RockZone 127 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Blowfuse (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Cada vez que cerramos el número de julio, en la redacción de RockZone suena un suspiro de alivio. Tampoco es que hagamos las maletas y salgamos volando rumbo a alguna playa tropical (al fin y al cabo en agosto volveremos con un nuevo especial sobre el Gasteiz Calling), pero sí es un buen momento para respirar un poco y hacer balance de lo que ha sido la primera mitad del año. La verdad es que no podemos quejarnos... en este 2016 nuestro número de lectores ha seguido subiendo y sentimos que el salto al mundo digital no fue una locura, sino todo un acierto. A este optimismo también contribuyen las bonitas palabras que una bandaza como Biffy Clyro nos dedican en la entrevista de portada. Así da gusto. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 127

7 / INTERFERENCIAS

22 / THE SUMMER SET

26 / BLINK-182

34 / BAND OF HORSES

40 / DESCENDENTS

48 / DESAKATO

52 / ESPECIAL FOTO

58 / BIFFY CLYRO

66 / HYDE ABBEY

70 / DISCO DEL MES

72 / CRÍTICAS

100 / GRAVEYARD

106 / PUP

110 / IHSAHN

114 / EN DIRECTO

142 / DE GIRA + AGENDA

SPANISH TO UR 2016

31 DE OCTUBRE - MADRID (SALA CATS) 1 DE NOVIEMBRE - VALENCIA (SALA MOON) 2 DE NOVIEMBRE - BARCELONA (R AZZMATAZZ 2) A LA VENTA EN www.ENTRADIUM.COM

NUEVO ÁLBUM ‘MISADVENTURES’ A L A VENTA EL 13 DE MAYO EN FEA RLESS RECORDS

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart, Eneko Celestino, Jorge Fretes. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ RESURRECTION FEST NUESTRO FESTIVAL FAVORITO YA ESTÁ AQUÍ, Y ESTE AÑO APUNTA A SOLD OUT. CON LOS LEGENDARIOS IRON MAIDEN A LA CABEZA Y UN CARTEL DE LO MÁS ECLÉCTICO, EL RESURRECTION FEST SE CONSOLIDA COMO LA MEJOR OPCIÓN VERANIEGA EN NUESTRO PAÍS.

a cuenta atrás ha terminado. Este miércoles 6 de julio empieza el Resurrection Fest con su Welcome Party, donde ya se podrá disfrutar de propuestas tan interesantes como las de Skindred o Narco. Por delante, tres jornadas con lo mejor del rock, el metal, el punk y el hardcore, desfilando durante los siguientes 7, 8 y 9 de julio bandas de la talla de Volbeat, The Offspring, Bring Me The Horizon, Gojira, Bullet For My Valentine, Hatebreed o Bad Religion, sin olvidarnos de los indiscutibles protagonistas de esta undécima edición, Iron Maiden, quienes vendrán a presentarnos su último The Book Of Souls. Como siempre, la salsa del festival de Viveiro se encuentra en esos nombres más pequeños del cartel, pero que sin duda justifican la obligada asistencia al evento. En materia de metal extremo, Abbath es sin duda el mayor reclamo, seguido de Dark Tranquillity, Brujeria, Fleshgod Apocalypse, Entombed A.D. o Rotting Christ, por no hablar de bandas nacionales tan brutales como Wormed, Nashgul o Thirteen Bled

Promises. El thrash lo capitanean Angelus Apatrida, Crisix, Destruction y Municipal Waste, mientras que el core llega cargadito con While She Sleeps, Madball, Rise Of The Northstar, Thy Art Is Murder, Norma Jean, Walls Of Jericho y un larguísimo etcétera. El mejor rock vendrá de la mano de Graveyard, Uncle Acid & The Deadbeats, Nashville Pussy, Minor Empires o Viva Belgrado, y la nota más experimental la ponen Tesseract, Amenra, Obsidian Kingdom, Protest The Hero o los Shining noruegos. Unos clásicos como Hamlet, la caña de H20, Blowfuse, la fiesta de Turisas o un tipo tan querido como Frank Carter y sus Rattlesnakes son otras grandes atracciones de este año, y ya que hablamos de atracciones… ¡Hasta con una noria contará esta edición! La entrada sólo para el sábado ya hace meses que está agotada, y a pocos días del festival también está a punto de ocurrir con el abono de tres días. No te lo pienses más y corre a por tu ticket. ¡Va a ser épico! Más información en: www.resurrectionfest.es

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LO PEOR DE MÍ_ PEDOS EN EL PIT

o sé si es que la gente lleva una peor alimentación últimamente, o si mi sistema olfativo se ha desarrollado con la edad, pero en los últimos festivales a los que he asistido este año he tenido la mala suerte de encontrarme ante un nuevo fenómeno, que al menos antes no había detectado. Se trata de ciertos individuos, o más bien cerdos, que descargan sin ningún tipo de pudor ni reparo una salva de flatulencias y siguen saltando o bailando como si nada hubiera pasado. Ni dar unos cuantos pasos a un lado para que corra al aire, ni pedir perdón, ni nada… Descargan tan a gusto y que siga la fiesta. La situación naturalmente empeora cuanto más apretado estás y ni siquiera hay posibilidad de escapar. Como mucho puedes intentar aguantar la respiración para ver si de disipa el efecto, intentar colocar la nariz por debajo de la camiseta y sobrevivir ante esa nube de mierda infecta. A ver, a todo el mundo se le puede escapar un cuesco, pero estoy hablando de auténticas descargas tóxicas. Está muy bien llegar a casa sin oler a tabaco como antaño, pero como esto siga así, pronto veremos a gente desmayada en medio del circle pit. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@YouInDiscworld Genial entrevista a Architects por parte de @RockZone. Gran forma de descubrir la otra faceta del grupo. Ecologista, vegana y apasionada. @loserjorge California. Se veía venir. Lo mejor que han hecho Blink-182 en 15 años. Si @RockZone está de acuerdo, es que no me ha dado un arrebato de nostalgia pasajera. @Hkrlos Back to the old sound! #Blinks182 @IndependanceU18 Estos @creepercultuk que nos trae @rockzone como teloneros de Pierce The Veil tienen muy buena pinta. ¡Pégales una escucha! @LuckyEdwardsJoe Muy, muy buenos… Y su directo mola. Ya hay ganas de verlos por aquí. @RSD_Spain @IndependanceU18 ¡La batalla contra el reguetón ha empezado!

Fugaz encuentro con Glenn Danzig en el Hotel Canciller de Vitoria. “Sólo tenéis dos segundos para sacaros una foto”, nos dijo su segurata. Y eso hicimos... (INAUKAR Y WYNDORFF)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¡Hey, qué pasa peñita! Ya ha llegado oficialmente el verano, las suecas y las húngaras han aterrizado a Barcelona, y soy feliz. Tras esta intro innecesaria, vamos a lo importante: llega el verano y con ello también las finlandesas a Barcelona. No, ahora en serio. Llegan los festivales de verano. Sí, ya sé que ha pasado alguno que otro como el Azkena, pero da igual. Pese a que soy el tío más true de España y como buen true odie los festivales y sólo me decante por conciertos en sala, jardines y bares, os voy a dar unos cuantos súper consejitos del día para ahorraros algún que otro quebradero de cabeza. Lo más importante que has de llevar a un festival son condones. Va, ahora ya hablo en serio, os lo juro por las noruegas. Hace un calor de cojones, pero un festival es un submundo paralelo, puedes estar a 45 grados y cinco minutos más tarde sentirte en Siberia, así que llevad algo de ropa de invierno, hacedme caso. Riñonera, importante, por desgracia cada vez hay más robos durante los conciertos y las grandes aglomeraciones. Si vais a tener que cargar con pertenencias personales, que sea cerca de vuestra zona de confort (osease, rabo/chocho), donde notaréis cualquier posible intrusión; aunque os guste no olvidéis que os están robando... Por desgracia no me puedo extender más, pero como bonus-consejito: no olvidéis llevar un neceser con todos vuestros ítems higiénicos y muchas ganas de pasarlo bien. ¡Viva Dinamarca! (MARIUS TIBERIAN)

DEMO-LEDORES_ POR PAU NAVARRA HEAD HUNTERS

ILUNBELTZEAN

KARMIK REVENGE

INITIAL STRIKE

GAUR EGUNGO IPUIN ZAHARRAK

SELF-CONCEPTION

(AUTOEDITADO)

En ese punto intermedio entre el thrash y el death metal se sitúan Karmik Revenge con su primer disco, aunque también acaricien el groove en ciertos instantes del álbum. Con canciones como ‘Brutality’, ‘Suffocation’ o la contundente ‘Psychopath’ los madrileños demuestran que no se andan con medias tintas o titubeos, y así, le dan a la caña sin perderse entre tonterías que no vienen a cuento. Entre las guitarras afiladas de Pablo y Fran siempre aparece Rubén para rematarlo con sus guturales, pero un tema como ‘Rot Inside’ demuestra que también saben introducir ciertas dosis de clasicismo a su propuesta, y no por ello el grupo pierde pegada. La producción es muy mejorable, le falta punch y los platos de la batería suenan algo molestos, pero teniendo en cuenta que estamos ante una banda fundada en 2011 y que ésta es su ópera prima, Karmik Revenge ya tendrán tiempo para perfeccionarse en todos los sentidos.

www.facebook.com/HEAD-HUNT-

Tirando de una producción liviana, Ilunbeltzean nos envían su primer álbum, Gaur Egungo Ipuin Zaharrak. A cualquiera que no esté versado en el vasco le podría sonar a declaración de guerra o a un alevoso insulto hacia su respectiva madre, pero el combo nos aclara que significa “Cuentos viejos de hoy en día”, y eso sí concuerda con la mezcla de folk, country y rock que este grupo plantea. ‘Ahotz Berdinez’ es un inicio algo intimista, pero ‘West Memphiseko Hirurak’ o ‘Itxurak’ muestran que los de Durango también saben imprimirle algo más de ritmo a sus temas, así como cuidadosos arreglos, como en ‘Palestinako Ama Baten Amets Galduak’, e incluso algunos gritos, caso de ‘Zama’. Con su voz femenina potente y cálida y otra masculina apoyando, Ilunbeltzean cierran con el sorprendente tema de 13 minutos y medio ‘1864ko A.H.T.’, un acertado “cuento del Far West”, como ellos identifican. Mensaje social y rebeldía entre bellas tonadas.

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http://ilunbeltzean.com

releases

La puta de oros, esto sí que es una demo como las de antes… La batería ni se oye, sólo los platos te carcomen el cerebro con esas explosiones tan dulcemente odiosas, y los tambores suenan sordos como si golpearan una caja de zapatos. Las guitarras tampoco es que se distingan en demasía, muchas veces no llegas a discernir si el combo va a toda leche o a medio gas, y Ben Loban te chilla a la oreja como si le agarraran la huevera cada vez que abre la boca. ‘Crucifixion’ mejora algo las tomas, pero a estas alturas ya tienes claro que esto tiene más de Vlad Tepes o Darkthrone que de Metallica o Megadeth. Thrash metal en la onda speed, sí, pero más en común con los primeros Destruction o Sodom, con Körgull The Exterminator, que otra cosa… No sé cómo serán Head Hunters en directo, pero me da a mí que serán unos bestiajos sumamente alcoholizados. Bien por ellos, así sí. Ruido, perdición y malas artes.

http://karmikrevenge.bandcamp.com/

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 10

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

EL SOMBRERO DEL MALO CHUCK KLOSTERMAN (ES POP)

on 15 años los que han pasado desde aquel inolvidable Fargo Rock City, que

puso a Klosterman en el mapa de la cultura pop contemporánea. 15 años en los que ha dejado ensayos dignos de entrar en la historia y durante los cuales no ha dado muchas

en seres malvados. Y aunque el porqué una persona llega a ser

muestras de flaqueza, demostrando que su prosa y su manera

villana y hasta qué punto hay que culpar a las circunstancias a las

de encarar los temas de cultura contemporánea, principalmente

que ha estado expuesto es un tema recurrente, aquí encontrare-

deporte y música, todavía tienen camino por recorrer. El Sombre-

mos originales acercamientos al mal que van desde Kim Dotcom,

ro Del Malo, editado originalmente en 2013 aunque traducido

el fundador de Megaupload, cómo los Oakland Riders llegaron

ahora al castellano, es un buen ejemplo de ello. El concepto en

a ser el equipo más marrullero que nunca existió en la NFL o una

torno el que gira esta colección de ensayos es el mal -o más con-

deconstrucción de la carrera del hoy denostado Andrew Dice

cretamente los villanos- en sus diferentes variantes, aunque esto no

Clay. Aunque no es su mejor libro y su ensayo final sobre Hitler,

es necesariamente un libro sobre asesinos en serie o violadores,

pese a admirar la valentía de encararlo, es flojo, El Sombrero Del

que es la imagen que nos puede venir a la cabeza al pensar

Malo es un libro altamente disfrutable.

CÓMO DEJAMOS DE PAGAR POR LA MÚSICA STEPHEN WITT (CONTRA)

os libros y los artículos rela-

la propia industria discográfica, que más de una década después

cionados con la industria mu-

sigue sin haber encontrado el camino certero de cómo encarar

sical ya han traspasado ese

esta nueva realidad, impensable al inicio de siglo, cuando la indus-

invisible umbral de la propia industria

tria del disco vivía su momento de máximo esplendor. Explicar el

y cada vez es más el público de a

contenido del libro sería hacer un gran spoiler de lo que podemos

pie que siente interés por saber cómo

encontrar en él, pero sí que podemos destacar la manera en que

funciona el, cada vez más complejo,

se explica cómo se desarrolló el formato MP3, cómo éste durante

entramado de la música grabada. La llegada del MP3 y la posi-

unos instantes parecía que no iba a tirar adelante y, sobre todo,

bilidad de la distribución de éstos de manera gratuita y alegal (o

cómo los proveedores de contenidos en esos primeros años esta-

ilegal directamente), es el punto de partida de Cómo Dejamos De

ban mucho más focalizados de lo que podríamos imaginar, pero

Pagar Por la Música, uno de los mejores libros nunca escritos sobre

cómo casi nadie pensó en ir a esa raíz para cortar una sangría

el negocio musical. A medio camino entre el ensayo y la novela, el

que se convirtió en imparable. Obra imprescindible sin un solo

autor Stephen Witt enhebra un interesantísimo relato que bascula

párrafo de desperdicio, que a buen seguro será un referente de

en tres puntos claves: el técnico, el proveedor de los contenidos y

este tipo de publicaciones en años venideros.

EL GUIÓN DE CÓMIC

Gerardo Vilches (DIMINUTA)

Libro que puede resumirse en ‘no son todos los que son, pero sí todos los que están’. Divulgativo y práctico a la hora de conocer algunas de las pautas con las que trabajan varios profesionales del sector patrio. ¿Se queda corto? En absoluto. De acceso rápido, y como material de referencia para el aficionado resulta una lectura muy agradable, sin que por necesidad guste el trabajo de todos los entrevistados reunidos en sus páginas. A saber: Enrique Sánchez Abulí, Antonio Altarriba, Juan Díaz Canales, Santiago García y David Muñoz, todos ellos referentes de la profesión. SG

ROMAN RITUAL

El Torres, Jaime Martínez y Sandra Molina (DIBBUKS)

CRÓNICAS DE LA ERA GLACIAL Jirô Taniguchi (PLANETA CÓMIC)

cias al trabajo artístico de Martínez y Molina cada una de sus páginas tiene vida propia. Jugando con la ficción y sucesos reales (no se despega de los últimos escándalos que han golpeado a la Santa Sede), este cómic propone un paseo angustioso por las cloacas de una de las instituciones más poderosas del planeta. SG

Se salda una deuda con el lector español al traer este clásico de Taniguchi publicado en Japón en 1988. Conocido en España gracias a obras como El Almanaque De Mi Padre, La Montaña Mágica o El Gourmet Solitario, este trabajo de ciencia ficción quedaba pendiente; un manga que se aleja de los temas intimistas de su amplio catálogo que presenta un futuro donde la humanidad sobrevive en una nueva era glacial. Repleto de momentos intensos y pausados, marca de la casa, con un dibujo realista y un guión que golpea en los momentos más inesperados. Épico y espectacular. SG

JOHN LANDIS: EL HOMBRE LOBO EN HOLLYWOOD

ESCUADRÓN SUICIDA: PATADA EN LA BOCA

13 RUE DEL PERCEBE - EDICIÓN INTEGRAL

(DIÁBOLO)

(ECC)

Gerardo Santos Bocero

Gerardo Santos Bocero vuelve a clavar la biografía de otro cineasta clave de la era pop. Nos referimos a John Landis, el hombre que dio una vuelta de tuerca a la comedia con títulos como Animal House, The Blues Brothers o Un Hombre Lobo Americano En Londres, por no hablar de la revolución que significó en el mundo del videoclip el ‘Thriller’ de Michael Jackson. Pese a que ha perdido fuelle en este nuevo siglo, nunca podemos olvidar la grandeza de Landis. Bien haréis en empezar con este libro. RR

¿El Mal invadiendo el Vaticano? ¿O lleva instalado desde hace siglos? Un álbum de terror tremendo, un guión de El Torres perfecto en cuanto a la dosificación de sustos y giros que lo convierten en un thriller heredero de la mejor tradición estilo El Exorcista, que gra-

Adam Glass y VV. AA.

Con el estreno de la cinta en cines, ECC recupera en varios tomos la nueva etapa del Escuadrón Suicida iniciada en 2011. Este tebeo se lee de un tirón, es divertido, tiene toneladas de acción y giros argumentales suficientes para mantener atento al lector aunque no conozca nada ni de las etapas previas o de sus personajes actuales, todos ellos villanos reclutados por el gobierno para hacer ‘el trabajo sucio’. Si quieres conocer un poco mejor la serie en la que se basa la peli, empezar por Patada En La Boca es muy recomendable. SG

Francisco Ibáñez (EDICIONES B)

El mundo será mucho más aburrido el día en que Ibáñez no esté entre nosotros… aunque ojalá eso tarde aún bastante. Mortadelo Y Filemón será siempre su obra universal, pero sin desmerecer a éstos –¡No seré yo quien los desacredite!-, 13 Rue Del Percebe es su obra cumbre, su quintaesencia. Esta edición integral nos deja con la boca abierta ante la cantidad de viñetas tan increíbles que el autor dejó durante los casi 40 años que dibujó a la comunidad de vecinos más chalada que nunca existió. RR 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA ELLE

VERHOEVEN SIGUE CON LA CHORRA FUERA

aul Verhoeven siempre está ahí. Para lo que sea. No importa que tenga que hacer millones de estudios con reformulaciones sobre la invisibilidad o recrear las locas, locas aventuras de la resistencia en la Holanda nazi, porque siempre terminará con la chorra fuera del pantalón. Hoy, diez años después de El Libro Negro (y con una peli para televisión que no he visto titulada Steekspel), el director de Robocop se encuentra en su salsa con la adaptación de la novela de Philippe Djian, lugar ideal para

la sucia maestría y cinismo de un tipo al que no podemos permitirnos tener otros diez años apartado de los cines. Si Verhoeven se encuentra cómodo aquí, qué decir de Isabelle Huppert, musa de la crueldad, imán para la bajona, que añade otra muesca a su interminable catálogo de personajes jodidos con esta mujer al frente de una compañía de videojuegos con más problemas que tiempo libre. Elle no es una película fácil, porque su tono ligero contrasta con el descomunal (y a ratos bastante ilógico) planteamiento y desarrollo. Y sí, puede que al director le cueste cerrar todo y se pase de minutos (su mayor y, creo, único problema), pero señores, estamos ante una pieza de cámara de las de antes, de las que ya no se hacen, diabólica y divertida, a manos de un artesano que se permite el lujo de autohomenajearse en determinados momentos de la película, que ya tiene una edad.

THE DO-OVER

SANDLER DESENCADENADO

se el lujo de pasar de una secuencia antológica con Harvey Keitel a una tediosa, gratuita y desproporcionadamente larga y poco divertida con John Turturro porque, coño, es su colega, está en casi todas y se hace un hueco, ¡esto es Netflix! Entrando en materia sandleriana, The

a que habéis liado condenando al bueno de Adam Sandler a los estrenos de pago por visión, incautos ignorantes. Ahora mismo, gracias al contrato por cuatro películas para Netflix y tras la simpática y más irregular Los 6 Ridículos, la cabeza pensante de Happy Madison Productions tiene carta blanca y cero preocupaciones por su libertad creativa ante un producto final que no pasa por los mismos jueces ni controles de calidad que el cine comercial norteamericano, donde siempre se ha desenvuelto con soltura. En otras palabras: puede hacer lo que le salga de las narices sin preguntar a ningún ejecutivo si ése o aquel chiste está sobrepasando todos los límites del humor. Y eso es algo que se notaba, para mal, en su primera comedia. Su western cómico llegaba hasta las dos horas, algo marca de la casa, pero lo hacía empeñada en cuanto más mejor, permitiéndo-

Do-Over es un paraíso para el aficionado. Por un lado tenemos a David Spade, uno de los mejores comparsas de su generación, y por otro tenemos un juego del despiste y el enredo que, por momentos, está cerca de aproximarse a Zohan, la última gran comedia de Sandler, a pesar de no ser una caricatura constante. No, atención: en la nueva peli de Sandler hay un thriller muy interesante que, por momentos, se aproxima a la ciencia ficción conspiranoica de títulos como Plan Diabólico o El Último Testigo marinándolos con ese salsa tan personal que incluye litros de sudor y fluidos corporales. Y esta vez los golpes de humor escatológico funcionan con precisión de cirujano, demostrando el dominio del tiempo y el espacio cómico de esta panda de tarados. No lo leerás en ninguna parte, pero The Do-Over es el bestseller ideal para el futuro presente, donde la gente cambia el bestseller de piscina y tumbona por la pantalla del ordenador. Ojalá sus dos restantes colaboraciones estén a la altura.

TOI’S IN THE ATTIC TRUE ROCKERS

ola amigos! Hace un tiempo os hablé de unos personajes que me sacan bastante de quicio por su afán de dar el coñazo en calidad de gurús musicales. Hoy es turno para otro espécimen que también resulta de lo más irritante: el true rocker. Que yo sepa, al menos hasta la fecha, los carnés de rockero no se reparten, aunque a veces tengo mis dudas. Estoy hasta la pera de esa gente que tacha alegremente a grupos que han conseguido cierta relevancia o popularidad como vendidos, asequibles o comerciales, sin tener en cuenta una evolución, una experimentación que implica un riesgo, o simplemente una madurez, todo porque su último disco ha gustado a más gente, o no ha satisfecho al ‘true fan’. Es bastante común también que critiquen al seguidor tardío, implicando que éste se hubiera subido

al carro por moda o inercia. Sólo por este razonamiento tan profundo, a mí no me tendrían que gustar Black Sabbath puesto que no los viví ‘en su momento’. Esto me lleva a recordar la anécdota de un mítico concierto de Backyard Babies en la sala Mephisto. Al parecer todo Dios estuvo allí, cosa que dudo, pero claro, no eras nadie si no habías estado. Por cierto, ¿qué me decís de la reciente visita a Vitoria de los The Hellacopters reunidos? ¿Acaso soy menos fan por reivindicar que su debut Supershitty To The Max es un disco mediocre y que podrían haber recuperado hitazos de discos como Payin’ The Dudes o Grande Rock? ¡Uff! Si lo pensáis bien, debe de ser una tremenda presión ser tan guay y saber tanto. Desde luego, ésa no es mi guerra. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es O.G. Original Gangster de Ice-T. Me gusta mucho el rap. Me gusta mucho el rock. En un mundo ideal, la mezcla de los dos estilos debería de ser un mejunje de sonidos perfectos. Sin embargo, la realidad es bastante diferente cuando dos estilos venidos de la calle son forzados a interactuar. El nu metal, por ejemplo, es la muestra palpable de que la combinación de ambos estilos puede ser toda una aberración de la música popular. Por fortuna, el nu metal no tuvo una vida muy larga. Otro ejemplo embarazoso es la banda sonora de Judgement Night, donde se juntaban bandas de rock con raperos y casi acaba con algunas carreras. Haciendo 18

memoria, Mudhoney con Sir MIx-A-Lot en una canción llamada ‘Freakmomma’ es una de las peores que nunca he oído, lo que en cierta manera la convierte en una de las mejores que he oído. Por supuesto hay excepciones, como la colaboración de Run D.M.C. con Aerosmith dándole nueva vida a ‘Walk This Way’ o cuando los Beastie Boys utilizaron un sampler de ‘The Ocean’ de Led Zeppelin en su canción ‘She’s Crafty’. Pero ambas canciones, más que una mezcla de estilos, eran pequeñas pinceladas de rap y rock conviviendo en un mismo tema. Ambos estilos mantenían su sello de distinción y no se puede decir que crearan un nuevo género. Si Zack de la Rocha empezó a meter rimas sobre música rock, un giro de 90 grados a lo que había hecho en su banda de punk rock hardcore, Inside Out, Ice-T formó Body Count y se lanzó sin contemplaciones al heavy metal haciendo el giro contrario. Ice-T no quiso mezclar nada, tan sólo quería gritar como un poseso emulando a las bandas

de metal y hard rock que había escuchado. Cuando uno echa la vista atrás, ése fue un movimiento valiente que nunca ha sido suficientemente reconocido. Aunque en aquellos días ya había ejemplos bien hechos de ir en esa dirección (Anthrax con ‘I’m The Man’ o Public Enemy en ‘She Watch Channel Zero’), nadie se lanzó tan al vacío como Ice-T. Y para hacer la cosa todavía más extrema, hizo que el debut de esta banda fuese dentro de ese legendario álbum de West Coast rap que fue O.G. Original Gangster. Ese disco no necesitaba el input metalero de ‘Body Count’

para ser mejor, porque ya tenía hits como ‘New Jack Hustler’, ‘Lifestyles Of The Rich And Infamous’, ‘Midnight’ o el tema título. De hecho, esa canción fue sólo el preludio de lo que el guitarrista Ernie C perfeccionaría en 1992 en el debut, con canciones como ‘Cop Killer’. Body Count, tanto la canción como la banda, descolocarían a los fans del rap y captaron la atención del público rock, y ése es el movimiento más punk que haya visto hasta la fecha. Ése es el motivo por lo que este álbum TIENE que estar en mi Hall Of Fame. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> SOUL ASIDE INTERPRETAN ‘ANAMNESIS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

ace algo más de un año aparecía Canvas, el debut de Soul Aside, una banda de Barcelona en la que confluyen músicos de formaciones a priori tan alejadas como Madee o Foscor. Pero cualquiera que lo escuche comprobará como la química entre Adam (voz, guitarra), Gabri (guitarra), Edu (bajo) y Marc (batería) ha funcionado a la perfección y su sonido, a medio camino entre el rock alternativo y el post metal, con influencias de A Perfect Circle, Deftones, Oceansize o los Thrice más progresivos, merecería tener un largo recorrido. Aunque los inicios son duros para toda banda, Soul Aside se muestran satisfechos cuando quedamos en nuestro oficina para grabarles una nueva Arnette Sessions. “Siempre falta que venga más gente a los conciertos, pero eso es lo que hay cuando empiezas”, nos dice Adam. “Pero creo que nos pondría un notable en cuanto a lo que hemos conseguido. Lo que ha ido

mejor es a nivel interno de la banda. En los directos nos hemos encontrado muy bien. Si comparas un concierto nuestro de cuando empezamos a ahora hay una evolución positiva. Ahora disfrutamos de verdad y cada vez nos sentimos más cómodos. Para mí era la primera vez que cantaba como solista y también me tenía que acostumbrar”. “Como proyecto que empieza, tiras de amigos o gente que conoces de tocar, que pueden ser de círculos diferentes”, añade Marc, “pero a base de dar conciertos o de hacer de teloneros de otros grupos, ves que ha habido un poco de boja-oreja y se va definiendo más tu público”. Al igual que otros grupos que no se ciñen a un estilo concreto, Soul Aside se encuentran con la dificultad de encajar en una determinada escena. “Ahora todo está muy segmentado y tiran mucho las etiquetas”, señala Adam. “Nosotros podemos gustar tanto a la gente que le va el progresivo instrumental,

como el rock más duro, o el indie, y a veces no sabes donde meterte”. Preguntados qué es lo que les gusta más y lo que menos ahora de su primer disco, todos coinciden en mencionar el gran sonido que consiguieron junto a Santi Garcia en los estudios Ultramarinos Costa Brava. “No hay ningún tema que me sobre”, asegura Adam. “Creo que entre nosotros somos muy sinceros, y si algo no nos hubiese gustado no lo hubiéramos metido”. De todos modos, Soul Aside ya tienen ganas de trasladar toda la experiencia adquirida en el próximo disco, que si todo va bien podría ver la luz el año que viene. “Yo creo que arriesgaremos más”, dice Adam. “No repetiremos lo hecho en Canvas. Seguirá nuestra línea, quiero seguir haciendo rock, pero tengo ganas de complicarlo y hacer algo diferente”. “Ya no somos las mismas personas de cuando hicimos Canvas, por motivos personales, musicales... y eso se tiene que notar”, añade Marc. “Tenemos ganas de jugar”.

P E R I P H E RY I I I : S E L EC T D I F F I C U LT Y

The Northern Sanctuary

DISPONIBLE EN 2CD MEDIABOOK, CD JEWELCASE, GATEFOLD LP +CD CON PÓSTER Y EN DESCARGA DIGITAL. ¡Witherscape es el sueco multinstrumentalista (Edge Of Sanity, Bloodbath, Pan.Thy.Monium, Nightingale) Dan Swanö

y conocido productor (Opeth, Marduk, Katatonia, Mörk Gryning,Therion) junto con Ragnar Widerberg.

DISPONIBLE EN EDICIÓN ESPECIAL CD DIGIPAK, GATEFOLD 2LP + CD Y EN DESCARGA DIGITAL.

¡UN COCKTAIL DE PROG Y HARD ROCK JUNTO CON LA MAESTRÍA DE ESTOS DOS GENIOS HACIENDO METAL EXTREMO!

¡La nueva sensación de metal progresivo se llama Periphery! Desde su formación, esta banda no para de atraer a más y más fans y con este tercer álbum están listos para convertirse en los nuevos reyes del género.

¡A LA VENTA EL 22 DE JULIO!

E xclusive vinyls, b und les and m o re can b e fo und in o ur w eb sto re:

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THE SUMMER SET

NO ME GUSTAN LOS LUNES STORIES FOR MONDAYS, EL CUARTO ÁLBUM DE THE SUMMER SET, ESTABA DESTINADO A SER EL ÚLTIMO DE LA BANDA DE ARIZONA. PERO EL VIAJE QUE HIZO SU VOCALISTA BRIAN LOGAN PARA DESCONECTAR HIZO QUE TODO CAMBIARA… ÉL MISMO NOS LO CUENTA. TEXTO: JORDI PONS FOTOS: DR

N GRAN ALICIENTE de haber vivido algunas aventuras locas durante el fin de semana es poder llegar el lunes siguiente a clase o al trabajo y contarlas. Más o menos ésa es la inspiración detrás del título Stories For Mondays (Fearless) que The Summer Set eligieron para su cuarto trabajo. Desde luego, la banda de pop rock formada por Brian Logan Dales (voz), John Gomez (guitarra, piano), Josh Montgomery (guitarra), Stephen James Gomez (bajo) y Jess Bowen (batería) tiene unas cuan-

chavales del punk, y demasiado punk para los chavales del pop”, canta Brian al inicio de ‘Figure Me Out’, el primer tema y single lanzado del disco. Un dilema que, escuchando Stories For Mondays, está claro que ya han resuelto. Eso sí, a favor del pop. Ya que el disco se llama Stories For Monday y hoy es lunes, ¿te ha pasado algo destacable este fin de semana que quieras contarnos? BRIAN LOGAN DALES “(Risas) La verdad es que la semana pasada estuvimos viajando mucho. Estuvimos tocando en un acto de Bernie Sanders. Pudimos hablar con él y fue una gran experiencia. Pero luego llegué a casa y me puse enfermo. He estado en la cama todo el fin de semana con bronquitis, así que no hay ninguna historia interesante que contar, me temo (risas)”.

tas historias que contar respecto a su creación. La gran repercusión de su anterior álbum Legendary les permitió ver, ni que fuera por la rendija de la puerta, el estilo de vida que llevan las grandes estrellas, y cuando llegó el momento de ponerse a componer de nuevo, la ambición les jugó una mala pasada. Tan obsesionados estaban con conseguir el éxito, que su creatividad y su relación empezaron a resentirse, llevando incluso a que Montgomery abandonara temporalmente la banda. “Soy demasiado pop para los

En cambio el disco sí que tiene mucha historia detrás dado que no fue nada fácil de hacer. ¿Tuviste un bloqueo creativo o hubo algo más? “Sí, algo así. Cuando empezamos a componer este álbum habíamos terminado una gira de dos años con nuestro disco anterior Legendary y, sinceramente, sentía que no tenía nada sobre lo que escribir. Necesitaba tiempo para mí, así que empecé a viajar y a visitar lugares de una manera distinta a como lo haces cuando estás girando. Necesitaba volver a entender por qué quería ser músico. Llevamos nueve años con el grupo, ahora tengo 26, y quería asegurarme de que si hacíamos otro disco iba a ser realmente bueno. Así que el proceso de creación se convirtió en un periodo de reflexión sobre

los deseos y las esperanzas que tenía sobre mi vida. Me llevó tiempo. Me había puesto mucha presión sobre mis espaldas, pero finalmente logré liberarme y ahora me siento muy orgulloso del disco”. ¿El éxito de Legendary se volvió en tu contra? “Quizá sí, me sentía intimidado. Legendary nos abrió muchas puertas, pero no nos lo dio todo. Nos dimos cuenta de todo lo que podíamos conseguir y queríamos más. Así que de ahí vino la presión, porque quería que el nuevo disco fuera más bueno y funcionase aún mejor. Pero eso es como intentar disparar a una diana en movimiento, es impredecible. Al final me di cuenta de que lo importante era mantenerme fiel a mí mismo en lugar de pensar en querer más y más”. Durante ese periodo de reflexión viajaste a Alaska y México. ¿Te llevaste una guitarra o un teclado para componer o sólo querías vivir la aventura y ya está? “En México tuve una guitarra y escribí un poco, pero básicamente quería viajar. En Alaska no escribí nada. Estaba decidido a relajarme y encontrar la parte de mí que había perdido en los últimos años”. ¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes del viaje? “En Alaska encontré a un señor que me llevó con su avión de dos plazas y me enseñó a pilotar. Fue la experiencia más increíble de mi vida”. Para acabarlo de rematar Josh dejó el grupo durante la grabación del disco, aunque luego 23

THE SUMMER SET

“ESTÁBAMOS TAN “NO QUEREMOS SEGUIR LOS ESTEREOTIPOS DEPERDIDOS EN EL PROCESO UNA BANDA DE ROCK”QUE NO SABÍAMOS CÓMO SEGUIR ADELANTE. TODO ROB DAMIANI LO QUE ESCRIBÍAMOS NOS PARECÍA POBRE” BRIAN LOGAN DALES

volvió. ¿Crees que también fue víctima de esa presión? “Josh quería volver a estudiar. Mucha de su familia está en el mundo de la medicina, son médicos y enfermeras, y creo que quería probar cómo sería ese tipo de vida. Estuvo estudiando un semestre, pero luego se dio cuenta de que la música seguía siendo importante para él. Antes de que volviera de manera definitiva, Josh nos había convencido de que debíamos seguir adelante con el grupo aunque él no estuviera, porque estuvimos barajando el dejarlo. Queríamos hacer un álbum del que pudiera sentirse orgulloso y al final, cuando le preguntamos si quería volver, no lo dudó ni un segundo”.

parnos y nos dimos cuenta de que las canciones que teníamos en realidad eran buenas y que John y Stephen podían grabar el disco en su casa en Van Nuys, California. Así que lo hicimos, y una vez terminado, nos sentimos muy orgullosos del álbum y vimos que realmente no había ningún motivo para acabar con el grupo”.

Por lo que dices, parece que el grupo estuvo a punto de desaparecer... “Sí. Hubo un momento en el que pensamos que se había terminado. Estábamos tan perdidos en el proceso que no sabíamos cómo seguir adelante. Todo lo que escribíamos nos parecía pobre. Nos parecía que ya habíamos dicho todo lo que teníamos que decir. Entonces tuvimos la idea de autoproducirnos el disco y regalarlo a los fans a modo de despedida. Creo que es lo mejor que nos pudo pasar porque a partir de ese momento dejamos de preocu-

Artistas como The Maine, Andrew McMahon o vosotros lo tenéis todo para triunfar, pero parece que os sea muy difícil entrar en el mundo del pop. “Antes pensaba que era un problema, pero ahora intento no preocuparme tanto. Es lo que te decía antes de la presión. Siempre pensaba que tenía que escribir una canción que nos hiciera llegar al público pop, pero eso hace que te vuelvas loco. Las grandes canciones destacan porque van unos meses por delante del resto. Tienes que canalizar lo que tienes dentro, no

Y de paso vuestros fans están contentos... “Sí, la respuesta ha sido muy positiva. Cuando haces un disco pensando que igual puede ser el último, tiras todas tus expectativas por la borda, así que cada impacto positivo que he tenido ha sido una gran alegría para mí”.

intentar imitar lo que hacen los demás que triunfan. Por eso Fun. o Hozier han logrado meterse en el mundo del pop, porque son gente creativa que se muestran como realmente son”. Ya, pero al mismo tiempo hay todo un sector de compositores de alquiler o productores que escriben un montón de hits para diferentes artistas, y eso también funciona. “Sí, pero no lo veo mal. Es negativo si tu personalidad se diluye al trabajar con otra gente, pero a veces necesitas ayuda precisamente para sacarla al exterior. Este disco lo hemos autoproducido, pero he compuesto temas con muchos amigos míos que también son músicos. Para mí no hay nada más fascinante que entrar en una habitación, incluso con gente que no conoces, y salir de ahí habiendo creado algo que no existía. Para mí eso es magia pura. El problema puede venir si una banda deja que sean otros quienes hagan todo el trabajo. Pero si sabes quién eres y lo que quieres, la ayuda externa puede venirte bien”.

BLINK-182

RE INI CIA NDO

EL FU TU RO

BLINK-182 ESTÁN DE VUELTA CON SU NUEVA FORMACIÓN E ILUSIONES RENOVADAS. ¿SERÁ CALIFORNIA EL DISCO QUE NOS DEVUELVA A LA BANDA QUE APARECÍA DESNUDA EN SUS VIDEOCLIPS Y LLENABA ESTADIOS HACIENDO BROMAS JOCOSAS PARA ADOLESCENTES? LO INTENTAMOS DESCUBRIR EN ESTA ENTREVISTA. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: WILLIE TOLEDO

UEVOS VIENTOS CORREN PARA Blink-182. Así se esfuerza por reflejarlo su batería estrella Travis Barker en esta entrevista que realizamos tras cinco intentos fallidos a principios de junio. La controvertida salida de la banda de Tom DeLonge en 2015 puede que decepcionara a algunos fans, pero la figura de Matt Skiba (Alkaline Trio) revitaliza aquello que todos recordamos de los primeros años del nuevo milenio: unos Blink-182 bastante más melódicos y divertidos de lo que nos tenían acostumbrados en los últimos tiempos. Hasta cierto punto es normal. Las tensiones internas han desaparecido y con las frikadas de Tom fuera del mapa, Travis y Mark Hoppus han podido centrarse en hacer esas canciones pegadizas que les llevaron a convertirse en la

banda de referencia del punk pop, dejando de lado la vertiente más experimental de su anterior Neighborhoods. Para ayudarles a conseguirlo han contado además con la mano de John Feldmann (Goldfinger), el primer productor que usan desde la muerte de Jerry Finn. De hecho, la banda decidió tirar a la basura todo el material que había ido componiendo antes de entrar en el estudio y empezar de cero con Feldmann. La química funcionó tan bien que entre enero y marzo grabaron 30 temas. En California (BMG) aparecen finalmente 16 de ellos, pero es posible que, como nos cuenta Travis, antes de final de año podamos escuchar más en un futuro EP. De momento lo que toca es disfrutar al máximo de estos nuevos Blink mientras esperamos a que vuelvan a tocar por aquí.

