RockZone 113 - 04/2015 by ROCKZONE

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friday €70/€80 saturday €70/€80 doors: friday 10.30 saturday 11.30 camping THU 18.00 combi €110/€125 camping €15/€20 camping tickets are not sold sepArately

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I L LUS T R AT I O N A N D D E S I G N : © D O M I N I C VA N H EU PE N

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Lagwagon © Rubén Navarro

EDITORIAL

En nuestro número de febrero de 2014 ya colocamos a Periphery como una de nuestras apuestas de bandas a tener en cuenta. El tiempo nos ha dado la razón y el sexteto de Maryland es ahora mismo el máximo exponente del nuevo metal progresivo nacido alrededor de la escena djent. Pero quien prefiera sonidos algo más rudos también encontrará en este número entrevistas con Every Time I Die, Gallows o While She Sleeps, así como una buena representación de artistas nacionales como Hamlet, La M.O.D.A., Virgen o Balmog. Variedad máxima en un mes marcado por la celebración del Record Store Day y la edición del segundo volumen de nuestras Bipolar Sessions. Enjoy!

SUMARIO

nº 113

9 / INTERFERENCIAS

32 / ROYAL BLOOD

46 / PERIPHERY

54 / ESPECIAL FOTO

72 / DISCO DEL MES

74 / CRíTICAS

108 / VIRGEN

110 / THE ANSWER

36 / EVERY TIME I DIE

40 / HAMLET

60 / GALLOWS

66 / LA M.O.D.A.

100 / WHILE SHE SLEEPS

104 / BALMOG

116 / ROYAL THUNDER

120 / EN DIRECTO

SUMARIO

nº 113

134 / FIGURAS COLATERALES

138 / DE GIRA

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

140 / ÚLTIMAS PREGUNTAS

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

new del mes_GROEZROCK 2015 LOS PRÓXIMOS 1 Y 2 DE MAYO, EL FESTIVAL GROEZROCK VOLVERÁ A CONVERTIRSE EN EL EPICENTRO DEL PUNK ROCK Y EL HARDCORE EN EUROPA. Y POR PRIMERA VEZ, ROCKZONE FIGURA ENTRE SUS MEDIOS OFICIALES.

i hablamos de historias de éxito, la del Groezrock es una de las más bonitas que se puedan contar. En 1992, una asociación de jóvenes llamada JC Horizont de Meerhout, Bélgica, organizó un pequeño festival en una sala para 400 personas. Poco a poco la iniciativa fue ganando más adeptos y a finales de los 90 empezó a contar con más bandas internacionales como Millencolin o Good Riddance. En 2003 pasó a tener dos escenarios y en 2006 a celebrarse durante dos días, hasta llegar a la actualidad, donde cerca de 40.000 visitantes de toda Europa, incluida una siempre nutrida representación española, peregrinan para atiborrarse de todas las variantes del punk y el hardcore. Su vigésima cuarta edición no será una excepción y así encontramos como reclamos principales a Social Distortion (en la foto), que interpretarán su álbum de debut al completo con motivo del 25 aniversario de su publicación, los suecos Refused, con el aliciente de si estrenarán algún tema nuevo, y los siempre solventes Pennywise. También aparecen destacados en su cartel nombres como Lagwagon, Millencolin, Agnostic Front, Satanic Surfers, Motion City Soundtrack, Raised Fist o Defeater. A su vez,

será la primera oportunidad de ver en Europa a los reunificiados Atreyu y una de las últimas para cazar a The Swellers antes de que cumplan con su anunciada separación. Pero como ocurre en los grandes festivales es en la letra pequeña donde podemos encontrar los alicientes que nos motiven a ahorrar un poco, viajar a otro país y ver a bandas que son muy difíciles de cazar en nuestro país. Así, de primeras destacaríamos a Joyce Manor, FrnkIero And The Cellabration, Teenage Bottlerocket, The Smith Street Band, Turnstile o Make Do & Mend. Aunque el festival esté sobre todo dirigido a la parroquia punker, los metaleros también están convocados para hacer headbanging al ritmo de Unearth, Suicide Silence, Carnifex o Whitechapel. Las entradas pueden comprarse anticipadamente al precio de 70 euros por día o de 110 para el abono de dos días. Si quieres acampar en el recinto debes añadirle 15 euros más, y si vas en caravana, una opción siempre recomendable, 50 euros. También hay entradas VIP con acceso al bar de invitados por 150 euros los dos días. Para más información visita la página web: www.groezrock.be

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ TODOS SOMOS S.A.

e no ser porque la noticia acabó siendo real, el anuncio de que el Gobierno de la Comunidad de Madrid había prohibido la actuación de Soziedad Alkoholika prevista para el 14 de marzo en el Palacio Vistalegre de la capital parecía una broma de mal gusto de ésas que la gente inventa en Facebook. Da vergüenza vivir en un país en el que los sectores de la extrema derecha todavía tengan suficiente peso como para imponer su criterio ante unas instituciones que, en teoría, deben representar a todos los ciudadanos. Qué trágica ironía que quienes se postulan como los defensores de la ley y el orden sean los primeros que no respeten un principio tan básico como el de la libertad de expresión. Tampoco deben creer en la justicia dado que hace nueve años que S.A. fueron absueltos de los supuestos delitos de humillación a las víctimas de terrorismo por el Tribunal Supremo. Repito, absueltos. Pero lo más sangrante de todo es que una decisión así llegue apenas dos meses después de que toda la clase política, medios e intelectuales se pusieran en la boca el lema “Je suis Charlie”. Perdón, me voy a vomitar. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@ludoquia Brand New en España el 27 de mayo, Madrid, y 19 euros. Corred a comprar las entradas. Va a ser algo único y, posiblemente, irrepetible. @llliiiddd ¡¡¡Por fin!!! Y encima es en una sala pequeña... voy a llorar. @jesusgc Os amo. En serio. Sólo me queda Finch y me puedo morir tranquilo. @MarggotJ Brand New llenaron de magia el Monster Stage del Groez el año pasado. ¡Grandes @RockZone por organizar un bolo suyo en sala! ¡Enhorabuena! @Fuathaigh Brand New en Madrid. Se me cae una lagrimita de felicidad. Gracias @RockZone. @elabacabu ¡Qué ganazas del Bipolar Sessions 2 de @RockZone! @scattrbrainer ¿Cuándo sale esto? Los adelantos que publicáis son una provocación. XD @Jubiladosdelpit Cómo les gusta hacer el payaso a @theoffspring. XD

Al acabar el concierto de Amon Amarth en la Capitol de Santiago le pedí a Johan una foto estrangulándome por aquello de escapar de la rutina. Él optó por esta otra opción mucho más pacífica. (FEDERICO LÓPEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF

Después de la increíble sorpresa de encontrarme en el último número a Cancer Bats en portada (una banda que este cutrezine, o su redactor jefe, por alguna razón metafísica y entiendo que bajo ningún criterio musical, endiosa), creo que ya no queda nada que decir. Estamos condenados. Mientras bandas como FEA intentan aportar algo al panorama musical (poco, tampoco os flipéis), hay algunos que siempre se empeñan en sólo darle bombo a sus colegas y hacer fiestecitas elitistas para poder salir en las fotos. Les gusta criticar a la Heavy Rock por sacar siempre a Metallica y AC/DC, pero estos de aquí hacen lo mismo. Hay incluso algunos peores, que sólo reseñan bandas por ser tías con la excusa de que les impresionaron de chiqui. ¡Pajilleros! ¡Indecentes! ¡Estáis matando la música y el periodismo! ¡Las gafas y zapatillas ésas que intentáis colarnos en todas las fotos ya huelen a Pau Navarra! ¡SPEAK SPANISH OR DIE, hijos de puta! (ASSAF LASZEWICKI)

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> The Liberty inteRpretan ‘The Liberty Comes’ en la redacción de RockZone.

he Liberty, la banda madrileña de rock alternativo formada por Mario (voz, guitarra), Chevi (guitarra), Tate (bajo) y Gaby (batería), nunca olvidará la fecha del 22 de marzo de 2014. Después de haber estado trabajando a tope durante tres meses en su disco de debut, alguien entró en el estudio y les robó absolutamente todo. “El estudio estaba en un barrio muy chungo de Madrid”, relata Mario. “Nos estaban vigilando y un día que vieron que salimos todos, entraron y se llevaron todo lo que pudieron. Yo me quedé sin guitarras, sin nada”. Gracias a la ayuda de un amigo de Mario que le prestó 10.000 euros, la banda pudo volver a comprar nuevo equipo y se pusieron a volver a grabar el disco desde cero en distintos estudios. Lo que habría hundido a cualquiera fue visto por The Liberty como una oportunidad para mejorar lo que ya tenían. “Al final nos vino bien porque el disco ha acabado sonando mucho mejor a como la hacía 10

la primera vez”, dice Mario. “Suena más potente. Fue como haber marcado el nivel y luego pudimos superarlo. Además somos muy perfeccionistas y masterizamos el álbum tres veces”. La historia de The Liberty empieza con la popularidad que ganó Mario a través de un canal de YouTube en el que colgaba versiones de otros artistas. “Una temporada me dio una rayada y me encerré en la habitación a hacer temas propios. Resultó que a la gente que me seguía en el canal le gustaron, y pensé en hacer un EP y ver qué pasaba. Me metí con un colega que era productor, lo grabé y empecé a moverlo entre amigos. Uno de ellos lo presentó a Warner Music, les moló de primeras y nos pusimos a grabar el disco”. Ya por su pinta se nota que cada miembro tiene sus propios gustos. Chevi es el metalero, mientras que Gaby reconoce que hasta que entró en The Liberty sólo escuchaba rock nacional. “Cada miembro es un mun-

do, pero somos compatibles. A la hora de componer mientras nos suene bien, irá para adelante. No nos cerramos a un solo estilo. Si tiramos para el hardcore, pues bien; si tiramos para el pop, pues también. Bajo mi punto de vista, muchas bandas se crean un molde y al final acaban sonando muy parecidas a otras”. Esa variedad de influencias se aprecia en The Liberty Comes (Warner), un disco cuyas letras han servido a Mario para examinarse. “El álbum habla de cosas que me han pasado a mí”, explica Mario. “Habla mucho de autoengaño. Sólo hay una canción de amor, todas las demás son como una conversación con uno mismo. Por ejemplo ‘Broke’ habla sobre lo que uno realmente quiere hacer y la cara que uno tiene que mostrar socialmente. Al final tienes que ser tú mismo, aceptar cómo eres y respetarte. Si te alineas tanto con la sociedad, acabas siendo un robot y un infeliz”. Viéndoles tocar se nota que The Liberty son todo lo contrario.

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra WORLD TO COME

SILENT MAGNOLIA

PINÔTXET

Nephilim

Fables

(TIBERIAN MUSIC)

(AUTOEDITADO)

Es bastante serio lo que World To Come nos enchufan en este EP. Debutando con esta publicación, los de Benidorm nos muestran seis cortes de afinaciones graves y gran pegada, convirtiéndose fácilmente en una de esas bandas de metalcore que merece la pena ensalzar. ¿Por qué? Pues siento decirlo de una forma tan chunga, pero porque su metalcore es viril, porque aquí no hay voces para meonas salvo en unos pocos segundos, y eso desde luego es todo un descanso para los oídos. También por el esfuerzo compositivo que resulta ‘Defier’, cambiante y machaca a partes iguales. Un tema de casi 6 minutos bien secundado por la melódica a la par que contundente ‘W.A.R. (World Atoned Regime)’, o también por la trabajada ‘04:18’ o las feroces ‘Feeding The Massacre’ y ‘New World Disorder’. Otro combo al que no perder de vista de nuestra escena core, pero que a mí me da que aportará mejores ideas que la inmensa mayoría.

Desde Vilanova i la Geltrú, Barcelona, Silent Magnolia nos traen este EP de cuatro temas más la intro ‘Die To Live’. Lo suyo es un metalcore brutote amante de la cuerda gorda, que antes prefiere chafar cabezas a andarse con sutilezas, pero aunque la voz de Nico Trigger bordea el deathcore, eso no quiere decir que, junto a unos buenos coros, no se presten también a una buena melodía. Así, en ‘Behold The Aggelos’, ‘Daimon’ o ‘Derisions’, estos catalanes aportan esas dos vertientes, sonando robustos pero con cuidados apartados vocales con mayor o menor acierto. Nodnes Audio asegura una producción detallista, pero no puede modificar unas composiciones algo trilladas. De cara al futuro deberían esforzarse un poco más para no resultar tan obvios, en intentar sorprender algo más a sus oyentes, aunque igualmente no estamos hablando de algo que no pueda arreglarse ganando mucha más experiencia con el tiempo.

Aunque Pinôtxet no estén haciendo ningún tipo de apología, como nombre de banda me parece bastante desafortunado. Jugar con algo que remotamente pueda recordarte a los monstruos del fascismo del siglo XX es frívolo y, a estas alturas, incluso infantil, pero aquí están los vascos defendiendo su primer EP. Fables presenta un raro estilo que mezcla hardcore y metal de manera experimental, no dudando en recurrir al grind, el deathcore o tirar de beatdown si les da la gana. Hay momentos ciertamente interesantes en la cafre ‘Sick’, buenas intenciones en ‘Rum & Gold’, pero el resultado en general es algo irregular y disperso, no colma las expectativas que puedas hacerte de algo a lo que ellos mismos llaman ‘difficultcore’. De igual forma, si logran curtirse, dotar de mayor cuerpo algunas voces, ordenar tantas ideas distintas y el próximo asalto lo graban en un estudio 100% profesional, quizá nos dan una sorpresa en un futuro.

www.facebook.com/worldtocomeband

http://silentmagnolia.bandcamp.com

http://pinotxet.bandcamp.com

New World Disorder

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1ºB 08005 BARCELONA 12

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_COME BACK FROM THE DEAD

“Si analizas bien las letras, podrás comprobar que tienen un trasfondo político llevado bajo tierra hacia el death metal” HÉCTOR

FORMACIÓN: Paul (voz), Miguel (guitarra), Héctor (guitarra), Iago (bajo), Marcos (batería)

PROCEDENCIA: A Coruña AFINES A: Entombed, Grave, Nominon PRESENTAN: The Coffin Earth’s Entrails (BlackSeed Productions)

nte un primer álbum como The Coffin Earth’s Entrails, plena sintonía con Héctor, el guitarra de Come Back From The Dead, a la hora de describirlo a grandes rasgos. ¿Puto death metal old school y nada más? “Tal cual. Death metal viejo y podrido como lo hemos aprendido”. Genial, vamos bien. Formados en 2008 pero con sólo un año de recorrido, no sería hasta 2012 que estos gallegos volverían a la vida. “En 2008 Marcos y yo nos juntamos en nuestro antiguo local de ensayo para montar unas ideas que teníamos desde hacía tiempo”, nos relata Héctor. “Estuvimos ensayando durante unos meses, pero por razones de trabajo yo estuve fuera una temporada y, aparte, nuestras otras bandas estaban bastante activas. Dejamos aparcado el proyecto hasta 2012, cuando volvimos a retomar los ensayos, a seguir armando más temas… todos los que aparecen en The Coffin Earth’s Entrails, y fuimos completando la formación hasta a día de hoy”. Así pues, parece que ahora sí la banda está plenamente asentada, aunque para la grabación del álbum él también tuviera que hacerse cargo del bajo hasta que no dieran con Iago. Una prolongada grabación en los Estudios Monte Alto para la que nuestro interlocutor no tiene más que

buenas palabras… “Los Estudios Monte Alto son la puta hostia, así de claro. Dos buenos amigos que llevan toda la vida involucrados en bandas, Fernando Mejuto y Hugo Santeiro, montaron unos estudios increíbles justo en una nave al lado de nuestro local de ensayo. La grabación se alargó más de lo que quisiéramos, pero para una vez que disponíamos de un estudio totalmente profesional a nuestra disposición por un tiempo ilimitado, había que aprovecharlo. La verdad es que fue una gozada y nos lo pasamos de la hostia probando amplificadores y haciendo mil pruebas hasta dar con el resultado que queríamos. Buscábamos una grabación que sonara orgánica, con sonido real y old school”. Está claro que lo consiguieron, pero no sin recurrir también a una leyenda sueca como Dan Swanö a la hora de masterizar: “Estuvimos barajando bastantes posibilidades de estudios de mastering y Dan Swanö fue el que cogió más rápido el concepto. Sólo hace falta ver su currículum… ¿Qué ha aportado? Pues hacer el disco más redondo y dinámico. La verdad es que cuando escuchamos el resultado fue alucinante. Es un álbum que para sacar su máximo disfrute se tiene que escuchar a cuanto más alto volumen mejor, porque

el sonido nunca llega a romper y porque es la única forma de que todos los matices se escuchen con potencia”. Y vaya si tiene razón. Un tema como ‘Rise Of The Scavengers’ suena realmente oscuro, ‘Krakenstein’ es redondo y punk, y ‘Hell Inside’ o ‘Gravediggers From Inferno’ también se disparan de una forma de lo más placentera. De la misma forma, de Come Back From The Dead llama la atención la voz de Paul, pues no aporta el típico gutural que presentaría la enésima banda que pretende fusilar el death de Estocolmo… Lo suyo quizá es más del palo LG Petrov, algo más personal que la mayoría de formaciones… “Hay gente que me ha comentado que le recuerda a LG Petrov”, dice el guitarrista, “pero a mí personalmente no me recuerda mucho. No sé, la verdad es que es bastante singular, somos gente que venimos de bandas crust, punk, por lo que supongo que tiene el deje ése que se sale del mítico cliché de cantante death que a veces es tan aburrido y no aporta nada a la música. Si analizas bien las letras, podrás comprobar que tienen un trasfondo político llevado bajo tierra hacia el death metal”. The Coffin Earth’s Entrails es un trabajo tan logrado que la banda no podría haber escogido mejor al artista de lo mórbido que ha creado el artwork: César Valladares. Todo un referente al que tampoco dudaron en llamar… “Sí, contactamos con César un año antes de empezar a grabar el LP”, concluye Héctor. “Estaba haciendo unos trabajos increíbles y creíamos que encajaría perfectamente con el concepto que teníamos en mente, y así fue. Un tío 100% recomendable”.

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA OFFSCREEN 2015 Python y Cavestany, pero con un bofetón cerebral de última hora que te deja con ganas de sentarte en una rama a reflexionar. Un triunfo. ¿Recuerdas Berberian Sound

ara su octava edición, el festival belga Offscreen se pone duro y dedica su programación a la añorada (y tan de moda ahora mismo) Cannon Films, lógico si tenemos en cuenta los documentales que han visto la luz en los últimos meses (Electric Boogaloo y The Go-Go Boys) o las fantásticas ediciones que Arrow está lanzando en altísima definición. Por suerte o por desgracia para ti, sería imposible condensar aquí toda la información de esos pases, así que vamos a centrarnos en lo más actual del mercado festivalero, empezando por la película inaugural, la sueca A Pigeon Sat On A Branch Reflecting On Existence, de Roy Andersson, un veterano en esto de plasmar en imágenes el ascopena y la suerte de estar vivo aunque la vida pueda ser una puta mierda. A Pigeon… supone el cierre de una trilogía iniciada por Canciones Del Segundo Piso y La Comedia De La Vida. Entre los 18

Studio? Es posible que no lo hagas, ya que nuestros distribuidores la han marginado, pero ya os digo que se trata de una obra maestra de Peter Strickland, que vuelve a las andadas con The Duke Of Burgundy, una muestra más del talento de un director que se ha especializado en plasmar en imágenes hermosas las historias más truculentas. Si en la anterior teníamos en giallo como punto de partida, ahora será una relación imposible entre dos mujeres adictas al dolor y a los juegos peligrosos. Entre Henry James y Jesús Franco, el duque permanecerá en tu cabeza una buena temporada, en parte, por la magistral banda sonora de Cat’s Eyes. Por si estas dos películas no habían sido suficientemente rompedoras y atrevidas, va el programador y elige reventar la sesera del patio de butacas con la espectacular The Tribe, film ucraniano de (a ver si lo escribo bien) Miroslav Slaboshpitsky, una ópera prima magistral, madura, valiente y digna de un veterano que haya pasado toda la vida trabajando en el valor de las imágenes. The Tribe no es una película para todo el mundo. Supera las dos horas, está dialogada en lenguaje de

signos sin subtitular y no tiene banda sonora más allá del sonido ambiente, lleno de gritos apagados y silencios eternos. Los actores, todos amateurs, brillan en sus interpretaciones, haciendo que The Tribe parezca un documental en lugar de una ficción ejemplar. Yana Novikova carga con la peli sobre sus hombros gracias a una interpretación entregada, valiente y espeluznante. Si el final de Enemy te voló la cabeza no te pierdas este desenlace. Sion Sono. ¿Necesitas saber más? Después de Why Don’t You Play In Hell? parecía imposible que su nuevo trabajo la superase en locura y dominio de la narración, pero con la adaptación del manga Tokyo Tribe ha vuelto a soltar una bomba nuclear cinematográfica. Una guerra de clanes en una ciudad de Tokio alternativa donde, al igual que en The Tribe, no asistimos a unos diálogos al uso porque aquí no se habla: se rapea. Llena de peleas alucinantes (aunque algo menos violenta de lo que cabía

esperar) y situaciones absurdas que provocan carcajada, Tokyo Tribe es cine de artes marciales y braguitas, hip hop y excesos. Justo lo que necesitamos. Blind es un drama noruego con ecos del mejor cine independiente del Sundance más de moda que deambula entre la tragedia y la comedia desde la cabeza de una chica que ha perdido la vista. Una sugerente mezcla de Cómo Ser John Malkovich y El Mirón Y La Exhibicionista. Ruined Heart: Another Love Story Between A Criminal & A Whore es un film tan pretencioso y finalmente inocente como su título. Khavn, su director, termina por molestar en su pretendida condición de película rompedora cuando ya lo hemos visto muchas veces y bastante mejor. Lo que salva a la película es la banda sonora, una de las más importantes del año, y la interpretación de ese ser supremo que es Nathalia Acevedo, además de la razón por la que existen los pantalones de Obélix.

DE CULTO_DR. FEELGOOD DISCO BÁSICO: Down By The Jetty (1975) FORMACIÓN: Lee Brilleaux (voz), John B Sparks (bajo), Wilko Johnson (guitarra), The Big Figure (batería)

AFINES A: The Rolling Stones, Chuck Berry, John Lee Hooker

banderados de aquello que se dio a conocer como pub rock, el legado de Dr. Feelgood ha sido mucho más importante del que pudiera parecer. Al menos, a diferencia de otros miles de grupos, digamos, malditos, han tenido un final feliz con un Wilko Johnson, guitarrista fundador del combo, venciendo un cáncer que le habían pronosticado que acabaría con él en unos pocos meses y ese reciente Going Back Home junto a Roger Daltrey, que ha reivindicado el cancionero tanto de Johnson en solitario como de Dr. Feelgood. Provenientes del circuito local de pubs de Canvey Island, en 1971 Johnson junto a Lee Brilleaux (voz), John B Sparks (bajo) y The Big Figure (batería) formaron Dr. Feelgood pateándose a partir de ahí cualquier local que les dejase enchufar sus instrumentos, ganándose una reputación de banda infalible en directo e ideal para acompañar todas las pintas de cerveza que le pudieran caber a uno en el cuerpo, sirviendo de banda sonora a las múltiples peleas en las que acababan sus conciertos. En 1975 editan por fin su primer álbum Down By The Jetty, que a la postre se con-

vertiría en su piedra filosofal, influenciando tanto a esa escena punk que estaba creándose silenciosamente como a bandas del siglo XXI, caso de The Strypes, que vienen a ser su equivalente actual. Down By The Jetty es uno de esos trabajos que por sí solos bien podrían definir lo que es el rock’n’roll. Orgullo de working class, riffs de guitarra sin contaminar y canciones dignas de tararear de principio a fin. Pese a que el álbum pasó algo desapercibido en las listas, la gran reputación de la banda en directo hizo que en Inglaterra sus seguidores crecieran de manera exponencial, lo que llevó a que su segundo trabajo, Malpractice, editado tan sólo nueve meses después y equiparándose en calidad a su debut, entrara en el número 10 y que todo ello culminara con su tercer trabajo, el directo Stupidity (1976), que llegó a lo más alto de las listas al capturar toda su energía. Por desgracia, fue el canto del cisne. Un más discreto, que no malo, Sneakin’ Suspicion trajo la deserción de la banda de Wilko Johnson, principal compositor, y a partir de ahí la cuesta abajo hasta hoy. (RICHARD ROYUELA)

TOI’S IN THE ATTIC REUN ION ES

ace unas semanas un amigo nos envió un cuestionario a varias personas vinculadas de distinta manera al mundo musical que versaba sobre un tema de actualidad: las reuniones de grupos. Entre las preguntas, la que más me hizo reflexionar fue la referida a si realmente es necesario que una banda tras varios años de separación, causada por X motivo, se reactive. Me vinieron a la cabeza un montón de nombres, que con mayor o menor éxito han vuelto a los escenarios, desde The Afghan Whigs a Faith No More, pasando por The Stooges o Jane’s Addiction en su día. Otras, como Guns N’ Roses, cuyo retorno estuve anhelando durante años, hasta que llegué a la conclusión de que no tenía sentido que lo hicieran. Y por último aquellas que, por no haber podido disfrutarlas en su momento de máximo esplendor, me encantaría ver en directo en alguna ocasión. Mi respuesta fue finalmente NO. No creo en la honestidad de una gran parte de reuniones, con grupos que cerraron una etapa por des-

avenencias entre miembros o por simple estancamiento y falta de creatividad, o que actualmente se encuentran en un estado físico y anímico cuestionable. Además, la sombra de sacar pasta a toda costa siempre se cierne omnipresente. ¿Cuántas exparejas habéis conocido que hayan vuelto a juntarse y que la cosa haya funcionado? Pues esto es parecido. La nostalgia puede ser muy traicionera. Nos puede la emoción y nos entusiasmamos -yo la primera- porque queremos recuperar esos momentos con los que nos enloquecieron en el pasado, pero es difícil recuperar la magia que los hacía grandes, y muchos no llegan a colmar nuestras expectativas. Aunque a veces el fracaso sea posible seguiré picando y volveré a dar un bote en mi silla cuando lea que tal banda se ha vuelto a reunir. Soy humana, y por lo tanto estoy capacitada para caer en el mismo error una y otra vez, pero... ¡Qué coño! Y si luego sale bien, ¿me lo voy a perder? ¡Hola L7! Os veo en Vitoria en junio. (TOI BROWSNTONE)

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ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Tender Is The Savage de Gluecifer. Alrededor de la mitad de la década de los 90 existió una oleada de bandas escandinavas rockeras que llegó a las costas norteamericanas con lucrativos contratos en las mejores discográficas indies. The Hellacopters tenían splits cools con bandas de garage cools, editados por sellos de garage cools, por no mencionar el álbum que habían editado con Sub Pop. Turbonegro tenían una situación similar con Sympathy For The Record Industry y Man’s Ruin Records. Backyard Babies tenían Scooch Pooch y etcétera, etcétera, pero cuando fui a mi tienda de discos y vi 24

el 10” de Gary O’Kane de Gluecifer mirándome fijamente me quedé pillado por el nombre, la portada y también por cómo otra banda de la lejana Noruega había sido capaz de editar algo en un sello tan guay como Man’s Ruin. Aparte de tener uno de los mejores nombres que una banda puede tener, Gluecifer me engancharon principalmente por la increíble voz de Biff Malibu. OK, quizás era porque me recordaba a Glenn Danzig y eso siempre podrá conmigo, pero también porque era la mejor voz de todo ese género. Al mismo tiempo la fuerza de la batería de Danny Young y el brillante ataque de las twin guitars de Raldo Useless y el incomparable Captain Poon eran la base que hacía que Gluecifer fuesen una olla a presión. Si hacemos una escucha superficial de su música, puede que algunos los vean como una simple banda de rock genérico relacionada con un período concreto, pero esa valoración será

apresurada y altamente incorrecta. Viéndolos tocar en un showcase de Sub Pop en Vancouver sobre el año 2000 fue como me enganché a ellos, y una vez escuché Tender Is The Savage, que salió a finales de ese mismo año, no tenía ninguna duda de que ellos eran la banda a batir. Tender Is The Savage es un disco que me lleva a un cierto período de mi vida. Es un álbum que nos acompañó en nuestras primeras incursiones por Europa, y cuando lo escucho a día de hoy, me devuelve a aquellos días, cuando Escandinavia era algo similar a un ‘Rock’n’roll Valhalla’. Canciones como ‘Ducktail Heat’, ‘I Got A War’, ‘Sputnik Monroe’ y ‘The General

Says Yeah’ todavía siguen pateando culos hoy en día de la misma manera que lo hacían entonces. Pocos discos hechos ahora podrían aguantar el embiste de ese álbum. Es una pena que sus incursiones al otro lado del Atlántico no fueran muy productivas, lo que no deja de ser una razón más para entregarnos al regazo de Europa. No hace falta ni decir la satisfacción que nos produjo cuando finalmente pudimos tocar con ellos en Bergen, su ciudad natal, en un concierto que se acabó convirtiendo en su DVD Royally Stuffed. No puedo pensar en un recuerdo mejor que ése. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

WILD AND RARE ES UNA NUEVA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADO POR ASICS. EL INVITADO EN ESTE PRIMER CAPÍTULO ES EL ROCKERO CANADIENSE DANKO JONES.

ienvenidos a Wild And Rare! Esta nueva sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido y nunca os habían dejado a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El 100% de lo recau-

dado irá destinado a Oxfam. El primer músico que amablemente accedió a participar es Danko Jones. El canadiense visitó nuestra redacción, acompañado por su inseparable bajista J.C. y el nuevo batería Rich Knox horas antes de ejercer de DJ invitado en nuestra fiesta de décimo aniversario. Aunque en el escenario Danko desprende una fuerte personalidad, lo cierto es que fuera de él es más bien tímido y no le gusta ser el centro de atención. Como ya le conocíamos de otras veces, no estábamos seguros de cómo se tomaría algunas de las preguntas que nos habíais mandado, pero la verdad es que sacó su mejor cara y las contestó absolutamente todas y con mucho humor. Así que si quieres saber de dónde sale el mote ‘Dankojones’, cuál es su relación con Lemmy de

Mötorhead, qué opina de Nickelback o si le gustaría tener una novia española, sólo tienes que darle al play del vídeo. ¡Ah! Y no olvides hacer tu aportación para Oxfam Intermón. Haz tu aportación aquí.

INTERFERENCIAS

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY difícil que pasen por tu tienda artistas como Antonio Arias, Los 091, Miguel Ríos, Los Planetas o Niños Mutantes. También han estado Robban de Hellacopters, Joaquín Pascual, Nacho Vegas, Coque Malla, Loquillo, Llorente, el jugador de baloncesto…”. ¿Cuál crees que es el disco que más se ha vendido en la tienda? ¿Y cuál el que todavía se sigue vendiendo? “Pink Floyd en general y The Dark Side Of The Moon en particular”.

DISCOS BORA-BORA Dirección: Plaza de la Universidad 1, Granada Año de fundación: 2012 Especialidad: vinilo de segunda mano y novedades, mer-

chandising y libros de música Responsables: Mariajo De la Cruz y Gonzalo Tafalla

¿Cómo decidisteis abrir una tienda de discos? “Después de años en el paro y debido a la escasez de empleo decidimos abrir nuestro propio negocio, y puestos a elegir, elegimos lo que más nos apasiona, la música. Como compradores enfermizos de vinilo lo tuvimos claro desde el primer momento, y así surgió Discos Bora-Bora”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios desde que se abrió? “En nuestro caso particular 28

hemos sufrido cambios muy bruscos y en muy poco tiempo. Hemos pasado de ser unos desconocidos a recibir pedidos desde Singapur, Santiago de Chile o Méjico. Con el paso del tiempo y los contactos que hemos hecho hemos conseguido tener un stock amplio y de calidad, con muchos discos descatalogados que al principio nos costaba mucho encontrar”. ¿Puedes citar algunos clientes famosos? “Al estar en Granada no es

¿Cuál ha sido el disco más curioso que has vendido? “Encontramos una vez un test-pressing de Strangeways, Here We Come de The Smiths, y aunque nos costó decidir si lo vendíamos, al final tuvimos que hacerlo. Nos queremos quedar tantas cosas…”. ¿Ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo? ¿Y aquél que consideras que siempre debe estar? “Un disco que siempre recomendamos, y da igual el tipo de persona, es Harvest de Neil Young. Y eso sí, sin los Beatles no levantaríamos la persiana, no señor”. Explicadnos alguna anécdota en la tienda

imposible de olvidar. “Estamos indecisos entre dos momentos muy mágicos vividos en Bora-Bora, así que os contamos los dos. El primero, cuando Miguel Ríos presentó su libro en nuestra tienda y acabó cantando ‘Boabdil El Chico’ con Antonio Arias y Eric Planetas. Y la otra fue cuando Nacho Vegas hizo un pequeño acústico y estrenó una canción nueva sobre los desahucios”. ¿Recomendaríais a alguien abrir una tienda de discos ahora? “Estamos en una época muy dura para abrir cualquier tipo de negocio, pero si te gusta la música y tienes ganas, adelante, mucho mejor que abrir un cibercafé o una tienda de cigarrillos electrónicos”. ¿Ha cambiado vuestra relación como fans de la música? “La relación ahora es más estrecha, pero seguimos siendo igual de fans”. ¿Qué supone para vosotros el Record Store Day? “Para nosotros supone un día de celebración en el que los coleccionistas se van juntando y tropezando por las tiendas de la ciudad comprando esas ediciones especiales o los clásicos de siempre. ¡Es como el domingo de ramos para los católicos!”.

INTERFERENCIAS

LOS DIEZ DE RECORD STORE DAY 2015 Como cada año el listado de novedades para el Record Store Day es abrumador... por eso hemos considerado oportuno haceros una selección de diez ítems que no faltarán en nuestras bolsas el 18 de abril.

VV. AA.

METALLICA

FOO FIGHTERS

Después de la gran acogida que tuvo el doble vinilo que publicamos el año pasado, en éste repetimos la misma fórmula: 16 bandas estatales reinterpretando canciones de 16 artistas que han sido portada de RockZone. A cada una más sorprendente, palabra.

Metallica han sido siempre unos colaboradores activos del RSD y este año suyo va a ser uno de los lanzamientos estrella. Se trata de la reedición, en cassette tal como fue editada, de la primera demo de la banda con la primera formación. Eso sí, estará remasterizada.

Con Dave Grohl como embajador del RSD no podía faltar algún lanzamiento de Foo Fighters. Aunque hubiese molado algo más espectacular –ese concierto de cumpleaños de Grohl hubiese estado bien-, este 10” tampoco está nada mal.

Bipolar Sessions Vol. 2

No Life ‘Til Leaher

BRAND NEW Deja Entendu

Brand New son uno de los protagonistas de nuestro décimo aniversario con el show que veremos en mayo, por lo que no estará de más disfrutar de la reedición en vinilo ahora que es imposible encontrar una copia por menos de 200 euros de su álbum más mítico.

Songs From The Laundry Room

BIFFY CLYRO Puzzle

Han tardado lo suyo, pero finalmente Puzzle, el tercer álbum de Biffy Clyro y el que les dio el espaldarazo, se editará en vinilo. Será una tirada de sólo 2.000 copias, con lo que es más que probable que el lunes 20 no quede ni una sola en las tiendas.

CLUTCH

OFF!

THEETING

Por increíble que parezca, dado que su público suele ser amante del vinilo por definición, uno de los álbumes más celebrados de Clutch se edita por primera vez en este formato. Doble vinilo, color púrpura y 500 copias. Imposible resistirse.

¿Qué sería un RSD sin un lanzamiento de OFF!? Con ellos sabemos que la ración de hardcore punk está asegurada. En este caso un 10” grabado en el Radio One Rock Show de la BBC, donde condensan diez temas en poco más de 15 minutos. Como debe ser.

Los lanzamientos nacionales cada vez van cogiendo más importancia. Entre todos ellos destacamos el de Teething, la banda madrileña de grindcore. Theeting son la leche y el ¡3”!, tema por cara de

From Beale Street To Oblivion

Live From The BBC

BRUCE SPRINGSTEEN Remasters Bruce Springsteen siempre es uno de los fijos en el RSD y sus discos son de los más buscados, aunque este año su compañía ha decidido tirar la casa por la ventana reeditando las siete primeras obras remasterizadas del de New Jersey, desde su debut hasta Born In The U.S.A..

Anaconda EP

21 y 25 segundos, se lleva el premio al ítem más chulo de este RSD.

RYAN ADAMS

Come Pick Me Up Ahora que Ryan Adams vuelve a estar en la primera línea, es un buen momento para rescatar ‘Come Pick Me Up’, uno de los temas aparecidos en su álbum de debut, en una versión alternativa. 7” que desaparecerá en un visto y no visto por los acérrimos fans del cantautor americano.

