RockZone 124 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Enter Shikari (Barcelona) © Rubén Navarro

EDITORIAL Pese a ser una de nuestras bandas fetiche, hacía la friolera de ocho años de la última, y única, portada dedicada a Weezer. ¡Así que ya tocaba! No es que estuviera planificado, pero si en aquella ocasión el motivo era la publicación de su homónimo de color rojo, ahora es la de otro homónimo, esta vez de color blanco. Puede que el color haya cambiado, pero la esencia del grupo permanece. Nadie mejor que el propio Rivers Cuomo para explicarlo en un número en el que también encontrarás un buen surtido de bandas de aquí que merecen toda nuestra atención. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 124

11 / INTERFERENCIAS

28 / DEFTONES

34 / THE USED

38 / CONAN

42 / RECORD STORE DAY

44 / OBSIDIAN KINGDOM

50 / WEEZER

58 / MOONSORROW

SUMARIO

Nยบ 124

64 / KAOTIKO

68 / CRร TICAS

96 / CRISIX

102 / SIMPLE PLAN

108 / COBRA

114 / SIXX:A.M.

118 / EN DIRECTO

130 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ GROEZROCK 2016 EL FESTIVAL BELGA GROEZROCK CELEBRA ESTE AÑO SU 25 ANIVERSARIO CON LAS ACTUACIONES DE RANCID INTERPRETANDO ÍNTEGRAMENTE SU DISCO MÁS POPULAR, …AND OUT COME THE WOLVES, SUM 41 Y HATEBREED COMO PLATOS PRINCIPALES.

os próximos 29 y 30 de abril, el festival Groezrock volverá a abrir sus puertas en Meerhout, Bélgica, para celebrar por todo lo alto sus 25 años de historia. Como siempre, el cartel es un compendio de bandas veteranas y jóvenes de la escena punk rock y hardcore. Entre las decenas de actuaciones programadas la que sin duda ha despertado más expectación es la de los californianos Rancid, quienes repasarán de cabo a rabo su mítico …And Out Come The Wolves en exclusiva para el festival. También será interesante comprobar el estado de forma de Sum 41 ahora que han quedado atrás los conocidos problemas de salud de su vocalista Deryck Whibley, y de comprobar cómo suenan los nuevos temas de Hatebreed, quienes publicarán su próximo disco The Concrete Confessional el 13 de mayo. También estarán de celebración Sick Of It All con el 30 aniversario de su carrera, Saosin con la vuelta del cantante Anthony Green a sus filas o Bury

Your Dead con la reunión de su formación original. Otros participantes son Frank Carter & The Rattlesnakes, Frank Turner And The Sleeping Souls, letlive., Four Year Strong, Less Than Jake, Dag Nasty, No Fun At All, Modern Baseball, Youth Of Today o The Falcon, con miembros de Lawrence Arms y Alkaline Trio. Pero como en cualquier festival, en la letra pequeña siempre hay nombres que merecen ser descubiertos también, así que será una buena oportunidad para comprobar cómo se defienden en directo grupos emergentes como Pup, The Dirty Nil, Muncie Girls o Pears. Obviamente los recientes atentados en Bruselas han propiciado una gran preocupación entre quienes tienen planeado asistir al evento, pero desde la organización se asegura que el festival seguirá adelante tal y como estaba previsto. En caso de que se produjese algún cambio, o para cualquier información adicional, lo mejor es estar atentos a su página web: www.groezrock.be

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DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ REVENTA

raíz de la salida a la venta de entradas para los tres conciertos de Springsteen el mes que viene en España, el gran público parece haberse enterado de la existencia de empresas organizadas de reventa. Se trata de una práctica que lleva muchos años funcionando en Estados Unidos y Gran Bretaña, y que, con eso de la globalización, inevitablemente también se ha instaurado en nuestro país. Obviamente, el que una de las principales operadoras de reventa, Seatwave, fuera adquirida en 2014 por Ticketmaster ha provocado el gran escándalo. Las sospechas de que es Ticketmaster quien provee directamente entradas a Seatwave para que las revenda a un precio más elevado son inevitables. Aunque la promotora de los conciertos de Springsteen en España, Doctor Music, ha asegurado que no es el caso, en paralelo ha cursado una denuncia contra ésta y otras empresas de reventa ante los organismos reguladores de espectáculos y de protección al consumidor. Veremos en qué acaba todo, pero por ahora la única solución que se me ocurre es concienciarse y que absolutamente nadie compre a estas empresas. Más vale perderse un concierto, por mucho que te guste el artista, que correr el riesgo de ser rehenes de un chantaje orquestado. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@thelayoflis Cuando había perdido toda esperanza de ver a @bmthofficial va @rockzone y me regala una entrada. @pablocore182 La app de @RockZone me da la vida. @zoe_raily @RockZone Me gusta la serie Estamos De Cierre porque ya no hay más capítulos. @Prozako Buena entrevista a @JordiWild en la @RockZone de este mes, todo un acierto poder conocer un poco más su lado más natural. @Luca31323 Totalmente de acuerdo con la reflexión en la sección Lo Peor De Mí de este mes sobre las armas de fuego.

Hola, soy el bajista de TurboFuckers, punk rockers desde Bilbao. Aquí estoy con Lemmy Kilmister de Motörhead, fue en la ciudad de La Plata (Buenos Aires, Argentina) en 1996. Por aquel entonces tocaba en Kobalto y fuimos teloneros de los ingleses. (PEPE BOMBS)

@Advegas_ Hostias, lo nuevo de @BiffyClyro mola. @paintyourbones Deftones en el próximo número de la @RockZone. ¡Qué ganas de poder leer la entrevista!

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

¡Advertencia! Escuchar esta banda puede provocar ganas de beber cerveza en una jarra de barro, golpear la mesa, quemar aldeas y violar a dulces doncellas. Para leer esta columna, deberías ponerte de fondo el siguiente tema: ‘Failure To All Justice To None’ de We The Heathens, el grupo del que os voy a hablar en esta ocasión. ¿Os imagináis unos crustis de toda la vida tocando en las peores okupas de Estados Unidos y haciendo temazos acústicos? Yo tampoco, hasta que descubrí esta joya. Actualmente están dando los últimos retoques a su nuevo trabajo, que estará disponible el próximo mes y que, aseguran, será mucho más pesado y agresivo: pretenden alejarse de ciertos temas que nos pueden recordar a Joey Cape en acústico y se inclinarán por su línea más veloz y agresiva. Tienen canciones para todos los gustos, desde el folk más clásico hasta el punk más crust. De hecho, esta banda encajaría en infinidad de festivales en los que no pasarían desapercibidos... y seguro que hasta los heavies se lo pasarían fenomenal. También te pueden cundir si eres un friki, un pajero o un GM (siempre los puedes poner durante tus partidas de Dungeons And Dragons). En mi humilde opinión de puto amo, Regicide me parece uno de los mejores trabajos de 2015 y como todos los álbumes que me suelen gustar, pasó desapercibido entre las masas. ¡Es hora de darles un poco de cobertura! (MARIUS TIBERIAN)

DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA LA TABERNA DEL MUERTO

PACIENTE CERO

RISING FROM THE ABYS

RUMBO AL INFIERNO

VIENE

HERO’S AWAKENING

(ANEURISMA)

(AUTOEDITADO)

Para la intro de este EP, Rising From The Abyss no dudan en utilizar fragmentos de temas de, entre otros, Puk*2, NoWayOut o Marvin, pues según dicen “es tan suyo como nuestro”, así que es fácil adivinar por dónde andan los tiros en términos musicales. Pop punk, easy core, pero haciendo especial hincapié en esos breakdowns más malotes de cuando Vicent Joan Sanchís le cede el micro al guitarra Josemi Córdoba, que, imagino, le pondrá la voz más dura al grupo. En ‘She’s Inside’ gana la partida su faceta más contundente, pero en general Hero’s Awakening se mueve entre dos aguas, alternando con total naturalidad sus estribillos más livianos con partes más pesadas. Con las coordenadas más que claras desde el principio, sin jugar al despiste o a lo que no son, estos valencianos se salen con la suya en cortes como ‘Wherever You Are’ o la gruesa ‘We’re Nobody’. Dadle caña, Rising From The Abyss.

https://latabernadelmuerto.bandcamp.

Hasta Pablo Iglesias ha corrido a por este EP, que tampoco debería ser garantía de nada, pero bueno, que el dato sí ayuda a ilustrar hasta qué punto están progresando Paciente Cero con Viene. Desde San Sebastián de los Reyes, esta formación ofrece un rock alternativo donde la voz y textos del inspirado Rafael Tuñón lo son todo, aunque sin descuidar el aparato instrumental, claro. En ‘Solsticio’, por ejemplo, las facetas en el bajo de Julián Jiménez rayan a gran nivel, alzándose con gran protagonismo, pero los demás tampoco se quedan muy atrás. Con estribillos que se instalan fácilmente en la memoria, con una firme voluntad por abarcar cuanto más público mejor, Paciente Cero aspiran al pop sin renegar de la electricidad y su personalidad, consiguiendo buenos resultados en canciones como la primera ‘Llévame’, ‘Mentiras’ o ‘Reverso’. Me da a mí que de seguir en esta línea alcanzarán los objetivos que se propongan.

com/releases

www.facebook.com/PacienteCeroSpain

com/album/heros-awakening-ep

Con esta portada esperaba escuchar power metal o algo por estilo, pero La Taberna Del Muerto son una banda de punk de clara tradición ibérica, algo garagera y, sobre todo, bastante arrastrada. Siendo de Almería, es normal que el desierto ejerza sobre ellos cierta influencia, acordándose de él en ‘Puedes Maldecirme’ y con algunos dejes stoner en su propuesta. Con letras que no se andan con rodeos, sin duda su punto fuerte, este cuarteto las suelta tal cual le vienen, como en ‘Que Me Calle’, una ‘Dani’ que parece contener una vivencia personal muy seria, ‘Verano Criminal’ o la acertadísima ‘Para Qué Voy A Salir’. Sin importar las consecuencias, tirándose de cabeza al nihilismo, como siempre debería de haber seguido siendo el punk. Apología de las drogas, letras urbanas, decadencia… Si estás aburrido de las setas o los tripis, prueba con Rumbo Al Infierno, que encima está disponible en descarga gratis.

https://risingfromtheabyss.bandcamp.

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 14

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

FUEGO ETERNO: LA HISTORIA DE JERRY LEE LEWIS NICK TOSCHES (CONTRA)

i de personajes hablamos dentro del rock’n’roll, dudo que alguien haya podido lle-

gar más lejos que Jerry Lee Lewis. De hecho, alguien al que se le bautizara

como ‘The Killer’ dice bastante del personaje en cuestión. Su papel como figura clave del rock’n’roll es totalmente indiscutible y

de, que lo pierde todo cuando salta el escándalo de que man-

que le puso más actitud que nadie, también. Sin desmerecer ni

tiene una relación con una prima carnal de ¡14 años!, mientras

por un segundo su grandeza, Elvis o incluso Chuck Berry podían

estaba casado, su relación con la religión cristiana o el arresto

ser angelitos a su lado, y por ello su carácter más grande que

en Graceland por intento de asesinato a Elvis. Pero la otra gran

la vida no podía encajar mejor en esa nueva música destinada

parte del mérito de Fuego Eterno está en la redacción de Nick

a escandalizar a sus padres. Dicen que Fuego Eterno, editada

Tosches. Novelada al más puro estilo de la mejor literatura norte-

originalmente en 1982 y por primera vez en castellano, es uno de

americana, Tosches creó un libro sin comparación dentro de las

los mejores libros escritos sobre rock’n’roll. Desde luego materia

biografías musicales y que como podemos comprobar, aguanta

prima no falta: un protagonista que alcanza el estrellato a lo gran-

sin pestañear el paso del tiempo.

NEW ORDER, JOY DIVISION Y YO BERNARD SUMNER (SEXTO PISO)

asi sin pretender-

sonido al que dimos forma fue el de aquella noche: un sonido frío,

lo, me estoy con-

sombrío, industrial, y surgió desde dentro. Manchester era frío y lú-

virtiendo

gubre el día en que nací”. Recuerdos de la infancia, de su juventud

experto en Joy Division...

(la primera pieza musical que le conmovió fue la banda sonora de

Primero fue el cancionero

El Bueno, El Feo Y El Malo a cargo del genio Ennio Morricone),

y los textos de Ian Curtis, y

los primeros conciertos punk (Lou Reed en 1974 y los Sex Pistols en

ahora las memorias de Ber-

1976), sus primeras actuaciones teloneando a los Buzzcocks… Mil

nard Sumner, el que fuera

anécdotas y explicaciones sobre su carrera musical, pero quizá lo

fundador y guitarrista de la

que más sorprenda de este libro sea el apéndice donde se transcri-

banda de culto surgida en

be completamente una sesión de hipnosis que Sumner practicó con

Manchester. Pero un detalle

Ian Curtis pocos días antes de que éste se suicidara; turbador. En

importante: en el título de este libro el nombre de Joy Division apa-

resumen, New Order, Joy Division Y Yo es un título obligado para

rece en segundo lugar tras el de New Order, lo que significa que

los fans de estas bandas y muy recomendable para los amantes

Sumner dedica más páginas a su grupo actual que al pasado. “El

del rock y la literatura.

NO TIENE GRACIA

TOMAS FALSAS

EPIGRAFÍAS

(LIBROS DE AUTOENGAÑO)

(PLANETA CÓMIC)

(LIBROS DE AUTOENGAÑO)

Joaquín Guirao

Segunda obra larga de Joaquín, en este caso, recopilación en 128 páginas de su amplio trabajo publicado en diferentes soportes, ya sea online, fanzines o certámenes. La tremenda capacidad de este dibujante para crear diálogos dentro de situaciones hilarantes y con un tremendo poso de amargura filosófica es sólo comparable a su maravillosa y plástica forma de crear dinámicas páginas con su inigualable y reconocible estilo. Impagables algunas de sus historias, como su demencial 24h De Angoulême, la terrible Ábrete o las joyas cortas tipo Joderos Putos. De 10. SG

EL IMPERIO DE LOS MUERTOS

Geroge A. Romero y Andrea Mutti

José Fonollosa

José Fonollosa recurre al cine y a la parodia (ya lo hizo de forma estupenda con sus Los Vengatas) para presentar un tomo de chistes individuales en el que cada página está dedicada a un clásico del blockbuster americano, revisando alguna escena o concepto de las obras y ofreciendo efectivos gags llenos de cariño hacia las películas retratadas. Hay para todos los gustos, desde los clásicos de la sci-fi pasando por la aventura o el slasher, e incluso tocando cintas de animación recientes. Un regalo fantástico para ti o para quien quieras sorprender. SG

Carla Berrocal

Maravillosa obra poético-gráfica a cargo de los lápices de una de las ilustradoras españolas de mayor proyección de la generación de los 80. Carla Berrocal realiza en este pequeño libro un ejercicio de improvisación formal, jugando con la composición y narrativa, creando sin bocetos previos páginas de cuatro viñetas que giran en torno a la vida de la poeta inglesa Natalie Clifford. El resultado es intenso y deja notar cómo la autora se deja llevar en cada trazo según las emociones de las escenas que narra. Una lectura estupenda y un libro precioso. SG

HIKETEIA

SIRIO

(ECC)

(FULGENCIO PIMENTEL)

Greg Rucka y J. G. Jones

Martín López Lam

(PANINI)

Panini completa en castellano la nueva trilogía de zombis del padre del género, George A. Romero. Más allá de su última incursión cinematográfica, el director ha guionizado una extensa saga publicada por ahora en tres tomos que compila el final del mundo imaginado en sus apocalípticas narraciones. Ahora, humanos, no muertos y vampiros conviven en una lucha mutua por la supervivencia, estando los humanos en clara desventaja, lo que es una completa gozada para quien se acerque a esta extensión del universo zombi del maestro. SG

Maravillosa oportunidad de disfrutar de uno de los mejores relatos de Wonder Woman creados antes del Nuevo Universo DC. Rucka a los guiones, con los lápices del estupendo y siempre eficaz J. G. Jones, presentan un relato que profundiza en las tradiciones y mentalidad de la princesa de las amazonas. Como invitado especial tenemos a Batman enfrentándose directamente con su compañera en la Liga de la Justicia, creando así un intenso drama superheroico que en su momento fue de lo mejor que se hizo con este personaje. SG

Profundo relato que mezcla dudas existenciales con un toque de thriller costumbrista a ojos del lector, que a lo largo de sus páginas se desarrolla de manera intensa a la vez que pausada. Este libro de Martín López Lam es un estupendo relato que combina en sus páginas diferentes técnicas de ilustración y no se corta a la hora de recurrir a referencias de otros autores para dar mayor presencia a sus páginas. Procedente de la escena de la autoedición, esta novela gráfica es un fantástico punto de partida para descubrir a este artista. SG 17

DE CINE_ CON KIKO VEGA OFFSCREEN 2016 realmente enriquecedora y un homenaje a otros cines y sus figuras como David F. Friedman, eje central del mismo. Otra de las visitas ilustres fue la de la francesa Lucile Hadzihalilovic, que abrió el festival con la fantástica (a todos los niveles) Évolution (en la foto),

l culto al cine de culto lleva casi una década acaparando la atención en la capital de Europa cada vez con más éxito de público. En su novena edición, Offscreen recupera la leyenda de uno de los autores más personales y underground del cine americano de los últimos años. Frank Henenlotter (Basket Case, Brain Damage, Frankenhooker) visitaba el certamen con la premiere europea de su última obra, Chasing Banksy, una interesantísima comedia negra basada en un suceso real que aconteció a su protagonista en la vida real. Un divertido y modestísimo ejercicio de cine de guerrilla que, curiosamente, puede que sea su película más elaborada y trabajada visualmente hablando. Otro trabajo reciente del director neoyorquino es el documental That’s Sexploitation! (2013), que son dos horas y cuarto de gente desnuda entre los años 20 y 60 haciendo el imbécil en malas películas. Una experiencia 18

vista en la última edición de Sitges y que, disfrazada de cuento para niños, cuenta una terrible historia de vida, amor y muerte. El eslabón perdido entre la brujería, el torture porn, Quién Puede Matar A Un Niño, Dario Argento y los documentales de Jacques Cousteau. Ahora que se reivindica la maestría de George Miller, todo un veterano capaz de rodar una película tan viva como Fury Road (2015), aprovecho para recomendar otra película muy diferente pero tan llena de vida como la del australiano. Jerzy Skolimowski, el director de El Grito (1978), presentó 11 Minutes, un relato furioso sobre un grupo de personas que, durante ese breve periodo de tiempo, cruzarán sus vidas de forma inesperada. Una película ágil y vibrante firmada por un director de 78 años. Dentro del ciclo Driving Miss Crazy, epicentro del festival (algo así como ‘Locas Del C**o’), hemos podido recuperar milagros de todas las épocas, como la dolorosa Caído Del Cielo (Out Of The Blue, 1980) de Dennis Hop-

per, la exuberante y tórrida Mademoiselle (1966) de Tony Richardson, la sangrienta y prehipster Trouble Every Day (2001) de Claire Denis y, sobre todo, la obra maestra de Todd Haynes, Safe (1995), para quien no la haya visto, una de las películas más angustiosas y cerebralmente demoledoras que servidor haya visto en una sala de cine. Una de ésas que te quita las ganas de vivir. Indispensable. Entre los excesos desconocidos, algo para lo que siempre hay sitio en el festival del culto, la griega Singapore Sling: O Anthropos Pou Agapise Ena Ptoma (1990), de Nikos Nikolaidis, ha sido el WTF de la edición. Una película noir maravillosamente fotografiada en blanco y negro que podría ser prima hermana de El Halcón Maltés (1941) o Perdición (1944) si esos clásicos hubieran sido encargos de la

Troma para el John Waters post Pink Flamingos. Dos horas de excesos, pornografía, gore y el sexo más sucio que puedas imaginar. Nunca has visto nada parecido con un kiwi, puedes creerme. El Grindhouse también ha tenido un lugar importante este año, con recuperaciones en 35mm como Perros Rabiosos (I Drink Your Blood, 1970) de David Durston, una de mis películas favoritas y el mejor ejemplo posible de ‘es tan mala que es buenísima’, con sus hippies satánicos rabiosos y sedientos de sangre. A falta de terminar la fiesta con la presentación de High Rise por el mismísimo Ben Wheatley, Offscreen ha vuelto a hacerlo. Un festival establecido en Bruselas del que tarde o temprano todos acabaréis oyendo y del que uno solamente aprende algo nuevo cada día.

TOI’S IN THE ATTIC ONE IN A MILLION

loha, amigos! Siempre he pensado que en el improbable caso de que me otorgasen un premio, en mi discurso de agradecimiento mencionaría a Han Solo, The Wildhearts y Axl Rose. Dicho esto, y puesto que apenas quedan unos días para que se consolide la pseudo reunión de Guns N’ Roses con Axl, Slash, Duff y Dizzy Reed, me apetece hablar del cabrón del pelirrojo… una vez más. Y digo una vez más porque llevo 15 años especulando, cotilleando, imaginando y parafraseando a este paleto de Indiana que consiguió convertirse en el último rockstar de la tierra en un tiempo récord. También la prensa sigue haciéndose eco de cualquier anécdota que tenga que ver con él, sea una foto, un rumor o un tweet cutre. En la época post Illusions, y mediante curiosas tretas, Rose consiguió quedarse con la marca de Guns N’ Roses, y a pesar de partir peras con los miembros originales, continuó tocando con distintos mercenarios, entre ellos Buckethead, Robin Finck o Tommy Stinson, bajo

el nombre del grupo que llegó a dominar el mundo gracias a su debut Appetite For Destruction. Es más, con dos cojones, en 2008 editó el polémico Chinese Democracy, en el que dejó claro que le importaban un bledo sus viejos compañeros y que él es Guns N’ Roses. Y esto es lo fascinante de Axl Rose, que va a contracorriente, sigue siendo impredecible, y hace lo que le da la gana cuando le da la gana. La gente se mofa porque está gordo, lleva botox hasta en las orejas, y por sus looks de príncipe gitano. ¿Creéis que esto le afecta? ¡Ja! Ahora ha decidido juntarse con unos cuantos miembros originales, “former”, que dice él, manteniendo parte del lineup de los últimos años, y con su soberbia y egocentrismo habitual, conceder este deseo al mundo. Ni promos, ni entrevistas, ni fotos, ni declaraciones. Ésta es la reunión más loca e insostenible de la historia, y nadie puede augurar cuánto durará. Sólo hay una cosa clara: TODO depende de W.A.R.. ¡Qué enormidad! (TOI BROWNSTONE)

aire... incluso mi nombre ha sido uno de los sugeridos. Aunque me siento halagado

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es el disco Powerage de AC/DC. A estas alturas todos hemos oído las noticias de que Brian Johnson ha sido despedido como cantante de AC/ DC por Angus Young debido a sus recientes problemas de oído. Dado que Johnson ha comentado a la prensa que sus problemas no eran suficientemente graves como para que le dieran el finiquito, el mundo del rock’n’roll está en estado de shock. Para complicar más las cosas, Angus ha apuntado que está abierto a que el grupo siga adelante con uno o varios cantantes. Esto ha abierto la caja de Pandora y han empezado a llover recomendaciones por tierra, mar y 24

por ello, y me resultaría imposible rechazar el trabajo si me lo ofrecieran, creo que hay otros cantantes que lo merecen incluso más y que están por delante de mí (Angry Anderson de Rose Tattoo y Joel O’Keefe de Airbourne son los primeros que me vienen a la cabeza). Aunque mi apuesta sería Marc Storace de Krokus. Pase lo que pase, todas estas noticias me han conducido a recuperar la discografía de AC/DC. Y dado que escribo esta columna, me ha llevado a preguntarme cuál sería el álbum que incluiría en mi Hall Of Fame... ¡¡Y el elegido es Powerage!! Editado en 1978, Powerage es para mí la culminación de lo que apuntaban en Let There Be Rock. Sé que Highway To Hell y Back In Black son los clásicos indiscutibles y son vistos mayoritariamente como sus mejores discos, pero Powerage es el álbum más consistente y con más pelotas de todo su catálogo.

Por desgracia, cada canción del álbum ha sido permanentemente eclipsada por sus mayores hits, pero el primer corte, ‘Rock N’ Roll Damnation’, es un himno para todo el género, tan poderoso como para levantar a las masas. De igual modo, temas como ‘Downpayment Blues’ son la máxima expresión de lo que es la experiencia del rock’n’roll. Y además, mi canción favorita de todas mis canciones favoritas de AC/

DC, ‘Gone Shootin’’, también está en este disco. Para acabar, un poco de autobombo. El año pasado Angus y Cliff Williams hicieron un chat online con los fans en Reddit y alguien les preguntó qué bandas actuales les gustaban. Angus nos mencionó y fue, para decirlo en plata, el máximo honor. ¡¡Eso, queridos lectores, es el máximo Powerage!! Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> ARLO INTERPRETAN ‘VIATJANT LLEUGER’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

esde Lleida nos llega el debut homónimo de Arlo, una banda con algunas características poco habituales. La primera es el rango de edad de sus componentes, Xavi Roma (voz, guitarra), David Hurtado (guitarra), Quim Ramon (bajo), Jaume Piqué (batería) y Dídac París (batería, percusión), una mezcla de músicos veteranos con experiencia en grupos como Primavera Negra o Rosas Rojas con otros para los cuales ésta es su primera experiencia a este nivel. La semilla de todo esto fue otra banda, Crazy Notes, en la que coincidieron Xavi, Quim y Jaume, con la que grabaron un disco de versiones de Neil Young adaptadas al catalán. “Cogimos muy buen rollo y luego empezamos a hacer temas propios”, nos dice Xavi. “Nos montamos un estudio y seguimos tocando y grabando a otros artistas, pero teníamos el gusanillo de montar una banda y llamamos a Dídac, que también había estado en los directos de Crazy Notes. De ahí

salió la idea de trabajar con dos baterías. Buscábamos un guitarrista que nos diera un sonido más americano y descubrimos a David, que fue todo un hallazgo”. La segunda peculiaridad es, como habéis leído, que cuentan con dos baterías, con la gracia especial de que Jaume fue el profesor de Dídac cuando éste empezó a tocar. “Nosotros lo vemos más bien como una batería a cuatro manos”, explica el propio Jaume. “Te da muchas más posibilidades. Llevamos tocando juntos casi veinte años, así que con una sola mirada ya sabes lo que tienes que hacer, no nos cuesta nada”. Otra singularidad del grupo es la mezcla de influencias, dado que en sus canciones se aprecian ecos tanto de los grandes clásicos americanos como del rock español al estilo de Enemigos o 091. “Obviamente nos gustaNeil Young, y también Ben Harper, Tom Petty, Wilco”, cuenta Xavi. “Con mi anterior banda, Rosas Rojas, tocamos con Enemigos y también coexistimos con 091; supongo

que todos mamábamos de los mismos referentes, Burning, Leño… A mí me parece un halago que nos comparen con ellos”. Por último, quizá lo más llamativo de su debut sea que encontremos temas tanto en castellano como en catalán. Si bien el bilingüismo es algo totalmente habitual en la calle, no lo es para nada en trabajos artísticos. Curiosamente, además, los temas más rockeros están en castellano y los más tranquilos en catalán. ¿Será que la música determina el idioma? “Los temas en catalán salieron después de Crazy Notes y estábamos en ese rollo más acústico”, explica Xavi. “Quizá sí cuando pones la voz más cañera te lleva más al castellano, pero no es algo buscado. Salió así. Mucha gente nos pregunta si cantar en dos idiomas es para abrirnos más puertas, pero más bien te las puede cerrar porque los sectores más conservadores de cada lado son muy bordes. Es triste. Es un trauma que todavía no está superado, no por los medios y las instituciones”.

DEFTONES

EN EL FILO DE LA N AV A J A

SI ALGO BUENO SE PUEDE DECIR DEL TRÁGICO SUCESO QUE PROVOCÓ EL COMA Y POSTERIOR FALLECIMIENTO DEL BAJISTA CHI CHENG, ES QUE AYUDÓ A QUE LA ETERNA TENSIÓN ENTRE LOS MIEMBROS DE DEFTONES, ESPECIALMENTE ENTRE CHINO MORENO Y STEPHEN CARPENTER, SE APACIGUASE. PERO TRAS UNA TEMPORADA CON EL HACHA DE GUERRA ENTERRADA, PARECE QUE LOS PROBLEMAS HAN REGRESADO AL SENO DE LOS DE SACRAMENTO... EL CULPABLE NO ES OTRO QUE SU ESTUPENDO NUEVO TRABAJO, GORE. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

AY QUIEN DICE que hasta de las experiencias más trágicas que uno pueda llegar a sufrir en la vida, siempre se pueden obtener cosas positivas, o incluso que las mismas den pie a situaciones mejores. Es probable que suene retorcido decirlo así, pero el accidente que sufrió el bajista Chi Cheng en noviembre de 2008 y que le mantuvo en coma hasta su fallecimiento en abril de 2013, marcó claramente un punto de inflexión en la carrera de Deftones, apaciguando de alguna manera las constantes disputas entre sus dos principales cabecillas, el cantante Chino Moreno y el guitarrista Stephen Carpenter. Dichas tensiones comenzaron a surgir durante la creación del icónico White Pony, el álbum que les hizo desmarcarse por completo de toda la oleada nu metal de la que habían sido pioneros junto a Korn, Limp Bizkit e Incubus. Las ganas de Chino por llevar a la banda hacia terrenos más experimentales chocaban frontalmente con la visión de Carpenter, encargado de la parte más dura de su sonido. A pesar del éxito de su tercer disco, la siempre difícil relación entre ambas partes se mantuvo en posteriores lanzamientos como su álbum homónimo y Saturday Night Wrist, más oscuros, densos y complejos, pero de un nivel igualmente notable. No fue hasta el mencionado accidente de Cheng que los ánimos en Deftones se relajaron considerablemente, provocando la entrada del exbajista de Quicksand Sergio Vega (el resto de alineación la completan el batería Abe Cunningham y el teclista y programador Frank Delgado), dando lugar a otros dos discos más luminosos e inspirados, 30

Diamond Eyes y muy especialmente Koi No Yokan, el cual algunos ya se atreven a situar como una de sus mejores obras en años. Entre medias quedó Eros, otro trabajo con material inédito e inacabado que de momento permanece en stand by, a la espera de ver el momento adecuado para su liberación. Cuatro largos años han pasado desde aquello, y como suele ocurrir, la expectación por poder escuchar el siguiente movimiento de los de Sacramento es altísima. Más aún después de que el pasado otoño su octavo LP sufriese un retraso motivado porque las mezclas aún no habían sido finalizadas en el plazo previsto. Justo por aquel entonces ocurrió la ola de atentados que aterrorizó París la noche del 13 de noviembre del año pasado. Deftones se vieron relacionados de manera indirecta al estar algunos de sus miembros en la sala Bataclan, donde tuvo lugar el concierto de Eagles Of Death Metal -y el propio quinteto californiano debía actuar justo al día siguiente-, minutos antes de que irrumpieran los terroristas dentro del recinto. El resto de las fechas del tour fueron canceladas, a la espera de poder regresar este próximo verano. Finalmente, a comienzos de febrero, se anunció que el nuevo álbum llevaría por título Gore (Reprise), y que estaría en la calle el 8 de abril. Hasta ahí todo correcto, aunque en una reciente entrevista concedida a Ultimate Guitar, Stepehen Carpenter desvelaba que su participación esta vez había sido menos notoria que en anteriores ocasiones, reconociendo sentirse cada vez más desplazado del resto de su compañeros e incluso llegando a especular con un posible abandono en el futuro. Algo que me llama

la atención mientras me encuentro en casa escuchando el enlace al álbum que nos ha facilitado la discográfica, ya que el equilibrio entre riffs rotundos y las atmosféricas melodías de Chino continúan siendo el motor de su música. Justo en el instante que finaliza ‘Rubicon’, el último corte, me llega la llamada que me pondrá en contacto con Frank Delgado, quien se encargará de responder a mi cuestionario, aunque de una manera más escueta de lo que me hubiera gustado. Aún queda un mes para que Gore salga la calle. ¿Cómo te sientes antes del lanzamiento del disco? Ya es el octavo que sacáis y no sé si a estas alturas todavía os sigue resultando igual de emocionante que antes publicar un nuevo trabajo... FRANK DELGADO “La verdad es que sí que estoy excitado con la publicación del disco. Puedo decirte que todos en el grupo están igual de emocionados. Es una buena sensación cuando estás trabajando en algo, te sientes orgulloso de ello y quieres presentárselo al resto del mundo y salir a tocar. Sí, estamos muy contentos. Creo que hemos hecho un gran álbum y tenemos muchas ganas de empezar a girar de nuevo para tocar estas canciones”. Habéis tardado cuatro años en sacar nuevo material. Es el mayor lapso de tiempo entre uno de vuestros álbumes junto al que hubo entre Saturday Night Wrist y Diamond Eyes. ¿Cuáles son los verdaderos motivos por los que os habéis tomado tanto tiempo?

“NO HAY DÍA EN EL QUE NO PENSEMOS EN CHI. CUANDO HAS PASADO TANTO TIEMPO CON UNA PERSONA Y HAS VIVIDO TANTAS COSAS A SU LADO, DE ALGUNA MANERA SE QUEDA CONTIGO PARA SIEMPRE”

FRANK DELGADO

Y dime, ¿cómo fue el ambiente dentro del estudio en esta ocasión? “El mismo que otras veces. Siempre hemos hecho lo mismo en cada disco. Nos juntamos, compartimos y nos lanzamos ideas, las trabajamos... Algunas veces funcionan, otras no, otras nos llevan más tiempo. La verdad es que poco ha cambiado en todo este tiempo en ese sentido”.

“De hecho, creo que debe de ser el más largo, ahora que lo pienso. Bueno, nos tomamos nuestros tiempo. No nos queríamos apresurar ni nos pusimos una fecha tope para que el disco estuviese terminado. En los dos anteriores sí que nos marcamos una fecha límite a nivel creativo para nosotros mismos y poder acabarlos en un plazo determinado, pero con éste decidimos dividirnos y después volver a reunirnos durante dos semanas y media o tres en un pequeño estudio don-

de estuvimos haciendo jams, grabando demos, creando ideas... Entonces volvimos cada uno a casa por un par de semanas. Dimos unos cuantos conciertos y volvimos a trabajar juntos durante otras tres semanas. Estuvimos haciendo eso durante un año y medio más o menos, y luego pasó otro año y medio entre las vacaciones y otras cosas de agenda que teníamos. Creo que ése fue el tiempo que nos llevó tener todo el material listo para entrar a grabar”.