Éste es el primer trabajo que grabáis con Matt Skiba de Alkaline Trio a la guitarra y voz. ¿Te pareció raro la primera vez que la banda se reunió con él y empezó a tocar las viejas canciones de Blink-182? ¿Fue el candidato perfecto desde el primer momento? TRAVIS BARKER “En realidad fue algo perfecto. Al principio se unió a nosotros sólo para dos conciertos que teníamos pendientes, ya que nuestro promotor había apalabrado esos shows, así que necesitábamos a alguien que pudiese aprenderse las canciones rápido. Fue todo muy apresurado, pero Matt estaba dispuesto y con ganas. En realidad es un músico bastante accesible, congeniamos de inmediato, y como los shows fueron tan bien, decidimos continuar con él. Lo invitamos al estudio a ver qué pasaba y así surgió California”. ¿Sientes que con el cambio de formación y la incorporación de John Feldmann como productor éste es un nuevo comienzo para la banda? ¿Era algo que el grupo necesitaba desesperadamente? “Sí, sí que fue así. La idea original que tuvimos fue la de traer a un montón de productores para que trabajasen con nosotros. Queríamos tener un productor nuevo cada semana o cada dos semanas. El primer nombre que yo sugerí fue el de John Feldmann y una vez que empezamos a trabajar con él ya no salimos del estudio. Estuvimos trabajando codo con codo como un mes y medio, y al final hicimos un disco completo. Fue asombroso, conozco a John desde hace unos 15 ó 20 años, desde que mi exbanda The Aquabats 28

salía de gira con la suya. Fue simplemente genial porque además de ser un gran productor, todo el mundo se llevó estupendamente con él”. ¿Qué porcentaje de la colaboración compositiva de Matt Skiba podemos escuchar en el nuevo disco? ¿Escribir las canciones fue algo entre Mark y tú o Matt también tuvo mucho que decir? “En realidad fuimos todos, a partes iguales. Mark, Matt, John y yo estuvimos encerrados en el estudio y cada uno tenía algo que decir sobre alguna idea o canción. Imagina que en un mes y medio compusimos unas 30 canciones para California, y al final elegimos las 16 mejores. Fueron las canciones que más nos gustaron a los cuatro, no quisimos apartar a nadie en este proceso porque también teníamos curiosidad por ver cómo saldría. Inclusive John Feldman fue como un integrante más de Blink-182 en este proceso. Los créditos de California son para todos”. ¿Tenéis pensado hacer algo con los temas descartados? ¿Están olvidados o aparecerán eventualmente? “Estamos pensando en lanzar un EP a finales de año con estas ideas, o inclusive guardarlas para un próximo álbum. Lo que es seguro es que vamos a grabar el próximo disco de inmediato ya que queremos aprovechar esta etapa creativa”. Creo incluso que al principio te peleaste con Feldmann para poder meter más canciones en California... ¿Pensabas que tras cinco años quizás los fans

merecían tener más canciones nuevas de Blink-182? “Al principio John tenía la idea de meter sólo diez o doce canciones como mucho, ése era su límite, pero finalmente tuve que pelearme con todos para tener más. Mira, finalmente 16 canciones han ido a parar al álbum. Lo que pasa es que ha pasado mucho tiempo desde que grabamos algo nuevo, y sentía como que estaba defraudando a los fans si incluíamos tan pocas en California. Al fin y al cabo meter 14 ó 16 de unas 30 no es gran cosa, no sé cuál es el número mágico, pero a mí me pareció correcto hacerlo así. Queríamos aprovechar esta nueva etapa de la banda todo lo que pudiéramos. Fue algo sólo mío al principio, pero convencí a los demás de que les debíamos algo a los fans”. Cuando escuchas algunos temas nuevos la sensación que tienes es la de volver a escuchar a los Blink-182 divertidos de discos como Take Off Your Pants And Jacket o Enema Of The State. ¿Pensasteis que con la nueva formación era hora de volver a presentar esa faceta del grupo? Al fin y al cabo, es lo que os consiguió tantos fans en un principio. “Sí fue nuestra meta. En realidad siempre queremos componer un disco de Blink-182 que suene a esos Blink-182 divertidos y con mucha energía, los Blink-182 rápidos que todos recuerdan. Para mí eso es Blink-182. Ahora con Matt Skiba en el grupo no teníamos ninguna excusa para no grabar el disco que queríamos hacer, fue algo perfecto. Nos apetecía hacerlo de esa manera, y creo que los fans también lo agradecerán”.

dista ya haya comparado California con los Blink-182 de Dude Ranch, etapa en la cual tú aún no estabas en el grupo. Supongo que cada uno tiene sus propias ideas de cómo suena, pero si tú tuvieses que comparar estas nuevas canciones con alguna etapa anterior del grupo, ¿qué dirías? “Para mí personalmente es como un híbrido entre Enema Of The State y nuestro disco homónimo, antes de la separación. Veo estas canciones parecidas a esas dos etapas de la banda, muy diferentes entre sí. Eso sí, creo que el sonido de California es más actual; aquellos álbumes suenan a los años en los que salieron”.

“PODÉIS ESTAR TRANQUILOS PORQUE ESTAREMOS EN EUROPA CON UNA GIRA PARA EL PRÓXIMO VERANO. ALGUNOS FESTIVALES TAMBIÉN"

TRAVIS BARKER Es que si coges el anterior Neighborhoods y este nuevo California son como dos universos paralelos. No sé hasta qué punto quedaste satisfecho con el resultado que consiguió la formación con el trabajo anterior… “Me gusta Neighborhoods, no lo voy a negar, pero creo que California es mejor. Me tomo Neighborhoods como una transición rara de la banda. Yo acababa de salir del accidente de avión que casi me cuesta la vida, y fue

entonces cuando Tom se acercó a nosotros y nos dijo de volver a grabar algo. Fue raro, porque cada uno estábamos metidos en nuestras cosas y trabajando en estudios diferentes. No fue como ahora, no estábamos todos en el mismo estudio pasándolo bien y escribiendo canciones juntos, fue algo distinto. De todas maneras, como te decía, me sigue gustando Neighborhoods, aunque pienso y estoy seguro de que California es mucho mejor”. Es gracioso que algún perio-

¿Escuchasteis álbumes antiguos de la banda para intentar entrar en esa onda y feeling de nuevo? “No, lo escribimos así tal cual. Sabemos quiénes somos, lo que hemos hecho en el pasado y créeme que siempre hemos sido Blink-182 aunque por momentos no sonásemos así. Nosotros escribimos esos discos, nosotros grabamos esos discos, recordamos cómo fue. No hubo nunca ninguna confusión sobre lo que queríamos hacer en California, lo teníamos bastante claro desde el primer momento. Entramos al estudio para darle forma a las ideas, pero teníamos bastante claro que iba a ser melódico, rápido, divertido... para nosotros fue un proceso natural, orgánico”. De momento muy poca gente ha escuchado el disco entero, ni siquiera la prensa ha tenido acceso a él de manera comple29

ta. Lo guardáis con mucho recelo... ¿Qué cumplidos te han dicho aquéllos que sí han escuchado las 16 canciones? “Algunos medios sí han tenido acceso y las reseñas que publicarán nos dan un 9 sobre 10, es la reacción general del resto de amigos que lo han escuchado entero. Creo que cuando escuchas California notas la química que hay entre Matt, Mark y yo. John ha tenido mucho que ver en ello. Estoy ansioso, quiero que el resto de la gente lo escuche. La reacción al primer single que lanzamos ha sido muy positiva y yo siempre presto mucha atención a lo que la gente y nuestros fans tengan que decir sobre nuestra música. Lo hacemos por nosotros y por ellos. Me encanta todo sobre California. La portada que ha creado D*Face es genial, es un viejo conocido y admiro 30

su trabajo, así que tenerlo en este nuevo lanzamiento me ha impactado. Creo que nada alrededor de este álbum podría haber salido mejor. Es mucho más de lo que esperábamos”.

Creo que Patrick Stump de Fall Out Boy tuvo algo que ver con California... Hubo rumores de que canta en el álbum, pero al parecer sólo colaboró con las letras de una canción. También se habló de Andy Black como posible invitado en su momento… “Sí, hay una canción en el álbum que se llama ‘Sober’ y es de la que hablas. Pasó que Patrick visitó a John en el estudio, era nuestro día libre, pero John nos llamó de todas maneras para que trabajásemos con Patrick. La canción sonaba como si fuese una de Blink-182, estuve yo trabajando con Patrick y luego le mostramos la canción a Matt y Mark. Les encantó, Patrick es un gran compositor, así que entre John y Mark terminaron de ponerle los detalles y acabó en el disco. Patrick siempre ha sido un buen amigo, e incluyendo su canción en California queríamos dejar claro que haciendo este disco no había ninguna regla escrita. No fue algo planeado que ocurriese, pero ‘Sober’ nos gustó mucho y dijimos ‘¿Por qué no?’”.

La impresión de mucha gente al escuchar ‘Bored To Death’ fue la de estar ante una canción muy parecida a +44, el grupo que teníais Mark y tú. ¿Crees que están equivocados y que esto es simplemente el sonido de Blink-182 en 2016? “No, no lo creo. Te aseguro que el disco no suena a nada parecido a +44, ni tampoco el single ‘Bored To Death’. Yo asocio +44 a un sonido más electrónico, a un sonido más new wave... lo veo alejado a lo que hacemos en el nuevo disco de Blink-182. No le veo ningún parecido”.

Antes de decidiros por el título de California hubieron otros seis posibles como No Future, New Direction o No Hard Feelings, pero al parecer California os sonaba más positivo y neutro. Entre tú y yo, ¿qué título le hubieses puesto si hubiera sido sólo decisión tuya? “Realmente me gusta California, el que elegimos. En el álbum hay una canción llamada así, otra llamada ‘Los Angeles’, otra llamada ‘San Diego’... El disco está repleto de referencias hacia California, así que lo vimos adecuado. El primer nombre del álbum fue No Fu-

ture, pero no queríamos que algo tan negativo se asociase a esta nueva etapa de la banda. También porque estas canciones no son negativas, California le pega mas”. Tom DeLonge colgó un disco en solitario con lo que comentó que eran las ideas que tenía guardadas para el próximo álbum de Blink-182 antes de salir del grupo. ¿Tuviste la oportunidad de escuchar alguna de estas canciones? ¿Qué te parecen? “No, no escuché nada. Ni una sola canción”. Fue confuso porque después, cuando se supo que Matt Skiba estaba trabajando en el nuevo disco, Tom se apresuró a decir que no estaba fuera de Blink-182 y que nunca lo estuvo. ¿Cuál es la verdad y el verdadero estatus de Tom en la banda ahora mismo? ¿Sois todavía amigos? ¿Hay una puerta abierta por si quiere volver a la banda? “Sí, sigo siendo amigo de Tom, en realidad hablamos una vez cada semana o cada dos. No hablamos cosas de la banda ni de música, sino simplemente de la familia, de nuestras vidas o nos pasamos el tiempo contando chistes. Somos amigos, no hay rencor ni nada parecido porque ahora no esté en Blink-182. La oportunidad de que vuelva siempre está ahí”. Ahora os espera una gira inmensa por Estados Unidos que va desde julio hasta octubre. El cartel es impresio-

nante, incluye a A Day To Remember, All Time Low y The All-American Rejects. Al ser la primera gira con varias fechas desde Neighborhoods, pero con una nueva formación, ¿va a ser más una presentación de California o más bien una ristra de clásicos de Blink con Matt Skiba? “Será un poco de todo, pero sí es cierto que la mayoría serán canciones conocidas por todos. Hemos hablado de que en el set incluiremos ‘Rabbit Hole’, ‘Bored To Death’, ‘Brohemian Rhapsody’ y ‘Built This Pool’ de las nuevas, y el resto serán las viejas canciones de Blink-182 que todo el mundo está esperando escuchar. Yo creo que según salga el disco y la gira avance, haremos más canciones que esas cuatro, pero no queremos forzar

mucho ese aspecto. Saldrá como tiene que salir, pero la base será material viejo de Blink-182”. Antes me comentabas lo del accidente de avión que tuviste, algo que seguro aún recuerdas muy cercano y por lo cual sigues teniendo reparos en tomar muchos vuelos para salir de gira. De todas maneras, ¿hay algo planeado para Europa después de la gira americana? Me refiero a algo más prolongado, no sólo un par de fechas aquí y allá... Sé que en un par de días dais un show acústico en Londres, pero es algo puntual... “No, yo no estaré en ese show, y este año no iré a Europa. De todas 31

“EN REALIDAD SIEMPRE QUEREMOS COMPONER UN DISCO DE BLINK-182 QUE SUENE A ESOS BLINK-182 DIVERTIDOS Y CON MUCHA ENERGÍA, LOS BLINK-182 RÁPIDOS QUE TODOS RECUERDAN”

TRAVIS BARKER maneras podéis estar tranquilos, porque estaremos en Europa con una gira para el próximo verano. Será la gira de presentación de California en Europa y haremos algunos festivales también”. Soy un gran fan de At The Drive-In y de The Mars Volta, así que me preguntaba cómo fue para ti tocar con Cedric y Omar en Antemasque. ¿Fue revolucionario para ti? ¿Fue un desafío? “Fue muy divertido, de lo más divertido que he hecho en mucho tiempo. Creo que grabamos las baterías del disco en un solo día, y luego fuimos de gira durante una semana completa. Cedric, Omar y Mark son personas maravillosas y no sólo grandes músicos. Me encantó formar parte de Antemasque”. 32

Una vez te llamaron en un medio importante “El primer batería súper estrella del punk rock”. ¿Te lo tomas como un cumplido o más bien como un insulto? Sabemos que tu banda principal toca punk rock, pero también tocas jazz o hip hop. “La gente me puede llamar lo que quiera (risas). En ese momento me sentí halagado, aprecio que reconozcan mi trabajo, pero sólo quería aclarar que me gusta todo tipo de música; ya queda en manos de la gente interpretar mi trabajo como punk rock o como lo que quieran. Me encanta tocar la batería, me encanta ser un músico profesional sea en el estilo que sea, y me siento bendecido de poder seguir haciendo esto, que al fin y al cabo es mi pasión”.

Ya para terminar: Give The Drummer Some fue tu primer disco en solitario, lanzado en 2011. Tuvo colaboraciones excelentes, y desde entonces la gente se pregunta si vas a lanzar algo más por el estilo. ¿Has pensado alguna vez en hacer una segunda parte? “Es curioso que lo digas, porque te daré una exclusiva: estoy trabajando en un segundo álbum ahora mismo. Desde ese disco en solitario hice un EP con Yelawolf llamado Psycho White, y ahora está colaborando conmigo en mi nuevo disco en solitario. Quiero lanzarlo en breve para poder salir de gira y presentarlo, puede salir en cualquier momento”.

BAND OF HORSES

DERRIBANDO FORTALEZAS

CREANDO LINAJES

BAND OF HORSES FUERON UNA DE LAS MEJORES FORMACIONES DE LA PRIMERA EDICIÓN DEL MAD COOL. GRACIAS A SU PASO POR EL FESTIVAL PUDIMOS CHARLAR CON ELLOS SOBRE SU NUEVO DISCO, WHY ARE YOU OK. AGÁRRENSE BIEN FUERTE, QUE LOS CABALLOS HAN VUELTO PARA TROTAR DE LA FORMA MÁS SALVAJE POSIBLE. TEXTO: PABLO PORCAR FOTOS: DR

UTAN, DIGIEREN y avanzan. Así es como se define la actividad de Band Of Horses, grupo que lleva una década dando pasos con la cabeza bien alta. Pasaron de caracterizarse por cierta textura hialina en sus dos primeros álbumes, Everything All The Time y Cease To Begin, para así, poco después, dejarse llevar por la densidad atmosférica con Infinite Arms. Con Mirage Rock se dispararon conscientemente al pie remitiéndose a las raíces más americanas, y hoy, cuatro años después, regresan conjuntando las fórmulas de sus dos últimas obras. El productor Jason Lytle (Grandaddy) ha ejercido como gran maestro de ceremonias en una velada en la que también se han atrevido a lanzarse a la pista de baile ilustres figuras como Dave Fridmann, J Mascis (Dinosaur Jr.), Sera Cahoone o Jenn Champion. Why Are You OK (Interscope/Music As Usual) es otro refrescante disco de húmedo aroma. Otra buena obra que conseguirá empañar de vaho los seis cristales de vuestras bestias motorizadas. Deseábamos conocer más sobre el trasfondo del álbum. De hecho, más que desearlo, lo necesitábamos. Por ello cogimos la furgo y nos plantamos en una terraza del Prado de Madrid, birra en mano, para entrevistar a un Ben Bridwell que sigue tan humilde y bonachón como siempre. Los años

pasan, pero el cantante de Band Of Horses continúa siendo tan cercano y afable como el primer día. Eso, tras nominaciones a Grammys y altas posiciones en charts internacionales, dice mucho en su favor. Junto al artista repasamos desde la gestación del álbum hasta la materialización de algunas de sus colaboraciones más estelares, sin olvidarnos tampoco de la apretada agenda con la que están lidiando en estos últimos meses. Bueno, hola Ben. Encantado de tenerte de vuelta. Lo primero que me ha llamado la atención de Why Are You OK es su portada. ¿Es cierto que esa foto fue tomada en España? BEN BRIDWELL “Inicialmente pensé que se tomó en Sudamérica. No me acuerdo bien. Recuerdo que ese día estábamos tomando caipirinhas, que es una bebida que se suele tomar en Brasil. Posteriormente Creighton me comentó que en realidad estábamos en España. Tengo una memoria terrible para este tipo de cosas”. Demasiadas giras… “Sí, no consigo recordar nada. Lo único que retengo son otros asuntos. Hace nada estábamos en Bonnaroo, antes estuvimos brevemente en Europa haciendo promo…”. Y también estuviste hace bien poco en Colbert. Recuerdo que

te enfundaste una camiseta de “Feliz cumpleaños, Annabelle” para celebrar el aniversario de una de tus hijas. Debe ser complicado compaginar la vida familiar con tanta actividad promocional… “Es una auténtica locura. Mira cómo ha sido mi día hoy... He estado en aviones, en aeropuertos y ahora estoy haciendo esta entrevista. Debes buscar la manera de encontrar algún tipo de equilibrio en este tipo de día a día. Ayer tuve la posibilidad de hablar con mi mujer, pero fue hacia las dos o las tres de la mañana. En Noruega. No me fui a dormir temprano para así poder hablar con ella”. Ahora tienes cuatro hijas, ¿no? “Sí, tengo cuatro”. ¿Cómo es para ti cuando vuelves a casa y tienes que vivir una vida familiar? Debe ser como vivir dos mundos completamente diferentes, ¿no? “Es algo realmente chocante. Es muy intenso el estar con ellas de nuevo. Generalmente me lleva un día el asentarme. Esa sensación vivida es fenomenal, y consigue que me olvide de lo largo que ha sido el vuelo que me ha llevado hasta casa. Es como vivir un sueño durante al menos un día. Pienso ‘¡Esto es fenomenal! Amo más mi vida de lo que lo he hecho hasta ahora’. Amo mi casa, amo estar en ella, aun35

que no todo es oro lo que reluce. Las responsabilidades, las tareas que hay que llevar a cabo en un hogar… Y no es nada fácil dejar que las cosas fluyan sin mostrar tu lado más autoritario. Hay que entenderlo: mi mujer está lidiando una batalla cada día de su vida, y yo no puedo llegar a casa y ser un capullo”. Es que cuatro crías son cuatro crías. ¡Debe ser difícil lidiar con una familia tan numerosa! Quizás te suene increíble, o no, pero parece que con este disco has conseguido abrir aún más esa ventana que va directa a mostrar esta vida familiar de la que me estás hablando. Y hablo tanto de las letras como incluso de otros asuntos, como por ejemplo el vídeo de ‘Whatever, Wherever’... “Totalmente. Fue un esfuerzo que hice de forma absolutamente consciente. Hubo un punto en el que me bloqueé en mi proceso creativo al intentar enmascarar este tipo de aspectos de mi vida personal. Porque obviamente, quieres mantener parte de tu vida de forma privada. Incluso aquello relativo a mi mujer. Ya verás el día que escuche el disco… Eso si alguna vez le doy alguna copia… Seguro que llegará uno de esos momentos de ‘¡Que te jodan, tío! Esto es algo muy personal’”. ¿Y qué pensó cuando años atrás dedicaste un tema a tu hija, ‘For Annabelle’? “No le hizo mucha gracia. Y afortunadamente Annabelle era sólo un bebé. De hecho, aún ella no recuerda que 36

hay una canción con su nombre”. ¡Y soléis empezar los conciertos de esta última gira con ese tema! “Sí, sí. Me encanta esa canción. Aunque he de decir que hay muchas líneas temáticas diferentes en cada uno de los temas. No van específicamente sobre, por ejemplo, mi mujer. Y también muestro ficción y no ficción. Siento que tengo la libertad creativa para dar luz verde a esto”. ¿Esa dualidad de la que hablas está presente en el tema más bipolar que has compuesto? Hablo de ‘Dull Times / The Moon’. “Sí. De hecho, también hablo en él de mi propio proceso creativo. Es por eso que, en el disco, es el primer tema del mismo. Es el primer episodio de la historia. Me costó sentir que podía abrirme al público. E ir al confesionario, de alguna manera. Sabiendo las repercusiones que podrían provocar los temas”. Recuerdo aquella línea de “Home is where the heart is”… “O aquella otra de “Home is where you are”. Repito: el equilibrio y la dualidad. Esos dos conceptos aparecen en todo el trabajo”. Y como ya hemos comentado: la vida hogareña. Adoro esa canción titulada ‘Casual Party’ en la que hablas sobre aquellas insustanciales fiestas que has vivido con vecinos y completos extraños. ¿De dónde sacaste aquel verso que dice

aquello de “since Ben got that he is a sociopath”? “¡Alguien me llamó eso! Me dijeron que era un jodido sociópata. ¡Y ni siquiera sabía lo que eso era! (Risas) Dije: ‘Joder, eso suena mal’. Investigué y todo para averiguar lo que era… Lo dijo un viejo amigo con el que intenté reconectar pero no hubo manera. Aunque fue divertido concebir esta canción y hablar sobre aspectos urbanos tan mundanos como ése. Estoy muy contento de contar con la vida que tengo. Si no fuese así no me invitarían a una fiesta como ésa, pero sería mejor si ahora me invitasen a menos fiestas”. Seguro que ya no te invitan a tantas, especialmente si los anfitriones escuchan la canción. De hecho, deberías haber titulado al disco Casual Party para hacerlo más evidente. “(Risas) Creo que voy a continuar haciendo canciones sobre cosas que no quiero hacer. Como ir al centro comercial. Está bien reflejarlo en canciones. Aunque hay una sonrisa de lo más simpática dibujada en la canción. De hecho, en ‘Casual Party’ no me estoy quejando, sólo que describo algo que viene implícito en el territorio”. Totalmente, y lo cierto es que no todas las fiestas en las que has estado han sido olvidables. De hecho, conociste a tu batería y gran amigo Creighton en una fiesta de este tipo... “¡Sí! Y hablamos por primera vez gracias a que sonó una canción de Dinosaur Jr.. Al escuchar el inicio de ‘Feel The Pain’ de Dinosaur Jr. no pudimos evitar gritar “¡Sí!” a la vez. Nos hici-

“LO CIERTO ES QUE WHY ARE YOU OK NO ES UN DISCO TAN COLABORATIVO COMO LOS DOS ANTERIORES. ÉSTE ESTÁ MÁS CENTRADO EN MÍ MISMO, Y EN JASON LYTLE. AMBOS REFUGIADOS EN LAS TRINCHERAS”

BEN BRIDWELL

mos hermanos de forma instantánea”. Es curioso, pero todo parece estar vinculado. J Mascis de Dinosaur Jr. ha acabado colaborando con vosotros en otro tema de Why Are You OK, en ‘In A Drawer’. “Y Jason Lytle, que nos produjo el álbum, y Rick Rubin, y mi amiga Sera Cahoone, y Jenn Champion, y Dave Fridmann… Todo ha sido orquestado para volver a las raíces. Creo que no podía haber encontrado un mejor reparto. No sé quién podía haber imaginado que Jason Lytle iba a acabar produciendo un disco en el que iba a estar involucrado Rick Rubin, y que iba a estar mezclado por Dave Fridmann, y… ¡Ah! Me olvidaba de los chicos de

Archers Of Loaf. Mi amigo Matt Gentling toca en el primer tema, ‘Dull Times / The Moon’. Y en ‘Barrel House’ colabora Eric Johnson con su guitarra. La próxima vez tendré que ir más a fondo… Costará más… Pavement…”. ¡O Electric Light Orchestra! “Madre mía. Los amo, aunque tardé un tiempo en ponerme con ellos. Pavement son mis favoritos. Un poco en la línea de lo que te hablo estaba también definido el álbum que grabé el año pasado con Sam Beam de Iron & Wine. Estaba centrado en rendir tributo a nuestros orígenes. Desde los inicios que fui un gran fanático de la música”. No puedo dejar pasar la opor-

tunidad de preguntarte por esto: ¿Cómo conseguiste que J Mascis colaborase contigo en el tema? “Bueno, tuve que recomponer ‘In A Drawer’ un millón de veces. Al final recuerdo que abrí el cajón de mi escritorio para buscar ítems que me pudiesen dar ideas, y pensé: ‘¿Y si la oriento hacia la idea de encontrar algo en un escritorio?’. Ese concepto, que sonaba muy propio de una canción de Dinosaur Jr., me hizo acordarme del grupo, por lo que reproduje un par de horas después el EP de ‘In A Jar’ que editaron hacia 1985. Justo al terminar ese tema sonó una canción en la que versionaban ‘Just Like The Heaven’ de The Cure que cuenta con el mismo tono de ‘In A Drawer’. Se me 37

ocurrió cantar las letras de Robert Smith ejerciendo de J Mascis en mi propia canción, como segunda voz. Creo que hice más de J Mascis que él mismo. Deberías escuchar cómo sonaba, fue de lo más divertido. Le enseñé la grabación a Creighton y me dijo ‘eso suena mucho a Mascis’. Y se la reproduje a Jason Lytle y le gustó tanto que me invitó a llamar a J. Afortunadamente colaboré en algunas canciones en el primer álbum acústico de Mascis, por lo que podía pedirle un favor de vuelta. Dio la casualidad de que ya tenían finiquitado su nuevo disco, por lo que tuvo el tiempo necesario para echarme un cable”. ¿Y Sera? ¿Cómo colaboró contigo? Por lo que deduzco, aún estaba grabando su nuevo disco… “Ya lo tiene grabado. De hecho, me envió un enlace a Soundcloud hace poco. He intentado que viniese a telonearnos en los dos conciertos que hemos programado en Londres, pero como tiene banda ahora no cree que pueda venir en solitario. Le pone muy nerviosa esta situación de tocar sola”. Lástima. Hablando de colaboraciones… Hablemos de cómo están trabajando en los temas los propios miembros de tu banda. Ryan aporta su granito en muchos cortes de Why Are You OK, e incluso Tyler canta en ‘Country Teen’. ¿Crees que tus compañeros están involucrándose más que lo que hicieron anteriormente en la etapa de Mirage Rock? “(Se lo piensa -ndr.) Por entonces nos dejamos guiar mucho por el instinto de Glyn Johns. Es un poco dominante. Le 38

“CREO QUE VOY A CONTINUAR HACIENDO CANCIONES SOBRE COSAS QUE NO QUIERO HACER, COMO IR AL CENTRO COMERCIAL” BEN BRIDWELL

gusta controlar mucho la situación y no es un tipo muy dado a colaborar en ciertos momentos. Tiene una visión de túnel a la hora de trabajar. En Mirage Rock cada uno de nosotros se había empollado su parte para así llevarla a cabo a la vez, ya que debíamos grabar todos juntos. Lo cierto es que Why Are You OK no es un disco tan colaborativo como los dos anteriores. Éste está más centrado en mí mismo, y en Jason Lytle. Ambos refugiados en las trincheras. Él ha tocado buena parte de los teclados que aparecen en el disco, y también algunas partes

de guitarra. Afortunadamente a mis compañeros les pareció bien tomar este camino, y no hacer un álbum tan colaborativo”. Sabiendo esto, ¿cómo fue la relación de vuestro teclista, Ryan Monroe, y la de Jason a la hora de grabar el trabajo? La sinergia establecida entre ambos debió ser diferente de la generada en anteriores referencias. “Fue muy particular. Jason es un tipo muy suyo y Ryan tiene déficit de aten-

necesitemos’. Pero estuvo bien el ahora no estar abierto a todo y aceptar todo tipo de colaboraciones. Sabían que necesitaba meterme a fondo en mi propia mierda en esta ocasión, y así sacar a relucir mi propio estilo amateur en el álbum. Son tan buenos que les cuesta desaprender. Creo que lo vivido nos ha llevado a conocernos más a fondo entre nosotros. No me extrañaría lo más mínimo que volviésemos a grabar un disco como este último, pero haciéndolo con un enfoque un poco más colaborativo. Este tipo de cosas nos ayudan a que Band Of Horses continúen haciendo cosas frescas, sin obcecarnos demasiado en una única forma de trabajar”.

ción. Aunque Ryan entendiese lo que Jason le explicaba, él iba a acabar haciendo una floritura de las suyas. Tiene un talento inmenso. Le cuesta hacer lo que le piden que haga, va mucho por su propio camino. Creo que todos hacemos lo mismo. Fue un poco difícil de encarar todo este asunto. Incluso con Bill. Jason también tuvo su visión a la hora de trabajar con el bajo. Las opiniones de los chicos no fueron recibidas siempre con los brazos abiertos. No fue fácil el tenerles que decir en algunos momentos aquello de ‘os llamaremos cuando os

Me llama la atención que ‘Country Teen’, el tema de Tyler, es una pieza totalmente two step. “¡Sí! Y está mezclada en mono. No se muestra a pantalla completa hasta que arranca la batería. Cuenta con unas formas diferentes, y creo que al menos a su manera aporta cierta variedad al disco. Originalmente yo iba a ser el cantante original en ‘Country Teen’, y Tyler iba simplemente a armonizar, pero cuando estábamos a punto de acabar el disco él me preguntó si podía llevar la batuta en términos vocales. Me pareció fantástico. La íbamos a desechar. Al final él consiguió que la canción sonase de forma mucho más agradable. Si no hay nada sagrado, todo fluye de forma natural”. Cierto, no hay nada sagrado. Recuerdo que en 2012 me comentaste que ibas a publicar un disco en solitario en 2015, y al final no salió. Ahí

sí que rompiste tus normas… (Risas). “No lo publiqué (risas). Algunas de las canciones que compuse para mí mismo han acabado apareciendo en este disco, caso de ‘Throw My Mess’. Continuaré a fondo con ello. Espero grabar otro. Debería acabar publicando un boxset como debut con todo este material. Sería casi la primera persona en hacer algo así (risas). Es muy raro todo lo que hay ahí… Una mezcla rara de géneros. Sonidos rockeros, four to the floor, piezas country, yo cantando con voz muy grave… No sé si estoy preparado para todo esto”. Última pregunta. Ésta es de las obligadas ya que son muchos los que están pendientes de vuestra vuelta… ¿Os veremos tocando en salas en España? Es algo que esperan los fans de aquí desde hace mucho tiempo. “¡Deberíamos! Y estoy convencido de que acabaremos haciéndolo. Últimamente sólo hemos tocado en festivales. Y recuerdo que cuando teníamos que tocar en el Primavera Sound no nos quedó otra que cancelar la actuación. Adoro venir a España, y también a Portugal. Esta zona de Europa es fantástica. Somos sureños. Amamos la calidez y la cercanía de la gente. Tras centrarnos en Australia sería inteligente el encaminarnos hacia España”. A ver si es verdad y os vemos de vuelta pronto.

DESCENDENTS

DAME MÁS

CAFEÍNA HASTA AHORA LA ACTIVIDAD DE DESCENDENTS SIEMPRE SE HABÍA VISTO CONDICIONADA POR LA LABOR COMO CIENTÍFICO DE SU VOCALISTA, MILO AUKERMAN. SIN EMBARGO, LOS ÚLTIMOS ACONTECIMIENTOS EN SU CARRERA PROFESIONAL HAN PROVOCADO QUE SU PRIMER DISCO EN MÁS DE UNA DÉCADA PUEDA LLEGAR A MARCAR EL COMIENZO DE UNA NUEVA ETAPA PARA LA BANDA MÁS ENTRAÑABLE DE LA HISTORIA DEL PUNK ROCK. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

“SIEMPRE VI LA MÚSICA COMO UN HOBBIE, COMO ALGO INESTABLE, MIENTRAS QUE LA CIENCIA ERA LA DECISIÓN CORRECTA PARA MÍ. JAMÁS HUBIERA PODIDO PENSAR QUE TODO DIESE UN GIRO DE 180 GRADOS” MILO AUKERMAN

ESCALAS DIFERENTES, para cualquiera de sus fans la publicación de un nuevo plástico de Descendents vendría a significar más o menos lo mismo que para un astrólogo el poder avistar el cometa Halley. Todo un acontecimiento que nunca sabes muy bien cuándo podrás volver a vivir. Y es que desde que allá por 1982 editasen su seminal debut Milo Goes To College (piedra angular del punk pop a la que formaciones como Green Day o Blink-182 le deben buena parte de sus logros), la trayectoria de este mítico combo ha sido cuanto menos peculiar. Para empezar, sus dos principales cabezas visibles a lo largo de sus casi 40 años de existencia, Milo Aukerman (voz) y Bill Stevenson (batería), poco tenían que ver con el resto de referentes de la escena hardcore de aquel entonces, como el musculoso Henry Rollins de Black Flag o el integrista straight edge Ian MacKaye de Minor Threat. Los Descendents en realidad eran los empollones marginados de la clase. Sus canciones trataban temas más terrenales como el rechazo constante a la hora de intentar intimar con el sexo opuesto, su pasión por la comida rápida, la adicción a la cafeína o hasta las excursiones que montaban para ir a pescar. Todo ello era vomitado en temas de apenas minuto y medio (cuando no segundos) interpretados con una técnica fuera de lo normal donde sobresalía el personal timbre de Milo gracias a sus fantásticas melodías. A pesar de que Stevenson siempre fue el principal motor creativo de la banda y el productor de la inmensa mayoría de su discografía, Aukerman siempre fue 42

la imagen más reconocible del grupo gracias a la caricatura que protagonizaba cada una de sus portadas. Sin embargo, la pasión que Milo demostraba por el punk rock sólo se veía superada por su ambición de llegar a convertirse en científico. Su entera dedicación al campo de la bioquímica hizo que la formación tuviera que verse forzada a realizar varios hiatos y a operar de manera intermitente. Algo que, de alguna manera, hizo revalorizar su estatus convirtiéndoles en un auténtico grupo de culto dentro del hardcore melódico, especialmente gracias a su quinto trabajo editado en 1996, Everything Sucks, ya con Stephen Egerton (guitarra) y Karl Alvarez (bajista) en su filas. 2004 fue el último año en el que pudimos escuchar nueva música por su parte con el también recomendable Cool To Be You. No fue hasta 2010 cuando Descendents volvieron a dar señales de vida para ofrecer varios conciertos para jolgorio de sus fieles seguidores, quienes esperaban una nueva oportunidad de cazarles en vida. Desde entonces se venía rumoreando la posibilidad de que un nuevo trabajo estaba a la vuelta de la esquina... Y aunque parecía algo lejano, finalmente Hypercaffium Spazzinate (Epitaph) llegará a nuestras estanterías a finales de este mismo mes de julio. Con motivo de semejante ocasión, tuvimos el privilegio de contactar con el mismísimo Milo Aukerman para conocer sus impresiones de primera mano. Hola Milo, ¿qué tal estás? ¿Dónde te encuentras ahora mismo? MILO AUKERMAN “Estoy en mi

casa en Delaware, sentado en el cuarto de estar junto a mis perros”. Fantástico. Es un gran honor poder hablar contigo. Debo decirte que eres uno de mis grandes héroes musicales. “Es genial poder oír eso de tu parte. Siempre me ha gustado mucho España y es uno de mis lugares favoritos para visitar en vacaciones. Hace unos años estuve pasando un par de días en el sur: Granada, Sevilla, Cádiz... También en Madrid, que es una ciudad que me encanta, y he podido visitar el Museo del Prado varias veces”. Queda poco más de un mes para que salga un nuevo disco de Descendents, algo que no suele ser muy habitual de ver. ¿Qué sensaciones tienes ahora mismo? ¿Lo ves como algo muy especial? “Sí, por supuesto. Éste es el primer disco que sacamos en doce años. Creo que empezamos a pensar en hacerlo allá por 2011. Comenzamos a intercambiarnos canciones entre nosotros y cuanto más tiempo pasaba, más excitados estábamos porque veíamos que teníamos mucho material y muy bueno. Me parece que llegamos a tener unos 30 temas de los cuales elegimos los 16 que han acabado en el álbum. Creo que es uno de nuestros mejores discos precisamente porque teníamos muchas canciones de donde poder escoger. También la manera en la que lo grabamos fue un poco diferente para nosotros. Por ejemplo, pude hacer las voces en el sótano de mi casa simplemente enchufando un micrófono. Esta vez puede hacerlo todo en unas tres o cuatro semanas, cuando

“SI TU HIJA TE DICE QUE QUIERE VERTE TOCAR CON TU GRUPO, MÁS TE VALE ASEGURARTE DE QUE ESO SUCEDA (RISAS)”

MILO AUKERMAN

normalmente siempre que grabábamos tenía que hacerlo en una. Así que esta vez supuso una gran diferencia porque podía ser más agresivo y no tener que preocuparme de perder la voz. Fue mucho más cómodo para mí. Bill voló hasta Delaware y lo hicimos todo aquí”. Cuando volvisteis a dar conciertos en 2010, ¿te resultó complicado volver a estar en forma para cantar? “Creo que el último concierto que dimos antes de 2010 fue en 2003 ó 2002. Pasó mucho tiempo. Pero el motivo porque el que empezamos a hacerlo otra vez fue debido a la operación por la que pasó Bill. En 2010 le operaron de un tumor cerebral que era del tamaño de una pe-

lota de tenis. Una vez consiguió salir de eso, todos nos encontrábamos tan contentos que decidimos volver. El primer concierto que dimos fue en el Fun Fun Fest en Austin, Texas. Yo estaba nervioso porque no había cantado en todo ese tiempo, pero creo que salió bien. Cuando me subí al escenario, tomé aire y pensé: ‘Aún puedo hacer esto y sigue siendo divertido’. Ése fue el comienzo de muchos otros conciertos que vinieron después, porque nos dimos cuenta de que, si aún éramos capaces de pasarlo bien, debíamos seguir haciéndolo. Aunque sólo dábamos conciertos esporádicos, no girábamos durante tres meses metidos en un autobús. Volábamos a donde fuese, tocábamos, y nos volvíamos a casa. Y eso es lo mejor, porque aho-

ra la parte de viajar resulta más sencilla, por lo que lo disfrutamos más”. En tu caso, ¿cómo decidiste que había llegado el momento de centrarte de nuevo en Descendents? Debido a tu trabajo como investigador de bioquímica, ¿te resulta muy complicado compaginar ambas agendas? “Sí, pero en 2010 tuve un par de semanas de vacaciones extra, lo cual fue curioso porque estaba cogiendo mis días de vacaciones para irme a tocar con el grupo (risas). Se lo comenté a Bill y le dije que podíamos hacerlo. Pero lo cierto es que desde 2011 mi trabajo cada vez me resultaba menos interesante. Los últimos años estuve pensando en que no quería seguir 43

haciendo nada relacionado con la ciencia porque me estaba deprimiendo de verdad. Así que, por suerte, me dejaron marchar (risas). Dejé el trabajo en enero de este mismo año y fue un verdadero alivio porque se había convertido en una situación horrible para mí. Una vez fuera, el grupo se convirtió en mi ocupación a tiempo completo y así ha sido desde entonces”. ¿Puedo preguntarte qué fue exactamente lo que hizo que quisieras dejar tu trabajo? “Trabajaba en una gran corporación científica. La cosa es que en este tipo de sitios no tienes mucha libertad para decidir qué es lo que quieres investigar. La gente que está al mando por encima de ti son las que te dicen lo que debes investigar. Como científico, sé muy bien lo que es necesario trabajar, así que había cierta desconexión entre lo que querían que hiciésemos y lo que el resto de científicos pensábamos que debíamos hacer. Por otro lado, un par de años atrás estaban continuamente moviéndome de un proyecto a otro, lo cual no tenía sentido para mí. Me sentía como una bola dentro de una máquina de pinball. Lo que terminó por cabrearme es que yo empecé a estudiar ciencia porque me gustaba trabajar con la genética y el ADN. Ésa era mi área, y el último proyecto que hice ni siquiera tenía que ver con ello, sino en desarrollar bacterias que pudieran proporcionarle beneficios a la compañía. Así que ésa fue la gota que colmó el vaso. Ya no trabajo en esas cosas, perdí mi motivación en ello”. Vaya, lo siento. Cambiando de tema, además de todo

esto, también eres padre... ¿Cómo ven tus hijos, ahora que imagino que son más mayores, tu carrera como científico y músico? ¿Ves que sientan cierto interés o les da un poco igual? “Bueno, cuando volvimos a tocar en 2010, como te he comentado antes, fue en parte debido a todo el asunto de la recuperación de Bill. Pero el otro motivo fue que le enseñé a mi hija alguno de nuestros viejos vídeos y me preguntó si todavía seguía tocando porque quería verme en acción. Y si tu hija te dice que quiere verte tocar con tu grupo, más te vale asegurarte de que eso suceda (risas). Según mis hijos fueron creciendo se dieron cuenta de en qué consistía la otra vida de su padre y estuvieron interesados en ello, en saber todo lo que había pasado. Así que en parte lo hicimos también por ellos. Tienen un gusto musical muy parecido al mío, les gusta el punk rock. Es genial poder compartir la música con ellos”. Volviendo al disco, me gustaría preguntarte por el título, Hypercaffium Spazzinate. ¿Puedes explicarnos qué demonios significa para los que no tenemos ni idea de latín o de ciencia? “(Risas) Obviamente la historia de nuestro grupo tiene mucha influencia de la cafeína. Tenemos muchas canciones que hablan sobre el café. Solemos usarlo como nuestra droga particular, por así decirlo. En lugar de estar bebiendo antes de un concierto, tomamos unas cuantas tazas. Así que teníamos la idea de qué pasaría si hiciésemos una versión mejorada de

la cafeína e imaginamos que, siendo yo un científico, quizás podría hacer algo así. De ahí salió la imagen de la portada, donde se ve a Milo en el laboratorio convertido en un frasco, intentando sintetizar nuestra propia cafeína. Es como híper-café. Entonces se nos ocurrió ponerle el nombre de algún químico especial, probamos varios y nos gustó el de Hypercaffium Spazzinate. Es todo puro divertimento, pero nos tomamos muy en serio el crear una historia que explicase cómo esta droga llegó a ser tan importante en nuestra existencia. Creo que es un título muy humorístico para colocarlo en la portada. De hecho, luego nos

“EN MI OPINIÓN, LA COCINA ESPAÑOLA ES UNA DE LAS MEJORES DEL MUNDO. ME ENCANTAN LAS GAMBAS AL AJILLO Y ESE TIPO DE COSAS. MUCHAS VECES HE VISITADO ESPAÑA ÚNICAMENTE POR LA COMIDA”

MILO AUKERMAN

dimos cuenta de que había al menos tres canciones en el disco que hacían referencia a la química y a la medicina. Lo cual es interesante, porque no es que seamos unos drogadictos, pero escribimos varias canciones sobre el funcionamiento de algunos medicamentos”. Me parece algo realmente ingenioso todo lo relacionado con la portada. Pero musicalmente, parece como si hubieseis querido hacer una especie de resumen de toda vuestra discografía. Hay canciones que recuerdan a vuestros

comienzos en los 80 y otras que se asimilan más a lo que hicisteis en Everything Sucks y Cool To Be You, con un sonido más melódico. Es muy variado, como un grandes éxitos. ¿Lo ves de la misma manera? “Sí, somos cuatro personas aportando canciones, por lo que cada una va a venir desde un ángulo y perspectiva distintas. Por ejemplo, puedo decirte que Stephen es el que suele traer las canciones más agresivas y rápidas, más parecidas a la época de Milo Goes To College. Muchos de esos temas son mis favoritos de este disco.

