RockZone 131 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: letlive. (Barcelona) © Nadia Natario

EDITORIAL Entre la victoria de Donald, la muerte de Rita, los anuncios de los festivales, el lanzamiento del disco de Metallica y, como podréis comprobar en la amplísima sección En Directo, la cantidad de conciertos a los que hemos asistido, este noviembre ha sido de lo más movidito. Además, hemos estado una semana trabajando casi a la intemperie porque estaban cambiando todos los cristales de los ventanales de la redacción. Aun así, aquí tenéis, fiel a su cita, un nuevo número de RockZone lleno de contenidos interesantes, empezando por el artículo de portada dedicado al sorpresivo retorno de Avenged Sevenfold. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 131

7 / INTERFERENCIAS

22 / CREEPER

28 / APHONNIC

32 /

THE DILLINGER ESCAPE PLAN

38 / JARDร N DE LA CROIX

44 / MOBY

48 / AVENGED SEVENFOLD

56 / SICK OF IT ALL

60 / THE ELECTRIC ALLEY

64 / DISCO DEL MES

66 / CRÍTICAS

94 / CRIM

100 / DARK TRANQUILLITY

104 / BARBARIAN SWORDS

112 / EN DIRECTO

144 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ A DAY TO REMEMBER LA BANDA DE POPCORE GANA EL JUICIO CONTRA SU ANTIGUA DISCOGRÁFICA, VICTORY RECORDS, CON LA QUE ESTABA EN LITIGIO DESDE 2011.

La historia viene de lejos. En mayo de 2011, A Day To Remember interponía una demanda contra Victory Records con el fin de liberarse de su contrato. La banda liderada por Jeremy McKinnon aludía que no había percibido los royalties generados por las ventas de los tres discos que habían editado con Victory, For Those Who Have Heart (2007), Homesick (2009) y What Separates Me From You (2010). Según el sello, la banda estaba intentando fichar por una multinacional, sin haber cumplido el compromiso de publicar cinco discos con ellos. En 2013, un juez daba vía libre a A Day To Remember para autoeditar su siguiente disco Common Courtesy, pero aun así, el litigio seguía abierto ya que todavía no estaba claro si la banda seguía debiéndole a Victory dos discos más. Finalmente, el álbum se publicó digitalmente el 8 de octubre a través de un nuevo sello creado por el grupo, ADTR Records. La banda de Florida siguió girando y funcionando con normalidad y el pasado septiembre editaba su disco más reciente Bad Vibrations, de nuevo bajo su propio sello y en coalición

con Epitaph Records. Todo hacía pensar que el litigio con Victory se había resuelto en los despachos sin hacerlo público, pero sorprendentemente el 24 de noviembre saltaba la noticia de que el caso de sabía resuelto de manera definitiva. Así, un juzgado de Illinois había votado unánimamente en favor de A Day To Remember, entendiendo que con dos discos en directo que se habían publicado a través de iTunes, sumados a los tres citados de estudio, ya habían cumplido su contrato de cinco. No sólo eso, la corte también obligaba al Victory Records a pagar 4 millones de dólares a cuenta de royalties impagados y venta de merchandising. Al día siguiente el grupo emitía un comunicado en el que mostraba su alegría por la sentencia y terminaba diciendo: “Esto no es sólo una victoria para nuestra banda, sino también para cada banda a la que han engañado a lo largo de los años. Lo correcto no siempre gana, pero ayer lo hizo”. De momento el grupo sigue adelante y se especula con que podrían visitarnos en alguno de los festivales de este verano. Esperamos que si lo hacen se inviten a unas cañas. Por dinero, no va a ser.

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DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ POBREZA

egún el Instituto Nacional de Estadística, un 28,6% de los españoles están en riesgo de pobreza. Entiendo que los datos se refieren exclusivamente a una cuestión económica, porque si hablamos de pobreza intelectual, me temo que el porcentaje sería mucho mayor. Cada día tenemos más ejemplos. Un tal Iván Páez acampó, junto a un grupo de amigos, el 22 de agosto en las puertas del Palau Sant Jordi de Barcelona para estar en la primera fila del concierto que Justin Bieber celebró el pasado el 22 de noviembre. Tres meses, que se dice pronto. Puedo entender el fanatismo que alguien pueda sentir por un artista y que llegue a hacer locuras, pero esto me parece simplemente de tonto. Y que conste que si fueran Metallica en lugar de Bieber opinaría exactamente lo mismo. Pero si lo de Iván me parece un despropósito, todavía lo es más que haya padres que permitan semejante comportamiento cuando sus hijos todavía son menores o, peor aún, que lo incentiven yéndose ellos mismos a dormir a la intemperie para guardarles el sitio. ¿En qué narices piensan? Supongo que semejante ‘educación’ es la que provoca que luego los posts de los festivales estén llenos de malcriados y lloricas indignados porque no han llevado a tal o cual grupo. Get over it. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@mariaweasley Mira, yo no puedo mantener este ritmo de conciertos, eh. @amindtoremember Están volviendo a Madrid todos los grupos de mi adolescencia, ¿QUÉ ESTÁ PASANDO? @_mitsukisoul Cuando lloras muy fuerte porque eres pobre. @Rockinourdreams Qué feliz e infeliz soy a la vez. @xXaddictgamerXx Te lo juro que lloro, SOAD quiero verlos, ¿alguien viene? :”( @MalpasoEd Aprovechad estas horas apacibles de la noche para echarle un ojo a la nueva @RockZone. @JulxFlowers MI CORAZONCITO VA A EXPLOTAR. @jesusgc14 Vosotros que manejáis... ¿Es posible que vengan Blink-182 al Download de Madrid? 8

Esta foto es de la última vez que Sick Of It All estuvieron en Barna. Estaba fuera empanada, esperando a que abrieran las puertas y... ¡Boom! Salió él, Lou. Charlamos unos minutos, no se molestó por hacer el selfie y, bueno, una persona muy simpática y muy pro, como digo yo. Increíble. Puedo decir lo mismo de Pete, que al final del concierto me quedé con su pañuelo, una charla y una foto más de recuerdo. (Daniela González) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

Me gustan las suecas. España se caracteriza por tener un nivel cultural muy bajo, ya sea en índices escolares y educativos en general como en asistencia a eventos en vivo. También es un país en el que parece que se olvida de la noche a la mañana, y es que estamos cometiendo los errores del pasado, una vez más. Soy muy joven y no pude vivir el auge festivalero que hubo en nuestro país hace una década, aunque tuve la suerte de estar en el primer Sonisphere de 2009 a mis 13 añitos, pero sí que soy consciente de la historia y de los agujeros que estos festis dejaron en los bolsillos de unos cuantos promotores. Este año tenemos el Mad Cool, el Download, el Resurrection, el BBK, el NOS, el Azkena, el Barna ‘N’ Roll, el Gasteiz Calling, el Leyendas, el Viña, el Primavera, el Cruïlla, y muchos más de grande y medio formato. No hay que ser un lince para ver el problema, especialmente dentro del rock. No hay tanto público ni una economía tan sana para un overbooking de estas dimensiones en cuanto a festivales. Esto no quedará en ‘algunos de los festivales dejarán de ganar tanto’, sino en ‘algunos de los festivales van a pinchar’ e incluso en ‘algunos de los festivales desparecerán’. Así que mis mejores deseos a cada uno de esos promotores que, ya sea por pasión, por dinero o por ambas motivaciones, están trabajando por levantar su marca. Espero poder leer esta columna tras el veranito y ver que soy un exagerado, aunque tengo mis dudas... (MARIUS TIBERIAN)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDI FORÉS, RICHARD ROYUELA, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

MASACRE - LA GUERRA SUCIA EN EL SALVADOR Mark Danner (MALPASO)

ale, tiene la forma de un libro, pero lo que hay aquí se corresponde más con

un trabajo de investigación periodística. Casi la mitad de las páginas son documentos e informes que respaldan las conclusiones a las que llega Mark Danner en su crónica. ¿Y de qué trata este informe

un asesor estadounidense en una entrevista con Mark Danner, “El

tan extenso convertido en libro? Pues de la matanza, a finales

Mozote estaba en un área controlada por los guerrilleros. Inten-

de 1981, de casi 800 civiles (la mayoría mujeres y niños) en la

tábamos vaciar la zona, sabíamos que no podríamos trabajar

zona de El Mozote a manos del ejército salvadoreño. Se suponía

con aquello lleno de civiles, así que decidimos matar a todo el

que era una operación militar contra la guerrilla insurgente que

mundo. Eso asustaría a la gente y acabarían huyendo. Se hizo

operaba en esa región, pero el quid de la cuestión está en que

más por frustración que por cualquier otra razón”. El objetivo de

el gobierno de El Salvador recibía ayuda económica y militar de

los yanquis era claro: evitar el triunfo de la guerrilla comunista e

Estados Unidos y que el batallón que perpetró la masacre había

impedir el surgimiento de otra Cuba castrista u otra Nicaragua

sido entrenado por el ejército norteamericano. Como reconoció

sandinista. Y lo consiguieron, a sangre y fuego.

EL IMPERIO DEL MIEDO Antonio José Navarro (VALDEMAR)

estas alturas resulta abu-

dominando, hasta el momento de los atentados, el horror mun-

rrido escuchar cómo el

dial. El Imperio Del Miedo es un excelente ensayo que pone, en

mundo cambió tras los

unas nada desdeñables 527 páginas, la evolución en la psique

ataques terroristas del 11-S, aunque

yanqui y en su manera de hacer cine tras los atentados. El autor

no por aburrido deja de ser menos

Antonio José Navarro no es un recién llegado, y plasma con

cierto. La economía, la sociedad y

puntería milimétrica el cómo y el porqué de esta evolución. Pese a

la cultura se vieron afectadas tras la

que las grandes películas de estos últimos años están analizadas,

caída de las Torres Gemelas. Fue una entrada por la puerta

esto no es un libro de fichas al uso. Todo lo contrario, es un aná-

grande a los tiempos de miedo y confusión en los que parece-

lisis complejo sobre una sociedad y un género cinematográfico

mos estar metidos, y pocas artes pueden reflejar un momento así

que ha llegado a unos niveles de crispación que nunca hubiése-

como el cine de terror. Todos los aficionados al género hemos

mos deseado ver, al menos en la parte que atañe a la realidad.

sido conscientes del giro que ha dado este tipo de cine, volvién-

Un trabajo que certifica, además, y una vez más, el excelso nivel

dose todo mucho más oscuro y retorcido, y dejando a un lado los

que estamos viviendo en cuanto a literatura cinematográfica se

slashers de palomitas -con la saga Scream al frente- que estaban

refiere. Libro de referencia desde ya.

ABOGADA SOLTERA

Carmen Costa y Olaya Valle

AUGE Y CAÍDA DE UNA HISTORIETA Pablo Vicente

SER UN FANTASMA ES LO MEJOR Antonio Ladrillo

(PLANETA CÓMIC)

(FULGENCIO PIMENTEL)

(PUSSY CRAZY/AUTOEDITADO)

Premiado como Mejor Fanzine en el Salón del Manga de Barcelona 2016, este tomo promete ser el primero de una serie de historias paralelas autoconclusivas al webcomic que sus autoras publican en Subcultura. Sin necesidad de conocer el material de origen, este fanzine se disfruta gracias a su tono erótico, divertido guión, estupendos diseños y exquisita narrativa donde la sexy Akasha tratará una y mil veces de lograr que Alejandra firme un pacto con el Diablo, pero los calores y la picardía de ésta última no se lo van a poner nada fácil en su tarea. Gozada para mayores de 18 años. SG

Estupendo libro que nos introduce en la ‘la historia detrás de Bruguera’, donde se narra la creación de este gigante editorial patrio y su posterior caída, llevando a la lucha sindical a sus miles de trabajadores en una España que no nos debe ser ajena. Aparte, dignifica mucho el relato laboral de aquellos obreros y artesanos de la historieta ante la maquinaria industrial del momento. Un documento repleto de información sobre sus autores, personas clave en la empresa, sus series, diversas revistas y fundamental para entender un momento único e irrepetible de la historia del cómic en nuestro país. SG

Marcos Prior y David Rubín

MOONGIRL Y DINOSAURIO DIABÓLICO: BBF (VV. AA.)

(ASTIBERRI)

(PANINI)

GRAN HOTEL ABISMO

El hotel no es sino el lugar en el que la sociedad vive en la actualidad, cautiva por el capitalismo, la deshumanización y el ruido mediático. Un atentado durante una manifestación hará estallar por completo una revolución social que buscará acabar con los poderes establecidos. Jugando con el formato apaisado y una narración en varios niveles, los autores ofrecen un trabajo de corte político, duro, visceral e impactante en el apartado gráfico (soberbio el uso del color) y cargado de referencias actuales de las que se sirven para crear un futuro terrible y, para nada, imposible ni lejano. SG

Una de las mejores series que en la actualidad publica Marvel, alejada por completo de su material habitual y que, por suerte, va a su bola. Una niña inventora y un dinosaurio rojo diabólico. ¡Lo tiene todo! La pareja guionista recupera esta cabecera de Jack Kirby y le da nuevo sentido de cara al siglo XXI, con nueva compañera humana e historias actuales. Enfocada a un público juvenil, es una auténtica delicia, sobre todo por el dibujo de Natacha Bustos. Atención también a la galería de villanos de este primer tomo... también de lo mejorcito. SG

Dentro de su línea para público infantil, este precioso libro para los más pequeños es un regalo excelente teniendo en cuenta las festividades que se nos vienen encima. La jornada de un fantasma relatada en hermosas planchas, poniendo el punto de humor e intimidad justo para poder compartir un rato agradable de lectura con los jóvenes, usando para ello un estilo visual apoyado en formas sencillas y colores planos. Por descontado, los seguidores de este artista tienen una nueva oportunidad de hacerse con este trabajo editado ahora tanto en castellano como en catalán. SG

STILL LIFE Luis Bustos (LIBROS DE AUTOENGAÑO)

Trabajo de narración experimental limitado a 250 copias numeradas. Luis Bustos utiliza una misma plancha para crear un relato angustioso en el que dos personajes inmóviles comparten un delirante diálogo mientras todo se desmorona. Abierto a interpretaciones, Still Life juega con el lector y con diferentes recursos gráficos (tipografías, solapamientos...) sobre la misma imagen para hacer avanzar la historia. Un cómic arriesgado y valiente en el que uno puede refugiarse en búsqueda de inspiración mientras su mundo se desvanece. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA POPSTAR

THIS IS SPINAL 4 REAL

n España pasan cosas muy raras con las películas que las distribuidoras grandes no saben dónde meter. Siempre ha pasado, no hay más que ver los aterrizajes forzosos de los dos primeros films de Edgar Wright (me enteré de que podía llevarme a casa el DVD de Shaun Of The Dead porque lo vi colgado de unas pinzas en un quiosco) o lo tardío de algunos estrenos que llevan tiempo en formato doméstico en otros países.

El último caso, como casi siempre en una casa grande, en este caso Universal, es la nueva comedia de los grandiosos The Lonely Island, que ya vieron cómo su ya clásico Hot Rod se estrenaba en una única sala, doblada, casi un año tarde. Popstar, probablemente la mejor comedia del año, ha sido la última en llegar… mal. La peli es de Universal, pero sus directos a DVD los lleva Sony en España (también los de Universal) y, la verdad, prescindir del blu ray cuando en Alemania lleva un mes disponible (con español) y plagada de extras, haciendo un lanzamiento silencioso sin material adicional, empieza a molestar en demasía a los consumidores avispados. Consejo: Amazon Alemania te la deja en HD llena de extras por 5 euros más que nuestro rancio DVD que ya puedes encontrar en las tiendas, aunque nadie se haya molestado en

anunciarlo siquiera. Popstar es un falso documental que traslada toda la mala uva de joyas eternas como This Is Spinal Tap al mundo de la música del nuevo milenio, esa música que hace de gente como Justin Bieber las estrellas más brillantes del firmamento. Y se centra en la caída en desgracia de Conner4Real (espectacular Andy Samberg), ex miembro de los populares The Style Boyz, la que fuera la banda más famosa de América años atrás. Tras un breve y desternillante resumen (todo en la peli es desternillante a más no poder), nos situamos en primera fila ante el lanzamiento de su segundo disco, el fallido Thriller, Also que hará descender a los infiernos al protagonista. A partir de ahí, una huida desesperada hacia el frente, con un Conner preocupado por regresar al olimpo del que han echado a patadas dejando a la antes estrella como

un gañán de primera categoría. Producida por Judd Apatow (qué bien hace todo lo que no terminan siendo proyectos personales de tres horas) y el trío principal, Popstar es un irreverente batallón de chistes con un altísimo porcentaje de genialidades humorísticas y auténticos himnos que no merecen pasar desapercibidos, destacando ‘Ibitha’, un tema con presentación incluida que se extraña de lo raro que hablamos en España. Como buen (falso) documental musical, sus escasos 90 minutos (hay otros 45 en el material adicional que NO encontrarás en la edición española) están plagados de cameos del mundillo, algunos tan inesperados que no los mencionaré aquí. Claro, también hay una presencia poderosa de amigotes del humor, casi interminable: Sarah Silverman, Tim Meadows, Maya Rudolph, Bill Hader, Justin Timberlake o el gran Adam Levine, porque aunque Maroon 5 nos den igual, el tío no para de grabar temazos con los chicos. Y hablando de temazos, ‘Humble’, ‘Mona Lisa’, ‘Bin Laden Song’ o ‘Incredible Thoughts’ son algunas de las canciones más redondas del año. Aunque sean una broma. ¿Se puede ser más enorme que The Lonely Island? Probablemente no, aunque en España nos empeñemos en no tener ni la más remota idea de su existencia.

TOI’S IN THE ATTIC CAMISETAS DE RUOCK

migos, el mundo se acaba! ¡David Bisbal lleva una camiseta de Guns N’ Roses! ¡No, no, nooooo! Un momento, parad los caballos. Últimamente este tipo de comentarios se escuchan por parte del sector rockero, que se siente amenazado por la proliferación de camisetas de grupos confeccionados por grandes cadenas textiles, y ofendido por la gente que las lleva, especialmente cuando se trata de celebrities. De verdad, ¿acaso os importa tanto? ¿Sois realmente objetivos? ¡Los cojones! Ya vale de tanto doble rasero y de tanta tontería. Os encanta que los bebés lleven bodies o baberos de los Ramones o AC/ DC, pero os da rabia que una choni pueda comprarse una sudadera de Nirvana en H&M, porque ni siquiera conoce al grupo. Entiendo más de lo que creéis el significado que tiene llevar camisetas de grupos, sobre todo cuando eres un crío en busca de tu identidad y tu lugar, y por qué no decirlo, de tu tribu. Pero a estas alturas sentir indignación por esto me pare-

ce una estupidez. Al fin y al cabo, en la inmensa mayoría de ocasiones se trata de ropa en masa de grupos mainstream. Porque estaremos de acuerdo en que Metallica o Iron Maiden lo son, ¿verdad? Pues dejad de sentiros tan especialitos. Os animo a probar a comprar merchandising oficial de alguna de estas bandas en sus conciertos, o en sus respectivas webs, vaselina en mano, para que descubráis lo que es el verdadero dolor. ¿Tener una camiseta de Misfits ‘oficial’ por 18 euros? Francamente es un chollo. Además, y ésta es la ventaja definitiva, cuando la moda se pase y todos esos fashion victims estén a la caza de la siguiente tendencia #neopoppunkmolounhuevo, todas esas camisetas llenarán las cubetas de la ropa de saldo y os las podréis agenciar por cuatro perras ¿Qué más queréis? ¡Viva Zara! ¡Viva Pull & Bear! Y si no os gusta, empezad a gastaros la pasta en camisetas de bandas pequeñas, que son las que realmente viven del merch. (TOI BROWNSTONE)

BIENVENIDOS A SUPERSNAKE, UNA INCREÍBLE PISTA HÍBRIDA DE SNOWBOARD Y SKATEBOARD EN NIEVE. DISFRUTA DE LO NUNCA VISTO ANTES CON LAS EXPERIENCIAS DEL SKATER PROFESIONAL SEAN MALTO, EL SNOWBOARDER OLÍMPICO DANNY DAVIS, AMBOS RIDERS DE MOUNTAIN DEW Y UNA DOCENA DE ATLETAS DE ACTION SPORTS HACIENDO POSIBLE LO IMPOSIBLE.

MOUNTAIN DEW, EN COLABORACIÓN CON SNOW PARK TECHNOLOGIES Y CA RAMPWORKS, PRESENTA LA CREACIÓN DE SUPERSNAKE.

PISANDO FUERTE_ CLOSE TO THE SKY “HEMOS CRECIDO ESCUCHANDO METALCORE Y MATHCORE, VIVIENDO SU EVOLUCIÓN HACIA NUEVOS GÉNEROS Y DESCUBRIENDO MUCHOS OTROS MÁS MODERNOS COMO EL DJENT” ADRI

FORMACIÓN: Lucas Felden (voz), Sergio Pinto (guitarra), Nacho Angulo (guitarra), José Miguel ‘Jota’ Granja (bajo), Adrián Barrio (batería)

PROCEDENCIA: Madrid AFINES A: Architects, Volumes, In Hearts Wake PRESENTAN: The Distant View (Autoeditado)

omo tantas otras bandas, Close To The Sky se formaron a partir de la insatisfacción que sus componentes sentían en los grupos en los que militaban. Con el objetivo de reinventarse y tirar por derroteros un poco más actuales, Nacho se vendió su preciada Jackson y se compró una guitarra de siete cuerdas. A mediados de 2013, sólo seis meses después de su creación y de manera un poco atropellada, el grupo entraba en The Metal Factory para grabar su primer EP, Time Lapse, aprovechando que las fechas que tenía reservadas el vocalista Lucas habían quedado libres tras la disolución de su otro grupo. “Acabamos muy contentos con nuestro primer trabajo, no obstante creo que ninguno somos capaces de volver a escucharlo desde hace un tiempo”, dice riendo Nacho. Después de lanzarlo y haber tocado por toda la Península, su bajista, y un poco después su batería, decidían dejarlo. Rápidamente apareció Adrián para ponerse tras los parches y finalmente Jota completó la alineación a las cinco cuerdas. Es con esta formación que Close To The Sky presentan su primer álbum The Distant View, en el que han seguido

intentando buscar un estilo propio que les diera un sonido característico. “Este proceso de búsqueda fue surgiendo de forma natural a medida que íbamos creando nuevo material compositivo”, señala Sergio, el otro guitarrista. “Podría decirse que no teníamos una idea muy clara (risas), aunque también es cierto que hemos introducido una gran cantidad de elementos en las canciones que han originado lo que es a día de hoy Close To The Sky”. En el disco encontramos un sonido entre el djent y el metalcore, dos estilos por los que los propios miembros reconocen estar bastante influenciados. “Hemos crecido escuchando metalcore y mathcore, viviendo su evolución hacia nuevos géneros y descubriendo muchos otros más modernos como el djent”, explica Adri, el batería. “Siempre nos hemos sentido atraídos por el sonido de las guitarras del progresivo y las afinaciones graves, y yo, personalmente, me vuelvo loco con esas baterías que te golpean el pecho a ritmo de breaks dignos de estudio (risas). A pesar de que usemos elementos de estos géneros como riffs progresivos o breaks pesados en compases inusuales, preferimos no etiquetarnos en ninguno de ellos,

ya que intentamos escapar al sonido convencional actual y crear algo nuevo”. En una escena muy saturada, sobre todo a nivel internacional, Close To The Sky esperan llamar la atención con su actitud valiente y su cuidado directo. “No tenemos miedo a probar cosas diferentes, mezclar y salirnos de lo común”, asegura Lucas, el vocalista, “aunque haya gente que le pueda chocar escuchar cosas como por ejemplo los rapeos o la electrónica mezclándose en el metal de la forma en que lo hacemos”. A lo que Adri añade: “Hay que decir que en el panorama nacional hay muy pocas propuestas que se acerquen a esta fusión musical de metalcore con tintes djenteros, por lo que eso nos plantea la ventaja de ser algo más exclusivo y único. Pero es verdad que también nos dificulta mucho las cosas a la hora de encajar en ciertos carteles del panorama nacional, que es más bien cerrado a las propuestas diferentes y prefiere lo clásico o ya conocido”. Como siempre, el mayor reto es convencer al público autóctono de que se animen a no quedarse sólo con el producto de fuera. “Estamos acostumbrados a ver a la gente pagando auténticos dinerales por festivales o en conciertos sueltos de bandas conocidas y luego no ser capaces de apoyar lo local, cuando gracias a redes sociales saben perfectamente que hay un producto bueno”, reflexiona Jota. “Viéndolo así dan ganas de hacerse youtuber, pero lo más probable es que nuestra solución pase por la misma de tantos jóvenes hoy en día y toque emigrar, o al menos, dar más importancia al producto en directo en otros países que en el propio nuestro”.

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es For The World To See de Death. Cuando el documental A Band Called Death fue estranado en 2012, supuso una dulce reivindicación para la banda proto punk de Detroit, después de décadas viviendo en la oscuridad. Death (no confundir con los pioneros metaleros de Florida) era una banda formada por los hermanos Hackney, liderados por David Hackney, y su historia fue maravillosamente explicada en la película. Muchos de nosotros metidos en la música underground, por mucho que nos guste considerarnos aficionados, no habíamos oído hablar de esta banda hasta el año 2009, cuando Drag City Records 18

editó sus grabaciones bajo el título …For The World To See. Cuando la película vio la luz, fue muy agradable poder juntar el álbum con ella. En estos tiempos modernos, con esa necesidad casi voraz de descubrir joyas perdidas y vacilar de discos raros, es casi una necesidad poner nombres de bandas oscuras encima de la mesa. Todo el mundo parece estar metido en una carrera con el vecino por ver quién descubre bandas o álbumes olvidados. Casi siempre entiendes por qué esa formación ha estado olvidada... La mayoría son una mierda. Sin embargo, …For The World To See de Death me conmovió de una manera que ningún álbum lo había hecho. Quizás porque podía escuchar las bandas por las que estaban influenciados desde la primera escucha, o quizás porque el álbum era prácticamente perfecto. Inmediatamente el disco se metió en mi psique y era como si lo hubiese estado escuchando durante años. Así de buenas eran las canciones que contenía.

Sentí un apego inmediato a las canciones. Temas como ‘Keep On Knocking’, ‘Freakin’ Out’ o ‘Politicians In My Eyes’ me hacen sentir afortunado de que haya podido disfrutar estas canciones de hace tanto tiempo, de cuando eran jóvenes punks, y me hayan tocado con su música, pero es triste que Death no hayan podido disfrutar de su momento hasta ahora. David Hackney murió en el 2000, una década antes de que todo esto llegase a buen puerto. Cuando te das cuenta de que este álbum fue grabado en 1975, no puedes más que quedarte con la boca

abierta. Sé que todos amamos a Joey Ramone, Johnny Rotten y Joe Strummer, pero Hackney debería de estar ahí junto a Johnny Ramone, Tony Iommi o Kurt Cobain. Llevo escribiendo esta columna desde hace tiempo y puede que paséis de página cuando la veis y no le deis una oportunidad a mis elecciones... Está bien, eso ya es cosa de cada uno, pero deberías, NECESITAS escuchar este álbum, de verdad. Hazlo sin distracciones. Es la única manera de disfrutar su grandeza. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> ZEA MAYS INTERPRETAN ‘ENBATA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

l año que viene los bilbaínos Zea Mays cumplirán sus veinte años como grupo. Si el hecho en sí ya tiene mérito, todavía es más destacable que su formación se haya mantenida intacta en estas dos décadas. Y mejor aún, Aiora Renteria (voz), Iñaki Imaz (guitarra), Ruben Gonzalez (bajo) y Asier Basabe (batería) sienten la misma ilusión ante su octavo disco Harro, editado por su propio sello Garden Records, como si fuera el primero. “Nosotros seguimos en nuestra línea”, explica Aiora. “A la hora de componer hacemos las cosas desde un punto de vista muy egoísta. Primero buscamos satisfacernos a nosotros mismos, y luego, a los demás”. Como explican, que el título del álbum sea Harro, que en euskera significa ‘orgullosos’, refleja perfectamente lo que sintieron al escucharlo. En él hacen gala una vez más de su valentía a la hora de evolucionar musicalmente. El rock rabioso de sus inicios se ha ido modulando e incorporando sonorida-

des más próximas al pop. “Si seguimos los cuatro del principio es porque hemos sido muy abiertos y hemos sabido adaptarnos”, apunta Iñaki. “Normalmente la gente va tirando cada uno por su lado con sus gustos, pero nosotros hemos logrado integrarlos. Por eso es bastante difícil clasificar a Zea Mays. Podemos tener partes muy salvajes y otras de lo más pop. Nunca nos hemos planteado si íbamos a ser una banda de heavy metal o de techno dance, simplemente lo que vale es lo que nos pone la piel de gallina en el local, y luego lo plasmamos en el disco”. Al igual que su anterior trabajo Da, el grupo ha contado con la inestimable labor del británico Dave M. Allen (The Cure, Depeche Mode) como productor. La estrecha relación que han desarrollado con el tiempo también es una de las claves del buen resultado ofrecido en Harro. “Pasado el primer o segundo día de incertidumbre, vimos que había muy buena química”, dice Iñaki. “A partir de ahí todo fue sobre

ruedas con el anterior disco Da. Por eso le volvimos a hacer la propuesta de hacer el nuevo y repetimos. Ha sido una maravilla. Siempre aprendes cosas de alguien como él. Tiene 60 años y no ha dejado de producir discos de todo tipo desde los 80”. Uno de los temas más llamativos del nuevo álbum es ‘Orain’, corte que han presentado con un precioso vídeo animado que merece la pena ser visto y en el que canta Santi Balmes de Love Of Lesbian en euskera. ¿Le darían el aprobado? “Aprobado no, tiene un notable alto o un sobresaliente”, destaca Aiora. “Teníamos un poco de miedo porque se lanzó a cantar en euskera. Él también estaba muy nervioso, porque lo grabó pero no sabía si lo había hecho bien. Pero nos lo mandó y estaba muy, muy bien. Hay mucha gente que vive allí que no sería capaz de hacerlo tan bien. En 2011 me volví muy fan de Love Of Lesbian y a través de un amigo se lo propuso y lo conseguimos. Estoy muy emocionada”.

CREEPER

COSAS

EXTRAÑAS AUNQUE SU PRIMER ÁLBUM NO APARECERÁ HASTA MARZO, CREEPER LLEVAN HACIENDO RUIDO UNOS CUANTOS MESES. SU RECIENTE PASO POR AQUÍ COMO TELONEROS DE PIERCE THE VEIL NOS PERMITIÓ CONOCER UN POCO MÁS DE CERCA A UNO DE LOS GRUPOS MÁS PROMETEDORES SALIDOS DE INGLATERRA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A BATERÍA DE PIERCE THE VEIL retumba por todos los rincones de la sala But de Madrid este 31 de octubre. Todavía faltan unas cuantas horas para que los californianos salten al escenario, pero sus técnicos ya llevan un buen rato probando el sonido. Luego llegarán los de letlive. y finalmente será el turno de Creeper, quienes abrirán el concierto. Es una rutina a la que Will Gould (voz), Ian Miles (guitarra), Sean Scott (bajo), Hannah Greenwood (teclados) y Dan Bratton (batería) se han acostumbrado rápidamente en la que es su primera gran gira a nivel europeo. Gracias a tres EPs de punk rock con dejes góticos (piensa en AFI), la joven banda de Southhampton ha generado un

importante seguimiento en los dos últimos años. Y la cosa todavía va a ir a más cuando el próximo 24 de marzo aparezca su debut, Eternity, In Your Arms, respaldado por un sello con los recursos de Roadrunner. Si a través de sus fotos y sus vídeos Creeper proyectan una imagen oscura y fría, en persona son todo lo contrario. Son cercanos, sonríen y se nota que disfrutan con cada segundo que viven. Posiblemente, porque como descubrimos durante la entrevista, se habían comido bastante mierda antes de formar Creeper. Eso, unido a una visión artística definida, la pasión que transmiten y unos referentes musicales que se salen de lo común, hacen de ellos una banda a la que no perder la pista. 25

Supongo que es muy apropiado entrevistaros en el día de Halloween... ¿De niños era un fiesta importante para vosotros? WILL GOULD “Sí, totalmente”. IAN MILES “El año pasado dimos un concierto en Londres la noche de Halloween. Fue el primer concierto en el que nos dimos cuenta de que había mucha gente apoyándonos. Mucha peña vino disfrazada y decoramos el local, fue muy guay”. WILL “Disfrazarnos es algo natural para nosotros. De pequeño siempre hacíamos fiestas de Halloween con mi familia. Jugábamos a cosas como coger rollos de papel higiénico y enrollábamos a alguien para que pareciese una momia. La idea de disfrazarse y convertirse en otra persona es muy importante para este grupo. Muchos chavales nos mandan fotos de sus disfraces con algunos de nuestros personajes. Mola mucho”. ¿Qué importancia tiene todo el género de terror a la hora de inspiraros? WILL “Las películas de terror son muy importantes para lo que hacemos, pero en un sentido más amplio tomamos elementos del cine de los 80. El Resplandor es una de nuestras películas favoritas”. IAN “Para mí el cine y la música son inseparables. De joven descubrí mucha música a través de las películas de terror. Son dos manifestaciones artísticas que van mezcladas”. WILL “Cuando empezamos el grupo queríamos tener algo diferente y empezamos a componer canciones desde el punto de vista de un monstruo o de Freddy Krueger. En nuestra web colgamos los carteles de películas que nos 24

gustaban con nuestras letras encima para reforzar esa idea. Una película como El Fantasma Del Paraíso fue muy importante también, o The Rocky Horror Picture Show”. ¿Habéis visto la serie Stranger Things? WILL “No podría ser más perfecta para nosotros. Mucho de lo que hacemos es un pastiche de referencias de películas famosas y de estilos musicales, y esa serie hace lo mismo. Además, Winona Ryder es una de nuestras actrices favoritas. Stranger Things encaja totalmente con mis gustos”. A excepción del single ‘Suzzane’, no he podido escuchar nada de vuestro disco. De hecho, no sé ni si está terminado. WILL “Se está masterizando. Estamos esperando a tener la versión final. Lo hemos grabado con la misma gente que hizo los EPs. La discográfica no estaba segura porque nunca habían trabajado con ellos, pero nos dejaron hacerlo. Creo que no escucharás otro álbum igual en 2017”. ¿Se parecerá al material que habéis publicado hasta ahora o es algo distinto? WILL “Es diferente. Estoy muy orgulloso de lo variado que es. Dejamos de ver el grupo como una banda punk y a verlo más como un vehículo para probar cosas distintas, no sólo musicalmente, sino también visualmente. Teníamos el aspecto visual, cinematográfico, muy presente cuando compusimos los temas. Hay uno que suena a country que canta íntegramente Hanna, nuestra teclista, pero que tiene un ritmo rápido casi hardcore”.

¿En plan Tiger Army? WILL “No, no. Es un poco más melódica. No sabría cómo describirla”. IAN “Hemos tomado ciertos aspectos de nuestra banda y los hemos amplificado. Ya sé que todos los grupos dicen eso, pero es lo que hemos hecho”. WILL “Por ejemplo en los temas hardcore pensamos en American Nightmare y Give Up The Ghost. Ésa banda fue muy importante para nosotros. A Ian también le gustan mucho Deafheaven, así que hay algo de eso. Pero en el espectro opuesto también nos inspiramos mucho en Jim Steinman. El disco que hizo con Sisters Of Mercy o sus discos con Meat Loaf nos inspiraron a buscar ese sonido grandioso y teatral. Así que podemos escribir un tema de hardcore punk, pero pensamos cómo lo cantaría Freddie Mercury. Algo rápido pero teatral. Es una línea complicada que seguir (risas)”. ¡Debéis ser el primer grupo que entrevisto que menciona a Jim Steinman como una influencia directa! WILL “¡Oh! Para mí es un genio. Me encanta su trabajo, ya sea con Pandora’s Box, su disco en solitario Bad For Good…”. IAN “Aunque el nuevo que ha hecho con Meat Loaf es flojo”. WILL “Sí, es una pena. Cuando yo era un niño me gustaban mucho los discos de Phil Spector y en los discos de Meat Loaf oía mucha de su influencia. Para mí era como un Phil Spector del hard rock. Tiene un tema titulado ‘Dance In My Pants’ del que tomamos una parte para uno de nuestras canciones; es un homenaje total hacia Jim Steinman pero en un tema punk. Es una gran influencia para nosotros”.

