RockZone 120 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Slayer (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL A menudo se nos olvida que tocar en un grupo es un oficio de riesgo, y no lo decimos por el trágico atentado en París. Estar constantemente en la carretera, muchas veces haciendo largas rutas nocturnas, en todo tipo de condiciones metereológicas y con el cansancio acumulado tras muchos días de actuaciones seguidas, puede tener consecuencias fatales. Baroness, los protagonistas de nuestra portada de este mes, bien lo saben, aunque afortunadamente han superado las secuelas del terrible accidente que sufrieron hace tres años y regresan con un auténtico discazo. Y de hecho, pocos días antes de cerrar este número, The Ghost Inside también sufrían un gravísimo accidente en el que fallecía el conductor de su autobús. Así que, si tienes una banda, no te olvides de que, por muy loco que te vuelvas en un escenario, en la carretera hay que tener cabeza. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 120

7 / INTERFERENCIAS

32 / COHEED AND CAMBRIA

46 / BARONESS

54 / ESCUELA DE ODIO

66 / CRร TICAS

90 / GRAVEYARD

106 / MAYDAY PARADE

114 / MINOR EMPIRES

36 / ‘77

42 / 5 SECONDS OF SUMMER

58 / IGNITE

64 / DISCO DEL MES

96 / THIRTEEN BLED PROMISES

102 / TALCO

120 / EN DIRECTO

138 / DE GIRA

SUMARIO

Nº 120

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_SHOCK TRAS LOS ATENTADOS DE PARÍS EL MUNDO DE LA MÚSICA VIVIÓ UNA DE SUS PEORES NOCHES EL PASADO 13 DE NOVIEMBRE CON EL ASESINATO DE 89 PERSONAS A MANOS DE TERRORISTAS YIHADISTAS DURANTE UN CONCIERTO DE EAGLES OF DEATH METAL EN LA SALA BATACLAN DE PARÍS. VARIOS GRUPOS HAN CANCELADO SUS GIRAS EUROPEAS.

rupos como Motörhead, Deftones y U2, que tenían que actuar en la capital francesa ese mismo fin de semana, cancelaron sus conciertos tanto por respeto a las víctimas como por la petición de las autoridades por motivos de seguridad. Las complicaciones logísticas que conlleva mover una gira de grandes dimensiones, así como el miedo, infundado o no, pero respetable por parte de los artistas, ha llevado a la anulación de varias fechas ya programadas. Dos días después, Deftones, con algunos de sus miembros presentes en la sala Bataclan momentos antes del ataque, cancelaron también cuatro conciertos en Alemania y el Reino Unido. De igual manera, Foo Fighters cancelaban las cuatro fechas que les quedaban pendientes, dos de ellas en Francia, así como las de Turín y Barcelona. Five Finger Death Punch cancelaban su concierto junto a Papa Roach en

Milán el 22 de noviembre ante los rumores de que era un objetivo terrorista. Lamb Of God, que habían terminado su gira por suelo británico, decidieron una vez en Holanda, y ante una supuesta amenaza no concretada, anular el resto del tour. “Puedo vivir con la gente estando disconforme conmigo o mis acciones, no es problema”, escribió el vocalista Randy Blythe en un comunicado. “Pero no puedo hacerlo con un titular que diga ‘Cientos mueren en un concierto de Lamb Of God; las autoridades dicen que los avisos de alarma fueron ignorados por la banda’… Mejor estar a salvo que en la CNN”. Cada uno podrá sacar sus conclusiones, pero escuchando el durísimo testimonio de Jesse Hugues, vocalista de Eagles Of Death Metal, en el portal Vice, es comprensible que muchos de sus colegas de profesión antepongan su seguridad por encima de todo.

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LO PEOR DE MÍ_ QUEREMOS ENTRAR

i todo va bien, a mediados de este mes entrará en vigor la oficialmente conocida como Ley de Acompañamiento en la Comunidad de Madrid. Con ella se remediará una situación totalmente absurda que impedía a los menores de 18 años entrar a las salas de conciertos, y que, por desgracia, todavía sigue vigente en otras comunidades autónomas. Total reconocimiento merece la plataforma Queremos Entrar que ha presionado desde las redes sociales y medios de comunicación para cambiar la normativa. Como podéis imaginar nunca he votado al PP, y mientras mantenga mis facultades mentales intactas no pienso hacerlo. Por eso me jode tener que hablar positivamente sobre una ley promovida por Cristina Cifuentes, presidenta de la Comunidad por el Partido Popular. Pero mal iríamos si no fuésemos capaces de reconocer los aciertos de quienes diferimos políticamente, ni que pensemos que la inminente campaña electoral tiene mucho que ver con esta iniciativa. A ver si se ven apurados y de paso bajan también el 21% de IVA cultural, que ya toca. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@gasdrummers @RockZone En días así, ante la cantidad de zoquetes, listillos y salvajes que aparecen en las redes sociales, lo mejor es apagar el móvil y el ordenata. @joan_calderon Sigo a @RockZone desde el principio por cosas como correr el riesgo de hacer Disco del Mes a This Gift Is A Curse. Brutales cc @PauNavarraRZ @CarlosMcCaslin Brutales @Zebrahead como siempre. @Goomorillo Totalmente de acuerdo con Jordi Meya. No se debe criticar a Refused con el discazo que han hecho sólo por volver a hacer lo que más les gusta. @PotyD Avenged es la única banda de metal que aprecio y sé que pueden sacar un buen disco si se dejan de mariconadas. @oscarol El Resu subiendo al playlist de Spotify hace dos horas While She Sleeps. Tal y como anunciaba @RockZone, son la primera banda confirmada. @AdelosMcFlurry ¿La revista se puede comprar en algún sitio o sólo es online? 8

Foto con Joakim Brodén, vocalista de Sabaton, durante su firma en el Rock Fest Barcelona. Intenté intercambiarle las gafas de sol, pero no hubo manera... ¡Qué gran hombre! (NAIARA MARTÍNEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¡Hola tucán! Escribo esta columna rememorando que ayer estuve en el Never Say Die! de Barcelona. Me choca bastante comparar los aforos en los que se mueve el festival en países que están relativamente cerca o a un par de horas en avión, pero fue una noche muy bonita y mágica, enfocada a gente joven, chavalines de una media de 16 años. Por primera vez, Hope For The Day, una ONG que apoya a la gente con tendencia suicida, hizo su aparición en el stage y no sólo como un logo debajo del cartel. Tras un discurso largo y tendido sobre los problemas de la juventud y la importancia de tener esperanza, se lanzaron al escenario Being As An Ocean. Prácticamente toda la sala estaba llorando con esa atmósfera de emoción mientras coreaban los himnos de los estadounidenses. Muchos de esos chicos tienen problemas como los que comentó la ONG, y fue muy bonito ver la importancia que tienen los artistas y la música para estos jóvenes, cómo viven y sienten sus letras, saber que volvieron a casa reconfortados y felices. Como decía un grupo que no quiero nombrar... “Sólo la música salva nuestras vidas”. (MARIUS TIBERIAN)

ROGER HARVEY

DEMO-LEDORES_POR PAU NAVARRA CANNIBAL GRANDPA

THE FOXHOLES

LAS PERRAS DEL DESIERTO

FEED YOUR FOOD

RADIO CINCINNATI

LAS PERRAS DEL DESIERTO

(AUTOEDITADO)

Los vecinos más simpáticos de Hummano en Tres Cantos siempre han sido Cannibal Grandpa, pero enchufándote este Feed Your Food nadie diría que algo bondadoso pueda salir de estos chicos. Deudores del deathcore más bestiajo de Aversions Crown, Thy Art Is Murder y sobre todo los primeros Whitechapel y Suicide Silence, estos madrileños dejan muy claro ya con la inicial ‘Albert Fish’, con la colaboración de Alfon de Fear My Intentions, que los down tempos les ponen muy burrotes, pero ojo, que la elaborada ‘Dear Diary’ o la machacante ‘Gray Man’, bastante Thirteen Bled Promises en ciertos momentos, nos muestran una cara mucho más creativa del combo. En mi opinión las baterías les han quedado artificiales tras una producción un pelín robótica, pero no seré yo quien le haga ascos a bofetones como la chulísima ‘Where Is Your God’, una ‘Wysteria’ con Rivas de Dremenuart, ‘Face To Face’ o ‘Legacy’. La enésima gran banda de nuestro core.

Menuda paranoia con The Foxholes. Partiendo desde un aparentemente apacible rock alternativo, las programaciones del también guitarrista y cantante Jonah A. Luke te van a llevar de cabeza durante todo su quinto álbum. Con cierto aire de misterio y, claro, espacial, ‘Andrómeda I’ te deja expectante ante el arranque de Radio Cincinnati, y así, ‘Accidente Club’ incide en el rock experimental, y ya no digamos la complicada simpleza de ‘El Mismo Sol’, aunque parezca una antítesis, o la risueña ‘Tu Función’, pese a que te dibuje la sonrisa de alguien que contempla la belleza de un atardecer… en Plutón. Por su parte, ‘Andrómeda II’ es mucho más guitarrera que su hermana, ‘De Tus Manos’ te deja flipando primero por su electrónica, luego por tener la misma proporción de metal, y ‘Aswang’ es sinfónica, vampírica. Ya sólo queda ‘Te Lo Vuelvo A Recordar’, quizá la menos marciana. Si dieran un Grammy al despiste, The Foxholes ganaban de calle.

De primeras te sorprende lo cruda y simple que suena la batería que abre ‘Back To The Times (Of Bullshit)’, pero cuando entra esa muralla de guitarras embrutecidas ya ves por dónde van los tiros de Las Perras Del Desierto. ‘Honestly’ viene que ni pintada para proseguir con la descripción del sonido de estos valencianos, pues honestamente, sin trampa ni cartón, este trío tira de sonidos sucios y garajeros más que influenciados por los 90, por mucho que este segundo tema contenga también giros luminosos y algo modernos que, sin duda, son todo un acierto. Una canción más que grata y la mejor de la colección. Por lo demás, ‘Vs II’ y la desértica ‘Látigo’ demuestran que el grunge es la niña de sus ojos y las guitarras fuertes la razón de ser de este combo, aunque, efectivamente, la cambiante ‘Change’ logre mostrar matices que para nada esperabas. Unas perras no sé si son, pero una formación interesante no me cabe duda.

http://cannibalgrandpa.bandcamp.com

http://thefoxholes.bandcamp.com

com/releases

http://lasperrasdeldesierto.bandcamp.

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 10

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> SOMAS CURE INTERPRETAN ‘HELIOS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

omas Cure están encantados con la respuesta que han obtenido con su tercer álbum Mitos, aparecido el pasado enero. El buen presagio que fue el sold out en el concierto de presentación en Madrid, en el que la gente coreó los temas nuevos a pesar de que el disco llevaba sólo tres días en la calle, se ha prolongado durante todo 2015. Estas buenas sensaciones las han percibido cuando han ido a tocar a lugares como Alicante, Cartagena o Bilbao, o en el incremento de seguidores en sus redes sociales. De hecho, se siguen emocionando ante la idea de que la gente haga kilómetros para verles o simplemente compren una entrada para sus shows. También valoran especialmente haber hecho sus primeros conciertos en acústico, que como podréis comprobar en el vídeo que les grabamos, es un formato que se les da especialmente bien. “A todos nos gusta el metal, pero antes que metaleros nos consideramos músicos”, dice Borja, uno de sus

guitarristas. “Si conseguimos algo que nos haga sentir bien y ese feeling lo podemos transmitir, para nosotros es válido. Eso es Somas Cure. No hace falta que todo sea caña y guturales, que nos encantan, pero necesitamos expresar más cosas”. Esa filosofía es la que plasmaron con más acierto que nunca en su tercer trabajo, en el que tomaron un rumbo más melódico. “Nosotros vamos componiendo según nos van pasando cosas”, explica Víctor, el bajista. “Es como una biografía. Nuestros temas son la historia de nuestra vida. Expresamos con música lo que sentimos en ese momento”. De ahí que les da bastante igual cómo intenten etiquetarles. “Nos mola hacer metal, pero si tuviéramos que meternos en un estilo diría que hacemos metal alternativo”, asegura Álvaro, el otro guitarrista. “Si nos sale un medio tiempo como ‘Despierto’ o ‘Colisiones’ y nos gustan y nos sentimos a gusto, ¿por qué no lo vamos a meter aunque hagamos metal? Luego nos sale un tema como ‘La Huída’,

que es mucho más bruto, que no tiene nada que ver, pero así podemos hacer discos muy completos, con una dinámica que es como la vida, tienes momentos arriba y momentos abajo, tus idas y venidas”. Gracias a plasmar sus sentimientos y vivencias, la banda de Móstoles ha conseguido fidelizar a un público que les sigue sin preocuparse por modas o tendencias. “La gente no sabe cómo va sonar el siguiente disco de Somas Cure, pero sabe que va a sonar a Somas Cure”, expone Txema, su vocalista. “Saben que vamos a ser sinceros y que no vamos a repetir algo sólo porque haya funcionado. Yo creo que es el principal atractivo del grupo. Queremos llegar a gente que no tiene complejos a la hora de escuchar música. Tenemos un sonido con el que se nos identifica y eso es una carta blanca que nos dan los fans para crear. Intentamos que cada canción tenga su manera de respirar, aunque haya un sonido común que haga que el disco sea coherente”.

PISANDO FUERTE_ THE WIZARDS FORMACIÓN: Ian (voz), Fel (guitarra), Jorge (guitarra), Eneko (bajo), Dave (batería) PROCEDENCIA: Bilbao AFINES A: Black Sabbath, Entombed, Danzig

FOTOS: UNAI ENDEMAÑO

PRESENTAN: The Wizards (Witch Records, Gheea Music)

“AUNQUE TENGA UN PODER VISUAL Y ESTÉTICO PODEROSÍSIMO, EL OCULTISMO ES UNA ACTITUD” IAN

i tenemos que creerles, The Wizards surgieron entre los humos de unas lentejas mientras Fel, guitarrista e impulsor de la banda, e Ian, vocalista, conversaban sobre cómo a Black Flag les gustaban mucho Black Sabbath. De esa charla saldría una visita al local de ensayo, a la que también se uniría David, el batería. Y pasado un año largo, con la incorporación de Jorge, guitarra, y Eneko, bajo, quedaría cerrada esta conjura de brujos de Bikzaia. La lista de grupos de los que han formado parte es casi inacabable (Montaña, The Jesus Grip, Belushi, Pornosaurio, Napalm, Chivo, The Sulfators…), por lo que no resulta extraña la solvencia que el quinteto demostró desde su primeros pasos y que les llevó a ganar la final del Villa de Bilbao en 2014. “No sabemos qué habría pasado en el caso contrario”, nos cuenta Ian. “Quizás con el auge que está viviendo en estos últimos años el proto heavy o el heavy rock más revisionista pudiéramos haber conseguido otro foco de atención, pero la ayuda de ganar el certamen Villa de Bilbao a la hora de afrontar la edición de nuestro primer larga duración, la difusión en medios especializados e incluso la creación de nuestro propio sello, Witch Records, fue definitiva”. Como dice Ian, su sonido mama mucho del rock oscuro y el proto metal, y en su

debut homónimo, que vio la luz el abril pasado, no se esconden influencias de Black Sabbath, Cathedral o Danzig. “No pretendemos inventar nada nuevo”, reconoce, “amamos lo que hacemos y nos encontramos muy cómodos en este microcosmos donde hacemos lo que mejor sabemos hacer tributando a nuestros maestros. Todos hemos partido de unas filias comunes como Black Sabbath, Pentagram... Somos fanáticos de la NWOBHM, del punk rock y el hardcore primigenio, Rocky Erikson, Thin Lizzy, Black Flag, algunas bandas del llamado stoner rock y, por supuesto, de toda la hornada de bandas de finales de los 60 y principios de los 70 encuadradas dentro de ese proto metal que citabas. Así que partiendo de toda esa base, más o menos heterodoxa, hemos ido haciendo temas y encontrando poco a poco no un marco de estilo, sino un sonido que creemos que nos identifica y del que somos devotos”. El disco lo grabaron con Martín de Capsula y Mikel de Safety Pins ejerciendo de productores, dos músicos al servicio de otros cinco músicos. “Fue todo bastante deprisa, y aunque contamos con dos fieras como ellos para la grabación, creo que pudimos sufrir el síndrome del disco debut”, explica Ian. “Es ciertamente espontáneo y energético, y tiene grandes canciones, pero con algo más de calma, algo de lo

que no andamos sobrados (risas), seguro que habría quedado más redondo. El nuevo material y los planes al respecto de nuestro segundo álbum prometen y mucho, así que nos resarciremos”. Desde el mismo nombre del grupo, pasando por el diseño de la portada del álbum, como por las letras y la ambientación musical, todo alrededor de The Wizards está teñido por un gusto por el ocultismo. ¿Pero se trata de un interés real o es más una cuestión estética? “Amigo, el ocultismo en el rock no es una estética”, remarca el cantante. “Aunque tenga un poder visual y estético poderosísimo, es una actitud, es nuestra actitud, aunque debemos matizarlo. Estamos muy interesados e influenciados por el ocultismo, sí, pero también por las corrientes de filosofía herméticas, gnosticismo, paganismo, cultos ancestrales, magia ritual, chamanismo; es decir, todo lo que se refiera a un estado de consciencia y percepción a la ‘mano izquierda’ de los canales habituales que ha manifestado la espiritualidad, atendiendo ésta a su disciplina de transmisión occidental, el judeocristianismo. Es una manifestación volcada en nuestra música y letras de la rebeldía contra toda concepción totémica y monolítica del devenir de la vida moderna en su política, sociedad y religión. Además, nos gusta apoyarnos en referentes cinematográficos, literarios, artes gráficas, una buena jodida contracultura ocultista. Pero ante todo, somos una banda de rock’n’roll”. De ahí que no nos sorprenda que Ian describa sus directos como “intensos y salvajes rituales de heavy rock, humo y licores. Son una muestra de lo que somos día a día pero con el volumen pasado de rosca”.

DE CINE_CON KIKO VEGA LANGOSTA

SPECTRE

GESTOS Y SUSURROS

a soledad, el miedo o no a la muerte y el rechazo radical al sistema, esa malvada entidad que nos obliga a vivir como no queremos, gritan muy alto entre gestos y susurros en la mejor película del año. Un futuro presente y distópico donde los solteros tendrán 45 días para encontrar pareja o serán transformados en un animal a su elección y soltados en el bosque. Ésa es la sinopsis del trabajo más ‘simple’ de Yorgos Lanthimos, aunque en realidad, y como manda la

LICENCIA POR RENOVAR

casa (Canino, Alps), todo en Langosta (The Lobster, 2015) es muy extraño. Para empezar, es extraño que sea divertida. También es extraño que Colin Farrell parezca un viejo imbécil, y resulta más extraño aún que el galán irlandés se transforme en un adorable, conmovedor y abrazable pobre diablo. Es extraño que resulte emocionante, intrigante, aterradora y triste. Lo más extraño de todo, al final, es que la película más cara y ambiciosa de Lanthimos sea la más libre y aparentemente sencilla de su carrera. Langosta es un acto de terrorismo romántico irrepetible. La ejecución, tanto escrita como visual, de Lanthimos es ya la de un maestro. Sorprendentemente, por eso del presupuesto, el idioma y el tamaño, estamos ante la mejor película del griego. El lado oscuro, sexual, radical, punk y protestante de cualquier aproximación hotelera que nos haya dado el cine. Obra maestra intocable.

Una foto de carné en blanco y negro pegada a una pared no es lo que puedas esperar de un genio del crimen… salvo que ahora esté interpretado por un estupendo actor (Christoph Waltz) con tendencia a la sobreactuación repetitiva. ¡Cucú! La canción de Spectre, la peor y

a actual etapa del espía, con Daniel Craig como rostro serio del personaje, se empeña en pintar de maduez todo el universo con el rotulador más gordo de la tienda. Ninguna de las cuatro películas funciona al 100% como el contraespionaje adecuado para derrotar a los espías del siglo XXI, porque se empeña en mirar por encima del hombro su capacidad de evasión. Parece mentira que ni en el cuarto intento los productores hayan decidido combatir cuerpo contra cuerpo a los Bournes o Hunts de los últimos años. Hay algo de bendita inocencia en la última aventura del agente que termina por llamar la atención. Son pequeños detalles, puede que algunos algo torpes, que nos recuerdan que toda esta odisea de espionaje viene de lejos y nos sobrevivirá a todos. En un momento de la peli, Bond observa una trampa donde aparecen las fotografías de los villanos de la era Craig.

más hortera (como los créditos) de la historia Bond, termina por ser la elección más lógica: un sonrojante falsete lento sin capacidad de aceleración o épica. Sam Mendes es otro maestro a la hora de evitar caer en la diversión y la felicidad. Spectre son dos horas y media que viajan entre el tostón insoportable y los detalles que nos hicieron seguidores del personaje, algo que pasaba en la anterior Skyfall, que al menos terminaba en un inesperado bestseller entre Sam Peckinpah y Tom Clancy, con un tercer acto altamente satisfactorio. Aquí vuelve a suceder lo mismo, incluso lo supera por momentos, pero mejor que esos detalles los veas por ti mismo y los disfrutes, porque hay varias puestas al día interesantes aunque no terminen de levantar el estado comatoso reinante. Los homenajes, guiños y paralelismos (Dave Bautista) están ahí para demostrar que, a pesar de querer una madurez (que no le sienta bien al personaje) incontestable, Spectre quiere ser una fiesta del universo creado por Ian Fleming. Lo que pasa es que el resultado parece un funeral.

SONGS FROM THE NORTH I, II & III

SYMPHONY FOR THE LOST ¡Ya a la venta! Disponible en una edición especial de 2CD+ DVD Digipak y en descarga digital. Tras el super éxito del último trabajo ‘The Plague Within’, los pioneros del doom/gothic metal nos presentan un nuevo directo grabado en un enclave único, el antiguo teatro romano de Plovdiv. Un repaso a todos los grandes éxitos de la banda y con la colaboración sobre el escenario de una orquesta y un coro. ¡Un imprescindible para todos los fanáticos de la banda!

THE DIRECTION OF LAST THINGS ¡Ya a la venta! Disponible en edición limitada CD Digipak, 2LP gatefold + póster y en descarga digital. ¡TÉCNICO, BRUTAL, PEGADIZO Y DIRECTO A LA CARA! ¡EL QUINTO ÁLBUM DE ESTOS GENIOS DEL POST METAL PROGRESIVO!

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ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, IGNACIO REYO, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

PETER JACKSON - CELESTIALES Y MONSTRUOSAS VV. AA.

(TYRANNOSAURUS BOOKS)

nalizar la trayectoria de un cineasta como Peter Jackson es mucho más complejo de lo

que podría parecer en un principio. Para la gran masa, y la industria del entretenimiento, es ese cineasta neozelandés de origen friki y nerd que puso el mundo del cine fantástico patas arriba con sus aclamadas adaptaciones de El Señor De Los Anillos y El Hobbit. Pero

ñecos en plena decadencia, o esa obra maestra en la som-

Jackson es mucho más que eso. Para otros, y aquí dejo que

bra que es Heavenly Creatures. En Celestiales Y Monstruosas

se me vea el plumero, hablamos de alguien que revolucionó

encontramos un didáctico y entretenido ensayo sobre la obra

el cine de nuestra tardía adolescencia con odas a la serie Z,

de Peter Jackson en la que se intenta descifrar –fácil no es- el

Bad Taste, al gore, pues nadie puede discutir que después de

cómo y por qué un cineasta de carácter más que underground

Braindead el género llegó a su cumbre y que nadie tampoco

acabó convirtiéndose en un rey midas del séptimo arte y en el

se atrevió a emular tal atrocidad, pero también con inteligen-

heredero natural de Spielberg. Definitivamente, esto será reve-

tísimas comedias oscuras como Meet The Feebles, unos tele-

lador para algunos y altamente recomendable para todos.

LOBO EN LA CAMIONETA BLANCA Jon Darnielle (CONTRA)

uchos no han

de la americana más indie, ya que ha escrito ensayos sobre

estado

fa-

Black Sabbath o colabora regularmente en la revista metálica

miliarizados

Decibel, donde tiene una excelente columna mensual repleta

con la figura de John Darni-

de textos frescos e irónicos. Lobo En la Camioneta Blanca bien

elle hasta que ha llegado

poco tiene de divertido y sí mucho de reflexión sobre el momen-

esta primera novela, impo-

to en el que vivimos. Centrado en la figura de Sean Philips, un

sible de dejar indiferente a

personaje que con 17 años decide pegarse un tiro, tras el cual

nadie. Darnielle es el líder

se deforma la cara, el protagonista trata de enfrentarse a un

de la banda de folk rock

mundo al que tiene claro que no pertenece y a intentar crearse

The Mountain Goats, con

una realidad paralela que no siempre da buenos resultados.

los que lleva batallando más de dos décadas, moviéndose

Prosa impactante, que hace reflexionar en muchos momentos

en esos terrenos de culto a los que se puede llegar tras editar

sobre el qué hacemos aquí y qué sentido tiene vivir todo esto.

discos en sellos como Merge o 4AD. Pero sus inquietudes van

Desde luego, no apto para salir de una depresión, pero extra-

mucho más allá de la de ser otro héroe de culto del circuito

ñamente enriquecedor.

DECONSTRUCCIÓN IRON MAIDEN Juanjo Ordás

PANDEMONIO

VIL Y MISERABLE

(MALPASO)

(LA CÚPULA)

Francis Picabia

Samuel Cantin

(MILENIO)

Hasta ahora, que uno sepa, corríjanme si me equivoco, no se había publicado un libro que fuera más allá de las biografías de turno de un grupo de heavy metal. Aquí encontramos un ensayo, es decir, la opinión subjetiva del autor, sobre la banda más mítica del género, obviamente Iron Maiden. Reconstruyendo los hechos, dando nuevas pistas, creando para ciertos seguidores del grupo polémicas, es un libro tan bien escrito como atrevido. No dejará indiferencia entre sus lectores. IR

SCANDALO!

Giovanna Casotto (KISS COMIX)

Podría considerarse el dadaísmo como el precursor de la subcultura punk. Por eso, me atrevería a definir a Francis Picabia, uno de sus máximos exponentes, como el padre de John Lydon: ambos estaban en constante evolución y se aburrían pronto de las novedades que se convertían en moda. Además, Picabia disfrutaba criticando (sutilmente, eso sí) a los artistas y poetas coetáneos, y buena prueba de ello son las poco más de 100 páginas que conforman Pandemonio, su única novela. JF

THE UNKNOW Mark Waid y Minck Oosterver

OK, la ración de tebeo chungo o novéla gráfica malrollera la cubrimos este mes con Vil Y Miserable, un relato de los de carcajada seca y momentos incómodos. La historia del patético protagonista, un tipo extraño que trabaja en una librería poblada de personajes desagradables, le sirve a Cantin para desarrollar toda una serie de gags de los de mueca de desprecio y risa fuerte al mismo tiempo. Si eres de los que disfruta con los relatos grotescos mezclados con la miseria cotidiana, este tomo va a hacerte feliz. SG

ESTO VENDE Sergio Bleda (GRAFITO)

(ALETA)

En La Cúpula siguen recuperando materiales cochinotes, siendo este Scandalo! uno de esos placeres visuales que ningún fan del tebeo porno debe dejar pasar. Complicado ser objetivo con un trabajo en el que la autora se retrata en cada una de las historias, así que como lector sólo puedo decir que la explosión de sensualidad y pornografía de cada página vale los euros que cuesta este tomo, amén de la exquisita realización y acabado de cada plancha, todo un ejemplo de buen hacer, de talento y fantasía adulta. SG

Épico relato de suspense con impresionante dibujo y unas secuencias de acción realmente conseguidas. El guionista Mark Waid presenta en este primer tomo una historia que roza lo paranormal mezclado con el género de investigación y policíaco, siendo el gran acierto del conjunto la forma en la que el guión teje la trampa hacia donde la historia quiere llevar al lector. No es fácil encontrar tebeos de este calado, en los que con apenas cuatro números recopilados se deje al lector con ganas de más aventuras y sucesos inexplicables. SG

Recopilación de trabajos publicados por el autor español Sergio Bleda entre los años 1991 y 2015, con divertido material extra que acompaña el tomo. Las historias tocan diferentes temáticas y estilos, siendo una estupenda muestra de la obra de este prolífico y combativo creador. Entre los materiales que llamarán más la atención se encuentran las páginas de El Baile Del Vampiro, su potente material erótico, o trabajos publicados en fanzines ahora mismo incontrables, como Consejos Sexuales En Homenaje A Álvarez Rabo. SG 23

TOI’S IN THE ATTIC HACE MUCHO TIEMPO, EN UNA GALAXIA MUY, MUY LEJANA…

ola amigos! Para cuatro colgados que leéis esto y resulta que recientemente he recibido unos cuantos comentarios acerca del tono de mis últimas columnas... La cosa tiene tela. Que si soy una cínica, que si estoy encabronada y que no hago más que poner a parir todo, y a lo mejor resulta que es cierto, pero es que, la verdad, hablar de unicornios, algodones de azúcar y romances no es lo mío. ¿Qué queréis que os diga? Tengo mala hostia y tampoco busco que me queráis más. Total, no me vais a invitar a unas cervezas si me veis... Me ha costado decidir sobre qué hablar este mes, sobre todo habiendo temas en la parrilla más serios que abordar, pero finalmente voy a impregnar este espacio de amor y os voy a recordar uno de los grandes eventos del mes... bueno, qué coño, del año: el estreno del séptimo episodio de Star Wars, El Despertar De La Fuerza. Apenas faltan tres semanas y estoy de los nervios. Mis padres no lo entienden, con casi 40 años debería estar más preocupa-

da por buscar un novio, pues me estoy quedando para ‘vestir santos’, que en pensar si me voy a disfrazar de Han Solo la noche del estreno, porque claro, como soy una histérica y no podría soportar un viernes entero en la oficina tratando de esquivar los spoilers con los que nos van a abrasar, me voy a marcar una sesión golfa antológica. El hecho de imaginarme en una butaca invadida por la melodía inicial de John Williams que me teletransporte a una galaxia muy, muy lejana, me pone cachondísima. Tengo miedo, no lo oculto. Puede ser una gran cagada al nivel de los episodios con Anakin Skywalker, o llevar la saga clásica al olimpo de los dioses. Los tráilers me ponen la piel de gallina y me arrancan lágrimas de emoción. Sólo espero que no me hundan, porque esto es parte de mi vida, y la fuerza me acompañará siempre. Así que al más puro estilo Leia, dejo un mensaje al director: J.J. Abrams, no me jodas, eres mi última esperanza. (TOI BROWNSTONE)

entonces? Esa pregunta fue respondida antes de que el verano se acabara, cuando

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Veni Vidi Vicious de The Hives. Era el año 2001 y estábamos en nuestra primera gira europea. Nuestro promotor en Noruega nos pasó unos cuantos CDs, ¿os acordáis de ellos?, de formaciones con las que estaba trabajando. La única banda que me impresionó un poco fueron The Hives y el disco que tenían por entonces, Veni Vidi Vicious. De inmediato se convirtió en uno de los álbumes favoritos en nuestra furgo y sazonaron nuestra gira con sus canciones. Parecían tener ese sonido garage de finales de los 90, pero sus canciones eran pegadizas al máximo. ¿Cómo podíamos no haberlos escuchado hasta 26

nos contrataron para volver a Oslo para tocar con The Hives. Ahí vimos por qué todo el mundo estaba haciendo tanto ruido respecto a ellos. Salimos al escenario mientras The Hives nos animaban desde el lateral, y cuando los fabulosos The Hives tomaron el escenario y empezaron con su repertorio, el juego se acabó. Lo que ya de por sí era un gran álbum, en directo me dejó totalmente enganchado. Hambriento de escuchar más, me metí en su música desde ese momento y los seguí con devoción. Desde luego, todos sabemos lo que acabó pasando. En uno de los grandes golpes de todos los tiempos, Kylie Minogue acabó bailado en un toro mecánico ‘Main Offender’ para un anuncio de la marca de lencería Agent Provocateur, y el resto es historia. Hivesmanía. Hemos licenciado canciones para un montón de shows de televisión y videojuegos, igual que ellos, pero la oportuni-

dad de hacerle de banda sonora a Kylie nunca la hemos tenido. Eso les pasa a uno entre un millón, y The Hives fueron el uno. Desde entonces, su estrella ha seguido reluciendo, aunque algunos digan que se va apagando. Pero ellos no han hecho más que editar un gran disco tras otro, llenos de temas pegadizos. The Hives son una banda que puede que haya dejado marca en la cultura pop de los primeros 2000, pero para mí son tan contemporáneos, y ahora legendarios, como cualquiera de los grandes. De

toda aquella legión de bandas garage punk de finales de los 90 ellos, junto a The White Stripes, son los únicos que supieron tener éxito más allá del underground (a pesar de que nosotros podamos ser los terceros, ya a mucha distancia). Ahora son el grupo de todo el mundo, pero todavía los recuerdo en aquel show en el Oya Frestival, donde tocaron con toda su crudeza y pude oír Veni Vidi Vicious en toda su grandeza dos minutos antes de que conquistaran el planeta. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

OJITO A... GATE DOORS Foto: Sergio López

Gate Doors, la banda de metal nacida en Madrid, hace escasos cinco años, es ahora parte de la nueva sangre de la escena alternativa y, sin duda, deberemos fijar nuestras miradas en ellos durante los próximos meses. Estos cuatro chavales ya nos han demostrado de sobras que tienen madera. No sólo podemos apreciarla en la magia y energía que se crea en cada una de sus canciones sino también en la brillante trayectoria que llevan. Durante sus primeros años de andadura, Gate Doors no han parado de tocar en múltiples salas, tanto en las madrileñas como en las de fuera de su ciudad. De hecho tuvimos la fortuna de contar con ellos en Barcelona,

como grupo invitado dentro de la gira de The Liberty. Además, han ganado varios concursos de bandas y han grabado un exitoso primer LP, Leave My Life, que logró una gran acogida consiguiendo ser, durante tres días consecutivos, número 1 en Itunes (en la categoría de rock) y alcanzando el séptimo lugar en el Top 10 general durante esa semana. Por suerte estos chicos no parecen ser de los que se conforman fácilmente y no pararán de superarse. De momento estaremos atentos a la inminente grabación de su segundo disco, ligada a la creación de vídeos. No os perdáis la oportunidad de conocer esta banda. (LIBERTY MARIO)

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY

DISCOS MARCAPASOS Dirección: C/Duquesa 5, Granada Año de fundación: 1995 Especialidad: pop, rock, soul, funk, jazz, electrónica,

dub, reggae, trip hop, hip hop, experimental... WEB: www.discosmarcapasos.com

¿Cómo decidiste abrir una tienda? PEPE MÁRMOL “Tenía ganas de pasar a otra etapa con la música, que siempre ha estado presente en mi vida, incluido en lo profesional, pero fundamentalmente porque buscaba trabajo y en una ciudad como Granada nunca ha sido fácil encontrarlo. La tienda surgió, básicamente, con esta filosofía: estimular el apetito musical. Dar a conocer algo inédito y fascinante”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? “Hasta mediados del 2000 28

probábamos a nuestros clientes la gran mayoría de los discos que teníamos en nuestras estanterías antes de que se lo comprasen. Ahora el cliente sabe mejor que nunca lo que quiere. Otro cambio favorable en estos últimos años ha sido el resurgir del vinilo, aunque en nuestras estanterías nunca faltó desde el primer día. Por suerte, de nuevo hay más novedades y reediciones en ese formato. También ha sido muy satisfactoria para nosotros la incorporación de la tienda online. Es muy útil compaginar lo funcional de la tecnología con la sabiduría de lo tradicional”. ¿Clientes famosos que

te hayan comprado alguna vez? “Para nosotros el cliente más famoso es con quien hablamos todos los días, por eso su nombre nos es tan familiar y conocido: Lolo, Pepe, Paco, Ramón... son algunos de ellos, ciertamente. O Benicio Del Toro, quien reveló en varias revistas que mientras rodaba en Granada Un Día Perfecto escuchaba Anti Todo de Eskorbuto; nos pidió punk español y ésa fue nuestra recomendación. También nos han visitado Patti Smith, Jeff Mills, Richie Hawtin, DJ Floro, Rennie Pilgrem y Everything But The Girl, Loquillo, Los Planetas, Noni de Lori Meyers ha vivido encima de la tienda... Ramón Rodríguez de The New Raemon se suele pasar por aquí cuando viene a Granada”. ¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que se sigue vendiendo? “Dummy de Portishead, quizá. Y lo seguimos vendiendo aún, tanto en vinilo como en CD”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “¿Por qué no? Me aburren los pronósticos apocalípticos con el futuro de la música en formato físico, pues ésta

nunca va a dejar de existir. Por eso pienso que nunca se prescindirá de ella, aunque los discos ocupen más espacio y no sean gratis. Me gustaría que no se relacione tanto la actividad de las tiendas de discos con noticias necrológicas, hay un futuro por delante, si bien existen asuntos importantes que están pendientes de una solución inmediata. Nuestra labor de divulgación musical, de asesoramiento, de interacción con el aficionado siempre serán muy necesarios, también ahora con tanto exceso de información”. ¿Qué supone para ti y para tu negocio el Record Store Day? “Una jornada especial en la que las tiendas independientes, los sellos discográficos, los músicos y los aficionados compartimos algo más que intereses comerciales y de coleccionismo. La música es mucho más que un producto: es un bien cultural que hay que saber cuidar. Participamos desde el primer año que se empezó a celebrar en España, en 2011. Desde entonces cada edición va a más, las perspectivas y el entusiasmo de todos sigue creciendo. Nosotros ya estamos preparando algunas sorpresas... Por lo pronto adelantaré que dispondremos de más espacio”.