Posiblemente yo sea el que aporte las más melódicas, al igual que Bill, que tiene un montón de demos con material de ese estilo. Diría que la mayoría de nuestros álbumes suenan muy variados y de muchas maneras debido al hecho de que somos cuatro compositores. No vas a obtener un sonido monolítico de esa forma. Nos gusta trabajar así”. Por ejemplo, ‘No Fat Burger’ parece como un autohomenaje a vosotros mismos. Me recuerda mucho a ‘I Like Food’, sólo que la letra va en el sentido opuesto.

“Escribí esa canción con ese toque humorístico sobre lo mucho que me gustar salir a comer una hamburguesa de chile con queso. Aún sigo adorando ese tipo de cosas, pero como te imaginarás, mi doctor me dice que a mi edad no es una buena idea... Pero es difícil decir que no (risas). Así que de eso trata esa canción. Cuando se la enseñé al resto, dijeron ’genial, ya tenemos alguna canción rápida’. Es un tema divertido, no es que tenga una letra profunda, pero es una de las cosas que más disfruto haciendo cuando escribo”. Veinte años atrás cantabas en ‘When I Get Old’ cómo te imaginabas la vida cuando te hicieses mayor. ¿Se han cumplido tus expectativas de entonces o piensas que todo sigue apestando hoy en día? “(Risas) No, al contrario. Ahora mismo

todo es genial (risas). En realidad, para mí, todo apestaba hace un año, cuando aún estaba en mi trabajo. Pero lo dejé, hicimos este disco y ahora mismo me siento de maravilla. Estoy disfrutando de todo esto. Lo divertido es que, tal y como me preguntabas sobre cómo me imaginaba que sería mi vida cuando me hiciese mayor, si realmente hubiera intentado imaginarme cómo sería ahora mismo, no se parecería en nada. Al principio, cuando era joven, pensaba: ‘Voy a convertirme en científico. Ésa va a ser mi carrera’. Siempre vi la música como un hobbie, como algo inestable, mientras que la ciencia era la decisión correcta para mí. Jamás hubiera podido pensar que todo diese un giro de 180 grados (risas). En mi cabeza todo supuso un vuelco, así que nunca hubiera predicho que estaría donde estoy hoy. Por primera vez en mi vida estoy mirando hacia el futuro como un músi-

co de verdad, algo que nunca había hecho antes. De alguna manera, da un poco de miedo, pero por otro lado quiero ver lo que soy capaz de hacer ahora que tengo la oportunidad de centrarme al 100% en la música”. Como bien dices, es curioso que precisamente te hayas lanzado por completo al mundo de la música a una edad tan tardía en lugar de mantenerte en un trabajo fijo, cuando lo normal es justo lo contrario. Apuesto a que hay mucha gente de tu edad a la que le gustaría encontrarse en tu misma situación. “La verdad es que puedo ver todo lo que se nos viene encima ahora y creo que mientras sigamos trabajando duro, podremos conseguir que nuestra carrera funcione. Eso es algo que no veía claro en los 80, ya que por mu-

cho que me esforzase en la música, eso no me garantizaba nada. Lo que ha cambiado para mí ahora es que soy capaz de mirar al futuro y creer de verdad que esto puede funcionar. Cuando empezamos el grupo, lo primero de todo es que lo hacíamos por diversión, pero la verdad es que el público no se sentía muy atraído por lo que hacíamos. Tocamos en muchas salas vacías o para apenas 50 chavales. Lo cual también es genial, porque esos 50 chicos te quieren de verdad, pero en ese instante era difícil pensar que conseguiríamos labrarnos una carrera de esa forma. Por eso debo agradecer a Bill y al resto del grupo su trabajo y persistencia durante todo este tiempo”. Hace un par de años que se estrenó Filmage, el documental sobre vuestra historia. Supongo que una de las cosas que más debió sorprender a la gente es que, a pesar de que tú siempre has sido la imagen visible del grupo, Bill Stevenson tiene una enorme importancia en la banda. Es como el genio en la sombra de los Descendents... ¿Crees que sirvió para reivindicarle? “La verdad es que eso no es del todo cierto. Descendents siempre ha sido el grupo de Bill. Él fue quien creó el grupo en 1978 con Frank Navetta y otro chico (llamado David Nolte -ndr.) antes de que Tony Lombardo se les uniese. Pero siempre ha sido su banda porque él ha sido el motor principal de todo. Él fue quien grabó toda la música y escribió muchas de las mejores canciones que tenemos. Lo que enseñaba la película es que el grupo mostraba su

personalidad, en realidad. Todo el mundo tiene en mente la imagen de mi dibujo como el icono de la banda. Eso muestra en parte la personalidad del grupo, pero la verdadera alma de todo ello es Bill. Creo que cualquiera que haya visto el documental sabrá reconocerlo”. Otra parte de la película que me gustó mucho fue la dedicada al grupo ALL. A pesar de que también eran geniales, hay mucha gente que siempre les vio varios peldaños por debajo de Descendents. No sé si te sientes de alguna manera culpable de que no llegasen a destacar de la misma manera... “Cuando decidí dejar la banda para ir a la universidad, ahí es cuando ellos empezaron ALL. Y rápidamente se convirtieron en mi grupo favorito de todos los tiempos, porque podía ver la enorme energía que tenían como trío. Ésa era la evolución natural para ellos y me encantaba el sonido que eran capaces de crear. Siempre fueron mi grupo favorito durante el tiempo que estuvieron juntos, era su fan número uno. Si echamos la vista atrás, quizás se pueda decir que lo único de lo que fueron culpables fue de no ser los Descendents. Pero también hay mucha gente que prefiere a ALL antes que a Descendents. Su popularidad quizás sea más underground, pero también tienen muchísimos seguidores, lo cual es absolutamente comprensible dado que su música es simplemente genial en muchísimos aspectos. Son como una versión más compleja de Descendents, y desde luego merecen estar a su misma altura”.

Para ir acabando, en 2012 os pudimos ver en el Resurrection Fest. Era vuestra primera vez en España en muchísimo tiempo. ¿Qué recuerdas de aquella visita? “Suelo intentar tener algo de tiempo libre cuando viajo con el grupo, especialmente cuando vamos a lugares exóticos, como en Galicia, donde nunca había estado. Me desperté temprano y di un paseo por la ciudad, no había casi nadie porque debían de ser las ocho o las nueve de la mañana. Me gusta hacer esto siempre que puedo porque me ayuda a absorber el ambiente local. De hecho, fui a nadar a la playa. Intenté conseguir una experiencia completa de todo aquello. La verdad es que fue un gran día, creo que tocamos junto a Suicidal Tendencies, si mal no recuerdo. También pude probar algunas delicias de la comida de allí, como el pulpo. En mi opinión, la cocina española es una de las mejores del mundo. Me encantan las gambas al ajillo y ese tipo de cosas. Muchas veces he visitado España únicamente por la comida”. ¿Y cuándo crees que vendrás a probar de nuevo nuestra comida y, ya de paso, dar un par de conciertos? “Sí, eso sería genial. Vamos a Europa en agosto, pero creo que no pasamos por ningún festival español. Supongo que debemos volver más adelante y tocar en salas la próxima vez que estemos por allí. Espero que podamos hacerlo muy pronto”.

DESAKATO

LA LLAMA RESI S T E

EL QUINTO TRABAJO DE LOS ASTURIANOS DESAKATO, LA TEORÍA DEL FUEGO, VIENE ACOMPAÑADO DE UN DVD DOCUMENTAL DONDE REPASAN SU HISTORIA. UN INUSUAL VISTAZO AL PASADO POR PARTE DE UN GRUPO ACOSTUMBRADO A MIRAR SIEMPRE ADELANTE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

UANDO PABLO y Mario, cantante y guitarrista, y bajo respectivamente, empezaron a tocar siendo unos críos, difícilmente hubieran imaginado que en 2016 todavía seguirían haciendo música juntos. En Desakato, que completan Pepo (voz), Gabri (guitarra) y Nano (batería), encontraron el vehículo perfecto para expresar sus inquietudes, y desde 2008 han venido publicando discos y ofreciendo conciertos con gran regularidad. Con el último, el autoeditado La Teoría Del Fuego, la

¿Estáis contentos con cómo va todo desde la salida de La Teoría Del Fuego? PABLO MARTÍNEZ “Estamos muy sorprendidos. Empezamos la gira en abril y la reacción de la gente está siendo brutal. Cantan las canciones nuevas como si las conocieran de toda la vida. Es un premio de la hostia. No podemos pedir más”. Después de tantos años y cinco discos se tiene que notar que todo toma más consistencia... “Sí, la cosa va creciendo, aunque es un camino lento. Al ser una música minoritaria esto es una carrera de fondo. Los pelotazos en este tipo de estilos no existen, así que hay que ir trabajando y que crezca día a día, que es lo que motiva”.

banda de Llanera ha puesto toda la carne en el asador editándolo en formato digibook con un DVD, Pacto De Sangre, en el que explican su trayectoria, así como la grabación del álbum. También musicalmente el grupo se muestra más abierto que nunca, incluyendo un tema instrumental, ‘Volcán’, o la balada ‘Tu Avalancha’. Unas semanas antes de su primera participación en el Resurrection Fest hablamos con Pablo, quien ha sido también responsable de la producción del disco.

Escuchando el disco, y además que venga acompañado de un DVD, me ha parecido que quizá habíais sido más ambiciosos en esta ocasión. ¿Os lo tomasteis como que tenía que ser vuestro álbum definitivo? “No es algo que tuviésemos en la cabeza. Siempre intentamos dar el máximo. Quizá en este punto de la banda va aflorando algo más de madurez y el aprendizaje que vamos teniendo de todos los discos, pero cada uno lo hemos hecho con todo y éste es uno más”. ¿De dónde surgió la idea de hacer el documental? “En principio la idea era centrar el documental sólo en la grabación del disco. Nosotros empezamos a ensayar aquí en una casa hace un mon-

tón de años, donde hicimos un pequeño local. Y poco a poco fuimos comprando material de grabación y construimos nuestro propio estudio. Hasta que el año pasado se convirtió en un estudio profesional, que cuenta con una sala grande de piedra. Lo que queríamos era hacer un resumen de esa historia y llamamos a Titi Muñoz, que es el realizador de la mayoría de nuestros videoclips. Le comentamos la idea y le gustó, y le pasamos un disco duro con un montón de imágenes que teníamos grabadas de la historia del grupo y él vio que había material suficiente como para hacer un montaje más extenso. Y al final el documental duró una hora y media. No fue fácil porque hubo que hablar con familiares para conseguir vídeos antiguos, pero creo que es un reflejo bastante fiel de lo que ha sido el grupo, que es lo que queríamos”. Supongo que al hacer el documental también te das cuenta de la evolución, ya no de imagen, sino musical del grupo. ¿Sentís que habéis avanzado mucho? “Sí, totalmente. Sobre todo a la hora de no ponernos límites en una estética sonora, de no encasillarnos. Yo creo que fuimos aprendiendo. En los primeros discos que empezamos a meter algunas cosas distintas, la gente respondió muy bien y eso nos hizo perder el miedo. Hoy en día los discos no los orientamos al público que ya tenemos, pero aun así acaban gustando. A lo mejor llega un día en el que la caguemos, pero somos bastante inquietos. Nos gusta que cada álbum tenga frescura, que no se parezca mucho al anterior, mostrar cosas nuevas”. 49

DESAKATO En vuestro público hay fans del metal, del punk, del rock estatal... Supongo que ver que sumas a gente distinta también estimula... “Claro que sí. De hecho, en los festivales en los que nos movemos hay amantes de todo esos estilos y al final parece que la línea se mantiene estable y nos pasamos mucho hacia un lado u otro. Yo conozco casos de gente que le gusta el hardcore y le gusta Desakato, o le gusta el metal y le gusta Desakato, lo cual es algo que valoramos muchísimo. Que nos llamen de festivales distintos como el Viñarock o el Resurrection Fest es un gran premio. Resume un poco lo que queremos hacer: no quedarnos en una sola cosa, sino ampliar miras”. Este veranos estaréis en el Resu. Me imagino que habréis ido como público. Os queda más cerca que a otros... “Por supuesto. Será la primera como artista, pero he ido varias veces”. Muchos cantantes dicen que hacer las letras es lo que más les cuesta y lo dejan para el último minuto. ¿Es tu caso? “Totalmente. Es muy complicado. La dificultad de escribir en castellano es 50

muy contentos, la verdad”.

no caer en tu propia repetición o en esas metáforas del rock estatal. Se me hace difícil hacer algo diferente. Intento hacer las músicas primero y luego cuando ya están las canciones que van a ir al disco me pongo con los textos. También tengo la ayuda de Falu, que es un exmiembro de la banda que al principio escribía para nosotros y me ayuda mucho a desatascarme. Tener otra mente a tu lado es muy interesante”. Por primera vez te has encargado de la producción del disco. ¿Significa que tienes la última palabra en lo artístico? “Mis compañeros confían en mí, pero al final todo se somete a votación. Pero tenía las cosas claras y ya en el anterior tomé un poco las riendas, porque era el primero que lo hacíamos sin Pablo Viña, que había sido nuestro productor. Pero no quiere decir que vayamos a seguir con este sistema porque nos gustaría mucho contar con un productor. Si económicamente las circunstancias lo permiten, para el próximo quizá contemos con alguien externo. Pero en este caso vimos que las canciones iban tomando forma por sí solas, con lo cual decidimos tirar para adelante y hacerlo nosotros mismos. Y estamos

¿No te agobiaste de tener que asumir varios roles a la vez? “La verdad es que sí, no te voy a mentir. Llegó un momento de pérdida de perspectiva total. De hecho, cuando habíamos terminado la grabación y nos pusimos a mezclar pasé por momentos difíciles. Tuve que recurrir a amigos técnicos, como Tutu, nuestro técnico de sonido, para que me dijeran si estaba bien encaminado. Pero al final todo se solucionó y funcionó”. Una de las cosas más difíciles de tirar adelante en un grupo son los cambios vitales de cada uno, y por ejemplo, en este disco ya no está Dani, el gaitero. Supongo que no es lo mismo tener 20 años que 30… “Totalmente. Creo que estás dando en el clavo. Llega un momento en la vida de todo hombre en el que las circunstancias cambian. Nosotros todavía no tenemos hijos, pero tengo muchos ejemplos de gente que llevaba toda la vida luchando por la música y luego te ves con dificultad para combinarlo con el trabajo y la familia y te hacen abandonar. Yo tengo la suerte de poder dedicarme al estudio y a la banda y al ser mi propio jefe me lo puedo permitir, pero hay otros casos en los que resulta más complicado. Estar trabajando toda la semana y el fin de semana irte a tocar es difícil. Este veranos tenemos conciertos de martes o jueves también. Llega un momento en que si no funciona económicamente te puedes cansar”.

IMAGIN EXTREME BARCELONA SKATE, BMX, SCOOTER, BMX, INLINE, LONGBOARD Y MUCHO MÁS... PRESENTADO POR MOUNTAIN DEW, EL IMAGIN EXTREME HA VUELTO A TRIUNFAR EN BARCELONA. 26.000 ESPECTADORES SE ACERCARON AL FÒRUM PARA DISFRUTAR DE UN FIN DE SEMANA INOLVIDABLE EN EL QUE PUDIMOS COMPARTIR MOMENTAZOS, TANTO EN LAS COMPETICIONES COMO CON EL PÚBLICO Y AMIGOS QUE SE ACERCARON A NUESTRO STAND. AQUÍ TENÉIS ALGUNOS DE ELLOS... FOTOS: TONI VILLÉN

BIFFY CLYRO

HASTA A LOS GRANDES SE LES ACABA LA INSPIRACIÓN. DURANTE LA CREACIÓN DEL NUEVO ÁLBUM DE BIFFY CLYRO, SIMON NEIL PASÓ POR EL MAYOR BLOQUEO CREATIVO DE SU VIDA AL VERSE INCAPAZ DE SUPERAR LO QUE HABÍAN CONSEGUIDO ANTERIORMENTE, PERO AFORTUNADAMENTE ENCONTRÓ LA LUZ AL FINAL DEL TÚNEL. ÉL MISMO Y SUS COMPAÑEROS NOS LO CONTARON EN LONDRES PARA PRESENTARNOS EN PRIMICIA LOS SECRETOS DETRÁS DE ELLIPSIS, EL SÉPTIMO TRABAJO DE NUESTROS ESCOCESES FAVORITOS. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

UEDE QUE SI LLEVAS leyendo esta revista desde sus inicios no te sorprenda mucho ver a los tres escoceses que ocupan la portada de este número. Pero por si no lo sabes, Biffy Clyro fueron una de las bandas que se dio a conocer en España gracias a gente que, como esta publicación, hablaba de los grupos emergentes que no tenían la publicidad ni la repercusión que proporcionan las redes sociales últimamente. Por eso nunca han dejado de mostrarnos que siempre estarán muy agradecidos a todas las páginas y portadas que les hemos dedicado en este medio, y desde el momento en que crucé la puerta de las oficinas de Warner Music en Londres el pasado 11 de mayo y nos presentaron, me lo hicieron notar con su gran cordialidad. Para mi poca sorpresa pude comprobar que eran como los describían: unas personas con los pies en el suelo, que por mucha fama que tengan ahora siguen acordándose de sus inicios. Para los que llegaron tarde, merece la pena recordar que estos tres amigos de la adolescencia se juntaron en su ciudad natal de Kilmarnock, en Escocia, hace ya veinte años sin hacer mucho ruido, pero a base de muchas ganas y trabajo, su esfuerzo se ha visto recompensado. Su aparición en la escena fue dejando huella desde que irrumpieran en 2002 con su ópera prima Blackened Sky, a la que acompañaron en menos de dos años con otros dos buenos trabajos, The Vertigo Of Bliss (2003) e Infinity Land (2004), que los colocaban en todas las quinielas de bandas promesa. Pero ya sería a partir de 2007 cuando dejarían de ser promesa para 60

convertirse en realidad tras el álbum Puzzle, y empezar el camino hacia el estrellato con Only Revolutions (2009) y ese ambicioso doble álbum Opposites (2013) con el que, según ellos nos cuentan, creían haber alcanzado su máximo potencial. Por eso, al terminar su correspondiente gira, no conseguían quitarse de la cabeza lo difícil que sería superar todo lo que habían obtenido durante estos años. Simon Neil (voz, guitarra) y los gemelos James (bajo) y Ben Johnston (batería) han vivido de primera mano su ascenso del indie al mainstream, de tocar en salas con veinte personas a ser cabeza de cartel en los festivales de Reading y Leeds por segunda vez este verano; normal que sintieran algo de vértigo. Afortunadamente la inspiración volvió a surgir y este mes publicarán su séptimo disco, Ellipsis (14th Floor/Warner), aunque es posible que el resultado no deje del todo contentos a quienes les llevan siguiendo desde el principio. Han arriesgado apostando por un sonido más pop y electrónico que poco tiene que ver con esa primera etapa donde los riffs frenéticos y contratiempos eran su seña de identidad. Por lo menos parecen satisfechos de haber hecho algo que sorprenda a sus fans y no haber muerto en el intento. Sea como sea, desde aquí les seguiremos de cerca como ya es costumbre. Aún nos queda camino por recorrer juntos. Para empezar me gustaría preguntaros por Ellipsis. Llevo toda la semana escuchándolo y me ha dejado bastante sorprendido por su sonido. ¿Cómo habéis llegado a pegar este cambio?

SIMON NEIL “La verdad es que ha sido una decisión totalmente intencionada. Ya en el momento que terminamos Opposites, con la cantidad de canciones que compusimos, pensamos que habíamos hecho demasiadas canciones rock, era un álbum muy cinemático, por así decirlo. Por ello creímos que debíamos hacer todo lo contrario para el siguiente álbum. Queríamos sentir esa inocencia de no saber dónde nos estábamos metiendo, y sobre todo sentirnos libres para poder jugar con la música... Incluso haciendo cosas un poco mal (risas). Queríamos que hubiera momentos en el disco que la gente se sorprendiera y dijera ‘¿En serio? ¿Han metido ese sonido?’ (Risas). Pero bueno, lo difícil de todo esto para mí fue al terminar la gira de Opposites. Por primera vez en mi vida me sentía incapaz de componer, y eso que durante más de diez años he tenido siempre esa fluidez de estar escribiendo constantemente. Ésta fue una de las cosas que hizo que el proceso durara más de año y medio. Además, nos presionamos mucho queriendo que cada canción fuera mejor que la anterior, necesitábamos sentir que los temas que sacáramos nos llenaban de verdad... Pero bueno, la música es así, ¿no? Nunca sabes si vas a escribir una canción de mierda o una muy buena. Si lo supiera probablemente estaría muerto (risas). Por todo esto no quisimos apresurarnos y nos tomamos las cosas con más calma. A lo mejor, como es el séptimo álbum de Biffy Clyro, habrá gente que lo considere innecesario y puede que haya otra que lo necesite, ¿quién sabe? Pero ésta es la decisión que tomamos desde el primer momento y

por eso no quisimos apresurarnos”. Bueno, vuestra evolución como banda siempre os ha llevado a no hacer lo mismo en cada álbum... En éste habéis sacado un lado más pop que en cualquier disco anterior, siempre manteniendo vuestra esencia, como en ‘Animal Style’, por ejemplo. SIMON “Sí, la verdad es que teníamos ganas de poder abrirnos a cosas que quizá habíamos ignorado en la música, sobre todo con respecto al terreno de la producción, que es algo que nos ha ido interesando mucho en

los últimos años. Cómo hacer que un disco pueda sonar de tantas maneras diferentes es algo fascinante. Estuvimos escuchando muchos álbumes de hip hop antiguos, y te digo que algunos suenan más bestias que alguna banda heavy. Queríamos mezclar eso con nuestra música, siendo la misma banda de tres pero añadiendo nuevos sonidos. Queríamos filtrar ese momento raro en el que estábamos”. JAMES JOHNSTON “Para mí fue como aprender a hablar un nuevo idioma o un dialecto. Es algo a lo que no has centrado tu atención, y que cuando lo descubres, coges de él lo que más necesitas para poder

entenderte y lo adaptas a tu capacidad de comunicarte. Nosotros cogimos esa estructura del sonido, por así decirlo, y la adaptamos a nuestro sonido”. Para ello habéis vuelto a grabar en el área de Los Ángeles por tercera vez consecutiva. SIMON “Sí, nos fuimos a la zona de Hollywood a grabarlo. Por supuesto un buen clima es algo que, siendo de Escocia, agradecemos muchísimo (risas). Pero la verdad que lo que más me gusta de ahí es la forma de ser de la gente, y la manera en cómo son tan decididos a seguir sus sueños. Es 61

algo que ayuda sobre todo cuando estás haciendo un disco. A nosotros nos anima mucho estar allí. No hay necesidad de aislarnos en algún sitio a componer, nos gusta estar disfrutando de todo lo que ofrece una zona como ésa”. De hecho, tengo entendido que te fuiste con tu mujer durante unos meses para salir del bloqueo compositivo por el que pasabas. SIMON “Sí, fue en el momento en el que estaba angustiado por no ser capaz de componer. Estaba obsesionado con que tenía que componer material para el nuevo disco de Biffy Clyro y la presión podía conmigo. Quería que fuera algo tan relevante que se me olvidó lo fácil que puede ser componer. Cuando terminó la gira le dije a mi mujer de irnos a Santa Mónica a pasar unos meses. Quería dedicar un tiempo a escribir y componer algo en solitario y allí acabé haciendo lo que próximamente sacaré como proyecto personal, que se llama ZZC y que es de un rollo así como electrónico, algo raro de describir pero que saldrá dentro de poco. De todo el material que compuse salieron un buen puñado de canciones que pensé que serían perfectas para Biffy, y después de habernos tomado ese descanso, fue como que volví a sentirme yo otra vez. Una vez dejé de pensar en el séptimo álbum todo volvió a fluir como antes... Ojalá me hubiera dado cuenta antes (risas). Fue extraño estar los tres separados durante tanto tiempo. En más de 15 años no habíamos estado tanto sin vernos, ni ensayar, porque solemos vernos todas las semanas, 62

pero bueno, creo que nos vino en el mejor momento. Todos queríamos avanzar, y después de esa pausa tan importante nos pusimos en marcha con el nuevo disco. Sentía que podía hacer una canción de cualquier nota que sonara… podría hacer una canción aquí mismo sólo con los sonidos de la habitación (risas)”. Bueno, a veces hay que pasar malos momentos para sacar lo mejor de cada uno. SIMON “Sí, es como cuando dejas de buscar el amor por alguien y sin esperarlo llega con otra persona. Eso es lo que ha sido más o menos grabar este disco. Ahora que lo pienso podía haberme puesto en Tinder e ir pasando tías hasta decir ‘uhhh, tú podrías ser el álbum número siete’ (Risas)”. BEN JOHNSTON “Sí, eso hubiera sido más divertido (risas)”. Ese final de gira de Opposites a finales de 2014 terminó con unos conciertos bastante especiales que hicisteis tres días seguidos en Glasgow tocando toda vuestra discografía y caras B. ¿Cómo fue la experiencia de hacer una cosa así? JAMES “Fue increíble. Tuvimos que aprendernos canciones que no habíamos tocado desde hacía 12 ó 13 años. Dejamos que la gente hiciera peticiones de los setlists unos meses antes. Queríamos darle algo a todos nuestros fans en nuestro propio territorio. Una vez pasó, nos dimos cuenta de que habíamos hecho algo especial que aún no habíamos sentido como banda”.

SIMON “¿Ensayamos, cuántas? 140 canciones o así, ¿no? A lo mejor alguna de esas canciones sólo la habíamos tocado una vez y nunca la habíamos vuelto a tocar (risas)”. ¿Puede que repasar todo vuestro material os afectara en parte en ese bloqueo del que hablabas? SIMON “Totalmente. Pero es que además lo acabo de pensar también cuando has mencionado esos conciertos. Recuerdo que repasamos todos los temas que teníamos, y estábamos tan orgullosos de lo que habíamos hecho estos años que pensar en superarlo se nos hacía una montaña. Pensábamos que, hiciésemos lo que hiciésemos, no iba a ser suficiente”. BEN “Sí, sobre todo nos sorprendimos de que esa fluidez en componer de la que hablaba Simon se hubiera perdido. No la sentíamos porque pensábamos que ya habíamos dado lo mejor y que teníamos que superarlo sin saber cómo”. Bueno, lo importante es que tenéis ya el disco apunto de salir y comenzáis gira con muchas fechas a destacar. Volvéis a encabezar Reading & Leeds Festival después de hacerlo tres años atrás. Digo yo que ya le tiene que sonar vuestro nombre a Trent Reznor, quien en 2013 pilló un ataque de celos porque vosotros, y no Nine Inch Nails, erais los cabezas de cartel. SIMON “Eso espero (risas). Para nosotros ese festival es parte de nuestras vidas, hemos escupido en cada

esquina desde pequeños. Ya la primera vez fue un sueño hecho realidad, pero es que lo de esta vez no me lo quiero ni imaginar porque, si no, pienso que no podremos superarlo (risas). Para serte sincero, tenemos muchas ganas de volver a tocar, hablar del disco ahora y eso no está mal, pero lo que estamos deseando es salir a tocar cada noche y estar con nuestro público”. Hablando de ese festival, recuerdo que os vi tocar en Leeds 2010. SIMON “Sí, lo recuerdo. Ese fue el año de Queens Of The Stone Age y Guns N’ Roses, ¿verdad?”.

Sí, de hecho eso es de lo que os quería preguntar... Recuerdo que los grupos que tocasteis en el escenario principal ignorasteis la actuación de Guns y todos dijisteis que Queens eran la mejor banda de rock del mundo. Nunca vi que se hablara de eso después, pero ésa fue la sensación que dio. JAMES “Sí, eso es totalmente cierto (risas)”. SIMON “Sí, yo recuerdo como todos nos pusimos de acuerdo para ignorar que tocaban. Es que era como el tributo a Guns N’ Roses con Axl Rose”.

BEN “Bueno, también hay que decir que Queens Of the Stone Age caen mucho mejor”. No creo que pasara lo mismo ahora que se ha reunido con Slash y Duff. SIMON “No, por supuesto. Ahora mismo la nostalgia de verlos otra vez juntos no puede compararse con ese momento”. Vosotros sois muy fans de Guns, por lo que sé... SIMON “Sí, claro... De hecho, aquí tengo tatuada la portada del Use Your Illusion I y II (se señala el brazo derecho –ndr.). (Risas) Era lo único 63

que escuchaba cuando tenía 12 años. Me ponía esos dos discos todos los días en mi casa, me sabía el libreto de memoria, hasta los créditos... No quería saber nada de lo que sacaron después (risas)”. BEN “Es que esos dos discos son la hostia incluso ahora. A mí me encantaban, pero nunca pudieron superar lo que ya habían hecho en Appetite For Destruction”. SIMON “Es que si lo piensas bien, el Appetite For Destruction es el único 64

disco con el que dieron de verdad el golpe. Los demás no pueden ser considerados como clásicos del rock, no superan ni a Fleetwood Mac, ni a Sabbath, ni a AC/DC. Eso es lo que me parece increíble que hayan conseguido. Llegar a todo lo que tienen por haber entrado de esa manera tan contundente en la música rock. Hicieron lo totalmente opuesto a nosotros (risas). Ellos fueron capaces de llegar de primeras con lo mejor que harían”. JAMES “Totalmente de acuerdo”.

La otra fecha que quería comentar son las que tenéis en España este verano en Madrid y Benicàssim. BEN “No te imaginas las ganas que tenemos de ir. Me encanta cómo hacéis los festivales allí. Todo el día disfrutando y por la noche de fiesta y conciertos. Es pura felicidad (risas)”. SIMON “¡Tocando a las jodidas tres de la mañana! ¡Sí joder! (Risas)”. JAMES “Para nosotros es siempre muy especial ir a España. Como sa-

vez ahí. SIMON “¡Joder, claro! Pero si fue la reunión de Rage Against The Machine, y también tocaban Queens... fue muy buen cartel, ya no me acordaba”. BEN “Claro, yo estaba pensando ‘¿Pero qué dices, tío?’ (Risas)”. SIMON “Es verdad, se me había pasado, pero me alegra recordarlo (risas). Pero en serio te digo que en España podríamos tocar durante cinco horas y creo que seguiríais queriendo más, es increíble la energía que tenéis”. JAMES “Sí. Siempre he dicho que no he visto un público más enérgico que en España, y eso que a las diez de la noche aún estáis cenando (risas). Lo que nos pasa es que queremos conocer más de otros lugares de España que no sean los típicos. Algún día tendremos tiempo de visitar más sitios, y más sabiendo el público que tenemos por allí”. SIMON “Sí, y eso mucho os lo debemos a vosotros por todo el apoyo que nos habéis dado en RockZone desde el principio. Estamos muy agradecidos por todos estos años, de verdad”. bes, hemos recibido siempre muchísimo apoyo de vosotros, y la gente de allí te transmite felicidad”. SIMON “Recuerdo la primera vez que tocamos en un festival ahí, era probablemente en el BBK Festival y me quedé sorprendido de cómo nos recibió la gente”. Bueno, si no recuerdo mal, tocasteis en el Electric Weekend años antes de eso, yo recuerdo veros por primera

Yo de hecho os conozco porque era lector de la revista. SIMON “Por eso sabrás que nosotros siempre hemos tenido una conexión con vosotros, desde la amistad con otros grupos de música a haber tocado mucho en nuestros comienzos en Madrid y Barcelona. Tenemos ganas de tocar en sitios que no hayamos estado y devolverles también ese apoyo de manera más personal”.

¿Tenéis ganas de volver a tocar en sitios pequeños o ya os habéis acostumbrado a los grandes recintos? SIMON “Sí, es lo que más nos gusta. No lo vamos a dejar de hacer porque es algo que necesitamos. Probablemente después de este año hagamos una gira de sitios más pequeños que arenas, tipo salas normales”. Suena bien. Ahora que os habéis metido entre los grandes, ¿os sentís cómodos o echáis de menos tener una vida normal? BEN “Yo viví mi vida normal durante los cuatro meses que se fue Simon y no quiero volver a pasar por eso (risas)”. JAMES “Después de poder vivir esto no quiero saber nada de otro tipo de vida. Para mí vivir de lo que me hace feliz es un sueño hecho realidad. Cuando he pasado un tiempo sin tocar en directo lo paso mal, necesito la música para ser feliz y aunque no hubiéramos alcanzado lo que tenemos ahora mismo, seguiría haciendo lo mismo”. SIMON “Eso es algo que hemos tenido claro desde que empezamos con esto. Somos amigos desde el instituto y siempre hemos dicho que haríamos esto hasta que no nos hiciera felices. Y eso es imposible porque amamos demasiado la música como para dejarla. Siempre dijimos que permaneceríamos juntos pasase lo que pasase y así lo haremos”.

HYDE ABBEY

NUEVAS TÉCNICAS HAN TARDADO MÁS DE LO ESPERADO, PERO HYDE ABBEY POR FIN TIENEN SU TERCER ÁLBUM EN LA CALLE. THE DEVIL SPOKESMAN PRESENTA UNA BRILLANTE EVOLUCIÓN EN SU DEATHCORE PROVOCADA POR LOS CAMBIOS EN EL SENO DE LA FORMACIÓN CATALANA. BIENVENIDOS SEAN. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OS SERES HUMANOS somos reacios a los cambios, ¿pero qué es la vida sino un estado de transformación permanente? Por eso, cuando los planes toman una dirección inesperada, más vale perder poco tiempo en lamentarse y adaptarse rápidamente a la nueva situación. Tras terminar la gira de su anterior álbum Ooparts (2013), Hyde Abbey sufrieron una serie de sacudidas internas, que acabarían con la salida de tres de sus miembros y la entrada de dos nuevos componentes

El periodo de incertidumbre ha quedado atrás y se ve que las nuevas piezas han encajado a la perfección. Además, justo antes de empezar, recibían la buena noticia de que iban a hacer de teloneros de Atreyu en Barcelona y Madrid. Dos citas que se suman a su participación en la Welcome Party del Resurrection Fest junto a Skindred y Narco, entre otros. La rueda vuelve a estar en marcha…

–Edgar (exThe Eyes) a la guitarra y Jon al bajo-, dejando a Presta como único cantante de una banda que se había caracterizado por el uso de dos voces. Todo esto provocó que la composición y grabación de su tercer trabajo, The Devil Spokesman, se retrasara más de un año y prácticamente paralizara la actividad del grupo en directo. Sin embargo, cuando a mediados de junio Kurti (guitarra) y Arnau (batería) aparecen en nuestra redacción para que les entrevistemos, se les nota en la cara una sensación de alivio e ilusión.