He tenido la oportunidad de escuchar el álbum hace tan sólo unos minutos... Creo que es muy bueno. Me parece una gran continuación de lo que ya hicisteis en Koi No Yokan, pero me gustaría que me describieses con tus propias palabras cómo suena Gore. “Creo que es una buena instantánea de donde estábamos en ese momento cuando lo hicimos. Eso es lo que suelen ser la mayoría de nuestros discos: un reflejo de cómo nos sentimos y de lo que nos pasa por la cabeza en cada momento. Como he dicho antes, este álbum nos ha permitido digerir mejor nuestras ideas y pensarlas un poco más porque no nos hemos apresurado. Pienso que es un trabajo mucho más inteligente y sofisticado. Me parece un disco muy bonito”. 31

“GORE ES UN TRABAJO MUCHO MÁS INTELIGENTE Y SOFISTICADO. ME PARECE UN DISCO MUY BONITO”

FRANK DELGADO

Ésta ha sido la primera vez que trabajabais con Matt Hyde como productor después de que lo hicieseis con Nick Raskulinecz en Diamond Eyes y Koi No Yokan. ¿Qué buscabais en él? Es un hombre que ha colaborado con bandas de un sonido muy duro y pesado como puedan ser Terror, Slayer, Monster Magnet, pero también lo ha hecho con otras más cercanas al pop como No Doubt. “Bueno, de hecho Matt hizo de ingeniero en Koi No Yokan junto a Nick. Cuando tuvimos que entrar a grabar pensamos en Matt porque nos gusta la manera en la que trabaja, como ya lo había hecho en Koi No Yokan. Así que nos resultaba muy cómodo dado cómo había funcionado en el anterior álbum”. 32

Hace un tiempo pudimos ver que por el estudio también se había pasado Jerry Cantrell de Alice In Chains para grabar algunas guitarras en el tema ‘Phantom Bride’, el cual me parece uno de los mejores de Gore... ¿Cómo fue tenerle en el estudio y trabajar con él? “Sí, fue increíble. Fue un gran día. Era uno de los últimos días que estábamos en el estudio, así que tuvimos algunos invitados, hicimos una barbacoa y estuvimos haciendo una pequeña fiesta. Vino, estuvimos probando esa canción un poco y así salió. Creo que se sintió muy contento cuando le pedimos que participara en ella. Es un gran amigo, y desde luego es una canción estupenda”. Sé que quizás estéis un poco

cansados de que os pregunten por ello, pero éste va a ser el primer álbum que saquéis después de que Chi Cheng falleciese. Puede sonar duro, pero ¿crees que todo lo que sucedió ayudó de alguna manera a relajar los ánimos que había en el grupo siempre que entrabais al estudio? “Tal vez. Diría que nos sentimos más aliviados de que ahora esté en un lugar mejor en vez de que esté en una situación intermedia. Pero siempre sentimos que su presencia está cerca. No hay día en el que no pensemos en Chi. Cuando has pasado tanto tiempo con una persona y has vivido tantas cosas a su lado, de alguna manera se queda contigo para siempre. Es imposible borrar algo así”.

¿Y qué hay sobre Eros? ¿Podemos esperar a que salga en un futuro próximo o todavía no os sentís preparados para sacarlo a la luz? “No lo sé, quizás. Primero deberíamos acabarlo, cosa que nunca terminamos de hacer. Creo que la gente se ha hecho una idea de que es un disco que mantenemos escondido en un caja fuerte o algo así (risas), pero la realidad es que ni siquiera está completado. Hay canciones que no tienen letra aún. Tendríamos que pensar en cómo acabarlo y la manera de sacarlo. A mí desde luego no me importaría. Creo que es algo que sin duda deberíamos revisar en algún momento”. Hace bien poco Stephen Carpenter declaró en una entrevista que no se sentía del todo cómodo con las nuevas canciones, ya que apenas había participado en ellas. Incluso especuló sobre la posibilidad de que pudiese abandonar el grupo en un futuro. ¿Qué tienes que decir sobre esto? “Eso pasa en todos los discos (risas). Así es como hacemos las canciones, ¿sabes? Te peleas, te ríes, dices tonterías... No es nada nuevo para nosotros”. ¿Así que no debemos preocuparnos? “No, no, qué va. Como te digo, ésa es la manera en la que siempre hemos hecho todos nuestros discos. Por alguna razón, hay gente que suele tener dificultades para ponerse de acuerdo con otras. Siempre habrá cosas en las que coincidan y otras en las que no, pero no es nada que no haya dicho

cuando está con nosotros otras veces, así que no es novedad”. OK, está bien saberlo. Cambiando de tema, el pasado mes de noviembre estuvisteis girando por Europa y fue entonces cuando ocurrieron los atentados de París. Algunos miembros de Deftones estuvisteis en la Bataclan minutos antes de que comenzase el concierto de Eagles Of Death Metal. No sé si tú te encontrabas allí... ¿Qué recuerdas de todo aquello? “Yo no estuve allí, pero sí Stephen. Él estaba en el concierto, pero se marchó pronto, por suerte. Todos estábamos en París porque teníamos programado tocar allí mismo al día siguiente. Fue una noche muy triste y dramática. No sabíamos lo que estaba sucediendo. Pero creo que debemos mirar hacia adelante y muy pronto estaremos tocando en el Download de París, así que tendremos la oportunidad de volver y tocar para nuestros fans”. Recientemente Jesse Hughes, cantante de Eagles Of Death Metal, hizo unas sorprendentes declaraciones sobre aquellos incidentes, afirmando que hasta que todo el mundo pudiese llevar armas nadie estaría realmente seguro. Personalmente no creo que sea una buena medida de seguridad permitir que la gente pueda llevar pistolas a un concierto... ¿Qué piensas al respecto? “Es complicado. No estoy aquí para discutir si la gente deber llevar armas o no. Pienso que tal vez sí debería

haber mejores medidas de seguridad para este tipo de eventos y que la gente estuviese más protegida”. La mayoría de vuestros fans consideran White Pony como vuestro gran clásico, y sin duda tu incorporación al grupo en aquel momento supongo que tuvo mucho que ver en que al final el álbum acabase con ese sonido tan especial. ¿Cómo fue entrar en Deftones por aquel entonces? ¿Crees que buscabais distanciaros por completo del resto de formaciones nu metal? “Bueno, el hecho de meter a otra persona en un grupo siempre hace que cambien las cosas, desde luego. Las canciones que escribimos en aquella época tenían mucho espacio que se podía llenar con otros sonidos. Creo que aprendimos a dejar que las canciones respirasen un poco más y fueran algo más dinámicas. Fue una buena época para nosotros porque no nos importaba nada ni teníamos miedo a seguir nuestro instinto. Por eso aquel disco fue tan genial, porque tuvimos la oportunidad de hacer lo que quisimos. No quiero decir que no lo hayamos hecho siempre, pero ese álbum fue totalmente inesperado para lo que la gente se había imaginado que éramos. White Pony nos supuso un empujón para creer en nosotros mismos, asumir riesgos y hacer lo que quisiéramos sin importar lo que la gente pensase que debíamos hacer”.

THE USED

BAJO LA DISTORSIÓN Y LOS GRITOS, EN LA MÚSICA DE THE USED SIEMPRE PALPITABA UN CORAZÓN LLENO DE EMOCIONES E INCLUSO POESÍA. ES JUSTAMENTE ESO LO QUE SACAN AL EXTERIOR DESENCHUFÁNDOSE EN SU NUEVO DISCO EN DIRECTO LIVE & ACOUSTIC AT THE PALACE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

USTO EN ESTOS DÍAS The Used se encuentran realizando una gira por Estados Unidos de lo más especial. Actuando dos noches consecutivas en cada ciudad para interpretar en su integridad sus dos primeros álbumes, el debut homónimo e In Love And Death, el grupo de Utah intenta reconectar con los fans que hicieron de ellos una de las bandas punteras del emo a principios de la pasada década. Puede parecer que sea demasiado pronto para un grupo como ellos jugar la

“ESCOGIMOS LAS CANCIONES contiene temas poco habituales como ‘Tunnel’, ‘Lunacy Fringe’ u ‘On My Own’. Para hablar de todo ello contactamos con Bert McCracken, aunque el vocalista estuvo algo parco en palabras. ¿De dónde surgió la idea de realizar un disco acústico? BERT MCCRACKEN “Vino de nosotros. Siempre habíamos querido hacer un disco especial con cuerdas, un coro góspel.... Creíamos que nuestras canciones se adaptarían muy bien a ese formato. Para nosotros era muy importante reflejar el lado más humano del grupo, dejando incluso los errores que pudiésemos cometer”. Más o menos, ¿cuánto tiempo os llevó prepararlo? “Estuvimos ensayando durante una semana. Eso fue todo”. Vaya, me parece muy poco tiempo... “Nos lo tomamos muy en serio, fue genial poder ensayar nueve horas al día con músicos tan buenos”.

baza de la nostalgia, pero teniendo en cuenta que el año pasado su guitarrista y fundador Quinn Allman abandonó el barco, no parece una mala opción para ganar tiempo y plantearse bien cuál debe ser su próximo paso. Quien quiera hacerse una idea de cómo son sus conciertos actuales puede hacerse con su nuevo álbum y DVD Live & Acoustic At The Palace (Hopeless), que el grupo grabó en directo el pasado octubre en Los Ángeles acompañado de un cuarteto de cuerda y coristas, y que

¿Cómo hicisteis la selección? Porque no os ceñisteis a vuestros temas más populares, sino que parece que elegisteis las canciones con más contenido emocional... “Exacto. Escogimos las canciones que mejor se adaptaban a una atmósfera acústica y las que tuvieran una vulnerabilidad más evidente. Que fueran las canciones emocionalmente más intensas”. ¿Y hubo algún tema que probarais y no funcionara bien?

QUE MEJOR SE ADAPTABAN A UNA ATMÓSFERA ACÚSTICA Y LAS QUE TUVIERAN UNA VULNERABILIDAD MÁS EVIDENTE. QUE FUERAN LAS CANCIONES EMOCIONALMENTE MÁS INTENSAS”

BERT MCCRACKEN

“No”. ¿Teníais algún disco acústico que tomarais como referente? En los 90 hubo grandes unpluggeds de Nirvana o Pearl Jam... “Queríamos mostrar otra cara de The Used. Hemos dado cientos de conciertos y esto era una oportunidad para mostrarnos de una manera tan abierta. Escuchamos algunos discos en directo de Eric Clapton, que nos inspiraron mucho, pero queríamos que fuera algo muy personal. Más que un unplugged queríamos que fuera más al estilo de Storytellers, donde habláramos un poco de la emoción detrás de cada canción y que la gente se involucrara”. Como cantante, ¿cómo encaraste el reto de exponerte tanto? “Ése era el objetivo. Ser vulnerable es algo bueno, exponerte, abrirte... es la manera de que todo el mundo se sienta partícipe. Es un recordatorio de que The Used es algo más grande que nosotros cuatro”. Hay una versión de ‘Imagine’ de John Lennon... ¿Por qué esta canción en particular? 35

THE USED

“NUNCA HA HABIDO UN AMBIENTE TAN POSITIVO Y HEMOS DISFRUTADO TANTO EN DIRECTO. CREO QUE HABÍAMOS PERDIDO ALGO DE ILUSIÓN Y LA HEMOS RECUPERADO”

“Es una canción muy hermosa y tiene un mensaje muy importante. El mundo está lleno de conflictos, así que imaginar un mundo sin separaciones, sin naciones, sin gobiernos, sin guerras, es algo bonito”. ¿Fueron los Beatles una de las primeras bandas que escuchaste? “Sí. Mi padre me descubrió a los Beatles cuando era pequeño. Me gustan los Beatles excepto por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr… Es broma”. Vale. Entre tema y tema hablas bastante con el público y mencionas la importancia que tienen tu mujer y tu hija en tu vida. ¿Te han cambiado mucho? “Por supuesto. Tener una hija te hace ser consciente de tu propia mortalidad y de que el mundo seguirá cuando ya no estés. Me ha cambiado mucho”. Cuando salió el primer disco de The Used hablaste mucho sobre lo mal que lo habías pasado en tu adolescencia y los problemas con tus padres. Ahora que lo eres tú, ¿les en-

tiendes un poco mejor? “Puede, pero la situación no tiene nada que ver. Mis padres eran distintos a como soy yo. Es una evolución de la mente humana. Creo que mi hija se está criando en un entorno más favorable para esa evolución”. ¿Sigues viviendo en Australia? “Sí, mi mujer y mi hija son de allí, así que vivo allí. Y de momento no supone un problema para el funcionamiento del grupo”. Dado que en la gira actual estáis repescando vuestro primer disco, ¿por qué crees que tuvo tanto éxito en su momento? “Ese álbum salió en un tiempo en el que se permitía que la música fuera más sincera y atrevida. Es un disco para la gente que considera que la música es su evangelio. Es un disco que hicimos cuando éramos suficientemente jóvenes como para soñar. Por eso creo que sigue vivo tantos años después”. Han pasado dos años desde vuestro último álbum de estudio, Imaginary Enemy. ¿Estás contento con la respuesta? “Sí. Creo que es el disco más impor-

BERT MCCRACKEN

tante que hemos hecho y el que tiene un mensaje más vital y esencial. La información y el conocimiento son poder”. El año pasado Justin Shekoski entró como guitarrista en el grupo sustituyendo a Quinn. ¿Cómo se está adaptando a la banda? “Justin ha traído mucha pasión al grupo y está muy inspirado por trabajar con nosotros. Me recuerda a los inicios del grupo. Nunca ha habido un ambiente tan positivo y hemos disfrutado tanto en directo. Creo que habíamos perdido algo de ilusión y la hemos recuperado. Estamos al principio de algo especial y el año que viene queremos grabar un nuevo álbum que lo refleje”. ¿Para cuándo lo esperamos, entonces? “Si todo va bien, antes del verano ya estará listo”.

CONAN

DECIBELIOS

BÁRBAROS

ANTE SU PRIMERA VISITA A ESPAÑA ESTE MISMO MES, IMPONÍA PONERSE EN CONTACTO CON JON DAVIS, EL HOMBRE DETRÁS DE CONAN. CON UN NOMBRE ASÍ Y ESAS PINTAS SOBRA DECIR QUE NO ESTAMOS ANTE LA ÚLTIMA SENSACIÓN DEL POP ELECTRÓNICO… TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

O HAY MUCHOS grupos que puedan presumir de haber mandado a cagar a Matt Pike de Sleep/High On Fire. Pero Conan lo hicieron li-teral-men-te. Contaba su líder Jon Davis en una entrevista de hace un par de años a la web Noisey cómo Pike le confesó que, cuando las dos bandas tocaron juntas en Oslo en 2012, tuvo que ir corriendo al baño de lo duro y graves que sonaban Conan. Puede parecer una broma, pero desde que se formaran en 2006 en el norte de Inglaterra, el objetivo de Davis ha sido el de tocar en la banda más ruidosa del mundo. Su sonido primitivo y cavernario les ha situado como una de las bandas punteras de la escena doom actual, y Davis ha contribuido a que ésta crezca a través de su sello Black Bow Records y su estudio de grabación Skyhammer Studios. Acompañado en la actualidad por Chris Fielding (bajo) y Rich Lewis (batería), Davis llegará el 22 de abril a Barcelona (Razzmatazz 3) y el 23 a Madrid (sala Caracol) para presentar Revengeance (Napalm Records), su tercer álbum, sin contar diversos splits y EPs. Aconsejamos, más que nunca, llevarse tapones… y papel de wáter.

Hola Jon. Si no me equivoco te estoy llamando a tu estudio. ¿Estás grabando a algún grupo? JON DAVIS “No, ahora mismo estamos en los ensayos para la nueva gira que pasará por España.

Nunca hemos tocado ahí antes, así que mola. Tocaremos en Barcelona y Madrid, que supongo que es donde hay más escena musical. Tenemos muchas ganas”. Entre la banda, el sello y tu estudio, ¿puedes vivir de la música? “Sí. Todo combinado me permite vivir de esto. También tengo una empresa de merchandising, me encargo de todo el merch de Conan online… También hago de tour manager para otros grupos, así que estoy muy ocupado, aunque gano menos que cuando tenía un trabajo normal (risas)”. ¿Qué hacías antes? “Llevaba el departamento de recursos humanos de una empresa. Antes estaba todo el día en una oficina, así que no era muy divertido. Y tampoco tenía mucho tiempo libre. No disfrutaba demasiado de mi vida”. ¿Te han servido tus conocimientos de recursos humanos para escoger a los miembros de Conan? “No, no (risas). El secreto es conocer a la gente adecuada para un grupo así”. Al igual que vuestros trabajos anteriores, Revengeance ha recibido muy buenas críticas. ¿Cuesta superarse cada vez más? “El objetivo en sí mismo no es su-

perarse, pero siempre esperas conseguirlo. Si tu nuevo disco no fuera mejor que el anterior, entonces ¿para qué lo ibas a publicar? Para este disco entramos en el estudio después del ciclo de Blood Eagle y nos apetecía escribir algo más pesado y variado. Queríamos que resultara más interesante para el oyente y creo que lo hemos conseguido. Estamos muy contentos con lo intenso que es el disco y lo dinámico que es. De verdad estamos muy emocionados con poder salir a tocarlo, porque por mucho que hables de la grabación, al final lo principal es tocarlo en directo. Al menos para mí”. Obviamente vuestra música no es para todos los oídos, es bastante exigente, pero por lo que dices, tenéis en cuenta ofrecer algo que pueda enganchar a la gente. ¿Esperas que vuestro público crezca? “Es algo que ha ido cambiando. Cuando empezamos éramos más egoístas en el sentido en el que no nos sentíamos parte de ninguna escena ni pensábamos que fuéramos a dar muchos conciertos. Pero cuando sacamos el primer disco nos empezaron a ofrecer conciertos en el Reino Unido y Europa. Creo que nuestro primer viaje a Europa fue en 2012, tocamos en Holanda en el festival Roadburn y algunos otros bolos, y poco a poco todo se empezó a volver más serio. Ya no era algo que hiciéramos sólo para nosotros, sino

que había expectativas y empezamos a disfrutar mucho con el hecho de salir de gira. Nos gustaba conducir de concierto a concierto y todo eso. Así que también empiezas a tener en cuenta que cuando te vean, también tiene que resultar divertido para los fans”. ¿De dónde sale ese deseo de hacer música lo más ruidosa posible? ¿Has temido alguna vez por tus oídos? “Nooo (risas). Muy al principio del grupo sólo queríamos hacer música simple y ruidosa al estilo de Fu Manchu o High On Fire, o Fudge Tunnel, que eran nuestras principales inspiraciones. El deseo era siempre tocar tan alto y fuerte como pudiésemos. Escribir buenas canciones, tocarlas tan bien como pudiéramos, disfrutar de las giras, e intentar atraer al máximo de gente. Y en ésas seguimos”. 40

¿Habéis llegado más lejos de lo que pensabais? “Sí porque no esperábamos nada. La primera vez que tocamos fuera de Liverpool fue toda una sorpresa. Fue en 2010. Luego nos pasó lo mismo cuando tocamos en Europa. Nos hemos convertido en unos road warriors, nos encanta estar en la carretera. Esperamos que podamos seguir adelante mucho tiempo”. Además ha coincidido con el crecimiento de la escena doom… “Cuando Conan empezamos en 2006 no existía el Temples Festival o el Desert Festival. El Roadburn creo que sí, pero no estoy seguro, ya que no lo conocía porque entonces no sabía nada de esta escena (risas). Creo que esta escena DIY se ha hecho muy grande, ahora es un negocio. Puedes montarte un festival y reunir a 1.500

personas con bandas del estilo. Eso está muy bien. Es bueno que la música no comercial llame el interés de la gente. Es algo de lo que sentirse feliz porque los fans de la música heavy tienen muchas opciones distintas, hay muchos festivales, conciertos pequeños y un montón de bandas tocando todo el tiempo. Desde luego la escena es mucho más grande. Yo tengo un sello discográfico y no paro de recibir maquetas de grupos doom o sludge. Es bastante abrumador la cantidad de bandas en activo y que muchas sean tan buenas”. ¿Pero no crees que puede llegar a un punto de saturación? Al final el doom y el sludge son estilos bastante limitados y muchos grupos acaban pareciéndose entre ellos. “Desde luego la escena puede

nos llevaron a Oslo para telonear a Sleep. Eso hace subir mucho tu currículum. High On Fire nos han pedido personalmente girar con ellos en más de una ocasión. No creo que sólo fuera por estar en el sitio adecuado en el momento adecuado, pero también tiene que ver”.

saturarse por la gran cantidad de grupos, pero también hay más oportunidades para que progresen. Aunque por otro lado la competencia es mayor para, por ejemplo, salir de gira con Sleep o High On Fire. Muchos grupos no pasan de editar una maqueta o un primer disco y puede resultar frustrante lo lento que es todo, pero hay que persistir. Por desgracia el éxito de un grupo es una cuestión de percepción, no tanto de calidad, así que cuando consigues que un grupo como Sleep o Yob se te lleven de gira todo cambia. Con Conan tuvimos suerte porque tenemos un sonido original. Cuando sacamos nuestro primer EP Horseback Battle Hammer, creo que nadie había escuchado algo igual. No había grupos con un sonido parecido, así que fue fácil llamar la atención. Pero soy modesto porque creo que también hemos tenido suerte. En 2012

¿Podrías intentar definir para ti qué hace que una canción doom sea buena? “Tiene que conmoverte. Tiene que tener algo de magia. Tiene que estar bien escrita. Hay algunos ingredientes básicos para que sea doom. Obviamente tiene que ser pesada y lenta. La cadena de acordes tiene que ser buena. La batería tiene que hacer algo interesante. Tiene que tener un buen flow. Pero es una pregunta difícil (risas). Creo que las bandas que destacan más son las que prestan más atención a los arreglos y a las letras. Creo que Conan lo hacemos y por eso destacamos entre otras bandas del género”. Todas las bandas doom tienen en un pedestal a Black Sabbath. Cuesta encontrar un estilo donde una sola banda haya tenido tanta influencia. “Creo que es por la mística que tienen. Quizá otras bandas pioneras de otros estilos no tengan ese aura. El momento en el que surgieron hizo de ellos como un barco fantasma navegando por los mares de la música. Son una leyenda. Ahora son otra cosa, obviamente, son bastante viejos, pero siguen siendo músicos geniales. Los vi tocando recientemente y estuvieron increíbles. Pero me hace preguntar lo buenos que debían ser en su plenitud, llenos de juventud.

“ANTES ESTABA TODO EL DÍA EN UNA OFICINA, ASÍ QUE NO ERA MUY DIVERTIDO. Y TAMPOCO TENÍA MUCHO TIEMPO LIBRE. NO DISFRUTABA

DEMASIADO DE MI VIDA”

JON DAVIS

Pero tienes razón, cuesta pensar en un grupo que generara todo un movimiento. Quizá Slayer en el thrash metal o Death en el death metal, pero no estaban solos. En el doom están Black Sabbath y quizá Trouble y Blue Cheer, y posteriormente Sleep”. Por último, tenía una curiosidad... ¿Alguna vez habéis tenido problemas legales por usar el nombre de Conan? “No. Al final Conan es sólo un nombre. Si nos llamáramos Conan El Bárbaro o Conan Destroyer seguro que tendríamos problemas. Pero Conan podría ser el nombre de cualquier persona. No escribimos letras sobre el personaje de cómic ni utilizamos ninguna de sus historias o dibujos, así que estamos tranquilos”. Pero el nombre lo cogisteis del personaje, ¿no? “Sí, pero también podríamos habernos llamado Krull porque fue una de las pelis que nos inspiró cuando hicimos los primeros temas. O Jason Y Los Argonautas. Las pelis de Conan me influenciaron, pero no basé el grupo en él”.

VV. AA.

The Bipolar Sessions #3 Editar un nuevo volumen de Bipolar ya se ha convertido en una tradición para nosotros de la que no queremos prescindir. Como es habitual estamos ante una selección de bandas, en este caso doce, versionando a otras tantas formaciones que han sido portada en nuestra revista, con los sorprendentes resultados de siempre.

RECORD STORE DAY NUESTRA SELECCIÓN 2016 COMO MEDIO OFICIAL DE ESTE EVENTO, DESDE ROCKZONE OS ANIMAMOS A QUE EL PRÓXIMO 16 DE ABRIL OS LANCÉIS A LA CALLE Y OS UNÁIS A LA FIESTA DEL RECORD STORE DAY. CON MÁS DE 400 TÍTULOS EDITADOS PARA ESTA EDICIÓN, ES FÁCIL MAREARSE... POR ESO OS OFRECEMOS DIEZ RECOMENDACIONES PARA HACEROS EL TRABAJO UN POCO MÁS SENCILLO.

THE BEE GEES/ FAITH NO MORE I Started A Joke

Éstas son las bizarradas que nos gustan del Record Store Day. Aquí tenemos un split single entre Faith No More y The Bee Gees. El tema en cuestión es ‘I Started A Joke’ de los segundos, y que Faith No More grabaron para la cara B de ‘Diggin The Grave’ en el 95. Ahora por fin están las dos canciones juntitas. 42

DEFTONES

LA DISPUTE

B Sides & Rarities

Tiny Dots

Por primera vez en vinilo (se editó en 2005) uno de los discos que más aprecian los fans de Deftones. Como bien indica su título, el álbum recoge las canciones que no aparecen en los álbumes oficiales de los de Sacramento. Un buen momento para volver a deleitarse con sus versiones de Sade o Jawbox ahora que publican ese esperado Gore.

Ese colectivo heterogéneo conocido como The Wave ha hecho mucho por la revalorización del vinilo, por lo que es lógico que hagan su aportación al RSD. Tiny Dots es un lanzamiento exclusivo de La Dispute y no es otra cosa que la banda sonora del documental que han lanzado bajo este mismo nombre. Post hardcore de la mayor calidad.

JAY REATARD

BCORE

Reediciones Pocos sellos estatales han hecho tanto por el vinilo como BCore. El sello barcelonés cada año se une a la fiesta del Record Store Day y esta vez lo hace con reediciones de lujo como el primer y tercer álbum (su primera referencia en castellano) de Stand Still o el mítico Borinot Borinot de Skatalà en vinilo, ¡y con los colores del Barça!

Blood Visions (10th Anniversary Reissue) Nunca es un mal momento para rememorar la figura de Jay Reatard, y menos si se trata de celebrar el décimo aniversario de Blood Visions, el que fue su álbum de debut. Para los que lo conozcan ya saben de lo que hablamos... El mejor disco de garage punk que ha salido en años. Así de simple.

IRON MAIDEN

Empire Of The Clouds El tema más largo nunca grabado por Iron Maiden, perteneciente a su último álbum The Book Of Souls, aparece en edición limitada para la ocasión. No cuesta pensar que los fans de Maiden se volverán locos ante esta epopeya épica que unos aman y otros odian por excesiva. Será un 12” y el tema estará divido entre ambas caras.

DAVID BOWIE

The Man Who Sold The World Era inevitable que David Bowie fuese homenajeado de alguna manera en este RSD. La canción elegida ha sido uno de sus temas más emblemáticos, ‘The Man Who Sold The World’, en una bonita edición en picture disc… aunque definitivamente éste no será el último disco póstumo que veremos de Bowie.

SUBLIME Jah Won’t Pay The Bills Esto sí que es un verdadero diamante en bruto. El primer lanzamiento oficial de Sublime reeditado a imagen y semejanza del original. Jah Won’t Pay The Bills fue editado en cassette en su momento y así es como lo vamos a tener en el RSD. Una tradición que se va asentando después de que Metallica la iniciara el año pasado. Es hora de recuperar ese Walkman lleno de polvo... Eso si no lo has vendido en Wallapop.

DR. CALYPSO Rarities

Gran colección de rarezas con una excelente portada y vinilo transparente de la cual se editarán tan sólo 500 copias. Una selección de rarezas, temas regrabados e incluso sintonías para televisión por fin recopiladas en un solo disco y explicado con todo lujo de detalles en el encarte interior.

CAMBIO CLIMATICO

OBSIDIAN KINGDOM

BAJO UN TÍTULO TAN EVOCATIVO COMO A YEAR WITH NO SUMMER, OBSIDIAN KINGDOM NOS ENTREGAN UN SEGUNDO ÁLBUM EN EL QUE REINVENTAN SU SONIDO PARA REFLEJAR LA INCERTIDUMBRE DEL INDIVIDUO ANTE UN MUNDO EN CONSTANTE CAMBIO. SI EL RIESGO MERECE UN PREMIO, LOS BARCELONESES APUNTAN MUY ALTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ESTHER SEGARRA

BSIDIAN KINGDOM podrían haber seguido el camino iniciado con su debut Mantiis en 2013, con el que se hicieron un hueco en la creciente escena del metal progresivo. Al fin y al cabo, el disco había llamado la atención del sello francés Season Of Mist, que lo reeditó a nivel internacional al año siguiente, y el grupo hizo sus primeras escapadas por territorio europeo. Sin embargo, la edición de un EP, Torn And Burnt, de orientación electrónica y algunas actuaciones bajo el epígrafe ‘drone set’, ya hacían intuir que los barceloneses no estaban dispuestos a dejarse etiquetar fácilmente. Y así ha sido. En un intenso proceso creativo durante el cual la formación se ha reestructurado, y que les llevó a Londres para grabar con Jaime Gómez Arellano (Paradise Lost, Ghost), Obsidian Kingdom han mutado hacia una especie de versión post apocalíptica de Radiohead, Pink Floyd y Nine Inch Nails. A Year With No Summer, en el que encontramos colaboraciones de Attila Csihar de Mayhem y Kristoffer Rygg de Ulver, los lanza hacia territorio desconocido. Este mes harán dos presentaciones en Madrid (el 9 en el Teatro Barceló acompañados de Trono De Sangre) y Barcelona (el 16 en la sala Apolo con Maud The Moth), en las que prometen un espectáculo renovado con un montón de material visual que han ido creando específicamente para este álbum.

