP

VALLENFYRE Splinters

(CENTURY MEDIA)

o vamos a decir que nos alegremos, pero el descenso a los infiernos del vocalista de Creed, Scott Stapp, está resultando de lo más entretenido. En noviembre un largo vídeo colgado en la web de la banda de rock cristiano más exitosa de la historia en el que se declaraba en bancarrota y prácticamente sin hogar alertó de que algo no andaba bien en la cabeza de Stapp. Los detalles que se han ido conociendo posteriormente todavía son más tragicómicos. En llamadas filtradas al teléfono de emergencias 911, el cantante aseguraba que llevaba seis semanas huyendo de un grupo de asesinos, que le habían robado 20 millones de dólares y que su mujer le estaba chantajeando porque había descubierto que una célula del Estado Islámico formaba parte de su familia. Por su parte, su esposa, que había solicitado el divorcio unos días antes del famoso vídeo, alertó a la policía de que Stapp le había dicho que era un agente secreto de la CIA y que tenía por misión asesinar al presidente Barack Obama. No sabemos cómo acabará todo esto, pero al menos parece que nos libraremos de otro disco de Creed durante una buena temporada.

allenfyre son ahora mismo una de las expresiones más puras de lo que siempre debería ser el death metal. Encima, trasladado a esos deliciosos finales de los 80 y principios de los 90, donde la mugrienta frontera con el doom aún no estaba del todo definida en combos como Asphyx, Autopsy o Bolt Thrower. La monstruosa distorsión con la que te atacan, el depravado ruido del que nutren sus composiciones, el monumental vozarrón con el que

Greg Mackintosh de Paradise Lost sepulta sus temas… Todo aquí es una gigantesca felación para el aficionado al death de toda la vida, una celebración en toda regla de cuando, por supuesto, todo era mejor. Si el debut A Fragile King ya nos dejó acojonados por el nivelazo que exhibía, Splinters le sigue muy de cerca. Asusta que en algún momento se te pase por la cabeza que ojalá Vallenfyre se convirtiera en su banda a tiempo completo. PAU NAVARRA

COMEBACK KID Die Knowing (VICTORY)

Comeback Kid parece haberles sentado de maravilla la gira que el año pasado hicieron para conmemorar el décimo aniversario de su debut Turn It Around, y en su quinto álbum ofrecen un disco de hardcore punk de tomo y lomo. No siempre resulta fácil para grupos con tanta energía como la suya trasladarla al estudio, pero en este caso la música brota por los altavoces con una fuerza increíble y contagiosa. Al igual que sus compatriotas Cancer Bats

en su último disco, Comeback Kid inician con un tema a medio tiempo, ‘Die Knowing’, cuyo riff amenzante podría ser visto como su versión de ‘Rats’, para acto seguido desplumarnos con la frenética ‘Lower The Line’ en la que Kyle Profeta arrea la batería sin piedad. A partir de ahí, los canadienses no dan su brazo a torcer ni un momento y mantienen el nivel de intensidad y precisión capaz de desatar la locura en cualquier pogo. JORDI MEYA

23 YOB

Clearing The Path To Ascend (NEUROT/POPSTOCK!)

as composiciones de Mike Scheidt son cada vez más abruptas, más agónicas, más densas y más desesperadas, un crisol de sonidos tan infernal que incluso algunos oídos entrenados en sonidos extremos se han declarado no aptos para tal salvajada. Sus discos no son discos normales, y su escucha por descontado tampoco lo es. Esto es como un ritual, un puto aquelarre de extrema lentitud doom, oscuras ambientaciones y suciedad sludge, donde aguantar el tipo durante los

cuatro larguísimos desarrollos de enfermedad sonora es complicado. Los que flipen (los de verdad, no los que siguen la moda de lo extremo) con los podridos mundos de Neurosis, U.S. Christmas o Godflesh sabrán a lo que me refiero, y si bien algunos ya incluían a YOB en una hipotética y privilegiada lista de las formaciones metálicas más originales y poderosas del panorama actual, con este sobresaliente nuevo álbum confirman esa posición de ventaja. ANDRÉS MARTÍNEZ

EXODUS

Blood In Blood Out (NUCLEAR BLAST)

ary Holt sabía que tenía entre sus manos la última oportunidad de poner a Exodus en el mapa de una manera definitiva. Ser sustituto de Jeff Hanneman en Slayer durante los últimos cuatro años le ha dado a su banda de toda la vida un plus de popularidad y ha conseguido trascender de los cerrados mundos del thrash metal donde, ahí sí, son toda una leyenda y un pilar básico del estilo. Por ello lo mejor que podía hacer era dejar el pasado atrás recuperando a Zetro Sousa

FRIKADA DEL AÑO: BABYMETAL

como vocalista, ¡con todo lo que se habían dicho!, llamar a su primer guitarra, Kirk Hammet, para que le meta un solo y grabar un álbum que sonase a Exodus de principio a fin. Señores, objetivo cumplido. Cuando se ponen a cabalgar de verdad –‘Blood In Blood Out’ u ‘Honor Killings’- comandados por la batería de Tom Haunting embutido en una orgía de riffs, sabemos por qué decir ‘Exodus’ equivale a la mismísima definición de thrash metal. Grandes. RICHARD ROYUELA

icen que más vale caer en gracia que ser gracioso, y contra todo pronóstico ese artefacto llamado Babymetal ha caído en gracia con su look de colegialas y su mezcla de heavy metal, death y metal sinfónico con voces estridentes, melodías ñoñas de J-pop y coreografías. El trío formado por tres quinceañeras japonesas (Suzuka Nakamoto alias Su-metal, Yui Mizuno alias Yuimetal y Moa Kikuchi alias Moametal), venía precedido por un fenómeno viral en los dos últimos años, pero ha sido en 2014 cuando su éxito se ha materializado a todos los niveles. En febrero publicaban su primer disco entrando en las listas de su país, Estados Unidos o Alemania, y en marzo llenaban el mítico Budokan de Tokyo, con capacidad para 20.000 personas, durante dos noches. Desde luego descubrir a Babymetal provoca estupefacción -¿Qué otro grupo podría abrir para Metallica y Lady Gaga?-, pero os alertamos de que es muy sencillo quedar atrapado por su inverosímil propuesta.

LOS 10 MEJORES CÓMICS DE 2014

ARCHITECTS

UNA SELECCIÓN DE SAMU GONZÁLEZ

Lost Forever // Lost Together

DOSSIER NEGRO

(EPITAPH)

Alan Moore y Kevin O´Neill (PLANETA DE AGOSTINI)

Inédito durante muchos años y sólo accesible en contadas ocasiones vía importación, poder leer ahora Dossier Negro (obra puente entre el Volumen II y Century de La Liga De Los Hombres Extraordinarios) es todo un regalo. Retomando a los personajes de Allan Quatermain y Mina Murray, Moore explora el pasado de las diferentes Ligas gracias al dibujo del siempre efectivo O’Neill. Imprescindible para entender el final de Century 2009.

SKANDALON Julie Maroh (DIBBUKS)

Con un importante cambio de registro gráfico la autora aborda en su segunda obra, tras El Azul Es Un Color Cálido, el concepto de los ídolos de pies de barro que son los dioses mediáticos, los cantantes de grupos de rock masivos, con sus mensajes de clara rebelión que, en el caso que trata, ocultan una personalidad despreciable devorada por la maquinaria perversa de la sociedad actual. Profundo a pesar de su aparente ligereza.

SANDMAN: OBERTURA

Neil Gaiman y J.H. Williams

asta ahora parecía un poco que Architects iban dando palos de ciego a medida que avanzaba su carrera. De sus inicios más técnicos pasaron en 2011 a intentar subirse al carro del metalcore más melódico con su álbum The Here And Now. Vistas las collejas que les cayeron, quisieron arreglar las cosas con Daybreaker, pero es con Lost Forever // Lost Together que consiguen redimir definitivamente sus pecados. Architects por fin han conseguido

lo que quizá buscaban desde el principio: hacer temas memorables a la par que cañeros y sin renunciar a cierta complejidad. Al contrario que les ocurría antes, ni las partes melódicas ni elementos como los breakdowns o las partes más sinfónicas suenan forzadas, sino que logran un conjunto armonioso dentro de canciones bestiales como ‘Gravedigger’, ‘Naysayer’ y ´Broken Cross’, que forman el arranque más mortífero de su discografía. DAVID GARCELL

(ECC)

El regreso de Neil Gaiman a su obra más aclamada y la que le colocó en la posición de estrella que es ahora para unos es un regalo y, para otros, un viaje que no hacía falta. Pero lo cierto es que, con sólo tres números editados (de seis), el trabajo se muestra mucho más orgánico que su anterior Noches Eternas y, ya sólo por eso, y por poder reconocer en él al Gaiman de la línea Vertigo, la propuesta ya vale la pena.

MARIACHI EL BRONX III

(ATO/PIAS)

CROQUETA Y EMPANADILLA Ana Oncina (LA CÚPULA)

Tan rotundo ha sido el debut en el mundo del cómic de la ilustradora alicantina Ana Oncina que justo para fechas navideñas la editorial ya tiene preparado el segundo volumen de estos tiernos personajes (animados gracias a gags autobiográficos) que con un toque tierno y kawaii arrancan sonrisas de complicidad sobre todo lo bonito que rodea a la vida en pareja (cuando es eso, bonita).

HECHIZO TOTAL

Simon Hanselmann (FULGENCIO PIMENTEL)

El tomo más loco de todos los que hemos leído este año en RockZone. Su humor politoxicómano, gags mostrencos, personajes miserables y situaciones horrendas hacen de esta sitcom underground salpicada de referencias a la cultura popular un plato exquisito que por su descaro gráfico puede asustar a los lectores más conformistas. Su trazo y composición engañan: Hanselmann sabe lo que se hace (o al menos lo aparenta).

uando el guitarrista Joby J. Ford y el cantante Matt Caughthran empezaron a planear la grabación del tercer álbum del exitoso alter ego de The Bronx, ambos llegaron a la conclusión de que no les apetecía otro disco más de música mariachi. Por eso decidieron quitarle el polvo a viejos secuenciadores y sintetizadores y romper con las ataduras y restricciones de la música tradicional mexicana. Pero si el objetivo era reinventar su sonido,

lo han cumplido sólo a medias. Al menos para los oídos de alguien como yo, que no es para nada un conocedor de la música mariachi, estas diez canciones no difieren tanto de lo que ya habían hecho en los dos discos anteriores, que en el fondo tampoco eran tan ortodoxos. Los miembros de The Bronx siempre han defendido que este proyecto no era un simple divertimento ni una broma, y desde esa óptica la evolución que presentan en III lo confirma. JORDI MEYA

LA BLOGOSFERA Bastien Vivès

SÓLSTAFIR

(DIÁBOLO)

Ótta

Cuarta entrega de la serie paródica de Bastien Vivès después de Videojuegos, Familia y Amor. En La Blogosfera, haciendo uso de una agradable economía de recursos, explora las facetas más ridículas (y divertidas) de la endogamia del dibujante de cómics y sus relaciones gracias a internet (y principalmente en internet). Sus chistes pueden deslocalizarse y llevarse a cualquier parte de este mundillo perfectamente.

(SEASON OF MIST)

escubrí a Sólstafir con Svartir Sandar, su anterior obra de 2011. Dios mío, qué disco aquél… Un doble álbum desgarrador, precioso y muy difícil de explicar, donde se conjugaba perfectamente post rock con hard rock experimental. Una desatada orgía poética y bucólica. Su sello identifica su estilo como ‘Icelandic heathen metal’, y es posible que por ahí vayan los tiros, pues lo que este cuarteto consigue bebe directamente de su Islandia natal, de su relación con el mar, el

entorno y su tierra. Con piano y susurros abre Aðalbjörn Tryggvason su quinto trabajo a través de ‘Lágnætti’, aunque ésta despegue con rock desbocado, cuerda, brío y emoción en sus múltiples tramos y capas. Volcánicos y aislados como su propio país, no son Sólstafir una banda que se ponga demasiadas fronteras a la hora de componer, y bajo una ejecución aparentemente simple, consiguen levantar catedrales de arena de estilo gótico. PAU NAVARRA

(DEBOLSILLO)

La tercera obra larga del autor de la popular Scott Pilgrim es un tomo rebosante de fantasía y cierto aire a las primeras novelas de Neil Gaiman, donde magia y cotidianeidad se dan la mano. El autor construye unos personajes de los que es facilísimo enamorarse, y el estupendo uso del color y adorables diseños le dan una nueva dimensión a sus páginas, que explotan llenas de vida en las manos del lector.

...NO OPTION! Pep Pérez

(ENTRECOMIC COMICS)

Enamorados de esta space opera pop patria ofrecida en cuadernillos de hipnótico diseño y color. Pep Pérez ofrece en ellos una buena ración de referencias a la cultura popular así como unos cuantos planos demenciales, buenos y excitantes. Esta fantasía de ciencia ficción pone al lector a cien con sus ‘continuará...’ de campeonato y las ganas de ver cómo va deshaciéndose la madeja hasta dejar ver el lienzo completo.

VV. AA. (PANINI)

Ryan Adams

Por cuestión de derechos Miracleman no podía reeditarse de ninguna forma y ahora que Marvel los posee y puede hacerlo llegar a una nueva generación de lectores, Alan Moore se desentiende de uno de sus primeros trabajos. Todo lo que llegará a ser este escritor inglés se puede intuir en las páginas de este relato de superhéroes que se ofrece restaurado por sus ilustradores originales. Una lectura obligadísima.

(PAX-AM)

Bryan Lee O’Malley

MIRACLEMAN

RYAN ADAMS

espués de 14 discos este enfant terrible nos ha vuelto a sorprender tras tres años de parón. Que a estas alturas sea capaz de reinventarse y desenvolverse a la perfección en un estilo distinto al habitual, dejando a un lado esa faceta más lánguida y emocional a la que nos tenía acostumbrados con The Cardinals, no hace más que confirmar lo que muchos llevamos pensando desde hace años: que este tío es un genio. Ryan Adams no busca innovar sino todo lo

SECONDS

contrario, se aferra a un sonido más clásico y más crudo, con guitarras distorsionadas y riffs más marcados. Un disco de rock en definitiva, sin etiquetas adicionales superfluas. A medida que uno saborea este álbum como si de un buen vino se tratara, los distintos matices se comienzan a apreciar... Ya lo dijo él mismo hace años, el amor es dolor, y por muy mal que suene, éste es el Ryan Adams que muchos hemos estado esperando durante demasiado tiempo. TOI BROWNSTONE

ENJAMBRE VV. AA. (NORMA)

Enjambre es una de las antologías del año no por su propuesta en sí -solo autoras-, sino por lo que remarcan y denuncian: es un grito colectivo, una suma de fuerzas con intención de reclamar un espacio propio -y a la vez compartido-. Todas las autoras participantes en esta antología de cómics y relatos cortos ponen de su parte para que este trabajo brille tanto en lo estético como en lo ético. Siendo para quien escribe mucho más satisfactorias aquellas historias que se mojan en el contenido político y, por supuesto, feminista.

SUSTO DEL AÑO: SUM 41

WHITECHAPEL

Our Endless War (METAL BLADE)

os fans de Sum 41 se quedaron de piedra cuando el pasado 16 de mayo el vocalista Deryck Whibley publicaba un post en el que confesaba que había sido hospitalizado después de que su hígado y un riñón hubieran dejado de funcionar como consecuencia de su adicción al alcohol. “Recuerdo que un doctor vino y me dijo ‘Voy a serte sincero, no sabemos si podemos salvarte. Podrías morir. Vamos a dar lo mejor, pero no podemos prometerte que vayas a vivir’”, relataba. “Las cosas no iban bien mientras intentaban arreglarme. Casi morí en cinco ocasiones. Tuvieron que llevarme a cuidados intesivos y reanimarme”. Para concienciar a sus fans de las consecuencias de abusar del alcohol, el propio Whibley colgó unas duras fotografías de su estancia hospitalaria. Según contó posteriormente, su adicción era tan fuerte que llegó a consumir una botella de vodka diaria y gastaba más de mil euros a la semana en bebidas. Músicos con los que había colaborado, como Iggy Pop o Tommy Lee, le mostraron su apoyo, y desde entonces Whibley se encuentra en proceso de rehabilitación al mismo tiempo que está trabajando en el nuevo disco de Sum 41.

l quinto álbum de Whitechapel es enteramente una gran noticia para ellos. Porque han superado el bache compositivo que significó su anterior trabajo homónimo de 2012, porque este Our Endless War incluso me parece mejor que A New Era Of Corruption. La intro ‘Rise’ te pone en situación para que ‘Our Endless War’ te embista con furia, aunque ojo, con el punto de madurez y riqueza musical que han ido adquiriendo desde 2006. Esta obra no es

tan destructiva como The Somatic Defilement, pero en resumen, sí te aplasta con parte de la categoría de This Is Exile. ‘The Saw Is The Law’ es deathcore matador y refinado a la vez, y Phil Bozeman vuelve a demostrar que en cuestión de guturales no se anda con chiquitas. Es el amo. Que con tan sólo oír la palabra ‘deathcore’ volvamos a pensar inmediatamente en Whitechapel es lo mejor que nos podía pasar. Todo un señor golpe encima de la mesa. PAU NAVARRA

RISE OF THE NORTHSTAR Welcame

(NUCLEAR BLAST/REPRESSION)

ada más ver el logo de Rise Of The Northstar supe que lo iban a petar. Se pavoneaban de no necesitar agencia de booking o management, que ni sello buscaban… Pero supongo que no todos los días te llama Nuclear Blast y te comenta que quiere publicar tu debut. Y ya entrando en materia, pues Welcame ni defrauda ni alucina. Digamos que es lo que esperas. La cosa va del New York Hardcore de Madball, de Terror, Nasty y Biohazard. ‘Samurai Spirit’ es carne de

hostias como panes en el pit, muy Hatebreed, y eso sólo puede ser bueno. ‘Dressed All In Black’ machaca, ‘Again And Again’ aplasta, ‘Tyson’ directamente mutila, ‘Authentic’ despedaza. Son unos jefazos del beatdown, y aunque es posible que aquí no haya ningún corte tan bueno como ‘Sound Of Wolves’, qué más da… La bola hace ya tiempo que echó a rodar y nadie, sobre todo ahora, va a poder frenarla. Porque a veces, las cosas, simplemente ocurren. PAU NAVARRA

2014 VISTO POR BILL KELLIHER (MASTODON) visitado este año te ha gustado más? “Es difícil de decir... He viajado mucho este año, es la cuarta vez que vengo a Europa en 2014 (risas). Siempre me gusta cuando vamos a Japón. Me encanta inflarme a sushi y comprarme cosas frikis por allí. Es un sitio especial, la gente y la cultura son muy interesantes”.

2014 ha sido un buen año para Mastodon. Antes de su concierto EN MADRID nos reunimos con su guitarrista Bill Kelliher para saber qué le ha hecho vibrar en los últimos doce meses… sin olvidarnos del polémico vídeo de ‘The Motherload’. Texto y foto: Alejandro Lozano

¿Cuál ha sido tu disco favorito de 2014? “No escucho mucha música, no tengo tiempo, pero diría el último de Big Business, que tocan esta noche con nosotros y lo llevo escuchando estos últimos días”. ¿Qué serie de televisión te ha tenido más enganchado? “Sons Of Anarchy, sin duda. No suelo ver nunca la televisión, pero desde hace un tiempo me puse a ver todas las temporadas en la tablet mientras hacía ejercicio en casa con la cinta de correr. También me gusta mucho The Walking Dead”. ¿Cuál es el mejor libro que has leído? “No he leído ninguno...”. ¿Qué peli te ha gustado más? “Si te digo la verdad casi todas las películas que veo son de dibujos animados porque tengo dos hijas pequeñas y no voy al cine, aunque

el otro día en el avión vi una de Tom Cruise que me gustó. Está bien, pero no es un peliculón. Creo que se llama The Edge Of Tomorrow (Al Filo Del Mañana)”. ¿Qué grupo has descubierto este año? “No he escuchado nada interesante que haya salido últimamente. Además, soy malísimo para los nombres, así que no me acordaría”. ¿Recuerdas alguna canción que no pudieras sacarte de la cabeza? “Hay una canción de Kvelertak llamada ‘Bruane Brenn’ que tiene un ritmo muy pegadizo. No tengo ni idea de lo que dicen porque cantan en noruego, pero el ritmo de la guitarra es increíblemente adictivo. No había manera de quitarme ese riff de la cabeza durante la gira que hicimos juntos este año”. ¿Qué lugar de los que has

¿Cuál ha sido la mejor comida que has probado este año? “Creo recordar que comí vombátido. Es un pequeño marsupial que habita en Australia, parece un oso pero del tamaño de una rata. Estaba muy bueno”. Para terminar, tengo que preguntarte sobre vuestro sonado videoclip ‘The Motherload’. ¿De dónde o de quién sale la idea del twerking? “Bueno, la idea original que teníamos desde un principio era grabarnos a nosotros sentados en un bar cualquiera, tomando unas cervezas tranquilamente. Que fuera un concepto de vídeo aburrido, y que, de pronto, fueran saliendo tías bailando por la barra y se pusieran a hacer twerking sobando a todo el mundo. Nosotros venimos de Atlanta, y allí casi todos los vídeos que se graban suelen ser de hip hop, así que queríamos mezclar todo eso un poco por hacer la coña y que la gente flipara al ver algo diferente de nosotros. Al final acabamos pensando que era mejor poner un ambiente más oscuro y metalero, los típicos tíos tocando en un garaje pero en medio de una extraordinaria exhibición de culos botando alrededor (risas)”.

MeJOR DE

2014

BANDA DEL AÑO 2014 se presentaba como un año lleno de interrogantes para Against Me!. ¿Aceptarían los fans y la industria la transexualidad de su líder? ¿Sería Laura Jane Grace capaz de hacer un buen disco teniendo en cuenta su complicada vida privada? ¿Afectaría a su directo los cambios de componentes? TodOs ellos han sido respondidOs más que positivamente, y por eso Against Me! es nuestra banda del año. Texto: Toi Brownstone foto: DR

AGAINST ME!

gainst Me! se encuentran en estado de gracia tras numerosos cambios, tanto en el seno de la banda, como los obvios en su líder, Laura Jane Grace. El lanzamiento en enero de Transgender Dysphoria Blues (Total Treble Music) supuso el pistoletazo de salida para un grupo cuyo lugar está en la carretera y en los escenarios, y con cada actuación Against Me! han recuperado a fans que habían perdido por el camino y han ganado a otros a los que han enloquecido con su directo apabullante. Tener la oportunidad de poder entrevistar a Laura Jane Grace, una mujer absolutamente fascinante para mí, y poder escuchar de su voz todo lo que ha supuesto 2014 para ella y su banda fue un tremendo honor y una experiencia estupenda. Laura, es un placer enorme para mí hacerte esta entrevista tras ser elegidos como la Banda del Año en RockZone. Si te parece bien, podemos dar un repaso a todos los logros y momentos más importantes de 2014, que no han sido pocos... LAURA JANE GRACE “Primero daros las gracias a todos. Es una alegría recibir este tipo de reconocimientos”. En enero publicasteis vuestro último trabajo, Transgender Dysphoria Blues. Tanto las críticas de la prensa como la recepción del público fueron muy positivas... ¿Cómo te sentiste en ese momento? “Pusimos mucho esfuerzo y empeño

en grabar este disco, nos sentíamos muy seguros de haber hecho un buen trabajo, así que cuando salió, la reacción de la gente no hizo más que confirmar lo que ya sabíamos. Lo que queríamos era pasar un buen año, salir a tocar y ver a la gente disfrutando de nuestros conciertos. Y ha sido un año tremendo”. El disco está centrado en tu experiencia personal, hablando de todo por lo que has estado pasando a lo largo de estos años. No es un tema que habitualmente se aborde en un disco de punk rock... ¿No pensaste en ningún momento que era arriesgado hablar tanto de tu vida en un disco? “La verdad es que no me lo planteé en ningún momento. Esto es lo que había y lo que quería expresar. Estaba convencida de que era lo que tenía que hacer sin importarme las reacciones de la gente. Claro que me gusta que a la gente le interese, pero si no les gusta, tampoco voy a hacer nada por cambiarlo. Pero no, no tuve ninguna duda o preocupación a la hora de concebir el disco”. Varias veces te he escuchado decir que escribiste este disco para salvar tu vida, que creo que es algo muy duro de admitir. ¿Cómo verías este disco, como una especie de terapia, una revelación, o como una declaración? “Creo que las tres encajan perfectamente con el concepto que tengo de Transgender... Escribir significó una canalización para expresar todo lo que me estaba

“Con suerte espero que este disco haya podido abrir los ojos a la gente y QUE la transexualidad pueda dejar de ser un tema tabú o sensacionalista” LAURA JANE GRACE

sucediendo en los distintos momentos que abarco en las canciones, y sobre todo lo fue en el estudio, mientras estábamos dando forma a todo esto”. Para la gente que no está familiarizada con la disforia de género, creo que fue muy revelador. Al menos lo fue para mí. Estuve buscando mucha información y leyendo acerca del tema. ¿Has tenido esta percepción por parte de tus fans? “Sí, totalmente. Y espero que mucha gente se haya podido familiarizar con un tema sobre el cual nunca nos han enseñado. Las emociones que tenemos son comunes a todo el mundo. Cuando sientes que no encajas, que no estás a gusto contigo mismo, y tienes que luchar contra pensamientos suicidas, depresión, adicciones o rechazo. Con suerte espero que este disco haya podido abrir los ojos a la gente y que la transexualidad pueda dejar de ser un tema tabú o sensacionalista”. ¿De qué canción te sientes más orgullosa? “Pues te diría que ‘Fuck My Life 666’. Realmente necesitaba expresar lo que digo en esa canción, pero fue complicado hacerlo. Era una lucha interna que tenía y que debía liberar”. 75

Tras el lanzamiento del disco salisteis a la carretera y comenzasteis a girar a tope. ¿Habéis contado el número de conciertos que habéis hecho este año? “No, pero deberíamos (risas), creo que es una buena idea. La verdad es que este año ha sido una locura. Comenzamos con un concierto la noche de Fin de Año de 2013, y el último fue en Londres hace unas semanas. Tengo un par de conciertos tocando sola este mes, mientras la banda está descansando, pero no hemos parado”. ¿Y cuál es el secreto para mantener la misma intensidad y energía tocando con tanta frecuencia? “En realidad es una cuestión de coger carrerilla. Cuando coges velocidad, ya te mantienes y cada vez cuesta todo menos, y además, los conciertos cada vez van saliendo mejor. Por otro lado, cada vez somos más compactos y estamos más unidos. La combinación de gente en el grupo con nuestro equipo técnico ha sido increíble, y nos hemos llevado estupendamente con las bandas con las que hemos estado girando. Ha sido un año muy divertido”. ¿Qué tal te sientes con vuestra actual formación? Estáis perfectamente ensamblados, y musicalmente sonáis como una apisonadora. “¡Es genial! Estoy encantada. Todo el mundo está muy motivado con lo que estamos haciendo, nos llevamos muy bien y disfrutamos mucho juntos haciendo lo que nos gusta. Estamos 76

muy comprometidos. Cuando estamos así es cuando una disfruta de estar tocando en un grupo, poder viajar por todo el mundo tocando tu música. Estos días estoy en el estudio trabajando en nuevos temas, terminando los últimos detalles de nuestro disco en directo que saldrá en algún momento de 2015, y está muy bien, pero echo de menos a mis compañeros y echo de menos salir a tocar. ¡Quiero juntarme con ellos ya!”. ¿Qué tal fue volver a España? Hicisteis dos conciertos teloneando a Bad Religion y uno como cabezas de cartel en Vitoria... ¿Qué os pareció la gente? “Fue genial. Me encanta venir a tocar a España y me sabe mal que no lo hagamos más a menudo. La primera vez que vinimos fue en 2001 ó 2002 y fue increíble. Recuerdo que fueron de las noches más divertidas de mi vida, no sólo por los conciertos, sino especialmente por la juerga posterior. Pasear por las calles de las ciudades me encantaba, y luego conocer las historias de anarquismo y movimientos revolucionarios, que me parecieron fascinantes. Las ciudades con tanta historia me parecen tremendas. Este año los conciertos con Bad Religion fueron espectaculares. Tocar con una banda así implica que son conciertos enormes, con mucho público. La gente estaba muy entregada y con ellos lo pasamos muy bien, pero en Vitoria fue algo mucho más inmediato y más cálido. La gente venía a vernos a nosotros, y eso lo notamos. Tengo muchas ganas de volver a España”. Tengo que transmitirte que quedamos todos tan

encantados con vuestras actuaciones, y las reacciones han sido tan buenas, que mucha gente se ha hecho eco y ha empezado a seguir a Against Me!. El número de fans va en aumento... Hace unos días se confirmaron nuevas fechas en mayo, y estamos todos muy entusiasmados ante vuestra próxima visita. “¡Guau, es genial! Me encanta que podamos volver tan pronto. Ya te he dicho que tenemos muchas ganas. Espero que podamos pasar un poco más de tiempo y poder salir por allí (risas)”. Una de las cosas más destacables que has hecho fuera de los escenarios ha sido la serie True Trans, a través de AOL Originals. Creo que tu labor ha sido increíble, y estoy segura de que gracias a tu experiencia relatada mucha gente podrá encontrar su camino, por decirlo de alguna manera... ¿Puedes contarnos cómo surgió este proyecto? “Antes de que contactaran desconocía la existencia de AOL Series Originals. Me explicaron el concepto, qué hacían y el tipo de formato, y me dijeron que les gustaría que participara en una de ellas hablando de lo que quisiera. Me dieron la plataforma para poder hacer esto, permitiéndome incluir una lista de 60 ó 70 colaboradores, con los que después pude grabar conversaciones sobre la transexualidad y su transición. Cuando les presenté mi idea, inmediatamente me dieron luz verde

“Tengo la sensación de que la transexualidad está siendo cada vez más reconocida y aceptada, por eso me siento muy orgullosa de haber podido hablar de ello públicamente y que la gente haya prestado atención” LAURA JANE GRACE

para poder hacer esto. El equipo de personas que pusieron a mi disposición fue increíble, con grandes profesionales. Fui muy afortunada. Todas las conversaciones que mantuve con los colaboradores, aunque apenas se vea una pequeña muestra en los distintos episodios, fueron muy importantes para mí, y me ayudaron a entender, aún más si cabe, todo por lo que he pasado. Fue una gran experiencia”.

de material que grabamos para esto. Estuvieron con nosotros mientras estábamos de gira durante un par de semanas y estuvimos grabando desde el momento en que me levantaba hasta la hora de dormir. Es increíble la capacidad que esta gente tiene de condensar todo esto, y a la vez, mantener la esencia de todo. Coger todo este material, resumirlo, seleccionarlo, editarlo y obtener tan buen resultado”.

