RockZone 118 by ROCKZONE

ROGER HARVEY

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Foto: Hevy Fest © Rubén Navarro

EDITORIAL Tenemos que empezar este mes dando una vez las gracias a todos nuestros lectores. Concretamente a los 39.218, que a fecha de cerrar esta edición, habían leído, ya fuera a través de su tablet, móvil o pantalla de ordenador, la revista de septiembre. Son los mejores datos que hemos tenido en 2015 y otra muestra más de que la familia de RockZone sigue creciendo desde que dimos el salto al mundo digital. Esperemos que este nuevo número con entrevistas a Slayer, Clutch, Bullet For My Valentine y nuestros dos Franks favoritos tenga tan fabulosa acogida. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 118

7 / INTERFERENCIAS

32 / FRANK CARTER

48 / SLAYER

58 /

70 / CRร TICAS

96 / FRANK TURNER

110 / MICHAEL MONROE

118 / EN DIRECTO

BULLET FOR MY VALENTINE

38 / FIVE FINGER DEATH PUNCH

42 / CLUTCH

62 / ESPECIAL FOTO

68 / DISCO DEL MES

100 / BACKYARD BABIES

104 / CATTLE DECAPITATION TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A

128 / DE GIRA

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

SUMARIO

Nยบ 118

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_DEFTONES SI NADA SE TUERCE, EL 20 DE NOVIEMBRE POR FIN DEFTONES PUBLICARÁN SU OCTAVO ÁLBUM DE ESTUDIO. ¿EL ÚNICO PROBLEMA? QUE TODAVÍA NO SE HAN PUESTO DE ACUERDO EN CÓMO TITULARLO.

espués de una gira veraniega por Estados Unidos junto a sus colegas Incubus, Deftones terminaban de mezclar y masterizar su nuevo álbum en el que llevaban trabajando desde principios de 2014. Es habitual que el grupo de Sacramento se tome las cosas con calma y esta vez tampoco ha sido una excepción. En parte se debe a que trabajaron colectivamente, con los cinco miembros aportando ideas y a que decidieron darle una vuelta más a sus composiciones. Dieciséis en total. Según ha declarado el vocalista Chino Moreno “si algo sonaba demasiado directo, le dábamos un giro y lo hacíamos un poco más complicado. Probábamos algo completamente opuesto, no para sabotearlo, si no para desafiarnos a nosotros mismos y probar nuevas cosas que no habíamos hecho en el pasado”. Aún así, aseguraba también el disco sigue sonando a Deftones y que contiene los elementos que les hace reconocibles. Pre-

guntado sobre el tono del disco, el cantante decía que refleja muchos estados de ánimos distintos: “No es un disco feliz, pero tampoco es completamente cabreado”. El álbum ha sido producido por Matt Hyde (Slayer, Monster Magnet) y cuenta con la novedad de que Sergio Vega ha grabado con un bajo de seis cuerdas. “La manera en que su frecuencia funciona con la frecuencia de mi guitarra y con la de la guitarra de Stef (Carpenter) ha moldeado un sonido que es nuevo para nosotros”, ha comentado también Moreno. Pese a que el grupo colgó una fotografía en el estudio junto a Bill Ward, el batería original de Black Sabbath, no está presente en el disco. Quien sí aparece es Jerry Cantrell de Alice In Chains quien grabó una parte de guitarra para un tema cuyo título todavía no ha trascendido. De hecho, tampoco el título del álbum se ha hecho público. Un detalle menor, pero imprescindible, para que la fabricación del disco se ponga en marcha.

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACIÓN DIARIA

DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ LISTAS

irar las listas de ventas de discos en España suele ser sinónimo de entrar en depresión. Ver que nombres como los de Pablo Alborán, Alejandro Sanz o Melendi siguen coronando los primeros puestos como si la música fuera sólo eso, hace que te cuestiones si hay vida inteligente ahí fuera. Pero la última semana de septiembre ocurrió algo extraordinario. Una tal Rozalén ocupaba el primer puesto, y ahí seguían los sospechosos habituales, pero en el nº 5 encontrábamos a Iron Maiden con su Book Of Souls (que dos semanas antes habían conseguido el nº1), en el 7 a Slayer con Repentless y en el 10 a Bring Me The Horizon con That’s The Spirit. ¡Tres discos de rock y metal en el Top 10! Ya lo sé, seguramente las cifras de ventas combinadas entre los tres no den para mucho, y quizá la próxima semana hayan caído un montón de posiciones, pero ni que sea por un segundo he tenido la alegría de vivir en un país normal. Y os aseguro que visto cómo está el panorama desde hace años, eso es algo de todo menos normal. Y si no que se lo pregunten a Berri Txarrak quienes de nuevo han sido objeto de una campaña dirigida por el PP de Zaragoza propia de regímenes escasamente democráticos. (JORDI MEYA)

TWITEANOS...

INSTANTGRAMO

@MarcosWeirdo @cancerbats ayer noche geniales como siempre ayer en la sala Bóveda en el aniversario de RockZone @elecualizador Gracias por estos 10 años y por hacer posibles estos bolazos. Mil gracias @RockZone !!! #cancerbats @JoanLuna Felicidades @RockZone! Muy bien el aniversario y @ThisDrama Wilderness y @cancerbats @binauralblog Feliz décimo aniversario de @RockZone. Les debemos mucho. Sin ellos jamás habría existido nuestra web. Son grandes :) @AndresDerrick Los @cancerbats molan mazo neng. @CanibalApolo Felicidades por esos 10 añazos de guitarrazos @RockZone we love (and play) #Rock too! Por muchos más. @JoaquinPutoAmo A quien me regale la entrada de MUSE le regalo un minuto de sexo alocado conmigo @merimath @RockZone @NeoxRocks puffff muchisimas gracias de verdad, que regalazo de cumpleaños os habéis marcado. 8

El día que conocí a Billy Rymer (batería de The Dillinger Escape Plan) fue uno de los más emocionantes de mi vida. Es un chaval súper humilde y agradecido, y eso a los fans nos encanta. (FLORENCIA PEZZOLA)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

Hola Ritxi. Si algo tiene RockZone es que es la primera revista del rollo que apuesta por cosas nuevas sin miedo, son los Parkway Drive o los Bring Me The Studio de la prensa musical. Ya podemos ver colaboraciones con gente como “Jordi Wild” o “Liberty Mario”, sí, “Youtubers de esos” -decidlo con desprecio, que os mola-. Hace años que dejé de seguir ese tema, y la verdad es que no entiendo el hate/ admiración que ahora le rodea, quizás porque nunca he sentido ni lo uno ni lo otro. Yo preferiría que mis hijos viesen a el Rubius, que Telecinco, que vayan a conciertos antes que a discotecas de tarde o que jueguen todo el día al Minecraft en vez de estar por ahí con según qué tipo de gente. Como siempre, hay excepciones, y aunque os parezca mentira, dentro de YouTube hay gente de diez que sin quererlo o sin saberlo están aportando más de lo que pensamos a las nuevas generaciones. Los chavales están hiperintoxicados mediáticamente por música de mierda, y si algunos de sus “ídolos”, como Mario, Jordi o Kajal (por ejemplo) les van colando pinceladas de rock y metal lo hemos de dar por bueno, porque probablemente no les habría entrado esta música por ninguna otra vía. Vamos a ver las cosas más positivamente y a dejar de ser tan criticonas. (MARIUS TIBERIAN)

DEMO-LEDORES_POR PAU NAVARRA GAUA UNEARTHLY SORROWED VISIONS

BLACKENED

CRUZ

CARNE CONDENADA

CRUZ

(AUTOEDITADO)

(RAW WAR TAPES)

Gaua, ‘noche’ en euskera, es un proyecto black metal y ambient del que sólo se conoce que L se ha encargado de componer, ejecutar, diseñar o grabar todo lo que envuelve esta media hora de música. El trabajo se inicia con la instrumental ‘Lament Of A Star’, que ha quedado demasiado bonita para mi gusto, pero ‘Ulalume’ despega con raw black de la vieja escuela, aunque de nuevo ciertos desarrollos se me antojan demasiado luminosos para la desmedida oscuridad que suelo buscar en este tipo de propuestas. ‘Nihil Verum’ es Burzum primera época, luego incluso tiene alguna guitarra post metal, pero donde el artista lo borda es en ‘Gaua I’, casi 14 minutos de viaje a lo Vinterriket o Ildjarn que recurren al sintetizador. Habrá que trabajar más ese rasgado, dejarse de tantas melodías quizá, pero seguro que las 66 copias de esta demo que se pusieron a la venta la pasada Noche de Difuntos están volando. Si quieres una, escribe aquí: gauabm@gmail.com

Ante este EP de Blackened me han aflorado sentimientos enfrentados. Por un lado, la pegada que demuestran cuando tiran de partes gritadas y fortaleza groove metal me ha atraído y mucho, pero luego, con un cambio de tercio tan radical como el que protagonizan sus estribillos limpios y coros melódicos, más propios del metal alternativo, la verdad es que me han echado para atrás. Seguramente esta banda de Arrecife, Lanzarote, opina que ése es precisamente su punto fuerte, esta dualidad tan marcada, pero la realidad es que en este país hay dos millones de bandas pensando exactamente lo mismo, con lo que, desde finales de los 90, tengo la sensación de oír una vez tras otra el mismo trabajo. Modo bucle. Esto que he resaltado adquiere su mayor nivel con ‘Crucifixión’, pero tampoco puede decirse que ‘Último Abrazo’ o ‘Desolación’ sean malos temas. Eso sí, personalmente necesito mucha más originalidad. Que se renueve esta escena pero ya.

Y de pronto en el submundo extremo de Barcelona sólo se habla de Cruz. Nivel Ósserp casi ya… ¿Y por qué? Pues porque, como ésos, Cruz también molan un huevo. La peña quiere desparramar y death old school, y eso esta gente te lo da con creces. Además provienen del crust, con lo que la parte necesaria de punk también te la incrustan con mugre y muy mala idea. Por si fuera poco, aquí canta y mezcla Vali, actualmente vocalista de los citados compañeros de escena, así que la bestialidad al micro está servida, con algunas curiosas inflexiones vocales también. Ahora el frontman es Xavi, un habitual también en Execució y que formó parte de Tort, pero si quieres comprobar cómo sonarían los primeros Dismember o el Left Hand Path de Entombed con el punto Perros Callejeros que les da berrear en castellano, ‘Culto Abismal’, ‘Intruso’, ‘Pesanta’ o ‘Declive’ te van a poner a tope. Corre a por tu cinta.

www.blackened.es

bum/raw-005-cruz-s-t-demo

https://rawwartapes.bandcamp.com/al-

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1ºB 08005 BARCELONA 10

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> JOAN QUERALT INTERPRETA ‘REDNECK AGENDA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

elcome Home (RHRN) es el segundo álbum en solitario de Joan Queralt, pero primero que firma con su nombre después de haberse presentado anteriormente como Johnny Card. Aunque el músico barcelonés había tocado en diversas bandas como guitarrista y batería, hace cinco años descubrió que también se le daba bien lo de cantar. “Empecé haciendo versiones que me gustaban y un día empecé a hacer temas míos”, nos explica en nuestra redacción. “Ignasi (Miranda), el productor de los dos discos, me dijo que se los tocara, le gustaron y me dijo que me los grababa. Yo pensaba usar mi nombre, pero no estaba muy seguro de si duraría mucho, entonces decidí usar el nombre de Johnny Card. Pero a medida que fui tocando y convenciéndome de que esto era lo que quería hacer, pensé que quizá debería haber usado mi nombre. Y por eso, cuando he sacado el segundo disco, lo he hecho”. Las ocho canciones de Welcome Home presentan un sonido

básicamente acústico influenciado por el rock y el folk americano. “Creo que tiene un poco de todas las bandas donde he estado”, asegura Joan. “Estuve en un grupo de rock sureño, en muchos grupos más grunge y stoner, de hardcore, de pop psicodélico… Siempre bastante variado. Pero con el rollo acústico me puse hace bastante tiempo cuando empecé a escuchar delta blues. Luego me interesé por el blues de Chicago, el rock sureño… pero si me preguntaras cuál es mi influencia principal te diría más el rock de los 90 o incluso Sepultura antes que Bob Dylan”. Otra figura que revolotea por sus temas es la de Jack White. “Es un tío que suena antiguo, pero que lo ha revolucionado todo. Para mí también es una influencia. Hay temas como ‘U-hu’ o ‘Never Go Away’ en los que se nota que me gusta”, reconoce. En el álbum, Joan se ha hecho acompañar de Ignasi Miranda (guitarra eléctrica), Guillem Mora (bajo) e Iván Morales (batería), así como de Anna Andreu de Cálido Home en los coros. “He

coincidido con Cálido Home en varios festivales y siempre me ha flipado cómo canta. Buscaba una voz femenina para ‘Never Go Away’ y algunos coros. En un primer momento pensé en Merry Clayton (la mítica corista que grabó ‘Gimme Shelter’ de los Stones –ndr.), pero era más difícil (risas). Así que pensé en Anna y como Guillem, el bajista, es muy amigo suyo, la atacamos por dos frentes. La verdad es que lo grabó todo en un momento, fue un gustazo”. A sus 36 años y con la experiencia acumulada, Joan es realista a la hora de ponerse metas, pero desde luego la ilusión no se la quita nadie. “Modestamente, creo que tengo un sitio. Como yo, somos muchos los que estamos nadando contracorriente. A mí me flipa tocar en directo, es lo que más gusta, y el disco lo veo como una herramienta para conseguir conciertos e intentar proyectarme hacia fuera, porque este estilo aquí tampoco tira mucho. Pero por primera vez, escucho el álbum y me deja contento. Nunca me había pasado antes”.

QUEENSRŸCHE

HEART OF A COWARD

NEW YEARS DAY

Los pioneros y reyes del metal americano regresan con más fuerza que nunca. Con la voz de Todd La Torre dando una lección de maestría como cantante y unas guitarras que regresan al pasado de la banda. Producido por Zeuss (Rob Zombie, Hatebreed, Sanctuary). ¡IMPRESCINDIBLE!

El brutal tercer álbum de la banda de metal moderno más rápida de la escena británica. Perfecta para los fans de bandas como Pantera, Slipknot o Meshuggah.

Heavy Rock gótico liderado por la carismática cantante Ashley Costello que no dejará indiferente a nadie… ¡Contagioso, pasional y asesino!

¡A LA VENTA EL 2 DE OCTUBRE! Disponible en edición limitada en CD digipak, CD jewelcase, 2LP y en digital.

¡A LA VENTA EL 2 DE OCTUBRE! Disponible en edición limitada CD jewelcase O-Card y en descarga digital.

¡A LA VENTA EL 2 DE OCTUBRE! Disponible en edición limitada 2CD digipak y en descarga digital.

CONDITION HÜMAN

MALEVOLENCE

www.ANOTHERCENTURY.com

DELIVERANCE

www.CENTURYMEDIA.com

PISANDO FUERTE_ LIZZIES FORMACIÓN: Elena (voz), Patricia (guitarra), Marina (bajo), Saray (batería) PROCEDENCIA: Madrid AFINES A: Iron Maiden, Judas Priest, Girlschool PRESENTAN: Viper (Holy Cuervo)

“SIEMPRE NOMBRAMOS A TRES DE NUESTRAS INFLUENCIAS: JUDAS PRIEST, MOTÖRHEAD Y IRON MAIDEN. NO ES QUE SONEMOS EXACTAMENTE COMO ELLOS, PERO TODOS TIENEN COSAS QUE NOS HAN CALADO MUY HONDO”

anzar las campanas al vuelo con una banda que apenas ha editado un par de demos y un single puede pecar de optimista, pero es tal el soplo de aire fresco que están aportando Lizzies en la escena patria del heavy metal, que es complicado por momentos moderar la euforia. No han inventado nada, al fin y al cabo lo suyo bebe del heavy tradicional, de influencias de miles de bandas, pero hay algo en este cuarteto madrileño, y no nos referimos sólo al hecho de que sean cuatro chicas de apenas 20 años, que hace que entendamos por qué están destacando por encima de la media. Patricia y Marina (guitarra y bajo respectivamente) de una banda que se completa con Elena (voz) y Saray (batería), empiezan explicándonos el porqué de su nombre, inspirado en The Warriors, película que, por otra parte, se estrenó cuando a las cuatro componentes del grupo aún les quedaban unos cuantos años para ver la luz en este mundo. “Efectivamente, ninguna había nacido por aquella época... (Risas) La película nos enamoró cuando la vimos y desde que empezamos con el grupo tuvimos claro cuál sería el nombre. Más que sentirnos identificadas con ellas, nos gustó mucho el ambiente de su local, con el billar, la música, la bebida... y nos pareció buena idea poder tener un trocito de la peli en nuestra banda”. Esa

respuesta explica uno de los puntos clave del grupo: la actitud. Una actitud que se demuestra desde una imagen sin florituras, sin poses, totalmente sincera. “La verdad es que solemos salir al escenario más o menos como vamos vestidas normalmente. No queremos aparentar nada, ni llevar un disfraz, ni crear unos personajes, somos nosotras mismas, ¡y nosotras nos vestimos así!”, aclaran ambas. Lo mismo ocurre con su sonido directo y contundente. Sin que debamos confundir la falta de artificios en la producción con un mal sonido, las premisas básicas de la banda están muy lejos de ese metal sobreproducido, y a la vez falto de matices, que escuchamos una y otra vez en muchos discos actuales. Tienen claras sus influencias y hacia dónde quieren ir. Patricia y Marina admiten sin complejos que les encanta que les relacionen con sus grupos de cabezera. “Siempre nombramos a tres de nuestras influencias: Judas Priest, Motörhead y Iron Maiden. No es que sonemos exactamente como ellos, pero todos tienen cosas que nos han calado muy hondo. Sí que es cierto que muchas veces nos dicen que tenemos saborcillo a la NWOBHM, lo cual es normal al hacer el estilo que hacemos, y la verdad es que nos alegra. Que te digan que les recuerdas a una época musical tan buena como aquella es un buen piropo”. El primer ejemplo serio del sonido

Lizzies viene de la mano de ‘Viper’, tema que da título a su primer 7” y que viene acompañado de una versión de ‘Doctor Doctor’ de UFO, tema icónico donde los haya y del que salen bastante airosas. ¿Hasta qué punto ‘Viper’ es representativo del sonido del grupo? ¿Irá el álbum en esa misma línea? “Había pasado bastante tiempo desde que publicamos una demo y un EP autoeditados, y no sentíamos que siguieran representándonos. Así que queríamos dar un aperitivo de lo nuevo en lo que estábamos trabajando. ‘Viper’ surgió de manera bastante natural y rápida y nos pareció una buena muestra de la nueva etapa del grupo, pero creo que es un poco difícil elegir sólo una canción que nos represente. ‘Doctor Doctor’ era una versión que a veces tocábamos y nos daba buen rollo, así que pensamos que podría ser una buena opción para la cara B del single”. Con el single ya funcionado, un álbum prácticamente acabado que verá la luz a finales de este año o principios del que viene, y la banda tocando allá donde puede -acaban de completar una gira estatal junto a Imperial State Electric y abriendo grieta en el mercado internacional-, parece que el futuro a medio plazo de Lizzies puede mirarse con optimismo.

DE CINE_CON KIKO VEGA LOVE & MERCY

LAS DOS CARAS DE BRIAN WILSON

ienvenido seas, Bill Pohlad, al mundo de las estrellas del rock con serios problemas vitales! Olvídate de Ray, de Cash o de documentales de fin de curso sobre atormentados suicidas: Love & Mercy es una vitalista, elegante y muy arriesgada incursión en la vida de uno de los mayores genios de la historia de la música moderna, Brian Wilson. El guión de Oren Moverman y Michael A. Lerner se centra en los dos momentos más importantes en la vida del genio detrás de los Beach Boys. Por un lado,

la creación de esa locura de trabajo que es Pet Sounds, con decenas de matices sobre su vida que no están, pero sí están (la relación enfermiza con su padre, la desconfianza de sus familiares y compañeros de banda, el comienzo de una grave crisis mental), y con un Paul Dano que se deja la piel (y la voz) encarnando al Wilson de entonces. Por el otro, con un John Cusack clavando los tics del Wilson adulto, tenemos su segunda relación enfermiza (Paul Giamatti, qué hijo de puta como el doctor Eugene Landy) y la que fue y sigue siendo su tabla de salvación, esa desinteresada y enamoradiza Melinda Ledbetter interpretada por la siempre interesante Elizabeth Banks. Impresiona el trabajo de guión, condensando en menos de dos horas toda la vida a través de dos momentos y obviando el cliché del músico adicto. Wilson tuvo sus problemas, pero su mayor adicción sigue siendo la vida misma.

AMERICAN ULTRA FUMARSE UN MACGUFFIN

Una pareja de fumetas (de nuevo la pareja Eisenberg-Stewart tras la blandita Adventureland

ax Landis, de momento, no despega como prometía tras Chronicle (Josh Trank, 2012), a la espera de la inédita Me Him Her (dirigida también por él) y los guiones para Paco Cabezas (Mr. Right, que intentaremos ver en Sitges) y la esperada Victor Frankenstein de Paul McGuigan. Charlatán de YouTube, twittero superstar y siempre polémico, Landis no ha firmado aún ese guión que le sitúe como cabeza visible de su generación. American Ultra, sus últimas letras estrenadas al servicio de la película de Nima Nourizadeh (Project X), sorprenden, claro, por su alto contenido en violencia gráfica, propia de los mejores y más bizarros momentos de autores de cómic como Mark Millar o Garth Ennis, pero derrapa cuando pretende innovar en el (sub)género de espías de memoria borrada. Y lo hace desde el punto de partida, el más decepcionante MacGuffin de los últimos años.

de Greg Mottola) se mete en problemas cuando el gobierno decide eliminar al chico, un antiguo experimento militar entrenado para matar. Una de las cosas que más escuece de la cinta es la poca importancia otorgada al, a priori, gran acierto de la trama: un agente (ultra) secreto busca refugio en la marihuana para seguir viviendo. Hay apuntes, claro, como el hecho de que ahora recuerde la última hora y media (los fumadores saben de qué está hablando), pero visto el resultado, la marihuana no es ningún valor añadido. La pareja podía ser pastelera, ebanista o rockera. El resto es un reciclaje puro y duro de la extraordinaria Memoria Letal (Renny Harlin, 1996) que Shane Black vendió entonces como el guión más caro de Hollywood. American Ultra es un remake de aquélla, mucho más divertida (y casi igual de violenta) al tratarse de una madre de familia de vida gris que pasaba los días criando a sus hijos y preparando copiosas cenas de Nochebuena. Podríamos decir que Landis decide fumarse el MacGuffin y apostar por la vertiente más retro del thriller de acción que tanto alquilábamos en el videoclub, aunque a medida que avanzan los minutos se destape un tópico detrás de otro en esta pequeña y entretenida aventura de acción.

DE CULTO_MICK RONSON DISCO BÁSICO: Slaughter On 10th Avenue (1974)

AFÍN A: David Bowie, Ian Hunter, Marc Bolan

i hay un gran guitarrista de los 70 que haya pasado desapercibido a nivel mediático, ése es Mick Ronson. Gracias a él Bowie pudo dar forma a las arañas de Marte y crear su alter ego definitivo, Ziggy Stardust. Es icónica la foto de Mick Rock en que Bowie parece realizar una felación a la guitarra de Ronson. En una entrevista en esta revista, el grupo Capsula decía de él que era “un músico total, no sólo con la guitarra. En directo brillaba con su sonido Les Paul furioso y a la vez refinado. En estudio, es increíble la interpretación de piano en ‘Lady Stardust’ o ‘Five Years’. Fabuloso en los arreglos de cuerdas y orquestales. Dicen que Bowie le tarareaba algunas melodías y Ronson directamente escribía los arreglos”. Su carrera tuvo muchas etapas; llegó a girar con Dylan con el Rolling Thunder Revue, fue compañero casi inseparable de Ian Hunter, produjo a Morrisey… y sacó tres discos, cuyo debut, de 1974, Slaughter On 10th Avenue, es todo un clásico entre los obscuros objetos de deseos del glam. Juega en la misma liga que Bowie, Bolan o Jobriath. Sólo hace falta

escuchar su interpretación de ‘Love Me Tender’ para caer rendidos ante un talento increíble y, por desgracia, olvidado por las masas que arrastran los festivales hoy en día, o esos músicos que ponen en su boca a Bowie como inspiración en cada entrevista. Mick Ronson tenía presencia, una forma propia de tocar la guitarra. El mismo año que publicó tan sobresaliente obra estuvo de gira con Mott The Hopple. Su siguiente Play Don’t Worry, siendo inferior, sigue siendo una delicia sólo para paladares finos. Desgraciadamente, su tercer disco Just Like This no se editó más que póstumamente al abortarse las sesiones por parte de la discográfica. Su último disco grabado en vida es más bien anecdótico. Falleció en 1993. Quedémonos con su última actuación, en el tributo a Freddie Mercury, recordando las palabras de su amigo y admirador Joe Elliot, vocalista de Def Leppard: “Lo que más me entusiasmó como fan, fue escuchar a Mick Ronson en ‘Heroes’, en frente del escenario, esa diabólica guitarra inicial. Fenomenal. Encantador tipo…”. (IGNACIO REYO)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, JORDI MEYA FOTOS: DR

LSD FLASHBACKS Timothy Leary (ALPHA DECAY)

a llegado el momento de poner el interruptor interno a máxima potencia! Escuchad,

o bien pasáis el resto de vuestra vida

como extras mal pagados de la película documental en blanco y negro de algún otro, o bien os convertís en productores de vuestra propia película: dirigís, ponéis el guión, elegís los

Hendrix y John Lennon colaboraron en el disco para lanzar su

personajes y escogéis las localizaciones de la peli más grande

campaña a gobernador de California. Convertido en gurú de la

jamás rodada basada en hechos reales”. Con arengas como

contracultura y de la revolución pacífica, Leary fue perseguido por

ésa, Timothy Leary defendía el uso responsable y controlado

el gobierno, por la CIA y el FBI; cuando lo enchironaron, llegó

del ácido y otras drogas psicodélicas. En su autobiografía, el

a compartir cárcel con Charles Manson. También estuvo en Alta-

apóstol del LSD necesita 700 páginas para narrar sus experien-

mont y nos cuenta su versión de los hechos del tristemente famoso

cias para lograr la expansión de la mente y de la consciencia;

bolo de The Rolling Stones y los altercados con los Ángeles del

por ejemplo, alternaba con toda la generación beat (Kerouac,

Infierno. Una vida de lo más intensa y emocionante, gracias, en

Ginsberg, Burroughs y Cassady se colocan con él), después Jimi

parte, a las drogas.

MUDDY ROOTS MUSIC Manuel J. González (AUTOEDITADO))

anuel J. Gon-

tura en partes idénticas con una introducción, una entrevista

zález, colabo-

en profundidad y un repaso a la discografía de cada uno de

rador

habitual

ellos. Puede que algunos nombres os resulten familiares, como

de la revista Popular 1 y una

los de Bob Wayne o Scott H. Biram, pero también os servirá

de las personas que más

para descubrir a otros menos conocidos como Joey Allcorn o

caña nos ha dado en el foro

The Goddamn Gallows, así como un montón de anécdotas e

de Zona-Zero bajo su alias

influencias que ellos mismos cuentan. La inclusión de artistas

Dryuss72, publica su primer

nacionales como Th’ Booty Hunters o Dead Bronco o del suizo

libro en el que propone un

Reverend Beat Man dejan claro que la escena no se limita a

viaje al underground de la música norteamericana de raíces,

una zona geográfica en concreto. Desde luego, se nota que el

inspirado en los múltiples viajes que el autor ha hecho al otro

libro está hecho desde su pasión por esta música, lo cual dis-

lado del Atlántico. Planteado como un escaparate de 19 fi-

culpa algunos otros fallos de tipo más formal y cierta reiteración

guras claves de esta escena (18 músicos más Jason Galaz,

al tratarse de músicos con un background parecido. A disfrutar

promotor del festival Muddy Roots Festival), el libro se estruc-

con un buen vaso de bourbon al lado.

BAILA CONMIGO TOMO 1 LEWIS Y VV. AA.

(LAS CREADORAS DEL CAOS /AUTOEDITADO)

Baila Conmigo es un proyecto escrito y coordinado por Lewis (guionista y escritor) -con dos novelas ya en su carrera, La Mano Del Gigante y Meils Desde La Ciudad, ambas autoeditadas- que para la ocasión se ha rodeado de autores de reconocido tirón tanto en la red como en el medio físico. Recopila varias historias cortas de género negro en el que cada autor aporta su visión de la pareja de sicarios protagonistas, tocando diferentes palos, pero siempre manteniendo la cohesión interna con la historia. El tomo, de 130 páginas, puede solicitarse desde el blog del autor: lascreadorasdelcaos.blogspot.com.es SG

LOS CABALLEROS DE LA ORDEN DE TOLEDO

Javierre y Juanfran Cabrera (ARIAN/AUTOEDITADO)

Tercera entrega de uno de los tebeos más arriesgados e interesantes de los últimos años. En esta ocasión toca presentar a Unamuno dentro del universo que los autores han recreado para contar la historia de algunos de los protagonistas de la Generación del 27. Las licencias artísticas se solapan a la perfección con las referencias y documentación histórica, siendo esta entrega una de las más oscuras y profundas, que pone el punto y aparte que da paso al acto final de la narración. SG

BARRY KOJONEN: EN EL ESPACIO NADIE PUEDE OIRTE GEMIR

AMOR LOCO Y OTRAS HISTORIAS

Ralf Köning

Paul Dini y Bruce Timm

(LA CÚPULA)

(ECC)

Secuela de Estación Espacial Deseo y nueva entrega de las vidas de Konrad y Paul, las fantásticas creaciones del autor alemán que forman parte de nuestro imaginario comiquero. Apoyándose de nuevo en la narración paralela entre la vida de los protagonistas y la novela de sci-fi erótica que articula el trabajo, alterna entre el formato cómic y el narrativo cuando el gag lo necesita, funcionando a las mil maravillas la cotidianeidad de las escenas y los ricos diálogos. Una lectura deliciosa y divertidísima. SG

El 26 de septiembre se celebró el Batman Day y desde estas páginas nos sumamos a la iniciativa recomendando una de sus obras pop icónicas de los 90. Amor Loco es la introducción en la continuidad de Batman de Harley Quinn, personaje creado para la serie de animación de la que fueron responsables Paul Dini y Bruce Timm, quienes se encargaron también de este trabajo, que recibió importantes galardones. Viene acompañada de otro de los anuales en los que colaboraron juntos y varias historias cortas. Obligado. SG

EL CAZADOR DE SONRISAS

GAMEBOYLANDS

(GRAFITO)

(WEBCÓMIC

Agustín Ferrer

Bonache

/AUTOEDITADO)

Agustín Ferrer construye con línea clara y colores vivos un thriller ambientado en los primeros años 60 de la Guerra Fría protagonizado por un dentista de oscuro pasado y retorcidas obsesiones. Todas las referencias visuales e históricas, así como detalles de la trama, están perfectamente integradas, mostrando el autor un pulso soberbio y control exquisito de la narración, que lleva hasta las últimas consecuencias el drama grotesco con el que este álbum golpea a quien se acerca. De lo mejorcito de este 2015. SG

Bonache, uno de nuestros más prolíficos ilustradores y dibujante de cómics, realiza GameBoyLands, toda una declaración de amor en forma de tebeo sobre videojuegos míticos de Game Boy. Se trata de un webcómic que todo niño/ adolescente de los 90 sabrá apreciar y que en breve será un tomo físico de 70 páginas repletas de gags, chistes y homenajes a los juegos de la portátil monocroma de Nintendo. Las tiras, en gloriosos cuatro tonos de verde DOT MATRIX, pueden leerse en gameboylands.com SG 23

TOI’S IN THE ATTIC Y MURIERON CON LAS BOTAS PUESTAS

ola amigos! Posiblemente cuando leáis estas líneas esté borracha celebrando mi cumpleaños. Me hago mayor, lo noto en las resacas, pero a diferencia de muchas personas, disfruto de la vida con mucha más intensidad que cuando era una cría. Supongo que porque cuando ya has pasado la fase de descubrir cosas, es lo que toca. Hace 15 años mi padre me dijo que debía dejar de ir a conciertos, porque ya era hora de centrarme en la vida real. Obviamente no le hice ni puto caso. Después de asumir y aceptar que soy una causa perdida, recientemente me lanzó la siguiente pregunta: “Toi, ¿dejarás de ir a conciertos en algún momento?”. Y mi respuesta fue contundente: “Mientras pueda ir por mis propios medios, aunque sea con un bastón o un walker, nunca”. Y estoy convencida, claro. Esto me lleva a pensar en las carreras de bandas y artistas que me gustan, y que por supuesto tampoco son inmunes al paso del tiempo. Actualmente saltan noticias de giras de despedi-

da de bandas míticas como Black Sabbath y Mötley Crüe, que han decidido poner punto final a sus carreras, en un estado más o menos digno, decisión que me parece coherente al margen de otros posibles motivos internos. Y luego hay otros casos, como el de Johnny Winter, cuando lo vi hace año y medio, y que poco después murió. Recuerdo a su mánager subiéndolo al escenario y ajustándole hasta la correa de la guitarra porque el albino apenas tenía movilidad. Os aseguro que fue duro presenciar aquello. Por mucho que nos hagan creer que Lemmy es indestructible, no hay duda de que su llama se está apagando, y se niega a tirar la toalla, sigue girando (y cancelando) con su banda, e incluso se está cuidando. ¡Ha dejado el whiskey por el vodka! ¿Necesidad, pasión o llevar el peso de un personaje demasiado lejos? No lo tengo claro, pero quizás la edad me haga pensar que no quiero ver morir a rockeros con las botas puestas. (TOI BROWNSTONE)

suficiente como para poder disfrutar de bandas como Cathedral o The Melvins. Ban-

ste mes el elegido para mi Hall Of Fame particular es Earth 2: Special Low Frequency Version de Earth. Cuando escalas una montaña y llegas a la cima, lo único que puedes hacer, después de eso es ir para abajo. Lo mismo pasa con las velocidades endiabladas, lo único que te queda, llegado cierto punto, es ir más lento, jodidamente lento. Hace unos meses hablé sobre el giro radical que dio Lee Dorrian después de Napalm Death creando la fúnebre banda doom Cathedral. Dorrian supo crear un engendro que me atrapó totalmente. Asistido con la colaboración inestimable de la marihuana, fui capaz de calmar mi fuerza bruta juvenil, de manera 26

das que sigo disfrutando hoy en día. Por descontado, una vez has entrado en ese tipo de bandas, la necesidad de encontrar bandas lentas, que incluso hacían parecer rápidos a The Melvins, se convierte en una prioridad. Esa banda lenta fue Earth. Earth fue un grupo que, al menos para mí, editaron un gran álbum. Su disco de debut, titulado 2, fue descrito apropiadamente por su líder, Dylan Carlson, como ambient metal. Podríamos hacer un símil diciendo que este álbum hace parecer a los caracoles, guepardos. Así de lento es. Es un drone de guitarra lento y aterrador. No hay batería y la más corta de las tres canciones dura 15 agónicos minutos. Gente, como un servidor, solía ponérselo para ir a dormir. Es definitivamente uno de los mejores discos editados después de obras como Abbey Road, Exile On Main Street, Master Of Puppets y Paranoid, discos de los que no he hablado desde que escribo esta columna en

RockZone. Al menos, no que yo recuerde. Earth fue el nombre original que se puso una banda de Birmingham, Inglaterra, antes de cambiárselo por el de Black Sabbath, de ahí que el álbum se llame 2. Dylan Carlson es el hombre que de manera desgraciada será recordado por haberle comprado a su amigo Kurt Cobain la escopeta con la que acabó suicidándose, por ello se explica la diferencia de nueve años que existió entre su tercer disco Pentastar: In The Style Of Demons, editado en 1995, y su cuarto del 2005 Hex; Or Printing In The Infernal Method. Tras su debut, Earth se convirtieron en una banda de ‘rock’ más tradicional en cada uno de sus discos, y a decir verdad,

perdí interés por ellos. Pero tras nueve años de silencio volvieron a su ambient drone, aunque de una manera más suave y atmosférica que el aplastante 2. El legado de 2 seguía vivo en mi cabeza y eso fue suficiente para volver a acercarme a ellos en Hex… Desde su retorno, han vuelto a ganarme de nuevo. Desde luego, Earth y yo hemos crecido y madurado a lo largo de estos años. Pese a todo, no hay nada tan bárbaro y rebelde como esos 30 minutos de la final de ‘Like Gold And Faceted’ que te van sedando sin remisión y que, parafraseando a Tom Araya, “te va apretando como un torniquete alrededor de tu cuello”. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

live event

FIGHTER PILLOW Presentado por: ROCKZONE

JUEVES OCT. 22 10PM ENTRADA GRATUITA

stop breast cancer for life Support Pinktober and breast cancer research by purchasing limited edition Pinktober merchandise. Available in the Rock Shop and online at hardrock.com

2015 PINKTOBER EVENT TEMPLATE _11X14_ 4 EVENTS WITH PHOTOS#THISISHARDROCK JOIN HARDROCKREWARDS.COM

DO IT YOURSELF. DO IT TOGETHER.