Una vez transcrita la entrevista me doy cuenta de que, leídas, las respuestas de Rider G Omega (voz, guitarra) y Seerborn Ape Tot (sintetizadores, guitarra) pueden sonar algo altivas o pretenciosas, pero os aseguro que escuchándolas de su voz, más que eso, transmitían un tono didáctico. Es poco frecuente encontrarse con músicos que sepan articular tan bien su discurso, así que espero que si, por ejemplo, tocas en un grupo, tomes nota porque hay mucho de lo que aprender. ¿Podéis explicar un poco cómo se ha producido la reestructuración de la banda y qué influencia ha tenido en la dirección de A Year With No Summer? RIDER G OMEGA “Todo tiene que ver. Cuando acabamos el ciclo de Mantiis y durante el proceso de Torn And Burnt, que era un disco eminentemente electrónico, tomamos la decisión de que nuestra próxima aventura tenía que reflejar más nuestra manera de ver el mundo. En Mantiis había una narrativa que nos servía para vehicular esas emociones, pero las íbamos inoculando de manera bastante tangencial en este soporte pseudo literario. Al desaparecer eso vimos que teníamos que escribir canciones propiamente, ya no podíamos enfrentarnos a una hora y 45 minutos donde podía pasar de todo, cada canción tenía que aguantarse de manera autónoma, y además, nos interesaba que reflejara nuestra

pasión por la música de una manera más concreta que sólo poniendo cuatro sintetizadores. Con esta nueva perspectiva nos dimos cuenta de que todos nos sentíamos un poco convulsos y frustrados con el estado de las cosas a nuestro alrededor. Hay un contexto de gran descontento a nivel social, mucha tensión respecto a la adopción de las nuevas tecnologías y cómo afectan nuestra manera de relacionarnos, tanto a nivel familiar como interpersonal, como sentimental... Es algo totalmente nuevo, un poco violento y muy imprevisible. La colonización del mundo de internet todavía está en proceso y el resultado puede ser maravilloso o catastrófico, o las dos cosas a la vez, pero en general hay una gran inestabilidad a nuestro alrededor, nuestra situación económica, el compromiso respecto al grupo... todo era muy turbulento. Así que queríamos hablar claramente de lo que nos estaba pasando a nosotros, en el contexto de las ciudades, de la nueva civilización de las tecnologías de la información y la comunicación y evidentemente presentarlo de una manera poética y con la alegría que nos caracteriza (risas)”. No está mal. ¿Y a partir de ahí? RIDER G OMEGA “Entonces empezamos a trabajar en términos de sonido. Hemos incorporado recursos de batería sintetizada, que nos abre un nuevo universo de posibilidades. El sonido de los parches puede ser

cualquier cosa y eso se ve en el disco. El que los sintetizadores no fueran la única pieza electrónica nos ha llevado a mutar nuestro sonido. Ahora las guitarras, a través de artilugios como e-bows y pedales, suenan como una onda continua; en el disco se aprecia mucho que se pierde la instrumentación cristalina, es una compresión y dilatación de todo. Ya no es importante si el instrumento es una arpa o una marimba, o si estás afinando, porque es como una tromba que se te lleva por delante”. SEERBORN APE TOT “De hecho, con los teclados seguimos la misma política. Los teclados no podían ser orgánicos. Hemos eliminado todos los pianos, sólo hay 15 segundos de piano en todo el disco. Y también hay un Hammond de manera muy puntual. Todos los sonidos de teclados son muy electrónicos”. RIDER G OMEGA “Eventualmente esto es lo que provocó el cambio en la formación. Isam (Alegre) se fue porque no habíamos llegado tan lejos como nos habíamos propuesto durante estas conversaciones en cuanto a traspasar las barreras del rock’n’roll. Él quería hacer una ópera de electrónica pop, más en sintonía con lo que está escuchando. Pero a partir de ahí se produjo un efecto dominó y al final nos quedamos solos Jaime y yo. Y luego apareció Esteban. Lo milagroso de Esteban es que él es batería, pero nosotros necesitábamos un guitarrista (risas). Así que aprendió a tocar la guitarra para poder ocupar la plaza. Y ha sido él quien ha grabado A Year With No Summer, quien lo presentó en el ProgPower de Holanda, y después de irse Isam ha asumido la plaza de teclista. Pronto nos estrenaremos con esta formación”. 46

A Year With No Summer es un disco muy inquietante. No te acabas de sentir cómodo en ningún momento. ¿Cómo se hace para transmitir todo lo que habéis expuesto a través de sonidos? RIDER G OMEGA “La piedra angular de todo esto es la filosofía del drone. En realidad el drone es un estilo que proviene de la India y tiene muchos siglos de antigüedad. Consiste en que siempre hay un burdó, una nota continua que se mantiene durante toda la composición. Eso hace que a pesar de las alteraciones melódicas en las capas superiores provoque un efecto un poco soporífero porque todo el rato escuchas la misma vibración y eso hace que te relajes. Si coges una escala que esté en consonancia con la base todo va bien y te duermes, pero si empiezas a producir desarmonías, por un lado estás medio dormido pero por otro hay cosas que te alteran”. ¿Pero todo esto surge de una aplicación práctica de un conocimiento teórico o es algo que primero hacéis y luego me soltáis este rollo que lo justifica? RIDER G OMEGA “(Risas) A medias. Cuando has hecho tres canciones espontáneamente, jugando, te das cuenta de que hay un recurso que se va repitiendo. Y luego el resto de los temas sí los haces tomando este patrón de manera consciente. Hay una parte de análisis posterior, pero luego te sirves de ese criterio para acabar la obra. También el papel de Jaime (Gómez Arellano) ha sido comprender todas estas intenciones y aplicar su propio filtro. Nos dijo que si queríamos hacer eso teníamos que destacar mucho la base rítmica porque si no era un churro

gris que no se entendía y sin músculo. Eso hizo que el disco sea muy vibrante porque la base rítmica va galopando pero de fondo tienes una nebulosa que produce este efecto doble de dormirte e incomodarte. Las guitarras no se distinguen, están empastadas con el sintetizador y con la voz, que prácticamente tienes que intuir. Mantiis era un disco mucho más contrastado; éste es mucho más gris y maleable para que el oyente coja lo que quiera”. Ya en la gira de Mantiis y sobre todo con el EP electrónico se veía una intención de des-

“OBSIDIAN KINGDOM TIENE QUE SER MÁS QUE UN ESTILO O UN DISCO, TIENE QUE SER UNA FORMA DE ENTENDER LA REALIDAD” RIDER G OMEGA

marcaros de la escena del metal progresivo. Dar un paso así es arriesgado porque quizá a la gente que le gustaba Mantiis no le entre A Year With No Summer. ¿Habéis sopesado ese riesgo? RIDER G OMEGA “La voluntad era total. Para triunfar hay que arriesgar y merece la pena porque incluso, aunque fracases, el aprendizaje es muy superior a si sigues un camino ya trazado. Siempre debemos cuestionarnos la tradición, aunque luego decidamos qué parte nos interesa de ella. La participación de Attila y Kristoffer de Ulver

vienen a hablar de eso. Son como nuestra ancla. Tampoco podemos desmarcarnos tantísimo de lo que ya se ha hecho”. SEERBORN APE TOT “Precisamente ellos son dos artistas que se han desmarcado mucho de la tradición. No son sólo un ancla, sino una referencia. Tenerlos ha sido como un regalo para nosotros mismos”. RIDER G OMEGA “El papel de Attila en De Mysteriis Dom Sathanas fue súper vanguardista. Ahora se ve como uno de los pilares del black metal, pero en su momento poner voces operísticas era una locura. El

premio de los pioneros es mucho mayor. Y aún diría más, todo esto tiene que ver con el cambio de paradigma respecto la competencia de los individuos en el universo”. Te has quedado a gusto, ¿eh? (Risas). RIDER G OMEGA “Me explico. Veníamos de un sistema donde todo estaba tipificado. Había unos nichos de mercado, una plazas laborales que había que cubrir y todo el mundo se preparaba para satisfacer una maquinaria preexistente. Cuando esta maquinaria se ha hundido, sólo nos queda 47

“LA VISIÓN ROMÁNTICA DE QUE TIENES UNA PROPUESTA ARTÍSTICA Y ESO YA VALDRÁ PARA TODO ES TOTALMENTE EQUIVOCADA. PARA MÍ LA COMERCIALIZACIÓN DE LA OBRA ARTÍSTICA FORMA PARTE DE LA PROPIA OBRA”

RIDER G OMEGA

nuestra aptitud y nuestro talento. Cuando me preguntabas sobre el riesgo, es que no nos quedaba mucha elección. La alternativa era quedarse en la mediocridad y la repetición. Ahora, en los currículums, ya no pones tanto tus competencias, sino tus aptitudes. No es lo que haces, sino lo que puedes llegar a hacer. Si podemos romper una lanza a favor de esto, lo seguiremos haciendo. Obsidian Kingdom tiene que ser más que un estilo o un disco, tiene que ser una forma de entender la realidad. Sé que suena muy pretencioso, pero por suerte o por desgracia nos encontramos en un clima y en un país donde no se potencia el talento. Hay muy poca cultura del riesgo”. Un gran problema de este país es que destacar está mal visto. Por ejemplo, en cuestión de imagen, a un grupo de fuera se le aceptan unas cosas que si hiciera uno de aquí dirías ‘vaya payasos’. Pero a nivel artístico tienes que poder destacar. RIDER G OMEGA “Desde el momento en el que el público nos está validando es que quizá está cambiando esta tendencia. Quizá estamos 48

haciendo de estandarte de una nueva manera de hacer las cosas y se van viendo cosas más atrevidas. El clima está cambiando”. SEERBORN APE TOT “Cuando compras Obsidian Kingdom compras el no saber lo que estás comprando (risas). Al final la seña de identidad es la manera de hacer las cosas. Somos muy abiertos y ni siquiera sabemos lo que haremos nosotros”. ¿La idea de trabajar con Jaime Gómez Arellano vino de vosotros o del sello? SEERBORN APE TOT “De los dos. Jaime está produciendo discos tan relevantes de la escena que todo el mundo habla de él. Nosotros mismos, cuando nos planteamos con quién grabar, salieron discos como el de Altar Of Plagues, el primero de Ghost, las remasters de Ulver, así que era un nombre que teníamos en mente. Pero al ir a hablar con la discográfica, ellos también tenían la idea de proponernos a Jaime. Y nuestro agente también. Así que no hubo ninguna duda. También lo que hace con su banda Messenger es muy interesante. Todo apuntaba a que sería una experiencia magnífica”. RIDER G OMEGA “Estuvimos prácticamente viviendo en el estudio durante 15 días en Londres trabajando codo con codo. Otra de las gracias es que tenías a mano un montón de instrumentos de una calidad que tú nunca te podrías permitir. Desde un Hammond original de los 60, que era una pieza de museo, a poder montarte el rig de guitarra de Billy Corgan que nos montó simplemente mirando su móvil en cinco minutos”. Retomando el tema de las

colaboraciones, ¿les disteis algunas pautas a seguir? RIDER G OMEGA “Les hicimos una propuesta abierta. Attila la ignoró completamente (risas). Hizo lo que le salió de los huevos, pero quedó de puta madre, y en cambio Kris siguió las pautas que le dimos... Pero en ambos casos el resultado ha sido magnífico”. Dejando de lado la parte artística, también tenéis clarísimo que un grupo es un proyecto empresarial, y que necesitas invertir para obtener resultados. Algo que todavía la mayoría de grupos ignoran o no quieren aceptar. ¿Es algo que teníais claro desde que empezasteis o que habéis ido aprendiendo? RIDER G OMEGA “Ambas cosas. La visión romántica de que tienes una propuesta artística y eso ya valdrá para todo es totalmente equivocada. Para mí la comercialización de la obra artística forma parte de la propia obra. Eso siempre lo he tenido claro, pero he ido aprendiendo porque yo venía de la cultura de ‘tú ves haciendo y alguien ya te descubrirá’. Al final vas hablando con gente de la industria y te das cuenta de cómo funcionan las cosas”. Es una ventaja de los grupos de fuera: eso lo tienen clarísimo desde el principio. RIDER G OMEGA “Tiene que ver con la falta de inversión en educación y cultura. Las artes siempre han sido muy despreciadas. Pero mi postura es la de buscar el máximo beneficio, y si lo que hago aquí no tiene la respuesta que me gustaría, el planeta es muy

OBSIDIAN KINGDOM grande. No digo que internet sea la solución de todo porque las barreras geográficas siguen existiendo, pero no es imposible desmarcarse e ir a buscar a la gente que te pueda favorecer”. De ahí a que estéis en un sello como Season Of Mist. ¿Cómo llegasteis a ellos? RIDER G OMEGA “La anécdota es muy divertida y creo que puede ayudar a otros grupos. Nuestro disco llegó a las manos del CEO de Season Of Mist y siguió el mismo protocolo que utiliza cualquier responsable de una discográfica. Ahí va el dato: si en 30 segundos, no hablo de una canción, ni de un estribillo, si en 30 segundos no has conseguido llamar su atención, vas a la basura. Con gran orgullo puedo decir que nuestro disco sonó no una vez, sino dos veces seguidas mientras iba en coche. El propio Michael nos dijo que cuando pasa eso, ve claro que hay algo y que quiere fichar al grupo. Además Season Of Mist también están en la línea de arriesgar y probar cosas nuevas con bandas como Sólstafir, Crippled Black Phoenix, Sinistro o Ne Obliviscaris, y nosotros cuadramos en esta nueva tendencia. Así que reeditaron el disco, pero es ahora con A Year With No Summer donde vemos realmente cómo funcionan. Es nuestra primera experiencia

con una discográfica grande, multinacional, con 27 empleados. Estamos satisfechos y de momento la promoción va muy bien. El hecho de que salgan reseñas antes de que haya salido el disco ya es importante. Es algo difícil de conseguir sin un departamento de prensa detrás”. Otra inversión importante que hicisteis fue la de girar por Europa con Sólstafir. ¿Cómo es la cruda realidad de abrir para un grupo ante un público que no os conoce? ¿Compensa? Supongo que curte mucho el carácter... RIDER G OMEGA “Sí (risas), pero también engancha. No es nada traumático. Es una experiencia única que no puedo comparar con nada. Es como echarse a la mar en la época de Moby Dick. Puedes llegar con aceite de ballena o naufragar, pero pase lo que pase te lo pasarás muy bien. Fue una muy buena gira. Viajábamos en un nightliner, tocábamos en salas con una buena capacidad, hubo diez sold outs, Sólstafir presentaban un disco de mucho éxito y era una oportunidad muy buena. Ellos ya han pasado la época de excesos y ahora trabajan de manera muy organizada. Dicho esto, la cruda realidad es que vas a trabajar durante un

mes con unos horarios criminales, alimentación simplemente decente, y con riesgos de accidentes, enfermedades y sin garantía de recuperar una inversión considerable. Y además, tienes que convencer a un público que no es el tuyo. Es un trabajo duro, muy disciplinado, casi militar. Esto, combinado con ocho horas en las que igual no puedes hacer nada porque no han llegado los técnicos, no hay wifi y las duchas no funcionan. Pero bueno, aprendes a meditar (risas)”. ¿Y en qué porcentaje dirías que os ganasteis a su público? RIDER G OMEGA “Muy elevado. Jugamos bien las cartas porque como telonero tienes muy poco tiempo, así que tienes que convencer a la gente muy rápidamente. Tienes que ser consciente de que sonarás mal porque no llevas tu técnico y que habrá poca gente, así que tienes que montarte un show que funcione sí o sí. Así que apostamos por la violencia. Normalmente si sales a destrozarlo todo en 30 minutos suele funcionar. Escogimos el repertorio más intenso y una puesta en escena muy gimnástica. Fuimos a buscar lo que podíamos controlar. Creo que la gente conectó bastante bien y hemos experimentado un mayor seguimiento. Esperemos que se vea reflejado en la gira que haremos como cabezas de cartel en mayo. Nos gustaría volver a hacer algún support en otoño y ya hay algunos nombres interesantes sobre la mesa, pero todavía es pronto”.

WEEZER

BEACH BOYZ

HA PASADO APENAS UN AÑO Y MEDIO DESDE QUE LA BANDA AFINCADA EN LOS ÁNGELES CONCRETARA SU ÚLTIMA RESURRECCIÓN CON EVERYTHING WILL BE ALRIGHT IN THE END. DESPUÉS DE RECUPERAR BUENA PARTE DEL CRÉDITO PERDIDO ENTRE CRÍTICOS Y FANS, RIVERS CUOMO Y LOS SUYOS SE ENFRENTAN AHORA AL RETO DE CONFIRMAR SU RETORNO A LAS ALTURAS LANZANDO UN DISCO MELANCÓLICO, LUMINOSO Y VERANIEGO DEDICADO A LOS BEACH BOYS Y A LAS PLAYAS DE CALIFORNIA. BIENVENIDOS AL DISCO BLANCO DE WEEZER. TEXTO: JOSE RUEDA FOTOS: DR

ER FAN DE WEEZER

consiste, entre otras muchas incoherencias, en intentar que cualquier persona que se cruce en tu camino acabe abrazando la fe y convirtiéndose en un nuevo apóstol de la banda. Con el tiempo, la evangelización se ha vuelto menos compleja, basta con abrir YouTube o Spotify en el smartphone del candidato y obligarle a escuchar alguna de las inconfundibles melodías perpetradas por Rivers Cuomo y compañía (particularmente efectiva resulta ‘Susanne’) para hacerle ver la luz. Pero antes, en los tiempos remotos, casi prehistóricos, en los que algunos empezamos a escuchar y proclamar las bondades de su primer disco, Weezer (1994), faltaban las palabras para explicar en qué consistía ese fenómeno que nos había vuelto locos. Había muchas maneras de contarlo, las melodías infecciosas, la distorsión de las guitarras, las referencias a los cómics y los ídolos del rock en sus letras... O su sonido, ese sonido único, reconocible y tan propio de los 90. Ese sonido que te hacía pensar en Nirvana tocando versiones de los Beach Boys o en los Beach Boys tocando versiones de Nirvana (mi analogía doble favorita). Aquellos eran y son dos de los referentes más importantes para Rivers y, esta semana, él mismo descolgaba el teléfono desde su casa en Los Ángeles para charlar con RockZone y aclarar, entre otras muchas cosas, de dónde viene ese sonido que ha acabado por convertirse en seña de identidad del grupo. “No creo que merezcamos mucho crédito por ese sonido Weezer. Todo lo que hacemos viene de alguien que ya 52

lo había hecho antes… En realidad estamos muy influenciados por los Beach Boys, los Beatles y muchos otros grandes artistas. Nosotros nos hemos limitado a combinar sus ideas de distintas maneras en nuestras canciones. Entiendo que para la gente joven que no está tan familiarizada con esos clásicos pueda parecer que nosotros hemos inventado este sonido, este estilo… Pero nosotros no nos sentimos así”, confiesa con cierta timidez. PELEADOS CON EL ÉXITO... La humildad con la que responde Cuomo no es una pose, es acuse de recibo. Para él fue particularmente desconcertante y doloroso comprobar cómo Everything Will Be Alright In The End (2014), su anterior trabajo y el disco de Weezer que mejores críticas ha obtenido en más de una década, se tenía que conformar con unas cifras de ventas entre regulares y bajas (sólo 100.000 ejemplares). Ahora mismo, Rivers parece un poco harto de buscar fórmulas para recuperar el éxito de otros tiempos... “Antes de lanzar un álbum siempre me siento muy positivo y optimista, siento que es lo mejor del mundo… Y entonces sacamos el disco y empiezan las críticas, y me siento dolido y triste, y me olvido del disco y empiezo a pensar inmediatamente en el próximo trabajo”. Desde luego, el tipo serio y algo cínico que encontramos al otro lado de la línea tiene poco que ver con el Rivers que habló con nosotros hace año y medio. Hay cierta ilusión en sus palabras, sí, pero vuelve a proyectar aquella incómoda inseguridad que le acompañaba en las épocas más oscuras del

grupo. Ni siquiera después del entusiasmo con el que los fans han recibido las cinco nuevas canciones que la propia banda ha ido filtrando parece dispuesto a dejarse llevar por el optimismo. “Es verdad que hay cinco canciones fuera y que los fans están contentos. Además, hemos dejado escuchar el disco entero a algunos de nuestros seguidores más exigentes y a ellos les encanta. Así que tengo los dedos cruzados, espero que funcione… Pero también queremos llegar a nuevos fans y eso es igual de difícil, y un objetivo completamente diferente. Espero que esta vez podamos cumplir con todo lo que nos hemos propuesto”. La manera en que enfatiza el “esta vez” no es accidental. Este nuevo álbum homónimo (el cuarto en su carrera) ha sido inmediatamente rebautizado con el color de la portada, The White Album, y como ya pasara con el azul, el verde y el rojo, la banda ha respetado la superstición de las diez canciones. Lo que sea necesario para volver a alcanzar el estatus que perdieron durante la última década. Llegar a nuevos fans es una ambición que obsesiona a Rivers desde los tiempos del inclasificable Raditude (2009), un álbum que en su afán por ser comercial y moderno acabó pareciendo una mala parodia del propio grupo. Afortunadamente, su otra gran ambición es contentar a aquellos que crecimos fascinados por sus dos primeros discos, y en The White Album esa idea ha tenido un peso específico gracias al trabajo del joven productor, Jake Sinclair. Más allá de sus créditos como ingeniero y productor en discos de artistas que sí son abrazados por un pú-

“ANTES DE LANZAR UN ÁLBUM SIEMPRE ME SIENTO MUY POSITIVO Y OPTIMISTA, SIENTO QUE ES LO MEJOR DEL MUNDO… Y ENTONCES SACAMOS EL DISCO Y EMPIEZAN LAS CRÍTICAS, Y ME SIENTO DOLIDO Y TRISTE”

RIVERS CUOMO

blico más joven y masivo como Fall Out Boy, Panic! At the Disco, 5 Seconds Of Summer o SIA, la elección de Sinclair llama la atención por su propio pasado con la banda. En primer lugar, Jake trabajó como ingeniero en un tema del mencionado Raditude; una razón para sospechar lo peor si no fuera porque, mientras Sinclair estaba en la universidad, él mismo capitaneó una banda tributo a Weezer llamada Wannabeezer. Es decir, Jake Sinclair es, además de productor, un fan absoluto de la banda. Conoce sus fortalezas y debilidades, sus aciertos y sus errores, y

hace apenas un año vio cómo su mayor sueño (producir un disco de sus ídolos) acababa convirtiéndose también en su mayor reto profesional (mantener o superar el nivel que Weezer habían demostrado en el estupendo Everything Will Be Alright In The End). LA REVANCHA DEL NOVATO Rivers es muy sincero al hablar de Sinclair: “Éramos bastante escépticos al principio con Jake porque, bueno, en primer lugar, él fue ingeniero de nuestro disco de 2009, Raditude. Por aquel entonces tenía unos 22

años, y era bastante callado y no parecía tener demasiada personalidad. Así que cuando empezamos a buscar productor para este nuevo disco y nuestro mánager nos lo sugirió, porque él también le llevaba la carrera a Jake, pues claro, lo veíamos con bastante escepticismo. Primero porque nos acordábamos de aquel chaval tan tímido, y segundo porque compartíamos mánager, no parecía algo casual, no parecía nuestra mejor opción… Pero decidí darle una oportunidad y hacerle una prueba volviendo a grabar la demo que acabaría convirtiéndose en ‘Ca53

lifornia Kids’. Y aquello sonaba tan bien… En serio, era sólo mi voz y mi guitarra, pero sonaba genial, era emocionante. Así que decidimos apostar por él y dejarle producir el álbum. Resulta que es un productor fantástico, ha crecido muchísimo desde que trabajamos juntos por primera vez, y tiene mucha confianza en sí mismo y en su propio criterio. Además, sabe perfectamente qué es lo que hace que Weezer sea una gran banda, y al mismo tiempo, sabe hacer un disco en el que tengamos un sonido moderno”. La ‘California Kids’ de la que habla Rivers es la canción que abre el disco, y a los fans más acérrimos de Cuomo les resultará muy familiar porque es una nueva versión de ‘California’, el tema que él mismo publicó en el último disco del proyecto paralelo en japonés que tiene junto a Scott Murphy (Allister). Al parecer, Sinclair trabajó con Rivers para darle un toque más melódico y melancólico a las estrofas y convertir ‘California Kids’ en un primer tema potente que marcase el tono del resto de la obra. La primera versión de esa canción figuraba junto a otras 234 demos que Rivers ha ido acumulando desde el año 2000 en un disco duro que Jake y él revisaron antes de empezar a componer para el nuevo disco. Según asegura el propio Cuomo, Sinclair no se dejó llevar por su condición de fan y se mostró particularmente exigente, tanto que de esas 234 demos decidió salvar sólo una. “Ha sido algo muy diferente a cualquier cosa que hayamos experimentado antes. Estamos acostumbrados a trabajar con gente como Ric Ocasek o Rick Rubin… Productores veteranos con mucha más experien54

cia y éxito que nosotros. Y ellos son, de alguna manera, un referente para nosotros a nivel profesional. Esta vez, con Jake, se han girado las tornas. Él es obviamente más joven que nosotros, más emocional, no tiene la diplomacia de los productores veteranos y, además, tiene opiniones muy firmes. En realidad le dimos bastante autoridad en esta situación. Le dimos la oportunidad de trabajar con cada uno de nosotros por separado, individualmente. Por ejemplo, podía pasar un par de días trabajando a solas con Brian, mano a mano, depurando y dando forma a sus partes de guitarra en las canciones. Y luego venían y me enseñaban en lo que habían estado trabajando, y en ese momento yo ya no tenía demasiado poder de decisión. Podía dar un par de ideas aquí o allá, pero esa parte de la canción ya estaba muy definida y trabajada. Me ha gustado mucho trabajar así, porque tengo la sensación de que de esta manera cada tema tiene muchas capas y cada uno ha podido incorporar a la canción su propia capa de personalidad, no está todo dirigido y orquestado por mí”. Ese aperturismo de Rivers con el resto de la banda es una de las mejores noticias del disco. En The White Album hay dos temas coescritos entre Cuomo y el guitarrista Brian Bell, ‘LA Girlz’ y ‘Endless Bummer’, que seguramente pasen a figurar entre lo mejor que haya publicado nunca el grupo. “Brian empezó a mandarme ideas para canciones y yo trabajaba en ellas e intentaba convertirlas en canciones completas… Al final del proceso de escritura, volvimos a escuchar todas las canciones para elegir las diez mejores, independientemen-

te de quién las hubiera escrito. Así que dos de sus canciones ganaron. No es porque yo quisiera que él estuviese en el disco como compositor específicamente, es sólo que eran dos de las mejores canciones. Y me siento muy orgulloso de él por eso, porque había muy buenas canciones para elegir y él logró colocar dos de las suyas ahí arriba”. Sea como fuera el proceso, damos una calurosa bienvenida a la versión más democrática de Rivers. LOS CHICOS DE LA PLAYA Aunque Weezer ya habían coqueteado con la idea de hacer un disco temático, recordemos la narrativa en bloques de Everything Will Be Alright

“AUNQUE ESTOY EN TINDER, QUE SE SUPONE QUE ES DIVERTIDO, PARA MÍ HA HABIDO MOMENTOS EN LOS QUE HA SIDO DOLOROSO… Y ME RESULTA SIEMPRE FÁCIL ESCRIBIR CANCIONES SOBRE ESAS COSAS” RIVERS CUOMO

In The End o los orígenes de Pinkerton, en principio una ópera rock de ciencia ficción llamada Songs From The Black Hole, aquí nos encontramos como el primer álbum deliberadamente conceptual de la banda: “Ése fue el primer paso que tomamos. Esta vez empezamos con el tema... Queríamos hacer nuestro propio álbum veraniego. Y fue muy útil tenerlo en mente mientras lo estábamos escribiendo, nos ayudó a encontrar inspiración para nuevas ideas y también nos ayudó a decidir cuáles de nuestras viejas ideas podíamos utilizar. Nos enfrentamos a montañas de viejas demos… Y la idea de todo esto fue de nuestro nuevo mánager. Lo primero que nos

dijo fue ‘tíos, tenéis que hacer un album playero’. Inmediatamente pensamos que era una gran idea, que era una de esas cosas que, de algún modo, son tan obvias que la habíamos pasado por alto. Tal vez porque estamos demasiado pegados a nosotros mismos como para darnos cuenta”. Animado por el joven productor del disco, Rivers se dejó la misma barba que llevaba en tiempos del Pinkerton, empezó a pasear por Venice Beach y Santa Mónica buscando inspiración y se dio de alta en Tinder de forma platónica (con la autorización expresa de su comprensiva mujer Kyoko) para rememorar la frustración y el rechazo de su adolescencia. “Sigo pensando que el dolor es

un poco más inspirador para mí y creo que, a pesar de todo el tema veraniego, hay dolor en este disco. Por ejemplo, aunque estoy en Tinder, que se supone que es divertido, para mí ha habido momentos en los que ha sido doloroso… Y me resulta siempre fácil escribir canciones sobre esas cosas”. En su cuenta, Rivers dejaba claro que no quería nada más que amistad y en las fotos aparecía sin sus icónicas gafas, de forma que tuvo que enfrentarse al exigente escrutinio de esa red social de citas casi desde el anonimato. Y como personaje anónimo, sin escudarse en su condición de estrella del rock, Cuomo experimentó un fracaso y una soledad absolutamente terrena55

“HAY DOS POLOS EN WEEZER, UNO ES EL DESEO DE TENER ESE SONIDO DE ROCK ALTERNATIVO DEL WEEZER DE LOS 90, Y LUEGO ESTÁ EL OTRO, EL QUE DICE QUE DEJEMOS ATRÁS ESE SONIDO, CREZCAMOS Y PROBEMOS COSAS NUEVAS” RIVERS CUOMO les que quedarían plasmados en la letra del primer single del disco, la extraña ‘Thank God For Girls’. Experimentos sociológicos aparte, Rivers preparó el disco recurriendo a una de sus bandas de referencia desde que dejó el heavy a principios de los 90 para enamorarse perdida e irremediablemente de las melodías: “Escucho muchísimo las radios de Spotify. Hice una emisora incluyendo la parte más psicodélica de la discografía de los Beach Boys, yo añadí Smile y Pet Sounds… Y entonces Spotify empezó a añadir otros artistas de esa época con un

sonido parecido, igual de raros y creativos”. Una influencia que se deja notar en muchos momentos de este White Album, sobre todo en la muy melancólica ‘(Girl We Got) A Good Thing’ y en la favorita de Rivers en el nuevo disco: “Creo que mi momento favorito es ‘Summer Elaine And Drunken Dori’. Es genial que haya un cambio de tono en el estribillo y otro en las estrofas, y que haya tantos cambios es algo que se supone que no debes hacer en una canción pop rock, especialmente en el siglo XXI. Pero lo hicimos y funcionó, y es muy sofisticada, y musical, y a

la vez, fácil de digerir”. ¿Y quiénes son estas dos chicas, Elaine y Dori, que a partir de ahora pasarán a engrosar la lista de honor de las chicas Weezer junto a Susanne, Miss Sweeney, Jamie y Lisa? “Elaine es la profesora del cole de mi hija. En el último día de curso había una fiesta y ella estaba bebiendo vino blanco con la madre de otra niña, Dori. Elaine llevaba un par de copas y le estaba contando a Dori que su marido tiene dos nombres para ella: ‘Schoolyear Elaine’ (Elaine durante el curso escolar), que está ansiosa y estresada, y ‘Summer Elaine’ (Elaine

UN FUTURO EN BLANCO Lo que queda claro al escuchar The White Album es que Rivers, además de rendir tributo a su querida California (“Para mí simboliza ese lugar donde está la auténtica oportunidad de conseguir triunfar como músico”), ha intentado plasmar esas dos ambiciones de las que hablábamos al principio: llegar a un nuevo público sin olvidar a los fans de la vieja escuela. “Hay dos polos en Weezer, uno es el deseo de tener ese sonido de rock alternativo del Weezer de los 90, y luego está el otro, el que dice que dejemos atrás ese sonido, crezcamos y probemos cosas nuevas. Creo que es importante que ambos polos estén representados en

WEEZER

veraniega), que es la versión divertida y relajada. Y Dori contrestaba divertida que a ella le ocurría lo mismo, que su marido tiene dos nombres para ella: ‘Stressed Out Dori’ (Dori la estresada), y ‘Drunken Dori’ (Dori la borracha), que es mucho más divertida. Así que me apunté esa historia como título para una canción”. Ellas estarán encantadas con el homenaje, pero no son las únicas con dedicatoria en el disco. En la que seguramente sea una de las dos o tres mejores canciones de Weezer desde mediados de los 90, ‘Do You Wanna Get High’, Cuomo rememora sus tiempos de adicción a las pastillas, desencuentros amorosos con la misma novia que inspiró ‘Oh, Girlfriend’ del Green Album (2001), y juergas nocturnas con Fred Durst de Limp Bizkit, como el propio Cuomo confiesa en las anotaciones a la canción que publicó recientemente en Genius.com.

el disco, y que ambos sonidos se estén impregnando mutuamente. Así es como se nos ocurrió grabar el White Album”. Un álbum sólido, brillante y extraño que la banda defenderá en directo con su primera gran gira en años: “Vamos a llevar una producción mucho más grande esta vez. Normalmente giramos sin apenas producción, pero esta vez creo que habrá mucha iluminación, explosiones y efectos especiales… Y creo que ha llegado el momento de cambiar algunas de las canciones clásicas, y puede que hagamos alguna en piano o en acústico, ese tipo de cosas. También creo que estaría genial hacer una canción con Panic! At The Disco”. El grupo de Brendon Urie acompañará a Weezer en Estados Unidos pero no cruzará el charco para tocar en las tres únicas fechas del grupo en el Viejo Continente: Manchester el 3 de abril, Londres el 5 de abril y Ámsterdam el 8 de este mismo mes. Porque, salvo que The White Album se convierta en un inesperado bombazo comercial, eso es lo que nos queda a los seguidores del grupo a este lado del Atlántico: algunas fechas sueltas en el marco de una gira mundial. Después de presentar este nuevo trabajo en directo por tres continen-

tes, Rivers promete ponerse a componer inmediatamente para su próximo disco (recientemente bromeó en el programa de Zane Lowe anunciando el reverso tenebroso del blanco, The Black Album) que, por supuesto y como es tradición en él, será una reacción a lo que suceda con éste. “Me gustaría escribir una canción con SIA... Y siempre he querido trabajar con Billy Joel”, afirma algo disperso un Rivers Cuomo que, por mucho que a algunos les pese, no tiene pensado volver a escribir un álbum sin recurrir a colaboraciones. Y, bueno, en realidad, llegados a este punto de su carrera y teniendo en cuenta los picos de brillantez que Weezer han vuelto a alcanzar en sus dos últimos trabajos, creo que ni yo ni nadie deberíamos atrevernos a discutirle(s) que siga(n) haciendo lo que le(s) dé la gana. Lo único que les pido ahora, y que les seguiré pidiendo hasta que se retiren, es que sean Weezer, que suenen a Weezer... Ya sabéis, Nirvana haciendo versiones de los Beach Boys, o los Beach Boys haciendo versiones de Nirvana.