WILD AND RARE ES UNA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADA POR ASICS. EL INVITADO EN NUESTRO NUEVO CAPÍTULO ES CHRIS CORNER, TAMBIÉN CONOCIDO COMO IAMX.

ienvenidos de nuevo a Wild And Rare! Esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido, y nunca os habían dejado, a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El

100% de lo recaudado irá destinado a Oxfam. El invitado de este mes es Chris Corner, el hombre detrás de IAMX. El antiguo cantante y guitarrista de Sneaker Pimps lleva al frente de este proyecto personal desde 2004. Con una imagen ambigua y un pop electrónico oscuro, el británico ha ido creándose un nombre de culto que cada vez tiene más adeptos, como se pudo ver en su reciente visita a nuestro país. Antes de su concierto en la sala Bikini de Barcelona, donde iba a presentar su nuevo disco Metanoia (Caroline), Chris respondió muy amablemente a vuestras preguntas. Así descubrimos por qué se mudó hace unos años a Berlín, si tiene alguna manía a la hora de actuar, su opinión sobre la música electrónica o qué aprendió con su antigua banda.

Esperemos que disfrutéis de la entrevista y os damos las gracias por la aportación que podáis hacer para Oxfam Intermón. Cada donativo cuenta. Haz tu aportación aquí.

COHEED AND CAMBRIA

EN EL MUNDO REAL

ACOSTUMBRADOS COMO NOS TENÍAN A DISCOS CONCEPTUALES Y MUSICALMENTE COMPLEJOS, COHEED AND CAMBRIA NOS HAN SORPRENDIDO CON SU ÚLTIMO ÁLBUM, THE COLOR BEFORE THE SUN, UN TRABAJO MUCHO MÁS DIRECTO Y TERRENAL. CLAUDIO SANCHEZ NOS CUENTA LOS MOTIVOS. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

ENER UN HIJO ES una de las experiencias más trascendentes por las que pueda pasar un ser humano, y por eso sus efectos se dejan notar en casi cualquier aspecto de la vida. Claudio Sanchez, timonel de Coheed And Cambria, no podía ser una excepción y de esta forma, la llegada al mundo de su primer vástago se dejó notar incluso antes de que naciera. Fue durante el embarazo de su mujer que Sanchez empezó a componer lo que sería el octavo trabajo de la banda que completan Travis Stever (guitarra), Zach Cooper (bajo) y Josh Eppard (batería). Si hasta ahora el contenido narrativo de sus álbumes siempre había estado ligado a la saga fantástica The Amory Wars, durante este periodo Sanchez sintió la necesidad de hablar del mundo real y sus propias vivencias. Como él mismo nos cuenta, incluso dudó de si estas canciones serían adecuadas para ser publicadas bajo el nombre de Coheed And Cambria, pero finalmente aceptó el reto de romper sus propias reglas. La publicación de The Color Before The Sun (300 Entertainment) nos permitirá, además, poder ver al grupo en directo. El 22 de enero en Madrid (sala But) y 23 de enero en Barcelona (Razzmatazz 2), la banda de Nueva York tendrá dos magníficas oportunidades para reencontrarse con nuestro público.

The Color Before The Sun está siendo muy bien aceptado por vuestros fans. De hecho, lo

único que les ha parecido mal es que sea tan corto… CLAUDIO SANCHEZ “Oh, vaya, no tenía ni idea (risas). Pero supongo que sí, es un disco corto si tenemos en consideración todos los otros discos de Coheed And Cambria... son unos 45 minutos. Son canciones más directas, más concisas, y supongo que por eso tiene esa duración. Tendremos que hacer que el próximo álbum sea más largo (risas)”. Éste es el primer trabajo de la banda que no está basado en The Amory Wars. ¿Por qué decidiste hacer un álbum más personal? “Creo que tiene que ver con la situación por la que estaba pasando. En el momento de componerlo estaba viviendo en un piso en Brooklyn, Nueva York, y para mí fue algo extraño, porque estoy acostumbrado a componer más bien en solitario, recluido del mundo, en medio del campo. Ahora me tocaba componer en un apartamento, donde no sabía si mis vecinos me estarían escuchando mientras tocaba todo el día. Quizá eso me hacía sentir algo inseguro, algo incómodo, y por eso creo que el disco terminó saliendo así, de manera más honesta. No podía meterme en las mentes de mis personajes habituales porque estaba en otro contexto, pensaba que quizás mis vecinos se reirían de mí si me escuchaban haciendo voces o que incluso llamarían a la policía (risas). Por eso este disco terminó tratando

sobre lo que me estaba pasando en ese momento, quién soy y todos los cambios que vivía. Fui padre, el disco también habla de mi hijo Atlas, de mis ideas de cómo es la paternidad y los miedos que sientes. Quizá podría haber cogido esas historias y transformarlas en una parte de la ficción que es The Amory Wars, pero pensé que algo tan personal debía de mantenerse de esa manera. Era un momento de cambio tan importante en mi vida y de mi personalidad, que decidí que esta vez las canciones hablarían por sí mismas. Para responder de manera sencilla a tu pregunta, diré que fue un producto de las circunstancias”. ¿Pensaste alguna vez en lanzar este álbum como un disco en solitario? “Bueno, realmente no sabía lo que era, si un disco de Coheed And Cambria o algo en solitario. Cuando estaba en el apartamento no tenía claro si podían ser canciones de Coheed And Cambria, porque no veía si podría adaptarlas fácilmente a la historia de The Amory Wars, así que seguí escribiendo y en el momento en que acumulé material suficiente para un disco, me di cuenta de que era mucho más personal de lo que pensaba, era un reflejo de mí mismo en ese periodo. Allí fue cuando me pareció más un disco en solitario, por la brevedad de las canciones y porque no tenía tantos elementos progresivos como otras obras de Coheed And Cambria. Pero siempre quise ver a la banda como algo sin límites

en el lado creativo, ya sea en cuanto a las bandas con las que salimos de gira o en relación a una manera de componer. Por eso me dije a mí mismo que Coheed And Cambria deberían poder permitirse escribir un disco que no fuese conceptual, y entonces volví a verlo de nuevo como un álbum de Coheed And Cambria”. Gran parte de este álbum habla sobre tus experiencias con la paternidad. ¿Ser papá y ser un rockero no es algo compatible en tu mundo? ¿Tu hijo sería la excusa perfecta para abandonar la música y tener una vida más ‘normal’? “Para mí es como una lucha en mi interior, porque ahora tengo que estar alejado de él por las giras, y estos momentos son muy importantes en la vida de un niño, aunque supongo que, en realidad, todos lo son. Está creciendo, cambiando, y evolucionando, y me gustaría estar ahí. Pero también pienso que soy alguien con mucha suerte. Cuando estoy fuera, estoy 32

fuera 24 horas, pero cuando estoy en casa, también estoy en casa 24 horas, porque no tengo un trabajo al que ir. Puedo estar presente todo el tiempo, y eso es algo que no mucha gente puede decir. Es una situación extraña, pero también te digo que mi hijo parece muy atraído por la música, y eso me alegra mucho y me emociona. Personalmente me gustaría que eligiese algo más interesante para su vida, pero si lo suyo es la música, pues también es hermoso y lo apoyaré. Creo que puedo hacer esto, tocar con mi grupo, durante mucho tiempo... al menos durante todo el tiempo que los fans me permitan hacerlo. Creo que mi hijo estará orgulloso de mí ya sea si sigo haciendo música o si estoy en casa creando un cómic, porque ésa sería la otra opción: quedarme en casa y dedicarme a los cómics. De momento seguiré con la música, y espero que ello le inspire a conseguir sus propias metas”. Otra cosa que tiene Coheed es que, además de la música,

también hay todo un arte de diseño que encanta a los fans, como la edición deluxe de este nuevo álbum... ¿Es cada vez más difícil sorprender a la gente con ideas nuevas? “Siempre es difícil aparecer con nuevas ideas para lanzamientos, pero tengo que decir que tengo un muy buen equipo que me respalda. Por ejemplo, mi esposa suele colaborar en las cosas que hacemos, también mi mánager es más mi amigo que mi mánager y mi colaborador, así que tener a esa gente cerca hace que sea emocionante. Cada vez que saquemos un nuevo disco o creemos una nueva historia habrá ese obstáculo de qué hacer para presentarlo de manera única y diferente a la de la última vez, pero a la vez, como equipo, siempre encontramos una solución. Encontramos la manera de hacer que las cosas sean emocionantes cada vez”. A la banda se la conoce por hacer temas muy energéticos y poderosos, pero de vez en

cuando también salen temas como ‘Ghost’, que son más lentos y emocionales. ¿Te es más fácil componer un single como ‘You Got Spirit Kid’ que algo más reposado como ‘Ghost’? “¿Sabes qué? No lo sé, hay momentos en que algunas canciones parecen más fáciles que otras. A veces compones algo que piensas que es genial, pero después de tocar la canción unas 15 veces ese brillo inicial va desapareciendo. Es entonces cuando ya no puedo ver o escuchar la canción como lo hice cuando la acababa de componer. Por eso ‘Ghost’ es como un animal diferente en este álbum, porque preferí mantener la canción tal cual, en lugar de darle muchas vueltas, porque cuando le das muchas vueltas acabas por aburrirte de la propia canción. Creo que todas las canciones son iguales en términos de si son más fáciles o difíciles de componer; lo difícil es mantenerla como algo fresco y emocionante cada vez que tienes que tocarla. Se trata de eso, de que siga siendo emocionante una vez que la toques mil veces, es ahí cuando se gana su sitio en el álbum. Otras veces sólo tienes piezas de cosas poco inspiradas y acaban por consumir todo tu tiempo. Componer es algo raro, algo extraño... no sé ni lo que es, pero independientemente del tipo de canción que sea, lenta o rápida, puede ser fácil o difícil”. Siguiendo esa línea de canciones que han perdido su brillo, ¿estás cansado de tener que tocar temas que escribiste hace diez o 15 años porque los fans quieren escucharlos? “No, porque para los fans sigue sien-

do emocionante. Cuando tocamos en directo siempre tocamos canciones como ‘Welcome Home’, que es una de las favoritas de nuestros fans, y sabemos que quieren escucharla. Lo normal sería que estuviésemos cansados de tocarla tantas veces en la gira, pero cuando veo la energía que desprende cada noche con la respuesta del público, también me emociona a mí. Es ahí cuando me olvido de que la canción tiene diez o 15 años, es la pasión y lo excitante del momento, porque la emoción que me devuelve el público es la misma emoción que sentí yo cuando la compuse”. En enero vendréis a tocar a España. Son unos conciertos muy esperados, ya que la gira Neverender no pasó por aquí. ¿No hubo interés por parte de nuestros promotores de traer esa gira, o fue otro factor? “Creo que no hemos tocado lo suficiente en España como para que los promotores de allí quieran una gira como Neverender, no estoy seguro. Creo que España sigue siendo un nuevo mercado para nosotros, tendremos que generar más interés hacia el grupo y tocar más seguido. Realmente no sé si hubo interés por esa gira o no, porque no me encargo de esos temas, son cosas de las que se encargan los agentes y nuestros mánagers, pero sigo pensando que la cuestión es que somos todavía algo nuevo para España”. Encuentro gracioso que, aunque desde In Keeping Secrets Of Silent Earth: 3 vuestra música se haya convertido en algo más pop y con más luz que oscuridad, sigáis teniendo

“ESPAÑA SIGUE SIENDO UN NUEVO MERCADO PARA NOSOTROS, TENDREMOS QUE GENERAR MÁS INTERÉS HACIA EL GRUPO Y TOCAR MÁS SEGUIDO”

CLAUDIO SANCHEZ

muchos fans entre los metalheads. ¿Cómo lo explicas? ¿Sigue habiendo una influencia del metal en la banda? “Totalmente. Cuando era adolescente y estaba en el instituto todo lo que escuchaba era metal. Cosas obvias como Metallica o Megadeth, pero también mucho death metal como Suffocation y Obituary. Creo que mientras crecí escuché todo tipo de bandas, y el metal formó gran parte de ello, así que parte de eso se refleja en la música”. Ya para terminar, estamos hablando de otros grupos... ¿Hay alguno que esté empezando y en el cual veas una versión joven de lo que fue Coheed en su momento? “Realmente no lo sé. No escucho tantas bandas nuevas, pero sí que hay una con la que salimos de gira que también son de Equal Vision Records y se llaman I The Mighty, y son fans nuestros desde hace tiempo. En ellos sí veo algo de nosotros cuando éramos más jóvenes, pero realmente no estoy muy al tanto de todo lo que hay ahí fuera como para saber la influencia que tenemos... si es que hemos tenido algún tipo de influencia”.

‘77

A VER QUIÉN LES PARA ABRIÉNDOSE DE MIRAS PERO SIN RENUNCIAR A SU SONIDO VINTAGE, ’77 VUELVEN A LA PALESTRA CON NOTHING’S GONNA STOP US, SU PRIMER DISCO PARA EL SELLO CENTURY MEDIA. SU VOCACIÓN INTERNACIONAL LES HA LLEVADO HASTA AQUÍ, PERO LA AVENTURA NO HA HECHO MÁS QUE EMPEZAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

IEMPRE ES UNA BUENA noticia que nuestras bandas obtengan el reconocimiento fuera de nuestras fronteras. Después de Angelus Apatrida y Toundra, los barceloneses ’77 son la tercera banda de aquí que ha pasado a formar parte de la familia de Century Media. Bajo este sello acaban de publicar su cuarto álbum, Nothing’s Gonna Stop Us, con el que el grupo liderado por los hermanos Armand (voz, guitarra) y LG Valeta (guitarra, voz) esperan, y merecen, quitarse de encima la hasta ahora omnipresente sombra de AC/DC. En él debutan también sus dos nuevos compañeros, Guillem Martínez (bajo) y Andy Cobo (batería), después de que el año pasado su sección rítmica decidiera bajarse de la nave. Una remodelación interna que fue dura pero que en ningún momento les desvió de su principal objetivo: seguir tocando tanto como pudieran. Con más de 250 conciertos en suelo europeo (el primero fue en 2007, tres años antes de sacar su primer álbum), es evidente que ’77 ejecutan lo que

otros muchos sólo hablan de boquilla. Antes de que se subiesen de nuevo a la furgoneta para compartir unas fechas con Michael Schenker y Danko Jones, Armand y LG visitaron en nuestra redacción para explicarnos entre tabaco y cervezas cómo afrontan este nuevo reto. ¿Por qué creéis que Century Media os ha fichado? ¿Pensáis que ha sido clave haber girado durante todos estos años por Europa? LG “Yo creo que sí. La primera vez que nos reunimos con ellos en sus oficinas de Dortmund fue cuando sacamos el segundo disco (High Decibels, 2011 -ndr.) y estábamos de gira con Bullet. Nos dejaron caer que estaban interesados pero que todavía nos faltaba rodaje, y además todavía nos quedaba un disco para terminar el contrato con Listenable. Pero poco a poco fue cuajando y vieron que íbamos en serio, y además el sello se ha ido abriendo a otros estilos que no sean metal extremo. Todo influye”.

“NOS MOLESTA QUE NOS LLAMEN GRUPO TRIBUTO O CLONES. POR ESO TENEMOS CURIOSIDAD POR VER QUÉ DIRÁ LA GENTE CON ESTE DISCO”

ARMAND

Estáis en ese punto tan chungo de haber hecho mucho, pero en el fondo estar en la casilla de salida donde están todos los demás grupos que sacan un primer disco con un sello grande y les queda todo por hacer. ¿Cómo lo lleváis? LG “Si lo piensas fríamente no nos conoce casi nadie. Tenemos ganas de que salga el disco y hacer la gira para saber qué pasa. Con los años hemos aprendido a ni hacernos muchas ilusiones ni tampoco pocas. Ir haciendo. Pero es importante de vez en cuando recordar dónde empezaste y dónde estás ahora, porque si te 36

quedas con el día a día te puedes llegar a desesperar”. ARMAND “El disco es bueno, el sello apuesta, la gira es buena... todo lo que pueda pasar ya depende de la gente. Al final no hay explicación de por qué unos grupos funcionan y otros no”. En este nuevo álbum mostráis muchos más recursos y registros distintos que en los anteriores. Hay temas más alegres, otros más oscuros, influencias más melódicas del glam… ¿Era algo que teníais dentro pero no sabíais cómo

sacar? ¿O quizá es que no os atrevíais? LG “La idea era abrirnos más de mente. Lo cierto es que tanto en el primer disco como en el segundo me limitaba mucho y descartaba cosas si se salían de nuestra línea. Pero las experiencias que hemos vivido te afectan y eso se acaba plasmando en las canciones, es inevitable. Nosotros escuchamos música variadísima y en éste hemos querido hacer algo con lo que nos sintiéramos cómodos pero que fuera más diverso. También Century Media nos animó a ser más atrevidos y a que nos rompiéramos un poco más la cabeza. Es la típica cosa que te dicen

mente porque te comparen con AC/ DC, ya no te dará la oportunidad de escucharte. Nos molesta que nos llamen grupo tributo o clones. Por eso tenemos curiosidad por ver qué dirá la gente con este disco”. LG “El primer álbum era más AC/DC, pero es que éramos más jóvenes. Algunos de esos temas tienen diez años y es más fácil que caigas en querer imitar lo que te gusta. Pero nos hace gracia cuando nos dicen que no innovamos; al final el rock es rock”.

y no sabes muy bien cómo entender, pero ya con las demos vimos que nos saldría un álbum más variado”. ¿Hasta qué punto estabais hartos de las comparaciones con AC/DC y teníais ganas de sacaros la etiqueta de encima? LG “AC/DC es lo que nos impulsó a empezar con el grupo. Nos encantan, les queremos y siempre están ahí. Pero las comparaciones son odiosas. Hay gente que te lo dice de forma positiva, pero cuando te comparan con un grupo que está en otra esfera siempre tienes las de perder”. ARMAND “Hay gente que, simple-

Lo que sí conserva el disco es un sonido clásico, en el sentido de que habéis trabajado con equipos, digamos, vintage. ¿No os planteasteis, ya que os abríais compositivamente, actualizaros también en ese aspecto? ARMAND “Siempre hemos tenido claro el tema del sonido, pero ésta es la primera vez que hemos podido ir a un estudio de verdad, donde había una mesa como las que se utilizaban antes. Por fin hemos podido sonar como queríamos, grabando en cinta, masterizando en cinta… Es que antes no teníamos los mismos medios y no llegábamos”. LG “Los estudios anteriores comparados con Music Lan se quedaban muy atrás. Grabábamos en una habitación pequeña, y estaba guay, pero no podíamos trabajar el sonido como queríamos. Éste suena antiguo, pero suena grande. Antes sonaba más garajero”. ARMAND “Eso es también lo que nos decía Century. Que querían un sonido más grande. Yo creo que suena clásico, pero más actual”. ¿Y cuando Century Media os decía estas cosas, como con-

trapartida os daban los medios para hacerlo u os teníais que buscar la vida? LG “Sí, se han mojado. Para empezar fueron ellos quienes nos recomendaron el productor... Cosa que al principio nos descolocó un poco. Pero si hemos podido grabar en Music Lan y en Londres es porque la discográfica estaba detrás. Hasta ahora nos habíamos buscado la vida, pero llega un punto en que no puedes llegar a más”. Pues es raro que hoy en día un sello se implique así… LG “Sí, lo es. Pero es que cuando se dice que los discos de antes eran mejores, tiene que ver con eso. Antes un grupo podía ir dos, tres meses al estudio y tenían tiempo para probar diferentes cosas. Si Pink Floyd pudo hacer The Dark Side Of The Moon es porque estuvieron medio año en Abbey Road hasta tener el disco que querían”. ARMAND “Antes muchos discos se hacían en el estudio. Podían dedicar un día entero a probar una pista de guitarra. Ahora simplemente vas a grabarlo y cuanto más rápido, mejor”. Ya que mencionabais al productor, Jaime Gómez Orellano, yo tampoco es alguien que hubiera asociado con vosotros. ¿Quién tuvo que convencer a quién para trabajar juntos? LG “Los de Century le conocen bien y nos dijeron que era un friki de los equipos antiguos, pero luego escuchábamos lo que había producido y no nos cuadraba. Ha trabajado con Paradise Lost, Cathedral, Ulver, Ghost y un montón de grupos rarísimos que no nos sonaban de nada. Teníamos muchas dudas de que nos metiera un sonido moderno”. 37

“ES IMPORTANTE DE VEZ EN CUANDO RECORDAR DÓNDE EMPEZASTE Y DÓNDE ESTÁS AHORA, PORQUE SI TE QUEDAS CON EL DÍA A DÍA TE PUEDES LLEGAR A DESESPERAR”

ARMAND “Le conocimos en Londres cuando fuimos de gira con Audrey Horne y cuando hablamos con él, nos entendimos a la perfección. Nos dijo que tenía ganas de hacerlo porque era la primera vez que podía sacar ese sonido más clásico”. LG “Él suele grabar grupos de metal y más oscuros, y le flipa el black metal, pero nos decía que con lo que había crecido eran los Stones, Pink Floyd, Led Zeppelin, Queen…”. También hay que hablar de los cambios en la formación. ¿Cómo los habéis vivido desde dentro? Porque habéis llegado hasta aquí y se podía ir todo a la mierda… LG “Era el miedo que teníamos. Justo hace un año que pasó. Nosotros dos teníamos claro que había que continuar, porque no podíamos parar ahora”. ARMAND “De hecho, el fichaje con Century Media se retrasó por culpa de esto. No sabíamos si iba a afectar en algo”. LG “Incluso yo me fui a Alemania para explicarles lo que ocurría. Y por suerte me dijeron que seguían confiando y que cogiéramos a dos miembros nuevos y siguiéramos adelante. Queda feo decirlo, pero al final el grupo lo empezamos nosotros dos y somos nosotros dos”. En España puede quedar feo porque se tiene la idea de que los grupos son democracias, pero la realidad es que los grupos de fuera no lo son. Siempre hay alguien que corta el bacalao. LG “Cuando lees biografías o hablas

con los grupos lo ves. De hecho, cuando entrevisté a Nicke Andersson para vosotros me lo contó. Él al principio quería que fuera así, pero al final se dio cuenta de que no funcionaba porque todo va muy lento y tenía que hacer 50 llamadas para todo. Nosotros somos hermanos y lo tenemos todo muy claro”. Igual es porque se sigue teniendo la idea de que aquí los grupos son colegas que tocan juntos, no que son profesionales que alguien tiene que dirigir… LG “Así es. Pero tuvimos la suerte de encontrar a Andy y Guillem bastante rápido y pudimos hacer la gira que teníamos cerrada para otoño del año pasado. Como el primer concierto de la gira era en Essen, vinieron los de Century y cuando acabó el bolo nos dijeron que les había gustado y que todo seguía adelante. Fue un alivio”. ¿Os ha sorprendido poder encontrar a los nuevos miembros tan fácilmente? ARMAND “Totalmente. En un principio nos daba mucho miedo tener que cancelar la gira, pero nos pusimos a muerte a buscar con anuncios, en locales de ensayo, en portales… y también había gente que nos escribía que se había enterado. Andy contactó conmigo y a Guillem le conocíamos del bar Ballbreaker y también me dijo que quería probar como bajista. Coincidió que vinieron a probar los dos y vimos que había un rollo muy guapo”. LG “Pero nos la jugamos porque son muy jóvenes y no están curtidos. Pero ya les avisamos porque la primera gira entraron por la puerta grande, íbamos

en autobús y era súper relajada. No es lo habitual (risas)”. ARMAND “En general todo fue muy bien. Hay gente que te dice que le mola salir de gira y a los diez días ya se quiere volver a casa. Pero cuando volvimos, les preguntamos si querían seguir y los dos dijeron que sí”. Con los grupos guiris que habéis tocado, ¿qué feedback tenéis de ellos? ¿Os miran con superioridad u os tratan como iguales? LG “Con los Bullet moló mucho girar porque tenemos mucho en común y siempre venían a vernos. Con Audrey Horne también. Y nosotros con ellos igual. Incluso con Psychopunch, que son punk, salimos a cantar con ellos. Hay buen rollo”. ARMAND “A veces nos sentimos un poco solos porque lo que abunda más en todos sitios, aquí y fuera, es metal”. LG “Sí, pero incluso en los festis de metal gustamos porque agradecen que seamos diferentes. Supongo que cuando nos ven salir con los pantalones de campana piensan ‘vaya frikis’, pero luego ven que nos defendemos bien. Lo entiendo porque si te pasas diez horas escuchando thrash, al final te saturas”. La saturación está en todo. Hay diez mil grupos en cualquier subestilo. LG “Sí, por eso despuntar y llegar a cierto estatus cuesta tanto. Pero tampoco es imposible. Hay que seguir currando”.

5 SECONDS OF SUMMER

VERANO ETERNO

5 SECONDS OF SUMMER, EL ÚLTIMO FENÓMENO DEL POP PUNK, PUBLICAN SU SEGUNDO ÁLBUM SOUNDS GOOD FEEL GOOD CON LA ESPERANZA DE SACARSE DE ENCIMA LA (MALA) FAMA DE SER UN GRUPO PREFABRICADO. ¿LO CONSEGUIRÁN, O ESTÁN CONDENADOS PARA SIEMPRE A SER VISTOS COMO UNA BOY BAND CON GUITARRAS? TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

UENTA LA LEYENDA que todo empezó el 6 de noviembre de 2012. Ese día Louis Tomlinson, miembro de One Direction, escribió un tweet que cambiaría la vida de cuatro adolescentes de Sydney: “Llevo siendo un fan de este grupo durante un tiempo, todo el mundo a apoyarles”. Si hasta entonces Luke Hemmings (voz) y Michael Clifford (guitarra) se habían hecho conocidos por colgar versiones en YouTube que iban desde CeeLo Green a Mayday Parade, y con la incorporación de Calum Hood (bajista) y Asthon Irwin (batería) habían empezado a componer temas propios y a dar sus primeros conciertos, a partir de esa fecha su número de fans crecería hasta límites insospechados. En apenas cuatro año de existencia, 5 Seconds Of Summer han conseguido mucho más de lo que el 99,9% de los grupos consiguen en toda una vida. Al menos en términos comerciales... Increíblemente han sido el primer grupo de la historia en alcanzar el número 1 de ventas en Estados Unidos con sus dos primeros discos, hicieron dos giras mundiales por estadios abriendo para los propios One Direction (con quienes, oh sorpresa, comparten management), y en la actualidad se encuentran llenando por sí solos los pabellones más grandes que puedan albergar a los miles de adolescentes que les siguen (el 10 de junio estarán en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 11 en el Palacio Vista-

legre de Madrid). Pero naturalmente un ascenso tan meteórico también tiene su contrapunto, y en su caso han sido las duras, y lógicas, críticas de quienes no ven ellos más que un montaje ideado por algunas figuras con peso dentro de la industria y sin ningún tipo de credibilidad. No es un debate nuevo, al fin y al cabo es el mismo al que se enfrenta casi cualquier banda del género, desde Simple Plan a Paramore, que haya conseguido un éxito notable. Lo que ocurre es que el suyo es tan desmesurado, y en el fondo tan acorde con los tiempos, que es normal que la polarización entre seguidores y detractores sea igual de extrema. Objetivamente, la música que encontramos en su nuevo trabajo Sounds Good Feel Good (Capitol), que ha aparecido apenas un año después de su debut homónimo, no está demasiado lejos de la que Good Charlotte o All Time Low hayan podido ofrecer (de hecho, tanto los hermanos Madden como Alex Gaskarth, como su productor John Feldmann, han coescrito temas para ellos). Quizá por ello revistas como Rocksound, Kerrang! o Alternative Press no han dudado en colocarlos en portada, otorgándoles un poco de credibilidad a cambio de un previsible aumento de ventas y con la esperanza de que los chavalines que ahora escuchan a 5 Seconds Of Summer se fijen en otras bandas un poco más interesantes. Supongo que en otros tiempos algunas malas lenguas podrían haber dicho lo mismo de Rock-

Zone... Lástima que ahora seamos gratis, haters. Pero dejemos que sean dos de sus componentes quienes se defiendan. Hace un año y dos meses editabais vuestro primer disco. ¿Cuándo hicisteis el segundo? ASHTON IRWIN “Lo escribimos entre febrero y abril. Estuvimos viviendo juntos en L.A. en una casa con un estudio. Trabajamos con un buen equipo formado básicamente por John Feldmann y Mike Green. Lo pasamos muy bien. Grabamos todo lo que queríamos y sentíamos”. En el nuevo álbum mostráis más madurez musical... ¿Habéis madurado también como personas? CALUM HOOD “No creo que hubiéramos sido capaces de haber crecido musicalmente si no lo hubiéramos hecho como personas. Desde que acabamos el primer disco estuvimos girando durante mucho tiempo. Hicimos como 90 conciertos el año pasado, así que eso te ayuda a desarrollar tu sonido. Por eso este disco es mucho más compacto. Además, ya conocíamos a nuestros colaboradores y eso lo facilitó mucho”. ASHTON “Con el primer trabajo todavía estábamos aprendiendo a componer, pero ahora teníamos más clara la dirección de lo que queríamos hacer”. Actualmente todo el mundo 41

os conoce y las expectativas por parte de todos eran más altas. ¿Habéis tenido muchos ataques de ansiedad? CALUM “Intentamos no preocuparnos porque, efectivamente, había mucha presión. Pero el sello nos dijo que nos tomáramos nuestro tiempo para hacer el mejor disco posible. Nosotros somos muy perfeccionistas y nos hubiéramos tomado un año entero, pero eso es imposible. Teníamos mucho que decir y también mucho que demostrar”. Al igual que en vuestro primer álbum, habéis escrito los temas con algunos músicos muy conocidos dentro del 42

pop punk. ¿Cómo es trabajar con ellos? ASHTON “Varía mucho en cada caso. Nosotros siempre tenemos ideas con las que empezar, pero a veces alguien te presenta una idea que te gusta mucho y te gustaría desarrollar. O a veces simplemente empiezas de cero y lo haces todo colectivamente”. ¿Pero sentís que las canciones son menos vuestras por el hecho de que también estén firmadas por otra gente? CALUM “Creo que es más un esfuerzo colectivo por mostrar cómo nos sentimos. Cuando trabajamos con los hermanos Madden o con John Feld-

mann les podemos decir honestamente lo que sentimos y sobre lo que queremos escribir. Y ellos están muy abiertos a ayudarnos a conseguirlo. Sólo tenemos 19 años y sólo hemos hecho dos discos, así que somos novatos. Tener a gente con su experiencia y que ha escrito un montón de canciones es una bendición”. El primer disco hablaba básicamente sobre chicas. Ahora que me imagino tenéis mucha más experiencia en ese campo, ¿por qué no habláis tanto de ello en el segundo? ASHTON “Queríamos hablar de otras cosas. Hemos vivido muchas experiencias en el último año que

queríamos reflejar. Por eso es un álbum positivo y tiene ese título”.

profundos como hicieron Green Day”.

En ‘Hey Everybody’ hay una especie de homenaje a Duran Duran, pero por edad es más una banda que pueda gustar a vuestros padres que a vosotros, ¿no? CALUM “Yo escribí la melodía y Feldmann me dijo que le recordaba mucho al tema de Duran Duran ‘Hungry Like The Wolf’. Cada vez que la tocábamos para alguien, sonreían porque reconocían la melodía. Así que decidimos dejarla. Por eso les hemos puesto en los créditos. Personalmente me gustan mucho las líneas de bajo de sus temas”.

¿Mentalmente cómo lleváis el éxito? Es fácil que se os vaya de las manos... ASHTON “Es cierto que nos encontramos en medio del huracán muy pronto. Llevábamos un tiempo como banda, pero no dejábamos de ser cuatro chavales de una ciudad pequeña cerca de Sydney. Así que fue raro ver cómo todo el mundo opinaba sobre nosotros y también que hubiera tanta gente que quería escucharnos. Pero estás tan ocupado cada día que al final te acostumbras. Antes del grupo, yo no hacía nada, ni siquiera iba a la escuela, estaba tumbado en casa todo el día. Fue un cambio muy grande. Por eso apreciamos tanto lo que tenemos”.

¿Habéis notado si los medios os toman más en serio? ¿Notáis más respeto? ASHTON “Sí, pero creo que es porque hemos hecho un disco mejor. Mola que te respeten más como músico y creo que las nuevas canciones demuestran que hemos crecido. Ver que revistas de rock como la vuestra nos prestáis atención está muy bien. Pero al final lo que nos importa es que los fans disfruten de la música y vengan a los conciertos”. ¿Os veis en el futuro haciendo discos más serios como Green Day hicieron con American Idiot, por ejemplo? CALUM “Sí, creo que sí. Estamos en nuestro segundo disco, pero me encantaría hacer un álbum conceptual en el futuro. Por ahora no sé lo suficiente de política como para escribir un disco entero en torno a eso, pero me encantaría desarrollar temas más

¿Y os han salido muchos amigos por interés, o incluso parientes lejanos que quieran aprovecharse? CALUM “Creo que hemos tenido suerte porque no hemos visto mucho de eso. Además, creo que somos buenos juzgando las intenciones de la gente. Entre los cuatro sabemos detectar cuándo alguien quiere aprovecharse, pero ya te digo que afortunadamente apenas nos hemos encontrado en esas situaciones”. Habéis tocado en estadios, ahora estáis girando por arenas... ¿Qué os pasa por la cabeza cuando salís al escenario? ASHTON “Es simplemente emocionante. Queremos que la gente lo pase lo mejor posible y disfrute de la

“NO CREO QUE HUBIÉRAMOS SIDO CAPACES DE HABER CRECIDO MUSICALMENTE

SI NO LO HUBIÉRAMOS HECHO COMO PERSONAS” CALUM HOOD experiencia. Es muy importante vivir el momento y disfrutar mientras tocamos. Es lo esencial”. De igual manera que One Direction os dieron una gran oportunidad, ¿ahora que está en vuestras manos pensáis hacer lo mismo con algún grupo? CALUM “Nos sentimos muy agradecidos por lo que One Direction hicieron por nosotros y nos inspiró mucho a la hora de meternos más en el negocio. Hemos fichado a nuestro primer grupo para nuestro sello, Hi Or Hey Records, y nos los llevamos de gira. Se llaman Hey Violet y son un gran grupo”. ¿Os da miedo que todo sea un sueño y que un día os despertéis y todo desaparezca? ASHTON “No damos nada por sentado. Apreciamos muchísimo lo que tenemos. Si estamos aquí es por los fans y cada día tenemos que demostrarles lo mucho que significan para nosotros. Queremos hacer esto durante mucho tiempo y hacer mucha más música”.