HCXHC (HARDCORE HITS CANCER) NACE CON EL PROPÓSITO DE ORGANIZAR TODO TIPO DE EVENTOS, FIESTAS Y CONCIERTOS SIEMPRE RELACIONADOS CON LA MÚSICA QUE MUEVE Y APASIONA A SUS CREADORES, EL HARDCORE, EL PUNK ROCK Y EL METAL, Y CON UN OBJETIVO CLARO: DONAR TODO LO RECAUDADO A ORGANIZACIONES QUE LUCHAN CONTRA EL CÁNCER, SOBRE TODO INFANTILES.

u proyecto más immediato y del que más orgullosos están, se trata de la próxima publicación de un CD benéfico, del que absolutamente todos los beneficios que se generen irán a parar a La Casa Dels Xuklis, un lugar de acogida para familias de niños y niñas con cáncer gestionada por la Afanoc. Desde el primer momento, una multitud de bandas tanto de primer nivel en el panorama nacional como de ámbito más local, se han volcado en el proyecto, ofreciendo su colaboración totalmente desinteresada. En este punto vale la pena mencionar que todas las bandas han costeado la grabación de los temas de sus propios bolsillos. Tal ha sido el aluvión de peticiones para colaborar por parte de grupos, que les ha sido imposible incluirlos a todos en este disco, así que esperan que, si todo va bien, puedan repetir la experiencia el próximo año y así dar cabida a un buen puñado más de bandas. El CD es un compendio tanto de formaciones punteras nacionales como de grupos más jóvenes por descubrir, e

incluso hay un par de colaboraciones internacionales, vía México y Ecuador. Cada grupo ha escogido libremente el tema que ha querido ceder, con lo que se ha conseguido un tracklist bastante variado, aportando cada combo su toque personal a las canciones. Ceremony Of Madness ‘Kill Yourself’ de S.O.D.. Brutal Thin - ‘Angry Neurotic Catholics’ de Carnivore. Go Veterans ‘We’re The Crew’ de Warzone. Vendetta Fucking Metal - ‘100%’ de Madball. Violent Eve ‘New Noise’ de Refused. Overdry ‘Punishment’ de Biohazard. Muscaria ‘Hybrid Moments’ de Misfits. Somas Cure ‘Niebla De Guerra’ de Soziedad Alkoholika. Ornitogrindcore (miembros de Vita Imana, Room, Dawn Of The Maya) ‘Destroy Everything’ de Hatebreed.

Room ‘Old’ de Machine Head. Brothers Till We Die - ‘Lifer’ de Lionheart. B-12 ‘True To The Game’ de Madball. Bellako ‘El Desmadre’ de Brujeria. Inyourface ‘Wake The Dead’ de Comeback Kid. Wreckage - ‘War Inside My Head’ de Suicidal Tendencies. Gabezia ‘Dark Horse’ de Converge. One Life One Sentence ‘Hard Times’ de Cro-Mags. Meltdown ‘Miles Away’ de Your Demise. La Causa Del Odio ‘Nuestra Familia’ de Madball. Wasted ‘Trust’ de 7 Seconds. Malas Cartas ‘Bro Hymn’ de Pennywise.

OJITO A... EVOLVE

Evolve es un grupo de metal alternativo afincado en Madrid e integrado por Yusuke Hamasaki (voz), Daniel Tejera (guitarra), Jaime Chamón (guitarra), Santi Mena (bajo) y Jorge Fides (batería). En su estilo se pueden apreciar influencias desde las rítmicas más clásicas y potentes del rock, con estribillos melódicos y remarcados, hasta la contundencia y transgresión del metal moderno, lo que les permite ofrecer una propuesta musical muy personal. El proyecto Evolve nace cuando Dan y Jaime, amigos de varios años atrás, deciden juntarse tras un largo tiempo separados musicalmente. Después se incorporan Yusuke, Santi y Jorge. Musicalmente, desempeñan

un estilo con pinceladas tradicionales y modernas al mismo tiempo, algo que a mis oídos resulta enriquecedor como nueva propuesta en el panorama musical. Este año han grabado su primer EP, autoproducido por ellos mismos, en el que se incluye su single ‘The Part Of Its Cycle’ y tres temas más: ‘Distance From Under’, ‘Red Sleepwalker’ y ‘Metal Cowboy’. Entre finales de 2015 y comienzos de 2016 la banda grabará su segundo EP, formado por otros cuatro temas, con el que pretenden asentar su propuesta musical, más evolucionada, y con una base más sólida en cuanto a composición y estilo. Estoy seguro de que esta banda dará muchísimo que hablar. (LIBERTY MARIO)

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY “Una copia en vinilo del Barcelona de Freddie Mercury, dedicado de puño y letra por Freddie a la misma Montserrat Caballé. Se lo vendimos al club de fans inglés de Queen”.

DISCOS CASTELLÓ Dirección: Carrer Tallers 7, Barcelona Año de fundación: 1928 Especialidad: coleccionismo rock y pop (Dylan, Floyd, Beatles, Stones, Hendrix, The Who...). Amplias secciones de música clásica, y segunda mano en CD, LP y merchandise. Página web: www.castellodiscos.es

¿Cómo decidiste abrir una tienda? JORDI GONZALVO (JEFE DE COMPRAS) “En aquel momento se trataba de ser de las primeras tiendas en Barcelona que pudiera ofrecer música a los clientes, aunque se tratara de... ¡Discos de piedra!”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? “Múltiples, siempre relacionados con el cambio de la demanda derivado de la evolución de los formatos: disco de ‘piedra-vinilocassette-CD’, y vuelta al vinilo”.

¿Puedes citar algunos clientes famosos que te hayan comprado? “Unos cuantos, desde Charlie Watts a Loquillo, Andrés Calamaro, Pau Donés, Manolo García, Backyard Babies…”. ¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que se sigue vendiendo? “Podría tratarse de The Dark Side Of The Moon de Pink Floyd, que se sigue despachando en formato CD y LP al mismo ritmo de siempre”. ¿Cuál ha sido el disco más curioso que has vendido?

¿Ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo o una recomendación? “Muchos: Sticky Fingers de The Rolling Stones, In The Court Of The Crimson King de King Crimson, Master Of Puppets de Metallica, IV de Led Zeppelin, Sgt. Pepper’s de los Beatles, The Number Of The Beast de Iron Maiden”. Explícanos alguna anécdota imposible de olvidar “El ambientazo que hemos tenido en la tienda el día de la firma de Rosendo. ¡Impresionante el buen rollo!”. ¿Recomendarías a

alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “Si eres rico, no te importa perder dinero y sobre todo es tu gran pasión, por supuesto”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que empezaste a trabajar en la tienda? “Sigue siendo como el primer día, para nosotros es lo más importante”. ¿Qué supone para ti y para vuestro negocio el Record Store Day? “Ha sido una vuelta a los orígenes, a los buenos tiempos, cuando el fan hacía cola en la tienda antes de abrir para asegurarse una copia del álbum. ¡Y además se ha convertido en el día de mejor facturación anual! Esperemos que la cosa no decaiga y que cada año salgan mejores lanzamientos”.

FRANK CARTER

CON EL

DIABLO DENTRO

JUNTO A SU NUEVA BANDA THE RATTLESNAKES, FRANK CARTER ESTÁ HACIENDO FELICES A QUIENES AÑORABAN QUE VOLVIESE A DESGAÑITARSE COMO LO HACÍA CON GALLOWS. HABLAMOS CON EL FEROZ VOCALISTA SOBRE SU NUEVO DISCO, SU PATERNIDAD Y EL FRACASO DE PURE LOVE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DEAN RICHARDSON

MONTADO EN UNA FURGONETA en dirección a la tienda Rough Trade de Londres, donde dará un concierto esa misma tarde, Frank Carter responde a nuestra llamada con ganas de hablar. Aquella bomba atómica andante que obtuvo un fulgurante éxito al frente de Gallows se muestra ahora como un padre responsable y mucho más consciente de lo difícil que es triunfar en el mundo de la música. La poca repercusión que obtuvo con Pure Love, la banda de rock que montó tras su salida de Gallows, supuso un baño de realidad y ahora mismo afronta la ardua tarea de volver a empezar, casi, desde cero. A su favor cuenta con un más que sólido debut, Blossom (International Death Cult/Popstock!), y una banda, The Rattlesnakes, formada por músicos solventes de la escena británica como Dean Richardson, exguitarra de Heights, Thomas Mitchener, exbajista de Pure Love, y Memby Jago, exbatería de The Ghost Of A Thousand. Pero quizá más importante que eso es su propia determinación para hacer que su nuevo proyecto funcione. Si antes para él la música era un accesorio, ahora es consciente de que forma una parte esencial de su vida. Más vale tarde que nunca. Antes de que empecemos a hablar de tu nueva banda y el nuevo disco, me gustaría saber qué ocurrió con Pure Love. Me gustó mucho ese trabajo y creo que tenía mucho potencial. ¿Qué pasó? FRANK CARTER “Sí, estoy de acuerdo. Básicamente lo que pasó es que trabajamos con gente que no sabía cómo promocionar a la banda correctamente. A mí también me encanta ese álbum y me siento muy or-

gulloso de lo que hicimos, pero intentaron venderlo por los mismos canales que lo habían hecho con Gallows y eso era imposible que saliera bien, porque eran dos bandas con un sonido completamente distinto y una actitud diferente. Ése fue un gran problema. Por otra parte, cuando empecé Pure Love yo vivía en Brooklyn, pero cuatro años después empecé a mudarme a Londres y como Jimmy (Carroll) seguía viviendo en Brooklyn, cada vez era más difícil seguir siendo una banda. Cada día que pasaba era más complicado, así que hicimos lo único que podíamos hacer: aparcar el proyecto. No es que nos hayamos separado, el grupo sigue existiendo, pero necesitábamos aclararnos y poner un poco de estabilidad en nuestras vidas. Yo estaba a punto de tener una hija, me había comprado una casa, así que necesitaba estabilidad, y sentíamos que con Pure Love todos los caminos nos llevaban a un callejón sin salida. A veces tienes que aceptar cuál es la realidad”. Es una pena, pero la vida es así. “Sí, lo es. Pero luego empecé a echar de menos hacer música y como Pure Love estaba aparcado, decidí empezar un nuevo proyecto. Y así fue como acabé con The Rattlesnakes y Blossom. Todo ocurre por un motivo”. En Blossom el sonido es mucho más agresivo y punk que el de Pure Love. ¿Echabas de menos también ese lado más salvaje como artista, poder volver a gritar? “Sí, por supuesto. Nunca renegué del punk rock, ha tenido una gran influencia en mi vida. Así que cuando hice otra cosa con 33

Pure Love, sentía un vacío. Y necesitaba volver a llenarlo. Soy una persona bastante reactiva. Cuando hice Pure Love todo lo que conocía era lo que había hecho con Gallows. Y ahora quería hacer algo muy distinto a Pure Love. Pero siento que 34

con The Rattlesnakes he conseguido condensar las mejores partes de lo que hago. Tiene las letras, tienes las melodías y tiene la agresividad. Gracias a Pure Love soy mucho mejor intérprete de lo que era en Gallows. Con Pure Love fue difícil porque todo

el mundo esperaba una cosa, y eso hizo que tuviera que esforzarme más para que se dieran cuenta de que podía cantar de verdad, no sólo gritar. Aunque no fuera eso lo que quisieran (risas). Tenía algo que demostrar a todos los que creían que

nada. Fue algo muy difícil de llevar. Y finalmente me di cuenta de que me gustan muchas cosas, pintar, tatuar, hacer música… pero lo que mejor se me da es lo último. Alguien me puso en este planeta para estar encima de un escenario. Lleva tiempo descubrir cuál es tu lugar en el mundo, ¿sabes? Pero tener la oportunidad de poder volver a tocar es genial, porque quizá podría haberme dado cuenta demasiado tarde. Me siento muy, muy afortunado”. ¿Crees que pudiera ser un mecanismo de defensa? Quizá en tu interior pensabas que no tenías talento para la música y que no merecías el éxito que tenías. “Has dado en el clavo. Durante todo el tiempo que estuve en Gallows pensaba que no mereceríamos toda la atención y reconocimiento que tuvimos. De verdad lo creía. Pero por aquel entonces sólo era un chaval, sólo me importaba la fiesta, era estúpido… pero ahora soy un adulto. Tengo 31 años, tengo una hija y veo el mundo de una manera muy distinta. Ahora sí creo que lo merezco. Creo que nunca había tenido tanta hambre y lo que más quiero es que este grupo tenga éxito. La conexión que siento cuando salimos al escenario lo es todo”.

no podía hacerlo”. ¿Te sorprende lo importante que es la música para ti? Recuerdo cuando te entrevisté en la época de Gallows y parecía que para ti era algo

temporal. “Sí. Me llevó una década darme cuenta de lo importante que es. Ahora estoy en una posición en la que nunca más daré por sentado lo que tengo. Con Gallows lo tenía todo, de verdad, pero luego no tuve

¿Cuáles fueron los primeros pasos que diste para formar la banda? ¿Ya tenías escritas las canciones o primero buscaste a los músicos? “Tenía muchas letras. Tenía un libro lleno de letras, y entonces le pregunté a Dean si quería trabajar conmigo. Dijo que sí, y entonces fue 35

cuando empezamos a componer la música. Pero nos llevó un tiempo llegar ahí, no fue demasiado rápido. O quizá sí, porque nada de esto existía en enero… es de locos”. Escuchando las letras parece que 2014 fue un año bastante duro para ti… “Sí, lo fue. Mi mujer estaba embarazada y era algo increíble, pero fue difícil. Perdimos a alguien muy cercano a

nosotros. No estábamos preparados para eso. Al mismo tiempo, yo estaba digiriendo el fin de Pure Love y perdí mi trabajo en el estudio de tatuaje en el que llevaba diez años. Así que me sentía como si todo para lo que había trabajado en mi vida estuviera desapareciendo ante mis ojos. Me costó mucho aceptarlo. Pero finalmente decidimos irnos y tirar adelante”. Una canción como ‘I Hate

You’, que cierra el disco, suena a puro desahogo… “Todo el mundo tiene alguien en su vida que le saca de quicio. Yo tengo varias personas como ésas (risas). Escuchamos muchas canciones de amor, así que yo quería escribir una canción de odio para hacerles sentir cómo me siento. Sí, fue un alivio hacerla, y también era una manera de ponerle un poco de humor al disco. Las letras son serias, pero también

son un poco de coña. Creo que es lo que hace que pueda gustar a la gente”. En ese momento en el que todo se estaba desmoronando a tu alrededor, ¿pensaste en algún momento en volver a Gallows? “Rotundamente no. Ellos tienen otro cantante y han seguido su camino. No me gusta volver atrás, siempre quiero ir adelante. Mucha gente me ha preguntado cómo me siento volviendo a cantar como hacía antes, pero para mí The Rattlesnakes no tiene nada que ver con Gallows. Para mí es mucho más completo, tiene melodías, es pegadizo, es mucho más memorable. No es que reniegue de lo que hice con Gallows porque me siento súper orgulloso de todo, y les tengo mucho que agradecer, pero ellos decidieron seguir adelante como Gallows sin mí, y yo no puedo volver a eso. Para mí Gallows ya no existen, es otra cosa. No es que intente ser un gilipollas, es que cada uno ha seguido su camino y cada uno es feliz así”. ¿Pero has escuchado lo que han hecho sin ti? Ni que sea por curiosidad… “Escuché alguna cosa, pero dejé ese grupo porque no quería hacer la música que ellos querían hacer, así que, ¿por qué querría escucharla ahora? Hay muchos grupos que escuchar”. ¿Siempre habías querido ser padre? “Sí, siempre. Me siento muy afortunado, en serio. De hecho, ayer mi niña cumplió nueve meses. Es fantástica.

Lo es todo para mí, lo que más felicidad me aporta”. Pero con el estilo de vida que escogiste de muy joven, podrías haber visto la paternidad como un obstáculo. “Bueno, en realidad no escogí este estilo de vida. Lo he escogido ahora, lo cual lo hace más difícil porque veo lo complicado que es ser un padre que está de gira. Cuando era joven sabía que quería tener un hijo, pero nunca pensaba en ello. Empecé a pensarlo cuando me fui del grupo. Todo ha ocurrido en el momento adecuado. Ahora es cuestión de encajarlo todo”. Teniendo en cuenta tu manera de actuar en directo, ¿crees que el material con The Rattlesnakes se ajusta más a tu naturaleza que el de Pure Love? “Obviamente el sonido es muy distinto, Pure Love no era tan violento, pero seguía dándolo todo. No hubo un solo concierto en el que toda la formación no se ganara al público. Nos encanta ir a por todas. Quizá con The Rattlesnakes encaje mejor porque es una evolución natural de quién soy ahora. Para mí es otro peldaño más”. En la portada del disco aparece una ilustración de unos amplificadores en llamas. ¿Era como te sentías haciéndolo, con ganas de quemarlo todo? “No. El dibujo refleja más bien cómo me siento respecto a esos aparatos. He tenido suerte de ganarme la vida

como músico, pero no sé tocar ningún jodido instrumento. Como mucho puedo tocarte un acorde en una guitarra (risas). Veo mucho potencial en esos equipos, pero no sé cómo usarlos. Cuando me puse a trabajar en el diseño, primero dibujé los amplificadores. Y en un principio eso iba a ser la portada, pero sentía que faltaba algo. Así que los hice arder (risas). Y entonces todo tuvo sentido. Creo que refleja perfectamente el álbum. Tiene mucho potencial, pero es peligroso, es violento. Podrías morir si te acercas demasiado”. Por desgracia vivimos un momento en el que los discos tienen una vida muy corta... Si a las dos primeras semanas no logran tener un impacto en la gente, desaparecen como si ni hubiesen salido. ¿Te da miedo que eso pueda ocurrir con Blossom? “Esto es todo lo que tengo. Voy a hacer todo lo que pueda para que esta banda tenga un recorrido. Queremos seguir creciendo y conectando con la gente hasta que ya no quede nadie más a quien llegar. Quiero que ésta sea una banda importante. No me da miedo trabajar duro”. Pues a ver si vienes pronto a tocar por aquí... “Me encantaría. Espero que sea lo antes posible porque tengo muy buen recuerdo de vuestro país. Estad atentos porque igual pronto hay noticias al respecto”.

FIVE FINGER DEATH PUNCH

PUﾃ前 DE

ORO

FIVE FINGER DEATH PUNCH PROSIGUEN SU MARCHA MILITAR CON LA PUBLICACIÓN DE SU SEXTO ÁLBUM GOT YOUR SIX. CON ÉL, EL QUINTETO DE LAS VEGAS SE AFIANZA COMO UNO DE LOS GRUPOS METAL MÁS POPULARES DE ESTADOS UNIDOS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

OMO UN RELOJ, Five Finger Death Punch acaban de publicar su nuevo disco Got Your Six (Prospect Park). Es algo que vienen haciendo cada dos años desde que en 2007 debutaran con The Way Of The Fist y que tiene su mérito teniendo en cuenta la cantidad de conciertos que dan cada año, y más aún cuando su anterior The Wrong Side Of Heaven And The Righteous Side Of Hell estaba divido en dos volúmenes. Quizá tenga que ver con que sus componentes, Ivan Moody (voz), Zoltan Bathory (guitarra), Jason Hook (guitarra), Chris Kael (bajo) y Jeremy Spencer (batería), hubieran estado comiendo mierda durante bastante tiempo en otras bandas o tocando para otros artistas antes de juntarse. Y claro, una vez vieron que Five Finger Death Punch empezó a despegar, han hecho todo lo posible para que la racha continúe. Desde luego las cifras les avalan, y aunque su mezcla de groove y metal alternativo no vaya a pasar a la historia, es incuestionable que han sabido conectar tanto con las generaciones más nuevas como con fans más old school. Un caso parecido al de Disturbed, con quien, al menos en Estados Unidos, comparten buena parte del público. Aunque en Europa les ha costado un poco más, cada vez es más frecuente ver a gente con sus camisetas en conciertos y festivales. Si eres uno de ellos, que sepas que su bajista Chris Kael te estará eternamente agradecido.

¿De dónde sale tanta disciplina a la hora de publicar discos de manera tan constante? CHRIS KAEL “El secreto es estar componiendo continuamente y tener pasión por la música. Siempre pienso que la inspiración es como un músculo. Cuanto más lo trabajas, más crece y estará ahí para cuando lo necesites. El minuto en el que paras, más tiempo necesitarás para desarrollarlo antes de poder volver a usarlo. No importa que estemos en casa o en la carretera, siempre estamos trabajando. Todos tenemos montones de cintas y archivos con ideas para canciones. Así que cuando vamos al estudio, tenemos material de sobras para hacer un buen disco. Entramos ahí muy preparados”. Las canciones del nuevo disco son muy directas y van al grano. ¿Es una influencia directa del subidón de la última gira? “Totalmente. Este álbum se escribió pensando en el directo. Queríamos canciones rápidas, con mucha energía y grandes estribillos que la gente pueda cantar. Por ejemplo ‘Jekyl And Hyde’, el primer single, tiene ese tipo de coro. Estoy ansioso por escuchar a gente de todo el mundo cantando ese coro”. ¿Cómo es la banda por dentro? ¿Os va mucho la fiesta? “No, no (risas). Cuatro en el grupo

somos abstemios. Nos gusta divertirnos, pero desde luego no somos una banda fiestera. Nos gusta mucho estar en contacto con los fans, pero la fiesta no forma parte de la ecuación. No puedes estar al nivel que estamos si te centras en la fiesta en lugar de la música. Como decía antes, sacar un álbum cada dos años no sería posible si nos distrajéramos con otras cosas”. Pero a la gente sí le gusta escuchar vuestra música de fiesta… “Sí, desde luego, pero la fiesta es para ellos. Los fans pueden hacer lo que quieran, que se diviertan tanto como quieran”. ¿Crees que las dos partes de The Wrong Side Of Heaven… recibieron la misma atención? “Sí. De hecho, nos acaban de dar la placa de Disco de Oro por el primer volumen. Así que tenemos ya varios discos de oro en el saco... Creo que en total hemos vendido casi cuatro millones de copias. Así que las dos partes han funcionado tan bien como los anteriores”. En esta época, donde casi nadie vende discos, es destacable que lo consiga una banda de metal. “Lo es. No te creas que no damos las gracias cada día por la suerte que hemos tenido. La gente no com-

pra discos, pero nuestros fans saben que la manera de apoyarnos es haciéndolo. Es gracias a esa pieza del puzle que podemos ir a tocar a Helsinki o Moscú, o Londres. Si la gente no comprara los discos, no tendríamos el dinero para llevar nuestro show a tantos lugares. Así que desde el fondo de nuestros corazones queremos dar las gracias a todos los que hacen el esfuerzo de comprar un álbum, una camiseta o una entrada para los conciertos porque es lo que nos permite hacer lo que más amamos en la vida: tocar rock’n’roll y heavy metal”. ¿Crees que el secreto de vuestra banda es que podéis gustar tanto a un fan joven como a un metalhead más veterano? “Sí, es genial salir al escenario y ver a chavales en la primera fila pero también a sus padres. Nuestro público es una gran familia. Una banda con un nombre como Five Finger Death Punch no debería ser tan po-

pular, pero la música que hacemos y nuestro directo parecen conectar con todo el mundo”. En el disco habéis vuelto a trabajar con Kevin Churko. ¿No tenéis ganas de ver qué pasaría si trabajaseis con otro productor? “No. Con Kevin hemos hecho los últimos cinco discos, así que forma parte del equipo. Sabe cómo sacar lo mejor de nosotros y darle a las canciones que traemos la calidad que merecen. Es un gran tipo con el que discutimos mucho, pero con quien sabemos que colectivamente obtendremos lo mejor para Five Finger Death Punch”. ¿Hay algo en este sexto disco que no hubierais hecho antes? ¿Algo especial? “Una de las razones por la que sacamos como primer single ‘Jekyll And Hyde’ es porque en ese tema hicimos algo distinto. De vez en cuando nos dejamos en el buzón de voz ideas

para canciones. Las estrofas de ‘Jekyll And Hyde’ son mensajes que Ivan dejó en el contestador de Jason Hook. Jason cogió esos mensajes y los hizo encajar en las estrofas, así que lo que se escucha es literalmente los mensajes de Ivan. Es algo bastante creativo, ¿no?”. El vídeo de ‘Jekyll And Hyde’ también lo es. Al principio hacéis una especie de sketch cómico sobre lo poco que os gusta grabar vídeos. ¿Es realmente así o sólo era para hacer una gracia? “Nos gusta contar historias en los vídeos. Creo que el que nosotros salgamos en ellos le quita significado a la historia que se cuenta en la canción. Por ejemplo, la canción ‘Wrong Side Of Heaven’ no trataba de nosotros, y por eso aunque salíamos en él, era al servicio de lo que queríamos denunciar. El vídeo ya tiene 40 millones de visionados, y gracias a la campaña que asociamos con él pudimos recaudar un

“UNA BANDA CON UN NOMBRE COMO FIVE FINGER DEATH PUNCH NO DEBERÍA SER TAN POPULAR, PERO LA MÚSICA QUE HACEMOS Y NUESTRO DIRECTO PARECEN CONECTAR CON TODO EL MUNDO”

cuarto de millón de dólares para ayudar a los veteranos de guerra sin techo. Así que prefiero que un vídeo hable de cosas más importantes, en lugar de que simplemente salgamos nosotros tocando. A veces es divertido hacerlos, pero hay otras que no tanto. Así que en éste decidimos hacer algo más divertido, pero seguiremos haciendo vídeos que tengan un mensaje más profundo”. Este verano estuvisteis actuando por Europa con Judas Priest. Dado que Rob Halford participó en vuestro anterior disco, ¿se ha convertido en un amigo de la banda? “Sí. Yo crecí escuchando Judas Priest,

mi disco favorito era Screaming For Vengance, así que tener no sólo la oportunidad, no sólo de tenerlo en una de nuestras canciones, sino de ir de gira con él, fue un sueño hecho realidad. La verdad es que interactuó mucho con nosotros. Mi historia favorita de Rob Halford es que estábamos en un festival en Alemania y le vi en la zona de cátering sentado en la mesa. Me acerqué y le pregunté qué estaba haciendo. Y vi que estaba marcando los grupos que quería ver en el festival. Me encantó ver que el Metal God seguía siendo como un fan más. Así que pasé casi todo el día viendo otras bandas con él. Fue genial”.

CHRIS KAEL

das en los festivales? ¿Os sirve para ver a qué nivel están Five Finger Death Punch? “Más que eso, para mí es una celebración de la música. Era un fan antes de estar en Five Finger Death Punch y lo seguiré siendo cuando el grupo termine. Que me paguen para poder ver otros grupos por todo el mundo desde el lado del escenario es la hostia. Cada semana sigo comprando tres o cuatro discos en la tienda local cuando estoy en casa. Por ahora no he perdido la ilusión por escuchar nueva música, y creo que nunca lo haré”.

¿Es inspirador ver otras ban-

CLUTCH

ACCIÓN

MUTANTE

CON EARTH ROCKER EL MUNDO ENTERO FUE AL FIN CONSCIENTE DE ESA VERDAD ABSOLUTA QUE CLUTCH SE HABÍAN EMPEÑADO EN DEMOSTRAR A LO LARGO DE SUS MÁS DE DOS DÉCADAS DE CARRERA: QUE SON UNA DE LAS BANDAS DE ROCK MÁS COJONUDAS DEL PLANETA. POR SI AÚN QUEDABA ALGÚN DESPISTADO QUE NO SE HUBIERA ENTERADO, AHORA REGRESAN CON PSYCHIC WARFARE PARA CONFIRMARLO NUEVAMENTE. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

ESCONOZCO si existirá algún tipo de estadística al respecto, pero soy de los que piensa que si un grupo no es capaz de alcanzar el éxito en sus diez primeros años de vida artística, difícilmente tendrá la posibilidad de pillar ese tren más adelante. Supongo que debe de haber miles de formaciones a las que, llegadas a un punto, ya se les ha pasado el arroz, pero por suerte el mundo del rock no se guía siempre por la lógica y a veces sabe recompensar justamente a aquellos que saben hacer de su trayectoria una carrera de larga distancia en lugar de buscar el atajo más fácil para sus fines. En el caso de Clutch, que sin ser unos completos desconocidos se habían pasado más de veinte años siendo poco más que una banda de culto, nada hacía pensar que fuesen a tener el reconocimiento por parte de todo el mundo con su décimo trabajo de estudio. Consiguieron colarse en el top 20 del Billboard, aparte de recibir numerosas condecoraciones por parte de los medios (desde esta casa les distinguimos con el título de Mejor Grupo de 2013), viendo cómo su base de fans crecía exponencialmente. Y todo ello sin ningún tipo de estrategia de márketing ni nada por el estilo. Sus méritos fueron únicamente musicales, basados en su gran poderío sobre los escenarios y un disco tan tremendo como Earth Rocker. Siendo conscientes de que están pasando por un momento inmejorable, Neil Fallon (voz), Tim Slut (guitarra),

Dan Maines (bajo) y Jean-Paul Gaster (batería) se han apresurado en darle continuidad a su álbum de mayor éxito tan sólo dos años más tarde. Psychic Warfare (Weathermaker) tiene la difícil papeleta de recoger el testigo, aunque no creo que nadie dude de que es un estupendo sucesor. Una obra que, lejos de pecar de conformista, parte de donde lo dejaron en Earth Rocker para profundizar aún más en todas las vertientes de su sonido. Desde luego, tiene toda la pinta de que volverá a estar bien posicionado en todos los ránkings de aquí a final de año. Mes y medio antes de su salida, tuvimos la oportunidad de charlar con Jean-Paul para que nos explicase todos los pormenores relacionados con su nueva criatura y, de paso, aprovechamos también para comentar su fallido fichaje como batería de Black Sabbath, entre otros asuntos. Me gustaría empezar preguntándote sobre vuestro anterior disco, Earth Rocker, el cual se convirtió en el más exitoso de toda vuestra trayectoria. ¿Os sorprendió el recibimiento que tuvo, teniendo en cuenta todo el tiempo que lleváis con el grupo y que era ya el décimo que grababais? JEAN-PAUL GASTER “Sí, nos sorprendió muchísimo la recepción que tuvo Earth Rocker. Llevamos mucho tiempo con el grupo, dentro de poco haremos 25 años. Cada lanzamiento ha sido un reto para nosotros. La ban-

da ha ido creciendo muy lentamente y quizás por eso creo que algunas veces nos hemos vuelto un poco cínicos. Cada vez que sacábamos un disco ya asumíamos que todo iba a salir mal (risas). Así que cuando experimentamos el éxito nos sorprendimos mucho y creo que incluso lo disfrutamos más porque estábamos acostumbrados a trabajar muy duro para conseguir muy poco”. ¿Por qué dices que cada vez que sacabais un disco ya contabais con que no fuese a funcionar? “Bueno, el crecimiento del grupo ha ido muy despacio. Hemos girado con todo tipo de bandas, muchas de ellas con las que la gente nos consideraba contemporáneos y sin embargo han crecido muchísimo más rápido de lo que lo hemos hecho nosotros. Así que nos sorprendió que Earth Rocker se convirtiese en un éxito simplemente por lo que era. No estamos acostumbrados a este tipo de cosas (risas)”. Mucha gente os descubrió en cierto modo con ese álbum. ¿Crees que el hecho de que durante los cuatro años de diferencia entre Strange Cousins From The West y Earth Rocker no paraseis de girar, sobre todo en grandes festivales, hizo que gran parte del público ya os conociese y estuviese receptivo de cara al disco? “Sí, creo que eso fue exactamente lo 43

“CUANDO EXPERIMENTAMOS EL ÉXITO NOS SORPRENDIMOS MUCHO Y CREO QUE INCLUSO LO DISFRUTAMOS MÁS PORQUE ESTÁBAMOS ACOSTUMBRADOS A TRABAJAR MUY DURO PARA CONSEGUIR MUY POCO” JEAN-PAUL GASTER que pasó. Giramos muchísimo, tocamos en muchos festivales, con muchas bandas diferentes... así que nuestra presencia entre el público empezó a aumentar en los años previos a Earth Rocker. Pero pienso que el único camino para llegar a tener tanto reconocimiento como el que experimentamos era tener un álbum tan bueno como lo era Earth Rocker. Trabajamos mucho tiempo y muy duramente en ese disco. Queríamos hacer algo distinto de lo que había sido Clutch hasta entonces, con mucha energía, que lo pudieses escuchar de principio a fin... Y Earth Rocker no duraba mucho. Queríamos hacer una colección de canciones que funcionasen bien juntas y no tenía por qué durar una hora larga. Puedes juntarte con tus colegas, pillar unas birras y escuchar el álbum entero del tirón. Así que cogimos esa idea y la aplicamos al nuevo disco, Psychic Warfare, que tiene un concepto muy similar, pues queríamos tener una obra que pudiese ser escuchada en su inte44

gridad, desde que empieza hasta que acaba. Y diría que hemos llegado a hacer incluso un mejor trabajo con Psychic Warfare en ese sentido”. Ahora hablaremos en profundidad sobre vuestro nuevo trabajo, pero antes quiero hacerte otro tipo de preguntas sobre el grupo. Supongo que el hecho de que este momento os haya llegado ahora que ya pasáis de los 40 y sois gente asentada os habrá hecho llevarlo mejor que si os hubiese tocado vivirlo cuando empezasteis con veintipocos... “Es difícil de decir, la verdad. Nosotros estamos tan concentrados en la música, en lo que supone estar en Clutch... Para mí este grupo es lo primero en lo que pienso cuando me levanto por la mañana y lo último cuando me voy a la cama por la noche. Pero te diría que disfruto más ahora de lo que lo hice cuando tenía

