RockZone 112 - 03/2015 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Mahones (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL

No sabemos qué fue, pero algo extraño debió suceder en 2005. A raíz de celebrar nuestro décimo aniversario nos hemos dado cuenta de que en 2015 también van a hacerlo la gente de Nothink, This Drama, Bullitt o Nasty Mondays… Y seguro que hay más. Es reconfortante saber que estás en buena compañía y que no somos los únicos locos vinculados a la música que hace diez años empezaron una nueva aventura. A todos ellos va dedicado este número que, como siempre, viene bien cargado y variado. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 112

9 / INTERFERENCIAS

32 / ENTER SHIKARI

48 / CANCER BATS

56 / pj harvey

68 / STAINED BLOOD

72 / DISCO DEL MES

108 / FIESTA ROCKZONE

110 / ENSLAVED

38 / Moonspell

42 / nueva vulcano

60 / 36 crazyfists

64 / AMFEST 2015

74 / CRíTICAS

104 / BULLITT

116 / EN DIRECTO

128 / DE GIRA

SUMARIO

nº 112

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

130 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: Pau Ardid

new del mes_BLINK-182 CRISIS TOTAL EN BLINK-182. DESDE FINALES DE ENERO, SUS FANS ANDAN DESCONCERTADOS CON EL CISMA PRODUCIDO ENTRE TOM DELONGE Y SUS DOS COMPAÑEROS Y EL CRUCE DE ACUSACIONES PÚBLICAS. REPASAMOS LO ACONTECIDO EN TAN BOCHORNOSO ESPECTÁCULO.

l pasado 26 de enero saltaba la noticia de que Tom DeLonge había dejado Blink-182 y que Matt Skiba de Alkaline Trio iba a acompañar a Mark Hoppus y Travis Barker para su actuación prevista para el 22 de marzo en la octava edición del Musink Tatto & Music Festival de Orange County. “Estábamos preparados para tocar en este festival y grabar un nuevo disco y Tom seguía aplazándolo sin motivo”, decía el comunicado. “Una semana antes de entrar en el estudio recibimos un email de su mánager explicando que no quería participar en ningún proyecto de Blink-182 de manera indefinida, ya que prefiere trabajar en otros no relacionados con la música. Sin resentimiento, pero el show debe continuar para los fans”. A las pocas horas el propio DeLonge denunciaba en su Facebook que él nunca había abandonado el grupo y se mostraba sorprendido con que el comunicado hubiera sido autorizado por sus compañeros. La cosa se complicó aún más cuando Hoppus y Barker casi de inmediato concedían una entrevista a la web de Rolling Stone. En ella explicaban que se habían hartado de cubrirle las espaldas a su compañero y que la situa-

ción era exactamente la misma que se había producido en 2004 cuando el grupo anunció un hiato indefinido. “Es humillante estar en un grupo en el que continuamente tienes que pedir disculpas por una misma persona”, decía Hoppus. Al día siguiente, DeLonge contraatacaba twiteando que un año atrás él y Hoppus habían estado hablando para remplazar a Barker, algo que el cantante y bajista explicó a Alternative Press que había sido idea de Tom fruto de los problemas que habían tenido con el promotor de su gira australiana, en la que Barker no participó (recordemos su trauma a volar desde su accidente). El mismo 27 de enero, DeLonge emitía un largo comunicado en el que decía que su relación se había envenenado con los hechos del día anterior y explicaba su frustración por la poca implicación de sus dos compañeros y su exigencia de que debía posponer la edición de un nuevo disco de su otra banda Angels & Airwaves para centrarse en Blink-182. Desde entonces se sabe que Blink ya han empezado los ensayos con Matt Skiba y que Delonge tiene la intención de colgar en su página web maquetas que tenía grabadas para el disco de Blink a partir del 1 de marzo.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ UN DÍA SIN MÚSICA

n otras circunstancias la idea de un día sin música me parecería una de las mayores pesadillas que podríamos vivir. Sin embargo, la iniciativa de varias asociaciones de promotores, salas y representantes del país para que el próximo 20 de mayo se convierta en una huelga general del sector como protesta contra el 21% de IVA por el consumo de música en vivo se me antoja absolutamente necesaria. Después de dos años desde la subida de este impuesto, en total disonancia con el que aplican otro países europeos (en Italia es del 10%, en Holanda del 6% y en Francia del 5,5%), y ante la actitud del gobierno del PP, que como en tantos otros asuntos ha hecho oídos sordos a las quejas del sector, ya tocaba pasar a la acción. Si bien en un principio el parón se plantea sólo para las actuaciones en directo, estaría muy bien que todas las empresas relacionadas (desde radios a tiendas de discos a servicios de streaming, webs, blogs, a revistas musicales, claro) y usuarios también se sumaran a la iniciativa. Sabemos que el mono será difícil de llevar, pero hagamos del silencio el mayor grito contra el IVA anticultura. (JORDI MEYA)

TWITEANOS...

INSTANTGRAMO

@YouInDiscworld En Madrid queremos también celebrar vuestro aniversario. @cemeteryxwalls @ArnetteSpain @RockZone Os quiero a rabiar por traer a semejantes grupazos. @ResurrectionESP Por tercer año consecutivo los lectores de @RockZone nos habéis elegido como el mejor festival del país. ¡Muchas gracias! @CachetShop ¡No Children! Vaya grupazo, lo teníamos olvidado... ¡Hoy toca desempolvar algún CD! @BuckyRocks ¿Me esponsorizáis el viaje a Canadá para el @amnesiarockfest? #gracias #thrice @alexmagni Gracias a @RockZone y @ZonaZeroNet el nuevo disco de @RetraceTheLines ya está disponible para que lo escuchéis. @alextrace Después de años sale mi primer disco, y nada me hace más ilusión que sea la revista con la que crecí quien lo saque.

Hace algunos años, tras tocar Children Of Bodom, no podía creer que Ensiferum estuviesen justo al lado del escenario, haciéndose fotos con todo aquel que quisiera. Y cuando para ti los teloneros eran Children, y Ensiferum el plato fuerte de la noche, tus ídolos, te quedas con esta cara. (GUILLE DE LAS HERAS) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF Dicen que mi columna ya aburre y tal… Así que habrá que recurrir a lo fácil y dejar algunos puntos bien claros. Primero, ¿Toundra en portada? ¡Qué originales! Claro, como Berri Txarrak ya salieron hace tres portadas había que buscar el otro único grupo que hay por aquí para sacarlos OTRA VEZ en portada. ¡Chapó! Segundo, ya que he roto mi autopromesa de no nombrar a estos dos grupos en mi columna, aquí voy a parafrasear al genial, único y magnífico Billy Milano explicando lo que pienso de los susodichos: speak Spanish or die. Tercero: a esos gabachos que van de japoneses con nombre de disco de Manowar y que llaman maricón gratuitamente a cualquiera, ¡a Corea del Norte os mandaba yo! ¡A ver si sois tan furiosos ahí! Cuarto... ¡Escucha a Dio, hijo de puta! Punto cinco, y por último... Una pregunta tan poco necesaria como obvia su respuesta: ¿Qué diferencia hay entre el metalcore, el deathcore melódico, el brutal death y todas las mierdas de etiquetas que ponéis a los chavales ésos que tocan muy rápido y que su música es insoportable? Pau Navarra, ¡eres el peor! ¡¡Jódete!! (ASSAF LASZEWICKI)

THE AGONIST

KARYN CRISIS´ WITCHES

GOSPEL OF THE

EYE OF PROVIDENCE · ¡Ya a la venta!

SALEM´S WOUNDS · A la venta a partir del 10 de marzo

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Disponible en EDICIÓN LIMITADA DE CD DIGIPAK, GATEFOLD 2LP y en DESCARGA DIGITAL. El 10 de marzo, cuando caiga la noche, llegará la bruja.

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INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra BULLETS OF MISERY

Between Mushrooms

F/E/A

Between Mushrooms

PASTOR

(AUTOEDITADO)

Hace ya un tiempo que Bullets Of Misery se hacen notar por el norte, pero sin duda Summum Post Mortem ha sido su mejor movimiento hasta ahora. Este EP contiene esa caña rural que tan bien saben facturar, esa mezcla de brutal death con deathcore que para nada se olvida de las melodías, aunque eso no signifique que el salvajismo desaparezca. Es decir, que Idurri te va a chafar la cara con esa bronca y pig squeals que tan gorda nos la pone en ‘Bizirik Infernuan’, pero eso no quiere decir que no haya solos y buenos arreglos en el tema. ‘1984’ es más groovy, pero ‘Apokalipsiaren Lau Zaldunak’ es una paliza en la que hasta Turri de Thirteen Bled Promises aporta una poderosa colaboración. ‘Aizkorak Hartu’ es más gorrina, aunque luego te sorprenda con un tramo final épico, y se despiden con la guitarrera y cambiante ‘Egun Iluna’, demostrando que son muchos los espectros que pueden cubrir. Esta peña nos va a dar muchas alegrías, palabra.

Siempre atento a las novedades de las Islas Canarias, la última aportación twittera que me hizo Johnny Dessu fueron estos Between Mushrooms, unos zumbados instrumentales muy de los tiempos que corren. No porque sean unos modernos, ni por asomo, sino por lo eclécticos y alejados de etiquetas que puedan sonar las tres piezas que aquí presentan. Lo suyo es metal extremo, porque lo es, pero bueno, un powerviolence con The Dillinger Scape Plan, por decirlo de alguna forma, no es exactamente lo que todos hemos mamado desde pequeños, mas si le eliminas las voces y, como en la algo más larga ‘III’, hasta se permiten escarceos rock o funk. La cosa degenera, por supuesto, Nasim López-Palacios no se cansa de aporrear sus parches, así que nos quedamos en un grindcore técnico más marciano que incluso la portada que lo envuelve. Esto de ‘lo instrumental’ sigo sin entenderlo muy bien, pero aquí hay matraca de la buena, y en ‘II’, hasta pogueable.

Con esta portada se la juegan y nosotros también, pero qué coño, aquí hemos venido a jugar. De hecho, su espíritu irreverente ya lo demuestran desde un nombre de banda que ya poco lugar a dudas ofrece, F/E/A, pero que además viene a ser el acrónimo de Forces Elèctriques D’Andorra, suponemos que un cachondeo privado con la empresa pública que suministra electricidad en el país vecino porque esta banda proviene, encima, de Mallorca. Todo muy extraño, pero que se ve refrendado, como no podía ser de otra forma, por un noise rock experimental acorde a tanto humor enajenado. Así, con el CD danzando todo empieza a tomar forma: ruiditos, tonos pausados, guitarras mandando, sólo un tema con voz, Swans, Melvins, Sonic Youth… Y la verdad es que llevado a buen puerto. No creemos que vayan a tener tanta repercusión como The Interview, pero si quieres quedarte en casa y pegarte un buen viaje triposo en vez de ir al cine, ya sabes.

http://bulletsofmisery.bandcamp.com

http://betweenmushrooms.bandcamp.com/releases

http://eresfea.bandcamp.com

Summum Post Mortem

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1ºB 08005 BARCELONA 12

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_EL CHICO AMPERIO

“Lo importante es que la música nunca pare de sonar y de transmitirnos sensaciones” JULIO YÉBENES

FORMACIÓN: Julio Yébenes (guitarra, voz), Ricardo Matas (bajo, coros), Jesús Zamora (batería), Víctor López (guitarra, coros)

PROCEDENCIA: Miguelturra (Ciudad Real) AFINES A: Green Day, Ramones, Dikers PRESENTAN: Los Muertos Bailan (Maldito Digital)

l antepenúltimo día de 2014 nos dejaba la edición de Los Muertos Bailan, el tercer álbum de El Chico Amperio. El cuarteto de Ciudad Real, armado con tres acordes y buenas melodías, lleva desde principios de esta década intentándose hacer un hueco en la escena punk rock estatal, y parece que por fin lo está consiguiendo. “El público que nos seguía de cerca está encantado con este nuevo disco”, nos dice su cantante y guitarrista Julio Yébenes. “Las críticas y las reseñas por parte de la prensa musical han sido realmente buenas, gracias a eso mucha gente nueva se ha animado a escuchar este disco y el número de seguidores ha aumentado en otras ciudades del país, lo cual nos ha dado la posibilidad de ampliar el número de ciudades en la gira de presentación. Todos coinciden en que es un disco fresco, potente y divertido, así que estamos muy contentos con la respuesta que está teniendo”. Siendo éste su tercer disco, el grupo tenía muy claro que quería que sonara muy directo y potente, sin exceso de producción. Desde luego lo han conseguido. “No hay aditivos de ningún tipo: batería, bajo, guitarras y voces”, asegura Julio. Para grabarlo se trasladaron a los estudios El

Sótano en Arcaica de Navarra, donde les esperaba Iker Piedrafita de Dikers. “Desde que empezamos a preproducir las canciones en el local de ensayo teníamos claro que Iker era la persona idónea para producir este trabajo. No lo conocíamos personalmente, pero estábamos al tanto de su trabajo y de sus gustos musicales. Una vez allí todo fue fenomenal, es un gran tipo, una persona muy sencilla, humilde, y un gran profesional que se involucra al máximo en cada proyecto que realiza. Hemos aprendido mucho de él, sobre todo a disfrutar todavía más del proceso de grabación”. Para costearla, El Chico Amperio optaron, como cada vez es más frecuente, por una campaña de crowdfunding. “Pedimos menos de lo que necesitábamos, pero sacamos mil euros más”, nos dice. “Nos sirvió para cubrir todos los gastos de grabación. Aun así, hemos tenido que rascarnos el bolsillo para la edición y promoción del disco. Estamos muy contentos porque sin el apoyo de la gente en el crowdfunding este disco no hubiera sido posible”. Aunque de sus 14 nuevas canciones es difícil destacar una por encima de la otra, hay una que nos ha llamado especialmente la atención por su letra.

Se trata de ‘Festimad 05’, en la que se recuerda aquella edición en la que el caos se apoderó del recinto. “Creo que nunca se le había dedicado una canción a los sucesos del Festimad 2005 y lo que pasó da de sobra para una canción (risas). La canción no sólo va enfocada a ese caso en concreto; reivindica un poco que el público es el verdadero motor que hace que un festival funcione. Hay que cuidar al público, y a veces no se hace”. Muchas veces se tiene el estilo ramoniano que practican El Chico Amperio como algo facilón, pero la realidad es que hacer buenos temas melódicos de dos minutos es todo un arte. “No nos vamos a engañar: cualquier chavalín que empieza a tocar la guitarra puede hacer covers ya no sólo de nuestras canciones, sino de grandes bandas como Ramones, Green Day, Misfits, The Offspring o Rancid”, reconoce Julio. “Pero lo difícil es componerlas, dar con la melodía perfecta, transmitir sensaciones con lo que haces y que tú mismo te lo creas. No hay dificultad a la hora de componer, es algo que si sale, sale solo, pero no a todo el mundo le sale. Seguro que hay grandes virtuosos que no son capaces de componer una canción que transmita tanto como algunos temas tan facilones como ‘Blitzkrieg Bop’, ‘Basket Case’ o ‘Self Esteem’”. Y a pesar de que sus referentes están claros, Julio explica que no son cerrados y les gusta el rock en todas sus vertientes. “Interesar nos interesan las canciones que nos transmitan, sean de grupos clásicos o nuevos. Lo importante es que la música nunca pare de sonar y de transmitirnos sensaciones”.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

RAZONES PARA LA ANARQUÍA Noam Chomsky (MALPASO)

ada vez que abro el

lo más interesan-

periódico o veo las

te de Razones

noticias se me ocu-

Para La Anarquía

rren inmediatamente cientos de

es el dedicado

razones para la anarquía. Pero

al caso español,

no me refiero al caos y a la des-

es decir, a las

trucción que auguran algunos,

cole ctivizacio -

sino a la anarquía que trae consigo un marco para el desarro-

nes que tuvieron

llo intelectual, la expansión de la conciencia ética, las conquis-

lugar al estallar la Guerra Civil y que fueron destruidas por las

tas culturales y la participación en una comunidad libre. Noam

fuerzas de la izquierda establecida. Y es que el espíritu y la

Chomsky lo explica mejor en este libro que recoge ensayos y

pluma crítica de Chomsky nos recuerda que Franco no ganó la

entrevistas sobre el tema: “Tal vez hayamos llegado a un punto

contienda por su superioridad militar, sino por el enfrentamien-

de la historia en que es posible plantearse seriamente una so-

to interno entre republicanos, comunistas y anarquistas, esto es,

ciedad en la que los vínculos sociales constituidos libremente

entre los que deberían haberse unido para combatir el fascis-

vengan a remplazar las cadenas de las instituciones autocráti-

mo. A pesar de las abundantes notas que hay que buscar al

cas, en el sentido del socialismo libertario”. Sin duda el capítu-

final de cada capítulo, un libro de cabecera.

NO TE VAYAS SIN MÍ Álvaro de la Rica (ALFABIA)

uién no se ha

no te folla? No tienes ni idea, creo que es una de las cosas

sentido alguna

más tristes del mundo”. En efecto, en las páginas de No Te

vez atraído por

Vayas Sin Mí se habla abierta y profundamente sobre amor,

algún compañero/a del cu-

relaciones extramatrimoniales, sexo, sentimientos, emociones

rro? Afortunadamente, a mí

de los hijos, judíos, persecución nazi, Kafka, confesiones más

no me ha pasado nunca,

o menos íntimas, incomprensión, alejamiento y otras cuestiones

pero Jacob y Claire, los pro-

que preocupan al alma humana. Eso sí, Álvaro de la Rica nos

tagonistas de estas historias,

desconcierta con la inclusión de la historia Please, Don’t Call

no pueden resistirse a esa

Me Jimy, donde el propio autor es entrevistado por su prima

atracción mutua y caen en la tentación. El dilema moral que

acerca de la novela que estamos leyendo, y con el capítulo

se plantea aquí es que ambos están casados, aunque cada

final, una especie de ejercicio de escritura sin puntos, comas

uno tiene sus problemas en casa: “¿Sabes cuándo notaba más

ni pausas; una concatenación de palabras inconexas dentro

intensamente ese aislamiento en mi matrimonio? En la cama.

de un texto sin sentido pero que esconde al final un mensaje

¿Tú sabes lo que es estar follando con alguien que en realidad

revelador para los que sepan leer con paciencia.

DOOP: EL NUEVO DOOP

Peter Milligan y David Lafuente (PANINI)

De manera muy puntual Peter Milligan regresa a su mayor creación para Marvel (Fuerza X y X-Statix) con el único superviviente de aquella etapa, Doop, y, aunque este tomo queda muy lejos de las genialidades originales (o de Lobezno & Doop y Chica Muerta), resulta un encuentro fantástico para quienes añoramos al personaje en su mayor gloria lisérgica. Ilustra un David Lafuente desatado y pasean por el tomo multitud de personajes de la franquicia mutante. Una auténtica gozada. SG

GUIDO EL NEGRO: DESTINO DE SANGRE

Pedro Camello

ESPAGUETI

Anastasia Bengoechea (LA CÚPULA)

(ALETA)

Relato de espada y brujería de factura patria y acabado excelente. Pedro Camello, versado ilustrador, logra por fin dar forma a este proyecto aplazado varios años en el que se conjuga la fantasía medieval con el relato místico religioso de tradiciones cristianas. Una aventura completa con un destacado estilo de animación muy agradable, ligeras dosis de erotismo y suficiente buen hacer como para que nadie que disfrute de este tipo de cómics no se atreva a darle una oportunidad. SG

ANTOLOGÍA POÉTICA DE EL PAPUS

LA ÚLTIMA AVENTURA

VV. AA.

Josep Busquet y Javi de Castro

(ECC)

(DIBBUKS)

En un momento delicado en que las leyes represivas y de censura aparecen en toda Europa, no sólo en el Estado español, llega a las librerías esta colección que recopila algunos de los mejores contenidos de El Papus, revista satírica de los 70 y 80. Acompañada de estupendos textos históricos y con cadencia trimestral, la vigencia de sus historietas pueden llegar a ponernos muy alerta y con los pelos como escarpias. Una edición del todo necesaria que se inicia con el incombustible Já. SG

MONSTRUO

El guionista Josep Busquet, que no deja de ofrecernos buenos relatos, se une esta vez al dibujante Javi de Castro para contarnos una aventura de vidas mediocres que conocieron tiempos de gloria. Con un estilo gráfico tremendo y sugerente, las vidas de las viejas estrellas que protagonizan este tomo se nos hacen reales, ciertas y patéticas. Tan entretenido de leer como cautivador, posee algunos aciertos formales y recursos gráficos que son para quitarse el sombrero. Muy necesario en tu biblioteca. SG

Librito de humor con altas dosis de cinismo y humor relativo/ cruel, de ése que hace gracia porque sabemos que ‘es verdad’. Con un estilo naïf y feista, buscado desde la propia creación de cada plancha, la autora, debutante en el formato papel, genera complicidad con cada página y hace que el efecto de acumulación de gags termine por regalarte unas cuantas buenas y sonoras carcajadas. De esos cómics que si te lo regalas lo vas a agradecer y si lo conviertes en regalo te hace quedar la mar de bien. SG

EL CONDÓN ASESINO INTEGRAL Ralf Könic (LA CÚPULA)

Si no conoces la obra del aclamado dibujante alemán, este integral que incluye las dos aventuras policiaco/paródicas de El Condón Asesino es un buen punto de partida ya que no necesitas conocer a algunos de sus personajes recurrentes. En esta obra se ofrece una revisión de las aventuras de monstruos y género negro con un elevado tono de sátira y crítica desde la posición de activista por los derechos de la comunidad gay del autor. Un clásico que tampoco debe faltar en tus estanterías. SG 17

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA EL DESTINO DE JÚPITER DESTINO DESCENDENTE

FOXCATHER

HOSTIÓN AL SUEÑO AMERICANO

la casa y parecía más bien el sueño húmedo de todos los jugones del mundo. Aunque ni unos ni otros supieron verlo... En realidad nadie quiso. Y era una obra maestra. Luego llegaría El

reo que Jupiter Ascending, su título original, tiene muchas papeletas para ser la última película de los hermanos Wachowski. Y no me alegro, no creas que soy uno de esos haters con piloto automático. Los hermanos no tuvieron suficiente con revolucionar el mundo del cine en general (y del fantástico en particular) con su trilogía sobre Matrix; que nadie se olvide que hace unos años volvieron a revolucionar el cine con la asombrosa e inigualable Speed Racer, un cóctel imposible de cine animado, ciencia ficción, cine infantil y porno duro para nerds que pasó con la misma discreción que otra obra magna del futuro, el Scott Pilgrim Contra El Mundo de Edgar Wright. Entonces, con la adaptación de Meteoro, un anime supuestamente infantil, los directores no abrieron las puertas del gran público y presentaron un film que se alejaba de los patrones del cine para los pequeños de

Atlas De Las Nubes, otra que tampoco vio casi nadie. Y las luces de alerta empezaban a tornarse muy coloradas en el cuartel general de Warner, mecenas de los caprichosos Wachowski. Ésa es la razón principal por la que Jupiter Ascending tenía que funcionar y por la que los roles principales recaen en dos jóvenes talentos con tirón. Channing Tatum y Mila Kunis, dos jóvenes con aptitudes y mucho sentido del humor, serían los protagonistas de la (supuesta) nueva franquicia de ciencia ficción mainstream. Sobre el papel, space opera, Tatum y Wachowski era una combinación ganadora. Es posible que el suelo de la sala de montaje de Alexander Berner esté lleno de trozos perdidos de El Destino De Júpiter, eso explicaría la caótica edición y su brusquedad narrativa. Pero no todo puede ser achacable al editor. Algunos diseños, sobre todo de algunos personajes y criaturas (esos dinosaurios que parecen salidos de Super Mario Bros, la película) o que su ambición recuerde a una producción de Dino de Laurentiis (Flash Gordon) o de Cannon (Masters Del Universo), y ese lodazal viene de un guión polvoriento.

os da miedo lo desconocido. Foxcatcher también nos lo da, a pesar de ser una historia conocida donde los personajes son casi los mismos y la historia, a poco que nos interese conocerla antes de ver la peli, está ahí. Mi consejo es que esperes a después del cine, no porque vaya a darte el spoiler del siglo (que también), pero creo que el impacto de las recreaciones de personas y lugares es tan sobrecogedor como el resultado final. Bennet Miller es un director con un sentido del ritmo y la compo-

sición anclado en otra época. Su cine es sencillo pero contundente, ramalazos de buen cine americano más preocupado por la sutileza que por hacer ruido y dejarse ver. Foxcatcher es cine grande, de otra época en la que los dinosaurios (del celuloide) dominaban la tierra. Y no sólo por la gran labor de su director o por la gélida fotografía o la música de Rob Simonsen, o las líneas de E. Max Frye y Dan Futterman. Foxcatcher, además, es una gran película de grandes actores. Steve Carell y Mark Ruffalo están increíbles, pero que nadie se pierda el trabajo de Channing Tatum, entregándose en cuerpo y alma a un personaje roto. A pesar de las caracterizaciones, siempre peligrosas y capaces de sacarte de una película, todo es tan enfermizo y tan horrible, ten en cuenta que esta movida pasó tal cual, que cuando uno termina Foxcatcher acaba con todos los músculos doloridos. El que más, el corazón.

DE CULTO_ROCK GODDESS DISCO BÁSICO:

Rock Goddess (1983)

FORMACIÓN: Jody Turner (guitarra, voz), July Turner (batería), Tracey Lamb (bajo, coros)

AFINES A: Girlschool, Motörhead, Saxon

uve la suerte y el privilegio de verlas en directo en pleno 1983 cuando nos visitaron teloneando a unos Def Leppard a punto de convertirse en superestrellas. Aquella noche impresionaron al imberbe adolescente que era gracias a una puesta en escena brutal y unas canciones que no había escuchado pero que se me pegaron como si las hubiera disfrutado toda mi vida. Conocía y había visto a las Girlschool, pero las Goddess se me antojaron todavía más brutas que Kelly Johnson y compañía. Lo reconozco: me enamoré al instante. No paré hasta conseguir su disco de debut Rock Goddess y no me avergüenzo al reconocer que pasó a ser uno de mis discos de cabecera de aquellos años. Heavy metal altamente rockerizado, eso es lo que hacía este trío británico, que contaba con las hermanas Turner como foco principal de un grupo en el que destacaba sobre todo Jody, la mayor de ellas y auténtica líder y compositora de la banda. Aquel debut era sólido como una roca. Lo suyo no fue un camino de rosas: tuvieron serios problemas para girar por culpa de la edad de July, la batería adolescente, y

según cuentan, Jody tenía un carácter como para ponerla a comer a parte. Hell Hath No Fury, su segundo largo, ya no sonaba tan arisco y salvaje. Suavizaron su propuesta, pero curiosamente consiguieron quizás componer su mejor catálogo de canciones. Muchas leyendas urbanas corren por ahí del fuerte carácter de Jody y no son pocos los que le echan la culpa de que la banda no consiguiese nunca el éxito debido a los excesos de mala hostia. Se dice que se enfrentó al mismísimo Steve Harris reclamando más volumen y espacio en el escenario para su banda cuando abrieron para La Doncella en la gira de Powerslave, o montó en cólera cuando se enteró de que la bajista Dee O´Malley se había quedado embarazada justo cuando estaban a punto de grabar un nuevo álbum. El despido fue fulminante y entre gritos. Después de eso la cosa fue cuesta abajo, pero como suele pasar, el tiempo todo lo cura, y mira tú por dónde, aquí están de nuevo, con su formación original reformada y girando por Europa en un tour que nos visitará este mes de abril. (ANDRÉS MARTÍNEZ)

TOI’S IN THE ATTIC CROWDFUN DI NG

ace un par de meses decidí invertir una cantidad nada despreciable de dinero en un libro firmado por Ginger, líder de The Wildhearts, todavía en proceso de creación, a través de una plataforma de crowdfunding. No es la primera vez que el artista ha ido sacando material de esta forma, con un éxito de participación brutal, llegando al 100% de sus objetivos en apenas media hora. A pesar de ser una megafan, me he resistido a participar en anteriores campañas, hasta que en esta ocasión la tentación ha sido muy fuerte y he terminado picando hasta el fondo en mi afán por conseguir algo realmente exclusivo. La sensación que me producen estas recaudaciones con nombres consagrados es un tanto agridulce. Cuando uno está acostumbrado a gastar dinero en música, sea en soporte digital o físico, conciertos o publicaciones, es inevitable que surja una dicotomía moral. En mi caso me emociono pensando que la suma de varios ‘pequeños’ esfuerzos económicos de los fans puede contribuir a que

un proyecto, sin un gran respaldo o un sponsor, llegue a ver la luz, y me gusta ver que la gente todavía es capaz de adquirir un grado de implicación en un momento en el que por desgracia la música está en horas bajas. Sin embargo, el hecho de que Ginger, uno de mis héroes personales, se embarque en uno o incluso dos proyectos anuales, me resulta totalmente abusivo y no me puedo quitar de encima la sospecha de que monta un pledge no tanto por el ávido consumidor, sino más bien porque su tren de vida le lleva a estar cada cierto tiempo bajo mínimos. Para estas plataformas no existe una figura reguladora que imponga límites, puesto que las recaudaciones se gestionan gracias a los suscriptores, pero aun así me jode pensar que este trampolín, perfecto para la promoción del pequeño artista, se corrompa en favor del abuso de sacaperras. Al final siempre tengo la misma duda: ¿Quién es honesto y quién no? ¿Vosotros lo tenéis claro? Pues yo no. TOI BROWNSTONE

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame personal es el álbum homónimo de Bionic. Cada escena en cada ciudad tiene una banda que ‘tuvo que ser’ o ‘estuvo a punto de ser’ en lo que se refiere a aceptación, reconocimiento, éxito, e incluso estrellato. Cada uno de nosotros tenemos una pequeña lista de bandas que pensamos que el mundo está esperando a que le reconozca toda su grandeza. Cuando esa banda local graba sus canciones, y las edita, es cuando la cosa se pone interesante. Ahora el grupo tiene un producto que vender y una razón para promocionarse, salir a la carretera e hipotecar sus propiedades. Es un momento crucial para saber qué formaciones pueden superar esa primera 24

fase. Un test infalible para pasar al siguiente nivel. A veces la grabación es una mierda. A veces la gira es una pesadilla. A veces algunos de los componentes no pueden soportar la presión. Pero, ¿qué pasa, en una de esas raras ocasiones, cuando la banda sale del estudio con un disco redondo que no te hace dudar en apostarlo todo hacia ellos, en su camino hacia el estrellato? Ése es el álbum de Bionic editado en 1998. Si eres capaz de encontrar una copia del disco, bien por ti. He tostado copias del álbum a cada persona que se ha mostrado interesada y hasta ahora nadie se ha sentido decepcionado. Es un álbum que necesita ser escuchado. El porqué éste no fue cazado por una major o por qué no había ningún A&R volviéndose loco cuando apareció es una prueba más de que la decadencia de la industria no se debe a las descargas, sino a la pura estupidez. ¿A qué suenan? A un cruce entre Foo Fighters y Weezer. Sé que esto puede echar para atrás a algunos,

pero guitarras heavies mezcladas con estribillos melódicos y tarareables es una fórmula que sólo unas pocas bandas pueden hacer bien. Se tiene que saber poner en el punto justo entre riffs resultones y una grabación perfecta de guitarras, batería y voz. Justo lo que es el debut de Bionic. Bionic eran un trío cuando grabaron este álbum, luego se convirtieron en un cuarteto durante su siguiente álbum, para luego volver a ser un trío… y más tarde un cuarteto de nuevo. Pero aun con todos estos cambios, nunca pudieron captar lo que hicieron en su primer álbum. El cantante y guitarrista Jonathan Cummins estaba repleto de rabia después de su salida de

The Doughboys, aunque por fortuna el sello melódico de aquella banda todavía estaba presente. Cada vez que me empiezo a quejar sobre algo que nuestra banda todavía no ha conseguido o de que las cosas no salen como quieres, pienso en este álbum. Éste es un disco que tenía el potencial de haber llegado a Disco de Oro, pero que continúa perdido en algún sitio y separado del mundo. Puedes comprar alguno de sus últimos lanzamientos en iTunes, pero no éste, el mejor que hicieron. Y es entonces cuando me doy cuenta de lo afortunados que somos de que al menos hayamos podido ser escuchados. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> DEMA Y GESU DE TALCO INTERPRETAN ‘ANCORA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

l pasado 26 de diciembre los italianos Talco cerraban su última gira llenando la sala Apolo de Barcelona. Con este concierto el grupo redondeaba la celebración del décimo aniversario de la publicación de su primer disco Tutti Assolti, y que les ha llevado a la edición de un disco y DVD en directo titulado 10 Years y grabado en Pamplona. Dema, su cantante y guitarrista, nos contaba la razón que les había llevado a grabarlo allí. “En 2013 tocamos más que nunca en España, de una manera más organizada, y nos enamoramos del País Vasco. Para nosotros era importante grabar el álbum en un sitio donde fuéramos conocidos y donde nos gustara mucho la gente, y de ahí salió la idea de hacerlo en Pamplona”. Después de diez años, en los que han publicado cinco discos de estudio y compartido escenario con bandas como NoFx o Rise Against, la banda que completan Gesu (guitarra), 26

Rizia (trompeta), Cioro (saxofón), Ketto (bajo) y Nic (batería) se encuentra en su mejor momento, aunque Dema asegura que lo mejor todavía está por llegar: “Estos años han servido para darnos a conocer, pero todavía queda mucho por hacer. A finales de este año grabaremos un nuevo disco y espero que con él aún lleguemos a más gente”. En su música se mezclan estilos como el ska, el punk y el folk, entre otros. “A todos nos gustan distintos estilos, pero quien escribe las canciones soy yo, así que reflejan más bien mi gusto”, dice riendo. “La gente nos conoce por el ska punk, pero a mí me gustan mucho los clásicos italianos y el folk balcánico, para mí es natural meter todo eso en las canciones”. Igual de importante que la propia música es el contenido político y de denuncia. No en vano se autodefinen como antifascistas y antirracistas. “Proviene de nuestras vidas”, dice acerca de su interés. “Cuando empezamos Talco no

teníamos letras políticas, pero vivimos rodeados de política. Desde que iba a la escuela me ha interesado y ahora es necesario hablar de ello”. Su último disco de estudio, Gran Gala, era una obra conceptual dedicada a Silvio Berlusconi, aunque Dema explica que no tuvieron ningún problema con las autoridades. “Supongo que porque no somos suficientemente famosos en Italia (risas). Hablar de Berlusconi era la excusa para hablar de la mentalidad italiana. Por desgracia, a pesar de la crisis, esa mentalidad no ha cambiado. Ahora tenemos a Renzi que viene a ser lo mismo. Antes habíamos tenido a Mussolini, Andreotti, Craxi… No somos buenos escogiendo a nuestros dirigentes”. Pese a que su popularidad sigue creciendo en Europa, Dema se lamenta de lo mucho que les cuesta hacerlo en su propio país: “Todos los promotores apuestan por lo que es más conocido, se ha perdido la meritocracia”.

INTERFERENCIAS

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY Como medio oficial del Record Store Day Spain iniciamos una nueva sección en la que conoceremos A las tiendas de discos de nuestro país que, contra viento y marea, siguen resistiendo. Band, de Starroy, y en general, músicos de grupos que han pasado por la ciudad”.