BARONESS

EL PRÓXIMO 18 DE DICIEMBRE BARONESS COMPLETARÁN SU PARTICULAR ESCALERA DE COLOR CON LA EDICIÓN DE SU NUEVO DISCO PURPLE. TRES AÑOS DESPUÉS DEL TRÁGICO ACCIDENTE DE AUTOBÚS QUE SUFRIERON EN INGLATERRA Y QUE DEJÓ AL GRUPO AL BORDE DEL COLAPSO, VUELVEN CON UNA FORMACIÓN RENOVADA Y UN SORPRENDENTE VITALISMO MUSICAL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO EN JULIO de

2012, Baroness lanzaban su tercer trabajo, un doble álbum titulado Yellow & Green, todo apuntaba a que la banda de Savannah, Georgia, pegaría el estirón definitivo en términos de popularidad. Al igual que Mastodon, antes, o Red Fang, después, parecía que habían logrado llegar más allá del círculo stoner metal del que habían surgido para alcanzar a un público rockero más amplio. Si Baroness ya contaban con el beneplácito de la prensa especializada (su debut Red de 2007 fue el disco del año de la revista americana Revolver y su segundo, Blue, de 2009, de la revista extrema Decibel), con Yellow & Green, menos duro y más cercano al rock alternativo, habían colado algún tema en la radio y entrado en el Top 30 de las listas de ventas de su país. Sin embargo, apenas un mes después, el autobús de gira en el que viajaban por Inglaterra se salía de la carretera y se precitaba diez metros por un barranco. Milagrosamente ninguno de los pasajeros falleció, pero el cantante y guitarrista John Baizley se rompió un brazo y una pierna, y la sección rítmica, formada por el bajista Matt Maggioni y el batería Allen Blickle, salía del accidente con varias vértebras fracturadas; el guitarrista Pete Adams sólo sufría los inevitables cortes, golpes y quemaduras. Naturalmente, todos los planes que tenían por delante quedaron cancelados. Baizley estuvo ingresado durante dos semanas y media en un hospital y tardó varios meses en recuperarse. Cuando lo hizo, él y Adams decidieron seguir adelante con el grupo que habían formado en 2003... Pero no

todos lo veían de igual manera y tanto Maggioni como Bickle decidían abandonar amistosamente. Para recomponer la formación, Baizley pidió consejo a sus amigos. Brann Dailor de Mastodon le recomendó a Sebastian Thomson, del grupo de post rock Trans Am, y una amiga suya le dijo que Nick Jost era el mejor bajista que había visto en mucho tiempo. Tanto el uno como el otro encajaron como un guante, y en la primavera de 2013 el grupo se embarcaba en una gira para recordarle al mundo que seguían vivos. A excepción de algunas fechas en Australia en 2014, los nuevos Baroness se dedicaron a componer el material de su siguiente disco. Para grabar Purple, que editan a través de su recién creado sello Abraxan Hymns siguiendo con el espíritu DIY de sus inicios, Baizley decidió acudir a uno de sus productores favoritos, Dave Fridmann, el hombre detrás de algunos de los discos más celebrados de los Flaming Lips, Low o Spoon. Una elección un tanto extraña viniendo de un grupo asociado al metal, pero totalmente coherente con la visión artística que tiene Baizley de todo lo que hace. No en vano también es ilustrador, y sus dibujos han adornado portadas de grupos como Kvelertak, Black Tusk, Skeletonwitch, además de las de los mismos Baroness. Purple es una colección majestuosa de canciones donde confluyen influencias del rock clásico con eufóricos solos de guitarra, pasajes de pura elegancia con la densidad de su pasado metalero y mucha sensibilidad melódica. Si el color elegido para titular su nuevo trabajo es el mismo que el de un moratón, escuchando Purple y al propio John Baizley en la charla que mantuvimos a principios de

“NUESTRA ESPERANZA ES QUE LO QUE PERDURE, DEL GRUPO Y DE PURPLE, ES QUE USAMOS LA MÚSICA PARA SUPERAR ALGO QUE PODRÍA HABERNOS DESTRUIDO. SI HAY ALGUNA LECCIÓN QUE APRENDER ES ÉSA” J

noviembre, queda claro que sus heridas están prácticamente curadas. Considerando todo por lo que habéis pasado, ¿cómo te sientes con el hecho de que Purple simplemente exista? JOHN BAIZLEY “Para mí es todo un éxito. Sería de tontos no pensar así. Era muy improbable que pudiéramos hacer otro disco”. Después del accidente, ¿tuviste dudas sobre si seguir adelante o no con el grupo? Tengo entendido que James Hetfield te animó a seguir... “Sí, hablé con él porque como todo el mundo sabe, Metallica vivieron una tragedia todavía aún mayor que la nuestra. Me dijo “La vida va a ser difícil durante un tiempo, pero te pondrás bien. Lo superarás”. Y una vez hice mi recuperación y empecé a volver a tocar la guitarra, pensé ‘Sí, lo he superado. El grupo no está acabado’”. Cuando habéis salido a tocar, ¿eres ya capaz de subir a un autobús y estar completa-

mente tranquilo? “Sí, del todo. Soy totalmente capaz y para mí sigue siendo muy divertido y motivador salir de gira. Uno podría pensar que podría ser una causa de ansiedad, pero por ahora todo ha ido bien. Tenemos muchas ganas de poder volver a España porque con el anterior no pudimos hacerlo”. ¿Crees que el accidente eclipsó totalmente Yellow & Green, o que al final los discos sí tuvieron el reconocimiento que merecían? “Es difícil de decir. Yo creo que merecían el reconocimiento por ellos mismos, dejando de lado todo el drama que los rodeó. Mucha gente con la que trabajamos nos dijo que teníamos que prepararnos para lo que vendría después a nivel mediático, es decir,

que todo se centraría en el accidente. Pero el accidente era tan reciente, que en ese momento ni nos preocupaba. Pero tras recuperarnos estuvimos nueve meses girando para recordarle a nuestro público que seguíamos ahí. No se trataba de promocionar el disco, sino de dar las gracias a la gente por seguir apoyándonos. No es que seamos una banda de radio, pero cuando salió Yellow & Green, en Estados Unidos algunas emisoras empezaron a pinchar nuestras canciones y para mí fue interesante porque no nos había ocurrido antes. Pero después del accidente dejaron de hacerlo y algunas cadenas de tiendas también dejaron de pedir nuestros discos. Me rompió el corazón, pero tampoco puedes cabrearte, es como funciona la industria. Así que cuando salimos de gira también quisimos dar las gracias a las

que no habían actuado así. Por eso esa gira se centró en eso, más que en Yellow & Green. Pero esta vez será distinto y podremos centrarnos en disfrutar tocando los temas de Purple”. Una de las cosas que me gusta más de Purple es que no tiene un tono oscuro o depresivo, es más bien triunfal. ¿Es un reflejo de la actitud que tomaste para superar todas las dificultades? “La respuesta es sí, lo cual incluso me sorprende a mí mismo porque mi tendencia natural hubiera sido hacer algo muy oscuro. Pero yo no soy la única persona del grupo, y el hecho de tener a nuevos miembros tuvo una gran influencia. Teníamos que dejarles aportar para que se integrasen, y lo que recibíamos del nuevo bajista y el nue-

BARONESS vo batería era un entusiasmo total. Estuvimos un año girando con ellos y desarrollando una nueva relación antes de ponernos a componer. Tanto ellos dos, como Pete, querían hacer algo con mucha energía porque era lo que sentían. Me dijeron de manera muy explícita que querían eso. Además, aunque se convirtieron en miembros del grupo, también tenían una perspectiva externa y querían, en cierta manera, celebrar lo que Baroness significa para ellos. Hubiera sido injusto que el disco simplemente fuera un reflejo de la experiencia que Pete o yo habíamos vivido, porque eso era totalmente ajeno a los otros dos”. No querías convertir el disco en una sesión de terapia… “Exacto, aunque internamente para mí fuera inevitable que así fuera, pero como colectivo estábamos viviendo un gran momento, un momento de renacimiento. Ya que tuvimos que pasar el cambio de formación, aunque no era lo que queríamos, decidimos verlo como algo positivo, como una oportunidad para mejorar y crecer y no sólo para volver al punto en el que estábamos antes del accidente. Ni que hubiéramos tenido un hit universal y nos hubiéramos convertido en superestrellas, no estoy interesado en repetir una 48

“NO ESTOY INTERESADO EN REPETIR UNA FÓRMULA, ESTOY INTERESADO EN HACER MÚSICA COMO FORMA DE ARTE. Y EL ARTE TE EMPUJA SIEMPRE HACIA DELANTE”

fórmula, estoy interesado en hacer música como forma de arte. Y el arte te empuja siempre hacia delante. Te empuja como músico y empuja a tu público también. El arte no tiene que ser una repetición previsible de unas notas para conseguir una respuesta previsible. Para nada. Lo interesante es hacer algo nuevo. Hacemos música en un formato, con dos guitarras, bajo y batería, que ya se ha utilizado antes en el rock, en el heavy metal, en el punk y en el hardcore, y el desafío es intentar hacer algo nuevo. No sé si lo conseguimos, pero el hecho de intentarlo ya te inclina a sonar distinto. Es muy difícil de describir, pero eso es lo que hacemos”. Me gustaría que aclarases si el hecho de que Matt y Allen dejaran el grupo fue una consecuencia directa del accidente o hubo otros factores, porque no lo tengo claro. “Sí, lo dejaron por el accidente. Sus heridas, como las nuestras, fueron físicas y mentales y provocaron que hacer música fuera muy difícil. Cuando nos dijeron que no querían seguir en la banda, no nos sorprendió. Cuando pasas por algo así, te provoca un trauma y cada persona responde de una manera distinta. Es interesante ver

cómo cada persona responde de manera distinta a un mismo incidente. Pete y yo fuimos comprensivos, no puedes discutir con alguien que te dice que no puede seguir. Dejando de lado las lesiones en la espalda, tienes que respetar que sintieran ansiedad y miedo por volver a salir de gira. Caímos por un precipicio con un autobús de gira y si no quieres volver a encontrarte en esa situación, no puedo culparte por ello. Pero dicho esto, para Pete y para mí seguir adelante era nuestra manera de superar el trauma”. A la hora de escribir las letras de Purple, ¿te costó encontrar un equilibrio entre no omitir el accidente pero a la vez, no centrar todo el álbum en él? “Me gusta mucho esta pregunta. Necesitaba lidiar con el accidente a mi propia manera, y creo que eso se manifestó principalmente en las letras. Pero como decía antes, la mitad del grupo no lo había experimentado, así que el equilibrio se consiguió mediante la vitalidad y energía de la música. Musicalmente hay momentos de triunfo, de esperanza, de optimismo, mientras que las letras son un poco más oscuras”. Antes decías que te gusta pro-

bar siempre cosas nuevas. ¿El hecho de que Sebastian provenga de un grupo como Trans Am y que hayáis trabajado con un productor ajeno al metal como Dave Fridmann, son elementos que te ayudan a diferenciar a Baroness de otras bandas de heavy rock? “Sí, desde luego. Nunca me ha interesado sonar como una banda de heavy rock o hacer las cosas como hacen los demás. Creo que la repetición de una fórmula es lo que hace que se mate la pureza o belleza de la música. Por eso solemos trabajar con productores que no están familiarizados con la

música que hacemos. Es la manera de que puedan aportar algo nuevo, fresco y original. Es la manera en la que pueden desafiarnos como músicos y también desafiar a nuestro público. Como artista necesito tener retos ante mí. La mayoría de nuestros contemporáneos trabajan con los mismos productores, pero creo que es mucho mejor arriesgar y hacerlo con gente ajena a este mundo. Creo en el riesgo. Es importante arriesgarte y salir del contexto que conoces para redescubrir lo que haces. Dave Fridmann estaba en mi lista de productores con los que trabajar desde que empezamos, pero nunca pensé que pudiéramos conse-

guirlo. Sorprendentemente dijo que sí, y para mí fue importante tener un par de oídos con unos referentes distintos”. A pesar de todo esto, hay algo en vuestro sonido que está presente en todos vuestros discos. Hay algo ahí, no sé si la manera en la que dobláis las voces o la reverb de las guitarras, que hace que Baroness suene a Baroness. Supongo que lo que quiero preguntarte es si sabes exactamente qué es. “No creo que sean las voces porque no las doblamos siempre. Me gustaría 49

“CAÍMOS POR UN PRECIPICIO CON UN AUTOBÚS DE GIRA Y SI NO QUIERES VOLVER A ENCONTRARTE EN ESA SITUACIÓN, NO PUEDO CULPARTE POR ELLO. PERO DICHO ESTO, PARA PETE Y PARA MÍ SEGUIR ADELANTE ERA NUESTRA MANERA DE

SUPERAR EL TRAUMA”

pensar que eso que intentas describir es el hecho de que sonamos como nosotros mismos. Queremos dar a nuestro público la representación más fiel e interesante de lo que somos. Yo tengo una voz peculiar, tenemos una manera de tocar peculiar y tenemos la habilidad para moldearla. Tenemos algunos elementos musicales que utilizamos a menudo y que nos otorgan esa personalidad. No intentamos parecernos a otras bandas, aunque es inevitable que suceda, pero al final lo más importante es que lo que hacemos sea lo que nos gustaría escuchar si lo hiciese otra banda”. ¿Hubo algún disco o discos en particular que te ayudaran mientras te estabas recuperando? “En realidad, no. No hubo un disco en particular que me inspirara, pero escuché muchísima música. Cada día escuchaba un álbum que no había oído antes. Para mí es importante ser

un oyente educado de la misma manera que me gusta ser un músico educado. Es posible que eso tuviera algún efecto, pero no estoy seguro. Pero las influencias más importantes que podamos tener son las menos obvias. Normalmente me inspiran ideas en discos que no tienen nada que ver con nosotros. Lo mejor es aprender de lugares donde no lo esperarías. No queremos ser una banda limitada. Para mí sería una tortura pensar que hay cosas que no podemos hacer porque no encajan en nuestro estilo o pueden molestar a nuestro público. Creo que a estas alturas nuestro público ya sabe que podemos hacer cualquier cosa. Empezamos a hacer música con la premisa de que nunca nadie nos diría qué podíamos hacer o dejar de hacer. Y cuanto más fieles somos a esa idea, mejor música hacemos”. A menudo se culpa al público, los medios o los sellos de, en cierto modo, limitar la creatividad, ¿pero al final no crees que la mayor responsabilidad es de los músicos? “Sí, claro. Si logras sobrevivir en la industria musical durante suficiente tiempo, te das cuenta de que hay unos patrones que funcionan. Pero eso no es para nosotros, lo dejamos para los demás. No quiero tener nada que ver con eso. No importa si funciona para otro porque no funciona para mí. Si podemos ser un signo de que se puede vivir en esta industria que no para de vomitar música plana y sin alma con letras que parecen escritas por niños, entonces es un éxito. En lugar de criticar la industria, hay que hacer algo al respecto. El estado de la música es responsabilidad de los músicos”.

Una última pregunta: mucha gente dice que tras pasar por una situación traumática, tus prioridades en la vida cambian, pero en tu caso, parece que el compromiso con el grupo es incluso mayor que antes. ¿En ningún momento pensaste en que la música debía pasar a un segundo plano? “Lo que pasó es que todo se convirtió en más importante. Todo subió a otro nivel. El amor hacia nuestras familias, el compromiso con la música, el compromiso con el grupo… Así que no cambió nada, pero todo se elevó. Y nos dimos cuenta de que teníamos una nueva historia que contar. Sabemos que en la historia del grupo, ese accidente va a ser una parte fundamental, pero nos resistíamos a que fuera el principio y el final de todo. Nuestra esperanza es que lo que perdure, del grupo y de Purple, es que usamos la música para superar algo que podría habernos destruido. Si hay alguna lección que aprender es ésa. Tú, yo, cualquier persona, puede pasar por una situación extrema, pero lo que parece el final de algo puede ser el principio de otra cosa. Si podemos servir como un ejemplo positivo de eso, me daré por satisfecho. Creo que es un mensaje muy puro, muy real de lo que el grupo significaba antes del accidente. No es que me alegre de que pasáramos por ello, pero ya que lo hicimos, al menos pudimos aprovecharlo para aprender algo”.

ESCUELA DE ODIO

NO PASARÁN

DURANTE MÁS DE DOS DÉCADAS ESCUELA DE ODIO HAN SIDO EJEMPLO DE MILITANCIA OBRERA, PERO SI TODAVÍA HAY QUIEN LES CONSIDERA UNA BANDA DE VERBENA, DESDE LUEGO ES QUE NO HA ESCUCHADO SÓLO NOS QUEDA LUCHAR. PARA LOS ASTURIANOS, COMBATIR LAS INJUSTICIAS Y DESIGUALDADES CON MÚSICA NO ES UNA OPCIÓN. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

AN SIDO VARIOS meses de preparar a conciencia su nuevo lanzamiento, Sólo Nos Queda Luchar (Potencial Hardcore), pero por fin Escuela De Odio pueden respirar tranquilos. El álbum colma cualquier expectativa que puedas tener puesta en ellos, y además, consigue plenamente uno de los objetivos que, indirectamente, la banda de La Felguera también se había propuesto: terminar de una vez por todas con esa imagen que gran parte del público tiene de ellos, ésa que los identifica como a una formación de fiesta, calimochera, de nula agresión musical. Escuchando su reciente obra, está claro que Pirri (voz), Marki (guitarra), Sabi (bajo), Jorge (batería) y sobre todo Nefta, su nueva incorporación para la guitarra y más conocido por ser el frontman de Sound Of Silence, han querido ahondar en su faceta más crossover thrash, dotando de mayor músculo y pegada a su hardcore punk ya conocido por todos. Los que les siguen desde siempre tampoco deben preocuparse, porque pese a ese giro hacia tesituras más contundentes, existiendo también hasta cierto cambio de imagen, la esencia de los Escuela de toda la vida se mantiene con creces en su nuevo trabajo. Sólo Nos Queda Luchar no se anda por las ramas… ‘Fuck

The Police’ ya lo deja muy claro desde el principio. ¿Por qué un tema así y en inglés para abrir? ¿Quizá precisamente para destacar la idea que he comentado? PIRRI “‘Fuck The Police’ es una expresión que suele salir en nuestros conciertos habitualmente entre tema y tema. Queríamos incluir un corte en el disco que hablara de la represión y la violencia policial, cada vez más a la orden del día, y mucho más presente de lo que nos hacen creer los medios de comunicación. Así nos salió, un tema rápido, directo, sin rodeos, y así decidimos abrir el álbum”. Quizá es reiterarse en cada entrevista, pero imagino que el difícil momento socioeconómico que estamos viviendo es una enorme fuente de inspiración para cualquier banda combativa, en este caso, la vuestra. “Por supuesto. La situación por la que estamos atravesando aquí y en muchos países del mundo da bastante que pensar. Los problemas que estamos viviendo, culpables de ello los gobernantes y el poder económico, nos daría material suficiente para escribir 400 canciones. No paramos de ver ante nuestros ojos situaciones dramáticas, corrupción, paro, desahucios, pobreza, pérdida de derechos fundamentales… Esto es indignante…”.

‘Puertas Cerradas’ identifica claramente lo que esta crisis ha sido para las clases populares: una estafa para destruir todo lo conseguido, para condenarnos a la miseria de nuevo. ¿Estamos peor que nunca, al menos desde que nos encontramos en esto a lo que llaman ‘democracia’? “Esto a lo que ellos llaman ‘democracia’ ha sido una farsa desde sus inicios, pero en estos momentos creemos que ha tocado fondo. ‘Puertas Cerradas’ también ha sido un tema por el que nosotros hemos pasado de forma personal con el drama del paro o la precariedad laboral. También quisimos enfocarlo de una manera más positiva, queriendo dar ánimo y aliento a todas esas personas que están atravesando momentos difíciles debido a estas circunstancias. Nos tocó vivirlo en nuestras propias carnes, en nuestros vecinos, amigos, familiares…”. Sólo Nos Queda Luchar… ¿O ya ni eso? ¿Cómo se cambia el cerebro de tantos millones de borregos y de quienes mueven los hilos a su antojo? “Creemos que la necesidad hace la causa y dicha necesidad construye los motivos por los que mantener viva la lucha. Está claro que el poder oculta la realidad y el borreguismo es una estrategia que ellos usan a través de la mentira, la omisión de 53

información, la presión sobre medios de comunicación y sociales...”. Pasando a un plano más musical, la entrada de Nefta de Sound Of Silence a la guitarra diría que se nota, sobre todo, en el tema ‘El Monstruo’. Los primeros compases son muy de los primeros Iron Maiden, una de sus debilidades, y la canción incluso cuenta con blast beats y sus típicas voces rasgadas… ¿Estoy en lo cierto? “Nefta es amigo y conoce a la banda desde que era prácticamente un niño. Sí que concretamente ese tema se nota su aportación en la composición del nuevo disco… Ahora mismo tenemos una formación muy sólida basada en la amistad y las ganas de 54

trabajar en la banda, no sólo por la entrada de Nefta, sino por el buen ambiente que se respira en los ensayos, en las horas de furgoneta, sobre el escenario… realmente nos sentimos como si fuéramos una familia”. ‘Carne En La Alambrada’, ‘Miedo Y Represión’ o ‘Maldito Poder’ tienen vuestra esencia, por supuesto, pero no dejan de ser muy metaleras y contundentes también. ¿Es ésta quizá vuestra obra más crossover thrash, pese a seguir en el hardcore punk? “Pensamos que es nuestro disco más maduro. Quizás en éste se note más esa influencia que tenemos del clásico hardcore, de las primeras bandas de thrash de los 80 y por supuesto, del punk. Vemos que todo esto ha queda-

do bien reflejado en los doce temas del disco”. La guinda en cuanto a tralla se la lleva ‘Control’, que quizá está entre lo más bruto que hayáis publicado, pero luego ‘1 De Mayo’ trae el equilibrio con su punk rock. Musicalmente, ¿de esto va Sólo Nos Queda Luchar, de equilibrar vuestra faceta más punk con la más dura? “Los temas han salido de la manera más honesta, sin pretenciosidad y sin buscar algo concreto. Se han construido de forma totalmente natural en el local de ensayo, llevando una idea base y con la aportación de los cinco. Sobre lo de incluir temas tan cortos y rápidos como ‘Control’ es algo que está dentro de la esencia de

la banda, nos gusta que cada álbum contenga alguna canción así de rápida y de pocos segundos, y es algo que siempre haremos”. A primera vista, a una banda que lleva desde el año 93 puede parecer que no le queda nada por hacer, pero últimamente os estáis acostumbrando a cruzar el charco y a tocar en Latinoamérica… De hecho, ‘Imparables’ va de eso, es una autoafirmación y todo un guiño hacia esas latitudes. ¿Cómo os van las cosas por ahí? ¿Cuándo y dónde es vuestra próxima visita a Suramérica? “El tirón que la banda tiene en Latinoamérica nos ha cogido a todos un poco por sorpresa. Sí que éramos conscientes de que allí el grupo tenía repercusión debido a los 23 años de trayectoria, pero no hasta este punto. Fue algo emocionante ver salas llenas con todos los asistentes cantando nuestros temas. Es algo que nos agrandó el corazón y que nos obliga a intentar regresar tan pronto como nos sea posible. Hubo conciertos que quedarán grabados en nuestra memoria para siempre, como los de Santiago de Chile, Bogotá, México D.F. o Guadalajara. En marzo volveremos de nuevo a Chile y nos meteremos por primera vez en Argentina”. ¿Y qué hay del Estado español? ¿Qué planes de gira tenéis por aquí? “En estos momentos están a punto de cerrarse todas las fechas de presentación del disco. Haremos las principales ciudades, incluida la presentación en Asturies junto a dos

bandas amigas. De cara al año que viene estamos cerrando la gira por Chile y Argentina prevista para marzo y ya en verano nos queremos enfocar hacia la temporada de festivales. Este último año hemos estado bastante encerrados por la preparación del álbum, dando pocas fechas, pero con su salida no pensamos parar en una buena temporada”. Tras tantos años en la brecha, de compartir escena o influencias con grupos como Habeas Corpus, Anestesia, Def Con Dos, Soziedad Alkoholika… ¿Cómo veis el panorama hardcore punk reivindicativo de aquí? En este país, ¿las nuevas bandas han perdido la mala folla de izquierdas en favor de los peinaditos, los endórsers y demás pijadas consumistas? “Con algunas de las que nombras, como Soziedad Alkoholika o Habeas Corpus, nos unen muchos años de amistad o de relación personal, y creemos que su mensaje está fuera de postureos o moderneces. Pero también hay otras que cuando ven que su carrera no termina de despegar no dudan en vender su imagen o su identidad al servicio del consumismo o de ganar algo más de popularidad”. Desde luego, con nuevas canciones como ‘Puta Patronal’ o ‘No Pasarán’, esto no es algo que se le pueda achacar a Escuela De Odio… “Esto ni va con nosotros ni es algo que nos quite el sueño realmente, cada uno es libre de tomar su opción y luego el público es quien decide

“ESTO A LO QUE ELLOS LLAMAN ‘DEMOCRACIA’ HA SIDO UNA FARSA DESDE SUS INICIOS,

PERO EN ESTOS MOMENTOS CREEMOS QUE HA TOCADO FONDO” PIRRI qué es lo que quiere consumir. Nosotros sólo pretendemos enviar un mensaje sincero de unidad, de conciencia de clase, de solidaridad obrera, de lucha en las calles… y aquí no tienen cabida los postureos, ni las modas, ni las estrellitas del rock”. Por desgracia, no contáis con la entidad de unos KOP, Berri Txarrak o Soziedad Alkoholika, pero igualmente, ¿alguna vez habéis topado con el integrismo fascista en Asturias o en cualquier otro lugar del Estado? “Sí que hemos tenido problemas en algunas ciudades de este país o incluso de Europa cuando vieron nuestro nombre en los carteles. Críticas sobre todo provenientes del Partido Popular, acusándonos de antisistemas. Lo único que consiguen es alimentar nuestra rabia, y nunca conseguirán silenciarnos. Es lamentable la situación que han tenido que vivir, por ejemplo, nuestros compañeros de Soziedad Alkoholika, sometidos a la censura total. Ahí volvemos a ver el reflejo de la democracia y de la falta de libertad de expresión que tenemos en este país”.

IGNITE

LOS DIEZ LARGOS AÑOS QUE SEPARAN OUR DARKEST DAYS DEL NUEVO ÁLBUM DE IGNITE HAN SIDO UNA AUTÉNTICA ODISEA PARA SUS COMPONENTES. PERO COMO BIEN DICE EL REFRÁN, LO QUE NO TE MATA TE HACE MÁS FUERTE, Y LOS DE ORANGE COUNTY REGRESAN POR LA PUERTA GRANDE PARA CONTINUAR OFRECIENDO BATALLA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

I UNO ECHA UN vistazo a la discografía de Ignite, queda claro que no son un grupo especialmente prolífico, que digamos. En más de dos décadas de existencia, apenas cuentan con cuatro trabajos de estudio. Eso sí, pueden presumir de que el hasta ahora último de ellos sea una de las mejores obras de hardcore melódico que se hayan publicado en lo que llevamos de nuevo milenio. Our Darkest Days puso finalmente en el mapa al combo de Orange County gracias a un buen puñado de temas redondos y muy especialmente a la poderosa voz de su cantante Zoli Téglás. Aquel álbum acabó convirtiéndose en el más exitoso de su carrera, llevándoles a girar por todo el globo durante más de tres años. Pero justo cuando todo parecía ir sobre ruedas para comenzar a preparar su continuación, ocurrió un hecho que hizo que los planes de Ignite se viesen ralentizados. Zoli fue elegido para sustituir a Jim Lindberg al frente de Pennywise. A pesar de que en ningún instante Ignite cesaron su actividad sobre los escenarios, resultaba evidente que compatibilizarlo junto a

la agenda del combo de Hermosa Beach no haría más que retrasar la salida de un nuevo álbum. Sin embargo, el destino guardaba otro inesperado giro en toda esta historia cuando a finales de 2012 y tras haber publicado All Or Nothing, el mejor disco en años de la formación, Téglás tuvo que abandonar Pennywise por sus problemas de espalda, haciendo que Lindberg regresase a su puesto inicial. Una lesión que curiosamente no le impidió centrarse nuevamente en Ignite, aunque hemos tenido que esperar aún más de la cuenta para que los californianos pusiesen fin a una sequía discográfica de casi una década. Y lo mejor es que a pesar de todo este culebrón, A War Against You (Century Media) no defrauda en absoluto. Para conocer mejor la situación actual del combo, su bajista y miembro fundador, Brett Rasmussen, se puso en contacto con nosotros antes de que él y el resto de sus compañeros (los guitarristas Brian Balchack y Kevin Kilkenny junto al batería Craig Anderson) se embarquen en otra interminable gira que seguramente les mantendrá ocupados durante una buena temporada.

Me gustaría empezar desde el principio. ¿En qué punto os encontrabais después de haber publicado Our Darkest Days y girar con éxito durante un par de años? ¿Cuáles eran vuestras intenciones en ese primer momento? BRETT RASMUSSEN “Durante la gira de Our Darkest Days en un principio nuestro plan era estar tocando durante un año y medio o dos y entonces comenzar a preparar un nuevo disco. Ésa era nuestra idea; girar durante 2006, 2007 y hasta el verano de 2008 y empezar a componer. Pero resultó que el disco fue haciéndose cada vez más popular, crecimos muchísimo y cada vez más nos ofrecían tocar en festivales más grandes, giras con otros grupos y poder ir a otros países diferentes y nuevos como en Asia u otras partes de Europa donde nunca habíamos estado antes. Así que pensamos: ‘Hey, giremos en 2009, encabecemos estas giras y vayamos a los grandes festivales’. Y así fue, acabamos en 2009 tocando en el Persistance Tour y ése iba a ser el final de la gira y el punto de partida para el nuevo álbum”. Fue entonces, en 2009, cuando Zoli se incorporó a Pennywise para cubrir la baja de Jim Lindberg. A pesar de que Ignite seguisteis como grupo girando por todo el mundo, ¿llegasteis a temer por la continuidad del grupo? “No, para nada. A finales de 2009 vimos como Jim se marchaba de Pennywise, lo cual para nosotros, como seguidores de Pennywise, fue algo terrible y pensábamos que ése sería el fin del grupo. Entonces los chicos 58

“LA GENTE ESTÁ SIENDO MANIPULADA PARA HACER EXACTAMENTE LO QUE LAS GRANDES CORPORACIONES Y LOS GOBIERNOS QUIERAN, PARA ASÍ PODER TENER MÁS CONTROL SOBRE NOSOTROS TANTO COMO LO NECESITEN PARA MANTENER ESE PODER”

nos preguntaron que si nos parecía bien que probasen a Zoli como cantante. Pensamos que era una buena oportunidad para él a nivel personal y también para que Pennywise pudiesen continuar dando conciertos y haciendo discos con un cantante fantástico. Nos pareció perfecto, no tuvimos ningún tipo de problema. La única parte mala era que no teníamos muchas ocasiones para ponernos a trabajar en el nuevo material, pero seguimos girando de vez en cuando siempre que la agenda de Pennywise lo permitía. Algunas veces la vida da un giro y aparecen oportunidades que tienes que coger”. ¿Y qué te pareció All Or

Nothing? Hay gente que piensa que es incluso lo mejor que Pennywise han llegado a grabar jamás... “Creo que es genial. El tema que abre el disco mola mucho. Ésa fue la primera canción que escuché y poco después ‘Let Us Hear Your Voice’ sonaba en todas la radios del sur de California. Recuerdo que iba conduciendo en mi coche mientras escuchaba la emisora de rock de aquí que la estaba pinchando y sonreía pensando: ‘Ése de ahí es mi cantante sonando en la radio en una canción de Pennywise’. Fui a verles a varios conciertos. Moló mucho, la verdad. Creo que el disco es igual de bueno que la mayoría de los que Pennywise han hecho. Sin

bíamos que tendríamos tiempo para hacer otras cosas, lo cual fue estupendo para todos. Nuestro batería, Craig, toca en Strife y estuvo girando con ellos. Brian comenzó a hacerlo en Into Another y grabaron un disco. Así que todos estábamos de gira y probando cosas nuevas, pero al mismo tiempo fue fundamental para darnos cuenta de cómo de importante era Ignite y que necesitábamos hacer un nuevo álbum. Ver cómo la gente de todo el mundo nos hablaba del grupo fue una gran motivación. Tras volver de Pennywise, Zoli me comentó de que en las entrevistas siempre le preguntaban por Ignite, y a mí me pasó lo mismo cuando estuve con Nations Afire. Fue genial comprobar que había tanta gente esperando escuchar algo nuevo por nuestra parte”.

duda es de mis favoritos”. Sin embargo, en 2012 Zoli se vio obligado a dejar Pennywise debido a una lesión de espalda. Desde entonces han surgido algunos rumores sobre que hubo problemas entre él y los chicos de la banda, pero parece que no es cierto... “No, no hubo problemas de ningún tipo. Ya sabes que los grupos siempre tienen discusiones pequeñas sobre qué canciones son mejores o qué partes se deben usar... cosas así. Y es algo natural el tener peleas creativas. Cuando estás con cuatro o cinco personas en un grupo, viviendo todos los días juntos, al final acabarás teniendo

una discusión (risas). Pero la verdad es que no hubo problemas gordos entre ellos. Zoli se hizo daño en la espalda y básicamente no estaba disponible para girar durante un año. Así que se dio la oportunidad de que Jim regresara y decidieron hacerlo así. El resto es historia (risas)”. Aparte de lo ocupado que estuviera Zoli con Pennywise, ¿ha habido alguna otra razón por la que el nuevo álbum se haya retrasado tantísimo? Por ejemplo, sé que tú estuviste tocando con Nations Afire durante una temporada... “Correcto. En aquel momento, mientras Zoli estaba en Pennywise, sa-

¿Pero no piensas que el haber tardado tanto ha podido jugar en vuestra contra? Quizás si A War Against You hubiese salido dos o tres años después de Our Darkest Days ahora estaríais en una mejor posición como banda... “No lo sé. La verdad es que fue de locos. Entre 2010 y 2012 fue cuando más gente había en los conciertos. Los festivales en los que tocábamos eran cada vez más grandes. Estábamos viendo crecer a nuestro grupo sin hacer canciones nuevas ni ofrecer nada diferente. Creo que hubiera estado bien sacar algo muchos años antes, pero no cambiaría nada, porque durante ese tiempo Ignite crecimos un montón sin haber sacado siquiera un disco nuevo. Así que creo que la manera en la que las cosas han sucedido ha sido la correcta”. 59

“LEÍ EL ARTÍCULO ENTERO EN EL QUE ROBB FLYNN HABLABA SOBRE NUESTRAS CANCIONES, DE LO FANTÁSTICOS QUE ÉRAMOS Y DE LO IMPORTANTE QUE ERA UN DISCO TAN BUENO COMO OUR DARKEST DAYS PARA EL PUNK ROCK. ME ALEGRÓ MUCHO LEER ESO”

Pasemos entonces a hablar del disco. ¿Cuándo empezasteis a escribir nuevas canciones? “En 2007. Creo que llegamos a tener entre 40 y 50 temas. Empezamos por aquel entonces y no paramos hasta 2009. Luego en 2013 lo retomamos. Ya teníamos un grupo muy grande con anterioridad. Pero al final del proceso, todas las canciones que han acabado dentro del álbum las hicimos en los últimos 18 meses. Creo que sólo ha habido una canción de 2007 ó 2008 que haya entrado en el disco. Así que representa bastante bien lo que es Ignite ahora mismo”. El disco no depara grandes sorpresas. Es vuestro sonido de toda la vida. Quizás lo que más me ha llamado la 60

atención ha sido el inicio de ‘Begin Again’. Lo primero que me vino a la cabeza es que estaba escuchando un álbum de Queen. “(Risas) Sí, cuando estábamos en el estudio la llamábamos ‘la parte Queen’ (risas). Es justo como lo has dicho. Es gracioso porque nuestro batería tuvo la idea de hacer esa intro, pero en un principio nos pareció como una broma y no nos lo tomamos muy en serio. Nos parecía demasiado diferente. Pero tras pasar un fin de semana entero escuchándolo pensábamos que quedaría bien. La cosa es que supone una introducción distinta al nuevo disco y creo que siempre es bueno sorprender a tus fans en el buen sentido. Cada disco que hemos hecho ha tenido un comienzo muy intenso y agresivo como

en ‘Bleeding’ o ‘Who Sold Out Now’. Así que pensamos que esta vez podríamos intentar algo diferente y hacer que la gente se preguntase ‘¿Qué es esto?’ (Risas). Y creo que funciona, me gusta mucho esa parte”. ¿El título del álbum hace una referencia clara a vosotros mismos? “El título de A War Against You viene de la canción ‘This Is A War’. Trata sobre lo distorsionados que están los mensajes que nos lanzan los medios de comunicación en la actualidad. No da la sensación de que estén informando, sino que crean un sentimiento de que siempre hay algo malo sucediendo. Hay una guerra de drogas o terrorismo... Así que al final el mundo está sufriendo para sacrificar su libertad. Es

una guerra contra ti. La gente está siendo manipulada para hacer exactamente lo que las grandes corporaciones y los gobiernos quieran, para así poder tener más control sobre nosotros tanto como lo necesiten para mantener ese poder. Ése es básicamente el significado del título”. Hablando de gobiernos, me gustaría saber tu opinión como ciudadano americano sobre todo el circo que hay alrededor de un personaje como Donald Trump ahora mismo. Al menos desde aquí da la impresión de que todo ha empezado como un chiste pero que se está convirtiendo en algo más serio. “(Risas) Sí, pero creo que no tiene ninguna posibilidad de llegar a la Casa Blanca. Ni siquiera estoy convencido de que vaya a ser el candidato final por parte del Partido Republicano. Sólo es un tipo loco de la televisión que dice cualquier cosa que se le pasa por la cabeza. Es puro entretenimiento televisivo. No creo que vaya a llegar muy lejos. Pero lo que le hace interesante es que no es el típico político. Dice lo que le da la gana y no le importa lo que la gente piense. Es muy distinto de los demás políticos que siempre están preocupados por decir lo correcto. Aunque si lo piensas, Arnold Schwarzennegger llegó a ser gobernador de California, así que nunca sabes qué es lo que puede pasar (risas). Es de locos, pero no creo que vaya a convertirse en presidente de los Estados Unidos. Y si lo hace tendrás que volver a llamarme (risas)”. OK, espero no tener que hacerlo... (Risas) Por cierto, ¿qué

os pareció la versión que hicieron Machine Head de ‘Bleeding’? Llama la atención que un grupo de metal como ellos hagan una cover de un grupo de hardcore melódico. “Nos sorprendió muy gratamente. No hay muchas bandas que hayan hecho versiones de Ignite a lo largo de los años y mucho menos una tan grande. Supongo que es difícil cantar de la misma manera que Zoli, así que en parte puede que sea por eso. Pero la versión que hicieron Machine Head fue increíble. Leí el artículo entero en el que Robb Flynn hablaba sobre nuestras canciones, de lo fantásticos que éramos y de lo importante que era un disco tan bueno como Our Darkest Days para el punk rock. Me alegró mucho leer eso. Un par de meses después tuvimos la ocasión de tocar en un festival en Alemania con ellos y le pidieron a Zoli que subiera a cantar al escenario. Fue una buena experiencia”. Es curioso que, a pesar de ser un grupo inequívocamente de hardcore melódico, haya muchos metalheads que sienten aprecio por vosotros. “Creo que tiene mucho que ver con la voz de Zoli. Pienso que los fans del metal quizás escuchen algo de power metal en su manera de cantar. Tiene un tono muy limpio, creo que ésa es la clave. Pero para ser honestos, todos en Ignite tenemos algún background metalero. Zoli es súper fan de Iron Maiden. Craig está muy metido en el power metal de Helloween y bandas así. A nuestro guitarrista Brian le encantan Metallica, Megadeth, Slayer, Pantera... Así que de alguna manera siempre ha habido pequeños elementos de la música metal en Ignite”.