“TENEMOS UNA RELACIÓN DE AMOR/ODIO CON LAS REDES SOCIALES. A VECES ECHO DE MENOS LOS TIEMPOS EN LOS QUE NO SABÍAS LO QUE LA GENTE HACÍA CADA DÍA CONTINUAMENTE. NO NECESITO VER A MI BANDA FAVORITA COMIENDO PIZZA. LO VEO CUTRE”

WILL GOULD

Deberías pedirle que os escriba un tema para vuestro segundo disco. WILL “¡Nos costaría una fortuna! (Risas)”. En las últimas semanas habéis hecho una campaña muy intrigante en las redes sociales. ¿Es una herramienta con la que disfrutáis trabajando? WILL “Tenemos una relación de amor/odio con las redes sociales. A veces echo de menos los tiempos en los que no sabías lo que la gente hacía cada día continuamente. No necesito ver a mi banda favorita comiendo pizza. Lo veo cutre. Bandas punk con las que crecimos como AFI o Alkaline Trio tenían misterio. Es algo que comentamos con nuestro mánager. Tiempo atrás ibas a un bolo y no podías creer que tuvieras a ese grupo delante de ti. Había una mística. Así que lo enfocamos a ráfagas. Como decías, hemos hecho una campaña misteriosa en la que invertimos mucho

tiempo, pero luego podemos desaparecer por completo de las redes. Intentamos que la música sea lo más importante. Por eso no ponemos fotos nuestras en el estudio porque creemos que escuchar un disco debería ser algo mágico y sagrado, y no deberías tener una imagen concreta de cómo fue creado. Uno de los mejores discos de la historia es Ziggy Stardust And The Spiders From Mars de David Bowie. Si hubieras visto a Bowie tocando la guitarra en el estudio, toda su magia desaparecería. Así que tienes que tener cuidado con lo que compartes. Muchos grupos son culpables de compartir demasiado. Intentamos que sea algo divertido y creativo en lugar de obsesivo. Ian y yo ni siquiera tenemos cuentas personales”. IAN “Para nosotros el grupo es un gran proyecto artístico, así que las redes sociales son otra plataforma más que podemos usar. La campaña reciente fue un ejemplo de ello”. También es curioso cómo ha

cambiado la relación de los fans con los grupos. Ahora parece más importante hacerse un selfie y colgarlo que el rato que puedas estar hablando con un músico. WILL “Sí, nosotros intentamos hablar con nuestros fans. Me gustaría que viesen que no estamos obsesionados con eso. Veo muchos grupos que sólo se forman para tener presencia en las redes sociales. Es todo lo opuesto a lo que somos nosotros”. IAN “Además, puedes comprar seguidores en las redes. No significa nada que un grupo tenga muchos seguidores. Se me hace muy raro cuando veo un grupo que antes de haber grabado una sola canción ya tiene todas sus redes maqueadas”. WILL “Yo odio cuando los grupos crean expectativas sin tener nada real que anunciar o publicar. Si tienes algo, enséñalo, y si no, cállate. Parte del motivo por el que empezamos Creeper es porque la escena punk en Reino Unido se había vuelto totalmente vacía 25

“PARTE DEL MOTIVO POR EL QUE EMPEZAMOS CREEPER ES PORQUE LA ESCENA PUNK EN REINO UNIDO SE HABÍA VUELTO TOTALMENTE VACÍA Y ORDINARIA. FALTABA MAGIA”

WILL GOULD

y ordinaria. Faltaba magia. Echaba de menos bandas como T.S.O.L. o los Misfits, que tenían una imagen. Queríamos ofrecer un espectáculo. Y creo que, en parte, la culpa de todo eso es de las redes sociales”. IAN “Aunque yo creo que también puedes trasladar esa magia o espectáculo a las redes sociales. Al menos es lo que intentamos. No tienes por qué presentarte como eres, sino presentarte como un personaje”. Por todo lo que decís, está claro que tenéis mucha ambición artística. Pero como cualquier grupo, al principio debíais ser malos. WILL “(Risas) Malísimos”. ¿Cómo ha sido el proceso de aprendizaje para llegar al punto actual? WILL “Tuvimos que aprender mucho.

Ian y yo llevamos tocando juntos muchos años, pero el resto se unieron a nosotros. Así que durante mucho tiempo nos dedicamos simplemente a crear una unidad”. IAN “Nosotros dos habíamos estado en varias bandas punk y tocado en squads por toda Europa. Nadie conoce esos grupos y nunca llegamos a nada, pero con Creeper, desde el primer momento hubo interés y venía gente a nuestros conciertos. Nunca nos había ocurrido”. ¿Y por qué crees que ha pasado eso? WIL “No tengo ni idea. Supongo que todos esos años anteriores habíamos ido trabajando un sonido y Creeper fue donde todo culminó. En nuestra ciudad nos conocían por ser gente que girábamos y deseaban que nos fuera bien porque saben que hemos trabajado duro y creemos en lo que hacemos.

Así que Creeper empezó a moverse mucho más rápidamente. Pero a nivel interno, nos fuimos conociendo a medida que íbamos dando conciertos. Ha sido muy raro que todo fuera tan rápido. Para serte sincero, teníamos clara la música que queríamos hacer, pero no nos imaginábamos tocando para más de diez personas. Y no hubiese importado porque seguiríamos haciéndolo aunque tuviéramos que hacerlo gratis. Esto es nuestra vida. Por eso es genial poder tocar en una gira como ésta, delante de tanta gente. Estamos girando en un autobús cuando estábamos acostumbrados a hacerlo en una furgoneta. Estamos súper felices, no nos tomamos nada de lo que tenemos a la ligera”. IAN “Anoche en Madrid me sentí súper feliz”. WILL “Era porque estabas borracho (risas)”. IAN “Sí, lo estaba, pero estaba muy lúcido y me di cuenta de lo genial que era estar tocando aquí, con comida en el autobús, llevándonos genial entre nosotros… Nunca hubiera imaginado que podía ser tan cómodo porque antes todo era muy duro. Supongo que tienes que saber lo duro que puede ser para poder disfrutar de verdad de todo esto. No habíamos tocado antes en España, pero lo normal era pasar una gira comiendo latas de judías y cobrando 50 euros por concierto”. WILL “Recuerdo que una vez en Croacia tocamos en un restaurante y de golpe aparecieron un montón de skins nazis y empezaron a gritarnos. Las hemos visto de todos los colores”.

APHONNIC

CUESTIÓN DE CONFIANZA CON INDOMABLES, SU QUINTO TRABAJO, APHONNIC ESPERAN SEGUIR CON LA CURVA ASCENDENTE QUE INICIARON CON EL ANTERIOR HÉROES. SI EL APOYO RECIBIDO EN SU SEGUNDA CAMPAÑA DE CROWDFUNDING ES UN INDICADOR DE LO QUE TIENE QUE VENIR, PUEDEN ESTAR TRANQUILOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

PHONNIC PODRÍAN SERVIR de ejemplo para muchos grupos de nuestra escena que cuando ven que las cosas no salen como habían planeado, simplemente tiran la toalla. A los de Vigo no les fue bien ni a la primera, ni a la segunda, ni siquiera a la tercera... pero Chechu (voz), Iago (guitarra), Richy (bajo) y Alén (batería) decidieron persistir y en 2013 publicaron Héroes, un álbum en el que subieron su propio listón trabajando con el portugués Vasco Ramos (More Than A Thousand, Hills Have Eyes) y que incluso antes de que saliera, ya había conseguido un objetivo importante mediante una campaña de crowdfunding. Más allá del dinero, que también, fue la conexión directa que la banda estableció con sus fans la que puso los cimientos para una nueva etapa en el grupo. La empatía recíproca entre los músicos y los seguidores se prolongó durante una gira en la que todos a una cantaban nuevas canciones como ‘Jerry’ o ‘Mi Capitán’ y que, posiblemente, vivió su momento álgido durante su actuación en el Resurrection Fest el año pasado. Satisfechos como quedaron, no sorprende que para su nuevo álbum Indomables (Maldito) Aphonnic hayan apostado por jugar las mismas cartas. De nuevo Ramos se ha sentado en la silla de productor y de nuevo han vuelto a solicitar el apoyo directo a sus seguidores mediante otro crowdfunding aún más exitoso, algo que les ha permitido, por ejemplo, contar con Fredrik

Nordström (At The Gates, Architects) para las mezclas y masterización. Si encima le ponemos once temas que perfilan todavía mejor su línea más melódica sin renunciar a su base de rock metal, sólo podemos concluir que esta bonita historia de amor tiene pinta de prolongarse. Chechu, no sé si estás de acuerdo con lo que se decía en la reseña del disco en el número anterior de que Héroes había sido una segunda oportunidad para el grupo. CHECHU “Sí, fue una etapa diferente. La segunda oportunidad nos vino por poder trabajar con Vasco (Ramos). Realmente él ha revolucionado todo lo que era Aphonnic. Ya no sólo a nivel de canciones, sino de mentalidad y lo que era nuestro concepto de un grupo. Nos ha abierto las miras. Pero bueno, todo hay que buscarlo”. Casi parece que Vasco sea un coach para vosotros... Una figura más motivacional que musical. “Sí, Vasco sirve para todo. No sé cómo explicarlo. Me decía ‘Chechu, lo estáis haciendo como lo hacen los grupos grandes. Venís a trabajar con un productor grande y de aquí no pueden salir más que cosas buenas’. Tiene mucha psicología el cabrón. Y verlo trabajar es una maravilla. Te puedo decir que estamos enamorados de él (risas)”. ¿Superó la repercusión de Héroes lo que vosotros mismos esperabais? “Cuando vinimos de Portugal con el disco, sabíamos que era lo mejor que habíamos hecho. Pero luego el apoyo 29

mula. Me encantaría poder trabajar con otra gente en las letras, porque lo que importa son las ideas y a veces tú estás demasiado centrado en ti mismo. Siempre nos gustó tener una segunda opinión, pero de momento me las tengo que mamar yo solo (risas). En ‘Aquellos Maravillosos’ me echó una mano mi hermano, que también tiene un grupo, Dreams Of Dolly Sheep, y me aportó algunas ideas cojonudas”.

del crowdfunding fue lo bonito, porque era la primera vez que lo hacíamos y nadie había escuchado nada del disco. Conseguimos 8.000 pavos y estuvo de putísima madre, y después los dos años siguientes fueron guay. El disco gustó, agotamos en algunas salas las entradas anticipadamente... pero la pelea es la de siempre y hay que intentar abrirte más puertas. Pero estamos ilusionados, y al final lo que vale es tirar adelante”. Pero supongo que el ánimo antes de empezar a hacer Indomables debía ser distinto... “La verdad es que sí. Sabíamos que si con Héroes había ido bien, con Indomables, que está a la misma altura o es mejor, el apoyo sería igual. Al primer Verkami se apuntaron unas 200 personas y en éste más de 500. También sabíamos que con Vasco las cosas iban a ir bien, aunque el álbum lo hicimos de manera totalmente distinta a los otros”. ¿En qué aspecto? “En los otros llevábamos muchas cosas hechas del local, pero en éste Vasco dijo de llevar sólo las ideas y que después ya las definiríamos en el 30

local. Nos daba un poco de miedo porque no nos gusta improvisar. A veces no hay tiempo, y te puede salir bien como te puede salir mal. Pero Vasco es un tipo increíble y lo asimiló todo de puta madre. De hecho, quedaron tres canciones fuera. Él quería meter 12 ó 13, pero nosotros le dijimos que era una sobrada”. ¿Qué ventaja le ve Vasco a trabajar de esta manera en lugar de llevar el material ya cuadrado? “Él es un tipo que, como dicen en Portugal, ‘le gusta trabajar en la altura’. Le gusta trabajar en el momento. Cuando se pone, se centra al 100% y tiene muchísimas ideas. Igual tú para hacer una melodía o un riff tardas uno o dos días, pero él es una fuente continua de ideas. Es la hostia”. ¿Y las letras también las hiciste ahí en el momento? “Yo los años entre disco y disco voy apuntando frases sueltas. Igual para éste tenía 30 folios de frases y después durante tres meses, todas las putas noches, intentas hacer un puzzle con frases que a priori no tienen nada que ver unas con otras. Es un poco mi fór-

¿Para la grabación fuisteis todos a Portugal como la otra vez? “Fuimos a Portugal en enero de 2015. Estuvimos una semana y sacamos dos o tres temas. Pero Vasco tiene un problema, y es que el hijo de puta está casi siempre enfermo. Pero la preproducción la hicimos en Carballiño, en Ourense, en el estudio de nuestro técnico, para sacar a Vasco de su entorno. Porque allí siempre van a verle muchos amigos para dar por el culo, y lo queríamos tener en exclusiva. Y como aquí no conoce a nadie y nosotros vivimos en Vigo, que está a más de una hora, pues tampoco venía nadie a vernos y pudimos currar con tranquilidad”. ¿Y lo grabasteis allí? “Sí, en los estudios Mafia de nuestro técnico. Allí no tenemos horarios y lo hicimos tranquilamente. Luego Vasco comentó la posibilidad de mandarlo a mezclar y masterizar con Fredrik Nordström. Yendo de su mano no había problema porque ya había hecho el último disco de More Than A Thousand con él. Bueno, es una pasta para un grupo pequeño como nosotros, pero nos arriesgamos y quedamos muy contentos con el resultado”. ¿Pero lo habéis podido cubrir

todo con el Verkami? “No, qué va. Nosotros cuando hacemos el Verkami ya tenemos invertida mucha pasta, lo que se intenta es cubrir un poco. Pero es una ayuda de la hostia y además es una manera de tener a la gente pendiente de lo que se está haciendo y saber que te están apoyando”. Habéis insistido en los coros épicos en algunos temas. ¿Es una consecuencia de haber visto cómo la gente cantaba los temas de Héroes en los conciertos? “Eso fue una idea de Vasco que ya salió en Héroes. La gente relaciona a Vasco con More Than A Thousand, pero a él lo que le gusta es el pop. Con nosotros encontró un filón porque él lo que quiere es que se suba todo el mundo a cantar al escenario. Siempre dice que esos coros fáciles entran a la primera. En Héroes funcionó de la hostia y creo que en Indomables también lo va a hacer”. Además los coros los grabaron los estudiantes de un instituto, ¿verdad? “Sí, los hicieron gente de Cuarto de la ESO y Primero de bachiller del IES Lama das Quendas en Chantada, Lugo. Fueron 40 chavales de entre 14 y 16, y la verdad es que lo hicieron de pelotas. Moló mucho. Su profesor conocía a nuestro técnico y en una mañana lo grabaron”. Y de paso tenéis a 40 fans nuevos. “(Risas) Eso ya tengo mis dudas. Había gente de todo tipo. A algunos les molaba el reguetón, pero lo hicieron maravillosamente”.

“VEO UN PAÍS DORMIDO. ES DE LO QUE HABLO EN ‘HONRADA AVESTRUZ’, AQUÍ LO ÚNICO QUE SE HACE ES PAGAR Y ESCONDER LA CABEZA” CHECHU

¿Hay alguna canción del disco que te toque especialmente de cerca? “Sí, la tercera, ‘Cunfía’. Es ‘confía’ en portugués. Habla de que nosotros seguimos unidos y eso es lo que importa por encima de todo. Es una palabra que cuando fui a Portugal para hacer las melodías, Vasco siempre me repetía, ‘cunfía, cunfía filho de puta’ (Risas). Se me quedó en la cabeza y me ayudó mucho. Siempre me daba confianza. Me gustan todas, pero quizá a ésa le tengo más aprecio”. Supongo que en los dos últimos discos te has notado mucho más suelto cantando. “Sí, lo bueno de trabajar con Vasco es que te aprieta mucho. He llegado a tonos que en la puta vida pensaba que podría llegar a hacer. A nivel personal estoy contentísimo porque te sientes más cómodo y haciendo más cosas”. Aunque haya melodías más pop, en las letras sigue habiendo mucha mala leche. “Sí, y más con cómo está la mierda de país en el que vivimos. Creo que la gente tendría que haber enseñado más los dientes. Vas viendo de todo en la tele, escuchando barbaridades en la radio... y todo ese malestar es el que se refleja en las letras. Veo un país dormido. Es de lo que hablo en ‘Honrada Avestruz’, aquí lo único que

se hace es pagar y esconder la cabeza. Es bastante ridículo. Yo recuerdo cuando había huelgas, follones y se conseguían cosas. Ahora no veo eso. Es la hostia. Aquí se traga con todo y así nos va”. ¿Cómo ves el futuro de tus hijos? “Si te digo la verdad, lo veo bastante jodido. Como esto no cambie o pase algo... Yo cuando dicen que se van a acabar las pensiones pienso que ojalá se acaben. Porque si pasa, seguro que saldrá todo el mundo a la calle. Si nos ponemos tremendistas, salidas no le veo”. Bueno, al menos parece que el grupo va avanzando. Aunque lo importante es tener claro que, al final, esto se hace para uno mismo. “Yo sé que no tendré la posibilidad de vivir de esto, ni me lo planteo. Pero sí me planteo el respeto que puedas recibir de los demás. Me encantaría estar en festivales donde nunca hemos estado y, si pudiera, marcharme veinte días a Sudamérica. Tener un poco de reconocimiento. Pero esto es como la lotería. Y mientras nos toque la pedrea, seguiremos jugando (risas)”.

THE DILLINGER ESCAPE PLAN VEINTE AÑOS, SEIS ÁLBUMES, CIENTOS DE CONCIERTOS DEMENCIALES E INCONTABLES HUESOS ROTOS DESPUÉS, THE DILLINGER ESCAPE PLAN HAN DECIDIDO PONER PUNTO Y FINAL A LA CARRERA DE UNA DE LAS FORMACIONES MÁS INTENSAS EN TODOS LOS ASPECTOS DEL PANORAMA EXTREMO. NO SIN ANTES DECIR ADIÓS CON SU NUEVA BOMBA DE RELOJERÍA, DISSOCIATION, Y UNA GIRA FINAL QUE LES TRAERÁ DE VUELTA A NUESTRO PAÍS EN FEBRERO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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OMO EN LAS RELACIONES DE PAREJA, cuando llega el momento de separarse, siempre es preferible hacerlo dejando un buen sabor de boca que no con el gusto amargo de una fría despedida. La anunciada ruptura de The Dillinger Escape Plan, seguramente la banda que más cerca ha estado de llevar un género tan arriesgado como el mathcore al gran público en los últimos años, no dejará de ser una triste noticia cuando ésta se produzca, pero sí será mejor llevada por sus seguidores sabiendo que a su reciente Dissociation (Party Smasher Inc) le seguirá una inminente gira de despedida que recalará a finales de febrero en Barcelona y Madrid. Imaginar los motivos que les han llevado a tomar semejante decisión no debe ser una tarea complicada para cualquiera que haya ido siguiendo las andanzas de un combo en el cual el guitarrista y principal cabeza pensante, Ben

Weinman, ha sido el único superviviente de la formación original a lo largo de dos décadas de trayectoria. Y es que como nos reconoce su batería Billy Rymer al responder a nuestras preguntas (el musculoso vocalista Greg Puciato, el bajista Liam Wilson y su nuevo guitarrista Kevin Antreassian completan el resto de la alineación actual), el tener que exprimir hasta el limite su endiablada técnica instrumental en cada nuevo trabajo con el añadido de que cada noche que se suben a un escenario es un todo o nada en el que parecen al borde de la autodestrucción, es algo que acaba pasando factura tanto física como mentalmente. Nadie duda de que el vacío que dejarán será muy complicado de llenar, pero teniendo en cuenta de que su hoja de servicios está prácticamente impoluta, el descanso que todos sus miembros se tomarán una vez acabe su historia se lo tienen más que ganado.

“HE ESTADO ATERRORIZADO EN CADA PASO QUE HEMOS DADO A LO LARGO DEL CAMINO” Dos meses antes de que el nuevo álbum saliese a la venta, anunciasteis que os separaréis una vez terminado el tour de presentación del mismo. ¿Era una decisión que teníais tomada desde hace tiempo? BILLY RYMER “Para ser claros, el anuncio fue que acabaríamos el ciclo de presentación del nuevo disco. Tenemos muchos conciertos programados hasta finales de 2017. Ésa fue una decisión que tomamos justo a la mitad del proceso de composición. Realmente no tengo mucho más que decir, pero creo que es una buena manera de acabar nuestra carrera haciendo que éste sea nuestro último álbum”. Desde entonces hemos leído distintas versiones sobre si se trataría de un hiato indefinido o una separación completamente definitiva. ¿Podrías despejarnos las dudas sobre si habrá alguna posibilidad de que volváis en el futuro? “No he prestado mucha atención a lo que dice la prensa de nosotros, especialmente ahora, mientras estamos de gira. Honestamente, me preocupan más las incontables lesiones de mis compañeros y que continúen teniendo una buena salud como ha sido hasta ahora. Es reconfortante saber que esto tiene una fecha en la que todo acabará y no estaremos como Mickey Rourke en la última escena de The Wrestler esperando a que alguien muera (risas)”. Lo cierto es que aún seguís siendo un grupo joven. El

BILLY RYMER

más mayor de todos es Ben, que tiene 41 años, y tú tienes 31. ¿Debo entender entonces que la decisión de dejarlo no se debe a un problema de lo exigentes que son vuestras actuaciones en directo en cuanto a nivel físico, sino

más bien a una cuestión más compleja? “Es mucho más que eso. El estrés que supone crear un disco de este grupo es algo que volvería literalmente loca a la mayoría de la gente. Hemos pasado un infierno para hacer Dissociation. Ha sido agotador

fortaleza para mí. Además, yo no estoy todas las noches haciendo stage diving, tirándome desde los balcones de las salas o colgándome de una viga del escenario (risas). Pero en general las peores lesiones en nuestros conciertos se las suelen llevar la gente que está en las primeras filas. En alguna ocasión alguien se ha abierto la frente al ser golpeado por un proyectil de madera de la guitarra de Ben”. Pasemos a hablar sobre Dissociation. ¿Cuando os pusisteis a trabajar en él ya sabíais que sería el último que grabaríais? ¿Teníais eso en mente? “Empezamos a escribirlo en otoño de 2014, justo cuando regresamos de las giras junto a Soundgarden y Nine Inch Nails. Por aquel entonces ni siquiera pensábamos en ello. Lo único que necesitábamos era meternos en el local y volver al trabajo”.

en muchos aspectos, y hasta cierto punto, incluso traumático. Ciertamente, hay más un sentimiento de alivio que de arrepentimiento sobre la decisión que hemos tomado”. Hablando del directo, vuestro historial médico debe ser es-

calofriante. Me imagino que os lo han preguntado muchas veces, pero ¿cuál es la peor lesión que recuerdas haberte hecho durante un concierto? “Puedo decir que soy el más afortunado del grupo en ese sentido. Mi instrumento es como una especie de

Personalmente, creo que el disco tiene un poco de todas vuestras facetas: el mathcore súper técnico marca de la casa, dejes de jazz, experimentación con la electrónica como en el caso de ‘Fugue’, arreglos orquestales en ‘Dissociation’... ¿Era vuestra idea el hacer una especie de resumen de todos los sonidos que habéis ido aglutinando con el paso del tiempo? ¿O por el contrario piensas que no tiene nada que ver con vuestros anteriores trabajos? “En realidad es un poco las dos cosas. Queríamos explorar nuevos terri-

torios pero aun manteniendo nuestro sello”. ¿Y cómo te afectó el incluir ritmos electrónicos a la hora de tocar la batería? “Creo que el escuchar mucha música electrónica ha terminado influyendo en mi estilo, es cierto. Siempre nos han gustado bandas como Squarepusher y Aphex Twin. Últimamente he estado muy metido en el house más underground y el trance”. La letra de ‘Dissociation’ me ha resultado muy llamativa tratándose de la canción que cierra el disco. Dice “Finding a way to die alone, couldn’t stay for you, is better than what I was shown, what a strange way to lose”. ¿Qué es lo queréis transmitir con ello? “Me parece una gran letra que puede tener un significado diferente dependiendo de quién la escuche, ya sea luchar contra la depresión, pensar en el suicidio, la ruptura de un matrimonio o una relación, o tal vez incluso que tu periquito se haya muerto (risas)”. Siempre he pensado que debéis de ser una de las bandas más exigentes del mundo para cualquiera de sus miembros. No sólo por la extremadamente compleja que es vuestra música, sino también por lo que comentaba antes de vuestro increíble directo. ¿Cómo te sentiste cuando te uniste al grupo? ¿Tenías alguna inseguridad

por no estar a la altura de las expectativas? “He estado aterrorizado en cada paso que hemos dado a lo largo del camino. Cuando hice la audición para entrar, ya sabía la cantidad de presión que habría incluso si era capaz de dar un solo concierto. Cuando me dijeron que era el elegido sabía que no había marcha atrás. Literalmente pasé de trabajar en una tienda de guitarras a tocar en The Dillinger Escape Plan. Un mes después de que me incorporase estábamos tocando en el Soundwave de Australia, en 2009. Hasta ese momento nunca había participado en un concierto de esa magnitud. Básicamente, fue como si me arrojasen al océano y ver si era capaz de nadar y no ahogarme”. ¿Y cuál es para ti la parte más difícil de estar en Dillinger Escape Plan? “Algunas veces estoy extremadamente cansado y realmente quiero irme a la cama cuando son las cinco de la madrugada, pero tengo que hacer una entrevista por email antes de que amanezca. Aparte de eso, las canciones son jodidamente difíciles de tocar (risas)”. Volviendo al tema de vuestra despedida, la verdad es que he notado que mucha gente os va echar de menos cuando lo dejéis. ¿Cómo te sientes cuando ves todo lo que ha conseguido el grupo en estos veinte años de trayectoria? “Cuando se trata de algo que consume todo tu tiempo, tanto dentro como fuera de la carretera y en el estudio,

es difícil de apreciar mientras está sucediendo. Siempre estamos centrados en lo que está sucediendo en ese momento en concreto. Estoy seguro de que, cuando hayan pasado uno o dos años una vez todo haya terminado, todos nosotros tendremos nuestras respectivas reflexiones”. Y obviando Dissociation, ¿cuál de todos vuestros discos es del que te sientes más orgulloso o el que consideras tu favorito? “Creo que todos son geniales por motivos propios. Miss Machine fue con el que me metí de lleno en el grupo. De los tres que he grabado, Dissociation es sin duda mi favorito. Todos estamos orgullosos de él”. Una vez finalicen todos vuestros compromisos con la banda, es de suponer que seguiréis haciendo música en otros proyectos. Ben, por ejemplo, acaba de sacar el disco de Giraffe Tongue Orchestra y Greg también tiene a Killer Be Killed. ¿Creéis que esos grupos tendrán continuidad u os veremos comenzando otras aventuras? “Giraffe Tongue Orchestra y Killer Be Killed son supergrupos, todos ellos con miembros en bandas que están girando activamente. Así que es difícil de decir, pero todo es posible. Por otra parte, The Black Queen (proyecto paralelo de Greg Pucciato del que también forman parte Joshua Eustis y Steven Alexander, ambos miembros de bandas como Nine Inch Nails o Puscifer -ndr.) son tres amigos cercanos que viven en Los Ángeles. Han

“ES RECONFORTANTE SABER QUE ESTO TIENE UNA FECHA EN LA QUE TODO ACABARÁ Y NO ESTAREMOS COMO MICKEY ROURKE EN LA ÚLTIMA ESCENA DE THE WRESTLER ESPERANDO A QUE ALGUIEN MUERA (RISAS)” BILLY RYMER

creado su propio sonido e identidad. La verdad es que estoy alucinado con ellos y espero que continúen haciendo música. Si necesitan a un batería para dar algún concierto, yo conozco a uno (risas)”. Como has dicho al principio de la entrevista, el año que viene tenéis programada una gira que servirá para presentar las nuevas canciones de Dissociation y, a la vez, despediros de vuestro público. De hecho, en febrero estaréis por

nuestro país... Pero quería preguntarte, ¿tenéis algo planeado para lo que será vuestro último concierto? ¿Sabéis ya dónde será? ¿Habrá colaboraciones o alguna sorpresa de ésas? “Aún necesitamos sentarnos a planificar todo eso. Tenemos toda la gira europea que empieza el próximo mes de enero. Está pendiente que vayamos también a Australia, el Sureste Asiático y Sudamérica. Una vez los tachemos de la lista, probablemente haremos un pequeño puñado de con-

ciertos de despedida. Tal vez Los Ángeles, Nueva York y Londres”. ¿Y cómo crees que te sentirás una vez hayas terminado de tocar la última canción? “No puedo decir nada más aparte de que todo esto ha sido una aventura y ha merecido la pena. Cuando llegue ese momento, disfrutaré hasta el último segundo”.

MÚSICA SIN FRONTERAS JARDÍN DE LA CROIX, UNO DE NUESTROS MEJORES GRUPOS DE ROCK INSTRUMENTAL, LANZABAN EL PASADO 18 DE OCTUBRE SU NUEVO DISCO CIRCADIA. UNOS DÍAS DESPUÉS SE EMBARCABAN EN UNA GIRA EUROPEA EN LA QUE OFRECIERON DIEZ CONCIERTOS EN DIEZ DÍAS EN SEIS PAÍSES DISTINTOS. ELLOS MISMOS NOS CUENTAN LA EXPERIENCIA EN ESTE DIARIO DE GIRA. TEXTO: JARDÍN DE LA CROIX FOTOS: ANXO OUTEIRAL

A GIRA COMIENZA REALMENTE PARA nosotros, Ander Carballo (guitarra), Pablo Rodríguez (guitarra), Nacho Hernández (bajo) e Israel Arias (batería), el día anterior, cuando conseguimos escaparnos de nuestros respectivos trabajos y de los marrones típicos que surgen siempre a última hora justo antes de este tipo de aventuras. Pasamos esa primera noche previa distribuidos por distintas casas de amigos en Barcelona. Curiosamente, al día siguiente todos coincidimos en que hemos dormido bastante mal, y no por falta de hospitalidad en ningún caso... viéndolo ahora, más bien eran los nervios. Sin darnos cuenta, en estos primeros kilómetros se establece una dinámica de furgoneta que se repite como un patrón durante el resto de gira. Alguien intentando dormir, alguien que duerme de verdad y lo demuestra estruendosamente, alguien hablando sin parar, alguien haciendo montajes en el móvil con las caras de los primeros y de los segundos, alguien quejándose de la espalda, música en la parte frontal que no se llega a escuchar y Mau, nuestro tour manager alouder, soportando todo estoicamente como el

profesor con paciencia infinita al que le toca llevar a los niños de excursión.

DÍA 1. MONTPELLIER En cuanto llegamos a Montpellier nos damos cuenta de una cosa: aquí tener un nombre francés ayuda bastante y alguna camiseta nuestra entre los que esperan por la zona lo atestigua. También nos damos cuenta de otras cosas que también van a ser una constante en esta gira: buenas condiciones en general, camerinos confortables, una cena consistente y buena (y abundante) cerveza. El concierto es con Goodbye Diana, una banda mítica de por allí, en una sala muy acogedora situada debajo de una cervecería todavía más acogedora, y acabamos con buenas sensaciones para ser el primero del tour. Terminamos la noche charlando con descendientes de españoles y dormimos probablemente en el sitio más hogareño de toda la gira, una casa enorme con habitaciones temáticas y un desayuno muy decente, y un patio precioso donde tomarlo al día siguiente. El listón del alojamiento queda muy alto desde el primer día.

DÍA 2. BARCELONA La segunda fecha significaba un paso atrás en términos de kilómetros, pero

todos sabíamos que era por un buen motivo: estar con Exxasens en su despedida y en nada menos que la sala Bikini. El día pasa rápido, la Bikini impresiona tanto como esperábamos y suena todavía mejor. No podemos dejar de tener la sensación de que estamos en casa cada vez que vamos por allí. Y nuestro estreno con Aloud no ha hecho si no confirmar y reafirmar esa sensación. La respuesta de la gente es brutal, la despedida con nuestros amigos de Exxasens es muy emotiva y por lo destacado del evento, pasan muchos amigos por el backstage y por el puesto de merch (que tardamos bastante en poder desalojar, ya al final hasta presionados por el equipo de seguridad). En este punto empezamos a darnos cuenta de la importancia de llevar alguien encargado del merch para este tipo de giras, y ya a estas alturas nuestro amigo/sello/fotógrafo gallego Anxo se había convertido en una auténtico profesional de montar puestos increíblemente atractivos en sitios inverosímiles. De momento va todo de perlas, pero muchos de nosotros tenemos la sensación de que la gira realmente empieza ahora. La planificación manda y en este caso dictaba salir de Bar-

celona a las dos de la mañana recién salidos del bolo de la Bikini para plantarnos en Zúrich al día siguiente, a tiempo para el Bergmal Festival.

DÍA 3. ZÚRICH Llegamos pasada la hora de comer española. Con más de doce horas de furgoneta en nuestros riñones, la sensación de estar en otro planeta te golpea con fuerza nada más pisar el suelo. La organización del Bergmal sobrepasa con mucho a lo que estamos acostumbrados... stage managers, zonas de espera de descanso con duchas, comida de bienvenida y todo tipo de comodidades que mitigan la paliza que llevamos encima. Hacemos la prueba de sonido en piloto automático y con verdaderos problemas de cansancio. Pero al salir vemos una sala abarrotada (que tuvieron que cerrar por alcanzar el aforo completo) de gente muy interesada en lo que hacemos y acaba siendo uno de los bolos más memorables de la gira, aun siendo la actuación que abría el festival. Esto incluso nos da la oportunidad de pasar el resto del día y comprobar el buen gusto y el criterio con el que estaba todo organizado. Al finalizar nos da tiempo incluso de disfrutar de algunas bandas de las que somos seguidores, como

65daysofstatic, y de conocer a otras como Besides o Glaston, que nos acompañarán más adelante en la gira. Un lujo poder haber participado en un festival así.

DÍA 4. POTSDAM Después de otra buena paliza de furgoneta llegamos a Potsdam a tocar en un pequeño festival con la sensación de que lo más duro ha pasado en términos de kilometraje, pero con una buena paliza a nuestras espaldas. Es un festival de math e instrumental organizado en un espacio cultural con varias salas, restaurante y bar, y zonas exteriores y de alojamiento para bandas muy bien acondicionado, con una organización muy amistosa y en un ambiente muy familiar. Encontrarnos con un público muy entregado nos facilita pasar el trago

de un concierto al que llegamos muy cansados y en el que sufrimos multitud de problemas técnicos, pero salimos airosos, la gente agradece el bolo y acabamos con una de las mejores cenas que hemos tenido en la gira, y bebiendo cerveza hasta la madrugada al calor de una hoguera. Nada mal.

DÍA 5. BERLÍN En poco más de media hora nos plantamos en Berlín y por primera vez tenemos tiempo para hacer algo de turismo y empaparnos un poco de todo lo que tiene esta increíble ciudad. La sala está bastante céntrica y también tiene alojamiento propio, lo que facilita mucho las cosas. La afluencia de público es bastante notable para ser la primera vez que nos plantamos en Berlín por nuestra cuen-

ta. Ayuda el hecho de que algunos tenemos familia por allí y de compartir cartel con Besides, un grupo de post rock polaco bastante interesante que nos acompaña en el resto de fechas por Alemania. La sala resulta ser muy calurosa, igual que la respuesta de la gente, lo que nos deja un increíble sabor de boca. Acabamos la noche plantándonos en el concierto de Viva Belgrado, nuestros amigos y compañeros de sello, hasta las tantas, y con la agradable sensación de que es imposible hacer más cosas en un solo día en Berlín.

DÍA 6. HAMBURGO De camino nos enteramos de una sorpresa que nuestros compañeros de Aloud nos tenían guardada: “Hoy tocamos en un barco”. La estampa de banda de rock en la carretera se trans-

forma en la de niños correteando por una embarcación. Una vez dentro es imposible numerar todos los tópicos, los camarotes donde nos alojamos, el rancho marinero que nos sirven de cena, la sala que, cómo no, se aloja en la bodega del barco. La sensación de tocar en un sitio así es indescriptible y bastante difícil de repetir. Esta vez son nuestros amigos de Viva Belgrado los que sufren todos los problemas del mundo en su concierto, pero igualmente sale adelante y termina siendo una noche muy agradable, con todos bebiendo cerveza en la cubierta y con algunos conocidos y españoles que viven en Hamburgo acompañándonos.

DÍA 7. SIEGEN La gira empieza a pasar factura física

cuando se cumple la primera semana, y más teniendo en cuenta que la carga y descarga del barco del día anterior no era precisamente la más cómoda del mundo. Pero una vez más Mau sabe cómo levantarnos el ánimo y antes de llegar ya vamos sobre aviso de que vamos a tocar en un sitio muy especial. El club Vortex es uno de esos lugares que te hacen sentir como en casa desde el primer momento. Phill, su dueño y promotor, intenta programar una agenda de conciertos muy arriesgada en un sitio muy poco propicio sobre el papel para este tipo de bolos, y que ha creado una parroquia de gente fija que se mostró muy interesada y que llegaron incluso a preguntarnos personalmente por amigos de Madrid que han pasado por allí con sus bandas. Uno de los públicos más

interesados y entregados de toda la gira nos agradece mucho el show con su entrega y con su correspondiente cola en el merch, en un concierto donde empieza a fijarse otro patrón de aquí al final de la gira: empezar muy cansados pero acabar literalmente tirando los instrumentos por el suelo gracias al empuje de la gente.

DÍA 8. LUXEMBURGO Luxemburgo nos recibe con un día muy agradable y con una sala de conciertos genial regentada por descendientes de portugueses emigrados. Un escenario muy pequeño pero acogedor y una sala donde podemos descansar y comer tranquilamente nos ayuda a compensar los esfuerzos de días anteriores. A parte del público normal de la sala encontramos que se han acercado incluso algunos es-

pañoles residentes en Luxemburgo y termina siendo un concierto ameno y mucho más cómodo que los anteriores, a todos los niveles (algo que necesitábamos mucho) principalmente gracias a la organización impecable de Sacha Schmitz, batería de Mutiniy On The Bounty, que se ocupaba de montar el bolo, prepararnos la cena e incluso de alojarnos en su increíble casa con su familia. Un oasis en medio del tour.