En los últimos años habéis pasado por varios cambios de formación. Vosotros dos, que estáis desde el principio, ¿pensasteis en algún momento que se estaba desmoronando? ARNAU “Hay las dos caras de la moneda. Siempre que empiezas un proyecto con una gente, creas una confianza y una metodología de trabajo que cuando estás a gusto no quieres perder. Pero sabemos que con esto no nos ganamos la vida profesionalmente y es difícil compaginarlo con la vida de cada uno, así que sabes que tarde o temprano alguien puede petar. Puede ser porque no se llega, por motivos personales, por cambio de intereses... Aun así, y aunque te sepa mal y sea una putada que alguien se vaya, la base del grupo teníamos claro que queríamos seguir adelante. Hemos afrontado los cambios de la mejor manera posible”. KURTI “Primero se fue Jon. Estuvimos un año y medio con Rober. Durante ese tiempo lo dejó David, un guitarra, y entró Edgar para sustituirle en algunos conciertos y luego decidió quedarse”. ARNAU “Y después se fue Rober, y decidimos quedarnos sólo con Presta a las voces. Y el último en marcharse fue Raúl, el bajista, y entro otro Jon, un

“COMO MÚSICO TE PUEDE GUSTAR MÁS TOCAR COSAS COMPLICADAS, PERO LUEGO VES QUE EN EL DIRECTO TODO ES MÁS CLARO Y ATRAPA MÁS”

ARNAU

chaval vasco muy majo. Ahora somos una formación de cinco”. ¿El nuevo disco lo habéis hecho ya vosotros cinco? ARNAU “Sí. Había parte de la composición que se hizo cuando todavía estaba Raúl. Pero justo en la grabación ya estaba Jon y también ha aportado”. KURTI “De hecho, cuando grabamos los instrumentos todavía estaba Raúl. Cuando entró Jon ya estaban los bajos grabados, pero él aportó los samplers y lo que conoce de sintetizadores y arreglos de piano, y además es una voz de refuerzo en los coros”. ¿Cómo de distinto hubiera sido el disco si hubieseis seguido con la formación de Ooparts? ARNAU “La mayor diferencia es que la gran parte de los riffs de Ooparts los hizo David y en éste ha sido Edgar. Es otra manera de trabajar. Además, al ser productor de muchas bandas en su estudio, lo tiene muy claro a la hora de componer y estructurar los temas. Nos hemos tenido que adaptar y conocernos a una nueva manera de trabajar, pero una vez lo hicimos, la verdad es que todo fluyó muy bien”. KURTI “Yo creo que el disco hubiera sido más técnico a la hora de tocar, pero nos habría quitado el aspecto del directo y no habría partes tan melódicas. Creo que el nuevo álbum tiene un gancho que le puede gustar tanto al 67

metalero de Slipknot como al fan del deathcore”. ARNAU “El nuevo disco es más directo, con partes más simples, sin tanto lío. Como músico te puede gustar más tocar cosas complicadas, pero luego ves que en el directo todo es más claro y atrapa más”. Como decíais, Edgar tiene mucha experiencia en otros grupos y como productor. De hecho, os había producido en Ooparts... ¿Os daba miedo que, a pesar de ser el último en llegar, tomase las riendas del grupo? ARNAU “Edgar nos quita ocho, nueve años, así que cuando te dice algo te lo tienes que creer porque es una persona experimentada. Ha tocado en más festivales que tú, ha hecho tres giras europeas más que tú, así que sabe lo que hace. Ya nos va bien porque hemos aprendido de él. Más que dirigirnos, nos ha aconsejado. Cuando propone algo, si lo piensas fríamente, ves que tiene razón”. KURTI “Yo nunca he tenido la sensación de que quisiese imponer nada. Al revés. Él tenía una manera de componer que era muy The Eyes, que nos gusta, pero nosotros no queríamos ser unos The Eyes II. Los primeros riffs que compuso no nos encajaban, pero hizo un trabajo personal de escuchar las bandas que nos gustan, qué posiciones utilizan, qué es lo que hemos hecho nosotros en los dos discos anteriores, y a partir de ahí evolucionarlo”. ¿Cómo se tomó Presta el quedarse como único vocalista? ¿Lo veía claro o se planteó buscar a alguien más? ARNAU “La idea inicial era seguir 68

con dos cantantes, pero la experiencia nos dice que cada vez que entra un nuevo miembro cuesta mucho que esté tan involucrado como tú y eso a veces desmotiva un poco. En ese punto no nos encontrábamos cómodos”. KURTI “Sobre todo porque en este caso iba a ser el frontman”. ARNAU “Realmente fuimos los demás, no Presta, quienes dijimos de tirar adelante con él solo. Al principio creo que no le hacía gracia porque con dos cantantes se pueden ayudar el uno al otro, aunque a veces más que ayudar lo que pasa es que uno tapa al otro. Pero hicimos algunos ensayos y vimos que sonaba bien. En ese sentido, creo que el nuevo trabajo ha dado un mejor resultado que en los anteriores”. ¿Qué se gana y qué se pierde al pasar de dos cantantes a uno? ARNAU “Centrar la atención en una persona. No te distraes. Y entre tema y tema sólo habla uno. Es más claro. Personalmente estoy muy contento del trabajo que ha hecho Presta. Todo esto retrasó un poco la grabación, como un año, porque tenía que encontrar cómo combinar sus registros, hacer todas las letras, pero lo ha hecho muy bien”. KURTI “A nivel práctico también es más fácil moverse de gira con cinco personas que con seis. Como punto malo, quizá diría que cuando tienes dos voces, una aguda y una grave, y suenan compactas, es demoledor. Ahora eso no lo tenemos. Pero no pasa nada. Heaven Shall Burn graban muchas voces y sólo tienen un cantante”. ¿Hay algún momento del disco que una vez grabado fliparais y dijerais ‘¿De verdad esto lo

hemos grabado nosotros’? ARNAU “La mierda de hacer un disco tú es que has ido pasando por todos los pasos, y cuando lo escuchas por primera vez, nunca puedes tener el impacto de alguien que llega virgen. No hay sorpresa. Pero aun así, cuando escuchas el disco final, puedes tener nuevas sensaciones. Yo hubo un par de momentos en los que noté que habíamos dado un paso adelante. Notar que sigues creciendo mola mucho”. KURTI “Yo necesito que pasen dos meses una vez ya hemos terminado el master antes de volver a escucharlo. Y la verdad es que con este álbum he quedado muy contento”. ARNAU “Yo me puse el primer disco para preparar un concierto que hicimos con antiguos miembros y me sorprendió ver cómo componíamos entonces. Me sorprendió mucho”. Antes decíais que no vivís del grupo, pero tampoco sois una banda de colegas del barrio que quedan para tocar. ARNAU “Es un tema de discusión frecuente. Como músico aspiras a hacer las cosas lo más profesionalmente posible, desde el sonido al diseño de las camisetas, a los videoclips. La putada es que de todo el esfuerzo que haces luego no recibes un retorno a la altura. Hay que ser realistas y saber a lo que puedes aspirar. Es complicado. El retorno económico no es proporcional y tienes que cortar donde tienes que cortar. No podemos estar palmando pasta indefinidamente”. ¿Creéis que este desfase entre inversión y retorno es básicamente porque lo que hacéis no tiene más recorrido a nivel de público?

KURTI “Durante año y medio hemos dado muy pocos bolos, quizá seis, porque estábamos componiendo. Había gente que pensaba que nos habíamos separado. Cuando has girado muy a tope y luego paras y hay un vacío prolongado, el empuje que habías conseguido se para. Y volver a arrancar es complicado”. ARNAU “Tampoco hacemos música mainstream, está claro. Aunque este disco es un pelín más accesible, tampoco hay un público de masas para esto en este país”. Pero al final tampoco creo que sea cuestión sólo de este país. Estoy casi seguro de que Carnifex tampoco es que estén forrados y vivirán al día. ARNAU “(Risas) Claro, si te lanzas, con tener para la comida y la gasolina con lo que te paguen ya es suficiente. Es una manera de vivir porque no necesitas dinero para un alquiler ni nada. Pero al final, un grupo como Bring Me The Horizon sí que parece que tengan dinero en el banco”. Sí, pero es que hacen una música muchísimo más accesible. ARNAU “Sí, está claro. Personalmente tampoco es una meta el retirarme con la música. Lo hago porque me lo paso bien y en este momento me lo puedo combinar. El día que no lo pases bien, más vale que lo dejes. Al menos un trabajo, aunque no te guste, te da una nómina”. Hay grupos que confunden el pasarlo bien con tomarse las giras como una gran fiesta. Llegan a la sala y lo primero que preguntan es cuántas cervezas tienen...

“PARA MÍ PASARLO BIEN NO ES EMBORRACHARME ANTES DE TOCAR. HAY MUCHO CURRO ANTES DE LOS BOLOS, NOS PARTIMOS LOS CUERNOS EN ESO”

KURTI ARNAU “No es nuestro caso. Prácticamente antes de tocar no bebemos. Nos tomamos muy en serio subir al escenario. Y más ahora, que necesitamos rodaje. Después ya hay tiempo de pillar la taja y pasarlo bien, pero el escenario es sagrado”. KURTI “Para mí pasarlo bien no es emborracharme antes de tocar. Hay mucho curro antes de los bolos, nos partimos los cuernos en eso. Para mí pasarlo bien es cuando estoy tocando y ves que todo el trabajo que has hecho está saliendo bien. Y termina y dices ‘he hecho un bolo de 8, o de 9’, porque el 10 siempre es complicado (risas). Es entonces cuando estás contento y puedes empezar la fiesta”. En unos días vais a estar en la fiesta previa al Resurrection Fest. ¿Es más importante el empuje que da en sí o la experiencia personal de estar allí?

ARNAU “Las dos cosas. La experiencia personal de, entre comillas, compartir cartel con bandas enormes... Estás en ese ambiente. Tocar en el aire libre ante mucha gente con ganas de pasarlo bien es lo mejor que te puede pasar. Pero luego está la promo que hace un festival así. Mucha gente leerá tu nombre. Aunque bueno, este año estamos en la fiesta del miércoles”. Quizá hasta sea mejor... KURTI “Yo creo que para el concierto en sí es mejor, pero quizá tienes más promo si tocas en el festi. Cuando tocamos en 2014 notamos un gran punch. Quizá también es que la gente que nos tiene que conocer, ya nos conoce. No le van a dar dos veces al like de tu página”.

DISCO DEL MES

Hypercaffium Spazzinate (EPITAPH) HARDCORE MELÓDICO

nte la siempre peliaguda cuestión de la evolución musical de los grupos, por regla general siempre me suelo posicionar a favor de que éstos deben avanzar, ser valientes, no repetir ideas e intentar sorprender al oyente. Por supuesto que también disfruto de aquellas formaciones que saben jugar sobre seguro y arriesgan lo mínimo. Pero claro, mantener la frescura de los inicios según van pasando los años y los discos no es para nada un logro al alcance de todos, y tan sólo unos pocos

DESCENDENTS

privilegiados son capaces de conservarse espléndidamente tras varias décadas al pie del cañón (que se lo pregunten a AC/DC o a Bad Religion, por ejemplo). Seguro que Milo Aukerman ha tenido tiempo más que suficiente para pensar en ello durante los doce largos años que hemos tenido que aguardar para poder llevarnos a los oídos un nuevo álbum de los Descendents. Algo que uno nunca sabe a ciencia cierta si se llegará a ver realizado, pues los compromisos de Milo en su labor como investigador de bioquímica

siempre han prevalecido por encima de la continuidad de la banda. Pero finalmente sus colegas Bill Stevenson, Stephen Egerton y Karl Alvarez han sido capaces de sacarle del laboratorio con la fórmula mágica que parece asegurarles la eterna juventud. El propio Stevenson (quien se ha encargado de producir a lo más granado del punk rock en los últimos años: Rise Against, Hot Water Music, Propagandhi, NoFx...) se ha puesto de nuevo a los mandos para garantizar que su sonido básico se

mantiene inalterable respecto a las últimas referencias que publicaron, por lo que aún siguen sonando frescos y vivos a pesar del tiempo transcurrido y sin florituras innecesarias en la producción. Escuchar Hypercaffium Spazzinate, que supone su regreso a Epitaph, es como encontrarte con ese viejo colega del instituto al que hace más de una década que no le ves el pelo. Puede que ahora luzca barrigón cervecero y peine canas, pero tras hablar un par de minutos con él, sabes que en el fondo sigue siendo el mismo nerd punk que la última vez que os reunisteis. Porque en realidad el séptimo trabajo de

imbatibles. Como en ‘Without Love’, en la que florece su lado más romanticón, o ‘Smile’, donde Milo trata los difíciles problemas de salud que tuvo que afrontar Bill Stevenson que casi le cuestan la vida, pero como siempre con una visión positiva y un estribillo marca de la casa que a buen seguro la convertirá en una de las favoritas de este trabajo. Por supuesto que tampoco faltan esos pildorazos acelerados de minuto y medio (‘Feel This’, ‘Victim Of Me’ o ‘Full Circle’, que cuenta con un coro que parece un homenaje al ‘Room 13’ de Black Flag con ese “Keep me alive”), donde Egerton aprovecha para marcarse

“ES COMO ENCONTRARTE CON ESE VIEJO COLEGA DEL INSTITUTO AL QUE HACE MÁS DE UNA DÉCADA QUE NO LE VES EL PELO” estudio de los californianos es como una especie de repaso a todas las etapas de su carrera sin perder la garra ni su particular sentido del humor. Por ejemplo, ‘No Fat Burger’ sería una versión actualizada de ‘I Like Food’, pero esta vez con el propósito de cuidarse y mantener una línea sana. ‘Human Being’ nos retrotrae a su sonido más primitivo y cercano al hardcore más agresivo de la Costa Oeste de los 80, al igual que la irónica ‘Testosterone’. Pero como buenos pioneros del punk pop, es cuando sacan su vena más melódica que consiguen ser absolutamente

algún punteo espectacular al igual que en la adictiva ‘On Paper’, cuya letra les sigue retratando como unos losers encantadores. Como suele ser habitual, la final ‘Beyond The Music’ no deja de ser otra muestra de sinceridad y compromiso con la música y su escena. Porque aunque nos hagan esperar más de una década entera para un disco nuevo, Descendents siguen siendo una de esas bandas que aún continúan vigentes y merecen ser reivindicadas en este alocado mundo, que desde luego sería un poquito peor sin ellos. GONZALO PUEBLA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Intruder Blue (voz, guitarra), Intruder

Green (guitarra), Intruder Yellow (bajo), Intruder Red (batería) PRODUCIDO POR: Roger Lima,Mike Kennerty AFINES A: Screeching Weasel, Green Day, Weezer PÁGINA WEB: www.facebook.com/maskedintruder

MASKED INTRUDER

Love And Other Crimes (PURE NOISE) POP PUNK

odavía no sabemos muy bien ni de dónde han salido, ni quiénes se ocultan detrás de esas máscaras de colores, pero desde que este cuarteto de Wisconsin entró en nuestras vidas se ha convertido en una de nuestras bandas favoritas. Ante tanta seriedad es bueno ver cómo todavía quedan músicos con ganas de divertir y dispuestos a llevar un chiste hasta sus últimas consecuencias, convirtiéndolo en una forma de vida. Pero no dejemos que la broma eclipse la realidad: Masked Intruder componen canciones enormes y, como pudo verse en sus conciertos por aquí en 2014, saben defenderlas en directo como el que más. En este EP

nos entregan seis nuevas canciones dedicadas a los dos mismos temas que pueblan todas sus canciones: el crimen y el amor. Con esa misma coherencia su música se mueve por esas coordenadas del pop punk noventero con gotas de power pop y rock clásico. Abren fuego con ‘Take What I Want’, un nuevo himno que añadir a su currículum con una estrofa rockaronrela y un estribillo pegadizo a más no poder. ‘First Start Tonight’ es más popera pero cuenta con un solo de guitarra bastante largo para ser ellos. Con ‘Beyond A Shadow Of A Doubt’ llega posiblemente el mejor tema del disco, donde sacan a relucir todas sus virtudes. En la ramoniana ‘Running From The

Cops’ le añaden un punto de velocidad, sonando como si de verdad estuvieran huyendo de la poli. En ‘Still Always On My Mind’ filtran esas baladas de los 50 al estilo de Weezer, y se despiden con ‘If Only’, otro temazo sacado de la chistera. La producción de Roger Lima y Mike Kennerty y las mezclas de Stephen Egerton de Descendents sacan todo el brillo a las melodías vocales, si bien he apreciado un ligero suavizamiento en las guitarras. Pero que conste que si no les pongo una nota más alta es porque seis temas me saben a demasiado poco. Ponerte el caramelo en la boca para después quitártelo no se hace. Por muy criminal que seas. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... INTRUDER BLUE Tenemos grandes recuerdos de vuestros conciertos en España. ¿Qué tal lo pasasteis vosotros? “¡Nos encanta España! De verdad, fueron algunos de los conciertos más divertidos que hemos dado nunca. ¡Nos morimos de ganas de volver!”. Genial. Ya estamos en verano. ¿Cuáles son algunos de tus discos veraniegos favoritos? “Para mí todo se resume en los Beach Boys. Y Taylor Swift”. ¿Cómo es que nos habéis dado un EP en lugar de un álbum entero? ¿Os faltaba material? “No diría que nos faltase material... Básicamente queríamos editar algo que molara, y teníamos algunas canciones realmente buenas que estábamos ansiosos por publicar”. Es genial ver que no habéis

cambiado ni el sonido ni el rollo de la banda. ¿Cuál es el mayor reto al que te enfrentas a la hora de componer un tema nuevo? “Siempre es un reto escribir canciones que mantengan la misma temática y onda de nuestros trabajos anteriores sin repetirnos. Es algo que siempre tengo en la cabeza. En este EP nos hemos expandido un poco, pero sigue conservando la esencia”. ¿Cuál es el secreto para escribir canciones tan pegadizas? “Escribir mucho y quedarte sólo con lo mejor de lo mejor de lo mejor. Y luego trabajar con gente con buen gusto que te ayuden a refinar las canciones todavía más. Es como hacer licor: la destilación es la clave”. ¿Cúal es la canción que crees

que os representa mejor? “Es difícil de decir... Pero si tuviera que elegir sólo una sería ‘Heart Shaped Guitar’”. Éste es vuestro primer trabajo para Pure Noise Records. ¿No estabais contentos con la maner de trabajar de Fat Wreck Chords? “¡Amamos Fat Wreck! Lo que pasa es que no podíamos aguantar tanta droga... ¡Es agotador!”. Con toda vuestra actividad criminal es sorprendente que todavía podáis seguir funcionando como grupo... ¿Tan inútil es la policía? “Sí. Además, siempre que nos han arrestado ha sido por cosas que no habíamos hecho nosotros. ¡Imagina!”. (JORDI MEYA)

THRICE To Be Everywhere Is To Be Nowhere (VAGRANT)

POST HARDCORE, ALTERNATIVO

ese a haber protagonizado una de las separaciones que más lagrimas ha hecho derramar en los últimos tiempos, al final los cuatro años de descanso que se han tomado Thrice no han sido para tanto, aunque seguro que a muchos de sus seguidores les habrá parecido una eternidad. De ello se ha aprovechado sobre todo Dustin Kensrue, que se volcó de lleno en su actividad en solitario para una vez saciadas sus inquietudes personales, regresar junto a Teppei Teranishi y los hermanos Breckenridge con las pilas bien cargadas. A pesar de todo, la novena entrega de los californianos

no es ni una vuelta a las raíces, ni un inesperado cambio de rumbo como el que acometieron en Vehissu. Más bien To Be Everywhere Is To Be Nowhere sigue la línea lógica marcada por Beggars y Major/Minor. Esto significa que Thrice se siguen moviendo por terrenos menos experimentales, más cercanos al rock alternativo convencional pero libre de etiquetas y, lo mejor de todo, con un plus de agresividad que les sienta de muerte. Seguramente estemos ante su trabajo más directo e inmediato desde el EP de fuego del monumental puzzle estilístico que fue The Alchemy Index. Tanto ‘Hurricane’, ‘Blood On The Sand’, ‘Black Honey’, ‘Death From Above’ o esa ‘Wake Up’ que es un nuevo himno en toda regla entran a la primera con una facilidad pasmosa. Quizás en un primer momento se eche en falta algo más de riesgo y profundidad. El trabajo de Teppei queda por momentos en un segundo plano a favor de un Dustin soberbio en las tareas vocales, como en la final ‘Salt And Shadow’, donde rememoran los senderos abiertos en el EP de agua. GONZALO PUEBLA

BIFFY CLYRO Ellipsis

(14th FLOOR/WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

or mucho que Biffy Clyro insistan, Ellipsis no es su mejor disco. Cada uno tendrá su favorito (personalmente me quedo con Puzzle), pero dudo que a menos que este nuevo trabajo sea el primero que escuchas de ellos, te llegue a fascinar como sus anteriores trabajos. Dicho esto, Ellipsis es de lo más disfrutable… a menos que te provoque sarpullidos la palabra ‘pop’. Asentados cómodamente en la realeza del rock alternativo británico, su séptimo trabajo es un pasito más en su conquista del mainstream. Eso se nota tanto en simplificación

de las composiciones y las letras como en una producción adaptada al sonido contemporáneo con influencias de la electrónica en las texturas, las bases e incluso el tratamiento de las guitarras. Tampoco es una evolución que pueda chocarnos, pues en cada álbum han dado muestras de este acercamiento a los gustos del gran público. A éste parecen especialmente dirigidas baladas como ‘Re-arrange’, ‘Medicine’ o ‘People’, todas ellas muy bonitas pero sin ese poso de oscuridad emocional que sí tenían temas similares de obras pasadas. Aun así, los escoceses todavía son capaces de servir melodías, riffs y estribillos de lo más efectivos y algunos trucos audaces que los elevan por encima del resto. Ya sea con una pátina más moderna (‘Friends And Enemies’, ‘Animal Style’), con un tema 100% Biffy como ‘Howl’ o haciendo un quiebro con ese acercamiento al country de ‘Small Wishes’, la banda sigue sonando fresca. Vamos, que al contrario de Muse, no resultan cansinos. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

HYDE ABBEY The Devil Spokesman (AUTOEDITADO)

DEATHCORE, METALCORE

o lo tenían fácil los catalanes para igualar un soberbio trabajo como su anterior Ooparts, y menos después de haber sufrido bastantes bajas en la formación. Pero nada de esto ha impedido que hayan sido capaces de parir un disco que se asemeja a sus dos primeras entregas, pero que a la vez suena diferente y tremendamente fresco y contundente. Y ni siquiera la pérdida de una de las dos voces que daba mucho juego al grupo les ha hecho mella, ya que lo han suplido con el brillante trabajo a las guitarras gracias a la incorporación del exThe Eyes Edgar Beltri, que además ha asumido (de nuevo) la producción del álbum. Y todo esto se nota (¡Vaya si se nota!) después de que la misteriosa intro ‘The Message’ dé paso a la tormenta que se inicia con ‘We Will Fight’, un misil que te estalla directamente en la cara sin tiempo de reaccionar, al que sigue la metralla de ‘Who Is Afraid

Now?’ o ‘Scuff Your Pain’. A partir de aquí el trabajo se adentra en pasajes más metalcoreros, donde demuestran su versatilidad y su dominio de las melodías en ‘Bake Kujira’, ‘Black Death’ o ‘Face Blindness’, para volver a acelerarse en el tramo final gracias a ‘Mantrap’ (¡Menudo pepinarro!) y ‘We Are One’, para terminar por todo lo alto con la épica ‘A Way To Live’ con el cuello partido y sangrando en el suelo pidiendo clemencia. Si Hyde Abbey se han marcado un discazo cuando todo parecía indicar que empezaban una etapa de transición, no quiero ni imaginar de lo que serán capaces cuando estén más conjuntados y rodados. Preparaos para un buen bombardeo de tralla y brutalidad. KARLES SASTRE

GOOD CHARLOTTE Youth Authority (MDDN/POPSTOCK!)

POP PUNK

l tiempo, ese elemento implacable que acaba por ponerlo todo patas arriba. Cuando Good Charlotte se tomaron el típico hiato indefinido, se fueron sin que nadie les implorarse el quedarse. Al fin y al cabo, los fans que les encumbraron en The Young And The Hopeless habían crecido y estaban por otras cosas. Además, los hermanos Madden parecían más preocupados por asentar su carrera como celebrities que como músicos. Pero media década después, las cosas han cambiado. No diremos que Good Charlotte se hayan convertido en unas leyendas, pero sí se empieza a ver que el respeto hacia ellos ha cambiado radicalmente, que su influencia es más que palpable en muchos bandas que están triunfando y, desde luego, que hicieron unas

WHITECHAPEL Mark Of The Blade (METAL BLADE)

DEATHCORE

ara un europeo es complicado ponerse en la piel de un estadounidense. Suena mal decirlo, pero no son como nosotros… Al fin y al cabo, los States fueron forjados a sangre y fuego para enaltecer la ética protestante, todas y cada una de las sectas cristianas que eran perseguidas en el Viejo Continente, y por tanto, son el mayor caldo de cultivo del más irrompible espíritu capitalista. Dios y el dólar siempre han caminado de la mano, y así no cuesta entender la irrupción de Donald Trump o que cada día desayunen con una

cuantas canciones dignas de ser recordadas. Todo esto queda reflejado en Youth Authority, un álbum en el que no han querido reiventarse, sino que es un perfecto reflejo de lo que han sido y son Good Charlotte. Singles descaradamente comerciales (y con gancho), caso de ’40 Oz. Dream’, medio tiempos para captar la poca radio que queda en Estados Unidos como ‘Stray Dogs’, himnos marca de la casa como ‘Life

Chages’ o colaboraciones con pedigrí como las de Simon Neil de Biffy Clyro o Kellin Quinn de Sleeping With Sirens. Y todo ello guiado por ese rey midas del pop punk llamado John Feldmann. No volverán a convertirse en la banda más grande de la escena, pero seguro que Youth Authority les lleva a un lugar que no hubiesen imaginado cuando lo dejaron con el triste Cardiology.

nueva masacre. Da igual si una banda es la más extrema del planeta: ese combo será creado por y para el business, y no les caen los anillos por eso. Lo llevan en la sangre, son radicales en todo. Por eso no me sorprende el nuevo paso que Whitechapel han dado con Mark Of The Blade, teniendo en cuenta lo alto que llegó en las listas su fantástico y anterior trabajo Our Endless War. Las licencias de cara a la galería se pueden hacer bien, con clase, o de forma irregular, que es el caso de este álbum. ¿Por qué una banda tan establecida como

Whitechapel, con un sonido tan conciso, debería centrar la mirada en Slipknot y Stone Sour? Porque a eso es a lo que suenan ‘Bring Me Home’ y ‘A Killing Industry’. ¿Qué aportan ‘Mark Of The Blade’, ‘Tormented’ o ‘Dwell In The Shadows’? Casi nada, y el toque rapero de ‘Elitist Ones’ o ‘Tremors’ siempre les ha sentado bien, pero es poquito viniendo de donde venían. ¿Voces claras y semi baladas tras su mayor pelotazo? Ya lo hemos vivido mil veces, y es legítimo, pero lo que no debemos perdonarles es que lo hayan hecho con tan poca gracia.

RICHARD ROYUELA

PAU NAVARRA

VOLBEAT

Seal The Deal & Let’s Boogie (UNIVERSAL)

HARD ROCK, METAL

o es el primer caso de este tipo, pero no deja de resultar curioso que, mientras la popularidad de Volbeat ha ido creciendo a pasos agigantados, su capacidad para sorprender ha sufrido justo el efecto contrario. Parece mentira que habiendo sido capaces de dar con una propuesta tan original, los daneses hayan agotado su fórmula tan rápido. Las sirenas de alarma ya se dispararon con el anterior Outlaw Gentlemen & Shady Ladies, pero lejos de dar síntomas de mejoría, el asunto va cada vez a peor. Si antes en el lenguaje de su ‘Elvis metal’

los Misfits y Johnny Cash eran tan importantes como Metallica, ahora, si no fuese por el reconocible registro de Michael Poulsen, podrían pasar por una banda de hard rock con melodías simplonas del montón. Díganme si no, ¿acaso soy el único al que ‘For Evigt’, ‘Mary Jane Kelly’ y ‘Marie Laveau’ le parecen un calco malo de la misma canción? Por otra parte, cuando intentan acercarse al punk homenajeando a Teenage Bottlerocket en ‘Rebound’ resultan inofensivos. Apenas sí hay un puñado de cortes rescatables (‘The Devil’s Bleeding Crown’, ‘Seal The Deal’, el cameo de Danko Jones en ‘Black Rose’ y la divertida versión del ‘Battleship Chains’ de Georgia Satellites), pero nada que no hayamos oído antes y mejor. Encima, luego escuchas el coro de góspel revienta-estadios de ‘Goodbye Forever’ y no puedes evitar sentir vergüenza ajena. Más les valdría ponerse las pilas, aunque viendo que este verano encabezan muchos festivales europeos, lo mismo tampoco consideran que les haga falta. GONZALO PUEBLA

MODERN BASEBALL Holy Ghost

(BIG SCARY MONSTERS)

INDIE ROCK, EMO

n la tercera entrega de los de Philadelphia, sus dos compositores principales, Jake Ewald y Brendan Lukens, se han abierto como nunca y han dejado fluir la depresión que ambos han pasado para sanearse mediante su música. Si en los anteriores Sports (2012) y You’re Gona Miss It All (2014) intercalaban canciones de cada uno, llegando a confundir al oyente por el casi idéntico tono que posee el dúo, en éste han decidido repartirse la mitad del álbum cada uno. La cara A está protagonizada por Jake, que ya después de la intro ‘Holy Ghost’ nos pone las pilas

con esa simpática línea de guitarra en ‘Wedding Singer’. Continuando con ‘Note To Self’, ‘Everyday’ y ‘Hiding’, podemos sentir una evolución en el sonido de la banda, ahora más eléctrico, y con variaciones en la voz que lo tintan de un ambiente más oscurecido, aunque en ‘Mass’, uno de los destacados, se suelta con la destreza vocal usada en anteriores trabajos. Ya en la cara B, Brendan nos pone en su lugar de manera rápida pero efectiva, ya que los temas casi no llegan a los dos minutos, pero deja siempre un estribillo final que te hace querer oírlo otra vez, como ‘Coding This To Lukens’, ‘Breath In Stereo’, ‘Apple Cider, I Don’t Mind’ o ‘What If’, con ese final en directo. Con un pequeño aire a The Killers, a los que veneran abiertamente, cierran el largo entre lágrimas de rabia y emoción en ‘Just Another Face’. En resumen, un avance en el sonido de la banda que les afianza en su original estilo y una prueba más de que estos veinteañeros han llegado para quedarse. ALEJANDRO LOZANO

GARBAGE

Strange Little Birds (STUNVOLUME/PIAS)

ROCK, POP

an tenido que pasar 15 años y una separación después del intento forzoso de tirar hacia el lado comercial para que Garbage vuelvan a grabar un disco íntimo que valga la pena de principio a fin. Shirley nos cautivó en los 90 viviendo enamorada de la miseria, y ese romanticismo casi pagano vuelve a verse reflejado en las canciones de Strange Little Birds. Ya pueden ser baladas inspiradas en fans rusos del grupo como la semi erótica ‘Night Drive Loneliness’, o pildorazos de autocompasión como en el single ‘Empty’, en el cual el tema del amor y su posible pérdida vuelven a sentar las bases líricas para crear atmósferas desoladoras mientras el trip hop se mezcla con sonidos electrónicos y ciertas guitarras de aires rock. Es casi impensable celebrar

E BLINK-182 California (BMG)

PUNK POP

n nuestras cabezas Blink-182 siempre será, parafraseando su famoso disco en directo, el show de Mark, Tom y Travis, pero ya hace tiempo que estaba hasta las pelotas de Tom DeLonge. Y si como fan ya me irritaban sus tonterías y caprichos, ni me imagino cómo debían sentirse sus compañeros. Si bien en un primer momento la elección de Matt Skiba, por mucho que me gusten Alkaline Trio, me pareció un tanto extraña, después de escuchar su primer álbum como miembro de Blink, estoy contentísimo. California recupera algo

un regreso a sus inicios, pero es que tras veinte años de su disco debut, este Strange Little Birds es lo más cercano que hemos tenido en una década de saborear el éxito de la angustia noventera con la que nos sedujeron en primer lugar. Butch Vig está pletórico en canciones como ‘Blackout’, y también hay que felicitar al esposo de Manson, Billy Bush, quien coproduce el disco de una manera sutil pero efectiva

como ya lo hizo en la anterior ocasión. El synth rock que los puso en el mapa para una generación perdida está de nuevo al frente, las voces vuelven a arrastrarse buscando un sitio en tu memoria. Un disco hecho a la antigua, como si los últimos veinte años no hubiesen pasado. Si estuviésemos en la MTV de los 90 lo pondrían repetidamente día sí y día también.

del espíritu original de la banda, pero tampoco es un intento forzado de volver al pasado, sino que lo contextualiza en el presente. Lo mejor que se puede decir de su séptimo disco es que está repleto de canciones magníficas (‘Bored To Death’, ‘No Future’, ‘Kings Of The Weekend’, ‘She’s Out Of Her Mind’, ‘Teenage Satellites’…) que desde que las escuchas por primera vez te atrapan, ya sea por una melodía pegadiza, una progresión de acordes o la infalible labor de Travis con las baquetas. Y eso es, ni más ni menos, lo que busco en un álbum

de Blink. Si bien los tonos vocales de Tom y Matt son muy parecidos, éste último aporta un punto extra de agresividad que queda muy bien, casos de ‘Left Alone’ o ‘Los Angeles’, y hasta es una pena que ‘Built This Pool’ y ‘Brohemian Rhapsody’ sean apenas dos coñas de 15 segundos, porque apuntaban a grandes temas. Estoy convencido de que algún día volverán a reunirse con Tom, pero espero que hasta que ocurra, los Blinks actuales tengan la posibilidad de grabar un par de discos más. Se lo han ganado.

