RockZone 125 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Chris Cornell (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL Hemos vivido un mes de abril de emociones fuertes. Más allá de la conmoción de la muerte de Prince, hemos asistido a conciertos de altísimo nivel por parte de At The Drive-In, Bring Me The Horizon y Chris Cornell, nos hemos podido sumergir a fondo en los nuevos discos de Deftones, Kvelertak, PJ Harvey, Lonely The Brave, Dark Funeral, The Drones o Nothing, hemos seguido por Periscope los primeros conciertos de Guns N’ Roses y hemos alucinado con la incorporación de Axl Rose a AC/DC. Todo esto y mucho más se refleja en este nuevo número, en el que damos por primera vez la portada a Pierce The Veil, una banda destinada a reinar en este 2016. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 125

9 / INTERFERENCIAS

26 / DON BROCO

30 / LACUNA COIL

36 / NERF HERDER

40 / PIERCE THE VEIL

50 / NOTHING

56 / BLACK MOUNTAIN

62 / ADRENALIZED

66 / KASPAROV VS. DEEP BLUE

70 / DISCO DEL MES

72 / CRÍTICAS

96 / BOURBON

100 / BOB MOULD

106 /

110 / EXPLOSIONS IN THE SKY

114 / PYLAR

THIRTEEN BLED PROMISES

SUMARIO

Nº 125

120 / EN DIRECTO

134 / DE GIRA TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A

136 / FIGURAS COLATERALES

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

ISA N S IS VA N S V

SK8HI SKOOL OLD ®

CHERRY GL AZERR MUSICIANS, L A

SPANISH TO UR 2016

31 DE OCTUBR E - MADRID 1 DE NOVIEMBR E - VALENCIA 2 DE NOVIEMBR E - BARCELONA A LA VENTA EN www.ENTRADIUM.COM

NUEVO ÁLBUM ‘MISADVENTURES’ A L A VENTA EL 13 DE MAYO EN FEA RLESS RECORDS

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Juan Andrés, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ PRINCE (1958-2016) EL ICÓNICO E INNOVADOR MÚSICO DE MINNEAPOLIS FALLECIÓ A LOS 57 AÑOS EL PASADO 21 DE ABRIL EN SU RESIDENCIA DE PAISLEY PARK. LAS CAUSAS DE SU MUERTE SIGUEN SIENDO UN MISTERIO.

rince Rogers Nelson se ha unido al club de músicos célebres que nos han dejado en los últimos meses. Su muerte ha conmocionado al mundo de la música, no sólo por la desaparición de uno de los talentos más grandes de la historia, sino también por lo inesperado de la noticia. A sus 57 años, Prince parecía gozar de buena salud (su aspecto era el de una persona más joven) y, que se supiera, seguía un estilo de vida saludable. Si bien el pasado 7 de abril canceló dos actuaciones de su actual gira Piano & A Microphone Tour en Atlanta debido a una gripe y una semana más tarde su jet privado efectuaba un aterrizaje de emergencia para que fuera tratado de deshidratación en un hospital de Illinois, nada hacía pensar en tal fatal desenlace. El 21 de abril, a las 9:43 de la mañana, la oficina del Sherriff de Carver County recibió una llamada de emergencia pidiendo una ambulancia para su residencia en Paisley Park. Los servicios médicos lo encontraron inconsciente y no pudieron revivirlo. A las 10:07 se declaraba

oficialmente su muerte. Después de la autopsia practicada se ha descartado el suicidio, pero no se ha llegado a una conclusión definitiva, ya que las pruebas toxicológicas todavía tardarán unas semanas en dar resultado. Las especulaciones apuntan a una posible sobredosis de calmantes, a los cuales Prince sería adicto desde de que tuviera un problema de cadera. Prince fue uno de los músicos más innovadores, prolíficos (más de 40 álbumes de estudio) y misteriosos (en los 90 se cambió su nombre por el símbolo impronunciable) de las últimas décadas. Su reinado comercial en los 80 rivalizó con el de superestrellas como Michael Jackson, Madonna o Bruce Springsteen con los 13 millones de copias vendidas de la banda sonora de Purple Rain. Si bien en las últimas décadas sus trabajos tenían cada vez menos repercusión, Prince seguía siendo una gran atracción en el circuito de conciertos. Se estima que deja una fortuna de 300 millones de dólares, aunque su legado más importante siempre será su música. Descanse en paz.

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DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ AXL/DC

uando el año pasado AC/DC iniciaron la gira mundial de presentación de Rock Or Bust sin Malcolm Young ni Phil Rudd, muchos fans pusieron el grito en el cielo. Eran dos bajas tan significativas que parecía el momento ideal para que la banda colgase las botas. Pero luego llegaron sus conciertos y todo el mundo volvió a flipar con el poderío que todavía tenían, e incluso algunos afirmaron que los shows habían sido mejores que los de la gira de Black Ice. Ha pasado un año y AC/DC vuelven a ser objeto de debate. La inesperada salida de Brian Johnson por problemas de oído y la frialdad con la que el grupo -es decir, Angus Young- ha tratado el asunto han vuelto a encender los ánimos. Y claro, que su sustituto sea nada más y nada menos que Axl Rose (increíble cómo este hombre vuelve a estar en boca de todo el mundo) aún ha polarizado más las opiniones entre sus seguidores. Moralmente dudo que pueda justificarse que AC/DC deban seguir adelante en sus actuales circunstancias, pero si aceptamos que el rock’n’roll es un puto circo, donde la moralidad poca importancia tiene, está claro que las próximas semanas van a ser de lo más entretenidas. Quién sabe, igual cuando veamos a AXL/DC encima de un escenario volvamos a cagarnos encima en lugar de en Angus. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@franpval Genial el artículo de la @RockZone sobre @Weezer. A ver si se dignan a pisar España. @XaviSanchez Aúpa el @RockZone, que este mes dedica su portada a Weezer. La entrevista con Rivers Cuomo mola. Felicitats nois! @blancaolivella Cuando te toca por primera vez un sorteo de @RockZone. El lunes ha mejorado de golpe. :) @Pedr0Botero Ojalá hoy @gunsnroses toquen el ‘Thunderstruck’. @Tifanies Que esto sea temporal. Brian es la VOZ de AC/DC, digno sucesor de Bon Scott. @themaitefall Mil gracias @RockZone por los auriculares Skullcandy, se oyen excepcionalmente bien. ¡GRACIAS! @Sr_Meh Vota por PVRIS en @Cooncert. Juntos no hay conciertos imposibles. @RockZone, confiamos en ti.

Ésta fue en el año 99, creo que en septiembre, en Madrid. Habíamos ido a ver a Iron Maiden a la Cubierta de Leganés junto a Megadeth. Para hacer tiempo nos fuimos a una pequeña tienda de discos y... ¡Voilà! Mis colegas me estaban esperando fuera y de reojo vi que la otra persona que estaba ojeando discos junto a mí en la tienda era... ¡Mr. Marty Friedman! ¡Saludos! (ALÉN) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

¡Mi colega Joaquín Puto Amo ganó hace unos días un premio! Un premio por subir vídeos a YouTube pelándose las cejas con un colega o tirándose pedos mientras merienda... No quería empezar esta columna sin mandarle una cordial felicitación. Jeje... Si hay algo que me gusta más de Suecia que las suecas y el CM del Resu, es Fucking Werewolf Asso. Llámalo nintendo-punk, nintendocore, 8 bits indie o como te apetezca, ellos no se etiquetan y yo no pienso hacerlo. Para resumir, el grupo se basa en unas melodías 8 biteras y una voz emo-suave noventera. Vamos, que escucharlo se puede asemejar a un niño pequeño poniéndole voz a temas de videojuegos de la Megadrive o NES. Hay que hacer un ejercicio y nos tenemos que poner en modo tarado, pero escuchad uno de sus temas, ‘Keep My Adresse To Yourself, Cause We Need Secrets!’. Ahora visualiza a la persona que más odies del mundo, piensa en cómo la asesinarías de la forma más gore posible, con una sonrisa de oreja a oreja mientras la sangre te salpica en la cara y esa canción suena de fondo. Lo que ellos hacen a simple vista puede parecer sencillo, pero no lo es, mas si has de dar con una melodía que suene bien... pero la locura y la demencia están garantizadas con ellos. Su último trabajo The Tito Beltrán Massacre es increíble. Gracias Suecia por traer al mundo tantos y tantos proyectos sin puto sentido. Y por las suecas. Por las suecas aún más. (MARIUS TIBERIAN)

DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA CEDEZAOITO

MELTDOWN

RUDETHING

TRÍADA

I REFUSE TO DIE HERE

RUDETHING

(AUTOEDITADO)

Con un nada desdeñable ejercicio de papiroflexia donde la nota de prensa envuelve herméticamente el CD, los pontevedreses Cedezaoito nos hacen partícipes de Tríada, un curioso trabajo formado por tres EPs representados gráficamente por Tríada I (quizá ‘El futbolista zombi’), Tríada II (puede que ‘La belleza cadáver’) y Tríada III (me inclino por ‘La química’). Todo muy raro, sí, sobre todo cuando el dúo afirma pertenecer a una “célula durmiente de terrorismo sónico conocida como Tora! Tora! Tora!”. Como también comentan, aquí encontramos “ritmos pesados, distorsiones, ecos, ruidos varios, post rock, psicodelia, shoegaze y una pizca de ‘mala leche’”, y lo cierto es que no van mal encaminados. En once cortes, Cedezaoito dan rienda suelta a las guitarras quejumbrosas, con una batería fuerte y marcial, en modo percusión, y largas secuencias ambientales y oníricas entre voces etéreas. ¿Por qué todos los frikis me mandan su disco?

Hace un tiempo avisamos de la valía del joven grupo Meltdown, y ahora la banda lo refrenda con la salida de su segundo EP, I Refuse To Die Here. Mezclado y masterizado por Alex Cappa en sus The Metal Factory Studios, estamos ante el trabajo que confirma que van a por todas, donde hay mucho más que metalcore facilón y tópicos hardcore. Guitarras post embelleciendo, sí, pero mucha caña con criterio en ‘Izarren Hautza’, ‘Gears’, ‘Rage And The Burden’ o la redonda ‘Skulls Of Stone’. Los de Hernani tienen en el chorro de Julen Sarasua a un potente aliado, pues el chico logra casi cualquier berrido que se le ocurra. Con unas influencias dispares que van desde Architects a Capsize, pasando por Cohen, While She Sleeps, Your Demise, Northlane o incluso Toundra, Meltdown muestran una clarividencia que ya quisieran muchas bandas consolidadas. Ahora sólo les falta tomarse su tiempo para publicar por fin un álbum largo. Van muy fuertes.

RudeThing es un trío del que resulta complicado encontrar información, aunque hemos podido saber que está formado por tres hermanos de Palma de Mallorca, Fran, Gus y David Garciolo. Esta portada del mono karateka tan blanca y nítida que podéis ver aquí no se corresponde con los sobres de cartón DIY que nos han llegado acompañando el CD, para que os hagáis una idea de lo rematadamente underground del asunto… La verdad es que si no nos hubiéramos topado con esta otra versión nunca hubiésemos descifrado qué diablos ilustraba este EP. En el apartado musical, destacar que en ‘Destrozando Nuestro Hogar’, ‘Huevo Perdido’ o ‘Sabbath Rude Sabbath’ no escucharás voz alguna, siendo ésta una banda de rock ruidoso e instrumental poco amiga de las filigranas, que sí disfruta en cambio yendo al grano y poniéndolo todo al once. Ideal para un buen fumadote, vamos, como imagino hicieron ellos durante los tres días que duró esta grabación.

https://cedezaoito.bandcamp.com

https://meltdownband.bandcamp.com

https://rudething.bandcamp.com/releases

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 12

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, PAU NAVARRA, JORDI MEYA, IGNACIO REYO FOTOS: DR

REPERTORIO DE VITUPERIOS MUSICALES – UN RECORRIDO VENENOSO POR LA MÚSICA CLÁSICA

NICOLAS SLONIMSKY

C (TAURUS)

uando un grupo editorial del tamaño de Penguin Random House me mandó este libro

directamente a mí, y no a la revista en genérico, me sentí agasajado. Fue como si tras tantos años de verter auténtica e iracunda porquería

mortíferas del momento descuartizando con pomposos artificios

en estas páginas, alguien por fin hubiera decidido galardonar-

a intocables como Wagner, Beethoven, Schumann, Tchaikovsky

me y reconocer mis esfuerzos. ¿Por qué precisamente esta publi-

o Mahler. Aquí todos pillan, no hay tregua, dando como resulta-

cación? Nicolas Slonimsky (1894-1995), director de orquesta y

do una lectura desternillante, donde las carcajadas se suceden

compositor entre otras muchas cosas, dedicó parte de sus días

una tras otra, para llegar a una conclusión básica: en el arte, lo

a recopilar las más ofensivas y ácidas críticas musicales de la

novedoso y rompedor siempre ha caminado de la mano de la

época a los más brillantes y célebres compositores de la historia.

incomprensión de sus contemporáneos. Quién sabe, quizás de

Pero no estamos hablando de las sandeces artríticas que podría-

aquí a cien años también aparezco en una antología donde

mos encontrar en un blog hoy en día, no… Estamos hablando

me señalen como al palurdo que afirmó que Mastodon no

de Friedrich Nietzsche, Oscar Wilde o las plumas más cultas y

sabían dar un concierto...

LLÁMAME BROOKLYN EDUARDO LAGO (MALPASO)

asualidades de la

de acogida. Llámame Brooklyn también recoge las anécdotas que

vida, mientras leo

viven los contertulios en una decrépita taberna de marineros, la

la reedición de

historia de un escritor que se enamora de una joven poco después

este libro me entero por la

de verle el chocho al bajar de un autobús, múltiples referencias a

prensa de que acaba de

la muerte, crónicas de Coney Island, la leyenda del hotel Chelsea,

morir el último combatiente

etc. “Aquí está todo, Ness, toda la mierda y algunas cosas puras.

de la Brigada Lincoln que

Lo bueno y lo malo, pero sobre todo mi gente. Estamos rodeados

quedaba con vida. Es una

de presencias, ¿no las sientes?”. Hasta los episodios de sexo están

noticia triste que tiene mu-

narrados con elegancia, pero os aseguro que resultan igual de

cha relación con esta nove-

morbosos que otros que utilizan un lenguaje más soez. Éste no es

la, ya que el episodio de los

un libro de fácil lectura, sobre todo al principio, porque no sabe-

norteamericanos que vinieron a España a luchar contra el fascismo

mos quién narra qué y los saltos en el tiempo son continuos, pero

durante la Guerra Civil es el nexo de unión que encontró Eduardo

poco a poco se van revelando sus claves; con todo, cuando se

Lago para hilvanar una historia entre su país de origen y su país

publicó en 2006 se llevó varios premios de prestigio.

ALPHABET OF ROCK VV. AA.

(LITTLE MONSTER)

A nuestros lectores que tengan hijos, que haberlos haylos, les encantará uno de los primeros títulos de la nueva editorial Little Monster. Se trata de un libro para colorear con el que los niños descubrirán algunos de los artistas más importantes de la historia del rock. De la A de AC/DC a la Z de ZZ Top, cada letra aparece representada con una ilustración y una breve descripción en español e inglés. Los dibujos son muy chulos (no me extrañaría que inspirasen algún tatuaje) y hace ilusión ver por ahí a Henry Rollins, Stray Cats o Lemmy. JM

HEAVY 1986

Miguel B. Núñez (SAPRISTI)

Relato sobre los adolescentes de la Transición, aquellos sin rumbo que se refugiaban en los parques, litronas y la sala Canciller. Heavy 1986 es una obra genial sobre los años del apogeo del heavy metal entre las clases trabajadoras como movimiento de hermandad y rebeldía, mitificados en parte ahora, de los que se ha contado poco por haber sido considerados algo marginal para los medios, cuando en verdad tenían el gran apoyo del público. Los 80 fueron esto en muchos barrios humildes de España y Miguel lo retrata (y recuerda) de forma espléndida. SG

QUIQUE GONZÁLEZ - UNA INTER-

GUMMY GIRL

PRETACIÓN DE LOS

(GP/THERMOZERO CÓMICS)

Isa Ibaibarriaga

HECHOS

Juanjo Ordás (EFE EME)

Reincidiendo en el ensayo, el autor que publicó su debut sobre Iron Maiden, esta vez se adentra en una figura de la escena española, Quique González. Incluyendo en sus textos entrevistas indirectas, te ayuda a comprender mejor su trayectoria, a no ser tan proclives a lo foráneo. Si lees el libro como si fuera tu vida en ello, y le has dado una oportunidad a sus discos sin que termine gustándote el artista, es que el autor ha conseguido el objetivo. IR

QUE NO, QUE NO ME MUERO

María Hernández Martí y Javi de Castro (MODERNITO BOOKS)

El debut en el tebeo largo de esta autora no podía resultar más interesante. Gummy Girl es un cuento de terror que sigue la estela de Stephen King o de clásicos modernos como Jennifer´s Body, teniendo además ese aroma malrollero de Junji Ito. Realizado a dos tintas y jugando así con diferentes planos narrativos, la historia de una chica marginada que recibe el don de hacer cumplir sus sueños atrapa por el dilema que plantea: los deseos que laten inconscientes en nuestra mente y que en verdad doblegan nuestras vidas. SG

EL REY DE LA CARRETERA: KM 0 Jusep Busquets y José Ángel Ares (ALETA)

Busquets, que jamás defrauda en ninguno de sus guiones, acompañado esta vez por un espectacular Ares a los dibujos, nos pega una patada al cráneo con esta fantasía post apocalítica que no esconde su influencia de Mad Max: Fury Road. Con crítica sangrienta a la sociedad de clases y a los mass media, realities y demás basura mediática, aderezado de espectaculares escenas de acción y mucho humor, este El Rey De La Carretera es un tebeo de

Enternecedor trabajo semiautobiográfico centrado en la lucha de una mujer contra el cáncer de mama, ocupando todos los pasos del proceso, diágnóstico, tratamiento y secuelas. Javi de Castro ilustra de forma magistral, con algunas composiciones de página soberbias, y Martí relata con mucho humor y cinismo los años mencionados. Puede que sea ese cinismo de autoconservación el que tenga más chicha en este cómic, ya que mientras a algunos les pueda resultar cómico, yo lo contemplé con cierta tristeza. Un libro emotivo, precioso, con acción, sí, pero no huye del contenido, por lo que se me antoja perfecto. SG grandes capítulos, gags y reflexiones. SG 15

DE CINE_CON KIKO VEGA YOGA HOSERS

HARDCORE HENRY

DESATADAS

on Red State (2011), Kevin Smith dejó atrás el cine ligero con más o menos gracia para retomar una carrera que se veía abocada a la desaparición entre montañas de cómics, conferencias y podcasts. La película, un frenético ejercicio de cine de culto sobre cultos, situó de nuevo a Smith en el candelero independiente, pero ahora con matices: se había pasado al terror. Tusk (2014) iniciaba una nueva trilogía dentro del género que le vio (re)nacer, la True North Trilogy, situada en Canadá y que

PUNK HARDCORE

se basa en supuestas leyendas urbanas aderezadas con lo que sea que se fuma junto a Scott Mosier en los Smodcast que han inspirado sus últimos trabajos. Yoga Hosers es el último de esos trabajos/broma, y comparte universo con la anterior pesadilla con morsas, sólo que sin la seriedad y el rigor enfermizo que hacía sufrir a protagonista y espectador por igual. Además de esa atmósfera, Yoga Hosers luce como si todo el anterior universo de Kevin Smith viviera en una película de John Hughes. No es posible sacar adelante una historia como la que Smith cuenta aquí sin estar dispuesto a ser masacrado desde todos los frentes. Al final, la broma (entre lo adorable y lo aborrecible) se queda en vehículo al servicio de su hija, Harley Quinn Smith, y de su amiga Lily-Rose Melody Depp, lo mejor de una película que no termina de encontrar el tono adecuado. Hay que verla para creerla.

vención en pantalla, teniendo un colofón espectacular en un número que eleva la película a los altares. Como no sólo se puede vivir de las hostias y los tiros (y el

3 millones de reproducciones lleva el videoclip de Biting Elbows que dirigió Ilya Naishuller hace ya tres años y que ha servido de punto de partida para el proyecto más demencial del año. Hardcore Henry es una película de ciencia ficción y acción en primera persona que bebe de las adrenaíticas aguas de Crank (20062009) para llevarlo al límite (sí, es posible) en una odisea de sangre y sudor en una mala tarde moscovita. Sólo alguien tan pirado como Timur Bekmambetov (Wanted) podía financiar un proyecto que necesitaba de un empuje, que la industria no es conocida por el riesgo, la fiesta y la violencia explícita. Y Hardcore Henry va sobrada de todo eso. Sharlto Copley es quien mejor se lo pasa en la fiesta, ya que su Jimmy debería entrar directamente al salón de la fama de compinches de aventuras de la ciencia ficción por méritos propios, y disfruta de cada inter-

parkour, el sexo o la sangre), la película demuestra que también sabe del rock de ayer y el estilo actual, compaginando secuencias musicadas por The Sonics o por The Drums, que hacen que sus escasos 90 minutos pasen incluso más deprisa. Como es lógico en una propuesta en primera persona tan imposible como ésta, hay secuencias y planos que se ven mejor que otros, llevándose la palma el primer plano de la película, que podría estar en cualquier película de aventuras de los años 80, bien iluminada y que culmina con el cameo de Tim Roth como padre del protagonista. Como decía, hay secuencias donde el vídeo y las condiciones de grabación afean el conjunto, con abundante grano y composiciones un poco menos elaboradas, pero es un peaje necesario en una producción de muy bajo presupuesto que habría necesitado, como mínimo, diez veces el dinero gastado, algo que por otro lado la convertirán, a poco que se distribuya medianamente bien, en una cinta más que rentable y en el, ojalá, inicio de una saga que empieza muy arriba desde los violentos créditos iniciales. Esperemos que puedas verla pronto y en una pantalla grande.

TOI’S IN THE ATTIC ¡ABAJO EL PERISCOPIO!

oli amigos! Yo en realidad dedicaría una serie de columnas al culebrón Axl, Guns N’ Roses, AC/DC y el copón bendito, pero como no quiero ser repetitiva (bueno sí, pero no me dejan), os voy a hablar de la nueva app de moda... ya sabéis, Periscope. Como me llaman moderniqui (¡Ojo cuidao!) y me encanta investigar sobre nuevas redes sociales, hace un año y pico me descargué el invento éste para ver en qué consistía. El resultado fue una auténtica mierda, peor que Tinder, que ocupó mi vida un día como mucho, así que lo olvidé hasta que... ¡Oh, ah! El gilipollas de Piqué empezó a compartir vídeos de sus declaraciones y ‘apariciones estelares’ causando tal impacto que, de la noche a la mañana, Twitter se llenó de idiotas imitadores con muy poca gracia. Porque ya me diréis qué tiene de interesante que Fulanito grabe su viaje en metro hasta la oficina, o que Menganita se esté tocando el p…elo mientras ve la tele. Por mucho que nos vendan 17 motos, la finalidad de las redes sociales es molar

y conseguir el mayor número de fans, polvos, o la unidad de medida que corresponda. Periscope es la misma basura o incluso peor, puesto que el streaming es en directo, pero como todas las apps, un buen uso puede ser beneficioso, pudiendo asistir a una conferencia en Jakarta, o no perdiéndote detalle de la boda de tu prima en Texas. Os cuento ahora todo esto desde una perspectiva bondadosa, tras haber pasado varias horas enganchada a esto, haciendo un intenso seguimiento de las primeras actuaciones de Guns N’ Roses (¡Cómo no!). Mis madrugones para ver las actuaciones de Las Vegas, emitidas desde un móvil patatero, por un entrañable mexicano llamado Fede, que quería compartir con el mundo tan histórico momento, han sido inolvidables, pero pensándolo objetivamente, si llego a tener a este tío jodiendo mi campo de visión durante dos horas y media, os juro que hubiera acabado en prisión, así que el veredicto es claro: FUCK PERISCOPE! (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Into The Pandemonium de Celtic Frost. Antes de la llegada de internet, uno tenía que buscar en la oscuridad para descubrir bandas. No existía el click fácil que te hiciese llegar de manera instantánea a alguna excelente pieza musical. Tenías que gorronear, leer… ¡Te lo tenías que currar! Descubrías a las bandas por el bocaoreja, a través de programas que emitían a medianoche en las emisoras de estudiantes, por el intercambio de cintas y a través de las revistas o fanzines de los quioscos que pedían una solitaria copia. Esas revistas solían estar impresas en papel barato y contenían borrosas fotos en blanco y negro y anuncios muy mal 20

diseñados de discos y sellos discográficos. No importaba; si te gustaba esa música, simplemente te lo tragabas. Probablemente lo más interesante sobre aquellos días era que, sin la ayuda de samplers o posts en la red, uno tenía que fiarse de su puro instinto o de las recomendaciones de los críticos. Muchos veces la compra se hacía simplemente porque la portada molaba o había algo que te llamaba la atención, aunque a veces eso podía acabar en decepción y la pérdida de dinero. Sólo hubo un álbum sobre el que aposté a ciegas y me decepcionó, pero como, de nuevo, no había internet, me forcé a seguir escuchándolo. Compré Into The Pandemonium de Celtic Frost porque no paraba de leer sobre cómo esta banda estaba inventando la rueda del metal. Si realmente eran tan rompedores, quería saber cómo sonaban. Desafortunadamente no podía conectarme a la Wikipedia y saber cuáles eran sus álbumes más importantes, ya que hubiese sabido que eran Morbid Tales o To Mega Therion. Simple-

mente compré el álbum que me fue más fácil de encontrar, y ése fue Into The Pandemonium. Yo era un metalhead que simplemente quería guitarras altas y atronadoras y baterías sin concesiones. En vez de eso lo que me encontré fue una versión de la New Wave, ‘Mexican Radio’ de Wall Of Voodoo. ¿Qué cojones significaba todo eso? Contenía extrañas canciones de amor con chicas haciendo coros en canciones como ‘Mesmerized’, ‘Caress Into Oblivion’ y ‘Rex Irae (Requiem)’. Y luego había canciones sencillamente raras como la misteriosamente arty ‘Sorrows Of The Moon’ y esa extraña caja de ritmos que presidía ‘I Won’t Dance’. Eso estaba muy por encima

de lo que un adolescente en pleno subidón de energía podía entender, pero por suerte eso era todo lo que tenía para escuchar. No paré de oírlo hasta que las canciones ‘buenas’ como ‘Inner Sanctum’ y ‘Babylon Fell’ acabaron por ofuscar a las no tan buenas. Ahora, debido al difícil inicio que tuve con el álbum y a la cantidad de veces que lo he llegado a oír, se ha convertido en mi álbum favorito de Celtic Frost. Reconozco a Morbid Tales y To Mega Therion su estatus de clásicos, son los que siempre estarán en la lista de los mejores, pero Into The Pandemonium es sin duda mi predilecto. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

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Ganadores de un Prog Award en el 2014 y nominados a

¡¡Regreso de la banda de prog pop de

gatefold 2LP + CD y en descarga digital.

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culto psicodélico capitaneada por Kavus Torabi

¡Un impactante álbum que translada las viejas

Una maravilla sónica grabada, producida y mezclada por

estructuras a un nuevo universo!

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LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> CALA VENTO INTERPRETAN ‘ISABELLA CANTÓ’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

leix Turon (guitarra, voz) y Joan Delgado (batería, voz) son los autores de uno de los debuts más frescos que podrás escuchar este año y cuyas canciones han sido comparadas a las de Japandroids y Nueva Vulcano. Sentados en nuestra redacción, Cala Vento nos cuentan cómo surgió la relación entre ambos. “Los dos somos de L’Empordà y los dos estábamos en dos de los pocos grupos que tocaban indie rock allí”, explica Aleix. “Él era el batería de Backwards y yo guitarrista de Hot Penguins. Nos acabamos conociendo en un concierto y vimos que teníamos mucha afinidad musical”. Cuando sus respectivos grupos terminaron, Aleix le propuso montar un dúo con base en Barcelona, ciudad en la que llevan viviendo varios años para estudiar arquitectura y audiovisuales. Si bien no tenían una dirección clara que seguir, en el primer ensayo ya vieron que la cosa funcionaba. “La única referencia que tenía en la cabeza era Japandroids”, dice

Aleix. “Sabía que quería enchufarme a varios amplificadores como hacen ellos, pero no tenía estipulado que cantaría en inglés, ni que gritaría, también porque quería que fuera un proyecto al 50%. En el primer ensayo ya salieron las ideas de ‘Rossija’, ‘Tus Cosas’ y ‘La Estrella De Ballet’, que son tres temas que están en el disco. Luego fuimos experimentando hasta que el sonido ha quedado tal como está ahora”. A la hora de escribir canciones las ideas puede que salgan de uno, pero el resultado acaba siendo fruto de los dos. “Como estamos en contacto permanente al final las ideas también salen por ósmosis”, cuenta Aleix. “Las letras quizá son más personales, pero al final las acabamos trabajando entre los dos”. Preguntados sobre las diferencias entre una banda de más componentes y un dúo, Joan asegura que las hay, aunque cuando empezaron ni pensaron en ellas. “Pero hemos visto que es un ventaja enorme. Sólo para poder quedar para ensayar, para movernos...

podemos girar en coche. Es mucho más cómodo”. “Tampoco hemos echado en falta a más personas”, añade Aleix, “pero quizá llegue un punto en que se nos acaben las ideas con sólo dos instrumentos e incorporemos un tercero... Pero por ahora, no nos lo planteamos”. El disco ha sido publicado por BCore en colaboración con Hang The DJ!, el sello de Eric Fuentes, quien además se ha encargado de producirlo. A Eric le conocieron a raíz de ganar un concurso organizado por Converse, en el cual el líder de The Unfinished Sympathy ejercía de tutor. “Cuando vio los temas que teníamos se motivó y nos ayudó a darle forma a alguna composición”, cuenta Joan. “Pasaron los meses, vio que teníamos más temas y nos dijo que le haría mucha ilusión producirlo. No nos lo pensamos y nos tiramos a la piscina”. Grabado en directo en apenas cuatro días, su debut les llevará a tener bien ocupados los próximos meses para presentarlo. No os los perdáis.

DANIEL RATO (Madrid)

ONE WITH THE CITY CONCURSO FOTOGRÁFICO

ASICS

EL MES PASADO OS EMPLAZÁBAMOS A ENVIAR UNA FOTO DE UN RINCÓN DE MADRID O BARCELONA QUE FORMASE PARTE DE VOSOTROS. SÓLO PODÍAN HABER DOS GANADORES (FELICIDADES A DANIEL E INGRID), PERO AQUÍ TENÉIS UNA MUESTRA DE LO QUE LLEGÓ. GRACIAS A TODOS LOS PARTICIPANTES. INGRID MASACH (Barcelona)

JORDI M. (Madrid)

DAVID D. (Barcelona)

DAVID G. (Barcelona)

ADRIANA M. (Barcelona)

CORAL G. (Madrid)

DON BROCO

MORIR BAILANDO

LANZADOS HACE TRES AÑOS COMO UNA DE LAS NUEVAS PROMESAS DE LA ESCENA ROCK BRITÁNICA, LO CIERTO ES QUE CON SU ÚLTIMO DISCO AUTOMATIC, DON BROCO SE HAN ACERCADO DESACOMPLEJADAMENTE AL POP. SUS RECIENTES CONCIERTOS JUNTO A BRING ME THE HORIZON POSIBILITARON QUE HABLÁSEMOS CON ELLOS SOBRE ESTE CAMBIO DE RUMBO. TEXTO: JORDI PONS FOTOS: DR

ON BROCO no es la primera vez que visitan nuestro país -en 2012 estuvieron por aquí como parte de una gira organizada por Vans junto a Young Guns y Your Demise-, pero muchas cosas han cambiado desde entonces. En primer lugar, la cantidad de público que les verá abriendo para Bring Me The Horizon ha pasado de un par de centenas a un par de miles. En segundo, la formación de la banda, que ahora además del vocalista Rob Damiani, el guitarra Simon Delaney

¿Cómo han aceptado vuestros fans la dirección más pop que habéis tomado en Automatic? ROB DAMIANI “En general diría que bien. Creo que para la gente que nos ha seguido tampoco fue una sorpresa tan grande como se pueda pensar. Cuando estábamos haciendo el disco sabíamos que era distinto, pero tampoco taaan diferente. Nuestros fans creo que piensan lo mismo. Somos los mismos Don Broco, pero con nuevas ideas. Ha sido más la prensa la que ha puesto el énfasis en ese cambio, en un nuevo sonido, pero desde dentro tampoco le dimos demasiada importancia. Ahora que llevamos muchos meses tocando los nuevos temas junto a los antiguos, creo que todo suena bastante coherente, aunque haya matices. Creo que se ha exagerado un poco con lo mucho que habíamos cambiado, pero la respuesta ha sido buena”.

y el batería Matt Donelly, presenta al nuevo bajista Tom Doyle. En tercero, la imagen del grupo, más sofisticada y ochentera (algunos dirán hortera). Y por último, y quizá más importante, la propia música. En su segundo álbum Automatic (Sony), publicado el pasado agosto, las melodías poperas, las guitarras limpias y las líneas de bajo funky pueden llevarte a pensar que en realidad estás escuchando a Maroon 5. Aunque, según nos cuenta su cantante, para ellos el cambio no ha sido tan radical.

Para serte sincero, a mí sí me pareció un gran cambio. Aunque en Priorities también había algo de pop, no me esperaba que hicieseis un disco volcado en esa dirección. Ni tampoco encontrar influencias de Prince o Michael Jackson... “Ya, ya. Creo que en el primer disco había apuntes de eso. Supongo que cuando nos pusimos a componer Automatic quisimos desarrollar esa faceta. El hecho de tener un nuevo bajista, Tom, que también compuso con nosotros, influyó bastante. Él tiene un estilo más funk y al ser una banda con una sola guitarra, el bajo destaca mucho. Pero me alegro de que lo hayas notado, porque Prince es el artista favorito de Simon. Desde luego, en un par de temas se nota bastante...”.

Con el primer álbum girasteis un montón, y la verdad es que tuvo bastante éxito en Gran Bretaña. ¿Sentisteis cierta presión a la hora de hacer el nuevo? No sólo desde fuera, sino de vosotros mismos. “Sí, desde luego. Cuando hicimos el primer disco nadie sabía quiénes éramos. Teníamos unos pocos seguidores, pero no había ninguna presión. Tuvimos tres meses para componer y sacar el disco, y simplemente esperábamos tener suerte. En el segundo ya teníamos una base de fans importante que estaba esperando nueva música. En las redes sociales nos preguntaban cuándo íbamos a sacar algo nuevo, así que había presión externa. Pero creo que la mayor presión vino desde dentro. No queríamos hacer otra obra igual. Queremos que cada disco sea diferente, pero tampoco podíamos olvidar lo mucho que había gustado el primer álbum. Queríamos experimentar un poco y, a la vez, hacer canciones que fueran mejores. Hubo momentos en los que compusimos algo que podríamos haber metido sin problemas en el debut, pero esta vez éramos mucho más críticos. Queríamos canciones que encajaran para formar un conjunto, así que fue duro”. Diría que en vuestra imagen, vuestros vídeos, hay un punto de ironía sobre lo que representa ser una banda pop. ¿Crees que ese sentido del humor siempre se entiende o hay gente que piensa que os importa más el look que la música? “No queremos seguir los estereotipos de una banda de rock. Cuando hacemos un vídeo o estamos de gira nos 27

“NO QUEREMOS SEGUIR LOS ESTEREOTIPOS DE UNA BANDA DE ROCK” ROB DAMIANI

gusta hacer el tonto. Somos amigos y nos gusta divertirnos (risas). También con las letras intento ir un poco más allá y ponerle un poco de humor. Y por otra parte, nos gusta vestir bien y no salir siempre con tejanos y una camiseta negra. Pero tampoco es algo que nos obsesione. Como te decía, es una manera de divertirnos”. Teniendo en cuenta el giro que habéis dado en el nuevo disco, ¿crees que encajáis bien en esta gira con Bring Me The Horizon? “Es interesante tocar estas canciones para su público. Cualquiera que haya escuchado el disco ha tenido tiempo para asimilar la evolución que hemos tenido respecto a Priorities. La verdad es que estamos contentos. También ellos han cambiado en su último disco, así que también es interesante ver cómo la parte de su público más metal está aceptando su nueva dirección más pop”. Y en junio vais a telonear a 5 28

Seconds Of Summer en Inglaterra. ¿Qué esperáis? “Ése será el primer concierto que hagamos en un gran pabellón. Va a ser muy distinto a Bring Me The Horizon (risas). Para serte totalmente sincero, no sabemos qué esperar. Desde que se anunció hace un par de semanas, la cantidad de fans que hemos ganado en las redes sociales ha sido alucinante. De hecho, el primer día nuestro Twitter petó (risas). Y también sabemos que nuestros fans están emocionados por nosotros. Estamos un poco nerviosos porque serán conciertos muy grandes. Es genial estar en una posición en la que podamos tocar con dos bandas tan distintas”. Sí, la verdad es que podríais tocar con bandas indies y tampoco desentonaría. “Sí. Supongo que es una ventaja y una desventaja al mismo tiempo. No es fácil encasillarnos. Cuando alguien nos escucha por primera vez no sabe muy bien dónde meternos. Pero creo que al final haber hecho lo que nos daba

la gana ha ido en nuestro favor y estamos llegando a mucha más gente. Creo que tenemos un público al que le gusta un rock que sea diferente”. En una entrevista dijiste que te encantaría que Don Broco fuera una banda realmente grande. Ahora que empezáis a tocar en arenas, ni que sea como teloneros, ¿ves posible que en cinco años podáis ser vosotros la banda principal? “No tengo ni idea. Llevamos el tiempo suficiente para saber que necesitas trabajar mucho y algo de suerte para convertirte en una de esas bandas. Hemos tenido una progresión bastante estable. Nos hemos ganado los fans tocando mucho en directo, concierto a concierto. Pero necesitas una canción que te catapulte para llegar a ese nivel y nunca sabes cuándo una canción así puede llegar. Quién sabe...”.

