RockZone 121 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Napalm Death (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Como cada enero os traemos un número con un montón de páginas dedicadas a lo mejor que ha dejado el año. Una selección de discos, películas, series, cómics y hechos relevantes que nos han tenido entretenidos en los últimos doce meses. Confeccionándola nos hemos dado cuenta de la cantidad de buena música que ha pasado por nuestros tímpanos, y que esperamos haya pasado también por los vuestros. Y si no ha ocurrido y leéis la revista a través de nuestra app, os basta con darle al icono de Spotify para hacerlo. Mención especial merece también la entrevista de portada a Abbath, un auténtico delirio de manos de una de las figuras más emblemáticas del black metal. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 121

7 / INTERFERENCIAS

30 / TOP INTERNACIONAL

56 / TOP NACIONAL

68/ TOUNDRA

86 / DINOSAUR PILE UP

90 / THE MUFFS

102 / CRร TICAS

118 / EN DIRECTO

48 / BANDA DEL Aﾃ前

52 / DANKO JONES

72 / ABBATH

82 / VISION OF DISORDER

94 / NON SERVIUM

100/ DISCO DEL MES

134 / DE GIRA

136 / FIGURAS COLATERALES

SUMARIO

Nº 121

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ KILLSWITCH ENGAGE EN UN PAR DE MESES KILLSWITCH ENGAGE LANZARÁN INCARNATE, SÉPTIMO ÁLBUM DE SU CARRERA Y SEGUNDO QUE GRABAN TRAS LA VUELTA DE SU VOCALISTA ORIGINAL, JESSE LEACH. DESPUÉS DE HABER RECONECTADO GRACIAS A UNA LARGA GIRA MUNDIAL, LA BANDA DE METALCORE VA A POR TODAS.

pesar de que Killswitch Engage vivieron sus años de mayor popularidad con Howard Jones al frente, para muchos fans el mejor disco que nunca había grabado el grupo de Massachusetts seguía siendo Alive Or Just Breathing de 2002. Por eso el regreso de Jesse Leach en febrero de 2012, después de la inesperada marcha de Jones, fue muy bien recibida entre el sector más purista del grupo. Quizá el álbum que grabaron, Disarm The Descent, publicado en abril de 2013, no cumplió las expectativas creadas, pero en la posterior gira se vio que, con un poco más de tiempo, el potencial de esa reunión era enorme. Incarnate, que verá la luz en marzo, deberá sacarnos de dudas. Producido como es habitual por el guitarrista Adam Dutkiewicz y grabado en sus propios Wicked Good Studios de Massachusetts, el álbum parece que introducirá algunas novedades a su

hasta ahora inmovilismo estilístico. “Es un disco muy equilibrado, pero al mismo tiempo suena un poco diferente a lo que se puede esperar de nosotros”, ha declarado Adam Dutkiewicz. Además de la ya conocida ‘Strength Of The Mind’, que ha sido lanzada como primer adelanto, otros títulos que encontraremos en Incarnate son ‘It Falls On Me’, que definen como un tema muy ambiental con muchas texturas, ‘Upraised’ con un aire post metal, con tempos extraños, muchos efectos y un gran estribillo, ‘Until The Day I Die’, una canción sobre la vida en la carretera, más rockera y con una melodía de guitarra al estilo de In Flames, o ‘The Burden And The Noose’, que trata sobre renacer después de un periodo de oscuridad. Y es que, según ha comentado Leach, quien en el pasado tuvo problemas de ansiedad y depresión, el tono del disco es más oscuro que Disarm The Descent o incluso Alive Or Just Breathing.

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LO PEOR DE MÍ_ ¿REGALOS? NO GRACIAS

o me considero una de esas personas que odien la Navidad. Lo que no llevo tan bien es lo de los regalos. Salvo excepciones, no me gusta hacerlos, ni tampoco recibirlos. Más que nada por todo el estrés que conlleva. Cuando te cuesta más de diez minutos pensar en algo que pueda hacerle ilusión a la otra persona, o bien es que esa persona no te importa tanto o que, en realidad, piensas que tampoco necesita nada. Y cuando estás en el bando de los que reciben, también supone un papelón tener que fingir un nivel de felicidad superior al que te provoca el objeto en sí. La peor expresión de todo esto suele ser esa maldita tradición del amigo invisible. Normalmente este intercambio sinsentido se suele realizar entre gente que más allá de una relación laboral, poco más tiene en común. Lo más seguro es que el regalo, tanto el que das como el que te dan, acabe en la basura a los cinco minutos de esbozar una sonrisa de circunstancias. Pero lo que más rabia da es cuando después de comprarte una espátula o un delantal de cocina te dicen ‘No te he comprado ningún disco porque, claro, como ya tienes tantos...’. A ver cuándo se entera el mundo de que por cada disco que tienes, hay 10.000 que te faltan... Que esto no es una jodida colección de Panini. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@slumeta A punto de disfrutar de No Way Out gracias a @RockZone. Dicen que ‘es de ser bien nacido ser agradecido’... ¡GRACIAS! @matamusica ¡Booom! ¡¡Genial @bmthofficial en el @ResurrectionESP!! @robarcarteras Me caso con vosotros, de verdad. @xwolfbikerx @ResurrectionESP ¡¡¡No más jebiladas y grupos para niñas, por favor!!! @SebaLG180 @bmthofficial @ResurrectionESP De puta madre, aunque el último disco me parezca una mierda, tenía ganas de verlos por segunda vez. @AzazeKiller Ojalá sólo toquen lo nuevo y os jodáis tos. @LauritaMonster @RockZone @bmthofficial @ResurrectionESP Quiero llorar muy fuerte, ¡me tenéis como una posesa celebrando esta noticia! @danielclaudin El @ResurrectionESP se está marcando un cartelón de los tochos.

Aquí mi amigo Quim y yo con Jim Adkins. He visto un par de veces a Jimmy Eat World y posiblemente son una de mis cinco bandas favoritas de todos los tiempos, pero el mejor bolo que le he visto al sr. Adkins fue en una capilla de Barcelona. Me llegó fuerte. A la salida le pedí que me firmara mis dos vinilos preferidos: Clarity y Bleed American. (LUIS BENAVIDES)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¡Arrancamos el 2016 en RockZone y me gustaría que mi primera columna del año sea un breve –y realmente breve- repaso a lo que hemos vivido durante el 2015 en nuestro país! Empezamos con el lamentable y vergonzoso fake de Violent Eve y eso de unirse al carro de las modas yanquis de mierda. Un gran aplauso por ellos, ya que podemos comprobar que realmente su campaña ha funcionado y lo están petando. Por otro lado, en cuanto a medios de comunicación respecta, nos tenemos que despedir de Brutal Family, uno de los primeros webzines que se dedicó exclusivamente a apoyar los nuevos sonidos más modernos del metal y el hardcore. En el apartado de festivales, dos novedades: la primera ha sido el nacimiento del Gasteiz Calling, por fin tenemos un festival de punk rock y hardcore a la vieja usanza, aparte de la consolidación del Resurrection Fest en el panorama internacional confirmando a Iron Maiden como cabeza de cartel de su próxima edición. Finalmente, hablando de bandas nacionales, tenemos que destacar el pelotazo internacional de Berri Txarrak y Adrenalized. ¿Qué resumen hacéis vosotros? ¡Tuiteádmelo en @MariusxTiberian! (MARIUS TIBERIAN)

DEMO-LEDORES_POR PAU NAVARRA ACROMIZER

ISARDS

KATABÄTIKA

SPREADING THE PLAGUE

ISARDS

FALLING INTO DEEP FREEZING

(AUTOEDITADO)

(NO ME’N)

(AUTOEDITADO)

Acromizer no inventan nada, ni lo pretenden, y encima lo dejan bien claro desde la primera ‘Frustrated Is Not The Way’. Thrash metal del clásico, con Oriol, guitarrista de Riot Of Violence, aquí dedicado en cuerpo y alma al típico ‘tupatupatupatupa’ que debe presentar toda banda del estilo que se precie en materia de baterías. Pero ojo, que en ‘Coldness’ y otros muchos temas los catalanes demuestran que no sólo de velocidad vive este grupo, destacando el especial cuidado que Manolo y el también cantante Edu ponen en los riffs de guitarra. Grabado y mezclado en los Moontower por el reputado Javi Félez, con una masterización a cargo de todo un Dan Swanö en Suecia, ‘Caught Off Guard’ o las agresivas ‘All For You, All For Nothing’ o ‘Killer Life’ prometen una buena ración de thrash ochentero del bueno, del que no toma prisioneros aunque aporte altas dosis de técnica. Lo que espera todo fan de este género metálico, vamos.

Compartí escenario hace poco con Isards y, aparte de comprobar que son una gente de puta madre, lo cierto es que me quedé pillado con lo que practicaban. Hijos de las okupas de Barcelona, aunque con tres cuartas partes de sus miembros procediendo de otros países, este combo toca exactamente lo que le viene en gana a cada momento. A ratos caen hacia el stoner, luego hacia el sludge y el metal, en directo sacan su furia punk crust, también sale su vena hardcore de la vieja escuela… Y casi todo en el polaco de su vocalista, un tipo que se deja las cuerdas vocales de verdad cuando afronta el micro. En activo desde 2014, sorprende que Isards hayan incluso girado por Suiza y Alemania, sin duda otro elemento que refuerza su carácter internacional. De esta forma, con ‘Zamknac Bramy’, ‘Straceni’ o ‘Perdido De Nuevo’ vas a navegar en unas aguas lisérgicas que tan pronto te mecen (‘Pies De Plomo’) como después te doblegan con rabia.

Katabätika es un combo catalán que se mueve entre el dark metal y el doom gótico. Paradise Lost, Moonspell, Katatonia o Draconian son nombres que te pueden venir a la mente escuchando este trabajo, que tanto busca la emoción como la agresividad a través de las voces duras del bajista Dani Domingo y las limpias del guitarra Guillermo Pujol. En este trabajo destaca la ambientación de cortes como ‘Another Chance’ y la potencia con la que suenan las seis cuerdas, pero por el contrario opino que Katabätika deberían perfeccionar ambas voces, sobre todo la entonación de las claras, pero también dotando de más músculo ese gutural. ‘I Don’t Feel My Way’ muestra unas estructuras algo obvias, a veces el tempo de ‘Desert Sand’ me chirría, pero no es nada que los demás temas no puedan remediar. El cómputo global no es ningún desastre, pero sí hay ciertos aspectos que deberían perfeccionar en un futuro.

https://acromizer.bandcamp.com/releases

https://isards.bandcamp.com

com/releases

https://katabatikadarkmetal.bandcamp.

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 10

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> POIRE INTERPRETAN ‘FU MANCHU’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

l pasado septiembre veía la luz Atlantis (The Original Dave/Fair Warning), el debut de Poire. El sonido de este trío barcelonés formado por Pere Miralles (voz, guitarra), su hermano Álex (bajo), y Aleix Brurgués (batería) podría enmarcarse dentro de la nueva ola de rock progresivo, en el que se vislumbran influencias tanto de bandas clásicas, como Pink Floyd, como de más contemporáneas, como Porcupine Tree. El origen del grupo surgió de manera bastante espontánea, cuando Pere acudió a sus dos compañeros para presentar en directo el disco que había publicado anteriormente en solitario, Up To The Sky. “Eran conciertos acústicos, pero como a mí me gusta lo eléctrico les propuse hacer algo juntos y así es como empezó el proyecto de Poire”. Aunque musicalmente su disco es parecido a lo que ya venía haciendo Pere, éste reivindica el papel de Álex y Aleix. “Ahora hay dos cabezas más dentro del grupo, y además yo tengo mis limitaciones con los otros

instrumentos. En Up To The Sky todas las baterías eran programadas y ahora son reales. Mi hermano con el bajo hace unas líneas que yo no haría nunca. Así que el patrón es el mismo pero la musicalidad es mucho más rica”. El propio Álex explica cuál puede haber sido su influencia en el disco. “Me gusta mucho la esencia de Roger Waters al bajo. Intento imaginar qué es lo que haría Waters en uno de nuestros temas. No quiero copiarlo, pero sí tener la esencia porque es algo que me llega mucho”. Atlantis fue grabado curiosamente en los estudios L’Atlantida, bajo la producción de Mario Patiño y Edgar Beltri. “Fuimos allí porque yo soy muy amigo de Raül, bajista de Hyde Abbey, y ellos habían grabado allí previamente”, señala Pere. “Buscaba un sitio donde grabar bien con instrumentos reales. Pero como handicap teníamos la limitación del tiempo, porque el tiempo es dinero (risas)”. Eso explica, junto a las horas de ensayo que llevaban en sus espaldas, la rapidez con lo que lo hicieron. “Las baterías se grabaron en

una mañana y yo el bajo en dos horas”, apunta Álex. “Al día siguiente se grabaron las voces, y al otro, yo grabé solos y arpegios. Y el resto de días se dedicó todo a mezclas”. Escuchando el resultado final nadie lo diría, pues tanto por la calidad de arreglos y de sonido, podría pensarse que estuvieron semanas trabajando en él. Igual de rico es el concepto que se esconde detrás de Atlantis. “El disco tenía que tener una historia”, asegura Pere. “Lo enfocamos a los tiempos modernos pero usando la metáfora de Atlantis. Es la búsqueda de cualquier individuo que anhele la ciudad perfecta, una utopía. El disco empieza muy energético con la canción de ‘Nautilus’ donde esa persona tiene un sueño y sale a buscarlo, y poco a poco se va volviendo más oscuro porque cuando llega a esa ciudad se da cuenta que lo que hay ahí es lo mismo que lo envuelve siempre”. Si queréis que os la cuenten en directo, acercaros el 13 de febrero a la sala Upload de Barcelona donde actuarán junto a Eric Baule y Regna.

PISANDO FUERTE_ WANN FORMACIÓN: Daniel Pérez (voz, guitarra), Ernest Gómez (batería, coros) PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: L’Hereu Escampa, American Football, Owls PRESENTAN: We Knew It Was You (Sonido Muchacho)

FOTOS: IVÁN MONTERO PELÁEZ

“EN ESTE PAÍS HAY BANDAS CON CALIDAD PARA SER REFERENTES DE LO QUE SE QUIERA” ERNEST

ann son un dúo de guitarra y batería afincado en Barcelona, pero una tercera persona colabora en su última referencia, We Knew It Was You. Es el cantautor canario Fajardo. Su participación en dos coros del disco es testimonial, casi anecdótica, pero tiene mucho de simbólica. “Dani y yo nos conocimos en 2011 viendo tocar a Fajardo. Dani, que también es canario, empezaba a vivir entonces en Barcelona y coincidimos en ese concierto con otros amigos en común. Desde aquel día conectamos en lo musical y empezamos a quedar para tocar con amigos con los que compartíamos local”, explica Ernest, el batería de Wann. Durante unos meses quedaron para hacer jams improvisadas de ruido, sin más, con amigos y miembros de bandas locales como Parmesano, Ou y Decurs, entre muchas otras. “A principios de 2012 empezamos a quedar los dos solos”, continúa Ernest, “supongo que por afinidad y porque en ese momento no teníamos una banda fija como el resto”. En esos primeros ensayos el formato guitarra-batería les funcionaba de maravilla. Probaron, sin embargo, con varios bajistas e incluso grabaron alguna maqueta para ver qué pasaba. Al no encontrar la misma química en el trío que en el dúo original, decidieron seguir ellos solos. Sabían que una formación tan reducida

tendría muchos pros, pero también muchos inconvenientes. Se trataba de pensar en la parte positiva y sacarle el máximo partido. Al ser sólo dos miembros, explica Ernest, “es muy fácil decidir sobre cualquier cosa que tenga que ver con la banda. Uno de los dos siempre se lleva el gato al agua”. En lo musical, añade el batería, “la dinámica es muy rápida y particular. Para bien o para mal, los temas suelen salir rápido, muy rápido, desde un principio”. Muchos vimos en su primer largo, Rubicone, publicado en 2014, como el EP previo Gratitude, la buenísima y necesaria reivindicación de bandas emocore de finales de los 90 como American Football y The Promise Ring con algunos patrones de batería matemáticos que podían recordar a Owls. “Lo que hacemos nos sale sin más. Siempre es una mezcla de las influencias de cada uno de nosotros. Dani (exguitarra de los canarios Daylight In Red -ndr.) tiene mucho más bagaje punk y hardcore, y yo vengo del grunge y de grupos de math rock”. Ellos, confiesan, devoran música de todo tipo, de bandas muy dispares, de aquí y de allí. “Hemos crecido escuchando y seguimos escuchando bandas de la órbita Dischord, Jade Tree, Merge Records, Touch & Go, Polyvinyl… Pero no todo van a ser bandas americanas. En este país hay bandas con calidad para ser referentes de lo que se

quiera: Shonen Bat, Ulises Lima, Encono, L’Hereu Escampa, Avecrem, Betunizer, Juventud Juché…“, enumera Ernest. Su nuevo trabajo, We Knew It Was You. como el anterior, fue grabado en la tierra del guitarra. “Grabar en Canarias durante una semana es un lujo, pero algo a tener en cuenta es que tienes siete maravillosos días pero ni uno más”, puntualiza Ernest, en referencia a la presión añadida que supone tener un billete de vuelta. “A nivel de sonido lo único que teníamos claro al entrar en el estudio era que las guitarras debían sonar más contundentes que en Rubicone, pero esto también venía un poco determinado por el tipo de canciones que llevábamos preparadas”, recuerda el batería. Y es que su segundo largo es algo más crudo y directo que el anterior, con piezas mucho más rápidas (‘Blitzeis’, ‘East L.A.’) y alguno de los riffs más gordos jamás parido por el dúo (‘Echo Fighter’). Si tuvieran que destacar sólo un tema, ‘Restart’ tendría muchas papeletas para ser el corte elegido. Esta pieza fue la primera, les salió de dentro, “fácil y con todo”, detalla Ernest, quien recuerda abandonar ese día el local exultante, con una sonrisa de oreja a oreja. “Fue justo después de grabar Rubicone. La experiencia resultó bastante dura: entramos a grabar con unas ideas prefijadas que se desmontaron el primer día de grabación. Resultó agotador mental y físicamente”, rememora el músico. “Con ‘Restart’ fue como volver a empezar, con las mismas ganas y relativizando los errores de la grabación. De ahí su nombre. Luego Dani le pone la letra que le da la gana. Esto es muy nuestro”, bromea el batería. (LUIS BENAVIDES)

DE CINE_CON KIKO VEGA EL REGALO

EL PRINCIPITO

RETORCIENDO LA TUERCA

l australiano Joel Edgerton no para. Actor, productor, guionista y ahora director, presenta un thriller de la vieja escuela en su primer trabajo detrás de las cámaras. El Regalo (The Gift) puede parecer otra muesca en el subgénero de las invasiones domésticas vecinales, pero está por encima de la media. Una pareja se instala en una hermosa nueva casa en un bonito nuevo vecindario por motivos profesionales del marido (Jason Bateman saliendo de sus roles habituales), y un casual encuen-

EDUCACIÓN EMOCIONAL ANIMADA

tro de éste con un viejo compañero de escuela (Edgerton) comenzará a inquietar más de la cuenta a una pareja, a priori, unida, estable y confidente. El mayor acierto de la película es su transformación constante y paulatina hacia terrenos más cercanos al horror que al thriller genérico. Tres actores (además de Bateman sobresalen Rebecca Hall y Edgerton, premiado en Sitges y que se regala el papel más jugoso) para una pieza de cámara pequeñita e infalible, muy recomendable pero de la que es muy difícil hablar sin causar daños irreparables. Con los pies en el suelo y la dosis justa de efectismos, es fácil confundir thrillers artesanales como éste o el Bug de William Friedkin con telefilmes, pero nada más lejos de la realidad. La película de Edgerton ocupa un lugar destacado entre las pelis más entretenidas y malignas de la temporada comercial que empezamos este mes.

l cuento de Antoine de Saint-Exupéry vuelve a las pantallas con la majestuosidad, la nobleza y el corazón que requiere un desafío como adaptar El Principito, un cuento tirando a cortito, para padres e hijos de nueva generación. Más de una docena de adaptaciones en forma de serie de animación, stop motion, teatro, musical, largometraje.... para que ahora llegue el director de Kung Fu Panda (!) y la primera película de Bob Esponja (!!) a ponernos un nudo en la garganta y desarmarnos con una compleja, revitalizadora y respetuosa nueva visión del clásico original. Y, efectivamente, El Principito cuenta todo lo que sucede en el relato de Saint-Exupéry a través de una hermosa y apabullante stop motion original y cautivadora. Pero eso no es todo. Limitarse a recrear los hechos del cuento no era suficiente para Mark Osborne e Irena Brignull, así que dedican el stop motion al relato

original para que éste enriquezca su propuesta, una revisión complementaria inesperada y brillante, pero también oscura. En su contra, destacar que la animación 3D del resto de metraje palidece si lo comparamos con el formato empleado para narrar la historia original, pero es que cualquier animación 3D perdería ante semejante hermosura. Sobre esa revisión complementaria, los responsables de El Principito expanden su (micro)universo hacia un relato con un tono mucho más sombrío que, ojo, probablemente tus hijos no esperen. Y es que esta nueva versión es bastante valiente ya desde los primeros minutos, que te pondrán la ceja como la de Carlo Ancelotti, pero no temas; esa ceja volverá a su sitio y terminarás utilizando las mangas de la camisa para limpiar mocos y secar lágrimas. Los valores de la amistad que inculca el relato original se amplían tanto como su mundo, haciendo hincapié en la rebelión ante el sistema conservador que roba la niñez y la esperanza, y lo hace apoyándose en una arriesgada pirueta narrativa que sólo consigue retrasar un poco más nuestro estallido emocional. Crecer no es el problema, el problema es olvidar. Si tienes eso en cuenta y miras con el corazón, El Principito te regala una hora y 40 minutos de magia para toda la vida.

ROGER HARVEY

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

GENERACIÓN GOONIES - LOS AÑOS DORADOS DE LA PRODUCTORA AMBLIN Francisco Javier Millán

P (DIÁBOLO)

ese a que el título de la obra pueda llevar a cierto engaño sobre lo que vamos a encontrar

en él, y el subtítulo Los Años Dorados De La Productora Albin no tenga el suficiente gancho comercial, lo cierto es que tenemos delante un entretenido libro que analiza las películas facturadas entre 1982

difícil que alguien pueda descubrir alguna gran revelación so-

y 1993 –una de las grandes épocas doradas del cine y po-

bre películas de las cuales se ha dicho todo (E.T., Jurassic Park,

siblemente la última- por Amblin Entertaiment, la productora

Regreso Al Futuro o Gremlins, por citar algunas de las más

creada por Steven Spielberg, el considerado rey midas oficial

populares), pero tener todas esas películas recopiladas sí que

del séptimo arte. Divido por capítulos que abarcan de manera

nos sirve para ver cómo Spielberg ha ido desarrollando su

cronológica los films, Generación Goonies es un interesante

carrera con el paso del tiempo y, sobre todo, preguntarnos

viaje a una serie de películas de las cuales una gran gene-

durante más de un momento si deben existir suficientes ceros

ración se siente sentimentalmente enganchada, pero que al

en el mundo para poder escribir el dinero que tiene que haber

mismo tiempo, han traspasado ese umbral generacional. Será

en su cuenta bancaria.

JOHN HUGHES - EL ETERNO ADOLESCENTE Gerardo Santos Bocero (DIÁBOLO)

oncluida la últi-

un cineasta único en la historia, y puede que ahí tengamos

ma página de la

una de las primeras pistas del propio cine de John Hugues.

obra John Hughes

Pese a que sus obras tenían una ambientación típicamente

- El Eterno Adolescente,

americana, especialmente en su querida Chicago, sus temas

hay que levantarse, aplau-

eran universales y en su repóquer de películas adolescentes,

dir y decir bien alto que

ésas por las que será recordado de por vida, supo entender

éste es el mejor ensayo

que la adolescencia es una vivencia global. El libro, ador-

que se ha publicado sobre

nado con material gráfico de primera, construye de manera

el añorado cineasta. Así

sublime cómo se desarrolló su carrera y cómo el propio ci-

de simple. Y no deja de

neasta vivió y gestionó sus etapas de máxima creatividad, The

ser curioso que haya tenido que ser alguien que ha crecido

Breakfast Club, su descomunal éxito comercial Solo En Casa,

a miles de kilómetros de Hugues y los personajes que salían

y una parte final de carrera donde perdió el hambre de volver

en sus películas... Pero, Gerardo Santos Bocero, nos ponemos

a crear historia y la difícil adaptación a los nuevos tiempos.

a sus pies. Es él quien ha sabido transmitir toda la esencia de

Me reitero: fantástico libro.

500 MUERTOS POR HORA Dani García Nieto (AUTOEDITADO)

STAR WARS IMPERIO DESTRUIDO

Rucka, Checchetto y Mossa

EL TOCHACO DE MR. NATURAL Robert Crumb (LA CÚPULA)

(PLANETA CÓMIC)

El genocidio de Ruanda forma parte de la colección de fanzines educativos/políticos que este autor viene realizando desde hace tiempo. Dani, en pocas páginas, ofrece un gran trabajo gráfico donde sintetiza la barbarie del genociodio de Tutsis y Hutus moderados bajo la impasible mirada del resto del mundo, analizando la coyuntura de cada una de las partes y las implicaciones (por acción u omisión) de gran parte de los países occidentales en esta barbarie. Un material de alto calado, grave y doloroso. SG

Escribiendo estas líneas a dos días del estreno de la nueva de Star Wars, todo el material que se ha ido publicando ha cumplido la función de dar coherencia a los sucesos que van a narrarse en el film. Cuando Disney se hizo con sus derechos todo el universo expandido de novelas, cómics y juegos quedó fuera del canon. Es por ello que se han puesto las pilas para completar las lagunas narrativas, y este Imperio Destruido cumple con su función, colocando al lector ante nuevos sucesos que le prepararán para las nuevas entregas. SG

…NO OPTION! 7Y8

EL TALLER 3ª TEMPORADA

(ENTRECOMICS COMICS)

(DIBBUKS)

Pep Pérez

VV. AA.

Creado en los 60 por uno de los maestros del underground norteamericano, Mr. Natural es un personaje que en cada página nos regala consejos y reflexiones sobre el mundo, la vida, el consumo... Suena a libro de autoayuda y esto es del todo premeditado, ya que este gurú surge como una suerte de personaje místico en contraposición a los materiales capitalistas mencionados. El contenido del libro es una gran recopilación de sus páginas en el que encontraremos todo tipo de historias que agradará a todos los fans de Crumb. SG

LAS AVENTURAS DE SID SCAT Kalitos

(EDITORIAL CORNOQUE)

La segunda temporada de uno de los mejores tebeos del año pasado sólo se ha hecho esperar un puñado de meses. ¡Y damos gracias! El viaje iniciático, místico, fantástico y filosófico mudo continúa sorprendiendo, sin ninguna línea de diálogo, sólo con el arte y la maestría narrativa de Pep. Si a todo esto le sumamos un color espectacular y una subida de tensión en sus páginas, sólo cabe decir que, en efecto, se trata de una de las lecturas más emocionantes que vamos a poder tener a lo largo de este próximo año. SG

En colaboración con la academia de dibujo ESDIP_, la editorial Dibbuks repite la fórmula de años anteriores y presenta un tomo con las historias que varios de los alumnos del centro han prepardo a conciencia para este volumen. En El Taller hay espacio para multitud de géneros y estilos. En todas las aportaciones se nota que esta nueva tanda de dibujantes, con un poco de suerte, podrán hacer cosas muy chulas en el futuro, ya que no hay nada que se le pueda reprochar a esta compilación. SG

Parodiando (u homenajeando) ya desde la portada a dos de las grandes mascotas del mundo del cómic se presenta esta novedad del colaborador de Malavida, Kalitos, el que puede que sea, le guste o no, su trabajo más íntimo y personal hasta el momento. No es que se quede corto de contarnos en sus otros tebeos sus miserias y grandezas, no, es que en este tomo nos presenta el día a día de su inseparable compañero de piso, su adorable gato Sid, mezcla de cabronazo con uñas y bichillo adorable. Las tiras cómicas funcionan de maravilla desde la primera página y, sin duda, todo aquel que tenga gato se verá reflejado en casi todas ellas. SG 21

TOI’S IN THE ATTIC DÍAS DE RADIO

loha! Hace unos días recuperé una peli de éstas que cuando eres teenager te marcan. Hablo de Rebelión En Las Ondas, con un Christian Slater como para empapelar la pared de la habitación. El chaval, cuando cogía el micro de su radio clandestina se convertía en un gurú, soltaba discursos revolucionarios y pinchaba música cojonuda. Recuerdo que cuando la vi lo único que quería era tener mi propio programa y molar un montón. Lo medio ‘conseguí’ durante una temporada, compartiendo un espacio minúsculo con un amigo poperísimo en una radio pirata. Aunque nos escucharan cuatro gatos y fuéramos unos pardillos, nos sentíamos afortunados por compartir nuestros escasos conocimientos en voz alta. Y sí, molábamos un poco. ¡Ay! Añoro aquella época en la que podías escuchar a Pearl Jam o Rage Against The Machine todos los días. Ahora escucho la radio por castigo en mi oficina, y estoy de Adele y Melendi hasta las pelotas, porque los escasos programas decentes disponibles están ve-

tados por mis compañeros. Que internet tiene la culpa de todos nuestros males ya lo sabemos, pero por suerte también nos abre puertas a emisoras ya estén en Albacete o en Austin, y nos pone en bandeja de plata ese maravilloso invento que son los podcasts, programas que consiguen mantener la frescura del directo, a la carta, con oferta y variedad infinitas. Recientemente volví a ponerme delante de un micro de la mano de Luis Benavides, el colaborador de RockZone, que conduce el programa El Ecualizador desde hace años, y acompañados de unas cervezas y unas patatas, disfrutamos de temazos y compartimos recuerdos. Admiro a aquellos que mantienen ese empeño por transmitir su pasión por la música con constancia e ilusión, porque hacen que nos llegue de una forma más cálida y acogedora. Hacedme caso e investigad, porque cuando encontréis programas afines y os embargue el poder de la radio ya nunca querréis separaros de ella. Artie & Luis, thanks for the ride! (TOI BROWNSTONE)

el hecho de no tener un gran presupuesto para producción, pero nunca comprometieron su

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Bonded By Blood de Exodus. Siempre me irritó cuando las bandas del Big 4 se escogieron de una manera natural y nunca se extendió a una quinta. Si eso hubiese sucedido, habría habido unos cuantos aspirantes (Overkill, Death Angel, Testament, Vio-lence...), pero ese honor hubiese tenido que ser para Exodus. Al final, cada una de las bandas del Big 4 acabaron abandonando sus raíces thrash. Metallica se volvieron sinfónicos y ‘no-metálicos’, Megadeth suavizaron su sonido de manera considerable, Slayer bajaron el pistón y Anthrax empezaron a rapear. Pero Exodus nunca dieron la espalda al estilo. Algunos de sus discos sufrieron 24

‘metal attack’. Si lo que querías era tu ración pura e indisoluble de metal, alejada de cualquier distracción, Exodus era el lugar a donde ir. Pero el momento álgido de su discografía, y uno de los momentos que definió el thrash metal, estaría relacionado con su primer trabajo, Bonded By Blood. Murder In The Front Row, el libro de fotos dedicado a la escena thrash de la Bay Area hecho por Harald Oimoen y Brian Lew, sacó su nombre de la canción que daba título al álbum. De hecho, hay incluso una banda de la nueva hornada thrash que se llama Bonded By Blood, que llegaron a fichar por Earache. ¿Se puede llegar a ser más influyente que eso? Ahora, 30 años después, ese álbum todavía sigue siendo uno de los mejores discos de metal nunca hechos. Canciones como ‘Exodus’, ‘And Then There Were None’, ‘Piranha’ o ‘A Lesson In Violence’ todavía buscan rivales y no ha llegado el momento en que ninguna

banda nueva las haya podido superar. Gran parte del encanto del álbum está en las voces de Paul Baloff. Encuentro a Baloff tan poco valorado en el mundo del metal que no me cansaré una y otra vez de alabar sus excelencias desde donde haga falta. Baloff ha sido uno de los mejores vocalistas de la historia del metal y siendo Bonded By Blood el único disco de estudio que llegó a grabar, es tanto un testamento de su voz como un triste deseo al pensar que no pudo grabar más. La increíble nota final en la historia de Exodus la marca el sucesor de Baloff, Steve ‘Zet-

ro’ Souza, un verdadero poder de la naturaleza al que nadie puso en duda cuando tomó el puesto en la banda para grabar el siguiente disco, Pleasures Of The Flesh. Fue increíble porque se hubiese podido peinar el mundo de arriba abajo y no haber encontrado un sucesor de tal magnitud. ¡Y lo fuerte es que los dos eran de la Bay Area! Y si el espíritu del heavy metal debe de ser resumido en pocas palabras, el estribillo de la canción que da título al álbum deja bien claro lo que es la música, el género y el movimiento. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

OJITO A... LAYABOUTS

Layabouts son una banda de rock compuesta por cuatro locos de Madrid que sólo viven para hacer el bestia sobre los escenarios. A saber, Jon Arias a la voz y al bajo, Roberto Suárez a la guitarra y coros, Javier Castellano a los teclados y guitarra, y Víctor Álvarez a las baquetas. Su sonido se mueve entre el rock, el grunge o el post grunge, sin disimular unas influencias punk e incluso hardcoretas. De hecho, a veces dan conciertos en los que ofrecen únicamente versiones de los Ramones y hasta organizan concursos de pogos. Llevan diez años, en los que han publicado tres discos y más recientemente un EP titulado Monsters. A bordo de

su furgoneta no han dejado de tocar en salas y festivales como el FIB, Arenal Sound o el portugués Paredes De Coura, con un total de más de 200 conciertos a sus espaldas. Para celebrarlo, el pasado 19 de noviembre ofrecieron un concierto en El Sol de Madrid con invitados como Tosko o Martí Perarnau y han anunciado que en 2016 llegará su cuarto disco, que ellos mismos aseguran que será determinante en su carrera. Recomiendo que le peguéis un repaso a su discografía hasta el momento porque encontraréis un montón de temas que os harán saltar y bailar. Ojito con ellos. (LIBERTY MARIO) 21

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY el de Soul Jacket. Y como imprescindible, los de Radio Birdman”.

DELIA RECORDS STORE Dirección: C/Delicias 19, Madrid Año de fundación: sello discográfico desde 2011,

tienda desde octubre de 2014. Especialidad: underground. Web: www.deliarecords.com

¿Cómo decidiste abrir una tienda? CAROL “Teníamos un sello discográfico y después de unos años decidimos darles una casa a todos esos discos editados”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que ha experimentado la tienda desde que se abrió? “Que está más llena”. ¿Clientes famosos que te hayan comprado alguna vez? “Están todos muertos”. ¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? 26

¿Y cuál el que se sigue vendiendo? “Los de Lost Acapulco, Kid Kongo y Trash-Tornados”. ¿Cuál es el disco más curioso que has vendido? “Unos singles de soul español de los 60. Eran bastante caros y se vendieron en 24 horas”. ¿Ese disco que nunca te falla cuando te piden consejo o una recomendación? ¿Y aquél que consideras que siempre debe estar, que si no casi ni quieres subir la persiana? “Como recomendación diría

Explícanos alguna anécdota imposible de olvidar. “Tenemos un cliente que nos compra álbumes y no tiene plato en su casa. ¡Es genial!”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “Sí”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que has abierto la tienda? “Sí, completamente, ahora la

amamos más”. ¿Qué supone para ti y para tu negocio el Record Store Day? ¿Cómo se ha vivido en la tienda y qué perspectivas tienes para las próximas ediciones? “El Record Store Day representa una ayuda a la venta de discos muy focalizada. Para ser el primer año en la tienda es cierto que se ha notado un aumento de afluencia de público ese día, la verdad, así como peticiones de discos editados expresamente para el Record Store Day. Suponemos que es algo que irá calando más en el público y ahí estaremos para verlo”.

A LA VENTA EL 8 DE ENERO

A WAR AGAINST YOU

Disponible en EDICIÓN LIMITADA CD DIGIPAK, en CD JEWELCASE, LP + CD. La banda que más ha dado que hablar en la escena del hardcore por fin trae de vuelta un álbum cargado de rabia y muy mala leche. ¡Producido por Cameron Webb (MOTÖRHEAD)!

www.CENTURMEDIA.com

WILD AND RARE ES UNA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADA POR ASICS. EL INVITADO DEL ÚLTIMO CAPÍTULO ES JJ PETERS, VOCALISTA DE DEEZ NUTS.

ienvenidos al último capítulo de Wild And Rare! Como os hemos ido explicando durante todo 2015, esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de los lectores que han atendido a nuestra llamada desde nuestro Facebook. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que, como anunciábamos, será única e irrepetible. Completado este dibujo, procederemos a sortearlo entre todos aquellos que hayáis hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El 100% de lo recaudado va destinado a Oxfam. A finales de este mes anunciaremos a través de nuestras redes sociales quién

es el afortunado ganador. El protagonista de este último capítulo es JJ Peters, vocalista de la banda de hardcore australiana Deez Nuts. Nos encontramos con él en los camerinos de la sala Razzmatazz unas horas antes del concierto que ponía punto final a su gira española. JJ se mostró igual de locuaz y expresivo que cuando está encima de un escenario para responder a preguntas como cuál es su álbum favorito de su grupo, si estaba emocionado ante el estreno de la nueva entrega de Star Wars, cómo descubrió el hardcore, su relación con Bring Me The Horizon, e incluso cuántos días seguidos ha estado sin ducharse estando de gira. Esperemos que hayáis disfrutado de la sección y os damos las gracias a todos los que habéis hecho, o hagáis en un futuro, una aportación para Oxfam

Intermón. Y también queremos agradecer a Danko Jones, The Vaccines, Joey Cape, Berri Txarrak, All Time Low, L.A., Refused, IAMX y Deez Nuts el haber participado. Haz tu aportación aquí.

LO MEJOR DE

2015 ¿BLACK METAL? ¿ROCK ALTERNATIVO? ¿PUNK POP? ¿METALCORE? ¿HARDCORE? ¿DJENT? ¿INDIE? CUALQUIERA QUE SEA EL ESTILO POR EL QUE TE DECANTES ESTAMOS SEGUROS DE QUE ENCONTRARÁS EN ESTA LISTA UN DISCO QUE PUEDE VOLVERTE LOCO... SI ES QUE NO LO HA HECHO YA. A CONTINUACIÓN TE PRESENTAMOS UNA SELECCIÓN DE LOS 30 TRABAJOS INTERNACIONALES Y LOS 20 NACIONALES CON LOS QUE MÁS HEMOS VIBRADO EN 2015, ASÍ COMO ALGUNOS DE LOS HECHOS MÁS RESEÑABLES DE LOS ÚLTIMOS DOCE MESES.

LOS 30

MEJORES

DISCOS INTERNACIONALES DE 2015

New Bermuda FOTO: CARLES RODRÍGUEZ

(ANTI)

MEJOR DISCO INTERNACIONAL

DEAFHEAVEN Y

a desde su propio título, el tercer trabajo de Deafheaven evoca el misterio de lo desconocido. Que la primera frase que escuchamos salir de la diabólica garganta de Clarke sea “¿Dónde se ha ido mi pasión?” no es casualidad. El propio vocalista ha reconocido que éste es un disco lleno de tensión y de miedo. Miedo por enfrentarse al papel en blanco, por saber si podrían cumplir las fechas que les había marcado su nuevo sello, AntiRecords, miedo por las expectativas creadas… incluso, a perder todo lo que tanto les había costado conseguir.

Pero como todos sabemos, no hay nada mejor que enfrentarse a los miedos para comprobar que, en realidad, no había apenas nada que los justificara. Desde ese prisma, New Bermuda es una victoria en toda regla. En sus cinco canciones encontramos a una banda que domina su sonido con autoridad, capaz incluso de llevarlo más a los extremos. Quienes pudieran pensar que Deafheaven harían un álbum dispuesto a rendir pleitesía al público hipster, comprobarán rápidamente que este trabajo reivindica con orgullo sus raíces metaleras.

JORDI MEYA

HABLAMOS CON... GEORGE CLARKE

elicidades, New Bermuda es nuestro Mejor Disco Internacional de 2015. ¿Cómo te sientes? “En primer lugar, nos sentimos muy honorados. Este año ha salido muy buena música, pero estamos muy orgullosos de este disco. Para nosotros era mucho más experimental que los anteriores y sabía que nos sentiríamos muy nerviosos antes de lanzarlo, incluso aunque no hubiera salido después de Sunbather”. En general las críticas han sido muy buenas. ¿Temías que os cayeran palos después del gran recibimiento que tuvo Sunbather? “Los dos discos fueron estructurados y presentados de maneras muy opuestas, así que nunca nos preocupó demasiado que provocara la misma reacción que Sunbather. De todos modos sí teníamos miedo de que fuera minuciosamente analizado, hasta el exceso, debido al éxito de crítica de Sunbather. Eso es lo que nos ponía muy nerviosos. No quería que fueran comparados simplemente por el éxito de crítica. Pero por suerte, no parece que haya sido así”. ¿Qué es lo que más recuerdas de la composición o grabación

del disco? ¿Cuál fue la parte más difícil? “El tiempo que estuvimos escribiendo en el desierto fue el más memorable, pero también el más difícil. Nos dimos cuenta rápidamente de que escribir totalmente aislados no iba a hacer que cumpliéramos con el trabajo”. ¿Cómo te sentiste la primera vez que escuchaste el álbum totalmente acabado? “Nervioso. Orgulloso, pero nervioso. Súper analítico”. Vais a estar girando por Estados Unidos junto a Lamb Of God y Anthrax. ¿Qué expectativas tienes? ¿Crees que su público os pillará el rollo? “Creo que lo vamos a pasar muy buen y será un periodo de aprendizaje. Que su público nos acepete es el gran desafío. Siempre giramos con grupos que nos plantean ese desafío, incluso cuando nosotros somos el grupo principal tenemos que ganarnos a una parte del público”. ¿Cuáles han sido tus discos favoritos de 2015? “Hay muchos, pero así de primeras me quedaría con Sufjan Stevens, Chelsea Wolfe, Cruciamentum, Locrian, Jenny Hval, Bosse De Nage y Vhol”.