MOONSORROW

SOBRE DIOSES Y HOMBRES

TRAS UNA LARGA ESPERA, MOONSORROW VUELVEN CON SU VERSIÓN MÁS PAGANA Y MONUMENTAL. UNA VUELTA A LAS RAÍCES EN TODA REGLA, PERO SI CREES QUE ESTOS ESCANDINAVOS SÓLO PIENSAN EN HIDROMIEL, THOR Y RUNAS NÓRDICAS, TE VAS A LLEVAR UNA BUENA SORPRESA AL COMPROBAR HASTA QUÉ PUNTO TOCAN DE PIES EN EL SUELO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR ERÍA UNA AUTÉNTICA injusticia que Moonsorrow trascendieran a los anales de la historia metálica como una mera banda más de folk metal o viking. A decir verdad, sería toda una muestra de analfabetismo musical, pues basta con escuchar cualquiera de sus obras para comprobar que aquí hay mucho más que pasión por su pasado norteño, disfraces o inspiración ancestral. Para mí, los de Helsinki tienen crédito para el resto de su carrera desde que en 2007 se salieran con una obra tan extraordinaria como V: Hävitetty, formada por dos majestuosos temas de media hora cada uno. Ahora Ville Sorvali (voz, bajo), Henri Sorvali (guitarra, teclados), Mitja Harvilahti (guitarra), Markus Eurén (teclados), Marko Tarvonen (batería) y su acompañante para los directos Janne Perttilä (guitarra) vuelven a los grandes retos, con un álbum que en cinco largos temas desgrana lo mejor que hay en su universo, que es una barbaridad. Black metal, naturaleza, coros espectaculares, deidades, pasajes sinfónicos… Y todo ello mirando al pasado, claro, pero extrayendo inteligentes lecturas totalmente extrapolables a nuestra era de superficialidad. Si con Varjoina Kuljemme Kuolleiden Maassa los fineses fueron hasta un futuro post apocalíptico para visualizar el fin de todo, con Jumalten Aika han comprobado que se puede llegar a las mismas conclusiones analizando cualquier periodo de la humanidad. Y es que, dada

nuestra inescrutable complejidad, siempre hemos sido nuestro propio enemigo, nuestro mayor depredador. Han pasado cinco años desde vuestro último trabajo… ¿Qué habéis estado haciendo? MITJA HARVILAHTI “No queríamos que nos tomara tanto tiempo, pero la vida te lanza todo tipo de obstáculos inesperados, la mayoría positivos, en nuestro caso… En primer lugar, necesitábamos un descanso ya sólo de girar y tomarnos un tiempo desde el álbum de 2011, y Henri empezó a trabajar en el nuevo disco de Finntroll. Algunos niños nacieron y eso nos sacó algo más de tiempo para componer. En 2013 empezamos a trabajar intensamente, pero tras un tiempo nos dimos cuenta de que no estábamos para nada satisfechos con el material, ¡así que decidimos volver a empezar desde cero por completo! Todo esto nos demoró mucho, pero afortunadamente tras un año lo sacamos adelante juntos y aquí estamos, finalmente con un nuevo y gran álbum de Moonsorrow. ¡No puedo estar más satisfecho!”. Si no recuerdo mal, vuestro último trabajo estaba centrado en la vida tras el fin del mundo, había algo así como un concepto apocalíptico y futurista en las letras… ¿Por qué decidisteis volver a la mitología nórdica en este nuevo disco? “(Suspira) Todos sentimos como que

era el momento de desenterrar las raíces de nuevo. Nos propusimos explotar el tema post apocalíptico por completo, hasta sus estertores, debido a que sentíamos que era una gran fuente de inspiración, pero era inevitable que eso nos condujera a dar un giro hacia otra parte. Ahora que lo pienso, recuerdo a Ville y Marko discutiendo acerca del enfoque mitológico hace ya mucho tiempo… Personalmente, estaba realmente ansioso por leer qué clase de mundo lírico crearía esta vez Ville, ¡pero él nos lo mantuvo oculto hasta el final!”. Jumalten Aika, la Era de los Dioses, marca ese retorno a vuestras temáticas paganas que comentábamos, ¿pero es un álbum conceptual? ¿Qué narra exactamente el disco? “Mmm… No es estrictamente una obra conceptual, pero la temática es una, por supuesto. Básicamente trata de la siempre presente hambre humana de creer, explicar y controlar. El álbum empieza en un momento en el que la gente empezó a crear historias, mitos, religiones y sistemas de creencias para explicar este mundo y para poner orden en sus vidas. No hay una línea que siga una historia, pero éste prosigue a través de más eventos ritualísticos y religiosos hacia las profundidades de la mente de un lunático. En la última canción la humanidad está dispuesta a venderlo todo, sus creencias y aquello que es sagra59

“EL “EL OBJETIVO OBJETIVO FUE FUE SIEMPRE SIEMPRE HACER HACER MÚSICA MÚSICA QUE QUE TUVIERA TUVIERA ALGO ALGO DE DE NUESTROS NUESTROS PRIMEROS PRIMEROS DISCOS, DISCOS, INCLUYENDO INCLUYENDO MÁS MÁS INSTRUMENTOS INSTRUMENTOS TRADICIONALES TRADICIONALES Y Y ELEMENTOS ELEMENTOS ACÚSTICOS” ACÚSTICOS” MITJA MITJA HARVILAHTI HARVILAHTI

do para ella, por una bolsa de oro. Hablando en un sentido figurado, claro… La codicia humana: ahí es donde termina todo”. Si vuestro anterior trabajo fue probablemente el más austero en cuanto a teclados y arreglos, en este nuevo la banda ha recuperado los coros, las atmósferas densas, el black metal agreste, el folk… Es mucho más Moonsorrow, para ser honestos. ¿Fue una decisión premeditada? ¿Qué puedes contarme sobre el tipo de sonido y canciones que buscabais? “Bien, buscábamos totalmente hacer cosas distintas a nuestros dos álbumes anteriores. Más conducción a base de riffs, canciones un poco más cortas con más giros y vueltas, y no el mismo tipo de arreglos que usamos en ese par de trabajos del pasado. El objetivo fue siempre hacer música que tuviera algo de nuestros primeros discos, incluyendo más instrumentos tradicionales y elementos acústicos, pero queríamos una producción más cruda. El sonido de batería y guitarra fue el factor más esencial para lograr eso. Me sorprendió muy positivamente cómo Henri logró mantener el paquete junto, ¡y se mezcló muy bien! Es decir, hemos tenido un montón de pistas de teclado y elementos melódicos en fuerte contraste con nuestro áspero sonido de guitarras y batería, pero se mezcló y produjo muy bien. Es realmente uniforme”. Llegados a este punto toca

preguntar por qué habéis producido el disco vosotros mismos… ¿Cómo lo recuerdas? “No hay necesidad de un productor externo ya. Tras Kivenkantaja hemos producido más o menos todo y las habilidades y visión de Henri están a un nivel en el que no necesitamos ninguna otra producción. No obstante, para lograr eso necesitamos ingenieros para registrar correctamente y realizar trabajo de premezcla. Hemos grabado y mezclado en cuatro estudios en total. Baterías y bajo en los Finnvox; guitarras, teclados, coros e instrumentos acústicos en los Sonic Pump de Helsinki. Las voces de Ville fueron grabadas en una cabaña en el bosque, como en el anterior disco. Una vez más hemos mezclado el álbum en Kemi. El Tico Tico Studio se ha trasladado a una nueva ubicación, 62

pero fue genial tener a Ahti Kortelainen ayudando a Henri en la mezcla. Las grabaciones fueron bastante bien, pero al final tuvimos que darnos algo de prisa porque había muchos instrumentos acústicos y éstos tienden a precisar mucho tiempo. Decidimos grabar las dos versiones, ‘Non Serviam’ de Rotting Christ y ‘Soulless’ de Grave, justo antes de entrar en el estudio, ¡pasamos un buen rato para establecer las partes acústicas al estilo griego en el estudio!”. ¿Cómo de importantes son bandas como Bathory, Ulver, Enslaved, Finntroll o Borknagar para comprender vuestro sonido? ¿Cómo descubristeis el black metal o todo eso del viking metal o el folk? “Bathory, Ulver y Enslaved tuvieron un

gran impacto sobre nosotros cuando éramos jóvenes. Yo personalmente descubrí Enslaved hacia el 93, cuando tenía 13 años, y me abrió los ojos sobre la utilización del folklore en el metal. Y los lenguajes nativos también. Bathory es quizás la mayor de las influencias para Henri. Finntroll, mmm… Es la otra banda de Henri y son súper buenos amigos nuestros, pero su música nunca ha tenido nada que ver con Moonsorrow, debido precisamente a que, por ese estrecho vínculo, hemos tenido cuidado de no sonar como ellos (risas). El primer álbum de Borknagar es muy bueno, pero no he escuchado demasiado sus posteriores obras… El término ‘viking metal’ ya estaba ahí a mediados de los 90, pero cuando lanzamos nuestro primer disco aún no había el folk metal como género”.

“BATHORY, ULVER Y Las dos últimas canciones de Jumalten Aika merecen una mención aparte. Estáis especializados en temas largos, V: Hävitetty o Tulimyrsky EP son los mejores ejemplos, pero esta vez un montón de cosas están ocurriendo en ‘Mimisbrunn’ y ‘Ihmisen Aika (Kumarrus Pimeyteen)’… Rápido black metal, fragmentos entre los bosques, coros épicos, teclados sinfónicos, guitarras acústicas… Cada minuto es como teletransportarse a los tiempos antiguos. “¡Sí! A pesar de que son canciones largas, estuvimos lejos del tipo de composición que utilizamos en V: Hävitetty. No hemos construido las canciones lentamente hacia proporciones épicas, pero todo el tiempo hemos dejado una puerta abierta para cambios y partes variables. Fue complicado de enriquecer, y de hecho los arreglos necesitaron la mayor parte del tiempo de este álbum. Al tener un sinfín de posibilidades nos costó poner las canciones juntas en comparación con una escritura de Moonsorrow más racionalizada. Esas dos canciones son muy complejas y estoy seguro de que abren al oyente hacia múltiples escuchas, cuando la primera y la tercera son más fáciles de digerir”. Ya estáis acostumbrados a entrar en las listas de Finlandia cada vez que sacáis un nuevo álbum… ¿Cuál es vuestro nivel de popularidad allí? ¿Qué ocurre cuando Moonsorrow tocan en su ciudad? “(Risas) Ésa es una buena pregunta… ¡Ha pasado tanto tiempo desde el

anterior álbum que tengo mucha curiosidad por ver qué ocurre! Lo que viene a ser shows por Helsinki, por lo general los contamos más o menos por sold outs. Nunca espero nada, pero hemos tenido respuestas muy entusiastas en nuestra ciudad natal. Tratamos de no tocar mucho por aquí para que los shows tengan un sentimiento especial para ellos, para que tanto el público como la banda tenga la máxima expectación y entusiasmo posible”. Éste es vuestro primer disco con Century Media. ¿Qué ha ocurrido con Spinefarm Records? ¿Por qué os decidisteis por Century? “Hemos estado con Spinefarm durante mucho tiempo, y aunque muchas cosas funcionaron bien con ellos, hubo algunos cambios que nos hicieron querer otra cosa. Century Media se convirtieron rápidamente en nuestra elección favorita, y lo fueron porque vimos claro que esta gente no está aquí sólo por el negocio; son verdaderos amantes de la música. Ya hemos visto suficientes fríos hombres de negocios en la industria… Gente que nos vino a hablar y sólo lo hizo sobre números. Estamos creando arte, no tratando de vender madera o algo así…”. Vuestra última gira por mi país fue con Týr, y ahora vais a volver con Korpiklaani. Bien, mola, pero desde mi punto de vista vuestro metal está más cerca del black que del folk, bastante alejado del metal festivo de esta clase de grupos. Kampfar, Helheim, Helrunar, Primordial, por

ENSLAVED TUVIERON UN GRAN IMPACTO SOBRE NOSOTROS. DESCUBRÍ ENSLAVED HACIA EL 93, CUANDO TENÍA 13 AÑOS, Y ME ABRIÓ LOS OJOS SOBRE LA UTILIZACIÓN DEL FOLKLORE EN EL METAL” MITJA HARVILAHTI ejemplo, podrían ser mejores elecciones para que conectaseis con vuestra audiencia natural en directo. ¿Qué opinas de ello? “Muchas de estas bandas sólo pueden girar en determinados periodos del año. Korpiklaani es una banda con la que resulta muy fácil girar, y cuando nos hicieron una oferta no nos pudimos negar. Tenemos un tiempo largo de show durante el tour, por lo que nuestros fans verán recompensado el precio del ticket incluso si ellos no están interesados en el toque feliz de Korpiklaani. A nivel personal hemos perdido un poco el contacto con estos chicos, así que será agradable volver a la carretera con ellos. Están locos, son peña totalmente zumbada”. Moonsorrow con Wardruna sería el mejor tour pagano de todos los tiempos, ¿no? “¡Hey, es cierto! ¡Ésa sería una gira que realmente patearía culos!”.

KAOTIKO

A QUEMARROPA

BIEN ENTRADOS EN SU SEGUNDA DÉCADA COMO GRUPO, KAOTIKO NOS ENTREGAN EL QUE POSIBLEMENTE SEA SU DISCO MÁS COMPLETO. EN SINDICATO DEL CRIMEN ENDURECEN LAS GUITARRAS SIN RENUNCIAR A SUS MELODÍAS PUNK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S POSIBLE QUE DENTRO del panorama del rock estatal, Kaotiko no cuenten con el mismo reconocimiento de otras bandas afines. Pero, quizá sin hacer tanto ruido, los de Salvatierra amasan ya una discografía a tener en cuenta. Sindicato Del Crimen (Maldito) es su séptimo álbum de estudio y, aunque aparece con la misma modestia que siempre les ha caracterizado, sin duda es un trabajo del que Jhony (voz), Aguayiko (guitarra), Aguayo (guitarra), Mortx (bajo) y Xabi (batería) pueden sentirse orgullosos y que, quién sabe, podría captar la atención de aquellos fans de Bad Religion o Pennywise que todavía tienen reparos a escuchar bandas que tienen mucho más cerca. Siguiendo su tradición de contar con colaboraciones externas, en Sindicato Del Crimen encontramos las de Peón Kurtz y César Strawberry (Def Con Dos) en ‘A Quemarropa’ y las de Hodei (Arkada Social), Magu y Sala (Potes/Dirty Brothers) en ‘Inteligencia Artificial’ y ‘Vergüenza’. A principios de febrero nos encontrábamos con Jhony y Xabi en un céntrico hotel de Barcelona para que nos contasen los pormenores de su nueva obra, aunque antes empezamos hablando de la actualidad política.

Ayer salió Otegi de la cárcel. ¿Qué opináis de su caso? XABI “Los que vivimos ahí ya sabemos lo que hay. Lo que es raro es que una persona esté encarcelada seis años por defender unas ideas. Así que estamos contentos con que esté en la calle, pero hay otras tantas que también deberían estarlo. Lo vemos con positivismo, pero tiene que ser algo que vaya a más”.

Y en general, ¿cómo veis el inicio de la nueva investidura? JHONY “Está bien que se empiece a mover alguna silla. Gracias a internet ahora salta la liebre más rápido y obliga a que los que estaban viviendo del cuento despreocupados se tengan que atar los machos. Yo creo que, haya el cambio que haya, como mínimo de unos años hacia aquí los puntos de vista han cambiado”. XABI “La aparición de nuevos partidos al menos aporta variedad, aunque yo de los políticos no me creo nada. Ya se verá”.

pensando unos días. Así como con la prostitución la mayor parte de la gente tiene clarísima la explotación que hay detrás, con el tema de la droga somos bastante irresponsables y lo banalizamos, cuando detrás hay las mismas mafias. XABI “Tienes razón, si te pones a pensar no deberíamos consumir drogas ilegales, porque mucho del dinero que hay detrás al final va a parar a manos de los corruptos o del sistema que estás criticando. Le das dinero a lo que estás criticando. Parece políticamente incorrecto, pero al final en la vida te contradices. Es jodido”.

Os preguntaba esto porque sois un grupo con dos facetas y en este último disco también quedan reflejadas. Por un lado hay temas muy de fiesta y por otro, temas más serios. En general se ven como aspectos muy diferentes, pero al final las personas somos así: puedes estar muy interesado en un tema social, pero esa misma noche pegarte la fiesta de tu vida. JHONY “Para nosotros los conciertos de rock o de punk son para olvidarte de los problemas del día a día. Nos gusta reivindicar y a la vez estar de fiesta. Los Ramones escribían canciones de amor también. Por dónde vivimos nos sentimos responsables de hacer crítica”. XABI “El rock’n’roll siempre ha estado unido a la reivindicación. Nosotros escribimos lo que tenemos alrededor. Nos podemos ir de fiesta, pero queremos mandar un mensaje también”.

¿Existe un comienzo oficial de cuándo os ponéis a trabajar en un disco o simplemente vais escribiendo y cuando tenéis suficientes temas los grabáis? XABI “Somos un poco atípicos. Cada uno va componiendo en su casa ideas, bases, y luego lo vamos juntando en el local. Cuando vemos que tenemos algo un poco evolucionado nos ponemos una fecha para así meternos presión a nosotros mismos, porque si no somos bastante vaguetes (risas). Esta vez han sido tres años, y creo que hemos dado en el clavo en la forma de trabajar. A raíz de que cada uno tiene su vida, con hijos y otras responsabilidades, cuesta quedar más en el local y además en medio fuimos haciendo la gira de E.H. Calling. Fue duro, pero al final la satisfacción ha sido doble porque nos ha salido un trabajo de la leche y encima hemos estado tocando, que es lo que nos gusta”.

Hablando de fiesta, os quería preguntar sobre algo que llevo

El disco lo habéis grabado con Haritz Harregüy y con Jimmy

“YO

CREO QUE HASTA QUE ESTO NO SE PARE, NO SEREMOS CONSCIENTES DE LO QUE HEMOS HECHO”

XABI

“YO CREO QUE HASTA QUE ESTO NO SE PARE, NO SEREMOS CONSCIENTES DE LO QUE HEMOS HECHO”

XABI de Soziedad Alkoholika. Me imagino que es como vuestra banda hermana, siendo las dos de Salvatierra. JHONY “Sobrinos igual (risas)”. XABI “Ellos siguen teniendo mucho más recorrido que nosotros”. Lo decía porque he apreciado algo más de contundencia y me preguntaba si había venido por la mano de Jimmy. Pensaba en ‘Juego De Mo nos’, por ejemplo. XABI “Sí, ésa tiene un toque muy S.A. en la entrada con esos cortes. Nos lo propuso él y nos gustó mucho como quedaba. Al final su mano se nota en los arreglos y la producción. Te pones el primer disco y el último y la balanza se decanta totalmente 66

a favor de éste. Lo digo en cuanto a producción, luego los temas a cada uno le gustará más lo viejo o lo nuevo... Pero para mí no hay color”. JHONY “E.H. Calling ya tenía una forma más dura que es la que nos hizo pensar en Jimmy. Nos gustó el resultado y por eso quisimos volver a trabajar con él. Es un músico y una persona de la hostia, y además te da caña para que lo des todo”. XABI “Nos echa broncas (risas)”. Ttodavía hay mucho estrés en las grabaciones? JHONY “La presión está siempre, pero tienes la estadística de que lo has hecho antes y sabes que al final te saldrá”. XABI “En este caso, al estar las guitarras más trabajadas, han tenido

que ponerle más horas de ensayo. Quieras que no, como en cada disco hay una pequeña evolución, tienes que prepararte”. Escuchando vuestra música siempre he pensado que los dos pilares del grupo son Bad Religion y La Polla Records. ¿Sigue siendo así? XABI “Sí, la melodía de los primeros y el rollo punk de los segundos. Hay variaciones, pero la base es ésa”. JHONY “Lo que más suena en la furgoneta siguen siendo ellos”. XABI “También mucho Misfits. Cuando volvemos de un concierto tiramos de clásicos (risas)”. Antes hablabais del cambio de circunstancias, los hijos...

Supongo que Kaotiko ya no es el juguete que podía ser al principio. XABI “Kaotiko siempre hemos sido una pequeña familia y seguimos siéndolo, lo que pasa es que ahora la gente tiene otras preocupaciones que son inevitables. Pero nunca hemos dejado de quedar. Seguimos yendo tres días al local y con la misma ilusión, lo que no hacemos es pasarnos dos o tres horas después del ensayo viendo la tele. Se aprovecha el tiempo para trabajar. Igual ahora si quedamos más en plan social es para comer o cenar”. JHONY “Es como un matrimonio. De hecho, a ellos les veo más que a mi pareja (risas). Pero nunca hemos perdido la amistad. Desde el principio conectamos muy bien, ahora entró Mortx en lugar de Fonta, y también ha encajado muy bien. Al final somos una piña y ésa es la clave”. XABI “Son 16 años en los que sólo ha habido un cambio, y eso al final define que eres una banda sólida. Hay otras bandas con más movimiento de músicos, pero nosotros seguimos siendo la misma piña”. ¿Os sentís suficientemente reconocidos o pensáis que todavía Kaotiko no está al nivel que se merecería? JHONY “A nosotros lo que nos gusta es sacar un disco, carretera y tocar. Lo primero que hicimos fue comprar una furgoneta para poder ir a todos los pueblos a sembrar, y todavía seguimos sembrando. Este año el Viñarock nos ha llamado, cuando antes tenías que llamar tú, pero bueno, lo que nos gusta es ver que la gente viene a vernos y que al año siguiente vuelve con más gente. Hemos crecido así”. XABI “No somos conscientes de lo que hemos hecho. Con 20 años te ibas a tocar y casi todos los bolos eran una fiesta. Ahora lo ves de otra manera. Aparte de la edad, hemos llegado a un punto del que estar orgullosos. De aquí en adelante ya se verá si va para arriba o no, pero yo estoy muy contento por dónde estamos. Tocar para diez es una gozada, y para 20.000 también. Yo creo que hasta que esto no se pare, no seremos conscientes de lo que hemos hecho”.

DISCO DEL MES

Patch The Sky (MERGE/POPSTOCK!) ROCK ALTERNATIVO

n octubre de 2015, el lanzamiento de la primera página web oficial de Hüsker Dü y unas declaraciones del bajista Greg Norton, en las que aseguraba que había una constante comunicación entre sus tres excomponentes, fueron suficientes para que la histeria ante una posible reunión del mítico grupo de Minneapolis se disparase. Al fin y al cabo, si bandas igual de disfuncionales como los Pixies o The Replacements, por no hablar de Guns N’ Roses, lo habían hecho, ¿por qué no iba a ser posible con ellos? Soy el primero al que le gustaría ver a Hüsker Dü encima de un escenario al menos una vez en la vida,

BOB MOULD

pero escuchando el nuevo álbum de Bob Mould, casi me alegro de que él mismo haya desmentido los rumores y haya aclarado que la web se hizo simplemente para poder vender merchandising legal de la banda. ¿Para qué volver al pasado cuando todavía tiene tanto que ofrecer en el presente? Patch The Sky, su decimosegundo disco de estudio, ratifica el gran momento artístico que Mould está atravesando desde que editara Silver Age en 2012. Ese disco y su continuación Beauty & Ruin en 2014 parecen haber confirmado la tercera juventud que Mould lleva viviendo desde que cumplió los 50. La

influencia de Hüsker Dü se ha revivido entre las nuevas generaciones a través de bandas como No Age, Metz o Japandroids, y no me cabe ninguna duda de que el apoyo de Dave Grohl, que le invitó a cantar el tema ‘Dear Rosemary’ en el Wasting Light de Foo Fighters y participó en un concierto homenaje a Mould junto a Ryan Adams a finales de 2011, ha contribuido a que su perfil haya ganado exposición mediática. Paradójicamente, la temática de sus últimos discos es cada vez más oscura... Y es que la vida no perdona. Si Beauty & Ruin estuvo marcado por la muerte de su padre, Patch The Sky lo

está por la de su madre, así como el fin de una relación sentimental. Mould pasó seis meses aislado del mundo, reflexionando sobre su propia mortalidad (el reloj corre para todos), intentando purgar sus penas y volcando sus sentimientos, aunque a veces de manera algo críptica, en estas doce canciones. Pero como él mismo dice a propósito de su nueva obra, mientras que “las palabras hacen que recuerdes, la música hace que te olvides”. La contraposición entre melodías pegadizas y letras deprimentes han formado parte de su ADN a lo largo de su carrera, tanto con el hardcore punk de Hüsker Dü

directos recuerda al power pop musculado de Sugar. Grabado en Chicago en los estudios Electrical Audio de Steve Albini, aunque éste no participó en la grabación, Patch The Sky es un disco sin florituras, pero totalmente estimulante. Mould sigue mostrándose como un compositor infalible, con su personal voz conservando toda su pasión y poderío y el trío sonando como un bloque de lo más compacto. Quien esté familiarizado con su obra ya sabe lo que encontrará: riffs básicos que van al grano (‘Pray For Rain’), disonancias eléctricas que le conectan a los tiempos de SST Records (‘Daddy’s Favorite’), energía desbordante cercana al punk

“SIGUE MOSTRÁNDOSE COMO UN COMPOSITOR INFALIBLE, CON SU PERSONAL VOZ CONSERVANDO TODA SU PASIÓN Y SU PODERÍO” como con los más accesibles Sugar, pero resulta edificante que todavía sepa sacarle tanto rendimiento. Aquella especie de crisis identitaria que vivió a finales de los 90 en la que hastiado del rock se volcó en la electrónica y el wrestling (escribió guiones para la WCW) ha quedado definitivamente atrás y Mould vuelve a sentirse como pez en el agua entre la distorsión tocada al máximo volumen. La compenetración con la sección rítmica formada por Jason Narducy al bajo y Jon Wurster a la batería, que le acompaña desde Silver Age, es total, y en los temas más

(‘Hands Are Tied’), estribillos redondos (‘The End Of Things’, ‘Hold On’), solos de gran intensidad (‘Black Confetti’), e incluso algún momento más reflexivo que puede recordar a R.E.M. (‘Losing Sleep’, ‘Monument’). Si por el contrario, ésta es la primera vez que te decides a escuchar un disco suyo, esta puerta te abrirá todo un mundo. Que su barba blanca no te engañe: cuando enchufa su guitarra, Bob Mould todavía es capaz de dar lecciones a la mayoría de grupos a los que dobla la edad. JORDI MEYA

MUNCIE GIRLS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Lande Hekt (voz, bajo), Dean McMullen

(guitarra), Luke Ellis (batería) PRODUCIDO POR: Lewis Johns AFINES A: Veruca Salt, Joy Formidable, Marzmozets PÁGINA WEB: www.munciegirls.co.uk

I From Caplan To Belsize (ANIMAL STYLE) PUNK ROCK, POP

rrumpiendo con fuerza desde Exeter, Inglaterra, llega el álbum debut de este trío de frescas melodías punkrockeras que forman la bajista y vocalista Lande Hekt junto a Dean McMullen a la guitarra y Luke Ellis en la batería. Tras arrancar con ‘Learn In School’ ponen las cartas sobre la mesa y se descubren con un sonido fácil de gustar de principio a fin. Entre coros y estribillos pegadizos crean una sintonía que te anima a canturrear las personales, y algo reivindicativas letras, de la joven Lande. En temas como ‘Respect’, ‘Balloon’,

‘Nervous’ o ‘I Don’t Wanna Talk About It’ notamos cómo la cantante se expresa libremente en un tono armonioso y poco gritón entre las sucias distorsiones y aporreos de sus compañeros, acercándoles hacia un sonido comparable al punk de Alkaline Trio y el rock noventero de Veruca Salt o más popero de Belly, llegano a tararearlos sin querer desde la primera escucha. Aunque, lejos de declararse influenciados por los mencionados, nos confesaban su propósito de hacer música desde la honestidad por la que vive el género, tratando de no retratarse en

sus influencias y mostrarse diferentes bajo la indiferencia de labrarse un futuro alejado del mainstream, aunque canciones como ‘Gone With The Wind’, ‘Gas Mark 4’, ’Committee’ o ‘No Recording’ les podrían cambiar los planes hacia un éxito inesperado. Habiendo presenciado el despliegue en directo de su primer trabajo después de mantener una pequeña charla con el grupo, sólo queda por decir que, sin duda, podemos estar ante uno de los descubrimientos del año dentro del género. Habrá que seguirlos de cerca. ALEJANDRO LOZANO

HABLAMOS CON... MUNCIE GIRLS Después de algunos EPs os presentáis con vuestro primer disco de estudio. ¿Cómo habéis llevado la grabación respecto a lo hecho anteriormente? LUKE ELLIS “Bueno, hemos querido llevarlo siempre desde un punto de vista natural y algo espontáneo. Desde que nos juntamos a tocar iban saliendo canciones, y cuando tuvimos cuatro o cinco decidimos grabarlas y sacarlas en varios EPs porque no teníamos una idea clara de comprometernos como una banda en sentido serio, por así decirlo. Grabar este disco ha sido diferente respecto a lo que habíamos hecho antes. Hemos recibido mucho apoyo por parte de nuestra discográfica y, además, hemos contado con un productor, Lewis Johns, que también nos ha ayudado bastante”. ¿Habíais trabajado con un productor anteriormente? LANDE HEKT “Sí, pero no de la misma manera. Habíamos grabado con un productor pero sólo por un día o dos,

haciendo todo lo más rápido posible, pero con Lewis fueron dos semanas, y eso se nota. Ha podido aportarnos muchas ideas y se ha preocupado mucho durante todo el proceso. Ha sido genial trabajar con él, se puede notar cuando escuchas el disco y lo comparas con lo anterior (risas)”. La verdad es que el trabajo suena muy bien... ¿Qué queréis alcanzar como banda? LANDE “Bueno, hemos hablado sobre esto en otras ocasiones... No tenemos un propósito en concreto como banda. Decidimos empezar a tocar música de manera natural, porque nos hace felices. Nos sentimos muy afortunados de llegar al punto en el que nos encontramos ahora mismo, y el camino por el que hemos ido hasta llegar aquí ha sido muy enriquecedor para nosotros en lo personal, nos sentimos orgullosos de lo que hemos conseguido. La verdad que no teníamos ninguna expectativa cuando lanzamos el álbum, no podía imaginar

que la gente lo escucharía, por lo que estamos bastante sorprendidos al ver cómo está reaccionando la gente, como por ejemplo hoy, que no esperábamos agotar entradas aquí en Londres, y aunque resulta un poco aterrador, queremos dejarnos llevar sin preocuparnos por el siguiente paso”. Supongo que ahora empezaréis una gira de presentación larga que os mantendrá más ocupados... LANDE “Sí, sobre todo tenemos muchas fechas ya programadas en festivales. Uno de ellos es el Download Festival, que tenemos muchas ganas de que llegue ya, y aparte de estos conciertos de presentación que tenemos este mes, en primavera giramos junto a Tellison por el Reino Unido y luego hacemos también varias fechas por Europa, donde también hacemos otros festivales como el Groezrock. Va a ser muy divertido poder estar tan ocupados (risas)”. (ALEJANDRO LOZANO)

WEEZER Weezer (CRUSH/ATLANTIC)

POP, ROCK ALTERNATIVO

alditos adelantos! ¡Maldita impaciencia! Desde que en octubre lanzaran por sorpresa el single ‘Thank God For Girls’ han sido hasta cinco los temas que Weezer han ido avanzando de su nuevo disco y, claro, ¿qué fan podría resistirse a escucharlos? Yo desde luego no, y ahora me jode porque estoy convencido de que mi percepción del ya conocido como The White Album hubiera sido totalmente distinta de haber llegado virgen a la primera escucha. El décimo álbum de Weezer es un trabajo más conciso y menos ambicioso que el anterior Everything

Will Be Alright In The End, algo explicable tanto por el hecho de que llegue apenas año y medio después, como por la coherencia temática y estilística que ha querido darle Rivers Cuomo. Su tono veraniego y la omnipresente influencia de los Beach Boys nos retrotraen inmediatamente a la era de su debut (‘L.A. Girlz’ es la prima rica de ‘Susanne’), pero sería erróneo pensar que simplemente han intentado hacer una réplica de aquél. Junto a la inmediatez de las melodías brillantes de ‘California Kids’, ‘Summer Elaine And Drunk Dori’ o ‘King Of The World’ encontramos un halo de oscuridad en algunas letras y requiebros instrumentales que lo acercan a Pinkerton (‘Do You Wanna Get High?’), ejercicios de puro clasicismo pop (‘(Girl We Got A) Good Thing’) e incluso el punto freak de su Red Album (‘Jacked Up’ o la citada ‘Thank God For Girls’). A pesar de que se nota el amor de Jake Sinclair, un fan declarado del grupo, en la producción, The White Album no alcanza el nivel de sus mejores obras, pero roza su magia en varios momentos. JORDI MEYA

PVRIS

White Noise (Deluxe) (RISE)

POP ELECTRÓNICO, ROCK

esde que salió a la venta White Noise, el debut de Pvris (pronúnciese ‘Paris’), a finales de 2014, el nombre de la banda ha ido subiendo como la espuma: portadas de revistas, apariciones televisivas, giras grandes abriendo para Bring Me The Horizon y Fall Out Boy... No es de extrañar. No sólo es un buen momento para las bandas con chicas al frente, sino que el trío de Massachusetts posee ese no sé qué que lo hace sobresalir por encima del resto. Para satisfacer la demanda y ganar algo de tiempo antes

de que el grupo se ponga a trabajar en un nuevo disco, se reedita su primer álbum con el único atractivo de dos nuevas canciones y un cambio de color en la portada. Si analizamos la reedición en sí, hay que ponerle un suspenso total al haber puesto los dos temas inéditos al inicio del álbum, rompiendo la magia que supone el punto de partida en el disco original con las imbatibles ‘Smoke’ y ‘St. Patrick’. Pero dejando ese detalle de lado, que no es tan insignificante, todo sigue perfectamente en su sitio en White Noise. A no ser que se tuerza la cosa, y por lo escuchado en los dos temas inéditos ‘You And I’ y ‘Empty’ no tiene pinta, Pvris tienen todos los números para ser una de las bandas más grandes de los próximos años. Mezclan el synth pop oscuro y el rock de una manera personal, facturan hitazos como ‘Fire’ o ‘St. Patrick’ al alcance de muy pocos y Lyndsey Gunnulfsen es esa líder con carisma que toda banda necesita para triunfar. Una ecuación perfecta que día a día va cautivando una legión de seguidores sin vuelta atrás. RICHARD ROYUELA

LA SELECCIÓN

CALA VENTO Cala Vento

(BCORE/HANG THE DJ)

INDIE ROCK

l año pasado Aleix y Joan ganaron varios concursos y llamaron la atención de numerosas revistas, que vieron en el EP presentación de Cala Vento un gran descubrimiento con un brillante porvenir. Eso mismo debieron pensar los capos de BCore y Hang The Dj, que acaban de coeditar su primer largo, un muy meritorio e inspirado disco homónimo. La propuesta minimalista de este dúo catalán reúne y conjuga muchas cosas con gran efectividad. Así, en el presente Cala Vento hay algo de la energía electrizante de los Japandroids, algo de la lírica costumbrista de Nueva Vulcano, algo del pop de guitarras de los primeros Planetas y algunos coros en la onda L’Hereu Escampa, de ésos que invitan a gritar hasta quedarse afónico. Estos dos amigos criados en el Empordà y afincados

desde hace unos años en Barcelona se bastan y se sobran ellos dos solos, con sus gargantas e instrumentos, para combinar todos estos elementos en directo, pero en el estudio añadieron con gran acierto y mucho gusto detalles que marcan la diferencia. Pienso en esa trompeta de la melancólica ‘Tus Cosas’, que puede evocar a los geniales American Football, los dulces ‘pa-pa-paras’ con el sello Inés de La Célula Durmiente en ‘Febrero’ y los coros de su héroe Èric Fuentes (The Unfinished Sympathy), quien ejerce de productor de lujo en este muy recomendable debut. Muy fresco, y por momentos deslumbrante. LUIS BENAVIDES

BRIAN FALLON Painkillers

(ISLAND/UNIVERSAL)

ROCK AMERICANO

oy el primero al que Get Hurt, el último disco de The Gaslight Anthem, no acabó de convencer cuando salió. De igual manera también digo que hace poco volví a recuperarlo y me sorprendió por tener más buenos temas de los que recordaba, aunque la producción me siga pareciendo demasiado artificial para una banda como ellos. En todo caso, su intento de saltar al mainstream se quedó a medias y ahora se encuentran en un periodo de reflexión, a la espera de que les lleguen nuevas ideas para decidir si siguen o no. Escuchando Painkillers, el debut de Fallon, estoy seguro de que lo harán. Al vocalista no se le ha olvidado cómo escribir buenas canciones, y aunque aquí ha tirado por un sonido más clásico y acústico, muchas de ellas

THE CULT Hidden City (COOKING VINYL)

HARD ROCK

l hecho de que The Cult anuncien un nuevo álbum en 2016 resulta muy emocionante. Lo cierto es que nunca han mantenido un patrón de continuidad lógico, centrándose más en experimentar o desarrollar lo que Astbury o Duffy tuvieran en mente en cada momento. Sin duda una opción arriesgada, aunque eso nos ha permitido disfrutar de trabajos siempre notables. Así que ni siquiera los mayores fans estaban preparados al 100% para lo que podría llegar. Los singles de Hidden City contribuyeron a crear una gran expectación, especialmente ‘Hinterland’ o

te las imaginas funcionando perfectamente en manos de los Gaslight, caso de ‘A Wonderful Life’ o ‘Rosemary’. Menos oscuro y más directo que el disco que grabó como The Horrible Crowes, Painkillers no ofrece sorpresas más allá de unos arreglos más tradicionales con bonitos toques de slide guitar y los coros de la bajista Catherine Popper que le da un toque a lo Jayhawks, pero sirve para reencontrarse con

esa voz rota que destila honestidad y sentimiento. Ya sea acercándose al country de ‘Red Lights’, ‘Open All Night’ o ‘Long Drives’, al folk de ‘Steve McQueen’ y ‘Honey Magnolia’ o al rock en las magníficas ‘Painkillers’ y ‘Nobody Wins’, Fallon parece haber vuelto a sus raíces, por lo que este álbum puede considerarse el primer paso de una reconciliación con él mismo y con sus fans.