Teniendo en cuenta la corta extensión de los episodios, unos 7-8 minutos, en los que abordas las distintas fases por las que has pasado, el contenido es muy revelador. “No te puedes imaginar la cantidad

Aunque haya gente que no se sienta trans, hay momentos a lo largo de estos episodios en los que se pueden sentir identificados. Hablabas de que a los 5 años querías ser Madonna y cantar. Yo quería

ser un chico, como Han Solo (risas). “Me encanta escuchar este tipo de cosas, ¡claro que sí! Me gusta que la gente se pueda sentir identificada, ¡que le jodan al género! La gente casi siempre entiende mal el género y luego eso lleva a confundir la sexualidad. Creo que la ignorancia de la gente viene por la educación errónea que recibimos. En Estados Unidos abordar el tema del sexo en los colegios sigue siendo un gran tabú. Hablar de sexo en clase no es serio, se toma como una broma. Y creo que es importante tener este tipo de conversaciones. Nos iría a todos mejor”. En algún momento afirmaste 77

“Como siempre tenemos ya un montón de conciertos previstos, pero también estamos escribiendo nuevos temas, así que en algún momento entre giras nos meteremos a grabar un nuevo disco”

siendo cada vez más reconocida y aceptada, por eso me siento muy orgullosa de haber podido hablar de ello públicamente y que la gente haya prestado atención y haya captado el mensaje, y así podamos seguir adelante con nuestras vidas, siendo aceptados tal y como somos”.

LAURA JANE GRACE

¿Hay alguna película que aborde este tema con la cual te hayas sentido identificada? “Hace poco vi un documental llamado Beautiful Darling acerca de Candy Darling. No sé si la conoces... Era una superestrella dentro del universo de Andy Warhol. Hizo películas con él y fue una musa para Lou Reed, que le dedicó las canciones ‘Walk On The Wild Side’ y ‘Candy Says’. Este documental es increíble, y aborda un montón de aspectos con los que me siento identificada completamente. Para mí siempre es interesante escuchar historias de gente transexual, que han pasado por esto en distintas décadas. Candy vivió los años 60, porque desgraciadamente murió siendo muy joven. Me cuesta imaginar cómo sería la vida de un transexual en los años 60 ó 70, o incluso en los 80. Es un documental muy recomendable”. que los medios tratan la transexualidad de forma muy negativa, haciendo bromas y convirtiendo esto en algo muy sensacionalista. ¿Crees que por fin esto está cambiando? “Sí lo creo. No sé cómo están las cosas en España y cómo se refleja la transexualidad en los programas de 78

televisión o en las películas, pero creo que aquí se notan los cambios, este año especialmente, por ejemplo con Laverne Cox en la portada de Time Magazine o la serie Orange Is The New Black, con una representación de transexuales en las historias. Y me parece genial. Tengo la sensación de que la transexualidad está

A pesar de no haber parado de moverte de un sitio a otro continuamente de gira, este año te has tatuado un montón. ¿Quién es tu artista favorito? “Sin duda mi tatuador preferido es Gakkin, con el que me he tatuado unas cuatro o cinco veces este año.

El nivel de atención que pone a sus trabajos, el halo de respeto y de honor con el que los impregna, me entusiasma. Además, es un artista a mano alzada. Hace el diseño directamente en tu piel, no como la mayoría, que los crean en una plantilla. Para mí un buen artista no lo es sólo por clavar la aguja en tu piel, sino también por la atmósfera que es capaz de crear en ese momento, como si de un ritual se tratara. Gakkin siempre hace cualquier proceso más fácil, por muy doloroso que sea”. Precisamente estuvo por Barcelona hace un par de meses. “Por cierto, me encantaría tatuarme en España en mayo. Sería genial... ¿Me podrás recomendar alguno?”. Por supuesto, ya te iré diciendo (risas). Hace unos días colgaste en Twitter el tráiler de una película, Diamond Tongues, en la que haces un cameo. ¿Nos puedes contar qué tal fue la experiencia? “Ésta es una de esas maravillosas casualidades que me han sucedido este año. Estaba en ese momento en Canadá haciendo un par de entrevistas, y a lo lejos vi que estaban rodando algo, pero no me enteré de qué. Cuando volvía a la habitación del hotel donde me alojaba vi que había un equipo de rodaje grabando una escena y me quedé viendo cómo lo hacían, hasta que por fin la finalizaron y me quedé hablando un rato con la protagonista, Leah Fay, de la banda July Talk. De pronto me dijo que tenían que grabar una escena al día siguiente por la mañana en un

bar y me preguntó si quería hacer de camarera. Acepté al instante, ¡me parecía brutal! (Risas) Me tuve que levantar antes de las seis de la mañana porque la escena en teoría era de noche. Yo sólo hacía de camarera, pero la escena requería que me tomara un chupito con Leah y alguien más de la peli, y al final tuvimos que repetir la escena... ¡Más de diez veces! (Risas) ¡Y era whisky de verdad! Imagínate a las seis de la mañana tomando chupitos para desayunar (risas). La experiencia fue muy divertida. Mi parte es sólo un cameo, pero me gustó que fuera con Leah, que es una chica fantástica, y su banda es genial. Me alegro de haberlos conocido este año y haber podido pasar tiempo con ellos”. ¿Te gustaría hacer televisión o actuar en alguna película después de estas experiencias? “Como no tengo ninguna ambición en este aspecto, hacer cosas así me parece muy divertido y disfruto mucho. No tengo ningún tipo de presión y no me preocupa tanto si lo hago bien; lo hago como diversión, así que sí, sí que me gustaría participar en más cosas de éstas”. ¿Qué se siente al ser nombrada la Mujer del Año por la revista británica Kerrang!? “¡Es una locura! Sacarse esto de la manga ha sido muy salvaje. Siempre me han apoyado mucho, pero esto me ha impresionado. Con estas cosas me doy cuenta de que todo es real. Hace seis años me dicen algo así y no me lo creo. Lo pienso y alucino. Las cosas han cambiado mucho,

muchísimo, pero sin duda a mejor”. ¿Qué planes tenéis para 2015 aparte de visitarnos? “Como te comentaba antes, estamos en el estudio ahora mismo. Estuvimos grabando temas en nuestros conciertos y ahora estamos trabajando en sacar un disco en directo. Como siempre tenemos ya un montón de conciertos previstos, pero también estamos escribiendo nuevos temas, así que en algún momento entre giras nos meteremos a grabar un nuevo disco. La cuestión es no parar. Hemos conseguido pillar una buena inercia y queremos seguir manteniéndola”. Nunca hay que parar. Siempre hay que ir a por más. “¿Sabes? Me encanta lo que hago. Me encanta tocar, viajar de un sitio a otro, la dinámica de una banda, y poder estar con mis mejores amigos. Cuando se te brinda la oportunidad de vivir así, debes aprovecharla”. ¿Eres feliz, Laura? “Bastante, bastante feliz. Soy muy afortunada de encontrarme en el punto correcto después de todo lo que he pasado”. Debo darte las gracias en nombre de la revista, de vuestros fans aquí, y personalmente por el magnífico año que nos habéis hecho pasar tú y Against Me!. ¿Te gustaría decir algo más? “¡Muchísimas gracias a todos! Gracias por vuestro apoyo, por escucharnos y por venir a nuestros conciertos. Si no hubiera sido por vosotros este año no lo hubiéramos conseguido”. 79

2014 SEGÚN CHAD GILBERT (NEW FOUND GLORY)

Un año después de que New Found Glory expulsaran a su guitarrista Steve Klein por un escándalo sexual con menores, Chad Gilbert nos recibe en los camerinos de Razzmatazz 2 para pasar revista al 2014. Ah, y ya hemos dicho que su célebre pareja también rondaba por ahí… Texto: Jordi Meya foto: DR

2014 ha sido un año muy intenso para New Found Glory. ¿Qué balance haces? “Ha sido el año más loco de nuestra carrera. Hemos vivido los momentos más altos y los momentos más bajos. Ha sido el reto más grande al que hemos tenido que enfrentarnos, pero hemos tenido la mayor recompensa. Hace un año echamos a nuestro guitarrista (Steve Klein) por los motivos que todo el mundo conoce. Salió en todos los medios y fue muy vergonzoso y humillante para nosotros porque esta banda siempre ha inspirado a mucha gente joven a hacer música. Le echamos de inmediato cuando nos enteramos, y un mes después todo el mundo lo sabía. Fue algo muy duro por lo que pasar, pero sabíamos que ni la música ni las canciones se verían afectadas porque en nuestros discos yo siempre grabo todas las guitarras, y en directo 80

estoy yo solo, pero también suena muy bien. Ahora se escuchan más los solos. Cuando estás a punto de perder algo que amas muchísimo, luego todavía lo cuidas más. Así que hicimos el disco mucho más centrados, sin preocuparnos de peleas, egos… Todo lo que le ha ocurrido con su vida es público y nosotros queríamos alejarnos y centrarnos en lo importante: la banda”. Es como una crisis de pareja: si la superas, sale más reforzada. “Los grupos siempre pasan por cambios de formación. Nosotros tenemos la suerte de haber tenido siempre la misma, y la seguimos teniendo porque no hemos cogido a nadie nuevo. Si estás dispuesto a poner en riesgo todo por lo que hemos trabajado, no eres mi amigo. Que te jodan. Ningún amigo de verdad me haría eso. Lo único

que puedes hacer en la vida es predicar con el ejemplo. Y para nosotros era dejar que la música hablara. Y ahí es cuando el año se volvió increíble. Nos inspiramos, nos sacamos lo que teníamos dentro y sacamos un disco con un nuevo sello, al que no le importaba la nueva situación, y vimos que a nuestros fans tampoco les importaba. Y desde que salió no hemos parado de girar. Hemos comprobado que los fans sienten lo mismo que nosotros respecto al grupo, no quieren que desaparezca. Ven que ahora somos más felices de lo que hemos sido en los últimos tres o cuatro años. Tocamos en Londres dos noches, 4.000 personas en total, y la gente cantaba los nuevos temas tan fuerte como los antiguos. Así que 2014 empezó de manera muy confusa, pero acaba maravillosamente. Por eso el disco se llama Resurrection. Creo que casi es-

tábamos destinados a pasar por algo así para demostrar a los fans que todo se puede superar. Por algo nos llamamos New Found Glory (risas)”. Otra banda con problemas este año ha sido AC/DC. ¿Eres fan suyo? “No me considero un fan. Tenía el CD donde salía ‘Thunderstruck’ cuando era pequeño. En este álbum hemos dado más protagonismo a los riffs de guitarra. Creo que en nuestro estilo se está perdiendo porque los grupos sólo se preocupan del estribillo. Para mí los riffs son muy importantes. Un ejemplo perfecto son los White Stripes. Si fueron tan grandes fue por el riff de ‘Seven Nation Army’ (se pone a cantarlo –ndr.). No puedes cantar lo que dicen, pero puedes cantar el riff (risas)”. Me gustaría saber qué piensas de esta tendencia en el punk pop de trabajar con compositores externos, con un millón de productores… “Para mí eso no son bandas punk, son bandas de pop. Nosotros nunca hemos escrito con nadie externo ni nunca lo haremos. El día que New Found Glory no pueda componer una canción punk, lo dejaremos. Recuerdo cuando era un niño y vi a Slash tocar en un vídeo de Guns N’ Roses y pensar que aquello era muy difícil. Y luego cuando tenía 12 años vi un vídeo de Green Day y pensé que aquello era mucho más fácil y cantaba sobre cosas reales con las que me identificaba. Y todo con tres acordes. Ahí fue cuando me entraron ganas de tocar la guitarra. Lo mismo con Nirvana. Las canciones de Nevermind son fáciles de tocar. Así que cuando tienes a bandas punk componiendo con alguien

de fuera y acaban sonando como una versión light de New Found Glory no lo entiendo (risas)”. ¿Y qué opinas sobre todo lo que ha pasado con el último disco de U2 y Apple? “Creo que cuanto más se desarrolla la tecnología, más crece el miedo de la gente a ser controlada. Y lo que hicieron U2 fue disparar ese miedo. Si estos tíos pueden meterte un disco en tu teléfono, sin darles permiso, ¿qué no podrá hacer el gobierno? Es muy intrusivo. Y además, una banda tan grande como U2 no necesita hacer eso. Aunque no tuvieran mala intención, se equivocaron”. Hace unas semanas Taylor Swift retiró su catálogo de Spotify. ¿Qué opinas de los servicios de streaming? “Bueno, la jugada le salió bien porque fue la única artista en vender un millón de discos en una semana. Nuestros discos sí están en Spotify. Tengo dudas sobre esto. Yo le digo a nuestros fans que, si aman al grupo, compren el disco porque es una muestra de apoyo. Lo que los fans no se dan cuenta es que Spotify está recibiendo todo el dinero. Un tío con traje está en una oficina recibiendo cheques mientras los grupos estamos de gira. Pero por otra parte hay mucha gente en muchos países que no pueden comprar nuestros discos, así que al menos pueden escucharnos. Y al final lo que me importa es que los fans vengan a los conciertos. Nunca hemos ganado dinero con la venta de discos. Nunca hemos tenido un disco que vendiera un millón en Estados Unidos, así que todo lo que espero es que nos escuchen, se aprendan las letras y vengan a cantar-

las a los conciertos”. ¿Te ha gustado la serie Sonic Highways de Foo Fighters? “He visto algunos capítulos y me han gustado, pero a ratos parece que Dave Grohl se preocupe demasiado en decirle al mundo lo muy punk rock que es. Yo sé su historia y a veces parece que presuma demasiado. Me gustaría que la serie fuera menos sobre Foo Fighters. Son una buena banda, pero personalmente no los escucho, y a veces la serie parece un anuncio sobre el grupo. Pero aun así me gusta que sus fans puedan aprender sobre la escena de Washington o Chicago. Que descubran a Scream o a Naked Raygun. Así que está bien que use su fama para eso”. He visto que Hayley está aquí contigo. También ha sido un gran año para Paramore. ‘Ain’t It Fun’ ha sido un súper hit en Estados Unidos, están nominados a los Grammy... ¿Cómo vives su éxito? “Yo creo que ellos están en otro mundo. A veces es difícil porque ella está aquí de vacaciones, pero los fans de Paramore se enteraron de que está aquí conmigo y no podemos salir ni a pasear. Pero bueno, es mejor tener muchos fans que no tenerlos. Y nosotros dos nos apoyamos mucho, nos damos ideas. Si le enseño una canción, me da su opinión. Aunque nunca me dice que algo no le gusta, es más bien ‘me gustó más lo otro que me enseñaste’. Hablamos mucho de música. Le he descubierto a Turnstile, que van a girar con nosotros, y ella me ha descubierto a Purity Ring. Yo la estoy convirtiendo en una chica dura y ella me está convirtiendo en un moñas (risas)”. 81

MEJOR DISCO NACIONAL

LOS 20

MeJORES

DISCOS

NACIONALES

de 2014

ERIC FUENTES

Eric Fuentes/Barcelona (BCORE)

eguramente la mayoría de nosotros pensaba que el motor creativo de The Unfinished Sympathy no era otro que Eric Fuentes y que este mismo era su medio para saciar todas sus inquietudes musicales. Si bien lo primero es cierto, no deja de resultar curioso que tras la separación de éstos Eric haya terminado de explotar a nivel de composición, alcanzando la cima de su trayectoria hasta el momento. Tras el atípico a la par que genial Copper & Gold, el artista ha decidido tirar la casa por la ventana y editar una obra triple que es todo

un homenaje a su peculiar universo musical. Y es que Eric Fuentes/ Barcelona, más que un disco, es una fiesta donde tiene cabida de todo. Así, el primer CD cantado casi al completo en catalán cuenta con colaboraciones variopintas. La segunda rodaja resultará más familiar a los que le vienen siguiendo desde su etapa en The Unfinished Sympathy, pues aquí demuestra lo bien que domina el lenguaje del rock, y en el tercer acto se nos descubren sus influencias más 80’s. Un artista en estado de gracia. Genio y figura. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... ERIC FUENTES

ué significa para ti que hayamos escogido Eric Fuentes/Barcelona como el Mejor Disco Nacional de 2014? ”Voy a cumplir 40 años, y soy de los que cree que muy pocos son los elegidos que pueden seguir ejerciendo de rockeros a partir de esa edad sin dar un poco el cante. Como prefiero ser precabido, pensar que no soy de ésos, e imaginar que a partir de ahora voy a ejercer menos de rockero y más de otras cosas, lo de vuestra elección lo considero el broche ideal para una etapa de mi vida y musical que cierro”.

Fuentes/Barcelona? “Los meses que pasé encerrado en el estudio con Iban Rodríguez, mano a mano en muchísimas ocasiones, creando un montruo de tres cabezas, y en mi caso refugiándome en el estudio tras un periodo personal oscurillo, y saliendo de él recuperado anímicamente tras haber logrado mi objetivo creativo”.

Hace diez años Rock For Food de The Unfinished Sympathy ya fue nuestro número 1. ¿Ves una relación entre ambos trabajos? ¿Estás donde querías estar musicalmente diez años después? ”Rock For Food para mí es el mejor disco de Unfinished. Si consideráis que éste es mi mejor en solitario, mi conclusión es que tenemos una visión parecida de las cosas, algo que no me sorprende porque la conexión musical entre RockZone y yo es más que obvia. Desde luego, verme en una tesitura parecida y tan positiva con diez años de diferencia me hace sentir relajado, en paz con el mundo y conmigo mismo en muchos aspectos”.

¿Sacar un disco triple en un momento en el que se dice que el formato de álbum está obsoleto, es un acto de resistencia, de locura, de chulería...? “Mientras existan los discos de nuestros ídolos, de cualquier momento entre los 60 y los 2000 cuando se vendían discos, las generaciones siguientes querremos hacer discos. No va a llegar un momento en que uno renuncie a la idea, para muchos una utopía, de tener un disco creado por ti colocado al lado de uno de los Beatles. El veneno que nos inculcó la industria del disco al crearse no se irá de la sangre de los músicos en siglos, porque todos actuamos intentando parecernos a nuestros ídolos. Y ellos hacían discos. Yo hubiera querido un triple vinilo pero era carísimo para lo pequeño que es mi público, pero poder publicar tanto material en el formato que sea ha sido liberarme; necesito finalizar temas para empezar otros y avanzar”.

Mirando atrás, ¿cuál es el recuerdo que tiene más presente de la composición y/o grabación de Eric

Por el feedback que hayas podido tener, ¿sientes que la gente le ha sacado el jugo a los tres discos o ha pasado

más desapercibido de lo que esperabas? ”Sin duda a los tres; hay entusiastas de cada disco por separado. Naturalmente muchos se quedarán con tres o cuatro temas a lo sumo y listos, pero la gente ha entendido perfectamente que no era cuestión de escucharlo del tirón para entenderlo”. Para ponerlo fácil, ¿qué tema de cada disco escogerías como representativo de cada uno? “’Amb L’aigua Al Coll’, ‘Future Lovesong’ y ‘Superpowers I Had’. De hecho, los tres singles que publicamos de adelanto”. Berri Txarrak también han sacado un triple EP con veinte temas. ¿Lo has escuchado? “No lo he escuchado pero me han hablado de él, ¡tengo curiosidad por escuchar el trabajo de Ricky Falkner con ellos! Berri Txarrak son un grupo admirable, más allá de lo musical, en lo personal. Un caso raro de aquellos en que, si eres buena gente, ¡las cosas te van bien!”. ¿Con qué discos y conciertos has vibrado más en 2014? ”Accidente, tanto en disco como en directo, me vuelven loco. Da Souza también, y flipo con lo que se ha sacado Piti Elvira con Catarata, con cómo de bien lo hacen las niñas de Raemon y compañía en Mourn, con la caña que meten Anchord o Hurricäde o con Please Wait, Autodestrucció y Medievo, ahora que además trabajo con ellos”.

BERRI TXARRAK Denbora Da Poligrafo Bakarra (ONLY IN DREAMS)

n 2014 se cumple el 20 aniversario de Berri Txarrak y la banda ya había dejado caer que iba a celebrarlo con algo muy especial. Que volvieran en marzo a Venice Beach para grabar con Ross Robinson (At The Drive-In, Slipknot) entraba dentro de los planes teniendo en cuenta el enorme resultado que obtuvieron en su anterior Haria, pero que en julio se trasladaran a Madrid para hacerlo con Ricky Falkner (Standstill, Love Of Lesbian) y finalmente en septiembre a Colorado para, por fin, encontrarse con Bill Stevenson y Jason Livermore, el dúo detrás de las producciones de sus queridos Rise Against, hizo que las expectativas no dejaran de crecer. Y

también las incógnitas por saber qué iba a salir de todo aquello… Denbora Da Poligrafo Bakarra (‘El tiempo es el único polígrafo’ en castellano) es finalmente un triple EP con un total de 20 temas, uno por cada año de carrera. Pero quien piense que estar de celebración les ha llevado a hacer un disco musicalmente nostálgico o regodearse en su propia historia se equivoca, porque es justo lo contrario. Denbora… es una fotografía del presente de Berri Txarrak y, en cierta manera, también de su futuro. Obviamente encontramos sonoridades que nos resultan familiares, pero a la vez, descubrimos nuevos ángulos en su prisma. JORDI MEYA

BIZNAGA

Centro Dramático Nacional (HOLY CUERVO)

orprendidos por este discazo que se han marcado los madrileños Biznaga. Contundentes como una patada en la jeta, evocadores del sonido punk más primigenio que pusieran en el candelero bandas como Parálisis Permanente, La Banda Trapera Del Río o decenas de formaciones

TEITANBLOOD Death

(NORMA EVANGELUM DIABOLI)

iempre es sorprendente, incluso para el aficionado más conocedor, el espacio que existe aún dentro del death y el black metal para crear paisajes sonoros en los que la gravedad, la brutalidad y la densidad se distingan con una personalidad propia. Éste es, sin duda, uno de los méritos de

ochenteras a las que podríamos referenciar cuando escuchamos esta delicia sonora. Temarrales como ‘Fiebre’, ‘Las Brigadas Enfadadas’ o ‘Cul-De-Sac’ están encaminados a convertirse en auténticos himnos generacionales de una banda que cuenta con muy pocos años de existencia pero con un futuro muy prometedor. Con un sonido sucio, antiguo, acertadísimo y unas letras punzantes, poéticas y callejeras, Biznaga son un soplo de aire fresco digno de reconocimiento por parte de público y crítica. Después de publicar Demo en 2011 y Biznaga EP, en este Centro Dramático Nacional, con portada ilustrada por Ernesto Sevillano, se quedan muy a gusto y se consolidan como una de las bandas con mejor sonido y actitud de la Península. RAMIROQUAI

Death de Teitanblood. En este disco se distinguen de sus contemporáneos con una interesante obra de siete temas, por lo general, larguísimos, de un death/black metal que bebe directamente de la putrefacción de las bandas primigenias del género logrando un nivel de agresión que va más allá de la brutalidad y que resulta absolutamente primitivo a la par que de una sofisticación técnica envidiable, rudo aunque con una producción impresionante y con un aura de oscuridad, caos y mugre que resulta totalmente efectiva. Sin duda, un nuevo logro de una banda que ya es tan histórica y legendaria como las principales del género, y que a diferencia de otras que se duermen en los laureles, desafía cualquier preconcepción para destruir las fronteras entre lo musical y lo infernal. SALVA RUBIO

RETORNO DEL AÑO: AC/DC

HORN OF THE RHINO Summoning Deliverance (DOOMENTIA)

usto escribimos estas líneas metidos en la vorágine de la salida a la venta de las entradas para los próximos conciertos de AC/DC en Madrid y Barcelona. Una locura desatada que demuestra, una vez más, que el nombre de una banda está muy por encima de sus propios protagonistas. Quién le iba a decir a Angus Young que 40 años después de unirse a la formación que había creado su hermano Malcolm iba a vivir el año más extraño de su carrera. El anuncio de que Malcolm se retiraba del grupo debido a una demencia que no le permitía ni acordarse de los inmortales riffs que él mismo había creado era la peor noticia que un fan de corazón de AC/DC podía recibir. Tampoco hizo mucha gracia saber que Phil Rudd, pilar básico sobre el que se sustentaban los riffs de Malcolm, había perdido la cabeza intentando asesinar a un hombre y pillado con un arsenal de drogas... Pero hablamos de AC/DC, y, lo que para otro grupo podía haber sido una estocada mortal, parece que sus fans han querido hacer la vista gorda y prefieren despedirse a lo grande de la banda con sold outs por todos los lados y un Rock Or Bust funcionando de maravilla en las listas. Lo que no mata engorda, dicen.