DISCOS ELEPÉ Dirección: C/Doctor Cadaval 35-37, Vigo Año de fundación: 1979 Especialidad: Estamos especializados en buena música,

con amplias selecciones de jazz, blues, reggae, soul, hip hop, heavy metal, música latinoamericana, música nacional, 60’s, 70’s, country, americana, rock’n’roll, rockabilly, bandas sonoras, flamenco, música francesa, gallega, portuguesa, world music, DVDs musicales, DVDs de cine… ¿Cómo decidiste abrir una tienda de discos? JESÚS HIDALGO “Esta tienda es continuación de una tradición familiar que se remonta a los años 30”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? “El primer cambio grande fue mudarnos a un local más grande al año de inaugurar, debido al gran éxito que tuvimos, al ser la primera tienda 28

especializada de la ciudad. Y en los últimos años, la vuelta al vinilo y la incorporación de la segunda mano a nuestra oferta, así como una sección de cine con más de 3.000 títulos”. ¿Puedes citar algunos clientes famosos que te hayan comprado alguna vez? “Barrence Whitfield, Javier Bardem, Ariel Rot, uno de los guitarras de Supersuckers, Mario Cobo de los Mambo Jambo, gente de Steepwater

¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que todavía se sigue vendiendo? “El más vendido con diferencia ha sido Wood Mama de The Soul Jacket. El que se sigue vendiendo aún es Nevermind de Nirvana”. ¿Cuál ha sido el disco más curioso que has vendido? “Un single de la NASA sobre la llegada del hombre a la luna”. ¿Ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo o una recomendación? ¿Y aquél que consideras que siempre debe estar, que si no casi ni quieres subir la persiana? “Nunca falla el Wood Mama de The Soul Jacket. El que tiene que estar siempre, Doug Sahm & Band”. Explícanos alguna anécdota imposible de olvidar. “Ver entrar a Barrence Whitfield a la tienda, en su época

dorada, y pedir música celta”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “Sin un mínimo de experiencia, no. Es un negocio muy bonito, pero muy difícil de llevar”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que has abierto la tienda? “No, eso va en mi ADN”. ¿Qué supone para ti y para tu negocio el Record Store Day? ¿Cómo se ha vivido en la tienda y qué perspectivas tienes para las próximas ediciones? “Me parece una iniciativa muy interesante, que ayuda a reactivar el negocio y que crece cada año. En la tienda nos hemos volcado desde el principio, promocionado el día con actuaciones de grupos locales de primera fila y ofreciendo descuentos especiales. El año pasado fue el despegue definitivo, y este año esperamos superarlo. Nos gustaría que las discográficas ofrecieran precios un poco más asequibles para así animar más al publico”.

LIVE MUSIC

DAYLIGHT

PRESENTADO POR / PRESENTED BY: ROCKZONE JUEVES 28 DE MAYO DE 2015 | THURSDAY, MAY 28TH, 2015 ENTRADA LIBRE | FREE ENTRY | 10:00 PM

BARCELONA | PLAÇA DE CATALUNYA 21 | +34 93 270 2305 HARDROCK.COM

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ENTER SHIKARI

EL MEDIO ES EL MENSAJE 44

A los británicos Enter Shikari siempre les ha gustado que sus fans, además de mover loS pies con su mezcla de rock y electrónica, también ejerciten el cerebro. En su cuarto disco, The Mindsweep, mantienen el espíritu crítico contra quienes manejan los hilos del poder. Texto: Alejandro Lozano Fotos: DR

uestra intención era haber publicado una entrevista con Enter Shikari en nuestro número de enero coincidiendo con la salida de su nuevo disco, pero a veces las cosas se complican… Tras un primer intento en Madrid el pasado 3 de diciembre con Rou Reynolds (voz) y Rory Clewlow (guitarra) horas antes de saltar al escenario de la Sala Arena, algún ladrón de guante blanco o banda organizada me mangó el móvil del bolsillo --aparte del mío, doce móviles más fueron reclamadosdurante el concierto que desplegaron los mencionados antes junto a Chris Batten (bajo) y Rob Rolfe (batería), y que forman los inseparables Enter Shikari. Por ello, me vi obligado a ponerme en contacto con ellos nada más acabar y muy amablemente me dijeron que no habría problema para tener otra entrevista en otro momento que les viniera bien. Finalmente, después de casi dos meses intentando ponernos de acuerdo para establecer un día y una hora, sería por Skype como volveríamos a mantener otra charla, siendo Rou el encargado de atenderme esta vez. Con el recuerdo aún fresco de su paso por nuestro país, donde saldaron una deuda pendiente con los más devotos, y recién publicado su cuarto álbum de estudio, The Mindsweep (Ambush Reality/PIAS), hablamos con él sobre los entresijos y secretos en la grabación

y composición de uno de los largos más esperados de este 2015. ¿Qué tal estás, Rou? ¿Cómo lleváis la banda estos días de promoción? ROU REYNOLDS “Muy bien, la verdad. Después de estar en España hicimos una pequeña gira por Japón y el norte de Europa que finalizamos la semana pasada aquí, en Inglaterra. Hemos hecho también varias firmas de discos y encuentros con los fans estos días por diferentes ciudades, antes de ponernos a preparar la siguiente gira que comenzamos la próxima semana”. La otra vez que hablamos en Madrid decíais que teníais ganas de venir y poder recompensar al público español por la espera. ¿Qué recuerdas de aquellos conciertos? “Fueron fantásticos. La gente estuvo muy entregada en cada uno de ellos: Madrid, Barcelona y Bilbao. Teníamos ganas de poder volver después del problema de estómago de Rory, que nos impidió tocar en Bilbao en la gira anterior. Ha sido increíble, sobre todo el ver a la gente tan entusiasmada en cada concierto”. A mí por lo menos, del de Madrid no se me olvidará cómo te subiste a cantar ‘Sorry You’re Not A Winner’ al piso de arriba de la sala,

con un micro de cable que no tenía fin. “(Risas) Sí, es verdad, me acuerdo de eso. Fue algo que me salió espontáneo. La sala nos encantó porque teníamos al público muy pegado al escenario, fue muy divertido poder sentirlo tan cerca”. Ahora que The Mindsweep ya está en la calle, ¿cómo has visto la reacción de la gente ante el nuevo material? “Por lo que he estado viendo estos días, creo que va bastante bien. La gente nos dice que le gusta y parece que las críticas también son buenas”. Después de haberlo estado escuchando un tiempo, me ha parecido que habéis madurado en vuestro estilo sin haberos desviado del camino por el que os disteis a conocer, pero sonando más serios en canciones como ‘Torn Apart’, ‘Myopia’ o ‘Never Let Go Of The Microscope’, por poner unos ejemplos. “Sí, entiendo lo que quieres decir. La verdad es que hemos estado intentando dar lo mejor de cada uno de nosotros, trabajando mucho en cada canción y esforzándonos todo lo posible para hacer un buen disco. Diría que hemos intentado mezclar varios tipos de emociones a través de ritmos y sonidos que reflejan algo parecido a esos sentimientos que queríamos 33

transmitir en cada canción”. Recuerdo que me hablaste sobre el tema ‘Never Let Go Of The Microscope’ y lo mucho que significaba para ti. Háblame de él. “Sí, es una canción que me gusta mucho. Está hecha en base al pensamiento de algunos de los filósofos más importantes de la antigua Grecia, como Sócrates, que dijo la famosa frase “La vida no examinada no merece la pena ser vivida”, de ahí el título ‘Don’t Let Go Of The Microscope’. Siempre hay que analizar las cosas y saber cómo podemos seguir progresando en la vida, viendo siempre el detalle de lo que nos rodea. Habla también sobre las tra-

diciones y de cómo se han seguido manteniendo por el hecho de ser tradiciones, aunque por ello hayan pasado cosas terribles a lo largo de la historia cuando miramos atrás”. Otra que tiene una temática más actual es ‘Anaesthesist’, que va dirigida al NHS, el Servicio de Sanidad Nacional de Inglaterra. “Sí, así es. Cuando la escribí estuvo bastante influenciada por lo que estaba pasando, o bueno, más bien sigue pasando en Inglaterra. Pero más bien quería que se tomara como algo más global, porque lleva pasando lo mismo en muchos países por los que hemos estado de gira, como por ejemplo Estados Unidos. Allí no

tienen sanidad pública y no tienes otra que pagar sacando el dinero de donde sea para que te curen y puedas vivir. Nosotros desde la Segunda Guerra Mundial hemos tenido un servicio de sanidad gratuito, sin importar el dinero que tengas o de dónde vengas, pero cuando hubo la crisis económica hace unos años, con la que se implantó un régimen de austeridad en Europa, han ido recortando dinero de los servicios públicos para privatizar y limpiar el dinero en el sector privado. Es algo que está empezando a pasar en Inglaterra y por lo que vamos a tener que pagar en un futuro por ello. Para mí, uno de los propósitos de la civilización debe ser ayudar al más vulnerable para que pueda ser parte de la sociedad,

“Para mí, uno de los propósitos de la civilización debe ser ayudar al más vulnerable para que pueda ser parte de la sociedad, si no, ¿cuál es el significado de ‘civilización’?” ROU REYNOLDS

si no, ¿cuál es el significado de ‘civilización’? (Risas)”. Totalmente. Algo que también denunciaste hace unos meses en Alternative Press lo mencionamos también nosotros. Fue en referencia a los VIP packages y meet & greets que venden por desorbitados precios algunos artistas y grupos para que sus fans puedan estar con ellos durante un momento. ¿Qué opinas al respecto? “Pues es algo que, desgraciadamente, está pasando con muchos grupos de la música alternativa, por decirlo de alguna manera. Ponen unos precios ridículamente caros para cobrarte por darles la mano, literalmente. Dar dinero a alguien para que te dé la mano y hable contigo un minuto... eso no puede tener un precio. Es algo que yo jamás podría estar dispuesto a hacer, por ninguna de las dos partes. Por supuesto, me parece aún más ridículo que encima lo hagan bandas que vienen de la música alternativa, por la revista, y que se consideran metal, punk o hardcore. No podéis denominaros

como ‘música alternativa’ si estáis haciendo lo mismo que hacen en la música comercial. Esas cosas siempre han estado en los artistas de pop y el mundo de Hollywood; no podemos permitirlo”. Sí, de hecho lo comparamos con The Gaslight Anthem, que vendían en su gira anterior unas entradas para ver su prueba de sonido y conocerles, aunque ya lo han dejado de hacer para el siguiente tour. “(Risas) Es algo que nunca entenderé: bandas que dicen estar influenciadas por el punk y que se consideran a sí mismos punks... ¡¿En serio?! Me parece lo menos punk que podrían hacer (risas)”. Es que no tiene ningún sentido... Volviendo al nuevo álbum, me gustaría preguntarte por el cambio que habéis dado con el tipo de electrónica para esta ocasión, ya que no es tan agresiva como en los anteriores. “Sí, sé a lo que te refieres. Nosotros siempre hemos estado influenciados por diferentes géneros de electrónica, como el dubstep, el drum’n’bass o el house. Creo que hemos tratado siempre de cambiar el concepto de la electrónica enfocada a un grupo de música, y por medio de sintetizadores hemos ido transformando esos sonidos electrónicos para adecuarlos en nuestra música como si se tratara de un instrumento. Esta vez hemos querido hacerlo más sofisticado, algo que fuera más hipnótico, por decirlo de alguna manera”.

Una de las canciones que más me gusta del disco es ‘Myopia’, y tiene ese tipo de electrónica del que hablas. Me recordó a Radiohead. “(Risas) Eso es bueno. La verdad que fue uno de los primeros grupos que empecé a escuchar y que hoy en día sigo admirando apasionadamente. Esa parte del principio a la que te refieres, está influenciada, supongo, por algo así como electrónica abstracta... Me explico: cuando estuve en la universidad, pues estudié un año Tecnología de la Música, solíamos crear samples, haciendo ritmos de sonidos o ruidos cotidianos, como coger una caja de cerillas y sacar un ritmo del sonido al prender una cerilla. Me parecía muy divertido, y para esta ocasión quise hacer algo parecido. Gracias a nuestro ingeniero de sonido, Tim Morris, que se encerró durante dos horas conmigo en un baño para captar el sonido de gotas cayendo en el retrete, pudimos sacar los samples para esa canción (risas)”. Otra de las cosas que me falta por tratar sobre The Mindsweep es tu cambio de voz. Ahora es más melódica, e incluso usas el falsete en alguna canción... “Sí, es cierto. Me gustaría decir que este último trabajo lo hemos tratado como un pintor trataría un cuadro teniendo muchos colores para elegir... quiero decir que nos hemos esforzado mucho en cada canción para que exprese algo. Eso es por lo que se puede notar un cambio de registro a la hora de cantar; en cambio los gritos son más bestias que nunca, es una

“Dar dinero a alguien pARA que te dé la mano y hable contigo un minuto... eso no puede tener un precio. Es algo que yo jamás podría estar dispuesto a hacer, por ninguna de las dos partes” ROU REYNOLDS

mezcla interesante (risas). Nosotros ya habíamos utilizado anteriormente el falsete, por ejemplo, aunque era más para los coros y ahora tiene más protagonismo cuando la canción lo necesita. Rory y Chris han aportado mucho más en los coros esta vez”. Ahora os toca seguir con la gira de presentación, y he visto que tenéis muchas fechas a la vista ya programadas. Entre ellas hay un doblete en la Roundhouse de Londres, y otra encabezando el segundo escenario del Download. 36

“Eso es. Estamos muy entusiasmados con empezar. La Roundhouse es una sala increíble, tenemos muchas ganas de tocar esas dos noches allí. Las entradas ya se agotaron hace tiempo, y tenemos ganas de ofrecerles un buen espectáculo a nuestros fans. Mañana empezamos las pruebas con los equipos de iluminación que vamos a llevar durante la gira, son impresionantes. En el fondo vamos a llevar un cerebro en 3D, como el de la portada del disco, con movimientos constantes de luces a través del cerebro. Las luces van sincronizadas con la música... va a ser una

pasada, la verdad”. Suena muy bien. ¿Hay posibilidad de que lo veamos por España? “Sí, eso espero. Lo más probable es que en algún festival, todavía está pendiente de confirmar por nuestro mánager. Además, también estamos preparando otra gira por Europa para finales de año y principios del que viene”.

Aunque el momento de esplendor del gothic metal haya quedado atrás, los portugueses Moonspell han logrado mantener vivo su espíritu durante dos décadas. Este mes vuelven a España para presentar su nueva obra, Extinct. Texto: David Sabaté/Laura Clavero Fotos: DR

MOONSPELL

asi como una pequeña aldea de guerreros lusitanos en medio de una avalancha de grupos nórdicos, Moonspell han defendido su territorio con dignidad, experimentando con nuevos estilos a lo largo de su carrera, pero sin perder nunca el rumbo. La esencia de su música ha navegado siempre entre lo salvaje y lo romántico. Puede que sus trabajos no vuelvan a alcanzar la excelencia de sus primeros Wolfheart o Irreligious, pero, desde el lanzamiento de su último doble ál-

bum Alpha Noir/Omega White, parecen haber recobrado gran parte de su magia y, de paso, han logrado captar la atención de un público que quizás les tuviera algo olvidados. Este marzo verá la luz su nuevo álbum Extinct (Napalm Records), que rompe con el estilo crudo y directo de su disco anterior para seguir una tendencia mucho más melódica y que ya intuíamos en la versión Omega White. Un trabajo más sutil, con múltiples matices, en el que se mezclan los arreglos orquestales con riffs extraídos directa-

mente del rock gótico. Hablamos sobre ello con su cantante y alma máter, Fernando Ribeiro, y comprobamos con agrado que nos encontramos ante un raro ejemplo de auténtico hombre ilustrado, capaz de compaginar su faceta musical con la de escritor, filósofo o poeta. Parece que Extinct recupera e intensifica la vertiente más gótica de la banda, esa faceta más oscura pero melódica al mismo tiempo. Es menos bru-

tal que sus antecesores y un retorno al tono de discos como Darkness And Hope o Sin/Pecado. ¿Estás de acuerdo? FERNANDO RIBEIRO “Sin duda. Es algo bastante evidente y manifiesto en casi todas las canciones de Extinct. Alpha Noir y Omega White fueron una suma de todo lo que hacíamos hasta entonces y Extinct es más como un nuevo comienzo. La carrera musical de Moonspell puede dividirse en dos: una parte más alfa, más metalera, que hemos intensificado en discos como Memorial, Night Eternal o Alfa Noir, que son trabajos mucho más violentos y furiosos, y otra como la que reflejamos ahora. No es que queramos dejar esa otra vertiente, sino que abordamos Extinct como un disco mucho más musical, en la línea de álbumes como los que has mencionado u Omega White. Queríamos una cosa mucho más melancólica, que ejerciera una especie de encantamiento y que condujera a las personas a un estado anímico distinto. Estás en lo cierto, por supuesto, Extinct pertenece a una categoría de discos mucho más oscuros, góticos y rockeros. Hemos querido abrazar un estilo en el que predominara la melancolía. Claro que tenemos aún partes más épicas, como la canción que da título al disco, o ‘Breathe’, pero todo es mucho más hipnótico y melódico, con arreglos más exuberantes, con partes orientales... Queríamos hacer un disco que fuera totalmente Moonspell pero mucho más bello, frágil, ufano y etéreo. Tenemos mucha oscuridad dentro y, como estamos infectados por el virus del metal y formamos parte de la escena, vamos haciendo estos contrastes con nuestro registro más melancólico y oscuro. De todas formas, cuando nos sentamos para hacer Extinct, sabíamos

que la vía más melódica era mucho más representativa del concepto del disco y de lo que queríamos expresar, de las cosas que estábamos escuchando. Fue seguir la música, porque no nos gusta estar siempre en nuestra zona de confort. El mejor ejemplo de ello, en nuestro caso, fue Irreligious: tuvo un éxito enorme y, en vez de grabar un ‘Irreligious parte 2’, grabamos Sin/Pecado, que fue un álbum que también dividió a mucha gente. Con Extinct queríamos sonar simplemente como Moonspell; que las personas reconozcan tu sonido es algo muy importante”. Me ha llamado especialmente la atención ‘The Future Is Dark’… ¿Tenéis, en efecto, una visión pesimista del futuro o es una cuestión más lírica? “Toda la gente me dice ‘eso es una premonición’, pero creo que el presente ya es oscuro. Hay cierta ambigüedad en esta canción, como en todo el álbum. Éste es mi tema favorito del disco, es especial y tiene una sensibilidad distinta. Es una canción muy personal e íntima que escribí después de una mala noche en la que lo cuestioné todo en mi vida, también como padre y marido. Está inspirada en el tipo de situaciones que todo el mundo ya experimentó pero prefiere esconder bajo la alfombra. La música tiene también la función de canalizar todo este tipo de cosas, ése es también el sentido del arte como forma de expresión y de comunicación. Les canté toda la canción al resto del grupo, sólo la voz, y les gustó al instante. Cuando estábamos grabando las primeras tomas, el productor entró en la cabina y me dijo: ‘Ésta es la canción más oscura y aplastante que

he escuchado nunca, necesito hacer una pausa’ (Risas). Que un productor sueco como él te diga esto… Consiguió ver que esta canción, y perdonad la inmodestia, es de aquellas en las que consigues hacer algo más que música. Me encantan bandas como Type O Negative y canciones como ‘Wolf Moon’, ‘Green Man’, ‘Love You To Death’… Todas ellas son algo más que música. Intentamos ir más allá del entretenimiento y hacer música para sentir y pensar. Estoy muy cansado y aburrido del metal gótico con una chica cantando y un tío gritando, con orquesta y un breakdown. Hay muchos más estilos, como demuestran bandas como Tiamat o Type O Negative, por ejemplo. Los jóvenes góticos de hoy en día tienen que intentar ir más allá. Muchas veces me pongo a hablar con chicos que van vestidos como góticos pero no saben quiénes son The Sisters Of Mercy, y a mí y a mi mujer, que es la mayor fan del mundo de ellos, nos dan ganas de gritar”. En relación con el título del disco, te quería preguntar si crees que la causa de la extinción del hombre es el propio hombre. ¿Tiene eso que ver con el concepto del disco? “Sin duda, eso va en la línea dura del disco. Nosotros somos culpables de la extinción de algunas especies de animales, pero, la conclusión que he sacado de toda la literatura científica que recopilamos para el disco, es que la extinción tiene siempre que ver con la emoción. Muchas personas que estudian este fenómeno están comprometidas con intentar salvar las especies que están en peligro y eso es algo que se hace desinteresadamente. Si atiendes a gente como Hobbes, Darwin u 39

“Muchas veces fantaseo con el momento en el que Moonspell se extingan y me dedique por completo a la filosofía y la literatura” FERNANDO RIBEIRO

otras escuelas, quizá la extinción es un proceso absolutamente natural. A mí lo que me interesaba como autor era ver el lado emocional, la posibilidad de que no haya una vuelta atrás. Si desaparece Peter Steele no va a existir uno nuevo, ni tampoco unos nuevos Type O Negative. Es una pérdida irreparable, sin sustitución. Extinct puede que se camufle tras un concepto puramente científico, como la desaparición del pájaro dodo o el tigre de Tasmania, pero de lo que trata en realidad es de un universo mucho más microcósmico. Un universo que puede ser compartido por todos los que lean las letras. Es como cuando pasas por tu antigua escuela y ahora es un parque o un súper. Ha desaparecido toda la memoria y te causa un poco de rabia y una mala sensación. Para mí eso es una forma de convivir también con la extinción”. ¿Me podrías decir qué grupo te hizo pensar en dedicarte a la música? ¿Y qué te marcó más, ese primer grupo o ha40

ber estudiado filosofía? “La música es una cosa muy loca, te hace pasar por momentos memorables pero otros son momentos de mierda. Te sientes entre humillado, ofendido y glorioso. Resulta muy difícil lidiar con ello psicológicamente. La filosofía es algo mucho más interior, más recatado y tranquilo. Yo decidí dedicarme a la música en el 98, así que estudié filosofía hasta ese momento. Hubo muchos períodos en los que no podía ir a la universidad porque estaba de gira con Moonspell y era muy difícil conciliar ambas cosas. A veces me pregunto a mí mismo qué estoy haciendo tocando en China y si no debería estar en la biblioteca buscando libros sobre Heidegger o haciendo una tesis, pero lo verdad es que elegí hacer música. La primera banda que me impulsó verdaderamente a hacer música fue Bathory. Tuve la suerte de que Quorthon vino a Portugal en 1990 y pude conocerle. Contando con bodas, divorcios, mudanzas e hijos, el encuentro con él fue una de las cosas que más me marcaron en la vida. Elegí la música y dejé

la filosofía como un complemento vital. Aunque no acabé la carrera, no he dejado nunca de leer filosofía. No es que necesite estar en una escuela para seguir aprendiendo... La música exige una actividad física que no voy a poder mantener siempre. Muchas veces fantaseo con el momento en el que Moonspell se extingan y me dedique por completo a la filosofía y la literatura. Me imagino a mí mismo como un viejo con barba, fumando y leyendo sin parar, como Hemingway. Pasar del refugio de la música al refugio de los libros; siempre escondido de la realidad lo máximo posible (risas)”. Quizás podrás publicar otros libros. No sé si ahora tienes algún proyecto en mente. “Sí, he escrito algunos libros y también me he dedicado a hacer algunas traducciones. Por ejemplo, traduje al portugués Soy Leyenda de Richard Matheson. Tengo muchos planes literarios, aunque no tengo mucho tiempo. Uno de los planes que tengo es crear una pequeña editorial para sacar libros de músicos de aquí y también de otros músicos con los que voy entablando amistad a los que les gusta escribir. Es un proyecto que tengo en mente porque me encanta el mundo de los libros. El mundo del rock’n’roll es genial, con todos esos viajes y muchas experiencias buenas y malas, pero en la literatura lo encuentro todo, las emociones fuertes y la tranquilidad. No tengo que ir a tocar a Pekín o Estambul porque puedo hacerlo todo desde el confort de mi casa (risas)”.

Cuentos Cotidianos Novelería nos devuelve a los mejores Nueva Vulcano después de seis años de silencio discográfico. Puede que el mundo haya cambiado, pero ellos siguen siendo los mismos. Afortunadamente. Texto: ANDREA GENOVART Fotos: DR

ueves por la tarde en una bodega del barrio barcelonés de Gràcia. Un escenario de encuentro que simboliza a la perfección el proyecto de Nueva Vulcano: cercano y cotidiano, haciendo emerger el encanto de lo común a partir de una base punk que se remonta en sus experiencias con sus anteriores grupos. Son de la calle. Y suenan para gente de la calle, la misma que a la misma hora está tomando cervezas con sus colegas en cualquier bar. La carrera musical del grupo catalán es tan prolífica como la rondas de sus medianas: este marzo vuelven a obsequiarnos con su nuevo álbum Novelería (BCore). Once canciones que mantienen las raíces de las que nacieron, pero puliendo las mejores versiones de los registros con los que han experimentado a lo largo de estos once años de carrera musical. O, dicho de otra manera, una obra de forma calidoscópica con la que no puedes dejar de alucinar, de tal diversidad de matices reunidos que no sabes dónde fijar la atención. Lo hermético y oscuro de Principal Primera (2004) junto con el día a día desde el que se cantaba Los Peces De Colores (2009), resistiéndose así a la banalización reductiva de las etiquetas. Charlamos y hablamos con Artur Estrada (voz, guitarra), Wences Aparicio (bajo) y Albert Guàrdia (batería) de todo un poco, saltando de un tema a otro, sin hacerles falta pensar demasiado sus respuestas. Piensan lo que hacen, hacen lo que piensan, pero también siempre hay algo que decir. Puede ser que tal coherencia construida y de un modo

tan bien soldado sea, entre otras, una de las claves que explica esta incesante creatividad del grupo, siempre desde una relación de fidelidad hacia su modo de entender y hacer música. Por ello fue que su música compartió protagonismo con la misma idea de grupo que son, de tal riqueza que siempre merece la pena saber algo más. ¿Para vosotros Novelería es un disco continuista o rompe con lo ya dado? ARTUR “Para mí es como un greatest hits de Nueva pero con canciones nuevas. Tiene un poco de cada CD anterior. Sí que hay algo de autorreferencia, pero también es algo nuevo”. WENCES “Se ha continuado un poco con lo que ya se había iniciado en Los Peces De Colores, que era hacer letras más fáciles de entender y más accesibles, con un espíritu más positivo, y que se ha evolucionado en Novelería. Aunque hay un par de canciones como ‘Hasta La Boya Y Volver’ que tienen una pizca de esa oscuridad que también nos gustaba y que liga un poco con la primera etapa”. ¿Por qué Novelería? ARTUR “El otro día le pregunté a mi tío: ‘¿Tú sabes lo que quiere decir ‘novelería’?’. Y me dijo ‘Sí, una cosa moderna y chorra’, y me gustó cómo la definió. También es como darle algo de realidad a lo peliculero. Y me gusta cómo suena, a disco de Rocío Jurado, a folklore español, a por bulería, que guarda relación con esta manera nuestra de expresarnos tan sentimental. Es una palabra que también he utilizado

mucho en esta última etapa de mi vida para designar cosas que no son necesarias ni imprescindibles en la vida, pero que te molan o te hace ilusión tener”. WENCES “Es el primer CD con el título de una sola palabra”. Se puede percibir una evolución en vuestras letras que pasa por un lenguaje más coloquial y la integración de lo cuotidiano, diferenciándoos de una primera etapa más intimista. ¿Podríamos decir que a la hora de componer la voz está antes que la música o existe un momento de vaivén? ARTUR “Sí que hay una voluntad más de explicar historias que en el principio. El contacto con la gente, con el público o con amigos que te escuchan también influye, como su opinión sobre lo que hacemos, ya que vivimos en comunidad con el resto de grupos de España. Nos decían que sonábamos bien pero que no entendían nada de la letra. De alguna forma, sí que ha sido algo intencionado que las letras sean más sencillas. Ahora hay una mayor importancia de la voz en el momento creativo, que pasa para que se entienda más lo que queremos explicar en las letras, que la que tenía en sus inicios. Pero como somos una variedad de punk rock, la música sigue siendo prioritaria antes que la letra, pero depende también del caso. Hay casos en que la melodía guía la canción, pero también hay cierta incidencia de la voz que en nuestro primer disco era impensable”. 43

“Para mí es como un greatest hits de Nueva VULCANO pero con canciones nuevas”

Artur Estrada

ALBERT “La voz nos ha guiado y se ha utilizado para llevarnos a un sitio donde antes no llegábamos porque no le dimos esta oportunidad. Al abrir este campo que aporta a la canción, es un instrumento más que hace que la canción pueda variar según la melodía o ciertas cosas que diga Artur, haciendo que la parte instrumental de la canción quiera interpretar la voz y lo que ella dice. Depende de la canción, la voz o la melodía tienen su importancia”. WENCES “En la primera época supeditábamos la voz a lo que ya estaba hecho desde la música, y poco a poco hemos hecho que las dos se compaginaran”. ARTUR “El papel de Santi Garcia también ha sido importante, que es muy velador para que la voz esté delante y cobre presencia, que se cante con convicción. Su opinión tiene mucha importancia para nosotros porque es una persona 44

externa que a la vez ejerce de crítico”. Artur, muchas veces aludes a poetas como Jaime Gil de Biedma, Gabriel Ferrater, Ángel González, como fuente de inspiración a la hora de componer. ¿Cómo es tu relación con el lenguaje musicado? ¿Entiendes como un reto el hecho de poner en palabras lo que quieres expresar, la dimensión prelingüística? ARTUR “Se crea una relación de tensión. Creo que lo importante en este sentido es no tener un vínculo muy fuerte ni con la melodía ni con la letra, hacerlo todo un poco a la vez. Esto es lo que creo que me ha ido bien. Porque si tienes una melodía muy estricta y te has de ceñir a ella, poner los acentos en un determinado sitio, después te

queda un poco impuesto. Yo creo que un buen truco es ir haciendo y dejarlo todo sujeto a ciertos cambios que puedan venir dependiendo de la idea que tenga la canción, que puedas variar un poco, porque si no te conviertes en un esclavo. Por otro lado, he tenido más influencia en este disco de leer cómics que no poesía o novela. Sobre todo porque desde que soy padre, que pensé que para seguir novelas me costaría por esto de tener que levantarme por las noches. Fue ahí cuando empecé a viciarme a los cómics, sobre todo a los de Jason, que no tienen casi texto. Leí muchas cosas de este tío, que tiene un lenguaje bastante cabroncete, no es del todo alegre, dibuja escenas donde todo va bien y de repente sucede alguna cosa extraña. Pero está muy bien”. Una palabra a través de la cual podáis definir o

identificar estos once años de Nueva Vulcano. WENCES “Libertad. Es la misma respuesta que di hace unos años cuando nos lo preguntaron, y me gusta bastante. Muy bonita”. ARTUR “Ilusión. Porque el hecho de tener un grupo te obliga a ir hacia delante, persiguiendo una idea, un espejismo”. WENCES “La gracia es que nunca se cumpla”. Hasta La Boya Y Volver, vuestro libro de fotografías hecho por Alberto Polo, ¿lo entendisteis como un proyecto interartístico que juega con los modos de representación a través de la imagen y vuestra música, o como una oportunidad de preservar lo anecdótico de vuestro grupo a través de la oportunidad de publicación? ALBERT “El otro día hablaba con Alberto Polo de la importancia de la imagen y de la fotografía en países que no son como los que vivimos. Hablaba y explicaba la diferencia tan grande a través del ejemplo de la Casa Blanca, que tiene un fotógrafo con total libertad para tirar fotos en cualquier momento del presidente de turno, en este caso de Obama. Esta persona puede colgar una fotografía desde su cuenta de Instagram sin tener que preguntárselo a nadie. Polo quería compararlo con este país, donde esto sería inconcebible con el presidente del gobierno y todo está muy ceñido. Él le da mucha importancia a este punto de libertad, de poder hacer una faena como la que ha hecho él en este libro,

porque le dimos de esta manera. Fue una propuesta mutua. Se subió a la furgoneta e hizo lo que quiso, y se le dio completa libertad para que retratara lo que quisiera. Iba con diferentes cámaras, alguna con flash cuando era de noche y se tenían que tirar fotos. Nosotros creemos que la imagen es importante, ya no desde el punto de vista del grupo, sino también en el sentido de enseñar otras cosas de cuando un grupo se va de gira, que son las que se muestran en el libro”. ARTUR “De hecho le propusimos que ninguna de las imágenes fuera del concierto, si así lo quería. Le dimos carta blanca, que pudieran ser de cómo te quedas dormido en el hotel o estás en una posición rara en la furgo. Él quiso incluir alguna de conciertos, pero son muy pocas. Pero en el momento nadie pensaba que esas fotos serían un libro, por mucho que fuera una idea que él pensaba como algo que le gustaría hacer. No nos hubiéramos sentido muy cómodos de haberlo sabido, por mucho que viajar juntos sea un placer y que nos conozcamos desde hace tiempo. Después, a la hora de estructurar el libro, nosotros quisimos darle un sentido más narrativo y en cambio él quiso hacerlo más mezclado y sin capítulos, y aunque se hizo entre ideas de unos y otros, prevaleció bastante la suya. Es el artista del libro y le estamos agradecidos”. ¿Qué pensáis de esta nueva oleada de grupos indie, indie rock, como también la nueva tendencia de gente que los escucha y va a festivales? ¿Se trata de una moda con

fecha de caducidad o se ha asimilado ya por el gran público? ARTUR “Personalmente, yo que no soy un gran consumidor de los festivales de música, he alucinado bastante con que cuando hemos tocado en festivales haya mucha gente que participe en los conciertos de sala que hacemos. Esto es algo que yo no sabía porque pensaba que estaba más separado. Pero en realidad, cuando tocas en conciertos, es lo mismo. Sí que es cierto que hay una cierta cantidad de gente que sólo va a festivales, pero también hay algunos que hacen un seguimiento de los grupos, que va porque tocan y porque les agrada la música. Por otro lado, esto es como los grandes almacenes y las tiendas; unos se quedan con el pastel y tal. Lo que también veo es que, curiosamente, al mismo tiempo que emerge este boom de los festivales, están saliendo cosas al margen del negocio muy interesantes, como en Madrid La Faena, en Pontevedra El Liceo Mutante o en Zaragoza Arrebato desde hace años. A veces, cuando la historia está en un momento muy difícil, la gente reacciona y hace cosas guays”. ALBERT “El indie nacional se ha ido poniendo de moda y los festivales simplemente son empresas que ven un negocio muy amplio. Ahora es esta música la que hace llevar a la gente a los festivales, pero también supongo que una cosa lleva a la otra. Hace unos años se hizo Made In Barcelona con K Industria, donde se recogían grupos como Love Of Lesbian. En ese momento tomábamos como un loco a aquel que decía 45

que en el CD se encontraban los grupos del futuro, que después han sido grupos que lo han petado todo y han conseguido que los festivales casi se pongan al servicio de ellos, haciendo un cartel a medida con las bandas. También denota que hay una cantidad de público muy bestia, porque no es tan fácil llenar un recinto con 10.000 personas”. WENCES “El fenómeno del festival se ha multiplicado por ciudades y pueblos. Grandes festivales hay pocos, pero festivales los hay por todos lados. Esto ha hecho que quieras o no haya un circuito y que existan una serie de cosas que en el mundo independiente nunca habían existido, como son los mánagers, la faena de booking, etcétera, porque el mismo sector te lo pide. Después hay diferencia de tipos de festivales entre Catalunya y España. Mientras aquí se concentran más en la música de aquí, excepto el Primavera que es internacional y enfoca fuera, en España se centran más en el indie español. Después se da la casualidad de que los grupos españoles no dejan de girar por España porque están dentro del mismo circuito”. ALBERT “Bueno, tú vas al Canet Rock y te encuentras también a los mimos: los Manel, los Mishima… Es muy similar, pero aquí hay como dos circuitos”. Nueva Vulcano ya tiene diez años. Supongo que en este tiempo habréis notado ciertos cambios en las formas de relacionaros como grupo, de haceros visibles. ¿Cómo os ha afectado? WENCES “Respecto a la visibilidad, 46

sí que tenemos más que los grupos con los que tocábamos en los 90, que nos quedábamos en una especie de superficie latente. La sociedad en general ha cambiado, y la influencia de internet ha sido muy importante”. ALBERT “Los festivales son un escaparate más y tienen mucha potencia de darte visibilidad”. ARTUR “Nosotros como grupo hemos entrado tarde, hasta Los Peces De Colores no empezamos a tocar en festivales, pero no hemos sido un grupo que tocara bastante en ellos. Hay muchos grupos de los cuales ahora se recoge su trayectoria, que estaba antes de este boom. Love Of Lesbian, por ejemplo, son trabajadores del rock, gente que ha currado y ha hecho discos y mil cosas y que antes no estaban en los festivales que ahora siempre están”. ¿Y qué relación tenéis con una accesibilidad tan mediada por internet y sus plataformas virtuales? ¿Habéis tenido que adaptaros? ¿Os sentís dependientes? WENCES “Una de las cosas que nos gusta dejar claro es que en Nueva Vulcano, siendo heredero de las actuaciones de los grupos anteriores que teníamos, hemos intentado que no cambiara tanto la forma de actuar del grupo en función de esto. Obviamente la realidad es una y ahora necesitas tener un mánager para tocar en los sitios, pero intentamos mantenernos como grupo que hace al modo do it yourself y tener el mismo grado de decisión sobre las cosas. Sí que es cierto que las cosas han cambiado, pero Nueva Vulcano ha intentado seguir actuando

de la misma manera”. ALBERT “Creo que la era de internet nos irá bien. Tenemos un público comprador bastante fiel, y eso que hemos hecho bastantes ediciones extrañas, como singles inéditos, así que seguirán comprando nuestros discos. Ahora veremos si esto del Spotify, que en 2009 con Los Peces De Colores no estaba tan en boga, ayudará al grupo a conseguir que nueva gente nos escuche. Digitalmente, el último lanzamiento del grupo fue en 2009 y los máximos ingresos de BCore digitales son de Spotify, y ahora tiene muchos más usuarios. En ese momento no tuvimos la oportunidad de verlo y ahora sí que la tenemos, y ver la gente que se suma. Tengo la fe de que los CDs y LPs que venderemos serán los mismos, no creo que bajen las ventas porque a la gente que le gusta tener el disco seguirá estando ahí por lo que se le ofrece de más”. ARTUR “Con la energía nuclear puedes hacer la bomba atómica o grandes cosas. Nosotros intentamos tomar un poco de distancia. También procuramos no hacernos muy pesados”. WENCES “Internet y las redes sociales nos han dado la oportunidad de que la gente nos entienda un poco más. Antiguamente, quien decía que hacía rock independiente o hardcore tenía pocas herramientas para informar sobre lo que era o dejaba de hacer, como también a quién se lo decías. Ahora, el hecho de que te puedas comunicar más extensamente hace que la gente te quiera seguir. Por ejemplo, ahora que tocaremos en la Fabra y Coats el seguidor de Nueva Vulcano ya no se encontrará con algo diferente, las redes sociales

“No sé hasta qué punto se puede reagrupar una escena aquí en Barcelona, como sucedió en los 90, dOnde todos los grupos iban juntos a todos sitios”

Wences Aparicio

han hecho que la gente cuando nos vea ya no se sorprenda”. ¿Y si tuvierais que escoger un grupo actual, con cuál os identificáis más? ARTUR “Hay tantos que no sé cuál decir, tengo varios en la cabeza. Pero serían los Za! porque son altos y guapos como nosotros. Es broma; porque experimentan y viajan mucho como nosotros. Y en los Dodos, que son un grupo yanqui que van experimentando, no deja de ser pop o rock pero siempre intentan hacer algo diferente desde una emotividad sentimental. Después en los conciertos el tío con la camiseta sudada está vendiéndote el CD”. WENCES “Últimamente hablamos que Betunizer, que son el mejor grupo de España, y seguramente tardaré muchos años en encontrar a alguien como ellos. Nos relacionamos con ellos porque tenemos la misma manera de intentar llevar el grupo, de hacer muchas giras, porque tienen una fuerza y una convicción con lo que hacen brutal y un talento innato

que igual ya no tenemos nosotros. Me siento muy cercano a ellos con lo que hacen, pese a que a primera vista pueda parecer que tienen una propuesta arriesgada para aquellos que no están acostumbrados a escuchar su música”. Estamos en un momento de dispersión ante la gran cantidad de grupos. ¿Creéis que se puede crear escuela o todo aparece más disgregado? ARTUR “Antes había más contacto y más real. De hecho, después de la gira lo podremos pensar mejor porque Albert planteó hacer la gira tocando con grupos locales de la ciudad, cosa que nos puede hacer aprender y ver cómo está el panorama en general”. WENCES “No sé hasta qué punto se puede reagrupar una escena aquí en Barcelona, como sucedió en los 90, donde todos los grupos iban juntos a todos sitios. A mí me gusta decir que las nuevas generaciones son mejores que las anteriores. Visto desde dentro

dirías que sí, que hay un grupo que se está formando y hay conexiones. Pero es difícil de hablar de una cosa tan amplia como una escena”. ALBERT “Yo creo que se ayudan los grupos los unos a los otros. Hay mucha gente joven en los conciertos. El otro día fui a un concierto de Da Souza y había gente de todos sitios. Hay ciertos grupos o sellos que se mezclan y que hace que sí que pueda haberla. Todo el mundo va a la suya pero nos vamos encontrando, con un respect hacia la otra persona que permite que podamos aprender muchas cosas. Me gustaría pensar que así son las relaciones entre estos jóvenes, intentando mejorar cada día como grupo. Sí que desde fuera se ve todo muy separado, pero en ciertos sitios y ambientes al final la gente está allí”. ARTUR “Sí que creo que la haya. En los festivales o conciertos conoces los grupos que nacen y puedes hablar con ellos perfectamente, como nos pasa en el Hoteler de Vic. Al final lo que quieres es ir a hacer una cerveza y un piti”.