REALEZA PRECOZ

ROYAL BLOOD

EN TAN SóLO UNOS POCOS MESES, ROYAL BLOOD HAN PASADO DE DAR SU PRIMERA ACTUACIÓN A VER SUS CARAS EN TODAS LAS PORTADAS, RECOGER UNOS CUANTOS PREMIOS Y SER LOS ELEGIDOS PARA TELONEAR A FOO FIGHTERS EN SU PRÓXIMA GIRA. ANTES DE QUE DESEMBARQUEN EN NUESTRO PAÍS, CONTACTAMOS CON ELLOS PARA CONOCER DE PRIMERA MANO LO QUE ES ESTAR EN LA CRESTA DE LA OLA. Texto: Jordi Meya/GONZALO PUEBLA FotoS: DR

UENTA la leyenda que Mike Kerr (voz, bajo) y Ben Thatcher (batería) decidieron formar Royal Blood en el párking de un aeropuerto. Kerr había estado nueve meses en Australia y a su regreso le trasladó a su viejo amigo su deseo de empezar un nuevo grupo con él. Con un sonido a medio camino entre Muse y Queens Of The Stone Age, el dúo pronto empezaría a llamar la atención con sus conciertos en la escena local de Brighton. Después de hacer públicas sus primeras canciones, ‘Out Of The Black’, ‘Come On Over’, Royal Blood recibieron un inesperado impulso cuando el batería de Arctic Monkeys lució una camiseta suya durante su concierto en el festival de Glastonbury en verano de 2013. Un año después publicaban su debut homónimo a través de Warner y el grupo se montaba en una montaña rusa de la que todavía no han bajado, codeándose en lo alto de las listas junto a Ed Sheeran y Sam Smith y recibiendo un Brit Award al Mejor Grupo Británico de 2014 de la mano de una leyenda como Jimmy Page. Algo que explica que Kerr fuera un poco sobradete en la conversación que mantuvimos con él después de

“No formo parte de la realeza, sólo soy un músico. Quiero escribir música, tocar en directo y divertirme” MIKE KERR “Es simplemente que trabajé con mi instrumento como lo haría cualquier guitarrista. No tiene nada de raro, es mi manera de tocar, mi sonido. Es el mismo que tenía cuando tocaba en grupos con una formación estándar”.

seis intentos fallidos. Empecemos por el principio de toda esta historia. ¿Cómo os conocisteis Ben y tú? MIKE KERR “Nos conocemos desde hace diez años. Crecimos juntos, tocamos juntos en muchísimos grupos, así que realmente nos conocimos por la música”. Cuando empezasteis el grupo, ¿teníais claro que queríais ser un dúo o pensasteis en buscar más miembros? “Como habíamos estado en otros grupos, cuando decidimos empezar uno nosotros dos y nos pusimos a ensayar vimos que no necesitábamos a nadie más. Sonábamos como queríamos. Así que no fue algo premeditado, pero rápidamente decidimos que Royal Blood seríamos Ben y yo”. A estas alturas ya no resulta raro ver un dúo de guitarra y batería, pero bajo y batería no suele ser tan normal... ¿Cómo conseguiste dar con ese sonido tan particular que sacas de tu instrumento? Suena como si fuese una guitarra de verdad.

En apenas un año desde del nacimiento del grupo conseguís firmar por Warner. ¿Cómo os descubrieron? “Cuando todo esto ocurrió, nosotros ya teníamos nuestro sello. Estábamos buscando un distribuidor, así que fuimos nosotros quienes les descubrimos a ellos”. ¿Cómo fue la grabación del álbum? ¿Fue antes o después de que firmaseis con el sello? “Todo sucedió más o menos a la vez. En cualquier caso el disco hubiera sido exactamente el mismo que es ahora”. ¿Y cómo estáis viviendo todo lo que os está pasando en estos últimos meses? ¿A veces no desearíais que las cosas fuesen un poco más despacio? “No. Estoy disfrutando de todo esto. Es difícil pensar que te gustaría que las cosas fueran distintas cuando te estás divirtiendo”. ¿Os molestan las opiniones de la gente que desconfía de vosotros por haber salido de la nada y llegar tan lejos con apenas un álbum? Hay algu33

“No teníamos ni idea de que la gente fuera a escuchar a Royal Blood, así que es imposible predecir qué ocurrirá en el futuro” MIKE KERR nos que pueden llegar a pensar que sois un producto... “No presto atención a esas cosas”. ¿Cómo lleváis el codearos con la realeza del rock, las galas, las entregas de premios y todo el glamour del rock? ¿Os sentís raros estando en eventos como unos MTV Awards o los Brit Awards? “No formo parte de la realeza, sólo soy un músico. Quiero escribir música, tocar en directo y divertirme. Cuando me invitan a una fiesta, pues voy, pero no es el motivo por el que haga esto”. Entre vuestros fans está gente como Jimmy Page, ni más ni menos... ¿Cuál es la celebridad que más ilusión os ha hecho conocer? “No me importan una mierda las celebridades, sólo me importan los músicos. Así que para mí Jimmy Page es la persona más importante que he conocido. Es uno de los mejores músicos de la historia y también el líder de mi banda favorita, Led Zeppelin. Además es muy amable”. ¿Qué otros artistas o bandas 34

os han ayudado a definir más el sonido de Royal Blood? “No lo sé. Es una mezcla de todo lo que hemos escuchado (risas). Sonamos como sonamos porque yo toco el bajo y Ben toca la batería. Pero si quieres nombres, apunta a Jeff Buckley y Queens Of The Stone Age”. Y este verano estaréis teloneando a Foo Fighters, de los que imagino que seréis fans. Ya habéis tocado en grandes festivales como Glastonbury, Download, Reading... Pero supongo que para vosotros, y más jugando en casa, tocar en Wembley debe ser algo muy especial... “Desde luego. Además, será mi cumpleaños. No será un concierto como los demás, estoy muy emocionado, pero todavía queda bastante tiempo. Ahora toda mi atención está puesta en el concierto que tenemos mañana. El próximo show es siempre el más importante de mi vida”. Tuvisteis que cancelar parte de la gira del pasado otoño, incluidas vuestras dos fechas en España, a causa de

una enfermedad. ¿Qué pasó exactamente? “Pillé una gripe y luego gastroenteritis. No fue bonito (risas). Pero fue sólo una infección. Ya estoy totalmente recuperado”. ¿Planes para el siguiente disco? ¿Qué podemos esperar? “Todavía no hemos empezado a pensar en ello. Estamos demasiado ocupados”. Muchos dúos como The Black Keys o The White Stripes empezaron haciendo algo muy básico para después, en sus discos más recientes, ir añadiendo más arreglos... ¿Crees que de alguna manera el formato dúo acabará siendo tan limitado que os veréis forzados a ir abriendo más vuestro sonido? “Quizá, no lo sabemos. No teníamos ni idea de que la gente fuera a escuchar a Royal Blood, así que es imposible predecir qué ocurrirá en el futuro. Estamos viviendo nuestro sueño”.

ESA MALDITA

COSA El próximo 16 de junio Every Time I Die protagonizarán uno de los conciertos que hemos planeado para celebrar nuestro décimo aniversario. Si eso ya es la Hostia, que lo hagan para presentar un discarral como From Parts Unknown ya es la reHostia. Texto: EDUARD PETROLILLO Foto: DR

EVERY TIME I DIE

s una regla universal del mundo de la música que todo grupo asegure que su último disco es el mejor que nunca han grabado. Como la experiencia demuestra, la mayoría de veces no es verdad, sobre todo si la banda en cuestión ya lleva unos cuantos discos en la mochila, pero por una vez Every Time I Die dicen la verdad. From Parts Unknown (Epitaph) nos ha devuelto la mejor versión posible del grupo de Buffalo en su séptimo intento. El álbum, grabado el pasado mes de marzo por su admirado Kurt Ballou, guitarrista de Converge, nos muestra tanto la cara más bruta del grupo como la más experimental. Es evidente que su impacto en la escena metalcore no será el mismo que el que su segundo álbum Hot Damn! tuvo en 2003, de la misma manera que por muy bueno que fuera el último de Converge no tuvo el mismo que Jane Doe; sin embargo, ratifica el compromiso que Keith Buckley (voz), su hermano Jordan (guitarra) y Andy Williams (guitarra) siguen teniendo con el grupo que formaron hace ya 17 años. Un compromiso que no ha tenido correspondencia con los otros miembros del grupo y que les ha llevado a reclutar a Daniel Davidson como nuevo batería después de la salida de Ryan Legger. Fueron ellos cuatro, más el bajista Stephen Micciche, a quienes pudimos ver en un devastador concierto en Berlín, en el que también aprovechamos para mantener esta entrevista.

“En lugar de hacer algo que los chavales pudieran cantar, quisimos hacer algo que les asustara” KEITH BUCKLEY

From Parts Unknown ha sido considerado por mucha gente como vuestro mejor álbum hasta la fecha. ¿También lo veis así vosotros? KEITH BUCKLEY “Claro. Seguramente es del que estamos más orgullosos. 37

Creo que todo lo que tuvo que ver con el disco, la composición, la grabación, sacó lo mejor de nosotros. El disco lo compusimos estando de gira y lo grabamos en tres semanas, por lo cual yo estaba un poco escéptico. Pero viendo el resultado, nos sentimos muy orgullosos”. Es también uno de vuestros trabajos más cañeros… “Sí, creo que hoy en día hay demasiado grupos intentando hacer material más accesible. Nosotros queríamos ir en la dirección contraria. En lugar de hacer algo que los chavales pudieran cantar, quisimos hacer algo que les asustara (risas)”. ¿Cómo fue la experiencia de grabar el nuevo disco con Kurt Ballou en los God City Studios? “¡Muy estresante! Pero quizás es algo que influyó en nosotros de manera positiva, porque con este tipo de música, si estás muy relajado y te tomas mucho tiempo, pierdes ese punto de naturalidad. Kurt es un tío muy intenso e intimidante, y estábamos todos muy nerviosos”. ¿Crees que su intensidad y exigencia os hizo trabajar más duro que en anteriores entregas? “Sí, sin duda. Fue duro, pero de una manera positiva. Nos presionó mucho para que sacáramos lo mejor de nosotros y nos guiáramos por nuestro instinto en vez de darle vueltas a las partes una y otra vez. El grabar no fue un trabajo duro, pero sí el buscar ser lo más honestos posibles con nosotros mismos”.

En la crítica que publicamos se decía que el disco reflejaba a la perfección a cinco tíos dando lo mejor de sí mismos para impresionar a uno de sus héroes. ¿Estás de acuerdo? “Sí y no, porque el álbum no fue compuesto en el estudio. De hecho, cuando fue escrito ni siquiera sabíamos que iba a grabarlo él. Cuando cerramos hacerlo con Kurt sí que nos planteamos que nos podría ayudar más. Los temas rápidos se volvieron aún más rápidos, pero también teníamos curiosidad por ver qué podía hacer con los temas más rockeros. Por eso hay más temas rockeros que en los otros discos. Cuando tienes la oportunidad de trabajar con alguien así, también te apetece ponerle un poco a prueba, no sólo que él nos pusiera a prueba a nosotros. En parte escribimos el álbum con Kurt como productor en mente, pero en el fondo no era nuestro objetivo impresionarle, solamente ver qué haría con nuestros temas”. ¿Cómo salió la idea de grabar con él? “Le conocemos de hace mucho y siempre estaba ahí la idea de grabar con Kurt algún día. Cuando empezamos a componer el álbum en la carretera pensamos en quién iría a producirlo y quisimos probar con él. Le contactamos y aceptó, pero tenía poco tiempo en el estudio y tuvimos que escribir el nuevo álbum muy deprisa”. Quería preguntarte por alguna canción, concretamente por ‘Moor’. Quizás sea vuestra canción más diferente

hasta la fecha. “¡Sí! Lo es. No sé, Andy tenía en mente desde hacía tiempo escribir una canción solamente con un piano. Estábamos en Bélgica cuando compuso la melodía del piano, y si te soy sincero, no recuerdo exactamente cómo salió el resto del tema, pero decidimos poner una parte de caña ahí en medio y luego volver al piano solo. Fue una canción pensada para estar en mitad del álbum y hacer de transición entre un tipo de canciones y otro. Ojalá tuviera una historia más divertida para contarte sobre este tema, en serio, pero solamente se trató de nosotros en el camerino buscando melodías con un teclado (risas)”. Otra sorpresa del disco es la participación de Brian Fallon de The Gaslight Anthem en ‘Old Light’. ¿Cómo le convenciste para ello? “Llevamos un tiempo siendo amigos. A mí me encanta su banda y a él la nuestra, así que fue fácil. Simplemente le escribí y le dije que si quería hacerlo. Pasamos de mánagers, discográficas y todas esas mierdas. Simplemente se lo pedí y lo hizo”. Parece que los cambios de formación en Every Time I Die es algo a lo que ya estáis acostumbrados. El último en dejar el barco ha sido Ryan ‘Legs’ Legger, el batería. Supongo que habéis aprendido a lidiar con esto a lo largo de los años... “Sí, no es fácil, pero nos ha tocado hacerlo tantas veces que ya somos conscientes de que nada es per-

manente y que todo va a cambiar o acabar algún día. Cuando pasa es triste, pero simplemente hay que seguir adelante. Me estresé un poco cuando Legs nos dijo que lo dejaba porque es un batería increíble y la verdad es que no nos dio mucho tiempo para encontrar a un sustituto. Además, nos dimos cuenta de que, si iba a entrar un nuevo batería, no podíamos permitirnos un paso atrás. Tenía que ser igual de bueno o mejor que Legs para llevar a la banda al siguiente nivel. Hemos tenido la suerte de encontrar a Daniel, que fue batería de Underoath y Norma Jean. Siempre lo tuvimos en mente, y ahora que lo tenemos a bordo es realmente una bendición”. Recientemente has estado escribiendo tu primera novela, Scale, que se publicará el próximo invierno. ¿Qué puedes contarnos acerca de ella? ¿De qué trata? “Es una novela semi autobiográfica, pero tampoco quiero que la gente piense que es una colección de historias sobre ir de gira, porque no lo es. Hay elementos de eso, pero en el fondo es simplemente la historia de un tío intentando encontrarse a sí mismo. Algo muy típico aunque usando el contexto de los músicos, ya que es lo que he hecho durante los últimos 17 años y me resulta un entorno muy familiar. No voy a contar más, pero te puedo decir que si la gente espera historietas sobre sexo y drogas se va a decepcionar”. ¿Cómo fue la experiencia de escribir un libro después de haber escrito tantas cancio-

“Tenemos muchas ganas de volver a España, y no dudéis de que será un concierto genial” KEITH BUCKLEY nes? Porque es un concepto de escritura totalmente diferente, la verdad… “¡Sí! Es totalmente diferente, pero ha sido genial. Me ha llevado tres años escribir el libro entero, y la verdad es que durante este tiempo el libro me dio algo para mirar adelante; quería verlo terminado. Fue un poco raro cuando no sabía si alguien querría publicarlo, se lo enseñé a mucha gente y aún tengo dudas de si va a gustar a quien lo lea. Fue muy diferente el hecho de no tener límites, como pasa con las letras de las canciones, porque con el libro nunca sabes del todo si lo has acabado o no. Tienes que confiar en tu instinto y punto”. Cambiando de tema: cuéntanos algo sobre el crawl of death. ¿Cómo empezó? “¡Con una broma, obviamente! (Risas) Lamb Of God hacen el wall of death en sus conciertos. Ya sabes, el público se divide en dos y se lanzan unos contra otros. Yo nunca he encajado muy bien la violencia, no estoy nada cómodo viendo a mucha gente haciéndose daño, así que inventé esta historia de que la gente hiciera lo mismo, pero arrastrándose. Sigue siendo algo muy divertido y nadie se hace daño en nuestros conciertos”.

po The Damned Things? ¿Vais a volver a tocar o fue algo puntual que ya ha pasado a la historia? “¡No, qué va! ¡Yo quiero seguir tocando! Hablé con Joe (Trohman) hace un par de días, de hecho. Todos en la banda seguimos en contacto y somos amigos. Joe me dijo que tenía algunas demos y que quería hacer algo con ello. El problema es que todos estamos en bandas increíblemente ocupadas, sobre todo Anthrax y Fall Out Boy, así que tenemos que esperar a encontrar ese momento en el que todos seamos capaces de coincidir en el mismo sitio y empezar a trabajar en ello. No tenemos ninguna prisa, pero realmente me encantaría. Lo echo de menos... ¡Espero que sea pronto!”. Vais a formar parte de uno de los conciertos de celebración de los diez años de nuestra revista, RockZone. ¿Qué les puedes decir a quienes piensan asistir al show? “Nos encanta girar con Stray From The Path porque tenemos muchas cosas en común y eso nos afecta muy positivamente en nuestro directo. Además, será nuestra segunda vez en Barcelona y no habrá los nervios que había la primera vez que tocamos. Siempre que tocas por primera vez en una ciudad no sabes qué pasará, pero eso ya ocurrió. Tenemos muchas ganas de volver a España, y no dudéis de que será un concierto genial”.

¿Y qué pasa con el supergru-

HAMLET

RABIOSAMENTE

VIVOS

l mes pasado decidimos que La Ira (Maldito Records), el onceavo álbum de Hamlet, copara la sección de críticas como nuestro Disco del Mes. Evidentemente la calidad demostrada en las nuevas composiciones era la principal razón para que estuvieran ahí, en lo más alto, pero había más cosas a tener en cuenta. Estábamos contentos de tener de vuelta a Molly (voz), Luis Tárraga (guitarra), Álvaro Tenorio (bajo) y Paco Sánchez (batería) y dar la bienvenida a Ken HC, quien sutituye a Alberto Marín a las seis cuerdas. En esta casa siempre les hemos tenido en muy alta consideración y era cuestión de que todos nos enteráramos de la frenética actividad que ha rodeado al grupo en los últimos tiempos, ya que, a pesar de habernos tenido cuatro años sin nuevo material, no habían parado de trabajar y de sacar proyectos adelante. En esta entrevista tratamos de desvelar el presente y el futuro de una banda que, por trabajo, talento y perseverancia, se lo merece todo. Hamlet en estado puro.

Por fin Hamlet están de vuelta con un nuevo disco. Han sido cuatro años sin nuevas canciones, pero no exentos de actividad, cambios, y también de acumular rabia por parte de la veterana BANDA madrileña. Ahora toca liberarla en La Ira. Texto: Andrés Martínez Fotos: Irene Bernad

Cuéntame un poco cuál es el estado actual de la banda tras la salida de Alberto Marín el pasado octubre... LUIS TÁRRAGA “Estamos mejor que nunca. Y no es un topicazo, siempre decimos que los cambios, y éste más si cabe, son para mejor. ¿Por qué lo decimos? Porque si una persona no está a gusto en un sitio lo que esto conlleva es que comiencen a haber fricciones, y mejor cortarlas antes de que vayan a más. Estamos muy agradecidos a Alberto y su participación en el tiempo que estuvo 41

HAMLET con nosotros. Nos encontramos sonando mejor que nunca en los ensayos, en los últimos conciertos, y contentos con el ambiente que tenemos en el grupo. Tiene mucho que ver en esto el disco nuevo y lo que hemos querido trasmitir con estas canciones, por supuesto”. Me gustaría hablar también de esa exitosa campaña de Verkami que habéis llevado a cabo para la lujosa edición del directo Vivo En Él y la reedición de Sanatorio De Muñecos. Os ha ido muy bien y supongo que ha sido un chute de entusiasmo ver cómo ha respondido la gente... “La verdad que no esperábamos que pudiéramos acabar este proyecto de los directos nunca, y sí que teníamos miedo a que nadie ayudara a ello. Los sellos no lo hicieron; nosotros ya no teníamos forma de financiar lo costoso que era todo... Alguien nos dijo que hiciéramos esto y nos daba miedo, pero nos tiramos a ello y se nos ocurrió en el proceso incluir Sanatorio De Muñecos, que lo veíamos muy mejorable. Es el único que retocaríamos de todo lo que tenemos, y también incluir camisetas, pósters, entradas de 42

conciertos... La respuesta fue increíble, y por supuesto que nos dio un espaldarazo bestial. Primero para poder llevarlo todo a cabo, ya que era muy costoso, como he dicho antes, y segundo porque nos demostró que teníamos un apoyo de gente detrás que no llegábamos a imaginar. Sí que venían a nuestros conciertos y demás, pero no al nivel de ayudar de esta manera ni mucho menos”. No hace mucho hablaba con otra de nuestras bandas que ha recurrido a la financiación adelantada y me comentaba que hoy en día, y sobre todo para los grupos nacionales, casi es el único modo de poder editar algo con cara y ojos. Sabemos cómo están las cosas, sin embargo, ya empiezan a salir voces discordantes con el crowdfunding y este sistema al que, al fin y al cabo, cada uno es libre de aportar lo que quiera, nadie obliga a nadie. ¿Es el ‘todo gratis’ lo que busca la gente? Porque al final si seguimos por este camino, esto se acaba. A vosotros con vuestro bagaje os ha ido bien, pero a

grupos más humildes incluso los masacran a críticas. “¡Y a nosotros también nos han masacrado! (Risas) Vamos a ver, mi opinión es que nadie obliga a nadie a aportar en un proyecto. Entonces puede ser un éxito o un fracaso al igual que cuando uno da un concierto o edita un disco con un sello al uso. Puede ir gente o no, puedes vender discos o no. Cada uno sabrá qué puede hacer y hasta dónde puede llegar, a partir de ahí es una aventura en la que el grupo, en este caso, está en contacto directo con su gente, y eso es lo que fastidia a muchos sellos, porque se les jode el chiringuito. A algunos medios les fastidia porque si eliminas al sello a lo mejor eliminas lo que los medios le dan a un sello y viceversa, que es acuerdos de publicidad y demás. A mí personalmente me fastidia que alguna gente de a pie, supuesta consumidora de música, muy crítica con la industria y con los precios de un CD o un vinilo, que está a favor de las descargas gratuitas, de la bajada de precios y de hacer las cosas de otra manera saltándose lo establecido, critiquen una cosa tan cercana, a lo que deberían apoyar por sus creencias, como es el que los grupos puedan autofinanciarse y tener un contacto tan directo con sus seguidores, hacer cosas chulas, ediciones que en sellos son imposibles... Al final da la sensación de que hay gente que quiere que se lo regalen todo, pero es que como he dicho, en un crowdfunding nadie obliga a nadie a participar, y ahí está la clave”. En la crítica del disco resaltamos el hecho de que llevéis ya más de dos décadas al

pie del cañón sorteando los miles de problemas que surgen de intentar hacer crecer a una banda de rock en un país como éste, donde todo lo relacionado con la cultura es maltratado de manera sistemática. ¿Qué ha sido lo peor que os habéis encontrado en el camino? “Buff... ¿Lo peor? Ha habido muchas cosas, pero muchas más de positivas, menos mal (risas). No sé, quizás lo peor es la sensación que hemos tenido a veces de que hemos fastidiado a algunos. No sabemos por qué, creemos que por ser tan independientes, por cabezones, por hacer una música complicada y que funcione en el aspecto de durar tanto tiempo, y tener respaldo de bastante gente al fin y al cabo. Por romperles a algunos los esquemas quizás, y cuando creían que íbamos a hacer algo hemos hecho lo contrario. Por hacer lo que nos ha salido de ahí mismo al fin y al cabo (risas). No me gusta eso de hablar de que siempre se va a por el que triunfa, porque además de que sería un comentario muy chuleta, no nos creemos que hemos triunfado ni mucho menos”. Vamos con La Ira. De entrada me ha sorprendido la portada, muy diferente de lo que es habitual en vosotros. Ese tipo de imagen se asocia más a grupos en una onda más sludge o incluso black. ¿Habéis querido decir algo con ese artwork? “Con la portada queríamos reflejar La Ira como símbolo, como si fuera una carta o el dibujo de su significado en un libro de ilustraciones. Este dibujo

nos lo presentó Víctor García-Tapia, el diseñador del disco, cuando le dijimos lo que queríamos trasmitir. Nunca nos fijamos en ningún movimiento musical específico para hacer este tipo de cosas, es más, si es lo que menos espera la gente de nosotros, mejor. Cuando un grupo tiene tantos álbumes como nosotros es bueno buscar este tipo de cosas y no cerrarse en conceptos muy marcados en cada disco. Al menos, es lo que nos gusta hacer”. Las nuevas composiciones me suenan muy cabreadas. Empezando por el título, La Ira, también los temas son más cortos y se percibe una agresividad más marcada. En la crítica enfatizo esa cuestión e incluso me pregunto si es consecuencia de los tiempos tan oscuros que vivimos en la actualidad. ¿Cómo lo ves? ¿Estáis realmente más enfadados que nunca? “Nuestros discos reflejan nuestro estado de ánimo tanto en lo personal como en lo social, y este período de tiempo que vivimos mientras lo hemos estado haciendo ha sido muy difícil en ambos aspectos. En lo personal ha habido cosas muy complicadas de vivir, sobre todo para Molly, que es quien hace las letras, y el que preste atención lo verá muy reflejado en ellas. La situación social es la que es, no hay mucho que decir que no sepa la gente, y nos gusta hablar de ello a nuestra manera. Esto creó esa ira de la que hablamos, y la música tenía que ser acorde con estos sentimientos. Por eso tiene esta crudeza e intensidad”.

“Nuestros discos reflejan nuestro estado de ánimo tanto en lo personal como en lo social, y este perÍodo de tiempo que vivimos mientras lo hemos estado haciendo ha sido muy difícil en ambos aspectos” LUIS TÁRRAGA

Supongo que todo lo que está pasando a nuestro alrededor, con todos los casos de corrupción, crisis económica y social, pérdida de valores y desaparición de derechos básicos, es una buena fuente de inspiración... ¿Deberíamos empezar a buscar alternativas a una sociedad podrida hasta la médula? “El modelo social está agotado, está caduco, está manejado por corruptos, y lo peor es que ha llegado a crear un estilo de vida repugnante en muchos casos, pero imitado y seguido de forma muy global y superficial. En programas de televisión, en la música, hábitos de conducta guiados por personajes siniestros... Afortunadamente, hay mucha gente también con ganas de dar un buen golpe en la mesa y cambiar las cosas, ojalá llegue todo eso pronto”. ¿De quién fue la idea de trabajar con Kurt Ballou? ¿Buscabais algo nuevo con un profesional que ha trabajado con bandas como Kvelertak, Skeletonwitch, además de su inmensa experiencia como miembro de Converge? Tam43

“No queremos llevar maquillaje para resultar más atractivos. Queremos tener una apariencia rara y turbia” TONY SYLVESTER

“Algunas veces nos dolía un poco los que decían que éramos un grupo que seguía modas, porque un grupo que sigue modas está carente de personalidad. Yo creo que lA tenemos” LUIS TÁRRAGA

bién habéis tenido a Brad Boatright en la masterización y a vuestro fiel Carlos Santos en los controles, todo un lujo de equipo... Supongo que habéis quedado muy satisfechos con el resultado final, ¿no? “La idea fue de Molly y mía. Además de ser ambos fans de Kurt por el sonido que saca en todos sus trabajos, nos encantan los grupos que hace. Además, queríamos un sonido crudo, desnudo, que estuviera totalmente alejado del metal moderno en cuanto a producción, sonido y mezclas. Nos gusta cómo sonamos cuando ensayamos, cuando nos grabamos nuestras maquetas guarras en una grabadora de bolsillo. Nos gusta mucho más cómo sonábamos en nuestros discos antes de la era Pro Tools que en los que ya todo está informatizado y llenos de software. Y quisimos volver a ello. Carlos Santos es también de los mejores del mundo para llevar a 44

cabo lo que queríamos hacer, y a Brad lo sugirió Kurt. Al final el equipo ha sido bestial y hemos conseguido lo que queríamos”. Además, creo que habéis grabado el disco en analógico, ¿cierto? “Lo hemos grabado a la vieja usanza casi todo, en la forma de tocar en el estudio y en el equipo, y además, Kurt mezcla en analógico y lo poco que vaya de forma digital lo convierte también”. De hecho, creo que uno de los puntos negros de muchas de las bandas de metal de la actualidad es el exceso de producción. Hay demasiada preocupación en sonar absolutamente impolutos y son muchas las veces que te encuentras con producciones muy poderosas a nivel de so-

nido, pero estériles. “¡Exacto! Es que eso es de lo que queremos huir. Hay grupos que suenan así, tan potentes, que esconden las canciones, creo. A veces las tienen muy buenas y para mí acaban perjudicándolas con tanta producción, y otras es el camuflaje perfecto para una mala canción. Suena todo tan limpio, tan clavado, tan gordo y fuerte, que lo único que hace para mí es sorprender de esa forma sónica, pero sin alma y sin intensidad”. A pesar de que en mi opinión os haya salido un disco muy kamikaze, también tenemos temas con cierto poder melódico como por ejemplo ‘Imperfección. ¿Qué importancia le dais a la melodía a la hora de componer? Siempre he pensado que Molly, por su manera de cantar, es muy responsable de todo el pode-

río melódico de la banda. “Nosotros lo que miramos es que la canción tenga alma, sea la más dura del mundo o la más blanda, y para eso hay que tener a alguien capaz de, musicalmente, construir sobre líneas melódicas. Pero es que ser melódico para mí es saber entonar en ciertos pasajes aunque estés gritando como un animal. Cantar suave no es ser melódico en muchos momentos, tampoco... Buscamos siempre que el desarrollo de la canción nos emocione por donde vaya yendo, y eso es lo que buscamos”. Lo que está claro es que el disco, a pesar de incorporar ciertas novedades en vuestro sonido, suena muy a Hamlet. Sólo con escuchar los primeros riffs sabes de qué grupo se trata. ¿Os planteáis a la hora de componer que vuestra personalidad siempre esté muy presente? O dicho de otra manera, ¿rechazáis algún tema que podáis componer que se aparte un poco de vuestro estilo? “Es que tenemos discos muy diferentes y todos suenan a Hamlet... Al menos, eso creemos. No podemos quitarnos el ser nosotros en muchos tics, y nos gusta ser así. Por ejemplo, Revolución y Syberia no tienen nada que ver y ves que hay bastantes cosas que los acercan. Por supuesto que muchas veces, y ahí están nuestros discos para demostrarlo, hemos querido huir de ser un cliché de nosotros mismos, pero por otro lado nos encanta ser muy reconocibles. Por eso algunas veces nos dolía un poco los que decían que éramos un grupo que seguía modas, porque un grupo que sigue

modas está carente de personalidad. Yo creo que la tenemos”. Ahora estáis en Maldito Records, otro sello para la colección... (Risas) ¿Cuál es la historia de Hamlet con las discográficas? “Nosotros hemos buscado compañeros de viaje, no un sello al uso. Alguien que nos ayude y no mire para ellos, sino como un equipo donde nosotros hemos tomado muchas decisiones de qué y cómo hacer. Maldito ha sido después de mucho hablar lo mejor posible para ello”. Sois un ejemplo de profesionalidad y perseverancia. Hablas con otros grupos y no son pocos los que os tienen como referencia de cómo se ha de llevar la carrera de una banda de metal en un país como el nuestro. ¿Pero en algún momento habéis pensado ‘hasta aquí hemos llegado, lo dejamos’? “Lo pensamos muy poco, y si alguna vez lo hemos pensado sólo hemos tenido que juntarnos para tocar y olvidarlo todo. Y es la verdad, no es decir por decir. Nosotros duramos tanto porque un día nos juntamos unos personajes que disfrutan tocando juntos una serie de canciones, y no hay más, es así de sencillo, unos se fueron y otros llegaron con la fortuna de meterles en el cuerpo nuestra pasión. Nunca miramos tener éxito ni a corto ni a largo plazo; sólo queríamos tocar donde fuera, y eso era y es lo que más nos gusta hacer”.

de nuevo y como suele pasar en estos casos, redescubrí de nuevo títulos que me parecieron excepcionales. Ahora mismo creo que vuestro álbum negro es uno de vuestros mejores trabajos. Echando la vista atrás, ¿hay alguno que recordéis de manera especial? ¿Uno del que os sintáis especialmente orgullosos? Y no vale el último. “El Negro es para el grupo fundamental porque conseguimos muchas cosas que veníamos buscando; último disco antes de la era Pro Tools, por cierto. Nos lo ponemos de ejemplo de muchas cosas y lo disfrutamos. Pero Revolución y Sanatorio son tan especiales… Insomnio por supuesto, y El Inferno también. Y Syberia también es destacable por haber sido tan valientes como para grabarlo con los riesgos que conllevaba por su carácter tan distinto a lo que habíamos hecho nunca. Un favorito no tenemos, la verdad”. Supongo que ahora a continuar sobreviviendo... Los tiempos son difíciles, pero imagino que con la satisfacción de haber grabado vuestro mejor disco en años, encaráis el futuro con optimismo. “La verdad es que estamos muy contentos y creemos que nos va a hacer encarar todo con optimismo. La gente está bastante emocionada con este disco, y estamos teniendo un feedback como hacía mucho no teníamos”.

Para hacer la review de La Ira repasé vuestra discografía 45

PERIPHERY

¿Puede una banda que publica un álbum doble con canciones de 6 minutos en las que se mezcla metal progresivo, pop, jazz y electrónica triunfar en una época en la que la industria musical y los consumidores sufren de déficit de atención? Si la banda se llama Periphery, la respuesta es SÍ. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

s posible que, como se dice, todo esté inventado en el mundo de la música. Pero eso no ha impedido que Periphery hayan sido percibidos como los precursores de un nuevo género: el djent. Si a menudo se acusa a los periodistas musicales de estar obsesionados por etiquetarlo todo, en el caso de esta variante del metal progresivo el responsable de haber incorporado semejante palabra a nuestro vocabulario fue un músico. Probablemente Misha Mansoor, guitarrista y fundador de la banda de Maryland, no imaginaba que esa expresión a modo de onomatopeya del sonido resultante de tapar las cuerdas mientras se toca un acorde en una guitarra con la afinación muy grave tendría tanta fortuna cuando empezó a usarla en foros musicales a mediados de los 2000. Él mismo es el primero en reconocer que no es inventor de nada y cita a Fredrik Thordendal y su banda Meshuggah como los verdaderos padres de la criatura. Pero del mismo modo que cuando se piensa en grunge el público lo hace en Nirvana y no en Green River, fueron Mansoor y Periphery quienes popularizaron el término y lo llevaron del mundo virtual al real con la edición de su primer disco en 2010. Como ocurrió también con el grunge, el djent ha dejado de describir simplemente un sonido para convertirse en el paraguas de toda una escena. Voluntariamente o no, Periphery abrieron las puertas a una nueva oleada de bandas que reivindican el virtuosismo, las estructuras enrevesadas, los ritmos complejos y la libertad para hacer algo más que canciones pensadas para que suenen en la radio. Además, al contrario que otras bandas de metal 48

veteranas y consolidadas, formaciones como TesseracT, Monuments, Textures, Animals As Leaders o Volumes han hecho de internet su mayor aliado. De hecho, en sus primeros años de vida, Periphery existían sólo en la red y no disponía de una formación estable, teniendo a Mansoor como el director de orquesta de múltiples músicos que compartían su visión. En realidad, no sería hasta 2012 que la escuadra para acompañar a Mansoor se solidificaría con Spencer Sotelo (voz), Jake Bowen (guitarra), Mark Holcomb (guitarra), Adam ‘Nolly’ Getgood (bajo) y Matt Halpern (batería). La edición en enero de 2014 del EP Clear, en el que cada uno de los miembros aportaba una composición, ponía de relieve la confianza de Mansoor en sus compañeros y la entrada de Periphery en una nueva etapa. Es esta buena sintonía la que también explica que por fin Mansoor se decidiera a afrontar con ellos la creación de Juggernaut, un álbum conceptual con el que venía coqueteando desde hacía años y por el que sus seguidores no dejaban de preguntarle constantemente. El proyecto se hacía realidad hace tres meses publicándose en dos álbumes independientes, Alpha y Omega (Century Media), y proporcionándoles las mejores críticas de su carrera. Además, el que ambos entraran en el Top 25 de las listas Billboard incita a pensar que su público ya no se limita exclusivamente a otros músicos, sino que sus tentáculos empiezan a expandirse más lejos. A mediados de marzo, durante una de las paradas de su gira europea junto a Devin Townsend Project, tuvimos la oportunidad de charlar con Misha y Spencer sobre su ambiciosa nueva obra, guitarras de 57 cuerdas y su

condición, o no, de genios musicales. Para muchos de vuestros fans el proyecto Juggernaut era casi como el Santo Grial de Periphery. ¿Representaba lo mismo para vosotros? MISHA MANSOOR “Quizá lo era para ellos, pero para nosotros era sólo una manera de divertirnos. Queríamos hacer un disco conceptual y agitar las cosas. ¿Tú qué piensas, Spencer?”. SPENCER SOTELO “Sí, queríamos hacer algo distinto. No nos gusta hacer lo mismo en cada disco y éste era el paso siguiente. No teníamos ni idea de cómo acabaría saliendo, simplemente nos dejamos llevar”. ¿Pero por qué os habéis decidido a hacerlo ahora y no en otro momento? MISHA “La idea de hacer un gran disco conceptual era algo que tenía claro desde que empezamos. Poco después de publicar Periphery II, parecía el siguiente paso lógico. Y además, empezábamos a estar un poco hartos de que en cada entrevista, en cada encuentro con los fans, siempre nos preguntaran por Juggernaut (risas). Básicamente nos sentíamos listos para afrontarlo con garantías, y desde un punto de vista económico, posiblemente, tampoco podíamos permitírnoslo antes. Durante la grabación de Periphery II nos fuimos dos veces de gira. Una de ellas con Dream Theater, cosa que fue un sueño y no me arrepiento, pero creo que al final hizo que tuviéramos que apresurarnos y el disco no fuera todo lo bueno que podría haber sido. No podíamos permitirnos que eso pasara con Juggernaut”. ¿Cuánto tardasteis en terminar

“Diría que el 90% de nuestro público son músicos, Y quizá el 50% de ellos sean guitarristas (risas)” SPENCER SOTELO

los dos discos? MISHA “Unos seis meses. Nos tomamos nuestro tiempo. En realidad invertimos la mayoría del tiempo en grabarlos y mezclarlos, la composición fue bastante rápida. Cuando ya estábamos terminando, nos fuimos de gira, así que fue un poco estresante porque estábamos con muchas cosas a la vez. Pero en esta ocasión estábamos decididos a tomarnos nuestro tiempo porque queríamos asegurarnos de que estaban al nivel que queríamos. No queríamos tener una fecha de entrega y agobiarnos por si no la podíamos cumplir. Ya cometimos ese error en el pasado (risas)”. SPENCER “Exacto, y casi nos mata (risas). Esta vez estaba todo grabado, sólo quedaba por hacer el mastering cuando nos fuimos de gira”. ¿Estáis contentos con el feedback que estáis recibiendo? SPENCER “Por ahora la respuesta ha sido increíblemente positiva. Pero no hacemos música para que nos

halaguen o para complacer a nadie, la hacemos para nosotros. Dicho esto, nos emociona que guste tanto”. MISHA “Estábamos preparados para que lo odiasen porque era bastante distinto (risas). Pero estamos ya tocando los nuevos temas en directo y están siendo muy bien recibidos. Eso es un gran plus para nosotros”. Tanto Alpha como Omega entraron en el Top 25 de las listas Billboard. ¿Significó algo para vosotros? MISHA “Supongo que me alegra porque significa que podremos seguir teniendo una carrera. Desde un punto de vista práctico es muy útil. Ésa es la manera en la que la industria te juzga y eso determina qué giras te van a ofrecer, qué posición tendrás en los festivales, cuál será tu caché, y cosas así. Así que en ese sentido nos alegra porque significa un progreso, pero si no fuera por eso, tampoco nos afectaría a nivel personal. Desde luego no los escribimos pensando en eso”.