mm… Sí, ‘Awaiting The Scourge’ te pone en situación y ‘Exvenhstench’ es uno de esos divertidos mamporros sludge que tan bien ejecutaron en Grengus, pero no sé… Espera, santo cielo, ahí está ‘Onward Through Domination’… Ya tenemos aquí a Javier Gálvez, qué hijo de puta… Ese monstruo que siempre se folla a casi todos los vocalistas de este país y que, encima, ha mejorado sus registros extremos. Oh Dios mío, tenéis el poder. En Summoning Deliverance

los vascos han seguido indagando por el sludge torturado, y pese a que ésta no sea la vertiente que más les disfruto, con cortes como la genial ‘Builder Of Carrion Effigies’ o ‘An Excess Of Faith’, como si quieren sacarse la chorra y mearme en la cara. No citaré a bandas internacionales para orientar a posibles nuevos fans porque, para mí, a estas alturas Horn ya han demostrado estar muy por encima de muchas formaciones sólo idolatradas por ser de fuera. PAU NAVARRA

MINOR EMPIRES Minor Empires (RADIX)

o teníamos claro. Desde que se disparó el rumor de que varios miembros de Toundra y Nothink estaban tramando alguna fechoría de manera conjunta, éramos conscientes de que algo muy bueno podría salir de semejante alianza. Y es que el hecho de que dos de los mejores grupos del panorama nacional de los últimos años decidan unir fuerzas es algo digno de toda nuestra atención. La idea inicial de la formación era hacer canciones sin ningún tipo de pre-

tensión, acercándose a grupos como Thrice o Alexisonfire, y desde luego, basta con una escucha al álbum para darse cuenta de que si bien no han sido capaces de escapar de sus propias influencias, sí que desprende ese aire de sencillez, sin más intención que la de disfrutar tocando juntos. Si sois capaces, imaginaros a los Nothink de la última época con las guitarras de Toundra; no andaréis muy lejos de lo que pueden ofrecer Minor Empires. GONZALO PUEBLA

FOSCOR

Those Horrors Wither (ALONE)

uena señal es cuando a un disco cuesta colgarle una sola etiqueta para definirlo. En su cuarto trabajo los catalanes Foscor dejan ir sus tentáculos para abrazar múltiples influencias que se intuían en trabajos anteriores pero que aquí colocan en un primer plano. Escuchados sus siete temas no sorprende que les haya llevado cinco años dar continuidad discográfica al anterior Groans To The Guilty, pues en muchos aspectos el grupo ha tenido que olvidarse

de recursos familiares y aprender a cómo manejarse entre nuevos y dispares elementos. Si el espíritu oscuro del black, y de su propio nombre, se mantiene, formalmente Those Horrors Wither escapa del género y lo transforma en un metal de aires progresivos en los que caben melodías limpias con inflexiones que incluso pueden recordar a Joy Division (‘Addiction’, ‘Graceful Pandora’), desarrollos post rockeros o pinceladas de lúgubre doom. JORDI MEYA

BARBARIAN SWORDS Hunting Rats (BLOOD FIRE DEATH)

esde que escuchamos su maligna demo y los pudimos ver sobre las tablas, que nos dimos cuenta de que la amenaza de que Barbarian Swords iban a ser la banda más blasfema, violenta e hiriente de la escena extrema nacional iba en serio. Sólo les faltaba acabar de cumplir su promesa con un primer largo que rubricara todo lo apuntado, y los cabrones han cumplido: aquí está con toda su pobredumbre y agónica belicosidad Hunting Rats. Putrefacción sónica en estado puro, con

una base de ultra pesado doom infernal combinado con voces black directamente salidas del averno. Hablar aquí de cualquier elemento comercial es irrisorio, una herejía. Tanto musical como líricamente esto es lo más extremo que he escuchado en años. El disco suena crudo, molesto y desagradable, y advertimos que no es apto para oídos no entrenados. Si aguantas la tortura a la que someten al oyente, bienvenido al enfermo mundo de Barbarian Swords. Grandes. ANDRÉS MARTÍNEZ

ANIVERSARIO DEL AÑO: 1994

irad bien esta lista: Dookie de Green Day, The Downward Spiral de Nine Inch Nails, The Blue Album de Weezer, Grace de Jeff Buckley, Superunknown de Soundgarden, American Recordings de Johnny Cash, Live Through This de Hole, Vitalogy de Pearl Jam, Far Beyond Driven de Pantera, Ill Communication de Beastie Boys, Mellow Gold de Beck, Parklife de Blur, Smash de The Offspring, Definetely Maybe de Oasis, Core de Stone Temple Pilots o el debut de Korn. Seguro que todos estáis pensando que es un resumen de los mejores discos aparecidos en los 90. Pues no, aunque parezca mentira todos estos discos aparecieron en el mismo año, 1994. Vamos, que se ha cumplido el 20 aniversario de todos estos clásicos. Viendo tan impresionante lista, no es gratuito afirmar que 1994 fue el año dorado del rock alternativo que, viendo la cantidad de copias que vendió cada uno de esos álbumes, pasó a ser el mainstream. Una lista que no hace más que darnos envidia y mirar el pasado con cierta nostalgia, viendo la alarmante falta de nuevos discos que puedan competir con el estatus de clásicos que tienen cada uno de esos trabajos editados en 1994. ¡Y no fueron los únicos!

DISPUTA DEL AÑO: IMMORTAL

HUMMANO

We Hate You All!!! (BLOOD FIRE DEATH)

as prisas no suelen ser buenas consejeras, pero en el caso de Hummano publicar un segundo disco apenas un año después de debutar con Is The Shit no ha supuesto un problema. Es más, con él prueban que su impacto en la escena nacional no fue casual. Habrá quien vea en su portada, en la que los madrileños aparecen disfrazados de hair metaleros 80’s, un recurso fácil para llamar la atención, pero quien les critique por ello debería escuchar más

iempre es desagradable ver cómo los músicos se pelean en público por la propiedad del nombre de un grupo, pero todavía más cuando se trata de una banda que, admitámoslo, ni llena estadios ni firma contratos millonarios con sponsors. Pero los miembros de la legendaria banda black metal Immortal se encuentran ahora mismo en una lucha legal después de que el vocalista y guitarrista Abbath Doom Occulta intentara hace unas semanas registrar la marca a su nombre en la Oficina de Propiedad Industrial de Noruega. Su intento fue frustrado por los abogados del guitarrista Demonaz y el batería Horgh. En su defensa Abbath alude que entendía que tanto el uno como el otro habían abandonado el grupo a principios de año dado que habían retirado su material del local de ensayo y dejado de pagar el alquiler del mismo. El trío llevaba siendo el núcleo del grupo desde 1996 y se da la circunstancia de que Demonaz es el tío del hijo que Abbath tuvo con su hermana. Esperemos que resuelvan sus diferencias.

que nadie este disco. We Hate You All!!! va precisamente dirigido a quienes tienen como deporte favorito rajar de los demás. Haters, trolls, cizañeros… ¡Que os den! Si en su primera entrega y en sus directos quedaban pocas dudas de que Hummano sonaban como un cañón, aquí demuestran que además han aprendido a canalizarlo en mejores canciones. Más directas, más redondas, más pegadizas. Ahora mismo, un paso por delante del resto. JORDI MEYA

OBLIVION

No Room For Fools (VARIOS SELLOS)

omo con el milagro de la semilla, de la que primero sale un brote y acaba convirtiéndose en un árbol capaz de dar frutos, siempre es agradable observar cómo una banda a la que conoces va creciendo delante de tus narices. Algo más de dos años les ha llevado a Oblivion asentar sus raíces, encontrar a los miembros adecuados y finalmente madurar, a base de ensayos y conciertos, hasta ofrecer su primer álbum. En ese aspecto su historia no es nada distinta a la de miles

de grupos, pero el resultado sí. No Room For Fools es un álbum con la categoría suficiente como para que, si nos hubiese llegado de la mano de Deathwish o Relapse, no nos hubiese sorprendido. Destaca por su habilidad por no circunscribirse a un solo estilo, y tan pronto te pueden recordar a Brutality Will Prevail como a Black Tusk, a Cancer Bats como a Converge. Una banda con múltiples recursos pero que opta por hacerlo todo de la manera más cafre posible. JORDI MEYA

PANTONES

¿Quién Quiere Primavera?

VÍDEO DEL AÑO: HUMMANO

(SUBTERFUGE)

ese a que derrochaba frescura por cada uno de sus surcos, Ruido Rosa, el EP de presentación de Pantones, mostraba a una banda con las ideas claras pero todavía en vías de desarrollo. Al fin y al cabo, frescura es lo mínimo que se le puede pedir a un grupo así, y su punk pop soleado de escuela californiana siempre ha tenido en nuestro territorio unos cuantos representantes de nivel elevado. Así que era más que evidente que tenían que dar un paso

adelante si querían meterse en la pomada del punk patrio, pero las 13 canciones que contiene ¿Quién Quiere Primavera? son ya suficientes no sólo para evaluar a Pantones, sino para afirmar que han sabido dar ese paso adelante y que de sus cabezas han salido unas cuantas melodías dignas de ser recordadas. Los madrileños han entregado un álbum variado en el que podemos encontrar de todo. Estamos ante un grupo con el que puede pasar algo. RICHARD ROYUELA

VITA IMANA Oceanidae (FAIR WARNING)

n una época en que la oferta musical es tan descomunal, el que una banda logre centrar todas las miradas tiene mucho mérito. Si además esta banda cuenta con una dilatada experiencia a sus espaldas, las posibilidades de éxito se multiplican. Más allá del reconocimiento que consiguieron con su segundo álbum Uluh, fue cuando la gente pudo a ver a Vita Imana en sus múltiples apariciones en festivales que el boca oreja empezó a funcionar. Oceanidae,

más que una supuesta reválida, es simplemente una reafirmación en lo que hacen y en lo que creen. Su tercer trabajo toma como punto de partida Uluh, pero lo lleva un paso adelante. La base sigue siendo un groove metal bien sustentado en la batería de Daniel García y las percusiones de Míriam Baz, pero su ambición compositiva los lleva a no abusar de un recurso que tienen más que comprobado que funciona, sino a encontrar nuevos caminos donde integrarlo. DAVID GARCELL

n 2014 una banda de metal extremo de Madrid cesó su actividad en la escena local debido a su falta de habilidades y éxito. Estos hombres probablemente empezaron a pensar en maneras de ocupar su tiempo y decidieron plagiar una serie de televisión de los 80. Hoy sobreviven como mercenarios. Si tienes un problema, si nadie más puede ayudarte, y si puedes encontrarles puedes contratar al Equipo H”. Con una voz en off en inglés e imágenes de la banda en directo se inicia el atómico vídeo que Hummano han grabado para el tema ‘You Suck’, en el que recrean un capítulo de la famosa serie El Equipo A con su dama en apuros, sus villanos, sus persecuciones y sus tiroteos. Dirigido por Julio Pérez y con el vocalista Sito Shutter caracterizado como John ‘Hannibal’ Smith, el guitarrista Fernando Díez como Templeton ‘Faceman’ Peck, el bajista Pablo Fernández como B.A. Baracus y el batería Adrián Arteche como Howling Mad Murdock, el vídeo es la prueba definitiva de que tener una buena idea, buenos amigos y muy poca vergüenza son más importantes que tener un gran presupuesto. Si quieres verlo, pincha aquí.

TIMO DEL AÑO: VIP PACKAGES

TRONO DE SANGRE

La Mitad De Lo Que Somos, La Mitad De Lo Que Creemos (CALEIAH/MANUFACTURAS SONORAS)

E E

n un intento por generar ingresos atípicos cada vez es más habitual que los artistas ofrezcan ‘paquetes VIP’ con los que, previo pago de una buena suma de dinero, los fans tienen acceso a conocer al grupo y algún que otro trato especial. Desde aquí condenamos la proliferación de este tipo de packs que marginan a los fans según su poder adquisitivo. El problema añadido es que esta táctica, que antes sólo utilizaban estrellas realmente inaccesibles, se ha trasladado a grupos con supuesto pedigrí punk o que hasta hace cuatro días todavía actuaban en locales pequeños. Este pasado verano The Gaslight Anthem ofrecían un pack de 125 dólares que permitía entrar a ver las pruebas de sonido y hacerse una foto con ellos, eso sí, con una cámara desechable ya que no se permitía la entrada de móviles. Naturalmente a sus fans no les hizo nada de gracia que el grupo, además de cobrar, viniera con exigencias y acusaron al combo de preocuparse más por el dinero que por la música. El vocalista de Enter Shikari, Rou Reynolds, publicó en noviembre un post en el que resumía perfectamente lo que nosotros pensamos: “Si alguien cree que es moralmente justificable cobrarte para conocerle, tienes que preguntarte ‘¿Merecen ser conocidos?’ ¿Merecen conocerme a mí? ¿Merecen mi tiempo?’ (…) Si tu banda forma parte de la cultura alternativa, ofrece a los chavales la alternativa, no les ofrezcas los valores de la codicia; ofréceles los valores de la gratitud”. Dicho queda.

ste combo formado por músicos inquietos con experiencia en The Hardtops, Tuya, Emerge, Moltisanti o Gone With The Pain captaron nuestra atención con el EP Deus Ex Machina. Su hardcore punk con influencias noise y metal fue un auténtico chute de adrenalina, pero nos supo a poco. Es comprensible que teniendo una agenda tan apretada como la suya, Trono De Sangre hayan tardado más de lo deseable en poder presentar su primer largo, pero como reza

el tópico, la espera ha merecido la pena. Con Koke Díez como productor, los madrileños vuelven a practicarnos una trepanación en toda regla a base de riffs retorcidos, voces gritadas, una base rítmica que tontea con el caos matemático y continuas referencias cinematográficas. Aun conservando la rabia de su anterior referencia, este primer disco les ha permitido explorar y desarrollar un número más amplio de ideas e incorporar nuevos matices. JORDI MEYA

NO MORE LIES

In The Shade Of Expectation (BCORE)

a alargada sombra de No More Lies, su influencia, siempre ha estado ahí. Quizás por eso, y porque ya van nueve años de espera, el anuncio de un nuevo trabajo de la banda integrada por Santi Garcia (guitarra, voz), Roger Ortega (batería) y Max Triviños (bajo) generó tanta expectación. Grabado y masterizado por el hermanísimo Víctor Garcia, In The Shade Of Expectation añade al repertorio NML otros diez temas certeros, rebosantes de energía,

con esas guitarras crujientes marca de la casa y una sección rítmica hiperactiva. Sólo podíamos (y debíamos) exigirles otra colección de himnos y estribillos despatarrantes, y el trío ha respondido con una exhibición de pegada y clarividencia melódica. In The Shade Of Expectation, compacto y heterogéneo en el mejor de los sentidos, no desmerece en una discografía para enmarcar, al contrario: estos tipos aún tienen mucho que ofrecer. LUIS BENAVIDES

THE SOULBREAKER COMPANY

LO DEJARON…

Graceless (ALONE)

unque sean uno de los grupos que más admiro dentro de nuestras fronteras, debo decir que no me gustaría formar parte de The Soulbreaker Company. Y no me malinterpreten, pero el tener que intentar superar una obra maestra como Itaca tiene que ser un marrón. Para nuestra suerte, los de Vitoria vienen a demostrar que están hechos de una pasta distinta al resto. Cuando muchos habrían optado por hacer una continuación calcada a su anterior referencia,

ellos han sido más inteligentes (o arriesgados) y han preferido tirar por otro sendero. Sin haber renunciado a un sonido que ya es reconocible dentro de su amplitud de miras, que recoge lo mejor de los 70 sin caer en la copia fácil, han optado por reducir un par de marchas y hacer que todo suene más espacioso con una producción más basada en capas en lugar de buscar la contundencia de los riffs. Por enésima vez, toca descubrirse ante ellos. GONZALO PUEBLA

THE BLACKJAW Undertow

(REDNECK CHESSE)

iempre ha parecido ocupar un plano más secundario para el gran público que otros géneros como el metal o el indie, pero a día de hoy el punk rock está viviendo una de las mejores épocas que se le recuerdan en tiempo. Formaciones jóvenes como The Menzingers o The Flatliners están irrumpiendo con muchísima fuerza en los últimos años, mientras que veteranos de la talla de Bad Religion, Pennywise o NoFx aún se resisten a colgar las botas. En nuestro país, como suele

pasar, parece que vamos un pasito por detrás, aunque últimamente también nos estamos poniendo las pilas. Si el año pasado los locuelos de Blowfuse fueron una de las grandes revelaciones de la temporada, en 2014 ese puesto deberían ocuparlo los madrileños The Blackjaw. Todo parece apuntar que en este curso los chavales pueden dar un gran salto en su carrera. Un señor discazo que pone de manifiesto la buena salud del punk patrio. GONZALO PUEBLA

eniendo en cuenta lo duro que está el negocio de la música, casi sorprende que no haya muchísimas más bandas que decidan tirar la toalla. En 2014 la verdad es que la lista de bajas tampoco ha sido excesivamente dramática, aunque a ningún fan le gusta que se separe su grupo favorito. Y al fin y al cabo, ya sabéis que una separación es el primer paso para volver a reunirse. Recapitulando este año lo dejaron la banda americana de rock alternativo Anberlin (en la foto), aunque antes despacharon un buen álbum de despedida como Lowborn en julio y una gira que, como era de imaginar, no pasó por España. También los punk rockeros The Swellers anunciaron en verano su retirada, aunque todavía habrá oportunidad de cazarlos en el próximo Groezrock. En julio el explosivo grupo de hip hop Death Grips sorprendía a todo el mundo con su ruptura tan sólo un mes después de publicar su Niggas On The Moon. El aclamado dúo folk The Civil Wars partía peras literalmente al hacerse insostenible la ruptura sentimental de los dos músicos con su carrera profesional. Liam Gallagher decidió finiquitar Beady Eye con un mensaje en Twitter casi tan escueto como la trayectoria de su banda post Oasis. En septiembre y después de cancelar una gira prevista para otoño, los veteranos Guided By Voices ponían el candado por segunda vez a su carrera. Finalmente, los galeses post hardcore The Blackout han anunciado su despedida hace un mes y una gira de despedida para marzo de 2015.

NOS DEJARON…

EL PÁRAMO El Páramo

(LA POLVAREDA/NOOIRAX/GRAN SOL)

l Páramo siempre son citados como una de las bandas más interesantes del panorama stoner nacional. La lástima es que no se prodigan demasiado... Que algunos de sus miembros también lo sean de Adrift y Toundra seguramente ralentiza la marcha de una banda que, sinceramente, no tienen rival en este país. Su estilo altamente lisérgico y tripero sigue sonando celestial, a estas alturas han conseguido un sonido absolutamente personal, y es

ANDRÉS MARTÍNEZ

unque la muerte de alguien siempre es un hecho triste, este 2014 no ha sido tan dramático como lo fue 2013, donde vimos un montón de muertes importantes acompañadas, además, de circunstancias dramáticas como fueron, entre otras, las de Jeff Hanneman de Slayer o Chi Cheng de Deftones, que perdió su batalla a cara de perro con la vida. Si de nombres históricos nos referimos, entre los músicos que nos dejaron en este 2014 están los nombres del genio del blues Johnny Winter (70 años) cuando se encontraba de gira por Europa, el bajista de Cream Jack Bruce (71 años) por un fallo hepático, Bob Casale de Devo (61 años) por un problema coronario; Dick Wagner (71 años), guitarrista de Alice Cooper y Lou Reed, por una infección pulmonar; Rick Rosas (65 años), bajista de Neil Young, el maestro del flamenco Paco de Lucía (66 años) por un ataque al corazón, o la del cantautor folk mil veces homenajeado y reivindicado, Pete Seeger, que dio guerra hasta los 94 años.

complicado no escuchar esta obra del tirón, viajando, alucinando y disfrutando de los mil y un detalles de una grabación en la que el cuarteto madrileño se muestra certero en la ejecución, inspirado a la hora de crear atmósferas únicas. Con ‘La Reina Del Sol’ nos damos cuenta de que la etiqueta ‘stoner’, aunque muy práctica, es una auténtica idiotez tratándose de ellos, ya que estamos ante un verdadero ataque de puro psych abrasivo y ambiental.

LEGACY OF BRUTALITY Giants (CHIEF)

a intro ‘Hostis Humani Generis’ ya es sugerente, pero el huracán que te zarandea en ‘Cathedral Of Hatred’ te mostrará a unos Legacy Of Brutality renovados, sí, pero igual de apabullantes, o incluso más. Hate Eternal o Misery Index te vendrán a la mente en estos primeros compases de su segundo álbum Giants, pero para ‘Under The Hammer Of Doom’ no estamos tan preparados. En una vena épica y melódica bastante más acentuada que en su debut,

éstos nos fulminan con un temazo de puño en alto, a lo Unanimated o primeros In Flames, para que ‘Labyrinth Of Madness’ nos muestre a una banda poderosa como los Nefilim bíblicos. Legacy te darán una lección que no olvidarás nunca. Colaboraciones de miembros de Cathexia, Carnivorous Voracity o Thirteen Bled Promises y dos bonus, versión de Napalm Death incluida, completan un trabajo, como bien indican, digno de gigantes. PAU NAVARRA

COHEN Rooms

(DESERT PEARL UNION/PICK YOUR TWELVE/ FAIR WARNING)

n su cuarto trabajo, Cohen optan de nuevo por no especular. En apenas 23 minutos repartidos en ocho temas los gipuzkoanos confirman las buenas sensaciones dejadas por el EP Cancer Days después de su reconversión en trío. Sus influencias siguen procediendo de sospechosos habituales como At The Drive-In, Refused o Glassjaw, pero son presentadas ahora con una mayor serenidad, dejando la sensación de que cada vez más son Cohen quienes llevan

las riendas de su música y no al contrario. Tomemos como ejemplo ‘Skywalker’, el tema de apertura donde unos arreglos electrónicos aportan un toque de sofisticación antes de que la canción estalle en dos partes. Casi al final, la bonita instrumental ‘Subtitle’ da profundidad a un trabajo donde Cohen, de la mano de Juan Blas, siguen jugando con las estructuras pero consiguen crear su colección más redonda de canciones hasta la fecha. JORDI MEYA

THE WAX

We Are Failing (DESERT PEARL UNION)

ólo ha pasado un año de su debut discográfico, End Know Sense, pero el quinteto The Wax hace gala en el presente We Are Failing de una mayor seguridad e inspiración. Basta con escuchar el incontestable primer corte ‘Ed Wood’, una declaración de intenciones inspirada en la filmografía del director, destapada con un fragmento de la antológica narración del actor Bela Lugosi en la película Glen Or Glenda. Un puñetazo en la

mesa, con pasajes y susurros deftonianos, y el primer gran estribillo del disco, melódico y ultrapegadizo. El siguiente tema, ‘Wither’, engorila desde los primeros compases con un tutupá delicioso y unas guitarras de otro planeta. Para el tema ‘Nadia Fusini’ los catalanes se sirven de un riff muy gordo, de ésos que te perfora el cerebro a la primera de cambio. En total, cinco entretenidísimos cortes que dejan con ganas de más. LUIS BENAVIDES

Los que tampoco pueden estar contentos son los fans de los Rolling Stones. Mientras Keith Richards sigue aguantando contra viento y marea, dos de los colaboradores más estrechos que han tenido nunca –ambos llegaron a girar de manera regular con los Stones-, el saxofonista Bobby Keys (70 años) y el teclista Ian McLagan (69 años) –que además fue parte de Small Faces y The Faces-, perdían la vida el primero pagando los excesos del pasado por una cirrosis y el segundo por un derrame cerebral. En el mundo del punk cabe destacar las muertes de Tommy Ramone (55 años), primer batería de los míticos Ramones, víctima de un cáncer, un hecho que resalta esa leyenda negra sobre el grupo, ya que ninguno de los cuatro componentes que grabaron los fundamentales tres primeros discos están con vida, y Scott Asheton (64 años), batería de los Stooges en discos referenciales como Fun House o Raw Power. Entre los fallecimientos más sorprendentes estarían los de Wayne Static (48 años), líder de Static X, por causas aún desconocidas, aunque se teme que las drogas jugaron un papel decisivo, Dave Brockie (50 años), conocido como Oderus Urungus en la banda GWAR, por sobredosis de heroína, Tyson Stevens (29 años), cantante de Scary Kids Scaring Kids por el mismo motivo, Isaiah ‘Ikey’ Owens, teclista de The Mars Volta y que actualmente se encontraba en la banda de Jack White, por un repentino ataque al corazón; o el del guitarrista fundador de Primal Scream, Robert Young (49 años), por causas desconocidas. También fue dolorosa la muerte del bajista de Black Tusk, Jonathan Athon (32 años), en un accidente de motocicleta el pasado noviembre.

ESPECIAL FOTO

ANKOR

ARNETTE XMAS NIGHTS!

