RockZone 116 - 07/2015 by ROCKZONE

ROGER HARVEY

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Every Time I Die © Rubén Navarro

EDITORIAL No podemos quejarnos de cómo nos han ido las cosas desde que publicamos el número anterior. Además de ser testigos de los grandes conciertos que ofrecieron Brand New y Every Time I Die con motivo de nuestro décimo aniversario, hemos tenido el placer de conoceros en persona a muchos de vosotros allí, así como en el stand del Primavera Sound. Y entre fiesta y fiesta nos hemos llevado de rebote una exclusiva como la copa de un pino, cuando Jesse Lacey de Brand New aceptó casi en el último minuto concedernos su primera entrevista en años. Saboreadla bien y os esperamos a la vuelta de vacaciones en la gira de Cancer Bats. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 116

7 / INTERFERENCIAS

34 / ALL TIME LOW

48 / BRAND NEW

58 / WE CAME AS ROMANS

70 / CRร TICAS

92 / PARADISE LOST

106 / SENSES FAIL

114 / EN DIRECTO

40 / MATT SKIBA

44 / TRIBULATION

62 / ESPECIAL FOTO

68/ DISCO DEL MES

96 / THE DARKNESS

100 /

122 / PRIMAVERA SOUND

128 / DE GIRA

MOTION CITY SOUNDTRACK

SUMARIO

Nº 116

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INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_RESURRECTION FEST EL RESURRECTION FEST, UNO DE LOS FESTIVALES MÁS QUERIDOS POR TODOS, CELEBRA SU DÉCIMO ANIVERSARIO CON LA EDICIÓN MÁS AMBICIOSA DE TODA ESTA DÉCADA. ¡NO PUEDES PERDÉRTELO!

a localidad de Viveiro ya calienta motores para el acontecimiento del que más orgullosa se siente. De ser un pequeño festival creado por unos entusiastas fans de la música, el Resurrection Fest se ha acabado convirtiendo en uno de los grandes acontecimientos europeos en lo que a punk, hardcore y metal se refiere, y uno de esos festivales en los que, cuando una banda lo pisa por primera vez, quiere repetir a toda costa. Para esta décima edición el Resu, como es conocido por todos, encara algunos cambios que pueden marcar el futuro del evento durante los próximos años. Si los fans tenían marcado a fuego el primer fin de semana de agosto como la fecha en que siempre se celebraba tal bacanal musical, este año las fechas pasan a ser del 16 al 18 de julio, con una jornada gratuita el día antes en la que participarán Biohazard y Pro-Pain como grandes atractivos. Por otro lado, pese a que la caña seguirá siendo omnipresente, se empieza a ver una pequeña apertura de estilos focalizada en el

rock y que tiene al cabeza de cartel, Motörhead, como gran ejemplo de ello. Visto el panorama será una de las últimas oportunidades de ver a Lemmy encima de un escenario, así que mejor no pasarla por alto. Otras bandas como Kadavar, Black Label Society, Danko Jones o Backyard Babies ponen de relieve los nuevos aires. Pero, evidentemente, eso será sólo la punta del iceberg y en esos tres días habrá propuestas para todo el mundo. Desde actuaciones exclusivas de Refused y Korn, tocando nada menos que su primer álbum, hasta nombres clásicos de todo tipo de pelaje como The Exploited, Fear Factory, Berri Txarrak, Posion Idea, D.R.I. o Cannibal Corpse, pasando por bandas que se encuentran en los momentos más interesantes de sus carreras como Behemoth, Periphery, Toxic Holocaust u Oathbreaker y Iron Reagan, por poner dos grupos más pequeños pero igual de interesantes. Si lees RockZone, no hay una sola excusa para perdérselo. Para más información, www.resurrectionfest.es

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ MALA PATA

e supone que la madurez de una sociedad se rige en gran medida por su sentido crítico. Probablemente por eso la educación casi nunca es una prioridad para los gobiernos, quienes prefieren tener a una masa ignorante y, como tal, más dócil y manipulable. Ésa es la teoría. A la hora de la verdad, tenemos una sociedad ignorante pero extremadamente crítica. Desconfiada, y con razón, del poder, pero a la vez cínica hasta la náusea con cualquier información que le llega, no sea el caso que le estén dando gato por liebre. A todo se le saca punta, a todo se le ven dobles, o triples, intenciones y, por sistema, hemos llegado al convencimiento de que nunca es nada lo que parece. Hace unos días Dave Grohl se caía del escenario durante un concierto en Göteborg y se rompía una pierna. En un gesto que le honra, el líder de Foo Fighters decidió, tras aplicársele un vendaje, y supongo un chute de analgésicos, terminar el concierto sentado en una silla. Pues bien, hay quien hasta en esto ha visto motivos para soltar bilis y decir en el fondo lo ha hecho para tener más publicidad… como si la necesitara. Lo peor es que si, como hubiese sido comprensible, Grohl hubiese decidido suspender el show, esos mismos le hubieran criticado por ser un blando. Ais... (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@____mxrc Gracias también a @RockZone por traer a cuatro bandas muy grandes. @Amrot_Lomba Conciertazooo del décimo aniversario de @RockZone. Épico @Toni_Rosa Every time Stage dies @RockZone #10aniversario Top 5 gigs of my life. @scatterbrainer La entrevista de @RockZone a Chris Wolstenholme me ha animado a ponerme con lo nuevo de Muse. A pesar de las críticas. @Goomorillo Cuánta razón tiene Brownstone en su columna de mayo, hay que darle espacio y tiempo a los discos como antes, porque dejamos pasar discazos.

Aquí con Head, líder de Love And Death y guitarrista de Korn. Tuve la suerte de poder estar con ellos en el backstage del Graspop Metal Meeting de Bélgica, en 2013. (MIRIAM GONZÁLEZ)

@LordPeius Estoy releyendo todos los números que tengo de @RockZone (más de 50 y de hace mucho) y flipo con el buen gusto que he tenido con la música. @hummanband Joyita que nos ha llegado de @RockZone, el vinilo del Bipolar Sessions 2. Crema.

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER Llegan las bajadas de pantalones al Corte Inglés, y en los departamentos de prensa de los festivales, desde hace un mes. Un dicho popular habla de que “todo jebi tiene una banda”, pero claro, los tiempos cambian, así que a estas alturas se podría adaptar a “todo jebi tiene un blogspot”. La crisis hace mella en la music industry, así que eso de vender cervezas o merch pirata en la puerta está pasado de moda; lo que ahora mola es tener un blog de mierda y pedir 80 pases de prensa: para el director, tres fotógrafos con su smartphone y 15 redactores, que harán un debate antes de escribir una crónica en la que hablarán del estilo del grupo o de algo que hayan leído en su propio Facebook y gracias. Ahora que se acerca el Resu podemos ver a todos los medios dando un último empujón y ‘copy-pasteando’ contenido con tal de llevarse una acreditación. Desde aquí, todos mis respetos a aquellos ‘hobbyperiodistas’ que invierten horas y horas y mucho dinero en crear contenido propio y apoyar la música, pero también todo mi odio y desprecio hacia aquellos que se intentan aprovechar de ello. Si me lo permitís, voy a ‘copypastear’ la nota de prensa del Sónar en mi Tumblr inexistente, a ver si me dan pase. Seguidme en Twitter, que molo. (MARIUS TIBERIAN)

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA NO TIME FOR A GOODBYE LA MITAD DE LA VERDAD

ORIGIN OF PERSPECTIVES

SQUARE HEAD KILLERS

ORIGIN OF PERSPECTIVES

SON(G)S OF THE REVOLUTION

(AUTOEDITADO)

Con tres años de andadura y operando desde Badalona, No Time For A Goodbye nos brindan La Mitad De La Verdad, su primer EP. Lo primero que llama la atención es su sonido crudo y directo, lejos de la híper producción que presentan actualmente el 95% de formaciones metalcore. Puede que por falta de recursos, puede que por devoción al hardcore real, pero la verdad es que a mí esto me ha sentado de fábula. ‘Flamencore’ va directa a la yugular, y aunque ‘La Mitad De La Verdad’ ya sea algo más meditada, en nada también se pone a vapulearte. Otra de las virtudes del combo, al menos desde mi punto de vista, es que el cantante Faust no pierde el tiempo con melódicos y demás chorradas ñoñas, cantando como un verdadero machote a full de rabia. Desde luego estos catalanes no reinventan la rueda, pero si hablamos de caña, ‘Volver A Respirar’ o ‘Venid A Por Mí’ te la van a dar sin tregua.

Con cierta inclinación hacia la electrónica se inicia el primer EP de Origin Of Perspectives, banda de Granollers que practica un djent de máxima actualidad. Formados hace nada, en 2014, saben muy bien a lo que juegan, aunque cabe recalcar que su pulsión prog no resulta para nada enrevesada o cargante, pudiendo seguir estos cuatro temas sin que en ningún momento resulten un peñazo. A ver, ‘Reborn’, ‘Mindscape’ o sobre todo ‘Deadearth’ por supuesto que ofrecen multitud de cambios de riff y recursos poco convencionales, pero no por ello pueden tirar para atrás a los fans de propuestas que entren más al trapo desde el primer instante. En mi opinión, a esta grabación le falta algo de punch para acabar de pulverizar altavoces, pero unas remarcables labores vocales por parte de Arturo López y la instrumentación del resto de miembros nos dejan una más que correcta carta de presentación.

Sorprendentes cinco temas, los que nos envían Square Head Killers. Con una base rítmica ultra vitaminada como punto fuerte, de fuerte inspiración funk, presentan un rock fusión donde el sugerente bajo de Abby y la batería de Axel aportan un montón de potencia a su rock alternativo, hardcore, rap metal y lo que les venga en gana. Por si fuera poco, dos cantantes como Sammy y Dudu acaban de rematar la jugada con toda la versatilidad que eso pueda aportar a las voces del grupo. En ‘Fighting With Blind Eyes’, ‘Sons Of The Revolution’ o sobre todo ‘Rómpelo’ y ‘Salto Sin Red’ asistirás a una sucesión de redobles, riffs mutantes y múltiples formas de afrontar un micro casi sin pausa. Cierran con la versión de Republica ‘Ready To Go’ y fueron los ganadores del Jägermusic 2014, así que si te gustan los cambios constantes de registro y las rapeadas bajo líneas rockeras, ni lo pienses.

https://originofperspectivesband.band-

http://squareheadkillers.bandcamp.com/

https://notimeforagoodbye.bandcamp.com

camp.com/releases

album/son-g-s-of-the-revolution

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1ºB 08005 BARCELONA 10

ROGER HARVEY

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> PULL MY STRINGS INTERPRETAN ‘KALEIDOSCOPE’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

o pueden quejarse Pull My Strings de todo lo que han vivido en los cinco años que llevan activamente como banda. Además de haber grabado dos álbumes, Dora Bay y el más reciente Alter Egos, y un EP, Lighthouse, el grupo de Lleida ha tenido la oportunidad de tocar en grandes festivales como el FIB, el Arenal o el LowCost, así como de hacerlo en países como Reino Unido, Canadá o Estados Unidos. Todas estas experiencias se reflejan de un modo u otro en la seguridad que transmite su última obra, donde su indie de raíz mayormente británica suena más viva que nunca. “En este disco hemos intentado que nuestros distintos gustos musicales estén más presentes”, nos dice Miquel Aullé, voz y guitarra, del grupo que completan Pau San Martin (voz, bajo), Xavier Boots (sintetizador, guitarra) y el recién incorporado Xavier López (batería). “En el anterior, Dora Bay, había una línea más continua, donde todos los

temas eran más frenéticos, mientras que en este hay mucha variedad. Hay temas acústicos, otros más bailables, otros más rockeros. Para nosotros es el mejor, no porque sea el último que también, sino porque está todo lo que escuchamos. Se nos escapa una sonrisa cada vez que lo oímos y eso es bueno”. Haciendo balance, Miquel considera que Dora Bay fue una buena carta de presentación y que les abrió muchas puertas, pero que los tres años que han estado en la carretera se notan mucho. “Hoy en día, en teoría, es muy fácil grabar y sacar discos”, apunta Pau. “Pero muchos grupos sacan un disco, dan dos conciertos y se terminan. Lo difícil es tener continuidad”. Y en eso están Pull My Strings. Conscientes de que por la música que hacen, puede haber un público fuera de nuestras fronteras, desde el primer segundo han querido aventurarse a probar fortuna en otros territorios. “Nosotros intentamos una vez al año salir fuera”, explica Miquel. “Además de la experiencia en

sí, también para ver cómo la gente la gente responde a nuestra música. Cantando en inglés y estando en Europa no podemos negarnos. Es una apuesta fuerte que tenemos que hacer. Este años queremos volver a Inglaterra y si podemos ir a Holanda por primera vez”. Esta convivencia entre sus legítimas aspiraciones y la dura realidad, entre el sueño de vivir de la música y el tener que hacer otras cosas para pagar las facturas se encuentra también en el trasfondo de las canciones de Alter Egos. “Lo que hemos intentado reflejar en las letras es la frustración que tenemos… que es una frustración rara, sana”, expone Miquel. “Estamos contentos y estamos luchando, pero el disco habla de esa dualidad de no poder dedicarnos al 100% a la música. Tenemos otros trabajos que no nos gustan, pero hay que hacerlos para poder sostener lo otro. En cierta manera vivimos un alter ego cuando trabajamos y sólo somos nosotros mismos cuando hacemos música”.

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_ ÓSSERP FORMACIÓN: Dani (guitarra), Alex (batería), Dani (bajo), Xavi (voz en el

álbum), Vali (voz)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Entombed, Napalm Death, Bolt Thrower PRESENTAN: Sang I Sutge (Blood Fire Death/Kremón Records/Pick Your Twelve/Brutal Arratia)

“SANG I SUTGE REPRESENTAN EL NEGRO Y EL ROJO, LA MUERTE Y EL INFIERNO, Y, A LA VEZ, LE DA CONTENIDO EN LO MUSICAL A CADA CARA DEL VINILO” DANI

uando Blood Fire Death me mandaron Sang I Sutge por correo ya conocía al grupo. Su EP Sota El Cinturó D´Orió había sonado con insistencia en mi equipo tras su salida, pero, sinceramente, no me esperaba el salto cualitativo dado por la banda catalana con la edición de su primer largo. Y aunque estaba advertido, fueron salir de los auriculares las primeras notas de ‘Ensorrant Castells’ para quedar noqueado ante el poderío y la originalidad de su propuesta. ¿Se puede fusionar de manera bastarda el punk, el crust, el death y el black y salir airosos de la aventura? Dani, su demoníaco guitarrista, nos lo explica: “La verdad es que no le damos muchas vueltas, sin más nos sale así. Ésos son como los cuatro pilares donde se apoya el sonido de Ósserp y a la hora de componer nos sale de manera automática. Supongo que es por las influencias de cada uno de nosotros”. Todo ese poderoso amalgama de sonidos extremos ya se intuía en el citado EP, pero es que ahora los cabrones han afinado la puntería de tal manera que suenan más mortíferos e implacables que nunca: “Sí, la verdad es que los temas incluidos en aquel EP eran de los primeros que componíamos y además aquellas canciones las hicimos Alex y yo porque Xavi y Dani todavía no se habían unido a la banda. Ahora, al estar ellos en el proceso

de composición, afinamos mucho más en todo. Sinceramente, considero que nos ha quedado muy equilibrado y además creo que se nota que todos los temas están compuestos en el mismo período de tiempo, no es popurrí. Queríamos que sonara todo muy homogéneo y creo que lo hemos conseguido”. Grabación con gente de confianza en Barcelona y masterización en Pórtland a cargo de Brad Boatright, un equipo perfecto para parir un discazo brutal. “Al final es cuestión de encontrar las personas adecuadas. Cuando le comentamos lo que buscábamos a Aleix y Toti (productores del álbum –ndr.) , ellos se encargaron de investigar y trabajar por su cuenta para obtener los mejores resultados. Se lo han currado de lo lindo, buscando micros, baterías y toda clase de trucos que nos pudieran ayudar a conseguir ese sonido que queríamos. A veces no se trata de que en un estudio tengan la más alta tecnología y mil historias donde escoger, sino que las personas que estén allí sepan usar todos esos recursos para un propósito. No creo que cambiemos nunca el tándem para grabar porque nos entienden y saben dónde apretarnos siempre, y el resultado habla por sí mismo. En cuanto a Brad es sin duda la persona idónea para realizar el master. Ha tocado con From Ashes Rise y tiene el estudio junto a Joel de Toxic Holocaust, así que sabe de sobras lo que

hay que hacer. Si la gente de Southern Lord o tipos como Kurt Ballou se lo pasan todo a él, por algo será. Con nosotros acertó a la primera”. Nos apetece indagar en el concepto artístico de la banda y sus respuestas son muy interesantes: “Nosotros desde el principio hemos usado muchos conceptos estéticos y líricos sobre la alquimia o sobre temas astrales, y en ese sentido siempre nos hemos decantado por el uso del rojo, negro y blanco como colores primarios, que además representan los estados del alma. En esto Marc O´Callaghan (miembro de Coàgul, que además colabora en el disco –ndr.) nos ha ayudado siempre mucho porque es un auténtico experto en la materia, pero el concepto básicamente es ése. Sang I Sutge representan el negro y el rojo, la muerte y el infierno, y, a la vez, le da contenido en lo musical a cada cara del vinilo. El rojo (Sang) es más violento, con ritmos más tribales o de guerra. El negro (Sutge) es más elaborado, más opresivo, con más matices pero mucho más oscuro. Sé que puede sonar un poco pretencioso, pero el concepto y el título lo teníamos incluso antes de empezar a componer, y creo que explicado así se puede entender algo mejor lo que pretendemos ofrecer”. (ANDRÉS MARTÍNEZ)

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

DE CINE_ CON KIKO VEGA JURASSIC WORLD

DALE DURO (GET HARD)

CATÁSTROFE CARNÍVORA

eintidós años hemos tenido que esperar para ver el sueño de Michael Crichton primero, y Steven Spielberg después, hecho realidad. Más de dos décadas de preparación, bajas inesperadas, bajas deseadas, ambiciones, rescates, nietos, traiciones y respetados especialistas en la materia que evaluaron el proyecto desde sus cimientos. La razón por la que el novelista y el director querían llevar a la gran pantalla la aventura definitiva en forma de parque temático construido con dinosaurios reales era precisamente esa: ver dinosaurios. Y de dinosaurios Jurassic World va muy sobrada. Habrá quien quiera ver en la película de Colin Trevorrow una nada sutil capa de cinismo y metalenguaje, pero no hagas caso; Jurassic World es puro amor por un referente que lo ha sido todo, y por lo tanto lo que hay es mucho respeto y un personaje que somos todos nosotros. El divertido 20

LISTO PARA MAMAR

Jake Johnson, protagonista de la primera película de Trevorrow, piensa, habla y actúa como nosotros haríamos en la misma situación. Su despedida de una compañera de trabajo o la primera aparición, camiseta incluida, definen las intenciones de los guionistas: lo de 1993 pasó y no fue agradable, pero tampoco es que ahora estemos haciendo mejor las cosas. Sin mosquitos ni ámbar, ahora toca jugar a ser Dios -como siemprey bautizar a las nuevas criaturas -casi- como se (re)bautizan los estadios o los teatros hoy en día -una vez más, Johnson habla por todos nosotros- mientras esperamos que el estúpido poderoso de turno decida abrir la caja de Pandora. El gran acierto de Jurassic World es que la caja no la abre ningún estúpido, si no el verdadero villano de la función. Un enemigo letal creado en un laboratorio que sabe más que el hambre y desatará toda su furia y su placer por la caza ante todo lo que se ponga por delante. Todo lo violenta, furiosa y trepidante que puede ser una producción destinada a arrasar -y así ha sido- en las multisalas comerciales pero que desprende un agradable aroma a cine catastrofista setentero, tan en la línea de El Coloso En Llamas como de Piraña. El que tuvo, retuvo. Que viva el rey de la selva y ponga una de palomitas, por favor.

ue una peli de Will Ferrell llegue a nuestras pantallas siempre es motivo de celebración, y su nueva andadura histérica por el lado oculto del mundo de los inversores no defrauda… aunque está muy lejos de la cima del humor desde la que el protagonista de Anchorman dominaba el mundo hace unos años. Etan Cohen, un estupendo guionista de comedias (Beavis Y Butt-Head, Tropic Thunder, Idiocracia), debuta como director bajo el techo de Ferrell y McKay y aprovecha la ocasión para colocar

a Kevin Hart en su primera película ‘grande’, y 100% comercial sin necesidad de apuntar directamente a un determinado tipo de público. En Get Hard la química funciona, las situaciones se descontrolan, las carcajadas irrumpen en la sala y el nivel de salvajismo soez alcanza cotas inimaginables, pero también se resiente de una duración demasiado estirada y de unas caídas de ritmo que uno no termina de saber si vienen de la mesa de edición o de un guión que necesitaba un par de repasos más. De lo que no cabe ninguna duda es del intacto talento para la comedia desmadrada de un Will Ferrell, al que como siempre, merece la pena escuchar en versión original. Cuando se pone divertida es imparable y cuando divaga, casi insoportable. Demasiados claroscuros para una comedia que debería ser una bala explosiva y se queda en bala de recámara que te salva el pellejo cuando ya no queda nadie que apueste por ti.

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

LA IRA ES ENERGÍA John Lydon (MALPASO)

generación o la achado de descerebrado por mu-

gira de reunión

chos, sir John Lydon demuestra en

de los Sex Pis-

este libro que anda sobrado de

tols, por nombrar

materia gris y de buena capacidad de ex-

sólo algunas de

presión escrita. Además, su memoria es portentosa porque es ca-

las decenas de

paz de llenar más de 600 páginas con sus recuerdos de infancia,

anécdotas que

de sus etapas como cantante de los Sex Pistols y de PiL, su vida

contiene

este

en Londres, en Nueva York y en Los Ángeles, de sus experiencias

volumen

publi-

como actor y presentador de programas de tele, etc. Aunque no

cado por Malpaso. Y así, me topo con varias sorpresas bastante

comparto sus argumentos en contra de The Clash y el aire chu-

jugosas: el señor Lydon adora la música clásica, su curro ideal

lesco de alguno de sus razonamientos, siempre es de agradecer

sería en un manicomio, su héroe personal es Gandhi y, después

que un personaje como Johnny Rotten se muestre sincero, a cora-

de un montón de años de relación, reconoce sin rubor que es

zón abierto y sin ningún tipo de censura. Su visión de las cosas

un hombre fiel y profundamente enamorado de su compañera

queda aquí perfectamente plasmada y resulta esclarecedora su

Nora. Inspirándome en unos grandes, ira bien dirigida es rabia

opinión subjetiva sobre la explosión del punk, sus compañeros de

positiva.

LA CANCIÓN DE LA BOLSA PARA EL MAREO NICK CAVE (SEXTO PISO)

urante su última

cos de su infancia, nos está mostrando los miedos interiores de

gira por América

Nick Cave: la posibilidad de suicidarse tirándose a un río (son

del Norte con The

frecuentes las alusiones a los puentes), la pérdida de la inspira-

Bad Seeds, el bueno de

ción de las musas y de los ángeles que le susurran consejos, la

Nick Cave no tenía ningún

sensación de haber dejado sola a su mujer en casa y que ésta

cuaderno de notas a mano,

no le coja el teléfono… La clave de todo el relato se revela en

así que utilizaba para escri-

su escala en Toronto: “El hombre que sale al escenario no se

bir las típicas bolsas de pa-

da cuenta de que no es un hombre en absoluto: es el sueño de

pel que te dan en los avio-

un niño que está de pie, con lágrimas en los ojos, paralizado

nes por si te mareas. Este volumen publicado por Sexto Piso

en una trepidante vía de tren. El hombre y el niño se sueñan el

recopila todas estas anotaciones y confesiones que, a menudo,

uno al otro. Cogidos de la mano, salen bajo los estruendosos

son tan profundas que acabas por empatizar con el artista aus-

focos. Caminan lentamente hasta el borde del mundo. Los dos

traliano. La Canción De La Bolsa Para El Mareo no es, pues, un

entienden que el otro puede morir”. Ante reflexiones así, cual-

mero diario de gira sino que, al introducir pasajes autobiográfi-

quiera puede marearse.

CROQUETA Y EMPANADILLA 2 Ana Oncina

MURCIA Magius

(ENTRECOMICS CÓMICS)

(LA CÚPULA)

Ana Oncina recupera a sus dos personajes justo pasado un año de su debut para traernos nuevas escenas cotidianas de este fenómeno ‘cute’ que nos ha sorprendido a todos. Nominada en el pasado Salón de Barcelona, la autora mantiene el tono blandito, naïf (cuando se lo propone) y sobre todo adorable de las micro historias pseudo autobiográficas en este segundo volumen, que además sigue marcando al lector una sonrisa inmensa y se posiciona como una estupenda secuela que, de nuevo, deja con ganas de más. SG

PLANETARY

Warren Ellis y John Cassaday

Relato oscuro en el que el autor mezcla de forma inteligente misticismo religioso popular, política (y sus mafias), Opus Dei, catolicismo y ritos ancestrales en una visión retorcida y deshumanizada de Murcia, articulando así una historia salvaje, cruel y sucia sobre los tejemanejes de dos cofradías y un grupo terrorista murciano. Que el folklore no te impida apreciar el resto; Murcia -el cómic- se descubre como una sorpresa de sátira y denuncia sobre la asfixia en las ciudades de provincia para quienes no caminan en la dirección de lo correcto y lo establecido. SG

SOUFFLÉ

Cristian Robles (LA CÚPULA)

(ECC)

No sabéis la suerte que tenéis si no habéis leído nunca Planetary: se trata de una de las mejores series de sci-fi de la pasada década que los lectores tardamos una eternidad en poder disfrutar completa por el ritmo de edición en Estados Unidos. Llega ahora en cinco tomos recopilatorios donde podréis disfrutar de sus conspiraciones cósmicas, los universos alternativos y sociedades secretas de superhéroes retorcidos de manera cómoda y accesible. Un referente para el género y un clásico instantáneo desde el momento en que se acabó la colección. SG

THE OTHER DEAD Joshua Ortega y Quig Ping Mui (MEDUSA CÓMICS)

La zombie explotation actual nos deja en esta ocasión una divertida revisión de la clásica plaga zombi que asola una región usamericana en la que, esta vez, quienes se levantan de sus tumbas son los animales (bastante cabreados con los humanos, por cierto). Todos los clichés del género y gags reconocibles están muy bien llevados, haciendo de esta lectura un pasatiempo divertido con aspiración de acabar convertida en superproducción cinematográfica. Cuando se haga la peli, recuerda decir que leíste primero el cómic. SG

TODAS LAS OBSESIONES DE VÍCTOR

Davide Calì y Squaz Ómarsdóttir

Tremenda historia de adicciones y miseria tamizada con un toque Cronenberg ciertamente demencial. Una visita a la miseria de la drogadicción (o tal vez ésta sirve como excusa) y una parábola sobre la inanidad de nuestro mundo y las prioridades en la vida que preocupan a cada individuo. Posee una narración con algunos momentos impecables y un par de giros de envidiable ejecución, siendo este trabajo de Cristian Robles toda una lectura que, tras engullirla, exige dejar el cerebro en reposo el tiempo suficiente como para que pueda asimilar el viaje realizado. SG

(DIÁBOLO)

Retrato cómico y en ocasiones excesivo de un tipo y sus relaciones con todas las mujeres que han pasado a lo largo de su vida y le han dejado huella. Salvo algún chiste que puede malinterpretarse el saldo es muy positivo, dejando algunas páginas de verdadero ingenio y mala leche. Su guionista proviene del mundo del relato infantil y juvenil, siendo éste su primer trabajo largo en cómic para adultos mientras que su dibujante es un reconocido autor underground italiano colaborador de revistas y diarios. SG 23

TOI’S IN THE ATTIC EL RITUAL DEL FESTIVAL

n esta casa no disimulamos que somos muy de festivales, y los defendemos a muerte. No importa que tengamos que coger un coche y chuparnos diez horas hasta Clisson, o que Viveiro esté en el quinto pino. Durante un fin de semana largo al año, estos lugares se convierten en una especie de tierra prometida a la cual miles de energúmenos sedientos de música peregrinamos con devoción. Porque seamos sinceros, el plan es cojonudo. Rock, tíos y tías, amigos y cerveza a cascoporro. Con la edad lo de comer y dormir en condiciones lo vamos teniendo en cuenta, pero tampoco nos vamos a poner en plan sibaritas, ¿no? Que luego estamos viendo a gente con búhos en la cabeza o escupiendo sangre, y bebemos todos del mismo vaso de plástico. Resultan increíbles los niveles de paciencia y tragaderas que llegamos a desarrollar. Todo un puñetero año sufriendo hasta saber todas las confirmaciones y aguantando continuos trolleos en las redes,

los horarios con esos terribles solapes que nos parten el corazón e incluso comprobando las previsiones meteorológicas de manera obsesiva hasta que llega EL DÍA. Hay pocas sensaciones que igualen la de entrar en un recinto. Debe de ser equiparable a la entrada de un crío en Disney World. Todo es especial: el ambiente, la gente, el sonido de los distintos escenarios con bandas tocando bajo el solano insoportable, los abrazos con colegas que ves de año en año, o la cerveza aguachinada. Días que se convierten en un oasis dentro de un océano de realidad donde los problemas no tienen cabida. Pero, ¡ay, qué chunga es la caída! Ese fatídico domingo, cuando llegas a casa resacoso, con un bajón anímico espeluznante y te quieres morir, o al menos meterte en una cueva hasta el año siguiente. Así os escribo, jodida. Pero una vez más ha merecido la pena, porque ¿qué es la felicidad sino una sucesión de momentos efímeros de euforia y alegría?

esperando la publicación de

(TOI BROWNSTONE)

ROGER HARVEY

DE CULTO

ALAN BOGUSLAVSKY

DISCO BÁSICO: The Art Of Waiting (2002) FORMACIÓN: Alan Boguslavsky (voz, guitarra)

AFÍN A: Ry Cooder, Tom Waits, Jeff Buckley

l azteca de oro. El complemento perfecto al maestro Juan Valdivia en Héroes Del Silencio. El compositor de temas como ‘Avalancha’ y ‘Días De Borrasca (Víspera De Resplandores)’. Guitarrista heterodoxo y versátil que también formó parte del debut en solitario del cantante de los aragoneses, ayudándole en la escritura de canciones. Creador del grupo Bogusflow. Desde sus inicios aprendiendo a tocar la guitarra por Europa de mochilero, el músico nacido en Los Ángeles no ha parado de continuar su viaje. Últimamente compartió una nueva canción, ‘Monster’, que nos retrotrae a los mejores Soundgarden. Después de dejar España para establecerse definitivamente en México, grabó con varias bandas de allí, aparte de editar un disco cuya predominancia eran las flautas lakotas. Pero entre medias de todas estos instantes temporales, grabó, al más puro estilo artesanal, un disco lleno de misticismo, magia, perfecto para la narcótica noche. Acababa de inaugurarse el nuevo milenio y Boguslavsky editó The Art Of Waiting, un

álbum que desgraciadamente pasó bastante desapercibido entre los melómanos. Todo un sueño de trascendencia, de relajación. ¿Rock zen? Por qué no. Bajo el influjo del Tom Waits del debut, las preciosistas canciones del hijo de Tim Buckley o ese rasgo fronterizo característico de Ry Cooder, Alan, inspirado como nunca, dio toda una lección musical. De facto, para algunos, es mejor que cualquier disco que sacara en solitario de todas las bandas en las que ha participado. Todavía recuerdo mi primera entrevista de verdad, en una basura de fanzine que realicé en mi ciudad natal. Lo único que se salvaba fue darle la portada a Alan y sus palabras. Fue mi inicio en el periodismo musical, si es que eso existe. Un viaje iniciático hasta Zaragoza, en La Estación del Silencio, para desentrañar los secretos de un disco que me había acompañado durante muchas noches. Haceros un favor y escuchad temas sublimes. ‘Polka Dot Red Dress’, ‘Unnamed Song For Unnamed Feeling’ o ‘Lullaby’. (IGNACIO REYO)

ROGER HARVEY

gicos recordando ‘los buenos viejos tiempos’... nadie, absolutamente NADIE, menciona