JORGE FRETES

JORDI MEYA

ARCHITECTS

All Our Gods Have Abandoned Us (EPITAPH)

METALCORE

s curioso que el turbulento panorama político y social que vivimos a nivel global no se traduzca en un mayor número de bandas con un mensaje más profundo. Architects son una notable excepción. Ya desde sus inicios, los de Brighton han procurado lanzar proclamas con un mayor calado del habitual y, además, las han llevado a la práctica implicándose con distintas ONGs. Por eso no debería sorprendernos que, a pesar de que las cosas les van cada vez mejor –su anterior Lost Forever // Lost Together fue un paso importante en términos de popularidad-,

no se hayan olvidado de todo lo malo que pasa a su alrededor. Ya desde el mismo título All Our Gods Have Abandoned Us, su séptimo álbum hace gala de mucha desesperanza. Sus once canciones están llenas de frases que no dejan en muy buen lugar a quienes mueven los hilos, pero tampoco a quienes son movidos por ellos. Nunca Sam Carter y sus compañeros habían sonado tan cabreados como aquí. La pérdida de la fe en el ser humano la han canalizado a través de la rabia y desde el primer tema, ‘Nihilist’, que prácticamente empalma con la siguiente ‘Deathwish’, nos golpean con mucha fuerza. Y la verdad es que este endurecimiento les sienta de maravilla, en especial a su cantante, quien saca el máximo partido de su, por otra parte, limitado registro. Incluso los pasajes más melódicos suenan con garra y algunas partes más atmosféricas, reminiscentes de Cult Of Luna, potencian el ambiente lúgubre de un disco repleto de esos riffs y breakdowns potentes a los que nos tienen acostumbrados. DAVID GARCELL

ROB ZOMBIE

The Electric Warlock Acid Witch Satanic Orgy Celebration Dispenser (UNIVERSAL)

METAL ALTERNATIVO

mo a Rob Zombie y, de la misma forma, no me convence ninguno de sus seis discos en solitario. Me explico. Me encanta su imagen y actitud, también adoro su puesta en escena y su imaginería, me lo paso de muerte en sus conciertos y, además, posee una banda que suena cojonuda. Sin embargo, sus canciones parecen ser vehículos para sonorizar ese mundo de terror y agonía en el que vive y en ninguno de sus álbumes ha logrado, en mi opinión, que sus composiciones caminen solas como sí pasaba en

aquellos sorprendentes y añorados White Zombie. Alguien me comentó que si coges toda su producción en solitario te podría salir un buen recopilatorio. No podría estar más de acuerdo, porque aquí hay un par de cosas atrayentes además de mucho relleno. Siguiendo con su característico metal cibernético, Zombie nos presenta una colección de temas ciertamente sosos, que quizás funcionarían bien como banda sonora de una de sus pelis, pero que en conjunto aburren bastante. Sólo cuando deja de jugar con samplers, intros extrañas y desquiciantes rapeados se logra una nota que raspa el aprobado. ‘In The Age Of The Consecrated Vampire’ por ejemplo se acerca a los terrenos de Astrocreep 2000, sobre todo gracias al excelente trabajo de Johnny 5 con las guitarras, y ‘Wurdalak’ es un más que interesante experimento de guitarras apocalípticas y pianos infernales que suena tétrica y poderosa. Lo demás, sin embargo, no pasa el corte. ANDRÉS MARTÍNEZ

RED HOT CHILI PEPPERS The Getaway (WARNER)

POP ROCK, FUNK

acía tiempo que reclamaba que la fructífera relación entre Red Hot Chili Peppers y Rick Rubin debía terminarse. Desde que en 1999 publicaran Californication, la fórmula había ido perdiendo gas a pasos agigantados y se imponía un cambio de aires. Finalmente la propia banda pareció darse cuenta y para su undécimo álbum de estudio reclutaron a Danger Mouse, músico y productor cotizado gracias a su trabajo con The Black Keys o Gnarls Barkley. ¿Les ayudaría este nuevo socio a refrescar sus ideas e incorporar de nuevas? Pues por desgracia

74 80

parece que no. Si bien parece que tanto en la composición como en la grabación han cambiado de metodología –dejando las jams en directo para ir construyendo los temas a base de capas-, el resultado vuelve a ser decepcionante. The Getaway es una sucesión de medio tiempos y baladas que acaban sonando tan irrelevante como el hilo musical de una tienda de ropa. Escuchar ‘Dark Necessities’, ‘The Longest Wave’ (con Josh Klinghoffer haciendo su mejor intento para parecerse a Frusciante) o ‘The Hunter’ no ofende, pero nada queda de aquella energía, imprevisibilidad, versatilidad y diversión que nos voló la cabeza en su día. En su lugar tenemos una banda aburguesada, aburrida y autocomplaciente. Vale, hay algunos detalles con arreglos de piano y sonidos más atmosféricos que apuntan a alguna novedad, ¿pero sabes cuando has visto una película que es un peñazo y dices que tiene una fotografía preciosa? Pues eso. JORDI MEYA

PARQUET COURTS Human Performance (ROUGH TRADE)

INDIE ROCK

o mejor de la vida siempre pasa por azar, y así es como servidor descubrió a Parquet Courts en la playlist del Primavera Sound. Su teórico quinto disco corroboró (o incluso mejoró) la primera impresión, y el directo en el festival barcelonés acabó de certificar que podemos estar ante una de las bandas más interesantes de la escena neoyorquina actual. Los hermanos Andrew y Max Savage, Sean Yeaton y Austin Brown enganchan en lo musical, pero también en lo que dicen y cómo lo dicen. La teórica absurdidad de ‘Dust’ esconde una doble lectura social/pesonal que

nos hacemos cada día (aunque luego no actuemos casi nunca para arreglarlo). Ironía, escepticismo y crítica (e incluso música) que a uno le hacen pensar en Pavement, pero que va más allá. La Velvet, Jonatan Richman o discípulos posteriores como Hefner o los Wave Pictures (‘Berlin Got Blurry’) se nos van apareciendo en canciones pop claroscuras, hipnóticas y de digestión lenta, pero que generan adicción: ‘Human Performance’, ‘Captive Of The Sun’, ‘Pathos Prairie’ o la preciosa y velvetiana ‘Steady On My Mind’ tienen el encanto de la imperfección y la singularidad. ‘Paraphrased’ te lleva a preguntarte de qué planeta vienen, y ‘Captive Of The Sun’ o ‘Two Dead Cops’ si es Ian MacKaye el que canta. El mismísimo Jeff Tweedy les acompaña a la guitarra en ‘Dust’ y en ‘Keep It Even’ (grabaron parte del disco en el estudio de Wilco, The Loft. La otra parte en los estudios Dreamland, en una iglesia neoyorquina). Llegados al ecuador de 2016, me parece que ya tenemos otro disco más para la lista de los mejores del año... IGNASI TRAPERO

HELLYEAH Unden!able (ELEVEN SEVEN MUSIC)

METAL ALTERNATIVO

a vida de los supergrupos tiende a ser corta. Una vez se diluye el impacto mediático inicial que consigue cualquier banda formada por músicos famosos procedentes de otros combos, los fans pierden interés y todo acaba en uno o dos discos a lo sumo. Sin embargo, Hellyeah han roto esa norma no escrita y ahora presentan su quinto tras una carrera que ya dura una década. También es cierto que durante este tiempo ha dejado de ser un proyecto paralelo para convertirse en la banda principal de sus integrantes; sin ir más lejos, este mismo año se confirmaba la

disolución de Mudvayne, la banda del vocalista Chad Gray. Y posiblemente el que Vinnie Paul siga resistiéndose a una posible ‘reunión’ de Pantera tenga mucho que ver con el progresivo éxito que ha ido construyendo con este grupo. En Europa puede sorprendernos, pero es que su fórmula está perfectamente diseñada para el mercado americano, donde bandas como Disturbed o Five Finger Death Punch triunfan. Al igual que ellos, Hellyeah combinan temas más cañeros, con base groove, con otros más melódicos claramente pensados para las emisoras alternativas. Así, tras un inicio bastante potente con ‘X’, ‘Scratch A Lie’ y ‘Be Und!able’, el álbum entra en una fase mucho más accesible con ‘Human’, ‘Leap Of Faith’, ‘Blood Plague’ y ‘I Don’t Care Anymore’, en las que Gray se decanta claramente por cantar más que gritar. En la parte final recuperan el pulso con ‘Live Or Die’, ‘Startariot’ y ‘Grave’, aunque en medio, la ochentera ‘Love Falls’ vuelve a recordarnos que a estos metalheads les gustan los billetes tanto como los riffs. DAVID GARCELL

EVNAR

E.V.N.A.R. (WINTER DEMONS/THE VINYL DIVISION)

BLACKENED DEATH METAL

os tarraconenses Evnar se fundaron a principios de los 90 y se mantuvieron en letargo hasta 2010, momento en que los hermanos J.M. (guitarra y bajo) y R.M. (voz), conocidos por su labor en Between The Frost, decidieron recuperar esa esencia primigenia junto al apabullante batería esloveno Robert Kovacic (Scaffold, Belphegor, Nothnegal…). Es un dato importante a conocer, el que nos sitúa el origen de este combo, pues por él entendemos mucho mejor hacia dónde se encamina este debut. Una masterización a cargo del hechicero Tore Stjerna en

su Necromorbus Studio de Suecia garantiza que todo aquí suene glacial y afilado como en aquellos años, tan letal y escandinavo como en ‘Torment Of The Damned’ o ‘Conceived In Fire’, pero también con una dosis de poderío propio de ahora. Hay virulencia y urgencia en ‘My Cremation’, pero en mi opinión el punto más interesante de Evnar es que ‘Contemptus Vitæ’ también ofrece irresistibles aires Belphegor, mientras ‘Infinite Dark Hatred’ nos retrotrae al mejor melodic black o ‘King Of The Grand Uruk’ saca a relucir su vertiente más emotiva. Es decir, que pese a la firme voluntad de no bajar demasiado el pistón en lo que a castañazo y blasts se refiere, estos 31 minutos y medio dan muestras de versatilidad y notable inspiración. Un primer álbum nostálgico, que tanto puede hacerle guiños a Old Man’s Child como a Behemoth o God Dethroned, pero que tiene muy claro que esto no significa petar anquilosado o manido, como un simple reciclaje de tiempos mejores. PAU NAVARRA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Elias Soriano (voz), B.C. Kochmit (guitarra), Rasheed

Thomas (guitarra), Adam Woloszyn (bajo), Robb Rivera (batería) PRODUCIDO POR: Rob Ruccia AFINES A: Drowning Pool, Mudvayne, Disturbed PÁGINA WEB: www.nonpoint.com

NONPOINT

The Poison Red (SPINEFARM)

METAL ALTERNATIVO

ué hacer cuando se te agotan las ideas para nuevos lanzamientos? Repetirte una y otra vez, buscando el éxito que alguna vez tuviste y rezar para que la gente no se dé cuenta. Nonpoint sí han cambiado en este nuevo álbum, pero el resultado final parece ser el de algo que se queda en un quiero y no puedo. El primer cambio es fundamental: se trata del primer álbum con su nuevo guitarrista B.C. Kochmit, con quien quizás pusieron las expectativas muy altas al llamarlo “hijo ilegítimo de Van Halen”. El rock metal cercano al rap que llevan practicando Nonpoint desde principios del 2000 no se

caracteriza por su atrevimiento a las seis cuerdas ni por un espectáculo de shredding, aunque el principio de su single ‘Generation Idiot’ levante falsas esperanzas. El problema no está en las composiciones, ya que las estructuras son típicas de otros álbumes de Nonpoint, sino que donde antes había una producción con el ajuste necesario para hacer destacar ciertos quiebros, ahora encontramos simplemente canciones que suenan como si algo de fuerza les faltase para terminar de despegar. El perfecto ejemplo es el otro single, ‘El Diablo’, totalmente genérico aunque quizás en directo las cosas cambien de rol. Las comparaciones son odiosas,

pero singles anteriores como ‘I Said It’ demuestran lo mucho que pueden conseguir con un poco de chicha en el sonido, y es que a lo largo de este The Poison Red la impresión es la de que han querido bajar las revoluciones en pos de un disco quizás más oscuro... pero sin conseguir su objetivo de sorprender. Incluso las baterías de Robb Rivera (quien se deleita peleándose con los fans en foros y webs cada vez que puede) suenan escondidas y sin el punch directo de otras ocasiones. Un paso atrás y en falso, aún disfrutable para quienes quieran seguir al pie del cañón con ellos. JORGE FRETES

HABLAMOS CON... ELIAS SORIANO La verdad es que había perdido la cuenta de cuántos discos teníais y resulta que The Poison Red es ya el noveno. A la hora de hacer un nuevo disco, ¿cuál es el mayor desafío? “Intentar seguir siendo relevante delante de todas las nuevas bandas que van llegando. Como grupo el mayor reto es poder seguir saliendo a la carretera y ver caras nuevas en el público. Eso es lo que marca la salud del grupo. La composición de los temas en sí y la producción y la grabación para mí no son un desafío, es algo con lo que me divierto. Es más fácil esa parte que girar porque la tienes bajo control. Con las giras nunca sabes con qué grupos vas a tocar o ante cuánta gente. Es más inquietante”. Tenéis un buen historial de hits en la radio. ¿Es algo que

tengáis presente a la hora de componer o que la discográfica espere de vosotros? “Ya no. Hace años que nos centramos en escribir buenas canciones. Algunas son más comerciales y otras menos, pero lo que nos motiva es tener material suficiente como para hacer un buen disco. En el pasado hemos escogido singles que nadie pensaba que funcionarían y lo han hecho, así que realmente nadie sabe lo que puede ser un hit o lo que no. Cualquier sello que trabaje con nosotros sabe que le entregaremos un disco de Nonpoint. Ni más ni menos”. ¿Crees que es un buen momento para que una banda como Nonpoint tenga éxito? “Sí, creo que la música dura va a ganar terreno. La gente está cansada de las medias tintas. Muchas bandas suenan aburridas y creo que el público

está preparado para aceptar música más compleja y con un mensaje más profundo”. Robb y tú sois los únicos miembros originales del grupo. ¿Sois los capitanes que llevan el rumbo de la banda a nivel musical o todos los miembros pueden aportar ideas? “Creo que cuando alguien nuevo entra en el grupo ya conoce nuestro estilo. En los tres últimos discos prácticamente no ha habido cambios de formación, así que estamos bien compenetrados. Todo el mundo puede aportar ideas, pero tienen que encajar en nuestro estilo. Si alguien propone un riff funky va a ser difícil que lo usemos (risas). Pero todo el mundo que está en el grupo es porque tiene el talento para aportar cosas”. (DAVID GARCELL) 83

NAILS

You Will Never Be One Of Us (NUCLEAR BLAST)

POWERVIOLENCE, DEATH METAL

ails son gente de pocas palabras, aunque elijan las mejores para sus títulos de obra y canciones. Les bastan dos decenas de minutos para dejarlo todo dicho, y observando un discurso tan intenso, directo y transparente, está claro que aciertan siendo tan parcos. Tras un Abandon All Life que ya avanzamos que You Will Never Be One Of Us no supera, los californianos ascienden al Olimpo de la tralla al ser bendecidos por Nuclear Blast. El sonido made in Ballou está ahí, debe ser ése y nuestra mente sigue sin estar capacitada para comprenderlo en su totalidad, pero si con su anterior trabajo tuve una frustrante sensación de asfixia continua, de dejar de ser amo y señor de mis actos para pasar a ser su momentáneo y frágil juguete, con este nuevo álbum desde

RIVAL SONS Hollow Bones (EARACHE)

ROCK

n su anterior entrega Rival Sons pasaron de ser ese tipo de formación cuyos discos te parece que están simplemente bien a convertirse en toda una referencia dentro su estilo. Con Great Western Valkyrie acertaron de pleno condensando de manera acertada todos los puntos fuertes que habían mostrado en sus trabajos previos pero con un acabado muy superior, y se esperaba que su continuación nos confirmase que semejante discazo no fue fruto de la casualidad. Y aunque hay que apuntar que en un primer momento Hollow

luego he podido respirar cómodamente, relajarme, e incluso sonreír. Es posible que después de tres años mi cerebro esté algo más desquiciado, pero 21 minutos dan para muchas escuchas y me he podido reafirmar en esta idea. Todd Jones y sus colegas salen de caza con el tema que da nombre al disco, imprimen ritmo hardcore, y ya se encarga ‘Friend To All’ de sacudirte con grindcore. ‘Made To

Make You Fall’ sería la primera que da tregua, y a lo largo del plástico tenemos otras, como ‘Violence Is Forever’ o la segunda mitad de ‘Life Is A Death Sentence’, que, como decíamos, nos otorgan esa relativa calma para que, esta vez, salgamos de una obra de Nails sin tantas heridas, aunque algunas, como ‘Savage Intolerance’ o ‘In Pain’, sean severas.

Bones puede situarse un par de peldaños por debajo de la excelsa calidad de su predecesor, basta con escucharlo para darse cuenta del talento que atesora el conjunto de Los Ángeles. La primera mitad del álbum va a tiro hecho, con una remesa de canciones que van al grano y entran a la primera, pero no terminan de arrollarte como lo hacía el inicio de Great Western Valkyrie. Aun así, cortes como ‘Thundering Voices’ y ‘Pretty Face’ acaban convenciendo. Pero es en la recta final cuando Rival Sons se desatan por completo atacando las canciones más extensas y por donde se

desenvuelven como pez en el agua. Jay Buchanan explota todo el potencial que guarda en sus cuerdas vocales. Pocos pueden hacerle frente a día de hoy dentro del rock clásico. Por su parte, Scott Holiday se mantiene como un guitarrista elegante y sobrio, lejos de virtuosismos innecesarios, pero certero en los momentos decisivos, como en esa suerte de blues soul que es ‘Black Coffee’, toda una bomba de relojería en sus manos, o en la portentosa ‘Hollow Bones Pt. 2’, en la que la sombra de Led Zeppelin sobrevuela nuestras cabezas.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

SAOSIN

Along The Shadow (EPITAPH)

POST HARDCORE, ALTERNATIVO

sta es la vuelta que más estaba esperando desde que tengo uso de razón. Es así. Saosin fue una de las mayores bandas de culto de la primera década del nuevo milenio, junto a Underoath, y como éstos, después de algunos cambios internos se han reunido con la formación de su época dorada para dar un golpe en la mesa y demostrar a las nuevas bandas quién manda aquí. Lo malo de todo esto es que si no haces un disco perfecto, a la altura de tu legado, no consigues el efecto esperado. Por suerte, Along The Shadow

roza el sobresaliente. Anthony Green es por carisma, técnica, gusto, calidad y currículum uno de los cantantes referentes dentro de la escena, pero quizás su paso por su segundo proyecto más conocido, Circa Survive, le ha ‘pasado factura’ y en este disco, lo que debería sonar puramente a Saosin, a veces suena a otra cosa. Lo cual puede ser bueno si te gustaba lo que hacía allí o malo si no llegaste a conectar con semejante frikada. Es el único punto negativo que veo. Incluso a ratos he echado de menos la voz de Cove Reber, su sustituto. El resto de la banda, pletóricos: unas baterías sublimes, y guitarras y bajo geniales. Si sólo has escuchado su primer avance ‘The Silver String’ y te gustó, este disco te va a enamorar. Y si no, dale una oportunidad, o dos, porque las demás canciones te elevan. Yo me quedo con las más lentas ‘Second Guesses’, ‘Count Back From TEN’, ‘The Stutter Says A Lot’, ‘Sore Distress’ y la más rápida ‘The Secret Meaning Of Freedom’. Perfectas. ENEKO CELESTINO

INTO IT. OVER IT Standards (TRIPLE CROWN)

EMO

tandards es el tercer largo del talentoso Evan Weiss, el genio que se esconde detrás de Into It. Over It; la síntesis perfecta entre el gancho pop de su debut, Proper, y la bella complejidad de Intersections, publicado tres años antes. Aquí ofrece una docena de cortes de emo pop ejecutados con pasión y, sobre todo, con mucha elegancia. ¿Emo adulto? Algo así. Las extraordinarias habilidades de Weiss al bajo y la guitarra aparecen, sí, pero sometidas a la dictadura de la melancolía más pegadiza. Es fácil conectar con un disco

que arranca con una tríada de piezas ágiles y directas como son ‘Closing Argument’, ‘No EQ’ y ‘Vis Major’. Nada que ver con la parsimonia de ‘Your Lasting Image’, donde Weiss recuerda a Ben Gibbard de Death Cab For Cutie. Algo parecido pasa con las ensoñadoras ‘Old Lace & Ivory’ y ‘Bible Black’, donde una cálida instrumentación y esos coros celestiales pueden recordar al mismísimo Bon Iver. Merece la pena recordar que Weiss, un joven veterano de la escena emo de Chicago, tocó prácticamente todos los instrumentos excepto las baterías y las percusiones, que ha confiado esta vez a Joshua David Sparks, un auténtico pulpo, sencillamente increíble en mi favorita ‘Adult Contempt’, ’Required Reading’ y ‘Who You Are Does Not Equal Where You Are’. Por todo esto, Standards es el mejor disco de Weiss hasta la fecha, una pieza de orfebrería musical, preciosa en la primera escucha y totalmente fascinante en las sucesivas, cuando realmente reparas en los detalles. LUIS BENAVIDES

DESASTER

The Oath Of An Iron Ritual (METAL BLADE)

BLACK THRASH

os héroes del black thrash germano regresan a la batalla con The Oath Of An Iron Ritual, un disco que desde el principio pone las cartas sobre la mesa: como siempre, total devoción hacia el metal más under, caña a destajo y, esta vez, una pizca más de infeccioso thrash para rebanar aún más pescuezos. Echa un trago sin hielo de ‘Proclamation In Shadows’ seguida de ‘End Of Tyranny’ y ‘The Cleric’s Arcanum’, y a ver cómo se te queda la gaznate. Sin piedad, Desaster demuestran encontrarse en un estado de forma abrumador, sacándose de la chistera luego una ‘Haunting Siren’ a tope de épica que se coloca rápido entre lo más guerrero, macarra y notorio de su larguísimo repertorio. En lo que sólo puede catalogarse de exhibición, Desaster van

MUDCRUTCH 2

(REPRISE)

ROCK AMERICANO

esde luego, la carrera de Mudcrutch avanza con la misma velocidad que una tortuga en silla de ruedas. A pesar de que su fundación data de 1970, tuvieron que pasar varias décadas hasta que su primer álbum oficial viese la luz en 2008. El motivo de semejante tardanza no es otro que tres de sus componentes (Mike Campbell, Benmont Tench y, cómo no, Tom Petty) se pasaron todo ese tiempo triunfando a lo grande por todo el planeta bajo el nombre de Tom Petty And The Heartbreakers. Y aunque aquella reunión de hace ya

sobrados con durísimos correctivos del tamaño de ‘Conquer & Contaminate’, un temazo con todas las putas letras que sólo con su desmesurada distorsión ya te va a dejar planchado. Lo de Odin no es un bajo, es una grave trepanación, y sólo les faltaba pegarse homenajes como el de ‘The Denial’ o la final ‘At The Eclipse Of Blades’… Quizá podrían haber reflexionado algo más a la hora de determinar el

sonido de los timbales de Tormentor en algunos cortes, ciertas pasadas me han chirriado, pero en general no se puede dejar de gozar con una producción crepitante, grumosa y ochentera como mandan los cánones, perfecta para un combo de la raza de Desaster. Pasan los años, incluso las décadas, y esta gente no baja el pistón. Admirable militancia, absoluta lealtad.

ocho años pudiera dar la sensación de que obedecía más a un capricho nostálgico que a otra cosa, su debut demostró que todavía quedaba algo de magia al reencontrarse con Tom Leadon y Randall Marsh. La reválida les llega ahora con una obra que quizás no resulte tan sorprendente, pero que se disfruta desde el primer momento. Curiosamente, los dos cortes que abren el disco, ‘Trailer’ y ‘Dreams Of Flying’, hacen que nos cuestionemos si no estamos ante otro trabajo encubierto del rubio de Gainesville junto a los rompecorazones. Pero poco

a poco se irá descubriendo el añejo aroma sureño de sus inicios en piezas como ‘The Other Side Of The Mountain’, ‘Welcome To Hell’ o ‘Victim Of Circumstance’, donde se reparten las tareas vocales. Y por supuesto, Petty sigue dejando muestras de que eso de escribir buenas canciones parece no tener misterios para él, como es el caso de ‘Hope’, ‘Save Your Water’ o sacándose otro temazo para enseñar en las escuelas como ‘Beautiful Blue’. Ojalá todas las reuniones entre viejos colegas de adolescencia resultasen tan satisfactorias como ésta.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

TIGER ARMY V...

(LUNA TONE/RISE)

ROCK

o me sorprendería que muchos pensaseis que Tiger Army ya ni existían. Al fin y al cabo, hacía la friolera de nueve años que no publicaban material nuevo, y aunque en 2011 Nick 13 lanzó un disco en solitario, su actividad musical desde entonces había sido prácticamente nula. En cualquier caso, el trío californiano está de vuelta (con Djordje Stijepovic como nuevo contrabajista) con un disco que debería dejar más que satisfechos a sus fans, aunque merece la pena advertir que el tigre se ha domesticado. Si

en el anterior Music From Regions Beyond la banda experimentó más que nunca con su sonido, aquí han apostado por el clasicismo más absoluto y tampoco queda apenas rastro de su vena punk más allá de su estética. Naturalmente su amor por el rock’n’roll de los 50 y el rockabilly siempre ha sido uno de los cimientos del grupo, pero digamos que en su quinto trabajo lo muestran sin complejos. Tras la instrumental ‘Prelude: Ad Victoriam’, el disco arranca con fuerza con ‘Firefall’, con un theremin que le da un toque de peli de serie B. Pero a partir de aquí el repertorio se basa en su mayor parte en medio tiempos llenos de oscuro romanticismo y muchísima clase gracias a detalles como la orquestación de ‘World Without The Moon’, el toque western de ‘I Am The Moth’ o la trompeta mariachi de ‘Knife’s Edge’. La sedosa voz de Nick 13 en baladas tan bonitas como ‘Dark And Lonely Night’ o ‘Happier Times’ te traerá a la mente a un Chris Isaak o un Roy Orbison... pero eso sí, con tatuajes. JORDI MEYA

NERVOSA Agony (NAPALM)

THRASH METAL

o de estas tres brasileras es una puta locura. Si ya en 2014 con su brutal debut Victim Of Yourself fueron capaces de agitar y poner el nombre del grupo en boca de todos en un mundo tan a menudo cerrado e intransigente como el del metal, ahora siguen en su empeño de demostrarnos que aquello no fue flor de un día con este nuevo puñetazo sónico titulado Agony. ¡Y vaya si lo consiguen! La cosa se pone en marcha con un trallazo marca de la casa como ‘Arrogance’, que no deja lugar a dudas respecto a por dónde van a llegar las hostias: in your

fucking face! A partir de ahí todo es pisar el acelarador para escupir temas sobre la intolerancia, el sexismo, la política o sobre la podredumbre de este mundo que nos ha tocado sufrir. ‘Deception’, ‘Failed System’ o ‘Hypocrisy’ son armas de destrucción masiva que te destrozarán los tímpanos y el cuello en una orgía de riffs descomunales gracias al oficio de Prika Amaral y a la potente sección rítmica que impulsan Pitchu Ferraz y Fernanda Lira. Pero ésta última no sólo es capaz de aporrear el bajo con maestría, sino que de su garganta emanan las voces más brutales e impías que he tenido el placer de escuchar en los últimos años. O escuchad cómo suena ese misil Tomahawk titulado ‘Guerra Santa’ que es capaz de volarte la cabeza sin pestañear. ¿Y qué decir de ‘Hostages’, el primer single? Pues eso, una jodida declaración de guerra. Nervosa no han venido aquí ni a hacer amigos ni a tomar prisioneros, han venido a patearte las pelotas hasta hacerte sangrar. KARLES SASTRE

SYBERIA Resiliency (DEBEMUR MORTI)

POST ROCK

esilencia’ es la capacidad de adaptación de un ser vivo frente a la adversidad. El título del segundo largo de los barceloneses Syberia recoge esta idea, y resulta tentador asociar este término con la historia reciente de la banda. Y es que el cuarteto vivió con intensidad la publicación de su primer álbum, Drawing A Future, publicado en el ya lejano 2012. Su post rock instrumental potente y épico se hizo un hueco en la élite del género de nuestro país, también de fuera, donde comienzan a tener una buena legión de seguidores después de

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una gira europea y su aparición en festivales como el ArcTangent y el Dunk Fest. En los últimos cuatro años ha tenido buenísimos momentos, pero también algunos episodios duros, como la marcha de hasta tres guitarristas. En esos momentos de bajona, el núcleo duro, el trío original, ha seguido unido, consciente de la magia que atesoran. Quizás por eso la continuación llega con más luz, con positivismo, y el mejor ejemplo es ‘Hiraeth’, con unas guitarras cristalinas que podrían pasar por un tema lento de And So I Watch You From Afar. La energía desbordante que les caracteriza aparece en piezas como ‘Black Olympics’, con la emoción a flor de piel, y ‘Herboren’, una pieza frenética, posiblemente la más sorprendente del álbum. Con permiso de ‘Taurus’, con unos redobles casi tribales, un auténtico éxtasis colectivo ideal para rematar conciertos. Llegaron lejos con su debut, y la confirmación debería llegar con este nuevo trabajo. LUIS BENAVIDES

HIT THE LIGHTS

Just To Get Through To You (PURE NOISE)

POP PUNK

ay que reconocer dos cosas. Una, que hacer un EP acústico versionando tus propias canciones está muy, muy visto, incluso puede llegar a ser ridículo y hortera si lo fuerzas. Dos, que cuando estás haciendo otras cosas, o estás cansado, o simplemente no sabes qué música escuchar, este tipo de discos entran como Dios, y más si te sabes las canciones y no las oías desde hace años. ¿Contradictorio? Puede. ¿Real como la vida misma? También. Teniendo esas ideas tan locas en la cabeza, tengo que reconocer que antes de

acabar la primera escucha de Just To Get Through To You ya le había puesto un 59, pero cuando ha acabado, me ha apetecido ponerlo otra vez, y cuando ha acabado, lo he vuelto a poner. Será que es verano o porque llevo todo el día oyendo puta cera, o porque ya conocía la mayoría de los temas, o quizás simplemente sea porque las canciones son buenas y la traducción a formato acústico les ha salido redonda. Fluye. Además, la voz de Nick Thomson tiene un timbre que parece diseñado para este tipo de discos. Melosa pero rasgada a la vez, no cansa. Parece que con lo que he dicho es un álbum perfecto, pero un disco de versiones en acústico nunca lo será, simplemente son obras que complementan las originales. Además, el corte que cierra el EP, ‘Lighthouse’, directamente sobra, es el único que da ganas de pasarlo cuando suena. ‘Fucked Up Kids’ y ‘Drop The Girl’ en cambio podría ponerlas en repeat durante bastante rato. Soy un blando. ENEKO CELESTINO

GRAND MAGUS Sword Songs (NUCLEAR BLAST)

HEAVY METAL

ebo reconocer que me ha costado más de lo habitual pillarle el punto a esta nueva obra de Grand Magus. Reconocidos ya por fin mundialmente como unos de los grandes defensores del verdadero heavy metal actual, el trío sueco regresa ahora con su octavo álbum, que se dice pronto, pudiendo lucir una impecable carrera que casi alcanza las dos décadas y que puede resumirse como una progresiva huida hacia la mayor ortodoxia posible. Como apertura, ‘Freja’s Choice’ me parece algo titubeante, pero en cuanto

‘Varangian’ toma el testigo sabes que estás ente el mejor corte del disco, otro temazo de ésos que, ante su aparente simpleza, te hacen preguntarte el típico ‘¿Cómo lo hacen?’. La completísima ‘Forged In Iron – Crowned In Steel’ imprime velocidad al trabajo y arranca otro buen estribillo para los directos, todo ello con el inconfundible cantante y guitarra JB luciendo cuerdas vocales para que te entregues a sus cuentos de honor y batalla a pleno pulmón. Llegados al cuarto tema la cosa decae, aunque su personalidad se mantenga intacta. Son Grand Magus, y el punto de calidad y distinción siempre te lo darán, pero canciones como ‘Master Of The Land’ o ‘Last One To Fall’, aunque distraídas y más que aceptables, no se contarán entre lo mejor de su repertorio. Termina Sword Songs con un noble arrebato final en forma de ‘Every Day There’s A Battle To Fight’, y entonces te asalta una idea con nitidez: hasta a medio gas, Grand Magus están a años luz de la inmensa mayoría de bandas del estilo. PAU NAVARRA

afirmativo. ¿Y ‘Mama Got To Ramble’? Ésa es la perfecta simbiosis entre los Aerosmith de los 70 y los Stones de Sticky Fingers. En efecto, han sobrepasado con mucho la etiqueta del blues rock para convertirse en una inmensa banda de rock’n’roll. THE STEEPWATER BAND Escucha esa preciosidad Shake Your Faith titulada ‘Be As It May’. Puro (DIAMOND DAY) Beatles, una maravilla de ROCK AMERICANO canción. Me podréis decir que su estilo está basado 80 en los sonidos del pasado, y quizás tengáis razón, pero ésos son los discos que perduran en el tiempo. an crecido de ‘Bring On The Love’ es una una manera balada de ésas que no da impresionante y vergüenza reconocer que te no tengo ninguna duda de emocionan, pero cuando las que después de siete discos guitarras de Massey y Saylor y más de una década de se alían salen cosas tan vida, estarían en el Olimpo frescas y atemporales como si no fuera porque les ha ‘Walk In The Light’. Nervio tocado vivir unos tiempos bien jodidos. Con Shake Your y sensibilidad a partes iguales. Por último, y como Faith han conseguido casi la recomendación especial perfecta asimilación de sus para tratar de convenceros, miles de influencias sonando buscad y disfrutad ‘Last a ellos mismos, y parte de la culpa la tiene la incorporación Second Chance’ y decidme después que hoy en día de Eric Saylor, un guitarrista no hay bandas como las superlativo. Si te dijeran que de antes. Las hay, y tan el tema título está sacado sólo hay que darles una de las sesiones del Ragged oportunidad. Glory de Neil Young, ¿te ANDRÉS MARTÍNEZ lo creerías? Rotundamente

CAPSIZE

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Daniel Wand (voz), Ryan Knowles (guitarra),

Nicolas Lopez (guitarra), Andrew Tamayo (batería) PRODUCIDO POR: Matt McClellan AFINES A: The Used, From First To Last, Landscapes PÁGINA WEB: www.facebook.com/capsizeband

A Reintroduction: The Essence Of All That Surrounds Me (RUDE) POST HARDCORE

omo bien anuncia su título, este segundo álbum de Capsize supone una reintroducción de la banda. Si su debut The Angst In My Veins de hace un par de años apostaba por un hardcore bastante trallero, aquí las cosas se han moderado mucho entrando en el terreno del screamo más accesible a lo The Used. El registro melódico adoptado por el vocalista Daniel Wand –quien a ratos suena clavado al propio Bert McCracken- es el principal responsable de este cambio de dirección, aunque no el único porque

también las guitarras se centran menos en disparar riffs y más en crear texturas de aires post, al igual que los tempos, que se han ralentizado considerablemente. Incluso en el ecuador del disco se atreven con una balada, ‘Safe Place’, de base trip hop. Todavía hay momentos que recuerdan a su pasado (‘Split My Soul’ contiene un breakdown pesado con voz gutural y ‘Over You’ es bastante aplastante), pero por lo general los de San Diego parecen haberse inspirado en aquellos grupos que triunfaban a principios del milenio (The Used, Thursday, From First

To Last…) para esta nueva etapa, incluso la producción de Matt McClellan realza un punto de crudeza a los Ross Robinson. Si sientes nostalgia de aquellos días temas como ‘XX (Sew My Eyes)’, ‘Favourite Secret’, ‘Tear Me Apart’, donde cuentan con la colaboración de Brendan Murphy de Counterparts, o ‘The Same Pain’ es más que posible que este álbum te llene de buenos recuerdos. Y si eres demasiado joven para haberlos vivido en su momento, incluso puede que pienses que este disco es la puta bomba. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... DAN WAND Se palpa en el ambiente que hay bastante expectación por vuestro nuevo disco. ¿Lo notas tú también? “Sí, sí. No sé qué podemos esperar, pero supongo que como no hemos sacado un disco desde septiembre de 2014, nuestros fans están con muchas ganas. En otoño sacamos algunos singles, que no forman parte del disco, simplemente porque nos apetecía lanzar nueva música, y supongo que eso ha despertado bastante curiosidad. Cuando lanzamos el primer tema del nuevo disco, ‘XX (Sew My Eyes)’, tuvo más repercusión que nada que hubiéramos publicado antes, así que es buena señal”. Supongo que lo mucho que habéis girado también tiene que ver… “Desde luego. Es el factor principal. Me gustaría pensar que en cada concierto que hemos dado, hemos conseguido un puñado de nuevos fans. En todos los que hemos dado en los dos últimos

años siempre se nos ha acercado alguien que no nos conocía de antes para felicitarnos. Mola mucho”. En el álbum se nota una evolución. ¿Le habéis dado más vueltas a todo el proceso? “La realidad es que tuvimos más tiempo para hacer el primer disco que para el segundo. Pero simplemente porque, antes de sacar nuestro debut, apenas girábamos y teníamos todo el tiempo del mundo para trabajar la música en nuestras casas. Dicho esto, durante la gira pudimos pensar mejor en qué dirección queríamos ir y cuál era nuestra identidad. Así que el ser un grupo de verdad y plenamente activo ha facilitado hacer un mejor álbum con menos tiempo”. En concreto, las voces son mucho más melódicas. “Así es. Tenía muchas ganas de poder cantar desde el principio del grupo, pero los antiguos miembros estaban más metidos en el hardcore clásico. Necesitaba tiempo para que mi evolución

dentro del grupo no pareciese forzada. Por suerte, la formación actual es más abierta de mente y es más creativa. Con el primer disco conseguimos mucho más de lo que esperábamos, pero no queríamos repetirnos porque el cuerpo nos pedía otra cosa. Creo que como banda de hardcore ya hicimos lo que teníamos que hacer, ahora era el momento de pensar más a largo plazo y ponerse nuevas metas”. En algunas partes me has recordado mucho a Bert de The Used. ¿Es alguien en quien te inspiras? “Sí. Sinceramente el primer disco de The Used es fundamental en mi vida. La primera vez que escuché ‘Box Of Sharped Objects’, con esa mezcla de agresividad y melodía, me cambió. Fue lo que me motivó a cantar. No es que quiera copiarle, pero desde luego es algo que tengo metido en el cerebro. Es una influencia inevitable”. (JORDI MEYA)

ERASO!