CANCER BATS

uestros queridos Cancer Bats publican su quinto N álbum Searching For Zero el 6 de marzo. Un disco con el que reafirman su total compromiso con su música, pero que llega después de vivir un periodo de reflexión y lidiar con la muerte de algunos amigos cercanos. Ellos mismos nos lo contaron en Londres.

Texto: JORDI MEYA Fotos: Pau Ardid

CANCER BATS ivimos EN una época en la que el lenguaje del márketing se ha infiltrado en el mundo de la música hasta la náusea. Nada es lo que es, sino lo que necesita ser para poder venderse. Los fans se han transformado en ‘likes’ y ‘followers’, los lanzamientos de discos se han convertido en ‘eventos’ y los festivales ya no pueden ser sólo festivales; deben ser ‘experiencias’ si aspiran a conseguir patrocinadores. En este contexto da gusto encontrarse con un grupo como Cancer Bats, que ni finge ni aspira a ser nada más de lo que es: cuatro colegas a los que les gusta hacer ruido juntos y que viven cada concierto como una aventura. Su último disco no llega con el lema ‘no bullshit’ por casualidad. Los canadienses llevan una década consiguiendo con cierto éxito vivir al margen del dictado de la industria, aunque tampoco hagan bandera de la integridad y la autogestión llevada al extremo. Amigos y conocidos suyos han llegado más lejos en menos tiempo, y aunque ellos avanzan a un ritmo más lento, Liam Cormier (voz), Scott Middleton (guitarra), Jaye Schwarzer (bajo) y Mike Peters (batería) todavía se muestran más

entusiasmados con la idea de poder volver a España para tocar en locales pequeños que por hacer de telonero de un grupo más grande pero con el que no conecten. Searching For Zero (Noise Church/BMG Rights) también transmite esa misma actitud de ‘me suda la polla’ y su naturalidad para moverse entre el punk y el metal sin atender a modas ni tendencias. Su quinto trabajo llega además con el sello de haber sido producido por Ross Robinson. Aunque Robinson sea mayormente conocido como el arquitecto sónico del nu metal por su trabajo con Sepultura, Korn o Slipknot, no hay que olvidar que a lo largo de su carrera también lo ha hecho en otros más cercanos al punk y el hardcore como At The Drive-In, Glassjaw, The Blood Brothers, Amen, por no hablar de Berri Txarrak. En ese sentido, se trata de alguien que encaja como un guante en las intenciones del grupo, y así nos lo cuenta el propio Liam en un pub el día después de haber actuado como invitados de Turbonegro en la House Of Vans de Londres. Allí nos encontramos con ellos a primeros de noviembre, donde han organizado una ronda promocional con la prensa aprovechando la

suculenta oferta que recibieron para tocar en el concierto que los noruegos dieron la noche de Halloween. Desde el mes de agosto Cancer Bats no tocaban en directo, todo un récord para ellos y un síntoma del cambio de chip que ha hecho el grupo en el último año tras comprobar que su plena dedicación a vivir en la carretera empezaba a pasarles factura en lo personal. Al día siguiente volvemos a encontrarnos con la banda al completo para realizar una sesión de fotos en el estudio de Pau en Bethnnal Green. El último disco de Rancid suena de fondo y ellos van bailando y cantando mientras los flashes se disparan. Aunque sus últimos discos sean más metal, llevan el punk en el corazón. Como es habitual en ellos, y uno de los motivos por los que la gente conecta tanto con el grupo, no hay ninguna muestra de divismo o egocentrismo; al revés, se muestran igual de cercanos y chistosos que cuando les conocimos por primera vez. Sin embargo, tras hacer unas cuantas fotos más en la calle y meternos en una cafetería para entrevistarles ‘oficialmente’, también apreciamos que su entusiasmo hacia su nuevo disco no es exclusivamente porque lo hayan grabado con Robinson o porque tenga algunos riffs matadores, sino porque lo han hecho entendiendo que en su vida, como en la tuya, como en la nuestra, por muy importante que sea la música, también hay otras cosas. Y no pasa nada. ¿Qué os gustaría que los fans pensaran cuando escuchen Searching For Zero por primera vez? LIAM CORMIER “Espero que se

emocionen tanto como lo estamos nosotros. Creo que por ahora ha sido así con la gente que lo habéis escuchado. Cuando no tienes nada que reprocharte y sabes que no podrías haberlo hecho mejor, te da la confianza para que lo escuche cualquiera. Hemos tardado mucho tiempo pero este disco hará que se te caigan los huevos al suelo”. MIKE PETERS “Yo espero que la gente piense que después de diez años Cancer Bats todavía siguen teniendo fuerza y haciendo algo que merece la pena”. LIAM “Es como cuando escuchamos el último disco de Clutch o Converge. Piensas ‘buff, estos tíos todavía lo dan todo y han hecho su mejor disco’. Me encantan todos los discos que hemos hecho antes, pero éste es aún mejor”. Ayer me contabais lo contentos que quedasteis con el trabajo de Ross Robinson, ¿pero por qué acudisteis a él teniendo en cuenta que siempre trabajáis con Eric Ratz y Kenny Luong? LIAM “Pensamos en muchas opciones. Incluso pensamos en dividir el disco entre varios productores, pero nuestro mánager es amigo del mánager de Ross y un día hablando sobre que íbamos a grabar uno nuevo le comentó que creía que podíamos encajar muy bien. Resultó que tenía unos días libres en los que podíamos ir a su estudio. Creo que no nos conocía mucho, pero tenemos muchos amigos en común con los que ha trabajado. Conocemos a los chicos de Norma Jean y ellos tenían un muy bien recuerdo del disco que grabaron con él. Así que le llamé, hablamos como unos 20 minutos y

“Creo que nunca he conocido a nadie que estuviera tan enchufado y tuviera tantas ideas como Ross Robinson”

Scott Middleton

conectamos enseguida. Me dijo que si no queríamos hacer una segunda parte de Roots de Sepultura o de cualquiera de los discos que había hecho, estaba por la labor. Le fuimos enviando las maquetas que teníamos y él nos mandaba notas graciosas o vídeos de él haciendo headbanging (risas). Es un tío muy guay”. JAYE SCHWARZER “Ross tiene la reputación de llevar los grupos al límite, de hacer llorar a los músicos, pero nosotros ya nos habíamos llevado al límite mientras componíamos en casa, así que no nos daba ningún miedo”. SCOTT MIDDLETON “También tuvimos la opción de trabajar con otros productores que han grabado a grupos que nos molan, pero la realidad es que quizá no eran nuestros discos favoritos de esas bandas. En cambio, con Ross, quizá no nos gusten todos los grupos con los que ha trabajado, pero no hay duda de que con él han grabado sus mejores

álbumes. Así que sabíamos que iba a aportar algo diferente y a sacar lo mejor de nosotros”. LIAM “Eric Ratz y Kenny Luong son nuestros mejores amigos, y para nosotros era interesante trabajar con un desconocido. Si para sacar lo mejor de nosotros tenía que tirarnos cosas o hacernos llorar, estábamos dispuestos a ello. Fuimos con una mentalidad muy abierta. Creo que cuando trabajas con tu mejor amigo es más fácil llevártelo a tu terreno, pero esta vez queríamos que se hiciera lo necesario para hacer el mejor disco. Aunque al final acabamos haciéndonos súper amigos de Ross... (Risas)”. MIKE “Ross fue genial desde el principio, pero hubo días en que teníamos nuestras dudas, por ejemplo con la afinación de las guitarras”. SCOTT “Sí, sí, fue una experiencia totalmente distinta. No había metrónomo, no había una obsesión porque la guitarra estuviera afinada en cada toma. Con Ross 51

es más importante el feeling que la perfección”. JAYE “Los errores son bienvenidos. Busca la naturalidad. Nos dijo que nunca había grabado un disco tan rápido”. ¿Cuánto tardasteis? MIKE “Estuvimos tres semanas en su estudio de Venice Beach, pero trabajamos 14 horas al día, cada día”. LIAM “Tuvimos muchas conversaciones interesantes. Básicamente quería deshacerse de todas las gilipolleces típicas de una grabación. Por ejemplo le decía a Scott ‘¿Por qué vas a grabar sentado si nunca más volverás a tocar estos temas sentado?’. O cuando grabamos la batería, todos estábamos tocando en la sala y sin metrónomo, porque así es como tocamos siempre. Ross estaba muy emocionado porque éramos un grupo de verdad y quería transmitir ese rollo. Quería replicar nuestro directo, no grabar algo que después nosotros tuviéramos que replicar en directo”. JAYE “Si haces que Mike toque con una claqueta, entonces ya no es como toca Mike. Le estás quitando su personalidad de la ecuación”. LIAM “Esa mentalidad nos fue genial porque ahora tenemos un disco que podemos tocar sin ningún problema en directo. En el estudio, arreglar las cosas por ordenador acaba jugando en tu contra”. ¿Creéis que los conciertos que habéis dado con vuestro alter ego Bat Sabbath os han cambiado también vuestra manera de tocar o componer? JAYE “Nos hizo mejores músicos. Aprender a tocar como Geezer Butler, 52

“Me encontré a un chaval un día comprando en una tienda de bricolaJe y me dijo que sólo escuchaba bandas de death metal, pero se puso a nombrar canciones nuestras y eran las más punk (risas). Somos la banda punk para metalheads (risas)”

Mike Petters

o intentarlo (risas), me hizo sentir que podía tocar cualquier cosa”. LIAM “A mí también me hizo crecer mucho como cantante. Tuve que aprender cómo cantar durante una hora y sonar poderoso, sin necesidad de moverme. Me ayudó a encontrar una voz que he podido usar en este disco. En la última gira que hicimos con Red Fang muchos amigos nos dijeron que parecíamos una banda totalmente distinta, simplemente por lo mucho que hemos llegado a tocar en los últimos años. Somos como una versión más madura de lo que éramos”. En el nuevo disco hay mucho más groove. MIKE “Claro, es que Black Sabbath tienen mucho groove, son los mejores. Aprender a tocar con ese punto jazzy que tienen e incorporarlo a nuestra música fue increíble”. Sois una banda que podéis

tocar con muchos grupos distintos y no desencajar. ¿Creéis que eso también ha reforzado vuestra propia personalidad? LIAM “Sí, el no tener reglas ayuda mucho. No nos preocupa si el disco no es suficientemente metal o suficientemente punk, mientras mole, no importa nada más”. MIKE “Me encontré a un chaval un día comprando en una tienda de bricolaje y me dijo que sólo escuchaba bandas de death metal, pero se puso a nombrar canciones nuestras y eran las más punk (risas). Somos la banda punk para metalheads (risas)”. LIAM “Creo que cuando tocamos con bandas punk somos la banda metal del cartel, y viceversa. Y me encanta eso. Todos escuchamos muchos grupos distintos, desde folk a hip hop, a punk o electrónica. Mientras sea bueno, nos puede gustar”. MIKE “Nos gustan los grupos que son de verdad. Que tocan de verdad.

Hay grupos que tocas con ellos, que suenan perfectos y luego te das cuenta de que todo sale de un ordenador”. LIAM “A veces tocas con un grupo y no te apetece escuchar sus discos nunca más porque te das cuenta de que todo es de mentira. Y al revés también. Hace poco vi a Citizen y flipé con ellos, y antes no me lo hubiera imaginado escuchándoles. No importa lo que tocas mientras lo hagas con el corazón”. ¿Sentís que ahora Cancer Bats suenan como siempre habíais soñado? LIAM “La realidad es que si hubiéramos intentado grabar este disco antes hubiera sido una mierda. Hemos necesitado mejorar mucho como músicos para poder deshacernos del metrónomo o de todas esas cosas que antes usábamos. No hay manera de que hubiera podido grabar estas voces sin toda la carretera que hemos chupado estos años. Hicimos una

gira de Bat Sabbath/Cancer Bats, tocando dos horas cada noche, así que estábamos súper curtidos”. MIKE “Con Bears, Mayors, Scraps & Bones y Dead Set On Living, como Ratz estaba en Toronto, venía al local de ensayo y hacíamos un montón de cambios allí, antes de entrar en el estudio. En cambio esta vez nos presentamos al estudio de Ross y el primer día nos lanzó un montón de ideas que teníamos que adaptar en apenas dos horas antes de grabar. Todo fue mucho más espontáneo”. LIAM “Sí, preparábamos algo por la noche y al día siguiente lo grabábamos. Ross confiaba totalmente en nosotros. Y si veía que algo no funcionaba, nos decía que no nos preocupáramos y pensásemos una alternativa”. MIKE “El ambiente era totalmente positivo. Nadie se enfadaba o frustraba, todos estábamos convencidos de que haríamos un disco de la hostia”. JAYE “Eran 14 horas diarias pero no se hacía nada pesado. Estábamos a tope todo el rato”. SCOTT “Creo que nunca he conocido a nadie que estuviera tan enchufado y tuviera tantas ideas como Ross. Estábamos tocando y se ponía a cambiar pedales, a variar los sonidos, a sugerir nuevos instrumentos. A cada segundo se le ocurría algo nuevo”. LIAM “Creo que es porque se aburre fácilmente. Ross no quiere estar toda la noche grabando la misma pista de guitarra. Necesita probar cosas nuevas”. JAYE “Hay partes de guitarra que se las hizo grabar a Scott tocando el bajo y al revés, conmigo tocando mis partes con una guitarra. Cosas así no las hace nadie”.

LIAM “Cada día grabábamos una canción. Estábamos hasta las dos o las tres de la mañana probando todo tipo de cosas. Además, no le preocupa qué temas podían ser singles o cuáles no, para él cada tema era igual de importante. Quería que cada día acabara afónico (risas). Y si no hubiera funcionado, siempre teníamos la opción de grabarlo en Toronto y habría sido un disco como Dead Set On Living, que también me encanta, pero con Ross lo hemos llevado a otro nivel”. MIKE “Nos divertimos mucho y de eso se trata cuando haces música. Es un privilegio divertirte con tu trabajo”. LIAM “Creo que Ross ha trabajado con algunos grupos que se toman demasiado en serio, pero con nosotros siempre decía ‘oh, esto me recuerda a cuando trabajé con At The Drive-In’, o con los Blood Brothers o The Cure. Así que lo asociaba a experiencias positivas que había tenido. Se le notaba realmente emocionado”.

s en ese ambiente distendido donde Liam nos cuenta que lleva meses enfrascado en remodelar su casa y que planea hacer un viaje en moto, su otra gran pasión, por los Pirineos en 2016. También allí descubrimos que Mike se ha casado y se ha mudado de Toronto a Winnipeg, y donde vemos que Jaye, tras haber pasado por una ruptura sentimental, vuelve a beber alcohol… aunque con moderación. La conversación se va volviendo más personal y aflora que, incluso a unos road warriors como ellos, la carretera también les desgastó. Después de diez años como grupo, supongo que habéis 53

llegado a un punto de no retorno. Sabéis que ésta será vuestra vida, pero también que hay que aprender a gestionarla. LIAM “Sí, sí. Pero el ser capaces de seguir adelante y que las cosas funcionen te hace sentir que ya nada puede pararte. Habernos tomado más tiempo para hacer este disco nos hizo dar cuenta que también puedes tomarte las cosas con más calma y no pasa nada”. MIKE “Hacerte mayor y saber cómo funciona cada uno te permite ser más comprensivo y más eficiente. Sabes lo que tus compañeros quieren, lo que no quieren. Nos conocemos muy bien y eso facilita mucho las cosas”. SCOTT “Hacer un nuevo disco y ver que te sigue emocionando y que sigues siendo creativo le da un sentido. No lo haces por inercia o porque tengas que hacerlo, sino porque realmente disfrutas. Hacemos música que nos gusta y de la que nos sentimos orgullosos; si eso se perdiera no merecería la pena seguir, pero no es el caso. Me encanta seguir inspirado por estos tíos”. Muchos grupos caen en esa mentalidad de hacer cosas porque creen que tienen que hacerlas, aunque realmente no quieran. ¿Es complicado no entrar en ese círculo? LIAM “Es fácil caer en un ciclo de hacer las cosas porque sí. Creo que eso nos pasó hacia el final de la gira de Dead Set On Living. Realmente nos dimos cuenta de que necesitábamos parar y no sacar un disco cada dos años porque necesitas vivir un poco para tener algo sobre lo que escribir, sentirte inspirado. Y eso es lo que 54

hicimos. Nos tomamos tres meses libres, sin hacer absolutamente nada”. ¿Estabais quemados? LIAM “Sí, completamente. En 2012 giramos muchísimo y luego creo que tuvimos como diez días libres y en enero de 2013 empezamos de nuevo a girar a saco. Y además había un montón de cosas fuera del grupo que ocurrieron mientras estábamos de gira de las que deberíamos habernos ocupado. Estando tanto de gira tuvimos la sensación de que no teníamos el control de todo lo demás. Así que teníamos que parar y ponerlo todo en orden con el fin de sentirnos de nuevo motivados cuando volviéramos a hacer música”. ¿De qué situaciones personales estamos hablando? LIAM “En 2007 vivimos todo el año de gira y fue genial. No cambiaría esas experiencias por nada, pero te das cuenta de que cuando tengas 35 años quizá no quieras dar 300 conciertos al año. Ves a otros grupos que lo hacen y se nota en sus caras que lo hacen para poder pagar facturas, no porque les guste. No quiero seguir haciendo giras simplemente para rellenar los huecos, quiero hacerlo porque me emociona. Si eso significa que giraremos menos, pues que así sea. Queremos calidad por encima de cantidad”. JAYE “Estando de gira es muy fácil que dejes de lado un montón de responsabilidades”. LIAM “Sí, y eso hace que las relaciones se deterioren”. SCOTT “Antes de que saliera el último disco mi madre murió y fue una locura. Me di cuenta que por el trabajo que hacemos, nuestras relaciones familiares

sufren. Tuve la suerte de estar en casa cuando ocurrió, pero si hubiera pasado mientras estaba de gira me hubiera sentido fatal. Y a veces nos hemos dado cuenta estando de gira de que no había sido una buena idea. Si vas a sacrificar algo importante en tu vida tiene que ser por algo que realmente merezca la pena y tenga un propósito en nuestra carrera”. MIKE “En mi caso no hubo una gran situación, pero habiendo empezado en este grupo con 23 años con la idea de estar siempre en la carretera, de golpe tenía 32 años y pensé ‘quizá necesito un sitio donde quiera vivir’”. LIAM “Cuando estuvimos de gira con Kvelertak falleció un amigo nuestro, y estaba siendo una gira increíble, pero aun así, nosotros estábamos en Texas, mientras todos nuestros amigos estaban apoyándose en casa. Nos planteamos si debíamos cancelar el resto de la gira para ir al funeral o si incluso no deberíamos haberla aceptado para haber estado con esa persona mientras todavía estaba viva. Son preguntas que te haces, te cuestionas por qué haces realmente esto”. Pero cuestionarte eso también puede provocar tensiones internas. Igual uno quiere cancelar una gira y otro dice que hay que seguir adelante pase lo que pase... JAYE “Sí, por eso es tan importante que seamos grandes amigos. Si muere un amigo de Scott, seguro que es alguien que nosotros también conocemos y a quien sentimos cercano”. MIKE “Y sobre todo ayuda a ser comprensivo. Ni que fuera solamente amigo de Scott, esta banda la forman cuatro personas y si una de ellas

necesita tiempo, hay que dárselo. No puedes forzar a nadie a estar en la carretera si no quiere. Si lo haces, esa persona no va a estar de humor y hará que nadie lo esté”. LIAM “Por eso es importante recuperar el control. Nada es más importante que la vida real. No hay ninguna decisión que tomes como banda que sea definitiva. Si dejas de hacer una gira, ya te saldrá otra. En cambio si fallas en algo que realmente es importante, te arrepentirás toda tu vida. Creo que es importante tener esa perspectiva”. También es importante disfrutar de cada momento. Muchas bandas están permanentemente frustradas porque esperan conseguir un objetivo, pero cuando lo consiguen, siguen frustradas porque ya están persiguiendo el siguiente. LIAM “Sí, eso lo vemos en muchos grupos que intentan hacerse grandes. Cuando éramos críos e íbamos a ver a Converge y había 200 personas, para nosotros era una locura. Nadie pensaba ‘es una mierda que no toquen en una sala de 500 personas o de mil personas’. Pero ahora que el hardcore se ha hecho más popular, mucha gente se rige por los números, en lugar de juzgar las cosas por la experiencia en sí. Los grupos se obsesionan por las cifras y el negocio”. MIKE “Sí, tienes a mánagers y agentes que les da igual cómo son los conciertos, sólo quieren su dinero”. LIAM “Por eso también es importante rodearte de gente que entienda cuáles son tus prioridades. Puedes tocar para mil personas y que el concierto sea una mierda. Y puedes

tocar para 200 chavales y que sea la mejor noche de tu vida. En la gira de Dead Set On Living sentimos que nos seguía molando toda la gente que venía a vernos, y si ésa es la gente para la que seguiremos tocando el resto de nuestros días, nos parece fantástico. No necesitamos crecer más. Si volvemos a Barcelona y tocamos en el Rocksound Bar, y la gente sigue igual de loca, no necesitamos más. Pero hay un montón de grupos que sí quieren más”. ¿Os sorprende que el negocio se haya infiltrado tanto en la escena punk y hardcore? MIKE “Es como son las cosas. Todos los grupos tienen ahora un mánager y un agente. Cuando nosotros empezamos, lo hacíamos todo nosotros. Te montabas la gira, te sacabas tus discos, te pagabas tus grabaciones… Hay grandes grupos que han hecho eso toda su carrera”.

mismos cuatro porque hoy en día es muy difícil mantener una banda unida. LIAM “Hace tiempo que decidimos que si uno de nosotros lo dejaba, Cancer Bats se separarían. En este punto no querríamos coger a nadie nuevo. Esta formación es la parte fundamental del sonido del grupo y si uno de nosotros no estuviera, sonaría distinto y sería más honesto empezar otro grupo. No querríamos seguir adelante”.

espués de una hora, que ha pasado como un suspiro, nos damos cuenta de que tenemos que salir pitando si no queremos perder el avión de vuelta a Barcelona. A ellos todavía les que quedan unas cuantas entrevistas más por delante, pero antes se han buscado un hueco para ir a patinar a un skate park que ha diseñado un amigo suyo. Por sus prioridades les conoceréis.

La verdad es que es un placer reencontrarse con un nuevo disco vuestro y que sigáis los 55

PJ HARVEY

VOYEURISMO CON POLLY

Pocas carreras tan sólidas encontraremos en el rock de las dos últimas décadas como la de PJ HARVEY. Cada disco nuevo de la musa de Dorset es un acontecimiento, y meternos con ella en el estudio y observar cómo graba su noveno ÁLBUM en Londres era una oportunidad histórica que no podíamos dejar escapar. Esto es lo que dio de sí Recording In Progress, 45 minutos de voyeurismo musical con Polly Jean Harvey. Texto: Ignasi Trapero Fotos: Seamus Murphy/Ignasi Trapero

uando leas estas líneas hará unos días del 20 aniversario de la publicación de To Bring You My Love, tercer disco de PJ Harvey y una de las obras imprescindibles de la artista británica. En más de dos décadas de carrera, la musa de Dorset ha ido mutando su piel en álbums como Rid Of Me, Stories From The City, Stories From The Sea, White Chalk o Uh Huh Her, ha hecho mil colaboraciones, ha aparecido en películas, ha hecho esculturas, pinturas, y este mismo año publicará su primer libro de poesía, The Hollow Of The Hand. Una artista poliédrica y multidisciplinar que se ha convertido por méritos propios en un clásico de la música contemporánea. Personalmente, creo que el tiempo la situará a la altura de los grandes de la historia del rock, al lado de los Bowie, Reed, Iggy o, por supuesto, Patti Smith. En este contexto, la noticia de la grabación de un nuevo álbum con el que dar continuidad al excelente Let England Shake (2011) generaría, ya de por sí, una gran expectación. Pero desde el momento en que anunció que quería abrir las puertas del estudio y enseñar por dentro el proceso de grabación, aquello fue un pequeño terremoto en las redes sociales. Las entradas volaron el primer día (tras colapsar el sistema informático del Somerset House, lugar de grabación del disco), y al cabo de unas semanas, cuando anunció nuevas sesiones, los tickets se esfumaron en escasa media horita. Entradas que costaban 15 libras (unos 20 euros, aproximadamente), se ofrecían en la reventa a 300 (sobre los 400 euros). Nadie quería perderse la oportunidad de ver aquello por dentro. Y servidor tampoco, claro…

SOMERSET HOUSE Palacio neoclásico enorme, el Somerset House londinense es un edificio histórico de finales del siglo XVIII situado en la avenida Strand, justo delante del río Támesis, tocando al Waterloo Bridge. Antigua residencia de la nobleza, a lo largo de su historia también ha tenido diversos usos gubernamentales (Registro Civil, Correos, Impuestos…), y el ala sur fue dañada durante la Segunda Guerra Mundial. También ha sido escenario de películas, conciertos o de la pasarela de moda London Fashion Week. Actualmente, las distintas alas del edificio son utilizadas como centro cultural y de docencia, albergando el Courtauld Gallery and Institute Of Art o la universidad pública King’s College London. Según explica la misma Polly Jean a Michael Morris (codirector de Artangel) en el libreto que te regalan antes de entrar a la sesión de grabación, “Me gusta por su resonancia. El camino hacia la sala donde grabamos tiene una atmósfera particular, tienes que caminar por el antiguo campo de tiro hasta llegar al gimnasio (…) Toda la historia del edificio me estimula y ayuda a llegar a un nivel de consciencia diferente. La acústica de un espacio particular es captada inevitablemente en el sonido de las grabaciones, pero también su atmósfera, su carácter”. En una planta subterránea de la New Wing, los artistas Something & Son diseñaron el espacio que iba a albergar el experimento ideado por PJ Harvey y por Artangel, productora de arte que lleva dos décadas ejecutando proyectos artísticos de todo tipo. “Buscaba un espacio para grabar en Londres, pero no quería que fuese un estudio convencional. A menudo voy

“Tras un rato de discusión bajo su mando y el de Flood, suenan una guitarra acústica y la imponente voz de Polly, y se hace magia en la sala” a ver exposiciones, y me cuestioné si podría grabarlo en una galería de arte; ¿cómo podría el proceso ser visto por el público pero, a la vez, que tuviéramos el espacio para grabar nuestra música?”. La oportunidad llegó en el susodicho Somerset House, en un espacio que es como una especie de cubo rectangular con ventanales de doble vidrio que permiten al espectador ver y escuchar lo que está pasando dentro, sin que los de dentro puedan verte a ti. Un experimento de exhibicionismo-voyeurismo musical que convierte a los protagonistas de la grabación en una especie de escultura viviente dinámica. “Quería que funcionara como si estuviéramos en una exposición de una galería de arte. Eso me hace sentir muy excitada y, a la vez, muy asustada. (…) Eso es normalmente buena señal, porque significa que estoy haciendo algo que no he hecho antes. Dar el paso hacia lo desconocido siempre es aterrador”.

THIS MESS WE’RE IN Mi sesión es a las tres de la tarde del miércoles 11 de febrero, justo el día en que se cumplen cuatro años de su disco anterior. Ya que estamos en tierras británicas, me salto mi habitual falta de puntualidad. La ocasión se lo merece, y tendrá premio. Entro por la entrada principal de Strand una hora antes de la cita, cotilleo un poco por allí, y tras preguntar al guarda, giro a la derecha para dirigirme hacia el New Wing. Abro una pesada doble 57

puerta de vidrio, aguanto la puerta a un par de personas que salen, y cuando vuelvo a girar mi cabeza para dirigirla nuevamente al frente, tres personas aparecen y giran desde el pasillo que queda justo a la izquierda. Topo prácticamente de morros con la chica que va en medio, y mi cerebro tarda unas centésimas de segundo en procesar que es ella. De manera instintiva y totalmente espontánea le suelto un “PJ!”, como si la conociera de toda la vida. Hablo un momento con ella, antes de que siga su camino junto al Bad Seed Mick Harvey y al batería Kenrick Rowe hacia el Tom’s Deli, el bar-cafetería del ala sur donde comer algo antes de seguir con las sesiones de grabación. Todo en ella tiene un aura de misterio y personalidad distintiva e inconfundible: su aspecto, totalmente vestida de negro, melena incluida; su manera de hablar, pausada, delicada y extremadamente educada y dulce. Su seguridad, que demostrará luego durante la sesión. A las dos y media, una chica rubia le hace una foto a la puerta de tubos de neón rojo que preside la entrada hacia el que será nuestro pequeño paraíso musical durante algo 58

menos de una hora. Tres personas más esperan sentadas en un banco a la izquierda de la entrada. Poco a poco llega más gente, hasta la treintena de personas que compartiremos momentos que seguramente no olvidaremos jamás. Minutos antes de las tres, rodeamos la puerta de neón y entramos en una pequeña sala donde nos hacen dejar mochilas, abrigos y cualquier teléfono o aparato de grabación que pueda captar y filtrar imágenes de las sesiones. En una esquina, algo de merchandising que se podrá comprar una vez acabe la sesión: pósters (firmados y no firmados) con el cartel de Recording In Progress diseñado por el estudio de diseño Julia, postales con las fotos de Polly hechas por su colaborador Seamus Murphy (fotoperiodista ganador de premios com el World Press Photo); un set de reproducciones de las letras de las nuevas canciones garabateadas con anotaciones musicales, o incluso un retrato fotográfico de la artista enmarcado y firmado. Una vez dejados todos los bártulos, una mujer nos guía hacia la derecha: recorremos un largo pasillo, nos metemos por una puerta a la izquierda, bajamos unas escaleras

hasta el piso inferior, y nos metemos por otra puerta a la izquierda. Nuevo giro a la izquierda, otro pasillo más con puertas a ambos lados, y al final a la izquierda, un nuevo giro a la izquierda, para franquear otra puerta con contraseña numérica y el cartel ‘M57’. Allí enseñamos a otro chico del staff la pulsera verde que nos han colocado en el guardarropa y bajamos por una rampa de piedra hacia la oscuridad. Todo rezuma atmósfera de semiclandestinidad, de misterio, de algo transcendente cociéndose allí debajo. Al final de la rampa, justo enfrente, una vitrina iluminada muestra una guitarra acústica, una silla blanca, un teclado, un micro, cables varios, y sobre un mueble de madera, un bombo de batería con un nuevo logo de PJ Harvey: un escudo que separa la lucha de una cabra con cinturón de balas con un cancerbero bicéfalo armado con una metralleta, y que tiene la inscripción ‘PJ Harvey’ en un semicírculo cóncavo inferior. Justo antes de esa vitrina, un marco sin puerta a la izquierda es nuestra última frontera de paso hacia una sala oscura donde se está cocinando el noveno álbum de la diva…

SILENCIO, SE GRABA En cuanto atraviesas ese último marco, la habitación a oscuras queda semi iluminada por la luz interior del cubo rectangular que aparece justo enfrente, a través de tres grandes ventanales. Otras cuatro grandes ventanas laterales quedan a la derecha, en un pasillo que delimita el cubo en forma de L inversa. Al entrar, Polly está sentada en un sofá blanco, de espaldas a los tres ventanales frontales, así que opto por situarme en las ventanas laterales para verle la cara y tener

una perspectiva en diagonal de todo el estudio. Sentados en forma casi circular, cuatro músicos a la izquierda de Harvey y cuatro más a la derecha, y todos vestidos de negro. Reconozco a John Parish, otro de los partenaires musicales habituales de Polly Jean, y también al otro productor de confianza, Flood, sentado en otro sofá blanco idéntico, en el otro extremo de la sala, delante de ella en diagonal. También corren por allí un asistente, un técnico de sonido, y Seamus Murphy fotografiando y grabando todo lo que está pasando en ese estudio. Montones de instrumentos, cables y dos mesitas blancas de Ikea idénticas a las que tengo en mi comedor (salvo por el color), le dan un aspecto caótico y vivo al espacio, de paredes también blancas. En la que me queda justo delante, han pintado el mismo logo del bombo que hemos visto antes de entrar. En la que tengo justo a mi derecha, separando el espacio de los músicos y el del técnico de sonido, cuelga un póster blanco con dos columnas de nueve canciones cada una; el título en rotulador negro, y en rojo, anotaciones en la casilla de cada canción: que si añadir un riff por aquí, que si probar voces de fondo por allá, que si la toma 3 es la buena… anoto las 18 candidatas a formar parte del nuevo álbum, y veremos cuáles serán las elegidas: ‘Dollar, Dollar’, ‘A Dog Called Monkey’, ‘Guilty’, ‘The Orange Monkey’, ‘A Line In The Sand’, ‘The Boy’, ‘Ministry Of Defence’, ‘Imagine This’, ‘Homo Sappy Blues’, ‘The Wheel’, ‘The Comunity Of Hope’, ‘The Ministry Of Social Affairs’, ‘Near The Memorials To Vietnam Lincoln’, ‘Chain Of Keys’, ‘Medicinals’, ‘River Anacostia’, ‘The Age Of The Dollar’ y la balada en la que están trabajando

