RockZone 123 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Carles Rodríguez

EDITORIAL Quien se aburre es porque quiere. Como leeréis en este nuevo número, nosotros hemos estado de lo más entretenidos entrevistando a un montón y variados artistas –desde Brian Fallon a John Lydon pasando por Amon Amarth o Gorka Urbizu-, asistiendo a todo tipo de conciertos y escuchando un arsenal de novedades que encontraréis reseñadas. Por si fuera poco, personajes como Oli Sykes de Bring Me The Horizon, Phil Anselmo o Jesse Hugues de Eagles Of Death Metal se han encargado de animar el cotarro con sus salidas de tono… unas divertidas (ver al líder de Bring Me destrozar la mesa de Coldplay en los NME Awards tuvo su gracia) y otras lamentables. Y abrocharos los cinturones porque, de aquí a verano, la cosa irá a más. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 123

9 / INTERFERENCIAS

26 / KILLSWITCH ENGAGE

44 / PEIREMANS+

50 / BRIAN FALLON

70 / DISCO DEL MES

72 / CRร TICAS

106 / WOLFMOTHER

110 / THE WORD ALIVE

30 / AMON AMARTH

36 / GRUNGE

58 / ESPECIAL FOTO: COHEED AND CAMBRIA

64 / STEEL PANTHER

94 / BLOWFUSE

100/

116 / PUBLIC IMAGE LTD.

122 / OBSCURA

ESPECIAL FOTO: HUNT OR BE HUNTED

SUMARIO

Nº 123

128 / EN DIRECTO

148 / DE GIRA + AGENDA TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A

150 / FIGURAS COLATERALES

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ MUSIC FOR BOOBIES LA ORGANIZACIÓN KEEP A BREAST UNE FUERZAS CON RUDE RECORDS PARA PUBLICAR EL RECOPILATORIO MUSIC FOR BOOBIES, CUYOS BENEFICIOS IRÁN A PARAR A ESTA FUNDACIÓN ENFOCADA A PREVENIR EL CÁNCER DE MAMA ENTRE LAS JÓVENES.

a historia de Keep A Breast se inicia en el año 2000, después de que a una amiga de la diseñadora y artista Shaney Jo Darden le diagnosticaran un cáncer de mama. En estos años y a través de las originales campañas impulsadas desde esta organización, y la ayuda de deportistas y músicos célebres, se han hecho llegar al sector más joven de la población distintos programas de divulgación y prevención de esta enfermedad. Su misión última es la de erradicar el cáncer de mama en las generaciones futuras y construir una comunidad a través del arte. Con tal de recaudar fondos, la fundación se ha asociado con la discográfica independiente Rude Records para publicar el próximo 18 de marzo un doble álbum bajo el título Music For Boobies. En él participan 29 artistas, quienes desinteresadamente han aceptado apoyar esta iniciativa. Algunos de los más destacados son Angels & Airwaves (en la foto), Parkway Drive, Anti-

Flag con Tim Armstrong de Rancid, Danko Jones con Cristina Scabbia de Lacuna Coil, Simple Plan, Falling In Reverse, letlive., Sleeping With Sirens, Enter Shikari, Zebrahead, Motion City Soundtrack, The Maine, This Wild Life o The Raveonettes. El álbum se publicará en CD y también estará disponible en distintas plataformas digitales de venta y streaming. Cualquiera que sea la manera en que lo escuches, el 50% de lo que genere irá directamente a parar a la fundación. Rude Records ha hecho una donación inicial de 5.000 dólares. Esta iniciativa solidaria cuenta con el respaldo de destacadas figuras de la industria musical como Brett Gurewitz de Epitaph Records, Joe Sib y Bill Armstrong de SideOneDummy Records, Kevin Lyman, fundador del Warped Tour, Scott Horden, fundador de The Orchard, o el skater Matt Hensley. Desde aquí os animamos a que os suméis a esta buena causa. Para más información visita: www.musicforboobies.com

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACIÓN DIARIA

LO PEOR DE MÍ_ POR MIS PISTOLAS

o salgo de mi asombro. Todo el capital de solidaridad y simpatía que habían acumulado Eagles Of Death Metal tras los atentados de París, al menos por mi parte, se ha ido al garete por culpa de unas declaraciones totalmente fuera de tono de su vocalista Jesse Hugues. En una entrevista concedida a la televisión francesa iTélé, antes de su concierto de vuelta en la capital francesa, Hugues sacó el redneck que lleva dentro y no sólo se permitió cuestionar los sistemas de seguridad franceses (como si un atentado así fuera evitable), sino que posicionó totalmente a favor del derecho a poseer armas. “Hasta que nadie tenga armas, todo el mundo debería tenerlas, porque no quiero volver a ver algo parecido nunca más y quiero que todo el mundo tenga la mejor oportunidad para vivir”. ¡Gran idea Jesse! 500 personas armadas disparando en la oscuridad seguro que hubieran evitado la masacre. Su absurdo argumento me recordó al que una vez me soltó un profesor, también norteamericano, diciéndome que si todo el mundo hubiera tenido armas, Franco nunca hubiera llegado al poder en España. Y mientras algunos se permiten dar lecciones, sólo en 2015, 13.286 personas murieron y 26.819 resultaron heridas en su país por culpa de las armas. ¿Se puede estar más ciego? (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@fuerade fm Sonando en fueradefm. com Zona Zero, la selección diaria de @RockZone de 19h a 21h @SPspain ¡Gracias @RockZone por el streaming del CD de Simple Plan! @leurii Okay, I’ve just listened to #TOFTT (thanks @RockZone) @simpleplan you have made such a great fucking album!! #TeamSP @Peio_Goienetxea @ResurrectionESP @ RockZone me ha alegrado un poquito la mañana con Bad Religion... @SrPaceWolf decidme que vais a hacer spoilers por snap, que llevo un rato recargándolo como un loco~ @PVRISdaily ¡ESPAÑA! ¿Queréis que PVRIS nos visiten? Votad aquí para ayudar a @RockZone a traerlos. @bcntgn @TalcoSka Ha sigut 1 dels millors concerts que he viscut; a més, a la meva segona casa. Eterno Ska,compagni di battaglia @cugatmataro Ha estat espectacular. La revolta accelerada de @TalcoSka és rítmicament inabastable. Se’ls perdonen els pecats. 10

Os adjunto una foto a la cual tengo mucho cariño.Con Jesse Pintado -DEP- (Napalm Death, Terrorizer, Lock Up, Brujeria) antes de un concierto de Napalm Death en Murcia. Año 1997. Estuvieron aplastantes, como de costumbre. (JAVIER SÁNCHEZ)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER Nunca he sido un seguidor del rollo hip hop o rap. Eso no implica que, como en todo, hayan artistas que sí me puedan agradar, pero eso me hace mucho más ‘exquisito’ a la hora de escuchar a según quién. Ummo es la banda. Las identidades ocultas de Sagan, Mr. MiLL y WOA, bajo tres pasamontañas, son los encargados de dar vida a este proyecto que nació a principios de 2014. Su misión: informar a posibles civilizaciones alienígenas acerca de la cultura humana. Ummo es rap oscuro que no dejará indiferente a nadie y que puede sorprender hasta al más ‘escéptico’ del género. Instrumentales pesadas y lentas, con una voz dura y rasgada de Sagan, rabia en potencia. Su último videoclip grabado en Fukuoka (Japón) en el año 2019 (sic), lugar donde hubo uno de los primeros avistamientos de ovni, posiciona a Ummo en órbita y preparados para despegar y pasar a otra dimensión. No os negaré que, el rollo underground les va al pelo, pero estos alienígenas se merecen llegar a toda la galaxia. Ummo es contemporáneo, moderno e innovador. Conservan su autenticidad y actitud y escapan de empresas comerciales o del mercado de masas. El resultado de estas ideas y su talento, no proporciona un mero producto musical, sino una obra de arte en un siglo en el que la originalidad, brilla por su ausencia.

DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA DREAMING FOR A DAY

EXTINCTION

OUTLINES

OUR UNIVERSE

THE DARK MATTER

PARENTHESES

(AUTOEDITADO)

Hay que ser realmente valiente para mandarle a un servidor un trabajo como Our Universe, así que bravo, chavales… A la gente que los tiene bien puestos hay que premiarles. ¿Que a qué se han atrevido Dreaming For A Day? Pues a enviarme un CD de versiones, ¡pero qué versiones! ‘Radioactive’ de Imagine Dragons, ‘Opposite’ de Biffy Clyro, un par de Bring Me The Horizon, ‘Sunrise’ de Our Last Night, ‘All I Want’ de A Day To Remember… Todo en plan calma, con la mínima electricidad, así es como este dúo de Pamplona presenta estos hits mojabragas. En su Facebook ya corre su versión del ‘Believe’ de Cher, así que ojito con los nenes, que tanto les da si el tema es punk, como pop, como copla torera. Lo que deben follar estos chicos con estas covers y voces angelicales no está escrito, pero ahora, si me perdonan, me voy a la cola del próximo bolo de Auryn, no sea que alguna petarda me robe el mejor puesto. Viva los Dreaming, qué cojones.

Extinction nos hacen llegar The Dark Matter, su primer esfuerzo, y la verdad es que lo celebramos. Con ilustres miembros de Phthisis, Legen Beltza y The Great Wound, estos vascos nos enchufan una notoria ración de death metal de corte actual, de atmósfera taimada y con ciertos toques thrashers realmente atractivos. La contundente ‘The Dark Matter’ ya avisa de que esto va muy en serio, y la ceremonial ‘Amaigabeko Iluntasuna’ certifica que estamos ante un lanzamiento de mucho nivel. La instrumental ‘Zagadka’ consigue exactamente lo que se propone: que se nos pongan por corbata para que la laberíntica ‘Father To Son’ luzca de verdad. ‘Voyager’ es otro puente muy enigmático y arcano que da paso a la final ‘Revelations’, otra vez un corte intrincado de enorme valor. Esperamos ya nuevas acciones de Extinction porque lo cierto es que nos han dejado pasmados. Aquí todo suena recio, ocultista y trepidante. www.facebook.com/Extinc-

Ya está aquí, por fin Outlines, uno de los grupos más majetes del core galego, nos entrega su EP Parentheses. Enmarcados dentro de la rama melódica del hardcore y el metalcore, esta jovencísima banda de Ourense aporta aquí seis temas frescos y repletos de buenas ideas, también con alguna que otra broma privada, como ese final de la reseñable ‘Adreh’. ‘Belladona’ tampoco se queda corta, pero la que a mí más me flipa de este lanzamiento es ‘People I Used To Hate, Well, I Still Do It’. Peta risueña con esa guitarra que puntea a modo de riff, aunque luego se ponga muy seria con ese break tan pronunciado. La vitalista ‘Parentheses’ también es digna de mención, aunque ‘Constancy’ y la última ‘Padreh’ ya introduzcan un tipo de voces livianas que, en mi opinión, no encajan tanto con lo expuesto. Outlines tienen toda su carrera por delante y servidor no quiere perderse ni uno solo de sus pasos. Cuidado con ellos.

www.facebook.com/dreamingforaday

tion-492477790861576

www.facebook.com/outlineshc

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ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

CANNON FILMS + MÁS CANNON VV. AA.

(APPELHEAD TEAM)

familiarmente como los Go Go Boys. Con ese singular punto de partida, la pareja se puso a producir films sin ningún tipo de conocimiento, y con poco filtro, películas de todo tipo durante los 80, esa década donde todo valía. Producir barato era la

oy a

obsesión, el tipo de película era secundario, y dieron en la

dejar

tecla creando ‘clásicos’ como las dos películas de Breakdance,

claro

cogiendo a Chuck Norris como actor franquicia, Delta Force

de salida que

o Invasión U.S.A., creando delirantes pelis de Ninja o incluso

un trabajo escri-

sentando cátedra en lo que sería el cine para adolescentes

to sobre Cannon Films no puede ser malo. Sencillamente, por-

con la sensacional, y nunca suficientemente reivindicada, The

que hay que tenerlos muy bien puestos para lanzarse a la locura

Last American Virgin. Evidentemente todo ello queda reflejado

de editar en castellano, no uno, sino dos libros de cerca de

al dedillo en estos dos ensayos, llegando un punto en el que

400 páginas analizando la obra de una de las productoras de

no sabes si seguir pasando páginas o pillarte unos grasientos

cine más especiales, sino la que más, que han existido nunca.

nachos con queso para disfrutar alguna de esas películas. Los

Intención mercantilista no puede haber ninguna, así que todo

aires de grandeza acabaron pudiendo con la pareja, y cuando

se reduce a la pasión y el cariño que han puesto cada uno de

quisieron jugar en la liga de los grande fracasaron estrepitosa-

los participantes de tan magna obra. Para los no familiarizados,

mente, llevando, además, a la ruina a Cannon Films, e incluso

decir que Cannon Film fue el sueño hecho realidad de un tío y

destruyendo la propia relación de la pareja más pintoresca que

sobrino israelíes, Menahem Golan y Yoram Globus, conocidos

nunca haya visto Hollywood. ¡Dios bendiga al VHS!

ASALTO A LAS PANADERÍAS

Haruki Murakami, ilustrado por Kat Menschik (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

ercer volumen de la

todos han muerto. Fuera como fuese, teníamos hambre y, en

coalición

especial

consecuencia, avanzaríamos por la senda del mal. No es que el

entre las palabras

hambre nos hubiera encaminado hacia el mal, sino que el mal

de Murakami y las ilustra-

nos había encaminado hacia él mediante el hambre”. La vida de

ciones de Kat Menschik.

los dos chavales hambrientos y malignos que perpetran el asalto

Y, como los dos anteriores,

cambia desde ese día hasta el punto de conformarse con un

bellamente publicado por

trabajo normal y un matrimonio al uso. Los dos relatos incluidos

la editorial Libros Del Zorro

en Asalto A Las Panaderías, aunque revisados y actualizados

Rojo. De nuevo nos encon-

para la ocasión, fueron de los primeros escritos por Murakami

tramos con un libro muy fá-

en los años 80; de hecho, el primero de ellos fue creado poco

cil de leer, creado a partir de una idea especial y original del

después del asesinato de John Lennon, según revela en el epílo-

reconocido autor japonés: el asalto a una panadería no acaba

go el autor nacido en Kioto. Además, casi una tercera parte de

como estaba planeado porque el panadero es un comunista

las 62 páginas del libro la ocupan las oníricas, surrealistas y

aficionado a la música de Wagner. “Dios, Marx, John Lennon:

fabulosas ilustraciones de la artista alemana Kat Menschik.

BATMAN ‘66 VV. AA. (ECC)

Uno de los mejores tebeos de Batman que he leído en mucho, muchísimo tiempo. Basado en la serie de los 60, DC hizo hace un par de años esta colección -fuera de la nueva continuidad de cada reseteo- que recoge lo mejor de aquella comedia. Porque era una comedia, aunque de pequeños al verla pensásemos que iba en serio. Tal vez ése fue su éxito (esto lo dijo muchas veces Peter David). Los adultos se partían la caja con la serie y los niños flipaban con las chorradas. Pues igual, pero en tebeo. Bien guionizada (más que bien, diría) e ilustrada de manera exquisita. SG

¡SOCORRO!

¡¡MI MADRE TIENE FACEBOOK!! Kalitos

DON QUIJOTE DE LA MANCHA Miguel de Cervantes (LA OTRA H)

Aprovechando el cuarto centenario del escritor, La Otra H no pierde la oportunidad de alimentar su serie de mangas con esta simpática adaptación del ingenioso hidalgo patrio. El manga acerca al lector a algunos de los mejores momentos de la narración, potenciado por un estilo más humorístico y plástico del mostrado en otras entregas de esta colección (lo que le viene genial al trabajo), y aunque no comprende toda la novela completa, deja un poso estupendo tras su lectura, amena, divertida y sintética, de las ideas que nutren la obra original. SG

EL PLAYBOY

Chester Brown (LA CÚPULA)

Reedición en tapa blanda de una de las obras más populares de Chester Brown. Publicada originalmente en 1992, El Playboy sigue siendo un relato maravilloso sobre el inicio de la sexualidad de un adolescente inseguro y obsesivo con su relación frente a la mítica publicación erótica, con la que vive sus primeros placeres onanistas. La narración, angustiosa por momentos y enternecedora por el patestismo de lo que presenta, cautiva siempre cada una de las (re)lecturas que se merece, siendo éste uno de los mejores exponentes de cómic autobiográfico underground. SG

LA RESISTENCIA

LO CONTRARIO

(DIBBUKS)

(DIÁBOLO EDICIONES)

VV. AA.

Mauro Entrialgo

(GRAFITO)

Si no tuviste la suerte de que en tu casa toda la familia viviese la llegada de internet, es bastante probable que muchos de los chistes que aparecen en este tebeo te resulten familiares. En efecto, jugando con el clásico enfrentamiento generacional, Carles Ponsí relata las desgraciadas situaciones cómicas que pueden suceder cuando una persona de mediana edad se enfrenta por primera vez a las nuevas tecnologías bajo los atentos consejos de un hijo desesperado. Cómico y tierno, la mamá del relato se gana por completo nuestros corazones. SG

Dibbuks presenta su nuevo proyecto de revista de cómic con el que desea dar salida a historias cortas autoconclusivas de autores y autoras de nuestro Estado. Aun lamentando la ausencia de féminas en esta primera entrega, el resultado es compacto y agradecido, en formato tomo, con material bien variado de diferentes cortes y estilos. La Resistencia invita a entrar en el mundo del relato de cómic corto, desterrado, por la ausencia de revistas como ésta, a publicaciones de menor alcance y medios. Ojalá el proyecto tenga una larga vida. SG

Lo nuevo de Mauro Entrialgo ofrece al lector una buena dosis de su humor, acidez y perspicacia habitual. Incluye páginas inéditas en papel, como láminas de exposiciones o colaboraciones con catálogos, junto con un buen puñado de trabajos en conocidos fanzines o publicaciones de gran tirada. Las páginas de Mauro además poseen la magia de superar muchas veces la barrera del tiempo, mostrándose frescas y actuales como en el momento en el que fueron engendradas, y ese mérito no está al alcance de todos los creadores. Fantástico. SG 15

DE CINE_CON KIKO VEGA ZOOLANDER 2

DEADPOOL

DOS TONTOS MUY LISTOS

oolander no fue un gran negocio. 15 años después sigue retratando la estupidez dominante en el box office. ¿Rodar una secuela de una película que fue masacrada e ignorada por gran parte del público y la crítica y, además, hacerse aún más ricos? No, nada de eso. Zoolander 2 se ha encontrado con una serie de obstáculos insalvables, como la explosión Deadpool, el tercer Kung Fu Panda o la nueva autofelación del amigo Iñárritu, y su recaudación de la primera semana es prácticamente idéntica a

TODO BIEN AFILADO

la que obtuvo su primera parte. Aunque no lo parezca, porque todos somos idiotas y eso es algo que las pelis de Ben Stiller subrayan constantemente, era muy difícil encontrar una historia a la altura de los personajes, y Zoolander 2 no sólo ha encontrado un camino, es que ha reinventado y ampliado su mitología a través de la estupidez supina. Están todos los que tenían que estar y por el camino han ganado nuevos adeptos (lógicamente, si no de qué vamos a estar ahora saliendo del cine) y confidentes, aunque por momentos uno pueda pensar que estamos ante otra secuela construida a base de cameos. Tan compleja como la original, y dando por sentado que hace mucho que los idiotas dominan la tierra, Zoolander 2 es la comedia de la temporada haciendo el imbécil. Es un placer ver a su director alejarse del lodazal de su anterior trabajo y lanzarse a la piscina. Aunque sea de lava.

un buen día le diagnostican media docena de cánceres en fase terminal. Como el propio personaje nos irá contando, porque Deadpool derriba todas

os fans del superhéroe bocazas somos muchos, y estábamos ahí esperanzados y con el miedo lógico por recibir otro decepcionante producto dirigido a cualquier espectador. Bueno, pues podemos respirar tranquilos, porque Deadpool es una de las pelis de la temporada. Es un milagro, puede que también un accidente, pero eh, amigos, estamos ante la primera peli de superhéroes de toda la vida dirigida a un público exclusivamente adulto. Si, además, uno también es fan de Ryan Reynolds, la alegría se desborda. El bueno de Van Wilder necesitaba quitarse la mugre de la terrible versión que los visionarios de los orígenes de Lobezno tuvieron para él. Además, tocaba sacudirse la inmerecida capa de mierda que llovió a la estimable Green Lantern. Wade Wilson, un veterano de mil guerras, se dedica a mercadear con sus servicios y conquistar prostitutas hasta que

las barreras que encuentra a su paso, contemplaremos el resurgir de un héroe, una de súpers, una de amor y una comedia gamberra, todo ello bañado en sangre fresca cada cinco minutos. No es una peli perfecta, porque para eso necesita justo lo que ha pasado desde la filtración de la famosa escena de prueba: un reguero de pólvora en las redes sociales, un equipo creativo con libertad y un día despistado en unos ejecutivos que no debían confiar en su película. Oh, sorpresa: Deadpool lleva 300 millones de dólares de recaudación en su primera semana. Para la productora de X-Men parecen no existir ni Los 4 Fantásticos ni Daredevil, aunque al menos tienen la decencia de permitirse alguna puya a los desastrosos episodios de Lobezno en solitario. Lo cierto es que, de momento, Deadpool se beneficia de la existencia de la patrulla del profesor Charles Xavier, al que nuestro héroe favorito envía un mensaje muy divertido mientras intenta llegar a un entendimiento con Coloso. Podríamos decir que sí, que Deadpool se mea un poco en todo lo que ha hecho (y hará) Fox. En general. Para eso es su criatura. Al menos de momento. Larga vida a Deadpool. ¡Wham!

TOI’S IN THE ATTIC EL FIN DE LA MÚSICA EN DIRECTO

ola amigos! Hace unos días se desató el rumor de que la discoteca/sala de conciertos Joy Eslava cerraba sus puertas para convertirse en otra tienda más de uno de los grandes imperios de la moda. Todavía no sé si es cierto o no, puesto que portavoces de esta sala desmintieron esta noticia. Lo que sí sé es que Music Hall de Barcelona, que estaba programando numerosos conciertos, de la noche a la mañana ha cambiado la dirección de negocio de forma radical y ahora ofrece espectáculos de flamenquito para guiris, que evidentemente aseguran más pasta, o que el bar Heliogàbal fue obligado a suspender sus conciertos por asuntos legales. Es cierto que las reacciones ante estos hechos son muy sonados en las redes sociales, curiosamente por numerosos individuos que no pisan ninguna sala de éstas nunca, pero dejando esto a un lado, es imposible no admitir que la situación de la música en vivo ahora mismo está en la cuerda floja. No sólo hay que tener en cuenta toda la parte referida a orde-

nanzas municipales, que implican licencias y normativas farragosas que sitúan a las salas en una fina línea en la que la legalidad e ilegalidad apenas se diferencian, o la presión vecinal, que cada día es más intransigente. Es que además está la asistencia de público a conciertos, que en ciudades como Barcelona es cada vez menor. En cuanto uno tiene la oportunidad de ver una actuación en vivo gratuita en cualquier sala o bar de otro país, se da cuenta inmediatamente de lo mal que se está gestionando todo aquí, y de lo poco que se apuesta por la música. ¿De quién es la culpa? Creo que no es justo señalar a nadie a la ligera, puesto que esta situación responde a un cúmulo de elementos que se han ido enraizando en el sistema desde hace mucho tiempo causando un daño irreparable. ¿Estamos llegando al final de una época? A lo mejor os parece que exagero, pero de aquí a unos años nuestras ciudades serán mucho más aburridas, ya lo veréis. Y como yo, lloraréis. (TOI BROWNSTONE)

habíamos conocido, así que ante el deseo de escuchar algo ‘heavy’ que fuera innova-

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Soul Food del grupo Oblivians. Retrocediendo a mediados de los 90, el post hardcore/ noise rock estaba en su máximo apogeo. Música técnica mezclada con unos ritmos demoledores era el pan nuestro de cada día. Bandas como The Jesus Lizard, Hoover, Karp, The Cows, Buzzove*en, Laughing Hyenas, Shellac y Monorchid eran los líderes de todo aquello. Saciaron nuestra sed de bandas duras, mientras el heavy metal se había tomado sus vacaciones particulares gracias a que sus bandas principales decidieron sacar sus discos más flojos e insulsos (Load y Reload de Metallica, Risk de Megadeth, etc.). Ése no era el heavy que nosotros 20

dor, no es de extrañar que mucha gente descubriera el garage rock. El garage rock era un estilo que disfrutó de mucha popularidad dentro del underground durante los años 90. Desgraciadamente, parece que haya desaparecido por completo y que sea sólo un pequeño recuerdo. Nada que ver con aquel esplendor. Esto puede ser gracias al descomunal éxito de bandas como The Hives y The White Stripes. Eso, en vez de disparar la escena y hacerla más popular, hizo que fuese desapareciendo de manera paulatina. Lo cierto es que, aunque hoy todo sea un lejano recuerdo, aquella escena nos dejó un montón de álbumes clásicos y bandas inolvidables. Man Or Astroman, The Gores, The Makers, Los Straightjackets, The Quadrajets, Supersuckers, Rocket From The Crypt, The Demolition Doll Rods, The Cheater Slicks y The Jon Spencer Blues Explosion ayudaron a crear un sonido que era una versión agitada de The Rolling Stones mezcla-

da con el punk y un periscopio post moderno. Para mí la primera banda que puso los cimientos de ese sonido fueron Oblivians y su álbum de 1995, Soul Food, editado por Crypt Records. Mi primera reacción al escucharlo fue soltar una gran carcajada. Nadie podía tomarse aquello en serio... Pues era para tomárselo, lo que pasa es que llegué un poco tarde a la fiesta. Canciones como ‘And Then I Fucked Her’, ‘Nigger Rich’ y ‘I’m Not A Sicko, There’s A Plate In My Head’ llamaron definitivamente mi atención, pero la que realmente empezó a ganarme fue ‘Jim

Cole’ y esa frase que decía “Jim Cole’s got so much soul, I can’t stand him”. Esa frase ya merecía por sí sola que escuchase todo el álbum. A veces una buena frase puede ser lo que te enganche a una canción, un álbum, una banda, para siempre. Eso es lo que me sucedió con Oblivians. Las puertas se abrieron y los amigos que me hicieron conocer el álbum se reían ahora de mí, después de mi negativa inicial. Ahora lo entiendo todo y hay un sentimiento que me acompaña con la música que hago: hazlo simple, estúpido. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

OJITO A... ALIEN ROOTS

Alien Roots son una banda de rock formada en Zaragoza en el año 2010. Juan García (voz, guitarra), Nacho ‘Conan’ Sanz (voz, guitarra) y Alejandro Crespo (bajo) son los fundadores originales junto a Daniel Roche (batería), que abandonó la banda en 2015, dejando paso a la incorporación de Víctor Haro. En 2013 sacaron su primera maqueta y poco después, en 2014, su primer álbum de estudio Ufology, producido por el norteamericano Joe Marlett (Fenix Tx, NoWayOut, Switchfoot). Se mudaron a Barcelona para probar suerte en un entorno más acostumbrado a bandas de su estilo. Escuchándoles te pueden venir a la cabeza bandas como Angels & Airwaves, Title Fight, Blink-182 o Thursday entre otras, y es que etiquetarles va a resultar complicado. Les 24

podemos meter en el saco del rock o tratar de acotar diciendo que se mueven entre el rock alternativo y el pop punk, pasando por un ‘post no sé qué’… Su suavidad, melodías, crudeza y cambios de ritmo vertiginosos te pueden enganchar, y es que desde la parte musical hasta la visual, esta gente derrocha estilo, de verdad, escúchales porque no te van a decepcionar en absoluto. Ahora empiezan el año pisando fuerte, presentando el EP The Outcome. The Changes esta primavera, cuyo primer sencillo ‘Let It Flow’ ya está en su canal de YouTube. Tienen previstos varios conciertos de presentación en Barcelona, Zaragoza y Madrid, y están buscando fechas por otras ciudades de la Península, así que estaremos atentos. (LIBERTY MARIO)

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> XAVIER CALVET DE BULLITT INTERPRETA ‘TURN MY ENGINE DOWN’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

ecir que 2015 fue un año durísimo para Bullitt es una obviedad. La alegría y satisfacción que podían sentir por haber grabado su mejor disco hasta la fecha (se acabó colocado en el número 3 de nuestra lista de los mejores discos nacionales) quedó totalmente eclipsada por el fallecimiento de su bajista Ferran Bonet como consecuencia de un cáncer linfático tres días antes de la publicación de Sparks. La inesperada tragedia obligó al grupo a cancelar la gira de presentación y a excepción de su participación en el 25 aniversario de BCore, su discográfica, con un concierto de versiones de Bad Religion en Barcelona, no había sido posible ver a Xavier Calvet (voz, guitarra), Carles Paz (guitarra, voz) y Enric Pla (batería) juntos encima de un escenario. Pero como nos cuenta Xavier, después de haber pasado el luto y de ser animados por la mujer de Ferran a seguir adelante, Bullitt han decidi-

do enfrentarse al reto de actuar sin su querido amigo. En concreto el grupo estará el 11 de marzo en la Atzavara de Sant Feliu de Guíxols, el 22 de abril en la sala Magazine de Valencia, el 30 de abril en la sala Sidecar de Barcelona y el 5 de mayo en la Siroco de Madrid. Acompañándoles al bajo estará otro viejo amigo, Maxim Triviños de No More Lies, quien desde el primer momento se ofreció por si le necesitaban. Xavier reconoce que todavía no sabe cómo reaccionarán una vez empiecen a tocar el primer tema enfrente del público, pero también está convencido de que es el mejor homenaje que pueden rendirle a su excompañero. De hecho, nos comenta que también están barajando la posibilidad de organizarle un concierto en su recuerdo en Madrid con distintas bandas con las que Ferran entabló amistad. Hiperactivo por naturaleza, Xavier también anda ocupado con la preparación de su primer disco en solitario

que planea grabar en los próximos meses con varios amigos de la escena y que irá en la línea de sus queridos Teenage Fanclub. Su intención es presentarlo alternando conciertos él solo en acústico y, cuando las agendas lo permitan, hacerlo también con banda. Parece que, después de todo, 2016 será un buen año para Bullitt. Se lo merecen.

KILLSWITCH ENGAGE

CON SU ANTERIOR ÁLBUM, DISARM THE DESCENT, KILLSWITCH ENGAGE NO SÓLO RECUPERARON A SU VOCALISTA ORIGINAL, JESSE LEACH, SINO EL LUGAR COMO BANDA DE REFERENCIA DEL METALCORE QUE NUNCA DEBIERON PERDER. CON INCARNATE PRETENDEN CONTINUAR CON LA BUENA RACHA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

N CIERTA OCASIÓN leí un símil que comparaba a los cantantes con los delanteros de fútbol. Si éstos meten goles, entonces se llevan todos los aplausos, pero si no es así, no tardarán en llegar las críticas. Y aunque suene algo frívolo, al igual que en el mundo del balompié, hay ocasiones en las que hay que cambiar de cromos y hacer nuevos fichajes. Aunque éstos ya hayan pasado por la casa. De eso saben mucho Killswitch Engage, quienes tras la publicación de su álbum homónimo en 2009, vieron cómo su posición de punta de lanza dentro del metalcore comenzaba a peligrar. Tras los exitosos The End Of Heartache y As Daylight Dies, su fórmula comenzaba a dar síntomas de agotamiento, lo que, unido a los problemas personales de su vocalista Howard Jones durante la gira de presentación, supuso todo un punto de inflexión en el combo de Boston, que se saldó con la salida amistosa del cantante. Decididos a no arrojar la toalla, Adam Dutkiewicz (guitarra), Joel Stroetzel (guitarra), Mike D’Antonio (bajista) y Justin Foley (batería) se pusieron manos a la obra para encontrar a alguien a la altura de semejante papelón. Y quién mejor para ello que su frontman original, Jesse Leach, con el que grabaron 14 años atrás el esencial Alive Or Just Breathing, piedra angular del género. Un retorno que no sólo agradó a buena parte de su seguidores, sino que se acabó traduciendo en un más que digno álbum como Disarm The Des-

cent, que estos días encuentra su relevo en Incarnate (Roadrunner). En su séptimo trabajo de estudio, Killswitch Engage siguen apostando por no variar demasiado su propuesta de riffs metálicos conjugados con voces guturales y melódicas, aunque con cada vez mayor acierto. En plena campaña de promoción, semanas antes de su aparición en las tiendas, Joel Stroetzel tuvo a bien de conversar con nosotros durante unos minutos, principalmente sobre todo lo que ha supuesto el retorno de Jesse y tratar con absoluta sinceridad las dificultades que llevaron a Jones a abandonar el barco en su momento. ¿Qué tal estás, Joel? ¿Dónde te pillamos? JOEL STROETZEL “Muy bien, estoy pasando un día estupendo en casa. Ahora tenemos un par de semanas libres antes de empezar a volver a dar unos cuantos conciertos (risas)”. Estupendo. Antes de empezar a hablar sobre Incarnate, me gustaría que me hicieses una valoración personal sobre el ciclo de vuestro anterior trabajo, Disarm The Descent. “Claro, fue un proceso de creación muy interesante al igual que todo lo que vino después. Como supongo que sabrás, Howard todavía estaba en el grupo cuando comenzamos a escribir Disarm The Descent, por lo que la mayoría de las canciones ya estaban hechas e incluso habíamos grabado

varias demos. Creo que ya habíamos empezado la grabación cuando Howard comenzó a tener problemas y tomó la decisión de dejarlo. Estuvimos un tiempo parados con el disco. Y cuando Jesse finalmente regresó, le mostramos los temas que teníamos. Le dijimos: ‘Hey, tenemos un álbum casi terminado. ¿Qué te parecen las canciones? ¿Te gustan?’. Y él rápidamente empezó a escribir las letras. Hicimos un par de giras en verano, volvimos para acabar el disco... y desde entonces hemos estado muy ocupados. Hemos girado un par de veces por todo el mundo, reconectando con Jesse... Sin duda ha sido una muy buena experiencia para todos”. Aquel álbum supuso el regreso de Jesse tras diez años. ¿Os sentíais nerviosos por cómo recibirían vuestros fans esta vuelta o teníais la confianza en que todo saldría bien? “Obviamente hay muchos fans que prefieren a Howard, otros a Jesse... Pero es normal. Nosotros les queremos a los dos (risas). Nos sentimos muy afortunados de haber tenido a Howard, igual que a Jesse ahora, pero creo que este nuevo álbum es importante para nosotros, porque es el primero que hemos compuesto de principio a fin con Jesse desde que volvió, Y él está muy contento por eso mismo. Hemos trabajado muy duro en Incarnate y todos nos sentimos muy orgullosos del resultado. Esperamos que la gente lo disfrute”.

Antes incluso de Disarm The Descent, Jesse y Adam hicieron el disco de Times Of Grace, en el cual tú participaste posteriormente en la gira de presentación. ¿Crees que en ese momento lo que estaba haciendo Adam era probar a Jesse para ver si estaba listo para volver a cantar con Killswitch Engage? “No creo que necesariamente fuese ése su propósito al principio. Adam escribió la mayoría de las canciones de Times Of Grace mientras se recuperaba de sus problemas de espalda. Creo que lo que hizo fue pedirle ayuda a Jesse con las letras, para que así se diferenciase en algo de Killswitch. Originalmente tenían pensado que fuese algo totalmente diferente, pero acabó siendo una manera de recuperar su amistad y se dieron cuenta de lo mucho que les gusta hacer música juntos. Tal vez eso hizo que, en última instancia, Jesse volviera”. Nuevamente habéis delegado en Adam las tareas de producción. Entiendo que nadie mejor 28

que él sabe cómo dirigir el sonido de Killwsitch Engage, pero ¿nunca habéis considerado el trabajar con una tercera persona para aportaros una perspectiva diferente o traer nuevas ideas? “Sí, claro que lo hemos pensado más de una vez. De hecho, en Killswitch Engage tuvimos a Brendan O’Brien con nosotros durante la grabación en Atlanta. Fue una buena experiencia. Obviamente, el sonido era muy diferente, quizás algo menos metalero de lo que solíamos hacer (risas). Pero sí, constantemente a lo largo de los años siempre hemos estado discutiendo sobre el enfoque de la producción, pero al mismo tiempo, sabemos perfectamente hacia dónde queremos ir. Así que es una suerte tener a Adam, porque siempre suele tener buenas ideas como productor”. Te comento esto porque, precisamente con vuestro disco homónimo de 2009, daba la sensación de que quizás os habíais estancado un poco en vuestro sonido, que ya no so-

nabais tan frescos como antaño. ¿Qué opinas a día de hoy de aquel trabajo? “Sí, para ser honestos te diría lo mismo. Aquel disco nos llevó mucho trabajo hacerlo, más de lo que acostumbramos. Tal vez en aquel instante estábamos menos inspirados que al principio. No estoy muy seguro de la razón. Tal vez fuese la atmósfera de la banda por aquel entonces, o que nos estábamos cansando de girar tanto (risas). No sé qué decirte, la verdad. Pero bueno, siempre hay momentos en los que uno está más alegre y otros en los que no. Seguramente te diría que es nuestro disco menos favorito, viéndolo en retrospectiva (risas)”. ¿Crees que necesitabais un nuevo impulso en el grupo en ese momento que posteriormente se dio con la vuelta de Jesse? “Eso creo, sí. Por aquel entonces Howard ya no estaba tan interesado en las giras y las grabaciones como al comenzar con nosotros. También estaba lidiando con asuntos personales, lo cual es comprensible. Hizo lo mejor

para él. Y desde luego, la vuelta de Jesse fue un soplo de aire fresco. Estaba muy ilusionado y creo que se acabó notando en Disarm The Descent. Todos estábamos más motivados y queríamos hacer de ése un disco diferente y muy especial”.

fantástica y tiene muy buenos músicos con él. Hemos coincidido en algunos festivales y es genial ver a Howard haciendo algo en lo que es bueno. Estoy muy contento de que ahora se encuentre en una posición mejor y creando música otra vez”.

Quería preguntarte sobre vuestra relación actual con Howard Jones. ¿Seguis manteniendo el contacto con él? “Sí, seguimos conservando nuestra relación. Siempre hemos sido buenos amigos y nos seguimos enviando mensajes muy a menudo. Le queremos mucho”.

Cambiando de tema, vosotros fuisteis de las primeras bandas dentro del metalcore en triunfar a un nivel comercial grande, y tras eso muchísimos grupos acudieron a Adam para que les grabase. ¿Crees que de alguna manera, directa o indirecta, fue culpable de que al final hubiese tantísimos grupos que sonaban iguales? “Seguramente sí, la culpa es suya (risas). Lógicamente, alguien que acuda a Adam por temas de producción va acabar teniendo el sonido de Adam. Tiene una manera muy particular para tratar las guitarras, la batería... No sé si llamarle ‘culpable’ (risas). En todo caso, culpable de hacer lo que hace bien, supongo”.