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Life Time de Rollins Band. Cuando el nombre de Henry Rollins sale en una conversación, normalmente suele ser asociado como el cantante de Black Flag, el tío de los spoken words y los tatuajes. Desde luego se ganó su credibilidad punk rock cantando clásicos como ‘Damaged’, ‘My War’ y ‘Slip It In’, y es capaz de llenar teatros por todo el mundo con simplemente hablar. De todas maneras, eso es lo que ha hecho que nunca se le haya prestado la suficiente atención a la Rollins Band y su álbum Life Time. Da igual el tipo de conversación en la que estemos metidos, ya sea sobre punk rock o cuando nos ponemos nostál28

Life Time. ¿Es quizás porque Rollins perdió parte de su credibilidad apareciendo en anuncios de Gap y protagonizando pequeños papeles en películas de Hollywood? Ésas serían razones de poco peso para ignorar semejante monstruo. Si todavía no lo habéis escuchado, es probablemente por la nula mención que se ha hecho del disco en los libros de música. Tras la disolución de Black Flag, Rollins no perdió el tiempo y buscó la compañía de su amigo de DC, Chris Haskett a la guitarra, para grabar un par de EPs, pero no fue hasta la llegada de Sim Caim (batería) y Andrew Weiss (bajo) cuando se solidificó la formación y la cosa se convirtió en algo serio con su primer trabajo, Life Time. Empezando con la tremenda ‘Burned Beyond Recognition’, que contiene unos cuantos ‘yeahs’ tan característicos de Rollins, Life Time es un frenético viaje primario de punk jazz usado por el cantante como terapia pro-

pia. Lo mismo se puede decir de ‘What Am I Doing Here’ y ‘1000 Times Blind’ para bajar la velocidad con la calma tensa de ‘Lonely’. La que muchos consideran, no sólo una de las mejores canciones de la Rollins Band, sino una de las mejores canciones nunca grabadas, ‘Gun In Mouth Blues’, es un auténtico tour de force inspirado a medias por el doom y Swans. La banda exploraría más adelante esa poderosa y monótona fórmula de marcha fúnebre hasta niveles impensables, pero aquí es donde alcanza la perfección. Para mí la auténtica joya de la discografía de la Rollins Band se encuentra al final de Life Time con ‘Turned Out’. Aparte de ser la canción con más

‘yeahs’ desde ‘She Loves You’ de The Beatles, ‘Turned Out’ es un irresistible crescendo funk que lo convierte en una jodida maravilla. Para una persona normal, Henry Rollins es casi una caricatura de sí mismo, demasiado exagerado para ser real. Y quizás sea ese carácter el que ha hecho que Life Time sea un disco casi olvidado. Algo terrible, porque es tan poderoso como cualquier grabación suya con Black Flag. Puede mirar de tú a tú a cualquier cosa que hoy se considera legendaria o icónica. Si no lo has escuchado todavía, hazlo. Serás fan de por vida. Hasta el mes que viene. DANKO JONES

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY de los más vendidos”. ¿Cuál ha sido el disco más curioso que has vendido? “Como curiosidad reciente el hecho de vender en pocas horas todo el stock

REVOLVER RECORDS Dirección: Carrer Tallers 11, Barcelona Año de fundación: 2000 Especialidad: coleccionistas de rock, indie, punk, metal, black music, country... Página web: www.revolverrecords.es

¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? CARLOS PASCUAL “Revolver Records empezó como una tienda especializada en rarezas y ediciones limitadas dentro de todas las vertientes del rock. Con los años ha ido creciendo hasta convertirse en una tienda de referencia a nivel estatal y cada vez más conocida fuera de nuestras fronteras, de visita obligada para los amantes de la música que visitan Barcelona”. ¿Puedes citar algunos clientes famosos que te hayan comprado? “Sebastian Vettel, Little Steven, Lenny Kaye y Patti Smith, 30

Mark Lanegan, los miembros de Refused, de Wilco, Andreu Buenafuente... Muchas bandas aprovechan su paso por la ciudad para acercarse a remover en las cubetas de vinilos. Otros como Andrés Calamaro o el presentador Juanra Bonet son clientes habituales”. ¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que se sigue vendiendo? “Hay muchos y de todo tipo: Sticky Fingers, The Dark Side Of The Moon, Sgt. Peppers, In The Court Of Crimson King, IV de Led Zeppelin, Back In Black, OK Computer, Nevermind, Reign In Blood de Slayer o el primero de Ramones... Éstos serían algunos

de la demo de Metallica en cassette el pasado Record Store Day”. ¿Cuál es ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo o una recomendación? “Depende del estilo al que va orientado, pero Repeater de Fugazi, Milo Goes To College de Descendents, Sweet Oblivion de Screaming Trees, Forever Changes de Love o A Love Supreme de John Coltrane no fallan. Cualquiera de éstos, o los citados antes como los más vendidos”. Explícanos alguna anécdota imposible de olvidar. “Una experiencia única e irrepetible fue tener a Wilco al completo dando un concierto dentro de la tienda para unos pocos afortunados, y poder compartir con ellos unas horas entre los discos y hablando de música. Una cosa así te hace recuperar la fe en esto. Sólo tengo palabras de elogio hacia ellos”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos

momentos? “Es evidente que si no tienes total vocación mejor que abras cualquier otro tipo de negocio, pero con pasión y mucha dedicación se pude sobrevivir. Quizás no te harás rico, pero te puede aportar otro tipo de riqueza que no tiene precio”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que has abierto la tienda? “Es más o menos la misma, pero adentrándome en muchos más estilos que antes y con la obligación de prestar atención a todas las distintas novedades”. ¿Qué supone para ti y para vuestro negocio el Record Store Day? “Es una iniciativa que hacía falta para reivindicar las tiendas en una época en que no lo hemos tenido nada fácil. Un día único, que hay que vivir. Cada RSD ha sido mejor que el anterior y en las últimas dos o tres ediciones la respuesta ha sido espectacular, siendo el mejor día de ventas del año. Se forman colas antes de la hora de apertura para conseguir las ediciones especiales del RSD y el ambiente festivo y de buen rollo es incomparable. Además, hemos disfrutado de la música entre vinilos con conciertos de Mambo Jambo, Joana Serrat, The New Raemon o Carrots”.

WILD AND RARE ES UNA NUEVA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADO POR ASICS. EL INVITADO EN NUESTRO CUARTO CAPÍTULO ES LUIS DE L.A.

ienvenidos de nuevo a Wild And Rare! Esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido, y nunca os habían dejado, a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam

Intermón. El 100% de lo recaudado irá destinado a Oxfam. En esta ocasión el invitado es Luis A. Segura, cantante, compositor y cara visible de L.A., uno de los proyectos musicales más interesantes que ha dado nuestro país en los últimos años. From The City To The Ocean Side es su recién publicado trabajo, que Luis compuso durante un viaje a Big Sur, en la costa de California, y que grabó con la colaboración íntima de Matt Wignall. Luis fue tan amable de visitar nuestra redacción y someterse a vuestras preguntas que iban desde disertaciones musicales sobre algunas de sus canciones o su relación con No Children o Pearl Jam, a detalles más jocosos sobre el pelo rubio que luce en la portada o la relación entre sus habilidades musicales y amato-

rias. Esperemos que os divierta el vídeo y os damos las gracias por la aportación que podáis hacer para Oxfam Intermón. Haz tu aportación aquí.

ROGER HARVEY

ALL TIME LOW

SEG U ND A OL A

ALL TIME LOW ESTÁN EN RACHA. CUANDO PARECÍA QUE SU PAPEL EN EL MUNDO DEL POP PUNK ESTABA DESTINADO AL DE SER UNOS ACTORES SECUNDARIOS, SU NUEVO ÁLBUM FUTURE HEARTS LOS HA CATAPULTADO MÁS LEJOS QUE NUNCA. INCLUSO A ELLOS LES CUESTA CREERLO. TEXTO: JORDI PONS FOTOS: DR

ALL TIME LOW

que tuviera tanto éxito. La reacción inicial ha sido una pasada. No pensábamos que tanta gente fuera a comprar el disco nada más salir”.

UE TE TOQUE LA LOTERÍA ES DIFÍCIL, pero que te toque dos veces es casi un milagro. All Time Low, la banda de pop punk de Baltimore, explotó a lo grande en 2009 con su tercer álbum Nothing Personal. Pero su posterior fichaje por la multinacional Universal para lanzar el siguiente disco, Dirty Work, lejos de consolidar su posición como relevo de Fall Out Boy, que en aquel momento estaban en hiato, no acabó de fructificar, principalmente porque se trataba de su trabajo más flojo, con demasiadas concesiones al mainstream. Tras esta operación fallida, Alex Gaskarth (voz, guitarra), Jack Barakat (guitarra), Zack Merrick (bajo) y Rian Dawnson (batería) optaron por dar un paso atrás y volver a Hopeless Records, el sello que primero había confiado en ellos, para editar Don’t Panic en 2012. Pero en los tres años transcurridos desde entonces una nueva generación de fans parece haber redescubierto al grupo y cuando en abril veía la luz su nuevo álbum Future Hearts, All Time Low asistían atónitos a que éste se convertía en su disco de mayor éxito. Su presente gira, que acaba de recalar en Madrid y Barcelona, también está siendo la mayor que han hecho hasta 36

¿Os sentís más queridos de lo que os habíais sentido en los últimos tiempos? “Sí, estamos de subidón. La gira ha ido muy bien por ahora y sentimos que éste va a ser un gran año para All Time Low. Estamos muy emocionados, en serio”. la fecha. Unas semanas antes de que aterrizaran en nuestro país teníamos la oportunidad de charlar con la cara más visible del grupo. Llevabais mucho tiempo sin tocar en España. ¿No os gustamos o qué? ALEX GASKARTH “(Risas) No, los shows en España siempre han sido increíbles. No sé por qué nos ha costado tanto volver, porque nos encanta ir y los fans siempre responden muy bien. En las redes sociales son muy activos y creo que eso ha tenido mucho que ver con que hayamos vuelto. Quizá hubo un tiempo en que los promotores no lo tuvieran claro, pero el hecho de que los fans hagan ruido en las redes ayuda”. Está bien saber que esas cosas cuentan. “Sí, sí, lo hacen”. Future Hearts entró muy alto en las listas, logrando el número 2 en Estados Unidos y el número 1 en el Reino Unido. ¿Esperabais que algo así podía pasar? “Ha sido una locura. Ha sido una gran sorpresa. Ninguno esperábamos

¿Pero por qué crees que está ocurriendo? ¿Es simplemente por las nuevas canciones o hay algo más? “Creo que es un poco de todo. La música es muy cíclica en cuanto a lo que gusta o lo que está de moda. Creo que ahora es un buen momento para un disco así. Llevamos más de diez años haciendo esto y hemos ido evolucionando, pero tampoco hemos cambiado radicalmente. Creo que la gente estaba preparada para un disco como éste porque quieren volver a escuchar rock, y a la vez, pienso que hemos hecho un disco muy sólido. Así que ha coincidido lo que la gente quería y lo que les hemos ofrecido”. ¿Te gustaría haber podido sacar este disco en lugar de Dirty Work hace cuatro años? “Mmm… No, no lo veo así. Creo que Dirty Work también tenía canciones muy buenas, y que todavía seguimos tocando en directo. Mucha gente cree que ese disco fue un fracaso, pero en realidad vendimos bastantes copias y nos trajo buenas cosas. Hay una visión un poco errónea sobre lo que pasó con ese

disco. Creo que sin ese álbum no estaríamos donde estamos ahora, así que no me arrepiento de nada”. Una las canciones más especiales del disco es ‘Tidal Waves’. Me gustaría saber un poco cómo se produjo la colaboración con Mark Hoppus y si la escribiste pensando en él. “Yo también la considero una de las canciones más importantes del disco. No la escribimos con Mark en la cabeza, pero la canción trata sobre el respeto a tus colegas. Cuando empezamos se nos criticó por sonar como otros grupos, como Green Day, The Offspring o Blink, se decía que nunca llegaríamos a donde habían llegado ellos. Pero con el tiempo hemos conseguido mucho éxito y podemos considerar a esos grupos como nuestros colegas; creo que hemos dejado nuestra huella. Así que poder contar con Mark era como cerrar el círculo en esa canción, le daba un significado aún más real a la letra”.

¿Si te hubiera propuesto reemplazar a Tom DeLonge en Blink-182 hubieras aceptado? “(Risas) No te lo voy a decir...”. ¿Pero hablaste con él sobre la situación? “Me cuesta hablar sobre ello. La verdad es que me alegro mucho de que sigan adelante. Creo que lo mejor es que cada uno siguiera su camino. Tom está haciendo las cosas que quiere hacer y Blink pueden seguir haciendo lo que quieren hacer, así que es lo mejor. Como fan de Blink es difícil ver esas cosas, pero me alegro por ellos. Además, Matt Skiba tiene mucho talento, así que tengo ganas de ver qué hacen con él. Tengo ganas de ver cómo evolucionan”. ¿Cómo te sientes ahora respecto al pop punk? ¿Lo ves como vuestras raíces musicales pero que es un estilo que queréis dejar atrás, o por el contrario es algo que siempre queréis conservar? “Es una buena pregunta, porque la

“EL AÑO QUE NOS TOMAMOS LIBRE NOS AYUDÓ A COGERLO CON MÁS GANAS TODAVÍA Y CREO QUE ESO SE HA NOTADO EN EL DISCO” ALEX GASKARTH verdad es que ya no sé si somos una banda de pop punk (risas). El género ha evolucionado. Para mí el pop punk es ahora The Wonder Years o Four Year Strong, o al menos creo que es lo que la gente asocia con ese estilo. Obviamente cuando empezamos a nosotros también se nos asoció con él y no tuve nada en contra de eso. Yo creo que somos una banda de rock con elementos pop. Al final la etiqueta no importa. Hacemos lo que hacemos y creo que nos hemos movido lo suficiente y hecho cosas distintas para no ser encasillados en un solo género. Hay temas nuestros que no son pop para nada y otros que lo son totalmente. Pero creo que el pop punk está en un gran momento y me alegro mucho por bandas como las que he mencionado, porque creo que lo hacen muy bien. Me alegro de que el mundo del que salimos goce de tan buena salud y esté viviendo un nuevo resurgir”. ¿Pero cómo te sientes cantando ‘Dear Maria Count Me In’ por milésima vez? ¿Sigue siendo algo estimulante o simplemente lo es por la reacción de los fans? “Es difícil de decir con estas canciones que has tocado tantas veces. ¿Es 37

“CUANDO EMPEZAMOS SE NOS CRITICÓ POR SONAR COMO OTROS GRUPOS, COMO GREEN DAY, THE OFFSPRING O BLINK, SE DECÍA QUE NUNCA LLEGARÍAMOS A DONDE HABÍAN LLEGADO ELLOS”

ALEX GASKARTH tan divertido como tocar canciones más nuevas? Desde luego que no, pero es algo que haces casi sin tener que pensar que la estás tocando. Pero a la gente le encanta escuchar ese tema, así que sí es la reacción del público lo que hace que sea especial. Es un honor haber conseguido tener un tema así”. ¿A la hora de escribir funcionas por rachas? ¿Te salen cuatro canciones rápidas y luego quizá cuatro más lentas, o es impredecible? “Depende mucho de mi estado de ánimo o de la situación. A veces sólo me salen temas rápidos (risas). Y otras veces sólo temas lentos, depende mucho del momento... Realmente es algo muy espontáneo. Lo que hace38

mos es compilar un montón de temas y luego ver por dónde puede tirar el disco y hacer una selección”. Y para este disco en concreto, ¿qué situaciones han determinado tu estado de ánimo? “Pasaron muchas cosas… Estábamos muy ansiosos por poder grabar un disco nuevo porque llevábamos bastante tiempo sin hacerlo. También me prometí, así que tenía muchas cosas en la cabeza. Quizá ésas fueron las dos cosas más importantes. Fuera de eso, te diría que nos dimos cuenta de que todavía tenemos un gran camino por delante, nos quedan muchas cosas por hacer”. ¿Qué pasó? ¿Tuviste dudas

sobre vuestro futuro en algún momento? “No tanto como eso. Hemos tenido suerte porque nunca hemos sentido ganas de dejarlo. Tenemos una relación fraternal entre los cuatro y eso es bueno porque ese lazo es lo que mantiene al grupo unido. Pero hace tres años habíamos estado de gira durante dos años y necesitábamos un parón. No fue un parón muy largo, pero lo suficiente para poner nuestras vidas en orden y poder sentir el fuego de nuevo. El año que nos tomamos libre nos ayudó a cogerlo con más ganas todavía y creo que eso se ha notado en el disco”.

ROGER HARVEY

SOBRE RUEDAS

MATT SKIBA AND THE SEKRETS

MATT SKIBA HA ACAPARADO MUCHOS TITULARES EN LOS ÚLTIMOS MESES A RAÍZ DE SU INCORPORACIÓN A BLINK-182 COMO SUSTITUTO, QUIEN SABE SI PERMANENTE, DE TOM DELONGE. PERO ESO NO DEBERÍA ECLIPSAR EL GRAN TRABAJO EN SOLITARIO QUE ACABA DE LANZAR JUNTO A THE SEKRETS. HABLAMOS CON EL HOMBRE MÁS SOLICITADO DEL PUNK ROCK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UNQUE YA ES CONOCIDO como cantante, guitarrista y fundador de Alkaline Trio, a Matt Skiba también le gusta realizar trabajos al margen de una de las bandas más relevantes del punk rock de la pasada década. En los últimos años le hemos visto acompañado de Josiah Steinbrick de F-Minus en Heavens y de Atom Willard en theHELL, así como de Hunter Burgan, bajista de AFI, y de Jarrod Alexander, actualmente batería de Gerard Way, en Babylon, el disco en solitario que lanzó en 2012 como Matt Skiba And The Sekrets. Pero su nivel de actividad se ha disparado en 2015. Además de seguir girando con Alkaline Trio, Skiba ha participado en la grabación del debut de Teenage Time Killers, el supergrupo impulsado por miembros de Corrosion Of Conformity en el que colabora todo dios (desde Dave Grohl a Corey Taylor pasando por Jello Biafra), y por supuesto ha ayudado a salvar los muebles a Blink-182 después de la espantada de Tom DeLonge, y ya son muchos los rumores que apuestan porque vaya a grabar un álbum con ellos. En medio de todo esto, también encontró tiempo para volver a llamar a The Sekrets y grabar con ellos Kuts (Superball Music), un álbum con un sonido más personal que Babylon pero en el que no falta su voz única. Mucho arte que estuvo a punto de perderse por culpa del alcohol…

Después de hacer Babylon, ¿supiste inmediatamente que en algún momento querías hacer un nuevo álbum con The Sekrets o tuviste que meditarlo antes? MATT SKIBA “Me costó darme cuenta de que estaba listo para grabar otro disco. Siempre lo había tenido en mente, pero no estaba seguro de cuándo iba a tener tiempo o a encontrar la inspiración para hacerlo. Estaba de gira por Europa con Alkaline Trio el año pasado y decidí que era un buen momento para empezar a escribir el álbum”. Diría que Kuts tiene un sonido más personal comparado con Babylon, que tenía un estilo más próximo a Alkaline Trio. ¿Hasta qué punto sientes que fallaste en Babylon a la hora de distanciarte de tu banda principal? “Al empezar a componer Babylon utilicé varias ideas que, inicialmente, pretendía que fueran para Alkaline Trio. No estaba seguro de lo que quería hacer o de cómo iba a salir. Mucho de lo que hay tiene reminiscencias de Alkaline Trio, así lo decidí en aquel momento. Hay algunas diferencias bastante importantes, pero, al final, resultó sonar como la banda en la que ya estaba. Estoy orgulloso de ello, sin embargo, no empecé con

ningún plan predefinido”. En cierto modo, tu voz es única, así que supongo que sin importar lo que hagas, las canciones sonarán a ti. ¿Crees que es una ventaja o un lastre? “Puede ser un poco de las dos cosas, pero, musicalmente hablando, también me obliga a probar cosas nuevas y con diferentes músicos, dándoles la oportunidad de ser creativos”. Cuando empezaste a escribir para Kuts, ¿qué pasaba en tu vida en ese momento? Diría que el álbum tiene un aire europeo, y por lo que decías, lo compusiste cuando estabas de gira por aquí. ¿Te influye mucho el entorno a la hora de escribir? “Sin duda. Lo que me rodea influye en lo que escribo. Tomé una decisión consciente al escribir el álbum estando de gira por Europa, por el simple hecho de dejar que el entorno se inmiscuyera en el sonido. Una de las canciones se llama ‘Vienna’ porque la escribí en un día que pasé allí”. La música oscura de los 80 siempre ha influenciado a la tuya. ¿Cuándo descubriste a artistas como Gary Numan o The Cure? Para un chaval que 41

dejar de beber? “Casi estuvimos a punto de dejarlo. Fue una catástrofe, pero me prometí estar sobrio el resto de la gira. Fue lo que hice y los shows mejoraron. Siempre estaré eternamente agradecido a quienes se quedaron a mi lado, incluyendo a los fans, quienes me apoyaron en ese momento difícil de mi vida. Hizo falta más de un incidente como ése para mantenerme sobrio y con los pies en la tierra, pero ese show fue determinante para mi sobriedad actual. Nunca más me va a ocurrir algo así. Creo que tanto la vergüenza como la lealtad de mi familia y amigos me salvaron la vida. Soy un tío muy afortunado. Fue una experiencia muy sobria, literal y figuradamente. Más bien literalmente”. escuchaba punk rock, ¿estaba bien visto o tenías que ocultarlo? “A su manera, para mis amigos y para mí, eso también era punk rock. Aquellas bandas salían de la escena punk y tenían muchísimos seguidores punk. Siempre me ha gustado el punk rock y nunca he creído que hubiera mucha diferencia entre un grupo como Siouxsie And The Banshees y Sex Pistols. Incluso compartieron músicos”. ¿Discutiste con Jarrod y Hunter sobre qué dirección querías que tomase el álbum? ¿Hasta qué punto estuvieron implicados en el proceso creativo? “Lo hice una vez les empecé a enviar las demos, pero quería que ellos hicieran la suya, apenas les di indicaciones. Las demos eran muy bastas y simples, pero surtieron efecto a la hora de definir el sonido y el halo del disco para quien estuviera implicado”. 42

Imagino que también tuvo su peso trabajar con Rob Schnapf, un productor más asociado al indie. ¿Cómo de importante fue su colaboración para aportar una visión más fresca? ¿Podrías concretar un poco? “Rob tocaba la guitarra principal en el álbum y, en este disco, se le considera un miembro más de la banda. Él escribió muchas de los solos que toca. También me encantó que Alkaline Trio le fuera tan ajeno. Es la parte instrumental la que dota a Kuts de su propia identidad”. El primer concierto que diste con The Sekrets para presentar el disco anterior fue un desastre. Saliste totalmente borracho, te olvidaste de las letras y apenas podías tocar. ¿Cómo reaccionaron tus compañeros de banda? ¿Fue ése el momento en que decidiste

Además de Kuts, tienes un montón de cosas en marcha. Primero, me gustaría preguntarte por tu colaboración con Teenage Time Killers. ¿Cómo surgió? “Tengo una relación excelente con Foo Fighters, que tienen el 606 Studio, donde se grabó la mayor parte del álbum. Reed (Mullin) de Corrosion Of Conformity es la cabeza pensante del proyecto y algunos de los Foo sugirieron que cantara en ‘Barrio’. Al día siguiente recibí una llamada y a la semana ya estaba en el estudio cantando la canción. Reed y yo nos hicimos amigos y nos lo pasamos muy bien. Es un gran honor estar en un disco tan bueno con estos héroes que ahora son mis amigos. ¡Qué gran disco y qué experiencia más asombrosa! Fue muy divertido y relajado y, además, me dejaron estamparle mi firma. Estoy muy orgulloso de haber formado parte de ello”.

También estás de gira con NoFx y Alkaline Trio. ¿Cómo va? ¿Estar de gira te inspira para escribir nueva música para el grupo? “La mayoría la escribo durante las giras, así que estoy seguro de que habrá mucha inspiración en ello. En el tour también están Lagwagon, que son muy amigos nuestros. También están los chicos de NoFx, así que va a ser espectacular. Espero poder escribir un poco, pero va a ser complicado con tanta gente con la que quisiera salir de fiesta (risas)”. Y por ultimo, el elefante en la habitación… Supongo que a estas alturas ya has dicho todo lo que querías decir de Blink-182, pero me pica la curiosidad por saber si aprender y tocar esas canciones te han hecho descubrir algo sobre su música que te pasase por alto como fan. Y, también, ¿qué crees que les puedes aportar, si finalmente haces un disco con ellos? “Tocar con Blink-182 ha sido una experiencia impresionante. Sinceramente, al principio, no sabía si iba a ser capaz de sacarlo adelante. Tom y yo tenemos estilos muy diferentes, pero practicamos cada día y quedó clarísimo en los ensayos que tenemos mucha química, y que yo era capaz de tocar las canciones. Espero haber aportado algo que no tuvieran antes, algo que funcione perfectamente y haga que los fans se emocionen tanto como nosotros”.

“TOCAR CON BLINK-182 HA SIDO UNA EXPERIENCIA IMPRESIONANTE. SINCERAMENTE, AL PRINCIPIO, NO SABÍA SI IBA A SER CAPAZ DE SACARLO ADELANTE”

MATT SKIBA

TRIBULATION

LA NOCHE DE WALPURGIS

TAN ASOMBROSAMENTE BUENO ES THE CHILDREN OF THE NIGHT QUE, A POCO QUE LE DEJEN, ARRASARÁ EN LOS TOPS ANUALES DE LA PRENSA ESPECIALIZADA. EL MUNDO DEL METAL EXTREMO Y NO TAN EXTREMO YA TIENE A UNA NUEVA BANDA A LA QUE RENDIR CULTO, Y ES QUE CON SU TERCER ÁLBUM, TRIBULATION HAN DADO AL FIN CON SU FÓRMULA PERFECTA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

A DESDE EL MISMO MOMENTO en que Tribulation desvelaron la portada de The Children Of The Night (Century Media) que se anticipaba algo realmente gordo. Los diez cortes que comprenden el tercer trabajo discográfico de los suecos desde luego han estado a la altura de tan sugerente imaginería, y sin ir más lejos, aportan su mismo equilibrio de brillantez, elegancia y sutil oscuridad. Como no podía ser de otra forma, semejante discazo no ha salido de la nada. No fue hasta su quinto año de vida que Tribulation entregaron su primer álbum, The Horror, un debut que en 2009 ya armó cierto revuelo en el underground extremo con su personal mezcla de death con pinceladas thrash, black, algo de metal clásico e influencias propias de las películas de terror. Abandonando Pulverised Records para sacar The Formulas Of Death con Invictus Productions en 2013, los de Arvika de nuevo demostraron que no se iban a dejar encorsetar en estilos o etiquetas fáciles, abriendo su sonido aún más con un plástico que costó que entrara a la primera, pero que al poco tiempo contó con el respaldo unánime de unos fans que, musicalmente, ya veían a Tribulation como a una formación capaz de todo. No ha sido hasta este año que

Tribulation se han situado en el candelero del metal actual. Publicado el pasado 20 de abril, pronto Johannes Andersson (voz, bajo), Adam Zaars (guitarra), Jonathan Hultén (guitarra) y Jakob Ljungberg (batería) han visto cómo The Children Of The Night recibía críticas entusiastas por parte de los principales medios metálicos, grandes elogios para un rock de instinto heavy metalero de toda la vida, con aires prog y que no ha perdido su conexión extrema manteniendo la forma de cantar black. Tanto nos ha gustado su nueva obra que, al menos un servidor, no pudo evitar empezar la entrevista de esta forma... Honestamente, creo que The Children Of The Night será mi álbum favorito de 2015. ¿Cómo te sientes cuando lees piropos como éste en los medios? ¿Estáis sorprendidos con la excelente recepción que está logrando el disco? ADAM ZAARS “¡Me alegra oír eso! Si te soy sincero, tengo sentimientos encontrados acerca de esto y por lo general me abstengo de leer críticas, pero de vez en cuando lo hago. Sólo puedo decir que estoy feliz al leer que a la gente le gusta o que se han sentido alcanzados por él de una forma u otra, y que no me importa si a la gente no le gusta. Pero este álbum, como los otros,

ha recibido muy buenas críticas y eso por supuesto te obliga de una manera y hace que quieras ir de la forma en la que lo has hecho, y para seguir yendo de la forma en la que lo estamos haciendo… Es decir, hay que tratar de mantenerse alejado de las opiniones de las demás personas. Una paradoja, supongo”. Muchos metaleros extremos se quedaron muy sorprendidos con el giro que disteis entre The Horror y The Formulas Of Death, pero, por otro lado, la evolución presente en The Children Of The Night es más fácil de asimilar si lo comparas con vuestro segundo álbum, ¿no? “He leído que éste es nuestro mayor salto también… No sé qué camino es ése y no creo que realmente importe. El segundo disco está, por supuesto, mucho más en la línea del metal extremo en general y fue muy importante para el desarrollo de la banda. Hubiera sido muy extraño partir de The Horror hasta The Children Of The Night directamente”. A tu parecer, ¿cómo ha evolucionado el grupo desde el debut hasta hoy, con The Children Of The Night? “Hemos crecido mental, física y espiritualmente, y de la forma en 45

“ALGUNAS PELÍCULAS DE TERROR HAN SIDO UNA INSPIRACIÓN PARA CREAR CIERTA ATMÓSFERA, PUES AL FINAL ESO ES LO QUE SOMOS, UNA BANDA DE ATMÓSFERA Y NO UN GRUPO DE ALGÚN TIPO DE ESTILO MUSICAL”

ADAM ZAARS tás escuchando actualmente? “Todos escuchamos mucha música diferente. Ahora mismo estoy con una banda de Los Ángeles que se llama Them Are Us Too. Hoy mismo he estado oyendo a Morbid Angel… Cualquier cosa realmente; si es bueno es bueno”.

que cualquier persona afortunada lo hace. No somos chicos más altos y no lo hemos sido desde hace bastante tiempo, así que eso por supuesto se refleja en la música. Lo que hacemos hoy en día es en cierto modo un espejo de cómo somos por dentro, y creo que ésa es la forma en la que siempre ha sido. Es una expresión de quién y qué somos”. ¿Pero en qué momento decidisteis relegar las influencias death, dejando el black sólo para la voz, y componer un nuevo álbum rock y heavy metal? “No creo que eso es lo que estemos haciendo realmente… Hasta cierto punto, todavía nos ven como a una

banda de metal extremo”. ¿Son bandas como Iron Maiden, Goblin o Ghost la más grande influencia, la necesaria influencia, para grabar un álbum como éste? “Iron Maiden podrían haber sido una de las mayores, Goblin siempre han sido inspiradores y Ghost nunca han sido una influencia. Me gustan y apoyo a Ghost, pero yo no diría que han sido una influencia en la música, no les escucho mucho. Siempre hemos escuchado este tipo de música y siempre la hemos estado tocando fuera de Tribulation, así que era natural que se colara”. Así, ¿qué bandas o estilos es-

Actualmente vuestro estilo de practicar metal puede recordar al último álbum de In Solitude si le eliminas las pulsiones post punk o, también, a las canciones más ligeras de The Wild Hunt de Watain. ¿Piensas lo mismo? ¿Sois buenos amigos de estas bandas también suecas? “No, yo no opino lo mismo realmente. Puedo ver similitudes entre el material de In Solitude y lo que estamos haciendo, D-tuned dark metal, pero no puedo verlas entre nosotros y la última obra de Watain. Estoy mucho más inspirado por su segundo y tercer álbum (Casus Luciferi y Sworn To The Dark –ndr.). Y sí, conocemos a ambas bandas bastante bien”. Por otra parte y desde mi punto de vista, ¡Johannes Andersson y Erik Danielsson tie-

nen voces muy similares! ¿No opinas lo mismo? “No he pensado en ello, tal vez la tengan”. Tribulation os formasteis en 2004. ¿Podrías contarme algo más sobre el origen del grupo y vuestros backgrounds metálicos previos? “Fundamos la banda cuando éramos niños. Antes habíamos tocado en algunas otras formaciones también. Todo, desde el garage rock al horror punk hasta el thrash y el heavy metal. ¡Hemos tocado un montón desde nuestros días de colegio! Fue un momento muy creativo, supongo… Hemos estado escuchando metal desde que éramos muy jóvenes. Para mí empezó con Kiss y luego todos más o menos de la misma manera con Iron Maiden pasando a Slayer, de ellos a Morbid Angel, y así sucesivamente”. El giallo y las películas de terror son vuestra principal inspiración a la hora de escribir letras y moldear vuestra puesta en escena, ¿verdad? ¿Podéis extraer lecciones de ellas para la vida real o ésa no es vuestra intención? “No, nuestra principal fuente de inspiración para escribir letras es la religión y en un término más amplio, la espiritualidad. La fuente primaria para los conciertos en vivo probablemente viene de ver a otras bandas cuando estábamos creciendo. Las películas de terror, o algunas películas de terror, han sido una inspiración para crear cierta atmósfera, pues al final eso es lo que somos, una banda de atmósfera y no un grupo de algún tipo de estilo musi-

cal. Estoy seguro de que puedes encontrar inspiración o extraer sabiduría de nuestras letras, pero en realidad no importa si eso es intencionado o no, o si eso es interpretado correctamente. Eso es lo que hace la música, te inspira y te traslada a otra existencia, pero dentro de ti al fin y al cabo”. Finalmente firmasteis con Century Media. ¿Qué puedes contarme de ellos? ¿Fue su apoyo básico para poder grabar un disco como The Children Of The Night con plenas garantías? “Sí, finalmente nos fuimos a un sello más grande. Era el momento oportuno, las estrellas se alinearon. En realidad no fue mucho más que ellos tenían la mejor oferta para nosotros. Por suerte conocemos a alguna gente de allí desde antes, así que fue fácil a la hora de empezar, ¡y hasta ahora han estado trabajando realmente bien! Bueno, necesitábamos pedir prestado más dinero del que teníamos previamente, así que, en ese sentido, necesitábamos su apoyo”. ¿Y cómo recuerdas vuestro último tour por mi país con Melechesh y Keep Of Kalessin? Mucha gente sólo fue a los shows para veros a vosotros… “¡Siempre es genial venirse para España! El mejor concierto fue probablemente el de Barcelona. Es complicado girar por España ya que cuesta mucho dinero y al final realmente no te llevas demasiado de vuelta, ¡pero de todos modos vale la pena porque, por lo general, los shows son muy buenos! Murcia también me viene a la mente como un gran concierto”.