REFUSED Freedom (EPITAPH)

s Freedom la mayor cagada de su vida o Refused han obrado el milagro? Pues diría que está más cerca de lo segundo que de lo primero. Dejando de lado cualquier consideración política (ya sé que habrá quien piense que es un elemento indisociable del grupo) y centrándonos en la música, lo más valioso de Freedom es que mantiene su espíritu aventurero y ganas de trascender géneros. Quien busque un disco de hardcore ortodoxo mejor que acuda a los de AC4, la otra banda de Dennis Lyxzén y el guitarrista David Sändstrom; sin embargo, quien esté dispuesto a escuchar una obra que, sin ser perfecta, sí da fe de que su creatividad

sigue activa, puede acercarse a Freedom sin miedo. Sus diez temas destacan por su eclecticismo y en ellos encontramos rastros, no sólo de lo que fueron Refused, sino también de lo que sus miembros han seguido haciendo durante su ausencia y de lo que podrían ser en un futuro. Los contrastes entre las influencias blancas y negras, clásicas y modernas, rabia y melodía, incluso la propia contradicción de que el disco exista, hacen de Freedom una metáfora sonora sobre lo complejo, confuso, vibrante y espantoso que es estar vivo en 2015. Y quién lo iba a decir, estamos en 2015 y Refused are fucking alive. JORDI MEYA

GHOST Meliora (SPINEFARM)

ara bien o para mal, los artistas que consiguen impactar con un universo visual y sonoro muy definido corren el riesgo de, si no saben jugar bien sus cartas, agotar rápidamente el modelo y acabar convirtiéndose en una caricatura de sí mismos. Pero después de haber podido disfrutar de Meliora durante todo el

BRING ME THE HORIZON That’s The Spirit (COLUMBIA/SONY)

odos los comentarios previos al lanzamiento de That’s The Spirit hacían presagiar que Bring Me The Horizon estaban decididos a desvincularse del metalcore para sumergirse en el mundo más amplio y lucrativo del rock alternativo. Pues bien, este trabajo es todo lo bueno que pueda ser un disco de rock

verano y descubriéndome canturrear sus canciones sin venir a cuento, he acabado por admitir que estas satánicas majestades venidas de Suecia me habían mesmerizado de nuevo. Puede que su tercer trabajo no sorprenda tanto, que no aporte nuevos trucos, que le falte algo más de gancho, pero a la postre la comunión entre riffs de proto metal, teclados vintage, las melodías poperas servidas por la melosa voz de Papa Emeritus III y la ambientación de película de terror descolorida, me puede. Me puede mucho. No te resistas y verás como el rotundo bajo de ‘From The Pinnacle To The Pit’, la fuerza durmiente de ‘Cirice’, la majestuosidad entre pastoral y AOR de ‘He Is’, el gran guiñol de ‘Mummy Dust’, el estribillo triunfal de ‘Absolution’ o el trote de guitarras de ‘Majesty’ acaban por hacerte sucumbir. JORDI MEYA

moderno con aspiraciones a competir de tú a tú con los superventas. Lo mejor es que no intenta disimularlo en ningún momento. Despojados de todos los elementos típicos del metalcore (las voces guturales, los breakdowns, los riffs complejos...), los de Sheffield ofrecen once temas -más de la mitad podrían ser lanzados como singles con garantías de éxitocon influencias del nu metal (‘Happy Song’, ‘Blasphemy’), pop electrónico (‘Follow You’, ‘Run’), indie (‘What You Need’, ‘Avalanche’), dance (‘Oh No’) y un Oli Sykes reconvertido en cantante melódico. Por supuesto, aquellos que ya rajaban de ellos encontrarán aquí munición de sobras para acribillarles, pero seguro que el grupo y su legión de nuevos fans estarán demasiado ocupados disfrutando de esta brillante colección. JORDI MEYA

REGRESO DEL AÑO: FAITH NO MORE

THE WONDER YEARS No Closer To Heaven (HOPELESS)

eafirmados en su propio sonido, estos seis treintañeros de Philadelphia se mantienen en sus trece, no sólo porque este No Closer To Heaven continúe con su estructura de 13 temas, sino porque siguen empeñados en hacer su propio pop punk sin comparaciones de por medio. Por tercera vez consecutiva se han juntado con Steve Evetts a los mandos en la producción, y han vuelto a conseguir un álbum mejor que el anterior. Por supuesto, de aquella

ALEJANDRO LOZANO

unque Faith No More llevaban reunidos desde 2009 para actuar en directo, muchas eran las dudas sobre si algún día volverían a grabar un nuevo álbum de estudio. Pero el 29 de mayo de 2014 un tweet que rezaba “Eso de la reunión fue divertido, pero ahora toca ponerse un poco creativos” disparó los rumores y cuando dos meses después, el grupo estrenaba dos temas nuevos (‘Motherfucker’ y ‘Superhero’) durante su concierto abriendo para Black Sabbath en Londres, todo hacía indicar que algo se estaba cociendo de verdad. Finalmente, el 19 de mayo de este año se publicaba Sol Invictus, el séptimo trabajo de su discografía. ¡Nada menos que 18 años después de su último disco! Si bien en las primeras escuchas quizá el disco no era todo lo explosivo que se esperaba, no hay duda de que con el paso de los meses ha ido ganando muchos enteros gracias a su incomparable personalidad musical. Y aunque todavía no han venido a presentarlo a España, os garantizamos que su directo sigue estando a un altísimo nivel.

crisis creativa que sufrió su vocalista Soupy no queda ni rastro, y como ejemplo de ello tenemos algunas canciones como ‘Cigarretes And Saints’, ‘A Song For Ernest Hemingway’, ‘I Wanted So Badly To Be Brave’ o ‘I Don’t Like Who I Was Then’, que se sumarían rápido a la lista de favoritas de cualquier fiel seguidor. Y ponen el cierre con el delicado tema que da nombre a esta cuarta obra en la que se han acercado más al cielo de lo que se pensaban.

CLUTCH

Phychic Warfare (WEATHERMAKER)

iendo que han vuelto a recurrir a Machine para las labores de producción, uno podría pensar que el grupo buscaba repetir la misma jugada que en Earth Rocker, y aunque escuchando atentamente Psychic Warfare es fácil encontrar puntos que conecten ambas obras, no sería justo decir que estemos ante una copia de su antecesor. Tampoco es que Neil Fallon y los suyos hayan rizado el rizo y se hayan salido por la tangente

experimentando por vías nunca antes escuchadas en sus otros plásticos. A estas alturas Clutch ya tienen un sonido tan perfectamente definido que se pueden permitir el lujo de dedicarse a sonar a ellos mismos sin mayores pretensiones. Simplemente. Tal vez no sea un trabajo tan impactante como Earth Rocker, pero dudo que cualquiera que se considere fan de Clutch no vaya a disfrutar como un enano con esta nueva loa al más puro rock’n’roll de toda la vida. GONZALO PUEBLA

TRIBULATION

The Children Of The Night

PELOTAZO DEL AÑO: TWENTY ONE PILOTS

(CENTURY MEDIA)

a no queda nada del death metal que practicaban Tribulation antes, sí en cambio permanece intacta esa carga ocultista o ese aroma propio de los films de terror que tanto veneran. Por si no lo apuntaba de forma suficientemente clara su segundo álbum, The Formulas Of Death, con The Children Of The Night rubrican de la mejor manera su transformación a banda de rock tenebroso con tintes progresivos y voz destrozada propia del black. No debería ser mi rollo, pero lo

cierto es que su nueva obra me ha encantado. Seguramente éste sería el disco que harían Watain si finalmente se desligaran completamente del género maldito, pues lo cierto es que el parecido entre las voces de Erik Danielsson y Johannes Andersson es asombroso. ‘The Motherhood Of God’ es un temazo con una salida guitarrera a lo Maiden que te va a emocionar de veras. Bellísima ‘Holy Libations’. Material vintage en manos de unos finos restauradores. Van a triunfar. PAU NAVARRA

BARONESS Purple

(ABRAXAN HYMNS)

omo el propio John Baizley admitía, el accidente de autobús que sufrieron en 2012 formará parte para siempre de la historia del grupo, pero Purple y todo lo que tenga que venir, que merece ser mucho, debería servir para que quede como una anécdota. Porque con su cuarto disco, Baroness demuestran haberse crecido ante las adversidades y entregan un trabajo que los sitúa entre los grandes grupos de su generación. De hecho, ya lo eran, porque sinceramente Red, Blue

y Yellow & Green eran álbumes enormes, es sólo que aquí parecen haber condensado y a la vez enriquecido todo lo ofrecido hasta ahora. Purple contiene dos de las características que hacen que me enamore de un disco. Por un lado, una gran carga melódica que hace que las canciones te entren a la primera, pero al mismo tiempo, intuyes miles de matices que le dan profundidad a la obra y le otorga un largo recorrido para que no te aburras de ella. DAVID GARCELL

uando la última semana de mayo Blurryface, el último disco de Twenty One Pilots, aparecía en el número 1 de las listas de ventas en Estados Unidos, muchos se preguntaron ‘¿Pero quién coño son éstos?’. Sin embargo, en los seis años que llevan juntos Tyler Joseph, que canta, rapea y toca el piano y el ukelele, y Josh Dun, que toca la batería, han conseguido que muchos ya les conozcan. Con una mezcla musical de pop, hip hop, electrónica y, sobre todo, una actitud en escena muy energética, el dúo de Ohio ha conseguido ir multiplicando sus fans en cada concierto que han dado por su cuenta o en festivales como Lollapalooza o Bonnaroo. Aun así, que Blurryface, su segundo disco para el sello Fueled By Ramen y cuarto de su discografía, vendiera 134.000 copias en una sola semana no se lo esperaban ni ellos mismos. Pero que lo suyo no fue un simple golpe de suerte lo atestigua que su gira por pabellones en Estados Unidos culminará con dos conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York el próximo agosto.

LAS 15 MEJORES PELÍCULAS DE 2015

CHELSEA WOLFE

UNA SELECCIÓN DE KIKO VEGA

Abyss

(SARGENT HOUSE)

LANGOSTA

Yorgos Lanthimos Deliciosa y poética tonada punk en forma de distopía europea de ciencia ficción de otra época. Divertida, tierna y cruel realidad exagerada de la triste vida que nos ha tocado vivir. Contra todo pronóstico, por aquello del reparto internacional y presupuestos, la mejor película del director de Canino.

LOVE & PEACE Sion Sono

Más música, más poesía y más amistad a través de la música en el primer guión de Sion Sono, escrito hace 30 años y rodado al fin para nuestro disfrute y emoción. La primera película ‘infantil’ del director de Tokyo Tribe te sacará alguna que otra lagrimilla. Uno de los tops del último Sitges.

a cantautora californiana Chelsea Wolfe nos invita, en su quinto álbum, a adentrarnos en su sugerente mundo donde la frontera entre sus pesadillas y la realidad es imperceptible. Grabadas en una cabaña en las montañas de las afueras de Los Ángeles, las once canciones de Abyss fluyen armónicamente como si fueran nanas cantadas por un ser espectral. Su tono melancólico y sus inflexiones vocales, no muy alejadas de Björk o la Tori

Amos más intimista, te atrapan tanto por su belleza como por su carácter inquietante. A lo largo de 55 minutos, Wolfe se sirve de distintas artimañas -algunos riffs con la pesadez propia del doom, bases industriales, suaves rasgados de guitarra acústica o paisajes trip hop con velo góticopara que bebamos su veneno gota a gota y, casi sin darnos cuenta, acabemos embriagados por su elixir mezcla de ambrosía, neblina y telarañas. JORDI MEYA

BONE TOMAHAWK S. Craig Zahler

Un ladrillaco en la sien, un western ejemplar extraordnariamente escrito y una pseudo adaptación de una de las pocas novelas de Jack Ketchum editadas (ya no) en nuestro país, Al Otro Lado Del Río. Cuatro actores entregados por amor al arte encarnando a cuatro personajes perfilados de manera ejemplar. Y luego el tercer acto ya tal. La hostia del año.

GOATSNAKE

Black Age Blues (SOUTHERN LORD)

THE INVITATION Karyn Kusama

La ganadora del último festival de Sitges refresca el subgénero de ‘cenas chungas’ con un ritmo fabuloso, grandes interpretaciones y un final de-mo-le-dor. La directora de Jennifer’s Body o Aeon Flux da un salto de gigante hacia la angustia y el mal rollo. Grandiosa.

LA BRUJA

Robert Eggers Aún esperamos su estreno en España, pero desde aquí ya os recomendamos hacer un hueco en la agenda. Insoportable, terrible, angustiosa. Obra maestra. La mejor peli de horror del año es la ópera prima del director del próximo Nosferatu.

MAGIC MIKE XXL Gregory Jacobs

Aunque Steven Soderbergh siga por detrás, el sentido del humor de los boys se desata y convierte esta secuela en una de las comedias más divertidas del año. Tatum sigue ampliando el salón que se ha montado en nuestro corazón y la secuela de la algo más sórdida original podría llevar por título Buen Rollo: La Película.

LA OVEJA SHAUN

Richard Starzak y Mark Burton Aardman sigue empeñada, con razón, en demostrar que

uando ‘Another River To Cross’ da inicio no das crédito. De pronto estás en un campo de algodón, entumecido, pero los señores del riff te despiertan de la pesadilla, y cuando Pete Stahl empieza a cantar arde Mississippi, aunque el Klan no haya tenido nada que ver… El fuego procede de alguien al que no le interesan los conflictos raciales, ése que le compró el alma a Robert Johnson. Esa voz celestial te pone la piel de gallina, es posible que Wino Weinrich le

haya poseído. Canta como las estrellas del rock, a su aire. Él y su don. Cuidado con ‘House Of The Moon’: puede parecer de inicio un tema doom del montón, pero en cuanto tienen la genial ideal de incorporar coros femeninos góspel o soul, ya estás atrapado. Mismo recurso que en ‘Jimi’s Gone’, pero ésta es aún más buena, y ‘Grandpa Jones’… Dios mío, esto ya es magia negra, y todavía queda que Stahl se quede solo ante el micro en ‘A Killing Blues’. PAU NAVARRA

la plastilina es el material del que están hechos los sueños. Siguen infalibles cuando se ponen artesanos. Llorera de amor desde unos deliciosos créditos iniciales musicados por el gran Tim Wheeler de ASH. Obra maestra. Otra vez.

FAITH NO MORE Sol Invictus

(RECLAMATION RECORDINGS/PIAS)

MAD MAX FURY ROAD George Miller

Los fans de Rockatansky estamos de enhorabuena. Y los del género. Y los del cine. El rarísimo ejemplo de cine minoritario extremadamente mainstream. Obra maestra a toda velocidad.

ieles a su modus operandi, Sol Invictus tiene su propia personalidad dentro de su eclecticismo, en este caso marcada por el gran protagonismo que ha tomado el piano de Roddy Bottum. Eso le confiere un tono más ¿adulto, maduro, reposado? del que nos tenían acostumbrados, pero no exento de su excentricismo habitual. Algo por otra parte inevitable teniendo al frente a un Mike Patton que bajo ninguna circunstancia hubiera aceptado grabar un nuevo disco sólo con

el fin de revivir tiempos pasados. Lo más cercano que están de sonar como los Faith No More clásicos (si es que eso existe) es el single ‘Superhero’, pero la mayor parte del álbum refleja que ha sido él quien ha llevado la batuta acercándose a Mr. Bungle (la circense ‘Rise Of The Fall’), Tomahawk (‘Cone Of Shame’) e incluso a su faceta de crooner retorcido. Eso sí, acompañado por una banda cuya química sigue siendo única. JORDI MEYA

Radiografía en chándal de un retrato puramente americano con un plus infalible de realidad. Casi una de terror, la segunda intervención de Channing Tatum en nuestra lista demuestra que estamos ante un nuevo príncipe del celuloide. Desasosegante como pocas cintas oscarizables. Steve Carell brilla en su papel más aterrador.

NEGOCIADOR Borja Cobeaga

Borja Cobeaga sigue a lo suyo: rodar pequeñas piezas mientras escribe los mayores éxitos de taquilla de nuestro cine. Tras Pagafantas y No Controles, el bajón sigue dominando un relato con mucho en común con la peli de Miller: historia real, chándals y mal rollo.

QUÉ DIFÍCIL ES SER UN DIOS Aleksey German

La experiencia más exigente, destructiva e incómoda que jamás haya visto en una sala de cine en mis 37 años. German necesitó 13 años para sacar adelante un proyecto que le costaría la vida y que no pudo ver terminado. Visto el resultado, es completamente normal. Pon a prueba tu fe. Merece la pena.

Daniel Aguirre

La comedia revelación de la temporada nacional viene con un guión en forma de pautas y libertad para hacer reír. Thriller cómico sobre la amistad y la pochez en el debut de Daniel Aguirre, boss de Mostacho Tv, creador del parkour castizorealista y la gran esperanza blanca de la comedia de aquí. Ojito a Sergio Cortina, el hijo putativo de Seth Rogen y Woody Allen.

Desolation Sounds (VENN/PIAS)

Bennett Miller

INVESTIGACIÓN POLICIAL

GALLOWS

i con su feroz anterior álbum Gallows nos ofrecieron su versión más hardcore y convencieron a escépticos como yo de que el fichaje de Wade McNeil como sustituto de Frank Carter había sido todo un acierto, en Desolation Sounds, y tras superar la salida del guitarrista Steph Carter, el ahora cuarteto se ha decidido a expandir su sonido y mostrar que creativamente están muy despiertos. Si de entrada nos sorprenden con el poderoso inicio

FOXCATCHER,

PURO VICIO

Paul Thomas Anderson

de ‘Mystic Death’, que recuerda al black’n’roll de Turbonegro, en el segundo tema, ‘Desolation Sounds’, aún lo hacen más con una atmósfera que evoca a The Gun Club y un nuevo registro vocal por parte de Wade. La variedad del material llega a su máxima expresión en la balada post punk ‘Cease To Exist’, de una elegancia sucia exquisita. Una muestra de rebeldía por parte de una banda que se niega a vivir de rentas. JORDI MEYA

La ‘comedia’ según Anderson es un híbrido entre Agárralo Como Puedas y Un Largo Adiós. Cine negro, personajes extraños, drogas, gran reparto y un tempo en forma de broma privada que no pasará todos los filtros del público, pero es que los genios son así.

GREEN ROOM Jeremy Saulnier

Jeremy Saulnier retoma la violencia ‘de color’ después de Blue Ruin en una digna heredera de los encierros de Carpenter o los asedios de Peckinpah. Con todo, lo mejor de esta habitación verde es que muestra a una banda de punk que se viste como… una banda de punk. Una peli que gustará mucho en esta casa.

ANABEL

Antonio Trashorras Antonio Trashorras ya demostró en Dos Manos Zurdas... que tiene unas inquietudes y unas maneras bastante diferentes de las de nuestros tótems del género. Anabel es cine satánico a la europea sin salir de casa. Apartamentos y malignos. Todo bien.

GATILLAZO DEL AÑO: FOO FIGHTERS

PERIPHERY

Juggernaut: Alpha/Omega (CENTURY MEDIA)

ivido en dos álbumes, Alpha y Omega -aun sin distinguirse temática o estilísticamente es algo que se agradece para una mayor digestión-, Juggernaut supone la consagración del sexteto de Maryland como la banda puntera del metal progresivo del siglo XXI. Armados con guitarras de ocho cuerdas y una técnica excepcional, Periphery son capaces de absorber y pasar por su filtro cualquier estilo, dando como resultado una obra de lo

JORDI MEYA

odos nos las prometíamos muy felices cuando en abril se anunció que Foo Fighters por fin volverían a España para actuar en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 19 de noviembre. Durante meses fans de todo el país compraron sus entradas, organizaron sus viajes y rogaron a sus jefes para que les diera el día libre. Ni siquiera el hecho de que Dave Grohl fuera a actuar sentado en su trono customizado, todavía convaleciente de la hostia que se había pegado en junio en Suecia, había hecho bajar el nivel de entusiasmo y el sold out ya estaba garantizado. Todos estábamos listos para gritar con ‘Monkey Wrech’ y emocionarnos con ‘Everlong’... Pero entonces los atentados en París del 13 de noviembre lo mandaron todo al traste. Foo Fighters cancelaban los tres conciertos pendientes de su gira europea y nos dejaban a todos con las ganas. Ni que no sirva de compensación, pocos días después la banda lanzaba gratuitamente el EP Saint Cecilia y por lo que sabemos, se está trabajando para que puedan volver en 2016. Crucemos los dedos.

más variada y al mismo tiempo, coherente. Pero si en la parte instrumental su calidad está fuera de toda duda, es el vocalista Spencer Sotelo, un joven capaz de moverse en todo tipo de registros con total soltura (desde el gutural al más melódico), el elemento que les ayuda a brillar por encima del resto de bandas salidas de la escena djent. Y es en su capacidad para conectar con un público ajeno al progresivo donde reside la clave de su éxito.

LOMA PRIETA Self Portrait (DEATHWISH INC)

os de San Francisco no han perdido ni un ápice de intensidad, pero aparece aquí de manera más modulada y su caos se intuye más organizado. Además, por primera vez, las melodías vocales, aunque aparezcan gritadas y enterradas bajo un manto de distorsión, resultan incluso pegadizas. De ahí que ‘Roadside Cross’, ‘More Pefect’, ‘Never Remember’ o ‘Satellite’, con la incorporación de algunos elementos de indie rock, suenen más a Japandroids,

Desaparecidos o Touché Amoré de lo que nunca hubiéramos podido imaginar. Aunque quien ame su lado más disonante no quedará defraudado con trallazos como ‘Black Square’ o ‘Net Gain’, en los que desbarran a gusto. Si cogieras a sus vecinos Deafheaven y sustituyeras su background metal por uno punk, es muy posible que acabaras con un resultado muy parecido, haciendo de este Self Portrait el hermano sucio y gamberro de New Bermuda. JORDI MEYA

NECROWRETCH

With Serpents Scourge

RUMOR DEL AÑO: GUNS N’ ROSES

(CENTURY MEDIA)

a madre de Dios, qué virulencia… ‘Black Death Communion’ te zarandea de lo lindo con una agresividad maníaca de otro tiempo, que rememora y de qué forma a los pioneros del metal extremo de los 80, mediados de los 90 a mucho estirar. Está claro: Necrowretch han vuelto. Un blast beat corrosivo, sonoridad death metal, de acuerdo, pero la voz del también guitarrista Vlad, por no hablar de bastantes riffs… Santo cielo, una ofensa propia del black más

primigenio, y por qué no decirlo, de los Watain iniciales. ‘With Serpents Scourge’, ‘By Evil And Beyond’, ‘Mortem Ritu’ o ‘The Bells Of Evil Schism’, porque puedes escoger cualquiera, son negras dagas que van a degüello, a 200 por hora sin ningún tipo de piedad. Recuerdo escuchar su debut Putrid Death Sorcery en 2013, más vil y menos cuidado en términos de producción, pero no que me impactara tanto como esta obra. Un retorno al extremo verdadero. PAU NAVARRA

WHILE SHE SLEEPS Brainwashed

(SEARCH AND DESTRY/SONY)

his Is The Six ya avisaba de algo muy serio, y con Brainwashed no han hecho más que confirmarlo. Algunos temían que los problemas vocales de Lawrence Taylor fuesen a suponer un problema en el futuro inmediato, pero basta escuchar esa entrada a grito pelado de ‘New World Torture’ para dejar claro que en su garganta no quedan secuelas. En esta apertura podemos notar que While She Sleeps han sido capaces de expandir de manera inteligente su sonido. Pueden sonar

pesados y arrolladores, melódicos y épicos sin caer en la ñoñería. Y cuando se trata de poner la directa, apenas tienen rival como demuestran en la abrasadora ‘Brainwashed’. Otro tema sorprendente es ‘Four Walls’, con esos coros de tono fúnebre que dan paso a otra canción completísima y con aires de himno. Hasta en ‘Life In Tension’ se atreven con un estribillo de lo más pegadizo, para más tarde aniquilarnos con ‘Method In Madness’. Un auténtico discazo. GONZALO PUEBLA

estas alturas todavía no hay nada oficial, pero la máquina de rumores ha sacado humo durante 2015 sobre una posible reunión de los Guns N’ Roses originales. Todo empezó en abril con un mini documental de la web Uproxx en el que aparecía Marc Canter, un viejo amigo de Axl Rose y Slash, diciendo que lo único que se necesitaría para que una reunión de Guns fuera realidad sería que él juntara a ambos músicos en una misma habitación y resolvieran sus diferencias. Luego, en julio, DJ Ashba y Ron ‘Bumblefoot’, dos de los guitarristas de la formación actual, decidían abandonar al grupo y, en agosto, Slash admitía en una entrevista que había hecho las paces con Axl. Todo empezaba a cuadrar. ¿O no? Mientras la mujer de Duff McKagan o Nikki Sixx de Mötley Crüe lo daban por hecho, la antigua mánager del grupo Vicky Hamilton decía que no había nada. Incluso se ha especulado con que la ‘reunión’ sólo incluiría a Axl, Slash y Duff. Lo que está claro es que cualquier comentario al respecto se ha magnificado, mientras los protagonistas siguen sin abrir boca, ni para asentir ni para desmentir. ¿Estarán estudiando cuáles son las mejores ofertas? En 2016 saldremos de dudas.

LAS 10 MEJORES SERIES DE 2015

IRON MAIDEN

UNA SELECCIÓN DE LAURA CLAVERO

The Book Of Souls (EMI(

FARGO (FX)

Si la primera temporada ya sorprendió a todos por su capacidad para recrear el universo de la película de los hermanos Coen, esta segunda mantiene un nivel equiparable, sino superior. La trama funciona como una precuela que se centra en uno de los acontecimientos mencionados ya en su primera entrega, la masacre de Sioux Falls. Una historia de policías, gángsters y pobres diablos que nuevamente se verán envueltos en una espiral de violencia, usando siempre ese tono de comedia negra. Igual de hipnótica a nivel visual, incorpora a su cuidadísima estética el uso de la pantalla partida para permitirnos ver la acción desde distintos ángulos. Una serie coral en la que todos y cada uno de sus personajes brillan con luz propia.

THE KNICK (CINEMAX)

Este drama dirigido por Steven Soderbergh ha finalizado ya su segunda temporada. Basada en la historia real del Knickerbocker, un hospital de Nueva York donde, a principios del siglo XX, se llevaron a cabo grandes avances que supondrían todo un hito en la medicina moderna. Su protagonista, el jefe de cirugía John Thackery (un espléndido Clive Owen), es un genio radical, adicto a las drogas y obsesionado con la experimentación médica. Su estilo distante y frío, muy propio del director, nos aleja de sentimentalismos. Una obra excelente no apta para estómagos sensibles.

he Book Of Souls evidentemente no es una vuelta a las raíces, pero hacía tiempo que Iron Maiden no componían cosas tan crudas como ‘Speed Of Light’, por ejemplo, un clásico tema donde se nota la mano de Adrian Smith, y un single perfecto. ‘The Red & The Black’ también me parece una meritoria composición. Gran riff, excelsas melodías marca de la casa (esos juegos de guitarras, por favor…) y tremenda galopada de una base rítmica

BETTER CALL SAUL (AMC)

Los fanáticos de Breaking Bad no esperábamos menos de este spin off/precuela, de la mano del mismo Vince Gilligan. La trama nos revela los detalles para entender cómo Jimmy McGill (Bob Odenkirk) terminará convirtiéndose en el peculiar abogado charlatán al servicio de Walter White conocido como Saul Goodman, consiguiendo dar una dimensión al personaje que ya intuíamos. En su camino se cruzará con otro maravilloso personaje de la serie original, Mike Ehrmantraut, el expolicía metido a matón. Estamos deseando que llegue ya su próxima temporada.

HOUSE OF CARDS (NETFLIX)

La tercera temporada de esta serie política deja de lado su vertiente más thriller para convertirse en un drama

ANDRÉS MARTÍNEZ

CANCER BATS

Searching For Zero

PEAKY BLINDERS (BBC TWO)

La historia de una familia de mafiosos de baja estofa que se dedican al crimen organizado en el mugriento Birmingham de posguerra durante los años 20. En su segunda temporada, el cabecilla del clan familiar, el carismático Tommy Shelby (Cillian Murphy), continúa con sus planes para expandir las fronteras de su pequeño imperio de delincuencia. Destaca la incorporación de Tom Hardy en el papel de capo judío. Una trama que engancha desde el primer momento, una fotografía cuidada y un montaje que juega con una moderna banda sonora (Nick Cave o PJ Harvey, por ejemplo) para dotar de gran dinamismo a sus escenas de acción.

donde Harris una vez más se sale. El material es abundante, tienes que estar muy inspirado o sentirte muy seguro de ti mismo para atreverte a presentar un doble álbum en los tiempos que corren, y el quinteto británico, la mejor banda de metal de todos los tiempos, sin duda sigue teniendo muchas cosas que ofrecer. Otra obra imprescindible en la carrera y la evolución de un grupo que ha traspasado la frontera entre el bien y el mal.

(NOISE CHURCH/BMG RIGHTS)

earching For Zero nace de un intenso y duro periodo marcado por el agotamiento y la pérdida de seres queridos, que les arrastró hasta tal extremo que decidieron que a partir de ahí no iban a tragar más mierda y que las cosas ya sólo podían ir a mejor. Desde luego el arranque de este disco con la pegadiza ‘Satellites’, ‘True Zero’ y ‘Arsenic In The Year Of The Snake’ no podría dejarlo más claro, siendo tres descargas de energía, rabia y potencia sin límite. Posiblemente éste sea su

disco más variado y melódico, abarcando principalmente sonidos más oscuros y pesados, un trabajo a las guitarras a cargo de Scott Middleton magnífico. Es imposible obviar la tremenda influencia que Black Sabbath tienen en Cancer Bats al escuchar ‘Beelzebub’ o ‘Buds’, pero aun así, con ‘All Hail’ también demuestran que siguen manteniendo la esencia thrash y punk de sus comienzos. Se encuentran en un gran momento a nivel compositivo. TOI BROWNSTONE

THIS GIFT IS A CURSE All Hail The Swinelord (SEASON OF MIST)

o que aquí encontramos puede parecer que es fácilmente describible en palabras, pero claro, una vez trasladado al plano musical, una vez alguien se somete a ello por propia voluntad, la experiencia es muchísimo más enriquecedora. This Gift Is A Curse se hallan adscritos al black metal, por supuesto, pero su envidiable pulsión ruidista y ambiental los posiciona en algunos momentos cerca del drone, y eso cuando no dan rienda suelta a su vena

más cavernícola y primitiva, consiguiendo de esta forma una agresión cercana al sludge metal y el hardcore. Desde luego, quien encuentre aquí alguna mota de hipsterismo no está en sus cabales, pues la propuesta de los suecos se nos presenta descarnada, libre de toda influencia más allá de sus propios demonios. Esto está creado desde el más sincero odio y la más profunda misantropía. Tienen mi bendición. PAU NAVARRA

Pasando casi desapercibida entre el público, esta tercera temporada corrobora que estamos ante una serie que sigue creciendo imparablemente. Nuestro matrimonio favorito de espías rusos que trabaja de incógnito en Estados Unidos ya no sólo se enfrenta a los americanos, sino a algo mucho peor, una hija adolescente que empieza a dudar ante la evidencia de la doble vida de sus padres. Un análisis crítico de la sociedad americana de los años 80, alejada de maniqueísmos, cuyos personajes no son ni buenos ni malos, sino meras marionetas al servicio del sus respectivos gobiernos.

MAD MEN (AMC)

Tras ocho años en los que la serie ha sufrido bastantes altibajos, decimos adiós a nuestros publicistas favoritos de la Quinta Avenida. La segunda parte de esta última séptima temporada sigue sin estar a la altura de sus inicios, pero se despide recuperando parte de ese espíritu que la encumbró como una de las mejores series de la década. Puede que el viaje de Donald Draper (John Hamm) haya llegado a su fin, pero que nadie espere un desenlace repleto de sorpresas. Parafraseando al propio Draper, “Hazlo simple pero significativo”.

Elliot Anderson es un joven programador que padece una fuerte ansiedad social y que trabaja en una empresa de ciberseguridad, mientras se dedica a hackear a todos los que le rodean en su tiempo libre. En medio de su desorden emocional se verá inmerso en una conspiración de un grupo antisistema para acabar con una gran corporación. Deudora de la obra V De Vendetta, su discurso de crítica social al capitalismo despiadado está a caballo entre la filosofía existencialista y el nihilismo. Repleta de giros argumentales y con una estética que nos recuerda por momentos a las obras de Kubrick, se ha convertido en el hype de la temporada.

California Nights (UNIVERSAL)

THE AMERICANS (FX)

MR ROBOT (USA NETWORK)

BEST COAST

i alguien podía crear un disco perfecto para el verano, ése era el dúo formado por Bethany Cosentino y Bob Bruno. California Nights supone además el momento en que Best Coast abandonan formalmente el mundo indie (han fichado para Universal) y explotan a fondo las posibilidades de una producción concebida a lo grande. Si antes sonaban más contenidos, aquí no se cortan un pelo y con la inestimable ayuda de Wally Gagel (Miley Cyrus, Muse)

mucho más centrado en la cotidianidad de sus protagonistas. El peso del poder y los entresijos de la relación de la pareja más poderosa, manipuladora y ambiciosa del mundo formada por Frank y Claire Underwood. Tanto Kevin Spacey como Robin Wright siguen soberbios en sus papeles, aunque la trama sea algo menos excitante que la de su anterior entrega. God bless America.

han engordado el sonido de las guitarras, doblado y triplicado las voces y coros y dado un mayor empuje a la sección rítmica. Prácticamente cada canción podría ser un single. ‘Feeling Ok’, ‘Fine Without You’, ‘In My Eyes’, So Unaware’ o ‘Sleep Won’t Ever Come’ combinan la simplicidad de acordes de los Ramones con melodías radiantes de puro pop al estilo de las girl groups de Phil Spector y toques de indie rock de los 90. Una receta ganadora. JORDI MEYA

NARCOS (NETFLIX)

La historia sobre el auge y caída del narcotraficante más famoso del mundo, Pablo Escobar, a través del relato de uno de los agentes americanos de la DEA que se infiltraron en Colombia en los años 80. La serie acierta usando imágenes de archivo para recordarnos que, aunque cueste creerlo, la mayor parte de lo relatado ocurrió realmente. Puestos a poner pegas, probablemente la elección de cásting del brasileño Wagner Moura para interpretar al protagonista no haya sido la más acertada, ya que su acento resta verosimilitud al personaje.

GAME OF THRONES (HBO)

La veterana serie se salva por los pelos este año en su quinta temporada. La fórmula basada en ofrecer al espectador un golpe de efecto inesperado justo cuando empieza a mosquearse seriamente por el estancamiento que sufren las tramas y sus personajes, podría terminar por agotar nuestra paciencia. Por el momento, su impecable factura visual, la brillantez de algunos de sus guiones y el carisma de sus personajes consiguen que sigamos enganchados. Veremos cuánto dura el juego...

DIVORCIO DEL AÑO: BLINK-182

SLAYER

Repentless (NUCLEAR BLAST)

epentless, el duodécimo álbum de estudio de Slayer, es ante todo un ejercicio de resistencia y hay que decir que en buena parte salen como vencedores. A pesar de que es Kerry King quien se ha ocupado de toda la labor compositiva -a excepción de ‘Piano Wire’, uno de los temas que Jeff Hanneman dejó antes de fallecer-, en Repentless se repasan los distintos registros que el grupo ha ido cultivando a lo largo de los años: ráfagas de

JORDI MEYA

o era la primera vez que Tom DeLonge tenía sus diferencias con sus compañeros Mark Hoppus y Travis Baker; de hecho éstas ya habían provocado que en 2005 se tomaran un hiato indefinido, pero el pasado enero la tensión entre ambos bandos llegó al máximo con la emisión de un comunicado en el que se decía que el cantante y guitarrista había dejado el grupo, hecho que éste desmentía a través de su cuenta de Instagram. En una sincera entrevista con Rolling Stone, Hoppus y Barker expresaban su frustración ante el hecho de que DeLonge tuviera paralizada la grabación de un nuevo disco y una nueva gira porque prefería centrarse en otros proyectos. Después de réplicas y contrarréplicas, parece que las aguas se han calmado y recientemente DeLonge ha comentado que no le importaría volver a tocar con Blink en un futuro. Pero de momento tendrá que esperar, ya que el grupo se encuentra en estos momentos grabando un disco con su sustituto: Matt Skiba de Alkaline Trio.

thrash (‘Chasing Death’), temas más lentos (‘When The Stillness Comes’), más punk (‘Atrocity Vendor’) o más groove (‘Implode’) con un Araya en buena forma, una efectiva producción de Terry Date y esos cambios de marcha que les salen cojonudos. Nada nuevo, de acuerdo; nada mejor que antes, cierto; pero escuchar Repentless en plena hora punta sigue provocando ganas de prenderle fuego a todo. No se me ocurre un mejor test que ése.

PARKWAY DRIVE Ire

(EPITAPH)

re es un álbum donde Parkway Drive ofrecen una versión más apta para todos los públicos de su sonido, pero que tampoco renuncia a su característico poderío ni a la guturalidad de Winston McCall. De hecho, se trata de su disco más metal, en el sentido clásico del término, y menos core. Tampoco el quinteto australiano se ha escapado de ese revival nu metal que se lleva ahora en la escena en ‘Crushed’, ‘Bottom Feeder’ o el medio tiempo

‘Writings On The Wall’, que aparece adornado por cuerdas y piano. Pero las melodías de guitarra fusiladas del libro de estilo de In Flames, los estribillos triunfales, los coros hooliganescos y los breakdowns diseñados para romper el pit son la norma en la mayoría de sus once canciones. ‘Destroyer’, ‘Vice Grip’, ‘Fractures’ o ‘The Sound Of Violence’ son perfectos ejemplos de esta fórmula que no por evidente deja de ser efectiva. DAVID GARCELL

SUPERGRUPO DEL AÑO: TEENAGE TIME KILLERS

HIGH ON FIRE Luminiferous (CENTURY MEDIA)

o que encontramos en Luminiferous no creo que decepcione a ninguno de sus seguidores; tampoco que le cambie la vida. Es decir, es una nueva dosis de High On Fire sin demasiadas novedades, pero tratándose de su séptimo álbum ya y partiendo de una fórmula tan certera como definida, esto no significa para nada un pecado capital. Tendrás lo que buscas desde el primer trallazo, ‘The Black Pot’, donde el combo tira incluso de épica, y ya con ‘Carcosa’

buscan más el árido machaque, con Matt Pike lanzando graves a petar de categoría y donde Kurt Ballou demuestra que también ha sabido dotarles de ese sonidazo potentísimo del que siempre han gozado. Desde luego, donde tenemos que hacer un alto obligado es en ‘The Cave’. Con ‘Planet Caravan’ versión Pantera en el ambiente y con un regusto grunge realmente emocionante, casi de lagrimita, High On Fire salen vencedores. PAU NAVARRA

24 METZ II

(SUB POP/POPSTOCK!)

u segundo trabajo, II, es una continuación con todas las letras y hará las delicias de sus fieles, al tiempo que enganchará perdidamente al resto de amantes del guitarreo con pelotas en cuanto se dejen azotar por ’Acetate’, construido sobre un riff de bajo obsesivo, o ‘Spit You Out’, con esa estrofa escupida con desdén y una parte final enmarañada, violenta y decadente. Las citadas, como las incontestables ‘Landfill’ y ‘Nervous

System’, por citar las más efectivas y rotundas, son piezas 100% Metz pero con un sonido aún más real, más crudo. Nueva artillería para que el grupo pueda seguir saliendo al escenario a matar. Salvando las distancias, que no son pocas, me atrevería a decir que II es el In Utero de Metz: una respuesta valiente a la sobreproducción de su debut que reafirma e incluso realza su esencia. Aquí hay banda y para rato. Amén. LUIS BENAVIDES

odo empezó cuando Reed Mullin, batería de Corrosion Of Conformity, y Mick Murphy, guitarrista de My Ruin, decidieron empezar un proyecto paralelo dedicado al hardcore. Dado que iban a estar grabando en los estudios 606 de Dave Grohl, éste decidió unirse a la fiesta como bajista. Y como ya sabemos que su agenda vale su peso en oro, pronto consiguió que se involucraran músicos como Corey Taylor (Slipknot), Randy Blythe (Lamb Of God), Jello Biafra, Matt Skiba (Alkaline Trio), Nick Oliveri, Brian Baker (Bad Religion), Neil Fallon (Clutch), Pete Stahl (Goatsnake), Tommy Victor (Prong), Lee Ving (Fear) o Tony Foresta (Municipal Waste), entre otros. Un verdadero quién es quién de las escenas metal y punk. Su debut Greatest Hits Vol. 1 apareció a finales de julio a través de Rise Records, por lo que no es descartable que en un futuro pueda aparecer un segundo volumen. De momento, el supergrupo sólo ha dado un concierto, el pasado 12 de septiembre en Los Ángeles, ¡pero vaya concierto! Casi tres horas de duración en el que además de temas propios sonaron un montón de versiones de gente como Black Flag, Misfits o MC5.

LOS 10 MEJORES CÓMICS DE 2015

FRANK CARTER AND THE RATTLESNAKES

UNA SELECCIÓN DE SAMU GONZÁLEZ

Blossom

(INTERNATIONAL DEATH CULT/POPSOCK!)