20 años. Ahora disfruto más tocando en los conciertos, creo que lo aprecio incluso más. La posibilidad de visitar sitios como España, eso es asombroso, y encima poder hacerlo porque toco la batería. De verdad valoramos mucho lo que somos y no creo que todo esto pudiese suceder de otra manera. Tuvimos que girar todo lo que giramos, tocar todo lo que tocamos como grupo durante 25 años para estar en el punto en el que nos encontramos a día de hoy”. La imagen que mostráis de cara al exterior es de todo menos la de una estrella del rock. Seguro que antes de vuestros conciertos podéis pasearos por las salas entre el público sin que nadie os moleste ni os reconozca. ¿Crees que esa imagen ayuda a que vuestros fans se sientan aún más cercanos a la banda? “Creo que sí. Pienso que hay un alto

porcentaje de nuestros seguidores que les gusta esa parte del grupo. Cuando empezamos, nuestra intención no era convertirnos en famosos. Simplemente queríamos dar conciertos y grabar buenos discos. Y eso es todo. Es todo lo que queríamos hacer. No estábamos interesados en tocar en arenas o tan siquiera en salir por la radio, porque por aquel entonces, los grupos que sonaban en la radio no nos interesaban. Había mucho pop y heavy metal prefabricado y cursi. Eso no es lo que queríamos hacer. Nosotros nos fijábamos más en gente como Bad Brains o Melvins. Y son exactamente como los has descrito. Son personas que si entran en un restaurante la gente no les va a molestar. Por supuesto, hay veces que cuando salgo a la calle y alguien me reconoce, procuro ser lo más amable posible con todo el mundo. Para mí es excitante que alguien me conozca por la música que hago, pero la verdad es que estamos muy contentos y disfrutamos mucho viviendo de esta manera más tranquila”. OK. Ahora sí, pasemos a hablar ya de Pyschic Warfare. Esta vez os habéis apresurado a volver al estudio, tan sólo dos años después de Earth Rocker. ¿Queríais aprovechar y capturar el buen momento que estabais viviendo? “Absolutamente. Como has mencionado, Earth Rocker tuvo una gran repercusión, había mucho entusiasmo tanto por el grupo como por el disco... Así que sabíamos que era el momento justo para continuar con un nuevo álbum. Logramos muchísimos objetivos con Earth Rocker y queríamos ser ca-

paces de alcanzar otros nuevos con Psychic Warfare. Eso explica en parte el porqué hemos vuelto tan rápido con un nuevo trabajo”. ¿Qué aspectos intentasteis mejorar o cambiar respecto al anterior álbum? Porque supongo que a pesar de querer grabar de nuevo tan rápido, vuestra idea no era la de hacer un calco de Earth Rocker, ¿verdad? “Exacto, estás en lo cierto. Muy buena observación. No queríamos hacer un Earth Rocker 2.0. Sí es cierto que en aquél hubo cosas que hicimos muy bien y aprendimos mucho de ellas, y algunas de esas ideas se han aplicado a Psychic Warfare. Pero la verdad es que hemos probado algunas otras en éste que son nuevas para nosotros. Creo que hemos conseguido acabar con un disco mucho más dinámico. Me refiero a que las canciones no necesariamente están rockeando en tu cara todo el rato. Hay cosas más sutiles, diferentes tipos de tempos, algunos medio tiempos que me encanta tocar. También hay alguna base más funk, me gusta mucho ese estilo de batería y ha sido un parte importante de lo que soy como batería desde que empecé a tocar. Todas estas cosas hacen que sea más diverso que Earth Rocker. Es otro tipo de experiencia a la hora de escucharlo”. A mi modo de ver, diría que la primera mitad del disco está más cerca de los Clutch de trabajos como From Beale Street To Oblivion y Strange Cousins From The West, recuperando vuestro lado más

groovy en temas como ‘Quick Death In Texas’ o ‘Your Love Is Incarceration’, mientras que la segunda va más en la onda de vuestro sonido más duro y directo. Me parece una buena mezcla de todas vuestras facetas. ¿Lo ves de la misma manera? “Yo también lo pienso. Es una buena representación de lo que el grupo es capaz de hacer en directo y pienso que hemos conseguido hacer todo esto incluso mejor de lo que lo hacíamos antes. Creo que ahora mismo tocamos mejor y somos mejor grupo que cuando hicimos Earth Rocker. Siempre intentamos hacer un mejor trabajo que la última vez”. Otra canción destacada es ‘Our Lady Of Electric Light’. La primera vez que la escuché pensé que era como una balada country llevada a vuestro terreno. Creo que quedaría de lujo en el próximo western de Tarantino. “Nuevamente estoy de acuerdo contigo. Ése es justo el tipo de ambientación que intentamos conseguir. Tuvimos que darle muchas vueltas a esa canción para terminarla. Al principio no estaba compuesta por tres acordes tal y como la puedes escuchar ahora, sino que era más compleja y extraña. La tocamos y trabajamos en ella durante varias semanas. Y en algún punto del camino decidimos: ‘Hey, vamos a darle la vuelta’. Tomamos como referencia una canción, que por supuesto imagino que conocerás como todo el mundo, que es ‘The House Of The Rising Sun’ (canción tradicional americana popularizada por The Ani45

mals –ndr.). Alguien escuchó esa canción, puede que fuese yo, no recuerdo quién fue... pero tomamos nota del sentimiento que daba con tan sólo tres acordes. Era algo muy específico y lo hemos aplicado mucho últimamente. Así que cuando lo cambiamos, la canción tuvo una nueva luz y fue en una dirección completamente distinta. Estamos muy contentos con cómo quedó, es algo fresco y novedoso para nosotros”. Me hace gracia que menciones ‘The House Of The Rising Sun’ como inspiración para escribir este tema porque fue una de las primeras canciones que aprendí a tocar con la guitarra. “¿En serio? Vaya, es genial. ¡Muy bien! (Risas)”. En la producción habéis vuelto a repetir con Machine, pero en esta ocasión os fuisteis hasta Texas. ¿Cómo fue esta vez el proceso? “Fue muy divertido. Él se mudó a Texas, donde tiene un nuevo estudio que está a las afueras de Austin. Para empezar, te diría que prefiero Texas a New Jersey (risas). No sé si alguna vez has estado o has oído hablar de New Jersey, pero te puedo decir con completa seguridad que Texas es mucho más guay (risas). Nos lo pasamos muy bien, era un sitio muy bonito, en el campo, y nos dio la oportunidad de estar en un entorno completamente diferente. Eso fue muy importante para nosotros. Llevamos tanto tiempo con el grupo que cualquier cosa que nos motive o traiga una nueva energía es muy valioso para nosotros. E ir a

Texas fue exactamente lo que necesitábamos: salir de casa, ver el campo y experimentar un poco el estilo de ahí, ya sabes (risas)”. Es curioso que me comentes esto porque según he leído, la letra de ‘Quick Death In Texas’ está inspirada en el miedo que sentía Neil al estar viviendo aislados en un estudio en mitad del bosque. ¿Tan terrorífico os pareció? “Sí, a mí me sorprendió bastante porque no estábamos muy lejos de Austin, a unos 45 minutos, se llegaba muy rápido. Así que cuando estás saliendo de la ciudad, antes de que te des cuenta, te encuentras en mitad de la nada y de alguna manera, te recuerda al salvaje Oeste. Me imagi-

no que así es como deberían sentirse los forasteros en aquellos días. Es una tierra muy dura, pero también muy bonita. Definitivamente, todo eso influenció en la manera en la que toqué la batería y creo que a Neil le dio mucho material sobre el que escribir”. Otra fuente de inspiración muy clara en vuestras letras son los relatos de ciencia ficción. Neil ha mencionado a Philip K. Dick como una influencia en este trabajo y escuchando ‘X-Ray Visions’ y ‘Behold The Colossus’, es evidente esa afiliación por los relatos de ciencia ficción y fantasía. ¿Sois unos frikis de las películas y cómics de ciencia ficción y superhéroes?

diana. Y Neil hace eso mejor que nadie. Como has dicho, los cómics y los relatos de ciencia ficción tienen mucho que ver con ello”.

“Creo que todos sentimos cierto aprecio por ello, pero Neil es el que más metido está en todo esto y lo usa como una inspiración en sus letras. Él ha escrito todas las letras para todas las canciones y somos muy afortunados de tenerle con nosotros. Para mí es, de lejos, el escritor más talentoso dentro del rock’n’roll a día de hoy. Es capaz de, con un par de palabras, crear imágenes muy fuertes y poderosas. Para mí eso es lo importante en la música. No necesito que alguien me diga cómo se supone que tengo que vivir mi vida o lo que está sucediendo en la política. Eso no me interesa. Cuando escucho música, para mí es una vía de escape, no se trata de conectar o describir la realidad, sino que debería ser algo divertido, una manera de salir de la vida coti-

Y si tuvieras que comparar a Clutch con algún personaje de ficción, ¿cuál sería? ¿Te sientes identificado con alguien? “Oh, tío (risas). Tal vez con The Underdog (risas) (Se trata una serie de dibujos animados de los años 60 que aquí en España fue traducida como Súper Can -ndr.). Me refiero a que llevamos tanto tiempo siendo una banda, y cada álbum que hemos hecho ha presentado un nuevo desafío como lidiar con una compañía discográfica o salir a la carretera y movernos de una ciudad a otra... A veces te sientes como que todo el mundo está en tu contra. Así que somos un poco como The Underdog, siempre luchando por nosotros (risas)”. Neil nos comentó en una de las últimas entrevistas que le hicimos que Rick Rubin había estado considerándote para grabar la batería en el último disco de Black Sabbath ¿Qué me puedes contar sobre esto? “Puedo decirte que Neil me contó esta historia. Me quedé impresionado de que tan siquiera sacasen mi nombre para algo así. Me sentí absoluta-

mente alagado. Bill Ward es un batería muy importante para mí, él realmente me enseñó a tocar la batería. Los primeros discos que tuve eran de Black Sabbath. Solía saltarme el colegio para ir a casa y escucharlos. Así que sólo la idea de que pensasen en mí para ello fue un tremendo honor. Si hubiera tenido la oportunidad de tocar aunque sólo fuera una canción, te garantizo que habría dado lo mejor de mí porque la manera en la que toca Bill Ward ha sido muy inspiradora para mí”. ¿Y qué piensas del trabajo que hizo Brad Wilk en 13? “Creo que hizo muy buen trabajo. También te diré que Black Sabbath no suenan a Black Sabbath sin Bill Ward. Creo que la banda se beneficiaba mucho de su experiencia previa como batería de jazz y en big bands. Para mí eso marca una diferencia con respecto a los demás baterías. Me impresiona que Bill Ward tocase de una manera muy heavy, porque hay muchos detalles entre medias. Y creo que muchos baterías echamos de menos eso. No se trata de algo que necesariamente estés escuchando, sino de que lo sientas. Y creo que para acercarse correctamente a ese tipo de sentimiento que tenía Bill Ward, tienes que ser capaz de llevar esos ritmos. Y es muy complicado llegar a eso, tienes que tener alguna experiencia previa en el jazz. Brad Wilk lo hizo muy bien, pero no es Bill Ward (risas)”.

SLAYER

CADENA PERPETUA

LA MUERTE EN 2013 DEL GUITARRISTA JEFF HANNEMAN DEJÓ MUCHAS INCÓGNITAS EN EL AIRE. ¿SERÍAN SLAYER CAPACES DE LLENAR SEMEJANTE VACÍO? ¿PODRÍAN GRABAR UN NUEVO ÁLBUM SIN UNO DE SUS PRINCIPALES COMPOSITORES Y PIEZA FUNDAMENTAL DE SU SONIDO? REPENTLESS ES LA CONTUNDENTE RESPUESTA POR PARTE DE UNA DE LAS BANDAS MÁS EMBLEMÁTICAS DEL MUNDO DEL METAL. HABLAMOS CON KERRY KING SOBRE CÓMO HAN AFRONTADO SEMEJANTE RETO, SU DESPRECIO HACIA LA RELIGIÓN Y EL HECHO DE QUE SE VENDAN CAMISETAS DEL GRUPO EN CADENAS DE MODA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/RUBÉN NAVARRO (DIRECTO)

O IMPORTA CUÁNTA

experiencia tengas; entrevistar a Kerry King acojona. Miles de imágenes de su imponente figura acumuladas a lo largo de los años en tu memoria (su cabeza calva haciendo headbanging, su barba encadenada, sus muñequeras de pinchos gigantes, sus brazacos agarrando su guitarra en forma de flecha…) son suficientes para que notes un nudo en el estómago en los minutos previos a que suene el teléfono. Es el puto Kerry King y tienes la sensación, incluso la certeza, de que si le cabrearas, sería capaz de estrujarte el cráneo… con una sola mano. Pero la realidad es otra. A lo largo de media hora, el guitarrista se muestra como alguien afable y con cierta tendencia a la risa fácil. Lo cual no quita que sea tajante cuando lo desea (en seguida leeréis cómo despacha una referencia que le hago a su exbatería Dave Lombardo) o que no se despoje en ningún momento de su coraza para mostrar una cara más humana cuando le pregunto por el fallecido Jeff Hanneman, no sólo a nivel profesional, o su relación con Tom Araya, el otro pilar fundamental que todavía sigue en pie en Slayer. Aun a riesgo de pecar de psicoanalista barato, diría que alguien que aparece siempre públicamente con gafas de sol puestas, más que protegerse de la exposición al sol, lo que busca es no exponerse a los demás. Teniendo en cuenta todo lo que el grupo ha vivido en los seis años desde que lanzaron su anterior disco World Painted Blood, es comprensible que alguien que proyecta una imagen de tipo duro como King haya acentuado todavía más un mecanismo de defensa

para lidiar con sus sentimientos. Los hechos son conocidos por todos. A principios de 2011 a Jeff Hanneman le diagnosticaban una fascitis necronizante como consecuencia, según todos los indicios, de la picadura de una araña. La infección le apartó temporalmente de Slayer ante la imposibilidad de seguir tocando la guitarra. Aunque al año siguiente parecía que evolucionaba favorablemente, su vuelta a la actividad nunca se concretó y el 2 de mayo de 2013 se producía el fatal desenlace. Hanneman fallecía de una insuficiencia hepática en un hospital de California. Una cirrosis consecuencia del abuso de alcohol fue determinada como la causa de su muerte pocos días después. Al parecer nadie de su entorno era consciente de la gravedad de su adicción, pero todo apunta a que Hanneman estaba sumido en una fuerte depresión por su incapacidad de seguir haciendo música y prefirió ahogar sus penas bebiendo que afrontar un futuro fuera de Slayer. Recordemos que él era el autor de clásicos de estos pioneros del thrash como ‘Raining Blood’, ‘South Of Heaven’, ‘Dead Skin Mask’ o ‘War Ensemble’. Tal como habían hecho en los dos años anteriores, en los que también se produjo la marcha de Lombardo tras acusar a Araya y King de haber falseado las cuentas del grupo en beneficio propio, Slayer decidieron gestionar la tragedia a su manera: siguiendo adelante sin mirar atrás. Como pudimos ver en su actuación en el Resurrection Fest de 2013, el grupo no hizo ni una mención a su compañero desde el escenario y sólo cuando desplegaron un gigantesco telón en el que se leía “Angel Of Death - Hanneman 1964-

“HAY NOTAS DE JEFF EN TODOS NUESTROS DISCOS, DESDE EL PRINCIPIO, ASÍ QUE EL HECHO DE QUE NOS ARREBATASEN ESO NO FUE FÁCIL PARA NADIE” KERRY KING

2013- Still Reigning”, los fans tuvieron la oportunidad de homenajear al desaparecido guitarrista. Quizá la procesión vaya por dentro, y quizá todo el mundo merece poder seguir adelante con su vida, pero no deja de ser desconcertante cómo Araya y King, acompañados eficazmente por Gary Holt, su viejo amigo de Exodus, y Paul Bostaph, quien ya había sustituido a Lombardo en buena parte de los 90, no se han planteado en ningún momento poner punto final a la legendaria banda. ¿Son Slayer todavía Slayer sin el 50% de sus miembros fundadores? Lo cierto es que su duodécimo álbum Repentless (editado por Nuclear Blast y producido por Terry Date) no muestra signos de agotamiento y la expectación por verles los próximos 30 de octubre en Bilbao, el 31 en A Coruña, el 1 de noviembre en Madrid y el 3 de noviembre en Barcelona, con el aliciente de que vengan acompañados de otros colegas del Big Four, Anthrax, y de los noruegos Kvelertak, es innegable. Pero como ocurre con todas las bandas, el futuro no está tanto en sus manos, sino en la de sus seguidores. Y nada parece indicar que por ahora (Repentless ha entrado en el número 5 de las listas Billboard, la posición más alta de su carrera) éstos prefieran vivir en un mun-

do donde Slayer no existan. Hola Kerry, ésta es la última entrevista que hago antes de irme de vacaciones. ¿Cuándo y dónde es la última vez que has ido de vacaciones? KERRY KING “(Risas) Para mí quedarme en casa es estar de vacaciones porque mi trabajo me lleva a todas partes. Pero la próxima gira que haremos acabará en Hawai y aprovecharé para quedarme allí un par de días. La verdad es que lo último que quiero hacer cuando no estoy de gira es viajar”. Lo entiendo. Pero aun así, muchas veces de gira no tienes la oportunidad de visitar las ciudades donde estás. ¿Nunca

te apetece volver a alguna de ellas? “Es verdad. Muchas veces sólo ves el hotel y la sala donde tocas. Pero aun así, siempre intento comer algo típico del lugar, probar algo de su cultura”.

“¡Desde luego! Tener involucrada en uno de nuestros vídeos a esta gente que he visto tantas veces en películas fue muy emocionante. No puedo esperar a ver el resultado final”.

Justo ayer rodasteis el vídeo de ‘Repentless’ en Los Ángeles. ¿Cómo os fue? “Por desgracia fue uno de los días más calurosos del verano (risas). Pero creo que quedará genial”.

¿Alguno de ellos era fan de Slayer? “Creo que casi todo el mundo que estaba ahí lo era, porque nos hicimos un montón de fotos. Posiblemente me hicieron más fotos que tomas para el vídeo (risas)”.

En el vídeo aparecen actores de culto como Danny Trejo de Machete, Tyler Mane de Halloween o Derek Mears de Viernes 13. ¿Eres fan de este tipo de películas de terror y acción?

Este verano habéis estado encabezando el Mayhem Tour y hubo mucha polémica a su alrededor por la pobre asistencia de público. ¿Fue poder ver a King Diamond cada noche lo único positivo de la gira?

SLAYER

“SOY UN LIBRE PENSADOR Y SÉ QUE DIOS NO EXISTE. NO LLEVO LA CARGA DE LA FE” KERRY KING

“(Risas) Puede ser. El problema fue que uno de los propietarios se tiró atrás y empezó a hacer comentarios despectivos sobre la gira y el metal en general. La gira se montó muy mal. Hicieron un cartel para el cual pedían mucho dinero, y por eso la gente no respondió. Tocamos en Milwakee con Suicidal Tendencies y Exodus y agotamos las entradas. Un año después tocamos como parte del Mayhem, con doce bandas más, y no se agotaron. Los fans de Slayer no vinieron a vernos porque la entrada era demasiado cara. Es así de fácil”. Hablemos ya del nuevo disco. Supongo que una de las cosas buenas es que cuando la gente escucha un nuevo trabajo vuestro, todo el mundo dice ‘suena a Slayer’. Nadie dice suena a tal cosa o a tal otra. ¿Lo ves como un logro? “Sin duda. Yo escribí el 90% del disco, así que que los fans digan eso me hace sentir que hice bien mi trabajo”. Pero supongo que escuchas otros tipos de música, no sólo metal. Como músico, ¿nunca has sentido la necesidad de hacer algo que se aleje de vuestro estilo? 52

“Pues la verdad es que no. Si te digo la verdad, por encima de todo sigo siendo un fan del metal. El 95% de lo que hay en mi iPod es metal (risas). Como he dicho en otras entrevistas, si Slayer no existiera e hiciera música con otra gente, sonaría exactamente como Slayer pero con otra voz. ¿Así que para qué hacerlo? A mí me gustan AC/DC porque suenan a AC/ DC. Me gustan Judas Priest porque suenan a Judas Priest; nadie más suena como Rob Halford. Yo creo que cualquier banda de éxito tiene un cantante con una voz única que hace que la música suene aún más especial. Me gustan las bandas que suenan a ellas mismas. Eso es lo que los fans quieren de Slayer y cuando estamos componiendo, eso es lo que buscamos. Para serte sincero, tampoco sabría hacer otra cosa (risas)”. Éste es el paréntesis más extenso que ha habido entre dos discos vuestros y, por tanto, la expectación ha ido creciendo. Entiendo totalmente que necesitarais más tiempo dadas las circunstancias, pero ¿sentiste por todo ello una mayor presión comparado con otras veces? “No lo creo. Escribí el álbum durante

un largo periodo de tiempo. No es como si me hubiera puesto a componer el día en que Jeff falleció. Quizá si hubiera sido así, sí que hubiera sentido más presión, pero empecé a componer dos años antes de que pasara todo. Empecé a componer cuando fue picado por la araña. En ese momento no sabía si Jeff iba a escribir cinco canciones, diez o ninguna, pero sabía que yo tenía que estar preparado para cualquier escenario. Así que no sentí ninguna presión porque trabajé sin ningún tipo de fecha de entrega”. Obviamente, en vuestros discos había un equilibrio entre tus canciones y las que escribía Jeff. ¿Intentaste componer algo más cercano a su estilo con el fin de mantener ese equilibrio? “Yo sé que puedo escribir canciones rápidas, thrash y canciones más pesadas. Lo único que no había intentado históricamente era hacer canciones más atmosféricas. Por suerte tenía el riff de ‘When The Stillness Comes’ desde hacía veinte años. Nunca lo había usado porque nunca lo había necesitado. Jeff siempre era el encargado de escribir esos temas, pero el tener algo así en la recámara me dio mucha tranquilidad. Pero bueno, tuve que coger

ese riff y convertirlo en una canción, y grabarla en el estudio. Una vez estuvo terminada se me puso la piel de gallina porque me di cuenta que era un tema con un gran ambiente, muy terrorífico, pero es heavy. Me sentí muy satisfecho. Cualquier aspecto que te guste de Slayer, lo encontrarás en este disco”. ¿Tienes muchos otros temas en tus archivos que no hayas utilizado? “Tengo muchas partes, intros, riffs… La intro de ‘Vices’ tiene veinte años. Recuerdo habérsela enseñado a Paul la primera vez que estuvo en el grupo. Voy guardando cosas porque nunca estás seguro de si te acordarás de ellas cuando las necesites”. El tema ‘Piano Wire’ lo escribió Jeff y en otras entrevistas habéis dicho que existen otros temas que dejó antes de morir. ¿Por qué decidisteis grabar precisamente ésta? “De hecho ésta la grabamos para el disco anterior, así que ya existía una versión terminada del tema. Paul regrabó la batería y Tom grabó algunas nuevas voces. Creo que tenemos como ocho o nueve canciones de Jeff de las que ya están grabadas guitarra, bajo y batería, así que es posible que usemos alguna de ellas en el futuro. No están terminadas, pero Tom y Paul podrían hacerlo. Tendremos que escribir letras también. Pero ya veremos qué hacemos en el próximo trabajo”. ¿Cómo ha cambiado la dinámica del grupo desde que Jeff no está? ¿Os ha acercado a Tom y a ti? “Un poco. Desde luego tenemos que

ponernos de acuerdo en más cosas. Esto ya no es una democracia. Básicamente se trata de si dos tíos se ponen de acuerdo o no (risas). Pero lo más extraño para mí en cuanto a esta grabación fue no tener la presencia de Jeff ni sus opiniones. Incluso aunque yo tocara todas las guitarras en algunos temas, Jeff siempre tenía buenas ideas que a mí nunca se me habrían ocurrido. Realmente me inspiraba tenerlo ahí”. ¿Dirías que Jeff era un puente entre Tom y tú? “No, no lo veo así. Simplemente era un gran compositor. Hay notas de Jeff en todos nuestros discos, desde el principio, así que el hecho de que nos arrebatasen eso no fue fácil para nadie”. ¿Qué es lo que más echas de menos de Jeff? “Básicamente eso. Era mi socio componiendo. Pero como he dicho, tuve la suerte de haber empezado a componer hace mucho tiempo, así que eso no fue un problema. Dicho esto no poder contar con alguien que componga, como mínimo, el 30% de un disco supone mucho trabajo. No sé si volveré a contar con eso. Tom y yo todavía tenemos que discutir si Gary va a participar en los próximos discos”. Respecto a esto, ¿crees que Gary no estaba preparado todavía o erais vosotros quienes no lo estabais para involucrarle tanto? “Yo no estaba preparado y tampoco creo que los fans lo estuvieran. Pero quería que participara de algún modo y por eso le dije a Tom que debíamos dejarle grabar algunos solos. No lo sé

exactamente, pero creo que grabó al menos ocho temas. Así cuando toque en directo no se sentirá como si sólo estuviera tocando versiones (risas)”. Recientemente hemos visto a AC/DC seguir sin Malcom Young, a Black Sabbath sin Bill Ward y a Slayer sin Jeff. ¿No hay nadie irremplazable por muy importante que sea dentro de un grupo? “Depende. En nuestra situación, Gary es nuestro amigo más antiguo en el negocio. Se fue de Los Ángeles para tocar en la Bay Area con Exodus. Le conocemos desde el principio de los tiempos. Creo que él encaja mejor que ningún otro sustituto posible. Dicho esto, cuando mencionas a AC/ DC, ¿qué nos hubiéramos perdido si lo hubiesen dejado cuando Bon Scott murió? ¿Cuánta buena música no hubiéramos escuchado? Algunos reemplazos tienen sentido y otros no”. Tengo entendido que de joven eras fan de Van Halen. ¿Qué es lo que piensas de ellos a día de hoy? “Actuaron en el programa de Jimmy Kimmel en Hollywood Boulevard y como estaba grabando el disco en Hollywood, me acerqué a verlo. Cuando era un crío vi a Van Halen seis veces con los tres primeros discos. Eddie Van Halen hacía cosas con la guitarra que pensaba que ningún ser humano podía hacer. Así que ver eso fue muy importante para mi educación musical. Dicho eso, hay mucho material a partir del cuarto disco con el que intentaron volverse una banda de pop. Las guitarras desaparecieron, los solos se fueron… pero me sigue gustando mucho la primera época”. 53

“CADA VEZ QUE ALGUIEN SACA UNA BOTELLA DE JÄGER, SABES QUE VA A PASAR ALGO” KERRY KING

Dado lo poco que se venden los discos hoy en día, no sé si para muchas bandas veteranas como Van Halen o vosotros mismos, tiene algún sentido, desde un estricto sentido comercial, publicar un nuevo álbum. ¿Os compensa realmente todo el trabajo que supone? “Yo creo que todavía sí. Quizá es porque sea de la vieja escuela, pero aún recuerdo los días en los que compraba vinilos porque no existían los CDs. Es importante. Yo no soy de los que compran un par de temas en internet. Quiero tener el disco entero, quiero poseerlo. Creo que en la comunidad metálica es especialmente así. Vamos a sacar el disco en vinilo y también una edición limitada en cassette. Para mí es algo totalmente obsoleto, pero al parecer la gente lo quiere (risas). La comunidad metálica es distinta a la del pop. Yo creo que los fans quieren poder tener un 12” y llevarlo al concierto para que se lo firmemos y tener un recuerdo para siempre. Los fans del metal quieren tener el producto, quieren poder mirarlo, leer las letras, no sólo tenerlo en el iPod”. Pero la fama de Slayer ha trascendido la comunidad me-

tálica. Hoy en día vuestras camisetas se venden en grandes cadenas de moda como H&M y el Instituto Smithsonian os dedicó un vídeo dentro de una serie sobre la música americana. ¿Crees que Slayer ya forma parte de la cultura popular? “¡Pues creo que sí! Para mí Slayer no es sólo un grupo, es un estilo de vida. Puedes verlo por cosas por las que has dicho. Es como Black Sabbath, AC/ DC, Iron Maiden… Cuando llevas mucho tiempo en activo, acabas formando parte de algo más grande”. Acerca de lo del estilo de vida, hace unos meses vi en una cadena de televisión española una presentadora con una de vuestras camisetas. Te aseguro que esa mujer no tiene ni idea de lo que es Slayer y probablemente si os escuchara, le horripilaría. ¿No es un poco contradictorio con lo que dices? “(Risas) Sé que hay gente que se pone una camiseta nuestra porque le gusta el logo o quiere ir de guays con sus amigos, eso ocurre. Pero no me importa. No puedo impedir que la gente compre lo que quiera. No puedo hacer un examen para saber si son fans o no”. Tanto Tom como tú habéis destacado la gran labor de Terry Date como productor en el nuevo disco. ¿En qué aspectos ha marcado la diferencia respecto a otros? “Es curioso, yo conocía el trabajo de Terry por Pantera, que eran muy ami-

gos míos, pero nunca le había visto o conocido en persona en todos estos años. La primera vez fue cuando estábamos haciendo la preproducción del nuevo álbum. Pero tampoco conocía a fondo su obra porque no compro los discos por quién los produce, sino por las bandas. Cuando grabamos necesito que el productor sea un quinto miembro, alguien de quien pueda respetar sus opiniones. Necesito poder hacerle caso cuando me diga que repita algo 85 veces hasta que le guste. Y Terry hizo eso. Jugó con el sonido de guitarras en algunos temas, aportó ideas, a veces ayudó a Tom con las letras... Tiene todo lo que quiero en un productor”. En ese sentido, ¿crees que Rick Rubin está sobrevalorado como productor? “Mmm… Ahora mismo sí. Cuando hizo Reign In Blood, South Of Heaven y Seasons In The Abyss sí que estaba igual de involucrado, pero luego dejó que tomara su lugar otra gente por debajo de él. Básicamente se convirtió en alguien que decía ‘esto suena bien’, pero no hacía el trabajo de base, simplemente daba su aprobación. Al menos con nosotros era así”. Quizá le dejó de gustar el metal… “No lo sé. A principios de año me lo encontré en la fiesta de un amigo y era la primera vez que le veía en diez años. Ya no sé lo que le gusta”. En Repentless abordáis algunos de vuestros temas favoritos de siempre. ¿Te basta con poner las noticias para sentirte inspirado?

“Sí, puede salir de eso. Básicamente la inspiración viene de la vida. Viene de estar en un aeropuerto y ver a un gran hijo de puta maleducado en una cola. Viene de estar en un atasco. Casi cualquier cosa puede despertar mi rabia o mi odio (risas). Todo suele empezar con una frase o un título. Por ejemplo el título de God Hates Us All salió un día que iba conduciendo y vi una valla publicitaria en la que ponía “Dios ama a todo el mundo”. Y yo pensé ‘A mí no me ama, a mí me odia’ (Risas). Nos odia a todos. Así que hay un millón de cosas que me inspiran”. Precisamente siempre habéis escupido mucha bilis en contra de la religión. ¿Crees que el mundo sería un lugar mejor si la gente no tuviera creencias? “Lo creo al 100%. Especialmente en América es peor que nunca. A la gente le lavan el cerebro sus amigos, sus colegas, sus familiares… La gente actúa a ciegas. Tienen un mal día y dicen ‘Oh Dios mío, ayúdame a superarlo’. Si yo tengo un mal día, llamó a un amigo y voy a tomarme una cerveza con él. Soy un libre pensador y sé que Dios no existe. No llevo la carga de la fe”. ¿Crees que si no pudieras sacar tu rabia a través de la música, serías alguien peligroso o violento? “Es una pregunta hipotética, así que es difícil de contestar, pero es muy posible que sí. Creo que Slayer es un maravilloso alivio violento. Los fans que vienen a ver a Slayer, si no existiera Slayer, es muy posible que fueran violentos de otras maneras”.

¿Es la canción ‘You Against You’ sobre Dave Lombardo? “Nunca he dicho eso”. Por eso lo pregunto… “Pues si sigues preguntando tendré que colgar (risas)”. OK... Siempre se ha dicho que salir a actuar después de Slayer es el trabajo más duro que pueda tener una banda. Pero no sé si sientes que ni siquiera haya alguien que pueda superaros. Como si jugarais en otra liga… “Eso sería una buena frase de márketing (risas). Creo que cada banda tiene cosas distintas que las hace especiales. Para mí Iron Maiden, aparte de las grandes partes de guitarra de Dave Murray y Adrian Smith, es ver a Bruce Dickinson lo que los hace grandes. Es como un pájaro. Todavía sigue siendo muy entretenido verle y canta genial después de tantos años. O Black Sabbath con Ronnie James Dio. Dio cantaba en directo igual que en disco hasta que murió, los riffs monstruosos de Tony Iommi, el bajo de Geezer… por eso ibas a verles. Lo nuestro es más bien un festival de headbanging, así que no todas las bandas tienen que hacer lo mismo que nosotros para ser increíbles”. En los últimos años Tom ha expresado su preocupación por el desgaste físico que supone estar en Slayer. ¿Vislumbras que el final del grupo puede estar cerca? “Pues depende de cómo definas ‘cerca’. Si te refieres al año que viene, seguro que no”.

¿Pero te ves siguiendo diez años más? “Puede ser, ¿quién sabe? Si nos seguimos encontrando bien y Tom tiene voz, y Gary y yo seguimos tocando bien y Paul sigue siendo una máquina, ¿por qué no? Si el producto es bueno, seguiremos adelante. Si no lo es, pues lo dejaremos”. Slayer habéis participado varias veces en el Jägermeister Tour. ¿Cuál es la mejor y la peor experiencia que has tenido después de beber Jäger? “Cada vez que bebes es la mejor y la peor experiencia (risas). La mejor y la peor (risas). Creo que somos el único grupo que ha hecho tres veces el Jägermeister Tour, al menos el único de metal. Cada vez que alguien saca una botella de Jäger, sabes que va a pasar algo (risas)”. Teniendo en cuenta que Jeff murió por problemas relacionados con el alcohol, ¿no te ha hecho plantear cambiar tus hábitos? “Un poco. Pero también tiene que ver con la edad. Me encanta comer un entrecot, pero no voy a comer uno cada día, ¿sabes? Cuando tienes 20 años, tu cuerpo lo aguanta todo. Pero hacerte mayor consiste en saber que tu cuerpo responderá de otra manera, así que tienes que ser más selectivo. Pero en nuestros conciertos hay dos camerinos, y en el de Kerry King es donde está la fiesta (risas)”.