Además, el disco lo va a publicar Century Media. ¿Crees que ayudará a que seáis aún más aceptados por parte de la comunidad metálica? “No lo sé. Nuestro último disco también salió con Century Media. Creo que tienen una buena mezcla entre punk rock, metal, hard rock... Es una buena oportunidad, pero no sólo para llegar a los fans del metal, punk o hardcore... Siempre han creído en el grupo como sello y nos permite ser escuchados por un rango muy amplio de gente”. Por último, quería preguntarte sobre el Sick Of Bean Fest, en el que teníais que tocar este pasado mes de mayo, pero que finalmente tuvo que ser cancelado. ¿Tendremos la oportunidad de ver a Ignite nuevamente en España tocando en salas más pequeñas en vez de grandes festivales? “Lo recuerdo. La verdad es que la organización no nos dijo nada sobre lo que ocurrió. Cuando íbamos camino del aeropuerto nos dijeron que el festival estaba cancelado, así que nos dimos la vuelta y pusimos rumbo a Budapest. Es toda la información que me ha llegado. Espero volver pronto a España, siempre hemos dado buenos shows en Vigo, Barcelona, Madrid... Ojalá podamos volver en 2016 y dar algunos en clubes. Los festivales siempre son divertidos, por supuesto, pero es mejor cuando puedes reunir a unos cientos de personas volviéndose locas en una sala pequeña”.

DISCO DEL MES

Abbath (SEASON OF MIST) BLACK METAL

mmortal es mi banda favorita de todos los tiempos. A no ser que Emperor se reúnan para dar unos pocos shows esporádicos, son la única formación de black metal que ha conseguido congregar audiencias dignas del mainstream, la única que ha logrado reunir a miles de personas para dar con cifras más propias del thrash, el metal clásico o el hard rock. Tal como está el mundo de la música, dichos logros no deberían ser sinónimo de calidad, pero cuando un grupo consigue esto partiendo directamente del infierno, de Pure Holocaust o Battles In The North, desde luego es que estamos ante un fenómeno sin parangón. De acuerdo

ABBATH

que desde el momento en que Peter Tägtgren se puso tras los mandos la banda fue mutando desde la crudeza más puramente noruega a una especie de propuesta más cortante y un sonido más genérico, el típico de dicho productor, pero aunque esto significara que muchos acólitos del underground blacker empezaran a dejarles de lado, lo que perduró siempre es la inimitable y ultra podrida voz de Abbath, seguramente la cara más reconocible de la historia del metal extremo. El 26 de marzo de este mismo año nos despertamos con la triste noticia de que Immortal habían cesado su actividad por segunda vez en su carrera. Dadas las distintas

versiones de cada frente, al parecer lo que ocurrió es la misma mierda de siempre: las malditas disputas legales, la pasta y los derechos sobre la banda. No tiene que ser fácil lidiar con un frontman como Abbath, pero al menos éste dio un paso al frente y enseguida anunció que el material que tenía reunido para un futuro álbum de la leyenda lo iba a publicar bajo su propio nombre, reclutando a todo un especialista al bajo como King Ov Hell (con bandas como Gorgoroth, God Seed, Sahg o Audrey Horne en su currículum) y el misterioso Creature para la batería. Por si sus fans no estuviéramos suficientemente desconcertados, este pasado 14 de agosto

Horgh y Demonaz, al que una tendinitis lo mantiene apartado de los escenarios desde 1997, anunciaron que Immortal prosiguen su andadura sin su parte de la ecuación más fundamental y que podemos esperar también una nueva obra de ellos. Tras una campaña de promoción imponente, propia de la estrella del rock que ya es Abbath, por fin se publica su esperado disco en solitario, y de primeras hay que decir que poco tiene que ver con el Between Two Worlds de su proyecto I, por mucho que el cantante y guitarra rememorara varios de sus temas durante los selectos shows que dieron este verano. Abbath, la banda,

plan metralleta. Todo parece estar en su sitio, pero aunque la siguiente ‘Winter Bane’ lo intenta, no aporta demasiado, como le pasa a ‘Ocean Of Wounds’, que transita entra la emoción y el tedio. ‘Ashes Of The Damned’ destaca algo más por su velocidad y, sobre todo, por unos teclados flipados que acompañan a Abbath cuando masculla el nombre del tema. No sabes muy bien si son atrevidos o cutres. ‘Count The Dead’ sube la temperatura del álbum con su medio tiempo guerrero y su posterior despegue típicamente Immortal, pero desde luego es ‘Fenrir Hunts’ la mejor pieza de este disco, una estocada nórdica que te abre en canal.

“MIENTRAS ESPERAMOS SU VUELTA A IMMORTAL NO ESTÁ MAL DELEITARSE CON NUEVO MATERIAL” sigue al pie de la letra los dictámenes del black metal de su tierra, recuerda en todo momento por qué su líder se ha convertido en un personaje universal y, aunque sí es cierto que se permiten ciertas licencias que jamás habrían entrado en un trabajo de Immortal, incluso sin Demonaz aportando su intransferible estilo a las letras existen ciertos guiños en ellas para el regocijo de sus más fieles seguidores. La marcha militar que abre ‘To War’ y sus primeros compases no son la forma más espectacular de iniciar un álbum, pese a que no tarda mucho en dispararse en

Abbath y sus nuevos siervos han plasmado un álbum que se deja escuchar, con buenos momentos y otros que no tanto, pero que desde luego está lejos de la excelencia. Igualmente, mientras esperamos que el dinero consiga la vuelta de nuestro protagonista a la banda que nunca debió marchitarse, pues no duden ni un instante de que ésta se producirá, no está mal deleitarse con nuevo material, este amor de voz y una presencia más continuada de este auténtico showman en los escenarios del mundo entero. PAU NAVARRA

THE MEANIES HAS DE SABER... FORMACIÓN: Link Meanie (voz, guitarra), Ringo Meanie

(guitarra), Wally Meanie (bajo), Jaws Meanie (batería) PRODUCIDO POR: The Meanies AFINES A: Cosmic Psychos, Frenzal Rhomb, The Dickies PÁGINA WEB: www.themeanies.net

It’s Not Me, It’s You (POISON CITY) PUNK ROCK

s seguro que el primer álbum de The Meanies en 21 años no ha levantado la misma expectación que otros retornos discográficos más mediáticos, pero para los aficionados al punk rock australiano, sin duda se trata de una de las noticias del año. A pesar de que la banda de Melbourne seguía actuando regularmente en directo, el que se hayan decidido a meterse de nuevo en un estudio es una muestra de su buena salud y de que han superado definitivamente el que en 2008 perdieran a su guitarrista original DD Meanie por culpa del cáncer, y seis meses después a su sustituto Tas Meanie en

un accidente de coche. Si It’s Not Me, It’s You suena exactamente allá donde lo dejaron en 1994 con 10% Weird, es porque sus diez canciones proceden de ese periodo en el que llegaron a compartir escenario con Pearl Jam o Beastie Boys. En lugar de forzarse a intentar recrear la magia del pasado, el cuarteto le ha sacado el polvo a viejas maquetas y, dándoles algunos retoques, sirve los temas con la misma frescura que si acabaran de salir del horno. Una buena táctica dado que estas composiciones tienen suficiente nivel como para no ser consideradas simples descartes. Con la misma urgencia que

si estuviesen encima de un escenario, The Meanies se despachan el repertorio en apenas 25 minutos, haciendo imposible que la atención decaiga en ningún momento. Ya sea cuando se ponen más garageros (‘What’s The Buzz Inside’), se acercan al punk rock ramoniano (‘Hug And Kiss’, ‘Hey Head’), al pop psicodélico (‘Dream Age’) o al grunge a lo Mudhoney (‘Kill’), la banda sabe sacarle el máximo jugo a riffs de lo más básicos, distorsión a raudales y melodías pegadizas pero con giros que las alejan de lo facilón. Así que, ya sabes... si no te gusta este disco, no son ellos, eres tú. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... LINK MEANIE ¿Por qué un disco nuevo después de 21 años? “Es algo de lo que llevábamos hablando muchos años. No creo que sintiéramos que habíamos dejado las cosas a medias. Wally había estado pidiendo grabar unas viejas maquetas mías que tenía desde principios de los 90. Le había estado dando largas porque se me hacía un poco raro. Ya no soy la misma persona que escribió eso, pero en esencia me puedo identificar con esas canciones, así que cambié un poco las letras y algunas partes y ya tuvimos seis temas para el álbum. Las otras cuatro son de un periodo de entre cinco y 15 años, así que para los estándares de Meanies, son canciones nuevas (risas)”. ¿Pero no teníais la necesidad de escribir nada nuevo? “Sí, pero nos parecía un desperdicio que estos temas se quedaran en una caja

de cintas para siempre. Tengo cientos de cintas con canciones, así que en el próximo álbum puede que también haya algunas viejas... Pero subirá el porcentaje de temas nuevos. Me resulta fácil ponerme en ‘modo Meanies’ y escribir ese tipo de temas. Puedo ser un compositor esquizofrénico. Me motiva escribir nuevo material porque es diferente de lo que escribo con mi otra banda, Sun God Replica, que es más rock’n’roll”. ¿Cómo crees que este álbum encaja en vuestra discografía? “Personalmente creo que es nuestro mejor disco. En los otros trabajos hay muchos temas que me gustan, pero hay algunos que quitaría. It’s Not Me, It’s You es muy consistente. En directo tocamos seis o siete canciones nuevas, que es más de lo que nunca hemos tocado”. ¿Son vuestros objetivos distintos a como eran en los 90?

“No lo creo. Mi objetivo siempre ha sido vivir de lo que amo, pero trabajando muy duro. La idea de la fama nunca me ha motivado... Aunque estaría bien ganar lo suficiente como para no tener que lavar platos (risas)”. Habéis pasado por algunas tragedias con las muertes de DD y Tas, pero el espíritu del grupo no ha cambiado. ¿Cómo lo habéis conseguido? “Estando en este negocio ves a mucha gente que fallece a lo largo de los años, y aunque te siga jodiendo, aprendes a aceptar estas fatalidades. Pero echo de menos a mucha gente. Me reconforta comerme sus cenizas con algunos colegas. Son crujientes. ¿Cuenta eso como canibalismo? No me importa, me hace sentir que llevo una parte de ellos conmigo. Lo recomiendo”. (JORDI MEYA) 65

BIRDS IN ROW Personal War (DEATHWISH INC.)

SCREAMO

an pasado tres años desde que los enigmáticos Birds In Row (sólo se identifican con una inicial y sus rostros siempre aparecen cortados en las fotos) le dieran una buena patada al hardcore con su debut You, Me & The Violence, pero los franceses siguen resistiéndose a publicar un nuevo álbum. En su lugar tenemos este EP de siete temas, además de tres temas nuevos más en el split que comparten junto a sus compatriotas WAITC, pero tranquilos, porque aunque no sean la banda más prolífica del planeta, como mínimo mantienen su

control de calidad. Personal War se abre con ‘Intro’, una tensa bienvenida llena de acoples que va in crescendo hasta que el trío arranca a por todas con ‘Torches’, velocidad y rabia con la batería sacando humo. ‘O’dear’ es más convencional con una guitarra más melódica y una estructura que recuerda a la de sus amigos Touché Amoré. ‘Weary’ cabalga salvajemente con las voces cruzándose en un diálogo violento, mientras que ‘Worried’ se sustenta sobre una estruendosa línea de bajo antes de llegar a un breve momento de calma y machacarnos con ‘Snakes’, quizá el corte más completo del disco gracias a combinar distintos registros de manera totalmente coherente. Finalmente ‘Marathon’ sirve para que la banda se despida construyendo un clímax de guitarras noise, voces torturadas y atmósferas asfixiantes que te dejan tiritando. Son sólo 17 minutos, así que si de verdad quieres tener la experiencia completa no te pierdas sus conciertos de este mes el día 9 en Barcelona y el 11 en Madrid. JORDI MEYA

VV. AA. HCxHC

(AUTOEDITADO)

HARDCORE, METAL

fortunadamente, la gran labor que está realizando la asociación sin ánimo de lucro HCxHC (Hardcore Hits Cancer) es ya de sobras conocida entre el mundillo del hardcore y el metal nacional, y que iniciativas tan cojonudas como ésta lleguen a buen puerto es el mejor indicativo. En esta recopilación cada una de las veinte bandas que participa ha cedido una versión de un grupo mítico, de aquí o de fuera, pagándose ellos la grabación y regalando el tema para que HCxHC recaude cuanto más mejor. Todo el dinero que se recoja con este CD irá destinado a

La Casa Dels Xuklis, un hogar de acogida para familias de niños y niñas con cáncer gestionado por la Afanoc. Yendo ya al terreno musical, la verdad es que como en todos los lanzamientos de estas características hay covers con mayor o menor suerte, pero visto el espíritu caritativo con el que esta obra ha sido creada, no voy a ser yo el que se ponga cabrón. Por ejemplo, destacaremos el ‘New Noise’ de Refused que se marcan Violent Eve, Somas Cure dándole una vuelta de tuerca a ‘Niebla De Guerra’ de Soziedad Alkoholika, los brutales Bellako con ‘El Desmadre’ de Brujeria, Gabezia pasando el ‘Dark Horse’ de Converge al vasco, Go Veterans con ‘We’re The Crew’ de Warzone o Inyourface (en la foto) con ‘Wake The Dead’ de Comeback Kid. A todas las bandas que habéis participado en este álbum y a todas las que lo queríais hacer pero no habéis podido sumaros por pura logística, un fuerte abrazo. ¡Vamos fighters, a por todas! ¡Grandes Hardcore Hits Cancer, y fuck cancer! PAU NAVARRA

LA SELECCIÓN

BETUNIZER Enciende Tu Lomo (BCORE)

POST HARDCORE

arar es morir, dicen. Quizás por eso Betunizer no quieren dejar de maquinar y sacar discos. Con la publicación del presente Enciende Tu Lomo ya van cuatro en cinco años. Un promedio al alcance de muy pocos, está claro. Pero lo mejor de estos valencianos, más allá de su productividad, radica en su efectividad. Enciende Tu Lomo, el primero que graban Betunizer en el estudio de su bajista, lejos de su querido Ultramarinos, es otro recomendable disco de post hardcore primitivo, apasionado y festivo. Cuando te asalta la bestia de tres cabezas que forman José Guerrero (guitarra y voz), Pablo Peiró (bajo) y Marcos Junquera (batería) estás perdido. Primero te inmovilizan con una base rítmica machacona e hipnótica, como sucede en la inicial ‘Camilo José Shellac’ -cuyo ingenioso título alude a una de las bandas de cabecera del

trío valenciano-, y luego juegan con tu vida. Sus guitarras afiladas, juegos de palabras ocurrentes, gritos enfermos y contagiosos, giros inesperados… Los diez nuevos cortes de Betunizer, como prácticamente todo su repertorio, tienen algo de masoquista (queda claro en ‘Disfrutar Es Ir Con Todo’) y muy mucho de hedonista (escucha ‘La Mili Del Placer’ y te alistarás sin dudarlo). Más rápido (‘Con La Pájara En Los Talones’) o más lento (‘Pantalón Blanco Ajustado’) acabarás bailando como un poseso con este disco. Una vez les coges el punto, ya no hay marcha atrás. Si disfrutaste los estupendos Boogalizer y Gran Veta, sabes muy bien de qué te hablo. LUIS BENAVIDES

SUNN O))) Kannon

(SOUTHERN LORD)

DRONE METAL

l parecer, las colaboraciones con Ulver y Scott Walker les vinieron bien a Sunn O))), que de una manera extraña avanzan en su estilo musical volviendo a la bola de sonido de discos como Black One. ¿En qué se concreta esto? Pues en el que posiblemente sea su disco más directo hasta el momento, y si me apuras, con un toque mas metálico que el resto. Se trata de tres piezas musicales donde los armónicos y los crescendos libran una batalla feroz en pro de ilustrarnos sobre la diosa budista Guanyin. Sunn O))) siempre han sido ese dúo donde los riffs y la paranoia sonora colisionan para crear una aventura casi visual, y también trascendental, pero siguen lejos de crear la típica estructura compositiva que

DEF LEPPARD Def Leppard (EAR MUSIC)

HARD ROCK

ese a que siguen llenando grandes recintos allá por donde van, no tengo muy claro si, a estas alturas, esos miles de fans que van a sus conciertos les interesa lo más mínimo un nuevo álbum de Def Leppard, hasta tal punto de que la propia banda durante muchos años tuvo claro que grabar nuevas canciones no tenía mucho sentido. Pero parece que durante las sesiones de grabación para un EP, se les calentó el morro y aquí tenemos un nuevo álbum de la banda en el que, de ahí que no lleve título, han querido resumir lo que han sido

se asocia a una canción. En Kannon más bien hablamos de tres aventuras que sin salirse de sus patrones, sí nos vislumbran una evolución musical que tiene mucha influencia de Flight Of The Behemoth, su segundo álbum. Ese sonido de inframundo que aporta la colaboración de Attila Csihar (Mayhem) y la producción de Randall Dunn les viene

perfecto para el caos que quieren representar, y aunque por momentos parezcan parodiarse a sí mismos, todo tiene un propósito: evadirte de todo lo que te rodea y llevarte a su cueva particular. No nos esperábamos algo así tras esas colaboraciones mencionadas al inicio, pero nos han sorprendido para bien.

durante sus tres décadas de trayectoria en 14 canciones. Def Leppard no engañan. No han querido reinventar la rueda y han ido a lo seguro, a lo que mejor saben hacer, que son temas redondos. De acuerdo, en muchos momentos hay una sensación de déjà vu, el primer single ‘Let Go’ no deja de ser un (buen) intento de actualizar ‘Pour Some Sugar On Me’, pero Def Leppard siguen más en forma en estudio de lo que podíamos pensar. ‘Dangerous’ pone todo su potencial melódico encima de la mesa con ese estribillo y coros marca de la casa, al igual que en la balada ‘We

Belong’. En ‘All Time High’ nos recuerdan que todavía tienen en mente que un día grabaron High ‘N’ Dry, ‘Forever Young’ pone sobre la mesa todas su influencias glam 70’s, e incluso en la final ‘Blind Faith’ nos dejan con un agradable regusto a los Beatles, haciendo de éste su disco más diverso. En definitiva, mucho más de lo que podía esperar a estas alturas viendo la poca motivación que parecían tener para volver a grabar. Y no es que hubiese dejado de confiar en ellos, pero debo reconocer que ha sido una grata sorpresa.

JORGE FRETES

RICHARD ROYUELA

KAMPFAR Profan

(INDIE RECORDINGS)

BLACK METAL

l próximo mes de enero Djevelmakt, el último álbum de Kampfar, cumplirá apenas dos años, pero cuando la inspiración fluye, ¿para qué esperar? Los noruegos están de vuelta con Profan, un trabajo que, aunque ellos nunca fallan, sí me parece superior a su anterior e igualmente destacable envite. La austeridad que hizo célebre su pagan black hace ya tiempo que no está tan presente, pero en cambio aquí, pese a seguir formulando varios sortilegios desde la mesa, Dolk y sus lacayos han sido capaces de volver a la caverna y

rescatar una producción más agreste y punzante propia de su estilo musical. Y de sus primeros tiempos, por qué no decirlo. ‘Skavank’ es seguramente el mayor ejemplo de ello, un temazo de más de 7 minutos y medio con todos los ingredientes que han hecho grandes a Kampfar, un altar de sacrificios con el total de sus recursos épicos y selváticos. Desde la espesura, desde la umbría más lóbrega, ‘Profanum’, ‘Daimon’, ‘Pole In The Ground’ o la inicial ‘Gloria Ablaze’ vuelven a transportarte al verde averno de estos escandinavos, donde las runas tienen más poder que una hipoteca y el poder lo ostentan trolls de verdad, entes malvados en comunión con la traicionera naturaleza. Profan pasa como un verdadero suspiro, no te das cuenta que la hímnica ‘Tornekratt’ ya ha puesto el broche de oro a este discazo, así que a los nuevos dioses y a los antiguos pido disculpas por si en algún momento he llegado a dudar de las actuales aptitudes de Kampfar. Una vez más, a sus pies me postro. PAU NAVARRA

que realmente valga la pena. Ya comprendo que la intención de Cobain cuando hacía estos esbozos sonoros no era que los escuchase nadie, y por eso mismo me pregunto qué sentido (más allá del puramente comercial) tiene que se publiquen. Aquí KURT COBAIN encontramos los esqueletos Montage Of Heck: The de temas conocidos como Home Recordings ‘Been A Son’, ‘Sappy’ (UNIVERSAL) ROCK ALTERNATIVO o ‘Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle’, junto algunas 40 piezas instrumentales (‘The Happy Guitar’, ‘Retreat’), uentan que el director una versión de los Beatles Brett Morgen revisó (‘And I Love Her’) o, quizá 200 horas de lo más interesante, la última grabaciones caseras de Kurt grabación que dejó en Cobain para confeccionar vida, ‘Do Re Mi – Medley’, la banda sonora de su donde dibuja una de sus documental Montage Of melodías características. Heck, que ahora se publica Supongo que habrá fans como una compilación de acérrimos de Nirvana que 31 piezas en su edición se emocionarán escuchando deluxe. A menudo los esta versión tan íntima de fans imaginamos que los Cobain, pero musicalmente artistas poseen un archivo poco aporta escuchándole interminable de canciones tocar desafinado, soltar maravillosas que por un gallos y balbucear letras que motivo u otro nunca han todavía no están terminadas. visto la luz... Pero salvo Incluso los considerados excepciones, la realidad genios guardan la purria es que ningún músico es bajo la alfombra. tan tonto como para dejar JORDI MEYA fuera de un disco un tema

TITUS ANDRONICUS

The Most Lamentable Tragedy (MERGE/POPSTOCK!)

ROCK

l presente The Most Lamentable Tragedy, cuarto trabajo de los norteamericanos Titus Andronicus, cuenta la historia de un tipo que sufre un trastorno bipolar. La evolución del disco, con su cantante Patrick Stickles muy metido en el papel, espléndido en su interpretación, refleja magistralmente los síntomas de esta enfermedad, sus altibajos emocionales, durante cinco actos. Y es que los de New Jersey no se conformaron con grabar un disco conceptual para tratar este transtorno. Aquí tenéis su primera ópera rock, con 29 cortes repartidos en un disco

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doble, donde se incluyen un par de versiones, el ‘I Lost My Mind (DJ)’ de Daniel Johnston y el ‘A Pair Of Brown Eyes’ de The Pogues. La bipolaridad del personaje se traduce en temas casi antagónicos como la pausada ‘Lonely Boy’ y la agresiva ‘Look Alive’, un auténtico brote punk de 33 segundos encargado de cerrar el primer acto. En la particular amalgama de referentes del quinteto caben todo tipo de bandas, del rock de los 70 (The Who están presentes en las guitarras del ‘No Future Part IV’) al punk rock más propio del medio oeste norteamericano (la visceral ‘I’m Going Insane (Finish Him)’ es el mejor ejemplo), pasando por el indie rock de influencia más springsteeniano (‘Mr E.Mann’ recuerda a The Hold Steady y en otros muchos cortes, a los primeros Against Me!). Si después de leer todo esto te entró la curiosidad, adelante. Escúchalo de principio a fin. Un trabajo tan pensado, tan bien hilado, no puede ser troceado. LUIS BENAVIDES

NON SERVIUM Resurgir

(PANDA/POTENCIAL HARDCORE/ALTAFONTE)

PUNK, OI!

a había ganas de Non Servium, y cuando el mismo Karlitos te cuenta que estuvieron parados varios meses, casi que disfrutas más esta nueva andanada de canciones, que como siempre dicen las cosas por su nombre y que, por supuesto, van mucho más lejos de lo que soltará el izquierdoso malfollado de turno en la tele. Los samples de películas perduran, pero esta vez encontramos unos Non Servium más elaborados, con cuidadas guitarras y conseguidos arreglos. Igualmente, que nadie se asuste porque el espíritu es el mismo pese a

las mejores producciones. Los de Móstoles siguen fieles a sus principios, pero eso no quiere decir que sus aptitudes musicales no crezcan con los años. Entre cortes sinceros como ‘Mi Pacto’ o ‘Resurgir’ también encontramos felices llamadas a matar fascistas, pisotear curas y apalear banqueros en ‘Desperté’, ‘Madrid’, ‘Apártate’ o ‘Buitres’, por lo que todo el mundo saciará su sed de venganza y podrá hinchar su orgullo proletario. Entrar a comparar Resurgir con su anterior álbum de versiones sería una estupidez, pero sí debo decir que El Rodillo Del Kaos, ya de 2011 y toda una patada en la boca, mantenía su versión cruda y visceral que más disfruto. Por otro lado, dos balazos como ‘Rock’n’rolla’ y ‘Mi Prisión’, casi una power ballad que acaba a todo trapo donde el cantante nos relata su personal infierno con la cocaína, ponen el final del disco al rojo vivo. Las bandas suelen tirar del tópico al señalar que su nueva obra ‘es la más personal’, pero por una vez es cierto. PAU NAVARRA

BITERS

Electric Blood (EARACHE)

HARD ROCK

ometí la estupidez de no ir a verlos a pesar de que tocaron en mi club favorito, y eso que me avisaron insistiendo en su calidad. Al poco me llegó su álbum y era justo lo que ya me habían comentado algunos amigos de fiar: cuatro chavales en cuero negro rindiendo tributo al hard glam más pegadizo y a bandas muy adoradas por mí como Kiss, New York Dolls o Cheap Trick. Pues bien, aplica esa misma ecuación a los diez temas del disco y dime si no estamos ante una de

las joyas del año. Si no me crees, escucha ‘1975’, otra de esas canciones que parece que hayas estado disfrutando toda tu vida a pesar de ser un álbum editado hace sólo unos meses. Sigamos: ‘Heart Fulla Rock’N’Roll’ es un pildorazo de pegajoso glam que tira de espaldas, ‘Electric Blood’ podría haber sido incluido en el centelleante Grande Rock si los añorados Hellacopters hubieran tenido un punto más de melodía, ‘Low Lives In Hi-Definition’ suena muy chuleta con esa cadencia macarrilla a lo Crüe y ese juguetón piano, y la única concesión quizás la encontremos en ‘The Kids Ain’t Alright’, pero hasta en eso los cabrones han acertado en el centro de la diana grabando una power ballad con gusto y elegancia. No va a cambiar el signo de los tiempos, pero si quieres una banda sonora para un viernes por la noche, cuando tu única pretensión es echar unos tragos y pasarlo bien, Electric Blood es tu disco. ANDRÉS MARTÍNEZ

SUPERSUCKERS Holdin’ The Bag (ACETATE)

COUNTRY ROCK

mediados de este mismo año, al carismático Eddie Spaghetti le fue detectado un cáncer de faringe de nivel 3. Por suerte y a pesar de tener que someterse a dos operaciones y al paupérrimo sistema sanitario de los estadounidenses, gracias al apoyo de toda la comunidad rockera, parece que el vocalista está ya completamente curado. Un hecho que obviamente hace que Holdin’ The Bag pase a un segundo plano. La verdad es que sería una lástima que pasara inadvertido para todo el mundo, como me temo que acabará ocurriendo, ya que

esta vez los Supersuckers se han animado a retomar el camino que ya abrieran con el lejano Must’ve Been High de 1997 para adentrarse de lleno en el terreno del country. Llama la atención que a pesar de que se trate de su trabajo más célebre en términos comerciales, nunca antes hubieran repetido la jugada, quedando esta faceta relegada a los discos en solitario de Eddie. Aunque siendo justos, hay que decir que el tono más pausado y reflexivo de aquél ha dado paso a unos temas que muestran ese lado canalla que les caracteriza en ‘Lets Bounce’, ‘Shimmy & Shake’ o ‘Jibber-Jabber’, que no habrían desentonado demasiado en cualquiera de sus otros discos. Su devoción por el country queda mejor reflejada en la inicial ‘Holdin’ The Bag’, la bonita ‘High & Outside’ y ‘All My Rowdy Friends (Have Settled Down)’, donde se dejan acompañar por arreglos de armónica, pedal steel, banjo y piano. Un alegre pasatiempo mientras esperamos que el bueno de Eddie vuelva a estar listo para rockear como él sabe. GONZALO PUEBLA 71

PERRO HAS DE SABER... FORMACIÓN: Guillermo (voz, bajo, guitarra), Adrián (voz, bajo,

guitarra), Fran (batería, percusiones), Aarón (batería, percusiones) PRODUCIDO POR: Hans Kruger AFINES A: Cuello, Crudo Pimiento, Za! PÁGINA WEB: www.facebook.com/perro.musica

T Estudias, Navajas (MIEL DE MOSCAS) INDIE ROCK

ienes Bacalao, Tienes Melodía puso hace dos años a los murcianos Perro en el mapa de la escena independiente. Su libertad para traspasar estilos y su desparpajo a la hora de jugar con el lenguaje en unas letras que sin tener ningún sentido, se entienden perfectamente, fueron suficientes para que su nombre saliera con frecuencia en conversaciones del tipo ‘¿Conoces un grupo que se llama…?’ o ‘¿Has escuchado a…?’. Pero estaba por ver si el grupo sería capaz de conservar la misma frescura ahora que sabía que muchos más oídos iban a estar pendientes de su segundo álbum, o incluso, si tanto elogio les habría

debilitado… Por suerte, Perro siguen a su puta bola y, aunque optaron por hacer una grabación más convencional en los estudios Montreal de Hans Kruger, Estudias, Navajas no padece de autocomplacencia ni fórmulas recalentadas. Sus canciones siguen transmitiendo ese sentido totalmente lúdico de quien hace algo simplemente para divertirse. Por eso no tienen ningún reparo en hilvanar certeras melodías de guitarra que harán las delicias de los fans del indie rock americano de los 90 a lo Superchunk o Pavement (‘Ediciones Reptiliano’, ‘Falso Techo’, ‘Jordi Huertano’ o ‘Nueva Mufasa’, donde incluso se sacan una

parte final digna de The Shins, son buenos ejemplos), lanzar piezas que invitan a bailar espasmódicamente (en ‘OLRAIT’ o ‘Rencor Sabadell’ se nota por qué tienen dos baterías), experimentar con ritmos tropicales (‘Calypso Zombie Runner’) o enchufar un sintetizador para emular a Aviador Dro (‘Droga Porro’), sin pensar en ningún momento en si una cosa encaja con la otra. ¡Y el caso es que lo hace! Que la incoherencia sea coherente, que lo absurdo parezca lo normal, que lo extraño te resulte familiar no está al alcance de todo el mundo, pero, sin quererlo, Perro lo consiguen. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... GUILLERMO ¿Cómo compararías la grabación de Tiene Bacalao, Tiene Melodía con la de Estudias, Navajas? “El Bacalao lo grabamos más calmados, en varios fines de semana, pudiendo pensar las cosas entre semana para mejorar… y esta vez lo grabamos en días seguidos en el estudio. Hemos hecho cosas que no habíamos hecho antes y otras que son un poco continuación. Había cosas que no habíamos dejado del todo cerradas”. ¿Por ejemplo? “Algún tema que queríamos hacer con riffs más noventeros, algunas canciones que habían quedado colgadas… Queríamos dejar de lado el sintetizador aunque al final acabó cayendo un poco... Al final trabajamos por lo que nos da en ese momento. No nos cerramos a nada”.