¿Qué mejor que celebrar anticipadamente la Navidad con buena música? Los pasados 19 y 20 de diciembre los punkpoperos Daylight decidieron unir fuerzas con loS más metaleros Dawn Of The Maya para formar el ecléctico cartel de las Arnette XMaS Nights!. Además, en la sala Barracudas de Madrid se añadieron a la fiesta Days Of Heroes y en La [2] de Apolo, en Barcelona, los tarraconenses Ankor. Toni VillÉn RECORRIÓ 1.200 kilómetros para no perderse ni un detalle con su cámara.

fotos: Toni Villén

DAYLIGHT

DAWN OF THE MAYA

DAYLIGHT

DAYS OF HEROES

DAWN OF THE MAYA

COHEN Quizás te suene el nombre de Cohen por su tremenda versión del ‘RX Queen’ de Deftones para el primer volumen de las Bipolar Sessions. La grabación del tributo a Chino Moreno y compañía les pilló en el mejor momento de su larga carrera, inmersos en la composición de su cuarta referencia, Rooms. Texto: Luis Benavides Fotos: DR n abril de 2015 los guipuzcoanos Cohen celebrarán el décimo aniversario de su primer concierto. Su primera referencia, 20 Minutes To Collapse, llegaría dos años después. Recibieron entonces un aluvión de halagos y cumplidos. Sin ir más lejos, este primer trabajo fue considerado por los habi100

tuales del foro de Zona-Zero como una de las tres mejores obras de 2007. Tres años después de esa presentación sacaron con ayuda del sello Lengua Armada su primer largo, el intrincado y más técnico Subconscious Mind. Abrían fuego con ‘The Well’ y todavía me recorre un escalofrío recordando este trallazo. Traían algo gordo

entre manos. Y no me refiero solamente al disco, mezclado por los entonces solicitadísimos Pelle Henricsson y Eskill Lövstrom en los estudios Tonteknik de Suecia (Refused, Hell Is For Heroes, Poison The Well). Después girar por toda la geografía española y crecer bajo los focos, los de Urnieta se plantaron en 2011

“Hacemos música para minorías y, aunque duela decirlo, incluso para una escena muy elitista en la que cuesta abrirse paso”

disco en el que más hemos participado todos en comparación con los anteriores. Antes siempre faltaba alguien, si no era componiendo era grabando y, por suerte, esta vez ha sido diferente. Iñigo ha aportado muchos detalles e ideas brutales al disco”. Cancer Days ya estaba pensado como trío. ¿Cómo lo llevas eso de ser el único guitarra? “Tampoco lo teníamos tan claro. Eso fue más una consecuencia que una decisión. Ahora mismo estamos bien como estamos, y creo que sonamos más compactos, pero no descartamos ampliar el grupo en un futuro, básicamente porque nunca sabes lo que va a pasar. Aunque a veces se eche de menos los detalles que puede aportar un guitarra adicional, el hecho de ser tres nos lleva a componer de una manera más concreta, sin muchas florituras. La canción está por encima de todos”.

con todo por delante y dos importantes bajas en la formación. El puñetazo en la mesa por parte de Rubén Ramos (voz, guitarra) y Joseba Bernardo (bajista) fue Cancer Days. Este iracundo EP salió en febrero de 2013 y les permitió llegar a más gente. Pienso en el concierto abriendo para sus héroes Refused en la barcelonesa Razzmatazz, o cuando se colaron en el Kutxa Kultur con un cartel con luminarias del indie tales como Dinosaur Jr., Junip, Delorean o Crystal Fighters. Curiosamente, en el concierto con los creadores del mítico The Shape Of Punk To Come, debutó con unos nervios de acero su actual

y esperemos definitivo batería, Iñigo Sánchez. Si con Cancer Days el núcleo duro de la banda cerró una etapa, con la inestimable ayuda de su amigo y batería de ZIMT Rafa Rodríguez, con Rooms deberían abrirse numerosas oportunidades. Su talento y su perseverancia bien merecen un premio. Rooms es el primer disco de Cohen con la formación actual. Es el primero que graba Iñigo, vuestro batería, y eso debería notarse de alguna manera. RUBÉN RAMOS “Creo que es el

Otra novedad importante para entender el salto cualitativo de Rooms es vuestra concentración en Westline. “Para el EP anterior, recién reconvertidos en trío y sin batería, tuvimos que grabar todos por separado en diferentes estudios y en cuatro días. Sin embargo, para éste nos encerramos en el estudio durante dos semanas sin mayor entretenimiento que las canciones que teníamos entre manos”. ¿Por qué escogisteis el estudio de Juan Blas de Nothink y Minor Empires? “Lo que más nos atrajo de grabar en Westline fue la idea de poder aislarnos en una casa en el monte para centrarnos en el disco. La experiencia, aunque dura, ha sido positiva. Hemos 101

aprendido mucho y nos hemos exigido el máximo. El hecho de no poder hacer otra cosa que tocar nos ha llevado a involucrarnos al 100% en el disco”. Explícanos, ¿cómo es Juan como productor? “Se involucró mucho desde el primer momento. Nos propuso la regla de las tres tomas, que básicamente se resume en repetir todas las tomas tres veces de principio a fin sin fallar”. Curiosa metodología… “Esto suponía un desgaste brutal, pero debo reconocer que el nivel de concentración era altísimo y creemos que se nota en el resultado”. Vosotros tenéis un sonido muy hecho… ¿Le dejasteis meter cucharada? “Juan opinó mucho y le dejamos su hueco, pero somos bastante nuestros y tuvimos nuestras diferencias. Al fin y al cabo, él viene de estilos o de formas de entender la música diferentes a la nuestra y había que llegar a un punto de encuentro”. ¿Sí? ¿En qué partes chocasteis más? “En las voces, sin duda. Llevamos las voces generales con muchos detalles por concretar y ahí es donde Juan apretó a tope. También hubo mucha fijación con el resto de instrumentos, pero en las voces había mucho margen de cambio y en el disco se nota que nos ha exprimido mucho”. La grabación fue en abril de 2014, pero por poco publicáis álbum en 2015… “El disco se grabó en abril sabiendo que su salida se iba a retrasar unos 102

cuantos meses debido a que estábamos sin sello. Siempre hemos tenido el apoyo del colectivo Desert Pearl Union y Ayuken MP, pero necesitábamos un punto extra de cara a la distribución y para hacer un poco más de ruido. Picamos varias puertas y, finalmente, entre pequeños sellos y colectivos hemos podido salir adelante mucho mejor de lo que esperábamos”. Edición a cuatro bandas. “Sí, Fair Warning es la discográfica, Desert Pearl Union, el colectivo; Pick Your Twelve, la plataforma, y Ayuken MP, nuestro management. En los cuatro casos, hay personas que aman la música tanto o más que nosotros, y además son amigos nuestros. Somos como una familia gigante, y además de invertir su tiempo y dinero, confían en nosotros y en la banda. Tenemos muchísima suerte de contar con gente que sigue creyendo en la banda”. ¿Qué esperáis de ellos? “No esperamos más de lo que esperan ellos, que no va más lejos de dar el siguiente paso e ir creciendo poco a poco. Esto es una carrera a muy largo plazo. Desde que la venta de discos está en decadencia, a nivel underground al menos, todo el que está en la música es porque le gusta y no por hacer dinero. Nosotros hacemos música para minorías y, aunque duela decirlo, incluso para una escena muy elitista en la que cuesta abrirse paso”. Pero vosotros, erre que erre. Seguís haciendo el post hardcore que siempre os ha gustado, y tan felices. “Suena a tópico, pero nosotros escuchamos todo tipo de bandas. Nos podrás ver en un concierto de Converge,

“Nosotros no le damos la más mínima importancia, ni al inglés de los primeros Standstill, ni al noruego de Kvelertak, ni al islandés de Sigur Rós. Sólo nos importa el alma de las canciones”

en uno de David Bazan, en el Primavera Sound o en el Resurrection Fest. Nos gustan las melodías, nos gustan los ritmos complicados, nos gusta cantarle a lo que no nos gusta y a eso se le llama post hardcore, pero nosotros hacemos la música que nos sale”. ¿Hay algo que escuchéis ahora que pueda notarse en el álbum? “Algo siempre influye, aunque luego no se note tanto. Me ha encantado el último de Weezer y últimamente escucho mucho Midlake. Iñigo está enganchado a los últimos de Mastodon y Balance And Composure. Y Joseba diría que está con el último de Circa Survive”. Ya veo que la etiqueta post hardcore no os disgusta. Supongo que es suficientemente

chísimo tiempo. Ahora algo menos porque sabemos distribuir mejor las horas, pero también tenemos menos tiempo libre. Hemos estado involucrados en más proyectos, pero detrás, a otro nivel, ya sea produciendo discos de grupos amigos o trabajando en los diseños”. Entremos de lleno en Rooms… ‘Skywalker’ fue el tema adelanto y abre el disco. ¿Creéis que resume bien la obra? “Queríamos un tema que rompiera un poco con la idea de lo que había sido Cohen hasta ahora, que desde nuestro punto de vista había sido ir al grano desde el segundo cero. ‘Skywalker’ empieza con una guitarra sintetizada, un bit electrónico… Otro aire”.

amplia como para englobar muchas historias diferentes. “El tema de las etiquetas nos da un poco igual”. ¿El tema ‘Subtitle’, al no tener voz, podría etiquetarse como post rock, y la marsvoltiana ‘Schrödinger’s Cat’ sería algo así como rock progresivo? “No sé, yo creo que hacemos lo que hace cualquier banda de local: tocar lo que le gusta y le apetece en cada momento, que al fin y al cabo es de lo que se trata”. Devoráis mucha música, pero sólo Iñigo toca en otras bandas. Joseba y tú siempre habéis estado al 300% con Cohen. Por falta de tiempo, supongo... “Cohen al principio nos quitaba mu-

En vuestros trabajos encontramos cortes como ‘Skywalker’, o ‘Donnie Darko’ y ‘Natalie Portman’. ¿Hasta qué punto os influye el séptimo arte? “El otro día revisando nuestro Bandcamp me dí cuenta del detalle de que en cada disco hay una o más referencias al cine. Ya sea en el título de los temas o en frases sueltas... Puede que hablemos más sobre cine que sobre música en los ensayos, de ahí la influencia”. Hablando de temas audiovisuales, ¿qué me podéis avanzar de vuestro nuevo videoclip y primero para Rooms? “Una vez más está hecho por gente a la que le gusta la banda y que está dedicando su tiempo y recursos sólo por echarnos una mano. La verdad es que no podemos adelantar demasiado, pero está al caer. ¿Habíamos hablado ya de Star Wars? (Risas)”.

‘Skywalker’, claro. Cambio de tercio: ¿Planes de futuro? “A partir de enero empezaremos a tocar por toda la Península. Los planes de Europa siempre están ahí, y el Reino Unido también… Ahora mismo estamos más compactados que nunca y hay que intentar salir mucho más fuera. En abril de este 2015 se cumplirán diez años desde nuestro primer concierto y habrá que pensar en algo…”. Y por si os faltan ideas, Berri Txarrak celebraron su 20 aniversario con un triple disco grabado en tres estudios con tres superproductores. ¿Sois muy fans? “Hemos crecido escuchándoles. Nos regalaban sus discos en la ikastola, sonaban en la radio y les habremos visto decenas de veces. Berri están donde están por mérito propio, lo han hecho muy bien y siempre han sabido reinventarse”. ¿Os habéis preguntado alguna vez si cantando en euskera os podría ir mejor? “Nosotros pudimos cantar en euskera, pero surgió hacerlo en inglés. Nunca nos hicimos la pregunta del idioma, simplemente surgió. Al contrario de lo que puedan pensar muchos, no pensamos que el cantar en inglés nos abriría más puertas. De hecho, en algunas zonas te las cierra. Nosotros no le damos la más mínima importancia, ni al inglés de los primeros Standstill, ni al noruego de Kvelertak, ni al islandés de Sigur Rós. Sólo nos importa el alma de las canciones”.

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LA CASA DE LOS KROKODIL

RIFFS

i en un principio el currículum pasado y presente de los componentes de Krokodil incluía nombres de bandas como Gallows, SkiTh, A, Hexes, Liber Necris o Cry For Silence, en las últimas semanas hay que añadir también el de Slipknot. El pasado 3 de diciembre se confirmaban los rumores que Alessandro ‘Vman’ Venturella, guitarrista de Krokodil y antiguo técnico para bandas como Mastodon o Coheed And Cambria, era el nuevo bajista del grupo de Iowa. Un nuevo empuje publicitario con el que el grupo que completan Simon Wright (voz), Laurent 104

‘Lags’ Barnard (guitarra), James Leach (bajo) y Dan Foord (batería) no se siente del todo cómodo, más teniendo en cuenta que algunos ya miraban con recelo el hecho de que otro de sus guitarristas sea Dan P. Carter, uno de los locutores de radio más conocidos del Reino Unido gracias al programa Rock Show de BBC 1, o que su primer concierto en público fuera en el gigantesco Download Festival en 2013. Pero que Krokodil aprovechen los contactos que sin duda tienen no debería hacer perder de vista que su debut Nachash (Spinefarm) y también su directo convenzan por méritos propios.

El mundo del metal está muy saturado. Hay cientos de bandas en cada subgénero imaginable... ¿Qué creéis que puede aportar Krokodil? LAGS “Hablábamos de ello antes en la furgoneta. Yo creo que hacemos algo inteligente y a la vez, real. Hay muchos grupos de metalcore centrados en los breakdowns...”. SIMON WRIGHT “Todos los grupos parece que sigan la misma fórmula, tanto en la música como en las portadas, los nombres... es aburrido. Krokodil hemos tomado influencias más antiguas, pero le hemos dado

Detrás de esas barbas y tatuajes se esconden algunos de los músicos más reputados de la escena underground británica. Aprovechando su reciente gira como teloneros de Mastodon, tuvimos la oportunidad de conocer mejor el origen y las intenciones de los feroces KROKODIL

opción fue una idea estúpida que descartamos enseguida (risas). Lo que no teníamos era cantante, pero recordé que una vez había llamado a un amigo en común que tenemos para otro proyecto de grindcore electrónico, y me había recomendado a Simon. Así que le busqué en Facebook (risas). Le mandé la música y vino a ensayar...”. SIMON “Sí, y tras sólo un ensayo nuestro primer concierto era en el Download Festival (risas). Lags no estaba porque tocaba con Gallows en Italia. Así que fui al ensayo a conocer al resto y a la semana siguiente estábamos en el Download”. LAGS “Y ahí fue cuando conociste a Vman”. SIMON “Sí. Él estaba trabajando con Mastodon. Fui detrás del escenario y le dije ‘Hola, soy Simon’. Y me dijo ‘Encantado. Parece que hoy vamos a tocar juntos’ (Risas). Una locura, pero el concierto fue genial”.

Texto: Jordi Meya Fotos: DR

una vuelta”. LAGS “Nos gusta el metal clásico, el stoner, el doom, y eso hace que tenga un sonido más fresco. Somos casi un grupo de hardcore progresivo. Hacemos música compleja, pero a la vez es accesible. Mi padre se obsesionó con nuestro lyric video y no paraba de cantarlo en casa. Me hizo sentir genial”. Vayamos al principio de todo. ¿Cuál fue el origen de Krokodil? ¿Os conocíais todos? LAGS “La banda empezó después de una pinchada en Birmingham que hice con Dan Carter. Estábamos en

el mismo hotel, tomamos unas copas y también vinieron unos amigos míos, James Leach y Vman. Al día siguiente comimos todos juntos, estábamos resacosos, y dijimos que sería genial estar en una banda que básicamente hiciera buenos riffs. Ahí empezó todo. Empezamos a enviarnos ideas y aunque costó un poco que todo se pusiera en su sitio, porque todo el mundo andaba ocupado con sus cosas, gracias a James finalmente reclutamos a Dan Foord de SkiTh como batería, con lo que teníamos a la mejor sección rítmica del Reino Unido. Vman iba a tocar la batería en un principio, pero esa

Viniendo de backgrounds musicales distintos, ¿os fue fácil encontrar un terreno común sobre el que trabajar? LAGS “A todos nos gusta el buen metal. Ninguno tenemos veinte años, así que crecimos escuchando a Metallica, Pantera o Slayer, y a partir de ahí cada uno empezó a escuchar otras cosas. Yo me fui en una dirección más punk, Simon en otra más grindcore... pero al final, para esta banda todas nuestras influencias originales volvieron de golpe”. SIMON “Creo que todos volvimos a lo que habíamos amado al principio, pero también mola que cada uno haya aportado un poco de lo que hace en su propio grupo. Hay partes un poco más punk que vienen más de Lags, otras más técnicas que vienen de 105

“Merecemos esto como el que más. Cualquier músico que trabaje duro lo merece, lo que pasa es que no todo el mundo tiene esta oportunidad” SIMON WRIGHT

mucho tiempo para experimentar. Y Steve Sears, el productor, me hizo sentirme muy cómodo probando cosas con las que me sentía inseguro, como las melodías y las armonías. Y cuanto más lo hacía, más bien me sentía”.

SkiTh, y todo eso se refleja en el sonido de Krokodil, pero de una manera muy natural. Creo que fluye muy bien”. Una de las cosas que mola del disco es que no puedes ponerle una sola etiqueta. SIMON “Sí, pero fue accidental por la manera en la que fuimos trabajando los temas. Cada uno cogía una idea de otro y le añadía algo, cambiaba otra cosa y así se iban construyendo. El enfoque fue distinto al de una banda que se junta y va ensayando hasta encontrar un sonido y se pone a componer. Creo que eso jugó a nuestro favor. A mí me gusta que cada canción sea distinta a la siguiente, aunque todas suenen a Krokodil. Y también nos da muchas nuevas posibilidades cuando hagamos el próximo disco”. 106

LAGS “Como decía Simon, hubo mucha experimentación. Todo el mundo componía sobre algo que otra persona había compuesto, así que era como ir poniendo ladrillos y luego venía Simon y ponía los muebles. Era como construir la casa de los riffs”. SIMON “¡La casa de los riffs! Me gusta eso (risas)”. LAGS “Hubo momentos en los que recibías una idea que pensabas que no funcionaba, pero luego cuando lo juntabas todo te dabas cuenta de que sí”. SIMON “Como cantante estoy acostumbrado a tener que grabar con muy poco tiempo porque los otros siempre se toman más tiempo del debido y la semana que tenías de estudio para hacer las voces se convierte en dos o tres días... Pero en esta ocasión tuve

Así que toda la composición se hizo sin estar en la misma sala. LAGS “Así es. Todo se hizo a través de email, mandándonos tablaturas, archivos de audio... Todo el mundo estaba demasiado liado como para encontrarnos. Era un poco como estar en el estudio tú solo. No fue nada parecido a lo que haya hecho antes. Por eso llevó tanto tiempo. En todo caso prueba que cuando hagamos algo todos juntos todavía puede ser mejor”. SIMON “Yo vivo lejos del resto, así que me enviaban los temas por email y yo trabaja las voces en mi casa. Pero de hecho, cuando fui al estudio a grabar con Steve todos estaban ahí, lo que moló mucho”. Una vez el disco estaba hecho, ¿pensasteis en autoeditarlo o de inmediato hubo interés por parte de las discográficas? ¿Qué expectativas teníais? LAGS “Bueno, Dan Carter...”. Conoce a todo el mundo.

LAGS “Eso es, conoce a todo el mundo (risas). Básicamente es la voz del rock en el Reino Unido. Si hay que abrir una puerta, él tiene la llave. Se puso en contacto con Spinefarm y además uno de los tipos que hace los fichajes había sido mánager de SikTh, así que sabía que éramos músicos competentes. Le enviamos maquetas y aunque tomó un gran riesgo al ficharnos, a juzgar por la repuesta que hemos tenido de la prensa y en general, no lo fue tanto”. SIMON “Creo que el hecho de que hubiera gente de Gallows o SikTh ya generaba interés de por sí y le daba credibilidad al proyecto. Creo que eso lo hacía una banda apetecible para Spinefarm porque ya había un trabajo hecho de base”. Pero obviamente necesitabais un gran disco porque de otra manera hubieseis parecido simplemente como un grupo con contactos y habría jugado en vuestra contra. LAGS “Claro. Por eso no queríamos que se vendiera como un supergrupo de metal, sino que queríamos que la música hablase por sí misma. Hay gente que dice que estamos en esta gira o en los festivales por nuestros contactos, y obviamente eso ayuda, pero te aseguro que Mastodon no nos llevarían de gira si pensaran que somos una mierda”. SIMON “Y además, detrás de esto hay muchos años de trabajo oscuro. Yo nunca he estado al nivel que Lags ha alcanzado con Gallows, pero te aseguro que he puesto la misma devoción y dinero por hacer música. Llevo muchos años viajando en una furgoneta, conduciendo horas hasta Londres para tocar ante diez personas,

que te paguen 15 libras, conducir de vuelta a casa, irte a dormir a las cuatro de la mañana y levantarte a las siete para ir a trabajar. He hecho eso muchas veces. Así que si alguien piensa que lo hemos tenido fácil, te aseguro que tengo la conciencia muy tranquila. Merecemos esto como el que más. Cualquier músico que trabaje duro lo merece, lo que pasa es que no todo el mundo tiene esta oportunidad”. Y la colaboración de Simon de Biffy Clyro en ‘Sun Riders’, ¿también fue cosa de Dan? LAGS “Simon había cantado en Grey Britain de Gallows. Pero sí, Dan le conoce bastante bien y cuando hablamos de tener una colaboración en el disco, nos pareció genial. Porque Simon no es de la escena metal, pero sabe mucho de música. Cuando Biffy Clyro empezaron estaban muy influenciados por Drive Like Jehu y bandas noise. Grabó su parte en directo en Glasgow. Vino, saludó a todo el mundo, cantó, clavó su parte a la primera y nos dejó a todos con la boca abierta”. SIMON “Fue tan majo y humilde... No paraba de darnos las gracias por haberle invitado. Con nuestra música siendo dura podríamos haber cogido a alguien de nuestro mundo, pero Simon tiene una voz tan reconocible que en esa canción en particular funcionaba a la perfección”. Obviamente el grupo también ha sido noticia cuando se descubrió que Vman era el nuevo bajista de Slipknot. ¿Os costó mucho mantener el secreto? LAGS “Lo siento muchísimo, pero no podemos hablar de ello”. SIMON “Lo que haga cada uno fuera

de Krokodil es cosa de cada uno. Lo siento (risas)”. ¿Y estáis contentos con la respuesta que habéis tenido ante el público de Mastodon? SIMON “Sí, ha sido genial. Cada noche vamos al puesto de camisetas para poder interactuar con la gente, es una buena manera de saber lo que piensan. Ayer en Madrid fue genial. Había gente cantando los temas. En Inglaterra la gente ya nos conocía por la prensa y los festivales, pero en Europa ha sido una grata sorpresa”. LAGS “Éste es un mensaje para la gente del Resurrection Fest. Queremos tocar allí en 2015 (risas)”. Si el grupo funciona realmente bien, ¿puede convertirse en la máxima prioridad para todos o lo veis como un proyecto paralelo? LAGS “Yo creo que ya se ha convertido en una prioridad. La mitad de Gallows viven en América, así que eso ralentiza mucho el proceso. James y Dan hicieron una gira de reunión con SikTh, pero todavía no saben qué harán el año que viene. Y Dan tiene la radio, pero ahora ésta es su única banda”. SIMON “Creo que todos encontraremos el tiempo para hacer esto y a la vez, combinarlo con otras cosas. Pero ahora es la prioridad, no un proyecto paralelo”. LAGS “Para mí un proyecto es un proyecto. No pienso en qué prioridad tiene. Le dedico el mismo amor que le pongo a cualquier cosa que hago”.

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DISCO DEL MES

Hidden Evolution (CENTURY MEDIA) THRASH METAL

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an pasado cinco años desde que Angelus Apatrida dieran un impulso a la autoestima de la escena metal estatal gracias a su fichaje por Century Media. Por una vez parecía que íbamos a tener una banda de aquí que podría luchar en igualdad de oportunidades con las del resto de países europeos que nos llevan varias décadas de ventaja. Pero si el apoyo de un sello importante es una gran ocasión, en ningún caso te sitúa en la casilla de llegada, sino en la de salida. Todos aquellos grupos que imaginan que una vez consigues un contrato a nivel

ANGELUS APATRIDA

internacional ya tienes todo el trabajo hecho, deberían fijarse bien en todo el currazo que se ha pegado el cuarteto albaceteño. O estás dispuesto a picar piedra o más vale que te quedes en casa. Sólo Guillermo, David, José y Víctor saben los sacrificios que han tenido que hacer, las horas que han dejado de dormir y la basura que han tenido que comer para poder girar repetidamente por Europa con bandas como 3 Inches Of Blood, Goatwhore, Savage Messiah o Havok o para poder irse a Japón con Rotting Christ. Y todo eso sin descuidar al público de aquí, cuyo apoyo es fundamental

para que te tomen en serio fuera. A ojos de la industria es imprescindible que seas profeta en tu tierra y eso sólo se consigue viviendo en la carretera y dejándote los huevos en cada concierto. Y naturalmente, grabando grandes discos. Después de Clockwork y The Call, Angelus Apatrida vuelven a conseguirlo con Hidden Evolution. Ignoro si la reedición de sus dos primeros trabajos Evil Unleashed/Give ‘Em War y la gira posterior habrá tenido su influencia, pero en cierta manera Hidden Evolution es un resumen de todo lo que son Angelus Apatrida, desde el thrash desbocado de sus

inicios a las recientes incursiones más melódicas, con la ventaja de que ahora son mucho mejores compositores. Ni un uno solo de los diez temas que aquí presentan flojea, y en varios casos se sitúan entre lo mejor que jamás han parido, como por ejemplo el tema titular que cierra el disco con 9 minutos antológicos y un interludio neoclásico o ‘Wanderers Forever’, destinado a ser un nuevo himno en directo gracias a un estribillo redondo. El grupo no ha necesitado mirar lo que hacen otros, ni incorporar elementos forzados para sonar distintos, sino que ha tenido suficiente con sacar lo que tienen dentro y articularlo aún mejor para hacer un enorme trabajo. Ponerse de nuevo en las

pero presenta un serpenteante estribillo que se te queda clavado a la primera. El doble bombo de nuevo saca humo en ‘Architects’ con un Guillermo cantando con gran expresividad, sonando a ratos como Dave Mustaine y en otros como Tom Araya. El despliegue de técnica y rabia en los 6 minutos de ‘Tug Of War’ te dejan planchado y en él cabe destacar un gran solo de guitarra, otro de los aspectos que siempre han cuidado mucho y en el que siguen creciendo como demuestra el del primer single ‘End Man’. Y quizá por ello hayan invitado al exArch Enemy Chris Amott para que se luzca en ‘Speed Of Light’ que, junto a ‘Serpents On Parade’, son otros dos torpedos directos al centro de la diana

“un resumen de todo lo que son, desde el thrash desbocado de sus inicios a las recientes incursiones más melódicas” manos de Daniel Cardoso (Anathema, Anneke) ha sido todo un acierto, pues el productor portugués ya sabe perfectamente cómo hacerles sonar de muerte. Cada instrumento suena con claridad y se distingue perfectamente, y al mismo tiempo, refleja toda la energía que tienen estos tipos tocando haciendo de Hidden Evolution un auténtico festival para los amantes del headbanging. Así lo deja claro la potentísima ‘Immortal’ que a partir de ahora rivaliza con ‘You’re Next’ y ‘Blast Off’ como su mejor apertura de disco. ‘First World Of Terror’ prosigue la senda de la velocidad

de un álbum sin fisuras. Siguiendo su tradición de hacer letras con contenido social, Guillermo Izquierdo aborda aquí el tema de las teorías conspirativas y los abusos de las fuerzas ocultas que mueven los hilos en el mundo. Como si hubiese previsto la reciente aprobación de la impresentable Ley Mordaza y el constante recortes de derechos civiles en ‘Immortal’ canta “la sombra del dictador permanece inmortal”, pero si algo hay que celebrar es que en Hidden Evolution la voz de Angelus Apatrida suena más alta y clara que nunca. JORDI MEYA

cr í t ica s

AC/DC

Rock Or Bust (COLUMBIA) ROCK’N’ROLL

n circunstancias normales la salida a la calle de un nuevo plástico de AC/DC debería ser motivo más que suficiente de celebración. Sin embargo, en esta ocasión todo lo que ha rodeado al lanzamiento del decimoquinto trabajo de los australianos parece haber dejado al propio álbum en un segundo plano. Primero fue la noticia de que Malcolm Young, figura fundamental dentro de la dinámica de la banda y verdadero genio a la sombra de su hermano Angus, abandonaba el grupo debido a que se le había diagnosticado demencia. Un palo durísimo que vino acompañado de otra salida

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por parte del batería Phil Rudd, tras ser detenido por, supuestamente, haber planeado un asesinato y estar en posesión de drogas varias. Una situación que ha dejado en cuadro a uno de los combos más míticos que haya dado la historia del rock ante una futura gira mundial (presumiblemente la última) que se presenta como un final de carrera injusto para unos gigantes como ellos. Rock Or Bust es por tanto un álbum menor dentro de su discografía. Menos inspirado que su anterior Black Ice, pero que aún mantiene ese sello que les hace totalmente reconocibles. Tirando de sus raíces más blueseras, son capaces de dar con piezas llenas de groove (‘Rock Or Bust’), ideales para animar una fiesta (‘Rock The Blues Away’, ‘Got Some Rock & Roll Thunder’) e incluso algún balazo más que digno, caso de la zeppeliana ‘Rock The House’ y la contundente ‘Baptisim By Fire’. Y es que, por mucho que falten dos piezas esenciales, por suerte el ADN de AC/DC resulta tan inamovible como para seguir ofreciendo lo mismo de siempre. GONZALO PUEBLA

MOURN Mourn (SONES) INDIE ROCK

uede que en la vida la experiencia sea un grado, pero en la música la juventud y un punto de inocencia también lo son. Con las edades de sus componentes comprendidas entre los 15 y 19 años, el debut de los barceloneses Mourn transmite justo la frescura de alguien que graba unas canciones por primera vez sin importarle que sus influencias salten a la vista o que su nivel técnico no vaya más allá del que estas composiciones requieren. En temas absolutamente deliciosos como ‘Your Brain Is Made Of Candy’,