Siendo un disco conceptual, ¿cuál fue el proceso de unir la música con la historia? SPENCER “Trabajamos de manera conjunta desde el principio. Yo usé sus maquetas para ir escribiendo las letras y a medida que las tenía, ellos ajustaban la música a ese sentimiento. Fue un proceso de ida y vuelta que fuimos completando entre todos”. Vuestro anterior lanzamiento fue el EP Clear, en el que cada miembro tomaba el mando para dirigir una de las canciones. ¿Cómo fue pasar de eso a Juggernaut, un disco en el que habéis colaborado todos juntos? MISHA “Hacer Clear nos enseñó que cada uno podía ser creativo a su manera y que todos éramos lo suficientemente responsables para exponer ideas y ser capaces de trabajarlas con los demás. Por extraño que parezca, hacerlo nos llevó a crear este disco”. 49

“La verdad es que no estoy muy satisfecho con mi nivel como guitarrista, pero prefiero centrarme en el lado creativo que en el técnico” MISHA MANSOOR

Desde fuera es difícil de imaginar cómo sois capaces de filtrar tantas ideas en vuestra música. Pasáis del jazz fusión al death metal con absoluta normalidad. MISHA “Normalmente yo preparo el equipo para hacer la preproducción y ellos vienen a mi casa para exponer las diferentes ideas. A veces sólo son los guitarristas, otras es Steve. Primero nos centramos en las estructuras a nivel general, no en los arreglos, para grabarlo en algún formato en el que cada uno pueda escucharlo y hacerse una idea de por dónde irá la canción. Y luego nos reunimos todos para hacer los arreglos como banda. Es ahí cuando definimos la estructura final y pasan de ser ideas a ser una canción. También es el momento en que Spencer toma más partido porque algo que nosotros pensábamos que sería un estribillo, él lo convierte en un puente y cosas así. Es de esta manera que cambia el contexto de ser una pieza instrumental a una canción con contenido 50

lírico. Como te decíamos, en este caso todo fue en paralelo y nos íbamos influenciando los unos a los otros”. ¿Cuál creéis que es la identidad musical de Periphery? MISHA “No sabría cómo definir lo que hacemos. Tampoco nos preocupa. Lo único que lo hace es escribir música que nos hace felices. Empezamos el grupo como una forma de autoexpresión. Es muy fácil caer en la trampa de escribir para tus fans, tu sello o tu management, y aunque les estamos muy agradecidos, lo que hacemos es confiar en nuestro instinto. Si nos cuestionáramos eso, tendríamos un problema. Así que creo que nuestra identidad más que un sonido, es una filosofía”. SPENCER “Exacto, no buscamos un sonido en particular, sino un sonido que refleje cómo nos sentimos. Es de ahí de donde sale cómo sonamos”. En los dos últimos trabajos habéis sido capaces de mantener

una formación estable. ¿Seguirá siendo así o el concepto de la banda está por encima de sus componentes? MISHA “Lo único que puedes hacer es tener la esperanza de que sea así. Pero la vida ocurre, es impredecible, y no tienes control sobre lo que pasará. Me encantaría que ésta fuera la formación de Periphery para siempre”. SPENCER “Yo creo que si Juggernaut suena como suena es por la formación que tenemos. Estoy convencido, y creo que hablo por todos, de que esta formación es la definitiva”. Habéis girado con muchas bandas distintas. ¿Os divertís más cuando tocáis con otras bandas progresivas o preferís ser la banda freak en un cartel más punk? MISHA “Siempre es más divertido tocar para tu propio público, pero eso no es lo más inteligente porque entonces no creces. Las mejores giras son las que tocas para gente que no te

PERIPHERY

riencia muy personal que puede ser increíble, y eso es a lo que aspiramos. Posiblemente no sea muy inteligente y lo mejor sea enfocarse a los singles, pero... ¡Que les den! (Risas)”.

conoce pero puede ser receptiva a tu música. Es la única manera de ganar nuevos fans. A mí me gusta que la gente se vuelva loca, pero obviamente cuando alguien te ve por primera vez, simplemente se dedica a mirar y escuchar. Es lo que yo hago también. Me gusta tener que ganarme a esa gente que empieza el bolo y está parada. Así que nos encanta tocar para nuestros fans, pero entendemos la oportunidad que supone hacerlo para quienes no lo son”. SPENCER “Por ejemplo girar con Slipknot sería la hostia, aunque no sea nuestro público natural. O con Nine Inch Nails”. MISHA “O con Metallica o Tool. Todos ellos tienen un público enorme, así que sería genial para nosotros”. ¿Cuánto de Juggernaut tocaréis en directo? ¿Os gustaría poder dar conciertos tocando los dos discos enteros? SPENCER “Ése es el objetivo, pero todavía tenemos que trabajar en ello. Necesitas mucho tiempo para ensayar y aprender los temas. El set que estamos haciendo ahora con Devin Townsend son 45 minutos, así que no podemos encajar todos los temas que

¿Os gusta el progresivo de la vieja escuela tipo King Crimson, Pink Floyd, Rush…? MISHA “A mí me gusta Dream Theater (risas)”. SPENCER “Yo no escucho nada de eso”. quisiéramos”. MISHA “También hay que ver qué aceptación tienen los discos a largo plazo. No tiene sentido tocar algo que la gente no quiere oír (risas)”. Este verano os veremos en el Resurrection Fest. ¿Con qué actitud os tomáis los festivales? SPENCER “Son divertidos porque tocas para mucha gente. Y también puedes pasar el rato con otras bandas”. MISHA “A veces puede ser estresante hasta que llegas al escenario. No es la situación ideal, pero la recompensa merece la pena”. ¿Cómo os explicáis vuestro éxito en una época en la que parece que todo está dirigido a los hits y a la gratificación inmediata? MISHA “Hemos hecho dos discos que deben escucharse de principio a fin porque eso es lo que aspirábamos crear. No pensamos en singles ni nada parecido. Honestamente, creo que las canciones fuera de su contexto no son ni la mitad de buenas. Yo tengo 30 años, y el resto más o menos también, todos crecimos escuchando álbumes. Para nosotros escuchar es una expe-

¿De verdad? ¿Creéis que eso os ayuda a tener una visión más fresca del género? MISHA “Es posible”. Por lo que veis en los conciertos, ¿qué tipo de público tenéis? SPENCER “Diría que el 90% de nuestro público son músicos, y quizá el 50% de ellos sean guitarristas (risas)”. ¿Y saber que os están examinando os pone más presión a la hora de tocar en directo? MISHA “Estamos acostumbrados porque ésos han sido nuestros fans desde el principio. Nos mantiene atentos, pero igualmente lo estaríamos porque no queremos volvernos autocomplacientes. Queremos que nuestro directo sea cada vez mejor, así que está bien tener fans tan exigentes y que no te dejarán pasar ni una. Sabes que si la cagas, ellos lo notarán, y eso hace que te esfuerces para no repetir un error si lo cometes”. Pero me imagino que si queréis que venga más gente a veros hay que ofrecer también un poco de espectáculo... Si no 51

EL ULTIMO DE LA FILA Por si estar al frente de Periphery no fuera suficiente, Spencer Sotelo también tiene otro proyecto a la vista: el lanzamiento del quinto álbum de los resucitados From First To Last, la banda en la que militaba Sonny Moore antes de convertirse en una superestrella como Skrillex. “Para mí es algo que hago por diversión”, dice Spencer al respecto de su incorporación como vocalista del grupo. “Conocí a esos tíos cuando estaba grabando la canción ‘The Parade Of Ashes’ para Clear en el estudio de mi amigo Taylor Larson. Matt Good estaba también trabajando en el estudio con él y dijo que le gustaba mucho mi voz. Como Taylor también se ha unido como guitarrista del grupo comentamos que estaría bien hacer algo juntos. Siempre es interesante hacer varias cosas, pero no va a haber conflicto de agendas porque los planes de uno y otro grupo no van a interferirse”.

puede acabar pareciendo más una clase que un concierto… MISHA “Sí, desde luego. Cuando somos cabezas de cartel llevamos una buena producción… aunque es 52

caro, claro”. SPENCER “Somos muy conscientes de ello. Todo el mundo puede escuchar el disco en su casa, pero si vas a un concierto quieres algo más visual, quieres sentir la energía, y no sólo lo que hay en el disco”. MISHA “Para nosotros es lo mismo. Cuando estamos en el escenario no queremos sentirnos como si estuviéramos en un ensayo. Queremos que haya energía. Sabemos que no sonará perfecto, pero intentamos que haya un equilibrio entre divertirnos, interactuar con el público y tocar lo mejor posible. Si quieres escucharlo todo a la perfección, escucha el álbum”.

LA TEORÍA DEL BIG BANG Misha, todo esto empezó contigo colgando música en internet. ¿Cómo has vivido el pasar de hacer música a un nivel, digamos, doméstico, a estar en una banda y tener que lidiar con otros miembros, con discográficas, promotores…? MISHA “Nada en la vida es fácil, pero ha sido divertido. Al menos cada obstáculo que me he encontrado era con el fin de construir algo más grande. Y además, también es más fácil cuando tienes compañeros en los que apoyarte. Lo importante es tener un sueño, una aspiración. Si la tienes, estás dispuesto

a luchar contra todo”. ¿Qué parte de tu nivel como guitarrista crees que vino por un talento natural o por las horas que le has dedicado? MISHA “La verdad es que no practico tanto como antes. Antes de que el grupo fuera de gira era mucho más fácil encontrar tiempo para practicar. Ahora tengo poco tiempo para mí y prefiero dedicarlo a otras cosas. Diría que cuando más practico es cuando compongo. La verdad es que no estoy muy satisfecho con mi nivel como guitarrista, pero prefiero centrarme en el lado creativo que en el técnico. Soy autodidacta y poco disciplinado, así que hago lo que me sale (risas)”. Ya, pero igualmente, ¿cómo empezaste? ¿Mirabas vídeos de otros guitarristas? MISHA “Tengo bastante buen oído, así que empecé tocando sobre discos de otra gente. También miraba vídeos e intentaba imitar lo que veía. Era un gran, gran fan de Dream Theater, así que cuando empecé intentaba ser John Petrucci. Intenté aprender tantos riffs y solos de Dream Theater como pudiera, y eso me obligó a mejorar mucho con mi instrumento. Eso es lo que me ayudó a centrarme”. ¿Qué otros guitarristas te han influenciado? MISHA “Siempre va cambiando, pero históricamente cuando empecé eran Petrucci, Guthrie Govan y Allen Holdsworth”. Te debe resultar curioso que ahora haya gente que te admire como a ellos... MISHA “Sí, es muy raro (risas)”.

Una cosa que sorprende es que aunque seáis tres guitarristas en el grupo, los solos no tienen un papel predominante en vuestra música. ¿Cuál es vuestra actitud respecto a ellos? MISHA “Simplemente creo que los solos tienen que estar cuando encajan. No los forzamos. Si estamos componiendo y alguien aporta un solo, lo tenemos en cuenta. Yo hago el solo de ‘Rainbow Gravity’ en una parte en la que inicialmente iba a ser cantada, pero luego Spencer creyó que era mejor que no. Así que había hueco y probé el solo y funcionó, pero si no hubiera quedado bien, habríamos pensado otra cosa. Los solos tienen que aparecer de manera orgánica y quizá por eso no hay solos súper largos como se espera de una banda progresiva”. Spencer, has hecho un gran trabajo como vocalista, pero hoy en día es difícil de decir quién canta bien y quién no, teniendo en cuenta todas las herramientas que hay a la hora de grabar. SPENCER “Primero de todo, muchas gracias. En cuanto a lo segundo, no creo que haya que sentir vergüenza por usar Auto-Tune si te ayuda a sonar mejor tanto en disco como en directo. Al fin y al cabo, nadie le reprocha a los guitarristas que usen pedales de efectos para sonar mejor... no sé por qué a los cantantes se les tiene que juzgar de manera distinta. Obviamente no hay que abusar de ello porque sino lo que ocurre es que tu personalidad puede quedar diluida, pero por lo demás, si lo usas como una herramienta y no como

una muleta, no le veo el problema”. Cantas con registros totalmente distintos, usando voces guturales y también melódicas. ¿Cómo incorporaste estas dos escuelas a tu estilo? “En muchos casos tuve que aprender a hacerlo porque éste es el estilo del grupo. Tuve que aprender yendo de gira a dominar esos registros. Me encantan vocalistas que usan distintas voces como Corey Taylor o Mike Patton. Para mí todo se trata de transmitir emociones y por eso creo que sueno auténtico use el registro que use”. ¿Te costó asumir el papel de frontman en un grupo tan centrado en la parte musical? SPENCER “Al principio fue un poco difícil porque todos los fans del grupo lo eran por las maquetas que se habían ido colgando en internet con diferentes cantantes, pero una vez empezamos a publicar discos de manera oficial y a girar, fue más fácil”. ¿Sois muy nerds? SPENCER “(Risas) Si te refieres a si nos pasamos el día jugando a videjuegos, tocando nuestros instrumentos y escuchando música, entonces sí, somos súper nerds”. MISHA “Yo creo que sí. La verdad es que he perdido el contacto con lo que es la vida real. Siempre estamos rodeados de músicos como nosotros, que también son nerds, pero yo creo que molamos (risas)”. La evolución del sonido en el metal ha ido muy ligada al uso de las guitarras de siete cuerdas, primero, y luego de ocho cuerdas. ¿Crees que esto

seguirá y veremos a gente tocando guitarras de 14 ó 57 cuerdas? MISHA “No tengo ni idea (risas). Deberías poder hacer la música como te dé la gana. ¿A quién le importa? Si suena bien, nadie cuestionará el número de cuerdas. Si lo utilizas para desviar la atención o dar la nota, entonces no tiene sentido, pero si sabes sacarle partido y ofrecer algo nuevo, entonces es interesante. En el fondo todo son herramientas para tu creatividad. No creo que nos veas usando guitarras de más de ocho cuerdas, y de hecho son las que menos nos gusta tocar. Nos sentimos mucho más cómodos con las de seis o siete. Pero a veces te viene una idea y la mejor manera de llevarla a buen puerto es con una de ocho... tampoco puedes cerrarte a ello”. ¿Os consideráis genios? ¿Cuál es vuestra definición de genio? MISHA “¿Genios? ¿Nosotros? Pero si somos una panda de idiotas (risas)”. SPENCER “Quizá a la gente desde fuera le parezca otra cosa, pero si nos conocieran o pudieran leer nuestra mente verían que estamos muy lejos de ser genios”. MISHA “La razón por la que nos salen buenas ideas es porque trabajamos juntos. Donde no llega uno, llega otro. Quizá la gente piense que las ideas salen de una sola persona y por eso piensen que somos genios, pero en realidad es fruto del trabajo en equipo. Los genios de verdad están a un nivel que ni siquiera logramos comprender. Eso es lo que los hace especiales. No creo que haya más de cinco genios musicales ahí fuera”.

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VANS MUSIC TOUR 2015

LAGWAGON + THE FLATLINERS MADRID, BILBAO Y BARCELONA FUERON TESTIGOS DE LA SEGUNDA JUVENTUD QUE LAGWAGON ESTÁN VIVIENDO A RAÍZ DE LA EDICIÓN DE SU ÚLTIMO DISCO, HANG. RUBÉN NAVARRO TUVO LA SUERTE DE PRESENCIAR SUS TRES CONCIERTAZOS JUNTO A LOS CANADIENSES THE FLATLINERS, Y NOSOTROS DE QUE COMPARTA LAS IMÁGENES QUE CAPTÓ SU CÁMARA EN OTRO INOLVIDABLE VANS MUSIC TOUR. fotos: RUBÉN NAVARRO

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Por fin liberados de las comparaciones con la formación original de la banda, los Gallows actuales entregan Desolation Sounds, su disco más aventurero hasta la fecha. Su riesgo bien merece una recompensa. Texto: Toi Brownstone Fotos: DR/Rubén Navarro (directo)

a trayectoria de Gallows no ha sido fácil. Del hype inicial en 2006 con la publicación de su tremendo debut Orchestra Of Wolves a su polémico fichaje por Warner, a la salida del carismático Frank Carter y posteriormente de su hermano y guitarrista Steph Carter, hicieron pensar que los ingleses habían perdido esa explosividad que tanto les caracterizaba. Muchos llegaron a darles la espalda, 60

pero a pesar de los numerosos altibajos la banda continúa viva, quizás no de forma tan activa como antaño, y con dificultades para ofrecer shows en directo debido a las diversas agendas y a la situación geográfica y vital de sus miembros. Su vocalista desde 2011, Wade MacNeil, vive en Canadá, donde trabaja como locutor de radio, y hace nada se ha anunciado la reunión (por ahora sólo para directos) de su anterior grupo Alexisonfire;

el bajista Stu Gili-Ross vive en Los Ángeles, donde también ejerce de mánager, mientras que el batería Lee Barratt y el guitarrista Laurent ‘Lags’ Barnard, también en los metaleros Krokodil, permanecen en esa Inglaterra gris que inspiró su segundo disco. Pero aun así, el grupo conserva las ganas de seguir deleitándonos con trabajos de gran calidad. Es significativo que en su décimo aniversario publiquen su cuarto álbum, Desolation

nunca consiguieron. Chapeau! Por fin ha llegado Desolation Sounds. ¿Hay alguna razón por la que su lanzamiento se retrasara desde noviembre, fecha inicial en la que estaba prevista su publicación, hasta abril? LAGS “Creo que el problema principal radica en reunir a toda la banda para poder hacer varios conciertos. Nos hemos esforzado mucho en conseguirlo, sobre todo Wade, Stu y yo, pero por varias circunstancias no ha sido posible antes. Por un lado tengo a mi otra banda, Krokodil, Wade es DJ profesional, y Stu, que trabaja como mánager, así que nos resulta bastante complicado. Además, a finales de noviembre y parte de diciembre, yo estaba girando a tope por Europa con la otra banda. Lo que tuvimos que hacer era adaptarnos a un momento en el que todos pudiéramos estar disponibles para ofrecer unos cuantos conciertos y promocionar el disco en condiciones”.

GALLOWS

Bueno, la espera bien ha valido la pena. “(Risas) Gracias, eso espero”.

Sounds (Venn Records/Pias), posiblemente uno de sus trabajos más personales, dotado con una mayor libertad expresiva y lejos de cualquier tipo de presión. Tener esta charla con Lags fue un placer absoluto. Probablemente sea uno de los artistas más honestos con los que haya podido intercambiar impresiones, muy consciente de la situación actual de Gallows y de lo que podrían haber podido llegar a ser, pero por circunstancias muy adversas

¿En qué pensabais cuando concebisteis Desolation Sounds? “Al principio, cuando fuimos al estudio, no teníamos ninguna idea concreta acerca de cómo queríamos sonar. Teníamos alguna demo con varias canciones que abarcaban un amplio espectro, desde temas muy sucios a otros mucho más punk y directos, o más rockeros, así que no pensábamos demasiado en un estilo determinado. Todo surgió de forma muy natural. Es-

tuve constantemente mandando mails al resto del grupo con todos los temas que iba componiendo, así que cuando nos juntamos hicimos una selección de todo el material que ya habían escuchado. Fue una experiencia muy relajante, y probablemente la más agradable que he tenido grabando con Gallows. En anteriores grabaciones siempre ha habido tensión, sobre todo con el último, puesto que Wade acababa de entrar en el grupo, algo que fue muy criticado, y había mucha presión externa. Era como si tuviéramos que demostrar algo en todo momento. En esta ocasión nos hemos sentido muy cómodos grabando la música que nos apetecía hacer, y hemos disfrutado mucho. Sé que va a sonar a un 50% del sonido Gallows al que estáis acostumbrados. Bueno, sí que va a sonar a Gallows, al fin y al cabo he compuesto todos los temas desde el primer día... (Risas) Siempre va a haber un tono muy oscuro y amenazante en nuestras canciones, ese carácter siniestro sigue presente, porque Desolation Sounds no es un disco alegre. Gallows nunca hemos hecho discos así. Así que tratamos de centrarnos en lo que sabemos hacer mejor, que es escribir música depresiva que te absorbe y luego te despelleja”. Cuando empezaste a componer ya concentrándote en el disco, ¿querías continuar desde el mismo punto en que lo dejasteis con Gallows? ¿Pensabas tal vez en recuperar algo de la primera época, o simplemente dejaste fluir el estado de ánimo actual de la banda? “Sí que me cuestioné si tenía que regresar a una etapa anterior de Gallows o 61

seguir avanzando. Me gusta que los grupos evolucionen, que experimenten y hagan cosas distintas, no que publiquen el mismo tipo de disco una y otra vez. Hay tantas bandas en la escena de metalcore, hardcore y punk que se dedican a repetir la misma fórmula que terminan resultando aburridas. Creo que es importante para Gallows hacer cosas nuevas y diferentes, que resulten interesantes, no sólo para nosotros, sino también para el público. Es genial poder explorar distintas áreas, y resulta mucho más motivador”. Recuerdo haber leído alguna declaración tuya diciendo que Desolations Sounds era el disco que siempre habías soñado hacer. ¿Por qué? ¿Qué ha sido distinto esta vez? “Para empezar ha sido el disco más honesto en el que he participado básicamente porque cuando Gallows comenzamos, éramos más bien una banda reactiva. Cuando digo ‘reactiva’ me refiero a la escena musical en la que vivíamos y a cosas que sucedían a nuestro alrededor. Cuando firmamos con Warner hicimos más bien un disco conceptual. Fue una experiencia tre62

menda para nosotros y tuvimos la suerte de poder grabar en un gran estudio. Cuando Wade se unió a nosotros, volvimos a ser una banda reactiva, en el sentido de que teníamos que demostrar que seguíamos manteniendo la misma energía y agresividad. Sin embargo con este disco no hemos tenido ningún tipo de presión y nos hemos centrado en tocar temas que nos gustan y que nos hacen disfrutar mucho. Además hemos podido probar cosas que no habíamos intentado antes, como tocar cosas más suaves, dejarnos llevar por las influencias de bandas más goth punk como Siouxie And The Banshees o The Cure. Hay mucho trabajo en el sonido de este disco. Lo más grato de esta experiencia ha sido poder tocar todos los estilos de música que me apasionan. Antes focalizábamos todo en la agresividad, pero esto ha sido como mucho más espiritual”. Sin duda, esta atmósfera más oscura y gótica y todos esos arreglos que contribuyen a esos sonidos desoladores son posiblemente lo más destacable de este trabajo. Cuéntanos un poco el proceso de

“Tratamos DE centrarnos en lo que sabemos hacer mejor, que es escribir música depresiva que te absorbe y luego te despelleja” LAGS grabación y mezcla. “Como te decía, el punto de partida fueron las demos que envié a mis compañeros. Afortunadamente todos tenemos gustos similares y siempre hemos sido grandes fans de The Cure o Killing Joke y otras bandas más antiguas, así que fue genial hacer una regresión en el tiempo y dejarnos inspirar por música con la que nuestros padres habían crecido. El proceso en realidad fue como el de grabar un disco punk rock garage, ya sabes, componiendo durante el día, y luego por la tarde grabando todo en directo. Primero todas las partes, batería, bajo, una guitarra, para luego ir añadiendo todos los arreglos, y así al final de la semana, Wade pudo grabar todas las partes de voz. Y aunque es un disco muy directo, al mismo tiempo añadí

distintas guitarras, algunas simplemente haciendo ruido para crear un ambiente mucho más oscuro”. Steph Carter dejó la banda en 2013 pero no lo remplazasteis, y desde entonces sois un cuarteto. Como guitarrista, ¿cómo lo estás llevando? “Cuando Gallows sacamos Orchestra Of Wolves éramos en esencia un cuarteto, puesto que me hice cargo de todas las guitarras en la grabación. En cierta manera para mí es todo mucho más fácil en el sentido de que compongo las canciones con una guitarra solo en mi casa, así que para mí es muy natural y sencillo ajustarme al formato de cuatro, y además esto implica menos discusiones en el estudio, y al final el resultado es el mismo, así que, sinceramente, es menos estresante”. ¿Y cuando tocáis en directo? ¿Te sientes cómodo? ¿Piensas buscar algún tipo de apoyo en un futuro? “Es raro, la verdad. La primera vez que dimos un concierto en este formato fue en Australia, y honestamente no había tenido tiempo de plantearme cómo me lo iba a montar ni cómo iba a enfocar la actuación. No sé, me recuerda un poco a la primera época de Black Flag, o a bandas como Converge, que sólo tenían una guitarra y funcionaban muy bien, así que no creo que este cambio afecte demasiado al sonido, aunque por supuesto me encantaría tener a alguien de apoyo en un escenario para dar un sonido más completo a nuestros temas, que es lo que merecen. Pero en el punto en el que nos encontramos ahora mismo, lo primordial es mantener a Gallows activos y continuar los cuatro”.

Hace unos días publicasteis una lista en Spotify incluyendo grupos y artistas que os han inspirado a la hora de crear Desolation Sounds. Entre otros aparecían Siouxie And The Banshees, Mogwai, Killing Joke, Queens Of The Stone Age, Radiohead y Lana Del Rey. Algunas son referencias que inmediatamente son fáciles de identificar en vuestro sonido, pero otras han resultado un tanto sorprendentes. ¿De qué manera crees que os han influenciado? “Si te fijas, Radiohead, con sus temas más lentos, siempre han creado un ambiente muy oscuro, más que muchas otras bandas. En el caso de Lana Del Rey, para mí su estilo de componer y su sonido resultan muy pesimistas, muy decadentes. De alguna manera nuestro disco también tiene esa esencia. No acostumbro a escuchar música cuando estoy componiendo o grabando porque no quiero ningún tipo de influencia o presión externa que pueda afectar a la música que estoy sacando de dentro. Quiero que surja de la manera más limpia posible, pero sí es verdad que esa lista refleja todo lo que es Desolation Sounds”. Vuestros fans percibieron un gran cambio del segundo álbum, Grey Britain, al homónimo Gallows, ya con Wade. Obviamente lo fue por la transición de cantantes, pero también por el sonido. ¿Crees que Desolation Sounds puede desconcertar aún más a vuestros seguidores? “¿Sabes qué creo? Que mucha gente tiene muchos reparos a los cambios en

general. Cuando hablamos de grupos, los fans pueden ser muy tercos, y que una banda les guste por un sonido y un momento en concreto, por lo que pueden interpretar los cambios como algo negativo y llegan a darles la espalda. Con este disco hemos decidido que vamos a asumir ese riesgo. Todo depende de la manera y la actitud que tengas cuando escuches el disco. Evidentemente es distinto, pero sigue manteniendo la esencia del grupo. Me siento muy feliz y muy satisfecho con lo que hemos conseguido, y me muero de ganas de que la gente lo escuche. Si les gusta o no, eso es otra cosa, pero estoy seguro de que van a sentir algo. Gallows siempre han sido una banda muy atractiva para los fans. Les puede encantar o disgustar un montón, sólo hay esas dos opciones, pero no dejará indiferente. Mientras haya una reacción ya me doy por satisfecho”. ¿Qué supuso cambiar de una gran compañía como Warner a vuestro propio sello discográfico, Venn Records? ¿Cómo mejoró vuestro trabajo? Y por supuesto, ¿qué desventajas tiene? “El lado positivo es que todo se simplificó mucho. Dejamos de tener que enviar mails a cientos de personas involucradas. Ahora mismo simplemente fijamos una fecha y vamos al estudio. Cualquier proceso es mucho más ágil. Obviamente la parte negativa tiene que ver con una cuestión de pasta. Ya no manejamos un gran presupuesto, por lo que hay que andar con mucho cuidado con las filmaciones de vídeos y otras cosas. Lo principal es que tener un sello nos permite poder sacar discos, no sólo de Gallows, sino también de otros grupos como Milk Teeth, 63

“Cuando comenzamos Gallows era una banda muy explosiva e impredecible. Nunca sabíamos qué podía suceder... Y ahora seguimos siendo un poco así” LAGS

Marmozets o Baby Godzilla, que son increíbles. Para nosotros significa poder aportar algo bueno a la escena musical y ayudar a bandas jóvenes a tener una proyección”. Cuéntanos un poco sobre el EP Bonfire Season, que editasteis a principios de año. “Jesus Fuckin Christ es un artista noruego que podría categorizarse como punk hip hop electrónico. Es como una mezcla entre Blood Brothers y Death Grips. Le propusimos que hiciera un remix de ‘Bonfire Season’ y aceptó encantado. La cara B cuenta con dos versiones; la primera es de Turbonegro. Siempre han sido una gran influencia para nosotros y hemos tocado en bastantes festivales con ellos, desde nuestros comienzos hasta el año pasado en el Resurrection Fest, así que nos pareció una idea muy divertida tocar ‘Denim Demon’. La otra versión es ‘Scare Me’ de Major Lazer. Es un 64

poco extraño porque más que una banda se trata de un proyecto electrónico a cargo de varios productores de DJs. En un vuelo a Bélgica coincidimos con Diplo, el creador de Major Lazer, y estuvimos hablando un montón. Es un tío muy guay al que respetamos un montón. El hecho de que toquemos en Gallows no significa que nos limitemos a escuchar únicamente música oscura, ¡también nos gusta divertirnos y salir de fiesta! A los cuatro nos apetecía mucho versionar alguno de sus temas, así que le pedimos a Marcia Richards que cantara. Su grupo, Skints, es una banda de dub buenísima. Deberían ser enormes, de verdad. Son grandes músicos y grandes compositores. Contactamos con Marcia mandándole un mensaje a través de Facebook, le enviamos una demo, y aceptó. Grabamos toda la base en nuestro estudio y ella puso las partes de voz en otro. Me encanta este EP porque abarca una gran variedad musical. Una vez más

tengo que decir que lo que me más me gusta de Gallows es que no tenemos miedo a probar cosas distintas. Siempre estamos dispuestos a experimentar con nuevos sonidos, y este EP es un claro ejemplo de ello”. Ya que hablamos de Turbonegro, ¿sois amigos de Tony Sylvester? “¡Sí! Somos muy buenos amigos de Tony. Lo recuerdo viniendo a los primeros conciertos de Gallows, y además estuvimos de gira en más de una ocasión con su banda anterior. Cuando nos enteramos de que iba a ser el cantante de Turbonegro pensé que era lo más loco que había escuchado nunca, pero me alegré un montón. Es muy buen tío”. Me resulta fácil encontrar cierto paralelismo entre las dos bandas, puesto que por motivos similares, tuvisteis que re-

emplazar a dos cantantes muy carismáticos. En noviembre tuve oportunidad de entrevistar a Tony, y me comentó que tras pasar ese peliagudo periodo de prueba se sentía muy a gusto en su nuevo rol. ¿Qué me puedes decir de Wade? “La razón principal por la que elegimos a Wade como cantante es que es un vocalista muy versátil. Puede cantar y gritar muy, muy fuerte, y ser súper agresivo, pero también puede ser muy melódico, sin perder ese tono agresivo, y creo que eso siempre lo hemos tenido muy en cuenta. Con su segundo disco Wade parece sentirse mucho más cómodo, pudiendo ser él mismo. Con Gallows se centró en ser súper agresivo, pero ahora todo es más relajado puesto que es el cantante de Gallows y ya no tiene que demostrar nada a nadie”. Este año celebráis vuestro décimo aniversario... ¡Felicidades! Creo que no hay mejor manera de hacerlo que sacando un álbum. ¿Qué sientes al pensar que lleváis diez años en esto? Cuando comenzasteis, ¿imaginabas que llegaríais tan lejos? “Nunca pensé que duraríamos tanto. Cuando comenzamos Gallows era una banda muy explosiva e impredecible. Nunca sabíamos qué podía suceder... Y ahora seguimos siendo un poco así. Es emocionante que el nombre de Gallows haya existido durante diez años y que hayamos hecho música que ha sido honesta de una manera consistente. Nunca perdimos nuestra integridad, ni cuando estuvimos en una gran compañía. No cambiamos un ápice de nuestro soni-

do para encajar. Para alguno quizás esto podría no ser importante, pero para nosotros sí. Gallows ha sido un nombre importante y estoy muy orgulloso de ello. Y sí, también creo que sacar un disco es una gran manera de celebrar nuestro aniversario y de sentirnos seguros como grupo”. ¿Te hubiese gustado haber hecho algo de otra forma? “Siempre he sentido que Gallows no hemos explotado al máximo nuestro potencial. Sí ha habido temporadas en las que hemos girado mucho, pero tras la publicación de Grey Britain dejamos de hacerlo, perdiendo mucho impulso. Creo que éste ha sido el mismo problema de Gallows: no girar lo suficiente. Si fuera por mí me hubiese gustado que le hubiésemos dado todos un mayor empuje, haber tocado más y haber viajado a más sitios. En cuanto a los discos, estoy tremendamente satisfecho con lo que hemos hecho”. ¿Hay algo de lo que te arrepientas o algo que creas que queda pendiente por hacer? “Me hubiese gustado que Gallows fueran más populares en el Reino Unido, pero creo que ya es demasiado tarde para ello. Todos tienen su vida y sus familias, y además, vivimos muy separados. No es que tenga remordimientos, pero creo que deberíamos haber estallado aquí”. Los diez años de trayectoria del grupo han sido un poco accidentados, por decirlo de alguna forma, debido principalmente a los cambios de formación. ¿De qué manera crees que han afectado a la banda? ¿Crees que cambiaron

de alguna forma la dirección o incluso el estilo de Gallows? “Claro que creo que los cambios de formación han cambiado el estilo del grupo, pero también creo que las cosas suceden por algo, aunque suene muy típico. Todos los discos que hemos sacado han sido muy orgánicos. Nunca hemos cambiado para adaptarnos y encajar en una escena, sino que hemos ido haciendo lo que nos interesaba. Y hemos sido fieles a nuestro estilo”. ¿Alguna vez os habéis planteado disolver el grupo? “Creo que no lo hemos considerado de esa manera. Mientras lo necesitemos Gallows se mantendrá, y si no nos interesa, lo aparcaremos el tiempo que sea”. ¿Crees que la formación está asentada y unida finalmente? “Sí y no. Gallows es algo muy volátil. Nos encanta estar juntos, grabar, tocar, pero viviendo todos tan separados, cada vez que nos juntamos para girar o grabar tenemos que volver a reconstruir los lazos. Con Wade y Stu viviendo fuera es muy difícil mantener ese sentimiento de hermandad. No es que tenga nada en contra de mis compañeros, pero no les llamo todos los días para saber qué tal están. Nuestra relación gira en torno a Gallows. Fuera de la banda, cada uno hace su vida y tiene sus ocupaciones. Si las cosas se hubieran hecho de otra manera en el pasado ahora seríamos una banda mucho más activa, y posiblemente más unida”.

DEPOSITO LLENO

MIENTRAS SE HALLABAN INMERSOS EN LA GIRA DE PRESENTACIÓN DE SU PRIMER DISCO, LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL PREPARABAN CASI EN LA SOMBRA SU CONTINUACIÓN. SIN APENAS TIEMPO PARA DESCANSAR, LOS NUEVOS TEMAS DE LA PRIMAVERA DEL INVIERNO SON TODA LA GASOLINA QUE NECESITAN PARA SUBIRSE OTRA VEZ A LA FURGONETA. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR n acordeonista tocando entre un bosque de tinieblas por el que asoma una tímida luz. Es la imagen de la esperanza frente a la oscuridad, de intentar agarrarse a lo que nos mantiene vivos en los malos momentos, y con ella La Maravillosa Orquesta Del Alcohol (La M.O.D.A. para los amigos) han querido ilustrar la cubierta de La Primavera Del Invierno (PRMVR/

Gran Sol), su segundo trabajo. Desde fuera hubiera podido parecer que al conjunto de Burgos formado por David Ruiz (voz, guitarra), Adán Ruiz (guitarra, mandolina), Alvar de Pablo (saxofón), Jorge Juan Mariscal (bajo), Caleb Melguizo (batería) y Joselito Maravillas (acordeón) todo le hubiese venido de cara desde la publicación de ¿Quién Nos Va A Salvar?, su debut en castellano tras un par de EPs en la lengua de

Shakespeare. Gracias en gran parte a su directo, que les ha llevado a tocar en grandes festivales como el BBK Live, Cruïlla o a abrir para bandas como Dropkick Murphys y Frank Turner, han ido ganando adeptos cada fin de semana que salían a recorrer la geografía ibérica. Un tour de más de 90 conciertos a lo largo de un año que finalizó el pasado mes de noviembre con tres llenos consecutivos en la sala El Sol de Madrid, donde

“Que nos digan que han pasado un año jodido y que nuestras canciones les han animado, o lo contrario, que hemos puesto la banda sonora a un año maravilloso de sus vidas. Creo que eso es lo máximo a lo que podemos aspirar” DAVID RUIZ

LA m.O.D.A.

pudimos comprobar de primera mano todas las tablas que han adquirido en este tiempo. Pero no todo ha sido sencillo. Entre medio de las actuaciones, la banda iba escribiendo nuevos temas que diesen forma a su segundo álbum. Algo que les ha hecho dedicarse en cuerpo y alma al grupo, con todo lo que ello conlleva. Ellos mismos son conscientes de que están viviendo algo increíble, pero también de la fragilidad del día y día que les mantiene cercanos a la realidad. De ahí que tan sólo cuatro meses después de haber acabado la gira, nos encontremos ante un disco que nos presenta a La M.O.D.A. en una versión más madura

gracias a todo lo vivido en 2014. Una semana antes de la fecha de publicación y a punto de volver a arrancar una nueva tanda de actuaciones, nos reunimos con David Ruiz en un café del madrileño barrio de Malasaña. Allí nos encontramos también con Esteban Girón, recién llegado de la gira de tres semanas que Toundra acaban de realizar por toda Europa, y que a través de su compañía Gran Sol se encarga de la promoción de la banda. A pesar de que lleva desde primera hora de la mañana en plena campaña promocional, David no baja la guardia en ningún instante. Es tal la intensidad con la que expone sus pensamientos e ideas que

por momentos llegamos a discutir los pormenores del álbum yendo más allá de la propia entrevista, obligándome a estar más atento de lo habitual. Queda claro que la pasión y sinceridad con la que habla es la misma que con la que interpreta cualquiera de sus canciones. Quería empezar preguntándote por lo último de lo que hablamos en la anterior entrevista que hicimos. En aquel entonces te preguntaba si creías que teníais opciones de dar el pelotazo, y tú me respondías que vuestro objetivo era llegar a cuanta más gente 67

LA M.O.D.A.

