RockZone 133 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Frank Carter (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL De vez en cuando nos gusta darnos un capricho y poner a un grupo en portada cuando probablemente su popularidad todavía no lo justifique. Es el caso de The Menzingers, banda con la que llevamos dando la tabarra desde hace años... y no pararemos hasta que se les haga justicia. Su nuevo disco After The Party, que se publica el 3 de febrero, ha vuelto a reafirmarnos en que son de lo mejorcito que hay en el punk rock actual. Si todavía no los has catado, esperamos que por fin te decidas. Junto a ellos tenemos una jugosa, y extensa, entrevista con Suicide Silence, la última hora sobre Queens Of The Stone Age gracias a la charla con Troy Van Leeuwen a propósito del supergrupo Gone Is Gone, la nueva aventura de Toundra con el proyecto Exquirla, y muchas cosas más. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 133

7 / INTERFERENCIAS

20 / IRON REAGAN

24 / JAPANDROIDS

30 / EXQUIRLA

36 / AGAINST THE CURRENT

40 / GONE IS GONE

44 / THE MENZINGERS

52 / SUICIDE SILENCE

62 / DISCO DEL MES

64 / CRÍTICAS

92 / DEAF HAVANA

96 / CALA VENTO

100 / OWL CAPTAIN

106 / REVANCHA EXTREMA

116 / EN DIRECTO

130 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_ MASTODON LA BANDA DE ATLANTA YA TIENE A PUNTO SU SÉPTIMO ÁLBUM DE ESTUDIO. SE TITULA EMPEROR OF SAND Y VERÁ LA LUZ EL 31 DE MARZO. EL GRUPO LO PRESENTARÁ EN LA PRÓXIMA EDICIÖN DEL RESURRECTION FEST.

unque en 2016 hemos podido escuchar a Brent Hinds con Giraffe Tongue Orchestra y a Troy Sanders con Gone Is Gone, lo que realmente esperaban sus fans era que la pareja se juntara con Bill Kelliher y Brann Dailor para crear un nuevo álbum de Mastodon. Para ello, el cuarteto volvió a reunirse con el productor Brendan O’Brien, con quien ya habían grabado su magistral Crack The Skye en 2011, para dirigir durante un mes las sesiones. Éstas se llevaron a cabo en el estudio Quarry en Kennesaw, Georgia, para luego trasladarse a los Henson Studios, en Los Ángeles, para dos semanas de mezclas. O’Brien hizo que el grupo grabara las canciones como originalmente las habían compuesto, para luego editarlas junto a los músicos para lograr piezas más concretas. Así, junto a su habitual hard rock progresivo que encontraremos en ‘Precious Stones’ o ‘Steambreather’, también habrá alguna canción más directa y melódica de lo habitual, como ‘Show Yourself’. Para O’Brien, la principal diferencia respecto a la primera vez que trabajó con

ellos ha sido su mejoría como cantantes, una cualidad que han explotado más que nunca. Pese a este aspecto más melódico, eso no significa que el contenido del álbum vaya a ser ligero. En una entrevista con Rolling Stone, Dailor contaba que se había inspirado en varios amigos y familiares diagnosticados de cáncer para escribir las letras. “El tiempo es un tema principal en este disco”, aseguraba el batería. “¿Cuánto tiempo más nos queda? ¿Qué estamos haciendo con él? Me monto una pequeña película en mi cabeza sobre una situación y empiezo a escribir sobre ello. Me esfuerzo mucho en que sea personal y empática, no demasiado esotérica”. En esta historia conceptual, el protagonista recibe una sentencia de muerte de un gobernante del desierto y se ve obligado a vagar por un paraje árido, una metáfora sobre la enfermedad. “Al final de la historia, la persona muere y se salva simultáneamente. Trata sobre pasar por el cáncer, pasar por la quimioterapia y todas las cosas que lleva asociadas. No quería ser muy literal sobre ello... Pero todo está ahí”.

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LO PEOR DE MÍ_ CONDENADOS

ésar Strawberry ha sido condenado a un año de prisión y seis y medio de inhabilitación por un “delito de enaltecimiento del terrorismo o humillación de las víctimas”. Con esta sentencia, la Sala Penal del Tribunal Supremo anula el fallo de la Audiencia Nacional que el pasado julio absolvió al líder de Def Con Dos por varios comentarios que publicó en Twitter entre noviembre de 2013 y enero de 2014, en los que citaba a Ortega Lara, los GRAPO, Carrero Blanco o sugería un “roscón-bomba” como regalo de cumpleaños para el Rey. Como no soy una víctima del terrorismo, ni tampoco franquista, ni monárquico, me cuesta imaginar hasta qué punto estos tweets puedan resultar ofensivos o humillantes. Lo que sí soy, o al menos me considero, es una persona con dos dedos de frente que sabe distinguir un comentario irónico, hasta de mal gusto si se quiere, de una declaración política o una incitación al odio o la violencia. Lo preocupante no es lo que escriba César, sino que una justicia tan arbitraria como para que un día te absuelvan y al otro te condenen, esté en manos de personas con tan poco juicio. Si el mes que viene no veis esta columna, buscad en la trena. Nunca se sabe... (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@Cornetaglori79 Leyendo @RockZone y descubriendo que estamos de acuerdo repecto al Ulises de @vivabelgrado como joya musical. Y en vinilo mucho mejor. @Corneatglori79 Agradecer a @elecualizador y a @RockZone que me descubrieran a @PleaseWaitBand en su día y a @CaleiahRecs su paquete con él dentro. Discazo. @Rehnnx Thrice en el top 5. Gracias. @NYhilda @BiffyClyro What a show!! Biffy killed it!! @Rehnnx Confirmamos que Simon sigue greñudo. Jesucristo mode. @Robnin Cómo echo de menos ir a comprar mi @RockZone (ya os compraba siendo Rocksound). El olor del papel, buenas fotos, buen contenido... #pureta

Os envío una foto con Zoli Téglás de Ignite. Como son uno de mis grupos favoritos, ya los vi en el Gasteiz Calling y, por suerte, una segunda vez en Bélgica durante su gira europea en noviembre. Lo bueno de las salas pequeñas es lo fácil que es reunirte con ellos. Un tío genial que se paró un rato a hablar, tomarse una cerveza y contarme algo de la gira en la que se vienen con Madball y H2O este año. ¡¡Un saludo, y a seguir trabajando en esta pedazo de revista!! (JAVI) *¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER

Me gustan las chicas de Polonia. En esta columna os voy a hablar de dos sucesos relativamente recientes (cuando yo escribo estas preciosas líneas pasan unos días hasta que vosotros, queridos lectores de mi alma, amores míos, las podéis leer). Parece ser que en el mundillo de las gorras planas, los tatuajes de mierda a los 13 años, ser tan flaco como un fideo -como yo- y las planchas de pelo, es decir, el mundillo del metalcore, se ha puesto de moda volver a tu antigua banda. Así ha sido el caso de Asking Alexandria y Thy Art Is Murder. En el primer caso, chutaron al cantante por ser un drogas, y en el segundo, salió él mismo por su propio pie aludiendo que -atención, sacad unos Kleenex, vamos a llorar todos ante esta triste historia-, sólo generaba entre 16.000 y 18.000 doláres al año con la banda y necesitaba una vida normal, un trabajo ‘serio’ y pasar más rato con su mujer (pese a que en su Instagram no parase de colgar fotos de sus constantes caprichos). Pues oye, que parece ser que al final también era un drogas, y por eso se marchó. Viva la velocidad, el emdiemei y la farinola. Estos salseos no serían posibles sin vosotras, queridas sustancias. (MARIUS TIBERIAN)

ARNETTE.COM

CHRIS JOSLIN I WOODWARD

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: RICHARD ROYUELA, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

AUTOBIOGRAFÍA Morrissey (MALPASO)

asado este 2016 que ha visto cómo se marchaban algunos de los grandes ico-

nos de la música, personajes como Morrissey empiezan a ser, ahora sí,

en estas memorias es, irónicamente, en los años previos al inicio

una especie en extinción. Contradictorio y brillante a la vez, esta-

del mítico cuarteto. Una infancia marcada, como tantas otras, por

mos viendo cómo nuestro querido Mozz se está convirtiendo en

una Inglaterra gris y sin esperanza para la clase obrera, y cómo

una de esas personas que encara la última etapa de su vida, 57

esa infancia y juventud en búsqueda constante del escapismo de

años tiene actualmente, en la que bien poco le importan las re-

la realidad que le había tocado marcaron la persona que luego

acciones que sus opiniones causan. Si estamos ahora mismo ante

conocimos todos. Por supuesto no queda en el tintero sus años

unas memorias de Morrissey es principalmente por ese legado

de Smiths, leyendo lo que dice de ellos mejor olvidarse de ese

que dejó junto a The Smiths, cuya influencia no parece diluirse

mil veces pedido retorno, su obsesiva lucha contra el consumo de

nunca, y, en menor medida, su carrera en solitario. De eso no

carne o sus polémicas ideas políticas. En definitiva, ese decálogo

cabe duda, pero ésta no es la autobiografía de un rockstar al uso,

Morrissey rozando en muchos momentos la autoparodia, pero

que se explaye en sus años de gloria. Donde encontramos el oro

salvado siempre por su propio carisma y genialidad.

A TODO RIESGO Chrissie Hynde (MALPASO)

e de confesar que Chris-

cuando The Pretenders sacan su segundo disco y afianzan su po-

sie Hynde me interesa

sición en ese circo del rock con el que Hynde siempre ha sido tan

más bien poco como

crítica. Y esas primeras páginas que empiezas con un ‘a ver qué

artista… por no decir nada. Nunca

pasa’ acaban enganchando cuando te topas con la historia de

he sabido ver dónde está el valor de

una chica nacida a principios de los 50 en un lugar como Akron,

una banda como The Petenders y el furor que despierta en ciertos

Ohio, y cómo su inconformismo la acaba llevando a Londres y allí

sectores. Otra cosa es que, pese a que tampoco el personaje da

vive en primera persona los años gloriosos del glam –habla de ver

la impresión de ser alguien a quien adorar sin condiciones, haya

a Bowie en la gira de Ziggy Stardust como un momento clave- y

de reconocerse su papel como mujer pionera dentro del mundo

toda la explosión punk de la que fue parte activa. Un relato que

del rock. Aunque esto, afortunadamente, ya no es un tema que

no magnifica, pero que tampoco desmitifica una época que tanta

llame la atención, cuando en 1980 The Pretenders editaron su

leyenda ha creado a su alrededor, descrito en primera persona.

primer álbum, no era nada común ver a una mujer encabezar

No me ha hecho lanzarme a escuchar The Pretenders como si no

una banda de rock, así que de personalidad no debe de ir justa,

hubiese un mañana, pero he de reconocer que, después de leer

precisamente. La primera sorpresa es ver que el libro acaba justo

A Todo Riesgo, veo a Crissie Hynde con otros ojos.

EL BOXEADOR

Rubén del Rincón y Manolo Carot (LA CÚPULA)

EL ETERNO INTERMEDIO DE BILLY LYNN Ben Fountain (CONTRA)

MARY SHELLEY: LA MUERTE DEL MONSTRUO

Raquel Lagartos y Julio César Iglesias (DIÁBOLO)

El Boxeador es un álbum realizado por los veteranos dibujantes Rubén Rincón y Manolo Carot centrado en dos púgiles que terminarán encontrándose en el clímax de sus historias. Para conocer cada una de sus vidas, el trabajo se presenta con dos portadas, cada una correspondiente a las desventuras de cada uno de ellos, relacionando personajes secundarios y pequeñas tramas que terminan conectando en el encuentro final. Con un arte espectacular en bitono, unas planchas poderosas y por alejarse de muchos clichés del género, este cómic es un absoluto peso pesado. SG

La tradición de los grandes novelistas norteamericanos sigue estando a salvo mientras irrumpan en el panorama plumas como la de Ben Fountain. El Eterno Intermedio De Billy Lynn es una de esas sátiras sobre su propio país que tan bien saben escribir los americanos. Cogiendo a los ocho supervivientes de un escuadrón de la guerra de Irak, nos encontramos una novela que pone sobre la mesa las paradojas e incongruencias de una sociedad de consumo salvaje y de héroes de usar y tirar. Tan explícita y cinematográfica que Ang Lee ha decidido llevarla a la gran pantalla. RR

Los autores proponen un acercamiento intenso a la figura de Mary Shelley, contando su vida desde sus primeros años de adolescencia, el momento clave en el que gestó Frankenstein O El Moderno Prometeo y sus años posteriores, introduciendo el drama de su vida y entorno social. Presta mucha atención en el subtexto hacia los motivos por los que en posteriores ediciones revisó su trabajo y establece un interesante diálogo que trata de acercarse a su psique, regalando al lector muchos momentos reflexivos que invitan a revisar tras la lectura su obra maestra de la novela gótica. SG

(EVOLUTION COMICS/

MEMORIAS DE UN PENE SELECTO Carlos Melgares

PERRINOWMICON Michael Perrinow y Sara Cepeda

PANINI)

(EDITORIAL CORNOQUE)

(FANDOGAMIA)

OJOS GRISES

Llor, Vidal, Batlle

Un viaje al pasado del Poblenou en la Barcelona de los años preolímpicos a través de los ojos de unos chavales que viven la transformación del barrio a la vez que maduran de golpe. Un crimen sirve como motor de esta historia que busca reflejar los cambios en la zona así como en la evolución de los personajes, aderezado con el contexto social y político de la época. Ojos Grises es un álbum formidable realizado con mimo y documentación, contando una entretenida aventura de un grupo de adolescentes en una época que nos resulta ya lejana. SG

Carlos Melgares repite el tono autobiográfico de su último fanzine y da el salto al tebeo largo con un trabajo en el que se abre en canal a los lectores narrando sus miserias y pequeñas victorias personales a lo largo de su vida. Sin florituras, ofreciendo una lectura positiva a todas sus vivencias y compartiendo sus aprendizajes, que pueden ser los de cualquiera, llegando a sus edificantes páginas finales. Es la vida de una persona normal, con sus alegrías y tristezas, sin miedo a mostrarlas; en ello reside la magia que ayuda a identificarse con el protagonista. SG

Las tiras que Perrinow ha ofrecido en Twitter seleccionadas, remasterizadas a color y presentadas en lo que es el álbum definitivo del humor escatológico. Imagina tus escenas favoritas de sexo y cine gore golpeando tus meninges a cada gag, sin fallar ninguno. Esto es el Perrinowmicon: una bofetada detrás de otra a tu sentido de la decencia, riéndose de absolutas salvajadas; la oda definitiva al mal gusto, al humor negro ofensivo, al chiste mostrenco. Una total obra maestra del humor patrio y vía directa hacia la demencia. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA LA AUTOPSIA DE JANE DOE FINO BISTURÍ

na localización, dos personajes y un cadáver. Hagan sus apuestas. Tras la simpática e irregular Troll Hunter, André Øvredal se lo ha tomado con calma. Precisamente en esa calma se apoya su fabulosa nueva propuesta, igual de juguetona que la anterior pero mucho más clásica, mejor rodada y mucho más tradicional y menos moderna que su falso documental sobre cazadores de monstruos. Todo lo que se le debe exigir a una peli de género está aquí: una atmósfera impoluta, un reparto entregado, humor sutil y

una historia que se va desplegando poco a poco aunque, maldita sea (y por poner una pega), puede que muestre sus cartas antes de tiempo. La Autopsia De Jane Doe está conquistando los corazones de todos los aficionados al fantástico al poner sobre la mesa dos cosas: un cuerpo sin vida y un misterio que bebe de la literatura clásica de horror, sobre todo en su vertiente de biblioteca de la EC. Entre los méritos impagables de la peli destaca el inteligente uso de los sustos ‘de baratillo’, ésos con los que uno debe tener muy claro el sentido de su utilización para no caer en lugares comunes ni en escalofríos del ‘todo a cien’. Emile Hirsch y Brian Cox, como padre e hijo, protagonistas absolutos, lucen como si hubieran nacido para estar en esta pequeña historia de horror, mientras la mortalidad de Olwen Kelly llena la pantalla con el papel más complicado de la función.

HASTA EL ÚLTIMO HOMBRE SALVAR AL SOLDADO GIBSON

o que haga o diga Mel Gibson fuera de las salas de cine me trae sin cuidado. De gilipollas está el mundo lleno (y creo que él está lejos de ser uno de ellos) y muchos son genios, así que eso que se llevan. El director de la plomiza y sobada Braveheart encadena su tercera obra maestra consecutiva contando la historia real de un objetor de conciencia que decidió celebrar su decisión de no tocar un arma en su vida alistándose en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Ante semejante paradoja, Gibson, con un guión al que le perdonamos los bruscos acelerones de su parte pacífica, rueda su película más clásica. La paradoja del personaje principal, Desmond Doss, tiene su reflejo en el tono rompedor, sangriento, cruel e hiperrealista que este loco australiano impone en la parte bélica de la función, cerca de una hora de explosiones, dolorosos impactos, pérdidas de sangre y amputaciones en

primer plano. Las fantásticas elecciones de cásting, con un extraordinario Andrew Garfield (a falta de ver el último Scorsese, no me equivoco si aseguro que estamos ante la mejor interpretación de su carrera) y un Vince Vaughn que necesita que directores así cuenten con él, además de un muy diferente Hugo Weaving y el más modesto y efectivo Sam Worthington. Puede que donde más y mejor demuestre Gibson la enorme capacidad de director clásico que ha ganado con los años sea, curiosamente, en la primera parte de la película. El pasado del protagonista, su infancia y el incidente que hará cambiar su manera de pensar están rodadas con un gusto exquisito y con un conocimiento del clasicismo perdido. Al igual que en Salvar Al Soldado Ryan, la película termina recordando al espectador que sí, que esto es una historia real, por increíble que parezca, y que los hechos sucedieron tal y como se cuentan: Desmond Doss es un gran héroe americano desconocido que ve recompensados sus méritos en una gran película bélica de las que ya no se ven en estos tiempos digitales. Y aquí hay efectos así, pero las planificaciones de algunos momentos, con la cámara metida en el centro de la batalla, son simplemente asombrosas.

TOI’S IN THE ATTIC ¿POLÍTICA Y MÚSICA?

ola amigos! Finalmente lo que nadie creía que pudiera suceder es ahora mismo una realidad, y Donald Trump es presidente de Estados Unidos. Satán, como algunos le llaman, se sienta ahora en el trono del mundo, algo que no consiguió Damien Thorn, el niño cabrón de La Profecía. Ahora en serio, o bueno, tampoco mucho... alucino con las legiones de politólogos que de la noche a la mañana dominan de economía y política norteamericana, de la lluvia de críticas que ha recibido naranjito a todos los niveles, como si hubiera aparecido de la nada y nadie supiera de su trayectoria previa, que se rasgan las vestiduras, y me río mucho, la verdad, porque aquí tampoco podemos tirar cohetes, con políticos corruptos, señoras que firman papeles sin saber qué son, un estado fragmentado y la perspectiva de un futuro, para qué andarnos con sutilezas, de mierda. Hay una cosa que me fascina, y es la presencia de músicos y personajes de Hollywood -aquí, en nuestra versión española, el equiva-

lente sería toda la cuadrilla que come de subvenciones-, que hacen campaña a favor y en contra de políticos, y de lo influyentes que son para la opinión pública. Y es algo que no me gusta, sobre todo por la situación cómoda en la que se encuentran la mayoría. ¿Acaso me tienen que dejar de gustar los viejos discos de Ted Nugent por ser republicano y por su férrea apología de la posesión de armas? ¿Me tiene que gustar el plasta de Sabina por su orientación política? Jamás ha sido algo que me haya movido a prestar más atención a alguien. Sí me parece bien que haya reivindicación, crítica y lucha en la música, desde Neil Young con su canción ‘Ohio’, a N.W.A. en su momento reflejando la realidad de los guetos, pero que la gente se ponga la medallita apoyando a un partido político no deja de dejarme un regustillo raro. Ahora mismo sólo espero una reacción musical ante esa era de incertidumbre y peligro que se respira. Veremos qué nos depara. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Meanderthal de Torche. Vivimos en la época de la información inmediata. La música está en la punta de nuestros dedos, si nos apetece acceder a ella. Habiendo crecido en el mundo analógico, cuando buscar música era algo similar a buscar ese molesto huevo de pascua que nunca encontrabas, fue un shock saber que simplemente tenías que teclear bien tus deseos auditivos para poder disfrutarlos en tan sólo unos segundos. De todas maneras, esto no es tan simple cuando se aplica a este viejo de las cavernas intentando buscar estos atajos. ¡Y me recreo en ello! Cazar en las cubetas de las tiendas de discos y repasar las 16

páginas finales de las revistas va ahora de la mano a buscar por la blogosfera de internet, así como por webs y vídeos de YouTube, con la intención de encontrar algo audible que encaje con mis oídos. Como cualquier búsqueda, a veces no dan resultados, pero de vez en cuando encuentras algún diamante en bruto. En 2008, mientras estaba mirando mis blogs de costumbre, leí una pequeña nota de una pequeña banda de Miami llamada Torche. El que entonces era su nuevo álbum, Meanderthal, estaba en boca de todos en la blogosfera. Proclamados como el hijo bastardo de Foo Fighters y Mastodon, los constantes elogios fueron suficientes para captar mi interés y le di una oportunidad a su segundo disco, que editaba Hydra Head. ¡Joder! El álbum era justo como se había descrito, partes iguales de Foo Fighters y Mastodon, pero diez veces mejores (no os ofendáis, chicos). Su sonido fusionaba melodías pegajosas junto con guitarras crudas y estruendosas. Era como Guided By Voices mez-

clado con Exodus, o como The Beach Boys fusionados con Slayer. Básicamente, ninguna banda podía haber escrito un álbum que encajara tan bien con lo que mis oídos estaban buscando en aquel momento, y eso es lo que me dieron Torche aquí. Desde la apertura de ‘Triumph Of Venus’ y encontrándote con tremendos mazazos como ‘Piranha’, ‘Healer’, ‘Little Champion’ y ‘Whithout A Sound’, Meanderthal era un álbum inmenso que se convirtió en mi segundo favorito de 2008. Para una banda que tan sólo había descubierto ese mismo año, fue toda una alabanza. Steve Brooks y Juan Montoya empuñaban sus guitarras como si unos Lennon & Harrison de

nuestros días se fusionaran con Sykes & Moore. Era un placer escucharlos, pero desafortunadamente, ésa fue la última vez que hicieron algo juntos. Poco después de su salida, Montoya fue despedido y Torche continuaron temporalmente como un trío. Desde entonces han encontrado un cuarto miembro mientras Montoya se ha unido a MonstrO y Killer Be Killed. Torche han seguido editando grandes discos como Harmonicraft o Restarter el año pasado. Brooks incluso ha ido más lejos reviviendo su banda pre Torche, Floor, con grandes resultados, pero nada es comparable a las cimas conquistadas con Meanderthal. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> MORGAN INTERPRETAN ‘WEATHER’ EN LA OFICINA DE ROCKZONE

veces las grandes historias surgen de momentos pequeños. La de los madrileños Morgan empezó con Carolina de Juan, Nina, trasteando en casa con el piano hace unos años sin más pretensión que hacer unas cuantas canciones. Aunque procede de una familia musical (su padre es guitarrista y su madre cantante, y estudió solfeo de pequeña), en sus planes no entraba formar una banda. Pero cuando decidió enseñarle sus primeras canciones a su amigo y guitarrista Paco López, quien a su vez se las enseñó al batería Ekain Elorza (seguramente le habréis visto en estas páginas como componente de Cobra y Dinero), se animaron a ello. Con la ayuda del bajista Toni Soto, quien posteriormente sería sustituido por Alejandro Ovejero, fueron grabando unas cuantas maquetas. Su primer álbum North, grabado con José Nortas en su estudio La Cabaña entre febrero y junio de 2015, recoge todas las canciones que tenían

hasta la fecha. “Fue una grabación sin tiempos, ni presión”, explica Nina. “Si podíamos, una semana íbamos tres días, y otras, ninguno, o dos. Fuimos trabajando canción a canción, con mucho cuidado”. Comandadas por la espectacular y emotiva voz de Nina y su piano, sus canciones transmiten ese fuego lento en el que se han cocinado los arreglos de sus compañeros y que evocan a clásicos del jazz, el soul, el folk o el rock. “Desde mi primera idea para un tema a lo que acaban siendo, pasan mil cosas y cada uno ha ido aportando sus influencias”, explica Nina sobre la transformación que sufren sus composiciones. North apareció en marzo del año pasado y desde entonces ha ido enamorando a cualquiera que haya tenido la oportunidad de escucharlo, y sus directos están congregando a cada vez más gente. Sin ir más lejos, las entradas para su debut en Barcelona en la sala Jamboree, la misma noche

que les hicimos la entrevista, se agotaron anticipadamente, algo que cuesta mucho ver con bandas nacionales emergentes. “Cada vez que vamos a un sitio y se venden las entradas y la gente quiere llevarse el disco a casa, es una sorpresa”, dice Nina. “Estoy en una especie de nube”. A su lado, Paco asegura que están viendo “todo tipo de público, tanto por edad como por estilos. Estamos teniendo mucha suerte”. Sea fortuna, o simplemente justicia, de momento su música ya les ha llevado al otro lado del Atlántico y el pasado noviembre ofrecieron dos conciertos en Sao Paulo en un intercambio en el que también participó el grupo brasileño Tulipa Ruiz. Experiencias imposibles de predecir cuando Nina volcó sus sentimientos en sus canciones. “Si no pudiera hacerlo, estaría fatal”, reconoce. “Es algo medio terapéutico, como un método para el desahogo. Pero cuando veo todo lo que me ha dado, ha merecido pasar por malos momentos”.

IRON REAGAN

IRON REAGAN, LA MAQUINARIA IDEADA POR TONY FORESTA Y SUS COLEGAS, SIGUE ARROYANDO EN SU TERCER ÁLBUM CROSSOVER MINISTRY, UN ALEGATO CONTRA QUIENES SE LLENAN LOS BOLSILLOS A COSTA DE QUIENES NECESITAN CREER EN ALGO PARA SEGUIR VIVIENDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L PLURIEMPLEO está de moda entre los músicos. Si antes iniciaban proyectos paralelos por necesidad creativa, ahora es casi una cuestión de supervivencia. Con la caída de los ingresos por las ventas de discos la única manera de ganarse el pan es estar constantemente en la carretera, y de ahí que cada vez sea más habitual ver a un mismo artista involucrado en dos, tres o más proyectos a la vez. Puede que esto no estuviera en la cabeza de Tony Foresta, vocalista de los thrashers Muncipal Waste, cuando en 2012 decidió montar Iron Reagan junto a su compañero de grupo Land Phil (guitarra y también miembro de Cannabis Corpse), Mark Bronzino (ex guitarrista de ANS), Rob Skotis (bajista de Hellbear) y Ryan Parrish (batería de Darkest Hour), pero desde luego le ha venido más que bien. Su feroz a la par que divertida reivindicación del crossover de los 80 ha tenido una gran aceptación y casi parece encontrarse al mismo nivel que la de su banda principal. No es un mal problema que tener, pero escuchando su flamante Crossover Ministry (Relapse), uno se pregunta de dónde saca este hombre tanta energía.

Aunque antes de Navidad diste algunos conciertos con Municipal Waste, vuestro último disco, The Fatal Feast, salió en 2012, y en los dos últimos años te has centrado mucho más en Iron Reagan. ¿Era el plan desde un principio? TONY FORESTA “Bueno, aunque el disco de Iron Reagan salga en febrero con Municipal Waste estamos trabajando en un nuevo disco también. De hecho, esta mañana he grabado dos

canciones. Creo que lo terminaremos en un par de meses y saldrá a finales de verano. Así que la primera mitad del año vamos a centrarnos en girar con Iron Reagan y la segunda con Municipal Waste”. Cuando publicasteis vuestro primer EP parecía que Iron Reagan era más un proyecto secundario, pero ha cogido vida propia... ¿Te sorprendió? “Me sorprendió la respuesta que tuvo el álbum. No tenía ni idea de que todo fuera a ir tan rápido y cogiera tanta envergadura. Para mí era un proyecto para divertirnos entre giras, pero una vez publicamos el disco, vimos que no iba a ser el caso. La verdad es que nos explotó en la cara. Ha sido genial, aunque ahora significa el doble de trabajo (risas). Hay demanda para los dos grupos, así que no puedo quejarme”. Bueno, una de las cosas mágicas de la música es que es impredecible. Nunca sabes lo que conectará y lo que no. “Exacto. No tenía ni idea de la respuesta que tendría, pero estoy feliz”. ¿Cómo habéis compuesto este nuevo álbum? Porque he leído que en cada uno habéis utilizado un método distinto, desde hacerlo todos juntos a ir escribiendo separadamente en cadena a partir de lo que creaba otro miembro. “Así es. Este disco lo hemos escrito por separado, cada uno componiendo por separado, Mark tenía sus canciones, Rob las suyas, yo también las mías… y cada uno las probaba con Ryan a la batería. Luego fuimos grabándolas

“CREO QUE EL DISCO HUBIERA SIDO MUCHO MÁS OSCURO DE HABER SABIDO QUE TRUMP GANARÍA” TONY FORESTA

y escogiendo lo que más nos gustaba de cada uno. Teníamos mucho material donde escoger, es lo bueno de tener a varias personas que componen”. ¿Así que hay más canciones que las 18 del disco? “¡Sí, hay muchísimas más! Posiblemente podríamos sacar un nuevo álbum mañana mismo. Es una locura”. ¿Os inspiró en especial el clima político en Estados Unidos? “En realidad para este disco no demasiado. Bueno, quizá sí, porque había mucha incertidumbre sobre el rumbo del país cuando lo grabamos, pero en realidad ninguno de nosotros creíamos que Donald Trump fuera a ganar. Los músicos y la gente creativa suelen vivir en zonas urbanas, y ahí la gente no votó a Trump. En las zonas rurales hay mucha menos diversidad, menos cultura, y ahí es donde ganó. En las ciudades la gente no compra sus mentiras. Creo que el disco hubiera sido mucho más oscuro de haber sabido que ganaría (risas), pero preferimos centrarnos en otros temas como la religión”. Aquí se nos hace extraño que la religión tenga tanta importancia en la sociedad norteamericana. ¿Cómo llevas vivir entre tanto fanático? “Me vuelve loco. Pero no quiero que la gente nos malinterprete. No tengo 21

IRON REAGAN nada en contra de la religión. Cada uno puede creer en lo que le dé la gana, pero lo que cabrea es el negocio de la religión, las organizaciones que se aprovechan de los miedos de la gente. Usar eso para ganar dinero es asqueroso. Como lo es presionar a la gente para que crea en algo. Yo no creo en nada. Lo importante es preocuparte por otros seres humanos, no oprimirlos en nombre de Dios. Da miedo hasta dónde ha llegado todo esto”.

Ésos son los grupos que me metieron en el punk y en el metal”.

Y con Trump de presidente, ¿tienes miedo de que el FBI os persiga por las camisetas que hicisteis con Municipal Waste en la que se le veía volándose la cabeza? “(Risas) Creo que van a atacar a muchos músicos. Van a ser cuatro años muy extraños. Ya veremos (risas)”.

Habéis girado mucho, pero me gustaría preguntarte por el tour con GWAR, que también son de Richmond. Tiene que ser divertido… “Sí, son amigos nuestros, viven aquí al lado. Llevan un espectáculo muy loco. Pero mola girar con ellos porque son bastante mayores que nosotros y tienen muchos kilómetros a sus espaldas. Aprendemos mucho viendo lo profesionales que son y cómo tratan a los otros grupos. Es una de las mejores bandas con las que tocar”.

Musicalmente el grupo sigue estando muy influenciado por las bandas de crossover y hardcore de finales de los 80. ¿Cuál fue la primera banda que descubriste de ese estilo? “Creo que la primera que escuché de crossover fue S.O.D. y luego Gang Green. Aparte de las bandas de hardcore de D.C., escuchaba bastante a Void, que tenían un punto más metal.

En cierta manera, lo que tú tienes con Municipal Waste y Iron Reagan es lo que Scott Ian tenía con Anthrax y S.O.D.. ¿Ves un paralelismo? “Sí, pero no pensé en nada de eso... básicamente, como te decía antes, Iron Reagan nació para divertirme con mis amigos”.

Te tiene que gustar mucho estar en la carretera... Se necesita estar hecho de una pasta especial para aguantar tu ritmo. “Me gusta estar ocupado, hacer músi-

ca, me gusta conocer a gente… así que todo eso lo tengo cuando estoy de gira. Pero a veces también me cansa, no te creas. Las giras largas son duras. Lo que pasa es que cuando era pequeño, mis padres cambiaron muchas veces de ciudad. Estaba acostumbrado a cambiar de escuela. Aunque también me expulsaron de muchas, porque era un poco gamberro (risas). Estaba acostumbrado a ser el nuevo de la clase y conocer gente nueva. Supongo que desarrollé un instinto de supervivencia y eso ayuda cuando estás de gira”. Desde luego sobre el escenario se te ve feliz, bebiendo cervezas sin parar. “Claro, si no me divirtiera, no lo haría. El momento en el que no lo haga, lo dejaré. No merece la pena”. ¿Alguna vez te ha preocupado que se te fuera la mano con la bebida? “Bueno, este año aún no he bebido”. Estamos a 3 de enero (risas). “Tienes razón, sólo son tres días (risas). ¡¡Pero son tres días!! La verdad es que, si estando de gira me paso de la raya, mis compañeros me pegan el toque. Si alguien la caga en el escenario por culpa de la fiesta, es el momento de tomarse un descanso (risas). Pero no tomo drogas, no me importan una mierda, sólo bebo, así que si la cago, paro y ya está. No es nada grave. Pero me gusta divertirme, ¿qué puedo decir? (Risas)”.