LOS MUNDOS DE VALKEN: OCÉANOS EN LLAMAS Nacho Fernández (GRAFITO)

Si sólo puedo elegir un cómic, me quedo sin duda con la obra más personal de Nacho Fernández hasta la fecha. Un trabajo que rebosa feminismo para nada superficial (es decir, de postureo comercial): las mujeres de este tebeo (protagonistas absolutas de la narración) son personajes empoderados, con sus circunstancias, conscientes del mundo hostil en el que viven y, si me apuráis, luchando contra un heteropatriarcado en forma de Castas y Casas Nobles en el mundo de Valken. Crítica social y ciencia ficción de auténtico lujo.

LA VIDA SE TE ESCAPA Joaquín Guirao

(ENTRECOMICS CÓMICS)

Maldito sea Joaquín. Dibuja molonamente y desarrolla unos diálogos estupendos. La Vida Se Te Escapa es un relato amargo y a la vez tremendamente cómico, repleto de gags incómodos que provocan la carcajada salvaje y luego malestar por haber reaccionado así. Presenta un día en la vida miserable de un tipo despreciable con el que se acaba empatizando por representar muchas de las angustias vitales que pueden acecharnos en nuestra vida creando con ello una genialidad deliciosa.

pesar de que la fugaz experiencia de Pure Love nos dejó algún buen momento, lo que de verdad nos gusta de Frank Carter es verle vociferando a todo volumen mientras intenta abrirse la cabeza. Su primera andanza junto a su nueva banda contiene todo lo que cabría esperar viniendo de él: diez temas en los que suelta toda su mala leche sin contemplaciones. ‘Trouble’, ‘Fangs’ y ‘Loss’ son hostiazos en forma de canciones de apenas dos minutos y medio

SOUFFLÉ (LA CÚPULA)

Tremenda historia de adicciones y miseria tamizada con un toque Cronenberg ciertamente demencial. Una visita a la miseria de la drogadicción (o tal vez ésta sirve como excusa) y una parábola sobre la inanidad de nuestro mundo y las prioridades en la vida que preocupan a cada individuo. Posee una narración con algunos momentos impecables y un par de giros de envidiable ejecución, siendo este trabajo de Cristian Robles toda una lectura que, tras engullirla, exige dejar el cerebro en reposo un buen rato.

Xcar, Azagra y Revuelta (EDITORIAL CORNOQUE)

Tras el éxito en 2014 de Estoy Hecho Un Cocinicas, llegó apurando lo último de 2015 la secuela de esta fusión de cómic y libro de recetas. La grandeza de estos dos trabajos reside en que reivindican la comida popular, las recetas baratas y la alimentación sanota por dos duros. Viendo que la tontería de los realities de cocina no se desinfla, viene bien tener a mano (o regalar) un cómic hecho con cariño y esfuerzo que reivindica la comida del día a día de la gente que sobrevive en la actualidad (y realidad).

LA ÚLTIMA AVENTURA

Josep Busquet y Javi de Castro (DIBBUKS)

El trabajo al guión de Josep Busquet, que no deja de ofrecernos buenos relatos, y el excelente dibujo de Javi de Castro, sirve para contarnos una aventura de vidas mediocres que conocieron tiempos de gloria. Con un estilo gráfico tremendo y sugerente, las vidas de las viejas es-

GONZALO PUEBLA

Cristian Robles

SIGO SIENDO UN COCINICAS

donde no hay lugar para tonterías. A ello ayuda una producción sucia y saturadísima en la que se pueden escuchar respiraciones entrecortadas, acoples, carcajadas siniestras, escupitajos y, cómo no, algún que otro ‘fuck’ con ese acentazo tan callejero que gasta. Y si en algún momento de la media hora que dura Blossom se para a coger aire como pudiera ser en ‘Devil Inside Me’ o ‘Beautiful Death’, simplemente lo hace para atacar después con más fuerza.

DANKO JONES Fire Music (BAD TASTE)

omo bien reza el título, Fire Music es otra colección de temas incendiarios, muy enérgicos y combativos. A estas alturas el de Toronto no se plantea experimentar, sino centrarse en lo que mejor se le da, que es hacer rock agresivo y cabreado, de ése que hace que te entren ganas de coger televisores y tirarlos por la ventana. Bien sea por la contribución de su nuevo batería, Rich Knox, un tipo para el que Jones sólo tiene palabras de elogio, o por la figura de

Glenn Danzig como inspiración principal a la hora de componer, este nuevo álbum cuenta con rasgos distintivos respecto a trabajos anteriores. Canciones como ‘The Twisting Knife’, un ejercicio compositivo cercano a las murder ballads según el propio artista, ‘Gonna Be A Fight Tonight’ o ‘Body Bags’ son auténticas declaraciones de guerra que incluyen coros al más puro estilo de los Misfits, dándoles mayor frescura y energía si cabe. TOI BROWNSTONE

JD McPHERSON

Let The Good Times Roll (ROUNDER)

trellas que protagonizan este tomo se nos hacen reales, ciertas y patéticas. Tan entretenido de leer como cautivador, aparte de tener unos cuantos aciertos formales de los de quitarse el sombrero.

EL LIBRO DEL TAO Lao-Tsé

(HERDER MANGA)

asi cinco años ha tardado JD McPherson para volver a deleitarnos con una nueva entrega de añejo rock’n’roll, y lo mejor de todo es que una vez escuchado podemos decir que, por increíble que parezca, es incluso superior a su hermano mayor. Así pues, el amigo JD vuelve a rendir homenaje a ese sonido reverberizado tan deudor de los 50, recogiendo el testigo del malogrado Nick Curran, tan necesario de reivindicar en estos tiempos que corren. Let The Good

Times Roll se abre justamente con el tema titular, y si desde que suenan los primeros acordes sientes que tu cerebro se activa para que tus pies comiencen a moverse, entonces prepárate porque ya nos vas a poder parar durante todo el álbum. Y si lo que te va es eso de bailar bien pegaditos, tranquilo que con baladones como ‘Precious’ o ‘Bridge Builder’ (coescrita junto a Dan Auerbach de The Black Keys) lo tienes fácil para triunfar. GONZALO PUEBLA

Para un servidor éste ha sido uno de los tebeos que más veces ha regalado a lo largo de este año. Adaptación manga de los versos fundacionales del taoísmo llevados al mundo actual en varias historias cortas que se entrelazan y cuyos ejemplos no escaparán al entendimiento de nadie. Una lectura que deja bastante limpio el espíritu e invita a reflexionar sobre uno mismo y el vacío que la sociedad impone a las personas, por muy rodeadas de bienes materiales que éstas se encuentren.

JACO EL PATRULLERO GALÁCTICO Akira Toriyama (PLANETA CÓMIC)

El regreso al manga de Akira Toriyama, uno de los autores más importantes de las últimas tres décadas. Este Jaco El Patrullero Galáctico entronca con los primeros pasos de Dragon Ball, convirtiéndose así en una suerte de precuela con elevadas dosis y estilo Dr. Slump, con un diseño de personajes divertidísimo y un grafismo exquisito. Cualquier fan de Toriyama no debe dejarlo pasar, y más teniendo en cuenta el revival que (de nuevo) ha tenido su serie Dragon Ball en todo el mundo.

KICK-ASS 3

Mark Millar y John Romita Jr. (PANINI)

El final de la serie de Kick- Ass me tocó profundamente. Sus autores han invertido cerca de ocho años de trabajo, contando el spin off Hit-Girl y las dos primeras series. Millar cierra la historia casi de manera circular, pero dejando a sus personajes en el extremo opuesto en el que empezaron, mostrando casi un halo de luz y esperanza entre tanta miseria (y elevado gore). Este canto épico al perdedor deja el listón muy alto en los comic book USA.

28 ENSLAVED In Times

(NUCLEAR BLAST)

LOS CABALLEROS DE LA ORDEN DE TOLEDO Javierre y Juanfran Cabrera

n In Times encontramos de nuevo esa vocación de funambulistas para caminar entre sonidos extremos y un metal progresivo apto para todos los oídos. Se trata de una fórmula que funciona gracias a su indudable nivel técnico y a su arte para componer largas canciones que logran mantenerte atento de principio a fin. ‘Thurisaz Dreaming’ abre la veda a todo trapo con unas guitarras afiladas, un blast beat atronador y un Kjellson descargando con furia. Pero

(ARIAN/AUTOEDITADO)

después de un minuto y medio, la banda transita, a través de un riff a modo de cortinilla, hacia pasajes más calmados donde la voz limpia y melódica del teclista Herbrand Larsen toma el protagonismo. Seis temas que llenan como si fueran muchos más configuran un álbum de lo más completo y que consolida a Enslaved como una formación de cabecera, pero con suficiente vitalidad para resultar atractiva a quienes se aproximen a ellos por primera vez. JORDI MEYA

Unos de los tebeos más arriesgados e interesantes de los últimos años, en los que sus autores han recreado la España previa a la Guerra Civil para contar la historia de algunos de los protagonistas de la Generación del 27. Las licencias artísticas se solapan a la perfección con las referencias y documentación históricas, siendo cada nueva entrega más profunda e intensa. Esta serie ha sido además galardonada como Mejor Cómic Nacional en el pasado Expocómic 2015.

YOUNG RONINS 1 A 5 Víctor Santos

(GRAPA! ANILLO DE SIRIO)

La serie se publicó de manera semanal, ocupando durante todo un mes la zona de novedades de las tiendas de turno. El estilo gráfico de Víctor Santos es ágil y dinámico, siendo toda una gozada su lectura. Con un marcado carácter juvenil, el ritmo frenético de la historia que presenta invita a leerlos todos de golpe. Sin duda, aparte de ser un trabajo muy agradable y divertido, la arriesgada propuesta de edición nos obliga a colocarlo como uno de nuestros favoritos.

ANIVERSARIO DEL AÑO: ROCKZONE

TWENTY ONE PILOTS Blurryface

(FUELED BY RAMEN/WARNER)

uando hace unas meses el nombre de Twenty One Pilots aparecía en el número 1 de las listas Billboard, muchos se preguntaron de dónde narices habían salido estos tipos. Pero lo cierto es que el dúo formado por Tyler Joseph y Josh Dun viene haciendo cada vez más ruido con su mezcla de pop, electrónica y hip hop. Blurryface es su álbum más ambicioso en cuanto a duración y fusión de géneros, pero también un poco el más oscuro, fruto de la vorágine que han vivido en los

JORDI MEYA

i no lo decimos nosotros, ¿quién lo va a decir? En 2015 cumplimos diez años como revista y decidimos celebrarlo de la mejor manera posible: con mucha música. En febrero nos trajimos a Danko Jones a pinchar a una fiesta en el Rocksound Bar de Barcelona, en mayo tuvimos a Brand New con Dinosaur Pile Up en Madrid, en junio a Every Time I Die, Stray From The Path, Counterparts e In Hearts Wake en Barcelona, y para rematarlo todo, en septiembre Cancer Bats, This Drama y Wilderness se recorrieron media Península y volaron hasta Tenerife para rematar la faena. Sobra decir que estamos súper agradecidos a todos los músicos, salas y equipo que participaron en los conciertos, pero sobre todo a todos los que os comprasteis una entrada para asistir a alguno de ellos. Además, habéis conseguido que cada mes durante todo el año seamos la revista musical número 1 en los quioscos digitales. Aún queda tiempo, pero prometemos volver a liarla cuando cumplamos 15. Palabra.

últimos años. La primera mitad del álbum es realmente impecable, con seis temas que podrían ser lanzados como single uno detrás de otro. En ‘Heavydirtysoul’, ‘Stressed Out’, ‘Ride’, ‘Fairly Local’, ‘Tear In My Heart’ y ‘Lane Boy’ se las apañan para sonar a Eminem acompañados por los Blur de Parklife con melodías compuestas por un Ben Folds que se haya pasado al reggae y no le hace ascos a la música industrial. Y todo con una media sonrisa en la cara.

FRANK TURNER

Positive Songs For Negative People (POLYDOR)

ras un periodo personal que, por lo que quedó reflejado en el tristón Tape Deck Heart, debió de ser algo jodido para él, el artista londinense ha optado por superar ese bache haciendo lo mejor que sabe: componer buenas canciones. Con un título tan explícito como Positive Songs For Negative People, la sexta obra de Turner es sin duda una de las más alegres y vitalistas que haya firmado hasta la fecha. Sólo hay que escuchar las iniciales ‘Get Better’, ‘The Next Storm’ y ‘Glorious You’, que contie-

nen esa capacidad maravillosa de subirte el ánimo en el día más gris, para darse cuenta de ello. A esto hay que añadirle algún latigazo punk que le conecta inmediatamente con sus raíces (‘Out Of Breath’) y joyitas como ‘Josephine’, que apuntan alto para el directo. También hay espacio para momentos más confesionales en ‘The Opening Act Of The Spring’ y ‘Mittens’, otro de los temas estrella del disco, pero siempre con un tono optimista y victorioso. GONZALO PUEBLA

GHOST UN GRANDIOSO TERCER DISCO, MELIORA, Y SOBRE TODO SUS INCREÍBLES CONCIERTOS EN ESPAÑA, HAN SIDO SUFICIENTE PARA QUE HAYAMOS OTORGADO A GHOST EL TÍTULO DE NUESTRA BANDA DEL AÑO. QUE DIOS NOS PERDONE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

MEJOR DE

2015

BANDA DEL AÑO

OMO OCURRE CON LOS ESPECTÁCULOS DE MAGIA, con Ghost existe un pacto implícito entre la banda y su público. Ambas partes saben que nada es real, pero ambas actúan como si lo fuera. Es esa conexión especial la que explica en gran parte que la formación sueca no pare de ganar adeptos, más allá de las adictivas melodías presentadas en su tercer álbum, Meliora (Spinefarm), o de una imagen cuidada hasta el último milímetro. Y eso podría explicar por qué ningún medio está interesado en fastidiar el truco. Cualquiera podría saber quiénes son y publicarlo. En realidad, tampoco ellos parecen especialmente preocupados porque alguien les vea sin sus ropas y máscaras. Nosotros mismos estuvimos en la prueba de sonido antes de su concierto en la sala Apolo de Barcelona y podríamos haberles filmado y colgarlo... ¿Pero para qué? Suponemos que han optado por confiar en la gente con la que tienen que trabajar con el fin de no volverse locos o paranoicos. Aun así, nada es lo que parece en el mundo de Ghost, y después de cruzarnos con Papa Emeritus, quien se acerca a saludarnos con toda naturalidad porque se acordaba de la entrevista que le habíamos hecho en Londres, nos encontramos encerrados en una pequeña habitación frente a frente con uno de los Nameless Ghouls. Y éste sí nos explicita antes de empezar, y de nuevo al terminar, que bajo ningún concepto revelemos su identidad. Sus deseos son órdenes. ¿Cómo está yendo la gira? NAMELESS GHOUL “Esta gira está yendo muy bien. El público es fantástico y ha sido un gran éxito, como esta

noche, con las entradas agotadas. Pero diez semanas seguidas sin parar pasan factura. Empezamos a estar algo cansados y nos irá bien un descanso antes de seguir”. En general, ¿qué valoración hacéis de 2015? “El año salió un poco distinto a como habíamos previsto originalmente. La idea era tener el disco terminado antes de acabar el año pasado, y poder tener unos cuatro meses libres, pero nunca ocurrió. Acabamos remezclando el disco porque no nos gustaba cómo había quedado. Estuve volando un par de veces entre Suecia y Nueva York para mezclar el disco con Andy Wallace... Y de repente estaba hecho y ya teníamos que salir de gira”. ¿Os estresan mucho los plazos, las fechas de entrega...? “Sí y no. Trabajamos bastante bien bajo presión. Somos conscientes de que no podemos tomarnos un año libre. La mayoría de grupos sacan discos y giran durante siete años, y entonces pueden tomarse uno libre. Así es como Iron Maiden, Kiss o Metallica consiguieron ser lo que son. Tienes que trabajar y a nosotros nos queda mucho por hacer. Éste es nuestro tercer disco y llevamos cinco girando, pero todavía pasarán algunos más hasta que nos hayamos establecido”. Al menos os está funcionando y con cada álbum vais subiendo peldaños. “Sí, está siendo productivo. En ese aspecto estamos contentos, pero es un trabajo duro”. ¿Os veis como un antídoto a lo que sucede en el main-

“ENTIENDO QUE PARTE DE NUESTRO ÉXITO SE DEBE A HABER APARECIDO EN EL MOMENTO ADECUADO” NAMELESS GHOUL

stream actual? “Supongo que sí. Entiendo que parte de nuestro éxito se debe a haber aparecido en el momento adecuado. Normalmente eso es muy importante en cualquier banda de éxito. Hay grupos que potencialmente podían tener éxito pero no lo tuvieron por una cuestión de timing. Desde una perspectiva del entretenimiento, la música electrónica está muy presente en el mainstream. Es muy común que un concierto sea una pantalla gigante parpadeando y una silueta moviéndose. No pasa nada, funciona. Pero para mí eso no es entretenido. Dicho esto, dos grupos que escucho mucho son Daft Punk y Above & Beyond. Irónicamente el álbum de Daft Punk era un intento de hacer un disco electrónico con elementos orgánicos, pero me pareció fantástico. Pero desde una perspectiva del metal o el hard rock somos una banda relevante porque desde principios de los 2000 todo ha sido una regurgitación de estas bandas con una frase como nombre que tocan deathcore o lo que sea. Nunca me ha gustado eso, más bien todo lo contrario... lo odio. No es que odie a todos los grupos porque somos colegas de algunos que hacen eso, pero no lo pillo. No me hace sentir nada. Creo que esos grupos están lentamente en declive y ojalá desaparezcan. Supongo que ahora mismo hay un vacío. En la industria se preguntan constantemente dónde están los nuevos grupos grandes. Supongo que a los grupos clásicos todavía les 49

quedan unos cuantos años para retirarse, pero falta sangre fresca. ¿Qué tienes? ¿A Rammstein? Supongo que ellos pueden ser grandes y quizá también Avenged Sevenfold, pero ellos vienen de esa tendencia de la que hablaba. Así que una banda como nosotros que no proviene de ninguna escena puede tener un hueco. Supongo que visto desde el underground se puede decir que formas parte del occult rock, pero eso es una escena muy particular con sus propios festivales y nosotros estamos saliéndonos de eso. Creo que la gente que escucha metal contemporáneo pero no conoce esa escena puede encontrarnos curiosos. O te gustamos o nos odias, pero al menos generamos una opinión”. A menudo se os compara con Kiss, pero en ellos cada músico era un personaje con una identidad definida. Me resulta curioso que hayas mencionado a Daft Punk porque vuestro anonimato va más en esa línea. “Creo que nuestros fans no estarían de acuerdo porque cada Nameless Ghoul tiene su personalidad sobre el escenario. Y, obviamente, Papa es un personaje”. Sí, pero incluso en cada disco ‘cambiáis’ de Papa, así que es más el concepto del grupo que la personalidad de los componentes. “Sí, bueno, tienes razón”. Lo que quiero saber es si vuestra idea es proyectar que la música y la banda son más importantes que los distintos componentes. 50

“Sí, supongo que el aspecto teatral es más importante que quiénes somos como individuos... Pero como fan sé que también te interesan los músicos como individuos y me encanta leer sus biografías, por ejemplo”. Pero en vuestro caso eso es imposible… “Sí, pero creo que eso explica parte de nuestro éxito. Si uno de esos grupos con frase triunfa puedes saberlo todo de ellos rápidamente porque todos están constantemente en Facebook, Twitter, lo documentan todo: ‘Acabamos de embarcar para ir a Barcelona’. ‘Acabamos de aterrizar en Barcelona’. No hay nada por descubrir. Esa histeria mediática es agotadora. Por eso me gustan Daft Punk, no sólo porque sean buenos, sino porque me intrigan. Me gustan discos nuevos, claro, pero no me gusta consumir bandas de esa manera”. Adele ha roto todos los récords de ventas este año. ¿Por qué crees que el público ha ido masivamente a las tiendas a comprar su disco? “Creo que cuando Adele editó su anterior disco, 21, consiguió algo sin precedentes en la época actual. Consiguió que nuestros padres y madres fueran a comprar su obra. Es una especie de hipnosis colectiva. Es como Star Wars, la mayoría de gente quiere verla en el cine porque quiere participar de un evento social. Y en cierta manera, ir a comprar el disco de Adele también es un evento social. No creo que la gente lo haga de manera consciente, pero inconscientemente quieren formar parte de ese récord de ventas. Muchas veces uso Adele como ejemplo cuando la gente

me pregunta si el éxito de Ghost se debe a nuestra imagen. No tengo ni idea. Si tuviéramos otro nombre y otra imagen, haciendo esta música quizá también hubiéramos tenido éxito. Es lo mismo con Adele. ¿Tendría tanto éxito si tuviera la imagen de Ariana Grande? ¿Quién sabe? La imagen es muy importante. Y la percepción de un artista es muy importante. Hay muchos factores que hacen que Adele sea fascinante porque no es la típica chica guapa que baila. Y personalmente, creo que mola mucho”. ¿Cuál es vuestra relación con la escena metal sueca? ¿Se os respeta u os ven como un montaje? Porque estoy seguro que si fuerais españoles sería imposible que las otras bandas os tomaran en serio y os caerían un montón de palos. “Tenemos muchos amigos en otras bandas. Pero puede que en un mismo grupo el guitarrista sea muy fan nuestro y el bajista nos odie. Pasa lo mismo si preguntas en un bar ahí fuera... Creo que dentro de las bandas que tienen éxito somos vistos como un grupo que mola, al menos desde el punto de vista de los medios. A muchos grupos nunca les nominan a ningún premio porque no son vistos como cool, pero nosotros tenemos esa suerte (risas). La mayoría de la gente que conozco nos apoya”. Hemos escogido New Bermuda de Deafheaven como disco del año. ¿Qué te parece? “No he escuchado el álbum, lo siento. Conozco el grupo porque unos amigos míos, Tribulation, están girando con ellos, pero no lo he escuchado, la verdad”.

“LA MAYORÍA DE GRUPOS QUE CONOCEMOS TOCAN EN LA SALA BATACLAN. PODRÍAMOS HABER SIDO NOSOTROS, O MASTODON, O DEFTONES. ME FALTAN SUPERLATIVOS NEGATIVOS PARA COMENTAR ALGO ASÍ” NAMELESS GHOUL

Por último quería preguntarte por los atentados de París. ¿Os ha afectado de alguna manera en cómo percibís salir de gira? ¿Habéis modificado en algo el funcionamiento de la banda? “Por supuesto estás más atento a todo. Estás en el escenario y observas a

alguien que ha entrado en la sala. La mayoría de grupos que conocemos tocan en la sala Bataclan. Podríamos haber sido nosotros, o Mastodon, o Deftones. Me faltan superlativos negativos para comentar algo así. Es un trauma, pero no puedes cambiar tu vida por eso. Es como preocuparse por un terremoto o que te caiga un

piano en la cabeza. Estadísticamente las probabilidades de que te pase son mínimas, así que si dejáramos de girar, la vida se terminaría. Y eso es lo que quieren. Esa gente odia nuestras vidas, todo lo que hacemos. No podemos regalarles la victoria. Pero lo que sucedió en París es la oscuridad. Ésa es la verdadera oscuridad”. 51

2015 VISTO POR DANKO JONES NADIE MEJOR QUE NUESTRO COLABORADOR ESTRELLA PARA DAR UN REPASO A LO QUE HAN SIDO LOS ÚLTIMOS 365 DÍAS. A PESAR DE QUE NUESTRA IDEA ERA HACER UN RESUMEN DE LOS MOMENTOS CLAVE QUE HA DEJADO 2015, COMO OS PODÉIS IMAGINAR TENIENDO A UN INTERLOCUTOR TAN LOCUAZ COMO DANKO, AL FINAL ACABAMOS HABLANDO UN POCO DE TODO... TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

015 empezó con la publicación de vuestro octavo álbum de estudio, Fire Music. ¿Qué ha supuesto para vosotros de nuevo un disco como éste, teniendo en cuenta que ya lleváis unos cuantos en vuestra carrera? DANKO JONES “Bueno, en este álbum intentamos llevar la influencia de los Misfits a nuestro terreno. Tiene un sonido más orientado al punk rock con mala leche que cualquiera de los anteriores discos. Había mucha rabia que queríamos sacar y creo que se hace evidente cuando lo escuchas. Ésa es una de las principales diferencias, también trabajamos con un nuevo productor, Eric Ratz, a quien ya conocíamos desde hace tiempo pero que nunca había tenido la oportunidad de colaborar previamente. Hizo un gran trabajo. Nuestro actual batería, Rich Nox, lleva ya dos años con nosotros pero era la primera vez que podíamos grabar con él. Así que esos tres elementos hacen que Fire Music sea distinto”. Siempre habéis sido unos habituales en nuestro país, pero este año os hemos visto por aquí más que nunca. En febrero pinchasteis en la fiesta del décimo aniversario de RockZone, en mayo actuasteis en Barcelona durante la celebración de la Copa del Rey de fútbol, poco después en el Resurrection Fest, ahora de nuevo girando por salas... ¿Qué recuerdos guardas de todas estas visitas? “Fue muy divertido tocar en Barcelona. Fue una cosa de última hora que se nos presentó una semana antes del

concierto. Volamos hasta allí y justo después volvimos a casa, fue como un torbellino. Es curioso porque hicimos lo mismo durante tres semanas entre mayo y junio. Cogíamos un vuelo hasta Europa, dábamos dos actuaciones y regresábamos. Entonces estábamos en casa durante tres días y volvíamos a Europa. Es de locos (risas). Pero el concierto de Barcelona fue genial. La pinchada de RockZone fue muy divertida también. Estábamos de gira promocional ya que Fire Music iba a ser publicado por esas fechas, así que estuvo bien hacer de DJ... Aunque la verdad es que no me gusta mucho. Creo que es aburrido (risas). Si quiero escuchar mis discos me los pongo en casa. No creo que sea bueno compartir mi gusto musical de esa manera, prefiero hacerlo escribiendo. Pero me lo pasé bien porque tenía un micrófono, así que más que pinchar hacía toasting sobre los discos. Cuando hago de DJ, si no tengo un micro, me aburro. Y por supuesto, el Resurrection fue un gran festival. Fue divertido cuando aparecieron los niños en el escenario”. Por cierto, ¿te gusta el fútbol o eres seguidor de algún equipo deportivo? “En Toronto tenemos un equipo de fútbol y uno de los jugadores es el sobrino de J.C. (bajista de Danko Jones -ndr.). Somos buenos amigos desde que iba al instituto, así que se puede decir que somos aficionados del Toronto Fútbol Club”. A nivel de conciertos, ¿cuál consideras que es el mejor que habéis dado este año? “De lejos, el concierto que dimos en París hace cinco días. Creo que no

“EL RESURRECTION FUE UN GRAN FESTIVAL. FUE DIVERTIDO CUANDO APARECIERON LOS NIÑOS EN EL ESCENARIO”

hace falta explicar por qué (la entrevista se realizó apenas dos semanas después de los atentados terroristas sufridos en la capital fancesa -ndr.)”. Precisamente te quería preguntar sobre lo que ha ocurrido en París... “Preferiría no tener que hablar sobre ello. ¿Qué puedo decir? Es una tragedia terrible, mucha gente perdió su vida. Es horrible”. OK, pasemos a la siguiente pregunta... Dime entonces cuál ha sido el peor momento de este año. “Bueno, perdí la voz en marzo. Tuvimos que cancelar dos o tres conciertos. La verdad es que fue un problema de agenda, ya que si no soy capaz de dormir un determinado número de horas por la noche, me quedo sin voz”. ¿Tú disco favorito de este 2015? “Crooked Doors de Royal Thunder. Me parece increíble. Está muy infravalorado, no he visto a nadie hablar sobre este disco. Mlnz Parsonz es una cantante maravillosa”. ¿Y el mejor concierto que hayas visto? “Es difícil porque vemos tantos grupos cada año, especialmente mientras giramos y en los festivales... Pero hace un par de semanas estuvimos en Ale53

mania, en el Metal Hammer Paradise. Vimos a Imperial State Electric y estuvieron fantásticos”. Estas últimas fechas habéis estado girando junto a ‘77... ¿Qué te han parecido? ¿Les conocías de antes? “Oh, son geniales. Ya sabía de ellos desde hace un par de años. La cosa es que les pedimos a Dead Lord que girasen con nosotros, pero nos dijeron que ya iban a hacer el tour con ‘77. Entonces, de alguna manera, su gira se unió a la nuestra. Fue estupendo tener a ambas bandas abriendo los conciertos todas las noches. Son una gran grupo con mucho talento, tienen un guitarrista increíble. Y su batería Andy es un chaval muy joven, una verdadera bestia. Recuerdo que le conocimos hace un par de años antes de que entrase en ‘77 porque vino a una prueba de sonido cuando tocamos en Barcelona. Creo que fue en 2013. Así que el primer día de la gira cuando le vimos, le dije: “Me acuerdo de ti” (risas). Son gente muy agradable y respetuosa. Hemos estado con muchos grupos que sólo tenían un álbum y ya se creían los Rolling Stones. Sale una crítica suya en las revistas, les hacen un par de fotos y ya se creen que les debes un favor. Hace un par de días coincidimos con una de ese tipo, no voy a decir quiénes eran. Iban con una actitud pretenciosa, destrozando sus amplificadores y las guitarras... Era ridículo. No teníamos ni idea de quiénes eran hasta esa misma mañana. Cuando nosotros empezamos nunca hicimos eso. Primero porque no teníamos dinero suficiente para comprar una guitarra nueva, sólo teníamos una y un ampli. Sentimos un enorme respeto por todos 54

“SI ES VERDAD QUE GUNS N’ ROSES REGRESAN, QUEREMOS SER QUIENES LES TELONEEN”

los grupos con los que tocamos en directo. Claro que hay un espíritu competitivo de querer salir a arrasar el escenario, eso es algo natural, pero cuando nos bajamos, queremos aprender de los demás, conocerles y ser amigos. Y ‘77 son así”. Estando tanto tiempo en la carretera, supongo que tal vez matas el tiempo en el bus de la gira viendo películas o series de televisión. ¿Alguna que te haya llamado la atención últimamente? “Me gusta mucho Narcos. Pero nunca antes había visto 24 y me he puesto con ella en estos últimos meses. Voy por la segunda temporada”. He visto que desde hace

tiempo tienes tu propio programa de radio en forma de podcasts... ¿Cuál ha sido el invitado que más ilusión te ha hecho tener en tu programa? “Bueno, todos los que han salido en los podcasts lo han hecho porque yo quería que estuviesen ahí. Lo bueno es que es algo que se basa en mi gusto personal. No hay una marca de publicidad presionando sobre si debería tener a alguien famoso en el programa ni nada de eso. No me interesa. Prefiero tener a gente que quizás no sea tan conocida pero de la que sí soy un gran fan. Tal vez sólo haya 15 personas que sepan quiénes son, pero me gusta lo que hacen. Todos los que han aparecido en los podcasts se han sentido muy agradecidos. Obviamente, hay algunos que

son más famosos que otros. Posiblemente los más conocidos hayan sido Henry Rollins y Duff McKagan. Hace un par de días subimos uno con Derrick Green de Sepultura, a quien conozco desde hace doce años. La mayoría son gente que conozco de toda la vida. En enero tendremos a Away de Voivod y también a Donald Tardy de Obituary. No es como si fuesen invitados del programa, son amigos. Si traigo a alguien que no conozco es porque de verdad me gusta su trabajo y quiero conocerle”. Uno de los momentos más impactantes en el mundo del rock en este 2015 quizás haya sido comprobar de primera mano el delicado estado de salud de toda

una leyenda como Lemmy de Motörhead. Como amigo que eres de él, ¿cómo estás siguiendo todo esto? ¿Crees que debería retirarse definitivamente y descansar? “Creo que Lemmy debería hacer lo que Lemmy quiera. No me gusta que la gente se pregunte ‘¿Por qué todavía sigue en la carretera?’. Ellos no conocen toda la historia. Yo tampoco, pero lo que sí sé es que Lemmy hace lo que quiere, no hay nadie que le mande. Si quiere seguir girando, que así sea. Tal vez por su salud sí que debería descansar un poco y todo eso. Tampoco tengo acceso a su historial médico. De todas maneras, Lemmy tiene un gran peso sobre sus hombros. No lo hace sólo por él, lo hace por muchísima gente, por el

rock’n’roll. Es así como se siente. No tengo ni idea de lo que le pasará por la cabeza ahora mismo, pero no seré yo el que le diga que debe parar”. Para acabar de una manera más alegre, de cara al año que viene se está hablando mucho de la posible reunión de Guns N’ Roses. Tu opinión como fan: ¿Lo ves posible y hasta deseable? “Bueno, creo que hay posibilidades dado que aparentemente Slash y Axl han enterrado el hacha de guerra después de tantos años. Ése es el motivo por el que Guns N’ Roses nunca volvieron. Si es verdad que regresan, queremos ser quienes les teloneen (risas)”. 55

LOS 20

MEJORES

DISCOS

NACIONALES

DE 2015

MEJOR DISCO NACIONAL

ÓSSERP 1 M Sang I Sutge (VARIOS SELLOS)

enudo hostiazo’, piensas cuando ‘Ensorrant Castells’ empieza a supurar por los altavoces de tu equipo. La mescolanza de propuestas extremas de Ósserp es brutal... Quizás le den más vidilla al grindcore y al death sueco de la vieja escuela (Entombed style), pero los demoníacos riffs del black metal también asoman con fuerza, así como la guarrería crust. Un lacerante acople, un riffaco de puro death, unas líneas de bajo distorsionado y un blast beat descomunal saludan los primeros compases del tema título, otra de esas bombas que te dejan noqueado.

Producido, grabado y mezclado en Barcelona por Aleix Archs y Jordi Mas (tan sólo el master lo ha realizado en Pórtland Brad Boatright), el sonido que han sacado demuestra que no hace falta irse demasiado lejos para mirar de tú a tú a cualquier producción con un nombre mediático en los créditos. Os lo advertimos, no se andan con tonterías, esto es media hora de infierno metálico sin ningún tipo de concesión. Un pedazo de disco que deben de conocer todos aquellos que, orgullosos, lucen sus parches de Napalm Death o Bolt Thrower. ANDRÉS MARTÍNEZ

HABLAMOS CON... DANI

elicidades! Hemos elegido Sang I Sutge como el Mejor Disco Nacional de 2015. ¿Cómo os sentís? “¡Gracias! Si te soy sincero, aún no nos lo creemos, ¿seguro que no es una broma? (Risas) Muchas gracias, de verdad, no podemos decir mucho más… Para una banda del inframundo como nosotros sin ninguna aspiración, nos parece alucinante que entre los centenares de álbumes que se habrán editado este año consideréis el nuestro como el mejor”. ¿Sois conscientes de que después de esto igual los trues os dan la espalda? “Bueno, ya estamos acostumbrados, cuando empezamos nos decían que sólo tocábamos en salas ‘bien’, otros consideran que sólo tocamos en okupas… así que eso nos da igual, sinceramente, y diría que los trues tampoco leen RockZone (risas)”. Ya en serio, ¿en general estáis contentos con cómo ha sido recibido el disco? “Mucho, de verdad... una banda que sólo lleva activa desde 2013, y que nuestro circuito es el que es, no podemos más que estar contentos con cómo ha funcionado el disco. Creo que casi todas las copias que tienen los sellos se han vendido, hemos tocado en casi toda España… imposible pedir más”. ¿Qué valoración haces de los conciertos que habéis dado? “Justo acabamos de volver del sur,

y ha sido brutal, en mayo y junio estuvimos por el norte-centro, y también fue muy bien. El haber cambiado de cantante justo antes de todas las fechas tampoco se notó, al final terminaremos 2015 con más de 30 conciertos… impensable si nos lo dices hace un año”. ¿Tienes algún recuerdo especial de la composición o grabación del disco? “Seguramente el momento más especial fue el último día, cuando vinieron todos los cantantes que colaboraban y Marc O’callahan grabó la electrónica, porque de repente fuimos conscientes de qué álbum habíamos grabado”. En casi todas las críticas se menciona a Napalm Death, Entombed, Bolt Thrower... ¿Hay por ahí alguna influencia muy evidente para vosotros que haya pasado desapercibida? “No sé si muy evidente, que hay otras influencias, eso seguro. No acabaríamos nunca de poner aquí bandas a las que les hemos usurpado algo de su alma”. Ahora mismo hay una escena metal underground de mucho nivel, pero aún cuesta mucho que un público más amplio se dé cuenta. ¿Es simplemente falta de curiosidad o piensas que es el precio a pagar por hacer música extrema? “Si te refieres a que algún público nacional no se da cuenta, sí, porque

fuera sí se enteran de bandas como Teitanblood, Maniac, Körgull The Exterminator, Nashgul… ahí son más que conocidas. Aquí sí hay bandas extremas que tocan en grandes festivales y salen en medios sin problema, pero seguramente la gran diferencia entre unas y las otras es la actitud… Para entendernos, nosotros hasta hace unos meses no teníamos ni fotos de prensa ni las íbamos a hacer, nos obligó Pau (Navarra). Nosotros sólo queremos grabar y tocar música, y eso hace que seguramente no destaques tanto como otros que sí dedican esfuerzos a que esas cosas salgan a la luz. Ambas opciones me parecen perfectas si asumes el riesgo de cada una”. ¿Con qué discos, películas y conciertos te quedas de 2015? “Hablo por mí, obviamente, pero discos seguramente el de Deafheaven, Ghost, Cattle Decapitation, Pissgrave o Author & Punisher. Películas, si te soy sincero, ni recuerdo haber visto alguna que me haya gustado, y conciertos, el de Ghost en Barcelona, y Converge, Nails y Pig Destroyer en el Temples Festival de Bristol”. ¿Planes para 2016? “Tenemos todavía unas cuantas fechas por hacer, y una vez lleguemos a marzo, la idea es componer otra vez para grabar el segundo disco a finales de año. Intentaremos buscar un sello que nos saque recopilado el EP, el split y alguna rareza más en CD, y reeditaremos el EP en cassette otra vez, ya que se ha agotado por segunda vez”.

