RockZone 137 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Deftones (Groezrock) © Rubén Navarro

EDITORIAL Por segunda vez el terrorismo yihadista ha puesto el objetivo en los asistentes a un concierto. El terrible atentado de Manchester ha disparado todas las alarmas en un momento en el que está a punto de iniciarse la temporada de festivales. Seguro que los organizadores adoptarán el máximo de medidas necesarias para garantizar la seguridad de los asistentes, pero debemos ser conscientes de que el riesgo cero no existe. Ni en un concierto ni en ningún lado. Esta certeza, lejos de asustarnos o condicionarnos, debería servirnos de estímulo para disfrutar de cada segundo en su máxima plenitud. Al menos nosotros es lo que pensamos seguir haciendo y, sinceramente, puestos a morir, al menos que nos pille bailando. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 137

9 / INTERFERENCIAS

24 / ROYAL BLOOD

28 / IN HEARTS WAKE

32 / PAPA ROACH

40 / FOSCOR/MOONLOOP

46 /

52 / NEW FOUND GLORY

62 / RISE AGAINST

25 GRUPOS PARA NO PERDERSE

68 / DISCO DEL MES

70 / CRÍTICAS

106 / ESPECIAL FOTO: GROEZROCK

114 / STICK TO YOUR GUNS

120 / CHRIS CORNELL

126 / TOMBS

130 / HUMMANO

136 / THE AFGHAN WHIGS

SUMARIO

Nº 137

140 / EN DIRECTO

156 / DE GIRA + AGENDA

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

ARNETTE.COM

CHRIS JOSLIN I PETROLHEAD

INTERFERENCIAS TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ NECK DEEP LA BANDA GALESA ANUNCIA LA PUBLICACIÓN DE SU NUEVO DISCO THE PEACE AND THE PANIC PARA EL PRÓXIMO 18 DE AGOSTO Y CONFIRMA FECHAS EN BARCELONA Y MADRID EN NOVIEMBRE.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

ace apenas diez días, Neck Deep sorprendían a sus seguidores con el lanzamiento, no de uno, sino de dos vídeos nuevos, y el anuncio de la fecha de publicación de su esperado tercer trabajo. ‘Where Do We Go When We Go’ y ‘Happy Judgement Day’ formarán parte de The Fear And The Panic, que verá la luz del 18 de agosto a través de Hopeless Records. El nuevo álbum contendrá once canciones, incluida ‘Don’t Wait’, en la que aparece como invitado Sam Carter de Architects. El grupo galés hizo una primera tanda de composición en verano del año pasado, pero fue en febrero de 2017 cuando entraron en el estudio y la magia empezó a fluir. “Podemos escribir todas las canciones del mundo, pero cuando estamos en el estudio es cuando todo toma forma. Teníamos muchas ideas vagas, pero sabíamos que cuando fuéramos al estudio, lo concretaríamos todo”, explicaba el vocalista Ben Barlow a la web de Alternative Press. Para

asistirles durante la grabación, Neck Deep han contado con dos productores muy conocidos en el mundo del pop punk: Mike Green (All Time Low, Pierce The Veil) y Neal Avron (New Found Glory, Yellowcard). “Siempre intentamos probar cosas nuevas, y cuando Neal y Mike entraron en escena, fue emocionante ver su catálogo y ver lo que podían aportar a nuestro sonido”, contaba también Barlow. “Mike nos obligó a esforzarnos mucho en las estructuras. Creo que Neck Deep tenemos una tendencia a divagar en nuestras composiciones y él nos hizo simplificarlo todo y pensar muy bien cada parte. Neal aportó un toque más rock duro en la mezcla, así que entre los dos aportaron algo nuevo y fresco”. Neck Deep han confirmado una gira europea que incluye conciertos el 1 de noviembre en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona y el 2 de noviembre en la sala Changó de Madrid. Todavía no se han anunciado los teloneros, pero parece que vendrán muy bien acompañados.

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DESDE EL TÍBER

LO PEOR DE MÍ_ LA CAZA

WR BTTM, el dúo neoyorquino de punk glam abiertamente gay, iba a publicar el 12 de mayo su segundo álbum Pageant. Gracias a la buena acogida de su debut Ugly Cherries hace un par de años se había creado cierto hype, pero dos días antes del lanzamiento, todo se fue al carajo. Un pantallazo en el que una chica advertía a un grupo privado de Facebook que el cantante y guitarrista Ben Hopkins era un “conocido depredador sexual” y que ella misma había sido testigo de contactos sexuales no consentidos con varias personas, empezó a compartirse en las redes sociales y los hechos empezaron a precipitarse. En apenas horas los dos grupos que les acompañaban dejaron la gira, luego sus músicos de directo, después fue su empresa de management la que cortaba su relación, más tarde el sello Polyvinil Records anunciaba que dejaría de distribuir su material, y en nada su música ya no estaba disponible en las plataformas digitales. En 24 horas, la carrera del grupo se había fulminado. No tengo ni idea de si Hopkins es culpable de lo que se le acusa –por ahora él ha negado los hechos-, pero me choca que sin haber ni una denuncia formal, ni un juicio, todo el mundo actúe como si lo fuera. Entiendo que hay que ser radical contra los agresores sexuales, pero no sé si cargarse la presunción de inocencia es el mejor camino. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@Ribete89_FL ¡Noooo! ¡Chris Cornell nooo! @Sergio_Canuto Una pena, uno de los mejores cantantes de su época y precursor del Gringo. DEP. @Fernivet ¿¿¿Quééééé??? ¡En shock! ¡¡¡¿¿Alguien que lo desmienta, porfa??!!! @Sr:Meh Estoy moralmente KO. @FranDirefoG Joder, vaya tela si se confirma. @Cronorobs ¡Madre mía, vaya verano de concis guapers me voy a pegar gracias a los chicos de @RockZone!

Aquí os dejo una foto del pasado concierto de Parkway Drive en Barcelona, fueron todos muy agradables, ¡y la verdad es que no esperaba que Jia fuera tan alto! (OSCAR OLIVEIRA)

@elviejodelsaco Body Count están de vuelta. Full ACAB. @Eulogy207 Pues la nueva de Muse me ha dejado bastane chof.

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

¡Qué pasa, familia! Como muchos sabéis, mi columna se suele caracterizar por ser bastante ácida y criticar, sin filtro alguno, todo aquello relacionado con la industria musical que no me parece bien, a no ser que esté recomendando algún disco o banda que sean la puta polla... Pero hoy intentaré ser serio. Hace poco falleció Chris Cornell, y las redes sociales se vieron inundadas de todo tipo de opiniones, y, sorprendentemente, muchas de esas opiniones atacaban al cantante y lo menospreciaban por haber sido ‘cobarde’ y haber elegido el suicidio. Otros, simplemente no se explican que alguien tan conocido y con una vida, que, aparentemente, parece de luz y de color, y lo que todos hemos soñado de niños pequeños, sea un infierno para la persona en cuestión. El mundo de la fama -y esto os lo digo por mi experiencia como gran estrella reconocida de internet mundialmente- y el de la música, no son nada fáciles, y miles y miles de artistas de renombre, ya sea en teatro, cine, música o televisión, sufren grandes depresiones o adicciones a sustancias químicas, y esas vidas que, de lejos parecen ser la puta hostia, son en realidad todo lo contrario. Juzgar a Cornell y criticarlo por su decisión, es de mala persona. Hasta vuestras propias estrellas sufren de depresiones, adicciones, y mean y cagan como lo hacéis vosotros. Si en algún momento os sentís así, refugiaros en vuestra familia, amigos y en un médico. Ellos os ayudarán, no hay que avergonzarse por ello. (MARIUS TIBERIAN)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: JORDIAN FO, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

HISTORIA DE LOS HOMBRES LOBO Jorge Fondebrider (SEXTO PISO)

osiblemente sea éste el ensayo más completo que se haya escrito nunca sobre la literatura de licán-

tropos. En efecto, Jorge Fondebrider ha buceado a fondo en la historia de la narrativa para sacar a la luz la mayoría de referencias a los hombres lobo, desde los textos grecolatinos hasta los cuentos de los hermanos Grimm. El trabajo

enfermedad relacionada con la melancolía, o esta creencia

de documentación del escritor argentino es imponente, dedican-

incluida en el folklore de los pueblos bálticos: “El potencial li-

do capítulos enteros a Stubbe Peeter (uno de los hombres lobo

cántropo debía introducirse un tallo de pasto en el ano. Cuanto

más sanguinarios de la historia, cuya leyenda data de 1589)

más grueso fuera el tallo, más peluda sería la cola del futuro

o a la bestia de Gévaudan, un animal fantástico que sirvió de

lobo”. Otro capítulo interesante es el que habla sobre Holly-

inspiración a los creadores de la película francesa El Pacto De

wood y la banalización del mito, donde Fondebrider llega a

Los Lobos. En este libro encontramos auténticas curiosidades,

una conclusión discutible... Las pelis de serie B consiguieron lo

como que para muchos tratadistas de la antigüedad la licantro-

que no pudo la Inquisición: que el pueblo perdiera el interés por

pía era, antes que el resultado de un pacto con el Diablo, una

los hombres lobo.

DICCIONARIO DEL DIABLO

Ambrose Bierce, ilustrado por Ralph Steadman (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

n la era de internet,

norma. En cuestiones de pensamiento y conducta, ser indepen-

consultar un diccio-

diente es como ser anormal y la anormalidad provoca recha-

nario para saber

zo”), ‘religión’, ‘tonto’ y ‘batalla’ (“Método por el que se deshace

el significado de una pala-

con los dientes un nudo político que no se puede desatar con

bra es un acto pasado de

la lengua”). Muchas definiciones invitan tanto a la reflexión que

moda ya que resulta más

es mejor leerlas dos o tres veces para captar todos sus matices.

práctico recurrir al Google

También recomiendo leer este diccionario poco a poco, por

o a la Wikipedia. Pero el

ejemplo un par de letras cada día, porque así nuestro cerebro

Diccionario Del Diablo que

procesará mejor toda la información aquí sugerida. Además, su

nos propone Ambrose Bierce no es, obviamente, un diccionario

lectura no es sencilla porque la traducción obligaba a utilizar

al uso. Este libro recoge todas las entradas que el escritor esta-

un castellano académico y algo antiguo. Lo que no necesita

dounidense publicó a partir de 1881, en las que Bierce hace

traducción son las geniales interpretaciones gráficas de Ralph

gala de un enorme ingenio y cinismo. Las entradas que más

Steadman, como su desternillante versión de Don Quijote y San-

me han gustado son las de ‘anormal’ (“Que no se ajusta a la

cho Panza, o un santo de lo más gore.

BATMAN: LAS CALLES DORADAS DE GOTHAM VV. AA. (ECC)

Continúa la recuperación de materiales de la línea Otros Mundos de DC con esta entrega dedicada a Batman ambientada en los primeros años del siglo XX y centrada en las luchas sindicales del movimiento obrero en Estados Unidos. Varios elementos históricos se funden con el relato de ficción y las versiones alternativas de los personajes conocidos para crear una de las versiones más atípicas del mejor detective del mundo y que sirve, de paso, para recordar a los lectores cuáles fueron los derechos logrados en las calles y huelgas gracias a la lucha de los anarquistas americanos. SG

JORGEMYTE, AGENTE DE LA P.E.M.

Jordi Wild y VV. AA.

DEPORTADO 4443

Carlos Hernández de Miguel e Ioannes Ensis

VIEJOS DESCUBRIDORES Marc Tinent y Lourdes Navarro (EDITORIAL CORNOQUE)

(EDICIONES B)

El periodista Carlos Hernández de Miguel adaptó en Twitter su novela Los Últimos Españoles De Mauthausen narrando a golpe de tuit la historia silenciada por el franquismo de los 9.000 españoles encerrados en el campo de concentración nazi. Ahora Ioannes Ensis lleva ese crudo relato a la novela gráfica con espectaculares páginas que trasladan la dureza de aquellos hechos, ayudando así a que la memoria siga viva. Se trata de un brutal ejercicio que suma periodismo y cómic de forma magistral y es uno de los grandes lanzamientos del año por su importancia y calidad. SG

ORDINARY Rob Williams y D’Israeli

Divertidísimo álbum juvenil donde unos viejos Colón, Alonso de Ojeda, Américo Vespucci y Ponce de León sumarán fuerzas en los momentos finales de sus vidas para disfrutar de una última aventura buscando la fuente de la eterna juventud. La fórmula de aventura redonda funciona a la perfección, jugando con lugares comunes de la cultura popular sumado a una original propuesta de villanos, dosificando además muy bien los momentos de descargo cómico y potenciado todo por un dibujo espectacular. El trabajo viene avalado por el premio de la Beca Carnet Jove Connecta´t al Còmic 2017. SG

TABÚ Marta Coca (IMAGION)

(GRAFITO)

(MARTÍNEZ ROCA)

La macarrada del mes viene firmada por el youtuber Jordi Wild, que en la faceta de guionista elabora un surrealista y divertido homenaje/parodia a los géneros de artes marciales, espías y blaxploitation. Los encargados de dar forma a este alocado cómic son Angye Fernández, Iruko y Ulises Lafuente, ilustrando de forma espectacular las aventuras del agente de la Policía Especial Mexicana Jorgemyte, repartemamporros profesional, casanova a tiempo completo y noble héroe ante todo. Locurón hiperviolento con extra de contenido sexual. SG

Fábula superheróica en la que un fontanero normal y corriente descubre un mal día que es el único ser humano que no ha obtenido superpoderes tras un extraño suceso. Bajo esta divertida premisa, los autores elaboran una aventura de huida hacia adelante en la que no sólo jugarán con el cliché usamericano de la importancia de ser únicos y especiales, sino también con el relato de las responsabilidades y aceptarlas (sin duda, el punto fuerte del cómic). Por descontado, todo aderezado con momentos de verdadera locura y acción a raudales. SG

El nuevo manga publicado por Ediciones Imagion continúa la línea de relatos inclusivos para jóvenes usando en este caso el costumbrismo. Marta Coca elabora un extenso cómic de 160 páginas donde narra la historia de Miki, un adolescente que nació sin uno de sus brazos y que en este momento de su vida se ve sumido en una profunda depresión. Su amigo Leo será fundamental para poder superarla, pero no como ninguno podía imaginarse. Muy efectivo y emotivo. Parte de las ventas van destinadas a la fundación SOLCOM. SG 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA ALIEN: COVENANT PROMETHEUS 2

l cine ha cambiado mucho desde 1979. Los espectadores también. No me atrevería a asegurar si uno y otros han ido a peor en los últimos (casi) 40 años, pero de lo que no hay duda es que hemos cruzado, y hace ya bastante tiempo, el punto de no retorno con la gratitud. ¿Recordáis Prometheus? Aquel regreso a la mitología, que no a la saga, era una fabulosa epopeya desvergonzada, casi una autoimitación europeizada de la película original. Mejor dicho, lo fue de toda la saga: era valiente, se esfor-

zó en lucir como una serie B multimillonaria... y funcionó de manera ejemplar. Aunque por lo visto nadie quiso participar en el entusiasmo. Precisamente por eso, Alien: Covenant (que sí, no es ni más ni menos que Prometheus 2), pretende lavar su imagen ante el espectador ofendido desde el mismo título. Aquí estamos ante una secuela pura y dura de una precuela a la que le faltaba algo, claro que sí, pero es que lo que faltaba aún estaba por venir. Las revelaciones de Covenant son alucinantes, interesantísimos aportes a una saga de la que ya creíamos saber todo y que nos vuelve a decir que no tenemos ni puta idea de nada por muy bravos que nos pongamos. No tenemos ni puta idea porque no somos dioses. Ni siquiera somos androides. Somos unos simples y mortales humanos incapaces de mostrar gratitud ante la jugosa prehistoria de algo que dimos por hecho que no la tendría.

DÉJAME SALIR

LA GRAN ESPERANZA NEGRA

iempre me gusta pensar que las mejores pelis de horror son aquellas que, en el fondo, son dramas tan jodidos que terminan siendo terrores. Bien, Déjame Salir (Get Out) lo es justo de la forma opuesta: es imposible salir de una de las historias más locas y malignas del cine reciente sin una sonrisa en la cara. Con un cinismo sin precedentes desde que la corrección se cargase el cine de horror semicómico de gente como John Landis o Sam Raimi, el debutante Jordan Peele hace magia con esos ingredientes por primera vez en años. Bajo esa premisa, la primera película de la mitad del fabuloso show Key & Peele se las apaña para partir de una base tan clásica como la de Adivina Quién Viene A Cenar Esta Noche para terminar como el rosario de la Aurora, aunque también se parezca al rosario de Rosemary. Peele, único padre de la criatura, conoce perfectamente los resortes que provocan diferentes

sensaciones en los espectadores, sobre todo las de la risa incómoda (y la payasa también, eh), y logra un festival de cine de género condensado en 100 minutos. Con un presupuesto minúsculo, Peele demuestra que la puesta en escena ejemplar es posible, fijándose en los clásicos de los maestros del género que mejor componían, lo que hace inevitable que uno se acuerde del slasher de Carpenter durante la secuencia de introducción de la película. Blumhouse se marca otra victoria y se confirma como la fábrica de pesadillas oficial de Hollywood, consiguiendo algo inaudito que, además de ser una mecánica de estudios de género de otra época, ha logrado exactamente lo contrario de lo que pretende la industria: hacer que los directores que trabajan en sus producciones disfruten con los medios (más bien escasos) que la productora ofrece a base de imaginación, algo que se aprecia en los últimos trabajos de M. Night Shyamalan con ellos. Ahora, Peele se convierte en la revolución del género y en la gran esperanza negra de un género que necesitaba volver al humor incómodo para aterrar. Puede que no sea perfecta, pero él confía tanto en saber a dónde va que no desentona en absoluto. Una de las grandes citas obligadas de este año.