JAPANDROIDS

LO QUE QUIEREN JAPANDROIDS

DESPUÉS DE TRES AÑOS SIN RASTRO, LA BANDA CANADIENSE REAPARECE CON SU NUEVO DISCO NEAR TO THE WILD HEART OF LIFE. CUANDO TE VAS, PROBABLEMENTE TENGAS UNA BUENA HISTORIA QUE CONTAR AL VOLVER. POR QUÉ QUISIERON MARCHARSE, LO QUE QUERÍAN DE ESTE DISCO Y CÓMO CONSEGUIRLO ES LA DE BRIAN KING. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

S UNA TARDE FRÍA DE ESTE MES DE ENERO. Al otro lado del teléfono, Brian King, voz y guitarra en Japandroids, me cuenta que su mañana no está siendo mucho más cálida. Acaba de llegar a Nueva York desde México y todavía no está acostumbrado a los -10 de temperatura que marca el medidor. Entre su anterior residencia en Vancouver junto a su compañero de banda Dave Prowse –la otra mitad del grupo, batería y voz–, y su actual casa en Ciudad de México han pasado tres años, y él ha pasado por Toronto y Nueva Orleáns antes de instalarse allí definitivamente. Es por eso que el último disco de Japandroids no pertenece a un lugar concreto. Las mudanzas son la consecuencia indirecta de algo que él llama “muerte por girar” después del Celebration Rock Tour que les llevó por más de 40 países, con más de 200 conciertos en casi dos años. “Lo extraño de salir de gira es que programas conciertos muy lejos de la fecha en la que te encuentras, y al hacerlo no sabes realmente cómo te vas a sentir en ese momento. Con la gira de Celebration Rock teníamos esa oportunidad de girar por todo el mundo y decíamos que sí a todo: queríamos tocar, estábamos emocionados. Pero mientras girábamos y pasaba el tiempo, te encontrabas tan cansado que, para cuando llegabas a alguna de

esas fechas, tú ya estabas en baja forma tanto física como mentalmente, y necesitabas descansar e ir a casa, pero todavía te quedaban otros 50 conciertos. Hubo un punto final en el que decidimos no programar ni un concierto más, y cuando terminamos los dos tours que nos quedaban, estábamos muy felices de haberlos hecho, pero también muy cansados. Queríamos hacer más giras de las que debíamos”. Y mientras me comenta que le gustaría pensar que han aprendido esa valiosa lección y que esta vez van a girar de manera más inteligente, también menciona que ya tienen fechas reservadas para septiembre, octubre y el año que viene, demostrando que siguen adictos de alguna manera a ese subidón que les dan los shows. Después de terminar su último tour han estado tres años sin actuar en directo, hasta este otoño, momento en el que han vuelto a pisar pequeñas salas antes de lanzar su nuevo disco. Esta estrategia ya la tomaron antes de publicar su segundo álbum de estudio, y repiten con el tercero porque “le recuerda a la gente que seguimos existiendo. Hemos trabajado este tercer disco durante muchos años, en los que no hicimos conciertos. No puedes pasar tres años sin tocar en vivo y fingir que ese tiempo no ha ocurrido. Al tocar de nuevo para el público, tanto las canciones nuevas como las antiguas, te lleva un tiempo sentirte cómodo sobre el escenario”. Pero en esos tres años no sólo han desaparecido de los directos, sino que también se desconectaron del resto del mundo. Sin dar señales de vida, tanto los

“ES LA PRIMERA VEZ QUE HEMOS GRABADO ALGO SIN PREOCUPARNOS DE CÓMO IBA A SONAR EN DIRECTO DESPUÉS” BRIAN KING

seguidores como los medios de comunicación comenzaron a preguntarse qué había sido de Japandroids. “Cuando empezamos a construir el álbum, decidimos que queríamos hacerlo a nuestro ritmo, sin decirle a nadie que estábamos trabajando en ello, sin compartirlo en redes socia-

les y sin crear esa expectación. No queríamos que supieran que habría un nuevo LP y tampoco cuándo iba a salir, no queríamos esa presión”. Aunque estaban nerviosos por la reaparición, siguen defendiendo su forma de funcionar frente a la de otras bandas, en la que puede pasar

un año desde las primeras noticias del disco hasta que realmente lo tienes en tus manos. Este tercer trabajo de los canadienses se llama Near To The Wild Heart Of Life (ANTI-/Epitaph) por una cita de James Joyce y la novela homónima de Clarice Lispector. Esta

inspiración llegó primero a la canción –lanzada en noviembre– y después ésta dio título al disco. Es quizás por esa influencia literaria por lo que la obra sigue una estructura narrativa, con la última de las ocho pistas, ‘In A Body Like A Grave’, como epílogo. “Para nuestros dos

primeros álbumes nos fijamos más en discos o bandas concretas, pero esta vez queríamos huir de eso e incluir algo que fuese más original. Yo decidí mirar más hacia los libros que estaba leyendo y a la música rock en general”. En esa búsqueda de nuevas ideas llegó también la experimentación. “Con Post-Nothing y Celebration Rock nos acercábamos a las actuaciones en vivo. Al componer las canciones pensábamos en cómo las íbamos a tocar y cómo iban a funcionar con el público, y al grabarlas, en capturar toda la energía del directo y no introducir ningún elemento que no fuese a estar en la actuación”, explica. “Para este álbum decidimos olvidarnos de todo eso y concentrarnos en lo que era mejor para las canciones. Esto nos permitió usar el estudio de formas en las que jamás lo habíamos hecho, grabando los instrumentos de otra manera, probando nuevos y sin preguntarnos cómo iba a sonar cuando saliéramos de gira. Para muchos artistas es lo habitual, pero nosotros no hemos llegado a ese punto hasta el tercer trabajo, así que de alguna manera es nuestro primer disco”. King habla de que culminaron una etapa con su anterior LP y de que con Near To The Wild Heart Of Life comienzan de nuevo, ahora que cumplen su décimo aniversario como banda. “Durante la primera parte de nuestra carrera las cosas habían sido muy similares para Dave y para mí: vivíamos en la misma ciudad, estábamos en el mismo grupo, escribíamos, grabábamos las canciones y girábamos juntos de la misma manera. Después de acabar ese último tour en 2013, muchas cosas cambia-

ron para nosotros de repente: yo me mudé y ya no vivíamos en la misma ciudad, decidimos cambiar la forma de componer y el sonido para este trabajo… y por eso este disco suena diferente a lo anterior. Después de diez años, en ocasiones es como si te quedaras sin ideas. Ni siquiera íbamos a mantener la banda tanto tiempo, y es extraño que ocurran cambios emocionantes”. Pese a que uno de los aspectos más importantes del lanzamiento del nuevo álbum es ese regreso a un principio diferente, hay muchas cosas que han mantenido. El sonido es distinto, pero han vuelto a trabajar en el estudio con Jesse Gander, que estuvo para las grabaciones de sus anteriores obras, y la portada sigue la misma estructura gráfica que les identifica: blancos, negros y un retrato de ambos en escala de grises. Le pregunto por qué se quedan con elementos del pasado si lo que quieren es volver a empezar. “No queríamos hacer algo tan drástico. Este disco es mitad de los nuevos Japandroids y mitad de los antiguos Japandroids. Cuando Radiohead lanzaron Kid A, dieron un cambio muy drástico desde OK Computer. Nosotros no buscábamos eso, sino más bien algo a medio camino. Creo que el próximo trabajo podría ser más diferente y que las cosas podrían cambiar más, pero éste funciona como un puente para poder llevarnos a los fans y todas las cosas que les gustaban de antes hacia donde estamos ahora”. Brian King responde con voz desenfadada y entre bromas. Cuenta que realmente no estaba interesado en ser cantante o en componer, y que empezó a escribir las canciones casi por asignación. “Con el paso de los

años, tras escribir más y más, me ha acabado gustando escribir canciones, y escribir en general. Me ha costado mucho tiempo, estos diez años, para pasar del desinterés y desconocimiento sobre escribir letras a convertirlo en algo que realmente disfruto y en lo que intento mejorar”. Con frases como ésta y con cada explicación detallada que me da sobre la carrera musical de la banda, en su voz la experiencia es evidente. Describe todas sus obras como el resultado del trabajo duro y la dedicación, y no tanto como una aparición artística de estar en el momento y sitio adecuados, y tener papel y bolígrafo a mano. Todo ese esfuerzo es, sin duda, la causa que les ha llevado a estar entre los puestos más altos en las listas de los mejores lanzamientos del mes o del año cada vez que han tenido novedades. Se sienten más artesanos que artistas y ‘trabajo’ parece su palabra favorita. Durante la conversación es fácil darte cuenta de lo exigentes que son con sus propias creaciones tanto dentro como fuera del estudio. “Nosotros siempre llevamos con mucha seriedad y voz crítica la parte de la composición, pero también hay ediciones muy espontáneas que ocurren en el último momento. A veces has estado trabajando en una canción durante un año o un año y medio, y puedes dejarla fuera del disco o cambiar la letra o la música por completo en el último minuto. Así que nunca sabes cómo va a ser un álbum hasta que no lo terminas del todo. Es como hemos creado nuestros tres discos y como trabajamos, y no sé si es similar o diferente a la de otros grupos, pero sí que es la única manera que conocemos”, y cada vez que compara su estrategia

con la de otras bandas, demuestra tener bien inculcado el método infalible de Japandroids. Terminaron el álbum hace siete meses, lo anunciaron hace tres y ahora llega ese momento que tanto habían pospuesto. “Es la primera vez que hemos grabado algo sin preocuparnos de cómo iba a sonar en directo después. Ha sido divertido poder introducir teclados sin pensar en que no teníamos un teclista, simplemente tomábamos las ideas que nos parecían buenas en el estudio. Ahora que hemos empezado con los conciertos estamos en ese punto en el que nos tenemos que preocupar de esos aspectos, intentando averiguar cómo vamos a tocar y qué es lo mejor para las canciones. Por un lado es un reto porque somos dos personas y estamos limitados en el directo sin sumar más músicos, pero al mismo tiempo es muy emocionante, ¿sabes? Hacer lo mismo todas las noches cuando estás de gira no es realmente un reto porque no hay cambios. Y esos últimos shows de 2016 casi fueron como los primeros. Me recordó mucho a cuando estábamos experimentando cómo tocar algo, o simplemente cómo tocar, y no sabíamos”, comenta entre flashbacks, para volver al momento actual: “Ahora hay cierto nivel de incertidumbre y caos en el directo, no se convierte en algo monótono y aburrido. No sé si será emocionante para el público, pero seguro que lo es para la banda”. Charlando sobre la gira, King contaba que esos pequeños conciertos antes de que Near To The Wild Heart Of Life saliera a la luz también eran para ensayar las nuevas canciones, ver las reacciones de los presentes y probar diferen-

“ESTE DISCO FUNCIONA COMO UN PUENTE PARA PODER LLEVARNOS A LOS FANS Y TODAS LAS COSAS QUE LES GUSTABAN DE ANTES HACIA DONDE ESTAMOS AHORA” BRIAN KING

tes maneras de interpretarlas. “Tocar en estos lugares pequeños ha sido divertido porque es como empezar de nuevo, sin que nos importe si hay mucha gente o no, sólo intentando que sea un concierto de punk rock sudoroso y divertido”. King me ha dejado claro que están volviendo a empezar, pero también que siguen echando un vistazo a su pasado, aunque sólo sea para mirar con perspectiva. Para Japandroids el resultado de la evolución del grupo a través de los años es que el último disco sea el mejor, porque eso significa que se han superado a sí mismos. “Dave y yo pensamos que es

el mejor hasta ahora. Si vamos hacia atrás y escuchamos nuestros álbumes pasados, el grupo ha crecido en cuanto a la composición de las canciones, en la interpretación y en la grabación. Y creo que eso es un progreso muy natural”, y de nuevo, otra comparación: “Hay otras bandas que cuando lanzan su primer disco es un clásico y tan bueno que pasan el resto de su carrera intentando replicar ese éxito, pero nunca consiguen llegar hasta allí. Nosotros somos lo contrario, hemos ido mejorando a través de los discos”. Esa perspectiva la guardan con nostalgia y afecto, y siguen estando orgullosos de sus dos

primeros trabajo. “No es como si nos avergonzásemos o no nos gustaran, pero cuando los escuchamos o tocamos otra vez, nos recuerdan a un tiempo en el que éramos más jóvenes y teníamos más inocencia a la hora de crear los temas”. Pero su esencia, la de la banda y también la de Near To The Wild Heart Of Life, es la de mirar siempre hacia adelante: “Hemos intentado mejorar, y esperamos que el próximo álbum sea aún mejor que éste”.

EXQUIRLA

EXQUIRLA ES EL INSÓLITO PROYECTO QUE UNE A TOUNDRA CON UNO DE LOS ARTISTAS MÁS POLIFACÉTICOS SURGIDOS DEL FLAMENCO, NIÑO DE ELCHE. LA COLISIÓN DE ESTOS DOS ÁTOMOS HA DADO COMO RESULTADO PARA QUIENES AÚN VIVEN, UN DISCO EN EL CANALIZAN POLÍTICA Y POESÍA A TRAVÉS DE SU CREATIVIDAD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ANNA PELETERO UANDO DOS MÚSICOS SE CONOCEN y detectan cierta afinidad, es habitual que aparezca la frase ‘molaría hacer algo juntos’. La mayoría de ocasiones esta declaración de buenas intenciones suele quedarse en nada, pero en el caso que nos ocupa, las palabras no se las llevó el viento, sino que en poco más de un año fructificaron en un disco. Si bien Francisco Contreras no es un cantaor al uso, y como Niño De Elche no ha cesado de experimentar en diferentes disciplinas y en su álbum Voces Del Extremo ya había trabajado con Daniel Alonso de Pony Bravo, la oportunidad de trabajar con una banda hecha y derecha como Toundra y que además iba a proporcionarle un lienzo en blanco dada su naturaleza instrumental, le suponía un reto de lo más sugerente. Para la banda, era una manera de oxigenarse en el año que celebran su décimo aniversario y dar salida a unas ideas difíciles de transmitir sin palabras. Tras conocerse en el festival Monkey Week en otoño de 2015 y empezar a tomarse en serio la idea de colaborar, Toundra y Niño De Elche se subieron juntos por primera vez a un escenario en marzo de 2016 dentro del ciclo Demoscópicas en Madrid que organiza la revista MondoSonoro. Durante los ensayos, un mes antes, ya les habían salido un par de temas y posteriormente Esteban J. Girón, guitarrista de Toundra, se fue a

Sevilla para seguir componiendo con Niño De Elche. La apretada agenda de todos los implicados hizo que hasta agosto no pudieran volver a juntarse, esta vez en Madrid, para terminar de construir los ocho cortes que componen Para Quienes Aún Viven (Superball/Century Media), y que grabarían en octubre con Santi Garcia como productor. Ahora es el turno del público para adentrarse en su inquietante, y hasta a ratos incómodo, viaje. ¿Habías escuchado a Toundra antes de conocerles? NIÑO DE ELCHE “Los escuché un poco antes. Tocaron en Sevilla en el Nocturama y ahí es donde tuve noticia de ellos. Picoteé sobre todo su último disco. No era de mis músicas prioritarias en esa época, pero había escuchado algunos grupos en esa onda. La verdad es que me sorprendió mucho que en España existiera una gente así y les dieran un espacio”. ¿Y vosotros a él? ESTEBAN J. GIRÓN “Tampoco. Le conocimos el 12 de octubre de 2015. En agosto me llamaron del Monkey Week para decirme que compartiría una mesa redonda con Mikel Erentxun y Niño De Elche, y yo dije ‘¿Y quién es ése?’. Pero a raíz de eso, varios amigos me hablaron de él. Macón (guitarra) sí que le conocía y le gustaba porque en el disco Voces Del Extremo toca Negro, que es amigo suyo. Justo le conocimos cuando

explotó con ese disco. En esa mesa redonda hablamos de cómo interpretábamos la música y fue tal comunión la que hicimos que luego por la noche nos fuimos a tomar unas copas y le dije ‘me gustaría hacer algo contigo y estoy seguro que el resto de Toundra me va a decir que sí’. El fin de semana siguiente estábamos en la furgoneta yendo de gira, pusimos el álbum y se lo comenté. Y los tres dijeron que sí. En la vida había pasado que los cuatro estuviésemos de acuerdo a la primera (risas). En diciembre me fui a Sevilla a atarlo todo y para convencerle, y ahí me regaló toda su discografía y me la mamé entera”. Antes de que apareciera él en escena, ¿os había pasado por la cabeza hacer algo con un vocalista? ESTEBAN “No, nunca. Nos han mandado vídeos de YouTube con gente cantando por encima e hicimos una versión para una revista que se llama RockZone con Maika Makovski (risas). Pero a nosotros nos gusta ser los cuatro tocando a todo volumen, y seguir así. Estamos cómodos en ser los extraños para un montón de gente porque no tenemos cantante. Hemos puesto otro nombre porque Toundra es un grupo sin cantante y queremos preservar eso. Niño De Elche trabaja en un montón de disciplinas y siempre es una enumeración de nombres. A él le apetecía tener un grupo y yo necesitaba liberarme del nombre de Toundra 31

para que esto fuese atractivo”. ¿Se han encargado Toundra exclusivamente de la música y Niño De Elche de las voces, o ha sido más mezclado? NIÑO DE ELCHE “Ellos tienen más prioridad en la música, en las guitarras, y yo en la voz, pero luego eso se va compactando. Ellos proponían melodías, yo les proponía textos. Yo les propuse trabajar sobre el libro La Marcha De 150.000.000 de Enrique Falcón porque yo tenía el anhelo de hacer algo con él y su temática era lo que me invocaba la música de Toundra, así que pensé que era el momento. Y dio la casualidad que esos textos nos han invitado a hacer otras cosas, y eso también es muy mágico”. La primera vez que lo escuché, ya en el segundo o tercer tema, tuve la sensación de que era un álbum altamente político. ¿Lo definirías así? NIÑO DE ELCHE “Todo es político. Este disco, y hasta la conversación que estamos teniendo. El contenido políticamente más concreto que puede caber en el álbum es una línea mía continua, pertenece a mi forma de expresarme, pero Toundra tenían muy claro que querían una voz y un contenido políticamente bastante concreto con un sentido y una profundidad más allá de lo panfletario. Puede que haya gente que diga que se han politizado, pero, de hecho, ese sentido vino de Toundra. Fue una petición por su parte. Cuando leyeron partes de ese libro quedaron alucinados porque se escribió hace veinte años, pero con una actualidad brutal y unas temáticas que nos están atravesando hoy en día. Es una obra con mucho contenido místi32

co, son salmos, y tratan de cuestiones que están vigentes, pero son difíciles de tratar porque nuestra dialéctica no está tanto ahí. Nos invita a transitar otros espacios también en la palabra”. Seguramente con la música instrumental es muy difícil canalizar esas inquietudes políticas... NIÑO DE ELCHE “Sí, claro. La palabra siempre te ayuda a concretar ideas y conceptos respecto al sonido, que es más abstracto. Para ellos también era una oportunidad, pero había que ver si el libro de Enrique Falcón les encajaba dentro de sus inquietudes políticas. Pero ellos lo defienden, y se emocionan con los textos igual que yo. Tenía la intención de que era la música idónea para esos textos, y creo que he acertado”. ESTEBAN “Es lo que queríamos. Toundra hemos intentado expresar nuestra ideología a través de portadas, de videoclips, en los nombres de las canciones, en las entrevistas o en nuestra manera de actuar, pero cuando no tienes una voz o una letra, tu mensaje no acaba calando en todo el mundo. Así que, al poder colaborar con un cantante, nos apetecía que hablase de temas radicales, afilados, incluso que pudiesen herir, como contra la tortura o la Unión Europea, o la guerra. Hablar desde la crudeza”. A la hora de componer, ¿qué ha habido de distinto a como lo hacéis en Toundra? ESTEBAN “En todo momento hemos sabido que iba a haber una voz y hemos compuesto para ello, sabiendo cuáles iban a ser los ingredientes. Nos ha resultado más fácil componer que con Toundra porque al tener voz, le

quita protagonismo a las dos guitarras. De repente tienes una estrofa en la que durante 30 segundos sólo tienes que hacer la base de la estrofa. Eso por un lado nos ha liberado. Creo que es la vez que Macón y yo más hemos intercambiado ideas, fragmentos o estribillos y luego en el local, o yo con Niño De Elche, terminábamos las partes que faltaban”. Paco, a nivel creativo, ¿qué te ha permitido hacer que no hubieras hecho antes? NIÑO DE ELCHE “Cantar con una banda como Toundra, con esa exigencia sonora en directo, te hace aprender a cantar con esa presión sonora, que es muy diferente a la de la electrónica o a la de una banda de rock clásica, o al flamenco o a la música experimental. A la hora de mezclar el disco, para que no perdiera la pegada o la épica, también ha sido una manera diferente de trabajar mi voz. En mi álbum de Voces Del Extremo había un trabajo de negación de la épica porque es lo más fácil para una voz que viene del flamenco o muy potente como es la mía. Han sido dos años de negación de la épica y ahora me he bañado en ella. Pero es una épica con un contenido, una melodía, una fórmula armónica muy diferente a lo que yo había hecho antes. Ha sido muy gustoso para mí, aunque muy exigente”. Quizá la ventaja es que, aunque vengas del flamenco, ya habías trabajado con música experimental, sin estructuras ortodoxas. NIÑO DE ELCHE “Sí, yo he trabajado y sigo trabajando con un montón de estéticas y géneros. No es que

“PUEDE QUE HAYA GENTE QUE DIGA QUE SE HAN POLITIZADO, PERO, DE HECHO, ESE SENTIDO VINO DE TOUNDRA. FUE UNA PETICIÓN POR SU PARTE” NIÑO DE ELCHE

esté en completa metamorfosis, pero sí me ayuda a leer los lenguajes de los demás y a abrir diferentes puertas para que diferentes artistas puedan conversar contigo. Todo ese bagaje de años, aunque sea joven, te hace que el proceso sea más fácil y más interesante también”. ¿Descubriste el flamenco al mismo tiempo que otras músicas distintas? NIÑO DE ELCHE “Bueno, el aprendizaje nunca es lineal, llámale paralelo, circular o molecular. El flamenco sí pertenecía hace unos años a mi núcleo, era una parte nuclear, hoy en día ya no lo es, es un espacio que conozco por tantos años de dedicación, pero siempre he escuchado otras cosas. Pero más que escuchar música, lo que más hago es leer y juntarme con

músicos y artistas”. Para Toundra, ¿ha habido una influencia directa del flamenco en este disco? ESTEBAN “No íbamos a flamenquizarnos, somos un grupo de rock, somos cuatro y lo que hemos hecho es ser un grupo de rock con un cantante que viene del flamenco. No queríamos ser unos Triana o algo así. ¿Podríamos haber experimentado más? Supongo que sí, pero yo lo veo como una fotografía de un momento. Por otro lado, llevamos coqueteando con cosas flamencas hace tiempo. En II hay escalas árabes. En III hay una caída en ‘Ara Caeli’ que es una bajada flamenca que está copiada y llevada a la distorsión. En IV, con las demos, pensamos en meter un grito de un cantaor o una llamada al rezo de un musulmán… En

el caso de Álex (Pérez, batería), siempre ha escuchado Triana. En mi casa, toda la vida se ha escuchado flamenco. Yo vengo de la guitarra española. He escuchado Omega un montón de veces. Lo de hacer algo con alguien flamenco me viene de escuchar a Ry Cooder porque, primero, me gusta mucho cómo toca, porque es muy cinematográfico, y segundo, porque tiene esa capacidad de colaborar con diferentes músicos de raíz, cubanos, irlandeses, mejicanos… Eso me atrae mucho como una reivindicación de lo local ante lo global, ante la música anglosajona o el rock’n’roll que tanto me gusta, pero que ha ido arrasando por todo el planeta. El flamenco es algo único en el mundo que es de aquí, de la Península Ibérica, que no se sabe realmente de dónde viene, pero que ha sido una música perseguida durante 33

nal… Escarbando irán conociendo cosas, pero tiene que estar presidido por la curiosidad individual”.

siglos. Tiene un halo de misterio muy cinematográfico. Es una música muy épica, eufórica, sentimental, y sin embargo, la inmensa mayoría de la gente joven reniega o le da asco. Tenemos al mejor guitarrista de todos los tiempos que es Paco de Lucía, que es encumbrado, pero por una minoría. No hay que dejar de consumirlo ni aportar cosas”. Paco, ¿crees que Exquirla puede ser una oportunidad para que los fans de Toundra ya no se interesen por ti, sino por el flamenco? NIÑO DE ELCHE “No lo creo porque hay poco de flamenco (risas). Pero tampoco creo que los fans del flamenco se interesen por los grupos que han influenciado a Toundra. Es una de las opciones, pero no es mi anhelo, ni mi interés. No es mi fin”. Pero cuando Enrique Morente hizo Omega con Lagartija Nick hace veinte años, sí que hubo un cierto descubrimiento de quién era Morente por 34

parte del público rock o indie. NIÑO DE ELCHE “El conocimiento sobre Morente sí porque estaba ahí, pero no creo que sobre el flamenco. Quien tenga el disco Omega no creo que sepa quién es Pepe el de la Matrona o Bernardo el de Los Lobitos, o Don Antonio Chacón. Traspasar esas fronteras más allá del eslogan que pueda ser Morente o Niño De Elche es bastante complejo, es una elección muy individual. Pero que algunos seguidores de Toundra me conozcan a mí o la poesía de Enrique Falcón ya es un logro. No por mí, sino porque van a conocer toda la gente con la que he trabajado, con todos los poetas, los espectáculos de danza que son mundos totalmente obviados por el mundo de la música en general, los performers, los videoartistas… Si se interesan por mí, me alegro por eso. Y si se interesan por Enrique Falcón, conocerán la mística, la poesía religiosa, la poesía revolucionaria del segundo ciclo del siglo XX, la poesía de la conciencia española, los movimientos comunistas anarquistas místicos, Ernesto Carde-

¿Te ves desarrollando Exquirla en un futuro o va a quedar como una aventura puntual? NIÑO DE ELCHE “No lo sé. Es uno de los grandes interrogantes. Yo estoy muy contento, pero me gustaría que hubiera una segunda oportunidad. Pero claro, tiene que haber una llamada de algo, un libro, un texto, un porqué… Este año y el siguiente no vamos a poder dar muchos conciertos porque yo estoy muy liado con otras cosas, así que va a quedar el anhelo de hacer giras con la banda. Yo al menos me gustaría hacer más conciertos de Exquirla. Yo creo que el proyecto ha tocado un cuerpo que puede dar más frutos”. ¿Y no podría ser Exquirla una especie de franquicia en la que Toundra colaboraran con un cantante distinto en cada disco? ESTEBAN “Nunca me lo había planteado, es una idea buena. Pero no, Exquirla es con Niño De Elche. Esquirla, son ‘S’, lo propuso Alberto (Tocados, bajo), y la ‘X’ se la puso Niño De Elche. No puedes quitar a alguien que forma parte. Pero bueno, Toundra igual tampoco seguimos. No hay que mirar tan lejos. Ya veremos si hay otro disco de Exquirla, de Toundra, o cada uno nos vamos a nuestra casa”.

AGAINST THE CURRENT

A LA CARRERA

HACE JUSTO UN AÑO, AGAINST THE CURRENT SE PLANTARON EN NUESTRO PAÍS SIN NI SIQUIERA TENER SU PRIMER DISCO PUBLICADO. AHORA, YA CON IN YOUR BONES BAJO EL BRAZO, VUELVEN PARA REMATAR LA FAENA. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

O HAY NADA COMO VER A UN GRUPO en directo para comprobar realmente lo que valen. Es hasta comprensible que una banda como Against The Current, que saltó a la fama haciendo versiones en YouTube y giró por todo el mundo con solamente un par de EPs, levante ciertas sospechas de que se trata de un producto prefabricado. Pero también puede que estemos demasiado contaminados por cierta actitud cínica que nos hace desconfiar de cualquier cosa que tenga éxito. Quizá deberíamos aceptar que, al menos a veces, cuando una banda sobresale simplemente es porque quien hay detrás de ella tiene talento, disciplina, autoconfianza y, vale, quizá algo de suerte. Chrissy Costanza (voz), Dan Gow (guitarra) y Will Ferri (batería) reúnen todos esos elementos, y cuando hace un

año pude verles en su concierto en Barcelona, salieron todos a relucir. Con un pie en el pop, por la naturaleza de sus canciones, y otro en el rock, por su puesta en escena, Against The Current son un puente entre el mundo de Katy Perry y el de Jimmy Eat World, un espacio que también ocupan los Paramore actuales y que potencialmente puede agradar a millones de personas. La aparición en mayo de su debut In Your Bones (Fueled By Ramen/ Warner) no ha sido el bombazo comercial que quizá su discográfica, o ellos mismos, esperaban, pero el hecho de que el trío de Poughkeepsie, Nueva York, vuelva el 17 de febrero a Madrid, el 18 a Valencia y el 19 a Barcelona para actuar ante unos pocos cientos de personas demuestra que la banda tiene claro que el camino es ganarse a sus fans uno a uno, concierto a concierto.

“CUANDO ESTÁS EN EL ESCENARIO ERES UNA EXPRESIÓN MUY PURA DE TI MISMO. NO HAY NADA QUE TE FRENE, ASÍ QUE LO QUE VES EN EL ESCENARIO ES LO MÁS CERCANO A MI YO REAL” CHRISSY COSTANZA

Hola Chrissy, ¿cómo estás? CHRISSY COSTANZA “Estoy en casa. Hace unos días terminamos la gira americana en Filadelfia. Ahora tenemos un par de semanas en casa antes de volar a Europa”. ¿Qué te gusta hacer cuando tienes algo de tiempo libre? “Intento estar el máximo de tiempo con mi familia y ponerme al día con cosas que he ido dejando. Sobre todo, hacer cosas normales como pasear al perro o cortarme el pelo (risas)”. Me imagino que poder dormir en tu propia cama debe de ser algo especial... “(Risas) Oh, sí. Es maravilloso. Lo mejor es poder estar en tu propio ambiente, con tus cosas”. En nada os volveremos a tener por aquí. “Sí, estoy muy contenta por cómo nos ha ido con el disco. Ha sido una experiencia increíble hasta ahora. Queríamos girar tanto como pudiéramos con el álbum y por eso iremos a sitios donde nunca hemos estado y volveremos a otros como España, donde lo pasamos muy bien”. 38

O no tanto, porque en Zaragoza te pusiste enferma y tuvisteis que cancelar el concierto. ¿Te había ocurrido antes? “Creo que era la primera vez que cancelábamos un concierto. Pero estábamos de gira por Europa en invierno y cuando vives en un autobús, estás rodeada de gente todo el tiempo. Si una persona se pone enferma, es muy difícil no contagiarse porque estás respirando el mismo aire. Eso es lo que pasó”. Físicamente eres bastante pequeña, pero en el escenario tienes mucha energía. ¿Te sientes como una superheroína cuando te subes ahí? “Un poco sí (risas). Cuando estás en el escenario eres una expresión muy pura de ti mismo. No hay nada que te frene, así que lo que ves en el escenario es lo más cercano a mi yo real”. ¿Se te sigue haciendo raro que la gente quiera hacerse fotos contigo o te reconozcan? “Sigue siendo extraño, sobre todo lo de las fotos. Es como si sintieran que eres más importante que ellos. Pero al mismo tiempo nos metimos en esto sabiendo que podía pasar, así que tienes que aprender a apreciarlo por lo que es”. ¿Eras popular en la escuela? “No, era normal. Estudié en una escuela católica sólo con chicas, así que no había todo ese rollo de chicas populares e impopulares. Todo el mundo tenía sus grupos de amigas, pero no había un rollo de competencia por ver quién era la más popular”. ¿No se te hizo raro pasar de

una escuela sólo con chicas a un autobús lleno de chicos? “Un poco, pero no me resultó tan complicado como pueda pensar la gente. En la industria musical hay muchos más hombres que mujeres, así que todas las chicas que conozco que hacen música están en la misma situación. Es así”. ¿Pero te alegras cuando coincides con otra chica en otro grupo en la carretera o en un festival? “Sí, claro. Ahora tenemos a una chica llevándonos el merchandising en la gira. Y está muy bien tener a alguien con quien hablar, ni que sean tonterías de chicas (risas)”. ¿Cómo ha evolucionado tu relación con Dan y Will? “Para mí son como mis hermanos. Empezamos el grupo siendo muy jóvenes, teníamos 15 años. Seguimos siendo jóvenes, claro, pero hemos crecido juntos, hemos pasado por las mismas situaciones. Eso te une mucho. Y además, vivimos juntos la mayoría del año”. ¿Qué es lo que más te molesta de ellos? “No lo sé. La verdad es que siempre nos estamos picando, como ocurre en las familias. Posiblemente a Dan es al que más le gusta meterse conmigo. Me paso el día gritándole (risas)”. Antes de que publicarais vuestro primer álbum ya habíais conseguido mucha notoriedad con vuestros EPs y vuestras versiones en YouTube. ¿Os afectó de alguna manera a la hora de hacer el disco? “Sí, había expectación, pero no senti-

AGAINST THE CURRENT mos presión porque lo hacemos todo de manera muy natural. Hacemos las cosas a nuestra manera. Decidimos que nada iba a alterar eso e hicimos el disco tal y como queríamos. No nos vemos dentro de un estilo concreto porque nos gustan muchos estilos distintos. Las etiquetas no significan nada, lo único que vale es si, cuando lo escuchas, te gusta o no”. In Your Bones muestra una gran evolución respecto a los EPs. Es mucho más diverso y ambicioso, y supongo que es algo que seguirá en el próximo disco. ¿Tenéis muchas ganas de poneros a componer y grabar el siguiente? “Desde luego. Somos gente creativa y en el momento en el que terminamos el disco ya estábamos pensando en el siguiente. De hecho, escribimos 40 canciones para In Your Bones. Estamos constantemente componiendo, así que tenemos muchas ganas de poder lanzar material nuevo lo antes posible”. A pesar de que proyectas una imagen dulce, en el álbum hay algunas letras con mala leche. ¿Tienes un lado oscuro? “Todo el mundo tiene esas emociones en su interior y te van saliendo a medida que tienes distintas experiencias.

Queríamos que el disco reflejara todo ese abanico. No queríamos encasillarnos en una sola emoción, sino abarcar el mayor espectro posible”. Pasasteis el verano en el Warped Tour. ¿Qué tal os fue? “Fue maravilloso girar con tantas otras bandas. Es una gira muy dura físicamente, pero creo que salimos de ella siendo un mejor grupo”. Y lo aprovechasteis para grabar varias versiones bajo el nombre The Speakeasy Sessions, en las que participaron Yellowcard o We The Kings. ¿Fue difícil de organizar a nivel logístico en medio del trajín de la gira? “Fue más fácil y más difícil al mismo tiempo que cuando hemos grabado otras versiones. La parte fácil es que sólo haces una toma porque es en directo. No tienes que repertirlo horas y horas. Pero al mismo tiempo eso lo hace muy difícil porque tiene que salir perfecto a la primera y también tenías que esperar que todos los micros y las luces estuvieran preparadas. Empezamos a hacerlo con Tyler Carter, y de repente eran las otras bandas las que querían hacerlo con nosotros”.

las versiones que grabáis? ¿Son simplemente temas que os gustan o hay algo más detrás? “Simplemente es algo con lo que nos sentimos cómodos. Escogemos los temas de manera muy instintiva, sin pensarlo mucho. Siempre lo hemos hecho. Cuando por ejemplo hicimos la versión de ‘Cold Water’ con Tyler Carter, la escogimos porque me gustaba mucho ese tema y pensaba ‘¿Qué voz quedaría bien en ésta?’, y pensé en Tyler”. También grabasteis una versión de ‘Teenagers’ de My Chemical Romance para el disco tributo que hizo Rocksound. ¿Fue una banda importante para ti? “Sí, claro. La verdad es que no crecí escuchando este tipo de música como el resto, pero My Chem era una de las pocas bandas que sí conocía. Y en cierta manera fueron una puerta para mí para todo ese movimiento emo, por llamarlo de algún modo”. ¿Es hacer versiones una manera de aprender a componer tus propias canciones? “Sí, seguro. Cuando haces una versión, analizas todas las partes de la canción y ves cómo funciona una en relación con la otra. Aprendes que cosas muy sutiles tienen mucha importancia, así que interiorizas un montón de cosas que luego puedes usar cuando escribes tus canciones”.