LACUNA COIL

TRATAMIENTO DE SHOCK

EN SU OCTAVO DISCO, LACUNA COIL HAN DECIDO RECUPERAR TOTALMENTE EL CONTROL CREATIVO. TOMANDO EL CONCEPTO DE LA LOCURA COMO FUENTE DE INSPIRACIÓN, LOS ITALIANOS ENDURECEN SU SONIDO DESPUÉS DE SUFRIR VARIAS TURBULENCIAS INTERNAS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

PESAR DE QUE SU proyección internacional sigue estando a años luz de cualquier otra banda italiana, los dos últimos años no han sido fáciles para Lacuna Coil. Poco antes de que publicaran su anterior álbum Broken Crown Halo, el guitarrista Cristiano Migliore y el batería Cristiano Mozzati abandonaban la banda. Y la historia se ha vuelto a repetir cuando, el pasado enero, era el guitarrista Marco Biazzi quien decía adiós. Bajas significativas que, más que hundir, parecen haber reforzado la relación en el núcleo formado por Cristina Scabbia, Andrea Ferro y Marco Coti-Zelati. Los dos vocalistas y el bajista han creado con la ayuda del batería americano Ryan Blake Folden, quien lleva tocando en directo con ellos desde la anterior gira, las once canciones que configuran Delirium (Century Media). Después de haber trabajado con los productores americanos Don Gilmore y Jay Baumgardner en su tres últimos discos, la banda decidió replegar velas y grabar su nuevo álbum en Milán con Coti-Zelati asumiendo los mandos. Sus seguidores apreciarán una vuelta al sonido más metálico de sus primeros discos, algo que encaja con las historias que lo inspiraron. ¿De dónde vino la idea de centrar toda la temática del disco en la locura? ANDREA FERRO “Todo empezó cuando estábamos buscando una me-

lodía para la canción ‘Delirium’ y nos vino a la cabeza esta palabra. Fue a partir de ella que empezaron a surgir ideas sobre el diseño para la portada, el escenario, las fotos, el vídeo, y pensamos que estaría bien que todas las letras estuvieran unidas por ese concepto. Fuimos a visitar un par de manicomios abandonados cerca de Milán y esos grandes edificios vacíos, llenos de habitaciones y pasillos, nos hicieron pensar en la cantidad de historias que habrían ocurrido ahí dentro. Mucha gente se curó, pero otra acabó peor o murió, así que había un montón de sentimientos que se adaptaban a las canciones que estábamos escribiendo, más duras y oscuras. Quisimos establecer un paralelismo entre los problemas mentales reales y la locura que todos vivimos en el día a día, ya sea en una relación o que sin saber cómo acabes encerrado en prisión. Al final creamos el Manicomio Lacuna Coil, eso es lo que es el disco, cada canción es una habitación, y en cada una de ellas hay un paciente con una historia distinta, así que os invitamos a todos a entrar, porque si no te sientes bien o tienes un problema, quizá aquí te encuentres reconfortado”. La idea de la locura ha ido cambiando a lo largo del tiempo. ¿Hicisteis algún tipo de investigación más histórica para inspiraros? “No una investigación absoluta o un estudio médico, por supuesto, pero sí

leímos mucho sobre las enfermedades que íbamos a tratar en el disco. Procuramos utilizar palabras que los enfermos utilizan para expresar lo que sienten cuando padecen un transtorno determinado. Queríamos que hubiera una coherencia. Por ejemplo el tema ‘You Love Me ‘Cause I Hate You’ trata sobre el síndrome de Estocolmo que, como sabrás, es el enamoramiento que sufren las personas que han sido secuestradas respecto a sus captores. Obviamente nunca nos han secuestrado (risas), pero la canción habla de cuando estás en una relación tóxica y no puedes salir de ella porque estás convencido de que amas a esa persona, aunque te haga daño. Así que hemos utilizado términos médicos para describir situaciones cotidianas. No queríamos utilizar cuatro tópicos, sino hacer algo que fuera real. Pero como te decía antes, lo poderoso de estas canciones es que inmediatamente pudimos visualizarlas y nos dio pie a pensar cómo las presentaríamos en directo y al público”. Siempre que he hablado contigo o con Cristina parecéis gente muy positiva y amable. Sin embargo, Lacuna Coil tiene ese halo de oscuridad. ¿Tenéis un lado oscuro que no mostráis en público? “Todos tenemos una cara oculta. Nadie está siempre feliz o siempre triste. He conocido a músicos como Rob Zombie, Danzig o Dave Mustaine que 31

la gente considera muy difíciles de tratar y siempre lo he pasado genial con ellos. Hemos girado varias veces con ellos y nuestra actitud siempre es muy amistosa, muy profesional, y nunca hemos tenido problemas con nadie. Creo que si le muestras respeto a la gente eso es lo que recibes. La manera en la que te presentas artísticamente no tiene que ser necesariamente la misma con la que te comportas en tu vida diaria. Está bien proyectar una imagen oscura, pero eso no significa que no puedas salir a tomarte una cerveza con tus amigos y sonreír. Creo que es mejor sacar la negatividad a través de tu obra, en lugar de pegarte con la gente o comportarte como un gilipollas”. ¿Os han afectado de algún modo los cambios de formación a la hora de hacer el álbum? “Más que al disco, quizá sea el ambiente del grupo. El cambio más notable en el álbum es el cambio de batería porque Ryan tiene un estilo distinto al que tenía Cristiano. Le dirigimos para que utilizara más el doble bombo y algunos patrones rítmicos que han hecho que el álbum sea más duro. Trabajó muy duro y grabó todo el disco en tres días, así que estamos muy contentos con sus aportaciones. No digo que lo de antes fuera peor, pero desde luego era distinto. Eso es lo más destacable. Pero Marco, Cristina y yo hemos trabajado en la composición como siempre lo hemos hecho. Marco tiene un pequeño estudio casero y siempre trabajamos ahí e intercambiamos ideas. Quizá esta vez nos hemos dado 32

“CREO QUE ES MEJOR SACAR LA NEGATIVIDAD A TRAVÉS DE TU OBRA, EN LUGAR DE PEGARTE CON LA GENTE O COMPORTARTE COMO UN GILIPOLLAS” ANDREA FERRO

mos para qué le necesitábamos y para qué no. Estas apuestas a veces salen bien y otras no, ni que sea alguien que ha vendido millones de discos como él, pero acabamos siendo grandes amigos. De hecho, Don se ofreció para grabar este disco, pero ya estábamos decididos a hacerlo por nuestra cuenta”.

más libertad, sin caer en los clichés del sonido Lacuna Coil, no queríamos ser prisioneros de nuestro propio pasado. A veces sin darte cuenta tiendes a repetir lo que has hecho antes porque sabes que ha funcionado. Así que nos forzamos a refrescar nuestras ideas y a hacer algo que nos resultara interesante. Creo que será una sorpresa para nuestros fans”.

de mucho escuchando, pero esta vez queríamos comprobar cuánto habíamos aprendido con las experiencias pasadas. Creo que el resultado ha sido muy bueno, teniendo en cuenta que era la primera vez que lo hacíamos. Ha sido un poco estresante para Marco, pero al final estamos muy contentos. Creo que era necesario para este disco hacerlo así”.

Quizá me equivoque, pero me da la sensación de que habéis querido hacer este disco más encerrados en vosotros mismos, grabándolo en Milán, sin un productor, sin influencias externas... “Es correcto. No ha sido tanto por los cambios de formación sino porque Marco había estado produciendo algunas bandas locales y pensamos que, dado que buscábamos esa mayor libertad, quizá era el momento de que intentara producir a Lacuna Coil. Era la manera de tener un control total. No es que antes no lo tuviéramos, pero cuando trabajas con un productor externo, escuchas sus ideas, porque para eso le contratas (risas). Se apren-

¿Crees que quizá en Shallow Life y Dark Adrenaline se notó demasiado la mano de Don Gilmore? ¿Crees que vuestra carrera se benefició gracias a trabajar con un productor de renombre como él? “Más que por el nombre, aunque sea importante, lo que nos benefició fue la experiencia en sí. Aunque no fue fácil porque su estilo es muy diferente al de Waldemar Sorychta. Shallow Life fue un disco complicado porque era la primera vez en la que cambiamos nuestra manera de componer, de escribir letras, y Don también tenía que aprender qué era Lacuna Coil. Fue un desafío. Con Dark Adrenaline fue más fácil y más equilibrado porque sabía-

¿Puedes hablar de las colaboraciones de Myles Kennedy y de Mark de Nothing More? “Como no teníamos un guitarrista de verdad durante la grabación porque Marco tocó todas las guitarras pero le llevó más tiempo del habitual porque no es su instrumento principal, pensamos en invitar a amigos para hacer los solos. Creo que salió bien porque le dio más variedad de estilos. De hecho, es el primer álbum sin guitarrista, pero es el que más solos tiene (risas). A Myles le conocemos desde que Cristina hizo un dueto con él para Alter Bridge y habíamos mantenido el contacto. Cuando tocamos en su ciudad, Spokane, que de hecho es también la ciudad de Ryan, vino al concierto con su mujer. Y cuando él tocó con Slash en Milán también fuimos a verle. Así que cuando necesitamos a un guitarrista, pensamos en él. Todo el mundo le conoce por ser un gran vocalista, pero la realidad es que es un guitarrista igual de bueno. Él mismo escogió la canción y lo hizo genial. En cuanto a Mark, Nothing More nos hicieron de teloneros en su primera gira americana y nos hicimos amigos. Hace unos meses vinieron a tocar a Milán, comimos pizza juntos, bebimos y Mark es un tío genial, así que aceptó de inmediato cuando se lo propusimos. Le ha dado una atmósfera especial al tema. Todo

“ESTA VEZ NOS HEMOS fue muy espontáneo, sin ningún tipo de problema. Fue muy divertido”. Háblame un poco de Ryan... Empezó tocando con vosotros en directo y ahora ya es un miembro de pleno derecho. ¿Por qué escogisteis a un batería americano? ¿Ha sido complicado integrarlo en la familia siendo de países distintos? “Ryan empezó a trabajar para nosotros hace ocho años como técnico de batería, así que cuando llegó el momento de coger a un nuevo batería sabíamos que él encajaba y que estaba totalmente capacitado para el trabajo. Sabíamos que tiene la actitud adecuada para ir de gira. El que sea americano es sólo un detalle. Obviamente teníamos que hacer que económica y logísticamente fuera viable, pero le escogimos porque nos gusta como persona y su energía. Tiene muchas ganas de trabajar y estar en la carretera. Eso era mucho más importante que el que fuera americano. Teníamos nuestras reservas por si podríamos hacer que funcionara, pero ahora ya lleva tres años de manera estable y estamos encantados. Nuestros fans ya le conocen y ahora ya es un miembro más. Es lo mismo que haremos con el nuevo guitarrista, es un chico de Milán y empezará a girar con nosotros. Veremos cómo se adapta y cómo es la convivencia, y si todo sale bien, también pasará a ser un miembro fijo. No es sólo importante que toque bien, sino que encaje a nivel personal. No queremos anunciar a alguien como nuestro nuevo guitarrista y que de aquí a seis meses tengamos que anunciar a otro. Cuando tengamos que hacer el próximo disco

veremos si es la persona adecuada y tomaremos la decisión de integrarle como un miembro permanente”. Me imagino que cuando en enero salió la noticia de que Marco Biazzi se había ido, todos los guitarristas que conocéis en Italia os llamarían. “(Risas) Sí, fue una locura”. ¿Cómo le decís que no a un amigo que quiera ser parte del grupo? “Bueno, ni que sea un amigo, le decimos que no si pensamos que no va a encajar. Se necesitan ciertas características. Hay muchos músicos capaces de tocar muy bien nuestros temas, pero no es una cuestión de técnica, es una cuestión de actitud. Tiene que ser el pack completo. Vas a pasar mucho tiempo con esa persona, así que no te puedes equivocar (risas)”. Antes mencionabas a Nothing More. Para cualquier banda que empieza es importante tener la oportunidad de girar con una más grande, pero hoy en día parece que depende totalmente de cuestiones económicas. ¿Es algo que está en vuestras manos? “Antes solíamos tener más poder porque económicamente todo era más viable. Nos gustaría poder llevarnos un grupo de gira y apoyarles económicamente, pero ya no es posible. Sólo puedes darle lo mínimo, ésa es la realidad. Antes podíamos llevarnos a una banda italiana aunque no tuvieran dinero para girar, pero ya no. Pero desde luego nos gusta ayudar a grupos jóvenes y siempre les hemos trata-

DADO MÁS LIBERTAD, SIN CAER EN LOS CLICHÉS DEL SONIDO LACUNA COIL, NO QUERÍAMOS SER PRISIONEROS DE NUESTRO PROPIO PASADO” ANDREA FERRO do con respeto. Nunca hemos puteado a nadie con el volumen o puesto a la gente en una situación difícil. Como te decía, Marco está produciendo bandas locales, y yo he empezado a asesorar a algunos grupos, así que nos gustaría poder darles una oportunidad. Creo que es algo que de cara al futuro puede ayudar a que la escena metal en Italia crezca un poco”. ¿Crees que si Lacuna Coil fuera una banda nueva tendríais la oportunidad de llegar tan lejos como lo habéis hecho? “No puedes ignorar que salimos en un momento mucho más favorable. Crecimos en un momento en el que las discográficas te apoyaban y ayudaban a desarrollarte. Ahora la historia es distinta. Todo el mundo intenta llamar la atención como puede, y a pesar de internet, es mucho más difícil. La competencia es durísima pero por una cuestión de cantidad, no de calidad. Si en el pasado salían diez bandas buenas al año, ahora siguen saliendo también diez, pero hay mil más que sólo hacen bulto. El talento o los genios no es tan fácil que surjan”.

NERF HERDER

SU NOMBRE ES SÓLO CONOCIDO POR UN PEQUEÑO REDUCTO, PERO LOS CALIFORNIANOS NERF HERDER SON ALGUNOS DE LOS FABRICANTES DE MELODÍAS MÁS BRILLANTES AL ESTE DE WEEZER. DESPUÉS DE OCHO AÑOS SILENCIADOS, ESTÁN DE VUELTA CON ROCKINGHAM. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ARRY GRIPP, Y POR EXTENSIÓN su banda Nerf Herder, encarna todo aquello que entendemos por nerd. A sus 48 años le siguen obsesionando las mismas cosas que cuando tenía 14: Star Wars, Van Halen, los cómics, las chicas que le ignoran por ser demasiado freaky… Las mismas sobre las que lleva cantando desde que formó la banda en 1994. A pesar de que cuando lanzaron su debut homónimo dos años después obtuvieran un mini hit con el single ‘Van Halen’ (un verdadero himno en el que volcaban todo su odio contra Sammy Haggar y que llevó a que éste se refiriera a ellos como “una panda de maricones”), la carrera de Nerf Herder nunca llegó a despegar. La poca repercusión de sus siguientes álbumes How To Meet Girls (2000) y American Cheese (2002), han llevado a que la banda sea ahora poco más que un hobby para Gripp y su fiel batería Steve Sherlock, mientras se gana la vida haciendo sintonías para programas infantiles. Sus conciertos son cada vez más escasos y sus discos, también. Por eso, la aparición de su quinto álbum Rockingham (Golfshirt Records) el pasado marzo, después de ocho años sin saber nada de ellos, era motivo suficiente para intentar conectar con ellos. Bastó un comentario en Twitter para que el propio Parry nos escribiera ofreciéndose. Nerd hasta para eso... 37

“HE ESCRITO CIENTOS DE CANCIONES PARA PROGAMAS INFANTILES EN LOS DOS ÚLTIMOS AÑOS, ASÍ QUE SEGURO QUE ME HA AFECTADO”

PARRY GRIPP

Estoy seguro de que te preguntan esto sin parar, pero ¿por qué os ha llevado ocho años poder sacar un nuevo disco? PARRY GRIPP “Hicimos el disco para divertirnos juntos. ¡Nunca pensé que pudiera gustar a la gente! Después de Nerf Herder IV, que no fue un álbum demasiado divertido de hacer, ni escuchar, no pensaba que fuéramos a hacer otro. Pero al final todo lo motivó el que los miembros actuales quisiéramos hacer algo juntos para divertirnos. En realidad podríamos habernos ido de cámping o haber hecho cualquier otra cosa, pero decidimos grabar un disco (risas)”. En relación a eso, ¿empezasteis a componer en ese momento o vas escribiendo temas de Nerf Herder aunque no haya un disco en el horizonte?

“No hubo un proceso oficial. Todo se hizo de manera informal. Llevo años siendo compositor profesional, así que me resultaba complicado encontrar tiempo para escribir canciones para el grupo. Pero cada dos meses nos reuníamos y probábamos varias ideas. Para la música, no estuve tanto encima porque tanto Linus (guitarra) como Ben (bajo) son buenísimos en eso. ¡Hicieron que el álbum sonara genial! Y Steve fue el cerebro en la sombra, hizo todo el diseño y demás. Está claro, no hay Nerf Herder sin Steve”. Como siempre, las letras son brillantes y las canciones muy pegadizas. Es como si no hubiera pasado el tiempo, aunque por supuesto, el tiempo pasa. ¿Te tienes que poner en modo Nerf Herder para escribir? ¿Cómo mantienes la frescura?

“¡Gracias! ¡Me alegro de que te guste! Las letras fueron de hecho la última fase del proceso, y sí, me tuve que poner en modo Nerf Herder. No podía hacerlo por mí mismo, así que contratamos a nuestro viejo amigo Angus Cooke para grabar las voces, quien ha trabajado con Lagwagon, Bad Astronaut y muchas otras bandas de punk. En general, mis letras siempre empiezan siendo deprimentes y tristes, y luego intento hacerlas divertidas. Angus me ayudó mucho en ir en la dirección correcta. Fue como un policía, vigilando mis palabras y mi estilo vocal. Si lo que cantaba no sonaba divertido o a Nerf Herder, intentábamos algo distinto”. ¿Crees que el componer jingles ha influenciado tu manera de componer? “Seguro que lo ha hecho, aunque no sé cómo. He escrito cientos de canciones para progamas infantiles en los dos últimos años, así que seguro que me ha afectado. Quizá uso menos palabrotas porque no quiero que Disney me despidan... Aunque colé alguna para recordar los viejos tiempos”. Dado que la banda ha dejado de ser tu prioridad profesional, ¿qué significa para ti en este momento? “Adoro el grupo. En el pasado siempre

había conflictos personales, pero en los actuales Nerf Herder todos somos amigos, así que siempre es divertido. También el hecho de que se haya convertido en un hobby hace que no me preocupe por ganar dinero, así que todo es mucho menos estresante”. El grupo siempre ha estado relacionado con Weezer. ¿Seguís en contacto? ¿Sabes si han escuchado ‘We Opened For Weezer’? “La verdad es que no tenemos relación con Weezer, aunque seguimos en contacto con Karl (su asistente – ndr.), que es un tío genial y divertido. Cuando fichamos por Fat Wreck nos metimos en el mundo del punk rock y dejamos el mundo Weezer. Creo que para ellos somos como una chica con la que pasaron una noche hace mucho tiempo. Estoy casi seguro de que Weezer han escuchado la canción, pero no espero que nos digan nada. Esta canción es sobre un momento que fue maravilloso para Steve y para mí”. Mucha gente piensa que podríais haber sido tan grandes como Weezer. ¿Tenías esas mismas expectativas? La multinacional Arista os llegó a fichar, aunque no funcionara... “Cuando fichamos por Arista, éramos básicamente una banda que hacía el tonto en su garaje. ¡Fue una total sorpresa! En ese momento nos decepcionó que el disco no funcionara mejor, porque el grupo se había convertido en nuestro trabajo, pero mirando en perspectiva, creo que todo salió bien. Experimentamos lo que era estar en una multi y nos fuimos de ella antes de que estuviéramos atrapados. Nuestras

vidas ahora son muy agradables, así que me alegro de que las cosas fueran de la manera en que fueron”.

ginado, han perdido algo de sentido para los oyentes que nunca han experimentado eso”.

Grabasteis el tema ‘I’m The Droid (You’re Looking For)’ en los estudios Skywalker Sound y Mark Hamill había salido en el vídeo de ‘Sorry’. ¿Tenéis una conexión secreta con la gente de Star Wars? ¿Fuisteis a ese estudio por alguna razón técnica o simplemente porque queríais daros el gusto como fans? “¡Por supuesto que fuimos como fans! Es caro ir allí a grabar, pero queríamos ver el sitio (risas). Mi conexión es que yo trabajo para Disney y Disney es la dueña de Star Wars, pero no hay más. Sólo somos grandes fans”.

¿Qué recuerdos tienes de cuando tocasteis en España? ¿Es realista esperar que volváis algún día? “¡Tengo grandes recuerdos! Es de las veces que más me he divertido en mi vida. Tocamos en Madrid durante dos semanas y ¡fue mágico! También volvimos con No Use For A Name. ¡No hay un sitio igual! Especialmente si te gustan los Ramones y el punk rock. Nos trataron muy bien y todo el mundo era muy amable. Me encantaría volver, está en lo más alto de mi lista de sitios donde ir. Pero para nosotros girar es difícil por los otros trabajos que tenemos… Todavía estamos intentando ver cómo hacerlo”.

En los últimos años la ‘cultura nerd’ no sólo ha sido aceptada, sino celebrada en series como The Big Bang Theory, la repercusión de la feria Comic Con, o webs como The Nerdists… ¿Te sientes reivindicado? “¡Sí! No estoy seguro de si ‘reivindicado’ es la palabra, pero está claro que las cosas han cambiado mucho desde que empezamos. Hace veinte años teníamos que explicar que nuestro nombre era una referencia a Star Wars. ¡La gente no lo sabía! Y desde luego entonces no hubiéramos hecho una canción como ‘At The Con’. Es una celebración del cosplay y la locura cuando tocamos en la DragonCon en Atlanta hace dos años. ¡No es irónica o autocrítica! Al mismo tiempo, me tengo que preguntar si nuestras viejas canciones, la mayoría de las cuales son sobre sentirse como un freaky mar-

Como fan de Van Halen, ¿qué opinas del culebrón en el que se han convertido? Y por curiosidad, ¿qué piensas de su último disco A Different Kind Of Truth? “Me encantan los primeros discos de Van Halen. ¡Significan mucho para mí! Es triste que esos tíos se hayan vuelto locos. Pero es como con tu familia, puede que estén locos, pero les sigues queriendo. ¿Por qué no pueden girar con Michael Anthony? ¡Eso me mata! No he escuchado A Different Kind Of Truth. Prefiero vivir en el pasado con mis recuerdos. Quizá haya gente que sienta lo mismo respecto a Nerf Herder (risas)”.

PIERCE THE VEIL

HAN PASADO CUATRO AÑOS DESDE QUE PIERCE THE VEIL SE CONVIRTIERAN EN LOS NUEVOS REYES DE LA ESCENA WARPED CON COLLIDE WITH THE SKY. AHORA TOCA PASAR LA REVÁLIDA CON MISADVENTURES, UN ÁLBUM QUE POR POCO LOS LLEVA AL COLAPSO EN SU INTENTO DE HACER SU OBRA DEFINITIVA. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

LA GRAN ESCAPADA

UANDO PIERCE THE VEIL

terminaron su gira europea abriendo para Bring Me The Horizon en diciembre de 2013, ya tenían el material compuesto para el que tenía que ser su cuarto álbum. En junio del año siguiente, Vic Fuentes (voz, guitarra), Tony Perry (guitarra), Jaime Preciado (bajo) y Mike Fuentes (batería) volaban de su San Diego natal a Long Island para trabajar con el productor Dan Korneff (My Chemical Romance, Paramore), el hombre que les había ayudado a conseguir que su anterior disco Collide With The Sky los convirtiera en una de las bandas más populares de la escena. Sin embargo, lo que prometía ser un proceso fácil y fluido acabó resultando todo lo contrario. Si bien la música estaba clara, Vic tenía serios problemas para terminar unas letras que tuvieran el impacto emocional al que aspiraba. Su afán perfeccionista le llevó a grabar y regrabar varias veces sus pistas vocales, y fue necesario que se escapara unos meses (viajó a Los Ángeles, Bear Mountain y Seattle) para que finalmente encontrara la inspiración que buscaba. El fallecimiento de uno de sus héroes, Scott Weiland de Stone Temple Pilots, y acontecimientos como los atentados de París despertaron la chispa creativa que andaba apagada por su obsesión por hacer el mejor disco posible. Misadventures, que publicará el sello Fearless Records el próximo 13 de mayo, puede que sea justamente eso. Sin abandonar su característica mezcla de energía punk, virguerías guitarreras al estilo metalcore y estribillos tarareables cercanos al pop, Pierce The Veil dan muestras de 42

cierta evolución y de no haber perdido el olfato para facturar hits. En el momento de realizar la entrevista con Vic y Jaime todavía no se había anunciado, pero los californianos volverán a España los próximos 31 de octubre, y 1 y 2 de noviembre para actuar en Madrid, Valencia y Barcelona respectivamente. Con el anterior disco Collide With The Sky la banda pegó un subidón bastante considerable. Se posicionó en el puesto 12 del Billboard 200, y llegó a vender más de 350.000 copias en poco tiempo. Pero claro, eso fue en 2012... ¿Creéis que ahora con Misadventures se superará esa marca fácilmente? ¿Os da miedo que el hype haya pasado? VIC FUENTES “Sí, esperamos romper el récord (risas). Sería genial seguir creciendo, porque la banda ha sido un ente con vida propia desde que empezamos. Nos encantaría poder seguir creciendo para tener más control sobre todo lo que envuelve a la banda, poder ofrecer shows más grandes, y por encima de todo, seguir de gira”. JAIME PRECIADO “Obviamente todas las bandas del mundo siempre quieren mejorar con cada lanzamiento, en todos los sentidos, incluso el de las ventas, pero Pierce The Veil nunca ha sido un grupo que haya jugado a eso de los números, sino más bien nos interesa que el disco esté ya en las calles. Nos interesa ser una mejor banda que aquella que lanzó el último disco, ya sea a nivel compositivo, vocal, en nuestros

directos, y aprender de lo que sea que hicimos mal en el pasado. Por supuesto que es genial romper marcas anteriores o vender cada vez más, pero nos interesa más poder seguir creando música y que alguien quiera lanzarlo, poder seguir haciendo lo que queremos en ese momento cuando lo estamos componiendo. Creo que es el caso de Misadventures, porque hicimos todo lo que quisimos, y hemos hecho todo lo posible para que sea nuestro mejor disco hasta la fecha. Crucemos los dedos para que le vaya bien en la lista de ventas, pero a fin de cuenta grabamos los discos para nosotros mismos... es parte de ser más honesto cuando estás en un grupo”. Vic, la inspiración para escribir las canciones de Misadventures vino de visitar diferentes ciudades como Los Ángeles y Seattle, o de estar en una cabaña en Bear Mountain, California. ¿Tuviste algún tipo de bloqueo mental al componer o fue simplemente por cambiar de ambiente? VIC “En realidad fue porque llevaba en el mismo lugar demasiado tiempo. Al principio pasé unos cinco meses en el estudio, las mismas cuatro paredes. No interactuaba con nadie y entonces supe que necesitábamos un descanso del estudio de grabación. En realidad paramos toda la grabación del disco e hicimos una gira mundial en medio del proceso, pero cuando volvimos estaba seguro de que no quería encerrarme en el estudio. Fui a esas ciudades en busca de historias que se convirtieran en grandes canciones.

“VAMOS A SEGUIR CAMBIANDO PEQUEÑAS COSAS, PERO NO HASTA EL PUNTO EN QUE YA NO SE RECONOZCA SI ES PIERCE THE VEIL O NO. NUNCA HEMOS SIDO SÓLO UNA BANDA DE METAL, O SÓLO UNA BANDA DE PUNK O DE POP, SINO QUE NOS ATREVEMOS CON UN POCO DE TODO”

JAIME PRECIADO

Pensé en viajar y cambiar de escenario para cada canción, lo cual ayudó bastante. Era algo nuevo para mí, no había hecho algo así antes para un disco. Me sentó bien”. Habéis lanzado ‘Texas Is Forever’ como segundo adelanto hace unos días. Se menciona que tenéis unas ganas terribles de tocarla en directo y que es una canción con la cual Pierce The Veil vuelve a sus raíces. ¿Crees que con el anterior álbum quizás al experimentar la banda se alejó un poco de su sonido original? JAIME “Algo, pero no tanto. El anterior disco refleja perfectamente el momento en el cual lo sacamos a la venta. Suena a lo que estábamos escuchando en ese momento, en lo

que estábamos interesados en ese momento, y quizás sí fuera un poco diferente a la música que hacíamos cuando empezó el grupo. Con el éxito que alcanzó Collide With The Sky ya te puedes permitir sacar música que realmente te agrade, experimentar más si quieres... Con ‘Texas Is Forever’ pensamos en sacar una canción realmente rápida, una canción de punk acelerado, que es el tipo de música que escuchábamos cuando éramos más jóvenes e íbamos a muchos conciertos. Todo el mundo recuerda su primer circle pit, su primer concierto con sus colegas, así que ese es el feeling que queríamos que tuviese la canción, además de recordarnos el porqué formamos este grupo. Es cierto que lo enfocamos hacia el directo, queríamos una canción realmente divertida y rápida

con la cual incendiar los conciertos”. VIC “Creo que el nexo que une la música que hacemos en cada uno de nuestros discos es la música con la que crecimos, nuestras raíces, y eso es punk rock acelerado, además de música muy agresiva. Es algo que de una manera u otra siempre está presente en nuestros discos. ‘Texas Is Forever’ es lo que somos, canciones divertidas y rápidas... nos encanta”. De hecho, las canciones de este disco no van más allá de la marca de los cuatro minutos, incluso hay una canción llamada ‘Sambuka’ que dura poco más de dos. ¿El secreto es mantenerlo todo corto y pegadizo? JAIME “Es gracioso porque esa 43

canción es una de las que tuvimos que reescribir en el estudio. Tuvimos que hacerlo con dos canciones de este disco. Teníamos una parte de guitarra y queríamos usarla en una canción, pero rondó bastante tiempo en los ensayos porque sentíamos que le faltaba algo. No solemos acabar las canciones así, pero cuanto más la escuchábamos más nos gustaba. Es la canción más corta que hemos escrito jamás, y el productor nos dijo que, si nos gustaba, que la dejásemos así como está. Nunca hemos intentado escribir canciones largas, pero sin duda alguna ‘Sambuka’ es la canción más corta que hemos compuesto jamás. No se trata de lo que dure la canción, sino de lo que la canción necesite. Al final es uno de los temas que más me gustan de Misadventures”. VIC “Nuestra meta era escribir una canción así de corta porque nunca lo habíamos hecho. Hay bandas que sólo pueden escribir canciones cortas, y nosotros totalmente lo contrario. Ése es otro experimento que hicimos, es nuestro primer intento y ahí está la canción. Es un desafío para un compositor poder condensar todas sus emociones y sentimientos en tan poco tiempo, pero lo conseguimos”. Otra de las canciones diferentes de este disco es ‘Gold Medal Ribbon’. Al menos allí se puede apreciar perfectamente que Pierce The Veil están saliendo de su zona de confort... ¿Era una de las ideas en Misadventures? ¿Salir de la zona de confort y experimentar un poco más? VIC “Yo creo que sí experimentamos más en este álbum, es algo que nos 44

encanta. Tenemos las canciones rápidas que sabemos que gustan a todo el mundo, pero también queremos ir más allá. Normalmente tenemos toneladas de riffs, pero hacer cosas diferentes es siempre interesante. Lo hicimos con la canción que mencionas, creo que es saludable para cualquier banda explorarse más allá de sus propios límites”. JAIME “Sí, no hemos tocado mucho el sonido que ya tenemos, pero es cierto que estamos probando cosas diferentes para ver cómo salen. A mí personalmente me gustan mucho las bandas atrevidas y aventureras que retocan cosas de su sonido establecido para ver cómo los fans reaccionan. En Misadventures tenemos pequeños detalles diferentes, algunos cambios, pero seguimos siendo la misma banda. No queremos cambiar muy rápido, no queremos hacer algo totalmente diferente, queremos que los fans cambien lentamente con nosotros, que crezcan con nosotros. Nos pasó cuando nosotros éramos fans de otras bandas en nuestra juventud, crecimos al mismo ritmo que ellas. Realmente pienso que a medida que uno va madurando como persona, también lo hace el tipo de música que compone. Vamos a seguir cambiando pequeñas cosas, pero no hasta el punto en que ya no se reconozca si es Pierce The Veil o no. Nunca hemos sido sólo una banda de metal, o sólo una banda de punk o de pop, sino que nos atrevemos con un poco de todo”. Habéis vuelto a trabajar con Dan Korneff en la producción de este álbum. ¿Fue para sacar más provecho a su experiencia en esta ocasión que

con Collide With The Sky? JAIME “No fue que dijéramos ‘oh, debemos traerlo de vuelta porque no supimos aprovecharlo la última vez’, sino mas bien que algo hizo click con Collide With The Sky. Vimos de lo que era capaz Dan y no lo pensamos dos veces, tenía que ser él. Cuando trabajas con alguien que se toma su trabajo en serio vuelves a él, y ahora mismo Dan es tan parte de la banda como nosotros mismos, tenemos la misma ética de trabajo, y cuando alguien trabaja igual de duro o quizás más que tú por tu música, pues se nota en el resultado final. Fue una decisión fácil, queríamos tenerlo en el equipo. También fue fácil elegirlo de nuevo porque cuando trabajas con alguien con quien ya trabajaste en el pasado, sabes que esa persona te conoce y puedes empezar inmediatamente. No tienes que pasar unos días con él para conocerlo. Con Dan fue simplemente darle un gran abrazo y ponernos a trabajar inmediatamente. Sabe cómo funcionamos y sabe sacar lo mejor de nosotros”. VIC “Nos gusta tener un productor del cual podemos decir ‘ése es nuestro tío para el trabajo’. Dan ya no es sólo el productor, es un amigo de la banda, es el que hace realidad todos nuestros sueños. Si tenemos una idea, es Dan quien hace que se materialice. Se ha convertido en alguien muy importante en nuestras vidas”. En líneas generales, el álbum es bastante positivo, y estoy seguro de que a más de un fan le ayudará leer las letras de estas canciones en momentos difíciles. Ahora también tocáis un tema bastante

“CUANDO OCURRIÓ LO DE PARÍS EL MUNDO ENTERO SE PARALIZÓ, NOSOTROS TOCAMOS EN ESA SALA DOS AÑOS ANTES DE LOS ATENTADOS... NOS PODRÍA HABER PASADO A NOSOTROS, A NUESTROS FANS. PERSONALMENTE ME AFECTÓ MUCHO, FUE ALGO MUY EMOCIONAL Y NO PUDE DEJAR DE PENSAR EN ELLO DURANTE MUCHO TIEMPO”

VIC FUENTES

sensible como los ataques terroristas de París del año pasado... ¿Cómo fue a parar un tema así en la obra? JAIME “Sí, hablas de ‘Circles’. La canción trata sobre dos amigos que se salvan mutuamente en un concierto en los ataques terroristas de París. Nosotros hemos tocado en esa sala, en la Bataclan, y ver que algo así puede pasar te hiela la sangre. Nuestros fans tienen mucha relación

entre sí, son muy amigos a través de la música y es algo que nos une a todos. Queríamos demostrar esa camaradería que hay entre seguidores de una banda, apoyarse siempre pase lo que pase, ya sea si te lo estás pasando genial en un concierto o en una situación tan peligrosa como ésa”. VIC “Escribí esa canción porque tenía bastante miedo, algo así podría pasarle a nuestro grupo. Cuan-

do ocurrió lo de París el mundo entero se paralizó, nosotros tocamos en esa sala dos años antes de los atentados... Nos podría haber pasado a nosotros, a nuestros fans. Personalmente me afectó mucho, fue algo muy emocional y no pude dejar de pensar en ello durante mucho tiempo. Decidí escribir sobre ello, trata de dos amigos que intentan salvarse el uno al otro durante ese concierto. No lo sabrías si no te dijésemos de 45

“NOS ENCANTA SACARNOS FOTOS CON LOS FANS Y HABLAR CON ELLOS, PORQUE AL FINAL DEL DÍA SON ELLOS LOS QUE NOS PERMITEN VIVIR DE ESTO Y SEGUIR GRABANDO”

JAIME PRECIADO

qué trata la canción, pero va sobre eso”. Otro de los temas del álbum es ‘Floral & Fading’, uno de los más lentos y casi una balada. Es agradable tener una canción así después de tanta rapidez en las demás. ¿Lo veis como un potencial tercer single de Misadventures? ¿Cuánta libertad tiene la banda para decidir sobre ese 46

tipo de cosas? VIC “No sé si será el single, pero espero que sí. Normalmente elegimos qué canción será single en base a los fans, son ellos quienes lo eligen. Como salimos tanto de gira podemos ver la reacción de los fans ante las nuevas canciones y después elegir cuál funcionará mejor como single. Nuestros fans tienen mucha participación en ese asunto, tienen una voz”. JAIME “No podemos predecir ese

tipo de cosas, pero te puedo decir que es una canción muy especial para nosotros simplemente porque es diferente. Como dices, no es una canción demasiado rápida como las demás, no es muy agresiva. Somos de escribir canciones con muchos riffs, y esa canción en particular es muy simple. Quisimos poner esa canción lo antes posible en el tracklist porque es como una versión desnuda de Pierce The Veil y demuestra que podemos hacer cosas diferentes.

Sleeping With Sirens aportando lo suyo en otra. ¿Cuál es la colaboración que aún no ha ocurrido pero que estáis locos por conseguir? JAIME “Oh Dios, me pones en un aprieto (risas). Nos gusta colaborar con gente muy variopinta, de distintos estilos, y el solo hecho de tener la oportunidad de tocar con gente tan talentosa nos alegra mucho. No creo que ocurra, pero personalmente colaborar con cualquiera de los integrantes de Slipknot sería una pasada. No sé si funcionaría con Pierce The Veil, pero sería una pasada”. VIC “Normalmente cuando estoy escribiendo una canción y escucho la voz de otro vocalista en ella, es cuando suceden las colaboraciones. Me pasó con Jeremy, sabía que yo no le haría justicia a esa parte de la canción y él sí, así que lo llamamos”.