ANGELUS APATRIDA Hidden Evolution (CENTURY MEDIA)

i un solo tema de los diez que aquí presentan flojea, y en varios casos se sitúan entre lo mejor que jamás han parido, como por ejemplo el tema titular que cierra el disco con 9 minutos antológicos y un interludio neoclásico o ‘Wanderers Forever’, destinado a ser un nuevo himno en directo gracias a un estribillo redondo. El grupo no ha necesitado mirar lo que hacen otros, ni incorporar elementos forzados para sonar distintos, sino que ha tenido suficiente con sacar lo que tienen dentro y articularlo aún mejor para hacer un enorme trabajo. Cada instrumento suena con claridad y se distingue perfectamente, y al mismo tiempo, refleja toda la energía

que tienen estos tipos tocando, haciendo de Hidden Evolution un auténtico festival para los amantes del headbanging. Siguiendo su tradición de hacer letras con contenido social, Guillermo Izquierdo aborda aquí el tema de las teorías conspirativas y los abusos de las fuerzas ocultas que mueven los hilos en el mundo. Como si hubiese previsto la reciente aprobación de la impresentable Ley Mordaza y el constante recortes de derechos civiles en ‘Immortal’ canta “la sombra del dictador permanece inmortal”, pero si algo hay que celebrar es que en Hidden Evolution la voz de Angelus Apatrida suena más alta y clara que nunca. JORDI MEYA

BULLITT Sparks (BCORE)

a primera parte de Sparks, grabado con el gran Santi Garcia, suena tal y como esperábamos, quizás mejor. Ahí están la breve pero intensa ‘The Mighty One’, las guitarras expansivas de ‘Game Over’, la melancolía poderosa de ‘Oceans In Motion’ y la dulzona ‘Friendship

TOUNDRA IV

(CENTURY MEDIA/SUPERBALL)

scuchando IV no cabe duda de que han vuelto a parir otro disco que no conoce de etiquetas. Si bien no supone un salto cualitativo tan grande como el que venían dando con cada nueva referencia, hay que indicar que esta vez el conjunto ha sabido darle una inteligente vuelta de tuerca a su

Never Ends’. Las novedades vienen ahora, a partir del quinto corte, en pequeñas y adictivas dosis. Así, encontramos momentos musculosos como ‘Sister’, algo así como una versión amable del hardcore old school, y travesuras como la demo precaria al más puro estilo Hüsker Dü que cuelan tras el medio tiempo sentido con desarrollo grandilocuente que es ‘On The Edge’, el único corte que dura más de 4 minutos. ‘Sparks’ con ese riff macarra y esos coros alargados atrapa, y mucho. Especialmente orgullosos deben estar del siguiente tema, mi favorita ‘Standing In A Circle’, con un arranque de cadencia elegante que ya quisieran los últimos Foo Fighters, con estribillo memorable y final con tensión guitarrera y redobles cargados de intención. LUIS BENAVIDES

sonido. Tampoco esperen un giro radical, pues desde el armonioso inicio de ‘Strelka’ queda bien claro a quién estamos escuchando. Pero se aprecia que esta vez han querido enrevesar todo un poco más y no ponérselo tan fácil al oyente. En ‘Qarqom’ sus clásicas subidas y bajadas son más apabullantes si cabe, siempre con la intensidad como bandera, o en la oscura ‘Kitsune’, un corte de aire casi fúnebre. Algo que contrasta con la belleza que desprenden ‘Belenos’ y una acústica ‘Viesca’ que acaba mostrando su lado más sinfónico en todo su esplendor, para que finalmente en ‘Oro Rojo’ vuelvan a acaricionarnos con esas guitarras cristalinas. Un verdadero pasote que merece ser mundialmente descubierto. GONZALO PUEBLA

TRAGEDIA DEL AÑO: BATACLAN

HAMLET La Ira (MALDITO)

a noche del 13 de noviembre de 2015 será siempre recordada como la fecha en la que 89 personas fueron asesinadas en la sala Bataclan de París durante un concierto de Eagles Of Death Metal. Entre las víctimas se encontraba Nick Alexander, su encargado de merchandising. Se ha dicho y escrito mucho sobre el ataque terrorista que sufrió ese día la capital francesa, pero no hay nada mejor que ver la entrevista que el grupo concedió pocos días después a la web de la revista Vice para comprender la horripilante situación que vivieron los que allí se encontraban. Las secuelas de semejante trauma necesitarán mucho tiempo para ser curadas, pero al menos parece que los músicos afectados no se han dejado vencer por el miedo. El 7 de diciembre, el grupo aparecía al final del concierto de U2 en la AccorHotels Arena de París para interpretar con ellos ‘People Have The Power’ de Patti Smith y dejarles que tocaran su tema ‘I You All The Time’, del cual han solicitado que otros grupos hagan versiones a beneficio de las víctimas. My Morning Jacket, Savages y Dean Ween Group ya se han sumado a la iniciativa. El grupo liderado por Jesse Hugues volverá a París en febrero y estará en España en marzo dentro de la gira europea reprogramada tras la masacre. Bien por ellos.

in temor a equivocarnos, y después de escuchar el disco hasta la saciedad, os podemos anunciar que estamos ante el mejor álbum de los madrileños en mucho tiempo. Están más cabreados que nunca. Líricamente siempre se han mojado, eso no lo discute nadie, y ahí sigue Molly poniendo su garganta a prueba en cada minuto, en cada segundo, denunciando y escupiendo toda la mierda que nos rodea, pero es que musicalmente también se muestran más agresivos, más

coléricos, más desesperados. Los riffs marca de la casa de Luis Tárraga y Alberto Marín (que participó en la grabación pero que dejó su sitio justo tras la finalización del disco) siguen partiendo nuestra espina dorsal cada vez que salen de los amplis a tumba abierta, pero la corta duración de los temas y el suicida modo de interpretarlos nos sorprende, nos sacude y nos deja baldados con sólo una audición. ¿Es esa virulencia un reflejo de los tiempos que corren? ANDRÉS MARTÍNEZ

6 ‘77

Nothing’s Gonna Stop Us (CENTURY MEDIA)

a iba siendo hora de que los hermanos Valeta viesen recompensados sus años de esfuerzo dejándose los huevos en cada escenario donde les dejasen enchufar los amplis. Nothing’s Gonna Stop Us nos presenta a unos ‘77 con ideas frescas a pesar de tener su base musical bien arraigada. Títulos como ‘It’s Alright’ y ‘Tonight’ muestran que su fórmula de rock directo sigue funcionando perfectamente, pero si hay alguien que todavía piense que son una mera banda de tributo, quizás se

vea sorprendido por la oscuridad que desprenden en ‘Street Dogs’ o la imponente ‘Too Young To Go’. El contraste llega con cortes en una línea mucho más amable como en la genial ‘Nothing’s Gonna Stop Us’, con un aroma muy Thin Lizzy, la joyita ‘No One Like You’ a cargo de LG en las voces o el misil rockanrolero que es ‘Tightrope’. Y es que esta peña lo deja bien claro en el tema que cierra el álbum: ‘We Want More Rock And Roll’. Imparables. GONZALO PUEBLA

THIRTEEN BLED PROMISES The Black Legend

MARRÓN DEL AÑO: GEOFF RICKLY

(BLOOD FIRE DEATH)

i algo quedó claro en su debut, y sigue siendo evidente en su segundo álbum, es que los madrileños prefieren hacer un buen ejercicio de estilo a intentar innovar en un género que pocas variantes puede ofrecer. En resumidas cuentas, Thirteen Bled Promises quieren hacer de la caña más burra su razón de ser y de eso encontramos un saco bien lleno en The Black Legend. Con su particular temática extraterrestre como punto diferencial, pese a que es impo-

sible entender una sola palabra de los exabruptos que salen de la garganta de Turri, el quinteto ha crecido en técnica (el paso dado en la producción por Alex Cappa también es digno de mención), en saber mejor el terreno por el que pisan y dónde pueden dar lo mejor de sí. De ahí que las partes más brutales son lo más cercano a una de esas taladradoras que te pueden joder la vida... Una buena bofetada con la mano abierta. RICHARD ROYUELA

LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL La Primavera Del Invierno (PRMVR/GRAN SOL)

s tal la rapidez con la que han decidido dar continuación a ¿Quién Nos Va A Salvar? que apenas podríamos hablar de evolución, pero sin embargo es una perfecta instantánea que refleja el estado de gracia en el que se encuentran ahora mismo gracias a las tablas y madurez adquiridas. ‘Nubes Negras’ nos da la bienvenida en forma de intro casi a capela y a continuación aparece el banjo trotón de ‘Miles Davis’ que, como la montaña rusa de la que canta David, sube y baja en

una demostración de lo mucho que han crecido en todos estos meses. ‘Amanecederos’ suena a himno para sus próximos conciertos, mientras que en ‘PRMVR’ (con Gorka de Berri Txarrak a las voces) se disfrazan de unos The Gaslight Anthem acústicos. En ‘Hay Un Fuego’ dejan claro que también se les da bien desarrollar cortes más emocionales, para que más tarde la tensión desatada de ‘Flores Del Mal’ y ‘Los Lobos’ pongan todo patas arriba. Que continúe la borrachera. GONZALO PUEBLA

obre Geoff Rickly, no gana para disgustos. ¿Os acordáis de la noticia que escandalizó al mundo sobre un empresario que había subido el precio de unas pastillas para tratar a pacientes con SIDA y cáncer de 13,50 dólares a 750? Su nombre es Martin Shkreli y con razón se le calificó como ‘el hombre más malvado del mundo’ por su despiadada avaricia. ¿Pero qué relación existe entre Shkreli y el exvocalista de Thursday? Pues bien, resulta que Shkreli era el principal inversor de Collect Records, el pequeño sello independiente que dirigía Rickly y con el que había publicado el debut de No Devotion, su actual grupo formado junto a los excomponentes de Lostprophets. A raíz de las críticas por parte de otras bandas del sello como Creepoid y Nothing escandalizados por su comportamiento, Shkreli decidió retirar todo su dinero dejando a Collect Records en una más que difícil situación económica. Para rematarlo, la misma semana en la que sucedía todo esto, Rickly era drogado y robado durante una aparición en un festival en Hamburgo. Esperemos que en 2016 cambie su suerte.

SUSTO DEL AÑO: THE GHOST INSIDE

ARENNA

Given To Emptiness (NASONI)

l pasado 19 de noviembre, la banda de hardcore The Ghost Inside se vio involucrada en un terrible accidente en las afueras de El Paso, Texas, mientras viajaba a Arizona. En él fallecieron tanto el conductor de su autobús de gira como el del camión con el que chocaron. Los miembros del grupo y su crew sobrevivieron, pero el cantante Jonathan Vigil, el guitarrista Zach Johnson y el batería Andrew Tkaczyk fueron ingresados en estado crítico, aunque siguen evolucionando favorablemente. Obviamente esto ha paralizado cualquier actividad de la banda y por eso se organizó una campaña que recauda fondos para hacer frente a los altos costes médicos y su recuperación. Bring Me The Horizon donaron 10.000 dólares, Architects otros mil y en un día se había alcanzado la cifra de 40.000. Bandas como Your Demise y Bleeding Through se han reunificado para ofrecer conciertos a beneficio del grupo. Por su parte, su sello Epitaph Records ha anunciado que a partir de ahora, y de manera indefinida, todos los beneficios que saquen de las ventas de sus discos irán directamente a la banda. Así que, si quieres contribuir a la causa, hazte con una copia de Dear Youth o Get What You Give.

on su segundo trabajo, Arenna nos dan las llaves para ese extraño territorio en el que convergen lo real y lo onírico. Como hicieran los cantos de sirena con el protagonista de la obra de Pascal Quignard cuyo nombre da título a su primer single, ‘Butes’, estos siete temas son irresistiblemente cautivadores. Es complicado etiquetar y describir un trabajo cuyas composiciones parecen estar dotadas de vida propia, haciendo que el oyente se sienta inmerso en un extraño viaje

sensorial como sucede con ‘Drums For Sitting Bull’ o la instrumental ‘Chroma’. Arenna han dejado de centrarse tanto en los riffs y se han convertido en unos exploradores del sonido. Las predominantes líneas de bajo de Javi, las texturas creadas por baterías y guitarras y las melodías lisérgicas a cargo de Txus Dr. Sax son tales herramientas de seducción que han hecho que Given To Emptiness se convierta en uno de los discos imprescindibles de 2015. TOI BROWNSTONE

EXXASENS

Back To Earth (ALOUD MUSIC)

ack To Earth es el primer álbum grabado en estudio por toda la banda (ya que entre los años 2008 y 2011 se trataba del proyecto personal de Jordi Ruiz) y eso se nota en el resultado final: un sonido más terrenal, más humano, más orgánico y menos sintético, menos artificial. También es la primera vez que el cuarteto de Barcelona se atreve a probar con las voces: ya en la primera ‘Supernova’ se oyen unos coros lejanos, en ‘Hugeness’ (la más contundente, post metal

del bueno) se marcan un estribillo y ‘Saturn’ cuenta con estrofas y estribillos, lo que viene siendo una canción más convencional hasta en la duración. En total, este viaje de regreso al planeta en el que vivimos dura menos de 40 minutos y a lo largo del trayecto que nos proponen Exxasens también encontramos la progresiva ‘Bright Side Of The Moon’ y la última ‘Back To Earth’, una pieza que vale la pena desgranar con tranquilidad. JORDI FORÉS

RÉCORD DEL AÑO: ADELE

VIRGEN

Polsaguera (ROCK ESTATAL)

ueve años después de haber debutado con Primera Vez, los alicantinos Virgen han regresado con un segundo disco sorprendentemente vital y fresco. Más que resucitar, Virgen se han reencarnado en una banda mucho mejor y arriesgada de lo que eran. Los temas de Polsaguera transmiten que Virgen viven ahora en su propio planeta, tanto musical como lírico. En ‘Le Gran Mondongo’ y ‘Máscara De Perro’ las pulsaciones van

subiendo con los riffs cobrando fuerza y las melodías atacando de manera más rasgada. En ocasiones la banda se adentra en un post hardcore algo progresivo que recuerda a los Thrice de su época intermedia (‘Ojos De Arcasil’), en otras se acercan a Refused para dar caña (‘Abocaperro’), en otras premian la creación de atmósferas (‘Embelesá // Surreá’) e incluso se abrazan al shoegaze (‘La Tronera Está Por Llegar’). JORDI MEYA

PYLAR

He Venydo A Reclamar My Trono (KNOCKTURNE)

n un trabajo conceptual casi perfecto, Pylar nos sumergen en un universo mágico, en el sentido literal del término, donde mitos y divinidades, soterradas durante siglos por el machismo de varias etapas de aniquilación cultural, con el judeocristianismo al frente, vuelven entre nosotros cual sortilegio liberador. Algunas voces que aparecen no son la octava maravilla, otras te abstraen hacia otra dimensión directamente, pero igualmente aquí su cometido es

otro, no deben ser juzgadas bajo los cánones habituales. Su única misión es arrojarnos a un ritual iniciático bajo el influjo de textos sagrados, servir a las fuerzas elementales para que nos iluminen hasta el punto más recóndito de nuestra alma, aquél que ha permanecido dormido y que posee un conocimiento pagano, hasta hoy, vedado para la conciencia. Una obra geométrica, donde todo es simbolismo, verdad, poder y esoterismo. PAU NAVARRA

a sabemos que estaréis hasta el gorro de Adele y no os culpamos, pero, guste su música o no, está claro que su éxito se trata de un fenómeno digno de mención. En apenas un par de meses la cantante británica ha conseguido pasar por delante de todas las demás estrellas mainstream que habían publicado un disco en 2015. En su primera semana de salir a la venta 25 vendió nada menos que 3,38 millones de copias en Estados Unidos y 800.000 en el Reino Unido, rompiendo todos los récords, y eso en una época donde la venta física pasa por su peor momento. Otras cifras a tener en cuenta son los visionados en YouTube del vídeo del primer single, ‘Hello’, que consiguió más de 27 millones en 24 horas, 50 millones en 48 horas y a estas alturas lleva más de 742. También en nuestro país la fiebre Adele se constató cuando sus entradas para sus dos conciertos en el Palau Sant Jordi de Barcelona se agotaron en cuestión de horas. Como contrapunto a tanta adulación, Noel Gallagher no se mordió la lengua e hizo una de sus jugosas declaraciones al respecto: “Si alguien quiere saber qué es lo que pienso sobre Adele, les diré qué carajo pienso... No sé de dónde viene todo este alboroto por ella. No me gusta su música. Creo que es música para jodidas abuelas”.

SORPRESA DEL AÑO: RYAN ADAMS

MINOR EMPIRES United States Of Emergency Vol. 1 (AYUKEN)

e Ryan Adams se puede esperar cualquier cosa, ¿pero alguien imaginaba que fuera a utilizar su tiempo y talento para homenajear a una estrella del pop adolescente? El prolífico cantautor se aburre fácilmente y, por eso, en paralelo a su discografía centrada en el rock americano suele divertirse con múltiples proyectos en los que da rienda suelta a su pasión por el punk (The Finger) o el metal (Werewolph, Orion). Otra de sus grandes aficiones son las versiones, y así, en directo ha sorprendido interpretando temas de Danzig, Foreigner o Bryan Adams. Ya en 2002 le dio por regrabar íntegramente el debut de The Strokes en un cuatro pistas, aunque nunca llegó a publicarlo oficialmente, pero en 2015 sí lo hizo con su declaración de amor hacia el 1989 de Taylor Swift. Aunque su idea inicial era tomar un enfoque parecido y grabar el disco al estilo del Nebraska de Bruce Springsteen, finalmente optó por hacerlo con su banda al completo. Publicado a finales de septiembre, el álbum fue todo un éxito entrando en el número 7 de las listas americanas. Incluso Adams lo promocionó con varias apariciones en late shows norteamericanos, demostrando con hechos lo en serio que se había tomado el proyecto.

inceramente no hubiera apostado por que el proyecto de Minor Empires hubiera tenido más recorrido que su debut y un puñado de conciertos. La complicada agenda de todos sus miembros, así como el abandono amistoso de Víctor y Miguel, ponían en entredicho su continuidad. Por suerte, me equivoqué por completo, ya que no sólo la formación se ha sabido recomponer, sino que encima no nos han hecho esperar demasiado para escuchar sus

nuevas canciones. Las aportaciones de Fernando a la guitarra y Reto a la batería han resultado fundamentales para que por fin el combo comience a atisbar su propia personalidad, alejándose del cliché de ser una suma de Nothink y Toundra. Y es que a pesar de su brevedad, el álbum se ve compensado al saber que dentro de muy poco tendremos una segunda entrega a la que ya nos están entrando ganas de hincarle el diente. Todo un paso adelante. GONZALO PUEBLA

STAINED BLOOD Hadal

(BLOOD FIRE DEATH)

u nuevo álbum rezuma Stained Blood de cabo a rabo, es la versión 2.0 de la banda. Hadal, como se llama está composición de nueve temas, una intro y un interludio, ha evolucionado a un blackened melodic death metal (toma etiqueta para el nene y la nena) sin mamonadas, más rápido y enérgico que su antecesor y con una gran dosis de oscuridad de la buena, o mejor dicho, de la que a mí me gusta. Una alianza entre las melodías del

death metal y las disonancias del black metal. Lo que desde luego me ha quedado claro es que los blast beats son para Salva como el aire para el resto de mortales: sin ellos no puede vivir. También podemos escuchar una clara evolución en los guturales de Rou, que juega mucho con las dobles voces, lanzando a la par el agudo chirriante y el grave del averno, y en los que se aprecia un mayor cuidado en su producción. FER DÍEZ

NUEVA VULCANO

LO DEJARON…

Novelería

(BCORE/LA CASTANYA)

quí permanece ese sonido que ha venido acompañándoles desde el principio, basculando entre el pop y las disonancias de su background hardcoreta, y quizá sólo apreciemos el paso del tiempo por las referencias a la paternidad en las letras (‘80% Agua’) y algunos sutiles arreglos de teclado que no me acaban de convencer. Pero lo más importante en esta banda era y sigue siendo la química entre los tres implicados, con la pegada de la batería de Albert Guardia

cobrando especial protagonismo y la habilidad de Artur Estrada para encajar sus ‘anti rimas’ en estrofas y estribillos. El tono exultante que transmiten en ‘Pop Y Espiritualidad’, ‘Hemos Hecho Cosas’ o ‘La Jota’ unido al placer de escuchar la rotundidad con la que suenan las líneas de bajo de Wences Aparicio y unas guitarras que no temen equivocarse de nota en pos de la verdad es todo lo que necesitamos. ¡Ay, cuánto podrían aprender esos grupos del indie mainstream! MARC LÓPEZ

GUADALUPE PLATA Guadalupe Plata (EVERLASTING)

o me sorprende en absoluto que el grupo esté consiguiendo una buena proyección internacional, pues si a nosotros su blues de catacumba con ADN flamenco –por no hablar del sonido que consigue extraer Paco Martos de su barreño customizado- ya nos suena exótico, a un gringo o a un europeo le tiene que parecer absolutamente cautivador. Ya sea con la vitalidad de ‘Huele A Rata’, ‘Hoy Como Perro’, ‘Mecha Corta’ o la pantanosa

calma de ‘Agua Turbia’ o ‘Serpientes Negras’, su música nos lleva a imaginar qué hubiera pasado si los andaluces hubieran colonizado el delta del Mississippi. La hipnótica base rítmica de Paco y Carlos sirve de lienzo para que Perico dé rienda suelta a su gran arte como guitarrista, dibujando frases llenas de reverb y maullando unas letras que evocan un universo lleno de perdedores y malhechores. Sólo queda entregarse a ellos. JORDI MEYA

s posible que, cuando estés leyendo esto, Mötley Crüe estén dando el que será el último concierto de su carrera en el Staples Center de Los Ángeles previsto para el 31 de diciembre. La banda de hard rock anunció solemnemente en enero de 2014 que iban a embarcarse en una gira de despedida y firmaron un contrato que les impedirá actuar en directo más allá de 2015. Otros que han anunciado que lo dejan son Funeral For A Friend. Los galeses lo hicieron público el 14 de septiembre, aunque entre febrero y abril harán una última gira en la que interpretarán Hours y Casually Dressed & Deep In Conversation íntegramente. Las siempre tensas relaciones entre los hermanos Chris y Rich Robinson llevaron a que, el pasado enero, el segundo anunciara la disolución de The Black Crowes. El motivo parece ser su desacuerdo sobre las pretensiones de Chris de aumentar su porcentaje en la propiedad del grupo y relegar al batería y fundador Steve Gorman a simple asalariado. Siendo ésta la tercera vez que lo dejan, quizá volvamos a verles en el futuro. The Replacements también han puesto fin a la reunión que habían iniciado en 2012. Cobra Starship decían adiós en noviembre, y por último, Klaxons, representantes de la llamada ‘nu rave’, decidieron poner fin a su carrera tras terminar la gira de Love Frequency, al igual que la banda de noise metal Indian. “Ha llegado un punto en el que ya no podemos ser una banda”, dijeron en un escueto comunicado.

NOS DEJARON…

SECRET ARMY Ravaged

(CONTRA/LONGSHOT MUSIC)

abría que ver qué pasaría si Ravaged llegara firmado por una banda americana y una estrategia promocional bien diseñada. Si en lugar de calvas lucieran en las fotos estudiadísimos cortes de pelo y sus brazos y torsos estuvieran estampados por coloristas tatuajes pagados por sus padres… o sus mánagers. Pero Secret Army son tipos normales, corrientes, currantes, y por eso todo lo que les falta para ser ‘vendibles’ lo

a muerte de Scott Weiland es probablemente la que más repercusión ha tenido entre los fans del rock en 2015. Aunque el historial de adicciones del exvocalista de Stone Temple Pilots y Velvet Revolver era más que conocido, su fallecimiento el pasado 3 de diciembre en Bloomington, Minnesota, supuso todo una conmoción. La autopsia reveló que su muerte se había debido a una sobredosis accidental por una mezcla de cocaína, anfetaminas y alcohol. Se da la circunstancia de que el guitarrista de su actual banda, los Wildabouts, Jeremy Brown, había fallecido el 30 de marzo por causas desconocidas. A continuación repasamos en orden cronológico otros músicos que nos dejaron en 2015. El 15 de enero fallecía Kim Fowley, músico y productor de The Germs, The Modern Lovers, así como descubridor de las Runaways, a los 75 años por un cáncer de hígado. El 12 de febrero era Steve Strange, vocalista de Visage, quien moría a los 55 años por un infarto. El 5 de marzo, The Queers anunciaban que Scott Gildersleeve, bajista y batería fundador del grupo, había fallecido a

compensan de sobras con la honestidad que desprende su música. Si bien siempre han tenido un importante componente melódico, en Ravaged es omnipresente y no hay tema que no venga asociado a un estribillo altamente coreable. El espíritu combativo de sus letras se mantiene, pero temas como ‘Vengeance’ o ‘Don’t Threat My Liberty’ están melódicamente más cerca de Springsteen que de Sham 69. JORDI MEYA

THE SAURS

Magic Shape (EL SEGELL DEL PRIMAVERA)

he Saurs han conseguido el equilibrio perfecto entre la espontaneidad, el desparpajo y la crudeza que desprenden encima de un escenario y los matices que proporciona el trabajo en estudio, doblando voces, metiendo palmas o colando un saxo en ‘Thursday’. Digamos que tienen chispa y osadía, pero no lo juegan todo a esa baza, como otros compañeros de escena. Si básicamente podemos referirnos a ellos como a una banda de rock

garagero, en su música también hay salpicaduras de psicodelia, glam o power pop como vamos descubriendo en temas como ‘The Magic Shape’, ‘Ain’t No Deal’ o ‘Close-Up’. Especialmente bien trenzadas están las líneas entre las guitarras de Suerio y Engui y las melodías servidas por la aguda voz del primero. Si algún día Ty Segall busca una formación de aquí para que le acompañe, ya sabe a quién llamar. MARC LÓPEZ

GREUS Greus (BCORE)

abiendo quiénes se esconden tras el nombre de Greus es fácil imaginar que su debut no está dirigido a los amantes del pop de cámara o del nuevo folk. Edu Rodríguez, batería de Moho, una de las mejores bandas que ha dado nuestro metal, e Iván Ruiz, guitarrista de Moksha y batería en XMilk, empezaron a fraguar este proyecto hace dos años, durante los cuales han ido amasando riffs y ritmos y afianzando su química como músicos en distintos

conciertos. Una colaboración que ahora se ha plasmado en un disco que es como una invitación a entrar en su local de ensayo. Grabados por Santi Garcia en los estudios Cal Pay Recordings, sin trampa ni cartón, los cinco temas que aquí presentan deben situar, desde ya, a Greus como una de las bandas más potentes de la hirviente y talentosa escena instrumental de nuestro país. Ni que de vez en cuando se les escape algún grito. JORDI MEYA

CORDURA

El Mal Ya Está Hecho (MONOS SOBRE RUEDAS)

l quinto disco de Cordura bien podría pasar como una síntesis de su mejor discografía. Las cuatro piezas de su motor están perfectamente engrasadas en este nuevo viaje, esta vez con ambientación espacial. Anero guía al resto de la banda con una voz muy personal, en primer plano, arrolladora, y también mete unos teclados psicotrópicos como el de ‘Más Allá Del Muro Del Sueño’, una pieza agitada muy en la onda de Same Old, sus

primos hermanos de Donosti. Su compañero Michi bien podría llamarse McReady de apellido, pues muchos de los riffs que salen de su guitarra invocan a los mismísimos Pearl Jam. Sin ir más lejos, el primer corte, ‘En La Zona Negativa’, huele a Seattle por los cuatro costados. Una nueva colección de temas post grunge hardcorizados que hará las delicias de sus seguidores y servirá para captar nuevos adeptos a la cordurología. LUIS BENAVIDES

los 56 años unos días antes. No se dieron a conocer más detalles. El 16 de marzo fallecía Andy Fraser, bajista de Free, a la edad de 62 años. Fraser era el autor de su mítico himno ‘All Right Now’. A.J. Pero, batería de Twisted Sister, fallecía el 20 de marzo a los 55 años. Su vocalista Dee Snider ha comentado que es posible que el grupo lo deje tras cumplir con sus compromisos en 2016. El 14 de mayo, el legendario guitarrista de blues B.B. King fallecía a los 89 años en Las Vegas, después de llevar un mes con cuidados médicos por una deshidratación. El 7 de junio, otro mito, Christopher Lee, moría a los 93 años en Londres por problemas respiratorios. El famoso actor que interpretó a Drácula y Saruman en la saga de El Señor De Los Anillos había publicado un par de discos de heavy metal en 2010 y 2013 y había colaborado con bandas como Manowar y Rhapsody Of Fire. El 28 de junio, Chris Squire, genial bajista de los progresivos Yes, moría como consecuencia de una leucemia a la edad de 67 años. El guitarrista de la banda de deathcore After The Burial, Justin Lowe, fue encontrado muerto debajo de un puente en Somerset el 21 de julio. Unos días antes Lowe, de 32 años, había desaparecido tras abandonar el grupo acusando a sus compañeros de haber planeado la muerte de un amigo suyo. Steve Mackay, saxofonista de los Stooges de Iggy Pop, fallecía el 11 de octubre a los 66 años por una infección en sus órganos vitales. El mismo día también nos dejaba Carey Lander, teclista de Camera Obscura, de sólo 33 años, víctima de un cáncer. El 7 de noviembre fallecía Brandon Carlisle, batería de Teenage Bottlerocket. Tal como relataba su hermano gemelo y también miembro del grupo, Brandon fue encontrado inconsciente en su habitación, pero entró en estado de coma tras ser traslado a un hospital. Tras comprobar que sus órganos vitales no respondían, la familia decidió retirarle la asistencia vital. Tenía 37 años. Y acabamos esta triste lista recordando a Phil ‘Animal’ Taylor. El exbatería de Motörhead nos dejaba el 11 de noviembre a los 61 años víctima de una enfermedad indeterminada. Sirva su endiablado ritmo en ‘Ace Of Spades’ para desear que todos ellos descansen en paz.

2015 VISTO POR TOUNDRA DESDE QUE EN ENERO PUBLICARAN SU CUARTO ÁLBUM IV, PRIMERO QUE LANZAN A NIVEL INTERNACIONAL CON EL SELLO CENTURY MEDIA, TOUNDRA HAN EMPLEADO BUENA PARTE DE SU TIEMPO A PRESENTARLO POR TODA EUROPA. NO ES CASUALIDAD QUE TUVIÉRAMOS QUE PILLARLES EN LONDRES PARA REPASAR CON ELLOS LO QUE HA DADO DE SÍ 2015. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR/JONATHAN DADDS (DIRECTO)

uatro días antes de los devastadores atentados en París, Toundra se encontraban en Londres. No cabe mencionar que esta entrevista hubiera sido totalmente diferente después de lo horriblemente acontecido el 13 de noviembre en la Bataclan, un atentado que nos tocó a todos, y quizá todavía más a los que asistimos continuamente a disfrutar una de nuestras pasiones, la música en directo. De hecho, los madrileños también hubieran podido contar la experiencia que tuvieron que pasar para poder volver a sus casas, ya que se encontraban finalizando su gira europea en Alemania. Pero centrándonos en el hecho de que los españoles tocaban esa noche del 9 de noviembre en una de las principales capitales de la música, íbamos a mantener una distendida charla antes de que tomaran el escenario del Hoxton Bar & Kitchen en una cita especial, donde sobre todo me sorprendió ver la cantidad de público extranjero que arrastran por aquí. En cuestión de números se podría decir que la mitad o menos de los asistentes eran españoles, y contando que había más de cien personas ahí dentro, no se iba a tratar de una noche muy nuestra, por así decirlo. De hecho, los que inaugurarían el escenario, Lost In The Riots, para ser de Watford, iban a contar con mucho menos público. Con un fuerte estilo a lo And So I Watch You From Afar, sonaron bien, y por muy influenciados que parecieran, supieron bordar una buena actuación que nos calentaba para recibir a la banda instrumental que protagonizaba la velada. Toundra ofreció un repertorio que embarcó a todos los presentes en un viaje de ida y vuelta hacia lo más profundo de su rock instrumental, ya que con el térmi-

no ‘post rock’ nos dijeron que no se sentían relacionados. El paisaje que dejaban ‘Strelka’, ‘Magreb’, ‘Kitsuné’ o ‘Cielo Negro’ no permitía distraerse con otra cosa que no fuera admirar la destreza con la que Alberto, Esteban, Álex y Macón conducían a los presentes por medio de su música, con la que se dejaron llevar hasta el final del trayecto en ‘Medusa’, con paradas en ‘Oro Rojo’ y ‘Bizancio’. Se pudo observar cómo los cuatro integrantes al mando disfrutaban de contentar a los que se paseaban junto a ellos aquella noche, y que les seguirán acompañando mientras continúen volando alto. ¡Qué alegría teneros aquí en Londres! ¿Qué tal estáis llevando la gira? ESTEBAN “Igualmente encantados de estar aquí. Pues de momento bien; es la segunda gira que hacemos este año. Empezamos hace unos días en Francia y estamos empezando a coger el ritmo; es como hacer deporte (risas), siempre cuesta un poquillo pero te vas acostumbrando cada día que pasa. Venimos ahora de París y ya nos encontramos enchufados para las fechas que nos quedan”. ¿Estáis notando últimamente más público extranjero que español cuando salís de nuestro país? ESTEBAN “Bueno, bromeábamos en febrero con la anterior gira que le debemos mucho a Erasmus por habernos ayudado siempre con la gente española en Europa, pero la verdad que últimamente parece que la gente está interesándose más por nosotros, ya no son solamente españoles. El sello se está moviendo muy bien y la gente está respondiendo mejor de lo que

“SIEMPRE HEMOS DICHO QUE TE ESCUCHA UNA PERSONA DE OSLO IGUAL QUE UNA DE SEVILLA”

ESTEBAN

hubiéramos pensado”. ÁLEX “Sobre todo es el boca-oreja de estar viniendo con frecuencia. Eso siempre funciona cuando vamos varias veces a la misma ciudad... puede sonar típico, pero funciona”. ¿Creéis que está funcionando fuera de España con más facilidad por ser una banda de rock instrumental? ÁLEX “Sí, el no tener una voz creo que nos facilita las cosas. Está claro que en España tenemos más público y suele venir más gente, pero ahora llegamos a una media de cien personas en cada concierto que hacemos fuera, cada vez lo notamos más. También es que tenemos una gran variedad de fans que pueden escuchar indie y también les podemos gustar nosotros por no estar muy encasillados en el post rock, así que podemos abarcar bastante más”. ESTEBAN “Sí, es lo que dice Álex. Siempre hemos dicho que te escucha una persona de Oslo igual que una de Sevilla. No tener un idioma, y que la gente no se fije en el acento que pudiera tener la voz, siempre juega a nuestro favor”. ¿Pensáis que el post rock o música instrumental está ganando más adeptos en estos últimos años o aún lo veis como un género para un público más específico? ESTEBAN “A decir verdad, nosotros 69

no escuchábamos mucho post rock antes de empezar Toundra, por lo que no sabría decirte. Pero bueno, pienso que sigue teniendo esa característica más especial que hace que las personas que escuchan este tipo de música les pueda interesar más que cualquier otro. Nosotros no nos consideramos un grupo de post rock. No nos hemos considerado nunca parte de ese estilo, pero sí es cierto que una vez que hemos escuchado más y hemos visto la escena que hay detrás de ese mundo, hemos podido observar que hay bastante movimiento. Algunos, cuando sacamos el primer disco, nos decían que habíamos hecho lo que Mogwai ya hizo en el 94 con Rock Action. Aquí en Inglaterra hemos podido apreciar que se sigue bastante, que hay muchos sellos dedicados y por supuesto sí que hemos visto bandas que empezaron hace un tiempo y que han ido ascendiendo progresivamente en estos últimos diez años”. ¿Grupos como And So I Watch You From Afar podrían ser un ejemplo de lo que comentáis? ÁLEX “Es un grupo que ha ido creciendo mucho, es verdad, aunque la gente creo que también tiende un poco a encasillar el post rock con la música instrumental. And So I Watch You From Afar no me parecen un grupo post rockero, al menos no el típico. Me pasa con más grupos, que parece que suelen meter a todos en el mismo saco cuando se trata de rock instrumental”. ESTEBAN “Supongo que como nosotros no sabemos cantar tenemos que hacer post rock (risas)”. MACÓN “Bueno, yo sí, pero no me dejan (risas)”. 70

¿Habéis pensado en introducir alguna voz en algún momento? MACÓN “No, en Toundra seguro que no, al menos por ahora. Sí que es cierto que hemos pensado en hacer alguna colaboración, del tipo ‘Toundra más alguien’, para un tema específico o algo así. Eso sí que nos gustaría, pero nunca meteríamos a un cantante”. Pasando a lo mejor del año, ¿qué disco habéis estado escuchando más en este 2015?

ESTEBAN “Yo gracias a que éstos me estuvieron introduciendo a Motorcycle, he estado escuchando mucho el disco. Me costó entrar, pero una vez estaba dentro ya no podía escuchar otra cosa (risas). Es una banda que me ha atrapado este año, podría decir”. ALBERTO “A mí me ha gustado mucho el de Alabama Shakes”. ÁLEX “Sí, a mí igual. Me gustó muchísimo. Pero si pudiera decir uno que no me ha gustado, sería el que sacó Refused”. ¿Mejor concierto al que habéis

ESTEBAN “Yo diría Gente Mayor, los escuché este año y me encantaron”. MACÓN “Para mí Greus. Son sólo dos y están haciendo cosas muy buenas”. ALBERTO “También diría Alabama Shakes porque no los había escuchado antes y me han enganchado”. ÁLEX “A mí el grupo nuevo que ha sacado Omar de los Mars Volta con Flea, Antimasque”.

“NOSOTROS NO NOS CONSIDERAMOS UN GRUPO DE POST ROCK” ESTEBAN

asistido? ALBERTO “Para mí el concierto de Weezer que vi en Canadá dedicado al aniversario del Pinkerton”. MACÓN “Yo diría seguro el de Adrift, Greus y Jardín De La Croix. No porque toque en Adrift, que conste (risas). Pero sobre todo es significativo que al ser un concierto tan underground y con un público reducido, petaran La Caracol en Madrid. No esperábamos tanta gente ni de coña”. ESTEBAN “Caribou en el Primavera”. ¿Concierto más especial que

hayáis hecho? ESTEBAN “La verdad que serían más de uno, pero el de Oviedo fue increíble, sobre todo por la gente que vino y que se portó genial con nosotros. El de Barcelona también lo metería dentro, fue bastante especial”. MACÓN “Bueno, el de las fiestas de Bilbao también estuvo muy bien, que se subió un montón de gente al escenario al final y no nos había pasado nunca”. ¿Un grupo que hayáis descubierto este año?

En cuestión de otros hobbies como el cine, la televisión o la lectura, ¿qué recomendaríais o qué no os ha gustado? MACÓN “De cine yo diría Birdman, y en televisión varias series: Fargo, True Detective y la nueva de Daredevil, que para ser de superhéroes la han hecho muy interesante. De libro recomendaría Stone Junction, es policíaca con mafia y cosas así, pero con un aire surrealista. Mola mucho. Y bueno, el Código Penal nuevo, una mierda (risas)”. ÁLEX “Yo de películas es que he visto un montón, ahora mismo no me viene una que me haya gustado más, pero si pudiera no recomendar una sería la última de Amenábar, ¡menuda mierda! (Risas) En series estoy viendo Gotham, y me estoy leyendo La Broma desde hace un mes (risas)”. ALBERTO “De películas no me acuerdo nunca de ninguna (risas). De libros me he leído el de Ready Player One, que creo van a sacar la película dentro de poco. Una mezcla entre Matrix y Charlie Y La Fábrica De Chocolate, por decirlo de alguna manera”. Y la noticia que más os haya impactado... ESTEBAN “Que Ciudadanos haya crecido tanto este año (risas)”. 71

ABBATH

BATALLAS EN EL

NORTE ABBATH ESTÁ QUE SE SALE. TRAS SU POLÉMICA MARCHA DE IMMORTAL, LA ESTRELLA MÁS GRANDE DEL BLACK METAL DISFRUTA CON LA ENORME EXPECTACIÓN QUE HA LEVANTADO SU PRIMER ÁLBUM EN SOLITARIO… Y COMO NO PODÍA SER DE OTRA FORMA, SU EUFORIA SE NOS HA CONTAGIADO A TODOS. PREPÁRENSE PORQUE, A CONTINUACIÓN, VAN A LEER UNA DE LAS ENTREVISTAS MÁS ALOCADAS Y DELIRANTES DE LA HISTORIA DE ROCKZONE. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ORMALMENTE, cuando

un servidor se enfrenta a un artista legendario, que encima va a ser portada de la revista, se prepara un cuestionario a conciencia para no dejar ni un solo tema de su carrera en el tintero. Éstas suelen ser lineales, de piloto automático, que solemos decir en el gremio, pero en ciertas ocasiones algún personaje con suficientes luces te da una buena sorpresa… Y muy de vez en cuando, o casi nunca, lo que debería ser una charla de media hora sobre música deviene un extraordinario galimatías que se mueve entre la maravilla más memorable y el divertido despiporre más propio de la barra de un bar, destrozando así cualquier guión o idea preconcebida que pudieras tener sobre por dónde debía moverse tu pieza periodística. Cuando la mañana del 26 de marzo de 2015 nos levantamos con la triste noticia de que Immortal habían cesado su actividad, todo ello rodeado de informaciones confusas pero que finalmente apuntaban a una disputa legal por los derechos de la formación entre Abbath y sus excompañeros Horgh y Demonaz, muchos nos sentimos algo aliviados cuando el frontman anunciaba también que iba a iniciar su carrera en solitario con un álbum que ya tenía bastante adelantado. Reclutando al veterano bajista King (Gorgoroth, God Seed, Ov Hell, Sahg, Audrey Horne…) y echando mano del enigmático Creature para la batería, el inimitable cantante y guitarra, el rostro del black metal, parecía encarar una segunda etapa con fuerzas renovadas gracias a su fichaje por Season Of Mist, sello que ha dado

todo el apoyo posible al álbum que verá la luz este 22 de enero. La cosa parecía marchar sobre ruedas, pero justo el día después de realizarse esta entrevista, el batería de Benighted Kevin Foley anunciaba en su perfil de Facebook que él era Creature y que abandonaba el proyecto por “razones personales”, así como también a la banda de brutal death que lo ha hecho famoso en cuanto termine su inminente gira con The Black Dahlia Murder. Será el estadounidense Gabe Seeber de The Kennedy Veil quien le sustituya como mínimo para el The Decibel Magazine Tour de 2016… Pero es que además, el apoyo para las seis cuerdas con el que contaba Abbath en directo, Per Valla de Vredehammer, también hizo público hace poco que no seguirá en el combo. Como decíamos, este baile de miembros fue posterior a nuestra conversación, pero cuando una entrevista se cancela hasta dos veces, siendo la tercera la vencida, el sexto sentido de alguien que lleve el suficiente tiempo en esto se pone en guardia. Tampoco ayuda que pocos días antes de enfrentarme al músico aparezca un controvertido comunicado de unos Immortal diezmados que, el pasado 14 de agosto, ya anunciaron que siguen en la brecha y que en breve cae un nuevo trabajo suyo bajo el amparo de Nuclear Blast. En éste se explica su versión de los hechos ahora que la justicia falló a su favor en noviembre de 2015. Según Demonaz y Horgh, Abbath imposibilitaba la buena marcha del grupo cancelando ensayos sin parar, incapaz de ceñirse al calendario que él mismo exigía,

“SENTÍA QUE CON DEMONAZ ÍBAMOS EN LA DIRECCIÓN EQUIVOCADA, ALGUNAS VECES SALE Y OTRAS NO… PERO A VECES DEBES TOMAR UNA DECISIÓN”

ABBATH

y sus problemas de adicción no especificados le llevaron a intentar registrar a su nombre la banda y su legado a espaladas del grupo, aseverando además que iba a volver a rehabilitación aunque esto no llegara a producirse. Así, aseguran que el descubrimiento de estos planes fue el detonante de que el vocalista se refugiara apresuradamente en su proyecto en solitario, y aunque la ética nos impide posicionarnos a favor de uno u otros, lo que sí podemos afirmar es que, en ciertos momentos que les ahorraré, nuestra conversación con Olve Eikemo, de 42 años, más bien se acercó a la que mantendrías con un abuelo batallitas de 77. Por supuesto, que de pronto dispare palabras como una AK-47 y luego rebaje el ritmo hasta el tempo que tendría la banda de funeral doom más lenta de la historia tampoco ayuda a maquillar esa entrañable imagen de caos total. La verdad es que transcribiendo esta entrevista con calma no tuve la sensación de que Abbath Doom Occulta se encontrara en estado de embriaguez… Más bien al contrario: era más él de lo que nunca hubiera imaginado. A continuación leerán

la síntesis de nuestra larga hora de idas y venidas, gigantescos silencios, divagaciones, cachondeo, Ace Frehley, así que verán que en ciertos momentos pasaremos al formato diálogo para ser lo más fieles posibles a lo que ocurrió el 9 de diciembre a las nueve y media de la noche. Hallarán algunas respuestas a los muchos interrogantes que sobrevuelan al noruego y a la mítica banda que ha capitaneado durante años, pero siempre a su manera. Aquí la tienen, la ‘no-entrevista’. Hola Abbath, ¿cómo estás? ABBATH “Bien, bien… Dime Pau, ¿desde dónde me llamas?”. Desde Tàrrega, un pequeño pueblo de Lleida, en Catalunya, España. “Oh, ¡viva España! (Lo dice en castellano –ndr.). España always”.