¿Qué criterio hay detrás de 39

GONE IS GONE

LO QUE EL VIENTO DEJÃ&#x201C;

ÚLTIMAMENTE, CON TANTO SUPERGRUPO PULULANDO POR AHÍ, NO ES DE EXTRAÑAR QUE ALGUNOS TENGAN UN PERIODO DE ACTIVIDAD MUY BREVE. GONE IS GONE, EL NUEVO PROYECTO DE VARIOS MIEMBROS DE MASTODON, QUEENS OF THE STONE AGE Y AT THE DRIVE-IN, ES EL PENÚLTIMO EJEMPLO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: LINDSEY BYRNES

AL IGUAL QUE YA HICIERA CON KILLER BE KILLED, Troy Sand-

ers ha vuelto a aprovechar los espacios de tiempo de que disponen Mastodon entre disco y disco para montarse otro proyecto paralelo con el que pasar el rato y saciar inquietudes musicales. En su nueva aventura, de nombre Gone Is Gone, le acompañan viejos conocidos como el guitarrista de Queens Of The Stone Age Troy Van Leeuwen, Tony Hajjar de At The Drive-In a la batería y el multiinstrumentista Mike Zarin, quienes ya debutaron el pasado verano con un EP homónimo. Justo estos días es cuando ha aparecido su segunda referencia ya en forma de LP. En Echolocation (Rise/ Black Dune) encontraremos a una formación algo alejada del rock monolítico que podríamos intuir teniendo en cuenta su bagaje previo. Gone Is Gone buscan su propia personalidad, apostando por terrenos menos obvios y más experimentales, aunque cualquiera que sea seguidor de alguna de las bandas mencionadas anteriormente seguro que encontrará puntos de interés en su propuesta. Con el fin de promocionar el lanzamiento pudimos contactar con Troy Van Leeuwen, uno de los actores secundarios mejor valorados dentro del mundo del rock, para que nos contase de primera mano el nacimiento de este nuevo supergrupo. Aunque como ya imaginamos, él mismo nos reconoció que la continuidad de este proyecto no

será fácil teniendo en cuenta la complicada agenda de cada uno de sus componentes. Algo por lo que también aprovechamos para preguntarle sobre los planes inmediatos de la banda que lidera su socio Josh Homme. Explícame en qué momento surgió la idea o la necesidad de crear una banda como Gone Is Gone. TROY VAN LEEUWEN “En 2011 tuvimos un parón durante la gira que Queens Of The Stone Age estábamos realizando con motivo del aniversario de nuestro primer disco. Nos llevó mucho llegar a terminar ...Like Clockwork, así que en aquel momento tuve algo más de tiempo libre. Ahí es cuando la idea empezó a germinar, pero no entramos a grabar hasta 2012. Lo hicimos justo al mismo tiempo que estábamos acabando …Like Clockwork”. ¿Quién fue el principal impulsor de llevar adelante este proyecto? ¿O fue realmente un esfuerzo colectivo por parte de todos? “Lo cierto es que todo lo empezaron Mike Zarin y Tony Hajjar, ya que estaban trabajando haciendo música para videojuegos y tráilers de películas. Tony y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo. Queens Of The Stone Age giramos con Sparta en 2003, así que nos conocemos desde entonces. Me llamó para ver si estaba interesado

en colaborar con él en alguna banda sonora que estaba haciendo. En un primer instante sólo nos ocupamos de la música, pero cuando llegó el momento de acabarlo, todos pensamos que sería genial añadir algunas voces. Yo ni siquiera lo sugerí, pero tanto a Tony como a Mike les encantan Mastodon, y como también había estado tocando con ellos y conocía a Troy Sanders, decidí llamarle y se mostró interesado en unirse a nosotros. Fue una progresión muy natural desde que empezamos hasta lo que somos ahora como grupo”. ¿Cómo fue el proceso de composición? ¿Pudisteis ensayar los temas juntos o fuisteis intercambiando ideas a través de internet como suele ocurrir en este tipo de casos? “La verdad es que no usamos internet en ningún momento salvo para enviarnos las mezclas una vez el álbum ya estaba grabado. Estuvimos los cuatro juntos en la misma habitación creando música. Todos teníamos ideas propias para Echolocation. Las pusimos todas en común e intentamos darles una forma. Fue realmente una colaboración por las cuatro partes”. La verdad es que escuchando el disco, al menos me da la sensación de que estamos ante un grupo con su propia personalidad. No sucede como en otros supergrupos donde

“QUERÍAMOS DISTANCIARNOS DE LO QUE NOS HA HECHO CONOCIDOS POR SEPARADO CON NUESTROS GRUPOS” TROY VAN LEEUWEN

uno puede percibir claramente de dónde vienen cada uno de sus miembros. ¿Fue una premisa que tuvisteis muy clara a la hora de encarar el álbum? El crear algo realmente novedoso dentro de lo que habéis hecho por separado en vuestras carreras... “Supongo que la idea era ésa, sí. No acabar sonando como algo que ya hacemos y dejar que la química entre nosotros surgiese tal cual es. Por supuesto que cuando escucho la voz de Troy veo que hay algo de Mastodon ahí. La manera de tocar la batería de Tony también es muy enérgica y visceral. Puedo notar la influencia de At The Drive-In. Yo tampoco quería sonar demasiado a como lo hago en Queens... Intenté salirme de mi ambiente, pero hay cosas que pueden recordar a Queens, A Perfect Circle, Failure, y otros proyectos en los que he estado 42

involucrado. Todo ello se funde y es lo que da como resultado Gone Is Gone. Y por supuesto, la persona que casi nadie realmente conoce entre el gran público es Mike Zarin. Él ha sido más como el ingeniero de sonido del grupo. Viene de un background más centrado en las bandas sonoras, así que nos dio ese sonido cinemático. Creo que hemos conseguido crear algo único, o al menos eso espero”. Por cierto, creo que es la primera vez que haces de voz principal en una formación y me ha sorprendido tu tono melódico. Troy también canta en un registro mucho más suave de lo que suele hacer en Mastodon... “Bueno, entre 2003 y 2004 tuve una banda llamada Enemy en la que cantaba. Giramos como teloneros de Mark Lanegan y de hecho también

estuvimos tocando en España. Pero no tuvo una vida muy larga. La verdad es que me siento más a gusto tocando la guitarra con una sección rítmica detrás de mí. Me resulta un tanto difícil, y aunque ocasionalmente cante, prefiero ser un guitarrista, hablando honestamente. En cuanto a la manera de cantar, es como siempre lo he hecho. Troy y yo intentamos encontrar un tono en el que ambos nos sintiésemos cómodos. Me decía ‘tú sólo sigue los acordes’, y eso fue lo que hice (risas)”. Estando tanto tú como Troy, quizás podríamos haber imaginado que hubiese mucha influencia del stoner rock, pero también hay muchos pasajes cercanos al post rock o incluso al rock experimental. Es un trabajo bastante abierto en cuanto a concepto. “Sí, queríamos distanciarnos de lo que

nos ha hecho conocidos por separado con nuestros grupos. Sé que Troy quería expresarse en un rango más amplio de lo que suele hacer, en un tono más emocional. Es un tipo muy profundo e intenso. Mucha gente no sabe eso porque están acostumbrados a verle en el escenario y cantar de una manera. Pero tiene una voz de narrador genial. A veces pienso que sería un grandísimo locutor de radio (risas)”. Como ya habéis reconocido en otras entrevistas previas, tanto Mastodon como Queens Of The Stone Age y At The Drive-In vais a publicar nuevos álbumes este año, así que es de imaginar que con una agenda tan comprometida se hará muy difícil el tocar en directo con Gone Is Gone. Aun así, ¿ves que sea posible hacerlo en un futuro? “Estoy convencido de que llegaremos a tocar en vivo en el futuro. En cambio, hacer una gira entera lo veo más complicado. Queremos tocar en directo, pero también hay otras maneras de llevar nuestra música a la gente. Ése es uno de los puntos interesantes de estar en un proyecto como éste. Tienes que ser creativo en todos los sentidos. Estamos intentando colaborar con otros artistas que puedan acompañarse de nuestra música o participar en bandas sonoras. Estamos intentando explorar algún modo de hacerle llegar nuestra música al público, ya que no disponemos de mucho tiempo para girar. Estamos trabajando en eso. Pero somos una banda de directo. Grabamos casi todas las canciones tocando juntos, así que intentaremos dar algunos conciertos al menos”.

También hace no mucho Brent Hinds de Mastodon publicó otro disco de la superbanda Giraffe Tongue Orchestra, con William DuVall de Alice In Chains y Ben Weinman de The Dillinger Escape Plan. ¿Qué te ha parecido? “Sí, lo escuché. Lo encontré muy interesante. Brent es uno de mis guitarristas favoritos. Su forma de tocar es una auténtica locura. Siempre estoy interesado en escuchar lo que hace la gente fuera de sus grupos normalmente. Me parece genial”. ¿Y qué nos puedes contar sobre el nuevo trabajo de Queens Of The Stone Age? Ha habido muchos rumores en los últimos meses de que empezaréis a grabarlo en breve. “Bueno, en Queens siempre estamos escribiendo música. Aún no hemos empezado a grabar nada, pero estamos buscando algún lugar a donde ir. Quizás algún sitio exótico. Siempre solemos grabar en el desierto o en Los Ángeles, así que tal vez vayamos a otro lugar esta vez. Como te digo, siempre estamos escribiendo y tenemos mucho material, así que lo mismo puede que acabemos haciendo un disco doble (risas). Nunca se sabe, ya veremos qué pasa”. Eso seria fantástico. Por otro lado, es curioso que a pesar de ser un grupo que siempre ha estado cambiando de miembros, tú has sido el único, sin contar a Josh Homme obviamente, que ha seguido ahí casi desde el principio. ¿Cómo te sientes al respecto? “Supongo que eso es porque tenemos

una conexión muy fuerte y siempre nos hemos conseguido adaptar a todos los cambios por los que hemos pasado juntos. Me siento muy bien por ello, por supuesto. Quiero mucho a Josh, tenemos una muy buena relación. Diría que me siento especial (risas). Pero también siento que cuantos más años van pasando, veo el grupo como una parte muy importante de mi vida. Siento que estoy tocando en mi grupo favorito, así que no podría ser más feliz”. Por cierto, me gustaría terminar aprovechando para preguntarte sobre la reunión de A Perfect Circle, quienes parece que también tienen planes de sacar nuevo material este año. ¿Te propusieron formar parte de la reunión o ya estabas demasiado ocupado con otras cosas? “Nuevamente, me gustaría poder participar en todo lo que me propongan. De hecho, recibí una llamada de Billy (Howerdel, guitarrista y principal líder de A Perfect Circle –ndr.) preguntándome por mi disponibilidad, y desafortunadamente no podía unirme a ellos. Pero James Iha estará con ellos y es un guitarrista fantástico. Me encantará ver a la banda de nuevo. No importa lo que pase, siempre les voy a apoyar. Pero sí, me hubiera gustado hacerlo, lo que pasa es que necesito más tiempo del que dispongo. Siento mucha curiosidad por ver qué será lo siguiente que hagan. Estoy seguro de que será genial”.

THE MENZINGERS

EL RETO DE

CRECER

¿ES POSIBLE CUMPLIR AÑOS SIN VOLVERSE MAYOR? ¿PUEDES SEGUIR VIVIENDO TU VIDA A LOS 30 DE LA MISMA MANERA QUE CUANDO TENÍAS 20? ¿ES POSIBLE TOCAR EN UN GRUPO Y CONVERTIRSE EN UNA PERSONA RESPONSABLE? TODAS ESTAS PREGUNTAS SON LAS QUE TENÍAN EN LA CABEZA THE MENZINGERS CUANDO SE PUSIERON A COMPONER SU QUINTO ÁLBUM, AFTER THE PARTY. A PRINCIPIOS DE ENERO TUVIMOS LA OPORTUNIDAD DE CHARLAR CON SUS DOS PRINCIPALES COMPOSITORES PARA DESCUBRIR SI HABÍAN OBTENIDO LAS RESPUESTAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S DIFÍCIL ESCAPAR DE las trampas psicológicas que nosotros mismos nos ponemos cada vez que nuestra edad cambia de decena. Las expectativas que la sociedad pone en cada uno de nosotros, las metas que supuestamente deberíamos haber alcanzado y la madurez que se nos presupone a medida que ganamos experiencia son armas de doble filo. Deberían motivarnos pero, a menudo, nos bloquean. Llegar a los 20, a los 30, a los 40… debería ilusionarnos, pero nos produce vértigo, quizás ahora más que nunca. Ante un futuro incierto, andamos por la cuerda floja de la precariedad laboral, calculando cada paso para no caernos y con miedo a levantar la vista porque seguramente lo que veamos en el horizonte no nos guste. Si encima has decidido dedicar tu vida a tocar en una banda de punk rock, ni te cuento. Greg Barnett (voz, guitarra), Tom May (voz, guitarra), Eric Ken (bajo) y Joe Godino (batería) empezaron su carrera como The Menzingers en 2006, cuando todavía eran unos estudiantes obsesionados por The Clash, Rancid o Anti-Flag. Era un momento en el que el futuro les ofrecía unas posibilidades infinitas, en el que nada parecía más importante que buscar el próximo concierto en el que tocar. Cuando en 2008 decidieron mudarse de Scranton a Filadelfia después de haber publicado su debut A Lesson In The Abuse Of Information Technology, probablemente lo vieron como un paso importante pero no irreversible. Pero la cosa se fue complicando… para bien. Sobre todo a partir de su fichaje por Epitaph Records y la edición de su tercer álbum On The Impossible

Past -que acabó siendo nuestro Disco del Año en 2012- la banda entró en ese bucle de giras constantes, en que los días, las semanas y los meses iban sucediéndose a una velocidad vertiginosa entre borracheras, resacas y decibelios, algo que se prolongó con su siguiente trabajo Rented World en 2014. Y casi sin darse cuenta, tres de sus componentes se han plantado en la treintena. Por esa razón no debería sorprendernos que After The Party gire alrededor de esa temática. Sus 13 canciones, en las que despliegan toda su maestría para escribir y ejecutar pegadizas viñetas de punk rock, se mueven entre la celebración por todo lo vivido y la aceptación de que, para bien o para mal, ya no hay marcha atrás. Así que más vale disfrutarlo. Parece que cumplir los 30 os ha afectado bastante... Varias canciones de After The Party tratan sobre hacerse mayor. TOM MAY “Sí, tuvo su importancia. Para nosotros fue un gran cambio vital. Cuando eres un adolescente, cumplir los 30 parece algo inalcanzable. Es como el punto que marca el momento en el que tu vida se vuelve más seria. Cuando abres un periódico y pone que ha muerto un varón de 30 años en un accidente a nadie le importa (risas). Supongo que es cuando te das cuenta que hay partes de ti mismo que no cambiarán y te acompañarán el resto de tu vida. Es un punto de inflexión. Pero bueno, tampoco es que seamos viejos (risas)”. GREG BARNETT “De hecho yo todavía tengo 28, soy el más joven (risas). Pero supongo que tengo unas sensaciones parecidas a las de los

demás. Es un periodo interesante para ser músico. Empezamos con el grupo cuando yo tenía 17 años y estaba en el instituto, pero sigue siendo mi pasión. Creo que este disco es una celebración de los diez años que llevamos haciendo música con la banda. Cuando tenga 70 años y mire atrás recordaré mi veintena como un periodo en el que viajé, hice música, vi el mundo por primera vez, e hice algo de lo que estoy muy orgulloso”. ‘Lookers’ tiene ese punto nostálgico de celebración del pasado. GREG “Sí, es como una oda a Asbury Park. Lo consideramos nuestro segundo hogar. Allí he tenido algunas de mis aventuras más locas y he conocido a gente increíble. Algunos de nuestros mejores conciertos los hemos dado allí. Abrimos para los Boucing Souls en el Stone Pony”. Y más tarde The Bouncing Souls grabaron una de vuestras canciones, ‘Burn After Writing’. GREG “¡Sí! Es curioso las vueltas que da la vida. Nuestra banda está totalmente basada en su manera de hacer las cosas. Fueron los primeros que nos dieron la oportunidad de girar a nivel internacional, nunca se lo podremos agradecer lo suficiente. Hay muchos motivos por los que son tan respetados. Son gente genial y tratan a todo el mundo muy bien. Nosotros también intentamos que desde los teloneros al personal de la sala quede todo el mundo contento. Siempre nos hemos identificado con su mentalidad de construir una comunidad alrededor de la música. Pero volviendo a ‘Lookers’,

“QUIZÁ HAYA GENTE QUE PIENSE QUE ESTAR EN UN GRUPO TE IMPIDE MADURAR, PERO LA MAYORÍA DE PERSONAS TRABAJA 40 Ó 50 HORAS A LA SEMANA Y ESO ES DEMASIADO. SE PASAN LA VIDA HACIENDO COSAS QUE NO QUIEREN HACER, ASÍ QUE NO CREO QUE MADURAR SEA SIEMPRE UNA BUENA IDEA” TOM MAY

quería escribir sobre las primeras veces que tocamos allí. Tenía 19 años y ni beber podía. Nos quedábamos a dormir en casa de la gente. Quería reflejar esa emoción de cuando eres un desconocido y nadie viene a verte, pero simplemente poder subirte a un escenario lo es todo”. De todos modos, aunque hayáis cumplido los 30, estar en un grupo te ayuda a mantener el espíritu joven, ¿no? TOM “Supongo que sí. La principal ventaja es que ves mucho más mundo que la gente normal. Hemos estado en muchos lugares y eso te da un cierto conocimiento del planeta que difícilmente tendrías encerrado en una oficina. Pero al mismo tiempo, estando en un grupo, si quieres, puedes tomarte unos ácidos un martes y emborracharte el miércoles y no pasa nada (risas).

Puedes actuar de manera inmadura y es aceptable. Es como estar en una burbuja porque tu trabajo es llevar la fiesta a la ciudad donde tocas. Vives en un mundo distinto. Quizá haya gente que piense que eso te impide madurar, pero la mayoría de personas trabaja 40 ó 50 horas a las semana y eso es demasiado. Se pasan la vida haciendo cosas que no quieren hacer, así que no creo que madurar sea siempre una buena idea (risas)”. Por otra parte, a medida que te haces mayor buscas una mayor seguridad a todos los niveles, económica, emocional… Y eso no es fácil estando en un grupo. GREG “Sí, es complicado. En realidad este disco trata sobre encontrar el equilibrio entre estar la mayoría del tiempo de gira y encontrarle un punto

de normalidad. Pero creo que todos hemos llegado a ese punto de saber estar en la carretera y saber estar en casa, de aceptar que esto se haya convertido en nuestra vida. ¡Y nos encanta! Por eso seguimos haciéndolo. Creo que hemos encontrado una paz interior y es lo mejor que podía sucedernos”. Esta vez os habéis tomado un poco más de tiempo para hacer el disco. ¿Crees que os ha ayudado a componer mejores canciones? TOM “Desde luego. Fue muy beneficioso. Tocamos más con el último álbum que con ningún otro y cuando terminó la gira estábamos un poco quemados. Pero gracias al nivel al que ha llegado el grupo, pudimos centrarnos en escribir canciones en lugar de tener que buscarnos otro trabajo

y componer por la noche. Pudimos pensarlo todo mejor y trabajar con más disciplina. Fuimos muy exigentes con nosotros mismos”. GREG “Cuando compuse ‘Bad Catholics’ y ‘Midwestern States’ en plan maqueta acústica, me di cuenta de que eran dos canciones con su propio carácter y marcaron un poco la línea de lo que íbamos a hacer. Cuando las ensayamos todos juntos fue como la primera piedra del disco. Nos dimos cuenta de que no necesitábamos complicar las cosas, que dejando los temas en su forma más sencilla podían resultar más divertidos”. En Rented World buscasteis un sonido más duro; en éste parece que todo suena un poco más orgánico y luminoso. TOM “Tienes razón. Cuando hicimos Rented World estábamos escuchando música más agresiva y quisimos ir en esa dirección porque es muy divertido tocar la guitarra en ese estilo. Además lo compusimos en un local de ensayo súper pequeño en las afueras de Filadelfia, a 20 minutos de donde vivimos, y estábamos rodeados de bandas de metal y hardcore, y hacía mucho frío, así que el ambiente en sí ya era más duro y oscuro. Creo que con este álbum queríamos hacer un disco más animado y divertido, un disco que te apeteciese escuchar a todas horas. Así que entre que el ambiente era mejor y que tuvimos más tiempo, nos salió de manera muy natural. Greg dijo que quería hacer un álbum que sonara como el jukebox de un bar un sábado por la noche. Ésa era la idea”. GREG “Sí. Cuando empezamos a trabajar en After The Party, uno de 48

los grandes interrogantes era qué sonidos íbamos a utilizar. Queríamos apartarnos un poco de las guitarras más duras y usar un sonido más limpio, con menos distorsión. Queríamos escribir algunas canciones de pop, algunas de punk, algunas más de rock setentero. Para mí Rented World fue un disco más duro emocionalmente, y éste quería que fuera más divertido. Las canciones cogieron vida propia. Son temas divertidos de tocar y muy pegadizos. Me muero por tocarlos en directo”. ¿Creéis que dependiendo de con qué grupos giráis os influencian en ir en una dirección u otra? GREG “¡Desde luego! Porque muchas veces componemos estando de gira, durante las pruebas de sonido. Cuando estás de gira con Hot Water Music te apetece escribir temas más cañeros, y si estás de gira con un grupo indie te pasa lo contrario. Te afecta mucho. También la comunidad de la que formamos parte en Filadelfia nos afecta. Supongo que lo que más nos influencia es lo que hacen nuestros amigos que tocan en otros grupos. Hay una especie de competencia sana”. El disco lo ha producido Will Yip, de quien todas las bandas hablan maravillas. ¿Qué os pareció a vosotros? TOM “Es uno de los tíos más centrados y eficientes que he conocido. Tiene muy buena reputación porque es un tipo feliz y sabe sacar lo mejor de cada uno. Te hace creer en ti mismo y tiene mucha claridad. ¡Es una locura! Alguien debería escribir un libro sobre cómo trabaja. Debería ser un

ejemplo para todos los productores”. Dame un ejemplo del disco en el que él fuera clave. TOM “Estaba reescribiendo las estrofas y las melodías de ‘House On Fire’ y llevaba como una hora y media yo solo con un boli y un papel, y él se sentó conmigo y estuvo otra hora más, sin mirar su móvil ni un segundo, totalmente volcado en lo que estaba haciendo. No sé cómo lo hace, tiene una paciencia increíble, y me liberó totalmente de la presión. Sin él no creo que la canción hubiera salido tan bien”. En esa canción me pareció que hay un guiño a ‘Surrender’ de Cheap Trick. ¿Fue algo intencionado? TOM “¡No fastidies! No, no fue intencionado. Supongo que la temática de la canción se parece un poco y está cantada en el mismo tono, tendría que mirarlo. Pero mola, es un gran cumplido”. También leí por ahí que el disco Bat Out Of Hell de Meat Loaf había sido un referente para After The Party. ¿En qué sentido? GREG “Sí, Meat Loaf fue una gran inspiración para este disco. No parábamos de decir que queríamos hacer un disco divertido, que sonara como un clásico. El caso es que el pasado verano estuvimos de gira por Europa y era la primera vez que teníamos nuestro propio autobús y cada noche escuchábamos Bat Out Of Hell, aprendimos a tocar todos sus temas con la guitarra y hablamos mucho sobre ese álbum. Cuando llegamos a casa, nos pusimos a com-

poner nuestro disco, pero seguíamos hablando sobre él. Nos identificamos mucho con él porque en una misma canción puede haber diez de las mejores melodías de la historia. Nos propusimos hacer temas en que las estrofas y el puente y el estribillo tuvieran melodías brillantes”. Antes teníais la política de que quien componía una canción era quien la cantaba. ¿Todavía seguís haciendo lo mismo? TOM “Sí, eso no ha cambiado, aunque los cuatro ayudamos a terminar frases o a cambiar algunas palabras. Greg me ayudó con algunas de mis canciones, pero el método sigue siendo el de siempre”. ¿Y nunca hay discusiones sobre quién mete más canciones? TOM “No (risas). Siempre que alguien trae una canción, la tocamos todos en el local y nos implicamos mucho para hacerla mejor. Al final, no es como si fuera la canción de uno, sino que es la canción de todos. No hay una competición para ver quién tiene más canciones”. Uno de los temas más diferentes es ‘Black Mass’. ¿Quién la hizo? GREG “Ésa es mía. Era una maqueta acústica que tenía junto a otras. Era un tema bastante lento, así que lo dejé aparcado. No fue hasta el final, cuando ya teníamos todo el disco escrito, que sugerí darle una oportunidad. Pensaba más en usarla como cara B o algo así, pero Eric grabó la línea de bajo y yo empecé a cantar encima y luego le añadimos el piano… Y una vez la terminamos, nos

“MUCHAS VECES COMPONEMOS ESTANDO DE GIRA, DURANTE LAS PRUEBAS DE SONIDO. CUANDO ESTÁS DE GIRA CON HOT WATER MUSIC TE APETECE ESCRIBIR TEMAS MÁS CAÑEROS, Y SI ESTÁS DE GIRA CON UN GRUPO INDIE TE PASA LO CONTRARIO. TE AFECTA MUCHO” GREG BARNETT dimos cuenta de que era la pieza que le faltaba al álbum. Es una de mis favoritas, así que estoy súper feliz con que acabáramos metiéndola”. ¿Sucede a menudo que escribís una canción que pensáis que es muy buena pero no funciona cuando la tocas con la banda? GREG “Sí, pasa a menudo. Nosotros escribimos canciones, pero hacer un álbum es como hacer un puzzle. Tiene que haber una conexión entre ellas. A veces hay temas que escribo y ni siquiera los enseño al grupo porque no tienen sentido en ese contexto. Somos hipercríticos con lo que publicamos y lo que no”. En ‘Midwestern States’ men-

cionáis Netflix. ¿Se ha convertido mirar series en la nueva droga cuando estáis de gira? TOM “En realidad no (risas). En el autobús no tenemos conexión a internet, así que no podemos ver Netflix. Pero la verdad es que no miramos demasiadas películas o series cuando estamos de gira. Preferimos jugar a las cartas y beber y gritar (risas)”. Bueno, ahora que ya tenéis 30 igual tenéis que beber menos porque las resacas son más duras. TOM “No lo sé, ya veremos (risas). Lo que sí puedo decirte es que Netflix es la nueva droga cuando estás en casa. El primer día después de una gira me pego una maratón y me veo todas las series que me he perdi49

“MUCHOS GRUPOS VIVEN EN CIUDADES DISTINTAS Y SÓLO TIENEN UNA RELACIÓN PROFESIONAL. NOSOTROS TENEMOS LA SUERTE DE QUE LA AMISTAD VA PRIMERO Y LUEGO VA EL TRABAJO” GREG BARNETT

do. Luego ya puedo volver a la vida normal (risas)”. ¿Qué has visto últimamente? TOM “Acabo de ver la nueva temporada de Mr. Robot y estoy viendo Westworld en HBO. Soy un gran fan de Michael Crichton, el autor de la película original de los 70 en la que está basada. Es una gran serie de ciencia ficción”. Todas vuestras canciones están basadas en la realidad, en experiencias cotidianas. ¿Nunca habéis escrito un tema más fantasioso o de ciencia ficción? TOM “Pues sí. Tenemos un par de temas que nunca han sido publicados que van en esa línea. Tratan sobre un futuro distópico en el que unos músicos de gira descubren una droga que les permite comunicarse con seres de otra dimensión. Son ridículas (risas). No creo que nunca se publiquen como temas de The Menzingers (risas)”. ¿Crees que estamos abocados a un futuro distópico?

TOM “Creo que estamos abocados a un futuro muy extraño. La tecnología está cambiando las vías de interacción social de manera muy rápida. Creo que va a haber una brecha entre las generaciones porque van a comunicarse de manera distinta. Opino que eso va a dividir a la gente por su edad y también por su clase social. Pero no creo que lleguemos a un futuro como el que vemos en las películas. Será más parecido al de Un Mundo Feliz que a Terminator”. Greg, sé que eres muy fan de Bruce Springsteen y me han chivado que te acabas de leer su libro de memorias. Dado que sois más o menos de la misma zona, ¿te sentiste identificado con lo que leías o lo ves como una experiencia totalmente distinta a la vuestra? GREG “Hay partes con las que sí me identifiqué. Habla del Stone Pony o de un show de Against Me! al que acompañó a su hijo. ¡Y nosotros estuvimos en ese concierto! Un amigo mío le invitó a una cerveza. Hay una parte que me encantó en la que dice

que aunque nunca hubiera conseguido un contrato discográfico, sabía que podría ganarse la vida tocando la guitarra en un bar. Y yo me siento un poco igual. Aunque After The Party fuera un fracaso, siempre podría coger mi guitarra y tocar. También me identifiqué con lo que dice de que no se considera un gran guitarrista o un gran cantante, pero que su mayor fortaleza es escribir canciones y contar historias a través de ellas. Ojalá pudiera identificarme con tener millones de dólares y comprar casas por todo el mundo (risas)”. Pero bueno, ni siquiera eso le salvó de una depresión. GREG “Exacto. Puedes tenerlo todo y estar deprimido. Tiene que ser duro”. Obviamente todo ha cambiado desde que él empezó su carrera. Ahora cualquier grupo puede publicar su disco y buscar su público sin un sello detrás, pero ¿no crees que quizá antes los músicos tenían que luchar más y eso les hacía ser mejores?

GREG “Sí. En el libro ves que fracasó muchas veces antes de que le ficharan, y que no podía grabar en su estudio, sacarse un disco por 2.000 dólares y montarse una gira enviando unos cuantos emails. Todo eso no existía, así que tenías que hacerlo a través de una multi. Ahora para tener éxito, como ya no hay dinero en la industria, también tienes que creer mucho en ti mismo para forjarte una carrera. Si nosotros llevamos diez años es porque hemos renunciado a muchas cosas”. Desde que publicasteis On The Impossible Past, vuestra popularidad ha crecido mucho. ¿Creéis que ese disco fue decisivo o que hubiera acabado ocurriendo más adelante igualmente? TOM “No, creo que fue el álbum ideal para ese momento concreto. Pero es algo imposible de predecir. A los periodistas les gustó mucho y eso hizo que mucha gente acabara escribiendo sobre él en internet. Éramos una banda pequeña, así que la gente quiso apoyarnos. En el punk rock la gente parece más dispuesta a eso que hacerlo con una banda grande. Todo el mundo quiere ser el primero en descubrir a un grupo. Creo que mucha gente asociará para siempre ese disco a ese momento de su vida. Por lo que me han dicho, parece que caló muy hondo. De hecho, vendió menos que Rented World, pero alguna gente le tiene mucho cariño. Desde luego fue el inicio de una gran aventura”. GREG “Con ese álbum tomamos conciencia de que la banda iba a ser nuestra vida y no simplemente

algo que hacías con tus amigos. Cuando salió nuestro segundo disco Chamberlain Waits en 2010, yo todavía iba a la universidad, iba a clases y en las semanas libres nos íbamos de gira. Pero una vez salió On The Impossible Past la banda despegó. Fue un gran paso adelante. Fuimos empalmando una gira tras otras y nos dimos cuenta de que realmente podíamos vivir de esto y labrarnos un futuro”.

guien de cierta edad que a uno súper joven. TOM “Sí. Comparado con algunos de nuestros contemporáneos, no tenemos tanto atractivo para la gente más joven. Pero nosotros queremos hacer la música que a nosotros nos gustaría escuchar, y lo que nos gusta más es el punk de la vieja escuela como Rancid y otras bandas de los 90… Canciones rabiosas pero pop (risas)”.

Lo que mola es que nunca habéis intentado hacer un disco igual que ése. Ni Rented World ni After The Party son copias de On The Impossible Past. TOM “Ya, pero tampoco ha sido algo consciente. Nunca nos hemos sentado para discutir si queríamos hacer otro disco igual o lo contrario. Queremos escribir lo que sentimos en cada momento. No hay nada malo en hacer una secuela de un álbum tuyo a nivel conceptual, pero nosotros preferimos hacer algo distinto porque nuestras vidas son distintas”.

Quizá lo que más me gusta de vuestra música es que se nota una gran conexión entre vosotros, un espíritu de banda de verdad, que en muchos casos se está perdiendo. GREG “Yo nos veo como una banda de hermanos. Es muy importante a la hora de componer. Cuando escribo una canción, no cuento sólo mi historia, sino que estoy contando la de todos. Los cuatro vivimos súper cerca, podemos ir andando de casa de uno a la del otro. Hemos vivido tanto tiempo juntos que si salgo a tomar algo, ellos son las tres personas a las que llamo. Son mis mejores amigos. Cuando escucho a The Menzingers escucho a cuatro personas que se conocen a la perfección. Cada uno sabe lo que va a hacer el otro musical y personalmente, lo cual es una rareza hoy en día. Muchos grupos viven en ciudades distintas y sólo tienen una relación profesional. Nosotros tenemos la suerte de que la amistad va primero y luego va el trabajo”.