“Todo está ahí escondido y puede acabar supurando o influyendo, en efecto mariposa, en un proceso creativo como el que supone grabar un disco”

hoy, y que tenemos el privilegio de escuchar en toda su desnudez: ‘I’ll Be Waiting’. Tras un rato de discusión bajo su mando y el de Flood, suenan una guitarra acústica y la imponente voz de Polly, y se hace magia en la sala: piel literalmente de gallina, y sonrisa inconsciente y emocionada por estar viviendo un momento realmente especial. Prueban con añadirle un suave punteo de guitarra de Alessandro Stefana, y se ponen a añadirle unos coros de fondo masculinos (de hecho, ella es la única mujer dentro de la vitrina). Alain Johannes o Enrico Gabrielli lo clavan, pero John Parish no acierta a entrar cuando le toca al ritmo correcto, lo que provoca alguna broma y otro momento en que uno se da cuenta del poderío de PJ Harvey: ahora sentada al lado de Flood, se pone a cantar como quien estuviera cosiendo en el sofá, sin forzar, pero con una fuerza y una técnica vocal que hacen estremecer. Polly pide aire acondicionado, y un músico pide agua. Hace calor allí dentro... El mismo extracto de ‘I’ll Be Waiting’ se repite una y otra vez, añadiendo matices y jugando con distintas opciones. Los 45 minutos en esa burbuja de fantasía pasan volando,

pero son tiempo suficiente para darse cuenta de algo: todo es elaborado, pausado, minuciosamente pensado y trabajado. Horas, días, semanas, meses de elaboración artesanal se esconden en un producto cultural de consumo rápido. Los 45-60 minutos que pueda durar un disco de PJ Harvey condensan muchísimo más en términos de tiempo, trabajo, emociones o energías personales y grupales. La atmósfera que transmita un espacio, las vivencias en sus recientes viajes a Afganistán, Kosovo o Washington, o hasta un encuentro casual como el que hemos tenido una hora antes de esta sesión… todo está ahí escondido y puede acabar supurando o influyendo, en efecto mariposa, en un proceso creativo como el que supone grabar un disco. Y sentir que, ni que sea de manera casual y microscópica, has formado parte de todo eso, te hace sentir un enorme privilegiado; y también como un niño revoltoso que ha espiado por el ojo de la cerradura a la musa musical de nuestros más oscuros deseos…

36 crazyfists

EL REY PESCADOR

“Necesitábamos recargar las pilas un poco y refrescar nuestras mentes para volver a retomar la banda” BROCK LINDOW

e todos los nombres que se me pudieran ocurrir para bautizar a un grupo, nunca en la vida me habría decidido por el título de una de las primeras películas de Jackie Chan, y mucho menos por uno tan ridículo como 36 Crazyfists. Pero así es como decidieron llamarse unos jóvenes procedentes de Alaska a comienzos del nuevo milenio que respondían a los nombres de Brock Lindow (voz), Steve Holt (guitarra), Mick Whitney (bajo) y Thomas Noonan (batería). En una época en la que el nu metal parecía estar dando sus últimos coletazos al mismo tiempo que el metalcore se encontraba en pleno auge, supieron hacerse un hueco dentro de la escena gracias a un sonido que bebía de varias fuentes con

un marcado gusto por las melodías. Fue así como bajo el paraguas del todopoderoso sello Roadrunner consiguieron destacar gracias a su segundo esfuerzo, A Snow Capped Romance, uno de los mejores trabajos que se recuerdan dentro del género. A pesar de que en sus siguientes entregas nunca fueron capaces de replicar ni el éxito ni la calidad de aquel disco, 36 Crazyfists continuaron su carrera con constancia, saliendo a la carretera constantemente y entregando nuevas obras cada poco tiempo. Quizás por ello sorprendió que, en 2011, poco después de la publicación de su quinto álbum, Collisions And Castaways, cesaran repentinamente su actividad, cancelando una larga gira europea para otoño de ese mismo año que,

entre otras fechas, debería de haberles traído a nuestro país. Poca cosa se supo de ellos durante una buena temporada, hasta que a comienzos del año pasado empezaron a filtrar novedades a cuentagotas. Finalmente, con la incorporación del nuevo batería Kyle Baltus y tras un par de fechas por Estados Unidos, 36 Crazyfists estaban preparados para volver al ruedo con Time And Trauma (Spinefarm). Justo en el momento de realizar esta entrevista, el grupo se encontraba inmerso en la promoción del mismo que les llevaría a tocar durante todo el mes de febrero en Europa, con especial atención en el Reino Unido. Como habréis imaginado, España no estaba en la hoja de ruta, pero si nos fiamos por las palabras de Brock Lindow (que aunque

PARECÍA QUE A 36 CRAZYFISTS SE LOS HABÍA TRAGADO LA TIERRA, PERO TRAS MÁS DE UN LUSTRO DE SILENCIO LOS DE ALASKA REGRESAN A LA ACTUALIDAD CON TIME AND TRAUMA, SU SEXTO DISCO. HABLAMOS CON BROCK LINDOW PARA SABER QUÉ HA SIDO DE ELLOS EN TODO ESTE TIEMPO. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

amable, no parecía especialmente hablador en esta ocasión), puede que antes de que acabe el año salden esa deuda que nos deben. Habéis tardado cinco años en dar continuación a Collisions And Castaways. ¿Qué es lo que ha pasado en todo este tiempo? BROCK LINDOW “Bueno, han pasado varias cosas, pero principalmente lo que nos ha sucedido es la vida misma. Mi madre murió hace unos años, la madre de nuestro bajista también, mi abuela también falleció... Así que había demasiadas cosas que requerían nuestra atención y debíamos volver a estar al lado de nuestras familias y preocuparnos de asuntos que quizás sean un poco

más importantes que la música. No significa que estuviésemos cinco años parados, pero el tiempo pasa volando. Sucedió así. Pero también necesitábamos recargar las pilas un poco y refrescar nuestras mentes para volver a retomar la banda”. Hasta entonces llevabais un ritmo de trabajo muy alto, publicando un álbum cada dos años y sin parar de girar. Como bien acabas de decir, ¿piensas que llegó un punto en el que el grupo se estaba oxidando y necesitabais un respiro? “Sí, totalmente. A finales de 2010, cuando estábamos a mitad de la gira de Collisions And Castaways, todos nos encontrábamos bastante

quemados, para ser sinceros. Creo que necesitábamos un pequeño parón. En ese momento, nuestro batería de toda la vida (Thomas Noonan -ndr.) decidió que ya no quería seguir girando y que lo dejaba. Había muchas dudas sobre la estabilidad del grupo y no estábamos muy seguros de hacia dónde nos dirigíamos. Pero tras un tiempo vimos que las cosas volvían a estar bien, así que decidimos que aún merecía la pena continuar. Y creo que es lo mejor que nos ha pasado porque ahora mismo nos sentimos completamente renovados. Nos hemos tomado nuestro tiempo libre y ahora estamos muy contentos de que el nuevo disco haya salido y estemos de vuelta al trabajo”. De hecho, en 2012 vuestro

bajista de toda la vida, Mick Whitney, volvió después de estar un tiempo fuera del grupo. ¿Cómo fue su vuelta? “Ésa es una de las razones por las que aún seguimos aquí. Tener de vuelta a Micky fue fantástico. Es un bajista increíble y nos aporta mucha tranquilidad. Le hemos echado muchísimo de menos, así que es genial tenerle con nosotros otra vez. Estamos muy contentos por ello”. Además, en aquella época también nació tu primera hija. Supongo que intentar compaginar la vida familiar con la de un grupo de rock no es sencillo porque quieres estar cerca de los tuyos. “Sí, sin duda. Ahora tengo una hija pequeña de 5 años y me encanta ser padre, tío. Es lo más grande que me ha pasado en la vida. Estar lejos de ella es complicado, pero gracias a la tecnología puedo verla todos los días con FaceTime, así que es un poco más sencillo que antes. Es algo con lo que tienes que lidiar. Pero sí, me gusta estar cerca de mi familia”. ¿Durante este parón retomaste tu negocio familiar como pescador? “No. Sí que voy a pescar mucho por mi cuenta, como deporte, pero no he vuelto al comercio de la pesca. Pero mi familia sí que continúa en el negocio y hace poco he estado ayudándoles a abrir un restaurante en casa”. Pasando a hablar de vuestro nuevo disco, escuchando Time And Trauma parece que no hayan transcurrido cinco 62

años. Seguís teniendo un sonido bastante reconocible... ¿Qué puntos crees que hacen diferente a este trabajo respecto a los anteriores? “Bueno, creo que todos los discos que hemos grabado son bastante diferentes y que cada uno tiene su propia personalidad. Creo que en este álbum hemos regresado a nuestras raíces más rockeras. Hay más melodías vocales, es como volver un poco a los comienzos, a cuando empezamos la banda. No había ningún concepto sobre lo que queríamos hacer y lo que no, pero definitivamente me apetecía cantar más en lugar de estar gritando. Salió muy natural. Hay un buen equilibrio en las voces... Así que diría que es un disco de regreso a nuestras raíces”. El título del tema ‘11.24.11’ me ha llamado la atención. ¿A qué hace referencia esa fecha? “Ése es el día en que mi madre falleció, así que decidí dedicarle ese tema en su memoria”. Imagino entonces que un título como Time And Trauma viene a reflejar todos esos momentos complicados que habéis pasado en lo personal durante este periodo, ¿no? “Exacto”. En algunas canciones hay colaboraciones de varios cantantes, como en ‘Marrow’, donde aparece una voz femenina... ¿Me podrías decir de quién se trata en cada caso? “La chica que canta en ‘Marrow’ es Stephanie Plate. Viene de una banda

de Alaska llamada Thera. Es una buena amiga mía y me encanta su grupo. Nos sentimos muy afortunados de poder contar con una voz tan bonita en nuestro disco. También en ‘Silencer’ tenemos a nuestro buen amigo Adam Jackson de Twelve Tribes. Ha colaborado en nuestros tres últimos discos, así que ya es como una especie de tradición. Ya no canta en ningún grupo, pero le dimos un pequeño espacio para poder disfrutar de su voz”. Desde el principio vuestro estilo siempre resultó un poco complicado de etiquetar. En vuestros inicios se os asoció con el nu metal, más tarde con el auge del metalcore girasteis mucho con formaciones como Killswitch Engage o Unearth... y también se pueden notar influencias de grupos con un sonido más abierto como Deftones, Glassjaw, Far, Boysetsfire... ¿En algún momento de vuestra carrera os ha supuesto un problema el que la gente no supiese muy bien dónde encasillaros? “Bueno, no sabría decir si realmente es un problema. Yo diría que ésa es justamente una de las cosas que más me molan de nuestro grupo. No encajamos totalmente en ningún estilo en particular. Pero tienes razón, algunos oyentes no son capaces de aventurarse en determinados estilos de música. Es lo que hace a la banda única. Así que tanto si lo aman o lo odian, así es como lo hemos hecho. Por ejemplo, mi voz. Hay gente a la que le llega y hay otra a la que no le gusta nada, pero al menos sabes que se trata de nosotros. Algunos grupos

“Hay gente a la que le llega mi voz y hay otra a la que no le gusta nada, Pero al menos sabes que se trata de nosotros” BROCK LINDOW suenan exactamente iguales y eso es algo de lo que siempre nos hemos sentido orgullosos, de tener nuestro propio sonido”. Me gustaría preguntarte sobre cuando publicasteis vuestro segundo disco, A Snow Capped Romance. A pesar de que habéis conseguido manteneros a lo largo de todos estos años, nunca habéis vuelto a conseguir tanto reconocimiento como con aquel álbum. ¿A qué crees que se debe esto? “Es una buena pregunta, tío. La verdad es que no lo sé. Ahora hemos firmado con Spinefarm y estoy haciendo más entrevistas de que las que nunca había hecho para un disco. Eso ha sido un cambio magnífico para nosotros. Tal vez se trate de que el nombre del grupo tenga más presencia en los medios o de tener el apoyo de un sello que se comprometa a hacer una buena distribución. Esperamos que Spinefarm nos dé esa oportunidad de llegar más lejos”. Anteriormente estabais en Roadrunner. ¿Piensas que el

mero hecho de estar dentro de una discográfica tan potente hace que la gente preste más atención? “Sí, desde luego. Si tienes un grupo necesitas tener a alguien de tu lado que te apoye y que crea en el producto que tienes. Si no es así, es bastante probable que se pierda entre tanta oferta. Creo que en el pasado eso nos pasó algunas veces, pero tienes que moverte siempre hacia adelante. Ahora estamos muy contentos del equipo con el que estamos trabajando”. En 2011 estaba planeado que pasaseis por España en una gira junto a Atreyu y Unearth, pero por desgracia os visteis obligados a cancelarla. ¿Tendremos la ocasión de veros algún día por aquí? “Oh sí, tío. Por supuesto que queremos volver a España. De todas maneras, sí que recuerdo haber tocado en Barcelona en la Razzmatazz con Atreyu y Unearth”.

es lo que pasó. Pero me encantaría viajar a España. Es un lugar precioso y con grandes seguidores del rock. Estamos deseando volver”. Por lo que he visto en vuestra web, estáis haciendo una gira de presentación muy extensa por toda Europa y muy especialmente en el Reino Unido. ¿Cómo ha ido la cosa hasta ahora? “La gira está siendo excelente. Ahora mismo estamos en Nottingham. Llevamos una semana tocando por todo el Reino Unido y más tarde iremos por el resto de Europa. Hemos decidido empezar aquí porque fue el primer país que verdaderamente nos acogió. Nos sentimos como en casa. El disco salió el pasado lunes y tocamos en Londres el martes. Está todo perfectamente calculado. No podríamos estar más felices. Esperamos volver a Europa una vez más en otoño de este año y nos aseguraremos de que España esté en la lista”.

Pero no en Madrid. “¿No? Vaya, ahora no recuerdo qué 63

BANDAS SONORAS La tercera edición del AMFest está a la vuelta de la esquina. Para conocer un poco más sobre qué nos depara, hablamos con su máximo responsable y dos de las bandas más destacables de su interesante cartel: Nothink y Her Name Is Calla. Texto: Jordi Meya FotoS: DR/Abel Vilches (Sergio Picón) sonido. El festival, además de apostar por la cantera autóctona como El Tercer Semestre, Astralia o Viva Belgrado, es también una inmejorable oportunidad para descubrir a formaciones internacionales que difícilmente podríamos ver en nuestro país. En definitiva, un festival alejado del concepto de parque temático y que facilita a los amantes de la música disfrutarla sin distracciones.

SERGIO PICÓN – EL ESPÍRITU SANTO

os días 12, 13 y 14 de marzo, La [2] de Apolo de Barcelona verá desfilar a más de 15 grupos procedentes de España, Reino Unido, Países Bajos, Rusia y Portugal convocados por la llamada del AMFest. Con esta nueva y abreviada nomenclatura, el antes conocido como Aloud Music Festival se consolida como uno de los certámenes más atractivos para los fans de las bandas instrumentales y de otras, que aún teniendo cantante, se alejan de las estructuras convencionales. Bandas a las que es más fácil conjuntar por una misma actitud que por su

Sergio Picón es un temerario. Una persona que se mueve más por el corazón que por la cabeza y que transmite romanticismo en todo lo que hace. Desde 2003 dirige el sello Aloud Music, del que han salido artistas como Toundra, Ainara LeGardon, Nothink o Exxasens, y promueve ocurrencias como la de dejar entrar gratis a los menores que vayan a sus conciertos, regalar los discos del sello a través de su web o montar un festival enfocado a los grupos instrumentales. A tres semanas del inicio de la tercera edición del AMFest, Sergio compartió con nosotros sus impresiones sobre éste.

¿Crees que el festival ya se ha consolidado? “A nivel interno hemos hecho una renovación total. Antes era el festival de Aloud Music y ahora ya no lo es, sino que es de una asociación cultural que hemos creado once personas. Lo afrontamos como si hubiéramos nacido de nuevo y aunque el festival siga siendo el mismo, estamos ilusionados como niños con zapatos nuevos. A nivel del público esto no se nota porque es una continuación de lo que ya hemos hecho. Tuvimos un primer festival que fue bastante sonado porque hicimos la presentación de Toundra y Lisabö en la sala grande de Apolo, pero realmente para nosotros el primero fue el del año pasado, que marca el concepto de éste: bandas más pequeñas, menos conocidas y apuestas con riesgo elevado. Pero viendo cómo van las entradas, creo que hemos consolidado un público de cien, 150 personas, que trajésemos lo que trajésemos irían al festival. La idea es que vayas a ver directos de bandas que no conoces pero seguramente salgas bastante empalmado. Es lo que buscábamos. Naturalmente necesitamos que ese público vaya creciendo, pero en esta edición llegaremos a donde lleguemos”. Inicialmente la idea era un festival centrado en bandas instrumentales, y el slogan es

el de “Festival Instrumental de Barcelona”; sin embargo no excluís a otras bandas. “Ya desde la primera edición decidimos que no nos íbamos a cerrar trayendo a Lisabö o el año pasado a Minor Empires. Este año la aventura tiene que ver con el espíritu interno. Somos gente muy diversa y creo que en el cartel tiene que quedar reflejado la opinión de las once personas que formamos el evento. Hay un festival en Inglaterra llamado Arctangent, que es un festival básicamente instrumental, pero que este año ha confirmado a The Dillinger Escape Plan o Rolo Tomassi, así que están apostando por otros géneros que no están tan alejados de lo que hacemos. Para nosotros contar este año con Viva Belgrado tiene que ver con que posiblemente es el disco que más nos ha gustado. No creemos que tengamos que cerrar las puertas a bandas que difícilmente pueden tocar en otros festivales”. Supongo que hay una importante labor de prospección

para encontrar a esos grupos. “Como sabes, yo me paso mucho tiempo viajando con grupos como técnico y eso me lleva a ir a Inglaterra, Rusia y Europa, y es un trabajo muy invisible pero que te permite descubrir muchos grupos. Y dentro de la gente que somos ahora hay algunos que están todo el día metidos en foros y buscando; cada día tenemos dos o tres bandas que escuchar. Así que el cartel es una mezcla de grupos que me han impactado en directo y aportaciones que hace el resto”. ¿Con los grupos de fuera notas una mayor receptividad? Da la sensación de que están interconectados entre ellos. “Especialmente en Inglaterra, bandas que han venido como Maybeshewill o Vessels han tenido que hablar muy bien del festival porque todo el mundo lo conoce y están locos por venir. También nos pasa con bandas de Holanda o Bélgica. Pero también nos encontramos que para conseguir bandas grandes chocamos con un muro que, no quiero decir la palabra ‘mafia’, pero nos resulta imposible. Parece que las bandas grandes ya tienen su camino hecho y no pueden salir de ahí. Y hasta que los mánagers europeos no ven nombres grandes no te dan importancia. Supongo que es una cuestión de años”. ¿Y de dinero? “No, no es cuestión de dinero. Te aseguro que no. Conozco los precios

que pagan otros festivales similares y no es eso. Las cosas están montadas de cierta manera con algunas bandas y hay que entenderlo. También creo que nuestro camino es encontrar las bandas que llegarán a ese estatus y trabajarlas de manera previa. Es un poco lo que pasó con Maybeshewill o Vessels, que son bandas que han subido de nivel y que si vuelven, lo harán a nuestro festival”. Aunque ya no sea el festi de Aloud, el tener la reunión de Nothink tiene mucho que ver con que estuvieran en el sello. “Evidentemente. Yo no he tenido que convencerles de nada porque estaba seguro de que este momento llegaría. La forma en que se acabaron estaba claro que necesitaba un epílogo. Fueron ellos los que me contaron que en caso de que hicieran algo, lo harían en el festival. Obviamente de los once que somos, once son fans de Nothink. En este caso Aloud sigue presente. Pero si en lugar de Nothink hubiera sido una reunión de Aina o de The Unfinished Sympathy, nos hubiéramos tirado de cabeza igualmente. Lo que pasa es que, personalmente, siendo Nothink me llega un poco más porque los viví mucho”. ¿Qué tres recomendaciones harías para que nadie se las pierda? “Es difícil. Del jueves te diría Her Name Is Calla, que es una de mis bandas favoritas. Del viernes, Axes o Cleft, cualquiera de las dos. Tienen los directos más divertidos del instrumental de todo el mundo. Y del último día Viva Belgrado, porque me tienen loco y eso que no son mi rollo. Los vi en directo y me quedé a cuadros”. 65

“Si nos pusiéramos metas más allá se nos olvidaría otra vez lo que es disfrutar del momento” JUAN BLAS lo planteamos de manera más firme y tiramos para adelante”.

NOTHINK – LA PUERTA ABIERTA no de los grandes reclamos del AMFest es la actuación de los madrileños Nothink, quienes se subirán por primera vez a un escenario juntos después de que tres años atrás Juan Blas (voz, guitarra), Álex Ferrero (bajo) y Miguel Peñas (batería) anunciaran su separación. El décimo aniversario de la publicación de su debut Bipolar Age ha propiciado esta reunión tan esperada y que, según nos confirma Juan, tendrá continuidad. ¿Hasta cuándo? Ni ellos mismos los saben.

¿De quién salió la iniciativa de tocar en el festival? JUAN BLAS “Andábamos un poco con la mosca detrás de la oreja para quedar, tocar sin más, hablando mucho con Álex, porque él estaba en Mallorca y con pretensiones de volver a Madrid. Y en medio de esas conversaciones de Álex con Sergio salió la proposición de hacerlo en el festival que ellos montaban. Para nosotros no había mejor excusa que ésa y nos 66

¿Pero os lo planteáis como una manera de cerrar definitivamente Nothink o al revés, como un punto para volverlo a abrir? “Casualmente se cumplen diez años del primer disco y también era una forma bonita de celebrarlo. Lo que nos hemos propuesto de momento es dar una serie de conciertos en este 2015 con motivo del aniversario. No miramos mucho más allá porque nuestras condiciones de vida y responsabilidades laborales siguen siendo las mismas, y si nos pusiéramos metas más allá se nos olvidaría otra vez lo que es disfrutar del momento. Por eso nos queremos centrar en esto y el después, de una forma natural, llegará”. Supongo que para la gente que tenía dudas, ésta es la prueba definitiva de que no hay mal rollo entre vosotros. “Sí, siempre lo hemos dicho. La cruda y triste realidad de todo músico en España que estará leyendo la revista es que compaginar el grupo y la vida laboral es muy complicado. Quizá cuando eres más joven no piensas ciertas cosas, pero cuando se van acercando los 30 ves que tienes que tomar las riendas de tu vida y asumir responsabilidades. Y eso es lo que pasó. También los ánimos se empezaron a minar en el local de ensayo, pero quién no ha pasado por eso... Pasa en las mejores familias”.

¿Lleváis muchos ensayos? “Unos cuantos. Hemos ensayado tanto en mi estudio como fuera, en locales por horas. Unas ocho veces o así”. ¿Se mantiene fresco el recuerdo de cómo tocar los temas? “Dicen que es como montar en bici, pero la verdad es que al principio nos pegamos muchas hostias con la bici (risas). Habían pasado tres años y en ningún momento había vuelto a tocar esas canciones o a cantar esas letras. Al principio era un poco gracioso porque parecía que estuviéramos sacando unas versiones de otro grupo”. ¿El repertorio lo centraréis en el primer disco o habrá un poco de todo? “La idea es hacer una mezcla de los temas que consideramos más representativas de nuestra carrera porque hubo gente que se quedó con ganas de vernos al final. Pero nos centraremos bastante en el primer disco porque había temas que en la última época ya ni tocábamos”. ¿Todavía sientes los temas muy tuyos o hay una cierta distancia? “Lo siento muy míos y los sentimos muy nuestros. Pasa como cuando cuentas historias ya míticas de hace unos años. Tocando temas de Minor Empires o The Big Bench me siento más como soy ahora, pero tocando temas de Nothink es como ponerse en la piel de nosotros mismos hace diez años. Es gracioso”.

HER NAME IS CALLA – NAVEGANDO EN LA OSCURIDAD

pesar de que sus componentes estén repartidos entre Leicester, Leeds y Manchester, Her Name Is Calla llevan una década conmoviendo a todo aquel que descubre su música. Tres discos –prometen el cuarto para verano- y un directo en el que su rica instrumentación alcanza grandes cotas de intensidad nos descubren a un grupo al que la etiqueta ‘post rock’ se le queda corta. Después de ofrecer un concierto en solitario, su líder Tom Morris atendió nuestra llamada.

¿Cómo lleváis la preparación de vuestro cuarto disco? TOM MORRIS “Vamos a empezar a grabarlo este mes. Ya está todo escrito. Pero vivimos en distintas ciudades del Reino Unido y a veces es difícil juntarnos todos. En los conciertos que hemos dado en los últimos seis meses hemos sonado ligeramente más duros y creo que el disco será un poco así. Estará en un punto medio entre The Quiet Lamb y Navigator. Pero no será un disco súper duro, esto sigue siendo Her Name Is Calla (risas)”.

Aun así habéis tocado en enero con Sólstafir y en agosto lo haréis con Dillinger Escape Plan. ¿Crees que encajáis con ellos? “Nunca había escuchado a Sólstafir (risas), pero los conciertos fueron muy bien. Son muy buena gente. Tocamos en Manchester y Sheffield y al terminar el grupo vino a comprar todos nuestros discos, un gran gesto por su parte. La verdad es que hay fans del metal, el rock o el gótico a los que les gustamos. También tocamos con Cult Of Luna el año pasado y son increíbles. Nos pidieron hacerles de teloneros después de ver una actuación acústica nuestra en YouTube y fue en plan ‘¿De verdad?’ (Risas). Quizá es la oscuridad lo que gusta (risas)”. Navigator era muy oscuro… “Somos gente feliz, pero… No sé, soy bastante introvertido, le doy muchas vueltas a las cosas. Y a medida que me hago mayor, más confundido estoy (risas). En unos meses tendré 32. Sé lo que quieres decir con que Navigator era oscuro, pero para mí fue catártico. Escribirlo y componerlo fue una experiencia completamente distinta a la que tiene quien lo escucha. Cuando lo acabé, me sentía mucho mejor porque había sacado todas esas cosas”. Normalmente se os califica como una banda de post rock pero, quizá porque empezaste como un cantautor, la narrativa es muy importante en vuestras canciones. “Sí, estoy de acuerdo. En la mayoría de nuestras canciones la letra es una

parte fundamental. Nunca nos hemos sentido cómodos con la etiqueta ‘post rock’. Básicamente teníamos un par de canciones largas y por eso nos conectaron a esa escena, pero no nos sentimos parte de ella. De nuevo, creo que porque estamos en diferentes ciudades y hemos tenido altibajos, no hemos encontrado nunca el sitio donde encajar. Nunca hemos tenido lo que han tenido las bandas de Manchester, por ejemplo. Siempre hemos hecho música para nosotros, pero tuvimos la suerte de que interesara a otra gente”. Vuestras influencias son más variadas, también... “Personalmente estoy muy influenciado por las bandas sonoras y el cine en general, así que cuando hacemos un disco la visión que tenemos es muy cinematográfica. Cada canción forma parte de un álbum por algo, no podríamos colocarla en otro distinto tal cual. Siempre hay una idea o una historia detrás, y eso viene de ver películas cada día”. ¿Qué otras bandas del AMFest te apetece ver más? “Tenemos la suerte de tocar la misma noche que Nordic Giants. Tocamos en un festival con ellos hace seis meses y son increíbles. Son totalmente distintos a nosotros, porque son sólo dos tíos en el escenario, pero todo va ligado a proyecciones. Hacen muy buena música y será un buen contraste con nosotros. Vamos a quedarnos el fin de semana en Barcelona, así que aprovecharemos para ver todo lo que podamos”.

En los últimos tres años, las acciones de Stained Blood no han parado de subir. Y con la edición de su segundo álbum, Hadal, se consolidan como un valor seguro dentro de la escena metal estatal. Texto: Jordi Meya FotoS: ThroughTheLenses

i te mandaran buscar a los componentes de Stained Blood por Barcelona, te aconsejaríamos que empezases por su local de ensayo. Es allí donde el quinteto integrado por Rou (voz), Borja (guitarra), Raul (bajo), Salva (batería) y, desde hace unos meses, también por Miquel (guitarra), pasa la mayoría de sus horas libres y donde gestó durante un año los temas que configuran el magnífico Hadal (Blood Fire Death). Si en su debut One Last Warning encontrábamos a un grupo capaz de dominar el deathcore como pocos, en esta segunda obra, Stained Blood se aventuran, sin renegar del estilo ni de su agresividad, a explorar terrenos más épicos y melódicos. Pocos días después de demoler la sala Rocksound de Barcelona en su concierto de presentación, contactamos con su batería para que nos contara qué alimenta a la bestia. En Hadal presentáis un cierto cambio estilístico. Más clásico y menos deathcore. Sin embargo, One Last Warning os dio un empuje importante. ¿A qué se debe esta evolución? SALVA “One Last Warning tenía un sonido más deathcore y dentro de esa escena que estaba en auge en España nos fue muy bien para llegar a ese público. Por eso le tenemos mucho cariño. Es un estilo que no hemos dejado de escuchar a nivel personal, lo que pasa es que desde siempre nos ha gustado el death metal y el black metal y en este disco se ha tirado más hacia a un death metal melódico clásico, pero seguimos orgullosos de One Last Warning”.

¿Y pensáis que ahora podéis llegar a más gente fuera de una escena tan definida? “Si llegamos a más gente mejor, pero nunca nos lo hemos planteado. Siempre hemos hecho las cosas según nos apetecía. No nos planteamos hacer algo para llegar a más gente. No hay ninguna premeditación. Borja y Raúl traían los temas y los fuimos trabajando hasta que salieron así. Quizá haya gente más reacia al deathcore que lo ve como un estilo para chavales jóvenes y gorra plana que ahora nos escuche. Ya veremos”. Si no me equivoco, la semilla de este disco está en un viaje que hizo Borja a Noruega. “Sí, aunque hay un poco de coña con eso. Excepto uno o dos, los temas surgieron cuando volvió del viaje. Borja se fue a hacer una especie de Camino de Santiago que cruza Noruega de sur a norte por la montaña. Se fue ahí solo con su mochila y el clima era espantoso: nieve, viento, él solo por el monte, la tienda de campaña con agujeros, durmiendo empapado… Estuvo dos o tres días perdido hasta que encontró a un viejo con un coche, y entre su inglés y cuatro palabras en noruego consiguió que lo llevara a un pueblo. En la primera casa que fue le dijeron que se fuera, que no le daban ni comida, pero en otros pueblos sí que le dejaban dormir en casa o acampar en el jardín y le dieron de comer. Estuvo haciendo de homeless con cara de pena hasta que llegó a Oslo. Tenía el teléfono de algunos españoles, uno que trabajaba en un restaurante, y ya se apañó mejor. Fue como una historia de vagabundo en un país nórdico”. ¿Pero ha tenido alguna in-

“Quizá haya gente más reacia al deathcore que lo ve como un estilo para chavales jóvenes y gorra plana que ahora nos escuche. Ya veremos” Salva fluencia en el álbum? ¿Volvió cambiado? “Supongo que son experiencias que te cambian. El frío de aquí es de verbena comparado con el de allí. Seguro que te hace madurar en muchos aspectos. Yo me hubiera hecho caca de estar perdido en un bosque. Es una persona que siempre le ha gustado el black metal, Mayhem, Marduk… y fue a la tienda que había tenido el de Mayhem con la pintada de black metal (la mítica Helvete –ndr.). Pero estando allí se interesó más por el black metal y quizá por eso los riffs que sacó son más oscuros”. ¿Hay algún concepto detrás de Hadal o cada canción va por su lado? “El hadal es la última capa oceánica donde viven monstruos todavía por descubrir. Cogimos este submundo acuático como una metáfora del mundo real. Las letras hablan del control mental de las altas esferas hacia la población, de la gente que sólo quiere ganar dinero a costa del sufrimiento de los demás… Todos los males del mundo real los comparamos con monstruos y situaciones de esa localización”. ¿Las letras las hace Rou? “Rou ha hecho algunas, pero la gran mayoría son de Raul, el bajista, que no sabíamos que tenía esta vena poéti69

“Nos definimos más como un grupo de carretera que de estudio. Si no pudiésemos ir a tocar, no estaríamos en un grupo” Salva ca. El chaval es una máquina de escribir. Cada dos por tres trae letras al local. Creemos que son muy buenas”. A veces en estos estilos más extremos quedan como algo secundario… “Realmente poca gente se las mira, pero al menos los medios sí que se están fijando y en entrevistas que nos hacen o en las reseñas se interesan por ellas. También hay seguidores que en la presentación nos las destacaron, pero también hay gente que sólo se centra en la parte musical y a la literaria no le presta ninguna atención”. ¿Cuándo entra Miquel en el grupo? ¿Le dio tiempo de participar en la composición? “No. Miquel entró justo cuando volvimos de grabar el disco. Alberto lo dejó un par de semanas antes de que fuéramos al estudio, pero Borja se sabía las dos guitarras, así que no hubo problema. Cuando estábamos en Madrid estábamos muy liados y tampoco queríamos pensar en candidatos. A 70

Miquel le descubrimos porque era seguidor nuestro y colgó una versión en YouTube de un tema nuestro, ahora no recuerdo cuál. Pensamos que si había sido capaz de sacarse un tema nuestro de oído, podíamos probarle. Quedamos con él y por su carácter encajó mucho. Tiene un sentido del humor bastante cafre. Además también trajo composiciones propias, pero tendrán que esperar al tercero”. ¿Cómo fue la grabación de nuevo con Alex Cappa comparada con la anterior? “Con Alex se puede decir que ya tenemos una relación de hermano mayor. Cuando hicimos One Last Warning no nos conocíamos pero quedamos súper contentos con el resultado y a nivel personal no paramos de hacernos risas. Por eso decidimos volver. El primero lo grabamos en siete días porque no teníamos más pasta, y éste lo hicimos en diez. Pero al final nos sobró uno y gracias a eso pudimos irnos de fiesta con Hummano por Madrid. Al día siguiente estábamos todos con

una resaca de muerte; yo acabé vomitando y todo. Pero con Cappa muy bien. Se nota los tres años que han pasado porque graba más rápido. Y como ya nos conocía, supo buscar los sonidos para que todo fuera dinámico. Nos ofreció dormir en su casa, dos en el sofá, otros tirados en cojines por el suelo. Estábamos ahí todo el día. Sólo salíamos a comprar el pan, embutido... Nos cocinó una paella buenísima. Otro día yo hice un arroz que me quedó un poco como cemento... Nos dejaba jugar con la consola. Hubo una noche que le agobiamos porque le hicimos tragar el concierto entero de Sangtraït en el Palau Sant Jordi, y el tío decía ‘que es esta puta mierda heavy catalana’, pero se lo tragó todo. Y acabó un poco hasta la polla pero desde un punto simpático. Cuando nos acompañó para coger el tren tenía los ojos como un san bernardo con cataratas. Nos estamos planteando irnos cuatro días de vacaciones a Madrid para ver cómo está. Para ser él de Madrid y nosotros catalanes nos llevamos muy bien. Y además salió el

tema porque coincidió cuando se hacía el referéndum del 9N. Nos íbamos chinchando con la política pero en plan amistoso”. ¿Con otros grupos habláis de política? “Con los que hablamos fue con Hummano, con Fer sobre todo. Pero en mayor medida preguntaban porque ellos sólo tienen la versión que les llega de ahí. Querían saber cómo lo vivíamos. Nosotros intentamos no hablar de política con otros grupos porque nos da un poco de palo. Tampoco somos un grupo con un pensamiento político unificado. Unos piensan de una manera y otros, de otra. A mí me da igual, por ejemplo”. Si decías que Cappa ha mejorado en estos tres años, supongo que vosotros también. “Con One Last Warning fuimos de novatillos. Antes de que yo entrara en el grupo hicieron una maqueta y luego otra. Pero con el disco era la primera vez que íbamos a un estudio serio. No sabíamos lo que era exactamente, y salimos con la lección aprendida de que hay que llevar los temas muy trabajados. Antes de grabar Hadal estuvimos un año preparándonos con mucha disciplina. Quedábamos todos cuatro días a la semana, y luego cada uno también iba por su cuenta. Así que ha habido un trabajo como grupo de estar en el sótano sudando y también como músicos a nivel individual. Por ejemplo en One Last Warning los breaks los hacía bastante a boleo, y en este disco todos los bombos están mirados que vayan con el bajo, con las guitarras... Teníamos todos los arreglos súper claros sin dejar nada al azar”.