Hoy hace un poco de frío. “Aquí llueve del carajo, y desde hace días. Vivo en un pequeño pueblo cerca del mar y ha habido hasta inundaciones. Vaya tiempo, ha sido muy fuerte”. ¿Estás por Oslo? “No, más bien por las afueras de Bergen”. Guay, ¿estás preparado para la entrevista? “No, prefiero hablar. No me gusta que sólo me interroguen, prefiero charlar, así que, por favor, yo tengo algo que decir, tú tienes algo que decir… Vamos a hacerlo así, no con simples preguntas… Y si me pierdo te diré: ‘¿Cuál era la pregunta?’ (Risas)”. (Risas) OK… Bueno, pues cuéntame un poco cómo te sientes ante este nuevo proyecto, qué sentimientos te afloran hacia Abbath, la ban-

da… ¿Estás feliz con las primeras respuestas por parte de los medios? “Es muy refrescante, pero al mismo tiempo han ocurrido demasiadas cosas entre mí y los chicos (se refiere a Immortal –ndr.). Pero sí, es un éxito… No me siento victorioso sobre ellos ni tampoco guardo rencor, aunque sí estoy algo decepcionado. La vida es corta y sólo debes hacer lo que tú quieras hacer. Persigue tus sueños. No, lo siento… (Rectifica con el tono –ndr.) Para mí el éxito es ser claro con una banda de hermanos”. ¿Es Abbath un grupo de hermanos hoy en día? “Sí, lo es. Alguna gente viene y otra se va, pero en este momento la gira es muy desafiante y veremos”. ¿Y por qué elegiste a King y

ABBATH

“PARA MÍ LA ESCENA BLACK METAL MURIÓ CUANDO LO DE EURONYMOUS. FUE UN SUCESO ESPECIAL ALREDEDOR NUESTRO. CAMBIAMOS AL 100%”

ABBATH Creature para completar la formación? “A King le conozco de hace tiempo, de tocar con Immortal, desde el 99 ó 2000 creo yo. Después de Sons Of Northern Darkness, Apollyon aún no estaba, Demonaz empezó a irse abajo… Fui afortunado porque todos ellos me ayudaron, especialmente Apollyon. Lo que me demostraron… eso nunca lo olvidaré. Ése es King, un monstruo, probablemente es el único que sabe qué tipo de animal es. Sin él no habría podido terminar esto, no habría salido bien”. Quizás otro animal es Creature, del que estáis preservando la identidad… La gente de Kaotoxin Records me dijo que es un batería francés de la escena brutal death y grindcore, ¿verdad? “Kevin (soltó el nombre sin problemas –ndr.) viene de Francia y es un chico muy majo de unos 27-28 años. Es un batería de nueva generación, tiene unas ideas jodidamente talentosas, él enriquece mi música de una forma que nunca nadie había hecho antes. Con King hemos trabajando en estas canciones durante mucho tiempo y nunca pensé que fuera sólo un álbum. Era echarle horas durante 76

semanas, escuchar, volver a ello, por eso para interpretar esta música de forma profesional, más que músicos, necesitas personalidades. Sentía que con Demonaz íbamos en la dirección equivocada, algunas veces sale y otras no… Con 42 siempre he tenido ese rol, durante 30 años he sido músico, pero a veces debes tomar una decisión. Debes hacerlo, hay que joderse”. Ya que sacas a Demonaz, él fue tu fuente de letras durante las dos últimas décadas… Pero ahora estabas solo ante el peligro, así que supongo que escribirlas en vuestro clásico estilo fue todo un reto para ti. “No, no lo tenía… De todas formas, en la era de Blizzard Beasts ya escribí algunas letras con él. ‘Winter Bane’ por ejemplo es algo que tenía escrito de hace tiempo, porque he ido haciendo cosas en los últimos veinte años. ‘Winter Bane’ encaja muy bien en el contexto Blizzard Beasts porque habla de introducirse en la guerra con espíritu guerrero, algo así. ‘Ashes Of The Damned’ habla del fuego como fuente de destrucción para lo material. ‘Fenrir Hunts’ sería como la carrera de la

bestia, de encontrarse en la naturaleza y mantener la lucha contra las fuerzas de la conformidad (risas). ‘Root Of The Mountain’ trata de mantener la ambición por el honor y la gloria, porque el thanatos representa el periodo humano de la muerte, la vida eterna y la carne en las mazmorras maléficas, en busca de los procesos de la vida. Congela tu mente y contempla la profunda realidad (carcajada)”. Muy poético… (Risas) Hablando del espíritu guerrero, suelo decir que Immortal, Abbath ahora, es la aproximación más cercana a Manowar desde el black metal… (Risas). “¿Por qué? ¿Por qué?”. Por los conciertos, ese espíritu que mencionábamos… ¿Estás de acuerdo? “Bueno, es posible… Puedo entender que alguien escuche algo de Manowar en mi nuevo álbum”. (Risas) Sí, eso es verdad. “Te puedo decir que en la canción ‘Ashes Of The Damned’, aunque no fue planeado… ‘Taaan, taaan, tiiiin, taaan’ (Imita un instrumento con la boca –ndr.), ese bajo, es como ‘tiquitiquitiquitiquitiqui…’ (Imita el típico

bajo en una canción de Manowar –ndr.). Estuve hablando con bajistas, me decían ‘Hey, esto suena como el puto Joey DeMaio’ (Carcajada). Y entonces es como… ‘¿¡Qué coño dices!? ¿¡Joey DeMaio!? (Carcajada) Escucha todos mis álbumes, hijo de puta (voz a lo Constantino Romero –ndr.)’”. (Risas) Bueno, éste es sólo mi puto punto de vista, pero para mí… “Espera, espera, ¡es ‘Holy War’! ‘Tiquitiquitiquitiquitiqui…’”. ¿Perdona? “Manowar, todavía estoy hablando de Manowar. Ellos se nos llevaron de gira por Estados Unidos”. ¡Vaya! “A Immortal, sí. Sólo habíamos hecho algo así en el 95, dos tours más creo. Eso iba a vencer a la banda, festivales, pasando cinco horas sentados en aeropuertos sólo bebiendo…”. Volviendo al disco, como Abbath creo que has querido seguir el mismo sonido y dirección que el último trabajo de Immortal, All Shall Fall, pero por otro lado, con toques personales, por supuesto, ya que es imposible oír teclados como los que incluyes en ‘Ashes Of The Damned’ en Immortal, por ejemplo… “El título original para ‘Ashes Of The Damned’ era ‘Northern Chaos Gods’ (Sí, uno de los temas que Immortal han avanzado que incluirá su próximo disco –ndr.). Demonaz ya había empezado a trabajar en las letras para ésta, así como la primera, ‘To War’, también tenía otro nombre. Lo que era interesante de ver es cómo

él estaba pensando, porque, ¿sabes? He formado parte del show de Immortal durante veinte años, pero ahora he dicho ‘OK, ahora voy a recorrer mis próximos veinte años, adelante’”. Viendo vuestras fotos de Ester Segarra en Londres, puedo apreciar sentido del humor y una decisión de abrir otras perspectivas sobre ti, porque, de hecho, siempre estás bromeando sobre el escenario… “Nunca es una broma… estar en el escenario nunca es una broma. Lo único que hacemos sobre las tablas es ser honestos, no es una caricatura. Si estoy pasando un buen rato, por supuesto vas a ver una puta sonrisa en mi cara, alguna de Gene Simmons… El tiempo ha empujado a Immortal a la caricatura, pero pienso que nuestros fans, probablemente los fans de verdad, sienten amor por nuestras fotos o hacia el vídeo de ‘The Call Of The Wintermoon’, que es como un flashforward, obviamente… Es como ‘¡Sííí! La mierda que haremos está en este vídeo’ (Risas). No teníamos mucho dinero (risas)”. Como músico, ¿cómo de importante es una banda como Kiss para ti? “Escucha el último disco de Ace Frehley, Space Invader. Entonces lo entenderás. No escuches los últimos trabajos de Kiss, sólo el de Ace Frehley”. (Risas) ¿Prefieres a Ace antes que a Kiss? “Hoy en día, sí”. ¿Por? “Porque él se entrega. Es su mejor trabajo, él está sobrio ahora, por

diez años ya. Sus interpretaciones son explosivas, se salta todo ese periodo y vuelve a las raíces pada dar con su mejor trabajo desde que está en solitario, de todos los que ha publicado. En realidad les amo a todos, a Vinnie Vincent, o por supuesto Eric Carr… Bruce Kulick, incluso a Eric Singer… Pero actualmente, ¿qué coño es esto? Ese chico, Tommy Thayer, ¿pero cómo…? Él es parte de esto, está ahí. Venga, vamos (se anima a él mismo –ndr.). ¿En qué se ha convertido esto? Ace Frehley ha logrado que Kiss sean una banda de versiones. Gene y Paul (Stanley) no lo están haciendo todo lo bien que deberían, esto es una versión pobre, desde 2003 que ofrecen shows renqueantes, ése fue el primer momento. No están mostrando algo que sea honesto. Y es Gene, no Paul, Gene es el que está siempre encima de todo. Que le jodan a su presidencia… Gene Simmons for president (carcajada)”. (Risas) Volviendo a tu carrera, Immortal llegó a un punto en que sólo hacíais festivales, pero este enero te vas a embarcar en un tour normal con Behemoth, Entombed A.D. e Inquisition. “¡Sí, sí! ¡No puedo esperar, no puedo esperar! Esto es lo que estoy esperando, ya está muy cerca, esto sí que va a ser desafiante cada noche, tocar con estas jodidas grandes bandas, encontrarse con los fans en la ruta, de Immortal, muchos de Behemoth. Eso sí será un reto, definitivamente nos hemos preparado muy bien porque luego también nos vamos con los poderosos High On Fire. Esto va a ser como mi primera 77

“ESTAR EN EL ESCENARIO NUNCA ES UNA BROMA. LO ÚNICO QUE HACEMOS SOBRE LAS TABLAS ES SER HONESTOS” ABBATH

gira, pero diez veces mejor”. Estás como volviendo a tus raíces, tocando en clubes europeos, antes que Behemoth… “Oh, guau… Grandes preguntas. Sí… Girar de esta forma… Sí, vamos a ir de ciudad en ciudad, y OK, tenemos un par de festivales… Con una banda no vas a ningún lado sin un tour. En los festivales…”. Es diferente. “Sí, haremos Graspop y Hellfest, pero no es que vayamos sólo al festival, es que simplemente están en la gira. ¡En un tour largo, dos tours! Ahí estamos, sin término medio, no hay puta vuelta atrás”. Ayer (le iba a sacar el tema del polémico comunicado de Demonaz y Horgh –ndr.)… “I’m gonna be on tour, tour, tour, I’m gonna be on tour, hey, hey, hey, ‘titirititititi’ (Lo canta con vocecita pop y se descojona –ndr.)”. (Larga carcajada) ¿¡Pero qué coño…!? “Éste es el sentimiento que tengo. Ésta es la puta forma en la que debes salir ahí delante y tocar. Canta con pelotas ante las legiones, ésta es la mierda, éste es el espíritu. No tememos a nada”. Viendo cuando Immortal os separasteis por primera vez en 2003 y ahora, teniendo claro que son casos muy diferentes… ¿Crees que Abbath podría volver a la banda en un futuro cercano, o es un capítulo cerrado para ti? “Hace poco toqué en Estocolmo con mi banda de tributo a Motörhead, Bömbers. ¿Sabes algo de ello?”. Sí, fui al primer Fall Of Sum-

mer, en Francia, y… “No, no, no, no, no… No es eso. ¿Sabes algo de ese concierto en Estocolmo?”. No, no… No fui, claro (risas). “Somos Bömbers y tocamos canciones de Motörhead, con buena gente. Pues bien, ahí delante tenía a Saroth, un bajista sueco que tuvimos para la gira del Sons Of Northern Darkness y algunos festivales… Espera, espera… Creo que lo tuvimos en dos tours… Mmm… Quizá estuvo también en la gira con Manowar… (Murmura para sus adentros –ndr.) ¿Era él? Sí… Bueno, da igual, un chico al que conozco de hace tiempo. El caso es que estábamos en el mejor restaurante de Estocolmo y ahí me encontré con él como dos veces, y fue algo así como ‘ah…’. Fue como ‘oh’, se hizo el loco. Me tenía ahí delante y no se comportó como si fuera un cantante con el que ha estado de gira. Le tenía ahí, y este tío, tanto tiempo después… Pasó exactamente como puede ser lo de Mantas con Venom, ¿sabes? Bueno, de todas formas, llevo tocando desde hace mucho y ahora quiero hacer otra cosa todo lo posible, porque en los shows en clubes tus fans te están esperando delante del autobús cuando sales de la ducha, están ahí por ti, y eso es siempre un honor y un placer”. Hace unos días me quedé flipando con que Old Funeral hayan vuelto a la vida. ¿Por qué decidiste recuperar a la banda? “Fue por un gran amigo mío que se llama Jannicke Wiese-Hansen. Es un tatuador que conoce a la banda

y la escena, pues él ya estaba ahí desde los primeros tiempos. Tiene un festival de tatuaje y black metal que se llama BlekkMetal y nos pidió que tocáramos hace unos meses atrás, como en febrero. ‘Hey, vamos’, nos quería allí. Con Bömbers vamos haciendo conciertos esporádicos, pero con Old Funeral realmente nunca habíamos hecho un show así, nos habíamos juntado para tocar en algún cumpleaños y poco más. ‘OK, ¿cómo lo hacemos?’. Nada, hicimos tres ensayos, cuatro como máximo, y dijimos ‘somos los mismos chicos, pero vamos a hacerlo mejor de lo que quizás nunca lo habían hecho Old Funeral antes, con más fans que en el pasado’, porque realmente había pasado mucho tiempo… Me sentí bien. Hace unos diez años hicimos nuestra demo en directo y ahora era la primera vez que volvíamos a tocar juntos. Hicimos ‘Procreation Of The Wicked’ de Celtic Frost y luego también ‘Incinerator’ de Slaughter (se pone a cantar su estribillo –ndr.). Apoyamos a los chicos y estuvo bien”. Yendo hacia el pasado, ¿cómo recuerdas el estallido del black metal noruego? Los inicios de los 90, tu amistad con Euronymous y las demás bandas… “Fue como un bautismo de fuego punk. Éramos bandas de punks, y eso se convirtió en algo mucho más serio de lo que nunca imaginamos. Con lo que me quedo es con que la música ha sobrevivido. Sí. Burzum sigue presente con un álbum como Belus. Canta ahora mejor que antes (Varg Vikernes –ndr.), mejor de lo

que nunca había hecho. Te pones Darkthrone, Circle The Wagons, y… ¡Guau! Impresionante. Tengo que decir que últimamente escucho sobre todo a Scorpions… (Risas) Pero bueno, muy buen material en definitiva. Dimmu Borgir están ya con el nuevo álbum y tengo la esperanza de que hallen el buen camino, fuera de la locura sinfónica en la que andan metidos. Silenoz es un gran hombre, un gran amigo mío. Nos hemos ayudado a escribir letras, él es uno de mis chicos. Nos hemos convertido en grandes colegas, nunca hemos perdido el contacto. Con él no hay putas mierdas, no hay mierdas entre nosotros. Estoy orgulloso de Silenoz, él es uno de los héroes de la escena”. Bueno, ésta es mi última pregunta… ¿Qué podemos esperar de vuestra descarga en el próximo Resurrection Fest? ¿Estás contento por volver a nuestro país? “A tu país… Sí (tengo la sensación de que no sabe de qué le hablo –ndr.). Amo tu país, me encanta la gente”. Buena fiesta… “¡Viva España! (En castellano –ndr.). Sí, por supuesto. ¿Qué esperas tú de nosotros?”. Bueno, pues ver a Abbath escupiendo fuego… “Vosotros, los españoles, dime, ¿qué esperáis?”. Pues música bien fuerte y mucho fuego (risas). “Será como… Tenemos que crear un sentimiento como si fuéramos marineros, pero no a lo Running Wild (risas), a lo rock’n’roll… Hablando de Running Wild, cuando empeza-

ron incluso ya estaban Bathory, era la escena black metal antes de que hicieran algo Darkthrone o alguno de nosotros, y entonces… Mmm… He olvidado lo que iba a decir…”. Bueno, sin problema. “No, ¿qué decíamos? ¿Volvemos hacia atrás?”. No, de verdad, sin problema, ya no tengo mucho más tiempo… “¿Por qué?”. Bueno, pues porque llevamos más de 45 minutos, deberíamos cenar… “¿Tú sientes que hemos terminado de

hablar?”. Quizás, puede ser… (Risas). “En serio, ¿tú crees que hemos terminado de hablar?”. No lo sé, tío. “Bueno, ¿quieres hablar más después? Tienes mi número, si te quedan más preguntas podemos volver luego”. OK. “A mí me encanta hablar, así que la próxima vez puede ser más sencillo seguir con ello y tus preguntas. Tengo que hablar libremente algunas veces y alguna gente tiene que entender lo que hago de una

manera correcta, desde la libertad, porque eso es lo que la música y el rock’n’roll es: libertad”. Y CON ABBATH seguimos charlan-

do un buen rato más, concretamente hasta que a él le dio la real gana dejar de filosofar con un servidor. Salieron a la palestra los terribles atentados en París, lo cobarde que resulta atacar a niños y mujeres, hacia dónde va el mundo, cuál es su visión del arte… Me cantó su versión de AC/DC como “It’s a long way to the top if you wanna play black metal”, nos partimos la caja

varias veces más, hubo una pausa técnica para que el noruego echara una meada, su novia Sarah nos recordó que había más entrevistas por realizar… Y como colofón, tras mostrarme sus respetos y agradecer sinceramente la conversación, se preguntó a sí mismo qué es el black metal, y su respuesta no la olvidaré jamás: “Si vamos hacia atrás, Venom decían que lo suyo no era puto rock’n’roll, o thrash, o death metal, o quién sabe qué estilo… No, es black metal (espetado a lo Cronos –ndr.). Y luego tenemos que ir al 1994, con muchas bandas ya, cuando quizá la

escena es visible. Pero bueno, para mí la escena después… Para mí la escena black metal murió cuando lo de Euronymous. Fue un suceso especial alrededor nuestro. Después de aquello todos cambiamos al 100%. Porque Immortal no tocan black metal para nada; Immortal ahora hacen ‘Hollywood metal’”. Y tras su enésima broma atronó otra sonora carcajada, siempre bajo sus propias leyes, desde su reino de Blashyrkh. Abbath Doom Occulta, ídolo máximo.

VISION OF DISORDER

RABIA

RENACIDA RAZED TO THE GROUND ES EL NUEVO DISCO DE LOS NORTEAMERICANOS VISION OF DISORDER Y VIENE CARGADO DE RITMOS FRENÉTICOS, RIFFS DE ESCÁNDALO Y ENERGÍA COMO PARA ALUMBRAR TODA UNA CIUDAD. ESTOS SUPERVIVIENTES NO DAN SU BRAZO A TORCER, Y SUS INTENCIONES SON CLARAS: QUE TUS TÍMPANOS ESTALLEN CADA VEZ QUE ESCUCHES SUS NUEVOS TEMAS. TEXTO: UNAI GARCÍA FOTOS: DR

ISION OF DISORDER fueron una banda fuera de serie. Nacida en el corazón de Long Island, en Nueva York, a principios de los 90, escribieron junto a bandas coetáneas como Snapcase, Life Of Agony, Downset o

Sick Of It All la historia de una escena irrepetible donde los conciertos se realizaban en sucios garajes y húmedos sótanos, y donde tenías todos los números para acabar con la cara ensangrentada por haberte atrevido a bailar en el pogo.

Su originalidad a la hora de componer riffs de guitarra imposibles y las características voz y letras de su cantante Tim Williams hicieron que la por aquel entonces poderosa discográfica Roadrunner se interesase por ellos y les editara dos discos que se marca-

ron a fuego en muchos de los adolescentes de los años 90. Fue entonces cuando llegaron las giras mundiales, los videoclips en la MTV, las colaboraciones con el mismísimo Phil Anselmo, los grandes festivales, las entrevistas en todas las revistas... En definitiva, el gran sueño americano que cualquier banda quisiera experimentar. Pero el sueño se convirtió en pesadilla cuando al fichar por el sello TVT, su originalidad y buen hacer se vieron afectados más que probablemente por la presión de la industria discográfica, una industria en la cual el nu metal era

la norma y para vender discos y ser popular tenías que imitar a Korn o Slipknot. Tras el mediocre From Bliss To Devastation (2001), trabajo que se acercaba más al rock alternativo o incluso al grunge, la banda se disolvió un año después, lo más seguro que debido a las insuficientes ventas del mismo a ojos de su nueva discográfica. El cantante Tim Williams y el guitarrista Mike Kennedy continuaron peleando y unieron fuerzas con Kyle Sanders (hermano del bajista de Mastodon) y con Chris Hamilton de Downset para lanzar Bloodsimple, un nuevo proyecto con el cual consiguieron mantenerse relativamente activos hasta 2008, e incluso llegaron a editar dos discos a través de Warner. Tras diez años de inactividad como banda, 2012 supuso el regreso de Vision Of Disorder a su sonido característico, editando a través del sello inglés Candlelight un celebrado álbum de reunión titulado The Cursed Remain Cursed, el cual tenía más en común con su aclamado y genuino disco Imprint (1998) que con sus posteriores coqueteos con la radiofórmula. Y justo ahora, a finales de 2015, cuando parecía que ya lo habían dicho y hecho todo, se sacan de la manga un impresionante e inspiradísimo nuevo álbum, Razed To The Ground, producido por el mismísimo Zeuss (Hatebreed, Suicide Silence), donde con una integridad envidiable llevan más allá su enérgico y característico sonido y demuestran que su compromiso con la música se mantiene intacto gracias a una pasión, dedicación y perseverancia únicas. Este disco es una declaración de principios que ha superado tanto a

“MUCHAS DE ESAS BANDAS POSTERIORES A NOSOTROS DE LA LLAMADA NEW WAVE OF AMERICAN HEAVY METAL O METALCORE HAN DECLARADO SU ADMIRACIÓN POR NUESTRA BANDA Y NOS HAN CONTADO LO MUCHO QUE NUESTROS RIFFS Y VOCES HAN INFLUENCIADO SU SONIDO”

MIKE KENNEDY

la industria como a las modas, como nos aclara a continuación su miembro fundador, principal compositor y guitarrista Mike Kennedy desde su casa en la Gran Manzana. The Cursed Remain Cursed, vuestro anterior trabajo, fue editado hace ya tres años. ¿Cuál es vuestro estado actual tanto a nivel personal como de banda? MIKE KENNEDY “Todos tenemos vidas ajetreadas con nuestros trabajos y familias aparte de la banda, así que a nivel personal nuestra rutina ha sido la misma. Respecto a la formación, el periodo anterior a The Cursed Remain Cursed sí que fue un gran cambio ya que tuvimos que acostumbrarnos a trabajar juntos de nuevo, después de un periodo de inactividad. En la actualidad ya es algo natural, como si no lo hubiéramos dejado en ningún momento”. ¿Qué crees que Razed To The Ground ofrece a la actual escena del hardcore y el metal y a sus seguidores? “Simplemente deseamos que el álbum 83

“ES UN HONOR QUE A DÍA DE HOY ADOLESCENTES QUE NI SIQUIERA HABÍAN NACIDO CUANDO EDITAMOS NUESTRO PRIMER DISCO ESTÉN AHORA DESCUBRIENDO NUESTRA BANDA Y SINTIÉNDOSE IDENTIFICADOS CON NUESTRA MÚSICA”

MIKE KENNEDY

sea bien recibido. Sentimos que practicamos un estilo característico de riffs, ritmos y voces y estamos agradecidos de tener todavía la oportunidad de seguir creando música”. Hablemos de las letras y el concepto detrás de este disco... “Nuestro pasado reciente está plagado de desgracias y caos, tan sólo hay que encender la televisión o leer los periódicos para ser consciente de que el mundo está realmente jodido. Por desgracia este periodo parece que va a durar bastante. Tim se inspiró bastante en la situación política y social actual para escribir las letras, pero también lo mezcló con cosas más personales, que creemos que es el 84

material con el que los fans se sienten más identificados”. Algunos riffs de este lanzamiento me recuerdan a bandas como Lamb Of God, banda que ni siquiera había editado su primer trabajo cuando vosotros ya llevabais cuatro referencias. “Muchas de esas bandas posteriores a nosotros de la llamada New Wave Of American Heavy Metal o metalcore han declarado su admiración por nuestra banda y nos han contado lo mucho que nuestros riffs y voces han influenciado su sonido. Ése es el mayor piropo que uno puede recibir como banda; saber que tu música

llega a las personas y trasciende en sus vidas. Pensar en todas las formaciones que te han influido como músico y como banda y que te digan que eres una de ellas es algo realmente halagador”. ¿Cómo fue el proceso creativo para estas nuevas canciones y cuál fueron los objetivos musicales y de sonido durante la grabación? “Grabamos este álbum de la misma forma que grabamos todos nuestros discos: atrapados en un sucio local de ensayo echándonos riffs e ideas los unos a los otros tratando de dar con la fórmula exacta hasta que acabe sonando bien. Mucho del material

se queda olvidado y es descartado en este proceso. A veces, cuando tenemos un tema a medias, Tim empieza a improvisar voces y según como evolucione a partir de ahí decidimos si seguimos adelante con la canción o si la descartamos. El objetivo era claro: grabar algo contundente y sincero de lo que nos pudiésemos sentir orgullosos”. Supongo que el abandono de vuestro guitarrista Matt Baumbach en 2013 habrá afectado la dinámica de la banda de algún modo... “Efectivamente, Matt era una gran parte del sonido de la banda pero decidió que no quería continuar con nosotros. Cuando empezamos a componer canciones para este nuevo disco descubrimos rápidamente que íbamos a ser capaces de continuar sin él en lo meramente creativo, pero que en directo íbamos a necesitar a alguien como apoyo ya que el sonido de Vision Of Disorder siempre se ha caracterizado por tener dos guitarristas. Es por ello que cuando estamos de gira contamos con Josh DeMarco, guitarrista de Mind Over Matter y Day In The Life, para nuestros directos”. ¿Cómo fueron los días en el estudio y qué es lo que más odiáis y amáis de este, por lo general, tedioso proceso? “Aunque suene raro, ha sido sin duda la grabación más relajada y placentera que hemos tenido. Grabamos en los Nova Studios de Staten Island, en Nueva York, ubicados en una maravillosa casa al lado del mar. Zeuss, el productor del disco, es el tipo más divertido y agradable con el que

puedes trabajar hoy en día, además de un reconocido profesional. Su discografía es asombrosa y encima nos entiende como banda, así que pudimos confiar en sus sugerencias tanto musicalmente como respecto al sonido y la producción. Normalmente lo que menos me gusta del proceso de grabación de un disco son las esperas y los momentos muertos cuando otro miembro de la banda está grabando, pero esta vez ha sido el terrible tráfico que había en la carretera de camino al estudio”. La portada del álbum es verdaderamente apocalíptica. ¿Quién es el artista responsable de la misma y cuál es su verdadero significado? “La portada la realizó el ilustrador Daniel P. Carter. Tim le mandó los textos más representativos del disco y Daniel simplemente nos presentó dicha ilustración. Nos pareció simplemente perfecta, capturaba totalmente la frustración, el caos, la impotencia, pero también la lucha y la resistencia de la que nuestras canciones hablan”. Supongo que un trabajo tan notable necesitará ser presentado en directo... “Por el momento sólo hemos confirmado varios shows de presentación en nuestra ciudad y el Hellfest, en Francia. Estamos mirando cuáles son nuestras opciones en Europa para tratar de cerrar una gira completa en verano alrededor de dicho festival y algún otro que andamos negociando. Nuestro deseo es girar lo máximo posible que nuestros trabajos y familias nos permitan, lo cual, cuando tienes las típicas responsabilidades de adulto, es bastante laborioso

y complicado. ¡Era mucho más fácil salir de gira cuando éramos jóvenes y guapos!”. Desde vuestra aparición en 1992 habéis pasado por distintos sellos, desde Roadrunner hasta vuestra actual discográfica Candlelight, pasando por Go Kart y TVT. ¿Cómo veis la industria actualmente? “Los viejos tiempos eran mucho más divertidos, pudimos tocar con un montón de bandas alucinantes y viajar por todo el mundo. Hay muchas cosas que cambiaríamos de dichos días, pero no tiene sentido preocuparse ahora por el pasado. En la actualidad todo es más complicado, la industria no está en su mejor momento y es mucho más difícil destacar como banda entre la abrumadora oferta musical que existe. Nos quedamos con lo positivo, y es que ahora gracias a internet puedes llegar a gente que antes no llegabas. Es un honor que a día de hoy adolescentes que ni siquiera habían nacido cuando editamos nuestro primer disco estén ahora descubriendo nuestra banda y sintiéndose identificados con nuestra música”. ¿Cuáles son vuestros deseos en esta nueva etapa de la banda? “Simplemente queremos seguir editando discos y que nuestros jefes nos den los máximos días libres en el trabajo para poder girar de nuevo por todo el mundo”.

DINOSAUR PILE UP

VOLUMEN AL ONCE

ARMADOS DE ESPÍRITU GRUNGERO Y TREMENDAS MELODÍAS, LOS BRITÁNICOS DINOSAUR PILE UP VIENEN HACIENDO RUIDO DESDE QUE PUBLICARAN SU DEBUT HACE CINCO AÑOS. AHORA, CON EL TERCER ÁLBUM, ESPERAN QUE EL FANATISMO QUE YA DESPIERTAN EN JAPÓN SE TRASLADE A OTROS TERRITORIOS. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

O ERA UN miércoles cualquiera. Exactamente, ese día era 11 de noviembre, una fecha que tenía un importante significado para la banda formada por Matt Bigland (voz, guitarra), Jim Cratchley (bajo) y Mike Shiels (batería), ya que coincide con el título de su último trabajo Eleven Eleven (So Recordings). Para los que, como un servidor, desconocieran a este trío proveniente de Leeds, o no presenciaran su tremenda actuación cuando telonearon a Brand New en Madrid por el décimo aniversario de esta revista, ya va siendo hora de que les dediquen una merecida escucha, sobre todo quienes aún anhelen esos últimos años de los 90 armonizados por Weezer, Nirvana o The Smashing Pumpkins. Al contrario de esas bandas, Dinosaur Pile Up no cuentan con la repercusión que se tenía en aquel momento, pero están sabiendo moverse para, al menos, abrirse camino de una manera más que respetable en el rock actual. Sus dos anteriores discos, Growing Pains (2010) y Nature Nurture (2013), les avalan con tremendos hits como ‘Peninsula’, ‘My Rock N Roll’, ‘Mona Lisa’ o ‘White T-Shirt And Jeans’, que, cómo no, sonaron aquella noche en el barrio de Kentish Town ante una buena legión de seguidores que casi llenaba la sala The Dome Tufnell Park, y entre los que pudimos encontrar a gente que había venido expresamente desde Japón para verles. Resulta que los tours que han podido hacer por tierras niponas,

unido a una larga gira con los de Jesse Lacey y compañía, les ha traído una pequeña fama que les empieza a abrir puertas. La actuación no defraudó en ningún momento, nuevos temas como ‘Red And Purple’, ‘Anxiety Trip’ o ‘Friend Of Mine’ incluso suenan mejor en directo por la crudeza con la que aporrean sus instrumentos sobre el escenario. Hicieron varios cambios interesantes en muchas de las canciones, una práctica que parece ser habitual en sus conciertos, y que puede que hayan ido aprendiendo de compañeros de profesión. Tres canciones antes, avisando con antelación de que no iban a tocar el típico bis, se despidieron tras una brutal interpretación de ’11:11’, el que puede ser el mejor tema su último disco y que lleva el mismo inquietante título por el que empezamos preguntándoles. Hoy es 11 de noviembre y habéis venido a Londres a presentar el nuevo disco Eleven Eleven... No será a propósito, ¿verdad? MATT BIGLAND “(Risas) Por supuesto que sí. Ojalá no lo fuera (risas). Queríamos hacer coincidir alguna de las fechas con este día para darle un poco más de importancia de la que ya tenía, y pensamos que Londres sería perfecto”. ¿Hay algún motivo por el que hayáis llamado Eleven Eleven a vuestro último trabajo? MATT “Pues a ver por dónde empiezo... (Risas) Todo comenzó cuando

teníamos ya compuestas las once canciones que tiene el álbum, y estuvimos dándole vueltas de qué hacer con ellas, ya que no sabíamos si sacarlas poco a poco o hacer un álbum con ellas, porque las tuvimos compuestas durante un año y medio mientras que estábamos de gira y no habíamos tenido tiempo de meternos en el estudio. Así que cuando pasó la gira pensamos que era el nombre que más sentíamos como propio para el nuevo disco”. MIKE SHEILS “Creo que estás perdiéndote en lo que estás diciendo (risas). Cuéntale bien la historia, ¡céntrate, tío! (Risas)”. MATT “(Risas) Es verdad, perdona Alex, que te estoy respondiendo con la mitad, que se me ha ido... Lo interesante viene ahora: cuando estábamos en esa gira, no sabemos por qué, veíamos los números 11/11 en casi todo lo que nos rodeaba. Por Estados Unidos, en Japón, en Inglaterra...”. MIKE “Billetes de avión, emails, relojes, puertas...”. MATT “Ya te digo, parecía que nos perseguían esos números. Así que, como te decía, ese tiempo durante la gira hizo que el disco tuviera ese nombre significativo para nosotros. No es que sea algo muy profundo ni nada por el estilo, pero es como que sentíamos que 11/11 era lo que correspondía ponerle”. MIKE “De hecho, te falta decir lo que dijo nuestro productor... cuando vio el nombre del disco no se lo creía, pensaba que estábamos con la coña de que no parábamos de ver eso y no nos tomaba en serio (risas). Incluso las ban87

das con las que giramos en ese tiempo tampoco se lo creían. Se convirtió en algo adictivo, como ves (risas)”. Entiendo (risas). Por lo tanto, ¿habéis estado trabajando más de lo habitual en estas canciones? MIKE “Bueno, no más de lo normal, la verdad. El tema es que lo teníamos terminado desde enero, y hasta ahora no sabíamos qué hacer con él exactamente”. MATT “Yo pienso que la única diferencia en este disco fue grabarlo tan rápido. Habíamos estado con un año y medio a nuestras espaldas sin parar de tocar, y fue llegar y clavarlo. Creo que son las mejores canciones que hemos grabado. Pienso que tiene toda nuestra esencia, sobre todo de directo, que es como nos vemos nosotros. De hecho, incluso con las canciones que yo había compuesto en casa nos reuníamos los tres en una habitación para hacerlas juntos. Ya sabes, es diferente a componerlo en casa y no tener esa sensación de directo cuando tocamos juntos”. Sí, comprendo. Para mí el disco suena más agresivo, por así decirlo. Sobre todo porque lo veo más oscuro que los dos anteriores. Sigue teniendo canciones pegadizas, pero sonáis más duros que de costumbre, con letras más intensas incluso. MIKE “Sí, bueno, ya vestíamos con ropa oscura antes del disco (risas). Ya en serio, puede que hayamos pasado por un momento más oscuro durante ese tiempo en el que hicimos los nuevos temas”. MATT “No acostumbro a hablar de

los significados de mis letras porque no me gusta decir lo que significa cada cosa, pero sí, definitivamente es un álbum oscuro”. De hecho, hasta la portada es bastante hipnotizante, además de oscura (risas). MATT “Sí, también (risas). Era algo que hicimos a propósito. Queríamos una única imagen para poder quedarte directamente con el disco en la cabeza. Como que lo pudieras asociar al instante con nosotros”. JIM CRATCHLEY “Sí, de hecho por eso es, como dices, un álbum más oscuro; la portada representa toda esa paranoia que tuvimos durante la gira y algunos momentos extraños en nuestras vidas”. ¿Qué cosas podéis contar de todo ese tour? ¿Qué os pareció la experiencia de acompañar a Brand New por Estados

Unidos y Europa? MIKE “Queremos de la hostia a esos tíos”. JIM “Son las mejores personas para salir de gira. Una vez estás dentro con todo el equipo de personas que llevan te sientes unido a todo el mundo”. MATT “Es que es eso, sí... te hacen sentir como un miembro más de una familia”. Encima en Madrid recuerdo que tocasteis ‘Nature Nurture’ con Jesse; yo estaba durante vuestra prueba de sonido viendo cómo la ensayabais con él... ¿Fue algo improvisado ese día? MATT “Bueno, la ensayamos porque hacía tiempo que no lo habíamos hecho, porque es cierto que ya lo habíamos hecho otras veces en Estados Unidos, pero fueron contadas. Además, molaba mucho que cuando salía no anunciábamos nada, y simplemen-

“BRAND NEW SON LAS MEJORES PERSONAS PARA SALIR DE GIRA. UNA VEZ ESTÁS DENTRO CON TODO EL EQUIPO DE PERSONAS QUE LLEVAN TE SIENTES UNIDO A TODO EL MUNDO”

JIM CRATCHLEY

te se subía con su gorra o cualquier gorro de los que lleva, y cuando se ponía a cantar la gente se daba cuenta de inmediato y se ponía a gritar como loca (risas). A Jesse siempre le encanta estar tocando cualquier cosa con todo el mundo, y cuando nos conocimos dijo que esa canción le encantaba, así que nos preguntó un día si podía tocarla con nosotros, y nosotros encantados (risas)”. Dices que no sueles hablar del significado de tus canciones, pero dime: ¿Tiene relación la letra del tema del primer disco, ‘Barce-loner’, en la que mencionas Barcelona, con la ciudad? (Risas). MATT “(Risas) Exactamente. Me sentía solo ese día en Barcelona y me di cuenta del parecido de -loner (solitario) con –lona, así que me salió escribir sobre lo solo que me sentía, literalmente fue eso (risas)”.

Tenéis fans que han venido a veros desde Japón en varias ocasiones, he podido escuchar... supongo que de cuando habéis girado por allí. ¿Cómo vivís eso de que vengan de tan lejos a veros? MATT “Es algo increíble. La gente de allí nos ha tratado de maravilla cuando hemos ido y lo increíble es ver que nos siguen desde tan lejos y que hacen esfuerzos por apoyarnos”. MIKE “No se puede explicar con palabras. Estamos deseando volver este año que viene, que es lo siguiente que tenemos planeado después de esta gira”. ¿Cómo os sentís cuando comparan vuestro sonido como una mezcla entre Weezer y Nirvana? MATT “Yo lo veo bien. A mí no me molesta para nada, de hecho me enorgullece que nos comparen con esas bandas porque son de nuestras favoritas y hemos crecido escuchándolas. Nos han encantado también Deftones o los Smashing Pumpkins cuando éramos más jóvenes”. MIKE “Sí, para mí igual, me suena más a un cumplido. A mí me encantaba el look a lo Chino Moreno con pantalones por debajo de la rodilla y calcetines altos (risas)”.

una escena del remake de King Kong. Si es así, creo que sería la única cosa positiva que se podría sacar de la película, la verdad. MATT “(Risas) Nosotros no lo podríamos haber dicho mejor. Me ha encantado. Ésta te la puedes apuntar en tu marcador (risas). La verdad que la película fue malísima y me hizo mucha gracia una frase en la que decían eso, y me la quedé en la cabeza”. También he visto que tenéis otro proyecto más metalero que se llama Weeping Scab, ¿qué podéis contarnos sobre ello? (Se ríen todos). MATT “Joder, pero ¿cómo has leído eso? (Risas) Era una banda que Mike y yo queríamos hacer en plan heavy metal con él gritando a la batería y yo a la guitarra, pero al final lo dejamos en una idea. Quizá debamos retomarla, ¿verdad Mike?”. MIKE “Creo que ya dejó de tener mucho sentido (risas)”. Bueno, ya para terminar, ¿podemos esperar visita a España en 2016? MATT “Sin duda, nos encantaría y esperamos volver lo antes posible”.

He podido leer que os nombrasteis Dinosaur Pile Up por

THE MUFFS

LAS PREFERIMOS RUBIAS EL PASADO VERANO THE MUFFS REGRESARON A NUESTRO PAÍS PARA PRESENTAR SU ÚLTIMO DISCO WHOOP DEE DOO, EL PRIMERO QUE LANZABAN TRAS UN LARGO LETARGO DE DIEZ AÑOS. POR LO QUE NOS CUENTAN, LA HISTORIA NO VOLVERÁ A REPETIRSE. ¿LES CREEMOS? TEXTO: JORDI MEYA, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

O OS VAMOS A ENGAÑAR, The Muffs son una debilidad para quienes firmamos esta entrevista. Desde que en los 90 facturaran una trilogía tan brillante como la formada por su debut homónimo, Blonder And Blonder y Happy Birthday To Me, se ganaron nuestros corazones para siempre. Pero ya entonces se vio que si el trío formado por Kim Shattuck (voz, guitarra), Ronnie Barnett (bajo, voz) y Roy McDonald (batería) no triunfaba en ese momento, difícilmente lo haría después. Y eso que lo tenían todo a favor teniendo en cuenta que se estaba viviendo la explosión del punk gracias al éxito de Green Day, con quienes compartían productor, tenían la multinacional Warner detrás, su versión de ‘Kids An America’ de Kim Wilde apareció en la banda sonora de un taquillazo como Clueless, e incluso los rifirrafes entre Kim y Courtney Love en la prensa les proporcionaron algo de publicidad extra. Pero quizá su reputación de banda difícil, las tensiones internas o simplemente la mala suerte hizo que nunca llegaran a petarlo. Algo parecido a lo vivido por sus colegas Redd Kross. Después de dar la primera década de los 2000 por perdida, ya que sólo publicaron el irregular Really, Really Happy, el trío como mínimo recuperó la garra en la siguiente con Whoop Dee Doo (Burger Records) y un directo en el que siguen luciendo su batería de hits. Pero a estas alturas, The Muffs parecen condenados a seguir siendo un secreto venerado por unos pocos. Ni siquiera el fugaz paso de Kim como bajista de los Pixies en 2013 les sirvió para cambiar su destino. Como mínimo, parecen felices de estar juntos.