‘Dark Issues’ u ‘Otitis’, Mourn consiguen enredar melodías oscuras con una base instrumental cruda y pequeños punteos simples servidos con mucho gusto, mientras que en otros como ‘You Don’t Know Me’ o ‘Jack’ se inclinan más hacia el descaro punk. Seguramente, que el que Leia y Jazz sean las hijas de Ramón Rodríguez (The New Raemon) les haya animado a llevar su amor por la música fuera del local de ensayo más precozmente que a otros, pero este dato debería constar simplemente como una curiosidad en su historial, porque lo que importa es que esta decena de canciones recordarán al oyente más veterano aquella excitación de cuando escuchó a PJ Harvey, Throwing Muses o The Breeders por primera vez y llevarán al más joven a sentir que, por mucho que se diga, para su generación sigue siendo válido expresarse con un par de guitarras, un bajo y una batería. De las sorpresas más agradables que nos dejó el finiquitado 2014. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

RAISED FIST From The North (EPITAPH)

HARDCORE

ue yo recuerde, en mi vida he puesto un pie por voluntad propia en un gimnasio. El caso es que nunca he llegado a comprender cómo la gente puede ir a ponerse en forma mientras de fondo suenan las aburridas sintonías habituales de Los 40 y demás. Más que espabilar, me quedaría sobado intentando levantar pesas. Si por mi fuese, todos los gimnasios tendrían que tener sonando a toda pastilla a grupos como Raised Fist. No se me ocurre una música más enérgica con la que quemar adrenalina. Porque por mucho que hayan querido evolucionar en sus últimos trabajos, la propuesta de los suecos sigue apostando por la intensidad más borrica, ni aunque bajen un pelín las revoluciones. Poco importa que vayan a por todas como en ‘Sanctions’, ‘In Circles’ (un auténtico himno, señores) sin dar tregua, o prefieran ir por terrenos diferentes en medio tiempos como ‘We

Will Live Forever’ y ‘Ready To Defy’, donde se atreven incluso a meter algún fraseo rapeado antes de clavar otro estribillo de los de dejarse la voz. Sencillamente te pasan por encima. Quizás se aprecie una mayor intención de hacer las canciones más pegadizas y coreables, pero desde luego, teniendo a un tipo con un timbre de voz tan particular y cañero como el de Alexander Hagman, dudo mucho que alguien vaya a acusarles de haberse amariconado lo más mínimo. Y es que todo lo que deberías necesitar para cargarte las pilas es enchufarte discos como este From The North y salir a la calle a quemar calorías. Ni método Osmin ni hostias, Raised Fist a muerte. GONZALO PUEBLA

cr í ticas

THE SMASHING PUMPKINS

Monuments To An Elegy (MARTHA’S MUSIC/BMG)

ROCK ALTERNATIVO

pesar de ser conocido como un tipo dado a los excesos, y que este trabajo forme parte de su ambicioso proyecto Teargarden By Kaleidyscope, Billy Corgan se muestra de lo más comedido en el noveno álbum firmado por The Smashing Pumpkins. Y digo ‘firmado por’ a posta, porque después de una nueva desbandada en el grupo, esto vuelve a ser más que nunca el proyecto personal de Corgan, habiéndose quedado solo con el guitarrista Jeff Schroeder de los Pumpkins 2.0. Grabado mano a mano entre ellos dos y con la colaboración a las baterías de Tommy Lee de Mötley Crüe (¿Quién iba a decir que un día les veríamos trabajando juntos?), Monuments To An Elegy sorprende por su capacidad de concreción. Nueve temas en apenas 32 minutos que

NAPALM DEATH Apex Predator – Easy Meat (CENTURY MEDIA)

GRINDCORE

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ltimamente observo, no sin pena, que la marca Napalm Death ha ido devaluándose a un ritmo nada deseable. Que cada dos por tres estén tocando en tu ciudad no ayuda, mas si entre sus numerosas visitas hubo algunas bastante discretas. Pese a todo, el respeto hacia los padres del grindcore debe permanecer intacto, aunque ya no sean lo que eran. Y aquí los tenemos, tres años después de Utilitarian, volviendo a su cita con los estudios para brindar su decimosexta reprimenda a un sistema enfermo que parece

recuerdan la parte más pop de su discografía, incluidos su álbum en solitario y el de Zwan. Se hace casi extraño que en ningún momento Corgan se lance a por un desarrollo más épico o un solo salido de madre y siga estoicamente las reglas no escritas de la estrofa-estribilloestrofa. El concepto podría haber funcionado mejor de haber tenido mejores canciones, que también las hay, pero en general

todo suena excesivamente ligero, liviano… incluso intrascendente. Alternando guitarras rockeras con otras más limpias y envolviéndolas de teclados ochenteros, Corgan consigue que las melodías de ‘Dorian’ o ‘Monuments’ o el riff de ‘Anti-Hero’ te cosquilleen agradablemente el oído. Pero se quedan en eso, en simples cosquillas de un músico sin rumbo firme.

avanzar hacia una lógica cada vez más inhumana. Apex Predator – Easy Meat se inicia con su canción homónima, un tema de corte industrial y ominoso que va como anillo al dedo para relatar las atrocidades que se producen en todo el planeta. Tras él llega ‘Smash A Single Digit’, ahora sí, con toda la urgencia grind y crust estridente que esperamos. Entre la descomunal distorsión de ‘Metaphorically Screw You’ o ‘How The Years Condemn’ podemos encontrar un espíritu punk rock en sus estribillos –sí, los hay-, y por otro lado, ‘Stubborn Stains’ o

‘Cesspits’ aportan disonancias e influencias, ellos mismos lo reconocen, de Killing Joke, PiL o Swans. Pese a todo, las mayores sorpresas te las llevarás con ‘Dear Slum Landlord…’, con unos aires inclasificables entre circenses y gregorianos, y sobre todo con ‘Hierarchies’… ¡Un tema directamente melódico! Desde luego no estamos ante un Diatribes o Inside The Torn Apart, pero sí que es cierto que, pese a tortazos como ‘Bloodless Coup’ o ‘Stunt Your Growth’, Napalm han vuelto algo más ligeros de lo que estamos acostumbrados.

JORDI MEYA

PAU NAVARRA

MARMOZETS The Weird And Wonderful (ROADRUNNER)

POST HARDCORE, POP

a idea no es nueva. Ya hace unos cuantos años los también británicos Rolo Tomassi tuvieron la idea de mezclar post hardcore, mathcore y algunas melodías pop salidas de la boca de una cantante femenina. Aunque en su caso el éxito fue más de crítica que de público, y parece que ya nadie espera demasiado de ellos... En cambio, por el carril izquierdo los jóvenes Marmozets (formados de la suma de dos grupos de hermanos; tres Macintyre y dos Bottomley) les han adelantado con fuerza con un álbum de debut en el que presentan

una versión más accesible y redonda del mismo concepto. Obviamente en su potencial comercial juega un gran papel la voz y presencia de Becca Macintryre, quien provoca que Marmozets acaben sonando como el producto de un choque entre Paramore y The Dillinger Escape Plan. Puede que sobre el papel esa imagen horripile a unos cuantos, pero la realidad es que todo fluye mucho mejor de lo que pudiera parecer. Recomiendo empezar por ‘Cover Up’ para que os hagáis una idea de cómo suenan. Cada canción cuenta con su estribillo pegadizo (a destacar los de los singles ‘Move, Shake Hide’ y ‘Born Young And Free’), pero la gracia está en que hasta llegar a él te encuentras con ritmos quebradizos (‘Vibetech’), riffs intensos (‘Why Do You Hate Me?’) o ambientaciones a lo Deftones (‘Back To You’). Y aunque también hay algún tema algo genérico, sobre todo cuando se aproximan al indie (‘Love You Good’ es una fusilada de Arctic Monkeys), tienen todo lo necesario para hacer mucho ruido en 2015. DAVID GARCELL

cr í tica s

JOB FOR A COWBOY Sun Eater (METAL BLADE)

TECHNICAL DEATH METAL

enudo puntazo se han marcado Job For A Cowboy con Sun Eater, pues ahora hacen technical death metal. ¡Y qué death técnico, porque encima no han tirado hacia Origin o Nile, sino todo lo contrario! Basta con una escucha de ‘Eating The Visions Of God’ para comprobar hasta qué punto han cambiado. Con ‘Sun Of Nihility’, la verdad es que ya flipas. Retorcidas, certifican que el bajo jazzístico del Cephalic Carnage Nick Schendzielos será el protagonista de esta obra,

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pues desde luego está mucho más cerca de Obscura o Gorguts que de Suicide Silence o Carnifex. Parecen Cynic, debes recorrer hasta doce minutos para hallar el primer blast beat, pero ‘The Stone Cross’ tampoco es precisamente facilona… Tanta entrada y salida ha provocado esto, que con las últimas incorporaciones de Tony Sannicandro a la guitarra y el citado bajista su música haya ido virando hasta este punto. Eso sí, lo que no muta es Jonny Davy, brutal como siempre a las voces. Cuando parecía que se les estaba pasando el arroz a la hora de entrar en la liga del deathcore de éxito, van y se reinventan para dar carpetazo a un público que demasiadas veces se guía por motivaciones extramusicales. Con este disco los de Glendale se reivindican como artistas, mientras se la juegan con una escena que les es ajena y que todavía es más minoritaria. ‘The Synthetic Sea’, ‘The Celestial Antidote’ o ‘Encircled By Mirrors’ se salen. Qué huevazos. PAU NAVARRA

JULIAN CASABLANCAS + THE VOIDZ Tyranny (CULT)

ROCK

ulian Casablancas tiene que ser un tipo difícil. Por ser hijo de quien es, por una vida de excesos, internados y centros de rehabilitación, por haber tenido un éxito tan enorme siendo tan joven y los peligros para el ego que eso supone… Desde aquel fantástico Is This It, su carrera con los Strokes fue cayendo en picado, pero seguramente toda esa trayectoria es necesaria para entender este segundo disco propio. Un álbum complicado, confuso, inquietante, oscuro, denso... que necesita de

muchas escuchas para empezar a meterte en todo el angustiante caos sonoro que esconden canciones que giran sobre sí mismas, dando tumbos aquí y allá. Poco recuerda a los Strokes (quizás ‘Crunch Punch’ o ‘Human Sadness’), y seguramente lo más sorprendente son los ataques de violencia que desprenden canciones como ‘M.utually A.ssured D.estruction’ o ‘Where No Eagles Fly’, con episodios sónicos y vocales que remiten a Marilyn Manson o NIN a menor escala. Decía Casablancas en una entrevista que su intención era reflejar toda la locura que sucede en Estados Unidos y Occidente, refiriéndose no tanto a política, sino a moral, egoísmo e ignorancia. Y efectivamente, en música y letras hay mucho de locura, de crítica y de experimentación: esa especie de electrónica tribal de ‘Father Electricity’, la esquizofrénicamente agresiva ‘Business Dog’, la fúnebre ‘Off To War…’, la fantasmagórica ‘Xenox’… Extraño, difuso, pero interesante. IGNASI TRAPERO

MARIACHI EL BRONX III

(ATO/PIAS) MARIACHI

uando el guitarrista Joby J. Ford y el cantante Matt Caughthran empezaron a planear la grabación del tercer álbum del exitoso alter ego de The Bronx, ambos llegaron a la conclusión de que no les apetecía hacer otro disco más de música mariachi. Por eso decidieron quitarle el polvo a viejos secuenciadores y sintetizadores y romper con las ataduras y restricciones de la música tradicional mexicana. Pero si el objetivo era reinventar su sonido, lo han cumplido sólo a medias. Al menos para los oídos de

alguien como yo, que no es para nada un conocedor de la música mariachi, estas diez canciones no difieren tanto de lo que ya habían hecho en los dos discos anteriores, que en el fondo tampoco eran tan ortodoxos. En canciones como ‘Wildfires’, ‘Raise The Dead’ o ‘Everything Twice’ el protagonismo sigue recayendo en las guitarras acústicas, las joviales trompetas que asociamos a este estilo, y las melodías rancheras de Caughthran transitan por lo ya conocido. Aunque también es cierto que la intro de ‘Sticks And Stones’ o la ambientación de ‘Nothing’s Changed’ o ‘Eternal’ son algo nuevo y le dan un carácter más personal al álbum. Los miembros de The Bronx siempre han defendido que este proyecto no era un simple divertimento ni una broma, y desde esa óptica la evolución que presentan en III lo confirma. Pero lo más importante es que no se olviden de seguir escribiendo canciones tan lindas como las que hay aquí. JORDI MEYA

no será tu preferido pero tampoco te decepcionará. Siguiendo la línea de su anterior trabajo, Attila siguen mezclando grandes riffs con un despliegue increíble de registros vocales. Sí es verdad que al ser tan original, una vez que oyes lo mismo dos ATTILA veces, ya te parece que se Guilty Pleasure repite (al contrario de grupos (ARTERY) DEATHCORE con un cantante de un solo registro, que siempre te 60 parece que está bien), pero a fin de cuentas, es su estilo. ras los adelantos que la Los temas no están tan bien banda ha publicado, trabajados, son más lentos me imaginaba el y para mi gusto abusan del nuevo trabajo de estudio de breakdown facilón, pero Attila, Guilty Pleasure, como sigue siendo entretenido. un truño de proporciones Desafortunadamente, bajo monumentales. Una vez mi punto de vista, tiene más escuchado con detenimiento, puntos en su contra que a he de decir que tan malo su favor. La producción es no es. Mi primera impresión pésima, suena a digital, fue que no le llegaba ni a a disparado, falso, poco la suela de los zapatos a natural. Las letras son una su predecesor, About That exageración de lo que suele Life, pero tampoco es tan presentarnos Chris ‘Fonrz’ mal disco. Si para nada Fronzak, que en About That eres fan de la banda, se Life me parecía gracioso y te van a revolver las tripas relevante, y ahora me resulta aún más. Si nunca los has fuera de lugar y un cliché de escuchado antes, lo más sí mismo. Si Attila es tu rollo, seguro es que no lo vuelvas dale una oportunidad, si no... a hacer, pero si ya eres fan, FER DÍEZ

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críticas

BLACK VEIL BRIDES

Black Veil Brides (SPINEFARM)

HARD ROCK

o sé muy bien por qué, pero ya desde los días de Set The World On Fire ya les intuía que un día querrían llegar a donde han llegado en este cuarto álbum. Que el trabajo se llame como la propia banda refuerza esa teoría, además. Ese metalcore o, incluso screamo, de sus inicios ya es historia y todos los kilos de maquillaje que utilizaron hasta no hace tanto –y que tantas burlas y descalificaciones les ha causado- ya forman parte del pasado. Black Veil Brides siempre han querido ser una banda de rock con la vista puesta en la escena californiana de los 80 y ahí se están metiendo de cabeza. Ahora que cada uno decida si ése es un buen movimiento o no. Para empezar, Bob Rock, el hombre detrás de discos

VIVEN

El Solitario (AUTOEDITADO)

ROCK

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e tropecé con algunos de estos músicos cuando se llamaban Black Rose Road y pude verlos teloneando a ‘77 en la sala Apolo de Barcelona. Me gustaron tanto que allí mismo adquirí su álbum Feed The Circle y disfruté de esa colección de potentes piezas de poderoso rock noventero durante una buena temporada. Ahora los hermanos Martínez, Eloi, batería, y Ruben, cantante y guitarra, vuelven a la palestra con un nuevo proyecto, una nueva banda donde ahondan en sus influencias de una manera muchísimo más ambiciosa y perfeccionista.

como Dr. Feelgood de Mötley Crüe o el Black Album de Metallica, ha sido el hombre encargado de guiar los pasos de la banda. Toda una declaración de intenciones. A partir de ese punto de partida lo que encontramos a lo largo de álbum es un más que apañado artilugio de hard & heavy porque, por mucho que pueda doler, Black Veil Brides saben escribir buenos temas con gancho. ‘Devil In Mirror’, el single ‘Heart Of

Fire’, la hard rockera hasta morir ‘Last Rites’ o la balada ‘Goodbye Agony’ son ejemplos de por qué Black Veil Brides están donde están, en vez de los miles de grupos que intentan hacer lo mismo. Un disco que escuchado sin prejuicios seguramente podrá sorprender a más de uno. Llevan camino de reencarnarse en una nueva banda y así habría que valorarlos.

Ésta es una grabación para disfrutarla dándole el tiempo necesario, la riqueza tanto lírica como musical es tan apabullante que necesitas de audiciones para tratar de asimilar un concepto sonoro donde todo cabe y todo encaja a la perfección. Nos cuentan una historia conceptual en unos textos curradísimos que se introducen en los sentimientos de ira y venganza de un guerrero indio, único superviviente de una aldea arrasada por el hombre blanco. Ésa es la trama, y le ponen una banda sonora que continúa bebiendo de las fuentes del poderoso hard pétreo y

corrosivo que tanto éxito tuvo en los 90. Si concretáramos más, seguramente Soundgarden serían una buena comparación. Pero no me entendáis mal: estos catalanes, ayudados por la sapiencia en los controles de los hermanos Garcia de los Estudios Ultramarinos, tienen además de talento, personalidad. Grandísimo disco, una obra de gran calado que debería de ser escuchada por todos aquellos que todavía añoran los tiempos en que Alice In Chains, Soundgarden o Kyuss lanzaban una obra maestra detrás de otra.

RICHARD ROYUELA

ANDRÉS MARTÍNEZ

AVERSIONS CROWN Tyrant

(NUCLEAR BLAST)

DEATHCORE

e encanta cuando las bandas extremas de death metal o deathcore, con una clara tendencia musical, se centran más en su universo que en el ABC del propio estilo, el check list que la mayoría de grupos suelen seguir. Empezar con gutural… check, tres breakdwons por tema… check, ya me entendéis. Y así, esta banda de Melbourne, que presenta se segundo trabajo de estudio, Tyrant, el cual estrenan en su nueva casa, Nuclear Blast, me tiene desconcertado. Son un grupo de deathcore de temática espacial -en auge en los últimos años- que sin llegar a ser tan técnica como

Rings Of Saturn, derrocha calidad y emana mosh pit por los cuatro costados. Plagados de secciones ambientales oscuras, de blast beats imposibles, de guturales muy variados aunque generalmente centrados en un pitch grave, la banda consigue darle un toque humano al estilo que practican, menos exacto y mecanizado y con más sentimiento. ¿Qué me tiene desconcertado? El hecho de que usen el mismo breakdown una y otra vez. Si cortaran a la mitad el uso de este recurso, poco me quedaría por decir negativamente sobre su nuevo LP, aunque bueno, a fin de cuentas son un grupo de deathcore. Al final del día, Tyrant es un disco muy completo, entretenido y un soplo de aire fresco a la escena deathcore australiana, escena que parece sentar las bases de este estilo de música en el resto del mundo. No dejes de escuchar los cuatro primeros temas, ‘Hollow Planet’, ‘The Glass Sentient’, ‘Conqueror’ y ‘Vectors’. Cuatro mazazos en la cara que acaparan lo mejor del álbum. FER DÍEZ

cr í ticas

ENTER SHIKARI The Mindsweep (AMBUSH REALITY/PIAS)

METALCORE, ROCK ALTERNATIVO

asados tres años desde el lanzamiento de A Flash Flood Of Colour, iba siendo hora de que la inseparable cuadrilla de Hertfordshire reapareciera con una continuación. Nuevamente de la mano de su productor, Dan Weller (Gallows, Young Guns, Rise To Remain...), con el que empezaron para Common Dreads y siguen a día de hoy, algo diferentes en cada trabajo sin salirse demasiado del papel, siempre en ese crossover de metal, electrónica, hardcore y hip hop. Para esta ocasión apreciaremos un pequeño atisbo de madurez, donde los registros de su cantante, Rou Reynolds, tendrán un cambio notable a la hora de mezclar el gritar, y suavizando en muchas ocasiones el tono, más de lo habitual, como en ‘Never Let

TOUNDRA IV

(CENTURY MEDIA/SUPERBALL)

ROCK INSTRUMENTAL

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egún comentan los propios Toundra, este cuarto disco les ha resultado sorprendentemente sencillo de llevar a cabo... Algo que no deja de ser asombroso, teniendo en cuenta que desde la salida de (III), la banda madrileña había cambiado una de sus cuartas partes (Victor GarcíaTapia abandonó el barco para que entrase Macón de Adrift y El Páramo) y encima había dado el salto a un sello internacional del nivel de Century Media. ¿Demasiada presión? No para ellos. Estos chicos están ya más que acostumbrados a superar (y a superarse) todo tipo de

Go Of The Microscope’, ‘The Bank Of England’ o en la sorprendente balada a piano, ‘Dear Future Historians...’. Se puede decir que el disco se mueve en la línea de su primer trabajo, Take To The Skies, consiguiendo ser tan melódico en la voz, con potentes estribillos; usando la electrónica en su justa medida, sin abusar del dubstep, dando mucho más protagonismo a los riffs y

punteos de guitarra. Hay que destacar canciones como ‘The One True Colour’, el pegadizo y bailable single de adelanto ‘The Last Garrison’, o ‘Myopia’, con un principio a lo Radiohead hasta que es interrumpido por unos ensañados riffs metaleros. Un nuevo trabajo que cuando esté más reposado, veremos si llega a considerarse una madurez del ‘sonido Shikari’.

adversidades. Escuchando IV no cabe duda de que han vuelto a parir otro disco que no conoce de etiquetas. Si bien no supone un salto cualitativo tan grande como el que venían dando con cada nueva referencia, hay que indicar que esta vez el conjunto ha sabido darle una inteligente vuelta de tuerca a su sonido. Tampoco esperen un giro radical, pues desde el armonioso inicio de ‘Strelka’ queda bien claro a quién estamos escuchando. Pero se aprecia que esta vez han querido enrevesar todo un poco más y no ponérselo tan fácil al oyente. En ‘Qarqom’ sus clásicas subidas y

bajadas son más apabullantes si cabe, siempre con la intensidad como bandera, o en la oscura ‘Kitsune’, un corte de aire casi fúnebre. Algo que contrasta con la belleza que desprenden ‘Belenos’ y una acústica ‘Viesca’ que acaba mostrando su lado más sinfónico en todo su esplendor, para que finalmente en ‘Oro Rojo’ vuelvan a acaricionarnos con esas guitarras cristalinas. Por último, no quisiera dejar de mencionar la magistral labor de Santi Garcia en los controles. Un verdadero pasote que merece ser mundialmente descubierto.

ALEJANDRO LOZANO

GONZALO PUEBLA

YELLOWCARD Lift A Sail (RAZOR & TIE)

ROCK ALTERNATIVO

uando pensaba que los chicos de Yellowcard ya no me podían decir nada nuevo, Ryan Key y compañía se han sacado de la chistera un gran disco de rock. El punk pop saltarín de sus primeros discos asoma en algunos momentos, los menos, y dosifican mejor el violín del bueno de Sean Mackin. ¿Será por eso que han abandonado Hopeless Records? ¿Será por eso que me gusta tanto Lift A Sail? La pieza inicial, la instrumental ‘Convocation’, me atrapó cual canto de sirena. Igual que la rotunda ‘Transmission Home’, con una batería atronadora

y una épica bucanera sin igual. Con estos dos cortes y ‘Crash The Gates’ tenemos su mejor comienzo desde Ocean Avenue, y de eso ya hace más de once años. Como el barco que ocupa la portada, los de Jacksonville afincados desde el 2000 en California han izado velas después de un hiato que pintaba muy mal, un disco de retorno más bien flojo como Southern Air y, sobre todo, la baja de su carismático batería y cofundador de la banda Longineu Parson III. El hueco detrás de los parches ha sido cubierto a la perfección por Nate Young de Anberlin en el disco, y por Tucker Rule -hasta nuevo aviso- para la gira de presentación. Con temas como ‘One Bedroom’, que me recuerda a los popularísimos The AllAmerican Rejects, estribillos como ‘Illuminate’ y la aguerrida ‘My Mountain’, llegarán lejos. ¡Ah! Mención especial para la pieza semiacústica titulada ‘Madrid’, que juraría fue escrita en un momento de bajón durante su última visita a nuestro país. LUIS BENAVIDES

FUGAZI

First Demo (DISCHORD)

POST HARDCORE

s escuchar la línea de bajo de ‘Waiting Room’ que abre la reedición de su primera maqueta y pensar que de las cosas que más me alegro en esta vida es de haber podido ver a Fugazi en directo. Grabadas en enero de 1988, cuando apenas llevaban un año tocando juntos y sólo habían dado una decena de bolos, estas once canciones nos permiten ser testigos de la construcción de la que se considera una de las mejores bandas punk de todos los tiempos. Naturalmente sus componentes no eran

unos novatos y ya se habían curtido de sobras en Minor Threat, Rites Of Spring o Embrace, pero aun así resulta entrañable escuchar cómo incluso un perfeccionista nato como Ian MacKaye podía cagarla. La mayoría de temas pudimos disfrutarlos en mejor forma entre sus dos primeros EPs, su debut Repeater y el acompañante 3 Songs, pero la crudeza con la que aquí suenan te hace sentir casi que estás en el local con ellos. Significativos son el papel muy secundario que todavía tenía Guy Picciotto (sólo toma la voz principal en la furiosa ‘Break-In’) y la total apertura de mente que tenían desde el principio para reformular el hardcore tal y como se entendía, como prueba sus jugueteos con el funk en ‘Turn Off Your Guns’ (el único tema totalmente inédito hasta ahora), y el tratamiento rítmico de las guitarras y de las voces, totalmente alejado de los patrones que se le presuponen a una banda hardcore. Marcando escuela. JORDI MEYA

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cr í ticas

DAMIEN RICE

My Favourite Faded Fantasy (WARNER)

INDIE FOLK

cho años más tarde, Damien Rice ha roto el silencio. Después del corte seco que hizo con su carrera musical, respecto la cual cambió su relación con la música, vuelve a robar las palabras de quien escucha sus piezas. Así pues, ningún tiempo ha sido demasiado para My Favourite Faded Fantasy, un disco en el que seguimos reconociendo al Rice de ‘9 Crimes’ pero que consigue sorprendernos con lo nunca esperado. Y es que estos ocho años han dado para ocho temas llenos de serenidad que cantan a un pasado sufrido pero combatido. A diferencia de 9 (2006) u O (2002), queda diluido el rastro de la fuerza de una voz que disfruta haciéndose escuchar mientras se acompaña de un rasgueo de guitarra que aviva esa emoción a que

N GNARWOLVES Gnarwolves (BIG SCARY MONSTERS)

PUNK POP

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i en sus mejores sueños los Gnarwolves compartían escenario con Blink-182 y despertaban tanto interés en la prensa especializada de su país. Todo ha ido tan rápido, que no me extrañaría que estos avezados skaters sientan vértigo de vez en cuando. Está claro que estos tres amigos de Brighton han caído en gracia. Sus tres primeros EPs, repletos de momentos inspirados, tienen algo que ver. En Fun Club, CRU y Funemployed se entregan, con el mismo atrevimiento

no puedes no acogerte. Si bien los altibajos melódicos cálidos como ‘Cannonball’ han sido representativos de su merecida añoranza, nos reencontramos con un gesto de madurez que consiste en acercarse a través de ritmos pausados que reflejan la distancia crítica que necesitó en su fructífero estado de recogimiento. Con letras donde aflora el reproche de lo ya sido, se hace cargo del cambio

consiguiendo la fragilidad que ya nos es familiar con la sutil transformación de un registro de voz más lineal que en ‘Long Long Way’ se desvanece en susurro. Con joyas como ‘I Don’t Want Change To You’ aprendemos una lección sobre el tiempo que nos señala que el valor de lo artístico no se mide por el triunfo de la visibilidad, sino por su capacidad de dejar huella cuando desaparece.

que sobre sus tablas, al punk pop moderno pero con una especial habilidad para inyectar emoción y autenticidad. Como un Dookie en clave Pinkerton. Si pensáis que exagero, escuchad primero los ’Limerance’ y ‘Comunnity, Stability, Identity’. Y hasta aquí las florecitas, porque su primer largo no mejora la suma de esas tres referencias previas, recogidas en la compilación Chronicles Of Gnarnia, publicada a principios de año. Su disco homónimo está mejor que bien, con unas letras que huyen de los

topicazos del género, pero mucho me temo que han estado demasiado ocupados girando, tocando en festivales y, sobre todo, patinando con sus amigotes. Lo puedes escuchar del delante y del revés, varias veces, pero no encontrarás temas como los citados, ‘History Is Bunk’ o mi favorita ‘Melody Has Big Plans’. Conste en acta, para ser justos, que están cerca en ‘Boneyard’, ‘Prove It’ o ‘Bottle To Bottle’. Un disco nada despreciable, pero Gnarwolves no pueden tirar de trucos de principiantes.