PISANDO FUERTE_ JADE JACKSON “DESDE PEQUEÑA SIEMPRE HE SIDO MUY EMPÁTICA. SIEMPRE ME HE IMAGINADO CÓMO SERÍA VIVIR LA VIDA DE LOS DEMÁS, Y ESO ME AYUDA A LA HORA DE COMPONER”

FORMACIÓN: Jade Jackson (voz, guitarra), Andrew Rebel (guitarra), Jake Vukovich (bajo), Tyler Miller (batería)

PROCEDENCIA: Santa Margarita, California (Estados Unidos) AFÍN A: Lucinda Williams, Mazzy Starr, Sheryl Crow PRESENTA: Gilded (ANTI-)

uchos artistas comparan la gestación de un disco con la de un embarazo. Una semana antes de salir de cuentas y que Jade Jackson publicara su debut Gilded el 19 de mayo, ella misma bromeaba sobre el asunto. “¡Ojalá hubieran sido sólo nueves meses!”, suelta la cantautora californiana. “El disco lleva listo hace más de un año, pero hemos tenido que esperar al momento adecuado para lanzarlo. Hasta ahora sólo podía compartir estas canciones si tocaba en directo, así que estoy ansiosa porque todo el mundo pueda escucharlo”. Aunque nació en 1997, cuando internet ya formaba de parte de nuestras vidas, Jade Jackson creció en un hogar sin televisión, ordenadores ni nada que se le pareciese. “Mis padres siempre se sintieron muy desconectados de la tecnología. No les gustaba el rumbo que estaba tomando la sociedad”, nos cuenta. “Mis padres son jóvenes, están en los 40, pero siempre les gustaron las cosas antiguas: los coches, los muebles, la manera de vivir… Así que cuando tuvieron hijos no querían que estuviéramos pegados a una pantalla, querían que descubriéramos el mundo con nuestros propios ojos”. Si bien su

educación no contribuyó a favorecer su vida social –“Cuando llegaba los lunes a la escuela, todos los niños hablaban de las series de dibujos que habían visto durante el fin de semana y yo nunca podía participar”-, sí que le ayudó a despertar su interés por la música. “Mi única manera de entretenerme era escuchando los discos de mi padre o tocando un viejo piano que teníamos en casa. No sé si me hubiera sentado a tocar el piano si hubiera tenido tele”, reconoce entre risas. Y fue así como con 13 años, la joven Jade empezó a componer sus propias canciones inspiradas por clásicos del country como George Jones o Merle Haggard. A pesar de que desde entonces ha acumulado decenas de temas, a la hora de publicar su primer álbum Gilded se centró en los escritos en los últimos cuatro años. “Todos son de ese periodo excepto uno”, explica. “Compongo continuamente y Mike Ness fue el que me dijo que le fuera mandando lo que fuera haciendo y me decía cuáles le gustaban más. Así que cuando finalmente se ofreció a producirme el disco, más o menos ya tenía claros cuáles eran sus favoritos”. Ah, Mike Ness. Efectivamente, gran parte de la atención mediática que está

recibiendo Jackson -la nuestra también- se debe a que el líder de Social Distortion decidiera acogerla bajo su manto. “Antes de conocerle, ya era uno de mis héroes, y claro, tenía miedo de conocerle (risas). No sabía qué me encontraría, pero Mike me hizo sentir muy cómoda. Es una persona encantadora, con un gran corazón. Conectamos de inmediato y nuestra relación fue creciendo de manera muy natural. Cada día en el estudio me sentía muy afortunada por tenerlo a mi lado”. Como era de esperar, la presencia de Ness tuvo una gran influencia en cómo acabó sonando el álbum, pero no porque suene a Social D, sino por haberle descubierto a la gran Lucinda Williams. “La primera vez que conocí a Mike, incluso antes de que supiera de que iba a ser mi productor, fuimos al estudio, le enseñé algunas canciones, tocamos un poco, hablamos de la industria… fue un día genial. El caso es que cuando me iba me puso deberes (risas). Me dijo que tenía que escuchar Car Wheels On A Gravel Road de Lucinda Williams, y eso es lo que hice durante tres meses. Para mí fue una especie de patrón para mi propio disco”. Si bien Jackson es mucho más joven que Williams, sus canciones comparten una misma melancolía. “Siempre fui un poco distinta al resto de la gente de mi edad. Siempre me ha afectado mucho lo que les pasa a los demás. Si veo que alguien sufre, yo también sufro. Desde pequeña siempre he sido muy empática. Siempre me he imaginado cómo sería vivir la vida de los demás, y eso me ayuda a la hora de componer”.

TOI’S IN THE ATTIC DESCANSA EN PAZ, CHRIS

ola amigos! Aunque hayan pasado ya unos cuantos días, la tristeza y el estupor por el trágico fallecimiento de Chris Cornell no se disipan. Para muchos que crecimos en el rock durante los años 90, Cornell, como líder de Soundgarden, es un referente, y para muchos artistas, un genio. No hay más que ver los emotivos homenajes en directo que circulan por las redes, desde Dave Mustaine de Megadeth a Corey Taylor con Stone Sour, pasando por Ryan Adams. Dejando a un lado la parte más trágica, es decir, la que tiene que ver con el suicidio, antidepresivos, análisis del timeline durante sus últimas horas en vida, y, en definitiva, muchos detalles que no nos incumben, estas muestras de respeto y cariño por parte de los artistas, además de emocionantes, creo que son necesarias, porque al fin y al cabo hacen eco de los senti-

mientos de los fans. No todo es oro lo que reluce, y parece que siempre tiene que haber un lado más amargo y oportunista ante un acontecimiento como éste. Inmediatamente podemos recordar antecedentes como el caso de Kurt Cobain, con Courtney Love que aún ahora sigue levantando ampollas cada vez que abre la boca, o todos los chismorreos que surgieron a raíz de la muerte de Michael Hutchence, cantante de INXS. Ahora entra en juego la suegra (¡!!) de Cornell, utilizando Twitter para arremeter contra su mejor amigo, ni más ni menos que Eddie Vedder, por no estar ‘ahí’. ¿Por qué coño tengo que presenciar esto? ¿A qué se debe esa agresividad y esas ganas de llamar la atención? Dejemos a Chris descansar en paz, y recordémosle por su gran talento, no por una suegra bocazas. (TOI BROWNSTONE)

SOUND & VISION MARSHALL HEADPHONES PRESENTA LOS NUEVOS MONITOR BT

os amantes de la música sabemos que la mejor manera de disfrutar de un buen disco es con unos auriculares de calidad y todos los sentidos puestos en captar el máximo de matices. Es por ello que os recomendamos los nuevos Monitor Bluetooth® de Marshall Headphones. Con una autonomía de más de 30 horas de reproducción inalámbrica y la tecnología Bluetooth® apTX, los Monitor BT ofrecen libertad, comodidad y la mayor calidad de sonido. La tecnología Bluetooth aptX reproduce tu música a mayor número de bits y minimiza los

problemas de sincronización de audio y vídeo. AptX te permitirá moverte y disfrutar de tus reproducciones a una distancia de hasta 10 metros. Vamos, que podrás ir de tu habitación a la cocina sin perderte ni un segundo. Los nuevos Monitor BT ofrecen un sonido excepcional de alta fidelidad que equilibran perfectamente los claros y graves en un amplio rango de frecuencias. Su formato over-ear aísla el ruido y cumple con los requisitos de aquellos que buscáis unos auriculares versátiles de máxima calidad. Su ergonomía y ligereza ofrece mucha comodidad: se

acabaron las orejas doloridas después de horas de escucha. Con el botón de control multidireccional podrás reproducir, detener, mezclar y ajustar el volumen del dispositivo, además de encender o apagar los auriculares. También incluye funciones de manos libres con las que podrás responder, rechazar o finalizar una llamada con un sencillo clic. Los nuevos Monitor Bluetooth ya están disponibles a un precio de 250 euros. Si deseas más información visita: www.marshallheadphones.com @marshallheadphones

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es el álbum de Temple Of The Dog. El reciente fallecimiento de Chris Cornell me ha hecho pensar en Soundgarden más de lo que lo había hecho en años. Revisando mis archivos, me di cuenta, de manera vergonzosa, que nunca había puesto un álbum suyo en mi Hall Of Fame. Para mí, hay al menos cuatro discos de Soundgarden que merecerían aparecer. Pero incluso ahora, a pesar de haber hecho este extenso repaso, no quiero escribir sobre Soundgarden tan sólo porque se hayan convertido en noticia. Cuando alguien en la música

lleva meses volverlos a poner de nuevo. Cuando Lemmy murió, tuvieron que pasar como unos seis meses hasta que pude escuchar una canción de Motörhead. A la mañana siguiente de la muerte de Chris Cornell, en un intento de romper la tradición, me subí en mi coche y empecé a escuchar el álbum de Temple Of The Dog que hizo junto a Matt Cameron y (los que pronto serían componentes de Pearl Jam) Stone Gossard, Jeff Ament y Mike McCready. Era un álbum aislado, hecho para rendir tributo a su amigo y cantante de Mother Love Bone, Andrew Wood, que había fallecido el año anterior por una sobredosis de heroína. El álbum empieza, en mi opinión, con la que es la mejor canción del disco, ‘Say Hello 2 Heaven’. Es un emocionado adiós a un amigo. Joder, fue difícil escucharla. Una canción que había oído millones de veces, pero de golpe y porrazo había dado un vuelco total a

Strike’, era tremendo. Mientras el proyecto en sí mismo rendía tributo a un cantante que se fue muy pronto, esta canción al mismo tiempo presentaba al mundo a un cantante que, a partir de ese momento, se convertiría en una de las voces más reconocibles y creíbles del mundo de la música, Eddie Vedder. Eddie se alternaba con Cornell, y creo que hablo por todo el mundo cuando digo que todos nos preguntamos quién era Eddie. Si hubo una cosa que el proyecto/disco de Temple Of The Dog hizo fue allanar el terreno para el éxito de Ten, el debut de Pearl Jam, que se editó cuatro meses después. Todo el mundo podía unir los puntos de la línea –de Soundgarden a Temple Of The Dog, pasando por Pearl Jam-. Ten ha llegado a vender más de 10 millones de copias y convirtió a Pearl Jam en una banda que acabaría en el

muere, la reacción inmediata de mucha gente es empezar a poner sus álbumes. Yo no puedo. De hecho, a veces me

su significado. Es una canción que ahora se canta de vuelta a quien la cantó. El single del álbum, ‘Hunger

Rock And Roll Hall Of Fame, pero todo empezó con The Dog. Recuerdo cuando este

álbum salió. Para mí, Soundgarden no podían estar equivocados. Y cuando pienso en su discografía, sigue sonando perfecta a día de hoy. Pero para mí estaban en su punto álgido cuando el álbum de Temple Of The Dog se editó. Cornell estaba en estado de gracia y camino de entrar en la realeza del rock. Pero el disco no sólo se sustenta por dos canciones. ‘Wooden Jesus’, ‘Call Me A Dog’, ‘Times Of Trouble’ y ‘Your Saviour’ siguen siendo clásicos 26 años después. Y por favor, perdonadme, pero me va a llevar mucho tiempo y una buena dosis de coraje poder volver a escucharlos de nuevo. Descanse en paz, Chris Cornell. DANKO JONES

MADRID JUEVES 22 JUNIO

VIERNES 23 JUNIO

SÁBADO 24 JUNIO

MAIN STAGE 1

(FEAT. MEMBERS OF RAGE AGAINST THE MACHINE, CYPRESS HILL, PUBLIC ENEMY)

HAMLET

CODE ORANGE

· COBRA

MYRATH · BAT SABBATH

MAIN STAGE 2

HOUSE OF PAIN HACKTIVIST

ZEBRAHEAD · SKINDRED

SÓLSTAFIR

STAGE 3

MOTIONLESS IN WHITE TOUCHÉ AMORÉ THE CHARM THE FURY RAVENEYE · KAOTHIC

EVERY TIME I DIE ZEKE

AVATAR · DEAFHEAVEN PHIL CAMPBELL AND THE BASTARD SONS GOD DAMN

TRIGGERFINGER WE RIDE

STAGE 4 JARDÍN DE LA CROIX BLACK PEAKS PORCO BRAVO LIZZIES INMUNE · VIRGEN

WORMED ARCANE ROOTS BLAZE OUT TRONO DE SANGRE SYBERIA · CHILDRAIN

DAWN OF THE MAYA SOMAS CURE AGAINST THE WAVES LATE TO SCREAM

22, 23 Y 24 DE JUNIO - LA CAJA MÁGICA, MADRID PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES, WWW.LIVENATION.ES Y WWW.TICKETMASTER.ES (+RED TICKETMASTER)

www.downloadfestival.es PATROCINADOR: MEDIOS OFICIALES:

MEDIOS COLABORADORES:

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> FOO INTERPRETAN ‘ORACLE’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

i tuviéramos que buscar el punto de origen de Foo, habría que hacerlo en Bilbao, a pesar de que la banda sea de Lleida. Fue allí donde después de acudir a un festival, dos amigos de la universidad, Oriol (voz) y Pol (guitarra), decidieron que había llegado el momento de empezar a componer sus propias canciones después de haber aprendido a tocar haciendo versiones de Red Hot Chili Peppers. “Hicimos un par de maquetas y luego salió la posibilidad de grabar el primer disco”, nos cuenta Pol. “A partir de ahí empezamos a tomárnoslo más en serio, ensayando con regularidad y vimos que nos gustaba este estilo de vida: escribir, grabar, tocar…”. Y aunque después de ocho años, la banda todavía tiene un seguimiento minoritario, al menos uno de ellos, Dani, ya ha conseguido el sueño de vivir de la música, si bien en un ámbito totalmente distinto. “Se va de tocar con nosotros en los peores bares a tocar al Liceo con la filarmónica”,

dice su hermano Pol. Y es que efectivamente Dani, además de batería, es percusionista clásico. “Cuando tienes un auditorio con 3000 personas mirando cuando cogerás los platos, intimida”, reconoce Dani. “Pero ya estoy acostumbrado. Voy a trabajar con frac, pajarita, faja y aquí no (risas)”. Una de las ventajas de contar con un músico clásico entre sus filas, además de que les saque entradas gratis a sus compañeros –“Nos estamos culturizando”, bromea Oriol- son sus conocimientos en armonía y tempos, además de una precisión suiza. “Gracias a él hemos sido capaces de grabar temas con claqueta y muchos otros sin”, cuenta Pol. Este enfoque orgánico de la música que les acompaña desde sus inicios y que se concreta en un rock con influencias de los 70, los 90 y toques de psicodelia, lo encontramos también en su cuarta referencia, el EP conceptual The Seeker (Grans/Onorama) que acaba de publicarse en una cuidada edición en vinilo y en el que debuta Al-

berto su nuevo bajista y único ausente en la entrevista. “Es el disco en el que más hemos trabajado”, señala Oriol. Por su parte Pol añade que el proceso también ha sido distinto. “Hemos trabajado los temas en el estudio. Es el disco más melódico, menos sucio, con menos distorsión. Hemos dado más protagonismo a la voz y hay guitarras acústicas en todas las canciones”. Al contrario que otras bandas que sienten cierto miedo o respeto por meterse en un estudio, Foo disfrutan plenamente de esa oportunidad. “Los días en el estudio son fantásticos porque desde que te levantas hasta que te acuestas estás pensando en música”, dice Oriol. Pol asegura que cada grabación es “un ejercicio emocional muy bestia porque te imaginas las cosas de una manera, pero luego no suenan cómo querías. Por suerte, al final siempre estamos contentos con el resultado. Creo que The Seeker se acerca más a la música que me gustaría escuchar, pero todavía no es el disco definitivo”.

ROYAL BLOOD

NI SIQUIERA EL PROPIO MIKE KERR SABE DE DÓNDE SALE ESA MAGIA DE ROYAL BLOOD QUE HA HECHIZADO EN MUY POCOS AÑOS A INDUSTRIA, CRÍTICA Y PÚBLICO. “SIMPLEMENTE ME VIENE COMO UN SUEÑO Y LO SIGUIENTE QUE SÉ ES QUE YA ESTÁ OCURRIENDO”, HABLA DE CUANDO COMPONE. PERO TAMBIÉN ES UN BUEN RESUMEN DE LA RAPIDEZ CON LA QUE AVANZA SU CARRERA. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

EGURO QUE ALGUNA VEZ HAS DICHO QUE NECESITABAS UN AÑO SABÁTICO. Mike Kerr también se lo dijo a sí mismo y en 2012 cogió las maletas y un vuelo a Australia. Aunque la banda sea inglesa, Royal Blood nace a miles de kilómetros de la Reina de Inglaterra: fue el nombre que Kerr usó para grabar las primeras demos con otro batería, Matt Swan, y dar algunos conciertos durante los nueve meses que estuvo allí. Pero todos los años sabáticos tienen, como condición, terminar. Uno de sus amigos de la

adolescencia fue a buscarle al aeropuerto y Mike decidió poner música para el trayecto. El amigo de la adolescencia era Ben Thatcher, el CD en la radio del coche eran las demos australianas y a partir de ese instante decidieron formar el dúo como lo conocemos ahora. Y no, no estoy exagerando: el primer ensayo fue al día siguiente, y el primer concierto, esa misma semana. En 2014 se prendió la mecha del avance incendiario de Royal Blood. El mismo año que actuaron en el festival de artistas emergentes The Great Escape también lo

hicieron en los MTV EMAs. Antes de que publicaran su disco debut, los singles de adelanto ya habían corrido como la pólvora por la red y, para el momento en el que el álbum saliera por fin, el mundo ya estaba pendiente de ellos. Después vendría el tour europeo, el estadounidense y girar con Foo Fighters. El apoyo de Lars Ulrich de Metallica o el de Jimmy Page de Led Zeppelin. Los tres años de gira fueron tan intensos que tuvieron que ser hospitalizados un par de veces, y para Kerr terminar con la carretera y los tour buses puede compararse con salir de prisión. Con esa sensación de libertad casi a estrenar alquilaron un almacén en Burbank, California. Allí salían de fiesta por la noche, y de día componían el disco que ya habían empezado en 2015 entre concierto y concierto. “Componer ‘Lights Out’ en ese momento fue el arranque para el proceso creativo. Sentía que estábamos creando algo como nunca lo habíamos hecho”. Y efectivamente, Royal Blood se esfuerzan en recalcar que este nuevo álbum es diferente. Para Kerr, una de las claves de How Did We Get So Dark? (Warner) son las letras: “Han pasado tres años desde nuestro primer disco, y cuatro o cinco desde que empecé a escribir, desde mis 21 hasta mis 27. En ambos puedes acercarte a las letras y ver un yo distinto. El de ahora es mucho más maduro y las letras son mejores”. La otra está en el sonido, que no sólo define como más oscuro, también como “más sofisticado, maduro, con más texturas, armonías y teclados”. Ésta es la evolución a la que el bajista hace referencia, de la que están, re-

“CON EL PRIMER DISCO DEJAMOS MUCHA CABIDA AL PROGRESO Y LOS CAMBIOS, PERO CLARO, TENÍAMOS MIEDO A ESOS CAMBIOS” MIKE KERR

pite continuamente, “muy contentos y orgullosos”. Durante un tiempo sí consideraron incorporar nuevos miembros o probar otros estilos: “Siempre hemos buscado la evolución en la banda, avanzar. Con el primer disco dejamos mucha cabida al progreso y los cambios, pero claro, teníamos miedo a esos cambios”, pero finalmente se han mantenido en el sonido potente que les caracteriza y en seguir siendo sólo él y Thatcher. Confiesan incluso que en el momento en el que añadían guitarras o bajos adicionales a la fórmula, perdían efectividad. Así que me quedo sobre la línea que separa la virtud del álbum que evoluciona lo mismo que mantiene

la esencia de Royal Blood y la maldición de esos segundos discos que se parecen mucho al primero. Le pregunto a Mike Kerr si cree que habrá dedos que les señalen clamando que ya no suenan a novedad. “No me importa lo que otros piensen, y además, creo que el disco es muy distinto al debut. No sólo les diría que no me importa, también que no estoy de acuerdo”. No es lo único que no le preocupa; tampoco causan efecto en él las expectativas ni el peso de la presión de la carrera explosiva de la banda. ¿Presión, qué presión? “No hago música para otra gente, la hago para satisfacerme a mí mismo”.