Os vemos de muy bueno rollo. ¿Han quedado definitivamente atrás los tiempos en los acababais a hostias en el escenario? KIM SHATTUCK “Ya no nos peleamos. A veces jugamos a pelearnos. A veces Ronnie me da una patada, pero nada serio. Una vez le dejé KO en el escenario. Se puso delante de mí mientras estaba cantando y al final tuve que golpearle y se cayó del escenario. Antes había más rabia, pero ahora sólo hay amor”. RONNIE BARNETT “Pero seguimos siendo intensos”. Os costó diez años lanzar vuestro último disco Whoop Dee Doo. ¿Tan difícil os resulta reuniros para grabar? ROY McDONALD “En realidad estuvimos trabajando en este disco durante mucho tiempo. Casi seis años. Así que algunas canciones llevaban revoloteando mucho tiempo... Algunas ya las tocamos en directo cuando vinimos a España la última vez”. KIM “Algunas como ‘You Don’t See Me’ vino de una canción que no había terminado en 1994”. RONNIE “Sí, ‘Paint By Numbers’ y ‘Cheezy’ son de 2005”. Aun así, es el mejor que habéis sacado desde el tercero, Happy Birthday To Me. Kim, ¿te sentías más inspirada escribiendo de nuevo para el grupo? KIM “¡Muchas gracias! Sí, creo que estaba más inspirada. Cuando empecé a componer pensé en lo que solía inspirarme. Ahora que soy más mayor escucho jazz y música más rara, pero

decidí volver a escuchar la música que me inspiraba antes para ponerme en ese estado mental. Quería recuperar la agresividad”. ¿Todavía es un desafío hacer un nuevo álbum? KIM “Siempre lo es. Soy la crítica más exigente con esta banda. Si algo me gusta a mí, entonces estoy segura que a mucha gente le gustará, pero no es fácil. Soy una perfeccionista. Siempre doy dos pasos adelante y un paso atrás. A ellos dos no les cuesta tanto, pero a mí me cuesta una eternidad”. ROY “Yo dediqué a este disco el mismo tiempo que a los anteriores. Lo terminé en un día o dos”. KIM “Toda la presión es para mí (risas)”. ¿Pero estuviste escribiendo canciones durante diez años? KIM “Teníamos muchas canciones donde elegir. Hay muchas que podríamos utilizar como caras B. Pero suelo escribir a rachas... A veces sólo me salen temas mediocres y luego empiezo a escribir mejores y ésas son de las que hago maquetas y mando a los chicos. Pero también me canso y luego dejo de escribir una temporada”. ¿Y qué haces cuando no estás componiendo? KIM “Me masturbo mucho (risas). También tienes que ser creativa para eso”. ROY “También pinta. Pintó mi casa (risas). Es como Anthony Quinn”. KIM “No he pillado eso (risas)”. ¿Pero os veis cuando el grupo no está activo?

KIM “Sí. En realidad llevábamos bastante tiempo sin vernos y un amigo nuestro empezó a montar cenas y nos invitó. Y fue allí cuando empezamos a hablar de nuevas canciones”. RONNIE “En realidad el parón no fue algo consciente”. ROY “Nunca nos sentamos y dijimos ‘vamos a tomarnos un respiro’. Fue de manera muy orgánica. Y en realidad, tampoco estuvimos demasiado tiempo inactivos. En estos diez años seguimos dando conciertos”. RONNIE “Fue después de una de esas cenas cuando nos propusieron venir a España la primera vez”. KIM “Sí, y pensamos que estaría bien poder tocar nuevos temas en directo, para ir rodándolos antes de grabarlos”. RONNIE “La primera vez que vinimos nos ayudó a recordar lo divertido 92

que era tocar juntos”. Ser fan vuestro y de Redd Kross es muy frustrante porque os lleva una eternidad grabar nuevos discos. ROY “Lo sé, lo sé. Es mi culpa”. RONNIE “¿Veis cuál es el denominador común?”. ROY “Ése es el problema, tocar en dos bandas no es fácil. Cuando Redd Kross me dicen si quiero hacer algo, tengo que hacer algo con The Muffs, y viceversa (risas)”. Siguiendo con la conexión con Redd Kross, ¿crecisteis todos juntos? ROY “No exactamente, pero sí nos conocíamos de salir cuando Kim estaba en The Pandoras. Ronnie vino a ver a Redd Kross en 1987 cuando toda-

vía vivía en Texas. Fue la primera vez que le vi”. RONNIE “Sí, me mudé a Los Ángeles en 1989. Pero Redd Kross ensayaban en el mismo lugar que The Pandoras, así que todo estaba conectado. L7 y All también ensayaban ahí”. KIM “Solíamos hacer llamadas de broma con Redd Kross (risas). Íbamos de casa a casa en Beverly Hills gastando bromas”. El nuevo disco ha sido publicado por Burger Records, que es un sello en alza, con un montón de grupos nuevos de punk rock y garage. ¿Tenéis interacción con ellos, os ven como a unos héroes? KIM “Sí, me siento una heroína (risas). Nooo, es broma”. ROY “Bueno, Burger edita como 15

“AHORA QUE SOY MÁS MAYOR ESCUCHO JAZZ Y MÚSICA MÁS RARA, PERO DECIDÍ VOLVER A ESCUCHAR LA MÚSICA QUE ME INSPIRABA ANTES PARA PONERME

QUERÍA RECUPERAR LA AGRESIVIDAD” EN ESE ESTADO MENTAL.

KIM SHATTUCK discos al día, así que es difícil estar al tanto de todo. Pero por ejemplo, Summer Twins nos gustan mucho y son muy amables. También Peach Kelli Pop”. RONNIE “Hemos tocado en los festivales que montan, pero no vamos por ahí diciendo ‘Hey, ¿sabes quiénes somos?’. Pero a veces hay gente que te sorprende”. Mirando atrás, discos como Blonder And Blonder o Happy Birthday To Me parecían perfectos para explotar comercialmente. ¿Los veis como una oportunidad perdida? KIM “En realidad no. Posiblemente podríamos haber trabajado mejor la industria, teníamos una actitud muy antagonista y tendíamos a meternos en problemas. Roy era un liante”. ROY “Sí, lo era. Pero podríamos haber jugado el juego y no haber vendido discos igualmente. Preferíamos ser nosotros mismos”. KIM “No cooperamos lo suficiente, pero todo el mundo que trabajaba entonces en Warner siguen siendo amigos nuestros”. Trabajasteis con todo un Rob Cavallo, que acababa de producir Dookie. KIM “Sí, pero todavía estaba apren-

diendo. Le cogimos porque nos salía gratis. Era nuestro A&R”. RONNIE “El nuestro fue el primer disco que produjo. A él le iba el heavy metal. Fichó a un grupo que se llamaba Sister Whiskey. Y después de trabajar con nosotros, produjo a Green Day y parece que inventó el punk rock. Pero la historia no era así (risas)”. KIM “Es un buen tío y fue fácil trabajar con él”. RONNIE “Por lo que sé, sigue hablando bien de nosotros. Nuestros discos nunca fueron descatalogados como los de Babes In Toyland y de hecho, ahora vamos a reeditar los dos primeros con temas extras, demos y caras B”. ¿Cómo os sentíais respecto a la escena hair metal? RONNIE “¡Kim estaba en una banda de heavy metal! (Risas)”. KIM “Sí, pero hubo gente que se interesó por The Muffs gracias a The Pandoras”. RONNIE “Quizá aquí, pero no en Los Ángeles”. KIM “Yo odiaba el heavy metal. Yo me uní a The Pandoras cuando eran más garaje, pero cuando se volvieron metal me quejé mucho. Fue muy duro para mí”. ROY “Sí, y Redd Kross también

odiaban que se les metiera en esa escena”. KIM “Pero tenían a Robert Hecker, que era un guitar hero”. ROY “Lo sé, pero odiábamos que se nos asociara con bandas como Poison, que pensábamos que eran ridículas. Pero todos esos grupos venían a vernos y tomaban notas (risas)”. Pero bueno, Redd Kross eran grandes fans de Kiss, así que había una conexión. ROY “Sí, pero si escuchas los primeros discos de Kiss es rock’n’roll. Son como Humble Pie o Slade”. ¿Qué actitud tenéis respecto al futuro de The Muffs? ¿Seréis más activos? KIM “Sí, queremos hacer discos más rápidamente”. Masturbarte menos y escribir más… RONNIE “(Risas) ¡Ése será el título del próximo disco!”. KIM “Sí, ahora también hago cosas con The Pandoras, pero quiero tomarme un respiro. La idea es ser más activos... Esperamos no defraudaros”.

NON SERVIUM

LA VIDA ES PUTA Y NON SERVIUM LO SABEN TAN BIEN COMO CUALQUIERA DE NOSOTROS. TRAS TOCAR FONDO, PONER LAS COSAS EN SU SITIO E INCLUSO PASAR POR UN PERIODO DE INACTIVIDAD, UNA DE LAS BANDAS MÁS GRANDES DE NUESTRA ESCENA OI! VUELVE CON UN ÁLBUM CUYO TÍTULO YA LO DICE TODO: RESURGIR. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

A EMPIEZA A SER una tradición que Karlitos, el cantante de Non Servium, se acerque hasta las oficinas de RockZone para charlar conmigo cada vez que la banda de oi! publica un nuevo trabajo. Tras ampliar su público hacia todas aquellas personas que alberguen un espíritu combativo en su interior, hace tiempo que los de Móstoles son mucho más que una formación para skinheads de izquierdas al abrazar con la misma fuerza otras sonoridades como el punk más clásico o el hardcore, llegando así a muchísima más gente. No ha sido una jugada premeditada, pues como el mismo vocalista nos comenta, él siempre ha visto al grupo como a una banda de punk a secas. Sea como sea, el caso es que el fin de semana antes de darse esta entrevista Non Servium venían de congregar 500 personas en Lleida, una plaza nada fácil como cualquier grupo o promotor sabrá, y de reventar toda un sala Apolo de Barcelona, donde no cabía ni un alfiler. Por si fuera poco, tienen previsto cruzar el charco y hasta realizar, por primera vez, una serie de fechas en Estados Unidos. A Karlitos, Ivi (guitarra), Snoker (guitarra), Gordo (bajo) y a Niño (batería) las cosas les marchan bien, y es que mucho ha cambiado este grupo desde que iniciara su andadura en 1997. Desde su génesis hasta Resurgir (Panda/Potencial Hardcore/Altafonte), el fornido y tatuado voceras nos cuenta las aventuras y desventuras de un combo que ya ha dejado atrás su mo-

mento más bajo y que afronta ahora el futuro con renovada ilusión. Como ya sabes os sigo desde vuestro primer álbum, desde mi época más gamberra y cabrona… (Risas) Y claro, vuestra evolución ha sido gigantesca si coges Orgullo Obrero y lo comparas con éste… Diría que el nuevo disco es directamente punk rock, y también que seguramente es el más guitarrero. Es decir, que los riffs están muchísimo más trabajados y hay muchísimos más arreglos… Como nunca antes, vamos. KARLITOS “Sí, sí, sí… Bueno, yo no diría tampoco punk rock, pero sí que es verdad es que hay una evolución en nosotros. De todas formas, para mí ya hace mucho tiempo que Non Servium somos una banda más punk que otra cosa. También, desde el Orgullo Obrero, estamos hablando de un disco que se sacó en el 99, y nosotros empezamos en el 97… Estamos hablando de cuando éramos unos críos de 17 años o por ahí… Entonces, es imposible que después de casi veinte años sigamos haciendo exactamente lo mismo. Yo creo que es lo normal, lo de todo el mundo, ¿no?”. Eso se nota también con la peña que ha estado involucrada en el disco. Está Mr Chifly produciendo, y lo que más me ha sorprendido: Víctor Garcia

de los Ultramarinos Costa Brava para el master. “Sí, el master se ha hecho aquí, en Catalunya…”. Pero Víctor es un tío que está especializado en indie y cosas así… “No lo sé, ahí ya no entro porque yo sé que Chifly fue el que buscó el sitio donde hacer el master y nos dijo que era uno de los mejores lugares donde hacerlo, así que aquí mismo”. Antes decías que erais unos críos, pero viendo en qué se ha convertido la banda, cómo ha madurado todo, y sin querer faltaros al respeto, ¿dirías que os habéis hecho mayores y que ya no estáis para tantas hostias? “Hombre, eso por supuesto. Vamos a ver, estamos hablando de que la mayoría del grupo somos padres, tenemos nuestras familias, nuestras obligaciones… Las cosas cambian inevitablemente, pues han pasado muchos años. Nosotros somos un grupo que nos gusta hablar claro, y hostia, no te vas a pasar toda la vida escribiendo sobre cosas que ya has dicho 20.000 veces. Seguimos teniendo los mismos pensamientos, seguimos hablando de las mismas cosas, pero a la vez, somos una banda que habla mucho de los problemas y las cosas cotidianas, del día a día”. No sé si venir de realizar un 95

álbum como La Voz De Los Malditos, donde recuperasteis todas esas bandas de punk, hardcore y oi! que os habían marcado, ha tenido algo que ver con que este trabajo no sea tan directamente street punk, sino que abarque muchos más estilos. “No, simplemente no buscamos nada, cuando uno se pone a componer no dice ‘voy a intentar a hacer esto así, más asá’. No, siempre hemos funcionado igual: según han ido saliendo las cosas así lo hemos hecho. A la hora de componer escribo sobre lo que me va sucediendo en mi vida cotidiana… De un disco a otro han pasado cuatro años, y durante esos cuatro años han pasado un montón de cosas, y sobre eso uno escribe y compone. Sin más”. Otro de los detalles que más me ha llamado la atención, y supongo que a todos los que os seguimos de hace tiempo, es que cada vez cantas más. Antes era un chorro de rabia puro y duro, pero ahora, en este disco, hay canciones en las que cantas totalmente, donde no todo es grito, desde luego… “Sí, sí, eso es cierto. Realmente eso es algo que con el tiempo uno va pillando. Yo siempre he dicho que no sé cantar, siempre lo he dicho; yo he intentado hacer lo que podía y punto. Y bueno, pues inevitablemente uno va aprendiendo ciertas cosas, ciertos trucos, y sí que es cierto que en éste hay mucha más melodía a la hora de cantar que en otros, y es algo que a mí personalmente me mola mucho, me mola ese rollo, ¿sabes?”.

¿Y te sientes ya más cómodo cantando que gritando? “Pues sí, sí, he llegado a alcanzar un poco eso de controlar un poco más con la voz… Sigo sin saber cantar, pero… (Risas)”. (Risas) Pero se hace lo que se puede… (Risas) A propósito del título, Resurgir, no sé si habéis pasado por malos momentos, o si simplemente es una canción más… ¿De dónde viene? “Sí, precisamente viene un poco por eso. El grupo tuvo un parón de un año y pico, cada uno hemos tenidos nuestros rollos, nuestras cosas, y yo personalmente he pasado una época bastante jodida en la que he tenido que dejar de lado todos los proyectos que tenía, tanto musicales como de mi oficio, que es el tatuaje. Pero bueno, las cosas se superan, uno avanza y te ves haciendo lo que te mola, que es tocar

y grabar un disco nuevo. Y de ahí el tema de Resurgir”. Joder, no sabía que hubierais estado un año y pico parados… ¿Y cómo fue la vuelta? “Pues con mucha ilusión. De todas formas, hemos estado ese tiempo parados, pero yo en todos esos meses no he dejado de componer ni de hacer cosas, ¿sabes? Entonces, tampoco ha sido un año perdido para nada, sino todo lo contrario: ha sido un año de recapacitar, de ver las cosas con perspectiva, de solucionar problemas personales…”. Me acuerdo con el último disco que viniste a visitarnos con tu hija y ahora le has dedicado una canción, ‘Mi Pacto’… “Bueno, a ella y a mi hijo, a los dos”. ¿Tienes dos ya? “Sí, sí, sí, de hecho la primera parte

“SI ALGUIEN BUSCA EN NOSOTROS QUE, DESPUÉS DE 18 AÑOS, GRABEMOS UN DISCO QUE SUENE Y DIGA LAS MISMAS COSAS QUE EL PRIMERO, PUES SE HA EQUIVOCADO DE GRUPO COMPLETAMENTE”

KARLITOS

un militar neonazi en el metro –ndr.) de hace unos años… Lo que pasa es que inevitablemente el otro lado está ahí, ya sabes…”.

de la canción habla de la niña y la segunda del niño, y al final del tema sale mi hija hablando”. Me ha gustado mucho que para el álbum rescatarais un lema del republicanismo de la Guerra Civil como “Madrid será la tumba del fascismo”. ¿Cómo está ahora Madrid? ¿Realmente será así o la izquierda de ahí está más muerta que viva? “Bueno, vamos a ver… Muerta no está, desde luego que no. Ya te digo yo que en Madrid siempre ha habido un ambiente muy combativo y que lo sigue habiendo, y que incluso cada vez va a más, sobre todo con las cosas que han pasado, como el asesinato de Jimmy (aficionado del Dépor fallecido en una reyerta con los ultras del Atlético en noviembre de 2014 – ndr.) o de Carlos (Palomino, joven antifascista acuchillado en el corazón por

Los nazis. “Exactamente, están ahí, pero mientras haya gente que siga combatiendo eso, el lema seguirá siendo el mismo. Y si no es en Madrid que sea en Barna, y si no es Barna que sea en Albacete; da igual, el caso es que pase en algún sitio para que ojalá de una vez por todas deje de existir esa lacra”. ¿Y con Manuela Carmena se nota algo? ¿Pasáis de Podemos, son políticos y son todos iguales…? “Pfff… No lo sé, habrá que esperar para verlo. Yo la verdad es que nunca he sido muy partidario de ningún partido, ni soy una persona que vote ni nada de eso. Pero bueno, habrá que esperar para ver lo que pasa”. Ahora que hablamos de toda la movida que pueda haber ahí, vosotros básicamente habéis salido del oi!, de la música para skinheads, pero sois de las pocas bandas que, en este país y partiendo de ahí, han conseguido abrirse más hacia el panorama del punk y el rock combativo. Y como se puede ver en este disco, vosotros seguís reivindicando esas

raíces… No sé cómo es percibida una canción como ‘Cabezas Rapadas’ cuando vais a tocar en el Viña Rock, por ejemplo, que quizá no hay tantos… “Sí… A ver, de nosotros siempre se dice que venimos del oi!, y sí, está claro que es uno de nuestros registros, pero es que yo siempre he visto que nuestro rollo siempre ha sido el punk y lo demás siempre lo he visto englobado en lo mismo. ¿Sabes lo que te quiero decir? O sea, que no soy una persona cerrada a la hora de decir ‘pues tienes un grupo de tal, y yo sólo quiero tocar para punks, o sólo para skins…’. No, no, no… A mí lo que me mola es ir a un concierto y que se respire un ambiente de cultura callejera, sin más”. ¿Habéis notado que hay otras tribus urbanas interesadas en el grupo, gente que no tiene nada que ver con los skins? “Sí, mucho, y está claro que cada vez más en nuestros conciertos ves de todo, ves peña que realmente está ahí porque le mola el mensaje que se manda, la música o lo que sea, pero no es algo ya muy cerrado para sólo X personas”. La verdad es que sois de las pocas bandas que, con temas tan explícitos como también podría ser el ‘Botas Y Tirantes’ de Decibelios, después de ellos sois los únicos que estáis

tocando en salas medianas tirando a grandes… ¿Eso cómo os hace sentir? ¿Os choca que después de Decibelios ya vengáis vosotros? “(Risas) Sí, es fuerte… De hecho, el otro día en la sala Apolo, que estaba a reventar, con nosotros estuvo todo el día, por la tarde y por la noche el bajista de Decibelios echando fotos (Manolo –ndr.). Y también por el escenario, fue el fotógrafo del concierto. O sea, que es una cosa que choca bastante, ¿no? Es una de esas bandas que te has pasado la vida escuchando, y sí, yo personalmente me siento muy orgulloso de ello, la verdad, de salir a cualquier parte del Estado o donde sea y ver que llenas una sala de mil personas, de 1.200, de 1.500… Pues eso te llena”. Una vez fui a ver a Kaos Urbano en el pueblecito de Lleida donde vivo y éramos los cuatro punkis, pelados y heavies de ahí todos juntos, y empezó el concierto y el cantante dijo algo así como ‘ya sé que de lo que tenéis ganas es de ver a Non Servium, pero os jodéis porque nosotros somos Kaos Urbano’ (Risas). “¿Eso dijo? (Risas)”. Yo sé que os lleváis muy bien, pero lo que se dice es que los que os lleváis a la peña y lo petáis sois vosotros… ¿Cómo es vuestra relación, cómo te tomas estas cosas? “A ver, esta anécdota tiene que ser de hace tiempo, porque hoy por hoy Kaos Urbano están reventando y se lo están currando mucho…”.

Es de hace dos o tres años… “Se lo están currando mucho y de toda la vida, pero desde hace unos años lo están petando bastante. Son cosas muy del rollo del Sku, es su forma de ser, son gente de puta madre, tenemos una relación con ellos muy buena. Ellos son Kaos Urbano y nosotros Non Servium, tenemos nuestro público, ellos el suyo, muchas veces es el mismo, pero vamos, que no sé…”. El tío lo dijo en broma, ¿eh? Desde el más sincero respeto. “Sí, sí, él es muy así, ahora de hecho tenemos un concierto con ellos en Valencia con Rat-Zinger también y va a ser la hostia”. Y cuando ves a algún skin que se mete con vosotros porque os hayáis abierto más, ¿qué lectura haces? “Realmente es poca la gente que nos diga eso, pero la que lo hace, de lo

que se suele quejar es de ‘joder, ya no sonáis como en Orgullo Obrero’. Pero vamos a ver una cosa, que Orgullo Obrero es un disco de hace 18 años, ¿sabes lo que te digo? No pretendo seguir haciendo lo mismo que hace 18 años… O sea, tratamos de mantener la esencia, pero evidentemente uno quiere mejorar, quiere avanzar, y yo no me veo escribiendo ahora una canción con ‘cabezas rapadas, cabezas rapadas, cabezas rapadas…’. Vale, eso ya lo hemos dicho una vez, ya está dicho, yo creo que más ya sobra porque hay mil cosas de las que uno puede hablar sin tener que repetirse constantemente con lo mismo. Hay mil problemas sociales que nos amargan en el día a día, cosas más importantes que estar grabando veinte discos diciendo que sí, que ya sabemos todos lo que somos y lo que dejamos de ser, pero no sé… Si alguien busca en nosotros que, después de 18 años, grabemos un disco que suene y diga

“RAJOY NO HACE MÁS QUE DECIR GILIPOLLECES, IGUAL QUE TODOS SUS COLEGAS. QUE SE HA ACABADO LA CRISIS… SE HABRÁ ACABADO EN SU CASA, QUE NUNCA LA HABRÁ HABIDO”

KARLITOS

dos de vampiros que nos chupan la sangre! Yo creo que todo se basa en eso: aquí lo mueven todo los que lo mueven, los bancos, y son los que dirigen y anulan nuestras vidas”.

las mismas cosas que el primero, pues se ha equivocado de grupo completamente, seguro”. ¿De qué quieres hablar ahora? “Este nuevo disco yo creo que es el más personal de todos, porque como hemos dicho hace poco, hay una canción que habla de mis hijos, hay temas que hablan de los miles de problemas que puede tener la juventud de hoy en día… Luego está el tema de ‘Resurgir’, hay otro más personal que lo escribo para un colega, ‘Los Demonios De La Noche’… Quizá es un disco muy sentimental, más personal que otros”. Ante esta crisis, ante este saqueo, supongo que es muy fácil para un grupo como vosotros inspirarse en ello. “Para Non Servium y para cualquiera… Si quieres hablar de eso tienes para hacer 20.000 discos tal y como estamos hoy. ¡Pero si estamos rodea-

Y cuando Rajoy dice que se ha acabado la crisis, ¿qué te parece? “Rajoy no hace más que decir gilipolleces, igual que todos sus colegas, pero yo directamente no presto atención a esas cosas. Que se ha acabado la crisis… Se habrá acabado en su casa, que nunca la habrá habido”. ¿Qué planes tenéis de giras? “Ahora estamos con la gira por todo el Estado, vamos a hacer un montón de ciudades de aquí, vamos a hacer alguna salida por Europa, vamos a Croacia, vamos a Italia, Francia, bastantes lados… Y en enero ya vamos a hacer Suramérica, cuatro ciudades de México, Chile, Colombia, Venezuela, Puerto Rico, no sé si vamos a Brasil o Argentina… Luego de allí vamos a Estados Unidos, a Los Ángeles, Nueva York y San Francisco de momento”. He oído por ahí que te vienes a vivir a Catalunya… “Sí, sí, de hecho estoy buscando casa por aquí ya”.

He estado tres años viviendo en Murcia también, o sea que llevo unos cuantos años que no sé ni dónde vivo, la verdad. Voy buscando mi sitio por ahí… Pero no, me vengo a Barcelona, cerca de mi familia. Tengo a mis hijos aquí y aquí es donde creo que, inevitablemente, está mi futuro”. Ya que dices que tu futuro está en Barcelona, siendo de Madrid, ¿cómo ves el proceso para esa posible independencia de Catalunya? “Tampoco es algo que haya vivido muy de cerca, pero yo siempre estoy de acuerdo en que tanto Catalunya, como Euskadi, como cualquier otro lugar, decidan. Son culturas que se sienten ajenas a lo que se vive fuera de ellas y es totalmente respetable. Es que cuando tú llegas a un sitio así se puede respirar que es un lugar distinto, así que…Quien no lo quiera ver pues no lo ve, pero yo cada vez que subo a Euskal Herria me doy cuenta de que estoy en otro sitio, se respira otra cosa realmente, e igual me pasa aquí”. Y eso no tiene por qué implicar que ni lo uno ni lo otro sea peor... simplemente es diferente. “Qué va, para nada. Exacto”.

¿Y cómo va a afectar eso a Non Servium? “Bueno, ya nos buscaremos la vida.

DISCO DEL MES

Purple (ABRAXAN HYMNS) HEAVY ROCK

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menos que alguien haya estado viviendo en otro planeta, a estas alturas no creo que haya necesidad de volver a explicar el terrible accidente que Baroness sufrieron en 2012, apenas un mes después de haber lanzado su doble Yellow & Green, mientras estaban de gira en Inglaterra. Y si no, siempre está a tiempo de recuperar la entrevista de portada que publicamos el mes pasado y enterarse de todos los detalles. Como el propio John Baizley admitía en ella, el accidente formará parte, para siempre, de la historia del grupo. Pero Purple y todo lo que tenga que venir, que merece ser mucho, debería servir

BARONESS

para que quede como una anécdota, una nota a pie de página. Porque con su cuarto disco, la banda de Savannah, Georgia, demuestra haberse crecido ante las adversidades y entrega un trabajo que la sitúa entre las grandes de su generación. En realidad ya lo eran, porque, sinceramente, Red, Blue y Yellow & Green eran álbumes a tener muy en cuenta, es sólo que aquí parecen haber condensado y a la vez enriquecido todo lo ofrecido hasta ahora. Purple contiene dos de las características que pueden conseguir que me enamore de un disco. Por un lado, una gran carga melódica que hace que las canciones te entren a la primera; quizá

junto al Meliora de Ghost sea el disco de la órbita metalera más pegadizo que haya salido esta temporada. Pero por otro, contiene miles de matices que le dan profundidad a la obra y le otorga un largo recorrido para que no te aburras por mucho que la escuches. La misma atención al detalle que se advierte en las portadas de sus discos, diseñadas por el propio Baizley, tienen su translación en lo musical. En temas como ‘Morning Star’, ‘Shock Me’, ‘Try To Disappear’, ‘Kerosene’ o ‘The Iron Bell’ despliegan su apabullante sonido de alma stoner, mente progresiva, corazón heavy y garra rockera. Inevitable que se te peguen al cerebro en un

par de escuchas... Aunque Baroness brillan incluso más cuando bajan un par de marchas. La instrumental ‘Fugue’ es un medio tiempo de cadencia casi funky que sirve de introducción a ‘Chlorine & Wine’, una de las composiciones más brillantes que hayan firmado nunca. Una balada con reminiscencias de los primeros Metallica que es absolutamente preciosa, épica y con un final de lo más emocionante. Un clásico desde ya. Casi igual de cautivadora resulta la otra balada, ‘If I Have To Wake Up (Would You Stop The Rain?)’, que cierra el disco con mucha clase. Es indudable que

de manera totalmente positiva. El primero le añade, además, con sus teclados un toque psicodélico, casi onírico, que encaja muy bien con el sentimiento del disco. El segundo es simplemente una bestia con tanta fuerza como polivalencia. El hecho de que pudieran girar con el grupo antes de entrar en el estudio sin duda les permitió desarrollar una verdadera química con Baizley y el guitarrista Peter Adams. Y ya que hablamos de ellos, no quiero dejar de destacar los magníficos solos que se han marcado. Cada vez que aparecen elevan las canciones a otro nivel, sonando eufóricos, triunfales, con una fluidez harmónica

“DESPLIEGAN SU APABULLANTE SONIDO DE ALMA STONER, MENTE PROGRESIVA, CORAZÓN HEAVY Y GARRA ROCKERA” los músicos involucrados poseen una gran técnica como instrumentistas, pero al contrario que Mastodon, un grupo con el que comparten muchas afinidades, Baroness no suenan como seres de otro mundo, sino que aparecen mucho más terrenales. A pesar de que la producción de Dave Fridmann (The Flaming Lips, Sleater Kinney) es de todo menos austera, su crudo sonido transmite un espíritu más punk. De igual modo, las incorporaciones de los dos nuevos componentes Nick Jost (bajo, teclados) y Sebastian Thompson (batería) también merecen valorarse

impecable y haciendo que cada nota importe. Es otro de los alicientes de un álbum que, a pesar de tener referencias en sus letras a sangre, heridas, tubos y pastillas, no te hunde en la miseria, sino más bien todo lo contrario. Si alguna lección puede extraerse de lo vivido por Baroness en los últimos años es que aquello de que ‘de algo horrible puede salir algo positivo’ puede ser más que una frase hecha. Contando los días para que llegue marzo y poder escuchar todo esto en directo. Se avecina una tormenta... eso sí, púrpura. DAVID GARCELL

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Lilith Necrobitch (voz), Mark Wild (guitarra), Javi Bastard (bajo), Joe Bastard (batería) PRODUCIDO POR: Javi Félez AFINES A: Aura Noir, Desaster, Sodom PÁGINA WEB: www.facebook.com/KORGULLTHEEXTERMINATORAXETHRASH

KÖRGULL THE EXTERMINATOR

er auténtico. Ése es el grial que persigue todo grupo metálico a tener en cuenta desde que Tony Iommi inventara lo más sagrado. No se puede comprar ni aprender, cuando alguien lo finge huele a chustón, y así, suelen ser los Reborn From The Ashes que ni siquiera lo buscan los (VÁN) que atesoran este don, desde BLACK THRASH luego el más preciado. Sin duda, en nuestro Estado, a Körgull The Exterminator pocos pueden hacerles sombra en cuanto a eso, y Reborn From The Ashes es la enésima demostración de ello, otra lección sincera de caos, agallas y vivir sepultado en el metal subterráneo hasta las últimas consecuencias.

‘Reborn From The Ashes’ y ‘Traitor’s Gate’ son un inicio salvaje de veras, el tanque catalán te pega el pistoletazo de salida en toda la sien, y si su vena más heavy clásica ya aflora a pesar de un blast que anda a matar, en la deliciosa ‘Hatred Rules Again’ ésta adquiere un protagonismo supremo, pese a tampoco no andar faltada de castaña, que digamos. ‘The Stalker’ es la más Motörhead, un cojonudo triunfazo, y con ‘Warriors Of The Night’ podemos decir que lo bordan del todo. Sólo faltaban esos tambores de guerra tan Körgull, ésos que les da ese aire tan Conan… El parón de ‘Wolf Of The Battlefield’ es de lo mejor que

esta banda de cabronazos ha parido nunca, tras él no sabes ni dónde ha ido a parar tu cabeza rebanada, y lo mismo puede ocurrirte ante un verdugo sediento de sangre thrash como ‘Hellish Onslaught’. Ván Records siguen nutriendo el underground de joyitas para sibaritas, demostrando que actualmente en Europa casi nadie tiene una cartera de grupos con semejante pedigrí metálico. Y Körgull a lo suyo, borrachos, pasando de todo y todos, meándose en una escena nacional que, de existir, no se merece una banda tan devastadora. Son de una raza que este país de paletos jamás comprenderá. PAU NAVARRA

HABLAMOS CON... MARK WILD Con cada nueva obra parece que subáis de nivel en cuanto a sellos, fichando esta vez por Ván. ¿Cómo surgió? ¿Os vinieron a buscar, se lo trabajó vuestra agencia en Europa…? “¡No tenemos ningún tipo de agencia, Pau! Cuando teníamos el disco ya grabado enviamos algunos mails a sellos con los que mantenemos contacto para ir trabajando el tema de la edición, y entre ellos, contactamos con Wolf Mülhmann de Sure Shot Worx, con el que hablamos hace meses cuando nos ofreció participar en su festival Hell Over Hammaburg el próximo marzo. Les enseñó el álbum y nos presentó a Sven, y enseguida nos comunicó su interés en publicarlo. Pese a que teníamos otras buenas ofertas sobre la mesa, la decisión fue fácil… ¡Ván Records es uno de los sellos undergrounds que mejor cuidan

y trabajan cada una de sus ediciones!”. Es obvio que Fenriz de Darkthrone os ayudó mucho a colocaros en el mapa, ¿pero qué ha ocurrido a largo plazo? “Podría decirse que aquello fue un buen empujón en su momento, pero no tengo la sensación que a día de hoy siga siendo un tema influyente para nosotros. Siempre le tendremos que estar agradecidos y seguimos en contacto con él, pero todo lo que ha venido después ha ido surgiendo de manera natural y, francamente, siempre he creído que no llegamos a explotar todo el potencial de su Band Of The Week. Digamos que somos un puto atajo de descuidados y que vamos a la nuestra totalmente… (Risas)”. En varios cortes el metal ortodoxo y el thrash subterráneo está más presente… Ahora mismo creo que Razor, a quienes

versionáis, Assassin, Exumer, Sodom o Exciter tienen bastante más peso en vuestro black thrash punkerizado que Aura Noir, Sarcófago o Desaster. “Joder, amamos a todas las bandas que citas, ¡así que me da igual qué influencias se aprecien en nuestra música mientras sea de cualquiera de ellas! (Risas) En realidad no pienso que hayamos cambiado para nada nuestro estilo. ‘Traitor’s Gate’ quizás sea el tema más bestia que jamás hemos hecho, o ‘Addicted To Madness’ el más thrash, pero temas como ‘The Stalker’ o ‘Hellish Onslaught’ los hemos ido haciendo siempre… Son los que más disfrutamos tocando en directo, como ya hemos hecho con ‘Awaiting For Death’s Embrace’ o ‘Black Pandemic’… ¡Me sigue sonando a un disco 100% Körgull!”. (PAU NAVARRA) 103

FOO FIGHTERS Saint Cecilia EP (ROSWELL/RCA)

ROCK

o que en principio iba a ser un EP gratuito a modo de agradecimiento tras el apoyo recibido durante la gira de Sonic Highways, adquirió un nuevo significado tras los atentados de París. Casualmente, Saint Cecilia, además de ser el nombre del hotel de Austin donde Foo Fighters grabaron estas canciones aprovechando su paso por el festival Austin City Limits el pasado octubre, lo es también de la patrona de los músicos, un colectivo directamente afectado tras la tragedia de Le Bataclan. “Ni que sea de manera pequeña, quizá estas

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canciones puedan aportar algo de luz en este a veces oscuro mundo”, escribía Grohl en la carta que acompañó el lanzamiento del EP. Y quizá no llegue a tanto, pero como mínimo ayuda a paliar el mal sabor de boca que la cancelación de las últimas fechas de su gira europea dejó entre sus fans. Grabado en once días y con colaboraciones de Ben Kweller a los coros y de Guy Clark Jr. en el solo de guitarra de la balada campestre ‘Iron Rooster’, este EP recupera un poco la espontaneidad y garra que quizá se echaba de menos en su último trabajo. De hecho, algunas de estas composiciones datan de cuando Grohl grabó caseramente el debut de los Foos. Ya sea con el rock melódico marca de la casa de ‘Saint Cecilia’, el power pop vía Hüsker Dü de ‘Sean’, el homenaje a Motörhead que parece ‘Savior Breath’ o la más compleja y setentera ‘The Neverding Sigh’, queda patente que Foo Fighters brillan más cuando se visten de banda de garaje que cuando se creen demasiado su papel de banda de estadios. JORDI MEYA

PUSCIFER

Money Shot (PUSCIFER ENTERTAINMENT)

ROCK EXPERIMENTAL

eo que nadie, y repito, nadie, nos tomamos en serio a Puscifer cuando asomaron la cabeza en 2007, porque para ser sinceros, ¿quién se toma en serio un disco llamado V Is For Vagina? Pero claro, por muy solemnes que sean las composiciones de Tool y A Perfect Circle, Maynard James Keenan no deja de ser una persona como otra, con la excepción de tener un humor retorcido. Ese humor sigue aflorando en esta tercera entrega titulada Money Shot, pero la oferta sonora coge más enjundia. Keenan ya había advertido antes de su lanzamiento que Money Shot

sería un reflejo de la música que ha estado escuchando todos estos años, y de ello podemos deducir que le pone la música electrónica ambiental, así como el rock más ecléctico. Sin duda toda esta temporada sin lanzar nada nuevo con sus bandas principales ha hecho mella en el artista, y los fanboys de Tool lo disfrutarán en canciones como ‘Galileo’ o ‘Agostina’. Dejarte llevar por una portada absurda o títulos de canciones como ‘Life Of Brian (Apparently You Haven´t Seen)’ sería un error garrafal por tu parte, porque lo que ha hecho Maynard en esta nueva ofrenda es una evolución compositiva mucho más sólida y concienzuda de lo que significó Conditions Of My Parole en 2011. Sin tener la complejidad técnica de sus otras bandas, Puscifer atrapa esa emoción atmosférica que podemos apreciar en A Perfect Circle y la sensación fantasmagórica que te produce escuchar canciones como ‘Schism’ por primera vez. Bien jugado, señor Keenan, bien jugado. JORGE FRETES

LA SELECCIÓN

MINOR EMPIRES United States Of Emergency Vol. 1 (AYUKEN)

ROCK ALTERNATIVO

inceramente, no hubiera apostado por que el proyecto de Minor Empires hubiera tenido más recorrido que su debut y un puñado de conciertos. La complicada agenda de todos sus miembros, así como el abandono amistoso de Víctor y Miguel, ponían en entredicho su continuidad. Por suerte, me equivoqué por completo, ya que no sólo la formación se ha sabido recomponer, sino que encima no nos han hecho esperar demasiado para escuchar sus nuevas canciones. Las aportaciones de Fernando a la guitarra y Reto a la batería han resultado fundamentales para que por fin el combo comience a atisbar su propia personalidad, alejándose del cliché de ser una suma de Nothink y Toundra. Tras una oscura introducción de piano, United States Of Emergency Vol.1 arranca con una inmejorable bienvenida en forma de riff pesado y un estribillo impecable por parte de Juan

con clara vocación de himno llamado ‘The Regrets Of The Dying’. ‘Steps’ y ‘Mirrors’ muestran esa intención de buscar un sonido más elaborado y rico, siempre evitando el camino fácil y abriendo su sonido a nuevas posibilidades. ‘The Distance’ supone el contrapunto, más incisiva y con regusto grunge, al igual que ‘The Escapist’, que cuenta con un intenso intercambio de riffs. La delicada ‘If I’m Gone’, el corte más distintivo del trabajo, marca de manera impecable el ‘continuará...’ de esta aventura. Y es que a pesar de su brevedad, el álbum se ve compensado al saber que dentro de muy poco tendremos una segunda entrega a la que ya nos están entrando ganas de hincarle el diente. Todo un paso adelante. GONZALO PUEBLA

THIRTEEN BLED PROMISES The Black Legend (BLOOD FIRE DEATH)

BRUTAL DEATHCORE

a repercusión que tuvo Heliopause Fleets demostró que este país era un lugar tan válido como otro cualquiera para fabricar deathcore de primera. Algo que, aun sabiendo que la escena estaba creciendo a pasados agigantados, nadie había demostrado de una manera tan evidente. Si algo quedó claro en ese debut, y sigue siendo evidente en su segundo álbum, es que los madrileños prefieren hacer un buen ejercicio de estilo a intentar innovar en un género que pocas variantes puede ofrecer. En resumidas cuentas, Thirteen Bled Promises quieren hacer de la caña más burra su razón de ser, y de eso encontramos un saco bien lleno en The Black Legend. Con su particular temática extraterrestre como punto diferencial, pese a que es imposible entender una sola

IGNITE

A War Against You (CENTURY MEDIA)

HARDCORE MELÓDICO

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ara lo que le cuesta grabar un disco, Zoli Téglás puede sentirse muy orgulloso, ya que los dos últimos que ha llegado a publicar, Our Darkest Days de Ignite y All Or Nothing de Pennywise, pueden contarse sin problemas entre lo mejor que ha dado el hardcore melódico en la última década. Me costaría aventurarme a asegurar lo mismo de un disco como A War Against You tan rápido, pero desde luego no me cabe ni la más mínima duda de que va a colmar todas las expectativas que tienen puestas en él los fans del combo de Orange

palabra de los exabruptos que salen de la garganta de Turri, el quinteto ha crecido en técnica (el paso dado en la producción por Alex Cappa también es digno de mención), y en saber mejor el terreno por el que pisan y dónde puedan dar lo mejor de sí. De ahí que las partes más brutales sean lo más cercano a una de esas taladradoras que te pueden joder la vida. En ‘Year 666 (The First Arrival)’

o ‘Beeldenstorm’ tienes por momentos la congoja de que una mano vaya a salir del estéreo para estrangularte, pero lo que oímos en la parte final, ‘Death Of An Alien’ y ‘The Day After Roswell’, deja la puerta abierta a que los aliens los puedan llevar por otros derroteros más amplios y no tan marrulleros en el futuro. Pero de momento, una buena bofetada con la mano abierta.