Visto lo visto, ¿planeáis hacer lo antes posible un tour por Europa con vosotros como cabezas de cartel? Necesitamos más de 30 minutos por noche, la verdad… “Ahí estamos, pero no lo veo sucediendo este año. Pero sí, por supuesto que tenemos que hacer eso, ¡y estamos deseando que llegue!”. Ya para terminar, ¿crees que habéis encontrado vuestra última y definitiva forma de crear música o, por el contrario, vais a seguir experimentando con nuevas formas de tocar rock y heavy metal? “No tenemos ni idea de hacia dónde nos dirigimos y nos gusta que siga siendo así. Estoy seguro de que vamos a seguir en la línea de lo que hemos hecho antes; algo nuevo pero todavía fuertemente arraigado a la tradición”. No quisiera ser reiterativo, pues yo os prefiero en esta última versión… ¿Pero ves la puerta del metal extremo totalmente cerrada para vosotros ahora mismo? “No, no lo está. Yo veo The Children Of The Night como un álbum de metal extremo, porque eso es lo que es al fin y al cabo. Ahí es donde terminamos cuando realizamos conciertos. El próximo disco podría ser más extremo, ¡quién sabe!”.

BRAND NEW

El sonido del silencio Ser fan de Brand New no es nada fácil. La banda que fue caliicada como ‘los Radiohead del emo’ se caracteriza por largos períodos de inactividad y una relación totalmente distante con la prensa y todo el circo que rodea a los músicos. Pero después de varios años sin conceder entrevistas a ningún medio de comunicación en todo el mundo, el pasado 27 de mayo, con motivo del concierto de

10 aniversario de esta revista en Madrid, tendríamos la oportunidad de mantener una conversación en

exclusiva con Jesse Lacey, carismático líder del que

sigue siendo uno de los grupos más misteriosos, impredecibles y fascinantes del rock actual.

TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR/CARLES RODRÍGUEZ/JAVIER PÉREZ (DIRECTO)

BRAND NEW

O ES LA PRIMERA VEZ QUE BRAND NEW nos hacen un guiño. Por algún motivo, Jesse o la banda, sienten simpatía por RockZone y ya cuando publicaron su último disco nos concedieron en Londres una de las poquísimas entrevistas que dieron entonces. Que además accedieran a tocar en nuestro concierto de aniversario, un día antes de actuar en el festival Primavera Sound, es algo que nos llena de felicidad. Este cuarteto originario de Long Island, completado por Vincent Accardi (guitarra), Brian Lane (batería) y Garrett Tierney (bajo), sufrió una sobredosis de fama desde que su segundo trabajo, Deja Entendu (2003), se convirtiera en Disco de Oro y les catapultara como la sensación emo a principios de década gracias, sobre todo, a esas melodías dulces y enrabietadas que llamaron la atención de prensa y público en Estados Unidos y Gran Bretaña. Aunque su primer disco, Your Favorite Weapon (2001), pasó algo más desapercibido en un principio debido a su punk pop adolescente, el bueno de Lacey empezaría a luchar contra sus demonios a través de la lírica, con la que destacaría sobremanera. Tuvieron que pasar tres años desde su segundo lanzamiento para que afianzaran su 50

sonido con su transgresora tercera obra, The Devil And God Are Raging Inside Me (2006), que vio la luz después de que la banda pasara un período oscuro por el que no volverían a ser los mismos. Esta nueva postura, en la que dejaron de sacar videoclips y conceder entrevistas a medios americanos, también fue alimentada por la filtración de nueve demos que presuntamente irían en ese tercer álbum, pero que con el tiempo se convirtieron en objeto de coleccionista. Lejos de la imagen mostrada en un principio, llegando a girar con grupos como Blink-182 o New Found Glory, fueron creando escuela con sus tan comentados conciertos en los que la intensidad y devoción mostradas en cada directo les aportaba más y más seguidores, que incluso sirvieron de puente a bandas como Manchester Orchestra, Thrice o Kevin Devine, para entre todos ellos crear un nuevo tipo de escena, más parecida a una familia. Pasados otros tres años volvieron, más agresivos que nunca, con su último largo hasta la fecha, Daisy (2009), y con él, una interminable espera de nuevo material que nunca parecía llegar... Hasta hace un par de meses. Brand New lanzaban por sorpresa su primera composición en seis años, llamada ‘Mene’, que conserva lo que desde un principio

demostraban: mucha personalidad. Además de eso, al mismo tiempo sorprendían a muchos de sus seguidores con el esperado libreto de canciones que se comprometieron en mandar junto a su tercer disco por el precio de 1 dólar que, aunque llegara con casi diez años de retraso, como regalo y promoción misteriosa, traía un anuncio del lanzamiento limitado de sus demos en cinta de cassette, y una postal con el nombre de Brand New, en código binario, seguido de “RIP 2018”. ¿Una pista sobre la fecha de caducidad del grupo? ¿O simplemente ganas de seguir jugando con sus fans? Nuevos interrogantes que intentaríamos resolver con el propio Jesse, apenas una hora antes de que saliese al escenario de la sala Cats. Nada más aparecer, me sorprende que se acuerde de mí después de un encuentro casual que tuvimos el año pasado en Londres a la salida de un concierto de Manchester Orchestra, en el que, por encima de todo, me dejó claro que tiene una personalidad única dentro de este mundillo de egos, ya que son muchos los que ven en Jesse Lacey una versión sana y renovada del idolatrado héroe del grunge, Kurt Cobain, que por lo que nos contó, no creo que estuviera muy de acuerdo. Aprovechamos esta exclusiva para conocerle un poco más de cerca y preguntarle sobre lo que nos deparan Brand New en este presente activo al que volvían después de mucho tiempo absorbidos por su propio misterio e indecisión. Hoy es un día especial, es vuestro primer concierto en España. ¿Qué te parece lo que has visto hasta ahora? ¿Habías venido antes?

JESSE LACEY “Sí, exacto. No había venido nunca. Me vine con mi mujer dos días antes y pudimos estar viendo toda la ciudad, incluso tomando alguna cerveza por la noche viendo el ambiente. Hemos disfrutado mucho estos días. Ten en cuenta que nosotros somos de un sitio pequeño de Long Island del que no habíamos salido hasta que empezamos a girar por Europa, y esta ciudad en concreto, me resulta tan vibrante, viva y diferente, como tantas otras en las que hemos estado, pero con la diferencia de que aquí la gente parece ser más feliz. Parecéis más tranquilos y relajados, o al menos eso he visto estos días. ¿Aquí la gente pita mucho con el coche?”. Bueno, supongo que como en toda gran ciudad (risas). “Es que por lo que he visto estos días; la gente parece ser muy feliz y alegre en todo momento. Yo incluso me he sentido más feliz. En Nueva York, por ejemplo, la gente vive estresada. Todo va muy rápido; viven ansiosos por conseguir lo que quieren lo más rápido posible. Pero bueno, también es una gran ciudad debido a ese gran esfuerzo y dedicación de esas personas”. Entiendo lo que quieres decir, yo también soy de una ciudad pequeña. Kevin Devine también me dijo que le encantó la ciudad, supongo que te habría hablado bien. “Sí, me lo dijo, y tenía razón. Los parques son preciosos, el clima es genial... Tío, te lo digo en serio, ¡me quiero mudar aquí! (Risas)”. Serás muy bienvenido… “Gracias (risas). La verdad es que con toda la gente que he visto que le gusta

“LOS PARQUES SON PRECIOSOS, EL CLIMA ES GENIAL... TÍO, TE LO DIGO EN SERIO, ¡ME QUIERO MUDAR AQUÍ!” Jesse Lacey

la banda por aquí podría ganarme la vida (risas)”. Eso iba a comentarte, ¿has visto la cola de afuera? La gente parece haber respondido muy bien a vuestra visita. “Sí. Tengo que decir que no hemos venido muchas veces a Europa, y cuando tocamos en sitios diferentes a Estados Unidos o Reunido Unido, sentimos cada sitio de forma diferente. Por ejemplo hoy, que es el primer concierto

que damos aquí, como en cualquier otra ciudad a la que no hubiéramos ido, intentamos encararlo de una forma distinta, porque es como si fuera un nuevo show todos los días. Piensa que llevamos ya 15 años como banda, y por poner otro ejemplo, en Los Ángeles habremos tocado 50 ó 60 veces, por lo que mucha gente ya nos ha visto aunque sea una vez, y claro, venir aquí y saber que probablemente nadie o casi nadie nos haya podido ver y lo vayan a hacer en ese momento hace 51

que resulte especial, y que lo afrontemos de esa manera. Sentir esa emoción de la gente nos hace a nosotros estar incluso más contentos que ellos en el escenario”. Personalmente, siempre he admirado vuestra manera de llevar el grupo por el hecho de tener siempre ese misterio e incertidumbre a vuestro alrededor. ¿Crees que ese fanatismo que hay tras la banda es algo que habéis podido crear vosotros? “¿Te refieres a si nosotros hemos hecho eso a propósito?”. No, me refiero al hecho de no haberos comercializado y actuar más como una banda de amigos que se junta para tocar. “Bueno, esa fue una opción. Hubo un tiempo en América en el que tuvimos la opción de elegir un camino u otro, 52

como un momento de indecisión, por así decirlo. La manera de ir a lo grande nos haría perder un poco de nosotros mismos, un poco de identidad. Tendríamos que abandonar ciertas cosas que para nosotros son intrínsecas, ¿sabes? No sólo como banda, sino como personas. Porque a la vez que tuvimos que tomar esa decisión como banda, también teníamos que tomar otra decisión en nuestras vidas personales. Nos llevaba a plantearnos cuestiones del tipo ‘¿Somos gente famosa?’, o ‘¿Somos músicos con familia e hijos?’. Pienso que no se pueden tener ambas cosas, o al menos es muy difícil tenerlas. Probablemente haya gente que las tenga, pero nosotros pensamos que no podríamos. Así que, llegado el momento, elegimos dar un paso atrás y pensar: ‘A lo mejor nosotros no somos los adecuados para alcanzar ese nivel, o al menos estar en esa situación’, pero luego pensamos ‘¿Y si apreciamos todo esto que tenemos, lo mantenemos e intentamos ver qué

podemos crear en nuestro propio entorno?’. Porque es valioso, es una oportunidad que no podíamos dejarla pasar así como así. Estamos muy agradecidos por la gente que nos sigue o que viene a vernos, pero algunas veces pensaba que era lo que no queríamos, a veces esa estima de la gente era más de la que habíamos querido tener. Algunas veces me sentía abrumado por tener tanta gente apoyándonos, incluso ahora, y era algo que me asustaba. Pero bueno, ahora que somos más mayores y seguimos creciendo, aunque en una manera más lenta y apacible que antes, me siento mucho más cómodo y preparado para dar ese siguiente paso. Antes probablemente me hubiera destruido”. Eso iba a comentarte, ahora estáis llevando una actividad más continuada con muchos conciertos anunciados y presencias en festivales de re-

nombre en América y Europa como Coachella, Primavera Sound o Lollapalooza. “Sí, como sabrás hemos hecho otros grandes festivales en el Reino Unido hace cinco o seis años, como Reading y Leeds Festival o Glastonbury. Va muchísima gente a esos festivales, y cuando estás en momentos así se me hace difícil comprender el hecho de que venga tanta gente a vernos. Pero bueno, tratamos de mantener una perspectiva sobre quiénes somos y lo que hacemos, recordando siempre sentirnos agradecidos por lo que tenemos. Sobre todo tratar de llevarlo lo mejor posible porque es difícil. Me siento mal diciendo que es difícil porque es una vida maravillosa. Tienes la oportunidad de viajar a todos sitios...”. Así, ¿era tu vida soñada, ser músico? “Sí, es mi vida soñada. Pero también queremos conservar nuestra humanidad en todo esto, remarcando el

ser humildes y modestos, porque ha habido otros momentos en los que no lo he hecho. Así que es importante para nosotros recordarnos todos los días que no existe nada especial sobre nosotros”. Bueno... “No, de verdad. No lo hay. Somos afortunados. Lo que es especial es la oportunidad que la gente nos ha dado y es por lo que queremos recordar el sentirnos siempre agradecidos con lo que tenemos. Si te digo la verdad, podría hablar todo el día sobre esto, es todo tan extraño... (Risas) Te despiertas cada mañana en una ciudad diferente, incluso en la que nunca has estado, como hoy, donde la gente está esperando por verte, y lo primero que se me viene a la cabeza es: ‘¿Quién soy? ¿Quién soy yo para que esa gente venga a verme?’. Siempre tengo que recordarme a mí mismo que, aunque ellos no lo sepan, esa gente no viene a verme a mí, sino que vienen

por lo que he creado. Me siento afortunado por estar con esa gente y por haberlo logrado mi grupo”. Pero supongo que estarás orgulloso de lo que has hecho. “Sí, me siento orgulloso, pero trato de sentirme más agradecido que orgulloso porque hay otras cosas por las que me siento más orgulloso. Estoy orgulloso de ser un marido, un padre y ese tipo de cosas. Al menos es lo que pasa por mi cabeza, es la persona que soy. La gente que viene a verme piensa que soy músico, pero no lo soy, aunque le dedique mucho tiempo. Si pensara de la misma forma que piensa la gente que viene a verme sobre mí, sería un desastre. Siempre trato de verme como la persona que soy cuando estoy con mi mujer en casa, o cuando estoy con mi hijo, y ser esa persona”. Es decir, que ése es un Jesse, ¿pero el que luego compone y sale al escenario es otro? 53

“SER MÚSICO ES MI VIDA SOÑADA. PERO TAMBIÉN QUEREMOS CONSERVAR NUESTRA HUMANIDAD EN TODO ESTO, REMARCANDO EL SER HUMILDES Y MODESTOS, PORQUE HA HABIDO OTROS MOMENTOS EN LOS QUE NO LO HE HECHO” Jesse Lacey

“El otro ni siquiera existe, no es real. Es simplemente un trabajo del que me siento afortunado de poder hacer, y es divertido”.

podría sentirme parte de ello. Puedo hablar por el resto de mis compañeros y ellos quieren lo mismo, quieren ganárselo”.

Además, parece que os va bastante bien... “Sí, bueno, eso intentamos. Intentamos dar todo siempre en cada cosa que hacemos. Cuando tengo un buen concierto y he sentido que he cantado bien, o compongo algo que me sorprenda o incluso cuando he tenido una buena sesión en el estudio, me voy a casa satisfecho de haber hecho un buen trabajo, como cualquier persona que trabaja y se esfuerza en lo que hace. Es como me he ganado lo que tengo. Si no sintiera que he dedicado mi máximo en lo que hago, no

¿Cómo les ves a ellos ahora con respecto a la banda? ¿Están con ganas de seguir tocando y componiendo como antes? “Siempre hemos tenido esa pregunta flotando en el aire, ¿cuánto tiempo más duraremos tocando? Nos levantamos cada mañana, por así decirlo, y nos preguntamos ‘¿Qué tal? ¿Cómo te encuentras hoy? ¿Te sientes inspirado?’. Hablamos mucho entre nosotros todo este tipo de cosas, y siempre estamos preocupados por cómo está cada uno”.

¿Tú te sientes inspirado? Por lo que hemos visto, tenéis nuevos temas... “Sí, me siento inspirado, pero eso no significa que pueda inspirar al resto de mi grupo. Yo, por ejemplo, puedo tener una o veinte canciones, o ideas, que se las voy a enseñar al resto de mis compañeros, y a lo mejor no les gusta ninguna. Y está bien, lo entiendo, al menos por mi parte he cumplido aunque no salieran. Otras veces coincidimos en siete, cuatro o una de esas propuestas y nos ponemos inmediatamente a trabajar en ellas. Como te decía antes, nosotros tenemos a la familia y a los amigos primero y la banda en segundo lugar, por lo que no tenemos que crear música entre nosotros para que tengamos buenas relaciones entre

nosotros, es un trabajo que dedicamos a crear música. A veces es difícil, nos juntamos pero no nos sentimos inspirados para crear nueva música, o trabajar en una canción, o ensayar. Pero eso nos sirve para darnos cuenta de que tenemos un trabajo por hacer, y que es nuestro deber hacerlo. Puede que aunque no nos sintamos inspirados necesitames pasar por ese momento que, por enrevesado que parezca, a veces es necesario para llegar a un punto en el que te sientes inspirado. Muchas bandas que han estado en una situación parecida a la nuestra te pueden decir algo parecido”. Supongo que el no haber tenido presión os ha beneficiado para trabajar en nuevas canciones. “Bueno, esa presión viene por otros sitios. Nosotros sobre todo la sentimos en la gente que nos sigue, porque nos hemos tomado la libertad necesaria para poder hacer algo con lo que de verdad nos sintamos satisfechos, y que nos acepten como somos es otra cosa por la que tenemos que sentirnos agradecidos. Porque nosotros somos de esta manera y la gente parece respetarnos como somos, sobre todo cuando pasa todo este tiempo y siguen estando en cada concierto... es algo increíble”. Eso es lo que trataba de decir con respecto al apoyo de vuestros fans. Siempre he pensado que ese desconocimiento sobre vuestra banda y el no saber qué va a pasar en ningún mo-

Bueno, todos los finales son tristes, pero no sé, hay veces que a cuanta menos información das, más enganchas a la gente. Como sabes, iban jugando un poco con el público y soltaban la información que querían. Era imposible saber lo que iba a pasar. “Exacto. Nunca sabías lo que iba a ocurrir. Entiendo lo que quieres decir. Estuve muy metido en esa serie y en las historias de cada personaje, supongo que me gustaba el que fuera todo una aventura increíble. No sé si ya he dicho esto antes pero, ese misterio que existe alrededor de nuestra banda y que tienen nuestros fans respecto a nosotros, algunas veces es incluso un misterio para nosotros mismos. A veces nosotros mismos nos preguntamos sobre cosas nuevas que se nos ocurren, y a veces te incluimos a ti, o al oyente que nos escucha, en que forme parte de algo que ni siquiera nosotros sabemos qué es lo que tenemos. A veces decimos ‘mira esta tontería que se me ha ocurrido’, y puede que eso se convierta en algo o puede que no, pero nos gusta poder incluir a nuestros seguidores en nuestro proceso. Creo que es algo que conecta con quienes somos realmente”.

De hecho, habéis anunciado que vais a sacar en cintas de cassette, y de forma muy limitada, las famosas demos que se filtraron hace diez años en internet. Aunque suena un poco hipster, es algo diferente. “(Risas) Sí, totalmente. Pero bueno, yo sobre todo me crié escuchando cintas y viví ese cambio del cassette al compact disc. La idea que tenemos con esto es que, además de ser algo trendy, por así decirlo, y que no dura tanto tiempo, es tener una conexión física a nuestra música. Cosas como esto, nuestros CDs, el lanzamiento de vinilos o el libro de canciones que hemos empezado a sacar, son cosas que nos han hecho pensar que no sólo teníamos que dedicarnos al medio digital por haberlo asumido ya como lo primero que se utiliza ahora mismo para escuchar música. Yo, personalmente, me siento más apegado a algo que puedo tener físico que a algo que veo tras una pantalla o en mi oreja y no puedo tocar. Aún recuerdo cómo era ir a comprarte un disco, coger el libreto y poder leerlo y contemplar el diseño con mis manos mientras pasaba las páginas. Pero también te digo que tampoco hemos descubierto del todo el mundo digital, porque a lo mejor no lo hemos usado lo suficiente, pero eso sí, es fascinante. Así que sí, supongo que sacaremos las cintas dentro de poco y creo que es algo atractivo para la gente al existir limitaciones, porque no se va a poder copiar infinitas veces, por lo que se podrá copiar a otras cintas pero se irá deteriorando la calidad”.

Hacía tiempo hablabas sobre nuevas formas de poder comunicarte con vuestro público.

Hablando ahora del medio digital, tenía que preguntarte si estás al tanto sobre una

mento crea más expectación. “Pero es que ni nosotros sabemos lo que va a pasar”. ¿Viste la serie Perdidos? “Sí, por supuesto. Esperemos que nuestra banda no termine como el final de Lost (risas)”.

cuenta de Instagram que está levantando rumores de un nuevo disco durante estos dos últimos meses. “Sí, no tengo ningún problema en hablar de esto contigo. Eres la primera persona con la que tengo una entrevista en mucho tiempo. Tenemos un nuevo disco para sacar. No hay ningún secreto. La cosa es que no está listo, por así decirlo. Esperemos sacarlo este año, al menos ése es nuestro propósito. Aún no sabemos si será un EP de siete canciones o así, o el LP tradicional de 14 temas. Tenemos muchas canciones en las que hemos estado trabajando, pero bueno, supongo que a veces hay que enfrentarse a lo que tienes dejándolo reposar un poco, como te decía antes. Es algo a lo que nos tenemos que adaptar, un día parece que lo vamos a sacar y al siguiente nos sentimos un poco más lejos de sacarlo”. He podido ver que estáis tocando algunas de esas demos de las que hablábamos. En tu última entrevista para esta revista hace seis años, nos decías que te gustaría retomar esas canciones en un futuro. “Sí, bueno, eso ha salido como una cosa natural al haber pasado tanto tiempo. Cómo te explico... Esas canciones fueron como un niño abandonado, pero cuando vimos que la gente las escuchaba nos ayudó a rescatarlas después de haberles cogido más cariño con el paso del tiempo. Tengo que decirte que para mí algunas de esas canciones son de las mejores que he escrito, y aunque antes no pensaba que tuvieran que ver con la identidad de nuestra banda ahora pienso que sí que la tienen, por eso queríamos 56

darles la importancia que se merecían. Por eso queremos sacarlas aunque sea en ese formato”. ¿Puedes contarnos algo sobre cómo serán esos temas en los que habéis trabajado? “Bueno, la verdad que es difícil hablar sobre ello ahora mismo, porque incluso en canciones que estamos aún lejos de terminar tenemos que ver si a todos les gusta, y cuando digo todos, me refiero a los que estamos involucrados en el proceso creativo”. Al menos me podrás contar algo sobre ‘Mene’, que es la única que habéis editado de momento, a falta de ‘Sealed To Me’, que la habéis estado tocando en algunos conciertos. “Bueno, no sé cuánto pueden representar esas canciones a los demás temas... De hecho, esas canciones son más antiguas que las que hemos escrito ahora. Probablemente empezamos a trabajar en ellas durante los tiempos del The Devil And God, y recientemente nos acordamos y empezamos a tocarlas otra vez. Ahora nos gustaban y hace diez años no. Creo que tienen más melodía que lo último que hicimos. Cuando la escuchas creo que puedes cantarla y seguirla rápidamente. Eso es lo que podría decir sobre la nueva música que tenemos. Por ejemplo, en Daisy puedes notar que las melodías son más complicadas. No quiero hacer música que me canse de escuchar, y creo que es lo que hemos intentado para este nuevo trabajo. No queremos aburrir a la gente, por así decirlo, hemos intentado volver a ese momento de nuestra música donde era más fácil que se nos entendiera, pero tratándola con la madurez después de

tanto tiempo. Sobre todo pienso que son pegadizas”. (El road mánager nos avisa de que se ha pasado el tiempo de la entrevista, pero Jesse le pide cinco minutos más). Hablando de cosas pegadizas, tengo que preguntarte por tu nueva labor como productor en el disco Bubblegum de Kevin Devine And The Goddamn Band. Me encantó la crudeza del sonido que sacasteis, muy del estilo al que soléis sonar vosotros incluso. “Muchas gracias. La verdad que era una cosa que estaba deseando tener la oportunidad de hacer con otra banda, porque sólo lo había hecho con la mía. Es un proceso que hemos hecho junto a Mike Sapone, nuestro productor en todos los discos, en el que decidimos en conjunto cómo vamos a hacerlo todo. Tenía ganas de probar ese rol con otro grupo y la manera más fácil que se me ocurrió para hacerlo era con alguien que fuera mi amigo, con el que tengo confianza para poder decirnos si algo no nos gusta y poder cambiarlo, ya fuera por mi parte, como por la de Kevin o el resto de su banda. Kevin y yo podemos ser muy críticos entre nosotros y nos podemos decir lo que pensamos sobre nuestro trabajo sin discutir. Me encantó la experiencia. Ahora que ha pasado un poco de tiempo, me doy cuenta de cosas que no me había fijado en su momento, y que me dan la satisfacción de poder ver que hemos acertado en lo que nos habíamos propuesto. Por todo ello, es algo que me gustaría seguir haciendo en un futuro, aunque ahora mismo no puedo dedicarle tiempo, me gustaría que fuera parte de mi

“TENEMOS UN NUEVO DISCO PARA SACAR. NO HAY NINGÚN SECRETO. LA COSA ES QUE NO ESTÁ LISTO, POR ASÍ DECIRLO” Jesse Lacey

trabajo en la música. He estado tanteando otros grupos con los que pienso que podría aportar algo y es bueno ver que hay gente que le gustan las opiniones que tengo, al igual que también la hay a la que no le gustan, que eso es otra cosa que he tenido que aprender: no a todo el mundo le van a parecer bien mis ideas (risas)”. Ya que él ya nos habló muy bien sobre ti, me gustaría que nos explicaras un poco tu opinión sobre Kevin Devine. “Bueno, empezando por que es mi mejor amigo, tengo una conexión especial con él por lo que representa como músico y como persona. Su personalidad es única, no mucha gente puede ser como él. Desde el primer momento en que lo conocí, sentí una adoración instantánea. Pero

es que encima, después de eso, me enamoró su música, sobre todo por la forma de cantar que tiene y las letras que escribe. Eso sin contar que es, actualmente, el mejor guitarrista que conozco. Hace cosas que no todo el mundo puede hacer con la guitarra. Tiene un talento increíble que la gente a lo mejor no ha podido apreciar si sólo lo ha visto con su banda. Él está acostumbrado a llenar ese ambiente sólo con una guitarra cuando va en solitario, porque conoce un millón de acordes. Hay muchas cosas que yo nunca podré hacer y que siempre me deja fascinado cuando lo veo tocar. Le aprecio muchísimo, tanto a él como persona como por músico. Cuando estuvimos grabando era increíble verle tocar con Mike Strandberg, miembro de su The Goddamn Band, que es otro genio de la guitarra como Kevin.

Fue genial tenerlos a los dos a la vez en el estudio. Era como una competición por ver quién hacía el mejor riff que había visto en mi vida en muchas de las tomas que se repartieron en el disco, era difícil decir cuál era mejor que la anterior (risas). Al igual que a todos los miembros de la banda de Kevin, tengo que acordarme de otros grupos con los que nos sentimos muy identificados, y hemos formado prácticamente una familia, como Manchester Orchestra, Thrice, Mewithoutyou, O’Brother o, incluso, Dinosaur Pile-Up ahora, o The Xcerts por poner otro ejemplo. Compartimos mucho entre todos nosotros, ya no sólo parte del staff y equipo técnico, sino que son personas con las que podemos estar de gira en total armonía. Tener el apoyo mutuo en lo creativo y en lo humano con toda esta gente nos ha hecho estar donde estamos ahora mismo, no tengo ninguna duda. Así por ejemplo se formaron Bad Books. Tengo claro que sin ellos no hubiéramos fortalecido tantos esos valores que tenemos hoy en día, sobre todo al mezclar el trabajo con las relaciones personales, solidarizándonos los unos con los otros”. Para terminar, ¿es 2018 un año para ponerle fin a Brand New como dejaba intuir esa postal? “¿Quién sabe? Quizás... Este año te lo diré, ¿de acuerdo? (Risas)”. Sigue el misterio...

WE CAME AS ROMANS

REGENERACIÓN MELÓDICA

EN LOS ÚLTIMOS NUEVE AÑOS, WE CAME AS ROMANS HAN HECHO HONOR A SU NOMBRE Y COMO SI FUERAN UN EJÉRCITO HAN IDO AMPLIANDO SU IMPERIO POR TODO EL PLANETA. PRIMERO CAYERON ESTADOS UNIDOS, CANADÁ Y AUSTRALIA, Y AHORA ESTÁN DISPUESTOS A CONQUISTAR EUROPA CON SU CUARTO TRABAJO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

OMO TANTOS OTROS grupos de metalcore, We Came As Romans descubrieron que cuanta más melodía incorporaban a su música, más aumentaba su público. Es una fórmula que empezaron a aplicar en su tercer álbum Tracing Back Roots y que en su cuarto y homónimo trabajo, que publicará Spinefarm Records el próximo 24 de julio, todavía han llevado más lejos. Nadie como Dave Stephens ejemplifica esta mutación. Si antes su papel consistía en ser el contraste de la voz limpia de su compañero Kyle Pavone, ahora se dedica la mayor parte del tiempo a atinar melodías con su voz. También al igual que otros compañeros de generación, el sexteto de Detroit que completan Joshua Moore (guitarra), Lou Cotton (guitarra), Andrew Glass (bajo) y Eric Choi (batería) parece haber redescubierto su colección de discos de nu metal y en un tema como ‘Tear It Down’ se acercan al sonido de Linkin Park. Desde su casa de Los Ángeles, Dave nos dejó claro que aunque desde fuera pueda parecer que han tomado el camino sencillo, en su cuarto disco han trabajado más duro que nunca. “Pero volvería a hacerlo porque ahora somos mil veces mejores como músicos”, nos cuenta. Tracing Back Roots fue vuestro disco de más éxito. ¿Os condicionó de alguna manera a la hora de hacer éste, para bien o para mal? DAVE STEPHENS “Da un poco de miedo tener que dar continuidad a un disco de éxito. Siempre queremos mejorar en cada álbum y queremos seguir creciendo. Tracing Back Roots era un disco difícil al que seguir, pero en él empezamos a componer con más libertad y ser más creativos con las melodías.