BULLET FOR MY VALENTINE

ALGUNOS FANS DE BULLET FOR MY VALENTINE NO ENCAJARON DEMASIADO BIEN EL GIRO MÁS COMERCIAL QUE TOMARON EN SU ANTERIOR DISCO TEMPER, TEMPER. A ELLOS VA DIRIGIDO VENOM, UN TRABAJO EN EL QUE RECUPERAN LA GARRA DEL PASADO. NI QUE MATT TUCK SE HAYA CORTADO EL PELO... TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

A LO LARGO DE SU CARRERA los

galeses Bullet For My Valentine han vendido millones de discos, ganado un ejército de fans y aparecido en un montón de portadas de revistas (incluida ésta). Sin embargo, el grupo parecía no tener suficiente y en 2013 lanzaba su cuarto disco Temper, Temper, grabado en Estados Unidos junto al productor Don Gilmore (Linkin Park, Good Charlotte) con un sonido mucho más depurado (sí, más todavía), en lo que fue visto como un intento de triunfar, de una vez por todas, en el mercado americano. La jugada no les acabó de salir del todo bien y, aunque rindió comercialmente, las críticas de sus seguidores no se hicieron esperar. Ellos aseguran que ese factor no tuvo nada que ver, pero lo cierto es que para su siguiente trabajo, Venom (RCA/Sony), el grupo ha decidido volver a Colin Richardson, con quien ya habían trabajado en The Poison y Scream Aim Fire, y poner el acento en la parte más cañera de su música. Entre medio, Matt Tuck (voz, guitarra), Michael ‘Padge’ Paget (guitarra) y Michael ‘Moose’ Thomas (batería) han tenido que lidiar también con la salida del bajista Jason James, quien ha sido sustituido por Jamie Mathias. Pero nada de esto parece haber afectado a Matt Tuck, a quien cazamos en medio de la gira junto a Slipknot y Lamb Of God por Estados Unidos.

¿Cómo está yendo el tour? ¿Dónde estás ahora mismo? MATT TUCK “Pues si te soy sincero, no lo sé (risas). Creo que en algún punto de Massachussetts, pero no sabría decirte. Estamos en ruta, en el autobús. Pero la gira está yendo muy bien. Es un honor tocar con bandas de este calibre”. Hablemos de Venom. ¿A qué veneno haces referencia en el título del disco? ¿Al que llevas dentro, al de otra gente, al del mundo…? “Bueno, el título no es algo tan literal como eso. Obviamente hace referencia a algo venenoso, que no es bueno para ti, pero la canción ‘Venom’ habla más bien de una relación que no te conviene. Pero lo elegimos para titular el disco principalmente por un tema de diseño, nos gustaba esa V grande con la serpiente enroscada a nivel gráfico, y además encajaba con 60

un concepto más amplio”. Tanto musicalmente como en las letras, Venom es más agresivo que Temper, Temper. ¿Qué os llevó a ello? “No hay un gran motivo detrás. Cuando acabamos la última gira, simplemente nos sentamos para hablar sobre lo que queríamos hacer en el siguiente disco y todos queríamos hacer un álbum realmente duro y agresivo. El último no lo había sido y si algo vimos claro es que la gente quería algo con más energía y nervio por nuestra parte. Así que fuimos en esa dirección. Todo lo que no se ajustaba a ese criterio, o sonaba demasiado pop, se aparcaba y nos poníamos a componer más canciones. Queríamos que fuera muy inteso”. ¿Te resultó difícil volver a escribir letras más rabiosas? Al fin y al cabo, ahora tienes una

familia, el grupo tiene éxito… En definitiva, eres feliz. “Fue un poco difícil, sí. La verdad es que tuve que recordar la frustración que tenía cuando era un adolescente y me pegaban palizas y nadie me hacía caso como músico. Costó bastante que alguien me tomara en serio, así que en esos tiempos acumulé mucha rabia. No fue agradable volver a sacarla porque, tienes razón, ahora soy feliz. Pero siendo una banda de metal necesitas letras que sean profundas, que encajen con la música, y con las que el público pueda identificarse. Así que fue como un viaje al pasado, pero logré escribir desde el corazón porque, todo de lo que hablo, lo he vivido”. Estás diciendo que la felicidad y el éxito son enemigos para escribir buen metal… “No diría enemigos, pero desde luego no facilitan el proceso. De hecho,

la canción ‘Broken’ habla de eso. Habla sobre querer sentirte roto para poder ser un buen artista. Desde luego, el metal y la felicidad no van de la mano (risas)”. Cuéntanos, ¿por qué se produjo la salida de Jason? ¿Te hiciste cargo del bajo durante la grabación? “Sí, toqué yo el bajo. La verdad es que me han dicho que no hablemos mucho de los motivos, pero digamos que separarnos era lo mejor para él como persona y lo mejor para nosotros como banda. No puedo decir más por respeto a su vida privada, pero dada la situación, era algo que tenía que ocurrir”. OK. Y en cuanto a Jamie, ¿cómo le encontrasteis? “Jamie fue uno de los muchos que mandó una cinta para hacer una prueba. Era amigo de Padge, así que fue él quien le animó a hacerlo. Mientras estábamos grabando en Londres aprovechamos para hacer algunas audiciones y, cuando vino, vimos que era muy bueno. No le dimos ninguna pista de lo que tenía que hacer, pero hizo todo lo que queríamos, incluso los coros. Su prueba fue impecable. Aun así, luego hicimos otra ronda de audiciones, pero nadie consiguió superarle, así que nos lo quedamos”. A estas alturas de vuestra carrera no tiene que ser fácil incorporar a alguien nuevo. ¿Le estáis tratando con más mimo de lo normal?

“Sí. Es la primera vez que hemos tenido un cambio en la formación. Jason fue una parte esencial en nuestro desarrollo y nuestra historia se remonta a antes de empezar el grupo, así que perderle fue muy duro. No fue para nada fácil, fue una mierda, y estuvimos tres meses dándole vueltas antes de decidirnos. Pero con Jamie todas las piezas han encajado y sonamos mejor que nunca. Nunca ha hecho cosas, como tocar en Estados Unidos, así que nos transmite esa ilusión. Es sangre fresca. Le estamos cuidando y le decimos qué puede hacer y qué no, pero es un tipo listo, con la cabeza bien amueblada, así que todo está yendo muy bien”. Visto en perspectiva, ¿ves Temper, Temper como un intento fallido de conquistar el mercado americano? “No había ninguna estrategia de ese tipo. Simplemente ésas fueron las canciones que salieron en ese momento. Ese disco era poco convencional para nosotros y, a pesar de que quizá no tuvo tanto éxito como otros, nos permitió hacer grandes cosas. Todavía seguimos aquí, girando por todo el mundo, tocando en el Wembley Arena… así que aunque mucha gente intenté descalificarlo, el resultado fue positivo. Si de algo me arrepiento es de no haberle dedicado un poco más de tiempo porque apenas hicimos preproducción, sino que escribimos directamente en el estudio. Esta vez fue todo lo opuesto, le dedicamos mucho tiempo a la composición para no cometer los mismos errores”.

¿Crees que las bandas en general tenéis demasiado miedo a cometer errores? ¿Se pagan demasiado caros? “Ser músico, o artista, te da libertad para cometer errores. Otra cosa es si luego a la gente le gusta o no lo que haces. Pero como músico tienes que tomar riesgos. Lo más importante es que tú te sientas orgulloso. Nosotros nunca hemos sido una banda de metal convencional. Siempre hemos combinado distintas cosas, no hemos tenido miedo a usar muchas melodías, nunca hemos dejado de ser valientes por miedo al fracaso, y creo que eso no cambiará”. Pero el ambiente es muy competitivo. Parece como que, si no das un paso adelante, otra banda ocupará tu lugar. “Nunca pienso en eso cuando compongo. No pienso en otras bandas. Mi motivación siempre ha sido que mis compañeros y yo hagamos grandes discos. Si me preocupara por los demás, empezaría a traicionarme a mí mismo”. Una pregunta tonta para terminar: ¿Por qué te has cortado el pelo? “(Risas) Nada importante. Es simplemente una cuestión personal. Pero sigo siendo el mismo metalhead de siempre (risas)”.

ESPECIAL FOTO

CANCER BATS (BCN)

GIRA DÉCIMO ANIVERSARIO

DE ROCKZONE NO MORE LIES

FOTOS: RUBÉN NAVARRO (BARCELONA), IRENE BERNAD (VALENCIA), JAVI PÉREZ (MADRID)

DECIDIDOS A QUE LOS CONCIERTOS DE CELEBRACIÓN DE NUESTRO DÉCIMO ANIVERSARIO NO SE LIMITARAN A MADRID (BRAND NEW) Y BARCELONA (EVERY TIME I DIE), HACE MESES NOS PUSIMOS A BUSCAR UNA BANDA QUE ESTUVIERA DISPUESTA A RECORRERSE LA PENÍNSULA DE ARRIBA ABAJO. EL PRIMER NOMBRE QUE NOS VINO A LA CABEZA FUE EL DE CANCER BATS, Y, POR SUERTE, DESDE EL MOMENTO EN QUE SE LO PROPUSIMOS ACEPTARON LA INVITACIÓN. ADEMÁS, TAMBIÉN SE APUNTARON A LA AVENTURA LOS BARCELONESES WILDERNESS Y LOS CANARIOS THIS DRAMA, CONFIGURANDO UN TRIPLE CARTEL QUE RECALÓ EN MÁLAGA, MADRID, ZARAGOZA, VALENCIA, BARCELONA Y TENERIFE ENTRE EL 7 Y EL 12 DE SEPTIEMBRE. QUIENES ESTUVISTEIS EN CUALQUIERA DE LOS CONCIERTOS YA PUDISTEIS VER EL NIVELAZO QUE MOSTRARON LAS TRES BANDAS, PERO QUEREMOS DEJAR CONSTANCIA DE LA PROFESIONALIDAD Y BUEN ROLLO QUE HUBO ENTRE TODOS LOS MÚSICOS, EQUIPO Y EL PERSONAL DE LAS SALAS QUE ACOGIERON LOS CONCIERTOS. ASÍ DA GUSTO TRABAJAR. SIRVA ESTE REPORTAJE FOTOGRÁFICO PARA INMORTALIZAR UNA SEMANA QUE NUNCA OLVIDAREMOS Y DAR LAS GRACIAS A TODOS LOS IMPLICADOS. Y, POR SUPUESTO, A TODOS LOS QUE OS GASTASTEIS UNOS EUROS EN CELEBRARLO CON NOSOTROS.

CANCER BATS (VAL)

CANCER BATS (BCN)

THIS DRAMA (VAL)

THIS DRAMA (BCN) WILDERNESS (VAL)

CANCER BATS (VAL)

WILDERNESS (BCN)

CANCER BATS (MAD)

CANCER BATS (BCN)

DISCO DEL MES

New Bermuda (ANTI) BLACK METAL, POST ROCK

ace apenas tres años, George Clarke y Kerry McCoy, cantante y guitarrista respectivamente de Deafheaven, estaban en las últimas. Compartían un pequeño apartamento en San Francisco con seis personas más y no compraban nada en el supermercado a menos que estuviera de oferta. No sólo eso, la gira que habían efectuado para presentar su primer álbum Roads To Judah les había dejado con una importante deuda y sus tres compañeros de grupo les habían abandonado para dedicarse a otros trabajos que les aportaran una mayor seguridad económica. A pesar de tan penosas circunstancias, o quizá precisamente por ellas, el dúo, con la inestimable ayu-

DEAFHEAVEN

da del batería Daniel Tracy, fue capaz de crear un disco tan hermosamente angustioso como Sunbather. Publicado en junio de 2013, su segundo trabajo, en el que mezclaban magistralmente dos estilos a priori tan alejados como el black metal y el shoegaze, fue todo un éxito –pocos se llevarían mejores críticas ese año- y lanzaría al grupo a girar por todo el mundo con una renovada formación que, además de Tracy, incorporaba al bajista Stephen Lee Clark y al guitarrista Shiv Mehra. Acabado el ciclo de Sunbather, Clarke y McCoy ya no tenían que preocuparse por cómo llenar la nevera, incluso pudieron permitirse vivir cada uno en su propio apartamento tras mudarse a Los Ángeles.

Pero ya se sabe que la estabilidad y la complacencia no son buenas compañeras de viaje para el arte, así que para ellos era una verdadera incógnita si serían capaces de crear otro álbum igual de conmovedor. Esta premisa es sobre la que, en buena parte, gira New Bermuda. Ya desde su propio título, su tercer trabajo evoca el misterio de lo desconocido. Que la primera frase que escuchamos salir de la diabólica garganta de Clarke sea “¿Dónde se ha ido mi pasión?” no es casualidad. El propio vocalista ha reconocido que éste es un disco lleno de tensión y de miedo. Miedo por enfrentarse al papel en blanco, por saber si podrían cumplir las fechas que les había marcado su

nuevo sello, Anti- Records, miedo por las expectativas creadas… incluso, a perder todo lo que tanto les había costado conseguir. Pero como todos sabemos, no hay nada mejor que enfrentarse a los miedos para comprobar que, en realidad, no había apenas nada que los justificara. Desde ese prisma, New Bermuda es una victoria en toda regla. En sus cinco canciones encontramos a una banda que domina su sonido con autoridad, capaz incluso de llevarlo más a los extremos. Quienes pudieran pensar que Deafheaven harían un álbum dispuesto a rendir pleitesía al público hipster, comprobarán rápidamente que este trabajo reivindica con orgullo sus raíces

piano que deconstruye la melodía hasta desaparecer. Igual de corrosiva es ‘Luna’ sustentada sobre otro blast beat sin piedad y unas guitarras expansivas que alcanzan un clímax celestial. En líneas generales Deafheaven siguen moviéndose en ese universo paralelo en el que Darkthrone y My Bloody Valentine se acuestan juntos, pero también encontramos algunas novedades. En ‘Come Back’, otro trallazo con una parte central épica a lo Envy, aparece un pasaje adornado por una slide guitar que sirve de puente hacia la pseudobalada ‘Baby Blue’, donde presentan pinceladas de slowcore a lo Low y un solo de wha wha de lo más rockero que podría haber firmado Mi-

“OTRO EJEMPLO MÁS DE SUS ANSIAS POR NO SER ENCASILLADOS” metaleras. Los tres primeros minutos de ‘Brought To The Water’ son pura tralla con un riff digno de Slayer, la voz de Clarke en modo blackie y el blast beat de Tracy funcionando a toda máquina. Pero claro, Deafheaven no serían Deafheaven si se limitaran sólo eso (ni que lo hagan rematadamente bien) y a mitad de camino se descuelgan con una melodía épica de guitarra para, progresivamente, ir ralentizando el ritmo hasta llegar a una parte bonita shoegaze, antes de volver a subir de intensidad con Clarke gritando “Un multiuniverso fucsia y violeta se rinde ahora a la oscuridad”, y finalmente terminar con una coda de

chael Schenker. Es también en ésta donde la labor de la batería (brutal Tracy en todo el álbum) se merece que le pongamos los cinco sentidos. Finalmente, ‘Gifts For The Earth’ se sitúa musicalmente a medio camino entre el post punk y el rock alternativo de los 90, con sólo la voz como referente metálico. McCoy ha comentado que su final es un homenaje a Oasis, pero entre los dibujos de guitarra y las notas de piano, casi suenan más como los Guns N’ Roses de ‘Estranged’ o ‘Civil War’. Nada malo, por supuesto, sino otro ejemplo más de sus ansias por no ser encasillados. Misterio resuelto. JORDI MEYA

UNCLE ACID

& THE DEADBEATS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Kevin Ryan Starrs (voz, guitarra, teclados),

Yotam Rubinger (guitarra), Vaugh Stokes (bajo), Itamar Rubinger (batería) PRODUCIDO POR: Liam Watson AFINES A: Alice Cooper Band, Black Sabbath, Big Elf PÁGINA WEB: acidcoven.com

The Night Creeper (RISE ABOVE)

HARD ROCK

n 1968 los Beatles consiguieron capturar en ‘Helter Skelter’, el tema más duro que nunca grabaron, el final del Verano del Amor marcado por los sucesos de Altamont y los asesinatos del clan Manson. Ese mismo año cuatro jóvenes de Birmingham formaban Black Sabbath. Desde 2009, un músico de Cambridge llamado Kevin Ryan Starrs viene estableciendo una conexión entre ambas bandas a través de los discos que firma como Uncle Acid & The Deadbeats. The Night Creeper, su cuarta entrega que estará presentando a mediados de este mes en nuestro país, prosigue esa línea jugando con estructuras

pop, ambientación psicodélica y riffs oscuros de proto metal. Concebido como una historia que sigue los pasos de un asesino en serie, el álbum será una auténtica delicia para quienes les gusta el rock con sabor añejo gracias a una producción totalmente retro por parte de Liam Watson (The White Stripes, Electric Wizard). No debe extrañarnos que Lee Dorrian, vocalista de Cathedral y jefe del sello Rise Above, se enamorara de ellos como también hiciera con Ghost. Ambas formaciones seguro que comparten el gusto por muchos grupos de los 60 y los 70, pero si los suecos optan por la majestuosidad melódica y la teatra-

lidad llevada al extremo, lo de Uncle Acid es más sucio, enfermizo y, bueno, ácido. La voz de Starrs, a medio camino entre la de Alice Cooper, John Lennon y Ozzy Osbourne, es perfecta para crear un tono terrorífico, ya sea mientras se abre paso entre las guitarras pesadas inspiradas en Sabbath de ‘Pusher Man’ y los fraseos psicodélicos de ‘Murder Nights’, se entrega a la melodía de ‘Melody Lane’ o cuando deciden acercarse al glam en ‘Inside’. El aire cinematográfico del álbum se acentúa con largos pasajes, mayormente instrumentales, haciendo de The Night Creeper un trabajo de lo más especial. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... KEVIN RYAN STARRS ¿Cómo creaste la narrativa para The Night Creeper? “Empecé con la idea básica de que trataría sobre un asesino en serie que estaría huyendo por la ciudad. Pero luego convertí al asesino en serie en un policía, que la prensa y el poder encubre. Ése es el personaje de The Night Creeper, que va encubriendo a la policía las pruebas de los crímenes que comete. Al final lo matan. Tener la historia me facilita mucho escribir las letras”. Ahora que ya tienes una banda estable, ¿sigues componiendo tú solo o también participan? “No, yo sigo escribiendo los conceptos y las canciones. Sólo hay un tema, ‘The Night Creeper’, que trajo el anterior bajista y al que yo añadí algunas partes. Por ahora ésa ha sido la única colaboración, pero espero que haya más en el futuro. A veces me cuesta

que la gente entienda exactamente lo que tengo en mente”. ¿Cuáles son tus escritores favoritos de novela negra? “Diría que estoy más influenciado por el cine. Me gusta mucho Otto Preminger, Dario Argento, Mario Bravo… No es que sean una influencia directa como escritor, pero sí me gusta mucho el ambiente y las imágenes que consiguen en sus películas. Cuando escribo canciones lo hago como si estuviera escribiendo escenas. Pienso en cómo puedo trasladar el grano o la luz de una escena a los sonidos usando pedales o cintas… Por eso quería trabajar en los estudios Toe Rag con Liam Watson. Es un estudio único en el mundo con un montón de equipo muy especial. Sabía exactamente qué micrófonos usar en cada momento”. ¿Cuál es tu relación con Lee

Dorrian? ¿Cómo os descubrió? “Hace años me escribió a través de MySpace cuando sacamos nuestro primer disco. Nos ofreció sacarlo en vinilo, lo cual nos pareció genial. Es un honor estar en su sello”. Al igual que Ghost, desde el principio la banda ha estado rodeada de un halo de misterio. ¿Sientes que si quieres que el grupo crezca, tendrás que exponerte un poco más? “Así es. Al final tienes que hacer ciertas concesiones para llegar a más gente. Tienes que hacerte fotos, dar más entrevistas… es parte del trabajo. Así funciona este negocio. Tampoco es que estemos obsesionados con tener más éxito, simplemente queremos tener la posibilidad de seguir haciendo lo que nos gusta”. (JORDI MEYA) 71

BRING ME THE HORIZON That’s The Spirit (COLUMBIA/SONY)

ROCK ALTERNATIVO

odos los comentarios previos al lanzamiento de That’s The Spirit hacían presagiar que Bring Me The Horizon estaban decididos a desvincularse del metalcore para sumergirse en el mundo más amplio y lucrativo del rock alternativo. A nadie puede coger por sorpresa este cambio de rumbo teniendo en cuenta la orientación que mostraban temas como ‘Can You Feel My Heart’ o ‘Sleepwalking’ del anterior Sempiternal, o ese inesperado hit de transición que fue ‘Drown’ a finales del año pasado, y que aparece aquí en una nueva versión aún más amplificada. Así que la pregunta no era tanto

qué íbamos a encontrarnos en su quinto trabajo, sino si la banda de Sheffield sería capaz de llevar a cabo su mutación de manera satisfactoria. La respuesta es un rotundo sí. That’s The Spirit es todo lo bueno que pueda ser un disco de rock moderno con aspiraciones a competir de tú a tú con los superventas. Lo mejor es que no intenta disimularlo en ningún momento. Despojados de todos los elementos típicos del metalcore (las voces guturales, los breakdowns, los riffs complejos...), Bring Me The Horizon ofrecen once temas -más de la mitad podrían ser lanzados como singles con garantías de éxitocon influencias del nu metal (‘Happy Song’, ‘Blasphemy’), pop electrónico (‘Follow You’, ‘Run’), indie (‘What You Need’, ‘Avalanche’), dance (‘Oh No’) y un Oli Sykes reconvertido en cantante melódico. Por supuesto, aquellos que ya rajaban de ellos encontrarán aquí munición de sobras para acribillarles, pero seguro que el grupo y su legión de nuevos fans estarán demasiado ocupados disfrutando de esta brillante colección de canciones. JORDI MEYA

THE WONDER YEARS No Closer To Heaven (HOPELESS)

POP PUNK

eafirmados en su propio sonido, estos seis treintañeros de Philadelphia se mantienen en sus trece, no sólo porque este No Closer To Heaven continúe con su estructura de 13 temas, sino porque siguen empeñados en hacer su propio pop punk sin comparaciones de por medio. Por tercera vez consecutiva se han juntado con Steve Evetts a los mandos en la producción, y han vuelto a conseguir un álbum mejor que el anterior. Por supuesto, de aquella crisis creativa que sufrió su

vocalista Soupy no queda ni rastro, y como ejemplo de ello tenemos algunas canciones como ‘Cigarretes And Saints’, ‘A Song For Ernest Hemingway’, ‘I Wanted So Badly To Be Brave’ o ‘I Don’t Like Who I Was Then’, que se sumarían rápido a la lista de favoritas de cualquier fiel seguidor. Es cierto que pudimos prever meses antes con el adelanto de ‘Cardinals’ que no iban a fallar a la hora de mantener su mismo producto, del que siguen sacando punta, y en el que incluso consiguen probarse con éxito, como en la potente ‘The Bluest Thing On Earth’ o ‘Stained Glass Ceilings’, donde se exploran más de lo habitual invitando a Jason A. Butler de Letlive. a dar un toque más visceral de lo acostumbrado. Mantienen el equilibrio con otras dignas de mención, casos de ‘You In January’, ‘Thanks For The Ride’ o ‘A Song For Patsy Cline’, y ponen el cierre con el delicado tema que da nombre a esta cuarta obra en la que se han acercado más al cielo de lo que se pensaban. ALEJANDRO LOZANO

GREUS Greus (BCORE)

DOOM SLUDGE INSTRUMENTAL

abiendo quiénes se esconden tras el nombre de Greus es fácil imaginar que su debut no está dirigido a los amantes del pop de cámara o del nuevo folk. Edu Rodríguez, batería de Moho, una de las mejores bandas que ha dado nuestro metal, e Iván Ruíz, guitarrista de Moksha y batería en XMilk, empezaron a fraguar este proyecto hace dos años durante los cuales han ido amasando riffs y ritmos, y afianzando su química como músicos en distintos conciertos. Una colaboración que ahora se ha plasmado en un disco que es como una invitación a entrar en su local de ensayo. ‘Brou De Cultiu’ es el primer mazazo que nos arrean con 8 minutos en los que un acople nos acompaña hasta que un riff, del que podrían estar orgullosos Tony Iommi o Matt Pike, nos lanza al headbanging. El tema va mutando con una parte central más pausada y pesada en la que Edu se luce con

los redobles antes de desembocar en un final de lo más agónico, con el batería resistiéndose a dejarlo morir. Más letal y enrevesada es ‘Engrudo’, con Greus cabalgando a toda máquina. ‘Mitocondria’ los adentra en terrenos más experimentales con 10 minutos de ruido cavernoso, mientras que ‘El No Yo’ y ‘Cervical 3’ son dos ejercicios de saturación melviniana. Grabados por Santi Garcia en los estudios Cal Pay Recordings, sin trampa ni cartón, los cinco temas que aquí presentan deben situar, desde ya, a Greus como una de las bandas más potentes de la hirviente y talentosa escena instrumental de nuestro país. Ni que de vez en cuando se les escape algún grito. JORDI MEYA

THE BLACK DAHLIA MURDER Abysmal (METAL BLADE)

MELODIC DEATH METAL

he Black Dahlia Murder son una de esas pocas bandas que dignifican el death melódico, que defienden que éste debe seguir siendo tan agresivo como cualquier otra rama del metal extremo. Parece algo obvio, pero por desgracia el estilo no atraviesa su mejor momento en ese aspecto… Aunque, como decíamos, los de Michigan siempre han sido fieles al mejor antídoto contra ello: la somanta de palos. En su séptimo álbum ya, con ‘Receipt’ enseguida nos mandan a su particular infierno de fraseos endiablados, punteados alucinantes, blasts tremendamente veloces, todo rematado con los rasgados sin fin de Trevor Strnad. ‘Vlad, Son Of The Dragon’ merece un aplauso, pero donde lo bordan de verdad es con ‘Abysmal’. Estamos ante su

IRON MAIDEN

The Book Of Souls (EMI)

HEAVY METAL

ucho me temo que el nuevo disco de La Doncella va a traer cola. Muchos ya se han posicionado y no hay término medio: o es lo mejor desde Brave New World o directamente no vale para nada. En mi caso represento a la minoría que se dirige hacia el centro, aunque quizás mi fanatismo por la banda haga que tras varias escuchas lo considere un gran disco. Evidentemente no es una vuelta a las raíces, como se había rumoreado, pero hacía tiempo que no componían cosas tan crudas como ‘Speed Of Light’, por ejemplo, un clásico tema

trabajo más influenciado por el black melódico, y con el riff principal de esta gran pieza desde luego se acercan más que nunca a Dark Funeral. Tras tan apabullante tridente puede que la técnica ‘Re Faced’ parezca más floja, pero espérate al carnicero break que va a romperte media docena de vértebras. ‘Threat Level Number Three’ es un tema típicamente Black Dahlia, mientras ‘The Fog’

aporta muchísimas alternativas a su tralla habitual, recurriendo por momentos al medio tiempo o a arreglos de heavy clásico. ‘Stygiophobic’ no me ha entrado, pero lo remedia el obús ‘Asylum’ o la muy Hypocrisy ‘The Advent’. No es el más memorable, pero sí nos encontramos ante otro capítulo de una de las discografías metálicas más poderosas de este siglo.

donde se nota la mano de Adrian Smith, y un single perfecto. ‘The Red & The Black’ también me parece una meritoria composición. Gran riff, excelsas melodías marca de la casa (esos juegos de guitarras, por favor…) y tremenda galopada de una base rítmica donde Harris una vez más se sale. Las notas de Bruce Dickinson no son tan sangrantes como antaño a pesar de que su característico timbre sea el protagonista en más de una ocasión. Es un placer escucharle atacar ‘Death Or Glory’ con esa fuerza, igual que en ‘When The River Runs Deep’, otra aportación más

del tándem Smith/Harris, donde nuestro cantante, completamente recuperado ya de su tumor, canta como los ángeles. El material es abundante, tienes que estar muy inspirado o sentirte muy seguro de ti mismo para atreverte a presentar un doble álbum en los tiempos que corren, y el quinteto británico, la mejor banda de metal de todos los tiempos, sin duda sigue teniendo muchas cosas que ofrecer. Otra obra imprescindible en la carrera y la evolución de un grupo que ha traspasado la frontera entre el bien y el mal. Up the Irons!

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

DEFEATER Abandoned (EPITAPH/BRIDGE NINE)

HARDCORE

011 fue el año en el que un grupo de jóvenes y prometedoras formaciones irrumpieron con fuerza dotando de un aire de frescura a la escena post hardcore. Bandas como Touché Amoré, La Dispute, Pianos Become The Teeth y Defeater configuraban un big four que se vino a denominar como The Wave. Buenos amigos entre todas ellos, han ido compartiendo incluso idénticos pasos en cuanto a trayectoria y evolución, aunque ahora mismo los últimos mencionados parecen quedarse un par de pasos por detrás del resto. En su cuarto álbum los de Boston

no se han movido ni un ápice de las coordenadas que presentaron anteriormente. No es que hablemos de Abandoned como un trabajo pobre, tampoco es eso. La innegociable intensidad instrumental, las apasionadas letras de Derek Archambault, así como sus desesperadas interpretaciones vocales siguen conformando el sello de identidad de Defeater, haciéndoles completamente reconocibles desde el primer acorde. Y ahí está el problema, en el no ofrecer absolutamente nada distinto a lo que hayamos podido escucharles en sus tres discos predecesores, dejando síntomas de cierto estancamiento creativo. ‘Unanswered’, ‘Spared In Hell’, ‘December 1943’ o la aparición estelar de su colega James Carroll de Make Do And Mend en ‘Borrowed & Blue’ siguen dejando buenos momentos, pero si me dijesen que estos temas los escribieron al mismo tiempo que los de Letters Home, me lo creería sin problemas. Mucho deberán espabilar si no quieren quedarse en un simple grupo más del rebaño. GONZALO PUEBLA

PARKWAY DRIVE Ire

(EPITAPH)

METALCORE

adie podía imaginar cuando hace diez años Parkway Drive lanzaban su debut Killing With A Smile que llegarían a la posición privilegiada en la que se encuentran ahora mismo. Ni tampoco creo que nadie pueda reprocharles haber ido por el camino fácil (recordemos lo denso que era Deep Blue) para conseguirlo. Pero llegados a este punto, en el que tocan en grandes recintos y ocupan posiciones cada vez más altas en los festivales, está claro que los australianos necesitaban hacer un álbum más accesible y lleno de himnos listos para

ser coreados por las masas si querían mantener su estatus en un mercado cada vez más competitivo. Y eso es lo que es Ire, un álbum en el que ofrecen una versión más apta para todos los públicos del sonido Parkway Drive, pero que tampoco renuncia a su característico poderío ni a la guturalidad de Winston McCall. De hecho, se trata de su disco más metal, en el sentido clásico del término, y menos core. Tampoco Parkway se han escapado de ese revival nu metal que se lleva ahora en la escena en ‘Crushed’, ‘Bottom Feeder’ o el medio tiempo ‘Writings On The Wall’, que aparece adornado por cuerdas y piano. Pero las melodías de guitarra fusiladas del libro de estilo de In Flames, los estribillos triunfales, los coros hooliganescos y los breakdowns diseñados para romper el pit son la norma en la mayoría de sus once canciones. ‘Destroyer’, ‘Vice Grip’, ‘Fractures’ o ‘The Sound Of Violence’ son perfectos ejemplos de esta fórmula que no por evidente deja de ser efectiva. DAVID GARCELL

CHRIS CORNELL Higher Truth (UNIVERSAL)

ROCK, FOLK

espués de haber redimido los pecados perpetrados junto a Timbaland con el fantástico regreso de Soundgarden, Chris Cornell vuelve a retomar su propia carrera con su cuarto disco en solitario, quinto si contamos el directo Songbook. De hecho, la gira acústica que plasmó en aquél ha inspirado claramente la dirección de Higher Truth. Aparcados han quedado los experimentos bailables de Scream y en su lugar encontramos un disco de corte clásico y carácter más bien íntimo. Eso no significa que estemos ante

un disco crudo, oscuro o austero, pues buena parte de sus 15 canciones se encuentran entre las más accesibles que haya grabado nunca (‘Nearly Forgot My Broken Heart’, ‘Before We Disappear’, ‘Our Time In The Universe’) y que, en otras circunstancias, podrían competir comercialmente con las de algunos de esos nuevos cantautores que triunfan en las listas. Hecho mano a mano con Brendan O’Brien, el álbum saca a relucir las dos mejores facetas de Cornell, su poderosa y hermosa voz y su talento como compositor, si bien a ratos la producción, un tanto excesiva en arreglos y demasiado pulida, le resta algo de corazón. Con todo, Higher Truth reserva algunas perlas como ‘Death Wishes’, ‘Let Your Eyes Wonder’, ‘Circling’, ‘Misery Chain’ o ‘Bend In The Road’ (una balada con piano, armónica y coros góspel) que seguro dejarán satisfechos a aquellos que han seguido los pasos de Cornell al margen de Soundgarden. JORDI MEYA

MY DYING BRIDE Feel The Misery (PEACEVILLE)

GOTHIC DOOM METAL

unca pensé que escribiría algo parecido, pero el nuevo álbum de mis reverenciados My Dying Bride es malo, directamente, y con ganas. Si la vuelta a la guitarra de Calvin Robertshaw debía significar un retorno a su etapa clásica de los 90, desde luego sólo ha demostrado que la inspiración de los ingleses en este siglo procedía únicamente de Hamish Glencross. Visto lo visto, normal que se marchara para dedicarse plenamente a Vallenfyre… Feel The Misery empieza con ‘And My Father Left Forever’, una canción

que cuando entra Aaron Stainthorpe al micro ya te deja totalmente descolocado. Alargada de forma forzada, simplemente porque así deben ser sus temas, y aunque luego aparezcan los verdaderos My Dying, no entiendes que algo tan hortera proceda de Aaron, de los de Halifax. ‘To Shiver In Empty Halls’, la siguiente, es de una vulgaridad alarmante, la coletilla final es de bofetada, así que también nos deja otros muchos titulares: Dan ‘Storm’ Mullins, el batería para este disco, no tiene la suficiente elegancia para encargarse de ello, por no hablar de una producción artificial, de nuevo, inaudita en My Dying Bride. ‘A Cold New Curse’ parece que se encauza hacia algo mejor, pero unos teclados insufribles de Shaun Macgowan la condenan finalmente al ridículo. ‘A Thorn Of Wisdom’ es soez, una grosería digna de una banda de gotiquillo barato, y casi que sólo salvo ‘I Celebrate Your Skin’, y por los pelos. Viniendo de ellos, Feel The Misery es intolerable. No salgo de mi estupor. PAU NAVARRA

MARK LANEGAN Houston - Publishing Demos 2002 (IPECAC)

ROCK, FOLK

ún estoy intentando comprender de dónde demonios ha salido un artefacto como éste, pero tras el tropiezo que supuso el año pasado la publicación de Phantom Radio (el primero realmente serio en tres décadas de trayectoria, podríamos decir), la publicación de este inesperado nuevo álbum de Mark Lanegan ha sido la mejor medicina para recuperarse de semejante decepción. Inesperado porque ha sido Ipecac, la disquera de Mike Patton y no su sello actual, Vagrant, el encargado de ponerlo en circulación sin apenas promoción, y sorprendente por tratarse de material

descartado hace 13 años, ni más ni menos. Pero no se dejen engañar por el título del mismo, ya que no se trata de unas demos con sonido paupérrimo, sino de un álbum hecho y derecho con todas las de la ley. Houston se sitúa justamente en el mismo punto en el que se encontraba Lanegan en 2002. Siguiendo una línea completamente continuista del excelso Field Songs. ‘No Cross’ ya se encarga de dejarnos claro que aquí no nos toparemos con las bases electrónicas de su última obra y sí con una instrumentación más tradicional y acorde a lo que ha sido su etapa más clásica (sorprende el uso que se da al acordeón como arreglo en algunos temas). Joyitas como ‘Two Horses’, ‘Halcyon Daze’, ‘I’ll Go Where You Send Me’ o la preciosa ‘A Suite For Dying Love’ nos devuelven al cantautor tenebroso, reflexivo y místico que nos enamoró como una de las gargantas más inigualables de los 90. Confiemos en que echar la vista atrás le sirva al de Seattle para que disfrutemos de algo más que este agradable hallazgo en el futuro próximo. GONZALO PUEBLA