El año pasado Howard declaró abiertamente que estuvo a punto de suicidarse debido a sus problemas de ansiedad y depresión. ¿Erais conscientes en aquel momento por lo que estaba pasando? “Bueno, Howard siempre ha sido una persona muy callada, especialmente cuando estábamos en la carretera. Con algunas cosas no era muy abierto con nosotros. Para cuando empezamos a preocuparnos y le preguntábamos si estaba bien, pensábamos que quizás la luz del escenario no era la adecuada para él y sufría mucho debido a sus problemas. Siempre intentamos respetar su privacidad y tampoco queríamos presionarle. Le dijimos: ‘Tío, si no puedes hacerlo, no lo hagas. Está bien’. Nunca le guardamos rencor por ello”. Por suerte, parece que ahora está muchísimo mejor. ¿Qué te parece su nueva banda, Devil You Know? “Creo que es genial. La música es

Algunas de esas bandas, como Parkway Drive, están consiguiendo tener una aceptación incluso mayor que la vuestra en su día. ¿Te sorprende que hayan llegado tan lejos, considerando además que su componente melódico no es tan accesible como el vuestro? “No creo que necesariamente sea algo sorprendente. Durante los últimos diez años la música heavy y extrema ha ido teniendo más aceptación en el mainstream. Ya no es tan raro escuchar en las radios canciones que sean sólo gritos y baterías estruendosas de principio a fin. Eso

“OBVIAMENTE HAY MUCHOS FANS QUE PREFIEREN A HOWARD, OTROS A JESSE... PERO ES NORMAL. NOSOTROS LES QUEREMOS A LOS DOS”

JOEL STROETZEL

no era tan fácil de oír en los 90 o a comienzos de la pasada década. Quizás ahora a la gente ya no le impresiona tanto como entonces”. ¿Y qué nuevas bandas son las que te llaman la atención a día de hoy? “Grupos nuevos... Es difícil de decir. Me gustan mucho Act Of Defiance, la banda de algunos miembros de Megadeth y Shadows Fall. Llevan un rollo thrash de la vieja escuela. La verdad es que la mayoría de grupos que escucho ahora son los que llevo escuchando desde hace mucho tiempo. Me resulta más familiar que lo que esté sucediendo ahora (risas)”. La última vez que os tuvimos por aquí fue en el Resurrection Fest. ¿Hay planes de volver por nuestras tierras en un futuro próximo? “Eso espero. Hace mucho que no tocamos en salas por España. Creo que intentaremos regresar antes de que acabe el año. No sé exactamente cuándo, quizás en septiembre o más adelante. España es un lugar fantástico y siempre nos lo hemos pasado bien allí”.

AMON AMARTH

EN SU MAYOR MOMENTO DE POPULARIDAD, AMON AMARTH HAN BUSCADO EN SU INTERIOR PARA DAR CON SU MEJOR VERSIÓN EN MUCHOS AÑOS. SIN DUDA, LA HISTORIA CONCEPTUAL QUE NARRA SU DÉCIMO ÁLBUM, JOMSVIKING, HA REVITALIZADO LA MELODÍA Y GARRA DE UNOS VIKINGOS QUE HACE YA TIEMPO QUE SE GANARON EL VALHALLA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

EN EL FRAGOR DE

LA BATALLA

ESCUBRÍ A AMON AMARTH comprando por curiosidad The Avenger, aunque en el periodo comprendido entre Fate Of Norns y With Oden On Our Side. Eso sí, cuando éste último apareció en 2006, la verdad es que me causó verdadera impresión. Por aquel entonces era un muchachillo fascinado por la mitología nórdica y la civilización vikinga, una fase por la que espero que haya pasado cualquier metalhead durante su juventud, y evidentemente, estaba más que viciado al viking metal y el folk, que en esos años estaba golpeando con mucha fuerza en Europa. La facilidad pasmosa con la que hilvanaban los estribillos más épicos que hubieras oído, ese espíritu norteño que invadía toda su música aunque

sin caer en las flautitas y demás chorradas, unido a la potencia death que les daba un robusto vocalista como Johan Hegg, pronto les convirtió en una de mis bandas favoritas del momento. Amon Amarth formaban parte de ese selecto grupo de formaciones a las que siempre he identificado como ‘metal total’ al reunir todo lo que considero que hace grande al heavy metal, y en 2008, un discazo como Twilight Of The Thunder God no hizo más que corroborármelo. Pero uno va haciéndose mayor, lo que antes le chiflaba suele pasar a un segundo plano, y aunque un mínimo interés siempre perdura, no les negaré que obras como Surtur Rising (2011) o Deceiver Of The Gods (2013), aunque correctas y con sus puntos fuertes, ya no llegaron a despertarme esa vieja pasión. Es por 33

eso que he celebrado la llegada de Jomsviking (Sony Music), pues el nuevo disco de los escandinavos sí ha logrado avivarme la llama. Al fin y al cabo, estamos hablando de un combo del que ya no recuerdo ni cuántas veces he entrevistado, que está presentando su décimo trabajo de estudio, pero el hecho de que estemos ante el primero totalmente conceptual parece que haya logrado sacar lo mejor que aún atesoran el citado Johan Hegg, Johan Söderberg (guitarra), Olavi Mikkonen (guitarra) y Ted Lundström (bajo), con Tobias Gustafsson de los desaparecidos Vomitory poniéndoles la batería tras desvincularse de Fredrik Andersson. Con más ganas que en anteriores ocasiones esperamos la llamada de Olavi, que desde su casa nos cuenta los entresijos de Jomsviking, nos muestra su vertiente más fan e incluso aprovecha para sacar pecho, reivindicando el trabajo en equipo y que Amon Amarth es mucho más que Johan y su poderío al micro. Quizá el compositor no necesite captar tanta atención mediática como el cantante, pero igualmente parece que nada le apacigüe su sed de metal, conquista, honor y gloria. Jomsviking es vuestro décimo álbum y también el primero conceptual… Supongo que una banda exitosa como Amon Amarth necesita nuevos retos cada día, pero, por otro lado, con el paso de los años, esos retos son cada vez más y más difíciles de conseguir o incluso de ingeniar… OLAVI MIKKONEN “Bueno, siempre trato de hallar nuevos ángulos en el riffing, ¿sabes? Trato de incorporar recursos que no hayamos hecho en 32

el pasado. Sí, estamos hablando de nuestro primer álbum conceptual en muchos años, pues nunca habíamos realizado una idea así de potente, que pudiera cubrir todo un disco. Estuvimos hablando y decidimos ir hacia un disco conceptual, y entonces Johan tomó la idea de los jomsvikings. Y claro, la composición fue absolutamente más desafiante porque, si tienes una historia, necesitas música para ella. Tienes que captar el momento, qué tipo de sentimiento necesita cada canción y cosas por el estilo. Creo que eso lo hizo más divertido, realmente tuvimos que hablar más que en el pasado para planificarlo todo”. Sí, para contar este cuento puedo apreciar un esfuerzo extra para brindar riffs y voces emotivas, y al mismo tiempo, una decisión consciente de escribir más medio tiempos relegando un poco vuestras típicas canciones rápidas. O también buenas partes narrativas en ‘Wanderer’ o ‘At Dawn’s First Light’… Bueno, para resumir, que noto un esfuerzo real y palpable del grupo para ofrecer algo nuevo y épico a los metalheads. “Sí, totalmente, estoy de acuerdo, realizar un disco conceptual es algo así como una película, donde cada escena debe ser épica, tratar de ser lo más épica posible, tanto como la música que puedan tener films como Gladiator o Braveheart. Ésos son los sentimientos que hemos mostrado, y para ello debes tirar más de orquestaciones y elementos de ese tipo para hacerlo aún más épico”. ¿Y cómo descubristeis esta trá-

gica leyenda de amor y venganza? ¿Es un cuento documentado, algo real que ocurrió de verdad? “(Risas) No… Los jomsvikings fueron reales, fueron un grupo de mercenarios de la era vikinga. El personaje principal de nuestro álbum es Krim (o algo así… -ndr.), y él es ficción, es algo que nos hemos inventado. Y bueno, yo básicamente no diría que es una historia de amor, eso es sólo la razón por la que él se hace jomsviking, porque tiene algo que realizar. Eso es sólo una pequeña parte del disco. El álbum va sobre cuando se une a los jomsvikings, y ellos fueron tremendas máquinas en batalla”. ¿Estás interesado en la historia nórdica o es Johan siempre la fuente de las letras y temática vikinga? “Estoy muy interesado en todos los tipos de historia y mitologías. La mitología vikinga es un poco diferente para mí, pero incluso la mitología griega, la romana… Siempre disfruto leyendo y viendo ese tipo de películas sobre cosas que ocurrieron hace mucho tiempo atrás. No me siento atraído por guerras o temáticas modernas, me parece aburrido”. (Risas) Así, diez discos después, ¿de verdad nunca te ha pasado por la cabeza escribir nuevas canciones con temáticas diferentes, como por ejemplo la vida moderna, los problemas sociales o algo así? “Mmm… Algunas veces hemos hablado sobre ello, pero creo que si hiciéramos una canción así sería algo diferente y mucha gente se sentiría decepcionada. Esto es lo que somos en reali-

encaja con la número 3, y esta idea podría ser la 7’, y así es como lo pensamos. Luego Johan terminó las letras porque ya teníamos el terreno abonado para que encajaran, así que fue como un puzzle en el que la música debía ceñirse a lo que la historia fijaba”.

“NO ME SIENTO ATRAÍDO POR GUERRAS O TEMÁTICAS MODERNAS, ME PARECE ABURRIDO"

OLAVI MIKKONEN dad, eso es lo que hacemos, esto es Amon Amarth. Por supuesto que creo que debemos hacer cosas diferentes, pero no algo que esté fuera de lo que es la marca Amon Amarth. Considero que mucho material y los distintos ángulos nos permiten escribir otros diez álbumes. No temo el quedarnos sin suficientes ideas, no creo que nos vayamos a quedar sin inspiración o algo así. Si cambiáramos eso cambiaría también la música, tendríamos que empezar a tocar rock”.

¿Cómo recuerdas el proceso de composición de Jomsviking? ¿Qué fue primero, la música o las letras? “Teníamos la historia, Johan escribió la historia, era súper, súper larga… Y entonces la cortamos en once piezas distintas. Teníamos algo nuevo, y dijimos ‘la canción número 1 necesita ser este tipo de canción, la número 2 necesita esto…’, así es como empezamos básicamente. Luego a mí me venían ideas y decíamos ‘OK, esta idea

Una canción como ‘At Dawn’s First Light’ suena realmente metal, al estilo de las formaciones clásicas de heavy metal de los 80, y no es la única en el nuevo disco. Además, ¡tenéis como invitada especial a Doro! ¿Estás redescubriendo a Iron Maiden, Saxon, Judas Priest o algo que se le parezca? “Yeah, la cosa es que crecimos escuchando Iron Maiden, Judas Priest, Accept, eso es con lo que empezamos. Básicamente pienso que estamos volviendo a nuestras raíces, cada vez más y más, así que sí, tenemos alguna canción muy Iron Maiden, tenemos a Doro en las voces en un tema… Realmente me gusta mucho, creo que es guay y, ¿sabes? Ha sido sin ninguna intención que hemos vuelto a esas raíces con las que crecimos”. Vamos a hablar un poco más de lo de Doro Pesch… Lo cierto es que suena muy potente junto a Johan. ¿Cuándo o por qué decidisteis introducir una voz femenina, una voz clásica como la de ella en ‘A Dream That Cannot Be’? “El caso es que cuando hicimos la canción pensamos que le iría bien una cantante femenina, y básicamente Doro fue la única… Bueno, no la única, pero sí la primera elección. Así 33

“JOHAN ES UN CANTANTE INCREÍBLE, PERO ES QUE TODA LA BANDA ES INCREÍBLE"

OLAVI MIKKONEN

que cuando fuimos al estudio contactamos con ella y lo hizo. Ahora vendría el cuándo… Vino al estudio durante tres días, y fue súper divertido porque yo crecí siendo un fan de Warlock, de Doro. Fue estupendo, ella hizo un trabajo fantástico, en la canción encaja a la perfección junto a Johan, y eso es exactamente lo que buscábamos”. 34

‘One Against All’ o ‘Raise Your Horns’ son auténticos himnos guerreros, pero como siempre, Johan las maximiza con su voz. Supongo que todo es más sencillo si puedes tocar con un vocalista como él, ¿no? Es apasionado, cuenta con esos guturales, que son algo dife-

rente en la escena… “Sí, definitivamente es un gran cantante, pero pienso que no sólo… Bien, es un vocalista estupendo, pero pienso que esto es una sociedad entre la banda entera. Trabajamos juntos las canciones, y no es necesariamente Johan el que concibe la melodía vocal o las letras, los coros. Sí, es un can-

tante increíble, pero es que toda la banda es increíble. Hemos encontrado la senda correcta a la hora de trabajar y, si tenemos una buena idea, para nosotros es fácil llevar a cabo una buena canción”. Mi tema favorito es ‘One Thousand Burning Arrows’, ¿pero cuál es la tuya, o cuál consideras que es la pieza clave de Jomsviking, aquella que pueda resumirlo mejor? “Guau, es una pregunta complicada… No creo que haya una sola canción que pueda resumir todo el álbum. La que mencionas, ‘One Thousand Burning Arrows’, posiblemente sea la canción más épica que nunca hayamos hecho, es un tema fabuloso, pero al mismo tiempo opino que ‘Raise Your Horns’… Cuando la estábamos ensayando pensamos que será una gran canción en directo, que será realmente asesina en vivo. De la misma forma también creo que la primera, ‘First Kill’, está guapa, es la típica canción de Amon Amarth rápida y en tu cara. Lo cierto es que no lo sé, considero que hay muchas buenas canciones en el álbum, lo imagino como un disco de Iron Maiden, donde hay tantas canciones potentes… Y eso está realmente bien. El caso es que con todo el mundo que hablo me menciona canciones favoritas distintas, y eso mola mucho”. Tobias Gustafsson os ha grabado las baterías… ¿Qué ha pasado con Fredrik? “La cosa con Fredrik es que ya no marchaba bien, estaba como separado. Si no estás como casado no es fácil trabajar, no había buenas vibraciones, y eso es simplemente lo que ocurrió. Pero bueno, nosotros nos movemos

hacia adelante, y le dijimos ‘queremos grabar un buen álbum con alguien que no eres tú’. Tobias Gustafsson ha sido un amigo de la banda durante muchos, muchos años, nos hemos sentido muy cómodos trabajando con él, y eso es lo que hicimos: compusimos la obra, la grabamos con Tobias, pero desafortunadamente no está disponible para girar, para integrarse en nuestro line-up, así que en este momento estamos trabajando con otro chico”. Bien, ¿y quién es ese otro chico? (Risas). “(Risas) No, no, no voy a soltar nombres todavía. No aún, porque hemos barajado varios nombres… Pero bueno, que tenemos un chico con el que hemos empezado a trabajar, es asombroso, y vamos a seguir con ello, a ver qué ocurre”. Jomsviking ha sido grabado por Andy Sneap. ¿Por qué decidisteis repetir con él, qué ocurre con Jens Bogren? ¿Estáis aburridos de él? (Risas). “No, nada eso, creo que Jens Bogren es un productor estupendo con el que hicimos tres discos, pero después de tres álbumes la banda necesita seguir adelante, por lo menos es lo que sentimos. Preguntamos a Jens para que nos aconsejase, porque más de dos discos con el mismo productor… Con Andy Sneap es muy relajado, no hay presión cuando grabas, todo es muy sencillo y nos divertimos mucho juntos. El ambiente hogareño que crea es muy relajante, está muy bien para nosotros, y creo que ésa es la principal razón por la que trabajamos con él, aparte de que es un fantástico productor en materia de sonido de guitarra, sonido de batería… Así que todo está bien con él, y

por eso pensamos en repetir”. A partir de abril vais a estar girando por Estados Unidos… ¿Estáis preparando algo diferente para vuestros shows? “Sí, por supuesto, estamos en la mitad de los ensayos y estamos trabajando en una nueva producción… En América vamos a tener la producción más grande que nunca hayamos tenido. Vamos con más gente, todo va a ser más grande y mejor, así que sí, eso es realmente excitante. Nos encantan las nuevas canciones, pero también vamos a ofrecer los viejos temas que todo el mundo quiere oír. Todo esto es emocionante, ya tenemos ganas de empezar. Y bueno, después de verano vendrá el tour europeo, y será entonces cuando vengamos a España. Será un año muy ocupado”. ¿En qué país te diviertes más tocando en directo? “Mmm… En Europa, y no lo digo porque esté hablando contigo, generalmente donde me gusta más es en España. Ahí tenemos un público muy apasionado, cantan las melodías de guitarra y cosas por el estilo. Siempre es muy, muy guapo”. Aquí un concierto de Amon Amarth es como un partido de fútbol: todo el mundo está cantando y chillando. “Sí, sí, como bien dices se parece a los partidos de fútbol, pero la diferencia es que ponen a Amon Amarth ahí, en el campo. Es jodidamente increíble, lo amo”.

GRUNGE

GUITARRAS, HEROiNA Y CAMISAS DE FRANELA PASAN LOS AÑOS, PERO LA FASCINACIÓN QUE GENERA TODAVÍA TODO LO QUE ACONTECIÓ EN SEATTLE EN LOS 90 SIGUE INTACTA. PRONTO VIVIREMOS EL 25 ANIVERSARIO DE LA SALIDA DE NEVERMIND DE NIRVANA, EL QUE SUPUSO EL MOMENTO OFICIAL DE LA EXPLOSIÓN DEL ROCK ALTERNATIVO A NIVEL GLOBAL. REPASAMOS CON EL ESCRITOR MARK YARM YARM,LA LAOTRA OTRACARA CARADEL DELGRUNGE. GRUNGE. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: MATTHEW SALACUSE (MARK YARM ), ED SIRRS (SOUNDGARDEN), ALICE WHEELER (NIRVANA), PAUL HERNANDEZ (ALICE IN CHAINS)

DITADO EN EL AÑO 2011, Everybody Loves Our Town fue la historia oral que todos los fans estaban esperando sobre aquel glorioso periodo musical de los 90. No olvidemos que el grunge, más que una etiqueta musical –es innegable que aparecieron bandas de todo tipo-, fue un movimiento que aglutinó a un buen número de músicos afincados en la ciudad de Seattle y alrededores. Un movimiento que marcó a toda una generación. Su autor Mark Yarm confiesa que no pisó la ciudad de Seattle hasta el año 95, cuando todo aquello ya era residual. Seguramente el hecho de que esa historia haya sido puesta en orden por alguien que no lo vivió en primera persona es lo que le da el plus de objetividad que te deja con la sensación de tener una idea bien certera de todo lo que pasó allí. Aprovechando la excelente edición que se ha hecho del libro en castellano por Es Pop bajo el título Todo El Mundo Adora Nuestra Ciudad: Una Historia Oral Del Grunge, teníamos delante una oportunidad excelente para hablar con su autor y recordar aquellos maravillosos días con tantas connotaciones emocionales.

Empezando por el principio, cuéntanos, ¿en qué momento decidiste hacer una historia oral del grunge o de la escena de Seattle, para ser más concretos? MARK YARM “Para empezar, yo era, y soy, fan de todo lo que aconteció en Seattle, así que a nivel periodístico era algo que me interesaba bastante. Hice una historia oral de Sub Pop para la revista Blender que

tuvo bastante éxito, y eso fue lo que llevó a que me propusieran hacer una historia sobre la escena de Seattle que fuese más allá del sello. Me pareció una gran idea y un reto que acepté de buen grado”. El número de entrevistados en el libro es considerable. Hay algunas declaraciones sencillamente delirantes. Parece que cada vez que Courtney Love abría la boca era para soltar alguna barbaridad. ¿Fueron todas las declaraciones hechas en exclusiva para el libro? “En algunos casos tuve que tirar de entrevistas de archivo. No todo el mundo estaba disponible, o quería colaborar, en el momento en que lo estaba escribiendo, y en algunos casos no me quedó otro remedio que tirar de archivo si quería dar una visión global de la situación. La gran parte se hizo en exclusiva para el libro pero, por ejemplo, me fue imposible contactar con Pearl Jam para obtener declaraciones, de ahí que tuviera que buscar en otros lugares”. Como curiosidad, ¿qué música escuchabas cuando eras adolescente? ¿Cómo llegaste a toda la escena Seattle? “Estaba muy metido en todo lo que era lo que aquí llamamos ‘collegue rock’, por lo que toda esa escena de la que hablo en el libro fue para mí un paso bastante natural. La verdad es que escuchaba cosas bastante raras y en general todo eso que con el tiempo se llamó ‘música alternativa’ era lo que más me llamaba la atención. Era una época en la que bandas como Jane’s Addiction empe-

zaban a despuntar”. Así que no fuiste el clásico adolescente americano fan de Mötley Crüe o Poison. “(Risas) No, para nada. No me interesaba esa música cuando era adolescente, y si te digo la verdad, la aprecio mucho más ahora que cuando era un teenager. El otro día entreviste a Brett Michaels de Poison y estuvo muy bien. Es muy curioso lo que esos músicos tienden a decir de aquellos días. Todo el mundo cree que el grunge mató a las bandas de hair metal o hard rock, pero lo cierto es que el movimiento estaba llegando al límite con un montón de bandas insustanciales. De una manera u otra, la cosa hubiese ido a la baja”. Sí, parece que hay una especie de nebulosa sobre aquellos días... Parece que Nirvana borraran de un plumazo todo lo que había pasado en la década anterior, pero formaciones como Jane’s Addiction, Red Hot Chili Peppers o Faith No More ya habían 37

demostrado que las cosas estaban cambiando. “Efectivamente. El mundo del rock ya no era el de mediados de los 80 e incluso en Seattle, antes de la explosión de Nirvana, ya estaban pasando cosas. Ya no era sólo en Los Ángeles con bandas como Jane’s Addiction, sino que una banda como Alice In Chains ya estaban sonando en la radio y se notaban aires de cambio en la escena”. Esos aires de cambio nos llevan a hablar de Mother Love Bone. Ellos fueron la primera banda de Seattle con una intención clara de ser grandes, y todo el mundo hablaba de que, si no hubiese sido por su muerte, Andrew Wood hubiese sido una gran estrella. ¿Cuál es tu opinión? “Es muy difícil poder dar una respuesta clara a todo eso. Definitivamente Mother Love Bone eran una banda muy especial y todo el mundo habla de Andrew Wood como de una persona con un carisma y una actitud especial. No había nadie como él. Pero de ahí a poder afirmar que la banda hubiese sido muy grande hay una gran distancia”. Desde luego el álbum que grabaron era el cruce perfecto entre el hard rock de los 80 y el rock alternativo de los 90. Un álbum muy personal para aquellos tiempos... “Totalmente de acuerdo. Era un gran disco pero, de nuevo, es difícil saber qué hubiese podido pasar. Si Mother Love Bone hubiesen tenido éxito es más que probable que Pearl Jam nunca hubiesen existido, porque Jeff 38

Ament y Stone Gossard hubiesen seguido allí, así que todo son conjeturas. Lo que es evidente es que Andrew Wood era un tío carismático al que todo el mundo parecía adorar”. Andrew Wood quería ser una estrella del rock y jugaba a eso. En general, el libro transmite que todo el mundo quería triunfar, algo que contrasta totalmente con esa idea de que el éxito era repudiado por las bandas de Seattle. “Bueno, supongo que es naturaleza humana decir que eso del éxito no va contigo, que no es lo que buscas. Evidentemente, eso no es cierto. Esos grupos querían triunfar y hacían todo lo posible para que sucediera. Lo que pasa es que veníamos de una época de excesos con todo el tema del hair metal y supongo que los músicos se querían desmarcar de todo eso en cierta manera. Había que ir con cuidado con el concepto de venderse. Ahora las cosas son muy diferentes y los grupos no tienen problemas en relacionarse o involucrarse con marcas. Saben que son necesarias para tirar adelante, pero hace 25 años esa percepción era muy diferente. Los grupos parecían querer medir mucho más sus pasos para no parecer algo que no querían ser”. Kurt Cobain fue el ejemplo de ese músico sobrepasado por las circunstancias y que no supo lidiar con el éxito. Creo que el talento de Cobain era excepcional, pero pienso que la explotación de su figura está rayando ya lo soportable. No creo que haya nada más que rascar sobre su vida

ahora mismo. “Puedo entender tu punto de vista, pero siempre habrá algo interesante a la hora de hablar sobre Cobain. Montage Of Heck creo que está muy bien y tiene algunas imágenes que son muy excitantes de ver si eres fan, por lo que el interés nunca decae. Yo soy el primero al que le gusta escribir de vez en cuando sobre él. Sin ir más lejos, el otro día Lenny Kravitz compartió unas imágenes de la entrega de premios de la MTV del año 93 y me encantó poder verlas. Era una figura totalmente icónica y es lógico que siga generando interés, aunque es cierto que a veces se llegue a la saturación”. Otro mito sobre Seattle es que era una ciudad gris y oscura. Creo que para nada es verdad. Es una ciudad muy agradable y la gente parece ser feliz allí, no el típico agujero donde la gente está amargada. Lo que sí parece es que la escena tuvo muy mala suerte con la cantidad de muertes que hubo o asesinatos como el de Mia Zapata. “No creo que en Seattle hubiese más muertes que en otras ciudades relacionadas con las drogas. Seguramente la gran diferencia es que mucha de la gente que murió debido a ellas era gente muy popular o que dejaron impacto en la escena, como Layne Staley, Andrew Wood o incluso Cobain, que no murió directamente por algo relacionado por el consumo de drogas, pero sí que marcaron su vida. El caso de Mia Zapata va aparte. Es una tragedia que no creo que tenga nada que ver con Seattle como ciudad”.

En el libro, por otro lado, se habla mucho de fiesta y cómo la gente le gustaba divertirse. “Es que ésa era la realidad. La gente era muy feliz allí y les encantaba salir por ahí, beber en bares y relacionarse unos con otros. Las tragedias que pasaron parecen haber oscurecido toda es parte buena y luminosa que existía en Seattle. Era una ciudad muy positiva y con ganas de hacer cosas, como quedó demostrado”. En los inicios de la escena musical, el éxito comercial no era un concepto que se pu-

diese ni contemplar. Cuando se vio que aquello era una posibilidad real, ¿crees que las cosas cambiaron en la ciudad? ¿Se perdió espontaneidad y camaradería? “Claro. Es inevitable. Por desgracia, los celos y la envidia es algo que va con el ser humano. Parece que nos duela que al otro le vaya bien. Eran bandas que habían compartido muchas cosas en sus inicios y unos fueron para arriba mientras otros veían sus oportunidades pasar. Evidentemente creó diferencias, pero también hay que decir que los grupos también

iban muy a la suya. Se pasaban la vida girando y llegó un momento en que se encontraban más en el backstage de un festival a miles de kilómetros que en la propia Seattle”. El dinero entró en la ciudad sin mesura. Muchas bandas recibieron adelantos indecentes de parte de las discográficas, pero parece que pocos supieron aprovecharlo. Mark Arm de Mudhoney es el que más claro habla sobre ello, diciendo que al final también se convirtió en un cliché te39

niendo una novia stripper y siendo adicto a la heroína. “(Risas) Tampoco creo que sea tan exagerado, pero sí que es verdad que el dinero cambió muchas cosas en la ciudad. Las bandas ya no tenían que preocuparse por cosas como pagar el alquiler, y las drogas entraron con mayor fuerza. No sé hasta qué punto causaron más estragos que en otros lugares, pues como he comentado, los muertos fueron más célebres, pero no creo que hubiese más yonquis que en otras ciudades. Lo que te puedo decir es que muy poca gente acabó haciendo dinero. Ésa es la realidad. Por descontado hubo gente que supo aprovecharse de todo aquello y otros que se corrompieron, pero fue la excepción. El dinero se fue tan rápido como llegó”. Una de las partes que más me han impactado del libro es cuando se habla de la decadencia de Layne Staley. Viendo el nivel de adicción al que llegó y lo incomunicado que estaba con el mundo, me pregunto cómo podía funcionar en su día a día. ¿Iba al banco a por dinero? ¿Iba a comprar bebida o comida? Esas cosas que hacemos todos de manera cotidiana… “Cuando tienes dinero las cosas son más fáciles, aunque estés enganchado a la heroína. Layne podía permitirse ese hábito. No sé si iba al banco o cómo le llegaba el dinero, pero da por hecho que lo tenía. Ya sabemos que cuando la gente es drogadicta toda su vida gira en

“ES NATURALEZA HUMANA DECIR QUE ESO DEL ÉXITO NO torno a las drogas y cómo conseguirlas. No creo que Layne Staley fuera diferente a otros en esa cuestión. Las drogas se convirtieron en su única razón de ser. Tuvo que ser un final muy agónico y triste”. Otro tema que tiene mucha importancia en el libro es el resentimiento que tenían algunas bandas por no haber triunfado. Es cierto que grupos como Tad o Screaming Trees eran muy buenos, pero si lo miramos con objetividad, hubiese sido muy extraño que hubiesen arrasado comercialmente. Su música no era tan fácil y su imagen no tenía nada de atractiva. “Todo el mundo parecía creer que podían ser los próximos Nirvana, pero ellos tenían un ‘algo’ especial. Es verdad que hubo grandes bandas que no tuvieron la repercusión que merecían y de todas ellas Tad quizás es la más destacable. Parecían una banda maldita y que todo lo malo les pasaba a ellos, lo que tiene algo de cierto, pero un grupo donde tu cantante pesa cerca de 150 kilos lo va a a tener muy difícil para llegar al gran público. Era imposible que todas las bandas triunfaran. Los factores que hacen que un grupo llegue al gran público son muchos y no todos tenían el encanto de unos Nirvana”. En mi opinión Nirvana fue el mejor grupo salido de toda aquella escena, aunque lo cierto es que nunca fueron una gran banda en directo. Recuerdo que cuando los vi durante la gira de Nevermind

VA CONTIGO, QUE NO ES LO QUE BUSCAS. EVIDENTEMENTE NO ES CIERTO. ESOS GRUPOS QUERÍAN TRIUNFAR Y HACÍAN TODO LO POSIBLE PARA QUE SUCEDIERA”

MARK YARM fueron un verdadero desastre. ¿Cuál es tu opinión? “Bueno, he de decir que nunca tuve la oportunidad de verlos en directo. Tuve muy mala suerte con ellos. Una vez me dejó colgado un amigo cuando teníamos que verlos en un festival y en otra oportunidad me quedé sin entradas. ¡Quién iba a pensar que no habría más oportunidades de verlos! Pero lo que dices me encaja, ya que la gente que los vio comentaba que podían tener noches memorables, pero también noches terribles”. Otro capítulo muy divertido, por llamarlo de alguna manera, es el dedicado a Candlebox. Todo el mundo se puso de acuerdo en odiarlos y en apuntarlos como la banda que trajo la decadencia a Seattle. Ese momento en que los grupos se estaban aprovechando de lo que estaba pasando allí. La verdad es que tampoco estaban tan mal... “Yo pienso lo mismo (risas). Hay canciones de su debut como ‘Far Behind’ o ‘You’ que estaban bien, pero había demasiado en su contra para que cayeran bien. Nadie sabía muy bien de dónde salían, y de repente ahí los tenías, fichando por el sello de Madonna, vendiendo millones de discos y saliendo todo el día en la MTV. Lo tuvieron todo en contra, a pesar de

su éxito inicial, y el hecho de que los componentes de la banda tampoco fuesen amigos no ayudó a que se crearan unos cimientos sólidos que ayudaran al grupo cuando llegaron los problemas”. Supongo que en el momento de la irrupción de bandas como Candelbox en el año 93, coincidió con el principio del fin y el momento en que muchos músicos se dieron cuenta de que el sueño estaba llegando a su final. Eso tenía que crear todavía más animadversión respecto a grupos como Candlebox. “Totalmente. Siempre hubo cierta clase de rechazo a bandas que no venían de un background que, se suponía, era el correcto. Alice In Chains siempre tuvieron muchos problemas y recelos por eso. Ellos no venían del corazón de Seattle y su pasado como banda de metal siempre había alguien que se lo recordaba. Lo que pasa es que Alice In Chains todo eso se la traía sin cuidado, no hacían ni el más mínimo caso. Candlebox manejaron mucho peor esa situación”. Para ir acabando, una de las cosas más positivas del libro es que no se centra sólo en las bandas grandes. Hay mucha pequeña historia, que creo que es lo que le da la

“TODO EL MUNDO PARECÍA CREER QUE PODÍAN SER LOS PRÓXIMOS NIRVANA, PERO ELLOS TENÍAN UN ‘ALGO’ ESPECIAL”

MARK YARM

nunca sabes la trascendencia que puede tener tu trabajo. Me alegro que de que el libro siga siendo válido, que se edite en países como España, y lo que me gustaría es que cuando se lea de aquí a veinte años, pueda ser tan válido y reflejar ese momento como lo hace ahora”.

verdadera perspectiva a lo que pasó allí. “Ésa fue mi intención. Evidentemente tenía que hablar de las bandas grandes y de cómo su éxito afectó de esa manera tan brutal a lo que pasó allí, pero hubo gente muy interesante durante aquel periodo que desde luego no se hizo tan popular. Normalmente es esa gente la que tiene las mejores historias por contar. Era

muy importante reflejar todos los puntos de vista de lo que fue la escena de Seattle”. ¿Te ha sorprendido la repercusión que ha tenido el libro desde su edición en 2011? Se ha convertido en la historia oficiosa del grunge… “Sabía que el interés estaba ahí, por eso me propusieron hacerlo, pero

¿Crees que el grunge ha sido el último movimiento que ha sacudido de verdad el mundo del rock? “Quizás con ese nivel de impacto, sí. También marcaba el final de una era, aquella que pasó sin internet de la mano, y creo que eso también tiene su influencia. La industria de la música es totalmente diferente y la oferta se ha desbordado. Ahora mismo estamos viviendo el auge del EDM, pero creo que son cosas diferentes. Eran otros tiempos y dudo que haya habido otra banda con el impacto que tuvo Nirvana durante aquellos días”. Y la pregunta final es inevitable: ¿Qué ha quedado de todo aquello? “Curiosamente estamos en un momento en que las grandes bandas, fuera de Nirvana, están en activo y funcionando muy bien, así que parece que todo sigue en pie”.

PEIREMANS+

LO MÁS PLUS EL FRENÉTICO RITMO DE ACTIVIDAD DE BERRI TXARRAK NO HA IMPEDIDO QUE GORKA URBIZU HAYA ENCONTRADO UN HUECO PARA RESUCITAR PEIREMANS+, LA BANDA EN LA QUE DA RIENDA SUELTA A SU FACETA MÁS MELÓDICA. ESTE MES EDITAN SU SEGUNDO EP BIGARREN SARIA Y OFRECERÁN TRES CONCIERTOS, AUNQUE COMO ADVIERTE EL PROPIO GORKA, SE TRATA DE UN REGRESO RELÁMPAGO. TEXTO: JAVIER PÉREZ FOTOS: DR

L HECHO DE QUE Gorka Urbizu cante la mayoría de sus composiciones en euskera nunca nos ha impedido traducir y curiosear con sus letras y, vaya, disfrutar a todo trapo de su música. Sin dejar de lado la actividad en Berri Txarrak, y como si esto fuera poco ya de por sí, ahora le toca el turno a Peiremans+, un proyecto junto a sus viejos amigos Txiki (Dut, Kashbad, 4itzal…) e Imanol Ubeda (Bide Ertzean, Deabruak Teilatuetan) que nació como algo puntual y que dejó su

esto y más hablamos con Gorka, que a pesar de haberse descrito en otras ocasiones como una persona introvertida, siempre se ha mostrado de lo más cercano y abierto que puede encontrarse hoy en día en el panorama musical. En primer lugar, ¿por qué resucitar este proyecto ahora? GORKA URBIZU “La chispa fue el décimo aniversario, ya que en 2005 editamos el primer EP. La verdad es que nos ha ocurrido lo más bonito que le puede pasar a una banda, y eso es que, a pesar de no estar en activo, las canciones se han ido haciendo camino. La gente empezó a escribir ‘Joder, cómo nos gustaba esa canción de ese disco y tal’ y con esas excusas nos juntamos para una cena y salimos de ahí con prácticamente varios conciertos ya pensados y la idea de hacer algo nuevo y rendirnos un homenaje. No sé si fue el vino o qué (risas), pero fue una cena y salimos de ahí con ganas de hacer algo. También coincidía que tenía un pequeño hueco con Berri Txarrak en noviembre, y nos empezamos a reunir y a ensayar de inmediato. Parar es morir (risas)”. marca en un EP homónimo de cinco canciones allá por 2005. El pasado noviembre, sorpresivamente, reformaron la banda para puntualmente ofrecer algunos conciertos y la cosa, por lo visto, no se quedó del todo ahí, porque este marzo (el 17 en la Moby Dick de Madrid, el 18 en la Apolo 2 de Barcelona y el 19 en Plateruena, Durango) no sólo vendrán a rescatar esas viejas canciones, sino también a tocar las cinco nuevas que componen Bigarren Saria, un segundo EP que saldrá el mismo mes. De

Tanto la reunión como los conciertos, como la salida del nuevo EP, ha venido todo rodado. ¿Tenéis pensado manteneros como banda por un tiempo o ya sabéis dónde está el próximo punto y aparte? “En realidad no, esto no es más que un divertimento fuera de nuestras bandas madres. Sacaremos el nuevo EP, haremos estos tres conciertos y después cada uno volverá a sus

“ME GUSTA QUE SEA EL OYENTE EL QUE ACABE DE CERRAR LA CANCIÓN. ADEMÁS, SI HAGO OTRO PROYECTO FUERA DE BERRI, SÍ QUE INTENTO DIFERENCIARLO, PORQUE NO TENDRÍA SENTIDO HACER LO MISMO”

GORKA URBIZU

quehaceres. Es más un regreso relámpago, pero la puerta siempre está abierta porque tenemos muy buen feeling y la verdad es que nos divertimos mucho tocando ese tipo de música… Pero bueno, es algo puntual, de hecho, casi se podría decir que estos conciertos serán algo así como un bis, porque la idea era hacer lo que hicimos en noviembre, pero es verdad que, como habíamos compuesto nuevas canciones, pensamos que si no las grabábamos nos íbamos a arrepentir. Así que además de los tres conciertos, hemos grabado otro EP de cinco canciones como hicimos hace diez años. Una especie de calco”. No soy nada fanático del fútbol, pero buscando encontré que el nombre de Peiremans+ viene de un caballero belga de nombre Frédéric que jugó en la Real Sociedad y en el Eibar durante unos años. ¿Qué más me puedes contar acerca del nombre? Y ya que estamos, ¿por qué la tirita como logo o el símbolo ‘+’ junto al nombre de la banda? “Ahí está el chiste, nunca llegó a jugar. La filosofía de Peiremans es 45

“NOS HA OCURRIDO LO MÁS BONITO QUE LE PUEDE PASAR A UNA BANDA, Y ESO ES QUE, A PESAR DE NO ESTAR EN ACTIVO, LAS CANCIONES SE HAN IDO HACIENDO CAMINO”

GORKA URBIZU

hacer homenaje a la dignidad del perdedor. Peiremans fue un ‘fichaje estrella’ de la Real Sociedad cuando Clemente era su entrenador. Tuvo la mala suerte de lesionarse en el primer entrenamiento y no pudo jugar ni un minuto. Después fue cedido al Eibar, que estaba en Segunda, y ahí tampoco llegó a debutar. Le entró una depresión terrible, dejó el futbol, cayó en el alcohol. Pero luego resurgió. Todos hemos sido Peiremans alguna vez, pero con ese nombre y concepto también queremos reflejar la dignidad de salir de ese agujero. De ahí esa especie de homenaje. La tirita, o el signo de plus, digamos que es para contrarrestar un poco todo lo negativo”. Siempre hay una lucecita al final del túnel… 46

“Siempre. A veces los músicos nos ponemos muy serios y Peiremans+ ya de por sí es un divertimento. Y no es que nos lo tomemos a broma, porque hay que hacerlo bien, pero es verdad que también tenemos un punto irónico y positivo, y queremos que la gente en lo directos se lo pase bien y se vaya con una sonrisa en la cara”. ¿Hasta qué punto las letras de esta banda contienen poesía implícita? En general, ¿de qué temas tratan? Lo pregunto porque por culpa de músicos como tú está entrando la poesía a escondidas en más de una vida, incluida la mía (risas). “Bueno, no hay una temática única. En Peiremans+ hay una dupla componiendo las canciones, que somos

Imanol y yo. Al final tienes temas de los dos, lo que enriquece el producto final porque cada uno escribe de manera diferente. No lo llamaría poesía para nada porque eso son palabras mayores (risas), pero en mis canciones sí es verdad que puede haber hueco para la poética. Me gusta que sea el oyente el que acabe de cerrar la canción. Además, si hago otro proyecto fuera de Berri sí que intento diferenciarlo, porque no tendría sentido hacer lo mismo. Aquí hay menos trascendencia en las letras y creo que el material es más fresco, más melódico… Aunque puede que algunas canciones rezumen un poco de poética”. En estas últimas semanas me he hecho adicto a las melodías musicales y vocales y a

un buen saco de estribillos pegadizos de los dos EPs de Peiremans+… Hay una canción de este segundo EP, ‘Zortziak Bat’, que es todo un puntazo... tiene alma punk, mucha melodía y es desenvuelta. ¿De dónde sale esta canción? “Esta canción la compuse hace tres o cuatro años. Cierto que es la más rápida, punk, y te puede dar reminiscencias de un tipo de Berri (risas)”. Encontré la letra y me pareció curiosa… Parece otra bizarrada del tipo ‘Payola’ o ‘Achtung’ de Berri Txarrak con mensajes crípticos, de dobles o triples raseros. “Sí, es muy curiosa. Son unos versos de un euskaldun que vivía en Idaho en los años 30 y pico, y cuenta cómo los pastores inmigrantes salían de farra (risas). Tiene ese punto de humor irónico que nos gusta en Peiremans+”. En el cartel de la gira de los tres conciertos que daréis en marzo se puede leer: “Joan ginen baina hemen gaude oraindik”. Si cierto e infame traductor no me falla del todo, y corrígeme si me equivoco, viene a decir algo así como “Nos fuimos, pero todavía estamos aquí”. ¿Se trata de un viejo mensaje entre amigos o de un enunciado para la ocasión? “Viene de una canción del primer EP, de una canción como de amor que dice: “Te has ido, pero aún sigues aquí”. Como que siempre recuerdas a esa persona y tal… Nos pareció un buen lema para los conciertos de

regreso, por eso pusimos eso en el cartel”. Me encantaría pecar de ignorante, pero creo que el grueso de la gente que vaya a veros en Madrid y Barcelona ira más por la curiosidad de ver el ‘proyecto resucitado de Gorka de Berri Txarrak’ que por otra cosa. Es evidente que si eso pasó por vuestra mente no os ha echado para atrás a la hora de programar los shows, pero me gustaría saber qué esperáis de estas actuaciones. “Ya. Es toda una incógnita, porque es un proyecto que fue tan fugaz en su día, y hoy tienes que estar muy al loro, muy interesado para saber qué es Peiremans+. No esperamos nada masivo… Como tú dices, habrá gente que irá por ver ‘el proyecto power pop de Gorka de Berri’ o que haya escuchado una canción y le mole. A saber. Con las redes sociales todo es más fácil, más accesible. También hemos recibido varios mails preguntando por qué no vamos a Madrid y a Barcelona y, bueno, pensamos ‘¿Por qué no?’. Yo creo que habrá ambientillo (risas)”. No voy con ninguna expectativa de escuchar material de Berri Txarrak, pero si incluís en el set de Madrid ‘Makuluak’ (adaptación en euskera de un poema del alemán Bertolt Brecht y musicalizado en el disco Haria de Berri Txarrak -ndr.) o alguna que otra versión de otra banda, no estaría de más y nadie protestaría.