IN HEARTS WAKE

ESTADO DE EMERGENCIA

CON TRES DISCOS Y UN MONTÓN DE GIRAS A SUS ESPALDAS, IN HEARTS WAKE SON CONSCIENTES DE QUE TIENEN QUE APRETAR EL ACELERADOR PARA NO QUEDARSE ATRÁS EN EL COMPETITIVO MUNDO DEL METALCORE. CON SU CUARTO ÁLBUM, ARK, PRESENTAN ARGUMENTOS SUFICIENTES PARA QUE LO CONSIGAN, AUNQUE SU VERDADERO OBJETIVO ES BASTANTE MÁS IMPORTANTE: CUIDAR EL PLANETA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A FÉRTIL ESCENA METALCORE AUSTRALIANA SIGUE DANDO BUENOS FRUTOS.

Si el mes pasado hablábamos con Northlane, en éste es el turno de sus amigos In Hearts Wake. La banda integrada por el vocalista Jake Taylor, los guitarristas Ben Nairne y Eaven Dall, el bajista y cantante melódico Kyle Erich y el batería Conor Ward lleva desde 2012 intentando seguir los pasos de Parkway Drive, sus célebres vecinos de Byron Bay. Pero más allá del éxito legítimo al que aspira cualquier músico, para In Hearts Wake su carrera persigue un objetivo superior: concienciar a sus seguidores de la fragilidad de nuestro planeta. En el caso de Ark (UNFD) se han centrado en la problemática del agua. “No importa dónde vivas, el agua nos conecta a todos”, cuenta Taylor. “El plasma de nuestra sangre es 99% agua, nuestro cerebro lo es en un 75%, incluso nuestros huesos son un 30% agua. El agua que da forma a la Tierra es la misma que tenemos en nuestro interior”. Obviamente, no son la única banda con un mensaje de estas características, pero a su favor hay que decir que además de palabras, también lo respaldan con hechos. Con cada nuevo lanzamiento han colaborado con alguna organización en defensa del medio ambiente,

y en el caso de Ark, se han arremangado para limpiar, con la ayuda de sus fans, algunas de las playas más contaminadas de su país. Una idea que esperan trasladar a otros continentes que visiten en su próxima gira. Con fechas confirmadas en nuestro país, el 18 de octubre en Madrid y el 19 en Barcelona, estaremos atentos a sus iniciativas. Cuéntame qué hay detrás del concepto de Ark... ¿Es una metáfora sobre el planeta? JAKE TAYLOR “Sí. Empezamos a componer el disco en marzo de 2016, pero yo ya tenía el título de Ark desde hacía mucho tiempo, después de que saliera Earthwalker en 2014. Era un concepto que tenía ahí esperando para ser materializado en algún momento. Para mí la Tierra es como un arca vagando por el espacio, y si cada hombre, cada mujer, cada niño, no cuida de esta nave, se hundirá. Ésa era la idea, y a partir de aquí empezamos a crear la música y las historias que encuentras en el disco. Creo que la palabra ‘arca’ dice mucho más que simplemente ‘Tierra’, porque como te decía, la vemos como un barco y es frágil. En la Biblia el arca tuvo que resistir un diluvio, y, tal como van las cosas, pensamos que ahora mismo el planeta tiene que superar un reto igual de

difícil. Todos tenemos que estar unidos para superar ese reto”. ¿Qué piensas cuando un partido que niega el cambio climático llega al poder, como ha pasado en Estados Unidos? “De entrada te sientes cabreado y frustrado. Es un paso atrás. De todos modos, creo que todo ocurre por un motivo. Donald Trump es un síntoma de los problemas que hay en el mundo y en América. El hecho de que consiguiera el poder debería enseñarnos que necesitamos unirnos y encontrar una medicina, un remedio, para poner fin a esta locura. Si no sabes que estás enfermo, es difícil que busques una cura, así que, siendo positivo, Donald Trump ha hecho tomar conciencia a mucha gente de que estamos enfermos. Por desgracia, están ocurriendo muchas cosas negativas bajo su mandato, pero creo que al final será positivo y le daremos la vuelta”. ¿En Australia son las cosas distintas? ¿Tenéis un gobierno con conciencia ambiental? “Bueno, ‘el gobierno’ es un término demasiado amplio como para que te pueda contestar. Hay un montón de cosas que no se hacen bien. Creo que a nivel ambiental hay muchos aspectos a corregir”. 29

“FUIMOS AL MISMO INSTITUTO QUE PARKWAY DRIVE, ASÍ QUE VER EN LO QUE SE HAN CONVERTIDO SALIENDO DE UNA CIUDAD TAN PEQUEÑA FUE TODA UNA INSPIRACIÓN. VIMOS QUE ERA POSIBLE HACERLO” JAKE TAYLOR

Como banda, sois bastante prolíficos. Sacasteis discos en 2013, en 2014, en 2015, y ahora otro más. ¿Tenéis la sensación de estar en una carrera contra el tiempo? “Creo que sí. Ahora es el momento de dedicarnos a esto al 100%. Estamos en un momento muy importante de nuestras vidas y en la existencia del planeta. Hay mucho que decir. Pero al mismo tiempo, también queremos disfrutar de la vida. Ninguno de nosotros tiene hijos, ni está casado, ni tiene hipotecas. No tenemos ninguna atadura, así que queremos abrir las alas y ver hasta dónde podemos volar”. Vuestros discos anteriores, Eaarthwalker y Skydancer, estaban conectados. ¿A la hora de hacer Ark os sentíais con la necesidad de hacer algo nuevo? “Bueno, no queremos reinventar la rueda. Somos conscientes que la gente conectó con esos álbumes y tenemos un estilo en el que nos sentimos a gusto. No intentamos reiventarnos. No creo que sea muy inteligente hacerlo cuando a la gente le ha gustado tu último disco (risas). Creo que la gente quiere más de lo que le gusta. Simplemente hemos intentado expandir lo que hacíamos, introducir algún elemento fresco, pero no hacer un cambio radical”. 30

A lo largo de estos años habéis girado con un montón de bandas distintas. ¿Os influencia de alguna manera girar con formaciones más duras o con otras más suaves? “Todo lo que haces te influye de alguna manera. Solemos girar con bandas que encajan con nosotros, no creo que tuviera sentido que tocásemos con grupos de pop. Si fuera el caso, quizá tendríamos que adaptar nuestro material para encajar mejor con su público, pero no creo que ocurra (risas). En este disco tenemos algunas canciones más melódicas y otras cañeras como ‘Overthrow’, así que tampoco es que estemos cerrados a una sola cosa”.

plicar de qué manera estáis implicados? “Claro. Normalmente cuando sacamos un álbum hacemos firmas en tiendas de discos o alguna fiesta de lanzamiento. En esta ocasión, en lugar de eso decidimos reunir a nuestros fans y nuestros amigos en algunas de las playas más sucias de la costa este de Australia y marcar la diferencia. Así que además de tomarnos fotos, firmar y pasarlo bien, también limpiamos las playas de botellas de plástico, bolsas, basura… todo aquello que afecta la salud del océano. Esta organización, Tangaroa Blue, nos proporcionó todo el equipo para hacerlo de manera adecuada. Estamos muy contentos”.

¿Cómo os repartís el trabajo con Kyle a la hora de definir las partes vocales? “Yo suelo traer los conceptos y las letras, pero todo está abierto a ser discutido. Colaboramos en aquello que vemos que necesita pulirse. En cuanto a las melodías, Eaven, el guitarrista, es quien suele componer la mayoría porque suele pensarlas para que encajen con lo que hace con las partes solistas. Pero básicamente trabajamos en equipo”.

Muchas bandas tienen un mensaje social, pero está bien que vosotros hayáis pasado a la acción. “Sí, vamos a intentar hacer algo parecido en Europa y América. Buscaremos a las asociaciones más adecuadas, pero por ahora estamos centrados en Australia y está siendo un éxito”.

Tenéis una campaña en marcha con la fundación Tangaroa Blue con el nombre We Are Baterborne. ¿Podrías ex-

A la hora de girar, ¿intentáis hacerlo en vehículos que no contaminen? “Nos encantaría, pero es prácticamente imposible. Creo que en Inglaterra hay una empresa que ya ofrece vehículos eléctricos que pueden reco-

¿De dónde te viene la vena ecologista, de tus padres, de la escuela…? “Es una mezcla de todo eso. No sabría decirte algo en concreto. Supongo que tuve la suerte de criarme en un entorno muy hermoso y eso me hizo tomar conciencia de que había que preservarlo. En la escuela, éramos pocos alumnos, nuestras clases eran redondas en lugar de cuadradas, así que había mucha comunicación con los maestros y también nos sacaban a dar paseos por el bosque. Creo que en Byron Bay todo el mundo aprecia la naturaleza. Con el grupo hemos ido a ciudades como Nueva York, que también son hermosas, pero en lugares así sientes una desconexión con la naturaleza”. Hablando de Byron Bay, Parkway Drive también son de ahí. ¿Fueron vuestra principal inspiración a la hora de empezar la banda? “Sí, desde luego. Nos hicieron dar cuenta de hasta dónde se puede llegar. Teníamos 14, 15 años cuando empezamos a ir a sus conciertos.

IN HEARTS WAKE

rrer largas distancias, pero son cuatro veces más caros que los normales. Por ahora no nos lo podemos permitir. Preferimos girar y promover nuestro mensaje, que quedarnos en casa. De todos modos, creo que en el futuro sí será posible. Por ahora hacemos lo que podemos. Hemos hecho lo de las playas y con los discos anteriores plantamos árboles. Intentamos también vigilar dónde compramos los alimentos, pero en lo que al transporte se refiere, si queremos ir a tocar a España tenemos que coger un avión que usa fuel”.

Ni siquiera eran el grupo principal. Quizá había 150 personas, era una escena muy pequeña. Fuimos al mismo instituto que ellos, así que ver en lo que se han convertido saliendo de una ciudad tan pequeña fue toda una inspiración. Vimos que era posible hacerlo. Musicalmente también nos inspiraron, aunque creo que con el tiempo hemos encontrado nuestro camino. La semana pasada coincidimos con ellos en el Groezrock y fue un sentimiento increíble pensar que ahí estábamos dos bandas de Byron Bay”. También tenéis mucha relación con Northlane, con quienes publicasteis un disco conjunto y habéis girado muchas veces. “Sí, son nuestros hermanos. A las dos bandas nos ficharon al mismo tiempo, tenemos el mismo mánager, y solemos publicar álbumes al mismo tiempo. Ahora no tenemos tanto contacto porque podemos estar girando en partes opuestas del planeta, pero Justin, su guitarrista, y yo, estamos mucho en contacto. Es alucinante ver lo que ambos grupos hemos conseguido. Hace apenas cinco años estábamos tocando en un café en Melbourne para 20 personas y no le

importábamos a nadie. Así que valoramos mucho hasta dónde hemos llegado hasta ahora y nos sentimos afortunados”. En octubre vais a volver a Madrid y Barcelona, esta vez como cabezas de cartel. ¿Qué te esperas? “Los españoles son muy apasionados y como músico es muy agradecido tocar para un público así. Creo que va a estar genial. En Barcelona tuvimos la suerte de poder ir a bañarnos el mismo día del concierto, y siempre es algo especial cuando tenemos el mar cerca”. Bueno, en octubre quizá haga demasiado frío para bañarse... Tampoco queremos que os resfriéis… “(Risas) Bueno, ya veremos. En cualquier caso, esperamos tener la oportunidad de conocer mejor las ciudades. La última vez tuvimos un día libre en Madrid y nos encantó pasear por sus calles. Estamos muy felices de poder volver”.

PAPA ROACH

CON UN NUEVO DISCO BAJO EL BRAZO, CROOKED TEETH, Y FECHAS CONFIRMADAS EN NUESTRO PAÍS EN OCTUBRE, PARECE QUE ESTE AÑO VAMOS A TENER UNA BUENA DOSIS DE PAPA ROACH. MAL QUE LES PESE A SUS CRÍTICOS, JACOBY SHADDIX Y SUS SECUACES NO AFLOJAN. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

A ESTRATEGIA UTILIZADA PARA el lanzamiento de Crooked Teeth (Eleven Seven Music), el noveno álbum de Papa Roach, recuerda mucho a la de esos reboots que tan de moda están en Hollywood. Se trata de coger un producto que ya ha funcionado, manteniendo los elementos con los que el público está familiarizado e incorporando algunos de nuevos que puedan enganchar a otra generación. La banda californiana vivió su mayor éxito en pleno auge del nu metal y quizá por ello se ha destacado que después de unos cuantos discos, en los que su vocalista Jacoby Shaddix se había centrado en cantar melódicamente, ahora volvería a rapear. También se apuntaba a que encontraríamos riffs más duros y contundentes reminiscentes de sus primeros trabajos. Pero si se hubiesen limitado a eso, corrían el riesgo de que parecieran vivir de rentas y por eso también encontramos colaboraciones como las de Skylar Grey en ‘Periscope’ y de Machine Gun Kelly en ‘Sunrise Trailer Park’, que cuentan con un público mucho más joven. Sobre el papel debería ser una fórmula ganadora, y de momento su primer single ‘Help’ ha entrado fuerte en las listas americanas. Veremos si la racha sigue o no, pero lo que es seguro es que cuando Shaddix, Jerry Horton (guitarra), Tobin Esprance (bajo) y Tony

Palermo (batería) aterricen en la sala Apolo de Barcelona y La Riviera de Madrid los días 14 y 15 de octubre, se encontrarán con un recibimiento por todo lo alto. Después de casi 15 años sin actuar en salas en nuestro país, no es para menos. Cuando Papa Roach asomó la cabeza por primera vez a nivel mundial con el disco Infest, daba la sensación de que se estaba creando algo nuevo. ¿Crees que eso sigue pasando con Crooked Teeth o ya está todo inventando y sólo hay opción a mezclarlo de manera diferente? JERRY HORTON “Creo que la mayoría de la música ya está inventada, muchas bandas ya tienen su sonido particular y amo a esos grupos por ello. Pero mientras sientas que lo que haces es auténtico siempre será nuevo para ti. Mientras siga atrayendo a la gente será especial. Nos gusta pensar que somos ese tipo de banda que no deja indiferente a nadie, no vamos a hacer un disco del que la gente pase, siempre lo amarás o lo odiarás. Prefiero que la gente odie nuestro disco a que no me diga nada sobre él (risas)”. Para hacer este álbum habéis elegido a dos productores, Nicholas ‘RAS’ Furlong y Colin Brittain, que en realidad 33

“PREFIERO QUE LA GENTE ODIE NUESTRO DISCO A QUE NO ME DIGA NADA SOBRE ÉL” JERRY HORTON

no lo son, sino que son fans de la banda bastante jóvenes que crecieron escuchando Infest y que nunca han producido un disco al completo. ¿No teníais miedo de que pudiese salir mal? “Para nada. Nosotros hemos grabado muchos discos, y ellos han trabajado con una gran variedad de artistas, aunque, cierto, sólo grabando singles. Lo que hicimos fue meternos en el estudio con ellos para grabar una canción. Vimos que salió bien, el single quedó espectacular, y pensamos ‘lo único que tenemos que hacer es repetirlo doce veces más y tendremos el disco completo’. En el fondo no es tan difícil grabar un disco”. En el trabajo anterior teníais a

Maria Brink de In This Moment como invitada en una canción, lo cual era algo que se esperaba ya que ella proviene también del mundo del rock y del metal. En cambio en Crooked Teeth tenéis a una artista como Skylar Grey del mundo del pop, y a Machine Gun Kelly del mundo del rap. A pesar de que se ha vendido este disco como una vuelta a las raíces, ¿teníais también la intención de saliros de lo establecido en este tipo de música? “Sí, así es como trabajamos. En realidad, dejamos que los invitados aparezcan de forma natural. Por ejemplo, con Machine Gun Kelly ocurrió que estábamos pasando el rato con él tras un concierto en Cleveland y le mostra-

mos las demos que teníamos para este disco. Le preguntamos si quería participar en esa canción en particular, ‘Sunrise Trailer Park’, y aceptó. Nos gusta su estilo, creemos que hace algo único, y que tiene mucho talento. Lo mismo con Skylar Grey, es una gran compositora y músico a la vez. Lleva mucho tiempo escribiendo canciones para otros, algunas de las canciones más grandes de los últimos diez años son suyas, pero la gente no la conoce como intérprete. Esperemos que eso cambie pronto con su propio álbum”. Normalmente, cuando un artista de rock o de metal colabora con alguien de fuera de este mundillo, recibe muchas críticas. ¿Crees que esto ocurre porque los metalheads o

los rockeros son cerrados de mente? “Sí, lo creo, y es una pena. El rock y el metal se han vuelto aún más undergrounds. Es como en los 80, que era una música más selecta y sólo para ciertas personas. La gente lo toma como algo sagrado, no quieren influencias de fuera, ni mucho menos invitados de otros estilos que no encajan con este género. Lo entiendo, pero no es como esta banda funciona. No trabajamos la música de esa manera, no es como nos gusta ser creativos, así que lo sentimos (risas)”. De hecho, en otra de las nuevas canciones, ‘Born For Greatness’, no habéis colaborado con el dúo de productores que mencionamos antes, sino con Jason Evigan, al cual se le asocia con artistas como Maroon 5 o Demi Lovato. ¿Qué buscabais al tenerlo en esa canción en concreto? “Jason Evigan ya era amigo nuestro antes de que se volviese un productor de renombre, solía cantar en una banda llamada After Midnight Project. Es un gran ser humano. Un día cuando volvimos de gira decidimos llamarlo para pasar el rato, y nos llevó al nuevo estudio que acababa de montar. Una cosa llevó a la otra, y acabamos grabando esa canción allí, así fue como pasó”. ¿Todavía consideras a Papa Roach como una formación de metal o crees que el metal es sólo una pequeña parte de lo que Papa Roach es en la actualidad? “Es sólo una pequeña parte de lo que somos, porque Papa Roach es una

banda con muchos ingredientes. Siempre hemos sido amantes de la música, de todo tipo, y hemos crecido escuchando jazz, hip hop, punk, hardcore, metal, reggae o electrónica. Creo que nadie puede decirme qué puedo hacer y qué no puedo hacer en cuanto a la música. Para nosotros hacer música es algo divertido, e intentamos siempre ponerle pasión a lo que hacemos, sin olvidar que lo hacemos para conectar con la gente”. Una de las cosas que más ha emocionado a los fans sobre el nuevo disco es que, a diferencia de F.E.A.R., Jacoby vuelve a rapear más en esta ocasión, algo que os llevaban años pidiendo. ¿Por qué lo habíais dejado hasta ahora? ¿Estabais aburridos del rap? “No creo que intentásemos evitar el tema del rap, sino que simplemente Jacoby estaba pasando por una etapa en la que quería cantar más melódicamente, quería explorar el otro lado de su voz; les pasa a muchos artistas. Parte de este oficio es descubrir nuevas cosas, y creo que a todo el mundo debe permitírsele desligarse de un estilo y volver a él si le apetece. No debería haber reglas sobre cómo se hace música, cada uno debería hacerla como quiera, así que cuando alguien intenta decirte cómo tienes que hacer tus canciones, resulta bastante molesto. Se creen con poder para decirte cómo hacer las cosas, pero los artistas somos nosotros, y si no te gusta lo que hacemos no tienes por qué escucharlo (risas). Por suerte nuestros cambios sólo nos han traído más fans. Parece ser que hay algo fresco en lo que hacemos o intentamos hacer cada vez, y nos encanta.