DÍA 9. BASILEA La vuelta a Suiza es una incógnita para nosotros, y mucho más después de la gran acogida que tuvimos la semana anterior. Pero una vez más el sitio tiene unas condiciones envidiables y mucha historia, pues es un recinto por el que han pasado muchas bandas muy importantes en las dos últimas décadas. Compartimos cartel con Glaston, combo de uno de los organizadores del festival de la semana anterior, el grupo más elegante con el que hemos compartido cartel estos días y compañeros ejemplares. Siguiendo la tónica del anterior concierto, nos sentimos abrumados por la respuesta de un público que llena la sala y que responde de una

manera a la que todavía no estamos acostumbrados. Nos comentan a la salida que mucha gente se había quedado fuera de bolo que habíamos dado en el Bergmal la semana anterior y muchos habían conducido una hora para poder vernos, lo que indudablemente te da muchos ánimos, especialmente en este tramo final donde empezábamos a encontrarnos muy cansados y con algún catarro amenazando a más de un miembro de la formación.

DÍA 10. ANDORRA Con poco más de un 3% de batería

después de 13 interminables horas de furgoneta nos plantamos en Andorra para dar el empujón final. Un auténtico banquete nos espera al llegar y nos hace olvidar dolores de riñones, gargantas y espaldas rotas. La gente está muy expectante y el sitio parece el indicado para dejarse llevar, así que decidimos echar el resto y el público nos agradece el esfuerzo. Es el final más loco del tour y queda incluso grabado para la posteridad. Tenemos tiempo de relajarnos y recapacitar sobre todo lo que ha pasado antes de enfilar el último descanso de la gira. Llegar de noche nos había impedido darnos cuenta de la majestuosidad del entorno, algo que comprobamos de camino a Barcelona para pasar por el cuartel general de Aloud Music para despedirnos y agradecer a nuestros dos escuderos de lujo, Mau de Aloud y Anxo de Lar Gravacions, todo su esfuerzo durante estos días y volver a Madrid intentando asimilar entre los cuatro la experiencia increíble que han supuesto estos diez días por Europa.

MOBY

ANTI

SISTEMA

A SUS 51 AÑOS, MOBY ESTÁ DE VUELTA DE TODO. QUIZÁ POR ESO HA DECIDIDO DEJAR DE LADO LA ELECTRÓNICA QUE LE ENCUMBRÓ EN LOS 90 Y VOLVER A LA MÚSICA DE SU ADOLESCENCIA. EN THESE SYSTEMS ARE FAILING LE SACA EL POLVO A SU GUITARRA ELÉCTRICA Y NOS OFRECE UN DISCO DE ROCK ROBÓTICO CON DEJES POST PUNK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR ICHARD MELVILLE HALL, conocido mundialmente con el apodo de Moby en homenaje a su antepasado Herman Melville, autor de Moby Dick, habla y actúa con la tranquilidad y lucidez de alguien que no le debe nada a nadie. Su disco más célebre, Play, aparecido en 1999, vendió más de 12 millones de discos y todos sus temas fueron licenciados para anuncios, películas y programas de televisión, proporcionándole incontables ingresos adicionales. En los 20 minutos que hablo con él, me queda muy claro que tiene la vida resuelta. Curiosamente, su mayor éxito llegó después de su mayor fracaso. Tres años antes de Play había publicado Animal Rights, un disco de rock alternativo en el que rememoraba su pasado como guitarrista punk en Vatican Commandos y que descolocó a todos los seguidores que había ganado con su hit ‘Go’ o el disco Everything Is Wrong que le habían llevado a ser una de las figuras más reconocidas dentro de la electrónica. Por eso ha sorprendido bastante que su decimotercer álbum These Systems Are Failing (Little Idiot/Mute/Pias) sea una especie de secuela de aquel disco maldito. Posiblemente correrá su misma (mala) suerte comercial, pero para alguien que prácticamente se ha retirado de los escenarios y a quien no le apetece competir con las nuevas estrellas del EDM, tiene todo el sentido del mundo.

La primera vez que te entrevisté fue cuando hiciste de telonero de Soundgarden en Barcelona en su gira de Down On The Upside. ¿Qué recuerdas de aquel periodo? “Si has leído mi libro de memorias, Porcelain, sabrás que fue un periodo muy deprimente. Me gusta mucho ese disco, Animal Rights, pero no vendió nada, tuvo unas críticas horribles y nadie vino a verme durante la gira. En España, el público de Soundgarden fue muy educado, pero en otros me tiraban basura. Además, tenía ataques de pánico, estaba luchando con mi alcoholismo, a mi madre le detectaron un cáncer, así que fue un tiempo muy oscuro”. De hecho, en la gira de Animal Rights también te vi en la sala Garatge y debía haber cien personas como mucho. Cuando comparas la crudeza de una gira así con el hecho de poder ganar miles de dólares por una sesión de DJ en una noche, ¿no te da la sensación de que hay algo que falla en este negocio? “La verdad es que ya no giro. Los únicos conciertos que hago son benéficos. El único que he hecho para este nuevo disco fue en el Fonda Theater de Los Ángeles para recaudar fondos para una ONG de protección de los animales. Supongo que podría ganar bastante dinero haciendo de DJ, pero

prefiero quedarme en casa y ver a mis amigos, salir de excursión, hacer más música, escribir libros… El estado del negocio musical es realmente bizarro. El otro día fui a ver la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles interpretando Beethoven y Chopin, y me puse a pensar que un violoncelista virtuoso, con años de estudio detrás, gana en un año lo mismo que un DJ holandés de 18 años en una hora. Es muy extraño. Pero si miramos otros aspectos de nuestra sociedad, pasa lo mismo. Un jugador de la NBA puede ganar lo mismo que todos los profesores de la escuela pública de una ciudad juntos. Casi puedes decir que cuanto menos importante es el trabajo de alguien, más dinero se gana. Y eso no es bueno”. ¿Lo ves como la demostración de que el sistema ya ha fallado, como apuntas en el título del nuevo disco? “Lo veo como una indicación de que los humanos no están preparados para vivir en el siglo XXI. Nuestros cerebros evolucionaron durante miles de años en un entorno no tecnológico. En el fondo, seguimos siendo cavernícolas. Seguimos comiendo tanto como podemos y luchando tanto como podemos porque es lo que hacíamos hace 50.000 años. El mundo ha cambiado muchísimo. El subtexto de este álbum es mirar la antropología detrás de las decisiones que estamos tomando como especie. Como especie tenemos que 45

“SI ALGÚN DÍA ME VES HACIENDO UNA RESIDENCIA EN IBIZA SERÁ PORQUE QUIERO COMPRARME UNA CASA NUEVA Y UN JET PRIVADO (RISAS)”

MOBY

madurar. Tenemos que empezar a actuar como adultos racionales, no como niños pequeños petulantes. Las elecciones en Estados Unidos son un ejemplo de eso. Hillary es un adulto y Trump es un niño malcriado”. ¿Y no crees que también es una cuestión generacional? Tú tienes 51 años y quizá el mundo te parezca más complejo, pero para alguien que nazca ahora, éste será su entorno natural. “Puede que tengas razón. Mi mayor preocupación es que las decisiones que tomamos ahora tendrán un gran impacto en el medio ambiente. No tenemos el lujo de poder equivocarnos. El que haya 7 billones de personas en el mundo usando petróleo, carbón, antibióticos, comiendo carne, significa que el efecto acumulativo hará que los niños de hoy no tengan un planeta en el que vivir”. ¿Es These Systems Are Failing un homenaje a la música con la que creciste? 46

“Sí. El sonido del disco estuvo totalmente inspirado en la música con la que crecí, ya fuera Devo o The Clash, Killing Joke… música muy entusiasta que no pide perdón por ello. Pero lo que me llevó a esto fue la siguiente reflexión: soy un músico de 51 años que no gira, así que ¿para qué hacer un disco en 2016? Claramente nadie va a comprar este álbum y no voy a vender tickets, porque no voy a girar, así que me el motivo para hacer un nuevo disco obedece a dos motivos. El primero es que me gustar trabajar en mi estudio, y el segundo, porque gracias a publicar un álbum puedo mantener conversaciones como ésta y hablar de cosas que me interesan como la política, la antropología, la música…”. También hay algún tema con dejes de Bowie. Cuando vivías en Nueva York llegaste a hacerte amigo suyo. ¿Es la relación más significativa que has tenido con otro músico? “Sí. Era muy extraño porque Bowie era mi músico favorito de todos los tiempos. Creo que es el músico favorito

de todo el mundo. Te pueden gustar los Beatles, los Stones o Led Zeppelin, pero a Bowie le amas. Era casi como un dios. Bowie se mudó a la casa de enfrente donde yo vivía y nos hicimos amigos, hacíamos barbacoas, nos saludábamos desde el balcón, pasamos las Navidades juntos. Pero ni por un segundo podía olvidar que era mi músico favorito. Era como ser amigo de un semidios”. ¿Te afectó escribir tus memorias a la hora de componer? “Escribiendo Porcelain me di cuenta de lo mucho que me preocupaba por la gente, por mi carrera, por mis discos y la cantidad de energía que había malgastado en ello. En este punto de mi vida he escogido no preocuparme. Es muy liberador crear algo y no preocuparse por lo que ocurre una vez lo has publicado. Es uno de los grandes lujos que tengo. Es un lujo poder sacar un trabajo y que si no vende nada, no me importe”. ¿Pero has llegado a este punto porque ya tienes la vida eco-

¿Es muy distinto hacer un álbum como éste a uno de electrónica pura? “Yo voy a mi estudio, enciendo mi equipo y al final no importa si hago música clásica, electrónica, folk o un disco de rock como éste, porque siempre estoy yo solo. Así que soy la misma persona, en el mismo estudio, con el mismo equipo, pero el resultado puede ser muy distinto. Creativamente, el proceso es prácticamente idéntico. En el disco anterior trabajé con un productor, Mark Stent, pero la realidad es que me gusta ir a mi ritmo y poder trabajar tarde por la noche o temprano por la mañana sin depender de nadie. Me gusta este aspecto monástico de crear yo solo”. El disco viene firmado como Moby & The Void Pacific Choir. ¿Realmente existe ese grupo o es producto de tu imaginación?

MOBY

nómicamente resuelta gracias al gran éxito de Play o por simple madurez? “Supongo que un poco por las dos cosas. Llevo una vida muy sencilla. Vivo en una casa normal en Los Ángeles, no tengo aficiones extravagantes como coleccionar aviones o yates, así que tengo suficiente para vivir y para poder crear sin tener que pedirle dinero a nadie. Si decidiera tener una casa de 15 habitaciones en Malibú y un avión privado, y sólo llevar ropa de grandes diseñadores, entonces tendría que empezar a hacer compromisos y hacer música comercial. Si algún día me ves haciendo una residencia en una gran discoteca de Ibiza será porque quiero comprarme una casa nueva y un jet privado (risas)”.

“Es una historia curiosa. Hace dos años empecé un proyecto paralelo con un coro al que llamé The Void Pacific Choir. Hice un álbum entero en torno a esas voces, pero cuando lo terminé me di cuenta de que no era muy bueno. Así que nunca lo publiqué, pero me gustaba mucho el nombre The Void Pacific Choir y decidí usarlo para este nuevo disco, aunque no haya ningún coro. Me pareció una manera divertida e interesante de presentarlo con ese nombre, porque como te decía, tampoco iba a significar nada en términos comerciales”. En una entrevista con Larry King dijiste que el secreto del éxito de la música de baile era el consumo de drogas. ¿En algún momento has sentido que la música que hacías era simplemente un vehículo para que la gente se colocara? “Es difícil de decir. Claramente hay mucha gente que escucha música electrónica y no toma drogas. Pero si vas a una rave o a un gran club, la mayoría de la gente altera su química con drogas o alcohol. Pero yo no puedo juzgarlo, porque aunque ahora no consuma drogas, en el pasado he tomado muchas. Para alguna gente tomar drogas es muy peligroso, pero otra puede hacerlo y no tener ningún

problema. No puedo generalizar. Yo he actuado ante 50.000 personas y sabía que todas iban colocadas, y a veces era genial y otras era horrible. Sólo espero que la gente que toma drogas tenga mucho cuidado”. Para terminar te quería preguntar por uno de los puntos más llamativos de tu carrera, y es que llegaste a trabajar como productor durante la grabación de Chinese Democracy de Guns N’ Roses. ¿Qué te pareció el disco una vez se publicó finalmente? Si es que lo llegaste a escuchar… “Sí, lo escuché, y no creo que fuera un mal disco. Creo que estuve trabajando con Axl en el 97, quizá el 98, recuerdo decirle que lo que tenía que hacer era olvidarse de la electrónica, juntar a un pequeño grupo en un estudio pequeño de Nueva York y grabar un álbum de la manera que hizo Appetite For Destruction. Deshacerse de su asistente, olvidarse de sus chefs, de su limusina y todo eso. Creo que si me hubiera hecho caso, habrían hecho un disco genial. Me decepcionó que no lo hicieran”.

AVENGED SEVENFOLD

INTELIGENCI A

PARA LOS FANS DE AVENGED SEVENFOLD, ESTE AÑO LAS NAVIDADES LLEGARON ANTICIPADAMENTE. EL PASADO 28 DE OCTUBRE EL GRUPO CALIFORNIANO LANZABA SIN PREVIO AVISO THE STAGE, SU SÉPTIMO ÁLBUM, DESTAPANDO UNO DE LOS SECRETOS MEJOR GUARDADOS DEL ROCK. UN MOVIMIENTO AUDAZ Y ATREVIDO POR PARTE DE UNA BANDA QUE AMARÁS U ODIARÁS, PERO QUE SIGUE SIN DEJAR INDIFERENTE. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

A RTIFICI AL

AVENGED SEVENFOLD les gusta hacer

las cosas a lo grande. Así que, para anunciar la salida de su nuevo álbum, no se les ocurrió nada mejor que ofrecer un concierto en el tejado del icónico edificio en Los Ángeles de su nueva discográfica, Capitol Records, y retransmitirlo en directo a todo el mundo vía streaming mediante un programa de realidad virtual. Aunque se sabía que el grupo estaba trabajando en el estudio, y ellos mismos habían filtrado a través de su amigo, el campeón de wrestling y vocalista de Fozzy, Chris Jericho, una fecha falsa de lanzamiento con el fin de despistar a su anti-

guo sello Warner Records, con quien andan en pleno litigio, nadie tenía ni idea de que al día siguiente The Stage ya estaría en las tiendas. En los últimos tiempos han sido varios los artistas que han publicado discos sorpresa, desde Radiohead a Beyoncé, pero nunca antes un grupo había conseguido coordinar un lanzamiento digital y físico simultáneamente. Desde que empezaran en 1999 como una banda más de la escena metalcore de Orange County, Avenged Sevenfold siempre han demostrado tener una ambición mucho mayor que sus compañeros de generación. Mientras otros grupos querían ser los reyes

del Warped Tour, ellos aspiraban a ocupar el puesto de Metallica o Guns N’ Roses. Sus primeros discos ya reflejaban esa ambición, aunque el grupo todavía no dispusiera de los medios para llevar a término todas las ideas que James ‘The Rev’ Sullivan, su batería y principal compositor, tenía en la cabeza. Con él vivieron su ascenso con su segundo álbum Waking The Fallen, su salto a una multinacional con City Of Evil y su proyección internacional con el disco homónimo de 2007. Por desgracia, The Rev no llegaría a ver su consagración con su quinto trabajo y primer número 1 en Estados Unidos, Nightmare. Pese a que el grupo tiró adelante con la inestimable ayuda de Mike Portnoy ocupando su lugar, a la hora de grabar su siguiente disco su vacío se dejó notar. Hail To The King, pese a contar con algunas buenas canciones, carecía de imaginación y planteó serias dudas sobre si, con la muerte de su compañero, la banda había perdido su ambición artística. Tres años después, The Stage es su contundente respuesta. Si a menudo sus críticos ven en Avenged Sevenfold un grupo demasiado comercial, dudo que nadie pueda calificar como tal su nuevo trabajo. Estamos ante un disco medio conceptual cuyas largas canciones tratan sobre los interrogantes que plantea la inteligencia artificial y el origen del universo, y que cuenta con un monólogo del cosmólogo Neil deGrasse Tyson en la épica final de ‘Exist’. En él, M. Shadows (voz), Zacky Vengeance (guitarra), Synyster Gates (guitarra), Johnny Christ (bajo) y su nuevo batería Brooks Wackerman han dado rienda suelta a su vena más

progresiva. Veremos cómo encaja el público actual, acostumbrado a la gratificación instantánea, un trabajo que necesita de bastantes escuchas antes de poder ser disfrutado de verdad, pero por el momento Avenged Sevenfold han ganado la batalla más importante: la que tenían con ellos mismos. Tres semanas después del sorprendente lanzamiento, entablábamos conexión con uno de sus miembros fundadores, Zacky Vengeance.

The Stage ha sorprendido a todo el mundo, no sólo porque lo habéis sacado sin promoción o anuncio previo, sino porque suena muy diferente al material habitual de Avenged Sevenfold. Tú has estado en la formación desde el principio con ese primer Sounding The Seventh Trumpet de 2001, y has asistido a todas las mutaciones sonoras de la banda.

estaríamos satisfechos haciendo el mismo disco una y otra vez. Siempre quisimos superar los límites”.

“CREO QUE LO PEOR QUE PUEDE HACER UNA BANDA ES ECHAR EL FRENO Y DECIR ‘ESTA CANCIÓN ES DEMASIADO LARGA’. SI VAS A SEGUIR ESE CAMINO, LO MEJOR ES QUE TE CONVIERTAS EN ARTISTA DE POP (RISAS)” ZACKY VENGEANCE

¿Ya pensabas entonces que el grupo podría evolucionar en esta dirección? ZACKY VENGEANCE “Totalmente. Desde que formamos el grupo nuestro primer objetivo fue distanciarnos y diferenciarnos de las demás bandas. Hay muchísimas bandas increíbles que hacen música que amamos, y somos fans suyos, pero no queremos copiar lo que hacen. Queremos hacer algo en lo que nosotros seamos buenos, como

por ejemplo hacer canciones largas y aventureras o canciones más suaves que lleguen al alma de la gente. Lo queremos todo: canciones rápidas, agresivas, pero también canciones tristes... Ya lo teníamos en nosotros en el primer disco, y todavía éramos adolescentes, en canciones como ‘Warmness On The Soul’. Teníamos 16 años e intentábamos gritar como las bandas noruegas de black metal, esas cosas (risas). Ya entonces sabíamos que no

The Stage es el primer álbum que lanzáis con vuestra nueva discográfica, Capitol Records. Se dice que habéis aceptado menos dinero por el contrato a cambio de tener más libertad creativa y poder mostrar vuestro punto de vista, vuestra visión artística. ¿Crees que muchos artistas hoy día carecen de ese amor propio o de esa integridad para hacer lo mismo? “Por todo lo que he visto te puedo decir que muchas bandas se han olvidado de qué va esto de la música. Durante mucho tiempo han tenido a otras personas susurrándoles al oído eso de ‘tienes que hacer canciones de 3 minutos y medio o nadie las pondrá en la radio’, o también aquello de ‘no tienes que gastar tanto esfuerzo y tiempo en un videoclip ya que nadie lo va a ver, ya no hay MTV’. Eso ha llevado, por ejemplo, a que los grupos hoy en día ya no se preocupen por hacer vídeos de calidad. Los grupos tienen miedo a decir lo que quieren. Especialmente en la música rock, se ha vuelto todo bastante triste. Muchas ni siquiera se dan cuenta de que lo están haciendo, pero yo sí me doy cuenta de lo que ocurre. Por eso queremos ser la banda que le haga recordar a los músicos que pueden hacer lo que quieran, que pueden hacer canciones largas sin importarles su duración, que pueden cantar sobre lo que les dé la gana, que no tengan miedo de hacer un videoclip sensacional que amarán sólo

“PERDER A THE REV FUE LO MÁS DIFÍCIL QUE HEMOS TENIDO QUE SOPORTAR COMO GRUPO, PORQUE ADEMÁS DE SER UN MÚSICO EXCELENTE, ERA NUESTRO MEJOR AMIGO. NO HABÍA MANERA POSIBLE DE REEMPLAZARLO” ZACKY VENGEANCE porque podría cabrear a ciertas personas o porque MTV no lo vaya a poner en su parrilla. Los fans estarán allí y lo verán, lo compartirán entre ellos mismos y lo verán en YouTube. Lo que importa es que los fans amen lo que hacemos, no me importa si una emisora de radio nos quiere o si a un sello discográfico le encanta. Eso es lo que quiero que las otras formaciones recuerden, que lo importante es hacer felices a los fans. Por eso con este disco era muy importante hacer y grabar exactamente lo que queríamos”. Estas semanas se ha hablado mucho de la banda, pero a lo mejor por los motivos equivocados. Las noticias se centraban en las ventas de The Stage y de cómo ha sido el disco que menos se ha vendido del catá-

logo de Avenged Sevenfold en los últimos diez años, entrando ‘solamente’ en el número 4 de las listas Billboard. ¿Te molesta que se le preste tanta atención a este tema? “Para serte sincero, ha sido bastante molesto, porque lo que queríamos hacer era tomar un gran riesgo y hacer lo mejor para Avenged Sevenfold. Cuando te encuentras a gente a la que sólo le interesa hablar de un número de ventas, te preguntas: ‘¿Quiénes son? ¿De qué lado están?’. Yo personalmente quiero que a las bandas les vaya bien, que los grupos de heavy metal y hard rock triunfen, quiero que hagan felices a sus fans y rompan sus límites. Si te fijas en el rock y el hard rock de finales de los 70 o en el metal de los 80, te darás cuenta de que las bandas hacían cosas muy arriesgadas, con

muchas pelotas, y la gente lo aplaudía. Era algo enorme, y esas bandas siguen existiendo a día de hoy... Iron Maiden aún pueden llenar estadios. Hoy en día es todo diferente, si una banda intenta ser ambiciosa, si intenta grabar un buen videoclip o hacer un lanzamiento sorpresivo para los fans, no se valora. No grabamos The Stage pensando en las cifras de ventas. Por supuesto que es bueno tener un disco en el número 1, pero quizás sólo por el lado divertido de poder chulear y decir ‘tenemos un número 1’. Pero yo pienso en ese fan que ahorra hasta el último céntimo para ir a la tienda, comprarse el disco, aprenderse todas las letras y notas... Eso es lo que buscamos. No quiero que me vean como un número, no quiero que sólo sea ‘Avenged Sevenfold han acabado cuartos en la lista’, ‘Avenged Sevenfold

sólo han vendido tantas copias’. ¿A quién le importa? Me importa más la gente que dice ‘Avenged Sevenfold han hecho algo diferente’, ‘Avenged Sevenfold han compuesto un disco increíble’ o ‘Avenged Sevenfold dieron un gran concierto’. Imagino que muchos medios sólo buscan el click rápido y fácil, e intentan echarnos abajo en este momento tan emocionante y lleno de cambios para nosotros. Creo que ha sido un golpe bajo de muchos medios de rock y metal, mas considerando que todavía llenamos nuestros conciertos en todo el mundo”. Hablemos de la duración de las canciones. Si tomamos los tres primeros temas del disco ya tenemos 20 minutos de música. El primer single, ‘The Stage’, dura unos 8 minutos,

algo raro en el mundo mainstream... ¿Fue algo hecho con premeditación a modo de protesta? “Nos salió de esa manera, todo natural. Empezamos a escribir riffs y melodías que combinaban bien. Todo fluyó de manera orgánica y los temas pedían más tiempo, sin sentir que nos estaban arrastrando hacia un sitio concreto. Cuando eso ocurre, como artista tienes que dejarte llevar. Si estás contento con las canciones, si van en la dirección que quieres, da igual si son canciones largas. Si te sientes feliz con ellas y crees que a los fans les gustará, entonces es que estás haciendo lo correcto. Creo que lo peor que puede hacer una banda es echar el freno y decir ‘esta canción es demasiado larga’, porque ¿para quién es larga? ¿Para la radio? ¿Para el sello? Si vas a seguir ese camino, lo mejor es que te conviertas en artista de pop (risas)”. El álbum se cierra con la canción ‘Exist’, que podría pasar por un tema instrumental hasta el minuto 7, que es cuando empiezan las voces. El tema en total dura unos 15 minutos, el más largo de vuestra carrera. ¿Se os fue de las manos? “En realidad esa canción sí fue de las primeras que planeamos que fuera así de larga. Queríamos que fuese algo ambicioso, queríamos darle a los fans nuestra interpretación del universo desde el principio, desde el Big Bang, cuando los planetas y las estrellas se formaron... Queríamos ser así de caóticos, con un sonido pesado, agresivo. Luego viene la parte tranquila donde el universo se pone en calma y llega-

mos a esta roca que es el planeta Tierra, y donde se puede habitar. Y en la parte final queríamos tener un recitado de Neil deGrasse Tyson para enviar un mensaje a la gente, un discurso motivador para ser mejores personas. Tenemos que aprender sobre nosotros mismos y formar un futuro, no simplemente ser otra especie que se extingue por su arrogancia. Queríamos hacer una canción larga, y definitivamente lo fue (risas)”. También encontramos una canción lenta, ‘Roman Sky’, con mucho sentimiento. Ya es habitual en los discos de Avenged Sevenfold tener algún medio tiempo entre tanta velocidad o agresividad... ¿Crees que sin un tema así un disco se quedaría algo cojo? ¿Es necesario para dar un poco de espacio y aire? “En este punto de nuestra carrera sí creo que es indispensable, porque de la misma manera que nos gustan las canciones rápidas y agresivas, canciones de metal con elementos de punk rock o de hard rock, también nos gustan canciones que te hacen sentir de una manera especial. Temas con hermosos arreglos de cuerda, canciones con letras y melodías que te lleguen al corazón. Creo que esa dinámica es lo que hace que nuestra banda sea especial. Hay bandas que funcionan de otra manera, como por ejemplo Slayer. Ellos tocan thrash y es lo que les funciona, es lo que se espera de ellos. Pero de nosotros se espera que llevemos a los fans a un viaje, a una aventura. Se espera que les hagamos sentir de cierta manera, ya sea feliz, cabreado, triste, curioso o aventurero... para ello

necesitas un buen equilibrio de melodías y ritmos. Seguiremos haciendo temas así en cada disco”. En este álbum debuta Brooks Wackerman, hasta hace poco batería de Bad Religion, quien se ha convertido en nuevo miembro de Avenged Sevenfold. Desde la muerte de The Rev habéis tenido problemas para encontrar a alguien que se convierta en parte de la familia y ya han pasado por los parches Mike Portnoy y Arin Ilejay. ¿Cuesta tanto encontrar a alguien que encaje al 100% con vosotros? “El tema del batería ha sido un trabajo complicado, al menos hasta ahora. Perder a The Rev fue lo más difícil que hemos tenido que soportar como grupo, porque además de ser un músico excelente, era nuestro mejor amigo. No había manera posible de reemplazarlo. Pero vino Mike Portnoy, que era uno de los músicos más respetados por The Rev y que obviamente tiene fama mundial, y nos ayudó cuando estábamos desesperados intentando terminar el disco. Estábamos desesperados por sacarlo porque era lo último en lo que habíamos trabajado con The Rev y significaba mucho para nosotros. Mike nos ayudó a volver a levantarnos, fue un tiempo difícil y muy emocional porque ni siquiera sabíamos si íbamos a continuar como grupo. Nos ayudó a encarrilarnos y siempre le estaremos agradecidos. Lo que ocurrió después es que sabíamos que no era una solución permanente. Queríamos darle la oportunidad a alguien nuevo, Mike ya estaba establecido y tenía todo el trabajo hecho

en su carrera musical, así que quisimos darle una oportunidad única a alguien que todavía lo tuviera todo por hacer en la música. Nos recomendaron a Arin Ilejay, que es un batería increíble y se vino de gira con nosotros durante unos años... Le amamos como persona y como músico, pero llegó un momento en el queríamos empezar a componer canciones del calibre al cual estábamos acostumbrados y él no nos lo ofrecía. Fue allí cuando hablamos con Brooks, éramos fans de su trabajo y tenía el estilo que necesitábamos. Tiene una manera de tocar similar a la de The Rev, y eso sólo se consigue criándose con lo que nos hemos criado nosotros, tocando en bandas como Bad Religion, Suicidal Tendencies o Infectious Grooves. Sabíamos que tenía mucho más talento del que estaba mostrando en su banda actual, así que le invitamos a ensayar con nosotros y nos demostró que estábamos en lo correcto. Sus habilidades son increíbles y nos inspiró a sobrepasar nuestros límites en el tema compositivo”. Antes hablabas de la importancia de los videoclips, y la verdad es que ‘The Stage’ tiene uno bastante bueno a la par que polémico. En él os metéis con el tema de la política mundial y en Estados Unidos. Las cosas están bastante revueltas con la elección de Donald Trump como presidente... Estos cambios agresivos de política dieron paso a una gran corriente artística en la música en el pasado, sólo hace falta mirar la elección de Reagan y el movimiento

punk. ¿Crees que se puede sacar algo positivo de la elección de Trump? “Son momentos preocupantes para los americanos y para el mundo entero, porque en realidad no se sabe mucho de Donald Trump más allá de las barbaridades que ha dicho o lo que dice la prensa de él. El tema está en que tampoco nadie quería votar a Hillary Clinton y eso puso a muchas personas en un aprieto a la hora de elegir. Nuestro trabajo sigue siendo, sin importar quién sea el presidente, ser buenos los unos con los otros, tener a los demás en cuenta y predicar con el ejemplo. No creo que nadie en Estados Unidos esté encantado con la decisión que se ha tomado, pero debemos mirar atrás y ver qué nos ha traído hasta aquí. Tenemos que saber que podemos ser representados no sólo por gente que se merezca nuestra confianza, sino por gente que respetamos y que puede hacer el mundo un lugar mejor para nuestros hijos. Sólo le puedo desear lo mejor, porque él es el piloto de este avión y todos nosotros somos los pasajeros. Sólo le puedes desear cosas buenas, porque no queremos que estrelle el avión con todos nosotros dentro (risas)”. Se ha hablado mucho de la próxima gira y de que queríais hacer algo realmente original. No estoy seguro de qué vais a incluir en este nuevo tour, pero ¿crees que todavía se puede sorprender al público con algo nuevo en un show? “Creo que sí. Lo que vamos a hacer a principios de 2017 en nuestra gira europea es algo que no se ha hecho

“RECOMIENDO A TODO EL MUNDO QUE VAYA A VER NUESTRA PRÓXIMA GIRA, PORQUE VAN A FLIPAR” ZACKY VENGEANCE

nunca por parte de una banda de rock o de metal. No es sólo poner una gran producción y hacer explotar cosas, porque eso ya lo hicimos en la gira de Hail To The King con mucho fuego de por medio, y fue genial, pero esta vez será algo tan sorprendente como el lanzamiento del disco. Creo firmemente que hay cosas que los artistas pueden hacer y que todavía no se han hecho encima de un escenario. ¡Ése es nuestro trabajo! ¡Es lo que tenemos que hacer! Porque si repites lo mismo una y otra vez, vas perdiendo ese título de artista. Los mejores artistas de la historia son aquéllos que han aparecido con cosas nuevas cuando los demás no tenían nada nuevo que decir. Recomiendo a todo el mundo que vaya a ver nuestra próxima gira, porque van a flipar”. Esta gira europea con Disturbed e In Flames llegará a principios de 2017, ¿pero es-

táis pensando también en los festivales de verano? Y si fuese así, ¿vais a traer la misma producción? “Ahora mismo todavía estamos planeando todo lo que será nuestro 2017, aunque no tenemos todas las cosas al 100% confirmadas. No te puedo asegurar que volvamos en verano, o si será antes o después, pero volveremos a Europa en 2017. Iremos a todos los sitios donde no hayamos ido con la primera gira, y daremos el mejor show posible para nuestros fans. Eso quiere decir que todos los conciertos serán con la producción completa”. Ya para terminar, si tu yo actual le pudiera dar un consejo al Zacky Vengeance de 15 años que estaba empezando con Avenged Sevenfold, ¿cuál le darías? “Me diría a mí mismo que no tarde tanto en portarme mejor con los de-

más. He ido aprendiendo a medida que me he hecho mayor. Cuando Jimmy falleció hice una retrospectiva sobre cuando Avenged Sevenfold empezamos a despuntar, cuando empezamos a tener algo de éxito. Todavía era una persona muy joven, todavía estaba muy cabreado con el mundo y sentía que tenía algo que demostrar. Empecé a pensar en todas las personas a las que traté mal, a quienes lastimé o hice sentir mal, y quería deshacerlo todo. Nunca sabes por lo que alguien está pasando, yo tuve que lidiar con la muerte de mi mejor amigo y fue algo muy doloroso. Por eso, cuando te estás portando como un idiota con alguien, piensa que esa persona puede estar pasando el peor día de su vida. Debemos intentar llevarnos bien y tratarnos bien. Todos merecemos el mismo respeto”.