ANDREA GENOVART

LUIS BENAVIDES

TINDERSTICKS Ypres

(CITY SLANG)

POP BARROCO

indersticks nunca han sido alegres, aunque sus melancólicas melodías y la incomparable voz de Stuart Staples siempre han desprendido gran belleza. Pero este disco instrumental te deja sensación de desolación. La explicación es sencilla: a finales de 2011, el museo In Flanders Fields de la localidad belga de Ypres encargó a la banda inglesa sonorizar la exposición sobre el centenario de la Primera Guerra Mundial. Ypres fue epicentro del frente occidental de la Gran Guerra, acabó completamente destruida, y

cientos de miles de personas murieron en cruentas batallas en esa zona. Y las seis composiciones de Tindersticks para esta exposición consiguen trasladarte a ese mundo de horror, dolor e incomprensión. Tras visitar la localidad belga y comprobar sensaciones y sonoridades del lugar, la banda de Stuart Staples grabó los temas orquestados en la iglesia de Crouch End, Londres, bajo la tutela de la colaboradora habitual Lucy Wilkins, antes de ultimarlos en los estudios franceses Le Chien Chanceux. El resultado es una banda sonora instrumental sombría, lúgubre y atmosférica, que parece flotar en un ambiente angustioso, desconsolado y de aterrador silencio post barbarie. Música de acompañamiento para ornamentar, casi sin que te des cuenta, las imágenes e historias que se explican en dicha exposición, y llevarte de manera casi mágica las emociones que debieron vivir los que sufrieron ese lamentable episodio (uno más) de la historia de la inhumana humanidad. IGNASI TRAPERO

KERBDOG

Congregation 2014 (GRAPHITE)

ROCK ALTERNATIVO

erbdog se han despedido de los escenarios hasta dos veces, y todos sus regresos han despertado un fervor casi religioso. El último tuvo lugar el pasado mes de noviembre, dos años después de su última aparición en público, y en cada una de las nueve fechas colgaron el cartel de ‘no hay entradas’. Para que os hagáis una idea de la magnitud de la leyenda, Amplifier y Jamie Lenman (exReuben) abrieron para ellos en Londres. Presentan Congregation 2014, un directo grabado en su penúltima gira de reunión que suena a recopilatorio póstumo. Porque no falta

ningún temazo de sus dos discos y al sonido le falta poco para ser de estudio. Desde la Península puede sorprender tanta devoción por una banda con una trayectoria breve y, sobre todo, intermitente. Eran una máquina de hacer hits: ’Mexican Wave’, ‘Sally’, ‘Rewind’, ‘Earthworks’, ‘JJ’s Song’… Y siguen teniendo buena mano, como demuestra el tema inédito que cierra el disco, ‘Electricity’. Pudieron grabarlos con los mejores con la ayuda de unas multinacionales que entonces, a mediados de los 90, fichaban con más alegría. En los créditos de su debut homónimo y On The Turn encontramos celebrities del sonido como Jack Endino (Mudhoney, Nirvana), Gggarth (Rage Against The Machine) o Joe Barresi (Melvins, Queens Of The Stone Age). Sin miserias, que la casa es grande. Por si te pica la curiosidad, añadiré que Kerbdog practican (o practicaban) un heavy pop, como unos Helmet versionando Hüsker Dü, con unos estribillos cargados de angustia y tintes metálicos. LUIS BENAVIDES

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cr í ticas

THURSTON MOORE

The Best Day (MATADOR)

ROCK

l divorcio de Thurston Moore y Kim Gordon supuso el final de una de las bandas más grandes que haya dado el rock alternativo de este planeta y de las galaxias vecinas: en un mundo convulso, confuso y obtuso, Sonic Youth fueron la perfecta banda sonora que enlazaba el ruido externo de sus composiciones con el caótico e infernal ruido interno de cualquiera de nosotros, atrapados en la jungla cotidiana de lo absurdo. Y si ya de paso incomodaba y hacía sangrar los tímpanos de la acomodada masa, mejor

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que mejor. En los últimos tiempos, Thurston ha estado involucrado en varios proyectos, como Chelsea Light Moving o los black metaleros Twilight, y también en este cuarto disco bajo su nombre, acompañado por el también Sonic Youth Steve Shelley a la batería, además del guitarra James Sedwards (Nought) y de la bajista de My Bloody Valentine Deb Googe (también hace un cameo Steve Dore a la batería en la canción ‘Detonation’). Aunque las fotos familiares del libreto podrían generar cierta sensación de nostalgia, Moore asegura que el disco es un alegato optimista, y quizás todo sea fruto de su nueva vida londinense. Así como en anteriores trabajos en solitario se respiraba una cierta quietud o intimismo, lo cierto es que musicalmente The Best Day podría ser otro disco de Sonic Youth: guitarras escupiendo notas cacofónicas, distorsión, ritmos hipnóticos, desarrollos instrumentales, y la extraña y sublime belleza de ese caos sonoro tan marca de la casa. IGNASI TRAPERO

MOGWAI

Music Industry 3 Fitness Industry 1 (ROCK ACTION/PIAS)

POST ROCK

n mi barrio existía una librería moderna que hacía las delicias de todos los hipsters que acudían. Un día entré para ver una expo de fotos, hojear libros de graffitis y manosear los artículos de diseño que vendían. Entonces el dueño puso de fondo una música instrumental e hipnótica; le pregunté y me dijo que se trataba del último disco de Mogwai. Han pasado muchos años, la librería cerró, pero Mogwai siguen creando música, así que tenía ganas

de poder escribir sobre el quinteto de Glasgow. Aunque este CD no dé mucho de sí (se trata de un EP de seis canciones y tres de ellas son remezclas de otros temas incluidos en su anterior Rave Tapes), no podía dejar pasar la ocasión... Además, sólo por el ingenioso título y por una composición excelsa como ‘Teenage Exorcists’ (la única con voces), ya vale la pena. La segunda canción, ‘History Day’, está guiada por un ritmo cadencioso y unas guitarras casi acústicas, con lo que las potentes notas de piano y el toque electrónico contrastan más. En ‘HMP Shaun Wiliam Ryder’ nos ofrecen un buen corte de post rock contenido que no explosiona hasta el final, pero lo dan por finiquitado bajando progresivamente el volumen. De las remezclas podría comentar que tampoco es que desentonen mucho con el tono musical que desempeñan Mogwai, aunque prefiero las formas de Pye Corner que el abuso del piano que hace Nils Frahm. JORDI FORÉS

CRISTOBAL AND THE SEA Peach Bells

(CITY SLANG/MUSIC AS USUAL) ETHNIC FOLK

ay grupos que te desconciertan al escucharlos por primera vez. Es entonces cuando, al decidir poner la oreja varias veces para captar de qué se trata exactamente, pueden suceder dos cosas: o los das por un ruido imposible de ser clasificado a causa de un pasotismo irreparable que intenta hacerse valer por música alternativa, o te quitas el sombrero porque se han ganado el primer puesto de algo que nunca habías escuchado antes y que, por lo tanto, no podías reconocer. Esto último pasa con Peach Bells; al principio algo

indefinible, no únicamente por el género que presentan, sino en la singularidad que reside en cada tema. A medida que uno se familiariza con los de Londres, la música de éstos va adquiriendo una forma folklórica a la vez que étnica lo suficiente melódica para identificarla con un estilo pop que te gana. Y es que la experimentación es constante, y su fruto tan conseguido, que acabas por reconocerles esa admiración por aquellos que transforman en agradable lo que en tu prejuicio no lo era. Es así como Cristobal And The Sea se alejan de la ola indie nórdica de ritmos lentos suspendidos introduciendo tonos alegres caribeños sin convertir sus canciones en festivas, manteniendo la intimidad mística creada por la primera tendencia. Con el trasfondo de coros indisociables de la asonancia de la percusión, te incorporan a su experiencia algo psicótica, posible por un moldeado complejo pero muy bien logrado. Quien no arriesga no gana, y por atreverse tanto, el resultado del grupo es aún más valioso. ANDREA GENOVART

SPOON

They Want My Soul (ANTI) ROCK

ras su anterior disco Transference (2010), los americanos Spoon decidieron tomarse una pausa para airearse y centrarse en otros proyectos paralelos. El cantante Britt Daniel formó Divine Fits, el batería Jim Eno se centró en tareas de producción de otras bandas, Robe Pope volvió a girar con The Get Up Kids, y Eric Harvey se centró en su disco en solitario. Tras este parón de cuatro años, los tejanos volvieron con fuerzas renovadas y en enero de 2014 empezaron a grabar junto al Mercury Rev y archisolicitado Dave Fridmann. Y parece que el Kit Kat les sentó bien, porque

este octavo álbum de su trayectoria suena fresco y fluido. No esperéis nada nuevo, pero sí lo que ya llevan años demostrando que saben hacer a buen nivel: indie rock que suena clásico sin serlo (¿O quizás ya sí?), y buenas canciones que no necesitan ser hits inmediatos para engancharse a ti, sino que se cuecen a fuego medio para hacerse un hueco en tu estantería de discos que aprueban con buena nota. ‘They Want My Soul’, ‘Do You’ o la stoniana ‘Rent I Pay’ son buena prueba de ello. La voz de Daniel está cada vez más a medio camino de un Bobby Gillespie y un Gustaf Norén (en ‘Rainy Taxi’ llegué a dudar si era él). La principal novedad en el sonido y en la alineación del grupo es la inclusión de los teclados de Alex Fischel, también miembro de Divine Fits. Y también tienen tiempo para versionar el clásico de los 60 ‘I Just Don’t Understand’ de Ann-Margret (y que posteriormente también tocaron los Beatles). Vale la pena meterle cucharada… IGNASI TRAPERO 123

cr í t i cas

THANATOS

Global Purification (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL, THRASH METAL

hanatos son el enésimo ejemplo, nunca el último, de grupo que no se comió un torrado cuando le tocó, en los 80 y 90, y que se reformó en el nuevo siglo para volver, sin imaginarlo, con el estatus de banda de culto. Con sólo el guitarrista y cantante Stephan Gebédi como único superviviente de la formación original, son cuatro ya los álbumes que los holandeses han conseguido publicar desde que éste retomara el pulso al combo en 1999, aunque hayan pasado cinco años desde el anterior Justified Genocide. En Global Purification, gracias al Señor, no vamos a encontrar ninguna revolución, y lo único que escuchamos son trallazos que van a degüello. En ‘Nothing Left’ hay un momento en que Stephan arquea una ceja, titubea, se

SOUNDGARDEN Echo Of Miles: Scattered Tracks Across The Path (A&M)

ROCK, GRUNGE

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i algo bueno nos ha dejado la reunión de Soundgarden, aparte de la oportunidad de volver a disfrutarlos en directo y la publicación de un álbum como King Animal, ha sido el ver cómo han saldado cuentas con su catálogo. Justamente este pasado año salió una lujosa reedición de su obra capital, Superunknown, y ahora nos llega otro de los objetos más demandados por los fans: la ansiada caja de rarezas, versiones y caras B que tanto tiempo llevábamos esperando. Más de tres horas de material separado sabiamente en tres diferentes

gira hacia su banda y dice ‘chicos, no más’. El resto, casos de la fornida ‘Feeding The War Machine’, ‘Blood Will Be Spilled’, ‘Queen Of Gore’, ‘World Jihad’ o la algo más meditada ‘The Demonized Minority’, zarpazos de entre tres y cuatro minutos con poca previsión de mostrar piedad, con la batería de Yuri Rinkel casi siempre disparada. Para qué más… Si un álbum

death thrash parte de la base de que somos todos una puta mierda y nos vamos al carajo, lo concreta en 38 minutos y encima logra dirigir toda su furia hacia algo tan trillado como son los males que causan las distintas religiones en el mundo, desde luego nada puede fallar. Un tiro, un muerto. Como unos Sodom aún más macarras. De lo más jovial.

rodajas para deleite de todos los que tenemos en un altar a una de las formaciones clave de los 90. El primer volumen corresponde al material original del grupo en el que hayamos piezas que bien hubieran merecido su espacio en alguno de los discos de estudio, pero que se tuvieron que ver relegadas a recopilatorios, bandas sonoras o caras B. Es el caso de ‘Birth Ritual’ o ‘Cold Bitch’, entre las que también se encuentra un nuevo tema grabado este mismo curso, ‘Storm’, que demuestra que siguen gozando de buena salud a nivel creativo. El segundo tomo se reserva

a las covers, entre las que podemos encontrar revisiones de clásicos como The Rolling Stones, Black Sabbath, Jimi Hendrix, The Doors... ¡Y hasta Devo!, dando una idea de la amplitud de miras de la que gozaba su propuesta. Quizás el último disco destinado a temas instrumentales y remezclas sin mucha sustancia se podría haber obviado, aunque se salva por contener otro descarte mítico como la inmensa ‘Karaoke’. Un artefacto que debería estar en las estanterías de cualquier seguidor de Cornell y cía. ¿Para cuándo la reedición de Motorvision en DVD?

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

TARKUS Tarkus

(VINILÍSSSIMO/MUNSTER)

HEAVY ROCK

ese a que el nombre de la banda está inspirado en uno de los discos más míticos del rock progresivo, nos referimos a Tarkus de Emerson, Lake & Palmer, el único trabajo que dejó como testamento esta banda mitad peruana y mitad argentina es considerado en muchos círculos como el primer álbum de heavy rock cantado en castellano. Editado en 1972 y compuesto durante diez días por el guitarrista Darío Gianella mientras viajaba de su Argentina natal a Perú para conocer a los que iban a ser sus compañeros

de grupo, sorprende que un artefacto de este calibre pudiese surgir bajo semejantes circunstancias y cómo en apenas diez días se pudo dar forma a este brillante álbum de hard rock. Como si hubiesen mamado hasta el límite permisible de la santa trinidad del heavy rock, Black Sabbath, Deep Purple y Led Zeppelin, Tarkus grabaron estas ocho canciones que a día de hoy te siguen dejando con la boca abierta. Tomemos como ejemplo ese ‘Tema Para Lilus’ que abre la segunda cara y que construido bajo unos riffs sombríos y una tremenda base de blues rock, hubiese encajado a la perfección en el primer álbum de Black Sabbath. Realmente espectacular. Como cualquier buena historia de culto, Tarkus desaparecieron sin dejar rastro –de hecho, no llegaron ni a debutar en directo-, dejando un halo de misterio y un extraño y excelente legado, que en estos momentos de revival hard psicodélico dejará a más de uno con los ojos como platos. RICHARD ROYUELA

WILCO

What’s Your 20? Essential Tracks 1994-2014 (NONESUCH)

ROCK, AMERICANA

hora que está tan de moda celebrar el aniversario de cualquier acontecimiento remarcable dentro de la historia de un grupo, de todas las opciones posibles para conmemorarlo, seguramente la del típico ‘grandes éxitos’ sea una de las menos atractivas. Pero en el caso de Wilco, debemos indicar que al menos para esta ocasión han estado acertados al editar este doble recopilatorio de sus temas más significativos, ya que resume a la perfección lo que han sido sus dos décadas de trayectoria hasta la fecha

en 38 clásicos. Un repaso que comienza en 1994 tras la disolución de Uncle Tupelo con su debut A.M., en el que un todavía joven Jeff Tweedy seguía dando muestra de su talento. Fue con sus siguientes trabajos (el doble e imponente Being There y Summerteeth) y su colaboración con Billy Bragg para rendir tributo a Woody Guthrie cuando empezarían a hacerse un hueco entre los grandes. A esta primera etapa más clásica corresponde el primer CD. Un acertadísima división, ya que el segundo disco se inicia nada menos que con seis cortes de Yankee Hotel Foxtrot, el álbum que marcó un antes y un después en su carrera, cuyo arduo proceso de composición quedó reflejado en el documental I Am Trying To Break Your Heart. Un trabajo que les encumbró definitivamente como el clásico moderno que todavía son. Y eso también es debido a que, en sus siguientes entregas, Wilco han continuado demostrando que, dentro de esa vertiente avanzada del neofolk, siguen siendo unos maestros. GONZALO PUEBLA

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críticas

DAYLIGHT

One More Fight (AUTOEDITADO) POP PUNK

e contaban los hermanos Olek y Wojtek Burek que Andrew Wade, colaborador habitual de A Day To Remember y The Ghost Inside y que aquí se ha encargado de la mezcla de dos temas, les había dicho que de ser norteamericanos posiblemente ya lo habrían petado. Y no le falta razón. Después de una reconversión interna que ha pasado por la asunción de las tareas vocales por pate de los dos gemelos y la incorporación del guitarrista Albert Domènech, Daylight por fin han dado el estirón y en One More Fight suenan como el grupo que siempre habían soñado ser mientras se empapaban del punk pop de la última década. Desde luego son excelentes estudiantes y ‘Anthem Of The Broken’ o ‘Best Days Of Our Lives’ podrían pertenecer a un

S PRIMUS

The Chocolate Factory With The Fung Ensemble (ATO/PIAS) ROCK EXPERIMENTAL

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iempre fueron una rareza grotesca y retorcida que tuvo su momento en los 90, década alternativa que acogió a muchos que, como ellos, se atrevieron a ofrecer algo diferente y definitivamente anticomercial. La caricaturística voz de Les Claypool, su psicótico bajo y la descerebrada guitarra de Larry Lalonde fueron la marca de la casa de un mejunje inclasificable que, mira por dónde, ha sobrevivido contra viento y marea a pesar de que ya quedan muy lejos los tiempos en los que un público abierto de miras demandaba y llevaba al éxito maravillosas

disco de Good Charlotte sin dar el cante, ‘Now Or Never’ o ‘We Are Strong’ a uno de Simple Plan, mientras que ‘Consequences’ es un single que podrían haber firmado los mejores All Time Low. Si a menudo parece que los grupos de aquí se queden, por timidez o incapacidad, a medio camino a la hora de facturar hits, Daylight no se han cortado ni un pelo y han ofrecido un álbum

descaradamente accesible y cuya única misión es que sus diez canciones se te queden pegadas como un chicle a la suela del zapato. Ahora sólo falta que, una vez ya dominan este lenguaje como casi ningún otro grupo en este país, suelten un poco de lastre de sus influencias y nos demuestren que podemos valorarlos por ellos mismos y no por a quienes se parecen.

marcianadas como ésta. Ahora vuelven y, aunque parezca mentira, lo hacen dando una nueva vuelta de tuerca a su ya complicado sonido revisionando en clave conceptual el film original de Willy Wonka, el que el no menos excéntrico Mel Stuart rodó a principios de los 70. Extractos de la banda sonora se mezclan con diálogos de la obra literaria y en medio de todo ello... Exacto, pasajes instrumentales donde el bajo de Claypool y los acordes de Lalonde nos llevan (o por lo menos lo intentan) a ese mundo de fantasía en el interior de la fábrica de chocolate. Por

supuesto, no esperéis aquí algo parecido a lo que la banda nos ofreció en sus trabajos más accesibles; esto es una aberración simpática donde la voz de nuestro hombre suena más loca que nunca y donde las influencias de Syd Barrett, Frank Zappa o Captain Beefheart estan más vivas que nunca. ¿Temas? Complicado elegir en una obra conceptual tan extraña como ésta, pero rebuscando en la locura puedes dar con un corte como ‘Golden Ticket’, donde no se les va la mano demasiado. Únicos y geniales, pero más inaccesibles que nunca.

JORDI MEYA

ANDRÉS MARTÍNEZ

SWINGIN’ UTTER$ Fistful Of Hollow (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

na familia de granjeros de Oklahoma se apresura para entrar en la cabaña con una tormenta de arena amenazando en el horizonte. Esta imagen tomada por Arthur Rothstein en 1936, en el periodo más crudo de la Gran Depresión, es una muy buena metáfora de la barbarie que estaba por caer: la Segunda Guerra Mundial. Los Swingin’ Utters han escogido esta imagen para la portada de su noveno largo, Fistful Of Hollow, el séptimo para la disquera de Fat Mike. La crítica implícita en esa fotografía color sepia resuena de manera más o menos explícita en las nuevas letras de estos incombustibles

punk rockeros. Pienso en esa suerte de country punk ‘Napalm South’, donde repasan algunos desastres de la política exterior norteamericana (“Against the nazis, impact bombs against the japanese”) o la velocísima ‘From The Towers To The Tenements’, una oda a la conciencia obrera suficientemente abierta como para sentirse interpelado con o sin cuello azul. Swingin’ Utters nacen en Santa Cruz con un acento británico heredado de The Pogues, The Clash y Sham 69. De estas bandas también toman prestado cierto mensaje y una actitud positiva frente a los tiempos modernos. Así, esta colección de himnos de puro revivalismo punk conjuga letras por momentos sesudas con melodías luminosas y coreables. ’More Or Less Moral’, ‘I’m Not Coming Home’ y ‘Spanish’, con esa guitarra tan aflamencada como despechada, son algunos de los momentos cumbre de un disco tan variado que incluso tiene un tema como ’End Of The Weak’ en clave honky tonk. LUIS BENAVIDES

REIKIAVIK

Las Pequeñas Victorias (RANS&MARTI) INDIE

on un sonido más refinado que en Daño Universal (2013), los madrileños lanzan Las Pequeñas Victorias tan bien conseguidas en tiempo récord. Trabajando con aquello que quedaba por cuadrar y puliendo algunas que otras estridencias, merecen que se renueve su imagen de un pasado todavía cercano. Mucho más próximos al indie español que al pop rock de Instantes, deben el cambio prioritariamente a una mayor elegancia descuajada de esos ritmos que no acababan de encontrarse ni construir piezas tan sólidas como

‘Radar’ o ‘Toda Nuestra Luz’. Por otro lado, dicha evolución ha necesitado desprenderse de esa base disco de ‘Septiembre’ acuñada con la sistemática presencia de los teclados, a que tanto se acogen grupos de nuestro país como Dorian o, con la urgencia del cambio radical para sumase a la mejor onda, los míticos Love Of Lesbian. Tal gesto permite, pues, que podamos apreciar la voz de Ernesto García con más nitidez y fuerza que nunca, emparentándose con Javi Fernandez de Cyan. De unas letras más trabajadas por no ser tan dadas a lo evidente sino a lo poético, cabe reconocer que nos dejan con ganas de más. Y es que tan sólo cinco temas responden a esta nueva dirección, que por darse a la novedad suponen con más razón un bien escaso. Así pues, queda desearles, ahora sí, quedarse en esta nueva calamidad para acabar de satisfacernos. Ya se sabe: a ‘Rey muerto’, rey puesto… y si así es el monarca, le esperamos con una vida más larga. ANDREA GENOVART 127

BRING ME THE HORIZON

5 de diciembre de 2014 Wembley Arena, Londres (Inglaterra) TextO Y FotoS: Nadia Natario

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YOUNG GUNS

SLEEPWAVE

medida que iba acercándome al Wembley Arena, notando una inusual cantidad enorme de chavalillos en camiseta y sudadera desafiando el frío aire de Londres, me di cuenta que el fan medio de Bring Me The Horizon no debe llegar ni a los 20 años. Reconozco que la ‘histeria’ juvenil que se respiraba en el bar hizo que me pusiera un poco a la defensiva, pero dejando a sus fans de lado, tengo que reconocer que Bring Me The Horizon han hecho un largo avance desde sus desastrosos inicios en 2006. Ésta era la última fecha de la gira de su gran cuarto disco Sempiternal, y qué mejor manera de hacerlo que enfrente de las 12.500 personas que habían agotado las entradas del Wembley Arena e inmortalizarlo para un futuro DVD. Antes de que saliera la primera banda

telonera, el pabellón ya estaba hasta los topes y no pude evitar pensar en el contraste con lo que pasa ahora mismo en España. La última vez que Bring Me The Horizon tocaron por aquí, lo hicieron en salas de mil personas, y eso es sólo uno de muchos ejemplos. Quizá sea injusto compararla con la escena rock del Reino Unido, pero el hecho de que cada vez menos bandas de rock giren por España es un tragedia. ¿Es sólo una cuestión económica? No creo que ésa sea la única razón. De todos modos, mis pensamientos se vieron truncados por la aparición de Sleepwave, el nuevo proyecto del exfrontman de Underoath, Spencer Chamberlain, y su viejo amigo Stephen Bowman. Nunca fui fan de Underoath, pero en cambio Sleepwave me recordaron el rock industrial de los 90

de bandas como Stabbing Westward o Filter con canciones como ‘Through The Looking Glass’, ‘Paper Planes’ y ‘The Wolf’. Una interesante nueva dirección que no tuvo ni una sola oportunidad ante este público. La mayoría se quedaron quietos, sin saber qué hacer, e incluso un capullo no paró de hacerles peinetas durante su corto set. Spencer incluso amenazó con bajar y pegarle, pero por suerte la sangre no llegó al río. A continuación llegaban Issues, la banda de Atlanta, con uno de los sonidos más extraños que he escuchado en años. Una versión modernizada de nu metal, con toques de R&B y hip hop en un intento de fusionar todos los géneros más populares en uno. La mezcla de las voces limpias de Tyler Carter y los gritos de Michael Bohn (ambos exmiembros de Woe Is Me) 129

me pareció el equivalente a cuando alguien pasa sus uñas por una pizarra. Simplemente no funciona. Después de temas como ‘Stingray Affliction’, ‘Hooligans’ o ‘Sad Ghost’ me sentí aliviada de que aquello hubiera terminado e hizo que, por contraste, la actuación de Young Guns fuera aún más disfrutable. Gran rock melódico desde el corazón de Inglaterra para un show que podría funcionar en cualquier arena. Mezclaron temas de sus dos discos (‘Bones’, ‘Towers (On My Way)’, ‘Elements’, ‘A Hymn For All I’ve Lost’, ‘Stiches’, ‘Winter Kiss’) con el estreno de tres que irán en el tercero, previsto para primeros de 2015: ‘Rising Up’, ‘Gravity’ y ‘I Want Out’, que podría convertirles en la respuesta británica de The Killers. Llegaba el momento de tomar el escenario para los anfitriones, y cuando lo hicieron, más de una docena de personas tuvieron que ser sacadas por la seguridad porque estaban siendo aplastadas por la masa. Los fotógrafos 130

flipaban con las caras de dolor de algunos de los chavales. Las luces se apagaron y la portada de Sempiternal apareció en la enorme pantalla que servía de fondo del escenario. Oli Sykes (voz), Lee Malia (guitarra), Matt Kean (bajo), Matt Nicholis (batería) y Jordan Fish (teclados) salieron al son de ‘The Best Is Yet To Come’ de Aoife Ní Fhearraigh. Y en cuanto Oli se puso al frente y levantó su puño, todo el lugar explotó de locura. Parecía el líder de una manada de lobos dispuestos a comernos con una sonrisa en la cara. El grupo fue directo a la yugular con su hit ‘Shadow Moses’ y lo que siguió fue un recital de furia e intensidad, a menudo enfatizado por llamaradas muy bien sincronizadas con imágenes diabólicas proyectadas en el fondo de hombres colgados, serpientes, sangre e iglesias ardiendo. Tocaron Sempiternal casi en su integridad (‘Go To Hell, For Heaven’s Sake’, ‘The House Of Wolves’, ‘And The Snakes Start To Sing’, ‘Empire’,

‘Anivist’, ‘Sleepwalking’) sonando de manera rabiosa y épica. También cayeron ‘Diamonds Aren’t Forever’, ‘Anthem’, ‘It Never Ends’, ‘Alligator Blood’, ‘Chelsea Smile’ y ‘Blessed With A Curse’. Uno de los momentos álgidos de la noche fue ‘Pray For Plagues’, donde salió su exguitarrista Curtis Ward, convirtiendo la pista en un gigantesco wall of death que llevó de culo a los de seguridad. Volvieron para hacer un bis con ‘Hospital For Souls’, la nueva canción ‘Drown’, que apunta a que en su próximo disco su sonido aún puede evolucionar más, y remataron con ‘Can You Feel My Heart’. Soy muy optimista con el futuro y su nueva dirección. Bring Me The Horizon todavía no han alcanzado todo su potencial, pero están muy cerca. De vuelta al metro, sentí bastante lástima por los pobres padres y madres que habían sido arrastrados al concierto, pero seguro que sus hijos se lo agradecerán de por vida.