“Tomo nota (risas). Estamos ensayando… Además, como tenemos pocas canciones de repertorio propio no da lo suficiente para hacer un set de al menos una hora, así que algo habrá. En eso estamos (risas)”. Sabemos que, además del metal, el punk o el hip hop, también te molan melodías más azucaradas, sensibles o como quiera cada uno etiquetarlas… Me refiero a que nunca has ocultado las influencias de David Bazan de Pedro The Lion o Rivers Cuomo de Weezer. Además, no son pocos los que aplauden Helduleku Guztiak como el mejor de los tres EPs que conforman Denbora Da Poligrafo Bakarra, precisamente por ser la versión más variada, pop y desenfadada que hayamos escuchado nunca por parte de Berri. La pregunta es: ¿Escribir y desarrollar en directo ese material este último tiempo fue una parte motivante o relevante a la hora de abrirte a la reunión de Peiremans+? “No, en realidad no. Esto surgió por un tweet hablando del décimo aniversario del primer EP. Lo de Berri surgió de nuestra inquietud musical y del planteamiento especial de aquel disco. Mucha gente nos lo ha comentado, y estamos muy orgullosos de los discos, de los seguidores y de nosotros”. Hace casi cuatro años el colectivo Másquepalabras te hizo una pequeña entrevista bajo el marco Tres Minutos Con…. En ella comentabas 47

que para ti “estar en la música no es como si le dieras cuerda a una peonza y esperaras a ver cuánto dura para dejarlo”. Después de todos estos años aún se te sigue viendo con las pilas a tope. ¿Sientes como artista que te queda mucho por hacer y por decir? “Sí, la verdad es que sí. No me acuerdo de esa frase, pero entiendo perfectamente por dónde vas y por dónde iba. Las pilas a nivel de ilusión las tengo como el primer día o más. Otra cosa es la inspiración, que no sabes nunca cuándo llega, o el tiempo que tengas para hacer las cosas como es debido... (Risas) Pero 48

cuando descansamos un poquito ya tenemos rápidamente ganas de estar en activo”. Tuve la suerte y la casualidad de verte en agosto de 2014, época en la que grababais en Madrid el anteriormente citado EP. Fue participando en la sexta edición de Poesía O Barbarie que organiza el también citado colectivo. Además, has tocado en acústico en otras ocasiones como en el Resurrection Fest de 2012 o en algunos showcases con Berri Txarrak. ¿Has pensado alguna vez en hacer gira como solista? No

seríamos pocos los que nos gustaría ver las canciones en un formato más natural o desnudo. “No tengo un plan trazado para ello, pero sí lo he pensado y algún día haré algo así en solitario, más desnudo. Creo que en muchas canciones de Berri o Peiremans+ está ese germen, ese esqueleto y esa base. Y cuando lo haga casi será más volver al origen (risas), pero sí, siempre me ha gustado ese estilo. Aunque también me gusta mucho el tema de grupo, tocar con otra gente y la potencia que te da un bajo, una batería. Me gusta mucho el rock (risas), pero algún día querré probar un registro un poco más tranquilo…

música, y esta vez sí que era poesía porque Gotzon era el poeta que la escribía y yo ponía la música. Después un amigo me dijo que estaba escribiendo un libro llamado Katamalo y versaba sobre la identidad, de cómo nos escondemos o aparentamos delante de la gente, la dificultad de ser sinceros siempre… Las máscaras. Esa clase de juego me pareció muy interesante como concepto. Y nada, ahí nos tiramos la manta también con Katamalo (risas)”.

Al tiempo, pero de momento no hay nada en mente”. Termino vaciando otra cuestión de poesía, remitiéndote al año 2007, cuando se publicó un proyecto literario llamado Bihotz Bakartien Kluba (‘Club De Los Corazones Solitarios’ en castellano –ndr.) que adaptaba poemas de Gotzon Barandiaran con música. ¿Cómo surgió tu participación en el proyecto? Tengo entendido que esto ya venía de atrás… “Sí, Katamalo (‘Máscara’ en castellano –ndr.) se llama el proyecto. Venía de hacer un proyecto de poesía con

A lo largo de los años has colaborado cantando en otras bandas, algunos ejemplos son ‘Aprendiendo A Desconfiar’ de Dikers, ‘Stop Censura’ de Boikot, ‘Por Una Vez’ de Habeas Corpus o recientemente ‘PRMVR’ de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol. Sin embargo, tengo la impresión de que son muchos más los que te invitan a participar en sus canciones. ¿Hay algún factor crítico que sigas a la hora de decidir si participar en la canción de otro grupo, o surge entre amigos o conocidos de forma natural? “Aparte de ‘PRMVR’, que es de hace poco, el resto son colaboraciones bastantes antiguas. Verás, se me hace muy duro decir que no a la gente porque a mí también me hace ilusión que quieran que cante en su disco. Pero huyo del protagonismo y tengo muy claro que no quiero estar presente en todos los discos o estar como ‘presente’ todo el rato. Hace unos años tomé la drástica y jodida decisión de cerrar el grifo a todas las colaboraciones, fue la única forma de no tener que lidiar con la decisión

de tener que pensar a quién le digo que sí y a quién le digo que no… Es extremadamente complicado. ¿Quiénes somos nosotros para decidir qué es bueno y qué no lo es? Rara vez han coincidido varios factores y ha podido ser viable, como la participación con La Maravillosa Orquesta Del Alcohol, que además tenía entendido que eran muy seguidores de Berri Txarrak y sé lo mucho que se lo han currado desde abajo. Y claro que alguna vez te llevas alguna mala cara o alguna desilusión al decir que no, pero tengo que aplicar mis criterios en todo momento, por mí y por la banda. Con mucha pena he tenido que decir a veces que no a amigos o proyectos muy buenos o que me encantan… Como digo, muy complicado”. Una última pregunta: ¿Alguna vez te has llegado a reír sin querer al escuchar en directo cantar a algún fan alguna letra en euskera de forma desastrosa? Aunque supongo que a la mayoría también nos pasa con Kvelertak, Rammstein y demás. “Sí, hombre (risas), pero me hace mucha ilusión, ¿eh? Eso es la hostia. Acabo de ver a una chica de Chile en internet tocando una canción del último disco de Berri en su casa… Y joder tío, me da igual cómo lo pronuncie. Que eso ocurra ya es la hostia… Si lo pronuncia bien o mal es secundario, terciario y cuaternario (risas)”.

BRIAN FALLON

CRUCE DE CAMINOS

BRIAN FALLON DEBUTA EN SOLITARIO CON PAINKILLERS, UN DISCO QUE LLEGA APROVECHANDO EL PARÓN INDEFINIDO DE THE GASLIGHT ANTHEM Y DESPUÉS DE SUPERAR SUS PROPIAS INSEGURIDADES Y UN DOLOROSO DIVORCIO. LE HA COSTADO LO SUYO, PERO BRIAN VUELVE A SONREÍR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UNQUE TODO el mundo le asocia a Bruce Springsteen, algo por otra parte lógico, Brian Fallon nunca ha ocultado que su mayor inspiración a la hora de formar The Gaslight Anthem fueron The Bouncing Souls. Al fin y al cabo, la veterana banda de punk rock era un referente mucho más cercano y accesible que la superestrella de New Jersey. Y aunque en la última década los Gaslight les han sobrepasado en términos de popularidad, y Fallon llegaría a intimar con Springsteen mucho más de lo que nunca hubiera soñado, años después The Bouncing Souls volverían a ser los responsables de prender, involuntariamente, la chispa que desembocaría en la creación de Painkillers, el primer disco en solitario de Fallon. Fue poco antes de las navidades de 2013 cuando la banda preguntó a Fallon si estaría interesado en abrir su tradicional concierto Home For The Holidays que cada año celebran en el Stone Pony de Asbury Park. Fallon tenía algunas canciones que había escrito al margen de The Gaslight Anthem, pero en lugar de subirse él solo a un escenario, prefirió llamar a algunos amigos y presentarse bajo el nombre Molly And The Zombies. A Brian le encantó cómo sonaban estos nuevos temas de acento mucho más folk y country, pero teniendo en cuenta que la maquinaria de The Gaslight Anthem iba a ponerse de nuevo en marcha para la grabación y gira de su quinto álbum, el proyecto no pasó de ahí. En agosto de 2014 aparecía Get Hurt, en el que Brian y sus compañeros experimentaban un poco más con su sonido y que no acabó de cuajar entre la crítica ni parte de sus segui-

dores, que veían cómo el grupo iba perdiendo la esencia punk de sus inicios. La tibia recepción, unida a las secuelas del fin de su matrimonio de diez años con Hollie, que además de ser su esposa ejercía de tour manager del grupo, dejó al cantante muy tocado. Por eso, en verano de 2015, una vez finalizada la gira de Get Hurt, Fallon decidió hacer un reset. Consecuencia de ello fue el anuncio de un cese indefinido de todas las actividades con The Gaslight Anthem. Con la agenda vacía por delante, Fallon tenía varias opciones, desde grabar el segundo disco de The Horrible Crowes, el dúo que había formado con Ian Perkins, guitarrista en directo de Gaslight, en 2011, o reunir a Molly And The Zombies para grabar en un estudio unas canciones que sólo habían sido interpretadas en directo. Finalmente, aconsejado por una amiga que le dijo que lo mejor era lanzarse en solitario en lugar de ir formando nuevas bandas cada vez que quisiera hacer algo al margen de Gaslight, Fallon se armó de valor y decidió grabar un disco que iría firmado por su nombre. Así, Painkillers (Island), que se publicará el 18 de marzo, es una condensación del universo musical de Fallon, con el apoyo de Alex Rosamilia, guitarrista de Gaslight, Catherine Popper, exbajista de Ryan Adams y que le acompañó en Molly And The Zombies, y el productor Butch Walker. A principios de febrero establecíamos conexión con Brian para hablar de todo esto, pero antes queríamos quitarnos el mal sabor de boca que nos había dejado nuestro último encuentro con él.

Me gustaría empezar por un tema un poco delicado. Siempre hemos tenido muy buen rollo contigo y con la banda, pero cuando te hicimos la última entrevista en Londres durante la promoción de Get Hurt, parecías de mal humor y estabas muy a la defensiva. ¿Lo recuerdas? BRIAN FALLON “No lo sé. Durante ese periodo no estaba en mi mejor momento, eso seguro. Puede que tuviera algo que ver, pero no recuerdo nada específico que pasara con vosotros. Creo que la gente olvida que los músicos somos personas normales y que pasamos por malos momentos. Cuando tienes un trabajo normal, no tienes que responder públicamente sobre tus emociones, pero los músicos siempre tenemos que tirar adelante pase lo que pase. Es duro. Si estás de mal humor, todo el mundo lo ve”. Además, teniendo la reputación de ser un buen tío, es más difícil. Si siempre eres un gilipollas, nadie espera algo bueno de ti. “(Risas) ¡Es verdad! Sigo teniendo malos días, pero intento que sean los menos (risas). Pero ahora han pasado unos años de todo aquello y es un poco más fácil enfrentarme a las entrevistas”. Perfecto. En cualquier caso, ¿cómo te sientes respecto a Get Hurt ahora? “Me sigue gustando. Es un álbum en el que cambiamos las cosas, pero no lo odio, creo que tiene buenos temas. Especialmente las caras B me gustan mucho”.

Pero desde fuera parece que quizá el disco no cumplió con las expectativas. ¿Te sentiste en cierto modo decepcionado por cómo funcionó? “Es cierto que algunas de las críticas no fueron buenas, aunque hubo otras que sí. Creo que polarizó a nuestro público y sobre todo a la crítica, pero era algo previsible por el hecho de que era distinto. No puedo negar que quizá eso me afectó un poco más que al resto. Fue duro porque a veces me parecía que se cuestionaba mi honestidad respecto a la música, y no me parecía nada justo. Pero en directo a nuestros fans les gustaban las canciones, así que resultaba un poco confuso. Una vez Bruce (Springsteen) me dijo que tienes que ganarte a tu público. No es

algo que te venga dado, tienes que ganártelo. Creo que mucha gente olvida eso cuando tienen éxito. Olvidan que tener un público no es algo que esté garantizado, tienes que seguir trabajando duro para que te sigan. Es una lección importante, y por eso siempre tienes que estar agradecido de que alguien esté dispuesto a escucharte”. Sin embargo, ahora todo va tan rápido que igual mantener esa conexión es difícil. ¿Empiezas a sentir una especie de salto generacional entre tu público y tú? “En realidad no. Creo que el público más joven que nos descubrió con The ’59 Sound ha crecido conmigo. Y también me siento en sintonía con

la nueva gente que viene a verme. Toco madera (risas)”. Hace unos días entrevisté a Jesse Malin y le hablaba sobre su condición de pionero de la hornada de cantantes de grupos punk metidos a cantautores. Me preguntaba si en cierta manera fue una inspiración para ti. “Sí, sin duda. Jesse es uno de mis mejores amigos. Pasó de estar al frente de D-Generation a hacer su propia música, y esa transición siempre me pareció muy interesante. Desde luego es alguien con quien he hablado mucho sobre esto”. ¿Por qué decidiste grabar Painkillers como un disco en 53

“HACER UN DISCO EN solitario en lugar de hacer otro como The Horribles Crowes o grabar con Molly And The Zombies? Porque, de hecho, algunos de los temas del disco los habías escrito para este último proyecto... “La razón principal fue que, cuando formas un grupo y le pones un nombre, le otorgas una cierta personalidad. Si hubiera hecho otro disco de The Horrible Crowes no podría tocar material de Molly And The Zombies, y viceversa. Yo quería hacerlo todo, y grabar bajo mi propio nombre me permitía hacer lo que quisiera sin restricciones. Y ahora en la gira estamos tocando temas de los distintos proyectos”. Pero en cambio, no de The Gaslight Anthem... “No, no creo que fuera justo para el resto del grupo ni para la música en sí. Creo que sonarían como versiones descafeinadas sin los otros tíos tocando”. Empezaste a componer estos temas antes de grabar Get Hurt. ¿Ya tenías claro entonces que querías hacer algo por tu cuenta? “En ese momento escribí sólo tres temas, pero no tenía nada decidido. Hacer un disco en solitario es algo que tenía dentro de mi cabeza desde hacía tiempo, pero quizá no me sentía preparado, me parecía un poco presuntuoso. No fue hasta después de Get Hurt que me puse a trabajar en serio en mi disco”. ‘Rosemary’ de tu álbum podría haber sido una buena canción para Gaslight. 54

“Quizá sí, pero hubiera sonado muy distinta si la hubiese tocado con ellos”. Alex, guitarrista de The Gaslight Anthem, ha participado en el disco, así como Catherine Popper y Randy Schrager, bajista y batería de Molly And The Zombies, y en directo además de él también te acompaña Ian Perkins, tu socio en The Horrible Crowes, lo cual me ha hecho pensar en Full Moon Fever, el disco que grabó en solitario Tom Petty, pero en el que usó varios miembros de The Heartbreakers. ¿No querías desvincularte del todo de tus compañeros aun siendo tu proyecto? “Es una buena referencia. Sí, quería que la gente se sintiera partícipe de lo que estaba haciendo, no que pensaran que quería alejarme de ellos. Posiblemente Molly And The Zombies fue la chispa que lo encendió todo. Me gustó tocar con ellos y hacer una música que siempre había querido hacer”. El disco lo ha producido Butch Walker, un personaje interesante porque además de producir superestrellas como Taylor Swift o P!nk, también produce a gente como Frank Turner. ¿Cómo llegaste a él? “Varios amigos me lo recomendaron y, de hecho, Frank Turner fue uno de los primeros a los que pregunté porque había grabado su último disco con él. Y Frank me dijo que era un tío increíble y que sabe lo que hace. Frank es un buen amigo mío y desde

SOLITARIO ES ALGO QUE TENÍA DENTRO DE MI CABEZA, PERO QUIZÁ NO ME SENTÍA PREPARADO, ME PARECÍA UN POCO PRESUNTUOSO” BRIAN FALLON

luego tengo más en común con él que con Taylor Swift (risas), aunque ella también me gusta, así que me parecía una buena elección. Butch puede hacer de todo, discos de pop, discos de rock, de punk... tiene mucho talento”. ¿Cuál es la parte que disfrutaste más de lanzarte con el álbum en solitario? “Sobre todo la libertad para hacer lo que quisiera. Me divertí mucho cogiendo una guitarra acústica y componiéndolo todo, y también luego grabándolo con Butch. La verdad es que muy fácil”. ¿Pero te intimidaba poner tu nombre en la portada, ser el único responsable de su éxito o fracaso? “Sí, da un poco miedo, pero creo que me da más miedo cuando sacamos algo con Gaslight porque la banda es más grande y hay más presión. Es cierto que yo soy el único culpable, pero al mismo tiempo, las expectativas son mucho menores porque es algo nuevo”. Diría que el tema principal del disco es el amor. ¿Estás de acuerdo?

“La verdad es que no pensé en ello. No suelo escribir discos pensando en una temática concreta. Supongo que cuando compones durante un mismo periodo siempre van a tener algo en común. Pero ése es el tipo de canciones que escribo, no escribo canciones políticas, ¿sabes?”. ¿Cómo te planteas escribir una canción de amor a los 36 años? ¿Ha cambiado mucho tu perspectiva sobre el tema, y más después de haber pasado por un divorcio? “Seguro que sí, creo que le pasa a todo el mundo a medida que se hace mayor. Simplemente cambias. Es una progresión natural porque tienes un conocimiento mayor de lo que es la vida. No sólo del amor, sino de todo en general”.

Aun así, sigo notando un punto romántico en tu música. ¿Intentas preservar eso y evitar volverte un cínico? “Sí. Intento no volverme cínico respecto a nada. Creo que cuando te vuelves cínico pierdes la emoción por la música, por la vida. Creo que la clave para todo es no perder la emoción, la ilusión por las cosas. Eso es algo que intento preservar”. Una de las cosas que me gustan de las letras de Gaslight es que siempre haces referencias a otros artistas, y aquí sigues haciéndolo. En este disco citas a Title Fight y Marianne Faithfull, por ejemplo. ¿Es una especie de manía que tienes cuando escribes? “Sí, para mí se ha convertido ya en

una tradición. Me gusta que la gente conozca lo que me gusta o me interesa y quizá despertar su curiosidad para que lo escuchen. Es algo que robé del hip hop, en realidad (risas). En el hip hop siempre nombran lo que les gusta, y eso tuvo un impacto en mí. Pensé que era muy guay (risas)”. Los arreglos y el sonido del disco tienen mucha influencia folk y country. ¿Llegaste a estos estilos de pequeño o es algo que descubriste de más mayor? “El folk fue mi primer interés musical. Sin duda antes de que me interesara por el punk. Bob Dylan, Johnny Cash o Bruce Springsteen fueron los primeros artistas por los que me sentí atraído. Y todavía me siguen gustando mucho, pero tampoco quería hacer 55

“CUANDO TIENES UN TRABAJO NORMAL un disco country... No soy de Nashville, soy de New Jersey (risas)”. ¿Crees que esa influencia más clásica fue lo que hizo de The Gaslight Anthem una banda distinta dentro del punk rock? “Es muy posible. Creo que nuestras influencias venían por igual de ambos lados, nunca fuimos una banda de street punk estrictamente”. Ya que has mencionado a Springsteen, recuerdo leer que le pediste si podías grabar su tema ‘The Wall’, que apareció en su disco de descartes High Hopes. ¿Cómo fue la historia? “Lo que pasó es que hace años escuché ese tema y me parecía genial, pero no lo había publicado en ninguno de sus discos, así que le pregunté que, si él no iba a grabarlo, si lo podía hacer yo. Pero me dijo ‘voy a grabarla’, así que ahí acabó todo (risas). Es una canción que me encanta, pero nunca la había publicado, sólo la había tocado alguna vez en directo. Hasta que la grabó (risas)”. ¿Eres un compositor tan prolífico como él? ¿Sueles escribir 50 temas para cada disco? “Suelo escribir más de lo que necesito. Me gusta escribir tanto como puedo. Aunque tengo muchos temas flotando que no están terminados del todo, pero que igual al cabo de unos años retomo y sale algo bueno. Me gusta tener esa reserva de ideas, nunca tiro nada (risas). Leí un libro de Tom Petty, Conversations

NO TIENES QUE RESPONDER PÚBLICAMENTE SOBRE TUS EMOCIONES, PERO LOS MÚSICOS SIEMPRE TENEMOS QUE TIRAR ADELANTE PASE LO QUE PASE. ES DURO. SI ESTÁS DE MAL HUMOR, TODO EL MUNDO LO VE” BRIAN FALLON With Tom Petty, en el que decía que el bloqueo creativo es sólo una manifestación de la inseguridad, pero que si lo has hecho antes, no hay motivo por el que no puedas volver a hacerlo. Y yo añadiría que lo importante es escribir mucho. Para conseguir canciones buenas, primero tienes que escribir un montón de malas”. Ya llevas unos meses girando. Supongo que, en cierta manera, te tiene que recordar a tus inicios, cuando tocabas canciones que todavía no se habían publicado y nadie había escuchado. ¿Cómo te estás sintiendo de nuevo en esa situación? “La verdad es que muy bien, la gente parece muy receptiva. Estamos tocando algunos temas de The Horrible Crowes también y alguna versión. Me gusta. Tenía un poco de miedo, pero ha salido muy bien (risas)”. ¿Tienes previsto estar mucho tiempo en la carretera con este disco? “La intención es hacerlo mientras haya gente que quiera vernos (risas). Por ahora tenemos fechas cerradas hasta abril, aunque seguro que haremos más”.

¿Te sigue motivando salir de gira o una vez ya has visitado la misma ciudad por enésima vez pierde un poco de gracia? “Los conciertos siguen siendo divertidos, pero cuando te haces mayor viajar da mucha más pereza (risas)”. Por ahora The Gaslight Anthem está en la nevera, ¿pero te has planteado ya cuándo podríais volver a hacer algo juntos? “No, no hay ningún plan por ahora. Vamos a esperar a que todos sintamos que podemos hacer algo nuevo y que nos emocione. Sé que a la gente le gustaría que hiciésemos otro disco que sonara como The ’59 Sound, pero con todo lo que amo ese disco, sería una mala idea intentar hacer una copia de eso. Todos pensamos que es una buena idea esperar hasta que se nos ocurra la manera de inyectarle nueva vida a nuestra música”. Pues esperemos que ocurra pronto. “Ten un poco de paciencia. Todo llegará (risas)”.

COHEED AND CAMBRIA - EL VUELO DE LA LIBÉLULA COHEED AND CAMBRIA TENÍAN UNA CUENTA PENDIENTE CON NUESTRO PAÍS DESPUÉS DE SU ACCIDENTADA ÚLTIMA VISITA HACE UNA DÉCADA. LOS PASADOS 22 Y 23 DE ENERO, EL PÚBLICO DE MADRID Y BARCELONA DIO LA BIENVENIDA A CLAUDIO SANCHEZ Y SUS COMPAÑEROS. RUBÉN NAVARRO VIAJÓ CON ELLOS PARA CAPTAR LAS MEJORES INSTANTÁNEAS Y LUIS BENAVIDES NOS RELATA SU CONCIERTO EN LA CIUDAD CONDAL. TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: RUBÉN NAVARRO

lgo me decía que pincharían, pero no quería aceptarlo. Que Coheed And Cambria son una de las bandas más personales e interesantes al otro lado del charco, y son muy caros de ver por aquí... La semana antes del bolo del cuarteto neoyorquino en Barcelona pintaba bastante mal porque mis amistades estaban más preocupadas por comentar el cartel del Primavera Sound y el regreso de At The Drive-In. ¡Que vienen Coheed And Cambria, carajo! Mis sospechas se confirmaron al girar la esquina del Razz 2 un cuarto de hora antes de la apertura de puertas y no ver el ambiente de las grandes ocasiones. En Madrid, me contaron, pasó algo muy parecido. Allí tocaron en 2010, en un Sonisphere, pero a los catalanes nos debían un bolo desde bastante antes. Cancelaron la misma tarde que tenían que presentar en Barcelona el larguísimo y exquisito Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through The Eyes Of Madness, conocido por todos sus seguidores como IV. Del plantón han pasado ya diez años y los norteamericanos liderados por el peludo Claudio Sánchez están más que perdonados, sobre todo después del concierto que se marcaron en la sala mediana de Razzmatazz. Se notaba que les daba igual tocar para 150 que para 1.500. Como los locales Avida Dollars, que saltaron al escenario sobre las nueve de la noche y aprovecharon muy bien sus 40 minutos. Jóvenes pero muy preparados, y no les tembló el pulso ni la voz a la hora de ejecutar temas redondos y complejos al mismo tiempo como son ‘Los Niños Perdidos’, ‘Sombra Y Luz’ y ‘Volvamos A Vencer’, incluidos en el genial Catarsis, su último trabajo hasta la fecha. Avida Dollars apenas descansaron de su concierto en Madrid y no pudieron hacer pruebas de sonido, según explicaron, por culpa del muy honorable cuerpo de la benemérita, que los paró volviendo de la capital hasta en dos ocasiones.

El cansancio debía ir por dentro, pues no notamos nada de eso, ni una pizca. Los vimos muy concentrados y enchufados, y en la parte final les vimos sonreír, disfrutando como niños chicos. El público respondía muy bien a los nuevos temas, también a himnos pretéritos como ‘Berriak’ o ‘Esencia’. Sin duda, un pequeño gran paso para una pequeña gran banda. Claudio Sanchez y su icónica melena venían con un nuevo trabajo bajo el brazo, un punto y aparte como es su octavo largo, The Color Before The Sun, y precisamente con este disco empezaron. Idéntico arranque, con ‘Island’ y ‘Eraser’, dos de sus temas más edulcorados. También atacaron ‘You Got Spirit, Kid’ y ‘Here To Mars’, singles inmediatos, emopop de calidad, ideal para desengrasar el grueso de su setlist, formado por algunos de sus temas más importantes de su carrera. Así, el cuarteto propulsado por el grandullón Josh Eppard, un animal detrás de los parches, deleitó al personal con temas con mucha solera como ese ‘Devil In Jersey City’ de su largo debut y la súper épica de ‘In Keeping Secrets Of Silent Earth’, del álbum con el mismo nombre. Tocaron la indiscutible ‘No World For Tomorrow’, la única del disco homónimo, pero faltaron bastantes temazos. Eso sí, apostaron por un tema de Descension, otro del Year Of The Black Rainbow… y la atención de servidor se diluyó. Lo siento, pero es así. Unos cuatro temas del montón, por decir algo, que son muy buenos músicos, y muchos despertamos con el punteo escalofriante y los posteriores fogonazos de la citada ‘In Keeping Secrets Of Silent Earth’. Eso es dejar el listón muy alto. Guardaban para los bises dos temas de IV, el favorito de muchos, como son ‘Ten Speed’ y ‘Welcome Home’, donde Claudio aparcó su colección de guitarras modelo Explorer y se colgó una con doble mástil. En la espalda, sin mirar, y con los dientes. Sánchez al más puro estilo Hendrix. La guinda para una noche que unos pocos recordaremos con cariño durante mucho tiempo.

VIRGEN

AVIDA DOLLARS

STEEL PANTHER

STEEL PANTHER SON LA INCORRECCIÓN POLÍTICA HECHA BANDA. LO QUE EMPEZÓ EN UN CLUB DE LOS ÁNGELES COMO UN TRIBUTO AL HARD ROCK DE LOS 80 EN CLAVE DE GUASA, HA ACABADO CONVIRTIÉNDOSE EN EL MEJOR ANTÍDOTO CONTRA EL ABURRIMIENTO PARA FANS ALREDEDOR DE TODO EL MUNDO. EN SU NUEVO DVD LIVE FROM LEXXI’S MOM’S GARAGE RECREAN SUS CLÁSICOS EN CLAVE ACÚSTICA. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

POLVO DE

ESTRELLAS S

TEEL PANTHER ES LA TÍPICA BANDA que todo el mundo se toma a cachondeo al principio. Tampoco es difícil entender por qué. Pero una vez les prestas atención, estos angelinos consiguen engancharte bien con su hard rock o heavy metal, como quieras etiquetarlos, con una dosis de humor tremenda y una incorrección política demencial, muy arriesgada en los tiempos que corren. Si realmente te tomas las cosas muy en serio, por favor, no continúes leyendo, porque es muy probable que los llenes de adjetivos muy negativos. Si no estás familiarizado con ellos, escuchar, y sobre todo ver, el divertidísimo DVD Live From Lexxi’s Mom’s Garage (Ko-

balt/Popstock!), es una gran oportunidad de adentrarte en el universo de Steel Panther, donde los cardados, las mallas horteras, el alcohol, la cocaína y las mujeres son protagonistas, pero donde sobre todo prima el hard rock clásico de gran calidad, puesto que los miembros de la banda, Michael Starr (voz), Satchel (guitarra), Lexxi Foxx (bajo) y Stix Zadinia (batería), son unos músicos excepcionales. A principios de febrero sonaba mi teléfono y una voz casi gutural me decía “Hola, aquí Michael Starr, ¿hablo con Toi?”. Sí, Michael, soy Toi. M. STARR “¡Oh, oh! ¿Qué tal estás, Toi?’ (Le cambia el tono de voz completamente cuando se da cuenta de que

soy una chica –ndr.)”. Pues yo muy bien, con muchas ganas de charlar un rato contigo, ¿y tú? “Tratando de superar la mañana. Llevo una resaca bastante gorda hoy. Ayer salimos a ver a unas bandas y se nos fue la noche un poco de las manos, pero lo pasamos muy bien”. Estupendo. Como aquí ya es tarde, me acompaña ahora mismo una cerveza. ¿Cómo surgió la idea de hacer Live From Lexxi’s Mom’s Garage? “Simplemente queríamos demostrar que sabemos tocar en directo. Muchísima gente cree que nuestros temas son basura y que hacemos playback, pero resulta que somos muy buenos, y yo canto muy bien en directo, así que queríamos demostrar que no mentimos”. ¿Fue complicado adaptar temas eléctricos a este acústico? “Fue una experiencia diferente. Nos apetecía probar qué tal se nos da tocar en acústico, y decidimos tocar temas que ya fueron publicados y que hemos tocado en directo, modificándolos un poquito, por ejemplo en el tono y en el tempo”. ¿Por qué pensasteis que el garaje de la madre de Lexxi sería el sitio perfecto para llevar a cabo este proyecto? “Primero porque la casa está hecha polvo y en caso de romper algo su madre no nos pediría dinero. Tampoco tendríamos que pagar alquiler. Y además, ¡la madre de Lexxi está muy buena! Cuando grabamos el concierto pudimos conocerla mejor, e incluso 66

follar con ella y esas cosas. Fue muy divertido. Bueno, para todos menos para Lexxi, que estaba cabreado todo el tiempo”. La verdad es que se le notaba bastante incómodo. “Sí, no sé por qué (risas)”. La madre de Lexxi parecía muy simpática, sí. Hubo un momento en que le juraste a

Lexxi que nunca se te ocurriría acostarte con ella. ¿Estabas diciendo la verdad? Porque luego sí lo hiciste... “En ese momento estaba diciendo la verdad. Nunca mentiría a mi amigo. Pero es verdad que al final sí terminamos follando, aunque no tenía ninguna intención de hacerlo. Claro, ella me lo propuso y no podía decirle que no, con lo bien que se estaba portando con nosotros...”.

“MIENTRAS SEAS UNA CHICA, TENGAS TETAS Y VAGINA, Y TE GUSTE LA JUERGA, SIEMPRE SERÁS BIEN RECIBIDA EN NUESTRAS FIESTAS” MICHAEL STARR

que halagar el gesto”. ¿Cuántas chicas trajisteis al garaje? Me pareció que había muchísimas. “Pues sí, reunimos a cien chicas. Y luego elegimos a cinco para cada miembro del grupo”. ¡Ah, muy bien! ¿Y cómo fue la fiesta después del concierto? “Nos las llevamos al Rainbow, en Sunset Boulevard. Porque en el Rainbow nos adoran. Hemos tocado muchísimas veces allí y nos hacen sentir como en casa. Nos dan todas las bebidas que queramos gratis, nos invitan a comer y nos dejan hacer lo que queramos. Así que llevamos a nuestras amigas allí, y la fiesta duró hasta las seis de la mañana, que fue cuando nos echaron del bar (risas)”. Michael, si quisiera asistir a alguna de vuestras fiestas, ¿tendría que cumplir algún requisito en particular? “En realidad no. Mientras seas una chica, tengas tetas y vagina, y te guste la juerga, siempre serás bien recibida en nuestras fiestas. Y si vienes con un tío, lo aceptaremos siempre que tenga pasta y traiga cocaína”.

Por cierto, ¿sus galletas eran deliciosas o simplemente lo decíais para hacerla sentir bien? “Tengo que confesar que eran asquerosas, pero nos las comimos. Es muy habitual tener que mentir para resultar educado. En realidad no las hizo ella. Se tomó la molestia de ir a la tienda de la esquina, comprar un paquete de galletas rancias, ponerlas en una bandeja y ofrecérnoslas. Teníamos

Le comentabas a la madre de Lexxi que te has sometido a varias operaciones de cirugía estética. Por curiosidad: ¿Nos puedes decir qué retoques te has hecho? “Pues me he sometido a tres operaciones principalmente: un lifting, una reducción de papada, y me arreglé la nariz. Bueno, entre tú y yo, también me sometí a una operación de reducción de pene hace un tiempo”.