Pero ese día sí que fue un poco más especial que el resto”.

mejor. Viendo cómo se han desarrollado las cosas, ¿qué balance haces de 2014? DAVID RUIZ “Pues ha sido un año intenso. Hemos hecho una gira de 90 y pico conciertos y a la vez la composición de este nuevo disco. ¿Que desde fuera no era lo más aconsejable? Puede ser, pero teníamos esa necesidad de expresar cosas nuevas y seguir haciendo temas. Avanzar un poco en esa dirección de no saber muy bien a dónde vas, pero crees que estás yendo a algún sitio que merece la pena. Creo que ha sido muy positivo, este año ha sido brutal. Hemos tocado en un montón de sitios, cada vez nos conoce más gente, hay más interés de los medios, del público... Después de un concierto te dicen: ‘Me he hecho 200 kilómetros para venir a veros’. Y como yo lo he hecho, al igual que los demás en el grupo, lo valoramos muchísimo y nos parece la hostia, sinceramente. Ha sido un año perfecto en ese sentido y creo que no le podemos pedir más. Tú imagínate en el BBK Live el sábado, cerrando con 8.000 personas que decía que había la organización ahí metidos. Fue un subidón. Pero al día siguiente estábamos en Teruel tocando para 70, que yo creo que define 68

muy bien lo que es el grupo: las dos caras de la realidad y el trabajo. Llevamos cuatro años tocando y somos conscientes de que podemos llegar a muchísima más gente, pero no sólo por eso, sino porque quieres que lo escuchen y que signifique algo para ellos. Que forme parte del día a día de esas personas como tantos grupos lo han hecho del tuyo o del mío. Que nos digan que han pasado un año jodido y que nuestras canciones les han animado, o lo contrario, que hemos puesto la banda sonora a un año maravilloso de sus vidas. Creo que eso es lo máximo a lo que podemos aspirar”. Supongo que esto se va viendo según van pasando los días y la gira, pero ¿hubo algún concierto en especial donde sí que notasteis que la cosa iba en serio? “El del BBK, sin duda. Ha habido conciertos muy buenos, con mucha gente o con menos, pero ese día fue como darse cuenta de que esto va bien y va en serio. Nosotros encaramos los bolos de la misma manera, sea allí o en Murcia. Haya 80 u 800 tíos tú te subes ahí, lo das todo e intentas que la peña flipe.

Habéis hecho 90 conciertos en un año. Eso quiere decir que no habéis tenido fines de semana libres. Supongo que eso hace que haya muy buenos momentos, como los que me comentas, pero también otros muy jodidos estando siempre fuera. Como por ejemplo cuando volvéis a casa después de estar dando conciertos y os encontráis con lo que sucedió en la fábrica de Campofrío en Burgos. ¿Cómo os afectan este tipo de cosas? “Nosotros estamos muy unidos a nuestra tierra y el apoyo que nos ha dado siempre la gente de allí ha sido brutal. Al final es de lo que hablábamos y de lo que tratan las letras del disco. Somos un grupo con los pies en la tierra y que nos inspira lo que nos pasa a nuestro alrededor, y de eso habla el disco. De las cosas buenas y malas de la vida, de aprender a superar los malos momentos y cómo esos palos de la vida te ayudan a aferrarte a lo poco bueno que haya en ese instante. Y lanzar un mensaje de, no crear una falsa esperanza de que aquí estamos tocando la guitarrita tan felices y tal, al contrario: de tener clara la realidad y de no vivir encerrado en tu mundo de música o de lo que sea. Por naturaleza estamos en una sociedad en que, de una manera u otra, nos influyen mucho las cosas que suceden. Especialmente eres muy sensible a las cosas que pasan en tu ciudad, y creo que en este álbum las letras tienen una dimensión social que abarca todo el espectro en el que tú, yo o cualquier chaval

“Escribir una letra en castellano para mí es muy jodido porque o suenas a La Polla Records o a El Canto Del Loco (risas)” DAVID RUIZ nos podamos ver reflejados. Temas sentimentales, amistades, de todo”. Entrando ya de lleno en el álbum, ¿de dónde habéis sacado el tiempo para escribirlo? “Yo creo que cuando tienes la necesidad de hacer algo y lo tienes ahí dentro quemándote, no hay otra alternativa. En ningún momento te planteas ‘no, ahora no se puede, no hay tiempo’. No. Lo hay, lo buscas. Muchos días me han dado las mil escribiendo letras o componiendo en el local. Ha sido una locura pero en plan positivo, porque estamos a tope, ensayamos cinco días a la semana... Y ha salido así. Ha sido duro en cuanto al tiempo porque no daba para más, pero yo creo que cuando tienes claro algo y vas a por ello a muerte sale sin planteártelo. No había otra opción”. Habéis vuelto a grabar en Garate Estudios, salvo con la diferencia de que ahora estaba Santi Garcia al mando. ¿Cómo fue esta vez? “Hemos currado muchísimo. La otra vez también, pero ahora teníamos la experiencia de haber estado dos años tocando y eso te da unas tablas. Tocas mejor, has ensayado como un cabrón... eso se nota. No somos ninguno un virtuoso y nunca nos ha llamado la atención eso. A nosotros

nos han influenciado más los cantantes de punk que con tres acordes tenían algo que decir y con lo que nos sentíamos identificados. Pero eso no significa que nos la sude y cada vez haya que ensayar y tocar más para que eso te sirva de herramienta para expresar mejor lo que tienes en la cabeza. Hemos estado dos años haciendo coros: llegas más, puedes cantar más... Eso te da más posibilidades pero te exige más esfuerzo también. Han sido muchos meses de preproducción, luego Santi se vino a Burgos a encerrarse en el local, hemos dado vueltas a los temas de arriba a abajo... Él se ha encargado de buscar el sonido, a todos esos detalles también les hemos prestado mucha atención. La grabación ha sido muy relejada en el sentido de que todos teníamos muy claro lo que teníamos que hacer. Llevábamos casi un año machacando los temas. También hemos querido dejar un poco de hueco para la espontaneidad o la inspiración que a veces surge. En el anterior disco, ‘Nueva Orleans’, que es el tema que lo cierra, lo compusimos allí, y en éste ha vuelto a ser así con ‘Rascacielos’”. La colaboración de Gorka de Berri Txarrak, ¿cómo salió? ¿Teníais claro que su parte debía ser en euskera? ¿No os planteasteis que la hiciese en castellano? “A mí me parecía lo más normal. Es como si colabora Frank Turner, pues canta en inglés. Es el idioma en el que él se expresa y en el que canta en su grupo. Aun así, también grabó los coros en castellano. Lo guapo es lo bonito y poético que suena el euskera en la música, y sobre todo diferente.

Para nosotros Berri Txarrak son una banda referente, tanto en lo musical como en la manera de hacer las cosas. Yo contaba antes la anécdota a tus compañeros que en el año 2005 me fui a ver la presentación de Jaio. Musika.Hil en Bilbao con un amigo. No sé si fue un miércoles o un jueves y estábamos ahí tirados en la estación de metro para coger el bus (risas). Nosotros hemos hecho esas cosas y te diría que las seguimos haciendo. Yo me he ido a ver a No Use For A Name a Bergara y dormir en un portal con cuatro colegas. Me parece lo más normal. Entonces que un tío al que nosotros hemos ido a ver quiera cantar en el disco y que además no se prodiga mucho en hacer colaboraciones, pues es un honor y una de las cosas por las que merece la pena estar en un grupo”. Lo que más me ha llamado la atención del disco son las letras. Según lo veo yo, creo que sigues hablando de las mismas cosas pero la forma de hacerlo ha cambiado, quizás es más poética. ¿Eres de los que coge un boli y un papel y te sale todo del tirón o te pasas muchas noches en vela dándole vueltas sobre lo que quieres decir? “Lo de las letras yo lo veo como un proceso en el que estás acumulando lo que lees, lo que hablas, lo que piensas, lo que le pasa al de al lado, una peli... todo eso va haciendo un guiso ahí. Y tú no puedes elegir cuándo sale eso, hay que estar currándolo. Escribir una letra en castellano para mí es muy jodido porque o suenas a La Polla Records o a El Canto Del Loco (risas). Hay 69

muchas cosas que ya se han dicho y yo creo que uno busca decirlas de una manera personal. Eso es lo interesante de un artista: que aporte su visión personal de lo que quiera. Creo que eso es lo que significa la creación. Y ha sido muy duro hacer las letras. Ha sido un proceso de sacar toda la mierda que tienes en la cabeza, de poner en orden las cosas y que no quieres decir lo mismo que han dicho otros, pero tampoco quieres decir lo mismo que has dicho en el primer disco. Lo que he intentado es seguir con mi estilo, si es que lo tengo, y hacer que fuesen mejores. Que las lea y me sienta más orgulloso de una metáfora, de una rima... He intentado darle más vueltas, más horas, más trabajo. Y es jodido porque no es sólo escribir, es cuadrar los fraseos...”. Aparte de que para gente como nosotros, que estamos más acostumbrados a escuchar música en inglés, es más complicado que te acabe sonando bien... “No hay muchos referentes. A mí el grupo que más me ha influenciado a la hora de hacer letras es 995, sin ninguna duda. También me gustan las letras de Standstill en castellano. Hay mil bandas con letras muy dignas, pero que me hayan marcado de joven, el primer grupo que escuché en castellano y que flipé fueron 995. Me sorprendió cómo lo encajaban, sonaba totalmente diferente. Yo he trabajado mucho en los fraseos, el intentar que no fuesen los clásicos, no hacer el mismo tipo de rima... Me he vuelto loco durante un puto año para sacar algo que me represente a mí y a la banda y de lo que pueda estar orgulloso dentro de diez años. No sé 70

que es lo que pensará la gente, pero yo estoy satisfecho”. Para mí la sensación que deja el disco es que, sobre todo, al haber salido en un tiempo tan corto, quizás sea una fotografía precisa del momento en el que estáis justo ahora mismo. “Yo creo que no. Y he leído tu crítica y no lo comparto, pero la respeto, por supuesto. A mí me llamó la atención porque creo que tú estás valorando el grupo que viste en noviembre en la sala El Sol y no el de hace un año. Tu haz un día el ejercicio de llegar a casa y ponerte el primer disco y ponerte éste después”. Sí, puede ser... Yo lo que sí he notado, porque os he visto un montón de veces siempre que habéis venido a Madrid, ha sido el cambio del directo. “Claro, tú nos ha visto más día a día. Esto es como un chaval que vive en tu casa y le vas viendo crecer comparado con otro que no has visto en un año y de repente ha crecido un montón. Pero yo canciones como ‘Flores Del Mal’, ‘Los Lobos’, las veo imposibles de encajar en el primer disco”. ‘Flores Del Mal’ sí que la veo diferente. En ‘Los Lobos’ en cambio noto ese rollo más callejero que teníais en los EPs. Justamente hoy que ha salido el streaming lo comentaba con algunos amigos y me decían que les parecía menos fiestero y más reposado. “También hay canciones rápidas y con coros alegres. Quiero decir,

no ha habido un cambio drástico. La clave de este trabajo ha sido no repetir las mismas fórmulas, no hacer diez ‘Nómadas’, que sabíamos que había funcionado muy bien, pero tampoco perder lo que éramos en el primer disco, que nos representa a muerte. No se trata de hacer una ruptura con el anterior, sino de no repetir los mismos trucos y salirnos de esa zona de confort en la que estábamos. No hemos hecho el disco para contentar a nadie. Somos una banda que se autoedita y que no le debe nada a nadie, ni a medios, ni a industria. Trabajamos un equipo muy pequeño de gente, entre ellos Esteban que nos lleva la promo y Gran Sol la distribución. Nosotros ahora mismo somos como un equipo de chavalillos que ha empezado a jugar en un barrio. Han empezado a jugar, a ganar partidos, y lo disfrutan. Y ahora no va a venir un entrenador a decirnos cómo tenemos que jugar. Quiero decir, no le debemos nada a nadie, tampoco al público, al que sí que le debemos el amor y el respeto infinito, pero no lo hemos hecho pensando en qué iban a decir. Por eso yo sí que creo que es más diferente y refleja mejor la variedad estilística de influencias de La M.O.D.A. que el primero, que yo lo escucho ahora y veo que va bastante lineal. Tiene un rollo tanto en tema de sonido como compositivo muy concreto. En cambio éste, eso que tú has dicho que no, yo sí que creo que refleja esa variedad de estilos. Yo creo que son dos caras del mismo grupo, porque tampoco queríamos perder la identidad y la frescura que nos ha dado un acordeón o un saxofón, pero yo pienso que sí que hay una evolución”.

“Yo no puedo decirte lo que es el disco. Nos ha controlado a nosotros, no al revés. Nosotros íbamos montando un caballo salvaje Del que había que intentar no caerse” DAVID RUIZ

Pero quizás si este disco en vez de salir ahora hubieseis esperado un año y medio más, ¿no crees que el cambio sería más evidente? “No lo sé. Las canciones salen. Nunca nos hemos puesto en plan ‘este disco va a sonar más duro, más oscuro, más pop’. Si estás haciendo esto, estás autodirigiéndote. A mí me gustan los grupos que dan ciertos bandazos. Como si por ejemplo Queens Of The Stone Age sacasen un disco acústico, pues sería increíble. Pero es que las cosas salen así. Yo cuando leo que hay grupos que hacen 50 temas y que han elegido diez, alucino. A nosotros nos ha dolido hasta el último tema”. Yo eso tampoco me lo creo muchas veces, aunque el año pasado flipé con Eric Fuentes... “Es que hay gente que es muy prolífica y hay gente que es la polla, que es

capaz de hacerte tres discos buenos y dices ‘es un crack, un puto genio’. Pero yo cada canción, cada letra, la he sangrado, la he sufrido. Y es que yo no puedo decirte lo que es el disco. Nos ha controlado a nosotros, no al revés. Nosotros íbamos montando un caballo salvaje del que había que intentar no caerse. Es lo que mejor se me ocurre para definirlo”. Para terminar, los planes de este año a parte de girar y girar. ¿Habéis pensado en un futuro salir fuera al igual que hicisteis con la escapada a Francia pero de una manera más organizada? “Bueno, si hace falta nos vamos a tocar por la calle como ya hicimos. Eso también es lo bueno de no tener que depender de nadie. Pero sí, es uno de los planes para este disco, más que para este año. Yo sé que este año

vamos a salir y hacer algo fuera, no está cerrado ni te lo puedo confirmar. Pero sí que tenemos muchísimas ganas de ir por ahí, aparte de Europa, Latinoamérica es lo que nos molaría, porque además no hemos estado nunca a título personal. Y si no es a finales de este año, lo haremos el que viene, pero vamos a ir fijo. También nos llegan mails de gente que nos escucha desde Perú y nos pincha en la radio. Nos flipa. Sabemos que hay un océano de por medio y que es una barrera, pero vamos a ir a por ello. De todas maneras, siempre que hay un disco nuevo hay una buena excusa para tocar y volver a todos los sitios donde hemos estado. Mientras la gente siga viniendo a vernos, seguiremos tocando”.

DISCO DEL MES

In Times (NUCLEAR BLAST) METAL PROGRESIVO

n un momento en el que el black metal ha dejado de ser, de manera definitiva, el bicho raro que se sienta al final de la clase y al que nadie le dirige la palabra para pasar a ser el tipo freaky que despierta la curiosidad y simpatía, incluso, de las guapas del instituto, no está de más recordar el papel de Enslaved en este cambio de estatus. Naturalmente para los integristas ellos son unos de los máximos culpables del amansamiento del género y su progresiva ausencia de peligro, y puede que tengan

ENSLAVED

razón, pero desde un punto de vista estrictamente musical, su influencia es irrefutable. En realidad, hace tanto tiempo que los noruegos se aventuraron a explorar nuevos territorios que pensar en ellos todavía como una banda de black puede parecer hasta ridículo. Sin embargo, a diferencia de otros coetáneos, que han soltado lastre, Enslaved siguen conectados a su matriz gracias a la diabólica voz de Grutle Kjellson (el único miembro original junto al guitarrista Ivar Bjornson), que ejerce de cordón umbilical.

Lo que también es evidente es que desde hace tiempo Enslaved se han instalado en una cómoda posición en la que no necesitan seguir reinventándose para facturar discos con empaque. In Times, su treceavo álbum en 24 años de carrera, es un gran ejemplo de ello. En él encontramos de nuevo esa vocación de funambulistas para caminar entre sonidos extremos y un metal progresivo apto para todos los oídos. Se trata de una fórmula que funciona gracias a su indudable nivel técnico y a su arte para componer

largas canciones que logran mantenerte atento de principio a fin. ‘Thurisaz Dreaming’ abre la veda a todo trapo con unas guitarras afiladas, un blast beat atronador y un Kjellson descargando con furia. Pero después de un minuto y medio, la banda transita, a través de un riff a modo de cortinilla, hacia pasajes más calmados donde la voz limpia y melódica del teclista Herbrand Larsen toma el protagonismo. Sutilmente la dinámica va in crescendo hasta volver a estallar en su parte final. ‘Building With Fire’ se sustenta sobre un pegadizo riff rockero y Larsen cantando la estrofa con unas líneas melódicas al estilo de Anathema que se ven rotas por el gruñido de Kjellson en

nia pero que toma un acento más tenebroso gracias a las intervenciones de Kjellson y un arrebato de blast beat en su parte central. ‘In Times’ se inicia con un repetitivo riff rítmico subrayado por una línea de bajo melódica y un solo de guitarra que suena en la lejanía, todo muy prog rock, antes de mutar hacia un sonido más metal en la estrofa. Sirve también este tema para apreciar el gran trabajo de Cato Bekkevold a la batería, conduciendo a la banda con absoluta fluidez desde su vertiente más poderosa a la más sutil y viceversa. Por último, ‘Daylight’ actúa como resumen de todo lo expuesto anteriormente con un trabajo titánico de guitarras por parte de Bjornson y Arve Isdal

“un álbum de lo más completo que consolida a Enslaved como a una formación de cabecera” los puentes. En sus 8 minutos también hay espacio para que la banda se luzca a nivel instrumental, pero no distrae del hecho que sea uno de los temas más accesibles del disco. ‘One Thousand Years Of Rain’ hace honor a sus raíces vikingas (coros marineros incluidos) con un trallazo trepidante que bien podrían firmar Amon Amarth y un estribillo a modo de diálogo entre los dos registros de voz muy efectivo. Los fraseos de guitarra limpia nos introducen en ‘Nauthir Bleeding’, un tema que recuerda a la épica de Katato-

y una preciosa nube post rockera en su ecuador que anuncia la tormenta final con la que Enslaved se despiden, antes de que un coro ponga el cierre. Seis temas que llenan como si fueran muchos más configuran un álbum de lo más completo y que consolida a Enslaved como a una formación de cabecera, pero con suficiente vitalidad para resultar atractiva a quienes se aproximen a ellos por primera vez. Si es tu caso, bienvenido seas al club de los escandinavos. JORDI MEYA

críticas

APOCALYPTICA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Eicca Toppinen (chelo, voz), Paavo Lötjönen (chelo, voz), Perttu Kivilaakso

(chelo, voz), Mikkor Sirén (batería), Franky Perez (voz) PRODUCIDO POR: Nick Raskulinecz AFINES A: Stone Sour, Metallica, Shinedown PÁGINA WEB: www.apocalytptica.com

C Shadowmaker

(HARMAGEDDON/OMN LABEL SERVICES) METAL ALTERNATIVO

asi nada tienen que ver los Apocalyptica de 2015 con aquellos tres chavales finlandeses que en 1996 sorprendieron al mundo con sus versiones de Metallica efectuadas con chelos. Si estaba claro que aquella jugada inicial, por muy efectista que fuera, tenía un recorrido limitado, la verdad es que costaba imaginar que algún día el grupo conseguiría triunfar en las emisoras de Estados Unidos. Todo cambió con su sexto álbum Worlds Collide (2007) en el que contaron con Corey Taylor (Slipknot, Stone Sour) y Adam Gontier (Three Days Grace) como vocalistas invitados. Aunque ya habían empezado a usar esta

fórmula en su tercer álbum, el gran tirón comercial en el mercado americano de esos dos nombres propulsó los temas ‘I’m Not Jesus’ y especialmente ‘I Don’t Care’ hasta lo más alto. Apocalyptica volverían a conseguirlo en su siguiente disco, 7th Symphony, con el tema ‘Not Strong Enough’, una composición de la autora de hits Diane Warren, cantada por Brent Hinds de Shinedown en el disco, pero que tuvo que ser regrabada por problemas legales por Doug Robb de Hobastank para ser lanzada como single. Quizá asqueados por esa situación, así como la imposibilidad de poder contar con tanta estrella en sus directos, Apocalyp-

tica han optado por fichar a un cantante después de cinco años de silencio. El elegido ha sido Franky Perez, a quien habíamos visto como guitarrista en Scars On Broadway, y que aquí aparece a su servicio para hacerlos más apetecibles para su nuevo público. A éste van enfocados temas como los hard rockeros ‘Cold Blood’ o ‘House Of Chains’ o baladas como ‘Slow Burn’, que dominan un álbum en el que también encontramos instrumentales como ‘Reign Of Fear’ o ‘Riots Of Lights’ y ‘Shadowmaker’, un tema épico a medio camino entre sus dos facetas. Ni carne ni pescao. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... PAAVO LÖTJÖNEN ¿Cuándo decidisteis fichar a un cantante en lugar de utilizar a varios como antes? “Queríamos hacer un disco de banda, que pudiéramos ensayar y tocar estando todos presentes. Crearlo entre todos. Naturalmente esa posibilidad no existe cuando utilizas varios cantantes. A menudo simplemente te mandan su pista de voz desde su estudio y ni siquiera le ves la cara, así que ésa fue la principal razón. Pero también lo hicimos pensando en los fans. Porque vienen a los conciertos y se encuentran con una voz distinta a la de los discos... Pensamos que sería mucho mejor que quien cante en el álbum sea el mismo que lo haga en vivo. Y finalmente hay una razón logística. A veces puede ser una pesadilla lidiar con las discográficas y los managements de los distintos cantantes y que den la aprobación para que canten o puedas editarlo como single y no entren en conflicto con sus agendas. Así que había múltiples razones para hacerlo”. ¿Cómo fichasteis a Frankie?

“Hicimos una gran búsqueda. Normalmente los cantantes ya tienen su banda, y no queríamos robárselo a nadie. Así que preguntamos a diferentes personas de la industria en Escandinavia, Europa y América quién podría ser un buen cantante para nosotros. Tuvimos 25 opciones y nos pusimos a investigar quiénes eran, cómo habían funcionado en el pasado, y acabamos con una selección de cinco. Les hicimos una prueba mandándoles ’I’m Not Jesus’, el tema que había cantado Corey Taylor, que es uno de los mejores cantantes del mundo, así que no era fácil para ellos. Finalmente nos encontramos con dos opciones y Frankie resultó ser el mejor de todos. Puede cantar en muchos estilos distintos, puede cantar metal, rock, y también material más suave. Tiene una voz fuerte y personal. Además Frankie nació y vive en Las Vegas, así que conoce muy bien la vida del rock’n’roll (risas). Hicimos un par de conciertos con él en verano en Canadá como teloneros de Metallica y tuvimos muy buenas sensaciones. Tener

un cantante siempre es un infierno en un grupo, pero estamos contentos con él (risas). Va a estar involucrado en todo el ciclo de Shadowmaker, pero no sabemos lo que pasará en el futuro ”. Sois una de las pocas bandas europeas que habéis logrado sonar mucho en las radios americanas. ¿Es por lo que elegisteis a un estadounidense? “En estos tiempos cada vez hay menos emisoras de rock en Europa y lo mismo está ocurriendo en América. En Finlandia sólo hay una emisora donde puedas escuchar metal. Nosotros queremos ganarnos la vida con esto (risas), así que en cada disco tiene que haber un par de temas para la radio. ‘I’m Not Jesus’ fue un gran hit en la radio americana, pero el mayor que tuvimos fue ‘I Don´t Care’ con Adam Gontier de Three Days Grace. Fue número 1 durante varias semanas. Hay gente que reconoce la canción, pero no conoce a Apocalyptica. Aun así nos ayuda a vender entradas”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

CANCER BATS

Searching For Zero (NOISE CHURCH/BMG RIGHTS) HARDCORE, PUNK, METAL

ramos muchos los que teníamos ganas de que Cancer Bats sacaran nuevo disco después del gran sabor de boca que nos dejó su explosivo Dead Set On Living. El reto de superar un disco tan espectacular resultaba interesante, pero cuando se trata de un grupo tan currante, tan involucrado y tan apasionado, es fácil que las cosas salgan bien. En esta ocasión han contado con el renombrado productor Ross Robinson, que se ha centrado en sacar un sonido mucho más crudo y orgánico que en sus anteriores trabajos. Para los canadienses Searching For Zero nace de un intenso y duro período marcado por

el agotamiento y la pérdida de seres queridos, que les arrastró hasta tal extremo que decidieron que a partir de ahí no iban a tragar más mierda, y que las cosas ya sólo podían ir a mejor. Desde luego el arranque de este disco con la pegadiza ‘Satellites’, ‘True Zero’ y ‘Arsenic In The Year Of The Snake’ no podría dejarlo más claro, siendo tres descargas de energía, rabia y potencia sin límite. Posiblemente éste sea su disco más variado y melódico, abarcando principalmente sonidos más oscuros y pesados, un trabajo a las guitarras a cargo de Scott Middleton magnífico. Es imposible obviar la tremenda influencia que Black Sabbath tienen en Cancer Bats al escuchar ‘Beelzebub’ o ‘Buds’, pero aun así, con ‘All Hail’ también demuestran que siguen manteniendo la esencia thrash y punk de sus comienzos. Con este espléndido ejercicio de catarsis Cancer Bats dejan patente que se encuentran en un gran momento a nivel compositivo y que han recuperado fuerzas para seguir adelante. ¡Bravo por ellos! TOI BROWNSTONE

GALLOWS

Desolation Sounds (VENN/PIAS) ROCK, HARDCORE

i con su feroz anterior álbum Gallows nos ofrecieron su versión más hardcore y convencieron a escépticos como yo de que el fichaje de Wade McNeil como sustituto de Frank Carter había sido todo un acierto, en Desolation Sounds, y tras superar la salida del guitarrista Steph Carter, el ahora cuarteto se ha decidido a expandir su sonido y mostrar que creativamente están muy despiertos. Si de entrada nos sorprenden con el poderoso inicio de ‘Mystic Death’, que recuerda al black’n’roll de Turbonegro, en el segundo tema, ‘Desolation Sounds’,

aún lo hacen más con una atmósfera que evoca a The Gun Club y un nuevo registro vocal por parte de Wade; una fórmula que repiten en la pegadiza ‘Death Valley Blue’. Luego viene ‘Leviathan Rot’, donde nos empalan con un riff cáustico, y la hímnica ‘Chains’, un medio tiempo con un estribillo (“Don’t need no violent summer, I don´t need no violent summer”) que se va repitiendo como un mantra y con la vocalista de Dios Mio añadiéndole un toque espectral en los coros. En ‘Bonfire Season’ parece que se transformen en los Nirvana de Bleach, mientras que en ‘Leather Crown’ y ’93 93’ recuperan su vertiente más punk. La variedad del material llega a su máxima expresión en la balada post punk ‘Cease To Exist’, de una elegancia sucia exquisita. Aunque los resultados sean completamente distintos, podríamos decir que Desolation Sounds es a Gallows lo que Grey Britain fue a Orchestra Of Wolves: una muestra de rebeldía por parte de una banda que se niega a vivir de rentas. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

NUEVA VULCANO Novelería

(BCORE/LA CASTANYA) INDIE ROCK

e cuesta creer que hayan pasado seis años desde que Nueva Vulcano publicaran Los Peces De Colores -será que a medida que uno se hace mayor los años ya no duran lo mismo que antes- y supongo que esa misma sensación es la que tienen los tres componentes del grupo cuando entran en el local de ensayo. Han pasado seis años, sí, pero escuchando las primeras notas de ‘El Mirlo’, podrían haber sido dos, cuatro, o nueve. Ahí permanece ese sonido que ha venido acompañándoles desde el principio, basculando entre el pop y las disonancias de su background hardcoreta, y quizá sólo apreciemos el paso del tiempo por las referencias a la paternidad en las letras (‘80% Agua’) y algunos sutiles arreglos de teclado que no me acaban de convencer.

Pero lo más importante en esta banda era y sigue siendo la química entre los tres implicados, con la pegada de la batería de Albert Guardia cobrando especial protagonismo, y la habilidad de Artur Estrada para encajar sus ‘anti rimas’ en estrofas y estribillos. El tono exultante que transmiten en ‘Pop Y Espiritualidad’, ‘Hemos Hecho Cosas’ o ‘La Jota’ unido al placer de escuchar la rotundidad con la que suenan las líneas de bajo de Wences Aparicio y unas guitarras que no temen equivocarse de nota en pos de la verdad es todo lo que necesitamos. ¡Ay, cuánto podrían aprender esos grupos del indie mainstream! MARC LÓPEZ

cr í ticas

MAKE DO AND MEND Don’t Be Long (RISE)

PUNK ROCK

unque se les ha englobado en esa especie de vertiente del neo post hardcore llamada The Wave, la realidad es que musicalmente Make Do And Mend poco tienen que ver con La Dispute o Defeater y se presentan como una versión más accesible de Hot Water Music. Sin entrar en exceso en valoraciones estilísticas, lo cierto es que la propuesta del conjunto de West Hartford siempre ha resultado algo más fácil y sencilla de asimilar que la de sus compañeros. Sea cual sea el caso, la continuación del muy recomendable Everything You Ever Loved nos muestra a una banda a gusto con el sonido que finalmente parece haber encontrado. Así pues, Don’t Be Long destaca claramente por tener dos mitades bien diferenciadas. El primer

P MODEST MOUSE

Strangers To Ourselves (EPIC/GLACIAL PACE)

ROCK ALTERNATIVO

asados ocho años desde su último lanzamiento, la banda de Issaquah, Washington, vuelve con su sexto disco bajo el brazo como si no hubiese pasado el tiempo. Esquivando con éxito las dificultades creativas que conlleva un parón de casi una década, junto a los diferentes cambios de formación producidos estos años, como la salida del guitarrista Johnny Marr (The Smiths) con el que grabaron el anterior We Were Dead Before The Ship Even Sank (2006); han conseguido regresar manteniendo el mismo nivel de sus anteriores

bloque corresponde a su lado más directo con la voz gritona de James Carroll en primer plano en ‘Don’t Be Long’, ‘Each Of Us’ o la urgente ‘Bluff’. Lo habitual en ellos, vaya, pero es en la recta final donde descubriremos lo más interesante del álbum, concretamente a partir de ‘Sin Amor’, un corte que sorprenderá por su cambio de ritmo, construyendo el mejor

momento del disco. Vuelven a apostar por la fuerza en ‘Sanctimony’, mientras que la acústica ‘I Don’t Wonder At All’ y una crepuscular ‘Begging For The Sun To Go Down’ ponen el punto íntimo y reflexivo de la obra. Aún les quedan peldaños por subir, pero con trabajos como éste su trayectoria seguirá siendo digna de seguirse de cerca.

trabajos, y parte de esa culpa se atribuye a Isaac Brock, que además de su habitual labor compositiva y su tono de voz tan particular, ha producido gran parte del álbum. Para los seguidores del grupo encajará desde la primera escucha, cumpliendo sus expectativas con temas como ‘The Best Room’, ‘Lampshades Of Fire’ o ‘The Ground Walks, With Time In A Box’, al más puro estilo Modest Mouse. Las genuinas distorsiones y los arreglos vocales siguen siendo marca de la casa y seguimos apreciándolos en ‘The Tortoise And The Tourist’,’Shit In Your Cut’, ‘Coyotes’ o ‘Be Brave’, sin faltar ese punto de locura

musical casi humorístico del que siguen disfrutando en ‘Pistol’, ‘Sugar Boats’ o la medio improvisada ‘God Is An Indian And You’re An Asshole’. Si hay algo diferente a lo acostumbrado es ‘Wicked Campaign’, que aun pareciendo un tema más cercano al indie pop, sigue manteniendo su ‘modesta’ esencia. En definitiva, una espera que ha merecido la pena, ya que, además, tendrá una segunda parte que saldrá “dentro de lo legalmente posible”, según confirmó el propio Brock. Esperaremos sentados por si acaso.

GONZALO PUEBLA

ALEJANDRO LOZANO

SATYRICON

Live At The Opera (NAPALM)

DVD, BLACK METAL

hicos, a mí siempre me habéis tenido de vuestro lado, pero todo tiene un límite. Aunque el título de Live At The Opera ya es suficientemente esclarecedor, ni visionando este DVD con doble CD sales de tu asombro. ¿Es que Satyr no tiene amigos que le aconsejen? ¿¡Es que les lleva el management su ex o qué!? Con la Norwegian National Opera Chorus al fondo del escenario, con inmaculados fracs y vestidos de noche, se abre el telón y la batería de Frost emerge del suelo cual atrezo teatral de gran formato, y también Satyr, con humo y cara de sorprendido, ese fatídico

8 de septiembre de 2013. La legendaria banda de black metal se encuentra en el equivalente al Liceo de Oslo, y la peña que les acompaña… Sí, fans llegados de todo el globo, pero snobs en su mayoría, y melenas, contadas. En ‘Repined Bastard Nation’ ya levantan el culo del asiento, pero vamos, que esto parece una biblioteca… No es la primera vez que los noruegos juguetean con coros u orquestas, ya no digamos experimentar, pero nunca habían lanzado… ¿‘Esto’? La nota de prensa habla de “monumental extravagancia”, y cuánta razón lleva… Como si Therion se hubieran dedicado a mancillar la obra de Satyricon, y encima, ni el repertorio aguanta el tipo, aburrido a rabiar. Temas salvables hay pocos, ‘Phoenix’ con Sivert Høyem a la voces, pero sobre todo ‘Mother North’ porque su misma naturaleza demanda algo así. Una frikada muy difícil de defender. Un show sin mística, de poca intensidad visual. Aquí sólo falta el puto Pavarotti. PAU NAVARRA

críticas

LIEUTENANT

If I Kill This Thing We’re All Going To Eat For A Week( (DINE ALONE/MUSIC AS USUAL)

INDIE ROCK

f I Kill This Thing We’re All Going To Eat For A Week es el primer trabajo en solitario de Nate Mendel, un músico con muchos galones después de cofundar Sunny Day Real Estate en 1992 y apuntalar con sus líneas de bajo (casi) todos los discos de Foo Fighters. En ambas formaciones Mendel ha permanecido siempre en un discreto segundo plano, a la sombra de dos grandes como son Dave Grohl y Jeremy Egnick. Quizá por eso ha escogido para su primera aventura en solitario el nombre de Lieutenant (‘Teniente’, en castellano), el grado inmediatamente inferior al de capitán en la jerarquía militar. Como líder de Lieutenant le ha tocado dar un paso al frente y ponerse debajo del foco principal. Escuchar por primera vez su voz entonando un tema es uno de

S AFRAID TO SPEAK IN PUBLIC Dos Minutos De Odio (LOS AFRAID)

CROSSOVER

eguí cada paso de esta banda con auténtica devoción en los 90 y siempre que he recuperado sus discos me han seguido sorprendiendo. Porque ese crossover que tan de moda se puso alcanzaba su máxima plenitud en este cuarteto de Badalona que se atrevía sin ningún miedo a mezclar elementos del punk, del metal, del jazz, del hardcore o del rock progresivo y salía victorioso de tan arriesgada tarea. Con motivo del 20 aniversario del añorado Garatge Club se reunieron para tocar juntos de nuevo, y allí se plantó la semilla de la vuelta

los alicientes principales, más allá de comprobar sus dotes como letrista y compositor. Que nadie espere un ejercicio de rock aguerrido y gritón para grandes estadios. El intelectual de los Foos se mueve por temas afectados y ricos en detalles instrumentales como ‘Artificial Limbs’ y ‘Lift The Sheet’, que bien podrían pasar por unas rarezas de Sunny Day Real Estate o The Fire Theft. Canta suave, con falsete, como piden sus

composiciones de pop rock alternativo, mayormente profundas y sosegadas, como mis favoritas ‘Belle Epoque’ y ‘The Place You Wanna Go’, aunque también hay algo de power pop otoñal y algún guiño fronterizo interesantes. Le ha costado dar el paso años y años, pero la sorpresa al catar su primer trabajo, con nueve temas que ganan enteros en cada escucha, ha sido muy grata.

definitiva. Hoy, más de 15 años después de su última referencia, lo continúan donde lo habían dejado, y hemos de decir que siguen sonando tan dañinos, arriesgados y contundentes como siempre. Ni Rafa ni Carlos (que ya no participó de la fiesta de Garatge dejando su sitio a Alex, el bajista del tercer álbum) forman parte de la locura sonora de Afraid, pero la psicótica guitarra de Mariano y la arrolladora personalidad y voz de Monti continúan a tope de revoluciones, y por lo visto, en plena forma. Como decimos, siguen a lo suyo, dejando fluir su

creatividad y su amplia paleta de influencias sazonándolo con alguna nueva sonoridad y destrozando cualquier concepto lógico o normal de hacer canciones. Igual de agresivos, respetando también las melodías (estrambóticas, pero melodías al fin y al cabo), éste es un disco para todo aquel que sea abierto y huya de los convencionalismos musicales. Una sola escucha te hace preguntar si realmente estos tipos han estado fuera tanto tiempo, porque parece la continuación natural y mejorada de lo que ya hacían década y media atrás.