Vuestra música desprende mucha sensación de espontaneidad. ¿Cómo os afectó el tener unos días limitados de estudio? “Intentamos equilibrarlo. Al final lo llevábamos todo muy ensayado para poder hacerlo en primeras o segundas tomas. Lo único que nos preocupaba un poco era plasmar el feeling del directo en la grabación, aunque estuviese uno solo grabando con los cascos puestos. En ese sentido, Hans Kruger hizo mucho para que el ambiente fuera distendido. Nosotros no podemos grabar en un sitio en el que todo el mundo esté callado y sea todo cuadriculado”. Necesitáis alboroto. “Sí, a veces sí. Igual cuando hay algo más complicado de tocar necesitas tranquilidad, pero entonces es cuando

cogemos a los baterías y los echamos de la sala. Porque ellos son los que arman más jaleo”. En Perro es básico el sentido del humor. ¿Os choca que haya tantos grupos que se tomen a sí mismos excesivamente en serio? “No es que nos sorprenda, pero sí, hay mucho poeta últimamente. Yo flipo con la gente, se marcan unas frases que me quedo chalado. Al final es una extensión de cómo somos nosotros. Nos gusta echarnos unas risas con los colegas, bebiendo unos litros y comiendo unas patatas fritas, pero cada uno se toma la música como quiere. Nosotros en cuanto a las cosas técnicas somos muy serios. Tampoco es que nos lo pasemos todo por la piedra”. (JORDI MEYA) 73

MALEVOLENT CREATION Dead Man’s Path (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL

i bien es cierto que, en términos de popularidad, Malevolent Creation nunca han estado a la misma altura que Cannibal Corpse, Obituary, Deicide o Morbid Angel, cabe decir que su perseverancia les ha valido para ganarse una mención de honor dentro de la historia del death americano. Viendo que llevan metiendo tralla desde el lejano 87 y que Dead Man’s Path es su decimosegundo álbum, desde luego esto es algo fuera de toda duda. Con tres miembros originales aún en la formación, el guitarrista Phil Fasciana, el personal vocalista Bret Hoffman y el bajista Jason Blachowicz, lo que aquí encontramos es un notable y cañero trabajo que saciará a sus fans de toda la vida, sin salidas de tono ni traspiés sonrojantes, primando sobre

DINOSAUR PILE-UP Eleven Eleven (SO RECORDINGS)

ROCK ALTERNATIVO

iffs gordos y tarareables, sencillos pero tremendamente resultones, al servicio de unas melodías adictivas. Ésa es la receta de Dinosaur Pile-Up en su esperadísimo tercer trabajo, Eleven Eleven. La banda liderada por Matt Bigland, quien inició este proyecto en solitario en 2007, después de dos discos y numerosos cambios en sus filas, muestra ahora su cara más salvaje, más fiel a su directo, sin renunciar a su pegada pop. Puede que el trío deba su creciente popularidad a piezas de rock alternativo de radiofórmula, pero en los conciertos, como

todo canciones cortantes más que veloces del palo ‘Soul Razer’, la afiladísima ‘Imperium (Kill Force Rising)’, la épica ‘Corporate Weaponry’ o la dura ‘Fragmental Sanity’. Cabe resaltar la asesina ‘Blood Of The Fallen’ por su cambio de rumbo thrasher bastante pepino, un golpe de efecto que también repiten en la resultona ‘Resistance Is Victory’, y es que junto a otros mamporros como

‘12th Prophecy’ o ‘Extinction Personified’, Malevolent Creation han creado un álbum a tener en cuenta, muy entretenido, que de nuevo evidencia que Florida sigue bien viva. A estas alturas no creo que se ganen el favor de todo ese público que se lo ha negado durante tantos años, pero este disco demuestra que siguen siendo un potente grupo de cabecera.

pudimos comprobar hace unos meses en Madrid, donde compartieron escenario con Brand New, atacan los instrumentos con fiereza. Producido por Tom Dalgety (Royal Blood, Killing Joke, Band Of Skulls), el oscuro e intenso Eleven Eleven hará las delicias de los fans de rock melódico más noventero y visceral con temas como ‘Grim Valentine’, ‘Gimme Something’ y ‘Bad Penny’; piezas infalibles desde la primera escucha, como una versión actualizada de los Foo Fighters del disco homónimo y los Feeder del Polythene. Merece una mención especial ’Nothing

Personal’, donde el power trio de Leeds combina una estrofa rotunda prima hermana del ‘White Limo’ de Grohl y compañía con un estribillo enorme, dulzón y veraniego, muy propio de los irlandeses Ash. O la inquietante ‘Anxiety Trip’, que incluye las partes más lentas y más pesadas jamás grabadas por Dinosaur Pile-Up, con unas guitarras enmarañadas y una tensión deudora de los Nirvana del In Utero. Si no los conocías, dales una oportunidad, y si ya te molaron en Growing Pains y Nature Nurture, con este disco te gustarán el doble.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

MICHAEL MONROE

Blackout States (SPINEFARM)

PUNK ROCK, HARD ROCK, GLAM

ichael Monroe es siempre garantía de calidad. A estas alturas el finlandés no tiene que demostrar nada y, aun así, con cada lanzamiento discográfico vuelve a darnos una lección magistral de lo que es la esencia del rock. Blackout States es, ahí es nada, su décimo trabajo en solitario, y es sencillamente cojonudo. Directo, macarra y poderoso, ¿qué más se puede pedir? En esta ocasión, además de sus partners in crime habituales, Steve Conte, Karl Rockfist y el enorme Sami Yaffa, cuenta con Rich Jones a la guitarra, cuya aportación ha sido definitiva para recuperar un

tono más punk callejero y de raíces en las composiciones. El comienzo, con el trallazo ‘This Ain’t No Love Song’, ‘Old King’s Road’ recordando experiencias vividas en su querida ciudad de Londres, tema recurrente en varios temas, y la maravillosa ‘Goin’ Down With The Ship’, es de ésos que te ponen la pilas inmediatamente. En Blackout States hay mucha nostalgia, referencias a tiempos pasados como en ‘Good Old Bad Days’ o ‘Dead Hearts On Denmark Street’, que si no fueron mejores, al menos muy intensos. La versión de ‘Under The Northern Lights’ es un bonito tributo a Dee Dee Ramone, gran amigo del cantante, con quien estrechó lazos durante su periplo neoyorquino. Incluso a diferencia de sus discos anteriores, la esencia de los viejos Hanoi Rocks se puede apreciar. Aunque Monroe mire hacia atrás, tal y como cuenta en ‘Permanent Youth’ o ‘RLF’ (Rock Like Fuck), no piensa conformarse ni vivir en una mentira, y seguirá portando bien alto el estandarte del rock’n’roll como sólo él sabe, con pasión y honestidad. TOI BROWNSTONE

PENTAGRAM Curious Volume (PEACEVILLE)

HARD ROCK, DOOM METAL

o creo que nadie que viera el desgarrador documental Last Days Here diera un duro no ya por la carrera de Pentagram, si no por la misma vida de Bobby Liebling. Desde entonces muchas cosas han pasado, y afortunadamente, todas buenas. Si Last Rites, su disco de 2011, ya nos sorprendió, esta nueva entrega nos confirma que la banda sigue viva y con excelente salud. Seguro que la aportación del guitarrista Victor Griffin tiene mucho que ver... Su genio compositivo es el vehículo perfecto que ha encontrado el enorme talento de un Liebling en estado de

gracia a la hora de cantar y seguir liderando su banda. Porque Curious Volume es un disco preñado de grandes canciones de ese atómico hard rock que el grupo, a través de sus diferentes reencarnaciones, lleva practicando desde hace ya cuatro décadas. ‘Lay Down And Die’, el temazo que abre el álbum, ya augura grandes noticias con el wha wha de Griffin escupiendo ráfagas de monolítico y arcaico heavy rock. Como decía Andy Shernoff, en tan sólo tres minutos se pueden decir muchas cosas y Pentagram nos aplastan con un conciso tema de apertura convertido en clásico desde ya. No podemos decir que suenan a Black Sabbath porque los de Virginia son contemporáneos de los de Birmingham, pero no puedo dejar de pensar en Iommy y compañía cuando escucho una barbaridad como ‘Dead Bury Dead’. Cada nota, cada verso, cada solo está impregnado de esa oscuridad densa y tenebrosa que te envuelve sin remisión, e incluso cuando ponen la directa y Liebling se desata conservan ese punto macabro que los hace tan especiales. ANDRÉS MARTÍNEZ

WHITECHAPEL

The Brotherhood Of The Blade (METAL BLADE)

DEATHCORE

omo cualquier otro estilo, poco a poco el deathcore va normalizando sus procesos creativos, por lo que cada vez va a ser más común encontrarse con lanzamientos como éste, un directo en toda regla. Grabado en casa, en Knoxville, Tennessee, The Brotherhood Of The Blade captura a unos Whitechapel felices, en el mejor momento de su carrera, al menos en lo que a números se refiere, celebrando una exitosa gira que para variar no pasó por nuestro país y un álbum, su último Our Endless War, que incluso se coló en el top 10 de la lista Billboard, siendo por descontado el número 1 en la Billboard Hard Rock. Como siempre digo, me encantan los discos en vivo porque son como un greatest hits con sonido natural, y es que, aunque

BOURBON Devastación (NOOIRAX)

ROCK

ecía Dave Grohl en la serie documental Sonic Highways que los lugares y las personas que viven en ellos influyen de manera importante en la música que haces. Escuchando la monumental nueva obra de Bourbon se podría aplicar en parte esa máxima porque como ya les ocurría a sus paisanos Viaje A 800, en su música se siente, se intuye y se palpa el aroma del sur peninsular. El salto cualitativo dado respecto a su anterior (y también meritorio) Fango (Santo Grial, 2013) es tan abrumador que casi parece otra banda. Conservando

esta grabación haya pasado por las manos de Mark Lewis en sus Audiohammer, las tres bárbaras guitarras de estos salvajes crujen de una forma tan brutal como orgánica, y ya no digamos el chorrazo de Phil Bozeman, uno de los voceras más temibles de la escena. Como Metal Blade sólo nos ha facilitado el audio y no puedo juzgar el DVD, a The Brotherhood Of The Blade le criticaría que el set se queda corto ante una ocasión tan especial como

ésta, por no decir que se echan en falta muchos más temas de sus dos primeros y apoteósicos álbumes. De igual forma, y mientras esperamos ese nuevo trabajo que el mismo Bozeman ya ha fijado para 2016, no está nada mal destrozar las cervicales con burradas como ‘Section 8’, ‘Faces’, ‘I, Dementia’, ‘Possession’, ‘Mono’, ‘Worship The Digital Age’ o la bonus ‘This Is Exile’. Menuda zurraspa.

ese gusto por el hard rock más sombrío y pesado de los 70 han expandido sus mentes hasta el infinito grabando un disco que se ha de disfrutar como se hacía con aquellos clásicos imperecederos de otras épocas, donde con cada escucha descubrías nuevos matices, detalles casi difuminados en unas composiciones de una riqueza sonora asombrosa. Es complicado describir un ejercicio musical tan brillante como ‘¿Quién Eres Tú?’, por momentos me recuerdan la libertad creativa que exhibe una formación para mi afín a ellos como Howlin’ Rain,

pero decididamente la guitarra de Raúl Guerrero es mucho más versátil, melódica y contundente. ‘Sol’ por ejemplo te noquea con un fraseo endemoniado, mientras que ‘Te Esperaré’ es una dramática composición que te hiela la sangre, por no hablar de ‘Escrito En La Pared’, una de esas canciones por las que muchas de las bandas vintage suecas o americanas que entronizamos mes tras mes seguro que matarían. Felicidades, chicos. Ojalá el talento desparramado en esta gran obra tenga una justa recompensa.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

THE JON SPENCER BLUES EXPLOSION Freedom Tower (MATADOR/POPSTOCK!)

ROCK

on Spencer ha cumplido ya 50 años, y la Blues Explosion 25. Cuando uno se dedica al rock’n’roll, entendido con la intensidad y pasión sobradamente conocidas en la banda, sería sensato pensar que ya no se les puede exigir tanta electricidad y energía como cuando eran treintañeros. Pero, en honor a la verdad, y aunque sepamos perfectamente que la chispa y genialidad de Orange o Now I Got Worry no volverán jamás, este Freedom Tower es un dignísimo disco, que tras la visceralidad de su antecesor Meat And

Bone (2012), recupera el groove y los ritmos de grabaciones antiguas como Acme, Acme-Plus o el ya citado Orange. Casi sin quererlo, el nuevo álbum se ha acabado focalizando en Nueva York, ciudad de residencia del grupo desde hace tres décadas. No es una mirada nostálgica, sino un contexto inevitable, visto desde la cotidianidad del que vive en sus calles y se alimenta de sus historias, olores y sabores. Los chispazos eléctricos de ‘Betty Vs The NYPD’, ‘Funeral’ o ‘The Ballad Of Joe Buck’ se alternan con los ritmos sincopados tan marca de la casa, que rozan el hip hop o el funky desde una perspectiva grasienta y garajera: ‘Do The Get Down’, ‘Down And Out’, ‘Tales Of Old New York: The Rock Box’, ‘Bellevue Baby’, ‘Cooking For Television’… Parecen metralla de suficente calibre como para que Jon Spencer se siga subiendo a los altavoces, comiéndose el micro y gritando como un poseso que “¡The blues is number one!”. Lo siga siendo o no, qué más da. IGNASI TRAPERO

JUST FOR REVENGE Restless (AUTOEDITADO)

POST HARDCORE

iendo que la escena hardcore y metalcore en España se encuentra en plena ebullición, no es de extrañar que aparezcan formaciones cada vez más jóvenes. El penúltimo ejemplo son los madrileños Just For Revenge, que tras cinco años de existencia con los inevitables cambios de formación en el camino, al fin se consideran preparados para lanzar su primera referencia en forma de EP. No vamos a engañar a nadie, la competencia ahora mismo dentro de este género es altísima y a estos debutantes todavía les quedan mucho peldaños por escalar. Pero también

es cierto que todo lo que les falta de recorrido y experiencia lo saben suplir con ganas e ilusión. En los cuatro cortes de Restless se pueden adivinar fácilmente pinceladas de la última oleada del metalcore o incluso del post hardcore de gente como Defeater, caso de ‘Live The Life You Love’. En ‘The Best I’ve Ever Learned’ añaden interesantes líneas melódicas (algo que deberían aprovechar y explotar en el futuro) que junto a los sing-alongs del estribillo la convierten en la más destacada del lote. ‘Hypocrites’ aporta velocidad y dinamismo siendo posiblemente el corte más inmediato y que muestra mayor garra por parte del conjunto antes de que finalicen con la también agresiva ‘New Days, Old Glories’, en la que les echa una mano a las voces Álvaro Loza de sus colegas Haddock. Ya decimos que Restless está lejos de ser una obra sobresaliente, pero aun así, reúne elementos más que suficientes con los que empezar a construir un sonido propio. GONZALO PUEBLA

ALL IN

Renascentia (AUTOEDITADO)

METALCORE, HARDCORE MELÓDICO

pesar de su insultante juventud, los miembros de All In saben latín. Y no lo digo sólo por el título de su segundo trabajo, Renascentia. Sus cuatro miembros son ya perros viejos, pues acumulan años en esto de la música tras su paso por bandas tan dispares como Drizzle Of Dust, Abril y Claiming The Crown. Les apetecía hacer algo diferente, y a su manera. Por eso, imagino, se han encargado de todo el proceso: desde la grabación al diseño, pasando por el mastering. El resultado está mejor que bien. ‘París No Existe’, 45 segundos de hardcore melódico a piñón, rompe el hielo y entonces

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explota ‘Ave Fénix’, publicado meses antes digitalmente como avance con un par de rarezas a modo de caras B. “Desde la oscura ceniza resurgiremos”, cantan en este tema de puro easycore en castellano estos cuatro chavales, que se reencontraron en 2014 con ganas de tirar adelante algo nuevo. Con ambición pero con los pies en el suelo: “Aunque siempre seremos del montón, no podrán detenernos sin razón”, afirman en el estribillo de ‘Tundra’, con un estribillo memorable digno de los mejores Marvin, también presentes en el siguiente corte, ‘Necios’. Mucho más contundentes se muestran en ‘Génesis’, donde colabora Samuel Howard de la banda Vultures Overhead, con guitarras djent y un estribillo que puede recordar a los mismísimos Bring Me The Horizon. Podría parecer que están en tierra de nadie: muy metálicos para los punk poperos y demasiado melódicos para los hardcoretas... Pero esto no detendrá al cuarteto. O no debería. All In prometen grandes momentos y sólo eso importa. LUIS BENAVIDES

SAXON

Battering Ram (UDR)

HEAVY METAL

a foto que preside la contraportada de Battering Ram, el nuevo álbum de Saxon, ilustra a la perfección el estado actual de tan loable formación. En ella se ve al quinteto relajado, charlando entre sofás mientras echa un vinito, con la Union Jack de fondo. Es decir, muestra a una banda en paz consigo misma, con los deberes más que hechos, que no tiene nada que demostrar y que sigue siendo historia viva de la NWOBHM. A veces, es desde la tranquilidad y la más alta de las veteranías cuando las carreras se relanzan y leyendas como Saxon publican, sucesivamente

y décadas después de su fundación, obras tan solventes y sólidas como Lionheart… y todos los muchos discos que han llegado después hasta este 2015. Como imaginarán, Battering Ram sigue aguantando el tipo sin demasiado esfuerzo, y es que también, como ya va siendo habitual, el tema que da nombre al trabajo y ‘The Devil’s Footprint’ abren el álbum en plan cañón. ‘Queen Of Hearts’ es otro medio tiempo oscuro de ésos con los que se sienten tan cómodos, y aunque luego las que la siguen no sean tan fulgurantes, por ejemplo ‘Hard And Fast’ y ‘Eye Of The Storm’ son dos buenos emblemas de guerra también. Por supuesto, Biff Byford sigue en un estado de forma espectacular, soltando algunos agudos de aúpa, y todo ello desde su inigualable clase al micro. Sin presiones, Saxon dejan aquí una nueva colección de temas que no decepcionarán a ningún fan, y hasta alguna experimentación como la acertada ‘Kingdom Of The Cross’. Junto a Iron Maiden, la banda de su hornada que más en forma se mantiene tanto en álbum como en directo. Y que dure. PAU NAVARRA

HOODED MENACE Darkness Drips Forth( (RELAPSE)

DEATH DOOM METAL

andas como Hooded Menace nos devuelven la fe a los que estamos hasta los huevos de apestosos hippies metidos a doom metaleros. Basta de pantalones de campana, de regurgitaciones setenteras, de fusiladas vintage… Por favor, que vuelva el moho y el cuerpo insepulto, discos de metal extremo puro y duro sin vocecitas dignas de una peli de Disney. El funeral doom es nuestro refugio y también el clásico death doom, y de esto último Hooded Menace saben un rato. Fundados en 2007, Darkness Drips Forth es el cuarto trabajo de los finlandeses, y cuatro

son también los temas que lo comprenden. Eso sí, ni hablar de estar ante un EP: los dos primeros cortes superan ampliamente los 11 minutos, y así llegamos hasta los 42 totales. Que un exAcid Witch como el guitarrista y cantante Lasse Pyykkö sea el padre de la criatura debería ser suficiente garantía, y es que la depresión, la negrura y la lentitud son los dueños de este disco, aunque también hacen acto de presencia las melodías luminosas que, por momentos, pueden emparentarlos con Candlemass, por ejemplo. Esta segunda faceta suya no la encuentro tan interesante, aunque en los dos primeros temas les queda de maravilla. Luego la elaborada ‘Ashen With Solemn Decay’ se alza como la más epic doom, pero pese a que ‘Beyond Deserted Flesh’ lo intenta, ya no volvemos a alcanzar el nivel de la dupla inicial. Igualmente, desde luego esto es mucho más apetecible que las cientos de absurdas bandas para comeflores con las que nos insultan últimamente. PAU NAVARRA

JAMES LEG

Below The Belt (ALIVE RECORDINGS/POPSTOCK!)

ROCK’N’ROLL

en la portada, la foto en blanco y negro de un tipo delgado y tatuado tocando el teclado en pleno éxtasis desenfrenado. La instantánea impacta y refleja exactamente lo que vas a encontrar en la galleta del disco: el más guarro, descarado y sarnoso rock’n’roll que puedes escuchar en estos modernos y culturalmente estériles tiempos. Luego nos damos cuenta: el poseído personaje es el teclista que impregna de suciedad los discos de gente como The Immortal Lee County Killers, Black Diamond Heavies y los injustamente ninguneados Cut In The Hill Gang. Si conocéis alguno de esos nombres ya sabréis

por dónde van los tiros: blues primigenio, rock’n’roll más salvaje que una peli del maestro Peckinpah, góspel bastardo con actitud punk, garaje cavernícola y toneladas y toneladas de actitud. Su piano a menudo se pierde entre las marañas de guitarras desbocadas y ritmos selváticos, pero en ocasiones sobresale como un rayo de sol en medio de una tormenta. El piano y los órganos que incorpora en esa preciosidad titulada ‘October 3RD’ o en la etérea ‘Disappearing’ nos muestran a un músico con más sapiencia instrumental de la que nos creemos, pero cuando se pone burraco y deja hacer a sus colegas de sello (por allí pulula el mismo Freddy J de Left Lane Cruiser) o a algunos de sus amigos (Jim Diamond colabora, Johnny Walker destripa guitarras y Andy Jody de los Diamond Heavies se encarga de reventar los parches de batería), los altavoces literalmente revientan ¿Os acordáis de la patada en la boca del estómago que significó la aparición de Jim Jones Revue? Pues de algo parecido estamos hablando. ANDRÉS MARTÍNEZ 79

ROLLERCOASTER KILLS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Dani Campo (voz, guitarra), Jorge Mills (voz, bajo), Miguel

Rodríguez (batería) PRODUCIDO POR: Javi Ortiz AFINES A: Ulises Lima, Hüsker Dü, Sonic Youth PÁGINA WEB: http://rollercoasterkills.bandcamp.com

Life Sweet Gross (CALEIAH/CRAP/BRAMANTE/M. DE CULTURA)

INDIE ROCK, PUNK

unque son hijos de los 90 y mamaron mucho grunge y punk rock en sus tiempos mozos, cuando los madrileños Rollercoaster Kills agarran los instrumentos y los micrófonos suenan como todos esos grupazos del indie underground norteamericano de los años 80: de Minutemen a Sonic Youth, pasando por sus adorados Hüsker Dü y Mission Of Burma. Por su anterior trabajo, Evil Debt, un meritorio ejercicio de nostalgia indie rock con algo de post punk guitarrero, desfilaban todas estas bandas de alguna u otra manera. El presente Life Sweet Gross sigue la misma línea, como era de esperar, pero con pie-

zas mucho más redondas e inspiradas. ‘Summer Stains’, ‘Young Executive. Artist. Lover’, ‘Good Morning Surgeon’ y ‘Peach Blitz’, cuyo estribillo es responsable del título del disco, son buenos ejemplos. Sin olvidar la adictiva ‘Insanity Now’, donde colabora el cantante y guitarra de los madrileños Challenguer, sus hermanos mayores. Rollercoaster Kills grabaron estos temas en los Estudios Brazil (Picore, Unicornibot, Buena Esperanza) bajo la batuta del maestro Javi Ortiz, que supo sacar lo mejor de estos chavales y capturar la energía de su directo. Las letras no son un tema menor para la banda integrada por Dani (guitarra y voz), Jorge

(bajo y voz) y Miguel (batería). En Life Sweet Gross se desgañitan retratando la cara más asquerosa de la vida, como ya anticipaba el título, con referencias claras a la soledad (“My money says, how many girls can you get? I’m so alone”), la violencia (“I was a fucking queer and hit my clown face with leather belt”) y otras miserias humanas. Siempre con ironía y, en ciertos momentos, cafrismo (“Nothing will last in here. No single survivor”). ‘Vamos a morir todos en esta montaña rusa que es la vida real’, parecen decirnos en estos doce temas, despachados en apenas dos minutos de caída libre. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... DANI CAMPO Sois treintañeros, pero lejos de sonar noventeros, vuestro rollo es más ochentas. “Personalmente empecé con el rock alternativo y el punk de la época, que era heredero directo de la generación anterior, así que en cuanto tirabas un poco del hilo acababas en el underground de los 80. Aun así, algunos grupos de esa época no los pude escuchar hasta años después. Todavía no había llegado internet y no era nada fácil encontrar discos de ciertos grupos, ni pagar discos de importación”. ¿Qué tres bandas os han marcado más? “No se puede decir que tengamos exactamente los mismos gustos, pero sí compartimos un montón de grupos. Tres de los que son bastantes recurrentes, desde el principio, son Hüsker Dü, Wipers y Sonic Youth. Pero hay muchísimos más,

por supuesto”. Junto a vuestro nombre he leído de todo... Que si lo-fi garajero, emo, hardcore, post punk... ¿Sois todo eso al mismo tiempo? “Tenemos un poco de cachondeo con ese tema. Supongo que no es tan fácil etiquetarnos, aunque desde luego no hacemos nada nuevo. Tenemos un sonido garajero pero no hacemos garaje, nos flipa el post punk pero no sonamos a The Cure. Somos una banda de punk, y a partir de ahí se puede afinar más añadiendo etiquetas como emo, indie rock o garaje”. He leído que grabar en los estudios Brazil fue un sueño cumplido para vosotros. “Es un estudio y una forma de trabajar muy exigente porque no hay lugar para la divagación. Tienes que ir con las co-

sas muy claras y muy bien preparadas. Para nosotros supuso un reto y te puedo decir que somos mejor banda después de pasar por ahí. También es un lujo poder trabajar con alguien con el conocimiento y la filosofía de Javi Ortiz”. ¿Cómo veis ahora vuestro debut? En este segundo trabajo veo temas mucho más redondos, la verdad. “Estoy de acuerdo. Nos hemos concentrado en lo que más nos funciona y, en general, me parece que tiene más nivel, tanto en la composición como en la ejecución. Además, está grabado con más medios, y eso también se nota cuando lo escuchas. Aun así, Evil Debt nos sigue gustando y seguimos tocando en directo algunas de sus canciones. No pasa lo mismo con otras grabaciones anteriores”. (LUIS BENAVIDES) 81

VENOMOUS CONCEPT

Kick Me Silly – VC III (SEASON OF MIST)

GRINDCORE, HARDCORE PUNK

l voceras Kevin Sharp de Brutal Truth y el Napalm Death Shane Embury están de vuelta con Venomous Concept, la banda con la que llevan rindiendo tributo a Black Flag, Systematic Death, GBH, Siege, Discharge y sobre todo a Poison Idea desde 2004, aunque yo añadiría que también a las propios combos por los que ellos son mundialmente venerados. Por si fuera poco, Dani Herrera se sitúa tras los parches, y Dan Lilker es el bajista, y otro habitual como John Cooke es el otro seis cuerdas desde 2010… Por supuesto, esta auténtica constelación del core old

school más bestiajo se lo pasa de puta madre aquí, y de paso, cualquiera que se pirre por las referencias citadas. Con veinte temas en 34 minutos, tan pronto se te hace la boca agua con el gancho punk rocker de ‘Anthem’ o ‘The Potters Ground’ como, en la siguiente curva, eres despedazado sin piedad por ‘Human Waste’. ‘Farm Boy’ es muy Napalm última época, pero después en la incendiaria ‘Head On A Stick’ o ‘Pretend’, entre otras, son capaces de mostrar las dos caras de la misma moneda con total naturalidad. ‘Mueve el culo con esto, pero flipa con el castañón en cuanto bajes la guardia’, parece que te escupan. Como es habitual, la palma se la lleva los 11 segundos de ‘Johnny Cheeseburger’, aunque luego se propongan bajar los tempos al mínimo con ‘Forever War’. ‘Pretty On The Inside’, ‘Holiday In Switzerland’, ‘Fucked In The Czech Repub’, ‘Neck Tie’, ‘Daycare’… Caña a raudales para cualquier fanático de estos punks sin remedio. Qué sobrados. PAU NAVARRA

REGARDE LES HOMMES TOMBER Exile

(SEASON OF MIST/LES ACTEURS DE L´OMBRE)

BLACK METAL

pesar de que su discográfica (por cierto, excelente el trabajo realizado por la gente de Les Acteurs De L’Ombre) les publicite como una banda con claras influencias post metal, lo cierto es que el segundo trabajo de los franceses es una zambullida total y absoluta en las negras aguas del black más descarnado. Cierto que les gusta jugar con elementos ajenos al estilo, pero sólo escuchar la impía descarga de ‘A Sheep Among The Wolves’ te das cuenta de que el post hardcore y el ambient lo utilizan tan sólo para enriquecer su propuesta, tan

sólo detalles aquí y allá para delinear unos temas que suenan muy, muy poderosos. Si escuchas ‘Embrace The Flames’ podrás pensar que no le hacen ascos a las melodías, esas guitarras preñadas de detalles van por ese camino, pero la desesperada voz de su cantante Henoch unido a sus blasfemos textos ya se encargan de rebajar considerablemente los pocos rayos de luz que pudieran asomar entre las nubes de tormenta. Tenemos que destacar también los 12 minutos de ‘Incandescent March’. Rebajan la velocidad para lanzarse a los brazos de las tétricas ambientaciones capaces de helarte la sangre para luego destrozarte a base de black de la vieja escuela. Se comenta que más de un pope del estilo que se acercó a los escenarios pequeños de festivales tan mediáticos como el Roadburn o el Hellfest, donde tocaron en sus últimas ediciones, quedaron prendados de un grupo que, con este segundo largo, se ha afianzado como uno de los valores más prometedores del black metal. ANDRÉS MARTÍNEZ

ALIMENT Silverback (LA CASTANYA)

GARAGE PUNK

eníamos mono de Aliment. Ya han pasado tres años del fabuloso colocón con Holy Slap, y esa dosis en forma de 7” -‘Nightmare Girl’ y ‘Cementiri’- publicada el año pasado se quedaba corta. Y como si hubieran escuchado nuestras plegarias, los tres gamberros de Girona City vuelven ahora con más temas de punk rock canalla y despreocupado, despachados en 22 minutos y superando con creces todas las expectativas. El trío, que repite productor y estudios, Santi Garcia y sus Ultramarinos Costa Brava, borda todos los temas de Silverback, del primero al último, auténticos chutes de

buen rollo y adrenalina. Y ahí radica la principal diferencia con el anterior, muy entretenido pero algo más inconsistente. Esta segunda entrega tiene algo de continuista, con títulos como la secuela ‘Bad Blood II’ y la cachonda ‘No Fuzz’, porque siguen sonando 100% Aliment, pero Edu (voz y guitarra), Ignasi (bajista) y Pol (batería) afinan la puntería, se centran esta vez en hacer los mejores temas de garaje punk posibles, adictivos y coreables, de ésos que hermanan y piden litros de cerveza. Para explorar otras movidas e irse por las ramas dos de sus miembros ya tienen otros proyectos más shoegazers y psicotrópicos como son Univers y Ocellot. Así, en este inspirado largo encontramos cortes certeros e incisivos (en ‘Razor’ dan miedo como unos OFF! enchufadísimos) y estribillos altamente contagiosos (ramonianos en ‘Car Crush’, ‘Maniac’ y ‘10.000 Hexes’). Silverback es el trabajo que Aliment siempre quisieron publicar y el trabajo que todos esperábamos después de Demos y Holy Slap. Todos contentos. LUIS BENAVIDES

DEAD GHOSTS Love And Death And All The Rest (BURGER)

ROCK

uizás ellos, que viven en una permanente juerga, no se tomen demasiado en serio, pero nosotros, que al fin y al cabo somos los que tenemos que disfrutar su música, sí lo hacemos... de hecho, debemos hacerlo. Graban de manera intermitente, les importa un pimiento el estar afinados, sonar compactos o crear algo mínimamente comercial. Me los imagino todos juntos bebiendo chupitos mientras escuchan cualquier viejo vinilo de Johnny Cash, 13th Floor Elevators, Rolling Stones o Electric Prunes y

sólo cuando les apetece, cogen los instrumentos y registran unos cuantos acordes. Y ahí están, lanzando referencias que, de acuerdo, no van a ser saludadas por las masas, pero que los amantes del fuzz, de la psicodelia o del country esperamos con curiosidad y hasta cierta ansiedad. No esperes producciones impolutas, ni hit singles potenciales, pero es imposible resistirse al poder embriagador que emanan todas y cada una de las piezas aquí incluidas. Desde los aires fronterizos de ‘Another Love’ con la que abren fuego hasta el final con esa balada a lo Johnny Thunders titulada ‘I Will Be Gone’, el cuarteto de Vancouver nos hace viajar a finales de los 60 a base de humeantes guitarras, obsesivos órganos, voces desaliñadas y toneladas de actitud. Hasta cuando se ponen algo melancólicos (escucha esa preciosidad con influencias country ‘Drink It Dry’), estos tipos no dejan de sonar optimistas y decididamente contundentes. ANDRÉS MARTÍNEZ 83

DANZIG Skeletons (AFM)

PUNK ROCK

lenn Danzig llevaba bastante tiempo hablando de este álbum, el décimo de su carrera en solitario. Tanto ha hablado de él que ha hecho que la expectación suba por las nubes, aun tratándose de un disco de versiones. Pero por muy fans que seamos de todas sus etapas (Misfits, Samhain, Danzig), cuando algo no funciona, pues simplemente no funciona. No todo es así, porque canciones como ‘N.I.B.’ de Black Sabbath o ‘Let Yourself Go’ de Elvis Presley sí reciben el trato distintivo de esa voz rasposa que tanto nos encandiló a

lo largo de los 90, pero convertir grandes piezas cinematográficas como ‘Satan’ o ‘Devils Angels’ en sosas canciones de punk sin chispa de innovación termina pareciendo relleno en un álbum de sólo diez canciones. Lo importante en un disco de versiones es llevar las canciones de otros a tu propio terreno, y en esto Skeletons se queda en un quiero y no puedo. También queda bien en claro que las baladas tampoco son su fuerte. Ojo, que en el álbum cuenta con sus inseparables Tommy Victor (Prong) a la guitarra y Johnny Kelly (Type O Negative) a la batería, pero cuando los arreglos de las canciones no son los correctos, no hay mago que valga. Danzig quería volver al punk, incluso se vuelve a maquillar a lo Crimson Ghost para esta portada, y ya tiene ese disco que tanto deseaba, pero éste es un álbum que no supera más de tres escuchas. Aunque, tranquilos: ya se ha puesto manos a la obra en un trabajo de material 100% original de Danzig. JORGE FRETES

AVIDA DOLLARS Catarsis (FAIR WARNING)

ROCK ALTERNATIVO

espués de dos largos como el prometedor Paramnesia y el inspirado Esencia, todos sus seguidores esperábamos el disco de la confirmación de Avida Dollars. Primero sacaron el sencillo ‘Berriak’, a principios de 2014, y ahora publican el EP Catarsis. Como antesala funciona, pues suben más si cabe las expectativas depositadas en esta banda forjada en el local pero, sobre todo, en la carretera. Y es que los catalanes llevan ya cinco años volcados en esta guerra sin cuartel que es tener una banda de rock duro en castellano. Pero “todo saldrá bien”, cantan en la inicial ‘Sombra Y Luz’,

con un estribillo deudor de Nothink cuando dicen eso de “esquivar cada explosión” y un final a base de violines como cuchillos inspirados en el ‘Living Is A Problem…’ de Biffy Clyro. ‘Los Niños Perdidos’ combina una base instrumental apabullante digna de Russian Circles con una poesía descarnada (“No seré parte de este tapiz, sin Luna y de cielo gris, que el miedo siembra en la conciencia y nos va secando el corazón”). En el tercer corte, ‘A Ciegas’, con un tímido arranque pero un desarrollo emocionante, sobrevuelan una de las mayores influencias del cuarteto: los Thrice de Wheissu y sucesivos. Para el final del disco, grabado y mezclado en Wheel Sound Studio (NWO, Krilin, Zimt), dejan una suerte de power ballad -solo de guitarra heavy incluido- como es ‘Volvamos A Vencer’ y ‘Catarsis’, una especie de vals que suena a triste despedida con la ayuda de unos violines y cellos deliciosos. Y ya. Cinco grandiosos temas, pero sólo cinco. A la espera de más, porque mejor es casi imposible. LUIS BENAVIDES

NUCLEAR

Formula For Anarchy (CANDLELIGHT)