SICK OF IT ALL

vidas ejemplares SICK OF IT ALL ESTÁN DE ANIVERSARIO. ESTE AÑO HAN CUMPLIDO 30 AÑOS DE CARRERA Y LO CELEBRAN CON WHEN THE SMOKE CLEARS, UN LIBRO CONMEMORATIVO QUE VIENE ACOMPAÑADO DE UN EP CON CINCO TEMAS NUEVOS. UNA EXCUSA PERFECTA PARA VOLVER A CHARLAR CON ELLOS Y FELICITARLES POR TODAS LAS ALEGRÍAS QUE NOS HAN DADO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

AY BANDAS QUE,

aunque no mucha gente citaría entre sus cinco favoritas, se han ganado el respeto de todo el mundo. Sick Of It All entrarían en esa categoría. Los más veteranos quizá les descubrieran con su debut Blood, Sweat And No Tears o Just Look Around, otros puede que lo hicieran a través de la MTV cuando programaban el vídeo de ‘Scratch The Surface’ a mediados de los 90, o quizá con discos más recientes como Based On A True Story o The Last Act Of Defiance, o incluso a través del disco tributo Our Impact Will Be Felt con versiones a cargo de Rise Against, Pennywise o Hatebreed, pero cualquiera que haya tenido un mínimo interés en el punk y el hardcore les conoce y habrá comprobado la increíble máquina que son en directo en alguna de sus múltiples visitas a nuestro país. Podría decirse que ya forman parte del paisaje, pero como las cosas importantes en la vida, no hay que darlas por hechas, y hay que valorarlas mientras existan. De hecho, ni que sea de manera involuntaria, también tenemos que agradecerles que gracias a ellos tengamos hoy en día el Resurrection Fest. Fue el empeño de su director Iván Méndez por llevarlos a tocar a Viveiro lo que dio origen al festival hace diez años. La buena noticia es que a pesar de su larga trayectoria, Lou Koller (voz), su hermano Pete (guitarra), Craig Setari (bajo) y Armand Majidi (batería) no tienen pinta de querer aflojar la marcha y ya están pensando en su próximo álbum. ¡A por 30 más! Muchas felicidades por vuestros 30 años, Pete. Para celebrarlo habéis publicado When

The Smoke Clears, un libro con un EP de cinco canciones. ¿De quién fue la idea de hacerlo? PETE KOLLER “Mi hermano Lou y yo queríamos hacer algo diferente y divertido, y se nos ocurrió eso. En un principio sólo íbamos a sacar el libro, pero luego pensamos en que estaría bien ofrecer algo de música también. Yo tenía tres canciones y Armand tenía un par, así que como no teníamos suficiente material para un álbum nuevo, decidimos dejarlo en un EP”. En el libro encontramos escritos de músicos como Davey Havok de AFI, Chuck Ragan de Hot Water Music o Matt Kelly de Dropkick Murphys. ¿Son vuestros mejores amigos dentro de la escena? “Todos los que participan son amigos, sí. Cuesta un poco pedir este tipo de favores en plan ‘¿Te gustaría decir algo bonito sobre nosotros?’ (Risas), pero todo el mundo respondió muy bien. Al final sólo utilizamos los textos que eran suficientemente largos como para que llenaran una página del libro. Lars (Frederiksen) de Rancid y Tom Araya de Slayer también escribieron unas líneas, pero cuando estábamos maquetando el libro no logramos encajarlo de ninguna forma y quedaron fuera. Fue una pena, pero les estamos muy agradecidos igualmente”. ¿Te sirvió hacer el libro para reflexionar sobre todo lo que habéis conseguido? “La verdad es que con este grupo nunca paramos. Nunca nos hemos dormido en los laureles, simplemente vamos avanzando. Sabemos que es un gran logro haber durado tanto, pero segui-

mos pensando en el futuro. Ya estamos cerrando conciertos hasta finales de 2017 y también estamos componiendo para el próximo álbum. El tren sigue avanzando (risas)”. Lo cierto es que hay grupos que llegan a los 30 años, pero entremedio o se han separado o se han tomado largos descansos. Vosotros nunca habéis parado. “Sí, así es. La banda es nuestra pasión, pero también nuestro trabajo. Todos tenemos familia, casas que hay que pagar... así que tenemos que seguir pagando facturas (risas). Es un gran trabajo, naturalmente, pero hay que hacerlo”. Permíteme viajar al pasado. ¿Cuál fue el primer disco o grupo que viste que te animó a coger una guitarra y empezar a hacer música? “A mi familia siempre le ha gustado la música. Mi padre siempre escuchaba música en el coche, mis hermanos mayores siempre traían discos de Black Sabbath o Rush, y entonces Lou y yo empezamos a encontrar nuestros propios grupos, sobre todo de punk y de heavy metal como Venom o Sodom. Empezamos a decantarnos por la línea dura (risas). Y entonces descubrimos que aquí, en Nueva York, teníamos nuestra propia escena y empezamos a ir a conciertos. Veíamos a los tíos de Agnostic Front entre el público o en el pit y de golpe se subían al escenario y eran la banda principal. Pensamos que era genial y nos dijimos ‘si ellos pueden tocar, nosotros también’ (Risas). Y así empezó todo. De pequeños habíamos ido a conciertos en arenas, pero

“MIS HERMANOS MAYORES TIENEN TRABAJOS ESTABLES, PERO TIENEN PROBLEMAS PARA PAGAR LA HIPOTECA. SIEMPRE ME DICEN ‘PETE, TIENES EL MEJOR TRABAJO DEL MUNDO. NO LO DEJES NUNCA’”

PETE KOLLER

fue meternos en la escena local lo que realmente nos animó a probarlo”. ¿Te costó aprender a tocar la guitarra o tenías un talento natural? “Bueno, no me considero un guitarrista técnico para nada. Los músicos del grupo son Armand y Craig. Ellos sí tienen un talento natural. Yo soy un aprendiz (risas). Para mí la guitarra es simplemente un vehículo para expresarme. Me cuesta más que a los demás. Cuando Armand trae una canción nueva, necesito sentarme y estudiar sus manos para saber cómo tocarla. Por eso siempre intento escribir yo mismo el máximo de canciones, para no tener que aprenderlas (risas)”. ¿Cómo encontrasteis a Armand y a Rich Cipriano, vuestro bajista original, para formar el grupo? “En el instituto no había demasiada 58

gente a la que le gustara Motörhead, GBH o The Exploited, así que tendíamos a juntarnos. Armand iba al mismo instituto que Lou y yo, y la primera vez que le vimos tenía el logo de Venom pintado en su chaqueta, así que empezamos a hablar con él. Y luego Richy vivía en nuestro barrio y a él y sus amigos también les gustaba esta música. De hecho, a Craig también le conocíamos del barrio. Siempre nos veíamos todos en los conciertos y luego cogíamos el mismo tren para volver de la ciudad a Queens, así que todos éramos amigos”. Armand dejó el grupo entre 1989 y 1992. ¿Qué pasó? “Bueeeeno, no tocaba en el grupo, pero cuando íbamos de gira seguía viniendo con nosotros (risas). Básicamente lo que pasó es que empezó a pensar que quizá tenía que buscarse un trabajo de verdad. Es lo que quieren tus padres y lo que parece lo más

natural de hacer. Nadie se mete en un grupo de hardcore y piensa en vivir de ello. Pero luego se puso a trabajar en una empresa unos años, pero le estaba matando, así que lo dejó. Nuestro batería en ese momento, Eric (Komst), tenía problemas con las drogas, y como te decía, siempre estábamos con Armand igualmente, y justo en ese momento estaba trabajando para la discográfica en la que estábamos, así que fue muy fácil que volviera”. ¿Y vuestros padres o parejas nunca os presionaron a Lou y a ti para que lo dejarais? “No, nunca. Mis hermanos mayores tienen trabajos estables, pero tienen problemas para pagar la hipoteca. Siempre me dicen ‘Pete, tienes el mejor trabajo del mundo. No lo dejes nunca’ (Risas). Hace unas semanas estaba en el aeropuerto y me encontré a los padres de unos compañeros de clase de mi hija que son hombres de negocios y

me preguntaron que a dónde iba. Y les dije que me iba a tocar a Pittsburgh y Cleveland, pero que me daba bastante palo porque no son los mejores sitios donde tocar. Y los dos me dijeron ‘tío, daría lo que fuera por ir a tocar a Pittsburgh y Cleveland en lugar de tener que ir a una reunión’. Así que supongo que tenemos suerte (risas)”. En 1989 publicasteis vuestro primer disco Blood, Sweat And No Tears. ¿Te reconoces en él o te da un poco de vergüenza? “No, no. Eso era lo que podíamos hacer en ese momento. Tocamos con una entrega total y con toda la pasión del hardcore. Obviamente la producción no es muy buena porque no teníamos demasiado dinero ni tiempo. Mi hermano Lou siempre dice que le gustaría poder volver a grabar las voces, pero es lo que es. Es un inicio clásico. Ahora todos sabemos componer mejor, sacar mejor sonido, sabemos más de producción, pero es lo normal”. En 1994 sacasteis Scratch The Surface con una multinacional, algo bastante insólito para una banda de hardcore. “En ese momento estábamos en Relativity Records y nos dijeron que iban a poner nuestro contrato a la venta. Creo que pedían 20.000 dólares. Piensa que cuando fichamos con ellos siendo unos críos, firmamos un contrato para diez discos. ¡Era una locura! Pero no nos importaba una mierda, no teníamos ni idea del negocio. El caso es que a los pocos días de ponerlo a la venta, Atlantic, Sony, Elektra y otras empezaron a hacerles ofertas y pasaron de 20.000 dólares a 250.000 (risas). Al final nos fuimos

con Elektra porque nos reunimos con el presidente y parecía muy motivado. En ese momento tenían a Pantera, a Metallica, así que encajábamos bastante. Lo mejor de todo eso fue el trabajo que hizo la división europea del sello porque nos metieron en un montón de festivales y llegamos a un montón de gente que no sabía de nuestra existencia. El empuje que nos dieron entonces ha durado hasta hoy en día. Para nosotros fue una gran jugada”. ¿Crees que más que las canciones o los discos ha sido vuestro directo lo que os ha dado una carrera? “Sí, no hay duda. Hay gente que escucha nuestra música, pero le puede sonar demasiado brutal. Pero cuando nos ven en directo, lo entienden todo. Es una energía incontrolable que liberamos en el escenario. Es furioso pero divertido. No nos importa lo que nadie piense. Nunca nos verás dar un concierto de mierda. Y esa actitud creo que es lo que ha acabado atrayendo a nuestros fans”. Tienes mucha razón. La primera vez que os vi aluciné contigo especialmente. Debes perder mucho peso, ¿no? “Oh sí. En la última gira hicimos 18 conciertos en tres semanas y perdí 5 kilos. Cuando llego a casa vuelvo al gimnasio y como cinco veces al día para recuperar lo que he perdido y para prepararme para la siguiente gira”.

me cuido mucho. A Craig le operaron las rodillas en los 90 y no hace mucho se volvió a lesionar y tendrían que operarle. Pero como no tenemos tiempo para que se recupere, no va a hacerlo (risas). Tenemos conciertos y conciertos (risas)”. Antes hablabas de los festivales y me imagino que os habréis encontrado en todo tipo de situaciones, ¿pero cuál es la banda más extraña con la que habéis tenido que tocar? “Mmm... No sé. Bueno, en el último Hellfest tocamos después de Foreigner. Pensaba ‘¿Cómo narices vamos a tocar después de ellos? ¡Todas sus canciones son hits!’. Incluso aunque no sepas quiénes son, conoces las canciones. Así que nos estábamos preparando en el escenario de al lado y escuchábamos hit tras hit. Sonaban geniales, como si hubieras puesto un CD. Y luego salimos nosotros y empezamos a gritar (risas). Pero la verdad es que fue genial”. ¿Cuáles son vuestros planes inmediatos? “El mes que viene tenemos tres conciertos en Nueva York en clubes pequeños, uno en Queens, uno en Brooklyn y uno en Manhattan, en los que sólo tocaremos canciones de los dos primeros discos y de Scratch The Surface. Ya están las entradas agotadas. Y luego en enero nos vamos a Australia con Refused. Sobre todo vamos a girar mucho y en algún momento nos pondremos con el nuevo disco”.

Con los saltos que das, ¿todavía te aguantan las rodillas? ¿Nunca te has operado? “No, he tenido mucha suerte. También 59

THE ELECTRIC ALLEY

CÁDIZ SE HA CONVERTIDO ÚLTIMAMENTE EN UNA FUENTE CONTINUA DE BUENOS GRUPOS. DESDE AHÍ VIENEN TAMBIÉN THE ELECTRIC ALLEY CON SU SEGUNDO TRABAJO GET ELECTRIFIED! DISPUESTOS A REVITALIZAR EL NOBLE ARTE DEL ROCK CLÁSICO. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: DR

SIN RESERVAS

A VERDAD ES QUE es una lástima lo que está pasando. Probablemente estemos viviendo una de las épocas más brillantes de nuestra corta historia en esto del rock’n’roll. En casi todos los rincones del país surgen grupos de probada calidad que no tienen nada que envidiar a lo que nos llega de fuera, pero el público no parece darse cuenta. Se opta por reuniones de bandas casi octogenarias o, lo que es peor, grupos tributo de artistas que en la mayoría de los casos siguen en activo. Nos falta todavía mucha educación en materia del respeto que se le debe de tener a los artistas que tratan de componer música original y que esto siga adelante. A pesar de ello, bandas como The Electric Alley, formada por Jaime Moreno (voz), Nando Perfumo (guitarra), Sergio Reyes Gamaza (bajo) y Rafa G. Benítez (batería), insisten y persisten. Su segundo trabajo Get Electrified!, además de excelentes canciones, presenta una producción excepcional a cargo de Rafa Camisón de Estudio Setentaynueve y del propio grupo, que prueba que en los últimos tiempos las bandas nacionales también se han puesto las pilas en cuestión de la calidad de sus grabaciones. Muy entroncados con el lado más clásico del rock’n’roll, escuchándolos es inevitable que te vengan a la mente grupos como The Black Crowes, los Aerosmith de los 70, Thin Lizzy o Lynyrd Skynyrd, pero también mucho blues y grandes cantidades de soul. Quizá por ello fueron uno de los triunfadores del primer día en la última edición del Calella Rockfest. Al parecer, el mismísimo Joe Lynn Turner les dedicó unos cuantos elo-

gios y los que no habían tenido el placer de contactar con su música, se quedaron gratamente sorprendidos con la calidad de su directo y del talento que desprenden sus composiciones. Nosotros hablamos con los andaluces tras la edición de su monumental nuevo álbum, y esto fue lo que nos contaron. Felicidades por Get Electrified!, creo que habéis grabado un gran disco de rock’n’roll. En los tiempos que corren, no debe de haber sido nada fácil... ¿Habéis quedado satisfechos con el resultado final? NANDO PERFUMO “Muy buenas, y muchísimas gracias. Hemos quedado muy contentos con el resultado, ha sido un proceso de grabación muy largo, pero sin duda ha merecido la pena el tiempo y la pasta invertida. Hemos aprendido mucho y seguimos aprendiendo día a día al llevarlo al directo. Ha sido un placer currar con Rafa Camisón, que ha producido el álbum con nosotros, que aparte de un gran amigo es un músico y productor increíble. Cuando hay tanta carne puesta en el asador, hay que preocuparse de que todo salga bien y él lo hace de maravilla. Ahora sólo queda que lo disfrute la gente”. Quizás lo primero que llama la atención son los temas más cañeros. El mismo tema título me parece un single brutal y otros como ‘Free My Soul’ o ‘No Reservations’ se te enganchan a la primera, pero después de varias escuchas y

cuando comienzas a conocer el disco temas más lentos como ‘Eagles Fly Solo’ o medio tiempos como ‘Searching For The Truth’ se erigen casi como los highlights del álbum. ¿Cómo lo veis vosotros? “Pues cada tema tiene su historia para nosotros, como es normal, pero tienes razón al hablar sobre esos temas que sobresalen un poco más. Cuando pulsas play hay canciones que se te quedan a la primera, y es cierto que compusimos ‘Get Electrified!’ pensando en un single. Cuando el disco va creciendo, te vas dando cuenta de que cada historia tiene algo, y eso lo hemos querido cuidar mucho. Hemos querido contar diez historias con rigor, para que puedan ser bien contadas en los conciertos. En los bolos lo damos todo por las canciones y las que has nombrado suelen ser los momentos más emotivos durante las actuaciones, y en cada ciudad encuentras un sentido para llevarlo a cabo. Aunque no lo parezca, por lo general la gente que curra en el rock’n’roll sabe lo que necesita una banda que ha hecho muchos kilómetros para llegar a ese sitio, y el confort que recibes al llegar, la gente que conoces durante esos primeros minutos, es muy importante para lo que va a pasar después”. Otro de los aspectos que me ha llamado mucho la atención es el tratamiento que le dais a las voces. No sólo es que la voz de Jaime me parezca tremendamente poderosa y repleta de matices, sino que, además, creo que le habéis dado mucha importancia a los arreglos y las

melodías vocales. ¿Estoy en lo cierto? “Sí, hay mucho quebradero de cabeza detrás de eso. Nos gustan las grandes bandas de hard rock, y sobre todo los grandes cantantes. Hemos intentado fijarnos en las producciones de las grandes bandas, y en cómo ellos trataban voces, coros, efectos… todo lo que tiene que ver con la voz. Seguimos aprendiendo a utilizar armonías, que es una de las cosas más bonitas de nuestras canciones, y llevarlas al directo está siendo un desafío precioso”. Para los que no hemos tenido la suerte de escuchar vuestro debut, ¿qué diferencias puede haber entre un disco y otro? “Las canciones de ambos discos siguen una línea bastante parecida, aunque en Get Electrified! pudimos contar con más medios y tiempo para grabarlo. El primer trabajo fue un homenaje a nosotros mismos y sin muchas pretensiones, de hecho, hicimos 150 discos y tuvimos que reeditar y remasterizar dos meses después, pero son diez canciones que seguimos tocando. Backward States Of Society nos ha enseñado mucho, y nos permitió empezar a salir a tocar por ahí, a conocer, un poco, cómo funciona la industria y a mantener los pies en el suelo. Van quedando pocas copias del primer álbum, que vendemos principalmente en nuestros conciertos, y casi la mitad del set está compuesta por canciones de ese álbum”. ¿Sería acertado decir que la música de The Electric Alley es como hacer un recorrido 62

por seis décadas de rock’n’roll en el más amplio sentido de ese término? “¡Guau! Podría ser osado si sale de nuestra boca, pero nos encanta el resumen. Nos influye la música en general, y de alguna manera, el rock’n’roll es lo que es, pero fundamentalmente es lo que fue. Nos encanta escuchar discos completos de los 70, y por supuesto bandas como The Black Crowes o Thin Lizzy están en nuestro pedestal. Como mencionabas, el blues y el soul también están en nosotros, desde Muddy Waters a Stevie Ray Vaughan, Nina Simone, Ella Fitzgerald y Otis Redding son claves en algunas composiciones. De ahí nuestro amor por bandas actuales de diferentes estilos como Slash, Vintage Trouble, Rival Sons o Blackberry Smoke”. En la contraportada explicáis que estas canciones son el resultado de dos años de trabajo. ¿Cómo fue la grabación? “Al principio entramos en el estudio con la idea de empezar a grabar la banda sonora del corto de animación nominado a los Goya A Lonely Sun Story, que contaba con las voces de Mario Casas y María Valverde. Hicimos el tema homónimo, que es el último corte del álbum, y nos tomó mucho tiempo porque queríamos orquestarlo y hacer algo realmente majestuoso. Contábamos con la supervisión del gran compositor Roque Baños, director musical del proyecto. A la hora de mezclar, no fue fácil encontrar lo que buscábamos, pero al final dimos con la tecla. Tras todo esto, seguíamos componiendo y tocando canciones juntos, y las sesio-

nes de estudio se alargaron hasta que tuvimos el disco terminado”. El álbum lo habéis financiado con un crowdfunding. ¿Creéis que es una de las pocas maneras de sacar adelante algo tan costoso y sumamente complicado como es lanzar un disco al mercado? “Definitivamente, sí. Es la única forma de hacer partícipe a la gente, y si eres una banda sin sello como nosotros, es la única manera de financiar un proyecto que necesita tanto cuidado. Es un proceso demasiado largo y arriesgado como para no dedicarle todo lo que tienes, y no puedes hacer algo a medias, por lo que el presupuesto debe ser respetado. Si la banda funciona, el objetivo se suele cumplir, porque la gente confía en tu dedicación. Eso es precioso, además hace un año no habíamos girado tanto como hoy. Así que era un reto más complejo, pero nuestros seguidores se portaron genial y todo salió como queríamos”. A pesar de la calidad, a las bandas de aquí les cuesta mucho llegar al público. ¿Qué opináis al respecto? “Es muy complicado, pero sabíamos a lo que veníamos y también sabemos cómo está el patio. Nuestro papel en todo esto es hacer ver a la gente que venga a nuestros conciertos que esto es rock’n’roll de verdad, que hemos venido a hacerles pasar una noche de las que te sueles acordar varios meses después y que queremos volver a verles en el próximo show. En ese proceso de reeducación, hay muchísimo público que

“NUESTRO PAPEL EN TODO ESTO ES HACER VER A LA GENTE QUE VENGA A NUESTROS CONCIERTOS QUE ESTO ES ROCK’N’ROLL DE VERDAD” NANDO PERFUMO

viene predispuesto a ello, y otra parte del mismo a la que hay que volver a conquistar. Entendemos que nuestra manera de decir lo que opinamos es, aunque suene pedante, dar un concierto. Ahí es donde nos dejan de importar los problemas de la industria, e intentamos que los presentes se vayan con la misma sensación”. Por cierto, ¿me podéis explicar qué pasa en Cádiz? Bourbon, The Shooters, Atavismo, The Electric Alley… todos dife-

rentes, pero de una calidad incuestionable. ¿Hay más grupos que me pueda estar perdiendo? “Está pasando algo parecido a lo que pasó en otras grandes ciudades hace varias décadas. Cádiz se encuentra en una zona geográfica muy castigada por la corrupción, el paro y otros desajustes sociales. Si a todo eso le sumamos que el arte ha sido lo que ha representado siempre al sur, nos encontramos con un caos perfecto en el que la ebullición creati-

va da frutos. Podemos hacer una lista de 15 discos que se han hecho en 2015 y muy probablemente estarían todos en el top nacional. En serio, es algo brutal y estamos muy orgullosos de formar parte de una generación de músicos que lo han dado todo por salvar la ilusión por esto. Basta investigar un rato para darse cuenta de ello”.

DISCO DEL MES

Hardwired… To Self-Destruct (BLACKENED RECORDINGS/UNIVERSAL) HEAVY METAL

on ocho los años que han pasado desde que Metallica editaran su último trabajo de estudio -Death Magnetic se llamaba, por si alguno lo había olvidado- si no contamos la banda sonora de la fallida Metallica: Through The Never, un EP con material sobrante del anterior trabajo, Beyond Magnetic, o, saquen las hachas, el controvertido Lulu, un trabajo junto a Lou Reed que muchos fans del grupo desearían que nunca hubiese existido, pero al que seguramente el tiempo pondrá en una posición más favorable de la que tiene ahora. Todo esto significa que, aunque Metallica no sean la banda más ágil del planeta

METALLICA

–poner en movimiento un mastodonte como es el cuarteto no es tarea fácil-, tampoco es que hayan estado mirando el techo sin nada que decir. En todo este tiempo también hemos tenido el festival Orion, que no acabó de cuajar, la película en 3D de marras y actuaciones por todo el mundo, incluyendo un resucitado Big 4, para seguir manteniendo el estatus de ser el grupo de heavy metal del planeta que más tickets vende, además de preparar durante los dos últimos años este esperado Hardwired… To Self-Destruct. Vamos, que la maquinaria ha estado mucho más engrasada que la frialdad del dato de esos ocho años entre disco y disco puede hacer pensar.

Si nos remontamos a Death Magnetic, allí ya tuvimos la pista de cómo Metallica tenían en mente encarar su futuro asentados como tótem metálico: volviendo a las raíces del sonido que les había hecho grandes después de desviarse ligeramente en Load y Reload y más explícitamente en St. Anger. Pese a que ahora parece que se hable de Death Magnetic con menos entusiasmo que cuando salió -¡Quién sabe si pasará lo mismo con Hardwired… una vez pase la euforia de la novedad!-, era un señor álbum que contenía algunos de los momentos más inspirados que había tenido la banda en muchos años –‘The End Of The Line’ o ‘The Day That

Never Comes’ eran auténticos temazos-, y si lo comparamos con Hardwired…, pese a la poca perspectiva que todavía tenemos de éste, no le va a la zaga en cuanto a calidad. Por algún motivo, todo el odio que habían generado Metallica durante estos últimos años se ha convertido en alabanzas, pese a que los haters siempre estarán allí, en cuanto hemos empezado a tener avances de lo que nos íbamos a encontrar en su nuevo doble álbum. No era para menos. Los dos primeros adelantos, ‘Hardwired’ y ‘Mouth Into Flame’, nos devolvían a unos Metallica en plena forma, sonando a la banda que todos tenemos en mente y que nos mostraba las

demuestra que está en plena forma con James Hetfield, una vez más, como gran estrella y el productor Greg Fidelman sacando la verdadera esencia de los de San Francisco. El segundo CD cojea un poco más, probablemente debido más a la saturación sónica que por la propia calidad de las canciones, aun siendo inferiores a las del primer CD. La influencia Black Sabbath de ‘Am I Savage?’ o el brío de ‘Spit Out The Bone’, que cierra el álbum por todo lo alto, nos devuelve la atención que en algún momento se acaba desviando en canciones como ‘ManUNkind’, que nos recuerda demasiado a lo peor de Load, o ‘Here

“METALLICA ESTÁN EN FORMA PARA VOLVER A LEVANTAR EL CETRO DEL METAL”

dos facetas más celebradas –la de raíces thrash y la de banda creadora de riffs incontestables y de vocación clásica- de la banda. Dos de sus momentos más inspirados en décadas. Pero el álbum es mucho más que eso con doce temas y 80 minutos de música. Resumiendo, minutaje generoso, con los peligros que ello conlleva. Y puede que ése sea probablemente el único lastre del álbum. El primer CD es prodigioso. Con un póker inicial de temas -los dos mencionados, más ‘Atlas, Rise!’ con sus deliciosos aires Maiden y ‘Now That We’re Dead’- que está altura de los mejores Metallica, el cuarteto

Comes Revenge’, que podría resolverse en la mitad de sus más de 7 minutos. Pequeños ‘peros’ que no deben agriar el buen sabor que nos deja Hardwired… To Self-Destruct. Metallica están en forma para volver a levantar el cetro del metal, del que alguna vez pareció que renegaban. Tenemos a una banda absolutamente en paz y conectada con su pasado y, señores, por mucho que sea fácil rajar de ellos, cuando Metallica se ponen el mono de trabajo y dan un golpe encima de la mesa, lo más inteligente que se puede hacer es dar las gracias con una pequeña reverencia. RICHARD ROYUELA

WILLIS DRUMMOND

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jurgi Ekiza (voz, guitarra), Joseba B.

Lenoir (guitarra), Xan Bidegain (bajo), Felix Buff (batería) PRODUCIDO POR: Burke Reid AFINES A: Berri Txarrak, Nirvana, Billy Talent PÁGINA WEB: www.willisdrummond.net

Tabula Rasa (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

ace dos años, tras terminar la extensa gira de A Ala B (2012), Willis Drummond anunciaban que se tomaban un descanso indefinido. El desgaste de la carretera y una carrera de toda una década había pasado factura y el grupo de Iparralde necesitaba coger aire y replantearse su futuro. Durante este tiempo, cada miembro se dedicó a otros proyectos musicales (por ejemplo, su vocalista Jurgi Ekiza editó un disco en solitario), pero como ellos mismos cuentan, su amistad no se vio afectada en ningún momento. Por eso, cuando un día decidieron volver a juntarse en el local de ensayo, la mecha de la ilusión volvió a prenderse

inmediatamente como si nada hubiese pasado... O casi, porque al cabo de algunos ensayos más, Rafa Rodrigo, el guitarrista, decidió dejar el grupo. En cualquier caso, esta pausa les ha sentado de maravilla y en su quinto trabajo, Willis Drummond vuelven con una gran energía y canciones de nivel. Si en el pasado tenían debilidad por los arreglos más complejos en la tradición del post hardcore de Washington DC y un punto caótico, en el nuevo álbum se han decantado por simplificar las canciones e ir más al grano. Casi podríamos decir que su enfoque se ha traslado al otro Washington, el estado norteamericano del noroeste, cuna del grunge. Es difícil no

pensar en Nirvana cuando suenan los acordes de ‘Hori Dena’, ‘Aholkua’ o la línea de bajo de ‘Joan Ikustera’. Sin perder su poso punk, las melodías son más memorables y será difícil que las de los estribillos de ‘Athabasca’ o ‘Hedea’, que empieza en un tono bajo para explotar después de cada estrofa, se te olviden. La producción del australiano Burke Reid (The Drones) se amolda perfectamente a las necesidades del grupo, fotografiando sin trucos innecesarios su sonido de guitarrasbajo-batería. Esperemos que Tabula Rasa sirva de trampolín para que Willis Drummond sigan ganando fans a este lado de los Pirineos. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... XAN BIDEGAIN La percepción es que con A Ala B habíais llegado a vuestro mejor momento, y sorprendió que decidierais parar. “Igual es que somos muy malos haciendo promoción (risas). Con A Ala B tuvimos la suerte de poder girar por Europa, por el País Vasco, por el Estado, pero fueron más de 200 conciertos en dos años, y necesitábamos descansar. Pero los dos años desde entonces han pasado rápidos”. A la hora de grabar un nuevo disco, ¿lo visteis como una oportunidad de hacer algo nuevo? “Bueno, cuando una persona deja el grupo después de tanto tiempo, cambia el equilibrio. Te encuentras con más espacio pero también con un sitio vacío. No puedes seguir como si nada hubiera

pasado. Tabula Rasa es exactamente eso. Por eso hicimos un álbum rápidamente. En tres semanas lo grabamos y mezclamos. También trabajamos con un productor para coger aire fresco con alguien ajeno a la banda”. A mí me ha parecido como si tuvierais las ideas más claras. “Yo lo veo exactamente igual, pero también creo que estamos llegando a nuestro estilo propio. En los otros discos estábamos buscando una manera de tocar juntos, de componer, y creo que en A Ala B ya nos dirigimos a nuestro propio estilo y en éste hemos buscado más hacer canciones. Nos hemos alejado de los temas de cinco o seis minutos y hemos ido más al detalle y de una manera más directa. También nos ayudó bastante Burke, el productor, porque nos llevó por nuevos caminos”.

En Europa, ¿qué reacción encontráis ante el euskera? “Al principio, cuando salíamos, sobre todo yo tenía dudas, pero la gente tiene curiosidad y cuando les explicas un poco se les abre un mundo nuevo. En los conciertos, entre canción y canción, hablamos en el idioma que toque para que nos entiendan, pero luego, cuando estamos en el puesto de merchandising, la gente que se acerca quiere saber más sobre el euskera. En Francia el euskera es sinónimo de música folklórica, pero luego se dan cuenta de que hay muchas bandas, no sólo Willis Drummond, que son buenas, y que hay una escena muy viva. Pero tampoco somos los primeros. En su momento Negu Gorriak y Kortatu, y también Berri Txarrak, dieron a conocer el rock en euskera”. (JORDI MEYA)

DEATHSPELL OMEGA

The Synarchy Of Molten Bones (NORMA EVANGELIUM DIABOLI)

BLACK METAL

o tenía ni idea de que Deathspell Omega estuvieran trabajando en el sucesor del impactante Paracletus. Y así, sin previo aviso, seis años después de su último largo, una de las formaciones más respetadas del underground blacker nos sumerge otra vez en su mundo de pesadilla a través de cuatro nuevas canciones. Aquí el horror te sacude desde que el tema homónimo que abre maldice tu morada, y como para recordarte que sí, que son ellos, esa incuestionable institución del black francés, las primeras disonancias del

álbum no tardan en aparecer. ‘The Synarchy Of Molten Bones’ es un negro ciclón en el que pasa de todo, y la que la sigue, la omnipotente ‘Famished For Breath’, casi que lo mismo. A 3.000 por hora, con un enloquecido dominio instrumental que todo lo doblega, este segundo tema ya deja muy claro que estamos ante una de los mejores obras de 2016. ¿Qué habría pasado si los Satyricon del genial a la par que incomprendido Rebel Extravaganza hubieran seguido explorando esa vía, retorciendo cada vez más esa locura vanguardista? Seguramente la respuesta la tenemos en un truculento viaje como ‘Onward Where Most With Ravin I May Meet’, que roza el totalitarismo musical, y ya no digamos en la recta final de ‘Internecine Iatrogenesis’. Qué media hora de disco, por Dios… Es tan personal y demoníaco lo de Deathspell Omega que no es de extrañar que un peso pesado como Phil Anselmo haya estado obsesionado con ellos durante años. Desde luego, lo suyo ya se enmarca dentro de la parapsicología. PAU NAVARRA

IT’S NOT NOT Fool The Wise (BCORE)

INDIE ROCK

t’s Not Not ya sé de dónde vienen, y no porque sus miembros procedan de grupos como Standstill, Tokyo Sex Destruction o Dies Irae, pero aun así, consiguen sorprenderme hacia donde me llevan. Es un lugar en el que, a pesar de las referencias bíblicas de algunas letras de su cuarto disco, y primero en nueve años, reina el amor libre y una agradable sensación de buen rollo, como la que sientes cuando estás de fiesta con tus mejores amigos. En ello tiene mucho que ver su pasmosa facilidad para colarte ritmos bailables en

canciones que deben tanto al post hardcore como al pop (‘All Vanishes Away’ recuerda a At The Drive-In haciendo cumbia) y la incorporación como guitarrista de un Eric Fuentes que les ha acabado por dar ese toque más accesible en ‘Golden Rule’ o ‘For Who Are You Here For?’ que ya aparecía en el último disco de The Unfinished Sympathy. Alejándose del caos irreverente de sus primeros discos, la banda suena más relajada que nunca, con un Joel Rojas acertando en cada melodía, y el apoyo de unos coros de lo más gustosos. Que tenga problemas a la hora de elegir la etiqueta estilística que acompaña la reseña de un disco siempre es buena señal... Significa que el grupo en cuestión no se limita a seguir un patrón más o menos establecido, sino que tiene un discurso propio. Eso es justo lo que me ha ocurrido tras escuchar Fool The Wise. Al final me he decantado por la de indie rock porque es lo suficientemente vaga como para que cada uno la pille por donde quiera. En todo caso, un gran retorno. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

VV.AA.

Merry Jäger Christmas (JÄGERMUSIC)

POST VILLANCICOS

esde los clásicos de Elvis Presley o Phil Spector a más recientes como August Burns Red o Surjan Stevens, la historia del pop nos ha ofrecido maravillosos ejemplos de que los villancicos no tienen por qué ser un coñazo. Jägermusic, el proyecto musical de Jägermeister, ha querido contribuir a esta tradición editando su propio álbum de canciones navideñas, que verá la luz el 16 de diciembre y contará con una edición limitada en vinilo. Con ese fin, durante dos semanas convocó en La Atlántida Estudio de Barcelona a diez de las bandas que colaboran habitualmente en su programa de apoyo a la creación musical. El resultado es este variado y divertido Merry Jäger Christmas donde Babywaves pasan por el filtro lo-fi la emblemática ‘Santa Claus Is Comming To Town’ con un gusto tremendo, Los Mambo Jambo le ponen rock’n’roll a ‘Staffansivsan’, un villancico serbio escogido por su

contrabajista Ivan Kobacevic, Los Bengala le prenden fuego a ‘Ande La Marimonera’ y Holögrama convierten ‘La Nanita Nana’ en un chorro de distorsión sin perder su melodía. También Los Tiki Phantoms surfean sobre ‘Fum, Fum, Fum’, Ocellot riegan ‘A Betlem Me’n Vull Anar’ con zumos tropicales; Terrier le echan mala baba a ‘Los Peces En El Río’, The Zephyr Bones se pegan un trip con ‘Carol Of The Bells’, King Cayman (en la foto y en el audio) te lleva al infierno con ‘Drummer Boy’ o Sen Senra hace irreconocible ‘Noche De Paz’... pero acaba con una gran canción. Un disco con el que, seguro, lograrás sorprender a tus invitados en las próximas fiestas y asustar a más de un cuñao. JORDI MEYA

THE PRETTY RECKLESS

Who You Selling For (RAZOR & TIE)

ROCK ALTERNATIVO

i algo bueno tienen The Pretty Reckless es su falta de miedo ante el cambio. Lo fácil hubiese sido repetir la fórmula que crearon en sus dos primeros álbumes, pero en este tercero, Who You Selling For, buscan una nueva cara. El sonido se convierte en más bluesero y sureño por momentos, Taylor Momsen abandona a ratos su característica voz rasposa para darle algo más de calidez, y las canciones escapan del single fácil. Que nadie se engañe: siguen queriendo dar esa imagen de sex, drugs & rock’n’roll, pero canciones como por ejemplo ‘Mad Love’ o ‘Like A Storm’ les van alejando del estigma de formación que saca un sencillo exitoso y luego desaparece sin dejar rastro alguno. El trabajo de

AVENGED SEVENFOLD The Stage (CAPITOL)

METAL

ucho crédito era el que debían recuperar Avenged Sevenfold tras el batacazo a nivel de críticas que se pegaron con Hail To The King. En aquel disco, los de Orange County se dedicaron a copiar sin ningún tipo de personalidad a las bandas que siempre había idolatrado, fuesen Metallica o Guns N’ Roses, además de entregar unas canciones muchísimo menos trabajadas de lo que nos tenían acostumbrados. Como si ellos mismos se hubieran dado cuenta de todo ello, en The Stage, que fue publicado sin previo aviso a finales

Ben Phillips a la guitarra es extraordinario y da la impresión que no enseña todo de lo que es capaz en The Pretty Reckless, pero el resultado es cuanto menos emocionante. Canciones como ‘Prisoner’ les alejan bastante del pop rock que facturaban en su debut Light Me Up y dan una pista de dónde han estado picando para coger influencias para esta nueva era: el rock alternativo de los 90 centrándose en los Alice In

Chains más comerciales. Los demonios internos siguen persiguiendo a Momsen en una batalla personal entre ser una celebridad de las pantallas o una estrella de la música, algo a lo cual le puede seguir sacando partido sin sonar demasiado trillado. Les ha salido bien la jugada y dan esperanzas de convertirse en mucho más que la banda de la rubia buenorra que salía en la serie Gossip Girl.

del pasado mes de octubre, parecen dispuestos a recuperar ese sonido propio que tan buenos resultados les había dado en el pasado. Si tuviera que describirlo muy resumidamente, diría que este séptimo álbum vendría a ser una mezcla entre City Of Evil y Nightmare. Y buena parte de culpa la tiene el fichaje de Brooks Wackerman. El ex batería de Bad Religion ha sabido imprimir la pegada que tanto se echaba en falta en su anterior referencia y, secundado por un Synyster Gates que vuelve a estar brillante a las seis cuerdas, firman los momentos más contundentes del disco como

la rotunda ‘God Damn’, ‘Simulation’ o la inicial ‘The Stage’. En el otro lado de la balanza aparecen piezas más oscuras como ‘Sunny Disposition’ y sus siniestras trompetas, la balada ‘Roman Sky’, con unos bonitos arreglos de cuerda, o la ida de olla final progresiva de un cuarto de hora que es ‘Exist’. Pero me atrevería a decir que es en los estribillos de ‘Creating God’ y ‘Higher’ donde están esos posibles hits que les hagan retomar su lugar como claros herederos de los grandes nombres del género en el futuro inmediato.