JOHN GARCIA

26 de Noviembre DE 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Toi Brownstone Foto: Eric Altimis

e aquí a poco a John Garcia le van a conceder la doble nacionalidad por las numerosas visitas que nos está haciendo con los diversos proyectos que va resucitando o inventando a su antojo en estos últimos años, explotando la nostalgia de los fans de Kyuss hasta el límite. Porque no nos engañemos, el cantante no es constante a la hora de mantener un proyecto vivo, y aunque acabe de sacarse de la manga un disco en solitario un tanto mediocre, la vaca no da mucho más de sí. Afrontar el espectáculo de Garcia y disfrutarlo requiere de una premisa importante que nadie debe olvidar: no es un concierto de Kyuss. ¿Que puede ser la mejor banda tributo del mundo? Eso ya es otra cosa. Dicho esto, con el buen recuerdo del show de Unida en la pasada edición del Azkena Rock Festival y la confirmación de un setlist basado en la discografía del artista en sus diversos proyectos,

unos cuantos nos fuimos a Bikini con ganas de darlo todo, esperando que Garcia volviera a darnos una lección de clase y tablas sobre el escenario. El público no podría estar más motivado, y desde el momento en que arrancaron los primeros acordes de ‘Caterpillar March’ se volcó en el show, pasando por alto algunos problemas de sonido durante las primeras canciones que llegaron a camuflar la voz del cantante bajo los riffs de ‘Rolling Stoned’ y ‘One Inch Man’, haciéndonos temer lo peor durante unos minutos. Ya sabemos que Garcia nunca se ha caracterizado por ser especialmente comunicativo, y ni falta que le hace. Con esa voz en perfecto estado, esa pose macarra asiendo el pie de micro y sus cigarrillos, ni siquiera esa extraña camisa clara que llevaba podía quitarle un atisbo de carisma. Sin embargo, su banda de acompañamiento no podía ser más anodina e inexpresiva. Parecían más bien un grupo de mercenarios

que se dedicaban a ejecutar de forma efectiva pero con una tremenda frialdad. Se echaba de menos a un compañero de escenario como Arthur Seay de Unida. ¡Ojo! No lo pasamos mal. Es imposible no emocionarse coreando ‘Gloria Lewis’, ‘Rodeo’ o ‘Supa Scoopa & Mighty Scoop’, y fue mágico poder disfrutar de un tremendo bis con las excelsas ‘Green Machine’ y ‘Whitewater’ que hicieron que casi acabáramos con los cimientos de la sala, pero un repertorio tan centrado en su último trabajo resultó demasiado monótono. Algunos más benévolos quizás perdonaron esto, pero siendo justo y objetivo, resulta bastante significativo y confirma que sus últimos trabajos no terminan de cuajar. Por mucho que Garcia fuera el líder indiscutible de Kyuss, la ausencia del pelirrojo es irremplazable, y por muchas vueltas que trate de dar siempre será así. ¿Renovarse o morir? John, amigo, he ahí la cuestión. 131

PORCO BRAVO

o podía haber mejor manera de ir calentando motores de cara a lo que será el décimo aniversario del Resurrection Fest que volviendo a traer a uno de los grandes triunfadores de su última edición. Sin lugar a dudas, la imagen del público danzando sobre el barro al ritmo que marcaban los noruegos durante su actuación del pasado verano está aún lejos de ser olvidada en nuestra memoria colectiva, y es por eso mismo que esta gira era una de las más destacadas de esta recta final del año. Además, contaban con unos anfitriones de gran calibre para abrir fuego. Desde Barakaldo, Porco Bravo se encargaron de desvirgar (nunca mejor dicho) la noche con su rock canalla y lascivo. No podía haber mejor acompañamiento dentro de nuestra escena, ya que el combo tiene obvias referencias a los que eran los protagonistas de la velada. Su cantante, Manu, evidenció ser un auténtico animal de los escenarios 132

con una actitud frenética y kamikaze. Desde el stage diving pasando por graparse a pecho descubierto un periódico para a continuación prenderle fuego, hasta surfear literalmente con una tabla hasta más allá de la mitad del recinto. Un espectáculo absoluto. No les fue permitido hacer su clásico numerito de la bengala por motivos de seguridad, pero no fue necesario para que la mayoría de los presentes recordasen bien su nombre. Con algo de retraso llegaba ahora sí el turno para Turbonegro. Mucho se ha rajado sobre que si esta nueva reencarnación ya no es lo mismo que cuando Hank Von Helvete estaba al micrófono y que su último trabajo tampoco está a la altura... ¡Pamplinas! Si de algo sirvió el concierto fue para certificar que la nueva formación se encuentra más fuerte y viva que nunca. La presencia escénica de Tony Sylvester resulta totalmente hipnótica gracias a ese look de policía-homo, amén de que se supo

desenvolver más que bien dentro de su papel de frontman. Un tío con carisma, sin duda. Por supuesto, los jefazos Happy-Tom y un inmenso Euroboy (menudo sonidazo que sacaba a su Gibson cada vez que le tocaba clavar un solo) se encargaron de comandar la sala de máquinas, con lo que tanto los temas de Sexual Harassment (‘You Give Me Worms’, ‘Dude Without A Face’, ‘TNA (The Nihilistic Army)’) como las viejas odas a la decadencia (‘Sell Your Body (To The Night)’, ‘Blow Me Like The Wind’, ‘Fuck The World’, ‘Get It On’) sonaron como un cañón. Aquello parecía un auténtica bacanal de sudor, pero antes la fiesta tenía que culminar con las inevitables ‘The Age Of Pamparius’, ‘I Got Erection’ y esa sorprendente versión de ‘Money For Nothing’ de Dire Straits que pilló desprevenido a más de uno. Una auténtica sodomía que nos dejó la retaguardia con un picorcillo de ésos que dan gustirrinín.

TURBONEGRO 11 DE DICIEMBRE DE 2014 SALA PENÉLOPE, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Francisco Javier Pérez

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MASTODON 8 de diciembre de 2014 Sala Razzmatazz, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Eric Altimis

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BIG BUSINESS

s en noches como la del pasado 8 de diciembre, en la que la sala Razzmatazz presentaba una triple oferta de lo más apetecible, con Mastodon en la sala 1, New Found Glory en la 2 y Aborted en la 3, que desearías poder clonarte y disfrutar simultáneamente de tres conciertos. Pero había que decantarse por una sola opción, y al final lo hice por los de Atlanta, motivado también porque vinieran acompañados de dos buenos teloneros. La nueva revelación del metal británico Krokodil se presentaban sin los guitarristas Alessandro Venturella, ahora ocupado con Slipknot, y Dan P. Carter, supongo que cumpliendo con sus tareas de locutor de la BBC. Pero aun así, el grupo dejó una más que buena impresión con Simon Wright ejerciendo de buen frontman y muy seguro en sus distintos registros vocales y los temas de su debut sonando la mar de bien, gracias a riffs tan poderosos como los de ‘Shatter’ o ‘Reptilia Familiar’ y esa amalgama de sludge, groove y metal técnico. El segundo plato vendría servido

por Big Business, el dúo formado por el cantante y bajista Jarred Warren (Karp), el espectacular batería Coady Willis (Murder City Devils) y miembros a tiempo parcial de los Melvins. Si desde hace unos cuantos años la formación se había ido ampliando hasta ser un cuarteto, aquí se presentaron en su estado original. Ningún problema. La pareja se quedó a gusto soltando mamporrazos con un stoner cavernícola al estilo de Red Fang, pero todavía más primitivo dada la ausencia de guitarras y los gritos aspirados de Warren. A pesar de ser una banda ya consagrada, la sensación en las últimas visitas de Mastodon era que su directo no estaba al excelso nivel de sus discos. Pues bien, ya sea porque han dejado los excesos del pasado (no es fácil ejecutar una música tan técnica como la suya cuando se va ciego o de resaca) o porque el grupo se ha puesto las pilas, en esta ocasión estuvieron impecables. El único ‘pero’ a ponerles es que Brent Hinds sigue siendo el eslabón flojo en el apartado vocal (el tipo debería visitar

un logopeda porque apenas abre la boca cuando canta), a pesar de que le vi más en forma que nunca con sus solos (el final con los arranques y paradas de ‘Halloween’ estuvo genial). En cambio, Troy Sanders y Brann Dailor se salieron cantando, y eso sobre todo en el caso del batería hay que remarcarlo porque su doble papel es más que complicado. El concierto se inició con la parte más melódica de su repertorio: ‘Tread Lightly’, ‘Once More ‘Round The Sun’, una acelerada ‘Blasteroid’, los hits ‘Oblivion’ y ‘The Motherload’, ‘Chimes At Midnight’ (adornada por unos rayos láser) y ‘High Road’ con su grandioso riff. Artillería pesada que nos sometería a un estado de euforia interior que no nos abandonaría mientras viajábamos atrás con ‘Aqua Dementia’ de Leviathan y ‘Ol’e Nessie’ de Remission, nos dejaban boquiabiertos con el prog alocado de ‘Bladecatcher’ o nos lanzaban al headbanging con ‘Black Tongue’. Y si como remate final te sueltan ‘Blood And Thunder’, pues te vas a casa pensando que Mastodon habían callado un montón de bocas, incluida la mía. 135

NEW FOUND GLORY 8 de diciembre de 2014 Sala Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Richard Royuela FotoS: RubĂŠn Navarro

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PUK 2

iendo la entrada que registraba Razzmatazz 2, con una cortina que dejaba la sala a mitad de aforo, y aun así tampoco a reventar, queda claro que New Found Glory es una banda que no ha acabado de conectar con el público de aquí. En su anterior visita –hace cinco años y primera vez que pisaban estos lares- ya ocurrió algo muy similar, con lo que la cosa no se puede achacar a un mal día o incluso a la competencia que tenía ese día la Razzmatazz con las tres salas funcionando a tope con los conciertos de Mastodon y Aborted. Por lo que sea, New Found Glory no chutan y punto. Y es algo incomprensible, porque en lo suyo fueron y siguen siendo los mejores, y pocas bandas tienen un directo tan entregado como el del ahora cuarteto. La velada, además, se completaba con las dos bandas emergentes de la escena punk pop estatal. Los barceloneses Daylight mostraron que el girar sin

parar acaba pasando factura –en el buen sentido- y su seguridad encima de las tablas, unida a un repertorio que cada día va a más, mostraron a una banda que ni que sea por su terquedad acabará consiguiendo sus objetivos. Más complicado lo tuvieron los valencianos Puk 2. No sólo salieron detrás de unos Daylight más rodados, sino que además sustituían a los franceses Chunk! No Captain Chunk, que se habían caído del cartel un par de días antes. Su concierto fue correcto, pero algo faltó –probablemente el sonido infernal no ayudó en nada- para confirmar todo lo bueno que hay en su Forza Interna. El que haya visto a New Found Glory ya sabe lo que se va a encontrar. Una banda perfectamente equilibrada y poseedora de un repertorio con el que la mayoría de bandas de pop punk no pueden más que soñar. Además, tanto Radiosurgery como Resurrection, sus dos últimos trabajos, mantienen el nivel de la banda, por lo que la inclusión de temas

nuevos no supone ningún problema. Y así pasamos cerca de 90 minutos de lo más entretenidos. Pese a no vivir sus mejores momentos de popularidad, da gusto ver cómo la banda sigue disfrutando encima de un escenario, y los discursos de agradecimiento al público de Jordan Pundik y Chad Gilbert suenan totalmente sinceros y no a clichés para meterse a éste en el bolsillo. Quizás se notó la ausencia de una guitarra -deberían de plantearse un sustituto para Steve Klein en los directos- y que el sonido fue demasiado embarullado para una banda en la cual la melodía es fundamental, pero cuando en una noche haces sonar temazos como ‘Understatement’, ‘The Story So Far’, ‘Hit Or Miss’, ‘My Friends Over You’ o ‘All Downhill From Here’, es muy complicado que salgas decepcionado. Y dudo que alguno de los que estuvimos allí saliéramos así… Y eso a pesar de que la señorita Hayley Williams no se decidiera a salir a cantar con ellos, por ejemplo, ‘Kiss Me’. 137

uperar su última descarga en el Resu ya era complicado, pero aun así, Aborted nos pulverizaron más allá de lo imaginable en un concierto extraordinario con nada menos que Origin, Exhumed y Miasmal completando el cartel. Mucha tralla en una Razz 3 muy concurrida. Los dos primeros trabajos de Miasmal no me dicen nada, y si bien la imagen que tenía de ellos mejoró en directo, no dejaron de parecerme el enésimo refrito de death old school con poco que ofrecer a la escena. Tras finalizar un show distraído, ya nadie más se acordó de ellos, y es que, curiosamente, en este país ya se hace mejor death metal que en la propia Suecia. Con tantas giras empalmadas Exhumed corren el riesgo de quemarse ante el público, pero vista la saña con la que nos atacaron en Barcelona, parece que lo tienen todo controlado. Con una rabia furibunda y entre canciones como ‘As Hammer To Anvil’ o ‘Limb From Limb’, su psicópata de la bata verde nos iba obsequiando con vísceras, su motosierra 138

o una cabeza cortada sanguinolenta procedente de un microondas. Mucho mejor de lo que esperaba. Si Origin no gozan de un sonido de lo más pulcro, parte de su atractivo se pierde entre tanto virtuosismo, y pese a que no se pueda decir que sonaran mal, eso es lo que ocurrió en la pequeña de Razz. Pese a esto, ver tocar el bajo a Mike Flores ya vale el precio de una entrada, y lo mismo puede decirse del absoluto control que tienen sobre sus instrumentos el batería John Longstreth y el guitarra Paul Ryan. El entregado cantante Jason Keyser puso todo de su parte para que su show fuera una fiesta, invitando continuamente al stage diving y a que varios metalheads se subieran al escenario a darle a la melena. Los extraterrestres estadounidenses dieron una lección del mejor brutal death técnico que pueda verse sobre un escenario, y más de uno debería ver en directo temas como ‘The Aftermath’ o ‘Expulsion Of Fury’ para comprender realmente qué significa el término ‘progresivo’.

Si mientras veía a Origin pensaba en los progs, cuando Aborted se nos zamparon vivos me acordé de los chavalines del deathcore, pues a downtempos y guitarrazos asesinos a los belgas no les gana ni Dios. Es lo que tiene venir de Green Day y no de Cannibal Corpse, supongo… Con sus lonas laterales, surtidores de humo y sus propias luces, los de Beveren dieron buena cuenta de que están en el mejor momento de su carrera tras veinte años en activo. Sven se pateaba el escenario como un poseso, mientras sus secuaces en los mástiles se lo pasaban de lo lindo martilleándonos con ‘Necrotic Manifesto’, ‘Dead Wreckoning’, ‘Hecatomb’ o ‘The Extirpation Agenda’, siempre bromeando entre ellos, dejándose el cuello y sin perder la sonrisa. Incluso Matt Harvey de Exhumed se les unió para cantar en ‘Coffin Upon Coffin’. Fue un bombardeo indiscriminado in crescendo. Un concierto morrocotudo y cáustico, y que por mucho que adjetive, no le haré justicia en esta crónica. Sin palabras.

ABORTED

8 de diciembre de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Toni VillĂ&#x2030;n

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ENTER SHIKARI

4 DE DICIEMBRE DE 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Sandra Astor FotoS: Rubén Navarro

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o hace mucho leí una entrevista a Rou, líder de Enter Shikari, en la que éste arremetía contra los grupos y discográficas que cobran un dineral a los fans por los meet & greets. Una filosofía que no desentona con el espíritu crítico que sigue aliñando las letras de los temas de Enter Shikari con constantes llamamientos a la conciencia social. Y es que aún a veces cuesta creer que esos cuatro chavales con más pinta de fiesteros ‘ni-nis’ que de otra cosa estén tan sensibilizados con las lacras del sistema que decidan hacer llegar sus mensajes de alerta y protesta a través de canciones y directos que invitan al desmadre. A poco de que vea la luz su cuarto álbum, The Mindsweep, los ingleses volvieron a nuestro país para saldar una deuda con los bilbaínos a los que dieron plantón en la gira de 2013

por “indisposición” de uno de sus miembros. Los navarros Kelly Kapowsky fueron la banda invitada a compartir escenario con ellos en sus tres fechas españolas. En Barcelona dieron una muestra de los temas incluidos en su primer disco, No Se Ve El Final. No les faltaron ganas, pero a su mezcla de rock con algún ramalazo funky le costó conectar con un público que únicamente se animó con la versión de ‘Voodoo People’ de The Prodigy que mezclaron en su tema de despedida. Con uno de sus gritos de guerra, “And still we will be here, standing like statues”, saltaron los de Hertfordshire al escenario para arrancar con ‘Solidarity’ y los primeros breakdowns de la noche. Aprovecharon para presentar en primicia nuevos temas como ‘Anaestheist’, ‘Never Let Go Of The Microscope’ o ‘The Last Garrison’, donde demostraron que su particular mezcla de estilos sigue funcionando

y convenciendo a un público que ya había quemado la última en Spotify y la coreaba como si fuera un clásico. Salieron más tranquilos de lo habitual, lo cual no evitó que Rob se liara a cabezazos contra los platos, o que Rou y Rory se mezclaran con el público en más de una ocasión, bajando del escenario, subiéndose a las barras o atreviéndose con el stage diving. Euforia entre la gente cuando sonaron ‘Mothership’, ‘Gandhi Mate Ghandi’ o una ‘Sorry You’re Not a Winner’ para la cual Rou hizo subir al escenario a un chico que dejó atónita a la banda con su soltura. Imperdonable que olvidaran ‘Juggernauts’ en un setlist tan corto y una noche en la que los fallos técnicos y el excesivo parloteo de Chris perjudicaron el ritmo del directo. Pero también es verdad que esa careta de Krusty el Payaso con la que el bajista apareció hacia el final de la velada bien se merecía perdonárselo. 141

esde que publicasen hace algo más de un año su impecable debut ¿Quién Nos Va A Salvar?, en esta casa no teníamos ninguna duda de que La Maravillosa Orquesta Del Alcohol serían uno de los nombres nacionales que más iban a dar que hablar en 2014. Que al final hayan cumplido todas las expectativas que pusimos en ellos no es que nos haya sorprendido, pero sí que nos hace sentir muy contentos del reconocimiento que han recibido hasta ahora. Y es que ya fuese teloneando a grupos de nivel internacional como Dropkick Murphys y Frank Turner, participando en festivales de la talla del BBK Live, Cruïlla, Sonorama o en las fiestas de cualquier pueblo, es muy difícil que no te hayas cruzado con ellos alguna vez a lo largo del año. Para cerrar esta etapa triunfal los burgaleses decidieron culminar con tres llenos consecutivos en la capital rodeados de buenos amigos. La primera noche se hicieron acompañar por un Juan Blas que continúa presentando

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las canciones de The Big Bench en solitario mientras termina de darle las últimas pinceladas a su debut en los Westline Studios. Por lo que nos contó, la próxima vez que le veamos será con banda de acompañamiento, con la que espera hacer algo más de ruido que cierta parte del público que fue tremendamente irrespetuosa al no saber comportarse ante un concierto de estas características. La gente debería aprender de una vez que las charlas de fin de semana están bien para la barra de un bar, pero no para un concierto acústico. Mejor suerte corrieron al día siguiente los gallegos True Mountains, que gracias a la simpatía y las covers en versión folk punk de clásicos de Bad Religion, The Clash y Rancid se ganaron el calor del respetable. En cuanto a La MODA, decir que el salto cualitativo que han sufrido en esta gira es gigantesco. Ya no es sólo que cada vez suenen mejor y que se note la compenetración que existe entre todos sus miembros, sino que tienes la

sensación de estar viendo ante ti a un grupo que ha pasado de ser revelación a una banda de primerísimo nivel. Siguen recurriendo a sus primerizas canciones en inglés que algunos seguimos disfrutando (‘Just Sing Loud’, ‘Masters Of The World’, ‘Huckelberry Finn’), así como rindiendo homenaje a sus ídolos en forma de versiones. A las ya habituales de ‘The 59 Sound’ e ‘It’s A Long Way To The Top (If You Wanna Rock N Roll)’, esta vez hubo que sumar dos soberbias interpretaciones de ‘Rockin’ In The Free World’ de Neil Young y ‘Atlantic City’ de Bruce Springsteen. Pero sin duda las que más y mejor han calado entre la gente son las nuevas composiciones en castellano, que son recibidas con cánticos a viva voz, ya sean ‘1932’, ‘Nómadas’ o ‘¿Quién Nos Va A Salvar?’. Tres noches para el recuerdo de una joven banda de amigos que aun habiendo llegado más lejos de lo que nunca hubieran soñado, todavía les quedan muchos kilómetros por recorrer.

LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL 21 Y 22 DE NOVIEMBRE DE 2014 SALA EL SOL, MADRID Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Francisco Javier PÉREZ

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OBSIDIAN KINGDOM

omo una aurora boreal han aparecido Sólstafir, como una luz brillante y enigmática que durante cientos de años ha podido proceder de los mismos dioses, para iluminar nuestras vidas ante las tristes penurias que depara una noche de rock negra, luctuosa, aburrida de tantos refritos, banalidades y la creatividad miserable adoptada cual nuevo catecismo. Svartir Sandar les puso en el mapa, de acuerdo, pero nadie se volvió loco, el mundo no se paró. Con diez sold outs a sus espaldas, contando esta cita barcelonesa, parece que con Ótta van a correr tiempos muy distintos para los islandeses. De acuerdo que estamos hablando de una Razz 3, pero no deja de tener mucho mérito para una propuesta de sus características, demasiado inteligente, verdadera y pasional para las masas. La vorágine laboral nos impidió presenciar la descarga de los primeros de la noche, unos Esben And The Witch que permitieron a Obsidian Kingdom, cosa que les honra, tocar los segundos al jugar en casa. Cuando entramos, apenas unos segundos antes de que acabaran su show, el público parecía 144

estar muy satisfecho con los tambores que inundaban la estancia. Ante su gente, rendida ya de inicio, Obsidian salieron a por todas en sin duda su concierto más especial de una gira que les ha llevado por toda Europa. Reconozco que sigo observándoles con ciertas reservas, pero incluso a los escépticos también nos cuesta no derretirnos ante tormentosos alardes de metal extremo progresivo de la talla de ‘Cinnamon Balls’, ‘Endless Wall’ o ‘And Then It Was’. En ciertos momentos me pareció algo forzada tanta expresividad ante el respetable, pero también hay que decir que ver al teclista Zer0 Æmeour Íggdrasil vivir sus canciones me lo puso en duda. Chico, llega a durar una semana más este tour y se te separa la cabeza del tronco. Cuentan con todo el talento del mundo y parece que con los suficientes recursos económicos, así que nada debe impedir que se conviertan en una de nuestras formaciones más laureadas en un futuro muy, muy próximo. La bulliciosa sangre latina chocó frontalmente con la gélida contenida en las venas de Sólstafir, al menos de inicio. Cómo canciones tan profundas

y pasionales como las bellas ‘Köld’ o ‘Lágnætti’ podían proceder de artistas tan fríos, aunque lo resolvieran pronto con un par de bromas del vocalista y guitarra Aðalbjörn Tryggvason para empezar a desmelenarse. Comprobamos lo importantes que han sido para ellos los U2 que un día hicieron música excelsa (‘Dagmál’), también que si Axl Rose se hubiera mantenido sobrio toda su vida seguramente sería el imperturbable bajista Svavar Austman. Sæþór Maríus Sæþórsson, ‘Gringo’, mostró su sentido del humor para trasladarnos a otros planos de fantástico hard psicodélico y post rock, pero no me gustó que todos los teclados y cuerdas llegaran por mesa. Momentazo ‘Rismál’, luego con ‘Ótta’, también con ‘Náttmál’, y así hasta llegar a ‘Svartir Sandar’ para, Estelada en mano, arrancar los bises con ‘Fjara’ y ‘Goddess Of The Ages’. No fue el viaje místico que esperaba, también hay que decir que la paupérrima iluminación de Razz 3 tampoco ayuda, pero con un show excelente, largo e intachable, sin duda Sólstafir demostraron que son una formación intensa, única y preciosa.