‘Dark Energy’, que ya hacían intuir que las guitarras de Duffy iban a tener un papel estelar. Las colaboraciones entre The Cult y Bob Rock siempre son un acierto. Las baterías de Joey Tempesta y las guitarras de Billy Duffy suenan espectaculares, y los arreglos, sin ser abusivos, crean atmósferas muy intimistas. En cuanto a la voz de Astbury, a pesar de que se puede intuir que su registro es cada vez más limitado, sigue siendo tremendamente evocadora, transmitiendo desde una sensualidad decadente en ‘In Blood’ a una crudeza desgarradora, como en ‘Birds Of Paradise’. No se

me va de la cabeza el verso “I’m a European” que repite continuamente en ‘Deeply Ordered Chaos’ y que va creciendo en fuerza hasta conseguir alcanzar uno de los momentos más intensos del disco. A estas alturas seguir escuchando a quienes reclaman segundas partes de Sonic Temple, Electric o Love no deja de resultar un tanto insultante. Mi consejo es que si realmente eso es lo que quieres escuchar, ni te molestes en intentarlo con Hidden City. Eso sí, te perderás uno de los mejores discos de hard rock de este año.

JORDI MEYA

TOI BROWNSTONE

KILLSWITCH ENGAGE Incarnate (ROADRUNNER)

METALCORE

l igual que AC/ DC o Bad Religion, a estas alturas Killswitch Engage son un grupo que no presenta dudas a la hora de afrontar un nuevo trabajo. Sabes de sobra que no van a variar ni un milímetro su discurso, así que si lo que proponen te gusta, es difícil que te decepcionen, y si por el contrario los detestas, tampoco esperes que las cosas cambien. La cuestión verdaderamente reside en saber si estarán más o menos inspirados, y por lo que respecta a Incarnate, podríamos decir que prosigue el buen camino de Disarm The Descent. La reincorporación

de Jesse Leach al micrófono les devolvió algo de frescura (si es que esto es posible en una banda tan inmovilista) y esta vez la química para moverse entre la melodía y la tralla sónica fluye incluso mejor. Esto se traduce en muy buenos cortes marca de la casa como ‘Hate By Design’ y ‘Until The Day’. La versatilidad de Leach queda demostrada también en ‘Cut My Loose’ o ‘Just Let Go’, ambas muy en la línea del proyecto Times Of Grace, donde las voces limpias cobran más protagonismo a pesar de que sus compañeros siempre estén metiendo caña por detrás. Más desbocados suenan aún en ‘Embrace The Journey... Upraised’, con sus raíces hardcore bien presentes. Pero como apuntábamos antes, Killswitch continúan repitiendo patrones disco tras disco, lo cual acaba afectando a una recta final algo menos inspirada. Esto le deja a uno la sensación de haber escuchado un buen trabajo de metalcore, pero sólo uno más dentro de un género en el que hasta hace unos años eran ellos los que marcaban las diferencias. GONZALO PUEBLA

DEVILDRIVER Trust No One (NAPALM)

GROOVE METAL, DEATH METAL MELÓDICO

i me tienen que hacer elegir entre los DevilDriver más densos, los adscritos al groove metal más pesado, y su otra versión de cuando tiran de death melódico, con guitarras saltarinas y una batería del debutante Austin D’Amond (Chimaira) depurada hasta la náusea, desde luego está muy claro con qué me quedo. Por desgracia, en su nueva obra, que obviamente no va muy sobrada de inspiración, los estadounidenses se han dejado la distorsión belicosa para otra ocasión, y casi que también la mala uva para cuando Dez Fafara se olvide

el eyeliner en el camerino. Para ser claros y diáfanos, a este séptimo trabajo le sacas las vulgares ‘This Deception’, ‘My Night Sky’, ‘Above It All’ y ‘Retribution’, y tampoco pasaría nada. ¡Bueno, sí que pasaría! ¡Estamos hablando del 40% del repertorio! Ponle que ‘Bad Deeds’, ‘Feeling Ungodly’ y ‘Testimony Of Truth’ tengan algo de pegada, aunque tampoco sean la carava, y la cosa se pone fea de verdad. Nos quedamos con que sólo la comercialoide aunque efectiva ‘Daybreak’, ‘Trust No One’ y la lograda ‘For What It’s Worth’ captan totalmente nuestra atención, y claro, eso es un balance pobrísimo. Fafara, la próxima vez no hagas tan evidente que la reunión de Coal Chamber no sólo obedece a una cuestión económica, sino también a una alarmante crisis creativa. No sabías cómo levantar el vuelo de esta banda y te fuiste de vacaciones, a twitear más aún, pero la patata caliente ha vuelto a tus manos. Trust No One es más intrascendente que una final de la Copa Catalunya. PAU NAVARRA

STEEL PANTHER Live From Lexxi’s Mom’s Garage (OPEN E/KOBALT)

GLAM METAL

os reyes del sexo de Sunset Strip vuelven a sorprendernos, en esta ocasión con un CD/ DVD acústico grabado en el garaje de la madre de Lexxi. Por si todavía quedaban dudas de su calidad como músicos, nos regalan diez de sus temas más emblemáticos debidamente adaptados, más una canción exclusiva titulada ‘That’s When You Came In’. El resultado es magnífico. La idea surgió mientras estaban de gira, querían demostrar que saben tocar, así que elaboraron una lista de temas que podrían funcionar en este formato y se pusieron manos

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a la obra hasta que, ante un público estrictamente femenino, ofrecieron un show inolvidable, lleno de coñas, guiños e insinuaciones, y halagos a la madre de Lexxi, que como gran anfitriona, además de ofrecer galletas a los chicos, les hizo sentir mejor que en sus propias casas. ¿Quién dijo que los discos acústicos tenían que ser aburridos? El plasta de Eric Clapton, seguro. Live From Lexxi’s Mom’s Garage es una fiesta continua, desde el momento en que suenan los primeros acordes de ‘Party Like Tomorrow Is The End Of The World’ hasta el final de su himno ‘Death To All But Metal’, pasando por ‘Bukkake Tears’ o ‘Community Property’. Y por supuesto ‘Gloryhole’, versión de la que más orgullosos se sienten tras haberla ‘deconstruido’ y readaptado con bastantes cambios en la parte central. Melodías espectaculares, interpretaciones excelentes, y ese ambiente festivo contagioso que incita a abrir una cerveza y gritar ‘yeah!’. TOI BROWNSTONE

SOMOS

First Day Back (HOPELESS)

EMO POP

uatro referencias y cuatro sellos diferentes en sólo dos años. Así podemos resumir la breve pero muy movida trayectoria musical del cuarteto de indie emo pop Somos. Después de debutar en 2014 con Temple Of Plenty, les faltó tiempo para parir dos compartidos con Sonority Noise y Have Merci, auspiciados por los sellos Bad Timing y No Sleep Records respectivamente. Ahora los de Boston dan un salto adelante en su carrera y publican su segundo largo, el primero para Hopeless Records, hogar de bandas

tan populares como All Time Low, New Found Glory y Taking Back Sunday. En este catálogo plagado de estrellas del punk pop, la banda liderada vocalmente por el también bajista Michael Fiorentino debería brillar por el preciosismo y la serenidad de composiciones como la maravillosa ‘Violent Decline’, ejecutada con suavidad y cantada con una pizca de dramatismo, precedida por una delicada intro en la onda de The Appleseed Cast titulada ‘Slow Walk To The Graveyard Shift’. En ‘Thorn In The Side’ pueden recordar a los maestros Maritime por un estribillo emo pop en clave ochentas, una década muy presente en otros momentos del disco como la ambiental ‘You Won’t Stay’ y esa breve incursión acústica que es ‘Bitter Medicine’. En términos generales, con un grueso formado por piezas eléctricas como ‘Problem Child’ y ‘Alright, I’ll Wait’, el disco hará las delicias de los seguidores de Owen, Cymbals Eat Guitars, The Hotelier y afines. LUIS BENAVIDES

PRIMAL SCREAM Chaosmosis

(FIRST INTERNATIONAL/IGNITION)

ROCK, ELECTRÓNICA

n una interesantísima entrevista en el diario británico The Independent sobre anarquismo, conservadurismo y la sociedad actual, Bobby Gillespie decía que es imposible descifrar tanta información en la vida moderna. Lo mismo pasa con la producción y la distribución discográfica, hoy en día monumental y desbordante. Asimilar todos esos centenares de discos como oyente no es fácil, y en ese contexto de competencia feroz, Primal Scream han sobrevivido durante más de tres décadas para firmar ya su undécimo disco. Quedaron atrás oficialmente

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los años de hedonismo adictivo, pero tal y como reconoce el propio líder de la banda escocesa, el disco es “extático”. Sintetizadores y teclados ganan protagonismo respecto a las guitarras, en algunos casos, para viajar a los 80 y a ecos de New Order y compañía (‘(Feeling Like A) Demon Again’, ‘Autumn In Paradise’), en otros, para situarse una década después, en los años de Screamadelica, Happy Mondays y similares (‘Trippin’ On Your Love’), e incluso hay momentos para situarse en los ecos de violencia de XTRMNTR (‘When The Blackout Meets The Fallout’). En esta ocasión, las compañías femeninas son Haim (‘Trippin’ On Your Love’ y ‘100% Nothing’), Sky Ferreira (‘Where The Light Gets In’) y Rachel Zeffira de los Cat’s Eyes (en la delicada ‘Private Wars’). “El rock ha sido absorbido por el sistema, y quizás no tenga ya nada que decir”, dice Gillespie. Yo querría pensar que no es así, pero quizás tenga razón. Como mínimo, aquí nos quedan buenas canciones para bailar y sudar en festivales de medio mundo. IGNASI TRAPERO

STEVEN WILSON 4½

(KSCOPE)

ROCK PROGRESIVO

chando un vistazo al trabajo de Steven Wilson en los últimos 15 años cuesta muchísimo encontrar a un artista que se pueda poner a su altura tanto por la calidad como por la cantidad de su obra. Y no me refiero únicamente dentro de la escena progresiva, donde es el indiscutible amo y señor, sino en cualquier otra variante del rock actual. Con Porcupine Tree ya se ganó el ser considerado un genio, pero es que con su carrera en solitario se va superando a sí mismo a cada nueva entrega. Precisamente mientras seguimos paladeando el soberbio Hand. Cannot.

Erase del pasado curso, nos llega ahora 4 ½, un EP de material descartado que en palabras del propio Wilson sirve de puente entre aquél y el quinto disco que se espera para 2017. Entre las golosinas que aquí se incluyen encontramos cuatro piezas pertenecientes a su cuarto álbum, entre las que destacan ‘My Book Of Regret’, que podría haber entrado perfectamente y acabar siendo una de las mejores piezas, la oscura e instrumental ‘Vermillioncore’, y la más accesible ‘Happiness III’, en la que el británico demuestra que podría dedicarse a fabricar canciones de corte más pop y salir airoso igualmente. ‘Year Of The Plague’ proviene de las sesiones de The Raven That Refused To Sing (And Other Stories), actuando como un posible interludio. Cierra la referencia una espectacular revisión en vivo del clásico de Porcupine Tree ‘Don’t Hate Me’, acompañada de la voz femenina de Ninet Tayeb. Un más que delicioso aperitivo mientras tachamos los días que restan para verle actuar en el Be Prog. GONZALO PUEBLA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Elena (voz), Patricia (guitarra), Marina

(bajo), Saray (batería) PRODUCIDO POR: Ola Ersfjord AFINES A: Iron Maiden, Girlschool, Judas Priest PÁGINA WEB: www.facebook.com/thelizzies

LIZZIES

Good Luck (THE SIGN)

HEAVY METAL

i estuvisteis presentes en alguno de los conciertos de la pasada gira de Imperial State Eletric por nuestro país, es bastante probable que ahí tuvieseis vuestro primer contacto con Lizzies en directo. Este jovencísimo combo madrileño se fundó allá por 2010, pero no fue hasta un par de años después cuando comenzó a adquirir un tono más serio con una formación estable, registrando un primer EP titulado End Of Time. A pesar de su juventud, el descaro que demuestran sobre las tablas, casi impropio de unas chicas de su edad, les ha llevado ya a visitar el extranjero en varias ocasiones actuando

en festivales de Portugal, Alemania y Holanda. Algo que sin duda se volverá a repetir con toda seguridad en cuanto su primer disco, Good Luck, eche a rodar. Bajo las órdenes del productor sueco Ola Ersfjord (que ya ha trabajado con formaciones del calibre de Tribulation o Dead Lord), que les ha proporcionado un sonido orgánico y sin grandes artificios, han sabido trasladar de manera impecable su pasión por la NWOBHM en su versión más clásica. ‘Phoenix’ deja bien claras sus intenciones, así como el primer y excelente single ‘Viper’, donde se ve claramente lo mucho que les pirran Iron Maiden o los Judas Priest más primitivos.

El tratamiento que se les ha dado a las guitarras tanto a la hora de los arreglos como en los solos es de un gusto exquisito, así como el resto de instrumentos. Joyitas como ‘666 Miles’ o ‘Mirror Maze’ cuentan con unas melodías irresistibles, por no hablar de balazos contundentes como ‘Speed On The Road’, donde se les adivina cierto aroma punk, y ‘One Night Woman’. ‘Night In Tokyo’ es de las más completas del lote y la final ‘8 Ball’ redondea por todo lo alto un debut que es desde ya mismo una de las grandes sorpresas del año. Desde luego, la buena suerte está de su lado. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... PATRICIA Siendo chicas de 20 años, ¿cómo surgió la idea de montar una banda y, además, de un estilo, digamos, tan pureta como el heavy metal clásico? “Todo empezó en 2010 con Marina al bajo y yo a la guitarra. Estábamos aburridas en verano de no hacer nada por las tardes tiradas en el parque. Como ella tenía un bajo y yo una guitarra, dijimos ‘oye, ¿y si en vez de malgastar el tiempo lo destinamos a aprender a tocar?’. Y a raíz de ahí empezamos con covers sencillas, porque no teníamos ni idea de tocar. Luego empezaron los primeros temas y pensamos en que eso fuera más serio y en buscar una cantante y una batería. En 2012 se unió Elena y, a finales de 2014, Saray”. Tengo entendido que lleváis muy poquitos conciertos, cosa que sorprende muchísimo vien-

do las tablas que ya tenéis sobre el escenario. “Sí, no sé si llegamos a 40 (risas). Para ponerte en situación, nuestro segundo concierto fue fuera de Madrid, en Cuenca. Quieras que no, eso para una banda que está empezando es un impulso importante. A los pocos conciertos ya estábamos yendo a Holanda, Portugal... Nosotras nunca habíamos tenido un grupo antes, entonces tienes una presión de ‘o mejoro, me muevo y me quito los nervios, o me quedo atrás’, y eso no puede ser. Yo creo que esa presión de tener que dar la talla ante las demás bandas con las que estás tocando nos ha ayudado a crecer tanto en tan pocos shows”. ¿Cómo fueron surgiendo las oportunidades de salir fuera? “Pues por el boca-oreja, que fue algo que también nos sorprendió. Tocamos

aquí en Madrid con un grupo de Holanda. Les molamos un montón y nos dijeron que montaban un festivall allí y que les gustaría tenernos en cuenta. En ese momento nunca piensas que va a ser verdad... Hasta que nos llegó un mensaje para saber si de verdad queríamos tocar. Luego allí nos vio la gente que organizaba el Headbangers Open Air en Alemania y de ahí, de unas personas a otras, nos empezaron a llamar más”. ¿Cómo disteis con Ola Ersfjord? “A través de nuestro mánager, que estuvo mirando productores. Buscábamos a alguien que entendiera el sonido que queríamos sacar al disco, algo natural y que fuéramos nosotras mismas. Que fuera capaz de sacar nuestra más pura esencia, por decirlo de algún modo. Entre todos estaba él, y la verdad es que fue un acierto total”. (GONZALO PUEBLA) 81

SAVAGES Adore Life

(MATADOR/POPSTOCK!)

INDIE ROCK

hora no recuerdo dónde, leí una reseña de este disco que cuestionaba cómo una banda puede brillar entre tanta oferta. Supongo que la respuesta debe de ser la misma que explicaría por qué una persona nos atrae más que el resto. En algún caso será por razones puramente estéticas, en otros, por cuestiones más éticas, y la leyenda cuenta que incluso es posible la conjunción de ambas cosas. Todos esos matices que marcan la eterna diatriba entre sexo y amor están presentes aquí. Desde las fotografías de portada/ contraportada de puño americano en alto y tatuaje de corazón, a letras de poesía explícita sobre deseos, instintos y desafío a los valores convencionales. Todo envuelto en la luctuosa violencia de la música de las londinenses, que es una ceremonia al

NADA SURF

You Know Who You Are (BARSUK/ERNIE PRODUCCIONES)

INDIE ROCK

athew Caws, Daniel Lorca e Ira Elliot de Nada Surf llevan casi un cuarto de siglo tocando juntos. Su carrera es sólida, y su discografía cuenta con una larguísima colección de temazos, infalibles y memorables. You Know Who You Are, su octavo trabajo, el séptimo si no contamos ese álbum de versiones If I Had A Hi-fi, no podía ser menos y cuenta con unos cuantos. Como era de esperar, sus nuevos temas continúan la línea iniciada en el anterior The Stars Are Indifferent To Astronomy, con menos power y más pop. En ese disco

caos, al instinto y la rabia. Inspiradas por Swans, o por los poemas lésbicos de Minnie Bruce Pratt, Savages siguen sonando desbocadas y excitantes (‘T.I.W.Y.G.’, ‘The Answer’), sombrías e intrigantes (‘Adore’, ‘Mechanics’), y como unas pocas bandas o artistas, consiguen removerte las entrañas y las ideas por igual, e insuflarte vida directa en vena. Jehnny Beth describe el amor como una enfermedad adictiva equiparable a la

coca, y seguramente este disco tiene ese mismo poder: transmite una oscura fuerza capaz de despertarte y cambiarte. Porque como dicen en ‘Adore Manifesto’, esto va de metamorfosis y evolución, de poesía que nos haga huir del cliché, de escarbar en la suciedad para encontrar el diamante, y por mucho que remate diciendo que la respuesta es el amor, probablemente esté hablando de sexo.

cogían protagonismo las piezas más pausadas, con arpegios acústicos y energía contenida, como ‘When I Was Young’ y ‘Jules And Jim’, y su pasado más guitarrero daba sus últimos coletazos. En You Know Who You Are, el ahora cuarteto, con el exGuided By Voices Doug Gillard como miembro ya oficial, aparca definitivamente la velocidad -sólo ‘New Bird’ y ‘You Know Who You Are’ suben ligeramente el tempo del disco- y la distorsión de sus primeros trabajos. Han pasado ya veinte años de su laureado primer álbum High/Low, y la música de los neoyorquinos ya hace

tiempo que peina unas interesantes canas. La voz de Caws ha madurado, también sus composiciones tratan otros temas, desde amores platónicos en ‘Friend Hospital’ a las convicciones religiosas en la citada ‘New Bird’, por poner sólo dos ejemplos. Eso sí, mantienen cierto espíritu jovial y optimista en piezas como ‘Cold To See Clear’, ‘Animal’ y ‘Out Of The Dark’, iluminada con unos vientos muy contagiosos. Como cantan en ‘You Know Who You Are’, saben muy bien quiénes son y qué están haciendo. Nosotros también, y nos encantan.

IGNASI TRAPERO

LUIS BENAVIDES

THE DIRTY NIL Higher Power

(DINE ALONE/MUSIC AS USUAL)

PUNK ROCK

e creéis si os digo que estos The Dirty Nil son mi nueva banda canadiense favorita? Puede sonar trillado, puede parecer un truco barato para encarrilar esta reseña, pero realmente este power trio de punk’n’roll con distorsiones grunge me ha conquistado a la primera escucha. He descubierto que se conocieron en el instituto y, hasta la fecha, no han dejado de componer juntos y tocar en garitos, y de publicar varios EPs y compartidos con un presupuesto y una filosofía DIY, a excepción de alguna referencia con Fat Wreck, que tampoco

son una multi precisamente. Muchos los descubrimos ahora, con su primer largo, el fantástico Higher Power, de la mano de Dine Alone Records (Alexisonfire, City And Colour). Estos tres amigos recuperan algunas de las mejores piezas de sus anteriores referencias, como las adictivas ‘No Weaknesses’ y ‘Zombie Eyed’, en una onda gamberra muy Fidlar, y consiguen mantener el buen nivel con nuevas composiciones como las pesadas ‘Wrestle Yü To Hüsker Dü’ y ‘Lowlives’, uno de los cortes más duros de todo el disco, con permiso de la rapidísima ‘Fugue State’, a medio camino entre sus admirados Greys y sus paisanos Metz. Como curiosidad, en estos cortes, los más rudos, canta con un tono más grave el bajista, Dave Nardi. En el resto, Luke Bentham, también guitarra, lleva la voz cantante, con un registro más garajero. El reparto de las tareas vocales, lejos de restarle coherencia, le sienta muy bien a la propuesta de la banda, que completa el batería Kyle Fisher. Lo dicho: muy recomendables. LUIS BENAVIDES

WOLVSERPENT Aporia:Kâla:Ananta (RELAPSE)

AMBIENT, DRONE, DOOM METAL

e naturaleza sintoísta, la presente publicación de Wolvserpent se nos aparece como un solo tema de 40 minutos y 30 segundos. Tres años después de su segundo álbum, el dúo formado por Brittany McConnell (batería, violín) y Blake K Green (guitarras, voz) regresa con una hipnótica obra escrita en 2007 y grabada en 2014. El simbolismo de su arte adquiere en Aporia:Kâla:Ananta su máxima expresión, desplegándose en una necesaria longitud que nace de un lapso propio del Badalamenti más turbador,

para pasar poco a poco a un crescendo de cuerdas excelso, volver en todo momento al agua de forma cíclica, la fuente de todo, y así atravesar luego un rito iniciático, chamanístico, de precioso neo folk. A partir de su ecuador, el drone nos muestra la cara más funesta de la existencia, pero cuando crees que va a arrasar con cualquier expresión onírica que hubieras escuchado antes, te embriaga su progresiva mutación hacia otro punto álgido situado entre el apocalipsis y el nirvana. Ambiental, recurriendo a la música clásica bajo el yugo del metal extremo, el entorno creado por Wolvserpent se antoja obligado para cualquier melómano realmente inquieto. Este EP en formato single se nos manifiesta como un suceso revelador, profundo e intenso, un episodio experimental, transgresor y espiritual que busca la purificación mediante la antítesis, a través de placer y dolor, éxtasis e inevitable decadencia… Nace en el río y termina en el mar. Las dos caras de la misma moneda. Es vida y muerte al mismo tiempo. PAU NAVARRA

IGGY POP

Post Pop Depression (LOMA VISTA/CAROLINE/MUSIC AS USUAL)

ROCK

uando uno tiene la suerte de toparse con los discos de The Stooges siendo adolescente, queda marcado de por vida. Los años pasan y La Iguana ha seguido siendo prolífica en solitario, con mayor y menor fortuna, experimentando con distintos estilos a lo largo de los años. A muchos nos cuesta asimilar sus trabajos más relajados, y con Post Pop Depression, envuelto en un halo de melancolía, así ha sucedido, hasta conseguir superar cierta barrera mental tras diversas escuchas. El anuncio de este disco de la mano del inquieto Josh Homme, respaldados por una impecable base rítmica a cargo de Dean Fertitia y Matt Helders, resultó sorprendente y atractivo, y el aperitivo que Pop nos ofreció hace unos meses con su single de presentación ‘Gardenia’, con un estilo completamente

BRIDGES TO NOWHERE

Everything I Thought I Knew (AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

iendo cómo está el panorama a la hora de sacar un disco a la calle, no es de extrañar que cada vez haya más ejemplos de una gestión completamente DIY, como es el caso de Bridges To Nowhere. En activo desde 2009, a este trío procedente de Talavera de la Reina le ha llevado casi dos años de grabación y producción dar por terminado su debut, pero pueden decir bien orgullosos que sólo ellos son los responsables del resultado final, ya que se lo han guisado y comido sin tener que recurrir a un estudio profesional. Una

influenciado por David Bowie, captó nuestra atención de inmediato. Aunque las marcas de Arctic Monkeys y Queens Of The Stone Age están presentes, no roban protagonismo al cantante, sino que potencian las distintas atmósferas en las que se mueve, desde lo más oscuro en ‘Break Into Your Heart’ hasta el western de ‘Vulture’, pasando por el groove de ‘Sunday’. Tras

unas declaraciones en las que insinuaba que podría retirarse tras este disco, resultan aún más significativos algunos mensajes que Pop lanza en ‘American Valhalla’ cuando repite “I am nothing but a name” o cuando se pregunta “What happens if I disappear” en ‘In The Lobby’. ¿Será éste su regalo de despedida? En tal caso, me quito el sombrero.

clara muestra de hasta dónde es capaz de llegar una banda a día de hoy por sus propios medios. La verdad es que, sorprendentemente, el sonido es de un nivel más que aceptable dadas las circunstancias, pero las verdaderas protagonistas de Everything I Thought I Knew son las propias canciones. Se nota que han tenido tiempo suficiente para ir puliéndolas a lo largo de los años, ya que no es fácil encontrase una ópera prima con cortes tan bien paridos como ‘Release Me’ o ‘Seasons Change’ (ojo al puente de esta última, para enmarcar), quizás las dos con más papeletas para ser un

posible single por su vertiente claramente melódica. Y es que la formación sabe moverse como pez en el agua dentro de ese rock alternativo en la onda de Biffy Clyro o Nothink con ciertos dejes de hardcore melódico. Los coros de ‘Nothing’, así como en las más contundentes ‘Violence’, ‘Something More’ o la oculta y muy Bad Religion ‘Only Me’, dan buena fe de ello. En ‘No Way Out’ se desmarcan con una pieza semi acústica que ayuda a dotar aún más si cabe de variedad y dinamismo a un primer trabajo difícil de mejorar.

TOI BROWNSTONE

GONZALO PUEBLA

DREAM THEATER The Astonishing (ROADRUNNER)

ROCK PROGRESIVO, METAL

os horas y media de música en un doble CD ponen de manifiesto que a bandas como Dream Theater poco les importa vivir en la era digital, donde la gente apenas aguanta la escucha de una canción de cuatro minutos entera. Sabia decisión, ya que los fans del quinteto –definitivamente asentado tras la marcha de Mike Portnoy- valoran decisiones arriesgadas como ésta. Al fin y al cabo, el prog nunca ha ido de economizar recursos, y Dream Theater, y ahora también Iron Maiden, entienden esto mejor que nadie. Otra cosa es intentar

analizar sobre el papel, y en poco espacio, lo que contiene The Astonishing, una obra conceptual de corte futurista en la cual Dream Theater han puesto todas sus armas encima de la mesa. Y ahí está lo mejor y lo peor del álbum. A lo largo de los 34 cortes del mismo encontramos momentos de total brillantez como la fantástica ‘A Tempting Offer’, que recuerda a los Queensrÿche de Promised Land, o a ‘Better Life’, que pone de manifiesto lo bien que Dream Theater saben hacer canciones de corte clásico sin darle mil vueltas al mástil. Pero, como es de esperar, el disco se acaba haciendo largo, especialmente el segundo CD, en el que tienes la impresión de estar oyendo una copia cansina del primero. Pese a esto, The Astonishing se resuelve de una manera mucho más brillante de la que se podía esperar antes de afrontar semejante obra pantagruélica, demostrando que Dream Theater parecen estar disfrutando al máximo esta nueva etapa de la banda. RICHARD ROYUELA

ELECTRIC ALLEY Get Electrified! (AUTOEDITADO)

ROCK

on muchos los músicos que me han confesado lo complicado que es en este país encontrar buenos vocalistas, y más difícil aún dar con uno que además sea un gran frontman. Pues bien, parece que estos andaluces tienen en Jaime Moreno uno de esos especímenes tan buscados, porque su gusto y poderío a la hora de atacar los diferentes registros que cultiva la banda es, de verdad, envidiable. Puedes escucharlo en un corte tan bluesero como ‘Can We Have Some Love Between Us?’ y notar que posee

elegancia por arrobas, igual que en un tema tan Black Crowes como ‘Searching For The Truth’, donde se nos aparece un cruce casi perfecto entre el Chris Robinson de los principios y el mismísimo Robert Plant. El resto no le va muy a la zaga. Escucha el trallazo de apertura que además titula el disco, esas guitarras queman amigos lo mismo que en ‘No Reservations’, donde mutan en aquellos The Cult que nos dejaron a todos sin respiración cuando lanzaron su seminal Electric. Por último, no me gustaría finiquitar esta review sin destacar un corte como ‘Eagles Fly Solo’, una suerte de soul electrificado que os juro que me ha dejado perplejo. Nuestra música está en plena ebullición, mires a la escena que mires, te fijes en el estilo que quieras, tenemos docenas de bandas que transitan su camino más solos que nunca a pesar de que intenten llamar nuestra atención con discos tan sólidos como éste. Electric Alley de Cádiz, uno más para añadir a una lista ya muy larga. ANDRÉS MARTÍNEZ

THE STRUTS

Everybody Wants (INTERSCOPE)

ROCK

gnoro qué padrinos tienen The Struts, pero los tienen. No puede ser casualidad que una banda salida de la nada abriera para The Rolling Stones en París y se colocara como telonera en la gira de despedida de Mötley Crüe del año pasado. Viendo los créditos de Everybody Wants, en los que encontramos a compositores y productores que han facturado hits para Ronan Keating o One Direction, también se hace evidente que detrás de este cuarteto británico hay algo más que una simple banda de rock. Publicado originalmente en 2014, este debut se ve ahora reeditado con una nueva portada, temas

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extras y acompañado de una gran campaña de promoción que pretende posicionarlos como los enésimos salvadores del rock. ¿Funcionará? El mayor hándicap que pueden tener The Struts es que el público rockero, tan reacio a todo lo que huela a ‘producto’, les de su bendición, pero en el mainstream es posible que tengan un impacto. De momento el single ‘Could Have Been Me’ no para de escalar posiciones y el disco contiene suficientes temas como para que la cosa no quede ahí. Con ecos de Queen (‘The Ol’ Switcheroo’), The Darkness (‘Roll Up’), Reef (‘Dirty Sex Money’) o Jet (‘Kiss This’), es una lástima que el sonido del disco sea tan y tan pulido, porque con un poquito más de suciedad esta obra subiría bastantes enteros. De lo que no tengo duda es que su vocalista Luke Spiller, una mezcla entre un joven Freddie Mercury y Russell Brand, tiene madera de estrella, y que si esta noche tocaran en mi ciudad, me acercaría para ver si su directo convence. Hasta entonces, mantendré mis reservas. DAVID GARCELL

INVERLOCH

Distance / Collapsed (RELAPSE)

DEATH DOOM

omo es imposible estar a todas, me sorprendo al comprobar que éste es el primer álbum de Inverloch. Quizá es que su EP inicial de 2012 dio mucho que hablar, o que por una cosa u otra este Distance / Collapsed ha conseguido captarme desde que se revelaran sus detalles, pero lo cierto es que albergaba la sensación de que los australianos presentaban una carrera mucho más longeva por lo muy presentes que los tenía. Quizá la banda no cuente aún con mucho recorrido, pero desde luego sus miembros sí presentan sobrada veteranía, con

el batería Paul Mazziotta y el guitarrista Matthew Skarajew de los lejanos diSEMBOWELMENT. En efecto, no estamos hablando de unos críos en plena formación, y esto te queda clarísimo en cuanto los casi 9 minutazos de ‘Distance Collapsed (In Rubble)’ se te echan encima. Donde se te disipa cualquier duda sobre el savoir-faire de estos músicos es con la siguiente ‘From The Eventide Pool’, una cancionaza lenta y desgarradora del mejor doom emotivo. Alternando con death metal, ‘Lucid Delirium’ es una señora pesadilla, acongojante como ella sola, y los 11 minutos con 49 segundos de ‘The Empyrean Torment’ tampoco es que sean una sonriente bienvenida a la primavera y las estampas bucólicas, por mucha lírica que desprenda su dolor. ‘Cataclysm Of Lacuna’, otro mausoleo del llanto ya casi funeral doom, cierra un álbum no apto para psiques quebradizas, al que sólo puedo achacarle su corta duración. Todo un manual sobre cómo sacudirte las entrañas. PAU NAVARRA

NIGHT BEATS Who Sold My Generation (HEAVENLY/PIAS)

ROCK, PSICODELIA

aciendo caso a mi instinto innato de coger discos por las portadas, me llevé para casa este tercer álbum de los Night Beats sin saber nada de ellos. Y, cómo no, el instinto volvió a acertar. Who Sold My Generation es de esos discos que te pones una y otra vez sin cansarte, y en que cada nota fluye con naturalidad, te atrapa y no te suelta. Originarios de Dallas pero asentados en Seattle, los amigos de la infancia Lee Blackwell (guitarra y voz) y James Traeger (batería), más Jakob Bowden al bajo, exhiben su background en

la psicodelia, el R&B y el garaje, y lo ejecutan de manera brillante. A ratos podrá parecerte que escuchas un disco de los 13th Floor Elevators o los Seeds (‘Shangri Lah’), a ratos uno de Stone Roses (‘Sunday Mourning’), a ratos uno de Link Wray (‘Bad Love’), a ratos a unos imitadores de riffs de los Kinks (‘Last Train To Jordan’), a ratos a los Temples (‘Power Child’), o a ratos a los Black Rebel Motorcycle Club (‘Turn The Lights’, ‘No Cops’). No es casualidad, puesto que el mismísimo Robert Been Levon coproduce este disco de la banda con nombre tributo al disco de Sam Cooke. Pero toda esa amalgama tiene personalidad propia y brilla en la mugre reverberada que desprende. Esos amigos de la infancia que se descubrían Howl de Allen Ginsberg hablan desde amores que desconfían (‘Right/Wrong’), hasta de la impunidad con la que la policía mata en Estados Unidos (‘No Cops’). Y me perdonaréis que os deje aquí, pero el disco se ha acabado y tengo que volver a ponerlo otra vez… IGNASI TRAPERO

KILLING JOKE Pylon

(SPINEFARM)

POST PUNK, INDUSTRIAL

lgunas veces la música hace que el mundo parezca un lugar mejor, con más luz, un ambiente seguro lleno de consuelo, alegría y sorpresa infantil. Pero esto es Killing Joke, así que... ¡Ni de coña! Así lo recuerda una pegatina promocional en la portada del nuevo trabajo del mítico grupo de Londres. 15 álbumes ya en su dilatada carrera (se juntaron para tocar en el año 1979 en el barrio de Notting Hill) y un mérito añadido para Pylon: lo ha grabado la formación original. Y cuando se trata de bandas tan longevas, prefiero tomar

cierta distancia respecto a su legado y valorar su material nuevo como si el grupo acabara de debutar, es decir, sin prejuicios ni misericordias. Desde este punto de vista, la nueva entrega de Killing Joke es admirable: casi una hora de música distribuida en composiciones de 6-7 minutos en las que el cuarteto inglés alcanza grandes cotas de inspiración en varias, como en ‘New Cold War’, ‘Euphoria’ o ‘Big Buzz’. La mayoría de canciones se fundamentan en una base musical repetitiva como un martillo pilón (en ocasiones, un rock industrial bastante cañero), y es la voz de Jaz Coleman la que se va modulando para dar forma a las melodías. Además, su teclado aporta esa dosis adicional de oscuridad y misterio que envuelve al sonido de la banda inglesa. Si tienes la oportunidad de conseguir la edición especial de Pylon no lo pienses dos veces, ya que incluye un segundo CD con cuatro temas extra que merecen mucho la pena. JORDI FORÉS 87

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Gabriel Öberg (voz), Carl Magnus Palm (guitarra),

Kristofer Sundberg (batería) PRODUCIDO POR: Rideau, Sebastian Forslund AFINES A: Cancer Bats, The Bronx, Feed The Rhino PÁGINA WEB: www.rideau.se

RIDEAU

Rideau (MUTINY/OMN) ROCK, PUNK, METAL

esde Örebro, la misma ciudad sueca que nos dio a Millencolin y Nasum, llegan ahora Rideau, un trío al cual podríamos situar a medio camino entre ambos con su mezcla de rock, punk y metal. Sus tres componentes provienen de una banda anterior, Insekt, de la que no puedo dar referencias pues no había oído en mi vida, pero que a buen seguro debió servirles para ganar la solvencia que demuestran en este debut. Con un sonido potente y crudo, Rideau están en la tradición del buen rock escandinavo (el estribillo de ‘The Bull And The Dove’ recuerda a los añorados

Gluecifer) pero le añaden un punto extra de pesadez en las guitarras que puede atraer también a unos cuantos metalheads o incluso a aficionados al stoner a los que les guste el punk rock. Pero la cosa no acaba ahí, y el grupo hace gala de su amplitud de miras colando un solo de saxo en ‘Ecstasy’, el primer cañonazo que llega tras la intro a modo de hipnosis ‘Eye Closure’, así como en los 10 minutos psicodélicos de ‘December’, con el que cierran el álbum. En ‘Reverend Bob’ también meten una slide guitar como entrada a un blues post acocalíptico que te patea el culo como una mula con mala hostia. La voz de Gabriel Öberg,

gruesa y rasposa, se adapta perfectamente a todos los registros, amenazante cuando grita, pero también capaz de volverse más melódica cuando conviene; escucha ‘Stand Still’ como muestra de todo su repertorio. Alternando riffs más pesados (‘Shameday’) con arranques de velocidad (‘No Air, No Food, No Luck’), Rideau logran mantener tu atención en todo momento e incluso te permiten que cojas un poco de aire en la instrumental etérea ‘Dvala’. Pero no te lleves a engaño porque su misión última es la de perforarte el cráneo. Esperemos que pronto podamos comprobarlo en directo. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... CARL MAGNUS ¿Cómo y por qué se produjo la transición de Insekt a Rideau? “Empezamos ese grupo en 2007, pero dos años después nuestro vocalista tuvo problemas con sus cuerdas vocales y tenía que descansar durante seis meses. Al final acabó dejando el grupo. Empezamos a buscar a otro cantante, pero al final decidimos que Gabriel, que era el bajista pero tiene una voz fantástica, ocupara su lugar. En ese momento los otros del grupo también lo dejaron, así que nos quedamos los dos solos. Empezamos a recomponer los temas que teníamos para adaptarlos a su voz y escribimos algunos nuevos. Al final, Kristofer, el antiguo batería, volvió, pero el disco lo grabamos básicamente nosotros dos y decidimos cambiar de nombre. De hecho grabé varias guitarras en Barcelona”. ¿Cómo es eso?