JORGE FRETES

GONZALO PUEBLA

TESTAMENT

Brotherhood Of The Snake (NUCLEAR BLAST)

THRASH METAL

l inicio de Brotherhood Of The Snake ya apunta maneras, casi que tira de espaldas. El tema homónimo que abre fuego nos muestra a una banda pletórica, punzante y con un sonido apabullante. Las guitarras de Eric Peterson y Alex Skolnick echan chispas, y la batería de Gene Hoglan atruena muy bien secundada por el bajo de Steve DiGiorgio, a quien han cuidado y mucho a lo largo de toda la producción del nuevo álbum de Testament. En ‘The Pale King’ volvemos a encontrarnos con una banda que exuda fuerza y confianza, y le meten más

y más caña en un tema tan suyo como ‘Stronghold’ o un adornado tanque como ‘Seven Seals’. Por cierto, ¿he dicho ya cuán sobrado va un jefazo como Chuck Billy al micro? Si no está en uno de sus mejores momentos, poco le falta. ‘Born In A Rut’ echa algo el freno con la clase que les caracteriza y un estribillo matador, pero cuando crees que estás ante el típico disco donde todo lo notorio se ha reservado para los primeros temas, ojo. ‘Centuries Of Suffering’, un puñal como ‘Black Jack’, el trallón de ‘CannaBusiness’ o la espectacular épica de ‘Neptune’s Spear’ traspasan el ecuador del álbum con riffs al rojo vivo, punteados, solos del copón y mucha mala hostia. Con su decimosegundo trabajo Testament ponen el broche de oro a la racha iniciada con The Formation Of Damnation y Dark Roots Of Earth. Y es que, de las antiguas grandes bandas del thrash, ellos son los únicos que realmente siguen publicando obras relevantes. No se puede estar más on fire que esta gente. PAU NAVARRA

PLEASE WAIT Look Around, See Inside (VARIOS SELLOS)

POST HARDCORE

paso lento, pero seguro. Así avanzan Please Wait. Han pasado cuatro años desde la publicación de ese maravilloso EP con cuatro temas titulado Dirty Little Secret. Lejos de dormirse en los laureles, este power trio emocore de Sant Feliu de Guíxols ha aprovechado muy bien todo este tiempo. Han ganado concursos, han tocado en festivales con la flor y nata del underground e incluso han girado por el Viejo Continente. Todo este bagaje, vital y musical, traspasa los

ocho fenomenales cortes incluidos en su primer largo, Look Around, See Inside. Y es que contiene muy buenas ideas, que derivan en momentos espectaculares, con esa especial mezcla de guitarras afiladas y bajo rotundamente expresivo (insuperables en ‘Northern Lights’), con esos gritos inocentes desde las entrañas (el lamento de ‘Greetings’) y esos patrones de batería originales (‘Not Even Closer’). Se nota la mano del Santi Garcia, especialmente en algunas partes muy No More Lies (‘Alf’s Swimming Pool’ y ‘Overdose’). Él es uno de los principales mentores de la banda, desde el minuto cero. El otro es Eric Fuentes, frontman de The Unfinished Sympathy, quien publica el primer largo del trío a través de su sello, Hang The Dj, con la inestimable ayuda de otros como Saltamarges, La Agonía De Vivir y Caleiah. Para ir acabando, el disco está muy bien, pero lo bueno está por llegar. Tienen mucho futuro por delante. LUIS BENAVIDES

MESHUGGAH

The Violent Sleep Of Reason (NUCLEAR BLAST)

DEATH METAL PROGRESIVO

gnoro qué ha llevado a Meshuggah a grabar su nuevo álbum en directo, con todos los músicos tocando a la vez, en lugar de su habitual metodología de trabajar individualmente sus partes como si de una cadena de montaje se tratara. Pero sospecho que podría ser una reacción a la nueva escena djent -de la que extraoficialmente son los responsables- y cuyas bandas se apoyan, a veces hasta en exceso, en las ventajas que proporciona la tecnología. Puede ser su peculiar manera de decir ‘chavales, a ver si aprendéis’, o quizá no tenga nada que ver con eso

y simplemente quisieran divertirse probando algo nuevo. Y es que en realidad, ésa es la única novedad que encontramos en su octavo disco. Su personalidad musical está tan definida que no sienten la necesidad de variarla, así que si estás familiarizado con su discografía ya sabes de antemano lo que encontrarás. Riffs ultratécnicos como los de la inicial ‘Clockworks’ u ‘Our Rage Won’t Die’, grooves que te arrastran y empujan como los de ‘Born In Dissonance’ y ‘By The Top’, la voz gutural Jens Kidman berreando por ahí, la incansable resistencia de Tomas Haake en la batería, su capacidad para estirar las notas como si fueran gomas elásticas en ‘Into Decay’ y solos de guitarra que alternan melodía y disonancia. La precisión con la que los suecos tocan sigue siendo inhumana, pero con este nuevo enfoque en el estudio han conseguido que The Violent Sleep Of Reason tenga un pálpito orgánico que se agradece. JORDI MEYA

BÖLZER Hero

(IRON BONEHEAD)

BLACK METAL, DEATH METAL

unque Bölzer me siguen pareciendo una de las bandas más sobrevaloradas del metal extremo actual, hay que reconocer que han publicado un señor primer largo. A algún pope se le debió ir la mano a la hora de puntuar sus dos EPs iniciales, los recomendables Aura y Soma, y mucha peña se los tomó como si le fuera la vida en ello, de acuerdo, pero con 46 minutos por delante, los helvéticos sacan a relucir todo lo que hace de su propuesta algo tan particular. Al margen de lo exagerado que pueda ser que el dúo cuente ya con decenas de presencias en los principales festivales europeos con, hasta

ahora, sólo cinco canciones en la calle y una demo, es obvio que este grupo tiene algo, un raro intangible bastante atrayente. A través de un riffing muy black, unas voces muy personales –a mí me perdonarán, pero en algunos estribillos melódicos, caso de ‘The Archer’, parece que cante un retrasado- y arrojándose también a una sonoridad algo sludge aunque más asequible que en los EPs, los de Zúrich presentan aquí largas composiciones soberbias como ‘Hero’, la trepidante y asombrosa carrera de ‘Phosphor’ o ‘I AM III’, que pone de relieve su punto fuerte: el primitivismo, lo cavernario, pero a su vez, la originalidad en base a una economía de recursos encomiable y dinámica. Al interludio ‘Decima’ me remito también, o a otro corte tan notable como ‘Spiritual Athleticism’. Puede que ‘Chlorophyllia’ no nos acabe de convencer del todo, pero cuidado, que aunque ni por asomo estemos ante los nuevos mesías, sí en cambio tenemos por fin una demostración real de por qué Bölzer están dando tanto que hablar. PAU NAVARRA

THEWONDERYEARSBAND.COM

TINYMOVINGPARTS.COM

NEUROSIS

Fires Within Fires (NEUROT/POPSTOCK!)

POST METAL

lo largo de sus 30 años de carrera, Neurosis han acumulado semejante legado y han propagado tamaña influencia que merecen haberse ganado la inmunidad para hacer lo que les dé la gana cuando les apetezca. Fires Within Fires, su undécimo disco de estudio, no está a la altura de sus mejores trabajos, ni tampoco explora nuevos caminos en una banda particularmente inquieta, pero desde luego es un buen recordatorio de por qué son tan venerados dentro y fuera de la comunidad metálica. En sus cinco cortes desarrollados a lo largo

de 40 minutos, Neurosis vuelven a demostrarnos su poderío, cuales dioses, para desatar tormentas sónicas y replegarlas hasta la calma más absoluta. La fuerza con la que irrumpen las guitarras y la voz de Scott Kelly en el ecuador del primer tema, ‘Bending Light’, te levantará literalmente de la silla. En ‘A Shadow Memory’ verás relámpagos y explosiones volcánicas mientras el tema muta hacia una pesadilla doom, y ‘Fire Is The End Lesson’ cuenta con el aliciente de un intercambio vocal entre Kelly y Steve Von Till y un riff circular al final que es una apisonadora. A partir de aquí, Neurosis parece que peguen un volantazo y nos lleven hacia territorios más ambientales y folkies. Von Till usa su registro más grave, entre Johnny Cash y Tom Waits, en la hermosa ‘Broken Ground’ -aunque no tardan mucho en rajarnos con un poderoso riff-, al igual que en la final ‘Reach’, donde una guitarra revolotea por tu oído como moscas alrededor de carne podrida. JORDI MEYA

IN FLAMES Battles

(NUCLEAR BLAST)

METAL ALTERNATIVO

gnoro qué pasa por las cabezas de In Flames. Con cada disco que sacan se alejan más de su base de fans y tampoco parece que vayan ganando nuevos seguidores, y pese a eso, ellos siguen erre que erre. Puedo entender que el grupo se cansara, en un momento dado, del death melódico y quisiera explorar nuevos sonidos. De hecho, su anterior álbum Siren Charms no me pareció tan horrible como a la mayoría y encontré algunos aspectos interesantes, pero me cuesta decir lo mismo de Battles. Los suecos parecen haberse fijado en el metal alternativo americano y las nuevas

bandas de metalcore como espejo en el que mirarse, pero llegan tarde y mal. Una cosa es que chavales de 20 años que crecieron escuchando a Linkin Park o Disturbed quieran parecerse a ellos, pero que hagan lo mismo unos señores de más de 40 que en su día fueron pioneros de un estilo parece ridículo. Si piensan que por grabar con el productor Howard Benson (Papa Roach, My Chemical Romance), simplificar sus composiciones y meter estribillos melódicos ya sonarán en la radio y venderán millones, es que no tienen ni idea de cómo funcionan las cosas. Lo peor es que la banda suena sin personalidad, incluso da un poco de vergüenza ajena cuando intentan sonar como Bring Me The Horizon en ‘The Truth’ o ‘Here Until Forever’, y cuando intentan ponerse un poco agresivos en ‘Through My Eyes’ parece un quiero y no puedo. Apenas salvaría tres o cuatro temas de la quema (‘Like Sand’, ‘Battles’, ‘Underneath My Skin’...), y eso para una formación como In Flames es demasiado pobre. DAVID GARCELL

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Mike Kinsella (voz, guitarra), Steve Holmes

(guitarra), Nate Kinsella (bajo), Steve Lamos (batería, trompeta) PRODUCIDO POR: Jason Cupp AFINES A: Mineral, Matt Pond PA, Joan Of Arc PÁGINA WEB: www.americanfootballmusic.com

AMERICAN FOOTBALL FOTO: ROBERTO PARODI

American Football (WICHITA/PIAS) EMO

l debut de American Football, aparecido en 1999, quedó en el recuerdo como uno de los trabajos más reverenciados del emo introspectivo. No fue un súper ventas ni nada parecido, pero desde luego caló hondo en cada una de las personas que llegó a escucharlo. Además, el que se separaran poco después, sin apenas haber girado, hizo que el grupo de Illinois adquiriera una aura mística. Cuando se reunieron en 2014 para ofrecer tres conciertos en Nueva York, las entradas se agotaron en apenas horas, y eso les llevó a realizar una gira mundial que aquí recaló en el Primavera Sound.

Siendo su debut un disco de culto, darle continuidad tenía sus riesgos, pero aun así, la formación original, con la incorporación del hermano de Mike Kinsella, Nate, al bajo, se animó la pasada primavera a entrar en el estudio, junto al productor Jason Cupp, para intentarlo. El pasillo que ilustra el álbum podría tomarse como una invitación a instalarse en la misma casa cuya ventana veíamos en la icónica portada de su debut. Y la sensación, una vez escuchado, es más o menos parecida. Las nueve canciones que nos ofrecen nos resultan inmediatamente familiares, pero algo ha cambiado, como sugiere Kinsella en el primer tema ‘Where Are

We Now? al cantar “Hemos estado aquí antes, pero no recuerdo que hubiera un cerrojo en la puerta”. La aportación de Nate con el bajo les da un empujón, acercándose al sonido que les escuchamos en directo; igual de delicado y elegante, pero un poco más robusto. Se aprecia especialmente en ‘Born To Lose’ y ‘Desire Gets In The Way’. Por lo demás, el álbum resulta una continuación totalmente natural de su primer disco con arpegios lánguidos, una voz reposada y el tono intimista. Por no faltar, no lo hace ni la aparición de la trompeta del batería Steve Lamos en la final ‘Everyone Is Dressed Up’. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... NATE KINSELLA ¿Cuando os reunisteis hace un par de años para tocar en directo, ya teníais en mente grabar un nuevo álbum o eso vino después? “Como sabrás, yo no toqué en el primer disco, pero me pidieron tocar con ellos en la gira de reunión. No había planes más allá de eso, pero después de un año de tocar en directo nos apetecía componer algo nuevo, porque podía llegar a ser aburrido tocar siempre las mismas canciones (risas)”. ¿Cómo de consciente era el resto del grupo del culto que se había creado desde que se separaron? “Creo que intuían algo porque cada año les llegaba un cheque de Polyvinyl, así que sabían que el disco se seguía vendiendo. Pero no creo que supieran del culto o la influencia que habían teni-

do. Fue una sorpresa”. ¿Te fue fácil integrarte para hacer el nuevo álbum? “El disco fue una colaboración entre todos. Para los demás también había pasado mucho tiempo desde que habían creado algo juntos, así que era casi como empezar un grupo nuevo para todos. Vivimos en ciudades distintas, así que abrimos una carpeta en Dropbox y cada uno empezamos a poner ideas para canciones. Luego nos juntamos e íbamos probando lo que sonaba mejor y lo íbamos guardando hasta tener el disco completo”. En el primer trabajo no había apenas bajo. ¿Cuál fue tu enfoque para incorporarlo al sonido del grupo? “Sí, en el primer disco creo que sólo hay bajo en dos temas, así que cuando me pidieron tocar con ellos, pensé que era

una broma (risas). Para mí era una de las cosas que los hacía únicos, así que no tenía muy claro qué hacer para no cambiar. Así que intenté tocar sólo determinadas notas que ya existían, pero no añadí nada. Pero para el nuevo disco cambié la perspectiva, aunque tampoco metí demasiadas notas porque tampoco es mi estilo. Sólo quería hacer algo con buen gusto”. ¿Crees que Mike está disfrutando de esta segunda etapa incluso más que de la primera? “Creo que sí, no sólo Mike, sino todos. Están felices de que la gente tenga ganas de escuchar su música. Mike no ha parado de hacer música desde que American Football lo dejaron, así que haber encontrado el éxito, ni que sea con un proyecto viejo, le satisface. Estoy feliz por él”. (MARC LÓPEZ) 79

DARKTHRONE Arctic Thunder (PEACEVILLE)

BLACK METAL, HEAVY METAL

ay que pasar de los medios. Bueno, de RockZone no porque lo petamos, pero en general, tanta saturación de noticias, premieres del streaming y tráilers del mega single inducen, precisamente, a la desinformación total. Que si Arctic Thunder era el retorno al crudo y gélido black metal de los primeros Darkthrone, que si era una obra maestra… Y al final nada de eso, ni por asomo, y sin que ello signifique que estemos ante un mal álbum. En el nuevo trabajo del dúo noruego más punk de la historia tenemos otra sacada de polla bastante importante, otro ‘vamos a hacer lo que nos salga de las bolas porque nos importa una mierda si compras o no nuestro disco’. Servidor, que ya se lo temía, corrió a por su vinilo para comprobar de primera mano qué coño

THE ANSWER Solas (NAPALM)

ROCK

uno empieza a escuchar el nuevo trabajo de The Answer y, en vez de encontrarse con su ya habitual hard rock, lo hace con el tema que da título a su sexto álbum de estudio, que se abre a fuego lento, más oscuro de lo que nos acostumbran y con un deje a Led Zeppelin, sí, pero a los más místicos y experimentales. Le sigue una ‘Beatiuful World’ que no se aleja demasiado de las intenciones anteriormente mostradas. Y es que, efectivamente, los irlandeses han optado por darle un muy necesario giro a su

habían parido esta vez, y sí, aquí encontramos cierto retorno al black en el riffing, la reiteración (‘Burial Bliss’) y sobre todo en las voces agrestes de Nocturno Culto, pero joder, ni de coña se puede decir que hayan abandonado esa vertiente ochentera y heavy metalera de sus últimos tiempos. Así, como en ‘Deep Lake Trespass’, estamos ante un híbrido de lo más cabrón. Que estos 39 minutos

empiecen con el acople que abre ‘Tundra Leech’ es una declaración de intenciones, aunque eso sí, sus posteriores desarrollos y temas como ‘Boreal Fiends’, ‘Inbred Vermin’ o ‘Arctic Thunder’ nos indican que Fenriz y su colega singuen más interesados en Barón Rojo y Accept que en Mayhem o su propia leyenda. Y es que nadie como Darkthrone para hacer de Darkthrone.

propuesta, a riesgo de quedarse estancados en una fórmula que, por otra parte, nunca se les había dado mal aunque tampoco les ha llevado hasta ese público potencial al que aspiraban en sus comienzos. Así pues, Solas se nos presenta como un disco arriesgado, que por momentos juega con la música tradicional de su tierra (‘Battle Cry’), se adentra en el folk y el blues (‘In This Land’, ‘Being Begotten’, ‘Demon Driven Man’), tontea con el AOR (‘Untrue Colour’) e incluso se atreve con la épica en ‘Thief Of Light’. Tan sólo ‘Left Me Standing’ y el dueto con

Fiona O’Kane en el medio tiempo ‘Real Life Dreamers’ rompen un poco con el tono del trabajo y nos recuerdan a los The Answer que todos conocíamos hasta ahora. Sin duda estamos ante una obra distinta y sobre todo valiente por su parte. Ahora quedará por comprobar si a su base de seguidores termina por convencerle este repentino cambio de rumbo o les darán la espalda. Por mi parte, y aunque no lo coloco ni de lejos entre lo mejor de su discografía, sólo por haberse atrevido a hacer algo distinto a estas alturas tienen mi aplauso y mi respeto.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

WOVENWAR Honor Is Dead (METAL BLADE)

METALCORE

ara Wovenwar fue muy difícil escapar de toda la controversia que rodeó a As I Lay Dying y Tim Lambesis, encarcelado por intento de asesinato. Fue igual de difícil escapar de su sonido en el disco debut, a pesar de contar con el vocalista de Oh, Sleeper, y es que, después de todo, se trata de los mismos músicos y los mismos gustos. Sea como sea, tampoco era un sonido 100% fiel a lo que hacían en As I Lay Dying, y tampoco lo es en Honor Is Dead. Si hay que decir algo en favor de la banda es que a pesar de jugar en un terreno con fórmulas demasiado trilladas, siempre

ofrecían un punto diferente que los hacía destacar del resto. Para su segundo ataque quieren quitarse de una vez por todas el estigma de ‘la banda formada por ex integrantes de’ y dejan de sonar a AILD para... sonar a todas las bandas de metalcore existentes. No lo hacen mal, simplemente que no hacen nada que no hagan ya otras 500 formaciones. ¿El resultado? Un disco que pasará sin pena ni gloria. Las líneas melódicas y limpias (algo en lo que intentan enfocarse bastante en este segundo álbum) son muy predecibles, y el cambio de la afinación de las guitarras se pone a la par de toda la hornada de metalcore que ha salido en los últimos cinco años. Canciones como ‘World On Fire’ o ‘130’ están tan llenas de clichés que hubiesen funcionado en 2005, pero ahora simplemente hacen sonrojar a quienes esperaban algo más de estos músicos. Si ganan nuevos fans con este lanzamiento serán personas que los tomen como una banda sin pasado. Si querían empezar de cero, lo han conseguido. JORGE FRETES

DARK TRANQUILLITY Atoma

(CENTURY MEDIA)

MELODIC DEATH METAL

staba entusiasmadísimo con este nuevo larga duración de Mikael Stanne y los suyos desde los avances que Century Media habían publicado como parte de la promoción; temas con algo de garra y unas melodías que presagiaban un disco muy emocional y lleno de contrastes, matices y dinámicas. Pero no ha sido así, o al menos no del todo. Lo que nos han traído los veteranos Dark Tranquillity en este undécimo trabajo es un disco que tiene algunas melodías vibrantes, algunas partes épicas y emocionales pero que sólo forman

una pequeña parte de un conjunto un poco soso y falto de esa magia que hace que se te erice el vello. Estaba realmente complacido con el giro musical a base de mid-tempos y atmósferas instrumentales que habían dado los de Göteborg con su anterior obra Construct, y este nuevo trabajo sigue un poco con la línea compositiva, pero con un enfoque menos oscuro y, sobre todo, sin ese punto intangible que hace que un álbum te emocione, te meta en el mundo que pretenden crear y te traslade fuera de tu mesa de oficina o donde sea que lo escuches. Eso es lo que busco en bandas tan melódicas y conceptuales como pretenden ser estos Dark Tranquillity del siglo XXI. Para mí, cada estilo musical, cada subgénero, tiene un propósito, y si no se cumple me decepciona, sobre todo si esa misma formación ha conseguido ese cometido con anterioridad. Entonces… ¿Es Atoma un disco malo? Para nada, simplemente no es realmente brillante, y de una banda con su legado y expediente sólo esperas lo mejor. ABEL VALDELVIRA

SUICIDAL TENDENCIES

World Gone Mad (SUICIDAL)

CROSSOVER THRASH

ado el golpe mediático que consiguieron Suicidal Tendencies al hacerse con Dave Lombardo para la batería, no es de extrañar que en World Gone Mad el primero que nos salude sea él en la graciosa ‘Clap Like Ozzy’. Como era de esperar, el ex Slayer apenas suda a la hora de cimentar los once temas que componen la nueva obra de los de Venice Beach, y es que incluso ‘The Struggle Is Real’ o el flow de ‘World Gone Mad!’ parecen un juego de niños si las comparamos con cualquier atropello de la banda que lo hizo célebre. Así, afortunadamente, Mike Muir y su inseparable guitarrista Dean Pleasants siguen fieles a todo lo que ha hecho de Suicidal Tendencies unos intocables del crossover. Poco importa que en este

KEVIN DEVINE Instigator

(BIG SCARY MONSTERS/PROCASTINATE MUSIC TRAITORS)

POP ROCK

asados tres años desde el lanzamiento de su anterior doble álbum Bubblegum/ Bulldozer, el incansable Devine demuestra cómo su inspiración para componer buenas canciones continúa in crecendo con este noveno trabajo. Para esta ocasión nos ofrece una versión más corta que aquel doble disco donde mostraba sus conocidas influencias de Nirvana o Elliot Smith. En los once cortes presume tanto de su faceta como líder de la Goddamn Band como de songwriter, mezclando melodías pegadizas con impecables letras que expresan sus

trabajo debuten también Jeff Pogan a la otra guitarra y el bajista Ra ‘Chile’ Diaz, porque la histórica identidad del combo sigue bien presente aquí. Al menos eso denotan canciones como la citada ‘Clap Like Ozzy’, una ‘The New Degeneration’ que sólo Muir podría firmar o una ‘Living For Life’ que, pese a su inicio raruno, acaba por patear tantos culos como esperamos. En este corte todos pegan fuerte, pero hay que reconocer que el que más brilla es Lombardo con

sus redobles y su poderoso doble bombo. ‘Get Your Fight On!’, ‘World Gone Mad!’, ‘Happy Never After’ o ‘One Finger Salute’ tienen calidad, pero las que más me han llamado la atención, y para bien, son las finales ‘Still Dying To Live’ y ‘This World’. Ahora creerán que se me ha ido la pinza, pero a mí sobre todo me han trasladado al grunge de la Seattle de los 90. Es precisamente esa rica musicalidad lo que aplaudo de este álbum.

pensamientos sobre diferentes temas, ya sea el 11-S en ‘No Why’ o el single ‘No History’, con historias de primera mano que hacen situarte 15 años atrás durante un momento; la brutalidad policial en 2015 con ‘Freddie Gray Blues’, un blues a su manera, y tal vez entre las mejores que haya escrito, con el que dirige una carta abierta al joven afroamericano fallecido en Baltimore desde su posición de ‘privilegio blanco’ y su larga tradición familiar de policías; sus problemas durante la mala vida en el facilón y efectivo ‘Daydrunk’; ‘Both Ways’ es el mundo a su manera entre una

distorsión voluntariamente descontrolada; ‘Guard Your Gates’ con unos coros muy acertados; o su nueva vida como padre y marido en ‘Magic Magnet’ (el tarareo para empezar cada estrofa es inevitable) o ‘Instigator’, con muy buena madera de hits; más pastelosas ‘Before You’re Here’, o ‘No One Says You Have To’. Terminando con ‘I Was Alive Back Then’, el de sangre irlandesa se despide, acústica en mano, tras un tema que fácilmente podría resumir este Instigator con el que, otra vez, Kevin Devine ha vuelto a cumplir su cometido.

PAU NAVARRA

ALEJANDRO LOZANO

USELESS ID

State Is Burning (FAT WRECK)

PUNK ROCK

l mundo de la música es bastante injusto. Ya puedes componer grandes canciones como ‘Borrowed Time’, ‘How To Dismantle An Atom Bomb’, ‘State Is Burning’ o ‘Detune’, que el público te recordará siempre como ‘la banda de Israel que tocaba punk rock’ y ya está. Sí, estamos hablando de ellos, de Useless ID, del grupo israelita que lleva más de veinte años en esto y que saca ahora su octavo LP, grabado en The Blasting Room por la pareja de moda, Bill Stevenson y Jason Livermore. El cuarteto de Haifa se ha exprimido para componer 15 nuevas

canciones que harán las delicias de los fans de Bad Religion, Lagwagon, NoFx o No Use For A Name. Según sus propias palabras, “el objetivo era escribir el mejor álbum de punk rock que pudiéramos”, y doy fe de que lo han conseguido. Como diría un buen amigo mío, State Is Burning es un disco simpático que contiene, entre otras, varias curiosidades: por ejemplo, ‘45 Seconds’ es un tema que dura exactamente eso, pero el siguiente ‘Without A Choice’ dura incluso menos. Y es que el álbum completo no llega ni a la media hora, pero si lo de que hablamos es de curiosidades no podemos obviar ‘We Don’t Want The Airwaves’; sí, lo habéis adivinado por el título, un homenaje de principio a fin a los Ramones, y no sólo en la música, sino también en la letra. Si tenéis la oportunidad, leedla porque Ishay Berger ha utilizado los títulos de los discos editados por el mítico cuarteto de Queens y muchas referencias musicales a la hora de construir el texto. JORDIAN FO

CROWBAR

The Serpent Only Lies (CENTURY MEDIA)

SLUDGE, METAL

n jodido discazo de principio a fin. No sabemos por dónde empezar a alabar este nuevo álbum de Crowbar, pero quizás lo que está más conseguido en The Serpent Only Lies es el sonido de las guitarras con unos Marshalls más crujientes que de costumbre. Kirk y Matt a las seis cuerdas se han desmarcado del sonido tradicional de las guitarras en los discos de sludge, y suena atronador (literalmente puedes escuchar los dedos moverse a través del puente). Todd Strange vuelve al bajo, haciendo que el sonido de las guitarras

suene más gordo aún. No tiene una labor demasiado destacable en cuanto a la composición, pero cumple su objetivo (hacer que las guitarras suenen mas demoledoras en lugar de acompañar a la percusión). Windstein había comentado anteriormente que en este nuevo álbum quería volver a las raíces de sus primeros lanzamientos, y lo consigue con esa mezcla de thrash y sludge que empieza por la estructura de las canciones (veloces, medio tempos, pero todas para hacer headbanging) y termina por las letras. Olvídate de las etiquetas, aquí Crowbar se dedican a pasárselo bien sea con el estilo que sea. Lo fundamental es que han decidido volver a hacer melodías y ganchos muy pegadizos para canciones que a priori estarían destinadas a picar piedras en los altares del metal, convirtiendo a Crowbar en una experiencia divertida una vez más. Les ha venido bien una mirada al pasado para saber qué los hizo tan jodidamente geniales en un principio. JORGE FRETES

TOTORRO

Come To Mexico (RECREATION CENTER)

POST ROCK

n ocasiones, la originalidad está sobrevalorada. Me explicaré. Cuando la banda te gusta mucho, ¿qué más da si te recuerda a otras formaciones que también te gustan? Me pasó con los franceses Totorro. Este cuarteto instrumental provocó en mi interior sentimientos encontrados la primera vez que escuché el presente Come To Mexico. Su post rock festivo me recordaba mucho, quizás demasiado, a mis admirados And So I Watch You From Afar del entretenido All Bright Futures, publicado en 2013. Según he comprobado, justo un año

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después, casualidad o no, estos Totorro abandonaban el post rock pesado y gritón de sus EPs previos y publicaban su primer largo instrumental, Home Alone. La influencia de los citados ASIWYA es innegable, más si cabe en el presente Come To Mexico, su segundo álbum. El parecido en la dupla inicial, las pirotécnicas ‘Brocolissimo’ y ‘Yaaaago’, es más que evidente. Dicho esto, como ya apuntaba, cuando la banda te pone las pilas, poco más puedes pedir. Y esto me sucede cada vez que me enchufo los once cortes incluidos aquí, un disco muy pensado –¡No hay dos estrofas iguales!– y ejecutado con una maestría fuera de toda duda. Los Totorro bordan los cambios de ritmo (en ‘Saveur Cheveux’ y ‘Beverly Pills’ hacen que parezca fácil lo difícil) y combinan como nadie partes cerebrales con otras de auténtico jolgorio instrumental (la parte final de ‘100% Repos’ y la frenética ‘Gérard Blast’). Son tan y tan buenos que incluso ASIWYFA podrían ser fans de ellos. LUIS BENAVIDES

MELVINS

Basses Loaded (IPECAC)

ROCK

espués de 33 años de carrera y 25 trabajos a sus espaldas, no seré yo quien juzgue la carrera de los Melvins. Pero si dejamos de lado su indudable legado histórico y nos limitamos a valorar lo que ofrecen actualmente, Basses Loaded no es de los mejores álbumes de su discografía. Tal vez haya influido la imposibilidad de encontrar a alguien fijo que se encargue de tocar el bajo, por mucho que puedan contar con las aportaciones de Steve McDonald o de Krist Novoselic (hasta seis músicos diferentes

aparecen en los créditos, de ahí el título del disco). Si lo mejor de este trabajo es la robustez de los riffs de guitarra, lo peor es que los de Washington se muestran irregulares, con tendencia a la dispersión. Ejemplos: ‘Shaving Cream’ es una broma de mal gusto, el punto jazzy de ‘Planet Distructo’ al principio está bien, pero después de 6 minutos acaba resultando excesivo y cansino, el cariz country de ‘Maybe I Am Amused’ está fuera de lugar, y acaban con una opereta circense bajo el título de ‘Take Me Out To The Ballgame’. Opino que Basses Loaded, más que un álbum de doce canciones, es una colección de ideas y bocetos que los Melvins deberían haber pulido mejor. Como curiosidad, Steve McDonald ha ayudado a versionar ‘I Want To Tell You’ de The Beatles, aunque quizá Buzz Osborne y Dale Crover harían bien en olvidarse de las revisiones de clásicos y deberían centrarse en fichar a un bajista para seguir componiendo mejores canciones. JORDIAN FO

ASPHYX

Incoming Death (CENTURY MEDIA)

DEATH DOOM

a pulsión death de Incoming Death no está nada mal, pero la doom arrasa. Si bien es cierto que un inicio tan directo y agresivo como el de ‘Candiru’ es un agradable puntapié, lo que más gozaremos de la nueva obra de Asphyx lo empezamos a encontrar en un medio tiempo como ‘Division Brandenburg’ y, sobre todo, en la empalmada ‘Wardroid’. Y recalco lo de ‘empalmada’ no sólo por el concepto técnico, porque cómo me la ha puesto este tema supera con creces el efecto de medio frasco de Viagra. El jefe de Martin van Drunen vocifera

en su salsa con esa garganta canina y estrangulada que siempre ha tenido, pero es que está pletórico en todo el álbum. No es ninguna novedad. Puede parecer que ‘The Feeder’ no aporta demasiado, pero sus cambios de ritmo vacilones y un desarrollo de doom épico le dan brillo. ‘It Came From The Skies’ sigue por la misma senda… ‘Bah, este riffaco ellos lo hacen con la punta’, pero cuando pisan el acelerador… La leche, otra canción para tener en cuenta. Eso sí, como ya anunciábamos, la lentorra, emocionante y tremebunda ‘The Grand Denial’ justifica la leyenda del combo holandés, y mientras pasamos por un rápido trallazo como el corte que titula esta obra y ‘Forerunners Of The Apocalypse’ nos da headbanging, ‘Subterra Incognita’ evidencia otra vez su señorío a la hora de facturar death doom. Debuta el batería Stefan ‘Husky’, pero hostias, es que este tipo ha pillado de maravilla el rollo primitivo de Bob Bagchus. Imposible un mejor final que ‘Death: The Only Immortal’. PAU NAVARRA

GODDAMN

More Human Than Us (NECROMANCE)

GROOVE METAL

ace tiempo que dejé de sorprenderme de que en este país surgieran propuestas con un sonido de calidad, un proyecto de banda con cara y ojos y un buen discurso musical. Esto, hoy por hoy, ya no es un hecho aislado y hay una muy buena cantidad de grupos que facturan trabajos profesionales. Goddamn forman parte de ese club de bandas nacionales que traen bajo el brazo argumentos para generar interés, y lo demuestran con este sólido debut. El quinteto nos presenta un trabajo con todos los elementos presentes en el metal moderno con

algún toque deathcore que le aporta una pizca de brutalidad. La producción le da un sonido claro, limpio y un tanto artificial. Si bien es un sonido explosivo que da un efecto deslumbrante al principio, a través de las escuchas pierde ese fuelle y deja entrever las carencias de este álbum. El sonido se me antoja genérico y robótico, especialmente en las baterías, y las composiciones en ocasiones acompañan a esa sensación de haberlo escuchado antes. Hay algunos riffs que me recuerdan demasiado a otras bandas, estructuras demasiado predecibles y recursos compositivos de los que se abusa. Que nadie se confunda, no es para nada un mal disco. En él hay melodías y ritmos que te harán mover la cabeza, temas bien estructurados que funcionarán muy bien en directo y una producción que, pese a ser común, te dejará disfrutar de todo ello, pero le falta esa personalidad que seguro encontrarán en siguientes entregas, porque calidad no les falta a los jerezanos. ABEL VALDELVIRA

VIOLENT EVE HAS DE SABER...