THRASH METAL

on paso decidido y sin vacilaciones, Nuclear se van abriendo camino en este nuevo panorama thrash que tan bullicioso parece en los últimos años. No me extraña en absoluto, menos su fichaje por un sello como Candlelight Records, porque la verdad es que los chilenos ofrecen todo lo que uno espera de un lanzamiento como Formula For Anarchy, más algún que otro detalle para el más sibarita. A su thrash de raigambre Slayer –esto se disfruta sobre todo por la forma que tiene Matías Leonicio de atacar el micro o en trallazos como ‘Self-Righteous Hypocrites’

o ‘Corporate Corruption’-, hay que sumar su afiliación contestataria, ésa que nos recuerda que este estilo es metálico, sí, pero que mucho tomó también del hardcore punk. Así, algo de clásico crossover thrash tienen ‘Offender’ o en gran medida ‘Tough Guy’, aunque haya muchos cortes más, casos de ‘Confront’, ‘Waging War’, ‘Left For Dead’ o la última y rabiosa ‘When Four Means None’, que por encima de todo son rapidez en estado puro, riffs gordísimos y caña en tu cara sin descanso. Con una producción grave y devastadora para tus altavoces, Nuclear firman diez canciones que son violencia desatada, un torbellino que viene a decirnos que el thrash, efectivamente, y aunque últimamente muchos sólo quieran rememorar sus bromitas, fotos garrulas y cerveceo, también formaba parte del metal extremo. Desde luego, ése es otro de los mensajes que calan hondo en esta publicación. Formula For Anarchy son 28 minutos y a tomar por el culo. Para qué más. PAU NAVARRA

JEFF THE BROTHERHOOD

Wasted On The Dream (INFINITY CAT/WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

esde que explotaran en 2009 con Heavy Days, la carrera de los hermanos Orrall no ha hecho más que ir hacia arriba. Un ventajoso contrato con Warner podría hacernos pensar que vendían sus almas al mainstream, pero no fue así, siguieron fieles a su manera de trabajar, grabando cuando querían y escogiendo con sumo cuidado la gente con la que colaboraban (entre ellos estrellas como Jack White, artistas tan grandes como Matthew Sweet o nuevos mesías como Dan Auerbach). Después de un tiempo de silencio vuelven a patearnos con su colección de minimalistas riffs noventeros

que lo mismo te trasladan al desierto de Joshua Tree que a un sudoroso club punk de la soleada California. Ellos son así, pueden pasar de un ejercicio de stoner psicodélico como ‘Melting Place’ a un single tan sumamente comercial que podrían haberlo grabado los mismísimos Weezer. Si no me crees escucha ‘Black Cherry Pie’, donde además han tenido los santos cojones de invitar a Ian Anderson de Jethro Tull a meter un solo de flauta travesera. Adoro estos tíos, me encanta esa facilidad que tienen para endosarnos una pieza de luminoso power pop (‘In My Dreams’) y luego partirnos por la mitad con una erupción volcánica como ‘Voyage Into Dreams’, que casi podría pasar por un tema de Kyuss. De nuevo ellos se lo guisan y se lo comen todo, tan sólo han contado con la ayuda en el bajo de Jack Lawrence de los Raconteurs y unas cuantas escogidas colaboraciones, entre las que destacan las guitarras de Evan Bird y Emmett Miller, ambos de los inclasificables y geniales Diarrhea Planet. ANDRÉS MARTÍNEZ 85

AERIAL BLACKED Breaking Stones (DEUVEDE MUSIC)

METAL

in saber muy bien cómo ni dónde, el nombre de Aerial Blacked empieza a sonar dentro de la escena catalana de metal. Pese a que llevan alrededor de un lustro, ha sido gracias a la publicación de su debut, Breaking Stones, cuando el cuarteto de Mataró ha empezado a tener empaque dentro del mundillo. Aerial Blacked son una banda de metal, de eso no cabe ninguna duda, pero una vez llegados a ese punto, cuesta ubicarlos. No es que su propuesta sea tan rompedora que uno no sepa cómo encajarlos, sino que su álbum es un conglomerado de estilos, ante el cual cuesta encontrar dónde está la verdadera personalidad de la banda. Tomando como punto de partida a los Megadeth de Rust In Piece, ‘Kenyon’ sería un buen ejemplo de ello, pues Aerial

THE DEAD WEATHER Dodge And Burn (THIRD MAN/WARNER)

ROCK ALTERNATIVO, BLUES ROCK

espués de volcarse en su carrera en solitario en los pasados años, el prolífico Jack White necesitaba tomarse un respiro retomando su proyecto con The Dead Weather, y delegando el liderazgo en Alison Mosshart. No deja de ser curioso que ante el anuncio de su tercer trabajo confirmaran no tener la intención de embarcarse en ninguna gira. Los integrantes de la banda tienen sus propias carreras a las que no van a renunciar, y de alguna manera eso puede hacer que nos cuestionemos su grado de implicación

Blacked parecen encontrarse a gusto entre el groove metal y un progresivo que en la parte central del álbum toma todo el protagonismo. La banda tiene madera y Héctor es un interesante y versátil vocalista, pero tras analizar el álbum con detenimiento queda claro que el combo funciona mejor en su faceta de banda de metal que en la de progresivo. Temas como la inicial ‘The Radar’,

la thrashera ‘Gasoline’ o ‘Rebellion’ ganan por goleada a canciones de vocación más compleja como ‘Gamma Rays’ o ‘Remains In Reim’, que no acaban de estar del todo bien resueltas. Veremos por dónde nos salen en su próximo trabajo, pero una vez visto lo potente de su directo, esperemos que el metal salga victorioso.

a la hora de enfrentarnos a Dodge And Burn. Tras muchas escuchas, siendo las primeras complicadas puesto que no es un disco fácil, se podría decir que es posiblemente el mejor trabajo del cuarteto hasta la fecha. No hay duda que en los proyectos en los que White es integrante, su estilo y forma de componer están muy presentes; sin embargo esta vez son los temas creados por Alison Mosshart y Dean Fertita los que realmente se llevan la mejor parte del pastel, empezando por ‘I Feel Love (Every Million Miles)’, con unas baterías a cargo de White

totalmente zeppelianas, ‘Buzzkill(er)’ y continuando con la poderosa ‘Cop And Go’. La banda no se ajusta a un patrón, abarcando una enorme variedad de sonidos en ocasiones más alternativos, y en otros momentos más clásicos, e incluso bluesy. La triunfadora de esta unión de titanes es sin duda la extravagante cantante de The Kills gracias a sus explosivas melodías y a su estilo único. The Dead Weather ha dejado de ser la banda de Jack White para convertirse en la banda de Alison Mosshart, y eso nos gusta.

CARLOS MARTÍNEZ

TOI BROWNSTONE

ZEBRAHEAD

Walk The Plank (RUDE)

PUNK POP

abes que te estás haciendo viejo cuando ves que Zebrahead llevan veinte años en el negocio. La edad tampoco es algo que Matty Lewis y los suyos puedan ocultar, porque cuando tienes cerca de 40 e intentas cantar como cuando tenías 15 (sobre todo cuando tus letras parecen precisamente escritas por alguien de 15 años), sabes que algo no cuadra. ¿Qué hace entonces que la banda siga gozando de popularidad? Pues que la fórmula que crearon en un principio les da la oportunidad de cambiar constantemente. Y es que el

cambio y la experimentación es algo que se palpa en Walk The Plank. Que nadie se asuste, Zebrahead no se han pasado al progresivo ni nada parecido, pero ya metidos en el final de 2015 se atreven a innovar en su propio sonido metiendo guitarras acústicas, interludios instrumentales, y hasta piezas mas propias del rock alternativo noventero que del punk rap que les caracteriza. ¿Están inventando algo con esto? Para nada, pero para los estándares de la banda es más que suficiente. Sin mutar demasiado en algo irreconocible, mantienen fresca su oferta sonora: bien te pueden presentar su lado más suave con temas como ‘So What’, que brindarte verdaderos himnos de punk frenético con la primera ‘Who Brings A Knife To A Gun Fight’. Disco de guitarras enormes, aunque todavía les falta ese punto que les haga pasar de ser un disco muy bueno a ser un disco genial... ¿Aunque quién se puede quejar tras doce álbumes hablando de prácticamente lo mismo? JORGE FRETES

TRÖPICAL ICE LAND C

(HANG THE DJ!)

SCREAMO

orpresa inicial: el sello Hang The DJ! apuesta por una banda screamo como Tröpical Ice Land después de publicar algunos de mis discos de rock, digamos, melódico favoritos. Pienso en el Love Or Die de Bullitt o el Desertion de Shake Before Use. Bien por ellos. Abrir las orejas a otras cosas mola. Otra sorpresa llega cuando observo con detenimiento la edición física del disco. El presente C de Tröpical Ice Land tiene una edición física totalmente DIY, pintada y recortada a mano, llena de detalles y colorines. Un 10 en manualidades para

la banda. ¿Más sorpresas? Pues algunas, no muchas porque incluso repiten estudio de grabación, los Punch Sound de Torelló. Bueno, sí, por primera vez los Tröpical Ice Land mandan a masterizar algo más allá de nuestras fronteras, concretamente a los Audiosiege de Pórtland. En lo musical, siguen erre que erre con su fórmula de calma-tempestad, con momentos delicados sublimes (si andas un poco tocado las cuerdas de ‘Filo’ te destrozarán) y descargas viscerales (en ‘Caballeros Del Espejo’ tocan fuerte y muy rápido), con temas estandarizados (‘W.I.C.’ entra a la primera, quizá por previsible) y otros muy originales (‘Sr Diplodocus’ no es más que un tema al revés). Ponen la puntilla con una última sorpresa, en el noveno y último corte, ‘Out’, pues es un fragmento de Los Caballeros De La Mesa Cuadrada de los Monthy Phyton. Si como yo no entendiste las letras del resto de temas, aquí el mensaje crítico del disco queda muy claro. LUIS BENAVIDES

GRAVEYARD

Y VAN CUATRO DE CUATRO. UNA VEZ MÁS GRAVEYARD HAN DADO EN EL BLANCO CON INNOCENCE & DECADENCE, DONDE VUELVEN A REVISAR A SU MANERA LOS SONIDOS AÑEJOS DE LOS 70. Y ES QUE AUNQUE PUEDE QUE SUS REFERENCIAS MUSICALES SE ENCUENTREN EN EL PASADO, EL PRESENTE Y EL FUTURO DEL ROCK PASAN POR SUS MANOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

UANDO UNO se encuentra en una escena musical superpoblada, sea cual sea el estilo, suele resultar complicado saber separar el grano de la paja. ¿Cómo es posible distinguir qué formaciones merecen verdaderamente la pena cuando la inmensa mayoría suenan y visten igual, y hasta parece que vayan al mismo peluquero? Por suerte, y aunque no siempre ocurre con frecuencia, la calidad hace que unos acaben brillando por encima del resto. Y dentro del llamado revival rock de los 70, muy pocos han sido capaces de hacerlo de una manera tan rotunda como Graveyard en los últimos tiempos. A pesar de que su debut homónimo apareció en 2007, no fue hasta cuatro años más tarde cuando irrumpieron de verdad con el magistral Hisingen Blues. Una obra que rápidamente les colocó en la punta de lanza del género, donde se asentarían apenas un año más tarde con el también destacado Lights Out. Tal vez otros se hubieran parado a regodearse en las mieles del éxito, pero estos suecos parece que sólo entienden el idioma de las notas y los sonidos, y ahí es donde recae su interés principal. Música orgánica y real, sin trampa ni cartón, conservando la magia de las bandas legendarias. Todo lo demás parece resultarles secundario, y bien que hacen, ya que de esta manera han conseguido entrar incluso en el mercado americano con una inmejorable recepción. Tan

sólo la salida del bajista Rikard Edlund por sus problemas de adicción han podido hacer tambalear una nave que avanza con paso firme. El encargado de ocupar su lugar no ha sido otro que Truls Mörck, quien ya formara parte de Graveyard durante sus primeros años, y que incluso registró las guitarras de su primer álbum. Precisamente el ‘nuevo’ miembro del grupo fue el encargado de responder a nuestra entrevista acerca de su reciente plástico Innocence & Decadence (Nuclear Blast), mientras se encontraban de gira presentándolo por Europa acompañados de Imperial State Electric. El batería Axel Sjöberg y el cantante y guitarra Joakim Nilsson (completa la alineación el guitarrista Jonatan Ramm) intervienen en momentos puntuales, y a este último parece que no le hizo especial gracia que le mencionásemos a los Witchcraft de su excolega Magnus Pelander. La frialdad sueca, ya saben... Al contrario de lo que sucedió con el álbum Lights Out, que salió muy poco después de Hisingen Blues, esta vez parece que os habéis tomado más tiempo para preparar el nuevo material. ¿Crees que eso ha hecho que acumulaseis más ideas nuevas de cara a la grabación? TRULS MÖRCK “Después de todo el tiempo que estuvimos girando con Hisingen Blues y Lights Out nos pare-

cía más apropiado grabar el siguiente disco en una habitación muchísimo más grande donde intentar hacer las canciones lo más vivas posibles. El estudio Atlantis en Estocolmo nos permitía hacer justo eso. Está construido dentro de una vieja sala de cine. Tiene una buena acústica y mucho espacio, lo cual nos daba la oportunidad de instalar nuestro equipo en círculo y tocar juntos como lo haríamos en un concierto o en un ensayo manteniendo la claridad y profundidad del sonido”. Innocence & Decandence suena a Graveyard en estado puro, pero también hay algunos elementos nuevos y sorprendentes dentro de vuestro sonido. ¿Teníais alguna idea preconcebida de lo que queríais mostrar esta vez? TRULS “Diría que nos divertimos mucho en el estudio jugando con todos los instrumentos raros que nos encontramos allí. Grabar en directo nos permitió tener mucho tiempo extra para probar muchas cosas. La idea era no ir en la dirección que resultase más obvia. Teníamos a nuestra disposición sintetizadores, máquinas de cuerda, vibráfonos... Un montón de instrumentos que nunca habíamos usado antes en una grabación. Creo que todos esos arreglos funcionaron muy bien dada la crudeza del material que teníamos en general. Añadimos algunas texturas para fortalecer un poco las cancio89

nes, pero al mismo tiempo, comprobamos que las estructuras de las mismas funcionaban muy bien por sí solas”. Hay varios temas en los que se pueden ver dejes de jazz, psicodelia, soul, como en ‘Too Much Is Not Enough’, o incluso se podría decir que del black metal en ‘From A Hole In The Wall’, donde metéis un blast beat. Se nota que a pesar de tener un background del rock de los 70, escucháis

música muy diversa. TRULS “Por supuesto. Mucha de la música que escuchas en tu juventud se queda contigo para siempre, pero a medida que vas creciendo no puedes evitar cansarte de escuchar los mismos discos una y otra vez, así que tienes que probar cosas nuevas para mantener tu mente despierta. Creo que cuando estás ocupado escribiendo música, por lo menos en cuanto a lo que a mí respecta, sueles escuchar un montón de cosas raras. Cosas que tal vez no te parezcan geniales o grandiosas, pero que de

alguna manera tienen algo que te atrapa. Es difícil de explicar pero creo que si vieses lo que escuchamos mientras hacemos un disco de Graveyard te darías cuenta de que no se parece en nada al resultado final”. ¿Quiénes serían vuestros artistas de referencia en estilos tan distintos como la música soul o el black metal? TRULS “Nos gustan mucho Irma Thomas, Dan Penn y Otis Redding. En cuanto al black metal, no sabría qué decirte. No somos seguidores

del estilo en general, pero sí que es verdad que tomamos prestado algo de la oscuridad en ‘From A Hole In The Wall’ para ampliar el dinamismo entre la luz y las sombras. Es un detalle importante”. Es curioso porque muchos grupos del llamado revival del rock de los 70 siempre toman prestados los riffs de Black Sabbath y Led Zeppelin, pero no se atreven a explorar mucho más allá. Sin embargo, Zeppelin siempre mostraron un sonido abierto a distintas influencias como el folk, el blues, rock progresivo, o incluso el reggae. ¿Piensas que esa mentalidad más abierta os hace desmarcaros del resto de grupos que practican un estilo similar al vuestro? TRULS “Me encantan las bandas que prueban cosas nuevas e intentan expandir su sonido lo máximo posible. Me gustaría que nos distanciáse-

mos de todos esos grupos que no lo hacen y se sienten seguros dentro de su zona de confort. Pero al mismo tiempo, es importante no perder la pista de quién eres ni tus puntos fuertes. Espero que sigamos abriendo nuestro sonido encontrando un mejor equilibrio entre lo extraño y lo que nos resulta familiar”. Un aspecto que me encanta de vosotros es que desde el primer disco habéis demostrado tener un sonido muy personal y reconocible en cuanto a producción. ¿Cuánta importancia diríais que tuvo la figura de Don Ahlsterberg en vuestros tres primeros álbumes para haceros sonar como lo hacéis? TRULS “Creo que Don entendió muy bien lo que quería el grupo y supo proporcionar las técnicas de grabación adecuadas para dar con la esencia del sonido. Pero en mi opinión, la visión en ese aspecto siempre ha sido cosa de la banda”.

Sin embargo, Innocence & Decandence ha sido producido por Johan Lindström... ¿Qué es lo que buscabais en él y qué os ha aportado? TRULS “Somos fans desde hace mucho tiempo de la banda de Johan, Tonbruket, y de la producción de los discos que graba. Johan es productor y también músico, por lo que entiende muy bien cómo te sientes cuando estás tocando. Nos animó a divertirnos mientras tocábamos juntos, sin usar mucha tecnología entre nosotros y él. Tuvimos un ambiente muy relajado durante la grabación. Básicamente podíamos escuchar el resultado final mientras tocábamos. No teníamos que intentar imaginar cómo podría sonar después de añadirle cientos de overdubs y estar editando durante horas”. Vuestro bajista de toda la vida, Rikard Edlund, tuvo que abandonar finalmente el grupo y en su lugar has regresado tú, que ya grabaste el pri91

mer álbum como guitarrista. ¿Crees que para los demás era importante incorporar a alguien que ya conociesen bien desde hace tiempo TRULS “Estar en un grupo significa pasar mucho tiempos juntos, normalmente en espacios reducidos, así que conocernos y saber cómo relacionarnos a la hora de trabajar sin tener que pisarnos los unos a los otros es importante. Hemos seguido siendo amigos durante todo este tiempo y incluso han seguido mis otros proyectos musicales a lo largo de los años, los cuales son bastante diferentes a Graveyard aunque no tan distantes”. Este pasado verano estuvisteis girando por Estados Unidos junto a Mastodon y Clutch. Es increíble el éxito que habéis conseguido allí y, además, en tan poco tiempo. TRULS “La verdad es que sí. Poder girar por Estados Unidos en un nightliner (autobus de gira -ndr.) es increíble. Puedes descansar bien y aun así admirar todo el paisaje. También fue genial poder tocar para tantísima gente en tantos sitios. La verdad es que tanto los grupos como su gente y los fans nos trataron muy bien”. Por otro lado, muchas bandas de Suecia como The Hellacopters y Backyard Babies intentaron asaltar el mercado americano varias veces y no tuvieron la misma suerte que vosotros. ¿Por qué pensáis que vosotros habéis funcionado mejor que ellos? TRULS “Es imposible de explicar. Graveyard han publicado unos cuan-

tos discos increíbles y siempre han tenido un directo fantástico. Puede que para los americanos seamos mejores que esos grupos”. Hablando de The Hellacopters, sois muy buenos colegas de Nicke Andersson y de hecho estáis girando con Imperial State Electric en esta primera fase del tour. ¿Qué supuso para vosotros un grupo

como The Hellacopters, de los que imagino debéis de ser fans? TRULS “Así es. Todos somos grandes fans de Imperial State Electric y The Hellacopters. Nicke es un gran tipo y es un placer estar con él de gira, igual que el resto del grupo. Nos lo estamos pasando genial. Están abriendo todas las noches para nosotros y volándole la cabeza al público con una actuación fantástica.

mala idea. Es un poco pronto para pensar en ello ahora mismo. Tenemos que hacer un montón de conciertos durante los próximos seis meses, pero hay muchas ganas de empezar a trabajar en un nuevo álbum. De momento sólo podemos hacer una de las dos cosas”. Por cierto, quería preguntaros sobre Norrsken, la banda en la que estaban Joakim Nilsson y Rikard Edlund junto a Magnus Pelander de Witchcraft hace muchos años. A raíz de vuestro éxito ha habido gente que ha recuperado el escaso material que se llegó a publicar por aquel entonces. ¿Qué recordáis de aquellos primerizos días en el mundo del rock’n’roll? JOAKIM NILSSON: “La verdad es que no recuerdo mucho. Siempre estábamos bebiendo”. ¿Sigues manteniendo el contacto con Magnus? ¿Qué te parece lo que está haciendo últimamente con Witchcraft? JOAKIM “Sin comentarios”. Eso hace que nos pongamos las pilas también”. Hace poco tuve la oportunidad de entrevistar a Nicke y le comenté que podría estar bien que ambos trabajaseis juntos en un próximo disco. Creo que vuestras visiones sobre la música encajan perfectamente, la verdad. TRULS “Pues quizás no sea una

De acuerdo... Siempre que tengo la oportunidad de hablar con grupos de Suecia me veo obligado a preguntarles por la enorme facilidad con la que aparecen tantas formaciones increíbles allí. Un hecho que me llama mucho la atención es que al contrario que aquí en España, las bandas recibís ayudas por parte

“ESPERO QUE SIGAMOS ABRIENDO NUESTRO SONIDO ENCONTRANDO UN MEJOR EQUILIBRIO ENTRE LO EXTRAÑO Y LO QUE NOS RESULTA FAMILIAR” TRULS MÖRCK del Estado, incluso para salir a tocar al extranjero, lo cual aquí es prácticamente impensable que pueda suceder algo similar... TRULS “Sí, los grupos reciben alguna ayuda por parte del Estado para cubrir gastos. No es mucho, pero al menos es algo. Pero conseguir dinero para salir a tocar fuera es algo muy extraño, al menos con Graveyard nunca ha pasado”. Por último, quería aprovechar para preguntarle a Axel su opinión como músico y particularmente como batería sobre la película Whiplash. Tengo varios amigos músicos que la encuentran excesivamente exagerada y frustrante... ¿Qué me dices? ¿Qué te parece a ti? AXEL SJÖBERG “Como película creo que está bien. Las actuaciones están muy conseguidas, el personaje del profesor es perfectamente sádico. Eso sí, hay algunas cosas en cuanto a la batería y la técnica en las que la han cagado”.

THIRTEEN BLED PROMISES

NO ES MUY COMÚN ENCONTRARSE EN UNA ENTREVISTA HABLANDO DEL FENÓMENO UMMO, LA HELIOPAUSA, ABDUCCIONES ALIENÍGENAS O DE SECTAS OCULTAS... PERO ES QUE THIRTEEN BLED PROMISES NO SON UNA BANDA COMO LAS DEMÁS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ESDE QUE PUBLICARAN su primera demo en 2010, Thirteen Bled Promises han impregnado su brutal deathcore con sus inquietudes por los fenómenos paranormales. Es evidente que en el mundo de la música, y del metal en particular, son muchos los grupos que usan estas temáticas como eje de sus letras o de su imaginería, pero pocos los que llegan al nivel de profundidad que el quinteto, ahora formado por Turri (voz), Fran (guitarra), Darío (guitarra), Cosmea (bajo) y Johny (batería), ha expuesto en sus discos. Si hace tres años plasmaron sus obsesiones en Heliopause Fleets, ahora nos llega su precuela bajo el nombre de The Black Legend (Blood Fire Death), en el que según reza su nota de prensa, “trazan un oscuro viaje que va desde los orígenes de nuestro planeta hasta el siglo XVI de la humanidad”. Toma ya. Su complejidad conceptual tiene igualmente su traslación en lo musical y en sus diez nuevos cortes, la banda madrileña lleva al límite sus recursos técnicos y esos breakdowns que caen como bombas atómicas arrasándolo todo a su paso. Con todo el tiempo que le habéis dedicado a The Black Legend, no sé si casi habéis sufrido más que disfrutado haciéndolo... TURRI “La verdad es que un poco de todo. Sufrido por el tema de organización... Por cues-

tiones personales el batería tiene que estar una temporada en Bélgica y ha sido complicado gestionar la composición. Eso lo ha retrasado todo. Pero también lo hemos disfrutado porque nos ha dado un tiempo extra para acabar de pulirlo todo un poco más y al final ha venido muy bien”. ¿Puedes explicar cómo componéis? Porque hay un montón de cosas pasando al mismo tiempo... Me imagino que el proceso es muy distinto al de grupos que trabajan con estructuras más clásicas. “Por primera vez hemos tenido un bajista activo durante gran parte del proceso y se ha notado bastante tener un tercer elemento en las cuerdas que aportara y que metiera sus influencias también. Por lo general las cuerdas plantean diferentes melodías al principio, principalmente Darío y Fran que trabajan en casa y se las envían a Johny por ordenador. Luego él trabaja las ideas y nos las devuelve. Y entre baterías y cuerdas organizan las estructuras y luego yo voy aportando mis ideas, pero sobre las estructuras ya definidas. Por mi parte yo compongo rítmicamente, lo que llamo ‘el cómputo silábico’, que no tiene ningún sentido dicho así (risas). Primero encajo y diseño los graves y los agudos, y luego lo adapto con las palabras de la historia que quiero contar. Por ejemplo, encajo primero las palabras, ‘voy a follarme a tu madre’, y luego pasa a

ser ‘hoy el planeta Tierra arde’”. Hace dos meses en la entrevista que le hicimos a Kerry King de Slayer decía que el 95% de lo que escucha es metal. ¿Vosotros sois iguales o sois más abiertos? “A nosotros nos gustan los proyectos que son auténticos. A veces el radar te puede fallar un poco, pero por lo general, puedes percibir si la gente va de verdad o no. Pero estamos abiertos a muchos tipos de música. Darío es un fan loco de las bandas sonoras de cine ochentero, Goblin, Baladamenti… también tiene su carrera de haber aprendido piano. Todos venimos de tocar diferentes ramas musicales. Quizá Javi (Cosmea) y Johny son los que les ha tirado la música más brutal, pero con ellos podemos escuchar rap, jazz, y aunque en los viajes predomina más el metal, escuchamos de todo... Aunque no cualquier mierda (risas)”. ¿Qué es para ti una buena canción de Thirteen Bled Promises? “En Thirteen el objetivo es siempre conseguir sonar muy pesado y muy oscuro. Lo que nos había carecido otras veces era aplicarle una coherencia muy grande entre la narratividad instrumental y la narratividad lírica. La única forma en la que hemos trabajado los temas es la manera conceptual. Estamos construyendo una trilogía y este disco es la precuela del anterior, así que una buena canción tiene que ser una que sirva como uno de los episodios del disco. Están planteadas para que fluyan como una narración. Un tema puede ser más pausado o triste y otro más enfurecido, pero en 96

“MI INTERÉS POR LO PARANORMAL ME VIENE, POR UN LADO, POR LA FICCIÓN EN GENERAL, PERO TAMBIÉN POR EXPERIENCIAS QUE ME DIERON A ENTENDER QUE PASABAN COSAS MÁS SERIAS DE LO QUE YO PENSABA” TURRI

todos tienes que notar que te están contando algo más allá de que te parezca una burrada”. ¿Pero eres consciente de que no se entiende una mierda de lo que cantas? “(Risas) Ya sabes que en el death metal la voz pasa a un segundo plano... Por eso te digo que buscamos una narración en general, igual que cuando escuchas Beethoven tú notas que está contando algo, hay muchas emociones ahí dentro. En el metal muy extremo la voz se convierte en un instrumento y el que quiera ahondar más puede acceder a su significado real. Es algo que nos gusta de la música extrema, que no es para

todo el mundo, sólo para el que la quiera conocer de verdad”. Entiendo que aunque vuestra música sea muy técnica, siempre está al servicio de esa narrativa. “Exacto. Estos niveles de complejidad técnica te permiten plantear unos campos de sentimientos más amplios. Si te vas atrás, al metal clásico británico, notabas esa narratividad, y lo mismo con el blues o la música clásica. Y cuando quieres contar algo que no es humano, necesitas una manera de ejecutar la canción que sea más compleja”. Mucha gente puede pensar

tos los he volcado en la narrativa de Thirteen para que, además de ayudar a divulgar este tipo de contenidos, también te ayude a nivel personal y a encarar la vida para ver que hay una verdad más allá de lo que se nos cuenta”.

que lo que contáis es muy fantasioso o imaginativo, pero por lo que sé hay una parte también real. ¿Puedes explicar hasta qué punto las historias que cuentas son cosas que has vivido? “Diría que es mitad y mitad. Mi interés por estas temáticas me viene, por un lado, por la ficción en general, pero también por experiencias que me dieron a entender que pasaban cosas más serias de lo que yo pensaba”. Cuenta, cuenta... “En resumen, yo descubrí que mi vecina de enfrente había sido abducida y empecé a interesarme en distintas cosas. Por ejemplo, descubrí el

fenómeno Ummo, que es una señal que recibieron determinados científicos en los años 60 en toda Europa, pero sobre todo en Madrid, y resulta que justo delante de la puerta de mi casa habían sucedido cosas relacionadas con el tema alienígena. Es algo que fui estudiando por mi cuenta y que fui volcando poco a poco en el grupo. A mediados de cuando estábamos preparando la demo, empecé a obsesionarme con el tema. Ya no era tanto algo divertido a lo que acercarse o un imaginario, sino algo que tenía en mi cara. He visitado a ufólogos, a Santiago Martínez, que es un cazador de ovnis que tiene muchas grabaciones. Vi mi primer ovni con él. Y todos esos conocimien-

Perdona que vuelva a tu vecina... ¿Ella era consciente de lo que había vivido? “Sin meter a mi vecina en problemas, cuando yo investigaba me encontré una lista en internet de una secta que hubo en los 60 en Madrid. Encontré un PDF escrito a mano que se repartía entre sus adeptos para que intercambiaran información sobre sus experiencias. Y ahí encontré la dirección de mi calle, la puerta de enfrente. Para que te hagas una idea, ésta ha sido mi vecina desde que yo era chiquitito y cuando lo descubrí tenía 100 años justos. Hablar con ella tuvo un punto muy mágico. No sé hasta qué punto entra un juego mental o una realidad porque son cosas que no conocemos. Es muy difícil establecer algo claro, pero te aseguro que escuchar sus experiencias de primera mano fue impactante. Con este tipo de historias te das cuenta que personas muy distintas en lugares muy distintos cuentan cosas muy, muy parecidas. Yo no te puedo asegurar que lo que cuentan es real, pero sí que a raíz del grupo se me acerca mucha gente sin ningún tipo de miedo y me cuenta cosas. Sobre todo la gente mayor siente la necesidad de contarlo. Mi vecina, por ejemplo, agradeció que nos acercáramos a ella sin una mirada prejuiciosa porque a mucha de esta gente se la toma por loca o por senil. Tendrías que haber visto cómo nos abrazó y 97

nos cogió la mano. Se sentía realmente aliviada de pensar que alguien la estaba creyendo”. Estos prejuicios también tienen mucho que ver con cómo se transmiten este tipo de historias. Al final personajes como Iker Jiménez lo convierten más en espectáculo que en divulgación. “Sí. En Thirteen nos alejamos del sensacionalismo y nos montamos nuestra propia teoría. Lo que plantea este disco es que nosotros fuimos creados por seres alienígenas al principio del tiempo y que fuimos abandonados como un error genético en este planeta. Si adentras en el disco verás que plantea cómo esa pieza que falta, ese sinsentido que tenemos en la vida, puede provenir de haber tocado una co98

nexión con estas cosas que no entendemos y que interpretamos como fantasmas, demonios, alienígenas, parálisis nocturnas o los fenómenos paranormales en general. Y de hecho, en el pasado sí se entendían porque se nota en grabados, pinturas, en cualquier resto de cultura ancestral que ha habido una conexión con lo divino, con algo de más arriba o más abajo que se ha perdido. ¿Por qué se ha perdido toda esa información? ¿Por qué no podemos entender cómo se han construido pirámides? Es verdad que se trata con mucho sensacionalismo o pitorreo, pero nuestra aportación es plantearlo como que existió un tiempo en el que nosotros éramos conscientes de esas cosas, pero ese conocimiento nos ha sido arrebatado”. Pero también hay un punto

de sentido del humor en lo que hacéis. Por ejemplo en el vídeo de ‘Biblephagy Slender Phytobezoars’ aparecen platillos volantes al estilo de las películas de los años 50. “Claro. No somos gente que nos guste tomarnos muy en serio. En el momento que nos ponemos a crear queremos disfrutar y, además, somos todos muy fans de la ciencia ficción. Somos consumidores brutales de ciencia ficción y nos encantan estos detallitos frikis de otras creaciones que nos han marcado mucho en la vida. No vamos a dejar de lado esa parte más de niño o de fantasía. Cuando ves la obra de alguien te lo tienes que tomar como un regalo porque detrás de una película o un cómic igual hay toda una vida dedicada a ello”.

TBP En el mundo hay dos clases de personas: las que si apareciera una nave alienígena saldrían huyendo horrorizadas, y las que irían corriendo para subirse a ella. Supongo que eres de los segundos… “(Risas) Pues dependería. Todo fuera del planeta no tiene por qué ser bonito. Nuestro disco anterior se llamaba Heliopause Fleets, Las Flotas de la Heliopausa, la heliopausa es donde termina la fuerza del sol. Lo que planteaba ese disco es que la nave Voyager, que contiene información sobre la Tierra y los humanos, incluida música, es que si alguien la encuentra se va a cabrear porque pensará qué coño hemos hecho con el planeta. En este disco lo que planteamos es que la relación entre los humanos y los alienígenas también era hostil, así que si viniera una visita extraterrestre más que en son de paz, vendrían a hacer justicia. Lo que estamos haciendo los humanos es obvio que no está bien. Hay gente buena, pero la base es el asesinato, el robo, la ablación…”.

De hecho, os escogieron en la web norteamericana TotalDeathcore como una de las diez mejores bandas de la historia del género. Eso tiene que impresionar. “Sí, fue de puta madre porque estábamos entre algunos de nuestros grupos favoritos y nos ayudó mucho a darnos a conocer. Porque me imagino que si eres alguien de fuera y ves esa lista con grupos conocidos y hay uno que no tienes ni puta idea de cuál es, pues te llama la atención. Por ejemplo empezamos a recibir muchos pedidos de Texas. No sé qué pasa ahí, pero nos compran discos y camisetas (risas). Y desde luego salir ahí ayudó a que se agotara el disco. Qué bueno, sólo hicimos 500 copias, pero para nosotros es un mérito sobre todo hoy en día”.

Volviendo al grupo, tenéis que estar sorprendidos con la respuesta de fuera... “La verdad es que sí, era inesperado. Hemos recibido mucho apoyo de distintas partes del planeta. Hemos

¿Y cómo os planteáis poder aprovechar esa inercia? ¿O al final se quedará en ser un nombre de culto pero sin poder aprovecharlo de verdad? “No tenemos una idea exacta,

vendido álbumes en los cinco continentes, en Sudáfrica, en Alaska, en Canadá, en Rusia… Trabajamos mucho para que el grupo sea presentable internacionalmente y tener esa respuesta te da mucha satisfacción”.

“EN THIRTEEN NOS ALEJAMOS DEL SENSACIONALISMO Y NOS MONTAMOS NUESTRA PROPIA TEORÍA. LO QUE PLANTEA ESTE DISCO ES QUE NOSOTROS FUIMOS CREADOS POR SERES ALIENÍGENAS AL PRINCIPIO DEL TIEMPO Y QUE FUIMOS ABANDONADOS COMO UN ERROR GENÉTICO EN ESTE PLANETA"

TURRI

como no la teníamos con el anterior. Supongo que el saber que éste iba a tener más repercusión y lo iba a escuchar más gente nos ha hecho trabajar mucho más. El grupo nunca se ha encontrado con cinco personas en las que tuviéramos la cabeza y el bolsillo dispuestos a tirar esto adelante. A corto plazo queremos girar por Europa de una vez. Pero queremos ir poco a poco, intentar poder ir creando contactos y con suerte poder tocar por todo el mundo. No nos planteamos vivir de esto, pero sí al menos poder dedicarnos a ello el máximo tiempo posible. Quizá antes alguno podía tener dudas de si dejar un trabajo o no, pero ahora está claro que es nuestra prioridad y queremos currar para llegar hasta el infinito y más allá”.