Tu trabajo con la batería es excepcional. ¿Cuántas horas le dedicas? “Yo no me canso nunca, si fuera por mí aún estaría más, pero todos trabajamos. Pero antes de ir a grabar, iba veinte horas a la semana yo solo. Después de la grabación me he relajado un poco, pero tengo la costumbre de ir solo a ensayar, al menos dos días a la semana para poder aguantar los directos”. ¿Y te pones a tocar temas de otra gente o sólo de Stained Blood? “Yo soy autodidacta, no tengo un método. Conozco a otros baterías súper buenos que me cuentan métodos de partitura, de manos, de pies... pero yo me pongo a tocar versiones o a mirar cosas que veo en YouTube. Pero básicamente es no parar de hacer el setlist que hacemos en directo una y otra vez. O si hay una parte que me cuesta, pues la pongo en bucle con el metrónomo hasta que me sale. También hay días que me miro los temas de The New Raemon para los bolos”. ¿Se te hace raro tocar en dos grupos tan distintos como Stained Blood y The New Raemon? ¿Cuando tocas con él te vienen ganas de meter un doble bombo? “Yo desde siempre he tocado muchos estilos de música. Incluso estuve ocho años en un grupo de folk catalán con gaitas y grallas. Siempre he separado en cada sitio lo que tenía que hacer. Pero a Ramón le he dicho si algún día me dejará meter algún blast para hacer unas coñas. A él también le gusta el heavy, y en algunos trozos me deja darle fuerte, pero de momento lo del

blast ha quedado pospuesto”. ¿Tenéis la sensación de empezar a tener fans fuera de vuestro ámbito más cercano? “Sí. Somos un grupo que hemos girado mucho. Cada año hemos salido por toda la Península y cuando volvemos a los mismos sitios, desde luego, vemos más gente. Este año además hemos empezado a tener pedidos de China, de Alemania, de Francia, de Estados Unidos, de Sudamérica, así que poco a poco vamos llegando a más gente. Ojalá sirva para que alguien se decida a editar el nuevo disco fuera”. Pero por ahora lo que toca es girar tanto como se pueda... “Nos definimos más como un grupo de carretera que de estudio. Si no pudiésemos ir a tocar, no estaríamos en un grupo. Hay músicos a los que les da pereza, pero a nosotros nos gusta salir y desconectar de la vida familiar. Creo que no hay nada mejor. Tenemos ya unos 17 bolos cerrados y todavía hay otros que se pueden concretar. Cada año queremos tocar y tocar. Nos gustaría hacer unas fechas por Europa, Francia, Bélgica, Portugal, pero hay que plantearlo bien porque es mucho dinero. Pero lo que nos gusta es tocar”. Siempre podéis ir a Noruega a tocar para los que acogieron a Borja... “Quizá lo más divertido sería ir a tocar al patio del que no le acogió, a ver si lo echan del pueblo (risas)”.

DISCO DEL MES

E La Ira (MALDITO) METAL

s Hamlet una de las bandas más influyentes del metal nacional? La respuesta a esa pregunta ha de ser rotundamente afirmativa. Más de 25 años les contemplan, una cifra no ya meritoria, si no milagrosa en un país como el nuestro, acostumbrado a ningunear y poner palos en las ruedas a todo aquel que se atreva a destacar de algún modo. Y Hamlet, amigos míos, siempre han destacado porque desde sus inicios han sido valientes y tozudos a la hora de evolucionar, de crecer, de ofrecer algo más. Lo suyo no ha sido un

HAMLET

camino de rosas: cambios de músicos, un inacabable viaje por diferentes discográficas (Zero, Locomotive, Kaiowas y hasta Roadrunner han sido algunos de sus diferentes hogares), críticas en muchas ocasiones injustificadas, pero lo que no les ha matado los ha hecho más fuertes, y aquí están en pleno 2015 estrenando nuevo disco en un nuevo sello, con la ilusión intacta y el subidón de defender un nuevo proyecto. ¡Y qué nuevo proyecto! Sin temor a equivocarnos, y después de escuchar el disco hasta la saciedad, os podemos

anunciar que estamos ante el mejor álbum de los madrileños en mucho tiempo. Que todo el puto mundo se entere. Técnicamente suena apoteósico. Grabado como el anterior por Carlos Santos en los Sadman Estudios, también han contado para las mezclas con la sabiduría de Kurt Ballou (guitarrista de Converge y colaborador en estudio de gente como Kvelertak, Black Breath, Torche o Skeleton Witch) y con la masterización de Brad Boatright (otro con un currículum de impresión entre los que se encuentran trabajos con OFF! o Sleep, además de

su afiliación como guitarrista y cantante de From Ashes Rise), por lo que puedes imaginar que en el apartado de sonido, como de costumbre tratándose de esta banda, todo está en su sitio. Pero presenciando esa oscura y satánica carátula y viendo cómo han titulado la obra, podemos intuir que algo ha cambiado... Están más cabreados que nunca. Líricamente siempre se han mojado, eso no lo discute nadie, y ahí sigue Molly poniendo su garganta a prueba en cada minuto, en cada segundo, denunciando y escupiendo toda la mierda que nos rodea, pero es que musicalmente también se muestran más agresivos, más coléricos, más desesperados. Los riffs marca de la casa de Luis Tárraga y Alberto Marín

a puro hardcore ultra rápido y asesino. ‘Lamento’ abre el disco de manera espectacular, un acople de feedback da paso a un riff más metálico que un panzer germano, que a su vez desemboca en un interludio melódico donde Molly está sencillamente sublime. Un nuevo himno, ‘Imperfección’, ha salido como single de adelanto y quizás sea entre todo este repertorio de mala hostia concentrada lo más ‘accesible’ del lote, con un estribillo fantástico cargado de razón (“Lo natural no es la perfección, lo natural es la imperfección”) y otro de esos riffs irreales. ‘Ciudad De Dios’ también se me antoja otra de esas composiciones que sólo podrían crear ellos, al igual que ‘Nadie Más’, que con ese marcado ritmo de bajo

“Sin temor a equivocarnos podemos anunciar que estamos ante el mejor álbum de los madrileños en mucho tiempo” (que participó en la grabación pero que dejó su sitio justo tras la finalización del disco) siguen partiendo nuestra espina dorsal cada vez que salen de los amplis a tumba abierta, pero la corta duración de los temas y el suicida modo de interpretarlos nos sorprende, nos sacude y nos deja baldados con sólo una audición. ¿Es esa virulencia un reflejo de los tiempos que corren? Habrá que pregúntaselo en una futura entrevista. No hemos hablado todavía de temas... Destaquemos ‘Miseria’ con ese principio medio sludge para mutar después

nos trae ecos de los Hamlet más clásicos. No me gustaría cerrar la crítica sin citar ‘Irreductibles’, otra de esas bombas nucleares que comienzan con un arpegio lento para noquearnos después con un ataque metalcore absolutamente abrumador. Sólo nos queda felicitarles por el trabajo bien hecho, y a nosotros por tener una nueva colección de canciones de Hamlet que quemar después de más de cuatro años de silencio. Ese lapso se ha roto y de la manera más atronadora posible. ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Billy Lunn (voz, guitarra), Charlotte Cooper (bajo, voz), Josh Morgan (batería) PRODUCIDO POR: Billy Lunn AFINES A: Ash, Foo Fighters, The Joy Formidable PÁGINA WEB: www.thesubways.net

THE SUBWAYS

C The Subways (WARNER)

POP ROCK

on ciertos grupos suele pasar lo mismo que con las bebidas refrescantes: al principio resultan divertidas y hasta adictivas, pero llegados a cierto punto y si se deja el tapón abierto demasiado tiempo, pierden gas. A los chicos de The Subways parece ocurrirles algo similar. Su debut Young For Eternity les hizo protagonizar un pequeño hype en su día (aunque sin llegar a casos tan exagerados como habituales en la prensa británica) del que se vieron justamente beneficiados gracias a singles tan radiables como ‘Rock & Roll Queen’. Superaron con nota alta la reválida en una continuación incluso superior

como lo fue All Or Nothing, un hecho poco habitual en bandas de este estilo. Parecía que les quedaba cuerda para rato, pero en Money And Celebrity ya comenzaron a dar ciertos síntomas de que el asunto decaía un poco a pesar de contener un par de hits incontestables. Con su nuevo trabajo homónimo viene a pasar algo parecido. Tampoco es que estemos ante un álbum mediocre. La dupla vocal formada por Billy Lunn y Charlotte Cooper sigue funcionando bastante bien cuando se trata de firmar temas de corte rockero con sensibilidad pop. Ahí están ‘Taking All The Blame’ y ‘Good Times’ que entran a la primera. Y aún

conservan ese puntillo canalla que les hace tan irresistibles como en ‘I’m In Love And It’s Burning In My Soul’, ‘We Get Around’, ‘Black Letter’ o una histérica ‘Twisted Game’. No es un mal balance, pero se echan en falta dos o tres temazos que destaquen por encima del resto y que sean capaces de mirar cara a cara a sus mejores singles. También hay que decir que la producción, algo blandita, no les termina de hacer justicia, así que esperaremos a su inminente gira por aquí para realizar una mejor valoración, ya que sobre el escenario siempre han demostrado rendir a un alto nivel. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... CHARLOTTE COOPER Cuéntanos, ¿cómo fue la grabación del nuevo disco? “Fuimos grabando el disco a lo largo de un periodo de tiempo bastante amplio. Aprovechábamos los parones entre giras para grabar dos o tres temas y así hasta que consideramos que teníamos el material que queríamos. Tocar en directo nos inspiró muchísimo para sacar canciones con esa energía. Billy hizo de productor y lo grabamos en nuestro local de ensayo, así que lo sentimos como un disco muy nuestro. Por eso lo hemos titulado con el nombre del grupo”. Supongo que el implicaros tanto es una muestra de confianza… “Por supuesto. Personalmente ahora soy mucho más capaz de disfrutar de las grabaciones. Para Billy supuso mucho trabajo extra hacer de productor, pero en realidad fue una experiencia bastante relajada”. El dibujo de la portada y el interior están hechos por una fan, ¿verdad?

“Sí, es de una fan que vive en Budapest y colgó un dibujo nuestro en la página de Facebook. A Billy le encantó y le propuso que se encargara del diseño. Fue genial. Siempre intentamos buscar alguna imagen chula porque no nos gusta sacar nuestras caras en las portadas, y nos gustó mucho darle esta imagen de cómic. Ahora gracias a las redes sociales puedes tener un contacto muy directo con los fans”. A pesar de tener cuatro discos y haber girado muchísimo, me da la sensación de que dentro de la escena británica no tenéis tanta visibilidad como otros grupos. ¿Crees que eso puede cambiar con este álbum? “Creo que es justo decir que estamos un poco más en la sombra que otras bandas. Pero para nosotros lo más importante es poder tocar por todo el mundo, y en ese sentido nos sentimos muy afortunados. Poder volver a España, por ejemplo, es fantástico. Así que más allá del caso o no que nos hagan

los medios, mientras podamos seguir haciéndolo no nos supone un problema. Y en realidad, con este disco estamos obteniendo buenas críticas, así que no hay queja”. Por último, he leído que eres una gran aficionada al deporte e incluso has participado en triatlones y competiciones de iron man. ¿Cuándo te metiste en eso? ¿Te ayuda para estar en muy buena forma en las giras? “(Risas) Sí, mucho. De hecho, una de las razones por las que empecé fue porque a veces cuando salíamos de gira sentía que estaba hecha polvo (risas). Así que necesitaba hacer algo y empecé a hacer deporte. Una cosa llevó a la otra y ahora es una parte importantísima de mi vida. Es mi pasión y mi hobbie. Estando de gira es perfecto para entrenar porque me llevo mi bici y aprovecho el tiempo libre en algo saludable y en explorar nuevos sitios”. (JORDI MEYA)

c r í ti c as

PERIPHERY

Juggernaut: Alpha/Omega (CENTURY MEDIA) METAL PROGRESIVO

isha Mansoor, el guitarrista y cabecilla de Periphery, venía especulando con la idea de publicar un disco conceptual llamado Juggernaut desde los inicios del grupo. Para el sector más nerdy de sus seguidores era escuchar esa palabra y empezar a salivar, así que no puedo ni imaginar la cantidad de baba derramada cuando por fin el esperadísimo trabajo ha visto la luz. Divido en dos álbumes, Alpha y Omega -aun sin distinguirse temática o estilísticamente es algo que se agradece para una mayor digestión-, Juggernaut supone la consagración del sexteto de Maryland como la banda puntera del metal progresivo del siglo XXI. Armados con guitarras de ocho cuerdas y una técnica excepcional, Periphery son capaces de absorber y pasar por su filtro cualquier estilo, dando como resultado una obra de lo más variada y al

mismo tiempo, coherente. Riffs pesados sobre tempos imprevisibles (‘Four Lights’), baladas épicas (‘Priestess’), trallazos poliédricos (‘MK Ultra’, ‘Graveless’), pasajes de puro jazz fusión (‘Hell Bellow’) y digitaciones muy de la escuela Steve Vai o Joe Satriani convierten a Juggernaut en su obra más ambiciosa e imprevisible. Pero si en la parte instrumental su calidad está fuera de toda duda, es el vocalista Spencer Sotelo, un joven capaz de moverse en todo tipo de registros con total soltura (desde el gutural al más melódico), el elemento que les ayuda a brillar por encima del resto de bandas salidas de la escena djent. Sotelo imprime además un toque comercial y contemporáneo a temas como ‘Heavy Heart’ (un hit en potencia) o ‘Alpha’, haciendo que Periphery puedan resultar más atractivos a los fans de Saosin o Sleeping With Sirens que a los de Rush o King Crimson. Es en esa capacidad para conectar con un público ajeno al progresivo donde reside la clave de su éxito. En el próximo Resurrection Fest lo comprobaremos. JORDI MEYA

LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL La Primavera Del Invierno (PRMVR/GRAN SOL) FOLK ROCK

ún nos encontramos purgando la resaca de su exitosa gira del pasado año y los de Burgos ya tienen aquí su segundo LP. Casi sin descanso, La MODA entraban nuevamente al estudio a comienzos de este año bajo las órdenes del maestro Santi Garcia para registrar las diez canciones que componen La Primavera Del Invierno. Es tal la rapidez con la que han decidido dar continuación a ¿Quién Nos Va A Salvar? que apenas podríamos hablar de evolución, pero sin

embargo es una perfecta instantánea que refleja el estado de gracia en el que se encuentran ahora mismo gracias a las tablas y madurez adquiridas. ‘Nubes Negras’ nos da la bienvenida en forma de intro casi a capela y a continuación aparece el banjo trotón de ‘Miles Davis’ que, como la montaña rusa de la que canta David, sube y baja en una demostración de lo mucho que han crecido en todos estos meses. ‘Amanecederos’ suena a himno para sus próximos conciertos, mientras que en ‘PRMVR’ (con Gorka de Berri Txarrak a las voces) se disfrazan de unos The Gaslight Anthem acústicos. En ‘Hay Un Fuego’ dejan claro que también se les da bien desarrollar cortes más emocionales, para que más tarde la tensión desatada de ‘Flores Del Mal’ y ‘Los Lobos’ pongan todo patas arriba. Nos despiden con ‘Rascacielos’, donde la voz rota de David (inspiradísimo en las letras), acompañada del insustituible acordeón de Joselito Maravillas, parece a punto de quebrarse. Que continúe la borrachera. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

SECRET ARMY Ravaged

(CONTRA/LONGSHOT MUSIC) PUNK ROCK

abría que ver qué pasaría si Ravaged llegara firmado por una banda americana y una estrategia promocional bien diseñada. Si en lugar de calvas lucieran en las fotos estudiadísimos cortes de pelo y sus brazos y torsos estuvieran estampados por coloristas tatuajes pagados por sus padres… o sus mánagers. Pero Secret Army son tipos normales, corrientes, currantes, y por eso todo lo que les falta para ser ‘vendibles’ lo compensan de sobras con la honestidad que desprende su música. Si bien siempre han tenido un importante componente melódico, en Ravaged es omnipresente y no hay tema que no venga asociado a un estribillo altamente coreable (empezando por ese “Let it go, let it go, we will rise and they will fall” de la inicial ‘Luna’s Song’ hasta el “We are the ones that you forgot

once in the gutter” de la final ‘Sons Of No One’) y fraseos de guitarra que amenizan los cambios entre estrofas. El espíritu combativo de sus letras se mantiene, pero temas como ‘Vengeance’ o ‘Don’t Threat My Liberty’ están melódicamente más cerca de Springsteen que de Sham 69. Es así como, en su cuarto álbum, los barceloneses vuelven a presentar su maestría para hacer temas redondos de punk rock, algo que de momento les ha llevado a tener más público fuera de España que aquí. Ojalá que eso cambie, porque estoy seguro que son muchos, muchísimos, lectores fans de Social Distortion o Rancid los que disfrutarían con ellos. JORDI MEYA

cr í tica s

PAPA ROACH F.E.A.R.

(ELEVEN SEVEN MUSIC)

METAL ALTERNATIVO

ontra todo pronóstico, Papa Roach siguen aguantando el tipo 15 años después de haberlo petado con Infest y ese himno que fue ‘Last Resort’. Los que podrían haber sido unos one hit wonders del nu metal han sabido ir adaptándose a los tiempos sin perder nunca de vista que la mayor garantía para seguir sobreviviendo en el negocio es que la radio pinche tus temas. Así su octavo álbum es una colección de diez canciones de vocación claramente accesible con otros tantos estribillos diseñados para una inmediata asimilación. Viendo que las bandas jóvenes de metalcore más populares, en muchos casos influenciadas por la generación nu metal, no le hacen ascos a la electrónica, Papa Roach han seguido la senda iniciada en su

P DOVER

Complications (OCTUBRE/SONY)

POP ROCK

ara muchos de los que crecimos con Dover, el giro experimentado en sus dos últimos discos fue tremendamente doloroso. El abandono de las guitarras para dar paso a ritmos discotequeros y étnicos hizo que más de uno se rasgase las vestiduras al mismo tiempo que eran descubiertos por un nuevo público. Es por ello que la gira conmemorativa de Dover Came To Me supuso toda una alegría para sus viejos fans, al mismo tiempo que abría ciertos interrogantes de cara al futuro del grupo. Todo hacía indicar una vuelta al rock,

anterior The Connection con la incorporación de esos elementos a su vocabulario musical de riffs entrecortados y melodías efectistas. La producción de Kevin y Kane Churko, padre e hijo, enfatiza los efectos en la voz, las bases programadas y los teclados a modo de ornamentos en temas como ‘Face Everything And Rise’, ‘War Over Me’ o ‘Warriors’,

en la que cuentan con la participación del rapper Royce da 5’9”. Jacoby Shaddixx sigue conservando una voz muy solvente para este tipo de material, y en ‘Gravity’ le volvemos a escuchar rapeando antes de que Maria Brink de In This Moment aporte un toque épico al estribillo. No brillan, pero mantienen el nivel.

aunque algunos seguíamos con reservas. Pero sin que el octavo trabajo de las Llanos vaya a suponer un nuevo Devil Came To Me o un I Was Dead For 7 Weeks In The City Of Angels, podemos decir que ha cumplido su cometido de devolvernos a una banda que ya dábamos por perdida. Tiene guasa que hayan elegido un título como Complications, ya que si algo desprenden las diez canciones que encontramos es sencillez en su máxima expresión. Para empezar, porque han optado por grabarlo en su propio local de ensayo sin demasiados artificios (aunque

la voz de Cristina se nota excesivamente retocada). El vacilón single ‘Too Late’ despista a las primeras de cambio, pero a la que suenan ‘Four To The Floor’ con ese aire power pop que impregna todo el álbum o ‘Crash’ en su lado más furioso, uno empieza a convencerse de que todo parece haber vuelto a su sitio. En la segunda mitad insisten en jugar con la dualidad entre lo acústico y lo eléctrico, como en ‘Like A Man’ o la redonda ‘Sisters Of Mercy’, que huele a hit en sus próximos conciertos. Una más que agradable e inesperada sorpresa.

DAVID GARCELL

GONZALO PUEBLA

BUTCH WALKER Afraid Of Ghosts (LOJINX)

FOLK ROCK

racias a su lucrativo trabajo como productor y escritor de hits para gente como Taylor Swift, Pink, Fall Out Boy, All Time Low o Panic! At The Disco, el antiguo líder de Marvelous 3 se ha ganado la libertad para hacer lo que le venga en gana en sus discos en solitario. En Afraid Of Ghosts, el séptimo que publica con su nombre, el camaleónico Walker juega a ser Ryan Adams firmando un disco introspectivo y de cariz acústico motivado por el fallecimiento de su padre. La cosa tendría delito si no fuera porque es el propio Adams quien le ha ayudado a llevarlo a cabo ejerciendo

de productor y acogiéndole en sus Pax AM Studios para grabarlo. Si la imitación es el mayor cumplido que puede recibir un artista, el ego de Adams tiene que estar por las nubes, pues pocas veces asistimos a un ejercicio de clonación tan descarado como el que aquí escuchamos. Desde las melodías, las inflexiones de voz, los fraseos, los arreglos, todo, todo recuerda a la faceta más intimista de Adams. Dado que está despojado de la inmediatez y fanfarria con la que se suele asociar su obra, la primera escucha de Afraid Of Ghosts descoloca un poco, pero también es cierto que sus fans pocas veces estarán tan cerca de descubrir al verdadero Butch Walker gracias al tono confesional de temas como ‘I Love You’, ‘Chrissie Hynde’, ‘Autumn Leaves’ o ‘Father’s Day’, en el que colabora Bob Mould. Son éste último y la exquisita balada con aire 50’s ‘How Are Things, Love?’ los momentos más destacables de un álbum formalmente impecable, pero que no llega a conmover como debiera. JORDI MEYA

críticas

FALLING IN REVERSE Just Like You (EPITAPH)

POP CORE

o se me ocurre un personaje que ahora mismo polarice tanto las opiniones como Ronnie Radke, el líder de Falling In Reverse. Con él es difícil que haya un punto medio, o le amas o le odias. Y él encantado con que así sea, incluso lo provoca. Sólo así puede entenderse el pastiche de metalcore, electrónica, rap y punk pop que presentó en su anterior disco, Fashionably Late; el equivalente a pintarse una diana en la cara y decir ‘disparen’. Pero si algo está claro es que a Radke le importa un comino lo que la crítica piense, y en Just Like You repite más o menos la misma fórmula aunque quizá sin llevarla tan al extremo y sonando a ratos como unos Avenged Sevenfold más pop. “Soy consciente de que soy un gilipollas,

LORD DYING Poisoned Altars (RELAPSE)

SLUDGE METAL, THRASH METAL

i primera toma de contacto con este cuarteto de Pórtland fue en directo, cuando nos visitaron con Red Fang. Las impresiones fueron muy buenas, tan buenas que al finalizar el show me apresuré a comprarles su debut Summon The Faithless. Su sludge de alto octanaje mezclado con los clásicos riffs thráshicos de la escuela Slayer sonaban de muerte y aunque su parecido con la banda de Araya y compañía era en ocasiones excesivo, se intuía que en el interior de estos blasfemos metalheads podía haber algo interesante. El segundo

pero realmente no me importa. No tengo nada que demostrar, sinceramente sólo soy como tú”, canta en el tema titular mientras de fondo suenan unos ‘na-na-nas’ ridículos. Es en momentos así cuando te preguntas si en realidad Radke no se estará cachondeando de todos y habría que tomarse a Falling In Reverse como la versión metalcore de Steel Panther. Porque confieso que, si es así, estoy dispuesto a

reírme a carcajadas con el exageradísimo breakdown de ‘Guillotine IV’, la hip hopera ‘Wait And See’, los solos heaviatas de ‘The Bitter End’ o la balada con piano y cuerdas ‘Brother’. Lástima que me parece que van en serio... Y aun así, reconozco que escuchando su tercer álbum me he entretenido bastante más que con cualquiera de los de sus colegas Black Veil Brides.

álbum era crucial, y no han podido tener mejor padrino para echarles una mano y quitarles algo de presión. Joel Grind, el rubio creador de Toxic Holocaust, los ha acogido bajo su manto, produciendo, mezclando e incluso componiendo algunas de las bombas que estos tipos han tenido la gentileza de tirar sobre nosotros. La unión hace la fuerza y, en esta ocasión, la fuerza se ha desbocado por completo en un disco hecho para fundir nuestras neuronas a golpe de estruendosos riffs partecuellos. Supongo que los cambios de ritmo han venido dados por la influencia de Grind

en el proceso compositivo, pero imagino que esto ha debido de ser un toma y daca continuo, una lucha entre una banda tratando de imponer la supremacía sludge de su estilo y un productor empecinado en dotar a sus discípulos de un plus de calidad intentando que estos pirados buceasen entre las entrañas del thrash más cavernícola. Los vencedores hemos sido nosotros, que tenemos para quemar una colección de perlas metálicas que lo mismo pueden gustar al fanático de Down que al portador de un chaleco tejano con parche espaldero de Testament.

DAVID GARCELL

ANDRÉS MARTÍNEZ

SLEATER-KINNEY No Cities To Love (SUB POP)

INDIE ROCK

e la misma manera que no sabemos muy bien por qué Sleater-Kinney lo dejaron justo después de grabar una de sus mejores obras, The Woods, tampoco queda muy claro el porqué de su vuelta. Sea el motivo que sea, bienvenida es, ya que si se fueron a lo grande, su regreso con No Cities To Love nos devuelve al trío en plena forma. Vamos, como si esa década de silencio no hubiese existido. Como por desgracia suele ser habitual en el mundo de la música, parece que tengas que irte para que realmente te valoren. Da la impresión que

la popularidad e influencia del grupo de Olympia es mayor que nunca, aunque nos tememos que el éxito de Carrie Brownstein en la serie de culto Portlandia ha tenido algo que ver. Y es que es oír el primer tema del álbum, ‘Price Tag’, para darte cuenta de los mucho que hay del sonido SleaterKinney por esos mundos del indie. Eso sí, nadie lo hace igual de bien que ellas. Ese sonido urgente, de guitarras estridentes mezcladas con melodía pop, que parecen surgidas como por arte de magia, sigue estando presente, aunque probablemente mejorado, ya que el trío ha sabido encontrar el botón adecuado para darle a sus composiciones todo aquello que necesitan para transmitir las emociones que buscan. Si queremos considerar No Cities To Love el inicio de una nueva etapa en la carrera de Sleater-Kinney, la de la madurez, que a nadie le sorprenda si la banda pasa, en una abrir y cerrar de ojos, del estatus de culto al de clásica. RICHARD ROYUELA

críticas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Oliver Ackerman (voz, guitarra), Dion Lunadon

(bajo), Robi Gonzalez (batería) PRODUCIDO POR: Oliver Ackerman, Emil Nikolaisen AFINES A: Nothing, Dead Moon, Black Rebel Motorcycle Club PÁGINA WEB: www.aplacetoburystrangers.com

A PLACE TO BURY STRANGERS

C Transfixiation (DEAD OCEANS/POPSTOCK!) NOISE ROCK

on la reputación de ser ‘la banda más ruidosa de Nueva York’ -un título que se disputan con los afines Nothing- no es de extrañar que el trío liderado por Oliver Ackerman haya querido trasladar el sonido de su directo a su cuarto álbum de estudio. De hecho, varias de estas canciones ya fueron interpretadas en la gira de presentación de su anterior trabajo, Worship, y eso se nota en la maraña sónica que sirve como base a temas como ‘Love High’ o ‘I’m So Clean’, que difícilmente podrían haber sido concebidos en el salón

de sus casas. La escucha de Transfixiation a todo volumen es una experiencia que puede llegar a desorientar los sentidos. Las guitarras y el bajo no es que suenen, es que literalmente explotan en tus tímpanos. Haz la prueba, y posiblemente acabes pidiendo clemencia cuando suene el quinto corte ‘Deeper’, 6 minutos que te sumergen en un pozo profundo de angustia y agonía y que harían temblar al mismísimo Ian Curtis. Sin embargo, no todo es inexpugnable en su reino del ruido y en ‘What We Don’t See’ y ‘We’ve Come So Far’ se acercan a los mo-

mentos más pop de The Jesus And Mary Chain o My Bloody Valentine, especialmente en la última por la aportación vocal de Emilie Lium Vordal de �� Closing Eyes; grandes ejemplos de violencia melódica. Si algo diferencia a A Place To Bury Strangers de las bandas nostálgicas del shoegazing, aparte de llevar ya ocho años en activo, es que la distorsión, las pedaleras y los efectos no son meras herramientas para emular a bandas del pasado, sino para saciar sus ansias de experimentar con los sonidos y transgredir géneros. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... OLIVER ACKERMAN Parte del disco se grabó en Noruega con Emil de Serena Maneesh como productor. ¿Qué tal os fue? “Sí. Hicimos dos canciones allí, ‘Deeper’ y ‘We’ve Come So Far’, y desde luego eso tuvo su influencia. Nos gustó mucho ir allí y trabajar con él. Nos ayudó a darle ese toque especial. Y también nos gustó estar en un pequeño pueblo de Noruega. Salías del estudio y estabas en medio de la nada. El estilo de vida es muy distinto al que conocemos y todo el mundo se conoce”. A veces parece que sois capaces de escribir grandes canciones pop, pero luego las saboteáis con un montón de ruido. ¿Es algo planeado? “A veces sí. Algunos temas pueden empezar con la melodía, pero otros empiezan con un ruido y de ahí sacamos la melodía. No hay un método exacto, pero al final siempre buscamos un resultado que nos guste. Hay veces

que tardas muchos días en encontrar una buena idea y otras que lo primero que se te ocurre funciona”. Hay partes de guitarra, como en ‘Supermaster’, que suenan como si estuvieran improvisadas. ¿Es realmente así o las compones primero? “En este disco hubo mucha improvisación. Queríamos acentuar un sentimiento de directo, así que probamos muchas cosas distintas en cada tema y luego nos quedamos con lo que más nos gustaba. Es algo distinto a lo que hemos hecho en discos anteriores. Y es que, al final, siempre hay algo de improvisación”. En los dos últimos años estamos viendo un revival del shoegazing. ¿Os sentís parte de este movimiento, crees que es simplemente una moda…? “Posiblemente sea una cuestión de nostalgia. En muchos casos ésas son las bandas que crecimos escuchando. Creo que para muchos grupos que

tendemos a la experimentación, ése fue nuestro primer contacto con las posibilidades que tenían los pedales, los efectos, el feedback, la distorsión… Así que dependiendo de si coges eso e intentas algo nuevo o simplemente recrearlo podrás considerarlo una cosa u otra. Desde luego nuestra intención no es copiar a nadie”. Tienes una empresa que fabrica pedales de guitarra, Death By Audio. ¿Usas la banda como banco de pruebas para nuevos modelos? “Las dos cosas se retroalimentan. Construimos mucho equipo para nosotros mismos que luego llama la atención de otros músicos, pero también fabricamos pedales para grupos que no tienen nada que ver con nosotros. Y a veces haces algo que incluso te inspira a hacer una canción. Para mí es una manera más de estar inmerso en la música todo el tiempo”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

MURDER BY DEATH Big Dark Love (BLOODSHOT)

FOLK ROCK

legados a su séptimo trabajo de estudio, la trayectoria de Murder By Death me empieza a recordar un poco a la fábula de la cigarra y la hormiga. Sin hacer ruido y con mucha constancia han sido capaces de construir una de las discografías más solidas dentro del indie rock americano de la última década. Por desgracia, y al contrario que las trabajadoras hormigas, nunca han terminado de ver justamente recompensado su esfuerzo, viéndose obligados incluso a tener que recurrir al tan socorrido crowdfunding para tirar adelante con sus lanzamientos. Ya lo hicieron con Bitter Drink, Bitter Moon y ahora vuelven a repetir jugada con este Big Dark Love. Si algo vienen a dejar claro nuevamente los de Indiana es que, lo que les falta de reconocimiento por

OZMA

Boomtown (AUTOEDITADO)

POWER POP

e los californianos Ozma, formados en 1995, curiosamente un año después del icónico Blue Album de Weezer, siempre he leído que son unos alumnos aventajados de Rivers Cuomo y compañía. Y mucho me temo que esta etiqueta o, mejor dicho, cumplido, les acompañará hasta el fin de sus días. Los parecidos son más que evidentes y ya les va bien así. La admiración es mutua, y han compartido incontables escenarios e incluso cruceros. La sorpresa ha sido mayúscula después de escuchar el fantástico Boomtown, su quinto trabajo,

parte de la industria, les sobra de talento. Sin alejarse de su propuesta clásica, notamos que el grupo ha buscado un sonido más áspero, seco y, en definitiva, oscuro. El propio tema que da nombre al conjunto es fiel reflejo de ello: una canción bien construida, sin estridencias, que culmina con un inquietante solo de teclado. Adam Turla sigue gastando una de esas voces que por sí sola ya te llena toda una canción, como deja

patente en la sobrecogedora ‘Haunted’, siempre bien secundado por el cello de Sarah Ballet y los arreglos de David Fountain. Sin embargo, su lado más luminoso también sale a relucir de manera brillante en ‘Strange Eyes’, con un crescendo de manual, al igual que ‘It Will Never Die’ o un tema redondo como ‘Last Thing’. Otra maravilla de unos corredores de fondo infatigables.

inesperado después de siete años perdidos en el limbo discográfico. El resultado supera a su aclamado Pasadena, e incluso me atrevería a decir que todas las expectativas. Y es que hablar de alumnos aventajados se me antoja corto, muy corto, cuando han parido temas de power pop tan cojonudos como ‘Nervous’, ‘Suicide Song’ o ‘You’d Think I’d Know’. Se han tomado su tiempo y el resultado es un disco de pop de guitarras sin fisuras, inspirado, inmejorable. Boomtown suena homogéneo y variado al mismo tiempo. Su sonido

es característico pero cantan diferentes miembros y, quizás más importante, la autoría de los temas está muy repartida. A diferencia de otras bandas, esta democracia creativa no les pasa factura, ¡al contrario! Que un trabajo tan fantástico como el presente haya necesitado una plataforma de micromecenazgo para ver la luz sólo puede tener una explicación: ningún sello con dos dedos de frente escuchó sus once temas. O quizás sí y ellos preferían volar por libre. Sea como sea, no me cansaré de escuchar y recomendar este disco.