Sólo el tiempo dirá si será un single del álbum o no, pero ir sacando más y más discos te hace madurar como compositor y poder llegar a hacer canciones de este estilo. Sin duda es una canción que no es habitual en Pierce The Veil”. En el pasado tuvisteis a Jeremy de A Day To Remember colaborando en una canción, y luego también a Jason de letlive. y Kellin Quinn de

Ahora el tamaño del grupo es impresionante, los fans os persiguen y quieren saberlo todo sobre vosotros. Si miráis atrás en el tiempo, cuando podíais salir tranquilos a la calle o ir a un concierto sin que todo el mundo os pidiera un selfie o un autógrafo, ¿lo echáis de menos? ¿La fama y reconocimiento os han afectado a ese nivel? JAIME “(Risas) De momento no es tan grave, pero es como funciona el mundo hoy día. Tener un grupo y que esté en las redes sociales hace que sea casi imposible que tengas

algo de privacidad, pero ya sabíamos que podía ser así. Tenemos un grupo y las cosas funcionan así, y estamos felices de tener tantos fans. Nos encanta sacarnos fotos con los fans y hablar con ellos, porque al final del día son ellos los que nos permiten vivir de esto y seguir grabando. Para mí no es un problema tomarme un par de minutos para echarme fotos con los fans o hablar con ellos, nunca me han molestado de ninguna manera... aunque no sé, eso podría cambiar en un futuro. Para nosotros nuestros fans son lo mejor del mundo, son personas muy educadas y nos respetan, así que espero que no cambie”. Ya que estamos haciendo este viaje en el tiempo, colocaros de nuevo en el instituto y decidme las bandas que os volvían locos entonces. Lo que escuchabais constantemente por aquellos tiempos. VIC “Tuve dos bandas antes, una con mi hermano Mike donde tocábamos punk rock y otra con mi amigo Curtis, que todavía colabora en la composición de nuestros discos, que era mas orientada al rock’n’roll. Por el lado punk amaba y amo a bandas como Lagwagon, NoFx, Thrice. Por el lado rock seguía bastante a bandas como Stone Temple Pilots, Pearl Jam. Creo que esa combinación de gustos es lo que hace que el sonido de Pierce The Veil sea tan único”. JAIME “Oh Dios, hay tantas bandas... En realidad mis tres bandas favoritas dieron un concierto juntas en mi ciudad, San Diego, cuando estaba en el instituto. Era un concier47

“CUANDO EMPECÉ A SALIR CON MI NOVIA LA GENTE LA ATACABA CONSTANTEMENTE, LE ENVIABAN MENSAJES LLENOS DE ODIO Y LE AFECTÓ COMPLETAMENTE. ME LLAMABA LLORANDO, LEYÉNDOME LO QUE LE HABÍAN ESCRITO NUESTROS FANS, Y FUE POR ESO QUE COMPUSE UNA CANCIÓN PARA ELLA Y TODO LO QUE PASAMOS”

VIC FUENTES

to donde tocaban Thrice, Thursday y Coheed And Cambria. Era un cartel increíble, yo tendría como 16 ó 17 años y fue muy importante para mí verlos porque fueron y son una gran influencia musical. Esto sería en 2001 ó 2002, lo recuerdo con mucho cariño porque fue uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida. Sin duda lo vería de nuevo (risas)”. Internet y las redes sociales están plagadas de trolls y haters, y Pierce The Veil no se salvan de ellos. Hay mucha gente que cuando empezasteis con el grupo lo llamó una moda, y aquí estamos después de tantos años hablando de un nuevo trabajo y giras exitosas... ¿Alguna vez os ha hecho daño algún comentario que hayáis leído en las redes sociales? Ya sabéis, cierto comentario despectivo sobre la formación o algún integrante... JAIME “Yo trato que esos comentarios no me afecten, no quiero perder mi tiempo leyendo cosas así. Prefiero centrarme en la banda y que todo salga correctamente, que los shows salgan bien y sigan siendo emocionantes para los fans. Es normal que cuando vas creciendo en popularidad haya personas que te odien por ello.

De cada diez seguidores que tenemos, hay dos o tres personas que odian el grupo, y por mí está bien. ¿Cuánta gente odia a AFI? A mí es un grupo que me encanta, siempre me ha encantado. Nosotros hacemos y controlamos todos los aspectos relacionados con el grupo, y si a alguien no le gusta, por mí está bien. Al final tienes que aprender a pasar de cosas así, porque es tu arte y es tu música, es algo que durará para siempre”. VIC “Tuvimos a muchos fans preguntándonos por el disco de manera insistente. Cada día nos decían ‘¿Dónde está el jodido álbum?’, pero no puedo culparlos porque en el fondo lo único que quieren son nuevas canciones. Me gusta leer los comentarios de los fans y ser interactivo en ese sentido. Creo que lo más negativo que me ha pasado recientemente fue relacionado con mi novia. Cuando empecé a salir con ella la gente la atacaba constantemente, le enviaban mensajes llenos de odio y le afectó completamente. Me llamaba llorando, leyéndome lo que le habían escrito nuestros fans, y fue por eso que compuse una canción para ella y todo lo que pasamos. Para mí ella es mi mundo, podríamos vivir en otro planeta totalmente alejado de todos esos comentarios, porque es una situación muy jodida y por la cual no había pasado antes jamás en mi vida”.

Para terminar, vuestra historia en España incluye conciertos abriendo para A Day To Remember hace seis años y para Bring Me The Horizon hace tres. Bring Me The Horizon acaban de realizar una gira en España y agotaron entradas... ¿A qué estáis esperando para volver? VIC “De hecho no podemos anunciarlo todavía, pero ya es seguro que volvemos a España. Estamos cerrando los últimos detalles de la gira europea mientras estamos hablando contigo ahora, así que una vez que el disco salga a la venta arrancará la gira de presentación. Volveremos a España, es un sitio genial para tocar. Nos recibieron muy bien, los shows fueron divertidos. También nos encantó salir de noche por ahí y que la gente nos explicase un poco de su cultura”. JAIME “Si dependiese de mí, te juro que me subiría a un avión ahora mismo y volaría a España (risas). La idea es volver lo antes posible. Tenemos muchos planes para este lanzamiento y queremos tocar lo más posible. Nos encanta España y sin duda volveremos mientras haya fans que nos esperen”.

NOTHING

SIN AMOR

DE TODAS LAS BANDAS SURGIDAS A RAÍZ DEL REVIVAL SHOEGAZE DE LOS ÚLTIMOS AÑOS, NOTHING ES LA QUE MÁS PELOTAS TIENE. DESPUÉS DE HABLAR CON SU LÍDER DOMENIC PALERMO, TENEMOS CLARO POR QUÉ. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A VIDA DE DOMENIC PALERMO, cantante y vocalista de Nothing, daría para llenar las páginas de sucesos de un periódico. La carrera de su banda de hardcore punk Horror Show terminó abruptamente cuando en 2002 le condenaron por apuñalamiento (él alegó que había sido en defensa propia) y acabó dos años encerrado en prisión. Al salir de ahí, estaría cinco años más en libertad condicional en un periodo que recuerda como el peor de su vida y durante el cual hacía música sólo para él mismo. No fue hasta 2010 que se decidiría a formar un nuevo grupo. Tras sacar una maqueta por su cuenta, Palermo conoció al guitarrista Brandon Setta, quien ampliaría sus horizontes musicales añadiendo nuevas texturas a lo largo de dos EPs. Su primer álbum Guilty Of Everything aparecería en 2014 y tuvo una gran acogida entre la prensa especializada, pero la mala suerte de Palermo no había terminado todavía... En verano de 2015, durante una parada de la gira en Oakland, California, le pegaron una paliza para robarle y acabó con una fractura craneal y 19 puntos de sutura. Que su segundo disco, grabado el pasado octubre junto al productor Will Yip, se titule Tired Of Tomorrow no sorprende, pero sí lo hace que sea menos denso y más accesible. El refinamiento y la gran belleza de sus diez canciones contrastan con un par de golpes más que a Palermo le quedaban por recibir. El primero fue el escándalo asociado a Collect Records, el sello con el que habían fichado para lanzar el nuevo álbum. Como recordaréis, Collect es la discográfica que dirigía Geoff Rickly de Thursday/No Divi-

sión y que a finales del año pasado se destapó que estaba financiada por Martin Shkrelli, el considerado como el hombre más malvado del mundo después de que decidiera multiplicar por 100 el precio de unas pastillas para el tratamiento del sida que comercializaba su farmacéutica. Cuando Palermo se enteró, al igual que otras bandas, decidió dejar el sello y volver a Relapse Records, quienes habían publicado su debut. Para colmo, mientras se producía todo este embrollo, su padre fallecía en un accidente. Con todo este historial, esperaba encontrarme a un hombre taciturno o amargo, pero todo lo contrario. Aunque por el teléfono podía escuchar cómo iba andando de un lado a otro de su apartamento, abriendo grifos y cerrando puertas, parecía de buen humor. Al saber desde dónde le llamaba se me declaró fan del Barça y de Messi desde que durantes unas vacaciones en Barcelona había asistido a un partido en el Camp Nou (insistió en que lo lleve a otro cuando vengan a tocar en otoño), y de ahí pasamos a hablar de la foto aérea que ilustra la portada del álbum en la que se ve el título pintado de color rosa en el tejado de un edificio. Me encanta la portada del disco. ¿Cómo tomasteis esa foto? DOMENIC PALERMO “La hicimos nosotros mismos en Brooklyn... de manera ilegal (risas)”. Cuenta, cuenta... “Tuvimos la idea unos días antes. Estaba tomando mucho Aterol en el apartamento de mi novia y llevaba despierto varios días pensando ideas

para el álbum, me estaba volviendo loco aquí encerrado, un poco como ahora mismo... No paraba de andar, hablar, tocar la guitarra... Totalmente maníaco. El caso es que se me ocurrió esta idea y a todos los del grupo les pareció guay. Empecé a mirar en el GPS tejados del barrio hasta que encontré éste, que era perfecto. Al cabo de dos días llamé a los demás a las cinco de la mañana y nos fuimos a Home Depot a comprar 60 litros de pintura rosa y unos rodillos. Estuvimos doce horas pintando. Contraté a un fotógrafo con un dron para que tomara la foto y mientras lo estaba haciendo, apareció el dueño del edificio, que quería matarnos, y tuvimos que salir corriendo”. ¿Sabes si la pintura todavía sigue ahí? “Sí, sí. Espero que se pueda ver desde Google Earth. No sé cada cuánto lo actualizan, pero me encantaría que acabase ahí. Hace días que no lo he mirado. Sé que hay una línea de avión que pasa por encima, pero no sé cuál es. Me encantaría subirme y verlo desde ahí”. Por lo que me cuentas, pareces una persona hiperactiva. ¿Es tu novia igual o es lo contrario y te equilibra? “El Aterol era todo suyo (risas). Está igual de loca que yo. Llevamos juntos seis años. Seis años conmigo es como toda una vida, cuentan como años de perro (risas)”. Por suerte suya, estás mucho en la carretera... “Por eso seguimos juntos (risas)”. La primera sensación que 51

tuve al escuchar Tired Of Tomorrow es que está más orientado a las canciones que al sonido. ¿Estás de acuerdo? “Sí, desde luego. Enfocamos este disco de la manera en que lo hacemos normalmente. Tuvimos más medios y tiempo. Antes solíamos encerrarnos en un local cinco días antes de entrar en el estudio, tomar un montón de Aterol y no salir de ahí hasta que teníamos las canciones. Esta vez pudimos respirar un poco más”. ¿Pero fue igualmente un trabajo en equipo o tomaste tú más las riendas? “Ya llevamos un tiempo que la composición es cosa de Brandon y mía, aunque yo suelo tomar ventaja. Un 60/40 a mi favor. Es la manera de asegurarme de que sigue siendo mi proyecto (risas). Pero incluso si yo escribo una canción entera, o lo hace él, metemos mano en lo que hace el otro”. ¿Crees que quizá en Guilty Of Everything te escondías un poco detrás de la distorsión y en éste te has expuesto más? “No sé si usaría la palabra ‘esconder’ para referirme al disco, pero desde luego sí para el directo. Queríamos que ese álbum sonase así, pero desde la primera maqueta, los EPs, hasta ahora, la banda siempre ha ido progresando. Nos inspira mucho lo que escuchamos. En ese momento escuchábamos muchas bandas de principios de los 90, teníamos esa visión, pero esta vez teníamos otra. También el trabajar con Will Yip fue porque queríamos hacer una versión mejorada de Guilty Of Everything, una versión más accesible. Había un plan”. 52

Te iba a preguntar por Will porque me encantan muchos de los discos que ha producido para The Wonder Years o Title Fight, pero son de grupos que no asociaría necesariamente con vosotros. “La verdad es que no escucho las bandas que produce, pero se nota la calidad y claridad de sonido. La historia es que ya habíamos trabajado con él antes y sabe que Brandon y yo sabemos lo que hacemos cuando estamos en el estudio. Conocemos cómo queremos que suenen las cosas. Brandon tiene un oído increíble... Will es de los que deja probar cosas. No es que me oponga a que otros me aconsejen, pero esta vez queríamos a alguien que nos escuchara e hiciera lo que nosotros queríamos (risas). Brandon y yo podemos ser un poco caóticos y él nos aportó algo de claridad. Tenemos una buena relación”. ¿Fue una grabación más ordenada y menos visceral? “Sí, sin duda. El disco anterior fue en plan grabar dos días, una semana fuera del estudio, otro día suelto grabando, luego nos fuimos un mes, y luego una semana seguida grabando... Fue una mierda súper desorganizada. Al final no sabías ni qué canciones estaban terminadas. Un caos. Esta vez todo fue mucho más estructurado. El plan de Will es hacer una canción por día. Grabas la batería, luego bajo y guitarras, y luego la voz. De esa manera, acabas el día y tienes algo que escuchar y con lo que emocionarte. Y ya puedes pasar al siguiente tema”.

do por algunas experiencias bastante desagradables... ¿Te sientes gafado? “Solía sentirme así. Cuando eres joven piensas que el mundo está contra ti... Pero el mundo está contra todo el mundo. La vida está hecha de estas experiencias. Es así y siempre ha sido así. La cuestión es si estás dispuesto a plantarle cara o no. La gente escoge distintas maneras para superarlo. Puedes luchar, puedes drogarte, puedes simplemente ponerle fin...”.

En los últimos años has pasa-

¿Encuentras un mayor con-

“MI NOVIA ESTÁ IGUAL DE LOCA QUE YO. LLEVAMOS JUNTOS SEIS AÑOS. SEIS AÑOS CONMIGO ES COMO TODA UNA VIDA, CUENTAN COMO AÑOS DE PERRO (RISAS)” DOMENIC PALERMO

suelo haciendo música ahora que antes? “Mmm... No estoy seguro. Empecé este proyecto en mi habitación cuando estaba pasando por el peor momento de mi vida. No era algo que planeara sacar a la superficie. Sólo estaba haciendo canciones en un portátil de mierda. Estaba desesperado por sacarme esa mierda de la cabeza. La verdad es que la cosa no ha cambiado mucho... Estas canciones tienen mucho de nosotros, por tópico que suene. Las canciones se escriben solas, y ése es otro tópico,

pero es así. A veces me pregunto dónde estaría si no tuviese la música para sacar todo eso”. De todos modos, ser músico hoy en día no es una opción de vida muy cómoda. “La vida del músico es difícil. Después de Guilty O Everything estuvimos año y medio de gira. Tienes que lidiar con cosas que la gente no entiende. Llegas a casa después de seis semanas en la carretera y no sientes que sea tu casa, la cama no parece tu cama... Y luego vuelves a

irte y tampoco encajas... Es como si estuvieras flotando por ahí. Pero supongo que lo mismo le puede pasar a alguien que está sentado en una oficina todo el día. Yo me pegaría un tiro si tuviera que estar ahí. No podría soportar eso. Pero puedo soportar mi vida”. ¿Sientes que todo esto hace que estés preparado para cualquier cosa? “No (risas). Ojalá pudiera decir que sí. Puede parecer lo contrario, pero me siento constantemente torturado. 53

MENUDO, PERO INTENTO TIRAR ADELANTE COMO PUEDO. A VECES DE MANERA

NOTHING

“LA VIDA ME PUEDE A

AUTODESTRUCTIVA, SOY CONSCIENTE DE ELLO, PERO ASÍ ES COMO FUNCIONA PARA MÍ HASTA QUE ESO SE CONVIERTA EN MI PRÓXIMO PROBLEMA”

DOMENIC PALERMO

La vida me puede a menudo, pero intento tirar adelante como puedo. A veces de manera autodestructiva, soy consciente de ello, pero así es como funciona para mí hasta que eso se convierta en mi próximo problema”. Te quería preguntar por toda la situación con Collect Records. Entiendo totalmente vuestra decisión, pero... ¿No te supo mal por Geoff Rickly? “Geoff es un tío genial. Fue él quien nos fichó y me sentí fatal haciendo eso. Si dejamos Relapse en un primer momento para irnos a Collect fue porque cuando me reuní con Geoff, vi en sus ojos lo mucho que le importaba el sello y Nothing como banda. Fue horrible para él cómo sucedió todo. Él no tenía ni idea de lo que pasaba”. ¿Tuviste alguna vez contacto con Martin Shkrelli? “No. Hizo un par de comentarios en Twitter sobre cómo nos había dado dinero y la habíamos cagado. Intentó restregarnos eso por la cara, pero ése es su juego. Le gusta provocar a la 54

gente y yo soy lo opuesto. Le ignoré. Al final le dije que cada día tenía la oportunidad de convertirse en una mejor persona y que tenía los recursos para hacer que el mundo fuera mejor. Si un día lo hace, no tendré ningún problema con él. Y él me dijo en plan ‘OK, tío’. Eso fue todo”. ¿Al menos le sacasteis el dinero para grabar este disco? “Sí, lo pagó todo y no tenemos que devolverle nada. Primero no quería dejarnos ir, pero su imperio empezó a desmoronarse y nosotros logramos salir por la puerta de atrás sin que se enterara. Eso está bien”. ¿Y cómo os recibieron Relapse cuando volvisteis a ellos? “Ellos estaban muy tristes cuando nos fuimos. Y nosotros también, pero es que la oferta que recibimos era muy buena. Pensamos ‘¿Qué es lo peor que puede pasar?’...”. Y entonces pasó... “(Risas) Sí. ¿Pero quién podía imaginar algo así? La verdad es que poder volver a Relapse fue una bendición. Tuvimos ofertas de sellos más grandes, pero yo les dije al grupo que estaba harto de tomar riesgos. Relapse son una gran gente y tienen

un catálogo de mucha calidad. No tuve que pensarlo”. Os encanta tocar a todo volumen. ¿Se van a transformar mucho los temas nuevos en directo? “Nos gusta mantener las cosas frescas y ponernos desafíos. En la gira anterior era ver cuánto podíamos beber antes de tocar (risas). Tenemos planes para hacer algo sorprendente esta vez, pero al final es una actuación y tienes que entretener a la gente. Creo que nadie puede decir que nos ha visto y se ha aburrido (risas)”. Ahora os vais de gira con Wrong. Sonáis distintos, pero creo que encajáis muy bien. “Sí. Son geniales. Ya hemos girado juntos antes. Su nuevo disco me encanta. Es difícil tocar después de ellos, son una apisonadora. Viniendo del mundo del punk, aunque Nothing también sonemos duros, en comparación somos muy suaves. Cuando les escucho me apetece volver a tocar lo más duro que pueda puesto hasta las cejas (risas)”.

BLACK MOUNTAIN HABIENDO PASADO SEIS AÑOS DESDE QUE PUBLICARAN SU ANTERIOR WILDERNESS HEART, ALGUNOS YA PENSÁBAMOS QUE A BLACK MOUNTAIN SE LOS HABÍA TRAGADO LA TIERRA. POR SUERTE, EL COMBO DE ROCK PSICODÉLICO ESTÁ DE VUELTA CON SU CUARTO TRABAJO BAJO EL BRAZO DISPUESTO A HIPNOTIZARNOS UNA VEZ MÁS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

TIEMPOS MODERNOS

S UN HECHO que la irrupción de internet hace ya tiempo que cambió, no sólo las reglas de la industria discográfica, sino también la manera en la que desde entonces consumimos la música. La disponibilidad de poder acceder a cualquier tipo de artista, grande o pequeño, hace que la oferta sea tan basta como imposible de abarcar. A eso hay que añadirle los pormenores de la vida diaria de cada cual, convirtiendo la atención y el tiempo que podamos dedicarle a un álbum en una tarea secundaria en ocasiones, sin detenernos a apreciarla como realmente se merece, cuando antes de acabarla incluso ya estamos pensando en lo siguiente que nos llevaremos

a los oídos, y así sucesivamente. Es por eso mismo que resulta digno de celebrar que aún queden bandas como Black Mountian, cuyos trabajos exigen la atención del que se presta a escucharlos como una obra completa y no como un producto de usar y tirar en cuestión de un par de clicks de ratón. Los canadienses llevaban desaparecidos de la actualidad desde hace demasiado tiempo. Concretamente, desde que en 2010 editaran Wilderness Heart, el cual completaba una más que interesante trilogía junto a su debut homónimo y el excelso In The Future, configurando una de las discografías más inteligentes del rock en los últimos diez años. Sería sencillo señalarles como los herederos

naturales de Pink Floyd en nuestra época, pero a poco que uno arañe la superficie de su repertorio descubrirá que en él se esconden sonoridades de todo tipo. Desde las ambientaciones psicodélicas hasta los riffs gruesos a lo Black Sabbath, pasando por el toque indie elegante de The Velvet Underground, todo ello se combina de manera acertada en IV (Jagjaguwar), su regreso tras seis años de retiro voluntario. Un alto en el camino que se produjo sin grandes titulares, ni revuelos, de manera

sobria, al igual que su vuelta de la cual hemos podido disfrutar hace bien poco por nuestro país. A principios de marzo tuvimos la oportunidad de charlar con el teclista Jeremy Schmidt, justo un par de semanas antes de que desembarcase aquí junto a sus compañeros Stephen McBean (voz, guitarra), Amber Webber (voz), Joshua Wells (batería) y el nuevo bajista Colin Cowan. A pesar de estar recién levantado de la cama, parece que le pillamos de buena mañana.

¿Dónde te encuentras ahora mismo? JEREMY SCHMIDT “Estoy en mi casa en Vancouver. Deben de ser las once de la mañana ahora mismo”. Vaya, lo siento si te he despertado... “No hay problema (risas)”. OK. Han pasado seis años desde que salió Wilderness Heart y en todo este tiempo apenas hemos tenido noticias

“PARECE QUE LA GENTE NO ES sobre vosotros. ¿Dónde os habíais metido? “Bueno, no es que estuviésemos escondidos, pero sí que necesitábamos darnos algo de espacio. Hemos estado trabajando en los otros proyectos que tenemos, como Lightning Dust, Pink Mountaintops, Sinoaia Caves... Hicimos todos esos discos entre medias y algún par de cosas más. Así que nos tomamos un pequeño descanso de nuestra constante agenda de conciertos para hacer otras cosas. También ahora ya no vivimos todos en la misma ciudad, así que eso hace que sea más difícil reunirnos y trabajar juntos. Nos llevó algo más de tiempo”. Vuestra publicación más reciente hasta ahora había sido la banda sonora para la película Year Zero. A pesar de que pueda ser considerada como una obra menor, me gustaría saber cómo os surgió la idea o la posibilidad de trabajar en este proyecto. “Simplemente nos pidieron hacerlo. Querían usar algunas canciones que ya teníamos y nos preguntaron si podríamos darles algún material adicional. No estuvimos trabajando todos en ello, porque no todo el mundo estaba disponible ni teníamos el tiempo necesario. La verdad es que fue un proyecto algo flojo porque en realidad hicimos lo que nos dio la gana (risas), lo cual está bien”. Desde que os reactivasteis el año pasado, da la sensación de que todo el proceso de creación y grabación del

nuevo álbum ha ido muy rápido. ¿Fue realmente así u os llevó algo más de tiempo volver a reconectar a nivel creativo entre todos? “Lo cierto es que empezamos a trabajar de nuevo hace más de un año. No nos llevó mucho tiempo. Fue fácil en el sentido de que solemos tener una química natural entre nosotros. Todo surge de una manera muy orgánica cuando nos juntamos en una habitación. Ésa es la parte fácil. Pero hubo algunas canciones que nos costó un poco más. Hicimos algunas jams y no sabíamos muy bien hacía dónde estábamos yendo o si debíamos seguir progresando. También comenzamos a trabajar con un amigo nuestro, Colin Cowan, que se ha encargado de tocar el bajo en el disco y tuvimos que averiguar dónde debía encajar dentro de la mezcla. Una vez las cosas se empezaron a galvanizar un poco, comenzaron a moverse algo más rápido (risas)”. IV es muchísimo más exigente para el oyente que Wilderness Heart, que era un trabajo que estaba más orientado hacia vuestra parte más rock. ¿Buscabais volver a vuestro sonido más complejo en esta ocasión? “Nunca hemos pensado demasiado sobre si la gente le presta mucha atención o no a nuestra música. Si prefieren escuchar una canción de tres minutos o una de diez, no es algo que nos preocupe. Cada cosa tiene su importancia, siempre hemos estado interesados en las dos vertientes. Supongo que en este álbum nos

CAPAZ DE ESCUCHAR NADA QUE NO DURE MENOS DE TRES MINUTOS. SIN EMBARGO, LA MAYORÍA DE LAS PELÍCULAS SIGUEN DURANDO DOS HORAS, INCLUSO TRES” JEREMY SCHMIDT hemos ido hacia una dirección más parecida a la de los dos primeros álbumes que a la del último. Pero en realidad acabó surgiendo así, tampoco fue algo consciente. Esta vez queríamos que las canciones respirasen y dejar que ellas mismas determinasen su propio destino o lo que fuese (risas). Puede que en este trabajo las canciones tengan más movimientos oblicuos determinados por su propia lógica, por decirlo de alguna manera”. De todas maneras, escuchando el disco tengo la sensación de que no termina de haber un hilo conductor claro entre todos los temas. Es como si cada canción hubiese sido escrita por un grupo distinto, lo cual es algo que siempre se ha dado a lo largo de todos vuestros trabajos. Es una buena muestra de lo amplia que es vuestra música. “Sí, se podría decir que la música se mueve por diferentes caminos según el curso del disco. Pero al mismo tiempo, creo que todo acaba unido de una manera concisa. Para mí todo suena a Black Mountain de una forma u otra, sea como sea. Normalmente, cuando decidimos dar por acabada

una canción, es porque nos sentimos contentos con la forma en la que suena, y eso es porque suena a nosotros”. El año pasado hicisteis una gira conmemorativa del décimo aniversario de vuestro debut, en la que también sonaron canciones de In The Future pero ninguna o muy pocas de Wilderness Heart. ¿Por qué ese veto? ¿Tenéis algún mal recuerdo de aquel disco por algún motivo? “Sí, es cierto que no tocamos canciones de Wilderness Heart... (Se tira un tiempo pensando -ndr.) No lo sé, no sabría decirte, pero no creo que lo hiciéramos a propósito (risas). Simplemente ocurrió así. Creo

que tocaremos un par de canciones de ese disco en la próxima gira, pero no tengo ni idea de por qué pasó eso (risas). Tal vez quisimos distanciarnos un poco de aquellas canciones, no lo sé”. Echando la vista atrás, llama la atención que, haciendo el tipo de música que hacéis, llegaseis a tener en su momento un éxito, digamos, relativo. ¿Piensas que en estos últimos diez o 15 años el público general está más receptivo a escuchar bandas con un sonido más arriesgado? “Bueno, es difícil de decir. Antes, en los 70, estaba el AOR, que eran álbumes de rock más orientados a sonar en la radio, para que se

pinchasen enteros. No creo que eso se haga hoy en día... Pero sí pienso en que siempre ha habido un tipo de público que está interesado en material de más largo recorrido. Supongo que también la atención de algunas personas ahora se ha visto reducida debido a los avances de la tecnología en las redes sociales. Parece que la gente no es capaz de escuchar nada que no dure menos de tres minutos (risas). Sin embargo, la mayoría de las películas siguen durando dos horas, incluso tres. También creo que depende de cuánto quieras involucrarte en algo y realmente sentir que estás dentro de ello. Olvidarte de tu rutina diaria. Creo que sólo obviamos eso cuando estamos durmiendo o soñando, lo cual implica muchas horas que te impiden el dedicarle tiempo a otros

asuntos. Aunque supongo que tiene sentido debido a nuestra propia naturaleza (risas)”. Como bien dices, parece que la gente no se toma el tiempo suficiente para disfrutar de un disco o de un libro. Me resultaría inconcebible que por ejemplo un grupo tan exitoso como lo fue en su momento Pink Floyd pudiese tener la misma aceptación hoy en día. “Resulta irónico, ya que por ejemplo The Dark Side Of The Moon es literalmente un álbum que trata sobre la presión de la vida moderna y la cultura de lo inmediato. Muchos de esos discos, como los de Alan Parsons o Genesis, trataban sobre estos asuntos y de alguna manera eran bastante avanzados a su tiempo, prediciendo de algún modo los avances tecnológicos. La tecnología está avanzando constantemente, pero nunca se mueve en una sola dirección, por lo cual sigue siendo interesante y siempre hay maneras distintas sobre cómo tratarla. Pero creo que para nosotros, a medida que nos hacemos más viejos, el tiempo pasa mucho más rápido, pero otras cosas van más despacio. Nosotros todavía nos tomamos tiempo para detenernos, pensar y hablar sobre las cosas en las que siempre hemos estado interesados”. A pesar de que siempre os habéis mostrado como gente completamente normal y corriente, yo al menos tengo la sensación de que desprendéis cierta aura misteriosa o de ser una formación algo hermética.

“TODAVÍA NOS TOMAMOS TIEMPO PARA DETENERNOS, PENSAR Y HABLAR SOBRE LAS COSAS EN LAS QUE SIEMPRE HEMOS ESTADO INTERESADOS” JEREMY SCHMIDT

No sois muy dados a dar muchas noticias y en directo soléis ser algo distantes con el público, o al menos ésa ha sido mi impresión cuando os he podido ver. ¿Es algo premeditado? “Supongo que es como somos. Nunca hemos pensado en nosotros mismos como un entretenimiento en el sentido tradicional de lo que es una actuación. Nunca he sentido la necesidad de expresar o añadir algún elemento teatral a lo que hacemos. Supongo que también es que necesitamos estar concentrados en la música mientras tocamos (risas). La energía que sentimos entre nosotros cuando estamos tocando se expresa por sí sola. No creo que necesitemos exagerarla de algún modo con otros gestos. Nos gusta tener algunas proyecciones visuales durante los shows, cosas muy sencillas, para crear un ambiente, pero creo que ir a ver a un grupo tocar su música ya es algo interesante de por sí. Yo crecí escuchando cosas como My Bloody Valentine y verles únicamente a ellos sobre el escenario sin nada más ya me parecía increíble. No todos los grupos tienen por qué ser como Kiss (risas). Que también son geniales, pero para mí ambas cosas son válidas”.

cierto, precisamente el año pasado os vi tocando en el Azkena, donde disteis una de las mejores actuaciones de todo el festival. Sin embargo, os obligaron a cortar la última canción a la mitad porque os quedasteis sin tiempo ¿Qué fue realmente lo que pasó? “Me acuerdo muy bien porque ése fue el festival que hicimos en lo que parecía una zona de aparcamiento. En lugar de césped, era todo cemento (risas). Fue un muy buen concierto, sí. Recuerdo que estábamos escuchando a Television tocando Marquee Moon al otro lado del recinto. Creo que tuvimos que recoger porque ZZ Top ya estaban listos para salir. Y no quieres hacer esperar a esos tíos (risas). Supongo que nos quedamos sin tiempo. Este tipo de festivales tienen un horario muy estricto para que todo vaya a tiempo, porque hay muchas cosas sucediendo, y así evitar un efecto dominó. Así que era la hora de que ZZ Top tocasen y de que nosotros nos echásemos a un lado (risas), pero sí que recuerdo que el concierto estuvo muy bien y que la respuesta del público fue genial. ¡Lo mejor que podemos decir es que nos pedían que tocásemos más! (Risas)”.

Es un buen ejemplo. Por

ADRENALIZED

HACEN LAS LAS HACEN AMÉRICAS AMÉRICAS

A FINALES DE FEBRERO, LOS DONOSTIARRAS ADRENALIZED CUMPLÍAN UNO DE LOS SUEÑOS DE CUALQUIER GRUPO: GIRAR JUNTO A UNA DE SUS BANDAS FAVORITAS Y ENCIMA HACERLO EN OTRO CONTINENTE. HABLAMOS CON ELLOS SOBRE SU AVENTURA SUDAMERICANA CON LAGWAGON EN EL WE ARE ONE TOUR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ADRENALIZED 106

L PASADO 24 DE FEBRERO, los cuatro componentes de Adrenalized, Josu (voz, bajo), Tejas (voz, guitarra), Lolo (guitarra) e Iri (batería), cogían un avión en Bilbao para cruzar el Atlántico destino a Goiania, Brasil. Al día siguiente arrancaba una gira bautizada como We Are One Tour que, además de en el país carioca, recalaría también en Argentina, Chile, Perú y Colombia en un total de ocho fechas, y que tendría como reclamo principal a Lagwagon, además de los canadienses Belvedere y Mute. Como era de esperar, este paquete levantó una gran expectación entre los aficionados al hardcore melódico de esos países y para Adrenalized era una excelente oportunidad para presentarse ante un nuevo público. Tres semanas después de que regresaran, Iri nos contó sus impresiones sobre todo lo vivido y qué les depara el futuro inmediato ahora que su último álbum Tales From The Last Generation está a punto de cumplir tres años.

¿Ya te has recuperado del jet lag? IRI “Pues la verdad es que me ha costado más que otras veces, sobre todo porque al volver me puse enfermo. Otras veces ya me había pasado. Yo creo que entre el cambio

de tiempo, porque ahí era verano y estábamos a 30 grados, y dos semanas sin apenas parar y casi sin dormir, súper cansado, y de golpe aterrizas, frenas y el cuerpo te dice ‘hasta aquí’. Estuve como cuatro días con fiebre, pero ahora ya de puta madre”. ¿Podrías explicar cómo os salió esta gira? ¿Quién os contactó? “Todo vino de una promotora que se llama Solid Music, que es lo que podría ser aquí HFMN. Esta agencia que trabaja con Destiny Tourbooking, entre otras, es la que está cogiendo todos los grupos de este palo y llevándolos a Sudamérica. Además de Lagwagon, ha montado a Satanic Surfers, Ignite... y muchos grupos de ese estilo. Pero aparte de llevar grupos ‘grandes’, tienen una política que me parece de puta madre, que es llevar a Sudamérica grupos más pequeños como podamos ser nosotros. Así la gente de ahí se queda con la idea de que no sólo monta bolos de grupos grandes para ganar pasta, rellenándolos con grupos locales, sino que trae a otras bandas más pequeñas, que le suponen un gasto, pero que le dan un valor añadido al concierto y hace que la gente hable bien de Solid al ver que se preocupa también por la música y el público. Por

ejemplo, con Satanic Surfers fueron unos colegas nuestros alemanes que se llaman Straightline, y los ingleses Dead Neck acompañaron a Ignite. De repente un día me escribió Gus, que es el responsable de la promotora, y me dice que estaba montando la gira de Lagwagon, Mute y Belvedere y que teníamos dos días para decirle si queríamos ir. Y nosotros flipamos, claro. Dio la casualidad que de grupos le molaba Adrena y por eso nos escribió. Era una oportunidad que no podíamos dejar pasar”. Supongo que el corazón te dice sí, ¿pero y la cabeza? “No es fácil tomar la decisión porque hay que organizarlo todo. A mí me escribió Gus por la noche y hasta la mañana siguiente no les dije nada al resto. Estaba en la cama sin poder dormir, dándole vueltas. Tuvimos suerte porque por los tipos de trabajo que tenemos, en ese momentos nos fue posible confirmar... Igual en otras fechas no hubiera sido posible, pero se alienaron los astros y pudimos decir que sí. Fueron dos días de muchísima locura porque teníamos muchísimas preguntas. Tampoco te puedes ir a lo loco porque intervienen muchísimos factores, había que coger más de diez vuelos en 17 días... Pero estuvimos con Skype a muerte, nos contestaron a todo y tiramos para adelante”.