LUIS BENAVIDES

ANDRÉS MARTÍNEZ

DONOTS Karacho (SOLITARY MAN)

POP PUNK

l igual que les sucede a sus hermanos y grandes colegas Beatsteaks, en su Alemania natal Donots son un grupo capaz de arrastrar grandes audiencias, pero fuera de ella no dejan de ser un grupo de nivel medio, por así decirlo. Tal vez por ello y, llegados a su décimo álbum de estudio (fundaron la banda a principios de los 90 cuando aún eran unos críos), han apostado por focalizar toda su atención en el mercado germano, empezando por cantar en su lengua materna. Y no sé si será que el cambio de idioma les ha hecho encarar

las nuevas composiciones desde otra perspectiva, pero lo cierto es que en Karacho vuelven a recuperar la energía que quedó algo diluida entre los excesivos medio tiempos y baladas del anterior Wake The Dogs. El excelente single ‘Ich Mach Nicht Mehr Mit’ sirve de carta de presentación para unos renovados Donots que retoman su lado más punk como en ‘Kaputt’ y ‘Hier Also Weg’. Se han deshecho de arreglos pomposos e innecesarios, sonando más a grupo, firmando un ramillete de temas que entran la mar de bien (‘Junger Mann Zum Mitleiden Gesucht’, ‘Du Darfst Niemals Glücklich Sein’), aunque tampoco se han olvidado de esos grandes coros característicos que siempre les han funcionado tan bien, caso de la sutil ‘Weiter’ y, especialmente, una poderosa ‘Besser Als Das’ que a buen seguro desatará la locura en sus conciertos. Lo malo es que seguramente con esta decisión cada vez resulte más improbable verles por aquí, pero al menos ganaremos en trabajos tan aprovechables como éste. GONZALO PUEBLA

críticas

STRUNG OUT

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jason Cruz (voz), Rob Ramos (guitarra, voz), Jake

Kiley (guitarra), Chris Aiken (bajo), Jordan Burns (batería) PRODUCIDO POR: Kyle Black AFINES A: Pennywise, All, Pulley PÁGINA WEB: www.strungout.com

S Transmission. Alpha.Delta (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

eis años han transcu� rrido desde el último lanzamiento del quin� teto de punk técnico del sur de California, pero por fin Strung Out se han decidido a lanzar nuevo material bajo el nom� bre Transmission.Alpha.Delta. Un derroche de energía que continúa fiel a sus anteriores trabajos y a un sonido que ya han hecho suyo, al que le ponen el broche de oro. En lo que es ya una larga y duradera relación, Fat Wreck Chords vuelve a lanzar este álbum por el que mucho ha valido la pena esperar. Se aprecian significativos cambios en las estructuras de las can� ciones, en las que principio y

fin son mundos completamente distintos, y en las que mezclan diferentes velocidades, aun� que bien es cierto que hay varios temas que evocan a sus primeros trabajos. Además, para conseguir un tono mejor definido, han cambiado la afinación (a mi bemol). Tralla� zos como ‘Magnolia’, ‘Spanish Days’ o ‘Modern Drugs’ son los hits de un álbum que habla sobre la adicción a sustancias peligrosas, el lavado de cere� bro de las nuevas tecnologías o incluso reflexiones profundas sobre la fe. Cruz, Kiley, Ramos, Aiken y Burns han depositado toda su energía en este trabajo que suponemos no ha sido nada fácil de llevar a cabo,

por las distintas realidades de la banda tras un período tan largo sin crear, pero que con himnos como ‘Nowheresville’ o acelerados tiempos como ‘Black Maps’ auguran una exitosa continuación en la ca� rrera de una banda que sabe reinventarse, aun preservando un épico sonido que perdura por más de 25 años. Quizá haya tenido que ver con que el productor Kyle Black (�� Para� more, Comeback Kid) haya sabido poner firmes a estos veteranos y sacarlos de su zona de confort para poder firmar un disco que huele a renovación y apunta a una carrera aún más longeva. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... JAKE KILEY Han pasado seis años desde vuestro último disco. ¿Significa que el grupo ha dejado de ser una prioridad para vosotros en este tiempo, o han habido otras razones? “Lo que pasa es que estábamos muy ocupados. Sacamos un recopilatorio y una caja y giramos para ambos. Pensa� mos en tomarnos un poco más de tiem� po y no apresurarnos. Creo que hicimos bien porque ahora lo hemos tomado todo con energías renovadas”. El álbum me ha gustado desde la primera escucha. Tiene todo lo que me gusta del grupo, pero además compositivamente está a un gran nivel. ¿Es consecuencia de haber tenido más tiempo también? “¡Muchas gracias! Sí, pasamos mucho tiempo trabajando en los temas y arre� glándolos con nuevas ideas hasta que

pensamos que no podían ser mejores. Quería hacer un disco que presentara lo mejor que sabemos hacer con la ener� gía de nuestros primeros trabajos. Creo además que Kyle ha hecho que sonáse� mos mejor que nunca”. Efectivamente, Kyle Black es el productor del disco. Es alguien que está acostumbrado a trabajar con bandas más jóvenes como Paramore... ¿Tenía un enfoque distinto? “Sí. Kyle domina muy bien lo que hace y además ha sido fan nuestro durante mucho tiempo, así que era una combi� nación perfecta. Por momentos sentí que quizá nos estábamos volviendo obsesi� vos con las cosas, porque le dedicamos mucho tiempo, pero realmente logró llevarnos a otro nivel”. Las letras parecen más personales y menos políticas que otras veces…

“Jason siempre escribe sobre aquello que siente más cerca. A día de hoy se siente menos implicado con la política del gobierno y la mierda que no pode� mos cambiar. Al final es más importante ayudar a tu vecino o a tu familia. Es así como haremos un mundo mejor”. ¿Cuál crees que ha sido la clave para que Strung Out siga siendo relevante después de 25 años de carrera? ¡El no separarnos! (Risas) Eso y no haber� nos convertido en una banda aburrida”. ¿Estáis dispuestos a volver a la carretera durante mucho tiempo o seréis más selectivos? “Tenemos planeado ir a saco, pero a lo largo de los años también hemos apren� dido que es esencial un buen equilibrio. Aun así, a todos nos encantaría ir a nuevos lugares en los que nunca hemos tocado”. (DAVID GARCELL)

cr í ticas

KEEP OF KALESSIN Epistemology (INDIE RECORDINGS)

BLACKENED DEATH METAL

ecuerdo reírme una vez con Erik Danielsson de Watain cuando, en una de nuestras entrevistas, me soltó el término ‘happy meal metal’ para referirse, entre otras formaciones, a la que precisamente nos ocupa, Keep Of Kalessin. Entendí a qué se refería en ese momento, pero no por qué esgrimía esa denominación con tanto desprecio. Bien, unos años después, al fin le he comprendido del todo. Me faltaban unas cuantas primaveras, vamos… Que estas orejotas ganaran algo más de criterio y, claro, a eso también ha ayudado que haya transcurrido un lustro entre su anterior Reptilian y este trabajo. Y es que, sí, en efecto, los noruegos tocan de la hostia, cualquiera podría meneársela con su endiablada velocidad y larguísimos cortes, pero

BULLITT Sparks (BCORE)

ROCK

i con el anterior So Many Ways advertí en estas mismas páginas que los gerundenses Bullitt habían tocado techo, ahora celebro el tirón de la banda con este muy meritorio cuarto trabajo, destapado con temas marcas de la casa y altamente tarareables. Porque la primera parte de Sparks, grabado con el gran Santi Garcia, suena tal y como esperábamos, quizás mejor. Ahí están la breve pero intensa ‘The Mighty One’, las guitarras expansivas de ‘Game Over’, la melancolía poderosa de ‘Oceans In Motion’ y la dulzona

es cierto: hoy en día me suenan forzados, muy estudiados y, desde luego, no me sorprenden ni la mitad que como lo hicieron con Armada o Kolossus. Lo que hay en Epistemology ya se lo hemos oído antes pero con un plus de imaginación innegable, aunque ‘The Spiritual Relief’, ‘Epistemology’ o ‘The Grand Design’ rezumen buen hacer, o ‘Dark Divinity’

casi recupere su mejor versión. Este disco presenta una técnica descomunal, supersónica y todo lo que quieran, pero parece demasiado meditado y, en algunos momentos, alejado del extremo, como de unos Turisas obsesionados con el blast beat. Lo dicho, happy meal metal, tralla bonita hollywoodiense, pero bastante disfrutable.

‘Friendship Never Ends’. Las novedades vienen ahora, a partir del quinto corte, en pequeñas y adictivas dosis. Así, encontramos momentos musculosos como ‘Sister’, algo así como una versión amable del hardcore old school, y travesuras como la demo precaria al más puro estilo Hüsker Dü que cuelan tras el medio tiempo sentido con desarrollo grandilocuente que es ‘On The Edge’, el único corte que dura más de 4 minutos. El tema que da nombre a un disco nunca puede ser malo, y ‘Sparks’ no podía ser una excepción. Con ese riff macarra y esos coros

alargados atrapa, y mucho. Especialmente orgullosos deben estar del siguiente, mi favorita ‘Standing In A Circle’, con un arranque de cadencia elegante que ya quisieran los últimos Foo Fighters, con estribillo memorable y final con tensión guitarrera y redobles cargados de intención. Tras el reciente fallecimiento de su bajista, el gran Ferran, Sparks será recordado desgraciadamente como el último trabajo de Bullitt con el cuarteto original. Desde aquí, nuestro más sentido pésame para banda, familiares y amigos.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

LEE RANALDO AND THE DUST Acoustic Dust (EL SEGELL DEL PRIMAVERA)

FOLK ROCK

a separación de Sonic Youth fue un golpe duro, desde luego, pero el proyecto de Lee Ranaldo aparece como un regalo para los oídos. Desde hace dos años escasos, el cofundador del que fue uno de los mejores grupos de la escena americana underground de los 80 ha reclutado al batería Steve Shelley, entre otros, para dar lugar a Lee Ranaldo And The Dust. Pese a que el noise experimental al que nos tenían acostumbrados los neoyorquinos queda conservado en sus años prolíficos, cual pieza de museo, el sonido radicalmente

diferente de la banda no puede dejarnos indiferentes. Con una elegancia y fragilidad extremas seguimos la pista de unos músicos acogidos por una acústica que, en Acoustic Dust, se instala de forma mucho más evidente y evolucionada que en su presentación primera, Last Night On Earth, donde podíamos encontrar bases más melódicas y alguna pieza rock. La voz de Ranaldo cobra aquí una presencia más notable y desgarradora que ensombrece inevitablemente una instrumentalidad lineal y de tonos bajos al haberse instalado en un terreno algo más íntimo. No obstante, cuando ésta desaparece, y no por poco tiempo, la fuerza material del punteo toma el protagonismo de las composiciones, hecho que permite que tracemos una relación con la canción casi tangible. Una joya de alguien que, aunque no fue nunca un diamante en bruto, sí nos ocultó una creatividad que, en forma de canción, nos hace sentir hoy privilegiados de su música. ANDREA GENOVART

POND

Man It Feels Like Space Again (CAROLINE)

INDIE ROCK

e mismo nombre que los de Pórtland en los 90, estos australianos son el hermano pequeño de Tame Impala, con los que les une algo más que ser de la misma ciudad. Los de Perth despegaron en 2008 con el vocalista de Tame Impala, Kevin Parker, que dejó la formación para que pillara las riendas el exTame Impala Nick Allbrook, junto a Jay Watson, que sigue moviéndose entre las dos bandas. Muy prolíficos desde su nacimiento, el quinteto vuelve a la carga con otra nueva dosis de pop

rock psicodélico y space muy cercano a sus parientes de Tame Impala pero sin tanta repercusión y con tintes de funk, indie, glam o folk. En Man It Feels Like Space Again, Pond proclaman su buena firma que los asemeja también a unos MGMT de Congratulations, White Denim, Bitchin Bajas, Yuck o Stepkids, y se dejan llevar de maravilla con un gran resultado en canciones como ‘Elvis’ Flaming Star’, ‘Sitting Up On Our Crane’, ‘Outside Is The Right Side’ y, sobre todo, ‘Waiting Around For Grace’, perdiendo fuelle en otras tantas como ‘Zond’, ‘Heroic Shart’, ‘Medicine Hat’ y ‘Man It Feels Like Space Again’, que deslucen el resultado final de una banda que da la sensación de merecerse más dado su compromiso y virtudes. Supongo que deberían salirse de la sombra de los aventajados hermanos de Tame Impala o simplemente hacerlo mejor y aprovechar al máximo la inspiración, pero mucho me temo que la ambición excesiva no entra en los planes de Pond. CARLES RAMÍREZ

cr í ticas

DR. LIVING DEAD! Crush The Sublime Gods (CENTURY MEDIA)

THRASH METAL

alvo contadísimas excepciones, actualmente el revival thrash y las bandas que lo integran me interesan entre cero y nada, pero estas calaveras con bandanas han logrado captar mi atención. En efecto, lo de Dr. Living Dead! ni es nuevo ni pretende revolucionar un estilo hoy en día sobreexplotado hasta el hastío, pero en lo suyo hay algo más, y sin duda en su tercer álbum hay una buena ración de ello. Para empezar, en ‘Crush The Sublime Gods’ o ‘TEAMxDEADx’ su nuevo cantante Dr. Mania se atreve con unos melódicos propios de los Anthrax de antaño, o mejor, de Mike Muir de Suicidal Tendencies, y eso, además de sorprender, también alarma. ¿Por qué en esta recuperación del estilo nadie o casi nadie se había atrevido a ello? ¿Por qué

JD McPHERSON Let The Good Times Roll (ROUNDER)

ROCK’N’ROLL

mpezábamos a temer que un disco tan bueno como Signs & Signifiers no fuese a tener continuación. Casi cinco años ha tardado JD McPherson para volver a deleitarnos con una nueva entrega de añejo rock’n’roll, y lo mejor de todo es que una vez escuchado podemos decir que, por increíble que parezca, es incluso superior a su hermano mayor. Así pues, el amigo JD vuelve a rendir homenaje a ese sonido reverberizado tan deudor de los 50, recogiendo el testigo del malogrado Nick Curran, tan necesario de reivindicar en

ha sido casi todo tralla por la tralla, una mera competi de a ver quién era el más rápido del Oeste? Aquí hay mucho de Metallica, de Exodus, de Overkill, de Nuclear Assault, pero desde luego los suecos lo mezclan con aquello que les hace irresistibles, el crossover de D.R.I. o S.O.D. mayormente. El flow de ‘Eternal Darkness Of The Fucked Up Mind’ o

‘Another Life’, la Slayer con down tempo ‘Scanners’, el poso y buen hacer de la cojonuda ‘Force Fed’, la matanza ‘Civilized To Death’, un interludio como ‘Salvation’, la punk rock ‘No Way Out’… Una banda diferente entre tanto clon, con cosas por decir, aunque igualmente vintage. Los Rise Of The Northstar del thrash.

estos tiempos que corren. Let The Good Times Roll se abre justamente con el tema titular, y si desde que suenan los primeros acordes sientes que tu cerebro se activa para que tus pies comiencen a moverse, entonces prepárate porque ya nos vas a poder parar durante todo el álbum. Las canciones ‘It Shook Me Up’ y ‘Mother Of Lies’, con un saxo incendiario, son toda una invitación a que saques a la parienta a la pista a quemar zapatilla hasta que acabe la fiesta. Inmediatez en estado puro, al igual que el sencillísimo riff de ‘Head Over Heels’, pero que te

pone a tono en cuestión de milésimas de segundo. Y si lo que te va es eso de bailar bien pegaditos, tranquilo que con baladones como ‘Precious’ o ‘Bridge Builder’ (coescrita junto a Dan Auerbach de The Black Keys) lo tienes fácil para triunfar. Hasta ‘Bossy’, con su aire marcadamente sureño, te incita al desenfreno. Desde ya mismo, uno de mis discos favoritos de este arranque de 2015 y uno de los artistas que no deberías perderte en la próxima edición del Azkena Rock Festival. Luego no digas que no te avisamos.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

COME THE SPRING Revive (ENGINEER)

POST HARDCORE

l presente Revive es la primera referencia de Come The Spring, una formación surgida años después de la disolución de Rydell y Strenght Alone, totalmente desconocidas por estos lares pero muy activas en el underground británico de finales de los 90. Con esas bandas los miembros de Come The Spring compartieron risas, cervezas y backline con sus admirados Hot Water Music, Braid, The Appleseed Cast, Texas Is The Reason o incluso los mejores Green Day. Sólo el tiempo dirá si su resurrección musical

-y lo digo por el título del disco- les brinda tantas y tan maravillosas oportunidades. Los de Brighton no tienen prisa por llegar a ninguna parte, y aspiraciones, las justas. El quinteto, formado en 2012, se ha tomado todo el tiempo del mundo para lanzar los seis temas que componen este crudo, rasposo y honesto EP de post hardcore emotivo. Con ilusiones renovadas pero los pies en el suelo imagino a los ahora veteranos Sam, Simon, David, Mark y Jamie en el local. Puedo verlos encerrados después de una agotadora jornada de trabajo en la oficina, después de recoger a sus hijos, gozando y sintiendo cada nota como la primera vez. O incluso más. Así, ’Memories & Resonance’, con ese inicio rabioso y unos coros a pleno pulmón, bien podría ser su himno. La fuerza desgarradora de la inicial ’24’ y la onda Hundred Reasons de ‘The Air That I’m Breathing’, sin olvidar el impecable medio tiempo ‘Maps’, conforman una carta de presentación más que notable. LUIS BENAVIDES

NECROWRETCH

With Serpents Scourge (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL

a madre de Dios, qué virulencia… ‘Black Death Communion’ te zarandea de lo lindo con una agresividad maníaca de otro tiempo, que rememora y de qué forma a los pioneros del metal extremo de los 80, mediados de los 90 a mucho estirar. Está claro: Necrowretch han vuelto. Un blast beat corrosivo, sonoridad death metal, de acuerdo, pero la voz del también guitarrista Vlad, por no hablar de bastantes riffs… Santo cielo, una ofensa propia del black más primigenio, y por qué

no decirlo, de los Watain iniciales. ‘With Serpents Scourge’, ‘By Evil And Beyond’, ‘Mortem Ritu’ o ‘The Bells Of Evil Schism’, porque puedes escoger cualquiera, son negras dagas que van a degüello, a 200 por hora sin ningún tipo de piedad. A ratos suenan algo Dissection, luego a los Enthroned más histéricos como en ‘Even Death May Die’, pero también a Nihilist en otros 35 minutos perniciosos y masterizados en los Temple Of Disharmony germanos, el reino de Patrick Engel (Asphyx, Desaster, Darkthrone). Si esto lo llega a sacar un sello de ésos de culto ultra undergrounds, media escena andaría pajeándose con lo que este trío francés perpetra aquí. Recuerdo escuchar su debut Putrid Death Sorcery en 2013, más vil y menos cuidado en términos de producción, pero no que me impactara tanto como esta obra. Una declaración de principios. Poquitos, muy poquitos instantes de paz. Un retorno al extremo verdadero. Ésa es la actitud. PAU NAVARRA

cr í ticas

SLEEPING WITH SIRENS Madness (EPITAPH)

MODERN ROCK, POPCORE

ada vez más la nueva hornada de grupos surgida del Warped Tour me recuerda a aquella de la escena glam de finales de los 80. Black Veil Brides, Falling In Reverse o Pierce The Veil bien podrían ser los Warrants, Trixters y Slaughters de nuestros días. Grupos denostados por la crítica pero que, sin embargo, encontraban un gran predicamento entre un público joven que, sin ningún tipo de prejuicios, disfrutaba de su versión popificada del hard rock. Esto se hace totalmente evidente en el cuarto álbum de Sleeping With Sirens. Cada canción

parece dirigida a un segmento de su público potencial con el fin de que nadie pueda escaparse de sus redes. Así la inicial ‘Kick Me’ irrumpe con la garra de sus inicios post hardcore, ‘Go Go Go’ nos trae melodías pop punk, ‘Save Me A Spark’ es un medio tiempo ‘levanta móviles’, ‘Fly’ propone un pop rock bailable a lo Paramore y ‘Madness’ es una balada de corte acústico para soltar la lagrimilla. Todo huele a producto perfectamente calculado, la producción de John Feldmann no deja nada al azar y al grupo les asisten compositores externos como Joel Madden de Good Charlotte, Nicholas Furlong o Jacob Kasher, pero, ¿sabéis qué?, la cosa funciona gracias al alto nivel de las composiciones, haciendo difícil resistirse a su infecciosa energía aunque sepas que te la están metiendo doblada. Eso sí, como no te entre bien la estridente voz de Kellin Quinn (parece salida de Alvin Y Las Ardillas) es posible que no pases ni de los primeros 15 segundos. JORDI MEYA

TAO TE KIN Abada

(NOOIRAX PRODUCCIONES)

STONER ROCK

a en el adelanto de dos temas quedaba claro que en su próximo disco nos íbamos a encontrar con unos Tao Te Kin diferentes. Hemos tenido que esperar unos cuantos meses más de la cuenta, pero finalmente Abada está aquí para confirmarlo. En su tercer trabajo, la banda de Getafe más que evolucionar ha mutado, pasando de ser una banda alternativa con tendencias progresivas al estilo de Sou Edipo o Tenpel a una de stoner rock. Ignoro qué se han comido

o qué les ha llevado hasta aquí, pero lo cierto es que la transformación resulta tan inquietante como satisfactoria. Es especialmente llamativo el nuevo registro vocal adoptado por Emilio, mucho más profundo y agresivo, para ir en concordancia con el sonido más pesado y saturado de las guitarras de Jesús y Juan Luis. La gracia es que en el camino no han perdido su inquietud por juguetear con las estructuras, y así como el stoner se basa mucha veces en la repetición de riffs monolíticos, aquí el grupo ha sabido conservar su esencia. Agónicas construcciones sónicas como ‘Exilio’, ‘Frágil’ o ‘Queroseno’, con pocas concesiones a la melodía pero que te acaban por atrapar igualmente, son algunas de las mejores credenciales de su cambio de tercio. Veremos si esto se queda en un ejercicio puntual o si en el futuro proseguirán en esta línea, pero mientras lo hagan con el mismo acierto que aquí, seguirá mereciendo la pena escucharles. DAVID GARCELL

STEVEN WILSON

Hand. Cannot. Erase. (KSCOPE) ROCK PROGRESIVO

menudo asociamos los discos conceptuales con grandes historias llenas de fantasía y épica, en los que los músicos se dejan llevar por su imaginación y acaban creando personajes y líneas argumentales que, excepto ellos, nadie más entiende. Bravo por Steven Wilson por no haber caído en esa trampa en su cuarto disco en solitario y contarnos algo con lo que podemos empatizar. Hand. Cannot. Erase. relata la historia de Joyce Vincent, una mujer de 38 años que falleció en 2003 en su apartamento de

Londres mientras dormía, y a quien nadie echó en falta hasta que al cabo de tres años la policía descubrió su cadáver. Se trata de un suceso trágico, que perfectamente podría haber sucedido en nuestra puerta de al lado, y que sirve de perfecta metáfora para explicar la paradoja entre la interconectividad que nos proporciona la tecnología y la deshumanización que vivimos como sociedad. Pero lejos de haber creado un álbum oscuro y dramático, el líder de Porcupine Tree sirve unas canciones de trasfondo triste pero que transmiten esperanza. Acompañado por grandes músicos como el guitarrista Guthrie Govan o el batería Marco Minneman, Wilson reviste la complejidad de sus estructuras y las exhibiciones instrumentales con grandes melodías pop, olvidándose de su vertiente más metal. Aunque sea difícil evitar que ‘Happy Returns’, ‘Routine’ o el tema título te conmuevan por dentro, merece la pena totalmente pasar por la experiencia. JORDI MEYA

SEXY ZEBRAS

Hola, Somos Los Putos Sexy Zebras (VAGABUNDOS) ROCK

odo apunta a que éste puede ser el año de Sexy Zebras. El trío madrileño que ya dio fe de su dominio del rock festivo en Nada Más Lejos De La Realidad en 2011 y Volvamos A La Jungla en 2013, y que cortó rabos y orejas en distintos festivales e incluso México, vuelve ahora con un álbum de contundente título por si alguien tenía dudas de cómo se llamaban. Igual de explícitos se muestran en estas once nuevas canciones que aquí nos presentan. Después de una ‘Intro’ de aires western, la banda pisa el acelerador y nos

conduce a su universo de riffs garajeros y proclamas (“Sólo somos leña para la máquina”, “Son como perros, huelen el miedo, van babeando por un fajo de dinero”) con más mensaje del que puede parecer a primera vista. Sin florituras de ningún tipo, su tercer álbum se aproxima muchísimo a lo mismo que ofrece la formación en directo: un sonido básico de guitarra, bajo, batería y con apenas un poco de tratamiento de estudio en las voces y coros. Sin trampa ni cartón. Un enfoque a tumba abierta que pone de relieve la confianza que el trío tiene en sus composiciones a base de ritmo, sudor y unos solos de alto voltaje en manos de Jose Luna. Entre el rock adrenalínico de The Hives (‘El Fugitivo’) o Arctic Monkeys (‘La Máquina’) y el primitivismo bluesero de The White Stripes (‘Salvajes’, ‘Babilonia’), Sexy Zebras se ventilan su tercer asalto en apenas media hora con la sensación de que con esto no tienen ni para empezar. Les veremos en el ring. MARC LÓPEZ 89

cr í ticas

TORT

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Xavier Álvarez (voz), Jordi Boluda (guitarra), Sergio Sancho (guitarra),

Laurent Py (bajo), Míchel Serrano (batería) PRODUCIDO POR: Javi Félez AFINES A: Evilhorse, Ramesses, High On Fire PÁGINA WEB: tort.bandcamp.com

Q II

(VARIOS SELLOS) DOOM METAL, DEATH DOOM

ue II te coja sentado, porque como la nueva entrega de Tort te pille desprevenido te digo yo que la rabadilla, directa al suelo, duele bastante y, a veces, hasta de forma prolongada. Lo que su nuevo vocalista puede hacerle a tu culo por cuenta propia también debería preocuparte, porque, majo, Xavier Álvarez te lo va a dejar fino filipino en cuanto tenga una mínima oportunidad. No es por desmerecer a los otros miembros del grupo, pero basta con unos pocos segundos de ‘Scratching The Coffin Lid’ para comprobar que introducir un cantante brutal death en una banda doom es una idea tan

retorcida y perversa como genial. Meteros un chute de ‘Horrible Procession’ y luego me lo contáis… Ni popper ni leches, oye. Con ‘When The Raven Is Ravenous’ vuelven sus samples de serie Z sin los cuales su guitarrista Sancho no podría vivir, pero la verdad es que en este segundo álbum ha estado especialmente acertado con las elecciones, dando como resultado un envolvente disco de malvada simpatía, sazonado con buenos textos de mórbidas apariciones y mohosa decrepitud. Toda esa mierda que tan pirulones nos pone, para qué andarse con rodeos… De la misma forma, de este segundo tema también llaman la atención

los blast beats que se marca Míchel, demostrando la banda que esta vez ha trascendido más allá de lo que se espera de una banda doom o sludge al uso, sea eso intencionado o no. En mi opinión, quizá ‘Desecrated Grave’ no está a la altura de los demás cortes, pero desde luego ahí están ‘Cry Of The Damned’ y sobre todo los casi 11 minutos de ‘Dead’ para encerrarte en el infierno y tirar la llave. Si se tomaran un poco más en serio, si Tort se sacaran la vagancia de encima ni que sólo fuera un poquito, seguro que lograrían mucha más atención. Ellos mismos lo saben, así que otro puntazo a su favor. PAU NAVARRA

HABLAMOS CON... SANCHO El inicio con ‘Scratching The Coffin Lid’ es toda una declaración de principios: rugidos, ruido, acoples, lentitud… Tort, en definitiva. “Sí, bueno, este tema fue el primero que hicimos tras grabar el primer álbum, y todavía se parece bastante a lo antiguo… Se hizo antes de que entrara Jordi y antes de que Javi Guerrero nos dejara. Principios no tenemos, pero bueno... ya es eso: distorsión, baja afinación y un buen fumadón”. El disco va mucho más allá del doom clásico o el sludge de vuestro debut… ‘When The Raven Is Ravenous’ no duda en despegar con un blast beat... “Bueno, no es que queramos ampliar horizontes o adaptar nuevas influencias como algunos dirían… No, simplemente hacemos lo que nos parece que quedaría bien tras un riff y tras otro, y nos la trae bien floja en qué estilo se pueda clasificar. Nosotros escuchamos

todo tipo de metal y por eso nos sale lo que nos sale… Bueno, menos power metal, ¿eh? Eso sí que no”. Así, la incorporación de Xavier Álvarez, al que se le intuye una educación musical en torno al brutal death, ¿no ha ayudado a que abráis un poco vuestro espectro compositivo? “Pues la verdad es que no. Muchos de los temas ya estaban hechos, de modo que ya vino y puso su granito. De hecho, le dijimos que chillara un poco más… que dejara escapar al perturbado que llevaba dentro, ya que él provenía de bandas como La Matanza, donde sí cantaba en plan Suffocation, aunque no nos gusta abusar de guturales...”. Otra cara nueva es el guitarrista Jordi Boluda. ¿Qué dirías que ha aportado a Tort? ¿Esos solos, quizás? “Bueno, lo primero es que nos sacó de un estancamiento como banda, y luego, claro está… dos guitarras

son mejor que una, la patada es más contundente con dos guitarras, desde luego. En cuanto a los solos, pues lo que hacemos es que mientras estamos construyendo los temas probamos a meter solos los dos guitarras, y el mejor se queda. Si no hay ninguno que mole, pues lo dejamos sin solos y nos quedamos tan anchos. Además, nuestros solos son para dar ambiente más que otra cosa, no somos ningunos virtuosos, como se puede comprobar”. ¿Qué tal volver a grabar con Javi Félez? ¿Mucha birra? “(Risas) Grabar en los Moontower siempre es muy fácil y agradable, como te puede decir cualquiera que haya grabado con él. En cuanto a la birra… pues no, no solemos abusar de nada durante las grabaciones, siempre vamos muy cansados del curro y luego a darte el tute; es lo que hay. De hecho, en esta última grabación me pegué una buena siesta en el sofá de los Moontower”. (PAU NAVARRA)

críticas

HALESTORM

Into The Wild Life (ATLANTIC) HARD ROCK, POP

l contrario que en el mundo del pop, el del rock no va sobrado de mujeres que obtengan una gran proyección pública. En este contexto, Lzzy Hale, la líder de Halestorm, es una excepción, aunque si ello se debe más a la ausencia de competidoras que a méritos propios es algo que podría debatirse. Lo que está claro es que la chica reúne varios factores –buena voz, presencia, personalidad- que explican el continuo ascenso de su banda. Pero si hasta ahora lo habían conseguido dentro de la parroquia rockera,

escuchando su tercer álbum parece que el cuarteto de Pennsylvania no haya tenido suficiente y quiera llegar a un público más mainstream. No faltan algunos de sus temas característicos, donde ponen al día la chulería del hard rock de los 80 a base de guitarrazos controlados y estribillos diseñados para ser coreados en estadios. Es lo que encontramos en ‘Scream’, ‘I Am The Fire’, ‘Amen’, ‘I Like It Heavy’ o la muy efectiva ‘Apocalyptic’, canciones que satisfarán a quienes les han seguido hasta ahora. Pero intercaladas estratégicamente, como si no quisieran espantar a sus posibles nuevos fans, han colocado otras tantas baladas y medio tiempos que no desentonarían sonando en un capítulo de Anatomía De Grey. No hay nada malo en tener baladas, pero tanto ‘Dear Daughter’ como ‘The Reckoning’, ‘Bad Girl’s World’ o ‘What Sober Couldn’t Say’ carecen del gancho de sus canciones más eléctricas y los acerca peligrosamente a la música de radiofórmula. DAVID GARCELL

DER WEG EINER FREIHEIT Stellar

(SEASON OF MIST) BLACK METAL

igo siendo incapaz de retener el nombre de esta banda, pero por el logo, recuerdo que su debut homónimo de 2009, pese a contar con recursos interesantes, tampoco me enamoró. Tras él vino Unstille en 2012, obra que me perdí, pero ahora, con su fichaje por Season Of Mist, desde luego habrá que tomarse la carrera de estos alemanes mucho más en serio. Stellar toma cuerpo con ‘Repulsion’, un crescendo de casi 9 minutos que hacia su mitad despega en un trallazo melodic black muy punzante. El tercer

álbum de Der Weg Einer Freiheit son seis cortes casi empalmados de generoso minutaje cada uno a excepción de la sangrienta ‘Verbund’, teniendo como punto álgido la canción final ‘Letzte Sonne’, de más de 12, y estoy seguro de que con él ocurrirá lo mismo de siempre: los puristas del género pasarán de escucharlo porque la banda quiere transmitir que son chavales normales, y por otro lado, los recién aterrizados al black lo dejarán por las nubes porque esas pintas no tienen nada que ver con lo que se espera de este estilo más allá de la música. Yo os pido que hagáis un esfuerzo por memorizar el nombre de este combo, porque esta obra lo vale y porque Der Weg no tienen la culpa de tener cara de buenazos. Pasajes melancólicos y violencia desatada pueden darse la mano fácilmente en ‘Requiem’, ‘Eiswanderer’ o ‘Einkehr’, pero citar sólo a Wolves In The Throne Room o Deafheaven sería quedarse corto. Precioso. PAU NAVARRA

MORGANA VS. MORGANA II. En El Nimbo (AUTOEDITADO) ROCK PROGRESIVO

i siguen en la misma línea de los últimos años no me cansaré de reivindicar a Morgana Vs. Morgana. Vale que su ciudad de origen, Valencia, no es una buena tierra de cultivo para el rock progresivo que ellos siembran y que su nombre pueda resultar difícil, pero tampoco es justa la poca acogida que han recibido históricamente por parte de prensa especializada y público en general. Sus componentes tienen talento y su música destila calidad; de hecho, no entiendo por qué si han triunfado a nivel internacional un

grupo como Tool y a nivel estatal otro como Sôber, los valencianos no reciben ni una mínima parte de este reconocimiento. En fin, mientras tanto, II. En el Nimbo es un nuevo paso adelante en su evolución aunque siga la línea marcada en los anteriores III. De Lo Inevitable y Sol Invicto. En este nuevo EP de sólo cuatro canciones Morgana Vs. Morgana vuelven a mostrar sus cartas: un rock contenido que sufre desgarros en ocasiones puntuales y caracterizado por las sucesiones calmatormenta. ‘Hielo’, ‘Sin Sal, Sin Mar (Misère)’, ‘En El Lodo’ y ‘Nimbo’ siguen los mismos patrones: empiezan con un riff de guitarra o un solo de batería, a continuación entra la voz suave de Carlos Pagola y luego la sección rítmica, para después desarrollar las estructuras progresivas, los cambios de ritmo y las variaciones vocales. Con menos de 24 minutos, II. En El Nimbo nos emplaza al primer capítulo de esta trilogía inversa a publicar próximamente. JORDI FORÉS

THE ANSWER

Raise A Little Hell (NAPALM) HARD ROCK

os norirlandeses vuelven a la carga con su quinto trabajo, curiosamente grabado en Madrid con Will Maya. Raise A Little Hell podría definirse como un espléndido retorno a sus raíces más hard rockeras, y que ellos mismos definen como el reflejo del incesante amor que profesan hacia la música que hacen. Poco tienen que demostrar después de 15 años de una carrera bastante consistente, si bien es cierto que nunca han conseguido llegar a romper, pero es innegable que en esta ocasión les ha salido la jugada estupenda. Hacía tiempo que un disco de este estilo no resultaba tan

atractivo desde la primera escucha. Raise A Little Hell es fresco y poderoso, sin una producción excesiva que permite disfrutar de un sonido más natural y directo, y de una mayor contundencia. Paul Mahon despliega todo su potencial a través de riffs atronadores, y las melodías a cargo de Cormac Neeson resultan brillantes. El disco no puede comenzar con mejor pie, con dos himnos como la copa de un pino. ‘Long Live The Renegades’, con un estribillo súper pegadizo que incita a levantar el puño bien alto y a corear a pleno pulmón, y ‘The Other Side’, un medio tiempo magnífico. El placer que produce escuchar cortes como ‘Cigarettes & Regret’, el tono melancólico de ‘Strange Kind Of Nothing’ o el latigazo de ‘Whiplash’, es inmenso. Temas que renuevan la pasión por el hard rock clásico bien hecho. Raise A Little Hell supone una celebración más de un revival del género al que se están sumando bastantes bandas, posicionando a los veteranos The Answer como figuras prominentes. TOI BROWNSTONE

críticas

ESBEN AND THE WITCH

A New Nature (NOSTROMO) POST METAL

espués de un prometedor debut y una más que decepcionante continuación, el trío natural de Brighton decidió lanzarse a la piscina en una campaña de crowdfunding que les ha funcionado a las mil maravillas. Gracias a lo recolectado no sólo han podido lanzar su nuevo álbum en su propia discográfica, Nostromo Records, sino que además han podido contar con la producción de todo un Steve Albini que, según la banda, les ha ayudado a redefinir su sonido y pulir sus composiciones casi como un compositor más. El arranque

del álbum es tremendo. ‘Press Heavenwards’ se abre paso reptando poco a poco entre el post rock y el doom con el impresionante torrente de voz de Rachel Davis como total protagonista. ‘Did Your Finger In’ es más etérea y sutil, mientras que ‘No Dog’ nos revienta con una aceleración de corte industrial absolutamente abrumadora, por no hablar de ‘Those Dreadful Hammers’, un pesado y violento ataque de agónico doom que viene precedido de una deliciosa y sublime introducción vocal de una Rachel en estado de gracia. Han cambiado su propuesta y mucho, parecen ya poco interesados en experimentar con la electrónica, y en su lugar se dedican a potenciar su vena más atmosférica y crujiente recurriendo, mezclando y maltratando elementos del drone, del post rock o del doom de la manera más natural, y la jugada les ha salido redonda. Por mi parte, toda la decepción causada por Wash The Sins Not Only The Face queda redimida con esta nueva obra, donde se reivindican a sí mismos como una banda a tener de nuevo en cuenta. ANDRÉS MARTÍNEZ