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

JORN LANDE & TROND HOLTER Dracula – Swing Of Death (FRONTIERS) HEAVY METAL, POWER METAL, HARD ROCK

al es la buena sintonía que Jorn Lande mantiene con el guitarrista que en 2012 entró a formar parte de su proyecto personal, Trond Holter de Wig Wam, que se embarcaron mano a mano a musicar la inmortal novela epistolar de Bram Stoker, Drácula. El famoso cantante noruego ya le había pillado el gusto a esto de juntarse con otro músico con el que compartir protagonismo, véase el dueto Allen – Lande, pero sin duda Dracula – Swing Of Death es una empresa mucho más exigente. En el terreno

musical, las ambientaciones victorianas pronto toman presencia en ‘Hands Of Your God’, la siguiente ‘Walking On Water’ o ‘Masquerade Ball’, pero por en medio también hay que pasar por el peaje de ‘Swing Of Death’, una horterada a lo Edguy que desluce un notable inicio, o una comercialoide ‘Into The Dark’ demasiado 80’s. Algunas castañuelas también sobran, pero en general, con un guitarrista desatado de tamaña solvencia (¡Menudos solos!) y el cantante escandinavo tan en forma como siempre, en su salsa en canciones cercanas a la ópera metal como ‘Save Me’ o piezas más cabareteras como ‘River Of Tears’, estamos ante un álbum conceptual que aguanta el tipo. Varios estribillos son demasiado felicianos para estar hablando de un señor condenado a vagar eternamente por las tinieblas, esperaba un tono bastante más tétrico, más King Diamond por ejemplo, pero si te flipan Avantasia, desde luego no puedes perderte esta obra. PAU NAVARRA

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY

Singer’s Grave – A Sea Of Tongues (DOMINO)

AMERICANA

rolífico como pocos, Will Oldham lleva más de dos décadas publicando música bajo distintos nombres (Bonnie ‘Prince’ Billy, Palace, Palace Brothers). Recientemente había editado un disco homónimo, y también editó a medias con Dawn McCarthy un disco de versiones de los Everly Brothers, y ahora le ha dado por otro viejo pasatiempo: jugar con su propio legado, reversionándose a sí mismo. Lo había hecho ya al menos un par de veces en su carrera, y eso es lo que ha vuelto a hacer en este disco,

en el que reviste canciones de su álbum Wolfroy Goes To Town (2011) o alguna de las caras B de aquel trabajo (por ejemplo ‘Whipped’, que acompañaba al single ‘Time To Be Clear’). En algunos casos respeta el nombre original de la canción (‘We Are Unhappy’, ‘Quail And Dumplings’, ‘Night Noises’…), y en otros se lo cambia sin ningún tipo de problemas (‘New Whaling’ se convierte en ‘So Far And Here We Are’). E incluye también dos canciones inéditas, que cierran el disco: ‘New Black Rich (‘Tusks)’ y ‘Sailor’s Grave A Sea Of Sheep’. Además de ornamentar más las canciones (originalmente más sobrias), Oldham se acompaña de los coros góspel de las McCrary Sisters, mientras Chris Scruggs se hace cargo de la mandolina y el ukelele. El resultado se mueve en los habituales sonidos añejos de rock americano y country: medio tiempos para llevarte a otras épocas, espirituales para removerte el alma, o música de raíces de redonda cuadratura. IGNASI TRAPERO

cr í ticas

ATLAS LOSING GRIP Currents (CARGO)

PUNK ROCK

ifícil panorama el que se les presenta a Atlas Losing Grip. Desde que saliera a la calle su magnífico State Of Unrest, los suecos no han parado de trabajar duro para darse a conocer descargando su música en cualquier escenario que se les pusiese a tiro. Su constancia y buen hacer apuntaba a que Currents podría situarles un peldaño más arriba dentro de la escena punk rock europea, pero cuando todo pintaba de manera inmejorable, el vocalista Rodrigo Alfaro anunció sorprendentemente su abandono a pocas semanas de la salida del álbum para centrarse en los reunificados Satanic Surfers. A tan inesperado traspié el resto de la banda ha reaccionado reclutando rápidamente a Niklas Ollson como nuevo frontman, que tendrá que

THE SOUL JACKET Black Cotton Limited (ELEPÉ)

ROCK

i escuchando Black Cotton Limited me dijesen que la banda que está sonando viene del sur de Estados Unidos y que el álbum ha sido registrado en un estudio a las orillas del Mississippi, no me quedaría más remedio que creérmelo. Pero la realidad es que The Soul Jacket no son de Tennessee o Alabama, sino de Vigo, y que para grabar su segundo disco no han tenido que marcharse hasta New Orleáns, sino que les ha bastado con pasarse nuevamente por el GuitarTown de Hendrik Rover, líder de Los Deltonos, como ya hicieran con su

solventar la papeleta de presentar un trabajo en el que no ha tenido la ocasión de participar. Y es una verdadera lástima, porque su nueva entrega se descubre como un álbum arriesgado y honesto que sorprenderá a muchos y posiblemente horrorizará a otros. En una hora y pico, Atlas son capaces de disfrazarse de Metallica (‘Sinking Ship’, ‘Nemesis’), juguetear con

baladas acústicas (‘Closure’), experimentar con tendencias más progresivas (‘Kings And Fools’, ‘Ithaka’), sin olvidarse de ese hardcore melódico que tan bien saben facturar (‘Cynosure’) y encima, salir airosos. Si no fuese porque resulta excesivamente largo, podríamos estar hablando fácilmente del mejor disco del estilo que vamos a escuchar en 2015.

debut, el excelso Wood Mama. Ya desde la portada se aprecia que estamos ante una obra que más que sonar, desprende un olor marcadamente sureño. Así es, el combo ha sabido profundizar en su sonido en estos dos años de diferencia y se nota, ya que ahora se les ve más confiados y sueltos, lo cual les abre un amplio abanico de posibilidades. Y es que la sabiduría y buen hacer con el que son ejecutados cortes como la tremebunda ‘Sleeping Bag Boogie’, ‘Moonshine Whiskey Rye’ y ‘Where’s My Money’ parecen casi impropias de

unos tipos que han nacido a miles de kilómetros del lugar donde esta música tiene bien ancladas sus raíces. Suenan a The Black Crowes, a la Creedence y hasta a Otis Redding, en parte por culpa del vozarrón que se gasta Tony López. No cuesta mucho imaginárselos sentados en un porche al lado de un pantano mientras interpretan ‘Smokin’ House’ y ‘Black Cotton’. Y aunque al disco le sobra calidad, es una pena que la larga extensión del mismo le reste algo de puntos. Entonces sí que estaríamos hablando de una obra incluso mejor.

GONZALO PUEBLA

XIBALBA

Tierra Y Libertad (SOUTHERN LORD)

HARDCORE, SLUDGE METAL

i hay una banda que pueda obrar el milagro de unir en una misma sala a fans del sludge y el hardcore, incluso del death metal en menor medida, ésa es sin duda Xibalba. Lo que para algunos pocos es grandeza, por desgracia para muchos es todavía un problema al seguir prestándole demasiada atención a las pintas. De cualquier forma, Xibalba son ya una banda de culto con todas las de la ley, y que publiquen bajo el exquisito paraguas de Southern Lord debería ser suficiente garantía

de por dónde van los tiros. De inicio atronador aunque no tan demencialmente brillante como lo que viene después, no es hasta ‘Pausa’, que viene a ser justo lo que anuncia en plan ruidoso, cuando te sacas el sombrero ante la magnificencia de su tercer álbum. Así, cuando el tanque ‘En Paz Descanse’ te aplasta sin piedad durante más de 6 minutos y medio ya tienes claro que estás ante un discazo. ‘Tierra Y Libertad’, pese a los títulos de los cortes la única cantada íntegramente en castellano, es la apoteosis máxima, una bola de fuego a medio tiempo que te volatiliza. Y eso que aún queda la saña religiosa de ‘Si Dios Quiere’, que como una sierra te parte en dos, y los casi 13 minutazos de excelsa agonía casi funeral doom de ‘El Vacío’… Venerar a estos californianos empieza a ser una obligación ética y moral. Madre mía, menudo sonidazo, cuánto dolor… Ya iba siendo hora de inaugurar mi top personal de 2015. Demasiado poder. PAU NAVARRA

THE LIMBOOS Space Mambo (PENNIMAN)

ROCK’N’ROLL

ejarlo todo por la música. Ésa es la intención de los gallegos The Limboos viendo el triste panorama laboral de este país de mierda. El cantante y guitarra Roi Fontoira y la batería Daniela Kennedy son pareja y compositores de la banda; el teclista y percusionista Sergio Alarcón es el primo de Roi, y el bajista Marcos Mascato, el compañero de piso. Un día Daniela sacó el ritmo de su primer single ‘Space Mambo’, y a partir de allí decidieron crear la banda. Servidor los vio en la Apolo junto a

sus compañeros de sello en Penniman Records, The Excitements, y se divirtió de lo lindo con su rythm’n’blues exótico, garajero y tropical. Y el disco, producido por Mike Mariconda en los estudios Big Cheff de Madrid (donde trasladaron su residencia), sigue las mismas coordenadas: sonidos retro que van del R&B al mambo en canciones directas y hedonistas que te llevan a los maravillosos 50 y 60 del siglo pasado. Imposible resistirse a los ritmos de ‘What I’m Saying’, ‘Tell Me Pretty Baby’ o ‘Rockin’ si te gusta el rock’n’roll de corte más clásico. Pero es que incluso si los sonidos tropicales no están en tu menú sonoro habitual, no te extrañe si te ves bailando inconscientemente temas como ‘Brownie’, ‘Space Mambo’ o ‘Jambalaya Walk’. ¿Te imaginas a The Animals, Gene Vincent, Elvis, Carmen Miranda y Xavier Cugat de juerga en una misma habitación? Pues si vas a verles en directo o escuchas este disco, podrás llegar a hacerte una idea. IGNASI TRAPERO

críticas

NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS Chasing Yesterday (SOUR MASH/PIAS)

ROCK

ada vez estoy más convencido de que la genialidad de Noel Gallagher reside más en habernos hecho creer que era un genio que en su talento como músico. Es indudable que de su pluma han salido canciones que merecen ser consideradas como clásicos, pero si uno analiza con detalle toda su obra, se da cuenta de que por cada acierto ha dejado en el camino otras tantas mediocridades. Chasing Yesterday, su segundo disco en solitario y que ha producido él mismo, muestra un mayor equilibrio, ya que

no destaca ni por arriba ni por abajo, pero carece de temas que realmente atrapen. En su faceta de vendemotos profesional ha asegurado que ‘Riverman’, el corte que abre el álbum, es el mejor tema que nunca haya escrito. Y vale, este sugerente medio tiempo que cuenta con ¡dos! solos de saxo está bien, pero no es ‘Don’t Look Back In Anger’. Mejor puntúan la animada ‘In The Heat Of The Moment’, con un punto Oasis, y la bonita ‘The Girl With X-Ray Eyes’, muy cercana al Bowie de los primeros 70, aunque las limitaciones de Gallagher como vocalista impiden que lleguen a volar más alto. Entre el rock de corte clásico (‘Lock All The Doors’, ‘The Mexican’) y el pop de acento psicodélico (‘The Right Stuff’, ‘Ballad Of The Mighty I’), el repertorio de Chasing Yesterday suena exactamente como te imaginas que lo haría cualquier disco de un músico británico de su generación. Y eso está lejos de ser genial. JORDI MEYA

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

I’m In Your Mind Fuzz (HEAVENLY)

ROCK, PSICODELIA

ustralia siempre ha sido el paraíso predilecto para la música, pero seguro que más de uno empieza ahora a hablar de una escena en el país de los canguros dada la cantidad de bandas que han salido del underground más profundo y de su continente. Lo bueno es que no pueden hablar de una escena basada en un estilo porque la riqueza musical que apodera Australia hace que cada banda presuma y

ataque un género diferente con toda la personalidad y recursos posibles. King Gizzard & The Lizard Wizard son una de ellas. 2011 los vio formarse, pero no fue hasta el año pasado que empezó realmente su carrera con la publicación de sus dos obras hasta el momento y un 12’’ donde se otorgan un garage rock neopsicodélico que por momentos se vuelve anfetamínico (‘I’m In Your Mind’, ‘Cellophane’) como viaja por tierras más hipnóticas y ambientales (‘Empty’, ‘Hot Water’, ‘Her & I (Slow Jam II)’). Una banda que se atreva con un tema que suene a Black Sabbath y Jethro Tull como es ‘Satan Speeds Up’ me parece que goza de inquietud, personalidad y el atractivo que da saber más de ellos. Los siete miembros que la forman podría ser un arma de doble filo; por un lado siete mentes pensantes con la riqueza de ideas que eso da, y por otra el saber canalizar todas ellas. Todo un reto que de momento aprueban. CARLES RAMÍREZ

cr í ticas

TOYGUITAR HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jack Dalrymple (voz, guitarra), Paul Oxborrow (bajo, guitarra),

Miles Peck (bajo), Rosie Gonce (batería) PRODUCIDO POR: Chris Dugan, toyGuitar AFINES A: Roll The Tanks, Foxboro Hot Tubs, Swingin’ Utters PÁGINA WEB: www.facebook.com/toyguitarband

RECOMENDADO POR:

In The Mess (FAT WRECK)

PUNK ROCK

oda una sorpresa este In The Mess de la nueva banda del guitarrista de Swingin’ Utters Jack Dalrymple, figura casi icónica y con un estilo muy particular que le llevó a ser también miembro de los ReVolts o Dead To Me. Pero aquí despliega sus alas para ofrecer una oda al protopunk de los 70, haciendo que en ocasiones parezca que estamos ante unos Stooges del siglo XXI con toques garageros y aires de la música tradicional surfera pasados por el filtro de un pedal fuzz siempre activado. Fresquísima propuesta que nos lleva a decir que In The Mess es un disco para dar buen rollo y bailar en un antro rodeado de

pósters de Stiv Bators, Misfits, Vibrators y, por supuesto, birra en mano... No nos sorprende nada que el sello de Fat Mike apueste por estos sonidos de raíces, de donde viene todo, de las primeras bandas en ponerse tachuelas, camisetas de rayas y chupas de cuero en los Estados Unidos, pero presentado de una manera en la que te imaginas a una banda más cercana a tocar en el FIB junto a The Strokes que en un garito maloliente de los que nos molan… ¡Por lo menos a mí! Genialidades melódicas como ‘Static Attraction’ con un estribillo demoledor y redondo y esos toques surferos que parecieran poseídos por Los Coronas o el himno generacional que da

título al disco ‘In The Mess’, hacen que proclamemos a los cuatro vientos que éste es un disco a descubrir. Quizás en una primera escucha no te mate, pero si lo repites como un mantra caerás en sus redes y se convertirá en uno de los trabajos a destacar de este 2015. La energía a raudales de ‘In My Head’, la puñalada de ‘Human Hyenas’, que suena como un mash-up de los primeros AC/ DC con crestas a lo Bowie, o la increíble ‘When It Was Over’, que evoca a unos The Boys modernizados, hacen de este disco una joyita muy recomendable y un vehículo para positivar lo negativo sin parangón. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... PAUL OXBORROW ¿Cómo se formó el grupo? “ToyGuitar empezó con Jack y Miles trabajando en algunas canciones. Éstas se convirtieron en el primer 7”. Ellos dos conocían a Rosie por haber tocado con su anterior banda. Cuando vieron la increíble batería que era, la cortejaron para que entrara en el grupo. Yo había tocado con Jack y Miles en The ReVolts, así que cuando hubo una vacante como bajista, entré yo. Ésta ha sido la formación desde el quinto o sexto concierto de toyGuitar”. La gente que espere un sonido parecido a Swingin’ Utters quedará sorprendida. ¿Fue intencionado hacer algo diferente? “No había un objetivo marcado sobre cómo queríamos sonar, pero queríamos hacer algo nuevo. Nuestra política es que si algo es bueno, es bueno. Supongo que con la mitad del grupo estando en Swingin’ Utters posiblemente había expectativas de que nuestro primer

largo sonaría como ellos. Si escuchas algunas de las canciones que Jack ha escrito con los Utters, posiblemente escuches un rollo parecido a toyGuitar, pero eso es inevitable. Desde luego, toyGuitar es otra clase de animal”. El disco tiene un rollo muy animado, veraniego. ¿Lo escribisteis en un buen momento a nivel personal? “No lo sé… Quizá es que lo que nos hace felices es hacer música juntos (risas). En realidad las canciones fueron escritas en distintos periodos con participación de los cuatro, así que sólo puede venir por el amor a la banda. Mucha gente habla del tono veraniego del disco, pero no creo que lo sea tanto. Tiene algunos giros oscuros y eso me gusta. Suena como un álbum y hace que quieras escucharlo entero”. ¿Teníais algún disco de referencia en cuanto a sonido? “No había un disco en particular, pero queríamos que sonara alto y crudo. A

veces sí que ayuda tener un disco o una canción como referencia y en nuestro caso, tomamos pistas de los discos de The Sonics, por lo desmadrados que son, y también del glam de Slade, The Stooges o The Saints”. ¿Practicáis el surf o el skate? El disco es ideal para hacerlo... “Todos hacemos skate… Bueno, o solíamos hacerlo, al menos un poco. De hecho Jack solía tener un sponsor cuando vivía en Arizona, de donde también soy yo. A veces recordamos los lugares donde íbamos a patinar a finales de los 80 y principios de los 90. Todavía aguanta bien el tipo. Y Miles también. Yo me rompí la muñeca el año pasado, así que ahora me lo tomo con calma, pero adoro patinar. A todos nos encantaría tener una canción de toyGuitar en un vídeo de skate. El surfing también mola, pero no tenemos ni idea... Y eso que en muchas críticas dicen que hacemos música surf (risas)”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

ALLAH-LAS

Worship The Sun

(INNOVATIVE LEISURE/OTHER HAND) POP PSICODÉLICO

n 2012, los californianos Allah-Las consiguieron llamar la atención de la escena indie internacional con su debut homónimo. Y como pasa siempre en estos casos, llegó el momento de afrontar el siempre difícil segundo disco, que suele ser el que marca decisivamente la trayectoria de un grupo. Y esta banda de extrabajadores de Amoeba (en su tienda de Los Ángeles) han optado por la continuidad. Empezando por la producción del gran Nick Waterhouse, que les vuelve a acompañar como en su primera aventura discográfica, y terminando por sus canciones, que mantienen la atmósfera del pop psicodélico de bandas como los Zombies, Byrds, Love y demás clásicos de la california

HOWLIN RAIN Mansion Songs (SILVER CURRENT) ROCK

a cubierta del cuarto álbum de Howlin Rain nos muestra a un Ethan Miller en solitario impecablemente trajeado de un blanco pulcro e inmaculado deambulando cabizbajo por la metrópolis. Una imagen más que significativa teniendo en cuenta la desbandada que sufrió por parte de todos su compañeros de grupo dejándole como único hombre al mando del barco, a lo que había que añadir también su salida de American Recordings, el sello de Rick Rubin. Es por tanto lógico que el barbudo cantante y guitarrista haya

hippie. Sonidos ideales para generar ambientes plácidos y semi lisérgicos, a base de armonías vocales reverberadas y suaves guitarras que acarician tus oídos como el viento de una playa californiana. ‘De Vida Voz’, ‘Had It All’ o ‘Worship The Sun’ son algunos ejemplos, sin olvidar instrumentales como la surfera ‘No Werewolf’, ‘Yemeni Jade’ o ‘Ferus Gallery’, en homenaje

a la galería de arte contemporáneo angelina de los 60. En algún tema (‘Buffalo Nickel’, ‘Every Girl’) incluso recuerdan un punto a la Velvet. Y aunque seguramente han quedado un escalón por debajo de sus compañeros de gira Temples en cuanto a popularidad, no creo que tengan nada que envidiarles en capacidad de generación de placer.

querido dotar a esta nueva entrega de un aire más lánguido y tristón del que nos tenía acostumbrados. Eso se nota en piezas como la íntima ‘Coliseum’ o las extensas ‘Lucy Fairchild’ y ‘Ceiling Fan’, en las que Ethan muestra sin tapujos su frustración. Pero al mismo tiempo, resultan canciones excesivamente planas, sin ese colorido e inabarcable torrente de recursos que había mostrado en anteriores entregas. Entiendo que debido a las circunstancias quiera darle un giro a su música, pero la cosa no termina de funcionar en ningún momento.

Falta magia. Lo mejor lo encontramos en los dos primeros cortes del disco: ‘Big Red Moon’ y ‘Meet Me In The Wheat’, donde parece invocar el espíritu de los Rolling Stones más rurales y el Neil Young de Harvest. Puro folk rock que nos remite directamente a su debut autotitulado. Dice Miller que ésta será la primera entrega de una trilogía; mucho deberá mejorar para devolver a Howlin Rain al lugar que se merece tras semejante tropiezo, pero tratándose de un genio como él, sería injusto no darle al menos un voto de confianza.

IGNASI TRAPERO

GONZALO PUEBLA

CALL OF THE VOID Ageless (RELAPSE) HARDCORE, GRINDCORE

ué te despierta una obra depende mucho del momento musical en el que te encuentres, también del bagaje que hayas acumulado con el tiempo. Así, si en 2013 recuerdo perfectamente que el debut de Call Of The Void, Dragged Down A Dead End Path, me dejó algo frío, no ha ocurrido lo mismo con su réplica dos años después, el presente Ageless. Que a los de Colorado también les va el sludge es algo que se aprecia nada más empezar ‘Old Hate’, pero pronto te das cuenta que de lo que aquí se trata es de desatar la

rabia en forma de hardcore punk del más virulento, crusti, en una línea Cancer Bats (‘Black Ice’), y también con grindcore de la escuela clásica. Las disonancias rarunas que hacen de ‘The Sun Chaser’ un temazo, lo enrevesado del riff en ‘R.I.S.’ o el corte ‘Honor Among’ pueden recordar por ejemplo a Converge, y de esta forma tenemos a una banda casada con lo extremo que ha compartido escenario con formaciones tan diferentes como Today Is The Day, Eyehategod, Ringworm o Brutal Truth; una disparidad siempre ruidosa que también se aprecia en los interludios ‘I’ y ‘II’. En ‘Cold Hands’ o ‘Long Knives’ puedes bailotear y acto seguido sentir cómo un blast beat te perfora los intestinos… ¿Qué más quieres? Pones a Call Of The Void a girar con Xibalba y Brutality Will Prevail y no quieras saber cuántos huesos se parten en cada show. Esta peña sabe lo que se hace y puede patear muchos culos a partir de ahora. PAU NAVARRA

AXES Glory

(BIG SCARY MONSTERS) ROCK INSTRUMENTAL

os componentes de la banda Axes vienen de Inglaterra, Escocia, Irán y Dinamarca. Y de esta mezcla, y también de la puesta en común de sus experiencias previas, surge el math rock festivo y casi pirotécnico de Glory, su segunda referencia. Su propuesta instrumental puede recordar en muchos momentos a los mágicos And So I Watch You From Afar por esas guitarras juguetonas que parecen decirte mil cosas, por esa base rítmica tan original y, ante todo, por toda la información que lanzan en cada tema. Un buen ejemplo es la inicial

‘The One’, donde la banda hilvana con mucha clase un despegue potente, riffs pesados, punteos tropicales y un remate final con energía postadolescente. En ‘Glory’ cambian de tercio ligeramente y encontramos unos dibujos y cambios dignos de los citados ASIWYFA y los Minus The Bear más arriesgados, mientras la cambiante ‘Monster’ suena como un pique en el estudio entre Tera Melos y Biffy Clyro. ‘Real Talk’, en un alarde de eclecticismo, se acerca al funk y al R&B, y entonces llega el turno del tema más redondo del disco, ‘Junior’, un chute de vitalidad y alegría a base de guitarras estratosféricas y ritmos sabrosones -¿Soy el único que ha pensado en ‘El Cocotero’ de Betunizer?con un broche punk rocker. Su circuito natural está en garitos pequeños, medianos y festivales como el ArcTangent, el Dunk… Y en breve los podremos catar en el AMFest, organizado por los siempre valientes Aloud Music en la sala Apolo de Barcelona. LUIS BENAVIDES

críticas

F.SIDE Level 3

(AUTOEDITADO) PUNK ROCK

ás de cinco largos años han sido los necesarios para que los asturianos F.Side hayan sido capaces de publicar nuevo material. Fundados allá por 2003, no han sido precisamente pocos los kilómetros y conciertos ofrecidos a lo largo de su década y pico de existencia, como tampoco los miembros que han pasado por sus filas. Pero aun superando las vivencias inherentes a cualquier banda que lleve en esto mucho tiempo, el combo de Oviedo se ha mantenido fiel a su espíritu de rendir homenaje al mejor hardcore melódico que nos

dejaron los 90, teniendo a vacas sagradas dentro del estilo como Pennywise o Bad Religion como principales referentes dentro de su sonido. Y es que a pesar de que como bien apuntan en el título de su última referencia, Level 3, si bien se nota una mejoría respecto a su debut homónimo de 2009, todavía se les nota en exceso que sus influencias vienen desde el otro lado del Atlántico. Probablemente no quieran, ni tan siquiera pretendan, romper moldes dentro de un género que, tampoco nos engañemos, ya está muy trillado, pero la sensación de linealidad es constante a lo largo de la media hora que dura el disco. Aun así, si eres de los que disfruta como un enano con cualquier artefacto que cuente con ritmos de zapatilla a piñón fijo, coros melódicos y letras reivindicativas, probablemente encuentres en ‘Perdido’, ‘Nada Que Decir’ o la fiestera ‘Jager Song’, en la que colabora Dragan de Not Available, razones suficientes para ponerlo de fondo mientras grindeas con el skate. GONZALO PUEBLA

IDES OF GEMINI

Old World New Wave (NEUROT RECORDINGS) DOOM METAL

upe de este trío por casualidad cuando me topé con ellos en un vídeo grabado durante su gira con Ghost por América. Me llamó mucho la atención Sera Timms, su bajista y cantante, una oscura bruja de pelo negro y tez pálida que acariciaba su bajo Les Paul de forma sutil mientras sus compañeros construían un manto de crujiente y atmosférico doom que, en cierta manera, me recordaba el estilo de mis adorados Candlemass. Después de la edición de varios EPs y un prometedor debut editado en 2012, Constantinople, editan su negra y blasfema

nueva obra donde su occult doom se muestra pletórico y ciertamente poderoso, consiguiendo una colección de gemas oscuras como el carbón que han de hacer las delicias de todo amante del género. Por filosofía e imagen se dan la mano con todas esas emergentes bandas de rock ocultista y luciferino que hemos ido comentando a lo largo de los últimos dos años. Sus sentimientos e ideas corren a la par de las de Year Of The Goat o Devil’s Blood, pero musicalmente, a pesar de que también exhiben una elegancia extrema, su rollo es mucho más metálico, como unos Jexx Thoth más contundentes. Personalmente he caído enamorado ante ‘Seer Of Circassia’ o ‘Fememorde’, piezas donde las minimalistas guitarras del hombre de la barba demoníaca y la voz de nuestra hechicera malvada reinan por todo lo alto. Había escuchado a gente de Boris, In Solitude o al mismo Papa Emeritus dedicarles elogios, y realmente los merecen. Seguiremos el rastro dejado por su azufre. ANDRÉS MARTÍNEZ

INCURSED Elderslied (AUTOEDITADO) PAGAN METAL, FOLK METAL

sombra comprobar la cantidad de bandas pagan, viking y folk que año a año van surgiendo entre nuestras fronteras, mas cuando la fiebre por este tipo de sonidos va francamente a la baja, pero no por ello, ante la extensa oferta y su poca repercusión, van a dejar de sobresalir notables obras como la que nos ocupa. Si hace unas cuantas semanas en Demo-ledores nos sorprendía la valía del EP que Incursed sirvieron como aperitivo de esta obra, ahora, con todo el plato presentado, debemos celebrar el banquete que han deparado estos

bilbaínos. Y es que, si te van formaciones como Korpiklaani, Skyforger, Equilibrium, Finntroll o Turisas, desde luego estás de enhorabuena. 13 cortes más el capricho ‘Game Of Thrones’, 66 minutos de música de alto copete, confirman a Elderslied como su obra más ambiciosa, un trabajo que desde que estalla ‘Heart Of Yggdrasil’ te va a brindar todo lo que esperes de un disco de estas características. Mi única pega es que ‘Raging Wyverns’ y ‘Beer Bloodbath’ no me vengan de nuevo, pero está claro que pocos reproches puedes hacerles a latigazos power como ‘Tidal Waves’, ‘Lady Frost’, la sentida ‘Jötnar’ o las epopeyas ‘The Undying Flame (Homeland Part II)’ y ‘One Among A Million’. Orquestaciones de lo más conseguidas, solos, sentimiento, guitarras acústicas, interpretaciones magníficas, sonido cálido y perfecto… Si ni los romanos pudieron con ellos, ¿no vas a rendirte tú ante esta tribu vascuence? PAU NAVARRA

C.W. STONEKING Gon’ Boogaloo (KING HOKUM) ROCK’N’ROLL, BLUES

omo a veces me repito más que el ajo, puede que alguna vez ya haya escrito que me atrae escuchar discos de artistas que no conozco simplemente por su portada. Así como la gente puede decir mucho de sí misma por un peinado, una manera de vestir o de expresarse, las portadas suelen decir mucho sobre los discos que contienen. Y esto pasa con Gon’ Boogaloo, tercer disco original del australiano C.W. Stoneking. Todo un personaje, vestido de blanco, con un punto de timidez irónica, que ha ganado mil premios en Australia y que llamó

la atención internacional con su anterior disco, Jungle Blues, editado en 2008. Incluso recibió una llamada de Jack White para publicar un vinilo en su sello y tuvo las narices de rechazar la oferta. El nuevo trabajo de Stoneking es una maravilla de sonido añejo y atmósferas blues, R&B, swing, hillbillie, etc. que delata las escuchas de los discos americanos de los 60 que coleccionaba su padre. Grabado en sólo dos días y con dos únicos micros, y sin mezclas artificiales posteriores, el disco desprende autenticidad y alma a partir de guitarra, percusión, bajo, su voz áspera y sus gritos guturales (a medio camino de un Tom Waits o un Ray Charles) o un grupo de cuatro coristas que, como bien decía el Sidney Morning Herald, parecen sacadas de un capítulo de dibujos de Betty Boop. ¿El Screamin’ Jay Hawkins blanco de nuestros tiempos? El tiempo lo dirá; yo ahora sólo quiero disfrutarlo como un mono de la jungla… IGNASI TRAPERO

críticas

GUADALUPE PLATA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Perico de Dios (voz, guitarra), Paco Martos (bajo, barreño), Carlos Jimena (batería) PRODUCIDO POR: Liam Watson AFINES A: The Jon Spencer Blues Explosion, Screamin’ Jay Hawkins, The Cramps PÁGINA WEB: guadalupeplata.com

Guadalupe Plata (EVERLASTING) BLUES, GARAJE, ROCK’N’ROLL

e aproxima tormenta, un tornado me acecha… busco pelea”. Con unos afilados licks blueseros y estas palabras, Perico de Dios nos da la bienvenida al tercer álbum de Guadalupe Plata, que como los anteriores carece de un título formal. Que no quieran perder ni un minuto pensando en uno da una idea bastante clara que al trío ubetense las formalidades les importan más bien poco y que su modus operandi tiene más que ver con el ‘aquí te pillo, aquí te mato’ que con un concienzudo proceso creativo. Si para el anterior disco Guadalupe Plata viajaron hasta Austin para grabarlo, esta vez el escenario escogido fue el

estudio Toe Rag de Londres, donde el productor Liam Watson (The White Stripes, Hugo Cornwell) se encargó de capturar con su equipo analógico el duende de estas once canciones. No me sorprende en absoluto que el grupo esté consiguiendo una buena proyección internacional, pues si a nosotros su blues de catacumba con ADN flamenco –por no hablar del sonido que consigue extraer Paco Martos de su barreño customizado- ya nos suena exótico, a un gringo o a un europeo le tiene que parecer absolutamente cautivador. Ya sea con la vitalidad de ‘Huele A Rata’, ‘Hoy Como Perro’, ‘Mecha Corta’ o la pantanosa calma de

‘Agua Turbia’ o ‘Serpientes Negras’, su música nos lleva a imaginar qué hubiera pasado si los andaluces hubieran colonizado el delta del Mississippi. La hipnótica base rítmica de Paco y Carlos sirve de lienzo para que Perico dé rienda suelta a su gran arte como guitarrista, dibujando frases llenas de reverb y maullando unas letras que evocan un universo lleno de perdedores y malhechores. Con una economía encomiable, donde los silencios son tan importantes como las notas, las interpretaciones de estos músicos supuran espontaneidad y libertad en todo momento. Sólo queda entregarse a ellos. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... PERICO DE DIOS Este nuevo álbum es un poco más variado… “Sí. Tanto en el blues como en el flamenco, con los distintos palos que hay, hemos abierto un poco el abanico. Hay un poco de rockabilly, un poco más de góspel, un toque de jazz… variando la manera de interpretar los temas. No es que te canses, pero siempre te gusta variar las cosas. Habiendo tanta diversidad en el blues, es bueno hacerlo. Y también la gente le puede interesar más si haces estilos más cercanos y no sólo blues puro”. ¿Pero os consideráis puristas en algún aspecto o todo es revisable? “Purista es una palabra que en ámbitos taurinos, en ámbitos flamencos, suena a gente que no acepta manifestaciones cercanas a esa faceta. Nosotros no somos intransigentes. Debes estar abierto a otros puntos vista”. Vuestro directo es muy

espontáneo. ¿En el estudio procedéis con la misma actitud? “Este nuevo disco ha estado un poco más calculado porque llevábamos los temas más ensayados, pero de todas maneras, aunque la estructura está clara, si mientras estamos grabando uno tira por un lado y los otros le siguen, pues se deja así. Un poco como se hace en el jazz, donde la improvisación, la inseguridad y la magia se captan”. ¿Por qué grabar en Londres? “Fuimos porque Mark de la discográfica conocía al productor, Liam. Tiene un estudio muy analógico, con un sonido muy particular. Una tecnología que es la idónea para lo que hacemos nosotros. No es que seamos snobs de lo analógico, porque también hemos grabado en estudios digitales, pero sí nos ayuda a conseguir el sonido que buscamos. Y sobre todo que el tipo entiende. A

pesar de que no hablaba español ni nosotros inglés, nos entendimos rápidamente”. ¿Cuánto tiempo estuvisteis? “Estuvimos dos días grabando y dos días más de chumineo y meter algún adornillo. Lo hacemos todo en una toma o dos porque no queremos que se pierda la frescura”. ¿Os ha sorprendido toda la atención que ha captado el grupo? “Desde el principio nos sorprendió porque tocamos blues, algo que no se encuentra en las preferencias del público. Ya venimos de vuelta de tocar mucho y esto lo hacemos porque nos gusta. Todo lo que pase de ahí nos sorprende. Nos han dado un montón de premios… pues fíjate. Yo creo que engancha que hacemos lo que nos gusta y sin pretensiones. No hay artificios y no somos presuntuosos, y eso la gente lo capta”. (JORDI MEYA)

críticas

INSIGHT AFTER DOOMSDAY

The Way To Nihilism (ART GATES) DEATH METAL MELÓDICO

legó un momento en que el death metal melódico me aburrió de tal modo que, excelentes bandas como Dark Tranquillity o In Flames, fueron arrinconadas por mis oídos después de la saturación de bandas que siguieron los pasos de los grupos antes citados. Que una formación nacional como Insight After Doomsday haya hecho que después de mucho tiempo renueve mi gusto por el género quiere decir algo, y eso no es otra cosa que estos catalanes han grabado un pedazo de álbum. En efecto, tienen mucha melodía, toneladas

de ella, pero lo mezclan con muchas otras cosas... retazos de puro heavy metal clásico, desarrollos progresivos, fantásticas ambientaciones propiciadas por unos teclados muy bien incorporados, solos de guitarra extremadamente elegantes, y una combinación de voces limpias y guturales que no por estar ya muy escuchadas dejan de ser un recurso contundente si están bien ejecutadas y, sobre todo, bien compuestas. ‘Departure’, donde por cierto colabora ni más ni menos que Bjorn Strid de Soilwork, es un tema que debería de ser escuchado por todos los que flipan con todo el death metal nacido en Göteborg hace ya mucho tiempo, y no, no penséis que sólo de melodía se alimenta el álbum... los cabrones saben cómo destrozarnos con riffacos absolutamente demoledores, como demuestran en ‘Afterglow’ o ‘The Unexpected’. Además, el disco suena de lujo, con la masterización de Jan Richardson y la producción del mismo guitarrista de la banda, Ricardo Estrada. ANDRÉS MARTÍNEZ

MEMEST

Bastards And Liars (VARIOS SELLOS) HEAVY ROCK, STONER, DOOM

n este país, si alguien que sepa apreciar la música setentera nunca se ha topado con Memest por algún lado, o se toma esto demasiado en serio y vive en una puta cueva, o estamos ante el típico chupapollas que sólo le presta sus oídos a lo que proviene de fuera. En efecto, los de Tortosa llevan ya 13 años rascando sus guitarras y pimplándose toda la birra que les echen, así que digo yo que algo de pedigrí habrán acumulado a estas alturas… Cierto es que los cuatro años que separaron a su debut en largo Lucky Dead Man de este Bastards

And Liars del pasado 2014 quizá sean demasiados, pero seguramente eso viene a demostrar que estamos ante una banda que se toma las cosas con calma, que no entra en un estudio hasta que no está del todo satisfecha con su nuevo material y que, en definitiva, va a su rollo totalmente le pese a quien le pese. Debo decir que les disfruto mucho más cuando se tiran del todo al doom clásico, como en ‘Black Wings’, ‘One God’ y ‘My Friends’, pero cuando los catalanes se ponen hasta los topes de heavy rock y stoner son igualmente gratos. De la misma manera, opino que ganarían enteros con una voz algo más cabrona, sin buscar tanta melodía y dejando más espacio a los instrumentos, como también siendo algo menos previsibles, como por ejemplo en la intrascendente ‘Poor People’. De todas formas, si te levantas con Pentagram, desayunas con Motörhead, luego comes con Black Sabbath y te acuestas con Saint Vitus, ya sabes lo que toca. La banda sonora ideal para nuestra querida sala Rocksound. PAU NAVARRA