“Mi novia es de Londres, pero vivió seis años en Barcelona, así que pasaba mucho tiempo ahí. Es una ciudad fantástica. Y de hecho, también he tocado allí como guitarrista del grupo I’m From Barcelona”. ¿De verdad? Pues los dos grupos no tienen nada que ver... “(Risas) Lo sé, pero en cierta manera se parecen porque la energía en el escenario es igual de importante. Con I’m From Barcelona es más una energía feliz, y con Rideau es más oscura (risas)”. En el disco, además de punk rock, hay influencias más blues e incluso algo de psicodelia... “El hecho de que los dos escribiéramos temas nuevos y utilizáramos temas viejos hizo que todo fuera más variado. Los tres componemos y tenemos una mente abierta, así que intentamos integrar el máximo de sonidos a lo que queremos

hacer con Rideau”. Me parece curioso que el disco lo grabarais entre Gabriel y tú, porque realmente suena como una banda en directo... “Gracias, porque es lo que queríamos conseguir. Tuvimos muy buen rollo en el estudio. La gente con la que tocamos en el álbum son amigos nuestros con los que habíamos tocado en otros grupos, así que ya había una base. Entendían lo que queríamos hacer”. En Örebro había una buena escena musical en los 90. ¿Cómo os influenció? “El tener el sello Burning Heart aquí tuvo mucho que ver porque tenía bandas fantásticas como The Hives y Refused. Millencolin también son de aquí, así que todo eso nos influenció. Tuvimos la suerte de crecer en un gran ambiente musical”. (JORDI MEYA) 89

BLACK MOUNTAIN IV

(JAGJAGUWAR)

ROCK PSICODÉLICO

ue después de seis años sin saber prácticamente nada de ellos, el primer tema que suene en el nuevo álbum de Black Mountain sea ‘Mothers Of The Sun’, con su sonido marca de la casa intacto, como si aquí no hubiera pasado nada, es de tenerlos cuadrados. 8 minutos en que los de Vancouver dejan bien claro que siguen dominando con maestría todos esos sonidos que les convirtieron en una formación única. Lo mismo ocurre en IV. Pueden tirar tanto por los riffs con olor a los 70 (‘Constellations’, ‘Florian Saucer Attack’), las acústicas hippies (‘Line Them All Up’), el pop clásico

facturado con elegancia (‘Cemetery Breeding’), la psicodelia (‘Defector’) o disfrazarse por un instante de una de sus principales referencias como es Pink Floyd (esa portada tan deudora de Hipgnosis les viene como anillo al dedo) en el espectacular cierre de ‘Space To Bakersfield’, al que sólo le falta que aparezca David Gilmour por la puerta con su guitarra para unirse a la fiesta. Y lo más increíble de todo es que, a pesar de las distintas variantes que son capaces de abarcar, todo el álbum suena coherente y a ellos mismos, con una personalidad arrolladora. Los juegos de voces entre Stephen McBean y Amber Webber siguen funcionando a las mil maravillas, mientras que Jeremy Schmidt continúa llenando las canciones con sus teclados y sintetizadores que acaban por dar esa sensación de que estamos ante la banda sonora de una pelicula vintage rodada en 8 milímetros puestos hasta las cejas de ácido. Un verdadero alucine de disco. GONZALO PUEBLA

THE GREAT WOUND

Voices Of Regret (ERZSEBET/INDAR PRODUCTIONS)

BLACKENED DEATH METAL

ara todos aquellos que nos sentimos un poco desolados cuando los guipuzcoanos Darkness By Oath decidieron poner punto y final a su trayectoria, es un verdadero placer ver que uno de sus miembros más inquietos y brillantes, Tristán Iñiguez, se ha puesto rápidamente manos a la obra para dar salida a toda esa música que llevaba dentro y que corría peligro de quedarse huérfana. Y que encima lo haya hecho contando con la increíble aportación a la voz

y a la guitarra del exLegen Beltza y ahora en Extinction, Ekaitz Garmendia, es sin duda un lujazo al alcance de pocos. Y el resultado es este brillante debut que ya desde el aplastante corte inicial ‘Substract The Light’, te agarra por el pescuezo y te empieza a apretar hasta asfixiarte sin remisión para soltarte y dejarte recuperar el aliento al compás de la épica sinfonía de ‘Temple Of Wrath’. En medio, canciones llenas de riffs punzantes y afilados envueltos en oscuras ambientaciones gracias a unos precisos teclados, donde destacan ‘Uncanny Valley’, ‘Cultures Of The Past’ o ‘Defiance Of Existence’ (por nombrar sólo algunos). Y es que este Voices Of Regret transmite sobre todo entusiasmo y una franqueza total de estos dos metalheads que han querido volcar en este, de momento, proyecto únicamente de estudio toda la pasión y experiencia de estos últimos años. Y esto, en los tiempos que corren, es de mucho agradecer. KARLES SASTRE

HACKTIVIST

Outside The Box (UNFD)

DJENT, RAP METAL

a hace muchos veranos que escuchamos hablar de los ingleses Hacktivist y su innovador djent rap, pero no es hasta ahora (y tras unos EPs y singles) que la banda lanza por fin su debut. Quedaba por ver si estos muchachos eran sólo banda de singles o si eran capaces de capturar la diversión en un disco completo. Spoiler: lo han conseguido. Y es que básicamente de eso se trata Outside The Box, sobre lo divertido que es escuchar a una banda que utilizando viejas técnicas logra crear algo que suene a nuevo. ¿Unir rap y metal? Está muy visto y ya tenía

fecha de expiración a finales de los 90, pero hacerlo utilizando algo técnico como el djent y dejando que las melodías más interesantes de las canciones salgan de las guitarras y no de los vocalistas ha sido un gran acierto. Bastante notables son las influencias de su generación, es difícil no pillar trazos de TesseracT o Enter Shikari (Rou Reynolds participa en ‘Taken’) en su forma de componer las canciones, pero lo hacen de tal manera que aunque estén hablando de temas tan serios como política o problemas sociales, lo único en lo que piensas es en lo bien que está sonando la canción (por predecible que sea). Incluso les dedican un corte a sus haters en ‘Hate’ y el resultado es increíble, porque hasta en sus momentos más flacos saben salir al paso de la mano del rapero Hurley. Ese punto DIY hace más completa la experiencia, y aunque puede que no lo parezca, Outside The Box es uno de esos discos que volverás a escuchar de aquí a diez años y no te parecerá fuera de lugar. JORGE FRETES

TOTTEN KORPS

Supreme Commanders Of Darkness (VARIOS SELLOS)

DEATH METAL

s una suerte que dos sellos nacionales, The Horror Dimension y Pathologically Explicit Recordings, hayan decidido otorgarle una reválida a Supreme Commanders Of Darkness, el discarral que Totten Korps se marcaron el pasado año. Sin ellos, esta tormenta habría pasado desapercibida para muchos, entre los que me incluyo. ¿Tan bueno es el segundo álbum de esta veterana formación? Rotundamente sí. Lo que los chilenos plantean no es un estilo nuevo, ni una enésima vuelta de tuerca, menos aún la mamarrachada ecléctica número 237 que padecemos

este mes; no, para nada. Lo de Totten Korps aquí es cabronísimo death metal a toda leche, con una altísima dosis de oscuridad y técnica deudora de los más grandes del género. Hay Incantation, por supuesto, también una extraña brutalidad arcana muy Nile o Krisiun, pero sobre todo no he podido dejar de pensar en Morbid Angel al ser ultrajado por diabluras ejecutadas a mil por hora como ‘Hastur’s Voice Echoes In Our Minds’ o ‘The Journey Through Styx On The Arms Of Hades’. ¡Dios, es como si Trey Azagthoth se convirtiera en Hulk! La producción es simplemente atroz, un hostiazo que te clava el chorrazo gutural de Andrés ‘Sadax’ Peña en todo el cerebro, mientras las guitarras te chafan con saña secundadas por un Alejandro Arce que, más que tocar la batería, parece que levite en un vórtice incontrolable. A ver quién es el listo que escucha ‘The Legacy Of Leviathan (Shadows From The Depths)’ y tiene luego los huevos de negarme que estemos ante algo gordo. PAU NAVARRA 91

ALTARAGE NIHL

(IRON BONEHEAD)

DEATH METAL

manados del death metal más hermético y oculto, ése que de tan virulento roza el black más grave y rebuscado, los enigmáticos Altarage vuelven a ser invocados tras una demo de 2015 que nos sumió el corazón en la penumbra, pero que debía ser correspondida con un primer álbum como el que ahora articulan. En este debut en largo, en este acto de hechicería y alta magia, las guitarras caen inmisericordes desde una noche sin luna ni estrellas, donde no hay ni un halo de luz que guie tus pasos, encaminados sin duda hacia un terrible desenlace. Se desconoce qué seres

informes están detrás de esta agrupación, pero el origen de este culto debe buscarse en Euskadi, y obviamente nos hallamos ante apariciones dotadas de una elevada veteranía en este tipo de intrigas. De aterradora inclinación Portal o Abyssal, NIHL desciende en tromba como una negra cascada herética, emergiendo ‘Drevicet’ desde el inframundo para expandir su mal como una plaga, como una ya olvidada epidemia de extrema mortandad. La voz es un rumor, un eco de otros tiempos remotos, y se sitúa en una muy baja frecuencia para llevarse el botín de tu cordura, mientras la cruenta ‘Womborous’, la lejana ‘Graehence’, el retumbar del sortilegio ‘Baptism Nihl’, la pavorosa ‘Vortex Pyramid’ o ‘Altars’ poco a poco sacrifican tu carne, huesos y alma en honor de unas criaturas innombrables. Una letanía que nunca debería haber sido pronunciada, una tumba de proporciones gargantuescas que emerge desde dimensiones imposibles de concebir. PAU NAVARRA

CIRCUS MAXIMUS Havoc (FRONTIERS)

METAL PROGRESIVO

s bastante difícil conseguir un disco de metal y rock progresivo donde uno de los elementos que más destaca del conjunto es el bajo, pero es que el trabajo de Glenn Mollen en el cuarto disco de los noruegos Circus Maximus es simplemente para levantarse y aplaudir. Puede que hayan empezado como una banda de versiones, y que en sus dos primeros discos no consiguieran despegarse del estigma de Dream Theater, pero si en su anterior Nine ya notamos dejes de personalidad propia, es ahora con Havoc donde

realmente sale a relucir un sonido totalmente propio. Lo creas o no, muchas veces es complicado lograrlo, aunque cuentes con los solos de guitarra de Mats Haugen o la estupenda voz de Michael Eriksen. Pero lo complicado parece atraer a este joven combo, aprendices de la escuela Ayreon. Estamos ante un trabajo más oscuro que sus predecesores, aunque no en el sonido. Más oscuro en las letras, en las estructuras y en los cambios, donde hay menos luz que hace cuatro años. Canciones como ‘The Weight’ son el perfecto ejemplo del nuevo rumbo de Circus Maximus, fácilmente una canción de rock duro o de heavy contemporáneo, pero a través del filtro del prog que le añade tantos matices diferentes. Definitivamente es el disco con el cual deberías empezar a escuchar Circus Maximus para descubrir la magia que la banda es capaz de desatar sin depender de lo aprendido del pasado y de amplias influencias. A través de la rabia logran convertirse en la banda que siempre han querido ser. JORGE FRETES

DARIA

Impossible Colours (ARCTIC RODEO RECORDINGS)

INDIE ROCK

o hace falta cruzar ningún charco ni atravesar el Eurotúnel para encontrar bandas internacionales increíbles. Al otro lado de los Pirineos, en el país vecino, se cuecen cosas muy interesantes. Si hace unos meses os hablaba de los franceses Not Scientists, que parieron un gran disco de punk rock el año pasado, ahora me dispongo a reseñar el nuevo trabajo de sus paisanos Daria. Y es que, los de Angers, al este de Francia, no son precisamente unos recién llegados. El presente Impossible Colours es el

cuarto trabajo de una banda de rock en activo desde 2002. En este nuevo largo, precedido por un interesante 7’’ compartido con los Office Of Future Plans de J. Robbins, contiene una docena de temas muy resultones, sólidos como una roca, aguerridos y agridulces. Empieza muy bien con ‘Past/Simple’, con ecos al ‘Popular’ de Nada Surf en la estrofa y un estribillo apoteósico cuando explota, y continúa mejor con una terna irresistible formada por ‘Margins’, ’February’ y ‘A Quiet Anarchy’, piezas con distorsión y mucho músculo, con un sonido arrollador. Llegados a este punto, la banda no se relaja pero se atreve con otras cosas como ‘Impossible Colours’, una balada de la escuela Biffy Clyro, un oscuro medio tiempo de casi 8 minutos como ’A Tired Hand’ y la épica ‘Empirical Dismay’, con unos coros y una batería enormes. Por este disco y por su trayectoria, Daria se han ganado a pulso ser considerados los máximos exponentes del indie rock galo. LUIS BENAVIDES

CHTHE’ILIST

Le Dernier Crépuscule (PROFOUND LORE)

DEATH METAL

hthe’ilist, que en su casa sabrán cómo se pronuncia, debutan tras seis años de carrera de la mano de uno de los mayores especialistas en submundos extremos, Profound Lore. No sólo su nombre nos recuerda al universo lovecraftiano, pues la atmósfera malévola, viciada y arcaica que sobrevuela este trabajo, así como temas como ‘Vecoiitn’aphnaat’smaala’, también nos remiten irremediablemente a la obra del escritor de Providence. Intrincados y altamente cualificados en cuestiones técnicas, aunque sin abusar de su excelente nivel

instrumental, a lo Pestilence, estos canadienses se encuentran a gusto entre aires densos y difícilmente habitables, conviviendo ‘Into The Vaults Of Ingurgitating Obscurity’ o ‘Voidspawn’ con horrores interestelares, ritmos singulares y voces tortuosas bastante Demilich. De hecho, Philippe ‘Pat’ Tougas no duda a la hora de usar predators al micro, un recurso más común en el brutal death. ‘Scriptures Of The Typhlodians’ sería un buen resumen, contando también con esas resonancias tan Dimmu Borgir presentes en el álbum (sí, lo siento, yo lo veo así). Por su parte, la rebuscada ‘The Voices From Beneath The Well’ resulta convincente para explicar la importancia del bajo en este disco. Una notable primera obra que consigue plenamente su cometido, que no es otro que llevarte a su terreno de misterio y espanto, y que deberías degustar hasta el final, pues ‘Vecoiitn’aphnaat’smaala’ y la larga ‘Tales Of The Majora Mythos Part 1’ conforman sin duda el momento culminante. PAU NAVARRA 93

VOIVOD

Post Society (CENTURY MEDIA)

METAL, ROCK PROGRESIVO

iempre hay una banda que cae en el saco de un género al que no pertenece, simplemente por proximidad. En los 80 era difícil clasificar lo que los canadienses Voivod realizaban, y aunque muchos los sitúen cerca del thrash (a pesar de nunca compartir estilos con los cuatro grandes, sean americanos o europeos), lo cierto es que en 2016 siguen siendo ‘los raritos’. Cuando más atención de la prensa lograron fue con la inclusión de Jason Newsted de Metallica, pero fue también cuando más lineales se convirtieron. Por fin en Post Society vuelven a ser esa banda inclasificable, y para bien. Además de canciones que ya hemos escuchado antes en sus splits con Napalm Death y At The Gates, ahora presentan otras

JEFF BUCKLEY You And I (LEGACY)

FOLK, BLUES

al vez cuente con algo menos de tirón comercial que otros nombres ilustres, pero no deja de sorprender cómo todavía Jeff Buckley puede seguir siendo noticia cuando se cumplen ya casi dos décadas desde su triste y dramática desaparición. Todo ello con lo meritorio que resulta que su legado en vida se resumiese en tan sólo un álbum de estudio, el magistral e insuperable Grace. Es por ello que los lanzamientos posteriores a su muerte han aparecido a cuentagotas y con material que difícilmente resultase verdaderamente inédito.

dos novedades que nos devuelven a los Voivod más experimentales, coincidiendo con el primer material fresco de la banda desde el ingreso en el grupo del bajista Dominique ‘Rocky’ Laroche. La gran voz nasal de Denis ‘Snake’ Bélanger hace mucho del trabajo de este EP, y ya pocos echarán en falta el trabajo de guitarras del fallecido Denis ‘Piggy’ D’Amour, porque si este disco gana enteros en algo es en

el apartado de guitarras. Es como si tu banda favorita de metal se haya comido un alucinógeno y haya dado rienda suelta a sus fantasías más retorcidas. La canción ‘We Are Connected’ es el claro ejemplo de todo esto, al igual que la versión de ‘Silver Machine’ de Hawkwind que se marcan. Vuelven a enamorar, vuelven a ser ellos mismos en su esencia más pura.

You And I tampoco es una excepción, ya que se nutre principalmente de covers que, de una manera u otra, hemos tenido la oportunidad de escuchar con anterioridad. Los diez cortes que lo componen han sido elegidos y supervisados por la propia madre de Buckley, Mary Guibert. Entre ellos podemos encontrar versiones de artistas que siempre reconoció como influencias claras como podrían ser Bob Dylan (‘Just Like A Woman’), Led Zeppelin (‘Night Flight’), The Smiths, que son versionados por partida doble (‘The Boy With The Thorn In His Side’

y ‘I Know It’s Over’) u otras más sorprendentes como el ‘Everyday People’ de Sly & The Family Stone. También cae alguna pieza tradicional de blues, caso de ‘Don’t Let The Sun Catch You Cryin’’ o ‘Poor Boy Long Way From Home’, que cuenta con un slide brutal. Todas ellas son llevadas a su terreno con esa gracia y sensibilidad tan especiales que hicieron de Jeff uno de los talentos que más nos dolió perder en la década de los 90. Y aunque sea de esta manera algo patillera, siempre es una gozada volver a escuchar su majestuosa voz.

JORGE FRETES

GONZALO PUEBLA

KETZER Starless (METAL BLADE)

ROCK, HEAVY METAL

l parecido entre las carreras de Tribulation y Ketzer es asombroso… Tanto, que las malas lenguas no dejarán en muy buen lugar a los alemanes, acusándoles de plagiar descaradamente a los autores de The Children Of The Night. De hecho, si cambiamos la etiqueta ‘black thrash’ por ‘death metal’, y viceversa, nos encontramos con andaduras simétricas, transcurriendo casi en paralelo con un prometedor debut en 2009 absolutamente adscrito al metal extremo, un segundo álbum algo más aventurero y estrambótico, y por último,

una tercera obra donde se da, contra todo pronóstico, una mutación hacia el rock y el metal tétrico. ¿El ‘pecado’ de Starless? Haber aparecido nueve meses después que el último trabajo de los suecos, una minucia si lo que realmente buscas son propuestas de categoría. A ‘When Milk Runs Dry’ le sobra calidad para convertirse en un temazo, ‘Godface’ es simplemente redonda, ‘Count To Ten’ o ‘White Eyes’ suenan de lo más vampíricas, y así vas encontrando otras composiciones donde el ritmo es básico, bastante por encima de la media, como ‘Shaman’s Dance’. Sigo sintiendo mucha más debilidad por Tribulation, pues ellos sí me convencen en directo y dieron semejante giro con una mayor maestría instrumental y prestancia, pero está claro que Starless merece toda tu atención si el último trabajo de los escandinavos fue para ti un pequeño terremoto. Desde luego, este álbum es mucho más que ‘apuntarse al carro’, y no sería justo que pasara desapercibido por razonamientos tan frívolos. PAU NAVARRA

VV. AA.

Algo Salvaje Vol. 2 (MUNSTER)

GARAGE, ROCK

ista la rapidez con la que se ha dado continuación el primer volumen de Algo Salvaje, podemos pensar que esta colección que emula a los míticos Nuggets norteamericanos tiene todos los números para convertirse en una serie con identidad propia. Vicente Fabuel, uno de nuestros mejores musicólogos, y con la ayuda del propio Iñigo Munster, ha elaborado otro gran volumen que de salida tiene el mérito de que ninguno de los 28 grupos que lo componen había aparecido en la primera parte, lo que prueba, una vez más, la

gran cantidad y calidad de música que se hizo en España durante los 60. Como es obvio, analizar todo lo que encontramos en estos 80 minutos de música es imposible. Junto a himnos del rock nacional como ‘Soy Así’ de Los Salvajes, o la aportación de artistas populares como Juan & Junior, conviven joyas oscuras como esa sensacional versión de ‘You Don’t Love Me’ de los gerundenses Los Simuns o los ceutís The Brisk, pasando por toda una clase media (Los Relámpagos, Smash o Los Diablos Negros) que dan muestra de su buen hacer. Garage, psicodelia, beat, pop, rock… de todo esto podremos encontrar en este irresistible mejunje que, como suele ser habitual en las ediciones de Munster Records, viene acompañado de un extenso libreto donde podemos encontrar las diferentes portadas originales, textos explicativos y demás trabajo arqueológico del que, definitivamente, vale la pena empaparse. RICHARD ROYUELA

CRISIX

ESTADO DE

EU FORIA

CON SU FICHAJE POR LISTENABLE RECORDS Y EL LANZAMIENTO INTERNACIONAL DE SU TERCER ÁLBUM FROM BLUE TO BLACK, CRISIX ESTÁN PREPARADOS PARA LLEVAR SU ULTRA THRASH MÁS LEJOS QUE NUNCA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS : THROUGHTHELENSES RRA FOTOS: DR

ESDE QUE SE FORMARAN EN 2008, la carrera de los barceloneses Crisix había seguido una línea ascendente imparable. Su victoria en la batalla de bandas de Wacken en 2009, la edición de su debut The Menace en 2011 y de su continuación Rise… Then Rest en 2013, amén de un montón de conciertos, un gran seguimiento en las redes sociales e hitos como conseguir más de un millón de visionados de su himno ‘Ultra Thrash’ en YouTube, les posicionaron como una de las bandas de thrash metal más prometedoras a escala europea. La edición de su

tercer álbum debía suponer la consagración de todo lo cosechado hasta entonces... Sin embargo, aunque durante 2015 sabíamos que Juli (voz), Busi (guitarra), Requena (guitarra), Dani (bajo) y Javi (batería) habían grabado nuevo material, los meses iban pasando y el disco no llegaba. En sus ansias por lograr una mayor proyección internacional, Crisix habían decidido cambiar de management y discográfica, pero conseguir nuevos socios les llevó más tiempo del que preveían. En un momento dado, viendo que las negociaciones no avanzaban, incluso se plantearon optar por la autoedi97

ción, pero finalmente el sello francés Listenable Records decidió apostar por ellos y el pasado 18 de marzo editaba From Blue To Black, un disco más trabajado a todos lo niveles pero que conserva aquella chispa entusiasta que nos enganchó la primera vez que les escuchamos. El 8 de abril iniciarán en Madrid una gira que les llevará por toda la Península, incluidas paradas en festivales como el Viña Rock, el Resurrection o el Leyendas del Rock, pero antes Juli y Javi aprovecharon para pasar por nuestra redacción y explicarnos cómo han vivido todo este tiempo de trabajo en la sombra. En estas fechas tendríais que estar en la otra punta del planeta girando por Latinoamérica... sin embargo, estáis aquí. ¿Qué ha pasado? ¿Os precipitasteis al anunciar la gira? JAVI “Lo que pasó es que nos pedían que lo anunciáramos, así que tuvimos que hacerlo. Ahora nos pondremos un poco más duros y no anunciaremos hasta que esté todo claro. Siempre puede haber contratiempos, que es lo que ha pasado, pero lo jodido es que los bolos que estaban confirmados estaban vendiendo un huevo de entradas, pero luego había otros que por lo que sea no se confirmaban”. JULI “Cuando ves que no paran de haber cambios, que van aplazando las fechas y que estás a dos días del primer bolo y todavía no tienes ni los billetes… Nos decían que no nos preocupáramos porque irían cerrando las otras fechas sobre la marcha, pero también tenemos una vida aquí y no nos podíamos ir dos meses a la aventura”. JAVI “Nosotros estamos contentos porque hemos hecho todo lo posible 98

para poder ir. Hemos esperado hasta el último día, pero al final se tuvo que cancelar todo”.

JAVI “Aquí todavía no son un grupo tan conocido y venir a salas que están de puta madre les interesaba”.

Bueno, al menos ahora tenéis por delante una extensa gira por aquí. JAVI “Sí, y como no hay mal que por bien no venga, con la cancelación de la gira latinoamericana ahora tendremos más tiempo para preparla”.

Desde el principio una de las cosas que más ha enganchado a la gente de Crisix son los directos. JULI “Totalmente”. JAVI “Tienes que prepararlo todo y sobre todo disfrutar. Yo creo que para todas las bandas el directo es el 60 o el 70%. La gente puede escuchar todos los discos que quiera, pero sólo va a unos conciertos en concreto, a los que sabe que se lo va a pasar bien”. JULI “La esencia de la banda en directo es totalmente natural. No hay una pose estudiada. No sabemos hacerlo de otra manera y eso la gente lo ve y se contagia”.

¿El hecho de que Bellako os acompañen en todas las fechas ha sido cosa vuestra? JAVI “Yo soy muy fan suyo y además son colegas. Los he visto varias veces en directo y suenan muy bien. Y me gusta porque es una banda que trabaja mucho. Lo que más nos interesaba era que quien viniera con nosotros nos hiciera sentir bien. Son muchas horas en la carretera y en las salas, y no quieres a alguien que te haga sentir incómodo”. JULI “Yo creo que la mezcla Bellako/ Crisix funciona muy bien”. JAVI “No queríamos meter otra banda de thrash, queríamos un poco de variedad. La gente critica el hardcore o el thrash si está en un campo u otro, pero al final todo es violencia. Una lenta y otra rápida, pero es violencia”. JULI “Es una manera de acabar con los prejuicios”. Y en Madrid y Barcelona además os acompañarán como invitados especiales los suecos Dr. Living Dead!. JULI “Sí, pensamos que molaría traer a una banda de fuera para hacer el cartel más atractivo. Salió su nombre, lo hablamos con ellos y llegamos a un acuerdo. Creemos que ha quedado un cartel brutal”.

Y también elementos como los de la silla eléctrica hacen que destaquéis. Aunque cuando empezasteis la gente pudiera pensar que erais unos flipados, al final hace que la gente se acuerde de ti. JULI “Estas cosas siempre funcionan. Es bueno fliparse (risas)”. JAVI “¿Por qué no coger la silla de un comedor y ponerle un colador encima? (Risas)”. JULI “Los primeros shows de Iron Maiden, cuando tenían cuatro chavos y metían la cabeza en la pared sacando humo… y no les ha ido mal (risas)”. JAVI “Tienen un avión (risas)”. Pasando ya a From Blue To Black en sí, lo empezasteis a componer hace casi tres años, ¿no? JULI “Los primeros esbozos surgieron durante la gira de Rise… Then Rest, a

realmente quería cambiar algo”.

“LA GENTE DEBERÍA CENTRARSE EN LAS BANDAS ACTUALES PORQUE LLEGARÁ UN DÍA EN EL QUE NO VAN A ESTAR NI SLAYER, NI ANTHRAX, NI METALLICA. ¿QUÉ VA A PASAR ESE DÍA? "

JULI finales de 2013”. JAVI “Cuando empezamos a componer, y teníamos ‘Strange’ y algún otro tema, tuvimos que cambiar de local de ensayo y también nos paró bastante”. JULI “El apretón bestia compositivo lo hicimos en 2014 y principios de 2015”. ¿Hay algo en la grabación que hicisteis de manera diferente? JAVI “Pues no, se grabó como el The Menace”.