Teníamos canciones que eran cantadas de principio a fin. Nos gustan las canciones melódicas… También las muy duras porque es ahí donde empezó el grupo, pero a medida que nos hacemos mayores nos gustan más las cantadas. Creo que esa clase de temas en Tracing Back Roots también gustaron mucho a nuestros fans y eso nos abrió las puertas a ir incluso más lejos en este trabajo”. Mucha gente piensa que hacer canciones más melódicas significa tomar un camino más fácil, pero la mayoría de músicos piensan que creativamente es más difícil que hacer temas gritados, por ejemplo. “(Risas) Escribir canciones melódicas es lo más difícil. Ahora creo que podríamos hacer un disco doble de canciones de metalcore cañeras en la mitad de tiempo que hemos hecho éste. Para escribir las melodías adecuadas y palabras que encajen tienes que ser mucho más astuto. El metalcore es más difícil de tocar, pero más fácil de componer”. Ahora que además de gritar también cantas, ¿te sientes mucho más realizado? “Sí, desde luego. Me siento mucho más realizado con los dos últimos discos. Estaba cansado sólo de gritar porque sólo puedes expresar una emoción. Hay un número limitado de cómo y sobre qué puedes gritar. En cambio cantando tienes posibilidades infinitas para expresar distintas emociones. Una misma línea la puedes cantar de muchas maneras distintas, cambiando las notas, el tono… Cantar en los dos últimos discos ha supuesto mi despertar como músico. Me llena mucho más. También he estado tomando clases de 33

“CADA NOCHE ALGÚN FAN NOS CUENTA UNA HISTORIA INCREÍBLE O NOS DICE QUE EVITAMOS QUE SE SUICIDARA. ES UNA LOCURA. SENTIR QUE HE AYUDADO A ALGUIEN CON NUESTRAS CANCIONES ES LO MÁS GRATIFICANTE”

DAVE STEPHENS canto y eso me gusta mucho porque veo que puedo seguir progresando”. Y cuando cantas las letras también se entienden mejor... ¿Cómo os ha afectado eso a la hora de escribirlas? “Las letras también han cambiado mucho respecto a los dos primeros discos. Siempre han tenido mucho significado y siempre hemos dedicado mucho tiempo a escribirlas… ¡Hay fans que las llevan tatuadas! Pero lo que intentamos ahora es resumir una página entera en una sola frase y que tenga el mismo significado. Creo que fue Dave Grohl quien dijo que una buena frase debería ser algo que pudieses escribir en una pegatina. Tiene que ser algo que te llame la atención y que te haga pensar. No es nada fácil (risas). Te diría que en los dos primeros discos cada letra era una novela y ahora son eslóganes. Creo que diciendo la mitad de cosas, decimos cuatro veces más”. ¿Cómo compararías el trabajo que ha hecho David Bendeth al que hizo John Feldman en el anterior? “Me encantan los dos. Queríamos ir

en la misma dirección, pero a la vez, hacer algo distinto; por eso queríamos cambiar de productor. Volvería a hacer un álbum con cualquiera de ellos, pero tienen estilos muy distintos. A John Feldman le gusta crear un ambiente muy relajado, ir a la playa… mientras que con David Bendeth estábamos en un estudio oscuro en Nueva York con mucho frío (risas). David es un tipo muy duro. Cuando le conocimos le enseñamos la que pensábamos que era nuestra mejor canción y dijo ‘Esto es una mierda. Mostradme algo que me impresione’ (Risas). En cambio si le hubiésemos enseñado el mismo tema a John Feldman hubiera dicho ‘OK, vamos a ver cómo podemos mejorarla’. Para nuestro cuarto disco queríamos a alguien que nos llevase al límite, y David lo hizo”. ¿Cuánto tiempo os llevó impresionar a Bendeth? “Unos seis meses y 35 canciones (risas). Tuvimos que escribir muchísimo. No nos dejaba pasar un tema que fuera simplemente bueno. Cada canción tenía que ser genial y por eso creo que puedes escuchar el disco entero y no notar bajones. Creo que escribimos muy buenas canciones, pero

las diez del disco son las mejores. Ocho de ellas las reescribimos una y otra vez hasta dejarlas perfectas. Por ejemplo ’12:30’ fue haciéndose por partes. Es una especie de Frankenstein que no sabíamos ni cómo sonaría, pero sentíamos que era algo especial. O por ejemplo en ‘The World I Used To Know’ empezó con ese gran estribillo, pero las estrofas eran muy flojas y también la programación. Pero después de muchas horas logramos que quedara redonda”. ¿Hablasteis con otros grupos que han trabajado con él, como Bring Me The Horizon o Of Mice & Men, para que os contaran cómo las gastaba? “Sabíamos que Dave Bendeth había hecho grandes discos, y cuando entras en su oficina y ves como diez discos de platino que ha producido... En un principio sólo íbamos a hacer unas cuantas canciones para probar, pero mientras estábamos allí, nos convenció de hacer el álbum entero. Se le notaba muy apasionado, así que dijimos que sí. Y sí, tenía curiosidad por saber cómo sería, así que quedé con mi amigo Valentino de Of Mice & Men y me contó lo complicado

que iba a ser (risas) y cómo nos iba a hacer pedazos, pero que al final saldríamos de ahí siendo una mejor banda. Y tuvo razón. Tino me dijo que le llamaban ‘David Band Death’ porque lleva a los grupos a la muerte (risas). Pero volvería a hacerlo porque ahora somos mil veces mejores como músicos”.

ca, no nos guardamos nada, dijimos todo lo que queríamos decir e hicimos la música que queríamos hacer. Este disco nos unió a los seis más que nunca, nos apoyamos los unos a los otros y colaboramos más que nunca. Nos pareció apropiado que se llamara We Came As Romans porque este álbum somos nosotros”.

¿Cuántos años tiene? “Creo que más de 60. Hacíamos chistes en plan ‘este viejo me acaba de patear el culo’ (Risas)”.

Ahora que lleváis más de diez años con el grupo, ¿sabrías explicar cuál ha sido el secreto para llegar hasta aquí? “¡Oh, Dios mío! (Risas) El principal motivo por el que hemos llegado tan lejos es porque los seis somos muy trabajadores. Este grupo nunca ha buscado fichar al mejor músico o al mejor compositor, sino al más trabajador. Nunca hemos parado de trabajar. Cuando conseguimos un contrato, eso nos hizo trabajar aún más duro. Tampoco buscábamos explotar de la noche a la mañana. Fuimos paso a paso y sin intentar hacer más de lo que estábamos preparados en cada momento. Fuimos constantes y nuestros fans son otro ejemplo de eso. Tenemos unos fans súper fieles y eso es porque siempre les hemos tenido en mente a la hora de hacer cualquier cosa”.

Al igual que Of Mice & Men, en este disco he apreciado alguna influencia de Linkin Park. Se hace un poco extraño que tantas bandas de metalcore les tengan como un referente. “Tiene mucha razón. Creo que la escena metalcore se está convirtiendo en mucho más melódica, incluso las bandas que gritan tienen más melodía, y creo que los fans quieren eso. Así que a medida que los grupos de metalcore nos hacemos mayores, empezamos a mostrar influencias que teníamos de más jóvenes. Muchos escuchábamos a Linkin Park o A Perfect Circle, que son grupos duros, pero con melodía. Y eso es un poco lo que todos estamos buscando hacer”. ¿Y no teníais ninguna idea buena para el título o tiene algún significado que el disco se llame como el grupo? “(Risas) Teníamos varias ideas, pero ninguna funcionaba tan bien como que se llamara como nosotros. En este disco escribimos de manera muy honesta tanto las letras como la músi-

¿Qué es lo que más te sorprende cuando interactúas con vuestros fans? “Siempre me alucina cuando veo a fans que tienen los brazos enteros tatuados con nuestras letras o nuestras portadas. Cada noche algún fan nos cuenta una historia increíble o nos dice que evitamos que se suicidara. Es una locura. Sentir que he ayudado

a alguien con nuestras canciones es lo más gratificante”. ¿Como fan alguna vez te habías acercado a algún grupo para decirle algo parecido? “La verdad es que no. Mi relación con la música es distinta. Me gusta escuchar música para darme energía o para relajarme, pero nunca me he apegado tanto a un grupo. Me encantan Rage Against The Machine. Desde los 5 años jugaba a hockey y antes de cada partido los escuchaba sin parar para animarme. Pero era más para ponerme a cien que porque pensara demasiado en lo que decían”. ¿Así que no despertaron tu interés político? “No, era más bien una cuestión de la energía que transmitían. En este disco tenemos un tema con un riff un poco de su estilo. Me gustó poder incorporar una influencia de mi infancia a lo que hacemos”. Comparado con Estados Unidos, en Europa todavía vais unos pasos por detrás que otras bandas. ¿Es algo que queréis cambiar? “Sí, tienes razón. Es una cuestión de tiempo. Empezamos por nuestro país porque era lo que teníamos más a mano. Sólo necesitábamos subir a una furgo y girar. Para ir a Europa necesitas comprar pasajes de avión, visados, es mucho más complicado. Pero ahora el mundo se nos ha hecho más pequeño y vamos a prestar más atención a otros territorios”.

ESPECIAL FOTO

WHILE SHE SLEEPS

TAKING BACK SUNDAY

SLAM DUNK FESTIVAL 2015 DESDE QUE ARRANCARA EN 2006, EL SLAM DUNK FESTIVAL SE HA CONVERTIDO EN UNA DE LAS CITAS A TENER EN CUENTA PARA LOS AMANTES DEL PUNK, EL HARDCORE Y EL EMO. SI ORIGINALMENTE TENÍA LUGAR EN LEEDS, DESDE EL AÑO PASADO CUENTA CON OTRAS DOS LOCALIZACIONES FIJAS EN WOLVERHAMPTON Y HATFIELD, A 20 MINUTOS DE LONDRES. ES AHÍ DONDE EL PASADO 24 DE MAYO SE TOMARON LAS INSTANTÁNEAS QUE COMPONEN ESTE REPORTAJE. FOTOS: RUBÉN NAVARRO

GALLOWS

TRASH TALK

CROSSFAITH

COMEBACK KID

YOU ME AT SIX

GOLDFINGER

MARIACHI EL BRONX

DISCO DEL MES

Luminiferous (CENTURY MEDIA) STONER, SLUDGE METAL, DOOM METAL

oy en día, en el momento de adentrarse en el universo High On Fire deben tenerse muy en cuenta dos cosas: la primera es que, guste o no, ya son una banda grande. ‘Grande’ en el paupérrimo sentido que ese calificativo pueda tener en el mundo metálico en pleno siglo XXI, que no es otro que encontrarse a años luz de los seguidores que pueda congregar un combo colosal acostumbrado a los estadios, pero sí con la suficiente reputación como para provocar mucha expectación a cada visita y copar por sí misma una sala mediana. Que lejanísimo

HIGH ON FIRE

queda ya ese show del 7 de febrero de 2003, vaya, donde sólo un pequeño y afortunado reducto de eruditos pudo disfrutarlos junto a Mastodon en la KGB de Barcelona. O dicho de otra forma, una formación con suficiente relumbrón como para lograr que alguien atraviese toda la Península para verles en Viveiro. Lo segundo, claro está, es que su prestigio y saber hacer es indiscutible, intocable, por lo que nadie se atrevería a poner en duda lo que el guitarrista y cantante Matt Pike ha logrado desde que, en verano de 1998, sólo seis meses después de

dar carpetazo a Sleep, fundara un nuevo grupo junto al batería Des Kensel y, desde 2006, con Jeff Matz como bajista. Actualmente High On Fire cuentan con una legión de fieles que los idolatra, que los tiene en un pedestal, y luego con otra masa social que los observa desde la distancia, sin entender muy bien por qué despiertan tantas pasiones, pero que igualmente sigue sus pasos porque sabe perfectamente que ahí hay calidad. Con esto quiero decir que, desde luego, a ninguna persona se le pasaría por la cabeza hablar mal de este trío, poner en entredicho su

valía y lo bien que destroza altavoces con ese doom tan propio, ese stoner tan bien entendido que no te duerme a la segunda canción, esa especie de Motörhead regurgitado desde el grueso motor más ruidoso de la Harley más vintage. Ni yo mismo soy un gran fan de esta banda, pero desde luego eso es algo que tengo entre ceja y ceja… No conozco a ningún melómano capaz de descalificar a High On Fire, y eso sin duda es digno de elogio y muy difícil de lograr. Es una cuestión de respeto. Dicho esto, lo que encontramos en Luminiferous no creo que decepcione a ninguno de sus seguidores; tampoco que le cambie la vida. Es decir, es una nueva dosis de

Sunless Years’ pase más desapercibida, pero bien harían en fijarse en la cantidad de solos y punteados que visten la rudeza rítmica de Kensel, dando paso al castañazo desbocado de ‘Slave The Hive’. Llegamos entonces a ‘The Falconist’, tema que me ha encantado por su cadencia Ozzy Osbourne… Etapa en solitario, nada de Black Sabbath. Una canción liviana y de bonita tonadilla, un corte que no por falta de agresividad vamos a desmerecer. Traspasamos el ecuador del trabajo con la atronadora ‘The Dark Side Of The Compass’, pero desde luego donde tenemos que hacer un alto obligado es en ‘The Cave’. Con ‘Planet Caravan’ versión Pantera en el ambiente y con un regusto

“NO CONOZCO A NINGÚN MELÓMANO CAPAZ DE DESCALIFICARLES, Y ESO SIN DUDA ES DIGNO DE ELOGIO Y MUY DIFÍCIL DE LOGRAR”

High On Fire sin demasiadas novedades, pero tratándose de su séptimo álbum ya y partiendo de una fórmula tan certera como definida, esto no significa para nada un pecado capital. Tendrás lo que buscas desde el primer trallazo, ‘The Black Pot’, donde el combo tira incluso de épica, y ya con ‘Carcosa’ buscan más el árido machaque, con Pike lanzando graves a petar de categoría y donde Kurt Ballou demuestra que, grabándoles en sus GodCity Studios de Salem, también ha sabido dotarles de ese sonidazo potentísimo del que siempre han gozado. Quizá ‘The

grunge realmente emocionante, casi de lagrimita, muy Alice In Chains, High On Fire salen vencedores con la canción más ligera del paquete y, de paso, la mejor de largo. No estamos ante su álbum más brillante, pero sirva este Disco del Mes como reconocimiento a una banda que, desde lo más abajo posible y con una propuesta alejadísima de la masa, se ha abierto paso en esta jungla sin seguramente proponérselo ni saber muy bien cómo. Y lo que es mejor: sin hacer ni una sola concesión musical. Se lo merecen. PAU NAVARRA

THE VACCINES

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Justin Hayward-Young (voz, guitarra), Freddie

Cowan (guitarra), Árni Árnason (bajo), Pete Robertson (batería) PRODUCIDO POR: Dave Fridmann, Cole M. Greif-Neill, The

Vaccines, Charlie Klarsfeld AFINES A: The Drums, The Strokes, Arctic Monkeys PÁGINA WEB: www.thevaccines.com

English Graffiti (COLUMBIA/SONY MUSIC) INDIE

or qué un título como English Graffiti? Cuando la película American Graffiti se proyectó en la gran pantalla por primeriza vez en 1973, los británicos The Vaccines no habían nacido. Este filme, parido por unos jovencísimos George Lucas y Francis Ford Coppola como director y productor respectivamente, se convirtió en un fenómeno, una película generacional con un éxito aplastante. Su banda sonora, además, reúne los más grandes éxitos del rock de los 50. ¿Veis por dónde voy? Suena muy pretencioso, ¿verdad? The Vaccines, una de las bandas más queridas y cotizadas del Reino Unido, se han pro-

puesto publicar su disco más atrevido hasta la fecha, de ésos que no dejan indiferente a nadie. Y vaya por delante que lo han conseguido. English Graffiti, producido con Dave Fridmann (Flaming Lips, MGMT, Mercury Rev) y Cole MGN (Nite Jewel, Snoop Dogg), rompe con el manido rock’n’roll independiente y atemporal de sus dos trabajos previos, What Did You Expect From The Vaccines? y Come Of Age. Las recurrentes comparaciones con The Strokes se quedan obsoletas a la hora de describir la amplitud de miras de la banda en su tercer trabajo. En English Graffiti encontramos piezas tan variopintas como la hipnótica ‘Want You

So Bad’, un cruce perfecto entre los Radiohead de Pablo Honey y The Cure, y las bailongas ‘Handsome’, ‘Minimal Affection’ y ‘Miracle’, con una base nostálgica pretendidamente ochentera. Y es que Justin Young y compañía se sirven de guitarras, claro, pero también se entregan al pop y a la electrónica, dos géneros mucho más abiertos a la experimentación. Algo me dice que perderán unos cuantos seguidores con este disco tan variado, estoy seguro, pero también ganarán otros muchos en cuanto escuchen los citados cortes. Ellos han decidido arriesgar para ganar, pero también para disfrutar. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... FREDDIE Y PETE Tengo la sensación de que ésta es la primera vez que habéis tenido tiempo para hacer el disco que realmente queríais. ¿Ha sido muy distinto a cómo preparasteis los otros? FREDDIE “Fue muy diferente. El primer disco lo grabamos apenas se había formado el grupo. Sólo llevábamos seis meses tocando en directo y ya nos ofrecieron grabar en estudio. Lo hicimos en diez días... Pero al menos teníamos las canciones (risas). Esta vez estábamos fritos tras tres años de gira y no teníamos ninguna canción. Fue muy interesante porque fue como una desintegración y recomposición del grupo”. Creo que el disco conserva la frescura de vuestros inicios a pesar de sonar más ambicioso. FREDDIE “Queríamos ser muy ambiciosos en cuanto a sonido. Pero a mitad del

disco nos dimos cuenta de que quizá habíamos ido demasiado lejos. Empezamos a cuestionarnos por qué estábamos haciendo algunas cosas si luego no íbamos a poder tocarlas en directo. Así que ahí hubo un proceso de destilación y de recuperar esa frescura de la que hablas. Fue muy curioso. Creo que hay elementos de los primeros Vaccines y otros que nunca antes habíamos mostrado”. Dave Fridmann tiende a orquestrar mucho sus discos… PETE “Fue muy interesante trabajar con él, porque lo coproducimos nosotros con Dave y Cole M. Grief-Neill. Ellos dos tienen visiones casi opuestas. Cole tiene un enfoque muy minimalista mientras que Dave busca un sonido grandioso. Así que fue muy curioso porque grabábamos un montón de cosas y ruidos con Dave y luego Cole decía ‘Suena genial. Quitadlo’ (Risas). Y luego Dave en la

mezcla lo volvía añadir”. ¿Sentís que a nivel de sonido tenéis que competir, no sólo con otras bandas de indie o de rock, sino también con los de hip hop o electrónica? PETE “Más que competir, era una cuestión más egoista. Creo que si algo no quedó reflejado en los dos primeros discos es lo mucho que nos gusta la música actual. Nos encantan las producciones avanzadas y ésas suelen estar en el hip hop. Era algo que queríamos comprender e incorporar a nuestra música”. FREDDIE “Creo que hemos dejado de ser estudiantes de historia y hemos pasado al presente. Para nosotros fue muy importante aprender de Lou Reed y Brian Eno, pero ahora esas influencias ya no son algo sagrado y por eso nos sentimos mucho más libres”. (JORDI MEYA)

MUSE

Drones (WARNER) ROCK

adas sus tendencias progresivas, que Muse todavía no tuvieran un disco conceptual en su catálogo era una anomalía. La lástima es que, cuando se hayan decidido a hacerlo, éste tenga la misma profundidad que si lo hubiera escrito un chaval de 12 años que acaba de leer 1984 de George Orwell por primera vez. Las letras de Matt Bellamy están llenas de topicazos y el hilo argumental es tan endeble como el de la última película de Mad Max, por mucho discursito que cuelen de John Fitzgerald Kennedy entremedio. Más bien se intuye que todo el concepto

es un mero pretexto para darle algo más de cuerpo a una colección de canciones dispares que, por otra parte, tampoco se encuentran entre sus mejores creaciones. La elección de Mutt Lange (AC/DC, Def Leppard) como productor podía ser vista como un acierto teniendo en cuenta su intención de hacer un disco más rockero, pero desde luego no ha podido ayudarles a construir su propio Back In Black o Hysteria. Muse siempre han picoteado de Queen, U2, Depeche Mode, pero cuando acabas sonando a Coldplay mezclado con Whitesnake y Simple Minds (‘Reapers’ y ‘Revolt’ sonrojan), es que algo va mal. Posiblemente con su actual estatus como gran banda en directo, que lo son, Muse sólo necesiten un par de nuevos hits para seguir llenando estadios, y quizá cuando les veamos de nuevo en uno de ellos rodeados de lásers y pirotecnia, hasta disfrutemos escuchando temas como ‘Psycho’, ‘Dead Inside’ o ‘The Globalist’... Pero a un grupo con todos los medios y tiempo a su alcance hay que exigirle mucho más. DAVID GARCELL

DESAPARECIDOS Payola (EPITAPH) INDIE ROCK

ese a que nunca se habían separado oficialmente, Desaparecidos estaban haciendo honor a su nombre con un silencio discográfico que se estaba prolongando por más allá de una década. Y no es que en los 13 años que separan Payola de su debut Read Music/Speak Spanish sus miembros hayan estado inactivos, pues en especial Conor Oberst (Bright Eyes, Monsters Of Folk...) no ha parado de publicar material, pero la verdad es que ya se les echaba de menos. Aunque suele definirse a Desaparecidos como ‘la

banda punk’ de Oberst, lo cierto es que musicalmente está más cerca del indie rock americano de los 90, sobre todo en el tratamiento de las guitarras, y más en esta segunda entrega, donde la melodía ha cobrado más protagonismo. El grupo tiene la gracia para envolver sus letras de alto contenido político con mucho gancho para que el oyente se los trague cual caramelo envenenado. No es habitual que puedas tararear temas que tratan sobre las tensiones raciales, el trato a los inmigrantes o el recorte de libertades que han vivido los ciudadanos en Estados Unidos. Exagerando, podría decirse que uno casi se siente culpable disfrutando de temas tan redondos como ‘The Left Is Right’, ‘MariKKKopa’ o ‘Te Amo Camila Vallejo’ sabiendo que su intención va más allá de hacerte pasar un buen rato, pero eso es lo que sucede cada vez que los escuchas. Las colaboraciones de Tim Cursher de Cursive o Laura Jane Grace de Against Me! no hacen más que sumar puntos positivos a tan fantástico retorno. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

LOS TIKI PHANTOMS Y El Misterio Del Talismán (DISCMEDI) SURF INSTRUMENTAL

os Tiki Phantoms llevan ya diez años regresando de la tumba, guiando al Ejército de las Calaveras, yéndose de marcha y haciéndonos mover el esqueleto cuando tienen la mínima ocasión de hacerlo. En este 2015 los seguidores del dios Tiki nos proponen resolver el misterio del talismán, una aventura para la cual deberemos superar 15 pruebas en forma de composiciones de surf y rock’n’roll instrumental. No solamente eso; cortes como ‘Ron Cremat’ y ‘Saca De Oro’ nos trasladan a un escenario de western gracias a sus aires tex-mex y a la trompeta de Xavi Barrero. Otros temas como ‘Afrodita (Muerte Por Kiki)’ (gran referencia a Futurama, por cierto) o ‘No Viniste A Mi Funeral’ podrían ser perfectamente utilizados por Quentin Tarantino para alguna de las bandas sonoras de sus películas. De hecho, el segundo no desentonaría para nada en

la escena final de Kill Bill. Ignoro quién se encuentra ahora detrás de las máscaras de los cuatro fantasmas adoradores de la deidad hawaiana, pero sean quienes sean, lo que tengo claro es que se trata de unos músicos muy solventes. No en vano los guitarristas dan rienda suelta a su virtuosismo a base de riffs y de punteos en canciones enérgicas y punk rockanroleras como ‘Evasión Y Victoria’ o ‘Bobo’, y la sección rítmica se las apaña para mantener el flow necesario en todo momento. Y El Misterio Del Talismán es el cuarto trabajo discográfico de este misterioso combo de Barcelona y lo mejor es que todavía son capaces de animar a un muerto. JORDI FORÉS

GOATSNAKE Black Age Blues (SOUTHERN LORD)

BLUES, DOOM METAL

uando ‘Another River To Cross’ da inicio no das crédito. De pronto estás en un campo de algodón, entumecido, pero los señores del riff te despiertan de la pesadilla, y cuando Pete Stahl empieza a cantar arde Mississippi, aunque el Klan no haya tenido nada que ver… El fuego procede de alguien al que no le interesan los conflictos raciales, ése que le compró el alma a Robert Johnson. Esa voz celestial te pone la piel de gallina, es posible que Wino Weinrich le haya poseído. Canta como las estrellas del rock, a su aire. Él y su don. Por si había alguna duda, Goatsnake han vuelto, 15 años después de su segundo álbum, casi dos décadas después de que una desbandada en The Obsessed condujera a su eclosión. Greg Rogers de la citada banda, Greg

ASH

KABLAMMO! (EARMUSIC)

ROCK ALTERNATIVO

espués de la muerte de su padre, Tim Wheeler necesitaba sacar y reconvertir una pila de recuerdos y sensaciones en canciones. El resultado fue el sentido Lost Domain, el primer trabajo en solitario del cantante y guitarra de Ash. Recuperado en parte del mazazo, Wheeler ha vuelto al redil del power pop más vital y luminoso con Kablammo!, el sexto largo de su banda de siempre, el séptimo si contamos como un álbum doble la ambiciosa compilación de singles AZ Series. En cualquier caso, han pasado ocho años desde la publicación de su último

Anderson de Sunn O))), Thorr’s Hammer o Burning Witch… Menudo plantel. Intentas calmarte con ‘Elevated Man’. ‘Bueno, ya han bajado el nivel’, piensas, pero cuando ese cambio de ritmo te sacude y la harmónica de Stahl te atraviesa el corazón te emocionas otra vez. Esta vez sí, lo que aportan en ‘Coffee & Whiskey’ y ‘Black Age Blues’ es más terrenal, pero de la misma forma, su irresistible vena blues se sale, y cuando emergen los guitarrones en esta última

lo gozas. Cuidado con ‘House Of The Moon’: puede parecer de inicio un tema doom del montón, pero en cuanto tienen la genial ideal de incorporar coros femeninos góspel o soul, ya estás atrapado. Mismo recurso que en ‘Jimi’s Gone’, pero ésta es aún más buena, y ‘Grandpa Jones’… Dios mío, esto ya es magia negra, y todavía queda que Stahl se quede solo ante el micro en ‘A Killing Blues’. Música verdadera.

álbum convencional, Twilight Of The Innocents, tiempo suficiente para dejarse de experimentos y marcarse otro trabajo con chicha e intención. En este sentido, Kablammo! cumple con el objetivo sobradamente. “Cuando despierto de este sueño, cuando mi fuerza vuelve a mí, cuando mis alas se despliegan en el momento de la liberación”, cantan en el primer tema y primer adelanto de su regreso, ‘Cocoon’, una declaración de intenciones con un estribillo dulzón, sencillo y tremendamente adictivo. Los norirlandeses han despegado, con un arranque casi tan bueno como el

segundo corte, ‘Let’s Ride’, donde sacan el Weezer que llevan dentro. ‘Hedonism’, ‘Shutdown’ y la guerrera ’Go! Fight! Win!’ capturan la quintaesencia de esta banda formada en 1992. A saber: frescura, pasión y puntería power pop. Kablammo! es sinónimo de Ash en estado puro, incluso cuando bajan las revoluciones o exploran otros registros. Pienso en las emotivas ‘Machinery’ y ‘Free’, el medio tiempo épico que es ‘Moondust’ o la instrumental ‘Evel Knievel’. Si te gustó el redondo y variado Free All Angels, con este nuevo trabajo te reengancharán.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

NATE RUESS

Grand Romantic (FUELED BY RAMEN/WARNER)

P0P

ólo Nate Ruess y sus dos compañeros de fun. sabrán por qué estas canciones han acabado formando parte del primer disco en solitario del vocalista en lugar de aparecer en uno nuevo de la banda. Porque la realidad es que, a excepto del nombre impreso en la portada y un tono un poco más intimista, Grand Romantic bien podría haber sido la continuación del superexitoso Some Nights. Así, la intro a capella y ‘AhHa’ nos recuerdan su amor infinito por Queen, incluso apropiándose de la voz sincopada de ‘We Will Rock You’; ‘Nothing Without Love’ es otro ejemplo de

pop clásico en la melodía y moderno en la producción, en el que tan bien se mueven fun., y la animada ‘You Light My Fire’ guiña sin complejos a los 80. La ampulosa ‘Great Big Storm’ y las romanticonas ‘Moment’ e ‘It Only Gets Much Worse’ adivinan que cuando quiera retirarse de los escenarios, Ruess puede dedicarse a escribir musicales de Broadway sin ningún problema. Dos invitados inesperados, Jeff Tweedy con un gran solo en la balada ‘Take It Back’ y Beck con segundas voces en la folkie ‘What This World Is Coming To’, añaden un punto de calidad y crédito a un disco que no oculta que quiere llegar a las masas. Siempre preferiré lo que hizo en su etapa al frente de The Format, pero aunque en la actualidad a menudo haga demasiadas concesiones al mundo de la radiofórmula, está claro que Ruess sigue teniendo un talento especial para trazar melodías, amén de una gran voz. Puestos a tener que tragarse sin opción a Justin Bieber, Pitbull o él, sobra decir con quién me quedo. JORDI MEYA

FOUR YEAR STRONG

Four Year Strong (PURE NOISE)

PUNK POP

as barbas más famosas del punk pop han vuelto con un trabajo homónimo grabado por Kurt Balou (Converge) cuatro años después del brillante pero algo incomprendido In Some Way, Shape Or Form. En ese trabajo encontramos canciones sólidas, redondas y emocionantes en una onda que podríamos emparentar con Lit, Foo Fighters y Jimmy Eat World. Y claro, tanto formalismo dejó a sus seguidores algo mosqueados. Esperaban otra cosa, bastante más atrevida y fresca. Si bien los alucinantes juegos de voces de Alan y Dan seguían ahí, puedo entender que los fans

de FYS echaran de menos la energía desbordante y los guitarrones metalcore que caracterizaban su disco más aclamado hasta la fecha: Enemy Of The World. Y ellos mismos echaron de menos ese punto más loco, divertirse tocando los temas, como nos explicaban en nuestro anterior número. La banda sólo necesitaba hacer un reset y replantearse por qué hacen música. Y les ha sentado fenomenal. Basta con escuchar pepinazos como la inicial ‘I Hold Myself In Contempt’ –con ese inspirador riff-, la saltarina ‘We All Float Down Here’ --ideal para hacer headbanging-, la punkarra ‘Who Cares’ y ‘The Sound Of Your Heart’, una de sus piezas más duras hasta la fecha. Si lo gozaste en su momento con Rise Or Die Trying o el citado Enemy Of The World, te encantará su quinto largo, el segundo para el sello Pure Noise (The Story So Far, Handguns, Gnarwolves) después del EP de transición Down In The History. Han recuperado el trono que jamás debieron abandonar. ¡Larga vida a los reyes del easycore! LUIS BENAVIDES

CHAOS BEFORE GEA Khâron

(BLOOD FIRE DEATH)

METAL

enía ganas de escribir la crítica del nuevo disco de este grupazo malagueño que son Chaos Before Gea. Ya dije en la review de su anterior trabajo que la banda es una bomba de creatividad, dándole a su por aquel entonces metal alternativo una profundidad que enriquecía enormemente sus composiciones. Ahora nos atacan con Khâron, ocho canciones que nos muestran la increíble evolución vocal y musical del quinteto, que se aleja enormemente de aquel metal alternativo y se aferra a un metal más puro que parece haber macerado

en una barrica reciclada en la que han fermentado estilos como el black, death, rock, heavy… De una forma positiva diría que no hay por dónde cogerlo. Al igual que su anterior trabajo, los registros vocales son extensos, las composiciones complejas y con un sinfín de ambientes, pero todo llevado a un nivel equiparado a grupos salidos del fiordo más recóndito de Finlandia. Sinceramente espero que aquellos españoles que lo escuchen no se enteren de que son de Málaga, seguro que así sí le dan más crédito. Es así de triste, pero es la realidad. Lo más gracioso es que según escribo esto de Finlandia, me estoy tocando escuchando una parte del final de ‘Moaning In Agony’ con guitarras clásicas que suena a castizo que tira para atrás. Vaya joyita que tengo entre manos y vaya gran segundo disco que se han marcado. Violines, teclados, death, guturales, melódicos, ambientes... un sinfín de cualidades que hacen que Khâron tenga el potencial para llegar muy lejos. FER DÍEZ

TWENTY ONE PILOTS Blurryface

(FUELED BY RAMEN/WARNER) POP ELECTRÓNICO, HIP HOP

uando hace unas semanas el nombre de Twenty One Pilots aparecía en el número 1 de las listas de Billboard, muchos se preguntaron de dónde narices habían salido estos tipos. Pero lo cierto es que el dúo formado por Tyler Joseph y Josh Dun viene haciendo cada vez más ruido con su mezcla de pop, electrónica y hip hop. Ya con su disco anterior, Vessels, de 2013, consiguieron bastante atención, pero todo hace presagiar que en unos meses su música puede ser omnipresente. Desde luego tienen mucho a favor: credibilidad (Blurryface es su cuarto álbum y están constantemente de gira),

un sonido tremendamente actual apto para todos los públicos y canciones con mucho gancho. Blurryface es su álbum más ambicioso en cuanto a duración y fusión de géneros, pero también un poco el más oscuro fruto de la vorágine que han vivido en los últimos años. La primera mitad del álbum es realmente impecable con seis temas que podrían ser lanzados como single uno detrás de otro. En ‘Heavydirtysoul’, ‘Stressed Out’, ‘Ride’, ‘Fairly Local’, ‘Tear In My Heart’ y ‘Lane Boy’ se las apañan para sonar a Eminem acompañados por los Blur de Parklife con melodías compuestas por un Ben Folds que se haya pasado al reggae y no le hace ascos a la música industrial. Y todo con una media sonrisa en la cara. Cierto es que luego caen un poco en la reiteración y pierden algo de chispa -aunque por ejemplo ‘We Don´t Believe What’s On TV’ la recupera con ese ukelele-, pero teniendo en cuenta que cada vez somos menos los que tenemos la vocación de escucharnos discos de cabo a rabo, dudo que eso les juegue en su contra. JORDI MEYA