PISSED JEANS

Shallow (Remastered) (SUB POP) PUNK

na advertencia a los poseedores de oídos sensibles: este disco no es apto para vosotros. Acoples, ruido, una voz gruñona que no entiende de melodías, arritmia, punteos infinitos... Éstos son algunos de los elementos que forman parte del ADN musical de Pissed Jeans. Shallow vio la luz por primera vez en el año 2005 gracias al apoyo de la discográfica Parts Unknown y supuso el debut de este combo de Pennsylvania. Diez años más tarde, el influyente sello Sub Pop ha creído necesario rescatar del olvido este compendio de

punk garajero con esputos de stoner y remasterizarlo con un sonido más grueso si cabe. Este cuarteto norteamericano, deudor de los ritmos más guarros de Poison Idea, Bongzilla, GG Allin e incluso los Nirvana de Bleach, resulta bastante imprevisible: igual se marcan un tema como ‘Ugly Twin (I’ve Got)’ de más de 7 minutos, donde acaban con unas notas de piano, que despachan ‘Ashamed Of My Cum’ en menos de 2 minutos. En ‘I Broke My Own Heart’ reina el rollo spoken word, mientras que el álbum acaba de forma caótica con ‘Wachovia’. A todo esto le podríamos añadir el gran trabajo del bajista (sobre todo para iniciar varias canciones), un artwork horrible lleno de colorines y unas letras que sorprenden por lo sencillas que son: a títulos evidentes como ‘I’m Sick’, ‘Boring Girls’ o ‘Ashamed Of My Cum’ me remito. Sí, estas canciones hablan sobre estar enfermo, las chicas aburridas y la lefa. En fin, para mearse en los vaqueros. JORDI FORÉS

LUKE WINSLOW KING Everlasting Arms (BLOODSHOT) ROCK’N’ROLL, BLUES, COUNTRY

recedido por un enorme éxito en todas las publicaciones de prestigio de música de raíces americanas, el nuevo disco de este solitario tipo es la demostración palpable de cómo recurrir a músicas y estilos pretéritos y conseguir sonar más fresco que una mañana de primavera. Su vetusta guitarra es su única compañera, ella y su mujer, que se encarga de darle apoyo vocal y rascar la tabla de lavar. Ellos dos se lanzan a recorrer el país de costa a costa tocando sin parar, haciendo algún alto en el camino para grabar recurriendo, esta vez sí, a la cantidad de amigos que

han ido coleccionando en sus inacabables giras. Es entonces cuando dejan fluir la creatividad y sus influencias y registran estas delicatessen que beben de las fuentes de la música de raíces americana, ya sea el blues, el swing, el jazz, el góspel, el country o, por supuesto, el rock’n’roll. Las trompetas y los clarinetes se fusionan con las guitarras y los contrabajos en esa joyita con sabor a New Orleáns titulada ‘I’m Your Levee Man’. Las baladas poseen ese aire melancólico y alcohólico de club nocturno hasta las trancas de humo y sudor, como en ‘Graveyard Blues’, pero tranquilos porque pronto vienen los aires cabaret de ‘Cadillac Slim’ o el swing jazz de ‘La Bega´s Carousel’ para darnos el mensaje de que, en ocasiones, la vida también puede ser una fiesta. El repertorio es casi perfecto, muy bien ensamblado y escogido, y es que la inmensa riqueza exhibida encaja como un guante, porque desde el viejo blues de ‘Swing That Thing’ hasta los aires pantanosos de ‘Home Blues’, todo tiene sentido. ANDRÉS MARTÍNEZ

críticas

METALLICA

Some Kind Of Monster: 10th Anniversary Edition (UNIVERSAL)

DVD, METAL

100

omplicado a estas alturas poder decir algo nuevo de Some Kind Of Monster, uno de los mejores documentales que nunca se han hecho sobre una banda y que ponía al descubierto, sin ningún tipo de tapujos, la grandeza y miserias de Metallica. Que el grupo parece sentirse a gusto con la terapia pública que hicieron con el documental está fuera de toda duda si vemos que no han tenido problemas en publicar ahora una edición que conmemora

100

el décimo aniversario. Quizá haber puesto todo esa decadencia a ojos del público fue lo que salvó a una banda que estuvo a un paso de su desaparición y que, a día de hoy, sigue reinando en el mundo del heavy metal. Verlo de nuevo sigue siendo un shock. Los grandes momentos –las peleas entre James Hetfield y Lars Ulrich, el papel del terapeuta Phil Towle, el encuentro entre Ulrich y Dave Mustaine, el papel sumiso de Hammet o las complicadas audiciones para encontrar nuevo bajista y la cara de alucinado de Robert Trujillo al comunicarle que era el escogido- siguen funcionando como si los viésemos por primera vez. Todo el material extra inédito no hace más que reforzar la enormidad de Some Kind Of Monster. Y es que será difícil que una banda de este calibre vaya a poner sobre la mesa todo lo que Metallica mostraron en este documental, lo que reafirma la teoría de que, si supiésemos lo que pasa en la trastienda de los grandes grupos, nos quedaríamos de piedra. RICHARD ROYUELA

NEGURA BUNGET Tau

(LUPUS LOUNGE)

PROGRESSIVE FOLK, BLACK METAL

os continuos cambios de miembros nunca presagian nada bueno en una banda. Acostumbran a ser sinónimo de hallarse bajo el látigo de un tirano insoportable, o que musicalmente han tocado fondo. Es un negro augurio, así que ya no digamos las desbandadas… De esto Negura Bunget saben un rato, por desgracia para ellos es un suceso casi cotidiano. Todo el line-up debuta en este disco menos el batería Negru, y como no podía ser de otra

manera, tanta cara nueva ha acabado por convertir al grupo metálico más relevante que haya tenido Rumanía en una abyecta y grotesca parodia de lo que fue. No es un problema de que abusen del folk, pues de hecho ése ha sido siempre un elemento indispensable en su propuesta, básico para comprender su universo; lo intolerable es cómo recurren a él. Se puede hacer con nobleza, con elegancia, casos de Agalloch, Empyrium, Windir, o elegir sonar a unos Korpiklaani con una mala resaca en ‘Împodobeala Timpului’ o directamente a disparate en ‘La Hotaru Cu Cinci Culmi’. Y cuando tiran de black, Dios mío qué horror… Entonces parecen unos Cradle Of Filth jubilados, si es que éstos no lo están desde 1998… ¿Te acuerdas de Om? Pues en Tau no vas a encontrar ni un centímetro de ese gigante. Exceptuando ‘Schimniceste’ o ciertos momentos de ‘Nametenie’ y ‘Curgerea Muntelui’, asombrosamente patético. PAU NAVARRA

LOS ÚLTIMOS BAÑISTAS Expedición (SONBUENOS)

INDIE POP

uatro años después, Los Últimos Bañistas reaparecen mostrándonos el recorrido de este intervalo de tiempo que permite ser apreciado como agente de cambio. Si en su primer disco se nos despliega un rock dirigido por la fuerza de una voz que se impone sin esfuerzo alguno, en Expedición el grito ansioso se apacigua y da lugar a una música más popera de letras intimistas que rozan lo poético. No obstante, el carácter hermético a la vez que metafórico al que nos desafían temas como ‘Bestias Peludas’ o ‘Vuelvo

A Recordar’ no es un nuevo quehacer de la banda, más bien al contrario. Pese al salto al uso de una terminología más compleja, los de Cartagena no se han sumergido en su mar sino que siguen manteniendo los pies en el suelo, transformando el rastro de los pasos cotidianos en objeto de sus composiciones. El reflejo de lo común se aprecia, por otro lado, en la calamidad de la entonación de Manuel Gil, acompañado por una envolvente oleada de vaivén rítmico que recrea el círculo introspectivo con el que se han atrevido, tal y como se aprecia en el viaje instrumental de ‘A Través De Las Ondas’. Ha terminado, pues, la hora del baile desenfrenado que nos ofrecían con un despegue que declaraban en ‘La Fuerza’. Y ha comenzado el reposo donde la intimidad solitaria nos sobrecoge, instigándonos a dialogar con un totum revolutum vital que explica la heterogeneidad inspirativa de un grupo tan cercano como fiel al ánimo de su andar. ANDREA GENOVART

CULANDRA/ ZOMBI PUJOL

De Les Barricades A Les Tragaperres (VARIOS SELLOS)

PUNK ROCK, OI!

ara el que haya tenido la suerte de pasar la juventud entre cabezas rapadas y crestas, este split en vinilo es una invitación a la nostalgia. A cuando todavía eras más garrulo y malnacido que ahora. Cuatro acordes, una consigna, a saco de birra y, sí, también mucho cachondeo en relación a una guerra perdida de antemano. Con el bajista Jordi ‘Unclu Garrot’ como catalizador de ambas bandas, una de las personas más grandes que haya podido conocer en esto de la música, lo que Culandra

y Zombi Pujol nos ofrecen en estas dos caras es un ‘hastalapollismo’ cargado de humor negro, entre aguerrido oi! los primeros y ruidoso punk rock los segundos, con algún trallazo Black Flag y otras licencias enajenadas, las cuales nos recuerdan mucho a su primigenia banda, los míticos Budellam. Padres de familia ya algunos, pero que aunque deban poner un plato en la mesa cada día nunca se han puesto las rodilleras como el resto de la sociedad. Conviene resaltar la brutalidad que surge de la garganta de J The ‘Animal’ Mendoza, el vocalista de Culandra. Curtido en mil y un proyectos de muy diverso pelaje, se sale en temas en múltiples lenguas, y ojo con la ácida ‘Gora Culandra Militarra’, porque hay que tenerlos bien puestos para bromear así en un país tan imbécil y reaccionario como éste. Eso sí, si quieres partirte la caja, piérdete por los textos de ‘Autonomia De La Gastronomia’ o ‘Nespre’ de Zombi Pujol y ya verás. A ver si tienes huevos a españolizar esto, Wert. PAU NAVARRA

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cr í ticas

JOHN CARPENTER Lost Themes (SACRED BONES)

ELECTRÓNICA, ROCK

ay algún motivo serio por el que no se deba hablar de este disco de John Carpenter? ¿Tal vez porque todo el mundo lo identifica como director de cine y no como compositor? Quizá sea necesario refrescar la memoria de muchos y volver a recordar que fue el Master of Horror quien compuso la banda sonora de Halloween, cuyo tema principal factura una de las melodías más redondas y siniestras del cine, y de otros títulos como The Fog o Ghosts Of Mars. No es moco de pavo, o por lo menos, es lo suficientemente respetable como para que la gente deba evitar poner caras de haba cuando afirmo que Lost Themes contiene maravillas como ‘Vortex’, ‘Fallen’, ‘Purgatory’ o ‘Night’, que perfectamente podrían formar parte de

CJ RAMONE

Last Chance To Dance (FAT WRECK)

PUNK ROCK

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n 1989 Christopher Joseph Ward dejó el cuerpo de los Marines de los Estados Unidos para alistarse en los Ramones. Bajo las órdenes de Joey y Johnny, su principal cometido era claro: tenía que dar el pego a las cuatro cuerdas para que los seguidores de la banda no echaran demasiado de menos al carismático Dee Dee Ramone. Superó la prueba, sólo en parte... Porque el bueno de CJ pasará a la historia de manera circunstancial como el bajista de los tres últimos trabajos de los Ramones, Mondo Bizarro, Acid Eaters y ¡Adiós Amigos!. Con su

cualquier banda sonora de sus títulos más destacables. La diferencia es que esta vez Carpenter ha trabajado en estas composiciones con ayuda de su hijo Cody y del compositor Daniel Davies, sin ningún tipo de presión o necesidad de que formen parte de nada, simplemente buscando un disfrute personal. No es un compositor brillante en cuanto a técnica se refiere,

pero fiel a su estilo, hace uso de sus sintetizadores y teclados electrónicos como si hubiera quedado estancado en los 80, pero aun así es magnífico a la hora de crear atmósferas siniestras y conseguir que los temas crezcan hasta llegar al clímax. Queda comprobado que no le falta inspiración; ahora sólo falta que vuelva a dirigir.

segundo trabajo en solitario, Last Chance To Dance, sin embargo, se autoreivindica. Sus siete años militando en la legendaria banda de punk rock le sentaron fenomenal, y aprendió de primera mano el abecé del género ramoniano. También el ejército le marcó a fuego, y por ese motivo está presente en varias letras. Como ‘Won’t Stop Swinging’, donde recuerda que se alistó al cerrar la fábrica en la que trabajaba, y ‘Carry Me Away’, dedicado a una tal Evangeline, a la que echa de menos en alta mar. Aunque claro, ya se sabe, los marineros tienen un amor en cada puerto, y quizás por

eso también tiene palabras para otras ‘caras bonitas’, ‘distracciones temporales’, como canta en ’Pit Stop’. Menudo crápula… A nivel estrictamente musical, porque en el apartado lírico mejor no rascar mucho más, CJ ha vuelto a la palestra de la mano de Fat Wreck con una docena de temas resultones con la ayuda de una tropa excepcional: Dan Root y Steve Soto de los Adolescents se reparten las guitarras, mientras que David Hidalgo Jr. de Social Distortion aporrea la batería. Suena tal cual imaginas. Ni más ni menos.

TOI BROWNSTONE

LUIS BENAVIDES

SHINING

IX – Everyone, Everything, Everywhere, Ends (SEASON OF MIST)

BLACK METAL

odos conocemos a Niklas Kvarforth como al lunático que se apaga cigarrillos en el pecho o se lacera los brazos durante los shows, el traumado que incluso fue chapero, el coleguita de Watain, pero a veces se nos olvida lo más importante: que el sueco es también un señor musicazo. Siendo Shining uno de los mayores exponentes del suicidal o depressive black metal y llevando desde 1996 en la brecha, que alcancen ahora su noveno álbum, y encima haciendo alarde de semejante nivel

de calidad, es casi un milagro teniendo en cuenta el espíritu atormentado y autodestructivo que siempre ha perseguido al cantante. Fieles a sus seis temas por obra, Shining nos ofrecen aquí un trabajo tan ecléctico, atmosférico y personal como siempre, con metal, claro, pero con temas tan bellos como perversos de la talla de ‘Framtidsutsikter’ o el largo final ‘Besök Från I(ho)nom’. Niklas es el protagonista sacando a relucir todo su notorio arsenal de angustiosas tonalidades, pero qué decir de los solos… De una elegancia fuera de lo común. ‘Människotankens Vägglösa Rum’ o la rotunda ‘Inga Broar Kvar Att Bränna’ son catarsis para expulsar demonios interiores de una formación incapaz de entregar un disco malo. No llega a V – Halmstad, pero aquí hay suficiente material como para lanzarte al vacío con convencimiento. Además, una de las dos bonus es una improbable versión del ‘Ohne Dich’ de Rammstein. Imprescindibles. PAU NAVARRA

Bullitt cumplen diez años publicando su cuarto álbum Sparks con las mismas pocas pretensiones de siempre, pero con su capacidad para hacer canciones brillantes intacta. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

adie es profeta en su tierra, excepto los grupos de Sant Feliu. Si eres de allí, ya tienes mucho ganado”, me asegura Xavier Calvet, la cara visible del Bullitt, en una bodega de Gràcia. Efectivamente, la comunidad musical de esa población de la Costa Brava sigue siendo una de las mejores canteras del Estado, con dos epicentros clave: los estudios Ultramarinos regentados por Santi Garcia y la mítica sala Atzavara. A pesar de que Bullitt empezaron su andadura un poco más tarde que bandas como Aina, No More Lies o The Unfinished Sympathy, sus componentes Xavier, Carles Paz (guitarra), Ferran Bonet

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(bajo) y Enric Pla (batería) mamaron los mismos principios, la misma ética y las mismas influencias que ellos. De la misma manera que se dice que los perros se parecen a sus dueños, las canciones de Bullitt también transmiten la simpatía, afabilidad y calidez que uno siente al hablar con Xavier. Se le nota especialmente orgulloso de Sparks (BCore), y no es para menos. A nivel de estilo, Sparks sigue la línea del anterior, pero quizá mostráis más recursos... XAVIER CALVET “No, no es un disco rupturista (risas). Yo creo que el sello de Bullitt está ahí desde Love Or Die. Pero somos un grupo que no nos cerra-

mos a nada. Si nos gusta una canción, va para adelante, y eso hace que en cada disco haya ramalazos de algo nuevo. Por ejemplo en éste hay un par de canciones muy tranquilas, junto a otras más punk rock, que es nuestra base, pero que desde el primer disco habíamos dejado un poco de lado. A veces esto nos genera un conflicto porque quizá molaría hacer discos con un hilo conductor, pero luego nos damos cuenta de que lo que hacemos es reflejar las influencias de los cuatro. Si nos gusta hacer música, aparte de tocarla, es porque como oyentes nos gustaría escuchar discos como los que hacemos. Y por eso acaba saliendo todo. A nivel de sonido es el que más con-

BULLITT

“Nosotros somos de la escuela de primero toca bien, cómprate un buen ampli, una buena guitarra… Cúrrate un sofrito, no me hagas un McDonald’s” XAVIER CALVET

tentos estamos porque define realmente lo que es el grupo en directo. Hay muchos menos arreglos de teclado, pero nos hemos basado mucho más en cómo tocamos en directo. Antes doblábamos todas las pistas de guitarra, y en cambio ahora si hay un solo, la otra rítmica se queda sola. Creo que hemos conseguido un sonido más grande, siendo sólo los cuatro. Ya sabemos cuáles son los trucos de Bullitt y Santi (Garcia) nos los conoce tan bien, que a él le resulta muy fácil trabajar con nosotros. Se escuchó mucho los temas antes de grabarlos y tenía muy claro lo que quería hacer”. ¿Santi interviene mucho a

la hora de intermediar entre vosotros? “Santi mete la cuchara en todo. Desde el sonido a las canciones. Grabamos 18 canciones y había tres o cuatro que él no veía claras, y las descartamos de inmediato. Nos da mucha tranquilidad trabajar con él y nos quita mucha de la presión de ir a grabar. Sabemos que el material que le llevamos va a salir de manera distinta una vez pasa por sus manos. Esta vez habíamos trabajado más las estructuras de las canciones, hubo que hacer menos recortes, pero Santi supo darle a cada una su personalidad. Busca la guitarra o el ampli adecuado para cada tema. Lo bueno también es que después de diez años cada uno ha ido asumiendo unas funciones que luego se trasladan al estudio. A mí me toca hacer melodías, letras y arreglos de guitarra. Pero estoy tranquilo porque sé que Ferran se currará sus líneas de bajo, sé que Enric cada vez encuentra cosas más chulas para la batería... así que cada uno ha asumido su responsabilidad. Éste es el disco que hemos hecho más entre los cuatro. Hay mucha influencia de Carles, por ejemplo, que es más punk rockero. Aunque curiosamente, las dos baladas son suyas (risas)”. ¿Pruebas muchas melodías antes de quedarte con una? “No, normalmente la que me sale es la que se queda. Las melodías me salen en los ensayos tocando. Desde hace unos seis años tenemos un cuatro pistas y vamos grabando cosas, que después voy repasando. Y luego las letras las escribo siempre en el estudio”. ¿Ahí mismo? “Sí. Mientras los demás van graban-

do, yo estoy ahí con una libreta escribiendo. Siempre escribo bajo presión porque es la única manera de que me salgan. No creo que fuera capaz de escribir un disco antes de grabarlo. Tengo poca imaginación y siempre escribo sobre cosas que me han pasado a mí o a alguien que conozco, o también sobre cosas que pasan a nivel general en plan social”. Así que realmente las letras reflejan ese momento concreto en que las escribes. “Sí, pero también hay veces que me vienen a la cabeza que pasaron hace años. Te hablo de cosas del instituto, regresiones, gente en la que pienso no sé por qué. O también por noticias que veo en el telediario. Esta vez también hablo de cosas que nos pasaron desde que salió So Many Ways, como perder a un amigo muy cercano a quien queríamos mucho. Son cosas que te afectan y que necesitas sacar. Y por suerte, tenemos la música para hacerlo”. Cuanto más mayor te haces, más cosas has vivido. “Sí, y más necesitas sacarlas. Me hace gracia porque como las escribo tan de golpe, ni yo mismo soy consciente del mensaje que llevan implícito. Pero no todo es autobiográfico. Hay un tema que no ha entrado en el disco que habla sobre un padre que maltrata a su hija. Y eso es algo que nunca he vivido de cerca”. ¿El hecho de que fuera vuestro cuarto disco, el décimo aniversario, os hizo mentalizar para hacer un mejor trabajo? “Si te digo la verdad, lo que más miedo nos daba era igualar el listón 105

“Creo que lo que hacemos es creíble y sobre todo, honesto. Yo animaría a la gente a confiar mucho más en los grupos de aquí” XAVIER CALVET

de So Many Ways. Teníamos la sensación de que con ese disco tuvimos una respuesta a nivel de medios muy buena. Así que el reto era más por lo que habíamos hecho que por el aniversario. Me gusta pensar que el grupo aún tiene mucho por delante. Somos cuatro colegas y el día que falte uno, Bullitt se acabará. La ventaja de ser un grupo que no se gana la vida con esto es que no tienes que cambiar piezas por cojones para llegar a fin de mes. Nuestra amistad es lo que le da sentido a la banda”. ¿Pero te gustaría que la situación fuera que realmente vivierais del grupo? “Evidentemente. En todos los discos de Bullitt hablamos de ello. Hay un punto de frustración por no poder dedicarnos a ello. Piensa que somos cuatro currantes: un recepcionista de hotel, un informático de instituto, un vendedor de skates y bañadores que trabaja casi todos los fines de semana 106

y un relojero que también tiene tienda propia. Posiblemente seamos el grupo de España que peor lo tiene para salir a tocar. Pero al mismo tiempo, cuando miramos atrás y vemos todo lo que hemos hecho, teniéndolo tan complicado, nos sentimos muy orgullosos. A mí me llegas a decir hace diez años que habríamos sacado cuatro discos y te hubiera llamado loco. Es una recompensa muy grande, pero te queda el gusanillo de pensar ‘¿Y si...?’, sobre todo cuando ves con envidia sana un grupo como Berri Txarrak, que después de veinte años lo revientan todo”. Pero es como el huevo y la gallina. Igual si no das tú primero el paso, es imposible que llegue lo otro... “El problema es que con 35 años ya no puedes. Con Enric lo he hablado muchas veces... Igual si esto nos hubiese pasado hace diez años, nos hubiéramos liado la manta a la cabeza. Pero ahora es muy difícil. Tendríamos

que notar que el grupo genera un interés que hasta ahora no hemos visto”. ¿Os sentís muy solos a nivel de estilo en este país? “Totalmente. Quitando a G.A.S. Drummers, que son el único grupo en activo con el que realmente nos identificamos, o No More Lies que también van como nosotros a trompicones, no hay mucho más. Nos consideramos herederos de una tradición que en un momento dado se decapitó en este país. Todo lo que ha venido detrás se ha apartado un poco. Si te pones a buscar sí que encuentras grupos que hagan rock alternativo con influencia punk, pero somos pocos. Y hay grupos con los que coincidimos, como This Drama o The Mistake, que nunca hemos tocado juntos. Cuando empezamos nosotros Aina y The Unfinished Sympathy ya terminaban. Ellos dos y No More Lies son nuestros tres grandes referentes”.

Yo siempre os he visto como el relevo de Unfinished... “Sí, por estilo y timbre de voz se nos ha comparado mucho”. Eric Fuentes fue además el primero que apostó por vosotros sacando vuestro debut. “Eric vio claro que éramos un grupo con potencial y que nadie nos hacía caso. Siempre le hemos agradecido que lo hiciera. Hoy mismo he comido con él. Fue el detonante de que nos tomáramos nosotros mismos en serio. Fue por eso que yo me decidí a irme a vivir a Sant Feliu y poder ensayar más en serio. De eso ya hace siete años. Estar ahí con Santi, la Atzavara, y todas las cosas que hemos vivido allí han sido muy importantes”. Cuando ves a Eric ahora, habiendo sacado un triple discazo, pero muy quemado por cómo está todo, ¿crees que te puede llegar a pasar? “Sí, totalmente. Llega un punto en el que necesitas que haya alguien al otro lado, es lo que le da sentido a lo que haces. A mí me duele mucho. Yo no soy de criticar las modas, pero después de muchos años de ver a gente tocando, sé distinguir a alguien profesional de alguien que no es de verdad. Y duele ver a Eric haciendo un disco con un montón de hits, donde te das cuenta del talento que tiene, mientras hay grupos que se levantan desde la nada. Nuestro batería es mucho más extremista. Cuando ve un grupo modernillo en el que el batería casi acaricia los parches… no le venden la moto. Nosotros hemos visto a At The Drive-In en una sala con 25 personas, a Shiner hacer temblar los cimientos de la Atzavara, a Les Savy Fav en un festi

en Sant Feliu cuando no eran nadie, a Fucked Up en Vidreres… y eso ha sido nuestra escuela y nuestra universidad. Por eso somos tan autocríticos, a veces demasiado. Te pones un listón súper alto por todo lo que te has mamado. Es la suerte o la desgracia que hemos tenido. En la actualidad veo muchos grupos, sobre todo de chavales jóvenes, que tienen mucha prisa por llegar. Montan un grupo y ya quieren tocar en el Primavera. Pero nosotros somos de la escuela de primero toca bien, cómprate un buen ampli, una buena guitarra… Cúrrate un sofrito, no me hagas un McDonald’s. Quizá es porque venimos de otra época, donde se valoraba mucho la solvencia en directo. Por eso que nos digan que formamos parte del mismo rollo que Aina o Eric es el mejor piropo que nos puedan lanzar”. ¿Crees que puede haber parte del público que piense ‘para qué voy a comprar el disco de Bullitt si puedo comprarme el de Foo Fighters o Weezer’? “Mi teoría es que Bullitt no ha ido a más porque la gente no nos conoce. Yo creo que hay mucho público potencial que no sabe que existimos. Puede que esté equivocado, pero igual que me dices esto también creo que la gente que escucha esos grupos, si escuchasen a Bullitt, y sin querer pecar de soberbia, les podríamos gustar. Tenemos influencias de esos grupos, pero creo que ya empezamos a tener un sello bastante personal. Creo que lo que hacemos es creíble y sobre todo, honesto. Yo animaría a la gente a confiar mucho más en los grupos de aquí”.

más masivos que vienen del indie. “No sé por qué ocurre. Pero bueno, tenemos el caso de Toundra, de quienes somos muy buenos amigos, que les está yendo muy bien”. Sí, pero también podrían estar tocando para veinte personas. “Sí, es de difícil explicación. Por suerte, también hay revistas como la vuestra que ayudan a educar a la gente porque igual que Bullitt es una isla, RockZone también lo sois. Os dirigís a un público que no es el mayoritario”. Por eso no nos haremos ricos, ni vosotros ni nosotros. “(Risas) Yo creo que también es una cuestión cultural del país. En los 90 hubo la explosión del rock, pero a partir del 2000 se acabó. Somos de una generación que eso nos pegó muy fuerte, pero los chavales jóvenes, Please Wait aparte, están en otra onda, buscan otras cosas en la música, sobre todo diversión y fiesta”. Quizá por eso los festivales ahora funcionan mejor que los conciertos en sala. “Puede ser. Por desgracia todavía estamos atrasados a nivel cultural. En otros países el rock forma parte de la cultura, del folklore, pero aquí no. La educación musical es de las asignaturas más denostadas. Pero bueno, al final si hablaras con la gente del teatro o del cine te dirían un poco lo mismo. A pesar de todo, lo bonito es que siempre hemos dado pasitos muy pequeños, pero nunca para atrás”.

Sobre todo en la escena del rock alternativo, porque en el pop sí se dan casos de grupos 107

EN EL OBJETIVO DE CARLES RODRÍGUEZ

FIESTA DÉCIMO ANIVERSARIO

El pasado 5 de febrero quisimos celebrar nuestros primeros diez años de vida con una pequeña fiesta en el Rocksound Bar de Barcelona. Amigos, colaboradores, músicos y otros queridos malhechores nos acompañaron en una noche en la que contamos con la presencia especial de Danko Jones y su banda. Él, junto a Toi Brownstone y Turbolovers DJ’s, se encargaron de amenizar la noche con sus pinchadas mientras iban cayendo las birras y los chupitos. Para los que no estuvisteis ahí (y los que estuvisteis y no recordáis nada), aquí va una pequeña muestra gráfica de lo acontecido.

ENSLAVED

UN TIEMPO NUEVO Para entender el actual estado del metal progresivo es imprescindible recurrir al nombre de Enslaved. Los noruegos regresan con In Times para dar otra lecci贸n de veteran铆a y clase. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

lo largo de dos décadas, Enslaved han ampliado los horizontes de lo que se supone que es el black metal hasta el punto en que incluso hay quienes les consideran unos traidores. Pero si algo tienen claro sus dos miembros fundadores Grutle Kjellson (voz, bajo) e Ivar Bjørnson (guitarra) es que la única manera de hacer música que sea honesta es seguir sus propios instintos. Prolíficos como pocos -In Times (Nuclear Blast) es su décimo tercer álbum-, los noruegos viven con la tranquilidad de saber que el tiempo ha jugado a su favor. Quienes busquen emociones más fuertes y blast beats a toda castaña probablemente hace tiempo que se decantaron por otras opciones, pero al igual que ha ocurrido con Opeth, también han sido muchos los que siguen descubriendo a un grupo que disco a disco ha sido capaz de trascender a géneros o escenas. Siendo además el propio Ivar y dos de los otros componentes, el guitarrista Arve Isdal y el teclista Herbrand Larsen, propietarios de sus estudios de grabación, Enslaved cuentan con todas las herramientas para experimentar a sus anchas con nuevos sonidos. Tres semanas antes de la salida de In Times, programada para el 6 de marzo, recibíamos la llamada de su líder.

La temática del nuevo disco es el tiempo. ¿Es algo en lo que pienses más a medida que te haces mayor? ¿Piensas más en la muerte? GRUTLE KJELLSON “Todo está conectado con el concepto del

tiempo. El tiempo en el mundo real y el tiempo en el mundo metafísico. Todo empieza y acaba con el tiempo. El nacimiento, la muerte, el renacimiento, la resurrección, la destrucción, el armaguedón... Puedes interpretar la muerte de muchas maneras. Algo tiene que morir para que dé paso a algo nuevo. En la mitología es muy frecuente. En términos filosóficos puedes morir muchas veces durante tu vida... Pero no pienso demasiado en la muerte física (risas). Todos tenemos que morir, es algo natural”. Pero cuando eres un niño o muy joven no sueles pensar nunca en la muerte. Es casi como que sientes que eres inmortal... Ahora que tienes 41 años seguro que aprecias que los años que tienes por delante no son ilimitados. “Cuando más cerca me siento de la muerte es cuando tengo resaca (risas). Es un buen ejemplo porque hace veinte años bebíamos tanto como queríamos, pero ahora si lo haces te sientes a dos segundos de la tumba. Con 40 años las cosas no son iguales; claro que piensas más en la muerte, pero simplemente se trata de otra etapa de la existencia. Creo que piensas más en ello cuando estás despierto y también a nivel inconsciente. Las fuerzas del caos trabajan más duro en tu interior que antes. A veces es un desafío mantenerte cuerdo y mantener el equilibrio. De hecho, hay mucha gente que se vuelve loca a partir de los 40”. ¿Te ves tocando en Enslaved otros veinte años o eso sería 111

“Tengo que reconocer que cuando empecé Enslaved no tenía un plan. Para mí se trataba sólo de hacer metal, beber y follar... como todo el mundo (risas)” GRUTLE KJELLSON

una señal de que te has vuelto loco? “No lo sé (risas). Tendré 61 años. Sería divertido, pero es imposible de predecir. Para empezar tendremos que estar vivos y si lo estamos habrá que ver si físicamente podemos hacerlo. Espero que sí. Me gustaría seguir sacando discos de aquí a veinte años”. Lo digo porque empezaste el grupo siendo un adolescente. ¿Tenías claro en ese momento que querías que 112

ésta fuera a ser tu vida o fue más bien un accidente? “Tengo que reconocer que cuando empecé Enslaved no tenía un plan. Para mí se trataba sólo de hacer metal, beber y follar... como todo el mundo (risas). El objetivo era que el grupo se convirtiera en mi modo de vida, pero en realidad, era más un sueño que un objetivo. No es algo que pueda sucederte de la noche al día. Y lo creas o no, todavía tenemos otros trabajos fuera del grupo. ¡Es que vivimos en Noruega y es muy caro! (Risas) Además me

gusta tener algo fuera del grupo. Ni que demos cerca de cien conciertos al año, todavía nos queda tiempo libre. Y prefiero hacer algo que pasarme el día viendo la tele y bebiendo cerveza. Así que cumplí mi sueño, pero creo que es saludable hacer algo más”. Cuando empezaste tú tenías 17 años e Ivar, 13. A esa edad cuatro años es un mundo... ¿Cuándo dejó la edad de tener importancia? “Empecé a tocar con él cuando tenía

12 años, en 1990. Ya son 25 años. Era un crío. Pero entonces no había una escena. La escena éramos el batería de mi antiguo grupo antes de Enslaved y yo. Escuchamos hablar sobre un niño que tocaba thrash y death metal. Nos dijeron que ensayaba los miércoles en el mismo edificio donde lo hacíamos nosotros, así que fuimos a verle y le dijimos si quería empezar una banda de death con nosotros. Llevamos media vida juntos. La primera vez que se emborrachó, yo mezclé las bebidas. La primera vez que ligó con una chica, yo le conté lo que tenía que hacer (risas). Era como mi hermano pequeño. Somos más hermanos que amigos. Tenemos una muy buena relación. Nos respetamos mucho y sabemos cuándo hablar y cuándo callarnos. Quizá nos conocemos demasiado bien (risas). Cuidamos el uno del otro cuando nos emborrachamos”. ¿Te motivaba también tener el grupo para poder salir de Noruega y ver mundo? “Sí, desde luego. Creo que tengo una visión más completa del mundo gracias a ello, aunque cuando estás de gira lo que más ves es el interior del autobús o de un avión. Pero en cierta manera he podido absorber otras culturas y hemos aprendido a interactuar mejor que el noruego medio. Los noruegos tienden a criticarlo todo, pero la mayoría no saben ni por qué. Es algo extraño. Si criticas a alguien, al menos tienes que entender por qué los demás se comportan de la manera en que lo hacen. ¡Hay que viajar más!”. ¿Cuál es el choque cultural

más fuerte que has vivido con el grupo? “Seguro que fue cuando tocamos en la India. Tocamos para unas 8.000 personas. Había mujeres bailando con su saris, metalheads con pantalones de cuero y turbante... no tenían pirotecnia, tenían confeti. Fue muy surrealista. Pudimos visitar el Taj Mahal después de conducir durante cinco horas en medio del caos. Incluso te diría que fue un poco demasiado (risas). Desde luego es muy diferente a Noruega”. Tengo entendido que te gusta mucho la historia. Desde tu punto de vista, con el auge del Estado Islámico, ¿estamos en un momento crucial de un choque de civilizaciones como se vende desde los medios o es sólo otro episodio más? “Es algo que históricamente ya hemos visto. Lo hemos visto antes con el cristianismo, las cruzadas y la Inquisición. Es lo mismo. Cuando una religión se vuelve extremista pasan estas cosas. Pasó con los mayas, con los aztecas. Todas las religiones pasan por su momento de gloria y luego el declive. La única constante es la crueldad que los humanos ejercen unos sobre otros. No creo que sea una cuestión de creencias religiosas. Muchas veces se dice que estos actos terroristas son inhumanos, pero en realidad es lo más humano que hay. La historia lo demuestra. Si la gente le lava el cerebro a otro, son capaces de que hagan cualquier cosa. Estoy seguro que es algo que seguirá pasando siempre. Lo que ocurre ahora mismo no es ni sorprendente. Por mucha tecnología que tengamos, no ayuda; la gente

se vuelve loca igualmente. De hecho, creo que con internet es incluso peor. El acceso a la información no significa nada. La información puede ser buena o mala, todo depende de la fuente de la que provenga”. ¿Te has planteado cómo sería tu vida si fueras ahora un adolescente? “Desde luego me costaría mucho concentrarme. Creo que es lo que pasa actualmente. Creo que la gente no es capaz de absorber cosas que son importantes. Nosotros llegábamos de la escuela, hacías los deberes y luego podías ir a esquiar o a hacer skate, jugar a fútbol o montar un grupo. No había tantas distracciones. Ahora todo es accesible, así que es difícil encontrar algo que realmente te motive. Creo que la tecnología avanza demasiado rápido”. Precisamente un disco como In Times requiere su tiempo. ¿Sientes a veces que estáis fuera de onda en esta época en la que se premia la gratificación inmediata? “Bueno, la idea es que hagas canciones atemporales. Quizá lo único bueno es que ahora vivimos el auge del vinilo. La gente vuelve a comprar tocadiscos. Cuando éramos chavales, ahorrabas dinero, te ibas a la ciudad un par de veces al mes y te comprabas un disco. Y con ese disco te encerrabas en tu habitación y lo absorbías completamente, mirando la portada, intentando asimilar las historias que te contaban. Quizá eso vuelva ahora porque la gente se ha cansado de bajar archivos de MP3. Ojalá se vuelvan a editar vinilos a 113

ENSLAVED

ideas ahora que cuando empezamos. También tengo una colección de discos mucho mayor (risas). No todo lo que se nos ocurre funciona, pero al menos lo probamos. Si al final no suena bien, no lo usamos, pero es crucial experimentar si quieres sobrevivir. Si te aburres haciendo música, la banda está muerta”.

una escala mayor”.

rutina es buena (risas)”.