¿De verdad? “¡Te lo juro! Era tan grande que muchas chicas se quejaban de que les hacía daño, y claro, me sentía tan mal por ellas que decidí hacerlo. Fue muy doloroso, la verdad”. ¡Qué considerado! “Por las mujeres lo que haga falta”. ¿Estás de acuerdo en que el rock se creó para tener sexo? “Creo que cualquier tío que un día coge una guitarra y empieza a practicar, posa con ella delante de un espejo, y especialmente si lo que quiere tocar es rock, es para ligar con tías. Otra cosa no tiene ningún sentido a menos que lo que quieras hacer sea del estilo de Death Cab For Cutie o Coldplay. Pero si lo que realmente te gusta es el metal, o el rock, la razón por la que tocas es para terminar echando un polvo. Tocar la guitarra es la vía rápida para llegar a una chica, pero si lo que quieres es acercarte a tías que estén muy buenas, entonces tienes que ser el cantante. Si te fijas, los cantantes, sobre todo los que tienen el pelo largo y rubio como yo, son irresistibles. Las chicas, en cuanto los ven, sólo quieren acabar en una cama con ellos. Lo mismo sucede con Thor, de Los Vengadores. Su martillo es como un micrófono. Las chicas lo ven, y lo que quieren es que Thor les dé con su martillo (risas)”. ¿Y en el caso de los baterías? ¿Ligan mucho? “Los baterías pillan los restos. ¡Ojo! Que esto es como con las sobras de una pizza. Sigue estando deliciosa, aunque esté fría... ¿Me entiendes, verdad?”. 67

“CREO QUE LA REUNIÓN DE GUNS N’ ROSES DURARÁ SEGÚN EL DINERO QUE AXL QUIERA CONSEGUIR. MIENTRAS NECESITE PASTA, LA REUNIÓN SEGUIRÁ ADELANTE"

MICHAEL STARR Sí, sí... claro y cristalino. ¿Habéis recibido muchas críticas por ser tan explícitos en vuestras letras? “No, no lo creo. Las mujeres disfrutan de la música, y saben que al final todo esto se resume en divertirse y pasarlo bien de juerga. Creo que tanto nuestra generación como las posteriores, tenemos una mentalidad mucho más liberal, y en realidad, no nos preocupamos tanto por las letras de las canciones. Estoy convencido de que todo el mundo sabe que esto es para disfrutar del momento, tomar unas cervezas y echar unas risas, y sobre todo, para escuchar rock cojonudo”. A mí me divierte mucho que seáis tan directos en vuestros mensajes. “¡Claro! La gente se da cuenta al instante de qué vamos. En cuanto nos ven en un escenario, por nuestra actitud, es obvio que somos una banda de heavy metal. No es una actitud impostada, ni forzada. Hemos crecido con el heavy metal y lo amamos, y es lo que siempre hemos querido hacer y nunca hemos tirado la toalla hasta llegar a conseguirlo. Aunque algunos de los miembros de la banda se hayan quedado calvos y hayan tenido que hacerse injertos de 68

pelo, seguimos aquí, porque adoramos el heavy metal”. ¿Crees que vuestras pintas pueden echar para atrás a mucha gente que podría disfrutar de Steel Panther? “Totalmente. Steel Panther es una banda cuya popularidad se basa en el boca-oreja. Es decir, tú le dices a tu amigo ‘pues he escuchado a Steel Panther y me han gustado. Escúchalos, porque creo que te van a molar’. Y esto es un gran apoyo, y es de la manera que queremos que funcione. Muchas personas seguro que cuando ven una foto nuestra piensan ‘¡Argh! Estos tíos son glam, ¡menuda mierda!’, pero si un amigo suyo les dice que molamos y les insiste en que nos escuche, probablemente lo haga y cambie de opinión. Nos ha costado llegar hasta donde estamos, y nunca hemos dejado de luchar por ello. No sonamos en las radios, MTV ya no funciona como antes, y no verás vídeos nuestros a menos que busques por YouTube, y ésta es nuestra realidad. Somos underground, estamos en internet, y la gente va hablando de nosotros. Y veo que la gente, cuando nos descubre, disfruta muchísimo con nosotros, y eso es lo que a mí realmente me importa”. Entiendo perfectamente lo que me dices, porque has descrito exactamente lo que me pasó a mí. Hasta que alguien me dijo que tenía que escucharos no lo hice, y cuando ocurrió, acabé entusiasmada. “Me encanta que me cuentes esto. Es que esto es lo que pasa constantemente. No es que seamos una banda nueva, porque llevamos muchos años

en esto, y claro que nos gustaría ser la mejor banda de rock del mundo, pero saber que lo que te ha pasado a ti le sucede a mucha gente con nuestra música, es fantástico. Ahora te toca hablar de nosotros (risas)”. Llevo varios días hablando de vosotros, créeme. Si te encontrases a alguien en este punto en el que no os escucha por prejuicios, ¿qué dirías para animarle a escuchar a Steel Panther? “Si te gusta la juerga y tienes sentido del humor, y no te tomas las cosas muy a pecho, deberías escuchar a Steel Panther. Además, escuchar a Steel Panther es un buen recurso para conocer chicas. Así que pongamos que nos escuchas y te gustamos, y compras el CD o el DVD, y quedas con una chica. Hacerle escucharnos es una buena manera de saber si merece la pena o no. Si en la primera cita le pones nuestro CD y le gusta, ¡tío! Ésa es la chica con la que quieres estar. Y si no le gusta, ¡te acabamos de salvar la vida!”. ¿Cuál es el país, o la ciudad, donde más chicas os muestran los pechos en los conciertos? “(Risas) Esto sucede en todo el mundo, en todos los lugares donde tocamos”. En España no. “¡Claro que sí! ¿Estás de coña?”. ¿En serio? Venga hombre, ¡que estaba allí! ¡No vi ni una triste teta! “¿De verdad? ¿Cuando tocamos con Scorpions?”. No, hace un par de años más

STEEL PANTHER o menos. “¡Ah! Ésa fue la primera vez que tocamos en Barcelona. Claro, ahora lo entiendo. Por eso nos gusta tocar primero en festivales, así la gente se familiariza con nuestro rollo. Se acercan a ver qué tal, les entusiasmamos, y luego vienen a nuestros propios conciertos. A la gente le cuesta un tiempo asimilar lo que hacemos. Así que, es verdad, quizás en España todavía no. Pero en el resto de mundo, cuando ya hemos tocado un par de veces, las tetas aparecen. También es cierto que depende de la noche. Hay noches en las que hay tetas, otras en las que no vemos ninguna, y otras en las que chicas suben al escenario completamente desnudas y acabamos juntos de juerga. Nunca sabemos qué va a pasar”. Escribisteis un tema inspirado en Tiger Woods ¿Habéis pensado en componer algún otro inspirado en otro icono? No sé, como por ejemplo Charlie Sheen. “Charlie Sheen sería un gran personaje sobre el que escribir. De hecho, hicimos una breve referencia a él en la canción ‘Tomorrow Night’. Pero sí que podríamos hacerlo, porque todo el mundo conoce a Charlie Sheen”. Voy a hacerte una pregunta

sería cojonudo, pero creo que lo mejor para ellos sería montar el espectáculo ellos solos”.

que últimamente voy repitiendo en mis cuestionarios: ¿Qué opinas de la reunión de Guns N’ Roses? ¿Crees que tendrá éxito? “Seguro que es exitosa al principio. En cuanto a si durará, creo que esto dependerá de la relación entre Slash y Axl. También creo que durará según el dinero que Axl quiera conseguir. Mientras necesite pasta, la reunión seguirá adelante”. ¿Pero crees que realmente le hace falta dinero? “Sí, claro, ¿por qué crees que ha aceptado hacer esta gira? No sé, o necesita dinero, o realmente le apetece juntarse con sus antiguos compañeros. ¡Quién sabe! ¿Quién sabe lo que pasa por la cabeza de Axl Rose? Pero tengo que admitir que me encantaría volver a verlos juntos. Pero a todos”. ¿Os veis en un futuro ejerciendo de teloneros para ellos, como hicisteis en 2011? “No lo veo. Creo que no necesitan una banda telonera ahora mismo. Me parecería más adecuado un DJ potente, porque la expectación que se consiga crear previa a su actuación será clave cada noche. A ver, por supuesto lo haríamos sin dudarlo,

Antes de que se me olvide, me han preguntado sobre vuestro maquillaje. Si hay alguna marca en particular por la que tengáis preferencia... “Yo no suelo llevar maquillaje, únicamente eyeliner. El que es un loco del maquillaje es Lexxi. Todo tipo de bases, sombras, coloretes, rimmel... y le gusta mucho Maybelline. A mí me encantaría, pero es que sudo un montón, entonces se correría todo y no aguantaría nada”. ¿Qué planes tenéis? “En breve anunciaremos gira, así que estad atentos”. ¿Tenéis intención de visitarnos pronto? “Vamos a estar en todos los sitios. Te enterarás muy pronto. Si no te lo digo no es por una cuestión de secretismo... Es que no lo sé todavía. Pero desde luego, vamos a hacer una gran gira”. Espero que vengáis pronto por aquí. La juerga que tuvimos cuando vinisteis a Barcelona fue tremenda. “¿En serio? Qué pena habérmela perdido... Eso es lo que mola de Steel Panther, conseguir haceros sentir adolescentes otra vez. Espero que en nuestra próxima visita nos podamos juntar, tomar unas copas... y lo que surja (risas)”.

DISCO DEL MES

a nueva reencarnación de Obsidian Kingdom en forma de banda de rock experimental no me ha cogido por sorpresa. Tampoco quiero ir de sobrado, pero desde la primera vez que escuché su debut Mantiis – An Agony In Fourteen Bites supe que, A Year With No Summer tarde o temprano, se dirigirían (SEASON OF MIST) hacia allí. Forman parte de ROCK EXPERIMENTAL, POST METAL esa raza de formaciones que partieron del metal extremo por pasión, sí, pero sobre todo por necesidad artística, porque éste, junto al jazz y la electrónica, seguramente sea el estilo más talentoso, vanguardista e inquieto que uno pueda hallar actualmente.

OBSIDIAN KINGDOM

De la misma forma, una vez irrumpieron en Europa girando con Sólstafir y fichando por Season Of Mist, el siguiente paso debía ir por estos derroteros. En su búsqueda de la reinvención permanente, en esos ecos que ya mostró su ópera prima, ya no digamos su posterior lanzamiento de remixes, todo esto ya estaba ahí, latente, a la espera de borrar cualquier atadura estilística o corsé en cuanto volvieran a pisar un estudio. Los giros, o son radicales, o no se hacen. En eso coincidimos con su guitarrista y cantante Rider G Omega en la listening session que la banda organizó en la capital

catalana, y hoy todavía iría más lejos: de cobardes, de acomplejados, ya está este país lleno, y desde luego Obsidian Kingdom no forman parte de ese rebaño. Prueba de ello es que vayan a presentar A Year With No Summer directamente en la sala Apolo de Barcelona el 16 de abril, una osadía más de la que seguro que salen victoriosos, como en el hecho de grabar en Londres con Jaime Gómez Arellano (Ghost, Paradise Lost, Ulver…), así como contar con las colaboraciones de Attila Csihar de Mayhem en ‘The Kandinsky Group’ y Garm de Ulver en ‘10th April’. La

excelencia es marca de la casa y, de nuevo, se repite la historia… Obsidian no conocen las medias tintas, con ellos siempre es un todo o nada. Ya de primeras, ‘A Year With No Summer’ pone de relieve la enorme importancia que el grunge, el rock alternativo de los 90, han tenido en esta obra, pero es ‘10th April’ la que nos embriaga con la experimentación de la banda. De naturaleza apocalíptica, su electrónica nos sume en un bello trance y nos revela la primera gran verdad de este álbum: ésta es una obra de atmósferas, de texturas y matices, donde las guitarras casi juegan un papel secundario y son los ritmos, con el bajo de Om

brisa Placebo o Radiohead, titilante, que te prepara para la experiencia final. Que en A Year With No Summer lo primero que oigas sea una batería desnuda no es fruto de la casualidad. Que ‘Away / Absent’ sea el último corte y, en su estructura, el más antagónico, tampoco lo es. Arranca rockera y rabiosa, poco a poco se convierte en la concesión más agreste y extrema del disco… y de pronto un silencio nos deja a Rider solo en la voz, con una acústica, cerrando el plástico con el reconocible ruido de fin de grabación. En Obsidian Kingdom todo está meditado hasta la extenuación, no hay ningún cabo suelto y, así, con deliberada austeridad dan la bienvenida a este álbum y

“ESTE ÁLBUM LES LLEVARÁ HASTA DONDE QUIERAN, SIEMPRE CON LA EXQUISITEZ POR BANDERA” Rex Orale y la batería de Ojete Mordaza II al frente, los que toman el mando. Aparentemente parece sencillo, pero en la práctica es complicadísimo. El inicio y posterior desarrollo de ‘Darkness’ es todo un ejemplo de lo expuesto, pero el verdadero clímax llega de la mano de ‘The Kandinsky Group’. Nebulosa, con cierto aire Pink Floyd, muta y muta hasta que se convierte en una explosión, un cuelgue apoteósico de solos, teclado y ruido que arrastra el tema más allá de los 10 minutos. ‘The Polyarnik’ es quizá el mayor guiño a Nine Inch Nails, y ‘Black Swan’, la

con esa misma austeridad lo despiden. Estamos ante una banda que, extrañamente, parece que conozca todo su potencial de antemano, y que encima también es sabedora de qué mecanismos presionar para no ponerse límites de ningún tipo, tanto en materia creativa como de relaciones con la industria. Progresivos, minuciosos, vibrantes y detallistas, Obsidian Kingdom no se marcan horizonte alguno porque no los precisan, y desde luego este álbum les llevará hasta donde quieran, siempre con la cabeza bien alta y la exquisitez por bandera. PAU NAVARRA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Alex Costello (voz), Alex Adam (voz, guitarra),

Sam Veness (guitarra), Matt Roskilly (bajo), Charlie Pearson (batería) PRODUCIDO POR: Drew Lawson AFINES A: Sum 41, Neck Deep, All Time Low PÁGINA WEB: www.roam.uk.com

ROAM

Backbone (HOPELESS) POP PUNK

s curioso cómo el pop punk vuelve a coger fuerza estos años cuando parecía que estaba más muerto que nunca. Hemos visto crecer en Estados Unidos a Set Your Goals, Story So Far, Real Friends, This Time Next Year, pero no estábamos tan acostumbrados a que grupos europeos despegasen, y ahora se está convirtiendo en costumbre, sobre todo en el Reino Unido. Grupos como Neck Deep son el ejemplo más claro, pero ROAM me da la impresión que también van a llegar muy alto y muy rápido. Tengamos en cuenta que el grupo se formó en 2012, y esto, sumado a que en una escena en la que los propios

fans tienen un papel de ‘colegas’ con las bandas, hace que crezcan exponencialmente, sobre todo si el trabajo es de calidad. Les ha bendecido el hada del éxito, da esa impresión. Centrándonos en Backbone, su álbum de debut tras varios EPs, podemos encontrarnos con lo esperado: pop punk muy 2016, voces rasgadas, pidiendo ser escuchadas, mucha melodía sucia en las guitarras y baterías contundentes. Lo que distingue a estos tíos es que se nota que lo hacen de corazón, les sale de forma innata, y eso, como cuando cocinas con amor, sabe mejor. Nada más darle al play escuchamos una breve intro a modo de diales de

varias radios del mundo que desenlaza en ‘Cavin Fever’, el cual es un resumen perfecto de lo que viene. ‘Deadweigth’ es su tema mas old school, baterías vertiginosas, rabia contenida y estribillo a modo de himno, mi cerebro automáticamente me lleva a Anti-Flag o Sum 41. ‘All The Same’ es la mejor del disco: energía a raudales y melodías muy bien buscadas. Cómo no, ‘Tracks’ es la balada, un buen descanso auditivo para que otra vez volvamos al verano hasta llegar a ‘Leaving Notices’, temazo que cierra el disco. En una escena donde todas las bandas suenan parecidas, estos tíos destacarán. ENEKO CELESTINO

HABLAMOS CON... ALEX COSTELLO Hace poco estuvisteis tocando en España. ¿Lo pasasteis bien? “España es increíble. La primera vez fue con All Time Low el año pasado y desde entonces ha sido una locura. Sin duda fueron algunos de los mejores conciertos de la gira”. ¿Cómo encarasteis la creación de Backbone? En el disco se notan las ganas de abrir vuestro sonido. “Desde luego en Backbone queríamos experimentar mucho más con el sonido. Siendo un disco donde podíamos jugar con once o doce temas, nos permitía hacer cosas distintas, fuera un tema acústico o una balada lenta. En cambio, cuando haces un EP sólo tienes cuatro o cinco balas para lograr un impacto. En un álbum hay mucho más espacio para la creatividad”. ¿Cuál dirías que es vuestra ma-

yor influencia, vuestro grupo favorito? “Tendría que decir que Sum 41 es nuestra mayor influencia, lo cual es de locos porque llevamos tres días de nuestra gira con ellos. ¡Este año está siendo increíble por ahora!”. ¿Cómo de importante es tener un sello como Hopeless detrás? “Ha sido muy importante para nosotros. Son un gran equipo. Tienen un montón de buenas bandas y de contactos, además de la experiencias, así que es increíble formar parte de esa gran familia”. También All Time Low os han apoyado mucho. Os ofrecieron abrir para ellos y os echaron una mano en la grabación. ¿Cómo empezó vuestra relación con ellos? “Cuando estábamos con ‘Deadweight’, el primer single de Backbone, necesi-

tábamos grabar la colaboración vocal de Matt Wilson de Set Your Goals. Él estaba en California y nuestro productor en el Reino Unido sabía que Rian de All Time Low tenía un estudio ahí, así que le pedimos si podíamos usarlo. El caso es que le gustó mucho el tema y nos ofreció tocar con ellos en España y Francia. Y desde entonces nos llevamos muy bien”. Con los retornos de Sum 41, Good Charlotte y Blink-182, parece que 2016 será un gran año para el punk pop. Ya como simples fans, ¿estáis emocionados con lo que viene? “Sí, totalmente. El nuevo de Sum 41 promete ser una locura y el single de Good Charlotte es genial. Y no te olvides de Simple Plan, todos los singles que he escuchado me parecen buenísimos. Tengo muchas ganas de oír su disco entero”. (DAVID GARCELL) 73

WORMED Krighsu (SEASON OF MIST)

BRUTAL DEATH METAL TÉCNICO

penas segundos tarda en implosionar Krighsu, la tercera supernova de Wormed. ‘Pseudo-Horizon’ es un leviatán cósmico que te engulle como esperas de ellos, pues entonces no serían los madrileños, pero también nos alerta sobre otro peligro que ahora entrañan: G-Calero. Si no acabó de convencer a los más escépticos en sus primeros shows, con esta obra el nuevo batería se coloca al mismo nivel de monstruosidad técnica que sus compañeros, desplegando un inagotable arsenal de ritmos tras los parches, a cada cual más

complicado, estrambótico y mortífero. Ante ‘Neomorph Mindkind’ y ‘Agliptian Codex Cyborgization’ uno se queda sin palabras, sólo ellos pueden desatar esta infranqueable tormenta de iones, multiplicar la fuerza de la gravedad hasta dejarte más plano que un papel, y el exaltamiento ante la magnificencia de la física cuántica te llega con ‘The Singularitarianism’ y la proeza ‘Eukaryotic Hex Swarm’, para pasar ya a un nuevo estadio de inmateria con ‘Computronium Pulsar Nanarchy’, ‘A-Life Omega Point’ y sobre todo ‘ZerothEnergy Graviton’, otro tema que te hace preguntar si son humanos y no dioses que han venido a revelarnos otra dimensión molecular. Ambientaciones mejoradas o sus típicas disonancias que se alargan sobre un blast hasta el infinito también ayudan a erigir este hito. Wormed no tienen parangón en el mundo. La banda de metal más técnica y descomunal de la historia de nuestro país. La visión de Stanley Kubrick hecha brutal death. Realmente, pura ciencia ficción. PAU NAVARRA

CRISIX

From Blue To Black (LISTENABLE)

THRASH METAL

ace tiempo que Crisix dejaron de ser esa banda de imberbes que sorprendieron a propios y extraños cuando aparecieron en la escena revival thrash estatal. Y la madurez musical y sobre todo a nivel de letras les ha llegado con este pedazo de obús llamado From Blue To Black. Ya con la intro y las guitarras punzantes de la inicial ‘Conspiranoia’ marcan terreno y paquete de lo que va a venir a continuación. ‘Journey Through The Fire’ o ‘G.M.M. (The Great Metal Motherfucker)’ siguen con el pie en el acelerador sin dar tregua con un Juli en estado de gracia en la parte

vocal (demostrando una amplia gama de registros), las guitarras de Albert y BB a tope y una sección rítmica comandada por Javi Carry que te aplastará el cuello, y donde el recién llegado Dani Ramis se ha acoplado perfectamente como si llevara toda la vida con ellos. Pero es a partir del corte que titula el disco donde apreciamos esa evolución antes mencionada, porque sin abandonar su esencia thrash, son capaces de embarcarse en sonidos más líricos que desembocan en un magnífico solo para concluir la canción y saltar a ‘Strange’, donde suenan más groove y pesados que nunca. Y mención especial merece ‘Five As One’, con las colabos de Juan de Soziedad Alkoholika, Javi de Vita Imana, Pla Vinseiro de Mutant y Guillermo de Angelus Apatrida. Y cierran el álbum con ‘Fallen’, un épico tema que concluye de forma apoteósica un soberbio trabajo que debe situar por fin a estos tipos donde se merecen. No te dejes engañar por los politicuchos de turno: por suerte, hay Crisix para rato. KARLES SASTRE

LA SELECCIÓN

TREPÀT

El Amor Está En La Tierra (MIEL DE MOSCAS)

POP, POST PUNK

os 80 dejaron una huella profunda en la escena musical de este país. Quizá porque pasada la dictadura y la Transición se destapó el tarro de la libertad artística, los ecos de esa década y de grupos como Parálisis Permanente o Golpes Bajos todavía resuenan en formaciones actuales. Trepàt, surgidos de la siempre fértil cantera granadina, son el último ejemplo. En 2014 publicaban su debut La Fiesta Oscura ante una muy buena respuesta, pero los elogios no parecen haberles debilitado y en El Amor Está En La Tierra presentan un discurso mucho mejor trazado. Sus nueve temas plasman la montaña rusa emocional y sensorial en la que puede convertirse una noche de fiesta. Reina en su segundo álbum un cierto aire claustrofóbico, como si por debajo de la euforia artificial hubiera una inmensa soledad. La contundente línea de bajo de ‘Onix’ sirve como invitación

a este viaje en el que la inquietante voz de Juan Luis Torné, apoyada puntualmente por la de la guitarrista Miriam Cobo, ejerce de guía. Con él andamos a paso rápido por la calle (“Arranca, arranca”, nos dicen en el primer tema), nos colamos en antros al ritmo de ‘Torturas En Los Bares De La Ciudad’ (quizá el tema más redondo de todos) o en ‘Retrofestiva’, nos lanzamos al baile y acabamos tumbados en una playa viendo salir al sol. No es trayecto siempre agradable, ‘Pasión Y Visionario’ o ‘Caballo’ llegan a angustiar, pero la balsámica ‘Amanece’ nos convence de que, aunque intentemos convencernos de los contrario, ésta no será la última vez. MARC LÓPEZ

COBRA Riffyard

(AUTOEDITADO)

STONER ROCK

a con su anterior álbum Thriller! vimos que lo de Cobra era algo más que un pasatiempo para algunos de sus componentes ocupados en bandas con más tirón como Berri Txarrak o Dinero. Así lo confirmaba su imaginativo EP Covered, con versiones de temas emblemáticos de la historia del cine, y ahora ya no nos queda ninguna duda con la publicación de su tercer álbum Riffyard. Ya no es sólo por los meses que le han dedicado para confeccionarlo (han grabado hasta en cuatro estudios distintos para encontrar la mejor sonoridad para cada instrumento), sino por la tremenda robustez del material que presentan. ¿Quieres riffs como la copa de un pino al estilo de Black Sabbath? Pues los tendrás en ‘Red Tops’, ‘Rosebud’ o

PORCO BRAVO La Piara

(AUTOEDITADO)

ROCK

ace tiempo, en el concierto de despedida de Motociclón, le comentaba a Robertez que con ellos moría una forma muy personal de entender el punk rock en este país. Su contestación fue rotunda, además de estar cargada de razón: “Tranquilo, siempre nos quedarán Porco Bravo”. Cierto, porque aunque los vascos no posean esa vena metálica que orgullosos mostraban los de Vallecas, comparten esa visión sucia, guarra, divertida, provocadora y kamikaze de hacer punk extremadamente rockero y de alta calidad. En su nuevo disco se salen

‘Night Call’, artillería pesada para añadir a su repertorio. ¿Quieres rock’n’roll de alto octanaje para soltarte la melena? Escucha ‘’70 Challenger’ o ‘Skull & Bones’, donde aprietan el gas a fondo y se lanzan al frenesí rockero. ¿Prefieres algo más elaborado con dejes de Mastodon? No dejes escapar ‘Light Bearer’. E incluso si quieres que te sorprendan con nuevos

registros, lo harán en la épica ‘The New Rebels’ o ‘It’s Just A Ride’, que cierra el álbum con mucha clase. Haritz Lete, una vez más, va sobrado de voz, y la química entre los instrumentistas es absoluta. Pese a que su portada sea la ilustración de un cementerio, Riffyard, que ha sido producido por ellos mismos y mezclado por Santi Garcia, es todo vitalidad.

de nuevo con una colección de temas superlativos que demuestran que se puede ser muy excesivo, pero a la vez sonar como los ángeles componiendo auténticos himnos que se te enganchan como una lapa. ‘Mírame’ te sacude con ese infeccioso riff y un texto que seguro se convertirá en un nuevo clásico en sus shows. ‘Sólo Quiero Bailar’ suena desvergonzada, algo AC/DC, y ‘Ciudad Muerta’ viene marcada por otro estribillo matador. Juntas forman una tríada inicial absolutamente brutal, pero hay más. ‘Mienten’ será otro de esos temas donde Manu, su loquísimo

cantante, soliviantara a las masas ayudado por un ácido texto y un ritmo frenético fantásticamente marcado por Txelu y Oscar. ‘La Piara’ es otro bombazo donde nos invitan a meternos en su charca y retozar un poco en ese barrizal que forma su particular mundo de sexo, alcohol y rock’n’roll, y destaquemos ‘Pídelo Otra Vez’, una andanada de mugriento punk rock donde colabora con su rasposa voz el gran Boni de Barricada y que, inevitablemente, nos suena a la mítica banda de Pamplona. Más grandes que la puta vida.

JORDI MEYA

ANDRÉS MARTÍNEZ

PANIC! AT THE DISCO

Death Of A Bachelor (FUELED BY RAMEN/WARNER)

POP

n los diez años transcurridos desde que Panic! At The Disco revolucionaran la escena emo con su debut A Fever You Can’t Sweat Out, Brendon Urie ha visto cómo se iba quedando más solo que la una hasta llegar al punto en que, como dejan claro en los créditos de su quinto disco, “Panic! At The Disco es Brendon Urie”. Pero los problemas internos no le han hecho tirar la toalla, y con la publicación de Death Of A Bachelor ha hecho realidad aquello de que quien ríe último, ríe mejor, dado que el álbum alcanzó el número 1 de las listas

americanas, el primero de su carrera. Al igual que hicieron Fall Out Boy, Urie ha optado por pasarse directamente al pop de radiofórmula, usando recursos de la electrónica y el hip hop, para volver a conectar con el gran público. Las similitudes entre ambos grupos son asombrosas, ¿os es que el primer tema ‘Victorious’ o ‘Don’t Threaten Me With A Good Time’, que comparte un riff surfero parecido al de ‘Uma Thurman’, no podrían haber estado en el último disco de Fall Out Boy? Si algo le da un poco de carácter es que, a pesar de ser un disco dedicado a su nueva vida en Los Ángeles, Urie no se olvida de sus raíces de Las Vegas, y así, en ‘Death Of A Bachelor’ e ‘Impossibe Year’ se transforma en un Frank Sinatra del siglo XXI, y en ‘Crazy=Genius’ le pone un toque de swing. Además, temas como ‘L.A. Devotee’ o ‘House Of Memories’ resultan de verdad pegadizos. Un disco entretenido pero, como tantos otros, excesivamente calculado. DAVID GARCELL

MAGRUDERGRIND II

(RELAPSE)

GRINDCORE, POWERVIOLENCE

ste mes la cosa va de bandas que llevaban la tira sin publicar… Ahora es el turno de Magrudergrind, unos ilustres del powerviolence que llevaban la friolera de siete años sin sacar nuevo álbum. Recurriendo a una dupla infalible como la formada por Kurt Ballou en la grabación y mezcla y Brad Boatright para la masterización, lo primero que podemos constatar gracias al exasperado ritmo en el que se suceden los temas es que a los de Washington no se les ha ido la pinza, que siguen firmes en sus convicciones. Así, con la endiablada urgencia habitual

se van sucediendo estos 15 temas, pero cuidado, que eso no quiere decir que aquí todo sea caos a toda pastilla… Los cortes duran poquísimo, sí, pero lo que más destaca es su capacidad por introducir matices e incluso pausa a muchas de sus nuevas canciones. De esta forma, encontramos muchos (muchísimos) de esos tramos infaustos que tanto disfrutamos donde todo es leña e histerismo grind, pero también varios más hardcore punk, como por ejemplo en ‘Sacrificial Hire’, ‘Icaro’, ‘Black Banner’, ‘Stale Affairs’ o ‘Divine Dictation’. Incluso me atrevería a decir que estamos ante un trabajo de powerviolence algo asimilable por un público ajeno a esta majadería… aunque también me da miedo que, tras venir de analizar lo nuevo de Rotten Sound, cualquier otro disco grind me parezca un juego de niños. Que tampoco os coja el canguelo porque esto es Magrudergrind con todas las letras, pero bueno… es que también hay algo más, y vaya si mola. PAU NAVARRA

SIMPLE PLAN

Taking One For The Team (ATLANTIC)

POP PUNK

oy el único al que le parece alucinante que ya hayan transcurrido 14 años desde que Simple Plan publicaron su primer disco? Pero así es, y aquellos cinco jovenzuelos francocanadienses son ahora respetables treintañeros. Sin embargo, en el imaginario colectivo siguen siendo un grupo adolescente, algo comprensible, pues escuchando su quinto álbum, o viendo las fotos promocionales donde aparecen haciendo el ganso en diferentes disciplinas deportivas, parece que haya sido compuesto e

74 78

interpretado por cinco Peter Pans. Han pasado casi cinco años desde su anterior Get You Heart On, pero palabras como ‘evolución’ o ‘madurez’ no parecen existir en su diccionario. Y casi mejor, porque Simple Plan dan lo mejor de sí cuando se mantienen en su fórmula de siempre. ‘Farewell’, con una acertada colaboración de Jordan Pundik de New Found Glory, ‘Boom’, la playera ‘Everything Sucks’, ‘I Refuse’ o ‘Nostalgic’ son buenos ejemplos de que su pop punk todavía tiene recorrido. Por el contrario, con el medio reggae de ‘Singing In The Rain’ o ‘I Didn’t Wanna Go To Bed’, con un cameo de Nelly y donde se acercan al pop bailongo de Maroon 5, bajan bastantes enteros. Tampoco faltan tres baladas azucaradas como ‘Perfectly Perfect’, ‘Problem Child’ o ‘Dream About You’ y un dueto con Juliet Simms para ponerse tiernos en sus conciertos. Por poco, pero la balanza sigue inclinándose a su favor. DAVID GARCELL

ROTTEN SOUND Abuse To Suffer (SEASON OF MIST)

GRINDCORE

otten Sound pudieron descargar algo de furia con su EP de 2013 Species At War, pero si lo pensamos bien, uno de los más grandes referentes del grindcore mundial llevaba cinco años sin publicar un largo. Es decir, que se han chupado toda esta farsa de crisis económica y de valores casi en silencio, y en su universo musical eso sólo puede significar una cosa… Más cera, tralla, tortura, ruido, brutalidad, salvajismo, ideales, sangre, desesperación, mamporros, zurraspa, mensaje,

venganza… Destrucción total de toda la basura que nos asola a diario. Con el sonido crujiente que un trabajo así precisa, los fineses arremeten con la fuerza habitual en las concisas ‘Lazy Asses’, ‘Intellect’, ‘Slave To The Rats’, ‘The Clerk’ o ‘Brainwashed’, tirando de clasicismo grind en ‘Cannon Fodder’ o ‘Retaliation’, pero dejando fluir también la creatividad en ‘Yellow Pain’, la nociva ‘Machine’ o cortes elaborados como ‘Time For The Fix’ o la esquizoide y final ‘Extortion And Blackmail’. La palma se la llevan quizá ‘Fear Of Shadows’ e ‘Inhumane Treatment’, auténticos temazos incendiarios y muy death, aunque claro, tampoco es que ‘Trashmonger’ o ‘Crooked’ sean nanas… Como siempre, Keijo Niinimaa se deja la vida en cada berrido, todo ello erguido bajo el infierno de batería y guitarras que necesitas para seguir respirando en este asfixiante y deleznable sistema ultraliberal. Intransigencia contra un mundo cruel y genocida. Por tierra, mar y aire. PAU NAVARRA

DESECHABLES La Maqueta (MUNSTER)

PUNK, GARAGE

ese a que no es la primera vez que se reedita la mítica maqueta de Desechables en vinilo -la propia Munster lo hizo hace unos cuantos años junto con el primer álbum de la banda-, sí que ésta es la edición que tan legendaria grabación merecía. Aunque en estos últimos tiempos haya habido una cierta reivindicación del trío barcelonés, principalmente debido al excelente documental El Peor Dios, uno sigue pensando que la banda no ha obtenido todavía el reconocimiento que merece. Hablemos claro: no hubo un grupo como ellos. A

través de un garage punk absolutamente crudo en sus inicios y algo más refinado hacia el final, deudor de los Cramps principalmente, pero también con influencias tanto del punk como del rock 70’s menos obvio, Desechables crearon un universo personal que se citaba en un cruce de caminos entre la muralla sónica y tribal de Miguel (guitarra) y Dei Pei (batería) y la personalidad de Tere, a medio camino entre la femme fatal y la más absoluta de las inocencias. Pese a ser su primera grabación, con todas las limitaciones que eso conlleva, la esencia Desechables está aquí totalmente al descubierto. Encontramos algunos de sus temas míticos como ‘No Me Consigues Divertir’ o ‘Golpe Tras Golpe’, pero sobre todo la ingenuidad de no saber muy bien qué había más allá del local de ensayo, así como la convicción y la arrogancia de saberse únicos en su escena. No es su mejor obra, pero sí posiblemente la que mejor define lo que fueron los Desechables de los que todos nos acordamos. RICHARD ROYUELA

los que los demás desearán estrangularles. Jugando al todo vale, saltando de estilo cuando les place, encontrarás que ‘I Lie In Rain’ es absolutamente prescindible, una de esas ñoñadas que sólo un grupo yanqui puede parir, y aunque ‘Blue’ arranca con nervio djent, de nuevo TOOTHGRINDER Nocturnal Masquerade los coros sumen el tema (SPINEFARM) en la miseria. Por otro METAL PROGRESIVO, MATHCORE lado, que no te extrañe si cierto regusto groove sureño aparece en ciertos 60 momentos, como en la algo Pantera o Lamb Of pinefarm han activado God ‘The Hour Angle’. De todas formas, ‘Dance el resorte ‘esta banda Of Damsels’ peca de va a triunfar por mis comercial, ‘Diamonds For cojones’, así que a partir de Gold’ muestra la peor cara ahora prepárate para oír del core actual y ‘Nocturnal el nombre de Toothgrinder Masquerade’ es un tostón. en todas partes. Desde De este disco, sin duda me New Jersey, a la disquera quedo con ‘Schizophrenic le gustaría que este quinteto Jubilee’ por ser la más prog siguiera la estela de The y adulta. Seguramente Dillinger Escape Plan, pero Toothgrinder se conviertan esto es imposible teniendo en los nuevos héroes de los en cuenta los dos principales fans de Periphery o Protest problemas de este álbum: The Hero, mientras para producción de Taylor Larson absolutamente artificial, sobre el resto de los metalheads no pasan de chiste… o de todo en las voces, y después insufrible porquería, me lo más imperdonable… atrevería a decir. En mi unos coros tan modernos y caso, total indiferencia. repipis que chiflarán a los PAU NAVARRA quinceañeros, sí, pero por

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Mike Patton (voz, guitarra), Tunde Abebimpe (voz, bajo),

Adam ‘Doseone’ Drucker (voz, sintetizador, percusión) PRODUCIDO POR: Nevermen AFINES A: Faith No More, TV On The Radio, Whitetown PÁGINA WEB: www.nevermen.com

NEVERMEN

Nevermen (IPECAC/LEX) ROCK EXPERIMENTAL, HIP HOP

pesar de que una banda de las dimensiones de Faith No More requiere una gran cantidad de tiempo, Mike Patton no ha querido renunciar a sus actividades paralelas. Pasado casi un año desde la publicación del gran retorno de la banda con Sol Invictus, el polifacético vocalista vuelve a retomarlas con el debut de Nevermen, un proyecto que llevaba gestándose siete años. Sus socios en esta aventura son Tunde Adebimpe de TV On The Radio y el poeta rapero Adam Drucker, conocido como Doseone y también componente de Themselves y Subtle. Siendo tres vocalistas era de esperar que las voces

fueran el elemento predominante en su música, pero también dada su distinta naturaleza, faltaba por ver cómo encajarían las piezas. En realidad, una vez escuchado, todo tiene bastante sentido. Obviamente la interacción entre tres gargantas capaces de producir todo tipo de sonidos es el principal aliciente, Patton, Adebimpe y Drucker van intercambiándose versos, rimas y melodías con total naturalidad, pero también encontramos esas densas atmósferas que caracterizan a TV On The Radio, unidas a bases de hip hop pesadas, teclados ambientales y algún que otro guitarrazo que nos retrotrae a aquella memorable

banda sonora de Judgement Night. Pero tampoco vayamos a pensar que estamos ante un disco inaccesible o totalmente abstracto (aunque resulta difícil discernir de qué van exactamente sus letras), pues también hay dosis de pop coladas de manera subversiva. Ya sea en algunas partes concretas (‘Wrong Animal Right Trap’) o a lo largo de todo un tema con vocación de hit (‘Mr. Mistake’), Nevermen equilibran la reputación de sus miembros como músicos vanguardistas con canciones que podrían haber encajado en sus respectivas bandas. Bastante mejor que aquel disco que Patton lanzó como Peeping Tom. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... ADAM ‘DOSEONE’ DRUCKER ¿Cuál era tu relación con Mike y Tunde antes de Nevermen? Sé que habías participado en el disco de Peeping Tom… “Cuando empecé a girar por mi cuenta mucha gente me decía que tenía que conocer a Mike Patton. Me decían que yo era ‘el Patton del rap’ (risas). El día que nos conocimos conectamos enseguida. Yo estaba en un concierto y un amigo me dijo ‘quiero presentarte a mi amigo Mike’, y cuando me di la vuelta y le di la mano me di cuenta de que era el jodido Mike Patton (risas). Fue a raíz de ahí que empezamos a quedar y a colaborar en su disco de Peeping Tom. Con Tunde también tenía amigos comunes que decían que nos teníamos conocer. Nos admiramos mutuamente y cuando nos conocimos empezamos a colaborar también”. ¿Cómo decidisteis qué dirección

tomar con Nevermen? “Fue como tirar el barco en el agua y ver si flotaba. No nos dábamos órdenes. La mayoría de música salió de improvisaciones mías con Tunde. Lo que nos salió era bastante crudo y sin melodía. No era muy musical, era más puro sentimiento. Y luego Patton lo cogía y añadía sus cosas. Y Patton es una jodida bestia haciendo eso. Era como esas fotos de ‘antes y después’. Transformó el material en algo que ni podíamos imaginar. Teníamos muchas ideas, pero había que concretarlas y esto es lo que salió”. ¿Cuánto tiempo pasasteis realmente los tres juntos haciendo el disco? “La mayoría de las cosas que posiblemente te gusten del disco se hicieron por separado. Más en un plan de grabación casera. Si ahora fuera a tu casa y trabajara un par de horas en una canción,

sería bastante peor que si puedo estar en mi casa y trabajar por mi cuenta en mi cueva. Así que todos estábamos de acuerdo en hacerlo así. Pero al final del proceso, cuando grabamos las voces definitivas, sí lo hicimos juntos. Queríamos hacer los arreglos vocales como grupo. Si hacemos otro disco creo que el proceso sería muy parecido, pero sin tardar ocho jodidos años (risas)”. Supongo que una de las gracias es que los tres trabajáis las voces como si fuera un instrumento. “Sí, eso fue clave. Somos como un dragón con tres cabezas. Nunca sabes cómo va a salir, pero hay partes en el disco en que los tres sonamos igual. Es difícil distinguir quién es quién. Somos camaleones con nuestras voces, pueden adaptarse a cualquier estética”. (JORDI MEYA) 81

SKUNK ANANSIE Anarchytecture (EARMUSIC)

ROCK, POP

e encantaría decir que el nuevo disco de Skunk Anansie es la bomba, y es que cuando nos asaltaron hace veinte años hacían una música muy rompedora en una escena británica totalmente liderada por el britpop. Lo suyo era un rock fusión agresivo, hablaban sobre racismo y contra Dios, y su vocalista Skin era una jodida pantera negra que podía partirle la cara a cualquier niño mimado del imperio británico. Eran los 90 y en eso se quedó, prueba de ello es este Anarchytecture. Se trata del tercer lanzamiento de la banda desde su reunión en 2009, y aquí seguimos esperando esa canción o ese disco que nos dé un puñetazo en los dientes para despertarnos de la monotonía actual. Sin embargo, Skin y los

AGORAPHOBIC NOSEBLEED Arc

(RELAPSE)

SLUDGE METAL, DOOM METAL

a sabemos que la personalidad de Scott Hull es hiperactiva. El guitarrista de Pig Destroyer fundó Agoraphobic Nosebleed para dar rienda suelta a su pasión por el gindcore y, de paso, experimentar un poco en las diferentes posibilidades que el metal extremo le ofrecía. Esas ganas de investigación las ha llevado esta vez un poco más allá anunciando una serie de cinco EPs dedicados cada uno de ellos a un estilo concreto sin salirse, por supuesto, del metal más brutal y enfermizo. Cada miembro del grupo será el responsable de elegir el formato a

suyos se aferran a viejos fantasmas, y en una mezcla de sintetizadores, música disco y rock’n’roll pretenden que nos traguemos singles como ‘Love Someone Else’. La cosa es que Anarchytecture tiene ideas muy sólidas como ‘Suckers!’, pero llevadas por mal camino, o mejor dicho, sin acabar. Sinceramente, da la impresión de que es un disco hecho a la ligera y sin

mucho miramiento, donde ciertas estructuras podrían explotarse más en favor de algo más arriesgado. La voz está allí, el carisma sigue intacto, pero sabiendo de qué fuente viene, se espera mucho más. Ha superado lo hecho en su anterior Black Traffic hace cuatro años, pero quizás un público paranoico y cegado por el sol espera más chicha.

trabajar y dirigir además una grabación que no tendrá ninguna cortapisa creativa. Esta primera entrega la ha dirigido la cantante Katherine Katz, y ha sido enfocada hacia los sonidos más doom y sludge. Lógico; su trayectoria en Salome iba por esos derroteros y la rubia vocalista se encarga de dejarse la garganta mientras el señor Hull nos envía a los infiernos a base de riffs de ultratumba que bien podían estar grabados por Eyehategod, Iron Monkey o Down. Tres temas en media hora que te dejan noqueado a las primeras de cambio cuando, en los 7 minutos que dura

‘Not A Daughter’, te muestran cómo componer una auténtica monstruosidad sludge. Memorable. De todas formas, es con el último corte donde nos acaban de convencer. Un chirriante acople da paso a un grueso riffaco heredero de Black Sabbath que poco a poco va mutando en un doom extremadamente poderoso y pesado. Ni rastro de velocidad, ni una sola nota que nos traiga a los Agoraphobic que todos conocemos, pero dado el acierto, nos corroe la curiosidad por saber qué nos tendrán preparado en el futuro.