La gente acepta los cambios en una banda como nosotros, y creo que es lo que gusta de Papa Roach. Si hacemos canciones que conectan con la gente al nivel adecuado es que estamos haciendo lo correcto”. El sentimiento general que se quiere transmitir es que Papa Roach no han ido a lo seguro esta vez, que han hecho un disco algo arriesgado. Por tu parte, ¿crees que es así? ¿Te la has jugado en las guitarras en las nuevas canciones? “Bueno, tomar riesgos es divertido. Es igual que nuestro estilo de vida, esto es rock’n’roll y siempre tienes que ir arriesgando algo, es así como la música que patea culos se fabrica. En realidad, llegamos a un punto en el que sentíamos que la dirección que estaba tomando nuestra música ya no era tan emocionante, y decidimos cambiarla. Decidimos agitar las cosas, por eso nos metimos en el estudio con gente que pensamos que nos podían inspirar a hacer cosas diferentes, gente que pensamos que son cool y con la cual queremos estar, gente que piensa que es genial lo que intentamos hacer en este disco”. Muchos de vuestros fans se toman la música de Papa Roach como algo muy serio, especialmente las letras. A muchos de ellos los ayuda a salir de un mal bache. ¿Crees que vuestra música es terapéutica en cierto sentido? Canciones nuevas como ‘Help’ o ‘My Medication’ parecen ir en ese sentido. “Absolutamente. Es catártico. Siempre hemos tenido esa conexión con el pú-

blico y nuestras letras, siempre cuentan una historia con la que la gente pueda identificarse. Jacoby escribe las letras desde diferentes perspectivas para que puedan llegar al máximo número de personas; incluso nosotros nos sorprendemos. Lo llevamos haciendo desde siempre, incluso de antes de darnos cuenta de que lo estábamos haciendo. Simplemente seguimos alzando esa bandera. Jacoby siempre dice que quiere ser la voz de una generación, un líder de los corazones rotos. Para nosotros Crooked Teeth significa algo especial, es nuestra celebración de las imperfecciones. Queremos que sea un mensaje para la gente que intenta aparecer perfecta en su perfil de Instagram o Twitter. ¿Qué hay de malo en tener los dientes torcidos? Todo el mundo tiene algo que no le gusta de sí mismo, algo diferente, algo que ‘no está bien’, pero eso es al final lo que nos hace humanos”. Hablando de cosas imperfectas... si echas la vista atrás y ves todas las canciones que has compuesto para la banda, ¿encuentras alguna que no te guste pero que ya no puedes borrar porque forma parte de algo más grande? “Sí, por supuesto, pero creo que es natural sentirse de esa manera. Les pasa a muchos artistas, especialmente a los que tienen una carrera tan larga como la nuestra. Hay cosas que miro y escucho, y ya no me siento conectado a eso, o ya no pienso de esa manera, pero no hay manera de borrarlo. No tienes que amar todo lo que has hecho en el pasado, sólo tienes que seguir adelante. No me detengo a pensar en lo que hice hace cuatro 36

discos, siempre miro al futuro porque es lo que me motiva a levantarme de la cama todos los días”. Papa Roach arrancáis una gira europea este septiembre que pasará por España en octubre. Bandas como Avenged Sevenfold siempre están intentando innovar en el campo de las actuaciones en directo, siempre quieren dar un extra además de la música, y traen escenarios impresionantes o hacen cosas que no se han hecho antes. ¿Papa Roach se sienten parte de este tipo de artistas o crees que se debe mantener todo más old school? Sólo salir, tocar, y la música hace el resto. “Hemos sido esa banda que se mantiene old school, que va y toca y ya está, durante mucho tiempo. Sería bueno intentar incorporar elementos visuales a nuestras actuaciones, especialmente ahora que nuestra música se mueve en otras dimensiones. Veo a muchos artistas, especialmente los nuevos, tener muchísimos elementos visuales en el escenario, y me gustaría usar algo de eso. También tiene que ver con algo que mucha gente no sabe: viajar con tantos artefactos en una gira puede resultar muy costoso. Quizá a formaciones como Avenged Sevenfold les pagan toneladas de dinero y se pueden permitir llevar todos esos chismes. Algunas bandas necesitan de esas cosas, otras no. No creo que Papa Roach sea del tipo de bandas que necesiten toda esa parafernalia, pero creo que sería bonito tanto para los fans como para nosotros mismos realizar un show que se adecue a las dimensiones que el gru-

po tiene ahora. Hemos hablado de ello y sí queremos llevar algo de eso en gira, pero sin que las cosas se desmadren. A la gente le encantan las explosiones, el confetti... estamos hablando de hacerlo”. Tener una carrera longeva y exitosa te puede traer muchas cosas buenas, pero también malas o puntos bajos. Tenéis muchos fans, pero también una horda de detractores, e incluso gente en la prensa que siempre aprovecha para hablar mal del grupo. ¿Qué es lo más estúpido que has escuchado sobre tu banda? “Es cierto que es así, pero no lo sé, no me detengo a mirarlo. No creo que haya nadie que pueda decirme algo malo sobre Papa Roach que me afecte, porque hagan lo que hagan nosotros les llevamos veinte años de ventaja. Tenemos fans por todo el mundo, realmente conectamos con ellos, sólo tienes que ver en todas las ciudades que tocamos. Eso es indiscutible. Si no te gusta la música no tienes por qué escucharla, si no quieres comprar los discos no los compres, y si quieres hablar mierda sobre nosotros desde tu ordenador supongo que tienes el derecho a hacerlo, pero a mí no me afecta en nada”. Muchas de las críticas hacia Papa Roach están orientadas hacia que el grupo ha ido en una dirección más suave y mucho más melódica en sus últimos dos o tres álbumes. ¿Estáis cómodos en este camino como para seguir en él en futuras obras? “No lo sé, no creo que tengamos

“COMPUSIMOS ‘LAST RESORT’ CUANDO TENÍAMOS 16 Ó 17 AÑOS, Y LA HICIMOS SIN NINGUNA EXPECTATIVA DE QUE SE CONVIRTIESE EN LO QUE SE CONVIRTIÓ” JERRY HORTON

reglas. Estamos muy contentos con el disco que acabamos de hacer, y aunque aún no esté publicado, ya hemos empezado a trabajar en el siguiente. Ya tenemos canciones para el siguiente álbum y te puedo decir que va aún más lejos a la hora de experimentar. Las canciones pesadas son más pesadas, hay una energía punk rock muy latente, pero también hay canciones que son bastante experimentales, y te puedo asegurar que es algo que nadie se esperaría de nosotros”. Muchas de las cosas que dices en entrevistas se aprovechan en los medios para sacar algo de contexto, y en lugar de promocionar a la banda tira por tierra su trabajo... ¿Crees que parte de la prensa odia a

bandas famosas como Papa Roach sólo por ser exitosas? “Oh, por supuesto, siempre hacen esa mierda. Los medios siempre hacen eso, es parte de su trabajo. Los medios te construyen un monumento para después destruirte y verte caer, es algo que ya me espero de todas las entrevistas que hago”. Cuando alguien piensa en Papa Roach siempre piensa en la misma canción, ‘Last Resort’. ¿Estás harto de que sea vuestra canción bandera? “No, estoy muy orgulloso de esa canción. La compusimos cuando teníamos 16 ó 17 años, y la hicimos sin ninguna expectativa de que se convirtiese en lo que se convirtió. Pero ahora es un clásico, un himno, y no

voy a negar que me encanta que lo sea. Tenemos otras canciones con las que la gente conecta, como ‘Scars’, ‘Forever’... La gente también se vuelve loca cuando tocamos ‘Between Angels And Insects’, ‘Getting Away With Murder’ o ‘Gravity’. Los fans cantan todas las canciones durante nuestro set, pero ‘Last Resort’ fue lo primero que escucharon de nosotros a gran escala, y es la canción con la que nos asociarán siempre. Estoy muy orgulloso de ella, pero eso no significa que vayamos a intentar hacer la misma canción una y otra vez en otros álbumes (risas). No funciona de esa manera”.

FOSCOR / MOONLOOP

CADA UNO A SU RITMO, FOSCOR Y MOONLOOP HAN IDO COCIENDO POCO A POCO UNA TRAYECTORIA QUE LES HA LLEVADO A ESTAR EN EL PUNTO DE MIRA INTERNACIONAL. TENIENDO EN CUENTA QUE A AMBAS BANDAS LES UNE UNA GRAN AMISTAD Y QUE SON DE BARCELONA, DECIDIMOS JUNTARLOS EN NUESTRA REDACCIÓN PARA COMPARTIR IMPRESIONES. TEXTO: RICHARD ROYUELA/JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

A CASUALIDAD, o no, ha hecho que Devocean (Listenable) y Les Irreals Visions (Season Of Mist), las nuevas obras de Moonloop y Foscor, vean la luz con apenas un par de meses de diferencia. Si algo comparten ambas obras –más allá de la raíz metalera inherente a ambas formaciones y de ser lanzadas por sellos franceses-, son las ganas de arriesgar y de dar un paso adelante que se salga de su zona de confort. Poco queda del black y death metal casi de manual que ambas formaciones tenían en sus inicios. Sin renegar para nada de aquello, ambas formaciones tienen una necesidad vital de romper ese corsé que tantas veces ahoga en el mundo del metal. Eric Baulenas, guitarra y voz solista de Moonlop –que se completa con Juanjo Martín (guitarra y coros), Raúl Payán (batería) y Vic Granell (bajo)- y Fiar,

bajista y voz de Foscor –acompañado de Falke (guitarra), A.M. (guitarra) y J.F. (batería)-, no son unos desconocidos. Es más, en alguna ocasión, Eric ha ejercido de guitarrista en directo de Foscor cuando alguno de sus componentes no ha podido hacerlo. Eso lleva a que en esta charla hubiese una complicidad que nos llevó mucho más allá de la de simplemente promocionar sus nuevas obras. Allí se habló de las dificultades de tirar una banda adelante, de cómo condicionan los momentos vitales a la hora de hacer cosas o de lo complicado que puede ser tener un país como España como centro de operaciones. Pero al mismo tiempo, también hubo momentos para el orgullo al ver cómo la escena estatal está creciendo de una manera impensable hace apenas cinco años. Algo en lo que, sin duda, ambas bandas tienen su parte de culpa.

Antes de empezar a charlar entre todos, ¿podríais ‘vender’ vuestros últimos discos? FIAR “¿Como si fuera un programa electoral? (Risas) En este caso, no estoy sólo orgulloso del disco porque sea el último, sino porque por fin hemos conseguido tocar una serie de teclas que hacen que todos los aspectos que inciden en un álbum, ya sea musical, compositivo, de actitud o gráfico, hacen de él un producto totalmente coherente y, en términos de industria, muy exportable. Creo que por fin hemos mostrado un lenguaje propio de la manera más rica posible, sin nada que lo nuble. Llevamos trabajando muchos años y, al final, de una manera natural, acaban saliendo las cosas. Creo que la gente escuchará a unos Foscor más distintos que nunca; al final es nuestro lenguaje más personal a todos los niveles. Y seguramente por eso hemos podido fichar por un sello de la importancia de Season Of Mist y las cosas empiezan a funcionar de otra manera. Creo que ahora podemos empezar a trabajar en serio dentro del mundo de la música”. ERIC BAULENAS “Lo más importante es que tú estés súper convencido, ver que no estás dando un paso en falso. Por distintos motivos, nosotros somos muy lentos creativamente. Nos sentimos muy satisfechos con el resultado final, a nivel de producción y a dónde hemos llevado a Moonloop. Al igual que Foscor, somos una banda que veníamos de hacer un estilo y que con el tiempo ha ido mutando. Somos muy fans del death metal, nos encanta el progresivo, y hemos ido evolucionando. Con el disco anterior (Deeply From The Earth, 2012 -ndr.) no acabamos de quedar del todo contentos

“LA VIDA ESTÁ LLENA DE SUFRIMIENTO, DE ACUERDO, PERO SIEMPRE HEMOS INTENTADO BUSCAR Y EXPRESAR LOS MOMENTOS DE BELLEZA” FIAR

con la producción y eso hizo que incluso estuviéramos en la cuerda floja respecto a Listenable. Así que nos hemos esforzado mucho para conseguir de nuevo su confianza y mantener un vínculo con un sello que, quieras que no, te abre una serie de puertas a nivel promocional. Ahora toca defender esta joya que tenemos. Sentimos una energía interior para dejarnos la piel y defenderlo”. ¿Qué pensáis que tienen en común Foscor y Moonloop? FIAR “Creo que lo que tenemos en común es la vitalidad de las propuestas musicales. Son lenguajes distintos,

está claro, pero no tenemos una energía violenta. Nuestros referentes estaban en el black metal, que tiene una energía violenta, pero siempre la hemos leído desde un punto de vista luminoso, vitalista. La vida está llena de sufrimiento, de acuerdo, pero siempre hemos intentado buscar y expresar los momentos de belleza”. ERIC “En ese aspecto, yo estoy entre dos tierras. Porque por un lado comulgo con eso y me interesa transmitir un mensaje con fuerza, aunque no necesariamente negativo, pero por otro a veces me encanta caer en el tópico. De momento todavía me gusta sacar los demonios a través del cabreo, la

violencia. Quizá algún día madure del todo y diga ‘a tomar por el culo’, pero por ahora me gusta combinar la mala leche y lo tradicional con un mensaje que tenga que ver más con la conciencia y un viaje interior”. ¿Creéis que esta evolución que habéis tenido y que también se ha producido en bandas como Anathema u Opeth tiene que ver sobre todo con la edad? FIAR “Yo creo que sí. Sobre todo, con cómo te tomas la vida. Te importa tres pepinos lo que opinen los demás. Es cutre decirlo, pero yo siempre ha-

bía seguido unos referentes, quería que lo que hiciese yo se pareciese a lo que me gustaba. Pero llega un momento en el que te das cuenta de que tienes unas herramientas que has ido desarrollando y de forma natural tomas consciencia de lo que eres de verdad, en lugar de lo que querías ser. Y a partir de aquí intentas expresar lo que eres tú y eso hace que la gente lo valore aún más”. ERIC “Creo que todos los músicos cuando empezamos tenemos unos referentes. Y creo que es muy importante copiar, y copiar bien, porque a partir de ahí encuentras esas herramientas con las que luego puedas

desarrollar lo tuyo. Yo he escuchado mucho death metal técnico y no creo que podamos aportar nada nuevo a ese género. Por eso me alegro cuando alguien dice que sonamos a Moonloop”. FIAR “Has dicho copiar, pero te falta una palabra que es ‘aprender’”. ERIC “¡Claro! Pero yo creo que es una cuestión de madurez y también de corrientes. Son corrientes sanas. Desde hace unos años, el rock progresivo y las músicas más volátiles se han puesto de moda, pero será porque la humanidad lo pide. El planeta está jodido y algunas personas necesitan despertar. Llevar el metal a terrenos más luminosos lo veo precioso, ideal. Así que creo que es una cuestión personal, pero también ambiental”. FIAR “Yo creo que ha habido 15 años en los que ha habido un vacío absoluto de propuestas en la música extrema. Todo ha funcionado en base a lo que se hizo en los 90, o principios de 2000 como mucho. Además, en este país lo que ha faltado siempre es aprender de lo que teníamos cerca. Pero últimamente hay mucha gente joven que no tiene ni miedo ni manías y que ha aprendido mucho saliendo fuera, yendo a festivales, viendo cómo la gente mueve las cosas… Y a partir de ahí, todo es más sencillo. A mí me gusta mucho cómo está ahora la escena metálica extrema, aquí, en Catalunya. Hay chavales de veintipocos que nos dan mil patadas en muchos aspectos. Yo he tardado media vida en aprender no sólo cómo hacer música, sino cómo moverla. Eso me apasiona. Me da mucha energía para seguir”. Danos un ejemplo de alguien así por aquí.