Kaiolatik Ihes (BONBERENEA EKINTZAK)

ROCK METAL

raso! es una banda que cuida hasta el más mínimo detalle de cada lanzamiento discográfico que realiza: el diseño, el sonido, la composición y factura de los temas… Con motivo de Kaiolatik Ihes, su sexto LP, el cuarteto de Zarautz ha encargado unas bolsas de tela con la portada del disco y ha tenido el detalle de enviarnos el vinilo a la redacción dentro de una de esas bonitas bolsas; sólo por eso, ya me he puesto de su parte y voy a puntuar alto su último álbum. Ironías a parte, escuchar el rock metalizado de estos vascos sigue siendo una auténtica

delicia para los oídos. El trabajo arranca majestuoso con ‘Ezinak Ekinez Eginak’, una pieza en la que se van presentando uno tras otro el bajo de Ibai Castro, la batería de Iñigo Beitia, la guitarra de Nestor Urdanpilleta y la voz de Sergio Ruiz. A lo largo del disco percibo composiciones oscuras como ‘Gazte Izan Nintzen’ o ‘Non Da Ozeanoa?’ y otras más luminosas como ‘Blue Demon’ o ‘Papelezko Itsasontziaren Bidaia’, donde queda demostrado por enésima vez que cantando en euskera también se pueden facturar buenas melodías vocales. Pero la mejor forma de comprobar las facultades de Eraso! es en la canción que da título al álbum (un tema calmado, sutil, enigmático, en el que van subiendo la intensidad paulatinamente pero sin llegar a explotar) y en la cabreada ‘Sua.Herra. Mina’. No se me ocurre mejor forma de celebrar veinte años como grupo que publicando discos tan compactos como éste. ¡Felicidades! JORDI FORÉS

MEAN MACHINE Bastardized Mean City (LENGUA ARMADA)

HARD ROCK, SPEED METAL

uando las cosas se hacen por tus cojones morenos, por el alcohol, o lo que es lo mismo, por el rock’n’roll, nada puede fallar. En su segundo álbum, Mean Machine demuestran que si el hard rock y el speed metal es cuestión de testosterona y huevera, ellos no se deben ni poder subir la cremallera de los pantalones. Técnica la justa, casi que sólo reservada para punteados, solos y algún riff muy especial, pero el resto, velocidad, grasa y headbanging continuo. De principio a fin, hecho totalmente adrede, 14

cortes de pura adrenalina y carretera. Y les damos las gracias por ello… Sin compasión ni tiempo para baladitas. Ya era hora. Imposible no acordarse de sus ídolos Motörhead durante todo el recorrido, pero claro, con el trío otorgando también una dosis extra de suciedad y mala baba. Marc Tàpies, el batería, qué camaradería, la suya… Reniega de cualquier tipo de floritura personal y sólo va a marcar el ritmo endiablado como un poseso; el resto es secundario. Ante ‘Road Razor’, ‘Keep On Knockin’ On My Door’ o ‘Midnight Rock ‘N’ Roll’, AC/DC, Airbourne o ’77 son otros combos que te pueden venir a la cabeza si les diera por meterse un gramo de más, e incluso los Metallica del Kill ‘Em All en ‘Struck By The Rhythm’ y ‘Outburst Of Dust’. Sea como sea, ‘Storm Of Bullets’ o ‘H-Bomb’ van a darte marcha y ganas de follar como si estuvieras en la mansión de Playboy viendo un show de Rose Tattoo. Si tras ‘Blood And Anger’ tu zanahoria sigue muerta, sólo Boston Medical Group pueden salvarte. PAU NAVARRA

DANCE GAVIN DANCE Tree City Sessions (RISE)

POST HARDCORE

ance Gavin Dance siempre han sido un grupo diferente a la mayoría. Yo no sabría decir si me gustan o no. Creo que va a temporadas y ratos, e incluso a trozos. Lo que sí estoy seguro es que éste es el mejor disco que les he escuchado. Tanto instrumental como vocalmente es una maravilla, con algunas partes que son obras de arte, directamente. Lo malo es que a veces da la sensación de que no saben cómo salir de una parte o que quieran rellenar espacios innecesarios. Una pena. En Tree City Sessions no se andan con medias

tintas, desde el minuto 0 ya sabes qué va a tener el disco. Ritmos locos, guitarras distorsionadas y limpias y con mucho delay en otras, y unas florituras con la voz limpia muy bien elegidas. La verdad es que Matt Mingus en la batería y Tillian Pearson cantando se han salido en este disco, Jonny Craig se tiene que estar retorciendo de impotencia, sin desmerecer la guitarra y bajo, que también tienen tela. El punto álgido del álbum llega más bien pronto para lo largo que es, en el cuarto tema ‘Lemon Meringue Tie’, y aunque luego con ‘Carl Barker’ repunta otra vez y en ‘Death Of A Strawberry’ hacen lo que les sale del miembro (muy interesante este corte), el disco va cuesta abajo y sin frenos. A partir de la novena canción, en la que aún hay partes buenas, empiezan a entrar en una espiral de caos sin sentido en el que prevalece la velocidad y el virtuosismo gratuito. Resumiendo: empieza bien, se desarrolla perfectamente, y acaba justito. Un buen álbum que más corto hubiera sido mejor. ENEKO CELESTINO

ATOMS AND VOID And Nothing Else (ARCTIC RODEO RECORDINGS)

INDIE ROCK

a historia de este disco se remonta 15 años atrás. Arlie Carstens, guitarra y letrista de la banda de emocore Juno, comienza a componer nuevos temas. Se suma al proyecto el también músico y productor Eric Fisher y forman Ghost Wars, aunque el dúo rápidamente se rebautizó como Atoms And Void. Esos primeros temas, entre el post rock de vanguardia y el ambient, fueron cogiendo forma poco a poco, a fuego lento, y se grabaron con la misma pausa en diferentes estudios repartidos por toda la geografía norteamericana, con la colaboración de una

docena de músicos, viejos amigos como Nate Mendel (Sunny Day Real Estate, Foo Fighters), Cory Murchy (Minus The Bear), Drew O’Doherty (Ted Leo & The Pharmacists), Toshi Kasai (Melvins, Big Business) y Josh Myers (The Fire Theft, Jeremy Enigk), por nombrar sólo algunos. El dúo tenía previsto componer este disco con calma, mucha calma, pero no entraba en sus planes perder el portátil con todos los temas en un viaje a Toronto. Recuperar y, en el peor de los casos, regrabar los doce temas que componen el presente And Nothing Else llevó su tiempo. El esfuerzo extra merecía la pena. Entre manos, entre buenos amigos, tenían un disco realmente único. Con canciones de emo pop preciosista (‘The Condutor’), algo de neofolk (‘Feather From A Bird’), momentos contemplativos (‘The Earth Countered’), experimentos (‘Golden Shivers’) y cortes feroces (‘Waves Of Blood’). Cada canción es diferente al resto, cada canción es un mundo en harmonía con el resto, un mundo en el particular universo del dúo. LUIS BENAVIDES 93

GREYS

Outer Heaven (CARPARK)

NOISE ROCK

l primer largo de los canadienses Greys arrancaba con la gritona y visceral ‘Guy Picciotto’, una pieza de apenas minuto y medio dedicada al carismático líder de Rites Of Spring y Fugazi. Si querían captar la atención y dejar claros sus ideales éticos y estilísticos, lo consiguieron. El resto de temas incluidos en ese gran debut no eran tan breves, pero mantenían la pegada, directos a la encía. Sólo una excepción, ‘Llull’, el tema final, el más largo, entre el noise hipnótico de Sonic Youth y los quiebros del post hardcore washingtoniano. Y

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en esta dirección continúan dos años después, pues el primer corte de Outer Heaven es la pausada y enrevesada ‘Cruelty’, una pieza que tampoco dista demasiado del shoegaze cañero que practican Nothing, cuyo recuerdo también asoma en la perturbadora ‘Strange World’. Sus formas se retuercen y subyugan, como en ‘Sorcerer’, una maravillosa locura con varios cambios rompecinturas. En estos cortes bajan la velocidad y aumentan las ganas de experimentar, de jugar, con cajas de ritmos y sintetizadores si es necesario, como en ‘My Life As A Cloud’. Pero que no cunda el pánico entre sus viejos seguidores, pues el punk rock furioso y con reminiscencias nirvaneras de su estreno sigue presente en otros temas con el fuzz a tope como ‘No Star’, ‘Blown Out’, ‘Complaint Rock’ y ‘In For A Penny’, donde estos primos hermanos de Metz vomitan emociones y destrozan tímpanos como nunca. LUIS BENAVIDES

BLACK RAIN Released (UDR)

HARD ROCK

ue una celebridad como Jack Douglas (productor mítico que ha trabajado con gente como Aerosmith, Cheap Trick, Alice Cooper y hasta el mismísimo John Lennon) se haya fijado en un desconocido cuarteto francés es extraño. A estas alturas de su carrera, estos veteranos ingenieros acostumbran a vivir de rentas o a involucrarse en proyectos de mayor calado. Al parecer, la unión entre banda y mentor comenzó con el anterior disco de la banda y fue tan satisfactoria que se conjuraron para seguir trabajando juntos en el

futuro. Escuchando el álbum una cosa queda clara: estos tipos saben componer, y muy bien, además. Mirando a la Norteamérica de finales de los 80, su hard rock netamente festivo y melódico los relaciona directamente con bandas como Mötley Crüe, Dokken, W.A.S.P. o Ratt. Los cabrones tienen unos cuantos hits matadores. ‘Puppet On A String’ por ejemplo suena descaradamente a Pretty Boy Floyd, una de las bandas más excesivas y molonas de aquella lejana época. ‘Run Tiger Run’ en cambio es como un homenaje al AOR más cristalino y trabajado. Un temazo de los que ya no se escriben. ‘Mind Control’ parece compuesta por Don Dokken, un medio tiempo sencillamente matador, y ‘Electric Blue’ posee unos coros más infecciosos que un virus contagioso. Y lo reconozco, ha sido escuchar un single tan perfecto como ‘Back In Town’ y correr a desempolvar mis vinilos de Skid Row. Dejemos las modas para los hipsters y limitémonos a poner el volumen al 11. ANDRÉS MARTÍNEZ

importante reclamo para cualquier festival extremo. Por desgracia, su nivel musical no ha crecido a la par que su base de fans, más bien al contrario… Los americanos venían de la pura gloria discográfica, pero si su anterior trabajo sonaba a fusilada de Immortal, éste, INQUISITION que sin duda aporta también Bloodshed Across The Empyrean Altar Beyond momentos gozosos, tampoco puede contarse entre sus The Celestial Zenith (SEASON OF MIST) mejores álbumes. La primera BLACK METAL y, para mí, desagradable sorpresa es que Dagon ha 68 abandonado completamente su inconfundible registro ranil. Su anfíbica voz era ontra todo pronóstico, uno de los mayores rasgos Inquisition, que característicos del grupo, así llevan batallado en como también sus imbatibles el underground del black medio tiempos entre metal casi tres décadas, guitarrazos reiterativos… Y se convirtieron en una de exceptuando la guapísima ‘A las nuevas sensaciones Black Aeon Shall Cleanse’, del estilo con la edición aquí también hay muy de sus dos últimas obras, poquito de esto último. Claro, Ominous Doctrines Of si una banda reniega de The Perpetual Mystical Macrocosm y Obscure Verses su propia personalidad, de aquello por la que la amas, For The Multiverse. A ello ¿qué te queda? Pues mucho contribuyó y mucho que el relleno en un disco con dúo viviera prácticamente temas que se dejan escuchar, en la carretera, girando como ‘A Magnificent Crypt donde sea y con quien Of Stars’… aunque ésta sea para conseguir lo que de nuevo podría haberla hoy en día son: una de las firmado Demonaz. formaciones más exitosas PAU NAVARRA del género maldito y un

THE LAST SHADOW PUPPETS Everything You’ve Come To Expect (DOMINO)

ROCK

o confieso: he pecado. He cometido el terrible delito de que me haya gustado el segundo disco de The Last Shadow Puppets. Sí, ya sé que Alex Turner y Miles Kane nos han tenido ocho años esperando desde The Age Of The Understatement. Y que las expectativas eran muy altas, por su predecesor, y por la carrera de Turner con Arctic Monkeys. Y quizás este segundo disco no tenga tantos chispazos de genio, pero me sigue pareciendo un álbum notable (como su portadón, con foto de Tina Turner en 1969). Por las melodías, por las armonías

vocales, por las elegantes atmósferas barrocas que tan bien consiguen crear las orquestaciones de Owen Pallett (‘culpable’ de maravillas como Funeral o Neon Bible de Arcade Fire). ‘Aviation’, ‘Miracle Aligner’, ‘Bad Habits’, ‘Sweet Dreams, TN’, ‘Pattern’, la preciosa despedida con ‘The Dream Synopsis’… son canciones dignísimas, y que como pudimos comprobar en el pasado Primavera Sound, funcionan en directo. Y aunque quizás el conjunto no sea tan redondo como el debut, y Kane se comportara como un cretino con la periodista de Spin Rachel Brodsky, si lo que juzgamos es estrictamente este disco y las emociones que provoca (nunca entenderé el juzgar una obra artística desde un ámbito exclusivamente racional), la conclusión es que me gusta, me transmite, y me llega. Me lo he escuchado un montón de veces, y sé que continuaré repitiendo muchas más. Y ésa es la única impresión que me importa. Si el cuerpo me pide más, para mí es un buen disco seguro. IGNASI TRAPERO 95

THROUGH THE LIES Reload Your Soul (CRUZADE)

HARDCORE

mpezar un disco con el discurso final de El Gran Dictador de Chaplin es una idea positiva, pero es poco original: otros grupos de hardcore ya la han utilizado anteriormente en sus álbumes. Además, si esa intro cuenta como primer corte del CD se ha de tener en cuenta a la hora de enumerar los temas, porque si no los números de la contraportada no se corresponden con las canciones que están sonando. Dejando de lado estos pequeños detalles, que sin duda se deben a la juventud de sus componentes, Through The Lies nos presentan siete temas de modern hardcore cargados de breakdowns y donde las partes rápidas y las pesadas se dan el relevo continuamente a lo

SWITCHFOOT

Where The Light Shines Through (SPINEFARM/VANGUARD)

POP ROCK

l nuevo álbum de Switchfoot no podría salir en mejor momento, porque estas canciones de rock y pop se disfrutan más bajo el sol del verano en la costa de cualquier ciudad con mar. Apartados momentáneamente del formato tradicional de un álbum con el lanzamiento de su anterior documental y banda sonora Fading West, ahora vuelven a su versión más conocida con doce nuevas canciones. Lo primero que resalta es el alejamiento de las guitarras con más filo, ya que la banda decide decantarse por melodías sencillas que se alejan de su

largo de los 21 minutos que dura el disco. Reload Your Soul es su primer LP (después de una demo y un EP) donde destacan la voz autoritaria de Jordi, los coros del resto de miembros y el buen arropamiento musical, en la onda de No Turning Back o Turnstile. Además, el quinteto presume de denominación de origen: ‘Masnou Hardcore’. A pesar de ser una localidad no demasiado grande, ya han salido unos cuantos grupos

de allí y Through The Lies se están mostrando muy activos en la escena local. Con Reload Your Soul, y sobre todo con misiles como ‘Promises’ o ‘My Own Pride’, no sólo recargamos nuestra alma, sino que también recargamos pilas para meternos a hacer molinillos en el pit. La nota negativa es que, mientras escribo estas líneas, me entero de que su batería Charly ha dejado la banda.

vibra pseudo alternativa (con excepción de ‘Holy Water’, que abre el disco). Aquí nos encontraremos con temas en la línea del single ‘Float’, es decir, temas de estructura predecible donde las melodías son tan contagiosas que uno no puede parar de mover los pies y la cabeza al ritmo de su tonta y atractiva línea melódica. Canciones acústicas como ‘Live It Well’ te harán darle al play una y otra vez preguntándote de dónde nace tanta magia con tanta simplicidad, y ése es el truco que usan Switchfoot en esta nueva aventura: simplificar todos los aspectos técnicos de su música para

sacarle el mayor provecho al menor esfuerzo posible. Ya sabes lo que dicen, y es que a veces hacer algo simple es más complicado de lo que uno se imagina. Su líder Tim Foreman sobresale por el uso más cálido de su voz, la producción y mezcla mete por primera vez las líneas de bajo al frente de los singles más evidentes, y el resto simplemente sigue la corriente en una combinación perfecta para sonar a lo largo y ancho de las radios de Estados Unidos. Han dejado las guitarras de lado, y les sienta muy bien.

JORDI FORÉS

JORGE FRETES

VIOLENT SOHO Waco

(SIDE ONE DUMMY)

ROCK ALTERNATIVO

i son unos tipos violentos ni viven en el Soho neoyorquino. Tampoco en el bohemio Soho londinense. Los protagonistas de esta reseña son unos melenudos adorables y con sus discos reivindican la cara más colorista del indie rock de finales de los 90. ¿Grunge pop? Algo así llevan haciendo desde su debut con We Don’t Belong Here, del año 2008. El presente Waco es su cuarto disco, el segundo para el sello Side One Dummy, y lo destapan con un cristalino punteo de guitarra emo seguido de una descarga eléctrica y gritos

desgarrados. ‘How To Taste’ es un temazo como la copa de un pino. ‘Blanket’, el segundo corte, tampoco está nada mal, entre los británicos Serafin y Cloud Nothings, pero entonces llega el gran estribillo de ‘Viceroy’, con una línea de bajo neumática muy Pixies y un guitarrón final de la escuela Weezer. Los duendecillos de Boston, por cierto, también sobrevuelan en ‘No Shade’. En ‘So Sentimental’, el medio tiempo del disco, se ponen algo más serios como manda el título, y en ‘Slow Wave’ guiñan un ojo a los Blink-182 cuando cantan repetidamente “Always I know”, inspirados en ‘All The Small Things’. Para el final dejan otro divertido homenaje como es ‘Evergreen’, su particular ‘Everlong’, tan literal como que copian el riff principal del himno de los Foo Fighters. Por cierto, como Dave Grohl, estos canguros también gastan videoclips cachondos. ‘Like Soda’, donde se ligan a unas simpáticas abuelas, es sólo el último ejemplo. Muy entretenido. LUIS BENAVIDES

GENERATION X

Sweet Revenge/Live At Sheffield (MUNSTER)

PUNK ROCK

l de Generation X fue un caso extraño. Fueron una gran banda de punk rock y mezclaron como pocas las melodías dentro de una música que, en aquellos tiempos, se suponía que tenía que ser rabiosa y soez. Sin embargo, nunca han acabado de entrar en la lista de grandes referentes de los pioneros que dieron forma al punk. Puede que sea por ese componente melódico o puede que porque sus dos principales componentes, Billy Idol y Tony James, además de guapetones, se acabaran convirtiendo en dos grandes

estrellas durante los 80. El primero comandando una brillante y exitosa carrera en solitario que dura hasta hoy, y el otro al frente de los delirantes Sigue Sigue Sputnik. Lo que aquí tenemos es Sweet Revenge, el que tenía que ser el tercer álbum del grupo y que, tras cambios de componentes, nunca llegó a ver la luz. ¿Es éste el mejor disco de Generation X? Probablemente. No sólo por incluir la imperecedera ‘Dancing With Myself’, grabada de nuevo bajo Gen X y por el propio Billy Idol, sino porque ponía sobre la mesa que el rubio cantante y James tenían un gancho resultón para escribir canciones que iban más allá de los postulados del punk rock. Quién sabe qué hubiese pasado de haberse publicado este álbum, aunque eso hubiese significado perderse la carrera de Idol en solitario. Completa estas reediciones dedicadas a la banda un imponente Live At Sheffield, testimonio fiel de lo que fueron los años gloriosos de Generation X. RICHARD ROYUELA

FORTERESSE Thèmes Pour La Rébellion

(SEPULCHRAL PRODUCTIONS)

BLACK METAL

l inicio de este álbum es mayestático, arrollador, abrumador, impactante… sublime. Una breve intro nos conduce a ‘Spectre De La Rébellion’, un tema ya suficientemente emocionante, pero lo que viene después… Agüita. Me ha costado contener las lágrimas ante ‘Là Où Nous Allons’, es una canción que ahonda en la esencia del más majestuoso black metal, y con ‘Par La Bouche De Mes Canons’, casi que lo mismo. Como en el caso de tantas formaciones primigenias del estilo, con este homenaje al puño en alto, a la belleza que brota del extremismo, Forteresse demuestran que el basar su música en sus irrenunciables ideales nacionalistas es su mayor acierto, que en sus anhelos de libertad para el Québec está el secreto de su inspiración,

THE BROWNING Isolation (SPINEFARM)

METALCORE, ELECTRÓNICA

upimos por primera vez de la banda The Browning en 2005, aunque no fue hasta su Burn This World de 2011 cuando la prensa empezó a tomarles en serio. La mezcla extraña de su líder Jonny McBee (antiguo As Blood Runs Black) parecía chocante, y es que no todos los días te encuentras con una banda que mezcle metalcore o deathcore con dubstep, electrónica, EDM y todo lo que haya por el camino. Su nueva ofrenda, al igual que vienen haciendo hace dos álbumes, deja caer todo su peso en los factores que hacen tan popular

de su fortaleza como banda. Siempre les había seguido de lejos, pero tras cinco años sin publicar un largo, la verdad es que me han pillado totalmente desprevenido con la lección que significa Thèmes Pour La Rébellion. Qué decir de otros cortes como la gloriosa ‘Le Sang Des Héros’, ‘Forêt D’Automne’ o la gigantesca ‘Vespérales’… Pues únicamente que si el horror que les produce seguir formando parte de

Canadá es la causa directa de un discazo como éste, por favor, que no les dejen celebrar ni un referéndum más. Aunque un tema más le habría venido de lujo, sin duda estamos ante el mejor trabajo de black metal que he oído en lo que va de año, y me resulta complicado imaginar que nada ni nadie vaya a superarlo. Extraordinariamente épico. Romanticismo puro y duro.

a la electrónica: el fácil acompañamiento corporal de su ritmo, la seguridad de lo que viene después. No ha cambiado mucho desde Hypernova de 2013, y tampoco se esperaba ningún giro repentino en lo que hacen. La música de The Browning no es para todo el mundo, pero a la vez es una forma de acercar de manera inteligente la electrónica más ravera a los fans del metal, porque canciones como el single ‘Pure Evil’ pueden ser tan disfrutables para los fans del techno o el dubstep como para un seguidor del hardcore más violento. Sus canciones

atrapan, y lo saben. Frankie Palmieri de Emmure aparece en ‘Disconnect’ y lo cierto es que no lo hace nada mal, porque salva momentáneamente a la banda de caer en la monotonía que este tipo de de bandas ‘casi-industriales’ suelen generar. Nada nuevo bajo el horizonte, pero lo que hacen sigue enganchando aunque ya no sorprenda. Lo suyo te seguirá llegando si después de un concierto de Korn te apetece ir a una rave. Nada de tecnicismos; ruidos hechos para su creador y sus discípulos.

PAU NAVARRA

JORGE FRETES

PERCUTOR Marginados

(DISCOS MECAGOENDIOS)

HEAVY METAL

hora que tanto hablamos de old school y que en algunos momentos parece que estemos en una frívola competición por ver quién es más true –término que, por otro lado, siempre he encontrado bastante absurdo-, nombres como los de Percutor deberían de estar en boca de todos. Pero no es así, por lo que me temo que algo de pose sí que hay por ahí. Marginados, un 10” de cuatro temas, es su segundo trabajo y es una verdadera reivindicación del heavy metal más puro y sin

elementos contaminantes. Recuperando el speed metal de la escuela europea, el combo madrileño tira de oficio con unas letras y melodías muy propias del heavy metal en castellano de los 80. Nombres como Barón Rojo o V8 –de hecho, algunos de los componentes de la banda proceden de Sudaméricavienen a la cabeza en más de un momento, y eso los diferencia de tantísimas otras bandas... Estamos ante unos escuetos 15 minutos de heavy metal, pero los cuatro temas que componen Marginados –tómese el título como una verdadera declaración de intencionesno dejan ni un solo segundo de aliento, siendo la prueba palpable de que si el revisionismo está bien hecho y se conocen y se trata con respeto las fuentes de las que se beben, discos como éste son absolutamente necesarios. Siempre viene bien un buen sopapo, y muchas veces uno cree que el heavy metal lo necesita ahora mismo. Si existiera un hijo bastardo entre Kreator y Barón Rojo se llamaría Percutor. RICHARD ROYUELA

KATALEPSY

Gravenous Hour (UNIQUE LEADER)

BRUTAL DEATH METAL

ras causar un pequeño terremoto entre los obsesos del brutal death con su cafre debut, Autopsychosis, los rusos Katalepsy emiten su réplica tres años después. Tras la intro de rigor, su segunda obra entra en materia con ‘Blindead Sultan’, un tema que ya nos deja varias pistas sobre lo que hallaremos en este plástico: virguerías por parte del bajista Anatoly, unos guitarras y batería que echan humo gracias a una técnica de proporciones ciclópeas, una pizca de slam, sonido más refinado y ciertos aires del brutal grind de peña como Cattle Decapitation o

Misery Index. ‘To The Lords Of Nihil’ y ‘Critical Black Mass’ refuerzan esta tesis inicial, aunque cabe decir que la primera citada desata una violenta tormenta de recursos más que reseñable. La lograda ‘The Long Bright Darkness’, aunque musicalmente excelente, te permite tomar aire, y cuando esta misma situación se repite en ‘After Omega’, y en la veloz ‘Ghoul Inquisitor’, y en ‘Grave New World’, y en ‘Tephra’, y ya no digamos en un final como ‘In The River Of Red’… pues uno no puede dejar de sentirse decepcionado ante Gravenous Hour. Supongo que es lo que ocurre cuando tienes las expectativas por las nubes… Tampoco seamos infantiles y nos carguemos un trabajo entero porque esperábamos un ejercicio continuista, aún más burro y terrorífico, menos todavía con cortes de la talla de ‘Monastery Of Nothing’, pero una cosa está clara: si un disco de brutal death te deja con vida es que algo falla. ¿Más elaborados y sesudos? Sí, pero menos divertidos. PAU NAVARRA

GRAVEYARD

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EL CAOS REPTANTE

EL INMORTAL NYARLATHOTEP HA DOTADO A NUESTROS GRAVEYARD DE LA DEMENCIA NECESARIA PARA CREAR SU NUEVO ÁLBUM CONCEPTUAL, UN DISCAZO DE AIRES ARABESCOS QUE LES SERVIRÁ PARA CALLAR MUCHAS BOCAS. ¿SÓLO UNA MERA COPIA DEL DEATH METAL DE ESTOCOLMO? LEE Y APRENDE. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

L ANTIGUO, el Amo del Desierto, el Aullador en la Noche, El Gran Mensajero, el Morador en la Oscuridad… Nyarlathotep, el Caos Reptante, el dios primordial y sus mil y una formas de presentarse ante la quebradiza humanidad, ha servido a los catalanes Graveyard como punto de partida para publicar su obra más trabajada hasta la fecha, un tercer álbum que amplía y mucho sus posibilidades como grupo al servirse de 17 cortes, con cada trallazo de funesto death metal precedido de un interludio con tintes de Oriente Medio. Si en su anterior The Sea Grave el protagonista fue el extraterrenal Cthulhu, para …For Thine Is The Darkness (War Anthem Records) Graveyard han querido ir mucho más allá, uniendo las canciones no sólo en lo que a lírica se refiere, sino también en términos de música y ambientación. Es lo que Nyarlathotep demanda, que sientas la arena bajo tus pies antes de caer en su cálido manto de locura, contemplando desencajado los terrores que reinan en las estrellas. Javi Félez no es un experto en el universo de H.P. Lovecraft, pero sí en metal extremo old school. De hecho, en este tipo de sonidos es, bajo mi punto de vista, el mejor productor de este país. A lo largo de estos años por sus Moontower Studios han pasado bandas como Teitanblood, Avulsed, Ataraxy, Primigenium, Ered, Nominon, Tort, Onirophagus o Balmog, amén de los propios grupos en los que milita,

unos Graveyard a los que hay que sumar Lux Divina y mis reverenciados Körgull The Exterminator. Es por esta razón que entrevistarle se torna de lo más interesante, porque ante su contrastada experiencia tras los mandos, también extrapolable a los grupos en los que toca, uno al escucharle tiene la sensación de que debería coger papel y boli y empezar a apuntar. En una banda cuya alineación siempre fluctúa y que ahora completan su inseparable compañero de armas Julkarn (bajo, voz en estudio), Gusi (batería), Fiar de Foscor (voz en directo) y Mark Wild (guitarra), aunque C.S. ocupará el puesto de este último en esta gira, la mente pensante y también guitarrista de Graveyard toma las riendas para darnos una lección de la que muchos deberían aprender. El nuevo álbum de Graveyard me ha parecido un salto a todos los niveles. Tiene un sonido más preciso, no tan embarullado, has cuidado bastante más las guitarras… JAVI FÉLEZ “Sí… A ver, no te negaré que el tinglado éste del famoso pedal Heavy Metal, pues ese pedal cuando lo empezamos a utilizar a inicios de la banda tenías que darle espacio porque, no revival, porque todavía no se había producido eso, pero simplemente éramos nosotros y un par de bandas más que lo estábamos utilizando y tenía cierta gracia, ¿no? Claro, después de casi diez años y 599.000

bandas haciendo exactamente lo mismo, pues llegas a la conclusión de que, o cambias, porque es el momento, porque el tercer disco para mí es el punto clave… Pues eso, o cambias, o te lías en la maraña de grupos que proponen exactamente lo mismo y hacen siempre lo mismo, con el mismo sonido, la misma distorsión, con todo igual. Eso por un lado, y segundo: te empiezas a aburrir, o sea, que llega un momento ya que más riffs de ese tipo… Pues mira, no sé hacer más, llega un punto en que todos los riffs del palo Entombed, Dismember, Carnage se han hecho ya, es decir: hacer otro disco de Graveyard en esa dirección habría sido coger riffs, canciones de otros álbumes, y cambiar el orden, porque no da más de sí la fórmula. Y luego tú eres el primero que debes mantenerlo atractivo e interesante para ti, porque si llega un momento en que te da un palo abismal volver a hacer según qué tipo de música, y no es que no te guste, porque te sigue gustando, claro que sí, pero ya has tocado diez años ese estilo… Tampoco es que hayamos cambiado radicalmente, pero hemos intentado dar una vuelta de tuerca para hacer temas más complejos, mucho más elaborados, tienen muchos más arreglos, matices… Es mucho más entretenido de tocar que las canciones viejas, que también son graciosas, porque las puedes tocar con 98 cervezas encima y contando de 1 a 100 con tu mente… Pero bueno, que le hemos querido dar una vuelta de 101

tuerca para que siga siendo interesante para nosotros y poder llamar la atención también, porque insisto, otro disco de Graveyard igual que el anterior o el otro no creo que hubiese tenido ningún tipo de repercusión a estas alturas. Sí en 2009, pero en 2016 ya…”. Y dime, al crear el disco, ¿ha surgido en cierto momento un punto de orgullo por si alguna vez te ha molestado que alguna gente sólo viera a Graveyard como a otra banda, como has dicho, de las miles que hay fusilando el death de Estocolmo? “Un poco en parte sí, pero bueno, no ha sido la motivación principal, porque tú no compones un disco pensando únicamente en lo que la gente pensará, porque si eso fuera así no te pondrías a hacer ruido, te pondrías a hacer un disco directamente en plan Manel, de pop ecléctico cantado en catalán, costumbrista, y entonces ya tendrías el reconocimiento de todo el mundo. Es decir, a partir del momento en que tocas death metal ya asumes que eso es para una minoría, pero bueno, aun así es innegable que de algún modo u otro te afecta lo que el resto de gente pueda decir, lo que la escena pueda opinar. Sí que es cierto que Graveyard siempre se enmarcó dentro de esta corriente sueca, pero no se puede obviar que del mismo modo que habían riffs que estaban fusilados de todas esas bandas, creo que a diferencia de la mayoría de formaciones que tocan ese estilo, nosotros metíamos muchas más cosas ahí, había mucho heavy metal, había un montón de doom... No era sólo copiar ritmos de Entombed y Carnage uno tras otro. 102

Pero bueno, la gente por un motivo u otro oye esa distorsión de guitarra y dice ‘tú eres otra copia de Carnage’, y no se para a ver que hay mucho más que eso. Ahora ya está claro que… Bueno, aun así hemos leído muchas reseñas que siguen insistiendo en lo mismo, supongo que porque la gente no se ha enterado de la copla y no ve más allá, pero bueno, también ha habido muchas otras que han sabido ver que el disco tiene mucho más”. ¿Y cuándo surge la idea de los interludios? “Pues no tengo muy claro cuándo surgió… Después de The Sea Grave la idea era hacer un EP, y no tengo muy claro tampoco cuándo surgió la idea de hacer un EP conceptual que acabó derivando en un ‘vamos a componer’, y cuando nos dimos cuenta teníamos ya casi un disco. Entonces dijimos ‘pues ya que estamos, hagamos un álbum conceptual’. ¿Cómo tuvimos la idea? Pues viene del tema lírico, porque The Sea Grave estaba centrado en Cthulhu y demás historias, así que sale de Julkarn, que es el que está más centrado en el apartado lírico de la banda, es él el que tiene la visión temática de por dónde tienen que ir los tiros. Como en The Sea Grave se había centrado en la figura de Cthulhu, creíamos que éste, que Julkarn había propuesto que se basara en Nyarlathotep, pues no sólo tuviera un rollo conceptual lírico y temático, sino que también lo tuviera a nivel de disco. Es decir, no darle sólo una unidad temática, sino también musical, cohesionarlo musicalmente. Y como todo el tinglado de Nyarlathotep está ambientado en el desierto, las ruinas y demás, nos vino inmediatamente a la mente el rollo este

arábigo que tiene el disco, que por otro lado nos encanta, porque nosotros somos fanáticos de Candlemass y ellos todas las escalas y estructuras musicales que utilizaban eran menores armónicas y más teoría musical que tiene esta connotación arabesca, de Oriente Medio, por decirlo de algún modo. Todo el álbum está impregnado de eso, los solos, las melodías, los arreglos… todo tiene ese sabor para ambientar el trabajo a nivel temático. Miramos de hacerlo totalmente conceptual, y una forma de cohesionarlo todo fue crear interludios muy cortitos”. Por tus palabras puedo concluir que Graveyard sois tú y Julkarn, vosotros sois el cerebro y el cuerpo ejecutor aquí. “Bueno, sí, pese a que siempre hemos intentado ser un grupo democrático. Somos cinco, pues opinamos cinco, y si algo no queda muy claro, lo votamos y lo que salga, pero sí que es cierto que a la hora de tomar las decisiones, pues somos yo y Julkarn, que somos los que creamos el grupo. No tendría mucho sentido que el último en llegar tenga más peso compositivo o a la hora de tomar decisiones que los que llevamos desde el primer día, ¿no? Pero estamos totalmente abiertos, porque por ejemplo en el último disco Gusi, el batería, ha compuesto dos temas. Nos los propuso y, joder, como estaban de puta madre, ¿pues por qué no? Para adelante. Y así como Fiar en The Sea Grave se involucró menos, en …For Thine Is The Darkness nos ayudó con la preproducción de las voces, nos ha echado un cable con letras también, se está encargando de todo el tema de Bandcamp, de diseño, de los flyers, de llevar las redes sociales,

que los demás somos unos inútiles en todo eso… Yo soy partidario de que en una banda cada uno tenga su rol asignado, y que cada uno sepa lo que tiene que hacer y cuál es su parcela de trabajo. Que los cinco no se crean que tienen el mismo derecho a componer o a opinar sobre según qué cuestiones. Hablando a nivel de producción, pues el único que opina un poquito es Julkarn, el resto se fían, ya saben que yo lo haré de tal forma y a ellos les está bien, no se inmiscuyen en ello, de la misma forma que yo no le tengo que decir a Fiar si en el Bandcamp tiene que hacer esto o lo otro, ni le voy a comentar a Julkarn si es ‘Nyarlathotep’ o ‘Nyarlathotop’. Cada uno tiene su parcela de influencia, su conocimiento del trabajo, y así es como creo que

mejor se opera. En los temas que yo he hecho del disco, que han sido la mayoría, pues no me han propuesto muchos cambios, la verdad. Es decir, los han escuchado y dicen ‘mola, ya está’. No hay tanto que discutir”. Me acuerdo de vuestra primera demo, que si no recuerdo mal, fue fruto de un fin de semana de desenfreno, y la verdad que las cosas en Graveyard han cambiado bastante… “Sí, pero es de lo que hablamos nosotros muchas veces… Cuando la banda se creó hace casi diez años, eso es que no era ni banda ni era nada. Pues bueno, era lo que hacíamos en esas épocas de que quedábamos un fin de semana, nos ponía-

mos como Las Grecas y grabábamos cualquier chorrada. Y ésta pues funcionó, a un nivel muy básico y muy underground, pero bueno, esa primera demo tuvo mogollón de repercusión en su día, y también es que no estaba tan masificado todo. Formaciones nuevas así como Graveyard en 2007, pues no había tantas… El grupo ha ido subiendo, subiendo, subiendo, han salido un montón de oportunidades que, honestamente, a muy pocas bandas españolas se les presentan, y hemos ido viendo sobre la marcha que esto implicaba profesionalizarse un poquito, es decir: introducir un cantante que dé la talla en vivo, ensayar mucho más, tener una infraestructura a nivel de contabilidad, dinero, logística… una cosa 103

con más cara y ojos. Y coño, no ha salido mal la jugada, siempre dentro de la humildad y siendo conscientes de que somos una banda de casi cuarentones españoles y death metaleros. Con todas las limitaciones, pues no ha ido mal la cosa, es decir, estamos bastante bien posicionados dentro de lo que son las bandas de nuestro entorno, porque si te comparas con las bandas suecas o alemanas, por supuesto eres un mierda y un don nadie, ¿no? Pero bueno, no nos podemos quejar”. Sois un grupo, no sólo por el estilo, sino por la forma de llevar las cosas en cuanto a profesionalidad, con clara proyección internacional. Este verano volvéis a Europa… Me 104

gustaría que nos explicaras cómo lo habéis hecho. “Es un tema complejo y que daría para mucho rato, pero intentando resumirlo, yo siempre he tenido claro que con este estilo de música en este país no hay mucho que hacer. Es decir, que como no seas una rara avis como Avulsed, que es una banda que por los motivos que sea logra congregar a bastante gente, el resto de bandas… Nosotros en España reunimos la misma gente ahora que en 2008, para darte un dato. Es decir, no hay más gente a la que le interese esto, este estilo de música. No la hay. Entonces, malgastar tiempo, dinero y energía en tocar, y en girar por España, y en promocionarte, pues sinceramente, lo veo una pérdida de tiempo porque aquí no hay

más mercado, no nos conoce mucha más gente de la que ya nos conocía en 2008, no hay nada más que hacer. Con Graveyard vimos que lo que había que hacer es salir fuera, salir fuera porque ahí sí que hay mucho mercado, pero es que muchísimo más… Entonces ya con One With The Dead en 2009 convencimos al sello, BlackSeed, de que había que promocionarlo fuera, no aquí. Aquí tenías que mandar las promos a los cuatro o cinco fanzines que había en aquella época y a las cuatro webs, y ya lo tenías más o menos cubierto. Lo que había que hacer era invertir tu dinero y promocionarlo fuera, y se cerró un acuerdo con Sure Shot Worx, una agencia de promoción europea que trabaja con la mayoría de sellos que tratan death metal, y

la verdad es que funcionó muy bien la campaña con esa gente, se hizo muy bien. Nos consiguieron colocar reseñas en todas las revistas, webs y fanzines, por lo menos de Alemania, que es lo que nos interesaba. Y de ahí, sobre todo, salir a tocar. Nosotros tuvimos la suerte de que teníamos bastante contacto con la gente de Nuclear War Now!, Iron Bonehead, todo sellos de fuera que nos editaron varios splits y tal, y bueno, fueron saliendo bolos fuera y qué más decir… pues poco a poco, enviar muchas copias promocionales a fanzines de fuera, contactar con gente y con sellos extranjeros, y War Anthem, bueno, ya fue la puntita, ¿no? Eso es lo que nos ha funcionado de puta madre, y no tanto como sello, porque es relativamente pequeño, pero sí sobre todo porque están muy bien posicionados a través del Party.San. Montar el festival no sólo te da la posibilidad de crear un evento enorme, sino que la gente que montan el festival, que son los mismos que llevan el sello, conocen a todo dios, conocen absolutamente a todo cristo porque todas las bandas de metal extremo han pasado por ahí. Todas. Entonces eso te da una red de contactos y de posibilidades que estando en cualquier otro sello no las tienes. Así, se trata de saberlas aprovechar, y no nos ha ido mal, por lo menos en Alemania, en otros países quizá no tenemos la misma repercusión, pero en Alemania pues nos podemos montar perfectamente tres bolos aparte de los dos festivales y estoy seguro de que van a ir de puta madre y que va a haber la misma gente que si tocamos en Barcelona. Y eso es lo que funciona, porque aquí en Barcelona y en España en general las ventas son las que

son, y en Alemania la gente todavía compra discos, y eso te permite que sólo con el mercado alemán, pues joder, ya tienes una cantidad de venta de merchandising y álbumes que te deja seguir operando a ese nivel”. Te conozco desde hace muchos años y veo que, joder, por tu profesión, fanzines y tal, pues eres un mánager con patas. Tú, o bandas como Wormed o Looking For An Answer, realmente no necesitáis esa figura… Dicho esto, yo lo que creo es que la inmensa mayoría de bandas de este país andan muy pero que muy perdidas… No conocen nada del intríngulis del negocio musical, aunque sea al nivel del underground del death metal. “Ahí estamos… Y porque tampoco nunca les ha interesado. Es decir, yo lo respeto, no es que menosprecie a este tipo de bandas, pero yo entiendo que hay grupos, y los he conocido y he tocado con músicos que eran así, que lo que les interesa es llegar al local, enchufar la guitarra, tocar, y todo lo demás, ya llegará o ya lo buscará otro, ‘pero a mí que no me toquen las narices, que yo quiero tocar y beber cerveza’. Y esa posición es muy loable, y es perfectamente lícita y válida, pero es que sin esa parte oscura no van a llegar a ningún lado. Aunque sean los nuevos Metallica… no van a llegar a ningún lado. Tiene que haber todo lo demás, tiene que haber por lo menos alguien, por lo menos una persona… Tú fíjate que todas las bandas que han llegado a algún lugar siempre han tenido por lo menos a una persona del grupo que era la que tiraba

del carro y tenía la red de contactos o las ganas de conseguirla. Es gente que la tiene por su carácter innato para relacionarse y el don de gentes que pueda tener, y otros pues porque se lo han tenido que currar y a base de insistir e insistir, y machacar y machacar, pues se han hecho con ella. Pero es que si no hay esa red, es muy difícil, es imposible. Hay muchas bandas en España que, por dejadez o desconocimiento, pues no tienen acceso a todo lo que hay ahí fuera. Y no sólo no tienen acceso, sino que desconocen cómo van las cosas ahí fuera, y todavía creen que comprar una publicidad en la Metal Hammer sirve para algo… Pues con gente así es muy difícil que la banda tire para adelante. Entonces, si tú tienes a una persona que tira del carro, en este caso en Graveyard yo, o lo que tú has dicho, Wormed, Looking For An Answer, Machetazo en su día… Bandas con gente detrás que son mánagers a fin de cuentas, que están actuando como tal y que saben cómo hacerlo. Si tienes esa figura, guay, si no la tienes, pues coño, para eso estáis vosotros, ¿no? (Risas) Es importante que también haya agencias como la tuya (se refiere a Blood Fire Death –ndr.) para básicamente asesorar a esta gente que está completamente perdida y no sabe ni qué hacer una vez sale del estudio. Grupos que salen de grabar y dicen ‘bueno, ¿y ahora qué’, y no saben ni por dónde empezar. Entonces, pues es importante que alguien guie a esas formaciones… Eso es vital”.