FORMACIÓN: J Jurado (voz), Diego López (guitarra), Krono

(guitarra), Nacho CRD (bajo), Álvaro Rodríguez (batería) PRODUCIDO POR: Alex Cappa

AFINES A: Gojira, Whitechapel, Meshuggah

PÁGINA WEB: www.facebook.com/violenteve

A Great Day (BLOOD FIRE DEATH)

DEATH METAL, GROOVE METAL

i alguna cosa no han tenido los madrileños Violent Eve desde que se fundaron en 2009 ha sido, ciertamente, estabilidad. Cambios de formación continuos y problemas con su anterior discográfica han hecho que su trayectoria fuera poco menos que caótica e irregular. Pero eso, lejos de desanimarles o hacerles tirar la toalla, definitivamente ha producido justamente el efecto contrario. Y este A Great Day, su tercer disco de estudio, es, sin duda alguna, la confirmación de todo esto. Repitiendo otra vez producción y grabación con Alex Cappa en The Metal Factory, han conseguido darle la mis-

ma consistencia que su última entrega, pero llevándolo un paso más allá. Y menudo paso, amigos. Arrancando con una declaración de principios que va directa al estómago como ‘Nihil’ (donde se aprecia la influencia de Meshuggah) y continuando con ‘Harmony’, que sigue la misma onda pero nos regala guitarras y ritmos sincopados más parecidos a Gojira, el disco avanza sin pausa pero sin freno sobre la premisa básica de no dar tregua en ningún momento. El único instante de relativa tranquilidad nos lo proporciona la hipnótica ‘Guiding Lights’, que supone un nuevo camino que veremos si son capaces

de seguir explorando en el futuro, porque realmente suena fantástica. Pero eso es sólo un espejismo, ya que trallazos como ‘Do Or Die’, donde cabe destacar el trabajo de J en las voces, o ‘One Enemy’, corte cercano al math o al metal más moderno, son los que realmente definen el espíritu de este trabajo. Y ese espíritu claramente indica que Violent Eve tienen por delante un futuro realmente prometedor si todo lo que les ha pasado no sólo no les ha desanimado, sino que les ha empujado a parir su obra más brillante y sobresaliente. Grandes días les esperan, sin duda. KARLES SASTRE

HABLAMOS CON... DIEGO LÓPEZ ¿Qué supone A Great Day en vuestra evolución musical? “Para nosotros significa haber encontrado al 100% lo que queremos hacer, con total libertad y totalmente satisfechos con nuestro trabajo. Hemos aprendido a mirar todos en la misma dirección, algo que creemos vital en una banda y de lo que deberíamos habernos dado cuenta antes. Si te gusta la música no puedes parar de evolucionar. El siguiente trabajo que hagamos se podrá parecer a éste o no”. En vuestros temas aparecen influencias de estilos muy distintos dentro del metal. ¿No os gusta casaros con ninguno? “Sencillamente no, no nos gusta, para nosotros no tiene sentido cerrar las miras y coartar la libertad musical, eso es como cortarte las alas a ti mismo. Si haces deathcore debes llevar dilatas,

muchos tatuajes, el corte de pelo del momento y hacer la misma canción diez veces en tu disco; si haces thrash lo mismo con un chaleco de parches y elásticos… y no. Algunos nos dicen que bebemos de muchos estilos, otros que no hemos encontrado nuestro camino por el mismo motivo aunque coinciden en que el álbum, a pesar de eso, suena muy homogéneo, y ése es nuestro camino, ése es nuestro logro y lo que queremos. No vamos a seguir un estilo concreto ni una moda nunca, nos perjudique o no. Hacemos lo que somos y así será hasta que dure la banda”. Habéis vuelto a trabajar con Alex Cappa como productor. ¿Qué os aporta? “Nos aporta todo lo que necesitamos en la parte técnica en cuanto a sonido se refiere, nos proporciona un ambiente de trabajo distendido y divertido a la

vez que profesional y serio. Hace que nuestra música suene como queremos, nos pilla cerca y nos lo podemos permitir económicamente”. En el videoclip de ‘Harmony’ contáis con el actor Víctor Sevilla. ¿Es colega vuestro? “Le conocimos unos días antes de rodar el videoclip en una fiesta, salió la conversación de que íbamos a rodar uno y, sin esperarlo ni solicitarlo, se ofreció a protagonizarlo de manera gratuita. Sin salir de nuestro asombro aceptamos y tuvimos un actor profesional trabajando en nuestro videoclip, haciéndolo como ninguno de nosotros o nuestros colegas hubiera podido hacerlo. Así que muy agradecidos hacia él. Respondiendo a la pregunta, no, no era nuestro colega antes de rodar el videoclip… ahora sí lo es”. (DAVID GARCELL) 89

BELLAKO Extinction (AUTOEDITADO)

HARDCORE, CROSSOVER

ras la polvareda que Bellako han levantado con su tour junto a Crisix tocaba reafirmar su dominio estatal sobre el hardcore con un álbum que por fin les posicionara donde se merecen. En mi opinión, los de Mataró lo han conseguido a medias. ‘El Nieto’ empieza como un cañón, está claro, aunque no acabo de entender por qué la batería está tan depurada en un disco suyo, y por su parte, el tonelaje de ‘Manos Arriba’ te sienta de maravilla. ‘En Nombre De La Muerte’ también golpea duro y a la mandíbula, es uno de los momentazos de este trabajo. Seguro que ‘Planta Madre’ con Sagan

de UMMO y DJ Bezpalov les ha hecho mover el cucu a la generación YouTube, y sí, viva la coña, pero la verdad es que ante algo así la vieja guardia sólo puede esbozar una mueca de desaprobación. ‘Humo’ es concisa y destructiva, objetivo 100% cumplido, como en ‘Posesión / Obsesión’, pero en ‘Has Venido’ nos los encontramos dirigiendo su rabia hacia el crossover, donde yo no los disfruto tanto. ‘Extinction’ es tralla de la buena, aunque a ‘420’ no le encuentro el sentido. ¿Para qué ese interludio, hacia dónde nos lleva? La única función de Bellako debería ser hacernos papilla, nada tendría que desviarles de ese cometido. Si no fuera porque en ‘THC’ Juli de Crisix y Adri de Crim aportan sus gargantas, lo cierto es que la canción no llamaría mucho la atención. Suerte que ‘La Ciudad’ sube el listón justo al final, porque si en apenas 26 minutitos hay tres o cuatro cortes que no te dicen demasiado, cuidadito. Sinceramente, para mí Bellako, cuanto más cerca del hardcore puro, mucho mejor. PAU NAVARRA

PELANDER Time

(NUCLEAR BLAST)

FOLK, ROCK

l nombre de Magnus Pelander debería de haber sido uno de los más destacados de este 2016 y, sin embargo, me da la sensación de que ha pasado prácticamente inadvertido para la gran mayoría. Y básicamente eso se debe porque al señor no le ha dado la real gana el promocionar una obra maestra del nivelazo de Nucleus como es debido, renunciando incluso a ofrecer conciertos sin dar ningún tipo de explicación. Misma suerte parece que correrá este Time, primer disco en solitario del genio detrás de Witchcraft, y que por

otro lado no hace más que confirmar su espléndido estado de forma. Este álbum vendría a complementar a Nucleus, siendo la otra cara de la moneda, pero conservando toda la magia y misticismo que guarda la obra del sueco. Si el quinto trabajo de Witchcraft nos llevaba de la mano por los infiernos a ritmo de doom metal, Time se encarga de recuperar los pasajes acústicos que caracterizaban sobre todo sus primeros discos, con esa ambientación que nos hace pensar en oscuras historias de hechizos, dragones y caballeros armados con espadas. No cuesta mucho pensar en todo ello escuchando piezas como ‘Umbrella’, ‘The Irony Of Man’ o la propia ‘Time’, en las que Pelander se basta y se sobra con su guitarra acústica para llenar de fantasía sus canciones. En momentos puntuales se ayuda de arreglos de cuerdas, pianos, alguna eléctrica o coros femeninos que enriquecen el resultado aun manteniendo ese toque austero a la par que cálido. Nadie debería pasarlo por alto. GONZALO PUEBLA

MORTSUBITE Deimos

(COMPAÑEROS DE TUMBA)

DEATHCORE

ercer trabajo de los burgaleses, tercer asalto que supone un salto cualitativo notable en materia de producción, consiguiendo una aleación entre los instrumentos y sus dos vocalistas mucho más compacta y cremosa que en su anterior disco Black Nécora. MortSubite invocan al dios griego del terror a base de deathcore con guiños al groove americano y detalles melódicos que aportan algo de frescura a unas composiciones que, en general, pecan de planas y poco dinámicas. En ocasiones da la sensación de que el combo nacional

quiere escapar de la senda del deathcore más convencional y tópico, pero que no acaba de conseguir este propósito con autoridad. Si bien la propuesta en este nuevo álbum se nota mucho más madura y elaborada que en sus anteriores trabajos, todavía no han dado ese paso para encontrar su propio sonido e identidad y eso lastra la experiencia del oyente que, a veces, tiene la sensación de haber oído ese riff, ese puente o ese cambio de ritmo en algún otro lugar. Si bien hay excepciones dentro del álbum que dejan entrever que la formación camina por la senda correcta que les hará crecer, como es el caso de la canción homónima que cierra el álbum, creo que la banda necesita otro trabajo para acabar explotando y desarrollando esas facetas y lograr convencernos de que no es otra banda más dentro de su género. De la misma forma, eso sí hay que decirlo: si disfrutas con el aplastamiento y los medio tiempos en plan tanque, desde luego lo vas a pasar bien con MortSubite. ABEL VALDELVIRA

WARDRUNA

Runaljod – Ragnarok (INDIE RECORDINGS)

FOLK, AMBIENT

on más atención mediática que nunca e incluso un tour europeo en marcha, el ilustrísimo Einar Selvik nos brinda ahora Runaljod – Ragnarok, su tercera obra dedicada a las runas escandinavas. Sin duda, su participación en la serie Vikings les ha dado un nuevo público, mucho más mayoritario, aunque espiritualmente los black metaleros siempre lo sentiremos como algo muy nuestro. Esta vez sin Gaahl, el noruego intenta aportar un trabajo de contrastes, donde la destrucción de todo es también un nuevo comienzo. Eso sí, aquí oscuridad y luz

no acaban de equilibrarse, quizá hay demasiada de la segunda, aunque seguimos abstrayéndonos en otro álbum netamente folk y ambient como sólo Wardruna pueden publicar, un retorno a un pasado que algunos se resisten a dejar atrás, invocando viejos poderes con instrumentos que el mismo Selvik ha llegado a reproducir en caso de ya no existir. Si el ritual de ‘Tyr’ no llega a enamorar, luego ‘UruR’ despliega ya toda la grandeza de Wardruna. Cuesta reprimir las lágrimas ante ‘Isa’, un monumento que pone en evidencia la riqueza de recursos, sobre todo vocales, con los que cuentan ahora. ‘MannaR – Drivande’ y su réplica ‘MannaR – Liv’ no me han acabado de convencer, sobre todo la segunda ya está en esa frontera con el new age para sexagenarios, y lo mismo me ocurre con ‘Wunjo’. No peques de asequible, Einar, porque en cambio en ‘Odal’ ese coro infantil, que seguro significa el renacer de la vida, sí queda sensacional. Pese a todo, seguimos estando ante un genio. PAU NAVARRA 91

KISS

Kiss Rocks Vegas (UNIVERSAL)

ROCK

ómo se supone que le tenemos que decir a un grupo que mejor lo deje ya? ¿Está la opinión de un fan de siempre lo suficientemente autorizada como para pedir el retiro? ¿No es lícito que uno haga con su vida o carrera lo que quiera? ¿Cómo vas a parar si todavía eres una máquina de facturar dinero aunque tus tres generaciones siguientes no se vayan a gastar lo que ya has ganado? Preguntas todas éstas que encajan al abordar lo que son Kiss en el año 2016. Sus fans –la mayoría- de toda la vida no pueden aguantar el circo en el que se ha convertido la formación desde hace

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tiempo y no encuentran adjetivos suficientes para mostrar el odio que profesan por Tommy Thayer y, en menor medida, Eric Singer, y lo poco que sienten la banda Stanley y Simmons. En algunos momentos de Kiss Rocks Vegas cuesta no darles la razón –hay algunas interpretaciones que sencillamente son indignas de ellos-, pero Kiss siempre han sido algo más que una banda de rock y ahí es donde sabes que, hagan lo que hagan, el tinglado está a prueba de bomba y siempre generará un mínimo entretenimiento garantizado. Viéndolos actuar ves que a cualquiera de los cuatro le gustaría estar en otro lugar, pero cuando eres capaz de aguantar el DVD de un tirón o cómo los niños les ven esa magia, aun con esta versión edulcorada, que tú les veías cuando eras como ellos, es que todavía algo queda ahí. Son Kiss, y eso en sí ya es toda una declaración de principios. El gran timo del rock’n’roll, y entiéndase en el mejor de los sentidos. RICHARD ROYUELA

CLOSE TO THE SKY The Distant View (AUTOEDITADO)

METALCORE, DJENT

o creo que haya nada peor en el mundo musical que, cuando acabes de escuchar un álbum por primera vez, tengas la sensación de que no necesitabas escucharlo completo, ni tan sólo un 50%, para hacer la crítica. Los jovencísimos madrileños Close To The Sky nos proponen en su disco debut un álbum de metalcore moderno, ése que juguetea con sonoridades djent y progresivas en las que se adhieren tintes electrónicos, de lo más estándar y falto de personalidad. Cada riff, cada melodía vocal, cada

breakdown, ya han sido oídos en otras formaciones del estilo. Es difícil innovar en la música, pero estos chicos no se han esforzado ni lo más mínimo en tener personalidad. Dicho esto, el disco suena como un trallazo en toda la cara, con un sonido nítido y cuidado en una producción que no tiene nada que envidiar a bandas con muchísimos más medios y presupuesto, y eso, junto a su corta edad, juega mucho a su favor. Es de esos casos que dan rabia al encontrarse una gran calidad de ejecución y capacidad para autoproducirse de una manera tan satisfactoria al servicio de una burda copia a combos ya establecidos. Ojalá se dé cuenta este quinteto que copiar a los grupos que te gustan no te va a realizar como formación y en una próxima entrega nos den composiciones más frescas e impredecibles, porque seré el primero que me baje los pantalones para aplaudirles bien fuerte. Close To The Sky tienen calidad a raudales, lo que necesitan son ideas propias. ABEL VALDELVIRA

CRUZ

Culto Abismal (VARIOS SELLOS)

DEATH METAL

ruz tienen las cosas claras y se están moviendo bien. Ni corto ni perezoso, nada más publicar su debut Culto Abismal ya se largaron por Europa en una gira de lo más punki, y no precisamente corta. Sellos tampoco les faltan, pues cuentan incluso con el apoyo de los polacos Selfmadegod para el formato CD, así que si te estás preguntando si realmente valen la pena… ¡Aaarggh! Si lo tuyo es el death metal de Estocolmo de toda la vida, hijo mío, has triunfado. En ‘Mundos Disformes’ ya dan buena muestra de su soltura por estas latitudes, pero

siguiéndola ‘La Caza’, estos catalanes ya te dejan muy claro que aquí no habrá tregua alguna. ‘A Cops De Destral’, ‘La Pitjor De Les Plagues’ o la estampida de ‘Intruso’ son riffs suecos a destajo, y con una sonoridad profunda y muy noventera, parece que se hayan largado a una mazmorra atestada de ratas para grabar este trabajo junto a Javi Félez, para que luego remate la faena un mastering en los Audiosiege de Pórtland. Disfruta de este ‘tupatupa’ que apenas cesa, del grumo que estas canciones rezuman, esnifa su aroma crustie, no seas tonto… Con un terrorífico Javi a las voces, ‘Tumbas Ciclópeas’ y la cabrona de ‘Pesanta’ elevan el nivel de esta obra, y de qué manera. En serio, si estos dos cortes no consiguen hacerle estallar la cabeza a cualquier obseso de Grave, Entombed, God Macabre o Carnage, os juro que me corto por fin las manos y dejo de soltar mierda en esta revista. Gente, no nos engañemos: dar a los metalheads lo que quieren nunca falla. PAU NAVARRA

TANO! Tano!

(VARIOS SELLOS)

PUNK

l boom de los dúos formados por un guitarra y un batería comenzó hace tiempo, mucho tiempo. Nos podríamos remontar al debut homónimo de los The White Stripes, publicado en 1999. La pareja más rojiblanca del indie rock quizás no fueron pioneros de nada, pero encarnan al power duo más popular o célebre. A partir de aquí empezaron a surgir más y más defensores del formato como No Age, Two Gallants o Japandroids, y Tano! son los últimos en subirse al carro, cada vez más abarrotado, y también son una auténtica apisonadora de dos piezas,

y menudas piezas. Por un lado, Oskar Garcia, guitarra y cantante, de Hürricade, una de las mejores bandas de post hardcore que ha parido Catalunya en los últimos diez años. Por otro, Víctor Álvarez, una bestia a la batería, aunque ahora sea más conocido por sus labores como cantante y bajista de Anchord. La primera referencia de Tano!, grabada en riguroso directo por Santi Garcia en Cal Pau Recordings, contiene diez escupitajos de punk afilado y retorcido con toques experimentales, muy hipnóticos, berreos en catalán, con unos títulos impagables que evocan violencia cinematográfica (‘Quentin Tarantino’ y ‘Takeshi Kitano’), ocultismo (‘La Torre De Les Bruixes’, ‘L’Ànima En Pena’) y cachondeo (‘Jano Montano’), entre otras muchas cosas. Saltamarges, hogar de Anchord y Hürricade, coedita esta primera referencia con regusto fugaziano con otros dos sellos DIY como La Agonía De Vivir y Krims Kramz. Imprescindible. LUIS BENAVIDES 93

CRIM

UNA

CANCIÓN Y UNA

PROMESA POCOS DISCOS DE PUNK ROCK MEJORES QUE BLAU SANG, VERMELL CEL VAN A APARECER ESTE AÑO. SUS CANCIONES INCITAN A LEVANTAR LA VOZ Y LOS PUÑOS AL MISMO TIEMPO QUE APELAN A TU INTELIGENCIA. SI TODAVÍA NO CONOCES A CRIM, YA HA LLEGADO EL MOMENTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L CONTRARIO DE LO QUE OCURRE con el rock euskaldun, los aficionados catalanes siempre nos hemos sentido un poco huérfanos con los grupos que cantaban en nuestra lengua. La explosión del llamado rock català en los 80, que culminó con ese concierto en el Palau Sant Jordi con Sopa De Cabra, Els Pets, Sau i Sangtraït en 1991, pudo tener su importancia a nivel sociológico, pero musicalmente dejaba bastante que desear. Por suerte, en los últimos años, la situación ha empezado a mejorar significativamente y a nivel underground han surgido grupos que sirven

de contrapeso para la corriente más mainstream y pop que representan bandas como Manel o Els Amics De Les Arts. No hay duda de que los tarraconenses Crim son la punta de lanza de esta nueva escena, básicamente centrada en el punk rock y el hardcore, que no condiciona su discurso musical al idiomático. Su debut homónimo en 2014, con himnos tan potentes como ‘Castells De Sorra’, ‘Desperta’ o ‘Tarragona Dorm’, enganchó a fans de Social Distortion, Rancid o Cock Sparrer, pero, más importante si cabe, a muchos adolescentes que lucen con orgullo sus camisetas y cantan sus estribillos como si

no hubiera mañana. Dos años después y tras haber compartido escenario con Bad Religion, Negative Approach o The Last Resort, Adrià Bertran (voz, guitarra), Quim Mas (guitarra), Javi Dorado (bajo) y Marc Anguela (batería) vuelven con su segundo álbum Blau Sang, Vermell Cel (Tesla/BCore), con el que revalidan su gran estado de forma. La voz rota de Adri sigue sonando como un baño de escupitajos llenos de realidad, los riffs de guitarra te inyectan energía y esos coros hooliganeros te atrapan por completo. Marc y Quim, también miembros de los muy recomendables The Gundown, se acercaron a nuestra redacción unos días antes de la salida de su nuevo álbum para contarnos algunos detalles de su creación y cómo están viviendo el fenómeno que han generado. A nivel musical diría que Blau Sang, Vermell Cel es un disco continuista, pero quizá más cuidado. ¿Estáis de acuerdo? MARC ANGUELA “Nuestra intención era seguir la misma línea, pero hacerlo mejor, con los temas más trabajados, con más recursos”. QUIM MAS “No hemos ido a buscar un cambio de sonido. Los temas los hemos hecho con el mismo procedimiento de siempre”. Suele decirse que tienes toda la vida para componer tu primer disco, pero sólo un año para hacer el segundo. ¿Habéis sentido esa presión? QUIM “Con el primero, desde que empezamos Crim hasta que grabamos el disco, pasaron tres años. Hay

“YO CREO QUE HACEMOS LO QUE HACÍAN THE CLASH. TODO EL MUNDO SABÍA DE QUÉ PIE CALZABAN, PERO NO TENÍAN NECESIDAD DE HACER UN PANFLETO” QUIM MAS

temas muy antiguos, de las demos que Adri grababa él solo, algunos en los que yo todavía no estaba, otros en los que ya estaba, y lo metimos todo. En este caso, todo se compuso ya pensando en que iba a ser para el nuevo álbum”. MARC “Pero la manera de hacer los temas fue exactamente igual. Incluso pensábamos en qué posición ocuparían en el disco. Luego siempre hay canciones que quedan mejor y otras peor, pero la idea era hacer muchos temas. Al final hicimos 13 con la idea de dejar doce, pero no pudimos quitar ninguno. 13 es un número

de mierda, pero bueno (risas)”. ¿Os sorprendió la repercusión de vuestro primer trabajo? Porque prácticamente no existíais antes. QUIM “Sí, éramos un grupo maquetero. Nos sorprendió mucho. Cuando salió la demo ya nos sorprendió que llegara a gente más allá de Tarragona y Barcelona, pero con el disco no esperábamos más que lo compraran los colegas de siempre y diéramos los mismos conciertos de siempre. Pero de golpe vimos que a la gente le gustaba. Nos pasó algo

que nunca nos había pasado antes: normalmente en los conciertos ves a la misma gente y conoces a los que llevan tus camisetas, pero ahora ya no. Ahora ves a gente con camisetas de Crim o cantando tus temas que no conoces de nada”. MARC “El otro día mi prima me envió una foto de dos chavales de 16 años de su clase con camisetas de Crim. O un colega nos dijo que en el Resurrection había más camis de Crim que de S.A. (risas)”. Habréis vendido más camisetas que discos.

MARC “Sí, muchas más. Sólo modelo de la soga igual hemos vendido 500, pero tenemos muchos modelos. Y tenemos que hacer más (risas)”. ¿Tenéis alguna idea del porqué de este auge? QUIM “Mi teoría es que encontrar un grupo que cantara en catalán haciendo punk rock o música cañera, que no tuviera un contenido súper político y que tuviera estribillos coreables, era casi imposible. Nosotros hemos tenido grupos durante muchos años y nunca nos habíamos planteado hacer un grupo en cata-

lán, aunque lo hablemos entre nosotros, porque lo asociábamos a hacer letras que fueran un panfleto o esa puta mierda de la segunda Nova Cançó Catalana o como lo que quieras llamar”. MARC “Adri y yo venimos del hardcore y Quim y Javi vienen más del oi! y del street punk, pero nunca nos hemos querido posicionar políticamente. Las letras podrían ser de un grupo de hardcore, hablan de experiencias, de la escena, de amores y desamores y de injusticias sociales. Al principio el grupo éramos los tres compañeros de piso, Adri, Javi y yo, Quim vino después de la primera maqueta. Estaba muy bien ser tres, pero vimos que si le metíamos la guitarra de Quim iba a ser la hostia. Los primeros tres temas eran en inglés, pero un día iba conduciendo y sonó un grupo en catalán y pensé ‘¿Y por qué no probarlo?’. Lo hablamos y decidimos intentarlo. De hecho, Javi es castellanohablante, pero también él dijo que sí”. QUIM “Yo creo que ha sido una casualidad”. MARC “Al final cantar en tu lengua es más fácil. Es más fácil hacer la letra, es más fácil transmitir y no te tienes que preocupar tanto por afinar porque sale de manera más natural. Si quieres transmitir sentimientos cantando en inglés, no es tan sencillo”. Aunque rechacéis esa etiqueta política, quizá mucha gente que os sigue os la atribuye por el simple hecho de cantar en vuestra lengua. MARC “La quieren ver. Nosotros tenemos nuestras ideas, pero nunca se nos ha pasado por la cabeza ha-

cer un grupo político. Mi infancia musical empezó con NoFx o Pennywise, que hablan de injusticias, pero no de política. Si me tengo que mojar e ir a una manifestación, lo haré, pero a nivel personal, no de grupo. No somos abanderados de nada”. QUIM “Yo creo que hacemos lo que hacían The Clash. Todo el mundo sabía de qué pie calzaban, pero no tenían necesidad de hacer un panfleto”. MARC “Los temas hablan por sí solos, no hay que buscar más. Yo creo que algunas letras de Adri son más de izquierdas simplemente escupiendo mierda sobre el sistema que las de grupos que explícitamente son antifascistas” QUIM “Hay una letra del nuevo disco, la de ‘No Hi Serem’, que habla de todo esto. Va por la gente que tiene dificultades para entendernos”. Para mí quizá la gracia es que el idioma no presupone que vuestras influencias sean de grupos que canten en catalán, sino que vienen de Social Distortion, Cock Sparrer o Hot Water Music. QUIM “Ésa era la idea del grupo, y quizá es la clave para haber llegado a más gente. Con muchos grupos en castellano pasa un poco lo mismo, parece que todo venga de Rosendo. Pero Crim ha salido en un momento en el que hay otros grupos como The Anti-Patiks o Col·lapse que hacen rollo californiano o hardcore de Washington en catalán, cuando siempre se había hecho en inglés. También están Els Dröpools que

hacen street punk. Parece que se ha perdido el miedo a hacer la música que te gusta en tu lengua. Yo me alegro mucho”. MARC “Es que el rock català hizo mucho daño porque parecía que tenías que sonar a Sopa De Cabra, Sau o Els Pets. También es cierto que decir tacos en catalán y que suene bien no es fácil (risas). Pero Adri lo consigue”. Cuando os he visto en con-

cierto impresiona ver cómo la gente se sabe las letras enteras. Casi parece que en el nuevo álbum los estribillos estén pensados para que la gente los cante. MARC “Sí, tal cual (risas). Creo que Adri siempre intenta que cada canción sea un himno. Se pone el listón muy alto”. QUIM “Yo creo que si nos va mejor que con grupos anteriores es porque la gente se puede aprender las letras.

“AHORA VES A GENTE CON CAMISETAS DE CRIM O CANTANDO TUS TEMAS QUE NO CONOCES DE NADA” QUIM MAS

En inglés es más difícil. Esto entra fácil, es gaseosa. Si escuchas el disco cinco o seis veces, ya te las sabes”. Pero también es porque no tenéis miedo de hacer melodías, ¿no? MARC “Básicamente viene por las influencias del oi! y el punk inglés”. QUIM “Al final es lo que pone las pilas a la gente. A mí me encanta”. Y los propios coros a cuatro

voces ya animan a cantar. QUIM “Sí, es la fórmula. No es que lo pensemos matemáticamente, pero es lo que nos sale. No me entra en la cabeza que sólo cante uno (risas)”. El hecho de sacar el disco con BCore supone pasar a otro nivel. ¿Han crecido vuestras expectativas? QUIM “Nosotros siempre hemos estado muy empeñados en hacerlo

todo nosotros. Nos ofrecían ayuda y decíamos que no (risas). Nos hacemos los diseños, las camisetas, nos grabamos e hicimos un sello para poder editarnos. Pero llegamos a un punto en el que era difícil seguir así. Uno de los aspectos claves es la distribución que BCore tiene. Nos lo tuvimos que pensar. Podíamos haber seguido igual, pero veíamos todo el trabajo que nos venía encima y decidimos adaptarnos a la nueva situación del grupo. Todavía nos estamos adaptando (risas). Pero el álbum sale compartido con nuestro sello Tesla porque no podemos desprendernos del todo”. MARC “Hasta ahora el grupo siempre ha sido autosuficiente. Si ganábamos 200 euros en un concierto, lo invertíamos en hacer camisetas y con lo que sacábamos de ahí, podíamos comprar unos micros, y así. Nunca hemos tenido que poner dinero del bolsillo. Crim lo paga todo, aunque nosotros no tenemos ni un duro (risas). Para nosotros irnos a grabar una semana con Santi (Garcia) es como irnos de vacaciones pagando Crim (risas)”. ¿Y qué pasa con The Gundown, vuestra otra banda? MARC “Gundown está parado porque Crim está muy activo, pero queremos grabar. Estamos haciendo temas para grabar el año que viene. Los otros miembros tienen que resignarse porque nosotros no tenemos tanto tiempo”.

DARK TRANQUILLITY

EL DAÑO ESTÁ HECHO

PRECURSORES DEL CONOCIDO COMO ‘SONIDO GÖTEBORG’, DARK TRANQUILLITY ESTÁN DE VUELTA CON SU NUEVO ÁLBUM ATOMA. UN POTENTE TRABAJO QUE DEMUESTRA QUE LOS SUECOS NO ESTÁN DISPUESTOS A VIVIR DE RENTAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ACE DOS AÑOS,

Dark Tranquillity cumplían sus bodas de plata como grupo. Una prueba de que, si bien nunca alcanzaron la popularidad de coetáneos suyos como In Flames o la reputación de At The Gates, la calidad de su death melódico ha conseguido suficientes adeptos para proporcionarles una carrera duradera. Pero mientras otras bandas con trayectorias parecidas empiezan a intentar vivir de la nostalgia, el grupo, que en la actualidad forman Mikael Stanne (voz), Niklas Sundin (guitarra), Anders Iwers (bajo), Martin Brändström (teclado) y Anders Jivarp (batería), todavía siente el impulso creativo para hacer nueva música. Atoma (Century Media), su undécimo álbum, fue grabado en el estudio de Brändström con el fin de trabajar a su ritmo, sin ningún tipo de presión añadida a la que ellos mismos se imponen. Y es que, por lo que nos cuenta su vocalista, incluso los grupos veteranos sufren de insomnio ante el reto de componer nuevas canciones que condensen agresividad, poesía y su voluntad de experimentar. En una banda con una carrera tan larga como la vuestra, ¿cuál es la mayor motivación a la hora de empezar un nuevo álbum? MIKAEL STANNE “Diría que la principal es ‘¿Podemos hacerlo? ¿Podemos hacer otro disco que nos satisfa-

ga?’. Al final se trata de intentar hacer algo mejor, expandir nuestro sonido y al mismo tiempo, conservar lo que ya nos gusta de él; encontrar nuevas maneras de hacerlo, encontrar melodías más potentes que tengan un mayor impacto. Es un gran desafío y no es fácil de conseguir. No hemos descubierto todavía el secreto para hacer nueva música. Es algo que nos sigue preocupando. Nos preocupa mucho (risas). Seguimos pasando noches en vela pensando en cómo mejorar las canciones. Y lo odio (risas). Porque cuando llevas 200 tomas de una canción porque quieres que sea perfecta, acabas odiándola (risas). Lo más importante es hacer algo nuevo que te llene tanto como lo que hiciste hace diez o quince años atrás. Quieres volver a sentir esa chispa creativa que te haga feliz. A nivel personal, una de las cosas que más llena es el trabajo en equipo. Igual presentas un tema y acaba siendo algo totalmente distinto gracias a las aportaciones de cada uno. Ir construyendo a partir de una idea simple y acabar con algo enorme. Eso me gusta mucho. Y también ver cómo hemos progresado. Hace veinte años estábamos en el garaje de mis padres y ahora estamos en un estudio con el mejor equipo del mundo. Es algo que valoramos mucho”. Por lo que dices, la motivación es mejorar lo que habéis hecho, pero ¿sientes que todavía tenéis algo que demostrar al

mundo exterior? “No lo creo. Tiene que ver con nosotros mismos. Obviamente sientes algo de presión porque éste es nuestro undécimo disco y tienes que demostrar que sigues siendo relevante y que tienes algo que ofrecer. Sería bastante fácil juntar cuatro riffs y pegar cuatro gritos, pero el listón que nos hemos puesto es mucho más alto que eso. Creo que nuestras expectativas son mucho más altas de las que pueda tener la gente de fuera”. Deberías estar feliz, porque el álbum transmite esa exigencia e ilusión. “Muchas gracias. Creo que eso es muy importante, que puedas sentir esa emoción porque le hemos puesto todo nuestro corazón. Si te hace sentir algo me hace muy feliz porque no es fácil. Hoy en día las grabaciones se hacen en un entorno muy estéril y no es sencillo conseguir esa energía que podamos tener en directo”. Y ya no sólo en la grabación, sino en la propia composición. Cada vez más los grupos trabajan enviándose archivos por internet y a veces se echa de menos ese sentimiento de estar cinco personas creando juntas. “Sí, yo también lo noto a veces. Cuando un grupo es realmente bueno merece la pena grabar en directo. Pero a nivel práctico está claro que hacerlo 101

“PODEMOS TOCAR EN TODO EL MUNDO, PERO NO TENEMOS LA PRESIÓN DE COMPLACER AL GRAN PÚBLICO. EL QUE TENEMOS LO HEMOS IDO CULTIVANDO A LO LARGO DE VEINTE AÑOS Y SIGUE AHÍ” MIKAEL STANNE

por separado tiene muchas ventajas. En nuestro caso, nos conocemos tanto, que creo que podemos hacerlo sin que se pierda la esencia. Los dos Anders, bajista y batería, tocaron mucho juntos antes de la grabación para tener una base realmente sólida. Es una cuestión de experiencia”. Personalmente, ¿qué querías o necesitabas decir en este disco? “No es que sintiera que tenía que gritarle al mundo, pero desde luego es una forma de expresión y de desahogarte. Es una manera de sacar la energía negativa, la rabia y la frustración que no te deja dormir. Mucha de la negatividad de estos dos o tres últimos años viene por la situación global, por el creciente conflicto entre ideologías, por el auge de políticos intolerantes… Pero también puede venir de una simple discusión con un amigo o por ver 102

cómo nos tratamos los unos a los otros. La idea de que por ser de un lugar determinado no puedas tratar bien a alguien de otro es terrible. Nos fijamos en las diferencias en lugar de en lo que nos une. La xenofobia y la intolerancia son muy destructivas. Desearía que pudiésemos superar toda esa mentalidad tribal. Da un poco de miedo. En nuestro pequeño país, Suecia, ves cada vez más esa rabia contra los inmigrantes. En lugar de sentir empatía por esa gente y verlo como una oportunidad para abrir la mente, la gente se pone a la defensiva. Es muy triste. Así que básicamente el disco refleja mi cabreo con la gente (risas)”. Desde luego hay una falta de empatía absoluta. Cualquiera que estuviera en la situación de un refugiado esperaría que alguien le ayudara. “Sí. Quizá en Suecia es porque nunca

hemos sufrido una guerra. Nunca hemos sido atacados por otro país. Quizá la paz nos ha hecho peores (risas). No tenemos ni idea de lo que puede sentir un refugiado. Vivimos en una burbuja y la gente sólo quiere protegerla. Para mí todo esto no es una cuestión política, sino de pura humanidad”. Volviendo a la música, ¿a estas alturas os sigue influyendo algo nuevo que podáis escuchar o básicamente es vuestro propio legado el que os influencia? “Seguimos abiertos a cualquier cosa, pero es difícil romper con lo que eres. Una de las cosas que dijimos cuando nos pusimos a componer hace año y medio fue que intentáramos alejarnos tanto como pudiéramos del sonido de Dark Tranquillity. Ésa fue la premisa. Pero por supuesto a medida que vas avanzando acabas sonando a Dark

DARK TRANQUILLITY

Traquillity porque es quienes somos. Tenemos un cierto estilo que tenemos muy interiorizado. Pero al menos, creo, tuvimos la actitud correcta para poder evolucionar”. Una cosa que me ha llamado la atención las últimas veces que os he visto en directo es que sonreís mucho y se nota que lo estáis pasando bien. ¿Crees que quizá antes mantenías una pose más seria que fuera más acorde con vuestra música? “Quizá en las dos primeras giras intentábamos mostrarnos más serios y con el tiempo nos fuimos relajando. Supongo que no tenemos miedo de mostrarnos como somos. Creo que nos comunicamos mucho mejor con el público también. Esa relación con el público es de las mejores cosas del mundo. Poder tocar esta música oscura que trata temas profundos ante un público que los entiende es fantástico. Miras a alguien a los ojos y ves que te entiende. Supongo que eso es lo que me hace sonreír. Ves que funciona. Además, estar de gira es bastante estresante, te pones nervioso antes de salir al escenario, así que cuando finalmente sales a tocar, te relajas”.

una gira fantástica. Creo que estamos más en forma que hace diez años (risas). Cuando era un crío y veía a un grupo que tenían 30 años, pensaba ‘¡Dios, qué viejos!’ (Risas). Pero ahora sales de gira y ves grupos que son mayores que nosotros y todavía rockean, y piensas que todavía tienes mucho por delante. Es inspirador. Siempre nos hemos sentido como una banda joven, porque quizá empezamos un par de años más tarde que otras bandas de Göteborg. Pero claro, cuando tienes 14 años, dos años son muchos. No sé, creo que ese sentimiento de ser la banda joven nos sigue acompañando, aunque ya no lo seamos. A menos que perdiera la voz y cantara horrible, no creo que me retire en los próximos veinte años (risas)”.

Empezasteis el grupo siendo muy jóvenes y ahora tenéis un catálogo que muchos grupos sólo alcanzan al final de su carrera. Pero me imagino que vosotros todavía sentís que el final está lejos. “Bueno, a veces me puedo sentir muy viejo (risas). Creo que todavía tenemos por delante algunos de nuestros mejores años. Ahora mismo estamos ensayando y pensamos que va a ser

Y por otro lado, estáis en una posición en la que ni sois un grupo underground ni uno que tenga la obligación de vender millones para poder alimentar una gran maquinaria. ¿Estás contento con cómo se ha desarrollado vuestra carrera? “Sí, me gusta mucho la trayectoria que hemos tenido. Siempre hemos ido progresando y nunca hemos tenido un

disco que explotara comercialmente y que tuviéramos que igualar su éxito después. Me gusta que podamos tocar seis nuevas canciones en cada gira y nadie se queje. Eso es bastante raro. Podemos tocar en todo el mundo, pero no tenemos la presión de complacer al gran público. El que tenemos lo hemos ido cultivando a lo largo de veinte años y sigue ahí. Claro, sería genial ganar más dinero, pero al final no se trata de eso”. Más dinero, más problemas... “(Risas) Sí, eso es lo que dicen, pero es verdad. Me gusta poder tocar en locales donde la gente te puede ver de cerca, lo hace más especial. Me gusta que mantengamos los pies en el suelo. A veces tocas en una pequeña ciudad en Estados Unidos y nadie viene a verte, y al día siguiente tocas en una sala llena. Y además, algunas veces esos conciertos que parecen que van a ser un desastre se acaban convirtiendo en los mejores de la gira, porque las 200 personas que hay ahí, lo dan todo. Es una cura de humildad y hace que aprecies más cuando las cosas salen bien”.

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BARBARIAN SWORDS

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NO HAN DEJADO INDIFERENTE A NADIE. SU SEGUNDO LARGO WORMS HA SERVIDO PARA PONER DE ACUERDO A TODO EL MUNDO EN QUE, AHORA MISMO, A BARBARIAN SWORDS HAY QUE TOMARLOS MUY EN SERIO. AL EXTREMO DEL EXTREMO. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: LIBER ÁLVAREZ ÓLO UNA ESCUCHA al irreverente Worms (varios sellos) y sabes que estás ante algo grande, y eso en una escena como la del metal extremo, plagadita de medianías con solamente imagen, es de agradecer. Por momentos los altavoces parecen a punto de explotar y da la sensación de que no sólo no se autocensuran a la hora de sonar tan viscerales, sino que incluso potencian esa característica. De nuevo los estudios Moontower, con la sabiduría de Javi Félez (Graveyard) como productor, fueron la escena del crimen en la que Von Päx (voz), Voice of Noise (guitarra), Steamroller (guitarra), Panzer (bajo) y Joe Beltza (batería) sometieron sus instrumentos y sus cuerpos y mentes para conseguir un sonido abrumador que, sobre todo en los temas más doom, es espectacular. Pero no le quitemos espacio a la banda con nuestras vacías impresiones, dejemos que sea el enajenado Von Päx quien que nos cuente qué diablos han pretendido este quinteto de la Catalunya profunda grabando una salvajada como ésta. La palabra es suya.

A tu modo de ver, ¿cuáles son las diferencias entre el anterior Hunting Rats y este Worms? Mi impresión es que vuestro primer disco fue como un esbozo de lo que queríais hacer y, con este segundo, habéis encontrado definitivamente el camino a seguir. ¿Estás de acuerdo?