MOTION CITY SOUNDTRACK Panic Stations (EPITAPH)

POP PUNK

o sé vosotros, pero yo echaba de menos a estos Motion City Soundtrack. Su anterior disco Go me dejó excesivamente frío y diría que no he vuelto a escucharlo desde que se publicara en 2012. Algo que estoy seguro que no volverá a repetirse con Panic Stations. A petición del productor John Agnello (Dinosaur Jr., Redd Kross), la banda de Minneapolis grabó su sexto disco en directo en apenas 14 días, garantizando un sonido más enérgico y fresco. La chispa que le faltaba a Go

se compensa de sobras con la vitalidad que desprende el álbum desde que Justin Pierre escupe un “Let’s do this” al micrófono y sus compañeros arremeten con ‘Anything At All’, un vendaval melódico marca de la casa que se prolonga durante casi 40 minutos en temazos como ‘TKO’, ‘I Can Feel You’ u ‘Over It Now’, y donde no faltan sus entrañables tecladillos. Pierre ha perfeccionado su papel de nerd perdedor y patoso con las relaciones y ya sea cuando adopta un tono más ligero (‘Lose Control’ acercándose a The Rentals) o más profundo (‘Days Will Run Away’, un tema más épico que podrían haber firmado The Wonder Years), resulta siempre convincente. Si algo positivo tiene que hayan llegado hasta aquí sin haberlo petado nunca a nivel masivo es que se han liberado de la presión de tener que seguir los pasos de unos Blink-182 o All Time Low. Ahora, más que nunca, saben que les basta con ser ellos mismos para hacernos felices. JORDI MEYA 77

MAKE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Scott Enders (voz, guitarra), Spencer Lee

(voz, bajo), Luke Herbst (batería) PRODUCIDO POR: Kris Hilbert AFINES A: Neurosis, Horseback, Isis PÁGINA WEB: thebandmake.blogspot.com.es

The Golden Veil (AUTOEDITADO) POST METAL

a costado más de lo que esperábamos poder escuchar un nuevo disco de Make. El grupo de Chapel Hill que debutó en 2012 con Trephine decidió cesar su actividad indefinidamente tras la publicación al año siguiente del EP Axis. Tras un parón de doce meses, el trío se reagrupó y empezó a completar algunas composiciones que habían dejado a medias anteriormente. El proceso les llevó nueve meses más, tiempo en el que el batería Matt Stevenson era sustituido por Luke Herbst. Un contratiempo que no ha impedido que Make hayan logrado superar sus dos entregas anteriores. Dada la

total independencia del grupo –se autoeditan su material y no aspiran a hacer de esto su modus vivendi, aunque les encantaría-, The Golden Veil es un experimento a la vez continuista con lo que conocíamos de ellos pero también más diverso. Los aficionados al post metal reconocerán atmósferas y dinámicas cercanas a las de Isis o Neurosis, frecuencias próximas al drone, adornadas con arpegios de una guitarra acústica en ‘I Was Sitting Quietly, Peeling Back My Skin’, conviven con riffs abruptos que los emparentan al doom y el sludge en largos desarrollos que mantienen al oyente expectante por saber con qué le sorprenderán

a cada momento, si con una caricia o un latigazo. Los registros de voz manejados entre Scott Enders (guitarra) y Spencer Lee (bajo) también son igual de variados, abarcando desde la solemnidad melódica en ‘The Inmortal’ a la guturalidad en ‘Breathe’, hasta chillidos blackers en ‘The Absurdist’. Grabado junto al productor Kris Hilbert, The Golden Veil suena hermosamente calmado cuando es necesario y profundamente crudo cuando la distorsión interviene. Una dicotomía que recoge a la perfección el vacío que todos podemos sentir cada vez que abrimos los ojos y empieza un nuevo día. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... SPENCER LEE El disco suena o bien como una banda de metal aburrida con el metal o como una banda experimental a la que le gusta mucho el metal. ¿Con cuál de las dos te identificas más? “Para ser sincero, la verdad se encuentra en un punto medio. Todos tenemos un background con grandes dosis de metal y música experimental. Creo que más que estar aburridos con el metal, es sólo que queremos hacer algo diferente que abarque un amplio espectro de influencias”. Aunque vuestra música está lejos de ser comercial, ¿crees que ahora hay un mayor público para este género que cuando salió el primer disco? “Desde luego noto mucho más interés por nosotros que antes. Pero no sabría decirte el motivo. Creo que éste es el

disco más centrado que hemos hecho y quizá la gente lo percibe. Quizá porque aunque no te guste el metal, puedes apreciarlo. Para mí la música siempre ha sido una forma de arte. Tienes que ser experimental y desafiarte de algún modo. A lo largo de mi vida, la música experimental me ha ayudado a aprender sobre mí mismo y el mundo a mi alrededor, ni que el mayor desafío fuera entender un concepto o una instrumentación densa. Sinceramente, espero que más gente empiece a acercarse a la música de esa manera”. Siendo un trío, ¿os resultó muy duro cambiar de batería? “Bueno, sí fue algo importante porque Matt dejó el grupo para emprender un proyecto en solitario y no creo que hubiéramos durado demasiado como banda sin un batería. Todos seguimos siendo amigos y, de hecho, los tres

seguimos tocando juntos en otro grupo, pero Matt necesitaba un cambio en ese momento. La transición ha sido bastante increíble, porque yo ya tocaba en otro grupo con Luke, y literalmente el día que Matt nos dejó, le mandé un mensaje a Luke para sustituirle. Estaba tan emocionado como nosotros de tenerlo, y ha hecho un trabajo increíble. Ya hemos empezado a escribir un EP con él y por ahora el proceso ha sido fantástico”. ¿Con qué sensación te gustaría que se quedase el oyente después de escuchar The Golden Veil? “Me gustaría que se diese cuenta de lo absurdo e insignificante que es nuestra existencia y que abrazara ese sentimiento con los brazos abiertos. Y que sepa que no está solo en este horrible y hermoso enigma”. (DAVID GARCELL)

uién dice que no se puede tener todo en la vida? Que se le pregunten a Dallas Green. El músico canadiense empezó City And Colour en 2005 para dar salida a una serie de canciones de orientación CITY AND COLOUR folk que no encajaban con el post hardcore de If I Should Go Before You Alexisonfire. En diez años, no (DINE ALONE/MUSIC AS USUAL) ROCK, AMERICANA sólo su proyecto en solitario ha cosechado un éxito enorme, sino que además la 65 desaparecida banda vuelve a estar en activo para actuar ocasionalmente en festivales y tiene un proyecto a medias con una superestrella como Pink llamado You+Me, con el que debutaron el año pasado. Más aún, Green ha conseguido por fin una formación estable de músicos (procedentes de grupos como Raconteurs o Constantines) que además de acompañarle en directo, también le han

WINDHAND

Grief´s Infernal Flower (RELAPSE)

DOOM METAL, PSICODELIA

on su tercer largo el quinteto de Richmond ha conseguido por fin que nos los tomemos en serio. Porque, seamos claros, hasta ahora y a pesar de la excelente acogida que han tenido, todavía les faltaba algo para que pudieran compararse con Electric Wizard, Cathedral o Reverend Bizarre, nombres que siempre aparecían cuando se trataba de definir su sonido. Su doom ultra pesado se alía con ese space rock tan etéreo como machacón para regalarnos unas cuantas de esas composiciones destinadas a destruir las pocas neuronas

inspirado a escribir nuevas canciones cuando al finalizar su última gira pasó por una sequía creativa. De ahí que en If I Should Go Before You, su quinto trabajo, brille por su ausencia la desnudez acústica de sus inicios, y prevalgan, como en sus últimas entregas, temas con mayores desarrollos instrumentales y arreglos, si bien su delicada y suave voz sigue estando en el epicentro. ‘Woman’, un

fantasmagórico blues de ritmo lento con Green cantando en falsete, ‘Wasted Love’, donde se acerca a The Black Keys, o ‘Runaway’, una pieza en clave country rock, son buenos ejemplos de lo que a día de hoy es City And Colour. La pena es que aunque su belleza formal es incuestionable, no llega a conmover como debiera. Al final será verdad que no se puede tener todo.

que nos quedan sanas. Los tipos no se andan por las ramas y han elegido como single el mastodonte metálico que abre el álbum, ‘Two Urns’. Supongo que han querido dejar las cosas bien claras desde el principio con esta masa de riffs infectados con ácido y esos pasajes instrumentales que, literalmente, te dejan machacado de una sola escucha. 8 minutos de doom demoníaco donde la embaucadora voz de Dorthia Cottrell lucha por asomarse entre los decibelios que escupen los amplificadores Orange de los dos killers de las guitarras, Asechiah

Bogdan y Garett Morris. Ese sencillo es una muestra perfecta de lo que es el disco, una sucesión de riffs que en ocasiones se apoyan en el inmenso legado de Sabbath y en otras en el trabajo menos valorado mediáticamente de Hawkwind, pero conteniendo también esa personalidad que se les exige a una banda de recorrido como ellos. La producción de Jack Endino vale su peso en oro, dotando a las composiciones de la banda de ese bonus extra que les aparte de toda esa legión de grupos de segunda que se dedican a machacar acordes sin más.

JORDI MEYA

ANDRÉS MARTÍNEZ

STEARICA Fertile

(MONOTREME)

POST ROCK

os italianos Stearica han cocinado su segundo trabajo, el presente Fertile, a fuego lento, excesivamente lento pensarán algunos. Sin embargo, contra todo pronóstico, el resultado de estos avezados, que no prolíficos, músicos está al dente, en su punto. Entre su primer largo, Oltre, publicado en 2007, y su continuación han pasado muchas cosas en el mundo. Suena obvio, pero merece la pena resaltar que algunas, como el movimiento ciudadano surgido el 15-M del 2011 en nuestro país y las revoluciones de la Primavera Árabe, han marcado de alguna forma este Fertile. El trío de Turín,

casualidades de la vida, se subía al escenario del Primavera Sound con media España en la calle, exigiendo una democracia real. Estas protestas de los indignados, recuerdan los propios miembros de la banda en la nota de prensa, “encendieron la inspiración” para este Fertile. Los amantes del math rock y el género instrumental en general gozarán con esta explosión rebelde pero con mucha clase que es Fertile. A destacar, la pantanosa ‘Delta’, la terrible saturación de ‘Bes’ y el ritmo endiablado de ‘Tigris’. Stearica aderezan el disco con dos colaboraciones de lujo muy bien metidas en la onda del plástico: Scott McCloud de Girls Against Boys y Ryan Patterson de Coliseum cantan en la evocadora ‘Amreeka’ y la violenta ‘Nur’ respectivamente. El sello londinense Monotreme Records (65daysofstatic, Jeniferever, Sleepmakeswaves) moverá por todo el mundo este notable trabajo de una banda que ya tiene confirmada una parada en nuestro país: el imperdible AMFest. LUIS BENAVIDES

BLACK TONGUE The Unconquerable Dark (CENTURY MEDIA)

DOOMCORE

ebo reconocer que no pude evitar soltar una risita cuando me topé con una etiqueta como ‘doomcore’. Al fin y al cabo, tarde o temprano debía llegar esta evolución, pero no dejé de tomármelo con muchas licencias… Hasta que me enchufé The Unconquerable Dark, el segundo álbum de Black Tongue tras debutar con Born Hanged / Falsifier (Redux), la unión de sus dos primeros EPs. Y la experiencia no sólo fue resultona, qué va… la experiencia fue absolutamente devastadora. Efectivamente, lo suyo es jodido doomcore. Con una muralla de sonido

gravísima, gordísima y más que opresiva, infranqueable y a la que ninguna descripción hace realmente justicia, con un sustain que podría durar una década, este cuarteto se instala en un down tempo continuo sólo mínimamente roto por ‘L’Appel Du Vide’ o la sludgera ‘Prince Of Ash’, y lo hace habiendo grabado una auténtica calamidad que ni bajo necesita para enclaustrarte en el más negro agujero que pueda existir. La sensación que he tenido durante todo el álbum es la de vivir en un breakdown perpetuo de la mejor banda de brutal deathcore habida y por haber, ¡y eso sólo puede ser glorioso! El oscuro y lento torbellino al que te arrastra ‘In The Wake Ov The Wolf’, ‘Young Gloom’ o ‘Vermintide’, esta última con aparición de Eddie Hermida de Suicide Silence incluida, es totalmente recomendable si te van los sonidos descritos, y desde luego ni se te ocurra saltarte el final… ‘The Masquerade’, ‘A Pale Procession II: Death March’ y ‘I’m So Tired Of Sighing. Please Lord, Let It Be Night’ son el horror hecho música. Fan a muerte. PAU NAVARRA

VINTAGE TROUBLE 1 Hopeful Rd. (BLUE NOTE)

SOUL ROCK

i estuvisteis en alguno de los conciertos de AC/DC o en el Bilbao BBK, seguramente ya estaréis familiarizados con ellos. Este cuarteto procedente de Los Ángeles lleva en funcionamiento desde hace cinco años y en ese espacio de tiempo ya han podido abrir en grandes escenarios para gente como Bon Jovi, The Who o la leyenda del rock australiano. Aparte de lo que evidencian sus directos, donde el cantante Ty Taylor se lleva todos los focos con sus movimientos a lo James Brown, parece claro que tienen un buen agente con contactos en las altas esferas. Porque su carta de presentación, The Bomb Shelter Sessions, era simplemente un disco correcto, que se quedaba corto. Por tanto, su segundo lanzamiento se esperaba como su verdadera puesta

BULLET FOR MY VALENTINE Venom (RCA/SONY)

METAL

ecuerdo con cariño The Poison de Bullet For My Valentine por temas irresistibles como ’4 Words (To Choke Upon)’, ‘Tear Don’t Fall’ y ‘Suffocating Under Words Of Sorrow (What Can I Do)’. Entonces los galeses maravillaron a medio mundo, servidor incluido, con su particular y algo edulcorada actualización del heavy metal de los 80, con detalles más propios del post hardcore y el metalcore. La otra mitad del planeta, la que abominó su propuesta, debería darles otra oportunidad ahora. Han pasado diez años desde la publicación de aquel

de largo, y más aún tras el enorme escaparate que están teniendo estos últimos meses. Y por desgracia, Vintage Trouble no sólo no han sabido estar a la altura de lo esperado, sino que han entregado un trabajo de lo más insípido. 1 Hopeful Rd. es una artefacto pensado y diseñado para alcanzar los puestos altos de las listas. Todo el disco está plagado de baladas y medio tiempos que en ningún momento se salen

de los estándares del género. ‘Doin’ What You Were Doin’ o ‘My Heart Won’t Fall Again’ ni sorprenden ni molestan. Ni tan siquiera lo pretenden, si acaso ser música de fondo en unos grandes almacenes. Tan sólo algunos chispazos (‘Run Like The River’, ‘Strike Your Light’, ‘Another Baby’) nos recuerdan lo que este grupo pudo llegar a ser. Un disco de soul sin alma. ¿Acaso puede haber algo peor que eso?

estupendo primer largo y el cuarteto liderado por Matt Tuck vuelve a la actualidad con nuevo disco y una gran V de Venom en su portada. Repite Colin Richardson, artífice del sonido de sus dos primeros trabajos, pero el presente Venom es bastante más bruto y también más clásico. Este largo, aunque tiene algunos estribillos AOR y coros grandilocuentes (piel de gallina imaginando un estadio cantando ‘You Want A Battle?’), es mucho más pesado que su ópera prima y regala momentos de puro thrash (en ‘Army Of Noise’, por poner un ejemplo, se atreven a emular

a los primeros Metallica y Anthrax). Con la excepción del tema que da nombre al disco, algo así como la ‘balada’ del disco, la quinta referencia de Bullet For My Valentine sorprenderá a sus viejos seguidores y detractores por su fiereza (el inicio de ‘Worthless’ es una animalada), una técnica endiablada (los solos de guitarra de ‘Skin’ y ‘Broken’ son una sobrada) y un frontman en su momento más dulce. Ojalá que en directo también estén a la altura de este paso adelante... Lo comprobaremos si se prodigan más por aquí.

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

NILE

What Should Not Be Unearthed (NUCLEAR BLAST)

TECHNICAL BRUTAL DEATH METAL

on la rotundidad habitual, con el exultante poderío que llevan desplegando desde 1993, Nile vuelven a emerger de las catacumbas para ofrecer su octavo sacrificio a las deidades. Con ‘Call To Destruction’ pocas sorpresas te vas a llevar… Su mismo título ya lo anuncia: los estadounidenses siguen en plena forma, borrando cualquier vestigio de vida a su paso con un temazo inmejorable, totalmente arrollador. Entérate rápido de quién impera aquí porque, de nuevo, Nile no van a darte ni un respiro,

van a momificarte con su aire viciado. Y qué decir de ‘Negating The Abominable Coils Of Apep’ o de la asombrosa ‘In The Name Of Amun’… Se suceden los álbumes, pueden pasar tres años desde el incontestable At The Gate Of Sethu, pero el nivel del combo no se resiente, sigue siendo insultante, parece que han pactado con Heh para que la eternidad abrace los atronadores riffs de Karl Sanders y Dallas Toler-Wade, y es que ni Anubis aguantaría tamaña mortandad musical. Sumándole como siempre esa exquisita atmósfera del Antiguo Egipto que los diferencia aún más del resto, algún tema novedoso como ‘Evil To Cast Out Evil’ o ‘To Walk Forth From Flames Unscathed’, esas voces de ultratumba tan propias y ominosas o esa desmedida técnica, parece que con What Should Not Be Unearthed Nile van a seguir intratables, sin mostrar signos de flaqueza o algún tipo de agotamiento tras tantos años entregando obras excelentes. Lo de esta peña es algo tremendo. PAU NAVARRA

KADAVAR Berlin

(NUCLEAR BLAST)

HARD ROCK

pesar de la buena acogida que han obtenido por parte del público, la fórmula que han presentado Kadavar en sus dos primeros plásticos llevaba una fecha de caducidad impresa en el dorso en caso de no saber renovarse en el momento justo. En sus últimas visitas pudimos comprobar que si bien el trío germano sabe ejecutar a la perfección su repertorio, adolece de una falta de variedad y dinamismo algo preocupante. Seguramente ellos mismos sean conscientes de esto y quizás por eso en Berlin han optado por añadir un par de variantes, pero sin moverse

tampoco en exceso de las coordenadas ya visitadas. Se aprecia una producción menos retro, más pulida pero sin renunciar al sonido orgánico y natural que tanto nos gusta. También cortes como la apertura de ‘Lords Of The Sky’ apuntan hacia terrenos menos oscuros y más accesibles, como así justifican ‘Pale Blue Eyes’, ‘Stolen Dreams’ e ‘Into The Night’, cuyo final psicodélico confirma esa intención de darle un pequeño giro a su propuesta. Por supuesto, el sonido más rocoso y denso sigue presente (‘Last Living Dinosaur’, ‘Thousand Miles Away From Home’), pero incluso en ese apartado hay alguna sorpresa, como la ensoñadora balada final ‘Reich Der Träume’, interpretada en su lengua materna. Pequeños cambios muy necesarios pero que tampoco difieren en exceso de lo escuchado anteriormente, así que habrá que acercase a sus próximas fechas en noviembre para comprobar si su directo ha ganado también en diversidad, aunque sólo sea un poquito. GONZALO PUEBLA

MYRKUR M

(RELAPSE)

BLACK METAL, NEOFOLK

a portada en Terrorizer ya me puso en alerta: ojo, Relapse iban a poner toda la carne en el asador para que te encontraras a la niñita de sus ojos hasta en la sopa. Se venía venir tras su primer EP, pero aun así no dejó de sorprender que de pronto Myrkur estuviera en boca de todos sin siquiera debutar en largo, algo que, obviamente, sólo se puede conseguir desembolsando una pasta gansa en publicidad y, claro, comprando artículos a la mal llamada prensa musical. Y una vez escuchado el álbum, toca decirlo alto y claro: es todo una vomitiva patraña. Y cuidado, porque M no está mal del todo… Lo que

no cuadra es lo que se ha publicado de esta artista a golpe de talonario. Ni ‘future of black metal’ ni hostias, simplemente curiosa, minimalista y ambiental obra de black y neofolk con toque de feminidad bastante novedoso. ‘Skøgen Skulle Dø’ y ‘Hævnen’ son un buen inicio, y ya descubrimos que lo mejor de este plástico va a ser la producción profunda de Garm de Ulver. Pero luego seguramente te entre la risa con pedazos de mierda como ‘Nordlys’ u ‘Onde Børn’, donde la danesa parece una Enya con pinchos, siendo ‘Skaði’ la única canción realmente trascendente de este trabajo. Es posible que te toque la fibra si estás blandito, si atraviesas una reciente paternidad, pero desde luego, quien diga que M es una obra maestra no tiene ni puñetera idea de qué es o significa el black metal. Me importa un bledo si sueno machista; estoy seguro de que esta torpe maniobra publicitaria jamás se hubiera llevado a cabo si detrás de este álbum no hubiera una cara bonita. Relapse, tú antes molabas. PAU NAVARRA

KIDS OF RAGE

Whatever May Come (USELESS PRIDE)

HARDCORE

o goodbye my friend”, gritaban a pleno pulmón los barceloneses Kids Of Rage en uno de los momentos más emocionantes de ‘Step By Step’, incluido en su primera referencia, el EP The First Step, de 2012. Saben bien que las entradas y salidas son siempre un marrón, pero también saben que estos cambios son ajustes necesarios para sobrevivir y pueden suponer oportunidades para crecer. Por eso, tres años después de esa primera carta de presentación, sólo Quim y Jorge, cantante y guitarra, continúan en la brecha con más ganas de nunca, con espíritu positivo, el mismo

que desprende sus nuevos temas. Han encontrado el compromiso y las tablas necesarias en viejos amigos de la escena, miembros y exmiembros de El Crack Del 29 y Read My Lips. Su primer esfuerzo es el presente Whatever May Come, una muy seria exhibición de músculo y actitud, diez cortes incontestables con una pila de estribillos gloriosos y algún breakdown muy bien metido. Aunque homogéneo, sin fisuras, el disco contiene momentos destacables, de ésos que no te quitas de la cabeza. Pienso en el solo de guitarra sureño de la inicial ‘Like Home’, los coros inflados del himno ‘En Garde’, el riff matador de ‘Wasted Time’ y el adictivo estribillo de ‘Talking Vultures’, el corte que inspira el dibujo de la portada, ideal para bailar a pie de pista y soltar adrenalina con los colegas. La banda que completan Pol, César y David puede estar muy orgullosa del trabajo que han parido entre los estudios Bloq y Artegrama. Escucha obligatoria si te molan Bane, Backtrack y Comeback Kid. The kids are alright! LUIS BENAVIDES

LEFT LANE CRUISER Dirty Spliff Blues (ALIVE)

BLUES ROCK

ace unos meses, atraído por las alabanzas de unos cuantos amigos, los pude ver en directo y, literalmente, me noquearon. La energía que desprendieron era casi aterradora, primaria, devastadora, con la salvaje guitarra de Freddy J IV lanzando primigenios riffs de blues arcaico con insultante facilidad. El tipo, con su desaliñada barba y su vetusta hacha, permanecía sentado en su silla sudando a mares mientras sus compañeros, Joe Bent atacando una vieja tabla de skate a modo de bajo y Pete Dio a la batería,

le seguían como podían. Era inevitable que al salir de tan tremenda demostración de poder nos hiciéramos con el vinilo de rigor... Pero, sobre un plato y en la tranquilidad de tu hogar, ya no es lo mismo. No es que temas como ‘Tres Borrachos’, ‘Tangled Up In Bush’ o esa apocalíptica ‘Skateboard Blues’ no suenen de cojones, nada de eso, de hecho la grabación hace justicia al caos sonoro que la banda desata en directo. El problema es que estas rodajas de blues descarnado están hechas para ser interpretadas en directo de la manera más guarra posible. Canciones para tocarlas en trance dejándote llevar por ese sentimiento de puro salvajismo y destrozar cuerdas y parches a punta pala sin pensar en arreglos, melodías o solos preciosistas. Energía en estado bruto y nada más. Por eso, si estás hasta el gorro de virtuosismos baratos y blues de trampa y cartón, prueba con estos tres trogloditas, pero sobre todo, ves a verlos en directo. ANDRÉS MARTÍNEZ

THE FRONT BOTTOMS Back On Top (FUELED BY RAMEN)

POP ROCK, EMO POP

e intuía que algo grande estaba por llegarles a estos cuatro divertidos emos de New Jersey, por lo que no era de extrañar que los de Fueled By Ramen hayan decidido apostar fuerte, como ya hicieran con otras bandas (Paramore, Twenty One Pilots, fun.) que acostumbran a llenar grandes recintos por allí. La noticia generó un pequeño debate este verano alrededor de su círculo de fans por el temor a que éstos perdieran aquella imagen de grupo local que suele caracterizarles tanto en cada concierto como en sus dos trabajos anteriores. Ese

sonido a veces descuidado y sucio del que no querían desprenderse sigue presente por muy seria que se hayan puesto las cosas. Brian Sella continúa animando al oyente a base de melodías desestructuradas que, aun sin rimar en su lírica, consiguen sacarte una sonrisa y contagiarte de ese buen rollo melódico que crean en temas como ‘Cough It Out’, ‘Help’, ‘Laugh Til I Cry’ o ‘West Virginia’, y que fácilmente te engancha a tararear. Aunque su estilo cumpla en originalidad, las influencias de Weezer en canciones como ‘Summer Shandy’ o ‘Historic Cemetery’ son difíciles de pasar por alto. En cambio, otras como ‘The Plan (Fuck Jobs)’, ‘2YL’ o ‘Motorcycle’ siguen con la misma tónica usada desde sus principios pero con la diferencia de una producción considerablemente mejorada. En definitiva, han sabido sacarle partido a esta gran oportunidad, y hasta el último corte, ‘Plastic Flowers’, te dibujarán una sonrisa para el resto del día. Si nada se tuerce, les esperan grandes cosas. ALEJANDRO LOZANO 85

THE DEAR HUNTER HAS DE SABER... FORMACIÓN: Casey Crescenzo (voz, múltiples instrumentos), Nick Crescenzo

(batería), Robert Parr (guitarra, teclados), Nick Sollecito (bajo), Maxwell Tousseau (guitarra, teclados), Andrew Brown (teclados) PRODUCIDO POR: Casey Crescenzo AFINES A: Queen, Arcade Fire, Muse PÁGINA WEB: www.thedearhunter.com

Act IV: Rebirth In Reprise (RUDE)

ROCK PROGESIVO, POP

ace casi una década que Casey Crescenzo dio nacimiento a The Dear Hunter, tanto la banda como el personaje del mismo nombre concebido para protagonizar una serie de seis discos conceptuales relatando la historia de un muchacho en el cambio de siglo. Act IV: Rebirth In Reprise es, como es fácil de deducir por su título, el cuarto capítulo en esta saga y llega seis años después de que el exvocalista de la banda post hardcore The Receiving End Of Sirens decidiera apartarse temporalmente de la hoja de ruta publicando dos álbumes, The Colour Spectrum y Migrant, desvinculados

de la historia. Act IV es otra exuberante exhibición de sus capacidades compositivas e interpretativas. Aquí incluso se ven más ampliadas por la mayor participación de sus compañeros de grupo y la intervención de la Awesöme Orchestra, un colectivo de músicos clásicos de California. Gracias a ello, estas 15 canciones se asemejan más a una gran sinfonía pop que a una simple colección de temas. Mientras estos van sonando, uno no puede evitar pensar cuánta música tiene que fluir por el cerebro de este hombre para que produzca tanta variedad de sonidos, arreglos y estructuras. En un tema como ‘A Night

On The Town’ se lanzan a 9 minutos de rock progresivo cercanos a King Crimson, en otro como ‘Wavves’ se acercan a la épica indie de Arcade Fire, en ‘The Bitter Suite IV And V’ te parece estar dentro de un musical de dibujos animados a ritmo circense, en ‘King Of Swords’ mutan hacia ritmos parecidos a los de Talking Heads, en ‘Wait’ los que te vienen a la cabeza son Muse, mientras que en ‘The Line’ apuestan por el folk intimista. Un auténtico festín que, aun a riesgo de empacharte, está perfectamente dirigido por la batuta de uno de los genios ocultos de nuestro tiempo. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... CASEY CRESCENZO Como siempre, éste es un disco muy ambicioso. ¿Te llevó mucho tiempo componerlo todo? “Escribí bastante material por mi cuenta y luego lo trabajamos desde septiembre del año pasado hasta marzo con la banda. Fueron unos siete meses de trabajo. Siempre escribo primero la música y luego las letras. Al ser un disco conceptual más o menos sabía las emociones que quería transmitir, pero en realidad me doy total libertad para escribir en cualquier estilo que sea el más apropiado. Hay una canción totalmente bailable porque era lo que necesitaba y hay otras más progresivas. Puede que parezca algo muy meditado, pero en realidad es todo lo contrario”. ¿Por qué has querido retomar la historia del personaje de The Dear Hunter? “Desde el principio el plan siempre fue

hacer seis discos. Pero cuando acabé la gira de Act III, necesitaba distanciarme de esa historia y no sabía cuánto tiempo me llevaría. Pero después de hacer y girar con otros dos discos, emocionalmente necesitaba volver al personaje. Era lo que más me motivaba en ese momento”. ¿Fue complicado escribir y plasmar todos los arreglos orquestales del álbum? “No fue difícil porque lo último que hice antes de componer Act IV fue escribir una sinfonía, así que tuve que aprender a escribir partituras para entregárselas al director y la orquesta. La única diferencia es que en este caso, los arreglos se escribieron sobre música que ya estaba escrita previamente. Así que a nivel técnico no fue nada complicado. Fue una buena oportunidad para darle un aire más cinematográfico al disco. El director y los músicos que los interpretaron son

fantásticos. Salió todo perfecto”. Dos de las bandas más populares de la historia, los Beatles y Queen, eran muy diversos estilísticamente hablando. ¿Por qué crees que ahora tantos artistas se limitan a hacer una sola cosa? “Desde luego, la diversidad es un obstáculo si lo que buscas es el éxito comercial. Pero si lo que buscas es hacer música que refleje quién eres, entonces no importa cuánto vendas. No hay nada malo en ganar dinero, pero en mi caso lo que me mueve es el amor por lo que hago. No quiero renunciar a ello sólo por tener más éxito. Sé que la experiencia, el ritual de escuchar un disco de cabo a rabo, es cada vez menos frecuente, pero cuando creo música es justamente eso a lo que aspiro”. (MARC LÓPEZ) 87

JENNA SUFFERS Stadium (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

etal moderno, hardcore y gritos desgarradores se fundían con mayor o menor acierto en los primeros pasos de Jenna Suffers, autores de títulos tan largos como épicos: Everybody Will Speak When We’re Dead y A Bunch Of Batmans Are Dying Lately. Entre sus máximas influencias servidor podía adivinar Boysetsfire en las partes melódicas, Thursday en los pasajes más gritones y Funeral for a Friend en su melancólico metal. Nada que objetar, que son grandes bandas, si bien se echaba en falta algo nuevo, acaso personalidad, para

sobresalir de la enorme pila de bandas que durante los dosmiles han seguido una fórmula similar. En su tercer trabajo, el presente Stadium, los almerienses están realmente cerca de conseguirlo. Las influencias siguen ahí pero los cinco nuevos temas que contiene este EP explican mucho mejor qué es Jenna Suffers. Los avances del quinteto son tremendamente meritorios y prometedores, palpables en cada uno de los temas. En la progresión de ‘Palindrome’ y ‘Murderer’, por ejemplo, la caña por la caña desaparece en favor de las canciones grandes y memorables. En general, las melodías ganan peso y los coros son más efectivos que nunca. Mención especial merece el cierre con ‘Third Autumn’, ocho inspiradores minutos de pura emoción que se hacen cortos. Los temas están más trabajados, más asentados y es evidente que ayuda muy mucho un mejor sonido, limpio y no por ello menos apabullante, obra y gracia del productor Txosse Ruiz. Queremos más discos así. LUIS BENAVIDES

EXXASENS

Back To Earth (ALOUD MUSIC)

POST ROCK

espués de varias incursiones intergalácticas en forma de discos (los anteriores Satellites, Eleven Miles, Beyond The Universe y Polaris), Exxasens por fin se han decidido a volver a la Tierra. En efecto, Back To Earth es el primer álbum grabado en estudio por toda la banda (ya que entre los años 2008 y 2011 se trataba del proyecto personal de Jordi Ruiz) y eso se nota en el resultado final: un sonido más terrenal, más humano, más orgánico y menos sintético, menos artificial. También es la primera vez que el cuarteto de Barcelona se atreve a probar con las

voces: ya en la primera ‘Supernova’ se oyen unos coros lejanos, en ‘Hugeness’ (la más contundente, post metal del bueno) se marcan un estribillo y ‘Saturn’ cuenta con estrofas y estribillos, lo que viene siendo una canción más convencional hasta en la duración. En total, este viaje de regreso al planeta en el que vivimos dura menos de 40 minutos y a lo largo del trayecto que nos proponen Exxasens también encontramos la progresiva ‘Bright Side Of The Moon’ y la última ‘Back To Earth’, una pieza que vale la pena desgranar con tranquilidad. Al principio suenan unos ritmos propios del post hardcore, pero a partir de la mitad de la canción los catalanes introducen un punto electrónico que encaja a la perfección con su sonido y que hipnotiza al oyente. En su quinto disco, Jordi Ruiz y compañía han desarrollado mil ideas y cientos de efectos con la guitarra para lograr un resultado sorprendente. No debe extrañarnos que su música cada vez tenga más aceptación aquí y también fuera. JORDI FORÉS

DISTURBED Inmortalized (WARNER)

METAL

ue Disturbed hayan estado algo más de cinco años sin editar un álbum de estudio, con una publicitada ruptura por en medio que nadie se creyó, es una mera anécdota. Inmortalized es Disturbed en estado puro, con todas sus consecuencias, con todo lo bueno y lo malo que ello conlleva. Ser fan de Disturbed es un acto de fe. Todo suena absolutamente igual, que alguien levante la mano si puede rebatir que la mayoría de sus canciones –más la versión de turno que ya es otra tradición- podrían repartirse

en sus diferentes discos sin notarse la diferencia. Y el grupo sabe de sobras que eso no va a cambiar porque es justo lo que sus seguidores quieren, que no siguen siendo pocos, pues de nuevo han alcanzado el número uno en su país, y probablemente porque es lo único que saben hacer. Pero, señores, como por algún motivo le encuentres simpatía a su ejercicio de estilo, estás perdido. El cuarteto de Chicago sigue teniendo un encanto especial que uno no sabe de dónde proviene, pero lo tienen. Los riffs sincopados de Dan Donegan aún funcionan y, sí, guste o no, David Drainman es uno de los vocalistas más personales que tiene el metal ahora mismo. ‘The Vengeful One’ no es ‘Stupify’ pero aguanta el tipo, e ‘Inmortalized’ no es tan impactante como inicio como lo era ‘Voices’, pero deja claro que son Disturbed. Ya sabes, o lo tomas o lo dejas... Y déjenme decir que yo lo sigo tomando. He decidido salir del armario y confesarme fan de Disturbed. RICHARD ROYUELA