¿Notáis mucha diferencia entre un fan de la banda de 18 años y otro de 35? TOM “Bastante, pero no por nada en especial. Los fans de 18 suelen emocionarse más y están mucho más pendientes del móvil (risas). No tienen el background punk que pueda tener uno de 35 que creció con Operation Ivy, Rancid o Green Day. El de 18 creció con unos Green Day completamente distintos (risas)”. Tengo la sensación de que podéis gustarle más a al-

SUICIDE SILENCE

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HA BASTADO UN SOLO TEMA, EL SINGLE ‘DORIS’, PARA QUE LOS FANS DE SUICIDE SILENCE HAYAN PUESTO EL GRITO EN EL CIELO. A PESAR DE QUE LA BANDA YA HABÍA ADVERTIDO QUE SU NUEVO ÁLBUM IBA A SER MUY DISTINTO, SOBRE TODO EN EL APARTADO VOCAL, LAS REDES SOCIALES SE HAN LLENADO DE INSULTOS. SU BATERÍA, ALEX LOPEZ, DA LA CARA SIN MORDERSE LA LENGUA. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

OMO NO PODÍA SER de otra manera, la muerte de Mitch Lucker en 2012 supuso un antes y un después en la carrera de Suicide Silence. El vacío que dejó el carismático vocalista era muy difícil de llenar, pero aun así la banda de Riverside consiguió tirar adelante fichando a Eddie Hermida de All Shall Perish y publicando You Can’t Stop Me en 2014. Aunque como siempre surgieron voces ofendidas porque el grupo seguía utilizando el mismo nombre, la mayoría de sus fans consideraron legítima su decisión y les mostraron su apoyo. Pero toda aquella comprensión, y por qué no, compasión, parece haber desaparecido. A finales de diciembre el batería Alex Lopez y el bajista Dan Kenny revelaban en una entrevista que el 70% de las voces del nuevo disco iban a ser limpias, algo que no sentó nada bien a su base de fans, pero la caja de Pandora se abrió cuando el 6 de enero el grupo lanzaba un tema titulado ‘Doris’ como primer single. La reacción fue de lo más furibunda y se criticó desde su dirección más melódica hasta la producción de Ross Robinson. En un calentón, el propio Lopez contraatacó en las redes, algo que todavía incendió más los ánimos. Unas semanas antes de que el nuevo álbum, titulado simplemente como Suicide Silence (Nuclear Blast), vea la luz, el batería nos atendía para darnos su punto de vista. No sabemos si se había tomado

‘algún café de más’ o si simplemente seguía algo alterado, pero durante 45 minutos hizo una defensa a capa y espada, y de manera muy locuaz, de su nuevo trabajo. Coged palomitas porque no tiene desperdicio. Por todo lo que habéis publicado en las redes sociales da la impresión de que Suicide Silence no es sólo un nuevo álbum, sino también un nuevo comienzo, un cambio que afectará de lleno lo que estabais haciendo hasta ahora. ¿Es lo que queríais? ALEX LOPEZ “Bueno, no es un comienzo de cero, sino que simplemente ahora somos mayores, hemos crecido. He estado en el grupo casi desde el principio. Cuando me uní sólo tenía cinco canciones que aprender. Entonces nos llamaron para hacer una gira un mes después... ¡Y tuve que componer cinco más porque no teníamos suficientes canciones para un set! Fue la primera gira nacional que hicimos y empezamos siendo nosotros mismos, nadie más. Fue lo mismo que pasó con The Beatles, ellos empezaron cantando ‘Twist And Shout’ y ‘Love Me Do’, pero con los años maduraron y sacaron cosas como Revolver, Rubber Soul, el disco del Sgt. Pepper’s o Let It Be. Trascendieron su leyenda e hicieron cosas en muchos otros estilos. Es algo que pasa muy poco en el deathcore. Nosotros nunca nos llamamos a

nosotros mismos ‘deathcore’, ésa fue una etiqueta que la gente nos puso. Ahora no es que estemos cambiando nuestro sonido, sino que simplemente nos estamos volviendo más honestos sobre cómo tenemos que sonar. Queremos que la gente sienta cosas, no queremos escribir canciones genéricas... No es que antes hubiéramos escrito cosas genéricas, sino que ahora queremos que nuestras canciones sean más honestas, que traten sobre cuestiones reales, y eso lleva tiempo. Es un trabajo en equipo”. Explica un poco el proceso que habéis seguido en este disco. “Todos componemos juntos, no es que alguien se sienta y componga todas las pistas de batería en un ordenador para que alguien le ponga las guitarras encima y ya está... Somos una banda de la vieja escuela, justo como Metallica. Metallica pasaron de ser una banda de thrash metal a componer el Black Album y mucha gente pensó que era algo gay. Decían que ‘Enter Sandman’ o ‘Nothing Else Matters’ no eran metal. En ese momento había muchas bandas sacando material a la vez, así que la única manera de ser diferente era ser único, ser tú mismo. Nosotros no intentamos copiar a nadie. La gente nos dice que sonamos a Korn, a Deftones, a Faith No More, a Tool o a Rage Against The Machine, pero lo único cierto es que tenemos el ritmo de una banda de la Costa Oes53

te. Somos de California, y todas esas formaciones son de California. Todos estamos influenciados por la zona donde vivimos. Las bandas de aquí no suenan como otras bandas. Nosotros tocamos en el mismo tono que Korn, pero no sonamos a ellos. No sonamos a Deftones, lo que pasa es que mi estilo de tocar la batería es el de un batería de la Costa Oeste, como lo es Abe Cunningham. Ellos son de Sacramento y nosotros de Los Ángeles, pero es la misma zona. Ahora quizás haya unas 40 formaciones de deathcore aquí, y para esas 40 bandas sólo existen cinco productores. Ahí está el problema, que esos cinco productores hacen que todos los grupos suenen igual, y por eso ninguna de esas 40 bandas tiene identidad. Es el gran problema de hoy día; todos suenan igual y le dan una idea equivocada a los chicos de esta escena. Estoy seguro que ninguno de ellos es fan de Suicide Silence, porque los fans no le faltan el respeto a los miembros de los grupos de los que son fans. Soy fan de The Beatles, y nunca se me ocurriría hablar mal de John Lennon o Paul McCartney. Si mis ídolos dicen algo estúpido yo lo apoyaría, y trataría de entender por qué lo han dicho, pero nunca les faltaría al respeto ni a ellos ni a su música. Sigo pensando que este disco de Suicide Silence cambiará la manera en que las bandas están haciendo música, porque hoy en día hay mucho contenido pero poca calidad. Grabamos este disco en cinta, en analógico. No escucharás ningún click, pero podrás escuchar todos los instrumentos sin problemas. Cada músico toca su instrumento en este disco, no hay nada trucado. Cuando escuchas la batería, soy yo tocando esa batería, cuando escuchas las voces puedes escuchar la 54

respiración de Eddie. Nos gastamos mucho dinero y tiempo en este disco. Si quisiéramos engañar a la gente, podríamos haberlo hecho invirtiendo 100 dólares, programando todos los instrumentos y haciendo que sonara súper intenso... Seguro que esos chavales pensarían ‘esto es genial’, pero no es lo que buscamos. Buscamos que la gente sienta de verdad las canciones. Si la gente finalmente odia las canciones habremos cumplido nuestra misión, porque al menos habrán sentido algo. Les damos algo invisible, porque la música no tiene peso ni volumen, es algo invisible pero que toca los resortes en ciertas personas. Seguramente la mitad de la gente nos odie, y a la otra mitad de la gente le encante, pero también habrá personas que dirán que no nos han escuchado antes porque hacíamos la misma música que otras bandas que sólo se copian entre sí. Es por eso que amo tanto nuestra nueva canción ‘Doris’. Hicimos este álbum para nosotros mismos, para la gente que aprecia la música y aprecia al artista”. ¿Cómo explicarías vuestra evolución? “Cuando grabamos nuestro primer disco The Cleansing no teníamos sentido alguno, éramos muy jóvenes. Yo tenía 20 años, no sabíamos lo que estábamos haciendo. Pensamos ‘nos acaba de fichar Century Media, es genial, grabemos un disco’. La primera canción que grabé para el álbum fue ‘No Pity For A Coward’, la segunda fue ‘Girl Of Glass’... Sólo intentábamos ser nosotros mismos, por eso grabamos esos singles y por ese mismo motivo hemos grabado este disco. No escuchábamos a las otras bandas que estaban a nuestro alrededor, no nos

importaba una mierda cómo sonaban las demás, no nos importaba nada que no fuese Suicide Silence. En este disco somos como Jesucristo, nos hemos crucificado para que alguien pueda sentir el verdadero dolor y la verdadera emoción que hay en él. Este disco es diferente ahora porque la música de hoy en día es horrible, hay mucha basura. Cualquiera que tenga un ordenador y una guitarra puede tener una banda de deathcore... Ni siquiera tienes que ser buen vocalista, sólo tienes que saber cómo funciona un compresor. Creo que eso es lo que va mal con la música actual. La gente nos dice que sonamos diferentes en este disco, pero es porque estamos adelantados a nuestro tiempo. Metallica también fueron unos adelantados a su época, The Beatles también lo fueron, David Bowie estaba cambiando en cada disco... Todos eran discos de David Bowie, pero escuchas Ziggy Stardust y el álbum que viene después y simplemente no tienen comparación. Los verdaderos amantes de la música apreciarán el hecho de que estuvimos un año entero llorando, sangrando y sudando para tener estas canciones listas. Podríamos haber cogido una parte de una idea y añadirle un coro bonito a lo All That Remains para agradar a la gente, pero no lo hicimos. En su lugar hicimos un disco que perforará los tímpanos, pero en otro sentido. Es como arrojar un color muy vivo en un bosque totalmente oscuro. Mi objetivo artístico en este álbum fue el de hacer que la gente sienta algo, ya sea que no le gusta o que crea que hemos conseguido algo impactante. Quiero que la gente se dé cuenta de que no nos importa agradar a nadie. Cuando mis héroes sacan un trabajo no me pongo en plan ‘no me importa lo que están

“SI LA GENTE FINALMENTE ODIA LAS CANCIONES HABREMOS CUMPLIDO NUESTRA MISIÓN, PORQUE AL MENOS HABRÁN SENTIDO ALGO” ALEX LOPEZ

haciendo, que les den’. La gente auténtica no reacciona así, los que reaccionan así son los jóvenes millenials, los que lo tienen todo al alcance de la mano, los que no tienen que esforzarse por nada. Son gente que piensa que todo tiene que ser a la manera que ellos quieren, y es a ellos a quienes queremos llegar. Un día crecerán y pensarán ‘antes odiaba ese disco, pero fue el que hizo que todas las bandas cambiaran su sonido’. Leí un post que decía que el sonido de ‘Doris’ parecía como que lo hubiésemos grabado en un garaje. Es justamente lo que queríamos, que no sonase pulido, limpio y épico. Si quieres cosas de ese estilo ven a vernos en directo, porque

en vivo somos incluso mejores que en el disco, el CD es sólo una fotografía de lo que en realidad somos. Quizás no lo aprecies ahora, pero lo apreciarás cuando bandas como Attila hagan exactamente lo mismo, cuando todas las bandas genéricas lo hagan. No quiero tirar mierda encima de Attila, son mis amigos y conozco a Sean (Heenan), y sé que dejó la banda porque no le dejaban componer. Hablé con él justo cuando dejó el grupo y me dijo ‘estoy en una banda donde al vocalista sólo le interesa su jodido Lamborghini y a ninguno le interesa realmente la música’. Los sellos funcionan así. Te dan dinero para que tengas el disco listo para el verano y así puedan

montar todas estas giras y la maquinaria pueda seguir funcionando. Para nosotros las cosas no funcionan así, hablamos con Markus de Nuclear Blast y le dijimos que el álbum estaría listo cuando estuviésemos satisfechos con las canciones. Pensó que estábamos locos, pero nos dejó hacer lo que queríamos. Nos dijo: ‘Es mejor que os gastéis todo el dinero en entregarnos una obra de arte que suene orgánica y analógica, que el que gastéis sólo un cuarto del presupuesto en un disco de mierda que a todo el mundo le gustará inmediatamente’. Lo hicimos con Ross Robinson, y eso cuesta dinero”. ¿Cómo fue la grabación? 55

“Tardamos un año en terminarlo, jamás habíamos invertido tanto tiempo en un álbum. Me llevó cuatro días terminar las baterías de The Cleansing, diez días grabar las de No Time To Bleed, tardé siete días en The Black Crown, y cinco en You Can’t Stop Me. ¡Este disco me llevó dos meses! Cada día era una nueva experiencia. Si un día no tenía ganas de tocar ni de grabar, simplemente nos sentábamos y hablábamos sobre cómo me sentía. Hacíamos como sesiones de terapia, Ross realmente saca el arte dentro de ti. Nos importa tanto el futuro de la música que hicimos un álbum que no será apreciado ahora mismo, pero que estará adelantado a su tiempo. Le enseñamos el disco tanto a Carnifex como a Whitechapel y literalmente se quedaron con la boca abierta. Se quedaron impresionados y nos dijeron ‘de verdad estáis componiendo música con sentido, no estáis intentando ser la banda más dura del género, sino que 56

estáis intentando crear un género propio’. No queremos géneros, la música no debería tener reglas, es más... ¡La música no tiene reglas! No porque pertenezca a un género tengo que meter un blast beat con calcetín, lo tocaré cuando me parezca correcto. Fue como cuando di una entrevista y dije que el nuevo disco tiene un 70% de voces limpias y la gente se volvió loca. La gente empezó a decir que ya no nos iba a escuchar, que les habíamos roto el corazón, y ni siquiera habían escuchado el álbum. Para mí ‘voces limpias’ no es sólo cantar, sino significa hacerlo de una manera normal, no gritando. También puedo decir que el 70% del disco es tocar la batería de manera normal, y el 30% restante son blast beats. La gente tiene que entender que el blast beat está ahí porque es una parte muy importante de la canción, al igual que cuando Eddie grita es porque es un momento realmente importante y lo enfatiza todo.

Eddie es uno de los mejores screamers de todo el género y podría estar todo el jodido disco gritando si quisiera. Ha superado a todos los vocalistas que hay en esta escena y no tiene que demostrarle nada a nadie, lleva mucho tiempo haciendo esto... y en un 30% de este disco presenta los gritos más enfermizos que ha hecho jamás, pero en el resto del álbum realmente intenta que lo escuches, que lo comprendas, que subas y bajes con él, toda la dinámica. Es como un accidente de coche, porque cuando lo sufres, no es sólo el golpe del accidente en sí, sino todo lo que pasa antes y todo lo que pasa después. Para mí la música es eso, las dinámicas. Hay una historia que tiene que contarse y no sólo el accidente en sí, hay dos caras de una historia, hay partes sentimentales y partes que hieren, partes que te dan miedo. Como te decía, queremos que la gente vuelva a sentir”. Todos los artistas que trabajan con Ross Robinson comentan que es una experiencia que cambia por completo su vida. ¿Ha sido él quien os ha dado esta nueva visión sobre la escena musical? ¿Te ha convertido en un mejor músico? “Ross me hizo dar cuenta de que debo confiar más en mí mismo. Es como ser padre, no tienes que leer un libro para ello, sino simplemente confiar en tu instinto y confiar en ti mismo. La madre de Ross Robinson es una afamada doctora y psicóloga, así que él fue criado por una psicóloga y, si investigas, en realidad ella es más famosa que él. Mucha gente no lo sabe, pero Ross Robinson es como un psicólogo. Hubo momentos en los que

estábamos grabando algo y nos paraba sólo para decirnos que nos quería y que estábamos haciendo algo increíble y mágico. Que si todos muriésemos en ese instante en un accidente aéreo o algo parecido, tendríamos que estar orgullosos de lo que habíamos conseguido”. ¿Cómo llegasteis a él? “Conocí a Ross antes de trabajar con él. Había ido a un concierto con Greg, el vocalista de The Dillinger Escape Plan, y él me lo presentó. Ya habíamos coincidido porque yo había grabado tres discos con Steve Evetts, y resulta que uno de los mejores amigos de Steve es Ross Robinson. Steve sabía que yo era un gran fan de Ross, fue el primer productor del que escuché hablar. Cuando estaba en el instituto escuché hablar de él a raíz del disco de Korn. Luego vinieron Glassjaw, At The Drive-In, Slipknot y todas esas bandas fantásticas con las que ha trabajado. Cuando empezamos a colaborar con él en lo nuevo de Suicide Silence nos dijo que tuviéramos en mente una cosa: que imagináramos que una vez termináramos el disco, lo íbamos a quemar, que iba a desaparecer para siempre y nadie lo iba a escuchar. Eso cambió la forma en que yo componía mi música, y empezó a importarme menos lo que la gente esperaba de mí. Cuando empecé a tocar, en mi garaje, no había MySpace ni Twitter ni redes sociales, así que era libre y podía hacer con mi arte lo que me daba la gana. Creo que la metáfora que mejor funciona es aquella en la que alguien te da un lienzo y una infinidad de colores para que pintes el cuadro que quieras, pero que sepas que al final tendrás que quemarlo con gasoli-

“SI ALGUIEN VIENE Y ME DICE ‘ME ENCANTA VUESTRO MATERIAL ANTIGUO PERO EL NUEVO APESTA’, PARA MÍ ESA PERSONA NO ES UN FAN” ALEX LOPEZ na. No importa cuánto tiempo te lleve darte cuenta de qué colores quieres usar y qué dibujo quieres realizar, pero que lo hagas para ti y por ti mismo en lugar de mirar cómo lo hace otro. El arte es el reflejo del artista, y cuando alguien te pregunta para qué vas a grabar un disco si luego lo vas a quemar es que no entiende el objetivo: la gente debería grabar discos para ellos mismos, y no para los demás. Hay gente que dice que cualquier cosa puede ser arte, pero no es cierto. Quizás a veces lo que haga falta es un álbum de mierda para poder sacar discos mejores. Imagina a cuántos baterías habrá inspirado Metallica. Baterías que cogen un buen riff de uno de sus discos y piensan ‘joder, haría tantas cosas buenas en la batería con ese riff, muchas más de las que ha hecho Lars’. Pues Lars les ha inspirado, tal como me inspiró a mí, a mejorar. Yo solía escuchar ...And Justice For All y pensar ‘¿Por qué no ha usado más doble bombo en esta parte?’, pero ahora pienso que es justamente lo que quería: no lo usó para que otras generaciones lo hiciesen. Eventualmente se ha abusado del doble bombo y ahora todo es doble bombo. Yo empecé a tocar la batería con un solo bombo, porque no tenía dinero para comprar uno doble ya que son caros. Eso me llevó a practicar bastante con mi pierna derecha y me convertí en un batería muy rápido. Cuando tuve dinero suficiente me compré una doble pedalera, eso fue en los 90, y por aquel entonces no eran muy populares porque tenías que comprar dos juegos de

bombo y eran caros. Así que lo aprecié mucho más. Los chicos de hoy en día se compran guitarras de siete cuerdas de manera inmediata sin haberle sacado provecho a una guitarra de seis cuerdas normal. Son personas que tienen una mente cerrada hacia lo que se hizo en el pasado, y lo cierto es que las generaciones que ya han pasado sólo han intentado enseñar la base de algo, cómo se hace. Yo intento enseñar a la gente con mi música que no hay que tener miedo, que no hay fallo posible, que hay que tener coraje para hacerlo, incluso si fallas sólo es algo momentáneo. Fíjate en Refused, es una banda de Suecia que lanzó un álbum y que a nadie le importó. Una vez se separaron la música hardcore empezó a despuntar y finalmente se convirtieron en una de las bandas más influyentes del hardcore punk, con un disco que en su momento no le importó a nadie. Ahora pueden salir de gira por todo el mundo, han vuelto a grabar y su nuevo trabajo me encanta. Son los mismos integrantes, pero han hecho algo diferente y yo lo aprecio. Es una pena que tengas que morir para que alguien te aprecie. Yo sé lo que es. Recuerdo criarme en los 90 y recuerdo cuando Kurt Cobain murió. Recuerdo estar viendo la MTV, no era muy fan de su música porque salían en la tele y mi hermano los escuchaba, pero cuando pasó lo que pasó, me interesé más por su música y finalmente me convertí en un fan de Dave Grohl. La muerte de Mitch fue algo similar, la diferencia es que Kurt Cobain era compositor. Nirvana com57

ponían todos juntos, pero en su mayoría eran canciones de Kurt Cobain, escritas por él. Mitch no compuso las baterías de ningún disco, ni las guitarras, sólo cantaba en la banda y nos ayudó a ver hasta dónde podíamos llevar nuestra energía. Yo estuve siete años dando conciertos con Mitch, cada noche lo miraba desde el escenario y sabía lo que podía hacer con un micrófono, pero él no era toda la banda, era un miembro más de una familia. Cuando murió, la gente nos decía que teníamos que cambiar el nombre del grupo, y no lo entendíamos. Es como si mi hermano muriese y la gente me dijese que tengo que cambiar de apellido. ¿Por qué lo haría? La música es algo familiar, quizás haya otros grupos que no son como una familia y cuando se separan o un miembro se va cambian de nombre, pero Suicide Silence siempre han sido una familia. Incluso la familia de Mitch nos pidió que no cambiásemos el nombre de la formación, porque si no la gente no sabría de dónde había venido Mitch”. A pesar de que ya han pasado varios años desde su muerte, mucha gente lo sigue teniendo muy presente. ¿Crees que hay fans que lo idolatran más allá de su papel dentro del grupo? “Mitch era un ídolo para mucha gente que ahora piensa diferente. Cuando yo me uní a Suicide Silence nada de este rollo era popular, y entonces conocí a Oli Sykes de Bring Me The Horizon cuando era sólo un chico. Recuerdo que en aquel momento no tenía ni un solo tatuaje, era gordito, era bastante nervioso y cuando conoció a 58

“TIENES A CHICOS QUE HABLAN MIERDA DE SUICIDE SILENCE PERO NO CONOCEN NADA QUE SEA ANTERIOR A 1998” ALEX LOPEZ

Mitch se puso en plan ‘eres mi cantante favorito, quiero ser como tú’, pero Mitch le dijo que no fuese como él, sino que fuese simplemente Oli, que fuese él mismo. Poco después empecé a ver que todos los vocalistas del género empezaron a adoptar las mismas pintas: alto, delgado, muchos tatuajes. Fue un ídolo para mucha gente, pero ¿sabes que su banda favorita era Circa Survive? Le encantaba la gente que cantaba de esa manera, pero estaba tan cabreado consigo mismo porque no podía cantar igual que entonces gritaba. Recuerdo que intentaba cantar con sus hermanos, pero no le salía bien y se reían de él, fue entonces cuando empezó a gritar. Descubrió que era bueno para eso, aunque le gustase otra cosa. Hay mucha gente que piensa que a Mitch no le hubiese

gustado algo con voces limpias, pero están totalmente equivocados. Yo tengo grabaciones de Mitch de cuando estábamos grabando The Black Crown, pero lo escuchamos y dijimos ‘no, mejor intentamos otra cosa’. Le costaba bastante superar la idea de que nunca sería un vocalista como tal. Si le hubieses escuchado hablar sabrías que tenía una voz muy suave, muy calmada, todo lo contrario a como era en el escenario. Pero los tiempos cambian, cuando todo se hace de la misma manera es un mal ejemplo para los chicos porque no saben apreciar otras cosas. Yo mismo, cuando era joven y escuchaba heavy metal, no apreciaba lo que escuchaban mis padres... Ellos me decían ‘tienes que escuchar a Creedence Clearwater Revival’, pero yo pensaba que

era música para adultos, y aun así nunca le falté al respeto a ese tipo de música. Nunca dije que ese tipo de música apestaba o que era una mierda. Sabía que muchos de mis héroes estaban influenciados por bandas como Pink Floyd, Black Sabbath o Led Zeppelin. Actualmente tienes a chicos que hablan mierda de Suicide Silence pero no conocen nada que sea anterior a 1998. Es lo que pasará con esta generación, especialmente ahora con la gente yéndose de las bandas: Sean de Attila, Austin de Of Mice & Men, Josh de Motionless In White... Son vientos de cambio y sólo los fuertes sobrevivirán, los que no intentan impresionar a nadie. Nosotros no intentamos impresionar a nadie, intentamos motivarles y hacerles sentir algo. Hay gente que me ha enviado mensajes persona-

les y me ha dicho: ‘Escuché ‘Doris’ y no me gustó nada la primera vez, pero ha ido creciendo en mí y ahora después de escucharla unas diez veces creo que es la mejor canción que Suicide Silence han escrito. Estoy de acuerdo con ese sonido, me alegro de que no nos hayáis engañado’. Quiero que este tipo de mensaje también llegue a otras bandas, que piensen ‘si ellos pudieron nosotros también podemos escribir un disco con personalidad’. Te garantizo que el próximo disco de Whitechapel, aunque no sea igual que éste, será diferente. Tendrá cosas reales, cosas de Tennessee como banjos y esos grandes coros melódicos. La gente de Whitechapel son gente del campo, de Tennessee, aunque escuchen metal. Nosotros en Suicide Silence estamos más metidos en el hip hop, pero ellos en el country... Espera a escuchar su nuevo disco, no digo que será mejor que el de Suicide Silence, sólo digo que será diferente. No he grabado con triggers ni con metrónomo, nada. No sé si has visto el documental Sound City, pero Ross Robinson compró parte del equipo de ese estudio. Mis partes de batería fueron del micrófono a ese equipo, de forma analógica, de ahí al ordenador. He grabado de la manera en que las bandas en los 80 y 90 grababan los discos: de manera real. Incluso se me puede escuchar a mí respirando dentro de la habitación”. Como has comentado, ‘Doris’ ha sido criticada muy duramente, pero la mayoría venían de los fans de la primera época, la anterior a The Black Crown. ¿Crees que van con la

predisposición de que el disco no les gustará incluso antes de escucharlo? ¿Tienes asumido que será un álbum poco comprendido por los fans más hardcore? “Yo no los llamaría fans. Una persona que es fan de algo, sin importar sus gustos, siempre intenta entender y apoyar algo. Si alguien viene y me dice ‘me encanta vuestro material antiguo pero el nuevo apesta’, para mí esa persona no es un fan. Es como si alguien dice que es fan de mi familia, pero viene a mi casa y dice que no le gusta cómo cocina mi madre y me dice ‘que se joda esa perra’. ¿Es eso un fan? Un fan respeta a todos los miembros de la familia, incluso al jodido perro. Yo no los considero fans, son gente que te da la espalda. Hay fans que están ahí desde el primer disco, y siguen estando. Mi familia de sangre son fans, mis hermanos han escuchado todo lo que he hecho desde que entré en el grupo y para mí son mis mayores fans. Han escuchado el nuevo álbum y les ha encantado, me han dicho que hemos madurado y que le estamos dando a los demás fans material de calidad. Damos calidad, no cantidad. Hay sólo nueve canciones en este disco, eso es calidad. Grabamos 13 canciones en total, pero sólo pusimos nueve en el disco, guardamos las demás para otras cosas. Cuando estamos en la escuela y nos preguntan qué queremos ser cuando seamos mayores no sabemos qué responder porque en realidad no nos importa, lo vemos muy lejano. Cuando estamos en el instituto y nos preguntan qué queremos hacer con nuestras vidas sí lo vemos más cercano y nos empezamos a preocupar, empezamos a comprender lo que 59

SUICIDE SILENCE querían decir. Con la música pasa igual. Hay gente a la que no le gustaban Slipknot porque estaban metidos en el metal y los veían como a raperos, pero poco a poco fueron ganando público y ahora a todo el mundo le gustan Slipknot. Anthrax hicieron lo mismo con Public Enemy. Creemos que es lo que pasará con el nuevo disco de Suicide Silence: a mucha gente no le gustará, pero será una planta que crecerá poco a poco hasta convertirse en un árbol. Lo apreciarán años después, y dirán ‘este disco es increíble’. Me pasó a mí cuando escuché el primer disco de Glassjaw. Me parecía interesante pero simplemente no podía aguantar la voz del vocalista. Me parecía un llorón, pero lo respetaba y nunca hablé nada malo de ellos. A todos mis amigos les encantaba, les parecía algo como Deftones pero con un rollo de Long Island/Nueva York. Les vi en directo, justamente con Deftones, y eso cambió totalmente mi manera de pensar. Admiré que el vocalista estaba intentando ser él mismo y nadie más. Para mí el arte es eso: no tener miedo al fracaso. Cuando la gente tiene miedo no puede crear algo puro, la pureza viene de la falta de miedo a ser juzgado. Si te gusta lo que haces y tienes buen gusto en la música, lo más probable es que lo 60

superes, puede que a una persona no le guste, pero a otra sí, no tienes por qué sentirte juzgado. No grabamos un disco porque sentíamos la necesidad de que teníamos que grabar un álbum sí o sí, ni lo grabamos de esa manera para que sonase como a Korn. Da la casualidad que Ross Robinson usó el mismo equipo con el que grabó a bandas como Slipknot o Korn, a Machine Head o Deftones... y no es una mierda de Pro Tools, es material vintage. Tuve que tocar cada canción de este disco como ocho veces seguidas y luego escuchar las grabaciones, ver qué me había gustado y volver a grabar otras tres veces más... De la mejor de las tres salía lo que al final usábamos. Todo fue bastante crudo en esta grabación, como se hacía antes, sin apenas editar nada”. Ya para terminar, ¿crees que hay una escena que no sea la deathcore pero con la que te puedas identificar ahora? ¿O Suicide Silence hacen algo tan único que no hay escena para ello? “No tengo nada en contra de las bandas de deathcore, tengo muchos amigos en bandas de deathcore, pero no quiero ser el grupo que sólo pueda salir de gira con ese tipo de bandas.

Uno de mis sueños es salir de gira con Deftones, quiero un día poder tocar con Metallica, quiero llegar a tocar en festivales donde la gente canta. Hay bandas de deathcore que sólo pueden salir de gira con bandas de deathcore o de death metal, lo cual está bien, pero no es para mí. Por ejemplo, Carnifex, amigos míos de San Diego... Su batería Shawn (Cameron) es un gran amigo mío y es uno de mis baterías favoritos ahora mismo. He seguido su carrera y ha mejorado muchísimo en cada disco, pero con su banda no llegará a otras giras más grandes de las que ya tiene ahora. Conozco a la gente de ese grupo y sé que no les gusta sólo el metal. Tienen muy buen gusto musical y quieren hacer cosas diferentes, pero no pueden. No tengo problema en salir de gira con bandas de deathcore o de metalcore, pero no quiero que sean las únicas bandas con las que pueda tocar. Quiero hacer giras con Avenged Sevenfold, con Disturbed, con Sepultura... con todo tipo de bandas, sean de rock o de metal. Hubo un tiempo donde la gente escuchaba a Nirvana y también escuchaba a Metallica al mismo tiempo, dos bandas totalmente diferentes pero que en los 90 compartían fans. Lo que quiero decir es que puedes pertenecer a géneros musicales diferentes, pero estar en la misma categoría emocional que otra banda. Había gente que escuchaba Metallica y cuando quería algo más tranquilo escuchaba Nirvana, sin problema alguno. Queremos que Suicide Silence sea ese tipo de grupo”.

DISCO DEL MES

Forever (ROADRUNNER) METALCORE

l metalcore se ha convertido en una palabra sucia. Como ocurre cada vez que un género se hace muy popular, la proliferación de bandas adscritas a una escena, y su consecuente saturación, ha llevado a la degradación del propio término y ahora vemos como cada vez más grupos incluso reniegan de haber formado parte de ella. Para ser justos, Code Orange, en sus inicios Code Orange Kids, han estado siempre -por su filosofía y actitud, por sus manerasmás cerca de la escena hardcore, pero su música, en la que encontramos tantos elementos del metal como del hardcore, entre otras cosas, bien podría

CODE ORANGE

etiquetarse como tal. Y quizá por ello el grupo de Pittsburgh se ha mostrado especialmente crítico con bandas como Asking Alexandria, a quienes consideran que están en esto sólo por la pasta y desvirtúan a ojos del gran público esta escena. “Serán los primeros en desaparecer”, profetizaron en un post en su Facebook. Me imagino que algún true también les acuse de lo mismo ahora que han fichado por la multinacional Roadrunner para publicar su tercer disco, pero le recomendaría que antes de emitir cualquier juicio escuchara antes lo que ofrecen en él. Dudo que Forever hubiera sonado distinto de haber sido

editado como los anteriores por Deathwish Inc.; de hecho, Kurt Ballou de Converge sigue ejerciendo aquí su labor de productor con la ayuda de Will Yip (un muy buen tándem), y la banda sigue sonando tan abrasiva como siempre. Si algo sitúa a Code Orange por encima de la media, y hasta cierto punto justifica que desprendan cierto aire de superioridad, es el no limitarse a jugar dentro de las reglas no escritas de un estilo. Ya en el anterior I Am King (2014) introdujeron algún toque industrial y aquí vuelven a hacerlo, incluso, con mejores resultados. La incorporación de chirriantes efectos electrónicos no hace más que aumentar la

sensación de incomodidad y agobio que transmiten sus canciones. Y que conste que lo digo como un elogio, porque desde que arrancan con el tema que da título al álbum, un groove aplastante digno de Unsane, la banda deja claro que no está aquí para hacer amigos. Justo antes de su ominoso breakdown, el batería Jami Morgan grita “Code Orange is forever”, ¿otra pullita a las bandas de usar y tirar? A continuación, ‘Kill The Creator’ desconcierta, alternando una primera parte de gran velocidad, una central dominada por una pesadez al ralentí y un tramo final con una atmósfera épica. En ‘Real’

dándoles una versatilidad que les distancia del típico patrón de voces limpias y gritadas. ‘Bleeding In The Blur’ es lo único parecido a un hit que encontraremos por aquí y bebe directamente del grunge con unas guitarras y unas melodías muy noventeras. Sobre el papel podría chirriar, pero la verdad es que entra de maravilla. El otro tema, más o menos accesible, llega más adelante en ‘Ugly’, con una línea de bajo post punk del gigantón Joe Goldman, y un estribillo a lo Nine Inch Nails bastante pegadizo. La influencia de Trent Reznor vuelve a aparecer casi al final en ‘The Hurt Goes On’, un descenso agónico al ambient

“TE HACEN IMAGINAR CÓMO SONARÍAN MESHUGGAH SI VINIESEN DEL PUNK”

prosigue la línea dura y la influencia industrial con otra estructura volátil, en la que nunca sabes qué vendrá a continuación, y cuenta con otro breakdown memorable. Sin pestañear, Code Orange cambian por completo de registro en el siguiente tema ‘Bleeding In The Blur’, en la que la guitarrista Reba Meyers se hace con el micro. El contar con tres vocalistas, además de Morgan y Meyer, el guitarrista Eric Balderose va soltando guturales por ahí, como en ‘The New Reality’, donde te hacen imaginar cómo sonarían Meshuggah si viniesen del punk, es otro de sus puntos a favor,

de The Downward Spiral cortado por unos inquietantes silencios, que finalmente estalla en unos compases de alta tensión. El disco termina con ‘dream 2’, una suerte de nana cantada por Reba con aire a Twin Peaks, que acaba bruscamente por la puta cara. No es un mal final, pero quizá habría quedado mejor a modo de interludio entre ‘The New Reality’ y la brutota ‘Spy’ para oxigenar un poco. Si tienes un mal día ponte Forever. Sus 34 minutos no te harán sentir mejor, sino más bien lo contrario, pero de nuevo, lo digo como un elogio. JORDI MEYA

YOU ME AT SIX HAS DE SABER... FORMACIÓN: Josh Franceschi (voz), Max Helyer

(guitarra), Chris Miller (guitarra), Matt Barnes (bajo), Dan Flint (batería) PRODUCIDO POR: Jacquire King AFINES A: Deaf Havana, Young Guns, Stereophonics PÁGINA WEB: www.youmeatsix.co.uk

Night People (INFECTIOUS/PIAS) ROCK

os ingleses You Me At Six han conseguido lanzar un mejor disco que su anterior Cavalier Youth, lo cual tampoco era tan difícil. El fiasco que se llevaron varios fans hace tres años con su excesivo ablandamiento habrá hecho recapacitar a Josh Franceschi y sus compañeros, porque si algo aman sus seguidores es el rock de grandes guitarras. Y de eso su quinto trabajo va sobrado, aunque revestido de una producción moderna cortesía de Jacquire King (Kings Of Leon, Modest Mouse) para que entren sin vaselina en las radiofórmulas. Puede que ‘Night People’, la canción que abre el disco, te deje algo

patidifuso con su groove sexy, pero, de inmediato, con ‘Plus One’ dejan las cosas claras con su energía jovial. Vuelven a las estructuras sencillas y simplonas del rock, pero efectivas gracias a la voz aterciopelada de Franceschi y unos coros más grandes que la vida. Al mismo tiempo que presentan las más moviditas ‘Brand New’ o ‘Make Your Move’ con un riff a lo Misión Imposible electrizante, You Me At Six también han conseguido un álbum más íntimo y personal con baladas como ‘Spell It Out’ o ‘Take On The World’, porque aunque sean, a priori, una banda de rock, es en los medio tiempos donde se puede apreciar su talento

para construir paisajes. Al igual que Young Guns o Lonely The Brave, si You Me At Six usan la distorsión es solamente como un escudo para una base pop delicada y efectiva. ‘Heavy Soul’ es un redondo tema de pop rock adulto que, al igual que ‘Give’, el corte que cierra el álbum, podrían sonar al lado de The Killers tranquilamente. Si creciste en los 90 notarás muchas influencias del britpop y brit rock de esa década. Night People es lo mejor que los de Surrey han hecho en los últimos siete años, con canciones que van lentamente creciendo dentro de uno. No es perfecto, pero han vuelto al buen camino. JORGE FRETES

HABLAMOS CON... MAX HELYER Hablando de Night People, lo grabasteis en Nashville con Jacquire King. ¿Por qué allí? “Bueno, llevábamos tiempo queriendo trabajar con él. Ha grabado con muchos de los grandes, desde Kings Of Leon a Norah Jones o Tom Waits. No es un productor sólo de rock, sino que tiene una mente más abierta. Black Bird, el estudio de Nashville al que fuimos, está considerado como uno de los mejores del mundo, y la primera vez que hablé con Jacquire, me dijo que quería grabarnos allí. Así que era una oportunidad única para nosotros”. ¿En qué se materializó esta mente más abierta a la hora de trabajar con vosotros? “Por ejemplo nos hizo grabar tocando todos en directo, algo que todavía no habíamos hecho. Creo que en el disco

puedes sentir ese dinamismo de todos tocando juntos. Llevamos diez años como grupo y nos hemos hecho grandes tocando en directo, así que parecía muy lógico hacerlo así. Para nosotros fue muy emocionante. Además, también hicimos algo distinto porque grabamos ocho temas en febrero y luego volvimos a Inglaterra para escuchar lo que habíamos hecho y componer un poco más. Y en mayo fuimos de nuevo a Nashville y grabamos cuatro temas más. De no ser por ese tiempo extra no hubiésemos escrito ‘Plus One’ o ‘Brand New’”. Pues esas dos están muy bien. “Sí. A veces cuando estás dos meses grabando un disco entero sin moverte se te hace un poco pesado y puedes perder la frescura, así que estuvo muy bien hacerlo así. Tuvimos la oportunidad de digerir lo que ya habíamos grabado

y hacer algunos retoques”. Vuestro sonido ha ido evolucionando en estos años del punk pop a un pop rock más adulto. ¿Crees que Night People es la culminación de esta evolución? “Creo que lo que se escucha en él es todo lo que hemos aprendido, no sólo como músicos, sino también como personas. También toda la música que hemos escuchado. Empezamos este disco sin ninguna idea preconcebida. Algunas salieron de manera muy espontánea, haciendo jams, y otras tienen una base electrónica mucho más trabajada. Creo que hay nuevas influencias del hip hop y la electrónica. Queríamos meternos en un territorio desconocido y experimentar. No queremos quedarnos estancados”. (MARC LÓPEZ)

FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES Modern Ruin

(INTERNATIONAL DEATH CULT/POPSTOCK!)