VON PÄX “Bueno, la creación de un álbum y tu posterior evolución durante los años venideros no suele ser algo premeditado, simplemente van ocurriendo cosas que te hacen progresar. Incluso a una banda como la nuestra parece haberle pasado esto, por desgracia… Lo que sí es cierto es que, comparado con éste, Hunting Rats parece una bromita ingenua, y mira que sigue siendo mucho más extremo de lo que mucha gente está dispuesta a sufrir… A mi modo de ver, todos los cabritos que me acompañan en Barbarian han mejorado con sus instrumentos, cosa que me cabrea sobremanera… Es lo que tiene llevar dos años y pico más de ensayos… Ahora cada uno conoce mejor su rol en el grupo y qué debe aportar musicalmente hablando; estamos mucho más seguros en nuestras facetas, vamos. Yo por ejemplo he ampliado mi registro al micro, soy capaz de algunas tropelías que antes no podía ni imaginar, y además Worms es la primera grabación con Joe Beltza tras los parches, sin duda el batería más talentoso que hayamos tenido. ¡Es incluso demasiado técnico para nosotros, a veces tenemos que frenarle! (Risas) Creo que en Worms lo doom es más doom y lo black es más black, y eso puede apreciarse en un mismo tema, con el consiguiente daño cerebral para el oyente, claro…”. El nivel de violencia tanto sonora como líricamente es mucho más alto en estas nuevas

canciones… ¿Cuánta importancia le dais vosotros al concepto extremo? ¿Habéis desechado alguna canción por no sonar lo suficientemente brutal? “Por supuesto que sí, pero ocurrió con Hunting Rats, no con Worms. En este disco ya gozábamos de plenos poderes en esta faceta. Barbarian Swords nos creamos para conseguir algo muy concreto: fundir lo más canalla y abrasivo del black metal con lo más desquiciado y desesperado del doom, y nada cambiará nunca eso. Es nuestra razón de ser, no intentar sonar lo más extremos posibles sería faltar a nuestros principios fundacionales. Ser lo más ofensivos y putrefactos que podamos, o no ser. Si de pronto nos bloqueáramos y ya no nos salieran más canciones así, dejaríamos la banda inmediatamente. Ya no tendría ningún sentido, ya no seríamos nosotros. Con el debut recuerdo ‘Immortal Victory’, un tema completo que decidí tirar entero a la basura porque me sonaba a power metal, a Stratovarius… El resto de la banda quería incluirlo en el disco, pero ahí usé mi derecho a veto, como en la cochina ONU. No podía tolerar eso. Menuda tiranía tenemos impuesta yo y mi hermano Voice of Noise… (Risas)”. ¿Cómo se graba una bestialidad así? Por ejemplo, escucho las voces de ‘Requiem’ y no puedo imaginar cómo se puede registrar algo tan salvaje. Por cierto, si tuviera que quedarme con algún tema 105

favorito, sin duda éste sería el elegido… ¿No crees que es la composición que mejor define la barbarie sonora que practicáis? “Sí tío, estás en lo cierto, para mí ‘Requiem’ es lo mejor que ha parido nunca Barbarian Swords, eso es lo que practicábamos en nuestros tiempos más remotos… Simplemente nos reuníamos, pillábamos un pedo de aúpa, Voice se inventaba un riff que se repetía infinitamente, y con un ritmo mortecino nos explayábamos minutos y minutos en un mantra diabólico… Yo me pegaba, me tiraba por el suelo en una agonía sin fin... Ya era hora de que plasmáramos eso en una de nuestras obras, y quiero que ése sea nuestro camino a seguir con el tercer álbum. Veremos si lo logramos… Respecto a la voces de ‘Requiem’, te diré que fueron totalmente improvisadas, me puse ante el micro sin ninguna noción de qué cojones iba a ocurrir. Lo di todo, me golpee, estaba fuera de mí… Por supuesto vocifero cosas en inglés y pueden llegar a entenderse, pero fue totalmente al libre albedrío, sin ninguna puta letra a la que ceñirse. Somos Barbarian Swords para hacer cosas como éstas, ¿dónde coño está escrito que debas plantarte al estudio con todo súper medido, sin dejar lugar a la anarquía? A la mierda con todo, qué cojones… En esa oda a la putrefacción también se unió Zé Pekeño para dar con la primera colaboración en un disco nuestro. Creo que juntos conseguimos un bonito dueto (risas)”. Por cierto, hablando de tus textos… La última vez que hablamos me comentaste que no habías incluido las letras de Hunting Rats en el artwork 106

porque no querías acabar en la cárcel. Aun sin tenerlas en mis manos, creo que las letras de Worms son todavía más hirientes. Háblanos de tu filosofía a la hora de escribir tus canciones y, de paso, sácanos de dudas y dinos si esta vez por fin se van a incorporar como parte indispensable de vuestra música. “Esta vez estarán disponibles las letras en todos los formatos del disco, sí, pero no por ganas mías, sino por razones estrictamente estéticas. Joder, no puedes irle a un sello y decirle que vas a pasar de meter las letras cuando quieren un libreto de 12 páginas en el CD, o debes sacar un doble vinilo gatefold… ¿¡Cómo carajo llenas todo ese espacio!? Quedaría de lo más feo, así que podréis leerlas, pero pura y simplemente por esa razón, porque a mí me importa una puta mierda que estén disponibles o no. Luego, que sea lo que el falso Dios quiera… (Risas) Suelo escribir las letras a mi aire, no necesito que me pasen un tema completo para ello. Luego las adecuo, claro, pero en general se ciñen a mi estado de ánimo. Cuando estoy a punto de cometer una masacre, harto de convivir con la asquerosa sociedad occidental y siendo totalmente consciente de mi patética condición humana, es entonces cuando fluye mi lírica. Por ejemplo, ‘Ultrasado Bloodbath’ la creé entera en mi cabeza volviendo del Netherlands Deathfest en avión. Me cago en su puta madre, me tocó al lado un gordo repugnante que encima iba de guapo, ¡se pasó todo el jodido viaje haciéndose selfies, poniendo morritos ante la cámara! Luego delante tenía una puta familia feliz, todos con sus ricitos rubios y risueños…

Había una niña apestosa con un timbre tan agudo que me venían arcadas, y su jodido padre no dudaba en tocarme con el codo para jugar con ella en el pasillo. Hijos de la gran puta, desee con todas mis fuerzas que esa colección de infectos gusanos padeciera el peor de los tormentos imaginables, y de ahí surgió toda la canción. Es mi venganza, mi violación en masa y justiciera. Lo que le deseaba a toda esa gentuza vomitiva. Tras terminar el disco me he dado cuenta de que, o bien están escritas todas en primera persona, o directamente en imperativo. No soy precisamente un Shakespeare, voy a la oración simple y a infligir el mayor daño posible. Worms le canta a la guerra eterna contra todo signo de fe, idealismo, ética, moralidad o religión de este planeta, a la venganza sangrienta, a la persecución cruel y sin cuartel de todos tus enemigos. Queremos reducir este puto mundo a cenizas, la humanidad es un cáncer a erradicar a base de sexo anal por la fuerza y decapitaciones sumarísimas. Mis letras son nihilistas hasta las últimas consecuencias, misantropía exacerbada. A sangre y fuego, sin piedad”. En mi opinión, el black fue una de las últimas corrientes, digamos, vírgenes de la escena rockera. Era realmente independiente, sorprendió a todo el mundo llevando el metal un paso más allá y obviamente parecía que era un estilo que no iba a caer en las fauces del corporativismo. ¿Crees que el mensaje o la filosofía real del black metal se ha perdido por el camino entre shows cada vez más elaborados y bandas más

“BARBARIAN SWORDS NOS CREAMOS PARA CONSEGUIR ALGO MUY CONCRETO: FUNDIR LO MÁS CANALLA Y ABRASIVO DEL BLACK METAL CON LO MÁS DESQUICIADO Y DESESPERADO DEL DOOM, Y NADA CAMBIARÁ NUNCA ESO” VON PÄX

preocupadas en ofrecer espectáculos impactantes en lugar de centrarse en la música? “El black verdadero sigue siendo tan subterráneo y minoritario como siempre, aunque todos esos emocores e indies de mierda que creen estar mancillándolo escuchando Deafheaven o Wolves In The Throne Room no sabrán nunca a qué puertas llamar para formar parte de nuestro culto. En su ceguera ecléctica pueden creer que tienen algo que ver con nosotros, pero por suerte, este territorio les sigue estando tan vedado como siempre. Por supuesto hay que hurgar y no quedarte en el catálogo de Nuclear Blast, pero hay infinitos sellos y distris repartiendo

material de primera de forma global, así que aunque Behemoth o Inquisition metan peña en una buena sala de Barcelona, el universo del black metal es tan vasto y gigantesco que eso no pasa de mera anécdota. Y ojo, que celebro que a estas bandas les vaya bien, Inquisition son de hecho uno de mis grupos fetiche, pero todavía hay toneladas de formaciones que escapan a las masas… y a casi todo. Eso en el aspecto musical, pero en el ideológico, yo por mi parte echo en falta el peligro y la irreverencia en el metal extremo, y sobre todo en el black. Hay mucho progre metido a metalhead y demasiado puto hippie meón intentando arreglar el mundo desde una plata-

forma que no creo que sea la idónea, pero bueno, que también sigue existiendo mucha peña auténtica que desea ver a toda la cristiandad ardiendo en enormes piras funerarias, y lo quieren de corazón”. Son tres sellos de otras tantas nacionalidades los que se encargan de lanzar en los distintos formatos esta bomba sonora. Las negociaciones no debieron ser fáciles, ¿y por qué tres sellos? “Pues sí que fueron fáciles, fue un ‘sí a todo’ por su parte. Más complicado fue ir hablando con todo el mundo que nos hizo una oferta, pero estos tres 107

sellos nos propusieron algo chulo sólo 48 horas después de haber escuchado nuestro playlist privado, y al final fue con los que nos quedamos. Son tres sellos para diversificar la promoción y la distribución del disco. Estamos hablando de puto underground, así que si Cimmerian Shade Recordings tiene mayor influencia en Estados Unidos, Satanath Records en la Europa del Este operando desde Rusia y The Ritual Productions influye en la Europa Central desde Holanda, multiplicas bastante tu exposición en todos estos territorios, con tus consiguiente posibilidades de poder tocar ahí algún día gracias a su trabajo con nosotros”. Antes hablábamos de ‘Requiem’, pero en el otro lado de la balanza podríamos situar a ‘Carnivorous Pussy’, uno de los temas más cerdos y demacradamente punk que 108

he escuchado en mucho tiempo. ¿Cómo surge una composición así? “Pues surge en el tren, rumbo al primer día de grabación de Worms en los Moontower Studios. Deambulábamos por ahí muertos de sueño, era un jodido sábado a las ocho y poco de la mañana, y como siempre, mi hermano se inventó un riff y lo empezó a tararear. Nos fuimos sumando todos entre risas histéricas y así, en 20 minutos, terminamos la canción, letra incluida. Teníamos el disco completo, pero faltaba la macarrada punk a lo ‘Putrid Whore – The Holy Church’ o ‘For My Honor’ del debut, así que con ‘Carnivorous Pussy’ saldamos nuestra cuenta con la versión más cerda y sinvergüenza de Barbarian Swords. El título es un poco homenaje a la banda de brutal death Carnivorous Voracity, ya que por aquel entonces estaba bastante enganchado a su último álbum”.

La portada también mola mucho. Salvaje y destructora, es la imagen perfecta de lo que te vas a encontrar dentro. Para ser una banda tremendamente underground, cuidáis cada detalle. Una producción cruda pero extremadamente currada, un bonito artwork… Realmente estar en lo más profundo de una escena oscura no quiere decir que seas deliberadamente cutre. “Pues no, para nada, tú lo has dicho. Las portadas de Barbarian Swords están muy pensadas, es algo demasiado importante como para cedérselo al mero azar, y más tal como está la música hoy en día, que desgraciadamente todo parece entrar por los ojos… Con Hunting Rats queríamos el logo ahí bien tocho, en un incunable, para que se viera bien quiénes éramos y en qué antigua tradición nos enmarcába-

mos. Para Worms tuve claro que debía aparecer un tirano despellejando infectos cristianos esclavizados, una imagen preciosa que resumiese a la perfección el contenido del álbum. En blanco y negro, cuidando los detalles con rojo a lo Sin City, algo sobrio y con clase. César Valladares ha logrado justo lo que teníamos en mente. Es el puto amo y un soldado leal”. Dime unas cuantas bandas nacionales con las que os sintáis cercanos tanto en sonido como en filosofía, porque ¿sois conscientes de que incluso dentro de la escena extrema del país sois un rara avis? “Somos como un jodido islote minúsculo, sí… En sonido te diría que a ninguna, en filosofía quizá a Teitanblood, Muert, Sacrificio, antes con Proclamation. La guerra por la guerra, putrefacción y odio hacia toda forma de vida. Podríamos encajar en un show con Balmog por la vertiente black, con Tort ya hemos tocado por el lado doom, Onirophagus quizá, pero la verdad, el black doom no es algo extendido en este lodazal en el que vivimos, y aunque por fuera empiezan a haber más bandas así, tampoco se comen un torrado… como nosotros, vaya”. Porque ésta es otra historia que te encuentras con excesiva asiduidad… Si te mueves dentro del underground parece que esto te dé la excusa perfecta para lanzar mediocridades y de paso quejarte de lo mal que está todo. Evidentemente, las cosas, sobre todo si eres de aquí, no son nada fáciles, pero ¿no crees que en ge-

“VAYAMOS A POR TODOS LOS PUTOS GUSANOS Y SUS FAMILIAS. QUE LE JODAN A LA JUSTICIA, QUEREMOS VENGANZA” VON PÄX neral se llora demasiado y se trabaja muy poco? “Por supuesto, tienes toda la razón. Yo no diría mediocridades en lo que a música se refiere, porque aquí tenemos auténticas bandazas, pero sí que está lleno de lloricas y vagos que no mueven un puto dedo para que sus creaciones lleguen lo más lejos posible. Es un síndrome que sobre todo observo en las generaciones que crecieron en los 80 y los 90, ya no en los chavales que entraron en la música hacia los 2000. Bien, dicha generación, que suele ser la adscrita al extremo old school, se cree que grabando un disco y sacando 500 CDs ya está todo hecho, y nada más lejos de la realidad. Debes invertir en una promoción fuerte, ya sea económicamente o echándole todas las horas que requiera eso. Puedes ser un mánager con patas, como la peña de Graveyard, Obsidian Kingdom o Wormed, pero si no lo eres, recurre a una agencia. Con un poco de suerte tu discográfica puede ocuparse de ello, pero tampoco es lo normal a no ser que esté algo establecida. Para que te hagas una idea, para conseguir nuestros contratos me puse en contacto con 115 sellos de todo el mundo, todos con su mail personalizado, su press kit en castellano o inglés, y luego vinieron las negociaciones con todos los interesados… Total, que durante todo el verano aparqué mi vida social y laboral, dedicándome entre seis y ocho horas al día para conseguir lo mejor para Worms. Y eso que seguimos siendo una banda ultra subterránea

que no pinta nada, ¿eh? Pero trabajar duro y de forma metódica no te aleja del underground, aunque es la única forma de asomar un poco el hocico… En este país primero es quejarse, soltar el rollazo filosófico en Facebook, y luego a ver si alguien me monta algo, y así nos va. Igual alguien se cree que Immortal o Darkthrone llegaron a Peaceville u Osmose por la puta cara, no te jode… Al igual no había ahí una mente pensante y todo un aparato de management detrás… Barbarian Swords hacemos doom metal, black metal, funeral doom, las ramas más minoritarias del metal extremo, como es obvio nadie nos hace ni puto caso, pero no tengo ningún derecho a quejarme. Nadie me ha puesto una pistola en la cabeza para tocar este estilo, yo me he metido solito en este sarao. Si quisiera aplausos haría power barato o thrash para calimocheros”. ¿Qué ha cambiado en la banda desde que empezasteis hasta ahora? Debéis ser de los pocos que, con el tiempo, en lugar de aburguesaros cada vez estáis más locos... “Desgraciadamente, creo que nos estamos profesionalizando. A veces me veo preocupado por algunas cosas que en nuestros inicios habría sido motivo de monumental colleja. ¡Tenemos hasta una cuenta bancaria para el grupo! De hecho, me he estado rascando los huevos cuatro años y medio, pero cuando salimos de Moontower con Worms terminado vi que, aunque suene presuntuoso, teníamos algo to109

cho entre manos, totalmente exportable, y que ya era hora de ponerse a currar en serio por esta banda. Si estamos más locos o no, espero a verlo durante la gira de presentación… De momento con Barbarian he ido a herida o contusión bestia por show, así que veremos cómo tengo la azotea este próximo 2017… Por lo demás, todo igual: atronar lo más gorrinos y lacerantes que podamos, beber cerveza como si por suerte no hubiera un mañana, flotar entre los porrazos de Steamroller y armarnos de paciencia con las gilipolleces de Panzer, nuestro bajista… por el momento”. Por cierto, ¿cómo se sigue la evolución desde fanático del power metal hasta ser uno de los vocalistas más hirientes y blasfemos del black metal? “Maldito insecto, ésta te saldrá cara… (Risas) Bueno, debo decir que aunque fuera un jodido experto en power metal, mi relación con el me110

tal extremo es tan antigua como esa pasión. Otra cosa es que en mi niñez y adolescencia me entraran más esos sonidos, pero estar en contacto con el black, death y doom hasta la revolución final lo he estado siempre por influencia de mis hermanos, básicamente. De la misma forma, aunque mi vida sólo gire en torno al metal extremo hoy en día, nunca he renegado de esos sonidos, igual que del metal clásico de toda la vida. Por otro lado, tu afirmación sobre mis labores como cantante las veo un pelín exageradas… Es cierto que mi aportación a Worms da miedito, pero cuando veo a Marduk en directo o a otra de estas bandas clásicas, joder, eso sí es un brutal y letal chorrazo blacker, y encima que se puede repetir a lo largo de una gira de varios meses… Sinceramente, creo que mi voz no aguantaría ese ritmo ni de coña, al menos ahora”. Por último, ésta quizás sea

una pregunta muy típica, pero me muero por saber tu respuesta… ¿Qué pretende conseguir Barbarian Swords? O mejor aún, ¿cuál fue el propósito de Barbarian Swords al venir al mundo? “El propósito ya te lo conté antes, rendir pleitesía a los dioses oscuros del metal extremo, sonar lo más extremos posibles uniendo de la forma más inquietante y mórbida black y doom, y respecto a qué pretendemos… Personalmente, teniendo en cuenta que sólo me junté con mi hermano en el comedor de su casa para ver si podía cantar black, tras una demo, dos álbumes y tres contratos discográficos, creo que ya me puedo dar por bastante más que satisfecho. En términos musicales, aspiramos a lograr vuestra sodomía sónica, y si tras un disco nuestro decidís dejar este mundo por la vía rápida, tanto mejor. El universo no nos necesita, el ser humano no llega ni a insignificante e intrascendente mota de polvo en el imperturbable vals del cosmos. Odio la humanidad, te odio a ti y deseo que tu liviana existencia termine pronto. Que la santa cruzada contra toda la escoria judeocristiana que intenta alienarnos se esparza por el mundo, y antes de dejarlo, no te prives de reventarle la cabeza a todo aquel asqueroso homínido que te haga la vida un poco más desagradable. Vayamos a por todos los putos gusanos y sus familias. Que le jodan a la justicia, queremos venganza”.

Â¿TE VA LA TRALLA?

A VER SI TIENES HUEVOS A VENIR

WHILE SHE SLEEPS 28 DE OCTUBRE DE 2016 SALA COPÃ&#x2030;RNICO, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

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legaba a Madrid el primero de uno de los muchos y diferentes Routes que el Resurrection Fest está programando a modo de calentamiento antes de la edición del próximo año. En esta ocasión, los protagonistas fueron While She Sleeps, quienes precisamente regresaban a nuestro país después de haber dejado con ganas de más a quienes les vieron el pasado verano en Viveiro. Y lo hacían muy bien acompañados, primero con unos Dawn Of The Maya que salieron a escena ya con muchísima gente dentro de una sala que colgó el cartel de ‘no hay billetes’. Con Colossal recién salido del horno, los pamploneses dispararon nuevos temas (‘Ivory Crown’, ‘Colours Of Life’) sin olvidarse de clásicos propios como ‘The Age Of Darkness’. No terminaron de tener el mejor de los sonidos posibles, pero viendo la reacción que provocaron entre el público y las tablas que demuestran, uno podría pensar que estábamos ante una banda

internacional de primer nivel dentro su estilo. Con la peña igualmente motivada aparecieron los casi desconocidos Blood Youth, una joven formación procedente de Harrogate, Reino Unido, quienes pisaban por primera vez suelo español con esta gira. No así su cantante Kaya Tarsus, quien recordó en el día de su cumpleaños su estancia hace un par de años por nuestro país reconociendo que aquel viaje le salvó la vida. Dudo que su metalcore genérico se la vaya a cambiar a alguien, pero desde luego supieron conectar con una audiencia que ya abarrotaba una Copérnico que se quedó enana. Con puntualidad británica, los de Sheffield abrían fuego sin miramientos con ‘Brainwhased’ y desde aquel instante la pista entró en ebullición. El grupo al completo es capaz de sacar un sonido abrasivo de sus amplificadores y en la garganta de Loz tienen un auténtico cañonazo de voz. No faltaron sus característicos sing alongs en trallazos

como ‘This Is The Six’, ‘New World Torture’, la estrenada ‘Civil Isolation’ o una loquísima ‘Seven Hills’ con Loz cantando mientras era llevado en volandas por el público. Hasta recuperaron ‘Crows’ de su primerizo EP The North Stands For Nothing para deleite de los más fieles, antes de que en ‘Our Legacy’ el guitarra Mat Welsh se diese otro paseo entre el público para llegar hasta la barra, pillar un tercio y regresar al escenario. Y por si todo lo anterior no fue suficiente, la invasión final con ‘Four Walls’ se encargó de resumir lo que había sido el concierto: un verdadero triunfo. Dudo que hubiese un momento mejor que éste para pillar a While She Sleeps en directo, ya asentados y a punto de grabar su tercer disco de manera independiente antes de pasar a un nuevo nivel. Y es que si gente como Bring Me The Horizon o Parkway Drive han sido capaces de llenar grandes recintos, ellos deberían ser los siguientes. 113

PIERCE THE VEIL 2 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: NADIA NATARIO

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CREEPER

omo aquellos niños que pegan el estirón, Pierce The Veil han experimentado un gran crecimiento a raíz de su último disco Misadventures. Si en anteriores visitas habían ejercido de teloneros de A Day To Remember y Bring Me The Horizon, en esta ocasión les tocaba a ellos oficiar como anfitriones. Por si verles con su espectáculo completo no fuera atractivo suficiente, su actual gira iba a servir también para que dos interesantes bandas debutaran en nuestro país. En primer lugar los británicos Creeper, quienes aunque ni todavía han publicado su primer álbum, ya contaron con el apoyo de unos cuantos fans. Con una sobria puesta en escena pero con ganas de gustar, el sexteto comandado por Will Gould se mostró seguro sobre las tablas, y temas como ‘Black Mass’ o su nuevo single ‘Suzanne’ caldearon bien el ambiente. Su concierto, aunque breve, auguró buenas sensaciones. Más de uno, y de dos, y de tres,

tenía más ganas de ver a letlive. que a los propios Pierce The Veil. Su fama de banda arrolladora les precedía, y aunque supongo que lo suyo sería verles a ellos solos y en una sala más pequeña, tuvimos una buena degustación de lo que son capaces. Con un sonido endurecido respecto al que han ofrecido en su último disco If I’m The Devil..., el grupo de Los Ángeles logró que sus 45 minutos de set pasaran como un suspiro. El gran responsable de ello fue Jason Butler, un frontman como la copa de un pino, que no para quieto y que no dudó en saltar del escenario para meterse dentro de una de las barras laterales para seguir a su puta bola. Si a eso le añades canciones tan buenas como ‘Renegade 86’, ‘A Week Ago’, ‘Muther’ o ‘Good Mourning, America’, el resultado es un concierto casi perfecto. Pese a ello, no lograron robarles la noche a los cabezas de cartel. Pierce The Veil cuentan con un público que se entrega desde el primer segundo,

LETLIVE.

además de con la parafernalia propia de los grupos grandes con plataformas, cañones de humo y lluvia de confeti, que sirven para disparar aún más la adrenalina. ‘Dive In’ sirvió de punto de lanza de un repertorio que no olvidó sus principales hits y que también tuvo su momento unplugged con ‘Kissing In Cars’. Vic Fuentes, Tony Perry y Jaime Preciado no pararon de correr, saltar y animar al público para que cantara con ellos, como en ‘Floral & Fading’, un tema que todavía no entiendo cómo no han lanzado como single. Su híbrido de metalcore para todos los públicos y punk pop con temas tan pegadizos como ‘The Divine Zero’, ‘Hell Above’ o ‘Bulletproof Love’ es pura vaselina y se entiende que triunfe entre la parroquia más joven. En ‘Tangled In The Great Escape’ contaron con la colaboración de un Jason Butler que lo dio todo, y la fiesta terminó con las eufóricas ‘Circles’ y ‘King For A Day’. Con conciertos así, parece que el reinado de los de San Diego apenas acaba de empezar. 115

BEHEMOTH 27 DE OCTUBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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MGLA

ue un grupo de blackened death metal sea capaz de llenar una sala como Razz 1, a pesar de presentar su formato reducido, dice mucho de cómo Behemoth está consiguiendo volver a acercar un estilo underground a un mayor público. Ese espíritu de grandiosidad y ambición fue lo que demostraron los polacos en Barcelona. A pesar de ser de una de las bandas más de moda dentro del panorama black metal, la propuesta de Mgla no obtuvo todo el reconocimiento necesario por culpa de una puesta en escena excesivamente sobria. Los compatriotas de Behemoth, completamente enmascarados y enfundados en sus capuchas, permanecieron hiératicos bajo la luz azul mientras ejecutaban impecablemente un repaso a su discografía, con especial énfasis en su último y magnífico Exercises in Futility. Una experiencia hipnótica, casi como un mantra, poco apta para aquellos que no hubieran escuchado sus

excelentes trabajos con anterioridad. Cambio total de tercio para recibir a los segundos invitados de la noche. Secrets Of The Moon se mostraron mucho más entregados con el público. Lástima que su black metal ocultista de medio tiempos y su puesta en escena resultasen ligeramente anodinos. Con los primeros acordes de ‘Blow Your Trumpets Gabriel’ aparecía en escena un encapuchado Nergal sosteniendo una antorcha en cada mano ante un pedestal con dos impresionantes cobras. En lo alto del escenario, la batería de Inferno, flanqueado por Orion y Seth sobre los pódiums laterales. Tras un soberbio inicio, se dedicaron a desgranar, uno a uno y siguiendo el orden del disco, todos los temas de su último y aclamado The Satanist. Un recorrido en el que disfrutamos con momentos salvajes en cortes como ‘Ora Pronobis Lucifer’ hasta otros mucho más íntimos, como Nergal ofreciendo la comunión a las primeras filas en ‘In The Absence Ov Light’. Todo para alcanzar

SECRETS OF THE MOON

un final épico con ‘O Father O Satan O Sun!’, en el que la formación volvía a su posición original vistiendo sus túnicas y máscaras adornadas con su icónica cornamenta, mientras se disparaban unos cañones de humo. En la última parte retomaron su faceta más cruda y directa, repasando varios temas de sus anteriores trabajos. Nergal aprovechaba para agradecer al público su asistencia tras siete años desde su última visita a Barcelona con un temazo como ‘Conquer All’. Y así fueron cayendo ‘Slaves Shall Serve’ o ‘At The Left Hand Ov God’, para terminar con ‘Chant For Ezkaton 2000’. Una lástima que no dieran cabida a otros de sus cortes más populares. A pesar de ello, nos deleitamos con un deslumbrante espectáculo visual y sonoro perfectamente milimetrado, demostrando que es posible aunar calidad musical con teatralidad sin provocar vergüenza ajena. La constatación de que estamos ante una banda en el punto álgido de su carrera. 117

BILLY TALENT 20 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA BARTS, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: TONI VILLÃ&#x2030;N

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espués de haberme sorprendido muy gratamente con su nuevo disco Afraid Of Heights, y de haberme saltado su anterior gira, la verdad es que tenía ganas de volver a ver a Billy Talent. Y no era el único, pues la sala Barts rozó prácticamente el sold out. Como entrante teníamos a los también canadienses The Dirty Nil, que este año descubrimos con su atractivo debut Higher Power. En la línea de unos Ash más punk, dejaron un buen sabor de boca con temas como ‘No Weaknesses’ o ‘Zombie Eyed’ y las buenas maneras de su vocalista y guitarra Luke Bentham. Además, que se atrevieran con una versión de ‘Inmigrant Song’ de Led Zeppelin y salieran indemnes, les hizo ganar puntos. Estaría bien poder verles en una sala pequeña la próxima vez. Acostumbrados a tocar en pabellones en su país, a Billy Talent eso es justo lo que les debió parecer la sala Barts, aunque eso no

significó que se guardaran nada en el tintero. Empezando a piñón con ‘Devil In The Midgnight Mass’ se metieron al público en el bolsillo desde el minuto uno. Vestidos todos con camisas rojas a juego, Ben Kowalewicz lucía también un chaleco blanco del que no tardaría mucho en deshacerse, pues la temperatura seguiría subiendo con ‘This Suffering’, ‘Big Red Gun’ y la siempre efectiva ‘This Is How It Goes’. Ian D’Sa a su derecha y Jonathan Gallant a la izquierda no abandonaron ni un momento su posición, pero llenaron la sala con un potente sonido. A la batería, dada la baja de Aaron Solowoniuk, por desgracia todavía ausente por culpa de una esclerosis múltiple, encontramos a Jordan Hastings de Alexisonfire, que cumplió más que bien con su papel. Pero más que los músicos en sí, el protagonismo del concierto recayó en sus canciones. Después de cinco discos, Billy Talent han acumulado tal colección de hits

que tienen asegurada la atención del personal, ya fuera con el medio tiempo ‘Rusted From The Rain’, ‘Surrender’, tema que no era consciente de que fuera tan y tan popular, o ‘Saint Veronika’. Después de ésta interpretaron ‘Rabbit Down The Hole’ de su último disco y Ben alertó de que era la primera vez que la tocaban en directo, aunque les salió más que bien. A partir de aquí una recta final de lo más caliente con ‘Surprise, Surprise’, ‘Afraid Of Heights’, ‘Louder Than The DJ’, ‘Devil On My Shoulder’ (con un solo extendido de D’Sa y la participación del público) y ‘Red Flag’. Tras cambiar el telón gigante de fondo con la portada de su último disco por uno con simplemente el nombre del grupo, recuperaron ‘Try Honesty’ de su primer álbum y nos remataron con ‘Fallen Leaves’ y una mortífera ‘Viking Death March’, que provocó un espontáneo circle pit. Prometieron volver pronto, así que les tomamos la palabra. 119

AMON AMARTH 12 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: NADIA NATARIO

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TESTAMENT

n la salida de emergencia del fondo de la sala grande de Razz, donde acabé ‘viendo’ el show de Amon Amarth, un veterano metalhead reflexionaba en voz alta, no sin indignación. ¿Cómo era posible que en los últimos meses hubiera asistido a los sold outs de Avantasia, Slayer, los hermanos Cavalera y éste, y en todos ellos se diera un aforo distinto? Desde luego, da para pensar, porque no sólo está en juego la comodidad del asistente, sino la seguridad de todo el respetable. Sólo con pisar las tablas, Grand Magus ya me emocionaron. Mi fe en este trío ha sido siempre inquebrantable, así que verlos por fin tocar aquí ante semejante gentío fue una pasada. A decir verdad, el escenario se les hizo un pelín grande dado que tampoco es que vayan muy sobrados de carisma, pero igualmente, los muchos congregados recibieron de fábula el true heavy metal de ‘Varangian’, ‘Steel Versus Steel’, ‘Iron Will’ o ‘Hammer Of The North’. Que la peña los despidiera coreando por todo lo alto el trozo más épico de ésta última

GRAND MAGUS

seguro que no lo olvidarán jamás. Para Testament quizá todavía no estaban las 2.300 personas que finalmente vendrían al concierto, pero poco faltaba. La sala se puso como loca para recibir a Chuck Billy y los suyos, y aunque la primera ‘Brotherhood Of The Snake’ sonó muy enlatada, pronto todo se puso en su sitio para que nos pasaran por encima. Temazos de sus tres últimas obras como ‘The Pale King’, ‘Dark Roots Of Earth’, ‘Stronghold’ o la fantástica y final ‘The Formation Of Damnation’ molaron cacho, pero la cosa se puso de verdad al rojo vivo en cuanto entonaron ‘Disciples Of The Watch’, ‘The New Order’ o ‘Into The Pit’. Ver tocar a esta peña siempre es un espectáculo. ‘The Pursuit Of Vikings’ para empezar. Zasca. Discurso en catalán del crack de Johan Hegg, la batería a una altura de miedo reposando sobre un enorme casco vikingo. Luces de lujo, ‘As Loke Falls’, ‘First Kill’, ‘The Way Of Vikings’ con dos guerreros repartiéndose mandobles… Hasta aquí todo perfecto con los suecos, apretadito como una

sardina sin poder rascarme ni la nariz, pero perfecto. Fue ir a refrescarnos el gaznate y cagarla para el resto de show. Imposible volver a acceder a la pista. Casi contorsionándome para verles entre columnas, pasando al piso de arriba a comprobar cómo estaba la cosa, para acabar casi fuera del recinto, más allá de la mencionada salida de emergencia. Así pudimos disfrutar mínimamente de ‘Cry Of The Black Birds’, ‘Deceiver Of The Gods’, ‘One Thousand Burning Arrows’, ‘Father Of The Wolf’ con Loki paseando por ahí… Para mí, demasiados elementos hollywoodienses, aunque no se puede negar que la pedazo de sierpe Jörmungandr ocupando el escenario en la última ‘Twilight Of The Thunder God’ fue un puntazo increíble. Son una máquina de crear hits. Ahora mismo, una cojonuda banda de heavy metal con guturales, pero no se dieron las condiciones para gozarlo con ‘Runes To My Memory’ o ‘Guardians Of Asgaard’. Seguro que Amon Amarth dieron un bolazo, aunque yo no pude disfrutarlo. 121

PANIC! AT THE DISCO 2 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: MARC LÃ&#x201C;PEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

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unque parezca mentira, ésta era la primera vez que Panic! At The Disco pisaban Barcelona y sólo su segunda visita a España. Ignoro cuál había sido el motivo de tan pobre balance, pero eso hacía de ésta una noche especial. Que además fuera un concierto gratuito patrocinado por una compañía telefónica hacía la situación aún más inusual. Es posible que de haber sido un concierto de pago hubieran llenado la sala igualmente como habían hecho en Madrid la noche anterior, pero no dejó de llamarme la atención que Brendon Urie haya conseguido reflotar la banda -o más bien, la marca, ya que sólo queda él como miembro originalganándose una nueva generación de fans que apenas habían empezado a andar cuando salió su debut A Fever You Can’t Sweat Out en 2005. Lo que está claro es que estamos ante unos Panic distintos. Con su anterior disco, Too Weird To Live, Too Rare To Die!,

Urie apostó de pleno por hacer un pop bailable, con influencias del hip hop y la electrónica, y la jugada le salió bien, pues con el más reciente Death Of A Bachelor ha conseguido su mayor éxito. Por tanto, no es de extrañar que su actual espectáculo se centre sobre todo en los temas de esta nueva etapa y sólo acudiera muy puntualmente a sus primeros discos, algo que no pareció molestar a nadie. Con una cuidada y elegante puesta en escena y la inclusión de una sección de vientos, Urie consiguió recrear ese universo de Las Vegas que envuelve su último trabajo, y si su objetivo era que la gente bailara y se divirtiera, lo logró con creces. Arrancando con ‘Don’t Threaten Me With A Good’, ‘Vegas Lights’ y ‘The Ballad Of Mona Lisa’ el nivel de entusiasmo se situó en lo más alto desde el principio y durante una hora y media no decayó ni un momento. El público cantaba y cantaba como si fuera un miembro

más del grupo, y Urie parecía casi sorprendido ante tanto cariño. La verdad es que el tipo es un performer de primera. Canta magistralmente y sabe combinar su pose de estrella con una gran cercanía. Especialmente efectivas fueron ‘Emperor’s New Clothers’, ‘Crazy-Genius’ y ‘Miss Jackson’, aunque seguramente cuando más flipamos todos fue con su impecable interpretación de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen, que ya grabaron para la banda sonora del blockbuster Escuadrón Suicida. Después de mostrarnos su faceta de crooner en ‘Death Of Bachelor’ y cerrar con la animada ‘La Devotee’ con una voltereta en el aire del cantante, volverían con un bis en la que por fin descargaron su primer hit ‘I Write Sins Not Tragedies’ y finalmente ‘This Is Gospel’ y ‘Victorious’. Un final de lo más apropiado, pues define perfectamente cómo debe sentirse Urie después de cada concierto. 123

TWIN ATLANTIC 18 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA ARENA, MADRID TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: ANTHONI GRANDE