FIAR “Sin ir más lejos, el batería con el que hemos trabajado, Jordi Farré. Es un chaval de 23 años y se acaba de hacer una gira de 15 fechas con Cruciamentum, que es una banda inglesa de death metal old school con una repercusión mundial. ¿Cómo una persona de aquí con esa edad llega a entrar ahí, más allá de que toque muy bien? Pues porque es una persona que se sabe mover. Yo quiero ese perfil de persona. Carlos, el guitarra de Graveyard (banda en la que también canta Fiar –ndr.), también es muy joven, pero tiene un nivel de conocimiento como el que podamos tener nosotros. Tienen la misma actitud que ves en la gente en Europa. Me da esperanza. Quizá sean todavía pocos, pero los hay”. Quizá el problema de muchas bandas jóvenes es que tienen la teoría, pero les falta la práctica. ERIC “Sí, hace falta darse hostias. Hoy en día con YouTube y un portátil puedes ofrecer un producto final que peta que te cagas, pero luego hay que demostrarlo encima de un escenario. Pero en el ambiente metalero, faltaba gente que despuntase y fuese a por todas”. FIAR “Sobre todo tener la vista puesta afuera. Recuerdo cuando sacamos Groans To The Guilty (2009), nos hicieron un reportaje en MondoSonoro con Vidres A La Sang. Para mí eran el grupo con más posibilidades que ha podido dar este pequeño país, pero el grupo nunca tuvo el mínimo conocimiento de cómo salir fuera. Las bandas de pop pueden funcionar sólo con el mercado nacional, pero las de metal no. Depende de las intenciones de cada uno, pero la mía es que crezca 42

a nivel mundial. Por eso cuando veo a chavales jóvenes que les da igual lo que pasa aquí, y piensan en lo que hay allá, es cuando siento esperanza”. A nivel de industria, todo cambió mucho con Angelus Apatrida, ¿no? Fue la primera vez que hubo un intento serio de salir fuera. Y es una banda que se ha hecho a base de currar. Siempre había existido a nivel underground, con bandas como Looking For An Answer, pero con Angelus se abrió una puerta. Ahora Century Media tiene a cuatro bandas españolas, Listenable tiene a dos, Season Of Mist tiene a cuatro… Estamos hablando de algo inimaginable hace unos años. FIAR “Sí. Michael de Season Of Mist hizo un post diciendo que de todo un día escuchando demos, las dos únicas que le llamaron la atención eran de bandas españolas. Luego supe que una éramos nosotros y la otra Altarage de Bilbao. Me alegré mucho porque cuando les escuché ya pensé que ahí había algo potente”. ¿Creéis que aún sois bandas de nicho o que le podrías gustar, por ejemplo, a un fan de Radiohead? ¿Sigue existiendo un estigma con el metal? FIAR “Nosotros desde que tocamos en el Primavera Sound hemos recorrido un camino. La intención es salir de la cueva. El fichaje de Season tiene que ver con eso. Es trascender a la etiqueta ‘metal’ y situarte en un sector que está en auge. Tienes el ejemplo de festivales como el Desert Fest o el

Roadburn, donde estuve este año, en el que los dos conciertos más espectaculares fueron Mysticum por un lado y Emma Ruth Rundle, por otro. ¿Cómo cuaja eso? Porque estás en una paleta de colores inmensa. Yo creo que sí podemos gustar a un fan de Radiohead. Cuando dejas las voces guturales, todo es mucho más amable. Hasta a mi madre le puede gustar, aunque luego puedas meter un blast beat. ¿Está hecho con esa intención? No, pero en el último disco mezclamos muchas cosas y en éste, quisimos centrarnos en una. Y en lugar de mirar atrás y volver al black, quisimos dar un paso adelante”. ERIC “Creo que ahora hay mucha gente que puede escuchar a M83 y a Cannibal Corpse. Yo creo que con Moonloop, por la música que nos gusta hacer, estamos en un nicho más cerrado. Las guturales te cierran. Pero por eso también tengo mi proyecto como Eric Baule, donde tiro más hacia Porcupine Tree, Satriani o Pink Floyd. Y desde hace años tengo en mente hacer un proyecto instrumental más lisérgico, más psicodélico. De todos modos, veo que gente del progresivo está perdiendo el miedo a las guturales”. FIAR “La lectura que yo hago de festivales donde encuentras desde shoegaze a black metal, a pop o stoner es que hay una nueva tendencia. Creo que se está perdiendo el miedo. Puede que haya gente que pase, pero el input le entra. Para mí ése es el gran cambio”. ERIC “Lo mejor es romper barreras. Posiblemente un fan de Belle & Sebastian escuche ‘Angel Of Death’ de Slayer y no le haga vibrar, pero igual hay alguno al que le cambie la visión. Obviamente a Slayer se la suda ganar

“YO HE ESCUCHADO MUCHO DEATH METAL TÉCNICO Y NO CREO QUE PODAMOS APORTAR NADA NUEVO A ESE GÉNERO. POR ESO ME ALEGRO CUANDO ALGUIEN DICE QUE SONAMOS A MOONLOOP” ERIC BAULENAS

un fan de Belle & Sebastian, pero está bien que desaparezca el estigma”. De todos modos, el estigma está en las dos direcciones. Faltaría ver qué pasaría si metiesen a Belle & Sebastian en un festival de metal. ERIC “Exacto. Lo que no hay que ser es un australopitecus en el tema de la música. A mi padre le gustan los Beatles e igual veo a Belle & Sebastian y pienso ‘hostia, pues qué melodías más chulas’. La garantía de que todo el mundo tenga una expansión mental no la tienes, pero los músicos que sienten que quieren evolucionar, tienen que hacerlo. La gente le ha metido muchos palos a Opeth, pero para mí tienen una obra de un estilo y ahora hacen otra cosa. Tienen momentos de tostón también, pero veo bien que cambien.

Pero por otro lado, cuando escucho a Suffocation no quiero que cambien, quiero que me ametrallen el tórax”. ¿Cómo influyen los principios que podáis tener por venir del underground? Concretando más... ahora es muy común tener que pagar para poder estar de telonero en una gira internacional. ¿Vosotros lo haríais? FIAR “Lo haría si me sobrase la pasta. Lo valoraría. Nos ofrecieron hacer la gira de I Am Morbid, el retorno de David Vincent, y dijimos que no. En primer lugar, porque intuí que nos pedirían una morterada y, dos, porque creo que no pegamos. Sé que si pagásemos la pasta que piden nos iríamos a la mierda al cabo de dos meses porque no tendríamos capaci-

dad para aguantar. Queremos construir la banda, apostando, invirtiendo, pero no de manera loca. Si hacemos una gira será en base a la amistad, a compartir algo con una banda de fuera…”. ERIC “Está claro que a veces hay que poner los cojones sobre la mesa e invertir. Nosotros si hubiésemos tenido pasta hubiéramos aprovechado muchas oportunidades. Pero es importante saber a qué tren te subes. Es un equilibrio entre ser honesto contigo mismo y el márketing. Tampoco puedes pecar de ir sólo de corazón, hay que usar también la cabeza”. FIAR “Yo antes criticaba mucho esto, pero cada uno que haga lo que quiera. Si hay que hacer una inversión, pero crees que será beneficiosa para el grupo, hazla. Pero una banda que conozco pagó un pastón por girar con 43

“PARA MÍ LA MAYOR CAGADA FUE NO PERDER ANTES EL MIEDO A TIRARSE A LA PISCINA Y MOVERTE. NO PUEDES ESPERAR A QUE ALGUIEN VENGA A BUSCARTE, PORQUE NADIE LO HARÁ. TIENES QUE IR CONSTRUYENDO Y ESO NO PUEDE HACERSE EN UN DÍA” FIAR

Dark Funeral y luego no pudo asumir el coste y desapareció. Una banda tiene muchos frentes abiertos y hay que tenerlos todos en cuenta. El dinero es sólo uno de ellos”. ERIC “Las bandas aquí estamos con la soga al cuello. Aquí hay una calidad que te cagas, pero fichas por un sello de fuera y esperan que funciones como una banda de fuera. Pero la realidad es que aquí, la base, las infraestructuras, los trabajos, las ayudas, son muy distintas. A veces quieres, pero no puedes. O puedes tú, pero los demás del grupo no, y esto es un trabajo en equipo”. FIAR “No es que a los grupos de fuera les regalen las cosas, pero también existe un factor cultural. Yo ahora estoy aprendiendo mogollón de bandas alemanas de la escena crust. Viven de otra manera, el rollo okupa, hacen de las giras su modus vivendi. Es otra historia, pero sólo empaparte de eso, ya te inspira”. Se pueden crear circuitos alternativos, pero tienes que estar dispuesto a pagar un precio. ¿Si tuvieseis 15 años menos haríais esos sacrificios que quizá ahora ya ni podéis plantearos? FIAR “Si tuviese 15 años menos, sabiendo lo que sé ahora, sería mucho más loco de lo que pienso ser ahora. Estoy pidiendo ciertas cosas a mis compañeros que sé que son un sacrificio, por los trabajos, hijos… Hace 15 años esos condicionantes no existían”. ERIC “Yo hace 15 años tocamos en el Ateneu de Vallcarca (una famosa okupa de Barcelona -ndr.) con un grupo de black death francés. Y nos

dijeron de montar una gira. Y yo pensé que había sido muy bonito, pero no lo vi. En ese sentido siempre he sido un poco señor, me gusta tocar en sitios donde podamos sonar bien. No es que quiera forrarme, pero tampoco creo en irte a Chequia porque tienes un colega que te monta cuatro bolos y volver y darte cuenta de que has perdido dinero y días de trabajo. Creo que tiene que haber un equilibrio”. ¿Cuál creéis que ha sido el mayor error que habéis cometido con el grupo? ERIC “Te lo digo rápido: pasarnos tantos años grabando demos de mierda, desde 2001 que nos formamos hasta 2012. Más vale pagar y aprender”. FIAR “Hemos hecho cagadas, pero creo que sobre todo por inocencia. Para mí la mayor cagada fue no perder antes el miedo a tirarse a la piscina y moverte. No puedes esperar a que alguien venga a buscarte, porque nadie lo hará. Tienes que ir construyendo y eso no puede hacerse en un día”. ERIC “Lo más importante es quererte y creer en lo que haces. Moonloop es como una familia y nos queremos mucho, pero eso también hace que a veces cueste decir las cosas. Es un terreno muy hijo de puta. Hay que saber delegar”. FIAR “En el caso de nuestro nuevo disco, después de hablarlo mucho entre nosotros, decidí que no iba a componer ni un solo tema, y eso que había puesto sobre la mesa cuatro o cinco. Pero vimos que a nivel de lo que buscábamos, era mejor que me centrase en la lírica y las voces, y no querer acapararlo todo. Y ha funcio-

nado. Cada uno es consciente de lo que hace el otro y eso beneficia el conjunto”. ¿Pero hubieseis firmado estar donde estáis ahora cuando empezasteis? FIAR “No porque hubiese querido tenerlo antes. Para mí es poco. Yo todavía tengo unas aspiraciones brutales”. ERIC “Yo soy un poco como tú. Tienes algo que quieres compartir. Pero últimamente estoy practicando el ser agradecido. Intento cultivarlo porque tengo dentro un perro que quiere morder. En 2001 hubiera firmado estar aquí, pero como he dicho antes, es una cuestión de equilibrio. Yo vivo por la música, pero no quiero dejarme la salud. Quizá la vida me depara otras cosas. Intento tomármelo con calma porque, si no, es una carrera contra el mundo, y las paso putas”. El problema es que muchos músicos se olvidan de que cogieron una guitarra para disfrutar. A partir de que creen que el mundo les debe algo, entra la ansiedad. FIAR “Lo importante es saber a dónde quieres llegar. Yo todavía tengo mucha hambre. Estoy súper feliz de todo lo que hemos podido acumular porque cada cosa que nos ha pasado ha sido una sorpresa. Todo el mundo está esperando a que le pase algo, pero eso lo puedes extrapolar a todo. La gente siempre está esperando a que le digan que merece mucho la pena”. ERIC “Nosotros cuando sacamos el primer disco, pensábamos que las cosas vendrían solas y el sello nos encontraría bolos. Inocente de mí,

pensaba que tocaríamos en el Hellfest y todo eso. Iba en pañales y encima los llevaba cagados. Ahora me estoy arremangando yo, y a buscar yo los bolos. Tienes que aprender de los errores y hacer las cosas bien. A medida que vas andando, también aprendes a saber lo que quieres”. Para terminar, ¿dónde os gustaría estar cuando acabe el ciclo de vuestros respectivos discos? FIAR “A mí me gustaría poder confirmar que el grupo está consolidado y es conocido a nivel internacional, aunque sea como novato. Es posible que esto necesite dos o tres discos, pero con el sello que tenemos y algunas cosas que se están moviendo, espero que seamos una propuesta reconocible a nivel internacional. Ni que sea a nivel muy minoritario, pero creo que es la liga en la que estamos jugando. No hablo de cifras, ni de número de países, pero que se sepa que Foscor hacemos algo que es interesante y con un lenguaje reconocible”. ERIC “Yo quiero que el grupo sea una realidad, y para ser real tienes que tocar. Eso es lo que nos falta. Me gustaría que las cosas fluyeran. Creo que el disco está a la altura para que pasen cosas. Poder girar, tocar en festivales, pero no de manera puntual, sino como algo continuo. Poder conectar”.

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GRUPOS PARA NO PERDERSE ESTE VERANO AUNQUE TÉCNICAMENTE EL VERANO NO EMPIEZA HASTA EL 24 DE JUNIO, PARA NOSOTROS SE INICIA UN POCO ANTES... EXACTAMENTE, EL DÍA QUE PODEMOS PONERNOS PANTALONES CORTOS PARA IR A UN CONCIERTO AL AIRE LIBRE. ESTE AÑO LA OFERTA DE FESTIVALES Y GRANDES EVENTOS VIENE MÁS CARGADA QUE NUNCA, Y AQUÍ VA UNA PEQUEÑA MUESTRA.

Foto: Rubén Navarro 46

THE MENZINGERS

THE ROLLING STONES

RANCID

6 de julio en Resurrection Fest.

27 de septiembre en Barcelona

7 de julio en Mad Cool Festival y 8 de

Llevamos dando la tabarra con The Menzingers desde hace años, así que ¿cómo vamos a perdernos su primera visita a España? Su último disco After The Party es excelente y la banda de Filadelfia ya acumula un arsenal de canciones como para que su set no tenga ni un momento de bajón. Ya estamos ensayando para poder corear junto a Greg Barnett y Tom May las melodías de ‘I Don’t Wanna Be An Asshole Anymore’, ‘Good Things’ o ‘Lookers’ a grito pelao. Punk rock de cinco quilates.

(Estadi Olímpic).

julio en Resurrection Fest.

Si bien hace tres años The Rolling Stones actuaron en Madrid, hacía casi diez que no lo hacían en Barcelona. Los Stones presentarán como siempre un escenario espectacular y prometen, además de sus grandes éxitos, incluir dos temas poco habituales en cada concierto. Teniendo en cuenta que Jagger, Richard, Wood y Watts ya pasan de los 70, quizá sí que ésta sea la (pen)última oportunidad para verles.

Teniendo en cuenta la errática manera con la que Rancid manejan su carrera -sin apenas hacer promoción de sus discos y girando sólo cuando les apetece-, cualquier oportunidad de cazarlos en directo es un regalo. En este caso presentarán un nuevo álbum, Trouble Maker, así que es de esperar que Tim Armstrong y compañía lleguen especialmente motivados. Como dicen ellos, “See ya in the pit!”.

MEGADETH

ROYAL BLOOD

FOO FIGHTERS

11 de agosto en Leyendas Del

7 de julio en Bilbao BBK Live.

6 de julio en Mad Cool Festival.

Rock.

Lo sabemos, Dave Mustaine no es precisamente un tipo que despierte simpatías, pero ay, amigos, a la que enchufa la guitarra y empieza a cantar con su voz de rata cabreada y soltar riffs como los de ‘Holy Wars’ o ‘Hangar 18’, se te pasan todas las tonterías. Megadeth forman parte del selecto club del Big 4 y con su último

El dúo británico subió como la espuma con la publicación de su debut homónimo en 2014. Pero a pesar de las suspicacias que suelen levantar los hypes procedentes del Reino Unido, Mike Kerr y Ben Thatcher demostraron concierto a concierto que su propuesta merece ser tomada en cuenta. Más allá de las buenas canciones que también presentan en su nuevo álbum

disco Dystopia han recuperado las buenas sensaciones en parte gracias al fichaje del espectacular guitarrista Kiko Loureiro.

How Did We Get So Dark?, merece la pena escuchar el sonidazo que consiguen únicamente con un bajo y una batería.

Foo Fighters nos debían una desde que hace un par de años cancelaran su concierto en Barcelona como consecuencia del atentado en París. Pero ni que fuera por el imborrable recuerdo de su último concierto en Madrid en 2011, ya merecería la pena acudir. El carismático Dave Grohl nunca falla en directo y su arsenal de himnos, desde ‘Best Of You’ a ‘My Hero’, los convierte en una banda perfecta para festivales. Prepárate a quedarte afónico cuando toquen ‘Everlong’.

AEROSMITH 29 de junio en Madrid (Auditorio Rivas), 2 de julio en Rock Fest Barcelona, 8 de julio en Santa Cruz de Tenerife (Estadio Heliodoro Rodríguez López).

Si no mienten, su actual gira supondrá la despedida de Aerosmith como banda en directo. Ya sabemos que poco hay que fiarse de estos anuncios, pero ante el riesgo de que sea verdad, más vale no perderse al legendario grupo de Boston. Aerosmith son de las poquísimas bandas

de los 70 cuya formación es la misma que en sus inicios, y aunque para muchos son sinónimo de baladas empalagosas, lo cierto es que, a pesar de su edad, siguen siendo una máquina de rock’n’roll imbatible. Pese a quien le pese, Steven Tyler y Joe Perry son los putos amos.

ULVER

GREEN DAY

EMPEROR

30 de junio en Be Prog! My Friend.

7 de julio en Mad Cool Festival.

1 de julio en Rock Fest Barcelona.

Pocas bandas se nos ocurren mejores para cerrar la primera jornada del festival Be Prog! My Friend. Si bien su música no entra estrictamente en los cánones de lo que se conoce como progresivo, no hay duda de que los noruegos encarnan a la perfección la filosofía del género. Desde sus inicios más cercanos al black metal hasta sus jugueteos con el noise, la electrónica o el synth pop de su reciente The Assassination Of Julius Cesar, Ulver nunca han dejado de mutar.

Puede que su último trabajo Revolution Radio no haya levantado grandes pasiones, aunque a nosotros nos dejó más que satisfechos, pero no hay duda de que pocas bandas hay mejores para pegarte una buena fiesta que Green Day. Desde que Billie Joe Armstrong se ‘limpiara’ en 2013 tiene la misma energía que un chaval de 15 años y sus conciertos son ahora maratones que llegan fácilmente a las dos horas y media. Algo así como un concierto de AC/DC en versión punk rock.

En los 90, Emperor demostraron tener una de las personalidades más elaboradas y singulares dentro de la gran ola noruega de black metal. Tras unos años en los que no quería saber nada de la leyenda que le dio un nombre, Ihsahn reactivó el grupo para rendir tributo a sus obras en directo. Esta vez, para celebrar su 20 aniversario, los escandinavos interpretarán entero su segundo y mágico álbum, Anthems To The Welkin At Dusk. No hace falta decir nada más.

GUNS N’ ROSES 30 de mayo en Bilbao (San Mamés) y 4 de junio en Madrid (Vicente Calderón).

Desde 1993 los fans de Guns N’ Roses no habían tenido la oportunidad de ver a Axl Rose, Slash y Duff McKagan juntos en un escenario. La gira, bautizada irónicamente como Not In This Lifetime Tour,

que ni Izzy Stradlin ni Steven Adler (aunque éste ha aparecido puntualmente en algunos conciertos) formaran parte de la reunión, las críticas de los conciertos han sido excelentes. Y aunque todo el mundo

batió todos los récords de asistencia el año pasado y este mes por fin llega a Europa. A pesar de la decepción inicial de

quiere escuchar clásicos, lo que nos da morbo de verdad es ver a Slash tocando temas de Chinese Democracy.

BAD RELIGION

TOUCHÉ AMORÉ

SNAPCASE

15 de julio en Mallorca’N’Roll.

21 de junio en Barcelona (Razz 3) y

6 de julio en Resurrection Fest.

A todos nos jodió que Greg Hetson y Brooks Wackerman se fueran del grupo, pero visto el nivel que Bad Religion demostraron en sus conciertos por aquí el pasado verano, la verdad es que no se les echa de menos. Estos popes del punk californiano cuentan con un catálogo inacabable de grandes canciones y en sus últimas giras han cogido la buena costumbre de cambiar buena parte del repertorio en cada concierto, repasando todas sus etapas.

22 de junio en Download Madrid.

Los californianos Touché Amoré son una de nuestras bandas fetiche de los últimos años, así que no podríamos estar más felices de poder verles dos días seguidos. El primer día supondrá su bautizo en una sala en nuestro país y, además, lo harán acompañados de los poderosos Code Orange. Y esperamos que su presencia en el Download Madrid ayude a que muchos más descubran a esta genial banda.

Quizá porque fueron unos adelantados a su tiempo, todavía no se ha hecho justicia con el increíble legado que dejaron Snapcase. Discos como Progression Through Unlearning (1997) y Designs For Automotion (2000) merecen estar colocados a la altura de las mejores obras del post hardcore, pero su separación en 2004 hizo que lo dejaran sin rematar la faena. Ésta será su primera visita a España desde que empezaran a ofrecer conciertos puntuales de reunión. Será brutal.

DESCENDENTS

TRIPTYKON

AGAINST ME!