HAXOTZ Islada

(AUTOEDITADO) ROCK, METAL

andas como Berri Txarrak llevan veinte años sembrando semillas en su tierra y más allá. Y ya hace tiempo que recogemos los frutos con bandas interesantes, inspiradas en su buen hacer, su directo y, sobre todo, una personalidad a prueba de bombas. Pienso en bandas como Haxotz, una formación de Bilbao formada por cinco buenos amigos de la ikastola. Con sus veintipocos años podríamos decir literalmente que Gorka y compañía son los padres de leche de la banda: han mamado sus discos en la cuna. Todo esto es evidente cuando escuchas

su nueva referencia, Islada, un trabajo muy meritorio en la línea de los primeros trabajos del trío de Lekumberri y muy por encima de su primera referencia, un EP con cuatro temas. En la senda de su largo debut, Bide Ertzean, pero con las ideas mucho más definidas y más seguridad, Islada tiene un sonido metálico apabullante y sus once cortes arrollan por igual. Unas veces con más sentimiento, como ‘Ispiluak’, con una estrofa evocadora y accesible muy propia de Boysetsfire, pero la mayoría a base de guitarrones pesados y ritmos machacones. A destacar en este segundo grupo, ‘Bakea (Sic)’, ’Ereserkiak’, ‘Eskuak Garbi’ y ese poema reivindicativo ‘Herria (Harria)’. Y es que estos chavales instrumentalmente muy capaces van para nota con unas letras en euskera también muy trabajadas, con sustancia, como tiene que ser en un disco titulado Islada (‘Reflexiones’ en vasco). Haxotz entran con fuerza en mi lista mental de bandas vascas a seguir de cerca. LUIS BENAVIDES

WILHELM

How High Lily? (ORIGAMI) INDIE POP

s una verdadera pena que el grupo de Pamplona decida separarse. Hace apenas dos meses salió How High Lily?, mostrándonos un cambio de dirección emprendido viento en popa. Si con The War Of Species conocimos a una banda rockera -por aquel momento llamada Wilhem And The Animals- de ritmos rápidos y una mayor presencia instrumental, en este segundo lanzamiento encontramos componentes distintos que alteran la mezcla final, no por ello menos explosiva. Ruge la voz de Helen, puede que liberada del miedo ante los juicios primerizos, en una línea

protagonista que se exhibe con la seguridad del que cree en su modo de hacer música. Ya no hay guitarras tan melódicas que fácilmente se transforman en canciones bailables como en Haim, tampoco temas estructurados ordenadamente hasta el punto de ser previsibles. Si en ‘Wilhelm’s Kingdom’ nos engulle un caótico remolino donde convergen un solo de batería y ritmos de guitarra diversos, en ‘Psychonight’ te sueltan una remasterización exagerada de unos Metronomy, y en ‘Jungle Army’ un pop folk festivo y optimista cual Foster The People. No se trata sólo de respirar el aire fresco que convella cualquier transformación, sino también la misma que siente el grupo al salir de un espacio que reprimía los mismos impulsos que, liberados al fin, han podido dar lugar a este CD. La fluidez, pues, permite corroborar no solamente la calidad de una música que les aclamaba ser explorada, sino también la autenticidad de unas piezas que se suceden con absoluta naturalidad. ANDREA GENOVART

DULCE PÁJARA DE JUVENTUD Triumph (BCORE) INDIE POP

e podía adivinar tranquilamente un cambio en esta gran banda de Barcelona. Han sido dos años desde su homónimo debut en los que se han visto envueltos en un proceso creativo y de crecimiento natural que ha establecido una distancia mayor entre sus dos obras de la estrictamente temporal. Si han crecido como grupo, más lo han hecho sus canciones, que se erigen mastodónticas e infinitas. El cuarteto se ha dejado llevar y ha formado un lenguaje épico y grandilocuente de gran belleza que deja atrás el buen

aplicado lo-fi americana indie pop de antaño. Es como si la palabra ‘frontera’ o ‘prudencia’ hubieran desaparecido del vocabulario de Dulce Pájara De Juventud para sólo entender las de ‘arriesgar’ y ‘eterno’. Una evolución sin complejos, convincente, aplaudida y sin marcha atrás que ha parido colosales temas como ‘Triumph’, ‘Crucifiction’, ‘Sonic’ y ‘Freak In Tales’, que se llevan la palma en grandeza sonora y éxtasis, temas más estándar pop para los oídos como ‘Manantial’ o ‘Lapidation’ y un final tan emotivo como ‘Home’. Sin duda la entrada de Víctor Garcia en la batería no ha hecho más que enorgullecer y ver alcanzables las grandes metas que se habían marcado. Un disco de nueve temas que contiene múltiples canciones más dentro de ellas y que ha de lanzar definitivamente a la banda o, como mínimo, coronarla por su valor y apuesta. Una delicia para los sentidos que no deja indiferente y crece por momentos. CARLES RAMÍREZ

críticas

PÁJARO JACK

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jaime Beltrán (voz, guitarra), Mario Fernández (batería),

Mario Rodríguez (bajo), Arturo Muñoz (guitarra), Daniel Guirado (teclados) PRODUCIDO POR: Jaime Beltrán, Carlos Díaz AFINES A: Dr. Dog, David Bazan, Fleet Foxes PÁGINA WEB: www.facebook.com/pajarojackoficial

E Vuelve El Bien (Partes I y II) (EL VOLCÁN/EL EJÉRCITO ROJO) INDIE POP, FOLK

n su primer disco los granadinos Pájaro Jack se presentaban como unos alumnos aventajados del folk de raíces sajonas, con un exquisito dominio de la combinación de guitarras acústicas y melodías vocales. Esa esencia sigue presente en su segundo álbum, pero llega ahora ampliada por unos arreglos más cercanos al pop y una sección rítmica que ha ganado autoridad. Vuelve El Bien viene dividido en dos partes, correspondientes a dos sesiones de grabación distintas efectuadas en mayo y noviembre del año pasado, pero en realidad la línea argumental y estética transita de manera casi imperceptible de una a otra. Quizá en sus primeras cinco

canciones nos encontremos a una banda más cercana a su debut (‘Volveréis Por Mí’) y tanteando el terreno de sus nuevas posibilidades musicales, y en las seis restantes ya se les aprecia totalmente inmersos en su nueva configuración (‘El Segundo Huracán’), pero insisto en que la transición es absolutamente fluida y si no tuviéramos la información de los créditos, dudo que nadie notara la diferencia. Hay que agradecerle a Jaime Beltrán y sus compañeros que apuesten por la luminosidad y la belleza en una época en la que estamos bombardeados continuamente por ruido negativo. Que lo hagan además sin complejos y exentos del punto naïf que

a veces encontramos en bandas parecidas hace que su música sea aún más disfrutable. La voz de Jaime perfila melodías que acarician los oídos con melancolía y dulzura por igual y muestra un dominio envidiable de unas inflexiones que evitan caer en los lugares comunes (‘Arbol Gris’), y no he podido evitar acordarme del gran David Bazan (Pedro The Lion) con el aire trascendental que adquieren en piezas pop como ‘Ángeles’ o ‘Vuelvo En Mí’. Puede sonar exagerado, pero escuchar Vuelve El Bien acaba convirtiéndose en una inagotable fuente de bienestar para quien decida ver batir las alas de este hermoso pájaro andaluz. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... JAIME BELTRÁN ¿Cómo explicarías la evolución existente entre el primer álbum y el segundo? “Ha sido gradual. A la hora de hacer las canciones hubo un cambio de concepto. Antes pensábamos en la línea estilística del folk, todos teníamos esa influencia del folk de los 60 y los 70, y ahora, la verdad es que hemos ampliado los gustos de cada uno. Todo tiene una coherencia porque somos los mismos que las interpretamos, pero hay más variedad. En general es más libre”. ¿No os dio reparo deshaceros de los elementos por los que os habíais dado a conocer? “No nos daba demasiado miedo porque queríamos mostrar esta cara. Incluso cuando acabamos el disco anterior no nos quedamos del todo satisfechos porque sólo se mostró la cara folk, pero en directo siempre nos

han dicho que éramos más enérgicos y contundentes. Este disco es una mezcla de esas dos cosas y estamos más contentos”. ¿Por qué dividisteis la grabación en dos partes? “Fue una cuestión puramente logística. Nos pareció más honesto grabar las canciones en cuanto las terminábamos. En su momento teníamos cinco canciones y las sacamos para mostrar esa nueva cara. Como las seis nuevas compartían el mismo concepto, decidimos juntarlas todas en un mismo disco. En el álbum físico están por orden cronológico, pero en digital están primero las de la parte II porque nos apetecía que la gente las escuchara primero”. ¿Es Vuelve El Bien un canto al optimismo? “Totalmente, es un canto al optimismo en los tiempos que corren, pero

también tiene que ver con nosotros porque cuando sacamos esas cinco primeras canciones, era un momento regular en el grupo porque estábamos un poco dispersos e inactivos, pero el volver a juntarnos y renovar el sonido nos ayudó a cogerlo con muchas ganas. Es algo que lanzamos de dentro hacia fuera”. Hoy en día parece que la gente se hunde si no les salen las cosas como habían soñado… “Sí, la letra de ‘David Luiz’ habla de eso. Parece que hable del futbolista brasileño y el episodio que tuvo contra Alemania. Vimos el partido y nos dio mucha pena, pero es una metáfora para hablar de esa gente que tiene muchas esperanzas y luego se viene abajo. Nos gusta el fútbol, pero no somos grandes hinchas”. (JORDI MEYA)

críticas

ÁRSTÍDIR LÍFSINS Aldafodr Ok Munka Dróttinn (VÁN) PAGAN BLACK METAL

uando Ván Records publican un álbum debería pararse el mundo. Exquisitos como ellos solos, cuando lanzan una obra suele ser un producto irresistible, sea cual sea el palo que toquen. Esta vez nos traen el tercer álbum de Árstídir Lífsins, banda islandesa y alemana que desconocía por completo, pero que me llamó la atención por su portada, por contar con Marcel Dreckmann de Helrunar como vocalista y, claro, por aparecer bajo el amparo de tan selecto sello. De nuevo, nada falló: sólo la primera

‘Kastar Heljar Brenna Fjarri Ofan Önundarfirdinum’, tan larga como su nombre, de más de 12 minutos, ya me trasladó a otra dimensión. ¡Y eso que no es la canción más dilatada de este doble CD! ‘Knörr Siglandi Birtisk Á Löngu Bláu Yfirbordi’ es un singular despliegue de recursos fabuloso, donde la crudeza del black y los pasajes de viola y cello del multiinstrumentista Árni, también batería, alcanzan una belleza extrema. Stefán, músico de directo también para Helrunar, ofrece guitarras y bajo, pero todos participan en los coros, de inspiración antiquísima, medieval. Estamos ante un paisaje de ensueño, recitados que te apelan al alma, una experiencia pagana difícil de describir con palabras. Envolvente, rico como la misma naturaleza a la que ensalzan. Aunque con algún altibajo ante tanto material, como unir a los mejores Moonsorrow con Wardruna. Un tesoro oculto en la umbría del bosque más recóndito. PAU NAVARRA

YELLOWKNIFE

Sit Down, Stand Up (AUTOEDITADO) INDIE ROCK

n la inmensidad de la red de redes, bajo un magma de bandas y artistas de aquí y de allí, se esconden joyas musicales tremendamente interesantes que no siempre emergen. Para eso a veces es necesario escarbar un poco, arremangarte, armarte de paciencia y tener las orejas bien abiertas. En cualquier momento puede aparecer tu nueva banda favorita, tan desconocida que podrás marcarte el tanto entre tus colegas más avezados. Quizás no diría tanto de Yellowknife, pero os aseguro que me han dejado muy enganchado con su tema ‘Best Fit’, una

pieza equidistante del indie pop de Death Cab for Cutie y las atmósferas entre siniestras y vaporosas de los últimos Brand New. ¿Y cómo llegué a semejante diamante? Yellowknife es el alter ego de Tobias Mösch, un músico de Colonia con una meritoria trayectoria en solitario, y desde hace un tiempo se hace acompañar de miembros de otras formaciones como City Light Thief, una bandaza también alemana de post hardcore que ya tuve el placer de reseñar en estas mismas páginas. Y claro, una cosa te lleva a la otra y… ¡Pam! ¡Otro descubrimiento para la saca, y otro proyecto que pienso seguir de cerca! ‘Best Fit’ forma parte de un EP con otros dos temas no menos interesantes. Esta nueva referencia se despereza al más puro estilo Bon Iver con ‘Automatic’, con un estribillo power pop, con brío y adictivo, y se despide con la inquietante ‘On/ Off The Track’ y unos aires trascendentes en la onda de Pedro The Lion. Con estas referencias seguro que más de uno le dará una oportunidad. LUIS BENAVIDES

CHUCK PROPHET Night Surfer (YEP ROC) ROCK AMERICANO

anto tiempo ha pasado? Pues sí, desde que nuestro hombre perteneciera a los nunca suficientemente reivindicados Green On Red han pasado más de dos décadas, y nuestro hombre ha grabado la friolera de 13 discos en solitario, un número nada desdeñable si tenemos en cuenta que entre esa discografía podemos contar unas cuantas obras de alta calidad. Ahora ya superada la moda del alt country, Prophet sigue ahí, demostrando que, cuando quiere, es uno de los más convincentes e inspirados compositores de rock americano por encima de

súper estrellas. Night Surfer nos trae al Prophet más enérgico y optimista, un tipo que domina como nadie la melodía, que vuelve a rasgar su guitarra con brío y que se ha dejado de tonterías y experimentos que no le van para volver a lo que mejor sabe hacer: excelsas composiciones de rock guitarrero de alto octanaje con ese punto pop que hace que nos preguntemos cómo es posible que todavía conserve la siempre incómoda e injusta etiqueta de artista de culto. Si exceptuamos alguna excelente balada como esas bonitas ‘Guilty As A Sin’ o ‘They Don’t Know About Me And You’, lo demás es puro nervio guitarrero. Escucha la dulzura preciosista de ‘Lonely Desolation’, el aroma a polvo de carretera de ‘Ford Econoline’, los aires de puro rock de estadio de ‘Countrified Inner City’ o el rock vacilón y tremendamente pegadizo de ‘Felony Glamour’. Es un no parar. Le podría preguntar a su colega Ryan Adams cómo se lo hace para estar en boca de todo el mundo... A veces los caminos del éxito son misteriosos. ANDRÉS MARTÍNEZ

ENSIFERUM One Man Army (METAL BLADE) EPIC FOLK METAL

es va la épica, los spaghetti westerns en clave pagana, y las cosas les marchan francamente bien. Todo eso se aprecia escuchando la intro ‘March Of War’ y el cañonazo ‘Axe Of Judgement’, cortes que abren este plástico, sexto ya en su discografía. Ensiferum conocen perfectamente cuál es su rol en el metal ancestral europeo, qué esperan sus fans de ellos, y ahora que están en la vanguardia de este movimiento folk, pagan, o como quieran llamarlo, desde luego no se van a mover ni un ápice de su propuesta. Eso sí, lo que

apreciamos es que bajan las revoluciones en ‘Heathen Horde’, tema de coros para entrechocar cervezas, y claro, los disfrutamos más cuando pisan el acelerador y la furia guerrera se apodera de temas como la tremenda ‘One Man Army’… Y eso ya sólo vuelve a ocurrir en cuentagotas. La teclista Emmi Silvennoinen aporta ese plus atmosférico tan emocionante, temas como ‘Warrior Without A War’ o las trabajadísimas ‘Cry For The Earth Bounds’ o ‘Descendants, Defiance, Domination’ nos sumergen en una experiencia casi cinemática, pero a mi modo de ver, tanta lentitud acaba pesando demasiado en el global de esta obra. La segunda mitad de ‘Two Of Spades’ contiene su bromita habitual, muy de los hits disco de los 70, pero ni aquí han estado acertados, pues carece de originalidad al ya existir esa inolvidable versión de ‘Rasputin’ de Turisas. Estamos ante un álbum currado hasta el límite, pero algo aburrido. ¿Cerrar con ‘Neito Pohjolan’? ¿De verdad? PAU NAVARRA

VOCES UNIDAS

En 2012 While She Sleeps irrumpieron como un torbellino en la escena metalcore británica, pero un par de contratiempos con su vocalista truncó su fulgurante ascenso. Tras meses de incertidumbre reaparecen con Brainwashed dispuestos a recuperar el tiempo perdido. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

e haber ido todo como tenían previsto, los cada vez más numerosos fans de While She Sleeps hubieran podido escuchar su segundo álbum el año pasado. Pero los problemas de garganta, que acabaron por llevar al vocalista Lawrence ‘Loz’ Taylor al quirófano, y también sus excesos con el alcohol obligaron a la banda de Sheffield -que completan Sean Long (guitarra), Mat Welsh (guitarra), Aaran McKenzie (bajo) y Adam Savage (batería)- a cambiar sus planes. Durante unos 100

meses parecía que todo el éxito que habían conseguido con su debut This Is The Six podía escurrírseles de las manos, pero si algo han demostrado estos chicos desde sus inicios es una gran capacidad de resistencia. Amigos desde la infancia, giraron en las peores condiciones imaginables durante años antes de que alguien empezara a hacerles caso. De los primeros en confiar en ellos fueron sus vecinos Bring Me The Horizon, quienes les invitaron a abrir varios conciertos en el Reino Unido, así como algunos en Estados Unidos. Desgraciadamente, While

She Sleeps no podrían aprovechar la oportunidad por un problema con sus visados. Pero a raíz de publicar This Is The Six en verano de 2012, el quinteto empezaría a recoger los frutos de sus sacrificios. Múltiples giras internacionales con Asking Alexandria y Parkway Drive, apariciones en festivales y grandes halagos por parte de los medios les acompañaron hasta que en el verano de 2013 se embarcaron en el Warped Tour y Loz empezó a sufrir con su voz y la bebida, llevándoles a cancelar gran parte de sus apariciones previstas en 2014. En cualquier caso,

“Desde 2009 apenas hemos parado, así que no es nada extraño que hayamos tenido algunos patinazos en el camino” AARAN MCKENZIE

de gira con Cancer Bats por el Reino Unido y Europa. “Tengo grandes expectativas depositadas en esta gira. Les conocemos desde hace un par de años y creo que tenemos una actitud muy parecida, aunque nuestra música no se parezca. Creo que compartimos fans. Esta gira será una carnicería (risas)”. Aquí os vimos con In Flames en octubre. ¿Qué recuerdo tienes de ese tour? “Fue una gira maravillosa, muy divertida. Compartíamos el autobús con Wovenwar. Había fiesta cada noche y los conciertos fueron muy bien. Los tíos de In Flames fueron muy hospitalarios. Los chicos de Wovenwar nos gastaron algunas buenas bromas... Un día nos llenaron el camerino con cien globos, no sé cómo lo hicieron para hincharlos (risas). Y otro día nos dejaron un par de calamares en la ducha. Hicimos buenos amigos en esa gira”.

WHILE SHE SLEEPS

la banda asegura que este parón forzado ha sido clave para que el recién publicado Brainwashed (Search And Destroy) sea todo un discarral. Así nos lo cuenta Aaran, su bajista, a quien pillamos saliendo del gimnasio. ¿Vas mucho al gimnasio? AARAN McKENZIE “Lo estoy intentando este año. A finales del pasado estuvimos girando y luego vinieron las Navidades, así que me estoy intentando poner en forma (risas)”. Sí, porque en nada os vais

El 23 de marzo por fin ha visto la luz Brainwashed, pero no os ha sido fácil llegar hasta aquí. ¿Cómo habéis vivido todo este tiempo de incertidumbre? “Efectivamente todo estaba listo para que hubiera salido el año pasado, pero entonces todo se fue al garete. Cuando descubrimos lo que le pasaba a Loz estaba a punto de grabar las voces, las baterías estaban terminadas, las guitarras estaban casi terminadas, el diseño estaba terminado, teníamos giras cerradas… Es como si al universo no le gustara que lo tengamos fácil, pero la realidad es que si no hubiéramos tenido este tiempo extra el disco no sería tan bueno como es ahora. Tuvimos la oportunidad de

escuchar todo lo que teníamos hecho, de pensar mejor las voces, de añadir cosas, así que al final fue algo positivo pese a todo”. ¿Cómo se enteró Loz de que tenían que operarle? ¿Tuvo o tuvisteis dudas de que pudiera volver a cantar? “Todo empezó cuando estábamos en el Warped, en 2013. Empezó a tener problemas para cantar cuando todavía nos quedaban dos semanas de tour. Podríamos haberle llevado al hospital, pero le hubieran dicho que tenía que parar y dejar la gira... Así que no era una opción. La terminamos y luego nos pusimos a trabajar en el disco, pero hacia noviembre empezó a preocuparse y fue al hospital para que le miraran, y vieron que tenía un pólipo. Había que operar. Todos estábamos muy preocupados, pero los médicos se mostraban optimistas con que, si hacía un buen reposo, podría volver a cantar como antes. Pero por otra parte, supongo que también sabrás que Loz cayó en una espiral negativa porque bebía demasiado, y eso creó tensiones dentro del grupo”. Me imagino que cuando haces una primera gira a nivel mundial es fácil que a alguien se le vaya de las manos... “Tu cuerpo es como un vehículo. Puedes pasarte de vez en cuando, pero si cada día conduces a la velocidad máxima, tendrás que pasar por el servicio técnico. Desde 2009 apenas hemos parado, así que no es nada extraño que hayamos tenido algunos patinazos en el camino. Pero somos una familia. Tuvimos una charla y reconoció que se había equivocado. Al final todo salió bien y ahora está 101

perfectamente. Todo ocurre por una razón. No queremos hablar más del pasado, sólo mirar adelante”. ¿Cuándo escribisteis los temas de Brainwashed? “Es un proceso continuo. Hay riffs ahí que fueron escritos antes de This Is The Six. Sean es el principal compositor de riffs y guarda mucho material en sus archivos. Las canciones empezaron a coger forma antes del Warped Tour de 2013 y nos llevamos un pequeño estudio portátil para ir grabando cosas mientras estábamos allí. Luego tuvimos un mes libre y después nos metimos en nuestro local, en Sheffield, antes de entrar en el estudio de Carl para empezar a grabar las baterías. Ése fue el proceso inicial. Después estuvieron los seis meses de parón entre que operaron a Loz y pudo grabar las voces. Acabó de grabar las voces el pasado noviembre. Pero estoy muy contento con cómo suena el disco. Cada vez que escucho el álbum de principio a fin, cada canción es mi favorita”. 102

¿Escribisteis algún tema nuevo durante esos seis meses de paréntesis forzado? “No, simplemente revisamos las que ya teníamos hechas y añadimos algunas melodías. Aunque a todos nos gusta ser creativos todo el tiempo...”. Habéis vuelto a optar por Carl Brown como productor. ¿Cómo fue la grabación en comparación a la de This Is The Six? “Fue menos tenso para todos. Antes de This Is The Six nunca había producido un disco y nosotros tampoco habíamos estado en un estudio de verdad, así que todos estábamos nerviosos. Pero creo que ahora él es uno de los mejores productores del país y nos hemos convertido en grandes amigos y tenemos una gran conexión emocional. Así que pensamos que si había funcionado en This Is The Six, para qué íbamos a cambiarlo. Para nosotros Carl es casi una extensión del grupo”. Una de las mayores virtudes del grupo es que sabéis escri-

bir grandes himnos, pero sin sonar demasiado comerciales. “Creo que eso es porque no intentamos encasillarnos. Siempre intentamos ser diversos, pero de una manera natural. Supongo que porque escuchamos muchos estilos diferentes y todo el mundo pone su granito de arena. A Mat le va más el punk y el hardcore, y luego a Sean le gusta mucho más la melodía. Así que esa combinación hace que seamos melódicos pero que también haya un punto de crudeza”. Varias de vuestras canciones empiezan con el estribillo, casi como un coro. Creo que le da un aire ceremonial, casi de góspel, muy particular. “Sí. Nos encantan los coros. Escuchar muchas voces a la vez le da un punto de solemnidad. Es algo que viene de la época medieval y también nos gusta incorporarlo. Creo que cuando escuchas un coro simboliza la unión de la gente, y eso es lo que intentamos. Y también hace que en directo la gente cante, y eso es genial (risas)”.

Muchos grupos usan más los coros como si fueran hooligans en un estadio, pero los vuestros, como dices, son más solemnes. “Sí, desde luego. Intentamos que sean más melódicos, no sólo gente gritando, que es como muchos hacen las llamadas gang vocals. Creo que nuestros coros tienen más profundidad que eso”.

“Venimos de una zona donde no hay mucho dinero, así que no nos da miedo ensuciarnos las manos, trabajar duro” AARAN MCKENZIE

sistema académico. Siempre he querido ser creativo a mi propia manera. Pero también el haber viajado con el grupo y ver distintas culturas me ha hecho ver que todos tenemos intereses comunes. Nadie quiere guerras o matar a nadie, la mayoría de la gente siente compasión antes que odio. También interviene la religión, y de ahí el título Brainwashed. Creo que si nos llevaran a todos al espacio y pudiéramos ver el planeta desde allí, veríamos que somos insignificantes dentro de la inmensidad del universo. Es absurdo que haya tantos conflictos por dominar algo que en realidad es tan pequeño. Deberíamos superar todas esas diferencias. Pero desde luego, estar en el grupo nos ha abierto los ojos a todos”.

Aunque el disco no sea conceptual, sí tiene ese aire con la intro de ‘The Divide’ y los interludios. ¿Era algo intencional para darle ese sentimiento de globalidad? “Como dices no es un disco conceptual en sí, pero hablamos mucho de política y de cómo está el mundo. ‘The Divide’ simboliza la disparidad entre la gente del planeta, la desconexión que sufrimos todos, y entonces cuando llega la primera canción y cantamos “we are the underground” es como decir que todos estamos unidos porque sólo tenemos una oportunidad en este planeta y lo estamos contaminando a saco. El álbum intenta comunicar que no tienes que estar condicionado por lo que hagan los demás. Parece que la única manera de escapar de este sistema económico es vivir como un hippie en el bosque. Intentamos concienciar a la gente de que hay que hacer algo porque se está yendo todo a la mierda”.

Aparte de fumar hierba, ¿te influenciaron bandas como Refused o Propagandhi? “Sí, desde luego. Son las bandas de la generación anterior que lanzaban un mensaje parecido. También Rancid y Anti-Flag tuvieron una gran influencia cuando estábamos creciendo”.

¿De dónde surge este interés por la política? “Creo que tiene mucho que ver con toda la hierba que fumé cuando era más joven (risas). Ahora apenas fumo... Pero siempre me he rebelado contra las convenciones sociales y el

¿Crees que venir del norte de Inglaterra y de familias trabajadoras os ha dado un mayor espíritu de sacrificio en comparación a bandas que son totalmente corporativas? “Supongo que sí. Venimos de una

zona donde no hay mucho dinero, así que no nos da miedo ensuciarnos las manos, trabajar duro. Posiblemente tenga algo que ver, pero no creo que sea totalmente determinante”. ¿Cuál crees que es la mejor manera de evitar que el sistema nos lave el cerebro? “Es una pregunta difícil. No lo sé. Diría que es importante no ver tanto la tele. Apaga la tele. Intenta hacer algo que te haga feliz. Intenta cultivar lo que te gusta e intenta ganarte la vida con ello. Si consigues eso, ya es mucho. Es muy difícil que el sistema no te lave el cerebro. Vivimos en el capitalismo, es un sistema competitivo y la gente quiere ganar más dinero que el vecino, comprarse un coche, un televisor más grande. Todos estamos condicionados por eso, pero a la vez somos conscientes de ello y queremos cambiarlo. El grupo es una pequeña plataforma para conseguirlo, aunque sabemos lo difícil que es”. Además todos vivimos en esa contradicción constante. Vosotros mismos con el grupo queréis cambiar un sistema, pero a la vez estáis utilizando todos sus medios para hacer llegar vuestro mensaje y, al final, también para vender discos. No deja de ser una manera de lavar el cerebro, también. “Desde luego hay un punto de hipocresía en todo lo que hacemos. Sacamos un disco y queremos que la gente venga a los shows, compre camisetas… Es casi imposible no contradecirte”.

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ANTIGUO CVLTO

BALMOG

Galiza regurgita negras tradiciones, rituales ancestrales de espesa niebla y encriptado ocultismo. BALMOG, su deidad más temida, la misma tiniebla, prepara desde su altar una nueva afrenta hacia cualquier cosa que puedas amar o respetar. Texto: Pau Navarra FotoS: DR

“Seguimos siendo los tres de siempre, con la misma actitud de siempre y con ganas de crear la música más jodidamente oscura que podamos” Balc

NVOCADOS EN SOUTOMAIOR, Pontevedra, hará ya doce años, Balmog son una de esas formaciones de nuestra escena que dignifican el underground y le dan un significado pleno. Sin modas, sin poses, también sin altiveces que no vengan a cuento. Un saber hacer reconocido en los círculos más cerrados del black metal y el death europeo, donde a poco que les dejen serán reverenciados si siguen, como prometen, fieles a este pandemonio de violencia sonora. Balc, guitarra y vocalista de una trinidad completada por Morg al bajo y Virus a la batería, nos explica por qué han sacado en CD junto al sello BlackSeed los tres temas que completan Necroangels’ Revelations, aunque todo ello con su inminente segundo álbum Svmma Fide bien presente en el horizonte. ¿Por qué publicar ahora por separado estas tres canciones que formaron parte del split con Aboriorth en 2009? BALC “Lo cierto es que ya habían sido editadas con anterioridad en vinilo, hace más o menos cuatro años. Las razones son las mismas que por aquel entonces: cuando editamos por primera vez Necroangels’ Revelations, teníamos la sensación de que era un material con un carácter propio y que necesitaba ser editado no sólo como split. La idea maduró y finalmente fue editado en 12” por Bloody Productions. En esta ocasión pensamos que sería interesante la edición también en CD, ya que había bastante gente que nos preguntaba por este material en ese formato. Además, la edición empie-

za a ser complicada de encontrar tanto en cinta como en vinilo”. No sé si soy el único que tiene esta sensación, pero creo que introduciendo tres o cuatro temas más en Necroangels’ Revelations habría salido un auténtico discazo… “Si hubiésemos introducido más temas no sería Necroangels’, hubiese perdido su esencia original… La verdad es que varias personas nos han comentado algo similar, por qué no incluir otros temas de demos o incluso material nuevo, pero no es algo que nos interesase. De alguna forma era distorsionar ese material. Nosotros seguimos pensando que esos temas tienen algo especial, y no queremos modificarlo. Por otro lado, no nos gustan demasiado juntar temas de diferentes épocas, cada edición responde a un tiempo y nos gusta que se quede así, lo más inmutable posible. Un buen amigo mío siempre dice que meter versiones en medio de los temas de un disco o juntar ediciones más o menos amplias como minis, discos o así, con otro material, debería de estar prohibido… Sólo se me ocurre la excepción de Judas Priest. Es preferible dejar un buen sabor de boca con poco”. ¿Qué permanece hoy en día de los Balmog que grabaron ese split? “Creo que, sinceramente, todo… seguimos siendo los tres de siempre, con la misma actitud de siempre y con ganas de crear la música más jodidamente oscura que podamos. Es curioso, pero la verdad es que siempre hemos pensado que esa edición marcó un poco la senda a seguir para

la banda en términos de oscuridad y violencia. De alguna forma nuestro sonido quedó grabado a fuego en ese momento y hasta ahora ha permanecido muy fiel a esa edición, obviamente con cambios, pero en esa línea. De hecho recuerdo que cuando comenzamos a componer Testimony Of The Abominable (su álbum debut de 2012 –ndr.) pretendíamos recrear esos temas en un disco entero, y con Svmma Fide nuestra idea es profundizar más en la esencia oscura de Testimony, así que, de alguna forma, todo parte de esos tres temas. El tipo de melodías, la idea de combinar partes más violentas con momentos absolutamente decrépitos, la variedad de voces, la inclusión de samples y arreglos de guitarra… todo eso aparece ya en Necroangels’”. En ciertos momentos vuestro estilo se asemeja más al de bandas ultra dañinas como Teitanblood, Impiety o Proclamation que a lo que se entiende como black metal de toda la vida… Creáis un magma purulento donde death, black y extrema agresión se dan la mano. ¿Estás de acuerdo? “Por supuesto que estoy de acuerdo, de hecho hubo un tiempo donde no existía una diferencia radical entre black o death metal, piensa en Sarcófago, en Tiamat, en Samael… incluso en Mayhem. De alguna forma nuestra idea es recuperar ese concepto de black death metal. Está claro que tenemos influencias del black metal escandinavo, que en base es Under The Sign Of The Black Mark de Bathory, y quizás eso determina que se nos clasifique como a una banda de black metal, pero tenemos muchísimos medio tiempos y partes contundentes que 105

son más propias de death, incluso del doom. Nos gusta que haya gente que aprecie nuestra música de esa forma”. Vuestro debut en largo, Testimony Of The Abominable, resultó una grata sorpresa para todos los aficionados a este tipo de sonidos, y no sólo en nuestro país… ¿Cómo lo recuerdas? “Bueno, es el primer disco y eso implica mucho. Hay más atención por parte del público y los medios, ya que llegas a más gente; salen más conciertos, más entrevistas, más interés por la banda… es diferente. Nosotros nos forjamos un nombre desde muy abajo y lo seguimos haciendo. Siempre hemos intercambiado material, hecho entrevistas en zines, pedido material a otras bandas, enviado demos… ¡Hemos enviado cientos de paquetes! Pero con el disco todo aumenta de volumen, esto es así. A nivel de banda implicó ver plasmado el trabajo de bastante tiempo con el resultado que además esperábamos desde un principio, pero también la incertidumbre a nivel artístico, supongo que a todas las bandas les pasa, de no saber hasta qué punto seremos capaces de editar material nuevo manteniendo la calidad y la esencia de ese disco. El tiempo nos ha hecho ver que podíamos hacer algo más, y eso será nuestro próximo álbum; sin duda, un peldaño más”. Así, vuestro segundo disco seguirá esas tesituras, ¿no? “Sí, temas oscuros, mórbidos y violentos. Para este disco quizás empezamos a trabajar con otra pretensión: crear temas. Es un poco complejo de explicar, pero básicamente en el proceso creativo tuvimos muy en cuenta aspec106

tos como el equilibrio entre unos temas y otros, la duración o los arreglos para intentar hacer un disco más compacto. También intentamos dar un paso más a nivel de oscuridad. El álbum no va a dejar indiferente a nadie”. En términos compositivos, ¿volver a empaparos de estas tres canciones crees que os ha influenciado de cara a esta nueva obra? “Sí, de hecho fue un trabajo previo que de alguna forma hicimos, sobre todo en mi caso, que llevo un poco más el peso compositivo. La verdad es que no suelo escuchar muy a menudo el material de Balmog, pero para este disco intenté empaparme de todo lo que habíamos hecho. De alguna forma teníamos claro que nuestra principal influencia ya no son otras bandas… somos nosotros. Podemos, de alguna forma, recomponer en base a lo que ya hemos hecho, y eso es un nivel que creo que es complejo de conseguir para una banda. Hemos dejado escuchar el nuevo trabajo a alguna gente y una de las primeras reacciones es siempre del tipo ‘joder, suena a Balmog’, y eso es la hostia. Otra de nuestras obsesiones dentro del proceso creativo es no repetirnos… Svmma Fide es una continuación de Testimony, no una copia, y eso se va a notar desde la primera hasta la última nota. Hemos ahondado en aquello que podíamos escarbar y hemos desechado aquello que claramente ya habíamos hecho. Nunca editaremos material por editar, eso es patético”. Esto es lo de siempre… En Singapur o Indonesia una banda como la vuestra casi que ya sería de culto, ¿no?

“En Singapur o Malasia montaría un prostíbulo, no una banda. Bueno, un prostíbulo de culto”. Galiza es tierra de grandes bandas extremas, y como en Escandinavia, creo que el clima tiene mucho que ver. No es lo mismo vivir en la Costa del Sol, tirado en chiringuitos sin apenas conocer el invierno, que en una zona lluviosa, con esa espesa niebla que te obliga a encerrarte a componer, a rodearte de íntima oscuridad… “Bueno, supongo que influye, pero en ocasiones se agradece un ‘descanso climático’, pues el tiempo aquí hace callo. Hoy es el primer día de sol de verdad que he visto por aquí en 2015, y estamos ya en marzo… Pero supongo que en parte sí que es cierto, si llueve o hace frío, cosa que sucede bastante por aquí, una solución es ir a componer o ir al bar de al lado, o las dos cosas. De todas formas, no creo que sea un factor decisivo. El señor Ekeroth me parece que lo explica bastante bien en su libro (Daniel Ekeroth, autor de Swedish Death Metal –ndr.): con un estado del bienestar donde hay infraestructuras, donde se apoya económicamente y a nivel de formación a las bandas, en un país en donde no supone un inconveniente tocar un estilo u otro siempre y cuando lo hagas bien y seas creativo, todo es posible. Así de simple. Si el factor climático fuese esencial, en Galiza tendríamos cien bandas más”.