ROCK

onsciente del buen momento que está atravesando, Frank Carter no ha perdido el tiempo a la hora de dar continuidad a su debut. Lejos de ofrecer un más de lo mismo de lo mostrado en Blossom, el ex Gallows ha optado por ampliar recursos sobre todo haciendo hincapié en su faceta más melódica. En lugar de recibirnos con el cuchillo entre los dientes dispuesto a darlo todo desde el arranque, Modern Ruin da comienzo con las delicadas notas de ‘Bluebelle’ y un Carter susurrándonos al oído a modo de introducción, a la que le sigue un single tan certero como ‘Lullaby’ (ese

estribillo tan simple como adictivo es de los de quitarse el sombrero). Una buena muestra del camino que siguen otras piezas como ‘Wild Flowers’ o ‘Vampires’. Esto es, más presencia de melodías y un sonido más abierto, sí, pero sin olvidar la mala baba marca de la casa de sus Rattlesnakes. Más contenidos y sugerentes se nos descubren en ‘Acid Veins’, ‘Thunder’ o ‘Neon Rust’, jugando con la intensidad y los tempos, aunque de una manera u otra su agresividad acabe saliendo a la luz. Y es que a pesar de todo, el lado más canalla del pelirrojo siempre estará ahí, como en esa fugaz ‘Jackals’ de apenas un minuto o la propia ‘Modern Ruin’, en la que se desgañita como a él le gusta, que no habrían desentonado para nada en Blossom. Pequeños pasos evolutivos siempre hacia adelante que hacen de este segundo largo un obra más variada que debería acercarle a nuevas audiencias sin perder el respeto de todo ese público ganado en este tiempo. 2017 no ha hecho más que empezar y todo apunta a que Frank Carter volverá a ser uno de sus protagonistas. GONZALO PUEBLA

AFI

AFI (The Blood Album) (CAROLINE/MUSIC AS USUAL)

ROCK ALTERNATIVO, PUNK

star en la posición de AFI, o en la de cualquier grupo que tenga una carrera dilatada, no tiene que ser nada fácil. Saben que hagan lo que hagan, muchos de sus viejos fans pensarán que cualquier tiempo pasado fue mejor y difícilmente contarán con el atractivo para enganchar a las nuevas generaciones. Podrían grabar el disco de su vida, y el impacto, o más bien la ausencia de éste, sería el mismo. AFI (The Blood Album) no es su mejor trabajo, pero prueba que el grupo californiano todavía tiene sangre corriendo por sus venas. Quizá porque

se trate de su décimo álbum de estudio, AFI se han dado una especie de autohomenaje revisitando las distintas variaciones estilísticas que ha ido sufriendo su punk rock a lo largo de 25 años. En sus 14 temas, demasiados, encontramos épica oscura en ‘Dark Snow’, arena rock en ‘White Offerings’, fogonazos de sus primeros tiempos en ‘So Beneath You’, blues vía Depeche Mode en ‘The Wind That Carries Me Away’ o la influencia del pop y el post punk británicos en ‘Still A Stranger’ o ‘Above The Bridge’. El nivel de las composiciones es alto y Davey Havok se adapta perfectamente a cada escenario, al igual que Jade Puget se muestra de lo más versátil con su guitarra. Creo que, en su cabeza, AFI siempre quisieron ser vistos como el eslabón que unía a The Cure y The Smiths con los Misfits y Black Flag. No era un reto fácil, y es bastante probable que nunca lo consigan, pero The Blood Album demuestra que siguen intentándolo. Bien por ellos. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

ANÍMIC Skin (BCORE)

POP ELECTRÓNICO

i hablamos de reinvenciones, la que los barceloneses Anímic protagonizan en su sexto álbum merece ser destacada y aplaudida. Ya habían dado avisos de que algo así podía ocurrir con el tono oscuro que habían ido adquiriendo paulatinamente en cortes más viscerales como ‘Shoot ‘Em’, o cuando en 2014 celebraron sus diez años de carrera con el álbum Hannibal Remixed, en el que artistas como Balago, Jupiter Lion o Guillamino reimaginaban sus canciones. Aun así, Skin seguro que sorprenderá a cualquiera de quienes han ido siguiendo su carrera. ¿No eran acaso Anímic una banda de folk bucólico y místico? Aquel sonido acústico e intimista ha sido barrido por bases electrónicas muy potentes, envolventes teclados y bajos densos; sin embargo, y ésa es la gracia, el espíritu de la banda sigue palpitando con fuerza.

La sugerente, pero poderosa voz de Lousie Sansom se impone con seguridad en este nuevo escenario mucho más sombrío y deshumanizado planteado por unos textos, que, en esta ocasión, aparcan sus incursiones en catalán y llegan exclusivamente en lengua inglesa. Nombres como los de Zola Jesus, Portishead o Chelsea Wolf te vendrán a la cabeza escuchando piezas como ‘TV’ o ‘Slave’, mientras que en la bailable ‘Glass’ te sentirás entrando en un club situado en el interior de un submarino. Por su parte, baladas lánguidas como ‘Silence’ o ‘Hidden’ aportan un punto lírico a este mundo gélido que, pese a todo, arde gracias a su creatividad. JORDI MEYA

DROPKICK MURPHYS

11 Short Stories Of Pain & Glory (BORN & BRED/PIAS)

CELTIC PUNK, ROCK

uando Dropkick Murphys publicaron su debut Do Or Die en 1998, esta tropa de Boston tenía un punto intimidante, con más pinta de estibadores de puerto que de punk rockers. Parecía que lo único que les preocupaba, aparte de hacer música, era beber cerveza y pegarse con cualquiera que se interpusiese en su camino. Pero hasta los más duros del barrio se hacen mayores, y ahora los Murphys son más como ese tío entrañable que cuenta batallitas de juventud cuando se emborracha en una boda. Habrá quien añore los tiempos en que eran más garrulos, pero quizá sería un poco ridículo que todavía fueran de ese palo cuando su carrera les ha ido más que bien y ahora son respetados miembros

NINE INCH NAILS Not The Actual Events (AUTOEDITADO)

ROCK ELECTRÓNICO

uando parecía que Trent Reznor no iba a cumplir su palabra de publicar nueva música de Nine Inch Nails en 2016, el pasado 22 de diciembre lanzaba este EP de cinco temas por sorpresa. Sólo él sabe si realmente ése era su plan desde un principio o si pilló lo que tenía más a mano en su disco duro para salir del paso. Sea como sea, Not The Actual Events es un buen reencuentro con la música de NIN después de tres años y medio de silencio, si bien le falta algo de cohesión, y duración, para poderse considerar una obra con peso dentro de su discografía.

de su comunidad gracias a sus múltiples proyectos benéficos. Su noveno álbum es un perfecto reflejo de este nuevo contexto, menos agresivo musicalmente y con unas letras más serias con la epidemia de adictos a los opiáceos (‘Paying My Way’), los atentados de la maratón de Boston (‘4-15-13’) y la nostalgia por su juventud (‘Sandlot’) como trasfondo. El tono de las voces de Al Barr y Ken Casey y los coros

hooliganescos les siguen dando el toque punk en ‘Rebels With A Cause’ o ‘I Had A Hat’, pero los tempos más lentos de ‘Kicked To The Curb’ o ‘Blood’ y una producción más limpia les acercan al rock clásico; incluso cierran el álbum con un tema pop de aires británicos como ‘Until The Next Time’ que recuerda a The Kinks. Puestos a madurar, no lo están haciendo nada mal.

‘Branches / Bones’ la abre con suficiente fuerza e inmediatez como para que consiga captar tu atención, pero termina antes de llegar a los dos minutos, habiendo dejado pasar la oportunidad de sumar otro buen single a su catálogo. ‘Dear World’ con una base circular de sintetizador remite a la electrónica apocalíptica de Year Zero, pero no acaba de saber a dónde quiere llegar, algo que también le ocurre a ‘She’s Gone Away’, con su ritmo pesado y atmósfera claustrofóbica. Mucho mejor es ‘The Idea Of You’ con un toque más orgánico gracias a la batería de Dave Grohl

y unas elegantes notas de piano en contraste con una guitarra industrial, que culminan en un estribillo que parece salido de Broken. Para terminar, ‘Burning Bright (Field On Fire)’, con Dave Navarro a la guitarra, puede verse como su intento de unir doom y electrónica. Sobra decir que Reznor y su socio, y ahora miembro oficial de NIN, Atticus Ross, son unos expertos a la hora de sacarle jugo a sus maquinitas y ni que sea como una pura experiencia auditiva, escuchar Not The Actual Events a todo volumen ya merece la pena.

JORDI MEYA

DAVID GARCELL

¡A la venta el 10 de febrero! Disponible en edición especial CD digipak y LP gatefold + 7˝ y CD como extra. ¡Por in! ¡Llegan las 4 demos de la banda de Florida más inluyente del death metal progresivo, Cynic! Con la remasterización hecha por el conocido Patrick W. Engel, entrevista al genio de la banda Paul Masvidal y unas grabaciones como extra.

www.SUPERBALLMUSIC.com

¡A la venta el 17 de febrero! Disponible en edición especial CD digipak, 2LP gatefold + CD y en descarga digital. ¡Toundra y Niño de Elche se unen para presentar uno de los proyectos más ambiciosos e inauditos del año, EXQUIRLA! Una mezcla de dos mundos diferentes: rock experimental y vanguardia lamenca, capaz de crear una obra de arte llena de belleza.

www.CENTURYMEDIA.com

ALL THESE COUNTLESS NIGHTS

NUEVO ÁLBUM A LA VENTA EL 27 DE ENERO DE 2017 Incluye los singles

“ TRIGGER ”, “ SING ” & “ FEVER ”

La banda inglesa entrega un álbum elegante y potente de rock alternativo, aderezado con magníficas armonías vocales

En gira el próximo mes de Abril

W W W.DE A F H AVA N AOF F IC I A L .CO M /DEAFHAVANA

DANCE GAVIN DANCE Mothership (RISE)

POST HARDCORE

a fidelidad de Dance Gavin Dance al sello Rise Records, con el que ahora acaban de publicar su séptimo trabajo de estudio, contrasta con las dificultades de la banda para mantener una formación estable, comprometida al 100% con la causa. Pero las entradas y salidas de componentes en la banda de Sacramento, una constante desde su formación en 2005, lejos de empobrecer su propuesta, han mantenido fresca su música, que encuentra en el actual Mothership su cumbre creativa, su trabajo más imaginativo

y atrevido hasta la fecha. Sus seguidores de siempre pueden estar muy tranquilos porque en el presente disco encontramos los gritos desde el estómago, los punteos a la velocidad de la luz (‘Chocolate Jackalope’) y los fogonazos de post hardcore (el inicio de ‘Petting Zoo Justice’ es una animalada) que han predominado en su discografía. Pero si algo caracteriza este nuevo trabajo, además de su imaginario futurista que impregna todo el álbum, desde la portada a las letras, son sus melodías, sus partes más funk y bailables y, sobre todo, una producción superlativa más propia del pop en mayúsculas. Y es que Mothership fusiona a altas temperaturas el virtuosismo enrevesado de Fall of Troy, las partes burras de Alexisonfire, los pasajes melódicos de Circa Survive y el gancho emopop de Fall Out Boy (los estribillos ‘Young Robot’ y ‘Betrayed By The Game’ son exquisitos). Complejo y accesible al mismo tiempo, Mothership te romperá los esquemas. LUIS BENAVIDES

BLACK ANVIL As Was (RELAPSE)

BLACK METAL

o que Black Anvil proponen en As Was no me acaba de convencer. Nunca han sido unos héroes del black thrash, pero como mínimo perseguían la estela de compatriotas suyos como Midnight, Skeletonwitch o Goatwhore. En su cuarto álbum los de Nueva York han introducido sonoridades alternativas, voces claras y demás que seguro echarán para atrás a los más puristas del estilo, pero tampoco creo que esta jugada les vaya a abrir muchas puertas entre un público más abierto. ‘On Forgotten Ways’, el tema de apertura, es black metal, porque lo es, pero las citadas

nuevas licencias hacen que la canción se te haga larga. Igual que ‘May Her Wrath Be Just’, que empieza como un puñal y luego vuelve a incidir en texturas mucho más livianas. ‘As Was’ tira de épica y luz, así que ya certifica que la introspección va a ser la tónica dominante de esta obra… es decir, que poca macarrada vamos a encontrar aquí, con sólo la primera parte de ‘Nothing’ o el trote de ‘Two Keys: Here’s The Lock’ entre las pocas excepciones. Quizá lo más criticable de As Was es que la revolución no ha sido total, que no se han atrevido a romper completamente con su pasado. Se nota que, por miedo, han querido mantener ciertas señas de identidad pese a que el cuerpo les pedía huir de Triumvirate, y por eso la obra ha quedado en tierra de nadie. O te tiras a la piscina o te quedas en la toalla, pero eso de mojar el pie y salir corriendo porque el agua está fría no lo acabo de ver. Si encima el disco te parece aburrido, poco más hay que añadir. PAU NAVARRA

STICK TO YOUR GUNS

Better Ash Than Dust (PURE NOISE)

HARDCORE

os cinco temas de Better Ash Than Dust, el estreno de Stick To Your Guns para Pure Noise Records, parecen la antesala de su próximo álbum, previsto para este año a través del mismo sello. O quizás sean la extensión en clave cañera de su último largo, Disobedient, en el que colaboraron pesos pesados como H20 y Terror. Y es que Disobedient debía ser el disco que los consagrara como una de las bandas más en forma y respetables del hardcore moderno, pero algo no acabó convencer a los californianos. Tampoco a sus seguidores. Para empezar, la brillante producción de John

74 72

Feldman, que más bien los emparentaba con A Day To Remember y afines. Esta ‘anomalía’ para una banda como Stick To Your Guns, fans declarados de Ignite y Comeback Kid, aparece en cierto modo corregida en este combativo EP. El mundo se ha vuelto loco, y el quinteto de Orange County ha decidido hacer algo. Mejor cenizas que polvo, dicen. En la rotunda ‘Universal Language’ sale su lado más garrulo, muy New York, con un estribillo glorioso en la onda de Boysetsfire. El lenguaje universal del que hablan en esta pieza es la guerra, el único que entienden (y conviene a) algunos gobiernos. A destacar también los coros pandilleros y la batería a piñón de la efectiva ‘No Tolerance’, 2 minutos y medio en contra de la existencia de ciertas prisiones. Ya sea un simple aperitivo, Better Ash Than Dust es ante todo un disco de hardcore rabioso, reivindicativo y con el punto justo de esperanza, la que transmiten las partes vocales melódicas de Jesse Barnett, pletórico en los cinco cortes. LUIS BENAVIDES

SEPULTURA

Machine Messiah (NUCLEAR BLAST)

PROG THRASH METAL, HARDCORE

erplejidad e indignación es lo que me despiertan las primeras frases de Derrick Green en ‘Machine Messiah’, el tema homónimo que abre lo nuevo de Sepultura. Tampoco es que suba mucho el listón el siguiente tema, ‘I Am The Enemy’, pues hoy en día la podría componer cualquier chiquillo de 16 años que se haya iniciado en esto con el Roots. Es una especie de hardcore mascadísimo con algún ramalazo death, pero mascadísimo al fin y al cabo. ‘Phantom Self’ se inicia con samba, sólo digo eso, y las siguientes orquestaciones son espantosas, dantescas. Luego el corte se convierte

en un mejunje que quiere ser contundente, pero la verdad es que provoca arcadas cuando surgen los arreglos. Se convierte en una algarabía horripilante que pone la paciencia en jaque, vamos. Qué mal gusto… ‘Alethea’ intenta ser progresiva, pero tan sólo es un tema descoyuntado. En cambio, en ‘Iceberg Dances’ sí consiguen meterte por el culo una canción progresiva que sin duda no deseas. ¡Oigan, pero es que lo es a lo Dream Theater! Ya no sabes si seguir con el álbum o ir a buscar la escopeta, pero colegas, es que la cosa sigue… ‘Sworn Oath’ tiene riffs de los de antes, pero todo revestido de ciertas salidas de tono a lo Symphony X que de nuevo te despiertan el instinto homicida, y lo mismo ocurre con ‘Resistant Parasites’: mola hasta que resucitan a un faraón por las buenas. Machine Messiah es subdesarrollo musical, y tras esto, a Kisser y compañía deberían de incapacitarles. Max no está como para sacar pecho, que digamos, pero oigo las carcajadas desde aquí. No busquen más: el peor álbum de 2017. PAU NAVARRA

ENTER SHIKARI Live At Alexandra Palace (PIAS)

HARDCORE ELECTRÓNICO

éptima grabación en directo de Enter Shikari y, tras escucharla, me queda la misma sensación que al verles en la sala Apolo el pasado mes de marzo: después de doce años en el mundo de la música, el cuarteto de Hertfordshire tiene menos energía que al principio. Además, deberían evitar los momentos moñas (‘Dear Future Historians’, ‘Redshift’) y vigilar de no alterar el frágil equilibrio entre el sonido hardcore y el electrónico que hasta el momento han planteado tan bien. Opino que sus shows deberían seguir siendo conciertos de rock y no llevarte la sensación

de que has estado en una sesión de bakalao. Tampoco entiendo la situación en la que emulan a Robbie Williams en ‘Gandhi Mate, Gandhi’ y no me queda claro si se trata de un homenaje o de una parodia; espero que sea esto último, aunque más preocupante es que el público del Alexandra Palace cante a pulmón el estribillo de la famosa canción. Dudas aparte, Enter Shikari han compuesto canciones que funcionan muy bien en directo: ‘Sorry, You’re Not A Winner’, ‘The One True Colour’, ‘The Last Garrison’, ‘Torn Apart’, ‘Mothership’, ‘Anaesthetist’… Todo esto queda plasmado en Live At Alexandra Palace, un álbum doble que refleja fielmente el momento actual del grupo inglés, aunque yo prefiero el estado de forma que mostraban en Live From Planet Earth, el tercer volumen de sus Bootleg Series. De todas formas, es un detalle que Rou agradezca el sudor, la pasión, la energía y las sonrisas de los fans allí presentes. JORDIAN FO

THE DRIP

The Haunting Fear Of Inevitability (RELAPSE)

GRINDCORE

l grindcore, ese maravilloso arte. Bien es cierto que cada vez hay que ir más al underground para encontrar el grindcore de vieja escuela que sacudió los cimientos de lo que, hasta entonces, se consideraba música extrema. Pero es emocionante ver cómo siguen saliendo formaciones con ganas de dar cera y sopapos al que se atreva a retarles. The Drip representarían a la perfección lo que es el grindcore del siglo XXI. Procedentes de Washington y giradores incansables en Estados Unidos, su fichaje por Relapse es lo que ha elevado la banda a un

nuevo estatus, que a tenor de lo que nos encontramos en este primer largo del quinteto, The Haunting Fear Of Inevitability, han sabido aprovechar a lo grande. Que Joel Grind sea el productor de esto ya demuestra que no son una banda más haciendo el burro. Curiosamente, sabiendo del pie que calza Grind, no estamos ante un álbum que parezca grabado en un tugurio en una mañana de resaca, y así, nos encontramos ante una producción luminosa y donde cada cosa es totalmente perceptible, lo que juega a favor del disco. Porque no todo en The Haunting Fear Of Inevitability es una carrera sin conocimiento al infierno. Bien es cierto que en momentos nos pueden recordar a lo más glorioso de Nasum con ‘Terror War Industry’, pero de la misma manera que lo pueden hacer a los Napalm Death más experimentales (‘Dead Inside’) y todo lo que cabe entre medio. The Drip, haciendo del ruido un arte mientras deseas darte cabezazos contra la pared. RICHARD ROYUELA

AS LIONS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Austin Dickinson (voz), Conor O’Keefe (guitarra),

Will Homer (guitarra), Stefan Whiting (bajo), Dave Fee (batería) PRODUCIDO POR: David Bendeth, Kane Churko AFINES A: Young Guns, Five Finger Death Punch, Shinedown PÁGINA WEB: www.aslionsband.com

I Selfish Age

(BETTER NOISE/ELEVEN SEVEN MUSIC) METAL ALTERNATIVO

magínate que da la casualidad de que tu padre es el cantante de una de las mayores bandas de heavy metal de todos los tiempos. Imagínate que te da por seguir sus pasos. Menudo chollo, ¿no? Está claro que tu apellido te va a abrir un montón de puertas y que gozarás de oportunidades con las que muchos otros músicos ni siquiera sueñan. Pero como ha comprobado Austin Dickinson en sus propias carnes -por si no lo has pillado aún, hijo de Bruce Dickinson de Iron Maiden-, en el mundo de la música dos y dos no siempre suman cuatro. Con su primer intento con Rise To Remain, una banda de metalcore bastante normalita,

giró con Korn, Bullet For My Valentine y, cómo no, los propios Maiden, y llegó a publicar dos álbumes, pero la cosa no cuajó y acabaron separándose en 2015. Pero Austin no se dio por vencido y, junto a dos de sus compañeros, formó de inmediato As Lions, con quienes publica ahora su primer álbum Selfish Age. Se hace difícil juzgar este álbum, o al grupo en sí, sin tener en cuenta el vínculo familiar y genético de su frontman, porque ¿se habría interesado algún sello en sacar el disco si no fuera por el apellido Dickinson? Pero al mismo tiempo, ¿no se merece el chaval que lo escuchemos sin prejuicios? La respuesta, como siempre, la

tendrá el público. Por mi parte, lo peor que puedo decir del álbum es que escuchada una canción, ya has oído el resto. ¿Lo mejor? Que la ‘canción’ en sí no está mal del todo. Como unos Young Guns algo metalizados, el objetivo está en crear estribillos de fácil consumo revestidos por una producción de cinco quilates con ínfulas grandilocuentes. Las iniciales ‘Aftermath’, ‘The Suffering’, ‘Bury My Dead’ o ‘Deathless’ entran bien, pero poco a poco te das cuenta que todas siguen el mismo patrón y, claro, el interés va decayendo. La base no está mal, pero tendrán que esforzarse más para convencernos. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... AUSTIN DICKINSON Un primer disco siempre es muy importante para establecer la identidad de un grupo. ¿Crees que Selfish Age cumple ese cometido? “Totalmente. Creo que con este disco crecimos muchos y conseguimos ese difícil reto de plasmar en él lo que teníamos en la cabeza. Esa honestidad por sí sola es algo con lo que he tenido dificultades a lo largo de mi carrera, pero trabajar con David (Bendeth) y Kane (Churko) nos ayudó a sacar lo que teníamos dentro. Estoy muy contento”. Resulta bastante evidente que lo que queríais era crear un sonido muy grande. “¡Sí! Creo que intentar describir un sonido o una textura, especialmente cuando tu mente está centrada en crear melodías, puede ser un desafío. Trabajamos con la premisa de que ninguna idea

era una tontería. Fue así como fuimos capaces de explorar nuevas posibilidades. Eso ayudó mucho a la hora de desarrollar ideas de manera espontánea y conseguir nuevos sonidos”. ¿De dónde viene tu gusto por las melodías? “Siempre he escuchado música con una tendencia épica. Me encantan las bandas sonoras, el metal, y para conseguir esa épica necesitas grandes melodías, ya sean vocales o instrumentales. Siempre me han atraído las melodías, sobre todo las que tienen un impacto emocional. Las que consiguen que se te pongan los pelos de punta”. Algunas letras son muy críticas con la sociedad actual. ¿Qué es lo que más te disgusta de ella? “Lo que más me molesta es el consumismo desmesurado. Creo que estamos tan animados a consumir de todo que

fracasamos en cultivarnos en otras áreas importantes. Reemplazamos la paciencia por la satisfacción instantánea y la conexión personal por otras a través de internet que sólo refuerzan el ego. Nos estamos dividiendo y nos creemos con derecho a cosas que no están bajo nuestro control. Estamos tan bombardeados por información de usar y tirar que estamos al límite de olvidar lo que realmente importa. Quizá es lo que la gente quiera, pero no es lo que yo quiero. Creo que este muro que ponemos entre nosotros y los demás es realmente lo que nos está dividiendo. Pero la música es una bonita herramienta para hacer lo contrario: unirnos”. ¿Cuál es el mejor consejo que te ha dado tu padre en cuanto a tu carrera? “No la cagues”. (DAVID GARCELL) 77

PAIN OF SALVATION

In The Passing Light Of Day (INSIDE OUT)

METAL PROGRESIVO

ras un par de lanzamientos suaves, por fin Pain Of Salvation han sacado un disco oscuro, feo, agresivo y conceptual. Uno que sin temor a exagerar podemos colocar entre lo mejor de su catálogo. Daniel Gildenlöw sólo ha necesitado estar al borde de la muerte (hecho verídico, por lo cual la banda lleva desde 2014 en parón tras una infección del líder del grupo que casi lo aleja de entre los vivos) para saber que lo que debía hacer era regresar al metal progresivo, a los discos con profundidad, con mucho sentimiento, y sobre todo, con una historia que no gusta pero que no puedes dejar de seguir. Nos lo dejan claro desde la primera ‘On A Tuesday’, porque éste es un disco de metal con varios elementos marca de la casa de Pain

LA M.O.D.A.

Todavía No Ha Salido La Luna (PRMVR)

FOLK ROCK

ún recuerdo la primera visita de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol a la capital hace algo más de cuatro años. Aquella noche de mayo de 2012 apenas llegaríamos a ser más de 30 personas en la ya extinta Ritmo & Compás, pero creo acertar si digo que todos los que estuvimos presentes ya intuíamos su enorme potencial. Lo que seguro que ninguno llegamos a imaginar es que desde entonces La M.O.D.A. fuese capaz de ir quemando etapas a una velocidad vertiginosa. Con un cambio de idioma de por medio, dos discos de estudio

Of Salvation, como el juego rítmico entre el bajista Gustaf Hielm y el batería Léo Margarit. No bajan la intensidad en los siguientes temas, como ‘Tongue Of God’ y ‘Meaningless’, despejando dudas sobre si solamente sería un álbum de grandes singles y mucho relleno. Piensa en su obra Scarsick, porque no han

hecho canciones tan duras en… Mmm... ¿14 años? Es la gracia que tiene este combo, que tienen ideas dentro del metal progresivo pero sin utilizar todos los clichés del género. Su secreto es cómo hacen algo nuevo con lo de siempre, saliéndose de los cánones del estilo.

de una factura impecable, más de 300 conciertos e incontables kilómetros a sus espaldas, se han convertido en toda una referencia del panorama nacional por méritos propios. Y antes de seguir escribiendo su propia historia, el grupo decidió poner un punto y seguido con un fin de gira de tres conciertos en la madrileña Joy Eslava, todos ellos colgando el cartel de ‘no hay billetes’. Precisamente eso es lo que recoge Todavía No Ha Salido La Luna, el testimonio perfecto de donde se desenvuelven mejor: sobre un escenario. Todo el combo suena como un verdadero

bloque, pero sin dejar de lado ese nervio descarado que hace que su público se entregue desde la primera nota. Escuchar el disco es justamente como asistir a una de sus actuaciones, con el añadido de colaboraciones especiales para la ocasión como las de Gorka de Berri Txarrak (‘PRMVR’), Quique González (‘La Cuerda Floja’, ‘1932’), Leire Iseo (‘Vasos Vacíos’, ‘Hay Un Fuego’) y hasta adaptaciones que llevan a su terreno, caso de ‘Historia Triste’ de Eskorbuto. Un documento al que recurrir mientras aguardamos sus próximos pasos.

JORGE FRETES

GONZALO PUEBLA

SLEATER-KINNEY Live In Paris (SUB POP/POPSTOCK!)

INDIE ROCK

robablemente poca gente sepa la anécdota y tampoco es que me guste ir de veterano de guerra, pero aún recuerdo con excitación el momento en que SleaterKinney anunciaron sus primeros conciertos por aquí, presentando el que en aquel momento era su nuevo disco, el impecable Dig Me Out, para semanas más tarde anunciar la cancelación ante la nula venta de entradas. Por suerte, esos tiempos en que Sleater-Kinney eran incapaces de vender un ticket han quedado atrás, y no deja de ser sorprendente cómo el trío de Washington está viviendo ahora mismo su etapa de mayor

reconocimiento, después de haberlo dejado durante una década. Que saquen un disco en directo, en estos tiempos en que poco sentido tiene, es una prueba más del buen momento por el que pasan. Y es que hacer algunos dólares de más nunca viene mal. Como mínimo se agradece que sea un álbum con la intención de mostrar a la banda de la manera más pura posible, algo que transmite la misma portada, con una grabación que da la impresión de que ha recibido pocos o ningún retoque. Desde que arrancan con ‘Price Tag’ de su último No Cities To Love hasta que terminan con su clásico ‘Modern Girl’, el trío hace sudar sus instrumentos a gusto. Un pequeño souvenir para fans –qué lejos quedan aquellos tiempos en que un directo podía marcar la carrera de una banda- con canciones que cubren toda su trayectoria, pero que al menos deja claro que Sleater-Kinney tienen ganas de dar guerra, que no da la impresión de que vaya a haber otro parón y que parecen muy felices disfrutando del presente. RICHARD ROYUELA

CAR SEAT HEADREST

Teens Of Denial (MATADOR/POPSTOCK!)