JORGE FRETES

ANDRÉS MARTÍNEZ

AREE AND THE PURE HEART Heartsongs (AUTOEDITADO)

FOLK PUNK

i eres fan de las bandas de punk rock con voz rasposa y estribillos redondos, de grupos como Against Me!, The Gaslight Anthem o Rvivir, deberías seguir leyendo y tomar buena nota, porque el folk punk animoso de Aree And The Pure Heart te interesa. Los de Atlanta te cautivarán en cuanto escuches el arranque de ‘Waiting On A Sunset’, el primer tema de su primerísima referencia, Heartsongs. El EP incluye otras cuatro canciones que también rebosan pasión, con unas letras positivas y cantadas con mucho

sentimiento, con unas partes muy pegadizas y coreables que conectan con la gente, para gritar y bailar, para enamorarse de la vida. Aquí hay declaraciones de amor como la preciosa ‘American Love’ y la entrañable ‘Kamikaze’, donde aseguran hacer cualquier cosa por su media naranja, y bonitas arengas para tirar adelante en días grises de ésos que no saldrías de la cama como es ‘Tear Down Every Wall’. Como EP de presentación es perfecto, breve y directo, y suena limpio pero honesto, para nada sobreproducido. Sólo echo de menos algo más de variedad dentro de su género, pues los cinco cortes están cortados por el mismo patrón y al final suenan muy parecidos. Aree Ogir compuso todos los temas y grabó prácticamente todos los instrumentos de Heartsongs, seguramente eso tenga mucho que ver... A poco que el resto de la banda aporte algo de su personalidad en el local de ensayo, su próximo trabajo podría ser un gran elepé. Seguiremos la pista a Aree And The Pure Heart con atención. LUIS BENAVIDES

OBSCURA Akróasis (RELAPSE)

DEATH METAL TÉCNICO

ada nueva obra de Obscura es un placer para los oídos. Independientemente de que te guste el death metal técnico o no, escuchar cómo tocan los teutones es una experiencia de lo más gratificante. Y sin desmerecer al resto de sus superdotados compañeros, sobre todo debes prestar atención a Linus Klausenitzer, un mago que con su bajo sin trastes efectúa piruetas excepcionales. Que cada instrumento brille aquí con luz propia, que tenga vida más allá de cada tema, es un logro de su casi quinto miembro V. Santura (Dark

Fortress, Triptykon), productor y músico que en el cuarto álbum de Obscura se doctora como gran maestre alquímico del sonido. Orgánico, progresivo y selecto, un lustro después Akróasis prosigue la saga espacial de los germanos con una técnica, por si había alguna duda, en las antípodas de nuestro sistema solar, que desde ‘Sermon Of The Seven Suns’ te deja absorto, alucinado, mas con ‘The Monist’ y una deliciosa virguería como ‘Akróasis’. Pese a su naturaleza científica y semejante alarde de virtuosismo, su nueva obra no se nos presenta como un trabajo despojado de alma, deshumanizado, pues cortes como ‘Ode To The Sun’ o el monumental cierre ‘Weltseele’, con sus sorprendentes coros, sus estribillos e incluso arreglos sinfónicos, van a llegar a emocionarte. Cada línea es una clase magistral, cada solo dignifica el oficio de músico, y encima Steffen Kummerer amplía su registro de voces para que de verdad flotes entre estrellas y demás cuerpos celestes. Metal de conservatorio. PAU NAVARRA

CONRAD KEELY Original Machines (SUPERBALL MUSIC)

ROCK

uenta Conrad Keely que llevaba años acumulando “cosas” que enseñar a la gente fuera de la banda ...And You Will Know Us By The Trial Of Dead (Dios, ¡cómo me gusta este nombre!). Y, obviamente, esas “cosas” no sólo se refieren a la parte músical, sino que también incluían su parte más artística como pintor o dibujante. Y este álbum debut en solitario ha sido la excusa para mostrar todo esto y para permitirle grabar un buen puñado de canciones fuera de la banda. Y si bien es cierto que algunos de estos cortes no hubiesen desentonado en la última entrega del grupo, IX, creo que aquí ha tenido la ocasión de mostrar su lado más personal e íntimo. 24 canciones en total que han sido escritas viajando por el mundo y que,

THE BUZZOS

Lazy Days Vol. 1 (MALDITO)

HARD ROCK

levo mucho tiempo siguiendo a los extremeños The Buzzos. Desde los ya lejanos tiempos de New Age Of Rock’N’Roll, cuando daban sus primeros pasos, hasta su poderoso Without A Crown de 2008, la banda se ha mostrado incombustible al desaliento, sobre todo su cantante Sean Swindle y su guitarrista Dean Demon, que han luchado contra viento y marea para sobrevivir en esta escena nacional que tan mal trata a sus representantes. Su nueva obra nos trae a los Buzzos de siempre, vitalistas, salvajes y tremendamente efectivos a la hora de atacar ese hard

escuchadas en su conjunto, nos dan la sensación de eso, de un viaje, de un proceso global que hay que percibir de principio a fin para apreciarlo mejor, sin distracciones. Cortes que apenas superan los tres minutos con toques de rock, pop noise, folk y ambient, sin pausas entre ellos, que parecen esbozos o trazos de un cuadro más amplio que hay que

contemplar en su totalidad, con suficiente tiempo y distancia para considerarlo como se merece. Y muy recomendable hacerlo mientras se hojea tranquilamente el art book que los acompaña. Un disfrute para la mente mientras cruzamos los dedos deseando que a este personaje no se le seque nunca la imaginación.

rock medio sleazy, medio punk, que lo mismo bebe de las fuentes del glam de cloaca de Hanoi Rocks que del Sunset Strip angelino, que de las frías noches escandinavas de Backyard Babies o Turbonegro. Sin embargo, a pesar de que esa suciedad callejera me temo que no se la van a sacar de encima en la vida, se les nota una evolución evidente hacia la melodía incorporando armonías que parecen inspiradas en Cheap Trick, que seguro aman tanto o más que a los Guns N’ Roses clásicos. ‘Glory Days’ es un buen ejemplo, ese cristalino riff casi queda en un segundo

plano cuando se trabajan esas preciosas melodías vocales bien rubricadas por un hermosísimo solo de guitarra. ‘Ten Years’ también va por ahí, quedándose justo en la barrera entre el power pop y el hard más melódico, otra grandísima composición que enriquece una grabación que vuelve a los callejones oscuros de la mano de temas con más nervio rockero como esa tremenda ‘Suggestion’. Otro ejemplo más de nuestra floreciente, cualificada y abundante escena nacional que seguramente pasa por el momento más exuberante de su historia, y no exageramos.

KARLES SASTRE

ANDRÉS MARTÍNEZ

DROWNING POOL Hallelujah (NAPALM)

NU METAL

ería bastante estúpido decir que la contribución de los norteamericanos Drowning Pool sólo se limita a su archiconocido single ‘Bodies’, pero a la vez no estaríamos muy equivocados si afirmamos que nunca han superado ese hit. Desde la trágica muerte de su vocalista Dave Williams en 2002, la banda ha intentado diferentes resurrecciones con diferentes vocalistas, pero siempre apelando a la misma fórmula. Este flamante disco, el sexto de su carrera, no trae nada nuevo a nuestros oídos.

Si compañeros suyos de generación con Godsmack o Papa Roach han sabido adaptarse a los tiempos (ya sea para bien o para mal) y renovar la piel, Drowning Pool siguen aferrándose a un sonido que ya ha dado lo mejor de sí y que ya no es popular (tampoco es que haya nacido para crear escuela). Duele escuchar a su actual vocalista Jasen Moreno intentarlo con todas sus fuerzas en la balada ‘Another Name’, o que la banda lance su décimo intento de conseguir un hit con ‘Drop’. Sin embargo, no todo es malo, ya que con el paso del tiempo el batería Mike Luce ha sabido crearse un nombre en la escena y llenar de talento los lanzamientos del grupo a través de los años, pero una buena sección de percusión no puede salvar un disco que tiene los cimientos ya desfasados. Es una pena, porque en un mundo donde Five Finger Death Punch consiguen discos de oro y entradas agotadas en sus conciertos, Drowning Pool podrían haber sido Esa banda. JORGE FRETES

TOOTH Bi

(AUTOEDITADO)

POST HARDCORE

dorta, Mirri y Arza son las tres piezas actuales de Tooth, una banda oriunda de Guernika perfectamente engrasada, una máquina creada en 2009 para volar cabezas y patear traseros. Este salvaje power trio euskaldun publica ahora su segunda referencia, Bi, su particular ‘black album’ en clave post hardcore oscuro y gritón. Detrás de la portada en riguroso negro del presente trabajo, grabado en los estudios Muxikon de Munguía, encontramos tres fieras del norte muy influenciados, como ellos mismos han explicado

y como los ocho temas se encargan de mostrar, por bandas intocables e intachables como Dut, Lisäbo, Helmet o Unsane. Al escuchar Bi también adivino una ligera influencia de los primeros discos de Berri Txarrak y escucho líneas de bajos y baterías con ecos nirvanescos (‘Irlak’) y similitudes con coetáneos como Cohen (el arranque de ‘Hariak’ y los gritos de su cantante en el estribillo me hicieron pensar en el genial Subconcious Mind). Los cinco primeros temas avanzan como auténticas apisonadoras hasta que llega el turno de la estupenda ‘Distantzia Eta Denbora’, un medio tiempo muy adictivo y que muestra otra cara del grupo. Se despiden con un corte lento y pesado, por momentos hasta desgarrador, como es ‘Gizaki Hutsak’, donde escupen pura rabia a gritos. Ahora mismo son uno de los secretos mejor guardados del norte de la Península. Por poco tiempo, espero, porque este disco, y sobre todo esta banda, merecen llegar muy lejos. LUIS BENAVIDES

AMON AMARTH Jomsviking (SONY MUSIC)

DEATH METAL MELÓDICO

a de primeras notas algo en el ambiente, quizá que Amon Amarth han abandonado ese piloto automático que comandaba sus discos desde hace tiempo. Y ojo, que aun moviéndose en su zona de confort han firmado grandes obras, sus más exitosas sin ir más lejos, pero esa fórmula de trallazo para abrir, segundo tema a medio tiempo y tercer tema a modo de bombazo era algo que ya se daba por sentado, previsible, y por tanto, que empezaba a aburrir. Tampoco nos engañemos, porque ‘First Kill’ tiene la suficiente velocidad y épica para ser todo un nuevo himno en directo, pero no se puede negar que suena distinto, más

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meditado, si lo comparas con cualquiera de sus demás aperturas. Que este décimo trabajo sea también su primera obra conceptual ha dotado a los suecos de nueva inspiración melódica, o lo que es lo mismo, que este cuento vikingo de amor, muerte y venganza les ha suministrado más materia prima para multiplicar su poderío emotivo en riffs y estribillos, relegando la rapidez a un segundo plano incluso, y todo ello sin dejar de ser ellos. Ayudan y mucho fragmentos narrativos como los de ‘Wanderer’, pero sobre todo que te apelen directamente al corazón ‘One Against All’, ‘Raise Your Horns’ o ‘The Way Of Vikings’, ya no digamos ‘One Thousand Burning Arrows’. Desde su posición privilegiada, Amon Amarth han sabido hurgar en su interior y dar con su mejor álbum desde Twilight Of The Thunder God, aunque eso sí, con Johan Hegg al micro cualquier cosa es posible. En Jomsviking saca brillo a sus múltiples guturales, y cuidado al dueto que se marca con Doro Pesch en ‘A Dream That Cannot Be’. PAU NAVARRA

LIKE TORCHES Shelter (RUDE)

POP PUNK

ste disco, que a priori me iba a parecer montonero (malditos prejuicios), me ha enganchado desde la primera canción. Me encantan los discos que suenan frescos, melódicos, pero de forma contundente. Quizás sea porque la producción y el sonido me han recordado a los grandes Yellowcard, y no debe ser casualidad que los propios Ryan Key y Ryan Mendez (voz y guitarra de Yellowcard) se hayan encargado de producir a estos suecos. Si algo tiene esta banda es que, aun siendo joven y de la nueva hornada del pop

punk, no suenan como la mayoría, sino que saben distinguirse. Eso les ha permitido girar con gente tan dispar como Taking Back Sunday, Memphis May Fire o The Story So Far. Además, viniendo de Estocolmo, tienen un plus de garantía. En Shelter nos encontramos con un despliegue de canciones que no serán definitivas en tu vida, pero si te gusta el género, al menos les darás unas cuantas escuchas más que al resto. Desde los primeros segundos sabes a qué va sonar, es algo bueno, ¿os acordáis de aquellos discos cercanos al año 2000 cuando cada grupo sonaba a ellos mismos y todas los temas tenían gracia? Puede que Like Torches os hagan recordar esa sensación. Normalmente me gusta destacar alguna canción, pero en este caso me cuesta bastante. Todas, aun sin llegar a ser excelentes, tienen algo, un ‘no-sé-qué’... Quizás ‘Walking Home’, ‘Snowfall Without You’ y ‘I Surrender’ se lleven la palma, pero ‘Safe To Say’ hace que no sea un disco totalmente redondo. Seguro que el siguiente lo es. ENEKO CELESTINO

THE GATHERING TG25(

(AUTOEDITADO)

ROCK PROGRESIVO

ay cosas que ocurrirán sólo una vez en la vida, y si formas parte de ellas puedes sentirte afortunado. Imagina ser testigo del último concierto de tu banda favorita, o quizás de un concierto aniversario con antiguos y actuales integrantes. Algo así, una experiencia única e irrepetible, es lo que los holandeses The Gathering realizaron en 2014 con dos shows en Nijmegen, con las entradas agotadas. Como todas las cosas especiales, la banda decidió no manejar este asunto como

un producto comercial, sino como un regalo para los fans: lo pusieron en descarga gratuita, aunque actualmente se pueden comprar copias en CD y vinilo a través de la propia tienda de la banda. El no querer meter cámaras a grabar la experiencia en DVD o Blu-ray implica lo centrados que estaban los holandeses en hacer de este show algo bastante íntimo para fans que se habían acercado de todas partes del mundo para estos dos shows. Es prueba palpable en la grabación al ver que todos los aplausos, los gritos, las voces a capella, no se han borrado en la mezcla, sino que están tan presentes como la música misma de estos profesionales. Si no hubiesen hecho pequeños cortes entre canción y canción sería el perfecto ejemplo de cómo grabar un directo en la actualidad sin sonar artificial. Una experiencia que atrapa y con integrantes de todas las épocas participando en esta celebración. Ya sin hablar de Anneke, ¿te vas a perder a Bart Smits cantar sus canciones? JORGE FRETES

BLOODIEST Bloodiest (RELAPSE)

POST METAL

on músicos procedentes de bandas como Yakuza, 90 Day Men o Russian Circles, fueron muchas las alabanzas que levantó su debut Descent de 2011. Su post rock pasado por el tamiz del sludge, recordando de pasada el sonido noventero de ciertas bandas muy exitosas en aquella década, no era fácil de digerir, se requerían escuchas, paciencia y meterte en su sofisticado y sombrío sonido para disfrutar de una propuesta en la que, si finalmente entrabas, ya no querías salir. Con esta segunda referencia siguen por el mismo espinoso camino, aunque hemos de

decir que han rebajado un tanto el nivel de locura y experimentación para acercarse a terrenos, digamos, más tradicionales. Las reminiscencias a Tool siempre han existido en su música, pero de manera sutil, casi difuminada, ahora sin embargo es mucho más evidente. Escucha ‘The Widow’ o sobre todo ‘Mesmerize’, los pasajes instrumentales, la ambientación, las voces… todo te recuerda a las pesadillas sonoras que componían Maynard Keenan y compañía, pero definitivamente, Bloodiest añaden un poso macabro que no procede precisamente del metal. Éste es uno de sus grandes atractivos, aunque están muy claras las influencias de grupos como Neurosis, Isis o los mismos Tool. Sus experiencias personales y sus gustos van desde el más retorcido jazz hasta el folk de principios de siglo, pasando por el post punk y acabando por cualquier música arcaica y extraña que caiga en sus hambrientos y exigentes oídos. ANDRÉS MARTÍNEZ 87

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jesse Malin (voz, guitarra), Don DiLego (guitarra),

Derek Cruz (bajo, teclados), Paul Garisto (batería) PRODUCIDO POR: Don DiLego AFÍN A: Ryan Adams, Brian Fallon, D-Generation PÁGINA WEB: www.jessemalin.com

JESSE MALIN

Outsiders (ONE LITTLE INDIAN) ROCK AMERICANO

adie podrá negarle a Jesse Malin su empeño en forjarse una carrera creíble como cantautor. Es posible que muchos, entre los que me incluyo, siempre le veremos como el vocalista de D-Generation haga lo que haga, pero después de siete discos de estudio se ha ganado que nos tomemos en serio su voluntad de reivindicarse como artista al margen de la banda. Puede que no tenga la genialidad de un Ryan Adams, ni tampoco una voz como la de Chuck Ragan, o la chispa para hacer temas que enganchen como Brian Fallon, pero no por eso Malin deja de intentarlo. Esta tenacidad le ha llevado a publicar

dos nuevos álbumes con pocos meses de diferencia. A pesar de haber sido en un estudio situado en los bosques de Virginia, Outsiders no es para nada un disco más rural o folkie como se podía intuir. Para Malin es tan importante Bob Dylan como Joe Strummer, y en este trabajo vuelve a plasmar su variedad de gustos, siendo cada tema distinto al que le precede o sigue. El disco se abre con el tema que le da título presentando un riff parecido al de ‘Train In Vain’ de The Clash, pero que va por otros derroteros con la aparición de una trompeta. ‘San Francisco’ es un medio tiempo adornado con un violín que acaba tan bruscamen-

te que pensarás que se ha estropeado el reproductor. En ‘Here’s The Situation’ saca su vena punk a lo D-Generation o Social Distortion. ‘Society Sally’ tiene algo del ‘Fashion’ de Bowie y no habría desencajado en un disco de Beck, ‘Whitestone City Limits’ es un rock’n’roll de toda la vida con un piano boggie, en cambio el tratamiento acústico de la versión de ‘Stay Free’ de The Clash recuerda a Cat Stevens o ‘The Hustlers’ suena a jazz de callejón. Puede que no sea el disco más coherente del mundo, pero desde luego se nota que no está hecho pensando en nada más que su propia intuición musical. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JESSE MALIN Este mes estarás en España para presentar tus dos nuevos discos. Supongo que es genial tener tanto nuevo material para tocar. “Sí, lo es. Me gustan mucho los dos discos, así que es un placer poder tocar estas canciones. Había tenido un parón de cinco años desde el disco de estudio anterior, así que me apetecía mucho”. ¿El publicar dos discos en un mismo año era una manera de compensar esa larga espera? “Bueno, no es que intentara compensar ese silencio porque estuve girando muchísimo y saqué un álbum en directo. También estuve girando con D-Generation y grabamos un trabajo, así que cuando tuve tiempo para mí hice los dos discos. Outsiders lo grabamos en el bosque, en Pennsylvania, y luego New York Before The War en el mismo estu-

dio donde Bowie grabó sus dos últimas obras, The Magic Shop, en Manhattan. Publicamos New York Before The War antes porque me parecía más directo, más accesible, y el mensaje era muy importante, hablo de lo que pasa en el mundo y en mi ciudad. El negocio musical ahí está muerto, así que no hay reglas, puedes hacer lo que quieras. Por eso también sacamos Outsiders, aunque sea más oscuro y arriesgado, siete meses después”. ¿Y qué pasó con el disco de DGeneration? “Lo estamos mezclando ahora, saldrá en junio. Es con la misma formación que grabamos el primer disco hace mil años. Es muy divertido”. Siempre te he visto como un trovador urbano. ¿Cómo fue grabar en un entorno rural? “No había internet, no había nada.

Daba un poco de miedo. Había osos en el bosque. No había ninguna distracción, nos centramos totalmente en el disco. Me encantan las ciudades, Nueva York, Chicago, Madrid, Barcelona… pero ahí estábamos aislados, lo cual permitió que trabajáramos muy rápidamente. Una de las canciones, ‘San Francisco’, la grabamos en San Francisco, pero el resto se hizo todo en el campo”. Han pasado 15 años desde que debutaste en solitario. ¿Estás contento con cómo se ha desarrollado tu carrera? “Todavía quiero hacer discos que sean aún mejores. Pero no he terminado en la cárcel, ni tirado en la calle (risas), y estoy orgulloso de los discos que he hecho y de los músicos con los que he tocado. Me siento muy agradecido por el público que tengo”. (JORDI MEYA) 89

WALLS OF JERICHO No One Can Save You From Yourself (NAPALM)

METALCORE

cho años sin nuevo álbum de Walls Of Jericho… ¡¡Ocho años!! Es muy probable que muchos de esos imberbes pertenecientes al actual movimiento escuálido y flequillero que se ha apropiado del término ‘metalcore’ no sepa ni quiénes son, pero tranquilos, que tras toparse con Candace Kucsulain en los escenarios del Resu seguro que no olvidan el nombre de esta banda en su vida. Al cuerno la agonía, basta de hiatos: el buldócer de Detroit está de vuelta, y como bien anuncian las sirenas que inauguran esta obra, es como para estar alarmados,

porque con él también vuelven los pits sangrientos, esos imborrables recuerdos de Earth Crisis, Integrity, los primeros Hatebreed o del dios Zeuss reinando tras los mandos. Batería de hormigón armado de Dustin Schoenhofer y… ¡Pum! ‘Illusion Of Safety’, primer puñetazo. Candace está cabreada y quiere tu puta cabeza. ‘No One Can Save You From Yourself’ es pura adrenalina, y con ella empieza el festival del breakdown y las guitarras indestructibles. Cabe decir que en esta obra, aunque predomina la triza y la violencia con ‘Forever Militant’, ‘Relentless’ o ‘Damage Done’, también hay momentos de hardcore clásico, aunque claro, pasado por su ciclo de musculación en ‘Fight The Good Fight’, ‘Anthem’ o ‘Cutbird’. Así, se revela como un disco variado que incluso presenta un punto de feminidad en una conclusión como ‘Probably Will’. Igualmente, tras el paso de este álbum por tus altavoces, sólo una cosa te va a quedar muy clara: metal + hardcore = Walls Of Jericho. PAU NAVARRA

KOWLOON WALLED CITY Grievances

(NEUROT RECORDINGS)

POST METAL

or si hay algún despistado, Neurot es un sello fundado hace tiempo por los miembros de Neurosis y que podríamos definir como el amigo americano de la discográfica estatal Nooirax, es decir, una casa que también cree en lo diferente y en el ruido bien entendido. Por eso, elegir a ciegas una de sus referencias no tiene demasiado riesgo teniendo en cuenta que sabes de antemano que no será más de lo mismo. En el caso de Kowloon Walled City, el acierto es total ya desde ese artwork tan apropiado de reminiscencias industriales.

Grievances es el tercer LP (primero editado por Neurot) de este cuarteto de San Francisco que se formó en 2007 y que ofrece una música que bebe del post hardcore de Washington D.C. (atención a los ecos a Fugazi) para adentrarse progresivamente en terrenos más opresivos. Para algunos suena mecánico aunque melancólico, y estoy completamente de acuerdo con esta definición: los siete temas que componen Grievances rezuman intensidad y trascendencia, y aunque no sean demasiadas canciones, el disco no se hace corto ni mucho menos. La densidad de las composiciones, las afinaciones graves, la estructuración concienzuda y la intensa facturación hacen que el viaje a esta ciudad amurallada y desaparecida valga la pena, que no nos sintamos aburridos en ningún momento aunque sí doloridos a veces. No en vano, Kurt Ballou de Converge ha mostrado su admiración por Kowloon Walled City en una larga entrevista que podéis encontrar en la red. JORDI FORÉS

DIRTY STREETS White Horse (ALIVE NATURAL SOUND)

CLASSIC ROCK

stamos invadidos. A los grupos vintage me refiero. Desde el punk al progresivo, al heavy metal clásico, todo es cíclico, todo sonido, por desfasado que nos parezca, vuelve en un momento u otro para cobrar nueva vida. Tan sólo hay que saber separar el grano de la paja para que no te den gato por liebre, y Dirty Streets tienen mucho, mucho grano que ofrecer. Con amplio bagaje a sus espaldas, el power trio de Memphis recoge el legado del classic rock de los 70, el espíritu soul de los 60, el más sucio garage y hasta el primigenio proto hard setentero para ofrecernos en cada disco que graban

una sobresaliente colección de gemas con sabor a épocas pasadas. Su secreto son sin duda las canciones. Casi ninguna de ellas excede los tres minutos y aunque podrían, pasan olímpicamente de explayarse en absurdas jams para centrarse en armonías, arreglos y, sí, también grandes estribillos. ‘Save Me’ la podrías pinchar en cualquier fiesta y todo el mundo la bailaría, ‘Looking For My Peace’ es tremenda, como un cruce entre Sly And The Family Stone y la Jimi Hendrix Experience, y ‘Accents’ apesta a The Who por todos sus poros, y esto es sólo el principio. El wha-wha de ‘Think Twice’ nos retrotrae a los combos sesenteros que abrieron las puertas a los posteriores dioses del heavy rock, mientras que en ‘The Voices’ se marcan un folk luminoso inspirado en la Costa Oeste californiana. Podríamos seguir, pero como el espacio es limitado, lo dejaremos aquí. ¿Piensas que no hay bandas jóvenes válidas reivindicando el eterno legado del rock con mayúsculas? Escucha Dirty Streets. ANDRÉS MARTÍNEZ

DESTRÖYER 666 Wildfire

(SEASON OF MIST)

BLACK THRASH, HEAVY METAL

n su eterna búsqueda de la macarrada máxima, en su guerra abierta contra cualquier tipo de expresión moderna, Deströyer 666 tarde o temprano debían publicar un álbum como Wildfire. Desde que formara parte de Bestial Warlust que KK, el alma de esta formación, había puesto todo su empeño en conseguir un trabajo así. Siete años después de Defiance, los australianos han logrado por fin una de las mejores aleaciones posibles entre heavy metal clásico y metal extremo primigenio de los 80. Aquí todo es cuero y tachuelas, no te quepa

la menor duda, desde el chillido agudo que abre el puñal ‘Traitor’ pasando por la hooliganesca ‘Live And Burn’, con ‘Artiglio Del Diavolo’ como puente hacia ‘Hounds At Ya Back’, un himno definitivo de la ortodoxia metalera en pleno 2016. Tras entrechocar sus espadas con Cirith Ungol, Manilla Road o Tank, el black thrash toma el mando con un corte redondo y pernicioso de veras como ‘Hymn To Dionysus’, para que luego la chulería más Venom te golpee en ‘Wildfire’ o ‘White Line Fever’ te recuerde por qué amas este rollo. KK y Ro están fantásticos a las guitarras, con endiablados solos de otras épocas y riffs que poco tienen que envidiarles. ‘Die You Fucking Pig!’ es una remarcable declaración de puro odio, pero aún queda la traca final. A lo Bathory, a lo grande, como cuando Quorthon imponía la pausa para lograr el regocijo de los dioses, ‘Tamam Shud’ emerge como un panteón de la épica. Un oasis entre tanta falsedad e impostura. Deströyer 666 es la puta ley. PAU NAVARRA 91

THE BACKSEATS Going Further (AUTOEDITADO)

PUNK ROCK

robablemente cualquier grupo que hubiera pasado por la misma situación que The Backseats hace tiempo que lo hubiera dejado. Las constantes salidas en el puesto de bajista, así como la dificultad de sacar adelante el grupo, forzaron que en 2013 decidieran darse un descanso justo tras haber publicado su segundo Matches, que apenas pudo ser presentado como se merecía. Pero estos madrileños están hechos de una pasta especial y el parón les ha sentado de maravilla, aclarando las ideas y reclutando a Birko de sus colegas Fragile Things para las cuatro cuerdas. Ahora regresan con un EP dispuestos

a empezar de nuevo otra vez. Si en sus dos anteriores obras se movían por un rock clásico con pinceladas punk en la línea de unos The Gaslight Anthem o Hot Water Music, esta vez podemos decir que se han decantado definitivamente por un sonido más crudo. Curiosamente, una evolución a la inversa de lo que solemos ver hoy en día en formaciones de este estilo. Grabado en su propio local, Going Further es toda una declaración de principios sin trampa ni cartón de lo que son The Backseats a día de hoy. La intro desde luego ayuda a meterte de lleno en su música, como si estuvieras con ellos cantando y sudando entre cuatro paredes, mientras acometen temas como ‘Let Go’ o ‘Going Further’, que apunta a himno, dejando bien clara su nueva dirección. En ‘A Different Way’ readaptan un tema acústico de su debut, Shift & Try, mientras que ‘Farewell’ nos despide con electrizantes subidas y bajadas de unos veinte minutos que dejan una inmejorable sensación de cara a lo que puedan ofrecer en el futuro próximo. GONZALO PUEBLA

ETHAN JOHNS &

THE BLACK EYED DOGS

Silver Liner

(THREE CROWS/CAROLINE)

AMERICANA

uando empezó su carrera como productor fue conocido por ser el hijo del mítico Glyn Johns, pero pronto se hizo un nombre gracias al talento que desparramó en los discos de Ray Lamontagne, Ryan Adams, The Jayhawks, Tom Jones o el mismísimo Paul McCartney. Ahora, después de tres magníficas referencias, también vamos a tener que considerarle como a un artista y compositor muy a tener en cuenta, aunque el mismo protagonista considere su carrera como músico como una especie de plus a su multitud de inquietudes artísticas. De

cualquier manera, cuando se decide a grabar, el barbudo trovador se pone las pilas y siempre nos ofrece algo interesante. Agazapado bajo el manto del blues, el folk y el country, la cálida voz de Johns transita entre bonitas tonadas con sabor a club nocturno y melodías de claro corte rural. El tema título por ejemplo es puro Neil Young. ‘Juanita’ suena polvorienta y fronteriza, con ese pedal steel dibujando notas que elevan la composición a lo más alto de la música de raíces americana. Da la impresión de que nuestro hombre ha querido ir al grano, nada de sonidos sobreproducidos, y por supuesto todo es muy orgánico, casi desnudo, como en ‘The Sun Hardly Rises’, donde asoma el espíritu de Gram Parsons para recordarnos a base de country rock de la Costa Oeste que la vida, a veces, también puede ser maravillosa. Definitivamente, Johns sabe cómo hacer grandes discos... esperemos que ahora que parece que le ha cogido el gusto no pare y siga con una carrera que promete grandes cosas. ANDRÉS MARTÍNEZ

CEREBROS EXPRIMIDOS Bonzomania (MUNSTER)

PUNK

n más de una ocasión ya he ido dejando caer mi admiración hacia Cerebros Exprimidos, uno de los grande tótems del punk rock estatal y los cuales seguramente se adelantaron algo a su tiempo, teniendo en cuenta lo que el público de aquí siempre ha esperado de los grupos de punk cantado en castellano. Nada de letras de borracheras e insumisión. Lo suyo era un discurso bastante más nihilista y que musicalmente bebía tanto del punk rock de bandas como los Dead Boys como del hardcore punk de Circle Jerks. De

entre toda la producción que hicieron en su década de existencia, Bonzomania es indudablemente su disco más mítico. Definitivamente porque era el mejor y el que mejor encajó en eso llamado ‘espacio-tiempo’. Hasta ese momento no había sido nada fácil escuchar a formaciones de aquí haciendo trallazos como ‘Sentirme Bien’ o ‘Experto En Muerte’ de la forma en que lo hacían los mallorquines –tampoco lo era que versionearan a The Germs o las FU’s, que supuso puro adoctrinamiento musical para algunos de nosotros-, y bueno -supongo que ésos son los inevitables daños coyunturales-, la producción del álbum hace algo de aguas, pero con el paso de los años escuchar Bonzomania todavía puede tener el mismo efecto que meterte un par de anfetaminas de buena mañana. Una patada en el culo con todas las de la ley y un trabajo que las nuevas generaciones rockeras deberían de descubrir. Mirarse en el ombligo no viene mal de vez en cuando. RICHARD ROYUELA

VIRULENCY

The Anthropodermic Manuscript Of Retribution (NEW STANDARD ELITE)

BRUTAL DEATH METAL

ace tiempo que no me saco un adjetivo de la cabeza… ‘Intenso’. Con él, el cantante de Virulency me definió el brutal death de su banda, y sólo con su primer álbum atormentándome desde hace días he tomado conciencia de su significado pleno. En esta obra conceptual, en esta tropelía auditiva, también tres palabras cobran mayor sentido para mí: brutal death metal. En toda su grandeza, en su máxima expresión. En esta alevosa concatenación de actos de una vileza inconcebible, Virulency homenajean este estilo con todo lo que puedes esperar de un

trabajo adscrito a él, pero elevándolo al trillón. Desde que te mutila ‘Myriapod Constructology – Part I – The Inception’ asistes atónito a un volcán de pavorosas guitarras y baterías tremebundas, pero de nuevo nos volvemos sobre todo hacia J., el vocalista. Su dominio de todas las variantes que el brutal exige a sus cantantes es asombroso, y así, asistimos a un festín de predators, porcinos y cualquier tipo de infamia que puedas imaginar, alcanzando la cúspide en ‘…From Putrescible To Perpetual’ o ‘Mephistophelian Æsthetic Eroticism’. Con el punto esquizoide necesario, la justa dosis de slam o un final casi industrial, con estructuras propias de un asesino en serie, Virulency incluso se permiten invitar a dos monstruos como Paolo Chiti (Devangelic, exPutridity) y Konstantin Lühring (Despondency, Revulsed, exDefeated Sanity) para que eyaculen aún más lava sobre nosotros. Euskal Herria, reserva natural del brutal death. Patrimonio de la inhumanidad. PAU NAVARRA 93

BLOWFUSE A PUNTO DE EMBARCARSE EN UNA EXTENSA GIRA QUE EN JUNIO LES LLEVARÁ A TOCAR CON SUS HÉROES GOOD RIDDANCE Y SATANIC SURFERS, REFLEXIONAMOS CON BLOWFUSE SOBRE TODO LO QUE HAN VIVIDO Y LO QUE TIENE QUE VENIR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

TEMPUS TEMPUS FUGIT FUGIT

L TIEMPO VUELA, y cuando Blowfuse entran de nuevo por la puerta de la redacción de RockZone, nos damos cuenta de que casi han pasado tres años desde la última vez que nos encontramos con ellos para hablar de su debut Into The Spiral. Por fuera, Óscar (voz, guitarra), Víctor (bajo) y los hermanos Sergi (guitarra) y Ricard (batería) están prácticamente igual, sólo algún pelo ha cambiado de color, pero a la que empiezan a hablar se nota que algo más ha cambiado. Desde que saliera ese primer disco, el cuarteto barcelonés ha recorrido la Península y buena parte de Europa varias veces, ha tocado en festivales como el Resurrection

y el Gasteiz Calling, ha publicado el EP Coach, y sobre todo ha visto cómo su público iba creciendo. En definitiva, todas estas experiencias y otras tantas aventuras (podéis leer algunas de ellas en el Diario de Gira que publicamos en nuestro número 100) han llevado a Blowfuse a convertirse en un grupo de verdad que, además de divertirse haciendo música y haciendo el cafre en el escenario, también tiene que cuadrar las cuentas y ocuparse de tareas mucho menos creativas. Todavía no pueden vivir de la banda, pero a efectos prácticos es como si fuera su trabajo, pues es a lo que dedican más horas de su vida. En este proceso, estos cuatro jóvenes han madurado y admiten que

cuando están de gira les ilusiona más poder ver El Señor De Los Anillos tranquilamente que salir de fiesta con desconocidos. Incluso hasta parece que su interés por las groupies se ha domesticado. Sí, Blowfuse han crecido, pero se resisten a adquirir los vicios y la desgana que han visto en otros grupos más veteranos. Pero si algo me queda claro por encima de todo es que siguen siendo mejores amigos. Teniendo en cuenta la cantidad de horas que les esperan encerrados en una furgoneta, eso es todo lo que necesitan. ¿Cómo os han ido las cosas

desde que publicasteis Coach? ÓSCAR “Todo va muy rápido. Coach salió un año después de Into The Spiral, y sacar un disco nuevo implica un nuevo proyecto: giras, videoclips, promoción, nuevo merch... muchas cosas”. VÍCTOR “Para mí es como si no hubiera una etapa Into The Spiral y una etapa Coach. Todo se ha juntado”. ÓSCAR “Lo que nos hemos dado cuenta es que él ‘éxito’ tarda en llegar. Cuando sacamos Coach esperábamos que lo petara, que fuera la puta hostia, pero no es algo

inmediato. Pero un día vas a tocar no sé dónde y ves que hay mucha más gente”. SERGI “Sí, quizá cuando salió Coach esperábamos un boom, pero no ha sido hasta al cabo de siete meses que, cuando miras atrás, ves todo lo que has conseguido”. ÓSCAR “Por ejemplo, ahora viene mucha gente que nos dice que flipa con Into The Spiral. Pero cuando lo sacamos gustó, pero no notamos ese fanatismo”. RICARD “El tiempo le da un valor añadido”. Pero es curioso, porque

ahora parece que todo sea muy efímero, pero al final, como decís, se necesita tiempo para que la gente asimile lo que uno hace. VÍCTOR “Yo creo que para eso es muy importante el tema de los videoclips. Si siempre vas sacando cosas es como ir refrescando las canciones y puedes mostrar tu visión de ellas”. ÓSCAR “El que todo vaya tan rápido es una presión añadida, porque si no vas igual de rápido, desapareces. Siempre estás pensando en lo próximo que tienes que hacer”. ¿Os llegáis a estresar? TODOS “Mucho”. ÓSCAR “Lo que pasa detrás no es lo que se ve. Cuesta estar contento al 100%”. RICARD “Sólo nosotros sabemos todo el curro que nos hemos pegado. La gente cuando escucha tu disco es uno más de los 50 que ha escuchado ese día, pero sólo tú sabes el esfuerzo, las horas y la ilusión que hay detrás”. SERGI “Es como cuando eres niño y te haces súper fan de un grupo, pero luego conoces al grupo y están hasta los cojones. Y cuando lo dejan, eres un niño y te preguntas ‘¿Pero por qué lo dejan?’ y no lo entiendes, pero es que detrás hay igual toda una vida de sacrificios”. Supongo que el tener el grupo os ha hecho aprender la diferencia entre la visión que tiene el fan y la realidad. ÓSCAR “Totalmente. Me da un poco de miedo decirlo, pero estamos

en un punto en el que somos fans, pero también tenemos fans. Cuando tocamos en el Gasteiz Calling en septiembre, estábamos viendo a Good Riddance o Bad Religion en los camerinos y flipábamos, me quería hacer fotos con ellos. Y luego salíamos y había fans que se querían hacer fotos con nosotros y nos hacía muchísima ilusión. Me haría 40.000 fotos. Pero da un poco de miedo perder esa ilusión, porque ves a los grupos grandes muy quemados. Lo que pasa en el backstage es otra realidad. Por lo que he visto, la ilusión está en la pista. Cuando entras en la industria te contaminas, se pierde la ilusión del niño”. ¿Cuál creéis que es la manera de evitarlo? SERGI “Lo primero es ser consciente del problema”. RICARD “Te tienes que plantear si tocar música es un hobby o es un trabajo. Nunca tienes que perder la ilusión de hacer música, de desarrollar tu creatividad”. SERGI “Pero también hay una parte de ti que quiere que se convierta en tu trabajo”. ÓSCAR “Yo cuando tenía 15 años y era fan de Pennywise, lo único que sabía es que eran unos tíos que salían a tocar una música que era la puta hostia y que volvía loca a la gente. No sabía nada más. Yo quería hacer eso. Pero luego vas creciendo y conociendo otras cosas”. SERGI “Estar con grupos grandes te enseña mucho. Ves su negatividad y dices ‘yo no quiero eso’”. ÓSCAR “Greg Graffin de Bad Religion llegó en una furgoneta separada, medio minuto antes de