GORGOROTH

Instinctus Bestialis (SOULSELLER) BLACK METAL

ientras Quantos Possunt Ad Satanitatem Trahunt, la primera obra de Gorgoroth tras el bochornoso divorcio entre Infernus y la pareja formada (en lo musical) por Gaahl y King Ov Hell, recogía tantos elogios como duras críticas –no lo consideré ni digno de aparecer en RockZone-, el grupo seguía sumergiéndose en un eterno espiral de cambio de miembros y en un merecido ostracismo en la escena. De hecho, han tenido que pasar seis años para que muestren material nuevo, pasando por alto esa incomprensible regrabación del Under The

Sign Of Hell en 2011, siendo este último paso otro dato a tener en cuenta a la hora de determinar en qué lastimoso estado creativo se encuentran. Así que, puestos ya en antecedentes, vayamos a por su nueva obra. Lo primero que nos asalta es la calidad comprendida en los riffs de ‘Radix Malorum’ y ‘Dionysian Rite’, resaltando especialmente la oscuridad de esta última, y lo segundo, que al inicio de ‘Ad Omnipotens Aeterne Diabolus’ llegas incluso a creer que estás ante un buen disco… Craso error. Ésta se transforma en una bazofia heavy metalera sin ton ni son, y con pastiches apestosos como ‘Burn In His Light’ o ‘Rage’ el trabajo se cierra con algo tan intrascendente como ‘Awakening’. Ante este plástico he tenido la sensación de que ha sido entregado con un ‘tenemos ya 31 minutos, vamos a publicar algo o la gente nos mata’. Habrá que hacerse a la idea de que Gorgoroth son ya un grupo del montón, sin rastro de atrevimiento. Infernus, majo, háztelo mirar. PAU NAVARRA 77

RECOMENDADO POR:

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Ion Minde (voz, guitarra), Luis Gómez (bajo),

Edu Ugarte (batería) PRODUCIDO POR: Iñaki Llerena, Leire Aranguren AFINES A: Half Foot Outside, Nueva Vulcano, Superchunk PÁGINA WEB: www.facebook.com/wearemontedeloso

Esto Tiene Que Doler (FARMWAY/UNDERHILL) INDIE ROCK

o primero que se saca en claro tras la primera escucha de Esto Tiene Que Doler, el debut de Monte Del Oso, son las sensaciones positivas que produce este implacable power trio pamplonica. Dicho esto, nos encontramos ante un disco fresco, muy noventero pero a la par vanguardista, lleno de detalles inmensos que transforma a esta banda en una referencia indispensable de este año. Melodías a lo Hüsker Dü, coros a lo The Boys, reminiscencias de The Minutemen, aromas de Dinosaur Jr., pinceladas de The Replacements, aires a Mudhoney y un poso inconfundible que denota un amor profundo por Sonic

Youth convierte esta primera referencia en algo mítico, una confluencia de energías que demuestran que existió una alineación cósmica el día en que decidieron juntarse para la creación de los once temas que dan forma a este álbum, grabado en los estudios Aberin de Iñaki Llarena. Como bien reza en su Bandcamp, “Ion Minde, Luis Gómez y Edu Ugarte lo interpretaron, con más o menos suerte, buscando la magia de las primeras tomas”, así que recomendamos su escucha a buen volumen y en modo repeat ya que podemos asegurar que se convertirá en una firme candidata a banda sonora original de tu verano 2015. Himnos como

‘Perdón No. 87’ con baterías que suenan a baterías y unas melodías de voz realmente pegadizas, los acertados riffs guitarreros de ‘Seca Hierba Del Jardín De Mierda’ o la redondez del tema que da título al disco son una declaración de intenciones en toda regla con letras sobre la amistad, el compañerismo, el amor y el desencanto que componen la esencia de esta joyita que confluye entre el power pop, el proto punk y el indie americano de finales del siglo XX y con un sonido Sub Pop 100%. Recomendamos estar atentos y atentas a futuras acciones que emprenda esta banda, ya que han puesto el listón bien alto. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... EDU UGARTE Esto Tiene Que Doler es un título genial. ¿Las cosas que no duelen no son importantes? “Nos alegra que te guste... Es una declaración de intenciones a raíz de una entrevista que vimos de Sleater-Kinney, en la que hablaban de que había que decir las cosas como son, de no adornarlas con palabras bonitas para que sonaran mejor, y nos sentimos identificados tanto en las letras como en el sonido. Así es como somos, nos gusta que sea así y así seguiremos. Hay muchas cosas importantes que no duelen, pero lo que duele conlleva consecuencias importantes”. ¿Cómo acabáis los tres juntos y decidís formar un grupo? “Un poco de casualidad, supongo que por el destino y la inquietud musical... Luis y yo tocábamos juntos la guitarra sacando algunos temas a la espera de encontrar a alguien con quien musical

y personalmente pudiéramos encajar, y justo Ion me escribió un día y fue como ‘¡Claro, Ion es perfecto para este proyecto!’, y así fue. Hablamos por la mañana y esa noche nos juntamos a ensayar; en tres horas ya salíamos del local con cuatro bocetos de canciones, y a partir de ahí ya vimos esa química musical y, lo más importante, la personal. Todos teníamos en mente lo mismo y así sigue siendo a día de hoy, un año después de nuestra formación. Estamos muy contentos de que haya sido así”. El disco se acerca más a Half Foot que a Muy Fellini. ¿Añorabas un poco hacer más ruido? “Sí que lo añoraba. Half Foot Outside ha sido la banda en la que más años he estado y en la que supongo que he forjado gran parte de mi manera de tocar... La distancia geográfica nos separó, pero musicalmente, y personalmente,

creo que estábamos en nuestro mejor momento, por lo que disfruto mucho tocando ese tipo de música, me encantan las bandas que nos influenciaban en esos años, y siguen haciéndolo ahora con Monte Del Oso. Supongo que es lo que ha salido al juntarnos, la inercia nos ha llevado por ahí... Pero al empezar de cero podemos experimentar mucho más y eso enriquece el resultado final”. ¿De haber esperado a tocar más en vivo y madurado más como banda, el disco podría haber quedado aún mejor? “Seguro que sí, hay algunas canciones que ahora suenan mejor, pero quizá han perdido la esencia de frescura que queríamos que tuvieran al haberlas tocado más, y en el álbum tienen ese feeling amateur, muy fresco... pero seguimos estando muy contentos con el álbum”. (JORDI MEYA)

UNLEASHED

Dawn Of The Nine (NUCLEAR BLAST)

DEATH METAL

ue una banda tan histórica, que tan interiorizado ha tenido siempre su particular visión ruda y simplista del death metal de Estocolmo, tirara hacia las tesituras de Amon Amarth en As Yggdrasil Trembles y, sobre todo, en el Odalheim de 2012, como mínimo desconcertaba. Para nada los trabajos citados contenían material defectuoso, más bien al contrario, pero no eran pocos los puristas que andaban ya con la mosca tras la oreja… Por si acaso, tres años después de su último combate las tropas de Johnny Hedlund vuelven a tomar otra costa por la fuerza con Dawn Of The Nine y, aunque con ‘A New Day Will Rise’ pueda parecer que van a tirar de nuevo hacia un death más melódico, la segunda ‘They Came To Die’, aunque brutalmente

ZEBRAHEAD

The Early Years Revisited (RUDE)

PUNK POP

penas un año después de su último largo, Call Your Friends, Zebrahead han vuelto a grabar los once temas más recordados, bailados y coreados de sus tres primeros discos: Waste Of Mind, Playmate Of The Year y MFZB. ¿Y esta vuelta a los orígenes? ¿Querrán cerrar un capítulo? ¿O más bien recuperar la santa inspiración de sus inicios? Sea como sea, el año que viene cumplirán veinte años como banda y con el presente The Early Years Revisited demuestran una encomiable hiperactividad que en breve podría

épica, nos muestra a unos Unleashed más clasicotes. El pesado filo a medio tiempo de ‘Defenders Of Midgard’ disipa cualquier duda que puedas tener acerca de si los suecos van a ser fieles o no a su viejo estilo de practicar el death metal en su doceavo disco, así que luego nada mejor que la veloz ‘Where Is Your God Now?’ para rematarte. Masacrar cristianos siempre se les ha dado la mar de bien, como golpear con ‘The Bolt Thrower’ (¿Un

homenaje?), cabalgar prestos hacia la contienda con la redonda ‘Let The Hammer Fly’, comandar otra razia de la talla de ‘Where Churches Once Burned’ o descender a los infiernos con ‘Dawn Of The Nine’. Asesinar sin pausa, campos de batalla regados con miles de litros de sangre enemiga, hachas como montañas de grandes, maestros de la guerra buscando camorra… No hay duda, son Unleashed.

traducirse en un nuevo largo. La bestia musical que sorprendió al mundo con su refrescante desparpajo y descaro, con esa mezcla de punk pop, rapcore y metal alternativo, está por encima de sus componentes y tiene cuerda para rato. Recordemos que Matty Lewis –cantante junto al cachondo Ali Tabatabaee- sustituyó al fundador Justin Mauriello poco después de que la banda publicara estos tres discos ahora revisitados, en 2005, y el guitarra de Death By Stereo Dan Palmer, apenas lleva un par de años en la formación de Orange County. Esta fiel revisión

de temas archiconocidos como ‘Playmate Of The Year’ (su momento cumbre, digan lo que digan), ‘Now Or Never’, ‘Rescue Me’ o ‘Falling Apart’ ofrece pocas novedades –al margen de la cara B ‘Sex, Lies & Audiotape’ y la totalmente inédita ‘Devil On My Shoulder’- y sólo encontrarán las siete diferencias sus seguidores más acérrimos y quizás el propio productor, Cameron Webb (Pennywise, Motörhead), quien borda el calco con una precisión cirujana. Veremos si este nostálgico ejercicio remember se nota en su próximo largo.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

THE MUGGS Straight Up Boogaloo (AUTOEDITADO)

ROCK

uisieron arriesgar e investigar algo más en su estilo con su anterior Born Ugly y se quedaron a medias. Se echaba de menos la crujiente guitarra de Danny, que no llegaba a despuntar como antaño, y no fueron pocos los que se quedaron fríos ante ese álbum. Con su esplendoroso doble en vivo volvieron a la senda, aunque todos esperábamos con expectación las nuevas canciones para ver si el retorno a las raíces se hacía efectivo de manera absoluta.

Una vez escuchado Straight Up Boogaloo hemos de decir que sí, pero con reservas. Ciertamente vuelven a componer con las guitarras en mente, su estilo clásico brilla con fuerza en temas con mucho músculo setentero en ‘Lighting Cries’, ‘Roger, Over And Out’ o ‘Applecart Blues’. La guitarra de Danny Methric peta como en sus mejores tiempos y la batería de Todd Glass y el Fender Rhodes de Tony De Nardo se muestran cohesionados como un puño cerrado directo a la mandíbula. Pero no son inmovilistas, quieren avanzar, y en esta ocasión han encontrado la fórmula perfecta en ‘Blues For Mephistopheles’, donde viran hacía una psicodelia sesentera, o ‘Fat City’. Su sonido de siempre con pequeñas pinceladas aquí y allá que les enriquecen y les dan un plus. Habrá quien eche todavía de menos la crudeza de aquellos dos primeros discos, pero desde luego no seremos nosotros quienes critiquemos la madurez que The Muggs han adquirido hasta hoy. ANDRÉS MARTÍNEZ

MARUTA

Remain Dystopian (RELAPSE)

BRUTAL DEATH METAL GRIND

onte el chándal rosa, que toca mover el esqueleto. Arriba, abajo, al centro y pa’dentro. Y esto va muy adentro, ya os lo digo… Dejar un sello de excelso gusto extremo como Willowtip no tiene que molar nada, pero claro, si te llaman Relapse para publicar tu tercer álbum imagino que no puedes decir que no. Con esta premisa Maruta vuelven a la carga cuatro años después de su última entrega y, desde luego, ya con ‘Genocide Interval’ descubrimos que no han estado de relax precisamente, ni hablar de largarse de

vacaciones a una playa de Hawái… Espasmos alocados grind es lo que despachan como posesos en esta obra, como ‘Minimal Progress’, y es que los cortes se suceden a un ritmo de vértigo, contando 17 donde sólo cuatro superan los dos minutos de duración. Llegas a ‘Stride Endlessly Through Scorched Earth’ y ya estás hasta los huevos de que el enfermo de Mitchell Luna te chille toda esa maldita bronca en la oreja, todavía más si se le une Tomas Lindberg de At The Gates, pero aún quedan acoples, y un batería como Daniel Morris, que no va a parar de dar por culo hasta que te cagues en sus putas muelas. ‘Erode’ te volatiliza, también canta J.R. Hayes de Pig Destroyer, pero nada tienen que envidiarle ‘Stand In Defeat’, ‘Remnants Of Failed Utopia’ o ‘Psalm For The Withered’, que encima presentan unos riffs despachurrantes, buenos hasta decir basta. Y es que poco más queda por decir… Un ñaca-ñaca forzado por la misma mierda en la que nadamos. PAU NAVARRA

YOUNG GUNS Ones And Zeros (VIRGIN EMI)

ROCK ALTERNATIVO

enudo estirón han dado Young Guns en Ones And Zeros. Si bien de sus dos primeros discos se podía rascar algún que otro tema resultón de rock modernete, en este tercero podemos hablar de un álbum bien completo de principio a fin. Si mi principal problema con ellos era que para ser un grupo con aspiraciones comerciales encontraba que en la mayor parte de sus composiciones les faltaba gancho, aquí te van lanzando anzuelos tema tras tema. Además, el guaperas Gustav Wood se ha aventurado a probar nuevos registros con su voz y, especialmente cuando canta más grave, les da un toque más ochentero y oscurillo que les ha sentado de maravilla. Las referencias a los 80 no acaban ahí, y ahora unas líneas de

IMPERIAL STATE ELECTRIC Honk Machine (PSYCHOUT)

ROCK’N’ROLL

s curioso eso de la creatividad musical. Mientras algunos artistas pueden tirarse años para sacar un disco, otros son capaces de hacer canciones como churros con una facilidad pasmosa. En el caso de Nicke Andersson, uno tiene la sensación de que si le dejasen sacaría un álbum cada mes. Por el momento, Honk Machine es ya el cuarto con Imperial State Electric en cinco años y parece que no hay señales de que vaya a echar el freno, ni mucho menos complacer a todos aquellos que ansían una reunión de The Hellacopters. Y es que

bajo más prominentes, sintetizadores y ritmos más bailables se han incorporado a sus herramientas de trabajo. Puede que el primer tema ‘Rising Up’ no llame demasiado la atención respecto a lo ya conocido, pero a partir de ‘I Want Out’, para mí todo un hitazo, la cosa mejora mucho. Guitarras expansivas, buenas melodías y el punto justo de épica hacen de ‘Infinity’, ‘Memento Mori’, ‘Daylight’

o ‘Speaking In Tongues’ temas redondos a la vez que imaginativos para un grupo de sus características. Y que me aspen si baladas como ‘Lullaby’, ‘Die On Time’ o ‘Gravity’ no podrían llevarles a ser unos Bon Jovi del siglo XXI. A pesar de que caen en esa cansina tendencia tan de moda de poner coros ‘ooohooohs’ en exceso, por fin estas jóvenes pistolas parecen tener pólvora.

algunos deberían dejar las odiosas comparaciones a un lado y empezar a disfrutar de lo que ofrece esta formación. En el anterior Reptile Brain Music daba la sensación de que por fin habían encontrado el punto perfecto entre la energía de las guitarras y la tendencia más clásica y marcadamente melódica del pop. Siendo sinceros, el nuevo plástico no termina de rayar al mismo nivel, pero contiene motivos más que suficientes como para considerarlos a estas alturas como a una banda de testada fiabilidad. Y digo banda porque el bueno de Nicke parece empeñado

en que esto se vea como algo más que su grupo, dejando espacio para que sus compañeros Dolf DeBorst y Tobbias Egge se luzcan en la beatleniana ‘Maybe You’re Right’ y la algo más Kiss ‘Just Let Me Know’. Aun así está claro que su genio es el que manda y una vez más es capaz de dejar algunas perlas como ‘Anywhere Loud’, ‘Colder Down Here’, ‘Another Armaggedon’ o ‘Walk On By’, donde se dejan impregnar por ese aire más soul. Sin ser lo mejor que hayan firmado bajo su nombre, siguen cumpliendo en lo suyo.

DAVID GARCELL

GONZALO PUEBLA

CUT UP

Forensic Nightmares (METAL BLADE)

DEATH METAL

i alguien se pensaba que el batería Tobias Gustafsson y el bajista y cantante Erik Rundqvist iban a quedarse en casa comiéndose los mocos tras la disolución de los enormes Vomitory es que no estaba en su sano juicio. Tras 24 años de trayectoria con tan añorada banda estaba claro que para estos nórdicos el death metal es bastante más que un estilo musical, así que a inicios de 2014 iniciaron Cut Up junto a los guitarristas Anders Bertilsson (exColdworker) y Andreas Björnson (Fetus Stench), quien

también le da a las cuerdas vocales. El resultado es tan avasallador y virulento como puedan imaginar dadas las credenciales, siendo este debut, Forensic Nightmares, un panteón del death sueco más sangriento. Como un ciclón arremeten contra ti ‘Enter Hell’ y ‘Burial Time’, pero al tirar de veteranía en ‘Remember The Flesh’ es cuando Cut Up te dejan realmente planchado. Aquí hay tablas, colegas. Conforme avanza el álbum más bruto se torna, con las destructoras ‘A Butchery Improved’, ‘Forensic Nightmare’, ‘Camouflesh’ y las canciones finales ‘Stab And Stab Again’, ‘Bunker Z 16’ y ‘Dead And Impaled’ a la cabeza, pero con ‘Brain Cell Holocaust’ u ‘Order Of The Chainsaw’ también dando muestras de que saben desgarrar desde el medio tiempo. Sin llegar a ser Vomitory, Cut Up recuperan gran parte de su espíritu, y respecto a la tralla… Pues qué coño, casi que presentan la misma. Maestros que jamás decepcionan. 1, 2, 3, y tu culo del revés. PAU NAVARRA

TH´ BOOTY HUNTERS Wild And Drunk (STASH)

OUTLAW COUNTRY

emos seguido sus pasos desde aquel ya lejano Brothers In Farms y nos sentimos orgullosos y privilegiados de corroborar que, cada paso que dan, es para seguir creciendo y apuntalando ese loco y exquisito outlaw country que practican. Comprobamos en sus conciertos que la definitiva incorporación de Marc Santo en el violín le daba más consistencia a su sonido además de abrirle otros caminos a su propuesta. Ha sido escuchar sus nuevas canciones y se ha confirmado la sospecha. Los

cabrones suenan mejor que nunca. Siguen mostrándose tremendamente personales y deliciosamente caóticos en ocasiones, pero van afinando cada vez más, presentando unos Booty más certeros a la vez que más maduros. Los dos primeros temas del disco son oro puro. De corte tradicional y cierto poso dramático, ‘Golden Rats’ y ‘Hold Down’ caminan por los caminos del country más desgarrador con esa sinfonía de banjos, violines y la siempre perturbadora guitarra de Dani Bañón. Tampoco se han olvidado del outlaw y de todo ese espíritu redneck que tan bien saben recrear, pero sería un error seguir hablando de ellos como de una banda monotemática de un sonido o un estilo concreto. Quizás nacieron a rebufo del interés de cierto público por Hank III o Bob Wayne, pero estos tipos del delta del Llobregat han seguido su camino y lo han encontrado sin ser deudores de nadie, basándose tan sólo en su propio talento. Actitud y elegancia, dos caras de una misma moneda. ANDRÉS MARTÍNEZ

POWERWOLF

Blessed & Possessed (NAPALM)

POWER METAL

o es por colgarse medallitas, pero claro, cuando sigues a un grupo desde su génesis, en este caso desde hace diez años, cuando Powerwolf debutaron con Return In Bloodred, es normal que cuando la gran masa de metalheads los descubre tú ya los empieces a aburrir, mas cuando Blessed & Possessed es su ya sexta obra y no ofrece nada nuevo. Haciendo un paralelismo, es un poco lo que me ocurre con Sabaton, pues cuando tú los has visto en una Razz 3 tocando para 15 personas hace ya unas cuantas primaveras, resulta que no es hasta que tocan

en el Rock Fest que este país se rinde ante ellos… Pero las cosas son como son para ambas bandas, y entendiendo perfectamente que dejen alucinados a los que los descubran ahora, eso no quita que actualmente presenten obras justitas que se repiten más que el ajo. Ya con ‘Blessed & Possessed’ te sueltan a la primera de cambio un “Halleluja!” que ya has oído en ellos veinte veces, y quien diga que no había escuchado antes ‘Armata Strigoi’ o ‘We Are The Wild’ es que es tan fan del combo que tiene la razón nublada. Se puede ser fiel a una fórmula y dentro de ella innovar para seguir ofreciendo composiciones medianamente frescas, como Rammstein o AC/ DC, pero publicar el mismo disco con otra portada no es de recibo. Y es que, lejos de ser himnos, ‘Higher Than Heaven’, ‘Christ & Combat’ y la única novedosa de verdad, ‘Sanctus Dominus’, cumplen con el expediente, pero puestos a reiterarse, mejor pinchar directamente los fastuosos Lupus Dei o Bible Of The Beast. PAU NAVARRA

BEACH MOON / PEACH MOON Kite Without A String (PAPER TRAIL)

POST ROCK, INDIE

acen más falta sellos como Paper Trail Records, pequeñas disqueras con el único objetivo de apoyar a sus bandas favoritas y publicar música en formato físico, ajenos a las listas de éxitos y a la tiranía de la era digital. Detrás de este jovencísimo sello de Dublín, nuestro último descubrimiento, hay un par de tipos -a los que no tenemos el placer de conocer pero presuponemos grandes dosis de locura y valentía- y apenas un par de referencias, ambas publicadas en el presente 2015. La segunda es Beach

Moon/Peach Moon, el personalísimo proyecto de Robert Prisco, un músico multiinstrumentista afincado San Francisco con voz aterciopelada. Su nuevo EP largo, Kite Without A String, es descrito en la nota de prensa adjunta como un disco para seguidores de American Football, Sparklehorse y The Microphones. No va muy desencaminada la descripción, pues los siete temas -grabados en diferentes garajes y estudios caseros entre California y Nueva York, según la misma nota- se mueven entre el post rock suave y detallista, con vocación ensoñadora, con pasajes de pura contemplación (‘Philosophy At 23/At 24’ tiene algo de Jeremy Egnick y los Appleseed Cast) y algún in crescendo de libro que funciona (‘Firefly Stars’), y un indie folk muy ligero con acabado lo-fi (‘Party In The Backseat’ y ‘What Color’) que no hace ascos a la experimentación (la raruna ‘Answer Tide’). Les seguiremos la pista. Tanto a la banda como al sello. ¡Mucha suerte! LUIS BENAVIDES

THE ASTEROID Nº 4

The Asteroid nº 4 (BAD VIBRATIONS RECORDINGS)

PSICODELIA FOLK

stamos asistiendo en los últimos años a la canonización de diversas formaciones aclamadas por la prensa más influyente como lo más novedoso del panorama más alternativo, si es que esta palabra tiene todavía alguna validez. Grupos como Band Of Horses, Midlake, Fleet Foxes o más recientemente Mumford And Sons han hecho de esa mezcla de folk, country y psicodelia algo mediático y vendedor, poniendo de moda un sonido retro vendiéndolo como algo moderno y rompedor. De acuerdo, ya sabemos cómo es la prensa cool, pero no

estaría de más reivindicar y dejar claro que este quinteto de Philadelphia estaba antes, mucho antes, y además, en mi humilde opinión es mucho mejor que todos los anteriormente citados juntos. Éstos no van de hipsters modernos, todo lo contario, viven colgados en una era y un lugar: los 60 y la Costa Oeste americana, y bajo esos parámetros construyen sus idas de olla que lo mismo pueden estar influenciadas por el Neil Young más hippie que por el Gram Parsons más campestre, pasando por veleidades psicotizadas como Spaceman 3, 13th Floor Elevators, Jefferson Airplane, Hawkwind o los Pink Floyd de la época Syd Barrett. Son raros hasta más no poder, pero saben construir hermosas melodías acústicas donde juguetear con sus voces de manera maestra (escucha ‘The Windmill Of The Autumn Sky’). No esperes aquí encontrar ningún elemento arty ni moderneces insustanciales; esto es música real, de una belleza irreal, evocadora de una era ya perdida, algo parecido a lo que está haciendo Chris Robinson con sus Brotherhood, o sea que ya sabes a lo que atenerte. ANDRÉS MARTÍNEZ

SKINLESS

Only The Ruthless Remain (RELAPSE)

BRUTAL DEATH METAL

varios se nos partió el podrido corazoncito cuando, en abril de 2011, este bastión del genuino brutal death neoyorquino decidió dar por finalizada su andadura. Compañeros de armas de Suffocation, Internal Bleeding, Pyrexia o Dehumanized, Skinless destacaron por su humor negro y burdo gusto por el gore. Pero parece que la cosa no era tan seria, y ya en agosto de 2013 los americanos retomaron la actividad con el fichaje extra del guitarrista Dave Matthews. Conseguido lo más difícil, ya tocaba entregar una nueva

obra tras nueve años, y Only The Ruthless Remain es la respuesta. Destacando en primer lugar por una opresiva producción, siendo grabado en varios lugares pero masterizado por Brad Boatright en los Audiosiege de Pórtland, el quinto disco de Skinless busca la rendición por aplastamiento, chafarte con riffs pesadísimos para allanarle el camino a la ominosa voz de Sherwood Adams Webber IV, que todo lo devora. Si durante las primeras escuchas me pareció que en general no les había quedado un trabajo excesivamente extremo para tratarse de ellos, reinando temas con toneladas de distorsión como ‘Flamethrower’ o ‘Funeral Curse’, poco a poco ‘The Beast Smells Blood’, ‘Serpenticide’ o sobre todo ‘Only The Ruthless Remain’, la mejor canción del álbum, y también las pizcas de slam en ‘Skinless’ o la final ‘Barbaric Proclivity’, se me ganaron para su causa. Cuesta que entre, pero de la misma forma, esperaba mucho más de este retorno discográfico. PAU NAVARRA 85

BYE BYE PEDRO

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Aleix ‘Caudi Pedro’ (voz, guitarra),

Francesc (batería), Javi (bajista), Sabata (guitarra) PRODUCIDO POR: Albert Palomar AFINES A: NoFx, RKL, Sugus PÁGINA WEB: www.facebook.com/byebyepedro

El Soplón

(EATING SHIT/PICNIC) PUNK ROCK

espués de tres largos y un EP con un solo tema de 18 minutos de duración al más puro estilo The Decline, Aleix ‘Caudi Pedro’ se quedó más solo que la una al frente de Bye Bye Pedro. De su cabeza salían la mayoría de las letras, ésas que combinan surrealismo y escatología a partes iguales. También era el más gamberro, el que menos se preocupaba por los problemas que les pudiera acarrear unas letras o una portada. Por eso, sólo por eso, se puede entender que sigan en la brecha Bye Bye Pedro después de tan sonadas bajas. Con la entrada de nuevos componentes, la

banda catalana ha ganado en velocidad. La mejor prueba de ello son estos 14 nuevos temas que raramente superan el minuto y medio de duración. También han ganado en crudeza, en el sentido más punk de la palabra. El ahora cuarteto, un cruce bastardo entre Sugus y The Black Panthys Party, sólo piensa en tocar lo más rápido posible y pasar un buen rato caiga quien caiga. Las voces ya no están en primer plano como antaño. El punk pop pasó a mejor vida para los terribles Pedritos. Pese a todo, las letras se entienden y encajan con el enorme pene negro que copa la portada de El Soplón. Empezando por ‘Bi-

berón’, 52 segundos a piñón más que censurables, y ‘Frenillo’, donde cuentan una historia no apta para aprensivos en los lavabos del Razz. Como siempre, hay mucho de provocación y algo de autobiográfico con toques cutre-costumbristas dignos del mismísimo Torrente, como ‘Trilero’ o ‘Feriante’. Bye Bye Pedro no se callan ni una y mientras en ‘Oi!’ arremeten contra dos discotecas de su querida población, en ‘Vais De Yankees’ se ríen de las bandas de aquí que cantan en inglés y en ‘Gustera’ se acuerdan de los Anti-Patiks. Los nuevos Pedritos tienen ganas de guerra. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... ALEIX ‘CAUDI PEDRO’ El Derrape es el último trabajo de Bye Bye Pedro con su formación original. ¿Cómo ha influido este cambio en el sonido del grupo, si es que se ha notado? “Este disco es mucho más rápido y más crudo. En definitiva, mucho más punk. A Félix y Kimi, mis anteriores compañeros, miembros originales del grupo, les gustaba bastante más el pop. Y no tienen nada que ver con los miembros actuales, que prefieren el hardcore y tocar muy rápido. A diferencia de la mayoría de grupos, creo que en cada álbum tocamos más rápido. Las bandas suelen hacer la evolución inversa (risas)”.

“Han sido unos tiempos movidos, con entradas y salidas, como la del amigo Joel Carmona, que nos ayudó con el bajo pero que está muy liado con otros proyectos como Golpe De Rabia y su tributo a los Toy Dolls. Ahora la banda está consolidada con Javi, Sabata y Francesc”. ¿Por qué escogisteis el formato cuarteto? “Las guitarras y sobre todo los solos de Sabata creo que nos dan un toque muy diferente. Ya hay muchas bandas con quintas arriba y abajo. Tocando tan rápido y con estos solos de guitarra ahora sonamos, sin buscarlo, como una mezcla entre los grupos Ten Foot Pole y RKL”.

¿Te ha costado mucho encontrar aliados para seguir con Bye Bye Pedro? ¿Ha sido más duro de lo que esperabas?

Lo que no ha cambiado son vuestras letras irreverentes. Eso es cosa tuya. “Bueno, Bye Bye Pedro siempre ha

sido una banda para decir cosas que nadie se atreve a decir. También buscamos temas e historietas que tengan su gracia, que den juego en nuestros futuros videoclips. En este disco, por decir alguna novedad, tocamos por primera vez el oscurantismo en los temas ‘La Curva’, ‘Las Manos Lo Resisten’ y ‘Satanic’”. Ésta es una pregunta obligada... ¿Qué os pasaba por la cabeza para hacer una portada así? “Por lo mismo que las letras: no recuerdo ninguna banda con un pene en la portada. Se puede interpretar de muchas maneras, pero sobre todo es una portada contra la intolerancia. Hemos roto con la costumbre de sacar dos chicas en portada. Esta vez son dos y uno se parece a Hitler. ¿Por qué no?“. (LUIS BENAVIDES)

SANTO ROSTRO II: The Bleed (VARIOS SELLOS)

SLUDGE METAL, DOOM METAL

esde la sombra del underground nacional, Santo Rostro han sabido moverse bien y labrarse un nombre entre los seguidores de los sonidos más lentos, ruidosos y setenteros. Y cuidado, porque puede ser que parte de sus grandes influencias provengan de esa década, pero desde luego no son otra banda de revival sin ideas propias, de mera y tediosa fusilada. De hecho, aunque resulte más sencillo enmarcar a los andaluces dentro del doom, el stoner o el sludge, la verdad es que fragmentos como el cierre de ‘Reminder Of Pain’, donde se lanzan al jazz sin

complejos, son los más significativos para explicar una propuesta imaginativa y sin tabús. Tras ese corte llega el trallazo ‘Low Mind, Low Sense’, cambiando de tercio totalmente, pero es que en ‘Once Again’ nos obligan a revolcarnos por el doom más torturado en un tema a reventar de clase y poderío. Es decir, que en II: The Bleed sobre todo encontramos contrastes, y como bien dice la nota de prensa, es un disco donde “lo rápido es más rápido” y “lo lento mucho más lento”. En ésta que comentábamos vuelve el jazz hacia sus estertores, se añade además el desasosiego ambiental, y es que si no fuera así no serían Santo Rostro. De la misma manera, a su segunda obra debo achacarle que se me ha hecho corta. Me tenían en el suelo y sólo faltaba la estocada final, pero 37 minutos, tratándose de un álbum de estas características, me ha sabido a poco. Va a gustos, por supuesto, pero quizá con otro negro epitafio hubiéramos tenido un discazo. PAU NAVARRA

CEREBROS EXPRIMIDOS Más Suicidios (MUNSTER)

PUNK, HARDCORE

asan los años y el punk patrio sigue siendo injusto con el legado que dejaron los mallorquines Cerebros Exprimidos. Quizás fue por su procedencia insular, con el problema que ello conlleva, pues si es una dificultad enorme hoy en día imaginen hace veinte años, porque fueron unos adelantados a su tiempo o sencillamente que su propuesta no tenía más que un público minoritario, pero la realidad es que uno tiene la impresión de que Cerebros Exprimidos siguen siendo un pequeño secreto a voces.