JULI “En todo caso, el darle tantas vueltas a la preproducción también se trasladó a la grabación. Hicimos tomas y tomas hasta que nos convencía al 100%”. JAVI “La mayor diferencia fue el tiempo. Por ejemplo estuvimos un día exclusivamente dedicado a buscar el sonido de batería”. JULI “Con las voces igual. En los anteriores estuve cuatro días. Esta vez estuve semana y media. Pude escuchar los temas al cabo de unos días y ver si

El disco parece una evolución más madura de lo que veníais haciendo. JULI “Intentando ser objetivos, que es difícil, creemos que es una mezcla de The Menace y Rise… Then Rest llevada a otro nivel”. JAVI “Se ha currado mucho más. The Menace fue vomitar. En Rise… quizá lo trabajamos un poco más, pero éste nos pasamos horas y horas componiendo. En los dos primeros discos había partes de algunos temas que no nos gustaban del todo, pero las dejábamos. En cambio en éste hasta que no hemos encontrado algo que nos convenciera a los cinco no lo dábamos por bueno. De ahí que haya salido algo más maduro y composiciones más elaboradas”. JULI “Cada instrumento está mirado al milímetro. En cada disco siempre había algo que hubiéramos cambiado, pero eso no nos pasa con From Blue To Black”. JAVI “Y la parte lírica ya es interesante. Antes la letra, dependiendo de en qué tema, era más estándar del thrash, lo principal era la música. En éste es más personal”. JULI “En los otros discos quizá yo traía una letra, pero no lo trabajábamos entre los cinco. Ahora lo hemos desgranado y estudiado todo, desde las letras a los riffs… Nada ha llegado virgen al resultado final”. Quizá es que también tenéis más cosas de las que hablar… JULI “(Risas) Sí, sí”. JAVI “Tienes nuevas inquietudes, tenemos otra edad… El otro día nos hacían una entrevista en la que nos preguntaban cuántas cervezas nos ha99

“NO QUEREMOS PENSAR QUE HAY UN TECHO. TENEMOS LA AMBICIÓN DE CRECER Y CRECER, Y HACES TODO LO POSIBLE PARA QUE LA BANDA SIGA SUBIENDO"

JULI bíamos bebido durante la grabación. Nada en contra de la entrevista, pero ninguna. Quizá antes sí que hablábamos de alcohol y fiesta, pero ahora también quieres dar tu opinión sobre lo que estás viviendo”. JULI “Hay crítica social, experiencias personales, temas que te inquietan… Así que cuando te preguntan si sigues siendo un joven alcoholizado… Yo voy a cumplir 30 tacos, y alcoholizado ya… (risas)”. Retomando lo que decíais antes sobre trabajar cada detalle, también ocurre que a veces lo que más conecta con el público es lo que se hace casi sin pensar. Pienso en vuestro tema emblema ‘Ultra Thrash’. JULI “’Ultra Thrash’ fue algo muy visceral. Acabábamos de salir de la nada. Era la carta de presentación”. JAVI “Yo creo que es todo, es el título, la letra, el grito, pero es verdad, a ve-

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ces lo más tonto es lo que más gusta”. Y ahora que por fin sale From Blue To Black, ¿qué pesa más, la sensación de alivio o la ilusión? JULI “A mí me pesa más la ilusión porque llevamos mucho tiempo trabajando en este disco y ahora que por fin verá la luz para el público estamos deseando que puedan escucharlo. Estamos súper contentos con el resultado y creo que lo disfrutarán a tope”. JAVI “Yo creo que el alivio es más personal. Después de tener el disco siete meses en el coche, por fin podremos enseñarlo. Teníamos el master antes del verano, pero hasta que tuvimos cuadrado todo el tema de la discográfica y demás, han pasado muchos meses. Así que el alivio viene por ahí, no por otra cosa”. Todo este periodo de espera supongo que os ha hecho ver

hasta qué punto te condiciona todo lo que rodea al grupo. ¿Cómo lleváis el tener que lidiar con la parte más burocrática y menos artística? JAVI “Para mí es la mierda del grupo, en serio”. JULI “Sí, pero funcionamos bastante bien. Dentro de la banda cada uno tiene su cometido y creo que la maquinaria está bastante engrasada”. JAVI “Ves la parte no musical, que es la que no te gusta”. JULI “Por suerte los fans no tienen que comerse esos marrones”. Me imagino que os habrán dado bastante el coñazo preguntando por qué no salía el disco... JULI “Desde el punto de vista del oyente todo parece muy fácil, pero cuando le explicas a alguien cómo funciona internamente alucina bastante. Hasta que anunciamos lo de Listen-

able, la gente no entendía muy bien por qué tardábamos tanto”. Da la sensación que todos los pasos que habéis dado han sido en busca de una mayor proyección internacional. JAVI “Era lo primero para una banda como la nuestra”. JULI “Es la idea que hemos tenido desde que empezamos con el grupo”. JAVI “Cuando tienes menos recursos se nota menos, pero a medida que vas avanzando lo que quieres es exponerte al mayor número de público posible. Aquí lo hay, nuestros fans son de aquí, pero lo que buscamos es tocar fuera porque aquí en pocos meses ya lo has hecho todo”. JULI “Por desgracia aquí no hay ningún sello que pueda ofrecernos esa proyección”. JAVI “Quizá los hay para grupos que canten metal en castellano, pero lo que hacemos nosotros no deja de ser minoritario”. Teniendo el ejemplo de Angelus Apatrida, ¿creéis que hay un techo para un grupo de thrash en España? JULI “No queremos pensar que hay un techo. Tenemos la ambición de crecer y crecer, y haces todo lo posible para que la banda siga subiendo”. JAVI “Siempre queremos superarnos. Hacer música mejor, ofrecer un show más espectacular. ¿Por qué tiene que haber un techo? Hay bandas de aquí que son mejores que lo que viene de fuera”. Igualmente, fuera del Big 4 no hay ningún grupo thrash que tenga un gran seguimiento.

JAVI “Si hablas de thrash quizá se ve que haya un límite, pero hay muchos grupos fuera de ese estilo, que incluso son más duros, que están llenando salas importantes como pueda hacerlo Slayer”. JULI “La gente debería centrarse en las bandas actuales porque llegará un día en el que no van a estar ni Slayer, ni Anthrax, ni Metallica. ¿Qué va a pasar ese día? El error es quedarse en los clásicos porque hay gente haciendo muy buena música”. Sin embargo, grupos como Parkway Drive o Bring Me The Horizon, que puedan estar tomando ese relevo, han hecho un giro para que su música sea más accesible. JAVI “Sí, pero Parkway Drive ya te llenaba un Razzmatazz 2 la vez anterior que vinieron, que ya es. Si aquí meten mil, en Alemania meten 3.000. Quizá si aspiras a más sí que tienes que cambiar algo”. JULI “El relevo generacional no se ha dado. No digo que las bandas grandes dejen de tocar, pero los oyentes no han hecho ese cambio”. JAVI “Es un poco anterior, pero Slipknot sí consiguieron eso. Llevaron a los jóvenes a escuchar metal”. Pero incluso Slipknot tenían la imagen y musicalmente sus discos ahora son mitad Slipknot, mitad Stone Sour. En grupos de aquí cuesta ver esas concesiones más comerciales. Parece que haya miedo. JAVI “A mí no me da miedo abrirme, pero comercializarme es distinto”.

hacer un estribillo que entre fácil sea lo mismo que comercializarse. También hay que saber hacerlo bien. JULI “Mucha gente se pone barreras. Crees que por hacer un estilo no puedes pasar de ahí. Es un error”. JAVI “Lo curioso es que luego mucha gente con prejuicios escucha a Iron Maiden. Nosotros éramos los primeros cerrados por la edad, pero luego nos hemos abierto muchísimo”. JULI “No paramos de escuchar nuevas bandas. Componiendo hacemos lo que nos sale. Nos puede salir algo más heavy o más death metal, pero no nos cerramos de entrada”. JAVI “El mejor ejemplo es ‘Fallen’, el último tema. Tiene mucho de Maiden, pero lo tocamos y nos llegaba. ¿Por qué no íbamos a ponerlo?”. JULI “En el momento en el que las etiquetas suponen un obstáculo me cabrea mucho. Pero en general yo creo que la gente es más abierta. Puedes ir a conciertos de black metal y a otro de hard rock y ver a la misma gente”. JAVI “También estoy a favor de los festivales porque últimamente se han abierto mucho”. Sí, pero no veas los palos que les caen cada vez que anuncian a los grupos… JAVI “Sí, pero la gente va”. JULI “Cuando el Resu empieza a anunciar es un show ver los comentarios. Pero quizá vayas al festi, veas un grupo que no conocías y resulta que te gusta. Me cabrea la gente que se cierra”.

Pero a veces se interpreta que

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SIMPLE PLAN

JUEGO DE EQUIPO

LOS AÑOS PASAN, PERO SIMPLE PLAN CONSERVAN SU ESTATUS COMO UNA DE LAS BANDAS MÁS POPULARES DEL POP PUNK. APROVECHANDO SUS RECIENTES CONCIERTOS EN ESPAÑA PARA PRESENTAR SU NUEVO ÁLBUM TAKING ONE FOR THE TEAM HABLAMOS CON ELLOS SOBRE EL SECRETO DE SU ÉXITO. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

N UNA ÉPOCA en la que las bandas se ven obligadas a lanzar continuamente material nuevo para no perder visibilidad entre los fans, Simple Plan pueden permitirse el lujo de tomarse todo el tiempo que quieran para entregar un nuevo disco. Son cinco los años que han pasado entre el anterior Get Your Heart On! y el presente Taking One For The Team (Atlantic), y de hecho, éste es sólo su quinto trabajo en 17 años de carrera, una media que recuerda más a la de los tiempos en las que las ventas se contaban por millones de copias y no de descargas. Aunque

Pierre Bouvier (voz), Jeff Stinco (guitarra), Sébastien Lefebvre (guitarra), David Desrosiers (bajo) y Chuck Comeau (batería) han soportado desde sus inicios ataques por poner más acento en el pop que en el punk, es evidente que el plan les ha salido bien. Curiosamente en Estados Unidos, el principal mercado para este tipo de música, no han logrado mantener el impacto que tuvieron con sus dos primeros discos, No Pads, No Helmets… Just Balls (2002) y Still Not Getting Any (2004), pero en cambio en el resto del globo, desde Rusia hasta México y por supuesto en su Canadá natal, son capaces de seguir 33

atrayendo miles de personas a sus conciertos. Lo mismo ocurrió en Barcelona el pasado 27 de febrero donde, justo después de terminar su prueba de sonido, Sébastien nos atendió. ¿Por qué han tenido que pasar cinco años para escuchar un nuevo disco de Simple Plan? SÉBASTIEN LEFEBVRE “Hubieron varios motivos. Lanzamos el disco anterior en verano de 2011 y de seguido nos metimos en la gira de presentación. Por suerte tenemos fans de Simple Plan en todas las partes del mundo, así que nos tomó un tiempo visitarlos a todos. Creo que estuvimos de gira unos dos, o dos años y medio. Después nos tomamos unos meses de 104

descanso, y luego de nuevo a componer. Supongo que somos lentos en el tema de componer, pero es por una buena razón: siempre queremos tener claro en qué dirección queremos ir con un nuevo lanzamiento, nos presionamos personalmente para hacer un disco bueno. No queremos apresurar las cosas y que al final sólo usemos un nuevo disco para salir de gira. Queremos estar contentos con el resultado, queremos que los fans estén contentos, y sobre todo queremos lanzar un álbum que a nosotros como fans nos gustaría escuchar. Es por eso que nos tomamos todo el tiempo que sea necesario para componer y grabar”. Como muestra de esa nueva

dirección tenemos el single ‘I Don’t Wanna Go To Bed’, donde se ve una influencia funk, y contáis con la colaboración de Nelly. ¿Teníais claro que la banda debía tomar este giro de 360 grados en sus nuevos singles? “Bueno, es solamente en esa canción, creo que el disco está lleno de canciones de rock. Es justamente lo que hicimos antes con ‘Summer Paradise’ y canciones por el estilo, tener tres o cuatro temas en el álbum que sean diferentes del resto. ‘I Don’t Wanna Go To Bed’ fue de las primeras canciones que compusimos para este trabajo, nos gustó la melodía y la buena onda que transmite, así que cuando entramos

pero la vimos en The Voice y decidimos contactarla para ver si quería hacerla con nosotros. Le encantó la canción y la grabamos. Tener a una chica cantando esa canción la hace más emocional aún. Se trata de una canción de amor de una chica a un chico. El tenerla a ella hace que cobre más sentido”.

“HACEMOS

MELODÍAS FELICES QUE

PUEDEN TENER LETRAS MUY TRISTES” SÉBASTIEN LEFEBVRE al estudio decidimos darle un toque funk. Aun así suena a Simple Plan, aunque diferente. La cosa es que no nos tomamos a nosotros mismos muy en serio. En este disco exageramos todo lo que se supone que somos: el pop punk, las canciones de rock son las más duras de todas las que hemos grabado jamás, y el pop también es más pop. Digamos que es un disco de extremos”. Hablando de pop, Juliet Simms aparece en ‘I Dream About You’. ¿Cómo ocurrió el hecho de trabajar juntos? “Bueno, tiene una voz preciosa. Viene de toda la escena del Warped Tour, ha cantado antes con otras bandas,

‘Saturday’ fue el primer adelanto que escuchamos de lo nuevo de Simple Plan el pasado junio, pero finalmente no aparece en el disco. ¿Qué pasó con ese tema? “Simplemente sentimos que no lo necesitábamos (risas). También fue de los primeros que compusimos, lo grabamos y nos gustó. Lo lanzamos online para ver la reacción de la gente, pero según íbamos avanzando con el resto de canciones vimos que teníamos demasiadas y muchas se quedaron fuera. Es el disco para el que hemos grabado más. Normalmente tenemos once o doce canciones, pero en éste tenemos 14. No aparece en el álbum, pero existe... La canción me gusta y por eso la publicamos”. La tónica general del disco es la de pasárselo bien y ser feliz, que dista mucho de singles tan famosos de la banda como ‘Welcome To My Life’, que se centraba más en la angustia juvenil. ¿Se puede decir que es una etapa de la banda que ya habéis superado? “Bueno, sí que nos gusta divertirnos y no tomarnos tan en serio como grupo, aunque nos tomamos nuestra música muy en serio. Tenemos varias canciones sobre la seguridad en uno mismo, sobre tener confianza en lo que haces,

como ‘Opinion Overload’. Es como decirle a alguien que, aunque no le guste lo que hacemos, lo seguiremos haciendo de todas maneras. Esto es tanto en el sentido musical como en todo en la vida. Tenemos también canciones como ‘Farewell’, que va de una ruptura, ya sea una amistad o una relación de pareja, o ‘I Dream About You’, que es una canción de amor, y por supuesto ‘Singing In The Rain’, que sí tiene ese rollo positivo que comentas. Supongo que el disco tiene un poco de todo, aunque es cierto que hacemos melodías felices que pueden tener letras muy tristes”. Justamente te iba a hablar de ‘Opinion Overload’, porque supongo que es una canción en contra de toda la gente que en algún punto de la carrera de la banda os acusó de no ser lo suficientemente punks o de tener un sonido demasiado suave. ¿Es una declaración de intenciones o más bien os resbala el tema? “Creo que siempre hemos tenido ese tipo de canciones en la banda, desde que empezamos. En el segundo disco aparece ‘Shut Up!’, luego también tienes ‘Me Against The World’, en el tercer disco hicimos ‘Time To Say Goodbye’, en el cuarto aparece ‘Last One Standing’. Lo que quiero decir es que siempre hemos tenido que decir este tipo de cosas. Ahora una canción como ‘Opinion Overload’ tiene más sentido, porque en la era de internet la gente se siente más cómoda diciéndote que no le gusta lo que haces, y eso es raro. Soy del pensamiento de que si algo no me gusta no le presto atención, pero ahora parece ser que si algo no te gusta 105

“LAS CANCIONES DE ROCK SON LAS MÁS DURAS DE TODAS LAS QUE HEMOS GRABADO JAMÁS, Y EL POP TAMBIÉN ES MÁS POP. DIGAMOS QUE ES UN DISCO DE EXTREMOS”

SÉBASTIEN LEFEBVRE

tienes que asegurarte de dejarlo bien claro a las personas a las que sí les gusta ese estilo. Es lo curioso e interesante de esta era de Twitter, y la canción va de eso. Ahora sabes en todo momento lo que la gente piensa, sea positivo o negativo. Sería mejor si fuesen más pensamientos positivos”. El pop punk sigue fuerte tras un breve periodo donde parecía en horas bajas... Ahora tienes bandas como Neck Deep o State Champs a las que les va genial. ¿Sigues a estas nuevas formaciones u otras que hacen pop punk? “Absolutamente. Tocamos en el Warped Tour cada tres años o así, por lo cual tengo oportunidad de es106

cuchar nuevas bandas. También tengo un programa de radio de punk rock y escucho muchas bandas nuevas. Quizás ya no esté tan presente en el mainstream como hace 15 años cuando empezamos, pero hay muchas bandas que siguen manteniendo el pop punk vivo y aportan cosas frescas. Me encanta, que siga así”. Entre Green Day, Good Charlotte, Bad Religion o Sum 41, ¿con cuál te irías de gira con Simple Plan si sólo pudieses escoger a uno? “Mmm... interesante. Yo creo que elegiría Good Charlotte porque es algo que nuestros fans apreciarían bastante si lo hiciésemos. Sería muy divertido, seguro”.

La sala en la que tocas hoy en Barcelona es para unas 3.000 personas, anoche Madrid estuvo bastante lleno. Estos grandes shows te permiten tener una gran producción, pero ¿extrañas esos shows pequeños y amateurs donde tenías al público a escasos centímetros del escenario? “Es gracioso porque todavía nos toca hacer ambos. Un día estamos tocando en un gran festival en Europa con 50.000 personas gritando y saltando, y es increíble. Otro día tocas en una sala pequeña para 2.000 personas y hace mucho calor, pero también lo pasas genial. Tengo que decir que me encanta tener a los fans tan cerca en

estos shows, pero nada se compara a la vista de 50.000 personas saltando con tus canciones”. Imagino que cada uno podrá sentirse realmente orgulloso de su desempeño en este nuevo disco, pero a la vez cada uno tendrá esa parte de una canción en la cual puede decir ‘he hecho un gran trabajo’. ¿Cuál es esa canción para ti? “Mmm... pregunta difícil. Tendría que decir ‘I Refuse’, porque es una canción muy directa y muy rápida, es puro punk rock. Amo golpear la guitarra con dureza, meter la energía del directo en una canción. Si ves los vídeos de cuando estábamos grabando el álbum se me ve en la silla del estudio saltando cuando estoy tocando esa canción, quería trasmitir lo que me hace sentir. Toda esa energía encerrada”. Antes hablamos de ‘Saturday’ y de cómo no entró en el disco, pero mencionaste que había más... “Sí, creo que al principio teníamos como 80 ideas para canciones de Taking One For The Team, y al final se quedaron en 15, que fueron las que trabajamos más a fondo. Imagina la cantidad de ideas que se quedaron fuera, pero quizás en el futuro hagamos algo con ellas, porque algunas están grabadas. No es que fuesen malas canciones, es que simplemente teníamos mejores”. Un solo disco en cinco años... ya comentabas antes que a la banda quizás le cuesta componer y no quiere apresurarse. ¿Ves el próximo igual de lejano?

“Es difícil de decir, porque todavía tenemos la mente puesta en este álbum y no pensamos en el próximo. En el disco anterior lanzamos ‘Summer Paradise’ como tercer o cuarto single, pero resulta que gustó tanto en las radios que tuvimos que prolongar la gira, volver a sitios donde ya habíamos estado. Quizás con este disco terminemos la gira después de un año y nos metamos a grabar el siguiente, o tengamos que hacer otra parte de la gira y se prolongue. Cada vez que nos toca componer para un disco nos gusta pensar que somos una banda nueva, y ver qué dirección queremos tomar, por eso nos toma más de lo debido. De todas maneras, en estos cinco años, y con este álbum, hemos aprendido bastantes cosas y creo que el próximo saldrá antes”. Es muy difícil que una banda se mantenga unida y sin hacer parones durante tanto tiempo... Mira Sum 41, que tuvieron que separarse por problemas personales e internos del grupo, y ahora vuelven. No es vuestro caso, no ha habido cambios de formación ni hiatos. ¿Cuál es el secreto? “Es difícil decir lo que nos mantiene unidos, pero sabemos que como banda tenemos mucho más que ofrecer que lo que ofreceríamos cada uno por separado. No sólo es bueno para nuestros fans, sino también para nosotros, sabemos que estamos mejor unidos. Solíamos discutir bastante en el pasado, pero ya no nos peleamos. Antes discutíamos en una habitación cerrada, pero nadie salía hasta que tuviésemos una solución. Ahora discutimos de vez en cuando, pero sabemos que siempre es una situación donde

la banda sale ganando. Puede que una pequeña cosa no me guste, pero pienso en el bien de la banda y de los fans, y lo dejo pasar”. ¿Simple Plan te provee todo lo que necesitas expresar a través de tus canciones? “La creatividad te puede llevar a muchos sitios diferentes. Pierre y Chuck son quienes componen casi todas las canciones de Simple Plan. A veces llevo cosas al local de ensayo y me dicen que, aunque les gusta, no es algo apropiado para Simple Plan. No me importa, soy músico y me encanta estar en un estudio, con Simple Plan sólo lo hago cada tres o cuatro años, por lo cual luego tengo tiempo libre para dar rienda suelta a otras cosas y producir a otras bandas. Sé que Simple Plan es mi prioridad número uno, pero hay momentos para otras cosas”. Antes mencionábamos la colaboración con Nelly, y también habéis colaborado con Sean Paul. ¿Quién falta? “Siempre decimos que queremos grabar una canción con P!nk. Llevamos diciéndolo unos ocho años y P!nk aún no nos ha llamado, así que espero que esté leyendo esta entrevista y coja el teléfono”. ¿Intentasteis contactarla para ver si había posibilidad? “No estoy seguro, pero creo que sí. Espero que esto le haga darse cuenta de que tiene que hacerlo y nos devuelva las llamadas (risas)”.

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COBRA

CON LOS ECOS DE SU EP COVERED AÚN FRESCOS EN NUESTRA MEMORIA, COBRA, EL BRAZO FUERTE DEL ROCK, VUELVEN A LA CARGA CON RIFFYARD, SU TERCER DISCO, QUE COMO ANTICIPÁBAMOS EL MES PASADO CONTIENE MATERIAL ALTAMENTE EXPLOSIVO. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

UNQUE SU participación en otras bandas como Kokein, Evirus69, Dinero o Berri Txarrak haga que su actividad no sea todo lo intensa que los propios miembros desearían, Cobra han conseguido quitarse de encima la etiqueta de mero proyecto paralelo. Lo que al principio parecía un pasatiempo de amiguetes -Lete (voz), Josu (guitarra), David (bajo) y Ekain (batería)- queda, gracias a su nuevo trabajo y a los conciertos que llevan a la espalda, consolidado como un

Dejando a un lado el anterior EP de versiones, en cuanto a temas nuevos ha pasado mucho tiempo desde el segundo disco. DAVID “Pues sí, han pasado ya casi cinco años desde que sacamos Thriller! en 2011”.

proyecto firme y asentado, con una entidad propia. Y nos alegramos de ello. A sus ya conocidos riffacos a lo Black Sabbath, Riffyard acumula nuevos registros más melódicos y atmosféricos. Un rato antes de que nos presentaran varios de sus potentes temas abriendo para Baroness en la sala Apolo de Barcelona, pudimos tomarnos unas cañas con estos cuatro jinetes del Apocalipsis, y así nos contaron un poco más de su magnífico nuevo disco.

¿Los temas de Riffyard surgieron de la etapa posterior al EP o son un resumen de lo que habéis estado haciendo en estos años? DAVID “La verdad es que los temas nuevos han surgido como nos pasa habitualmente por nuestra forma de trabajar, cuando nos lo ha pedido el cuerpo, y nos ha dejado la vida, así como nuestros compromisos, hacerlos, que es lo que viene siendo desde un principio. Llevábamos cuatro años sin hacer un disco, sin contar el EP de versiones, que también los consideramos propios, porque llevan el mismo trabajo que hacer un disco largo. Es verdad que no eran canciones del todo nuestras a pesar de llevarlas a nuestro terreno. Vimos el momento idóneo, y lo que hicimos fue coordinar los calendarios, sobre todo en base a Ekain, que vive en Madrid, y encerrarnos en el local en varias sesiones, además de trabajar mucho en casa. Estos temas vienen a ser el trabajo de cuatro o cinco meses antes de meternos en un estudio a grabar”. Viviendo cada uno en un sitio diferente, ¿cómo os lo montáis a la hora de componer? DAVID “Por temas de logística, viviendo cada uno en distintos sitios, no somos una banda al uso que puede ensayar todas las semanas y

“EL RESULTADO OBTENIDO ES BASTANTE FIEL A LO QUE IMAGINABA QUE SERÍA ESTE TERCER DISCO. SUENA A COBRA. CREO QUE HEMOS ADQUIRIDO UNA PERSONALIDAD”

DAVID

que tiene una constancia. Entonces, tenemos que trabajar mucho en casa. Todas las ideas y bocetos los vas trabajando en tu día a día en casa, hasta que luego, cuando tenemos oportunidad de juntarlos, ponemos todo este trabajo encima de la mesa, y ya decidimos qué hacer con ello”. LETE “Concentramos los días. Como no tenemos muchos, aprovechamos un par de semanas para poner en común todas las ideas y encaminarlas”. Aunque Covered era un EP de versiones, sí que parece que haya habido un antes y un después en el sentido de que os abrió la mente a nuevas posibilidades, a cosas que podíais hacer con Cobra que no os habíais planteado con anterioridad. DAVID “El EP fue un poco la excusa. El hecho de hacer una marcianada como coger bandas sonoras de cine y trasladarlas a nuestro lenguaje más rockero, y hacer canciones, y no ser canciones nuestras, nos dio la licencia para experimentar y hacer cosas que no haríamos en un disco normal, siempre con la excusa de que eran versiones (risas). No es un disco oficial, ya sabes. Creo que la cosa nos salió más o menos bien, por lo menos nos quedamos muy 109

contentos con ello. Creo que en Riffyard sí que hay muchos ingredientes y elementos nuevos que no habíamos trabajado en los anteriores discos, pero tampoco hemos experimentado en exceso”. JOSU “Creo que ha sido bastante natural. Ha pasado bastante tiempo, y se han madurado bastante las ideas”. LETE “Han habido unas tendencias más diversas. El abanico es más amplio. Quizás el EP nos ha llevado inconscientemente a esto. En el EP estuvimos también trabajando otro tipo de ritmos, más rápidos, más tranquilos, y sí es posible que inconscientemente nos ayudara a quitarnos el miedo a la hora de probar otras cosas”. ¿Hay algo en particular que marque la diferencia en Riffyard respecto a lo anterior? DAVID “Creo que no me equivoco si digo que es el disco más rockero que hemos hecho hasta ahora, y que tiene menos metal. Por ejemplo con las baterías, siempre hemos sido una banda de meter muchos crashes y platos, y sin embargo este disco tiene mucho raid y mucho chaston. Hemos tratado las baterías de una manera diferente a como se suelen trabajar en el metal”. LETE “Y a pesar de habernos quitado el miedo, también con un montón de dudas. Precisamente no estuve en las sesiones de grabación de batería, y de lo que habían sido las demos que habíamos grabado a lo que fue después, hubo un cambio enorme. Pero también es verdad que es un ejercicio de puta madre para darte cuenta de que te tienes que abrir un poco más o pensar que otras 110

opciones pueden ser buenas. Este disco ha sido muy enriquecedor en ese sentido. Con las voces también, me han estado metiendo caña”. JOSU “Las guitarras también son más elaboradas, queríamos darle una vuelta también al tema del sonido, meter más capas…”. LETE “Creo que nos hemos abierto y a la vez nos hemos apretado más, en el sentido de que nos hemos exigido más”. EKAIN “Hemos escuchado todo lo que hemos hecho hasta ahora, hemos analizado cosas, y hemos querido dar un paso adelante”. Estando tan ocupados cada uno con vuestros proyectos, ¿qué es lo que os llama de Cobra para seguir adelante? DAVID “Desde el primer momento en que montamos el grupo en 2007, hace casi diez años, ¡cómo pasa el tiempo!, adquirimos como una especie de compromiso y respeto mutuo con y para la banda, que es lo que ha hecho que, basado en la ilusión y las ganas de continuar con una historia que muchas veces no es fácil, perduremos, y de alguna manera siento que este disco ha asentado al grupo. No creo que sea un álbum súper original, pero lo hemos querido hacer con más tiempo y dedicación, porque para nosotros era un gran reto. El resultado obtenido es bastante fiel a lo que imaginaba que sería este tercer disco. Suena a Cobra. Creo que hemos adquirido una personalidad. A pesar de nuestras obligaciones, siempre hay una predisposición a estar ahí”. LETE “También está el factor personal. La relación que tenemos de momento es cojonuda, somos amigos, y

lo pasamos bien tocando”. Desde fuera también se percibe esto que decís del asentamiento de la banda. De hecho, el primer trabajo no dejaba de ser como una anécdota. Podría haber quedado en una grabación de amigos, pero la cosa ha seguido diez años después. DAVID “Sí, y con algo más de fuerza. Nos hemos involucrado mucho en el proceso de grabación, hemos trabajado las canciones más que nunca…”. JOSU “Creo que ha sido una cuestión de tiempo. Nos hemos dedicado más a los ensayos, al proceso de composición, también en la grabación, la producción… y eso se nota. Queríamos dedicarle el tiempo que se merecía”. DAVID “Lo hemos notado en esta última temporada de ensayos preparando las canciones. Llevan más trabajo, son canciones más elaboradas. Las anteriores no nos cuesta tanto recuperarlas, son más rápidas e intuitivas. Éstas nos exigen más”. ¿Hay algo que creáis que aportáis a Cobra que no podéis hacer en vuestros otros proyectos? EKAIN “Para mí es el proyecto más duro que tengo. Empecé tocando música muy heavy, y es lo que me queda de mi adolescencia. Así que para mí es como volver al por qué empecé a tocar la batería. Me da la vida tener la opción de volver a ese principio, que no es el punto en el que estoy a día de hoy como músico pero sí es mi origen”. LETE “Yo iba a decir algo parecido,

porque estilísticamente me siento bastante identificado. Las otras bandas en las que toco tienen otra onda, y Cobra me llena mucho en ese sentido”. DAVID “Cuando formamos Josu y yo Cobra, yo todavía no estaba en Berri Txarrak. Realmente llevo más tiempo en Cobra. Para mí es ‘mi’ grupo, donde tengo libertad absoluta y plena para componer, para hacer mis canciones. Esto me da la posibilidad de tomar las decisiones al 100% junto con mis compañeros”. Si hay algo que me gusta de Cobra es que hagáis siempre referencias a películas, además del EP, claro está. Si no me equivoco, ’70 Challenger’ es un homenaje a Vanishing Point. Es un tema que es muy de carretera. DAVID “Sí, es por la peli Vanishing Point. Ese tema es lo que nos pedía. Una especie de road movie musical. La letra es de mi hermano, porque cuando la escuchó, sin haberlo hablado, le dio el mismo rollo. Vanishing Point de hecho es la primera road movie que se rodó en los 70 con una banda sonora de rock original. Al final es como meterte en un Mustang y recorrer la Ruta 66 con la poli persiguiéndote”. ¿‘It’s Just A Ride’ es por Bill Hicks? DAVID “Es un homenaje a un monólogo llamado Revelations. Justo en la parte final habla sobre el viaje de la vida. La letra está inspirada y casi plagiada para esta canción. Soy muy fan de Hicks y siempre me había gustado esta parte”. Es obvio que sois muy cinéfi-

“EN RIFFYARD SÍ QUE HAY MUCHOS INGREDIENTES Y ELEMENTOS NUEVOS, QUE NO HABÍAMOS TRABAJADO EN LOS ANTERIORES DISCOS”

DAVID los teniendo en cuenta vuestras referencias. DAVID “En este disco hemos intentado abrir otra vertiente, de hecho lo comentamos justo antes de empezar a escribir las letras. Es un concepto y una temática que nos encanta, pero sí que es verdad que teníamos la sensación de que podía ser demasiado reiterativo. Veníamos de dos discos con letras sobre pelis, habíamos hecho un EP de bandas sonoras, entonces hacer un tercer disco otra vez con letras de pelis era como un poco pretencioso. Entonces decidimos mantenerlo en algunas canciones porque nos mola, pero por aportar un poco más también de nosotros hemos escrito letras que no hablan de ninguna peli en concreto, como ‘The New Rebel’, ‘Night Call’, o ‘Rosebud’, que trata sobre la resaca. Hemos intentado abrir un camino

nuevo donde no sólo el séptimo arte esté reflejado”. ¿Qué opináis de John Carpenter haciendo álbumes ahora? Porque a mí me encantan sus obras... DAVID “Soy fan de Carpenter a muerte y no puedo venir al Primavera Sound, estoy muerto de envidia”. Ya te lo contaré, que yo sí que lo veo. DAVID “Te odio ahora mismo. Me flipa. A mí personalmente siempre me han encantado sus bandas sonoras, me parecen increíbles, tienen un sello ochentero muy molón, y están casi a la altura de sus películas. Me encanta que saque discos con la edad que tiene, y que este festival haya conseguido convencerlo de que venga es un gran logro… que me voy a perder”. 111

Comentabais que no habéis podido dar tantos conciertos como hubieseis querido, pero sí más de los esperados... ¿Creéis que a partir de ahora podréis tocar todo lo que os gustaría? TODOS “¡Nunca!”. DAVID “Nunca vamos a poder dar tantos como nos gustaría, pero el disco salió el 29 de febrero y tenemos alrededor de 15 fechas cerradas con opción a más. Es complicado y tenemos que ir lidiando con el calendario. Cuando hicimos el EP, que nació de un festival en el que colaboramos haciendo unas versiones, fue cuando más tocamos”. LETE “Si podemos sí, intentaremos tocar todo lo posible”. DAVID “Tampoco tenemos prisa. Si hemos tardado cinco años en sacar el tercer disco, podemos estar cuatro años de gira ininterrumpida (risas). El punto en esta banda es precisamente no marcarnos metas, no rallarnos con obligaciones ni presiones”. EKAIN “El método de trabajo es el que ha hecho que aguantemos hasta ahora. Tienes un compromiso con la banda, pero no tienes una obligación. Se hace cuando se puede, y eso hace que todo siga funcionando. Tocaremos cuando podamos, entonces la gira puede durar diez años (risas)”. Volviendo a la música, esta noche tocáis con Baroness, un grupo que os gusta a los cuatro. A nivel de evolución, viniendo de un mundo muy parecido del que surgió Cobra, ¿lo veis como un grupo 112

“EL PUNTO EN ESTA BANDA ES PRECISAMENTE NO MARCARNOS METAS, NO RALLARNOS CON OBLIGACIONES NI PRESIONES”

DAVID

de referencia en cuanto a cómo hacer las cosas? LETE “No sabría qué decirte. No lo veo un referente claro para nosotros. A Cobra hasta ahora lo relaciono mucho con la energía, y no quiero decir que Baroness no la tenga, pero quizás la fuerza de Cobra vaya por otro camino. Me imagino que después de haber grabado Riffyard sí veo como ejercicio que no sólo hay un camino y que estamos más abiertos. Creo que es muy enriquecedor ver las distintas posibilidades y cuestionarte hacia dónde tirar. Al final, como Baroness, sí que en un momen-

to puedes tomar una dirección”. De hecho, es como el reto de todos los grupos. Hablamos de Baroness, o Mastodon en su momento. Te vas abriendo, y abriendo, hasta que llega un momento en que parece que la única opción que queda es volver atrás. LETE “¡Y lo hacen muchos!”. DAVID “Al final es una carrera de fondo. En el mundo de la música eso es un reto. Hay bandas que llevan 30 años. Bandas que no tienen ningún problema, como Sick Of It All,

algo nuevo que presentar, y así. Hay otros casos de formaciones en las que el factor artístico ya no interviene. Cuando ya se convierte en un trabajo y en una obligación”. JOSU “También hay muchas bandas que deciden dejarlo y al cabo del tiempo vuelven. A veces porque les apetece tocar, y otras porque se les ha acabado el dinero”. EKAIN “Yo creo que siempre te tiene que quedar la esperanza de que todavía puedes hacer un buen disco. Aunque lleves cinco malos siempre tiene que quedarte un punto de estar convencido de que puedes volver a escribir diez temas buenos, aunque luego, por lo que sea, no los termines sacando”. LETE “Y también hay un punto de exhibicionismo, en el arte en general. Tú escribes un tema que te gusta y quieres que lo escuche todo dios, no te lo quedas para ti. Puedes a lo mejor estar cinco años que no has hecho nada, pero un día compones algo que te parece la hostia y quieres mostrarlo. Igual no quieres ni llegar a eso”. que hacen el mismo disco, cojonudo, una y otra vez (risas). Pero para otras bandas que tengan más inquietud musical, y que quieran evolucionar, buscar nueva sonoridad, o probar nuevos caminos, es un reto. Porque son muchos años, muchas veces depende de la inspiración, del momento… Estar ahí arriba después de un primer o un segundo disco cojonudo, es muy complicado”. Como músicos, ¿creéis que puede llegar un momento en el que no se pueda aportar nada más y decidir dejarlo?