¿Habías visto el DVD Backstage Passport de NoFx sobre su desastrosa gira sudamericana? ¿Os habéis encontrado algo parecido? “Antes de ir no estaba acojonado porque sabes que quien organiza es gente profesional, pero había visto lo de NoFx y pensaba ‘vaya locura como nos pase eso’. Nunca sabes lo que puede pasar en un tour y menos en esos países. Pero sinceramente, al final no sé si porque el DVD está guionizado o porque NoFx son muchísimo más grandes que Lagwagon en cuanto a público, pero no hemos vivido cosas raras. La realidad por eso es que el fenómeno fan allí es una locura y también es verdad que en cada país te aconsejan lo que puedes hacer y lo que no, cada uno es un mundo, pero no hemos vivido nada tan bestia. Pero lo de los fans es una locura. Por ejemplo en Bogotá, que la entrada valía 40 pavos al cambio, había gente que te decía que llevaba todo el año ahorrando para ir. Y aparecía sin camiseta, sólo con chancletas y la entrada. Te decían ‘yo vengo a darlo todo, a morir’. Pero no nos hemos encontrado pirateos ni hemos tenido que escapar de la sala. Aunque sí vimos merch pirata de Adrena (risas)”. ¿Qué tipo de salas eran? “Ha habido un poco de todo. En Sao Paulo o Buenos Aires eran salas de más de mil personas con equipazos, pero otras como las Bogotá o Rio de Janeiro, eran salas muy pequeñas de 500 personas, pero que metían alrededor de 800, con las paredes sudando y a 50 grados”. ¿Qué trato tuvisteis con las otras bandas? “La verdad es que todo el rato decíamos la suerte que teníamos. Ha sido todo facilísimo. Todos los grupos eran mega majos y ha sido como estar en familia. Al final, cuando nos despedíamos, parecía Gran Hermano, llorando y diciéndonos que nos queríamos. Parece una tontería, pero cuando estás 24 horas al día, desayunando, comiendo y cenando, vuelos, buses, conciertos, se crea un vínculo súper fuerte. Sobre todo con Belvedere y Mute. Con Lagwagon no tanto porque aunque hemos coincidido mucho en los viajes, los hoteles y los conciertos, ellos llevan otro ritmo. Si por ejemplo había un día libre, nos íbamos los tres grupos a visitar cosas y ellos se quedaban en el hotel. O si teníamos que estar en la sala a las cinco, ellos llegaban media hora 108

antes de tocar y luego se piraban al hotel. Hemos tenido relación, pero no tanto como con los otros. Al principio te da pena, pero es normal porque después de tantos años para ellos es un curro, no una aventura. De todas formas, son súper majos y no hay ninguna queja. Ha sido una suerte porque te llega a tocar un grupo conflictivo y te lo puede fastidiar todo. Tenemos un grupo de Facebook y Whatsapp y parecemos unos moñas, no paramos de mandarnos fotitos y decirnos que nos echamos de menos (risas)”. Y a nivel de público, ¿qué respuesta tuvisteis? “En muchos conciertos hemos aluciando porque ves a la gente cantando los temas en primera fila y piensas ‘¿Pero qué locura es ésta?’. Obviamente no éramos tan conocidos como los otros, pero la peña lo da todo y además había mucha gente, así que perfecto. En algunos conciertos donde no había banda local y nos tocaba abrir en una sala gigante, quizá era más frío. Claro, no es lo mismo 400 personas en una sala grande que en una pequeña, pero en general ha estado muy bien”. ¿Cuál dirías que es la mayor lección que habéis aprendido? “Me gusta pensar que poco a poco y

calladitos, si la atención que llamas es sobre el escenario o cuando alguien se pone tu disco, se van consiguiendo cosas. Simplemente yendo a los sitios con una sonrisa es como se avanza. Y no parar porque una cosa te lleva a otra. Unas más grandes y otras más pequeñas, porque nadie se hace rico con esto, pero a nivel personal vas consiguiendo cosas”. ¿Qué es lo que más te ha llamado la atención, ya fuera de la música? “Bueno, no es lo mismo ir a tocar que ir de vacaciones, pero quizá lo que más Brasil. Es un país muy cañero. Está unida la máxima riqueza con la máxima pobreza. Teníamos la suerte de estar en los mismos hoteles que Lagwagon, pero bajabas a la calle y había mil vagabundos tirados en las aceras. El contraste era increíble. Encima de la sala donde tocábamos, en la zona de Lapa, veías como comenzaba una de las favelas más grandes. Todo me ha gustado mucho, pero Brasil es muy impactante”. Cambiando de tema para terminar, cuéntame eso de la edición en diskete de Tales From The Last Generation... “(Risas) La historia es que no creemos en el formato físico del CD para vender. Yo creo que la gente tiene

tu música en mp3, en el móvil o el ordenador. Luego hay gente que valora tu grupo y busca un formato físico, y lo que quiere es un vinilo. Quisimos darle una vuelta absurda a eso de ahora que todo el mundo saca en vinilo o cassette, y aprovechamos que había un loco argentino que había pasado todas las canciones a música de 8 bits, estilo Gameboy. ¡Y nos flipó! Así que decidimos sacar eso en diskete. Hemos hecho 50 copias en color y han volado. No era una edición real, era más bien una cosa personal, una tontería entre absurda y artística”. Y de cara a lo que queda de año, ¿qué podemos esperar? “La verdad es que la gira sudamericana nos ha trastocado un poco los planes. Nosotros queríamos girar por Europa, pero creo que vamos a centrarnos en un nuevo disco. Tenemos cinco temas y de aquí a finales de año nos centraremos en eso. Pero en septiembre nos iremos diez días de tour muy lejos, aún no lo podemos decir. También tocaremos en algunos festis por aquí, pero lo principal será centrarse en el nuevo disco a tope”.

KASPAROV VS DEEP BLUE

EL CAMINO MÁS LARGO

LOS DESCUBRIMOS Y ENTREVISTAMOS CON SU PRIMER EP HOMÓNIMO. EN ESTA OCASIÓN, KASPAROV VS DEEP BLUE DAN EL SALTO MORTAL Y SE LANZAN HACIA EL LARGO, UN ÁLBUM TITULADO FLARE DONDE NO SÓLO DESARROLLAN LO MOSTRADO ANTERIORMENTE, SINO QUE EVOLUCIONAN EN SU PROPUESTA. TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DAVID PALACÍN

ACE RELATIVAMENTE POCO, ante la excitación que está causando en las redes la reunión ficticia de la formación original de Guns N’ Roses, y constatar la infantilización del público rockero, escribí en Facebook sobre el mal que la nostalgia está haciendo al género. Porque no necesitamos más dinosaurios que no tienen nada que decir, más que intentar sacar adelante en directo un legado en estudio inmaculado, y desmejorarlo por un buen fajo de dólares. Es ahora, más que nunca, que necesitamos nuevas alternativas, grupos que ofrezcan e intenten, sino al menos inventar la rueda, algo nuevo. Como en su día lo hicieron The Mars Volta, o como en este país están en la brecha Capsula. Los burgaleses Kasparov Vs Deep Blue bien podrían entrar en esa categoría, en cuanto a grupo que prefiere no dormirse en los laureles, e investigan y hacen letras que instigan al oyente atento a adentrarse en otros mundos, a hacerlo partícipe de sus reflexiones. Si en su primer EP el grupo quedaba demasiado estancado en un grupo de patrones post rock mezclado con Pearl Jam, su debut en largo demuestra una mejoría y evolución notorias respecto a lo anteriormente grabado. Un disco que se debe escuchar como una experiencia casi extrasensorial, dejándote llevar por una banda sonora que nos hace retrotraernos a los tiempos de Eno y sus famosas canciones para aeropuerto, y a la vez, plantearnos el futuro. Quizá nunca lleguen a las ligas mayores, quién sabe, el futuro está sin escribir, que diría Joe Strummer. Lo importante es que han ofrecido un álbum honesto y que al menos no cae en recrear al milímetro algo ya prefijado. Sólo por eso, merecen estas líneas y esta entrevista.

¿Qué diferencias habéis encontrado entre grabar ya por fin un largo, y el debut con un EP? SAMUEL PEÑAS “Quizás el conseguir mantener ese concepto de disco en un número más elevado de canciones, teniendo en cuenta que algunas tenían ya un tiempo y otras las acabamos justo antes de entrar a grabar o incluso en el estudio. Pero teníamos muchas ganas ya, nosotros somos de la vieja escuela y nos gustan los discos como tal, aunque ahora parezca que es algo casi a extinguir”. Seguís cuidando bastante la estética del grupo. ¿Cómo definirías ese aspecto de la banda? ¿Una forma de distinguirse de otros grupos, o siguiendo la corriente de grupos con una faceta más artística tipo Roxy Music o Bauhaus? SAMUEL “No pensamos ni en distinguirnos ni en seguir corrientes, ésa es la verdad. Todos los aspectos son importantes, lo fundamental es la música, pero el diseño de la portada, por ejemplo, es algo que define también el producto final. Existe una gran asociación mental entre un álbum y su porta-

da. Luego trasladamos esos conceptos al directo. Las fotos promocionales de Flare nos las ha hecho David Palacín, que es un fotógrafo que nos gusta mucho”. Sacasteis un clip con ‘Big Eyes’. ¿Era una interpretación de cómo la masa no deja que haya una persona individualista, con sus propias ideas? Aunque fuera de animación, y en vez de personas, aparecieran robots. SAMUEL “En realidad al principio queríamos que fuese bastante más abstracto, pero ahí también está la visión de VicSaizo, la persona que lo hizo. Nos reunimos y pusimos en común algunas ideas que nos gustaban, con referencias como la caverna de Platón, el laberinto de Teseo, el Incal y, efectivamente, la aniquilación del individuo en la sociedad”. El otro clip, en el que sólo aparece una persona, y el resto es paisaje, es ‘Buzz Aldrin’. SAMUEL “La naturaleza es algo que siempre está en el grupo, tanto en las sensaciones como en las imágenes que proyectamos en los conciertos y

vídeos. Pensamos incluso en que fuesen sólo de este tipo, pero surgió la historia del peregrino espacial, ya que los temas espaciales han estado muy presentes también en este disco y ahí entró también el concepto de escapar, y qué mejor que hacia arriba. El hecho de que sólo aparezca una persona transmite unas sensaciones especiales. También se hizo deliberadamente el que los planos van de muy abiertos a cada vez más cerrados. Todo esto aglutinado por la mirada del director Álvaro Beltrán de Heredia”. ¿A qué se debe el homenaje a Buzz Aldrin, que inspiró el famoso personaje de Toy Story? SAMUEL “Más que un homenaje a la persona en sí, es una reflexión sobre el éxito, el reconocimiento y si necesariamente tienen que estar ligados. Buzz Aldrin fue nada menos que el segundo hombre en pisar la luna, pero parece irrelevante porque sólo se premia y recuerda a los primeros. Además, nos gustan mucho todas las referencias espaciales y a partir de esta canción seguimos bastante las aventuras de Mr. Aldrin, que aún sigue dando guerra”. Siempre que he hablado conti-

go, Samuel, andas investigando nuevas músicas, que luego quizá no se ven en primera instancia reflejadas en vuestras dos referencias. ¿Cómo decides qué incluir de lo nuevo que te ha gustado, y cómo poder integrarlo en el grupo? SAMUEL “Las dos actividades son muy poco conscientes. La labor de investigación es disfrute. Me encanta descubrir música nueva, tanto la nueva de verdad, como la que es simplemente nueva para mí, aunque sea de hace 40 años. Es súper enriquecedor ir escarbando en la influencia de la influencia. El paso a hacerlo tuyo e incluirlo en las canciones es en realidad mucho más complejo, a veces sumas elementos con referencias muy diferentes, otras veces ni siquiera te das cuenta de que estás incluyendo esas influencias... Tener una propuesta única es un buen objetivo por el que trabajar”. ¿Qué proceso de composición habéis hecho esta vez? SAMUEL “En realidad, el mismo que siempre. Partimos de ideas que grabamos en casa y las vamos definiendo con programas informáticos, esbozando los diferentes instrumentos y sonoridades, y luego las acabamos como banda en el local de ensayo. En esta ocasión la excepción ha sido el tema que cierra el disco, ‘Wish’, al que acabamos de dar forma en plena grabación”. ¿Qué tipo de letras queréis transmitir? TXOLO M. “Por encima de cada letra siempre hay una melodía, un arreglo, una manera de decir, una sonoridad... hay tantas cosas forman-

do una canción que focalizar una sensación en las palabras se hace difícil. Queremos transmitir cosas con cada instante, tenga o no letra. Son canciones donde la música es siempre la protagonista y en las que las letras acompañan a los instrumentos, y no al revés”. El disco lo veo más atmosférico, menos enérgico quizá, sin ser esto algo peor, que el EP. Hay más partes instrumentales, y la voz es un instrumento más, no destaca como si fuera un grupo usual. SAMUEL “Hemos intentado que fuese más atmosférico y que los elementos se sumasen formando un todo, incluida la voz. Esta vez queríamos que fuese menos guitarrero y con más matices. Además, tratamos de que las canciones funcionen para nosotros antes de añadir la voz, y luego hacemos las modificaciones que ésta pida en cuanto a estructura o arreglos. Hay partes instrumentales. Tampoco queríamos perdernos en estructuras muy largas o complejas, queremos simplemente hacer buenas canciones con sonoridades interesantes. Es cierto que muchas veces no hay estribillo como tal o no son demasiado convencionales, pero nunca nos atamos a una plantilla de cómo queremos la estructura; vamos desarrollando la canción en función de cómo la vemos, y cada caso es diferente”. ¿Por qué el uso del inglés en vez del español? Queréis internacionalizar el grupo, llegar a intentar dar el salto para tocar en el extranjero...

“NO QUERÍAMOS PERDERNOS EN ESTRUCTURAS MUY LARGAS O COMPLEJAS, QUEREMOS SIMPLEMENTE HACER BUENAS CANCIONES CON SONORIDADES INTERESANTES”

SAMUEL PEÑAS TXOLO M. “La mayoría de la música que nos gusta es en inglés. Supongo que es la respuesta automática de todas las bandas. Lo cierto es que probamos en castellano, pero las melodías vocales de nuestros temas encajaban mucho mejor en inglés”. ¿Creéis que el uso de cantar el inglés os limita en la escena española? SAMUEL “Es posible que nos limite, la tendencia actual es que los grupos que mejor funcionan son los que cantan en castellano, pero desde el comienzo decidimos que en este grupo íbamos a hacer siempre lo que más nos gustase, lo que queremos transmitir sin importarnos las consecuencias que pueda tener. Intentamos ser honestos y dar lo mejor de nosotros, el resto ya no está en nuestras manos”. ¿Cuál sería el grupo con quienes os gustaría compartir cartel? SAMUEL “Estas preguntas son mucho más difíciles de lo que parece... Radiohead o Sigur Rós, por ejemplo, tanto por su música, que nos gusta mucho, como por sus directos y puesta en escena”.

DISCO DEL MES

Nattersferd (ROADRUNNER/WARNER) HARD ROCK, METAL, PUNK

i bien los dos primeros discos de Kvelertak me habían encantado, no fue hasta que los vi en la penúltima edición del Primavera Sound que me di cuenta de que no sólo me gustaban, sino que me entusiasmaban. Vale, también reconozco que iba bastante puesto, algo que ayuda a que pienses que lo que tienes delante de ti ‘es lo puto mejor del puto mundo’, pero dado que tengo la suficiente experiencia, tanto en conciertos como en ir puesto, creo que sé reconocer cuando estoy ante una gran banda independientemente de lo que me haya metido en el cuerpo. Quizá si me gustan tanto no sea por su propia música, sino porque

KVELERTAK

me gustan las referencias que usan para construirla. Aunque si lo pienso bien, a estas alturas, cuando prácticamente cualquier subgenéro ha sido creado y revisitado varias veces, es difícil que esto no te ocurra con cualquier grupo. El acierto, y lo que ha hecho que Kvelertak sean una bocanada de aire fresco en la escena metal, de la misma manera que The Hellacopters lo fueron en los 90 para el rock’n’roll, es que se nota que han pasado las mismas horas coleccionando discos que intentando aprender cómo hacerlos. Naturalmente, para un grupo de las características de Kvelertak, parido para romper escenarios, el mayor reto cuando entran

a grabar siempre es ver si serán capaces de trasladar esa energía al estudio. Y aunque en sus dos álbumes anteriores, Kvelertak (2010) y Meir (2013), contaran con un especialista en captar el lado más crudo de los grupos como Kurt Ballou de Converge en la producción, en su caso era evidente que no se contentaban sólo con eso. Ambos estaban llenos de arreglos, matices y desarrollos que denotaban que eran bastante más que seis cafres con ganas de liarla parda. Esa sensación se acentúa si cabe más en el tercero, quizá el disco más ‘de estudio’ que han hecho. Es posible que quienes valoran el primitivismo y la furia sin filtros por encima de todo, este Nattersferd les

parezca menos potente, e incluso que cuando se enteren de que quien lo produce es Nick Terry, un hombre que ha trabajado con Primal Scream, The Klaxons o Simian Mobile Disco, se lleven las manos a la cabeza, pero para mí sólo confirma lo que ha estado ahí desde el principio: Kvelertak son bastante más ambiciosos e inquietos musicalmente de lo que a parte de su público le gustaría. ‘Dendrofil For Yggdrasil’ empieza a saco con un blast beat y un grito diabólico por parte de un Erlend Hjelvik que sigue cantando en noruego y que no hace concesiones con voces limpias ni nada de eso; en Kvelertak el peso melódico lo siguen llevando

en segundo plano que le da un rollo muy especial, además de unas estrofas más punk rock a lo Turbonegro. A los fans del rollo escandinavo les encantará. ‘Svartmese’ parece un homenaje a Kiss en versión satánica, mientras que en ‘Brosegud’ pasan a Thin Lizzy por el filtro punk y dejan que el batería Kjetil Gjermundrod se luzca con sendos redobles. ‘Ondskapens Galaske’ se mueve por derroteros más psicodélicos pero se queda un poco plana. Por suerte, ‘Bersekr’ meta caña sonado como unos Iron Maiden acelerados antes de que en su parte final y después de uno de sus característicos ‘¡Urghh!’ de Hjelvik, el tema de un giro frenando el tempo y lanzando

“KVELERTAK SON BASTANTE MÁS AMBICIOSOS E INQUIETOS MUSICALMENTE DE LO QUE A PARTE DE SU PÚBLICO LE GUSTARÍA” las tres guitarras de Vidar Landa, Bjarte Lund Rolland y Maciek Ofstad, espléndidos de principio a fin. Todo un trallazo para empezar y sin duda el tema más blackie del álbum. A continuación, giro de 180 grados con ‘1985’, que sorprende por su excesiva simplicidad. Me atrevería a decir que tiene un punto AOR a lo Boston en los fraseos y los coros, lo que supone un curioso contraste con la voz de Hjelvik. Si le hubiesen recortado un minuto, sería la bomba. ‘Nattersferd’ cuenta con un punteo de guitarra que recuerda a The Hellacopters y una acústica

un delicioso riff, para acabar con otro giro final que los lleva a los terrenos de Metallica. ‘Heksebrann’ es la pieza más progresiva con una primera parte instrumental y una segunda más metalera. Para despedirse, la banda baja las pulsaciones con ‘Nekrodamus’, con una línea de bajo muy Black Sabbath y destellos puntuales de épica. Puede que para divertirme en sus conciertos siga prefiriendo los temas de los dos primeros discos, pero a la hora de escucharlo en casa, Nattersferd está casi a su misma altura. JORDI MEYA

LONG DISTANCE CALLING

HAS DE SABER... FORMACIÓN: David Jordan (guitarra), Florian Füntmann

(guitarra), Jan Hoffmann (bajo), Janosch Rathmer (batería), Petter Carlsen (voz) PRODUCIDO POR: Vincent Sorg AFINES A: Junius, Oceansize, Tides From Nebula PÁGINA WEB: www.longdistancecalling.de

Trips (SUPERBALL MUSIC) ROCK PROGRESIVO

i algo tienen los alemanes es ambición. Si no, que se lo digan a Long Distance Calling, que con su anterior The Flood Inside dejaron a todos sus fans en shock al pasar de ser una banda de post rock/ metal instrumental a contratar al vocalista Martin Fischer. Espero que nadie se encariñase demasiado con Martin, ya que en Trips cuentan con los servicios del noruego Petter Carlsen… Pero la pregunta es: ¿Hacía falta un vocalista en Long Distance Calling? La respuesta es sí. The Flood Inside no terminó de cuajar del todo, porque como tal, era un disco de transición. Las estructuras de

las canciones cambiaron, forzadas por la presencia de una voz, y algo se perdió en el camino, pero en Trips han sabido corregir los errores a tiempo, y me atrevo a decir que con Carlsen suenan más a Long Distance Calling que nunca. Los seguidores de la banda encontrarán más coincidencias con este nuevo trabajo por la vuelta de las canciones más largas y más elaboradas. Es escuchar las guitarras de David Jordan y Florian Füntmann, y saber que han dedicado mucho más tiempo a Trips con la esperanza de rescatar antiguos fans. Las baterías de Janosh Rathmer son mas concisas y prolijas, el minimalismo se es-

capa por la ventana, y aunque sigan teniendo un deje post rock, la contundencia ha ganado la partida y vuelven a poner el toque metal delante de la vanguardia. Los spoken words vuelven en este lanzamiento, algo que se mantiene de The Flood Inside, pero hay nuevas tesituras como la psicodelia en los últimos 13 minutos que representa ‘Flux’, además de la conexión emocional que volvemos a tener con Long Distance Calling a lo largo de un viaje emocionante donde nada es previsible. Su mejor obra hasta la fecha, y han tenido que pasar cuatro discos. JORGE FRETES

HABLAMOS CON... DAVID JORDAN ¿Cuál fue el origen de este nuevo disco? “Alquilamos una casa en Holanda durante cuatro días para aislarnos de nuestro entorno natural. Queríamos concentrarnos plenamente en el álbum y ver hacia qué dirección iría el disco. Pronto nos pusimos de acuerdo en que los viajes en el tiempo y los sueños iban a ser el trasfondo de la obra. De ahí salió la idea del título Trips”. Es el segundo álbum en el que habéis dado más protagonismo a las voces. ¿Es posible una vuelta atrás y que volváis a hacer disco exclusivamente instrumental? “No lo sabemos. Ya veremos lo que pasa. Nosotros intentamos hacer lo que nos sale en cada momento. Queremos ser cada vez mejores. Ahora es esto, pero de aquí un año quién sabe. Podría

ser un disco totalmente instrumental, o uno donde todos los temas tengan voz”. ¿Estuvo involucrado Petter Carlsen desde el principio? “No, él vino cuando ya estábamos en el estudio. Grabó sus voces allí y también añadió un par de melodías. Fue muy fácil trabajar porque le conocemos de cuando giramos con Anathema. Nos gusta mucho su estilo. Cuando escribimos el disco queríamos deshacernos de las partes que no fueran imprescindibles. Cada vez que escribíamos algo nos preguntábamos si era demasiado largo, si podíamos decir lo mismo de una manera más sencilla, y trabajábamos en esa dirección”. Durante la creación de Trips lidiasteis con la vida y la muerte, se produjeron nacimientos y fallecimientos en vuestras familias. ¿Afectó de alguna manera

al disco? “Siempre que se sufre la muerte de un ser querido es inevitable preguntarse si estás haciendo lo correcto en tu vida. Siempre te arrepientes de haber estado ausente en algunos momentos o quizá de haberle hecho daño. Supongo que el pensar en todo esto nos afectó de algún modo, pero no sabría explicarte cómo”. ¿Qué habéis aprendido girando con bandas como Deftones o Protest The Hero? “Creo que lo más útil que aprendimos fue a hacer el cambio de escenario lo más rápido posible. Saber eso es más importante de lo que parece. Pero lo que mola de tocar con grupos que has escuchado durante muchos años es ver cómo las mismas emociones que sentían entonces se renuevan noche tras noche. Es muy interesante”. (MARC LÓPEZ)

DEFTONES Gore (REPRISE/WARNER)

METAL ALTERNATIVO

o es ningún secreto que, desde los tiempos de White Pony, cada nuevo álbum de Deftones ha significado un choque de estilos entre sus dos principales motores creativos. Y aunque hace ya un par de discos que los de Sacramento parecen más estabilizados a nivel interno, lo cierto es que la dupla formada por Chino Moreno y Stephen Carpenter sigue luchando cada uno por su lado para mantener su parcela dentro del apartado compositivo. Y como también suele ser costumbre, una vez más en Gore han sido capaces de encontrar el equilibrio necesario para

dar con otra obra a la altura de su ya legendaria carrera. ‘Prayers/Triangles’ ya nos avisa de que la dualidad entre partes duras con otras más ambientales sigue funcionando a las mil maravillas. Le sigue una triada de cortes que parecen firmados por Carpenter. Especialmente destacada es ‘Doomed User’, con una descarga de riffs por los que sobrevuela la voz de Chino haciendo de las suyas. Es a partir de aquí donde el vocalista toma el mando y empezamos a adentrarnos en esas atmósferas oscuras que tan bien saben tejer (‘Hearts/Wires’, ‘(L)MIRL’), con las melodías ensoñadoras siempre presentes. Sin duda la canción estrella es ‘Phantom Bride’, en la que participa Jerry Cantrell de Alice In Chains, consiguiendo adaptarse dentro de su sonido y llevándolo a otra dimensión hasta que llega ese riff final cortante. La épica ‘Rubicon’ pone la guinda a otra joyita más para su discografía. Mientras otros compañeros de generación hace tiempo que desaparecieron o aún andan perdidos, a Deftones les queda cuerda para rato. GONZALO PUEBLA

ASKING ALEXANDRIA The Black (SUMERIAN)

METALCORE

sking Alexandria es una banda que levanta pasiones en su grandísima legión de fans, a la vez que levanta ampollas entre sus detractores. Personalmente no alcanzo a entender qué es lo que enamora tanto de este grupo, más allá del físico más o menos agraciado de sus componentes. Desde luego son una formación que en concierto impresiona hasta al más escéptico, pero con su nuevo álbum esperaba algo diferente. The Black ha supuesto mucho para los ingleses porque era el primer largo de su

nuevo cantante Denis Stoff y una servidora estaba muy expectante. La crítica ha alabado el disco hasta la saciedad y los seguidores están encantadísimos. Tras hacer una primera escucha, me he quedado con la sensación de que no ofrecen nada nuevo y hasta se puede sentir largo y muy repetitivo. Lo que nos encontramos es a los Asking Alexandria de siempre, pero más endurecidos. Sin embargo, a base de irme familiarizando con el álbum tengo que destacar positivamente muchos elementos. La producción es magnífica, ‘I Won’t Give In’ es un himno del géreno, ‘Undivided’ tiene un espíritu muy While She Sleeps que hasta a los haters les gustaría, en ‘Gone’ su frontman se luce en una preciosa balada de piano y violín, y ‘Just A Slave To Rock ’N Roll’ tiene un estilo hard rock que hay que puntuar a favor. Podría seguir sacando esos detalles que hacen de él un buen trabajo, completamente enfocado al directo. No me compran todavía, pero tienen mi atención. REBECA CASTELLANOS

LA SELECCIÓN

VV. AA.

The Bipolar Sessions #3 (FAIR WARNING/GRAN SOL)

ROCK, METAL, PUNK

ste tercer volumen de The Bipolar Sessions -disponible en su edición de vinilo en las tiendas afiliadas al Record Store Day y en digital de manera gratuita a través de nuestra app- vuelve a ofrecernos versiones de grupos que han sido portada de nuestra revista a cargo de bandas de nuestra escena. Como en ediciones anteriores, tanto la selección como el enfoque de las covers son de lo más variado. Para empezar, Los Tiki Phantoms se atreven a llevar al terreno instrumental (a excepción de unos coros) ‘Thrash Unreal’ de Against Me! con una guitarra surfera marcando la melodía. Tenpel transforman el folk de La M.O.D.A. en un ejercicio de rock intenso con su lectura de ‘Flores Del Mal’. The Saurs (en la foto y audio ajunto) van aún más allá dándole completamente la vuelta a ‘I’d Do Anything’ de Simple Plan para que acabe sonando a una joya psicodélica en

la línea de MGMT. ¡Brillante! Puk2 pasan al castellano y poppunkarizan ‘This Is Gospel’ de Panic! At The Disco, mientras que Stained Blood hacen sonar el ‘Rock Show’ de Blink-182 con un par de pelotas. Blaze Out le dan un aire thrasher a Billy Talent. The Liberty captan la elegancia de ‘Wings Of A Butterfly’ de HIM, Maniac Stoners se montan una fiesta con ‘One People, One Struggle’ de AntiFlag, Main Line 10 aceleran y electrifican ‘Swing Life Away’ de Rise Against, y The Blackjaw desparraman con AFI. Como perlas encontrarás la primera grabación de Nothink desde que se reunieron con el ‘Paranoid’ de Black Sabbath y a Exxasens ¡con voz! atreviéndose con Dredg. MARC LÓPEZ

BABYMETAL Metal Resistance (EAR MUSIC)

METAL, JPOP

econozco que no es fácil poner sobre el papel una opinión coherente sobre Babymetal. En un momento donde cualquier cosa que destaque y se salga de ciertos estándares es atacado sin paliativos, Babymetal es el grupo que todo el mundo se ha puesto de acuerdo en amar. Nombres como Barney de Napalm Death o el propio Kerry King de Slayer han dado su aprobación a este engendro metálico que sólo podría salir de un país como Japón. Y lo cierto es que, aunque el escepticismo sea el punto de partida, es difícil no caer en los encantos de las tres niponas. Sus shows son lo más exagerado que se ha visto en tiempo y, no me pregunten mucho lo que es, pero hay algo en su música que atrapa.

PJ HARVEY

The Hope Six Demolition Project (ISLAND)

ROCK

nalizar la obra de una artista tan monumental como PJ Harvey requiere de paciencia, mesura y tiempo. El año pasado tuvimos el privilegio de participar en el experimento de voyeurismo artístico Recording In Progress, las sesiones de grabación del disco en el Somerset House de Londres. Previamente, ella fue la voyeur (junto a Seamus Murphy) en Kosovo, Afganistán y Washington, donde se gestó el álbum. De esos viajes también salió material gráfico para el álbum, los videoclips y el libro de poemas The Hollow Of The Hand. Harvey continúa

Que los dos comemástiles de Dragonforce sean colaboradores habituales de Babymetal no tiene que sorprender, y la inicial ‘Road Resistance’, con esa velocidad endiablada tan característica del combo multinacional, da fe de ello. Paro hay mucho más que eso... Las canciones tienen gancho, las muy jodidas. Imposible no acordarse del estribillo de ‘Karate’ tras un par de escuchas,

‘Yava!’ podría ser la sintonía perfecta de cualquier serie de manga, el azúcar de ‘No Rain, No Rainbow’ acaba por sentar bien, y así, sin darte cuenta, acabas por tragarte este Metal Resistance sin aburrirte ni un segundo. Quizás estemos ante el inicio de una nueva secta, o de un chiste efímero, pero hoy por hoy no me atrevo a pronosticar dónde está el techo de esta banda.

la línea de su anterior trabajo, tanto en lo musical como en el espíritu de denuncia sociopolítica, aunque esta vez focaliza la mirada hacia fuera de su Reino Unido, a un nivel más global. De primeras me parecía que quedaba por debajo de su predecesor, pero cuanto más lo escucho, más me atrapa. La inicial ‘The Community Of Hope’ es la canción más accesible y directa (como el puñetazo que le suelta a las autoridades de Washington, que pillaron un buen cabreo). ‘The Wheel’ es denuncia épica sobre niños desaparecidos. El riff de ‘The Ministry Of Defence’ corta

casi tanto como la letra. Y es que, tanto las atmósferas sonoras como la parte literaria de ‘A Line In The Sand’, ‘The Ministry Of Social Affairs’ o ‘Dollar, Dollar’, nos pintan inquietantes parajes de desolación, injusticia social y miseria humana, entre amputados, niños desprotegidos, homeless y saxos desbocados. Y aún faltándome esa maravillosa ‘I’ll Be Waiting’ que no pasó el corte del tracklist final, el disco corrobora a PJ Harvey como, probablemente, la artista más importante que ha dado el rock del último cuarto de siglo.

RICHARD ROYUELA

IGNASI TRAPERO

LONELY THE BRAVE

Things Will Matter (HASSLE/POPSTOCK!)

ROCK ALTERNATIVO

uando en 2014 Lonely The Brave publicaron su debut The Days War, nos llamó la atención que una banda de la que no habíamos oído hablar antes tuviera tanto potencial. Su música parecía haber nacido para sonar en grandes recintos y no todos los días uno se encuentra con alguien con una voz tan robusta como la de David Jakes. Pero si bien en estos años el grupo ha ido ganando fans en su país, la banda de Cambridge todavía no ha logrado dar el salto a la Premier League del rock británico. Desde luego, su segundo álbum contiene los

elementos para que por fin lo hagan. Sin variar demasiado su fórmula de guitarras efusivas, melodías elegantes y emotividad contenida, la banda ha compuesto doce canciones de un gran nivel. Aunque empiecen lentamente con ‘Wait In The Car’, en el siguiente tema ‘Black Mire’ la intensidad ya empieza a subir y, más adelante, en temas como ‘Radar’ o ‘Strange Like I’, rockean soltándose más la melena como les reclamaba en la reseña de su debut. De todos modos, se nota que donde el grupo se siente más cómodo es en esos medio tiempos, entre épicos e intimistas, como el magnífico ‘What If You Fall In’, con un estribillo que podrían haber firmado Biffy Clyro, ‘Rattlesnakes’, con Jakes sonando más a Eddie Vedder que nunca, o los preciosos ‘Diamond Days’ o ‘Tank Wave’. Es posible que su tono a veces excesivamente solemne eche para atrás a quienes les gusta algo más de visceralidad en la música, pero si das con el momento adecuado para escucharlo con calma, apuesto a que te acaba atrapando. JORDI MEYA

DARK FUNERAL Where Shadows Forever Reign (CENTURY MEDIA)

BLACK METAL MELÓDICO

i Enthrone Darkness Triumphant de Dimmu Borgir fue mi rito iniciático en el black, el recopilatorio From Within The Purgatory acabó por soltarme definitivamente el tornillo. Dos canciones, ‘Ravenna Strigoi Mortii’ de Dark Funeral y ‘Mother North’ de Satyricon (casi nada), cambiaron cualquier concepción que hubiera tenido del metal hasta entonces. Mi inconstante relación de amor con Dark Funeral se ha mantenido hasta ahora, pero hoy sí podemos proclamar dichosos que la más grande formación de black melódico junto a Dissection ha vuelto por

la puerta grande. No es que lo hubieran dejado, pero por fin parece que la errática travesía por el desierto ha quedado atrás, han conseguido asentar sus filas y, así, tras siete años, atacan con un nuevo álbum que los devuelve a la realeza. Que Heljarmadr no es Emperor Magus Caligula lo vas a notar desde el primer instante, pero no es tan fácil sustituir a tamaño vocalista… El nuevo fichaje no es tan virulento al micro, cierto, pero donde deberías centrar toda tu atención es en las composiciones. Si los suecos han sido algo importante en tu vida, te va a costar reprimir la euforia con ‘Unchain My Soul’, ‘As One We Shall Conquer’ o ‘Where Shadows Forever Reign’, uno de los mejores cortes que Lord Ahriman haya escrito jamás. Por fortuna, las ‘Nail Them To The Cross’ y ‘Temple Of Ahriman’ lanzadas como single el pasado año no son del todo representativas y, de esta forma, ‘Beast Above Man’ o ‘As I Ascend’ entregan a la banda que todos recordábamos. PAU NAVARRA

BLAZE OUT Backlash

(BLOOD FIRE DEATH)

METAL

res años después de debutar con su aplastante Headshot eran muchas las expectativas puestas en el siguiente paso de los catalanes Blaze Out para ver si lograrían igualar el envite. Pues todos tranquilos, porque la prueba ha sido superada con nota y este Backlash es, globalmente, superior a su predecesor. Ya escuchando la inicial ‘Wrath Afire’ se nota que los barceloneses han cuidado y pulido la producción al máximo, ofreciéndonos un producto a la altura de cualquier grupo consagrado destacando con luz propia la voz de Gerard Rigau (increíble la capacidad para cambiar de registro en una

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misma canción), los solos espectaculares a cargo de David Lleonart y una aplastante sección rítmica cortesía de Carles Comas y Rafa Weber. Todo ello se puede observar en los siguientes temas, entre los que cabe destacar ‘Fist Goes First’, donde podemos apreciar cómo la influencia de bandas más modernas como Trivium o Alter Bridge convive perfectamente con el legado de unos Megadeth, por ejemplo. Y es que lo bueno que tienen Blaze Out es su capacidad de absorver y empaparse de todos los estilos, creando un sonido propio sin parecer un pastiche. Basta con escuchar la sólida balada ‘Old Acquaintances’ para darse cuenta de ello. Y capítulo aparte merece ‘Men Of Mayhem’, homenaje con temazo en toda regla a Sons Of Anarchy, algo que los fans de la serie sabremos apreciar y que lleva sonando días en bucle en mi reproductor. Definitivamente, Backlash se antoja como el empujón definitivo que tiene que catapultar a Blaze Out al lugar que sin duda merecen. Imparables. KARLES SASTRE

BARRELS Invisible

(ARCTIC RODEO RECORDINGS)

POST HARDCORE

l alemán Frederic Klemm, cantante y guitarra de Barrels, es un gran activista musical. A través de su pequeño sello, Arctic Rodeo Recordings, con oficina en Stuttgart, se ha dedicado a publicar los trabajos en solitario de leyendas del hardcore de finales de los 90 como Jonah Matranga (Far) y Matt Pryor (The Get Up Kids), también los nuevos proyectos de otras celebridades del underground como Garrett Klahn (Atlantic/Pacific) y J. Robbins (Office Of The Futures Plans, Channels). Y claro, la banda de Klemm tiene mucho de esa nostalgia noventera. Así, por este muy

meritorio primer trabajo, el presente Invisible, desfilan muchas bandas de cabecera para él -y para nosotroscomo Quicksand, Rival Schools, Burning Airlines y Texas Is The Reason, entre otras. Todas estas influencias aparecen mezcladas, muy bien asimiladas, pues Klemm y compañía no son unos primerizos. Y es que los Barrels empezaron a ensayar juntos en 2013, pero la banda está integrada por viejos amigos de la escena punk y hardcore alemana, veteranos que vivieron en primera persona el mejor momento de esas grandes bandas al otro lado del charco. Así, ‘Down The Hill’, ‘Without A Voice’, ‘Read Between The Lines’, ’Rewind The Tape And Press Play Again’ y ‘All Ears’ van bien cargados de guitarras crujientes, estribillos melódicamente rabiosos y ritmos atronadores con la caja bien seca. Si buscáis un post hardcore moderno o un sonido muy actual, olvidaos. Los doce cortes de Invisible están hechos por y para hardcoretas de la vieja escuela atrapados en los años 90. LUIS BENAVIDES

MASTER

An Epiphany Of Hate (F.D.A. REKOTZ)

DEATH METAL

or qué Master nunca han obtenido el reconocimiento merecido pese a ser una de las bandas más remotas de la historia del death metal. Por qué Paul Speckmann es uno de los grandes olvidados cuando se habla de los más longevos supervivientes del género a nivel planetario. Éstas son cuestiones a las que An Epiphany Of Hate no dará respuesta, pero que desde luego, siendo el decimosegundo álbum del grupo –decimotercer según se mire-, seguro que volverá a poner sobre la mesa, al menos entre esa minoría que les sigue. Explicaciones y

factores varios es probable que los haya, pero lo que está claro es que 33 años de ruido son toda una garantía, y aquí rápidamente constatamos que la banda sigue en sus trece. Death metal son y con death morirán. Desde la República Checa donde ahora opera, Speckmann le da a la flema y al bajo con ese estilo tan personal desde ‘Subdue The Politician’ hasta la rockera ‘Red Alert’, contando la edición en digipack con dos temas más que para nada desmerecen. ‘Fiction Soon Becomes Reality’ o ‘Just Be Yourself’ demuestran que la clase es algo que no se pierde, tampoco en su caso las ganas de apalearnos, y la misma ‘An Epiphany Of Hate’ o ‘Just Take My Right Arm’ vienen a demostrar que con semejante vigor la jubilación les queda aún lejos. Con dos secuaces que también le han ayudado a recuperar Death Strike, el de Chicago proclama con esta nueva obra que sigue tan recio como su frondosa barba, entregando otra sincera ración de death clásico, guitarrero y malcarado. PAU NAVARRA

GO VETERANS Pure Hostility (CRUZADE)