“POR LO QUE HE VISTO LA ILUSIÓN ESTÁ EN LA PISTA. CUANDO ENTRAS

EN LA INDUSTRIA TE CONTAMINAS, SE PIERDE LA ILUSIÓN DEL NIÑO”

ÓSCAR salir a tocar, con dos seguratas. ¿En qué momento te cansas de que te pare la gente y te diga que eres un referente para ellos? No lo entiendo”. SERGI “No sé cómo se puede estar tan fuera de los fans, tan fuera de la música”. Sobre todo en el mundo del punk rock, donde esa separación entre artista y público no debe existir. ÓSCAR “Nosotros somos fans de nuestros fans. Yo soy más fan de alguien que me dice que nuestra música le parece la polla, que él mismo de nuestra música”. VÍCTOR “Ves en primera línea tu trabajo recompensado”. SERGI “Conectas directamente con la ilusión. Muchas veces te preguntas si muchos músicos están fingiendo cuando te vienen de súper buen rollo”. ¿Qué pensáis cuando veis a gente de 50 años tocando punk rock? ¿Os veis vosotros haciendo lo mismo? ÓSCAR “Lo primero que me pregunto es por qué ya no les hace ilusión. Hasta qué punto lo hacen sólo como un trabajo. También es que cuando empiezas y tienes 20

años, tocar en un grupo punk es la hostia. Pero igual cuando tienes 40, tus amigos, tu familia, tienen una vida más asentada y tú sigues cantando ‘destruye tu ciudad’. Es extraño”. RICARD “Yo cuando veo grupos así es que se lo han currado y han tragado mucha mierda. Merecen estar ahí. Pero también piensas que es una lástima que hayan perdido la ilusión”. SERGI “Yo creo que es una vida en la que eres un marginado desde que empiezas hasta que terminas. Escoges tener una vida distinta. Seguro que a los 50 años te hace sentir diferente”. RICARD “Yo sé que toda mi vida haré música, pero también tienes miedo que quizá la música que hagas ya no interese. Igual de aquí a veinte años estaremos en pelotas y piensas que has tirado el tiempo”. ÓSCAR “Pero luego hablas con gente que tiene un trabajo estable y te envidian porque tú estás de gira y

haciendo lo que te gusta”. Es condición humana, todo el mundo quiere lo que no tiene. VÍCTOR “Cuando giras durante meses es una terapia de grupo bestial. Te hace aceptar mucho más a los demás y también te hace querer cambiar tú para amoldarte a los demás. Y también te sirve para vivir el presente. Cuando estás en casa piensas mucho en el futuro y te estresa porque es un futuro incierto. Pero a partir de estar dos semanas de gira, y no sabes ni dónde tocarás mañana, tu cerebro cambia y te conviertes en una persona distinta. Te dejas de preocupar por el futuro y disfrutas del presente”. ÓSCAR “Y cuando ya estás en el nirvana, vuelves a Barcelona y te entra una depresión enorme”. SERGI “Para Óscar y para mí fue una crisis”. VÍCTOR “No vivimos de esto. Muchas personas nos lo preguntan de gira y dices ‘¿En serio?’. Tenemos

que trabajar para ganarnos la vida. No es fácil compaginarlo porque la prioridad sigue siendo el grupo”. SERGI “Desde que hicimos la última entrevista aquí, hará tres años, las cosas no han cambiado tanto. Quizá a la gente le parezca que Blowfuse ha crecido mucho, pero la realidad es que seguimos teniendo trabajos de mierda y no podemos vivir de esto”. ÓSCAR “No tenemos un referente cercano. Ya no te hablo de un grupo de punk de los 90, sino de un grupo de rock alternativo en España que haya tenido una carrera que nosotros podamos seguir. No estamos en Estados Unidos, aquí es súper complicado”. SERGI “Pero cada vez tenemos más oportunidades y todo está yendo bien”. Este mes vais a empezar otra gira larguísima... SERGI “Sí, es do it yourself 100%”. ÓSCAR “Tampoco es que queramos

cerrarnos a que nos ayuden, pero lo hacemos nosotros porque queremos llegar a más sitios. Somos muy ambiciosos”. RICARD “Hacemos 28 fechas en 31 días, sólo en España. Y todavía hay más que dejamos para el año que viene. En Portugal hacemos seis fechas”. ÓSCAR “Antes girábamos por girar, pero ahora lo hacemos para poder ganar dinero y poder grabar discos. Por eso giran más los grupos, porque no se vende una mierda”. ¿Vendéis más camisetas que discos? VÍCTOR “Sí. El merch nos salva las cuentas”. ÓSCAR “Nos sabe mal por los grupos que no hacen merch. En cada gira hacemos diseños nuevos, porque me gusta dibujar, y porque aunque haya gente que quizá tenga una camiseta, se pueda comprar otra”. ¿Os sabe mal que la gente prefiera pagar por una camiseta que por vuestro disco? VÍCTOR “Suponemos que la gente no compra la música porque la tiene gratis. Yo sé que quien compra la camiseta es porque nos ha escuchado”. SERGI “No nos tiene que saber mal, es sólo aceptar que vivimos en esta época”. ÓSCAR “Para nosotros es más del 50% de los beneficios. Es muchísimo. En el Gasteiz nos dijeron que vendimos más camisetas que Bad Religion”. ¿El Gasteiz Calling os sirvió

“QUIZÁ A LA GENTE LE PAREZCA QUE BLOWFUSE HA CRECIDO MUCHO, PERO LA REALIDAD ES QUE SEGUIMOS TENIENDO TRABAJOS DE MIERDA Y NO PODEMOS VIVIR DE ESTO”

SERGI para ver que podéis subiros a cualquier escenario y dar el callo? ÓSCAR “Sobre todo nos sirvió la gira anterior de tres meses. Desde que empezamos hasta que terminamos, notamos un cambio brutal. A todos los grupos les cuesta tener confianza sobre el escenario y creértelo. Cuando ves a Jello Biafra o a Billie Joe ves que se lo creen. El poder tocar cada día te ayuda a tener ese talante sobre un escenario. Sales a un escenario grande y te sientes cómodo”. SERGI “Cuando tocamos en el Resurrection en 2013 también nos sirvió mucho porque hasta entonces sólo habíamos tocado en salas pequeñas. Vimos que podíamos hacerlo”. ÓSCAR “Y además, notas el impacto que tienes en la gente. Después de tocar en el Resu, y eso que tocamos a primera hora, cantidad de gente en la siguiente gira nos dijo que nos había descubierto allí”. Y también tenéis a la vista la gira con Good Riddance y Satanic Surfers en junio. ÓSCAR “Sí. A diferencia de una gira con Bad Religion que nos les veríamos el pelo, con ellos sabemos que habrá una cercanía. Tenemos ganas de conocerles y estar con

ellos”. SERGI “Y además, por estilo encajamos mucho. Son referentes para nosotros”. ¿Hay alguna canción que ya estéis hasta la polla de tocar? ÓSCAR “Las hay, pero no en directo. Pero en los ensayos sí. Y de escucharlas también. El otro día me puse ‘Downhill’ y me di cuenta que hace tres años que la canto distinta porque no me acuerdo ni cómo era (risas)”. SERGI “Yo soy súper fan de Blowfuse y nunca me canso. Yo disfruto siempre”. ¿Y tenéis idea de cuándo puede salir el próximo disco? SERGI “Lo ideal sería a finales de 2016, pero será a principios de 2017”. ÓSCAR “En realidad Couch fue una excusa para poder ir de gira, pero ahora queremos hacer un disco donde todos los temas sean especiales. No queremos volver a hacer lo mismo. No es que vayamos a cambiar de estilo, pero queremos hacer más. Están saliendo cosas extrañas, pero molan mucho (risas)”. .

HUNT OR BE HUNTED EL PRIMER CORTO DE ANIMACIÓN HECHO CON TATTOOS JÄGER NOS HA VUELTO A SORPRENDER, ¡Y DE QUÉ MANERA! ESTA VEZ CON LA ORIGINAL PROPUESTA HUNT OR BE HUNTED, EL PRIMER CORTO DE ANIMACIÓN HECHO CON TATUAJES EN PIELES REALES. SÍ, SÍ, HABÉIS LEÍDO BIEN… TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

uestros amigos de Jägermeister han conseguido llevar a cabo un proyecto súper original, una verdadera locura que no deja a nadie indiferente, y todo tras una búsqueda y captura de valientes que quisieran formar parte de esta leyenda a través de un llamamiento por redes sociales. El resultado, más de 1.500 personas registradas en la web y dispuestas a tatuarse sin saber cuál sería el diseño que llevarían en sus pieles. Finalmente, los seleccionados y tatuados para el corto fueron desplazados a Barcelona a principios de 2016 para el rodaje. No te pierdas el resultado entrando en www.huntorbehunted.es

WOLFMOTHER

ORDEN EN EL CAOS HACE UNA DÉCADA QUE ANDREW STOCKDALE SABOREÓ LAS MIELES DEL ÉXITO GRACIAS AL SORPRENDENTE DEBUT DE WOLFMOTHER. SIN EMBARGO, DESDE ENTONCES LA INESTABILIDAD DE LA FORMACIÓN AUSTRALIANA HA PROVOCADO QUE FUESE DANDO TUMBOS AL MISMO TIEMPO QUE PUBLICABA TRABAJOS CON MENOS FORTUNA. VICTORIOUS ES SU NUEVO INTENTO DE VOLVER A LA PRIMERA LÍNEA DEL ROCK. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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EGURAMENTE, ALGUIEN COMO Andrew Stockdale puede explicar muy bien esa frase que dice que lo importante en el éxito no es llegar a la cima, sino saber cómo mantenerse allí. Hace ya diez años irrumpió como un huracán dentro del panorama musical con el primer álbum homónimo de Wolfmother, banda que comandaba junto al bajista Chris Ross y el batería Myles Heskett, y que les colocó directamente como la gran sensación dentro del mundo del rock a mediados de

la pasada década. Buenas críticas por parte de toda la prensa, singles como ‘Woman’ o ‘Joker And The Thief’ sonando en todas las radios del planeta, giras mundiales acompañando a Pearl Jam, un buen puñado de premios y más de un millón de copias vendidas fueron su más que exitoso balance. Todo parecía ir viento en popa hasta que en verano de 2008 Stockdale vio cómo se quedaba solo tras la salida, al parecer nada amistosa, de sus dos compañeros. Algo que retrasó aún más su esperadísimo

segundo trabajo. Tres años después y con una formación completamente renovada, llegaba finalmente Cosmic Egg, una obra más compleja y atrevida que la inmediatez de su debut, pero de una calidad idéntica o incluso superior. Por desgracia, el tiempo entre uno y otro hizo que el público para entonces ya estuviese atento a otros nuevos sabores del mes, pasando Wolfmother a un segundo plano. Los siguientes pasos de Andrew tampoco ayudaron a que la formación australiana volviese a remontar el vuelo. En 2013 pareció dar por finiquitado el nombre de Wolfmother y sacó bajo su propia firma un debut en solitario con las canciones en las que había estado trabajando hasta entonces y con los mismos miembros. A pesar de que la calidad se seguía manteniendo, volvió a pasar casi inadvertido para la mayoría. Lo mismo sucedió cuando al año siguiente decidió publicar New Crown como el tercer largo de Wolfmother, regresando al formato power trio y corriendo la misma fortuna que sus antecesores. Es entonces cuando llegamos a la actualidad, en la que Victorious (Universal) acaba de ser lanzado a la calle como el intento definitivo de devolver a Wolfmother al lugar que un día ocuparon. Para ello, Stockdale se ha puesto en manos de un productor de primer nivel como es Brendan O’Brien para dar con un álbum que recupera la frescura de su debut, así como un buen ramillete de temas con gancho suficiente para captar a todo tipo de públicos. Durante nuestra conversación, que se produjo un par de días después del fallecimiento de David Bowie, el cantante y guitarrista de frondosa melena se mostró ilusionado respecto a esta nueva y decisiva

“PUEDE QUE HAYA GENTE QUE PREFIERA EL PRIMER TRABAJO, PERO CREO QUE EN CIERTOS ASPECTOS VICTORIOUS REJUVENCE LO QUE HICIMOS ENTONCES, ASÍ QUE TAMBIÉN DEBERÍA GUSTARLES”

ANDREW STOCKDALE

etapa de su carrera, aunque también algo escueto en sus declaraciones. En mayo podremos comprobar de primera mano cómo suenan sus nuevas composiciones tanto en Barcelona como en el Kristonfest. Me gustaría empezar la entrevista preguntándote por lo que han significado para ti dos auténticas leyendas de la historia de la música que nos han dejado recientemente, Lemmy y David Bowie. ANDREW STOCKDALE “(Risas) Bueno, yo sólo creé la música que me gustaba. Simplemente seguí la música. Por supuesto me siento muy agradecido por la inspiración de esos visionarios que me precedieron, pero lo más importante es seguir tu camino y ver a dónde te lleva”. Estos días he estado leyendo a mucha gente comentar que ya no existe un relevo generacional dentro del rock’n’roll, algo en lo que personalmente no estoy de acuerdo. De hecho, a vosotros mismos hace diez años, cuando aparecisteis, se os señaló como una de las bandas 107

“SÓLO PUEDES SEGUIR TU INSTINTO Y HACER LO QUE CONSIDERAS CORRECTO”

ANDREW STOCKDALE

que podían llenar ese hueco. “Yo sigo disfrutando del rock y estoy seguro que mucha otra gente también. Pero a medida que pasa el tiempo es normal que vaya evolucionando. De Little Richard a Jimi Hendrix y de Hendrix a lo que sea… y así hasta ahora. La inspiración va pasando de una generación a otra. Quizá eso haga que su poder se vaya diluyendo visto desde una perspectiva general, pero para cada generación creo que sigue siendo algo nuevo y poderoso”. Escuchando Victorious da la sensación de que queréis volver a ser relevantes. El disco está siendo promocionado de una manera más normal en vez de que aparezca directamente y por sorpresa en 108

Bandcamp o Souncloud como pasó con los anteriores... “Sí, desde luego quería darle a esta música la oportunidad de llegar al máximo de gente y poder disfrutar de ella. Por eso quiero que la gente se entere y voy a esforzarme para conseguirlo”. Victorious es un disco muy conciso y breve. Da la impresión de que esta vez os habéis centrado más. ¿Tiene que ver con ello que el disco lo haya producido Brendan O’Brien y que en los anteriores te ocupases tú de esa parcela? ¿Qué has aprendido de él? “A Brendan le gustan las cosas compactas y bien hechas, eso está claro. Supongo que lo que la mayoría de

la gente espera de un gran disco de rock es que tenga una calidad de sonido y de producción. Después de hacer New Crown, que era una obra más cruda, me apetecía hacer algo más producido. Hice la última grabación por mi cuenta, así que estuvo bien volver a trabajar con un productor que ayudara con los arreglos y tuviera la responsabilidad de mantener el sonido”. Otra gran colaboración en el álbum es la de Josh Freese, uno de los mejores baterías del mundo. ¿Cómo se dio que participase en la grabación? “Fue cosa de Brendan O’Brien. Él había trabajado con él antes y creía que era el hombre perfecto. Es un músico muy preciso y con mucha pegada. Fue una buena elección

porque todo salió perfecto”. Volviendo a hablar un poco del pasado, la verdad es que vuestro debut fue uno de los más exitosos de la pasada década. ¿Crees que de alguna manera os visteis sobrepasados por el éxito de aquel disco? “No lo sé. En el segundo disco ‘White Feather’ fue un hit bastante gordo y ‘New Moon Rising’ y ‘California Queen’ también funcionaron bastante bien. Y de New Crown, cuando tocamos ‘How Many Times’ o ‘I Ain’t Got No’ también tenemos una buena respuesta. Creo que, al menos en directo, notamos una muy buena energía cuando tocamos temas de otros discos. Lo que pasa es que el primer álbum fue la primera vez que el mundo tuvo la oportunidad de conocernos, y la primera vez siempre es más excitante (risas). Una vez sigues adelante, el público ya se acostumbra a ti y es más difícil sorprender. Pero yo he disfrutado de la progresión del grupo, de los sonidos que hemos ido creando. El nuevo disco está siendo muy bien recibido, así que no tengo la percepción de que el interés sea menor. Puede que haya gente que prefiera el primer trabajo, pero creo que en ciertos aspectos, Victorious rejuvence lo que hicimos entonces, así que también debería gustarles”. Después de Cosmic Egg decidiste disolver el grupo para sacar tu primer disco en solitario, Keep Moving, en el que te acompañaban los mismos músicos que estaban en Wolfmother en ese momento. Y tras eso, volviste a retomar

Wolfmother, pero esta vez como un power trio, tal y como erais al principio. La verdad es que fue una época muy confusa y me gustaría que me la explicases tú mismo. “Sí, claro. Lo que pasó es que los temas de Keep Moving no me sonaban a Wolfmother, y además llevábamos seis años seguidos trabajando a fondo con el grupo, así que simplemente me apetecía variar un poco. El cambio es bueno. A fin de cuentas, se trata de creatividad, de inspiración y de compartir eso con la gente. Puede que resultara confuso para los fans, pero la creatividad es algo incierto, nunca sabes lo que te espera a la vuelta de la esquina. Sólo puedes seguir tu instinto y hacer lo que consideras correcto. Puede que pierdas a alguien, pero también que ganes a otros. Pero no puedes hacer de eso tu prioridad”. No quiero que te lo tomes a mal, pero desde fuera puede parecer que eres como una especie de genio loco que no sabe muy bien en qué dirección está yendo ¿Crees que tanta inestabilidad ha podido jugar en vuestra contra para asentaros como banda? “Me gusta eso de genio loco (risas). Desde luego me gusta trabajar rápido. De hecho, ése es un consejo que daría a los grupos. Intenta trabajar una idea durante una hora y luego pasa a la siguiente. No creo que sea bueno darle muchas vueltas a las cosas. Creo que la magia está cuando haces algo impredecible que ni tú mismo te esperas. Muchas veces escucho música de otros grupos y lo que escucho es la estrategia que hay

detrás. Está todo muy calculado, y eso no me gusta. Mi objetivo principal es que la gente sienta algo, no que vea que hay algo más detrás. Si a eso le llamas locura, pues de acuerdo (risas)”. Y dentro de esa locura, ¿qué papel juegan el resto de miembros del grupo? ¿Sólo deben limitarse a seguirte o pueden aportar algo más también? “Lo que hacen es tocar las canciones que yo escribo. Ése es su papel. A todos les gusta tocar mis temas y lo pasan bien formando parte de la banda. Todo el mundo es bienvenido a aportar algo, pero lo que yo aporto son las composiciones y los riffs”. Hace un par de años volvisteis a tocar en España después de muchísimo tiempo. Curiosamente en el Azkena Rock Festival en el que os descubrió mucha gente, cuando tocasteis con Pearl Jam y My Morning Jacket en 2006. En mayo os volveremos a tener por aquí como parte del Kristonfest y en un concierto en Barcelona. ¿Tienes ganas? “Oh, sí. Lo pasamos genial en el Azkena, ahí, en el País Vasco. El público estuvo fantástico y me encantó comer tapas y beber sangría. Yo tocaba flamenco antes de tocar rock’n’roll, así que para mí es un honor tocar en España. Algunos de los mejores guitarristas han salido de ahí, así que es un placer poder volver”.

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THE WORD ALIVE DESPUÉS DE TRES INTENTOS, THE WORD ALIVE QUERÍAN GRABAR EL ÁLBUM DEFINITIVO DE SU CARRERA. PARA ELLO SE TOMARON MÁS TIEMPO QUE NUNCA Y DECIDIERON SUMERGIRSE EN SU LADO MÁS OSCURO. SU VOCALISTA TELLE SMITH NOS ASEGURA QUE MERECIÓ LA PENA. TEXTO: TEXTO: DAVID DAVID GARCELL GARCELL FOTOS: FOTOS: DR DR

AGUJERO NEGRO

“PARA MÍ, QUE HE SUFRIDO DEPRESIÓN, RESULTA DURO ESDE AQUELLOS inicios en los que The Word Alive pasaba por ser el proyecto paralelo de Craig Mabbitt, vocalista de Escape The Fate, con miembros de Calling Of Syrens y Clouds Take Shape, ha llovido mucho. Bueno, en realidad sólo han pasado ocho años, pero en este tiempo el grupo de Phoenix, Arizona, ha ido renovando su formación y adquiriendo su propia entidad. Desde que Telle Smith, además del micro, también tomara las riendas, The Word Alive han ido escalando posiciones en la escena metalcore girando con bandas afines como We Came As Romans, Parkway Drive o Killswitch Engage, los obligados pases por el Warped Tour y publicando discos como Deceiver, Life Cycles y Real., que fueron muy bien acogidos entre los acólitos del metalcore. Pero detrás de lo que podría parecer una banda a la que la vida ha sonreído hay un transfondo mucho más oscuro, con un historial de depresión e intentos de suicidio por parte del propio Smith. Es éste el que han decidido explorar en su cuarto álbum Dark Matter (Fearless), que verá la luz el 18 de marzo.

VER A CHAVALES QUEJÁNDOSE A TRAVÉS DE UN IPHONE QUE HAN PAGADO SUS PADRES DE QUE TIENEN UNA VIDA HORRIBLE. PERO NO ES ASÍ, LO QUE PASA ES QUE NO VALORAN NI AGRADECEN LO QUE TIENEN”

TELLE SMITH no es lo mismo que hacerlo con la banda. Ahora que estamos preparando el repertorio con temas nuevos es más divertido”. ¿Cuánto tiempo os lleva que un tema nuevo suene realmente compacto? “Depende mucho de la canción, pero normalmente podemos lograrlo en dos o tres días. Eso si nunca la hemos tocado antes. Si es un tema antiguo en un ensayo ya la clavamos. Normalmente antes de una gira ensayamos cinco o seis días. Si es entre medio de dos giras, nos basta con un par. Ahora somos más mayores y valoramos más el tiempo que podamos pasar en casa”.

Oigo mucho ruido de fondo. ¿Por dónde andas? TELLE SMITH “Estoy en Phoenix, la ciudad donde nació el grupo. Me pillas yendo al local de ensayo”.

¿Cuál de los grupos con los que habéis tocado es para ti el que marca el nivel al que queréis llegar? “Te citaría a Killswitch Engage, Underoath y A Day To Remember. Son grupos que cada noche están prácticamente perfectos. No creo que estemos todavía a ese nivel, pero estamos cerca (risas). Creo que con este disco lo conseguiremos”.

¿Te gusta ensayar o a estas alturas te resulta aburrido? “Me gusta pero es aburrido (risas). Pero sobre todo es necesario para asegurarnos de que sonamos bien y de que tengo la voz a punto para salir de gira. Aunque ensaye en casa,

En todos los grupos siempre hay un miembro que pone de los nervios a todo el mundo haciendo ruido todo el rato en el local. ¿Quién es el más cansino de The Word Alive? “(Risas) Tenemos a dos. Zach

(Hansen) y Luke (Holland) son los que siempre están tocando. Con la guitarra es más fácil porque puedes bajarla de volumen, pero con la batería, por desgracia, no es posible. Luke es uno de los mejores baterías del mundo, así que si eso es lo que necesita para ser el mejor, pues me aguanto (risas)”. De hecho, Luke se ha convertido en una estrella por su cuenta con sus versiones de batería en YouTube. ¿Cuándo empezó? ¿Creéis que os beneficia también como grupo? “Bueno, empezó cuando tenía 16 ó 17 años, y fue así como le descubrimos. Vi uno de sus vídeos cuando tenía 19 años y nosotros estábamos buscando batería. Hizo la prueba y el resto es historia. Así que si no llega a ser por YouTube nunca hubiéramos conocido a Luke. Todos le animamos a que siga haciendo tantos vídeos como quiera”. Daniel y tú vivís en Los Ángeles. ¿Os es fácil organizaros estando en dos ciudades, dos estados, distintos? “Yo me mudé a L.A. hace cuatro años y Daniel se mudó el año pasado. Cuando tenemos que reunirnos, Daniel y yo tenemos que conducir ocho horas hasta Phoneix, pero por suerte los vuelos son bastante baratos, unos 70 dólares, así que podemos permitirnos venir en avión 111

“POR UNA RAZÓN U OTRA LAS CANCIONES QUE NOS SALEN MEJOR Y LAS QUE MÁS GUSTAN A LOS FANS SON LAS MÁS OSCURAS. SINCERAMENTE, NOS RESULTA MÁS FÁCIL, MÁS NATURAL, ESCRIBIR ESTE TIPO DE CANCIONES”

TELLE SMITH

también. Otras veces son el resto los que vienen a L.A. porque nuestro sello, nuestro management y nuestro agente están allí. Lo llevamos bien”. Si algún día tenéis vuestro avión privado será más fácil aún... “(Risas) Sí, eso molaría mucho”. Este mes publicáis vuestro nuevo álbum Dark Matter. Parece que es un disco muy importante para vosotros y que le dedicasteis más tiempo que nunca. “Sí. Real. salió en junio de 2014 y en enero de 2015 empezamos a escribir el nuevo disco porque queríamos hacer el mejor álbum posible. Sabíamos que queríamos hacer algunos cambios, pero no exactamente cuáles. Así que decidimos dejarnos libre el verano de 2015, cuatro meses, para componer y grabarlo. Es la vez que más tiempo nos hemos tomado. Lo curioso es que una vez entramos en el estudio prácticamente descartamos todo lo que habíamos escrito antes. En total escribimos 38 temas para este disco, algo totalmente insólito para nosotros. Igual de un tema nos gustaba mucho un riff, pero no el resto, así que lo que hicimos fue aprovechar las mejores partes de cada uno para construir los mejores temas posibles. Tampoco lo habíamos hecho. Por eso creo que es el álbum más diverso y dinámico que hemos hecho”. El disco lo habéis hecho con Matt Good de From First To Last. ¿El hecho de que 113

“NO “NO SÉ SÉ QUÉ QUÉ HUBIERA HUBIERA SIDO SIDO DE DE MÍ MÍ SIN SIN THE THE WORD WORD ALIVE, ALIVE, Y Y ESPERO ESPERO NO NO TENER TENER QUE QUE DESCUBRIRLO DESCUBRIRLO EN EN MUCHO MUCHO TIEMPO” TIEMPO”

TELLE SMITH

sea también músico y sea de vuestra edad, hizo que os entendierais mejor? “Sí. Éste era su primer encargo importante como productor, así que tenía tanto que ganar o perder como nosotros. Así que todos teníamos la misma actitud de intentar hacer lo mejor posible. Matt vio todo lo bueno que tiene este grupo y nos ayudó a sacarlo”. Tanto el título del álbum como algunas canciones dan a entender que surgieron de experiencias negativas. ¿Es realmente así? “Sí, es un disco más oscuro. Por una razón u otra las canciones que nos salen mejor y las que más gustan a los fans son las más oscuras. Sinceramente, nos resulta más fácil, más natural, escribir este tipo de canciones. Queríamos hacer un disco muy hones-

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to, aunque resultara que la mayoría de los temas fueran más tristes o agresivos, pero creo que gracias a eso la gente pensará que este disco es el definitivo de nuestra carrera. Por desgracia, la vida no siempre es fácil, no siempre los finales son felices... Dark Matter es cuando llegas al final del túnel y resulta que no hay luz”. ¿Así que cuando te pasa algo malo piensas ‘al menos puedo escribir una canción sobre ello’? “(Risas) Para serte sincero, a veces sí. Los artistas no sólo están muchas veces locos, sino que además sabotean de manera inconsciente sus vidas y su felicidad con el fin de tener algo sobre lo que escribir. No sé si entraría en esa categoría, pero desde luego tomo todo lo negativo que me ha ocurrido e intento encontrar una histo-

ria que pueda contar y que conecte con otra gente. Ése es el tipo de canciones que quiero para este grupo”. ¿Podrías darme un ejemplo de una mala situación que haya quedado plasmada en el disco? “Bueno, cuando tenía 16 años intenté suicidarme por primera vez. Mi familia, por parte materna, ha sufrido de depresión y por desgracia yo lo he heredado. La canción ‘Oxy’ habla de ello. También escribí sobre eso en ‘Battle Royale’, del EP Empire. En ‘Battle Royale’ hablaba sobre casi morir. Y en ‘Oxi’ hablo sobre morir y luego darte cuenta del daño que has causado a tus seres queridos. ‘Face To Face’ es sobre mi padre biológico. Escribí ‘Like Father Like Son’ de nuestro primer disco sobre mi padre adoptivo, que es quien me crió y a quien

considero mi verdadero padre, pero la realidad es que tengo un padre biológico que nunca he conocido, y ‘Face To Face’ es sobre lo que pasaría si viese a mi padre biológico. La única razón por la que querría verle es para entender por qué tengo el aspecto que tengo. Mucha gente me dice que me parezco mucho a mi madre, pero no a mi padre, pero el motivo es porque no es mi padre biológico. Me gustaría ver qué aspecto tiene, pero no querría establecer una relación con él porque creo que sería faltarle el respeto a quien sí decidió ser mi padre. Así que tengo mucho de lo que hablar”. Ya veo... “Sí, pero no todas son sobre mí. ‘Dreamer’ es sobre un hombre que está al final de sus días y se da cuenta de que nunca persiguió sus sueños y se arrepiente de haber tirado su vida. Obviamente ese personaje es lo opuesto a mí. Quería intentar escribir algo de ficción, porque casi siempre escribo desde un punto de vista autobiográfico. También hay algún tema sobre el estado del mundo actual y el egoísmo que impera en la sociedad, así que también hay reflexiones de cómo veo las cosas”. A las personas enfermas de depresión se les suele recomendar que estén en un entorno estable y con rutinas muy marcadas. Salir de gira parece todo lo opuesto a eso. ¿Cómo te las apañas? “La verdad es que no es fácil, porque funciona en ambas direcciones. A veces cuando me siento mal, lo único que quiero y lo único que me hace

feliz es salir al escenario y estar rodeado de gente que no me conoce. Pero hay otros, en los que lo único que quiero es estar en casa. Pero es todo mental, así que en los últimos ocho años lo que intento es analizar cómo percibo las cosas y cómo reacciono ante ellas. Por eso nunca escribo nada negativo en las redes sociales. Para mí las redes sociales promueven que adoptes una actitud victimista y te quejes de todo. Yo no quiero ser así. Cuando te sientes mal, tienes que intentar quedar con tus amigos y hacer algo que te haga sentir bien, en lugar de ponerte delante de un teclado y decir lo mal que estás. Tienes que ser consciente de cómo te sientes, y si no estás bien, hacer algo al respecto. Cuando era más joven, dejaba que la negatividad me comiera por dentro, pero ahora ya no. Obviamente el hacer música me ha ayudado mucho. No sé qué hubiera sido de mí sin The Word Alive, y espero no tener que descubrirlo en mucho tiempo”. ¿Y cómo te tomas los ataques en las redes sociales? Porque además de los victimistas, también hay mucha gente que lo aprovecha para descargar mucha rabia. Incluso los que se llaman fans pueden ser muy agresivos con las bandas. “Lo que pasa es que los chavales se sienten con derecho a decir cualquier cosa. Todo el mundo quiere que todo sea exactamente como ellos quieren. Están malcriados. Los chavales ven que hay gente que se hace muy popular sólo por hacerse muchos selfies o por tener muchos tatuajes, así que

la gente hace cosas por los motivos equivocados. Para mí, que he sufrido depresión, resulta duro ver a chavales quejándose a través de un iPhone que han pagado sus padres de que tienen una vida horrible. Pero no es así, lo que pasa es que no valoran ni agradecen lo que tienen”. ¿Pero no crees que muchas bandas también promueven esa superficialidad? Quizá los chavales sólo imitan lo que ven, y muchos músicos parece que pasen más tiempo colgando fotos de lo guays que son en lugar de mostrar cómo es la realidad del día a día. “Creo que los músicos somos responsables, pero al final, los músicos somos personas y debemos tener la libertad para hacer lo que queramos. Es imposible escapar de las redes. Si estás en un grupo que alcanza un cierto éxito, tienes que estar presente en las redes. Pero desde luego, tenemos una responsabilidad”. Al final parece que tanto los grupos como los fans están atrapados en este juego. Igual estaría bien que durante tres meses se apagaran todas las redes sociales y ver qué pasa. “Sí, desde luego no me opondría a que eso pasara. Quizá la gente se volvería más humana... Pero también es seguro que algunos se volverían locos (risas)”.

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P.I.L.

P.I.L. VAN A GIRAR ESTE MES DE MAYO POR ESPAÑA PARA PRESENTAR SU NUEVO ÁLBUM WHAT THE WORLD NEEDS NOW.... A RAÍZ DE ELLO HABLAMOS CON JOHN LYDON, UNA AUTÉNTICA LEYENDA DE LA MÚSICA, CON TODO LO BUENO Y MALO QUE PUEDE CONLLEVAR SER UNA LEYENDA. TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DR

LO QUE NECESITAS

SUPERVIVIENTE DEL FENÓMENO más explosivo de 1977 en la música inglesa, que incluso llegó a extrapolar la industria, llegando a considerarse un asunto nacional, el entonces llamado Johnny Rotten, de nombre real John Lydon, supo reinventarse. Creó PiL, con los que acumula ya una considerable discografía, que difiere bastante sonoramente del grupo que le puso en el mapa. El tipo más elocuente y, quizá, inteligente del punk junto a su homólogo en Estados Unidos, Richard Hell. Habiendo entrevistado a ambos, puedo dar fe. Una lástima que en Nueva York no pudiera quedar con él por asistir a un concierto de AC/DC la tarde del encuentro. Paradojas de la vida, sí me encontré en Buenos Aires, en el backstage de The Mission, al guitarrista actual de la banda que fundaron Tom Verlaine y Richard Hell, Television. Pero aquí estamos para in-

formaros de lo nuevo de John Lydon. A saber, un nuevo disco, What The World Needs Now... (PiL Official), con el que está realizando una gira que parará en nuestro país en tres fechas: el 6 de mayo en Madrid, el 7 en Santander y el 8 en Valencia. Un álbum contestatario, que te hace plantearte las cosas, cuña de identidad de su cantante y letrista desde aquellos lejanos estertores de los 70. La persona que llegó a protagonizar un par de anuncios de mantequilla de una marca inglesa para financiar un disco de su grupo, el supuesto gruñón que siempre está a la defensiva. Llámese suerte, llámese determinismo, quien cogió el teléfono se comportó como una persona extremadamente agradable y divertida. Supongo que influenció bastante que le pidiera, se puede leer en la trascripción/traducción de la conversación, que tuviera piedad de mí. También hace un 33

¡Eres uno de mis héroes! (Risas) No estaba tan nervioso en una entrevista telefónica desde que hablé con David Lynch. Sé bueno conmigo, sólo soy un pobre chico (risas). “De acuerdo (risas)”.

“DONALD TRUMP ES LA VOZ DE LOS COMPLETOS IGNORANTES” JOHN LYDON

par de años publicó una nueva biografía, esta vez escrita por él mismo, y que se tradujo al español el pasado año. La primera se titulaba No Irish, No Blacks, No Dogs, inscripción que se ponía en los hoteles ingleses en su niñez. En esta ocasión, se ha traducido el título, The Anger Is Energy (La Ira Es Energía). Las dos fueron editadas en editoriales humildes, y ambas aún están a la venta. Si queréis distinguirlas, en la última sale una foto del autor, mientras en la otra se utiliza un fondo 118

amarillo y un fragmento en rosa, remitiendo a la famosa portada del Never Mind The Bollocks, Here’s The Sex Pistols, el álbum más importante de su año en Gran Bretaña. Hola Johnny. ¿Qué tal estás? JOHN LYDON “Hola España. Estoy vivo. ¿Qué tal estás tú?”. Un poco nervioso, como un adolescente. “¿Por qué?”.

¿Cuál es el concepto de What The World Needs Now...? Una cuestión que me gusta de tus discos es que no tienes miedo a tomar riesgos creativos. “Supongo que mi vida entera es un riesgo. Está muy calculado. No soy tonto, no tomo decisiones a la ligera. ¿Qué es lo que el mundo necesita ahora? Es una pregunta abierta. Todos tienen una respuesta diferente, y cuanto más hablemos y discutimos del tema, mejor y más claro será el futuro. La gente se deja manipular por políticos populistas, da igual que sean de la derecha o la izquierda. El sentido común no prevalece. Estoy muy atento a las elecciones americanas ahora mismo. Están siendo muy extremas. Es muy decepcionante (risas), y hay muchísimo racismo, en el siglo XXI. Donald Trump es la voz de los completos ignorantes. Él no es un ignorante. Es un manipulador, y eso lo convierte en veneno. Muy peligroso”. Aparte, uno de los temas es un tributo a Betty Page. “Tengo heroínas femeninas igual que héroes masculinos. Era un modelo de conducta. La primera persona que hizo stripteases humorísticos y humanistas. Escapó de la esclavitud del striptease. En un tiempo en que América estaba dominada por el fundamentalismo cristiano o la mafia, navegó por aguas turbulentas y sobrevivió. ¡Así que viva!”.

¿Por qué crees que el público todavía habla de Johnny Rotten y los Sex Pistols y no sobre John Lydon y PiL? “Por eso he editado mi autobiografía La Ira Es Energía y publicado el disco What The World Needs Now..., para quien esté interesado. Existía mucho antes de los Sex Pistols y existo mucho después de los Sex Pistols. Es un periodo muy breve de una vida muy larga”. Sobre esta nueva biografía, por qué una nueva y no una segunda parte de la que ya escribiste. “Nunca hablé de mi infancia en el otro libro. Hay muy poco. La enfermedad que tuve de niño casi me mata. Perdí la memoria durante unos cuatro años. Sobrevivir a esa enfermedad en mi infancia es lo que me hace sentirme más orgulloso en mi vida. Y sigo vivo, puedo probarlo. Es algo difícil para mí compartir esta parte de mi vida porque nunca he querido que nadie sintiera lástima por mí. No tengo autocompasión. No quería fama por lástima. Me veo como un hombre igual que los demás, no quiero utilizar artimañas. Pienso que en la actualidad es un buen momento para expresar ese sufrimiento. Las personas que están físicamente mejor que yo y se quejan de sus penas y problemas físicos me enfadan (risas)”. Honestamente, el único disco que no me gusta de tu discografía es el que sacaste en solitario, Psycho Path. ¡En qué estabas pensando mientras grababas ese álbum! “Me encanta ese álbum. Es un disco muy extraño. Una diferente aproximación en cuanto a la creación musical.