INDIE ROCK

etrás del ridículo nombre de esta banda se esconde una buena historia y, lo que es mejor, unas canciones de indie rock cojonudas. Car Seat Headrest era el proyecto de Will Toledo, quien grababa las voces en el interior de su coche buscando intimidad. A caballo entre su dormitorio y el garaje grabó sus primeras maquetas, con ética DIY y sonido casero. Los de Matador Records le invitaron a regrabar con banda algunos de sus mejores temas. El resultado fue Teens Of Style. Sólo un año después entregaba

en mayo Teens Of Denial, producido por el veterano Steve Fisk (Mudhoney, Soundgarden, Nirvana) y ahora relanzado tras aparecer en muchas listas de lo mejor del año pasado de diferentes medios de Estados Unidos. Se abren paso con la energética ‘Fill In The Blank’, un tema de parones en seco y arranques a toda velocidad, con himnos escupidos con desgana y guitarrazos en la onda de Cloud Nothings; y despistan con el psicodélico y por momentos funky ‘Vincent’, aderezado con trompetas y trombón. Recuperan el tono inicial con ‘Destroyed By Hippie Powers’, una maravilla fuzzera con ecos a Pavement. Tras la acústica y satírica ‘(Joe Gets Kicket Out Of School For Using) Drugs With Friends...’ llega la resultona ‘Not What I Needed’, con unos gritos heredados del tío Frank Black. El mejor estribillo del disco aparece al final de ‘Drunk Drivers/Killer Whales’, 6 minutos de pura orfebrería pop con un remate digno de los mejores Nada Surf. Quédate con su nombre. LUIS BENAVIDES

FEEDER

All Bright Electric (COOKING VINYL)

ROCK

rant Nicholas y Taka Hirose de Feeder son unos auténticos corredores de fondo, supervivientes del post grunge en las Islas Británicas. Durante los últimos coletazos del britpop ya eran conocidos por su potente y melódico rock alternativo. Con su debut Polythene aparecieron en las listas de éxitos, escalaron posiciones con Yesterday Went Too Soon y tocaron techo en el 2001 con Echo Park, su aclamado tercer trabajo. La segunda etapa de la banda comienza poco después, tras el suicidio de su batería original y la publicación del doloroso e inspirado Comfort In Sound con la ayuda del Skunk Anansie Mark Richardson tras los parches. Feeder presentan ahora su noveno disco, el tercero con el reputado

RYAN ADAMS Prisoner (PAX-AM)

ROCK

on su álbum homónimo de hace un par de años, Ryan Adams volvió a ocupar su lugar como uno de los cantautores americanos más talentosos de la última década y media. A ello también contribuyeron ‘pasatiempos’ como la punkarrada lo-fi 1984 o la revisión del 1989 de Taylor Swift, una jugada que a buen seguro ayudó a que algunos se interesaran aunque fuera de manera indirecta por el de Jacksonville. En cualquier caso, su decimosexto álbum de estudio parece insistir en seguir anclado en esas referencias estilísticas de

batería de sesión Karl Brazil (James Blunt, Jason Mraz, Ben’s Brother), al que curiosamente mantienen al margen de las fotos de banda. El presente All Bright Electric viene precedido por un breve receso que Nicholas aprovechó para sacar su primer disco como cantautor folk pop. Nada que ver con este disco, donde reparten zumbidos eléctricos y picotazos de heavy pop como ‘Univers

Of Life’, ’Paperweight’, ‘Divide The Minority’ y ‘Holy Water’. En otros cortes, en cambio, evocan naturalidad y fragilidad, como la avispa de la portada, como en los medio tiempos más célebres de su carrera, a los que debemos añadir las nuevas ‘Eskimo’, ‘The Impossible’ y sobre todo ‘Another Day On Earth’, con una voz y un piano sencillamente brillantes.

las década de los 80 que ya mostró en Ryan Adams. No en vano el electrizante single ‘Do You Still Love Me?’ parece el hermano menor de ‘Gimme Something Good’, y en ‘Anything I Say To You Now’ vuelve a tejer una telaraña de arpegios cristalinos sobre un estribillo de los que entran a la primera. Pero lo que marca la diferencia respecto a su predecesor es el tono más intimista y tristón del trabajo en general. Fuertemente influenciado por su reciente ruptura matrimonial con la actriz y cantante Mandy Moore, Adams firma aquí lo que podríamos llamar su

particular Tunnel Of Love. Y no es una comparación atrevida sobre todo si tenemos en cuenta que títulos como ‘Doomsday’, ‘Haunted House’ o ‘Tightrope’ (con un cierre a cargo de piano y saxofón que es puro E Street Band) beben mucho del Bruce Springsteen más vulnerable. Así se muestra también en cortes tan estremecedores como ‘Breakdown’ y ‘Broken Anyway’, aunque aquí acaba sacando los dientes a base de un largo solo de guitarra. Aunque sea de una manera un tanto dolorosa, las musas de Ryan parecen haber vuelto para quedarse.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

AGAINST THE WAVES Borealis (AUTOEDITADO)

METALCORE

as cosas de palacio, van despacio. Tres años han pasado desde que Against The Waves anunciaran que estaban inmersos en la composición de su nuevo largo, Borealis. Si Joey Sturgis (productor de Asking Alexandria o Emmure) se dispuso a trabajar con ellos, es señal de que esta banda es de una calidad incalculable. Cuando escuchas Borealis por primera vez las sensaciones son variadas. Es un viaje por todos los matices del género, sin perder esa esencia tan distintiva que poseen. Voces guturales y

limpias se combinan con una naturalidad magistral. La unión de la sección de cuerdas más técnicas, melodías pegadizas, ritmos rápidos y mucha electrónica aporta frescura sin inventar nada nuevo. La intro, ‘Captive Comfort’, es toda una declaración de intenciones y nos prepara para la cañera ‘Too Far Gone’. De los tres singles publicados ‘Commited To Fiction’, ‘I’ve Seen Brighter Days’ y ‘Nothern Light’, sin duda alguna, el último es el que tiene el estribillo más contagioso y comercial. El ecuador llega con la elegante ‘Guidance’, que sorprende por sus influencias post rockeras. ‘Make It Count´ se sitúa como uno de los temas más duros y pesados. En la línea habitual del grupo, ‘New Myths’ y ‘Hold Back’ se ven eclipsadas por la obra maestra del disco ‘Lost In The Fire’, poniéndole el broche de oro a un trabajo redondo. Sólo puedo darles mi más sincera enhorabuena y desearles mucha suerte, porque se lo han ganado a pulso. REBECA CASTELLANOS

FIREWIND Immortals (CENTURY MEDIA)

METAL

veces el mundo del mainstream se da cuenta de que no hay que inventarse cuentos de hadas, monstruos, dragones y demás seres ficticios, porque nuestra propia historia, la de la humanidad, suele ser mucho más interesante. ¿A que si digo ‘300’ en tu cabeza automáticamente resuena la palabra ‘Esparta’? Pues en la batalla de las Termópilas (los 300 espartanos) está basado el nuevo disco de los griegos Firewind. Cinco años es mucho tiempo, un descanso largo para Firewind, pero su líder Gus G. ha estado

bastante ocupado tocando la guitarra para Ozzy Osbourne en sus ratos libres con Black Sabbath, y sacando sus propios discos en solitario. ¿Cómo podría sorprendernos ahora? Pues dejando su enorme ego de lado y dejando que un productor externo colabore en este álbum: Dennis Ward. El resultado es apabullante. Nuevas caras como la del vocalista Henning Basse también otorgan un aire fresco a estos veteranos del metal épico, temas como ‘Warriors And Saints’ no hacen más que engrandecer la leyenda de su sonido gigante, melódico, shredder y listo para la batalla por el que siempre se han caracterizado Firewind. Más que un disco es un grito de guerra, y ni siquiera las guitarras acústicas de ‘Ode To Leondis’ pueden apagar el clamor. Gus G. se vuelve a reinventar por enésima vez, y la jugada le sale redonda en su primer disco conceptual con su banda principal. A veces dejar a alguien de fuera entrar en tu esfera de comodidad da grandes sorpresas. JORGE FRETES

THEWONDERYEARSBAND.COM

TRASHBOAT.CO.UK TINYMOVINGPARTS.COM

BENIGHTED Necrobreed (SEASON OF MIST)

BRUTAL DEATH METAL

i hace tiempo que sigues a Benighted es muy probable que su increíble capacidad de bombardeo ya no te sorprenda tanto en esta nueva obra. Si por el contrario te chifla comprobar cómo siguen haciendo lo que quieren con el brutal death, en Necrobreed desde luego te vas a dar otro atracón. Cabe una tercera vía, y es que no conozcas de nada a los de Julien Truchan… En ese caso, tu vida va a mejorar mucho a partir de ahora. Y qué carajo, igual hasta hay una cuarta manera de enfrentarse a este álbum… la mía, precisamente, pues si

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bien estoy acostumbrado a que los galos me vapuleen con su napalm sónico y ya no espero otra cosa, la verdad es que también se observa un esfuerzo por aportar novedades a una personalidad definidísima. Quiero decir, la corta ‘Necrobreed’ sólo puede ser un corte suyo, igual que casi que te esperas que Trevor Strnad de The Black Dahlia Murder realice una colaboración en un temazo como ‘Forgive Me Father’, pero en cambio ‘Monsters Make Monsters’ es muy Aborted o las disonancias black en ‘Leatherface’ te pillan en fuera de juego, y con ellas caes en la cuenta de que Benighted siguen siendo una banda inquieta. De la misma forma, los aires grind de ‘Cum With Disgust’, ‘Versipellis’ o ‘Reeks Of Darkened Zoopsia’ le sientan de la hostia a la recta final del trabajo. Encima Romain Goulon ha superado con creces el terrible examen que supone tener que suplir a Kevin Foley a la batería, así que ya tenemos a otro chalado en esta jaula de locos. PAU NAVARRA

GOD DAMN

Everything Ever (ONE LITTLE INDIAN)

ROCK ALTERNATIVO

halalalaaa lalaaa lalalalaaa”. Con este irresistible estribillo, el de ‘Sing this’, destapan su nuevo trabajo los británicos God Damn, un power duo de Wolverhampton caracterizado por los zarpazos guitarreros de Thom Edward y los redobles infernales de Ash Weaver. No podía empezar mejor el presente Everything Ever, su segundo largo después de incontables EPs y sobre todo el prometedor Vultures, su debut para One Little Indian Records con el que fueron comparados con otras bandas bicéfalas como Slaves y Royal Blood. El

álbum continúa de maravilla con la adictiva ‘Ghost’, con un arranque melódico y chulesco que deriva en la distorsión embrutecida del estribillo, entre furioso y glorioso, y sigue con la frenética ‘Again Again’, con unos aullidos que recuerdan agradablemente al cantante de los siempre recomendables Pulled Apart By Horses. Aguantar el tipo, y que te acompañe la inspiración, en 13 temas está al alcance de muy pocos, y como cabía esperar, God Damn pierden fuelle en algunas piezas como ‘Fake Prisons’, ‘I’ll Bury You’ e ‘It Bites’, correctas pero bastante más aburridas. Eso sí, el disco remonta el vuelo y todavía depara unas cuantas sorpresas agradables. Como por ejemplo la semiacústica ‘Oh No’, una delicia de puro grunge pop, el riff machacón de ‘Six Wires’, con ecos a Death From Above 1979, y mi favorita ‘Dead To Me’, publicada como single a finales de 2015. Veremos si en el Download de Madrid nos acaban de convencer del todo. LUIS BENAVIDES

DESPERANZA

El Tiempo Lo Destruye Todo (AUTOEDITADO)

ROCK

an sólo un año después de haber lanzado su EP de debut, Desperanza hacen lo propio con su primer larga duración. Desde luego lo suyo tiene mérito si tenemos en cuenta que a sus miembros les separan los kilómetros de distancia entre Madrid y Almería. Algo que les ha impedido dar conciertos con una regularidad mayor de la deseada, aunque eso debería comenzar a cambiar. En cualquier caso, El Tiempo Lo Destruye Todo apuntala ese sonido a medio camino entre el punk y el indie noventero que tanto debe a The Get Up Kids y Superchunk que ya dejaban adivinar en su

primera referencia. También han repetido jugada a la hora de delegar las labores de producción en Mr. Chifly de Habeas Corpus, sacando un sonido algo más fino y pulido sin renunciar a la crudeza. La introducción de ‘Atardeceres’ o la breve ‘El Día De Los Ciervos’ muestran una ligera evolución en su sonido, jugando con dinámicas más suaves en las que la voz de Enrique Billy se sabe adaptar a las mil maravillas. Pero es cuando apuestan por ir más al grano donde encontraremos los cortes más destacados. ‘Implementación Errática’, ‘Tampoco Me Importa’ o ‘Muérete’ pueden ser canciones que de primeras no terminen de enganchar del todo, pero tras un par de escuchas uno se sorprende a sí mismo canturreándolas sin darse cuenta. Especialmente con ‘Relojes De Arena’, que tiene muchas papeletas para convertirse en la canción bandera de sus actuaciones. La bonita ‘Adultescencia Programada’ cuenta con la colaboración a las teclas de David Lamíquiz concluyendo un trabajo que merece tener continuidad. GONZALO PUEBLA

CD, acompañado por un extensísimo libreto, donde no sólo se va a las entrañas de tan mítico álbum, sino que se explica el origen de todos los extras que hay. Una delicia. Respecto al álbum original, poco que decir. Uno de los álbumes que definieron ese prog RUSH que se movía entre el 2112 - 40th Anniversary rock y el hard, sin ser una (UNIVERSAL) cosa ni la otra, pero todo ROCK a la vez. Que músicos, y pasamos al segundo CD, 90 tan dispares como Dave Grohl, Billy Talent, Steve Wilson –éste más obvioos aniversarios de o Alice In Chains rindan los discos clásicos pleitesía, con bastante empiezan a dar acierto además, a Rush y miedo. 40 años ya de 2112, dice mucho de la 2112. Toda una vida y todavía con Rush en la cresta magnitud del material. Para completar el CD 2, unas de la ola, y pensándose grabaciones en directo de si lo dejan de manera la gira de presentación que definitiva o no. No es un refuerzan todo lo expuesto. secreto que las reediciones Acabemos el festín con de álbumes coincidiendo DVD con grabaciones con aniversarios suelen ser inéditas en directo y making bastante patilleras. Es la of de Grohl y Billy Talent forma más fácil de exprimir grabando sus temas, y al fan que lo aguanta todo. digamos que vale la pena Pero ésta no lo es, y Rush adquirir esto de nuevo, no tienen pinta de ser la por muchas copias que se banda que permite editar puedan tener en casa de cualquier cosa con su 2112. nombre con el único motivo RICHARD ROYUELA de hacer dinero. Un triple

FURA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Marc Tudurí (guitarra), Álvaro Medina (bajo),

Luciano Pugliese (batería), Cristian Lerones (guitarra) PRODUCIDO POR: Dani Paz AFINES A: Jardín De La Croix, Russian Circles, Toundra PÁGINA WEB: www.fura.cat

Mutandis (WEARY BIRD) POST ROCK

uando hace un par de años reseñé el debut de los mallorquines Fura comentaba lo tremendamente complicado que les debería resultar el abrirse camino siendo una banda de rock instrumental junto al añadido de proceder de un lugar tan retirado de la Península como son las Islas Baleares. Dicho aquello, ahora debo apuntar que con una continuación tan rematadamente buena como Mutandis las cosas deberían empezar a irles mucho mejor. Y es que su nueva entrega, más que una mutación radical, es un paso al frente en todos los aspectos. Si bien en su primera referencia vimos que manejaban a

las mil maravillas el lenguaje del post rock, ahora se atreven a ir más allá, con pasajes más complejos y atrevidos. Ese espíritu aventurero se adivina desde el arranque de ‘Moloch’. Con un ritmo marcadamente math, los dibujos de las guitarras se perciben más vivos e interesantes que en su antecesor, e incluso se atreven a colar algún solo de corte rockero. Algo que también confirmamos en los siguientes temas, como en ‘Foc I Fòrum’, que cuenta con una apertura trepidante, seguida de algún tramo más progresivo y un final técnico de aúpa, o una ‘Valborg’ que posee un juego de guitarras sencillamente espectacular. ‘Maria’ nos mar-

ca el ecuador del álbum con un tono más pausado y reflexivo en clave semi acústica por donde también se cuela algún arreglo vocal de forma ceremoniosa. Una preciosidad. Recuperamos el ritmo con ‘Mutatis Mutandis’, algo más contenida y elegante, tejiendo las guitarras de manera inteligente hasta desatar una lluvia de riffs metaleros en la recta final. Echa el cierre ‘Almallutx’ con aires místicos y oscuros que dan buena prueba del crecimiento que han experimentado Fura. Ahora sólo queda que el público responda de idéntica manera a como ellos lo han hecho con esta pedazo de obra. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... FURA Mutandis supone un paso hacia adelante en todos los aspectos en comparación con vuestro debut. Quizás ahora la influencia post rock no es tan obvia y os habéis animado a adentraros en otros sonidos... “Lo cierto es que teníamos un poco la visión de dónde queríamos enfocar los temas del disco, pero al final nos hemos dejado llevar bastante por lo que iba saliendo. Hemos compuesto temas más directos, con más toques técnicos, que en el anterior disco. También hemos intentado darle más juego a las guitarras, probar otro tipo de métricas y otros sonidos de bajo. Quizás nos hemos dejado influenciar más por bandas tipo And So I Watch You From Afar o Mutiny On The Bounty, con sonido más directo y menos postrockero tradicional. Aun así, seguimos teniendo

nuestros momentos ambientales, aunque más cercanos al rock progresivo que al post rock”. Entre un trabajo y otro hubo un cambio en la formación. Salió Manuel Oriol y ha entrado Cristian ‘Melo’ a la guitarra. ¿Cómo se produjo el relevo? “Como todos los cambios de formación, supuso una pequeña crisis para el grupo. Cristian era un amigo personal de la banda que hacía mucho tiempo que tocaba y enseguida pensamos en él y en el aporte que podía darle al grupo. Con su incorporación hemos podido explorar nuevos sonidos y añadir estructuras complejas, las cuales definen el estilo actual de Fura”. Vuestro primer disco lo grabasteis en los Westline Studios de Juan Blas. En cambio, esta vez

habéis optado por una producción más ‘casera’, por así decirlo. ¿Qué lo motivó? “Grabar con Juan Blas en Westline Studios fue un lujo y estamos muy contentos de lo que hemos hecho con él, pero esta vez nos era totalmente imposible hacer coincidir tanto tiempo entre cuatro personas con trabajos diferentes. Por otro lado, grabar con Dani Paz en The Recorder nos ha permitido tomarnos con más calma todo el proceso y disfrutarlo de una forma diferente. Esto nos ha dado la oportunidad de hacer muchas pruebas, estar completamente convencidos del sonido final y participar de forma más activa en la mezcla. El método de grabación ha sido distinto al que ya hicimos en el anterior disco, aunque la verdad es que estamos muy satisfechos con el resultado”. (GONZALO PUEBLA) 87

AGÓNICA Collapse

(MOLUSCO DISCOS)

DEATH THRASH METAL

uizá las latitudes norteñas hayan inspirado a este quinteto olívico, pues este trabajo tiene mucho sabor nórdico y teutón. Aunque las influencias que encontramos en este álbum no se quedan allí, pues encontramos también reminiscencias al death metal técnico del otro lado del Atlántico. Una mezcla heterogénea que hace guiños a un amplio espectro de estilos dentro del metal extremo pero que se sintetiza en un gusto exquisito por la agresividad, la velocidad y el concepto melódico más sueco. El disco mejora con las escuchas, y es que una vez deja de apabullarte

con ese sonido tan intenso y apretado que han conseguido en la mezcla, te adentras en su riqueza rítmica, claramente el punto fuerte de los de Vigo. Es un disco muy dinámico, consigue atraparte y mantenerte atento a su propuesta durante los tres cuartos de hora de música que contiene el álbum. Un grandísimo paso adelante respecto a su álbum debut, tanto en producción como en capacidad compositiva, que se ve algo mermado por la excesiva mecanización de la batería, que no logra sonar orgánica. Este aspecto es mucho más acusado cuando las composiciones bajan el ritmo y las melodías toman el control; con el bombo excesivamente comprimido y sin apenas dinámica da la sensación de estar escuchando una caja de ritmos. En este Collapse vas a encontrar un buen refugio si eres de los que gozan con las composiciones veloces, técnicas, precisas e incisivas. Uno de los mejores discos de metal extremo nacionales del pasado 2016. ABEL VALDELVIRA

CASTOFF

First Step To Recovery (MORNING WOOD)

PUNK ROCK

l lema del sello Morning Wood Records es “Home of the 90’s punk rock since 2013”, así que ya nos hacemos una idea de cómo suenan Castoff incluso antes de apretar el play. Sí, este cuarteto de San Diego bebe de las fuentes del mejor punk rock de los 90, aunque se nota que se lo han currado y que intentan sacar el máximo partido a sus instrumentos. Es por eso que la principal característica de First Step To Recovery es el aspecto técnico del hardcore melódico desplegado por estos californianos, siguiendo la estela de bandas ya

clásicas como Lagwagon, Strung Out o Propagandhi. Me imagino a más de un heavy esbozando una sonrisa cuando descubra las guitarras que suenan en ‘Second Chance Realities’, ‘Capitalize’ o ‘Promote Irrational Thought’. Por eso, no esperéis encontrar en Castoff a un clon de NoFx, aunque percibo un guiño a ellos al inicio de ‘Haterz Gonna Mate’. Otro punto a destacar de su segundo LP es que los coros hacen que las canciones resulten más pomposas y épicas; no en vano, tanto Ron Santiago (guitarra) como Brandon Lounsbury (bajo) acompañan a Bill Hockmuth (cantante y también guitarra) en las tareas vocales. Sólo falta que meta voces el batería Josh Kidd para completar el cuarteto. A pesar de que suenan un poco atropellados en la inicial ‘Perception And Honesty’, no aprietes el stop todavía y disfruta con temas como ‘Forget Real Life’ o la misma ‘First Step To Recovery’, con una parte final perfecta para hacer mosh. No inventan nada, pero son buenos alumnos. JORDIAN FO

HARDCORE HITS CANCER Vol. 2

(AUTOEDITADO)

METAL, HARDCORE, PUNK

n cualquier proyecto de este mundo se va ganando experiencia con el tiempo y las cosas cada vez salen mejor. Prueba de ello es este Vol. 2 de Hardcore Hits Cancer, la compilación de versiones con la que esta organización sin ánimo de lucro pretende recaudar fondos para La Casa Dels Xuklis. Estos fighters han cuidado mucho más la edición de este segundo asalto, el álbum se ve más trabajado y, por ejemplo, el master unitario de la gente de La Atlántida ayuda y mucho a dar cohesión y linealidad a toda la recopilación. Ya entrando

en terrenos musicales, la verdad es que aquí hay covers de aúpa… El momentazo doom de Black Rheno en ‘Pure Rock Fury’ de Clutch lo peta, Hummano le meten zurraspa a su ‘Burn’ de Throwdown o 24 Ideas simplemente se salen con ‘Siege Of Power’ de Napalm Death. Tao Te Kin con Snot, The Lizards haciendo de Reagan Youth, Mount Cane llevando a una catacumba ‘Scratch The Surface’ de Sick Of It All, 8 Onzas sacando músculo con Crown Of Thornz, Guspira tirando de Good Riddance, la jefada de The Anti-Patiks (en la foto) escupiendo con Sex Pistols, Àncora repescando Minor Threat o MDA punkerizando ‘Paranoid’ de Black Sabbath también tienen miga. No quisiera terminar sin aplaudir a todas las demás formaciones que han aportado desinteresadamente una canción para este álbum. Píllate este CD, vamos, que para la lucha contra el cáncer no vale escatimar. Hay pocas cosas más putas que esta enfermedad, pero si se puede combatir con iniciativas tan chulas como ésta, vayamos a por ello. PAU NAVARRA

CHEAP TRICK

Bang Zoom Crazy... Hello (BIG MACHINE)

ROCK

hí los tenemos, viendo pasar los años, incombustibles y con las ganas y el hambre suficientes para seguir sacando buenos discos. Todo un mérito cuando cumples 40 años desde que editaste tu primer trabajo, has creado álbumes que sabes que no vas a superar, ni tú ni el 99% de la gente que publica hoy en día, y no te debe ser fácil crear una nueva melodía que atrape a tu fan una vez más. Pero estos Cheap Trick, desde que comprendieron que no valía la pena ceder para conseguir el éxito comercial de nuevo y que les vale

más la pena ser una gran banda de culto, no paran de sacar excelentes discos. Acompañados de su viejo colaborador Julian Raymond, tanto en la composición como en la producción, Bang Zoom Crazy… Hello vuelve a demostrar que Cheap Trick seguirán dando en la diana mientras a ellos les apetezca. Es oír esa adictiva ‘No Direction Home’ y darte cuenta de que hay un ‘algo’ que sólo les pertenece a ellos, o desarmarte ante la clase de Robin Zander cuando encara la bonita ‘When I Wake Up Tomorrow’, o regalar la mejor canción de glam rock que he oído en años, ‘Blood Red Lips’, o rockear como cabrones en ‘Heart Of The Line’, o... Que un álbum así no cambiará nuestras vidas es evidente, pero recordarte la gran banda que fueron –y siguen siendo- y que un día hicieron discos que sí las cambiaron, es motivo más que suficiente para recibir un nuevo álbum de Cheap Trick con los brazos abiertos, sabiendo que pocas bandas están envejeciendo tan bien como ellos. RICHARD ROYUELA 89

VV. AA.

Make Sub Pop Great Again (SUB POP)

INDIE ROCK

endo a la quiebra desde 1988”. “No somos los mejores, pero estamos muy bien”. Son sólo algunos de los autoparódicos eslóganes de Sub Pop, imprescindibles para explicar y entender el fenómeno del rock alternativo de los 90 y del llamado grunge en particular. Por el sello de Seattle han pasado más de 200 bandas (no exagero) desde la marcha de Nirvana a DGC Records. El sello perdió a la banda que cambiaría el curso del rock, pero ingresó unos cuantos miles de dólares que sirvieron para sanear las cuentas y seguir en la brecha. Estuvieron arriba,

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codeándose con los grandes, pero también tocaron fondo. Hoy Sub Pop, fundado originalmente como un fanzine que publicaba compilaciones en cassette para dar a conocer las bandas del noroeste norteamericano, es un sello consolidado, una marca respetada, con bandas míticas como Mudhoney y otras con mucho tirón y futuro, como mis favoritos Metz o LVL UP. Ahora Sub Pop lanza otro recopilatorio, con 15 cortes, con lo más subterráneo (entiéndase como tapado) de su actual catálogo. A excepción de los conocidos y reconocidos Mike & The Melvins y The Julie Ruin, el resto del disco contiene auténticas gemas de todas las formas y colores. Servidor se queda con el indie pop de ‘Every Night You’ve Got To Save Me’ (Mass Gothic), el punk ochentas de ‘I Hate The Weekend’ (Tacocat) y el folk a lo Bob Dylan de ‘Pentecost’ (Kyle Craft). ¿Y tú? Hazte con tu copia y encuentra a tu nuevo grupo favorito. Garantía Sub Pop. LUIS BENAVIDES

RATHER BE ALIVE Origen

(BLOOD FIRE DEATH)

MATH METAL

e de decir que escribo estas líneas algo aturdido, mi cabeza aún está procesando estos 45 minutos de información presentada en un formato aparentemente caótico. La nota de prensa decía que Rather Be Alive no eran otro grupo más de math que se iba a sacar sus partes nobles para que admiráramos cuán grandes son, pero yo me mostré muy escéptico: ‘Es lo que dicen siempre’, pensé. Es un disco exigente, de eso no hay duda, su propuesta es personal hasta en el idioma en la que está cantada... Los barceloneses nos presentan un trabajo

cantado en catalán, con un sonido denso y arrollador lejos de la artificialidad afincada en las producciones del género. En este Origen podemos gozar de una propuesta moderna con una distorsión llena de rabia y violencia mientras elementos más banales quedan en un segundo plano a favor del groove que hace avanzar los temas con el paso firme de un ejército en forma de base rítmica. Y es que tanto la batería como el bajo toman el mando en muchísimos tramos, donde llevan al límite al espectador que no sabe cuándo acabará ese respiro y volverá la locura frenética que nos proponen Rather con sus detalles y arreglos guitarreros. Al principio puede parecer algo sin mucho sentido, pero a lo largo de varias escuchas y centrando toda tu materia gris en ello acabas sumergido por completo en joyas como ‘II’ o ‘La Dansa Macabra’. Hay veces que el caos es real y acabas perdiendo el hilo, restando un poco a una experiencia que podría ser totalmente redonda, pero estamos ante un muy buen hito para ser un debut. ABEL VALDELVIRA

DAVIE ALLAN/JOEL GRIND Split

(RELAPSE)

THRASH METAL, ROCK

e cae de puta madre Joel Grind. El tipo va a su bola y es evidente que hace lo que le viene en gana siempre. Su éxito al frente de Toxic Holocaust no ha hecho que se convierta en esclavo de su maníaco thrash metal y sencillamente se embarca en los proyectos que le divierten y le motivan. Le produjo el disco a Lord Dying por amistad y también interés profesional, y ahora sencillamente le venía de gusto echarse unos riffs y unas risas con Davie Allan, el mítico guitarrista de surf, famoso por ser el compositor de aquellas magníficas bandas sonoras de las

películas de bikers de los años 60. Esto es sólo un divertimento, nada serio, un split compartido de cuatro temas cuya cara A la ocupa Allan y su guitarra y la cara B nuestro rubio thrasher emulando con su Flying V a su colega de juergas. El estallido de distorsión, fuzzbox y efectos de pedal es espectacular en los cuatro cortes incluidos, pero aun asumiendo que me tira en exceso mi eterna vena metálica, me quedo con esa delicia metal surfera de Grind titulada ‘The Invisible Landscape’. El cabronazo se lo ha montado para fusionar con gracia y acierto ambos conceptos mezclando los clásicos acordes surf con sus típicos riffs rompecuellos, añadiendo, claro que sí, un potente doble bombo. Esa bellísima portada reivindicando las bikers movies, el cine de Russ Meyer y hasta el terror de la Universal rubrican un paquete tan marciano como interesante. Ahora, Joel, deja de divertirte y comienza a trabajarte unas cuantas nuevas canciones para Toxic Holocaust porque, sinceramente, ya hay mono. ANDRÉS MARTÍNEZ

ELORA

Dembitsky (SIETE SEÑORAS GRITANDO)

INDIE ROCK

uchos descubrimos a los barceloneses Elora con Tú, su primer largo, publicado en 2015 después de cinco EPs en apenas dos años, que se dice pronto. Su indie pop shoegazer, un género curiosamente en auge, sobresalía del montón por su pegada rock y, sobre todo, sus letras, tan inspiradoras en cortes como ‘Te Irá Mejor’ y ‘Sólo Tú Sabes’. Me prometí seguirles la pista y aquí estoy, enganchado a su segundo disco, una digna continuación. Imposible sentirse defraudado cuando te atrapa ‘Tu Pensamiento Y El Más Allá’, con esas

líneas de bajo neumáticas y un manto de guitarras etéreas, puro dream pop; o cuando te persigue la urgencia guitarrera de las luminosas ‘Doberman’ y ‘Groenlandia’. Por no hablar de la turbulenta ‘Prefiero Sorprenderme’ y el kraut punkerizado con inquietantes susurros de ‘Deja De Pensar’. En total, son siete las nuevas canciones y tres las ‘esporas’ (improvisaciones en el vocabulario eloriano) las que dan forma al presente Dembitsky, cuyo título toma prestado el apellido del runner de la banda durante su gira por Estados Unidos. No es para menos. Con Dave Dembitsky compartieron la friolera de 21 conciertos, y ya se sabe que el roce hace el cariño. Bromas al margen, merece la pena destacar (o recordar, si ya los conocías) que detrás de esta maravilla de extraña belleza encontramos un trío comandado por el guitarra y cantante Marco Morgione (exGlissando, Linn Youki), quien también ejerce como productor de la banda en sus estudios Micromaltese (Dorian, Atleta, Za!, Cuzo). LUIS BENAVIDES 91

DEAF HAVANA

LA VERDAD OS HARÁ LIBRES

VÍCTIMAS DE SUS PROPIAS EXPECTATIVAS Y DE LA PRESIÓN POR TRIUNFAR, DEAF HAVANA IMPLOSIONARON EN 2014. TRES AÑOS DESPUÉS LA BANDA BRITÁNICA REGRESA CON OTRA ACTITUD Y SU MEJOR DISCO, ALL THESE COUNTLESS NIGHTS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO EN 2014 DEAF HAVANA terminaron la gira de su anterior álbum Old Souls actuando en el escenario principal de los festivales de Reading y Leeds, parecía que el grupo había conseguido todo por lo que había estado luchando desde su formación en 2005. Old Souls había entrado en el top 10 de las listas británicas y habían actuado en más locales de mayor aforo que nunca, pero detrás la historia era bien distinta. Una desastrosa gira por Estados Unidos los había dejado económicamente muy tocados y los problemas de James Veck-Gilodi (voz, guitarra) con la bebida los habían llevado al límite. Durante los siguientes meses la comunicación entre él y el resto de componentes, su

hermano Matthew (guitarra), Lee Wilson (bajo), Tom Ogden (batería) y Max Britton (teclados), fue disminuyendo, hasta el punto en que nadie sabía si el grupo seguía existiendo o no. Una duda que creció cuando James publicó un disco en solitario y salió de gira sólo acompañado por Britton. Como él mismo ha reconocido, era su plan B por si Deaf Havana desaparecían. Pero el tiempo pasó, y cuando James compuso un par de temas que sonaban demasiado rockeros para su propio proyecto, decidió mandárselos al resto. No esperaba ninguna respuesta, pero la reacción fue justo la contraria y, al poco tiempo, la banda volvía a reunirse entusiasmada ante la idea de volver a tocar juntos. All These Countless Nights (So Recordings), en el que su

rock alternativo ha ganado en madurez y honestidad, es tanto una reconciliación con ellos mismos como con su público. En un mundo donde nadie muestra sus fracasos, es refrescante encontrarse un grupo que haya encontrado la inspiración en ellos. ¿Consideras el que exista este disco una victoria? MATTHEW VECK-GILODI “Desde luego. Durante mucho tiempo pensamos que nunca volveríamos a hacer algo juntos. En los últimos tres años ni siquiera sabíamos si éramos un grupo. Pero entonces todo empezó a fluir otra vez, conseguimos un nuevo management, un nuevo sello, encontramos el dinero para grabar y ¡lo hicimos! Fue un periodo muy duro, pero ahora estamos muy felices”. ¿Pero dirías que ese periodo de incertidumbre estuvo provocado más por cuestiones internas o externas? “Una combinación de las dos cosas. Creíamos que nuestro management no nos estaba representando bien y el sello no parecía muy interesado, pero en lugar de involucrarnos y decirles que no estaban haciendo bien su trabajo, nos distanciamos porque pensábamos que era algo que tenían que hacer ellos. Eso nos llevó a que cuando las cosas comenzaron a ir mal, empezáramos a discutir entre nosotros. El principal motivo fue que éramos pésimos comunicándonos. Empezamos a distanciarnos y dejamos de hablarnos”. Siendo James tu hermano, ¿la comunicación también se perdió entre vosotros o lograsteis salvarla? “Nos distanciamos un poco, pero 94

James siempre ha sido mi mejor amigo y seguimos hablando. Estaba preocupado por él, pero sabía que mi obligación era escucharle y animarle”.

venden nada con un seguimiento brutal en las redes. Y por otra parte, que tu disco esté en las listas no significa nada. Es muy raro”.

¿Crees que quizá James sentía demasiada responsabilidad por liderar la banda? “Eso también. Nunca ha sido alguien que quisiera ser el líder, simplemente se vio en esa situación, y la verdad es que es un gran frontman, pero cuando nuestro último disco no funcionó tan bien como pensábamos, la presión pudo con él”.

En el Reino Unido en especial, la competencia es mucho más dura y la industria engulle bandas a una velocidad pasmosa. El buen arte necesita tiempo para desarrollarse. “Tienes toda la razón. Especialmente hace años el NME encontraba un grupo que había hecho una maqueta cojonuda, lo ponían en portada, empezaban a tocar para un montón de gente, pero entonces cuando grababan un disco, habían perdido todo su interés”.