SÓLSTAFIR

25 de noviembre de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Carles Rodríguez

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KREATOR 28 de noviembre de 2014 Sala Razzmatazz 1, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Carles RodrĂguez

ARCH ENEMY

recedidos por la excelente fama de sus actuaciones, lo cierto es que teníamos muchas ganas de poder ver a Hell en directo. A pesar de no contar con una puesta en escena tan espectacular como en otras ocasiones y de algunos problemas con el sonido, el grupo inglés no decepcionó en absoluto. La banda se presentaba de riguroso luto, ataviados con casacas de terciopelo, camisas con chorreras y pantalones de cuero. El gran maestro de ceremonias, el histriónico cantante David Bower, siempre con su corona de espinas, demostró un dominio magistral de la voz y la expresión corporal. Una perfecta combinación entre calidad musical y grandes dosis de teatralidad, con un Bower disfrazado de monje o mártir autoflagelante. Una lástima que sólo pudiésemos disfrutar de media hora exacta. Grandes expectativas y ganas de comprobar cómo se desenvuelven en directo los nuevos miembros sustitutos de Arch Enemy, el guitarra Jeff Loomis

y, sobre todo, la cantante Alissa WhiteGluz. Con una puesta en escena plagada de banderas con el logo del grupo y unas lonas con proyecciones salieron arrasando con ‘War Eternal’. En ‘Revenous’ vimos a un Michael Amott pletórico y perfectamente sincronizado con Loomis. Por su parte, Alissa compensaba su falta de presencia escénica con una elogiable entrega. Los nuevos temas de su último álbum, como ‘You Will Know My Name’ o ‘As The Pages Burn’, gozaron también de una calurosa recepción entre el público. Para terminar, pudimos disfrutar de un par de temas míticos de la banda como ‘We Will Rise’ y ‘Nemesis’. Sonaron técnicamente casi perfectos, pero quizá el tono de Alissa no termina de encajar y se echa de menos algo de la brutalidad de su predecesora. Con una sala abarrotada, llegaba el momento de los gigantes teutones del thrash metal. Tras una proyección de imágenes bélicas, Kreator se disponían a sacar directamente el armamento pesado y disparaban su

‘Violent Revolution’ para delirio de los asistentes. Una primera parte en la que los temazos se sucedían, desde ‘Civilization Collapse’ pasando por un ’Extreme Agression’ con salva de cañones de confeti, hasta desatar la locura con ‘Phobia’. La banda no ofreció un momento de respiro, excepto en las múltiples ocasiones en las que Mille Petrozza interactuaba con el público, como el discurso antisistema que dio paso a ‘Enemy Of God’ o animando a los asistentes a montar un wall of death para ‘Endless Pain’. Con ‘Hordes Of Chaos’ la audiencia se desgañitaba y ‘Pleasure To Kill’ consiguió que nos destrozásemos las cervicales en pleno headbanging. Tras la pausa de rigor, volvieron con una cover del ‘The Number Of The Beast’ de los Maiden. El fin de fiesta corrió a cargo de ‘People Of The Lie’ y de un himno como ‘Tormentor’. Toda una demostración de poder y, probablemente, uno de los mejores conciertos de Kreator que hayamos podido ver por nuestras tierras. 147

RIVAL SONS 5 de Diciembre de 2014 Sala Bikini, Barcelona

Texto: Toi Brownstone FotoS: Carles RodrĂguez

a trayectoria de Rival Sons parece que ha llegado a un punto de inflexión que ha servido para alcanzar tal estado de gracia que no ha pasado desapercibido a los amantes del rock. Y es que, para muchos, Great Western Valkyrie será recordado como una de las grandes bandas sonoras del año 2014. No es para menos, puesto que se trata de un disco sublime que dista mucho de sus anteriores trabajos, marcados por una exagerada influencia de Led Zeppelin. Así pues, esta actuación única en España, afortunadamente reubicada en Bikini debido a una excelente venta de entradas, se convertía para muchos en uno de los eventos más esperados del curso. Si bien la sala estaba llena hasta la bandera, el abultado público no parecía ser el habitual en este tipo de conciertos, y esto se notó sobre todo en una ausencia general de entusiasmo,

marcando la actuación con un punto de frialdad que consiguió que muchos no termináramos de meternos plenamente en la actuación. Los de Long Beach arrancaron su set con una contundencia espectacular, eligiendo ‘You Want To’, ‘Pressure And Time’ y los tres primeros temas de su último trabajo, ‘Electric Man’, ‘Good Luck’ y ‘Secret’, como tarjeta de presentación, dejando al respetable boquiabierto con el estado actual de la banda. Absolutamente deliciosa la voz de esa criatura excéntrica que es Jay Buchanan, con una intensidad y una fuerza capaces de ponernos la piel de gallina con ‘Where I’ve Been’ y ‘Sacred Tongue’. Cierto es que el tipo no fue especialmente comunicativo, parecía sumido en su propio universo, aunque poco importaba en esos momentos. La labor de Scott Holiday sin embargo fue más modesta. Es innegable que su

estilo es muy elegante, y su ejecución fue impecable, convirtiendo ‘Rich And The Poor’ en uno de los momentos más álgidos del show, pero por el contrario se apreciaban carencias y falta de aplomo en los pasajes de desarrollos instrumentales más extensos, que llegaban a resultar un tanto tediosos. Dejando de lado este aspecto mejorable, la banda en general sonaba sólida y contundente, marcada por una base rítmica poderosísima a cargo de Michael Miley a la batería, que tuvo su momento de gloria recuperando el espíritu de John Bonham con ‘Open My Eyes’, y la eficacia de Dave Beste al bajo. En definitiva, un concierto muy disfrutable, con algunos altibajos, y un público no especialmente amable. Esperemos poder disfrutar nuevamente de una nueva visita en los futuros meses. Encajarían a la perfección en alguno de nuestros festivales. 149

r a un concierto de Slash siempre será un placer, especialmente para quienes hemos seguido su carrera desde los días de Guns N’ Roses, pero después de verle varias veces en los últimos años sé que no puedo esperar grandes sorpresas. Ya sabes que te encontrarás un gran sonido e iluminación, pero en el global parece que vaya con el piloto automático puesto. Quizá es que espero demasiado o es el intenso sentimiento de nostalgia, pero con un catálogo como el suyo, desearía que cambiara el repertorio más a menudo. No me malinterpretéis, me encanta escuchar ‘Nightrain’, ‘Out Ta Get Me’ (con Todd Kerns a las voces), ‘Mr. Brownstone’, ‘Rocket Queen’ (que como la última vez que lo vi incluyó un solo de 15 minutos), ‘Sweet Child O’ Mine’ y ‘Paradise City’, pero hay tantas grandes canciones de Guns 150

N’ Roses, que ojalá variara más. De hecho interpretaron ‘Double Talkin’ Jive’ y sonó asombrosa. Otros momentos memorables fueron ‘Beneath The Savage Sun’ y la épica ’30 Years To Life’ con su riff matador, ambas de World On Fire. También esperaba escuchar más canciones nuevas teniendo en cuenta el gran nivel del nuevo álbum, pero sólo incluyeron, además de las citadas, ‘Avalon’, ‘Stone Blind’, ‘Bent To Fly’ y la propia ‘World On Fire’. Myles Kennedy es uno de los mejores vocalistas actuales y un gran frontman, y si eres también fan de Alter Bridge verás que hay un ligero cambio cuando actúa con Slash. Parece más ‘peligroso’ y ‘sucio’, más rock’n’roll, y la manera en la que se mueve por el escenario, sobre todo cuando coge el pie de micro, incluso recuerda al Axl Rose de los viejos tiempos. Estos cambios en su manera

de actuar me parecen fascinantes. El escenario estaba decorado muy vistosamente, con un par de chicas desnudas, muy muñecas Barbie, que parecía que estuvieran follando encima de los amplis. También escuchamos temas de Apocalyptic Love (‘You’re A Lie’, ‘Standing In The Sun’, ‘Anastasia’) y algunas de su debut, ’Back From Cali’, ‘Ghost’ y la gran ‘Doctor Alibi’, donde el bajista Todd Kerns volvió a tomar la voz principal. Acabaron con ‘Slither’ de Velvet Revolver, que incluyó un cachito de ‘Feel Like Makin’ Love’ de Bad Company, y volvieron para un bis con el clásico ‘Paradise City’ (esta vez no hubo ‘Welcome To The Jungle’) bajo una lluvia de confeti. Resumir 25 años de carrera en sólo una hora y media siempre sabrá a poco, así que con un set más largo Slash le haría mucho más justicia a su propia historia.

SLASH

FEATURING MYLES KENNEDY & THE CONSPIRATORS 2 de diciembre de 2014 Wembley Arena, Londres (Inglaterra) Texto Y FotoS: Nadia Natario

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FIGURAS COLATERALES Si de periodistas musicales contemporáneos hablamos, es probable que el nombre de SIMON REYNOLDS esté en lo más alto de la lista. Sus ensayos y libros sobre la cultura pop son todo un referente para todos aquellos que vemos la música como algo que más que unas notas que salen de los altavoces. Texto: Richard Royuela Fotos: DR

imon Reynolds (Londres, 1963) está de actualidad porque finalmente se ha traducido al castellano Energy Flash (Contra Ediciones), libro fundamental sobre todo lo que fue la cultura rave, un fenómeno que fue mucho más allá de la música y que a muchos les sorprendería lo cerca que está en algunas cosas de los postulados del punk o el hardcore. Energy Flash tiene su origen en 1999, pero 152

la obra sigue siendo totalmente válida en el 2014, y más con algunos retoques que se han dado en esta edición. Pero hablar con Simon no es sólo hablar de raves. Su firma ha estado en todas las revistas de prestigio del mundo anglosajón, por lo que nos viene a la perfección para hablar del estado del periodismo musical en estos tiempos de cambios, y libros como Retromania o Bring The Noise: 20 Years Of Writing About Hip Rock And Hip Hop deberían de ser lectura obligatoria para sacarse el carné de fan de la música. Finalmente tenemos tu libro Energy Flash traducido al castellano. ¿Cómo te hace sentir ver tu obra publicada en otros idiomas? SImon Reynolds “Es muy halagador poder tener tus libros traducidos a otros idiomas. Tenerlos traducidos al español es algo que llevaba deseando

durante mucho tiempo, ya que estamos hablando de la tercera lengua más hablada del mundo. Creo que mi primera traducción fue al italiano, a finales de los 90, precisamente con Energy Flash, y a partir de ahí se hizo al alemán y otros idiomas. Sí que me preguntaba qué pasa con el español, ya que creo que mis libros pueden tener posibilidades, no sólo en España, sino en toda Suramérica”. Te guste o no la música, el fenómeno rave y electrónico es uno de los más interesantes que han sucedido. ¿Piensas que fue el último gran movimiento que pudo crecer de manera paralela a la gran industria discográfica? “Evidentemente fue un movimiento que empezó desde el más absoluto underground y que fue creciendo por el poder de la gente. Hay otros, como el noise, pero nunca llegaron a tener la magnitud de éste. En mi opinión el hip hop y el rave han sido los dos últimos grandes movimientos que ha dado el mundo de la música. También está el metal extremo, pero el metal nació en

los 70, por lo que no deja de ser un subgénero dentro de la cultura metal”. En mi opinión lo más destacable del fenómeno rave era que la música era lo realmente importante por encima de los propios creadores. Tenía la finalidad de hacer bailar a la gente y eso era lo que se buscaba. ¿Crees que es lo que lo hacía diferente? “Había una gran comunidad que creaba su propia música, así que en cierta manera la propia escena era la que abastecía la música, no tenían que esperar que les llegara de manera externa. En esa escena había mucha colaboración. La gente empezaba a hacer de DJ’s de una manera no profesional y eso acaba evolucionando a crear su propia música. Ahora el DJ se ha convertido en toda una estrella, pero no era así al principio. Me recuerda a lo que sucedía en los festivales de los 60 o en los principios del punk rock, donde el público estaba al mismo nivel que la audiencia, no tiene que ver con lo que sucede ahora, donde la gente va a un gran estadio a ver a una banda. No existía un star system, había DJ’s destacados pero no eran tratados como si fuesen unas estrellas, todos querían sencillamente disfrutar y bailar sin importar mucho de dónde procedía la música. Las radios libres también tuvieron mucha importancia en todo esto”. Una cosa muy llamativa es que muchos países adoptaron su propia escena rave, no era nada globalizado, si queremos utilizar esa palabra tan de moda hoy. Por ejemplo, Holanda tuvo el Gabber y aquí en España existió La Ruta

Del Bakalao, que fue todo un fenómeno social. “Conozco La Ruta Del Bakalao, por supuesto. Hace unos años di una conferencia en la Universidad de Valencia, fui a una cena con el rector y su hija, que tenía unos 16 años, me explicó todo ese fenómeno y me pareció de lo más interesante. Todo aquello de la gente volviéndose loca, no durmiendo durante 48 horas yendo de club a club siguiendo el poder de la música”. Es muy curioso, como en la época preinternet, las escenas estaban interconectadas entre sí. Había una idea común, pero cada una la supo hacer suya en función de lo que le gente en cada lugar demandaba. “Es curioso porque no hace mucho entreviste a uno de los componentes de Daft Punk y me comentó que, en su opinión, el techno y la manera en que éste se difundía fue lo más parecido a lo que luego ha conseguido internet. Las tiendas de discos estaban interconectadas y una tienda de Chicago podía tener un disco de techno francés en menos de una semana. Las tiendas de discos jugaron un papel fundamental, eran el centro de reunión. Allí se vendían los discos, fanzines, se anunciaban las fiestas, siempre pasaban cosas más allá de la pura venta de vinilos”. Creo que hubo un precedente a tener en cuenta, que fue el tape trading de principios de los 80, especialmente dentro del metal extremo, que conectó a fans de todo el mundo de una manera muy orgánica, ya que la gente se cambiaba cintas por correo. No era fácil.

“En mi opinión el hip hop y el rave han sido los dos últimos grandes movimientos que ha dado el mundo de la música”

Había que grabarlas, enviarlas por correos, fiarte de que la otra parte te enviaría otra… “Sí, estoy de acuerdo. La gente antes de internet se buscaba la vida para poder tener música de otros lugares. Durante el punk las tiendas de discos fueron también muy importantes, era donde la gente podía encontrar los singles y demás”. Ya que hemos hablado del tema internet, ¿cómo crees que esto ha afectando a la prensa musical especializada? Nosotros mismos, tras casi diez años, decidimos dejar el papel y hacer la revista digital. Definitivamente estamos en un momento de gran cambio que probablemente marque el futuro a muy largo plazo. “No podemos negar que hay una generación que ya no está interesada en el papel. Habrá gente de esa generación que vea las revistas de la misma manera que ven el vinilo, como un objeto de coleccionismo o de culto. Parece que la tendencia es ser digital y luego editar algún número de lujo al año, para toda esa gente que sigue más de cerca el medio. Creo que la gente, entre los cuales me puedo incluir, tiene papel porque le gusta tenerlo en su casa, pero al final la información la consumen en internet. Es una pena, porque las revistas 153

“La gente antes de Internet se buscaba la vida para poder tener música de otros lugares. Durante el punk las tiendas de discos fueron también muy importantes, era donde la gente podía encontrar los singles y demás”

8 le interesa más la música y también se hace sus propias opiniones. Ella cree que Aretha Franklin es una mala cantante (risas). Prefiere las cantantes de pop actuales”.

tienen un punto mágico y se creaba una relación intensa con un medio cuando esperabas cada mes el ir al quiosco, pero por otro lado puedes leer algo de un medio de la otra parte del mundo justo en el mismo momento, así que hay que ver la parte buena. La lealtad hacia una revista ha desaparecido, ahora se lee cosas de diferentes medios”. No sólo era la lealtad a una revista, lo era hacia algún periodista con el que te sentías totalmente identificado. “Claro, todos los que hemos empezado a escribir, en cierto momento, teníamos a nuestros periodistas de referencia. Ellos eran la llave, no sólo a lo que estaba sucediendo en ese momento, sino al pasado de la música que te gustaba, aprendías a través de ellos. Hay que pensar que hasta no hace muchos años no existían muchos libros sobre rock y era excitante descubrir a un artista porque ese periodista en el que confiabas había referenciado tal 154

o cual disco en uno de sus artículos. Ahora la gente se puede educar a sí misma con lo que escucha. Puede ir a YouTube en un momento y chequear algo que creen que puede ser de su interés. Yo creo que está bien que haya esa figura que te vaya educando, pero eso se está perdiendo”. Tú tienes un hijo de 15 años. Supongo que ahí debes tener el ejemplo más claro de cómo consumen ellos la información. ¿Son importantes tus opiniones para él? O incluso, ¿sabe cuál es tu trabajo y la influencia que hayas tenido? “Creo que él tiene su propios canales de información, pero te aseguro que éstos no proceden de gente como yo. De todas maneras, mi hijo no está muy metido en la música. Le gusta escucharla, pero no la sigue de manera religiosa, prefiere los videojuegos y esas cosas, así que no tengo el mejor ejemplo en casa para poder comprobar eso (risas). Creo que a mi hija de

Con todos esos ídolos pop sonando en tu casa a todas horas, ¿cuál es tu propia percepción de ese pop comercial? ¿Piensas que canciones que ahora se considerar de uso rápido y para adolescentes de aquí a unos años serán clásicos? Al fin y al cabo, una banda como Led Zeppelin en su época eran considerados como una banda para chicos de instituto, y ahora nadie los discute como uno de los grupos de rock más importantes de la historia. “No sé muy bien qué decir. En el mundo anglosajón, que es en el que me muevo, que te gusten esas canciones pop puede ser considerado como algo cool, encuentran divertido tener guilty pleasures. En los 80 molaba como postura decir que cualquier grupo pop era mejor que Led Zeppelin, pero probablemente no había fundamento detrás de una afirmación así. Nuca he tenido problemas con la música pop, la Motown era pop y no creo que puedas decir nada malo de

eso, así que al final una canción es tan buena como lo es por sí misma, así que debería de importar poco si viene de One Direction o de David Bowie, si ésta te llega. Es como la comida. Una buena hamburguesa puede ser el mejor manjar en un momento dado”. Me gustaría conocer tu opinión sobre el black metal. Aunque es un estilo muy extremo musicalmente, ha conseguido trascender la propia escena metal y la propia música. He llegado a leer hasta ensayos universitarios sobre el black. ¿Cuál es tu propia visión? ¿Has estado tentado a escribir sobre él? “Creo que es una cultura muy interesante. En 2006 llegue a escribir algo en mi blog, no sobre un artista en concreto, sino sobre el fenómeno. Hay algo en él que lo hace llegar más allá de un mundo hipster, como sí sucede con bandas como Sun O))) o Boris, y es verdad que medios como The Wire o Pitchfork han hablado del black cuando nunca lo han hecho de otros estilos dentro del metal. Personalmente lo encuentro interesante porque tiene una conexión con el post punk, un estilo que conozco mucho mejor, con ese sentido del riesgo, letras intelectuales, ver el lado oscuro de la vida y la seriedad de los músicos. No hay absolutamente nada de ironía en esa clase de música. Son músicos realmente muy comprometidos con lo que hacen y aunque musicalmente me gusta más una banda como Sun O))), lo encuentro un fenómeno muy interesante de conocer. Me gusta el metal clásico, Black Sabbath, AC/DC, pero el metal más extremo no es algo que haya conseguido que me llegue”.

¿Qué opinas del disco de Scott Walker con Sun O)))? ¿Te sorprendió? “Al principio pensé que era el último intento desesperado de aparecer en la portada de The Wire (risas), pero he decir que me gusta y me ha sorprendido lo bien que las dos partes han sabido complementarse”. Uno de tus libros claves es Retromania. Conforme nos hacemos mayores vamos teniendo una mayor conexión con la música con la que hemos crecido y cada vez nos cuesta más sorprendernos, o engancharnos, con nuevas bandas, quizás porque ya nos recuerda a esas bandas con las que descubrimos cierto tipo de música. ¿Crees que tras 60 años de historia del rock’n’roll aún hay sitio para la creatividad? “Cuando escribí el libro quise ser muy consciente en todo momento de cuál era mi perspectiva de las cosas, que es la de alguien que ha escuchado mucha música y ya tiene el bagaje de los años, e intentar descifrar si su perspectiva era correcta. La conclusión objetiva a la que llegué es de que hay mucha interacción retro. No es la primera vez que pasa esto, ahora mismo estoy escribiendo un libro sobre el glam y en los 70 ya se decían las mismas cosas que se dicen ahora. Creo que en cada década ha habido un punto retro, aunque se siguieran haciendo cosas nuevas, además de la eterna opinión de que la década anterior había sido mejor que la actual. Eso no es algo nuevo (risas). Es todo cíclico. Hay épocas de depresión, épocas de euforia; lo que sí va cambiando es que cada vez hay más historia a nuestras espaldas y en cierta

manera, es fácil recrear la historia, de ahí que se tenga la sensación cada vez más intensa de estar inmersos en lo retro. Pero se puede hacer muchas grandes cosas con la vista puesta en el pasado. Ahora mismo me encanta una banda como Ariel Pink, que hacen una música fantástica, y todo lo que hacen está basado en el pasado. En todos los estilos siguen pasando cosas interesantes”. El gran problema es la saturación. Hace 30 años grabar un disco era caro, no se podía hacer en casa y dependías de terceros para editarlo. Hoy en día eso no pasa y es muy complicado poder separar el grano de la paja. Creo que antes lo que te llegaba ya estaba seleccionado y en su mayoría, lo que te llegaba era lo bueno. Alguien ya había hecho esa criba. “Sí, estoy de acuerdo en eso. Es difícil la concreción. Ahora mismo los dos grandes eventos dentro de la música en el Reino Unidos son la vuelta a los escenarios de Kate Bush después de 30 años y el primer álbum de Aphex Twin en más de una década, dos artistas que cimentaron su leyenda antes de la era internet. Ahora salen artistas, hacen ruido durante algunos meses, todo el mundo habla de ellos, pero nunca serán tan importantes como los dos que he citado. Es una pena porque es complicado que los nuevos grupos puedan desarrollar carreras, debido a la sobreexposición, pero es complicado que esa tendencia vaya a cambiar”.

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OBITUARY

DE GIRA

27 de enero Sala Salamandra 1 (L’Hospitalet de Llobregat)

os amantes del death metal tienen una cita obligada el próximo 27 de enero. En la que, por desgracia, es su única fecha en España, Obituary presentarán su nuevo disco Inked In Blood (Relapse) acompañados de Mpire Of Evil, Dust Bolt y Rotting Repugnancy. Si bien su nuevo trabajo no es todo lo espectacular que esperábamos, sobre todo después de los cinco años transcurridos desde Darkest Day, en directo el grupo sigue estando en plena forma. Lo dejaron clarísimo en su actuación en el último Resurrection Fest. La entrevista con el batería Donald Tardy que leeréis a continuación se realizó precisamente antes de ese festival. Nuestra intención era poder haberos ofrecido una más reciente, y para ello le enviamos un cuestionario haces unas semanas, pero por lo visto Tardy está tan ocupado que no ha tenido tiempo de contestarla antes de nuestro cierre

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de número. Dicho queda. ¿Por qué tanto tiempo entre Darkest Day y este nuevo disco de estudio? DONALD TARDY “Es una buena pregunta. No hay una razón en concreto. Hemos estado muy ocupados girando. Cuando salió Darkest Day estuvimos un año y medio girando y luego ya nos pusimos a componer. Ya no somos unos chavales, así que no tenemos prisa por sacar un disco porque sí. Nos tomamos nuestro tiempo y creo que el disco lo refleja, porque hay temas que tienen tres años. Así que un proceso tan largo ha ayudado a que cada canción tenga su propio sentimiento y estilo. Los temas más antiguos, comparados con los que escribimos hace un año, tienen un rollo distinto. Así que no hubo una razón, pero me alegro de que así fuera. Les dimos dos discos al sello

Candlelight y no quedamos muy contentos con la atención que nos dieron. Pensábamos que se esforzarían más al tener a una banda legendaria como Obituary, pero no lucharon, no creyeron en nosotros. Nos trataron como a un grupo más, así que estamos muy contentos de ser agentes libres y poder haber tenido tiempo de hacer un disco monstruoso”. ¿Qué peso tiene vuestro pasado a la hora de crear un nuevo disco? “Supongo que soy consciente de él y no me hace sentir del todo cómodo. Cuando empezamos en 1986 y escribimos el primer disco, nunca imaginamos que después de tantos años seguiríamos haciendo esto. No teníamos ni idea de que nuestro nombre entraría en la historia de la música. Pero somos muy humildes al respecto, entendemos la importancia del nom-

bre y lo que significa para los fans, y no lo damos por sentado. Nos sentimos muy afortunados como personas de habernos encontrado los unos a los otros y de saber que cuando desaparezcamos como individuos, la música del grupo vivirá para siempre. Las futuras generaciones podrán saber cómo era el death metal de los 80, 90 y 2000. Y eso nos hace sentir muy bien”.

AGENDA ENERO ARHYTHMIA 21 Barcelona, 22 Zaragoza, 23 SedavÍ, 24 AlcalÁ de Henares, 25 Madrid ASTRAL DOORS 15 Barcelona, 16 Zaragoza, 17 SedavÍ, 18 Madrid Leaves’ Eyes + ATROCITY 16 Madrid, 17 Barcelona BAND OF SKULLS 15 Barcelona, 16 Madrid HAMMERFALL 30 Barcelona, 31 Madrid

De hecho, el año pasado iniciasteis una campaña de crowdfunding para financiar el disco. ¿Te sorprendió la respuesta que tuvisteis? “¡Quedé alucinado! No tenía ni idea de cómo saldría, ni cuánta gente se involucraría. Al final sólo se necesitaron 900 personas para cumplir el objetivo, lo cual da fe de la grandeza de los fans del death metal y de Obituary. Estamos muy orgullosos de la gente que nos ayudó”. Supongo que después de tantos años un gesto así hace que renueves la fe en tu banda. “Nunca he sentido que no le importáramos a la gente. No son los fans los que te inyectan negatividad, sino la industria musical. Pero siempre hemos creído en nuestra música y nos hemos centrado en eso. Sabíamos que los fans estaban ahí, pero notar su apoyo nos hizo sentir muy bien. Nos hizo esforzar aún más en hacer un gran disco”. El grupo estuvo separado entre 1997 y 2003. ¿Crees que en esta segunda etapa habéis evitado errores que quizá cometisteis antes? “Es otra buena pregunta. La palabra ‘error’ quizá es demasiado dura. El único error que cometimos al principio fue debido a nuestra extrema juventud. Firmamos un contrato con Roadrunner sin tener un abogado y básicamente les entregamos nuestras vidas. Es algo que todavía nos afecta. No somos dueños de nada de lo que dimos a Roadrunner en esas décadas. No hemos podido recuperar nuestro viejo catálogo por ese contrato abusivo. Ese sello era una serpiente y no tuvimos a un abogado que nos defendiera, fue el único error. Pero no podemos llorar por eso, pasamos página y ahora nos centramos en lo que es importante, y eso es hacer música que signifique algo para nuestros fans. Con cada canción, con cada álbum hemos aprendido y nos hemos convertido en una mejor banda. Ahora tenemos una nueva formación que es la más sólida que nunca hemos tenido y estamos súper felices. Lo estamos pasando mejor que nunca”. (JORDI MEYA)

HARSH TOKE 11 Gasteiz, 12 Barcelona, 13 Erandio, 14 Oviedo, 15 A Coruña, 18 Madrid IS TROPICAL 29 Barcelona, 30 Madrid, 31 Pontevedra GERARD WAY 15 Madrid, 16 Barcelona GINGERPIG 22 Plasencia, 23 Ourense, 24 Madrid, 25 Bilbao, 26 Barcelona, 27 Zaragoza, 28 Valencia, 29 Murcia JOSH BRISTER 24 Barcelona LETZ ZEP 23 Salt, 24 Reus, 25 Lleida, 27 Barcelona, 30 Gijón, 31 Santander MARS RED SKY 24 Barcelona THE QUIREBOYS 13 Barcelona, 14 Valencia, 15 Bilbao, 16 León, 17 Madrid ROZZ 8 Salamanca, 9 Burgos, 10 Irún, 11 Madrid, 12 Zaragoza SHOCK! HAZARD 2 Haro, 3 Barcelona, 4 Madrid, 6 Zaragoza, 8 Pamplona, 9 Burgos, 10 Vitoria, 11 San SebastiÁn SKARFACE 5 Barcelona STONE RIVER 27 Madrid, 28 Barcelona, 29 Alicante, 30 Castellón de la Plana, 31 Zaragoza SWEETKISS MOMMA 15 A Coruña, 16 Cangas Do Morrazo, 17 Gijón, 18 León, 20 Madrid, 21 Estepona, 22 Alicante, 23 Castellón de la Plana, 24 Barcelona, 25 Torredembarra TANK + TOKYO BLADE 31 Palencia TANKARD 23 Madrid, 24 Bilbao, 25 Barcelona VALLENFYRE 28 Barcelona, 29 Tarragona, 30 Málaga, 31 Madrid WHITE FENCE 20 Barcelona

FEBRERO AMON AMARTH 6 Bilbao, 7 Barcelona, 8 Madrid, 12 Santiago de Compostela BETRAYING THE MARTYRS 11 Madrid, 12 Barcelona CULT OF YOUTH 26 San SebastiÁn, 27 Madrid, 28 Barcelona ELUVEITIE 3 Bilbao, 6 Zaragoza FISH 16 Barcelona, 17 Madrid PAPERHEAD 6 Bilbao, 7 Madrid, 8 Alcalá de Henares, 9 Zaragoza SCOTT BRADLEE & POSMODERN JUKEBOX 23 Madrid, 24 Barcelona