HARDCORE

l hardcore es una música y un estilo de vida que se asocia normalmente con la juventud. Por eso, cuando uno supera los 30, queda expuesto a que le llamen ‘pureta’, ‘veterano’, ‘de la vieja escuela’... A mí nunca me ha importado lo que digan los demás, porque el hardcore se lleva dentro, en el corazón, sin importar el año en que naciste. Estos cinco veteranos de la escena de Terrassa también lo tienen claro y demuestran en Pure Hostility que saben muy bien lo que hacen: un hardcore crudo, sin aditivos ni parafernalias, partes

rápidas perfectamente combinadas con otras lentas, coros donde tocan y una ejecución magistral. No en vano, esta gente lleva años dándolo todo en los bolos de sus respectivos grupos: Nunnery, The Anger Manifesto, B12 y Wilderness. Pure Hostility es su debut, una contundente tarjeta de presentación a la que sólo se le puede achacar que caigan en ciertos tópicos del mundillo HC: ‘United In The Fight’, ‘From The Streets, From The Heart’, ‘The Crew By My Side’, ‘True To The Game’… Sin embargo, no seré yo quien les juzge por ello, ya que este quinteto de Barcelona se ha ganado a pulso el derecho de hablar sobre estas cosas. Además, ya han creado su propio himno (‘Let’s Go’), aunque en ‘Leave Us In Alone’ recurran al NYHC de toda la vida. Ignoro si este disco tendrá continuidad en función de la actividad de las bandas que he mencionado anteriormente, pero estaría bien que los puretas como yo podamos seguir contando con Go Veterans. JORDI FORÉS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Gareth Liddiard (voz, guitarra), Dan Luscombe (guitarra),

Fiona Kitschin (bajo), Steve Hesketh (teclados), Christian Strybosch (batería) PRODUCIDO POR: Aaron Cupples AFINES A: The Birthday Party, Iggy Pop, The Scientists PÁGINA WEB: www.thedrones.com.au

THE DRONES

Feelin Kinda Free (TROPICAL FUCK STORM) ROCK EXPERIMENTAL

s casi inevitable pensar en The Drones como uno de los máximos exponentes de la escena garajera australiana de las dos últimas décadas. Pero lo cierto es que la banda liderada por Gareth Liddiard siempre había tenido una vertiente más experimental que irremediablemente quedaba eclipsada por su torrencial manera de escupir su rock’n’roll. Llegados a su séptimo álbum, Liddiard ha decidido darle la vuelta al calcetín y mostrar esa cara más artística y poco convencional, que según cuenta él mismo, había sido en origen el sonido del grupo. Sin embargo, Feelin Kinda Free suena a de todo menos a un disco que

mire atrás o nostálgico; al contrario: posiblemente sea su disco más contemporáneo. Y no porque se parezca a los de otros grupos actuales, sino porque suena tan caótico y desgarrado como te puedas sentir haciendo zápping sin encontrar un solo destello de esperanza. En su agria poesía, Liddiard carga contra la xenofobia de su gobierno o el adormecimiento de una sociedad demasiado narcotizada como para levantar la voz. Para este regreso al pasado desde el futuro, la banda ha recuperado al productor Aaron Cupples, con el que habían trabajado en Gala Mill (2006), así como a su batería original Christian Strybosch, y

me aventuraría a decir que len ha sacado el polvo a algunos discos de Talking Heads o Neu! para inspirarse en sus ritmos, que aquí parecen lanzados desde cajas de ritmo compradas en un desguace. Como pasaba con el póstumo Blackstar de Bowie, disco en el que podría haber encajado sin problema el tercer corte ‘Then They Come For Me’, éste es un trabajo que acaba enganchando a pesar de su presunta dificultad con armas diversas como la guitarra disonante con aroma arábico de ‘Private Execution’ o la cadencia ceremonial de la melodía de ‘To Think That I Once Loved You’. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... GARETH LIDDIARD Este nuevo álbum es mucho más abstracto de lo que habíais hecho hasta ahora. “Es interesante porque, cuando empezamos, era música bastante rara, pero al cabo de cinco años de hacer cosas extrañas, nos fuimos de Perth a Melbourne, que es una ciudad muy musical, muy competitiva. Es un lugar donde puedes ganarte la vida haciendo música. Así que empezamos a acercarnos más al rock’n’roll porque queríamos ganarnos la vida. Posiblemente seguíamos siendo la banda de rock más extraña de Australia, pero para nosotros eso era lo normal. En cierta manera, este trabajo representa una vuelta a donde empezamos”. Así que, después de siete discos, ¿por fin conocemos a los verdaderos The Drones? “Si a lo que te refieres es si hemos sido más auténticos, no lo creo. Si juegas a

fútbol, vas en avión, estás borracho o tomas ácido, siempre eres tú. No hay una situación en la que seas auténtico y otra en la que no, simplemente son distintas”. Bien visto. ¿A todo el grupo le apetecía volver hacia atrás? “Sí y no. Siempre he acusado al resto del grupo de no creer lo suficiente en mí (risas). Piensan que estoy loco. Pero al final les convenzo y acaban haciendo la locura que quiero. Puede ser que simplemente sea muy malo explicando lo que quiero... Pero la banda es maravillosa. Me tratan como a un bebé (risas)”. Bueno, a pesar de eso habéis llegado bastante lejos... “Sí, pero muchos idiotas llegan lejos”. Al menos os habéis ganado la libertad de hacer un disco así. “Hago lo que creo que es bueno. No sé hacer otra cosa. La suerte es que hay un

pequeño porcentaje de gente que escucha música que no le gusta la mierda. No quiero decir que todo el resto sea mierda y nosotros seamos maravillosas. A mí me gusta el pop, me gusta Taylor Swift, pero nosotros somos más como Fugazi. No intentamos gustar a todo el mundo porque es imposible”. A pesar de ser un disco que mira al pasado, me imagino que también querías darle una mirada nueva. ¿En qué se ha concretado? “Siempre nos había inspirado el sonido de Raw Power de los Stooges, donde las guitarras están a tope y la batería apenas se escucha. Esta vez quería que fuera distinto. Escuchamos a Blondie, Pink Floyd, Missy Elliot, James Brown, donde la batería está más alta que las guitarras. Queríamos más groove”. (JORDI MEYA) 81

LENDAKARIS MUERTOS

Cicatriz En La Matrix (MALDITO)

PUNK

iempre al límite del reglamento, Lendakaris Muertos vuelven a la carga con otro álbum sólo apto para cínicos, personas con un sentido del humor negro azabache y, por supuesto, que no se dejen manipular por las insidias gregarias de uno u otro bando. Desde luego no corren los tiempos más propicios para presentar una obra como Cicatriz En La Matrix, pero afortunadamente, esto a los de Iruña se la suda. Musicalmente nos encontramos con unos navarros que se mantienen inmóviles en esa balanza tan bien equilibrada entre punk y hardcore antiguo, aunque con algún giro romanticón como el de ‘Y Sin Embargo, Te Quiero’ y una pizca más de punk esta vez, algo en lo que quizá ha tenido que ver que

THE JOY FORMIDABLE Hitch

(ATLANTIC)

ROCK ALTERNATIVO

asta ahora la trayectoria de los galeses The Joy Formidable se estaba escribiendo con buena letra. Con un sorprendente debut como The Big Roar y una continuación no menos buena como lo fue Wolf’s Law, el trío se había posicionado como uno de los combos más interesantes de la escena alternativa del Reino Unido, siempre en constante ebullición. Pero para el punto de inflexión que suele suponer el tercer álbum han optado por un planteamiento más arriesgado. Tampoco es que Hitch signifique una

Joxemi Urkullu de Ska-P se ocupe ahora de la guitarra. En el apartado lírico siguen siendo imbatibles, con un Aitor pletórico y puestísimo en la más rabiosa actualidad para hacernos desternillar con la impagable ‘Modo Dios’, ‘Húngara Chúngara’, que va de la hija de puta de reportera ésa que se lió a patadas con los refugiados, una disparatada ‘Arnaldo Schwarzenegger’ para Otegi y sus ‘fans’, e incluso una ‘Es Pota, Cerdo’ que sirve

de guiño para Soziedad Alkoholika. Moviéndose entre sus dos temáticas más recurrentes, las drogas y la irónica vuelta de tuerca al conflicto vasco, Lendakaris van más lejos que nunca con las dos descabelladas partes de ‘Urrusolo Sistiaga’. Disfrutémosles antes de que den con sus huesos en el talego, porque con este disco por fin rozan los barrotes con la yema de los dedos.

revolución total en su sonido, pero la idea de apostar por su vertiente más densa, compleja y menos accesible seguro que pillará desprevenidos a unos cuantos. Sólo es necesario echarle un vistazo al tracklist y comprobar que la gran mayoría de temas superan de largo los cinco minutos, conformando una hora larga de duración, dando una idea del tipo de obra ante la que nos encontramos. No se esfuercen en hallar un single como los que solía haber en sus otros trabajos porque difícilmente lo encontrarán. Y aunque su escucha de inicio resultará

ardua, poco a poco uno podrá ir descubriendo cómo la épica de las guitarras de Ritzy Bryan, así como sus melancólicas a la par que bonitas líneas vocales, permanecen intactas, sólo que ahora se manifiestan de una forma más contenida y compleja. Buenos ejemplos serían ‘Liana’ y ‘Running Hands With The Night’. Ni tan siquiera en las canciones más aparentemente sencillas terminan de tomar el camino más fácil, como en ‘Blowing Fire’ o ‘Radio Of Lips’. Un paso valiente que seguro se revalorizará con el paso del tiempo.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

WINTERSLEEP

The Great Detachment (DINE ALONE/MUSIC AS USUAL)

INDIE FOLK

ugando un poco con el nombre de la banda, la música de Wintersleep florece nuevamente en el presente The Great Detachment después de hibernar cuatro largos años. El indie folk de Wintersleep es bastante popular en su tierra. Su nombre comenzó a sonar con su tercer disco, Welcome To The Night Sky, publicado en 2007, un trabajo que incluso recogió varios premios de la industria musical de su país. Luego llegarían dos discos con una multinacional, New Inheritors y Hello Hum. Con The Great Detachment, el sexto en su

carrera, los canadienses ingresan en la disquera Dine Alone Records, independiente pero con un catálogo repleto de bandas y artistas de muchos quilates como los afines City And Colour, Noah Gundersen o Alberta Cross. El cambio de aires supone algo así como un nuevo comienzo para la banda, pero sus seguidores pueden estar muy tranquilos porque poco o nada han cambiado las coordenadas musicales del quinteto de Nueva Escocia. Los once temas incluidos en The Great Detachment fueron grabados en directo en un estudio talismán cerca de casa, el Sonic Temple Studio. El disco empieza muy bien con el indie shoegazer de ‘Amerika’ y las voces robóticas de ‘Santa Fe’, donde se incluye el primer gran estribillo del álbum, y avanza mejor por una senda cada vez más animada y festiva con piezas de folk moderno para estadios como ‘Lifting Cure’, ‘Spirit’ y ’You Were Freaking Out’. Y atención a ‘Territory’, con la participación al bajo del mismísimo Geddy Lee de Rush. Entre canadienses anda el juego. LUIS BENAVIDES

KATATONIA

The Fall Of Hearts (PEACEVILLE)

METAL

ra bastante evidente que para los suecos Katatonia parir su próximo trabajo sería una labor a manejar con mucha precaución. No sólo han tenido grandes cambios en la formación (el primer disco para su batería Daniel Molainen y para el exTiamat Roger Öjersson a la guitarra), sino que tendrían que probar al mundo que podían superar un Dead End Kings de 2012 que se llevó las alabanzas de conocidos y extraños hacia este grupo que ya va por su tercera década de existencia. Cuatro años han tardado en demostrar que se encuentran

en el mejor estado de forma que se les recuerda. Lo peor que puedes hacer es dejarte guiar por el single ‘Old Heart Falls’, la melancolía y ese romanticismo oscuro es lo que siempre los ha especiales, a la par que inclasificables y totalmente reconocibles en su sonido… nada de eso ha cambiado, sino que simplemente se ha perfeccionado. Sin duda continúan en el sendero progresivo de sus últimas tres entregas. No hay pistas tan pegadizas como en The Great Cold Distance, pues sabiendo que han creado un sonido propio, deciden recurrir a él. Hay magia en forma de canciones más largas, que enriquecen la experiencia poniendo la mirada en la experimentación. Esa prueba en acústico ha dejado mella, y se nota que las composiciones de The Fall Of Hearts han seguido esta tónica. Quieren ver hasta dónde les lleva este nuevo sonido, van experimentando, y les da igual el qué dirán sabiendo que con una nueva sección rítmica pueden adquirir más poder. El cambio les sienta de muerte. JORGE FRETES

THE WORD ALIVE Dark Matter (FEARLESS)

METALCORE

ace siete años que The Word Alive irrumpieron en la escena internacional del metalcore y complace saber que aún les queda mucho por aportar al género. Sin duda su nuevo trabajo, Dark Matter, es diferente. Mucho más comercial y electrónico, a la vez que oscuro. Están muy lejos los riffs tan técnicos y rápidos o dobles bombos a la velocidad de la luz de sus anteriores largos como Deceiver o Life Cycles. Y sin duda REAL, un álbum con un sonido muy maduro pero en la línea de los anteriores, fue el puente hacia lo que nos ofrecen hoy. A principios de año publicaron su primer adelanto, ‘Trapped’, que a todas luces mostraba lo que finalmente encontramos en el disco de los estadounidenses. Bases de electrónica, guitarras y

TIDES FROM NEBULA Safe Haven (LONG BRANCH)

ROCK INSTRUMENTAL

ternal Movement de Tides From Nebula me dejó atrapado en un sueño, uno del cual aún no he encontrado la salida. Movimientos eternos ataviados de una mezcla refrescante de rock instrumental, electrónica y golpes duros como los de la vida. Parecía evidente que tras visitarnos con The Ocean o Sleepmakeswaves, lo siguiente sería dar el gran paso y posicionarse como una banda puntera dentro del limitado círculo de seguidores de dicho género. Es ahora cuando entra en juego este Safe Haven. Han experimentado tanto en Aura

baterías más pesadas, un bajo mucho más presente y la predominancia de líneas de voz pegadizas y más melódicas que en anteriores entregas. La apertura con ‘Dreamer’ es un viaje por un estilo más post rockero, que en otras canciones como ‘Branded’ o el cierre ‘Oxy’ también podemos apreciar. ‘Face To Face’ está en la línea del primer single, mientras que ‘Dark Matter’

es más cercana al estilo que llevaban anteriormente. El chute de energía del segundo sencillo ‘Sellout’ se contrapone con la potente y épica ‘Made This Way’. No pierden la esencia, pero han dado un paso adelante de la mano de su productor, Matt Good de From First To Last. Hay que aplaudirles porque el conjunto es bueno, muy bueno.

como en Earthshine, han probado las mieles del éxito con el ya mencionado Eternal Movement, y este 2016 era el año perfecto para cargarse de confianza y atreverse a producir ellos mismos su nuevo álbum. Está claro que es una labor sólo para quienes saben desenpeñarla, y Tides From Nebula se muestran ganadores en ese aspecto. Las ambientaciones son más sombrías, las guitarras son más punzantes, la electrónica es más sutil, y el bajo finalmente presenta ese sonido añejo y penetrante que tanto buscaban. El adelanto ‘We Are The Mirror’ lo deja bastante claro: este álbum es

más misterioso, más suspicaz, es casi como un plan maléfico bien elaborado que intenta disfrazarse con piel de cordero y nos invita una vez más a escapar en una aventura sci-fi que se puede poner a la misma altura de pesos pesados como Radiohead o Jakob (salvando las diferencias). No es un post rock al uso de contrastes suaves y agresivos, son canciones como ‘The Lifter’ que van construyéndose poco a poco hasta culminar en un éxtasis similar a un orgasmo, pero sonoro. Han conseguido parir un disco que define una carrera.

REBECA CASTELLANOS

JORGE FRETES

GRAVEYARD

…For Thine Is The Darkness (WAR ANTHEM)

DEATH METAL

os que acusaban a Graveyard de ser sólo una fotocopia ibérica del death de Estocolmo se van a quedar sin argumentos con …For Thine Is The Darkness. En una jugada que no es nueva pero sí resulta aún poco explotada en su estilo, los catalanes despachan en su tercer álbum nada más y nada menos que 17 cortes, intercalando de esta forma interludios entre todas las canciones propiamente dichas. La inspiración arábiga de ‘Almulk Biallawn Al’Asfar’ o ‘Threshold V’, por ejemplo, puede recordarte a Melechesh o sobre todo Necros Christos, pero ojo,

que sólo estamos hablando en términos ambientales, de ninguna forma metálicos… En esa materia Graveyard siguen tirando de death metal de la escuela más perniciosa y sueca, con alguna pizca de doom, aunque quizá es preciso destacar que la producción, enigmática aunque igualmente pesada, ofrece unas guitarras más nítidas y detallistas esta vez. ‘With Fear And Thirst’ abre fuego con gran acierto, aportando un reseñable parón que podríamos catalogar de sinfónico y auténticamente mórbido, aunque para podredumbre musical la que despachan en la opresiva ‘The Mighty Columns Of Irem’… Alcanzando proporciones hímnicas, se pelea por alzarse con el mayor protagonismo con ‘Defy And Conquer’, ‘To Earth And Death’ o ‘Hidden Amidst The Stars’, seguramente el tema más típicamente Graveyard, aunque también acabe descendiendo a las catacumbas. Con ‘The Womb Of The Desert’ seguida de ‘Threshold VII’, piel de gallina. Una obra trabajadísima a todos los niveles. PAU NAVARRA

RNDM

Ghost Riding (DINE ALONE/MUSIC AS USUAL)

POP ROCK

l presente Ghost Riding es el segundo largo de RNDM, algo así como un all star del noroeste norteamericano. Y es que detrás de estas cuatro consonantes en mayúsculas se esconden dos músicos de la talla de Jeff Ament, bajista de Pearl Jam, y Richard Stuverud, exbatería de los War Babies y Fastbacks. En cierto modo, este proyecto es la continuación en clave pop rock de la banda rock alternativo Three Fish, fundada en 1994 con idéntica base rítmica y dos discos en su haber. Su debut ya como RNDM, Acts, publicado en 2012,

era un entretenido disco de power pop, con temas directos y un deje grunge. Poco o nada que ver con este nuevo trabajo, más pop y con reminiscencias a los ochentas, tanto por los solos de guitarra como por las cajas de ritmo. ¿Será cosa del cantante y guitarra Joseph Arthur? Esta tercera pieza, la menos conocida por el gran público, suple la falta de galones con carisma y un indudable atrevimiento. Sea como sea, en Ghost Riding encontramos ecos al mismísimo ‘Heroes’ del eterno Bowie (o eso me parece ‘Stray’), piezas discotequeras (‘NYC Freaks’ no está nada mal pero el falsete Maroon 5 de ‘Got To Survive’ me supera) y algún medio tiempo de corte elegante (‘Stronger Man’ bien podría aparecer en los créditos de James Bond). La primera escucha no fue muy satisfactoria porque esperaba otra cosa y algunos momentos de Ghost Riding dan un poquito de rabia, tanta como los actuales U2, pero en líneas generales, es un buen disco de pop. LUIS BENAVIDES

MOONSORROW Jumalten Aika (CENTURY MEDIA)

VIKING METAL, BLACK METAL

ada mejor que un discazo para recuperar el tiempo perdido, y es que, tras cinco años de silencio, Moonsorrow han decidido escarbar en su propio legado para volver con todo aquello que los hizo grandes. Sólo cinco cortes para superar la hora de duración, tres de ellos traspasando ampliamente los 15 minutos, nos dejan la versión que más les disfrutamos, aquélla que no escatima en recursos folklóricos y orquestales, coros grandiosos, ceremonias paganas, épica vikinga, y que sale a los bosques de Finlandia, a plena naturaleza, para brindar un álbum sincero, norteño y verdadero. Cada tema es

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un mundo, una experiencia cinematográfica, y dada su exagerada duración, resulta complicadísimo describir todo lo que ocurre en ellos. ‘Jumalten Aika’ ya te deja con la boca abierta, ‘Ruttolehto’, que también incluye ‘Päivättömän Päivän Kansa’, es una demostración de poder sólo a su alcance. ‘Suden Tunti’ es la que, en su lenguaje, debe ser la más digerible y black sin edulcorantes, y desde luego te prepara para ‘Mimisbrunn’ e ‘Ihmisen Aika (Kumarrus Pimeyteen)’, dos colosos que debes sortear como buenamente puedas, dos picos de estratosférica altura artística. Sigo teniendo su V: Hävitetty como lo más glorioso que han grabado jamás, pero Jumalten Aika no anda muy lejos en cuanto a espectacularidad, riqueza musical y sentimiento. Moonsorrow son todavía una bandaza incomprendida, a la que las etiquetas y los prejuicios siempre le han pesado demasiado… aunque no lo dudes ni un instante: poseedora de un estilo inconfundible y un genio incalculable. Escuchar, emocionarse, dejarse ir y aplaudir. PAU NAVARRA

FAMILEA MIRANDA Radiopharm (BCORE)

POST HARDCORE

ramones, el anterior LP de Familea Miranda, ya me dejó descolocado cuando lo escuché por primera vez hace seis años. Entonces me encontré con una banda de chilenos afincados en Barcelona desde 2007 que ofrecía una música arriesgada, bizarra, casi inclasificable. A pesar de que ya no cuentan con el factor sorpresa, Radiopharm nos sigue mostrando a un grupo inquieto que va madurando y que cada vez suena más compacto: riqueza sónica, potencia, intensidad, cambios de ritmo… Podríamos llamarlo post hardcore por poner una

etiqueta y emparentarlos con bandas como Fugazi, NoMeansNo o Shellac, pero lo importante es parir buenos temas como ‘Bolero’ (4 minutos llenos de matices y con apoyo de violín), ‘Brut Nature’ (con la parte vocal más acertada de todo el disco) o ‘Bon Preu’ (con esa rítmica heredera de la escuela de Washington D.C.). En ‘Guerra Nuclear’ el trío suena vacilón y desenfadado, y, aunque militen en BCore, este álbum lo podría haber editado perfectamente el sello Aloud Music por el carácter marcadamente instrumental de la mayoría de sus composiciones. Ellos mismos han reconocido públicamente que “Familea Miranda es una banda bastante instrumental, pero siempre escribimos cosas y luego las intentamos cantar”. Con voces o sin ellas, su sexto LP supone un ejercicio que es mejor escuchar con atención que intentar describir o analizar con palabras. Poco más de media hora para sentarse, cerrar los ojos y abrir bien los oídos. JORDI FORÉS

THE CARS

The Elektra Years 1978-1987 (RHINO/WARNER)

POP ROCK

arece absurdo tener que reivindicar a una banda que ya desde su primer álbum vivió un gran éxito comercial y cuyas canciones, en especial ‘Drive’, ‘Just What I Needed’ y ‘You Might Think’, son clásicos de la FM. Pero la verdad es que, al menos en nuestro país, más allá de unos cuantos hits, pocas veces se valoran ni sus discos ni la aportación que hizo la banda por recuperar el pop de guitarras en una época en la que triunfaba la música disco. Esta cajita que recoge los seis trabajos que The Cars grabaron con su formación original (hubo un posterior

Move Like This cuando se reunieron en 2011 pero ya sin el bajista y covocalista Benjamin Orr, fallecido en el 2000) se antoja como una buena oportunidad para hacerlo. Lo primero que sorprende al recuperar estos álbumes es lo poco comerciales que podían ser a veces. Desde luego eran capaces de fabricar singles infalibles, pero al igual que otras bandas de la New Wave, eran bastante más inquietos y ambiciosos para limitarse sólo a eso. A The Cars les gustaban tanto los sintetizadores como las guitarras, y aunque ahora puedan sonar algo desfasados, se aprecia la misma voluntad de experimentar que pudieran tener Devo. Además, la peculiar voz de Ric Ocasek y sus letras con referencias sexuales los acercaban al post punk. Su debut homónimo y Heartbeat City siguen destacando por encima del resto, pero en todos ellos hay donde rascar. Es una lástima que no se incluyan temas inéditos o algún libreto, pero aun así es un placer tener su legado concentrado aquí. JORDI MEYA

PRONG

No Absolutes (SPV)

METAL

lgún día alguien tendrá que reconocer los méritos de Tommy Victor. Tras la ya lejana edición de aquella monstruosidad titulada Cleasing a mediados de los 90 que parecía que lo iba a conseguir, pero al final el éxito masivo se lo llevaron otros y Victor… siguió ahí, sobreviviendo, ya fuera con su propia banda o aportando su innegable talento a grupos como Ministry o Danzig. De un tiempo a esta parte Prong han despertado de su letargo, primero con su curioso y recomendable álbum de versiones, Songs From The Black Hole, y ahora

con un nuevo disco que, dicho sea de paso, suena de puta madre. Los tipos siguen a lo suyo, no han habido demasiado cambios respecto a su estilo habitual y siguen atacando esa mezcla de punk, hardcore y metal con la misma solvencia y contundencia de siempre. Cuando se trata de Prong se agradece que la audición comience con unos cuantos pepinazos de hardcore súper veloz marca de la casa, y ‘Ultimate Authority’ y ‘Sense Of Ease’ cumplen esa función de manera sobrada. El mundo está podrido, eso lo sabemos todos, pero por si acaso, Tommy Victor nos lo recuerda con dos bombas nucleares a piñón que además incluyen unos asesinos solos que parecen tocados por el mismísimo Kerry King. Qué alegría que algunas cosas no cambien. Conforme avanza la escucha el ritmo se ralentiza, pero no la intensidad. Victor y sus secuaces (Jason Christopher y Art Cruz parecen haber encajado a la perfección) han vuelto con las pilas cargadas y con ganas de dar mucha guerra. ANDRÉS MARTÍNEZ 87

THE QEMISTS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Bruno Balanta (voz), Oliver Simmons (voz), Liam Black

(guitarra), Dan Arnold (bajista), Leon Harris (batería) PRODUCIDO POR: Dan Arnold, Liam Black, Leon Harris AFINES A: Pendulum, Enter Shikari, Hacktivist PÁGINA WEB: www.theqemists.com

Warrior Sound (AMAZING RECORD CO) ELECTRÓNICA, ROCK

hora que el EDM moviliza más público que nunca, parece el momento ideal para que una banda como The Qemists reaparezca con su primer álbum en seis años. Lo curioso es que si hasta ahora los de Brighton eran principalmente un grupo de drum & bass con influencias rock, en su tercer álbum las tornas parecen haber cambiado y sus nuevas canciones optan por un formato mucho más cercano al rock que a la electrónica. Naturalmente ésta sigue siendo la base de su sonido, pero la han endurecido sobremanera a base de riffs de la escuela Rage Against The Machine (‘New

Design’, ‘No More’) que les permitirán actuar en cualquier festival. La incorporación de Oliver Simmons (exCollisions) como nuevo vocalista también añade ese toque rockero que buscaban como contrapunto al más rapero Bruno Balanta. Las colaboraciones de sus compatriotas Hacktivist en ‘Jungle’ o de Kenta Koie de los japoneses Crossfaith en ‘Anger’ también van hacia esa dirección. Las líneas de bajo y los ritmos bailables golpean con fuerza, y canciones como ‘We Are The Problem’ o ‘Let It Burn’ son ideales para que la pista alcance el punto de ebullición en pocos segundos. A esta rave rockera también se apuntan Charlie Rhymes en la

más comercial ‘Push The Line’ y Ghetts, que suelta sus rimas en ‘No Respect’. Con todos ellos, The Qemists consiguen que escuchar Warrior Sound sea el equivalente a beberse una de esas grandes latas de bebida energética. El efecto estimulante es instantáneo, pero, personalmente, me resulta demasiado dulzón. Y es que desde que The Prodigy derrumbaran los muros entre rock y electrónica en los 90, no han faltado grupos que hayan querido aprovechar esa brecha abierta... sin embargo, a la mayoría, y The Qemists no son una excepción, les falta el punto transgresor y la mala baba que tenían ellos. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... BRUNO BALANTA Hace poco habéis tocado por aquí junto a Enter Shikari. ¿Cómo valoras los conciertos? “¡Fueron increíbles! Siempre que nos juntamos con Enter Shikari hay muy buen rollo. Nos llevamos genial con todo su equipo. En cuanto a los conciertos, lo pasamos muy bien. Tocamos en Pamplona y en Barcelona, y la energía estaba por las nubes. En Barcelona Rou salió al escenario con nosotros para cantar ‘Take It Back’, y yo salí durante su show. Fue un gran final para una gira épica”. Vosotros empezasteis como una banda de rock... ¿Cómo fue la transición hacia el sonido de The Qemists? “Dan, Leon y Liam estaban en una banda juntos antes de nacer The Qemists. Ellos venían el mundo del rock, pero les sedujo el jungle y más tarde el drum & bass a medida que evolucionaba la

música de baile. La influencia del rock nunca desapareció, y creo que eso es lo que define la identidad de The Qemists hoy en día”. ¿Por qué seis años entre Spirit In The System y Warrior Sound? “Hemos estado redefiniendo nuestro sonido, explorando nuevas áreas creativas y, en general, evolucionando musicalmente. Durante este tiempo empezamos una relación con 7pm Management y Olly se incorporó al grupo. Durante este periodo trabajamos en muchas ideas hasta llegar a concretarlas en el álbum. No era nuestro plan hacer esperar tanto a los fans y espero que les haya merecido la pena... Te prometo que no tardaremos tanto para el próximo”. ¿Crees que cada vez veremos más grupos que mezclen rock, metal y electrónica? “El futuro será lo que sea que queramos

que sea, siempre está evolucionando. Hemos girado por el Reino Unido con Crossfaith y Enter Shikari, y puedo garantizarte que son el presente. Lo que Hacktivist hacen es el presente. Lo que Skindred hacen es el presente. Mañana podría cambiar, pero por ahora la energía y la creatividad están fluyendo”. A lo largo de los años habéis hecho muchas colaboraciones... Quería preguntarte por la de Mike Patton de Faith No More. “Fue gracias a un cúmulo de circunstancias que pudimos trabajar con él, y fue un honor que nunca olvidaremos. Por desgracia no pudimos estar en el estudio con Mike, pero fue alucinante trabajar con él por email. El tema en cuestión, ‘Lost Weekend’, se ha convertido en uno de nuestros clásicos y seis años después lo seguimos tocando”. (DAVID GARCELL) 89

SARABIX Comunión (AUTOEDITADO)

POST HARDCORE

ecuerdo la primera vez que escuché Krakatoa, el bautizo discográfico de la banda ilicitana Sarabix, publicado en 2013. Me lo aconsejó su productor, el gran Juan Ballester (Zombies And Diamonds, Virgen), y acertó de pleno. Aquello era hardcore melódico en su vertiente más rápida y técnica. Dos años después llega a mis manos Comunión, con el bueno de Juan una vez más a los mandos y también en la portada, con unos cuantos años menos y vestido de marinerito. El artwork tiene guasa, también los títulos de los temas, pero el contenido

es cosa seria. Abren con la instrumental ‘A’ y ‘La De Los Chuches’, dos temas que no desentonarían en su debut. A partir de aquí, el ahora trío, sin bajista, con dos guitarras y batería, introduce unas interesantes variaciones en su fórmula. La primera sorpresa llega con ‘La De Los Carros Chocones’, el tercer corte, pues recuerda a Metz, con un patrón de batería enfermizo y arañazos a las cuerdas, muy crudo, hasta que entra la estrofa ralentizada, una tensa calma interrumpida por una descarga de gritos y electricidad. En este disco aplican el menos es más, con menos punteos a la velocidad de la luz, y parecen haber entendido que bajar un poco las revoluciones de un tema no es signo de debilidad. Al contrario. Este cambio de chip les sienta muy bien, con resultados más que notables en ’La De Los Jabalíes Grandes’, ’La De Castlevania’ y ‘La De Kaspatat’. Post hardcore con partes burras y melodías pegadizas en un equilibrio perfecto. LUIS BENAVIDES

FACE TO FACE Protection (FAT WRECK)

PUNK ROCK

e irregular se puede catalogar la carrera de Face To Face en estudio desde aquel lejano, y polémico, Ignorance Is Bliss. Trever Keith es un tipo único al que no le gusta seguir mucho las reglas. Sus conciertos nunca se han resentido, eso es una verdad como un templo, pero, ¿qué fan del grupo no lleva esperando un disco que le pueda hacer sombra, al menos, a aquel histórico homónimo editado ya hace un par de décadas? Sin haber oído una sola nota,

ver que habían vuelto a Fat Wreck, que la portada recordaba a aquel Don’t Turn Away y que la producción estaba a cargo de la dupla Bill Stevenson/Jason Livermore, ya levantaba unas expectativas hacia Protection que, por fortuna, se han visto cumplidas. Sería una locura afirmar que este álbum está al mismo nivel que los grandes clásicos de los californianos, pero... ¡Demonios! Es escuchar los primeros acordes de ‘Bent But No Broken’, el gancho de ‘Double Crossed’ o las míticas líneas de bajo de Scott Shiflett en ‘Say What You Want’ para que no quede duda de que esta vez Trever ha querido rememorar el sonido por el que Face To Face realmente pasarán a la historia del punk rock. ¿Quién sabe? Puede que haya llegado el momento de dejar los experimentos a un lado y que, a partir de ahora, viendo que por fin tienen una formación estable, Face To Face se dediquen a recrear su estilo. Viniendo de ellos sería la mejor noticia posible para sus seguidores. RICHARD ROYUELA

TREMONTI Dust (FRET12)

HARD ROCK

uando nos enteramos de que Dust había sido grabado a la par que su anterior Cauterize, las alarmas saltaron de inmediato. ¿Serían las canciones del nuevo disco simplemente un descarte del anterior? Comprobando el resultado, parece ser que el guitarrista de Alter Bridge y exCreed tiene una doble personalidad, porque aunque estén grabados en el mismo espaciotiempo, las diferencias son abismales. Si con Cauterize seguía buscando un sonido más familiar al de las radiofórmulas del mal llamado post grunge, con Dust se acerca

completamente a registros más sonoros cercanos al progresivo. Ya era hora de quitarse ese estigma de burla que lo perseguía desde sus anteriores formaciones, porque cuando te avalan guitarristas tan reconocidos como Michael Angelo Batio es porque tienes que tener buena madera. Aun así, y sabiendo que Tremonti es capaz de muchas más florituras y destellos de genialidad, este Dust sigue pareciendo un esfuerzo minimizado para no perder a los amigos de lo fácil. Canciones como ‘My Last Mistake’ así lo demuestran, u otras como ‘Catching Fire’, donde sus influencias metaleras son más evidentes. La sensación final es la de querer desmarcarse de una etiqueta muy gastada, y pasarse al lado oscuro de las bandas que juegan con el progresivo mas agresivo, pero añadiendo líneas de melodía en cada oportunidad. Reunido con grandes artistas como Garrett Whitlock o el joven Wolfgang Van Halen, Dust es el disco en solitario con el que más personalidad ha mostrado. JORGE FRETES

THE WILD FEATHERS

Lonely Is A Lifetime (WARNER)

ROCK AMERICANO

ace un par de años The Wild Feathers se convirtieron en uno de los mejores descubrimientos que hice durante 2014. Su primer disco llegó a mis orejas y en muy poco tiempo quedé encandilado, aparte de poder disfrutarles en un par de ocasiones en concierto por aquí, donde parece que se están ganando una más que sólida legión de seguidores. Lo cierto es que lo suyo no tiene mucho misterio, pues sus canciones son puro rock americano plagado de melodías de ésas que tanto les mola escuchar a los yanquis en la radio. De

primeras, podría pensar que bandas de este tipo las tiene que haber a patadas, pero la verdad es que todos y cada uno de sus temas me acabaron enganchando una barbaridad, convirtiéndolo en uno de los mejores debuts que he escuchado en bastante tiempo. Es por ello que Lonely Is A Lifetime era uno de los títulos que tenía marcado en rojo para esta primera mitad del año. Y no han defraudado en absoluto. A pesar de que se intuye un cierto giro hacia un sonido más pop rock básico en detrimento de sus influencias más tradicionales, lo que no han abandonado es la receta para escribir canciones perfectas. Me imagino el chollazo que debe ser para su discográfica contar con un álbum que tiene singles tan redondos como ‘Overnight’, ‘Happy Again’, ‘Leave The Light On’ o ‘Into The Sun’, que son todo un caramelo para cualquier emisora. Pero por si alguno piensa que estamos ante una banda prefabricada, que se escuche la extensa ‘Goodbye Song’ y después hablamos. GONZALO PUEBLA 91

IHSAHN Arktis

(CANDLELIGHT)

METAL EXPERIMENTAL

on sus altos y bajos -muchos más de los primeros, por descontado-, la carrera de Ihsahn empieza a ser digna de estudio. Aunque la sombra de Emperor siempre estará allí donde vaya, sería injusto no valorar su trayectoria aislándola de cualquier referencia a la banda que le dio un vuelco al black metal en los 90. Que no sepamos qué vamos a esperar en cada nueva obra del noruego ya no es algo que vaya a sorprendernos, porque eso es precisamente a lo que juega Ihsahn. Aunque eso no quita mérito a que una y otra vez sepa dónde dirigirse para

no caer en lo absurdo, aburrido o incluso ridículo, algo que sí hemos visto con algunos de sus compañeros de generación cuando han querido ir de listos. Arktis, el que supone su ya sexto trabajo en solitario, sigue esa línea abierta. Cuando tras escuchar la trilogía con la que abre el álbum, donde sorprende la colaboración –muy buena, además- de Matt Heafy de Trivium en ‘Mass Darkness’, crees que estás ante el álbum más estándar de su carrera, éste pega un giro radical con ‘My Hearts Is Of The North’, una extraña y absorbente pieza de poso electrónico o esa excepcional ‘Until I Too Dissolve’, que a lo largo de sus 5 minutos tanto puedes pensar en Judas Priest -¡Ese riff!- como en Pink Floyd o Depeche Mode, y lejos de caer en la locura, acabar con la sensación de haber escuchado una gran canción pop. Quizá esa capacidad de desconcertar sea lo que mejor defina a Ihsahn, un tipo al que la etiqueta ‘metal’ se le quedó corta hace ya mucho tiempo. RICHARD ROYUELA

KARMA TO BURN Mountain Czar (SPV)