TALCO

LOS ITALIANOS TALCO SIGUEN PROPAGANDO SU PATCHANKA DISCO TRAS DISCO, CONCIERTO TRAS CONCIERTO. SU NUEVO TRABAJO SILENT TOWN SUENA COMO BANDA SONORA MIENTRAS LOS VALORES DE LA VIEJA EUROPA SE DESMORONAN. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UCHOS GRUPOS se preguntan qué se necesita para triunfar. Seguramente hay muchos factores indispensables para conseguirlo, pero hay uno que por encima de todos es básico y, que para desgracia de los músicos, no se puede ni estudiar, ni comprar: caer en gracia. Es indudable que los italianos Talco lo han hecho entre el público ibérico y las perspectivas que se les han abierto con su nuevo álbum Silent Town (Kasba Music) eran inimaginables cuando empezaron su carrera hace casi 15 años en Marghera. Como ellos mismos nos cuentan, proceder de la parte industrial de Venecia tiene mucho que ver con el contenido político y social de sus letras y con la gran respuesta que han encontrado entre los aficionados al punk. Algo a lo que sus guitarras ska y vientos festivos también ayudan, claro. Con Silent Town el sexteto formado por Dema (voz, guitarra), Jesus (guitarra), Ketto (bajo), Nick (batería), Rizia (trompeta) y Tuscia (saxo tenor) cierran una trilogía que empezó con La Cretina Commedia (2010) y siguió con Gran Galà (2012) en la que reflexionan sobre la situación de su país y, por extensión, de toda Europa. Curiosamente, Talco son mucho más populares en nuestro país que en el suyo propio y, por ejemplo, a finales de enero empezarán una gira que los tendrá hasta marzo actuando en algunas de las salas más grandes como la Totem de Pamplona, Razzmatazz de Barcelona o Vistalegre en Madrid. Justo dos días antes de que Silent Town saliera a la venta, Dema y

Jesus nos hicieron una visita a nuestra redacción para presentárnoslo en un castellano más que notable. ¿La sensación que tenéis ahora mismo es de estar a punto de parir? DEMA “Sí, porque hemos esperado demasiado (risas). Hemos trabajado en este disco casi un año y medio. Durante la anterior gira yo llevaba un ordenador para grabarlo todo yo solo porque no teníamos tiempo de ensayar. Cada vez que tenía una idea la apuntaba y hacía una estructura de las canciones. Luego hicimos una pregrabación, después la gira de verano y finalmente la grabación”. Con este disco cerráis una trilogía. ¿Cuando publicasteis La Cretina Commedia ya teníais más o menos todo planificado o ha sido algo que habéis ido desarrollando sobre la marcha? DEMA “La Cretina Commedia fue el primer disco en el que hablábamos sobre Italia. Con Gran Galà tampoco pensaba en hacer una trilogía. Se hablaba de Italia, pero no estaba muy conectado. Pero al final vi que había unas temáticas que estaban relacionadas y pensé en hacer la trilogía. La Cretina Commedia habla de un chico que muere por luchar contra la mafia, pero Gran Galà es una historia más metafórica jugando con las cartas del Tarot. La trilogía la decidimos hacer al final con Silent Town. No estaba pensado”.

De hecho, Silent Town es también metafórico… DEMA “Sí, sí, porque los temas principales están conectados con Italia, pero también con toda Europa. Se habla de una crisis cultural y moral donde las personas para ganar dinero bajan el nivel cultural y moral. Es un sentimiento universal, no sólo italiano. La corrupción, el nuevo racismo de la extrema derecha, el populismo… Así que Silent Town, respecto a los dos anteriores de la trilogía, es el más general, el más europeo”. ¿Es influencia de haber girado más por Europa? DEMA “Sí, seguramente. Es como mirar Italia viviendo fuera, porque ahora estamos poco allí”. JESUS “Podemos tener una visión más crítica que viviendo en Italia”. Supongo que al final los problemas son muy parecidos en todos sitios. DEMA “Antes hablaba del populismo. Igual que se habla en Italia se habla aquí en la Península con Podemos. En general no me gusta el populismo, pero el problema de nuestro populismo es que es más de derechas que el vuestro. En Alemania también hay un movimiento populista, pero es más parecido al Movimiento 5 Estrellas de Italia que a Podemos. El populismo es la consecuencia de una cultura demasiado baja. Siempre ha llevado a malas situaciones, como en América Latina o Argentina, donde después llegaron dictaduras”. 101

El problema del populismo es que ofrece soluciones muy fáciles a problemas muy complejos… JESUS “Ésa es la lectura perfecta del populismo”. DEMA “Si lo piensas, si estos movimientos triunfan es porque significa que la gente se ha acostumbrado a pensar como ellos. Eso es ante todo una crisis de cultura. Es algo que pasa en toda Europa. La crisis política, institucional y moral son las bases de este disco. La crisis moral es la peor de las tres. Si vives sin valores morales, la consecuencia es el deterioramiento de la política y las instituciones”. Esto también se ve hablando con grupos de música. No hay muchos que habléis de estos temas... prima la frivolidad. DEMA “Sí, pero el mercado es esto. ¿Por qué la gente va a votar a Podemos o a 5 Estrellas? Porque la gente piensa como ellos. Se cree que la música tiene que ser frívola y que la que trata de temas políticos o sociales es pesada. La gente está acostumbrada a escuchar música frívola. Pero también hay grupos populistas. Nuestra banda habla de estos temas pero no queremos dar lecciones. No podemos criticar a los populistas y comportarnos como ellos”.

vota 5 Estrellas no es un seguidor de Talco”. JESUS “Yo creo que lo primero que gusta es la música, y luego habrá gente que se interesa por las letras”. DEMA “Yo estoy muy feliz cuando la gente nos pide una traducción de las letras. Porque al final lo que hacemos es un trabajo farragoso, porque no queremos hacer sólo eslogans. Tienes que pensar si es demasiado eslogan o demasiado poético”.

sas). Aunque hablemos italiano, Italia es más pequeña que España o Alemania. En Italia no podemos dar 50 conciertos”.

¿El éxito que estáis consiguiendo es una señal de esperanza? DEMA “No lo sé. Al final somos músicos. Creo que la gente antes que nada quiere que hagamos música. Aunque seguramente alguien que

¿En Italia el grupo está creciendo igual que aquí? JESUS “No. Lo intentamos, pero estamos a un nivel más bajo”. DEMA “Nos estamos acostumbrando a que no somos una banda italiana, somos una banda de Barcelona (ri-

Centrándonos en la música, el disco es más parecido a vuestros inicios, más punk. JESUS “Sí, es más Combat Circus pero con la melodía de Gran Galà”. DEMA “Nuestra intención en el periodo de Gran Galà era hacer un disco

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¿Pero os plantearíais venir a vivir aquí? DEMA “No, me gusta mucho vivir en mi casa. Cada vez estoy menos, pero tengo mi vida ahí, los amigos, los parientes. Me gusta pensar que cuando estoy en casa, estoy descansando”.

“ES RARO QUE UNA BANDA DE

ESCUCHE HARDCORE O THRASH METAL, PERO PARA

SKA

NOSOTROS ES NORMAL”

DEMA con Radio Bemba en 2001 y vimos que era un estilo desde el que partir. Nosotros teníamos una base más punk, pero nos marcó una dirección. A partir de ahí nuestro estilo empezó a crearse, pero ese concierto fue muy importante”. JESUS “Pero ayer fuimos a ver a Slayer. Nos gusta mucho el metal, pero venimos del punk (risas)”. DEMA “Es raro que una banda de ska escuche hardcore o thrash metal, pero para nosotros es normal”. JESUS “Para ser músico tienes que escuchar mucha música”.

más melódico porque sentíamos que nuestra patchanka no estaba evolucionando. Y funcionó bien porque temas como ‘Danza Dell’Autumno Rosa’, ‘Ancora’ o tres o cuatro canciones de ese disco las tocamos siempre en directo. Pero ahora sentíamos que teníamos que coger esta melodía y tocarla con la potencia de los discos viejos. Escuchamos mucho Mazel Tov y Combat Circus y dijimos que queríamos ese sonido pero con melodía”. ¿Os sentís herederos de Mano Negra? DEMA “Muchísimo. Lo estábamos hablando antes. En el primer disco hacíamos música pero sin que entendiéramos lo que hacíamos... Pero vimos un concierto de Manu Chao

A la hora de trabajar, internamente, ¿sois una democracia o no? JESUS “Lo digo yo: tenemos la suerte de que Dema tiene una idea muy clara de lo que tenemos que hacer”. DEMA “Hemos hablado de eso, pero al final siempre volvemos a la misma manera de trabajar, que es que yo soy el que escribe las canciones. Es una manera muy íntima, muy personal, pero hasta ahora ha funcionado. Esta vez como no teníamos mucho tiempo para escribir las canciones en el local, yo grababa todo en el ordenador, la batería con el midi, los vientos con el teclado, para construir las canciones”.

DEMA “Hasta ahora no. Siempre he tenido miedo de eso, con cada disco. Después de Gran Galà les dije que ése era el último disco que nos iba a gustar tanto de Talco, pero después de un año tenía escritas 30 canciones para Silent Town. Hasta que no se acabe, seguiremos adelante”. Cada vez el grupo ocupa una parte más importante en vuestra vida... ¿Cómo lo lleváis? JESUS “Personalmente lo llevo muy bien. Es una suerte poder vivir de la música. Hay un punto en el que tienes que decidir qué hacer: si te buscas un trabajo o te centras en la música. Creo que un secreto de Talco es que todos estamos convencidos de ir en la misma dirección. Estamos en el mismo barco”. DEMA “Somos seis personas pero vamos en la misma dirección. Tenemos una química importante. Decidimos las cosas juntos y eso creo que es uno de los secretos de Talco”. JESUS “Eso se nota en directo. No somos seis músicos que cada uno da un concierto, sino que lo hacemos unidos y nos divertimos con ello”. DEMA “Somos unos privilegiados. Tenemos la suerte de vivir de nuestra pasión”.

¿Nunca te bloqueas, creativamente hablando? JESUS “Suerte que no... (Risas)”.

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MAYDAY PARADE

¿QUÉ ALICIENTE TIENES PARA CAMBIAR CUANDO TODO VA BIEN? ÉSA HABÍA SIDO LA FILOSOFÍA DE MAYDAY PARADE DURANTE SUS DIEZ AÑOS DE VIDA, PERO PARA LA GRABACIÓN DE SU QUINTO DISCO, BLACK LINES, LOS DE FLORIDA DECIDIERON AGITAR UN POCO LAS COSAS... TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

ESDE FUERA PUDIERA parecer que hace un par de años Mayday Parade estaban en el mejor momento de su carrera. Su cuarto disco Monsters In The Closet les había permitido entrar por primera vez en el Top 10 de las listas americanas y su legión de fans parecía la mar de encantada con que no se movieran ni un ápice de ese pop rock de impecable factura que llevaban practicando desde que se habían formado en 2005. Sin embargo, Derek Sanders (voz), Alex Garcia (guitarra), Brooks Betts (guitarra), Jeremy Lenzo (bajo) y Jake Bundrick (batería) empezaban a sentir que su música no reflejaba quiénes eran. La mala experiencia que habían tenido cuando grabaron su segundo álbum, Anywhere But Here, en la que la multinacional Atlantic se interpuso en todo momento durante su proceso creativo, se había vuelto a repetir, pero esta vez por su propia incapacidad de imponer su criterio frente a los productores, y pese a todo todavía amigos, Zack Odom y Kenneth Mount (Cartel, Every Avenue). “No tenemos nada contra ellos”, nos cuenta Sanders durante una de las paradas de la gira que están haciendo bajo el auspicio de la revista Alternative Press. “El problema es que nos sentíamos demasiado cómodos con ellos. Era el tercer álbum que hacíamos juntos y todo era absolutamente predecible”. Decididos a no tropezar con la misma piedra en su siguiente álbum, el grupo de Florida optó por contratar los servicios de Mike Sapone, conocido por su trabajo con Brand New y Taking Back Sunday, y dejar salir las influencias del rock alternativo de los 90 que llevaban dentro. Por 106

primera vez en Black Lines (Fearless Records) escuchamos a Sanders gritar, a Garcia y Betts dejando sonar sus guitarras con soltura y aunque sus canciones siguen siendo fácilmente digeribles, ahora sabes que ya no te va a provocar una indigestión. Los días 19 de febrero en Barcelona (sala Bikini) y el 20 en Madrid (sala Caracol), Mayday Parade estarán por primera vez en nuestro país y, como leeréis, su vocalista no podría estar más contento. Aunque había seguido más o menos vuestra carrera, si te soy sincero nunca me habíais acabado de convencer. Sin embargo, creo que Black Lines suena más real. DEREK SANDERS “Muchas gracias, eso era lo que buscábamos. Después de diez años y cinco discos queríamos hacer algo nuevo, fresco y emocionante. Queríamos algo que fuera distinto al pasado y que fuera más maduro”. Habiendo tenido bastante éxito, me imagino que os encontrabais en una encrucijada... Porque supongo que queríais mantener vuestro público, pero al mismo tiempo, no queríais hacer siempre lo mismo. “Desde luego. El cambio fue consciente aunque supiéramos que había algo de riesgo. Lo más seguro hubiera sido seguir haciendo lo mismo, pero queríamos algo que fuera más sincero con cómo nos sentimos ahora. Y ha salido bien. La respuesta hasta ahora ha sido muy buena”. ¿Era algo que quizá podríais haber hecho ya con el disco

anterior y os reprimisteis? “Cuando hicimos Monster In The Closet nos dimos cuenta de que teníamos que cambiar porque nos estábamos repitiendo. El disco se parecía mucho al anterior, el homónimo. Nos dimos cuenta de que no podíamos seguir por ahí siempre, que teníamos que tomar una nueva dirección”. ¿Cambiasteis vuestra manera de componer? “En realidad lo hicimos como siempre. Solemos estar un año y medio de gira con cada disco y durante ese tiempo, vamos preparando ideas. Por ejemplo, aunque sólo hace un mes que ha salido Black Lines, ya tengo un puñado de nuevas ideas. Y durante el próximo año iremos desarrollándolas. Cuando termina la gira solemos irnos un mes a una casa de la playa o en el bosque y nos centramos en simplemente completar las canciones antes de ir al estudio. Así es que como lo hicimos también con éste”. ¿La elección de Mike Sapone, un productor que da a los grupos un sonido más orgánico, fue algo que teníais claro desde el principio? “Éramos grandes fans de los trabajos que Mike Sapone había hecho con Brand New y Taking Back Sunday, así que contactamos con él, pero al mismo tiempo también estábamos hablando con otros productores. Pero él pareció el que más coincidía con la idea que teníamos nosotros. La verdad es que fue una experiencia increíble, tiene mucho talento”. ¿Qué es lo que hizo que su enfoque fuera distinto? “Con este álbum salimos de nuestra

zona de confort y el enfoque fue mucho más orgánico. Queríamos que fuera lo más parecido a una grabación en directo, en lugar de tenerlo todo súper pulido y en su sitio. Queríamos un sonido más crudo, que es algo que echábamos en falta en nuestros discos anteriores”. En parte eso era lo que me fallaba de las obras anteriores. No me gusta cuando los grupos de rock hacen producciones parecidas a las del pop comercial. “Creo que hay una parte del público a la que le gustan esas producciones más perfectas, pero personalmente hay tanta música con ese sonido que echo de menos el factor humano, todo suena demasiado mecánico. Prefiero algo que no esté al 100% afinado o ajustado al tempo, pero que tenga más sentimiento, que suene vivo”. En cierta manera recuerda a finales de los 80, cuando muchos grupos de rock también sonaban excesivamente pulidos. Por suerte luego vinieron los 90 y el rock recuperó su crudeza... “Estoy totalmente de acuerdo. No recuerdo quién era pero alguien hablaba sobre cómo el rock se mueve en ciclos de 15 años y quizá ahora toque que vuelva. El grunge fue algo masivo en los 90 y quizá ahora sea el momento para un movimiento parecido”. De hecho, en el disco hay guiños a Nirvana o Stone Temple Pilots... ¿Son bandas con las que crecisteis? “Sí, desde luego. Nos influyó mucho el rock de los 90. De hecho, la

“EL GRUNGE FUE ALGO MASIVO EN LOS 90 Y QUIZÁ AHORA SEA EL MOMENTO PARA UN MOVIMIENTO PARECIDO”

primera banda que tuve con Brooks, el guitarrista de Mayday Parade, era una de versiones de los 90. Hacíamos temas de Bush, Oasis, Red Hot Chili Peppers, Stone Temple Pilots... así que en este disco volvimos un poco a eso. Hay muchas influencias de los 90, sí. Alguna de mi música favorita se hizo en esa época”.

Them Will Destroy The Other’. ¿Cómo surgió? “Sí. Llevamos tres años siendo amigos y ahora mismos estamos de gira con ellos. Siempre me había gustado la idea de cantar con alguien, y cuando se lo comenté, le encantó el plan. Y además ahora cada noche sale a cantarla conmigo. Mola mucho”.

También tu voz suena más natural. ¿Es la primera vez que podemos escuchar tu verdadera voz? “En parte, sí. Mike estuvo muy abierto a que cantara como me diera la gana. Hay partes en las que apenas susurro y otras en las que grito. Me gustó mucho poder mostrarme mucho más dinámico”.

¿A qué se refieren las líneas negras del título? “Para serte totalmente sincero, no hay ningún significado especial, aunque luego lo ha ido adquiriendo. En un principio simplemente nos gustaba cómo sonaba y nos gustaba el diseño de la portada. Es muy simple y en cierta manera refleja ese enfoque más directo y sencillo que hemos tomado con la música”.

Y Dan de Real Friends canta en el primer tema, ‘One Of

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“LO MÁS SEGURO HUBIERA SIDO SEGUIR HACIENDO LO MISMO, PERO QUERÍAMOS ALGO QUE FUERA MÁS SINCERO CON CÓMO NOS SENTIMOS AHORA”

habéis estado en sellos independientes, en multis, y ahora volvéis a estar en Fearless Records. ¿Qué habéis aprendido de cada situación? “Cada grupo tiene su propia experiencia. En nuestro caso empezamos en Fearless y ahora volvemos a estar con ellos porque sentimos que es nuestro hogar y siempre se han portado muy bien con nosotros. Podemos hacer lo que artísticamente queramos. Cuando hicimos el disco para una multinacional, fue una pesadilla porque querían controlar y mandar en cada aspecto. Al final, nosotros somos los que tocamos estas canciones cada noche, no ellos. Pero tenemos la suerte de haber vivido esa experiencia y haber sobrevivido, porque muchos grupos arruinan su carrera después de dar ese paso”. El tono del disco es más oscuro que los anteriores, pero el último tema ‘One Of Us’ suena muy positivo. ¿No 110

queríais dejar al oyente con mal sabor de boca? “Eso es. Como dices, el disco es más oscuro, pero ese tema es más positivo. Hubiera sido un error ponerla la primera del álbum y que el resto no tuviera nada que ver, pero ponerla al final era perfecto. Se ha convertido en uno de los temas favoritos de la gente. Aún no la hemos tocado en directo, pero tendremos que hacerlo porque mucha gente nos la pide”. ¿Y qué provocó ese tono más oscuro? “La verdad es que somos personas felices... Pero es más fácil escribir canciones tristes u oscuras porque son emociones más fuertes. Y también la influencia del rock de los 90 nos llevó a esa oscuridad. Pero no quiere decir que hayamos pasado por una mala época”. El año que viene estaréis en España, donde sois bastante desconocidos comparado con

Estados Unidos. ¿Cómo os sentís empezando casi desde cero después de diez años en un nuevo país? “Para nosotros es muy emocionante y doy gracias por esa oportunidad. Hemos estado en los mismos sitios muchísimas veces y al final no acaba siendo tan excitante. Recuerdo la primera vez que tocamos en California, fue algo maravilloso, pero ahora ya hemos ido 30 veces y supongo que ya lo ves como algo normal. Es algo inevitable. Así que poder ir a un nuevo país, aunque seamos mucho menos conocidos, es algo mágico. Volver a experimentar algo por primera vez, otra cultura, otro público, otra comida, nos motiva muchísimo. Llevamos tiempo queriendo ir a España, porque ya hemos tocado dos veces en Europa, pero hasta ahora no había sido posible. Será genial”.

MINOR EMPIRES

DOBLE O NADA LES COSTÓ ARRANCAR, PERO UNA VEZ HAN PILLADO CARRERILLA, MINOR EMPIRES YA NO HAN PARADO. SI EL AÑO PASADO SE PRESENTARON AL PÚBLICO CON SU ÁLBUM DE DEBUT, AHORA NOS HACEN LLEGAR EL PRIMER VOLUMEN DE UNITED STATES OF EMERGENCY, CON EL QUE DEJAN CLARO QUE TIENEN CUERDA PARA RATO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JB IMAGES, MARCOS GARCÍA (DIRECTO), HÉCTOR HUGO VILA RODRÍGUEZ (DIRECTO)

AY BANDAS A LAS que uno les llega a coger más cariño por lo personal que incluso por lo que puedan llegar a transmitir con su música. Para mí, sin duda Minor Empires están en ese selecto grupo. Recuerdo cuando en verano de 2013 me puse en contacto con ellos para poder entrevistarles. Por aquel entonces ya empezaba a dejar de ser un secreto que Juan Blas y Miguel Peñas de Nothink habían unido fuerzas junto a Javi Seisdedos de Moonich y Víctor García-Tapia de Toundra para dar forma a un nuevo proyecto musical, aunque aún el disco estaba por terminar y no saldría hasta marzo del año siguiente. En cuanto les expliqué mi intención de hacer una especie de reportaje previo a la salida del álbum, se mostraron encantados con la idea y me pusieron todo tipo de facilidades para llevarlo a cabo, además de comenzar una buena relación con todos ellos que se ha mantenido hasta el día de hoy. Su ópera prima funcionó realmente bien, llegando a hacer sold outs en ciudades como Madrid o Vitoria e incluso participando en el Resurrection Fest de aquel año. Sin duda, la actividad del grupo estaba en plena efervescencia, pero como suele pasar, el ritmo de la carretera a veces se paga. Por incompatibilidad para seguir, Víctor y Miguel tuvieron que dejar sus puestos, que han sido suplidos por Fernando Moreira de Trono De Sangre a las seis cuerdas y Reto Ramírez de Vértice tras los tambores, sin que por ello dejasen de surgir ideas para nuevos temas. Y así es como poco más de un año después de debutar, Minor Empires ya tienen listo United States Of Emergency, un álbum doble cuya

primera entrega vendrá seguida de otro tomo ya en 2016. Aunque este segundo volumen aún no está totalmente cerrado, la idea es que uno complemente al otro, tal como nos desvelan en los camerinos de la sala El Sol, donde nuevamente me reciben con los brazos abiertos. Esta noche de finales de octubre arrancan la gira de presentación en casa tras hacerlo el día anterior en Tolosa, y aunque en ese momento al disco le faltan un par de semanas para su lanzamiento en digital (el vinilo saldrá en breve y el CD lo hará cuando las dos partes estén ya completas), la expectación para escuchar el estreno en vivo de sus nuevas canciones es máxima ya que finalmente vuelven a colgar el cartel de ‘no hay billetes’. A su paso por el escenario dejan caer títulos como ‘Mirrors’, ‘The Distance’, ‘If I’m Gone’ y una aclamadísima ‘The Regrets Of The Dying’, con la que cierran el bis. Por la ovación final que se llevan por parte del respetable, parece que la prueba ha salido bien. Una inmejorable manera de arrancar esta nueva etapa. Antes de empezar a hablar sobre el nuevo disco, me gustaría que hicieseis un balance de lo conseguido con el primer álbum. JUAN BLAS “Pues esto empezó siendo algo sin ningún tipo de pretensión ni ambición de algún tipo. Comenzó siendo un proyecto de unos amigos que tenían ya sus grupos en los que todo ya funcionaba y rodaba. Quedábamos un día a la semana para juntarnos y empezar a tocar. Todo empezó a tomar una forma más seria gracias a la gente que en internet mostraba interés. Ahí ya nos liamos un poco más la manta a la cabeza

y empezamos a pensar en grabar lo que estábamos haciendo, salir a girar, dar conciertos... Fue de una forma muy natural. Y una vez hecha la gira, la verdad es que estábamos súper contentos. El recibimiento que tuvimos en todas las ciudades a las que fuimos fue bastante bueno”. JAVI SEISDEDOS “Quizás nos hubiera gustado dar algún concierto más. Nos quedamos con un par de sitios pendientes a los que ir”. JUAN “También son las situaciones que se fueron dando. Miguel no podía seguir tocando, Víctor se fue a vivir a Barcelona... Tuvimos que solucionar ciertas cosas que iban surgiendo en el camino. Pero bueno, aquí seguimos y prueba de que nos importa esto y que se ha convertido en algo importante para nosotros es que nos hemos levantado ante cualquier tipo de problema logístico que hubiera surgido”. ¿En qué momento empiezan a salir ideas para tener un nuevo trabajo tan relativamente pronto, en apenas un año y medio, y además doble? JUAN “En septiembre del año pasado, cuando entra Fernando en el grupo. Es un punto en el que te ves tocando con alguien nuevo y quieres aprovechar esa frescura. Así que seguíamos ensayando el repertorio, pero aparte le dedicábamos un tiempo para ver qué salía de esta nueva ecuación. En diciembre fue cuando nos pusimos en serio a grabar cosillas. Lo que pasa es que luego yo iba a mudar las instalaciones del estudio a otro lado, que era algo con lo que no contábamos en principio. Eso también hizo una franja en lo que fue el proceso de grabación, pero siempre 113

nos hemos tomado esto con calma, entre comillas. Nos interesa más el hecho de cuidar la calidad y hacer las cosas bien antes que las prisas y debernos a nadie”. ¿Qué diríais que han aportado de distinto Reto y Fernando respecto a Miguel y Víctor? JAVI “Pues su estilo personal y su forma de tocar. Le han dado su rollo”. JUAN “También diría que predisponibilidad a ver el proyecto como lo vemos nosotros. Tener las ganas y el tiempo que a nosotros nos apetecía dedicarle a esto. También la frescura que aportan. Reto tiene un estilo tocando la batería que se palpa sobre todo en el material que estamos sacando del nuevo disco, donde tienen un protagonismo mucho mayor que el que 114

pudieran tener en el primer trabajo, al igual que Fer. A mí me ha permitido, digamos, dar un paso atrás en la guitarra y centrarme en las canciones. También tener ese apoyo en directo para sentirme más liberado y explotar más el terreno de la voz. Por ejemplo con Nothink pasa lo contrario, donde sólo hay una guitarra y al final hay veces que te ves en un aprieto. En cambio con Fernando hemos ganado una estabilidad a la hora de tocar. También hace coros (risas). Y no dirías que las guitarras nuevas son una continuación de lo anterior”. Precisamente eso es lo que os quería comentar... El hecho de que tengáis nuevas incorporaciones, ¿creéis que va a marcar una diferencia clara

a la hora de que la gente no piense que el grupo es una suma de Nothink y Toundra y que por fin ahora sí vamos a escuchar realmente a Minor Empires? JUAN “Por supuesto. Yo creo que ahora sí somos Minor Empires, sin más. Antes quizás éramos más la suma de Nothink y Toundra. Ahora el proyecto empieza a adquirir una personalidad propia. Seguimos siendo Minor Empires, pero ahora más que nunca” ¿Cómo fue la grabación? Con el primero pasasteis por varias fases: primer grabando por partes, luego decidisteis hacerlo en directo... ¿Esta vez lo teníais más claro en ese aspecto?

JUAN “El único problema que hubo fue esa mudanza del estudio. Hemos pasado de estar grabando en un estudio a que estuviese inactivo durante unos meses debido a ese traslado. En esos meses ha habido esperas y hemos tenido que retrasar un poco todo. Pero bueno, sí es diferente. La primera grabación nos metimos en una casa en la sierra e hicimos un disco en tres días tocando todos a la vez. Éste ha sido más planificado, de ir grabando cada mes un instrumento diferente. Y así hasta ahora, que ya está viendo la luz todo. El proceso ha sido igual de tranquilo, pero esta vez hemos sido más detallistas. Antes dependíamos de colocar los micrófonos y lo que saliera. Ahora, por ejemplo con Fer, nos poníamos a buscar un sonido para las guitarras”. FERNANDO MOREIRA “Buscábamos tonos diferentes para cada parte. Usando diferentes amplis, pedales, cabezales... Es más trabajo de estudio. No tiene nada que ver con lo otro, que era más en plan hacer una toma del tirón. En vez de ser una grabación en directo donde tú decides más o menos un sonido y a partir de ahí puedes jugar con pedales y demás, aquí sí que ha sido más pensado y medido”. JUAN “Hay más experimentación con la grabación. Éste es un disco más quirúrgico, por así decirlo”. FERNANDO “Pero aun así ha sido espontáneo. No es que haya sido una cosa de prepararlo en casa y traerlo al estudio, sino que al llegar piensas: ‘Vamos a probar esto a ver qué tal’”. ¿Ha habido alguna colaboración esta vez? JUAN “No. La verdad es que si lo piensas, al haber dos miembros

nuevos es casi como si tuviéramos ya esas colaboraciones. Ya era suficiente novedad. El tema de las colaboraciones tiene que ver más cuando llevas ya tocando con los tres o cuatro mismos miembros muchos años y necesitas algo externo que te aporte algo que no se te hubiera ocurrido antes. Pero como coincidía que por primera vez íbamos a grabar por partes y con dos miembros nuevos en la banda, pues no lo vimos necesario”. Teniendo en cuenta todo esto que me estáis contando, ¿qué es lo que pensáis que va a sorprender más al público cuando lo escuche? JUAN “Quizás lo que te comentaba antes, que ya no es una suma de Nothink más Toundra, que era el cliché más típico que nos decían siempre. Ahora tal vez alguien que escuché de primeras a Minor Empires no se dé ni cuenta de que hay alguien de Nothink o de Trono De Sangre, o de Moonich, sino que lo escuchan y no se lo plantean. Creo que por fin el grupo empieza a tener su propio estilo”. ¿De dónde surge la idea de lanzar el álbum como un disco doble, pero por separado? JAVI “Al principio fue porque el primer disco se nos quedaba siempre un poco corto a la hora de ir a tocar a los conciertos y la gente se quejaba. Entonces pensamos en apoyar ese directo con seis o siete canciones más en un primer volumen para así poder hacer los conciertos más largos”. JUAN “Antes los conciertos duraban solamente 40 minutos porque era lo que teníamos. Nos hacíamos

500 kilómetros sólo para tocar eso y nos quedábamos con ganas de más. Así que queríamos estar preparados cuanto antes para ofrecer un set ampliado con temas nuevos. Y eso nos lo permitía este formato. El tener material ya listo mientras vamos preparando más. Eso sumado a la posibilidad que nos da grabar en mi estudio, donde tenemos el control de los vídeos, los audios, todo... Nos permitía estar preparados en poco más de un año para continuar. Es lo que buscábamos”.

“MINOR EMPIRES ES UNA BANDA QUE ABORDA TODO TIPO DE TEMAS A NIVEL GLOBAL, SOCIAL... NO DIRÍA QUE ES POLÍTICO TAMPOCO PORQUE NO NOS CENTRAMOS EN IDEOLOGÍAS O PONEMOS CARAS Y NOMBRES” JUAN BLAS

¿Entonces la segunda parte aún no está cerrada? JUAN “Digamos que tenemos sesiones grabadas de ensayos con nosotros tocando, hay canciones acabadas... Pero no está terminado. Supongo que ahora en diciembre nos meteremos a grabarlo y tardará un poco menos en salir que éste. Ésa es un poco la intención”. El título hace una referencia muy clara a la situación global en la que estamos. ¿Hay 115

MINOR

EMPIRES

“YO CREO QUE AHORA SÍ SOMOS MINOR EMPIRES, SIN MÁS. ANTES QUIZÁS ÉRAMOS MÁS LA SUMA DE NOTHINK Y TOUNDRA. AHORA EL PROYECTO EMPIEZA A ADQUIRIR UNA PERSONALIDAD PROPIA” JUAN BLAS

algún concepto general sobre el que traten las letras? JUAN “Sí, porque Minor Empires es una banda que aborda todo tipo de temas a nivel global, social... No diría que es político tampoco porque no nos centramos en ideologías o ponemos caras y nombres”. JAVI “Bueno, en el vídeo del tema ‘Numbers’ ya pusimos unas cuantas caras. Obama, Sharon... Era rollo internacional. Tampoco íbamos a poner a Aznar, ¿sabes? Era algo más objetivo”. JUAN “Claro. Tampoco nos inclinamos hacia nadie. En ese vídeo mostrábamos un poco a los llamados ‘dictadores del mundo’, desde un extremo al otro, todos. Nadie nos puede achacar el haber inclinado la balanza de un lado u otro. Y el mundo de Minor Empires gira alrededor de todo eso. Es nuestra crítica personal al modo de vida de hoy en día, y las cosas que no nos gustan y las que queremos ensalzar ahí están”. JAVI “Imagínate que están Estados Unidos, la Unión Europea y luego están los países que se encuentran en estado de emergencia. Son como la Unión Europea de los países jodidos”. Sin embargo, la primera canción que habéis mostrado, ‘If I’m Gone’, está dedicada a

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Ferran, bajista de Bullitt, que falleció tristemente a comienzos de este año. JUAN “Está dedicada a él, pero también a mucha otra gente que le puede dar otro sentido. Tampoco es que quisiéramos contar una historia personal, nos gusta hacer canciones con las que la gente se pueda sentir identificada y hacerlas suyas. ‘If I’m Gone’ aborda el tema sobre el qué queda de uno cuando ya no está, de vivir la vida de manera que cuando ya no estés dejes el mejor recuerdo a todos los que están a tu alrededor. Quizás es lo que vemos nosotros como inmortalidad”. JAVI “Además Ferran era de alguna manera una de esas personas que recuerdas siempre de una manera positiva. Nunca le recordarás enfadado, sino como un tipo majo y atento”. ¿Y cómo veis a los Bullitt ahora mismo? ¿Creéis que en algún momento volverán a retomar el grupo como tal? JUAN “Yo espero que sí, como fan y como amigo. Según he hablado con Xavi alguna vez, le veo con la mosca detrás de la oreja. Me parece una situación tan delicada que tenemos que darles todo el tiempo del mundo para que ellos decidan lo que quieren hacer y cuando quieran

hacerlo. Evidentemente, si llegado el momento deciden hacer algo, ahí estaremos para apoyarles como hemos hecho siempre”. Como ya me habéis contado, tenéis pensado grabar el segundo volumen para el año que viene y ya hay cerradas un buen puñado de fechas para la presentación. ¿Va a ser 2016 para vosotros un año completamente enfocado a Minor Empires? ¿Cómo tenéis vuestros otros grupos ahora mismo? FERNANDO “Mi poca experiencia en estas cosas es que al final todo encaja. No hace falta hacer planes. En realidad, los tiempos de cada proyecto van cuadrando. Siempre va a coincidir que tienes un bajón de actividad con uno y es justo cuando el otro toca más. Yo nunca he tenido ese problema y siempre he estado tocando en un montón de grupos. Es súper raro que haya un conflicto con eso. Es como cualquier cosa en la vida: la peña curra, tiene pareja, amigos... y si quieres, sacas tiempo para todo. Pero tienes que querer”.