2 de junio en Primavera Sound.

10 de agosto en Leyendas del Rock.

3 de junio en Primavera Sound.

Su último disco Hypercaffium Spazzinate nos pareció tan increíble que lo pusimos como número 1 en nuestra lista de Lo Mejor de 2016, y su actuación en el Primavera Sound será la primera oportunidad que tendremos de disfrutar de sus temas en directo. Eso sin olvidar que muy probablemente caigan ‘Everything Sux’, ‘Bikeage’, ‘I Don’t Want To Grow Up’, ‘My Dad Sucks’, ‘Suburban Home’ o ‘Myage’. El hardcore melódico tiene un nombre y ese nombre es Descendents.

Lo más parecido a Celtic Frost que hay en el mundo es Triptykon. De hecho, si no se hubieran vuelto a desintegrar, Tom Gabriel Warrior hubiera seguido publicando bajo su bandera temazos como los que conformaron su debut. Con un sonido profundo, que eriza el vello, este padre del metal extremo demuestra que sigue siendo todo un referente a seguir acompañado de una joven banda repleta de talento. Sus conciertos son de los que no se olvidan.

Puede que últimamente se hable sobre todo de Laura Jane Grace por su papel en la lucha del colectivo transexual, pero eso no debería eclipsar el poderío punk rock que sigue teniendo su banda. Además, desde que adquirió su nueva identidad y renovara la formación del grupo, vemos a una Laura Jane que disfruta más que nunca y no para de regalar sonrisas al público. Por favor, si nos veis haciendo la conga durante ‘Trash Unreal’, no nos cortéis el rollo.

RAMMSTEIN

7 de julio en Resurrection Fest.

Fuego, fuego y más fuego. Pocos grupos son capaces de ofrecer un mayor espectáculo que Rammstein y en cada gira se las ingenian para superarse. Aun a riesgo de acabar con las pestañas quemadas, merece vivir de cerca toda la potencia

visual y sonora que los alemanes presentarán en el que será su único concierto en toda la Península. Si el año pasado Viveiro tembló con ‘The Trooper’, no queremos ni imaginar lo que pase cuando suene ‘Du Hast’.

THE LIVING END

THE OFFSPRING

GOJIRA

8 de julio en Psychobilly Meeting.

29 de julio en Tsunami Xixón.

1 de junio en Primavera Sound

Casi veinte años han tenido que pasar desde que los descubriéramos con su atómico debut hasta que se haya obrado el milagro de verles en nuestro país. Lo harán en el marco de un festival de rockabilly en Pineda de Mar (Barcelona), y aunque hace años que su música se mueve por otros terrenos, esperemos que aprovechen para recuperar esos temas en los que sonaban como la fusión perfecta entre Green Day y Stray Cats. Desde Australia con amor.

Posiblemente The Offspring eran la peor banda en directo de todas las que triunfaron durante la explosión punk de los 90. Y aunque les costó bastante dar con la tecla adecuada (básicamente cambiar de batería e incorporar a un guitarrista extra), ya hace bastante tiempo que están a la altura de lo que se espera de un grupo capaz de encabezar un festival. Para disfrutar saltando al ritmo de ‘Self-Esteem’ o ‘Pretty Fly (For A White Guy)’ como si no hubiera mañana.

y 22 de junio en Download Madrid.

Mucho han cambiado las cosas desde aquella primera vez que los vimos en una sala Apolo medio vacía en 2006. Desde entonces Gojira no han parado de crecer y su death progresivo les ha llevado al reconocimiento universal, optando incluso a un Grammy con su último disco Magma. La banda de los hermanos Duplantier combina como nadie brutalidad y humanidad y en directo son una auténtica apisonadora. El metal del siglo XXI pasa por ellos.

CHEAP TRICK

LAGWAGON

23 de junio en Azkena Rock Festival.

21 de julio en Madrid (Sala But) y

DEVIN TOWNSEND PROJECT

Durante muchos años poder ver a Cheap Trick en España parecía una utopía, y aunque todavía son muy caros de ver, al menos desde aquella primera visita en 2004 abriendo para Deep Purple, ya no es un imposible. Su anterior concierto en el Azkena Rock Festival ya dejó muy buen sabor de boca. La prodigiosa voz de Robin Zander, las estrafalarias guitarras de Rick Nielsen y escuchar joyas del power pop como ‘Surrender’ o ‘I Want You To Want Me’ son alicientes más que suficientes.

22 de julio en Barna’N’Roll.

1 de julio en Be Prog! My Friend.

Entre sus giras acústicas en solitario y las que realiza con Lagwagon, Joey Cape pasa tanto tiempo por aquí que pronto sabrá que un tercio y una mediana son exactamente lo mismo. Si bien parece

El prolífico y polifacético Devin Townsend regresa al festival Be Prog! My Friend con un as en la manga: la interpretación íntegra de su segundo álbum en solitario Ocean Machine: Biomech, publicado originalmente en 1997. Será una oportuni-

que le hayan cogido manía a entrar en un estudio (y eso que Hang de 2014 era estupendo), en directo los californianos siguen siendo una fiesta. Además, en sus dos fechas estarán muy bien acompañados por Face To Face.

SYSTEM OF A DOWN

dad única para escuchar temas poco habituales en su repertorio como ‘Bastard’ o ‘The Death Of Music’. Perfeccionista hasta la médula, los shows del canadiense son una experiencia completa.

23 de junio en Download Madrid.

Al contrario que otros de sus compañeros de generación nu metalera, System Of A Down no han necesitado seguir publicando discos ni girar constantemente para llegar al estatus que

de las canciones de ese nuevo disco en el que presuntamente llevan trabajando varios meses. Aunque teniendo en la recámara hitazos como ‘Chop Suey’, ‘Toxicity’ o ‘Sugar’, poco

les permite ser cabezas de cartel en cualquier festival. Una de las grandes incógnitas de su aparición en el Download Madrid es saber si la banda californiana estrenará algunas

importa. Será la primera vez que System vuelvan a España desde que aquel accidentado Festimad de 2005... Seguro que esta vez la historia acaba en final feliz.

NEW FOUND GLORY

DÍAS DE GLORIA

NEW FOUND GLORY ESTÁN DE DOBLE ENHORABUENA. POR UN LADO, LA CELEBRACIÓN DE SUS 20 AÑOS COMO BANDA QUE SE HA MATERIALIZADO EN UNA GIRA EN LA QUE HAN INTERPRETADO GRAN PARTE DE SU DISCOGRAFÍA. POR OTRO, LA PUBLICACIÓN DE SU NOVENO ÁLBUM, MAKES ME SICK, EN EL QUE DEMUESTRAN QUE NO HAN PERDIDO SU OLFATO PARA FACTURAR PUNK POP DE PRIMERA. SI BIEN YA HACE UN TIEMPO QUE OTRAS BANDAS LES HAN ADELANTADO EN TÉRMINOS DE POPULARIDAD, ESTA DOBLE EFEMÉRIDE BIEN MERECÍA CRUZAR EL ATLÁNTICO Y UNIRSE A LA FIESTA. TEXTO Y FOTOS: RUBÉN NAVARRO/DR

NO SE DA CUENTA DE LO MUCHO QUE LE IMPORTA LA MÚSICA CUANDO el

90% de los viajes que ha hecho en sus 30 años de vida tienen como propósito ir a ver un concierto. Pero esto se hizo más evidente cuando, a principios de mayo, tomé la decisión de subir a un avión dirección Orlando para ir a celebrar junto a New Found Glory sus dos décadas como banda en lugar de ir a cualquiera de los seis parques temáticos de la ciudad. A mí lo que me importaba de verdad eran los seis discazos que los de Florida se iban a tocar sobre el escenario de una diminuta sala en la que iniciaron su carrera musical. La fórmula fue sencilla: tres noches, dos discos por noche, alternando los temas entre los dos álbumes para darle emoción al asunto. Fácil, ¿verdad? Si bien es cierto que la banda anunció la misma gira en el Reino Unido -que me queda algo más cerca- mientras les vi abriendo para A Day To Remember, tener la oportunidad de verles tocar en casa y rodeados de familia y amigos justificaba el viaje de sobras. ¡Y qué diablos! ¡Que me quiten lo bailao! En la primera noche, la que bauticé como ‘tupa-tupa’, nos ofrecieron la exquisita combinación entre su homónimo y Not Without A Fight. Aquello fue una auténtica locura. Como decía antes, la capacidad de la sala permite una entrada de unas 300 personas y, probablemente, lo que más me chocó fue que, por su disposición, el escenario está a menos de tres metros de la entrada. Tras analizar la situación y dar por hecho que me iba a tocar aguantar

empujones, codazos y bañarme en sudor ajeno, me propuse tratar de disfrutarlo al máximo. Fue fantástico mirar a todas direcciones y estar rodeado de todo tipo de fans que abarrotaban la sala, dispuestos a pasar también un buen rato. Con una muy buena acogida, los ingleses Trash Boat dieron inicio a la noche menos ‘pop’ y más ‘punk’. Los chavales no lo hicieron nada mal y claramente tienen todo el apoyo de Hopeless Records, así que es cuestión de tiempo que den el clásico pelotazo que dan las bandas en el Reino Unido. Tras media hora de precalentamiento, llegó el momento de la verdad. Todas las luces apagadas excepto un foco azul apuntando directamente a una mítica bola de cristal de disco, creando una escena de lo más retro que acompañaron con la banda sonora de La La Land. Todo muy pintoresco. Los ahora cuatro integrantes del grupo salieron a por todas en el escenario con una energía que muchas bandas ya querrían. Con casi 40 conciertos a sus espaldas a razón de 25 canciones por día, lo de estos caballeros tuvo mucho mérito. Jordan Pundik no paró de ir de un lado a otro del escenario y estuvo muy cercano al público, invitándonos a cantar con él. Por su lado, Chad Gilbert, algo más relajado que de costumbre desde que se encarga él solo de las guitarras, hizo algún que otro tímido salto y animaba al personal desde su micro. Ian Gruska, por su parte, se pasó ésta y todas las noches haciendo caras y guiños a todo aquél que le miraba. Ah, y también se dedicó a tirar sus púas tras acabar cada canción a

quien más tarde descubrí que era su hermano, que se encontraba justo detrás de mí. Mientras tanto, Cyrus Bolooki disfrutaba apaleando su preciosa batería sin apenas descanso entre temas. A pesar de haber dejado el listón muy alto, las siguientes citas estuvieron a la altura de lo esperado. El público, en su mayoría, repitió las tres noches y muchos pasaron de extraños a amigos, aunque sólo fuese por tres días, algo que favoreció a que se respirase buen ambiente por todas partes. Sobre el escenario todo eran sonrisas y bromas. Incluso Chad y Jordan se marcaban unos diálogos que ni Faemino y Cansado -para bien o para mal-, dando unos segundos a Cyrus para descansar antes de volver al lío. Justo antes del comienzo de la tercera jornada, quedé en la sala con Justin, su tour mánager, quien tras una breve introducción me llevó al autobús de la banda, aparcado justo detrás de la sala. En él Cyrus y Jordan me estaban esperando para una relajada charla donde estuvimos hablando largo y tendido de su nuevo trabajo Makes Me Sick (Hopeless Records) y, evidentemente, de su gira de aniversario. A pesar de estar visiblemente cansados, o incluso algo enfermos en el caso de Jordan, y probablemente haber respondido a muchas de esas preguntas antes, ambos mostraron una actitud muy positiva durante nuestra entrevista y estuvieron totalmente volcados en ella. Es un gustazo cuando te topas con un músico que tiene ganas de hablar sobre su música y percibes que no están ahí por obligación. De hecho, creo que fue la primera entre-

“LA MÚSICA HA IDO PASANDO DE GENERACIÓN EN GENERACIÓN. ME DA IGUAL SI ALGUIEN NOS DESCUBRIÓ CON EL PRIMER DISCO O LO HACE CON ÉSTE, PARA MÍ NO IMPORTA. SI ALGUIEN DE 20 AÑOS ME DICE QUE NOS SIGUE DESDE EL PRINCIPIO, SÉ QUE NO ES VERDAD PORQUE APENAS HABÍA NACIDO (RISAS)” CYRUS BOLOOKI vista en la que no he tenido que mirar el reloj ya que ni siquiera nos pusieron límite. Cuando acabamos, alargamos la conversación unos cinco minutos más hablando de Europa, sus próximas giras... antes de dejarles que se preparasen para las pruebas de sonido. En definitiva, para mí, que he sido seguidor de la banda desde la publicación en el 2000 de su segundo trabajo, fue una gran suerte poder escuchar y ver en directo por primera vez muchas de las 77 canciones que tocaron entre las tres noches. Será difícil olvidarlo… aunque algo me dice que volveré a recordarlo cuando visiten Londres. ¿Hace veinte años pensabais

que sonaríais como lo hacéis en el nuevo disco? CYRUS BOLOOKI “Para mí eso es una pregunta en dos partes. Cuando empezamos, simplemente hacíamos lo que hacíamos. Pero a medida que fue pasando el tiempo y la banda se fue haciendo más popular, la gente empezó a decir los sentimientos que les despertaban nuestras canciones, tomamos experiencias personales y las filtramos a través de la música, así que empezamos a cambiar de manera muy natural. Al principio pensábamos que escribiríamos canciones punk rock para siempre”. JORDAN PUNDIK “Hace veinte años ni siquiera pensábamos en cómo sonaríamos al cabo de veinte. Era impensable durar tanto tiempo.

Pensábamos que igual duraríamos dos años, así que es increíble haber llegado tan lejos”. Sois una banda a la que le gusta variar el sonido en cada álbum. ¿En qué os inspiráis para hacerlo? CYRUS “Como he dicho, ocurre orgánicamente, por cosas que pasan en nuestra vida, especialmente en las letras. Y a nivel musical, nunca hemos querido ser un grupo que escribiera la misma canción una y otra vez. Nos gusta desafiarnos, añadiendo una capa aquí o una capa allá. En el disco hay un tema llamado ‘The Sound Of Two Voices’ que suena muy distinta al resto. La historia detrás de esa canción mola. Está-

“HACE VEINTE AÑOS NI SIQUIERA PENSÁBAMOS EN CÓMO SONARÍAMOS AL CABO DE VEINTE. ERA IMPENSABLE DURAR TANTO TIEMPO. PENSÁBAMOS QUE IGUAL DURARÍAMOS DOS AÑOS, ASÍ QUE ES INCREÍBLE HABER LLEGADO TAN LEJOS” JORDAN PUNDIK bamos todos juntos componiendo temas y paramos para ir a comer. Y cuando estábamos en el coche yendo al restaurante, sonó ‘Call Me Out’ de Paul Simon en la radio y fue en plan ‘Hey, me pregunto si podríamos escribir una canción así’. De ahí fue donde salió la idea para ese tema a nivel de sonido. Y nos salió súper rápido, aunque se aleje bastante de lo que hacemos habitualmente”. JORDAN “Sí, y nos preguntamos por qué no lo habíamos hecho antes, porque nos salió súper fácil”. CYRUS “Tuvimos que meterla en el disco porque seguía sonando a New Found Glory. De hecho, cuando metes la voz de Jordan sobre lo que sea, acaba sonando a New Found Glory (risas). Creo que eso nos da bastante confianza para probar cosas distintas. Podemos meter un teclado y no pasa nada, o hacer una canción 56

acústica y no pasa nada. O hacer un tema como ‘The Sound Of Two Voices’ y no pasa nada”. De hecho, os iba a preguntar luego por esa canción porque cuando la escuché en Spotify pensaba que era un anuncio hasta que empezó a sonar la voz de Jordan. En cualquier caso, ¿cómo os ayudó Aaron Sprinkle a definir el sonido del nuevo trabajo? JORDAN “Aaron es muy bueno tomando una idea que tengas y plasmarla. Por ejemplo, teníamos un tema en el que queríamos meter un teclado que sonase como ‘Cruel Summer’, la canción de los 80 (de Bananarama -ndr.). Y te dice ‘Oh, eso un B38-4000’. Conoce los teclados de esa época y sabe recrearlos. Podemos tocar una parte con la

guitarra y él nos dice que quedaría mejor usando tal o cual instrumento”. CYRUS “Sí, fue muy bueno con el tema de los teclados. En nuestro anterior disco Resurrection teníamos una idea muy clara de presentar un sonido más básico, con sólo voz, guitarra, bajo y batería. Era una manera de mostrar al mundo que nos sentíamos cómodos siendo un cuarteto y que seguíamos sonando a New Found Glory en ese formato. Pero en el nuevo disco no había restricciones, así que Aaron nos ayudó mucho a concretar ideas que igual teníamos, pero no sabíamos muy bien cómo desarrollar. Incluso durante la composición, cuando estábamos en casa de Chad, venía y nos ayudaba a encontrar soluciones cuando estábamos bloqueados o a plantear ideas que a nosotros no se nos hubiesen ocurrido. Tener un par de

oídos extra siempre va muy bien. En Resurrection hicimos la producción nosotros y quizá nos faltó esa opinión externa”. Cuando pasasteis a ser un cuarteto, ¿tuvisteis que ajustar vuestra manera de componer? CYRUS “Como te decía, en Resurrection teníamos una idea muy clara. Mirando atrás, creo que podríamos haber añadido más partes de guitarra en algunos temas, pero no lo hicimos a propósito. Por eso en este disco, decidimos no frenarnos. Tener ideas no es difícil, y al no ponernos límites, se nos podían ocurrir cuatro partes distintas de guitarra que quedaran bien. En el estudio no supone un problema porque puedes grabar en varias pistas. El desafío es llevarlo al directo, pero es algo que nos ha ocurrido a lo largo de toda nuestra carrera, incluso cuando éramos cinco. Pero también es divertido cambiar los arreglos. En esta gira, que tocamos mucho material antiguo, simplemente no nos obsesionamos con reproducir todas las partes de guitarra o teclado. No nos gusta usar cosas pregrabadas, no nos gusta fingir, pero encuentras cuáles son las partes más importantes y sigue funcionando”. El cambio de Resurrection a Makes Me Sick me recuerda al que hicisteis de Catalyst a Coming Home. ¿Veis un paralelismo entre las circunstancias de entonces y las de ahora? JORDAN “Cuando hicimos Coming Home todos habíamos empezado relaciones nuevas y las cosas nos

iban muy bien a nivel personal. Todos estábamos enamorados y se trasladó a las canciones. Estuvimos todos viviendo juntos en una casa en la playa en Malibú, California, compartiendo cambios muy positivos, mientras seguíamos creciendo. Cuando salió Coming Home debía tener 24 ó 25 años. Todavía era un nuevo adulto…”. CYRUS “Lo que mucha gente no sabe acerca de Coming Home es la relación con la discográfica. Justo cuando empezamos a grabarlo todo el personal, de arriba abajo, cambió. Había un nuevo presidente, un nuevo jefe de producto, un nuevo A&R…. Creo que la idea que tenían de New Found Glory era que podíamos hacer algo más accesible, más para la radio, más pop. Nuestra reacción fue intentar eso porque pensamos que si les gustaba, lo apoyarían mucho y podíamos tener un gran éxito. Así que en parte ese disco refleja nuestro acuerdo en ir en esa dirección. Pero después de salir el álbum, ¡volvieron a cambiar a todo el personal! Y nos quedamos sin ningún apoyo. Por eso ahora estamos tan bien en Hopeless Records. No son una gran empresa, es un sello independiente y nos entienden mejor. Pero volviendo a tu pregunta, creo que sí hay paralelismos. Con Resurrection, hubo un gran cambio pasando de cinco miembros a cuatro. Había mucha incertidumbre, sobre si seguiríamos adelante o no. Teníamos que demostrar que sí podíamos. En cambio, llegados a Makes Me Sick, todo eso ha quedado atrás. Nos sentimos cómodos como banda y, como te decía, no nos hemos puesto límites. Un tema como ‘The Sound Of Two Voices’

nunca hubiera encajado en Resurrection, pero ahora sí. Así que los cambios no están relacionados, pero sí lo están”. A lo largo de vuestra carrera habéis estado en el mainstream y fuera de él. ¿Dónde os sentís más cómodos? JORDAN “Creo que hay cosas buenas y malas en las dos situaciones. Obviamente es increíble cuando tienes mucho éxito y llegas a mucha gente que no te conocía. Pero creo que eso también nos ocurre ahora, fuera del mainstream, sin la radio o la MTV, y por eso podemos seguir adelante. Al final, todo depende de lo que quieras como banda. Nosotros nunca nos hemos preocupado por el éxito. Todo lo que nos trajo el mainstream eran cosas extra, porque en el fondo ya estábamos haciendo lo que queríamos”. CYRUS “¿Sabes dónde estamos más cómodos? En el escenario. Y eso no cambia estés en el mainstream o no. Como mucho cambia el tamaño. Para nosotros siempre ha sido muy importante tocar en directo, así es como nos promocionamos y cómo conectamos con la gente”. JORDAN “Yo me siento muy incómodo en el escenario (risas)”. CYRUS “Bueno, pero creo que es lo que mejor hacemos. Quizá no seamos una formación que quede bien en la tele o que pueda tocar en un estadio, pero creo que uno de los motivos por los que todavía estamos en activo es por el sentimiento que se crea en nuestros conciertos”. JORDAN “Mi problema es que tengo mucha ansiedad. Llevo veinte años teniéndola. Pero no pasa nada (risas)”. 57