MOUNTAIN ROCK

ay una leyenda que dice que Karma To Burn intentan alejarse de la etiqueta del stoner rock simplemente porque no disfrutan de las delicias del cannabis, aunque lo cierto es que no sólo los amantes del stoner han sabido apreciar sus dotes para el rock’n’roll en su vertiente más básica. La banda regresa ahora con un EP de cinco canciones en las que queda más patente su nueva etiqueta de ‘mountain rock’. ¿Y por qué lo de montaña? Pues porque su música suena tan grandiosa como una gran superficie de rocas, sólida

y milenaria. Cuatro de estas cinco canciones tienen una relación especial con el número 60, y la oveja negra ‘Uccidendo Un Sogno’ es justamente la única canción del lanzamiento que nos introduce a un vocalista. ¿El resto? Grandes sesiones de jam con un destilado sonido orgánico para aparentar canciones de otra época. El resultado es cuanto menos curioso, porque aunque hablemos de piezas instrumentales, cualquiera de estas canciones podría pasar por una estación de radio americana con una producción más edulcorada y un atractivo vocalista. Pero Karma To Burn nunca fueron esa banda, y en una época donde el rock instrumental está más de moda que nunca (en su fusión con el post), siguen siendo básicamente unos ZZ Top modernos que tiran hacia terrenos mas agresivos que melódicos. En el reciente Mountain Czar nos vuelven a demostrar que son una de las bandas más infravaloradas de esta generación, intentando revertir esta percepción. JORGE FRETES

ABOUT LEAVING An Echo

(PICK YOUR TWELVE/ENGINEER)

INDIE ROCK

ormados en la ciudad de Barcelona a mediados del año pasado, About Leaving es el nuevo proyecto de cinco amigos, compañeros de conciertos y juergas, miembros y exmiembros de Ears, Jilguero, Furguson y Ohios. Su primera referencia, An Echo, auspiciada por la plataforma Pick Your Twelve y el sello británico Engineer Records, donde su propuesta emocional ocupa el vacío que dejaron sus amigos y admirados Her Only Presence, contiene diez temas rebosantes de ingenuidad y genialidad. Su

debut, como tantas óperas primas, presenta una gran variedad de registros. Pero en el caso de About Leaving, es algo buscado. El mejor ejemplo de esta versatilidad, sin cerrarse en exceso a nada pero sin perder su esencia, es ‘Of Those Things (That I Say & I Shouldn’t Say)’, algo así como tres temas en uno, de menos a más, con un desarrollo que atrapa y un final con gritos escalofriante. Así, en el presente An Echo, grabado y mezclado por Victor Teller en los Wave Factory y masterizado por Víctor Garcia en los Ultramarinos, encontramos una pieza semiacústica como la inicial ‘Withered Flowers’, algo de power pop marchoso en la onda The Destroyed Room como ‘Backwards’ y medio tiempos deudores del mejor emo noventero como ‘Trembling White Lines’ y ‘An Oath’. En estos cortes hay guiños, detalles, dejes, que recuerdan a bandas ahora de culto como American Football y Mineral. Casi nada. Este all star local promete y mucho. LUIS BENAVIDES

VIOLENT FEMMES

We Can Do Anything (PIAS)

FOLK ROCK

uchas bandas tienen que enfrentarse a la contradictoria lucha entre un gran éxito (sea una canción, sea un disco) y la trayectoria posterior. A los Violent Femmes seguramente también les ha tocado ser ‘los de ‘Blister In The Sun’’, con todo lo que ello comporta, bueno y malo. Han pasado rupturas, demandas entre Brian Ritchie y Gordon Gano por los royalties, baterías que salían de la banda echando pestes… y tras 16 años desde su disco anterior (sin contar el EP Happy New Year del año pasado), editan este We Can Do

Anything, título que parece ya toda una declaración de intenciones. Gano buscó y rebuscó entre antiguas grabaciones y maquetas (algunas de hace un par de décadas), y también ha habido espacio para nuevas canciones (una de las que más brillan, la bonita balada ‘What You Really Mean’, escrita por su hermana Cynthia). Pero por lo general, el sonido del disco es perfectamente reconocible: folk rock clásico de letras ácidas y actitud punk gamberra, ríendose de todo y de todos, empezando por el paso del tiempo (‘Memory’), pasando por la masturbación (‘Foothills’) o la religión (‘Holy Ghost’), e incluso inventando surrealistas historias de dragones y reyes (‘I Could Be Anything’). Escuchando temas como ‘Issues’, ‘Big Car’ o ‘Untrue Love’, uno se da cuenta de cuánto le deben bandas como Hefner o The Wave Pictures a Violent Femmes, de la misma manera que ellos le pueden deber al cantautor Jonathan Richman, sin ir más lejos. IGNASI TRAPERO

TINDERSTICKS

The Waiting Room (CITY SLANG)

ROCK ADULTO

punto de cumplir un cuarto de siglo y ya sólo con Stuart Staples, David Boutler y Neil Fraser como miembros originales, Tindersticks podrán cambiar todos los matices que quieran, pero mantienen el mismo poso. Su música flota en super slow motion, apoyados por la inigualable voz susurrante de Staples, y la sempiterna elegancia sustituye a la estridencia de las modas huidizas. Tras cuatro años en que se han dedicado a bandas sonoras y a celebrar aniversarios, la continuidad de The Something Rain tiene también mucho de cinematográfica. No sólo por sus atmósferas, sino porque abren con una versión del ‘Follow Me’ de la banda sonora del clásico de Marlon Brando Mutiny On The Bounty (aquí traducida como Rebelión A Bordo), y

BORIS WITH MERZBOW Gensho (RELAPSE)

DRONE, ROCK EXPERIMENTAL, NOISE

ras la vomitera menopáusica de Myrkur, Relapse empiezan a ganarse mi perdón. Se acabó la publicidad grosera, sí, pero también ayuda que estén firmando una primera mitad de año encomiable. A ello contribuye un trabajo como éste, la séptima alianza entre Boris y el ruidoso artista Merzbow. A razón de un CD por barba (o doble vinilo de un cuádruple álbum), la conexión nipona nos depara distorsión hasta agotar existencias, temas fieles a la trayectoria de ambas facciones (es decir, de imprevisible

porque han encargado a once directores un videoclip para cada canción. No son las únicas colaboraciones en este décimo disco de estudio de los de Nottingham, ya que también podemos escuchar duetos con la omnipresente cantante de Savages Jehnny Beth (‘We Are Dreamers’), y también otro bien especial: esa preciosa nana llamada ‘Hey Lucinda’ es una grabación junto a Lhasa De Sela, grabada en Navidad de 2009, días antes de su

muerte por cáncer de mama. El dolor por la muerte de su amiga hizo que Stuart no tuviera valor ni fuerzas para publicar antes esta canción, que ahora supone un homenaje a la cantante de origen mexicano. Piezas como ‘Help Yourself’ incluyen también matices jazzísticos, y otras maravillas como ‘How He Entered’ o ‘Planting Holes’ recuerdan a las grabaciones más delicadas de su notable discografía.

evolución) y, en definitiva, un abundante manjar de muy difícil digestión para los no versados, aunque pueda rozar lo celestial para sus fans. Lo más fuerte es que, como Dronevil, han concebido esta obra para ser pinchadas ambas partes a la vez, en distinto volumen, para que cada uno pueda tener su propio gensho (‘fenómeno’). Por separado, además de la cover de My Bloody Valentine ‘Sometimes’, el trío de Tokio plantea una reconstrucción de sus canciones más conocidas eliminando la batería, ésas que se mueven entre el drone, el sludge metal, el noise e incluso el pop oscuro,

mientras que para el material de Merzbow, totalmente original para esta ocasión, hay que echarle valor. Masami Akita nos enchufa sin compasión 74 minutos de su conocida algarabía de cachivaches, zumbidos e interferencias, logrando dibujar, imagino, el paraíso soñado por lavadoras, computadoras y neveras. Dos horas y media de transgresión que vienen a demostrar, otra vez, que Japón es un país donde la tradición y el conservadurismo sólo amagan un pueblo que no entiende de términos medios, excéntrico, pasto de la perversión.

IGNASI TRAPERO

PAU NAVARRA

MAZONI

7 Songs For An Endless Night (BANKROBBER)

ROCK ELECTRÓNICO

aume Pla lleva más de una década ofreciendo buen pop rock en catalán al frente del proyecto Mazoni. Curiosamente, su nuevo trabajo es un guiño a sus inicios con aquel 7 Songs For A Sleepless Night (2003). Un guiño no en lo musical, pero sí en la utilización del inglés y en la estructura del disco, formado por siete temas (un minielepé, que diríamos los más viejunos). Todo en 7 Songs For An Endless Night está hecho para alegrarte el día (o más bien la noche): desde su fantástica portada que retrata una de las

calles de la noctámbula y canalla Bangkok, hasta sus hipnóticas canciones (que se hacen cortas, aunque ya sabemos que lo bueno, si breve…) producidas por Brendan Lynch (Primal Scream, Paul Weller). Empezando por el single y primer corte ‘Man In The Shadows’, una pieza electrónica que abre fuego con brío, seguimos con un trallazo rockero, ‘Dead Singers’, que muy bien podrían haber firmado los Blur de sus inicios. La tercera pista, ‘Never Push A Sailor’, retoma los ritmos bailables a lo Franz Ferdinand con un bajo contagioso y la voz de Núria Graham, mientras que en la también bailonga ‘At War Against’, los estribillos son puro Primal Scream. Por su parte, ‘Pull Up The Roots’ tiene ecos de Kasabian. El inicio de la juguetona ‘In My Veins’ recuerda a los mejores Breeders y el álbum acaba con ‘Quicksands’, nuevamente discotequera y con unos coros femeninos deudores de Duran Duran. Un disco sublime que seguro que dará mucho de que hablar. HUGO DE COMINGES

ANKHAR

Deshumanizazioa (BLOOD FIRE DEATH)

THRASH METAL

ay que ver la cantidad de grupos con calidad y excelentes propuestas que últimamente nos llegan desde Euskal Herria. Si el mes pasado fueron los guipuzcoanos The Great Wound quienes nos presentaban su notable debut Voices Of Regret, ahora son sus paisanos Ankhar quienes no se quedan atrás con este proyectil llamado Deshumanizazioa. Surgidos de las cenizas de la formación embrionaria Human, han grabado su segundo trabajo después de Etorkizunarekin Jolasean

demostrando un progreso más que notable y unas evidentes pocas ganas de andarse por las ramas. Porque si algo tiene este disco es ese estilo directo y certero del thrash old school, o sea riffs rápidos, punzantes y velocidad para que tu cabeza no deje de balancearse frenéticamente. Desde luego, si te van bandas como The Haunted o Dew Sentenced, vas a disfrutar como un loco. Después de la melódica intro ‘Gaueko Ixiltasunaren Zarata’ atacan con el corte que da título al álbum y ya no van a dejar que te escapes de sus zarpas hasta las últimas notas de ‘Itzaliak’. En poco más de media hora vas a desear que balazos del calibre de ‘Beldurraren Esklabu’ o ‘Zerurainoko Harresiak’ no te destrocen el cerebro sin remisión. Porque esto es lo único que vas a recibir de estos cuatro tipos sin piedad: caña y más caña hasta hacerte sangrar los oídos y pedir clemencia. Después no digáis que no os he avisado. KARLES SASTRE

BOURBON

CUANDO MENOS SIGNIFICA INFINITO

CON UN PRIMER ÁLBUM COMO FANGO, ESTABA CLARO QUE BOURBON ERAN UNA FORMACIÓN A SEGUIR MUY DE CERCA. PERO CON SU MAGISTRAL DEVASTACIÓN HAN DESTROZADO POR COMPLETO TODOS LOS ESQUEMAS. PILLAMOS EN MADRID A LA QUE, POSIBLEMENTE, SEA LA BANDA DE ROCK MÁS EN FORMA AHORA MISMO DEL PANORAMA NACIONAL. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

UANDO UNO termina de escuchar la última nota de ‘Devastación’, el corte que cierra y al mismo tiempo da nombre a al segundo LP de Bourbon, es muy difícil no sorprenderse por varios motivos. Para empezar está esa portada tan macarra como apocalíptica que te entra directamente por los ojos y que ya por sí sola te autoconvence de que ‘esto hay que escucharlo’. Y para continuar, porque no deja de ser asombroso que tres tipos que provienen de un lugar tan a priori poco dado al rock de alto octanaje como pueda ser Sanlúcar de Barrameda se hayan sacado de la manga uno de los mejores trabajos cantados en castellano que se hayan escuchado últimamente por aquí. Por lo menos a un servidor le pilló totalmente a contrapié, aunque a los que ya les descubrieran tres años atrás con el también fenomenal Fango tal vez no les haya ocurrido, pues ahí ya quedaba claro que el combo formado por la doble pareja de hermanos Raúl (voz, guitarra) y Álvaro Guerrero (batería), y Juanma (bajo) y Pitu Gonzálvez (guitarra), desprendía una química más que especial. Aun con todo, pocos podrían haber augurado que el ahora power trio, tras la marcha de Pitu, tuviera la capacidad para dar un salto cualitativo tan gigantesco como el que han realizado en Devastación (Nooirax Producciones), en el que expanden de manera magistral su sonido hacia terrenos más psicodélicos y progresi-

vos, manteniendo los grandes riffs y solos de guitarra como seña de identidad. Una verdadera obra maestra que les encumbra entre lo mejorcito que ha salido dentro del estilo por el que se mueven (si les cito a bandas tales como Viaje A 800, The Soulbreaker Company, Rip KC o Arenna, ya se harán una idea de por dónde van los tiros). Decidido a conocer en profundidad a los protagonistas de uno de los mejores álbumes editados aquí en 2015 y aprovechando su visita el pasado 10 de marzo a la capital, donde actuaron en la sala Fun House acompañados de Tomaccos (curiosa formación que se mueve por un hillibilly-swing con aroma años 20. ¡Muy recomendables!), me cité con Raúl, Álvaro y Juanma una vez finalizada la prueba de sonido. He aquí nuestra conversación, que discurrió entre unas cuantas cañas de por medio. Es la tercera ocasión en cuatro meses que tocáis en la capital. A este paso vamos a tener que buscaros un piso para los tres... RAÚL GUERRERO “(Risas) La primera vez que tocamos con Devastación en Madrid fue en el festival que hizo Nooirax, nuestro sello, con Atavismo y The Blinded en diciembre. Después, en febrero, nos salió un concierto en Barcelona, y hacerte el camino desde Sanlúcar hasta allí son un montón de horas de coche... Así que paramos en Madrid a dormir y

ya que estábamos aquí, pues aprovechamos para buscar un bolo, que es lo mismo que hemos hecho esta vez”. Supongo que es un síntoma muy claro de la buena recepción que está teniendo el nuevo trabajo, el que cada vez os llamen de tantos sitios distintos para tocar y que volváis tan rápido. ¿Notáis que os estáis moviendo mucho más en todos los sentidos que con Fango? RAÚL “La verdad es que sí, no nos quejamos. En comparación con el anterior está funcionando mucho mejor. Estamos tocando mucho más y el disco se está vendiendo mejor”. Contadme un poco cómo se fue gestando Devastación. RAÚL “En Fango éramos un cuarteto, y con la marcha de Pitu nos quedamos como trío. Creo que empezamos a componerlo a principios de 2014. Como éramos tres, ya había que cambiar un poco el rollo también porque antes jugábamos mucho con las dobles guitarras y teníamos un estilo mucho más rockero y clásico. Hacíamos las canciones en directo antes de grabarlas también porque así nos dábamos cuenta de cómo funcionaban. Nos fuimos a grabar a Palmar con Curro Ureba, con quien ya habíamos hecho el primero, en Trafalgar Estudios. Él nos conoce y sabemos que saca un bueno sonido. Quedamos muy contentos sobre todo con eso”.

Como has dicho, antes se produjo la salida de vuestro guitarrista, Pitu Gonzálvez. ¿Qué motivos le llevaron a abandonar Bourbon y cómo afrontó este contratiempo la banda? RAÚL “Fueron circunstancias personales de él. Decidió abandonar la formación y cuando nos vimos así sólo pensamos que lo mejor para el grupo era seguir los tres, que nos conocíamos de siempre y que también nos iba a venir bien para dar un cambio al sonido. Atrevernos con cosas con las que antes no nos atrevíamos. Queríamos hacer este disco más psicodélico. Lleva más efectos, es más libre. Tiene un sonido más abierto. Da mucho lugar también a la improvisación en directo con una sola guitarra. No digo ni que sea mejor ni peor, pero diferente es. Y está funcionando. No creo que haya mucha gente que eche de menos el que tengamos sólo una guitarra en vez de dos”. Sin embargo, y a pesar de 98

tener un componente menos, Devastación es un disco sónicamente más rico que Fango. ¿Ese ligero cambio en vuestra propuesta hacia terrenos más psicodélicos es consecuencia en parte del cambio de formación o ya teníais una intención de moveros hacia esa dirección? RAÚL “Es un poco todo”. ÁLVARO GUERRERO “Consciente no fue, desde luego. A lo mejor fue más natural al estar tres que saliese de esa manera. Pero no fue algo tan planeado”. RAÚL “Simplemente íbamos haciendo canciones y salían así. A mí me parece que el formato trío te limita o te expande, según como lo quieras ver, a este tipo de sonido. También hemos estado escuchando más a bandas que antes no teníamos como referencia y ahora sí. Antes con dos guitarras y haciendo hard rock, pues era un rollo muy claro: Corrosion Of Conformity, Thin Lizzy, Trouble… Y ahora con una guitarra podemos sonar a mil

cosas. La primera canción que hicimos fue ‘Devastación’, empezamos a darle vueltas. 10 minutos de tema, con un solo súper largo, con partes instrumentales… Y dijimos: ‘Vamos a tirar por aquí’”. Como guitarrista, ¿te resulta más o menos sencillo a la hora de desenvolverte en el directo ahora que la responsabilidad de las seis cuerdas es sólo tuya? RÁUL “Ahora puedo hacer un solo de dos minutos o de uno porque no tengo que estar dependiendo de otra guitarra”. Lo cierto es que últimamente esta variante del rock con toques de los 70, stoner, psicodelia, progresivo o como se le quiera llamar, está gozando de muy buena salud por aquí. Estáis vosotros, Arenna, The Soulbreaker Company, también Cordura, que se han acercado un poco a ese soni-

do con su último disco... Pero no sé si notáis por vuestra parte que tal vez haya demasiada buena crítica, pero luego a la hora de la verdad no hay tanta gente que venga a los conciertos y se compre el disco. RAÚL “Yo creo que ahora mismo es un momentazo para las bandas en España. Hay muchísimas y muy buenas. Pero claro, hay tantas y tantos sitios... Está todo demasiado globalizado. Hoy por ejemplo en Madrid hay siete u ocho conciertos sólo aquí... Un disparate”. Y luego en otros lugares no hay nada… RÁUL “A mí el tema del público hay veces que me sorprende la poca cantidad que hay y otras lo hace para bien. Venir desde Sanlúcar para tocar en la Wurlitzer y que haya 130 personas para mi es como tocar en Wembley”. ÁLVARO “También es que la voz de los blogs o las redes sociales quizás no llegue a tanta gente como parece, porque es tan accesible...”. RÁUL “Y que es muy guay estar en tu casa y escribir ‘cómo mola esto’ y luego, cuando hay un concierto, prefieres quedarte en casa con una peli tomando una copa en el sofá (risas)”. Sin embargo, no es cierto que no haya público para este tipo de sonidos, ya que cuando vienen Kadavar, Graveyard o Clutch, sí que hay una respuesta mayor hacia esos grupos. ¿Por qué pensáis que ocurre esto? RÁUL “Es lo de siempre: el rollo de fuera se ve con otra perspectiva”.

ÁLVARO “En todos los estilos siempre hay ciertos grupos que, digamos, son los cabecillas. Sea en el punk, en el stoner retro… Siempre hay algunas que destacan y todo el mundo las sigue, pero luego lo que hay debajo, los grupos más modestos, no tienen ese seguimiento”. Particularmente, vosotros que venís de Andalucía, no sé si os sentís un tanto excluidos de alguna manera de todo el circuito de grandes giras, ya que éstas siempre se centran en Madrid, Barcelona, y si acaso alguna ciudad más del norte de la Península. RAÚL “Es que es normal también. Hay más circuito, más salas donde tocar, locales de ensayo que puedes compartir con otro grupo de colegas. En Andalucía, y sobre todo en Cádiz, es bastante complicado mantener esto a flote sin llevarte a la ruina ni desesperarte. Pero es que es lógico. Un grupo de Barcelona para tocar los fines de semana lo tiene mucho más fácil que un grupo de Sanlúcar como nosotros. Para salir tres días de gira hay que pedir días de trabajo, hacer muchísimos kilómetros en coche para tocar tres veces... Más que te aparte, te quita un poco la ilusión también. Bandas buenas allí hay un montón. Están Atavismo, El Lobo En Tu Puerta, que son de Chiclana, R.O.L.F. de Algeciras, que hacen un rollo sludge muy guapo… Yo siento que es un buen momento para los grupos de rock en España otra vez, aunque sea a un nivel muy underground. Quizás desde la última hornada, hace unos diez años cuando salieron The Soulbreaker Company, Rip KC, Viaje A 800… que levantaron un poco el

“QUERÍAMOS HACER ESTE DISCO MÁS PSICODÉLICO. LLEVA MÁS EFECTOS, ES MÁS LIBRE. TIENE UN SONIDO MÁS ABIERTO” RAÚL GUERRERO tema. De hecho, creo que ahora hay más público que antes porque yo he estado en festivales donde tocaban estas bandas y no había nadie. Pero con el tiempo sí que te das cuenta de lo que influyeron y lo buenas que eran”. ¿Habéis empezado ya a componer material para el siguiente disco? ¿En qué dirección creéis que iréis esta vez? RAÚL “Algo hay por ahí, pero estamos dándole vueltas a ver qué sale. Yo creo que va a suponer otro paso más respecto al anterior. Tampoco vamos a ponernos a hacer rockabilly (risas). A mí me gustaría entrar a grabar en verano. Yo voy a ser padre en septiembre y me quiero quitar el marrón del disco antes (risas). La idea es hacer un disco, aunque el otro día hablamos la posibilidad de hacer incluso hasta un álbum doble. Con esto nunca se sabe. Lo mismo te lleva tres años sin poder grabar ni salir a tocar por cualquier motivo. Pues ahora que podemos y que nos están saliendo las cosas del tirón, hay que aprovechar. Tampoco nos exigimos nada ni le debemos cuenta a nadie más que a nosotros mismos”.

BOB MOULD

PERDER Y GANAR

POCOS MÚSICOS LLEGAN A LA MADUREZ CON TANTA INSPIRACIÓN Y FUERZA COMO LA QUE DESPLIEGA BOB MOULD EN SU NUEVO TRABAJO. EN PATCH THE SKY, UNO DE LOS POPES DE LA MÚSICA ALTERNATIVA AMERICANA DESENFUNDA SUS MEJORES ARMAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ON LA APARICIÓN de su nuevo disco Patch The Sky (Merge/ Popstock!), Bob Mould acaba de firmar una de las trilogías más sólidas de su carrera. Teniendo en cuenta su pasado en Hüsker Dü y Sugar, eso es decir mucho (si no sabes de lo que hablo, corre a buscarlos en Spotify). La conjunción con la sección rítmica formada por Jason Narducy al bajo y Jon Wurster a la batería le ha inspirado a volver a escribir canciones en su faceta más guitarrera superados los 50, y el público ha respondido. Pero si en lo profesional las cosas le han ido de cara durante este periodo, por una mera cuestión biológica, Mould también ha visto cómo sus padres fallecían con pocos años de diferencia y eso ha marcado un tono más oscuro en las letras. En su anterior álbum, Beauty & Ruin (2014), encontrábamos la canción ‘Little Glass Pill’, en la que hablaba de una ventana y un espejo. Y eso es lo que la música es para Mould: una ventana donde los demás podemos ver el interior de su alma y un espejo en el que él puede mirarse y buscar su propia verdad. Como siempre amable y conversador, Mould atendió nuestra llamada a principios de abril desde su casa de San Francisco para hablar de sus circunstancias vitales, el proceso creativo que ha rodeado su nueva obra y algunos de sus amigos célebres como Michael Stipe o Ryan Adams.

En la crítica que hice de Patch The Sky escribí que, a pesar de los rumores de reunión de Hüsker Dü, me alegraba que fueran falsos porque nos habríamos perdido este gran disco. BOB MOULD “¡Oh, muchas gracias! Así es como me gusta verlo a mí también (risas). Lanzar la web de Hüsker Dü estuvo bien, pero yo estoy centrado en mirar al futuro. Es fácil de imaginar porque he lanzado tres discos en cuatro años, no paro de girar, he escrito un libro...”. Con tanta productividad, ¿sientes que estás viviendo una segunda juventud? “No especialmente. Creo que tiene más que ver con el contar con una gran banda. Llevo tocando con Jon y Jason mucho tiempo... ¡Dios, desde hace siete años ya! En cada disco puedes ver que sonamos como un gran grupo. Quizá si retrocedemos a 2005 ó 2008, con Body Of Song y District Line, cuando tocaba con Brendan Canty (batería de Fugazi –ndr.), también tenía a grandes músicos, pero cuando empecé a tocar con Jon y Jason, todo cuajó muy rápidamente. ¿Una segunda juventud? Te aseguro que físicamente no (risas). También es importante considerar que me siento muy cómodo con lo que hago musicalmente y que a la gente le gusta. Estoy disfrutando mucho escribiendo música enérgica

de guitarras con letras oscuras. A falta de otra palabra, diría que es una fórmula que está funcionando. No era planeado, pero es lo que me resulta más fácil en estos momentos. Hay grandes compositores que cuando se hacen mayores empiezan a querer escribir fuera de su estilo, y a veces funciona y otras no. Yo estoy escribiendo de la manera en que me resulta más familiar y cómoda”. A propósito de tu relación con Jon y Jason, me preguntaba si quizá tus actuales discos en solitario son en realidad discos de banda ocultos bajo tu nombre, o si quizá los álbumes de Sugar eran trabajos en solitario ocultos bajo el nombre de un grupo. ¿Qué opinas? “Creo que con Sugar definitivamente era un grupo. La manera en la que girábamos era más parecida a como lo hacía Hüsker Dü. Hüsker Dü tenía una manera de operar y girar muy económica. Luego, cuando hice Black Sheets Of Rain, tenía a grandes músicos pero era mucho más caro, con autobuses y todo eso. Musicalmente éramos un grupo también, pero a nivel espiritual no. Así que con Sugar recuperé eso, aunque siguiera siendo el compositor principal. Era la prioridad para todos. Entiendo tu pregunta o lo que sugieres, y quizá sí con Jon y Jason vuelve a parecerse mucho más a Sugar que 101

cuando tocaba con otros músicos. En el escenario me siento totalmente distinto. Tenemos el estilo principal de rock a mucho volumen, agresivo y pop, pero también podemos hacer canciones más lentas o tranquilas. Somos una banda más flexible. Y todo es muy fácil. Estos dos aprenden muy rápido. Hagamos lo que hagamos, suena bien”. Sí, el nuevo disco suena genial. Lo habéis grabado en los estudios Electrical Audio de Steve Albini en Chicago. ¿Qué criterios usas para escoger dónde grabas? “Es nuestra segunda vez ahí, pero es la primera vez que grabamos el disco entero en la sala principal. Steve tiene algo tremendo ahí. Cuando construyeron el estudio prestaron mucha atención a los detalles, el equipo es de primera y suena genial. Nos gusta grabar en Chicago. Jason vive ahí, tiene una familia y lo hace más fácil para él. Es una ciudad con mucha energía. Y las mezclas las hicimos en el mismo estudio en San Francisco que los dos anteriores, Different Fur. Me queda cerca de casa y puedo coger el autobús para llegar o cinco minutos en taxi. Mi ingeniero también vive ahora en la Bay Area, así que nos resulta muy cómodo. Y tienen la misma mesa con la que mezclé los discos de Sugar, así que tiene un sonido que me gusta”. Antes de grabar Beauty & Ruin perdiste a tu padre y antes de grabar Patch The Sky, a tu madre. ¿Sientes que abordaste de manera distinta estas pérdidas a la hora de escribir las canciones de un 102

disco a otro? ¿Te ayudó a pasar el luto? “Cuando pasas por algo así, hay gente que se concentra en el trabajo, otra se vuelve más autodestructiva, otra busca más el apoyo en los demás... Cualquiera que haya perdido a alguien, sabrá que a veces remontas más fácilmente que otras. En mi caso, el último año y medio me ha servido para parar y pensar. Creo que el nuevo disco es mucho más introspectivo que Silver Age o Beauty & Ruin. No creo que haya un manual para superar una situación así. Cuanto mayor me hago, más duro es, porque la muerte te rodea, la ves en tus amigos, en ti mismo... Te hace reflexionar sobre qué ha sido importante en tu vida y cuánto tiempo te queda por delante. Puedes escoger preocuparte por tus enemigos o por tus amigos. Te cambia la perspectiva. De cara al público, estos últimos años han sido muy exitoso para mí, pero detrás del telón he sufrido muchas pérdidas. Así que han sido a la vez grandes años y años muy malos. Cuando falleció mi madre lo vi como una oportunidad para tomar tiempo para mí mismo, aislarme y quedarme en casa, escribiendo... Escribí mucho, como 50 canciones, intentando que cada palabra fuera importante para lo que quería contar. Así es como pasé los seis primeros meses de 2015, usando la música para mantenerme a flote y recuperar la energía. Es un proceso loco. Me recordó mucho al periodo en el que escribí Workbook: vivo en medio de una ciudad maravillosa como San Francisco, pero apenas salía. Trabajé mucho, pero me alegro de haber pasado por ello porque creo que salí con una buena historia que contar”.

¿Te puedo hacer una pregunta personal? “Claro”. ¿Alguna vez has pensado en tener hijos? A veces cuando mueren tus padres, piensas más en esas cosas, en dejar un legado... “No sé. La idea de ser padre es muy atractiva, pero a la práctica me complicaría las cosas (risas). He pensado sobre ello. Si lees mi autobiografía, verás que uno de mis novios estaba muy ilusionado con tener hijos y lo pensamos en serio, pero al final... (risas)”. Llevas desde muy joven en el mundo de la música y, en esencia, tu propuesta sigue siendo la misma. ¿Cómo ves tu propia evolución como músico? “A excepción de los tres años entre 1999 y 2002, nunca he parado de trabajar y tocar. Siempre he tocado material nuevo junto a canciones viejas que la gente quiere escuchar y que todavía significan mucho para mí. Quizá si me hubiera retirado y hubiera vuelto haciendo cosas que se consideran más maduras, como un musical o musicalmente más complejas, sería distinto. Pero yo toco canciones que escribí con 23 años y canciones que he escrito con 54. Una detrás de otra (risas). Quizá eso tenga que ver... La verdad es que intento no pensar demasiado en todo esto (risas)”.

“DE CARA AL PÚBLICO ESTOS ÚLTIMOS AÑOS HAN SIDO MUY EXITOSOS PARA MÍ, PERO DETRÁS DEL TELÓN HE SUFRIDO MUCHAS PÉRDIDAS” BOB MOULD

Lo decía porque cuando por ejemplo escribes un tema nuevo como ‘Pray For Rain’, que desde fuera puede parecer muy simple con tres acordes básicos, ¿te sigue pareciendo válido de primeras si te sale así o es el resultado al que llegas después de haber destilado un montón de opciones? “Bueno, si no lo considerara válido no estaría en el disco (risas). Al final si algo con tres acordes me llama la

atención y le añado otro acorde en la estrofa y otro acorde en el puente, y parto el puente y luego añado otro acorde en el último estribillo y te coge por sorpresa... te das cuenta de que la canción no es tan simple como parece. Mi criterio no se basa en si es simple o complejo. Mi criterio es que, si escribo una melodía y tres días después todavía me acuerdo de ella, es que probablemente sea buena. Así es como juzgo si algo es bueno o malo. Si creo algo en 20 segundos y tres días después

todavía lo estoy tarareando, probablemente sea una buena canción”. Podría usar muchos adjetivos para describir tu trabajo, pero uno de ellos es consistente. Éste es tu duodécimo álbum en solitario y en todos han grandes canciones. ¿Sigues una disciplina o metodología, o simplemente confías en la inspiración? “Es una combinación de varias cosas. Siempre tengo una libreta en la 103

“CADA DÍA ME LEVANTO E INTENTO ESCRIBIR MÚSICA. ÉSE ES MI TRABAJO. A VECES EN UNA HORA YA SÉ QUE NO ME SALDRÁ UNA MIERDA PORQUE TODO ME SUENA FATAL, Y ENTONCES ME DEDICO A HACER OTRAS COSAS”

BOB MOULD

que apunto frases o ideas que me vienen a la cabeza. Siempre intento guardar buenas melodías. También guardo estructuras de acordes o ideas musicales vagas, así que tengo un montón de elementos con los que empezar. Y también tengo disciplina. Cada día me levanto e intento escribir música. Ése es mi trabajo. A veces en una hora ya sé que no me saldrá una mierda porque todo me suena fatal, y entonces me dedico a hacer otras cosas. Pero otros días, una hora se convierte en doce y ni siquiera he comido porque me sale buen material. Para mí el proceso consiste en estar disponible para que me lleguen esas ideas. Para este disco pasé unos tres meses haciendo eso y luego trabajé tres 104

más desarrollando las ideas que me parecían más fuertes. Tenía tres canciones que para mí eran la base de todo lo que quería contar y, a partir de ahí, pude construir el resto del disco. Necesitas tener un principio, un nudo y un desenlace. Pero a veces, puedes coger el nudo y ponerlo al principio, o coger el principio y ponerlo al final. Tienes mucha libertad para montar la estructura como quieras. Normalmente quieres poner algunas canciones más pegadizas al principio para captar la atención y luego quizá algo más tranquilo para que la gente pueda reflexionar, pero lo importante es que la música fluya con un sentido. Para mí lo que hace que sea un buen álbum es el proceso de edición. Una vez tienes todas las

piezas, el cómo decides montarlas, es básico. El final de ‘Pray For Rain’, con esos 15 segundos de música, son para marcar el final de la primera cara y pasar de los temas más melódicos a los más pesados. Todo son herramientas que uso para contar la historia”. ¿Siempre has pensado en términos de cara A y cara B de un disco o a raíz del resurgimiento del vinilo es algo que has recuperado? “Con un par de excepciones, siempre lo he tenido en cuenta. Cuál es la primera canción y cómo introduzco a la gente en la historia. En este caso empieza con un poco de música ambiental, con un loop de

Una de esas canciones de auriculares también es ‘Losing Sleep’. Cuando la escuché pensé en que la podría cantar Michael Stipe... “Interesante...”. ¿Nunca habéis pensado en hacer algo juntos? Creo que podría salir algo grande de vosotros dos. “No he visto a Michael en un par de años. La última vez fue en Nueva York, en uno de los conciertos tributo a R.E.M. en el Carnagie Hall. Estuvimos en una fiesta luego... Pero conozco a Michael desde el 82, somos conocidos, amigos... supongo que conocidos (risas)”. Quizá podrías producirle... “Creo que Michael y yo vemos la música de manera distinta. Es un gran tipo y ha hecho un gran trabajo a lo largo de los años”. ¿No has pensado en volver a producir a nadie? Me gustó mucho lo que hiciste en los 90 con Magnapop, por ejemplo. “Hay muchas buenas bandas ahora mismo. Me encanta St. Vincent, es música pop compleja. Courtney Barnett es un gran contador de historias. Hay grupos como Beach Slang o Metz que me gustan mucho simplemente como fan. Mucha gente dice que el rock está muerto y quizá el arena rock tenga menos fuerza y los

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guitarra, y cuando arranca ‘Voices In My Head’, sé que la mayoría de mis fans correrán a ponerse los auriculares. Saben que será ‘esa clase de disco’ (risas)”.

festivales a excepción del Primavera Sound o el Fun Fun Fun, se parecen demasiado, pero en los clubes pequeños sigue habiendo muchos grupos de rock buenos que intentan ganarse al público como se ha hecho toda la vida. Pero como productor, escucho el segundo disco de Metz y pienso ‘¿Qué podría haber hecho yo para mejorarlo?’. Es un disco genial tal y como está. No estoy cerrado a la idea de ayudar con la producción a un nuevo grupo, pero de momento no es prioritario para mí”. Otro amigo tuyo es Ryan Adams. El año pasado publicó su álbum de versiones de Taylor Swift, 1989. ¿Alguna vez has pensado en hacer algo parecido y grabar íntegramente el disco de otro artista? “La verdad es que no. Ryan es un compositor con mucho talento y un gran guitarrista, pero no para ni un minuto (risas). Siempre que estoy con él está trabajando en algo. No me sorprendería que tuviera cinco o seis discos que todavía no hemos escuchado. Es muy prolífico”.

cia de Hüsker Dü ahí... “Sí. No éramos la única banda que sonaba así en esos años, pero sé que fuimos una banda importante para él. Lo escuché mucho antes de que saliera, cuando estaba con él en L.A.. Suena como lo recordaba (risas)”. Candy Apple Grey de Hüsker Dü acaba de cumplir 30 años. Fue el primero que escuché vuestro y sigue siendo uno de mis favoritos. ¿Qué opinión tienes de él? “Es un disco que está bien, pero quizá le falte consistencia. Creo que tiene algunas de las mejores canciones pop de Grant (Hart). ‘Hardly Getting Over It’ y ‘Too Far Down’ han resistido bien el paso del tiempo. Pero era un momento confuso para el grupo porque habíamos fichado por Warner y las cosas empezaban a cambiar. Mi favorito es Flip Your Wig, pero si gracias a Candy Apple Grey te interesaste por mi música y ahora estamos aquí hablando, entonces es genial (risas)”.

¿Y qué pensaste de su álbum 1984? Había mucha influen105

THIRTEEN BLED PROMISES THE TOUR IS OUT THERE ARMADOS CON SU NUEVO ÁLBUM THE BLACK LEGEND Y TONELADAS DE MERCH, LOS MADRILEÑOS THIRTEEN BLED PROMISES SE EMBARCARON EL PASADO MES DE MARZO EN SU PRIMERA GRAN INCURSIÓN EN SUELO EUROPEO. ASÍ, DEJARON ATRÁS SU PLATILLO VOLANTE PARA RECORRER MILES DE KILÓMETROS EN FURGO Y CONTARNOS LUEGO SU EXPERIENCIA ENTRE LOS TERRÍCOLAS DEL VIEJO CONTINENTE. TEXTO Y FOTOS: THIRTEEN BLED PROMISES

ras unos días previos de nervios y repasos mentales de todo lo que había que llevarse a semejante aventura, llegaba el momento: partíamos hacia nuestra primera gira europea de 16 días de duración que nos llevaría por Francia, Bélgica, Holanda, Alemania y España. Siendo siete alienígenas a bordo de nuestra

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nave espacial de limitada capacidad, los cinco thirteens, a los que se sumaban un joven dicharachero a la par que profesional Daniel como tour manager/persona responsable y a Constan como conductor/técnico de sonido implacablemente armado de paciencia ante el aluvión de faders rotos y monitores cascados que le venía encima, estábamos listos.