IMPLORE

Depopulation (PELAGIC)

GRINDCORE, CRUST

s alucinante lo que han conseguido Implore en tan poco tiempo, y encima antes de sacar Depopulation, este primer álbum que nos ocupa. Desde que se conocieran en Hamburgo hace sólo dos años, el guitarrista Daniel Notthoff y el cantante y bajista argentino Gabbo Dubko, viejo conocido de la escena barcelonesa que también ha vivido en Los Ángeles, no han parado de trabajar para llevar al grupo lo más lejos posible. Sólo así consigues que el batería Christian Bass de Heaven Shall Burn se involucre inicialmente en el proyecto, o que luego Kevin Talley

de Suffocation también deje su impronta tras los parches, o que tras causar impresión con el EP Black Knell gires por Europa junto a ACxDC, Nails, toques en el Obscene Extreme o luego por Estados Unidos y México, con otro tour ruso al caer. Como ven, la cosa va de precocidad, y este largo no podría ser menos, con sus 14 temas en 27 minutos. Situados entre el grindcore y el crust de forma abrasiva, y ya con Michael Pfeffer asentado en el puesto de batera, Implore nos ofrecen aquí una elevada dosis de odio y extremismo punk. Y quiero recalcar la palabra ‘punk’ porque, aunque sea evidente que los germanos quieren arruinarte la existencia con su música, el concepto canción nunca desaparece de su propuesta, algo que queda muy claro en ‘Epicyte Parasite’, ‘HomoConsumens’, ‘Hegelian Dialectic’ o un lapso como ‘Ruthless Conspiracy’, que marca la paliza final que te espera en los estertores del disco. Crestas erguidas con acero al rojo vivo. PAU NAVARRA 89

LO:MUÊSO

Hoidên Limother Petity Vefuckêr (ALOUD MUSIC)

POST HARDCORE

oidên Limother Petity Vefuckêr. A lo:muêso siempre les ha gustado jugar con las palabras, los títulos y los acentos circunflejos, pero en este caso el acertijo se resuelve ordenando correctamente las sílabas: Hope Identity Live Motherfucker. Cuarto LP de la banda de Premià de Mar en el que la etiqueta post hardcore se vuelve a quedar pequeña para calificar lo que escuchamos. En primer lugar, ‘Katazome Falls’ nos da la bienvenida con 11 minutazos de crescendos y distorsión. Luego, ‘Amarillo Mortimêr’ es 100% lo:muêso,

es decir, la destilación de los Fugazi más inspirados. A continuación ‘Black Scissors’ supone la cima creativa del cuarteto catalán: más de 17 minutos de atmósferas, arranques sonoros y cambios de ritmo. Como contraposición, ‘Svetehan El-Kanehêem’ es un tema instrumental que no llega ni al minuto de duración. Otra pieza especial es ‘Código Secreto De Las Estatuas Ecuestres’, sobre todo porque cuenta con la colaboración especial del obispo de Guadix a las voces (impagable ese fragmento de su homilía). Como decía al principio, a lo:muêso les gusta jugar y experimentar, y puede que se muestren ahora menos expeditivos que antes y que en ocasiones se les vaya la pinza con los desarrollos, pero en la mayoría de veces estos desvaríos están justificados. En una era de canciones sueltas y de grupos de un solo hit, reivindico el valor total de este disco, el cual se puede escuchar de principio a fin como si de una única composición se tratara. JORDI FORÉS

RYAN ADAMS 1989 (PAX AM)

ROCK

aerá mejor o peor, pero nadie podrá negar que Ryan Adams hace en cada momento lo que le viene en gana. Si el año pasado nos ofrecía el EP 1984, inspirado en el punk americano de los 80, su último capricho ha sido grabar una versión íntegra de 1989, el último disco de la reina del pop Taylor Swift. Si en un principio podría parecer una boutade más de un músico al que no le molesta dar la nota, la realidad es que escuchando lo que ha hecho, se aprecia que está realizado con verdadero amor y dedicación; un sincero

homenaje a la que considera una de las artistas con más talento de la actualidad. Adams ha comentado que su idea inicial era grabar las canciones al estilo del Nebraska de Bruce Springsteen, con un cuatro pistas y acompañado simplemente por una guitarra acústica, pero finalmente se decantó por invitar a otros músicos a participar para darle un mayor empaque a los temas. Si bien el tratamiento más intimista prevalece en canciones como ‘Blank Space’, ‘Shake It Off’ (transformada en una balada al estilo ‘I’m On Fire’ del propio Springsteen’) o ‘How You Get The Girl’, en otros como ‘Welcome To New York’, ‘All You Had To Stay’ o ‘Wildest Dreams’, Adams los lleva a ese sonido que ha ido moldeando entre los Heartbreakers de Tom Petty, The Replacements, The Smiths y Fleetwood Mac. Si algo positivo tiene un artefacto como éste es que algunos puristas del rock americano se den cuenta de que una buena canción es una buena canción. Ni que sea de Taylor Swift. JORDI MEYA

BALMOG

Svmma Fide (BLACKSEED PRODUCTIONS) BLACK METAL

s otro oscuro fuego el que alimenta ahora el alma de la trinidad Balmog, algo que mantiene su espíritu a buen recaudo pero que al mismo tiempo lo presenta renovado o, mejor dicho, chocantemente refinado. Y esto no tiene por qué entrar en absurdos dilemas de si es mejor o peor su presente musical… Simplemente, su evolución ha sido enorme, gigantesca, durante los tres años que separan a su debut en largo Testimony Of The Abominable de este Svmma Fide. Así, en el arte azabache de los gallegos apenas queda algo del bestialismo que ya

en 2009 dominaban a la perfección en el compartido Necroangels’ Revelations. La formación se ha vuelto meticulosa, el verbo le gana al músculo, el enigma a la putrefacción, y en esto mucho ha ayudado la grabación y mezcla de Javi Félez y una masterización a cargo de todo un templo del género maldito, el Necromorbus Studio de Estocolmo. Balmog, más que a Impiety, Proclamation o Conqueror, ahora se emparentan con Ascension o nuestros Empty, o con los primeros Watain en la tremebunda ‘Der Flvche’, sin duda uno de los grandes momentazos black de este curso. Composiciones ambientales como ‘Witness’ o los lapsos ‘Liberate Me’ y ‘Lvcifer Ex Machina’, la majestuosa ‘Bring Vs, Guide Vs’ o la riqueza de ‘HΩshek’ y las redondas ‘NΩmen Illi MΩrs’ y ‘Ascetic Penitence’ consiguen cerrar un círculo de poder infranqueable, un culto al que tendrás que iniciarte si de verdad amas estos sonidos. No nos quedan demasiadas bandas black, pero desde luego su nivel es abrumador. PAU NAVARRA

NO DEVOTION Permanence (COLLECT) POST PUNK, POP ROCK

or si todavía hay algún despistado que no sepa quiénes son No Devotion, aclararemos que se trata de la unión de los excomponentes de los galeses Lostprophets, cuya banda se disolvió en 2013 después de que su líder Ian Watkins fuera encarcelado por abuso de menores, y el norteamericano Geoff Rickly, vocalista de los también desaparecidos Thursday. A priori esta asociación parecía un poco extraña teniendo en cuenta tanto la música que hacían anteriormente como sus distintas procedencias, pero por lo visto, los músicos encontraron un punto común

en su amor por el post punk y el pop oscuro de los 80 y desde abril del año pasado han ido trabajando en un debut cuyo mayor valor es que no suena ni a Lostprophets ni tampoco a Thursday. Aquí no hay ni rastro de nu metal, ni de emo, lo cual tiene bastante mérito teniendo en cuenta la celeridad con la que se ha fraguado el proyecto. Casi parece como si las dos partes estuvieran ansiosas por liberarse de sus respectivos lastres y empezar desde cero. Como podéis imaginar, los teclados de Jamie Oliver son el principal sustento de un sonido vaporoso y elegante en el que la voz de Rickly, en su registro más reposado y melódico, queda integrada como un elemento más. No le cambiarán la vida a nadie, pero temas como ‘Eyeshadow’, ‘I Wanna Be Your God’, ‘Night Drive’ o ‘Stay’, un single de ésos que merecerían triunfar, evocan con acierto aquellos tiempos en los que New Order, The Cure o U2 dominaban las ondas. Ojalá tengan suerte. JORDI MEYA 91

BEAUTIFUL BODIES Battles (EPITAPH)

ROCK ALTERNATIVO

a última apuesta del cada vez más ecléctico sello Epitaph es una nueva formación de Kansas City liderada por la atractiva Alicia Solombrino llamada Beautiful Bodies. El primer trabajo del trío, Battles, encaja en el sello por su actitud (‘She’s A Blast’ es un cañonazo, puro rock’n’roll) pero sobresale por su potencial y pegada pop, en la onda de sus ahora compañeros de discográfica Sleeping With Sirens o Blitz Kids. Para entendernos, Beautiful Bodies podrían pasar por unos Paramore modernetes (en el tema ‘Good Luck, And Good Night’ el parecido es más que razonable). La banda apunta alto, guste más o menos, y tiene la ambición de formaciones que llenan estadios como Imagine Dragons (escuchad ‘War Inside Your Heart’ y

TH’ LEGENDARY SHACK SHAKERS The Southern Surreal (ALTENATIVE TENTACLES)

PSYCHOBILLY SUREÑO

inco largos años son los que hemos tenido que esperar a que el combo más cafre de todo el sur de yanquilandia se dignase a dar muestras de vida creativa. No obstante, los secuaces del Coronel J.D. Wilkes han seguido activos girando ininterrumpidamente incluso por nuestro país, donde hemos podido ser testigos varias veces de su inigualable directo. En todo este tiempo también ha habido cambios en la alineación, siendo el más notable el de las seis cuerdas, de las que ahora se hace cargo Rod Hamdallah. Sería fácil

me entenderéis). Solombrino es pieza clave, se sale en los doce cortes. Ella pone su voz y su carisma, pero merece la pena sacar a la luz el trabajo del verdadero cerebro. Y no me refiero al exGratitude Thomas Becker, responsable de todas las guitarras, baterías y programaciones del disco. Mucho menos al bajista, Luis Arana, centrado en golpear

las cuatro cuerdas. El cuarto miembro en la sombra es el productor, John Feldman (The Used, All Time Low, Avicii). Y es que el líder de Goldfinger, con la mano rota en este tipo de producciones de pop punk superlativo, además de firmar el potente y pulido sonido del disco, también coescribe la mayoría de los temas.

achacar a ello el giro que vienen experimentando hacia terrenos menos bestias y brutos en favor de otros más tradicionales e incluso podríamos decir ‘estándar’. Es cierto que Th’ Legendary Shack Shakers ya no parecen tan peligrosos (al menos en el estudio) que en los tiempos del glorioso Pandelirium, pero no cabe duda de que continúan siendo una formación única e inclasificable. The Southern Surreal da una buena muestra de ello, mejorando notablemente su anterior entrega, Agridustrial. Su facilidad para mutar de un estilo a otro es tal que lo

mismo se arrancan con un tema con puro sabor redneck (‘Mud’), que se marcan un rock’n’roll la mar de vitalista (‘Young Heart, Old Soul’, ‘The One That Got Away’), tiran de sus raíces punk a base de armónicas inflamables (‘Christ Alrighty’), se disfrazan del Tom Waits más cavernoso (‘Down To The Bone’) o te regalan una bonita pieza de saloon (‘Demon Rum’). Menos fieros, pero con una paleta estilística casi inabarcable. Y si alguien echa de menos verles hacer el cafre, sepan que estarán de nuevo por aquí a finales del próximo noviembre.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

MANIAC

Vermin Hell (BLACKSEED PRODUCTIONS)

BLACK THRASH, SPEED METAL

ucho se han movido Maniac por el más hediondo underground de nuestro país desde que se fundaran en 2011, pero por fin ha llegado el momento de que presenten su primer largo. Aunque instalados en un delicioso speed metal ochentero que incluso hace guiños a la NWOBHM, los madrileños no renuncian a los rasgados blackers del cantante y guitarra Eduardo, recordando y mucho a tótems del estilo como Aura Noir o Nifelheim en ‘Sired By Cold’ o ‘High Speed Metal’, pero destacando sobre todo en temas mucho más clasicotes como ‘Maniac’ o ‘Carrion

Feast’, donde realmente demuestran una personalidad fuerte e irrenunciable. Con el objetivo puesto en Canadá, en formaciones como Razor o Exciter, ‘Hellhound’ o ‘Sordid Deceiver’ te despellejarán aunque sin ir a quemar en ningún momento, golpeando sin cesar la baterista Tam pero extrayendo la agresividad de un pasado que se resiste a desaparecer, de unos tiempos que también siguen perviviendo en otras bandas actuales como Satan’s Wrath, Condor, Nekromantheon o Körgull The Exterminator. Maniac es la nueva criatura de Iñaki, ex de Dishammer, Moho, Looking For An Answer, Primigenium o miembro en directo de Machetazo, así que no esperes un álbum decepcionante de ninguna de las formas. Vermin Hell es un disco devoto, vetusto, que conoce perfectamente qué teclas quiere tocar y qué tipo de enfermo metalhead enloquecerá con él. Un homenaje a la chupa plagada de parches descoloridos. Metal anticomercial, sucio y feo. Podrida caña antigua. PAU NAVARRA

NOT SCIENTISTS Destroy To Rebuild (KICKING/TORREZNETES)

PUNK ROCK

estruir para reconstruir o, dicho de otra manera, empezar de cero. Bajo esta premisa nacen en 2013 Not Scientists, una relativamente joven pero muy rodada banda integrada por exmiembros de dos de las formaciones más queridas y activas del punk rock francés de la última década: Uncommonmenfromm y No Guts No Glory. Esa misma idea fundacional inspira el título de su primer largo, Destroy To Rebuild, un trabajo notable que tuve el placer de escuchar por primera vez en agosto, en la última edición del Actitud Festival. Fue un flechazo absoluto desde el

momento que atacaron con el apabullante y emocionante ‘Windows’, encargado también de abrir su primera obra. Con esta pieza tocan la fibra con maestría: un juego de guitarras muy efectivo, una base rítmica que entra en tromba, una letra sencilla pero cantada con pasión y un parón muy bien metido… Creo que podría escuchar estos 3 minutos perfectos otras doscientas veces, como el resto del disco. Y es que en Destroy To Rebuild ofrecen piezas cachondas como las powerpoperas ‘I’m Brainwashing You’ y la veloz ‘Tomorrow’s Another Day’, himnos como ‘Given No Options’ -con el espíritu de The Clash sobrevolando- y momentos impagables con aires ochenteros como la oscurita ‘Broken Pieces’ y ‘Wait’, una pieza potente con unas guitarras y una línea de bajo heredadas de The Police. Mantienen la pegada de sus antiguas bandas, pero también disfrutan echando el freno y mimando hasta el último detalle para facturar un disco de rock melódico de altos vuelos, variado y muy resultón. LUIS BENAVIDES

FAITH NO MORE The Real Thing (SLASH/RHINO)

METAL ALTERNATIVO, FUSIÓN

in duda éste es un gran año para los fans de Faith No More. Tras dejarnos boquiabiertos con su magnífico Sol Invictus a finales de mayo, inmediatamente reeditaron sus dos obras más emblemáticas, The Real Thing y Angel Dust, remasterizados y en formatos de lujo, acompañados de notas a cargo del legendario periodista Malcolm Dome, así como de una colección de rarezas y actuaciones en directo. Poco se puede decir de The Real Thing, salvo que se trata de una joya atemporal que sigue dejándonos sin aliento,

y que no ha perdido un ápice de energía, frescura y originalidad en sus 26 años de vigencia, con esos cambios de registro y estilo imposibles e inimitables. No hace falta más que escuchar ‘From Out Of Nowhere’, ‘Falling To Pieces’ o ‘Surprise! You’re Dead’ para darnos cuenta de la gran influencia de los californianos en numerosas bandas que vinieron después. El material adicional incluye caras B como la fantástica ‘Cowboy Song’, remixes de ‘Epic’ y ‘Falling To Pieces’ y un puñado de temas de actuaciones en directo, entre ellos ‘Underwater Love’, ‘As The Worm Turns’, incluido en su álbum We Care A Lot, y una espectacular versión de ‘War Pigs’ de Black Sabbath grabada en Berlín. En definitiva, una reedición estupenda de un disco absolutamente imprescindible, con material extra dirigido principalmente al fan incondicional de la formación californiana, pero que podría haber sido más suculento. TOI BROWNSTONE

FAITH NO MORE Angel Dust (SLASH/RHINO)

METAL ALTERNATIVO, FUSIÓN

quién quieres más? ¿A tu padre o a tu madre? Pues la preguntita en cuestión es una auténtica putada cuando escuchas The Real Thing y Angel Dust prácticamente en bucle durante días. Otro clásico de una banda que consiguió volver a darle la vuelta a la tortilla tras el tremendo éxito del álbum predecesor, superando cualquier tipo de presión creativa, y con Mike Patton involucrándose a fondo en las tareas de composición. El resultado no muestra tanta frescura, pero sí una evolución hacia terrenos más complejos. Temas fácilmente radiables como

‘Midlife Crisis’ o ‘Everything’s Ruined’ se alternan con otros mucho más agresivos como ‘Caffeine’, ‘Malpractice’ o ‘Be Agressive’, rematando con ese punto de distinción dado por la versión de ‘Easy’ de Commodores como colofón. Si algo queda claro gracias a esta reedición, es sin duda el gran estado de forma en el que se encontraban Faith No More en 1992. El grueso del material adicional principalmente se centra en una actuación celebrada en Munich, y que incluye ‘Kindergarten’, ‘A Small Victory’ o ‘We Care A Lot’, y otra concierto grabado en Illinois, con ‘Midlife Crisis’, ‘Land Of Sunshine’ y ‘RV’. La calidad de las grabaciones es excelente y muestran a una banda sólida, cohesionada y muy potente. Queda patente la relevancia de los teclados de Roddy Bottum, y la magnificencia de Mike Bordin a la batería, y por supuesto, la voz de Mike Patton es impresionante en cualquiera de sus registros. Sólo por esta recopilación de temas en vivo merece la pena pasar por caja y recuperar esta obra maestra. TOI BROWNSTONE

TELLISON

Hope Fading Nightly (ALCOPOP) ROCK ALTERNATIVO

ay discos que esperas, discos que ansías y luego está el tercer disco de Tellison. Su anterior trabajo, The Wages Of Fear, publicado en 2011, es exquisito, la respuesta con acento inglés al power pop de Fountains Of Wayne, The Hold Steady y compañía. Los dos primeros adelantos, ‘Boy’ y mi favorita ‘Tact Is Dead’, con el cuarteto muy encabronado, nos pusieron los dientes muy largos porque estaban a la altura de su colección de hits, con ‘Collarbone’, ‘Vermont’, ’Edith’ y ‘Stay Silence (Heaven & Earth)’ a la cabeza. Hope Fading Nightly ya está

aquí, por fin, y empieza regaular, con ’Letter To The Team (After Another Imperfect Season)’, uno de los cortes más pausados del disco con permiso de ‘Rookie Of The Year’. La urgencia habitual y por ende esperada llega cuando disparan ‘Helix & Ferman’, una de las piezas más rápidas que han escrito nunca, y la ya citada ‘Boy’, un canto a la amistad con un riff de guitarra muy gordo y el primer estribillo glorioso del disco. Por suerte, más o menos, por ahí van los tiros en el resto del trabajo, caracterizado por una pegada elegante y unas letras cargadas de melancolía y un fino sentido del humor. Esto último queda claro en tres de los mejores momentos del álbum: la confesional ‘Wrecker’, la mencionada ‘Tact Is Dead’ y la preciosa ‘Tsundoku’ (en japonés es algo así como el acto de aplicar libros sin leer), un medio tiempo emotivo y progresivo que ya quisieran los actuales Death Cab For Cutie. Hoy por hoy son el secreto mejor guardado de Londres, pero algo me dice que este álbum puede llegar muy lejos. LUIS BENAVIDES

SAXON

Heavy Metal Thunder - The Movie (UDR) HEAVY METAL, DVD

ólo los más fieles lo saben, pero hubo un tiempo en que Saxon pudieron dominar el planeta. Heavy Metal Thunder – The Movie recoge ese momento, pero también el resto de su carrera, desde que Biff Byford bajó por primera vez a una mina para ganarse el pan a los 17 años hasta el álbum Into The Labyrinth, de 2009. Publicado en 2011 y reeditado ahora con todo lujo de detalles, este extenso documental rememora los primeros pasos de la legendaria banda gracias al testimonio de sus protagonistas, desde su embrión como Son Of A Bitch pasando por su explosión

con Saxon y Wheels Of Steel, iniciando y liderando la NWOBHM cuando los Iron Maiden de Paul Di’Anno todavía soñaban con ello. De especial interés resultan las aportaciones de músicos tan ilustres como Lemmy, recordando divertido cómo introdujo a unos chiquillos que literalmente sólo bebían té al mundo del alcohol y las drogas durante la gira que compartieron con Motörhead a propósito de Bomber, capital para el posterior éxito de Saxon. Cuán de importantes fueron los de South Yorkshire para Metallica y Lars Ulrich en particular, y evidentemente, su famosa obsesión por conquistar el mercado americano, que casi acaba con ellos entre giros comerciales, cocaína y malas decisiones. Varios mini documentales y dos conciertos, uno que los muestra en todo su esplendor en 1981 y otro en Londres en 2008, completan cinco horas de metraje para reafirmar tu fe en una de las bandas más grandes que ha dado el heavy metal. Unos working class heroes de los de verdad. PAU NAVARRA 95

FRANK TURNER

EL POLO

POSITIVO

UNO DE NUESTROS CANTAUTORES BRITÁNICOS PREFERIDOS REGRESABA EN AGOSTO CON POSITIVE SONGS FOR NEGATIVE PEOPLE, UN ÁLBUM TAN BUENO COMO LOS CINCO ANTERIORES. EL MISMO FRANK TURNER NOS CUENTA DE DÓNDE SURGIÓ EL ESPÍRITU OPTIMISTA QUE LO IMPREGNA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UIEN HAYA escuchado las canciones de Frank Turner habrá advertido su facilidad para meter un montón de palabras en una estrofa. Pues bien, hablando es igual. Incluso peor. Será porque tiene muy claras las cosas o porque simplemente tiene el don de la locuacidad, pero transcribiendo la entrevista que le realizamos hace unas semanas, uno se da cuenta que la boca de este hombre es una auténtica metralleta. Esa facilidad de palabra, y sobre todo su capacidad para conseguir una empatía total con quien las escucha, es lo que ha llevado al exfrontman de Million Dead –una banda de post hardcore que hizo un poco de ruido a principios de los 2000- a forjarse una carrera como cantautor de lo más fructífera, llegando a actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Londres de 2012 o llenando el Wembley Arena. Si bien en un principio su voz y su guitarra eran sus principales armas, poco a poco, y con el peso que ha ido tomando su banda de directo, The Sleeping Souls, sus discos se han vuelto más ricos en arreglos y más rock, alejándole de la etiqueta ‘folk punk’. Aun así, Positive Songs For Negative People (Polydor) mantiene intacta su capacidad narrativa y de facturar canciones melódicamente redondas. Durante nuestra charla prometió que el año que viene volverá

a visitarnos para presentarlo. Le tomamos la palabra. El título del disco es toda una declaración de principios. ¿Es así cómo percibes tu música? “Sí. El título salió una noche de borrachera con un viejo amigo. Estábamos hablando del nuevo disco, aunque por entonces apenas había empezado a componerlo. Surgió esa frase y me pareció que resumía bastante bien lo que hago. Pero creo que mucha gente se lo ha tomado demasiado en serio. No es que sea una broma, porque no lo es, pero se supone que debes decirlo con una leve sonrisa, con un guiño. La realidad es que no me tomo demasiado en serio (risas)”. El contenido del disco transmite que se trata de una especie de renacimiento para ti, de volver a empezar una vida… ¿Bajo qué circunstancias lo escribiste? “En muchos aspectos tiene mucho que ver con el anterior disco Tape Deck Heart. Ése lo hice en un momento difícil en mi vida e intenté escribir un disco de ruptura desde el punto de vista del chico malo. Luego las cosas empezaron a ir bien, sobre todo a nivel profesional, pero luego tuve una lesión de espalda y volví a estar jodido. Pero no quería escribir otro disco depresivo, así que tomé la dirección opuesta y

quise escribir sobre cómo superar los obstáculos. En la vida siempre vas a tropezar, pero lo importante es levantarte. Así que el álbum va básicamente de eso”. ¿Así que aspiras a que la música inspire a la gente a superar los malos momentos? “Sí. Siempre soy muy cauto a la hora de aspirar a conseguir algo concreto con una canción y tampoco aspiro a cambiar el mundo. Pero desde luego la música puede hacerte sonreír y ha logrado que mi vida sea mejor. Espero que este disco sirva a quien lo escuche al menos para eso”. ¿Es ‘The Next Storm’ una especie de secuela de ‘Reasons Not To Be An Idiot’ de tu segundo disco? Parece transmitir el mismo mensaje. “La verdad es que no había pensado en ello, pero es posible. El otro día un fan me mandó un escrito larguísimo sobre cómo todas mis canciones están conectadas y están protagonizadas por la misma persona. La verdad es que nunca lo había pensado, pero le dije que tenía razón porque me parecía una idea bonita (risas)”. El disco empieza y acaba con dos canciones acústicas. En cierta manera te definen como un cantautor, pero entre medio 97

“EN LA VIDA SIEMPRE VAS A TROPEZAR, PERO LO IMPORTANTE ES LEVANTARTE. ASÍ QUE EL ÁLBUM VA BÁSICAMENTE DE ESO”

FRANK TURNER favoritos de todos los tiempos es Pinkerton de Weezer, y para mí fue un referente a la hora de hacer este disco. Ese tema es muy Weezer, pero es que me encanta ese sonido de guitarras”. ¿Hay planes para otro disco con Möngöl Hörde, tu banda de hardcore? “Disfruté mucho haciendo ese disco y me encantaría hacer otro. Ahora mismo estoy muy concentrado en éste, pero estoy hablando con gente porque tengo en mente varios proyectos. Ya veremos qué sale de todo esto”. el resto de canciones muestran que no quieres ser sólo eso. ¿Fue algo buscado? “Sí. Soy bastante cuidadoso a la hora de elegir el orden de las canciones. En ese sentido soy de la vieja escuela, sigo pensando en los discos como una obra de arte formada por canciones, y dónde las sitúes influyen en cómo se percibe la obra. Dedico mucho tiempo a escoger el orden, pero curiosamente para éste lo tenía clarísimo desde que tuve todo el material. Fue algo inusual, pero me hizo sentir bien porque quería decir que la idea que tenía del álbum era potente”. En temas como ‘Mittens’ o ‘Si-

lent Key’ se nota unas ganas de ampliar un poco el sonido por el que se te conoce. ¿Es algo que busques a medida que vas grabando más discos? “Es difícil encontrar un equilibrio porque no quiero repetirme, pero tampoco quiero dejar de ser yo. Quiero mantenerme fiel al sonido que me gusta. No quiero abandonar mis raíces o de dónde vengo”. ‘Silent Key’ tiene unas guitarras muy 90’s. Supongo que eso también forma parte de tus raíces aunque no lo hubieras mostrado antes. “Sí, desde luego. Uno de mis discos

¿Eres de esos músicos que escriben 50 temas y luego seleccionan los mejores? “Normalmente suelo escribir unos 15 temas por disco, ésa es mi media (risas). Hay un par de canciones que saldrán como caras B. Pero normalmente si termino un tema y llega al estadio en el que se trabaja con la banda, suelo grabarlo. Hago el proceso de edición de mi material de manera previa a hacer los arreglos o grabarlo”. Diría que en este disco el piano, los teclados, tienen más protagonismo. ¿Compones también con piano? “No, es un arreglo. Tengo un piano

Me sorprendió bastante cuando leí que Butch Walker era el productor... ¿Por qué él? “La verdad es que no sabía que era un productor, sólo había escuchado sus discos, que me gustan mucho. Tenía esa idea de hacer algo más directo y crudo que mis trabajos anteriores, pero tenía problemas encontrando un productor que la discográfica estuviera de acuerdo en pagar (risas). Escuché su disco The Spade de 2011 y me sonaba fantástico, así que miré quién lo había producido y lo había hecho él mismo. Así que hablé con mi mánager y me dijo que era el mismo tío que producía a Taylor Swift y Pink, y pensé que me estaba tomando el pelo, me pareció una locura. ¡No tenía ni idea! Pero me puse en contacto con él y nos entendimos muy bien. Le expliqué mi

FRANK TURNER

en mi casa que toco de vez en cuando, pero soy malísimo (risas). Mi banda, The Sleeping Souls, son una parte muy importante en este álbum. Lo compuse todo yo, como casi siempre, pero les pasé los temas para que hicieran los arreglos con bastante tiempo. Las tocamos juntos durante mucho tiempo, y también en directo, antes de ir al estudio porque quería hacer una grabación rápida, como si fuera nuestro debut. Cuando grabas tu primer disco has estado tocando esas canciones en directo durante dos años al menos, y quería conseguir esa frescura en lugar de ponernos a pulir los temas en el estudio”.

idea y me dijo que sabía perfectamente cómo conseguirlo. Además conocía parte de mi trabajo y le gustaba mucho. Así que fue perfecto. La discográfica pensaba que quizá iba a pedir mucho dinero, pero una vez hablé con él, me dijo que no me preocupara por eso, que llegaríamos a un acuerdo porque le apetecía mucho”. Supongo que para él también tiene que ser refrescante poder trabajar con alguien como tú, sin la presión de tener que vender millones de copias. “Exacto. Y además no llevo todo un séquito conmigo en el estudio. Sólo músicos (risas)”. Tus letras son muy personales, pero obviamente llevas una vida muy distinta a la de la mayoría de la gente que te escucha. ¿Te preocupa que en algún momento pueda haber una desconexión? “Al final lo que yo hago es mi vida. Puede ser inusual para otra gente, pero lo que otra gente hace es inusual para mí. Pero al final por debajo de lo que hagamos profesionalmente,

básicamente nos ocurren y sentimos las mismas cosas. Cuanto más personal es algo, más universal se vuelve”. Lo decía también porque la cantidad de conciertos que has dado a lo largo de tu carrera es de locos. ¿Tienes intención de mantener el mismo ritmo? “Bueno, ya he bajado el ritmo comparado con el que tenía hace cinco años... Si hubiéramos seguido igual, estaríamos muertos (risas). Recuerdo que estábamos en el aeropuerto de Londres antes de las Navidades en 2013 y todos, yo, mis músicos, los técnicos… estábamos hartos. No quiero volver a llegar a ese punto. No puedes hacer lo mismo cuando tienes 23 años que cuando tienes 33. Además, creo que el único que le daba importancia a la cantidad de shows que daba era yo mismo, y en realidad tocaba tanto sólo para satisfacer mi ego. Así que ahora nos tomamos más días libres y hacemos giras más cortas. Queremos envejecer con dignidad (risas)”.

BACKYARD BABIES

Y AL TERCER DÍA RESUCITÓ. O MÁS BIEN, AL QUINTO AÑO. LOS SUECOS BACKYARD BABIES VUELVEN A LA ACCIÓN TRAS UN PROLONGADO PARÉNTESIS EN EL QUE SE HAN HECHO MÁS VIEJOS, PERO TAMBIÉN MÁS SABIOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ARECE CASI profético que Backyard Babies escogieran como título Diesel & Power para su primer disco, en 1994. El grupo ya llevaba entonces siete años en activo y llegados a 2015, casi tres décadas como banda, con lo que está claro que su constitución se asemeja más a la de un vehículo para grandes travesías que a la de un veloz deportivo. Pero incluso los motores más resistentes necesitan de vez en cuando una puesta a punto, y hace cinco años Nicke Borg (voz, guitarra), Dregen (guitarra), Johan Blomqvist (bajo) y Peder Carlsson (batería) decidían tomarse un descanso indefinido después de realizar una gira para celebrar su 20 aniversario y publicar el recopilatorio Them XX. A pesar de que Borg se lanzó en solitario y Dregen se alistó a la banda de Michael Monroe, y también editó un disco con su nombre, quien más quien menos intuía que algún día volveríamos a verles juntos. Y así es como nos los encontramos en el interior del autobús de Gibson situado en el backstage del Resurrection Fest, donde una hora después actuarán en su escenario principal. Su vuelta se ha completado con la salida en septiembre de su séptimo álbum Four By Four (Gain), que presentarán el 14 de noviembre en Barcelona y el 15 en Madrid, y sobre el que empezamos hablando. ¿Qué sentimiento tenéis respecto a Four By Four? ¿Lo veis como un disco de reunión o es simplemente un álbum más de

Backyard Babies? NICKE BORG “Bueno, no es simplemente un disco más, pero tampoco es un disco de reunión. Es un álbum que hemos hecho después de un silencio de cinco años, pero durante los cuales hemos hecho muchas otras cosas. No hemos estado parados esperando a hacerlo, sino que Dregen y yo casi hemos estado más ocupados en este tiempo que en los últimos años de Backyard Babies. Fue eso lo que nos llevó a plantearnos volver a tocar en directo con la banda y hacer un nuevo trabajo”. Durante este hiato, ¿seguíais escribiendo temas para Backyard Babies? ¿Llegasteis a desconectar del grupo en algún momento? NICKE “Fue un parón de verdad, honesto, por parte de una banda que necesitaba parar y preguntarse si quería seguir tocando junta. No nos pusimos una fecha para volver. Simplemente dijimos ‘nos tomamos un descanso y si un día volvemos, ya lo anunciaremos’. Estos años hemos intentado centrarnos en otras cosas. Aunque todo esto podría haber sido un plan, no lo era (risas). Creo que los fans pueden sentir que separarnos fue una manera honesta de lograr que el grupo pudiera sobrevivir”. DREGEN “Volver a encontrar la chispa y ser creativos no es algo que pueda planearse. Empezamos a componer el álbum en septiembre del año pasado, y lo acabamos en mayo de

éste. Fue bastante rápido para ser nosotros”. Desde luego el disco no suena nada pretencioso. Casi diría que es modesto en su planteamiento. DREGEN “Las palabras clave para decantarnos por el productor Jacob Hellner fueron que él creía que habíamos progresado como instrumentistas y quería que sonásemos como una banda. Así que este disco es el más básico que hemos hecho, en el que hemos utilizado menos pistas. Es el más clásico, en cierta manera”. Sin embargo, el último tema, ‘Walls’, es un poco atípico para vosotros… DREGEN “Tampoco diría que las otras ocho son típicas de Backyard Babies, pero sí más de nuestro estilo. También mola dar un paso y hacer algo que no habíamos hecho antes. Todos somos fans de las bandas sonoras y ‘Walls’ tiene algo de Twin Peaks mezclado con punk y algo de progresivo, es extraña”. NICKE “Para nosotros era importante demostrar a la nueva generación que lo hace todo por ordenador y a la cual las discográficas obligan a sonar de un modo determinado, que se pueden hacer cosas distintas. Nosotros tenemos la suerte de poder hacer un tema como ‘Walls’, y queríamos aprovecharlo. Nos divertimos en el estudio. La parte final la escribimos sin saber a dónde nos llevaría, la hicimos

101

de manera espontánea. Cualquier discográfica le diría a una banda de rock que ése no es el camino a seguir si quiere tener éxito, pero lo hicimos de todas maneras”.

es importante seguir siendo nosotros mismos. Por eso fue importante hacer proyectos en solitario, porque así aún podemos ser más Backyard Babies cuando nos juntamos”.