Es anti ritmo, y anti tono. Es la forma en que debes afrontarlo. Emborráchate una noche, a ver qué opinas. No puedes escucharlo como un disco normal. Es incluso raro para mí. Me adentro en temáticas muy oscuras en ese álbum. La canción que le da título, por ejemplo, está intentando meterse en la mente de un asesino en serie. En la de uno de los peores, John Wayne Gacy”. Sí, el asesino payaso. “Asesinó un sinfín de chicos jóvenes y se disfrazaba de payaso (risa breve). No es divertido, es horrible. Terrible componer una canción así, porque debía tener algún tipo de empatía con un asesino en serie. Lo que descubrí era que tenemos dentro ese potencial. Algunos sabemos cómo controlar ese instinto, y otros no. En eso consiste la diferencia entre un hombre y un monstruo. Te conoces un poco más a través de estudiar vidas ajenas”. En el libro Por Favor, Mátame, todos dicen que Malcom McLaren basó tu imagen y la de los Pistols en Richard Hell. ¿Te cae bien Richard Hell? “Me cae muy bien. Le considero aún un amigo, pero desde luego no he robado su imagen ni la de nadie (risas). Salí muy distinto del hospital a los 8 años en cuanto a mi personalidad, una personalidad bien construida”. ¿Recuerdas tu incidente en el festival Azkena? Se hace en el País Vasco y dijiste “viva España” un par de veces. Todos los nacionalistas vascos estaban enfadadísimos... Fue muy divertido (risas). “(Risas) Qué ignorante fui (risas). Sí, es lo que me gusta hacer, dar un toque

para ver si creo una reacción. Es para reírme de las cosas que son tan violentas y serias. Y de esa manera, quitas esos sentimientos. Lo mismo sucedía con los primeros punks, puedes decir Siouxie And The Banshees. Llevaban esvásticas para provocar. Desde luego no eran nazis. Lo opuesto. Es el emblema de los perdedores de la Segunda Guerra Mundial. Hice una burla. Tengo raíces irlandesas, y en Irlanda del Norte, tanto protestantes como católicos siguen matándose entre sí por ninguna razón que yo vea. Al final todo es causado por los gobiernos, y sabemos perfectamente que no nos podemos fiar de los políticos. Jamás iría a una guerra y mataría a una persona por órdenes de un político. Ése es mi mensaje, lo manipulados que estamos. Aprende la lección de Ghandi. Resistencia pasiva. Si invaden tu país, siéntate, no hagas nada, y los invasores se irán a casa porque no pueden ganar más dinero en tu país”. Yo no creo en ningún nacionalismo. Una persona te tiró un móvil. “Tengo un problema con quienes van a los conciertos y llevan móviles. Es muy irritante. Estás perdiéndote la experiencia en vivo. Parece que una idiota pequeña máquina vale más que una experiencia en vivo. Qué extraño es. Que estén manipulados por productos. Pondría mi memoria muy por delante de cualquier grabación en un móvil”. Estoy de acuerdo contigo. Vive el concierto, no grabes el concierto (risas). ¿Consideras que tus letras en los Sex Pistols eran como las de Scott Heron? En el sentido de hacer pensar al mundo. 119

“DESDE LUEGO NO SOY RELIGIOSO” JOHN LYDON

capaz entonces”. A Roger Taylor, el batería, le encantó vuestro disco. Me lo dijo en persona. “Brillante. Ahí lo tienes. Se piensa con prejuicios que por haber estado en los Pistols no me gusta nada fuera del punk. El disco de Public Image demuestra que estoy muy abierto a todo tipo de experiencias vitales y todo tipo de músicas. Los mejores de la industria de la música son de mente abierta”. La semana pasada cumpliste 60 años. ¿Qué sentiste? “Eeh… la taza de té que tomo regularmente no sabía diferente, y eso es lo que pasó (risas). Otro día en la vida. Sí, es un logro, soy un joven de 60 años. Muchas personas de mi entorno se están muriendo”.

“Me encanta Scott Heron. No me pondría en su misma liga. Para mí es un escritor increíble. Había otro colectivo de Estados Unidos que me gustó, por coincidencia eran negros. Un dato no relevante. The Last Poets (grupo de músicos y escritores afroamericanos que surgieron de los 60, cuyos mensajes son de conciencia social –ndr.). Ese rollo… Me llamó la atención desde que yo era un jovencito. Era muy estiloso e inventivo introducir la poesía en la música”. Debo confesarte que mi ídolo junto a David Lynch es Freddie Mercury (risas). “(Risas) Solía ir a los conciertos de Queen, esto muchísimo antes que los Sex Pistols. Eran una de mis bandas favoritas en directo. Realmente geniales. Rock muy, muy duro. Me encantaban. Y el tipo llevaba los 120

pantalones de un burro. Aparentemente le interesaban los burros (risa breve). Lo conocí un par de veces, fue agradable conmigo. También conocí al guitarrista y batería de Queen. Siempre fueron abiertos y amigables. No eran snobs, ni tenían una actitud mala o arrogante. Estoy muy, muy enamorado (risas). Siempre me impresiona conocer a gente famosa que no es arrogante. Es un privilegio estar en su compañía. Desafortunadamente la mayoría de bandas punk son muy arrogantes (risa breve). Me gustaba como persona y su música. Incluso cuando estábamos grabando en el estudio de al lado los Pistols, me invitó para cantar coros en uno de sus álbumes. Lo rechacé, no estaba preparado. La manera en que grababan, casi cada palabra separada, me intimidaba. Muy profesional, y muchísimo más allá de lo que yo conocía o fuera

¿Piensas en la muerte? Todavía eres joven, pero parece que estos meses la Muerte de la película de Bergman, El Séptimo Sello, se esté llevando a todos los músicos. Cuando estas leyendas mueren y ves sus tributos, ¿piensas en lo que dirán sobre ti? “He tenido dos experiencias así en mi vida, es una constante. Al morir formas parte del universo, de donde pertenecemos. Yo sólo me siento feliz con los átomos y moléculas que soy, a lo que llamo mi personalidad. Disfruto de ese punto de la vida. Soy ateo. También soy un poco científico. Desde luego no soy religioso. Doy gracias por la causa o la raíz de lo que haya creado la vida. Al partir de esta vida me esparciré en otras cosas, y esas partes de mí formarán vida, es muy emocionante y un premio. Alguien tiene que

alimentar las lombrices. Me impresiona el funeral de Bowie, insistió en que fuera un funeral de un pobre, nada pomposo. Ninguna gran ceremonia. Un final muy digno. La ceremonia fue su vida en sí misma. Inteligente táctica. No es como el de Lemmy. El funeral de Malcom McLaren, lo que pasó es que sus familiares y amigos acabaron peleándose. Se convirtió en una pelea de gitanos. La única razón por la que lo sé es porque Bob Geldof fue y me lo contó (risas). Le pregunté, ‘por qué fuiste si no lo conocías’ (risas). Los dos somos irlandeses y nos entendimos. Es hilarante. Más que triste, fue ridículo. Parecido a cómo llevó su vida, un fiasco”. Se dice que Heath Ledger inspiró su Joker en ti. “Recuerdo que dijo que basó el personaje de Joker en mí. Hice un excelente trabajo (risas). Me encantan las películas de Batman, pero nunca me reconocería como yo. Ése es el punto. Cogió algo ajeno y lo hizo mejor y más loco”. ¿Qué te parecería ser Joker en una película? “Si ves la portada del disco está relacionado. Es mi retrato. Me representa. Viene de una tradición de los indios nativos americanos. El payaso es el que destruye la pomposidad y lo ceremonial en las fiestas. Siempre es odiado, aunque sea el único que diga la verdad. Es un poco grandilocuente por mi parte. En ocasiones me he sentido en esa posición, y no por mi voluntad”. Si tuvieras una serie de televisión, ¿cómo sería? Tipo Breaking Bad, Los Soprano,

Twin Peaks… “Sin guión y caótica. Me gusta… no recuerdo su nombre. Era una producción en que los actores viven dos o tres meses seguidos para formar y entender sus personajes. Y creo que aprendes mucho más de eso en las obras de Harold Pinter, por ejemplo. Muy inglés también. Sus obras tenían un acto y sin final (risa breve). No había conclusión, sólo había una situación sin resolver. Es muy interesante. Aprendo más de eso que en una obra con tres actos con un final feliz. De Oscar Wilde me interesaba su manera de escribir, porque sabía cómo satirizar la sociedad británica snob. Y lo hizo tan indirectamente, tan inteligente y encantador. Lo que funciona muy bien en la película La Importancia De Ser Ernesto, una comedia del trato social”.

distancias y dado que Cobain se suicidó, a lo que pasó con Amy Winehouse. Muertes muy prematuras, 27 años. “Para mí la vida es la respuesta, no la muerte”.

¿Qué escuchas? “Cualquier cosa. Como siempre. No tengo prejuicios. Algunos estilos no los aguanto. El jazz tradicional de Nueva Orleáns siempre ha sonado como un atasco de tráfico (risa breve). No es para mí. No está mi corazón ni mi alma en esa música. Aparte de eso, estoy abierto a todo”.

Última pregunta: ¿Todavía te gusta la mantequilla británica? (Intento imitar, fallidamente, su estilo de voz -ndr.). “(Risas) Es la única explicación de por qué he ganado tanto peso, hacer ese anuncio (risas). Debes comer el producto. Ha sido una conversación muy interesante y extraña. No tengas miedo de venir a mis conciertos (risas). Public Image es lo que la música debería ser, y en realidad es más que música. Disfrutamos la celebración de la vida, deja tus problemas y odios en la calle”.

¿Apreciaste el grunge? Nirvana, por ejemplo. “Nirvana, ‘Smells Like Teen Spirit’, es una de las más grandes canciones de rock jamás grabadas. No importa que las demás sean basura o sean repetitivas, o que no hubieran grabado nada más, ésa es un diamante. Para mí brillará para siempre. Es una pena que el rock y el suicidio estén tan unidos en ciertos individuos. Y normalmente tratándose de la droga”.

En una actuación tocó contigo el guitarrista de The Cult, Billy Duffy. ¿Te dice algo el post punk y el rock gótico? “Sí, bastante. No especialmente grupos como The Mission. Eran parte del mismo molde del fantástico mundo al que yo llamo ‘entretenimiento’. Si su mensaje es honesto y creen en lo que hacen, tengo el corazón abierto hacia ellos. Me has comentado que el último disco de The Mission es de raíces americanas... Eso es bueno, evolucionar. Lo escucharé”.

Que tengas un buen día y que disfrutes de Los Ángeles. “No lo haré (risas. Matiza cada palabra -ndr.)”.

Trágico. Parecido, salvando las 119

OBSCURA CON UNA TÉCNICA SIDERAL Y UNA CLASE DE OTRO PLANETA, OBSCURA VUELVEN A PRESIONAR EL BOTÓN DEL HIPERESPACIO CON AKRÓASIS, SU ANSIADO NUEVO ÁLBUM TRAS CINCO AÑOS DE INCOMUNICACIÓN CON LA TIERRA. CRUZAMOS LA GALAXIA CON SU CANTANTE Y GUITARRA, EL ALIENÍGENA STEFFEN KUMMERER. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

BSCURA ES UNA de las pocas bandas ultra técnicas por las que siento un interés real. Nadie debería poner en tela de juicio que son unos genios, unos superdotados instrumentales, pero que también saben poner todo eso al servicio de las canciones, y no de su ego, es una característica que debe recalcarse. Es por eso que, lejos del bostezo que antes me despertaban el 90% de los grupos de death metal progresivo, los germanos, junto a otras formaciones emergentes como Gorod, Beyond Creation o Fallujah, han sabido captarme desde que les descubriera con Cosmogenesis, su ‘debut’ de 2009. Primer álbum entre comillas, sí, porque aunque los teutones publicaran Retribution en 2004, no fue hasta ese segundo trabajo que se convirtieron en lo que son actualmente, tanto musical como conceptualmente, incluyendo un fiel matrimonio con Relapse Records que se mantiene hasta el día de hoy. Todo un lustro ha separado su anterior Omnivium del presente Akróasis, pero tirando de tópicos, la espera ha valido la pena y es poco probable que alguien se sienta decepcionado con su retorno discográfico. Más grandes que nunca en términos compositivos, Steffen Kummerer (voz, guitarra), Linus Klausenitzer (bajo), Sebastian Lanser (batería) y Tom Geldschläger (guitarra), aunque Rafael Trujillo sustituya a este último desde noviembre del pasado año, han publicado un álbum con mil y un detalles, donde a cada segundo una nueva bocanada de experiencias sensoriales te traspasan, y donde todos los instrumentos, incluidas las distintas voces, juegan un papel

“NO ME SENTÍA CÓMODO ESCRIBIENDO SOBRE ZOMBIS COMIÉNDOSE A TUS VECINOS Y COSAS POR EL ESTILO… CREO QUE ESO ES ALGO ABURRIDO”

STEFFEN KUMMERER fundamental. Con Steffen conectamos enseguida, y en reiteradas ocasiones se muestra agradecido con que, a tantos kilómetros de distancia, alguien también le haya puesto los cinco sentidos a sus distintas obras. Escuchando cómo Obscura recrean la ciencia, la física y el espacio exterior con su propuesta, la verdad es que no es para menos. ¿Qué ha pasado para que estéis cinco años sin publicar nuevo disco? ¿Ha sido por los cambios de miembros, quizás? STEFFEN KUMMERER “Bueno, hay más de una razón para ello. Pasaron cinco años entre el debut y el segundo álbum, pero la diferencia respecto a cuando empezábamos es que estuvimos de gira dos años, casi tres, para apoyar Omnivium, y luego necesitamos un tiempo extra para estar disponibles fuera del death metal y todo eso. Suelo trabajar a tiempo completo en casa o en el estudio, vamos a clases. Realizamos unos 150, 160 shows para ese disco, y exactamente lo mismo pasó con el álbum anterior a Cosmogenesis, que estuvimos cuatro años en la carretera. Creo que en algún momento eso nos quemó, y por eso decidimos tomarnos un tiempo y simplemente quisimos reducir el ritmo de todo durante dos meses. En ese momento me llegó la oferta de girar con Death DTA, el tributo a Death, y toqué en un par de tours con ellos. Cuando nos volvimos

a reunir de nuevo debíamos volver a encontrar la química para otra vez escribir canciones de la misma forma. Respecto a los cambios en la alineación, quiero ser sincero contigo y decirte que el álbum podría haber sido publicado en 2014, pero lo que pasó es que yo quería que el sonido fuera diferente a lo que habíamos hecho. Es lo que es, nos tomó cinco años, lo siento por ti y los demás… en el futuro intentaremos sacar un disco cada año (risas). Ésa es la explicación”. Así, ¿han tenido alguna incidencia los nuevos miembros en el disco, han aportado algo? “Rafael se unió a la banda después de la grabación de Akróasis, así que no fue parte de él, pero especialmente Sebastian ha aportado mucho junto a Klaus (Linus Klausenitzer) a la sección rítmica. Este último es nuestro bajista desde la gira de 2011, pero aún no había podido ser parte de ningún disco o grabación después de cinco años. Para mí la principal diferencia es que hay algo más de velocidad que en el anterior trabajo, que ya la había, pero creo que aquí la hay incluso más. Cuando estemos tocando con Death DTA (en su gira de esta primavera –ndr.) creo que podremos reproducir eso de la mejor forma, pero lo que quiero decir es que nos han dado algo más de velocidad, con varias partes más en 123

las canciones, pero al mismo tiempo, centrándonos un poco más en los ritmos. Es ahí donde Sebastian nos ha llevado a un enorme, enorme nuevo nivel. Tocando junto a Klaus han podido aportar eso al nuevo álbum, y eso para mí explica, en esencia, por qué este disco es diferente al anterior, pues es más complejo en cuanto a canciones y ritmos”. Akróasis es uno de los temas del trabajo, ¿pero por qué elegir este nombre para el álbum? ¿Qué significa esta palabra griega? ‘Escucha’ o ‘audición’, ¿no? “Sí, es verdad, es verdad, pero que conste que yo no tomé la idea de una pieza musical de la que realizaron un show que vi en la tele (risas). Hay muchos significados detrás, la palabra por sí misma está ligada a la dimensión de escuchar, pero realmente la tomé de de un libro de un profesor suizo llamado Hans Kayser (habla de la obra Akróasis: The Theory Of World Harmonics –ndr.). Fue un astrofísico que dedicó su vida entera a desentrañar la estructura harmónica de los mundos. Yo combiné eso con un par de pensamientos de Cosmogenesis, y de ahí ya fue para adelante. Todas las letras enlazan con Akróasis por sí mismas, está basado en lo que puedes escuchar, y al mismo tiempo es otro enlace hacia todos los demás álbumes, que están conectados entre ellos. Todos los álbumes que hemos hecho han tenido una sola palabra como título, y por eso Akróasis es perfecto para ello. Cosmogenesis, Omnivium, y ahora Akróasis. Están conectados, tienen partes relacionadas, así que ‘OK, tenemos esta palabra’, y eso es 124

lo que ocurrió (risas)”. Sí, y desde Cosmogenesis que vuestras portadas dan vueltas a ideas similares, con artworks paralelos que juegan con diferentes colores primarios, ¿verdad? “Es correcto. Hay un gran concepto detrás desde que lo iniciáramos con Cosmogenesis, en 2009, así que ha habido siempre un vínculo entre todos ellos. El primer álbum va sobre la creación del universo y por eso escogimos el color azul para ese tipo de explosión planetaria. El segundo trabajo, Omnivium, trata básicamente sobre el tema de la evolución (el verde –ndr.), Akróasis habla más sobre el espacio y de desarrollar la conciencia (el amarillo –ndr.), y el cuarto álbum termina enteramente con el círculo de la vida, así que en términos de metal va a ser esencialmente apocalíptico para terminar con todo, para mostrar el fin de la vida y de la dimensión de los colores. Por eso cada trabajo artístico representa cada estado, y cada color es el opuesto al anterior. Es interesante, creo yo”. La ciencia, el universo, el cosmos, suelen ser una inspiración para las bandas de metal extremo inteligente como Obscura, ¿pero cómo descubriste tu pasión por estas temáticas? ¿Cuándo decidiste que el grupo tomara este rumbo? “Es una buena pregunta. Para mí empezó en 2002, cuando no me sentía cómodo escribiendo sobre zombis comiéndose a tus vecinos y cosas por el estilo, o escribiendo miles de historias

sobre cómo un asesino en serie rebana cabezas a otra gente. Creo que eso es algo aburrido, así que conocí todo eso cuando era un adolescente y no hablaba inglés muy bien… Solía escuchar a un compañero de speaking, un alemán con acento funky (risas). Fue ahí donde me sumergí en ese tipo de letras que he realizado en los últimos 14 años. Después realizamos Retribution y ya ahí hay algunas ideas que van en esa dirección, un par de temáticas, un par de filósofos, e incluso algún tipo de tema del universo o la astrofísica estaba ya presente. Después de aquello pensé ‘OK, vamos

“TODOS LOS ÁLBUMES ESTÁN RELACIONADOS ENTRE ELLOS, TODOS LOS DISCOS SON EL CÍRCULO DE LA VIDA”

STEFFEN KUMMERER

a hacer algo a otro nivel’. En primer lugar quería algo único fuera del tema habitual, algo sobre lo que escribir, y al mismo tiempo, estaba muy interesado en todo aquello. Ahora que tengo 30 leo libros, hoy en día es una pasión real, y cada vez estoy más y más metido en todo eso y lo uso para escribir las mejores letras que pueda. Ése es mi punto de vista, y creo que ya había algo de eso en Retribution y que ya se desarrolló del todo en una obra completa en 2008, antes de que realizáramos el segundo álbum”. Yendo un poco más hacia la

música, creo que Akróasis es vuestro álbum más ambicioso hasta la fecha porque tocáis vuestro death metal progresivo extremadamente técnico, o algo así (risas), pero además, vais hacia elementos sinfónicos en cortes como la dura ‘Ode To The Sun’ o ‘Weltseele’. ¿Qué te parece? “De alguna manera sí… Pero bueno, es que ambas canciones son algo especiales. ‘Ode To The Sun’ iba a ser una bonus track en un primer momento, pues fueron diversos elementos los que la hicieron enorme después,

con todos los coros, los diferentes arreglos… toda la estructura es completamente distinta a cómo era en el pasado. Fue cuando le dimos el sonido real del álbum a este corte que la banda pensó ‘OK, esto es algo interesante, no vamos a hacer el mismo álbum una vez tras otra’. Algunas canciones forman parte de ese elemento experimental que tiene el disco. El último corte, ‘Weltseele’, con sus cuerdas, salió especialmente de una demo, con la que miramos al pasado, a nuestros primeros y lejanos pasos, la demo Illegimitation, cuando usualmente usábamos el cello e ins125

trumentos de cuerda de verdad, y lo trajimos de nuevo para el álbum. Al mismo tiempo, cada última canción de cada disco es un spoiler para el próximo, porque en este álbum ya hay algunas ideas para conocer la dirección en la que irá la siguiente obra. En esta dimensión, todos los álbumes están relacionados entre ellos, todos los discos son el círculo de la vida, y el próximo álbum va a ser muy, muy oscuro, neoclásico, malvado, un disco con muchos elementos orquestales”. ‘The Monist’, por ejemplo… ¿Cómo Obscura construye un tema como ése? Se puede apreciar jazz, vuestras típicas disonancias, muchas voces diferentes provenientes del espacio exterior… (Risas). “(Risas) Bueno, gracias (risas), mola oír eso. Eso ha cambiado a través de los años. Actualmente todos escribimos nuestras partes en casa. Por ejemplo, ‘Akróasis’ fue escrita, sus líneas básicas, en parte por Klaus y también por mí en casa. Grabamos demos y luego las mandamos a los demás chicos y entre nosotros para que así cada uno pueda componer todo. Si lo comparamos con nuestros primeros tiempos, con los primeros cinco años de esta banda, ya no hemos compuesto nunca más en el local de ensayo. Ya no hay jam, no creo que sea necesario para este tipo de música, para serte sincero. En el pasado ensayábamos dos veces por semana, pero hoy en día para trabajar juntos con el grupo todo el mundo está sentado en casa, con su computadora escribiendo música, ensayando, grabando y

Y dime, más o menos, ¿cuántas horas a la semana son necesarias para tocar como Obscura… o como Steffen Kummerer? “Oh, otra buena pregunta. Mmm… No sé cuánto están los otros chicos ensayando o practicando, pero nuestro guitarrista está estudiando en el conservatorio, con lo que está tocando el día entero, y Sebastian, el batería, además estudia a tiempo completo con otros músicos, así que está todo el día sentado con su instrumento. En mi caso, hago otras cosas además de esto, pero soy estricto con como mínimo dos horas al día. Me lo tomo como un entrenamiento que realizo a diario, con media hora tocando rápido algo nuevo, otra media hora repitiendo canciones antiguas… Eso es lo mínimo que hago cada día en casa. Disfruto con ello y a veces me paso así hasta cinco horas (risas)”. En ‘Akróasis’, por ejemplo, un montón de cosas están pasando al mismo tiempo, cada guitarra está realizando un riff distinto, cada solo es

OBSCURA

compartiendo, y un par de veces antes del tour nos reunimos para que todo salga seguro y pulido antes de salir de gira. La forma es así porque ya no hemos vivido en la misma ciudad nunca más, todos tienen otros trabajos, todo el mundo vive a unos 500 kilómetros el uno del otro, y hemos encontrado esta manera. Hasta el momento todos estamos escribiendo en casa, compartiendo ideas y terminando así las canciones como banda”.

asombroso… ¿Cuánto trabajo o tiempo es necesario para componer un tema así? “Eso depende de la canción. Algunas ideas nos salen de forma natural y otras se trabajan con los chicos durante dos años. Por ejemplo, el tema de apertura, ‘Sermon Of The Seven Suns’, fue la primera canción que escribimos en los inicios de 2014. Siempre fue cambiando un poco, era muy furiosa en la demo de 2015, pero luego la volvimos a empezar. Todas las canciones se sienten diferentes, a veces las trabajas durante dos semanas, tres semanas, hasta que sientes que ‘OK, está finalizada’, hasta que ya sientes que no necesita nada más para mejorar, que está terminada, y en otras estás trabajando durante dos años hasta que eso ocurre. No puedo decirte más sobre qué hay ahí detrás; se terminan cuando uno siente que lo están”. Linus es un bajista monumental. Sus líneas son fantásticas porque, realmente, él está actuando como una tercera guitarra en cada canción, ¿verdad? Para Obscura el bajo no es el clásico soporte rítmico… “Absolutamente. Desde el principio

quisimos que hubiera una tercera dimensión para las guitarras; dos guitarras, una a la derecha, otra a la izquierda, pero la tercera dimensión que tenemos es el bajista. Nosotros actualmente componemos las canciones con el espacio de tres guitarras, y por eso un montón de cosas están ocurriendo en las guitarras rítmicas. En los riffs técnicos normalmente el bajo está haciendo lo mismo, él está apoyando la canción pero, por otro lado, las guitarras están yéndose abajo para que el bajo brille a través de eso, especialmente en partes silenciosas, como por ejemplo en el tema título, donde muchas cosas están ocurriendo. Compartimos la misma melodía en todas las guitarras todo el tiempo, así que a veces incluso el bajo está por encima con ‘tutututututu’ (tararea imitando el bajo –ndr.). Si escuchas ese bajo es exactamente igual a la guitarra, todo el mundo tiene su espacio en la canción: un guitarrista, el bajista y la segunda guitarra. Todos estamos intercambiando la misma idea, desde la melodía a un par de variaciones, y ésa es la intención que hay detrás de eso”.

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PARKWAY DRIVE 8 DE FEBRERO DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: REBECA CASTELLANOS FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ARCHITECTS

res grandes bandas en una sola noche. El pasado 8 de febrero se reveló como una cita única para disfrutar de tres referentes del metal moderno. Y digo ‘metal moderno’ queriendo englobar todos esos matices musicales tan variados que tienen Parkway Drive, Architects y Thy Art Is Murder. Crean que, para una servidora, es un gusto que giras así lleguen a España, pues todos en algún momento hemos sentido pesadumbre al ver carteles de tours que no rozan nuestras fronteras. Por suerte, esto está cambiando. Con puntualidad rigurosa, Thy Art Is Murder demostraron por qué son una de las formaciones de deathcore más populares de la actualidad. Son una apisonadora y la baja de su cantante CJ MacMahon no ha mermado la fuerza que tienen en directo. En media hora recorrieron las canciones más conocidas de sus dos últimos trabajos y Nick Arthur de

THY ART IS MURDER

Molotov Solution supo estar a la altura de su predecesor. Architects es uno de esos grupos que no me canso de ver. Energía pura, y con uno de los líderes más carismáticos del género a la cabeza, Sam Carter, los de Brighton saben meterse al público en el bolsillo fácilmente. Sólo tengo una queja: sería interesante un setlist más variado que ahondara más en su discografía. Escuchamos fundamentalmente temas de Daybreaker y Lost Together // Lost Forever. Por lo demás, fueron el perfecto aperitivo para lo que quedaba por llegar. Una de las sensaciones más satisfactorias de envejecer siendo consumidora compulsiva de música es ver crecer a grupos a los que llevas tiempo escuchando. Y eso me ha sucedido con Parkway Drive, pero a medias. La última vez que vi en directo a los australianos presentaban Deep Blue. Lo que más me gustó entonces fue su

frescura, espontaneidad y cercanía, algo que esta vez añoré. Parkway Drive es una de esas formaciones que se han hecho multitudinarias, lo que implica grandes escenarios y mayores producciones. Pese a que la escenografía era sobria y sencilla, en ocasiones sentí una sutil distancia con el público. Aun así, el sonido y la ejecución fueron impecables. Wiston McCall es el frontman que toda banda soñaría tener. Fue un concierto inolvidable para muchos. Posiblemente más de una lágrima rodó cuando tocaron himnos como ‘Carrion’, ‘Karma’ o ‘Dark Days’. No faltaron canciones de su último trabajo Ire como ‘Destroyer’ o ‘Vice Grip’, y por supuesto no faltó un cierre de oro con ‘Crushed’ y ‘Home Is For The Heartless’. A mí me dejaron algo fría, pero mi acompañante salió muy feliz. Tal vez debería dejar de ser tan exigente...

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TONIGHT ALIVE

3 DE FEBRERO DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: NADIA NATARIO

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veces es difícil medir dónde está el éxito o el fracaso de un concierto. Probablemente fue un error haber escogido locales de la capacidad de la sala grande de Apolo en Barcelona o Cats en Madrid –aunque éste es un espacio adaptable a las circunstancias- para albergar las primeras actuaciones de Tonight Alive en el Estado. Y eso jugó un poco en contra de lo que fue la actuación de los australianos, al menos en el concierto de Barcelona, que es del que damos fe. Sólo habría que haber bajado unas escaleras y celebrarlo en la sala más pequeña de la propia Apolo para que el resultado hubiese sido más generoso, porque no cabe duda de que las cerca de 300 personas que asistieron eran fans con todas las de la ley, conociendo las canciones del quinteto palabra por palabra y que, por su parte, Tonight Alive demostraron

ser una más que competente formación de pop rock. Tampoco debería de sorprendernos, ya que sus dos álbumes hasta la fecha, el tercero caerá en unos pocos meses, están repletos de canciones pegadizas que demuestran la solvencia de la banda. Es innegable que la estela de Paramore ha servido para que bandas como Against The Current, los propios Tonight Alive o si me apuran PVRIS –aunque éstos parecen que llevan camino de jugar en otra liga-, estén disfrutando de una atención que en otros momentos les hubiese sido más complicado, pero, más allá de la coyuntura, sus méritos están haciendo. El concierto de Tonight Alive fue de manual, de los que sabes de antemano lo que puede pasar – desde los discursos de autoayuda al set acústico, pasando por el cenit de los grandes hits- pero que la banda resuelve a las mil maravillas. Tienen

buenos temas, y la inicial ‘To Be Free’ o la final ‘Lonely Girl’ son dos buenos ejemplos de ello. Jenna McDougall es una frontwoman que, con su carisma, es capaz de llevar a la banda en volandas sin tener que explotar su lado sexy, y el resto de la formación, siendo un pelín gris, funciona a la perfección para dar empaque a los directos de la banda, como sucedió en Barcelona. Será interesante ver hasta dónde pueden llegar, la senda que parece que van a tomar en su nuevo Limiteless tiene buena pinta, pero de momento hay grupo. Como también parece que lo hay en Milk Teeth, que a base de ramalazos guitarreros deudores de los 90 convencieron a todo el mundo, incluido a unos cuantos incondicionales que habían ido a verlos exclusivamente a ellos. Una velada sin pretensiones y con la dosis de entretenimiento que le debes pedir a una noche de rock. 131

ALL TIME LOW 16 DE FEBRERO DE 2016 3ARENA, DUBLÍN (IRLANDA) TEXTO Y FOTOS: OLEK & WOJTEK BUREK

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GOOD CHARLOTTE

l pabellón 3Arena de Dublín se presentaba con largas colas para acceder a uno de los eventos más interesantes del año: el Back To The Future Hearts Tour, en el que All Time Low eran los huéspedes de una fiesta que contó con el retorno a los escenarios de los hermanos Madden con Good Charlotte después de cinco años de inactividad. El ambiente fue muy juvenil y sorprendió la ausencia de testosterona en el recinto, que poco a poco se fue llenando mientras saltaba al escenario la primera banda. Against The Current son de aquella generación de bandas que se han establecido en el mercado musical gracias a YouTube y a esas versiones que les han dado alas para subir de nivel. Fichados por Fueled By Ramen, las cosas les van bien y no podemos negar que están a la altura tanto en sonido como energía. Chrissy, la cantante, tiene presencia y cautivó al público femenino cuando cantó ‘Gravity’ o ‘Paralyzed’, pero no lograron sorprender cuando versionaron la ya

muy escuchada ‘Uptown Funk’. Las luces se apagaron y apareció el telón gigantesco de Good Charlotte junto a un videomontaje histórico y emotivo de la banda mientras salen Benji, Joel, Paul y Billy a escenario con uno de los himnos de pop punk más legendarios de los 2000, ’The Anthem’. Los tíos se han pasado los últimos cinco años viviendo la buena vida junto a la jet set de Los Ángeles que les acompaña en el lateral del escenario, ni más ni menos que sus esposas Nicole Richie y Cameron Diaz. Repasaron gran parte de The Young And The Hopeless, el disco que les hizo grandes, pero les faltó energía y no acabaron de conectar con el público. La nueva generación de pop punk que no les canta sus canciones y su nuevo single ‘Makeshift Love’ tampoco convence. Por suerte resucitaron con ‘I Just Wanna Live’ y ‘The River’, y aunque seguro que no era lo que ellos esperaban, nos alegramos de tenerlos de vuelta. All Time Low ya son otro nivel. El escenario es otro. Los laterales escupen

fuego, el fondo con pantallas móviles hace un juego de luces impresionante y parece que finalmente hayan puesto la otra mitad de etapas de potencia a funcionar. Una plataforma elevadora a lo Backstreet Boys les hace aparecer y abren con ‘Kids In The Dark’ de su último álbum. Sin palabras, en los primeros 30 segundos ya se han comido a los dos openings con patatas. Éste es el último show de la gira europea y llegan dispuestos a demoler. Jack, el guitarra, se apresuró a recolectar souvenirs del público en forma de ropa interior mientras sus compañeros le dieron caña a ‘Backseat Serenade’ o ‘Lost In Stereo’. A All Time Low les cantaron todo, y es que dio gusto. Han dado el salto de tocar en salas a un pabellón de 20.000 personas que no se les quedó grande. Eso es debido a la imparable actividad de giras y discos que les han mantenido en ascensión. También tocaron temas antiguos y no bajaron el ritmo en ningún momento. Alex lo dijo: “¡Hemos venido para quedarnos!”. Habrá que creerle. 133

MILLENCOLIN 19 DE FEBRERO DE 2016 SALA PENÉLOPE, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JAVIER PÉREZ

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ara ser unos fijos en nuestro país, mucho han tardado Millencolin en venir a presentar su nueva obra. Desde luego, el buen recibimiento obtenido por True Brew indicaba que había ganas de ver por enésima vez a los suecos, a pesar de que el directo nunca ha sido precisamente su fuerte. ¿Cambiaría la historia en está ocasión? Antes pudimos ver cómo se desenvolvían Templeton Pek sobre las tablas. Los británicos dieron un repaso más que digno a sus cuatro trabajos, siendo New Horizons el más presente gracias a temas como ‘Damage Control’. Disfrutaron de un buen sonido y le pusieron muchas ganas. Hasta su cantante y bajista se animó a subir a la parte alta de la sala para tocar desde allí durante unos segundos. Una pena que la reacción del público

fuese algo tímida, dejando bien claro a quién habían venido a ver. Y es que a los suecos les costó muy poquito poner el partido de cara, algo fácil si tras abrir fuego con ‘Egocentric Man’ se sacan de la manga uno de sus mayores himnos como ‘Penguins & Polarbears’. Un comienzo así es casi imbatible y desde luego, hace que la gente se meta de lleno en el concierto. Falta hacía, porque entre la ya habitual mala acústica de Penélope y el sonido embarullado de los de Örebro no nos lo pusieron sencillo. Añadan a eso que todos los miembros del grupo andaban algo febriles, aunque Mathias Farm y Eirk Ohlsson se esforzaban por transmitir algo de pasión. A Nikola Sarcevic, en cambio, cuesta verle tocando cómodo cada día más. Desde luego, la profesión va por dentro, pero uno

tiene la sensación de que no termina de disfrutar del todo de los conciertos. Pero todo eso importa poco cuando empiezan a soltar de manera muy acertada una selección de los mejores temas de su último trabajo (‘Sense & Sensibility’, ‘Bring You Home’, ‘True Brew’, ‘Silent Suicide’) junto a las ya habituales ‘Fox’, ‘Man Or Mouse’, ‘Happiness For Dogs’, ‘Bullion’ o ‘Mr. Clean’. Rescataron un par de joyitas del baúl como ‘Twenty Two’, ‘Dance Craze’ o una ‘Luzin’ Must’ que cayó ya en el bis poco antes de que cerrasen con el subidón que supone escuchar ese redoble de tambor que anuncia ‘No Cigar’, con la que se marcharon tras despachar una hora y cuarto de bolo. No será ni mucho menos de los mejores conciertos que vea este año, pero al menos tampoco será de los peores. 135

MACHINE HEAD 11 DE FEBRERO DE 2016 LA RIVIERA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA

POR SEGUNDA GIRA CONSECUTIVA MACHINE HEAD DECIDIERON NO PERMITIR A LOS FOTÓGRAFOS CUBRIR SUS CONCIERTOS. SIRVA ESTE RECUADRO NEGRO COMO ACTO DE PROTESTA.

a sé que esto que voy a soltar es mezclar un poco el tocino con la velocidad, pero de la misma manera que el señor Robb Flynn estuvo acertado al leerle la cartilla a Phil Anselmo por sus actitudes fascistas sobre el escenario, quizás también debería de grabar un vídeo explicando por qué una vez más decidió vetar la entrada a los fotógrafos en su pasada gira por aquí, al igual que hizo en la anterior visita de hace poco más de un año. Desde luego no es una decisión que deje en buen lugar a la banda ni tampoco a nosotros, ya que no podemos ofreceros imágenes que ilustren esta crónica. Dicho esto, y pasando a lo estrictamente musical, costaba pensar qué alicientes podía encontrar uno en una nueva visita de Machine Head a estas alturas, sin disco nuevo que presentar ni banda de acompañamiento para abrir boca. Pero precisamente, ¿acaso hacen falta motivos para disfrutar de dos horas de la que posiblemente sea la banda de metal más en forma del planeta 136

desde hace ya unos cuantos años? Los que nos reunimos en La Riviera parecíamos tenerlo muy claro, y es que los de Oakland, ya convertidos en toda institución por méritos propios, venían dispuestos a desplegar lo mejor de su repertorio sólo apto para los más acérrimos, aunque luego pudimos comprobar que el setlist no guardaba demasiadas sorpresas. Lo que sí nos impactó fue el montaje que desplegaron sobre el escenario, completamente cubierto de lonas con el escudo del grupo y el kit de Dave McClain elevado a una altura exageradísima. Y a la que arrancaron con ‘Imperium’ ya vimos que el juego de luces espectacular iba a ser una constante durante todo el concierto, arropando perfectamente lo que irían desgranando a medida que avanzaban. ‘Beautiful Morning’, ‘Now We Die’, ‘Locust’ y ‘Ten Ton Hammer’ se iban sucediendo una tras otra, a mamporrazo sónico limpio. Nadie diría que el bueno de Phil Demmel estuviese convaleciente el

día anterior en Granada, porque en la capital demostró buena sintonía en todo momento con el público, al igual que Flynn, que supo ganarse los aplausos con sus sinceros discursos. Esta vez no fueron sus intervenciones entre tema y tema los que me sobraron, sino los innecesarios solos de guitarra y batería a mitad de concierto. ¿De verdad alguien disfruta de estas cosas cuando en su lugar podríamos estar escuchando un par de temas más como ‘Elegy’ o ‘Crashing Around You’? Fue la única nota negativa que les puedo sacar, porque hasta ‘From This Day’ del tan maltratado The Burning Red sonó más grande que la vida, al igual que la épica metalera de ‘Descend The Shades Of Night’ y ‘Now I Lay Thee Down’, que junto a ‘Game Over’ o una ‘Halo’ que parece haberle ganado la partida a ‘Davidian’ como el gran temazo del grupo, concluyeron una auténtica bacanal del headbanging que muy poquitos pueden igualar a día de hoy.