Muchas bandas actuales de pop punk os citan como un referente. ¿Cuándo fuisteis conscientes de vuestra influencia? ¿Pasasteis quizá de sentiros molestos porque os copiaban a sentiros halagados? JORDAN “Yo siempre me he sentido halagado, nunca me molestó. Creo que la primera vez que fui consciente fue cuando Fall Out Boy sacaron Take This To Your Grave. Recuerdo que dijeron que querían que sonase como Sticks And Stones. O quizá fue cuando sacaron From Under The Cork Tree”. CYRUS “Sí, fue cuando sacaron ése. Por eso cogieron a nuestro productor Neal Avron. Cuando les preguntó cómo querían sonar, le dieron una copia de Sticks And Stones (risas). Le dijeron ‘queremos que nuestras guitarras suenen exactamente como las de New Found Glory’”. JORDAN “Yo me sentí halagado porque cuando escuché su primer disco, me gustó. Pensé que sonaban como The Starting Line. Y cuando escuché From Under The Cork Tree me moló porque veía que se podían hacer muy grandes, y quizá era en parte por nuestra influencia…”. CYRUS “Sí, es halagador. Da igual si es una banda grande como Fall Out Boy, que toca en arenas, o una banda como All Time Low, que cogió su nombre de una letra nuestra, porque ninguno de ellos oculta que nuestra influencia está ahí. Da igual si es un grupo grande o pequeño porque nosotros cuando empezamos hacía-

mos lo mismo. Todos amábamos a Green Day y nos han influenciado. Y diez años más tarde estábamos girando con ellos. Es como cerrar un círculo. Puedes ir a los tíos de Green Day y decirles que son uno de los motivos por los que existe tu grupo. Hay bandas que nos han influenciado que ya han desaparecido o que tocan en bares para 50 personas, aunque antes fueran enormes, pero si les viera, les diría lo mismo”. La gira de 20 aniversario está a punto de terminar. ¿Qué balance hacéis? JORDAN “Ha sido increíble tocar en algunas salas donde solíamos tocar. Pero hemos tenido que aprender, o reaprender, muchas canciones (risas)”. CYRUS “Había como siete canciones entre todos los discos que nunca habíamos tocado en directo. Fue interesante pensar en cómo interpretarlas, especialmente las de Coming Home. Tocarlas más rápidas o más lentas, qué partes quitar… Es curioso porque estuvimos tanto tiempo ensayando los temas más oscuros que casi se nos olvidó cómo tocar los más conocidos. En los dos primeros conciertos, tocamos ‘Forget My Name’ de Sticks And Stones, que hacemos habitualmente, y me sentía extraño. Pero la verdad es que la respuesta ha sido mucho mejor de lo que esperábamos”. ¿Qué álbum habéis disfrutado más tocando? JORDAN “Para mí Sticks And Stones y el homónimo son los que mejor han funcionado juntos. Fue muy divertido porque son todas canciones

rápidas y muy conocidas, así que la gente no paraba de cantar. Con Coming Home fue un poco distinto, porque son temas más lentos y no sabía si la gente estaba divirtiéndose o no. Pero luego entré en las redes sociales y la gente decía que había sido increíble. Así que me sentí bien, pero durante el concierto no estaba tan seguro porque nadie se movía (risas)”. CYRUS “Para mí fue un poco distinto, es más duro precisamente por tener que tocar tantos temas rápidos. Para mí cualquier concierto en el que toquemos Catalyst está bien. Si es Catalyst y Sticks And Stones es perfecto porque hay muchos singles, pero Catalyst y Nothing Gold Can Stay, como esta noche, también 60

mola porque tiene ese aire old school. Catalyst es mi disco favorito de tocar porque es muy variado, aunque para Jordan es más duro porque es más difícil de cantar”. ¿Y cuál creéis que es vuestro disco menos valorado? JORDAN “Posiblemente Coming Home”. CYRUS “Creo que las canciones de ese disco son pegadizas, pero mucha gente no pudo superar que no sonara como Catalyst. La manera en cómo se presentó. Sacamos ‘It’s Not Your Fault’ y ahí se acabó todo. La gente se quedó sólo con que había teclados”. JORDAN “Es uno de mis álbumes favoritos precisamente porque es

distinto. Encaja más con la música que me gusta escuchar”. CYRUS “Y lo curioso es que encajan bien con el resto de nuestro repertorio. Cuando tocas un tema de Coming Home en medio de un concierto, sea ‘Hold My Hand’ o ‘It’s Not Your Fault’, funcionan muy bien. Creo que incluso los temas de Makes Me Sick acabarán encajando con el tiempo. Tenemos nueve discos que suenan distintos, pero encajan unos con otros”. ¿Hubo alguna canción que no recordarais para nada cómo tocarla? ¿Y cuáles fueron las más difíciles? JORDAN “Yo me aseguré de estudiar bien todas las noches antes de

¿Cómo os sentís tocando los temas más antiguos ante fans que igual no habían ni nacido cuando los publicasteis? JORDAN “Es una locura. El otro día tocamos Not Without A Fight y el homónimo y Chad preguntó: ‘¿Cuánta gente nos descubrió con Not Without A Fight?’. Y bastante gente levantó la mano. Así que cuando tocas las canciones más antiguas, igual se las estás descubriendo por primera vez a alguna gente y eso hace que todavía se vuelvan más fans porque ven que tienes una historia”. El otro día vi a niños de 8 ó 10 años. Es una pasada. CYRUS “Si lo paras a pensar, ésa es la razón por la que todavía estamos aquí. La música ha ido pasando de generación en generación. Me da igual si alguien nos descubrió con el

NEW FOUND GLORY

que empezaran los ensayos, pero aun así en los primeros conciertos se me olvidaban algunas letras. Tienes que recordar 77 canciones... Posiblemente las que más me costaron fueron las de Coming Home y también las de Catalyst”. CYRUS “Jordan, el bajista y yo vivimos a 15 minutos unos de los otros, así que un mes antes de la gira, nos reuníamos tres o cuatro veces a la semana para ensayar. Poníamos los discos y tocábamos encima. Lo más difícil fue recordar los temas que nunca habíamos tocado. Personalmente el mayor desafío fueron los de Not Without A Fight porque hay baterías por todas partes. Tuve que escuchar el disco un par de veces antes de ponerme a tocar. Pero ha sido divertido”.

primer disco o lo hace con éste, para mí no importa. Si alguien de 20 años me dice que nos sigue desde el principio, sé que no es verdad porque apenas había nacido (risas). Pero esta gira ha sido increíble porque hay gente que nos viene regularmente, pero también hay gente de nuestra edad que ya apenas va a conciertos. Eso lo hace especial”. Antes de venir he estado dando una vuelta por fuera de la sala y he visto a gente revendiendo entradas. ¿Es un problema que os preocupe? CYRUS “Me alegro que saques el tema. No creo que ocurra tanto en persona, pero sí por culpa de las webs. Estos shows en Orlando se agotaron en un día, en horas. Obviamente tenemos muchos fans, pero creo que en parte fue por culpa de muchas webs que compraron entradas para revenderlas. Es una mierda, pero no tenemos ningún control. Lo peor es cuando al final no se venden las entradas de reventa y hay un hueco donde podría haber un fan”. JORDAN “También está la gente que vende las camisetas falsas fuera de los conciertos”. CYRUS “Tienes que tener cuidado. La primera vez que vimos eso fue

cuando tocamos en el Reino Unido. Y te cabreas mucho, pero hay que vigilar porque algunos van armados”. JORDAN “Te pueden apuñalar”. CYRUS “Sí, y no merece la pena. A veces se te acerca un fan y te enseña una camiseta pirata para que se la firmes. No puedes cabrearte, pero estaría bien que nos la comprase a nosotros”. JORDAN “Recuerdo cuando tocamos en México con Green Day y el párking del pabellón parecía un mercadillo, todo de material pirata. Había una camiseta de los dos grupos con esvásticas y “Fuck Bush” (risas)”. ¿Cuándo os centraréis a presentar el nuevo disco? CYRUS “Posiblemente no sea hasta el año que viene. Sólo puedes celebrar tu 20 aniversario una vez, así que intentamos disfrutarlo al máximo. Es un problema que tener. Estamos celebrando los veinte años pero también tenemos un disco nuevo. Cada noche tocamos una canción nueva e iremos tocando más. No tenemos intención de dejar de tocar, así que habrá tiempo para todo (risas)”.

RISE AGAINST

DURANTE 18 AÑOS, RISE AGAINST HAN USADO SU ALTAVOZ PARA DENUNCIAR LAS INJUSTICIAS SOCIALES A RITMO DE PUNK ROCK. PERO CON SU PEOR PESADILLA OCUPANDO LA CASA BLANCA, LA BANDA HA DECIDIDO SACAR LAS UÑAS Y CREAR LA BANDA SONORA DEL CONTRATAQUE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ARA UNA BANDA QUE HABÍA crecido durante la administración Bush con discos como Revolutions Per Minute, Siren Song Of The Counter Culture o The Sufferer & The Witness, la llegada de Barack Obama fue un arma de doble filo. Si bien mantuvieron su aspecto crítico, con un presidente más próximo a sus ideas y el increíble éxito conseguido, que les llevó a convertirse en unos habituales de las radios americanas y a girar por grandes recintos, pareció, ni que fuera de manera inconsciente, que Rise Against se habían acomodado. Pero llegados a 2016 el clima político empezó a cambiar, y cuando Tim McIlrath (voz, guitarra), Zach Blair (guitarra), Joe Principe (bajo) y Brandon Barnes (batería) empezaron a componer los temas para su octavo álbum, decidieron reevaluar algunas cosas. Si el entorno estaba cambiando, quizá también ellos tenían que hacerlo.

Para ello decidieron cortar su relación de más de una década con el tándem formado por Bill Stevenson y Jason Livermore y buscar un nuevo productor, siendo Nick Rasculinecz (Foo Fighters, Deftones) el elegido. Grabar con él significaba también volar hasta Nashville para grabar el nuevo álbum, una ciudad tremendamente conservadora, y donde la banda apenas había tocado. Las banderas y carteles de apoyo a Trump en los jardines, les recordaban cada día que estaban en un nuevo territorio. Y aunque Nashville se ha convertido en una capital de la música americana, el punk y el hardcore siguen siendo marginales. Durante los cinco meses que Rise Against estuvieron en la ciudad, ese sentimiento de sentirse como bichos raros moldeó la identidad de Wolves (Virgin/Universal), que verá la luz el 9 de junio. Tres semanas antes contactábamos con Zach, quien se encontraba de vacaciones en Costa Rica, aprovechando los últimos días de descanso antes de que la maquinaria vuelva a ponerse en marcha. Por desgracia, la entrevista coincidió con una de las peores noticias del año. Hoy es un día triste para el mundo de la música por la muerte de Chris Cornell. No sé si tenías alguna relación con él. ZACH BLAIR “Es una noticia horrible, horrible. Sí, tocamos con ellos en Australia y otra vez en Londres. De hecho, Tim salió a cantar con Chris. Creo que cantó ‘Spoonman’ y otra vez ‘Hunger Strike’. No conocía mucho a Chris, pero siempre fue muy amable con nosotros. Es una gran

pérdida. Una pena”. Pasando ya a Rise Against, llevo escuchando Wolves un par de días y me ha parecido un disco más punk rock que The Black Market. ¿Queríais recuperar un poco vuestro antiguo sonido? “No especialmente. Es sólo que nos salió cuando nos pusimos a componer. Siempre nos basamos en lo que sentimos en cada momento. Para mí los discos son como fotografías del momento que vive el grupo. Supongo que nos influenció el clima político, pero no hubo nada más”. Tengo entendido que originalmente el disco se iba a titular Mourning In Amerika (Luto En Amérika -ndr.), como una de las canciones del disco. ¿Qué os hizo cambiarlo por el de Wolves y qué queríais expresar? “Sí, así es. Con el clima político actual en América nos sentíamos disgustados y con el corazón roto. Mourning In Amerika expresaba ese sentimiento, pero en cierta manera parecía que nos estuviésemos resignado. Así que decidimos que no podía ser, que teníamos que mostrar nuestro enfado y nuestras ganas de luchar. Teníamos que alzar nuestra voz, así que Wolves parecía un título más acorde a lo que queríamos proyectar. La formación está unida y quiere que la gente se una también para luchar contra este gobierno y este presidente”. Después de cuatro meses de presidencia de Donald

Trump, ¿es tal y como lo esperabas o es incluso peor? “Es mucho peor. Cada día sale una noticia más absurda y enojante que el día anterior. Es un no parar”. ¿Escribisteis el disco durante el periodo electoral? “Sí, lo estuvimos componiendo durante ese tiempo. Como te decía antes, eso marcó mucho la dirección del álbum”. A pesar de ser una banda contestataria, en vuestros discos siempre intentáis mandar un mensaje de esperanza. ¿Se os hace cada vez más difícil mantenerla? “Es posible, pero es precisamente cuando las cosas están más difíciles cuando es más necesario mandar un mensaje de esperanza. Pero déjame decirte una cosa, cuando tocamos en directo y vemos a un montón de gente joven que comparte nuestras ideas, es difícil no sentir esperanza. Ellos forman parte del futuro, así que es cuestión de tiempo. No creo que un gobierno pueda mantenerse en el poder a base de mentiras durante mucho tiempo”. Después de muchos años trabajando con Bill Stevenson y Jason Livermore como productores, esta vez habéis elegido a Nick Raskulinecz. ¿Qué motivó el cambio? “Bueno, sentíamos que quizá necesitábamos cambiar, y eso es lo que hicimos. Después de tantos años con Bill, quizá necesitábamos refrescarnos un poco. Lo pasamos muy bien con Nick y creo que hemos hecho

“ES PRECISAMENTE CUANDO LAS COSAS ESTÁN MÁS DIFÍCILES CUANDO ES MÁS NECESARIO MANDAR UN MENSAJE DE ESPERANZA” ZACH BLAIR un gran disco juntos. Su currículum es impresionante, desde Deftones hasta Mastodon a Rush, así que tiene un montón de conocimientos. Enseguida detectó nuestro ADN y supo cómo capturarlo”. Bueno, Rise Against ya tenéis un sonido muy definido... No sé hasta qué punto se nota o no la mano de un productor. “Tienes razón. Básicamente, en un productor buscamos a alguien con

una visión externa e imparcial. Sobre todo, buscamos a alguien con quien se pueda trabajar y nos ayude a hacer la mejor obra posible. Quizá porque llevábamos tanto tiempo trabajando con Bill, esa mirada externa se había perdido, y ya era como si fuera un miembro más del grupo. Con Nick salimos de nuestra zona de confort. Quizá con Bill Stevenson nos sentíamos demasiado cómodos, necesitábamos salir del nido, por decirlo de alguna manera”.

Grabasteis el disco en Nashville, en un estado republicano. ¿Sentíais que estabais en territorio enemigo? “Bueno, no exactamente. Yo soy del Sur, de Texas (risas). Nashville se parece mucho a donde crecí. De hecho, sigo viviendo en Texas. Aunque la banda se formó en Chicago, dos de los miembros no somos de ahí. Yo vivo en Texas, y el batería, en Colorado. Para mí no fue nada extraño. Quizá para Tim y Joe fue un

choque cultural más fuerte. Obviamente Chicago tiene una tradición liberal más potente, pero podemos sentirnos bien en todos sitios. De todos modos, los cinco meses que pasamos allí fueron interesantes (risas)”. Una de las cosas que me ha sorprendido es que esta vez no habéis incluido ninguna balada acústica. ¿Creéis que se había convertido en una especie de cliché? “No fue algo planeado. Nunca decidimos si va a haber una balada o no. Simplemente esta vez no teníamos ninguna canción de ese tipo”. Desde luego ayuda a que la energía se mantenga de principio a fin. “Sí, estoy de acuerdo”. En breve empezaréis una gira con Deftones y Thrice. ¿Qué crees que tenéis en común los tres grupos? “Las tres bandas llevamos bastantes años y creo que hemos tenido trayectorias parecidas. Musicalmente somos distintos a Deftones o Thrice, pero creo que tenemos una manera de hacer las cosas que es parecida, o la actitud si quieres. Todos hemos tocado juntos en el pasado y tenemos muy buena relación, así que eso ayuda a la hora de estar en la carretera”. Aunque todo el mundo ya te identifica totalmente con Rise Against, lo cierto es que no entraste en el grupo hasta

2008. ¿Qué crees que aportaste a la banda cuando te uniste? “Bueno, eso tendrían que decirlo los demás (risas). No sé. Supongo que sobre todo las ganas de estar ahí.

Quizá traje un entusiasmo y una ilusión que les hacía falta”. Te quería preguntar también por Only Crime. ¿Te apetecería volver a hacer algo con ellos?