Editado en 1990, Más Suicidios supuso el debut del cuarteto tras un mini LP y una recopilación de demos, y sin duda alguna el álbum donde se forjó la personalidad que marcaría el devenir de la banda en su álbumes posteriores. Ahí la fusión de la velocidad hardcore de los primeros Black Flag o Circle Jerks y el rock más macarra de bandas como New York Dolls, Dead Boys o MC5 con algunas gotas de punk estatal (Trapera o Eskorbuto) cogió toda su dimensión creando un engendro nunca visto por estas tierras, con permiso de La Perrera, que iban a la par. Temas como ‘Punta De Navaja’, ‘Enterrado Vivo’ o ‘Surfin’ Dee Dee’ supuran todavía frescura, prueba de que han superado el paso del tiempo. Un primer paso impecable que daría pie a Bonzomania, considerado de forma casi unánime como su trabajo más redondo, de una banda que siempre se está a tiempo de descubrir y revindicar. Ya puestos, ¿para cuándo una reedición como ésta del citado Bonzomania? Mi copia está ya al límite. RICHARD ROYUELA

SAD EYES

Ad Dicti 0n (NECROMANCE)

METAL EXTREMO

anti González, guitarrista de Rex Devs, vuelve a la carga con la tercera entrega de su proyecto personal Sad Eyes. Como ya sabrán, el artista soriano toca todos y cada uno de los instrumentos que aquí se oyen, y junto a las colaboraciones habituales de un montón de músicos de nuestra escena dura, nos traslada a un inhóspito paraje en el que da cobijo a todas las elucubraciones y miedos que le abruman, excavando con asiduidad hasta lo más profundo de su psique. El resultado se centra en el metal extremo

a secas por los muchos palos que toca, pero la riqueza de las múltiples líneas de riffs, punteados y solos acercan Ad Dicti 0n al death melódico, que tampoco quiere decir que le falte tralla. De hecho, es de admirar el poderío que Santi demuestra a la batería en unas labores que nada tienen que envidiar a las de las seis cuerdas, sin duda su especialidad. Aun así, si algo me ha chirriado son las voces, a cargo de Kike Capilla (exRex Devs) para las rasgadas y Kike Rodríguez (exBarbarian Prophecies) y Raúl Weaver (Mistweaver, Mass Burial) para los guturales. Habiendo en este país auténticos monstruos de ambos estilos al micro, creo que es el apartado más flojo del trabajo. ‘2N Voluptas’, ‘5N Ipse’ o sobre todo ‘4N Tangere’ aseguran caña a destajo y guitarrazos punzantes, y aunque el rollete post metal de ‘Ad Dicti 0n’ no viene a cuento, da gusto ver desfilar a gente como Falke de Foscor y Soul Aside, Juancar de Avulsed, Christian de Teksuo, Borja Mintegiaga de Baalphegor o Manolo de Aposento. PAU NAVARRA

FACE

Outbreak (LA PRODUCTIVA)

HARD ROCK, BLUES

uriosamente, siendo éste un país con gran simpatía hacia el hard rock, es extraño que ante la masiva proliferación de bandas que intentan salir cada día de su local de ensayo, no sean muchas –o al menos muchas que hayan tenido cierta notoriedad- que se dediquen a practicar el noble arte hard rockero con tendencias de la década de los 80. De ahí que el nombre de Face, procedentes de Igualada, Barcelona, haya empezado a ser conocido fuera de su ámbito local. No debería de extrañar... Primero porque no hay muchas formaciones haciendo lo

suyo y, segundo, porque además son buenos. Desde luego no han inventado nada, y lo suyo se basa en el rock de toda la vida, pero es evidente que, en una banda tan joven, no es fácil encontrar una vocalista con carisma como es Artie Black, camino de convertirse en nuestra Joan Jett –el parecido de sus timbres de voz es bastante llamativo- y que sepan dar forma a unos cuantos riffs y estribillos de lo más resultones. De ahí que sea, precisamente, en los temas más directos y con menos florituras donde Face dan muestra de todo su potencial –hablamos de las iniciales ‘Drink It All’ y ‘Travelling Sounds’, además de ‘Burn’, con una cadencia muy AC/DC- en contraposición a los temas de orientación blues ‘Little Boy Blues’ o ‘Frozen Fire’, que le restan algo de mojo al cuarteto. Pese a ello, con unos pequeños ajustes y un buen rodaje, me da que aquí puede haber una muy buena banda en un futuro próximo. Les seguiremos de cerca, que desde luego Face tienen madera. CARLOS MARTÍNEZ 89

MUTINY ON THE BOUNTY HAS DE SABER... FORMACIÓN: Cédric Czaika (bajo, voz), Clément Delporte

(guitarra), Nicolas Przeor (guitarra, voz), Sacha Schmitz (batería, voz) PRODUCIDO POR: Jan Kerscher AFINES A: Foals, Battles, And So I Watch You From Afar PÁGINA WEB: www.motb.net

Digital Tropics (SMALL POND)

DANCE ROCK, MATH ROCK

oco, por no decir nada, conocemos de la escena musical de Luxemburgo. Incluso uno podría pensar que es inexistente. Pero sirva la banda que nos ocupa para mostrar que es real y, según nos contaban ellos mismos en el Primavera Sound, además goza de muy buena salud. En su tercer álbum Mutiny On The Bounty han dejado un poco de lado el math rock que les caracterizaba para ofrecer algo que podríamos clasificar como rock bailable, aunque no por ello exento de ingeniosos recursos técnicos. Es probable que a nivel de sonido e intención, el primer nombre en el que pienses al escucharlos

sea el de Battles, una comparación justa y que ellos mismos reconocen, pero al mismo tiempo no estamos ante la típica ‘banda fotocopia’. El virtuosismo que muestran a la hora de jugar y combinar distintos ritmos está acompañado por un alto sentido melódico en las líneas que trazan las guitarras. El primer tema, ‘Telekinesis’, es un gran ejemplo de sus virtudes y de como con una formación clásica de guitarras-bajo-batería puede conseguirse el mismo efecto que cualquier artista de EDM. En ‘Mkl Jksn’ proponen con distintos breaks y un colchón de sintetizadores en una de las secciones a viajar a los 80, mientras que en

‘Strobocop’ recuerdan a unos Bloc Party instrumentales. La ausencia de voz, más que un handicap, ayuda a que no te distraigas ni un momento del groove en el que te van sumergiendo. La vigorosa ‘Dance Automaton Dance’, con algún riff intercalado de cariz más metálico, o ‘Countach’ sirven para constatar que, ahora más que nunca, la música de Mutiny On The Bounty está pensada para ser disfrutada en directo y, sobre todo, bailada. Y quizá ésa sea la única pega que podría ponérsele al disco, que no consigue el nivel de intensidad que el cuarteto tiene sobre un escenario. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... NICOLAS PRZEOR El nuevo disco es más accesible que los anteriores... “Cuando empezamos a tocar juntos pensábamos mucho en lo que hacíamos y no hacíamos, pero a medida que han ido pasando los años simplemente queremos dejarnos llevar. Queremos que nos lleve la pasión, en lugar de ser tan racionales. Queremos expresarnos de manera más personal. Eso nos ha llevado a liberar influencias que teníamos en nuestro interior de cuando éramos niños y quizá eso nos ha llevado a esa dirección más pop”. Hablas del pop de los 80… “Sí. No es que todo escucháramos eso de pequeños, pero al menos a dos o tres si no gusta la música de los 80. En el rock actual es bastante habitual encontrar influencias de los 80, supongo que porque muchos músicos tenemos más o menos la misma edad. Es normal que

haya una especie de retorno a eso”. Al menos desde fuera parece que Sacha sea un poco el cabecilla del grupo. ¿Es realmente así? “No, todos contribuimos material al grupo. En especial desde el disco anterior empezamos a trabajar de manera más conjunta. Quizá había un par de temas que había escrito yo, y el resto ya era hecho entre todos. Y en el nuevo ha sido todo así”. Si escuchas los tres discos, los dos primeros suenan más técnicos. Pero a la hora de componer material más pop supongo que te encuentras con otras dificultades. “Lo mejor de simplificar un poco las cosas es que en directo también suenan mejor. Las canciones del primer disco eran tan rápidas que nos costaba tocar-

las bien. Ahora nos sentimos mucho más relajados. De todos modos aunque los nuevos temas suenen más simples, los arreglos son incluso más complicados. Pero queríamos más aire en la mezcla, la música necesita respirar”. ¿Para vosotros mezclar rock y electrónica fue algo que surgió de manera completamente natural o hubo un proceso para fusionar ambas cosas? “Empezamos haciendo punk rock, así que la electrónica es algo que fuimos aprendiendo. Pero para serte sincero tampoco hay mucha electrónica. La mayoría de sonidos que escuchas están hechos con las guitarras. La música moderna es así, nunca sabes con qué se ha tocado (risas). Usamos algún sintetizador, pero en nuestro caso el 80% de lo que escuchas son guitarras”. (JORDI MEYA)

PARADISE LOST

“GRITAR ES MÁS FÁCIL QUE EL RESTO DE LO QUE HAGO. NO HAY MUCHO TÉRMINO MEDIO: O SALE BIEN O SALE MAL”

NICK HO LMES

SE VEÍA VENIR, PERO POR FIN PARADISE LOST HAN DADO A SUS FANS AQUELLO QUE ANHELABAN DESDE HACÍA TIEMPO: UN DISCO EN EL QUE RECUPERASEN SUS RAÍCES DEATH Y DOOM. CON THE PLAGUE WITHIN LA BANDA BRITÁNICA RECUPERA EL PARAÍSO PERDIDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

AN CIERTO ES QUE LA INFLUENCIA DE PARADISE LOST en el metal gótico es ineludible, como que desde hace años el grupo formado por Nick Holmes (voz), Greg Mackintosh (guitarra), Aaron Aedy (guitarra), Steve Edmondson (bajo) y Adrian Erlandsson (batería) había perdido relevancia dentro de la escena. No es que sus últimos discos fueran pobres -al contrario, Faith Divides Us – Death Unites Us o Tragic Idol estaban más que bien-, pero el grupo y su público habían entrado en esa rutina que parece inevitable en cualquier relación que se haya prolongado durante 25 años. Por eso su decimocuarto álbum The Plague Within (Century Media), en el que han tirado más a los extremos y donde Holmes ha recuperado su olvidado rugido death, actúa como esa escapada romántica o modelo de lencería sexy capaz de revivir la llama. Esperemos que la pasión se traslade también a sus directos, que falta les hace. Greg Mackintosh, y de manera testimonial el propio Holmes, respondieron a nuestras preguntas. Ahí van.

Tengo bastante curiosidad por saber cómo funciona una banda como Paradise Lost a estas alturas de su carrera. Por ejemplo, ¿quién es el que hace la primera llamada y

dice ‘vamos a hacer un disco nuevo ya’? GREG MACKINTOSH “Siempre soy yo el que toma la iniciativa. Les comento la dirección que creo que deberíamos tomar y empezamos a trabajar en ideas. Normalmente estamos muy preparados cuando entramos en el estudio y esta vez no fue una excepción, o eso pensábamos… En el último minuto, cuando Adrian estaba terminando las baterías, decidí que el disco tenía que ser más extremo, así que en cuatro días compuse dos temas más que acabaron en el disco, ‘Beneath Broken Earth’ y ‘Flesh From Bone’. Le pedí a Adrian si podía grabarlas y lo hizo al límite del tiempo”. ¿Todavía quedáis en el local de ensayo para componer o, como la mayoría de grupos hoy en día, lo hacéis por separado y os mandáis archivos por internet? GREG “No, apenas nos juntamos. Sobre todo porque nuestro local está en una zona horrible, muy deprimente, y no soportamos ir ahí”. The Plague Within está recibiendo grandes críticas y a muchos fans parece gustarles mucho porque es más duro. Aunque estéis satisfechos, ¿hay una parte de vosotros que se sienta un poco decep-

cionada con que en el mundo del metal ‘más duro’ signifique ‘bueno’ y ‘suave’ todavía signifique ‘malo’? GREG “La clave está en el nombre ‘heavy metal’ (lo remarca mucho -ndr.), así que no me siento frustrado. De eso se trata. El hecho de que nos hayamos diversificado a lo largo de los años no tiene nada que ver con las limitaciones del metal. Es sólo que nos gusta experimentar. Es lo que nos hace felices”. Mucha gente ha asumido que la dirección más dura del disco tiene que ver con vuestra participación en Bloodbath y Vallenfyre, y quizá también por la vuelta de Adrian con At The Gates. Pero más que una consecuencia, estos proyectos podrían ser señales de que estabais en la onda de hacer algo más extremo. ¿Estáis de acuerdo? GREG “Empecé Vallenfyre en 2010, así que podría haber traído elementos death antes, pero no lo hice. Ya estábamos bien inmersos en la composición de este disco cuando Nick aceptó cantar para Bloodbath, así que ninguna de las dos cosas tuvo un efecto consciente en la obra. Lo que sí creo es que era el momento adecuado para traer de nuevo esas influencias y la colaboración de Nick con Bloodbath probablemente le dio 93

más confianza para retomar ese estilo de nuevo”. En la reseña del álbum dije que quizá ahora vuestro propio legado es vuestra mayor influencia. ¿Hay partes de vuestro pasado que estáis interesados en revisar y quizá mejorar? GREG “Mi objetivo principal mientras componía este disco era no eludir ningún período de la banda, pero tampoco simplemente hacer una revisión de ellos. Por supuesto hay un elemento de reflexión, pero también hubo mucho de mirar adelante y crear un disco que fuera relevante en la escena metal actual”. Nick, ¿te preparaste de alguna manera para grabar voces guturales de nuevo? ¿Te 94

preocupa lo que pueda pasar en el directo? NICK HOLMES “Gritar es más fácil que el resto de lo que hago. No hay término medio: o sale bien o sale mal. En este álbum la voz actúa como otra capa o textura”. GREG “Hubo que persuadir un poco a Nick para que lo hiciera. La manera en la que lo hicimos fue que yo le pasaba una pieza musical y le pedía que probara tantos estilos distintos como le fuera posible, incluidas voces death metal. Luego, eliminaba la música y creaba un tema nuevo a partir de las partes vocales. Cuando él escuchó las voces death metal en contexto con todo lo demás creo que se dio cuenta de que no quería simplemente hacer un disco de death a la vieja usanza. Nick se ha preparado bien desde hace tiempo y, por ejemplo, en la última gira ya

tocamos algunas de nuestras primeras canciones. Y también ha hecho algunos conciertos con Bloodbath, así que está listo”. ¿De qué manera influyó la dirección musical en las letras del álbum? GREG “Bajo la perspectiva introspectiva de la música, creo que las letras son un poco más oscuras y más reflexivas. Letras así llegan también con la edad y la creciente conciencia de tu propia mortalidad”. NICK “No hay mucho espacio para la sutileza cuando gritas, así que las palabras fuertes o con muchas sílabas encajan muy bien en este estilo”. Por su simplicidad, el doom puede ser genial o, por el contrario, sonar muy plano. ¿Cuál es el mayor desafío de

PARADISE LOST

“EL HECHO QUE NOS HAYAMOS DIVERSIFICADO A LO LARGO DE LOS AÑOS NO TIENE NADA QUE VER CON LAS LIMITACIONES DEL METAL. ES SOLO QUE NOS GUSTA EXPERIMENTAR. ”

GREG MACKINTOSH escribir un tema como ‘Beneath Broken Earth’ y hacer que funcione? GREG “Tienes razón. Especialmente en el doom, esto puede ser un problema. La música tiene que tener un sonido sencillo y, aun así, épico, con textos escalonados, y las voces del death deben ser, rítmicamente, suficientemente interesantes como para contrarrestar partes que, de otra manera, podrían sonar soporíferas. Es una técnica arriesgada. Personalmente, creo que en ‘Beneath Broken Earth’ hemos logrado el equilibrio”. Después de 25 años de carrera, estaréis acostumbrados a que unos discos sean más reconocidos que otros... ¿Pero coincidís respecto a los que se consideran vuestros mejores trabajos? GREG “Respeto mucho las opiniones que me llegan de nuestros álbumes, pero la mayoría no reflejan mi propio punto de vista. Los álbumes son como fotografías de lo que quiera que somos al 100% en un momento determinado y siempre ha sido así. Algunos parecen que encajan más que otros y que tocan más la fibra de

la gente, pero yo lo sigo viendo de esta forma que te decía”. Pudisteis vivir los 90, una época en la que la industria musical era muy fuerte y las multinacionales gastaban el dinero escandalosamente. ¿Lo veíais ya entonces una locura u os parecía lo normal? ¿Cuándo os disteis cuenta de que quizá era una estupidez gastar mucho dinero en rodar un vídeo o volar en primera clase? GREG “Fue una locura. Nos lo pasamos muy bien y sí, a veces, fue excesivo. Incluso mientras estaba ocurriendo, el chico de clase obrera que hay en mí me decía que aquello era ridículo, pero, realmente, alcanzó su punto álgido cuando llegó el nuevo milenio, entonces, comenzó la resaca. Por supuesto que sería perfecto que la industria musical fuera estable hoy en día tal y como lo fue en los 90, pero, en cierta manera, es bueno que haya explotado la burbuja, porque eso obliga a que la gente implicada en el negocio procure tener un enfoque más creativo. Ha hecho que todos espabiláramos”.

A veces a bandas veteranas como la vuestra les cuesta llamar la atención de los fans y los medios y un disco como The Plague Within puede recordarles por qué estáis donde estáis, ¿pero alguna vez habéis perdido vosotros la motivación? Ahora que sois más mayores, ¿apreciáis la vida que tenéis incluso más que antes? GREG “Creo que nunca he dado por sentado lo que significaba el grupo. He tenido escasos momentos en los que no era feliz y pensaba en abandonar, pero, por lo general, no duraban mucho. No afirmaría que la aprecio más ahora, pero, indudablemente, me siento mucho más cómodo en ella. En los 90, cuando las cosas se desmadraron, todo era tan frenético y yo estaba tan obsesionado, que nunca me relajaba de verdad y me impedía disfrutarlo. Ahora me tomo un momento de vez en cuando para saborearlo conscientemente. Es necesario”.

THE DARKNESS

únicos en su especie CON MENOS POMPA QUE CUANDO LA PRENSA BRITÁNICA LOS ENSALZÓ COMO LOS ENÉSIMOS SALVADORES DEL ROCK Y DESPUÉS DE HABER CICATRIZADO LAS HERIDAS QUE LES LLEVÓ A SEPARARSE, THE DARKNESS VUELVEN A ABRIR FUEGO CON LAST OF OUR KIND. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

UANDO THE DARKNESS irrumpieron en el panorama rockero con Permission To Land hace ahora doce años lo hicieron como una locomotora sin control. No dejaron indiferente a nadie, o los odiabas o los amabas. Muchos no los tomaron en serio principalmente por su líder, Justin Hawkins, un personaje cuyo histrionismo quedaba reflejado en sus falsetes imposibles y sus excentricidades. Otros llegamos a tener la esperanza de que podrían devolver el rock al estado más mainstream del mundo musical. Pero desafortunadamente, como tantas otras bandas perdieron el control y se quedaron en el camino tras su segundo disco, One Way Ticket To Hell… And Back. Su regreso con Hot Cakes, publi96

cado en 2012, fue correcto pero insuficiente, quizás porque necesitaban un tiempo de asentamiento y de retomar la perspectiva de su carrera. Ahora, con Last Of Our Kind (Canary Dwarf, Popstock!), su trabajo más ecléctico hasta la fecha, parece que vuelven a tomar las riendas, y lo hacen con muchas ganas, no tanto con la intención de comerse el mundo, sino más bien para ganarse un respeto dentro de la comunidad rockera que durante tanto tiempo les ha despreciado. Entrevistar al bajista Frankie Poullain tenía el aliciente de poder hablar con alguien que estuvo desde el comienzo, pero que dejó el grupo durante muchos años debido a diferencias con el resto de la banda, que actualmente completan, además de Justin, su hermano Dan

Hawkins como guitarrista y el recién fichado batería Rufus Taylor, hijo de Roger Taylor de Queen. Frankie resultó ser un tío bastante peculiar y un tanto empanado, que se lo tomó con la calma a la hora de contestar preguntas y al que le fascina nuestro país, y hasta chapurrear cosillas en nuestra lengua. Lo primero que me gustaría hacer es felicitarte por vuestro nuevo álbum. Lo he estado escuchando estos días sin cesar y cada vez me gusta más. FRANKIE POULLAIN “¡Muchas gracias! Dime, ¿cuál es tu canción favorita?”. Pues ahora mismo creo que es

Buena pregunta. Creo que implica una especie de desafío, al menos todos los temas tienen una intención desafiante”.

“ES DIFÍCIL SER ORIGINALES CUANDO SOMOS UNA BANDA DE ROCK CLÁSICO, PERO SIGO PENSANDO QUE LO SOMOS AUNQUE NO SE RECONOZCA” FRANKIE POULLAIN

‘Open Fire’. “Me lo creo. Ayer hicimos un showcase en un club de Londres y arrasamos con esa canción. Nos juntamos con un montón de amigos y fue una noche fantástica. Nos sirvió para presentar a Rufus Taylor como batería. Ya conoce bien todos los temas y los toca con mucha soltura. Rufus tiene un estilo muy contundente que se ajusta perfectamente a The Darkness”. Cuéntanos, ¿para ti qué significado tiene Last Of Our Kind? ¿Os sentís realmente como los últimos de una especie? “Para mí el título representa un universo especial, una fantasía en la que la banda se mueve… (Silencio prolongado –ndr.) Last Of Our Kind. ¡Joder!

¿Podríamos decir que con Last Of Our Kind la banda ya está asentada y totalmente comprometida para el futuro? “Sí, totalmente. Un retorno lleva implícito una pesada carga del pasado. Hot Cakes no fue realmente un álbum de reunión o como lo quieras llamar, porque recuperamos muchas composiciones antiguas. Es genial volver a juntarnos y poder ser creativos en condiciones, y poder subirnos en una nueva nave y crear un nuevo universo. Hemos pasado bastante tiempo juntos componiendo en una isla de la costa oeste irlandesa la mayor parte de los temas, aunque también escribimos un par de canciones en Ibiza el año pasado: ‘Barbarian’ y ‘Hammer & Tongs”. Con Last Of Our Kind me da la sensación de que fuera como un despegue hacia el punto donde deberíais haber estado desde hace años. “Creo que cuando algo es bueno la gente habla de ello, y este álbum está ayudándonos a recuperar el impulso necesario porque lo debemos al público. Nuestro último trabajo es muy ecléctico y cada tema destaca de alguna manera. Además, nos hemos propuesto promocionarlo por todo lo alto y girar mucho este año y en 2016. Creo que ahora mismo somos más una banda de culto, pero esto es algo que nos gusta”. Justin definió este disco como

“medieval pero a la vez medio urbano”. ¿Tú cómo lo ves? “¿Lo definió como qué? (Risas) Bueno, a Justin le encanta hablar de los discos como si fueran obras de teatro. Creo más bien que se refiere a que es una versión moderna de lo medieval, porque no vivimos en el campo, ni nos lanzamos piedras los unos a los otros, aunque pensándolo bien, continuamente ves a gente lanzándose puñaladas en público en los distintos programas de la tele. Creo que por eso una serie como Juego De Tronos es tan popular en la actualidad. Todos somos muy fans de la ciencia y los avances tecnológicos, pero nuestra naturaleza apenas, y seguimos manteniendo una parte muy animal, egoísta y viciosa. ‘Barbarian’ parece que va de coña, pero habla un poco de todo esto”. Comentabas antes que estuvisteis componiendo en la isla de Valentia, y también en Ibiza. ¿Cómo fue todo el proceso de escribir y grabar con Dan al mando? “Pues ha sido la mejor experiencia que hemos tenido. Estuvimos dos veces en Valentia y como no teníamos distracciones y estábamos aburridos, pasamos todo el tiempo componiendo, grabando y mezclando, con todos involucrados al mismo nivel. En cuanto a escribir temas, en esta ocasión ha sido todo muy variado. En ocasiones todo giraba en torno a una guitarra acústica, en otras nos centrábamos en un riff, a veces surgía un tema de un concepto. Todos hemos aportado nuestro granito de arena a nivel vocal. Está claro que Justin al final lleva todo el peso de las voces, pero todos hemos colabo97

“EL PÚBLICO DE DISTURBED SIEMPRE ESTABA CABREADO Y NOS TIRABAN LATAS Y DE TODO AL ESCENARIO. PERO AGUANTAMOS COMO PUDIMOS. FUE UNA PÉRDIDA DE TIEMPO” FRANKIE POULLAIN

rado en la creación de las melodías. Podría decirse que todo ha sido una meritocracia”. Escuchando esas guitarras al comienzo de ‘Open Fire’ es inevitable pensar en Billy Duffy de The Cult. ¿Teníais la idea de homenajear a este grupo de alguna manera? “Somos grandes fans de The Cult, nos encantan. Las guitarras en la intro de ‘Open Fire’ fueron deliberadamente hechas para que sonaran a ellos, aunque la línea general del tema cambia rápidamente. Pero bueno, sí podríamos hablar de un pequeño tributo a Billy Duffy”. Ed Graham no participó en la grabación de este último disco, pero sí lo hizo Emily Dolan Davies, con quien parecíais estar encantados. Sin embargo, hace poco saltó la noticia de que dejaba la banda para centrarse en otros proyectos. Ahora mismo Rufus Tiger Taylor se ha incorporado a la banda. ¿Qué os sucede con los baterías? “Creo que es una cuestión de sacrificio, de verdad. Hay gente que piensa que sacar el trabajo implica hacer sacrificios, y otras personas buscan conseguir resultados de la forma más fácil y rápida posible. Estamos encantados con Rufus, es un gran batería y trabaja muy duro”. 98

Dejaste The Darkness tras el éxito de Permission To Land, e incluso escribiste una biografía, Dancing In The Darkness, hablando de tu experiencia en la banda. En esa época, ¿llegaste a imaginar que volverías al grupo? “No, ni en sueños, y creo que el resto del grupo tampoco. Me da la sensación de que gente del entorno sí pensaba que en algún momento esto pasaría. Era complicado verlo cuando vivíamos en universos distintos, teníamos conflictos emocionales y nos habíamos hecho daño. Estoy muy contento de que hayamos sido capaces de dejar toda esa parte negativa atrás y poder volver a juntarnos de la forma en que lo hemos hecho, como te decía antes, componiendo todos y participando al mismo nivel. No sé si esto es como un matrimonio, en el que pasas momentos muy dulces y a veces te enfrentas a baches muy complicados. Me fastidia que mucha

gente no nos tome en serio y se centre en nuestra faceta más histriónica y frívola”. ¿Qué crees que ha cambiado para hacerte volver? “Buena pregunta. Lo más significativo que ha cambiado es que ahora mismo contamos con un equipo de gente cojonudo que nos da mucha confianza y que comparte nuestra visión. Trabajan con nosotros a fondo y nos escuchan. Desgraciadamente, cuando nos convertimos en un fenómeno en Gran Bretaña en 2003 no teníamos a la gente apropiada, y en lugar de potenciar nuestra música se dedicaban a destacar nuestra imagen, como si fuéramos Steel Panther. La cuestión es que Steel Panther son actores. Además, parte de la prensa se dedicaba a despedazarnos diciendo que robábamos temas de bandas clásicas, machacando nuestra reputación. Es difícil ser originales cuando somos una banda de rock clásico,

estar en el mismo cartel que Iggy Pop And The Stooges en 2004. Mike Watts de Minutemen tocaba el bajo con ellos. ¡Me encanta cómo toca ese tío! Tiene muchísima energía. Fue un concierto increíble”. Para finalizar tengo que saciar mi curiosidad. ¿Por casualidad vendiste un bajo Thunderbird blanco por eBay hace ocho o nueve años a un español? “¡Sí, sí! ¿Cómo lo sabes?”. Porque mi excuñado te lo compró (risas). “¡Guau! ¡Qué casualidad! ¿Le gustó? ¿Sabes si lo sigue tocando?”.

pero sigo pensando que lo somos aunque no se reconozca”. Hablemos del tour con Lady Gaga. ¿Mereció realmente la pena telonearla? “Bueno, todo el mundo comete errores, pero también es verdad que se aprende un montón de ellos. De alguna manera intuíamos que esto podría verse como una cagada, pero nos ayudó a crear una buena base de fans especialmente en Sudamérica, en Chile, Argentina e incluso Paraguay. Tenemos intención de girar por allí a final de año. Ésa es la parte positiva de todo esto, que un montón de gente que no nos conocía nos vio y les gustamos. Durante esa época sólo tocábamos dos o tres veces por semana, y esto nos paraba mucho, porque nos gusta trabajar duro y girar mucho. En unas semanas vamos a telonear a Foo Fighters. A priori no es una banda con la que encajemos mucho, pero desde luego su público es mejor que

el de Lady Gaga, y nos apetece”. ¿Cuál es la peor banda a la que hayáis teloneado? “La peor banda a la que hemos teloneado fue Disturbed sin ninguna duda”. ¿Qué dices? ¡Pero si no pegáis ni con cola! (Risas). “(Risas) Creo que fue una broma que nos hizo nuestra agencia de contratación porque todavía no me lo explico. Tocamos juntos en varios festivales en 2003. Éramos jóvenes en esa época. Fue terrible. La gente del público siempre estaba cabreada y nos tiraban latas y de todo al escenario. A Justin incluso le alcanzaron con una lata y le hirieron. Pero aguantamos como pudimos. Fue una auténtica pérdida de tiempo. Si hablamos de la mejor banda a la que hemos teloneado no mencionaría ni a The Rolling Stones ni a Metallica, sino a bandas con las que pudimos compartir escenario en festivales. Para mí fue muy especial

Era un bajo estupendo y muy bonito. Recuerdo la funda con el logo de The Darkness. Dejó de tocar y lo vendió. Su comprador resultó ser el bajista de una banda heavy legendaria de aquí, Barón Rojo. “¿Estás de coña? ¿Sacó mucha pasta por él?”. Pues la verdad es que eso no lo recuerdo. “¡Joder! ¡Esto sí que es bueno! Me alegro de que encontrara un buen hogar. Era un gran instrumento. Buscaré a Barón Rojo y los escucharé (risas)”. Espero que te gusten. Nunca se sabe. A lo mejor un día tocáis juntos. “Sería divertido. Me tengo que ir, pero nos vemos pronto. ¡Ciao pescao! (lo juro, se despidió así -ndr.)”.