¿No te parece que las expectativas que os ponéis los grupos son demasiado altas? Hay un millón de bandas y no todas pueden triunfar... Sería bueno que los músicos lo aceptarais. “Sí, tienes razón. Se necesita mucho carácter porque estás sometido a un montón de estrés, aunque también creo que esa tensión es la que te hace crear buena música. Pero el mercado está súper saturado y es irreal pensar que todas las formaciones tendrán éxito. No va a pasar”. Además, eso va unido a que todo el mundo, no sólo los músicos, aparenta tener éxito. Nunca ves a un grupo decir ‘nadie viene a nuestros conciertos y nuestro disco no está vendiendo nada’. “Sí, es muy interesante lo que dices. Hoy en días a través de las redes sociales puedes crear un espejismo de éxito que no es real. Es sólo una foto con un comentario. Puedes tocar delante de cinco personas y que parezca que está lleno. Es un clima muy extraño en el que vivir. Tienes grupos que no

Cuando sacasteis vuestro primer disco en 2009 recuerdo que se os asociaba con la escena emo, post hardcore, pero para mí no acababais de encajar en ella. ¿Vosotros sentíais lo mismo? “Sí, siempre nos sentimos fuera de esa órbita. Pero al mismo tiempo, intentábamos hacer música que nos diferenciara de esos grupos, así que era normal. No nos gustaba esa escena y nuestro último disco, Old Souls, fue nuestra manera de decir ‘no nos juntéis con esos grupos, escuchad cómo sonamos’”. En tu cabeza, ¿qué clase de grupo es Deaf Havana? “Una banda de rock honesta y emocional. Nunca hemos tenido una banda en concreto a la que quisiéramos parecernos, era más bien que nos gustaban cosas concretas de distintos grupos. Por ejemplo, nos gustaban las guitarras de Smashing Pumpkins o

“HOY EN DÍAS A TRAVÉS DE LAS REDES SOCIALES PUEDES CREAR UN ESPEJISMO DE ÉXITO QUE NO ES REAL. PERO ES SÓLO UNA FOTO CON UN COMENTARIO. PUEDES TOCAR DELANTE DE CINCO PERSONAS Y QUE PAREZCA QUE ESTÁ LLENO” MATTHEW VECK-GILODI

Placebo, pero también nos gustaban Bruce Springsteen o Kings Of Leon por sus grandes estribillos. Creo que en el nuevo disco hemos conseguido juntar mejor todas esas piezas”. ¿Cuándo James se lanzó en solitario pensaste que era el fin de Deaf Havana? “No sabíamos lo que pasaría, aunque yo ya sabía que James quería hacer eso, al menos durante un tiempo. Pero una vez se lo sacó de dentro, volvió a casa y empezó a componer unas canciones increíbles. Era algo que tenía que pasar. Y creo que en el fondo él también echaba de menos al grupo”. ¿Cuándo os volvisteis a sentir un grupo de nuevo? ¿Fue en un ensayo, en un concierto, o simplemente hablando? “Para mí fue a principios de 2016. James me mandó sus nuevas maquetas y si no me hubiesen gustado, lo hubiese dejado. Creo que todos pensábamos lo mismo. Pero nos gustaron

tanto que nos volvieron unas ganas tremendas de volver a tocar juntos. Hubiese sido de locos dejarlo pasar. Y luego dimos unos cuantos conciertos por el Reino Unido y vino más gente de la que esperábamos. Fue entonces cuando nos sentimos de nuevo un grupo de verdad. Creo que también nos dimos cuenta de que no hace falta sacar un disco nuevo cada año, puedes desaparecer un tiempo y no pasa nada. Seguramente tener a la gente esperando sea bueno, porque crecen las ganas de que te escuchen”. Al final, All These Countless Nights cuenta vuestra historia y en él os mostráis vulnerables. No es tampoco habitual. “Sí, es importante y saludable saberlo. No es bueno verte como una estrella del rock, sobre todo cuando no lo eres. Creo que James es muy honesto cuando escribe, no creo que sepa hacerlo de otra manera. De hecho, le cuesta componer cuando está feliz o hablar de cuando las cosas van bien.

Saca lo mejor de sí cuando no es invencible”. Y también se nota cierto sentimiento de culpa... ¿Crees que habéis hecho muchas cosas estúpidas? “Por supuesto, muchísimas. Pero eso es lo que te hace humano”. Y lo que te hace aprender de tus errores. Ahora que habéis pasado el bache, ¿te tomas la banda día a día o te ves con suficiente fuerza para vislumbrar un gran futuro? “Es una mezcla de ambas cosas. Lo que puedo decirte es que nos sentimos muy positivos, lo cual no es nada habitual, porque somos unos cínicos (risas). Me lo tomo día a día, pero nunca me había sentido tan ilusionado como ahora”.

CALA VENTO

FR UTA MADUR A

CALA VENTO SE HAN TOMADO AL PIE DE LA LETRA AQUELLO DE ‘ESCRIBE SOBRE LO QUE CONOCES’. EN SU SEGUNDO ÁLBUM, FRUTO PANORAMA, ALEIX Y JOAN NOS HACEN PARTÍCIPES DE LO QUE HA SIDO SU VIDA DESDE QUE HACE UN AÑO APARECIERA SU DEBUT. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DENISSE GARCÍA

OS CITAMOS CON CALA VENTO EN LA trastienda de la oficina de BCore en pleno barrio de Gràcia, Barcelona. Aunque no hace tanto tiempo que forman parte del sello -su debut homónimo apareció en febrero del año pasado-, se nota que Aleix Turon (voz, guitarra) y Joan Delgado (voz, batería) ya son unos más de la familia. Con ellos ocurrió lo que siempre se desea, pero no siempre ocurre, y es que una nueva apuesta funcione a la primera. Cala Vento conectó con un público joven que se identificó con las letras directas y ocurrentes del dúo afincado en la capital catalana y le entraron ganas de bailar con su sencillo y pegadizo indie rock. Con toda seguridad, lo mismo volverá a ocurrir con Fruto Panorama, un disco que conserva toda su frescura pero presenta algunos giros interesantes como el arreglo de cuerda de ‘Antes De Él’ o el punch post hardcore de ‘Fetén’. En sus once canciones encontramos pasión, euforia, carretera, amistad, conciertos, dudas e inseguridades. La búsqueda por integrar lo extraordinario dentro de la normalidad. Una dualidad que ellos transmiten al hablar de su música y el cambio que ha supuesto en sus vidas.

Fruto Panorama me ha parecido un disco muy endogámico, por cómo suena, por de lo que habla… JOAN DELGADO “Puede ser. El mayor referente ha sido nuestro primer disco. El sonido que, sin querer, creamos, lo hemos explotado y hemos hecho más temas…”. ALEIX TURON “Pero sin querer hacer lo mismo. Pero sí, podría decirse que hemos sido nuestra máxima influencia”.

¿Esta vez erais más conscientes de estar haciendo un disco y no sólo canciones sueltas? ALEIX “En realidad más de la mitad de las canciones, unas ocho o nueve, salieron simplemente haciendo temas, pero entonces dijimos ‘vamos a hacer un apretón y a hacer más para tener un disco’”. JOAN “A diferencia del primero, que fuimos haciendo las canciones pasito a pasito, para éste nos encerramos todas las tardes del verano a trabajar estos temas. Teníamos las ideas, algunas ya terminadas, y luego las tocábamos todas y poco a poco fuimos decidiendo cuáles íbamos a grabar”. ALEIX “En el primer disco, ese trabajo más de producción lo hizo Eric (Fuentes) él solo, pero en éste, como ya teníamos la experiencia del primero, lo construimos más entre los tres. Pero al final grabamos 14 y quitamos tres, y el álbum funciona igual”. Quizá la mayor diferencia sea que en algunos cortes suena más lleno, más de banda. ALEIX “Queríamos transmitir la energía y la agresividad del directo, que en el primer álbum echamos un poco en falta. Hay momentos en los que suenan tres guitarras. Ahora me he tenido que replantear el set en directo y toco con dos amplificadores en lugar de uno. Santi Garcia nos ha ayudado mucho”. Las letras hablan de lo que os ha pasado desde que salió el debut. ¿Lo veis como una especie de diario? ALEIX “Algunas de ellas no salieron de esa manera, pero a la hora de ponerle el título del disco vimos que todas eran consecuencia de cosas que

habían pasado en los últimos meses a raíz de publicar el primero. De ahí que se llame Fruto Panorama. Para nosotros ha quedado como un diario del último año, porque cuando escuchas la canción, recuerdas ese momento. Pero creo que las canciones son suficientemente abiertas como para que cada uno se las haga suyas. A veces la gente te viene con una película totalmente diferente a la que habías pensado. Eso está guay”. ¿Os ha dado menos vergüenza hablar de manera tan directa? Creo que es uno de los aspectos que enganchó a la gente del primer trabajo. ALEIX “Creo que la vergüenza la perdimos cuando escribimos ‘Estoy Enamorado De Ti’ para el primero. Esa canción marcó un antes y un después en nuestra manera de explicar las cosas. Nos dimos cuenta que el castellano era un idioma que iba directo a las neuronas de quien nos escuchaba. Intentamos sacarle el máximo provecho, diciendo las cosas directas, tal cual, sin pensar en el qué dirán. Desde entonces intentamos hacerlo siempre así. Cuando nos queda un tema muy críptico, nos hace dudar”. ¿Cómo ha cambiado vuestra vida en este año? ¿Os sentís en otra etapa vital? JOAN “Sin duda. Lo que nos está pasando es lo que llevaba soñando desde hace mucho tiempo. Poder sacar discos y mirar el calendario y ver que tenemos 30 conciertos en menos de tres meses es lo mejor. Hace cinco años lo veía imposible. Estoy en una nube”. ALEIX “El hecho de escribir canciones como necesidad y publicarlas en un 97

“PODER SACAR DISCOS Y MIRAR EL CALENDARIO Y VER QUE TENEMOS 30 CONCIERTOS EN MENOS DE TRES MESES ES LO MEJOR. HACE CINCO AÑOS LO VEÍA IMPOSIBLE. ESTOY EN UNA NUBE” JOAN DELGADO

sello de puta madre y que venga la gente a los conciertos y te las cante, no lo hubiera imaginado. Es una nube real. Está pasando y queremos aprovecharlo al máximo. Los dos terminamos los estudios ahora y vamos a intentar dedicarnos a esto al 100%. A ver si podemos aguantar”. ¿Es esto tal y como la imaginabais? JOAN “Hay cosas a las que no me he acostumbrado. Tener una discográfica, tener una persona que te busca conciertos, se me hace todavía extraño. El que Cala Vento no sólo sea Aleix y Joan haciendo canciones, sino que haya gente detrás”. ALEIX “A nosotros nos gusta hacerlo todo, pero llega un momento en el que no puedes. Estamos estudiando y para hacerlo todo tú necesitas dedicarte al 100% a la música. Estamos muy contentos de trabajar con quien 98

trabajamos. Nos llevamos muy bien y les flipa lo que hacemos. No podemos pedir más”. JOAN “Las cosas han ido saliendo tan escalonadas que tampoco soy muy consciente. Tuvimos la suerte de conocer a Eric por el concurso de Converse, pero todo ha ido paso a paso. Los dos somos personas muy motivadas y obsesivas con lo que nos gusta, y a la que tuvimos la oportunidad, nos tiramos de cabeza”. ALEIX “El consumo de la música va por momentos. Cuando tú tienes una música en el interior y resulta que en ese momento el público está pidiendo eso, entonces todo fluye. Pero puede haber otros momentos en los que hagas una música que no sincroniza con el público. Nosotros hemos tenido la suerte de que, sin ninguna otra pretensión, hicimos unos temas que funcionaron muy bien. Pero somos conscientes que no tiene por qué du-

rar siempre. Puede llegar el momento en el que Cala Vento haga música y no sincronice tan bien con la gente”. ¿Os habéis acostumbrado a que la gente cante en los conciertos? Tiene que ser extraño ver a personas cantar frases que has escrito... JOAN “A veces escuchas a la gente cantar en los shows y nos miramos y nos partimos de risa. En Sevilla, por ejemplo, fuimos al Monkey Week hace un año y tocamos para 13 personas, y luego volvimos y había 250, cantando y bailando. O cuando grabamos Los Conciertos De Radio 3, que estábamos tan nerviosos que tuvimos que empezar cuatro veces porque no nos salía”.

OWL CAPTAIN

MAREA ALTA HACE AÑOS GONZALO RUIZ ZARPÓ CON SU VOZ Y SU GUITARRA PARA ADENTRARSE EN LOS MARES DE LA MÚSICA. AUNQUE ÉL SIGUE LLEVANDO EL TIMÓN DE LA NAVE, EN SU NUEVA AVENTURA COMO OWL CAPTAIN CUENTA AHORA CON UNA TRIPULACIÓN DE LUJO. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS : DR

RAS PRESENTARSE EN FORMATO abreviado en 2014 con Nights, Owl Captain vuelve a la carga con su primer largo, The Insides Of Being The Owl Captain. La esperada puesta de largo de este malagueño residente en Madrid se empezó a gestar poco tiempo después de publicar aquellas seis canciones que le sirvieron para empezar a hacerse un nombre en el panorama nacional. Tanto fue así que decidió abrir una campaña de crowdfunding con la que ha podido financiar, mediante al apoyo de sus seguidores, el plástico con el que ahora debuta. Cargado de confianza y trabajo duro, su filosofía es llevarlo a

lo DIY, habiéndose trabajado él solo los temas de promoción y edición artística. Ya sea la portada o los videoclips, todo es cosecha propia. Gonzalo Ruiz se ha propuesto ser una alternativa musical para amantes del emo noventero de esencia American Football o Brand New, hasta el indie rock de Foals o Local Natives. Formando parte como guitarrista de otros grupos más eclécticos como Being Berber, y de incluso comenzar tocando death metal antes de poner rumbo a la capital, hay pruebas del variado registro que puede proponer el andaluz, que además sigue eligiendo el idioma anglosajón para acompañar el sentido tono de voz con el que expresa cada letra.

Al contrario que en Nights, el vocalista se aparta de cualquier semejanza que pudiera existir con el folk de Bon Iver o City And Colour, y cortes como ‘Warriors’, ‘The Cult’, ‘Hold On’, ‘Sidewalks’ o ‘Top Of Our Lungs’ llevan al oyente a ser testigos de auténticos temazos que podrían estar sonando pronto en las radios más modernas o los festivales de moda este verano. Sin Brian Hunt (Russian Red) esta vez bajo la producción, decidió dividir la tarea entre Ramiro Nieto (The Right Ons) y Martí Perarnau (Mucho) en los estudios Reno y El Invernadero, que incluso parecen haberle añadido un toque más ochentero. Si todavía estás a tiempo, no te pierdas el día 9 de febrero su despliegue en directo en la sala Moby Dick de Madrid.

sión aquí en España, suelen tratarlos como si fueran una maqueta, o a veces como demos. Confunden el formato en los medios de comunicación y la gente no te toma en serio de la misma manera. Es complicado que la gente te apoye; moralmente puede que sea más fácil, pero cuando hay dinero de por medio es difícil”.

¿Cómo surge la idea de recurrir al crowdfunding? ¿Fue recomendación de alguien en particular o se te ocurrió a ti? GONZALO RUIZ “Pues la verdad, yo nunca fui partidario de la idea del crowdfunding. No creía que hubiera tanta gente a la que le importara mi proyecto como para poner dinero. Por otro lado, también me daba vergüenza tener que pedir a gente cercana que aportase, no quería verme en esa situación. Pero cuando en Being Berber lo hicieron y les fue tan bien con la fiesta de presentación, me animé a hacerlo así. En verdad no me quedaba otra, sacar un disco hoy en día es imposible si no tienes a nadie que te lo financie”.

Este proyecto de Owl Captain lo empezaste solo, pero ahora ya posees una banda fija para los directos. ¿Cuántos sois? “Pues ya nos hemos establecido como cinco. Entre ellos están dos baterías, Hans y Marco de Being Berber, David de Trono De Sangre al bajo y Dani de Turistas a la guitarra. Todos ellos junto conmigo a la voz, guitarra y teclados somos Owl Captain sobre el escenario”.

Partiendo de que ya tenías un EP anterior, ¿pensabas que ganabas algo de ventaja? “No, los EPs no tienen tanta repercu102

Pero al final la experiencia no parece haber ido mal. “Ha ido genial. Yo ya te digo que no me esperaba que fuera a ir tan bien. Ha sido una experiencia enriquecedora y a la vez exhaustiva cuando sabes que tienes a tanta gente apostando por ti y que no puedes fallarles. Es también una motivación extra que te hace dar el máximo, y eso no lo sabes hasta que te pasa”.

La cantidad de arreglos y cuidados en las canciones las hacen imposibles de imaginarlas con una banda más pequeña en directo... ¿Habéis necesitado muchos ensayos para cuadrarlo todo? “Bueno, la verdad es que varios del grupo nos conocemos desde hace mucho tiempo. Incluso algunos tocan

juntos en otras formaciones, como Hans y David en Trono De Sangre, así que no nos ha hecho falta matarnos a ensayar, pero sí que han sido necesarios para empezar a sentir esa comunión de grupo. Estamos deseando poder tocar las canciones con público delante”. ¿Con qué género musical crees que lo relacionará el público? “Es muy difícil contestar a esa pregunta. Es todo muy relativo. Cada uno le saca una influencia basada en lo que ha escuchado, como a todo. Todo lo que yo pienso que proyecto en la música que hago pienso que tiene varias influencias, pero cualquiera que lo escucha saca las suyas propias. Tenía claro que no quería tener las mismas influencias que tuve en Nights, que por aquel entonces escuchaba mucho a Band Of Horses, Alt-J, o City And Colour, y ahora he querido meter más sintetizadores y elementos algo más electrónicos”. Es difícil establecerlo en un género concreto, pero hay influencias que se notan hechas a propósito... ese punteo a lo American Football en ‘Top Of Our Lungs’ es inevitable no reconocerlo. “(Risas) Sí, vale, ése sí que tenía intención cuando lo hice. Para mí es uno de mis grupos referencia y quería hacerles un pequeño homenaje que me salió de repente en un ensayo. No era algo premeditado, pero cuando salió me pareció que encajaba perfecto, Marco incluso me dijo algo de que sonaba muy emo, pero creo que eso me convenció incluso más (risas)”.

“SINCERAMENTE, CREO QUE NO HAY UNA ESCENA AHORA MISMO EN ESPAÑA DONDE ENCAJE”

GONZALO RUIZ

¿Qué puedes contarme de los temas de este The Insides Of Being The Owl Captain? “Pues la verdad que son letras bastante personales. Entre ellas me gusta intentar hablar de cosas que me tocan el día a día, por ejemplo ‘Hold On’ y ‘Warriors’ tienen un mensaje de no seguir las corrientes que se convierten en modas y de ser fiel a tus pensamientos. Luego otras son canciones dedicadas al amor que existe en la actualidad, como ése que es de consumo rápido que se pierde en una noche, por ejemplo en ‘The Cult’; y otras son de mi relación con mi novia, como ‘UFO’ ‘Monument’, o incluso el primer tema que compuse con Owl Captain, que hablaba de mi ruptura con mi novia hace muchos años, y que entró en el álbum porque me gustaba mucho

aunque fuera algo adolescente”. ¿Cómo ves la escena nacional en estos momentos para Owl Captain? “Sinceramente, creo que no hay una escena ahora mismo en España donde encaje. Hueco creo que hay, porque la oferta de grupos que hay en España me parece que sólo está centrada en el ruido de alrededor y en ponerse ciegos, a ver quién mola más... Los grupos de garaje que están ahora tan de moda. Pero bueno, supongo que va por ciclos, y eso es lo que toca ahora. Pasaba antiguamente con el punk, o el metal, y por lo menos aquí en Madrid ahora mismo lo que ‘mola’ es el garaje y el indie pop”. Entonces ahora la idea es gi-

rar, imagino. “Sí, eso es lo que más queremos hacer ahora que tenemos material para poder tocar. Lo que tampoco quiero es que sea monótono y estar repitiendo conciertos en la misma ciudad todos los meses. No queremos estar tocando a toda costa, pero sí con sentido y mucha cabeza”. Además, tú, que tienes varios trabajos que compatibilizas con esto, no puedes dejar todo atrás para salir a tocar. “Claro, por eso queremos ver qué reacción habrá con la salida del nuevo disco, porque tenemos varias ideas que no podemos hacer hasta que no veamos que hay un seguimiento detrás”. Recuerdo que me dijiste que 103

“NO QUEREMOS ESTAR TOCANDO A TODA COSTA, PERO SÍ CON SENTIDO Y MUCHA CABEZA”

GONZALO RUIZ

te hacía sentir más cómodo expresarte en inglés. “Sí, exacto. Al principio sí empecé a componer en español, pero luego notaba que me sentía más cómodo a la hora de hacer melodías con la voz. Yo en las letras suelo jugar con agudos y sonoramente en castellano, pero me sonaba demasiado raro. Lo cierto es que la voz en español me sonaba más grave”. ¿Piensas que puedes tener algo más de repercusión fuera al cantar en inglés? “Bueno, yo creo que eso es dependiendo de cómo te lo propongas. Ahora mismo es fácil comunicarte con gente de fuera para poder tocar en otros países, pero la cosa es que

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resulta inviable cuando llegamos al tema de financiación. Cuando hay buenas condiciones se puede hacer”. Sí, de hecho ya te vi tocar con Being Berber en Londres el año pasado. “Claro, por eso te puedo decir que se puede hacer, pero también hay que tener el tiempo y el presupuesto acorde para que no te dejes más dinero del que te van a dar por ir a tocar. Yo ya no tengo 20 años ni la locura de ser adolescente sin pensar en las consecuencias, pero bueno, si se diera el caso de que nos ofrecieran una gira interesante por poca cosa pero con un grupo potente con el que podamos disfrutar de tocar y vivir una experiencia sin endeudarme

para siempre, lo haría encantado de la vida”. Despues de ver a las Hinds en el cartel de Coachella, cualquier cosa puede pasar, la verdad... “Pues ojalá, para qué te voy a engañar... Me alegro por ellas, de que hayan llegado hasta ahí. Pero esas cosas requieren de un apoyo que todavía no tenemos y, sobre todo, de tocar sin parar, que se han pegado más de 300 conciertos en dos años...”.

REVANCHA EXTREMA LO EMPEZAMOS A REALIZAR EL PASADO AÑO Y QUEREMOS QUE SE CONVIERTA EN UNA TRADICIÓN. QUE SÍ, QUE EN ROCKZONE NOS GUSTA PONER CHICOS MONOS EN LA PORTADA, AHÍ CON SUS PEINADITOS, PERO LA VERDAD ES QUE EL METAL EXTREMO NOS CHIFLA Y TODAVÍA NO QUEREMOS DARLE EL CARPETAZO DEFINITIVO AL PASADO CURSO SIN AHONDAR EN TODAS ESAS ATROCIDADES QUE NO PUDIMOS RESEÑAR DURANTE 2016. ESTA VEZ AMPLIAMOS EL ASALTO Y OS TRAEMOS 30 LANZAMIENTOS DEL TODO LACERANTES, UNA CARNICERÍA QUE, ESPERAMOS, OS HAGA SANGRAR LOS OÍDOS DURANTE LAS PRÓXIMAS SEMANAS. EN ESTA SELECCIÓN HALLARÉIS CALIDAD A RAUDALES, ASÍ QUE PONEROS CÓMODOS Y, HALA, A DISFRUTAR DEL INFRAMUNDO SONORO. ¡AQUÍ HAY TRALLA PARA TODOS LOS GUSTOS! TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

TEITANBLOOD

SACRIFICIO

AVULSED

(NORMA EVANGELIUM DIABOLI)

(IRON BONEHEAD/NUCLEAR WAR NOW!)

(XTREEM)

Accursed Skin

os putos amos del underground más cruel volvieron a resquebrajarnos el alma a finales de año con el EP Accursed Skin. Dos únicos temas como sólo ellos pueden lograr, dos nuevos holocaustos para traer el infierno en la tierra. Dan más miedo que recibir el mismo día dos facturas del gas, cuatro de la luz y un requerimiento de la Agencia Tributaria. Ningún ser humano debería tener que pasar por ‘Sanctified Dysecdysis’.

Guerra Eterna

Deathgeneration

speradísimo álbum de debut y ningún tipo de decepción. Entre Deströyer 666, Körgull The Exterminator y Manilla Road andan Sacrificio, banda formada por ex miembros de Proclamation y Teitanblood. Cada uno tendrá su opinión, que si death thrash suramericano, que si Hellhammer, pero a mí Guerra Eterna me suena a profanación del metal clásico desde la catacumba más infecta imaginable. Que se les entienda cantando en castellano mola mazo.

eguimos sin movernos de Madrid, esta vez para visitar la caverna de nuestra banda de death metal más longeva. Ni más ni menos que 25 años cumplieron Avulsed en 2016, por lo que se embarcaron en una empresa de lo más compleja: revisitar sus temas más conocidos junto a cantantes de relumbrón. Chris Reifert de Autopsy, Antti Boman de Demilich, Svencho de Aborted, Tomas Lindberg de At The Gates, John McEntee de Incantation… ¿Qué más quieres?

FAMISHGOD

Roots Of Darkness (XTREEM)

ave Rotten siempre ha publicado nuevo material a un ritmo de locos, pero el pasado año Pako Deimler le pisó los talones. Aquí los tenemos juntos para entregar el segundo largo de Famishgod, un tumultuoso dispendio de pesadumbre, desazón y melancolía. Entre el death doom y el funeral doom, esta gente no le canta precisamente a las soleadas mañanas de verano o a la alegría de vivir. Ojo, que no te pille con la moral baja.

BLACK FUNERAL

Ankou And The Death Fire (DARK ADVERSARY/IRON BONEHEAD)

omo Profanatica, Black Funeral fueron otros históricos del US black metal que sacaron disco nuevo en 2016. La producción de Ankou And The Death Fire es un manifiesto en sí mismo, una declaración de amor hacia la esencia del género maldito. Una obra para verdaderos creyentes, quienes sabrán emocionarse con cortes como ‘Gwyn Ap Nudd (King Of The Underworld)’. De verdad, el sonido es lo mejor… casi que parece surgido de Les Légions Noires.

BIZ ARRE

DIS GOB

SHEIDIM

(XTREEM)

(BASE)

(DARK DESCENT/ME SACO UN OJO)

Inner Necropolis

perando desde zonas tan dispares como Extremadura, Madrid y Catalunya, Bizarre se han ganado unos cuantos piropos con este EP. A dos voces, una más rasgada y otra ominosa como ella sola que suele predominar, el cuarteto defiende un sólido discurso de death antiguo. Lo más loable es el hedor a moho y podredumbre que desprenden, convirtiéndose en todo un caramelo para los amantes de Incantation y la escuela finlandesa.

Dis Gob

an primitivo y malsano que te acaba atrapando. No esperes encontrar alardes de virtuosismo o demasiadas piruetas en el primer álbum de Dis Gob. Como si hubieran grabado este trabajo encerrados en la celda de un manicomio, esta invocación de graves y black death te enganchará por motivos que trascienden a la ciencia moderna. Tan rupestre como nigromántico. Yo, en serio, no necesito más.

Shrines Of The Void

ue Shrines Of The Void te coja prevenido, porque como arremeta ‘First Poison’ con toda su fuerza y estés de pie, es muy probable que acabes noqueado en el suelo. Esto es black metal en su más gloriosa acepción, poderoso y violento, y a cada tema que pasa más concienciado estás que este primer largo de Sheidim es una proeza. El underground catalán, pero qué grande es… Un escándalo de bueno. Otro nivel.

ANTAEUS

FURIA

ORANSSI PAZUZU

(NORMA EVANGELIUM DIABOLI)

(PAGAN)

(SVART)

Condemnation

a institución francesa volvió a la carga diez años después de su último disco, y de qué manera… ¿Os imagináis que cada miembro de 1349 se metiera cinco gramos de farlopa entre pecho y espalda antes de tocar? Pues a eso me suena a mí el infernal Condemnation, una obra que sin duda está entre lo mejor que salió en 2016. Ante lo último de los blackers Antaeus no hay opción a tregua alguna. Esto es la guerra total.

Ksiezyc Milczy Luty

Värähtelijä

olonia, esa tierra abonada que nunca cesa de producir metal extremo impecable, sobre todo black. Furia llevan militando en el underground desde 2003 y es ahora cuando han pegado el estirón a raíz de su última obra. Les gusta el trémolo, marcar bien la percusión con pausa, aunque tiran más hacia la vertiente snob e intelectualoide del estilo. Igualmente, Ksiezyc Milczy Luty es un trabajo interesantísimo y los parlamentos con graves impactan de veras.

poco a poco vas entrando en su mantra, y más y más, y todo crece y crece… Bajo el influjo de técnicas casi tibetanas, el black psicodélico de Oranssi Pazuzu fue uno de los grandes triunfadores de 2016. Si como un servidor encontraste exagerado lo que se dijo de su anterior Valonielu, prueba con este nuevo trabajo para darte cuenta de la grandeza de estos finlandeses. Hay black de biblioteca que merece el indulto.

BLACK WITCHERY Evil Shall Prevail (NUCLEAR WAR NOW!)

hora fliparéis, pero este lanzamiento es el que más disfruté el pasado año. Lo que aquí encontramos son las demos y EPs iniciales de Black Witchery, más su contribución al split con Conqueror e incluso la cover de ‘Black Vomit’ que grabaron para un tributo a Sarcófago. Que son uno de los mayores pervertidores del US black y unos héroes del war metal te quedará muy claro tras esta infamia. Ése es el sonido, ésa es la actitud.

DEMONCY

Faustian Dawn (NUCLEAR WAR NOW!)

ener la posibilidad de contar con tu propia copia física de Faustian Dawn es una pasada, pero comprobar cómo las gastaba el US black metal en 1993 ya ni te cuento. Si crees que sólo en Noruega sabían invocar la tiniebla más opaca, es posible que con esta reedición Demoncy te abran nuevos horizontes en el género maldito. Una ambientación supurante y de lo más opresiva. Malvado de veras.

COBALT

FUNEBRARUM

GRAVE MIASMA

(PROFOUND LORE)

(DOOMENTIA/MORBID WRATH)

(SEPULCHRAL VOICE/PROFOUND LORE)

Slow Forever

a tardábamos en recurrir al catálogo de Profound Lore… El próximo mes de mayo Cobalt abrirán para Oranssi Pazuzu durante sus visitas a Madrid y Barcelona, pero igualmente merecen un espacio en esta selección por derecho propio. Slow Forever es un doble álbum en el que perderse por su personal, rockera y americana visión del black y el metal extremo en general, y viene cargado de temazos. A este dúo ya se lo rifan.

Exhumation Of The Ancient

Funebrarum les cuesta un mundo sacar nuevo material, pero cuando lo hacen, santo cielo… Este EP de cuatro temas es la pestilencia hecha música, es un paso más hacia la zombificación total de su arte y exalta la negra estela de su segundo álbum The Sleep Of Morbid Dreams. Y esa voz… madre mía, es como si cantara el mismísimo Cthulhu desde el fondo de un océano que jamás ha conocido la luz. Esto para mí es el death metal.

Endless Pilgrimage

ras dos EPs y un álbum de debut, Grave Miasma se ganaron el culto en muy poco tiempo. En 2016 volvieron a la actividad discográfica con Endless Pilgrimage, un tercer EP que profundiza en su death metal de inspiración ocultista. Que estemos ante una grabación analógica ayuda a comprender cómo han tejido esta lóbrega telaraña que te atrapa desde el principio. Por fin Gran Bretaña vuelve a producir buen metal extremo.

KRYPTS

BLOOD INCANTATION

REVEL IN FLESH

(DARK DESCENT)

(CYCLONE EMPIRE)

Remnants Of Expansion

eguimos con otro trabajo estremecedor, aunque aquí cada uno lo es por motivos distintos… Tres años después de su primer álbum, Krypts volvieron a dar guerra con esta media hora larga de death doom abisal y lovecraftiano, un disco en el que es fácil perderse entre horrores de otras dimensiones. Los finlandeses dieron en el clavo y la escena respondió con aplausos. Niebla, damnación y antiquísimas pesadillas. Lo que te pide el cuerpo, vamos.

Starspawn

Emissary Of All Plagues

legar y besar el santo. Sólo con su primer largo Blood Incantation ya han empezado a cotizar al alza, y de qué manera. Esto es death metal americano, viajero y elaborado, que igualmente fluye a las mil maravillas y cuya producción, encima, recuerda a la era dorada de Morrisound Recording. Esta peña ha mamado de las mejores estirpes, y así, vamos de Morbid Angel a Dead Congregation con agilidad. Ponte el babero antes de descorchar este álbum.

omparados con la mortandad que hemos repartido en este artículo Revel In Flesh parecen unas hermanitas de la caridad, pero sin llegar a lo que alcanzaron en su anterior Death Kult Legions, los alemanes siguen demandando un espacio. El death metal de los teutones suena aquí un poco demasiado limpio y melódico para mi gusto, por momentos parecen unos Amon Amarth más guarrotes, pero seguro que a alguno de vosotros os conquistará.

ENTRAPMENT

Through Realms Unseen (PULVERISED)

l tercer álbum de los holandeses Entrapment incide mucho en su rollete rockero. A ver, no es que hayan dejado de lado el death metal, ni de coña, pero sus dejes guitarreros puede que te rememoren cierta época de Entombed que todos recordamos muy bien. Sea como sea, ya va siendo hora de que a los de Groningen se les tenga mucho más en cuenta. Como mínimo, su propuesta de death’n’roll es mucho más guay que los últimos cien discos que te bajaste.

GRAVE DESECRATOR Dust To Lust

(SEASON OF MIST)

Grave Desecrator les tocó la lotería al fichar por Season Of Mist. Lo que los brasileños practican es war metal de toda la vida, con incluso alguna pincelada orquestal de sus compatriotas Mystifier. Latinoamérica sigue siendo una mina para este tipo de sonidos y los de Río de Janeiro aprovecharon bien la oportunidad. El regusto a Sarcófago, primeros Slayer y los Sepultura prehistóricos también está de puta madre.

MITHRAS

On Strange Loops (GALACTIC)

uando la técnica se pone al servicio de la canción, y no al revés, ocurren pequeños milagros como que la sesuda música de Mithras entre de lujo y, encima, trascienda más allá de los círculos más cerrados. En su brutal death experimental cabe de todo, y así, en este excéntrico tripi hasta sonoridades a lo Jordan Rudess puedes encontrar. ‘Howling Of The Distant Spaces’ es simplemente increíble, pero es que aquí hay mucho más.

DEFEATED SANITY

Disposal Of The Dead // Dharmata (WILLOWTIP)

o último de Defeated Sanity es toda una demostración de poder. Por medio de un sugerente alarde de creatividad, los berlineses lanzaron un álbum con dos partes muy diferenciadas: la primera te despachurra con tremebundo brutal, la segunda en cambio es un homenaje a la vertiente más prog, técnica y jazzística del death, y es ahí donde ves que resulta complicado tocar mejor que esta gente. Pura maestría instrumental.

INTERNAL SUFFERING Cyclonic Void Of Power (UNIQUE LEADER)

velocidades irreales, desplegando una técnica estratosférica y una violencia musical que asusta, los veteranos Internal Suffering lanzaron una auténtica abominación en forma de álbum. Con un hiato entremedio, estos jefazos del tech brutal death llevaban una década sin publicar y con Cyclonic Void Of Power se graduaron con honores. Monstruosos, sobrehumanos, inmisericordes. Qué pasote, de verdad… La barbarie que estabas buscando.

PUTRID PILE

LEVIATHAN

(SEVARED)

(HAMMERHEART)

Paraphiliac Perversions

ue sí, que las baterías están programadas y siempre me molarán más las bandas completas, pero artefactos como los de Putrid Pile son divertidos de cojones. Su última agresión sexual se llama Paraphiliac Perversions y llegó rellenita de sadismo, mutilaciones y un muestrario de mamporros que podría mover placas tectónicas. Encima el muy cabrón le echa humor… Shaun LaCanne es el putoamismo hecho metalhead.

ROOT

Kärgeräs – Return From Oblivion

Leviathan Boxed Set

nfilamos ya la recta final de este artículo, aunque no quisiéramos terminar sin detenernos en el catálogo de Hammerheart Records, quienes suelen salirse en lo que a reediciones se refiere. Lo que aquí encontramos son los cinco álbumes que Leviathan sacó con Moribund Records en una preciosa cajita, y la verdad, este depressive black con ambient contiene mucha más calidad de la que recordaba. Por menos de 40 euros, un regalazo.

(AGONIA)

ontemporáneos a los grandes Krabathor, Master’s Hammer o Tudor, Root son otra banda reverenciada dentro del metal oculto más remoto de la República Checa. Enmarcados en el epic metal de espíritu black, dark metal para simplificarlo, si consigues acostumbrarte a los excesos operísticos de Big Boss hallarás un álbum conceptual bastante disfrutable. A cualquier fan de Bal-Sagoth le gustarán Root, estoy seguro de ello.