Tras el primer tetris, sobre las siete de la mañana nos montamos en nuestra futura casa rumbo a Barcelona, cargados de sándwiches y ochios gentileza de Antonio GrinderChef. Primera fecha y en la sala Bóveda, compartiendo noche con tres pedazo de bandas hermanas, pues hemos tocado muchas veces juntos, y por si fuera poco, todos apadrinados por

Pau Navarra y su gran casa Blood Fire Death. Tras los bolazos de Hummano (con colaboración de Turri) y Hyde Abbey, llega nuestro turno. Sorpresa, el cabezal de Fran dando problemas y la guitarra de Darío pitando como nunca. Siempre dicen que hay que empezar fuerte, ¿no? Pues toma doble. Por previsión llevamos una tercera guitarra y hay más de un canal en el cabezal, así que no es gran problema. Tras un bolo divertido, nos pillamos algo fresco y disfrutamos de Stained Blood. Sin palabras, cada vez mejor y mejor. Cerramos el puesto de merch contentos por el brutal apoyo de la gente que vino y también pudimos cruzarnos con Jordi Meya y los cracks de Popular 1, ¡siempre al pie del cañón! Amanecemos en la dulce morada de Salva de los Stained, rodeados de su gran potencia cultural albergada en varias estanterías… menudo pureta. Primera noche y la batalla de ronquidos fue animal, mayúscula, increíble, la búsqueda de tapones era necesaria. Otro nuevo tetris y partimos dirección Montpellier. Llegamos a la sala Black Out y montamos el jaleo para abrir rápidamente. Esa noche nos acompañan Brainfuel y Detoxed. La gente enloqueció llegando a formar una pirámide humana, pudimos ver a Turri siendo llevado en brazos y a continuación sepultado entre gente con algún codazo desafortunado en sus

bolsas de amor… una masacre en versión apretada. Nos hizo especial ilusión esa noche conocer a Brett, quien hace unos años nos masterizó Heliopause Fleets. Flipamos con el alojamiento... ¡Era en la propia sala! Todos pillamos colchón, por lo que fue confort máximo. Con gente así se devuelve la fe a los músicos. Antes de sobar damos un corto paseo nocturno por la cerrada y solitaria ciudad, vimos nacer a Magantosaurio (alter ego de Daniel que repentinamente florece). Desayunamos por la zona unos ligeros hojaldres y partimos a Marsella, donde tocábamos con Cursed For Eternity y Horned en la sala Le Molotov. Nada más llegar a la ciudad nos quedamos pasmados por el rollo que transmite; repleta de arte urbano, una pasada. Eso sí, el tráfico era la selva. Esa noche se celebraba el cumpleaños de Tristan, guitarra de Horned, por lo que se pasaron unos cuantos individuos a festejar con nosotros. Sobamos en la casa de Nicolas, bajista de Horned. Eternamente agradecidos por semejante hospitalidad. Almorzamos en una pajarería-cafetería muy surrealista cuyo dueño se portó genial con nosotros y pudimos charlar un rato con él. Marchamos sin entretenernos mucho a Saint Etienne a por la cuarta fecha. En unas horas nos plantamos en la puerta del Thunderbird Lounge 42,

donde conocemos a los jóvenes Laniakea, muy majetes, ¡y vaya bolazo se marcaron! La sala era en la planta baja del bar, pequeña pero perfecta para reventarla. Y llega la mejor anécdota de la gira... un señor borracho se la saca y se pone a mear, goteando sobre nuestras cajas de merch. James, promotor y camarero de la sala, nos sirvió una cena caliente que alabamos dado que contenía algo de verduras… ¡Por fin algo medio sano! Montamos el merch en el sitio más peligroso jamás visto, en las escaleras de caracol, cuando James citó “if you fall I don’t know you”. A pesar de los pocos asistentes, se armó una sin nombre. Marchamos a casa de James a dormir, en un pueblito cercano. Nos recibe con comida de su familia italiana preparada en la mesa, saludamos a su perro Digger y, felices, ocupamos gustosamente todos los colchones que nos ofrecía. A la mañana siguiente un gran desayuno y a la furgo. Un gran aplauso para James. Llega un día largo de carretera, así que matamos el tiempo escuchando buena música para terminar aterrizando en Tournai, comenzando así nuestros días en Bélgica. Nada más llegar a casa de Yohan, anfitrión que ya nos recibió en nuestra anterior incursión en esta ciudad, nos ofrece UFOs con picapica dentro. ¡Vaya

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subidón! Con él nos esperaban Arthur y Nico de la banda Coroners (unos jefazos), los cuales nos habían cerrado una entrevista y actuación en la radio local, Pacifique FM, en el programa Hardtimes. Una experiencia muy emocionante. Vaya risas nos echamos cuando vimos que se llevaban al perrito que tenían en cabina, a lo ‘¡Que me lo dejan sordo!’. Constan fue el héroe de la noche sin duda por hacernos sonar con la mesa que tenían, que parecía de museo, de verdad. Nos dieron la oportunidad de pinchar bandas, por lo que sonó Wormed, Stained Blood, Dawn Of The Maya, Moñigo, Legacy Of Brutality, Cathexia, Teksuo o Aversio Humanitatis. Al día siguiente buen paseo por los canales y visita al campanario más antiguo de Bélgica, con unas vistas increíbles. Podíamos tomarnos el día con algo de relax dado que esa noche también tocábamos en Tournai. La noche llegó rápido, hoy se unían a la destrucción en la sala Mauvaise Herbe los Chikatilo, viejos amigos dado que Yannick, su batería, fue el primero en llevarnos a este país hace ya un par de años. Una agradable velada entre breakdowns asesinos y destrucción de mobiliario incluido. Antes de partir a Alemania paramos en A la Bonne Frite, nos calzamos todos una Metrallet (bocata de carne y patatas fritas con salsa que siempre estará en nuestros 108

corazones) y continuamos nuestro camino rellenos de esa mezcla frita famosa en el lugar. Llegamos a Duisburg; ese día tocaba en el centro juvenil St. Peter. Nos presentamos a las bandas con las que compartimos tarima, Machete 187, Solemn Promise, Broken Humanity, y repetimos con Chikatilo. El concepto de centro juvenil era muy curioso: crowdkillers tatuados entrando y saliendo mientras en las aulas de abajo se impartían clases de ballet para niños y niñas. Sin duda, un lugar comprometido con la gente joven. Se portaron de lujo dándonos de comer un delicioso chili vegano. Tuvimos además el placer de conocer a Perry y a Dominic, chavales encantadores que nos siguen desde hace años. Séptimo tetris del tour y a seguir hasta Amberes a Joren y Zeno de Legion To Kill, quienes nos darán cobijo. Al subir el equipo, otras escaleras de caracol infernales, las cuales Darío supera cargado, pero al llegar a la puerta tropieza con un último desnivel y, premio: uña del pie rota y pomo de la puerta de la casa arrancado de cuajo de un bicepsazo. El equipo, bien. Al día siguiente comimos en un mercado muy molón y por la tarde nos llevaron a una tienda de música metal donde arrasamos. Casi no sacamos de ahí a Dani. Damos una vuelta por la zona del puerto, subimos a un mirador, vemos

un castillo… en definitiva, turisteo de calidad. Por fin llega el momento: algo de tiempo libre para ir a una lavandería. Tras la colada volvemos a casa de Zeno para reunirnos con el resto de la banda y pasar una buena noche de birras. ¡Muy grandes! El domingo comienza con barra libre de costillares… nada más que añadir. Salimos pronto, aunque Schilde está cerca, ya que eran muchas bandas esa tarde. Allí volvemos a coincidir con casi todo el cartel de Duisburg, a los que se suman Scourge y Vicious. Es en un centro juvenil también, el Jeugdhuis Pagode. Tanto el bolo como el ambiente en general, muy bueno. Nuestro segundo día libre lo pasamos en Ámsterdam, visitando el Alien Store y otros lugares míticos de la ciudad. Esta noche dormíamos en Leiden en casa de Iñaki, primo de Turri. Debajo de su casa había un bar con jazz en vivo, ¡planazo! Tras descansar y recuperar fuerza partimos a Leeuwarden. Llegamos a The Morgue, antigua funeraria ahora okupada y en la que tienen montado un garito para dar conciertos muy majuelo. El pincha de la Morgue se pegó una buena sesión de grindcore, ¡unas cuatro horas sin descanso! Bolazo de Fumes Of Decay y gran noche de mucho descojone y cervezas. Broche de oro escuchando a todo trapo la banda sonora de Jurassic Park. De Leeuwarden nos íbamos a Amstelveen,

y vaya cambio de rollo. De la okupa (donde nos trataron genial) a una sala enorme. La P60 dispone de unas instalaciones que quitan el hipo. No nos topamos con un solo escalón, disponían de montacargas… era como estar en un sueño. Camerino repleto de comida y bebida, duchas… en fin, felicidad máxima. El equipo que andaba organizando el evento y currando era en su mayoría chavales voluntarios, pillando experiencia y demostrando una profesionalidad admirable. Constan casi llora al ver la mesa que tenía para hacernos sonar, y así fue, aquello casi se derrumba de tanto metal. Aquella noche arrasaron sobre el escenario Chained Messiah y unos jóvenes y brutales Contorted Mind, cuyo cantante tuvo una extensa conversación con Turri acerca de lo paranormal. Pudimos conocer a Benno, fan legendario. Tras recoger nos fuimos a casa de Miguel, un colega de Turri afincado en Ámsterdam. Al día siguiente toca Leipzig, que desde Ámsterdam era un viaje colosal. La jornada completa fue en carreteras alemanas, comiéndonos terribles atascos por obras, llegando bastante justos a Zoro, un increíble espacio okupado en el que nos esperaba una gran noche junto a los míticos Fuck The Facts y Wojczech. Flipamos con el lugar, ¡tiene hasta tienda de música! Una buena cena vegana y comenzamos el show prontitos dado que esta vez abrimos la noche nosotros. El bolo de Fuck The Facts nos dejó flipando, y la gente, muy simpática. Nada más amanecer salimos hacia Bourg en Bresse, una localidad cercana a Lyon donde haríamos noche en el primer motel de una estrella que vimos. Nos pegamos una cena de campeones y partimos rumbo a Salou. Llegamos a la sala Garage, donde conocemos a Mussessein, banda que nos acompaña en esta penúltima fecha. La noche tiene muy buena pinta porque es entrada libre y poco antes de empezar la puerta está repleta de juventud. Se vino desde Barcelona Juan Carlos, que demuestra ser un tío al que le encanta la banda, y a nosotros eso ya nos conquista. Vaya, comienza a llover, toca recoger el equipo con bolsas de basura y hacer el penúltimo tetris caladitos. Al día siguiente, rumbo a Madrid. Nos plantamos pronto en la entrada de la legendaria sala Barracudas, donde ya están esperándonos A New Heaven Arise y Brothers Till We Die. Era una sensación curiosa empezar a ver caras conocidas... Gran sorpresa al chocarnos con un sold out. Tanto los Brothers como ANHA, un 10. Nuestro concierto fue muy especial, nos lo pasamos como nunca, pudimos ver a fans de toda la vida, gente nueva, colegas de siempre… una completa pasada, y más cuando vemos que la gente se pasa por el merch a ayudar tras el bolo. Un final perfecto.

EXPLOSIONS IN THE SKY

LA GRAN

BELLEZA

BANDAS SONORAS APARTE, HACÍA CINCO AÑOS QUE EXPLOSIONS IN THE SKY NO PUBLICABAN UN ÁLBUM COMO TAL. THE WILDERNESS NOS DEVUELVE ESOS PAISAJES INSTRUMENTALES QUE HAN HECHO DE ELLOS UNA DE LAS BANDAS DE POST ROCK MÁS FIABLES. EL MES QUE VIENE LO PRESENTARÁN EN EL PRIMAVERA SOUND. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

UANDO CONTACTAMOS CON Munaf Rayani, uno de los guitarristas de Explosions In The Sky, lo pillamos en plena celebración del South By Southwest en Austin, la ciudad en la que reside. “Todo está un poco loco ahora mismo”, nos dice apurado. Pero a pesar del jolgorio que se escucha a su alrededor, Rayani se toma su tiempo para elaborar cada respuesta como si en ese momento fuera lo más importante, lo único, que tiene que hacer. Esa misma voluntad de no apresurarse hasta expresar exactamente lo que quiere, es en parte la que explica por qué el grupo, en el que desde 1999 milita junto a Michael James (guitarra, bajo), Mark T. Smith (guitarra) y Chris Hrasky (batería), ha tardado cinco

años en publicar un nuevo álbum. Cierto es que entre el anterior Take Care, Take Care, Take Care y el presente The Wildnerness (Bella Union/PIAS), la banda ha estado ocupada confeccionando hasta tres bandas sonoras para las películas Prince Avalanche, Lone Survivor y Manglehorn, esta última protagonizada por Al Pacino, pero el propio Rayani reconoce que les cuesta concretar sus ideas musicales. En The Wilderness, en el que por primera vez consta como coproductor su colaborador John Congleton, EITS nos muestran su cara más experimental y progresiva, con toques de electrónica y folk ambiental junto a esas guitarras expansivas que les caracterizan. Un oasis de belleza que también reclama del oyente ser escuchado sin prisas.

“LAS BANDAS TIENEN MIEDO A SER OLVIDADAS, PERO DESDE EL PRIMER DÍA HEMOS CREÍDO QUE, SI HACES BUENA MÚSICA, LA GENTE TE ESPERARÁ EL TIEMPO QUE HAGA FALTA"

MUNAF RAYANI

Vuestros tres últimos trabajos han sido para bandas sonoras... ¿Cómo os sentís al volver a publicar un álbum propiamente dicho? MUNAF RAYANI “Estamos muy emocionados. Somos una banda de rock, para eso empezamos, para hacer canciones, sacar discos y girar. Cuando haces bandas sonoras estás trabajando para otra persona, es un encargo. También es divertido trabajar con un director, pero hacerlo para nosotros mismos lo es más. Nos cuesta un montón terminar nuestros discos, así que cuando finalmente está hecho, te sientes muy realizado. Ahora es el momento de disfrutarlo”. ¿Por qué os lleva tanto tiempo hacer álbumes? ¿Sois unos perfeccionistas enfermizos? “Un poco de eso hay. Creo que en realidad lo que pasa es que somos personas muy pacientes, no tenemos la necesidad de apresurarnos si pensamos que podemos mejorar lo que tenemos. Mucha gente cree que tiene que sacar un disco cada año, pero eso no permite que la música respire y crezca. A veces parece forzado. También hay gente muy prolífica que es capaz de hacer material de calidad en poco 112

tiempo, pero no es nuestro caso (risas). Somos un poco lentos. Nos gusta darle muchas vueltas y que cada nota sea la mejor posible dentro de la mejor canción posible dentro del mejor disco posible. Eso lleva tiempo”. Durante el tiempo que habéis estado haciendo bandas sonoras, ¿habéis aprendido algo que os haya servido a la hora de grabar The Wilderness? “Desde luego. No sabría señalarte algo específico, pero el hecho de haber estado activos durante todo este periodo entre álbumes ha hecho que hayamos mantenido la mente y los oídos afilados. Creo que hemos cogido lo mejor de esas experiencias y lo hemos aplicado a este trabajo”. Cuando haces una banda sonora, tu función es trasladar la emoción de las imágenes en la música. A la hora de hacer un disco vuestro no existe esa premisa. ¿Cómo compararías ambos procesos? “Pues tal como lo has dicho tú (risas). Cuando trabajas para un director y una historia tienes una idea de cómo les gustaría que sonase la música. Nuestro trabajo es ayudar a crear esos sonidos para ellos. Somos como chefs. Si alguien te pide un plato, entonces buscamos los ingredientes y los cocinamos para servírselo. Con nuestra propia música, primero tenemos que decidir qué nos apetece comer (risas). Eso hace que tengas que pensar un poco más. Quizá uno quiere brócoli, pero otro prefiere patatas y otro dice que le quedaría bien un poco de pescado... así que es un poco más difícil”. ¿Y al final cómo lo decidís?

“Es algo colectivo. Uno propone una melodía o un ritmo y empezamos a componer alrededor de eso. Pero cualquiera de nosotros puede ser el que origine la idea. Es bastante sorprendente porque ninguno entiende muy bien cómo lo hacemos. Sólo sabemos que nos lleva mucho tiempo... y de golpe tenemos un nuevo disco, pero no recordamos cómo lo hemos hecho”. Vuestra música transpira una gran belleza. Hace siglos los artistas buscaban la belleza en su obra para acercarse a Dios. ¿Hay algo de espiritual en lo que hacéis? “Desde luego. Ojalá todos los artistas hicieran lo mismo. Aunque ninguno seamos personas religiosas, la búsqueda de la belleza espiritual a través de la música es algo que nos inspira a coger un instrumento. Lo que buscamos es hacer algo que nos emocione, y si logramos que emocione a los demás, entonces estamos contribuyendo de manera positiva en la sociedad. Especialmente ahora, con toda la cultura de las celebrities, que me imagino que es algo que también ocurre en España, la gente se convierte en famosa por nada. La gente afirma ser artista sin necesidad de crear nada. Todo el mundo puede llamarse lo que quiera, pero yo aspiro a crear arte que tenga un significado”. Además, vuestra música no busca la gratificación instantánea, le tienes que dedicar tiempo... “Exacto. Eso va conectado a por qué tardamos tanto. La sociedad actual va a un ritmo de locos, tienes que actualizar tu Facebook, tu Twitter, tu Instagram... todo el contenido que se

EXPLOSIONS IN THE SKY crea en las redes sociales es una gran montaña de basura. Y lo que ocurre es que las cosas buenas, que también las hay, quedan enterradas bajo esa montaña. Estamos en un movimiento de basura”. Desde luego. Incluso como medio sientes la presión por tener que estar constantemente lanzando noticias que igual no merecen ese calificativo, sino que son simples chorradas. “Todos somos culpables de ello. Yo no soy mejor que nadie. Todos queremos lo nuevo, lo próximo, la nueva sensación, más y más... y eso lo único que hace es promocionar banalidades. Yo creo que las cosas buenas necesitan su tiempo. Es un momento interesante en el que estar vivo porque tienes un montón de cosas buenas en la punta de tus dedos, pero mi pregunta es: ¿Qué hacemos con ellas?”. Buscar porno... “(Risas) Exacto, qué dice eso de nuestra sociedad. Pienso mucho en eso. Yo tengo 35 años, pero soy el más joven del grupo, así que crecimos en un mundo donde no existía toda esta información. Asumo que creciste en España, ¿no? Piensa en cómo accedías a la música venida de América hace veinte años. O incluso de Inglaterra. Igual

leías algo en una revista o un amigo te pasaba una cinta... y entonces tenías que esperar hasta que pudieses encontrar ese disco en una tienda y finalmente poderlo tener. Toda esa espera, las ganas de poder escucharlo, hacía que tu sentimiento fuera mucho más fuerte. Nosotros crecimos en una ciudad mediana de Texas y teníamos que ir a una ciudad más grande para tener acceso a mucha música. Todo eso permitía que tuvieras que moldear tus pensamientos... casi como una escultura. Nuestro cerebro tenía tiempo para formarse y eso desarrollaba la creatividad. Ahora siento que tenemos tanta información que quizá está dañando la creatividad”. ¿No será que piensas así simplemente porque te estás haciendo mayor? “(Risas) Es posible. Somos suficientemente mayores para haber vivido en un mundo sin internet, pero bastante jóvenes como para habernos adaptado. Sabemos cómo funciona un iPhone (risas). Pero la cuestión es cómo utilizamos todo eso”. ¿Cómo os ha ido influenciando la tecnología a la hora de hacer música durante vuestra carrera? “Nos ha afectado mucho a la hora de

grabar y en parte también a cómo creamos. Ahora podemos mandarnos melodías con un email. Antes teníamos que quedar en el local de ensayo para hacer eso. No sé qué fórmula es la mejor, pero desde luego es distinta. Nuestros dos primeros discos los grabamos en cinta, pero luego empezamos a grabar en cinta y en digital, y ahora sólo en digital. En este último disco no hay nada grabado en cinta. Quizá me hubiera gustado hacerlo, pero no creo que el disco sea menos bueno por eso. Es un poco inútil resistirte al progreso. El mundo evoluciona y evolucionar con él también puede ser hermoso. Ir a contracorriente sería complicarnos la vida”. En junio tocaréis en el Primavera Sound y por lo que veo, hay una expectación hacia el grupo bastante mayor a la que había hace cuatro o cinco años. ¿Crees que sois un ejemplo de que se puede crecer sin necesidad de ser constantemente el centro de atención? “¡Quizá sí! Como oyente me interesan más los grupos que no tengo delante de mi cara cada día. Quizá eso ha jugado a nuestro favor. Pero también me siento muy afortunado de que a pesar de los años que pasan entre disco y disco, nuestro público se multiplique. No es algo que ocurra con demasiados grupos. Las bandas tienen miedo a ser olvidadas, pero desde el primer día hemos creído que, si haces buena música, la gente te esperará el tiempo que haga falta”.

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PYLAR

COMBATIENDO EL MITO DE LA CONCEPCIÓN LINEAL DEL TIEMPO, RESCATANDO TODO AQUEL SABER QUE LAS RELIGIONES MONOTEÍSTAS HAN INTENTADO ERRADICAR, PYLAR EMERGEN CUAL FUERZA PRIMORDIAL PARA REVELARNOS LA AUTÉNTICA VERDAD. HE AQUÍ EL ALQUÍMICO RETOÑO DE LA ANTIGUA MADRE. HE AQUÍ LA GRAN OBRA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

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ESCUBRÍ PYLAR de la forma en que suelen encontrarse los grandes hallazgos musicales: de chiripa, de pura potra. Ni costosas campañas publicitarias, ni fotos vistosas en la red, ni avalancha de buenas críticas, ni la recomendación de algún allegado… No, nada de eso. Me disponía a reseñar las tres maquetas de cada mes para Demo-ledores y me topé de bruces con He Venydo A Reclamar My Trono, el que a la postre se convertiría en nuestro decimosegundo

mejor disco nacional de 2015. Por aquel entonces no podía intuir todo esto, por supuesto, pues de hecho no sabía ni el nombre de la banda que me disponía a escuchar… Una portada colorista y bastante inquietante, que sobre todo me llamó la atención por su cachalote inferior, no dejaba entrever demasiado cuál era el contenido del álbum… ni los autores, ni su vertiente estilística. Cuando me enfrenté a un larguísimo único corte vislumbré su luz, aunque tenue, muy lejana, negada y

perseguida durante eones por fundamentalismo y obtusa nueva religión. Recuperando los antiguos cultos del sur peninsular, textos sagrados cuya existencia sólo parecen recordar ellos, esta secta me embriagó con su torrente de sabiduría a medio camino entre el ambient, la psicodelia y el doom metal. Ese flujo esotérico, esa abrumadora carga de simbolismo matriarcal, obedecía al nombre de PYLAR, y como La Gran Obra, su más reciente trabajo, fue editado por Knockturne Records. Su nueva creación no es menos estremecedora y telúrica. Sin ir más lejos, se trata de poner en práctica los conocimientos que nos legó la alquimia dentro del universo sónico, y contando únicamente con dos cortes: ‘La Gran Obra’ y ‘Speculum’. De idéntica extensión, 26 minutos con 17 segundos, el segundo corte viene a ser la perfecta confrontación del primero en un espejo. Suena a total majadería, pero es lo que ocurre cuando la música consigue liberarse de armazones y solfeos para entrar de lleno en el plano mágico. LenguaDeCarpa y Bar-Gal interrumpen un rito cabalístico para abrirnos un umbral hacia todos estos secretos. Y si tras esta entrevista no quedas satisfecho, ya sabes… Sigue su consejo e invócalo tú mismo. He Venydo A Reclamar My Trono fue para mí toda una revelación. No conocía a PYLAR absolutamente de nada, y ese álbum me dejó alucinado desde el primer instante… Un año después ya estáis de vuelta con dos temas de más de 52 minutos… ¿Os resulta sencillo crear ta-

“LA ALQUIMIA HA SIDO FUENTE DE INSPIRACIÓN PARA MUCHOS MÚSICOS, AUNQUE PYLAR HEMOS SIDO LOS ÚNICOS EN APLICAR EL MÉTODO ALQUÍMICO A LA PROPIA NATURALEZA DEL SONIDO” BAR-GAL

maños viajes astrales en forma de música? LENGUADECARPA “Extremadamente sencillo. Sabemos qué fuerzas invocar para que participen en el proceso creativo. Éste sería terriblemente complejo y difícil si invocásemos a los entes equivocados… Por ello somos cuidadosos en extremo en nuestras operaciones”. ¿Por qué la utilización de la i griega en vez de la i latina? Seguro que alguna intriga hay detrás… BAR-GAL “Hemos de mantener el equilibrio. PYLAR tiene reminiscencias masculinas en cuanto a significado y había que incluir un elemento femenino. El trazo de la Y es sagrado y uno de los símbolos-ideas de la más antigua de las escrituras, aquélla que hunde sus raíces en la Edad de la Piedra. La Y esconde muchos secretos... tendrás que preguntarle a Virgilio o a los dioses hiperbóreos, a Paracelso o a la matriarca que la grabó en los ancestrales megalitos para mostrarle a los suyos de dónde procedemos. Es uno de los símbolos 115

“RECHAZAR EL TIEMPO LINEAL COMO ÚNICA CONCEPCIÓN TEMPORAL Y ACEPTAR LA CONCEPCIÓN CIRCULAR DEL TIEMPO ES EL ACTO DE REBELIÓN POLÍTICA MÁS PROFUNDO QUE PUEDA CONCEBIRSE” LENGUADECARPA más poderosos que se han concebido jamás”. Estoy absolutamente convencido de que detrás de vuestro proyecto hay los sospechosos habituales de la escena doom y stoner raruna de Andalucía, gente de Orthodox o Santo Rostro, por ejemplo. Desde luego, algo así no puede orquestarlo un chavalín de 15 años, hace falta cierto mundo y un elevado grado de veteranía… ¿Qué me decís sobre ello? LENGUADECARPA “PYLAR no tiene nada que ver con Santo Rostro. Rechazamos toda santidad y el rostro que nos embelesa es el triple de la luna. Sí hay relación con Blooming Látigo y Orthodox”. La Gran Obra sólo está disponible en cassette, limitado a 113 copias. La nota de prensa habla sobre el “número que abre un umbral hacia la demencia”… ¿Podéis desarrollarme mejor esta idea? BAR-GAL “En el capítulo 113 de 116

la historia que cuenta la caza del blanco leviatán asistimos a un ritual donde se maneja el olvidado lenguaje de los colores para acceder al gran arcano. Atravesar el umbral que te lleva a la demencia es el único camino para acceder allí donde la razón se muestra impotente ante las fuerzas atávicas que habitan en lo más profundo de nuestra mente. El poderoso simbolismo alquímico aquí encerrado nos forzó a establecer un vínculo entre esa obra y la nuestra a través de la numerología”. Bien… Sobre un patrón de batería jazz y la psicodelia habitual, luego el corte inicial, ‘La Gran Obra’, se abre paso hacia un lapso en crescendo de ambient y doom turbador. Lo que me ha dejado flipando es que la exigente ‘Speculum’ es, como vosotros decís, “un reflejo perfecto, especular e invertido, del primero”. ¿Cómo se consigue eso en términos musicales? El ritmo que la alimenta parece un vinilo puesto al revés, eso sí… LENGUADECARPA “Tú te has respondido a ti mismo. Se consigue poniendo la música frente a un espejo. No hay más. El resultado especular tiene siempre algo de monstruoso para el no iniciado, ya que éste es incapaz de admitir una pluralidad de realidades. Y esto es precisamente lo que muestra el espejo, la existencia de múltiples realidades”. ¿La naturaleza alquímica de este nuevo trabajo os ha permitido ser aún más experimentales? Quiero decir, ¿una

temática algo más de laboratorio, aunque siga siendo arcana, os ha hecho ir más lejos en cuanto a transgresión artística? BAR-GAL “La alquimia es uno de los mapas mentales más fascinantes que la Antigua Tradición nos ha legado. En PYLAR tenemos la misión de impedir que estas doctrinas caigan en el olvido. Aquí hemos acercado el proceso alquímico al plano sonoro ya que la vibración es la última frontera. Es el terror cósmico que sentimos al recordar los primeros susurros de la existencia, aquellos que aún pueden escucharse bajo la cúpula de una basílica, junto a la portada de una iglesia románica, en la profunda cámara de un templo megalítico o tras el demencial brillo de un mosaico bizantino. Alguien tiene que experimentar con ello para que los dioses que creamos en el abismo del tiempo nos guíen a través de las arenas de la irrealidad”. ‘La Gran Obra’ consta de tres partes, Nigredo, Albedo y Rubedo, tres palabras que suenan a chino para cualquier persona que no esté versada en tales ciencias. ¿Podéis contar mejor qué encierra todo ello? BAR-GAL “La alquimia ha sido fuente de inspiración para muchos músicos, aunque PYLAR hemos sido los únicos en aplicar el método alquímico a la propia naturaleza del sonido. De esta manera, las tres partes en que se divide el proceso que desemboca en la consecución de La Gran Obra fueron usadas para transmutar nuestra composición. Así, la música transmuta mientras estas partes se

van sucediendo, siguiendo estrictamente las leyes del proceso. El resultado final está reservado para aquellos que puedan alzar el velo de la más antigua de las ciencias”. Si vuestro anterior trabajo se dedicó al culto de la Triple Diosa líbica, ¿éste os coloca en otro punto distinto o todo ello sigue un plan para llegar a un fin trazado desde el principio? LENGUADECARPA “En PYLAR ni hay plan ni hay fin, sólo un constante devenir circular. Los fines y las metas son los cebos del tiempo lineal que te enganchan al anzuelo de Kronos. Todas nuestras plasmaciones sónicas han sido ya realizadas en la espiral ajena a lo lineal”. Un poco en esta línea, y dada vuestra velocidad a la hora de entregar nuevo material, ¿tenéis más o menos pensado hacia dónde se dirigirá vuestra próxima obra? La temática, como mínimo… BAR-GAL “Ahora mismo estamos inmersos en la invocación de dos nuevos trabajos que verán la luz tras el equinoccio de otoño. El primero de ellos describirá sónicamente el poder de las piedras que forman parte de los templos megalíticos. El segundo supone una peligrosa e inconcebible incursión en las cosmogonías protoneolíticas de la Antigua Europa donde nosotros mismos hemos perdido el control y nos estamos viendo guiados por fuerzas atávicas que llevan

largo tiempo dormidas, al igual que aquél que habita en la ignota y no euclidiana R’lyeh”. ¿Qué textos antiguos o filosofías inspiran todo vuestro universo? ¿De dónde sacáis estos conceptos nada comunes en la actualidad? Desde luego, no estamos hablando de libros o tratados que se encuentren en cualquier biblioteca de barrio… LENGUADECARPA “No hay inspiración, hay invocación y posesión. Los nombres de los seres invocados no pueden representarse, sólo mostrarse. Y como nos estamos comunicando por un sistema simbólico de representación, esos nombres no podrán ser revelados. Invócalos tú mismo y se mostrarán”. ¿Cómo es PYLAR en directo? ¿Os da miedo que exponeros demasiado en público pueda 118

acabar con el hermetismo y el enigma creado en torno a la banda? LENGUADECARPA “No hay enigmas en PYLAR. Todo lo contrario. El que mostremos diferentes realidades no implica que éstas se oculten unas a otras. Es más, lo que mostramos es que tales realidades están solapadas e intrincadas unas con otras. PYLAR en directo consiste en ritos de invocación para doblar el tiempo lineal y convertirlo en circular”. ¿Os suscita algún interés la actualidad, temas sociales o la política? ¿En pleno 2016 hay algún atisbo de esoterismo digno de mención o preferís seguir volcados en las mitologías y ciencias de hace siglos? Por otro lado, reivindicar el matriarcado primordial viene a ser una especie de feminismo milenario con la voluntad de extirpar lacras

como la violencia machista, ¿o no? LENGUADECARPA “Rechazar el tiempo lineal como única concepción temporal y aceptar la concepción circular del tiempo es el acto de rebelión política más profundo que pueda concebirse. El Estado, el capitalismo, las religiones monoteístas, el patriarcado... todo ello nace de una concepción lineal del tiempo. Mitos como el del crecimiento económico, el del dios creador y padre omnipotente, el de la supremacía del Yo, el de lo inmutable y fijo, y otras construcciones a las que nos oponemos, tienen todos su raíz en una visión lineal del tiempo. Aceptar el devenir eterno, la mutabilidad constante y ubicua, así como el círculo, es el más radical de los posicionamientos políticos”. ¿Qué opinan vuestras madres de vuestras pintas? Imagino que las debéis de venerar como si gobernaran en la Isla de Baal… BAR-GAL “Nosotros somos la Madre, la de muchos rostros, la ubicua. La maternidad es el aspecto más importante para el ser humano, aunque muchos y muchas lo hayan olvidado. Nuestra apariencia es heredera de aquellas brujas que no fueron quemadas en la hoguera, de aquellas matriarcas que mantuvieron a su clan a salvo de los anhelos patriarcales que lo están destruyendo todo. ¡Larga vida a la Antigua Madre y que todos renazcamos en su eterna matriz!”.