A pesar de los años que lleváis en activo, sois una banda que mantiene un pie en el underground y otro en el rock más mainstream. ¿Os gusta esa posición NICKE “Ese equilibrio siempre ha formado parte de nuestra carrera. Hemos hecho discos más punk, otros más hard rock, otros más pop… unos tienen una producción de mierda y otros tienen una gran producción. Tenemos fans que lo son de discos determinados y luego están los fans más jóvenes, que nunca nos vieron en directo, y a los que les gusta todo. Así que hicimos un disco que pueda gustar a todos ellos. La única canción que hemos lanzado hasta ahora, ‘Th1rt3en Or Nothing’, está gustando mucho. Podrías decir que esa canción también tiene un pie entre los Backyard Babies de la vieja escuela y los de ahora. Para nosotros

¿Añorasteis la banda durante estos cinco años? NICKE “Sí, recuerdo una película romántica cutre en la que se decía que tienes que dejar que la otra persona vuele libre, y si vuelve a ti, será tuya para siempre. Supongo que es algo así. Ya no es sólo que ahora apreciemos más estar en el grupo, sino también a los fans. Piensa que la banda es algo por lo que hemos luchado desde que éramos adolescentes. Mucha gente en el camino nos ha puesto obstáculos y nosotros también cometimos muchos errores. Es casi un milagro que hoy estemos aquí, y es algo por lo que nos sentimos agradecidos. Creo que nos lo debíamos a nosotros mismos y a los demás. La escena necesita una banda como Backyard Babies”. DREGEN “Es una bendición. Durante tres años estuve tocando con Michael Monroe y otros músicos increíbles, y

102

aprendí un montón con ellos. Durante mi gira en solitario también toqué con grandes músicos, pero hay algo que sólo puedo sentir con Backyard Babies. No importa si eres bueno o no, pero cuando has tocado con la misma formación durante casi 27 años, se crea un vínculo muy especial. Es algo que no puedes recrear con otra gente”. ¿Os llamasteis para preguntar la opinión respecto vuestros proyectos en solitario? DREGEN “La verdad es que no”. NICKE “La gente a veces se pregunta si salimos juntos o socializamos, pero la verdad es que como siempre estábamos de gira, tampoco luego quedábamos para vernos. Así que no ha habido demasiada diferencia en ese aspecto. Creo que está bien no verse demasiado. Cada uno necesita su espacio. Pero, al fin y al cabo, estamos al corriente de todo porque vivimos en la misma ciudad… ¡Y existe Facebook! (Risas)”. Antes hablabais de los fans de la vieja escuela. Para ellos

“CREO QUE LOS FANS cada vez que sacáis un nuevo disco esperan otro Total 13. ¿Es para vosotros también el álbum a igualar? DREGEN “Es un poco de locos. Ese disco siempre será especial para nosotros porque, sin él, no estaríamos aquí ahora. Fue el disco que hizo que el grupo fuera grande. Pero siendo totalmente necesario, quiero vivir en el presente. Tenemos 40 años, tenemos familias y seguimos teniendo la misma pasión por el rock, pero no quiero fingir que tengo 23 años”. NICKE “Cualquier banda clásica tiene un disco referencial como ése. En parte es casi mejor que tener cuatro o cinco discos donde ninguno destaca. Imagina si Guns N’ Roses hubieran hecho cinco discos normales; no hubieran llegado a lo que fueron. Pero tuvieron Appetite For Destruction, que fue una bomba. A partir de ahí, todo lo que han hecho se ha comparado con ese disco. Total 13 fue hecho desde la rabia, desde la desesperación, no había ningún plan, por eso destacó. Quizá por eso otros trabajos que quizá fueron más planeados no funcionaron tan bien”. Dregen, ¿es verdad que hiciste una prueba para entrar en Guns N’ Roses? DREGEN “Sí, sí. Estuve en Guns N’ Roses durante dos días (risas). No, nunca estuve en el grupo, pero estuve en Los Ángeles cuando estaban buscando a un sustituto para Robin Finck. Fue una gran experiencia, son una gran banda. Pero me siento afortunado de que no me cogieran porque la libertad musical que tengo en Backyard Babies no la hubiera tenido con ellos”.

¿Por qué parece que cuesta tanto que las bandas de rock tengan un impacto en el mainstream? NICKE “Yo creo que hay muy buenas bandas, pero en general, la gente se preocupa demasiado por lo que tiene que hacer. Demasiados grupos intentan sonar como los demás”. DREGEN “Para mí hay buenas canciones, pero eso no es suficiente. Me gustan los grupos que tengan algo más. Por ejemplo, con Backyard Babies no sabes si es una banda punk a la que le encanta el hard rock o una banda de hard rock a la que le chifla el punk. A mí me gusta el rock con actitud. Parece como si el hip hop le hubiera robado la actitud al rock”. Quizá es que falta personalidad, ya no en la música, si no en los propios músicos. NICKE “Es eso, la gente le da demasiadas vueltas. No quiero nombrar a nadie, pero hay demasiados grupos que son demasiado perfectos, demasiado guapos. En cada banda debería haber un feo (risas). No creo que sea una cuestión de calidad, sino que todo el mundo está demasiado tenso. Pero tienes a Foo Fighters, que son una banda de rock enorme…”. DREGEN “Sí. Tienen grandes temas y todo el mundo sabe quién es Dave Grohl, hasta mi madre. Mi madre sabe quiénes son Slash, o Axl, o los tíos de Metallica o Nirvana, pero hace 30 años que no sale un grupo del que conozca a todos los miembros”. Quizá es un signo de los tiempos. Una de las mayores bandas es una que se esconde detrás de máscaras...

PUEDEN SENTIR QUE SEPARARNOS FUE UNA MANERA HONESTA DE LOGRAR QUE EL GRUPO PUDIERA SOBREVIVIR” NICKE BORG

NICKE “Para mí eso fue una decisión acertada. Me encantan Slipknot, pero The Rolling Stones, Aerosmith o Guns N’ Roses tienen una imagen que transmite que eran unos tíos tocando en un sótano. Molan sin quererlo”. DREGEN “Todos los grandes grupos tienen una imagen. El caso extremo serían Kiss. Pero ZZ Top, por ejemplo, todo el mundo les reconocería si ahora aparecieran por aquí”. NICKE “Falta personalidad. Es culpa de las discográficas, de los medios, de la sociedad en general. Me alegro de tener 42 años”. Tampoco es fácil tener una banda de rock a los 40 (risas). NICKE “En cierta manera es más fácil. Todo está más claro. Cuando sólo girábamos y no teníamos nada más, volvías a casa y no tenías nada. Ahora tengo muchas ganas de salir a tocar, pero sé que cuando vuelva, me estará esperando mi familia. Me siento mucho más en paz y lo hace todo mucho más intenso”. DREGEN “Cualquier demonio que tenga que salir, lo hace cuando estoy de gira, así que eso es bueno. No necesito un psiquiatra, la guitarra es mi psiquiatra (risas)”.

103

CATTLE DECAPITATION

MIENTRAS LA HUMANIDAD SE DESANGRA POCO A POCO ENTRE CIENTOS DE CONFLICTOS ARMADOS Y ECONÓMICOS, HAY UNA CUENTA ATRÁS QUE HA ACELERADO SU RITMO, A LA QUE NO TOMAMOS EN SERIO Y QUE ENCIMA ENTRAÑA UN PELIGRO MUCHO MÁS ATERRADOR E IRREVERSIBLE… EL PLANETA TIERRA AGONIZA POR NUESTRA CULPA, PERO COMO MÍNIMO CATTLE DECAPITATION LE PONDRÁN MÚSICA A SU AGRIO FINAL. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

RAVIS RYAN, el inconfundible

cantante de los ecologistas Cattle Decapitation, no parece muy contento con cómo está siendo tratado el séptimo álbum de la formación, The Anthropocene Extinction (Metal Blade). Si su anterior trabajo Monolith Of Inhumanity hizo correr ríos de tinta por una razón muy simple, el tratarse de una cáustica e innovadora obra maestra del brutal death grind, el vocalista de San Diego está comprobando ahora mismo, de primera mano, cómo el caprichoso péndulo que mide las opiniones de crítica y público no le está devolviendo todo el esfuerzo que le ha costado parir, no nos engañe-

mos, otro auténtico discazo como el que nos ocupa estos días. Tanto a él como a Josh Elmore (guitarra), Derek Engemann (bajo) y Dave McGraw (batería) les pilló desprevenidos tanto elogio y fantástica review, pero ahora mismo, recogiendo los frutos de tantos años picando piedra desde lo más abajo, están viendo que a veces, por raro que parezca, es incluso preferible no salir de la cueva. Travis y Cattle Decapitation siempre han sido muy claros con su mensaje, así que es de agradecer que durante esta entrevista tampoco se callara una… ¡Nosotros premiamos su nuevo disco con un 87/100, que conste en acta!

105

Vuestro último álbum Monolith Of Inhumanity fue mundialmente celebrado y os puso, por fin, en el mapa de las mejores formaciones brutal death. ¿Qué recuerdos guardas de todas esas increíbles críticas y la nueva atención por parte de los medios? TRAVIS RYAN “Fue un shock para nosotros, en verdad. Sólo íbamos haciendo de la forma normal, por lo que pensamos ‘vamos a componer lo que sintamos que queramos escuchar’. Teníamos sangre nueva en el grupo con Derek y al parecer ésta fue la alineación que nos dio la química que a la gente parece gustarle mucho. Yo personalmente no creo que haya sido tan grande el salto desde The Harvest Floor, pero como todo el mundo parece seguro de ello… El disco pareció convertir a un montón de haters en fans porque era cool y las críticas

106

estaban algo así como en la cima del top. Creo que es divertido que mucha gente no esté reseñando exactamente The Anthropocene Extinction, sino simplemente comparándolo con Monolith. Haciendo eso no están realizando una crítica verdadera, están haciendo una comparación que para nosotros es muy injusta, por lo que sea… La gente va a hacer lo que va a hacer; eso es, en pocas palabras, lo que nuestras letras siempre han sido”. Como bien reza vuestra nota de prensa, es muy raro cuando una banda veterana crea mejores álbumes cuanto más vieja se hace y, además, que cada uno de esos discos sea más duro y agresivo que el anterior. ¿Cómo te lo explicas? Actualmente, ¿qué ocurre en vuestros ensayos y durante el proceso de composición?

“Ellos escriben toda la música y yo básicamente le pongo palabras, así es como funciona la composición. Es una combinación de tres o cuatro estilos y opiniones drásticamente diferentes y creo que eso es lo que crea la magia de la que la gente está hablando. Realmente no sé si la peña quiere algo más, ni me importa. No pedir ayuda te lleva a aventurarte hacia reinos en los que ni tú mismo te sientes seguro, y en esa tierra de nadie es donde nosotros hemos encontrado nuestro sonido. Es una progresión muy interesante, y todavía es muy nuevo y excitante para un hombre de 40 años como yo, que todavía sigue practicando metal extremo. Mantiene las cosas frescas y divertidas, y de eso trata todo esto para mí”. ¿Sentiste presión o estrés al tratar de igualar o superar vuestra última obra tres años

“NO DEBE ESPERARSE QUE LAS BANDAS ESTÉN CONSTANTEMENTE REINVENTÁNDOSE A SÍ MISMAS Y LUEGO RENDIRLES CUENTAS COMO SI HICIERAN ALGO ABSOLUTAMENTE MAL SI NO LO REALIZARON”

el dinero puede comprar y todo lo que hay entremedio. Como decía, fue una evolución”.

después? ¿Con qué ánimo encaraste este reto? “Por supuesto, porque muchas personas situaron dicho listón en Monolith. Y aquí estamos… Con un álbum al que mucha gente le gusta, pero por el que aún estamos recibiendo esa clase de palos en las críticas ‘por no reinventarse a sí mismos’, que es una jodida broma si me lo preguntas. ‘Oh, ¿no reinventas la rueda? ¡¡¡3 sobre 5!!!’ (Risas). En realidad no es tan malo, pero es algo que he notado y que creo que es absurdo. No debe esperarse que las bandas estén constantemente reinventándose a sí mismas y luego rendirles cuentas como si hicieran algo absolutamente mal si no lo realizaron”.

Indudablemente, tú marcas la diferencia entre Cattle Decapitation y el resto de bandas death metal. ¿Cómo descubriste tu, por decirlo de alguna forma, ‘voz suave diferente’, y cuándo decidiste introducir esas partes en vuestra música? “Descubrí que había matices en algunos de los gritos altos y que incluso algunos gruñidos bajos tenían alguna tonalidad entre ellos y que en realidad estaba golpeando notas. Simplemente exacerbé eso y le añadí más tonalidad, algo que con el tiempo se convirtió en más que una cualidad de canto, y tiré con ello. No estoy intentando cantar limpio y no me vas a encontrar tratando de traer algo de R&B de mierda al metal extremo. Éste no es el lugar para ello. Realmente, sólo estaba aburrido de hacer lo mismo de siempre en un océano de un billón de bandas haciendo la misma mierda”.

Si quieren novedades, tú mismo has mutado tu chillido agudo en busca de melodías y épica… Considero que has buscado un acercamiento dramático a tus letras apocalípticas. La devastación de los ecosistemas precisa de un toque como ése, ¿verdad? “Claro, pero fue una evolución natural de jugar con todo, desde grandes salas a habitaciones pequeñas, desde PAs de mierda hasta los mejores y más grandes sistemas de sonido que

Cambiando de tema, todo el mundo conoce vuestra militancia para la protección del medio ambiente, vuestra lucha por los derechos de los animales… ¿Pero por qué decidisteis escribir un álbum conceptual acerca de la devastación ambiental y ecológica, como siempre, pero centrado en el océano Pacífico? ¿Puedes explicarnos por qué el problema es más preocupante ahí que en ningún otro

lugar? ¿Por la isla de bolsas de plástico, quizás? “El foco de atención se centró en el océano Pacífico porque es simplemente un gran ejemplo y contiene la mayoría de la información que la gente puede ver por sí misma, pero otra gran razón es porque es el océano con el que vivimos al lado. Ha sido una parte de mi vida durante toda mi existencia y somos una banda de California. Hay cinco giros en el mundo que están sucediendo en él; el océano Pacífico es sólo el del que más se habla y el más frecuente de ellos. Este problema está en todas partes, y como nadie más en la música extrema iba a hablar sobre ello, un género y sector demográfico que usualmente no se expone a estos temas, me pareció que era un terreno propicio para nosotros, además de uno de gran importancia. Un día podría afectar a todos los seres vivos”. Obviamente, un trabajo como éste está envuelto de una atmósfera de negatividad imposible de ocultar, y para conseguir eso puedes incorporar influencias black metal a vuestra base death grind, ¿no? “No, en mi opinión las letras y la música no tienen mucho que ver entre sí. La música se escribe primero, por lo que sería desacreditar ese concepto de ella si estuviera basada en la lírica. Nos encanta el black metal, eso es todo (risas). Siempre lo tenemos presente”. La nueva obra cuenta con un montón de colaboraciones, pero realmente no he escu-

107

“ES UN POCO GRACIOSO Y TRISTE AL MISMO TIEMPO QUE VAYAMOS A TOCAR UNA CANCIÓN VIEJA Y LA GENTE NO REACCIONE MUCHO, PERO QUE LUEGO HAGAMOS ALGO DEL NUEVO DISCO Y SE VUELVA LOCA”

chado a Phil Anselmo en ‘The Prophets Of Loss’… ¿Cuál fue su papel en este tema? ¿Cuándo canta Phil, al menos? “Para serte honesto, he oído a algunas personas decir esto y no entiendo muy bien de dónde venís, pero entonces… Bueno, yo estuve ahí y fui parte del proceso por el que tiene sentido. Le oigo claro como el día. En mayor parte él habla en una pequeña parte chillada al principio, otra parte más hablada y, luego, al final, él realiza un montón de voces con Derek y yo. Que él fuera uno de los invitados del disco levantó algo de revuelo entre la prensa y creo que por eso esperabas más cuando la escuchaste. Si me lo preguntas, un error de los medios, no del álbum”. Que Jürgen Bartsch de Bethlehem participe con otra parte hablada sí es una buena sorpresa… ¿Cómo os conocisteis? A primera vista, Jürgen proviene de una escena muy diferente… “He sido un gran fan de Bethlehem durante muchos años. Había estado tratando de rellenar algunos agujeros de mi bastante larga y extensa colección de Bethlehem y él me ayudó con un par de cosas. Un tío súper majo, amo su visión”. Estáis girando con Cannibal Corpse ahora mismo y luego vais a comandar como cabezas de cartel un tour con King Parrot y muchas bandas 108

más. ¿Cómo estás viendo la reacción del público con los nuevos temas? ¿Cuándo volveréis a Europa? “¡Es impresionante! Es un poco gracioso y triste al mismo tiempo que vayamos a tocar una canción vieja y la gente no reaccione mucho, pero que luego hagamos algo del nuevo disco y se vuelva loca (risas). Eso es bastante raro, y por lo general ocurre al revés, pues la gente suele estar más familiarizada con el material antiguo, pero pienso que pasa porque hemos estado ahí fuera durante mucho tiempo, así que hemos tenido algunas bases de fans diferentes que literalmente vienen y van con las tendencias, y ahora mismo un gran porcentaje de nuestra audiencia está centrada en lo nuevo en su mayoría. Por otro lado, ¡nos morimos por volver a Europa! Estamos trabajando en obtener los tours correctos, y honestamente es probable que te vuelvas loco de oír sobre nosotros y que nos veamos el próximo año, pues tenemos planes de ir como mínimo dos veces (unos días después de realizarse esta entrevista los confirmaron en nuestro Leyendas del Rock –ndr.). Sólo estamos trabajando en salir fuera ahora mismo”. Durante vuestro último show en Barcelona te recuerdo escupiendo en el escenario… para luego recoger el moco en el aire con la mano y, acto seguido, esnifarlo. Fue algo maravilloso… ¿Es una nueva

forma para tratar de convencer a la gente sobre los beneficios de reciclar para nuestro planeta o algo así? “Ése es el tema acerca de escupir… Creo que es totalmente repugnante, un acto repulsivo, y nunca me pillarás escupiendo fuera del escenario (lo remarca mucho –ndr.). Yo simplemente no lo hago fuera de las tablas. Jamás. La única razón por la que ocurre encima del escenario es porque este tipo de voces fuerzan la flema hacia arriba y fuera de mi cuerpo. De esta forma, hace tiempo me di cuenta que también podía hacer que fuera parte del espectáculo, especialmente porque escupirme a mí mismo es mejor que hacerlo en un monitor o en el escenario, que sólo molesta a la banda que toque después. Además, la gente parece disfrutar con ello y yo estoy ahí para entretener en mayor parte, ¿verdad? Pues por eso lo hago. La primera vez que pillé uno y lo esnifé está en realidad capturado en una porción del DVD de la edición limitada europea del nuevo álbum, cuando estábamos tocando en el Party.San. Yo sólo lo hice en el último minuto de esa parte, en ‘Your Disposal’, y lo he hecho en el mismo fragmento exacto de esa canción en cada show desde entonces. Ahora se ha convertido en parte de la actuación (risas)”.

MICHAEL MONROE

TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

ARDE

HELSINKI Las arrugas en la cara de Michael Monroe delatan lo mucho que ha vivido este hombre a lo largo de sus 53 años de existencia. La mayor parte de ellos los ha empleado rockeando duro e inspirando a un montón de músicos en el camino. Y piensa seguir haciéndolo. Es un gran motivo de celebración cada vez que el incombustible Michael Monroe, otrora líder de la mítica banda finlandesa Hanoi Rocks, publica un nuevo trabajo. En esta ocasión regresa al ring con Blackout States (Spinefarm), su décimo álbum en solitario, que vuelve a ser una explosión de punk rock enérgico, directo y contundente. Poder hablar de forma tan apasionada y descontrolada en ocasiones con uno de los personajes más únicos y carismáticos del mundo musical, con una carrera envidiable y una intensa vida dedicada al rock, fue un gran honor y, aunque pueda resultar bastante tópico, un privilegio.

ICHAEL MONROE

es, sin duda alguna, la perfecta encarnación del rock. Podría haberse comportado como un divo engreído, pero resultó ser un tipo entusiasta, humilde y encantador que no tuvo problema en hablar de cualquier cosa, desde su escepticismo sobre una posible reunión de Guns N’ Roses a su participación en la edición finlandesa del concurso La Voz.

Michael, éste es el tercer álbum que sacas en lo que llevamos de década, y la verdad es que todavía te queda mucha pólvora por quemar. “¡Gracias! Me encanta escuchar eso. ¿Te ha gustado el disco?”. Muchísimo, lo estoy disfrutando un montón, es muy potente. Por favor, cuéntanos cómo surgió Blackout States. “No hubo ningún punto de partida concreto, porque jamás he planificado nada en mi vida. Me apetecía sacar un disco nuevo, así que empecé a componer temas con los chicos. Esta vez no tuvimos oportunidad de juntarnos en un estudio para escribir y tocar, así que la mayor parte del material lo compusimos por separado”. ¿Y cómo os organizabais? ¿Fue muy complicado? “Pues yo estuve componiendo en casa y Sami (Yaffa) también estuvo trabajando por su cuenta, y estuvimos enviándonos mails todos continuamente para intercambiar material y opiniones. Sí que hubo una semana en la que coincidieron Steve Conte, Rich Jones y Karl (Rosqvist) en Nueva York, y trabajaron en varias ideas, que luego nos envia112

ron. Para mí era imposible juntarme en ese momento con ellos, por lo que como te decía estuvimos intercambiando material de esta manera. Algunos temas los compuse yo enteros, como por ejemplo ‘Good Old Bad Days’, que me vino a la cabeza una noche que estaba ya en la cama y me tuve que levantar para grabarla antes de que se me olvidara (risas). Algunos temas los finalizamos en el estudio aunque ya eran ideas que habían surgido desde hace bastante tiempo, como es el caso de ‘The Bastard’s Bash’, que ha llegado a tener seis o siete letras y títulos distintos, porque no me terminaban de convencer. Finalmente fue Steve quien terminó de componer la letra en Helsinki. Sami tenía ya la música para ‘R.L.F.’. la había compuesto en casa y nos la envió. Antes de que surgiera un título definitivo, la identificábamos como ‘Fuck Shit Up’ (risas). Con la broma llegó un momento que pensé ‘¿Y por qué no la titulamos ‘Rock Like Fuck’?’, que al fin y al cabo es lo que he estado haciendo toda mi vida, y me pareció una idea cojonuda (risas). Pero para no ofender a nadie, al final quedó en ‘R.L.F.’, así que uno tiene que escuchar la canción para saber a qué se refiere (risas)”. ¿En qué momento os juntasteis e hicisteis una puesta en común? “Finalmente nos juntamos todos en el estudio de Helsinki un par de semanas antes de empezar a grabar, nos dedicamos a revisar todo lo que teníamos hasta ese momento y trabajamos juntos en nuevas ideas. Cuando vimos que ya estábamos listos para grabar, nos dimos cuenta de que teníamos 18 temas. Finalmente escogimos 13, aunque yo hubiese preferido que fueran

doce porque no me gusta que los álbumes superen los diez u once temas, pero la verdad es que los 13 escogidos funcionan muy bien juntos, así que al final todos dimos el visto bueno”. ¿Sentasteis algún patrón o concepto sobre el que trabajar para mantener una línea más definida y homogénea sobre lo que iba a ser el disco? “Como te decía antes, no planeamos trabajar con ningún concepto como partida, pero al final sí que es cierto que en general las canciones tienen en común la esencia de Londres como tema subyacente, y te prometo que fue algo espontáneo y que nos pasó completamente desapercibido hasta que tuvimos el producto final. Ya ves que hay temas que hacen una referencia directa a la ciudad, como ‘Old King’s Road’ o ‘Dead Hearts On Denmark Street’, que hace años era la calle de las guitarras por excelencia”. Sí, toda la manzana de Denmark Street y Charing Cross Road. Hace muchos años estuve viviendo allí y frecuentaba esa zona, de hecho la primera vez que asistí a un concierto tuyo fue al lado, en el Borderline. “¡Guau! Pues ya hace unos cuantos años de eso... Entonces llegaste a conocer el Astoria Club. Es una pena lo irreconocible que está esa zona ahora, me cuesta creer que lo hayan tirado todo, y que haya cambiado tanto. Echo de menos el rock’n’roll y su actitud que desprendía esa zona. La esencia y el sonido punk del disco, que tiene que ver mucho con la labor de Rich Jones, básicamente están inspirados en ese Londres más macarra”.

Hablando de Rich, ¿qué ha supuesto su entrada en la banda? “La aportación de Rich Jones como guitarrista a la banda ha sido una sorpresa muy positiva. Por supuesto que tenía claro que sabía componer, pero no imaginaba que pudiera dar tanto. Nuestro sonido siempre ha ido hacia el punk, pero gracias a él, vamos más orientados hacia The Clash, buscando un estilo más melódico. Estoy muy contento con su participación, porque tengo la sensación de que vamos buscando más las raíces del punk. Ha sido una gran incorporación que surgió de manera muy natural. Hubo un momento, tras el lanzamiento de Horns And Halos, en que Dregen de Backyard Babies y Rich llegaron a tocar juntos en la banda. Dregen estaba metido en dos proyectos a la vez, hasta que le resultó imposible poder estar involucrado al mismo nivel, y finalmente se decantó por su carrera en solitario. Rich estaba allí, y es un viejo amigo, que además se había encargado del artwork de Horns And Halos. Lo conozco desde que participó en varios proyectos de Ginger Wildheart, y es desde hace años parte de la familia”. Creo que en Blackout States hay una canción, ‘Under The Northen Lights’, que es muy especial para ti. “Así es. Se trata de una canción de Dee Dee Ramone que nunca había sido grabada de manera oficial hasta ahora. La historia se remonta a la época en la que estuve viviendo en Nueva York. En esos diez años, a principios de los 90, Dee Dee y yo éramos muy amigos y pasábamos juntos muchísimo tiempo. Te hablo de cuando dejó a los Ramones por primera vez. Un día

“ESTÁ CLARO QUE MI PARTICIPACIÓN EN LA VOZ DE FINLANDIA HA HECHO QUE HAYA BASTANTES CANCIONES ROCKERAS”

vino con un montón de canciones y me propuso que hiciéramos algo juntos con ellas. Y la verdad es que el material era buenísimo. Concretamente vino con ‘Under The Northern Lights’ y me dijo: “Tú eres de Finlandia, ¿verdad? Seguro que te gusta esta canción”. Y es cierto, la letra hace referencia a mi país... ¡Guau! Me pareció increíble. Nunca grabamos una demo de ese tema, pero como siempre lo tocaba con la acústica, lo memoricé perfectamente. Desde entonces siempre he

querido grabar esta canción, pero hasta ahora no encontraba un disco en el que encajara bien. Cuando se lo enseñé al resto de la banda y les pregunté si creían que podía entrar no hubo ninguna duda. Por supuesto pedimos permiso a la viuda de Dee Dee, que no tenía ni idea de la existencia de esta canción. Y es genial haberla podido grabar, porque nunca ha habido otra versión. Bueno, miento, hay una versión de una actuación de Dee Dee en algún club en Nueva York que 113

alguien grabó. Si buscas por internet seguro que la encuentras. En la grabación se oye el murmullo del público, y es bastante diferente a la que hemos grabado nosotros. Para mí es un gran honor y un privilegio haber podido hacer esto. Me hace gracia, porque antes de que nos planteáramos esta versión, hay una referencia a Dee Dee en ‘Dead Hearts On Denmark Street’. Una vez más, nada fue planeado y surgió de forma espontánea”. ¿Qué crees que marca la diferencia con respecto a Sensory Overdrive y Horns And Halos? “Creo que este disco es más punk y menos hard rock que los anteriores, y podría decir que también más melódico. Cada uno de los discos tiene identidad propia, así que no creo que sean comparables. Cuando grabamos Horns And Halos la gente cuestionaba si nos sentíamos presionados por el éxito de Sensory Overdrive, pero para mí no había tal presión, simplemente 114

era dar un paso adelante y hacer otro disco, sin buscar una continuidad o repetir una fórmula. Creo que este álbum es una digna evolución con respecto a estos otros, puesto que la banda también ha evolucionado. Lo único que ha cambiado en cada disco ha sido el guitarrista. Ginger de The Wildhearts estuvo en Sensory Overdrive y Dregen de Backyard Babies en Horns And Halos, y en esta ocasión ha sido el turno de Rich Jones. Supongo que esto sí ha influido en el sonido, pero ahora mismo estoy encantado con Blackout States. Creo que también va a gustar a la gente que busca sonidos más orgánicos. Para mí es muy importante que las baterías no pierdan gas. En los anteriores discos, durante la mezcla, tuvimos que utilizar en ocasiones samples y otros recursos, pero en este último no hay ni uno. Creo que cuanto menos se usen, mejor. No hemos tenido que utilizar ningún recurso técnico adicional, cosa que me agrada mucho, y a Karl (Rosqvist) también. Parece que

esta vez nuestro productor ha acertado a la hora de poner los micros bien a la batería (risas)”. Si hay algo con lo que personalmente he disfrutado ha sido con las letras, que me parecen muy trabajadas. Por decirlo de alguna manera, contáis historias de una manera más realista. Hablas mucho sobre recuerdos, tiempos pasados frente a la actualidad, como en ‘Good Old Bad Days’. ¿Te sientes nostálgico? “Primero quiero darte las gracias por tu apreciación, porque estoy totalmente de acuerdo. Creo que hay muy buenas letras y muy buenas historias, que efectivamente nuestras historias hablan de nuestras vidas y nuestros universos personales. Hay temas en los que hay muchas referencias a mi pasado. Sabes que siempre he dado mucha importancia a esta parte de las canciones, y busco que haya contenido de

Desafortunadamente, me ha sido imposible conseguir una copia de tu biografía en inglés, algo que personalmente creo que deberías plantearte, pero sí he estado buceando un poco en tu vida. Desde que eras un crío tu universo ha sido la música. Si hubieras abandonado tu carrera, ¿te has planteado a qué te hubieras dedicado? “(Risas) Es verdad, he estado metido en la música toda la vida. Creo que me dedicaría a algo artístico. Probablemente hubiera dibujado cómics, o quizá me dedicara a la pintura. Algo que me permitiera ser independiente y en lo que pudiera desarrollar mi personalidad”. calidad, decir algo con significado y sentirme cómodo cantando. Creo que en este aspecto también ha habido una evolución. Steve Conte es un gran letrista, y tiene una forma de escribir y de adaptarme las letras que es prácticamente como si lo hiciera yo. Rich, por ejemplo, escribió ‘Blackout States’, que me pareció un título perfecto para el disco. En realidad hace referencia a un amigo de Rich que es yonqui. Blackout State es un estado mental en el que se encuentra un adicto. Me encanta la letra, que habla de chupar bolsas de plástico y toda esa mierda (risas) que me recuerda a aquellos días. A pesar de que el mundo se dirige hacia algo que no me gusta, sigo creyendo en el poder de la música, y creo que las letras en la música tienen la capacidad de hacer reflexionar a la gente mucho más que cualquier discurso político. Puedes hacer música y pasarlo bien y, a la vez, hablar de las cosas que suceden a nuestro alrededor y hacer partícipe a tu audiencia”.

Si tuvieras que elegir a tu sucesor, ¿crees que habría algún candidato posible? Porque eres bastante único... “¡Joder, no lo sé! (Risas) Es difícil pensar en algo así, pero realmente creo que no hay nadie que se me parezca. Me cuesta dar una respuesta, como cuando me han preguntado quién me gustaría que me interpretara si se rodara una película sobre mi vida. No quiero una peli sobre mi vida, y menos ver a un actor interpretándome, preferiría que se hiciera un documental mostrando imágenes reales de mis días con Hanoi Rocks, o de mi vida. Hay un montón de material disponible para hacer un documental. Creo que una de las mejores películas sobre una banda es The Kids Are Alright de The Who. Me parece un rockumentary sensacional. Cuando he visto pelis sobre Buddy Holly o The Doors, siempre me han parecido muy sentimentales y muy palomiteras. Respondiendo a tu pre-

gunta, creo que es complicado, como elegir a un sucesor de Alice Cooper o de Iggy Pop, porque no hay nadie que remotamente se les parezca. Pero sí que me gustaría ver a alguien que continuara manteniendo el mismo espíritu y la misma actitud. Por ejemplo Kory Clarke de Warrior Soul, que es un tío genial, sigue teniendo una actitud y un estilo tremendos, y también es único e irrepetible. Es una buena pregunta, pero no sé qué responderte, aunque tengo la esperanza de que haya alguien que siga teniendo una actitud ante la vida y la música parecida y que pueda mantener la llama encendida, siendo auténtico y provocando una reacción entre el público rockero cada vez que suba a un escenario, ese lugar mágico donde todo puede suceder, y que hay que afrontar como si fuera un asunto de vida o muerte (risas)”. Has colaborado con un montón de bandas, cuentas con el apoyo de gente como Steven Van Zandt o Alice Cooper, Hanoi Rocks son un gran referente para muchos artistas… ¿Cómo sienta ser tan respetado por la escena rockera a nivel mundial? “Tener ese tipo de reconocimiento es genial. Es muy halagador y alentador. Y estoy muy orgulloso de no haberme vendido ni haber perdido mi integridad. Siempre la he mantenido intacta aunque en ocasiones haya sido difícil y no haya tenido una suerte tan favorable como la de otras bandas”. ¿Qué tal está Andy McCoy? ¿Le has hecho escuchar tu último disco? “Debo decirte que desde el final de la última etapa de Hanoi Rocks en 115

2009 hemos perdido el contacto. Sinceramente no lo he vuelto a ver desde entonces, excepto en una ocasión, hace cinco años tras un concierto de Alice Cooper en un festival en Helsinki. Tuvimos un breve intercambio de palabras sin demasiado interés. No somos enemigos, tampoco somos amigos, y ya no trabajamos juntos, por lo que no tenemos demasiado que contarnos”.

decir que fue un renacimiento de la banda, no un retorno, puesto que todo lo hicimos de una forma distinta, y fue divertido. Pero en el caso de Guns N’ Roses, después de cómo se derrumbó todo, y de tantas tensiones posteriores, de verdad que no lo veo. No me imagino a Slash y Axl siendo amigos después de todo lo que ha pasado a lo largo de los años”.

Perdona si te ha molestado la pregunta. “No, en absoluto. Si me haces una pregunta tengo que responderla. Puedes preguntarle a Andy también, y a ver qué te cuenta”.

Michael, ¿cómo consigues hacer el spagat en el escenario? Te confieso que lo sigo haciendo porque eres una inspiración, aunque cada vez me va costando más. “¿En serio? (Risas) No sé, un día descubrí que era mucho más flexible de lo que pensaba. Cada vez me iba estirando más y más, y lo conseguí. Cuanto más mayor me hago, más tengo que esforzarme para mantenerme en forma. Mi profesión me fuerza a hacer ejercicio y a mantenerme sano, y eso está bien, porque si no, no podría hacer lo que hago en un escenario. Hacer el spagat es una forma de comprobar que sigo en forma”.