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PUP

SALIDOS DE LA EFERVESCENTE TORONTO, PUP APORTARON UN SOPLO DE AIRE FRESCO A LA ESCENA PUNK CON SU PRIMER ÁLBUM. CON EL SEGUNDO, THE DREAM IS OVER, CONSTATAN QUE A PESAR DE LAS DIFICULTADES, SU SUEÑO ESTÁ MÁS VIVO QUE NUNCA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: VANESSA HEINS

“GIRAR ES DURO. HAY QUE INTENTAR TENER LA MEJOR ACTITUD POSIBLE, INCLUSO CUANDO LAS COSAS SON UNA MIERDA” STEFAN BABCOCK

“EN TORONTO HAY TANTOS GRUPOS GENIALES QUE, SI NO TE LO CURRAS, LA GENTE NI SIQUIERA SABRÁ QUE EXISTES” STEFAN BABCOCK

MAGÍNATE que has sacrificado algunos de los mejores años de tu vida dedicándote en cuerpo y alma, sacrificándote y luchando como el que más, por cumplir tu sueño. Y como consecuencia de ese desgaste, un día tienes que acudir al médico y éste te dice: “Lo siento. El sueño ha terminado”. Más o menos eso es lo que le ocurrió a Stefan Babcok, el vocalista de los canadienses PUP. Desde que publicaron su debut homónimo, Babcok y sus compañeros, Steve Sladkwoski (guitarra), Nestor Chumak (bajo) y Zack Mykula (batería), se embarcaron en un gira que les llevó a ofrecer 450 conciertos en dos años. Tanto esfuerzo les pasó factura, y Babcok empezó a detectar problemas con su voz, lo que les llevó a tener que cancelar sus dos últimos conciertos a finales de 2015. Fue entonces cuando, al hacerse una revisión, el médico descubrió una hemorragia en una de sus cuerdas vocales y le soltó la demoledora frase que han usado como título para su segundo álbum. The Dream Is Over (SideOneDummy) es simplemente por existir un triunfo para PUP, y constata que sus letras honestas y su mezcla de indie rock y punk tiene por delante un prometedor futuro. 108

Me quedé bastante impactado cuando descubrí el origen del título de vuestro nuevo disco. Es bastante brutal que un médico te diga “el sueño ha terminado”. ¿Cómo reaccionaste y cómo encontraste las fuerzas para seguir adelante con el grupo? STEFAN BABCOCK “Fue una experiencia muy dura, pero los cuatro habíamos luchado tanto por tirar adelante que no íbamos a rendirnos. Todos hemos tocado en grupos desde que teníamos 15 años. ¡Son más de diez años ya! Escuchar esas palabras salir de la boca del médico fue desde luego un gran golpe, un momento terrible, pero estábamos decididos a no tirar la toalla. Desde que nos dedicamos plenamente al grupo hemos encontrado muchos obstáculos. Éste era uno más”. Desde que salió vuestro primer disco habéis girado un montón. ¿Hubo algún momento en que estuvieseis al borde de la locura? “Desde luego. Me siento así la mayoría del tiempo. Girar tanto como lo hacemos nosotros es un desafío mental y físico, pero últimamente está siendo muy divertido. Los cuatro trabajamos juntos para ayudarnos cuando alguno está pasando por un momento particularmente malo”. Vuestra actitud y positivismo me recuerda mucho al rollo que llevan Cancer Bats. ¿Dirías que es algo que compartís la mayoría de bandas de Toronto? “¡Amamos a esos tíos! Hicimos una pequeña gira con ellos cuando está-

bamos empezando y son de las personas más amables que puedas encontrarte. Sobre si es algo común en la escena de Toronto, tengo que decirte que hay de todo, tanto bandas muy positivas como muy negativas. Pero desde luego, todas las bandas que triunfan de allí son las que tienen una ética de trabajo muy seria. Hay muchísimas bandas increíbles en Toronto. Literalmente cientos de ellas. Y por ese motivo, todos luchamos por ser mejores y esforzarnos más. No quiero decir que estamos compitiendo, porque es más como una comunidad, pero a fin de cuentas, si tú no trabajas tan duro como las demás a tu alrededor, probablemente no llegues a ser tan bueno. Hay tantos grupos geniales que, si no te lo curras, la gente ni siquiera sabrá que existes. Ver a bandas como Cancer Bats, Metz o The Flatliners trabajar tan duro es muy inspirador y han hecho que el listón esté muy alto para las bandas de allí”. ¿Crees que la cantidad de conciertos tuvo su influencia en la composición del nuevo álbum? “Fue una gran influencia por dos motivos. El primero, las letras. Escribo sobre lo que conozco y en los tres últimos años no he hecho más que girar y girar. Así que este estilo de vida se ha convertido en el trasfondo para la mayoría del disco. A nivel musical, creo que dar tantos conciertos nos ha hecho una banda mucho mejor, más compacta. Cuando compusimos este disco teníamos mucha más confianza en nuestras habilidades y unos con los otros que cuando hicimos el primero. Girar constantemente nos ha ayudado a desarrollar un sentimiento

PUP de identidad. Con eso quiero decir que nos conocemos mucho mejor y entendemos mejor qué clase de grupo queremos ser. Así que todo eso alimentó la grabación, y cuando fuimos al estudio teníamos los objetivos mucho más claros”. ¿En qué sentido? “Creo que con el debut todavía estábamos aprendiendo, nos estábamos conociendo… Pero hacer el primer disco nos ayudó mucho a solidificar nuestra relación y, como te decía, durante la gira adquirimos una gran confianza”. Supongo que el primer tema, ‘If This Tour Doesn’t Kill You, I Will’, resume muy bien cómo te llegas a sentir cuando estás tanto tiempo en la carretera. ¿Qué consejos le darías a una banda que está a punto de embarcarse en su primera gran gira? “Les diría que se lo tomen con tranquilidad y que sean amables con sus compañeros. Cuando alguien está de mal humor, intenta ser comprensivo y darle su espacio. Girar es duro. Hay que intentar tener la mejor actitud posible, incluso cuando las cosas son una mierda. Si empiezas a pagar tus frustraciones con los demás,

todo puede derrumbarse”. Una de las señas de identidad de la banda son los coros gritados, las gang vocals. Para mí le dan un sentido de hermandad a las canciones. ¿Cómo se acabaron convirtiendo en una parte esencial de vuestro sonido? “Siempre me han gustado las gang vocals. Como dices, transmiten ese sentimiento de hermandad y eso es la esencia del grupo. Para mí, tienen un elemento catártico que no puede conseguirse de otra manera. Cuando estás en una sala llena de gente y todo el mundo está gritando lo mierda que es todo, empiezas a sentirte mejor. Es bueno saber que no estás solo, que hay otra gente que se siente como tú. En mi opinión, eso es lo que debe conseguir la música: una conexión que te una a otras personas. ¿Y qué mejor manera hay que cantar juntos?”. También es interesante la interacción entre los instrumentos. Os alejáis del punk más orientado a los riffs para hacer algo más parecido a, digamos, Pavement. ¿Puedes explicar un poco cuál es vuestro enfoque y si viene de

escuchar bandas ajenas al punk? “Escuchamos música muy diversa, todos escuchamos estilos distintos. Supongo que lo que tenemos en común es el punk rock, pero aparte de eso, cada miembro tiene sus propias preferencias, ya sea metal, hip hop o folk. Así que creo que cada uno aporta sus propias influencias y las intentamos incorporar al sonido punk que amamos”. Todos teníais experiencias en otras bandas antes de PUP. ¿Crees que ésta es la definitiva? ¿Es parecido a haber tenido varias novias y finalmente encontrar ésa con la que quieres pasar el resto de tu vida? “Sí, así es como me siento yo, pero no puedo hablar por el resto de miembros. Creo que en algún momento todos tocaremos en otros grupos, pero para mí tan pronto como empezamos con PUP supe que era algo especial y que si en algún momento había que apostar al 100% por un grupo, tenía que ser éste”. Y una pregunta tonta para terminar: ¿Por qué PUP en mayúsculas? “¿Por qué no? No hacemos nada sutilmente. Somos muy atrevidos y nuestra música es fuerte y abrasiva. Nuestras letras son directas. Mira el título de este disco, The Dream Is Over. ¡Por supuesto que nuestro nombre tiene que ir en mayúsculas!”.

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IHSAHN

IHSAHN, LA CARA VISIBLE DE EMPEROR, NO PODRÍA HABER ELEGIDO UNA MEJOR IMAGEN PARA LA PORTADA DE SU NUEVO DISCO EN SOLITARIO: UN EXPLORADOR ABRIÉNDOSE PASO POR EL ADVERSO PAISAJE DEL ÁRTICO. ES ESE ESPÍRITU AVENTURERO EL QUE HA DOMINADO LA CREACIÓN DE ARKTIS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S MUY POSIBLE que el nombre de Ihsahn, alias artístico del noruego Vegard Sverre Tveitan, siempre vaya asociado al de Emperor, la seminal banda de black metal que fundó en los 90 y que desgraciadamente obtuvo mucha relevancia por temas extramusicales (su batería fue condenado por asesinato y estuvo involucrado en la quema de iglesias). Pero desde luego, nadie podrá acusarle de vivir del pasado. En los últimos diez años, Ihsahn ha ido labrándose una interesante carrera en solitario y se ha desarrollado como productor y profesor de música. Si bien ha accedido a reuniones puntuales para tocar en directo con su antigua banda, su inquietud le ha llevado a investigar diferentes estilos, y en su obra más reciente, Arktis (Candlelight), hace gala de ese eclecticismo pero en un formato de canción más tradicional. A sus 40 años, Ihsahn es un respetable ciudadano (en 2002 recibió un premio de su ciudad natal, Nottoden, por su contribución cultural), en paz consigo mismo y con su legado. El nuevo disco es muy distinto al anterior Das Seelenbrechen. En su momento ya dijiste que aquél iba a ser algo aislado, así que ¿cuánto tiempo te llevaba rondando por la cabeza hacer Arktis? IHSAHN “Empecé cuando estaba haciendo el anterior. Como has dicho, Das Seelenbrechen era muy dis-

tinto, porque quería trabajar sin ningún tipo de idea preconcebida, cambiar mi manera habitual de hacer las cosas y hacer algo más improvisado y abierto. Pero mientras lo estaba haciendo, pensé que en el siguiente haría todo lo contrario (risas). Así que quise concentrarme en hacer composiciones más clásicas, siguiendo más la fórmula del pop rock con melodías muy reconocibles, con estribillos… básicamente todo lo que me gustaba de la música con la que crecí en los 80. El 95% de la música que me gustaba entonces seguía esos principios. Mi pasado está asociado al metal extremo, así que para mí era un desafío tomar esta dirección”. ¿En qué sentido era un desafío exactamente? “Sobre todo en la comunicación con el público. Cuando haces un álbum abstracto como el anterior, para el público es difícil decidir si le gusta o no, pero cuando escribes una canción tradicional con estrofas y estribillos, la gente tiene muchos puntos de referencia, así que todo es mucho más transparente. Hacer que algo funcione en tres o cuatro minutos no es nada fácil. Necesitas tener una idea muy buena para que lo haga”. ¿El eclecticismo de tus discos obedece a un enfoque más académico de querer probar distintas cosas o responde a una cuestión más emocional de cómo necesitas expresar

tus sentimientos en un determinado momento? “Antes de empezar un disco siempre hago una especie de boceto de lo que quiero hacer. Escribo sobre qué tono o sentimiento quiero que tenga, cómo quiero que suene… No lo hago para limitarme, sino para centrarme. Dado que no hay otros miembros en el grupo, no hay nadie con quien pueda discutir sobre eso. Con la tecnología hoy en día puedes hacer lo que quieras, así que está bien que establezcas algunos parámetros porque si no puedes acabar dando vueltas y vueltas sin concretar nada. Después de tantos discos, tienes que encontrar la manera de que te siga emocionando hacer otro nuevo. No puedo hacer música que no me entusiasme. Puedes hacer un álbum que suene perfecto gracias a la tecnología, pero lo importante es que transmita energía”. ¿Estás constantemente pensando en música? ¿Vas paseando el perro y te vienen ideas para canciones, o tienes que concentrarte en ello? “Normalmente cuando paseo el perro lo que hago es escuchar música. Es uno de los pocos momentos de tranquilidad que tengo para hacerlo (risas). Pero a veces es inevitable que acabe pensando en mi propia música. Cuando escucho a otros artistas, normalmente no pienso tanto en melodías o riffs, sino que me concentro más en los sonidos, en cómo los instrumentos se mezclan”. 111

“CUANDO EMPECÉ MI CARRERA EN SOLITARIO QUISE EMPEZAR DE CERO. NO QUERÍA SEGUIR DONDE LO HABÍA DEJADO CON EL ÚLTIMO DISCO DE EMPEROR”

¿La participación de músicos invitados te ayuda a diversificar tu propia música? “La elección de los invitados llega una vez las canciones ya están terminadas. Por ejemplo, con ‘Celestial Violence’ hice la maqueta con mi voz, pero inmediatamente pensé que era ideal para que la cantara Einar Solberg de Leprous. Pero por el contrario, la elección de un batería como Tobias (Ornes Andersen) vino antes. Llevo trabajando con él tanto en disco como en directo desde hace años, y es fantástico, así que sé que es capaz de hacer cualquier cosa que le proponga. Es como una red de seguridad. Así que por un lado es bueno saber que podrás contar con alguien fijo y al mismo tiempo, tener la libertad para escoger diferentes voces para partes concretas. Supongo que soy muy afortunado de tener gente cercana con tanto talento (risas)”. Leprous te han hecho de banda de acompañamiento en directo en varias giras. ¿Tocar con ellos te influenció de alguna manera en este disco? “Supongo que sí. Mi mujer y yo hemos producido mucha de su música en nuestro estudio. Supongo que sabes que Einar es mi cuñado (risas). Y los dos guitarristas del grupo fueron alumnos míos desde que tenían 10 años. Han llegado a ser una banda fantástica, así que toda buena música me influencia, claro que sí”. Otro invitado relevante es Matt Heafy de Trivium, y de hecho, se había hablado

IHSAHN que estabais trabajando en un proyecto juntos… “Eso fue lo que nos unió en un principio. Hace años Matt me propuso producirle su disco en solitario o más bien un proyecto de black metal que quería hacer de manera anónima. Creo que desde siempre ha sido fan de este estilo y las demos que me mandó me parecieron interesantes. Pero Matt es una persona abierta y el proyecto fue evolucionando de algo más black tradicional hacia algo más especial. Nuestra amistad fue creciendo y me pidió que le hiciera una parte orquestal para el nuevo disco de Trivium. Y luego yo le pedí que cantara en ‘Mass Darkness’. Ese estribillo pedía una voz más poderosa, más americana, y Matt era perfecto para eso”. El vídeo de ‘Mass Darkness’, al igual que la portada y el libreto, están inspirados en el explorador noruego Fridtjof Nansen. ¿Qué te atrajo de su persona? “El título y la portada fueron una consecuencia del contenido del álbum. Estaba repasando las canciones y las letras con mi mujer y ella sugirió que usara algo sobre el Ártico. Le sugerían esos paisajes helados. Y también algunos temas hablan sobre el senti-

y el último disco de Emperor lo hice prácticamente yo solo. Cuando la gente me dice que debería hacer otro disco de Emperor les digo que no sonaría muy distinto a cuando hago metal ahora (risas). Pero naturalmente, mis excompañeros no estarían de acuerdo en ir en esa dirección. Por eso nos separamos”.

do de pertenencia y de cómo crecer en esta parte del mundo me ha influenciado como persona y como músico. Así que tenía sentido. Fue entonces cuando encontré estas maravillosas fotografías del explorador Fridtjof Nansen en su primer intento de llegar al Polo Norte con sus esquís a finales del siglo XIX. Todas las imágenes que usamos son suyas. Nansen es uno de nuestros héroes nacionales, sale en nuestros billetes (risas). Para mí fue muy interesante aprender más sobre él y sus viajes. Uno de mis colores favoritos es ese blanco azulado del hielo. Quizá por eso la de Seventh Son Of A Seventh Son de Iron Maiden es una de mis portadas favoritas (risas). Así que a nivel simbólico el Ártico es interesante porque es algo hermoso pero muy hostil al mismo tiempo, y supongo que es lo que intento que sea mi música, a la vez que seguir mi espíritu aventurero”. ¿Fue ese mismo espíritu el que en su momento te llevó a dejar Emperor? “En parte, sí. Me siento muy orgulloso de haber dejado algo que era estable y que era exitoso. Cuando empezamos Emperor, eso ni siquiera nos pasaba por la cabeza. Para mí era una cuestión de necesidad, pero creativamente las cosas fueron evolucionando

De todos modos, parece que ahora estás más abierto a abrazar tus raíces black metal. No sé si durante un tiempo quisiste distanciarte de ellas para forjar tu propia identidad y ahora estás más en paz con tu pasado. “Desde luego. Cuando empecé mi carrera en solitario quise empezar de cero. No quería seguir donde lo había dejado con el último disco de Emperor. No quería ser visto como una continuación de Emperor. Pero después de seis discos en solitario, y habiendo hecho muchas giras y también conciertos esporádicos con Emperor, para mí es mucho más fácil sentirme agradecido por el interés que sigue levantando mi música haga lo que haga. Supongo que me siento mucho más cómodo viendo mi carrera como un conjunto en lugar de como etapas totalmente distintas. Tienes que pensar que cuando estás en un grupo también tienes que hacer muchas concesiones, pero en realidad, los gritos y las guitarras agresivas forman parte de mi naturaleza musical, así que sería absurdo renegar de eso, aunque quiera explorar otras cosas”.

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PRIMAVERA SOUND 2-4 DE JUNIO DE 2016 PARC DEL FÒRUM, BARCELONA TEXTO: LLUÍS S. CEPRIÁN, JORDI MEYA, TOI BROWNSTONE FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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RADIOHEAD

BEACH SLANG

a última edición del Primavera Sound fue, sin duda, una de las de mayor concentración de luminarias de la música popular de toda su historia. El cartel superó por muchas cabezas al del año pasado y la afluencia de público alcanzó la mayor concentración de todas las ediciones del festival barcelonés, llegando a la nada desdeñable cifra de 200.000 personas (25.000 más que el año pasado, sin ir más lejos). El festival se presentó con algunas novedades, siendo la más destacada la incorporación de un nuevo escenario dedicado exclusivamente a la música electrónica. Pero también se extendió por toda la ciudad, con diferentes puntos más allá del Fòrum donde poder disfrutar de conciertos (muchos de ellos de forma gratuita).

JOHN CARPENTER

JUEVES 2 Yendo a lo que supuso el núcleo de la edición de este año, diremos que el jueves se presentaba con uno de los programas más completos. Algiers lo sabían y salieron al escenario más grande con ganas de apaciguar el hambre de los recién llegados al recinto. Su concierto fue un fiel reflejo de lo que supone su hasta ahora único trabajo, un disco homónimo con algún que otro fogonazo pero todavía con mucho material por desarrollar. Eso no quita que ‘Irony, Utility, Pretext’ y la pseudo bluesera ‘Blood’ sonasen a gloria. El británico James Hunter y sus Six aportaron buenas vibraciones con un set de R&B de la vieja escuela que sonó de fábula en un magnífico atardecer. Luego fue el turno de ver a C +

C = Maxigross. El cuarteto italiano no acabó de cuajar, la voz de su cantante nunca acabó de afinarse, quedándose en un sucedáneo de Devendra Banhart. Nos quedamos con los momentos instrumentales, cuando creaban atmósferas. Más tarde le tocó el turno a una de las bandas seminales de la escena shoegaze de finales de los 80. A.R. Kane se mostraron como unos The Jesus And Mary Chain al ralentí. Eso sí, fueron de menos a más conforme el concierto avanzó. Justo al lado Vince Staples ofreció uno de los shows de la jornada. El rapero californiano basó su set en su extraordinario Summertime ‘06, un disco sin fisuras que uno nunca se cansa de escuchar. Después de la bocanada de rap oscuro de Staples decidimos cambiar de aires, así que 115

PJ HARVEY

enfilamos hasta el escenario Primavera donde se encontraba John Carpenter. El del Maestro del Horror se trataba sin ninguna duda de un concierto para fans, y como tal, no sólo no defraudó, sino que entusiasmó a todos los asistentes. El setlist fue una gran sorpresa, puesto que, sin dejar de lado recientes composiciones como ‘Vortex’ o ‘Night’ de sus Lost Themes, dio un espectacular repaso a los temas más emblemáticos de sus bandas sonoras acompañaTERROR 116

dos por proyecciones que mostraban escenas de sus películas. Así volvimos a disfrutar de Snake Plissken en ‘Escape From New York’, nos invadió La Niebla y revivimos el terror de una noche de ‘Halloween’ en Haddonfield, o el aislamiento y el miedo desconocido provocado por una cosa en la Antártida. Como si no lo supiéramos, nos confesó su amor por las películas de terror, y se enfundó las gafas que identificaban a esos poderosos alienígenas

en ‘They Live’. Un genio que, con la ayuda de su hijo Cody y de su sobrino Daniel Davies, ha conseguido recuperar esas melodías que nos aterraron durante nuestra infancia, trasladarlas al directo y darles una fuerza y una intensidad que sinceramente merecían. Fue una auténtica gozada. Y del rey del suspense nos fuimos al rey de la comedia. James Murphy y sus LCD Soundsystem volvían a actuar en el festival por segunda vez en tres

SAVAGES

YOUTH OF TODAY

días –el primer concierto fue en exclusiva en la sala Barts, para tan sólo algunos afortunados que ganaron un sorteo por internet-. Ofrecieron prácticamente el mismo concierto. Eso sí, con un público 30 veces más numeroso. Fue un greatest hits en toda regla que comenzó con ‘Us v Them’ y que pasó entre otros por ‘Daft Punk Is Playing At My House’, ‘Tribulations’, ‘Movement’, ‘Yeah’, ‘Losing My Edge’ y que acabó, como no podía ser de otra manera, con ‘All My Friends’. Pero da la sensación que la banda que conquistó al mundo en la década pasada ahora se ha convertido en una caricatura de sí misma. Paralelamente en el escenario Pitchfork cazábamos a Beach Slang recuperando el espíritu de los mejores Replacements, a quienes homenajearon marcándose una fiel versión de ‘Bastards

Of Young’. Lo pasamos en grande vibrando con sus guitarrazos y el desparpajo de un caradura como James Alex. El colofón de la jornada lo pusimos con Battles, que volvieron a poner los puntos sobre las íes. Lo suyo fue un completo 9 sobre 10. Atención porque consiguieron hacer vibrar con su rock matemático... Y nos fuimos a la cama con la sonrisa puesta, claro. VIERNES 3 El viernes, a nivel de programación, y comparado con los otros días, prometía ser la jornada más calmada... Pero no siempre fue así. Para empezar los suecos Dungen sorprendieron a propios y extraños con un directo de fuerte regusto a rock psicodélico. Volvían tras cinco años de silencio para presentar un álbum con algunos temas

que ya le gustaría haber compuesto Kevin Parker de Tame Impala. Pero una de las citas ineludibles la tuvimos en Titus Andronicus. Los norteamericanos desplegaron todos sus recursos en un derroche de buenas vibraciones. Fue un concierto breve (apenas 45 minutos) pero intenso en el que hicieron paradas en cada uno de sus cuatro discos publicados. Ciertamente echamos en falta que le hubieran dado mayor protagonismo a su excepcional último trabajo, del que tan sólo interpretaron ‘Dimed Out’, ‘Fatal Flaw’ y ‘Fired Up’. Quedará para el recuerdo también su revisión al ‘Blitzkrieg Bop’ de Ramones. ¡Bravo! Pero los focos estaban justo en frente. Y es que Savages estaban dándolo todo en el escenario Heineken. Sorprendieron con una intensidad que no habían conseguido transmitir en el concierto

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THE MEANIES

provechando nuestra presencia en el Primavera Sound, organizamos junto a Ray-Ban la primera de una serie de acciones en favor de Oxfam Intermon de las que os iremos informando puntualmente. En esta ocasión se trataba de entrar en www.ray-ban.com/remix y diseñar unas gafas para los australianos The Meanies. Ellos mismos las recibieron de manos de la guapísima Julia G., ganadora del concurso. Estas gafas únicas y su estuche firmado por la banda han pasado a formar parte de un gran lote que sortearemos a finales de año. Queremos dar las gracias a todos los que participasteis, a BCore por cedernos su stand y, por supuesto, a Ray-Ban, The Meanies y al Primavera Sound. Ah, y si tú también quieres diseñar tus propias gafas, ya sabes...

DISEÑO GANADOR JULIA G.

TY SEGALL

TOUCHÉ AMORÉ

THE HIVES

de su última gira. Supieron neutralizar sus carencias en cuanto a su destreza musical con un ardor y una entrega encomiable. Mención especial a su cantante y líder Jehnny Beth, que acabó dándose un baño de multitudes en el tramo final del concierto. Luego llegó el turno de los grandes cabezas de cartel de esta edición. El de Radiohead fue como tener una experiencia propia de concierto de gira y no de festival. Y es que la gente fue a coger sitio desde la anterior actuación en aquel escenario. Lo cierto es que la espera les valió la pena, ya que en las zonas centrales el sonido era mucho mejor que en los laterales, donde éste se diluía con la consecuente pérdida de matices. Los de Thom York salieron arropados por una escenografía espectacular inspirada en el cine. En un nivel superior al del escenario había seis pantallas en las que se proyectaba a los miembros de la banda en una sucesión rápida de planos a un ritmo sincronizado con la música. York estuvo muy bien desde

el principio y la banda, también. Se notó que ya llevaban rodaje con la gira –éste era el noveno concierto-. La selección de temas fue un equilibrio entre las diferentes etapas de la banda. Tuvimos momentos para el recuerdo, con ‘Karma Police’, ‘No Surprises’ y ‘Paranoid Android’, pero también para la época más electrónica, casos de ‘Everything In Its Right Place’ o ‘Idioteque’. Aunque el protagonismo se lo llevó su último álbum, A Moon Shaped Pool, del que presentaron seis temas. Para acabar, y tras dos horas de concierto, regalaron al público ‘Creep’, un tema de su primer disco que habían borrado de sus sets desde los 90. Afortunadamente para muchos la contraprogramación de Dinosaur Jr. en el escenario Ray-Ban fue un regalo. Sonido poderoso, comodidad y una colección de temazos rotundos y potentes nos hicieron viajar en el tiempo, a nuestra adolescencia noventera, provocando que se nos escapara alguna lagrimita nostálgica con temas como ‘Feel The

Pain’. Fue una maravilla redescubrir que J Mascis sigue siendo un personaje tan peculiar como incombustible. SÁBADO 4 El sábado contaba con un programa de muchos quilates, aunque el principio fue más comedido de lo esperado. Y es que lo que debía ser un concierto fiero de Six Organs Of Admittance, en realidad fue una propuesta íntima de Ben Chasny en solitario. De allí pasamos al otro extremo, y es que en el escenario Primavera Sound los japoneses Boredoms cautivaron con su propuesta avant rock. Los de Osaka lo volvieron a hacer a base de mantras sónicos infinitos en los que había cabida para el free jazz y la electrónica abstracta. Luego fue el turno de Autolux, uno de los grupos del momento gracias a su excelente Pussy’s Dead. Lo suyo fue un órdago en toda regla, con la fórmula infalible de bajo endiablado, protagonista dentro de una estructura shoegaze envolvente.

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BRIAN WILSON

También estuvimos tomándonos unas cervecitas con el legendario Brian Wilson, uno de los grandes nombres del cartel. Claramente el repertorio fue de menos a más, haciéndose al principio un poquito más aburrido dejando claro que el magistral Pet Sounds funciona mejor escuchado en casa que en directo, pero el punto de inflexión que dieron con los clásicos ‘Good Vibrations’, ‘Surfin’ U.S.A’, ‘Don’t Worry Baby’ o ‘California Girls’ nos hizo disfrutar un montón. Aunque admitámoslo, ni el público era el más adecuado, ni el ambiente el más propicio, y pese a que la banda sonaba especialmente bien, el señor Wilson tampoco demostró ser la alegría de la huerta. Los reunificados Drive Like Jehu llenaron de electricidad el escenario Primavera. Con sólo dos discos, la banda

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UNSANE

de San Diego dejó una huella imborrable en el post hardcore en los 90 y temas como ‘Do You Compute?’ o ‘Bullet Train To Vegas’ sonaron tan vitales como entonces. Rick Froberg y John Reis nos zarandearon con su distorsión y fue curioso ver a Mark Trombino, quien se ha hecho una carrera como productor de lujo para Jimmy Eat World o All Time Low, disfrutando como un niño detrás de los parches. Otro de los platos fuertes llegó con el concierto de PJ Harvey, que venía a lucir su recién publicado The Hope Six Demolition Project, un disco con algo menos de pegada que su anterior Let England Shake, pero que en directo creció y creció hasta el infinito. Y es que la banda con la que se presentó era de all star, con figuras como John Parrish, Mick Harvey o Alain Johannes

SUM 41

–el hombre que daba clases de bajo a Flea-. El concierto fue bastante lineal en cuanto a intensidad. No supuso el derroche de anteriores comparecencias, pero sí supo mantener una contención del todo seductora. Sus dotes interpretativas sobre el escenario se potenciaron de forma exagerada esta vez, y en muchas ocasiones su pose hubiera encajado en un contexto de teatro más que en un concierto de música. En todo caso, nos quedamos con el recuerdo que hizo a To Bring You My Love en forma de ‘Down By The Water’, la propia ‘To Bring You My Love’ y la urgente ‘50ft Queenie’ del lejano Rid Of Me. Cambio de registro para ver a The Meanies en el Ray-Ban Unplugged, aunque los australianos de ‘desenchufados’ nada. En media hora la liaron

VENOM

parda con su punk rock garajero y dejaron claro que las buenas sensaciones transmitidas en su disco de retorno It’s Not Me It’s You no eran casualidad. Saben más por diablos que por viejos. Dudamos que en ningún otro festival del mundo pueda encadenarse una actuación de Los Chichos con una de Venom, pero en el Primavera pasan estas cosas. La multitud que se había acumulado para ver a los rumberos se desvaneció a la que Cronos y sus escuderos saltaron al escenario. Su heavy metal primitivo y veloz ayudó a desatascar los oídos, y la verdad, escuchar ‘Pedal To The Metal’, ‘Welcome To Hell’ o ‘Black Metal’ en ese contexto fue toda una alegría. Un poco más tarde los permanentemente cabreados Unsane nos volaron la

THE LOVED ONES

cabeza con unos riffacos de palmo y medio y un groove apabullante que nos ayudó a recuperar fuerzas. Entre medio, aún nos había dado tiempo de pillar un cacho de Action Bronson, el chef rapero que lució un flow a la altura de su barriga y una simpatía enorme tanto en su actitud como en la elección de samplers de temas como ‘Baby Blue’ o ‘Easy Rider’. En el tramo final de la jornada nos dejaron con la boca abierta dos grupos norteamericanos. Por un lado Parquet Courts, que quemaron las naves en el escenario Pitchfork. Pasaron del indie rock de manual a un punk rock de alto voltaje que nos dejó sin respiración. Y luego otro de los conciertos para la posteridad de esta edición: Ty Segall And The Muggers. La banda salió enfundada en monos mecánicos

y desde el segundo uno tocaron con gran intensidad y a una velocidad endiablada. La verdad es que fue un concierto con más hard rock que garage, pero nos gustó igual. El espectáculo fue muy contagioso... Tanto que, al final, uno de los espectadores de la primera fila acabó siendo el gran protagonista, cogiendo las riendas del mismo mientras Segall interactuaba con él, mejor dicho, haciendo el espectáculo con él, todo muy a la americana, claro. El último aliento lo reservamos como siempre para ver salir el sol bailando con la sesión de DJ Coco, que acabó con un ‘Heroes’ en homenaje a Bowie. Fue el gran broche final para una de las mejores ediciones del Primavera Sound, una gran compensación a la más bien floja del año pasado. 2017 ya nos espera.

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ATREYU 27 DE JUNIO DE 2016 SALA BUT, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: TONI VILLÃ&#x2030;N

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a esperanza es lo último que se pierde, y aunque en muchos casos uno ya suele tener asimilado que hay formaciones que nunca llegarán a pisar nuestro país a estas alturas de la vida, muy de vez en cuando los milagros sencillamente suceden. Y eso mismo es lo que ocurrió el pasado mes de abril cuando desde esta publicación lanzamos la noticia de que Atreyu, una de las bandas más exitosas que dio el metalcore en la pasada década, estarían girando por primera vez en España a finales de junio. Sin embargo, y siendo justos, hay que señalar que quizás la expectación creada fue más bien justita. O al menos eso es lo que notamos en la capital, donde la entrada de público se quedó muy corta para lo que esperábamos. Y aunque fuese lunes y La Roja se jugase su permanencia en la Eurocopa, no eran motivos de peso, ya que la sala abrió sus puertas con muchos minutos de margen una vez se

consumó la eliminación de la selección a manos de Italia. Con este panorama y ante un aforo que a duras penas llegaría a 30 personas tuvieron que salir Hyde Abbey a cumplir su papel de teloneros. Poco debió importarles, pues tiraron de orgullo y en la escasa media hora de la que dispusieron salieron a dejar claro por qué son una de las referencias del deathcore patrio. Un auténtico vendaval de riffs y guturales que puso a prueba el equipo de sonido de la But, el cual consiguió aguantar el embiste. El reloj marcaba ya las diez y aunque la pista quedaba muy lejos de presentar el mejor de los aspectos, los de Orange County aparecían sobre las tablas abriendo con ‘Doomsday’ y la gente se vino arriba al instante. Mucho hizo la interacción por parte de todos los miembros con las primeras filas, acercándose para cantar y sentir el calor de todos sus fans. Una verdadera gozada tenerlos a pocos centímetros de nuestra caras. De todos ellos,

nos quedamos con el simpatiquísimo barbudo Marc McKnight, aunque es indudable el gancho del vocalista Alex Varkatzas con el público femenino, especialmente cuando se despoja de la camiseta y deja al descubierto su musculado a la par que tatuado torso. Ambos no dudaron en bajar al pit a liarla en un par de ocasiones, mientras iban cayendo varios de sus temas más reconocidos como esa ‘Right Side Of The Bed’ con la que muchos les descubrimos en un sampler de la extinta RockSound, ‘Becoming The Bull’, ‘Ex’s And Oh’s’, ‘Bleeding Mascara’ o ‘The Crimson’. Se guardaron dos de sus mejores balas para el final con su archiconocido cover de ‘You Give Love A Bad Name’ de Bon Jovi y ‘Blow’, en las que sacaron su lado más cercano al hard rock. Entre agradecimientos y bromas, regresaron para cerrar con ‘Lip Gloss And Black’, que aunque nos dejó con ganas de mucho más, hizo que enfilásemos el camino hacia el metro con buena cara. 123

MAD COOL FESTIVAL

16, 17 Y 18 DE JUNIO DE 2016 CAJA MÁGICA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JAVI PÉREZ

JANE’S ADDICTION 120

THE WHO

acía demasiado tiempo que los residentes en la capital veníamos reclamando un festival de primer nivel en la ciudad, resignándonos a tener que viajar en verano para disfrutar de buena música en directo a lo largo de toda la Península, cuando no al extranjero. Por suerte, nuestras plegarias han sido escuchadas y de qué manera, porque el Mad Cool Festival no sólo ha irrumpido con una fuerza tremenda en el panorama festivalero patrio, sino que ha venido para quedarse y ponérselo complicado a los más grandes. Con más de 15.000 abonos vendidos a los primeros días de ponerse éstos a la venta, quedaba claro la fuerte apuesta que presentaba la organización, tanto por cartel como en infraestructuras, ya que la ubicación escogida sería la Caja Mágica, con dos escenarios principales ubicados en la zona

exterior que contaban con una superficie de césped artificial equivalente a seis campos de fútbol, incluyendo una variada zona de restauración y hasta una noria. Eso por no hablar de los otros cuatro escenarios indoor que se encontraban dentro del propio pabellón, por donde desfilaron bandas más modestas y de propuestas a descubrir para todo tipo de gustos. No obstante, y a pesar del evidente despliegue de medios, hay que apuntar que no todo funcionó debidamente, al menos durante el primer día. El sistema de pago mediante pulsera (también denominado como cashless) trajo de cabeza tanto a los asistentes como a la organización, así como la imposibilidad de poder entrar a algunas pistas donde se realizaban los conciertos por un miedo injustificado a que se sobrepasara el

aforo cuando éste estaba a la mitad. Fallos que el Mad Cool fue solucionando con rapidez a lo largo del fin de semana, por lo que se puede decir que pasó con nota la prueba de la primera edición y aunque hay detalles que deben mejorarse para el próximo año, desde luego ya tiene mucho ganado de cara al futuro. JUEVES 16 Nada más entrar nos vimos obligados a dar más de una vuelta de reconocimiento para terminar de situarnos debido a la inmensidad del recinto, especialmente la zona habilitada para los dos escenarios principales. Una vez nos acostumbramos mientras sonaba de fondo el popular one hit wonder Milky Chance, optamos por iniciar nuestra andadura con una incursión en el pabellón para pillar unos instantes de 125

THE KILLS

la actuación de The Kills. El dúo formado por Alisson Mosshart y Jamie Hince supo desplegar con acierto su post punk de guitarras cortantes y una actitud sugerente. Apenas les disfrutamos un par de temas porque el escenario grande nos reclamaba para presenciar el plato fuerte del día y uno de los nombres propios del festival. Habiendo cumplido ya más de medio siglo de vida, Pete Townshed y Roger Daltrey no parecen tener intención alguna de dejar de pasear el nombre de The Who por los escenarios tantas veces como sea necesario. Y tampoco les hace falta ofrecer nada nuevo, pues teniendo semejante repertorio, todo lo demás sobra. Hicieron un repaso por toda su historia; desde los primeros hit singles de su etapa mod (‘Can’t Explain’, ‘Substitute’, ‘The Kids Are Alright’, ‘My Generation’), haciendo especial hincapié en sus dos óperas rock con sendos tramos dedicados tanto a Quadrophenia (‘I’m TERROR 126

GARBAGE

One’, ‘5:15’, ‘Love Reign O’er Me’) como a Tommy (‘Amazing Journey’, ‘Pinball Wizard’, ‘See Me, Feel Me’), hasta rematar con las infalibles ‘Baba O’Riley’ y ‘Won’t Get Fooled Again’. A sus 70 tacos, Daltrey aún sigue lanzando su micrófono al aire con la misma fuerza que antaño, mientras que Townshed se dedica a llevar el peso del concierto con su guitarra gracias sobre todo al respaldo que le otorga la base rítmica formada por el gigantón Pino Palladino y Zak Starkey, que no es otro que el hijo del mismísimo Ringo Starr. Si aún mantienen su estatus de leyenda, al menos es por derecho propio. No tan entrados en años pero dispuestos a demostrar que todavía siguen con vida, acto seguido aparecieron Garbage. Sus trabajos de estudio hace tiempo que perdieron cualquier tipo de interés, pero al menos en directo se mantienen de maravilla, con una Shirley Manson

para la que parece que no pasa el tiempo. Y aunque Butch Vig se tuvo que quedar en casa debido a un contratiempo de última hora, estuvieron inteligentes al basar el setlist en sus temas más populares, obviando su reciente Strange Little Birds, por lo que disfrutamos de los clásicos ‘Stupid Girl’, ‘Push It’, ‘I Think I’m Paranoid’ y ‘Only Happy When It Rains’. Minutos más tarde serían Editors los que ocuparían el mismo escenario. Los británicos cumplen todos los parámetros de banda indie al uso y aunque hicieron disfrutar a los allí reunidos con canciones como ‘Smokers Outside The Hospital Doors’ y ‘Munich’, que sonaron muy bien, me dejaron la sensación de que les falta el carisma natural de Interpol, sus rivales directos. Tampoco ayuda la pose afectada de su cantante Tom Smith, que termina por resultar cargante. Con ellos decidimos dar por finalizado el primer día.