VIRGEN

POTROS SALVAJES Si hablamos de retornos inesperados, el de Virgen rompe con todo. Nueve años después de publicar su debut, los alicantinos regresan con Polsaguera Y un sonido más maduro, pero la misma ilusión de sus inicios. Texto: Jordi Meya Foto: DR

esde hace unos cuantos años, en la redacción de RockZone se había convertido casi en una tradición recibir una llamada de Jorge, vocalista de Virgen, para anunciar que el segundo disco de la banda ya estaba prácticamente listo. Pero íbamos cambiando el calendario y el disco nunca llegaba. Hasta el pasado febrero. Polseguera (Rock Estatal Records) es ya una realidad aunque, como le comentamos a Jorge, este álbum más que un parto, han sido como diez. “Sí, casi uno por año”,

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dice riendo. Han pasado nueve años desde que publicaran Primera Vez a través de la extinta Inferno Records y seis desde que se les viera por última vez encima de un escenario. Si no fuera por esas llamadas, también nosotros hubiéramos dado al grupo de Vega Baja por muerto, pero Jorge asegura que, pese al silencio público, nunca lo dejaron. “Siempre mantuvimos una tensión musical y de amistad, por supuesto. Lo que pasa es que decidimos hacer un gran segundo disco, con composiciones que se iban por derroteros muy técnicos y nuevos retos a

explorar. Hacia 2008 teníamos cuatro o cinco canciones, pero cuando nos pusimos a maquetarlas, vimos que no tenían una unión. Cada canción nos gustaba, pero no le veíamos un sentido para meterlas en un disco o un EP, y decidimos hacer borrón y cuenta nueva”. Dado que las circunstancias habían cambiado y que Jorge vivía ahora en Madrid mientras el resto seguían en Alicante, haciendo que la dinámica del local de ensayo fuera imposible, decidieron optimizar los recursos e irse a una casa rural para componer. Según explica, en 2009 el 90% del

segundo disco ya estaba compuesto y maquetado... ¿Por qué han pasado seis años más entonces? “Estábamos para entrar a grabar en 2010 con ocho, nueve temas, y compusimos algunos más”, explica Jorge. “A finales de 2010 ya lo teníamos grabado. En 2011 nos pusimos con la mezcla. El caso es que no teníamos una fecha para nada porque en el camino el sello Inferno se acabó, Pablo Iglesias (su productor y jefe del sello –ndr.) nos dijo que iba a centrarse más en su sala de Vigo, y cogió el testigo Pablo Pulido. Nos dijo que se metía a muerte

con la historia, que nos acompañaba a componer, a maquetar, y a grabarnos cuando tuviera huecos. Pero esto de ir poco a poco dependiendo de su disponibilidad hacía que cada movimiento se complicara mucho. Igual para arreglar una mezcla nos íbamos de Navidad a Semana Santa, porque Pablo tenía el estudio ocupado”. Y así hasta que en 2011 una primera versión del master ya estaba terminada. Insistimos, ¿y entonces por qué cinco años más de espera? “Pues ocurrió la vida, las paternidades, divorcios de padres, cuestiones personales que nos han hecho retrasarlo aún más todo. De verdad que, para nosotros, íbamos teniendo la ilusión y veíamos que íbamos avanzando cada tres meses, pero al final han sido nueve años. Es la polla. En la vida pensaba que nos iba a pasar como a Guns N’ Roses”. Como era casi inevitable en un transcurso tan largo, la formación del grupo también se ha visto alterada y sus dos guitarristas López y Mario, aunque grabaron Polsaguera, ya no forman parte de él. Una paradoja que en el momento que había banda, no hubiera disco, y luego que haya disco y casi no hubiera banda. “López lo dejó hace tres años y medio. Fue por una cuestión estilística”, explica el cantante. “A él le gusta mucho el punk rock, y en los primeros Virgen sí que había un punto de hardcore melódico, y lo pasaba muy bien, pero cuando empezamos a explorar cosas más densas no le terminó de llenar. Seguimos siendo colegas y él tiene una banda que se llama Aznar Youth, con los que ha sacado dos discos más en la línea NoFx, Descendents. Y Mario hace tres meses que lo dejó. Nos cogió un poco de sorpresa porque después de tantos años de hablarlo… pero al final no se

“Es la polla. En la vida pensaba que nos iba a pasar como a Guns N’ Roses” JORGE ha visto con ganas de arrancar esto”. Sus sustitutos son un viejo conocido, Juan, que había sido miembro de Virgen al principio y que luego hizo Zombies & Diamonds, y Miguel, compañero suyo en esa misma banda. Polsaguera presenta un sonido “arenoso y turbio”, con unas composiciones más complejas pero manteniendo su identidad melódica. “Uno de los retos era hacer algo orgánico, más abierto, pero a pesar de inspirarnos en bandas de post, no queríamos hacer desarrollos de muchos minutos”, explica Jorge. “Queríamos concentrar esas estructuras en canciones de 4 minutos. Ése era el reto”. Igual de cuidada que la parte musical también lo está su llamativa y psicotrópica portada, que en cierta manera resume el espíritu de estos años. “En la cabeza teníamos hacer una especie de The Dark Side Of The Moon rural. Tengo que decirte que vosotros también sois parte de la criatura a raíz de una crítica que nos hicisteis del Festimad 2006. Nos dijisteis que Virgen salieron al escenario “como un potro desbocado”, y eso derivó en que me pusieran el mote de ‘potro’, y ese mote ya lo aplicamos al concepto del álbum. El caballo es la banda, primero resucita y luego está como perdido por la comarca y levanta una polvareda porque no se aclara, y al final encuentra el camino y se convierte en un unicornio. Es su meta; se ha hecho mágico y es una metáfora de que cuando encuentras tu camino ya nada te para y te haces invencible”. 109

THE ANSWER

NO BULL, NO PARTY

CUANDO LOS MÚSICOS DE FUERA SUELTAN AQUELLO DE QUE LES ENCANTA NUESTRO PAÍS SOLEMOS PENSAR QUE ESO LO DIRÁN EN TODOS LADOS... PERO EN EL CASO DE LOS NORIRLANDESES THE ANSWER DEBEMOS HACER UNA EXCEPCIÓN, YA QUE SE TRASLADARON HASTA MADRID PARA GRABAR SU QUINTO DISCO. RAISE A LITTLE HELL PRUEBA QUE, ADEMÁS DE PASARLO BIEN, LO DEL ROCK’N’ROLL TAMPOCO SE LES DA MAL. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR ue allá por 2006 cuando, a rebufo del enorme éxito recogido por los australianos Wolfmother, una formación de Irlanda del Norte que respondía al nombre de The Answer lanzaba al mundo Rise. Una ópera prima que recogía las enseñanzas de Led Zeppelin, The Black Crowes, Free o Thin Lizzy entre otros y que les sirvió para que la comunidad rockera centrase sus miradas en ellos. La buena acogida general hizo que en 2008 fuesen los elegidos para abrir durante año y medio el Black Ice World Tour de los gigantes AC/DC. Un premio gordo que parecía indicar que se encontraban en el buen camino para llegar a un público masivo. Pero con sus siguientes entregas Cormac Neeson (voz), Paul Mahon (guitarra), Micky Waters (bajo) y James Heathley (batería) pudieron comprobar que la lógica y el mundo del rock no siempre se suelen llevar bien, y a pesar de que gracias a su buen directo han creado una base de fieles seguidores, la sensación es que las expectativas creadas no se cumplieron. Pero no por ello The Answer se resignan. Sin ir más lejos, este pasado verano viajaron hasta la sierra madrileña de Villalba para registrar su quinto trabajo, Raise A Little Hell (Napalm Records), en los estudios de su viejo amigo el productor Guillermo ‘Will’ Maya. Dos intensas semanas en las que, como nos explica Cormac, aparte de trabajar duro también hubo

tiempo para disfrutar de los placeres autóctonos. Quizás por ello en mayo les tendremos por aquí presentando su nuevo plástico en una gira que les llevará por varias ciudades de nuestra geografía. Así que si te pilla a mano, no dudes en acercarte. No es muy habitual que un grupo internacional venga a grabar a nuestro país. ¿Qué es lo que os empujó a realizar la grabación en Madrid? CORMAC NEESON “La principal razón es que nuestro productor, Will Maya, acababa de abrir su propio estudio casero en un pueblo al norte de Madrid llamado Moralzarzal. Había estado reformando la casa de su abuela para transformarla en un estudio residencial donde, obviamente, pudimos comer, dormir, beber, salir de fiesta y, lo más importante, crear música todos juntos. La verdad es que lo pasamos muy bien, para ser sincero. Queríamos grabar un disco que capturase el espíritu de la banda, disfrutando de lo que hacemos, divirtiéndonos y dejando que la música hablase por sí sola. Queríamos asegurarnos de poder hacerlo en un ambiente donde pudiésemos capturar esas buenas sensaciones. La verdad es que para cuatro tíos como nosotros que vienen de la fría y lluviosa Irlanda venir al soleado Madrid para estar un mes entero creando música fue una situación perfecta”.

“El disco que hemos hecho es un verdadero reflejo de las raíces de donde viene nuestra música”

CORMAC NEESON

Will Maya ya había trabajado con vosotros en la preproducción de Rise, vuestro debut. ¿Qué era lo que buscabais volviendo a colaborar con él? “Sí, Will siempre ha formado parte de nuestro equipo desde que empezamos a hacer música. Siempre ha estado ahí. Fue el ingeniero técnico de la compañía que sacó nuestros tres primeros discos. Si echas un vistazo a nuestro catálogo verás que su nombre aparece en un montón de sitios. Y bueno, siempre que hemos hecho un álbum, cuando Will se enteraba de que estábamos escribiendo nuevas canciones, él era la primera persona que nos llamaba al teléfono: ‘Dejadme grabar el disco. Puedo hacerlo mejor que los otros tipos con los que habéis trabajado’. Pero nunca habíamos podido concretarlo hasta ahora. De hecho, estuvimos tocando en un festival en Galicia este verano (se refiere al O Roque & Roll, donde tocaron junto a Airbourne -ndr.) y Will vino a vernos. 111

Después del concierto estuvimos tomando unas cervezas, le comentamos que estábamos componiendo y nos dijo: ‘Escuchad, dejadme hacerlo esta vez. Puedo hacer un gran álbum con vosotros’. Nos miramos los unos a los otros y pensamos que era el momento correcto. El asunto es que no queríamos darle demasiadas vueltas a las cosas, sino que todo siguiera su curso natural y dejar que la música nos llevase a donde fuese. Y Will musicalmente nos conoce mejor que nadie en el mundo, porque siempre ha estado ahí con nosotros. Así que fue una decisión muy fácil de tomar esta vez. Estoy encantado porque trabajó a muerte e hizo que consiguiésemos grabar un gran disco”. Como bien has dicho, grabasteis en el estudio de Will, Los 112

Rosales, que está situado en la sierra de Villalba, en Moralzarzal. ¿Qué ambiente os encontrasteis allí? “Había una atmósfera muy especial porque las fiestas del pueblo habían comenzado justo cuando llegamos (risas). Todas las mañanas podía escuchar a la orquesta del pueblo marchando por las calles. Cuando descubrí de dónde venía esa música, me puse a seguirles hasta que dio comienzo la fiesta. Y ése fue el inicio de dos semanas de fiesta continua durante 24 horas al día. Me recordaba al día de San Patricio, en Dublín, que es nuestra festividad más importante. Era un ambiente único para nosotros porque era muy diferente a las fiestas que tenemos en Irlanda. Había muchas cosas sucediendo al mismo tiempo. En

“Mientras los miembros de AC/DC encajen bien, deben seguir entrando en el estudio y crear grandes discos” CORMAC NEESON

la calle principal tenían música a todo volumen desde las doce de la mañana hasta las cinco de la madrugada. Obviamente estuvimos trabajando duro durante todo ese tiempo, pero por la mañana íbamos a saborear el ambiente, volvíamos al estudio hasta la medianoche y salíamos a tomar algo. A esas horas la gente estaba muy borracha, lo

cual me volvía a recordar a San Patricio en Dublín o en Belfast. Así que fue muy divertido estar allí. También era una buena manera de despejar nuestras mentes después de un día intenso en el estudio. Hicimos nuevos amigos, conocimos a mucha gente, podíamos estar bebiendo hasta las seis de la mañana, volver a la casa, levantarnos por la mañana y hacerlo todo otra vez... Así que era perfecto para grabar un buen disco de rock’n’roll”. Musicalmente, Raise A Little Hell es un álbum que muestra la parte más groove, por así decirlo, de vuestro sonido. ¿Buscabais hacer un álbum que tendiese hacia ese lado más blues? “No lo creo así. Es sólo la manera en que funcionan las cosas. Nuevamente, con este álbum no queríamos complicarnos demasiado. No teníamos ningún objetivo en particular, en plan ‘hagamos un álbum así. Estas canciones son las correctas y estas otras no’. Entramos en nuestro estudio en Irlanda del Norte, empezamos a escribir música, nos prometimos hacer un álbum que hiciese justicia al grupo y que sirviese para expresarnos individualmente y como banda. Creo que el disco que hemos hecho es un verdadero reflejo de las raíces de donde viene nuestra música. Puedes escuchar nuestras influencias del blues, claro, pero también hay mucha variedad y diversidad. Creo que responde a nuestra necesidad de adentrarnos en otras áreas y no sólo tocar simple rock’n’roll. Pienso que suena más a The Answer que a lo que se suele llamar como rock genérico. Nos encanta el blues, el hard rock, el metal... Pero nos gusta mezclar todos esos ingredientes para dar con

algo único, y creo que Raise A Little Hell es justo eso”. Instrumentalmente se os nota más liberados. Por ejemplo, en un tema como ‘Last Days Of Summer’, que podría dar mucho juego en directo. ¿Compusisteis algunas canciones a partir de hacer jams? “Sí que lo hicimos. Componemos bastante partiendo de las jams, siempre hemos hecho cosas así. Recuerdo que, cuando empezamos el grupo, tocábamos durante seis o siete horas y después lo grabábamos todo. De todo aquello elegíamos los mejores riffs, melodías e ideas. Aún seguimos haciéndolo muy a menudo y ‘Last Days Of Summer’ es un ejemplo perfecto de ello. También ‘Aristocrat’, ‘Whiplash’, ‘Raise A Little Hell’... Todas esas canciones emergen de largas horas pasándolo bien en el estudio y haciendo jamming. Capturamos la magia de la música en el primer instante. Especialmente ‘Last Days Of Summer’ fue grabada con Micky y Paul tocando en directo junto a la batería de James. Y aquel día era el que más gente había en las fiestas, así que abrimos las puertas del estudio para que todo el mundo pudiese escucharlo. Montamos una barbacoa, hicimos algo de comida, bebimos vino... Fue una tarde fantástica y creo que algo de ese ambiente acabó colándose en la música, como en el caso de ‘Last Days Of Summer’, que suena muy natural y orgánica. Es una muestra de lo mucho que nos divertimos”. Otro detalle que me ha gustado mucho es la presencia de la harmónica en algunos momentos muy puntuales, como

en el duelo que protagonizas junto a Paul en ‘Aristocrat’. Es un instrumento que desde vuestros primeros trabajos había ido perdiendo algo de presencia y que aquí habéis recuperado. “Sí, suelo coger la harmónica sobre todo cuando hacemos acústicos. Me da la oportunidad de practicar e intentar mejorar. Pero en este álbum hicimos un par de canciones donde intencionadamente teníamos momentos concretos donde podíamos darles un sabor especial. Así que decidí coger la harmónica y usarla como una parte importante del disco. Para mí ha sido genial, me encanta tocarla cada vez que puedo. Estoy contento de que los chicos me dejasen hacerlo esta vez”. He visto que os hicisteis algunas fotos en la plaza de toros... ¿Tuvisteis ocasión de ver alguna corrida? “Sí, especialmente James, nuestro batería, estaba interesado en verlo. Había toros todos los días por la fiesta. Particularmente, no estoy de acuerdo con lo que sucede ahí. Sé que hay varias opiniones en España acerca de esto, pero quería verlo con mis propios ojos y así apreciar aquello de lo que todo el mundo estaba hablando. Para ser honestos, es muy duro de ver. Es una manera completamente alternativa de entretenimiento comparado con cualquier cosa que nosotros tengamos aquí en Irlanda. Me encantó poder experimentarlo por primera vez para poder formarme una opinión al respecto, pero no creo que vuelva a verlo otra vez”. Te entiendo. Personalmente, a mí no me gustan nada. Pero 113

“Si todos viésemos las cosas de la misma manera y tuviésemos la misma opinión sería un poco aburrido” CORMAC NEESON

como has dicho, aquí en España hay diferentes opiniones. Algunos lo consideran una fiesta y otros creen que es un crimen contra los animales. “A mí me resultó muy cruel. Es muy extraño mirar al público y ver que hay familias enteras de tres generaciones viendo cómo los toros son asesinados. Es comparable a lo que tenemos aquí con la caza del zorro. Ver que las familias acuden a estos eventos me resulta difícil de comprender. Pero al mismo tiempo, me alegro de haber podido comprobarlo por mi cuenta. Es una cultura diferente, tienen otra manera de hacer las cosas y sus propias opiniones”. Curiosamente AC/DC grabó su mítico concierto No Bull en la Plaza de Toros de Las Ventas... ¿Lo sabías? “Sí, claro”. No sé si durante el tiempo que estuvisteis con ellos pudisteis tener cierta relación, pero quería preguntarte sobre cómo ves todo lo que les ha pasado con el asunto de Malcolm, la salida de Phil... Es un poco triste que una banda como ellos vaya a acabar de esta manera. “Creo que los chicos, Brian (Johnson), Angus (Young) y Cliff (Williams), realmente necesitan seguir haciendo música y seguir haciendo rock’n’roll. Mientras los miembros del grupo encajen bien, deben seguir entrando en el estudio y crear grandes discos. Siguen teniendo un show en directo formidable. No creo que nadie pueda arrebatárselo. Personalmente, me alegro de verlos de vuelta a la carretera con otro

disco y espero verles en directo alguna vez durante el próximo año y medio. Sobre lo de Malcolm, es muy triste que haya acabado así. Seguimos teniendo contacto con ellos y sus familias. Saben que tenemos a Malcolm en nuestros pensamientos, no hay mucho más que pueda decir sobre ello. Tampoco conozco mucho más de la historia de Phil más allá de lo que he leído en los periódicos, por lo que tampoco puedo hablar sobre eso... Pero han vuelto a hacer un muy buen álbum y van a estar presentándolo por todo el mundo durante un año. Y eso es fantástico”. Parecía que esa gira que hicisteis con ellos iba a suponer el empujón definitivo a vuestra carrera, pero desde fuera da la sensación de que os habéis quedado un poco a medio camino. No sé cómo lo ves tú... ¿Crees que el tren de dar un salto a un público más grande ya ha pasado? “Yo no diría que haya pasado. Está claro que en todo el tiempo que ha pasado entre los lanzamientos de nuestros discos y la gira que hicimos con AC/DC las cosas no han funcionado tal y como habíamos planeado, pero al mismo tiempo, vemos que seguimos aquí y grabaremos discos mientras seamos capaces de escribir nuevas canciones. Espero que podamos dar el paso que nos lleve al siguiente nivel porque aún tenemos mucho que dar”. Sois un grupo muy, muy constante. En casi diez años habéis lanzado cinco discos. ¿No piensas a veces que es momento de echar el freno? Quizás el público se haya sa-

turado un poco de vosotros y prefiera centrarse en nuevas formaciones... “No sé. Ésa es una decisión de cada persona dentro del público. Pero nosotros nunca hemos contemplado darnos un respiro. Esto es lo que hacemos, ¿sabes? No sabemos hacer otra cosa. Creo que seguimos siendo relevantes y frescos para la música rock, así que mientras esto suceda, continuaremos adelante”. Lleváis ya 15 años desde que formasteis The Answer y seguís siendo los mismos cuatro tipos que cuando empezasteis, algo cada vez más inusual en el mundo del rock. Supongo que todos debéis de tener una mentalidad muy similar respecto a cómo debe funcionar el grupo para seguir tanto tiempo adelante... “Bueno, creo que nuestras mentes son muy parecidas, pero en otras cosas son muy diferentes. Es un hecho que tenemos diferentes personalidades, pero es lo que hace que encajemos y podamos trabajar como una unidad. Si todos viésemos las cosas de la misma manera y tuviésemos la misma opinión sería un poco aburrido. Pero por alguna razón, la manera en la que funcionamos es buena. Hay una buena química entre nosotros que se ha mantenido durante todo este tiempo. Nos conocemos los unos a los otros y es una mezcla que hace que el proceso sea mucho más fácil, al igual que salir de gira. No tenemos secretos”.

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FOUR YEAR STRONG

A pesar de militar en Relapse, la música de Royal Thunder apuesta por sonidos menos extremos EN COMPARACIÓN A sus compañeros de sello. En su segundo álbum, Crooked Doors, la banda de Atlanta ofrece otra seductora dosis de rock clásico con dejes blues y grunge. Texto: Jordi Meya FotoS: DR

ROYAL THUNDER

lny Parsonz asegura que hace una lasaña para morirse. Aunque se ríe cuando le sugiero que debería venderla en el puesto de merchandising en su próxima gira como teloneros de Halestorm, en el fondo noto que bien sería capaz de hacerlo. Como me cuenta durante la media hora que estamos conectados por Skype, la potente vocalista y bajista ¡y de madre gallega! tiene muy claro que aunque la banda vaya a más, le encanta seguir trabajando en otras cosas para mantener los pies en el suelo. Ahora lo hace en un pub de Atlanta, pero 116

durante los pocos intervalos que tuvo la gira de presentación de su primer disco CVI (2012), seguía detrás de los fogones preparando su especialidad, la comida italiana. Es esta sencillez la que le ha llevado a confeccionar Crooked Doors (Relapse) junto a su marido Josh Weaver (guitarra), Will Fiore (guitarra) y Evan Diprima (batería), sin pensar en nada más que no fuera la música. Aunque antes tuvo que superar sus propias inseguridades y recibir el consejo de un buen amigo. ¿Cómo habéis vivido la creación de Crooked Doors? MLNY PARSONZ “No hubo tiem-

po de ponernos nerviosos porque estábamos súper ocupados. Pero la verdad es que me sentía muy presionada. Me preocupa lo que piense la gente hasta cierto punto, pero personalmente me inquietaba pensar si podía ser más creativa que en CVI. Mi mente creativa es lo que me hacía sufrir. Tenía que luchar contra mis dudas porque durante mucho tiempo no creía en mí misma, pero al final pensé que tenía que dejarme de hostias porque quizá fuera a ser el último disco que hacía en mi vida. Nunca sabes lo que te deparará el futuro”. Suele decirse que tienes toda

EL TRUENO AZUL

tu vida para componer tu primer álbum, pero sólo unos meses para hacer el segundo. ¿Era eso lo que te hacía sufrir? “Sí. Sobre todo porque cuando haces tu primer disco no le importa a nadie. En cambio con éste se nota que hay cierta expectación. El sello nos preguntaba cuándo íbamos a terminarlo porque siempre se tiene el miedo de que el público se vaya a olvidar de ti, pero yo creo que si se olvidan de ti es porque quizá no merecías que se acordasen. No tenemos un plan, no me importa si nos conduce a algo más grande o si nos quedamos como

estamos. Yo estoy feliz con cómo nos han ido las cosas en los últimos años”.

más serio donde tienes un agente que te busca los conciertos”.

¿Os sorprendió la buena acogida de CVI? “Sí. Hicimos el EP porque queríamos girar, no aspirábamos a nada más que tocar en baretos. Y entonces hicimos CVI porque dijimos ‘caray, somos un grupo, deberíamos hacer un disco’. Pero que gustara de verdad a la gente fue totalmente inesperado. No esperábamos que fuera a llamar la atención de nadie. Te diría que incluso nos abrumó. Estábamos acostumbrados a los sótanos, a los garajes, a los bares de mala muerte, no a algo

Pero al mismo tiempo lleváis con el grupo desde 2004. Aunque pareciera que hubierais salido de la nada, desde dentro la historia era distinta. “Sí. Creo que eso ocurre con muchos grupos que tienen éxito. La gente piensa que salen de la nada, pero en realidad igual llevan una década tocando. Es lo que ocurrió con Mastodon. Esos tíos llevaban una vida muuuy dura antes de que nadie empezara a hacerles caso. A nosotros nos pasó un poco lo mismo”. 117

¿Cómo crees que todos estos cambios afectaron el nuevo disco? “Yo creo que mi vida es prácticamente la misma, lo único es que ahora tocamos más. Ahora podemos centrarnos más en ensayar cuando queremos, y si un fin de semana nos quedamos en casa para componer, siento que estoy invirtiendo en algo útil para mi vida. He encontrado mi camino y estoy súper feliz por ello. Éste ha sido mi sueño desde que era pequeña. Cuando tenía 12 años decía ‘quiero estar en un grupo’, pero no tenía ni idea de que fuera a sucederme”. Muchas veces, cuando los sueños se hacen realidad, no son como imaginabas. “Ya… La mayor diferencia es que me he dado cuenta de que tenía que ensayar más. Puedes soñar con ser una gran cantante o una gran bajista, pero la realidad es que tienes que dedicarle muchas horas para llegar a serlo. Te frustrarás muchas veces hasta conseguirlo, pero no hay atajos. Tienes que aprender de los errores, no hundirte. Si te pasa algo malo, tienes que levantarte y aprender. Lo que no te mata te hace más fuerte. Es la pura realidad”. ¿Cómo ha afectado a tu matrimonio el estar siempre de gira? No tiene que ser fácil estar pegados las 24 horas... “Bueno, Josh y yo siempre hemos sido mejores amigos. Llevamos tocando juntos desde 1999, hemos estado en cuatro bandas juntos. Siempre hemos sabido cómo llevarlo bien. Siempre hemos mantenido nuestra relación privadamente, fuera del grupo. Hemos pasado por mucho pero hemos seguido adelante. Estamos destinados a 118

ser mejores amigos y a hacer música juntos, pase lo que pase con nuestra relación. Siempre lo hemos sabido”. Las nuevas canciones me han parecido más accesibles, como si hubierais estado muy cómodos tocándolas. “Es curioso que lo comentes... Cuando estábamos de gira en Europa, en París fui a comer con Josh y Pete (Adams) de Baroness. Estábamos tomando unas cervezas y charlando, y les comenté que estaba sufriendo mucho con mi voz porque cada noche lo daba todo, pero no me había dado cuenta de que en el disco había estado cantando fuera de mi tono natural. No lo sabía porque era una amateur. Y Pete me dijo ‘Mel, ¿no habéis pensado en afinaros más grave?’. Y fue en plan ‘¡No, nunca lo habíamos pensado!’. Y dijo ‘pues es así de fácil, os afináis más grave y así podrás cantar mucho más cómoda’. Así que, por sugerencia de Pete, en Crooked Doors nos afinamos más grave y encontré una zona para cantar mucho más cómoda, sin tener que forzar tanto mi voz. Si en algún momento me pasaba, el productor me decía ‘Mel, recuerda que no estamos haciendo CVI. Si no puedes cantarlo en directo, no lo hagas’. Así que me relajé mucho en eso aspecto, pero tuve que aprender a cantar en esta nueva zona. Especialmente en ‘Forget You’ me fue difícil porque no sabía qué hacer. Fue una de las pocas canciones en la que no doblamos la voz, pero al final, lo sacamos”. Me hace mucha gracia que comentes algo tan obvio. Hay muchísimos cantantes que se lían a hacer virguerías en el estudio y luego en directo no

dan la talla ni de lejos. “Sí, y yo nunca he querido usar trucos. Si en directo no me sale una nota, pues no me sale, pero al menos es real, es auténtico. Al menos la gente puede apreciar la honestidad en lo que hago”. ¿Crees que por estar en Relapse o por vuestra imagen la gente tiene una idea equivocada del tipo de banda que sois? Creo que hay quien piensa que hacéis metal o doom… “Puedo entender lo del metal, porque a todos nos gusta, pero desde luego no somos una banda de metal. Y mucho menos del metal de Relapse, que es muy brutal y me encanta, pero no es lo que hacemos. En comparación somos como Céline Dion (risas). No lo digo como algo malo, porque es una cantante increíble, pero ya me entiendes. Y tampoco somos stoner o doom, pero no me ofende porque son estilos en los que hay buenas bandas”. ¿Si estuvierais en otro sello llegaríais a más gente? “No sé, no creo que de momento nos haya perjudicado para nada. Relapse sabe que no somos una banda de metal, que somos diferentes, y tomaron ese riesgo. Nos han apoyado mucho y no han tenido miedo de promocionarnos. Creo que estamos en el camino adecuado. Quizá de estar en otro sello ya nos habríamos quemado... Hacernos famosos no es nuestro objetivo. Para nada. Lo que pase, pasará”. Una banda en la que he pensado mucho escuchando el álbum es Heart... ¿Una de vuestras mayores influencias? “Pues no (risas). La verdad es que los

“Cada verano íbamos dos meses a Galicia. Mi abuela me mandaba a comprar a las tiendas. Me encanta España. Estoy muy orgullosa de mis raíces” MLNY PARSONZ

descubrí hace poco. Sólo estoy familiarizada con sus grandes clásicos. Sé que a Josh le gustan, los escuchaba de pequeño. Es divertido que el fan fuera él (risas). Pero desde luego son una grandiosa banda y Ann Wilson todavía lo tiene. Pero ya te digo, hasta hace dos años apenas les había prestado atención”. ¿Eran demasiado blandos para ti? “No, qué va. De pequeña escuchaba mucho R&B porque mi madre estaba aprendiendo inglés y le era más fácil entender las letras porque cantan más despacio (risas). No habló inglés fluidamente hasta que yo tuve 10 años, y leer hasta que yo era una adolescente. Crecí escuchando a Tina Turner, Rod Stewart, George Michael, pero las bandas que me cambiaron la vida fueron Nirvana, Smashing Pumpkins, Alice In Chains, y luego me metí en el

metal con Megadeth y Metallica”. ¿Cómo acabó tu madre en Estados Unidos? “Mi madre es gallega. Tengo familia en A Coruña y también en Vitoria. Mi padre estuvo en la marina durante mucho tiempo y vivió en España. Se conocieron en una discoteca. Cuando la vio pensó que era la mujer más bella, y realmente lo es y lo será siempre, y antes de tener que regresar a Estados Unidos mi padre decidió que tenía que llevarse a esa mujer. Así que se la llevó a New Jersey (risas) en los 80. Ahí fue donde nací yo”. ¿Habías estado en España antes de tocar con el grupo? “Sí, cada verano íbamos dos meses a Galicia. Mi abuela me mandaba a comprar a las tiendas. Era su pequeña sirvienta porque así no tenía que andar. Quiero mucho a mi familia de

allí. Cuando tocamos en Vitoria vi a mi tío y su mujer. Ella es colombiana. Me encanta España. Estoy muy orgullosa de mis raíces”. ¿Y qué piensa tu familia española de que seas una estrella del rock? “Les encanta. En especial mi tío me apoya mucho. Se emociona mucho cuando estamos de gira y le digo que por ejemplo estoy en los bosques de Alabama. Ninguno de ellos habla inglés. Recuerdo que cuando íbamos a Galicia mi madre me hacía cubrir los tatuajes, pero la última vez que estuve los dejé descubiertos y a nadie le importó. Le dije a mi madre ‘todos estos años me hiciste esconderlos y a ellos les daba igual’ (Risas)”.

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EN DIRECTO

AT THE GATES 8 de marzo de 2015

Sala Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Carles RodrĂguez

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WORMED

s complicado emitir un juicio justo cuando en un concierto se juntan tantas cosas. De un show en el que Anders Björler se cuelga la guitarra y ya es ovacionado, de un show en el que Tomas Lindberg simplemente salta al escenario y algunos ya están casi llorando, de un show donde suena medio Slaughter Of The Soul y para muchos es la primera vez que lo viven en directo. Pese a todo, intentaremos aportar una visión fría de la última visita de At The Gates a Barcelona, huyendo de triunfalismos pero sin apartarnos de lo obvio: que lo de los suecos fue, pese a ciertas reservas, un concierto de alto nivel. Antes, Sound Of Silence no desaprovecharon la ocasión de abrir para sus héroes musicales en una Razz 2 que poco a poco fue llenándose. Quizá no soy el más indicado para escribir sobre su bolo, pues al fin y al cabo soy su agente, pero que consiguieran llevarse al público a su terreno, con lo complicado que eso suele ser para las bandas que telonean a leyendas, ya dice mucho de lo

convincente de su afilada descarga. Y qué decir de Wormed… La enormidad tech brutal death que esta banda despliega sobre las tablas suele dejarme sin palabras. Sin miramientos, con su precisión quirúrgica habitual, nos engulleron con ese agujero negro que suelen crear a base de samples y las violaciones del continuo espacio-tiempo que son sus canciones. Absolutos. Y entonces llegó el momento de reencontrarse con At The Gates de gira por nuestras tierras dos décadas después. El predecible inicio con la intro ‘El Altar Del Dios Desconocido’ y ‘Death And The Labyrinth’ fue mucho más certero de lo que imaginaba, pero nada como que te suelten luego ‘Slaughter Of The Soul’. El público, como loco, sediento de sus mayores logros, tampoco pudo contenerse con ‘Cold’ y ‘Terminal Spirit Disease’, aunque ‘At War With Reality’ se hallara entremedio. ‘Under A Serpent Sun’, ‘Suicide Nation’, ‘Nausea’, ‘World Of Lies’, ‘The Burning Darkness’, ‘Raped By The Light Of Christ’… El setlist rozó el cielo, claro, pero no todo fue brillante.

Para empezar, el sonido, inconstante en ciertas fases, también su capacidad por mantenernos interesados en todo momento, y mucho menos la voz de Tompa, casi ronco, por no hablar de sus continuas escapadas tras las mamparas… Jefe, ¿qué? ¿Jugaba el IFK Göteborg la final de copa y mirabas el resultado? Pese a todo, nada que su carisma no pudiera suplir. El bis con ‘Blinded By Fear’ fue digno de pañolada, mágico, pero terminar con ‘Kingdom Gone’ y ‘The Night Eternal’ no fue la mejor de las ideas. At The Gates han publicado otra obra para demostrar que no viven de la nostalgia, pero pese a defenderlo en vivo con total dignidad a base de ‘Eater Of Gods’, ‘The Circular Ruins’ o ‘The Book Of Sand (The Abomination)’, igualmente el global de su repertorio y puntos álgidos demuestran lo contrario. Que cada uno considere si eso es bueno o malo… Les hemos visto mejores bolos tras su regreso, pero lo que está claro es que Barcelona necesitaba una noche como ésa. Un remember en toda regla. 121

MARDUK 4 de marzo de 2015

Sala Apolo, Barcelona Texto: Pau Navarra Foto: Edu Tuset

ecuerdo perfectamente una entrevista a Summoning que Jorge del Amo tuvo la bondad de publicar en RafaBasa. com. Entre otros muchos aspectos, en ella trataban el porqué los austríacos nunca han realizado un solo show. Seis años después su argumentación la sigo compartiendo al 100%, y es que, según ellos, como músicos no tienen esa parte de actor necesaria para presentar tus canciones ante una audiencia. Bien, esto nos viene de perlas para hablar de las dos bandas teloneras que abrieron para Belphegor y Marduk en Barcelona. Los integrantes de la primera, Krysantemia, desde luego tampoco cuentan con ese don, aunque tuvieran el privilegio de embarcarse en una gira con semejantes monstruos del metal extremo. Sería muy fácil cebarse con ellos y el sonido tampoco les acompañó, así que lo dejaré en un solo adjetivo: amateurs. Con la segunda formación que entró en liza, veis,

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menudo cambio… Nada más subirse a las tablas, con Bliss Of Flesh intuimos que eso sí era una banda de verdad. Notable presencia escénica, atmósfera infernal… Una buena tromba blackened death que ya caldeó un poco más un ambiente, por otro lado, extrañamente calmado y expectante durante toda la velada. Sin piedad. Belphegor siempre son un tiro fijo. Te pasan por encima, te humillan y, hala, hacia la próxima ciudad a volatilizar con su infinita castaña. Para esta ocasión fueron aún más de cara a barraca, con el temible Helmuth aparcando sus hilarantes parlamentos en los que se mofa de la poca virilidad de sus fans. Son momentos divertidos que eché en falta, pero ningún problema si te enchufan sin pausa tormentos como ‘Gasmask Terror’, ‘Lucifer Incestus’ o ‘Bondage Goat Zombie’ entre algún que otro “¡Barcelona!”. De una profesionalidad tremenda. Sonido impoluto. Terroríficos e intachables.

Lo de Marduk fue harina de otro costal. Las dos primeras canciones, ‘Frontschwein’ y ‘The Blond Beast’, no presentaron garra ninguna, como si los suecos pasaran por ahí. Ya con ‘Slay The Nazarene’ la cosa empezó a mejorar, y claro, imposible no perder la compostura ante salvajadas como ‘Afrika’, ‘Warschau’, ‘Sulphur Souls’ o ‘Burn My Coffin’. En el set que tenían los miembros del grupo figuraba al menos ‘un amago’ de ‘Panzer Division Marduk’, pero ni yo ni ninguno de mis allegados recuerda haber oído ni un tema de su buque insignia. Vale que el black metal es provocación, pero tampoco hace falta pasarse… Sin duda, una ‘Baptism By Fire’ habría maquillado un repertorio cortísimo, marchándose a los 45 minutos justos, no sea que fueran a herniarse… Comparado con el paseo militar que fue su última visita, ni convencieron ni cumplieron del todo. Simplemente aceptables.

VANS MUSIC TOUR:

LAGWAGON

+ THE FLATLINERS + WESTERN ADDICTION 13 DE MARZO DE 2015 LA RIVIERA, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Javier Pérez

tro año más el Vans Music Tour volvía a traernos una de las mejores giras de punk rock que podremos ver por nuestras fronteras este curso. Tal vez los protagonistas de esta edición no tuvieran tanto renombre como los de la pasada edición, cuando Bad Religion y Against Me! tocaron por aquí, pero los amantes del género supieron apreciar un cartel que estuvo a la altura de las expectativas. Aun así, fuimos pocos los que acudimos pronto para ver cómo se las gastaban Western Addiction. Con algo de retraso en salir, sonaron muy contundentes gracias a su hardcore old school macarrilla. Aunque su debut en largo, Cognicide, ya tiene unos cuantos años y se exige que publiquen una continuación en condiciones, lo cierto es que algún corte nuevo como ‘I’m Not The Man That I Thought I’d 136

Be’ petaron fantásticamente. Habrá que seguirles. A los que teníamos fichados desde hace muchísimo tiempo era a los canadienses The Flatliners. Desde 2011 (Resurrection Fest 2013 mediante) que no tocaban en alguna de nuestras salas y éramos muchos los que esperábamos un día como éste. Por desgracia, la acústica de La Riviera volvió a hacer de las suyas e impidió que ‘Carry The Banner’, ‘Resuscitation Of The Year’, ‘Drown In Blood’, ‘Monumental’ o ‘Caskets Full’ lucieran como realmente merecían. Nada que achacarles en lo demás porque a los tíos se les vio enchufados y con ganas, pero habrá que esperar a verles en condiciones más idóneas. En cambio Lagwagon dieron una auténtica lección sobre aquello de que la experiencia es un grado. Rondando ya los 50, Joey Cape y sus compinches demostraron

estar hechos unos auténticos chavales, y es que probablemente estén viviendo uno de los mejores momentos de su extensa carrera, ¡que ya es decir! Su último disco, Hang, del que sonaron ‘Obsolete Absolute’, ‘Made Of Broken Parts’, ‘Cog In The Machine’, ‘Poison In The Well’ y ‘Western Settlements’, parece haberles dotado de un punch extra que les aporta un toque más técnico sin descuidar esa actitud juvenil y divertida que les hace tan entrañables. Pocos ‘peros’ se les pudo hacer con un repertorio de auténticos hits: ‘Island Of Shame’, ‘Violins’, ‘Heartbreaking Music’, ‘Alien 8’, ‘Making Friends’, ‘Mr. Coffee’ y ‘May 16th’. Una verdadera gozada verles totalmente rejuvenecidos y más frescos que una rosa sobre el escenario. Para los que piensen que el punk rock y el hacerse mayor dignamente no pueden ir de la mano, ahí quedó eso.