County. Porque por mucho que les haya llevado prácticamente una década dar continuidad a su álbum más aclamado, Ignite no se han olvidado de cómo hacer lo que mejor saben. En ese sentido, la única sorpresa la encontraremos en el arranque de ‘Begin Again’, donde nos reciben con un grito de guerra a capela que pillará desprevenido a más de uno, para que rápidamente nos claven un temazo certero. Le seguirán otros igual de triunfales como ‘Nothing Can Stop Me’, ‘This Is A War’, ‘You Saved Me’ o ‘Where I’m From’, de la que también podemos disfrutar

de su versión en húngaro en forma de hidden track. Sobra decir que aunque el resto de sus compañeros están a un gran nivel, Zoli sigue siendo el protagonista absoluto del disco con ese timbre de voz tan reconocible que les hace marcar diferencias dentro la escena. Si tuviera que quedarme sólo con un corte, elegiría sin pestañear ‘Rise Up’, que como bien indica, hace que te vengas arriba inmediatamente. Todo un himno que, junto al resto, ayudarán a renovar su repertorio en directo, que buena falta les iba haciendo a estas alturas.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA

NIGHT BIRDS

Mutiny At Muscle Beach (FAT WRECK)

HARDCORE

os años después de debutar en la escudería Fat Wreck con un discreto 7”, Maimed For The Masses, los Night Birds publican su tercer largo, primero para el sello de Fat Mike: Mutiny At Muscle Beach. En este trabajo encontramos doce temas de punk rock acelerado que el cuarteto dispara en apenas 25 minutos. La música es la válvula de escape para la gran mayoría de los músicos, pero para esta banda deudora de los primeros Black Flag y Descendents es algo más. “Meses viviendo una neblina deprimente,

pensamientos nublados, días repetitivos“, grita su cantante en la inicial ‘(I’m) Wired’, harto de “vivir sólo para sobrevivir”. Las letras son el reflejo de su propia existencia y de su entorno, experiencias vividas en los bajos fondos de New Jersey. “Futuro crudo, realidad sombría, porque la vida no es divertida para mí”, añaden en el segundo corte, ‘Life Is Not Amusement For Me’, muy en la onda de sus compañeros de sello Western Addiction. En Mutiny At Muscle Beach, grabado en directo y analógico como antaño en el vecino Brooklyn por Chris Pierce (Ergs, The Measure), también arremeten contra la doble moral en ‘Lapsed Catholics Need Discipline’, la extrema polarización económica en ‘Left In The Middle’ y la alienación catódica en ‘Golden Age Of TV’, donde ironizan con el mono que provocan esas larguísimas series de televisión. Redondean el disco una versión asalvajada del ‘King Kong’ de los Kinks y la instrumental en clave surf ‘Miskatonic Stomp’. LUIS BENAVIDES

SWALLOW THE SUN

Songs From The North I, II & III (CENTURY MEDIA)

DOOM METAL

finales de 2015 seis valientes fineses se atrevieron con algo con lo que muy pocas formaciones están capacitadas hoy en día: un triple álbum. Pero no tres discos donde uno esté trabajado y los otros dos estén vertebrados a través de burdos descartes o esbozos inconclusos, no… Una obra triple con todas las de la ley, donde cada disco refleje claramente la visión poliédrica que Swallow The Sun tienen del doom metal. Una titánica empresa que, por supuesto, tiene sus luces y sus sombras, pero que desde luego merece la pena aplaudir sólo por

el mero hecho de coexistir con el enclenque tiempo del fast food musical. Si en la primera parte la banda se adentra en su vertiente más reconocible, el doom melódico de elevada carga ornamental, dotando las piezas de una notoria feminidad en las voces, en el segundo va mucho más allá, tirando de su faceta más acústica y otoñal. Es en el tercero, cuando exploran su cara más funeral doom y ambient, cuando me han dejado babeando, demostrando que en articulación doom pocos tienen tamaño dominio de todas sus posibilidades. Aprovecha tu próxima mañana libre en el curro porque la necesitarás entera para empaparte de toda esta espiral de creatividad. Con la de bazofia que se publica actualmente, con el poco valor que la gente le está dando a los discos en estos oscuros días, ante Songs From The North sólo me queda decir una cosa: chicos, los tenéis cuadrados. Un celebrable atrevimiento que dudo mucho vuelva a repetir algún grupo actual. PAU NAVARRA

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STATE CHAMPS

Around The World And Back (PURE NOISE)

POP PUNK

tate Champs parecen haber cogido carrerilla con su segundo disco dentro de la emergente escena del nuevo pop punk. La larga gira de presentación de su debut The Finer Things (2013) les hizo madurar en todos los sentidos y aunque siguen perfectamente ubicados dentro de los cánones del género con dejes de New Found Glory (‘Shape Up’) o de los A Day To Remember más light (‘Losing Myself’), se aprecia una mayor habilidad para jugar con los mismos elementos de siempre. La realidad es que la mayoría

74 108

de estas canciones están repletas de brillantes melodías, que en la voz de Derek DiScanio te enganchan desde el primer momento. Los de Nueva York parece que tengan una mina inagotable de ellas y en temas como ‘All You Are Is History’ o ‘Perfect Score’ las utilizan con descaro, aun sabiendo que perfectamente podrían guardarse algunas para fabricar otros hits a partir de ellas. La balada acústica que da título al disco, a modo de dueto con Ansley Newman de Jule Vera, es otro momento notable acercándose al terreno de The All-American Rejects y sirve como contrapunto a las más guitarreras ‘Eyes Closed’ o ‘Breaking Ground’. Quizá le sobren algunos detalles de producción (los efectos en la voz, el uso de percusiones electrónicas y algunos teclados) que le restan naturalidad a su sonido, pero en general este álbum puede tomarse como un gran paso adelante. DAVID GARCELL

MONSTER MAGNET Cobras And Fire (The Mastermind Redux) (NAPALM)

ROCK PSICODÉLICO

i digo ‘Monster Magnet’ seguramente lo primero en lo que piensas es stoner rock, y si has seguido la carrera de Dave Wyndorf y los suyos, sabrás que el álbum Mastermind de 2010 es uno de esos discos que divide a sus fans. ¿Se trata de uno de los puntos bajos de una carrera excelente? Sea como sea, y tras volver a trazar su último álbum en clave de rock sesentero, Wyndorf no tiene complejos y utiliza ocho piezas del Mastermind para volver a imaginarlas pero con el filtro del rock setentas mas ácido. Eso es lo que es este Cobras And Fire, una vuelta de tuerca a

lo que ya se había hecho en el pasado, con versiones más largas de los temas originales o incluso llegando a mejorar sus propios temas como sucede en ‘Watch Me Fade’. En general, lo que se ha hecho aquí es convertir las canciones en medio tiempos, mejorar bastante la producción y mezcla, y convertir de manera innecesaria a ‘Time Machine’ y ‘The Titan’ en piezas instrumentales que de una manera u otra sobran en el disco. Sólo alguien como Dave Wyndorf puede volver a grabar uno de sus propios trabajos sin que suene a refrito, así como marcarse una versión de ‘Ball Of Confusion’ de The Temptations y vendértelo como si se tratase de un nuevo lanzamiento. En su exploración personal hacia las décadas más psicodélicas de la historia del rock ha logrado lo que pocos han conseguido en una carrera musical: volver atrás sobre sus pasos para insuflar nueva vida a su obra sin renegar del pasado. No es que Cobras And Fire sea mejor que Mastermind, es que simplemente es diferente. JORGE FRETES

CORDURA

El Mal Ya Está Hecho (MONOS SOBRE RUEDAS)

ROCK ALTERNATIVO

a poesía rebelde de La Ridícula Mecánica De La Vida, la crudeza abrasadora de El Incendio Más Largo Del Mundo y el sonido gordo de Metrópolis. El quinto disco de Cordura, el presente El Mal Ya Está Hecho, bien podría pasar como una síntesis de su mejor discografía. Las cuatro piezas de su motor están perfectamente engrasadas en este nuevo viaje, esta vez con ambientación espacial. Anero guía al resto de la banda con una voz muy personal, en primer plano, arrolladora, y también mete unos teclados psicotrópicos

como el de ‘Más Allá Del Muro Del Sueño’, una pieza agitada muy en la onda de Same Old, sus primos hermanos de Donosti. Su compañero Michi bien podría llamarse McReady de apellido, pues muchos de los riffs que salen de su guitarra invocan a los mismísimos Pearl Jam. Sin ir más lejos, el primer corte, ‘En La Zona Negativa’, huele a Seattle por los cuatro costados. ¿Y qué decir de la base rítmica? Mucha presencia, como mandan los cánones del rock duro, y mucha disciplina, sin ganas de protagonismo. La batería de Unai y el bajo de Beko se funden en ‘Justicia Poética’, ‘Ad Astra’ y ’Órbitas Coincidentes’, una de mis favoritas, donde me recuerdan a un tándem de quilates como el formado por Cameron-Shepperd. Grabado a mediados de 2015 en los Beard Studios de Bilbao, El Mal Ya Está Hecho es una nueva colección de temas post grunge hardcorizados que hará las delicias de sus seguidores y servirá para captar nuevos adeptos a la cordurología. LUIS BENAVIDES

DEVIN TOWNSEND PROJECT Ziltoid - Live At The Royal Albert Hall (INSIDE OUT)

PROGRESIVO

o todo el mundo puede tocar en el Royal Albert Hall de Londres, pero es que Devin Townsend no es un cualquiera. Resulta impresionante ver cómo la evolución del músico canadiense desde los 90 lo ha convertido en una especie de semidios con su ferviente culto de acérrimos seguidores. En este CD/DVD presenta el magnífico universo de su criatura Ziltoid en más de dos horas y 24 canciones. Siempre he pensado que lo realmente jodido de los directos es conseguir ese equilibrio en el cual el

material que ofreces no esté lo suficientemente pulido en estudio como para sonar a estafa, pero que tampoco resulte excesivamente crudo como para que parezca registrado grabadora de mano. Townsend es un perfeccionista y, por supuesto, no ha decidido lanzar este Ziltoid Live hasta encontrar este balance. La experiencia es completa: sonido claro y compacto que atrapa a la perfección la emoción de ese público londinense ante tal demostración de calidad. El DVD no se queda atrás, grabado con 15 cámaras y poniendo al alcance de Townsend todo lo que la tecnología puede ofrecer hoy día en este campo. La experiencia de verlo sentado en el sofá de tu casa no será nunca comparable a verlo en vivo y en el momento, pero nuestro calvo favorito y toda la producción que lleva detrás se han encargado detalle a detalle de que todo lo que enseñan sobre las tablas también logre impresionar tus pupilas. Ha conseguido lo más importante: que no resulte un lanzamiento frío o aburrido. JORGE FRETES 109

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Álvaro Escribano (voz, guitarra), Sergio Triviño

(voz, bajo), Joan Lo Coco (batería) PRODUCIDO POR: Koke Díez, Fran Meneses AFINES A: Kick Out, G.A.S. Drummers, Eskorbuto PÁGINA WEB: https://odeon.bandcamp.com/releases

ODEÓN

Rehacer

(SCREAMIN’ BARFLY) PUNK ROCK

o deja de sorprender las vueltas que puede llegar a dar la vida incluso en el mundillo de la música. Hace cosa de cinco años, Kick Out, una de las bandas de punk rock underground más activas de la capital, decidía poner punto y final a su trayectoria tras varios años de carrera y un par de álbumes más que interesantes. Rápidamente, su cantante y guitarrista Álvaro Escribano reunió a varios miembros de Trono De Sangre y Emerge para dar forma a The Hardtops, con los que dio un buen puñado de conciertos. Por desgracia, y a pesar de que al proyecto se le apreciaba el potencial para llegar

lejos, la incompatibilidad de agendas hizo que la historia no pasara de ahí. Es entonces cuando a finales del año pasado, Escri decide llamar a dos de las cuartas partes de Kick Out, Sergio y Joan, para volver a recuperar la vieja sensación de tocar juntos. De ahí saldrá la formación que nos ocupa bajo el nombre de Odeón. Con el espíritu del punk rock intacto pero desde un nuevo enfoque al estar las letras en castellano, los temas de su debut, Rehacer, les dan ese toque reconocible pero también fresco. La producción resulta básica y sin florituras, dotando de un sonido robusto a títulos como la propia ‘Rehacer’ o las más hímnicas

‘Volveremos A Encontrarnos’ y ‘Viendo La Vida Pasar’. Precisamente en estos dos últimos temas, ambos a cargo de Sergio a las voces, se nota un tono nostálgico en las letras, además de acercarles aún más a las bandas de aquí durante las décadas de los 80 y 90. También hay espacio para un declarado homenaje a una banda tan merecida de reivindicar como ‘DDT’, criticar la situación actual de barrios como Malasaña en ‘La Esencia’ o mandar algún recadito a esas bandas que tanto se quejan por nunca llegar a nada con ‘Código’. Un gustazo tenerles de vuelta ‘por primera vez’. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... ODEÓN ¿Cómo surgió la idea de reuniros para montar el grupo? “Kick Out dejamos de tocar en octubre de 2010, pero al ser amigos desde la infancia y tras varios años en los que cada uno estuvo sumergido en diferentes proyectos, teníamos la espina clavada de formar de nuevo un grupo juntos, ya que, independientemente de con quién tocáramos y el estilo de música que hiciéramos, nos criamos y aprendimos a tocar juntos. En muchos sentidos, era como volver a casa de nuevo”. Viendo que en sólo un año ya tenéis vuestro primer disco, teníais las ideas muy claras... “En un principio la intención era más relajada; juntarnos a tocar sin ningún tipo de compromiso ni aspiración. Pero pasado el tiempo, y debido a que, como decíamos, hemos aprendido a tocar juntos, las canciones, el concepto de

grupo y el compromiso surgieron de una forma totalmente natural. Nunca pensamos que después de casi cinco años sin compartir grupo en tan sólo un año, y casi sin darnos cuenta, pudiéramos tener nuestro primer disco, pero desde luego ha sido una muy grata sorpresa”. Escri, tus principales influencias siempre han sido el punk rock ramoniano del 77, el rock’n’roll más clásico y el power pop. Sin embargo, en Rehacer se pueden apreciar otras referencias más cercanas al punk de aquí de los 80 y los 90. ¿Lo ves así? “Sí, absolutamente. Creo que una de las grandes bazas de Odeón es la composición a dos bandas. En Kick Out la música la creábamos entre todos, pero salvo en contadas ocasiones, la aproximación a las letras solía correr por mi cuenta. En Odeón no sucede así,

e incorporamos muchas influencias de Sergio y Joan, lo cual tiende puentes con grupos que nos han marcado mucho a los tres a lo largo de los años y que, sin embargo, nunca habíamos plasmado en nuestra música debido en gran parte a la barrera idiomática”. Por primera vez has escrito las letras en castellano. ¿Por qué? “En realidad siempre fue un tema de debate dentro de Kick Out. Personalmente, aunque siempre había defendido la composición en inglés, he acabado por sentirme completamente a gusto componiendo en mi propio idioma, cosa que Sergio y Joan siempre habían defendido. Sólo he tardado doce años en darme cuenta de que estos cabrones tenían razón (risas). En el fondo, creo que el problema siempre fue un temor a exponerme a través de las letras”. (GONZALO PUEBLA) 111

FIRESPAWN Shadow Realms (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL

G Petrov (Entombed A.D., exMorbid, exNihilist) al micro, Alex Impaler (Necrophobic, Naglfar) al bajo, para las guitarras Victor Brandt (Entombed A.D., exSatyricon) y Fredrik Folkare (Unleashed, Necrophobic), y la bestia de Matte Modin (Raised Fist, exDark Funeral, exDefleshed) tras los tambores. Casi parece una fantasía sexual, ¿verdad? Pues semejante plantel nos dejó a finales de 2015 una de esas perlas que debían ser reseñadas sí o sí, y es que lejos de ser otro supergrupo impostado de artistas venidos a menos, lo que el debut de Firespawn nos depara es calidad, mucha calidad, regurgitada por una pandilla de colegas que lleva años soñando con juntarse, beber birra y deleitarnos con eso que llevan haciendo desde que tienen uso de razón: parir

GOSPELBEACH Pacific Surf Line (ALIVE/POPSTOCK!)

ROCK AMERICANO

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esde el ecléctico sello Alive Records nos llega esta especie de supergrupo que de nuevo nos lleva a pensar que los responsables de esta pequeña independiente saben lo que se traen entre manos. Decimos lo de ‘supergrupo’ porque aquí nos encontramos a unas cuantas sobresalientes personalidades que, si bien no podemos decir que sean grandes estrellas, sí que se trata de tipos muy experimentados con extensas carreras y muchos méritos y kilómetros a sus espaldas. El más conocido quizás sea el gran Neil Casal (con una prolífica carrera en solitario

temazos death metal. Y precisamente lo que más mola de Shadow Realms es comprobar cómo se ha ido imponiendo el distinto estilo de cada miembro en las diferentes canciones, sonando oscurísimas ‘The Emperor’ y la blacker ‘Lucifer Has Spoken’, y luego más que Entombed ‘Imperial Burning’, por citar algunas. Rico en arreglos, entre lo que más llama la atención está Petrov, sacando el

histórico gutural que lleva dentro con una agresividad que le creía ya perdida en estudio. Luego, la brutalidad de ‘Spirit Of The Black Tide’ es de las que hacen pupa, pero la machada de ‘All Hail’ o ‘Ruination’ tampoco es que pierdan fuelle, continuando el trabajo de guitarras arrollador con ‘Necromance’ o ‘Ginnunga’. Lejos del popurrí, esto suena a orgullo y veneración.

y miembro oficial de los Cardinals de Ryan Adams y de la comunidad de músicos que forman la Chris Robinson Brotherhood), pero por aquí también anda Brent Rademaker de Beachwood Sparks o Jason Soda de Everest. Lo que se dice un dream team de auténtico lujo, aunque sea a un nivel underground. Y bien, ¿cómo suenan? Más luminosos que una soleada mañana de primavera. Cogiendo como base ese country rock facturado en la Costa Oeste americana que tan bien recrearon grupos como los Flying Burrito Brothers, esta reunión de amigos nos insufla

un chute de optimismo a base de enormes melodías (el espíritu de Big Star también se deja notar) y radiantes composiciones ideales para escuchar mientras haces kilómetros en tu vehículo favorito. Al parecer, esto va en serio, no sólo se trata de una quedada mientras se cuadran las agendas de los protagonistas, pues estamos hablando de una banda en toda regla cuyos protagonistas han dado lo mejor de sí mismos para parir un álbum que se aleje de la típica congregación de músicos que se juntan para echarse unas risas.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

JOEY CAPE Stitch Puppy (FAT WRECK)

FOLK

finales de 2009 Randal Joseph Cape, más conocido por todos sus seguidores como Joey Cape, anunciaba en su cuenta de Twitter que iniciaba un nuevo proyecto: un sello llamado The Crank Lab para sacar su propia música. Con el tiempo, ese nombre quedó para su estudio de grabación ‘casero’, donde el menudo cantante de Lagwagon también graba y produce a otros artistas en un máximo de siete días (buscad One Week Records, porque la filosofía está muy bien). También en su casa y en una sola semana Cape ha grabado los diez temas del presente Stitch

Puppy, su tercer largo en solitario, publicado por Fat Wreck. El también miembro de Bad Astronaut y los Me First And The Gimme Gimmes, autor de incontables splits y 7’’ en solitario, firma aquí su mejor colección de temas acústicos con la ayuda en el apartado vocal de dos chavales que crecieron escuchando sus discos de Lagwagon. Me refiero a Chris Cresswell (The Flatliners) y Yotam Ben Horin (Useless ID), dos muy buenos cantantes con sendos proyectos acústicos. Instrumentalmente, el disco cuenta con otros dos colaboradores: Brian Wahlstrom y Serina Chang, encargados de acompañar la guitarra acústica de Cape con su piano y su cello respectivamente. Si el año pasado Lagwagon rompieron un silencio de casi nueve años con su disco más metálico, el glorioso Hang, aquí aflora el lado más melancólico de Cape. Todas las letras giran claramente alrededor de la pérdida de seres queridos, de pasar el luto y tirar adelante. Más de un verso, sino el álbum entero, estarán dedicados a su buen amigo Tony Sly. Estoy seguro. LUIS BENAVIDES

CALEXICO

Edge Of The Sun (CITY SLANG)

AMERICANA

i en su anterior disco, Algiers, de 2012, Joey Burns, John Convertino y compañía se habían inspirado en Nueva Orleáns, esta vez el viaje musical les llevó a México DF. Los diez días viviendo en el céntrico barrio de Coyoacán quedan perfectamente impregnados en las composiciones de este octavo disco de la banda, tamizado por trompetas y sonidos tex mex. Un álbum elaborado como una celebración nómada entre amigos, con múltiples colaboraciones de lujo. Para abrir, alt rock de la mano de Ben Bridwell (Band Of Horses), con la enérgica ‘Falling

From The Sky’. Le sigue su amigo Sam Beam (aka Iron & Wine), y la aridez de ‘Bullets & Rocks’. Con Pieta Brown y Greg Leisz, llega el sonido Nashville de ‘When The Angels Played’. En ‘Tapping On The Line’ nos ponemos de pie para recibir a Neko Case. Con la andaluza Amparo Sánchez (Amparanoia) se desborda la cumbia (‘Cumbia De Donde’). Mi momento preferido del álbum es la melancólica ‘Miles From The Sea’, a dúo con la guatemalteca Gaby Moreno (que luego repite en ‘Beneath The City Of Dreams’). La instrumental ‘Coyoacán’ rinde tributo a la base de operaciones, con sonidos mariachis. Y en la recta final, todavía hay tiempo para la aparición de la mexicana Carla Morrison en ‘Moon Never Rises’ (con sintetizadores y dejes ska que hubiera podido firmar el mismísimo Joe Crepúsculo), los griegos Takim en la creciente ‘World Undone’ y Nick Urata (DeVotchKa) en la final ‘Follow The River’. Mestizaje bien entendido con la garantía de veinte años de sólida y respetable carrera. IGNASI TRAPERO

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TEN COMMANDOS Ten Commandos (MONKEYWRENCH)

ROCK, GRUNGE

ay que reconocer que por mucho que a uno le empiece a cansar la moda de los supergrupos, es difícil resistirse a alguna de estas propuestas. Por ejemplo, ¿quién diría que no a escuchar lo que la base rítmica de Soundgarden ha sido capaz de hacer junto a Dimitri Coats de OFF! y uno de los talentos más infravalorados de los 90 como Alain Johannes? O lo que es lo mismo: el debut de Ten Commandos. Como os podéis imaginar con semejante alineación, es fácil adivinar por dónde van los tiros y más todavía si en el primer tema del disco, ‘Staring Down The Dust’, se cuela Mark Lanegan para hacer su colaboración de rigor. Puro grunge desde Seattle en pleno siglo XXI y sonando de maravilla. ‘Outermost Sky’ desprende una atmósfera oscura que para nada habría

BRUCE SPRINGSTEEN

The Ties That Bind: The River Collection (SONY)

ROCK

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he River no es sólo el primer trabajo que escuché de Bruce Springsteen, sino también mi favorito de su discografía. Escuchándolo con 13 años tuve la sensación de que ahí había una puerta al mundo adulto, un mundo que intuía pero que todavía me resultaba desconocido. Había canciones divertidas que te ganaban simplemente por la fuerza torrencial de sus melodías y la energía de una E Street Band que nunca sonó mejor (‘Sherry Darling’, ‘Out In The Street’, ‘Cadillac Ranch’...), pero también un montón de viñetas oscuras en las que se palpaba la

desentonado en mitad de Superunknown, mientras que los riffs de ‘Four On The Floor’ podría haberlos firmado Jerry Cantrell tranquilamente. El groove de ‘War On The Peace’ nos remite directamente a los geniales Them Crooked Vultures, donde también estuvo Johannes. El buen hacer del exlíder de Eleven se deja notar a lo largo de todos los cortes, especialmente en la hipnótica ‘You Might Forget’ y la retorcida ‘Aware’, donde deja clara su fuerte personalidad

como compositor en la que poco tiene que envidiar a los más destacados de su promoción. Hasta Peter Frampton se anima a sacar su marciana guitarra en la instrumental ‘Sketch 9’. Ahora que una lectura tan recomendable como Todo El Mundo Adora Nuestra Ciudad está de actualidad, este trabajo discográfico es una prueba de que aún queda vida en el sonido Seattle más allá de aquellos maravillosos años.

tensión de unos personajes que luchaban por tirar adelante (‘The River’, ‘Stolen Car’, ‘Jackson Cage’...). Un disco lleno de amor, tristeza, sueños y promesas incumplidas. Siguiendo la línea arqueológica de los anteriores box sets dedicados a Born To Run y Darkness On The Edge Of Town, The Ties That Bind: The River Collection permite adentrarte a fondo en el momento creativo del artista. Aunque el documental de una hora de duración que lo acompaña no sea tan completo como en anteriores entregas (el único testimonio es el del propio

Springsteen) y que la mitad de los outtakes ya hubieran aparecido en la caja Tracks, es un placer descubrir joyas inéditas como ‘Meet Me In The City’, ‘Party Lights’, ‘Stray Bullet’, ‘The Man Who Got Away’, o tener por fin la versión original de The River que el de New Jersey entregó a su discográfica antes de que decidiera trabajar un año más en él y convertirlo en un doble álbum. Pero, sin duda, el gran tesoro es el DVD con el show grabado en Tempe, Arizona, en 1980: el mejor concierto de rock’n’roll en el que nunca estuviste.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

SHINING

International Blackjazz Society (SPINEFARM)

ROCK, INDUSTRIAL, JAZZ

uede que a los noruegos Shining se les hubiese conocido en un principio por utilizar elementos del metal extremo para mezclarlos con jazz y así catalogar su música de alguna manera como ‘progresiva’, pero lo cierto es que poco de ello queda. La utilización de un saxofón en las canciones ya no es algo que nos sorprenda, aunque sí resulta curioso cuanto menos la vuelta a un sonido más accesible. International Blackjazz Society suena como si Al Jourgensen y Dennis Lyxzén estuvieran acostándose y componiendo canciones

a la vez. Y no sé hasta qué punto que la banda estuviese trabajando en esta séptima entrega con Sean Beaven haya influido en el resultado final. La saturación de prácticamente todo lo audible en esta entrega refleja su naturaleza industrial, y el nuevo batería Tobias Ørnes Andersen no lo hace nada mal a pesar de sonar genérico en canciones como ‘Last Day’ (¿Cuánto han estado escuchando a NIN?). Si eres de los que empezó a seguirles cuando impresionaron al mundo con Blackjazz y luego tiraron hacia terrenos mucho más avant-garde, este disco te decepcionará completamente. En lugar de estar ante una retorcida visión de lo extremo, estamos ante un disco con mucho groove y una estructura bastante simple. Dicen a veces que cuanto más simple mejor, pero sin duda han perdido un par de fans aquí. Eso no quita que sigan grabando videoclips de la hostia, o que nos presenten verdaderos espectáculos en directo, pero eso no lo es todo. JORGE FRETES

K’S CHOICE

The Phantom Cowboy (MPRESS/WALLABY)

ROCK ALTERNATIVO

n nuestro país K’s Choice fueron unos verdaderos one hit wonder. Tuvieron su momento de gloria con el videoclip de ‘Believe’, incluido en su tercer trabajo, Cocoon Crash, producido ni más ni menos que por Butch Vig. Ese vídeo tuvo una rotación importante en televisión, cuando todavía había programas de música y los grabábamos en una cinta VHS porque no existía YouTube. Hablo de 1998. Encontrarme ahora un disco de los belgas K’s Choice en la cubeta de RockZone ha supuesto para servidor un auténtico viaje

al pasado y un ataque de nostalgia. Mola verlos en activo, y gracias a avances tecnológicos como internet me ha costado más bien poco ponerme al día y recuperar sus anteriores discos. ¡Bendito internet! Puestos a comparar, en el presente The Phantom Cowboy he encontrado un sonido menos alternativo y más clasicote que en sus trabajos previos. Muy recomendables en ‘As Rock & Roll As It Gets’, en el blues desértico que es ‘The Phantom Cowboy’ y en ‘Gimme Real’, construido sobre un riff de puro hard rock. En su nuevo plástico ofrecen, además, un buen puñado de estribillos para grandes estadios, en la onda de los últimos Foo Fighters, como ‘Perfect Scar’, ‘Down’ o ‘We Are The Universe’. La cautivadora voz de Sara Bettens y la maestría a las seis cuerdas de su hermano, Gert Bettens, reclamarán tu atención en todos estos cortes, producidos por el gran Alain Johannes (Chris Cornell, Queens Of The Stone Age). Buen reencuentro. LUIS BENAVIDES

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BASEMENT

Promise Everything (RUN FOR COVER)

ROCK ALTERNATIVO

uera intencionadamente o no, a Basement les salió redonda la jugada de anunciar que lo dejaban en noviembre de 2012. Desde entonces el culto hacia el grupo inglés no ha parado de crecer en ambos lados del Atlántico y su tercer álbum, que verá la luz el 29 de enero, ha levantado un montón de expectativas. Aunque siempre se les asociado con el emo y el post hardcore, lo cierto es que el grunge, en especial Nirvana, siempre ha sido una de las grandes influencias del quinteto, y en Promise Everything han decidido liberarla más que nunca. El

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álbum funciona como un flashback hacia el rock alternativo de los 90, con un juego dinámico entre guitarras distorsionadas y partes limpias. A lo largo de sus diez temas no encontrarás ni un ritmo hardcore al estilo de ‘Plan To Be Surprised’ de su debut I Wish I Could Stay Here (2011), ni tampoco partes demasiado desgarradas. Andrew Fisher ha optado por ejercer un mayor control de su voz y centrarse en su vertiente más melódica; las tonalidades pop harán que por momentos te parezca que estás escuchando a Nada Surf (‘Oversized’) o a un grupo de britpop (‘Aquasun’). La similitud en los tempos provoca que todo el álbum fluya con gran armonía, aun a riesgo de que ningún tema destaque por encima de otro. Pese a eso, la emotividad y su gran destreza para componer canciones redondas (‘Hanging Around’, ‘Blinded Bye’, ‘For You The Moon’) nos llevan a concluir que su retorno es más que bienvenido. JORDI MEYA

THUNDERBITCH Thunderbitch (ATO)

ROCK

i hay alguna pega que se le haya podido sacar a un disco como Sound & Color, que justamente estos días nos estamos hartando gratamente de ver en todas las listas de lo mejor del año habidas y por haber, seguramente sea su pulcra producción y esmero en los arreglos. Para todos aquellos que tal vez echasen en falta algo más de garra en el último plástico de Alabama Shakes, su líder Brittany Howard se ha sacado de la manga Thunderbitch, un proyecto paralelo en solitario que tras una escucha rápida desprende la sensación de ser material descartado para

la banda principal. Y es que este debut homónimo podría haber pasado perfectamente como el segundo trabajo de los de Athens, con un registro más rockero aún si cabe. No cuesta nada imaginarse que el tema de apertura, ‘Leather Jacket’, o la redonda ‘Very Best Friend’ pudieran haber terminado en una hipotética continuación de Boys & Girls. Thunderbitch supone la otra cara de la moneda de los actuales Alabama Shakes. Si en Sound & Color lo que prima es el soul rock elegante y detallista, aquí no hay reparos en lanzarse por terrenos como el proto punk garajero en ‘Wild Child’ y ‘I Don’t Care’ o el desenfado rockanrolero de ‘Eastside Party’ y ‘I Just Wanna Rock N Roll’. Hasta el cierre de la portentosa ‘Heavenly Feeling’ parece querer decirnos que este disco merece su propia atención más allá de ser una mera anécdota por parte de Howard. Una buena manera de mostrar que, a pesar de de los innumerables halagos que le están cayendo por todos lados, esta chica aún mantiene los pies en el suelo y avanza con paso firme. GONZALO PUEBLA

DESPITE THE RAVEN Hereinafter( (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

espite The Raven es el nuevo proyecto de dos componentes de Elemae, una banda de New Jersey en estado de letargo que solía moverse por terrenos post hardcore y emocore a principios de los 2.000. Han pasado ya diez años de la publicación de su trabajo más exitoso, Popular Misconceptions Of Happiness, pero estos viejos amigos no han perdido ni una pizca de la química de entonces. El guitarra Chris Hometonsky y el cantante Craig Cirinelli firman ahora, con ayuda del batería Scott Garibaldi, el

título Hereinafter, un largo musical y líricamente oscuro y profundo. Hay cortes potentes y demoledores, con un sonido muy noventas, como la inicial ‘Elevation Overload’ -una de mis favoritas por esas reminiscencias al Badmotorfinger de Soundgarden-, ‘Man Falls’, ‘The Opportunist’ y la casi stoner ‘Tarred And Feathered’. En este primer grupo de temas directos y fibrosos debo destacar los teclados y las palmas de la vacilona ‘Caught In The Traps’, un tema atrevido y muy rítmico que parece sacado del último largo de Refused. El resto de los once temas que conforman este entretenido largo debut muestran el gusto de la banda por los medio tiempos más cerebrales, con atmósferas ensoñadoras y estribillos épicos, como es la inspiradora ’Where Fear And Courage Meet’, e incluyen capas y capas de rock ambiental, piezas lentas y semiacústicas como ‘Contrition’ e interludios de bella factura al más puro estilo Failure como ‘Neil Downs’. LUIS BENAVIDES

DATURA4

Demon Blues (ALIVE RECORDINGS/POPSTOCK!)

ROCK

simple vista podrían ser la enésima reencarnación de Black Sabbath o una banda stoner más llevando sus amplificadores al límite... Error, un vistazo rápido al personal que integra la banda y ya adivinas que estás ante un combo que ya está entrado en años y que de inexpertos tienen poco. Sus miembros han pasado o siguen estando en bandas tan fiables como The Drones, New Christs, DM3, The Stems o Ripples Soul, y esa experiencia y background la han puesto al servicio de un nuevo proyecto que brilla con luz propia. Comienzan con energía garajera a base de unos cuantos riffs que

harían bailar al mismísimo Lucifer. Imposible para los pies con zarpazos como ‘On With The Tide’, pero su paleta de sonidos es tan variada como el bagaje de sus componentes. La más dulce psicodelia popera asoma resplandeciente en una joyita como ‘Another Planet’, mientras que las guitarras llenas de fuzz y de blues arcaico toman el mando en las salvajes notas de ‘Demon Blues’ o esa hipnótica ‘Hoonsville’. Si eres de los que crees que el rock’n’roll ha muerto, te reto a que escuches las cálidas melodías de ‘Gravedigger Man’ o el denso descenso a los infiernos que representa ‘You Ain’t No Friend Of Mine’, y después me dices si sigues pensando lo mismo. A menudo mitificamos todo el producto americano o británico según sean nuestros gustos, pero en las antípodas se ha hecho y sigue haciendo muy buena música. Satán salve a la isla que nos trajo a Rose Tattoo, AC/ DC, The Living End o Radio Birdman. Quizás Datura4 no lleguen a ese nivel, pero nos ayudan a reafirmar la fe ciega que tenemos en esto del rock’n’roll. ANDRÉS MARTÍNEZ 117

THE AMITY AFFLICTION

NEVER SAY DIE! TOUR 22 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: ENEKO CELESTINO FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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BEING AS AN OCEAN

ue un tour así pase por nuestro país ya debería ser una buena noticia en sí misma, pues demuestra que el público está acercándose al nivel de consumidores de música alternativa del resto de Europa. La parte mala es que, efectivamente, el nivel aún no es el mismo, y eso se notó, ya que la sala apenas pasó del tercio de su aforo. Obviando esta reflexión, nos metemos al ajo. Burning Down Alaska salieron al escenario con una puntualidad británica, e importándoles una mierda si había gente o no, partieron el escenario. Tienen fuerza, melodía, un chaval tocando la guitarra que es para quitarse el sombrero y un gusto excelente. Para mí fueron la sorpresa de la noche. Después de esa avalancha les tocaba el turno a Fit For A King. Ya les tenía el ojo echado y, sinceramente, pensé que iban a estar mejor. Sonaron realmente contundentes, con muchas tablas y actitud, pero no llegaron a destacar sobre el resto de bandas, a pesar de ser buenísimos. Fue un quiero y no

puedo. Quizás les afectó que el público estuviera un poco frío y que el sonido que consiguieron fue peor que el de los anteriores. Como curiosidad, el cantante hizo uno de los screams más largos que he podido ver nunca... de locos. Tras un breve descanso pisaban el escenario Cruel Hand con una actitud, unas formas y un sonido más old school, muy neoyorquino pero con toques más modernos. Una buena mezcla para los que les guste el género. La gente empezó a calentarse con estos tíos. La verdad que, gusten o no, incitan a moverse. Ahora sí, empezaban a salir los platos fuertes de la noche y, de hecho, para mí, Being As An Ocean ganaron de calle. Pocas veces he visto una actitud tan honesta, auténtica, emotiva en un concierto. Te meten de lleno en su sonido y con un frontman así, que no pisó el escenario en ningún momento y cantaba directamente a un palmo de la cara de los asistentes, crearon un ambiente único. Puedes compartir o no sus creencias, pero lo que está claro es que no quieren engañar a nadie.

DEFEATER

Impresionantes. Sólo se pueden decir halagos de esta banda. Se vieron varias caras con lágrimas en los ojos y eso, dentro de una escena donde el postureo está a la orden del día, es importante. Seguidamente salían a volver a la gente loca Defeater, unos señores ahí arriba. Disimulan muy bien que tienen todo perfectamente calculado, parece que estén descontrolados, pero nada más lejos de la realidad... Después de la emoción, el público cambió rápidamente de actitud y los circle pits volvieron a Razzmatazz. Para cerrar este festival y subirlo a otro nivel estaban The Amity Affliction, uno de estos grupos que odias o amas, pero que al final, en directo, te despeinan igual. Sonaron brutales, sonido impecable, ejecución perfecta (con ayuda de bastantes samples) y breakdowns machacones, incluso siendo la rama mas light del metalcore actual. Si nada se lo impide podrían convertirse en los nuevos A Day To Remember. Las canciones y los fans ya los tienen. 119

CARCASS

DEATHCRUSHER TOUR 29 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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NAPALM DEATH

mí no me salen las cuentas. La afluencia de público en Barcelona para ver a bandas internacionales cañeras de nivel se mueve entre las 25 personas para Misery Index o Disgorge hasta alcanzar, de forma muy esporádica, las 800 con una leyenda como At The Gates. Normal que se me quedara cara de tonto cuando comprobé que, asombrosamente, más de 1.800 habían acudido al Deathcrusher Tour en su paso por la capital catalana. ¿Dónde carajo habían estado esas mil, 1.500 almas durante los veinte años que han separado la última visita de Carcass de esta otra? Ya os lo digo yo: anteponiendo la farlopa, los cubatas, la Play 4 y la cristiana familia a lo único que importa, el metal extremo. Visto lo visto, tenemos lo que nos merecemos: la mierda, que este tipo de paquetes

de bandas siempre pasen de largo de nuestro país de posers, de metalheads de tercera regional, que para mí es lo que son este millar y medio que durante el año agotan el cupo de desfase con uno o dos bolos como máximo. Los que creen que pertenecer a ‘la escena’ es descargar cinco álbumes a la semana, rajar en un foro y repartir un par de likes. La excepción nunca confirma la regla: ahora sí tengo claro que no hay nada que hacer, pues nuestro único problema es la desidia. Los optimistas dirán que al menos por una vez un bolo de death metal consiguió reunir semejante gentío, pero lo siento, no es mi caso… Yo lo tengo claro: que nos den por el culo. La presencia de Herod fue testimonial, así que ya con la sala a reventar saltaron al escenario unos Voivod más que bien recibidos. Sobre su show,

pues lo de siempre: para los que los veneran fue la carava, y a los que nunca nos han dicho nada ni sus obras ni sus bolos, pues a pasar el ratín. Luego la orquesta Napalm Death certificó que sigue en caída libre. Eso sí, el público como loco con ‘Scum’ o ‘Suffer The Children’… Es lo que tiene llevar dos décadas sin oír esos temas en directo, por muy cochambroso que sea el sonido, y es que digo yo que de alguna forma hay que sacar el moho de esa cami descolorida de tu juventud... Cada día que pasa dan más pena sobre las tablas, y ni llenar el tiempo con temas supieron, dando demasiada cabida a esos discursos insustanciales que le oímos repetir a Barney como un loro cada puto año. El nuevo guitarra ya podría haber sido Dimebag Darrell resucitado, que esa infecta flatulencia no la salvaba 121

OBITUARY

ni Dios. Unas buenas vacaciones en Birmingham les irían de fábula. Fue salir Obituary y comprobar que por fin la cosa se ponía seria. En estos últimos tiempos la banda se ha puesto las pilas y actualmente cuenta con un empaque y una pegada descomunal. De todas formas, con un show demasiado corto no pudimos más que aseverar que habíamos vivido una versión descafeinada suya en comparación con la sensacional cascada de podredumbre que habíamos gozado de ellos, por ejemplo, hacía sólo unos pocos meses en la Salamandra. Es lo que tiene compartir protagonismo con tanta formación de peso… Igualmente, con ‘Bloodsoaked’, ‘‘Til Death’ o ‘Slowly We Rot’, justos vencedores de la velada, y de largo. Turno para la gracieta de Absolute

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Power… Una gilipollez en el país de los gilipollas, que éstos tuvieron a bien de aplaudir a rabiar, por supuesto. Tras ese tema heidi metalero sin ton ni son, ahora sí, los indiscutibles jefes de la gira tomaron el mando con convicción. Era mi tercera vez con Carcass en el último año y medio, y si en festival presentaron el mejor sonido que haya escuchado nunca en vivo, en la grande de Razz no puede decirse lo mismo. ¿Cómo petar de forma extremadamente nítida al aire libre, a merced de los elementos, y no en sala? Otro despropósito más en la tierra de la sinrazón. Unas voces más dopadas que el pelotón del Tour de Francia ayudaron a Jeff Walker a comandar más que sobrado una de las bandas metálicas más influyentes de la historia, repartiendo con acertada economía

canciones de todas sus épocas, como ‘Buried Dreams’, ‘Cadaver Pouch Conveyor System’, ‘Corporal Jigsore Quandary’, ‘Reek Of Putrefaction’ o la blanda ‘Mount Of Execution’. Lo mejor de la noche, además de una ‘The Granulating Dark Satanic Mills’ que va camino de convertirse en un clásico entre trabajados visuales, sin duda que pidieran disculpas, no sin la socarronería habitual, por ser uno de los pioneros del maldito death melódico. Nos despidieron con ‘Heartwork’ y toda la crew y bandas de la gira encima del escenario, permitiendo a esas cientos de momias volver a su largo letargo de quejas y clases magistrales desde el sofá de casa por cuatro lustros más. El cartel prometía un Macallan de 30 años, pero no tuvimos más que un calimocho de tubo aguado por el hielo.