Porque esto no lo hace nadie... Grupos que llevan tres décadas, acostumbrados a este modo de vida, pero que artísticamente no dan más de sí. O decidir seguir tocando en directo pero no grabar más. LETE “Yo eso siempre lo he pensado de muchas bandas. Que toquen en directo y que se dejen de historias”. DAVID “Pero muchas veces el disco es la excusa para seguir tocando en directo. Bandas que llevan un planning muy mecánico de lanzamiento de disco, dos años de gira, otro disco, otros dos años de gira pero con

Pero quizás ahí debería entrar la figura del productor o del mánager, y decir que esto no está a la altura. DAVID “Al final es el consumidor el que debe decidir si compra o no. Al final es el tiempo el que debería ponerte en tu sitio. A nadie le puedes decir que deje de hacer música”. LETE “Cuando entra el factor negocio, o la industria, tiene que ser muy difícil parar la maquinaria”.

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SIXX:A.M.

a tiempo completo

LA DESPEDIDA DEFINITIVA DE MÖTLEY CRÜE Y LA ‘REUNIÓN’ DE GUNS N’ ROSES HAN PERMITIDO QUE NIKKI SIXX Y DJ ASHBA POR FIN PUEDAN CONCENTRARSE PLENAMENTE EN SU BANDA JUNTO AL VOCALISTA JAMES MICHAEL. CON LA PUBLICACIÓN DEL PRIMER VOLUMEN DE PRAYERS FOR THE DAMNED, SIXX:A.M. APRIETAN EL ACELERADOR. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR UANDO EN 2007 apareció The Heroin Diaries Soundtrack, el primer álbum de Sixx:A.M., era difícil prever que el grupo siguiera existiendo casi diez años después. Pero sorprendentemente aquellas canciones basadas en el libro autobiográfico en el que el bajista de Mötley Crüe relataba su año de adicción a la heroína en 1987, tuvieron más repercusión de la esperada, y su unión con el vocalista Michael James y el guitarrista DJ Ashba, que dos años más tarde ingresaría en Guns N’ Roses, fructificó en dos álbumes más, This Is Gonna Hurt (2011) y Modern Vintage (2014). Lo que ya nadie podía imaginar es que acabaría convirtiéndose en la banda principal de sus protagonistas... Pero estamos en 2016 y finiquitada la carrera de Mötley Crüe, el futuro musical de Nikki Sixx pasa inevitablemente por el destino de Sixx:A.M.. Casualmente o no, DJ Ashba se encuentra en la misma situación, dado que unos meses antes de que se anunciara la vuelta de Slash a Guns N’ Roses, abandonaba al grupo que le había dado de comer en los últimos años. Eso explica el esfuerzo extra que están haciendo para promocionar su cuarto álbum Prayers For The Damned (Eleven Seven Music) y la promesa de publicar una segunda parte de éste de aquí a unos meses, así como de embarcarse en una extensa gira, algo que hasta ahora les había resultado imposible. Nuestra

entrevista con DJ Ashba se producía poco después del anuncio oficial de la ‘reunión’ de Guns N’ Roses, motivo por el cual su agente de prensa nos advirtió que estaba prohibido preguntarle sobre ese tema. Tengo entendido que el primer show al que fuiste de niño fue uno de Mötley Crüe en la gira de Girls, Girls, Girls. ¿Fuiste también al último concierto que dieron en Los Ángeles el pasado 31 de diciembre? DJ ASHBA “No pude ir al último, aunque por supuesto Nikki me invitó. Pero yo vivo en Las Vegas y tocaron allí dos días antes, así que fui a ése. Fue triste, pero me alegro porque sé que ahora tendremos todo el tiempo del mundo para Sixx:A.M.. Es lo mismo que cuando dejé Guns N’ Roses... Estaba triste por irme, pero sabía que era lo que tenía que hacer”. Para Nikki tiene que ser muy difícil renunciar a estar en una banda como Mötley Crüe, pero para mí es un gran ejemplo. Quizá más músicos deberían pensar en el futuro en lugar de aferrarse al pasado. “Tienes toda la razón. Pero créeme, es muy difícil. En Guns N’ Roses tenía un gran trabajo y me encantaba tocar con Axl, pero llega un momento en el que tienes que seguir tu corazón. Necesitaba hacer mi propia

música. Me siento muy orgulloso de mí mismo porque no sé cuánta gente hubiera renunciado a una banda tan grande para perseguir su sueño”. Por primera vez en la carrera del grupo todos estáis libres de otras obligaciones. ¿Veis que con la edición de Prayers For The Damned se abre una nueva etapa? “Desde luego. Es la primera vez que podemos darle al grupo todo el tiempo que merece y, por suerte, los fans se han mantenido fieles a nosotros. El año que viene será nuestro décimo aniversario como banda, así que llevamos bastante tiempo en esto, pero hasta ahora nunca habíamos podido concentrarnos al 100% en ella. Así que estamos muy emocionados con poderlo hacer por fin”. ¿Cuando empezasteis a trabajar en este álbum ya sabíais que iba a ser así? ¿Ya habías decidido salir de Guns N’ Roses? “Sí, sí. Con Sixx:A.M. hicimos una gira de 19 fechas y todas fueron sold out. Yo acababa de volver de la carretera con Guns N’ Roses, pero en esa gira de Sixx:A.M. todas las piezas encajaron por algún motivo. Yo llevaba tocando en Guns seis o siete años, y cuando tocas las canciones de otro, la sensación en el escenario es distinta. Cuando por fin pude tocar mis propias canciones fue en plan ‘Guau, esto es por lo que me

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hice músico’, ¿sabes? Cuando estás conectado a tus canciones, la conexión con el público es mucho mayor. No hay dinero en el mundo que pueda comprar ese sentimiento. Así que supe en mi corazón que ése era el camino que debía seguir”. Todos vuestros discos parecen tener un eje temático. ¿Podrías contar cuál es el de Prayers For The Damned y por qué aparecerá dividido en dos partes? “Desde el principio nos planteamos hacer un álbum doble. No es que el segundo volumen vaya a ser los des116

cartes del primero, sino que todo estaba planeado. Cada canción tenía que ser igual de importante, pero queríamos que juntando los dos discos tuvieras una historia aún mayor. Incluso con las portadas, que diseñé yo mismo, quería que por separado tuviera sentido. Aparece la figura de un ángel destrozado mirando una ciudad en llamas. Es lo que está pasando en el mundo. Es una locura. No somos una banda política, pero reflejamos lo que vemos. El single ‘Rise’ trata sobre cómo no podemos olvidar que somos seres humanos. Somos criaturas fascinantes, lo que una sola persona puede conse-

guir es increíble, pero imagina si todo el mundo se uniese por una buena causa. Podríamos conseguir cambios que ahora parecen imposibles, de verdad”. En Estados Unidos siempre habéis tenido bastante difusión en la radio... Debéis ser de las pocas bandas actuales de hard rock que ha conseguido eso. “Estamos influenciados por bandas de hard rock, pero no creo que seamos ese tipo de banda. Sixx:A.M. es una banda muy moderna, muy fresca, nadie suena como nosotros.

himnos que la gente pueda cantar en directo. ¿Por qué crees que el rock ha perdido esa parte más divertida? “Es verdad que la ha perdido. Lo que mola de Sixx:A.M. es que, cuando nos juntamos los tres para componer, ocurre algo mágico. He escrito con mucha gente importante, pero nunca he sentido lo mismo que con nosotros tres. Es como el matrimonio perfecto. La química perfecta. La que tienen Robert Plant y Jimmy Page, o Joe Perry con Steven Tyler. Por eso es tan difícil que surjan grandes bandas, porque es algo que no puede planearse. Pero nosotros tuvimos la suerte de coincidir. Los tres somos músicos, compositores y productores, hemos crecido con música muy parecida y hemos pasado por situaciones similares, así que tenemos mucho en común”.

¿Qué banda es tan variada como nosotros? Pero todo eso viene de The Heroin Diaries, porque cuando Nikki, James y yo escribimos ‘X-Mas In Hell’, ‘Intermission’ o ‘Life After Death’ ni siquiera estábamos pensando en montar un grupo, no había reglas. Fue el hecho de que los fans recibieran tan positivamente ese disco lo que hizo darnos cuenta de que quizá era bueno que no hubiera reglas. Son nuestros fans los que nos han permitido ser tan creativos”. Aunque no te veas como una banda de hard rock, sí que compartís la vocación de hacer

Al principio, cuando salió vuestro primer disco The Heroin Diaries, parecía que Sixx:A.M. era el vehículo de Nikki para sacar sus demonios, pero disco a disco vuestra música se ha vuelto más festiva. ¿Crees que la dirección musical del grupo ha ido cambiando a medida que cambiaba la situación vital de Nikki? “No, eso no podría estar más alejado de la realidad. La realidad es que todos tenemos un lado oscuro, todos tenemos un pasado, y todos escribimos The Heroin Diaries. Sí, se basaba en el libro de Nikki, pero todos metimos ahí nuestro historial de adicciones y problemas. Por eso las canciones eran tan universales, porque no sólo hablaban de los problemas de Nikki. Ahí tam-

“EN GUNS N’ ROSES TENÍA UN GRAN TRABAJO Y ME ENCANTABA TOCAR CON AXL, PERO LLEGA UN MOMENTO EN EL QUE TIENES QUE SEGUIR TU CORAZÓN. NECESITABA HACER MI PROPIA MÚSICA”

DJ ASHBA bién estaba mi adicción a la cocaína, los abusos que sufrí de pequeño por parte de mi padre, así que todos conectamos en esas canciones. Posteriormente en cada álbum hemos ido experimentando porque ninguno de nosotros tenía claro qué era Sixx:A.M.. Por eso en Modern Vintage nos inspiramos en la música con la que habíamos crecido. Recuperamos nuestros vinilos de Bowie, Electric Light Orchestra, Elvis Presley, e hicimos una mezcla de todas nuestras influencias. Era una celebración de la música. Por eso había una canción más funk, otra más ragtime... Nos divertimos mucho experimentando. Lo bueno de Sixx:A.M. es que podemos ser artistas de verdad porque podemos hacer lo que queramos. En la gira anterior a ponernos a escribir Prayers For The Damned vimos cómo los fans reaccionaban a temas más duros como ‘This Is Gonna Hurt’, así que de manera natural quisimos poner las guitarras más al frente y hacer nuestro disco más duro. Y creo que lo hemos conseguido. Obviamente, con Nikki y yo dejando dos de las mayores bandas del mundo, tenemos mucho que demostrar. Los tres tenemos una misión”.

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BARONESS 8 DE MARZO DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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COBRA

o hay muchas ocasiones de ser testigo de una resurrección en directo, y quizá por eso la actual gira de Baroness está teniendo algo de mágica. Poder ver de nuevo sobre un escenario a un grupo cuya carrera podría haber terminado tras su grave accidente de autobús en 2012 ya es toda una alegría, pero que además lo haga presentando un nuevo disco tan y tan bueno como Purple es un regalo. La propia banda debe sentir una motivación especial y nada más pisar el escenario transmite una energía inusual. De energía también van sobrados Cobra, invitados especiales para abrir el concierto. Es posible que muchos de los asistentes fuera la primera vez que les veían, pero enseguida respondieron al poderío de su riffs y a la contagiosa fuerza del titán Lete. Tanto en los temas antiguos como en los del nuevo Riffyard, el combo se mostró igual de seguro. Así es como se aprovechan estas

oportunidades. A menudo los fans, admitámoslo, también llevados por un punto de esnobismo, suelen magnificar el pasado de los grupos, pero sinceramente, creo que Baroness se encuentran en su mejor momento y su actuación, en un Apolo con media entrada, superó las dos que habían ofrecido en Barcelona anteriormente. (Nota mental: me sigue sorprendiendo el poco interés que despierta el grupo entre la parroquia heavy). John Baizley, con esa mirada de loco que le caracteriza, era pura intensidad (su mano rasgaba la guitarra a la velocidad de la luz), cantando con pasión y sentimiento y mostrándose como un frontman mucho más activo que en otras ocasiones. El otro guitarrista, Peter Adams, tampoco se quedó muy atrás, brillante en ejecución y presencia, y sus duelos de guitarra con Baizley en temas como la preciosa ‘Green Theme’ fueron épicos. Los últimos en llegar, Sebastian

Thomson y Nick Jost, puede que sean menos vistosos, pero sin duda forman una sección rítmica monstruosa. El repertorio tuvo como base principal los temas de Purple; nada que objetar. Con canciones como la inicial ‘Kerosene’, ‘Morningstar’, ‘Shock Me’, ‘Try To Disappear’, ‘Desperation Burns’ o ‘If I Have To Wake Up (Would You Stop The Rain?)’, salpicados por viajes a su anterior Yellow & Green como ‘March To The Sea’, ‘Sea Lungs’ o ‘Eula’, Baroness cuentan con un setlist de lo dinámico, a medio camino entre Biffy Clyro y Metallica, que brilla aún más en los pasajes instrumentales de ‘Fugue’ o la magistral ‘The Gnashing’. El entusiasmo del público fue creciendo tema a tema y se desbordó cuando sonó la gloriosa ‘Chlorine & Wine’. Para el bis dejarían la bruta ‘Isak’ de su primer disco y ‘Take My Bones Away’, coreada por toda la sala. Por mí podrían haber seguido otra hora más, y habría continuado igual de embobado. 119

AGAINST THE CURRENT 28 DE FEBRERO DE 2016 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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STRAIGHT ON

o es nada común que un grupo con apenas un par de EPs (recordemos que su debut In Our Bones no se publica hasta el 20 de mayo) se plante en nuestro país para ofrecer cuatro conciertos (aunque por desgracia el primero en Zaragoza tuvo que cancelarse por un gripazo de la vocalista Chrissy Costanza) y congregue más público (en Madrid metieron 400 personas) que bandas con una trayectoria mucho más dilatada o mucha más exposición mediática. Está claro que Against The Current son el perfecto ejemplo de cómo funciona hoy parte de la industria musical. El efecto viral de su versión de ‘Uptown Funk’, el hit de Mark Ronson y Bruno Mars, y su habilidad para manejarse con las redes sociales han sido suficientes para situarlos de golpe en el mapa. Al igual que hicieran en Valencia y Madrid las noches anteriores, el show de Against The Current en Barcelona empezó una hora antes de que se abrieran las puertas de la sala. Una cuarentena de fans (previo pago de un VIP upgrade a través de su web;

otra tendencia al alza en tiempos en los que no se venden discos) asistieron a un set acústico de dos temas y pudieron hacerse fotos y charlar con los tres componentes del grupo: Chrissy, el guitarrista Dan Gow (que había recogido el testigo gripal de su compañera) y el batería Will Ferri. Viéndoles interactuar con sus seguidores queda claro que Against The Current saben cómo ‘humanizarse’ ante lo que podría ser visto como un producto virtual. El montaje escénico de los de Nueva York, con un juego de luces propio de un pabellón y dos hileras de amplis detrás de las cuales se situaban el guitarra y el bajista que llevan de apoyo en directo, dejó un espacio mínimo para que los gerundenses Straight On pudieran colocar su equipo en el escenario. Pese a esa limitación, el quinteto comandado por la entusiasta Helena Limonchi aprovechó bien la oportunidad de darse a conocer ante un público que seguramente nunca hubiera escuchado su debut We Take What We Want, ya fuera con efectivos temas propios como ‘Go Home’ o ajenos, como ‘Brick By

Boring Brick’ de Paramore, a los que recuerdan en una versión más punk. Against The Current salieron a ganar desde el principio. Chrissy, luciendo una camiseta del Barça con su nombre que le había regalado una fan, y sus compañeros empezaron con su último single ‘Running With The Wild Things’. Pop rock de primera de sonido impoluto pero con pegada que, como todos sus temas, culmina en un estribillo redondo. Prosiguieron con la aún más pegadiza ‘Talk’, donde se nota la influencia de Paramore, ‘Infinity’ y ‘Paralyzed’, en las que Chrissy dejó constancia de su gran voz y su carisma encima de las tablas pese a su juventud. No faltó la bailonga ‘Uptown Funk’, sus dos conocidos hits ‘Outsiders’ y la épica ‘Gravity’ o esa irrestible ‘Run Away’ que habían estrenado unos días antes. Apenas una hora de actuación fueron suficientes para convencernos de que, aunque detrás del grupo esté empujando toda la maquinaria de un sello como Fueled By Ramen, acostumbrado a manejar pelotazos como los propios Paramore o Twenty One Pilots, esta banda es más sólida de lo que podía parecer. 121

DEAFHEAVEN 2 DE MARZO DE 2016 LA [2] DE APOLO, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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MYRKUR

ese a que pueda parecer lo contrario, la posición en la que se encuentran ahora mismo Deafheaven no es del todo fácil. Si bien han sido recibidos por la crítica con los brazos abiertos y el sector hipster ha decidido que molan, la realidad, la que habla de ventas de discos o asistencia a sus conciertos, no parece ir de la mano de tanto elogio. Sólo hay que tomar como ejemplo su concierto en Barcelona, que tuvo que pasarse de la sala grande a la pequeña de Apolo al no cumplirse las expectativas creadas. Y es que una cosa es decir que tal grupo es la hostia, ponérselo en Spotify cinco minutos y ver un par de temas en algún festival para que nadie pueda echarte en cara que no estuviste allí, y otra muy diferente es pagar un ticket y meterse semejante atracón de tralla durante más de una hora. Es ahí cuando la pose se evapora. Si a eso añadimos que el público del metal no acaba de conectar con su propuesta,

precisamente por ser una banda con regusto hipster y salirse de la cuadratura metalera, es complicado saber dónde Deafheaven tienen verdaderamente a su público. Supongo que a ellos les debe importar más bien poco, porque al fin y al cabo han llegado más lejos de lo que podían haber esperado, pero ésa es la realidad que tienen que afrontar ahora mismo. Desde luego será muy curioso ver cómo se desenvuelven en esa próxima gira junto a Lamb Of God y Anthrax por Estados Unidos. Con esto dicho, complicado describir con palabras la exhibición con la que nos obsequiaron. Con una formación ya cohesionada al máximo, el ahora quinteto mostró su personal manera de afrontar el metal, teniendo en el directo otra faceta igualmente interesante. George Clarke es un vocalista que transmite, haciendo crecer la tensión al personal esperando el momento en que va a explotar de manera definitiva, cosa que sucede al final, y con un batería como Daniel

Tracy se puede ir al fin del mundo. Sin necesidad de hacer blast beats o mil millones de breaks llevó al grupo en volandas en medio de ese caos organizado y a ratos celestial. Cierto que si la actitud de todo el grupo fuera más violenta ganarían en espectáculo, pero después de interpretar New Bermuda entero y por orden, sólo intercalado por el single ‘From The Kettle Onto The Coil’ y reservar ‘Sunbather’ y ‘Dream House’ para el bis, costó cerrar la boca. Impecables. Todo lo contrario que Myrkur, que aún teniendo sus momentos, uno no sabe de qué bando está. En estudio todo parece más cohesionado, pero en directo por momentos parecía que pudiera ser la diablesa más mortal del black metal, mientras en otros se la colarías sin problemas a un fan de Evanescence. No le ha ayudado mucho el hype, aunque, claro, al lado de lo de Deafheaven cualquier banda esa noche hubiese salido derrotada por KO. 123

ENTER SHIKARI 20 DE MARZO DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: SANDRA ASTOR FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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uando telonero y banda principal se acoplan tal y como lo hicieron los británicos The Qemists y Enter Shikari el resultado puede traducirse en una noche explosiva. Coincidiendo con la salida del tercer disco de los primeros, Warrior Sound, la sala Apolo fue testigo de una sesión absolutamente atronadora digna de una rave preSonar. The Qemists son éxtasis puro, su dúo de vocalistas puso la sala del revés en su final de gira con temazos como ‘Run You’, ‘Take It Back’ (con la colaboración de Rou Reynolds en las voces) o ‘We Are The Problem’. Una demoledora sesión de hardcore, electrónica y drum n bass que puso el listón más alto que la copa de vino

que sostuvo durante toda la noche la rubia que acompañaba a la crew Shikari desde el balcón cercano a los camerinos. A los directos del cuarteto inglés les precede un historial de caos y locura que ya ha arrasado la ciudad condal en más de una ocasión. No fue esta la excepción. Tras una intro con los ecos del “And still we will be here, standing like statues” retumbando entre los asistentes, los de St. Albans irrumpieron en escena con una ‘Solidarity’ seguida muy de cerca por ‘Sorry You’re Not A Winner’, tema que catapultó su carrera entonces pero que sonó a relleno aquella noche. Lo eclipsaron cortes como ‘There’s a Price On Your Head’, ‘Anaesthetist’ o ‘Torn Apart’, extraídos de su último (y peor)

disco y que, sin embargo, ganan infinito en directo. Como es habitual en su puesta en escena, la interacción con el público fue constante. Chris sobrevolaba cabezas bajo en mano, Rory arrancaba guitarrazos en pleno pit y Rou realizó un set íntimo interpretando a piano, guitarra y trompeta ‘Dear Future Historians…’. Con la vuelta al salvajismo y al juego de luces frenético llegaron los bises con varias improvisaciones de Bruno Balanta (vocalista de The Qemists), quien terminó la noche alzando los brazos entre el público para formar con los dedos el triángulo invertido mientras se apagaban las últimas notas de ‘The Appeal & the Mindsweep II’. 125

DESTRÖYER 666 4 DE MARZO DE 2016 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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CAULDRON

nexcusable. Una de esas bandas que hay que ver sí o sí cuando se acercan por estos lares. Da igual el emplazamiento, como si tocan en el Dragon Khan de PortAventura. Deströyer 666 contienen todo lo que me gusta del metal, la chulería, la fiereza black, el punto Iron Maiden, el matiz hímnico de los mejores Manowar, el desfase thrash, y todo eso multiplicado exponencialmente en la maravilla que venían a presentar, su nuevo álbum Wildfire. Imposible tener otros planes. Dos bandas de sobras conocidas en el underground catalán fueron las encargadas de abrir fuego. Desde Sabadell, Insulters consiguieron hacer menear las melenas desde el inicio, pues Barcelona siempre ha sido muy de este tipo de cerdadas. Black thrash bastante death y casi punk, con Blasphemic Vomitor haciendo honor a su nombre porque, la verdad, su

chorro de putrefacción vocal fue digno de elogio. A bajista y guitarra les falta un poco más de agresividad de cara al espectáculo, pero no se puede negar que nos escupieron veneno y pura muerte. Cauldron, una de las primeras bandas de black metal que existieron en nuestro país, fueron los siguientes. Están a punto de lanzar un segundo álbum 15 años después, así que pudimos escuchar un repertorio algo renovado. Que se mostraran demasiado estáticos no les ayudó a conectar con una parte del público, aunque mantuvieron intacta su fe en la ortodoxia blacker más primigenia. En cuanto Deströyer 666 saltaron al escenario la Upload se puso a cien. ‘Traitor’ nos abrió en canal, y es que demostraron desde el primer segundo que iban a darlo todo. Cuero, cerveza, empujones, nigromancia… primorosa conjunción. Un sonido algo pelota no nos dejó

disfrutar a la perfección de todos los temas, sobre todo en materia de punteados y solos, pero a medida que el concierto fue avanzando la cosa mejoró sustancialmente. ‘Live And Burn’, una ‘Hounds At Ya Back’ que no acabó de brillar como merece o ‘Wildfire’ fueron otros temas de su nuevo trabajo, pero no faltaron ‘I Am The Wargod (Ode To The Battle Slain)’, ‘Satan’s Hammer’, ‘Satanic Speed Metal’ o ‘Trialed By Fire’, sin duda el clímax de la noche. Su alma K.K. Warslut se vació recorriendo el escenario, yendo a tocar a dos palmos de la primera fila para que la gente se volviera aún más loca, lacerándonos con esa voz tan suya. Iniciaron un último bis de tres temas con ‘Iron Fist’ de Motörhead, evidenciando así su firme voluntad de hacer daño. Deströyer 666 son guerreros indomables, y de Barcelona salieron otra vez victoriosos. 127

SIMPLE PLAN 27 DE FEBRERO DE 2016 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: SANDRA ASTOR FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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Simple Plan siempre se les ha dado bien generar amor/odio a partes iguales. A su ejército de fans le ha bastado un cóctel de melodías infecciosas y ese espíritu adolescente de sublevación contra el mundo, y a sus detractores más exigentes, unos looks prefabricados por la MTV del 2000 y las escaletas de Los 40 Principales quemando sus singles. 13 años han pasado desde su debut, No Pads, No Helmets… Just Balls. Eran buenos tiempos para el pop punk; muñequeras, skate y camisetas Atticus. Más de diez años y cinco discos después, la mayoría de miembros de la banda ha cambiado las Converse por los biberones, pero vista la energía que siguen desplegando

encima de un escenario, los 36 tacos de Pierre bien podrían aún colar por unos veinte y tantos. Entre el público congregado aquella lluviosa noche en el Sant Jordi Club, toda una generación que ha crecido con ellos y parte de otra que se subió al tren de ‘Jet Lag’ y ‘Summer Paradise’, dos de los temas más coreados en el pabellón de la montaña de Montjuïc. No sé si el percance con el autobús que sufrieron los ingleses The Bottom Line fue el causante de una actuación regulera que coronaron con una versión irreconocible de ‘Teenage Dirtbag’. Mucho mejor sabor de boca dejaron Ghost Town jugueteando con el dubstep y la electrónica. Dos aperitivos que calentaron el ambiente para los primeros acordes de ‘Opinion

Overload’, corte de inicio de un recién sacado del horno Taking One For The Team. Fueron equipo ganador cada vez que miraron hacia atrás (‘I’d Do Anything’, ‘I’m Just A Kid’, ‘Jump’, ‘Shut Up’) como si no hubiera pasado el tiempo, pero me cuesta perdonarles que sigan anclados en el mismo show, repitiendo los mismos tics que hace cinco años. Las novedades (‘Boom’, ‘Kiss Me Like Nobody’s Watching’, ‘Nostalgic’) hicieron justicia al que es sin duda su mejor disco desde 2002, pero me resistí a creer que concluyeran la ronda de bises (en la que rescataron ‘Perfect World’) con una íntima ‘Perfect’ dejando fuera lo que sí habría sido un cierre redondo con ‘Addicted’. Quizá la próxima vez corrijan el fallo. 129

DE GIRA

OOMPH!

15 DE ABRIL SALA ARENA, MADRID 16 DE ABRIL SALA BIKINI, BARCELONA

ueles aprovechar las giras para hacer turismo? DERO (voz) “Cuando hay tiempo sí. Recuerdo que en 1999 pasamos un día fantástico en el puerto de San Sebastián. Y de hecho, había estado en Barcelona y Mallorca de vacaciones por mi cuenta. Me gustan las ciudades de España porque tienen una atmósfera muy distinta a las alemanas. Es importante conocer a la gente para la que tocas. Te das cuentas de lo que la gente tiene en común y también de sus diferencias culturales. Nosotros cantamos en alemán, pero la música es un lenguaje universal y en todo el mundo entienden lo que queremos transmitir. Eso me encanta”. El año pasado celebrasteis vuestro 25 aniversario y publicasteis el disco XXV. ¿Qué significó para ti llegar a tal hito? “Desde luego no es algo que pensase que fuera a ocurrir cuando empezamos. Todavía hoy pienso que es absurdo hacer planes más allá de un año

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vista... Pero es genial que todavía existamos y con la misma formación. Por supuesto hemos tenido momentos felices y otros más duros, pero creo que ésos nos han hecho más fuertes. Hemos tenido muchas luchas, pero seguimos siendo amigos. Sabemos las fortalezas y debilidades de cada uno. Ahora que somos más mayores estamos más relajados, no nos lo tomamos todo tan a pecho. Y todavía nos sentimos inspirados, no nos da miedo hacer cambios en nuestra música a pesar de que si te mantienes fiel a un solo estilo es más fácil tener éxito comercial”. ¿Cuál ha sido el momento más duro o más bajo del grupo? “Todos hemos pasado por crisis personales. Cuando tienes éxito también es difícil porque sientes mucha presión para repetirlo. Es casi imposible disfrutarlo. Y también es duro ver cuando ya no eres el número 1. Pero así es la vida, es una jodida montaña rusa. Tienes que adaptarte. Para serte sincero, aprendes más de los errores que

de tus aciertos. Es duro, pero es así como creces”. Una de las grandes mentiras de la vida es que el éxito equivale a la felicidad. A menudo muchos músicos cuentan que nunca han sido tan desgraciados como cuando han vivido su mayor triunfo… “Es totalmente así. Una vez ves que tus sueños se cumplen y que sigues sin ser feliz es muy duro. Creo que para los artistas es básico que te falte algo, ese vacío es lo que te hace ser creativo. Cuando estás lleno, no puedes ser creativo. A los países les pasa lo mismo. Creo que el hecho de que nunca hayamos tenido tanto éxito como Rammstein, una banda a la que influenciamos, es lo que ha hecho que Oomph! sigamos haciendo música fresca”. Precisamente quería preguntarte por Rammstein... ¿Cuando triunfaron cómo os sentisteis, más halagados o celosos?

AGENDA ABRIL “Obviamente están influenciados por nosotros, pero ahora son más un espectáculo que un grupo. Sus conciertos están totalmente estructurados por la pirotecnia, no hay nada espontáneo. A mí, como músico, eso no me interesa. Nosotros somos siete personas en el escenario y todo se hace en directo. Ellos representaron los típicos estereotipos de los alemanes y, en eso fueron inteligentes, porque mostraron la imagen que el mundo podía comprender. Así que no podemos tener celos de ellos porque buscábamos cosas diferentes. Quizá nosotros les abrimos las puertas en sus inicios, pero luego ellos nos las abrieron a nosotros, aunque fuera para tocar en clubes (risas)”. Respecto a XXV, ¿el hecho de que fuera vuestro disco de aniversario os supuso una presión extra? “Sí, claro. Queríamos hacer un disco que fuera distinto al anterior. Des Wahnsinns Fette Beute era un disco muy irónico, satírico, queríamos demostrar que podíamos reírnos de nosotros mismos, pero XXV vuelve a ser más agresivo, oscuro y melancólico. Muestra todas las tonalidades de negro que hay en nuestra alma. Lo que hacemos es como un harakiri. Intentamos hacer música con la máxima libertad aun a riesgo de perder fans. Estamos siempre en el filo de la navaja. Es lo que nos hace especiales”. En los 90 vivisteis la explosión de la música industrial, pero ahora vuelve a ser algo más underground. ¿Crees que es un ciclo natural o es que hubo algo en los 90 que hacía que este estilo conectara más con la gente? “Cada periodo tiene su propia banda sonora. Sería difícil imaginar los 60 con la liberación sexual, el flower power o las manifestaciones contra la guerra del Vietnam sin su música. En los 80 había un sonido más clínico, con los sintetizadores, pero también tenías la NWOBHM, que quería combatir eso. Con Oomph! queríamos combinar ambos estilos. Nos parecía ridículo que el metal odiara los sintetizadores y que la electrónica odiara las guitarras y el pelo largo. Crecimos escuchando a Motörhead, AC/DC, Kraftwek y Depeche Mode. ¿Por qué no unirlos? Eso es lo que hicimos. Derribar esos muros. Creo que la explosión industrial reflejaba el momento social. La gente iba a grandes fábricas para hacer trabajos monótonos y la música industrial era la banda sonora ideal”. (DAVID GARCELL)

ARTILLERY 6 VIGO, 7 MADRID, 8 ZARAGOZA, 9 BADAJOZ AT THE DRIVE-IN 10 BARCELONA BLAZE BAYLEY 10 BARCELONA, 11 MADRID, 12 ZARAGOZA BRING ME THE HORIZON 10 MADRID, 11 BARCELONA BLACK HALOS 1 ALCALÁ DE HENARES, 2 ESTEPONA, 5 ALDEA DE SAN MIGUEL, 6 VITORIA, 7 LEÓN , 8 MADRID, 9 GIJÓN, 10 CANGAS DO MORRAZO, 11 CÁCERES, 13 BILBAO, 14 VALENCIA, 15 BARCELONA, 16 ZARAGOZA, 17 SANTANDER BLACK MOUNTAIN 1 BARCELONA CHRIS CORNELL 21 BARCELONA CONAN 22 BARCELONA, 23 MADRID DEWOLFF 21 MADRID, 22 ZAMORA, 23 BURGOS, 24 VIGO, 25 LEÓN, 26 GIJÓN, 28 BILBAO, 29 ZARAGOZA, 30 VALENCIA DIRKSCHNEIDER 5 MADRID, 6 VILLAVA, 7 BARCELONA DOG EAT DOG 13 MADRID, 14 VITORIA, 15 MÁLAGA, 16 BARCELONA FLORENCE + THE MACHINE 16 BARCELONA, 17 MADRID GORGUTS 2 MADRID, 3 BARCELONA HELLSINGLAND UNDERGROUND 29 BARCELONA, 30 MADRID ISOTOPES 11 BARCELONA, 12 ZARAGOZA, 13 MADRID, 14 OVIEDO JD McPHERSON 4 BARCELONA, 5 VALENCIA, 7 SANTANDER KARMA TO BURN 20 BARCELONA, 21 MADRID, 22 SAN SEBASTIÁN KORPIKLAANI 13 MADRID, 14 BARCELONA MACKELMORE & RYAN LEWIS 1 MADRID NOEL GALLAGHER’S HIGH FLYING BIRDS 8 MADRID, 9 BARCELONA THE POSIES 19 BILBAO, 20 MADRID, 21 BARCELONA, 22 VALENCIA, 23 CARTAGENA, 24 SEVILLA POWERWOLF 3 BARCELONA, 4 MADRID RODRIGO Y GABRIELA 21 BARCELONA, 22 MADRID SNFU 20 MADRID, 21 OVIEDO, 22 VITORIA, 23 CASTELLÓN, 24 BARCELONA SLEAFORD MODS 8 BARCELONA THYRFING 14 VIGO, 15 OVIEDO, 16 ZARAGOZA, 17 MADRID