MOTION CITY SOUNDTRACK

UNA DÉCADA DE RECUERDOS

CON MOTIVO DEL DÉCIMO ANIVERSARIO DE COMMIT THIS TO MEMORY, EL QUE POSIBLEMENTE SIGA SIENDO SU MEJOR DISCO, MOTION CITY SOUNDTRACK SE EMBARCARON EN UNA GIRA CONMEMORATIVA QUE, POR DESGRACIA, DE NUEVO ESQUIVÓ ESPAÑA. LOS CAZAMOS EN LONDRES PARA CHARLAR SOBRE ÉSE Y SU PRÓXIMO TRABAJO, QUE YA TIENEN GRABADO. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR/ALEJANDRO LOZANO (DIRECTO)

ECUERDO como si fuera ayer el día en que descubrí las melodías tan adictivas de este quinteto de Minneapolis, Minnesota. Aún estaban esas pequeñas tiendas de discos a las que se solía acudir cuando querías descubrir nueva música, y ese día acerté de pleno. La típica pegatina en la carátula los presentaba como “La primera banda producida por Mark Hoppus de Blink182”; suficiente hype en esa época para tentar a un teenager como yo a probar lo que ofrecía la banda formada por Justin Pierre (cantante), Matthew Taylor (bajo), Jesse Johnson (teclados), Joshua Cain (guitarra) y el recién incorporado Claudio Rivera (batería) en su segunda obra Commit This To Memory (2005). Recientemente ese álbum cumplió su décimo aniversario, y qué mejor forma de celebrarlo que tocarlo íntegro durante la gira que empezaron a finales del año pasado en Estados Unidos y que también tendrían el detalle de traer a Europa. Eso sí, iban a ser cinco actuaciones contadas, incluyendo el Groezrock y la que daría lugar aquel 4 de mayo en Londres, donde nos desplazamos para ser testigos de esa fecha tan especial y, de paso, mantener una charla con ellos horas antes para intentar sacar un poco más de información sobre ese sexto disco que terminaron de grabar el

año pasado, pero que aún no tiene fecha de presentación. A la hora señalada me presentaba en la puerta del legendario KOKO del barrio de Camden, y que como gran sala de conciertos iba a contar con un camerino ostentoso. Televisión enorme con consolas, futbolín, sofás kilométricos... Como para mudarse allí, vaya. De hecho, es una de las primeras cosas que me comentaban Matthew Taylor y Jesse Johnson: “No habíamos estado en un camerino así en la vida”, decían mientras esperábamos a que su dicharachero cantante, Justin, se uniera a la entrevista como estaba previsto, pero que finalmente tuvimos que hacer sin él. ¿Cómo estáis llevando esta gira de especial aniversario de Commit This To Memory? Tiene que traeros muy buenos recuerdos ese disco... MATTHEW TAYLOR “Es genial. Cuando vuelves a retomar un disco que escuchaste hace diez años como en este caso, y que encima has compuesto y grabado, se me vienen muchos recuerdos a la cabeza. Además, es un disco muy divertido de tocar en directo. Lo disfruto mucho. De hecho, el otro día estuve pensando que cuando empezamos a girar en serio, y sólo teníamos grabados I Am The Movie y Commit This To Memory, solíamos tocar casi todos los

temas de ambos todas las noches. Así que puede que no sea tan difícil como tocar los álbumes posteriores, porque estas canciones son las que más hemos tocado, pero la cosa es que podemos ponernos casi en automático y disfrutar volviéndonos locos por el escenario (risas)”. Ahora que lo estáis tocando cada noche y que tiene tanto tiempo, ¿no hay nada que cambiaríais o que desearíais haber hecho de otra forma? MATTHEW “No, no creo. Hay muchas cosas de por aquel entonces que no volvería a hacer, eso está claro, pero no hay ningún arrepentimiento por mi parte. Siempre he pensado que lo que hace un grupo en un momento determinado pertenece a la historia de ese grupo. Hay que estar en constante progreso”. ¿Qué recuerdos os vienen a la cabeza de esa primera grabación con Mark Hoppus? MATTHEW “Era su primera vez en la producción, si no recuerdo mal...”. JESSE JOHNSON “Ahora mismo no se me ocurren, pero fue muy divertido todo el tiempo que pasamos con él (risas)”. MATTHEW “(Risas) Sí, es verdad, sobre todo nos lo pasamos en grande. Como has dicho, era su primer disco, y, bueno, ya imaginas cómo 101

es Mark. Tiene mucha personalidad, y es muy gracioso, no paraba de hacer coñas todo el día. Aun así, fue intenso. Él sólo conocía la forma de grabar con Blink, porque era lo único que había grabado, así que hicimos básicamente un disco como lo hubiera hecho él para Blink. Estuvo muy pendiente de cada detalle en todo momento, lo quería todo perfecto. En plan, ‘eso que has hecho está guay, pero vamos a repetirlo’. Era como que no quería fallar la primera vez que producía. Cuando volvimos por segunda vez para My Dinosaur Life se notaba que ya había cogido más práctica con otras bandas y el proceso fue distinto. Quería que todo fuera muy bien como en el otro, pero a veces era como ‘esa toma ha salido un poco regular pero ha sonado 102

como si lo tocara un ser humano, así que nos vale’ (Risas)”. JESSE “Sí, la segunda vez quiso que todo saliera más fluido, que nos sintiéramos más cómodos tocando y que fuera un sonido más de directo. No era que tuviera que sonar perfecto, sino que tuviera un punto más rock del habitual”. MATTHEW “Exacto. No sé, a veces cuando estás en un estudio de grabación te sientes como si estuvieras bajo un microscopio y piensas, ‘tengo que hacerlo perfecto’, lo que te hace muchas veces fallar más y estar en otro ambiente más negativo. Pero cuando estás con Mark y te da esa confianza, es fantástico. Es alguien que siempre está de buen humor y que te hace reír aun cuando te dice que algo no le gusta o que hay que repetirlo”.

Ya que tenéis tan buena amistad con Mark, tengo que preguntaros ¿qué os ha parecido el nuevo cambio de Tom DeLonge por Matt Skiba? MATTHEW “Bueno, yo creo que si Mark y Travis querían hacer algo y Tom no iba a poder hacerlo, tenían que tomar alguna decisión. No sé, no es que tenga una opinión personal al respecto, pero tengo curiosidad por escuchar lo que puede aportar Skiba. Sobre todo porque me gusta lo que hace él y lo que hacen Blink. Les deseo lo mejor. Sé que ha habido bastante revuelo alrededor y que ha sido una situación incómoda para todos, pero espero que todo les vaya genial con lo que hagan”. Sí, creo que muchos estamos

“SIEMPRE HE PENSADO QUE LO QUE HACE UN GRUPO EN UN MOMENTO DETERMINADO PERTENECE A LA HISTORIA DE ESE GRUPO. HAY QUE ESTAR EN CONSTANTE PROGRESO” MATTHEW TAYLOR deseosos por ver cómo va a encajar Matt Skiba. ¿Habéis podido verlo en alguno de los conciertos que hicieron hace unos meses por allí? JESSE “No, no pudimos. Estábamos de gira y no nos coincidieron las fechas”. Me ha parecido curioso al indagar por internet que no hay casi información sobre el nuevo disco que ya tenéis grabado, ni siquiera el título. ¿Qué me podéis contar sobre él? MATTHEW “Tendréis noticias pronto, te lo aseguro... Pero de momento no podemos decir mucho. Estamos muy contentos con él y tenemos muchas ganas de que lo podáis escuchar. Odio no poderte decir más (risas)”. Bueno, lo único que intuyo es que no lo ha producido Mark. MATTHEW “No, fue un colega nuestro de Nueva York”. JESSE “Sí, un amigo nuestro que le pedimos si podía hacerlo y aceptó. Su nombre es John Agnello. Era la primera vez que grabábamos con él y fue todo genial”. He podido ver también por la red que estáis tocando una nueva canción en directo, ‘Anything At All’. ¿Forma parte del nuevo álbum?

JESSE “Sí, es una de las canciones del nuevo disco”. ¿Fue de las primeras que compusisteis? MATTHEW “Sí, la verdad es que fue una de las primeras que teníamos preparada. La empezamos a tocar, si no recuerdo mal, el pasado septiembre en Chicago, o no... No me acuerdo bien, pero sí que te puedo decir que fue la primera canción que finalizamos para el álbum”. Me recordó al My Dinosaur Life... más enérgico. ¿Podemos esperar algo parecido del nuevo trabajo? MATTHEW “Sí, es bastante movida. En lo referente al disco, tiene un poco de todo lo que hemos hecho, con algunas subidas y bajadas, pero sobre todo es muy enérgico”. Claudio Rivera ha sustituido a Tony Thaxton en la batería. ¿Qué tal se ha adaptado al grupo? ¿Ha participado también en el nuevo álbum? MATTHEW “Sí, estamos muy contentos con Claudio. Ha hecho muy buen trabajo desde que se incorporara a la banda y su papel es muy importante para nosotros. Ha sabido ganarse el puesto y no es nada fácil para un batería”. JESSE “Sí, de hecho grabamos todas las pistas en directo, y lo hizo

genial. Era la primera vez que lo hacíamos y creemos que nos ha salido muy bien”. Hay ganas de poder escuchar eso. Por cierto, he visto que estáis vendiendo paquetes VIP para vuestros conciertos en Estados Unidos, ¿es algo que ya hacíais hace tiempo o es de hace poco? MATTHEW “Sí. Ya lo habíamos hecho hacía tiempo en Estados Unidos, pero aquí en Europa no lo hacemos”. ¿Vosotros lo pagaríais por ver a alguna banda en el pasado o ahora? MATTHEW “Sí, dependiendo de lo que llevara el paquete VIP, yo creo que lo haría”. ¿Qué grupos escucháis ahora que os gusten u os parezcan diferentes? MATTHEW “Yo suelo escuchar mucha psicodelia. Temples me gustan mucho, y también Tame Impala. Siempre me gustó la música de los 60, y ésta tiene el estilo de esa época pero hecha en el tiempo que vivimos. Flaming Lips son otros que nunca dejo de escuchar aunque no sean de ahora (risas)”. JESSE “Yo estoy bastante enganchado al último disco de los que tocan con nosotros esta noche, The Xcerts. Me tiene viciado desde que salió (risas). ¿Lo has escuchado?”. No, pero la verdad es que les vi hace tres años dos noches seguidas tocando con Brand New aquí en Londres y me gustaron mucho. ¿Os vamos 103

a tener también algún día por mi país? MATTHEW “Eso espero. Tenemos muchas ganas de ir, y no estaría mal que fuera con Brand New. Tienes que invitarnos (risas)”. Estáis más que invitados, por supuesto (risas). JESSE “Es cierto que estamos deseándolo. Es una cosa que nunca hemos podido hacer cuadrar en las giras y siempre hemos querido. Todos nuestros amigos que han ido a tocar por España nos dan mucha envidia cuando nos cuentan lo bien que se lo han pasado cuando han ido”. MATTHEW “Quién sabe, puede que con el nuevo álbum tengamos la oportunidad de ir”. JESSE “Sí, sobre todo queremos intentar hacer una gira bastante grande. También queremos hacer más 104

fechas por Europa y algo más en Asia y Australia”. ACABADO EL TIEMPO DE LA ENTREVISTA, y de poder echar unas partidas al futbolín en el camerino, tocaba esperar a la hora del concierto. Una vez abiertas las puertas de la agotada sala KOKO, pudimos tomar posiciones para ver a los escoceses The Xcerts estrenar el escenario esa noche. Nos deleitaron con temas del disco del que nos hablaba Jesse Johnson, There Is Only You, y no le quitaremos razón; esas canciones sonaban la mar de bien en directo. Estribillos pegadizos entre un rock algo oscuro de melodías refrescantes, que otorgaba personalidad al trío de Aberdeen en canciones como ‘Live Like This’, ‘Pop Song’ o ‘Kids On Drugs’. Una voz no demasiado peculiar, que da la fuerza necesaria a unas melodías perfectamente construidas, y que

no dejan ni siquiera intuir la nacionalidad de sus integrantes, como siguieron demostrando en ‘Kevin Costner’ y el single ‘Shaking In The Water’, con el que dejarían paso a los de Minnesota. Fue también una grata sorpresa encontrar a más gente española entre los asistentes antes de que Justin Pierre y compañía pulsaran el play a Commit This To Memory. Desde ‘Attractive Today’, que marca el principio del disco, hasta la última ‘Hold Me Down’, pudimos gozar del propio disfrute de la banda mientras tocaba las ya eternas ‘Everything Is Alright’, ‘Let’s Get Fucked Up And Die’ o ‘When You’re Around’. Incluso las menos conocidas se coreaban como temazos, una tras otra, por el abarrotado teatro, sonando así ‘Make Out Kids’, ‘Time Turned Fragile’ o ‘Hangman’. Llegado el final del álbum, empezaban un segundo concierto, que esta vez estaría compuesto por un buen popurrí de la discografía de la formación, desde el primer I Am The Movie con temas como ‘The Future Freaks Me Out’, ‘Capital H’ o ‘My Favorite Accident’ a caras B como ‘Invisible Monster’, o incluso el comentado adelanto de su sexto disco ‘Anything At All’ que, pegajoso como de costumbre, da buenas sensaciones para lo que está por venir en el futuro próximo del grupo. Así pues, después de 21 canciones, era momento de decir adiós a un entregado público que, como un servidor, tratará de guardar siempre este show en la memoria.

ROGER HARVEY

SENSES FAIL

RENACEN

HACE UNOS MESES BUDDY NIELSEN HACÍA PÚBLICOS TODOS LOS TRAUMAS QUE LE HABÍAN ATORMENTADO DURANTE AÑOS. EN EL SEXTO, Y MÁS AGRESIVO, ÁLBUM DE SENSES FAIL, ÉSTOS SE TRANSFORMAN EN CANCIONES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ULL THE THORNS FROM YOUR HEART (Pure Noise), arranca las espinas de tu corazón, es un título que refleja muy gráficamente el proceso por el que ha pasado James ‘Buddy’ Nielsen, vocalista y único miembro original de Senses Fail, en la última etapa de su vida. El pasado noviembre Nielsen participaba en el podcast 100 Words Or Less y allí hacía una serie de revelaciones bastante chocantes: admitía haber sufrido adicción sexual y haberse gastado miles de dólares en prostitución tanto con hombres como con transexuales, aunque no se define como gay y planea casarse con su actual novia. También reconocía haber sido alcohólico durante nueve años y haber sufrido ataques de pánico. Quizá todo explique por qué, durante 13 años de carrera, Nielsen era algo así como el patito feo de la escena emo del nuevo milenio y que la rotación de miembros en Senses Fail fuera una constante. Pero ni que él mismo fuera su peor enemigo, Nielsen ha conseguido tirar el grupo adelante. Con una formación más o menos estable que desde 2013 incluye a Zack Roach (guitarra de Spirit Of The Stairs), Matt Smith (guitarra de Strike Anywhere) y Gavin Caswell (bajo de The Black Pacific), ha dado un golpe de timón y en su sexto trabajo ha endurecido, y mucho, el post hardcore al que nos tenían acostumbrados. De todo ello hablamos con un hombre renovado.

¿Te sientes aliviado de que por fin vaya a salir el disco? BUDDY NIELSEN “Sí. Nos ha costado mucho trabajo. Tengo mucha curiosidad por ver qué dice la gente porque es muy diferente”. Para serte sincero, si me hubiese llegado el disco con otro nombre hubiera pensado que no erais vosotros. “(Risas) Es totalmente cierto. La verdad es que estoy un poco nervioso por ese motivo”. Es como si no hubierais tenido en cuenta lo que habíais hecho antes y os hubieseis dejado llevar por lo que sentías en el momento justo de hacerlo. “(Risas) Sí, tiene mucho sentido lo que dices. Y valoro que lo digas. No pensamos en lo que estábamos haciendo, simplemente lo hicimos. Teníamos que hacer un disco así, muy emocional, muy cargado, muy urgente”. ¿Crees que sin los cinco discos anteriores no habrías podido haber hecho éste o para ti cada álbum es una historia distinta? “Creo que todo han sido pasos en esa dirección. Nos hemos ido encaminando hacia un sonido más duro. Yo siempre había querido progresar en esta dirección porque me encanta tocar música dura. Siempre intentaba que ese aspecto quedara representado en lo que hacíamos y ahora que

soy el único miembro original pude ir con ello hasta el final”. ¿Entonces antes te sentías reprimido por los otros miembros, por ti mismo, por la discográfica...? “Era un poco de todo. Todos teníamos gustos distintos. También creo que éramos un grupo muy distinto entonces, así que no podíamos cambiar tan de golpe. Hubiera sido demasiado. Antes éramos muy pop, muy pegadizos, muy emo, así que teníamos que ir dando pequeños pasos o hubiera parecido forzado. El disco anterior ya era un poco más duro y éste lo es mucho más; estamos muy lejos de donde empezamos”. Pero junto a estas canciones más duras también hay momentos más atmosféricos... ¿Se te hizo difícil juntar ambas cosas? “Sí, costó un poco. La mitad del disco es hardcore metal y la otra es más como los Deftones o Russian Circles, o los viejos Jimmy Eat World. A mí me encantan ambos estilos. Me gusta que la música suene bonita como hacen Russian Circles o Envy, o Deftones, pero también me encanta la brutalidad, así que tuvimos que pensar en cómo unir ambas cosas. No nos salió de manera natural”. Supongo que tu esperanza es que tus fans también hayan evolucionado y estén dispues107

tos a aceptar algo distinto. “Sí, es algo que descubriremos pronto. No tengo ni idea. Creo que gustará a algunos y a otros no. También estamos intentando llegar a gente a la que quizá nunca le gustamos”. ¿Crees que eso influirá a la hora de decidir con qué bandas salís de gira? “Sí, lo hará. Pero todo lleva su tiempo porque hay grupos que todavía no saben que hemos cambiado nuestro sonido. Pero la idea es girar con otro tipo de bandas”. ¿Te planteaste igual cambiar de nombre y empezar de cero? “Pues sí. Pero al final el nombre está desde hace casi 15 años. Todos los discos han sido autobiográficos y éste no es distinto. Incluso lo es más. Así que había esa conexión. Si la gente siente que esto no es Senses Fail, entonces igual cambiemos de nombre en el próximo. Pero quería probar cómo de lejos podía llevar lo que Senses Fail había sido hasta ahora antes de tomar esa decisión. A mí me resulta interesante cuando un grupo hace algo distinto. Quería desafiarme a mí mismo, al grupo y a quienes nos escuchan”. Quizá a los grupos os falta valentía... “Sí, pero tienes que entenderlo. La gente cambia tanto sus gustos, y encima con internet puedes ver las opiniones de todo el mundo. Hace 15 años no tenías que ver si la gente te criticaba o no le gustaba tu grupo, podías ocultarte, pero ahora es imposible. Así que los músicos se sienten muy vulnerables y nadie quiere tomar riesgos. En nues108

tro caso, no podría hacer música que no me resultase interesante, así que tenía que tomar ese riesgo”.

“Sí, totalmente. Me han apoyado mucho y estoy muy feliz. Era importante hacerlo”.

Lo curioso es que toda vuestra generación, Thrice, Thursday o Brand New, fuisteis evolucionando. Quizá se os metió a todos en el saco del emo, pero cada una tenía su personalidad. “Aprecio que lo digas. Las bandas de esa época creo que respetamos el éxito que obtuvimos haciendo discos más emo, pero a la vez deseábamos hacer otras cosas. Tienes que pensar que entonces teníamos apenas 20 años y ahora pasamos de los 30, así que es difícil seguir haciendo la misma música de manera honesta, porque eres una persona distinta. Y al mismo tiempo quieres mantener una carrera, así que no es fácil”.

En cierta manera, me recuerda al caso de Laura Jane de Against Me!. Hacer pública su transexualidad la liberó para ser realmente quien quiere ser. ¿Sientes también que por fin has aceptado quién eres y eso ha beneficiado tu música? “Cuando eres tú mismo, puedes ser más creativo porque puedes expresarte quién eres sin ocultar nada. Esto es lo que representa este disco. Por eso es tan agresivo, porque pude sacar todo lo que tenía dentro”.

El pasado noviembre diste una entrevista que armó mucho revuelo en la que admitías tus problemas de adicción con las drogas y el sexo. ¿Fue una manera de preparar a tus fans para lo que iban a encontrar en el disco? “Ése fue un motivo. Quería asegurarme de que esa información era pública meses antes de sacar el disco, porque no quería que la gente pensara que lo hacía para tener publicidad. El trabajo habla mucho sobre eso y quería que hubiera suficiente tiempo entre esa noticia y la música. Es parte de la música, pero quería que se la juzgara por ella misma”. ¿Has recibido el apoyo que esperabas? ¿Te alegras de haberlo hecho público?

¿No crees que de haberlo hecho público antes te hubieras ahorrado muchos problemas? “(Risas) Eso es exactamente lo que pensé después de contarlo. ‘¿Por qué esperé tanto?’. Pero necesité todo ese tiempo para aceptarlo. Hasta hace un par de años me parecía peligroso. Tienes que pensar que antes el grupo era mucho más grande y no sentía que tenía un sistema de apoyo. Ahora sé que lo tengo. Me sentí mucho más seguro y por eso lo hice. Pero desde luego, ojalá lo hubiera hecho antes (risas)”. Muchas canciones antiguas hablan sobre situaciones que por fin has superado. ¿Te sentirás cómodo cantándolas, piensas dejarlas de lado...? “La manera en la que lo veo es que ya no son mis canciones, sino de la gente que se identifica con ellas. Así que me gusta cantarlas para ellos, aunque ya no me identifique con lo que canto. Lo cual es bueno (risas)”.

“NO PENSAMOS EN LO QUE ESTÁBAMOS HACIENDO, SIMPLEMENTE LO HICIMOS. TENÍAMOS QUE HACER UN DISCO ASÍ, MUY EMOCIONAL, MUY CARGADO, MUY URGENTE”

BUDDY NIELSEN Ya, pero el que las cantas eres tú... “Lo sé, lo sé. Pero emocionalmente puedo distanciarme de ellas. Puedo cantarlas y no revivir lo que canto”. También has empezado a hacer meditación. ¿De qué manera te ha beneficiado creativamente hablando? “La meditación que hago no supone liberarte de tus pensamientos, sino cambiar la relación que tienes con ellos y tus emociones. La manera en la que me ha beneficiado es que cuando logras quitarte el estrés vital de planificar el futuro, pensar en el pasado... dejas mucho más espacio a la creatividad. Mucha gente vive condicionada por el miedo y la meditación te ayuda a encontrar una respuesta adecuada a esos miedos. Te hace poner en perspectiva cualquier situación para que la puedas gestionar. Y cuando vives sin

miedo, puedes ser mucho más creativo porque ves mucha más alegría, más felicidad, más libertad”. ¿Cómo de responsable te sientes de la marcha de los otros miembros? ¿O piensas que fue su decisión y que no tuviste nada que ver? “No lo sé. Todo el mundo se fue para tener su propia carrera. Sentían que era el momento de hacer algo distinto. Y cada caso es distinto. Uno de ellos trabaja en Wall Street, otro es lampista, uno de ellos sigue siendo batería, otro es agente de contratación de bandas... Así que no sabría si yo tuve responsabilidad, tendrías que preguntárselo a ellos. Pero creo que al final se trataba de dejar un grupo que sale de gira. Yo mismo creo que llegará un momento en que deje de apetecerme. Es inevitable. A todo el mundo le llega su momento, y a ellos

les llego antes”. ¿O sea, que no crees que tu comportamiento tuviera nada que ver? “Quizá sí, pero no lo sé. Me falta la perspectiva para saber cómo actuaba. Sólo recuerdo cómo me sentía por dentro. Quizá hubiera hecho cosas de manera distinta si lo hubiera sabido”. ¿Nunca nadie te dijo ‘Buddy, te estás portando como un gilipollas’? “Sí, vivimos situaciones así. En 2006 estuvieron a punto de echarme del grupo. Era cuando el grupo estaba en su punto más álgido y estuvieron a punto de echarme. Es una locura pensar cómo cambian las cosas (risas)”.

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BRAND NEW 27 DE MAYO DE 2015 SALA CATS, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JAVIER PÉREZ

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DINOSAUR PILE-UP

i había una fecha realmente especial dentro de las que conforman lo que está siendo la celebración de nuestro décimo aniversario, ésa sin duda era la del concierto de Brand New en Madrid. Sólo había que echar un ojo a cómo se revolucionaron las redes sociales el día que pudimos anunciarlo para darse cuenta de la que habíamos liado. Para muchos un sueño imposible convertido en realidad que llevaban esperando desde hace años. Es por eso mismo que no nos sorprendió en absoluto encontrarnos con gente llegada de diferentes puntos de la geografía e incluso haciendo cola desde muy temprano a pesar del calor. Los invitados a esa gran noche, Dinosaur Pile-Up, resultaron agradables durante su media hora de actuación. Títulos como ‘Peninsula’, ‘Arizona Waiting’ o ‘White T-Shirt And Jeans’ dejaron bien claro lo mucho que les pirran los 90, así como los riffs gruesos a todo volumen. El propio Jesse Lacey

se les unió en el último y monstruoso tema que alargaron soltando una ristra de guitarrazos que nos dejaron con el cuerpo preparado para la que se nos venía encima. Ni en nuestros mejores pensamientos hubiéramos llegado a imaginar un concierto tan perfecto como el que Brand New nos regalaron aquella noche. Arrancando fuerte con el nuevo e inmediato tema ‘Mene’ y a pesar de un sonido inicialmente algo embarullado, la cosa ya pintaba estupendamente. Apoyados por un segundo batería, ‘Sink’ y ‘Gasoline’ impusieron la fuerza de una banda que se dejó llevar durante la hora y media siguiente. Con ‘Millstone’ ya el público se arrancó a cantar como si le fuese la vida en ello, mientras que el guitarrista Vincent Accardi danzaba por todo el escenario sumido en trance con su instrumento. Jesse por su parte nos ponía el bello de punta pasando de susurros escalofriantes a berridos desgarradores en cuestión de segundos. Ni que decir tiene que ‘Sic Transit Gloria... Glory

Fades’ y la absolutamente mágica ‘Okay I Believe You, But My Tommy Gun Don’t’ fueron de las más celebradas entre el jolgorio general. Y es que los de Long Island nos llevaron por donde quisieron y lo hicieron siempre de manera elegante. Tanto como si les daba por recuperar su etapa más teenager (‘Mix Tape’, ‘Seventy Times 7’), partirnos en dos a base de intrincados ejercicios (‘Sowing Season’, ‘Luca’) o recluirse en la intimidad de ‘Jesus Christ’ y una nueva composición llamada ‘Brothers’, dedicada al hermano de Jesse y sus experiencias como marine en la guerra de Afganistán. El propio Lacey agradeció enormemente la inmejorable acogida y prometió volver lo antes posible, no sin ello despedirnos con una inesperada ‘The Quiet Things That No One Ever Knows’ que no aparecía inicialmente en el setlist (en su lugar aparecía ‘Play Crack The Sky’), pero que no pudo ser mejor clausura para un concierto que guardaremos en la memoria durante muchísimo tiempo. 111

EVERY TIME I DIE 16 DE JUNIO DE 2015 SALA BÓVEDA, BARCELONA 136

TEXTO: JORDI MEYA, PAU NAVARRA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

COUNTERPARTS

STRAY FROM THE PATH

ocaba celebrar el décimo aniversario de RockZone en casa y para ello contamos con un cartel de lujo encabezado por una de las bandas que hace 15 años dejaron huella en la escena metalcore y tres de las promesas que más ruido están haciendo en ella actualmente. Alucinados subían al camerino los australianos In Hearts Wake ante el recibimiento que habían tenido por parte del público, que desde el minuto uno se había acercado para cantar con ganas los temas de Earthwalker y Skydancer. Su metalcore muy bien ejecutado y con potencia, aunque un poco demasiado de manual en cuanto a estructuras, fue un buen aperitivo para lo que tenía que venir. Los canadienses Counterparts aún fliparon más, hasta el punto de decirnos mirándonos a los ojos que había sido la mejor respuesta que habían tenido en meses. Se notaba que había ganas de verles y no defraudaron gracias a ese poso de hardcore melódico y el ataque punk con el que Brendan Murphy y sus compañeros impregnan su metalcore. Su inminente nuevo álbum Tragedy Will Find Us

puede ser una de las revelaciones de la temporada. Con el ambiente un poquito enrarecido tras la expulsión de dos chavalines por hacer stage diving durante la anterior descarga, algo que sin duda la sala Bóveda debería solventar si quiere albergar bolos de hardcore, Stray From The Path saltaron a la palestra para hacernos olvidar cualquier tontería que tuviéramos en la cabeza… Y vaya si lo consiguieron. De nuevo luciendo su camiseta del Barça, Drew York remarcó mucho más su faceta de MC que en su última descarga en la ciudad junto a Architects, y, claro, aquello ardió. Junta NYHC con una versión embrutecida de Rage Against The Machine y entenderás por qué los bolos de esta gente son una auténtica fiesta. Banda a seguir de cerca. Quizá porque habían triplicado los asistentes respecto a su anterior visita a Barcelona, o quizá simplemente porque como los buenos vinos mejoran con los años, Every Time I Die ocuparon el escenario con una autoridad aplastante desde que arrancaron con ‘Underwater Bimbos From Outerspace’ de su penúltimo álbum Ex Lives. A Keith

Buckley se le ve más delgado y con mejor voz que tiempo atrás, y estuvo muchísimo más suelto que, cuando por ejemplo, le vimos con The Damned Things. A mano derecha su hermano Jordan jugaba el papel de guitarra loco, mientras que a la izquierda, la intimidante figura gigantesca de Andy Williams se dedicaba a disparar riffs. Por su parte, el bajista Stephen Micciche no paraba de pegar saltos y moverse de un lado a otro, y el exUnderoath Daniel Davison hacía temblar su kit de batería. Mirases donde mirases, siempre estaba ocurriendo algo. El doble puñetazo con ‘Thirst’ y ‘Decaying With The Boys’ nos recordó por qué su último From Parts Unknown fue uno de los mejores discos de 2014. Luego cayeron dos bombas de Guttern Phenomenon (‘Bored Stiff’ y ‘The New Black’) y más adelante también nos llevaron a la época de Hot Damn! con ‘Eloborama’ y ‘Floater’. A ratos parecen unos Converge más melódicos, otros unos Down en clave hardcore, pero cuando se despidieron con la brillante ‘Moor’, quedó clarísimo que Every Time I Die comen aparte. 113

AC/DC 29 DE JUNIO DE 2015 ESTADI OLÍMPIC LLUÍS COMPANYS, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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o s últimos cañonazos de ‘For Those About To Rock’ que marcaban el final del concierto de AC/DC, de éste y de cualquiera que haya hecho la banda australiana en los últimos 25 años, nos dejaron pensando a más de uno cómo podíamos haber sido tan osados de dudar de la fiabilidad del grupo, tras los malos tragos pasados con los abandonos de Malcom Young y Phil Rudd. Bien es cierto, y cualquier buen fan lo sabe, que ellos eran el pilar sobre el que se ha construido esa muralla que ha hecho de AC/DC una de las bandas más grandes de la historia, pero nos habíamos olvidado de algo muy importante y que fue lo que marcó el show del grupo: el orgullo. Efectivamente, mirar el fondo de escenario se hacía algo raro –pese a que Chris Slade ya había sido batería de la banda en los 90 y que

el parecido físico de Steve Young con Malcom es que más que evidente-, pero desde el inicio con ‘Rock Or Bust’ quedó claro que Angus sabe que su misión en estos ‘nuevos AC/ DC’ es la de echarse la banda a sus espaldas y dejarnos con la sensación de que aquí no ha pasado nada. Pero sí que pasa, y es que nos hemos encontrado con una banda renacida, superior a la que vimos en la gira de Black Ice, y que, increíblemente, nos convence de que aquí hay grupo para rato, algo impensable hace algunos meses. Claro que hay cosas que no cambian: un Brian Johnson que sigue con su pacto con el diablo y para el cual no pasa el tiempo, un Cliff Williams que parece que no está pero vaya que si está, un repertorio sin comparación y atemporal –qué momentazo ‘High Voltage’- con los temas nuevos de rigor y alguna pequeña delicatessen,

‘Have A Drink On Me’, los cañones, la campana, la Rosie hinchable, los cuernos de Angus en ‘Highway To Hell’ y, por encima de todo, un ‘Let There Be Rock’ que resume en la imagen de Angus subido a la plataforma lo que es el ROCK. Así, con mayúsculas. AC/DC han hecho de su ejercicio de estilo todo un arte y, no sólo eso, han conseguido revelarse contra el paso del tiempo. No sólo por unir a generaciones –ver a padres con sus hijos, y algún abuelo también, era una constante-, sino por demostrar que se puede envejecer dignamente haciendo rock’n’roll. No es fácil, pero ellos son AC/DC y la lógica la dejan para otros. Lo suyo es otra historia, otra liga... Tanto que dos días después en Madrid lo volvieron a demostrar y a los dos siguientes, también. Y así seguirán hasta que ellos quieran y sus fans sigan creyendo en ellos. 115

TESTAMENT 24 DE MAYO DE 2015 SALA SALAMANDRA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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EXODUS

ollejón de un desconocido por las buenas y, para rematar la bienvenida, un sangrante “¡¿Pero tú no estás emocionado!?” en todo el oído. Pues no, chico, para mí sólo era un concierto más, pero como tú eres un padre de familia aburrido, un cuarentón de ésos que va a un show cada tres años y al que desde luego se le ha olvidado cómo afrontar una borrachera con decencia, normal que creas que estamos en el Clash Of The Titans… Suceso puntual pero absolutamente ilustrativo del tipo de público que abarrotó una sala Salamandra hasta los topes para recibir a unos Testament y Exodus como los dos jefazos del thrash americano que siempre han sido. Como sardinas disfrutamos de dos descargas rozando la excelencia, sin amago alguno del bochorno vivido en Málaga, pero con demasiados haciendo ver que siguen siendo más heavies que persona. Guay que los vieras en el 89, pero no tengo por qué aguantarte la papa.