TH’ LEGENDARY SHACK SHAKERS 26 DE NOVIEMBRE DE 2015 GRUTA 77, MADRID

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: JAVIER PÉREZ

uien haya presenciado alguna vez un concierto de Th’ Legendary Shack Shakers bien sabe que es difícil negarse a repetir con ellos siempre que se pongan a tiro. El suyo es uno de los directos más locos a la par que divertidos que uno pueda presenciar a día de hoy. Su anterior visita hace tres años ya nos dejó noqueados por completo y aguardábamos impacientes tener una nueva oportunidad para sentir en nuestras propias carnes esa desquiciada cocktelera de psychobilly, country, bluegrass, punk y música circense con acentazo redneck. La publicación de su primer álbum en un lustro, The Southern Surreal, era la excusa idónea para volver a tenerles de gira por nuestras tierras, aunque cualquier otra nos hubiera valido también. Curiosamente, la cita se celebraría en el mismo emplazamiento que en 2012, la Gruta 77, un local perfecto para una banda como la de Kentucky. Y es que a pesar de

que sus seguidores por aquí no son precisamente numerosos, los que ya les tienen fichados saben que son pura dinamita sobre un escenario. Justo antes de entrar, estuvimos rememorando con el mismísimo Coronel J.D. Wilkes su anterior visita y todas las majaderías imposibles que le vimos realizar aquella noche. “Bueno, ahora somos tres años más viejos”, nos reconoció divertido. Parte de razón no le faltaba, ya que en esta ocasión se mostraron ligeramente más comedidos. Pero claro, hablamos uno de los mejores frontmen a corta distancia que existen sobre la faz de la tierra, y ése no es un título que le regalen a uno en la tómbola. Durante una hora que nos pasó como un rayo, Wilkes se dedicó a exhibir su repertorio habitual de muecas, lanzar proyectiles nasales al respetable con una potencia que ya quisieran para sí muchos futbolistas, colgarse del techo y ser llevado en volandas por el público hasta el centro de la sala. Hay

que verle en vivo para saber realmente de lo que estamos hablando. Un verdadero showman. El resto de sus compañeros, a pesar de evidenciar estar a galaxias de distancia en cuanto a carisma se refiere, cumplieron sobradamente como apoyo. Faltó esta vez el contrabajista Mark Robertson y regresaba Brett Withacre a las baquetas tras una complicada operación de corazón que, según nos contaron, casi estuvo a punto de mandarle al otro barrio. El seminal Cockadoodeldon’t sigue siendo la espina dorsal de su repertorio, aunque el ataque despiadado a golpe de armónica y banjo es tal que poco importa qué tema esté sonando, salvo ‘Blood On The Bluegrass’ e ‘Ichabod!’, donde la gente suele venirse más arriba. Con el clásico ‘Shake Your Hips’ y tras pedir disculpas a un fan de la primera fila al que habían roto las gafas tras un lance, abandonaron el lugar del crimen como si nada hubiera pasado. Angelitos. 123

BRING ME THE HORIZON 28 DE NOVIEMBRE DE 2015 ALEXANDRA PALACE, LONDRES (INGLATERRA) TEXTO Y FOTOS: ALEJANDRO LOZANO

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uede que Bring Me The Horizon hayan protagonizado una de las transformaciones más destacables dentro del metal (si es que se les puede relacionar aún con ese estilo) en lo que va de década, contentando a unos y disgustando a otros, pero es cuanto menos elogioso que con tan notable cambio se hayan mantenido en la misma dirección ascendente. Los que no apostaron por ellos en un principio tienen que lidiar estos días con ver al architatuado cantante y el resto de su banda influir a toda una generación de jóvenes (y no tan jóvenes) fans que han ido cultivando gracias a un duro trabajo en lo musical, y por qué no decirlo, gracias también a una buena visión comercial de la que Oli Sykes supo sacar partido desde muy temprano. La cita que daba lugar en el legendario Alexandra Palace, por supuesto iba a contar con un lleno hasta la bandera en esta primera gira de presentación del impecable That’s The Spirit, que pronto presentarán en España de la mano de esta revista. Casi una hora tuvimos que aguantar bajo el viento

y la lluvia que azotaba a la capital inglesa para que nos consiguieran dar las correspondientes acreditaciones. Una vez dentro llegábamos a tiempo para ver cómo los primeros invitados iban a calentar a las más de 8.000 personas que ya llenaban el acristalado recinto. Los americanos PVRIS tendrían tiempo para demostrar en su media hora reglamentaria que aunque algunos les comparen con Paramore por el parecido registro de su cantante Liyndsay Gunnulfsen, éstos saben diferenciarse con un estilo algo más oscuro de rock y electrónica, que poco se parece a los de Hailey y compañía en temas como ‘St. Patrick’ o ‘My House’. Pasado su turno, los galeses Neck Deep desplegaron su efervescente pop punk de aire californiano, sorprendiendo nada más salir con la colaboración de Sam Carter de Architects en ‘Citizens Of Earth’ para enchufar al personal. Contaron con mucho apoyo del público y se corearon canciones como ‘Loosing Teeth’, ‘Kali Ma’ o la final ‘What Did You Expect?’, que terminaron con la coña de “You will be

fine you fucking asshole” como guiño a Blink-182, su máxima influencia. Llegaba el momento del espectáculo y el magistral escenario del Ally Pally iba a ser foco de miradas desde que se encendiera su espectacular pantalla de fondo para recibir a los de Sheffield, que abrieron con ‘Doomed’, ‘Happy Song’ y ‘Go To Hell For Heaven Shake’. El repertorio estuvo dedicado a su última obra y al anterior Sempiternal, y aunque podría suponer un conflicto entre sus más antiguos seguidores, hay que reconocer que ‘True Friends’, ‘Shadow Moses’, ‘Throne’ o ‘Drown’ se han convertido instantáneamente en clásicos que hacen de ‘Chelsea Smile’ un puro trámite en los directos. Oli y el resto del grupo brillaron durante la hora y cuarto de show, pero les sigue faltando más tiempo sobre el escenario para estar a la altura de una actuación principal, que lejos de ser comparadas con bandas que ya no se encuentran tan inspiradas en lo musical, sí que podríamos decir que han ocupado el hueco que han ido dejando. En abril les esperamos. 125

GHOST 30 DE NOVIEMBRE DE 2015 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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ocados por la varita mágica de los grandes. Toda una Apolo de Barcelona que se quedó pequeña para la primera visita en sala de la banda del momento. Un público extasiado, todo el papel vendido. La velada perfecta. Cónclave cerrado. In nomine Satanis, yo os bendigo. Tras unos Dead Soul curiosos, aunque poco más, tocaba santiguarse y asistir al que, presumiblemente, iba a ser el concierto del año. Luces apagadas y focos rojos, el ‘Masked Ball’ de Jocelyn Pook, una obra maestra de lo oscuro y prohibido, poniéndonos la piel de gallina, como cuando los cinco Nameless Ghoul y Papa Emeritus III salieron a escena para oficiar una misa solemne con ‘Spirit’ como salmo inicial. Comunión perfecta desde el primer instante entre banda y público, que cantó cada uno de los temas, esta vez sí, como si le fuera el alma en ello. El bajo de ‘From The Pinnacle To The Pit’ puso el ritmo en el cuerpo al respetable, tan variopinto como entregado, pero fue la liviana guitarra de ‘Ritual’ la que incendió aquello. Un sonido en el que podías cenar, impoluto, a excepción

de un teclado algo flojo de volumen según dónde estuvieras situado en la sala. ‘Con Clavi Con Dio’ y el recinto patas arriba; nunca oí chillar tan fuerte el nombre de pila de Mi Señor Lucifer. Éste escuchó, piadoso, como siempre, pues hay una guerra que ganar, y así nos concedió un setlist de escándalo, imperial e inmaculado, 15 temazos que van todos ellos camino del clásico, un repertorio tan selecto y majestuoso que varias leyendas ni en 30 años han logrado. ‘Per Aspera Ad Inferi’, y nuestro Vicario del Anticristo con una voz angelical, si me permiten la expresión, llevándonos al verdadero cielo del pecado, la lujuria y el rock’n’roll. La excelsa clase de ‘Body And Blood’ nos sacudió hasta lo más recóndito de nuestro ser, pero fue ‘Cirice’ la que alcanzó el primer clímax orgásmico, aunque no el último… Gestualidad impecable del frontman, maliciosamente dicharachero y atractivo; algo malévolo insufla su arte. Aquí hasta los pipas iban de etiqueta. ‘Year Zero’ sentó como las trompetas que anuncian al arcángel San Gabriel, me resulta imposible imaginar ahora mismo una canción con

tanto poder, y a su vez, tan refinada y pulcra. ‘He Is’, temazo de 2015, y por poco nos hizo llorar. Cuando entra esa batería tan Simon And Garfunkel no puedo más que emocionarme, y aunque hay más de Beatles que de Mayhem, tengo a este culto como muy mío. Qué solos, menuda pegada, nirvana con ‘Absolution’, tercer advenimiento del macho cabrío con ‘Ghuleh/Zombie Queen’. Me rendí, soy vuestro. Su versión ‘If You Have Ghosts’ hizo perder la cordura al que aún no estuviera rendido, y ‘Monstrance Clock’ acabó por mandarnos directos al ansiado averno, cogidos de las manos, con el espíritu elevado. Las formaciones que aspiran al mito son las que son capaces de llevar sus obras de estudio a otro nivel en directo. Cuando un grupo consigue aglutinar black metaleros, rockeros y modernos por igual, es que está capacitado para cualquier cosa y no puede más que crecer a pasos agigantados. Por cierto, la banda se llama Ghost y es muy probable que pase a la historia. Querido Emeritus, en breve nos vemos en la grande de Razz. Démosles su catedral. 127

BIRDS IN ROW 9 DE DICIEMBRE DE 2015 SALA BE GOOD, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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PLEASE WAIT

WANK FOR PEACE

espués de la locura vivida en su anterior visita a Barcelona hace un par de años, había ganas de volver a disfrutar del directo de Birds In Row, uno de los mejores representantes de la escena screamo francesa. El menú se presentaba de lo más completo con la presencia de los también galos Wank For Peace y de Please Wait. Los de Sant Feliu de Guíxols siguen creciendo. Que no te engañe su aspecto de alfeñiques ni el que su batería parezca que no tenga ni edad para comprar tabaco porque a la que se ponen a tocar juntos, suenan de lo más robustos. Magníficas líneas de bajo, grandes melodías, la irrespetuosa energía con la que Borja toca la guitarra y un repertorio bien cosido con mucho de emo noventero y aires de los primeros Title Fight hacen que te atrapen desde el primer momento y mantengan tu atención hasta el final. La cantera de Sant Feliu sigue en buenas manos. Para ser sincero, a Wank For Peace no los había escuchado en mi vida,

y ahora me arrepiento porque según anunciaron repetidas veces, después de esta gira lo van a dejar. El quinteto de Angers practica un hardcore punk vitalista con la voz rota de su entusiasta cantante Flo como contrapunto a los coros melódicos a tres voces de sus compañeros. Su set fue corto pero suficiente para comprobar que, además de sonar muy compactos, tienen grandes temas como ‘The Sleepless’ o ‘We’re Not Dead Yet, Sorry’, en la que sonaron como unos The Wonder Years más core. Entre canción y canción, su vocalista no dejó de transmitir mensajes positivos. Esperemos que les sirvan para pasarse el disgusto de que una semana más tarde en Bilbao les abrieran la furgoneta y les robaran todo el dinero del merchandising. Birds In Row se tomaron su tiempo antes de empezar su actuación. Lo primero que sorprendió es el cambio radical de imagen que ha realizado su cantante y guitarrista. Si antes llevaba melena y tenía un aspecto totalmente andrógino, ahora lleva el pelo corto (a excepción

del flequillo) y luce bigote. Me imagino que un comentario así de superficial puede tocarles los cojones, dado que sólo quieren que se hable de su música (su caras siempre aparecen cortadas en las fotos promocionales y ni siquiera han hecho públicos sus nombres), pero es que sinceramente me llamó la atención semejante transformación. Lo que apenas ha cambiado es la intensidad con la que tocan. Empezando al igual que en su último EP con ‘Intro’ y ‘Torches’, el trío llenó de magnífico ruido las paredes de la sala. Sabíamos que su concierto sería breve –no suelen tocar más de media hora-, así que disfrutamos a tope de sus subidones atómicos y temas como ‘Pilori’ y ‘You, Me & The Violence’. Lástima que sus arengas en favor de los derechos de los animales y de la tolerancia no fueran captados por un par de gilipollas que se dedicaron a dar por el culo en el pit. Y es que, a menudo, los que la lían más queriendo demostrar lo muy fans que son de un grupo en realidad demuestran que no se enteran de nada. 129

PERIPHERY 15 DE DICIEMBRE DE 2015 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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VEIL OF MAYA

as dos fechas de Periphery en Barcelona y Madrid debían servir para tomarle la temperatura a la popularidad del grupo y, de paso, de la escena djent en nuestro país. Y visto que medio llenaron la sala grande de Apolo y agotaron las entradas en Caracol, los involucrados pueden sentirse relativamente optimistas. Además del sexteto de Washington D.C., el paquete presentaba a otras dos bandas de interés. Los primeros, Good Tiger, llegaban como representantes de la escena británica. En sus filas militan excomponentes de grupos como Tesseract, The Safety Fire, The Faceless y Architects, así que era más o menos imaginable por dónde irían los tiros... Aunque una vez empezaron a desgranar los temas de su recién publicado debut A Head Full Of Moonlight vimos que su intención parece querer acercase más a The Mars Volta (algo en lo que tiene que ver el agudo registro vocal de Elliot Coleman) que a sus compañeros de gira. Dejaron una buena impresión,

sobre todo el batería Alex Rüdinge, aunque les faltaría dejarse ir un poco más para enganchar de verdad. Mucho más sueltos y agresivos se mostraron Veil Of Maya. La guitarra rosa y las zapatillas a juego de Marc Okubo (que por cierto, se parece un huevo a Neymar) contrastaban con los sincopados riffs que disparaba desde el escenario. No todos sus fans han encajado bien las incursiones melódicas de su nuevo vocalista Lukas Magyar en su último álbum Matriarch, pero la verdad es que temas como ‘Ellie’, ‘Three-Fifty’ o ‘Mikasa’ funcionaron bastante bien, aunque también es cierto que fue ‘It’s Not Safe To Swim Today’ de su segundo disco la que provocó el mayor circle pit. Visualmente entretenidos, con el vacilón Okubo y el bajo de siete cuerdas de Danny Hauser como centros de atención, los de Chicago estuvieron a la altura de lo que esperaba. Teniendo dos discos, Alpha y Omega, que presentar de su nueva obra Juggernaut, me sorprendió que

Periphery optaran por empezar su concierto con ‘Muramasa’, ‘Ragnarok’ y ‘Masamune’, tres temas de su anterior disco II: This Time It’s Personal. Quizá es una manera de atrapar fácilmente a los fans, pero no acabé de entender que a lo largo de la noche sólo sonaran tres temas de Alpha y tres de Omega, cuando en teoría tan orgullosos están de ellos. Eso sí, el bis lo reservaron para ‘Four Lights’ y ‘Stranger Things’ de su última entrega. Como era de esperar, la banda suena de muerte y lleva un juego de luces sencillo pero efectivo con dos torres que parpadean sincronizadas con los ritmos. Spencer Sotelo, oculto casi toda la noche bajo una capucha, se mostró muy seguro con su voz, aunque algo falto de carisma. De todas formas, verle en el límite del escenario con el bajista Adam Getgood y los tres guitarristas Misha Mansoor, Jake Bowen y Mark Holcomb es una estampa que encarna el potencial del grupo. Sólo les hace falta que su indudable técnica no les haga sonar tan mecánicos. 131

TREMONTI 28 DE NOVIEMBRE DE 2015 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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ark Tremonti es conocido por ser el guitarrista de Alter Bridge, quienes en los últimos años han ganado un gran seguimiento en Europa y, por supuesto, por su anterior banda, Creed. También ha sido encumbrado por las revistas de guitarristas como uno de los mejores seis cuerdas de hard rock actuales. En 2012, mientras Myles Kennedy se tomó un descanso de Alter Bridge para girar junto a Slash, Mark aprovechó la oportunidad para trabajar en un proyecto en solitario, con canciones que no encajaban en sus otras bandas pero que no quería que quedaran inéditas. Ese mismo año editaba All I Was, el debut de Tremonti, en el que se estrenaba como cantante. Después de la buena respuesta obtenida, y sintiéndose más cómodo en su nuevo papel, Tremonti se convirtió en una banda de verdad con Wolfgang Van Halen al bajo, Eric Friedman como guitarra rítmico y Garret Whitlock a la batería. Con ellos grabó un segundo álbum, Cauterize, que es el que venía a presentar por primera

vez a nuestro país, eso sí, con Tanner Keegan sustituyendo al hijo de Van Halen. A medida que me acercaba a Razzmatazz 2, me di cuenta de que había un gran dispositivo de seguridad. Teniendo en cuenta que sólo hacía dos semanas desde la tragedia de París, era comprensible, pero me sorprendió que sólo cacheasen a los hombres. Si se hacen controles al menos deberían hacerse bien... si no, ¿qué sentido tiene? Los teloneros eran The Raven Age, una banda de metal melódico de Londres que acaba de sacar su primer EP. Calentaron al público con temas como ‘Uprising’, ‘Eye Among The Blind’, ‘The Death March’ y ‘Angel In Disgrace’. Su energía era destacable, pero tampoco nada espectacular. Lo que más amo de Alter Bridge es la combinación entre la destreza guitarrera de Mark y la increíble voz de Myles Kennedy, así que tenía curiosidad por ver cómo se las apañaría Mark como frontman. Ante una sala medio vacía, Tremonti empezó con el tema titular de su nuevo álbum. Riffs poderosos y una gran melodía nos pusieron a tono para

la noche. Obviamente no tiene la voz de Myles y le falta un poco de carisma escénico, pero la verdad es que es un vocalista bastante bueno. El sonido de su banda es mucho más duro que el de Alter Bridge, y lo que más me convenció son los elementos de thrash y speed metal combinados con melodías vocales y solos memorables, algo que no es demasiado común en ese género. Pude escuchar algo de Soundgarden en ‘Flying Monkeys’ y algo de Alice In Chains en la tenebrosa ‘Brains’. Tiene un talento increíble para construir canciones bien estructuradas y pegadizas, pero a la vez diabólicas y poderosas como ‘Providence’, ‘Dark Trip’ o la dura ‘Arm Yourself’, con la que animó a la gente a formar un circle pit. También pudimos escuchar ‘You Waste Your Time’, ‘All I Was’, ‘So You’re Afraid’, ‘The Things I’ve Seen’, ‘Radical Change’, ‘Decay’, ‘Another Heart’ o ‘Sympathy’, antes de terminar con ‘Wish You Well’, con la que prometió volver a España. Esperemos que ante algo más de público. 133

DE GIRA

NO TURNING BACK

11 DE ENERO SALA KING KONG, ZARAGOZA 13 DE ENERO NAFARCORE FEST, PAMPLONA 16 DE ENERO LATA DE ZINC, OVIEDO 17 DE ENERO LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 18 DE ENERO SALA BARRACUDAS, MADRID

cabáis de tocar en el último concierto de Bane en Europa. ¿Cómo fue? ¿Qué significan Bane para ti? MARTIJN (voz) “Fue increíble y un gran honor tocar en ese concierto. Bane es una banda con la que todos crecimos y que respetamos por todo lo que han hecho por la escena. La respuesta del público fue genial para todos los grupos. Fue uno de los mejores conciertos de 2015”.

Never Give Up se editó a principios de 2015. ¿Ha sido un buen año para vosotros? “Editamos Never Give Up la primera semana del año y la respuesta ha sido muy buena. Ha gustado a mucha gente y cuando tocamos los nuevos temas en directo la respuesta ha sido excelente desde el principio,

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19 DE ENERO ACD HOLLÄNDER, SEVILLA 20 DE ENERO SALA VELVET, MÁLAGA 21 DE ENERO GARAGE ROCKZONE, MURCIA 22 DE ENERO ÁGORA LIVE, VALENCIA 23 DE ENERO ESTRAPERLO, BADALONA

así que ha sido un gran año para No Turning Back. Tocamos en festivales maravillosos como el Groezrock, el Resurrection Fest y el Ieperfest. También hicimos la gira por clubes True Spirit junto a Turnstile y fue muy bien”. A la hora de hacer nueva música, ¿estáis tentados alguna vez de hacer algo completamente diferente? ¿Habéis descartado temas simplemente por que no sonaban a No Turning Back? “Nuestros temas son reconocibles desde el primer segundo. Llevamos tocando 18 años y no pensamos dejar un estilo que amamos tanto. No vas a escuchar voces limpias y un montón de solos o lo que ahora está de moda, y dejará de estarlo de aquí a un año o dos. Nos gusta nuestro hardcore de la manera en la que lo

hacemos: hardcore auténtico, espíritu auténtico”. Vuestra gira española tiene un montón de fechas... ¿Qué recuerdos tenéis de nuestro país? “Nuestro primer concierto en 2001 implicó una larga ruta desde Holanda hasta el Bilbao Hardcore Fest. Condujimos hasta ahí sólo para ese concierto, pero lo pasamos genial. 17 horas en la carretera, 24 horas en el festival y 17 horas de vuelta en nuestra furgoneta mierdosa. Nuestra primera gira en España fue en 2003 con Born From Pain. Desde ese día supe que es lo que quería hacer: girar más. Tenemos muy buenos recuerdos de las incontables veces que hemos reventado la sala Barracudas de Madrid, la amistad que tenemos desde 2003 con la familia de HFMN, el concierto

AGENDA ENERO en la playa de El Masnou, los conciertos locos en Girona. ¡Un montón de recuerdos!”. Borja de We Ride va a tocar con vosotros en este tour… “Sí, nuestro viejo amigo Borja nos va a ayudar en esta gira porque Emiel no puede hacerlo por asuntos familiares. No dudamos ni un momento en pedirle que compartiera escenario con nosotros. Es la manera perfecta de pasar diez días con nuestro hermano Borja”. Lleváis 18 años en activo. ¿Es complicado mantener la misma pasión y compromiso? “No, mi amor por el hardcore no para de crecer, aunque ha cambiado. Al principio sólo era la agresividad y la pasión de la música lo que me atrapó. A lo largo de los años, y sobre todo estando de gira con No Turning Back, he aprendido a apreciar la escena, la amistad y la hermandad que hace del hardcore algo tan especial. Cuando la pasión y el compromiso se acabe, será el final de la banda. Pero no puedo imaginarme una banda sin ella. Todo nuestro tiempo está dedicado a dar a conocer nuestra música y nuestro mensaje por el mundo”. Se os considera una de las bandas de hardcore más importantes de Europa. ¿Sois conscientes de vuestra influencia? “El llevar 18 años hace que mucha gente haya crecido con nosotros. Hemos girado por muchos lugares que las bandas europeas no habían pisado antes. Es genial ver que otros grupos siguen nuestros pasos, del mismo modo que nosotros hemos seguido los de otros. Estamos orgullosos de formar parte de ese ciclo y devolver algo a la escena”. ¿Y qué opinas de la escena actual? ¿Te gusta lo que ves? “Llevo escuchando hardcore desde 1994 y empezamos con el grupo en 1997. Siempre escucho que los viejos tiempos eran mejores, pero ahora hay un montón de bandas geniales como Turnstile, Mad At The World, Redemption Denied, Jail, Ashes, y otros grupos como Risk It, World Eater, For The Glory, We Ride, Nasty. La energía de esos grupos no es distinta a la de los grupos con los que crecí. El hardcore sigue muy vivo”. (JORDI MEYA)

THE ARISTOCRATS 20 SEVILLA, 21 MURCIA, 22 MADRID, 23 ALMÀSSERA, 24 BARCELONA THE BLACK DAHLIA MURDER 28 MADRID, 29 BARCELONA BRYAN ADAMS 24 GRANADA, 28 MADRID, 29 BILBAO, 30 BARCELONA CHEAP WINE 21 GUADALAJARA, 22 ALCALÁ DE HENARES, 23 ZARAGOZA, 24 CASTELLÓN DE LA PLANA, 26 ORIHUELA, 27 TARAZONA DE LA MANCHA, 28 MADRID, 29 ZAMORA, 30 A CORUÑA, 31 ALDEA DE SAN MIGUEL COHEED AND CAMBRIA 22 MADRID, 23 BARCELONA THE DARKNESS 14 BARCELONA, 15 MADRID, 16 BILBAO DOPE D.O.D. 21 MADRID, 22 BARCELONA EXUMER 28 BARCELONA, 29 ZARAGOZA, 30 GRANADA, 31 MADRID FOALS 30 MADRID, 31 BARCELONA GREENLEAF 17 LEÓN, 20 ZARAGOZA, 21 GIJÓN, 22 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 23 MADRID, 24 BARCELONA HOZIER 17 MADRID, 19 BARCELONA JOHN HOWARD 15 BARCELONA THE MACCABEES 5 BARCELONA, 6 MADRID MARS RED SKY 21 ZARAGOZA, 22 MADRID, 24 BARCELONA NOA GUNDERSEN 23 BARCELONA, 24 MADRID PETER PAN SPEEDROCK 21 BARCELONA, 22 ZARAGOZA, 23 LEÓN, 24 SAN SEBASTIÁN, 26 CANGAS DO MORRAZO, 28 ESTEPONA, 29 MADRID, 30 VITORIA, 31 BARAKALDO THE QUIREBOYS 21 ZARAGOZA, 22 VALLADOLID, 23 MADRID, 24 SEVILLA ROBERT FOSTER 13 MADRID, 14 BARCELONA THE RUBINOSS 13 BARCELONA, 15 VALENCIA, 16 MURCIA, 17 CASTELLÓN DE LA PLANA, 20 ZARAGOZA, 21 BILBAO, 22 SANTANDER, 23 MADRID TALCO 29 VIGO, 30 LANGREO THEM VIBES 21 A CORUÑA, 22 CANGAS DO MORRAZO, 23 AVILÉS, 24 ALDEA DE SAN MIGUEL, 25 LEÓN, 26 OURENSE, 27 ESTEPONA, 28 SEDAVÍ, 29 CASTELLÓN DE LA PLANA, 30 BARCELONA, 31 TORREDEMBARRA VENOMOUS CONCEPT 15 BADALONA

FIGURAS COLATERALES EN LOS TRES AÑOS QUE LLEVA EN EL MERCADO, LA REVISTA SATÍRICA MONGOLIA HA SABIDO PLASMAR EN SUS PÁGINAS EL PENSAR DE UNA GRAN CANTIDAD DE GENTE CANSADA DE LA CASA DE PUTAS EN LA QUE SE HA CONVERTIDO ESTE PAÍS. POR ELLO, PESE A LOCO DE LA AVENTURA, NO SORPRENDE QUE EL NOMBRE MONGOLIA YA SEA PARTE DE LA CULTURA POPULAR DE AQUÍ, Y SU INFLUENCIA HAYA IDO MÁS ALLÁ DE LA DE UNA PUBLICACIÓN CUALQUIERA. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: NADIA TOSI

NO DE ESOS ejemplos que demuestran que Mongolia ya es una garantía de calidad y nombre del que te puedes fiar es la edición de Mongolia Mix Volumen 3, su primera incursión dentro del mundo discográfico. Un excelente y variado recopilatorio de canciones que, por un motivo u otro, son importantes para ellos, al cual le da el toque de distinción el exquisito libreto que lo acompaña. Dos de los pesos pesados de Mongolia, Edu Galán y Darío Adanti, nos hablan no sólo de cómo se ha gestado este proyecto, sino de otras muchas cosas sobre la revista, un ejemplo de cómo se puede hacer que algo funcione pese a nadar contracorriente y tener que luchar con enemigos tan poderosos como la crisis de la industria editorial, la censura o la cultura de lo políticamente correcto. La actualidad la marca el recopilatorio Mongolia Mix Volumen 3. ¿De dónde nace la idea de editar un disco-libro? EDU GALÁN “Llevábamos mucho 136

tiempo pensando en editar un librodisco y la verdad es que la oportunidad se dio a través de Universal Music, que nos permitió acceder a su catálogo y editar un libro que acompañase toda la locura de Mongolia hablando sobre la música sin ningún cortapisa”. DARÍO ADANTI ‘Intentamos llevar el humor salvaje y delirante a todos los formatos posibles. Después de todo la comicidad es una mirada, y tú la mirada la puedes posar en cosas muy diversas’.

Cartney, como el libro, son una muestra de un curro bien hecho. La verdad es que estamos muy contentos”. DARÍO “Creo que a principios del siglo XXI no caímos en la cuenta de que los formatos se sumaban, el libro digital no mata al libro en papel, sino que lo reconstruye como objeto para un nicho diferente y un momento diferente. Lo mismo pasa con los discos, los vinilos, y otros formatos anteriores a la explosión digital. Negar lo digital es absurdo, pero no disfrutar de otros formatos también lo es”.

Definitivamente os encanta ir a contracorriente editando una revista y un disco en momentos de total crisis de ambas industrias. Querer es poder, supongo... EDU “Sí, nosotros somos muy de apostar por industrias del siglo XX (risas). No, en serio, nosotros creemos que aún existe un mercado de lectores/compradores que aprecian las cosas bien hechas: el Mongolia Mix es un ejemplo. Tanto la recopilación, con temas de Blondie, Battiato, Jonathan Richman, Ilegales o Paul Mc-

La presentación es sencillamente fantástica. Explicadnos un poco el proceso de cómo se fue gestando. Me imagino que tuvisteis absoluta libertad a la hora de hacerlo... EDU “Pues el libro de Mongolia Mix se escribió como se hace la revista: tirando titulares, pensando historias locas que nos vamos compartiendo en un drive. Hay siempre un par de días que quedamos para charlar y a partir de ahí salen cosas que luego desarrollamos en nuestras casas. Por ejemplo, en este libro de 64 páginas

revelamos que Brian Wilson era del Atlético de Madrid o regalamos un traductor para los tweets de Andrés Calamaro”. DARÍO “Es nuestro proceso creativo, quedar para comer o cenar, o hacer reuniones en los trenes mientras viajamos a los bolos de El Musical. Siempre es grupal, aunque luego uno se encargue de afinar y escribir una idea y otro haga lo mismo con otras de las ideas que han surgido en ese proceso conjunto. La libertad de hacer y decir lo que queramos es el ADN de nuestro humor”. Momento de hablar sobre la revista. Ponednos un poco en antecedentes. ¿Quiénes sois y de dónde venís? EDU “Los cinco que ahora estamos en la revista venimos de sitios diferentes. Gonzalo Boye, al que hemos puesto como editor, es abogado, Pere Rusiñol es periodista y Fernando Rapa es director de arte. Por mi parte yo soy psicólogo de profesión, pero me he dedicado a muchas cosas... casi hasta al estraperlo. Que os explique Darío a qué se dedica él porque no lo sé exactamente…”. DARÍO “Soy humorista. Toda la vida he vivido de hacer tebeos de humor, guiones de humor, humor gráfico, animación de humor, ilustración humorística... Si tengo que decir cuál es el nexo entre mi trabajo como guionista, dibujante y animador, es el humor, ergo soy humorista”. ¿De dónde surge la idea de editar una revista y por qué Mongolia? La idea era toda una locura en una época donde las ventas del papel estaban, y siguen, cayendo en picado.

EDU “Es una idea de Rapa, como la revista: Mongolia se refiere al país asiático, del que admiramos la capacidad de resistencia y adaptación de sus habitantes. La verdad es que la aventura fue muy loca y es una gran suerte que nos esté saliendo bien gracias a los lectores que todos los meses van al quiosco y nos compran en papel o van a la tienda de discos y se pillan el mejor regalo de estas Navidades: el Mongolia Mix Volumen 3”. DARÍO “Lo bueno de nuestro proyecto, que es más que una revista, es que no le debemos nada a nadie: ni dinero a los bancos o a las marcas, ni fidelidad a partidos, ni siquiera a nosotros mismos”. Probablemente la Transición ayudó a ello, pero España ha sido un país con un gran tradición de revistas satíricas: El Papus, Sr. Lobo o La Codorniz serían algunas de ellas. ¿Han sido estas revistas un referente para vosotros? EDU “Evidentemente, incluso tenemos a personas como Maruja Torres o Ja, que trabajaron en ellas, colaborando con nosotros. España tiene una tradición satírica muy interesante y es un verdadero honor, dentro de nuestro talento, poder continuar con ella”. DARÍO “Sin duda, somos fans de la prensa y de la prensa satírica en particular. Nos gusta la prensa satírica española, inglesa, francesa, argentina, chilena, americana. Nos gusta homenajear a toda la tradición satírica y aprender de gente como Maruja, Leo Bassi o Vázquez de Sola que, cada uno en ámbitos y estilos diferentes, son transgresores y contribuyen a expandir los límites de

“NOSOTROS HACEMOS UNA REVISTA O UN SHOW MUY TRANSPARENTE. LA GENTE NO SE LLEVA A ENGAÑO: SABE LO QUE VA A COMPRAR, CONOCE EL TONO Y LA IDEOLOGÍA”

EDU GALÁN lo que se puede y no se puede decir y hacer en el humor y con el humor”. ¿Qué pensáis que diferencia a Mongolia de todas aquellas revistas? EDU “Varias cosas: en mi opinión, en Mongolia hay un mayor cuidado editorial, también tenemos puesta la mirada en referentes internacionales y hay un olorcillo pop que ellas no tenían. Y por supuesto, el Reality News, la zona de información real de Mongolia”.

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“NEGAR LO DIGITAL ES ABSURDO, PERO NO DISFRUTAR DE OTROS FORMATOS TAMBIÉN LO ES”

DARÍO ADANTI

‘cocos’, y no entendí nunca que tendría que ver esa noble fruta tropical con nuestro proyecto de hacer una revista en papel...”.

Aunque con el paso del tiempo se convirtió en un fenómeno social que fue más allá de la revista satírica, ¿cuál es vuestra opinión de El Jueves? DARÍO “El Jueves, que es una cabecera histórica, es una revista de cómics de humor. Nosotros queríamos despegarnos de ese perfil, incluso yo que hago cómics de humor y vengo de ahí, de El Jueves. Pero queríamos hacer algo diferente, porque para hacer lo mismo ya está El Jueves y no puedes competir con un referente histórico. Y por eso hicimos prensa satírica, un periódico falso donde la 138

falsedad puede ser más cercana a la realidad que la realidad que cuentan los periódicos serios. Además de, como dice Edu, la sección periodística, que es inédito aquí que una publicación de humor tenga diez páginas de información real que no sale en otros lados”. La revista lleva tres años y está consolidada. ¿Cuántas veces os dijeron ‘locos’ cuando empezabais? EDU “1.935 exactamente”. DARÍO “Yo soy disléxico, así que cuando nos lo decían yo entendía

Analizar el éxito siempre es más complicado que el fracaso pero, ¿tenéis pistas de dónde reside el éxito de Mongolia? EDU “Por mi parte, no sé qué pensará Darío, pero se trata de honestidad. Nosotros hacemos una revista o un show muy transparente. La gente no se lleva a engaño: sabe lo que va a comprar, conoce el tono y la ideología. Eso es una clave del éxito en un mundo donde la transparencia no es de los valores que más le gusten al márketing”. DARÍO “Lo que dice Edu, y a eso le sumaría el hecho catártico de que nosotros decimos lo que nuestros lectores piensan, de la forma en que lo expresan en su grupo íntimo y que, se supone, no se debe decir en público, y nosotros lo hacemos, lo decimos públicamente, y eso crea mucha empatía y cercanía traspasando esa cuarta pared que es el papel o el escenario”. La censura siempre ha estado revoloteando alrededor de la revista con portadas como la de la Infanta. Hasta qué punto en vuestros conte-

nidos buscáis la provocación o sale todo de una manera natural… EDU “Hay de todo: la provocación siempre está ahí, de manera consciente o inconsciente. Forma parte del ADN de cualquier satírico y a veces se produce de forma natural y otras te viene sobrevenida en las cosas menos esperables”. DARÍO “En un mundo intoxicado de moralidad pero falto de ética, una moralidad que se cuela en todos los sectores incluidos sectores afines, la provocación es un mandato de todo humorista. Aunque nos equivoquemos, es mejor equivocarte pero provocar algo en el otro y en ti mismo al ver la reacción del otro, que mantenerse en un camino trillado y amable que sólo conduce al conformismo”. ¿Os ha sorprendido alguna vez el revuelo causado por algo que vosotros lo veáis como algo normal? O al revés, que algo que pensabais que podía ser polémico y no ha pasado nada. EDU “Muchas veces. Por ejemplo, con Teresa de Calcuta. Hace poco pusimos un tweet criticándola y la caverna estalló. Es porque no leen nada: esa mujer, aparte de una corrupta, era maldad pura y así está reflejado en múltiples investigaciones periodísticas”. DARÍO “Además, mucha gente se cree que el humorista de la provocación es, per sé, alguien que dice algo sólo para provocar y no que la provocación es la forma de comunicar algo. Ese no ver más allá es también parte de la herencia reaccionaria que llevamos todos metidos en el cerebro”. Creo que es triste que a estas alturas la censura aún exista.

Creo que estamos peor que hace 30 años en este aspecto... ¿Cómo lo veis vosotros? EDU “No, peor no estamos. La censura ha cambiado y en ese sentido los cuatro años del PP han sido una verdadera calamidad: un claro ejemplo es la Ley Mordaza. También hay otra forma de censura: lo políticamente correcto, que es para hablar en detalle…”. DARÍO “El nuevo mundo de la comunicación global ha creado unas nuevas corrientes de censura no oficial, no estatal. En el humor es fundamental el contexto, y ese contexto te lo da el que te lee y te sigue y comprende tu mensaje, pero con la comunicación global esa selección natural se pierde y se descontextualiza tu humor o tu comentario y la devolución es bastante desalentadora en cuanto al futuro de la libertad de expresión, porque hemos descubierto que somos los seres humanos los que llevamos la censura a flor de piel: aunque no nos la impongan desde fuera, la imponemos nosotros a los demás”. Viendo el país, y el mundo, que tenemos, ¿os lo ponen a huevo para sacar contenidos cada mes? EDU “Y especialmente La Razón y el ABC… la realidad siempre supera a la ficción”. DARÍO “Es cierto, pero lo que tiene un costado patético es el ser humano, en general, así que siempre habrá sátira que hacer”. ¿Tenéis también vuestros bloqueos creativos o discusiones entre vosotros sobre posibles contenidos? EDU “Yo personalmente nunca me ha ocurrido, lo que pasa es que tienes

días más inspirados que otros. Especialmente, cuando bebo”. DARÍO “Es todo más bien un juego, y como es un juego y nos divertimos, no lo vivimos con la presión de una entrega que tiene sus requisitos preestablecidos por otro... Es difícil tener bloqueos cuando te estás divirtiendo, aunque, como dice Edu, puedes tener días más inspirados que otros”. Una de las cosas que considero interesantes es que partiendo de la madre que es la revista, utilizáis muy bien las redes sociales. ¿Creéis que habéis conseguido que gente que no compra la revista se identifique con Mongolia? EDU “Sí, en parte está muy bien, pero en parte es preocupante porque sin la revista o los shows, es decir, sin que la gente nos compre, no existiría el Twitter. Dicho lo cual, es una herramienta de comunicación fantástica”. DARÍO “Sí, es algo que tenemos que explicar con frecuencia. Dicho esto, también es cierto que la mayoría que nos critica no nos lee en papel”.

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LEMMY KILMISTER (1945-2015)

#lemmyforever