Vuestros álbumes se notan muy trabajados... ¿Se os hace muy cuesta arriba cuando tenéis que poneros a crear uno nuevo? “A veces puedes sentirte así, pero generalmente, cuando nos ponemos a trabajar en un disco nuevo es porque hemos estado tocando y viajando durante mucho tiempo, así que es refrescante ponerte a hacer música nueva. Es algo totalmente distinto, y después de dos años de gira mola poder centrarte en la parte creativa”.

¿Es él quien marca un poco la dirección artística de cada obra? “La realidad es que nunca nos marcamos una dirección o un plan. Odiamos trabajar dentro de parámetros predeterminados. Obviamente tenemos una dirección, pero es algo inconsciente, nos dejamos llevar. Creo que si piensas en cómo vas a sonar, acabas limitándote y la música se convierte en algo poco orgánico. Preferimos confiar en nuestra propia creatividad. Lo único que tenemos claro es que queremos seguir haciendo música interesante y no repetirnos”.

¿Necesitáis algún tipo de chispa o inspiración especial para poneros a escribir o es algo que dicta simplemente el calendario? “Nos sentimos inspirados continuamente por un montón de cosas. Ivar está constantemente escribiendo riffs y nos los envía con una batería programada para que el resto empecemos a trabajar sobre las canciones y los arreglos. Normalmente ocurre cada dos años (risas), pero no es a propósito. Es una especie de rutina, pero a veces la 114

Siendo In Times vuestro treceavo álbum tiene que ser complicado no repetirse... “No te creas. Sufríamos mucho más haciendo música hace 15 años que ahora. Hoy en día sale todo de manera muy fluida. La composición, los arreglos, los ensayos, la grabación, todo resulta más sencillo. Creo que cuando te abres musicalmente es más fácil inspirarte y encontrar soluciones. Personalmente tengo muchas más

¿Habéis cambiado algo en vuestra manera de grabar en sí? “Tanto en el anterior disco como en éste, la batería, el bajo y la guitarra están grabadas en directo con los tres tocando juntos. Y si escuchas bien puedes oír algún error. Pero merece la pena porque suena todo mucho más dinámico. No es exactamente lo mismo que si tocaras en un escenario porque no hay esa energía de los conciertos, pero desde luego suena mucho mejor que si estuvieses tocando tú solo en el estudio. Por eso creo que nuestros álbumes no suenan como los típicos de metal moderno, que son muy asépticos”. En muchos aspectos vuestra mentalidad es más cercana a la de las bandas progresivas que a las de metal extremo. ¿Os sentís más cercanos a esa escena que a la comunidad metálica? “Es posible... En cuanto a la manera de pensar acerca de la música, estemos más cerca de las bandas progresivas de los 60 y los 70 que buscaban ser originales. La gente odiaba a King Crimson cuando empezaron porque no eran una banda de jazz tocando rock, ni una banda de rock tocando jazz, estaban entre medio y la gente los odiaba porque

“Cuando experimentas corres el riesgo de fracasar. No puedes gustar a todo el mundo, pero si no eres honesto contigo mismo tienes muchos números de hacer una mierda” GRUTLE KJELLSON no los entendía. A nosotros nos gusta desafiarnos y ampliar nuestros horizontes musicales. Y si suena bien, suena bien, nos dan igual las etiquetas o los géneros. Es un cliché, pero la música se basa en tener libertad creativa. Si sigues un camino que ya has hecho antes, no resulta estimulante”. Quizá ahora vuestros fans ya se han acostumbrado, pero ¿sientes que en cierta manera habéis tenido que educarles? “Creo que justo ahora empiezan a entenderlo (risas). No puedes esperar que hagamos un disco como el anterior. Es un alivio porque en los 90 no era así. Recuerdo muy

bien cuando sacamos nuestro tercer trabajo Eld en 1997; mucha gente se sintió decepcionada porque no sonaba como Frost. Quizá entonces sólo teníamos fans del metal extremo escandinavo, pero no eran fans de Enslaved como banda. Aunque muchos han acabado siéndolo y nos han acompañado en nuestra evolución. La confianza en el grupo y el que tuviéramos nuestros propios fans creo que no llegó hasta que habíamos publicado seis o siete discos, pero al principio no era así”.

que reconocer que tampoco yo era muy abierto con las bandas que me gustaban. ¿Cómo no podías sentirte decepcionado cuando escuchaste Cold Lake de Celtic Frost por primera vez? (Risas) Las bandas tienen sus altos y bajos. Hay muchos ejemplos de grupos que pasan por periodos de mediocridad absoluta y luego vuelven a brillar. Cuando experimentas corres el riesgo de fracasar. No puedes gustar a todo el mundo, pero si no eres honesto contigo mismo tienes muchos números de hacer una mierda”.

¿Te has llegado a sentir decepcionado o frustrado en algún momento? “Las cosas son como son. Tengo 115

EN DIRECTO

BERRI TXARRAK 6 DE ENERO DE 2015 SALA JOY ESLAVA, MADRID Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Nadia Natario

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a visita de Berri Txarrak a la capital suponía una doble victoria moral. Primero porque siempre es una buena noticia ver a un grupo de rock de aquí agotar entradas en una sala como la Joy Eslava. Y segundo porque cada vez más lejos parecen quedar los tiempos en los que el trío de Lekunberri se veía obligado a actuar de manera casi clandestina en Madrid (aún recuerdo la primera vez que pude verles en Ritmo & Compás tocando como JMH Trio). Antes de que pisasen el escenario lo hicieron Biznaga, quienes no tuvieron un sonido del todo acorde para presentar los temas que forman parte de su debut, Centro Dramático Nacional. Una lástima, porque su punk deudor de lo mejor que dejaron los 80 a nivel patrio no terminó de brillar ni de encandilar al respetable. Con una escenografía acorde con la ocasión, Berri Txarrak hicieron acto de presencia al ritmo que marcaban

las agujas del reloj que decoraba el bombo de Galder. Primera descarga con ‘Lanbroan’, ‘Ordaina’ y ‘Hemen Sukaldarien Herrian’ que hacía presagiar lo que vendría a confirmar a continuación Gorka: íbamos a escuchar Denbora Da Poligrafo Bakarra en su integridad. Un hecho que si bien es digno de aplaudir al demostrar la plena confianza que tienen en el nuevo material, también hay que apuntar que tocar veinte canciones nuevas del tirón cuando el público aún está terminando de descubrirlas es un riesgo. Quizás por ello el ambiente por momentos resultó menos intenso que en otras ocasiones. Obviamente hubo altibajos y algunos temas funcionaron mejor que otros, especialmente los correspondientes al tercer EP (‘Hitzen Oinarri Ahula’, ‘Zerbait Asmatuko Dugu’) y los más contundentes del primero, caso de ‘Alegia’ y ‘Etsia’. En cuanto al segundo fragmento, sin duda el que más debate ha levantado desde su salida, decir que tanto ‘Bigarren

Itzala’, ‘26 Segundotan’ como la bailable ‘Lemak, Aingurak’ y ‘Poligrafo Bakarra’ también pasaron con nota la prueba del algodón. La única concesión durante este primer tramo fue con ‘Ohiu’, tema que la banda casi se vio obligada a tocar por la insistencia en que fue demandada. Ahí sí que la sala estalló, como lo hizo más tarde con ‘Stereo’, ‘Bueltatzen’, ‘Oreka’ (en la que colaron un trozo de ‘My Number’ de Foals ante el desconcierto de la mayoría) e ‘Ikasten’. Además, Gorka tuvo el detallazo de interpretar en solitario una bonita ‘Redemption Song’ justo el día en que Bob Marley hubiera soplado 70 velas antes de cerrar con ‘Denak Ez Du Balio’. Podrá convencer más o menos un planteamiento como el suyo, pero con actuaciones así lo único que Berri dejan claro es con semejante honestidad pueden seguir otros veinte años de carrera sin necesidad de recrearse en el pasado. Quizás otras bandas veteranas deberían tomar nota.

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THE AFGHAN WHIGS 21 de Febrero DE 2015

Sala Apolo, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Eric Altimis

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n una época en la que las reuniones de grupos parecen estar a la orden del día, con un éxito y repercusión inciertos, sin duda uno de los mejores retornos ha sido el de The Afghan Whigs. Y lo han hecho de una forma paulatina, coherente y muy sólida, a pesar de que algunos de sus miembros se bajaran del tren. El flamante Do To The Beast, su último lanzamiento discográfico de la mano de Sub Pop, demostró que a Dulli y compañía les quedan muchos cartuchos por gastar, y la confirmación de este concierto en Barcelona, única fecha por nuestras tierras, iba a ser la prueba definitiva de ello. La sala Apolo presentaba un ambiente de gala, llena hasta la bandera de asistentes de todos los puntos de nuestra geografía con tremendas expectativas, sobre todo tras el éxito de su concierto en la edición del festival Primavera Sound de 2012, que dejó a todos

los presentes embelesados. No sólo cumplieron estas expectativas, sino que las desbordaron. Lo que presenciamos esa noche fue increíble, y me atrevería a decir que histórico. En nuestra última entrevista Greg Dulli ya nos había comentado que no quería sentirse aprisionado por ningún tipo de ‘legado’, y desde luego lo demostraron arrancando su set con ‘Parked Outside’ y ‘Matamoros’, los dos temas con los que también comienza su último disco, e incluyendo un total de ocho temas del mismo. Sin duda una decisión arriesgada, pero que consiguió entusiasmar al público. Sin tantos arreglos sonaron mucho más directos, más orgánicos, y con el tempo un poquito más acelerado, como en el caso de ‘Algiers’. Alcanzamos momentos de locura con ‘Somethin’ Hot’, ‘John The Baptist’, ‘Gentlemen’ o ‘Debonair’, y nos sobrecogieron con ‘Can Rova’ y ‘Lost In The Woods’. El

colofón a esos 100 minutos de gloria lo puso ‘Faded’, que a más de uno nos puso la piel de gallina. Pocas bandas han sonado tan poderosas en Apolo, y es que la actuación de The Afghan Whigs rozó la perfección. Greg Dulli desbordaba clase y carisma, estuvo tremendamente comunicativo con el público y cantó como nunca. La labor de los guitarristas Dave Rosser y John Skibic fue notable, y la incorporación del batería Patrick Keeler (The Raconteurs), un gran acierto. Por fin The Afghan Whigs pudieron darnos esa lección de rock y elegancia que nos debían y que anhelábamos desde hacía mucho tiempo. Cuando se encendieron las luces sólo veía caras rebosantes de felicidad, y no era para menos. Fue algo mágico. Dulli y compañía han vuelto y nos han conquistado, y esperemos que se queden durante mucho tiempo, porque los necesitamos. 119

DROPKICK MURPHYS 16 DE FEBRERO DE 2015 LA RIVIERA, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Carles Rodríguez (Barcelona)

THE MAHONES

o parecía a priori que esta nueva gira de Dropkick Murphys fuese a levantar tanta expectación como en anteriores ocasiones. Ni tenían nuevo disco que presentar, ni disponían de unos teloneros tan interesantes como en su última visita con Frank Turner y La M.O.D.A., aparte de que ya es más que habitual verles por aquí cada poco tiempo... Y encima en Madrid caía en un lunes. Pero debí subestimar el poder de convocatoria de los de Boston, ya que nuevamente volvieron a colgar el cartel de ‘no hay billetes’, adelantando de esta manera San Patricio un mes antes de lo normal. La Celtic Punk Invasion se inició a cargo de Bryan McPherson, que en apenas 20 minutos se las apañó bastante bien para defender en solitario junto a su guitarra un folk de cantautor punk que no desentonó demasiado con el resto de participantes del evento. Casi sin necesidad de esperar, Blood Or Whiskey salieron decididos a

aprovechar cada minuto que disponían para conectar rápidamente con el público. Temas coreables de puro punk folk con ciertos toques de ska y una buena actitud fueron los ingredientes de una convincente actuación que se nos pasó volando. Peor suerte corrieron los canadienses The Mahones, a los que había ganas de ver, pero que sufrieron un paupérrimo sonido que deslució por completo su set. La acústica excesivamente embarullada hizo que apenas disfrutásemos de su corto paso por el escenario. Lo de los Murphys evidentemente fue otro cantar. Con un arranque que contó con ‘Out Of Our Minds’, ‘Citizen CIA’, ‘The Warrior’s Code’ y ‘The Gang’s All Here’, quedaba claro que en esta ocasión tirarían de lo mejor de su cancionero. Fue una auténtica gozada poder desquitarse de la anterior ocasión en la que pudimos verles sin Ken Casey. La presencia del bajista y principal comandante de la formación se nota y mucho,

pues es el que lleva el peso en temas fundamentales como ‘Rocky Road To Dublin’, ‘The Auld Triangle’, ‘Peg O’ My Heart’, ‘Going Out In Style’, ‘Johnny, I Hardly Knew You’ o ‘Rose Tattoo’, mientras que Al Barr no paró de acercarse a la primera línea de fuego para fundirse en uno con el público. Un lujazo tener a dos frontmen con tanto carisma. Tuvieron el detalle de invitar a Bryan McPherson para interpretar en solitario ‘Boys On The Docks’, y acto seguido sumarse parte de Blood Or Whiskey y The Mahones en el himno ‘I’m Shipping Up To Boston’ en un auténtico despliegue de medios. Vuelta al ruedo con ‘The Boys Are Back’ y la inevitable invasión de escenario en ‘Kiss Me, I’m Shitfaced’, primero por parte de las féminas y más tarde del resto de la sala mientras cerraban con ‘Skinhead On The MBTA’ y el ‘If The Kids Are United’ de Sham 69. Y es que al igual que la conocida cerveza, los de Boston, allá por donde van, triunfan. 121

VALLENFYRE 28 de enero de 2015

Sala BeGood, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Eric Altimis

FOSCOR

s patético e incomprensible que, en su primera visita, una superbanda como Vallenfyre no consiga hacer sold out en una caja de cerillas como la BeGood y en una ciudad como Barcelona. Bajo mi punto de vista, la prueba definitiva de algo que siempre había pensado pero que pocas veces había podido comprobar mejor que en esta ocasión. Y es que, sí, este país es el rey de la descarga ilegal, eso está comprobado estadísticamente, pero la peña se baja la misma mierda de siempre, incluso robando apuesta por los cuatro nombres chusqueros de toda la vida, y por descontado, por mucho que se haya avanzado, sigue siendo tan inculta como hace cuatro décadas. Estamos hablando de una banda con miembros de Paradise Lost, Doom, ex de My Dying Bride, de At The Gates, aunque Adrian Erlandsson se ausentara del tour, que publica en Century Media… Complicado no saber de su existencia, y encima para algunos son lo mejor que le ha pasado al death en muchos años… Viendo los carteles de nuestros festivales veraniegos,

tampoco debería sorprender tanto lo anquilosados que seguimos. Me resulta muy duro hablar hoy en día de Foscor. He sido su fan número 1 y lo saben, es la banda que más veces he visto en mi vida, pero actualmente mi desafección con ellos es total, en parte también porque su discurso de apoyo a la escena no cuadra con unos chicos a los que es harto complicado ver en shows ajenos. Qué decir de sus nuevos temas, aunque tuvieran la sapiencia de ejecutar ‘Groans To The Guilty’ o ‘The Smile Of The Sad Ones’… Si ‘Graceful Pandora’ me pareció en su momento la canción más vergonzosa y tronchante que haya escrito nunca una banda de metal extremo nacional, otros temas en directo no llegaron a ese límite, pero lo bordearon. Foscor ahora mismo tienen de oscuridad y agresividad lo que yo de objetividad. Si Mastodon ya no te interesan, Katatonia nunca te han dicho mucho, te la pela el post punk y los Enslaved actuales te dan asco, los catalanes ya no tienen nada que aportarte. ‘Scabs’ nos puso a todos firmes en

menos que canta un gallo. Ése era el sonido, ésa la voz. Siempre debería ser así. ‘The Divine Have Fled’ descorchó el death old school desbocado, aunque su vertiente doom nos hundió en la desesperación que habíamos venido a buscar. Gregor Mackintosh, el alma y voz de Vallenfyre, bromeaba a la par que se descomponía con sus canciones, feliz por volver a sus raíces musicales y poder despacharlas por el mundo. El veinteañero Waltteri Väyrynen, el sustituto que traían tras los parches, cumplió a la perfección, e incluso se le vio sonriendo y cómodo, por no decir que sobrado. La brillantemente mórbida ‘Cathedrals Of Dread’, la gigantesca ‘Dragged To Gehenna’, ‘A Thousand Martyrs’ o ‘Seeds’ nos llevaron a su infierno de depresión en una descarga generosa, de 16 temas a cada cual más tumefacto, con la inexplicable ‘Bereft’ como punto álgido, rematada con ‘Cattle’, ‘Desecration’ y ‘Splinters’. Ver cada día un show de Vallenfyre sería la mejor condena imaginable. Una borrachera de moho y gusanos. 123

TOUNDRA 30 de enero de 2015

Sala Apolo, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: RubĂŠn Navarro

nas horas después de su concierto de presentación de IV en Barcelona, los componentes de Toundra -excepto el bajista Alberto Tocados, haciendo honor a su fama de chico formalllegaban cansados pero felices al bar Psycho situado a un par de calles de la sala Apolo. Motivos para estar contentos no faltaban. Habían vendido más de 800 entradas, venían de arrollar dos noches en Madrid, e intuían que su último disco iba a entrar alto en la lista de ventas a la semana siguiente. Finalmente no conseguirían arrebatarle por poco el número 1 a Pablo Alborán, pero al igual que Angelus Apatrida, ese número 2 les, nos, ha sabido a gloria y demuestra, ni que sea de manera simbólica, que hay vida más allá del mainstream. Pero volvamos al bar. Copas en mano y con la confianza que nos tenemos llegaba el momento de responder a la inevitable pregunta: “¿Y qué? ¿Qué te ha parecido el concierto?”. Escribiré

aquí lo mismo que le dije entonces a Esteban Girón. Para mí la magia de Toundra reside en verles a ellos cuatro tocando, disfrutando, riendo, dejándose ir encima de un escenario, y cualquier elemento que interfiera en eso, si no suma, acaba restando. Entiendo que para una banda instrumental utilizar proyecciones puede ser un muy buen recurso, pero si éstas no están bien trabajadas y sincronizadas, simplemente distraen. De igual manera, invitar a músicos para reproducir algunos arreglos orquestales, como hicieron en ‘Viesca’ y ‘Requiem’, es una tentación comprensible, pero que personalmente creo que cortocircuitó el ritmo del bolo y tampoco logró alcanzar el clímax emocional que se pretendía. Dicho esto, que al igual que Esteban espero que nadie se tome como un palo, me quedo con la mejor parte y que no es otra que la magia de Toundra sigue estando ahí. Como si fueran un solo organismo, Alberto, Esteban, Macón y Álex parecen estar

conectados por el cordón umbilical de su música, y lo grande es que consiguen que el público, a pesar de la dificultad de tocar en salas de cada vez mayor aforo, también se conecte a ellos. Su facilidad para hacer subir y bajar los niveles de intensidad, para llevarnos de ‘Marte’ a ‘Magreb’ a ‘Zanzibar’ y ‘Bizancio’, de dejarnos empapar por la ambiental ‘Lluvia’ caída de un ‘Cielo Negro’ o de maravillarnos al mostrarnos ‘Oro Rojo’ está al alcance de muy pocos. Incluso el final algo abrupto, por la restricción horaria de la sala, con una apresurada pero poderosa ‘Ara Caeli’, no impidió que todo el mundo saliera de ahí encantado, incluido un Joan Colomo que había aparecido como invitado especial. Toundra todavía tienen campo para seguir creciendo y ojalá su éxito sirva para que propuestas como la de los espaciales y cada vez más compactos Exxasens, que abrieron el concierto, calen aún más entre el público. 125

OBITUARY 27 de enero de 2015

Salamandra, L’Hospitalet de Llobregat Texto: Pau Navarra FotoS: Carles Rodríguez

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M-pire Of Evil

l disgusto que para muchos ha significado Inked In Blood, la última obra de Obituary, fue redimido y de qué manera con la única visita del combo estadounidense en nuestro país. De hecho, las canciones que tocaron del disco que venían a presentar, como las iniciales ‘Centuries Of Lies’ y ‘Visions In My Head’ o ‘Back On Top’ y la penúltima ‘Inked In Blood’, sonaron mil veces mejor en directo que en álbum, esta vez sí, con el sonido podrido que tan emblemática banda demanda, una batería orgánica de Donald Tardy y su hermano John demostrando que su reconocible e intransferible estilo al micro permanece intacto. Tres teloneros resultones aunque algo desconcertantes para abrir para una de las bandas más representativas del death de Florida animaron el cotarro, pero no mucho más. A los primeros Rotting Repugnancy nos los perdimos de tan temprano que saltaron al escenario, pero por lo que nos comentaron algunos, mucho mejor

no haberles visto. Los siguientes, Dust Bolt, ya eran un poco más conocidos, pero qué quieren que les diga, los chicos le pusieron ganas y sudaron la camiseta, pero no dejan de ser otra banda más del revival thrash sin una sola idea propia que aportar a la escena. Tanto clon hace ya tiempo que me da grima. La cosa mejoró mucho con M-pire Of Evil, y no éramos pocos los que esperábamos con ganas ver a la banda actual de Mantas, exmiembro fundador de Venom. Acompañado por el actor, bajista y cantante Tony ‘Demolition Man’ Dolan, quien ya sustituyó a Cronos en tres discos de tan legendaria formación y le da a la banda un empaque más que necesario, el guitarrista dio un ameno recital de veteranía, viniendo a ser este trío como una versión 2.0 de Venom. Con un repertorio propio digno y recurriendo a ‘Black Metal’, ‘Welcome To Hell’ o ‘Witching Hour’, a ver quién es el listo que se les resiste. Hablar de sonido nítido es poco a

la hora de describir lo que Obituary presentaron en Salamandra. Ante una sala ya muy concurrida, los americanos dieron una lección de lo único que saben hacer: someter a sus audiencias a una mortecina somnolencia a base de música muerta, como un despertar zombi envilecido por unas luces verdes que no hicieron más que destacar el carácter cadavérico de un estilo metálico dictado directamente desde la ultratumba. A lo suyo, sin demasiadas licencias ni parones, por no decir que poquísimos, Obituary fueron alineando ilustres ataúdes como ‘Infected’, ‘Intoxicated’, ‘Bloodsoaked’, ‘Don’t Care’, gloria pura como ‘Immortal Visions’ o ‘’Til Death’, ‘Back To One’ o ‘Slowly We Rot’. Cada vez que Kenny Andrews atacaba con sus punteados era como otro clavo con el que te crucificaban. Ya avisaron en el Resu de que estaban en un estado de forma envidiable, pero no por esperado fue menos demoledor. Unos grandes que en directo siguen siendo devastadores.

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DE GIRA

LEE RANALDO 4 de marzo Teatro Central (Sevilla) 5 de marzo Delibes (Valladolid) 7 de marzo Sala López (Zaragoza) 8 de marzo Barts Club (Barcelona)

l hombre que durante tres décadas castigó nuestros oídos exprimiendo su guitarra eléctrica con Sonic Youth vuelve a nuestro país para ofrecer cuatro conciertos en formato acústico. La excusa la sirve la edición de su nuevo álbum Acoustic Dust (El Segell Del Primavera), en el que Lee Ranaldo y su banda The Dust -en la que también milita el batería de Sonic Youth, Steve Shelley- reinterpretan en ese formato varios temas de sus dos últimos discos –Between The Times And The Tides y Last Night On Earth-, amén de dos versiones de Neil Young y los Monkees. Un álbum que fue grabado en Barcelona con la producción de Raül Fernández ‘Refree’, casi por casualidad, como él mismo nos cuenta. ¿Cómo surgió la idea de grabar Acoustic Dust y hacerlo con Refree? “La idea salió de Carles Baena, que era nuestro promotor entonces y ahora está en el sello del Primavera Sound. Nos había programado una

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gira por España y a mitad de ella, teníamos una actuación en Marruecos que se canceló y nos quedó una semana libre en Barcelona. Así que pensamos en aprovecharlo e ir a un estudio para grabar algunas cosas. En parte porque los primeros conciertos acústicos que habíamos hecho con la banda habían sido en España, así que era una idea interesante trasladar eso al estudio. No conocía a Raül personalmente, aunque había escuchado de él porque ha trabajado con nuestra amiga Cristina Rosenvinge. Pero nos entendimos muy bien y seguramente también participe en mi próximo disco”. ¿Son estas versiones acústicas como las canciones fueron concebidas originalmente? “Sí, nacieron con una guitarra acústica, pero luego las trabajamos con la banda de manera eléctrica. Así que ha sido un camino de ida y vuelta. Siempre me fascina pasar por ese proceso. Ahora estoy trabajando en nuevos temas también con la acústi-

ca, pero sé que cuando aparezcan en el disco lo harán de una forma distinta. Para mí eso es muy interesante”. La gente te conoce sobre todo por tu faceta eléctrica con Sonic Youth, pero ¿aprendiste a tocar la guitarra con una acústica? “Cuando era un adolescente empecé tocando una acústica y, aunque ha habido periodos en la que no la he tocado, siempre he sentido el deseo de hacerlo. Después de 30 años de hacer ruido, el volver a un sonido tan puro y hermoso me apeteció mucho. Siempre he coleccionado guitarras acústicas. Tengo unas 15, así que siempre me han acompañado”. ¿Compararías tu carrera musical con la de un pintor? Siendo tu faceta eléctrica más cercana al impresionismo y la acústica más cercana a la pintura figurativa... “Entiendo la analogía porque también soy pintor, pero cuando hice el primer

disco, Between The Time And The Tides, fue antes de saber que Sonic Youth se iba a terminar. Así que no son etapas tan definidas. Lo que ocurre es que con Sonic Youth éramos cuatro personas componiendo conjuntamente y ahora soy yo solamente, explorando más una faceta de cantautor”. ¿Te sientes más expuesto componiendo este material? “Sí porque todo recae sobre mis espaldas. Como te decía, Sonic Youth era algo colectivo y la responsabilidad estaba más compartida. En cierta manera, ahora el desafío es mucho mayor. Pero lo mires como lo mires, ahora es un buen momento para mí para afrontarlo”.

AGENDA MARZO AMARANTHE 27 Bilbao, 28 Madrid, 30 Barcelona ANDY TIMMONS 13 Madrid, 14 Barcelona AT THE GATES 6 Madrid, 7 Bilbao, 8 Barcelona CAPTAIN IVORY 3 MadriD, 4 Ourense, 5 Cangas Do Morrazo, 6 A Coruña, 7 AvilÉs, 8 León, 11 Estepona, 12 Alicante, 13 Castellón de la Plana, 14 Barcelona, 15 Torredembarra CROBOT 17 Barcelona, 18 Madrid, 16 Santiago de Compostela, 20 Hondarribia, 21 Zaragoza ECLIPSE 20 Madrid, 21 Vitoria, 22 Barcelona FINNTROLL 18 Barcelona, 19 Madrid, 21 Santiago de Compostela, 21 Bilbao GOAT LEAF 5 Barcelona, 6 Calella, 7 Madrid, 8 Gorlitz HIRAX 24 Zaragoza, 25 Madrid, 27 Palencia, 28 Armilla

¿En esta gira te centrarás básicamente en los temas de tus últimos discos o habrá también material de Sonic Youth o versiones? “Habrá un poco de todo eso. Tocaré temas de esos discos, incluidas las versiones que hay en el último, y espero que también dos o tres temas de mi próximo álbum”. En Acoustic Dust incluyes una versión del gran Neil Young. ¿Es uno de tus cantautores de referencia? “Sí lo es. Neil ha sido una gran influencia para mí desde que empecé a tocar. A lo largo de los años nos hemos hecho amigos y eso ha sido increíble para mí. Su música significa mucho para mí”.

IZEGRIM 26 Barcelona, 27 SedavÍ, 28 Zaragoza, 29 Madrid JOEY CAPE 11 Barcelona, 12 Madrid KEE MARCELLO 21 Barcelona LAGWAGON 13 Madrid, 14 Bilbao, 15 Barcelona LORDI 19 Madrid, 20 Bilbao, 21 AvilÉs, 22 Zaragoza MARDUK 3 Madrid, 4 Barcelona MARK LANEGAN 10 Barcelona, 11 Bilbao, 12 Madrid MATAROCK II (Tysondog, Weapon UK…) 14 Barcelona MOONSPELL 25 Barcelona, 26 Madrid, 29 Santiago de Compostela RADIO MOSCOW 30 Bilbao, 31 Madrid RAISED FIST 31 Barcelona SALEM’S POT 1 Madrid, 2 Barcelona

Han pasado cuatro años desde la separación de Sonic Youth. ¿Sigue el grupo estando muy presente en tu vida o ahora es más un recuerdo del pasado? “Todavía sigue muy presente. Estamos trabajando en material de archivo, de hecho ayer estuve mezclando temas de Sonic Youth para un próximo lanzamiento, y también mantenemos nuestro estudio. Seguimos en contacto por un montón de cosas”. No sé si Steve y tú os sentisteis un poco como los hijos que quedan en medio cuando los padres se separan. “No porque la relación entre nosotros no era así. Cuando el grupo se separó los cuatro nos quedamos sin eso que nos había unido durante 30 años. No creo que fuera más duro para Steve y yo que para los otros dos”. (JORDI MEYA)

SATELLITE STORIES 20 Madrid SCREAMING HEADLESS TORSOS 5 Santiago de Compostela, 6 Madrid, 7 Barcelona, 8 Aldaia, 11 Granada, 12 Málaga, 13 Cádiz, 15 Zaragoza THE SUBWAYS 18 Barcelona, 19 Madrid SIENA ROOT 17 San SebastiÁn, 18 Zaragoza, 19 Gijón, 20 Cangas do Morrazo, 21 Burgos, 22 Zaragoza SISTER 4 Barcelona, 5 SedavÍ, 6 Zaragoza, 7 Vitoria, 8 Madrid SKIP THE USE 5 Madrid, 6 Barcelona SLEEPMAKESWAVES 25 Barcelona SMASH INTO PIECES 12 Barcelona, 13 SedavÍ, 14 Zaragoza, 15 Madrid STU LARSEN 20 Madrid, 21 Barcelona SUICIDAL ANGELS 10 Barcelona, 11 Murcia, 12 Madrid, 13 Durango SUPERCHARGER 20 Alcalá de Henares, 21 Salamanca, 22 Madrid, 24 Barcelona, 25 Zaragoza, 26 SedavÍ, 27 Cartagena, 28 Estepona VADER 25 Bilbao, 27 Madrid, 28 Barcelona

ÚLTIMAS PREGUNTAS

GREG MACKINTOSH (VALLENFYRE, PARADISE LOST) Aunque cuando toca la guitarra con Paradise Lost tienda a la oscuridad y cuando canta con Vallenfyre lo haga con mala hostia, en persona Greg Mackintosh es un tipo de lo más afable y cercano. Mientras sus compañeros hacían la prueba de sonido antes de su concierto en Barcelona, Greg nos invitó a su furgoneta para responder a nuestro cuestionario tranquilamente. Texto: JORDI MEYA Foto: DR

¿La última vez que te sentiste muy vago? “Hoy mismo. Me encanta dormir. Sueño mucho y los sueños suelen ser mejores que la vida real. Anoche salimos de bares por Barcelona y acabamos en el Nevermind, y estuvimos ahí hasta que cerraron, así que hoy he dormido todo el día. Me encanta hacer el vago”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “Siempre estoy tocando, así que no

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me apetece mucho ir a bolos. Pero el último que disfruté fue viendo a Doom, el grupo de nuestro bajista, en un pequeño club punk cerca de donde vivimos. La verdad es que nunca me han gustado en disco (risas), pero en directo estuvieron muy bien. Girar con Paradise Lost es algo distinto, así que me gustó estar en una caja de zapatos, sudando. Aunque tuviera que ducharme luego (risas)”. ¿La última vez que deseaste

haber escrito una canción que no era tuya? “Me pasa continuamente. La mayoría de grupos que me gustan se separaron hace tiempo. Un solo de guitarra que siempre deseé haber escrito es el de ‘Crystal Ball’ del primer disco de Candlemass. Es pomposo y fantástico”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “El otro día mi mujer y yo estábamos intentando montar un escritorio para

nuestro hijo. Teníamos las instrucciones, pero cada uno las interpretábamos a nuestra manera. Tuvimos una gran pelea, porque ella me decía que yo estaba equivocado. Y de hecho, lo estaba”. ¿La última vez que infringiste la ley? “La peor vez fue cuando iba a la escuela, debía tener 14 años. Apuñalé a un chico… pero fue por accidente. Estábamos jugando con un cuchillo y le fue a parar al ojo. Pero no lo dejé ciego. Todo el mundo pensó que era un tipo duro al que no había que molestar (risas)”. ¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “¿Pegarle o apuñalarle? (Risas) Es broma, la verdad es que son buenos chicos”. ¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “Normalmente es cuando tengo resaca. Tienes esa sensación de ansiedad. Lo llamamos ‘El Miedo’, porque hay algo que te angustia pero no sabes qué es. A finales del año pasado, estando en Alemania, bebí demasiado, y al día siguiente me hubiera encantado estar en mi cama”. ¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Me gusta mucho la comida hindú, pero no hay buenos restaurantes hindúes fuera de Gran Bretaña. He probado en muchos países, y no son tan buenos; el peor fue en Ámsterdam. Hace un par de semanas estuve en uno bueno. En la zona de la que venimos hay una gran comunidad asiática, así que crecimos comiendo esa cocina”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Me enseñaron a ser bien educado, así que suelo sostener las puertas cuando va a entrar alguien, ayudo a subir el equipaje en los trenes… Ayer cuando fui a coger el tren ayudé a una mujer a subir el suyo. Pero no creo que sea una ayuda, sino que es cuestión de tener buenos modales”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “A mí no me gusta ir de compras, si quiero algo lo compro por internet. Mi mujer fue a Ikea y cada vez que va a allí

vuelve con cajas llenas de mierda. Y luego veo el extracto del banco… No me extraña que Ikea estén forrados. Esa mesa que compró debe valer 10 céntimos y la venden por 300 libras. Así que en términos relativos, para mí es pagar demasiado”. ¿La última vez que lloraste? “Hace tiempo. Quizá cuando mi padre murió en 2009. A veces me emociono viendo películas. Vi una que se llama Never Let Me Go, que es muy triste. Es una mezcla de historia de amor y ciencia ficción. Me pareció muy triste. Si la ves es posible que llores. Normalmente me gustan las películas independientes de terror y ciencia ficción, pero tienes que ver mucha mierda para encontrar algo bueno”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Depende del día, pero en general me siento muy afortunado de poder vivir haciendo lo que me gsuta”. ¿La última vez que te impresionó una película? “Me gusta bastante el cine francés, pero hace tiempo que no veo nada bueno. Me gustó The Woman, que es americana. Me gustan las películas que no gozan de un gran presupuesto pero tienen buenas ideas”. ¿La última vez que pensaste que eras un genio? “(Risas) Nunca me ha pasado. Soy demasiado cínico para pensarlo. Yo sólo hago canciones, no es nada importante comparado con un médico, por ejemplo”. ¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Hoy. Mi mujer”. ¿La última vez que pensaste que Vallenfyre eran el mejor grupo del mundo? “Del mundo desde luego que no, pero la mejor banda de death metal creo que sí. Hice un segundo disco de Vallenfyre porque nadie estaba haciendo esta mezcla de estilos extremos. En los dos últimos años han salido grupos buenos, pero el 90% suenan igual. No suenan nada inspirados, todo el mundo tiene el mismo sonido de batería, de guitarra… A los grupos les falta hacer canciones que enganchen. Incluso el primer disco de Napalm Death tenía cosas pegadizas”. 131