Pronto vimos que Exodus no habían llegado a Catalunya como mera comparsa. Con Gary Holt, sin Gary Holt, qué más da… Lo suyo fue un bolazo con un sonido atronador y perfecto, y madre mía cuánto han ganado con la vuelta de Steve ‘Zetro’ Souza en el micro… Aquello es jalear al público, y no lo de Rob Dukes. Presentando un disco que les ha devuelto mucha de su grandeza, Blood In Blood Out, los de la Bay Area no pararon de repartir cera con temazos y unos solos matadores. ‘Black 13’, ‘Blood In, Blood Out’ o ‘Salt The Wound’ no desentonaron entre ‘Piranha’, ‘Blacklist’, ‘Bonded By Blood’ o ‘The Toxic Waltz’, y con el listón bien alto se marcharon. Que Testament anunciaran que interpretarían un montón de clásicos de sus tres primeros álbumes era un caramelo demasiado goloso como para no petar una sala. Con un escenario ricamente decorado para la ocasión, como nunca habíamos visto en Salamandra, los estadounidenses

saltaron a la palestra comandados por el gigantón Chuck Billy que, como no podía ser de otra forma, iba cascándose los riffs de sus compañeros en ese bastón tan suyo que sustenta el micro. El sonido no fue tan bueno como el de Exodus, con unos graves que iban y venían e incluso una PA crepitando, pero eso no impidió que lo pasáramos de lo lindo con mamporros históricos y no tan históricos como ‘Over The Wall’, ‘More Than Meets The Eye’, ‘The Preacher’, ‘Souls Of Black’, ‘The New Order’, ‘Into The Pit’, ‘Practice What You Preach’ o ‘Disciples Of The Watch’, completando así un repertorio de auténtico ensueño. Una grandeza sólo alcanzable con un Alex Skolnick cuyo mástil llameaba a cada punteado, con Gene Hoglan paseándose tras los parches o, como decían algunos, con un Steve DiGiorgio al bajo patrocinado por el mismísimo Odín. Testament tienen una personalidad tan intransferible… Con la magia intacta y perfectamente engrasados. 117

CARTEL

22 DE MAYO DE 2015 O2 ACADEMY ISLINGTON LONDRES (INGLATERRA) TEXTO Y FOTO: RUBÉN NAVARRO

l pasado mes de mayo se alinearon los planetas de tal manera que en un plazo de tres días tenían lugar en el Reino Unido una serie de conciertos que, por A o por B, no podía perderme de ninguna de las maneras. Al parecer, agoté toda mi suerte con esta hazaña y los astros se olvidaron de ayudarnos a conseguir acreditaciones para esos tres eventos, pero eso no fue suficiente para dejarme en Barcelona. Así, una vez aterrizado en Londres puse en marcha mi plan para solucionar todo in situ y pasar una magnífica velada al lado de Cartel para celebrar junto a ellos los diez años de su primer álbum, Chroma. Desde aquí me gustaría agradecer a Mike, su tour manager, y a la banda por su hospitalidad y ayuda a RockZone. Pasando a lo musical, la noche se antojaba llena de nostalgia de 118

la mano del cuarteto de Georgia, que para celebrar la década de su debut discográfico iba a interpretar de principio a fin un disco que tuvo bastante repercusión en su día y colocó a la banda en lo alto de la ola del pop punk junto a Plain White T’s, Boys Like Girls o Hit The Lights. Lo cierto es que resulta un tanto complejo reseñar un concierto sin sorpresas en cuanto a setlist y sin ningún tipo de imprevistos dignos de mención, donde toda la atención se centra en ver si la banda es capaz de llevar a su público a un viaje en el tiempo. Y por si alguien tenía alguna duda, vaya si lo lograron. Tema tras tema, desde el inicio con ‘Say Anything (Else)’ hasta el final con ‘A’, pasando por el hit ‘Honestly’ o la celebrada ‘Luckie St.’ era difícil no dejarse transportar a esos días en los

que esas canciones ponían banda sonora a momentos y recuerdos que uno guarda como un tesoro. Eso se reflejaba en las sonrisas e incluso lágrimas del público que, a juzgar por la atmósfera que se respiró allí, pasaron una gran noche a pesar de la poca entrada que se registró debido a la coincidencia con el festival Slam Dunk. Para acompañar a su repertorio y cerrar la noche, Cartel completaron su actuación con temas de sus otros trabajos, que también fueron coreados por los allí presentes hasta que no hubo tiempo para más. En cualquier caso, curioso que una banda relativamente joven, ya opte por tirar de la nostalgia para atraer la atención de los seguidores. Esperemos que Will Pugh y sus compañeros todavía puedan darnos alegrías con nuevo material en un futuro.

THE MUFFS 11 DE JUNIO DE 2015 LA [2], BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTO: ERIC ALTIMIS

esde que en su día Richard Royuela me descubriera el debut de The Muffs que soñábamos con poder verles en directo en nuestra ciudad. El grupo había hecho algunas giras por nuestro país, pero por algún extraño motivo siempre había esquivado Barcelona. Su errático funcionamiento –han tardado diez años en sacar un disco- tampoco ayudaba a ser muy optimista, pero los dioses de la música debieron premiar nuestra fidelidad hacia el grupo de Los Ángeles y, por fin, 22 años después, pudimos quitarnos esa espina que teníamos clavada. Visto el cálido recibimiento del que disfrutaron Kim Shattuck, Ronnie Barnett y Roy McDonald al subir al escenario no éramos los únicos locales que habíamos quedado prendados de su delicioso power pop punkerizado. Pero antes todos habíamos gozado de la actuación de los australianos Sun God Replica, la nueva banda de Link McLennan. Si bien por su pasado como líder de The Meanies la conexión con

la música de The Muffs estaba ahí, en la actualidad McLennan ha aparcado su lado punk y tira por un retro rock psicodélico con reminiscencias de los 60 y los 70. Pero como ya habían demostrado unos días antes en el Primavera Sound, su directo chuta la mar de bien, gracias también al buen hacer del batería Lochie Cavigan, y alguno de sus temas tiene el gancho suficiente como para llegar al público de, digamos, The Black Keys. Veremos hasta dónde llegan. Con The Muffs la pregunta no es ésa, sino hasta cuándo. Está claro que el grupo ya hizo todo lo que tenía que hacer, y que lo que no consiguieron en los 90 ya no lo conseguirán ahora por muy bueno que sea su último disco Whoop Dee Doo. Eso convierte los conciertos de The Muffs no en pasos hacia alguna parte, sino en una pura celebración de su pasado y su presente. Atrás han quedado los tiempos en los que Kim y Ronnie acababan a guantazos en el escenario (algo que según nos contaron

en una entrevista que publicaremos en el próximo número no era tan serio como parecía) y ahora el trío parece de verdad reviviendo sus mágicas canciones. Porque sólo así pueden calificarse viejas joyas como ‘Lucky Guy’, ‘Sad Tomorrow’, ‘Oh Nina’, ‘Red Eyed Troll’, ‘Honeymoon’ o nuevas como ‘Take A Take A Me’ o esa ‘I Get It’ cantada a dúo entre sonrisas. Lo único malo de los temas de The Muffs es que son tan cortos, que un par de minutos no son suficientes para saborearlos el tiempo que te gustaría. Pero ése era su encanto entonces y ése es su encanto ahora, y aunque la potencia de los gritos de Kim ya no tengan la misma fuerza que antes, queda compensado por un repertorio impecable –hasta hicieron su versión de ‘Kids In America’y el gustazo que es ver a McDonald tocando la batería. Por momentos se revivió el espíritu eufórico de esos entrañables conciertos en la sala Màgic en los que nunca sabías a qué hora ibas a llegar a casa. Gran, gran noche. 119

RX BANDITS 23 DE MAYO DE 2015 O2 ACADEMY 2, BIRMINGHAM (INGLATERRA) TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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CIRCA SURVIVE

manecer en el peor hotel que jamás has estado en toda tu vida te ayuda a ver de forma muy positiva cualquier cosa que venga después, como por ejemplo, viajar de Londres a Birmingham sin la certeza de que podrás asistir al concierto para el que te estás desplazando. Cualquier resquicio de preocupación que pudiese quedar se disipó rápido cuando tuve la suerte de cruzarme con el bueno de Anthony Green, cantante de Circa Survive. Lo mejor de todo es que tras una entrevista de lo más bizarra que tuve con él en 2010, donde un tío puestísimo de crack nos perseguía por Londres, todavía me recuerda. Tras diez minutos hablando un poco de todo le expliqué la situación y él mismo se encargó de todo. Habemus concierto. Lo primero que me choca siempre al entrar en esta sala es lo mal que huele. La mezcla de olor a alcohol, vómito y moqueta húmeda es una malísima combinación que resulta altamente desagradable mientras subes las escaleras. Por suerte el suelo de la sala no es moqueta, como casi en el 90% de edificios del Reino Unido, y al poco tiempo uno se olvida de ese mal trago. Tras una corta espera From Indian Lakes salieron al escenario ante un público

que todavía no estaba demasiado por la labor... pero eso cambió tras el primer tema. La banda sonó mucho mejor en directo que en disco y supo preparar muy bien el ambiente para lo que estaba por venir. En su set predominaron los temas de su más reciente trabajo Absent Sounds, entre los cuales se alternaron algunos de los hits de Able Bodies. Muy bien aprovechados, los minutos, ante un público que apreció el buen hacer de la banda sobre las tablas. Los siguientes en salir fueron Circa Survive que, a juzgar por el recibimiento y la posterior desaparición de gran parte de la gente allí presente, eran el plato fuerte de la noche. Los de Philadelphia se bastan de sus melodías ambientales para atrapar al público en sus redes, pero por si acaso hay alguien despistado, ahí está Anthony Green para hipnotizarte, no sólo con su voz, sino también con sus característicos movimientos sobre las tablas. A pesar de estar presentando su último disco Descensus, la banda únicamente interpretó tres temas del mismo, basando su repertorio en una consecución de lo mejor de sus trabajos previos, entre los que únicamente faltó ‘Act Apalled’. Anthony y los suyos están en un estado de forma estupendo.

Con la sensación agridulce de aceptar que tan solamente habíamos podido disfrutar de diez canciones de Circa Survive, pero con las ganas de ver a RX Bandits, veía como la sala se iba vaciando hasta quedar no más de cien personas para ver a los de California. Eso no afectó a los ánimos del cuarteto, que salió a por todas para los allí presentes, que esperaban lo mejor de su última referencia, Gemini, Her Majesty. Si bien es cierto que después de la energía desprendida por Circa Survive sobre el escenario se me antojaron algo lentos y faltos de pegada, resultó difícil no conectar con ellos. Para mi gusto, faltaron pinceladas más de su Mandala, algo que hubiese contribuido a mantener la fuerza que se había respirado antes. Por su parte la banda tiró de los clásicos de ...And The Battle Begun intercalándolos con pequeños discursos, entre los cuales celebraron el resultado de la votación que se había realizado unas horas antes en Irlanda sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo. Finalmente la noche llegó a su fin y me marché con la sensación de que la velada no había dado tanto de sí como me hubiese esperado, a pesar de la gran actuación de las tres bandas. 121

PRIMAVERA SOUND 28, 29 Y 30 DE MAYO DE 2015 PARC DEL FÒRUM, BARCELONA TEXTO: LLUÍS S. CEPRIÁN, JORDI MEYA, TOI BROWNSTONE FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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THE BLACK KEYS

ELECTRIC WIZARD

a decimoquinta edición del Primavera Sound venía con pocas innovaciones respecto a la del año pasado. A nivel de asistencia de público fue casi un calco a la edición pasada, con unas 175.000 personas, aunque, como novedad, ésta fue la vez que más cochecitos de bebé y niños se han visto dentro del recinto. Eso sí, la media de edad ha sido, posiblemente, la más elevada de la historia del festival. La generación indie ha madurado, señoras y señores. JUEVES 28 Los británicos Childhood se encargaron de abrir el escenario enorme de Heineken. El cuarteto tuvo la difícil tarea de desentumecer los músculos de las primeras almas. Sus armas fueron pop de guitarras en cascada con toques de psicodelia. Fueron correctos, aunque sus temas todavía distan bastante de la odisea hit. Viet Cong, uno de los platos

MINERAL

fuertes de la jornada, se encontraron con la ecualización del sonido en su contra. Sin bajos y con el volumen de la voz por encima de los demás instrumentos, les fue muy difícil defender su sensacional disco de debut homónimo. Después, en el escenario ATP fue el turno de Thurston Moore Band, que vino a presentar su último disco The Best Day, y lo hizo acompañado para la ocasión de su excompañero en la escudería Sonic Youth, Steve Shelley. Lo suyo fue contundencia y noise gran reserva. Increíble colofón con ‘Grace Lake’. Casi pisándose llegaba uno de los protagonistas del festival: la actuación de los reunificados The Replacements. Su fama como banda capaz de lo mejor y lo peor en directo es cosa del pasado y ahora el grupo de Paul Westerberg y Tommy Stinson ejerce con suma profesionalidad, y también nostálgica pasión, su papel de banda clásica. El empaque que les da el polifacético Josh Freese a

la batería ayuda a que canciones inmortales como ‘Bastard Of Young’, ‘Alex Chilton’ o ‘Can’t Hardly Wait’ cobren nueva vida. Una pena que Westerberg anunciara días después que esta segunda etapa del grupo también ha llegado a su fin. Otro grupo de culto que se ha reunido, Mineral, nos esperaba en el escenario Pitchfork, pero su emo lánguido no acabó de tocarnos la fibra como esperábamos. Muchísimo más satisfactorio fue el debut de Brand New en Barcelona con mucho más público del que a priori se podía esperar. Quizá porque tenían menos tiempo para tocar y un escenario más grande, Jesse Lacey y los suyos ofrecieron una actuación un punto más punk que la noche antes en Madrid. Los fans se dejaron la garganta cantando ‘Sic Transit Gloria… Glory Fades’ o ‘Jesus’, e incluso quienes no estaban muy familiarizados con ellos quedaron prendados de su energía y musicalidad. 123

PATTI SMITH

Lo de Spiritualized por su parte fue más bien soporífero. Jason Pierce lleva haciendo el mismo concierto más de una década, y él es consciente de ello. Esta vez le vimos con menos empuje que en ocasiones anteriores. Era el turno de desplazarse de nuevo hacia el inmenso escenario Primavera para cazar a The Black Keys. Depende de con quién hables te dirá que sonaron como el culo, pero al menos donde estábamos nosotros, el sonido no fue el problema. Desde que se convirtieron en un grupo de masas, Dan Auberbach y Patrick Carney se rodean de un par de eficientes escuderos, a los teclados y el bajo, para reproducir en directo sus cada vez más producidos discos, y eso lo consiguen, pero a costa de perder garra. Canciones como ‘Next Girl’, ‘Gold On The Ceiling’ o ‘Tighten Up’ suenan casi inocuas, y aunque la parte central, donde se quedaron ellos dos solos, y el final con la celebrada ‘Lonely Boy’ y ‘Little Black Submarines’, 124

su particular ‘Stairway To Heaven’, les hicieron subir puntos, la sensación final fue que puestos a ver un espectáculo mainstream, alguien como Lenny Kravitz lo resuelve con más solvencia. Eso es algo que nunca se podrá decir de Sunn 0))). Los sacerdotes del drone pusieron al límite la resistencia de los asistentes con su oleaje de frecuencias infrahumanas. Teniendo en cuenta que ya era la una de la mañana, el cuerpo nos pedía otra cosa… Y justo eso nos dieron Electric Wizard. Los británicos se dejaron de cuelgues y nos sometieron riff tras riff a una orgía de doom metal que nos sentó de maravilla. Con temas como ‘Black Mass’ o ‘Dopethrone’ todavía en la cabeza nos retiramos a coger fuerzas para el segundo día. VIERNES 29 Los norteamericanos Disappears cogieron por sorpresa a todo el mundo. Lo suyo fue un vendaval sónico. Pusieron a punto su máquina de kraut,

TORI AMOS

noise y garaje y consiguieron aumentar, más si cabía, la temperatura en el escenario Ray-Ban. The KVB, por su parte, fueron un bluff. La verdad es que prometían buenas sensaciones una vez escuchado su último disco Out Of Body, pero los interludios se extendieron demasiado y la proliferación de temas del montón no jugaron a su favor. Por contra, Ex Hex se mostraron excesivamente estáticas sobre el escenario. Suerte que su cancionero está mejor nutrido de hits. The New Pornographers demostraron que están en primera línea en cuanto a pop harmonioso de calidad, pero la corona de la noche fue para Patti Smith. El sonido fue perfecto, y es que vino acompañada de una banda de altos vuelos con su habitual guitarrista Kenny Kaye al frente. Tocaron íntegramente el disco Horses el año que se cumplen 40 años de su publicación. Y lo cierto es que el reto de comenzar el concierto con la poderosa ‘Gloria’ lo superaron con nota alta. Y hubo propina en forma

VOIVOD

de ‘Rock N Roll Nigger’, esa oda de punk rock incisivo. ¡Ahí es nada! Así que orejas y rabo para la de Nueva York. El concierto de Sleater-Kinney era una cita ineludible para muchos. Poder presenciar el retorno de las de Olympia se antojaba muy atractivo, sobre todo tras la publicación de No Cities To Love, su último trabajo. La energía y fuerza que transmitieron, la calidad del sonido, la puesta en escena de nuevos temas como ‘Price Tag’, ‘A New Wave’, ‘No Cities To Love’ o ‘Fangless’, combinados con ‘What’s Mine Is Yours’, ‘All Hand Son The Bad One’ o ‘Rollercoaster’ nos dejaron a todos completamente entusiasmados. The girls are back! Más tarde, Ride también presentaban su gira de regreso. Para los que esperaban un revival en toda regla las cosas se torcieron desde el momento que empezaron a interpretar ‘Leave Them All Behind’. Los tiempos han cambiado y ellos saben que si viven del pasado esta reunión no irá más allá de una

gira. Así que dejaron de lado la pátina shoegaze para centrarse en un sonido más actual. Paralelamente, Run The Jewels, el aclamado dúo formado por El-P y el gigantón Killer Mike, descargaron un sólido show de hip hop old school que puso a todo el mundo en danza. Bajando hacia el escenario Adidas Originals nos esperaban los canadienses Voivod, quienes nos engancharon más por lo entrañables que son tipos como Snake o Away que porque ofrecieran un concierto soberbio. Marginaron su lado más progresivo a favor del material más crossover, pero se ganaron una merecida ovación. En el anfiteatro Ray Ban los también canadienses Death From Above 1979 decepcionaron con un sonido muy descacharrado y la falta de punch de su rock bailable. Debe de ser una gran putada para una banda tener que salir a escena a las dos y 40 minutos de la madrugada, pero poco pareció importarles a Pallbearer,

BABES IN TOYLAND

dispuestos a darlo todo en el escenario Adidas Originals. Crearon el ambiente perfecto para presentarnos temas como ‘Worlds Apart’, ‘Foundations’ o ‘The Ghost I Used To Be’ de su reciente trabajo Foundations Of Burden. Eso sí, headbangeamos con ‘Devoid Of Redemption’ como si no hubiera mañana. ¡Cojonudos! SÁBADO 30 De la última jornada, nos quedamos con el soberbio concierto de Swans en el Auditori. Todos los miembros del grupo y sus instrumentos estaban agrupados en el centro del escenario. Todo estaba allí concentrado como si formasen parte de un único ente sonoro multiforme, del que iban surgiendo sonidos cáusticos y lamentaciones. La bestia de Damian Abraham de Fucked Up sabe que sólo necesita saltar del escenario para liarla parda. Su punk con toques indie hace el resto. American Football saldaron con mejor nota la conseguida 125

SLEATER-KINNEY

por sus contemporáneos Mineral. La elegancia de las composiciones de su único álbum sonó intacta más de 15 años después de haberse publicado. Cocción a fuego lento que subió unos cuantos grados cuando sonó ‘Never Meant’, aunque probablemente sería mucho más especial verles en una sala pequeñita. En cambio, Sleaford Mods sí que saben sacarle provecho a cualquier marco en el que se les coloque. Volvieron a conseguir que de allí no se moviera nadie, y eso tiene mucho mérito si tenemos en cuenta que se trata de una propuesta a cargo de un dúo en el que uno de los miembros se limita a moverse con las manos en los bolsillos mientras no deja de beber cerveza, y el otro se encarga de descargar con mala leche rimas con acento de la periferia de Londres. Las locales Mourn se enfrentaban al reto de estar a la altura del hype creado por los constantes elogios de medios como Pitchfork. Seguramente eso y la dimensión del 126

escenario les intimidó un poco, pero teniendo en cuenta su juventud, fue algo totalmente comprensible. Su indie rock noventero sonó vibrante por momentos y más plano en otros, pero desde luego aquí hay madera de la buena. En la que era su primera visita a Barcelona, la adorada Tori Amos optó por presentarse en su versión más íntima acompañada únicamente de su inseparable piano, aunque también sonaba como colchón algún sintetizador y bases electrónicas. Quizá por ser su debut en la ciudad la pelirroja optó por repescar de su repertorio temas de su dilatada carrera, alternado composiciones más barrocas con otras más pop y pareciendo en algunos momentos poseída por su propia música. Quienes llevaban 23 años esperando no quedaron defraudados. Einstürzende Neubauten pusieron la nota posmoderna. Visualmente su espectáculo fue muy agradecido. Volvieron a servirse de utensilios que

no eran instrumentos musicales como tubos de plástico o chatarra, dándole un toque performista muy atractivo. Interpol, por su lado, plantearon un set totalmente killer, con todos sus grandes éxitos presentes. Lástima que Paul Banks no tuvo su mejor noche a nivel de voz. Para el recuerdo quedará el espectacular inicio de concierto, enlazando ‘Say Hello To The Angels’, ‘Anywhere’, ‘Hands Away’, ‘Evil’ y ‘Leif Erikson’. Lo de The Strokes fue otro cantar. Con un Casablancas casi irreconocible, estrenando look nuevo y una gran desgana interpretativa. Los riffs de guitarra fueron monótonos, la batería iba a velocidad de crucero y la voz de Casablancas aburrió hasta a las moscas. También decepcionantes fueron las reunificadas Babes In Toyland, algo a lo que no ayudó que a Kat Bjelland se le cayera la guitarra al suelo y tardara una eternidad en conseguir arreglarla. Por desgracia, su música apareció tan desmejorada como su aspecto físico.

TOUCHÉ AMORÉ Más vale que se engrasen si quieren seguir adelante con su reunión. Sólo necesitamos unos pocos compases de Earthless para que se nos pasara el disgusto. Los californianos estuvieron magníficos con algo que podríamos calificar como stoner jazz psicodélico. Mario Rubalcaba (Rocket From The Crypts, OFF!) se erigió como uno de los mejores baterías del festival con sus continuas cascadas sobre los timbales y el trío pareció que no quería irse del escenario, alargando el final de una súper molona versión de ‘Foxy Lady’ hasta el infinito. Si hay un grupo que todo el mundo sabe que tocará en el Primavera Sound antes de que se anuncie el cartel es Shellac. La máquina de math rock de Steve Albini estuvo más juguetona que en otras ocasiones y material más antiguo como ‘Squirrel Song’ o más reciente como ‘Dude Incredible’ nos sirvieron para coger energías, dedicarnos a hacer maldades y bailar con Caribou y ver el salir el sol con la sesión de DJ Coco en la que sonó Taylor Swift y Iron Maiden del tirón. Con un par. Como conclusión y centrándonos en lo que dieron de sí los conciertos no gratuitos del Fòrum, que se desarrollaron entre el jueves 28 y el sábado 30 de mayo, diremos que no será una de las ediciones más recordadas. Los cabezas de cartel, exceptuando Patti Smith, no acabaron de dar la talla y, en general, se echó en falta un cartel más cautivador.

DEATH FROM ABOVE 1979

NEW FOUND GLORY

AMERICAN FOOTBALL

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DE GIRA

BE PROG! MY FRIEND FEST

11 DE JULIO (POBLE ESPANYOL/ BARCELONA)

a segunda edición del festival Be Prog! My Friend ya está a la vuelta de la esquina. En su cartel se combinan bandas progresivas más clásicas como Camel o IQ, junto a nutrida representación del metal más inquieto como Devin Townsend Project o Meshuggah. También destaca el nombre de Ihsahn. El otrora líder de los fundamentales Emperor, repasará su trayectoria en solitario con una nueva formación. Con él hablamos desde su estudio en Noruega.

¿Qué tipo de concierto y repertorio podemos esperar de ti en el festival Be Prog! My Friend? IHSAHN “Será una ocasión especial para mí. Desde que empecé a tocar en directo siempre había tenido a los chicos de Leprous haciéndome de banda acompañante, pero ahora ellos están muy ocupados, y también porque me apetecía cambiar, tengo una nueva formación. Ahora estamos haciendo ensayos y suena genial. Seremos menos gente en el escenario, 128

sólo cuatro músicos, y he aprovechado para replantearme el repertorio. Tocaremos muchos temas que no hacía con Leprous, o incluso que nunca he tocado en directo. Y también habrá bastantes temas del último disco que saqué”.

nuevo álbum? “Sí. De hecho ahora mismo estoy en el estudio grabando teclados. Tengo como diez maquetas hechas, pero todavía sigo trabajando en ello. No creo que salga antes del año que viene”.

Curiosamente Leprous tocan en el mismo festival. ¿Tenéis pensado hacer alguna colaboración? “La verdad es que no he pensado en ello (risas). Quizá surja algo cuando nos veamos ahí, pero no hay nada planeado”.

Definiste tu último disco Das Seelenbrechen como una especie de anomalía en tu discografía. ¿Qué podemos esperar del próximo? “Será completamente distinto al anterior. En ese momento estaba escuchando mucho a Scott Walker y cosas más experimentales y me apetecía hacer algo en esa línea. No quería caer en viejos hábitos, lo cual es difícil cuando llevas mucho tiempo haciendo esto. Por eso me interesa salir de mi zona de confort. Siempre intento desafiarme, hacer lo opuesto que acabo de hacer. Después de un álbum atmosférico, me gusta hacer algo más rítmico y físico. Seguramente tendrá canciones, no quiero decir pegadizas, pero sí más tradicionales con grandes estribillos. Pero no como los de los 80 (risas)”.

¿Te centrarás en tu material más duro o será un set más experimental? “Creo que principalmente me centraré en el material más duro porque por mi experiencia sé que es lo que mejor funciona en un festival. Normalmente dejo las canciones ambientales para cuando toco en salas. De todos modos habrá un poquito de todo”. ¿Estás trabajando ya en un

AGENDA JULIO Siempre has mostrado mucha libertad musical. ¿Crees que es tu mayor logro, incluso más que la propia música que hayas grabado? “Para mí el mayor logro es podido haberme dedicado a la música desde que tenía 16 años y tener una carrera musical. Sobre todo haciendo algo tan poco comercial como el black metal. Es lo último en la lista que debería hacer si quieres vivir de esto (risas). Va contra todas las normas. Por eso me siento tan agradecido. He podido vivir de lo que es mi pasión desde que era niño. Todavía a veces me tengo que pellizcar para darme cuenta de que esto es real y de que hay gente que quiere verme tocar. Es un gran privilegio”. ¿Disfrutas del salir de gira o para ti tocar en directo es un mal necesario? “No diría que es un mal necesario porque todavía disfruto de ello. Durante un tiempo después de girar con Emperor estaba harto de todo lo que rodeaba una gira y las condiciones de mierda en las que tienes que tocar a veces. Pero cada vez he ido trabajando con gente más profesional y todo se ha ido volviendo más fácil. El objetivo para todos es ofrecer un buen show y eso cambió mi experiencia sobre lo que es salir de gira. Cuando empecé a tocar en solitario, me di cuenta que cuando había escrito las canciones no había considerado para nada que iba a tener que tocarlas (risas). Por suerte los chicos de Leprous me ayudaron mucho a hacerlo posible. Ahora que somos cuatro he tenido que hacer nuevos arreglos de los temas y eso también ha sido interesante. Muchos grupos con los que te encuentras de gira están quemados porque siempre tocan los mismos temas de la misma manera, yo quiero evitar que eso pueda ocurrirme”. El año pasado hicisteis varios shows de 20 aniversario de Emperor. ¿Tenéis intención de volver a tocar juntos en algún momento? “Hablo con ellos casi todas las semanas y seguimos siendo grandes amigos, pero por ahora no hay planes para hacer nada más. Cuando hicimos la reunión en 2006 pensé que nunca más, porque pensaba que todavía no era suficientemente viejo como para vivir del pasado (risas). Pero luego salió la oportunidad de hacer el aniversario y para mí también fue muy excitante poder volver al estado mental de cuando hice esas canciones. La experiencia fue buena y estoy abierto a repetirla, pero como te digo, no hay nada planeado por el momento”. (JORDI MEYA)

ANKLA FEST (BIOHAZARD, CRISIX, SECRET ARMY…) 3-4 MASNOU ARENAL SOUND (THE HIVES, THE KOOKS, MIKA…) 27-2 DE AGOSTO BURRIANA BILBAO BBK LIVE (MUSE, JESUS AND MARY CHAIN, MUMFORD AND SONS...) 9-11 BILBAO CANNIBAL CORPSE 12 PALMA DE MALLORCA, 13 ALMASSERA, 14 MALAGA, 16 VIVEIRO, 17 BILBAO CRUÏLLA BARCELONA (KENDRICK LAMAR, FFS, OF MONSTER AND MEN) 10-12 BARCELONA CORROSION OF CONFORMITY 1 MADRID, 2 BARCELONA DEATH ANGEL 8 ZARAGOZA, 9 MADRID, 10 LA RODA DE ANDALUCIA, 11SAN FULGENCIO, 12 BARCELONA ERIC SARDINAS 16 BARCELONA, 17 LLEIDA, 18 GETXO FIB (BLUR, PORTISHEAD, THE PRODIGY…) 16-18 BENICASSIM FRUSTRATION 27 BARCELONA HARD ROCK RISING (KINGS OF LEON, ROBBIE WILLIAMS, LENNY KRAVITZ) 24-25 BARCELONA JUDAS PRIEST 25 SANTA COLOMA DE GRAMANET 26 RIVAS GOJIRA 11 BILBAO, 12 MADRID, 15 BARCELONA KRISTONFEST (GOJIRA, THE OCEAN, TOUNDRA…) 11 JULIO LENNY KRAVITZ 18 GIJÓN, 20 MADRID, 25 BARCELONA PAUL WELLER 1 MADRID, 2 BARCELONA RED CITY RADIO 6 BARCELONA, 8 OVIEDO, 9 MADRID, 10 BLANES REDD KROSS 23 GIJÓN, 24 BILBAO, 25 PUERTO DE SANTA MARIA, 29 MADRID, 30 VALENCIA RESURRECTION FEST (REFUSED, MOTÖRHEAD...) VIVEIRO 16-18 ROCK FEST (SCORPIONS, JUDAS PRIEST, ACCEPT) 23-25 SANTA COLOMA DE GRAMANET THE RUMJACKS 27 SANT FELIU DE GUIXOLS, 28 MADRID, 29 BARCELONA SKULLS OF METAL (WOLF, ENTHRONED, STORMZONE…) 18 JAÉN SLASH 7 MADRID, 8 BARCELONA US RAILS 2 BARCELONA, 3 VALENCIA, 4 ZARAGOZA, 5 BILBAO, 6 ALDEA DE SAN MIGUEL, 8 CANGAS DO MORRAZO, 9 SANTANDER, 10 AVILÉS, 11 RIAZA VINTAGE TROUBLE 10 BARCELONA, 11 BILBAO, 12MADRID

AGOSTO THE DETECTORS 31 BARCELONA GUTTERMOUTH 11 BARCELONA, 12 ALICANTE, 13 ALMERIA, 14 MADRID, 15 GIJÓN LEYENDAS DEL ROCK (KREATOR, HALESTORM…) 5-8 VILLENA LOCH VOSTOK 28 BARCELONA MARK LANEGAN 23 PAMPLONA

ROGER HARVEY