Cambiando de tema, ¿qué opinas sobre los fuertes rumores de una reunión de la formación original de Guns N’ Roses? ¿Crees que es factible? ¿Funcionaría? “Primero dudo mucho que esa reunión termine llevándose a cabo. No creo que haya ninguna buena razón para que suceda, a no ser que entre ellos hayan hablado y vuelvan a ser amigos, algo que me parece muy improbable. ¿Qué sentido tiene una reunión entre un grupo de gente que no se aguanta y que no comparte nada en común? Tampoco creo que pretendieran hacer cosas nuevas, o componer nuevos temas juntos. Ya te digo, me parecería bien si de repente volvieran a llevarse bien y tuvieran ganas de hacer algo juntos, pero tal y como creo que están las cosas, para mí no tiene mucho sentido. En el caso del retorno de Hanoi Rocks, sí sucedió esto. Volvimos a entablar relación y a compartir cosas, a conocernos de otra manera, y nos apeteció volver a tocar juntos durante un tiempo. En realidad prefiero 116

Es increíble la energía que tienes. Seguirte por las redes sociales es divertidísimo, como una montaña rusa. Has sacado tu propia línea de gafas de sol, has sido juez de un famoso concurso televisivo en tu país, te he visto cantando con David Hasselhoff… “(Carcajadas) ¡Cantar con David fue tan divertido! ¡Es un tío genial! Ya nos conocíamos desde hace años. La verdad es que me encanta hacer muchas cosas distintas, y traspasar los límites de lo que supuestamente debo hacer, mientras encaje en ellas y no sean

muy raras. Me encanta hacer cosas inesperadas y sorprender a la gente. No soporto ser predecible. El concurso de La Voz en Finlandia no tiene nada que ver con el formato de otros países. Está claro que mi participación en el concurso ha hecho que haya bastantes canciones rockeras. Acepté participar porque, en primer lugar, no éramos jueces, sino más bien profesores y consejeros. Jamás juzgaría el trabajo de nadie. El programa estaba muy centrado en música comercial actual, pero me permitieron meter un montón de rock. En Finlandia la gente no conoce a Cheap Trick, ¿te lo puedes creer?”. Bueno, tampoco creas que son demasiado populares por aquí. “¡Pero es que en Finlandia son completamente desconocidos! No imponía canciones a nadie pero sí sugería temas de diferentes estilos que he descubierto a lo largo de mi vida. Y la reacción en muchos casos siempre era de sorpresa y agrado, y mucho interés. En uno de los equipos conocí a un concursante llamado Christian Casagrande que tenía el mismo tono que Dan McCafferty, el cantante de Nazareth, y Axl Rose. Le convencí para que cantara ‘Razamanaz’, ‘Rock N’ Roll’ de Led Zeppelin, y también hizo ‘Welcome To The Jungle’, y sus actuaciones fueron espectaculares. De hecho le invité a hacer coros en Horns And Halos (risas), en la canción ‘Child Of The Revolution’. Realmente ayudamos a estos cantantes después del concurso. Como digo siempre, ‘una vez estás en el equipo Monroe, siempre perteneces al equipo Monroe’, y si tengo oportunidad, hablamos y les doy consejos sobre sellos discográficos y cualquier duda que tengan. Me

encanta poder ayudarlos a dar pasos en sus carreras musicales. Pero mi prioridad es mi banda. Bandas como ésta no suceden cada día, y la química que tenemos Sami, Steven, Rich, Karl y yo es brutal”. ¿Cuándo venís por aquí a presentar Blackout States? Porque he visto que no hacéis fechas en noviembre. “Mira, no te puedes imaginar el cabreo que llevo por esto. Les dije a los mánagers que quería tocar en España, porque es uno de los lugares más divertidos donde tocar, pero no sé por qué motivo, no consiguieron cuadrar fechas. Espero poder visitaros cuanto antes y voy a hacer cuanto esté en mi mano para conseguirlo”. Espero que sea pronto, porque además quiero comprar el ítem de merchandising definitivo, y que he estado deseando tener toda mi vida: el abanico de Michael Monroe. “¡Claro que sí! ¡Muchas gracias! Por fin salió este verano. Llevo más de cinco años tratando de conseguirlo y por fin ha llegado. ¿Por qué no sacar un abanico cuando yo mismo los uso? En las salas siempre hace calor, y en verano también en los festivales, y pensé que debía existir un abanico de Michael Monroe. Me parece además súper útil. Bueno, pues por fin está disponible, y espero que lo podáis disfrutar muy pronto con nosotros”.

“NO ME IMAGINO A SLASH Y AXL SIENDO AMIGOS DESPUÉS DE TODO LO QUE HA PASADO A LO LARGO DE LOS AÑOS”

117

FALL OF SUMMER 4 Y 5 DE SEPTIEMBRE DE 2015

BASE RÉGIONALE DE LOISIRS DE VAIRESTORCY, TORCY (FRANCIA) TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ELIE LAHOUD PINOT / E.L.P-PHOTO (PHOTOGRAPHY) ELP-PHOTO.FR

NILE

120

MAYHEM

on un cartel delicioso pero quizá no tan irresistible como el de su primera edición, el Fall Of Summer cerró la temporada de festivales congregando a más público que el año pasado, pero sin llegar, ni de lejos, a las aglomeraciones o el agobio en ningún momento. Entre familia seguimos disfrutando de lo más granado del heavy clásico, el thrash y el metal extremo más underground en un evento que este curso solventó el problema del transporte público, pero que en cambio falló al no ofrecer suficientes lavabos y con una carpa de comida que, ante el aumento de afluencia, se quedó pequeña. De todas formas, fueron dos jornadas brillantes. Con puntualidad máxima, a las doce y media de la mañana los locales Barabbas dieron el pistoletazo de salida al Fall Of Summer inaugurando el escenario Blackwaters, el que se encuentra situado en la playa de un idílico lago. Un death’n’roll con doom sin pizca de gracia. Momento para descorchar el Sanctuary con Putrid Offal, otra banda francesa pero, esta vez sí, con un im-

ABBATH

portante currículum detrás. Su death grind gorrinote nos puso a tono, pero se mantuvieron demasiado estáticos sobre las tablas. A continuación los veteranos Accuser nos dispararon una buena andanada de thrash germano, aunque la primera formación que generaría auténtica expectación fueron sus compatriotas Endstille. Con la baja significativa del guitarrista B. Killed, al principio del show presentaron un sonido insufrible que luego fue ajustándose a su black. Fue mi segunda vez con ellos este verano y ya tengo claro que no saben llevar sus apabullantes discos al directo. Como a estas alturas Gama Bomb ya no nos interesan lo más mínimo, fuimos a reponer fuerzas porque luego la maratón iba a dejarnos sin aliento. A media tarde Grave hicieron acto de presencia y, por supuesto, rodaron cabezas. Siguen fieles al pútrido death sueco que les vio nacer y se despidieron, cómo no, entre calurosos aplausos e ‘Into The Grave’. Grandes. De vuelta al Blackwaters vivimos, de largo, el mejor concierto de la jornada del vier-

nes, el de Deströyer 666. La calidad de un show de los australianos suele depender de sus propias ganas de tocar, pero amigos y amigas, ese día los señores del caos saltaron a las tablas con la firme determinación de arrasar con todo, y vaya si lo lograron. No dieron tregua y nos abrieron en canal durante una descarga para el recuerdo. Claro, tras la masacre vivida un reposado bolo de Angel Witch podía parecer un juego de niños, pero igualmente estos sibaritas de la NWOBHM más subterránea supieron mantener el pulso y captar nuestra atención con ‘Gorgon’, ‘Confused’, ‘Devil’s Tower’ o ‘Sorcerers’. Lo mismo que Candlemass, que a estas alturas nunca deberían ser puestos en duda. La ‘Marcha Fúnebre’ de Chopin dio entrada a ‘Mirror Mirror’ y ‘Bewitched’ en otra pétrea lección de doom épico. Con Mats Levén a las voces es imposible dar un mal show. Con ‘Solitude’ aún en nuestras cabezas acudimos raudos al Sanctuary, donde Asphyx ofrecieron el mejor concierto que les recuerdo. ¿Por qué? Pues para empezar, porque no iban borrachos 119

CORONER

como una cuba, y esto se notó sobre todo en Martin van Drunen. Funcionaron con la precisión de un reloj suizo, y si a eso le sumas ‘Scorbutics’, ‘The Rack’ o ‘Last One On Earth’, el resultado es devastador. Un no parar. Destruction se encuentran en un gran momento de forma y en Torcy lo volvieron a demostrar. ‘Mad Butcher’, ‘Bestial Invasion’, ‘Total Desaster’… Una bacanal como antesala de uno de los momentos más esperados del festival: Mayhem. La legendaria banda noruega cedió todo el protagonismo al histriónico cantante Attila Csihar, que ahora que Heath Ledger no se encuentra entre nosotros, se antoja como lo más parecido al Joker que podamos encontrar en la vida real. En una descarga tan anárquica como su propia historia, uno no pudo evitar emocionarse con un inicio formado por la intro ‘Silvester Anfang’ y ‘Deathcrush’, cerrada además con ‘Freezing Moon’ y ‘De Mysteriis Dom Sathanas’. Muy curiosos. No es fácil pillar a Sabbat en directo,

120

TRIPTYKON

así que fueron el colofón perfecto para el primer día. Con esa mezcla de black thrash y heavy metal del pleistoceno los nipones ofrecieron un show de ésos que, de tan divertido, no querrías que terminara nunca. Salir a escena como Gezol, con un palabra de honor por debajo de los pezones y un tanga de cuero y tachuelas, es digno de un auténtico superhéroe. Un despiporre. A una hora mediterráneamente indecente empezó la segunda tanda del Fall Of Summer. Nos perdimos a Skelethal o Temple Of Baal, pero nos presentamos a la una menos cuarto para apoyar a nuestros Haemorrhage. Al público galo se le vio entregado a su goregrind, y no fue para menos. Los de Coslada respondieron como siempre, con caña a raudales y un frontman como Lugubrious dándolo todo. Muy finos. Si ya cuesta pillar a Sabbat en la carretera, ya no digamos a su alter ego Metalucifer. Bien secundados por miembros de Asphyx, Metal Inquisitor o Desaster, su orgía de tópicos exigió lo

máximo a muchas gargantas con himnos como ‘Heavy Metal Chainsaw’ o ‘Heavy Metal Hunter’. Desternillantes. Supuration no estuvieron mal con su death doom, pero nosotros ya sólo pensábamos en Suffocation. De acuerdo que se echó en falta el carisma del vocalista Frank Mullen, que ha tenido que ausentarse de este tour, pero lo cierto es que el batería de Disgorge, Ricky Myers, dio el callo con un gutural de espanto. Por lo demás, sin novedad en el frente en otra implacable demostración de poder neoyorquino. Con Satan y su heavy metal de toda la vida tomamos un poco de aire, porque justo después llegaba otro holocausto bajo el nombre de Nile. Un doble bombo a un volumen desmesurado dio a todo el show una sensación de monotonía nada agradable, evidenciando que ése no iba a ser su día. Igualmente, contar con temas como ‘Black Seeds Of Vengeance’ le arregla el concierto a cualquiera. Turno para Razor, que ya nos esperaban en el escenario Sanctu-

HAEMORRHAGE

ary. Con los canadienses, una de mis bandas thrash favoritas de siempre, no pude evitar sentir otra pequeña decepción como cuando vi a Assassin o Exumer. Al fin y al cabo, son combos que firmaron grandes obras hace dos o tres décadas, pero que luego, por las razones que sean, se han mantenido fuera del circuito profesional de formaciones y giras. Se las suele notar poco rodadas y agresivas, con escasos trucos escénicos, y por mucho que disfrutes gritando ‘Evil Invaders’ o ‘Take This Torch’, es lo que hay. La fina lluvia que empezó a caer durante su bolo tampoco ayudó. Un cambio de última hora avanzó la descarga de Coroner al momento previsto para Triptykon. Nunca he entendido tanto culto hacia su thrash técnico, pero tengo que reconocer que los suizos plasmaron un bolazo en el Blackwaters. Con una distorsión salvaje y un rugiente Ron Royce, los helvéticos hicieron valer su condición de cabezas de cartel a través de ‘Masked

Jackal’, ‘Reborn Through Hate’ o ‘Die By My Hand’. Show inapelable, como también lo fue el vendaval de odio, rabia y escarcha con el que la institución Tsjuder nos sometió de vuelta al Sanctuary. Con el punto de punk necesario y el crudo y perfecto sonido del black metal primigenio, los noruegos firmaron una de las mejores descargas del día, evidenciando que actualmente son la misma esencia del género. Portentosos. ¿Qué podía mejorar lo ofrecido por Tsjuder? Pues únicamente Triptykon. Portadores de la noche, abrieron directamente con ‘Procreation (Of The Wicked)’, iniciando así un abrumador ejercicio de absoluta elegancia. El porte de la bajista Vanja Šlajh y el guitarra V. Santura es de admirar, pero la sola presencia del mítico Tom G. Warrior ya es de por sí hipnótica. Juegos de luces lóbregos, perfectos, abrazaron la negrura de ‘Goetia’, ‘Circle Of The Tyrants’ o ‘Altar Of Deceit’ en un show denso, sin fisuras, cuyo sonido era casi físico, sólido. Un ruido

profundo, grumoso y nítido a la vez, que sólo podía proceder de un genio. Magistrales. Entre la incomprensión de muchos y la devoción de otros, Ihsahn desplegó a continuación su progresivo extremo, teniendo el acierto de ofrecer más blast beats que de costumbre… Aunque no nos engañemos: casi todo el mundo estaba ya con la cabeza puesta en la guinda del pastel, y ésa no era otra que Abbath en solitario. Con ‘The Orgy’ de la banda sonora de Conan El Bárbaro dio inicio el show, más de 4 minutos que se hicieron pesados, y luego apareció el combo tocando ‘Warriors’ de I… ¡Con Abbath leyendo las letras de unas grandes cartulinas muy poco disimuladas en el chivato! Él y el pipa iban de culo para darles la vuelta, con toda la desfachatez, y el mismo proceso se repitió en ‘Battalions’, la nueva ‘Fenrir Hunts’, ‘The Storm I Ride’… ¿Y qué pasa con Immortal? ‘One By One’ desató la locura por fin y Abbath se dejó de leches. Curioso que entre pasos del cangrejo y fuego escupido tocaran dos más de Sons Of Northern Darkness, la celebrada ‘Tyrants’ e ‘In My Kingdom Cold’, más una ‘reciente’ como ‘All Shall Fall’. A un volumen descomunal, con un sonidazo totalmente Tägtgren, sólo ‘Nebular Ravens Winter’ y la última ‘Withstand The Fall Of Time’ pusieron el destello de clasicismo en un concierto con demasiados parones y baños de masas injustificados a modo de autofelación. Lo pasamos bien, pero encima el noruego tuvo el morro de acabar 12 minutos antes de lo estipulado. Lo más parecido a Manowar que pueda existir en el metal extremo, pero igualmente… Celebrar por fin la defunción del verano, con una birra, sintiendo frío ya en septiembre, atronando temas de Immortal… ¿Acaso no es eso la felicidad?

121

JIM ADKINS 16 DE SEPTIEMBRE DE 2015 POBLE ESPANYOL, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

136

menudo se emplea demasiado a la ligera la expresión ‘marco incomparable’ para describir el emplazamiento de un concierto. Y no sabría decir si era incomparable, pero desde luego sí inusual, el lugar a donde se nos había convocado para el de Jim Adkins en Barcelona. Una replica de un monasterio románico situada en el espacio turístico del Poble Espanyol serviría para que el líder de Jimmy Eat World se presentara en esta nueva andadura en solitario. Allí sentados en unos incomodísimos bancos de madera (y luego se preguntan por qué la gente no va a misa), un centenar de fans de la banda de Arizona esperábamos expectantes qué íbamos a sacar de todo aquello. Pero antes, Xavi Calvet de Bullitt amenizó la espera con algunas composiciones propias y otras de la banda con su habitual sensibilidad y simpatía. Quedó en el tintero una versión de The Promise

XAVI CALVET Ring que había anunciado por falta de tiempo tras terminar una emotiva ‘I Don’t Care’, dedicada a Ferran, el bajista de la formación que nos dejó hace unos meses, y la magnífica ‘Lucky’. Aperitivo perfecto. Sin apenas tiempo de salir a fumar un cigarrillo, Jim Adkins, con tejanos y camisa negra, se plantaba ante nosotros y empezaba con una sentida ‘Love Don’t Wait’ en la que ya dejó clara su impecable calidad vocal. Al igual que Xavi antes, Adkins actuó totalmente a pelo, sin ningún tipo de microfonía aprovechando la gran acústica de la iglesia, dándole un aire totalmente íntimo y cercano al recital. El repertorio fue una mezcla entre los temas que ha lanzado últimamente como ‘Hell’, ‘I Will Go’, ‘Give Me A Sweetheart’, bastante normalillas, todo hay que decirlo; una variada selección de versiones como ‘Girls Just Wanna Have Fun’ de Cindy Lauper, la preciosa ‘The Book Of Love’ de The Magnetic Fields, ‘Inside Of Love’

de Nada Surf o la country ‘Make The World Go Away’ de Eddy Arnold, y por supuesto un montón de temas de Jimmy Eat World como ‘Just Watch The Fireworks’, ‘Always Be’, ‘Lucky Denver Mint’, ‘Polaris’, ‘You Were Good’ o ‘Kill’. A pesar de lo soso que suele ser, es innegable que supo dotar un tema como ‘Chase This Light’ de una gran tensión y que el tipo se vació durante hora y media. De igual manera, hay que decir que el concierto pasó por algún bache, pues Jim canta muy bien, pero le falta variedad de registros, y además le faltó estructurar mejor el extenso setlist para que tuviera más fluidez. Aun así, la parte final con ‘Big Casino’, ‘Authority Song’ y la genial ‘Work’, con el público dando las réplicas en el estribillo en perfecta armonía con su voz, fue realmente memorable. Después de agradecer repetidamente la afectuosa respuesta, prometió que no pasarán otros diez años para poder verle junto a la banda. Le tomamos la palabra. 123

HEVY FEST 13, 14, 15 DE AGOSTO DE 2015 PORT LYMPE, KENT (INGLATERRA) TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: RUBÉN NAVARRO

THE DILLINGER ESCAPE PLAN 120

A WILHELM SCREAM

ué mejor oportunidad que disfrutar de shows exclusivos como los de Thrice, Fighstar, o The Get Up Kids ante sólo unas 4.000 personas y rodeado de uno de los parques naturales de fauna salvaje más grandes de Inglaterra? Para que os hagáis una idea, un festival de tres días donde no hay duchas para el público, pero sí el mejor ambiente imaginable, con buen sonido y mejor actitud. A mitad de agosto y con el fantasma de monstruos como Hellfest, Resu o Graspop Metal Meeting ya superados, era una oportunidad para no perderse. El jueves arrancaba con una serie de conciertos acústicos donde músicos ilustres como Dave McPherson de InMe servían de calentamiento para las dos siguientes noches de desenfreno, pero sería el viernes y con Hacktivist cuando dimos inicio a nuestro marcador especial. Increíble ver cómo una banda sin ningún álbum en el mercado puede generar tanta expectación y contar con una base de seguidores en tiempo récord, pero viendo cómo se desempeñan en temas como ‘Elevate’

TOUCHÉ AMORÉ

nos podemos dar una idea, con un set incendiario de media hora. Teenage Bottlerocket pusieron la nota punk rock clásico del festival con una gran afluencia para escuchar himnos hilarantes como ‘They Call Me Steve’, donde tanto Kody y Ray (ambos guitarristas y vocalistas) lograron sacar petróleo de la situación (en un festival enfocado hacia otras tendencias). Touché Amoré, o cómo desgranar 17 canciones en 40 minutos de intensidad sonora en una de sus mejores actuaciones europeas de este año, llenando el escenario principal con la sola presencia de su vocalista Jeremy Bolm desde la primera ‘Amends ‘ hasta la final ‘Condolences ‘. Le tocaba el turno a A Wilhelm Scream, donde literalmente no cabía ni un alma más para disfrutar de canciones como ‘I Wipe My Ass With Showbizz’ o la final ‘The Kind Is Dead‘ con un sonido correcto y el derroche de actitud que les caracteriza. Protest The Hero son otros que le agregaron un extra de cachondeo a su set, con bromas constantes de un Rody

Walker enchufado en la voz. Nos faltó ese tan ansiado ‘Mist’ pero se perdona por lo sublime de la interpretación de su guitarra Tim MacMillar en temas como ‘Sex Tapes’. Otra historia fue lo de Ignite, y es que ya nos parecía raro ver a su vocalista Zoli Teglas empezar tan mal un directo en la racha final de la gira europea. Razonable luego que nos explicase que tenía una infección de garganta y no podía apenas cantar, cosa que poco importó en clásicos como ‘Veteran” o ‘Let It Burn’ tras una docena de disculpas y promesas de volver con un repertorio más largo en la próxima gira. La tarde iba cayendo, al igual que el público rendido a unos pletóricos The Dillinger Escape Plan que ya la liaron parda al empezar con ‘Prancer’, locura que les siguió hasta en la balada ‘One Of Us Is The Killer’ con un Pusciato montado en uno de los amplificadores. Difícil lo tenían Fightstar (sí, la banda del exBusted) para superar aquello, pero a juzgar por la emoción que llevaban encima las personas que abarrotaban el segundo escenario cuando llegamos 125

COHEED AND CAMBRIA

allí, algo bien tendrían que estar haciendo Charlie Simpson y los suyos. Reunión, nuevo disco, y hasta tuvimos la suerte de escuchar una nueva canción en exclusiva entre tanto hit como ‘We Apologise For Nothing’ o ‘The English Way’. La noche ya sólo guardaba un hueco para los cabezas de cartel indiscutibles del primer día. Aún se me erizan los pelos al recordar el logo de la banda y el increíble juego de luces que llevaron Coheed And Cambria esa noche. A los tres segundos de los primeros acordes del In Keeping Secrets Of Silent Earth: 3 ya estábamos todos rendidos a los encantos de Claudio Sanchez y los suyos, una tónica que mantuvieron a lo largo de su show de hora y 20 minutos en el que fue sin duda la mejor actuación de todo el festival. No había tiempo para palabras, sólo hechos, y la banda cerró de manera majestuosa la celebración del 12 aniversario de su disco más celebrado hasta la fecha. Los más valientes siguieron la parranda con TERROR 126

THRICE

una sesión DJ a cargo de Funeral For A Friend en la carpa más grande de los tres escenarios del evento. Despertar en Kent sobre las diez de la mañana del sábado no será lo mismo sin escuchar de fondo a Thrice en su prueba de sonido interpretando ‘Silouhette’, pero vayamos por partes. Ohhms nos recibían con un ambiente cargado de humo y doom con stoner rock de sonido saturado con temas como ‘Punishment’ o ‘The Anchor’, lo suficiente para dejarnos impresionados y con ganas de más. A Milk Teeth el escenario principal se les hizo algo grande, más aún a juzgar por su guitarrista Josh con comentarios poco favorables hacia los técnicos de sonido. Claramente influenciados por el sonido grunge/noise de los 90, dejaron caer perlas como ‘Melon Blade’ o ‘Vitamins’. Fathoms dieron la nota en el escenario más pequeño del festival, en una actuación repleta de sing-alongs y puñetazos al aire, donde el público respondió gustosamente a singles como

‘XIV’ o ‘The Greater Good’. Las cosas bajaban de decibelios e intensidad con Fort Hope, aunque no de calidad. Jon Gaskin es un gran vocalista con un increíble registro agudo, y los exMy Passion demostraron que están preparados para dar el siguiente salto. Cautivadores en canciones como ‘The Rapture’ para conectar a la perfección con el público. Broken Teeth cumplieron con nuestras expectativas: mucho volumen, cuatro riffs y despliegue de testosterona. No se olvidaron de ‘Soul Destroyer’ ni de ‘The Seeker’, lo cual se lo agradecieron a los de Manchester con media hora de batalla blitzkrieg. Pero no todo sería hardcore el sábado, ya que As It Is traerían su pop punk á lá Simple Plan, haciendo que todo funcionase como la seda en singles como ‘Dial Tones’ o ‘Can’t Save Myself’, y hay que decirlo: música de fácil digestión pero hecha con pasión, por lo cual los norteamericanos salieron por la puerta grande.

MONUMENTS

Cambiamos con un giro radical de 180 grados con Hang The Bastard, a quienes no les importó sonar algo saturados ni poner sus Orange a tope de gain para soltarnos en la cara bestialidades como ‘Sex In The Seventh Circle’ o temas más antiguos como ‘The Year Is One’. Esperábamos mucho de ellos y supieron estar a la altura, aunque siempre nos preguntaremos si quizás el segundo escenario les hubiese sentado mejor. Arcane Roots lo tenían todo preparado, y sonaron de escándalo hasta la tercera canción con un despliegue energético y emocional del trío londinense, pero en ‘Million Dollar Question’ se les fue el sonido durante varios minutos, acortando considerablemente su set. Pequeño desliz de la organización, pero el único que sufriríamos a lo largo de los tres días de festival. Lo de Black Tusk no fue de este mundo. La banda de Relapse Records hizo crujir los cimientos del evento y tocaron todos sus temas como si en ello les fuese la

vida. El sonido y público respondieron, y ‘Red Eyes, Black Skies’ o ‘Truth Untold’ sonaron a gloria bendita. Lo mismo se puede decir de The Fall Of Troy con el show especial del Doppelganger entre manos. Desde ‘I Just Got This Symphony Goin’ hasta ‘Macaulay McCulkin’, el disco de 2005 demostró sobrevivir al test del tiempo, y la banda lo defendió de la mejor manera dando un show a la altura de lo esperado. Mención especial para Thoms Erak por follarse de tal manera su guitarra. Horse The Band terminaron por rematarnos en una actuación memorable donde las sandeces mainstream quedaron relegadas en favor de puro cachondeo y un caos controlado. El show se lo robaron tanto The General a las voces como un xEd Edgex en el tríangulo (sí, el triángulo) y enfundado en ropa deportiva de color rosa. Imposible no fliparlo en colores con su nintendocore en temazos como ‘Murder’ o ‘A Million Exploding Suns’, donde se dejó claro cómo poner en

escena un show épico. Después de aquello el bajón de tralla sonora supo a poco con The Get Up Kids, y eso que la banda venía desgranando el Something To Write Home About al completo. Algo frío su inicio con ‘Holiday’, aunque a la altura de ‘Ten Minutes’ ya consiguieron meternos en su melódica atmósfera, pero no podría decirse que fue su mejor show. Ya en nuestro marcador personal sólo quedaba la actuación de Thrice, los reyes caídos que anunciaban este año su regreso, y con nuevo álbum. Se trataba de su único show en Europa este verano, por lo cual eran sin dudarlo uno de los grandes alicientes para que fans de todas partes del continente se desplazasen hasta Port Lympne a disfrutan de Dustin y los suyos. No defraudaron y estuvieron rozando lo inmaculado en el sonido (a la par de Coheed & Cambria la noche anterior). Desde ‘Of Dust & Nations’ hasta el bis con ‘Anthology’, pasando por las favoritas de todos como ‘Deadbolt’ o ‘Stare At The Sun’, donde les perdonamos que llevasen un merch tan lamentable. Una actuación impecable (aunque a fans tan apasionados como los suyos siempre les faltarán canciones) no hizo más que agrandar el mito. 17 canciones en casi hora y media de show, con un Teppei Teranishi impecable a las seis cuerdas. Quedó demostrado que tenemos Thrice para rato. Ya sólo nos queda esperar que vuelvan en un periplo europeo que los deje caer por España. Cerveza caliente, música excelente y grandes puestas en escena de bandas mainstream en un ambiente más cercano al underground daban fin en los primeros minutos del domingo. Sin duda una gran experiencia, y aún retumba en la lejanía eso de “They leave me broken and, in need of a cure”.

127

DE GIRA

NORTHLANE

12 DE OCTUBRE (SALA CARACOL, MADRID)

a escena metalcore australiana está en plena expansión internacional desde que hace unos años Parkway Drive la colocara en el mapa. Bandas como The Amity Affliction, In Hearts Wake o Thy Art Is Murder han entrado en el circuito mundial y es habitual verlas abriendo para grupos más conocidos o encabezando sus propias giras. Es el caso de Northlane, quienes este mes llegarán a España para ofrecer dos conciertos junto a Hellions, Volumes y The Acacia Strain en Madrid y Barcelona. Formados en 2009, y tras haber publicado dos álbumes, Discoveries (2011) y Singularity (2013), Northlane editaban en julio su tercer trabajo Node, en el que debuta su nuevo vocalista Marcus Bridge. Justo con él hablamos sobre cómo se siente en esta posición y de la dirección musical que han tomado. ¿Cómo conseguiste entrar como cantante del grupo? ¿Les conocías de antes? MARCUS BRIDGE “Les conocía pero no éramos amigos ni nada pare128

13 DE OCTUBRE (RAZZMATAZZ 2, BARCELONA)

cido. Una vez coincidimos con mi anterior banda con ellos un par de días, pero luego no mantuvimos el contacto. Cuando me enteré que buscaban a alguien, les mandé unas pruebas y parece que les gustó porque me invitaron a ensayar con ellos. La cosa fue muy bien y me ofrecieron el puesto (risas)”. ¿Cómo reaccionaste? “Me alegré un montón. Estaba un poco nervioso antes de hacer la prueba, así que no tenía muchas esperanzas, pero como te decía, nos entendimos muy bien”. ¿Cuántos años tienes? “Acabo de cumplir 23 hace dos días”. ¡Felicidades! Te lo pregunto porque estás en una edad en la que tienes que empezar a escoger tu camino a nivel profesional. ¿Ves el grupo como algo que quieres hacer a ese nivel o más bien como una aventura temporal? “Quiero hacer esto tanto tiempo como

pueda. La música es una parte fundamental de mi vida y, la verdad, no sabría qué hacer si no hiciera esto (risas)”. ¿Pudiste participar en la creación de Node desde el principio o la banda ya lo tenía todo preparado de antes? “Ellos ya tenían algunas partes escritas antes de que yo entrara, pero la mayoría lo hicimos todos juntos. Josh escribió muchas letras y yo me centré en las melodías. La verdad es que me gustó esa manera de trabajar. También era una manera de no tener toda la presión en una sola persona. Todo salió bastante bien. Quizá al principio de la grabación estábamos un poco nerviosos o tensos, pero a medida que se iban grabando las partes todos nos relajamos. Acabé grabando una canción por día, así que todo fue bastante fluido”. En Node habéis experimentado un poco más con el sonido. “Sí, creo que los chicos querían evolucionar, independientemente de que yo hubiera sido el cantante o no. Por lo

AGENDA OCTUBRE que me dejaron escuchar, ya iban en esa dirección. Creo que hemos incorporado más influencias del rock alternativo de los 90 como Incubus o Linkin Park. Son grupos que nos han marcado a todos”. En una entrevista que hicimos recientemente, el guitarra de August Burns Red os destacaba como una de las pocas bandas de metalcore que le gustaban. “Mola mucho escuchar eso. Giramos con ellos a principios de año y fue un honor porque es una de las bandas que crecimos escuchando. Son unos tíos fantásticos. Pero tiene razón en que hay demasiadas bandas que suenan igual y sin ningún mensaje. Creo que si tienes la oportunidad de que tu música sea escuchada, deberías tener algo importante que decir. August Burns Red, sean cristianos o no, ofrecen un mensaje positivo”. La escena australiana está consiguiendo mucha notoriedad. ¿Hay más grupos que nunca o es simplemente que ahora se les hace más caso en el resto del mundo? “Aquí hay muchos grupos buenos, pero muchos se contentan con girar por Australia. Quizá haya unos diez que sí se han decidido a lanzarse fuera. Realmente creo que todo se debe a Parkway Drive. Gracias a ellos se han abierto muchas puertas para que bandas más pequeñas tengamos la oportunidad de girar en otros países. Y aun así, no es nada fácil. Pero mola por ejemplo ir a tocar al Download Festival y coincidir con In Hearts Wake tan lejos de casa”. ¿Existe un sentimiento de camaradería entre las bandas australianas? “Sí. Somos amigos de In Hearts Wake y Thy Art Is Murder, así que nos ayudamos en todo lo que necesitamos”. Tienes que ser bastante increíble viajar a otro continente y ver que hay gente esperando para verte y cantando tus canciones… “Sí, es increíble. Nunca había pensado que podría viajar por todo el mundo. En menos de un año ya he estado dos veces en Europa. Me siento muy agradecido por todas las oportunidades que Northlane me está proporcionado. Y espero que vengan más y mejores. Por ahora estoy encantado de poder volver a España (risas)”. (DAVID GARCELL)

AGNOSTIC FRONT 15 MADRID, 16 BADALONA, 17 VITORIA AMULET 7 BARCELONA ANNIHILATOR 8 BILBAO, 10 MADRID, 11 BARCELONA BEN POOLE 8 BILBAO, 9 ALCALÁ DE HENARES, 10 BARCELONA, 11 ORIHUELA, 13 CASTELLÓN, 14 CÓRDOBA, 15 MADRID, 16 SANTIAGO CAPSIZE 20 BARCELONA, 22 MÁLAGA, 24 MADRID, 25 VALENCIA CULT OF YOUTH 9 MADRID, 12 OVIEDO, 13 BERMEO, 14 BARCELONA DOKKEN 30 MADRID, 31 BARCELONA ENFORCER + WOLF 1 ZARAGOZA, 2 MADRID, 5 ERANDIO JOE SATRIANI 1 MADRID, 2 BARCELONA JUNKYARD 9 MADRID, 10 CALELLA, 11 PAMPLONA, 12 ZARAGOZA, 13 MURCIA, 14 VALENCIA, 16 BILBAO, 17 GIJÓN LEPROUS 9 MADRID, 10 MURCIA, 11 OCTUBRE ORPHANED LAND 2 SEVILLA, 2 GRANADA, 4 BARCELONA PEACH KELLI POP 5 BARCELONA, 6 MADRID, 9 OVIEDO, 10 SAN SEBASTIÁN PRIMA DONNA 14 BILBAO, 15 MADRID, 16 BAEZA, 17 ESTEPONA, 18 GRANADA, 20 CASTELLÓN RISE AGAINST + REFUSED + BERRI TXARRAK 4 BILBAO, 6 MADRID, 5 BARCELONA (SÓLO REFUSED) SOAK 20 BARCELONA, 21 MADRID THE SONICS 8 GIJÓN, 10 MADRID, 11 BENIDORM, 14 BARCELONA, 15 ZARAGOZA TAAKE 5 BARCELONA, 6 MADRID THUNDERMOTHER 2 SAN SEBASTIÁN, 3 VITORIA, 4 SANTANDER, 6 CÁCERES, 7 ESTEPONA, 8 ORIHUELA, 9 ZARAGOZA, 10 POZAL DE GALLINAS, 11 MADRID TWO GALLANTS 15 BARCELONA, 16 VALENCIA, 17 MADRID U2 5, 6, 9, 10 BARCELONA UNCLE ACID & THE DEADBEATS 16 MADRID, 17 BARCELONA