FIESTA ANIMAL RECORDS 12 DE FEBRERO DE 2016 SALA CARACOL, MADRID TEXTO: KIKO VEGA FOTO: PATRICIA SANTIAGO

o pasa nada, no te avergüences nunca de nada que hayas hecho. Es bastante probable que en los 90 pasases las tardes fumando porros en el parque, haciendo ollies con el monopatín o escuchando a Limp Bizkit. Ahora que parece que nuestra escena indie se mantiene equilibrada, es necesario recordar que Animal Records jugó un papel muy importante a la hora de dar salida y una oportunidad a varias bandas nacionales que no habrían llegado a ninguna parte de no haber sido por Paco Poza y Gonzalo ‘Lagarto’ Grondona, compañeros en Los Imposibles, que desde mediados de los 90 hasta mitad de la década pasada facilitaron el paso a Los Coronas, Hollywood Sinners, Art School, Elephant Band… y también a Los Imposibles, La Ruta o The Stupid Baboons, protagonistas del fantástico sarao organizado por I Wanna en la sala Caracol el pasado día 12 a una hora muy loca. Aquel sello 138

fundado para editar el Hoo-Ha!! de sus fundadores abrió una puerta gigante que dejó paso a toneladas de talento a 33 rpm. Cerca de las dos de la madrugada subieron al escenario The Stupid Baboons, comandados por David Lorenzo, rey de las maracas, y reventaron las tarimas (sic) a base de potencia beat y rock’n’roll del que ya no se hace. La banda, al igual que La Ruta, se juntó para la ocasión y cuidó el repertorio y la instrumentación ofreciendo un inicio demoledor. El segundo acto fue para La Ruta, banda asturiana de power-pop-beat, objeto de culto desde hace más de 15 años y que enamoró a todo aquel que se puso por delante desde principios de los 90. Con Animal Records debutaron con un 7’’ y con un disco bien bonito, Paff… Boom!, auténtico trabajo de culto reconocido allá donde vayas. Con Pibli a la batería, el auténtico hombre banda nacional (Doctor Explosion, Fogbound, Trash Tornados…), arrancó una intro-solo que dio paso a su modélica versión del

‘It’s Alright With Me’ de los Zombies, fantástica opción de apertura para un show idéntico al que dieron en el Purple Weekend un par de meses atrás. Tan de culto es la banda que lo que iba a ser un único concierto en el festival mod de León ha dado paso a, al menos, tres fechas más. Con un repertorio casi dedicado a su disco debut, hubo tiempo para recuperar temas de su glorioso 7’’ With You, la colaboración de Paco Poza en ‘You Came To Me’, el ‘I’ll Remember’ de los Kinks o el estupendo ‘I’ll Make You Happy’ de los Easybeats, tema que disfrutan sobre el escenario como si fuera suyo. Para terminar, la apocalíptica versión del ‘Bajo El Sol’ de Juan Y Junior puso el broche de oro. Los Imposibles cerraron a eso de las cuatro de la madrugada y, citando a Pepe Kubrick, Paco Poza demostró seguir siendo el Brian Wilson español entre sitares, teclados y bongos, cerrando una velada para el recuerdo eterno a Animal Records. La fiesta siguió con el guateque hasta las seis. Gracias a todos.

THE BLACK DAHLIA MURDER 29 DE ENERO DE 2016 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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BENIGHTED

l principal reclamo del cartel eran The Black Dahlia Murder, pero el gran atracón se lo pegaron Benighted. En una actuación colosal de principio a fin, los galos mejoraron en directo todo el apabullante arsenal de música pavorosa que encierra sus obras, zampándose crudos a cualquier posible rival. Los franceses firmaron sin duda el mejor show de brutal death que he visto en mi vida, tan simple y contundente como eso. Cuando Gorod causaron baja para este tour, Madness Live! y un servidor nos pusimos manos a la obra para ofrecer recambios de altura en nuestro territorio, y eso pasaba por mis queridos Thirteen Bled Promises en Madrid y Stained Blood para Barcelona. En una Razz 2 que poco a poco fue cogiendo color, los catalanes salieron a morder con su ya clásica tralla híper veloz y un Rou tan motivado como siempre a las monstruosas voces. ‘Perpetual’, ‘Colossus Embrace’ o ‘Sound Of The Abyss’ nos golpearon con fuerza gracias a un

sonido excelente. ¿He dicho ‘tralla híper veloz’? ¿¡‘Monstruosas voces’!? Uno nunca está preparado del todo para presenciar salvajadas del monumental tamaño de Benighted, quienes realizaron uno de esos conciertos que de vez en cuando te recompensan la fidelidad al metal extremo. Desde el instante cero, con esos flashes cegadores al son de los primeros guitarrazos, supe que algo majestuoso íbamos a presenciar. Julien Truchan, el grandullón de las incontables voces, todas ominosas y gorrinas, se entregó en cuerpo y alma a esa abominación de bolo que sonó de auténtico lujo con carnicerías como ‘Experience Your Flesh’, ‘Let The Blood Spill Between My Broken Teeth’ o ‘Carnivore Sublime’. Lo del batería Kevin Foley no tuvo nombre… ¡Dios, si es que salía viento de ese escenario! Benighted fueron una oda al brutal death grind. Menudo papelón salir a tocar después de semejante vendaval, pero The Black Dahlia Murder tenían el público a su

favor y, qué narices, siguen siendo muy Black Dahlia. Un doble bombo que se lo comía todo presagió que su sonido no sería todo lo correcto que desearíamos, y aunque la cosa se niveló, su sector de fans menos fanático no conectó al 100% con ellos por la sensación de linealidad que mostraron esos fastuosos riffs a mil por hora poco discernibles, unidos a un Alan Cassidy que demostró ser la personificación del blast beat en la Tierra. Trevor Strnad estaba en su salsa con sus gafas de nerd, disparando rasgados y bailando sus típicas sardanas en los trozos más melódicos, y lo cierto es que sus secuaces a las cuerdas también le pusieron ganas. Los estadounidenses se vaciaron en una descarga generosa que ahondó y de qué manera en su discografía, no faltando ‘Abysmal’, ‘On Stirring Seas Of Salted Blood’, ‘Deathmask Divine’, ‘Funeral Thirst’, ‘Everything Went Black’, ‘Miasma’ o ‘Statutory Ape’, y todo ello ante un hervidero de pit que repartió sopapos a diestro y siniestro. Nochaza. 141

MAYDAY PARADE 19 DE FEBRERO DE 2016 SALA BIKINI, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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BEAUTIFUL BODIES

ue en un par de meses hayamos podido ver a grupos como Coheed And Cambria, tras una ausencia de diez años, o por primera vez a Tonight Alive o Mayday Parade da a entender que empieza a haber promotores dispuestos a apostar por nombres que no son los de siempre. Ahora sólo falta que el público también responda, claro. Si bien la sala Bikini estuvo lejos de llenarse, desde el luego el entusiasmo de los fans lo compensó de sobras en la que era la primera visita de Mayday Parade a España. Los encargados de romper el hielo fueron Beautiful Bodies, una banda de Kansas City que el pasado junio publicó su debut Battles. A pesar de pertenecer a la escudería Epitaph, el grupo tiene más de rock indie comercial que de punk, y quizá porque su vocalista Alicia Solombrino sea rubia y tenga más descaro que voz, era inevitable pensar en ellos como una versión americana de The Sounds.

Rápidamente se metieron a la gente en el bolsillo, con el guitarra bajando a la pista en el segundo tema, y la cantante haciendo lo mismo en el cuarto, para que quien quisiera se hiciera selfies con ella. Y fueron muchos. Sin hacer nada extraordinario, lo cierto es que sus 40 minutos de concierto pasaron volando y el que interpretaran una versión de ‘I Love You All The Time’ de Eagles Of Death Metal fue una agradable sorpresa. Mayday Parade han endurecido su sonido en su último trabajo Black Lines, y parece que su intención sea la de desmarcarse de sus orígenes más cercanos al emo pop. Desde luego, en directo suenan mucho más crudos y contundentes de lo que hacen intuir sus discos y ahora son algo así como la versión grunge de The Maine. Arrancaron con la potente ‘One Of Them Will Destroy The Other’ de su último trabajo para luego mantener la energía recuperando una celebrada ‘Jamie All Over’ de su primer disco.

Desde el primer momento se vio que el vocalista Derek Sanders, con su característica melena y su antebrazo lleno de pulseras, y el guitarrista Brook Betts eran los miembros más activos, pero por desgracia esta intención de dar una imagen más seria la han malinterpretado en su puesta en escena y prácticamente durante todo su bolo estuvieron actuando sin luces frontales, con lo que apenas veías siluetas a contraluz. El repertorio abarcó todos sus discos y temas tan pegadizos como ‘Oh Well, Oh Well’, ‘Black Cat’, ‘Kids In Love’ o ‘Jersey’ sirvieron como contrapunto nostálgico ante novedades como la nirvanera ‘Hollow’ o ‘Let’s Be Honest’. Pero sin duda los temas más coreados fueron baladas como ‘Terrible Things’, ‘Stay’, interpretada a solas por Derek al piano, o ‘Miserable At Best’, cantada a medias con el batería Jake Bundrick. Pura comunión al estilo Dashboard Confessional que pone en cuestión si su público aceptará el nuevo rumbo que el grupo ha tomado. 143

TALCO 13 DE FEBRERO DE 2016 SALA VISTALEGRE, MADRID TEXTO Y FOTOS: JAVIER PÉREZ

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EBRI KNIGHT

venga otro sold out para la saca. No sólo cada vez que viene Talco a tocar en sala lo hace en sitios más grandes, sino que ellos mismos vuelven engrandecidos, más veteranos con cada visita. Llegué justo cuando recogían Vagos Permanentes, pero sí pude ver la apertura de Ebri Knight al completo. Una suerte de sexteto catalán de folk rock cuyas letras también se empapan de luchas y revoluciones socioculturales, ya sea puntualmente mediante adaptaciones de canciones populares en directo o con su repertorio propio, pues ya son tres discos los que han editado y que puedes descargar libremente en su Bandcamp. Sólo necesitas verlos una vez para comprobar el sonado y movido directo que tienen, recordándome ni más ni menos que a los del inglés Frank Turner y sus Sleeping Souls (extrapolando las evidentes cuestiones de lengua, folklore e idiosincrasias, desde luego). Con una sala a rebosar -en líneas similares de gente y sudor a cuando

tocaron Rancid en julio de 2012- y más interesante aún, con muuuchos menores entre nosotros disfrutando de la noche, salieron Talco para no parar hasta dejarnos derrotados desde el minuto uno. Puede que en las letras esté el jugo, la esencia de lo que son los de Marghera, Venecia, pero en directo la cosa cambia y el factor lúdico se expande, sin importar mucho qué canciones toquen o presenten. En este caso son las canciones de Silent Town, su sexto disco publicado el pasado año, el motivo del extenso tour con numerosas paradas en España. De esta guisa empezaron con ‘Il Tempo’ y ‘El Sombra’, sonando como si las canciones nuevas llevaran largo tiempo rodadas en su repertorio habitual. Y ahora sí, con ‘L’Odore Della Morte’ comenzaron a mezclar temas de todos sus discos, midiendo las revoluciones que destilaban las canciones elegidas. No recuerdo ni una sola canción que no fuera celebrada con ovaciones o gritos, ya fuera ‘La Mano De Dios’, ‘La Carovana’ (con un tufazo exquisito a

Skalariak), ‘St. Pauli’ (su conocido y homónimo himno dedicado al equipo de fútbol alemán), ‘La Mia Città’, su versión de ‘Bella Ciao’, ‘Ancora’ o la que da título al nuevo disco, ‘Silent Town’. Después de la falsa despedida con ‘Danza Dell’Autumno Rosa’, ‘La Torre’ y otros pocos balazos de ska punk -con vientos extremadamente pegadizos y tarareables- volvían tras una hora y media de actuación que se pasó volando sólo para despedirse bailando al ritmo de ‘Tanti Auguri’ de Rafaella Carra. Tan bizarro y descontextualizado como pueda leerse así, esa tontuna supuso la guinda mientras te ibas yendo de la sala con una sonrisa en la cara pensando en el bolazo que acababas de ver. Si no eres primerizo con Talco, sabrás la fiesta que es en directo y te sonará veraz todo esto… Si no es el caso y esto es nueva información, o tan sólo algo que intuías por conversaciones ajenas, no sé a qué esperas para ir a verlos la próxima vez. Ocasiones no te van a faltar. 145

BRYAN ADAMS 30 DE ENERO DE 2016 PALAU SANT JORDI, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: NADIA NATARIO

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unca he querido esconder mi admiración por Bryan Adams. Sin ir más lejos, la dejo caer cada vez que puedo en las páginas de la revista, de la misma manera que me he quejado de la poca relevancia de sus últimos trabajos, donde el propio Adams ha tenido gran parte de culpa. Por suerte, Get Up, un trabajo sencillo hasta el extremo, es su mejor obra en años, y éste era un momento perfecto para calibrar en qué estado de forma se encontraba el canadiense después de años sin pisar estas tierras, y tras giras conmemorativas explotando por entero su mejores armas como son Reckless o Waking Up The Neighbourgs. Pues el Adams de 2016, con sus 56 años muy bien llevados, encima del escenario es una suerte de continuación del que hemos escuchado en Get Up. Un tipo consciente de quién es, que sabe a lo que juega y que cuando va por la

línea recta sabe que pocos le pueden hacer sombra. Porque sí, parece que nadie se acuerda ya de que Bryan Adams fue durante muchos años una bestia escénica, y que ahora mismo está en su mejor momento en décadas. Dos horas de concierto que dieron para mucho, excepto para el aburrimiento. Con la seguridad de saber que se tiene un repertorio a prueba de bombas, se cascó gran parte de su mejor artillería en la primera parte de concierto sonando medio Reckless –y en ese medio incluimos ‘Summer Of 69’ o ‘Heaven’, bazas que cualquier otro hubiese guardado para el tramo finalantes de la primera hora. Y cuando ya te estabas preguntando cómo iba a ser la segunda parte, ahí es donde apareció el verdadero Adams. Como si prefiriese quitarse de salida la presión de tocar sus grandes hits –¡Joder, si hasta ‘Everything I Do (I Do It For You)’ sonó digna!-, en esa segunda parte

Bryan contagió a los 8.000 asistentes del entusiasmo que todavía le provoca subir a un escenario. Sus discursos suenan sinceros, sabe salir airoso de números como el de ‘If Ya Wanna Be Bad Ya Gotta Be Good’, donde interactúa con alguien del público (sexo femenino) a ritmo de blues, defiende con dignidad sus momentos más bajos (‘Have You Ever Really Loved A Woman?’) y nos envía a casa en paz tras una parte final acústica en el que nos hace creer que él podría ser nuestro mejor amigo. Definitivamente, Bryan Adams encara el segmento final de su carrera en plena forma, rodeado de sus fieles escuderos –no olvidemos que la espina dorsal de su banda, Mickey Curry (batería) y Keith Scott (guitarra), llevan a su lado tres décadas- y con la seguridad del que sabe que ya no tiene nada que demostrar, más allá de seguir ofreciendo noches memorables como la que vivimos en el Sant Jordi. 147

DE GIRA

GIUDA

10 DE MARZO KING KONG, ZARAGOZA 11 DE MARZO DABADABA, DONOSTI 12 DE MARZO MASTER, VIGO 15 DE MARZO LAS CIGARRERAS, ALICANTE

sta nueva gira es de lo más extensa... ¿Es en nuestro país donde tenéis más fans fuera de Italia? LORENZO (guitarra) “Probablemente es uno de ellos. Cada vez que tocamos en España la respuesta del público es fantástica y los clubes están llenos. Parece obvio decir esto, pero estamos encantados de volver”.

¿Cómo es salir de gira con vosotros? ¿Os gusta mucho la fiesta o eso lo dejáis para el escenario? TENDA (voz) “El concierto va antes que cualquier otra cosa. Nos gusta beber, comer y divertirnos, pero sabemos cuándo es el momento de ir a la cama. Pero si una noche nos pillas con ganas, también sabemos manejarnos muy bien”. Parece que vuestro último disco Speaks Evil ha tenido muy

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16 DE MARZO VALENCIA, EL LOCO CLUB 17 DE MARZO JIMMY JAZZ, VITORIA 18 DE MARZO GRUTA 77, MADRID 19 DE MARZO ESTRAPERLO, BADALONA

buena respuesta. ¿Estáis contentos? LORENZO “Hemos trabajado mucho y tengo que decir que estamos encantados con el resultado. Creo que es un paso adelante para el sonido del grupo y en términos de calidad de composición, así que ver que ha sido tan bien recibido tanto por la prensa como por el público es una verdadera satisfacción”. Cuando os descubrí en 2011 me sorprendió mucho que fuerais italianos. ¿De dónde viene vuestro amor por el glam y el pub rock de los 70? Quizá me equivoco, pero nunca pensé que fueran estilos demasiado populares en Italia... LORENZO “En Italia, así como en España, cualquier tipo de subgénero del rock está cubierto por los apasionados de la música. Crecimos como grupo en un entorno en el podíamos

conseguir los discos que queríamos escuchar. Despues de la disolución de los Taxi estábamos buscando algo fresco y potente, que nos diera las mismas buenas vibraciones del punk menos conocido y oscuro que solíamos escuchar. Ya éramos fan de Slade, Mud y Sweet, y de otros grupos así. Casualmente, luego se publicaron en ese momento unas compilaciones que recuperaban algunos one hit wonders del glam rock prácticamente desconocidos, lo que llaman ‘Junk Shop Glam’. Fueron cruciales para la creación de nuestro estilo”. Vuestras canciones están llenas de melodías familiares. ¿Es difícil componer material propio sin que suene derivativo de cosas del pasado? TENDA “Tocar algo que pueda resultar familiar a quien escucha rock no significa no hacer algo nuevo, de lo contrario la mayoría de los grupos

AGENDA MARZO rock no tendrían razón de ser. Supongo que es lo mismo si tocas cualquier otra clase de música. Parte de la frescura de nuestro sonido se debe al hecho de que en el estudio de grabación cuidamos mucho este aspecto. Las canciones deben sonar potentes y frescas, no una simple repetición de los clichés de un grupo del pasado, no nos interesa tener el sonido de la guitarra igual que el de (Marc) Bolan, sino trascender nuestras influencias. Sonar de alguna forma reconocibles, pero nuevos. Tambien cuando componemos los temas hacemos lo mismo. No nos preguntamos si formalmente no estaría bien poner algo que no es parte de la cultura y de la historia de la musica que nos gusta, lo hacemos y eso es todo, experimentamos. Por ejemplo un tema como ‘Joolz’ tiene un gancho que podría recordarte a los Move, pero luego se transforma en algo más, también en la parte vocal”. Algunos de vosotros habíais tocado juntos en la banda punk Taxi. ¿Ha transcendido algo de aquello a Giuda? LORENZO “Crecimos escuchando punk rock, también grupos españoles como La Banda Trapera Del Río, TNT, Kaka De Luxe o Familia Real. El punk rock sin duda tiene un papel fundamental entre nuestras influencias musicales y nuestra actitud en directo. Creo que en el sonido de Giuda siguen siendo reconocibles los rasgos de un sonido rock directo y simple que nos encantó desde que éramos muy jóvenes”. De hecho, tenéis un seguimiento de culto en la escena punk... En mayo tocaréis en el Punk Rock Bowling de Las Vegas. ¿Qué esperáis? TENDA “Estamos encantados de volver a Estados Unidos y tocar en ese pedazo de festival. Es una gran oportunidad para poder aumentar nuestros seguidores también en el otro lado del océano. Eso no tiene precio”. Sois muy futboleros. La canción ‘Number 10’ está decicada a Totti de la Roma. ¿Cómo sonaría una canción dedicada a Messi? LORENZO “Me resulta difícil responder a esta pregunta, mi corazon es romanista... Pero podemos ver las cosas de esta manera: el número 10 es el número de los campeones, así que puede que suene exactamente igual y en tu cabeza podrías pensar que es para Messi”. (JORDI MEYA)

ADRIAN BELEW 2 BARCELONA THE ALGORITHM 12 MADRID, 13 BARCELONA AMBUSH 9 BARCELONA, 10 VITORIA, 11 BURGOS, 12 MADRID, 13 ZARAGOZA AVANTASIA 11 BARCELONA, 12-13 MADRID BARONESS 4 BILBAO, 5 MADRID, 8 BARCELONA BLACK MOUNTAIN 31 MADRID CHRIS ROBINSON BROTHERHOOD 9 PAMPLONA, 10 MADRID, 11 BARCELONA CIRCUS MAXIMUS 15 BARCELONA, 16 MADRID DEAFHEAVEN 2 BARCELONA, 3 MADRID DESTRÖYER 666 3 MADRID, 4 BARCELONA, 5 ALMÀSSERA EAGLES OF DEATH METAL 3 BARCELONA, 4 MADRID ENTER SHIKARI 19 PAMPLONA, 20 BARCELONA EUSKAL ASSAULT (CANCER, SINISTER, BENIGHTED...) 12 DURANGO DER WEG EINER FREIHEIT 22 BARCELONA FRANK TURNER 30 BARCELONA, 2 DE ABRIL GIJÓN, 4 DE ABRIL MADRID HALF MOON RUN 4 BARCELONA, 5 MADRID JAMES BAY 11 MADRID, 12 BARCELONA JESSE MALIN 10 MADRID, 11 BARCELONA, 12 VALENCIA JIM JONES AND THE RIGHTEOUS MIND 4 ZARAGOZA, 5 GIJÓN, 6 MADRID KODALINE 4 BARCELONA, 5 MADRID MAGRUDERGRIND 2 BARCELONA, 3 MADRID, 4 DONOSTI MASTERPLAN 2 BARCELONA, 3 MURCIA, 4 SEVILLA, 5 CÁCERES, 6 PALENCIA, 9 VIGO, 10 MADRID, 11 VILLAVA, 12 SAN SEBASTIÁN, 13 ZARAGOZA NASHVILLE PUSSY 17 VITORIA, 18 BARCELONA ROYAL HUNT 17 MADRID, 18 SEVILLA, 19 BARCELONA TAKE OFFENSE 29 MADRID, 30 SEVILLA TALCO 3-4 VALLADOLID, 5 BILBAO TRICKY 11 BARCELONA, 12 SAN SEBASTIÁN, 13 SANTANDER, 16 MADRID THE VACCINES 17 BARCELONA, 18 MADRID WALK THE MOON 1 BARCELONA

FIGURAS COLATERALES EN APENAS TRES AÑOS, JORDI WILD SE HA SITUADO ENTRE LOS YOUTUBERS MÁS IMPORTANTES DE NUESTRO PAÍS, CONECTANDO CON LAS NUEVAS GENERACIONES Y CONTANDO CON UNA LEGIÓN DE MÁS DE TRES MILLONES DE SEGUIDORES QUE NO DEJA DE AUMENTAR DÍA A DÍA. PERO ANTES DE TRIUNFAR CON SU CANAL DE YOUTUBE, EL RINCÓN DE GIORGIO, JORDI TUVO TIEMPO DE SALIR DE MANRESA, SU CIUDAD NATAL, PARA VIVIR EN ITALIA Y MADRID, TRABAJAR COMO MODELO Y ACTOR O LICENCIARSE EN PSICOLOGÍA. TEXTO: ALEX TAMBURINI FOTOS: DR

L DESTINO es caprichoso, a veces duro, pero Jordi ha aprendido a usar sus experiencias, las buenas y las malas, para sacar lo mejor de sí mismo y encontrar el éxito sin importarle el qué dirán y sin que nada ni nadie interfiera en su trabajo. Queremos aprender un poco más sobre él y, de paso, sobre el mundillo de YouTube. Recientemente se ha montado una buena a raíz de la entrevista que El Mundo le hizo a Elrubius, el youtuber más seguido de España, y me consta que Wismichu, otro de los youtubers top en nuestro país, tampoco quedó muy contento con Risto Mejide. En ambos casos la queja es similar: edición sesgada, manipulación, tergiversación y afán por ridiculizar. ¿Crees que algunos medios tratan de minimizar vuestro éxito? JORDI WILD “Más bien es desconocimiento de lo que es el youtuber 150

y de lo que es el entretenimento actual para jóvenes. No conocen, y lo desconocido les da miedo, sobre todo si además es algo que les quita protagonismo o influencia. Para ellos lo ideal sería que los chavales hiciesen como sus padres, se comprasen los mismos diarios, viesen los mismos programas y todo siguiese exactamente igual. Lo que se tiene que hacer es ir a las entrevistas en directo, donde no haya posibilidad de edición”. Tus vídeos llevan más de 400 millones de visualizaciones y te habrán criticado por mil cosas, pero ¿alguna vez han cuestionado la calidad de tus seguidores? “Sí, claro, a mí y a todos. Cuando pasas de cierto número de fans es inevitable que un gran número de los nuevos seguidores sean niños, que son los que más consumen YouTube. Eso hace que haya gente que piense que nuestra audiencia se trague cualquier chorrada que hagamos. Te lo digo bien claro: y una puta

mierda. Eso no es para nada así, es uno de los públicos más críticos que existe, sólo hace falta ver los comentarios de cualquier vídeo de cualquier youtuber para darse cuenta de la cantidad de críticas a todo que hay”. Las televisiones cada vez programan menos espacios juveniles y los jóvenes miran cada vez menos la tele. Con vosotros pasa lo contrario. ¿Cómo crees que evolucionará esta situación? ¿Acabaréis migrando hacia la televisión? “Uff, pregunta complicada. Yo creo que ya nos han puesto en el punto de mira y se empiezan a dar cuenta de que esto va en serio. Ven que no es una moda momentánea y ven que mueve mucho dinero, y aquí es donde está la clave. Apostaría por que la migración será de la tele a internet, youtubers trabajando para Atresmedia, ya está pasando (Flooxer -ndr.), para Mediaset… Pasará”. Cuando RockZone cambió del

papel al digital algunos medios nos desearon suerte, pero otros nos acusaron de “abandonar el barco” o de “no tener lectores reales”, como si los que nos leen en una tablet fuesen menos valiosos que los que lo hacían en papel. ¿Por qué no se les respeta desde algunos sectores? “Es el tema de siempre, todo lo que es nuevo, cualquier tipo de cambio en la humanidad, ha producido rechazo, da igual lo que sea. Te puede gustar o no lo que viene, te puede causar incluso cierto rechazo, pero es de idiota creer que estás por encima del progreso. También podríamos hablar de envidias y tal…”. Podíamos lloriquear, culpar a todo el mundo y cerrar el chiringuito o darle la vuelta. La verdad es que motiva ver que la audiencia crece cada día y que con el papel sucedía lo contrario. “Si lo físico no funciona y no está vendiendo una mierda necesitas algo moderno, que conecte con el nuevo público. A mí me gusta el papel, tiene mucha magia, pero las revistas que se enroquen en que lo físico es lo único y lo auténtico y piensen que lo digital es lo falso... Una de dos, o cambian de actitud o acabarán yéndose a tomar por culo. Muchas han muerto y casi todas las que quedan van a morir en su barco de papel, que va a acabar mojándose y hundiéndose”.

taba en Madrid, no me iba muy bien la cosa, muchos cástings, tener que depender y gustar siempre a una segunda persona. Estaba quemándome mucho para que me dieran una puta oportunidad. Entonces descubrí YouTube y pensé ‘hostia, ¿qué es esto? Gaming (partidas comentadas de videojuegos –ndr.), humor, parodia…’. Y vi un vídeo, dos, veinte… Pensé ‘esta gente se lo está pasando de puta madre, cobrando una pasta por hacer lo que les gusta, la gente les quiere, y los temas me interesan’. Sabía que yo podía hacerlo, que se me daría bien, así que empecé. Y empecé profesionalmente, sin ganar una mierda hasta un año después y tirando de ahorros hasta cumplir el objetivo. No como un hobby, eso está clarísimo, pero me lo paso de puta madre”. ¿Cómo definirías tu canal de YouTube? Porque hay gameplays, humor, reseñas de discos, críticas al racismo de Phil Anselmo… “(Risas) Es un canal de entretenimiento y humor, basado en mi personaje

“LA MAYORÍA DE GENTE CON INFLUENCIA SON UNOS CAGAOS, NO SE MOJAN, NO DICEN NADA QUE LES PUEDA CREAR ENEMIGOS, NADA, TODO QUEDAR BIEN”

JORDI WILD y, sobre todo, muy cercano. Con un estilo muy directo, agresivo pero de buen rollo. Yo lo que quiero es que la gente venga, lo pase bien y se pire a hacer otras cosas”. La gente puede creer que eres un vividor, pero para subir un vídeo es necesario pensar, dar con la idea, grabar, editar, que te convenza o volver a grabar y/o editar. Si eso lo haces tres o cuatro veces por semana… ¿Te has quedado en blanco alguna vez? “No me ha pasado nunca, te lo juro. Tengo una lista de ideas que da para unos cuantos años. Si tengo alguna virtud es la creatividad, no paro, mi cabeza siempre está maquinando”.

Bueno, vamos contigo… Pregunta obligada: ¿Cuándo decidiste hacerte youtuber y por qué? “Trabajaba como actor y modelo, es151

¿Has tenido remordimientos en alguna ocasión por haber dado un mal consejo o por ser puntualmente una mala influencia? “No. Yo estoy para entretener y no para educar, para eso están los padres. De todas formas, aunque en mi canal diga tacos o pueda hablar de sexo, los valores que transmito no son malos. Buen rollo, pasarlo bien, vive y deja vivir, reírnos un poco de la vida…”. ¿Y lo contrario? ¿Algo con lo que influencies a la juventud, que te haga sentir orgulloso? “Pues una de las cosas que echo de menos y que voy a volver a hacer son los vídeos de crítica social. Cuando hice el del racismo con lo de Phil Anselmo me sentí bien, me sentí orgulloso. Porque la mayoría de gente con influencia son unos cagaos, no se mojan, no dicen nada que les pueda crear enemigos, nada, todo quedar bien. Es que no dicen casi ni de qué equipo de fút152

bol son, eso es penoso”. ¿Alguna vez has pensado en contratar a alguien para que te ayude con el guión, la grabación o la edición de tus vídeos, o necesitas tenerlo todo 100% controlado? “No, porque ya no sería El Rincón De Giorgio. Una de las virtudes/putada de los youtubers es que se nota que todo lo hacemos nosotros. Todo tiene nuestro toque, bueno o malo, desde la grabación, el enfoque de la cámara, los zooms, la edición… Nadie editaría como yo, lo haría mejor o peor, pero no como yo”. ¿Es muy importante un buen título y una buena miniatura? “Sí. El título y la miniatura son básicos. Al final es tu carta de presentación. Si tú ves un título soso o una miniatura de mierda ya no entras a ver el vídeo”. Pues yo sé de uno que hace miniaturas de mierda y la

gente entra cada vez más a ver sus vídeos… “(Risas) Joaquinputoamo, ¿no?”. ¿Cómo lo has sabido? “Estaba claro. Pero él sí que puede, porque ya se ha creado su fama de ‘mi canal es mierda, pero os vais a reír’, entonces claro, ya es su trademark. Si ahora se pone a hacer unas miniaturas de puta madre la gente le va a decir ‘tío, yo no me suscribí para eso’, porque para eso tienes al resto de youtubers”. Si tuvieses que borrar todos tus vídeos menos uno, ¿cuál salvarías? “Buah, ésa es una pregunta muy buena y muy difícil. Es muy complicado, tío… Pues borraría todos menos alguno con mi padre, ahora mismo no te sabría decir cuál, pero sería uno con él”. ¿Te has hecho amigo de algún fan? “Sí, de Marius (Tiberian) (Risas). Pues

“¿QUE HAY GENTE OBSESIONADA? SEGURO, PERO MIEDO NO ME DA, NO CREO QUE ME VENGAN A PEGAR NI A VIOLAR, NI NADA DE ESO”

JORDI WILD

podría ser un ejemplo, ¿eh?”. ¿Y te has cabreado seriamente con algún fan? “Sí. Más que lo anterior. Hay veces que he tenido que parar la historia, sobre todo de noche. Hay fans MUY pesados”. Sinceramente, ¿qué pasa por la cabeza de Jordi, no por la de Jordi Wild, cuando te espera una multitud de fans en la puerta de un hotel chillando de histeria? “La primera vez, en Chile, me di cuenta de lo famosos que éramos. Me sentí como una rockstar. Mi primera sensación fue miedo, sí, pero soy muy echao palante, así que en nada lo vi como algo normal. Salía a actuar delante de 20.000 personas y minutos antes estaba de birras y risas con los demás como si no pasase nada. No sé, no me impactan mucho estas cosas, lo que sí que siento es muchísimo orgullo”. ¿Y no piensas ‘qué coño hago aquí y qué ha pasado’? “Eso lo piensas después, cuando reflexionas un poco. En el momento no te enteras, pero cuando lo piensas dices ‘¡Dioooos! Estoy en una suite del mejor hotel de cinco estrellas de la ciudad, en otro país, todo pagado, cobrando muy bien, la gente

paga por verme y a lo mejor ha estado ahorrando para ello’”.

reconozco. Odio el resto de realities, pero Gran Hermano me gusta”.

¿No te da miedo que a alguno de tus fans se le vaya la pinza contigo? Ya sabes, paredes llenas de fotos tuyas, una ballesta… “(Risas) Algo habrá pasado ya, que yo no sepa. ¿Que hay gente obsesionada? Seguro, pero miedo no me da, no creo que me vengan a pegar ni a violar, ni nada de eso”.

¿Entonces por qué no irías? “Porque como espectador a veces te ríes de tal, y yo no quiero ser ese ‘tal’. Además, no podría estar tanto tiempo privado de libertad y sería vender mi intimidad a un nivel que no. Aunque respeto a quien lo haga, claro”.

Y si te lo proponen, ¿irás? “Ni de coña. Ni de puta coña”.

Con la fama se te debe acercar gente tóxica y mala constantemente... ¿Cómo pones la coraza para que no te impida conocer a la buena gente? Que también la hay. “Sí, tú por ejemplo. A ver, sale instintivamente, veo rápido por dónde viene la gente. Analizo bastante bien, quizás me ayude el haber estudiado psicología, pero tengo facilidad y no me he equivocado por ahora, los calo y los mando a tomar por culo rápido”.

Anda que te has pensado la respuesta… “Ya ves (risas), pero ojo, que no es porque no me guste el formato. Ahora voy a decir una cosa que dejará a la gente flipando: a mí me gusta Gran Hermano como espectador, lo

Con tres millones y pico de seguidores en YouTube y más de 600.000 en Twitter, ¿te has sentido solo alguna vez? “Sí, sinceramente sí. Y mira que tengo amigos de verdad, soy bastante sociable y tengo unos padres increí-

¿Para cuándo un Gran Hermano Youtuber? “Acabará haciéndose, no tengo ninguna duda. Estoy seguro de que va a ser Mediaset quien dirá ‘Oye, ¿por qué no cogemos a 15 youtubers y los metemos en la casa? Ellos que dominan las cámaras...’. ¡Puede ser un bombazo!”.

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“VENGO DE FAMILIA HUMILDE, NUNCA ME HA FALTADO DE NADA, PERO NUNCA ME HA SOBRADO DE NADA TAMPOCO. POR ESO QUIZÁS VALORO

MÁS EL DINERO, PORQUE SÉ LO QUE CUESTA GANARLO”

JORDI WILD cer algo fuera de YouTube. Pero un show puntual no lo descartaría, de hecho quiero hablar con ellos para ver si se puede hacer algo”.

bles a los que llamo si tengo algún problema. Pero a veces soporto una presión que acaba pasando factura y me afecta. Eso hace que te aísles, pero creo que en el fondo es bueno sentirse solo de vez en cuando, porque luego valoras muchísimo más el estar con gente y a la propia gente”. Que a ti te vaya de putísima madre y algún familiar o amigo lo esté pasando mal económicamente, ¿cómo lo llevas? Porque ha de ser dificilísimo, si ayudas cagada, si no lo haces, cagada… No sé si me explico... “Buah, ésta es otra pregunta muy complicada, pregunta qué se puede hacer a cualquier persona que gana dinero de repente... Vengo de familia humilde, nunca me ha faltado de nada, pero nunca me ha sobrado de nada tampoco. Por eso quizás valoro más el dinero, porque sé lo que cuesta ganarlo. He 154

ayudado y voy a seguir ayudando a algún familiar cercano, pero he de ponerme límites por mucho que me pueda sentir mal en algunas situaciones. También porque puede parecer que estés dando limosna... es jodido, un equilibrio muy difícil”. Youplanet, varios youtubers haciendo monólogos humorísticos y proyecciones en directo, lo está petando con sus shows en los teatros de media España. Si te ofreciesen formar parte de su propuesta, ¿lo pensarías? “A ver, los youtubers de Youplanet me caen de puta madre todos. Comparto con ellos el estar en ‘el lado oscuro’, ser de los que tenemos un humor más negro, creo que ya los he conocido a todos, me faltaba Kajal, pero el otro día estuvimos de juerga y también muy guay. Lo del teatro y los shows, no es lo mío. A mí me tiraría más el cine o una serie, si tuviese que ha-

Por lo que dices, eso de ‘youtubers del lado oscuro’ no es un mito, entonces… “Existe. Yo he tenido algunas negativas de marcas a trabajar conmigo, lo sé, me lo han dicho mis representantes. Digo tacos, me cago en Dios, hablo de sexo, etc. Pero eso va cambiando… También hay marcas que me dicen ‘yo quiero trabajar contigo, pero en este vídeo no me la líes, por favor’, y si encaja pues les digo que sí, tampoco soy un loco, no pasa nada”. ¿Alguna propuesta teóricamente irrechazable que hayas rehusado a nivel profesional? “Me propusieron salir en Ocho Apellidos Catalanes. No llegamos a un acuerdo, no me gustaba lo que me ofrecían y creo que mi actitud tampoco les moló, pero es que vinieron muy prepotentes, pero mucho”. Quieres hacer cine, pero vas y escribes un libro. ¿En qué quedamos? “Quiero hacer la película del libro (risas). A ver, la literatura es uno de

mis entretenimientos más importantes, me flipa leer, y poder hacer una novela es increíble. Seguramente habrá gente que dirá que no la he escrito yo o que me han ayudado... A esa gente le mando ya un mensaje desde aquí: ¡Que les den por el puto culo! Porque el curro que me he pegado, yéndome a dormir a las diez de la mañana porque me venía la inspiración a las cinco y lo que he sufrido para sacar una novela de más de 400 páginas ha sido como un parto”. Sueños De Acero Y Neón es una novela de 416 páginas, concretamente. ¿Tenías pensado algo similar o te fuiste viniendo arriba según ibas escribiendo? “Me vine arriba. Cuando me lo propusieron dije que no tenía tiempo de escribir una novela y que no quería que me la escribiesen. Luego pensé en hacer un cómic, pero me dijeron que me veían con más capacidad, que por qué no hacía una novela corta ilustrada. Me gustó la idea, así que hice la escaleta, el guión, que fue un currazo, y vi que me había salido algo buenísimo. Así que empecé a expandirlo un poco, ampliar descripciones, diálogos... Me fui dando cuenta cuando llevaba 200 páginas y a las 250 llamé a mi editora y le dije ‘Ana, la novela ilustrada no. Vamos a hacer una novela’. Me dijo que sí, que era lo mejor, y así acabó la cosa”. ¿Quién y por qué debería leerlo? “Cualquier persona a la que le guste la ciencia ficción, las novelas policíacas o el cine negro, le

va a encantar”. ¿No está hecho para tus fans? “No. Es un libro que me leería yo, lo he hecho para mí. No es para nada una expansión de El Rincón De Giorgio, no tiene nada que ver”. Y ya puestos, ¿por qué deberían leer cada mes RockZone? Lo siento, estaba a huevo… “Primero porque está entre las dos o tres mejores revistas de rock y metal de España, sin duda. Segundo, porque os conozco y sé que no os casáis con nadie, y eso es

dificilísimo. Lo que más odio de la puta prensa de rock y metal de este país es que son todos unos pelotas, hay cero crítica en ese mundillo, cero. La mayoría de revistas son fan service total, y a mí no me gusta eso, me gusta la realidad, y sé que RockZone, si ha de dar, da. Tercero, que tiene calidad y variedad, toca muchos palos y, cuarto, que colabora Danko Jones, que es el puto amo. Hemos de pegarnos una fiesta con él y con DamienBeer, ahí te dejo el reto…”.

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