SLAYER

+ ANTHRAX + KVELERTAK 4 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ANTHRAX

os bares de alrededor de Razzmatazz llenos, gente desesperada intentando comprar una entrada en la reventa y camisetas negras allá donde miraras hacían palpar el ambiente de las grandes ocasiones. Kvelertak eran los encargados de abrir la velada con la reputación más que merecida de ser una de las revelaciones de los últimos tiempos. Después de sus exhibiciones en el Primavera Sound y el Azkena Rock, esta gira era la primera oportunidad para verles en una sala, pero por desgracia los potros noruegos no supieron, o pudieron, demostrar todo su potencial. Víctimas de un sonido terrible, donde la voz de la bestia Erlend Hjelvik quedaba totalmente enterrada bajo los graves, su triple ataque de guitarras resultó estéril. No se les pudo achacar falta de actitud rockera, pero que se dejen de hostias y se vengan a hacer una gira por clubes a su medida. Por su parte, Anthrax parecen seguir encantados con ofrecer conciertos de

KVELERTAK

una hora con los clásicos habituales (‘Caught In A Mosh’, ‘Antisocial’, ‘Got The Time’, ‘Indians’...) y poco más, a excepción de estrenar esa regulera ‘Evil Twin’. Estuvieron impecables, nadie puede negarlo, con un Joey Belladona muy bien de voz y Scott Ian y Frank Bello tirando de oficio (Charlie Benante no viajó a Europa por una lesión de muñeca), y pusieron al público a mil, pero ese conformismo me resulta un tanto decepcionante viniendo de una banda que en su momento fue rompedora. Un gran telón con unas cruces proyectadas y un griterío de impresión por parte del público sirvieron para dar la bienvenida a Slayer en una sala que se quedó pequeña para verles. Cayó dramáticamente la cortina, y el grupo arremetió con ‘Repentless’, recibida como si fuera ya un clásico. ¿Y por qué no? Es un temazo. Da igual que las maltrechas cervicales de Tom Araya no le permitan hacer headbanging, su alarido huracanado sigue intimidando,

Kerry King sigue estrujando su guitarra como si fuera el pescuezo de un pollo condenado a muerte y Gary Holt y Paul Bostaph ejercen su papel de secundarios de lujo al servicio de la máquina. El repertorio no renegó de su última obra (‘Vices’, ‘When The Stillnes Comes’, ‘Implode’), pero sobre todo se nutrió de su generoso catálogo (‘Hell Awaits’, ‘Chemical Warfare’, ‘Black Magic’, ‘Dead Skin Mask’, ‘South Of Heaven’, ‘Raining Blood’, ‘Angel Of Death’...) para que el pit enloqueciera. Slayer se asemejan cada vez más a esos campeones de boxeo que en el ocaso de su carrera afrontan sus últimos combates ante aspirantes más jóvenes. Parece que estén bajos de forma, que hayan perdido reflejos, incluso hay quien les ha perdido el respeto y tienen las apuestas en contra, pero, cuidado, porque cuando se suben a la lona y logran conectar dos golpes seguidos son capaces de tumbar a cualquiera. Y eso es a lo que se dedicaron durante hora y media de manera devastadora.

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BACKYARD BABIES 15 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALA JOY ESLAVA, MADRID TEXTO: JAVIER PÉREZ FOTOS: RUBÉN NAVARRO (BARCELONA)

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HEAVY TIGER

ackyard Babies volvían para hacer una gira por Barcelona y Madrid en condiciones, pero ya hicieron de las suyas este mismo año en el Leyendas Del Rock y el Resurrection Fest; actuaciones que, en general, generaron buenas críticas. Pero aún quedaba por ver esas fuerzas renovadas y un poco de esa magia de forma más recogida y calurosa, por eso se anunció esta gira tras el verano. No vinieron solos: escogidos personalmente por su icónico guitarrista Dregen, traían a Junkstars y a Heavy Tiger, ambas bandas también de Suecia. Los primeros estuvieron a la altura de las circunstancias ante un escaso público, con un rock festivo un tanto canalla, cuyo guitarrista, cantante y frontman recordaba a Billie Joe Armstrong de Green Day por su interés en animar al público y hacerle lo más partícipe posible de su pequeño pero firme set. Poco después salía otra suerte

de trío musical, en esta ocasión tres chicas enfundadas en homónimos monos rojos de combate para continuar la fiesta que habían dejado atrás sus compañeros de gira. Unas acertadas y a la vez arriesgadas apuestas, las de Dregen. Escasos 20 minutos después y con escrupulosa puntualidad de horarios salía Nicke Borg y compañía rezumando buen rollo y dando comienzo con ‘Th1rt3en Or Nothing’, que sonó más voluptuosa que en el disco y con el bajo de Johan Blomqvist a excesivo volumen. Inmediatamente se fue corrigiendo el sonido y lograron una buena acústica; entretanto llovió una ristra de clásicos (‘Highlights’, ‘The Clash’, ‘Made Me Madman’, ‘Ufo Romeo’, ‘Brand New Hate’), mostrando un show que no dejaba balas en la recámara y que continuaría tirando del material más abrasivo y variado. Aun con algunos puntuales guiños a su nuevo disco, en esta ocasión repasarían lo

mejorcito de su discografía en un claro homenaje a sus fans y su longeva carrera. No en vano de cualquier manera, sino con una interpretación salvaje pero pulcra de cada canción, especialmente en las viejas canciones, ajustando dosis punk y hard rock a partes iguales. Requirieron unos momentos de silencio por las víctimas de los atentados en un solidario gesto y dieron lo mejor de sí en una hora y 20 que nos pasó volando. Pero incluso en ese tiempo hubo espacio para momentos memorables como ‘Nomadic’ antes de los bises o el doblete final con ‘Minus Celsius’ y ‘Look At You’. Dejando de lado la opinión de cada uno sobre el nuevo material, Backyard Babies han demostrado en cuatro ocasiones en un mismo año que la experiencia y la veteranía como músicos y animadores son un grado, y que desean estar más vivos como banda que nunca. Gracias por estar de vuelta. 121

FEAR FACTORY 17 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA

TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ONCE HUMAN

ay alguien de vosotros al que alguna promotora le haya puesto una pistola en la cabeza para que compre una entrada? ¿Conocéis a algún currante que se levante cada día a las siete de la mañana por amor al arte? Por muy buenas o malas que sean sus últimas obras, ¿no puede una banda pegarse un baño de masas reviviendo viejas glorias? Lanzo estas preguntas al aire porque el nivel de imbecilidad supina en las redes sociales respecto a la presente gira de Fear Factory tocando entero su mejor álbum, y de paso uno de los más míticos de los 90 y una de las mayores revoluciones que dieron paso al metal contemporáneo, ha llegado a cotas insufribles. La vida en Occidente consiste en pagar facturas y escoger, así que si no te gusta un remember tour del Demanufacture, quédate en casa con mamá, que nadie te obliga a ir. Ah, y por supuesto que esta gira es por la pasta, como todas las de los grupos guiris y no guiris medianos y grandes a los que vas a ver durante el resto del año, pedazo de atontado. Esta gente son trabajadores de la música, y si con esto se te rompen los esquemas más te vale volver a parvulario. No más

moralinas y discursos alarmantemente ingenuos sobre algo tan viciado y corrupto como el metal actual, por favor os lo pido. Dicho esto, pasaremos de puntillas por los teloneros porque, de verdad, tampoco hay mucho que reseñar. Dead Label nos transmitieron bien poco, y Once Human porque tienen en sus filas a un exMachine Head o Soulfly como Logan Mader, que si no su Arch Enemy meets DevilDriver no habría salido de Los Ángeles con toda justicia. La cover de ‘Davidian’ animó un poco la cosa, eso sí. Puntualísimos, Fear Factory empezaron la descarga soñada por sus fans más acérrimos con ese doble bombo que ya es parte de la historia. Los tropecientos efectos y teclados tirados desde la mesa serían una constante, como siempre, pero hay que resaltar la monstruosa distorsión con la que Dino Cazares a la guitarra y Tony Campos al bajo nos volaron los sesos, por no hablar de un volumen que ya quisieran Manowar. Tras una orgásmica ‘Demanufacture’ cayó como un obús otro cañonazo no menos celebrado, ‘Self Bias Resistor’, y es que, como habían prometido, los estadounidenses

iban a interpretar en orden el mayor logro de su carrera discográfica para celebrar su 20 aniversario. ‘Replica’ fue otro golazo por la escuadra… pues ante una Razz 2 entregada desde el primer segundo, el show fue lo más parecido a ir al fútbol: emociones a flor de piel, con todo el mundo desgañitándose. ‘New Breed’ atronó más extrema que nunca, una estupenda animalada totalmente makinera, pero en algún momento Burton C. Bell debía hacer alguna de las suyas… Lo cierto es que pese a algunos gallos estuvo bastante correcto a nivel de melódicos, mostrándose más ronco al hablar que al cantar, pero en ‘Body Hammer’… Dios santo, qué esperpento de estribillos. La sala entera se giró hacia su colega de al lado con desencajada cara de ‘WTF?’. Como no podía ser de otra forma, la catártica ‘A Therapy Of Pain’ puso fin a Demanufacture y tras ella pasamos a otros dos clásicos como ‘Shock’ y la vitoreada ‘Edgecrusher’, además de tres temas de su nuevo Genexus como ‘Soul Hacker’, ‘Dielectric’ y una ‘Regenerate’ algo más soportable que en estudio. Con la inolvidable ‘Martyr’ cerramos una hora y media absolutamente festiva. 123

MÖTLEY CRÜE + ALICE COOPER

10 DE NOVIEMBRE DE 2015 MEDIOLANUM FORUM ASSAGO, MILÁN (ITALIA) TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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ALICE COOPER

uando tenía 11 años y llegó a mis manos Too Fast For Love, ésa fue mi primera introducción al heavy metal y el inicio de un amor intenso por el glam rock que se prolongó durante los siguientes cuatro años. Para mí hubiese sido un crimen perderme la última gira europea de Mötley Crüe antes de que el próximo 31 de diciembre cesen de manera definitiva su actividad como banda (incluso han firmado un contrato para corroborarlo). Así que, dado que la gira no pasa por España, escogí Milán como destino y acabó siendo uno de los mejores conciertos de mi vida. Llegué pronto para ver al invitado especial de todo el tour, Alice Cooper, un verdadero icono cuyo sentido del espectáculo ha revolucionado permanentemente el rock teatral. Sobre las siete y media las luces se apagaron mientras

sonaba una grabación de Vicent Price. Cuando cayó el telón, Alice Cooper, envuelto en una sábana negra, salió al escenario al son de ‘The Black Widow’ mientras ‘llovía’ fuego. Al mismo tiempo que sonaban las últimas notas dejó caer la sábana para revelar su impactante traje de rayas rojas y negras y empezar con ‘No More Mr. Nice Guy’. Lo que siguió fue una hora de shock rock de gran calidad. Con un escenario con muñecas mutiladas, zombis y múltiples cambios de vestuario, te sentías transportado al decorado de una película de terror antigua. Clásicos como ‘Under My Wheels’, ‘I’m Eighteen’ o la muy popular ‘Poison’ formaron parte del set, pero los momentos álgidos fueron ‘Go To Hell’, en la que salió con una boa constrictor alrededor de sus hombros y ‘Feed My Frankenstein’, en la que

acabó transformado en el propio monstruo. Y aún fue más en lejos en ‘Ballad Of Dwight Fry’, en la que atado con una camisa de fuerza fue decapitado por una gran guillotina. El show acabó con ‘School’s Out’, con un trocito de ‘Another Brick In The Wall’ y el aire lleno de pompas de jabón y globos de colores que Alice iba pinchando con una espada de samurái. Su concierto sería difícil de igual, pero Mötley Crüe habían prometido el no va más con su mayor producción y pirotecnia hasta la fecha. Y cumplieron su palabra. El público que llenaba hasta los topes las últimas filas del pabellón se puso a gritar cuando empezó a sonar de fondo ‘So Long, Farewell’ de Rodgers & Hammerstein. Tommy Lee, Nikki Sixx, Mick Mars y Vince Neil saltaron al escenario al ritmo de su himno para strippers ‘Girls, Girls, 125

Girls’, acompañados de dos chicas medio desnudas. Fue como volver a los 80. Lo siguiente fue un maravilloso viaje a la nostalgia con joyas como ‘Wild Side’, ‘Primal Scream’, ‘Same Ol’ Situation (S.O.S.)’, ‘Don’t Go Away Mad (Just Go Away)’, la version de Brownsville Station ‘Smokin’ In The Boys’ Room’, ‘Looks That Kill’, ‘Mutherfucker Of The Year’ y la versión de Sex Pistols ‘Anarchy In The UK’, durante la cual unos tíos vestidos con monos negros nos rociaron con pistolas de agua. Todo esto mientras las bailarinas animaban el cotarro y con tanta pirotecnia que parecía que se te fueran a quemar las cejas. Para ‘Shout At The Devil’ Nikki Sixx sacó un bajo que disparaba llamas de fuego enormes y con el que incendió su micrófono en forma de pentagrama satánico. Después de ‘Louder Than

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Hell’, el escenario se quedaría a oscuras mientras empezaba a sonar ‘O Fortuna’ de Carl Orff. Estábamos a punto de ser testigos de uno de los grandes momentos del rock que sin duda pasará a la historia: el solo de batería de Tommy Lee a bordo de una montaña rusa que han bautizado como ‘Crüecify’. Siguiendo una estructura serpenteante colgada del techo, la batería de Lee iba recorriendo todo el pabellón mientras daba giros de 360 grados. Aunque estaba boca abajo, colgado sobre nuestras cabezas, el tío no perdió el ritmo. ¡Nunca había visto nada igual! Después de esto, el solo de Mick Mars pasó sin pena ni gloria. El resto del grupo volvió para ‘Saints Of Los Angeles’, ‘Live Wire’, ‘Dr. Feelgood’ y otro punto álgido, ‘Kickstart My Heart’, en la que Nikki y Vince volaron sobre

el público con unas gruas mientras grandes explosiones iluminaban el recinto y nos duchaban con chispas. Después de hora y media todavía quedaba el gran final. Las luces volvieron a apagarse, y mientras nuestros corazones se encogían pensando que el adiós era inminente, el grupo caminó por un pasillo formado entre el público hasta llegar a un pequeño escenario situado junto a la mesa de sonido. Tommy se sentó al piano y con sus compañeros nos ofrecieron una interpretación íntima de ‘Home Sweet Home’ coreada por toda la gente, antes de que se despidieran para siempre con el ‘My Way’ de Frank Sinatra sonando de fondo. Como mínimo, Mötley Crüe se han ido por la puerta grande y nosotros tuvimos la suerte de ser testigos de excepción.

HOWLIN RAIN 11 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALA CARACOL, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: JAVIER PÉREZ

unque su nuevo Mansion Songs ha significado una de las mayores decepciones musicales que me he llevado en este 2015 que ya se nos acaba, hubiera sido estúpido dejar pasar la ocasión de ver a Howlin Rain presentándolo en vivo. Algo en mi interior estaba convencido de que el genio y el talento de Ethan Miller no podía haberse evaporado como si nada, que el californiano debía de esconder al menos un as bajo la manga para los directos. Y efectivamente, así fue. Antes y ya con una buenísima entrada, Hollis Brown hicieron los honores de abrir fuego, aunque no actuaron ni mucho menos como meras comparsas de la velada. La casi hora larga de actuación que nos brindaron confirmó por méritos propios que merecían la misma atención que la banda que saldría más tarde al escenario de la Caracol. Su rock americano y amable en la línea de clásicos como The Jayhawks o The Wild Feathers, por buscarles un

referente más actual, sonó de maravilla, destacando especialmente los cortes de su álbum de este 2015, 3 Shots, junto a alguna versión de la Velvet Underground y Lou Reed. Se cerraba el telón para abrirse al poco después mostrándonos a Miller acompañado por su nueva banda. Si había dudas sobre cómo trasladarían el material que venían a presentar, éstas se disiparon a la que cayó el primer guitarrazo de ‘Meet Me In The Wheat’ y la electricidad se apoderó de la sala. No es sólo que los temas ganasen en mayor empaque y colorido, es que la banda les daba por completo la vuelta hasta convertirlas en infinitamente superiores a sus versiones de estudio. Así pues, ‘The New Age’ pasó de discreta a un vibrante pieza con fuegos de artificio finales, al igual que la intimista ‘Coliseum’, dejando vía libre para una descarga de guitarrazos. Algo más comedida fue ‘Ceiling Fan’, aunque el bueno de Miller se encargó de que fuese uno de los momentos de la noche al bajar a la pista para

interpretarla cual crooner mesiánico entre el público. El clímax llegó con una apoteósica ‘Self Made Men’, donde pusieron todas las cartas encima de la mesa mediante una espectacular jam. Con ese aspecto casi cómico, Ethan parecía una versión rockera del Profesor Bacterio poseída por el espíritu de Jimi Hendrix, haciendo gemir su Stratocaster en una espiral de solos sin fin, a la que también contribuyó de manera sobresaliente ‘Big Red Moon’, tras la que salieron ovacionados. Parecía que quedaba lo mejor con el bis, pero nos tuvimos que contentar tan sólo con una ‘Roll On The Rusted Days’ que se nos hizo hasta corta. Y es que resulta casi imperdonable que se olvidasen de megatemazos como ‘Phantom In The Valley’, ‘Dancers At The End Of The Time’ o ‘Lord Have Mercy’. De haber durado una hora más, podríamos haber estado ante uno de los conciertos del año, a pesar de que hubiéramos corrido el riesgo de quedarnos sin metro para la vuelta. 127

EDITORS

16 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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ras la cancelación de Belle & Sebastian, el concierto de Editors quedaba como uno de los mayores reclamos dentro de la programación del 15 aniversario de la sala Razzmatazz. Algo que se confirmó ante la muy buena entrada que los de Birmingham conseguían el pasado 16 de noviembre y que va en consonancia con la escalada que han ido experimentando también en las posiciones de los festivales. Es curiosa la evolución que ha seguido el grupo. Desde sus inicios en pleno revival post punk, en los que competían con Interpol para ver quién copiaba mejor a Joy División sin que se notase, han ido derivando hacia postulados cada vez más melódicos y luminosos. Todo hasta el punto de presentar una puesta en escena que, por momentos, podría confundirse con la de unos Imagine Dragons o incluso Coldplay. Un concierto de Editors es ahora una buena muestra de ese arena rock en clave indie que

tanto triunfa, pero que parece diluir la personalidad de las bandas en busca de un mínimo común denominador que los haga más accesibles. Con eso no quiero decir que Editors se hayan convertido en un mal grupo, en absoluto, pero sí han perdido algo de su esencia. Salieron sus componentes de manera escalonada mientras iban construyendo el sonido sugerente de ‘No Harm’, el tema que también abre su reciente In Dreams. Enseguida se vio que Tom Smith iba a ser el centro de atención, complementando su faceta de vocalista con puntuales interpretaciones al piano (‘Forgiveness’) o agarrando una guitarra (‘Formaldehyde’). La elegancia de su vestuario, al más puro estilo dandy británico (hasta el batería lucía camisa), se plasmó también en lo musical. Con ‘Sugar’ empezamos a asimilar la transformación de un Tom contorneándose cada vez más histriónico que culminó en ‘Life Is A Fear’, otro tema de su última obra

que ganó en contundencia. ‘Blood’, una de sus piezas estrella, adoleció de falta de intensidad, pero el reconocible fraseo de guitarra de ‘And End Has A Start’ fue suficiente para que el público se lanzara a corearlo como si fuera un concierto heavy. Un fiestón que se repetiría más adelante con ‘The Racing Rats’ o ‘A Ton Of Love’, en la que les salió el ramalazo a U2. El momento emotivo de la noche llegó con una interpretación acústica por parte de Tom de ‘Smokers Outside The Hospital Doors’. En la recta final, la nueva ‘Nothing’, que sonó más animada de lo esperable, y la esperadísima ‘Munich’ nos prepararon para un bis con ‘Ocean Of Night’, hortera a más no poder, y una versión extendida de ‘Papillon’ de lo más discotequera que provocó brincos y bailoteos. Lástima que rompieran el subidón con Tom sentándose de nuevo al piano para cerrar con la pretendidamente épica ‘Marching Orders’. 129

PARADISE LOST 5 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALAMANDRA, L’HOSPITALET DE LLOBREGAT TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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LUCIFER

os alemanes Lucifer parecían una buena elección como teloneros en esta gira europea de Paradise Lost dado que comparten con ellos el gusto por el doom y los sonidos oscuros de los 70. Sin embargo, las buenas sensaciones de su álbum de debut no acabaron de trasladarse del todo encima de un escenario. Excesivamente planos y con una Johanna Sadonis que le falta rabia para ejercer su papel de bruja metalera. Correctos sin más. Con su habitual parsimonia, Paradise Lost salían a escena para presentar su último trabajo The Plague Within, una vuelta a sus orígenes death y doom metal que ha gozado de una gran acogida por parte de crítica y fans. Entre sus filas, la única novedad fue la inclusión del batería Waltteri Väyrynen, que ha estado sustituyendo a Adrian Erlandsson en varias giras, tanto de Paradise Lost como de Vallenfyre. Aunque Adrian es un símbolo en la escena metal con sus tropecientas bandas, lo cierto es que el jovencísimo finés hizo un magnífico trabajo. Gozando de un sonido excelente, algo poco habitual en las últimas ocasiones en las que los hemos podido ver,

daban inicio con su nuevo single ‘No Hope In Sight’. Tras la sorprendente inclusión de ‘The Painless’, extraído directamente de su clásico Gothic, Nick dejaba claro que el setlist se iba a centrar en su último disco. Haciendo gala de su particular humor británico con el que nos deleitaría a lo largo de toda la noche, se disculpó con aquellos que no hubieran escuchado The Plague Within, esperando que no fuera una “noche de mierda” para ellos. Un Nick Holmes que parece haber vuelto a cogerle el gusto a la voz gutural, no sabemos si influenciado o no por su reciente incorporación como cantante en Bloodbath, y que se mostró en buena forma a nivel vocal a lo largo de la velada. ‘Erased’ sería la encargada de romper la sobriedad devolviéndonos a su etapa más bailable y electrónica. Dejando de lado sentimentalismos, nuevos temas como ‘Victim Of The Past’ o ‘Flesh From Bone’ -con mosh pit incluido- no desentonaron en absoluto entre una joya de su discografía como la enorme ‘Enchantment’. Tras la dosis de doom depresivo de ‘Beneath Broken Heart’, Holmes daba paso a un tema clásico “mucho más alegre”, en sus

propias palabras, como ‘As I Die’. ‘Requiem’, de su álbum homónimo, pondría el punto y aparte a una noche en la que echamos de menos algo más de energía por parte de su alma máter, un Greg Mackintosh a la guitarra cuya actitud en Paradise Lost nada tiene que ver con la que muestra como cantante y devoraescenarios en su banda Vallenfyre. En la recta final, ‘Return To The Sun’ volvía a reafirmar que su nuevo álbum es capaz de trasladarnos mentalmente a las mejores épocas de la banda. Un público entregadísimo coreaba el estribillo de ‘Faith Divides Us – Death Unites Us’, un tema que es ya un clásico. El punto y final, como viene siendo habitual, lo puso ‘Say Just Words’, convirtiendo la sala en una auténtica fiesta. Si alguna vez habéis asistido a un concierto de Paradise Lost en los últimos diez años sabréis que los ingleses no se caracterizan por ser precisamente sorprendentes en directo. Puede que para un neófito eso resulte pecado mortal pero, mientras sigan manteniendo un repertorio de tal calidad, siempre conseguirán que volvamos a casa con una sonrisa de oreja a oreja. 131

ZEBRAHEAD + MXPX + DAYLIGHT

18 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: ENEKO CELESTINO FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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MXPX

sta era una fecha para apuntar en el diario del punk rocker peninsular, muy exclusiva para casi la totalidad de los asistentes. Cierto es que algunos ya habíamos podido disfrutar de las dos bandas estadounidenses y de la catalana porque no es que sean grupos que tocan poco, pero ver a todos juntos en una sala ‘pequeña’, con el aforo desbordado y con un público deseoso de buen rollo y colegueo es otra historia. Abrieron Daylight, la banda de este género más activa, conocida y trabajadora del país. Como siempre, lo hicieron bien, calentando a los espectadores que iban dejando entrar en cuentagotas a pesar de estar haciendo cola para no perderse detalle desde el minuto uno. De hecho, nosotros nos perdimos parte de su actuación por esta razón. A pesar de esto, tiraron de tablas, singles como ‘Consequences’ o ‘Summer Season’ y algún que otro temazo como ‘Not In My Life’ o ‘Kickbacks’, con los que es imposible hacerse el duro y no mover la

DAYLIGHT

cabeza. Estos tíos son buenos, le pese a quien le pese. Tras el cambio, que fue bastante rápido, ya que las tres bandas compartían parte del backline, algo digno de mención en estos tiempos, salían a escenario MxPx, o mejor dicho, Mike Herrera y tres músicos helvéticos (uno de ellos catalán, residente en Suiza). Pero a la gente le dio igual, desde que sonó la primera nota de ‘My Life Story’ el público enloqueció, pues Mike es de esas personas de las que su carisma difumina el entorno. Hicieron un repaso exprés a su extensa discografía, desde ‘Andrea’ o ‘Punk Rawk Show’ hasta sus singles más recientes como ‘Far Away’ o ‘Aces Up’. Después llegaría su tema más coreable, ‘Chick Magnet’, en el que nadie pudo contenerse a tararear y en el que además colaboró el guitarrista Dan Palmer de Zebrahead; se notaba el colegueo. Acabaron con el primer himno de la noche para los punk rockers, ‘Reponsibility’, la gente se dejaba la garganta y lo mejor estaba aún por venir. Zebrahead irrumpían en el escenario

con ‘Hell Yeah!’ como una oda a la fiesta. Después de más de 17 años tienen una frescura y unas ganas como pocos y se nota que se lo pasan bien. ¡Incluso montan su propia barra en el escenario para ir tomando copas mientras tocan! Temazo tras temazo iba aumentando la efervescencia de la gente, había para todos, tanto para los más jóvenes, de sus últimos álbumes, como las ya clásicas ‘Rescue Me’, ‘Hello Tomorrow’ o ‘Playmate Of The Year’. El respetable las cantaba todas. Ali Tabataee no paró de animar a la gente en ningún momento, pero ni hacía falta. Dan, guitarrista desde 2013, demostraba que se puede tocar en una ‘simple’ banda de pop punk y hacer cosas originales y técnicas, quizá sea el legado que dejó Greg Bergdorf, un verdadero fuera de serie. Mientras tanto, el resto de la formación nos hacía estar con una sonrisa continua hasta que llegó la guinda del pastel, ‘Anthem’, efectivamente, su propio himno, con la que se daba por finalizada una noche para recordar. Zebrahead son una máquina del tiempo y de la felicidad. 133

BEACH HOUSE 20 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTOS: ERIC ALTIMIS

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iernes noche. Qué diferencia con el de la semana pasada, mientras estábamos en Copenhague”, afirma Victoria Legrand, con ese inglés tan afrancesadamente suyo. La herida del Bataclan es demasiado reciente todavía, y supongo que inconscientemente, ecos de miedo e incomprensión siguen flotando en el estado de ánimo colectivo. Volver a la vida cotidiana, el simple hecho de estar allí, encima del escenario o justo a sus pies, no deja de ser un pequeño gesto de rebeldía y de negación ante la barbarie. En este clima realmente extraño, Beach House volvían por enésima vez a Barcelona, con las entradas agotadas para dos días seguidos en la sala

Apolo, a defender sus dos discos de reciente publicación: Depression Cherry y Thank Your Little Stars. A falta del tiempo para digerirlos con calma y mayor perspectiva, parecen dos obras menores en su discografía, pero esta noche sus canciones van a ganar aplomo. El pop atmosférico de Victoria y Alex Scally (apoyados por la batería de Graham Hill (Vetiver) y el bajo y teclado de Skyler Skjelset de Fleet Foxes), desborda intensidad y, por momentos, escupe rabia y violencia, aunque pueda parecer contradictorio con su propuesta delicada y lisérgica. “Contra toda esa mierda en el planeta, respondemos con amor por la música”, dicen, a la vez que añaden “es un enorme privilegio estar hoy aquí. Dar cosas

buenas para recibir cosas buenas; así es como cojones funcionan las cosas”. Y vaya si funcionan: ‘Levitation’, ‘Space Song’, ‘Beyond Love’, ‘Somewhere Tonight’... ganan brillo entre luces austeras y focos de leds, a golpes cervicales, melena al viento, y con misteriosas sombras de ojos hipnotizando nuestras almas. El tema ‘Wishes’ en tonos rojizos, ‘Walk In The Park’ en luces y sombras, y el momento de clímax, solos Alex y Victoria en la oscuridad, y ese loop mágico que te lleva por los mares de ‘On The Sea’, mientras tu piel se manifiesta aviar. Hora y media de escapismos atmosféricos, canciones contra la intransigencia, dream pop contra la pesadilla, nanas contra el apocalipsis. 135

DE GIRA

SWALLOW THE SUN

4 DE DICIEMBRE SALA ROCK CITY, VALENCIA 5 DE DICIEMBRE LA [2] DE APOLO, BARCELONA 6 DE DICIEMBRE SALA CARACOL, MADRID

wallow The Sun se presentarán en unos días en nuestro país con un nuevo trabajo que se intuye quedará como una referencia ineludible dentro de su carrera. Songs From The North I, II & III (Century Media) es, como explicita su título, un triple álbum en el que el sexteto finlandés ha investigado todas las posibilidades de su doom, deudor de bandas como My Dying Bride o Paradise Lost. En el primero nos encontramos con su sonido más habitual de sus cinco discos anteriores, en el segundo se desenchufan para ofrecer un acústico y tenebroso, y en el tercero presentan su cara más ambiental adentrándose en el terreno del funeral doom. No es un trabajo de fácil digestión, pero a quien le apetezca un viaje al lado oscuro del corazón tiene aquí su billete. El pasado 13 de noviembre, justo el día en que se ponía a la venta el disco, hablamos con su batería y última incorporación en sus filas, Juuso Raatikainen. Hoy justo se ha publicado

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vuestro nuevo disco. ¿Vais a hacer algo especial? JUUSO RAATIKAINEN “Sí, cuando acabemos con la ronda de entrevistas saldremos por ahí a tomarnos unos jägers (risas)”. ¿Qué os ha llevado a realizar un álbum triple? Hoy en día parece una locura… “Creo que estos tíos se volvieron locos hace años (risas). Pero sí, es una declaración de principios. Hoy en día todo el mundo se centra en la gratificación instantánea y queríamos recuperar el respeto que antes se tenía por los álbumes. Muchos grupos sacan un tema nuevo y ya salen de gira, pero nosotros queríamos ofrecer algo más. Mucho más”. Éste es el primer álbum que el grupo publica con Century Media. ¿Cómo se tomaron el que quisierais hacer un triple disco de entrada? “De hecho ésa fue una de las condi-

ciones que pusimos para fichar por ellos. Quizá más adelante los editen como discos separados, pero nuestro requisito fue que se publicaran todos juntos. Estuvimos hablando con varios sellos y ésa fue la condición que les planteamos a todos”. Con dos cojones… “(Risas) Sí, supongo que somos gente atrevida”. De todos modos, el grupo es bastante popular en Finlandia. Incluso entráis en el top 10 de ventas. ¿Realmente el metal forma parte del mainstream en tu país? “Más bien es que la comunidad metal es muy grande. Hay muchas bandas grandes de metal aquí y mucha gente las escucha. Y eso me hace muy feliz porque podemos romper el dominio del pop en las listas”. ¿Cuándo empezó a tomar forma de triple disco con distintos

AGENDA DICIEMBRE tonos para cada uno? Y siendo tu primer trabajo con el grupo, ¿cómo lo afrontaste? “La idea surgió durante la gira anterior, pero yo recibí las maquetas hará un año. Eran maquetas bastante definidas. A pesar de lo que pudiera parecer, el proceso fue bastante sencillo. Básicamente grabé cada álbum en un solo día”. ¿De verdad? “Sí. No lo digo por presumir, pero así fue. Para mí fue muy fácil entender lo que querían en cada uno porque era un gran seguidor del grupo antes de formar parte de él. Comprendo muy bien su música”. Dicen que a veces más vale no conocer a tus ídolos porque te pueden decepcionar. ¿Cómo fue para ti integrarte en Swallow The Sun? “Fue horrible (risas). Son una de las bandas menos organizadas que conozco, pero son muy buena gente. Cuando compartes una misma visión musical es muy fácil trabajar”. Aunque lo grabaras todo en tres días, ¿cuál fue el disco qué más te costó o que supuso un mayor desafío? “Quizá el segundo, que es el más suave musicalmente. Como batería es muy fácil que caigas en el error de tocar más de lo necesario. Tienes que estar calmado para tocar lo justo. Pero incluso dentro del grupo hay quien dice que debería haber tocado más y otros que menos... Así que me imagino que eso quiere decir que toque justo lo suficiente (risas)”. De cara a los conciertos, ¿vais a estructurar el set de una manera parecida a los discos? “Tocaremos canciones de todos los discos. Seguramente empezaremos con temas nuevos y al final los más antiguos. También tenemos previsto incluir algunas de las piezas más acústicas. Creo que serán unos conciertos muy interesantes”. Una curiosidad final: el título del sexto corte del segundo álbum son unas coordenadas. ¿Corresponden a un lugar real? “Sí, es una montaña de Finlandia. Estoy seguro de que tiene un significado especial para Mikko, pero no se lo he preguntado. He estado cerca, pero nunca en ella”. (JORDI MEYA)

AMMUNITION 3 EL ALBIR, 5 BARCELONA, 6 ZARAGOZA, 7 ERANDIO, 8 MADRID BANE 3 BARCELONA, 4 MADRID, 6 A CORUÑA, 7 DONOSTI BETH HART 11 MADRID BIRDS IN ROW 9 BARCELONA, 11 MADRID DANKO JONES 1 MADRID, 2 SEVILLA, 3 PAMPLONA, 4 SALT DEEZ NUTS 10 VITORIA, 11 VIGO, 13 MADRID, 14 MURCIA, 15 BARCELONA EUROPE 5 BARCELONA KINGS OF CONVENIENCE 7 BARCELONA, 8 VALENCIA, 9-10 MADRID MICA P. HINSON 3 BARCELONA PERIPHERY 15 BARCELONA, 16 MADRID SHINING 3 ALMÀSSERA, 4 MURCIA, 5 MADRID, 6 BARCELONA, 7 BILBAO ST GERMAIN 1 MADRID, 2 BARCELONA VINTAGE TROUBLE 9 MADRID, 10 BARCELONA, 11 ZARAGOZA, 12 BILBAO WALK THE MOON 12 MADRID

ENERO THE ARISTOCRATS 20 SEVILLA, 21 MURCIA, 22 MADRID, 23 ALMÀSSERA, 24 BARCELONA THE BLACK DAHLIA MURDER 28 MADRID, 29 BARCELONA BRYAN ADAMS 24 GRANADA, 28 MADRID, 29 BILBAO, 30 BARCELONA CHEAP WINE 21 GUADALAJARA, 22 ALCALÁ DE HENARES, 23 ZARAGOZA, 24 CASTELLÓN DE LA PLANA, 26 ORIHUELA, 27 TARAZONA DE LA MANCHA, 28 MADRID, 29 ZAMORA, 30 A CORUÑA, 31 ALDEA DE SAN MIGUEL COHEED AND CAMBRIA 22 MADRID, 23 BARCELONA THE DARKNESS 14 BARCELONA, 15 MADRID, 16 BILBAO DOPE D.O.D. 21 MADRID, 22 BARCELONA EXUMER 28 BARCELONA, 29 ZARAGOZA, 30 GRANADA, 31 MADRID FOALS 30 MADRID, 31 BARCELONA GREENLEAF 17 LEÓN, 20 ZARAGOZA, 21 GIJÓN, 22 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 23 MADRID, 24 BARCELONA HOZIER 17 MADRID, 19 BARCELONA JOHN HOWARD 15 BARCELONA THE MACCABEES 5 BARCELONA, 6 MADRID MARS RED SKY 21 ZARAGOZA, 22 MADRID, 24 BARCELONA