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sa misma mañana, vi a dos chicas hacer cola en la puerta de la sala cerrada a cal y canto, acurrucadas en el suelo y pasando frío. ‘Son muy fans’, dije para mí, pero no lo entendí del todo hasta que no acabó el concierto. Horas más tarde, ya dentro y a pocos minutos de que los teloneros pisasen el escenario, el público era una manifestación de sudaderas con capucha, flequillos imposibles, y padres, bastantes padres. 22 años y me sentí mayor. Éramos pocos incluso cuando Twin Atlantic empezaron con ‘Gold Elephant: Lady Alligator’, apenas unas filas frente al escenario y algunos observadores a bastante más distancia. A la banda escocesa no le importó, textualmente, una mierda, y el cantante y guitarrista Sam McTrusty lo dejó claro no sólo con sus palabras, sino también con su actuación. Twin Atlantic moló, creo que ésa es la

palabra exacta. Tienen una suerte de frontman que rebosa actitud y conecta con su público casi de manera instantánea. Se acerca, les mira, les canta y se hace tangible. Además de presentar algunos –y no demasiados– temas del nuevo disco GLA, les dieron un buen repaso a sus anteriores trabajos Free y Great Divide, pero ignorando por completo su debut. GLA mantiene el frenetismo del estudio en el directo, y la suma de Ross McNae al bajo y Craig Kneale en la percusión funcionan con mucha consistencia. La canción ‘Free’, junto a ‘Heart And Soul’ y ‘Brothers And Sisters’ –estas dos últimas en el encore– tienen aires de grandeza sobre el escenario como si de épicos himnos se tratase, y en esos momentos es cuando más piensas que las ausencias se están perdiendo algo y que la sala debería estar más llena. También en ‘Crash Land’, cuando Barry McKenna cambió

su guitarra por un violoncello eléctrico y McTrusty regaló una delicada interpretación con la acústica a sus fans. Porque eso fue la cita con Twin Atlantic, un concierto para fans que corean tanto las nuevas canciones como las de otros discos y se quedan afónicos, los que se abalanzan sobre McTrusty cuando acaba el concierto con ‘No Sleep’ tocando entre el público y los que estiran sus brazos intentando rozarle como a un ídolo de masas, aunque esta vez la masa fuese sólo una pequeña dosis. Puede que no te dejen con la boca abierta, pero suenan convincentes hasta si vas con mirada escéptica. Eres testigo de un artista que toca los últimos acordes tirado en el suelo del escenario después de haber entregado el alma con una actuación que pisa fuerte, dispara y acierta con la interpretación de la banda y consigue que disfrutes. 125

MAX & IGOR CAVALERA 8 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: ABEL VALDELVIRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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a sala grande de Razzmatazz presentaba un aspecto estupendo en cuanto a asistencia cuando Crisix salieron al escenario. Sabiendo que éste era un gran momento para ellos, se propusieron dar un gran espectáculo visual haciendo uso de su habitual energía en directo y exhibiendo todas sus posturas subidos a sus ‘ego-risers’ que mostraban las palabras “Psycho Crisix World”. A lo largo de la actuación el sonido fue mejorando y, a mitad de su set, consiguió un nivel óptimo que nos permitió disfrutar de su thrash metal que, aunque algo genérico, despliega una energía brutal. Se les notan las tablas y que disfrutan con su show, consiguieron animar al público hasta el punto de abrir una brecha por toda la sala para provocar un enorme wall of death. Su setlist repasó temas de sus tres álbumes y culminó con el clásico de la banda ‘Ultra Thrash’. Los hermanos Cavalera salieron al

escenario abrazados por una prematura ovación del público. Un Max Cavalera pasado de peso entraba al ruedo con un trote patoso que dejó ver cuál era su estado de forma. Los primeros acordes de ‘Roots Bloody Roots’ desataron la locura de un público predispuesto a pasarlo bien y, sobre todo, a disfrutar de la música que se cruzó con ellos veinte años antes. Así, con la inestimable ayuda de la gente, el cuarteto cumplió con su guión pese al deplorable estado de su frontman, que parecía cansado y falto de energías. El concierto se fue sucediendo dejando una y otra vez en evidencia al estado vocal de Max, pero el público fue muy benevolente y demostró toda su pasión ayudando todas las veces que el show estaba a punto de venirse abajo. El resto de la banda también fue un gran aliado, Mark Rizzo es un guitarra notable, Igor Cavalera defendió los temas con solvencia y Johnny Chow lo acompañó

perfectamente dando solidez a la base rítmica. Fueron cayendo uno a uno y en el mismo orden del álbum todos los temas que componen ese mítico Roots amenizados por partes de espectáculo como ver a los hermanos compartir ritmos, con Max tocando el berimbau, o un solo de guitarra de Mark Rizzo que dio un respiro a sus compañeros para afrontar la recta final del concierto. Varias versiones y una atropellada repetición de ‘Roots Bloody Roots’ pusieron el broche final a la floja actuación. Hay que tener respeto por la figura de Max Cavalera y el legado que ha dejado en el mundo del metal, pero quien diga que asistimos a un show a la altura del precio de la entrada tuvo un ataque de nostalgia que no le dejó ver lo que ocurría sobre el escenario. Yo vi una buena formación tras una estrella sin brillo que todavía no se ha dado cuenta de que no puede masacrar su recuerdo de esta manera. 127

THIS WILD LIFE 29 DE OCTUBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: MARC LÃ&#x201C;PEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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JOAN QUERALT

a un poco de pena que dos músicos como Kevin Jordan y Anthony Del Grosso tuvieran que recurrir al manido truco de colgar versiones de otros artistas más famosos que ellos en YouTube para captar la atención del público. Pero así funciona el negocio hoy en día y, puestos a ver el vaso medio lleno, al menos ha servido para que This Wild Life tengan ahora la oportunidad de demostrar su validez con sus propias canciones. Barcelona era la tercera parada de su gira española después de Madrid y Manresa, así que las dudas que pudieran tener antes de pisar nuestro país ya se habían disipado. Como nos confesaron después, no esperaban ni que veinte personas les conocieran por aquí, pero fueron unas 200 personas las que se acercaron a Razzmatazz 3 para disfrutar y, sobre todo, cantar sus emotivas canciones. La noche también sirvió para que muchos descubrieran a Joan Queralt, un cantautor local

que se metió en el bolsillo al público con su gran voz, una técnica increíble usando la guitarra como instrumento de percusión y un repertorio a medio camino entre Ben Harper y Chris Cornell. Delicioso. El mismo adjetivo podría usarse para lo que unos minutos después nos ofrecieron Anthony y Kevin, con el apoyo de un tercer músico que alternaba teclados, percusión y bajo. Empezando con ‘Pull Me Out’ de su último disco Low Tides y siguiendo con ‘Over It’, uno de sus temas más conocidos de su debut Clouded, enseguida comprobamos que la voz de Kevin suena clavada al disco y que es su compañero el que aporta la parte visual al concierto con sus brazos llenos de tatuajes y una mayor movilidad en el escenario; aunque a pesar de un sencillo pero efectivo juego de luces, This Wild Life es un grupo más pensado para entrar por los oídos que por la vista. Si bien su

repertorio tiende a la suavidad, en directo saben jugar con diferentes intensidades, subiéndola con la animada ‘History’ o ‘Hit The Reset’, usando como intro la sintonía de Stranger Things, o bajándola con la preciosa ‘Just Yesterday’, casi a capella. También me gustó el detalle de que metieran un trocito de ‘Stressed Out’ de Twenty One Pilots al final de ‘Ripped Away’. Como era de esperar, el momento de mayor comunión con el público se vivió cuando interpretaron su famosa versión de ‘Sleepwalking’ de Bring Me The Horizon y el final con su single ‘Falling Down’, para la que Del Grosso se quedó a gusto aporreando la batería y que tuvo a todo el mundo cantando esos pegadizos ‘uoh, uoh, uohohoh’ del estribillo. A poco que tengan un poco de suerte, no me extrañaría que la próxima vez que los veamos sea en salas más grandes. Desde luego, potencial no les falta. 129

ALTER BRIDGE 5 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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LIVING COLOUR

s genial ver como la base de fans de Alter Bridge va creciendo con cada disco. Aunque en lugares como Reino Unido, ya son una banda de arenas, es reconfortante saber que siguen acercándose a nuestro país pese a no tener un público tan masivo. Pero soy optimista, y pienso que algún día los acabaré viendo tocar en el Palau Sant Jordi. Esta noche lo hice en un Razzmatazz hasta los topes, que tampoco está nada mal. Pero primero era el turno de los neozolandeses Like A Storm quienes nos calentaron con su post grunge. La parte más interesante de su set fue ver a Chris Brooks, el cantante y guitarrista, usar un didgeridoo en algunos temas (‘Chaos’, ‘Enemy’, ‘Love The Way You Hate Me’). Nunca había visto a una banda de rock usar un instrumento aborigen australiano. Los siguientes eran los legendarios Living Colour, y como dijo Myles Kennedy “es un verdadero honor tenerlos en la gira”. En 1989 tuvieron un gran éxito en la

MTV con su fusión de metal, funk, jazz, hip hop y rock. Después de haberse separado en 1995 y reunido en 2000, fue un placer verles en directo. Los neoyorquinos ofrecieron un set enérgico con temas antiguos como ‘Middle Man’, ‘Desperate People’, ‘Ignorance Is Bliss’, ‘Funny Vibes’, así como una versión de The Notorious BIG ‘Who Shot Ya?’, y otra poderosa de Nirvana, ‘In Bloom’, terminando con ‘Type’ y el hit que les hizo famosos ‘Cult Of Personality’. Alrededor de las 21.20 h. una intro dramática avisó al público de que Alter Bridge estaban a punto de salir al escenario para empezar con la brillante ‘The Writing On The Wall’. A continuación asistimos al que Myles Kennedy calificó como el concierto más largo de su historia. He estado en muchos conciertos suyos en los últimos años y siempre es una experiencia estimulante. Sigo pensando que Myles es uno de los mejores cantantes de todos los tiempos y su carisma y encanto están a la altura de pocos. El

sonido fue fenomenal y nunca había escuchado una voz que sonara tan clara en Razzmatazz. Combinada con los riffs poderosos y los solos matadores de Mark Tremonti, su show fue estelar. El repertorio fue una mezcla de temas favoritos como ‘Come To Life’, la potente ‘Cry Of Achilles’, ‘Ties That Bind’, una acústica ‘Watch Over You’ por parte de Myles; por supuesto la épica ‘Blackbird’, ’Metalingus’ y ‘Waters Rising’ con Mark tomando el micro. También hubo un buen puñado de temas nuevos como la balada optimista ‘My Champion’, ‘You Will Be Remembered’, ‘The Other Side’, ‘Crows On A Wire’ y el estreno en directo de ‘Poison In Your Veins’. La noche terminó con ‘Show Me A Leader’ y ‘Isolation’. Tenía muchas ganas de escuchar ‘This Side Of Fate’, ‘Cradle To The Grave’ y ‘Islands Of Fools’ en directo, mis tres temas preferidos de su nuevo disco, pero por desgracia no las tocaron. Ojalá que caigan a la próxima. Aún así, salí de la sala completamente eufórica. 131

PIXIES 20 DE NOVIEMBRE DE 2016 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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os duendecillos de Boston volvían a Barcelona con nuevo disco bajo el brazo, el entretenido Head Carrier, su sexto trabajo de estudio, pero sacaron la artillería pesada en cuanto subieron al escenario del Sant Jordi Club. Empezaron con la surfera e instrumental ‘Cecilia Ann’, ideal para calentar los dedos, y siguieron con las pretéritas ‘Nimrod’s Son’ y ‘Mr Grieves’, ambas publicadas a finales de los 80. La archiconocida ‘Where’s My Mind?’ no se hizo esperar para delirio de los asistentes y armaron una buena fiesta en cuanto Frank Black se arrancó a cantar “Vamos” con su divertido spanglish fronterizo. Joey Santiago y su guitarra eléctrica, totalmente poseída, se encargarían de rematar la faena. Con semejante arranque, incluida una versión del ‘Winterlong’ de Neil Young, quedaba claro que la presentación de Head Carrier era algo secundario. Salieron a ganar, con un repertorio envidiable y mucha profesionalidad:

30 canciones, en su gran mayoría hits, uno detrás de otro, en apenas hora y media. Las joyas de Doolittle, posiblemente su mejor disco, no podían faltar en este autohomenaje. Así, se sucedieron ‘Here Comes Your Man’, ‘La La Love You’ (con el batería David Lovering como estrella indiscutible), ‘Crackity Jones’, ‘Hey’, ‘Gouge Away’, ‘Tame’ y una sorprendente versión lenta de la genial ‘Wave Of Mutilation’. Sólo pudimos echar en falta ‘Monkey Gone To Heaven’, y ni eso. Los abuelos del indie rock estaban dando un concierto notable y, lejos de perder fuelle, hicieron gala de un estado de forma envidiable. Fue entonces cuando el líder de la banda, vestido para la ocasión con un traje negro que hacía honor a su apellido artístico, cambió la guitarra acústica por una Telecaster y atacó con fiereza ‘Bone Machine’. Luego llegarían ‘Planet Sound’ y, sobre todo, la aclamada ‘Debaser’, que sonaron más contundentes que nunca

en la parte final de su recital. La última vez que pudimos verlos fue en el Primavera Sound del 2014. Entonces prácticamente se estrenaba Paz Lenchantin como bajista de los Pixies. Ahora es pieza fundamental por su precisión a las cuatro cuerdas, por su elegante puesta en escena y por sus coros. El resto de la banda no esconde su debilidad por la ex componente de A Perfect Circle y Zwan en las entrevistas, y tampoco en el escenario. Al acabar ‘Hey’, justo antes del obligado bis, dieron las gracias al público y los tres varones de la banda señalaban una y otra vez a la encantadora bajista de origen argentino. Con ella volvió la calma a la banda y con ella cantando ‘Into The White’ se despidieron de Barcelona. Una enorme bola de humo blanco se apoderó del escenario y desaparecieron mientras tocaban esta cara B. Luego, ni rastro. El truco es barato, pero la magia de sus canciones es innegable. 133

ENSLAVED 30 DE OCTUBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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NE OBLIVISCARIS

espués de su gran actuación en el último Resurrection Fest, apetecía ver de nuevo a Enslaved en el entorno de una sala a sus anchas y sin el sol pegándoles en la cara. La noche podía tomarse como una doble celebración. Por un lado, la de su pasado, dado que se cumple su 25 aniversario como banda, y por otro, la de su presente, con el buen momento exhibido en su último disco In Times. Quienes esperaban un viaje a fondo en su catálogo más antiguo y vikingo quizá quedaron algo insatisfechos, pues el grupo centró el repertorio en su etapa más progresiva, pero creo que hacen bien los noruegos en no lanzarse de pleno a la nostalgia cuando todavía tienen cosas por ofrecer. No me dio tiempo a cazar a Oceans Of Slumber, pero sí a los extraños Ne Obliviscaris. El sexteto australiano convenció con su original sonido en el que unen liricismo y metal extremo. El contraste de registros entre los

guturales de Xenoyr y la voz limpia de Tim Charles, además de las exhibiciones de éste último al violín, les dan un toque muy personal sin renunciar a la contundencia ni a la épica. Sin apenas parafernalia escénica y con las luces rojas dominando el ambiente, Enslaved saltaron a escena y arrancaron con ‘Roots Of The Mountain’ de Ritiir, un buen ejemplo de su evolución. De primeras aquello sonaba un poco embarullado, con el efecto bola propiciado por los blast beats y la voz del grandullón Grutle quedando un poco ahogada. La cosa fue mejorando y en ‘Ruun’ empezamos a notar que el teclista Herband Larsen también estaba presente con sus voces limpias. También empezó a brillar Arve Isdal, y no sólo sus músculos, que una vez más exhibió desprovisto de camiseta, sino por la perfecta ejecución de sus solos. La siguiente parada nos llevó a su álbum Vertebrae con una ‘The Watcher’

que ejemplifica esa épica feroz y melódica que ahora les caracteriza, y seguidamente a la fulgurante ‘Building With Fire’ de su última referencia. ‘Ethica Odini’, con Grutle y Larsen repartiéndose el protagonismo vocal, fue el punto de inflexión con el que consiguieron que el público se volcase. Nada mejor que una referencia a su primera etapa como ‘Fenris’ para mantener la tensión y desatar el headbanging. El pulso bajaría un poco con los tintes psicodélicos de ‘The Crossing’ y ‘Ground’, que dieron paso a un prescindible solo de batería de Cato Bekkevold. Tras una última visita a In Times con la furiosa ‘One Thousand Years Of Rain’, Enslaved sacaron del baúl de los recuerdos ‘Allfáðr Oðinn’, un arrollador misil que fue todo un homenaje a las raíces que en su día inspiraron a Grutle y su inseparable socio Ivar Bjornson. Esperemos que el matrimonio siga por muchos años más.

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INQUISITION 2 DE NOVIEMBRE DE 2016 LA [2] DE APOLO, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ROTTING CHRIST

nquisition, Rotting Christ, Mystifier y Schammasch partían, a priori, como los tapados en esta brutal campaña de shows a la que nos ha sometido Madness Live! en las últimas semanas, pero ojo, que como demostraron sobre las tablas, su alianza pintaba a cartelón y eso es justo lo que fue. A mí personalmente me sobraban los griegos, pero vista con qué efusividad vivió el público su descarga, está claro que muchas de las más de 200 personas que se acercaron hasta la pequeña de Apolo vinieron principalmente atraídas por ellos. A muy temprana hora Schammasch empezaron a desgranar su fantástico nuevo trabajo Triangle. Es uno de los discos del año, y como ya hicieran en el pasado Move Your Fucking Brain, demostraron que en directo también saben captar toda tu atención con acertados juegos de luces, misticismo y mucho más humo del que cualquier recinto pueda absorber. Mediante temas como ‘Metanoia’ consiguieron separarnos cuerpo de alma invocando su black trascendental. Cambio de

tercio con los legendarios Mystifier. Siendo unos perfectos heraldos de ese black maníaco tan suramericano que se tira de cabeza al war metal, los brasileños nos despedazaron con toda una lección de extremismo de tiempos muy, muy remotos. Con su look muy Blasphemy, Beelzeebubth nos abrió en canal con su guitarra, mientras el bajista y cantante Sorcerer Do’Urden le daba de vez en cuando al arcaico teclado para convertir su bolo en toda una delicia. No es muy común encontrarse con bandas tan guarras y unders en este tipo de packs, así que sobra decir cuánto disfrutamos de ellos. En mi opinión Rotting Christ hace demasiado tiempo que perdieron el norte, deambulando entre musculación y esteroides helénicos para dar con obras tan ridículas como Rituals, justo el álbum que nos venían a presentar. Es normal que, si su música actual me da risa, me arrancaran carcajadas durante su show, una caricatura de Manowar con satanismo barato. Por supuesto que ejecutan a la perfección sus canciones, sólo faltaba dada su infinita simplicidad,

pero es tan impostada su pose que cualquier persona adulta sólo puede tomarse sus conciertos a cachondeo. Uh, ah, uh, ah… a tu puta casa. Tras los machos alfa tocaba una banda de verdad, una de mis favoritas sin duda. Aunque algo ha cambiado en Inquisition… La voz de Dagon no sólo presenta un registro mucho más grave, aunque en podredumbre y moco sólo Abbath parece vencerle, sino que la velocidad más primitiva parece haberle ganado la partida a los medio tiempos también en vivo. Pese a ello, el dúo dio rienda suelta a un sonido apabullante en un show sin altibajos, que tan pronto asaltaba su nuevo álbum como su venerado Ominous Doctrines Of The Perpetual Mystical Macrocosm con ‘Command Of The Dark Crown’, ‘Hymn For A Dead Star’ o la irresistible ‘Desolate Funeral Chant’. Cañones de humo directamente encarados al respetable, la implacable batería de Incubus iluminada de forma demoníaca… Hay que ver cuánto han crecido desde sus visitas al Moog o la sala Monasterio. Menuda autoridad.

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NEVER SAY DIE! TOUR 20 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

WHITECHAPEL

CARNIFEX

isualicen por un momento su estilo favorito, y luego imaginen que un día se alinean los planetas y vienen de gira tres de sus máximos exponentes… más cuatro bandas extras. Y después, que el promotor está loco y lo sirve por unos 27 euros y medio. Bien, lo que para los melómanos sería una majadería, un brote de histeria colectiva, un sold out fijo, resulta que para los hijos de papá del deathcore es caro. Tras diez años de carrera, ver por primera vez en nuestro país a uno de sus nombres más relevantes, Whitechapel, más toda una revelación como Thy Art Is Murder, además de unos fijos como Carnifex y otros tantos combos hasta llegar a un total de siete bandas, pues se ve que por esta cifra es pedirle demasiado a la escena más gris, chabacana y frívola del metal

contemporáneo. La sudadera Volcom o la Play 4 que no falte, no me quites los tatuajes hasta el esfínter, el iPhone de 800 eurazos, venga a hoodies de Suicide Silence a 40 pavos o gorras planas a 35 ó 60, pero ojo, eso de ir a conciertos, joder, eso ya no va conmigo. El deathcore es todo imagen, es irrelevante, sus grupos no pueden ni vender música en sus puestos de merch, y Phil Bozeman y sus secuaces vinieron a Barcelona a certificar su defunción ante una Razz 2 a poco más de la mitad de su aforo. Que la vieja guardia jamás le haya dado una oportunidad me empieza a parecer un acierto. Le vieron el plumero de lejos. Polar inauguraron el retorno a las raíces del Never Say Die! con un tópico tras otro y un volumen exagerado, pero como animaron

de lo lindo a la chavalada, todos contentos. Make Them Suffer gozaron de trillones de ayudas desde la mesa, pero el colmo fue que su único guitarrista hiciera rotar su instrumento sobre el cuerpo varias veces y el riff no se resintiera ni un ápice. ¿Os creéis que soy gilipollas? Buen sonido en una propuesta muy Bleeding Through, aunque no supe determinar qué era real y qué obra del técnico. Tras ellos, el combo que saca discos de mentira, Fallujah, siguió con la impostura en un triste concierto. Al menos tiraron de su repertorio más trallero para evitarnos la siesta prematura, pero sólo se oyó una batería trucada, de aquellas con rebote para que parezca que toca un cyborg, la voz y, de vez en cuando, las guitarras ambientales. Vais de Origin con Dream Theater, pero no llegáis ni a estafa. La propuesta de 139

OBEY THE BRAVE

Obey The Brave surge de juntar Terror y Madball con las ganas de rapear de todo un Despised Icon, y añadirle además una pátina metalizada muy Hatebreed. El resultado es lo que quiere la gente: caña y breaks con estribillos fáciles. No se salieron del guión, siendo todo un ejemplo de profesionalidad. Si hay ganas de fiesta, ‘Raise Your Voice’ o ‘Full Circle’ no fallan. Fue salir Carnifex y demostrar que cualquier formación que hubiera tocado antes era una broma. Siendo crueles, podemos afirmar que el festival itinerante empezó con ellos. 140

THY ART IS MURDER

Por fin melenas, molinillos cervicales de verdad y perfecto trato instrumental. ¿Qué diablos practican ahora? ¿Black melódico, deathcore, brutal death? Poco importó. Dieron miedito en un bolo desgarrador, y es que hay que ver cómo le da Scott Lewis al micro… A ver si algún día abandonan las giras para críos y entran de una vez en el circuito de metal extremo para adultos. Los mejores del día. Thy Art Is Murder son fríos sobre las tablas, pero su propuesta habla por sí sola. Son la tralla hecha grupo. Desde ‘Holy War’ hasta la última ‘Reign Of Darkness’, hicieron temblar el recinto con su

burrada terrorífica. Con una puesta en escena sobria, Whitechapel dejaron que toda la atención se centrara en su frontman en vez de dar un show adrenalítico. Es sensacional comprobar cuán compacta suena la formación, conjuntada al milímetro pese a contar con tres guitarras. Estábamos pensando que tampoco nos habíamos perdido nada del otro mundo todos estos años, pero los de Knoxville decidieron enfilar la recta final de su descarga con la esperada ‘Possession’, ‘This Is Exile’ y ‘The Saw Is The Law’. Un bonito epitafio para una escena muerta.

BILLION DOLLAR FEST 5 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTO: CRISTIAN BERTOLO

a idea era excelente: reunir a una serie de bandas de gran calado, con diferentes estilos pero un concepto parecido. Todas ellas con bagaje, actitud, talento y experiencia para mirar de tú a tú a cualquier medianía de fuera que te venden a precio de oro, demostrar de una vez por todas que aquí, no sólo tenemos grupos de alta estofa, sino que estamos viviendo una época de especial relevancia con una gran cantidad de nombres que están ofreciendo calidad por toneladas. El rock de guitarras sin fecha de caducidad sería reivindicado por todo lo alto y los encargados de hacerlo serían una tríada difícilmente superable. Saturna y su proto hard rock serían los encargados de abrir fuego. Enfrentados a un público que en su mayoría no era el suyo, salieron victoriosos gracias, sobre todo, a las superlativas canciones de su último largo Saturna III. La incorporación de Jimi como guitarrista y cantante les ha dado otro aire, Oscar, el otro hacha nuevo, también ha incorporado nuevas sonoridades

y la banda es hoy toda una realidad. Me reconfortó ver la sonrisa de Rod, su bajista, tras la interpretación de ‘Birds In Cages’. Se lo estaban pasando bien y lo trasmitieron al público. Los aragoneses de la Kleejoss Band sin embargo parecía que jugaban en casa. Con una audiencia casi entregada desde el principio nos estamparon su rock americano de alto octanaje con una solvencia y una elegancia sorprendente. Se notaba que River Sound Unleashed había calado entre la gente allí asistente. Temas como ‘The Wire Walkers’ o la deliciosa ‘Plasticland’ fueron coreadas hasta el límite ante la cara de satisfacción de la misma banda, que quizás no se esperaba una respuesta tan entusiasta. La asistencia podría haber sido mayor, pero no era cuestión de quejarse, pues la oferta esa noche en la Ciudad Condal era brutal y la sala, en general, ofrecía un buen aspecto. Se estaba poniendo la primera piedra a un proyecto que había empezado con esperanzadora aceptación. Había que seguir celebrándolo. Era el turno para

Schizophrenic Spacers (en la foto). Su cantante, Sergio, fue el ideólogo y organizador de toda la movida, y como es habitual en ellos, salieron a matar. Algunos lo pasaron muy bien con alguna de esas versiones que llevan a su terreno de manera impecable. Y sí, ‘Helter Skelter’, ‘Working Man’ o ‘Don’t Believe A World’ sonaron maravillosas, pero yo me quedo con canciones tan superlativas como ‘Collector’ o ‘Sick Minds’, pequeños clásicos, e incluso con algún futuro incunable como ese ‘Night Squirrels’ que estrenaron en primicia y que formará parte de su nuevo largo a grabar ya mismo al lado de Hendrik Röver. Una mega jam con miembros de las tres bandas sobre el escenario machacando el ‘My Generation’ de los Who rubricó una preciosa velada que ojalá tenga continuidad en el futuro. Nosotros estamos seguros de que sí. Estas iniciativas son buenas, necesarias para la salud de nuestra música, y para que la rueda no pare de girar. Billion Dollar Fest, quedaros con el nombre: quizás vosotros seáis los próximos en tocar. 141

BRITISH LION 7 DE NOVIEMBRE DE 2016 SALA TÃ&#x201C;TEM, VILLAVA TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

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ocar con British Lion no es lo mismo que tocar con Iron Maiden. Steve Harris aprovecha el formato más rockero posible para acercarse lo máximo al público durante el show y, cómo no, después de él. Lo ves disfrutar, cantar todos los temas, animar al público y jugar con sus amigos que le acompañan en el grupo. Aún no ha sacado su nuevo disco, pero ya desde el segundo tour de 2015 va probando temas nuevos, y esta vez lo hizo con cinco o seis, todavía en fase de rodaje, que probablemente acaben en ese esperado segundo álbum. El concierto lo abrieron sus amigos de Voodoo Six, que son los afortunados que más han teloneado a Iron Maiden junto a The Raven Age estos últimos años por razones que todos los fans de Maiden de verdad saben. Hicieron un bolo mucho mejor que las últimas veces que les vi en la gira del Maiden England. Un buen show, pero lo que

todo el mundo quería ver era a Steve enfundado con su bajo Fender con los colores del West Ham. Y con sólo salir al escenario ya tuvo a las 250 personas que había en la sala dominadas. Empezó con ‘This Is My God’ y ‘Lost Worlds’, y la sorpresa más grata fue que mucha parte del público ya se sabía los temas y los cantaba, algo que hasta ahora no había visto en directo con British Lion. De su primer disco, quizás los que mejor sonaron fueron ‘These Are The Hands’, el coreado ‘Us Against The World’ y ‘Judas’. De los nuevos, ‘Father Lucifer’ creó sorpresa, pero ‘Spitfire’ nos recordó a unos Thin Lizzy por sus bajadas y subidas y ‘The Burning’ tiene esas melodías espaciadas que muchas bandas de rock aportan a sus composiciones y donde los guitarristas David Hawkins y Graham Leslie pueden dejarse ir sin problema. Destacó también ‘Guineas

And Crowns’, donde el bajo de Harris marca el inicio de la canción, y se nota que el cantante Richard Taylor está cada vez más cómodo en el escenario. Una tema que, como la mayoría de esas nuevas canciones, mezcla la esencia de titanes del rock como UFO o Thin Lizzy, pero que Harris lleva a un nivel propio y exclusivo. Y obviamente, para finalizar el show ‘Let It Roll’ de UFO y su tema ‘Eyes Of The Young’, que tuvo al público totalmente sumergido en él. Mr. Steve Harris no tiene necesidad de hacer este tipo de giras, pero las hace porque se lo pasa bien, y eso se nota. Si no, esperad después de cualquier concierto suyo y veréis cómo se hace fotos y firma todos los discos que le llevéis, ya tenga delante 150 personas o diez. Es lo que tienen muchos genios: son seres especiales que hacen sentir feliz a los meros mortales con sus creaciones y gestos.

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DE GIRA

CLUTCH

8 DE DICIEMBRE ZENTRAL (PAMPLONA) 9 DE DICIEMBRE SALA APOLO (BARCELONA) 10 DE DICIEMBRE LA RIVIERA (MADRID)

ómo te sientes el día después de la victoria de Donald Trump? NEIL FALLON “Tengo el estómago revuelto. El nuevo gobierno me acojona. Pero lo que me asusta es que se ha abierto la veda para el hipernacionalismo, el jingoísmo, el racismo, el machismo. Estas cosas siempre han estado ahí, pero ahora parece que mole ser una de esas personas... Incluso que esté de moda. No creo que haya nada malo en amar a tu país, pero cuando ese amor se manifiesta odiando a la gente que ‘no son de los nuestros’, entonces entramos en un terreno muy peligroso. Odio decirlo, pero creo que la situación va a empeorar mucho antes de que pueda mejorar”. En ‘X-Ray Visions’ mencionabas “los espíritus enfadados de Ronald y Nancy Reagan” en una estrofa. ¿Tenías un presentimiento de lo que iba a

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pasar cuando lo escribiste? “(Risas) No tiene nada de psíquico. Necesitaba algo que rimara con ‘overtaken’ y de repente ‘Ronald Reagan’ me vino a la cabeza. Espero que no fuera una premonición, porque la última estrofa acaba con ‘ruinas’”. Psychic Warfare se editó hace poco más de un año. ¿De qué te sientes más orgulloso de él? “Estoy orgulloso de las canciones. Creo que escribimos algunas de las mejores canciones de nuestra trayectoria en ese disco. Hay más satisfacción artística que comercial, pero no puedo mentir, me hizo sentir muy bien que el disco llegara al número 1 de las listas de Billboard de rock. Nunca habíamos conseguido eso cuando estábamos en multinacionales”. ¿Entonces prestas atención a las listas, las críticas…? “Mira, si Psychic Warfare no hubiera ni

entrado en las listas, sentiría lo mismo por el álbum. Creo que antes que nada un artista tiene que sentirse orgulloso del trabajo que hace. Y siempre pienso que hay margen para mejorar, lo cual es bueno. Hace mucho tiempo que dejé de prestar atención a las críticas, fueran buenas o malas. A veces una mala crítica existe porque el periodista se levantó de mal humor ese día. ¿Por qué dejaría que un amargado me amargara a mí? Y las buenas críticas pueden darte una falsa sensación de satisfacción. Si al grupo nos gusta el disco, entonces estoy convencido de que a los fans de Clutch les gustará, porque en realidad no somos demasiado distintos”. No habéis parado de girar desde que salió el disco. ¿Cuáles han sido los puntos álgidos para ti? “Ha habido muchos, pero destacaría dos. El primero fue tocar en Le Traben-

AGENDA DICIEMBRE do en París una semana después de lo de Bataclan. Nadie sabía qué esperar. Pero al final fue un concierto increíble. Muy emotivo. Hubo momentos que me dejaron sin palabras. A veces las cosas más sencillas, como tocar rock’n’roll o bailar, pueden significar muchísimo para el artista y el público. El segundo fue tocar en el anfiteatro de Red Rocks, en Colorado, con Mastodon. Hemos tocado en muchos lugares en todo el mundo, pero Red Rocks es distinto a todo. El lugar estaba a rebosar, el clima era perfecto, y habiendo vivido en Colorado hace unos años, vi muchas caras conocidas. Fue una de esas noches en la que todo cuadra, y poder tocar en un sitio tan grande me dejó alucinado”. Este año también has publicado un disco con tu otra banda Dunsmuir, con Vinny Appice de Black Sabbath o Heaven And Hell, Brad Davis de Fu Manchu y Dave Bone de The Company Band. ¿Cómo fue trabajar con alguien como Appice? “Vinny es un tipo súper humilde. Tiene un gran sentido del humor y es un gran profesional. De vez en cuando nos contaba alguna anécdota en plan ‘Esto me recuerda aquella vez que Ronnie…’, o ‘Geezer solía decirme…’, y entonces pensaba ‘Oh mierda… ¡Está hablando de esos tíos!’. Era fácil olvidarse del pasado de Vinny, porque es tan tranquilo... Y Dios, el tío nunca le pega flojo a los parches. ¡Nunca! Incluso ensayando un ritmo de lo más simple te volaba la cabeza”. A lo largo de los años has aparecido también en discos de Mastodon, Soulfly, Therapy?… ¿Recibes muchas ofertas para hacer colaboraciones? ¿Qué deben ofrecerte para dar el ‘sí’? “Siempre es un orgullo que te lo pidan. La mayoría de colaboraciones han sido con bandas o músicos con los que había girado. Pero también he dicho que no. Muchas veces. La mayoría de veces porque simplemente no tengo tiempo. Y también ha habido una... o veinte, en la que simplemente no soportaba la música. He escrito muchas letras a lo largo de los años y creo que ha hecho que mucha gente piense que me resulta fácil. Pero puedo comerme la cabeza durante días, incluso semanas. Y si me tienen que salir canas por culpa de las letras, prefiero que me salgan por hacer letras para Clutch”. (JORDI MEYA)

AIRBOURNE 5 BILBAO, 6 MADRID, 7 BARCELONA THE AMITY AFFLICTION 21 BARCELONA, 22 MADRID BRUJERIA 6 VALENCIA, 7 VALLADOLID, 8 A CORUÑA, 9 OVIEDO, 10 VITORIA, 14 ZARAGOZA, 15 MURCIA, 16 MADRID, 17 BARCELONA, 18 MALLORCA CALIBAN + SUICIDE SILENCE 3 BARCELONA, 4 MADRID CAPTAIN IVORY 1 BARCELONA, 2 CASTELLÓN DE LA PLANA, 3 MURCIA, 4 ALDEMAYOR DE SAN MARTÍN, 5 LEÓN, 6 SEVILLA, 8 OURENSE, 9 CANGAS, 10 ZAMORA CRYSTAL CASTLES 5 BILBAO, 9 MADRID, 10 BARCELONA THE DAMNED 13 BARCELONA, 14 VALENCIA, 15 MADRID, 16 VITORIA, 17 GIJÓN DEAD BY APRIL 13 MADRID, 14 VALENCIA, 15 BARCELONA FRANK CARTER 2 BARCELONA, 3 MADRID FREEBORN BROTHERS 1 SANT FELIU DE GUÍXOLS, 2 GAVÀ, 3 BARCELONA, 4 VILLAFRANCA DEL CID, 7 VALLADOLID, 8 PLASENCIA, 9 BÉJAR, 10 BOULETA JAIN 3 BARCELONA THE LAST VEGAS 1 ZARAGOZA, 2 VITORIA, 3 BILBAO MICAH P. HINSON 27 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 28 PAMPLONA, 29 ARRASATE MONSTRENAUT 14 BARCELONA, 15 MADRID, 16 SAN SEBASTIÁN, 17 MUNGIA MOONSPELL 6 MURCIA, 7 MADRID, 8 BARCELONA NICK LOWE 10 SEVILLA, 12 BARCELONA, 13 MADRID, 15 SAN SEBASTIÁN, 16 GIJÓN OCEAN COLOUR SCENE 1 BARCELONA PEACHES 1 BARCELONA, 2 MADRID ROBERT ELLIS 14 BARCELONA, 15 GIJÓN, 16 OURENSE, 18 ZARAGOZA ROOSEVELT 6 BARCELONA, 7 MADRID SAXON 16 BILBAO, 17 MADRID, 18 BARCELONA