BAND OF HORSES

VIERNES 17 Con una mejora de las temperaturas, el viernes se presentaba mucho mejor que el día de estreno en todos los aspectos. Arrancamos la jornada de manera inmejorable con unos Stereophonics que aunque ya estén más que consolidados, siguen llevando la etiqueta de grupo tapado de cualquier festival. Esta vez no fue menos, porque los galeses sonaron perfectos desde el principio y supieron dar una actuación a la altura de lo que se puede esperar de una banda a esas horas de la tarde. Tiraron mucho de su última referencia, Keep The Village Alive (‘White Lies’, ‘I Wanna Get Lost With You’ y especialmente una ‘Sunny’ que sonó portentosa con ese solo final), sin dejarse sus mejores cartas como ‘Have A Nice Day’, ‘Maybe Tomorrow’ o una ‘Dakota’ con la que finalizaron de manera triunfal. El despliegue psicodélico de Temples

WALK OFF THE EARTH

coincidió con el partido de España contra Turquía en la Eurocopa, así que nosotros aprovechamos para cenar tranquilamente y acomodarnos para el espectáculo que nos tenían preparado Jane’s Addiction. Mientras esperábamos, pudimos presenciar el paseo de una figura gigante obra de la Fura Dels Baus que estuvo deambulando por todo el recinto para asombro de los espectadores. Igual de circense resultó la aparición de los de Perry Farrell (con un atuendo que nos recordó a una mezcla entre el Joker de Jack Nicholson y La Máscara de Jim Carrey), Dave Navarro y compañía cuando soltaron ‘Stop!’ tras la mítica introducción de Ritual De Lo Habitual, acompañados por un séquito de bailarinas que alegraron la vista a más de uno durante todo el concierto. Como estaba previsto, fueron las canciones de su histórico tercer álbum las que se llevaron el protagonismo. A pesar de que no es

ningún secreto que Farrell lleva ya un tiempo algo justito a las voces y que el sonido estuvo muy bajo durante los primeros temas (algo que incluso el público tuvo que comunicárselo a la propia banda ante la falta de decibelios), la magia que atesoran composiciones como ‘Ain’t No Right’, ‘Been Caught Stealing’, ‘Three Days’ (tremenda) o ‘Classic Girl’ es tal que ya de por sí justifican un concierto entero. Para rematar, aún tuvieron tiempo para un extenso bis donde cayeron sorpresas como ese ‘Rebel Rebel’ a modo de homenaje a David Bowie. ‘Mountain Song’ y ‘Just Because’ sonaron con la contundencia que se les demandaba, y aunque la performance de las chicas volando colgadas del techo mientras atacaban ‘Ted, Just Admit It...’ escandalizó a más de uno, personalmente me pareció uno de los grandes momentos de su espectáculo antes de que se despidieran con una bonita ‘Jane 127

BIFFY CLYRO

TOUCHÉ AMORÉ Says’. Los grandes vencedores del día. Band Of Horses tomaban el testigo en el segundo escenario más enérgicos y animados de lo que suele ser habitual en ellos. Con su nuevo plástico Why Are You OK publicado justo la semana anterior, los chicos de Ben Bridwell salieron a por todas con ‘Cigarrettes, Wedding Bands’, para ir desgranando poco a poco sus nuevas canciones (‘Casual Party’, ‘Solemn Oath’, ‘In A Drawer’, ‘Hag’), haciendo especial hincapié en Cease To Begin (‘The Great Salt Lake’, ‘No One’s Gonna Love You’, ‘Is There A Ghost’) y por supuesto, su gran himno ‘The Funeral’. Directos a la par que emocionantes, convencieron a propios y extraños. Cambio de tercio absolutamente radical. De las guitarras vitalistas de los de Seattle pasamos a los beats machacones made in UK. Incombustibles y sumidos en una fiesta constante, The Prodigy no reservaron sorpresa alguna para quienes ya les han visto a lo largo de los últimos años. Su show es el mismo de siempre, pero es que la energía de ‘Omen’, ‘Firestarter’, ‘Spitfire’ y ‘Voodoo People’ es tal que no hacen falta otro tipo de sustancias para ponerse a botar como un loco. Durante la semana salieron noticias que dudaban de la estabilidad del suelo donde se había alzado el festival y la preocupación de que pudiera haber algún tipo de fisura... Si después de aquello no nos hundimos bajo nuestros pies, entonces no hay nada que temer. Hasta los nuevos temas como ‘Nasty’, ‘The Day Is My Enemy’, ‘Wild Frontier’ o ‘Wall Of Death’ no deslucieron junto al resto de clásicos. Guerreros eternos de la electrónica.

Y por si alguno quería todavía más, ahí aparecieron a ritmo ensordecedor de Carmina Burana los sudafricanos Die Antwoord. La dupla formada entre Ninja y Yolandi Visser aúna hip hop y electrónica con un descaro y chulería incapaz de dejar indiferente a nadie. Está claro que unos los amarán al igual que otros no los aguantarán ni los entenderán. Personalmente, me incluyo en el segundo grupo, por lo que optamos por una retirada a tiempo tras un par de canciones. SÁBADO 18 La última jornada se nos presentaba como la más interesante por la cantidad de nombres que nos atraían del cartel. Empezamos desde la comodidad del césped y el sol brillando con esplendor junto a The London Souls, el enésimo combo de guitarra y batería con raíces en el blues y el rock de los 70. Como otras bandas de este formato, no pasaron de entretenidos y sin aportar nada novedoso que no hayamos visto ya hacer a tantísimos imitadores de The White Stripes o The Black Keys. El de Gary Clark Jr. ha sido uno de los nombres que han sonado con más fuerza a nivel mediático en los últimos tiempos dentro de la escuela de renovadores del blues y sentíamos curiosidad por ver cómo se desenvolvía sobre las tablas. Si bien en sus discos según el momento puede recordar más a Jimi Hendrix o a Lenny Kravitz, en directo apuesta por su sonido más crudo. Resulta indudable que el tipo tiene un feeling tremendo tocando la guitarra y que temazos como esa ‘Bright Lights’ que se coció a fuego lento, la fiestera ‘Ain’t Messin ‘Round’ o la tremebunda ‘When My

Train Pulls In’ le respaldan, pero se echa en falta algo más de punch al resto de la banda que le acompaña, así como un poco más de carisma por su parte. No estuvo mal, pero esperábamos más de su parte. El éxito de los virales Walk Off The Earth congregó a muchísimos curiosos ante el segundo escenario. Aprovechamos para recargar pilas en la zona de restauración mientras acometían sus particulares revisiones de éxitos contemporáneos de Pharrell Williams, Adele o Taylor Swift. Su propuesta es cuanto menos vistosa, pero nosotros teníamos una cita personal con el destino y la historia. Y es que si hay algo por lo que recordaremos la primera edición de este Mad Cool será por el memorable concierto que nos regaló Neil Young. Una actuación medida perfectamente para que la intensidad fuese subiendo de forma escalonada. Mientras unas granjeras plantaban semillas por el escenario, el canadiense aparecía sin hacer ruido para sentarse al piano, lanzando el primer clásico de la noche con ‘After The Gold Rush’. Emoción en estado puro que continuó a golpe de acústica y harmónica con ‘Heart Of Gold’, ‘The Needle And The Damage Done’ y una ‘Mother Earth’ de tono ceremonioso al órgano que reivindicaba el lado más comprometido y ecológico de su último disco, The Monsanto Years. Momento para que entrase en escena Promise Of The Real, la jovencísima banda de los hijos de Willie Nelson que actualmente acompañan al legendario artista y que supieron arroparle con una maestría impropia de su edad en piezas como la soberbia ‘Out On The Weekend’,

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‘From Hank To Hendrix’ y ‘Someday’. Hasta aquí la primera y más pausada parte del repertorio, porque en cuanto nuestro hombre enchufó su White Falcon y marcó los primeros acordes de ‘Alabama’, aquello subió de nivel y de qué manera. Poco a poco, Young y el resto de la banda se fueron entonando y clavaron una ‘Words (Between The Lines Of Age)’ que nos hacía presagiar lo mucho que íbamos a disfrutar. Cambio de guitarra y con la Old Black comenzaron las tormentas eléctricas en forma de riffs atronadores y solos de una belleza rotunda casi inexplicable. Los más de 20 minutos de ‘Down By The River’ fueron de una gloria inalcanzable para cualquiera del resto de los mortales, con un sonido más grande que la vida misma. Ya nos había noqueado, pero el ‘abuelo’ aún seguía en pie y con ganas de marcha. ‘Mansion On The Hill’ nos aplastó con cada golpe que propinaba a su guitarra y ‘Like A Hurricane’ fue exactamente eso, un vendaval. Con ‘Rockin’ In The Free World’ retumbando a un ritmo centelleante 130

parecía que llegaba el final, pero se resistían a marcharse, amagando hasta en dos ocasiones para volver a retomar la canción ante el éxtasis general. Tras la ovación, aún asimilando lo que acabábamos de presenciar y ya dirigiéndonos hacia el otro escenario, cinco minutos después volvieron a saltar para rematarnos con un ‘Love And Only Love’ de otros 15 minutos. Sin palabras. Un señor de 70 años dejó en ridículo a toda la plana mayor del modernismo y el indie, sin pantallas gigantes ni trucos de artificio. Sólo una guitarra, un grupo de chavales hambrientos de rock y una fe interminable en lo que lleva haciendo desde hace casi cinco décadas. Un concierto para recordar durante el resto de nuestras vidas. Evidentemente, después de semejante demostración de poderío, cualquier cosa supo a poco. Y aunque es obvio que Biffy Clyro ni se acercaron a la barbaridad del canadiense, fue la mejor toma de contacto que pudimos tener para volver a la realidad. Ya veníamos avisando que su asalto a las grandes audiencias es inminente y por

lo que pudimos comprobar por parte del público, los escoceses siguen en estado de gracia. ‘Biblical’, ‘Bubbles’ y ‘Black Chandalier’ fueron cantadas como himnos por una legión de seguidores entregada a la causa, dispuesta a seguir la descarga de guitarrazos con ‘The Captain’, ‘Sounds Like Balloons’ o un ‘Animal Style’ que fue el mejor de los cuatro nuevos temas que adelantaron del inminente Ellipsis, dejándonos el resto un tanto confusos ante lo que podamos encontrar en su nuevo plástico. Menos mal que ‘Mountains’ y ‘Stingin’ Belle’ nos recordaron por qué a Simon y los gemelos Johnston hay que darles siempre un voto de confianza. Imparables. Ya sobrepasando la madrugada nos quedamos a echar el resto, pero para ser honestos, el indie pop saltarín de Two Door Cinema Club no acabó por convencernos a pesar de que sí puso a bailar a la mayoría. Optamos por ver si Corizonas serían capaces de despedirnos con dignidad del festival, pero entre el sonido excesivamente reverberizado de los pabellones, un Javier Vielba más excitado que de costumbre y unos nuevos temas que no aguantan ningún tipo de comparación con su debut, preferimos recogernos y volver a casa todavía con el recuerdo del memorable concierto de Neil Young en nuestras mentes. El Mad Cool echó el cierre con un éxito rotundo a pesar de las dificultades iniciales, dejando la sensación de que tiene mucho ganado y que a poco que se pulan un par de detalles, el año que viene ya será toda una referencia. Puede que esté feo decirlo, pero Madrid se merecía algo así.

COLDPLAY 26 DE MAYO DE 2016

ESTADI OLÍMPIC LLUÍS COMPANYS, BARCELONA TEXTO Y FOTO: NADIA NATARIO

sando palabras de Chris Martin, todavía me siento “borracha y colocada” por la experiencia. En su vuelta a Barcelona para promocionar su séptimo álbum, A Head Full Of Dreams, Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion consiguieron iluminar a las más de 55.000 almas que, por dos noches consecutivas, llenarían el Estadi Olímpic. Empezando por la decoración del escenario, todo estaba coloreado como un arcoiris, desde una colección de viejos boom boxes, a un telón de flores, a la batería, los amplificadores o los pies de micro. Su salida estaba prevista a las nueve de la noche, pero nos hicieron esperar veinte minutos más, posiblemente para esperar a que el sol se pusiera... Aun así, el ansioso público empezó a cantar los ‘oh, oh, ohs’ de ‘Viva La Vida’ hasta que empezó a sonar ‘O Mio Babbino Caro’ de Maria Callas y la banda fue presentada por fans de todo el planeta a través de las grandes pantallas de LED.

La fiesta empezó con la propia ‘A Head Full Of Dreams’ y una explosión de confeti fue el perfecto aperitivo para la que se convertiría en una bombástica celebración de la vida durante las dos siguientes horas. Inmediatamente después sonó ‘Yellow’, la canción que los hizo famosos con su primer disco. Durante ‘Every Teardrop Is A Waterfall’ Chris se ató una bandera catalana a la cabeza mientras llovían coloridos pájaros y estrellas, acabando la canción con unos pequeños fuegos artificiales detrás del escenario. Mientras algunas bandas se sienten perdidas en un estadio, Coldplay le sacan el máximo provecho. Cada persona recibió un brazalete luminoso en la entrada que iba sincronizado con la música, iluminando todo el estadio como si fuera una constelación de colores parpadeantes. Algo que le dio a canciones como ‘Paradise’, ‘Viva La Vida’ y ‘A Sky Full Of Stars’ un toque verdaderamente mágico. El concierto se desarrolló en tres escenarios: el

principal reservado a sus mayores hits como la brillante ‘Clocks’, con un dispendio de luces láser, y sus himnos más bailabales como ‘Hymn For The Weekend’ y ‘Charlie Brown’. Luego estaba un escenario más pequeño en el centro del estadio donde tocaron los temas más tranquilos como ‘Everglow’, ‘Ink’ y ‘Magic’, y finalmente uno aún más pequeño en el fondo, donde ofrecieron algo parecido a una jam session más íntima cuando Jonny se hizo con la voz en ‘Don’t Panic’ y una muy especial de ‘See You Soon’, tema que nunca habían interpretado antes. La montaña rusa emocional se completó con una hermosa ‘The Scientist’ y la sobrecogedora ‘Fix You’, que nos puso la piel de gallina. La noche terminó con un océano de luces azules y todavía más fuegos artificiales. A pesar de que sus últimos trabajos nunca han igualado A Rush Of Blood To The Head o X&Y, el directo de Coldplay sigue volviéndose más impresionante con cada gira que hacen. 131

CONVERGE 19 DE JUNIO DE 2016 ESTRAPERLO, BADALONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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HARMS WAY

i Converge vienen a tu ciudad, hay que ir. Ni siquiera importa que su música te guste, es una cuestión de cultura subterránea. Es tan personal lo que practican los de Salem, son una banda tan única y con una presencia escénica tan impactante, que la posibilidad de verlos en una sala era una obligación moral. Si la experiencia finalmente resultó tan morrocotuda como esperábamos ya lo contaremos más adelante, pero antes empecemos por los teloneros... Gold, que se están ganando a los sectores más gafapasteros, fueron los encargados de abrir. Si sus obras de aquello a lo que ellos llaman ‘posteverything dark rock’ ya me parecen horripilantes, contemplarlo sobre un escenario ya fue traumático. Con esa estúpida pose de pasotismo impostado por parte de su cantante, dudo mucho que se ganaran algún fan esa tarde. Peña, no estabais en el Heliogàbal, eso era el jodido Estraperlo. Ridículos.

Los que sí mostraron sus cartas desde el inicio fueron Harms Way. Duro y directo hardcore con una distorsión pasadísima de vueltas, y por si fuera poco, con una mole como James Pligge captando todas las miradas desde que se subió a las tablas. Es uno de los músicos más mastodónticos que haya visto, pero todo lo que tenía de músculo y batidos lo perdía en la voz, que no llegó a ser tan bruta como le gustaría. Eso sí, al segundo tema ya estaba sin camiseta, sólo faltaba… Me habría gustado que de vez en cuando se le hubiera asomado el ciruelo por esos pantaloncicos tan monos que llevaba, pero uno no puede tenerlo todo. Pura fuerza. En cuanto los redobles de Ben Koller y el bajo de Nate Newton le abonaron el terreno a la guitarra saltarina de Kurt Ballou para incendiar ‘Dark Horse’, la sala se puso patas arriba. Presentaba un muy buen aspecto, pero sin llegar a los agobios. Al nervio de Jacob

Bannon le dejaron la voz demasiado a pelo para mi gusto, quizá con algunos trucos de mesa habría brillado más su rabia, pero aun así, no tardó el frontman en regalarnos los primeros gráciles movimientos al son de su desbocada banda. De igual forma, le habíamos visto más inspirado, y en general, lo mismo se podía decir de los Converge que nos encontramos en Badalona. El show fue de notable alto, en ningún momento dejamos de gozar, pero no alcanzaron ese 10 rotundo de su última visita al Resu, por ejemplo. Cayeron obuses como ‘Aimless Arrow’, ‘The Broken Vow’, ‘Trespasses’, ‘All We Love We Leave Behind’, ‘Predatory Glow’, la loca ‘Phoenix In Flames’, ‘Concubine’ o ‘You Fail Me’ en una descarga intachable, pero como decíamos, no nos invadió esa excitación incontrolable que sí nos han transmitido en otras ocasiones. Será que Converge son especiales hasta en eso, que lo bordan más en festivales que en salas. 133

AZKENA ROCK 17 Y 18 DE JUNIO DE 2016

RECINTO DE MENDIZABALA, VITORIA-GASTEIZ TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: ERIC ALTIMIS

REFUSED 120

THE HELLACOPTERS

n año más volvimos a peregrinar hasta Vitoria para asistir a un festival que, con sus cosas buenas y sus cosas malas, desde hace ya bastantes años se ha convertido en una cita obligatoria para amigos y amantes de la música. Fue muy dura la espera, con un cartel que nos hizo sufrir mucho, con rumores que finalmente no llegaron a hacerse realidad, como la presencia de Neil Young, que acabó tocando en el Mad Cool Fest y en el Poble Espanyol de Barcelona, la sorprendente confirmación de Danzig haciendo una única fecha europea en Mendizabala, que resultaba difícil de creer, nombres que nos habían visitado en 2015 como Refused o Radio Birdman, y el anuncio de la proyección de una película, que se nos antojaba una estupidez inmensa. Cada cancelación suponía una nueva oportunidad de mejora en el cartel, así de cabrones somos, por lo que cuando el pobre Bobby Gillespie de Primal Scream se lesionó por culpa de una caída, el

DANZIG

anuncio de The Hellacopters fue un motivo de celebración para unos cuantos, aunque contenía trampa. Complicado cartel que nos hizo plantearnos si este año fallábamos o no, pero como alguien muy sabio dijo, “Al Azkena se va, y punto”, cogimos el petate y nos fuimos a Vitoria con ganas de buena tortilla, jugosos txuletones y una gran dosis de rock. VIERNES 17 Desafortunadamente el tiempo no favoreció a la primera jornada de festival. Frío y lluvia, la peor combinación que puede darse en este tipo de eventos. Cierto es que se acondicionaron unas cuantas carpas adicionales, pero dadas las características del recinto, si querías ver un concierto en condiciones, tenías que mojarte por narices. Así comenzó el festival, viendo a Vintage Trouble pasados por agua. Poco importó en realidad, puesto que los americanos tienen una energía y un carisma a prueba de bombas, y nos dieron justo

lo que necesitábamos para entrar en calor, R&B enérgico, estribillos coreables y ánimos como para no parar de bailar. El cantante, Ty Taylor, no pudo estar más entregado, lanzándose al público continuamente, interactuando todo el tiempo y marcándose unos bailoteos pélvicos que nos encantaron. Puntatacón, que decimos muchos, con esencia a James Brown. Resultó un concierto 100% divertido, contagiándonos de alegría y dándonos fuerzas para continuar con Lucinda Wiliams, la reina del country. Habiendo visto a esta señora en varias ocasiones, debo decir que ésta no fue su mejor actuación. Un sonido pobre, que desmerecía a una banda que en otros escenarios ha llegado a sonar a gloria y a ella, que además de mostrarse cansada y un tanto desubicada, dejaba entrever la mella del paso de los años y una vida intensa y dura a sus espaldas. Aun así, fue un placer volver a escuchar temas como ‘Drunken Angel’, ‘West Memphis’ o ‘Car Wheels On A Gravel Road’, y su versión de ‘Keep On Rockin’ 135

LUCINDA WILLIAMS

In The Free World’ como guinda final del pastel nos entusiasmó a todos. Es una pena que en un festival tan pequeño, y con tres escenarios, magníficos este año, todo hay que decirlo, hubiera solapes. Me habría encantado ver a Jean Beauvoir y su cresta, pero elegí ver a Blackberry Smoke, a los que no había tenido oportunidad de ver el año pasado cuando presentaron su último álbum Holding All The Roses. No son pocos los que identifican a los de Atlanta como los nuevos sucesores de The Black Crowes, puesto que tanto su estilo sureño, como el sonido, y su tendencia a improvisar jams, son muy similares, y no van muy desencaminados. Sin embargo, mi sensación fue la de estar ante unos músicos estupendos, con TERROR 136

THE WHO

buenos temas, pero incapaces de crear atmósferas o de transmitir algo. Como adelantaba al principio, la confirmación de última hora de The Hellacopters sustituyendo a Primal Scream, que por qué no decirlo, no pegaban ni con cola en el festival, fue inicialmente un motivo de alegría. Hace ya casi diez años que los suecos decidieron tomar caminos diferentes, con Nicke Royal centrándose en sus Imperial State Electric. Fueron los promotores del Sweden Rock los que consiguieron que la banda volviera a reunirse, con el aliciente de contar con el carismático Dregen, otrora miembro fundador, para una actuación exclusiva conmemorando los veinte años de su disco de debut, Supershitty To The Max. Cuando se reiteró que el setlist para Vitoria también se centraría en este

álbum y en los primeros singles que editaron, a muchos, que hemos seguido toda su trayectoria, no nos sentó especialmente bien. ¿Os juntáis con Dregen y no pensáis tocar nada de Payin’ The Dues? Ésta era la gran pregunta, obviando ya discos como High Visibility o By The Grace Of God. Estoy convencida de que éste es uno de los países donde The Hellacopters han gozado de mayor popularidad, de hecho incluso se hizo alusión a Kike Turmix como responsable de la publicación del primer single de la banda en España, y, ¡qué coño!, que nos merecíamos algo más. Aun así, porque no todo puede ser quejarse y criticar, el show que ofrecieron fue tan potente y enérgico como en los viejos tiempos, fue estupendo volver a ver a

IMELDA MAY

Nicke y Dregen juntos, recuperar temas como ‘Born Broke’ y ‘Such A Blast’, y vibrar una vez más con el imbatible riff de ‘(Gotta Get Some Action) Now!’. Y llego el momento más anhelado por muchos, entre los cuales me incluyo. Dirigirme hacia el escenario Bowie y ver el telón de la aterradora calavera de cabra (¿O tal vez carnero?) de Danzig hizo que un tremendo escalofrío recorriera todo mi cuerpo. Por fin el cabrón de Evil Elvis iba a actuar en Mendizabala. Una cancelación que llevábamos temiendo desde el día de su confirmación, pero que al final no sucedió. Y sin duda presenciamos el concierto polémico de esta edición. Podéis preguntar a 15 personas, y cada una os dará una opinión diferente. Ésta es mi versión: Glenn Danzig salió a

MARKY RAMONE

comerse al público. Las deficiencias de voz y la saturación de sonido fueron tremendamente compensadas por una actitud y unos cojones que no cabían en el recinto. Además, tras el susto inicial causado por dos temas irrelevantes de su últimos y mediocres discos, empezó a ametrallarnos con un temazo tras otro, seleccionados de sus cuetro primeros discos, es decir, un setlist imbatible. ‘Am I Demon’, ‘Twist Of Cain’, ‘Her Black Wings’, ‘Long Way Back From Hell’, ‘Dirty Black Summer’ y, por supuesto, su himno ‘Mother’, hicieron las delicias de los fans. Nunca en la vida me había sucedido esto, disfrutar de un concierto de tal manera, con un sonido bastante desacertado, y los destrozos de los riffs a cargo de Tommy Victor. Y aun así, fue acojonante. Poco puedo hablar de esa

‘cosa’ llamada Gutterdämerung que nos vendieron como un experimento fílmico y sonoro innovador y único. Aguanté un rato sin saber de qué iba la historia, vi a Iggy, sonaba excepcionalmente bien, las imágenes cuidadísimas y de gran calidad, pero a la que vi a una señora paseando por el escenario con un botafumeiro, decidí ir al Casino a tomarme una pinta de Guinness y acabar así el primer día. SÁBADO 18 Sábado sabadete, la jornada empezó pronto, viendo al guapo de Luke Winslow en Virgen Blanca, y headbangeando inmersos en un viaje lisérgico cortesía de Arenna en los Jardines de Falerina. Sabíamos que el recinto iba a estar lleno gracias a la

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VINTAGE TROUBLE

presencia de The Who, pero no podíamos imaginarnos el ambientazo presente durante la actuación de nuestros queridos titanes Cobra. No importa si telonean a un grupo, si tocan en una sala cochambrosa o ante mil personas, estos chicos se dejan todo por ofrecer un buen show, reclutando siempre nuevos seguidores. Una vez más pudimos ver lo bien que suenan temas como ‘Red Tops’, la poderosísima ’70 Challenger’ o ‘Come On Now’, de su último disco, Riffyard, en directo. Estuvieron colosales. Vista la afluencia masiva de público desde primera hora, aunque de reojo escuchamos a Vintage Caravan, decidimos tomar posiciones preparados para una buena dosis de Aussie punk rock. Radio Birdman, que repetían en el festival, esta vez lo hacían en un escenario y en un horario

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mucho más acordes con su estatus, y esta vez lo bordaron. Si el año pasado ya nos llevamos una enorme sorpresa con su estelar visita por salas, esta vez nos dieron una lección magistral de cómo envejecer siendo unos auténticos macarras, con un repertorio de animaladas como ‘Murder City Nights’, ‘Aloha Steve & Danno’, ‘Do The Pop’, ‘Descent Into The Maelstrom’ o ‘Man With Golden Helmet’. Es imposible fallar con semejantes himnos. Deniz Tek, con su clase y elegancia habituales, y Rob Younger, que parece haberse dado un baño rejuvenecedor, cogiendo una bota de vino lanzada desde el público al aire, como si de un bumerang se tratase. Y sin pestañear. ¡Qué chulería la de los abuelos! Había que recuperar un poco el resuello, pero seguíamos con ganas de bailar. La irlandesa Imelda May, ahora con un look más rebelde

que recordaba a Chrissy Hynde, nos lo ponía en bandeja. Una buena dosis de swing y rock’n’roll, centrando su repertorio más en su último trabajo, Tribal, pero sin olvidar canciones como ‘Love Tattoo’, ‘Johnny Got A Boom Boom’ o ‘Mayhem’, que la dieron a conocer por aquí hace ya unos cuantos años. Indiscutiblemente el gran momento de la jornada lo marcaron The Who. Veteranos y unos grandes del rock, que a lo largo de su trayectoria han ido experimentando con sonidos, progresiones y temática de sus canciones, dieron un repaso a toda su discografía. Desde sus temas más sencillos como ‘I Can’t Explain’, ‘The Kids Are Alright’ o ‘I Can See From Miles’, a excentricidades sonoras como ‘Pinball Wizard’. Quizás uno de los momentos más emocionantes vino de la mano de ‘Behind Blue Eyes’, o al menos

RADIO BIRDMAN TOUCHÉ AMORÉ

a muchos nos puso la piel de gallina. Sonido y ejecución impolutos, aunque en algunas zonas del recinto la potencia de volumen era mínima, algo que sucedió en el escenario Lemmy Kilmister en repetidas ocasiones, y que padecimos los que llegamos un poco rezagados. Desde luego fue una actuación sobresaliente, que pasará a los anales de la historia del festival como el más concurrido en cuanto a público. El solape entre Refused y Marky Ramone no pudo ser más desacertado, así que tuvimos que fraccionar los shows y así poder disfrutar de ambos un rato. Lo de Refused sólo puede definirse como apabullante. Sonido atronador y energía desbordante, eso sí, con un importante corte en el ritmo debido a uno de los discursitos de Dennis Lyxzén. La presencia de Mattias Bärjed de TSOOL sin duda es un valor añadido.

‘New Noise’, ‘Refused Are Fuckin’ Dead’ o ‘The Shape Of Punk To Come’ pusieron Mendizabala patas arriba. El show de Marky Ramone apuntaba a karaoke verbenero cutre; sin embargo, la elección de Ken Stringfellow al frente de la banda fue una magnífica decisión, puesto que puso toda la carne en la parrilla y condujo el concierto magistralmente. También la presencia de Captain Poon de los desaparecidos Gluecifer añadió un toque más enérgico y vacilón a la puesta en escena. Sí, claro que fue una verbena, una traca final al festival, con un hit tras otro, y con la imagen de un público entregado coreando las canciones y lanzando katxis sin parar. De esos conciertos en los que se respira felicidad y ganas de fiesta, algo que los sobrevalorados Supersuckers no supieron optimizar,

ofreciendo un set en tono country, que francamente no fue para tirar cohetes, y que movió a mucha gente hacia la carpa del Casino. Ni la película de Henry Rollins, ni los supermamones, cumplieron las labores de cierre como este festival requiere, y fue una lástima. Así pues, la valoración del festival es positiva. Este año se esmeraron en cuanto a organización y servicios, el Casino y la capilla de bodas volvieron a acompañarnos, los tres escenarios y sus programaciones resultaron estupendos, y la noticia de las fechas confirmadas para la próxima edición, los días 23 y 24 de junio de 2017, hacen pensar en un gran cabeza de cartel ya contratado. ¿Será Pearl Jam, quizás Tom Petty? Hagan juego, señores, y comiencen a sufrir, pero como siempre digo... ¡Larga vida al Azkena Rock Festival!

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NEIL YOUNG 20 DE JUNIO DE 2016 POBLE ESPANYOL, BARCELONA TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ue aparecer en el escenario, en solitario, sentado al piano atacando ‘After The Gold Rush’, y se hizo el silencio en el abarrotado recinto del Poble Espanyol. La velada era propicia, caía la primera noche de verano bajo una luna llena luminosa y el jefe estaba allí, como advirtiéndonos con ese impactante comienzo, que íbamos a vivir otra cita para el recuerdo. La advertencia evidentemenente iba en serio, porque en un serpenteante show, el canadiense demostró que hay buenos artistas, grandes artistas y finalmente dioses, y Neil Young pertenece a esta última estirpe. El repertorio fue cayendo entre gemas esperadas y algunas bonitas sorpresas, pero lo mejor, lo insuperable, es que fuera en acústico o desatando toda su característica tormenta eléctrica, aquello era como un orgasmo continuo. ‘Heart Of Gold’, ‘Comes A

Time’ o esa dramática ‘The Needle And The Damage Done’ nos trajo su vertiente rural. Acústica, armónica y esa voz, esa inolvidable voz. Promise Of The Real, la banda de los hijos de Willie Nelson, aportaban justo lo que el maestro demandaba, y eso no ha de ser fácil con un tipo como Young. Quizás suene a herejía de las grandes, pero no hubo ni un solo minuto en que se echase en falta a Crazy Horse. ¿Cómo echarlos de menos cuando ‘Rockin’ In The Free World’ sonó tan apocalíptica? Pero antes de eso hubo más. ‘From Hank To Hendrix’ sonó celestial, ‘Alabama’ nos trajo a la memoria la polémica vivida con los Skynyrd, ‘Words’ la extendieron hasta el infinito en una superjam marca de la casa y ‘Love To Burn’ literalmente nos abrasó con esas volcánicas guitarras que provocaban que el maestro hundiera el escenario a base de pisotones. El concierto

estaba siendo largo pero pasaba a la velocidad de un fórmula 1. Entre sorpresas como ‘Vampire Blues’ o clásicos como ‘Mansion On The Hill’ nos adentrábamos en la madrugada dándonos cuenta de lo afortunados que somos de poder disfrutar todavía de un tipo que alcanzada ya las siete décadas de vida, posee más fuego en su interior que cualquier veinteañero simplón. Cuando se fueron alguien comentó la ausencia de ‘Like A Hurricane’ o ‘Hey Hey My My’, pero volvieron y nos estamparon un imperial ‘Cortez The Killer’ que nos dejó a todos extasiados y con el deseo de que aquello no acabase jamás. Se suele utilizar con mucha ligereza el término de ‘el mejor concierto del año’... Bien, en unos meses en los que se ha podido disfrutar de tótems como The Who, Paul McCartney o AC/DC cada uno tendrá su preferido, pero mi voto va para el canadiense. 141

DE GIRA

BAD RELIGION

7 DE JULIO RESURRECTION FEST, VIVEIRO 8 DE JULIO GRANIROCK, QUINTANA DE SERENA 9 DE JULIO BARNA’N’ROLL, BARCELONA

ad Religion estarán un verano más en España para actuar en tres festivales distintos. Será la primera oportunidad para verles con su nuevo batería Jamie Miller en sustitución de Brooks Wackerman, quien el pasado octubre dejaba la histórica formación de punk para unirse a Avenged Sevenfold. A pesar de los cambios internos y de los rumores que apuntaban a que True North podría haber sido su último disco de estudio, su guitarrista Brian Baker nos asegura que este mismo año empezarán a grabar uno nuevo. A la espera de que eso llegue, disfrutaremos una vez más de su extensa colección de himnos.

batería, porque Brooks se había ido. Y sin un batería, el disco no sonaría muy poderoso. Así que encontramos a un tipo muy simpático que se llama Jamie Miller y que se ha convertido en el actual batería de Bad Religion. Ha tocado en otras bandas muy famosas (…And You Will Know Us By The Trail Of Dead, Snot… -ndr.). Pero respondiendo a tu pregunta, todavía no hemos grabado nada, pero desde luego lo haremos a finales de este año. Por ahora estamos concentrados en este cambio ya que tenemos muchos conciertos. Todos queremos trabajar en un nuevo álbum, pero tendremos que esperar un poco”.

Cuéntanos, ¿en qué momento se encuentra Bad Religion? ¿Estáis preparando ya un nuevo disco? BRIAN BAKER “Hace unos meses nos tomarnos un tiempo libre, pero antes tuvimos que encontrar a un nuevo

Greg Hetson se fue hace algunos años, y Brooks dejó de ser parte de Bad Religion en octubre. ¿Te fue muy difícil ver cómo se iban? “Fue complicado. Es como perder a un hermano. Sin embargo, todos cre-

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cemos, y todos tenemos otras cosas que queremos hacer. Es el círculo de la vida. Echamos mucho de menos a Brooks, pero él es mucho más joven que nosotros y es un excelente batería de metal. Ahora que está en Avenged Sevenfold, me alegra que pueda usar toda su capacidad. Está bien, todos somos amigos. Para Bad Religion está bien porque recibimos una energía fresca, y eso es inspirador. Creo que todo esto al final se trata de un viaje en el que estamos, y me sigue motivando mucho. Quizás es mejor que la banda haya ido cambiando porque si no hubiese sido así, yo no sería parte de esto (Brian entró en 1994, tras rechazar una oferta para unirse a R.E.M. –ndr.). ¿Y dónde estaría yo? No estaríamos teniendo esta conversación, a no ser que fuese por Minor Threat o algo así”. Pues hablemos de ellos. Comenzaste a tocar con Minor

AGENDA JULIO Threat cuando sólo tenías 15 años. A esa edad tan temprana, ¿tenías claro por qué querías estar en un grupo? ¿Era más por diversión o por vocación musical? “No tenía ni un solo objetivo (risas). Creo que todavía no me he convertido en un músico, sólo toco la guitarra. Lo de Minor Threat fue por pura diversión. Me sentía súper motivado con el punk, que era lo que estaba empezando a escuchar, apenas lo descubrí unos seis meses antes que formara parte de Minor Threat. Así que fue un sentimiento sobrecogedor, de descubrimiento. Para mí era la banda en la que estaba mientras iba al colegio. Nunca pensamos que le llegaría a interesar a nadie. Creo que eso era lo bueno de Minor Threat y muchos de esos grupos. No había un objetivo, ni nadie pensaba sobre el futuro. Creo que eso lo hizo tan especial. No nos lo tomamos muy en serio, y me sorprende que 36 años después todavía signifique algo para la gente. Es algo que agradezco, pero ése no era el plan”.

BE PROG! MY FRIEND (STEVEN WILSON, OPETH...) 1-2 BARCELONA BILBAO BBK LIVE (ARCADE FIRE, PIXIES, TAME IMPALA...) 7-9 BILBAO CRUÏLLA BCN (CRYSTAL FIGHTERS, ALABAMA SHAKES…) 8-10 BARCELONA DWARVES 28 MADRID, 29 BENIDORM, 30 BADALONA FIB (MUSE, THE CHEMICAL BROTHERS, BLOC PARTY…) 14-17 BENICÀSSIM GOGOL BORDELLO 14 MADRID, 15 CARTAGENA, 16 HUESCA IRON MAIDEN 9 VIVEIRO, 13 MADRID, 14 SEVILLA, 16 BARCELONA JOE SATRIANI 7 GIJÓN, 8 SEVILLA, 9 BILBAO LOW FESTIVAL (SUEDE, PEACHES, HOT CHIP…) 29-31 BENIDORM MINISTRY 28 MADRID, 29 BARCELONA

¿Tuviste el apoyo de tus padres? “Mi papá ya nos había dejado a mí y a mi mamá cuando empecé a tocar en Minor Threat, pero recuerdo que a mi mamá le gustaba que yo tuviera un propósito y también, como la banda tenía esta idea de no beber alcohol y no tomar drogas, incluso estaba bien visto por otros padres (risas). Los chicos que vestían bien y no eran punks siempre se metían en problemas, pero yo nunca tuve ningún altercado. A pesar que me vestía como un enfermo mental según ella, siempre estuvo contenta con Minor Threat. No teníamos accidentes con el coche, no nos detenía la policía…”.

MOLOTOV 1 VALENCIA, 15 NIGRÁN, 16 MADRID, 20 BARCELONA NATHANIEL RATELIFF 6 BARCELONA, 7 MADRID NERVOSA 12 VALLADOLID, 19 MADRID, 20 VALENCIA, 21 BARCELONA PRAYING MANTIS 11 MADRID, 12 VILANOVA I LA GELTRÚ ROBERT PLANT 9 BARCELONA, 10 BILBAO, 12 GIJÓN, 14 MADRID ROCK FEST BARCELONA (KING DIAMOND, IRON MAIDEN...) 15-17 SANTA COLOMA DE GRAMENET RUMJACKS 1 VITORIA, 2 OVIEDO

Porque no os emborrachabais… “No, no lo hacíamos. Pasaron unos años hasta que empecé a beber”. Finalmente, cuéntanos, ¿cómo serán estos próximos conciertos de Bad Religion? “Tocaremos canciones que gustarán a los fans más antiguos de la banda, pero también a la gente que no nos conoce, incluso a quienes probablemente no quieren vernos (risas). Básicamente temas de toda nuestra carrera. Normalmente en los festivales nos centramos más en los hits, pero esta vez habrá un poco de todo”. (MARÍA DE LOS ÁNGELES CERDA)

SCORPIONS 2 CÓRDOBA, 3 MADRID SORROFEST (DWARVES, CJ RAMONE, PSYCHO LOOSERS...) 29-30 BARCELONA STEVE VAI 16 CÓRDOBA, 17 SAN JAVIER, 18 MADRID, 19 VALENCIA, 20 PALMA DE MALLORCA, 21 BARCELONA STONEFEST (KARMA TO BURN, THE WIZARDS...) 1-2 PIEDRAS BLANCAS VIDA FESTIVAL (WILCO, KULA SHAKER...) 1-3 VILANOVA I LA GELTRÚ WEEKEND BEACH (SKRILLEX, LOVE OF LESBIAN...) 6-9 MÁLAGA