HOBBS’ ANGEL OF DEATH Heaven Bled

(HIGH ROLLER/HELLS HEADBANGERS)

o soy de los que, salvo contadas excepciones, he dejado de considerar el actual thrash como metal extremo. Algo tan inofensivo ya no puede interesarme. Eso sí, de vez en cuando sale un culoduro a reivindicar de verdad qué coño era este estilo, y así llegamos a lo último de Hobbs’ Angel Of Death tras 21 años de silencio. Blasts a piñón y las guitarras más afiladas del pasado curso les dejarán el pompis hecho trizas a los inocentones del revival. Cuidado, que corta.

KOSMOKRATOR

First Step To Supremacy (VÁN)

uatro canciones, casi 33 minutos. Los belgas Kosmokrator sólo han necesitado esto para darse a conocer en el submundo extremo. Black death con carga extra de distorsión y empacho de penumbra. Estos chicos se encuentran en un auténtico pozo y necesitan ayuda, en serio… Si no has tenido suficiente con los tres buenos temas que la preceden, seguro que la larga ‘Myriad’ te acaba de rematar. Esta gente es toda simpatía.

VOID MEDITATION CULT Utter The Tongue Of The Dead (HELLS HEADBANGERS)

o conocía a Void Meditation Cult, pero con semejante portada no podían fallar. En efecto, en su primer álbum los de Ohio despliegan un death metal turbador que merece toda nuestra atención, una especie de zumbido espectral donde, como en el caso de Funebrarum, la voz se lleva la palma… Sólo una sombra puede estar detrás de eso, es un ente que ha vuelto de entre los muertos para condenarnos a una eternidad de tormentos. ‘At The Door Of An Infernal Realm’ es imbatible.

SUM 41 18 DE ENERO DE 2017 WIZINK CENTER, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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econozcámoslo: hace cosa de un año hubiera sido casi impensable que un grupo como Sum 41 hubiera protagonizado una remontada tan increíble como la que han llevado a cabo en los últimos meses. De ser una formación en horas bajas debido a sus irregulares últimos trabajos y, sobre todo, los problemas de adicción al alcohol de su líder Deryck Whibley, han pasado a ser grupo tremendamente sólido en directo con la reincorporación de su guitarrista de toda la vida Dave Baksh, publicar un álbum que les ha hecho reconectar con buena parte de su público y agotar entradas allá por donde pasan. Sin ir más lejos, la fecha de Madrid se tuvo que trasladar de La Riviera al antiguo Palacio de los Deportes tras haber anunciado el sold out tan sólo 24 horas después de ponerse los tickets a la venta. Síntomas evidentes que confirman que el regreso de los canadienses a la primera división está siendo por la puerta grande. Antes, los debutantes Paerish hicieron las funciones de banda de calentamiento de la tarde. Estos

cuatro franceses reconocieron que precisamente su primer concierto fue uno de Sum 41 cuando aún iban a la escuela, aunque por sus maneras sobre el escenario intuimos que el emo de los 90 de formaciones como Sunny Day Real Estate también ha dejado huella en su sonido. Un juego completamente diferente al que practicaron los protagonistas de la noche. Con una producción más propia de las grandes bandas de arena (no faltaron lluvias de confeti, cañones de humo, pelotas gigantes o hasta un esqueleto hinchable), Sum 41 salieron dispuestos a convencer por la vía más cañera de su repertorio. Abrieron fuego con ‘Fake My Own Death’, ‘The Hell Song’, ‘Over My Head (Better Off Dead)’ y ‘Goddamn I’m Dead Again’, demostrando que su regreso a las raíces guitarreras de sus comienzos con 13 Voices no ha sido pura casualidad. Aun así tampoco dejaron de lado la vertiente punk pop recuperando temas como ‘Underclass Hero’, ‘Walking Disaster’, una primeriza ‘Makes No Difference’ y la balada-enciende-mecheros (o

móviles, según el caso) ‘With Me’, que quedó un tanto descafeinada. Todo lo contrario de cuando sacaban músculo con ‘Motivation’, arrancándose con un medley de riffs heavies (entre ellos el ‘Paranoid’ de Black Sabbath o la instrumental ‘Take The Devil By The Horns And Fuck Him Up The Ass’) que empalmaron con ‘We’re All To Blame’. Tras un solo de batería que sobró un poco regresaron para seguir rockeando con ‘No Reason’, la cover del ‘We Will Rock You’ de Queen o unas ‘Still Waiting’ y ‘In Too Deep’ que revolucionaron la pista. En el segundo bis, Deryck apareció al piano para interpretar ‘Pieces’ bien secundado por el resto de sus compañeros. Con una trepidante ‘Welcome To Hell’ y la siempre efectiva ‘Fat Lip’ pensamos que ya no podíamos pedir más... Pero tan sólo diez minutos después nos volverían a sorprender regresando disfrazados de metaleros casposos de los 80 para realizar la parodia de ‘Pain For Pleasure’. Un guiño genial para los más acérrimos y que sirvió para redondear la noche. 117

BIFFY CLYRO 25 DE ENERO DE 2017 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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FRANK CARTER & THE RATTLESNAKES

a gira de Ellipsis tenía que confirmar la entrada de Biffy Clyro en ‘el club de los grandes’ en nuestro país. La operación funcionó sólo a medias, al menos en Barcelona, con únicamente el 50% del aforo vendido. Lo cual tampoco me sorprende del todo. Por muchas baladas que tengan o que en su último disco se hayan acercado al pop, su música sigue siendo demasiado freaky y, a ratos, ruidosa, como para seducir a los indies o los cuñaos, que al final son los que consiguen que se llenen los grandes recintos. Ellos se lo pierden, porque su directo sigue siendo uno de los mejores que puedan verse en la actualidad. Pero empecemos por lo malo. Primero, no me gusta nada el Sant Jordi Club. Es un espacio demasiado grande para la cantidad de público que puede albergar y en una noche fría como ésta, se convierte en una auténtica nevera. En segundo lugar, los pantalones de Simon Neil: alguien debería prohibirle salir al escenario con la misma prenda que

utiliza para practicar yoga o estar en casa mirando series. Y tercero: que no tocaran ‘Folding Stars’ ni ‘57’. Cuando sólo se me ocurren tres puntos negativos para criticar un concierto, y encima tan subjetivos como éstos, significa que ha sido un conciertazo. Así que vayamos por lo bueno. Fue todo un acierto que Biffy Clyro escogieran a Frank Carter & The Rattlesnakes como teloneros. El diablo pelirrojo y su banda salieron con toda su chulería en un ambiente gélido, pero con canciones como ‘Juggernaut’, ‘Lullaby’, ‘Vampires’ o el blues maldito de ‘I Hate You’ y su actitud temeraria (de nuevo hizo que el público le sostuviera en brazos para cantar desde la pista) consiguió que hasta quienes nunca habían oído hablar de él entraran un poco en calor. Misión cumplida. Con un sonido nítido pero apabullante (amplificado por un juego de luces espectacular), el trío escocés, acompañado por Mike Vennart a la guitarra y Richard Ingram a los teclados, empezó con una épica ‘Wolves Of

Winter’ y mi canción favorita de su última obra, ‘Friends And Enemies’. Luego cayeron ‘Booooom, Blast & Ruin’, una jaleada ‘Biblical’, ‘In The Name Of The Wee Man’ (uno de los bonus tracks de Ellipsis) y la maravillosa ‘God & Satan’, pero fue a partir de la progresiva ‘Living Is A Problem Because Everything Dies’ que la conexión con el público hizo un click. ‘Howl’, tocada a piñón, y sobre todo ‘Bubbles’, elevaron el show a otro nivel, con los coros de los gemelos Johnson, otra de las armas secretas de esta gran sección rítmica, brillando especialmente. Tras ‘Mountains’ vino un bajón cuando empalmaron tres temas lentos como ‘Re-Arrange’, ‘Herex’ y ‘Medicine’; eso sí, ideales para salir a fumar y pillar más cerveza. Pero a partir de ‘Glitter And Trauma’ se sacaron la chorra y en una recta final con ‘Black Chandelier’, ‘That Golden Rule’ (su parte central fue apoteósica), ‘Many Of Horror’, ‘Machines’ cantada a solas por Neil, ‘Animal Style’ y una triunfal ‘Stingin’ Belle’ remontaron para acabar por todo lo alto. Joder, qué buenos son. 119

SABATON 22 DE ENERO DE 2017 SANT JORDI CLUB, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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ráilers, una crew digna de estrellas del rock, cátering y wifi propia… Cuando supe por primera vez de Sabaton con Attero Dominatus, hará diez u once años, intuí que tenían algo especial, pero jamás imaginé que llegarían tan alto. Yo, que los había visto tocar para 15 personas en Razz 3, no me podía perder la consecución de su gran obra, la materialización de tanto esfuerzo y trabajo en un Sant Jordi Club que, si bien anduvo lejos del lleno, sí en cambio gozó de una buena asistencia. Los encargados de abrir fuego fueron Twilight Force. Totalmente metidos en su mundo de fantasía, Frodo Bolsón puso todo de su parte para llegar a sus agudos y bromear sin parar, y aunque Legolas dio espectáculo con orejas élficas incluidas, la verdad es que Boromir fue el que se salió con los solos. Si te gustan Rhapsody, no te los pierdas. Lo de Accept fueron palabras mayores. Ya se sabe que últimamente

no fallan, que se desenvuelven incluso mejor en los grandes escenarios, pero lo que despacharon esa noche en Barcelona fue maravilloso. Daba igual si atacaban fantástico nuevo material como ‘Stampede’, ‘Stalingrad’ y ‘Teutonic Terror’ o sus clásicos: Wolf Hoffmann era la viva imagen del perfecto guitarrista de heavy metal, su sonido era El Sonido, y así, ‘Restless And Wild’, ‘Princess Of The Dawn’, ‘Fast As A Shark’, ‘Metal Heart’ o ‘Balls To The Wall’ fueron poco menos que orgásmicas. Una hora sublime, grandiosa. Por encima del sobresaliente. Cuando llevas tres o cuatro giras seguidas viendo a Sabaton abrir con ‘Ghost Division’ la cosa empieza a cansar. Ése fue el primer borrón de una actuación con demasiados claroscuros. Enseguida Joakim Brodén se puso al público en el bolsillo con la coña de llamar “fill de puta” a su nuevo guitarrista, pero tampoco es normal

que un chico de 36 años abandone las tablas cada vez que puede tomarse un respiro al micro. La falta de continuidad fue otro problema. Quizá a sus jóvenes seguidores aún no se les haya despertado el espíritu crítico, pero ya les digo yo que soltar un vídeo o cortar el show a cada momento para el cachondeo es tener mucho morro. Otra cosa que les achaco es que hayan eliminado la figura del teclista en una banda donde las orquestaciones son omnipresentes, tirando así de mesa para ello, e incluso me atrevería a decir que para los coros. Por lo demás, un repertorio muy centrado en los fans que acaban de llegar, con ‘Sparta’, ‘Blood Of Bannockburn’, ‘The Last Stand’, ‘Carolus Rex’, ‘Resist And Bite’, ‘Shiroyama’ y un largo etcétera, que pasó totalmente de la velocidad sólo recurriendo a ‘The Lion From The North’ y con una única concesión al pasado con ‘Primo Victoria’. Que no tocaran ‘Attero Dominatus’ me dolió en el alma. 121

THE AMITY AFFLICTION 22 DE DICIEMBRE DE 2016 SALA ARENA, MADRID TEXTO: REBECA CASTELLANOS FOTOS: ANTONIO GRANDE

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ras un otoño con la agenda de conciertos llena, la última gira del año aterrizó en Madrid igual que el Gordo de la lotería de Navidad. Esta vez teníamos el gusto de volver a tener en nuestro país a The Amity Affliction, Northlane y Stray From The Path. Y por primera vez veríamos a uno de los grupos revelación de 2016, Wage War, que salieron a escena puntualmente a meterse al público en el bolsillo. Desde el momento que acabó el show, tengo muy claro que es un grupo a tener en cuenta en el futuro. Los de Florida tienen gusto, carisma y potencial para alcanzar mayor popularidad a nivel internacional. En las gélidas tardes-noches madrileñas de diciembre, siempre merece la pena un directo de un grupo como Stray From The Path, que le dé al público algo con lo que combatir el frío. Los que hayan

presenciado alguna vez el show de esta banda ya sabrán la energía que desprenden sobre las tablas. El sonido no favoreció a los neoyorquinos, pero tienen un don para hacer vibrar al respetable y los problemas pasaron a un segundo plano. La técnica llegó de la mano de Northlane. Sencillamente, son buenos. Desde que entró en la banda Marcus Bridge, los australianos han ganado en elegancia compositivamente, sin perder su estilo entre el djent y el metalcore. El setlist fue equilibrado. Tocaron canciones de Discoveries, Singularity y Node, con la colaboración de Drew York de Stray From The Path en ‘Masquerade’. Los gritos que se escucharon en la sala Arena cuando se apagaron las luces tras el parón afirmaba que los fans esperaban con ganas e impaciencia al grupo que cerraría la noche. The Amity Affliction posiblemente sean,

junto a Parkway Drive y salvando las diferencias entre ambas bandas, los abanderados del metalcore australiano. Los de Gympie presentaban su último trabajo, This Could Be Heartbreak. Sin lugar a duda, el sonido y la ejecución fue impecable. Se nota que los años y las largas giras han dado su fruto, convirtiéndolos en un todo muy sólido. Sin embargo, eché de menos algo más de energía, especialmente por parte de su frontman, Joel Birch. Soy consciente de que sus temas son más sentimentales, pero no transmitían complicidad con las cientos de personas que cantaban a pleno pulmón ‘Open Letter’, ‘Lean On Me’, ‘Pittsburgh’, ‘All Fucked Up’ o ‘Shine On’. No sé si sería que estaban deseosos de acabar la gira y volver a casa a tiempo para Navidad, pero notaba una desgana generalizada. Una lástima, porque el final del tour estaba siendo realmente bueno. 123

EINDHOVEN METAL MEETING 16 Y 17 DE DICIEMBRE DE 2016

EFFENAAR, EINDHOVEN (HOLANDA) TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

WATAIN 120

AURA NOIR

ARCHGOAT

ntes de empezar esas terribles semanas de excesos navideños, tanto de trabajo como de comidas o gripes, siempre hay la opción de desfogarse en el Eindhoven Metal Meeting, que año tras año, cartel tras cartel, es uno de los festivales indoor más agradables en los que asistir y trabajar.

VIERNES 16 Una vez saludados todos los fotógrafos y amigos que me encontré en la cola de acreditaciones y ya dentro del recinto, vi que los black metaleros Cirith Gorgor estaban a punto de acabar y en vez de eso nos dimos una vuelta para ver a unos jóvenes Toxic Waltz que, como su nombre indica, es una de estas nuevas bandas que rinden homenaje al thrash de los 80 con buen hacer y que tuvieron a la gente joven de lo más entregada. En el Large Stage, la sala grande, la primera banda que pude ver fue Illdisposed, una veterana formación de Dinamarca que ha navegado siempre dentro del death metal, pero que ahora

va un poco a la deriva con un sonido más moderno y que quizás no cuaje a todo el mundo por igual. Eso sí, su directo presentando su nuevo disco Grey Sky Over Black Town fue de menos a más, sobre todo en una parte final que rindió homenaje al death clásico de sus dos primeros discos con ‘Reverse’ y ‘Submit’, que nos hizo acabar el show con un buen sabor de boca. Los holandeses Bleeding Gods entretuvieron un rato al público con su death metal a lo Morbid Angel descafeinados, pero con Enthroned la cosa cambió. Los belgas siempre cumplen en vivo a pesar de que el tiempo les haya relegado a un segundo plano dentro de la escena black metal, pero en el Large Stage dieron un buen inicio de concierto, donde temas como ‘Ha Shaitan’ de su segundo disco fueron muy bien recibidos, pero que debido al solape con Soulburn en el District 19 Stage, el escenario pequeño, no pude disfrutarlos por completo ya que Soulburn y sus dos últimos discos The Suffocating Darkness y Earthless Pagan Spirit han marcado un punto

de inflexión para muchos dentro del death metal actual. Su estilo old school con toques de black metal y death doom les hace destacar entre muchas bandas del género y el registro de la voz de Twan Van Geel ayuda a ello. En una sala a rebosar descargaron 40 minutos con temas de esos álbumes, pero sin olvidarse de canciones de su debut como ‘Crypts Of The Black’ o ‘Feeding On Angels’. Un show corto pero perfecto que estoy seguro que captó a nuevos fans. Después de tan grata actuación, Hail Of Bullets no podían decepcionar, y eso que Martin van Drunen ya no está a las voces... Éste era el primer show europeo con Ingram (ex de Benediction y Bolt Thrower) tomando ese rol y supone un buen cambio, ya que su voz más ruda y gutural dista un poco de la death metalera clásica de Van Drunen. Pero una vez superado ese escollo el público disfrutó del concierto sin ningún tipo de problemas. Temas como ‘General Winter’ o ‘Reds Wolves Of Stalin’ sonaron atronadores. Cómo no, la nota de calidad de Hail Of Bullets y en 125

BATUSHKA

especial de Dave Ingram fue dedicar ‘Tokyo Napalm Holocaust’ a la memoria de Martin ‘Kiddie’ Kearns, batería de Bolt Thrower y una de las pérdidas más importantes en la música extrema de estos últimos dos años. Pausa breve para respirar y coger fuerzas. Un festival también sirve para descubrir nuevas bandas, que es seguramente lo que más me gusta de este evento, y eso sucedió con los holandeses Wederganger. Con dos cantantes, Alfschijn a las voces limpias y Botmuyl a las voces blackers, reivindicando el black más espiritual y alejado de la nueva tendencia post black metalera, hacen que te quedes sorprendido con la banda y que parte del público entre en trance con los riffs de su único disco Halfvergaan Ontwaakt. Y mientras Destruction estaban tocando arriba seguramente haciendo un gran show para sus fans, yo aproveché para ver a Archgoat. Me explico, a Destruction los he vuelto a ver hace nada y, sinceramente, su directo actual me aburre

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ENTHRONED

hasta un extremo que ni yo mismo entiendo. Sólo con temas de Sentence Of Death o de Bestial Invasion Of Hell me llego a excitar. Seguro que me tildarán de trve, pero en su último show en Barcelona vi a mucha gente con el mismo problema de conexión con ellos. Archgoat en cambio es algo raro de ver y, desde el primer riff, te quedas parado alucinando con la destrucción a niveles apocalípticos de estos finlandeses en directo, que junto a bandas como Blasphemy, Revenge o Beherit, han marcado en estos 25 últimos años de metal extremo. Un show sincero y sin parafernalias; sólo pinchos, sudor y caos sonoro. Casi perfecto. Ya tocaba la hora de los cabezas de cartel de este viernes, Watain y Mayhem, que aprovecharon el festival para hacer una de las pocas actuaciones en esta gira conjunta que han realizado por Europa. Watain iluminaron con fuego el Large Stage del Effenaar, y como todos

sabíamos, tocaron entero y por orden su segundo disco Casus Luciferi. Sin alterar un ápice de lo acordado, viví uno de los mejores shows en sala que he visto de estos suecos. Erik Danielsson ha creado una nueva masa de seguidores en el black metal, llegando tanto a los más veteranos como a los más jóvenes. Sigue sus doctrinas y en el escenario hace lo mismo. Juega y se quema con el fuego que sostienen las cruces, reza en su propio altar y ofrece su sangre al público (y a los fotógrafos presentes) lanzándola con su cáliz. A la vez, musicalmente la banda suena impecable y uno de sus trabajos más rudos y oscuros fue perfecto para ese ritual. Lo que continuó fue la guinda del pastel brindada por Mayhem, quienes tocaron entero su piedra angular del black metal llamada De Mysteriis Dom Sathanas, que es quizás el disco que más he escuchado de black metal en toda mi vida. Transportar la esencia del álbum al directo no es fácil, y sólo es

GENERAL SURGERY

posible gracias a que Attila Csihar esté a las voces. Él fue quien grabó esa obra y de esa formación sólo queda en la banda el batería Hellhammer. Ahora junto a Necrobutcher, otro de los miembros fundadores de la banda, Teloch y Ghul hacen que en directo suene como nunca. El inicio es tétrico con Attila saliendo detrás de un pequeño altar en medio del escenario con la única iluminación de dos velas. En ningún momento le ves la cara con claridad, son sombras, máscaras, no sabes qué es lo que lleva ahí. El único problema en todo el show fue el sonido del inicio con ‘Funeral Fog’ sonando, donde su voz necro no se pudo escuchar hasta casi el final del tema. Con ‘Freezing Moon’ y bajo la oscuridad total, Attila sale de su cubículo y pasa a primera línea. Una ceremonia completa que cuando te alejas de las primeras filas disfrutas al verla entera y eres consciente de que has contemplado un concierto que dudo mucho que puedas volver a ver en toda tu vida.

Quizás a la gente no le gustará esa tendencia de muchas bandas de tocar discos míticos enteros, pero a mí no me preocupa, sino todo lo contrario: me encanta. Por cierto, Protector fueron una de las bandas que me quedé con ganas de ver... Sólo un par temas puede cazar, pero al menos me consolé oyendo ‘A Shedding To The Skin’ en vivo. Un fallo que seguro se podrá solventar en algún próximo festival. SÁBADO 17 El sábado me lo tomé con mucha más tranquilidad, sin intentar cubrir todos los conciertos, algo imposible para una sola persona. A Der Weg Einer Freiheit y Schammasch los vi hace nada en directo. Lo hacen muy bien, pero estoy un poco cansado de este estilo de post black metal para niños bonitos, por muy bien que suenen y por muy efectivos que sean. La banda más importante del día eran Memoriam a pesar de tocaran a las cinco de la tarde, y ver al ave fénix de Bolt

Thrower resucitar con tres temas fue lo mejor de todo el festival para mí. Memoriam tocaron temas de su EP y de su próximo primer disco que está a punto de salir, pero Karl Willets con ‘Spearhead’ y ‘Powder Burns’, hizo un homenaje a su banda, a Bolt Thrower, que pararon de tocar hace ya algo más de un año después del fallecimiento de su batería Martin ‘Kiddie’ Kearns. A esa fiesta se unió también el ex cantante de Bolt Thrower, Dave Ingram, que el día anterior estuvo con Hail Of Bullets, y ambos cantaron ‘Inside The Wire’ del disco Honour - Valour - Pride. ¡Si sois fans de la banda vale la pena ver este momento en YouTube, buscadlo! Después de esto podría haber ido a ver Harakiri For The Sky ya que mucha gente está hablando de ellos hoy en día, pero no, no podía traicionar a Aura Noir, que son junto a Nifelheim una de mis bandas black thrash por excelencia. Por alguna razón que no he descubierto los reyes del black thrash han vuelto a ser un trío en directo. Aggressor al bajo cantando todos los temas sentado en su taburete debido a ese desgraciado accidente de ya hace unos años, Blasphemer a la guitarra y Apollyon a la batería, donde recordaba viejos tiempos. A pesar de que en directo la doble guitarra de Aura Noir es importante, el show sonó muy bien y Apollyon sólo salió de la batería diez segundos para saludar a los fans de primera fila antes de tocar una versión de ‘A Heaven’s On Fire’ de Venom. Tocaron muchos temas, empezando con ‘Sons Of Hades’, donde se notaron esos ajustes en la composición del grupo. También cayeron algunos de su obra Black Thrash Attack, entre ellos ‘Caged Wrath’, que empalmó con ‘Black Metal Jaw’. Sonaron ‘Destructor’, ‘Stalker’, ‘Deep Tracts Of Hell’... en definitiva, un

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HAIL OF BULLETS

setlist de sueño para los fans de Aura Noir. Era el turno de Hell, la banda que resucitó el productor y guitarrista Andy Sneap para su divertimiento y que, sinceramente, tan buen resultado da en directo gracias sobre todo a la incorporación como cantante del actor David Bower, un excelente frontman que junto a los miembros de la banda nos rescatan esa esencia que tienen de Mercyful Fate pero con un toque inglés. Sonaron bajo una luz preciosa y una ejecución perfecta temas de sus dos únicos discos, Human Remains y Curse And Chapter, y consiguieron hacer disfrutar a todo el público que se paró a escucharles ese día. Espectáculo, fustigaciones en directo y buena música. Los suizos Bölzer venían a presentar su primer álbum, Hero, y uno pensaba que después de verlos en la District 19 a reventar hacía un par de años, en éste irían a la sala grande. Pues no, equivocado estaba. Otra vez en la pequeña y otra vez comple-

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HELL

tamente abarrotada sin que nadie se pudiese mover de su sitio, ni entrar ni salir. Oscuridad pura sólo salvada por un destello de azul, y KzR junto al batería HzR dieron una lección del metal oscuro de hoy en día y de lo que un bajo y una batería pueden llegar a hacer musicalmente. Tocaron temas nuevos, por supuesto, pero también ‘Roman Acupuncture’ y esa estremecedora y perturbadora ‘Entranced By The Wolfshook’ de su primer EP Aura. Tras ellos, el grupo que quizás creo que estaba más fuera de onda, pero que igualmente me encanta. Hablo de Pro-Pain. Su mezcla de hardcore metal e industrial hace años que recorre el mundo y, cómo no, lograron reclutar tropas suficientes para ofrecer el concierto en el Large Stage. Fueron los más movidos y acabaron el concierto invitando a todo el que pudiera a subir al escenario con ellos. Los suecos Valkyrja repetían por segunda vez en el Eindhoven Metal Meeting

dos años después de su primera actuación. Cada vez tocan mejor y sus tres discos se están convirtiendo en imprescindibles para todos los fans del nuevo black metal sueco, pero eso sí, visualmente cada día se parecen más a Watain. Ya faltaban tres o cuatro bandas para que la jornada acabase. Tocaron General Surgery, y quién me iba a decir a mí que vería a unos de los reyes del death metal sueco dos veces en un mes... Empapados de sangre salieron al District 19 con su retahíla de títulos impronunciables, divirtiendo a toda la vieja escuela con ‘Viva! Blunt Force Trauma’ de su disco Left Hand Pathology o con un tema nuevo que saldrá en su próximo split titulado Premutating The Permutations. Batas blancas, sangre y buen d-beat, ¡no se puede pedir más! Tiempo para los portugueses Moonspell, los cuales parece que están en gira continua desde hace una década.

MAYHEM

Esta vez tocaron en su integridad el disco Irreligious de 1996, que fue el lanzamiento clave para su carrera musical después de haber sacado ese primer álbum llamado Wolfheart. En su época lo devoré, y por eso verlos tocar dos veces en dos semanas ese disco fue un regalo ya que, por desgracia, en la época me perdí esa gira. También tocaron ‘Raven Claws’ con la aparición estelar de la cantante de Tristania Mariangela Demurtas para el tema y, claro, ‘Vampiria’ y ‘Alma Mater’ también sonaron para que la fiesta fuera definitiva. Son un grupo que pasen los años que pasen, nunca defraudan en directo. Con Tiamat pasó todo lo contrario, ya que nunca sabes si están vivos o muertos. Recuerdo vagamente la última vez que les vi allí por el 2000 en Neerpelt, Bélgica, cuando Johan Edlund era una mezcla de Andrew Eldritch y Carl McCoy y salía con su sombrero de cowboy pasando de todo. Ahora, sinceramente,

no sé por qué continúan tocando en vivo... Edlund no llega en la mayoría de los temas a pesar de que el resto de banda toque muy bien. Nunca se ha sabido los problemas de salud que ha tenido de verdad, pero sobre el escenario estaba contento y visiblemente afectado. Tienen temas preciosos y algunos de ellos sonaron, pero nada peor que la comparación para echar de menos esos buenos tiempos. Con ‘Sleeping Beauty’ salió a escena Fernando Ribeiro a ayudarlo a cantar y Johan, visiblemente emocionado, se abrazaba fuertemente a él mientras tocaba la guitarra. Tiamat fueron una gran banda en su momento, eso sí que lo puedo decir. Final de la noche con Batushka, que ya no sé si es una banda de moda o no, pero sinceramente me da igual. Consiguieron que el público aguantase hasta pasadas las dos y media de la madrugada, algo impensable siempre en el último concierto del Eindhoven Metal

Meeting, donde a esas horas siempre queda menos de la mitad del público. Con sólo un álbum, Litourgiya, lograron algunos de los momentos mágicos del festival gracias a un brutal y atmosférico sonido junto a una puesta en escena espectacular llena de imaginería ortodoxa y capuchas. Son ocho miembros sobre el escenario con tres coristas que ayudan todo el rato a la voz principal, que no se mueve del altar. Sonido impecable como el disco y para quienes los vieran en el Cult Of Fire, decirles que tuvieron una presencia similar pero mucho más acertada en todos los sentidos. Tocaron los ocho temas de su álbum a la perfección y dejaron a todo el público alucinado. Una banda con su propio estilo dentro del black y doom religioso que consigue transmitir lo que crea hasta un nivel difícil de explicar con palabras. Y con ese final épico se acabó esta edición del Eindhoven Metal Meeting 2016. Con ganas ya de que lleguen los nuevos festivales por Europa.

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DE GIRA

SUN GOD REPLICA

2 DE FEBRERO MARDI GRAS (A CORUÑA), 3 LA IGUANA CLUB (VIGO), 4 SUPER 8 (FERROL), 5 EL ZAGAL (ALDEAMAYOR DE SAN MARTÍN), 6 FUN HOUSE (MADRID), 7 DABADABA (DONOSTIA), 8 LA LEY SECA (ZARAGOZA), 9 MARULA (BARCELONA), 10 TDK (ALCALÁ DE HENARES), 11 TNT BLUES (COX), 12 SALA X (SEVILLA)

uestro nuevo disco Grandular Fever suena como una jam entre The Beatles y Jimi Hendrix. LINK McLENNAN (voz, guitarra) “Es un buen cumplido, gracias. Sobre todo la canción ‘Jesus Got Talent’ y ‘Celestial Building Block’ tienen bastante de Hendrix. Lo grabamos hace año y medio. Me hubiese gustado que saliese antes, pero las cosas van lentas”. Además, el año pasado estuviste muy ocupado con The Meanies. “Sí, hicimos algunos conciertos bastante grandes en Australia con otras

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bandas de los 90. Era una gira de dinosaurios (risas), pero fue genial. Pero el disco de Sun God Replica ya estaba grabado de antes. De hecho, desde entonces hemos grabado un EP que esperamos poder tener para esta gira. Ya veremos si llega a tiempo”. Es curioso que por un lado hagas punk con The Meanies y este rock más clásico con Sun God Replica. “Nunca he tenido una actitud excluyente. Mientras sea rock’n’roll, me gusta. Si la música sale del corazón y es honesta, no la juzgo. Me molesta cuando los grupos comprometen la música por el dinero. Veo a Kings Of

Leon y parece claro que creían que no eran lo suficientemente grandes, aunque lo eran, y empezaron a hacer canciones comerciales. Para mí es música horrible, pero bueno, cada uno es libre de hacer lo que quiera”. Me imagino que si alcanzas cierto nivel de éxito, la tentación de coger ese camino siempre está ahí. “Sí, por eso no los juzgo. Hasta cierto punto cualquiera que haga la música está condicionado por su realidad económica. Igual si tienes otro trabajo con el que ganas dinero, no te afecta tanto, pero yo soy un pobre hombre, no sé hacer nada más. Me encantaría que

AGENDA FEBRERO mis grupos dieran pasta, pero al mismo tiempo, no dejo que eso me influya”. ¿Depende de tu estado de ánimo el que compongas para un grupo u otro? “Sí, desde luego, pero no sabría explicártelo. Tengo muchas subidas y bajadas. También tiene que ver lo que haya estado escuchando, aunque sea de manera inconsciente”. La música de Sun God Replica es bastante más compleja. ¿Siente que con The Meanies tocas por debajo de tus posibilidades? “Tienes que entender que cuando empezamos The Meanies apenas sabía tocar, ése era mi nivel (risas). Pero para mí es fácil hacer el click y retroceder en el tiempo. Es como montar en bicicleta. Para mí es fácil escribir para The Meanies. Me gusta que Sun God Replica tenga composiciones más inteligentes, pero tampoco complicarme la vida como para que me cueste tocarlas en directo. Me sigue gustando tocar con The Meanies, pero de manera esporádica... preferiría estar tocando siempre con Sun God Replica, que es donde está mi corazón ahora. Además, físicamente una gira de The Meanies pasa factura, necesitas emborracharte para superarlo (risas)”. No siempre es fácil que los fans de un grupo se interesen por otros proyectos... “No lo es. Cuando hice The Tomorrow People a finales de los 90, muy pocos fans de The Meanies me siguieron. Seguramente porque era muy distinto, era más rollo 60’s e indie. Lo mismo me pasó con The Bakelite Age. Pero con Sun God Replica, que sonamos un poco más duros, hemos tenido un poco más de éxito en ese aspecto. Quizá también porque salió de manera más natural. Creo que The Tomorrow People fue más forzado, porque no quería que me encasillaran en un estilo”. En verano tienes previsto mudarte a España porque tu pareja es de aquí. ¿Tienes pensado cómo te las apañarás con los grupos? “No tengo ni idea. Estoy preocupado (risas). Más que nada porque no hablo vuestro idioma y no sé de qué voy a trabajar. Pero soy muy feliz y estoy decidido a que funcione. Ni que sea barriendo las calles (risas)”. (JORDI MEYA)

AGAINST THE CURRENT 17 MADRID, 18 VALENCIA, 19 BARCELONA CAGE THE ELEPHANT 4 BARCELONA, 5 MADRID CHELSEA GRIN 13 MADRID, 14 BARCELONA THE DANDY WARHOLS 10 MADRID, 11 BARCELONA DEVIN TOWNSEND 3 MADRID, 4 BARCELONA THE DILLINGER ESCAPE PLAN 25 BARCELONA, 26 MADRID ERIC MARTIN 1 VALENCIA, 3 MURCIA, 4 TOLEDO, 5 ALCALÁ DE HENARES, 7 BARCELONA GIRONA SONA (THE EXPLOITED, GATILLAZO, LENDAKARIS MUERTOS…) 3-4 GIRONA GOTTHARD 24 BILBAO, 25 MADRID, 26 BARCELONA JOEY CAPE 4 GIRONA, 5 BARCELONA, 6 VALENCIA, 7 MADRID KREATOR + SEPULTURA 23 BARCELONA, 24 MADRID ME FIRST AND THE GIMME GIMMES 9 MADRID, 10 BARCELONA, 11 BILBAO NOTHINGTON 17 MADRID, 18 CASTELLÓN, 20 BARCELONA THE PRETTY RECKLESS 9 BARCELONA, 10 MADRID SKUNK ANANSIE 9 PAMPLONA, 10 MADRID, 13 BARCELONA STATE CHAMPS 21 BILBAO, 22 BARCELONA, 23 MADRID THE TEMPER TRAP 12 BARCELONA, 13 MADRID THE WONDER YEARS 17 BARCELONA, 18 MADRID