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BRING ME THE HORIZON 11 DE ABRIL DE 2016 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: NADIA NATARIO

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DON BROCO

n la vida hubiera pensado que aquellos niñatos que debutaron con Count Your Blessings hace una década llegarían algún día a llenar salas como La Riviera o Razzmatazz agotando las entradas con meses de anticipo. Pero la realidad es que si como banda de deathcore o metalcore eran bastante mediocres, Bring Me The Horizon se han destapado en los últimos años como grandes creadores de canciones de rock moderno, o hasta de pop si me apuran. Quienes no les tragaban siguen sin hacerlo, incluso encuentran más motivos para ello, pero en el camino han conectado con un montón de gente que los tiene como SU banda y por eso está dispuesta a empezar a hacer cola a las seis de la mañana. Viendo su actual espectáculo tampoco cuesta mucho adivinar por qué. El empaquetado es perfecto tanto musical como visualmente. El flow de su repertorio está diseñado para que la energía suba y baje en los momentos adecuados. Y para qué negarlo, Oli Sykes parece que nació

para esto. No será el mejor cantante del mundo –tampoco es tan malo como dicen, y en muchos momentos es el teclista Jordan Fish quien se ocupa de algunas partes-, pero desde luego domina perfectamente el arte de ser un frontman. En ese aspecto también va bastante suelto Rob Damiani, el cantante de Don Broco. La pena es que toda la energía que tiene tanto él como la banda no se sustenta en temas que de verdad enganchen por mucho que usen todos los trucos para ello. Más cerca de Duran Duran que de Rage Against The Machine, de quienes interpretaron un cacho de ‘Killing In The Name’, no acabaron de convencerme, la verdad. Por su parte, Bring Me The Horizon empezaron, como en That’s The Spirit, con la tensa ‘Doomed’ y ‘Happy Song’ con la gigantesca pantalla de fondo guiando los cánticos de cheerleaders del disco a modo de karaoke. La euforia empezaba a desatarse. Un par de temas de Sempiternal, ‘Go To Hell, For Heaven’s Sake’ y la cañera ‘The House Of Wolves’, con ese “brick

by brick by brick” cantado por las primeras filas, dieron paso a una batería de hits al alcance de pocos grupos actuales: ‘Chelsea Smile’, ‘Throne’, ‘Shadow Moses’, ‘Sleepwalking’, ‘True Friends’, ‘Follow You’, ‘Can You Feel My Heart’ y una feroz ‘Antivist’, durante la cual Rob de Don Broco se lanzó al público, sirvieron para que los fans se vaciasen a gusto y el grupo saliera del escenario con la faena hecha. La lenta ‘Blessed With A Curse’ pudo parecer anticlimática en un primer momento para empezar el bis, aunque la parte de “Taaaake baaaack every word I say” fue de nuevo gritada como si a la gente le fuera la vida en ello, y los mecheros y móviles iluminando la sala crearon una atmósfera especial. Pero el verdadero brillo llegó cuando cerraron el concierto con ‘Drown’, que en directo suena con la fuerza y emoción de un verdadero himno generacional. Si su público crece con ellos, algo que ya empieza a notarse en la edad media de los seguidores, tenemos Bring Me The Horizon para años. 121

AT THE DRIVE-IN 10 DE ABRIL DE 2016 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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on la visita de At The Drive-In llegó uno de los conciertos más esperados del año. Y aunque las grandes expectativas suelen jugar malas pasadas, salimos de la abarrotadísima Razzmatazz encantados con el quinteto más célebre de El Paso. Se trataba de una ‘casi reunión’ porque el guitarrista original, Jim Ward, se apeó pocos días antes del inicio de la gira europea. Y mentiría si dijera que lo echamos de menos en Barcelona, porque en su lugar estaba el superclase Keeley Davis, el cantante y guitarra de los míticos Engine Down, también en las filas de Sparta. El repertorio de la banda, que subió al escenario perfectamente uniformada de negro, estaba centrado en el antológico Relationship Of Command del año 2000, un disco de post hardcore irrepetible y generacional, aunque también atacaron un par de

temas del álbum anterior, In/Casino/ Out, y del EP de transición Vaya. De hecho, abrieron fuego, como en el disco, con las explosivas ‘Arcarsenal’ y ‘Pattern Against User’, con un Cedric Bixler-Zavala muy enchufado, moviéndose por todo el escenario y saltando desde los amplificadores en repetidas ocasiones. A sus 41 años ya no se mueve tan excéntricamente como en sus tiempos mozos, pero ya quisieran muchos frontmen menear el micro y moverse por el escenario como él. Las maracas con las que introduce ‘Arcarsenal’ le quemaban en las manos y las lanzó al respetable. Y tardó poco, muy poco, en saltar al público. Fue en el tercer tema, ‘Sleepwalk Capsules’. Quedó claro que Bixler-Zavala no tenía previsto dosificarse. Se notaba que despedían su gira europea en nuestra ciudad y echaron el resto. Su socio en The Mars Volta, Omar Rodriguez,

se mostró algo más contenido. Sin llegar a la discreción de la base rítmica que forman Toni Hajjar y Paul Hinojos, Rodriguez-Lopez acaparó todas las miradas y flashes en cuanto sobresalían sus imaginativas e inclasificables guitarras. Como en ‘Catacombs’ o en la power ballad ‘Napoleon Solo’, que Cedric dedicó a la magnética Teri Bender Gender, al frente de los marcianos Le Butcherettes, sus compañeros de gira. Las últimas palabras de Cedric, que también recordó su primer concierto en nuestro país gracias al sello barcelonés BCore, fueron para agradecer a su equipo el duro trabajo realizado durante toda la gira. Justo después cayó la obligada ‘One Armed Scissor’, que sonó como un tiro, y se esfumaron entre aplausos encendidos y mandíbulas desencajadas. Nadie esperaba un nuevo disco de ATDI, pero después de este bolazo… I want to believe! 123

CHRIS CORNELL 21 DE ABRIL DE 2016 GRAN TEATRE DEL LICEU, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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l día amaneció en Barcelona con nubes negras y una lluvia incesante. El espíritu de Seattle parecía haber impregnado el clima en honor a la segunda visita de Chris Cornell a la capital catalana tras una ausencia de 17 años. Y aunque por la tarde salió el sol, apenas una hora antes del concierto, el ambiente volvió a oscurecerse con la inesperada noticia de la muerte de Prince. El cantante de Soundgarden actuaba dentro de la programación del Suite Festival y aunque cuando se anunció, pudo descolocar un poco tener que ir a verle al gran templo de la ópera de la ciudad, si consideramos que para muchos Cornell es La Voz, no parecía tan fuera de lugar que actuara en un escenario acostumbrado a recibir a grandes intérpretes. Más desubicados podíamos sentirnos el público, caminando por una gran alfombra y sentándonos en butacas de terciopelo rojo para escuchar algunos himnos de la generación grunge bajo la impresionante cúpula del Liceu. Como

era previsible, Cornell salió al escenario entre una gran ovación y dedicó sus primeras palabras a Prince antes de arrancar con su versión de ‘Nothing Compares 2 U’, que en su actual gira en solitario suele reservar para la recta final de los conciertos. Acompañado ocasionalmente por el chelista Bryan Gibson -todo un crack que también tocó el teclado en ‘Before We Disappear’ y la mandolina en ‘Nearly Forgot My Broken Heart’-, Cornell repasó durante dos horas y media algunos de los temas más significativos de su carrera y un puñado de temas ajenos (‘The Times They Are A-Changin’’ de Dylan adaptando la letra a los tiempos actuales, ‘One’ de U2 con la letra de ‘One’ de Metallica, ‘Billie Jean’ de Michael Jackson y una magistral ‘A Day In The Life’ de los Beatles). Se mostró estupendo de voz (todavía llega a notas imposibles) y de aspecto (es un FILF en toda regla), y comunicativo con el público bromeando con los pobres fans situados en el gallinero, declarando su amor por la magia de

Barcelona, sacando a su hija de 11 años para que saludara o contando anécdotas como que había asistido a un concierto de Prince en Seattle con Andrew Wood y éste había acabado vomitando de los nervios. El recuerdo del fallecido cantante de Mother Love Bone también estuvo presente en las tres referencias del disco de Temple Of The Dog, las magníficas ‘Say Hello 2 Heaven’, ‘Hunger Strike’ y ‘Wooden Jesus’. Aunque hubo algunos momentos bajos (‘Doesn’t Remind Me’ de Audioslave es de lo más insignificante que ha escrito nunca), se vieron compensados de sobras por las tremendas interpretaciones de ‘Fell On Black Days’, ‘Blow Up The Outside World’ (con un final psicodélico), ‘Black Hole Sun’, ‘Rusty Cage’, ‘When I’m Down’, ‘Sunshower’ o ‘Seasons’. Hasta ‘You Know My Name’, su tema para 007, sonó inspirada. La espiritual ‘Higuer Truth’, que da título a su último disco, fue la elegida para cerrar un concierto único y emocionante. Ojalá que no irrepetible. 125

WEEZER 8 DE ABRIL DE 2016

HEINEKEN MUSIC HALL ÁMSTERDAM (HOLANDA) TEXTO Y FOTO: KIKO VEGA

anciones de todos los colores. Eso fue el regreso de la banda de California a las tierras que no pisaban desde 2001. Con el mismo repertorio que en Manchester y Londres, algo completamente lógico teniendo en cuenta el miedo escénico y social de su líder, Rivers Cuomo, Weezer conquistó el corazón de una Europa entregada que no dejó de cantar ni una sola canción del show. Sobre el papel, la cosa era entregar lo que no ofrecían en escena desde la salida del disco verde, así que nadie esperaba salidas de tono y sí esa mitad del disco blanco adornando un greatest hits de libro. Con los primeros compases (grabados) de la intro de su nuevo e inmaculado trabajo, arrancaron ‘California Kids’, éxito instantáneo y una de esas canciones que no sabes si van deprisa o despacio. Comenzaba la magia de una espera amenizada por 126

los teloneros Dinosaur Pile-Up, fans confesos de Weezer. Después las luces se volvieron azules, que venía ‘My Name Is Jonas’, y dejaron paso a los tonos verdes de ‘Hash Pipe’ y a los naranjas de ‘Back To The Shack’. Sí, las luces del concierto jugaban con los colores de los discos que tanto hemos escuchado durante dos décadas y pico. ‘L.A. Girlz’ volvía a iluminar un escenario que se oscureció para recibir ‘El Scorcho’ y enrojeció con ‘Troublemaker’ y ‘Pork And Beans’, momento divertido del concierto cuando Scott Shriner perdió el compás del efecto que adorna la melodía, detalle que no pasó desapercibido por un Rivers que se vengaría de la caja de ritmos a baquetazo limpio. ‘If You’re Wondering…’ deshidrató a todos los presentes y ‘Do You Wanna Get High?’ nos dio un respiro antes de ‘Cleopatra’, armónica incluida. Justo después, Shriner se colgó un

doble mástil para la instrumental ‘The Wasted Land’. No entrarían en esta crónica todas las sensaciones que uno tiene ante un acontecimiento como éste... Servidor los había visto en el asfixiante show de la sala Arena de Madrid presentando el disco verde y han sido muchos años de espera, pero el detalle de incluir una cara B tan increíble como ‘You Gave Your Love To Me Softly’, con Brian Bell a la voz, es impagable. No todo fue perfecto y en ‘Island In The Sun’ hubo algún problema con la guitarra que todos perdonamos porque apreciamos la visita. Con ‘Undone – The Sweater Song’ terminaron poco más de una hora de concierto que volvería a tope con ‘Beverly Hills’ del estupendo Make Believe (se echó de menos ‘Perfect Situation’), uno de los álbumes más incomprendidos fuera del fandom, para terminar con ‘Buddy Holly’, la canción que lo empezó todo.

BLACK MOUNTAIN 31 DE MARZO DE 2016 SALA ARENA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: JAVIER PÉREZ

e estar más de un lustro sin saber nada de Black Mountain hemos pasado a poder verles en dos ocasiones en menos de un año. Si su participación en el pasado Azkena ya fue motivo de celebración, que regresasen tan pronto y con un nuevo trabajo tan bueno como IV suponía toda una alegría, y más aún sabiendo que esta vez les veríamos en el marco de una sala. A pesar de que su nueva obra vería oficialmente la luz al día siguiente y ‘en teoría’ presentaban temas completamente nuevos para el público, éste acabo respondiendo como la ocasión merecía. Aunque bien es cierto que el respetable se tomó su tiempo para ir entrando en la Arena, siendo víctimas colaterales The Backhomes, que ejercían de teloneros. La sala aún presentaba un aspecto un tanto desolador cuando el dúo se dispuso a acometer la media hora de actuación de la que disponían. Tampoco les ayudó que

sus canciones de pop psicodélico sean bastante planas y sin mucha gracia. Sin pena ni gloria, vaya. Y casi con la misma pasividad que tocaron aparecieron casi sin darnos cuenta los canadienses sobre las tablas. Sin grandes introducciones ni ceremonias innecesarias. Está claro que en cuanto a carisma o puesta en escena se refiere no van precisamente sobrados, pero es que lo suplen con lo que de verdad importa: música en mayúsculas, señores. Empezaron atrayéndonos con los suaves cánticos de ‘Mothers Of The Sun’ y engancharnos con esa descarga de riffs para entonces sacudirnos con la rápida ‘Florian Saucer Attack’. Para cuando estábamos alucinando con ‘Tyrants’ ya habíamos caído rendidos a su merced y los de Stephen McBean nos llevaron por donde quisieron. ¿Que querías guitarrazos a lo Black Sabbath? Pues ahí estaban ‘Stormy High’ y ‘Wilderness Heart’ para ponernos a menear el cabezón. ¿Que tocaba ponerse místico

y reflexivo? ‘Crucify Me’ y ‘Line Them All Up’ subían enteros respecto a sus versiones de estudio. ¿Que ahora te apetecía un viaje psicotrópico? ‘Space To Bakersfield’ nos ponía a levitar mientras pensábamos que estábamos delante de los mismísimos Pink Floyd. Y es que el lenguaje que manejan Black Mountain es tal que en un mismo concierto se pueden conjugar hard rock, indie y psicodelia con un nivel excelso. ‘Cemetery Breeding’, otro de los mejores cortes de su última referencia, fue una auténtica delicia, y ya en el bis nos desmelenamos con las guitarras de ‘Don’t Run Our Hearts Around’ y entramos en trance colectivo con el ritmo hipnótico de ‘Wucan’. Tal como entraron se fueron sin hacer ruido, con apenas algún tímido “gracias” de por medio. No hacía falta nada más, pues todo lo que tenían que decir ya había quedado demostrado durante la hora y media anterior. Gente corriente haciendo música de otra galaxia. 127

FRANK TURNER 4 DE ABRIL DE 2016 SALA ARENA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: RUBÉN NAVARRO (BARCELONA)

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DUCKING PUNCHES

amos a ver... Ayer fue lunes. Me tocó madrugar, no paré en el trabajo, se pasó todo el día lloviendo y encima llegué pasada la medianoche a casa para volver a levantarme bien temprano esta misma mañana. Entonces, ¿cómo demonios es posible que todavía siga con una estúpida sonrisa de oreja a oreja? La respuesta es bien sencilla: Frank Turner. Quienes le hayáis visto alguna vez en directo ya sabéis de lo que estoy hablando... Justo hace dos años y en la misma sala de la capital, ya ofreció uno de los mejores recitales que hemos podido ver en mucho tiempo, algo de lo que nos moríamos de ganas de volver a ser partícipes, por lo que su gira estaba bien marcada en rojo en el calendario. Desafortunadamente, parece que a pesar de que cada vez hay más gente interesada en él y que cada uno de sus conciertos por nuestro país parecen contarse por victorias, todavía no es suficiente como para llenar todos los recintos. En Madrid hubo una más que buena entrada, pero

personalmente tenía esperanzas de que fuese incluso mayor. En cualquier caso, y antes de nada, Ducking Punches, o mejor dicho, su líder Dan Allen, solventó la complicada papeleta de abrir fuego sin contar con sus compañeros habituales. Armado únicamente de su guitarra, supo conectar rápidamente con un público que, al contrario que en otras ocasiones, sí estuvo a la altura del comportamiento que merece una actuación acústica. Desde luego gustó y mucho, dejando el terreno perfectamente caldeado para que Frank y sus socios de The Sleeping Souls pusieran la pista patas arriba poco después. La vitalista ‘Get Better’ dio el pistoletazo de salida a dos horas de puro desenfreno emocional, con Turner empuñando una Gibson en lugar de una acústica. Un detalle más que significativo, ya que desde ese momento la electricidad se contagió al resto de la sala en cuestión de milésimas. Bailamos con ‘Try This At Home’, brincamos de lo lindo con ‘If I Ever Stray’ y nos dejamos los pulmones cantando hasta la última

estrofa de ‘The Road’. Dudo que hubiera alguien que pudiera permanecer impasible ante semejante despliegue de energía. Con un desternillante castellano nos cantó una ‘Eulogy’ en la que tuvo los huevazos de reemplazar a Freddie Mercury por nuestro Manolo Escobar. No faltó tampoco el mini set en solitario, rescatando ‘Wanderlust’ y una ‘The Way I Tend To Be’ con momentos de silencio absoluto que ponían todos los pelos de punta. Regresaban The Sleeping Souls y la fiesta continuaba: ‘Reasons Not To Be An Idiot’, ‘Josephine’, ‘Recovery’ y hasta una ‘Out Of Breath’ donde, a petición de Frank, Joselito Maravillas de La MODA protagonizó un loquísimo crowd surfing en el que recorrió todo la sala. Sólo tras ‘I Still Believe’ y el desmadre colectivo de ‘Four Simple Words’, con el que concluyeron, ya comenzamos a notar el desgaste y el cansancio de cara a lo que nos esperaría en clase o en la oficina al día siguiente. Y a pesar de ello, ojalá todos los lunes fuesen así. 129

SLEAFORD MODS 8 DE ABRIL DE 2016 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ue hacer las cosas sencillas es algo difícil de conseguir es una máxima que se aplica a Sleaford Mods. El concepto no puede ser más simple, pero analizar dónde está la clave para que dejen hipnotizadas a cada una de las personas que los ve encima de un escenario, no es tarea fácil. Sólo se me ocurre una explicación: la sinceridad. Una sinceridad, añadiría, que tiene doble valor al venir de unos tipos ya entrados en los 40 y que han visto cómo, por los pelos, han podido escapar del agujero al que estaban condenados de por vida. Imagínense el mismo escenario pero cambiando los protagonistas por dos jovenzuelos que se encuentran el éxito de sopetón. La arrogancia inglesa saldría a flote desde el minuto uno, pero poco de eso encontramos en Sleaford Mods. James

Williamson se sigue dejando el alma en cada verso que escupe de su boca –en muchos momentos, de manera literal-, y esas odas al desempleo, la exclusión social o el desencanto suenan con la sinceridad de alguien que lo sigue viendo de reojo. Williamson sabe lo que significa que el tipo que los está viendo tenga que hacer un esfuerzo para pagarse una entrada y, a pesar de lo tosco de su mensaje y actitud escénica, acaba proyectando una extraña imagen de calidez y cercanía que hace que te imagines con él tomando una cerveza una vez baja del escenario. Eso por no hablar de la sonrisa perenne, birra en mano, que dispone Andrew Fearn, quien parece estar viviendo el mejor momento de su vida cada vez que dispara una de sus bases. Sleaford Mods conectan por su actitud, eso no cabe duda,

pero también tienen canciones y más variedad de la que se les reconoce. Pueden pasar del post punk al hip hop casi ortodoxo sin despeinarse y seguir sonando a ellos y, además, a lo tonto se están haciendo un repertorio de grandes éxitos con temas como ‘Tied Up In Nottz’, la cual tuvieron que parar y volver a empezar con la mayor de las naturalidades, ‘Jolly Fucker’ o ‘Jobseeker’, que son coreados ya por el público -menos numeroso del que se esperaba y merecen- como si le fuese la vida en ello. Sleaford Mods han conseguido tocar la fibra a ese segmento de mediana edad que se ha dado cuenta de que las bandas generacionales no están sólo destinadas a los adolescentes. Más que un concierto, verlos genera cierta sensación de catarsis y el pensar que todo es posible, y no necesariamente malo. Grandes. 131

JD MCPHERSON 6 DE ABRIL DE 2016 JOY ESLAVA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JAVIER PÉREZ

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JAKE LA BOTZ

ran noche para el rock’n’roll en Madrid, la que se dio el pasado miércoles 6 de abril. En pleno centro de la ciudad y en tan sólo un radio de medio kilómetro se produjeron dos sold outs, ambos de formaciones con claro gusto clásico dentro del estilo. Seguro que alguno aprovechó incluso para hacer doblete, ya que los horarios permitían la jugada si se estaba raudo y veloz. Mientras los incombustibles The Bellrays patearon culos en la sala El Sol, nosotros nos decidimos por acercarnos a la Joy Eslava para ver a JD McPherson. Al igual que la semana anterior con Black Mountain, el de Chicago fue uno de los artistas que más nos gustó del pasado Azkena Rock Festival y estábamos más que dispuestos a repetir. Entramos justo cuando Jake La Botz se disponía a tomar asiento con su guitarra para interpretar varias piezas de puro sabor americano. Ya se sabe que este tipo de envites siempre suelen ser delicados para el que se expone

ante un público ajeno en tales circunstancias, y por desgracia el bueno de Jake no consiguió terminar de romper el hielo mientras el respetable iba llenando la sala. En cambio, a McPherson y su banda les bastó con atacar con fiereza la sureña ‘Bossy’ para comenzar a calentarnos. Y eso que la respuesta inicial fue algo más fría de lo esperada y dio la impresión de que los asistentes no acababan de meterse de lleno en el concierto... Entre tanto iban cayendo varias canciones de su primer Signs & Signfiers, siendo evidentemente ‘North Side Gal’, ‘I Can’t Complain’ y ‘Fire Bug’ las más celebradas. Quizás no fue hasta la portentosa ‘You Must Have Met Little Caroline?’ que la cosa verdaderamente empezó a ponerse seria. JD dirigía a sus compañeros bajando y acelerando el tempo de los temas a su antojo, con un control absoluto. Me cuesta mucho recordar un concierto reciente en el que haya presenciado semejante ejecución y sonido de manera tan

milimétricamente perfecta. ¡Si es que por momentos parecía que estaba sonando el disco de fondo! Como si de un Marty McFly recién regresado del pasado en versión 2016 nos puso a bailar de lo lindo con ‘Head Over Heels’, ‘Mother Of Lies’ y ese himno al buen rollismo que es ‘Let The Good Time Roll’, una canción que podría resucitar a un cementerio entero y ponerlo a bailar. Cuando se trataba de bajar las pulsaciones, sencillamente lo bordaron en baladones como ‘Precious’ o la revisión del ‘Rome Wasn’t Build In A Day’ de Nick Lowe, para desmelenarse nuevamente con ‘Wolf Teeth’ y su explosiva jam. Volvieron al escenario acompañados por Jake La Botz para acometer otro clásico de Hank Williams, ‘My Bucket’s Got A Hole In It’, que supieron trasladar acertadamente a su terreno, finalizando con ‘Scandalous’. Ovación cerrada y agradecimiento sincero por parte de un joven maestro del rock’n’roll de los que ya van quedando menos. 133

DE GIRA

COUNTERFEIT

3 DE MAYO SALA BIKINI, BARCELONA 4 DE MAYO SALA CARACOL, MADRID

s posible que haya gente que te conozca como actor por tus papeles en la saga Crepúsculo, Sweeney Todd o Harry Potter... Sin embargo, Counterfeit es un grupo desconocido por aquí. Cuéntanos, ¿qué te motivó a formar el grupo y cómo empezasteis? JAMIE CAMPBELL BOWER (voz) “Bueno, yo llevo haciendo música desde que tenía 15 años. Tocaba en grupos en la escuela y di bastantes conciertos. Luego estuve con The Darling Buds, que pasamos por bastantes cambios de formación y la última incluía a Roland (Johnson), el guitarrista, y Tristan (Marmont), el bajista, a quien conozco desde que tenía 8 años, así que llevamos toda la vida siendo amigos. Al batería, Jimmy (Craig), también le conozco desde hace tiempo. Y obviamente está mi hermano, Sam, a quien conozco desde que nací, así que no tenía más elección que estar en el grupo”.

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¿Te han servido tus dotes de actor a la hora de salir a un escenario? “Sí, supongo que sí. Más que nada a desinhibirte y olvidarte de que la gente va a juzgarte. Normalmente lo que hago es imaginarme que estoy en la ducha, y así se me pasa la vergüenza. Quizá por eso salgo a tocar sin camiseta (risas)”. De momento habéis lanzado un EP de tres temas, pero supongo que tendréis muchas más canciones para tocar en directo. “Sí, claro. Lo que pasó es que el año pasado estaba haciendo una obra de teatro en Londres, pero quería hacer algo nuevo. Así que empecé a componer un disco. Trabajaba de lunes a sábado y luego por la noche me iba hasta el estudio a componer, el domingo grababa, y el lunes volvía al teatro. Acumulamos 15 canciones, pero no sé cuántas usaremos en el disco. De momento hemos lanzado

un EP de tres temas y esta semana saldrá un single con otros dos. De momento nuestros conciertos duran menos de una hora, intentamos que sean lo más punk rock posible. Nadie quiere oír a un capullo como yo más de lo necesario (risas)”. ¿Y los temas que habéis publicado son representativos de lo que está por venir? “Sí. Hay algunas variaciones como un tema lento, que será la cara B del single, pero en general nuestro sonido es rock con influencias de todo. Hay cosas de punk, de The Prodigy incluso, pero intentamos que sea lo más crudo posible”. Sí, y me ha sorprendido, porque esperaba algo más pop y es bastante agresivo. “Eso es porque el disco expresa cómo me sentía durante el tiempo que lo compuse. Estaba enfadado. Mi mente es bastante rara, funciona muy rápidamente, así que hacer el disco

AGENDA MAYO fue como una catarsis. No hay nada malo en estar enfadado. Hay temas que hablan básicamente sobre sexo, pero en otros reflexiono sobre cómo se siente alguien de mi edad”. ¿Cuántos años tienes? “Casi 27. Soy demasiado viejo para esto... (Risas) Pero al menos he llegado hasta aquí”. Bueno, toda la experiencia acumulada te servirá para tirar adelante Counterfeit. Ves a muchos músicos con buenas intenciones, pero que no saben ni por dónde empezar. “Sí, me siento afortunado porque crecí en la industria musical y también en la de la prensa, así que entiendo bien cómo funcionan las cosas y cómo debe presentarse una banda. El hecho de que haya sido actor me sitúa en una posición privilegiada a la hora de darnos a conocer. Pero al mismo tiempo, quiero dejar claro que esta banda es auténtica, no se trata de un pasatiempo de un actor que quiere ir de rockero. El rock ha estado en mis venas desde que nací y la gente que me conoce lo sabe. Estoy soltando a la bestia que tenía dentro”. ¿Y la bestia también sale cuando no estás sobre el escenario? “Siempre hay tiempo para divertirse. Pero al final, después de tocar me quedo vacío y no puedo ni hablar. Trabajo muy duro porque siempre me tomo muy en serio lo que hago. Aunque la idea de pasar de todo puede parecer romántica para una banda de rock, la realidad es que la gente hace un esfuerzo por verte y no se merece un concierto de mierda. Y sé de lo que hablo porque en el pasado hice conciertos sin estar bien. Aprendí esa lección bastante pronto. Necesitas estar conectado y eso es difícil si vas pasado”. ¿Cómo convencerías a la gente para que vaya a veros? “Me encanta esta pregunta, ahora voy a venderte el grupo (risas). Si te gusta salir con tus amigos, beber un poco y ver una banda de rock y sudar y cantar y participar, ven al concierto, porque nos encanta involucrar al público y que todo el mundo se sienta parte del bolo. Y además, somos jodidamente buenos (risas)”. (JORDI MEYA)

AC/DC 10 SEVILLA ADELE 24-25 BARCELONA BLACK RAINBOWS 14 BILBAO, 18 BARCELONA, 19 ZARAGOZA BLANK TAPES 2 SAN SEBASTIÁN, 3 OVIEDO, 7 MADRID, 8 BARCELONA BRUCE SPRINGSTEEN & THE E STREET BAND 14 BARCELONA, 17 SAN SEBASTIÁN, 21 MADRID CHRIS HOLMES 5 BARCELONA, 6 VILLAVA, 7 ZARAGOZA, 8 MADRID COLDPLAY 26-27 BARCELONA D.A.R.K. 26 MADRID DEWOLFF 1 BARCELONA DIAMOND HEAD 12 IBIZA, 27 MADRID DOCTOR METAL FEST (PICTURE, CHINO BANZAI...) 14 BARCELONA DORO 29 MALLORCA EXPIRE 24 VIGO, 26 MADRID, 27 BARCELONA GET MAD! FESTIVAL (BLACK LIPS, WIRE, RIVAL SONS...) 27-28 MADRID ITHILIEN 20 BARCELONA, 21 MADRID KRISTONFEST (WOLFMOTHER, CROWBAR, UNCLE ACID & THE DEADBEATS...) 13-14 BILBAO LITTLE CAESAR 19 BILBAO, 20 A CORUÑA, 21 CANGAS DO MORRAZO, 22 LEÓN, 24 MADRID, 25 SEDAVÍ MUSE 5-6 MADRID OTERO BRUTAL FEST (SODOM, SICK OF IT ALL, DR. LIVING DEAD!...) 6-7 OVIEDO PUBLIC IMAGE LTD. 4 SAN SEBASTIÁN, 6 VALENCIA, 7 SANTANDER, 8 MADRID QUEEN 22 BARCELONA RIVAL SONS 28 MADRID, 29 BARCELONA SICK OF IT ALL 5 MADRID, 7 OVIEDO, 8 BARCELONA SLIM JIM PHANTOM 1 BARCELONA WARRIOR SOUL 5 BARCELONA, 6 VILLAVA, 7 ZARAGOZA, 8 MADRID WOLFMOTHER 13 BARCELONA, 14 BILBAO

FIGURAS COLATERALES MIGUEL B. NÚÑEZ NO HA PARADO DE DIBUJAR CÓMICS DESDE QUE EMPEZÓ SU CARRERA EN LOS 90. DIBUJANTE, ROCKERO EMPEDERNIDO Y MÚSICO, REALIZA EN SU LIBRO HEAVY 1986 (SAPRISTI) UN EJERCICIO DE RECUERDO SOBRE LOS AÑOS DEL HEAVY METAL EN LOS BARRIOS HUMILDES DE MADRID DE MEDIADOS DE LOS AÑOS 80, Y DEL QUE DAMOS BUENA CUENTA EN NUESTRA SECCIÓN ZONA DE OZZYO. APROVECHANDO LA COYUNTURA METALERA, NO HEMOS QUERIDO PERDER LA OPORTUNIDAD DE HABLAR CON EL AUTOR SOBRE SU CÓMIC Y TODO LO QUE RODEA A ‘AQUELLOS MARAVILLOSOS AÑOS’. TEXTO: SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

Bucear en tu trayectoria, larga si contamos con que empiezas en 1999 en esto de los tebeos de forma profesional o continuada, y hacer repaso de tus trabajos, puede ser complicado. Muchos fanzines y colaboraciones hasta que das el salto con editoriales y proyectos de gran tirada. Haciendo un resumen, ¿cómo es toda esa etapa que comprende tanto fanzines como revistas profesionales? MIGUEL B. NÚÑEZ “Pillé la época en la que en España se empezaba a hacer cómic independiente, no underground, como lo conocemos ahora, ése que tiene sus referentes en gente como Peter Bagge, Clowes, Tomine, Burns. A finales de los 90 empezaba a hacerse aquí tímidamente, a existir pequeñas editoriales, y yo coincidí con Undercomic y su colección Flor De Un Día con series de 24 páginas, porque antes a nadie se le ocurría hacer tochos tipo novela gráfica. Todo era un comic book detrás de otro. Subterfuge, Undercomics, 136

etc. Ahí estábamos Fermín Solís y muchos otros. Luego aparecieron otras editoriales, pequeñas entonces, como Astiberri, que también apostaron por mí. También publiqué pequeños cómics con La Cúpula en aquellos años, mis historias cortas con El Víbora me permitieron sacar un BRUT con ellos, por ejemplo. Apareció NSLM y tuve la suerte de que MAX y Pere Joan me cogieron cuando yo era muy primerizo, aunque tuviese ya 30 años... pues empecé a publicar tarde, en verdad, aunque venía de hacer fanzines durante mucho tiempo”. También has colaborado con publicaciones musicales, ya fueran fanzines o de gran tirada, como comentas en las páginas finales del libro. En aquellos años imagino que eso era lo más para un metalero de pro. “Mis amigos Antonio Delgado y Antonio Pardo colaboraban en la Heavy Rock, y en aquellos años explotó el thrash metal. Yo, que venía de hacer páginas en su fanzine

Thrashock, me encontré con que mis amigos llevaban la Thrash Metal, y recuerdo ir a la oficina y que me pidiesen unos logotipos. Fue más de ellos que de Mariskal. Tampoco te pedían mucho más”. ¿Viste o viviste algún cambio en tu carrera como dibujante al dar el salto con publicaciones más largas, como por ejemplo Un Corazón En Los Árboles, El Rey Huevo, El Fuego y Cuadernos? “Durante la época de sacar tebeos con las editoriales y proyectos que he dicho antes, en verdad te sentías como cuando sacabas fanzines: no había oficio. Las editoriales cambiaron la forma de ver las cosas. Vi un salto en que empezaron a percibir, tanto autores como editoriales, que los tebeos se podían hacer de una forma que abriese mercado, como por ejemplo el boom de la novela gráfica. Esto hizo que se tocasen otros temas, se hicieran tebeos más largos, ya entrados en los 2000. Hay un potencial porque el público

cambió muchísimo, algunos dibujantes podían vender su trabajo fuera. Éxitos como Arrugas o María Y Yo, y también autores extranjeros como Satrapi, hicieron que se viese que había otros caminos. También ahora la nueva sangre que traen los fanzines o la autoedición ofrece que se mantenga el tebeo corto. Hay editoriales para editar trabajos largos y luego tienes el underground, que es lo que debe ser. Nunca me ha gustado ver enfrentamientos entre el underground y la industria, como sucede también en la música, ya que es la misma carrera en verdad. Nada sale de la nada. Por ejemplo, vas a un GRAF y ves ese ambiente underground y te vas a un Salón y ves lo otro, aunque en verdad está todo mezclado. Mi experiencia a finales de los 90 era que eran mundos opuestos y ahora yo los siento más cercanos”. Si te parece, saltamos a hablar de Heavy 1986. Tanto tu editor como tú os habéis planteado la promoción como una gira de rock, porque no habéis parado... “Y lo que nos queda, porque hay mucho planificado. Es muy difícil promocionar un cómic y en el caso de éste, la temática ayuda: generacional y musical. Y Sapristi está exprimiendo al máximo todas las posibilidades de llegar a todos lados. Cada cómic tiene un público, e incluso al público más pequeño tienes que ir a por él, a buscarlo. Al principio pensaba que cómo iba a mover el tebeo más costumbrista e histórico que he hecho mezclado con una música que mueve a millones de seguidores, y para Octavio Botana, el editor, no era un misterio, entiende muy bien nuestro mundo rockero”.

¿Cuánto hay de autobiográfico en Heavy 1986? “Mucho. La mayoría de las escenas prácticamente sucedieron, con variaciones, pero son reales, que nos sucedieron a mí y a mis amigos, o a gente cercana, pero no quería hacerlo autobiográfico completo. Con el tema intimidad soy un poco reservado, aunque tenga unos tebeos en ese plan”. La forma en la que relatas el contexto sociopolítico, económico y cultural es increíble, la pobreza, esa España gris de los 80 que ahora nos venden como maravillosa, fluye de forma estupenda, sin hacer sangre, porque en verdad era lo que había, sin más. La realidad pura y dura de la vida en un barrio obrero de la época. “Había gente politizada, claro. Pero en mi entorno, en el 86, teníamos la sensación de que nadie nos iba a hacer caso. Ese año ganó por goleada de nuevo el PSOE, pero cuando ibas a Tirso de Molina a por fanzines lo que veías eran fanzines con Felipe con cuernos en la portada. Por lo que yo viví, no había mucho chaval rockero emocionado con el PSOE o politizado. Supongo que los que sí lo estaban pues tirarían por la opción del PCE. Mi ambiente y las canciones que escuchábamos hablaban de esto: no creas en las promesas. Panzer, Obús... hablaban justo de eso. Con Heavy 1986 no he querido hacer un tebeo con la perspectiva de una persona de 46 años con bagaje, experiencia y distancia. He hecho el cómic como si lo estuviese viviendo en este mismo

“LO QUE HACÍAMOS NOSOTROS ERA MUY LOCO PARA NUESTROS PADRES. QUE UN CHICO ESCUCHASE ROCK ERA ALGO MUY EXTREMO EN ESOS AÑOS”

MIGUEL B. NÚÑEZ momento de nuevo, sin reflexiones que hice muchos años después. No hay ni una sola frase que no hubiese pensado en el 86. Ahora le daría más vueltas, claro”. Para la historia oficial, la que nos han traído los medios, la CT y demás, los 80 fueron años coloridos y yo, y eso que no tenía muchos años entonces, los recuerdo grises. Y ese subtexto está ahí, retratas unos 80 grises. “Es que primero está el momento en el que eres adolescente y descubres cosas, pero el contexto, y repito, el contexto, hay que entenderlo, como

banco, la litrona, los billares, la bodega... “Y el parque sigue existiendo. Las Lizzies contaban que estaban perdiendo el tiempo en el parque y por eso montaron un grupo. Algunos lectores del tebeo me han dicho que ven exagerado el ambiente quinqui, como las broncas familiares. Y digo que en verdad está ablandado. Si no has vivido el ambiente de estos barrios y estas familias, te sonará a locura. Podría haber dibujado la peor de las situaciones que conozco y entonces la gente a lo mejor habría flipado del todo”.

entender por qué Sid Vicious fue lo que fue si no entendemos el thatcherismo, y esto es lo que fue y lo que te hace pillar por qué la juventud es como es. Sin querer ser deprimente, el ambiente, y lo he dicho mucho en estos años de crisis, yo recuerdo las manifestaciones estudiantiles, el paro, buscar curros de mierda, la aparición de las ETTs; el ambiente en el que tampoco quería hacer mucho hincapié porque tampoco lo pensaba mucho entonces, como el del terrorismo y el anti-terrorismo, el pulso de guerra abierta. Fue lo que fue. Tú estabas en tu mundo y tratabas de que se quedase todo así, desde tu inocencia adolescente”. En contraste con los colores que se venden de lo que fue La Movida. 138

“Pues en el ambiente rock y la generación de todos los que montaban conciertos, que eran gente y currantes del mundo de la música, cuando vieron aparecer La Movida en los medios y que se hablaba de ella, alucinaron. Y visto con perspectiva, ves la historia que cuentan Asfalto y esta gente, que vieron cómo los medios se volcaron con la generación de La Movida, colorines, y compruebas que a ellos les ignoraron. Los medios, al hablar de música joven, hablaban de otra música, no de ésta, cuando el público mayoritario estuvo en el rock duro. Santa, Rosa Negra, Obús llenaban. Lo que era marginal era la atención a la música, no el éxito que tenían”. Hay quien hablará de tópicos, pero es que era así... el

Cada episodio de la obra va acompañado de un tema musical que sirve de colofón, comentando tus sensaciones con él respecto al capítulo... “Supongo que si llega a alguien joven que le guste el rock, pues mirará e indagará, pero están puestos por lo emocionantes que eran para mí esas canciones. Por ejemplo, me entrevistaron de una radio de Bogotá y me preguntaron por el tema ‘Navegando’ de Rosendo, y si no daba una imagen de ‘heavy = alcohol’. Bueno, tengo a Venom, un personaje del libro, y el tema del alcohol está también presente en muchas de mis obras. Pero en esos años, pues quedabas en un banco y caían varias litronas, y aun así es una imagen muy heavy de los 80”. Está claro que no es un tebeo evangelizador, en el sentido de ‘el heavy es lo más’, pero sí es sentido y un canto de amor. “Yo siento auténtica devoción por el

“SI NO HAS VIVIDO EL AMBIENTE DE ESTOS BARRIOS Y ESTAS FAMILIAS, TE SONARÁ A LOCURA” MIGUEL B. NÚÑEZ

rock y todas sus vertientes. Desde que era un crío y escuché algo de Obús, Barón Rojo, Ilegales o Tequila, algo de eso tuvo que ser, y aparte de ser un homenaje a los adolescentes que fuimos, y en general a todos los adolescentes, ya que es una etapa que es una putada y una maravilla. Lo que hacíamos nosotros era muy loco para nuestros padres... Que un chico escuchase rock era algo muy extremo en esos años”. Con tu adolescencia viviste el rock en Madrid de una forma que otros no pudimos hacerlo y por eso mitificamos. A grandes rasgos, ¿cómo ves la respuesta generacional en el mundo rockero? “Siempre hay una respuesta tanto por un lado como por otro, la respuesta defensiva. La de ‘no me cuentes tus historias de abuelo cebolleta’ y la de ‘no me cuentes nada nuevo porque no quiero saber nada de eso’. Tienes al que no vas a sacar nunca del Made In Japan y a quien no vas a lograr que escuche nada de Poison porque no le puedes sacar del metal extremo que le mola. Es curioso, ahora se dice ‘metal’, no ‘heavy’”. Uno de mis personajes favoritos es El Venom. ¿No crees que en toda pandilla no debe

faltar ese bonachón borrachillo dispuesto a dejarse la piel por sus colegas? “Tiene un punto vulnerable, el personaje más mayor del grupo. Recuerdo a un compañero que era el más macarra, el más maduro, el primero en tener movidas tipo llevar navajas, etc. Sin que hablase de sus problemas o familia, se sabía poco de él. No terminabas de ser íntimo de ese personaje solitario, pero cuando necesitabas que estuviese era el primero que daba la cara por ti y te defendía del acoso y bullying que había en los coles. Estos personajes no eran matones. Era chulería. El matón y matona es otra cosa, y de esos hay miles. Este tipo de personas es otra cosa, es esa chulería del que tiene honor”. Una rápida: ¿Los Bajos de Argüelles o Vallecas? “Nunca fui muy de Argüelles, por las movidas de entonces. No me gustaba. Una gran diferencia que pongo entre aquella época y ésta es la delincuencia. Durante bastantes

años, incluso a principios de los 90, temas como yonquis robando en el metro yo no he vuelto a verlo ahora. Aquel ambiente en el que pensabas ‘mira, al final me voy a llevar una’. Yo ahora me tendrían que decir si ‘la normalidad de la delincuencia’ está ya a la orden del día, yo ya no lo percibo. Y lo de movidas en el metro, sobre todo en el metro... Y luego, después de que te robasen ahí, salías y por las pintas la policía te paraba”. Y para acabar, haznos una selección musical para que los lectores de RockZone lean el libro a gusto. ¿Qué nos recomendarías para ello? “Pues soy malo para esto, y eso que es muy jugoso... Voy a tratar de ajustarlo a 1986: Fatal Portrait de King Diamond, The Ultimate Sin de Ozzy Osbourne, Toca Madera o Caballeros De Santo de Panzer, Master Of Puppets de Metallica, Misplaced Childhood de Marillion, Victims Of The Future de Gary Moore y Thunder And Lightning de Thin Lizzy”. 139