JOEY CAPE & CHRIS CRESSWELL 12 DE MARZO DE 2015 SALA LEMON, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla Foto: Javier Pérez

nmejorable aperitivo el que se nos presentaba en la previa del Vans Music Tour. No todos los días se tiene la oportunidad de disfrutar de una velada en formato acústico con dos de las principales referencias del punk rock tanto pasado, actual como futuro, y había que aprovechar la ocasión. Si bien sirvió para, de alguna manera, dar a conocer el sello de Joey Cape, One Week Records, el concierto fue una auténtica celebración para los que de verdad aman la música en su versión más pura y cercana. Muchos tenían en la mente aquella gira de hace unos años con su gran amigo Tony Sly, y aunque sería injusto hablar de Chris Cresswell como un sustituto, parece que Joey ha encontrado un nuevo socio con el que transportar ese mismo espíritu a sus actuaciones. A los dos se les vio haciendo continuas bromas, denotando su amistad y buen rollo. Arrancaron de manera conjunta con un par de temas, entre ellos ‘Going For The Bronze’ u

‘Okay’, para a continuación quedarse Chris al mando del escenario, mientras Cape (al que se le veía algo resacoso) se retiraba a tomarse un ibuprofeno. Puede que el líder de Lagwagon fuese el principal motivo por el que la sala estuviese prácticamente llena, pero el cantante de The Flatliners también pudo comprobar que aquí su base de fans comienza a ser importante. No fuimos pocos los que cantamos varias piezas tanto de su debut en solitario (‘Meet Me In The Shade’, ‘One Hundred’, ‘Arrhythmic Palpitations’) como de los de su banda, entre ellos ‘Carry The Banner’, ‘Birds Of England’ o ‘Daggers’. Se producía el cambio y le tocaba el turno al menudo cantante de California. Desde luego no tuvo la mejor de sus noches debido a múltiples problemas técnicos y a que, como ya hemos dicho, no se le veía demasiado fresco. Aun así, el señor Cape es uno de esos frontmen que tiene en su enorme carisma la mejor de sus armas y nos regaló un set

a la altura repasando lo mejor de su trayectoria. Recorriendo proyectos como Scorpios (‘Lifer’), Bad Loud (‘Minus’) y, cómo no, un buen puñado de clásicos de Lagwagon entre las que cayeron ‘Violins’, ‘Alien 8’, ‘To All My Friends’, ‘Making Friends’, ‘May 16th’ o la más reciente ‘Poison In The Well’, todas ellas interpretadas con esa sensibilidad que le hace tan especial. Hasta tuvieron el detalle de invitar a Dani Llamas de G.A.S. Drummers a tocarse un tema propio. No podía faltar el recuerdo a Tony Sly, y con Chris de vuelta a escena nos pusieron al borde de la lagrimita con ‘Capo, 4th Fret’, ‘Discomfort Inn’, ‘Amends’ y un ‘International You Day’ que, al igual que en el pasado Resu, puso el vello de punta. Casi dos horas y media largas que hicieron que maldijéramos el haber salido del concierto pasada ya la medianoche y tener que madrugar al día siguiente, pero que guardaremos en el recuerdo durante muchísimo tiempo. 127

NOTHINK

AMFEST

11-14 de marzo de 2015 Sala Sidecar, La [2] Barcelona Texto: Luis Benavides Fotos: Eric Altimis

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GUERRERA

da al riesgo y quijotada. Con estas palabras han descrito los propios organizadores del AMFest su tercera edición. Y no les falta razón. El cartel, dejando al margen a los Nothink, que tocaron el cielo con la punta de los dedos en su mejor momento, estaba compuesto por bandas internacionales de post rock desconocidas para el gran público y formaciones nacionales tremendamente interesantes pero acostumbradas al circuito de recintos pequeños y medianos. Los números de este festival de salas lo dicen todo: 17 bandas, de las cuales ocho son internacionales y siete de ellas tocan en nuestro país por primera vez. Palmar algo de pasta o palmar mucha. No hay muchas más opciones con este planteamiento, ¿verdad?. A

su manera, Sergio Picón y compañía van a por todas. Que para empatar se quedan en casa. Si no traen ellos a los Nordic Giants, Axes, Cleft y Alright The Captain, nadie lo hará. O sí, y nadie se enteraría. Por eso y por muchas más cosas, mil gracias a la organización, que encima te hacen sentir como en casa con un trato exquisito y comida casera en la misma sala a precios razonables. Pero vayamos al grano: el miércoles comenzó con los británicos Alright The Captain, buenos amigos del sello Aloud. A finales de pasado año hicieron algunas fechas por nuestro país con Exxasens, y quizá por eso su nombre ya nos resulta familiar. Quizá no tanto como les gustaría a los responsables del AMFest, pues la Sidecar presentaba media entrada.

¡Pero veamos el vaso medio lleno! Los asistentes gozamos, y vaya si gozamos, con el rock matemático y espacial del trío. Atacaron prácticamente todos los temas de su último trabajo hasta la fecha, Contact Fix (‘Toaster Mouse’, ‘Baltirific’, ‘Ben & Barbara’…), y no olvidaron hits pretéritos como ‘Honey Badger’, que el teclista de Exxasens no dudó en presentar con el correspondiente berrido. Alright The Captain acabaron su espectáculo acompañados por los miembros de la segunda banda de la noche, Mannheim, otro ejemplo más de la bonita camaradería entre las bandas convocadas por el AMFest. Los holandeses se encontraron el listón muy alto. Jugaron otras bazas, igualmente destructoras, y el

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HER NAME IS CALLA

NORDIC GIANTS cuarteto holandés remató la faena sin problemas. Con un post rock que bebe a partes iguales del sludge metal y el black jazz, Mannheim se metió al personal en el bolsillo. Un enorme saxo dirige la caballería, unas veces marcial e implacable como en el tema ‘Watcher’ y otras totalmente onírico y decadente como en ‘Beast’. Ellos no podían ser menos y acabaron su actuación mezclados entre el público en una catarsis colectiva.

a segunda jornada del AMFest tenía como grandes alicientes el primer concierto en nuestro país de los ingleses Her Name Is Calla, con su slowcore cosido a base de violines melancólicos, y vivir en nuestras carnes la vanguardista puesta en escena de Nordic Giants. Los primeros decepcionaron a más de uno, por su falta de ritmo fundamentalmente, mientras los segundos se marcaron un señor TERROR 128

bolazo. Antes fue el turno de Astralia, una de las últimas bandas en entrar en el sello Aloud, y más de uno corrió a la mesa del merchandising a por su vinilo. Buena señal. Personalmente me quedo con la puesta en escena de Loki y Roka, seudónimos de los dos individuos plumíferos al frente de Nordic Giants. Humo, proyecciones y subidones bien encajados hicieron de su puesta en escena una experiencia difícil de olvidar. Dos locales, Muñeco y El Tercer Semestre, abrieron la noche del viernes. Entonces saltaron al escenario los majetes Axes. Literal. Los autores de Glory, un cuarteto de rock instrumental en la onda Battles y And So I Watch You From Afar, con mucha pirotecnia guitarrera, no dejaron de brincar durante todo concierto desde el primer tema, ‘Jon Bonjella’, de su disco homónimo, hasta esa montaña rusa de emociones llamada ‘The One’, curiosamente el corte que abre su

último largo. Luego tampoco dejaron de brincar y sudar, pues se quedaron entre el público bailando los temas de sus amigos Cleft, uno de los dúos de guitarra-batería más en forma del universo. Los de Manchester saben ponerle el turbo al rock progresivo como nadie, y un repertorio con mucha pólvora (’12 Second Panda’, ‘Ocean’s Boulder’, ‘Trapdoor’, ‘Drop A Bastard’…) nos hizo echar el resto y darlo todo en las primeras filas, entre headbangers y bailarines. Quizás por eso sólo pude aguantar un par de temas de los rusos I Am Waiting For You Last Summer. Con la adrenalina por las nubes después del bolo de Cleft, su rollo indietrónico de corbata no me motivaba y preferí reservarme para el sábado.

uarta y última jornada con los añorados Nothink como gran reclamo de un cartel que completaban lo más granado del

VIVA BELGRADO

AXES

MEMORIA DE PEIXE

panorama post rock, post hardcore y experimental del país: Kermit, Viva Belgrado, (lo:muëso), Guerrera y Tiger Menja Zebra. Mención especial para Viva Belgrado, una de las sensaciones del panorama post hardcore y screamo actual tras la publicación de su brutal Flores, Carne. Si bien se dejaron literalmente la piel en el escenario, el sonido solamente les hizo justicia en las partes limpias y si sobrecogieron fue más por su indudable entrega -los guitarras acabaron con los dedos ensangrentados- que por su sonido. Los experimentados (lo:muëso), en cambio, sacaron un mejor sonido, seco y contundente como una buena bofetada. Saben muy bien lo que se llevan entre manos, y los cinco nuevos temas que presentaron encajaron a la perfección en su repertorio clásico. Bipolar Age, el primer disco de Nothink, cumple este año diez años y tocaba un buen homenaje. O ésa era

la excusa para juntarse nuevamente, porque conste en acta que los madrileños abrieron con tres temas de su segundo largo, Spotlights, como ‘The Red Carpet’, ‘Welcome To Hill Valley’ y ‘Kill! Kill! Genocide!’. Aquello no era un concierto conceptual, sino más bien un greatest hits en directo. Estaba claro que si volvían alguna vez a los escenarios tenía que ser en el AMFest. A nadie se le escapa que los principales instigadores del festival, ahora con personalidad propia, y Nothink, crecieron de la mano, y costaría explicar sus respectivas historias por separado. El propio Juan Blas, su carismático frontman, no dejó de dar las gracias entre tema y tema a Sergio y demás miembros de la organización, hasta el punto de bromear porque había perdido la cuenta. La conexión entre público y banda fue espectacular, como pocas veces. Ambas partes compartían la misma ilusión y, sobre todo, ganas de

disfrutar cada segundo del concierto por si no se repetía. 75 minutos de Nothink dan para mucho, sonando temas como ‘Better Than Yesterday’, ‘Polaroids’, ‘Straight On Back’, ‘Era’, ‘In A Row’, ‘Innerzia’, acabando con ‘We Live On’, pero los minutos volaron. “¡Nothink, quédate!”, corearon en repetidas ocasiones los asistentes mientras la banda respondía con una enorme sonrisa entre el halago y la satisfacción. Con un poco de suerte, si cuadran sus agendas, nos harán caso y tendremos Nothink para rato. Crucemos los dedos. ¡Ah! Y para la próxima edición no tendremos que esperar doce meses porque el festival se ha trasladado al mes de noviembre, los días 5, 6 y 7 para ser exactos. Lo anunciaron justo antes del concierto de Nothink y lanzaron los dos primeros nombres: Maserati y Jardín De La Croix. ¡Casi nada! Agárrense los machos, que vienen fuertes.

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THE SUBWAYS 19 DE MARZO DE 2015 SALA ARENA, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Javier Pérez

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THE SUBWAYS

DUNE RATS

xtraña situación en la que se encuentran The Subways en estos momentos. Hace ya tiempo que dejaron de ser la banda prometedora y joven de sus dos primeros trabajos, y sin embargo aún distan de ser un grupo veterano que cuente con un público masivo y fiel. A todo esto, tampoco ayuda que sus últimas referencias pasen de un simple aprobado, lo cual les dejaría en la llamada ‘tierra de nadie’ si no fuese porque aún conservan la mejor de todas sus armas: el directo. Cualquiera que les haya visto alguna vez sabe que la química que surge entre Billy Lunn, Charlotte Cooper y Josh Morgan (que por desgracia tuvo que ser sustituido en plena gira debido a que recientemente se le ha diagnosticado el síndrome de Asperger) cuando se suben a un escenario resulta infalible. Antes de volver a comprobarlo asistimos a la desconcertante actuación de Dune Rats. Con una fumada importante encima,

el trío australiano se dispuso a pasar un buen rato delante del público más que de preocuparse de demostrar su calidad. Imaginen por unos segundos a unos Beavis And Butthead rindiendo homenaje a los Ramones y Nirvana mientras escupen y eructan y no andarán muy lejos de lo que proponen sónicamente. Estúpidamente encantadores. Curiosamente, cuando les llegó el turno a los protagonistas de la noche por momentos parecía que esa inocencia se hubiera disipado. Y no me entiendan mal, durante los primeros compases The Subways encandilaron a la chavalería (me sorprendió un poco ver a tanto público joven) gracias a temas como ‘We Don’t Need Money To Have A Good Time’, ‘Shake! Shake!’ o las nuevas ‘Good Times’, ‘We Get Around’ y ‘My Heart Is Pumping To A Brand New Beat’, que ganaron muchísimos enteros en vivo. Pero la pose y el discurso de Billy, aunque efectivos ante el entusiasmo

general, resultaban demasiado calculados y ensayados, restándole un punto de espontaneidad necesario a un show tan festivo como el suyo. Por suerte, Charlotte Cooper siempre está ahí y es un verdadero goce verla brincar por todo el escenario mientras ondea su rosada melena. No fue hasta que llegaron los singles de su debut que la cosa comenzó a tomar otro cariz. Tanto ‘I Want To Hear What You Have Got To Say’, ‘Oh Yeah’ y especialmente ‘Rock & Roll Queen’ (una de esas canciones que te rejuvenecen diez años de golpe y porrazo) prendieron la mecha necesaria para que el espíritu adolescente tomase por completo la sala. Tras un par de cortes más (‘Girls & Boys’ sonó potentísima) dieron fin con la imagen por la que recordaremos este concierto: Billy lanzándose al público desde las escaleras de la sala mientras sus compañeros atacaban la canción que mejor podría resumir el show: ‘It’s A Party’. ¡Vaya si lo fue! 131

MADBALL

REBELLION TOUR 6 2015 1 de marzo de 2015

Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Eric Altimis

RISE OF THE NORTHSTAR

ue el victorioso Rebellion Tour 6 agotara las entradas a su paso por Madrid hacía presagiar otro llenazo en Barcelona, pero aunque éste estuviera lejos de producirse, la verdad es que con semejante cartelazo igualmente se vivió una fantástica velada. Los locales Appraise y 8 Onzas fueron los encargados de abrir fuego, así que ya desde los primeros instantes pudimos comprobar que íbamos a disfrutar de varias descargas de tremendo y encarnizado hardcore. No eran pocos los asistentes con unas ganas inmensas de Backtrack, y a fe que éstos no decepcionaron. Los de Long Island llevarán en la brecha desde 2008, pero desde luego tienen a los pioneros del NYHC siempre en mente a la hora de grabar y vaciarse sobre un escenario. En Razz 2 lo dieron todo, así que el que se crea que el hardcore de ahora son sólo dilatas y cachas es que no los conoce. Su show se nos hizo cortísimo, y ya no digamos

STRIFE

el de Rise Of The Northstar… Los franceses fueron los siguientes en tomar el mando, y entre la euforia de algunos y el sorprendente desconocimiento de otros, vapulearon el escenario que dio gusto. Vestidos con los gakurans de rigor fueron repartiendo tortazos sonoros a diestro y siniestro, pero cuando enfilaron esa ‘Bejita’s Revenge’ seguida de ‘Sound Of Wolves’ ya nada pudo pararlos. A Vithia se le notó faltadito de aire en ‘Again And Again’, pero a ver quién es el guapo que le hace ascos a un final con su nuevo himno ‘Samurai Spirit’ y un cachito de ‘Simon Says’. Son demasiado. Había gente en la sala que sólo había venido a ver a Strife, y tanta veneración desde luego fue recompensada. En un show de lo más punki, con incluso Rick Rodney abriéndose una brecha en la frente con el micro, los californianos dieron toda una lección de veteranía dejándose los huevos sobre las tablas. Su era dorada junto a Victory Records parece

lejana y habrán tenido una trayectoria algo inestable, pero aquello fue otra demostración de que, a veces, en esto del hardcore más vale tenerlos bien puestos que ser un virtuoso musical. Y al fin Madball saltaron a la palestra. Los indiscutibles dueños del cartel salieron a matar con ‘Set It Off’ y de inicio se vio clara una cosa: una cosa es disfrutar viendo a bandas, y otra muy diferente es tener delante a unos maestros. A auténticos maestros. Freddy Cricien es uno de esos frontmen de cuyo magnetismo no puedes despegar los ojos. Y qué quieren que les diga… Yo es ver a los ya viejetes Mitts a la guitarra y Hoya Roc al bajo y que se me ilumine una sonrisa durante todo su concierto. Los jefazos del NYHC se patearon sus mayores logros en un toma y daca constante, bromeando e interactuando sin parar con el público, e incluso ‘Mi Palabra’ de su último Hardcore Lives ya fue coreada a lo grande. A día de hoy Madball siguen siendo un valor seguro. Entrañables. 133

FIGURAS COLATERALES

El pasado 9 de marzo Nasty Mondays celebraban su décimo aniversario con una sesión especial en la que participaron dos miembros de The Hives. Hablamos con Max y Sören sobre cÓmo lograron convertir el peor día de la semana en la noche de referencia para salir de fiesta en Barcelona. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

l Nasty Garage, situado a apenas 100 metros de la redacción de RockZone, es el centro de operaciones desde donde Max, Sören y su equipo gestionan todo lo relacionado con, lo que a día de hoy, es mucho más 134

que una simple sesión nocturna. En este gran espacio el dúo acumula una impresionante colección de pinballs, otra de tablas de skate y al menos media docena de motos. De alguna manera representa el sueño hecho realidad de cualquier adolescente que creciera en los 80 y también la inesperada recompensa que estos dos tipos han recibido tras haber ‘sacrificado’ 520 noches de lunes de su vida en nombre de la fiesta y el rock’n’roll. Las canciones de los Ramones, AC/DC, Mötley Crüe o The Hives les han acompañado desde que empezaran en el bar Fonfone de la calle Escudellers, sus posteriores pasos por las salas Sidecar y Fellini, y finalmente la Apolo, donde también han desarrollado otras sesiones temáticas como Crappy Tuesdays, Cupcake o Stash. También lo han hecho en sus aventuras a Nueva York, Berlín, festivales como el Bilbao BBK y eventos corporativos. Que hayan llegado tan lejos sin, como ellos mismos recono-

cen, saber pinchar, les ha provocado tantas críticas por parte de otros DJ’s como admiración por quienes saben que con ellos la fiesta está asegurada, empezando por la legión de suecas que en un principio se convirtieron en el gran reclamo de Nasty Mondays. Miembros de Franz Ferdinand, Motörhead, Cypress Hill, Simple Plan o el actor Macaulay Culkin han quedado impresionados con que, un lunes cualquiera, el ambiente en la sala Apolo pareciera el de un fin de año. Felicidades por estos diez años. ¿Han pasado rápido? SÖREN “No. De los 32 con los que empecé a los 42 que tengo ahora…”. MAX “En verdad se pasaron sin darse cuenta, pero cuando ahora miras para atrás las suecas que venían al principio viven en Suecia y tienen hijos”. SÖREN “Las primeras suecas que venían a descubrir Barcelona ahora están borrachas y con tres hijos y al-

gunas con el culo gordo. Con Nasty Mondays hemos vivido un poco lo sufrido que tiene que ser mantener una banda durante tanto tiempo. Si nosotros siendo dos lo hemos sufrido mental y físicamente, pues imagina siendo un grupo yendo de gira”. MAX “Hemos vivido épocas mejores y peores, de excesos, de quemadas, de todo… Como debe pasar en todas las bandas, en las que hay un momento en que son todos yonquis y luego uno que es cura”. SÖREN “Lo hemos digerido muy bien, pero nos hemos atiborrado”. ¿Qué es lo que se ha mantenido de los Nasty Mondays del principio y lo que más ha cambiado? SÖREN “Si nos hubiera pillado con 20 años quizá habríamos perdido más el rumbo. A mí me pilló por casualidad ya en los 30 y a Max a finales de los 20. Eso te ayuda a ser más puro y a tener las direcciones más claras. Todo empezó mucho más rockero, y luego cuando asumes que eres un producto para universitarios los lunes en una sala de 2.000 personas, lógicamente la idea original acaba degenerando. Pero ahora con estos diez años nos hemos dado cuenta de que tenemos que volver a los orígenes. Nuestra gente, al final, lo que quiere es rock’n’roll. Cuando nos hemos enrollado con indie pop y mariconadas nos perdemos, e incluso perdemos la atención del público. Quieren rock’n’roll y quieren la enciclopedia del rock’n’roll, desde los 60 hasta ahora”. MAX “Cuando empezamos no teníamos internet en casa y pinchábamos con los CDs que habíamos comprado. Luego nos hemos ido abriendo también gracias a la tecnología. Yo

la primera vez que escuché a Strokes me parecieron horribles y después a base de pinchar su primer disco me terminó encantando. Al final siempre lo que ponemos es algo que nos gusta, incluso de electrónica. Pero lo que hay que tener claro es que no es lo mismo pinchar en un bar para diez personas que en una sala. Tienes que pensar en lo que le guste a la gente”. SÖREN “Para que te hagas una idea, cuando empezamos el momento álgido era ‘Kickstart My Heart’ de Mötley Crüe o Turbonegro y ahora es cuando pones ‘500 Miles’ de Proclaimers. Tienes que adaptarte. Nunca quisimos ser más rock’n’roll que nadie, sino hacer la nuestra y reflejar las etapas por las que hemos pasado en nuestra educación musical. Pero lo que queremos plasmar con estos diez años es que Nasty Mondays, además de la fiesta, es un garaje donde queremos fomentar la cultura pinball, hacer una exposición de tablas de skate, con una colección de las mayores que existen en España, hacer presentaciones de vídeos, colaborar con marcas… muchas movidas distintas”. A priori montar una sesión un lunes es un suicidio comercial... ¿Pero creéis que al final ésa fue vuestra gran baza? MAX “Fue un poco por suerte, porque era el día que nos daban donde empezamos, en el Fonfone. Nunca tuvimos ninguna pretensión”. SÖREN “La pretensión era poner nuestra música y follar”. MAX “Sören no había pinchado antes, y yo le enseñé lo que sabía. Pero nunca pretendimos llegar a ningún lado con esto. Como la gente que conocemos nosotros podía venir un lunes, pues la fiesta se hacía el lunes”. SÖREN “Todo esto ha salido por

“Renegamos totalmente de la movida DJ, aunque lo seamos. Nunca hemos querido ser DJ’s. Es más, oigo la palabra ‘DJ’ y vomito. Llámame pinchadiscos si quieres” SÖREN casualidad. No había un plan de márketing. Han pasado cosas fantásticas y otras que no tanto. Al tío que nos incitó a hacer esto se lo llevó el cáncer. Han pasado muuuchas cosas. No estamos a la altura de Los Trapos Sucios de Mötley Crüe, pero podríamos sacar un fanzine”. ¿El rollo de las suecas por dónde vino? Recuerdo que mucha gente al principio iba a Nasty Mondays para ver si pillaba con ellas... SÖREN “Eran nuestro apoyo”. MAX “Era la época en que estaba de moda Backyard Babies, Hellacopters y no Avicii y toda esa mierda de DJ’s. Yo curraba en una tienda de ropa vintage y eran las únicas tías que entendían nuestro mensaje, venían a comprar con sus All Stars y sus tatuajes y les gustaba el rock. Y a nosotros nos gustaban las rubias también (risas). Y lo que pasa es que todo el mundo acababa follando unos con otros y terminaban todos contentos. Hemos tenido amigos que no se comían una rosca y en el Nasty se llevaban un bombón. Ha salido más de un hijo de ahí”. En estos años hemos vivido el boom de los DJ’s superstars. En el fondo también os ha beneficiado, pero vuestra cultura es antagónica a eso. ¿Cómo 135

“Al final es una fiesta; si no te gusta, no vengas” MAX

habéis vivido el convertiros en algo que odiáis? SÖREN “Como decía antes, yo creo que hemos experimentado mínimamente lo que es estar en una banda, que en el fondo es nuestra frustración musical. Él estaba en una tienda vintage, yo estaba en una tienda de skate, y de golpe ves que por pinchar te cae pasta. Tienes que aceptar quién eres, seguir el personaje y prostituirte por dinero, pero sin perder de vista lo que es”. MAX “En los diez años que llevamos no he compartido ni media hora con Sören con una mesa delante y practicar una sesión. Jamás”. SÖREN “Renegamos totalmente de la movida DJ, aunque lo seamos. Nunca hemos querido ser DJ’s. Es más, oigo la palabra ‘DJ’ y vomito. Llámame pinchadiscos si quieres. Nosotros hacemos una fiesta. Es rock’n’roll. Acaba un tema y empieza otro; mezclar lo justo”. ¿El pinchar los lunes os modificó mucho la vida? ¿Os cuesta más ahora salir de casa? MAX “Siempre he sido bastante fiestero, pero ahora me estoy quitando”. SÖREN “Claro que te cambia. Son todos los lunes durante diez años, 136

llueva o estés enfermo. Ahora con 42, cuesta más. Vienen las suecas y ni les haces caso. Y el día que tengamos hijos, ya veremos…”. MAX “Lo seguimos pasando bien, pero antes era más diversión y locura. Ahora, locura la mínima para poder aguantar el circo que tenemos alrededor. Ya hicimos todo lo que teníamos que hacer”. ¿En qué momento Nasty Mondays se transforma de una fiesta a una empresa? SÖREN “En el momento en que entramos en la sala Apolo”. MAX “Tuvimos que aprender de los palos. Al principio nos daban 100 euros y estábamos tan contentos, pero luego empezamos a echar cuentas y vimos que no podía ser. Cuando dimos el paso al Apolo vimos que necesitábamos un socio, porque no puedes ser artista y empresario”. SÖREN “También se dio la casualidad, una más en nuestra historia, que cuando pasamos a Apolo se produjo la explosión de Facebook. Y nosotros estábamos ahí”. MAX “Ahora te llegan 14.000 eventos, pero entonces la comunicación llegaba”. SÖREN “Todas las suecas tenían

Facebook y nos pusimos ahí para ligar con ellas, pero cuando explotó nos ayudó mucho a desarrollar Nasty Mondays”. MAX “Apolo nos gustaba porque era la sala a la que íbamos a ver conciertos. Y tiene un buen escenario. Si de algo podemos ponernos la medalla es que fuimos los primeros en España en decorar un escenario. Poníamos televisiones antiguas, luminosos, radios… De ahí nos han copiado mucho”. SÖREN “En aquel momento, en Barcelona, el DJ era como una figura intocable, casi no se le podía ni ver. Y nosotros éramos todo lo contrario. Nos poníamos en el escenario de cara al público. Mínimamente hemos puesto nuestro granito de arena en la manera en la que se pincha”. A vosotros también os han dado por todos lados. Los del sector DJ porque no sabíais pinchar, y el rockero porque decían que erais unos posers. SÖREN “Han sido diez años de zancadillas también. Hay que saber llevar las críticas. Pero como nunca hemos querido vender que pinchamos de puta madre, las acepto”. MAX “Al final es una fiesta; si no te gusta, no vengas”.

LIVE MUSIC

DAYLIGHT

PRESENTADO POR / PRESENTED BY: ROCKZONE JUEVES 28 DE MAYO DE 2015 | THURSDAY, MAY 28TH, 2015 ENTRADA LIBRE | FREE ENTRY | 10:00 PM

BARCELONA | PLAÇA DE CATALUNYA 21 | +34 93 270 2305 HARDROCK.COM

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DE GIRA

BE PROG! ON TOUR: SOEN

3 de abril Razzmatazz 2 (Barcelona) 4 de abril Caracol (Madrid)

oen son los cabezas de cartel del Be Prog! On Tour, una gira con el objetivo de caldear el ambiente de cara a la segunda edición del festival Be Prog! My Friend que se celebrará el próximo 11 de julio en Barcelona. Acompañando a los suecos estarán también Vulture Industries y Persefone, así como los locales Cheeto’s Magazine en Barcelona y Quaoar en Madrid. Pero centrémonos en los protagonistas de esta sección. Fue en 2010 cuando el grupo dio a conocer su formación con nombres de prestigio dentro del metal como los del batería Martin Lopez (Opeth, Amon Amarth), el bajista Steve DiGiorgio (Testament, Sadus), el vocalista Joel Ekelöf (Willowtree) y el guitarrista Kim Platbarzdis. Dos años más tarde publicaban su debut Cognitive y a finales del año pasado aparecía su segunda obra Tellurian (Spinefarm), considerado por los amantes del género progresivo como uno de los mejores trabajos de 2014. Quienes sigan soñando con ver a Tool en directo harían bien en acercarse a sus conciertos.

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Siendo Tellurian el segundo álbum del grupo, me imagino que teníais más clara la personalidad del combo. MARTIN LOPEZ “Por supuesto. Esta banda es bastante joven aún. El primer disco fue compuesto en un período de seis meses, que es poco tiempo para encontrar nuestra identidad. Para Tellurian tuvimos mucho más tiempo para encontrarnos musicalmente y descubrir hacia dónde queríamos ir”. ¿El hecho de proceder de otros grupos conocidos os ha condicionado de alguna manera? “Creo que te ayuda más de lo que te condiciona. Tienes más puertas abiertas por el hecho de que tu nombre está conectado a una banda con cierto nivel de calidad. Si tienes diez bandas para escuchar, posiblemente le des una oportunidad a nuestra banda antes que a otras. A su vez, también hay gente que espera que suenes exactamente como la banda de la que vienes y no te dan la oportunidad de encontrar tu propia identidad”.

En el grupo habéis cambiado de bajista, incorporando a Stefan Stenberg. ¿Por qué? “Precisamente porque teníamos que desarrollar nuestra identidad, necesitábamos ensayar, y Steve, al vivir en Estados Unidos, hacía que esa opción fuera muy difícil. Pero no ha sido un gran cambio porque las líneas de bajo las escribo yo antes, cuando compongo. Stefan ha sido muy bueno para nosotros tanto compositivamente como por su nivel como instrumentista. Nos ha ayudado mucho”. Siendo batería, ¿te inspiras en patrones rítmicos para componer un tema a partir de ellos? “Normalmente estoy en casa tocando y encuentro ritmos, líneas de bajo o partes vocales que me parecen tan interesantes como para componer una canción entera. Pero nunca me siento con la idea de componer en sí, sino que me pongo a tocar y se me enciende la luz con algo que me sale. Luego viene el coger esa bolsa de música y convertirla en una estructura y terminar-

la con el resto de la banda. Hay que construir la casa a partir de los cimientos”. En todo caso tampoco os presentáis como una banda de virtuosos… “Ninguno de nosotros es muy fan de los músicos héroes, nosotros intentamos hacer buenas canciones. Nuestra técnica en todo caso sirve para mantenerlas vivas y no caer en el aburrimiento. La destreza es para ayudar a la canción, no para mostrar lo que somos capaces de hacer. Si una canción fuera una sola nota con el mismo ritmo y funcionara bien, lo haríamos sin problemas”. ¿Hasta qué punto tu origen uruguayo crees que te ha ayudado a ser más creativo y a tener interés por otras músicas fuera del metal europeo o americano? “Es difícil de contestar porque mi cabeza siempre está ahí. En todo lo que he escrito mi origen está ahí. Yo creo que es bastante importante, pero no sabría cuantificarlo. Nunca me siento a componer pensando en mis raíces latinas. Uno usa el arsenal de armas que tiene y mucha de mi musicalidad viene de ahí”. ¿Pero tienes un interés activo en escuchar música africana o árabe para encontrar ritmos? “El 60% de la música que escucho no es metal, o europea o americana, pero no lo hago para encontrar algo que luego pueda usar, sino porque me gusta. Rítmicamente esas músicas son mucho más atractivas para mí y ojalá que eso nos ayude a ser un poco diferentes, pero no es algo buscado”.

AGENDA ABRIL ACID WITCH 24 Barcelona ATTIC 8 Barcelona, 9 SedavÍ, 11 AlmerÍa BLIND GUARDIAN 17 Bilbao, 18 Barcelona, 19 Madrid CASABLANCA 21 Barcelona, 22 Madrid, 23 CÁceres, 24 Burgos, 25 Zaragoza, 26 Valencia, 28 Vigo, 29 Gijón, 30 Salamanca THE CRUNCH 9 Madrid, 10 Valencia, 11 Vitoria THE DAMNED 16 Madrid, 17 Barcelona, 18 Bilbao DON FERNANDO 1 Sevilla, 2 Orihuela, 3 Zaragoza, 4 Madrid, 5 Estepona, 8 Logroño, 9 Vigo, 10 Ourense, 11 A Coruña DOWNFALL OF GAIA 3 Madrid, 4 Barcelona GODFLESH 20 Barcelona, 21 Madrid GRIME 28 Barcelona, 29 Madrid HAREM SCAREM 12 Madrid INDOCHINE 4 Barcelona JAYHAWKS 8 Sevilla, 9 Granada, 10 Madrid, 11 Bilbao, 14 Barcelona, 15 Zaragoza, 16 Valencia, 17 Pamplona, 18 Gijón KRAFTWERK 22 Barcelona LO-PAN 15 Madrid, 16 Barcelona, 17 Vitoria MADRID STONER FESTIVAL (Stoned Jesus, Don Fernando) 4 Madrid OBEY THE BRAVE 13 Madrid, 14 Barcelona PENTATONIX 11 Madrid, 12 Barcelona RADIO MOSCOW 1 Gijón, 2 Cangas Do Morrazo RAISED FIST 1 Madrid, 2 Donosti RAVENEYE 9 Bilbao, 10 Vitoria, 11 San SebastiÁn, 12 Valencia, 15 Barcelona, 16 Madrid, 17 A Coruña, 18 Vigo REIGN SUPREME 28 Madrid, 29 Barcelona ROCK GODDESS 10 Barcelona, 11 Madrid

Además intentáis que vuestros temas tengan un mensaje profundo... ¿El público lo capta? “Hay gente que se cuelga más con las letras y otra que lo hace más con la música o un instrumento. Aunque me parece importante expresar lo que pensamos, también me parece igual de importante no predicar. Éste es el arte que nos representa, pero tampoco tienes que coincidir con nuestras ideas para que te guste la banda”.

SICK OF IT ALL 14 Gijón, 16 MÁlaga, 17 Madrid, 18 Vitoria, 19 Barcelona SKELETONWITCH 21 Madrid, 22 Barcelona SLEEP 24 Barcelona SOLD MY SOUL 17 Bilbao, 18 Castellón de la Plana, 19 Cartagena, 21 Orihuela, 22 Aldea de San Miguel, 23 Plasencia, 24 Ourense, 25 Salamanca SPRING CHAOS FEST (Perkele, Komitern Sect…) 11 Barcelona TOXPACK 9 Zaragoza, 10 Barcelona, 11 Tafalla, 12 Madrid

¿Os consideráis una banda humanista? “Sí. Nuestro mensaje es de hermandad y de solidaridad con la gran parte de gente que vive oprimida por los que tienen el poder. También la ecología, pero me parece que lo principal es el sentimiento de hermandad”. (DAVID GARCELL)

THE TWILIGHT SAD 13 Barcelona, 14 Madrid U.D.O. 9 Madrid, 10 Valladolid, 11 Villava, 12 AlmÀssera, 14 Ibiza, 16 L’Hospitalet de Llobregat, 17 Zaragoza

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ATOM WILLARD (AGAINST ME!)

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Ya queda menos para que podamos volver a disfrutar de la energía en directo de Against Me!. Los próximos 5, 8 y 9 de mayo en Bilbao, Madrid y Barcelona respectivamente la banda liderada por Laura Jane Grace nos seguirá recordando por qué son una de las mejores dentro del punk rock por canciones, entrega y actitud. En ello también tiene mucho que ver el experimentado Atom Willard. Lástima que todo lo que tiene de buen batería lo TENGA TAMBIÉN de poco hablador... Texto: DAVID GARCELL Foto: DR

¿La última vez que te sentiste muy vago? “Hoy mismo. Esta mañana cuando me he levantado el perro estaba ahí, todo estaba en su sitio… Me he sentido muy cómodo y también vago”. ¿La última vez que has visto un gran concierto? “Vi de nuevo a Mariachi El Bronx y, joder, esos tíos saben cómo dar grandes conciertos”. ¿La última vez que deseaste haber escrito una canción que no era tuya? “Creo que me ocurre a diario. Escucho una canción que me encanta, y aunque la disfruto, pienso que sería mucho mejor si la hubiese escrito yo”. ¿La última vez que alguien te dijo que estabas equivocado? “El otro día cuando un policía me dijo que había superado el límite de velocidad y yo le dije que no. Y él contestó que estaba equivocado”. ¿La última vez que infringiste la ley? “El otro día cuando me pasé del límite de velocidad”.

que lo disfruto mucho”. ¿La última vez que has hecho algo por alguien que no conocías? “Ayer ayudé a una viejecita a cargar sus compras en el supermercado. Ya sé que no es mucho, pero también cuenta, ¿no?”. ¿La última vez que pensaste que te habías gastado demasiado dinero en algo? “Hace poco vino un tipo a arreglarme unas baldosas del baño. Después de ver lo que hacía con sus manos artesanas, pensé: ‘¡Pero si podría haberlo hecho yo!’. Me quedé bastante hundido”. ¿La última vez que lloraste? “En el cine”. ¿La última vez que te sentiste muy afortunado? “Sinceramente, cada día pienso en la suerte que tengo de poder dedicarme a esto”. ¿La última vez que te impresionó una película? “La que me hizo llorar”.

¿La última vez que quisiste pegar a uno de tus compañeros? “La verdad es que no lo recuerdo... Lo cual es buena señal, claro”.

¿La última vez que pensaste que eras un genio? “¡Nunca!”.

¿La última vez que añoraste estar en tu casa? “En cualquier gira llega un momento en el que piensas ‘ojalá estuviera en casa’, pero luego se me pasa”.

¿La última vez que alguien te dijo que te quería? “Hoy”.

¿La última vez que has disfrutado de una buena comida? “Ahora mismo estoy en casa y cada noche mi novia se ocupa de eso. Me encanta cómo cocina, la verdad es

¿La última vez que pensaste que Against Me! eran la mejor banda del planeta? “No somos la mejor, pero lo intentamos. Como mínimo lo intentamos”. 141