“MUSICALMENTE SOMOS DISTINTOS A DEFTONES O THRICE, PERO CREO QUE TENEMOS UNA MANERA DE HACER LAS COSAS QUE ES PARECIDA, O LA ACTITUD SI QUIERES. TODOS HEMOS TOCADO JUNTOS EN EL PASADO Y TENEMOS MUY BUENA RELACIÓN, ASÍ QUE ESO AYUDA A LA HORA DE ESTAR EN LA CARRETERA” ZACH BLAIR

néis un montón de fans. ¿Tenéis planes ya para volver? “¡Claro que queremos volver! Barcelona es una de las ciudades más bonitas del mundo. Me encanta pasear por las Ramblas, ir al mercado… Espero que estemos ahí pronto”.

“Tuve que dejar esa banda para unirme a Rise Against, pero amo a esos tíos. Hemos hablado de hacer una reunión con la formación original, pero no hay nada claro. Supongo que sabes que mi hermano es el bajista del

grupo, así que me encantaría hacerlo. Quizá grabemos un EP, pero es sólo una idea, así que no lo consideres como algo que vaya a pasar seguro”.

Por último, no sé si muchos fans de Rise Against lo saben, pero durante unos años fuiste miembro de Gwar, te llamabas Fattus Maximus (risas). No se me ocurre una banda más distinta a Rise Against que Gwar. “Veo que has hecho tus deberes (risas). La verdad es que me siento muy afortunado por haber sido aceptado en dos comunidades distintas con los dos grupos. Gwar siempre serán mi familia y aprendí mucho estando con ellos. Aunque no te voy a negar que es mucho más fácil poder tocar sin disfraz (risas). Era una tortura (risas)”.

Como sabes, en España, te-

DISCO DEL MES

M Wrong One To Fuck With (RELAPSE) BRUTAL DEATH METAL

uchas veces la música, como cualquier otra disciplina artística, es cuestión de sensaciones. Teniendo en cuenta las limitaciones físicas con las que debemos trampear por estos mundos de Dios, si uno se concentra al máximo y halla cierto maná de inexplicable origen en su interior, es capaz de las mayores proezas. Ésa es la única explicación que le encuentro a que, más de 25 años después de su fundación, Dying Fetus hayan vuelto a la actividad discográfica con uno de los mejores trabajos de su carrera, con unos miembros que ya afrontan la cuarentena de edad, pero que en cambio se

DYING FETUS

enfrentan a su brutal death con la clarividencia y la frescura propias de unos mozalbetes de veintitantos. Ya les intuíamos un gran estado de forma viendo sus exuberantes demostraciones de poder en directo, pero claro, tras cinco años sin publicar, las dudas podían asaltar hasta al más acérrimo de sus seguidores… Y ya que sacamos a la palestra Reign Supreme, decir de entrada que, sin ser su anterior disco poca cosa precisamente, éste ya queda pulverizado sólo con los primeros temas de su nuevo plástico. ¿Sabéis ese colega plasta al que le perdonas cada chapa que te pega sobre por qué Metallica, Iron Maiden o Slayer ya no sacan discos tan buenos y auténticos como

en sus inicios? Pues bien, en el maravilloso universo del metal extremo estos milagros existen, y el que nos ocupa esta vez se llama Wrong One To Fuck With. Con una vuelta al logo antiguo, un título grandérrimo y una ofensiva portada digna de sus inicios, la excitación hacia este álbum se desbordó. Ay, las sensaciones, otra vez salen a flote… Ante todo eso uno ya encara lo nuevo de Dying Fetus con un ánimo distinto, pero de igual forma, no está preparado para esta tremebunda lección de estilo. Porque sí, porque Wrong One To Fuck With es sobre todo un autohomenaje, una celebración de lo que los indiscutibles reyes del brutal death, junto a Suffocation,

han ido despachando en estas más de dos décadas. Una conmemoración, sí, pero a la vez, un perfeccionamiento, una elevación hacia el mismísimo Olimpo. Ante esta cátedra sólo puedes mostrarte eufórico. ‘Fixated On Devastation’ abre de forma abusiva, ya de inicio uno se imagina una sala cabeceando como si le fuera la vida en ello, pero es que ‘Panic Amongst The Herd’ es un atentado que le arrancará una lágrima de sádico placer a más de un fan. ‘Die With Integrity’ es una tormenta como sólo Dying Fetus pueden desplegar, depurando ese estilo tan suyo hasta lograr la

con esos trompos, extraños cambios de riff y todas esas escalas endiabladas que llevan enchufándonos desde que nacieron. Con ‘Ideological Subjugation’ casi que tuve que dejar de escribir… Todo lo que ha hecho de los Dying una leyenda está en este tema. Ya sabes: un disparo, un muerto, y éste es del tanque más gigantesco que se haya construido. ‘Weaken The Structure’, ‘Fallacy’ y las siguientes que cierran son seguir redundando en la supremacía, en el absoluto control que Dying Fetus seguirán ostentando sobre el brutal death. Que sí, que pueden venirnos Gutrectomy con

“UNA CONMEMORACIÓN, SÍ, PERO TAMBIÉN UN PERFECCIONAMIENTO, UNA ELEVACIÓN HACIA EL MISMÍSIMO OLIMPO. ANTE ESTA CÁTEDRA SÓLO PUEDES MOSTRARTE EUFÓRICO”

suma excelencia. ¿Has dicho que quieres slam? ¿Dices que te va el beatdown? Pues ríndete ante ‘Reveling In The Abyss’ y déjate de chiquilladas. Con ésta también correrá la sangre… A ratos atroz, veloz, luego ‘bailable’ a su manera, como siempre… Sin piedad, 6 minutos y medio ultrajantes. ¿Que el comienzo de ‘Seething With Disdain’ no es tan espectacular? Colega, espera a que John Gallagher te hunda en la miseria con ese aullido, y luego déjate llevar por otra somanta de palos made in Maryland,

su Slampocalypse, que Antropofagus pueden publicar la mayor salvajada a la que aspiren, que Pathology son la hostia, pero hay intangibles que no se pueden aprender, adquirir, plagiar o comprar. El feeling, la maestría, lo que sólo atesoran algunos elegidos que ya peinan canas. Es creérselo, se trata de los instintos primarios, de subvertir tus limitaciones… De nuevo, es cuestión de sensaciones. Wrong One To Fuck With, o el mayor espectáculo del mundo. PAU NAVARRA

ARCADEA HAS DE SABER... FORMACIÓN: Brann Dailor (voz, batería),

Core Atoms (voz, sintetizador), Raheem Amlani (voz, sintetizador) PRODUCIDO POR: Arcadea AFINES A: Mastodon, Zombi, John Carpenter PÁGINA WEB: www.arcadearocks.com

P Arcadea (RELAPSE) HARD ROCK PROGRESIVO

ocas bandas están tan abiertas a las relaciones extramatrimoniales como Mastodon, y año sí, año también, aparece un nuevo proyecto en el que alguno de sus miembros está involucrado. El último en salir a la luz es Arcadea, un nuevo grupo capitaneado por el batería Brann Dailor y que cuenta con Core Atoms (Zruda, Gaylord) y Raheem Amlani (Withered, Scarab) como socios. Con el último disco de Mastodon, Emperor Of Sand, todavía caliente, aparece ahora este debut que, según nos cuenta el propio Dailor, llevaba tres años acumulando polvo en un cajón. Dice mucho de su temperamento que se estruja-

se tanto la cabeza en hacer algo que en un principio iba a ser exclusivamente para su propio deleite. Y es que las canciones de Arcadea son tan complejas y ricas en arreglos como las de los propios Mastodon. La principal diferencia es que, en lugar de basar su sonido en grandes riffs de guitarra, lo hacen sobre unos omnipresentes sintetizadores que les da un aire de película de ciencia ficción. Dicho esto, no estamos ante un álbum de electrónica, sino ante uno muy orgánico en cuanto a concepto, sobre todo porque nos encontramos con un Dailor desatado con la batería. Normalmente ya lo está, pero diría que aquí va un paso más

allá como se escucha en ‘The Pull Of Invisible Strings’. Dado que estamos acostumbrados a escucharle cantar en los discos de Mastodon, no sorprende demasiado ver cómo aquí lleva el peso vocal -si bien a menudo usando filtros como el vocoder- y la mayoría de melodías podrías imaginártelas funcionando con toda naturalidad en canciones de su banda principal. Pero entre la psicodelia de ‘Neptune Moons’, algún momento más pop como ‘Electromagnetic’ y alguna agradable frikada como ‘Trough The Eyes Of Pisces’, el álbum consigue mantener tu atención. No pasará a la historia, pero es gracioso. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... BRANN DAILOR Cuéntanos el origen del grupo. “Bueno, conozco a Corey desde que éramos adolescentes. Crecimos juntos en Rochester, Nueva York, de donde soy. Y hace nueve años se mudó a Atlanta, donde vivo. Sobre 2010 me dijo que tenía unas cuantas canciones que había compuesto con teclado, pero que no le parecían adecuadas para su banda Zruda. Tenía como tres temas y me preguntó si querría grabar la batería y cantar en ellos. El caso es que me gustaron y me fui a grabar al estudio de Raheem, el Orange Peel Studio, que está al lado de mi casa. Me gustó mucho el resultado y a partir de ahí, cada

vez que tenía algo de tiempo libre con Mastodon, íbamos trabajando en más temas. Llegados a 2013, me di cuenta de que teníamos un álbum completo, ¡y que encima molaba! Pero no sabíamos qué hacer con él. Lo teníamos guarda-

do y pensábamos que sólo lo escucharíamos nosotros”. ¿Qué pasó entonces? “El caso es que hace año y medio me fui al show de 30 aniversario de Neurosis en San Francisco y me encontré a Matt Jocobson de Relapse, a quien conozco de hace mucho tiempo y sé que le gustan cosas raras electrónicas, y le conté lo de Arcadea. Le mandé el link y me dijo que quería sacarlo. El álbum estaba mezclado y masterizado desde hacía tres años, pero como no queríamos que coincidiera con el de Mastodon, hemos esperado un poco más a que saliese el otro”. Sabiendo ahora que se grabó hace varios años, te diría que noto la influencia del disco de Arcadea en el último trabajo de Mastodon. “Mmm… quizá. Siempre me han gusta-

do los sintetizadores. Algunas partes de mis discos favoritos de Stevie Wonder, Genesis, David Bowie, Yes o King Crimson tienen sintetizadores. Siempre he querido incorporarlos en Mastodon y puede que en Emperor Of Sand haya momentos muy molones de sintetizador. Pero al mismo tiempo, quiero mantener el sonido rockero de guitarras”. ¿Te ves girando con Arcadea? ¿Sería posible un doble cartel con Arcadea y Mastodon? “Me encantaría girar con Arcadea, pero no girando con Mastodon. No creo que pudiera aguantarlo (risas). Un concierto de Mastodon ya es casi como hacer un solo de batería de 90 minutos y acabo agotado, así que si encima tuviera que tocar y cantar con Arcadea… ¡De ninguna manera! (Risas)”. (JORDI MEYA)

PARAMORE

After Laughter (FUELED BY RAMEN/WARNER)

POP ALTERNATIVO

ra un disco necesario, algo que tenía que ocurrir. Después de que guitarrista y batería dejen el grupo (y te enteres ‘por las noticias’, como aquél que dice), y años más tarde el bajista también presente la carta de dimisión (con pleito de por medio), es más que entendible que ese sentimiento pretty optimistic de Paramore haya cogido las maletas y se haya marchado. Así lo canta Hayley Williams en ‘Rose-Colored Boy’. Aunque Zac Farro ha vuelto a coger las baquetas en la banda, el disco lo compusieron Williams y el guitarrista Taylor York cuando estaban a punto de romper con Paramore de

manera definitiva. Por suerte no lo hicieron y nos han dejado este After Laughter de sonidos pastel y letras oscuras; un contraste bastante ingenioso. La ferocidad se mueve de los guitarrazos y los golpes de batería a los que estamos acostumbrados hacia las letras, igual de directas que de sinceras sin pretender poetizar, sino más bien ser una vía de escape y de expresión para todo lo que Williams llevaba dentro. Los decepcionados pensarán que frases como “puedo sabotearme a mí misma” y “lo mejor ya ha acabado y lo peor está por venir” eran premonitorias para este nuevo disco, pero si pones la oreja escucharás que los ritmos siguen siendo muy Paramore, aunque ahora estén más cerca del pop en calma que del rock alborotado. Probablemente sea el trabajo de la banda más cuidado, lleno de capas y texturas, que huye de la base instrumental del grupo (guitarra-bajobatería) y experimenta en el sonido con nuevas referencias. Todo un examen de creatividad que aprueban por saber reinventarse sin perderse por el camino. RO SÁNCHEZ

RISE AGAINST Wolves

(VIRGIN/UNIVERSAL)

HARDCORE MELÓDICO

s evidente que la excitación que durante la pasada década provocaban Rise Against cada vez que publicaban un nuevo disco se había ido perdiendo poco a poco. Daba la impresión que la banda se había ido acomodando y que en cada trabajo se limitaban a seguir el mismo patrón casi por inercia. Era necesaria una sacudida y las circunstancias han querido que se juntaran dos factores, uno externo y otro interno, que la propiciaran. El más importante es el ascenso y victoria de Donald Trump; no hay mayor estímulo para

una banda política que tener un enemigo claro al que dirigir sus dardos. El segundo es su decisión de fichar a Nick Raskulinecz como productor después de una década trabajando con Bill Stevenson y Jason Livermore. Y no es que su mano se note en exceso en cuanto a sonido, para mi gusto todavía demasiado pulido, pero al menos se nota algo más de tensión. Que no haya ni una sola balada ayuda a que la energía se mantenga a lo largo de sus 39 minutos (es su trabajo más conciso desde Revolutions Per Minute, de 2003) y en temas como ‘Welcome To The Breakdown’, ‘Parts Per Million’ o ‘Bullshit’ se aprecia un sabor más old school. Naturalmente no faltan algunos temas muy melódicos como ‘House On Fire’ o ‘Mourning In Amerika’ ni estribillos como el de ‘Far From Perfect’, más pensados para sonar en un estadio que en una okupa, pero Wolves consigue algo tan fácil, y tan difícil, como recuperar la chispa en esa larga relación entre la banda y sus fans. JORDI MEYA

LA SELECCIÓN

ASTRALIA Solstice (ALOUD)

POST ROCK

s propongo un plan: coged un coche, buscad una carretera con muchas curvas entre montañas y, mientras conducís, escuchad a todo volumen la música de Astralia. La sensación es indescriptible: los ojos dibujan las curvas de la carretera, las manos guían al volante, pero los oídos y la mente están pendientes de los desarrollos del post rock instrumental facturado por este trío de La Floresta (Barcelona). En Solstice, su tercer trabajo, las composiciones van creciendo poco a poco, casi imperceptiblemente, hasta dejarte hipnotizado; además, hay pocas explosiones sonoras y, las que hay, son muy sutiles. Tampoco hay voces que interrumpan la comunión entre música, persona y viaje; apenas se escucha un recitado en ‘Farewell And Encounter’, la penúltima etapa de este sugerente trayecto. Por cierto, os advierto que éste es un viaje que se debe hacer completo, de una tirada, sin

paradas ni descansos, de ‘Exhale’ a ‘Solstice’ sin apretar el pause. Así la sensación de plenitud es máxima y sólo una duda quedará en tu cabeza: ¿Cómo es posible que tres personas hagan una música tan bella? No hay respuesta, la respuesta es la música en sí y el viaje. No sé si existe la posibilidad que un día Mogwai y Vangelis se sienten a componer música juntos, pero, si lo hicieran, el resultado se parecería bastante a Solstice. Un último consejo: aunque la música de Astralia invite a cerrar los ojos, no lo hagáis o podríais sufrir un accidente de coche, y se acabó el viaje. JORDIAN FO

ROYAL BLOOD

How Did We Get So Dark? (WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

res años atrás la pareja formada por Mike Kerr y Ben Thatcher protagonizaron uno de los ascensos más fulminantes que se recuerdan últimamente en el rock. De ver cómo se editaba su debut homónimo, en apenas cuestión de meses pasaron a ser la gran sensación del momento, agotando el papel en grandes recintos y recibiendo todo tipo de premios y buenas palabras por parte de la prensa. Su sonido, mezcla de influencias de Queens Of The Stone Age o Muse, junto a la peculiaridad de que únicamente usaban bajo y batería, les daba ese toque reconocible pero original,

amén de ser capaces de reunir un buen puñado de singles. Una fórmula que no han dudado en repetir con How Did We Get So Dark?. Y es que a eso mismo suena su segundo esfuerzo, a que no se han roto demasiado la cabeza en pensar cómo debían replicar semejante éxito. Es cierto que hay ligeros síntomas de evolución si prestamos atención a los arreglos que han añadido: algún que otro coro por aquí, unas percusiones por allá, un poco de piano en ‘Hole In Your Heart’... Incluso se aprecia cierto deje glam en los falsetes de ‘She’s Creeping’ o ‘Don’t Tell’, una de las mejores del lote y donde Kerr manifiesta lo bien que maneja las cuatro cuerdas como si de una guitarra se tratase. Pero los riffs gruesos tampoco han desaparecido, ya que ahí están ‘Lights Out’, ‘Only Lie When I Love You’ o ‘Where Are You Now?’ para recargar con nueva pólvora su arsenal. Sin necesidad de tener un hit tan claro como ‘Figure It Out’ o ‘Little Monster’, todo apunta a que seguirá siendo difícil bajar a Royal Blood de las nubes. GONZALO PUEBLA

ANATHEMA The Optimist (KSCOPE)

ROCK PROGRESIVO

nathema es una banda que enamora fácilmente, pero si somos honestos, hay que reconocer que sus últimos discos, aunque son efectivos, jugaban en una zona segura para el combo. Quienes echaran de menos que la banda se sumergiera en nuevos terrenos, lo encontrarán en The Optimist. Irónicamente, pese a su título, se trata de un disco más oscuro, ligeramente más agresivo, pero sobre todo, con melodías mucho más memorables que su anterior Distant Satellites. El grupo abraza sin complejos su vena más pop y sensible,

como lo demuestra el single ‘Springfield’, y tampoco tiene vergüenza de mostrar el lado más electrónico y plagado de sintetizadores que vienen introduciendo en los últimos años. Incluso dan rienda suelta al folk prog en temas extensos como ‘Back To Start’, que dejan bien claro que la madurez en Anathema ha llegado a su punto más álgido. Vincent Cavanagh, su hermano Danny, y, sobre todo, Lee Douglas, están soberbios a las voces, y llega a asustar que a pesar de lo accesible del material, consigan su meta de dejarte sin habla, pidiendo más. Jamie Cavanagh al bajo, Daniel Cardoso a los teclados y John Douglas a la batería salen del modo piloto automático y arriesgan sin salirse de su tono más suave, dejando la sensación de que la banda crea música para adultos con un factor sensible muy alto. Un viaje eléctrico y electrónico para quienes dejaron sin resolver el misterio de la portada de A Fine Day To Exit, pero que necesita más de una escucha para conseguir meterte de verdad en la película. JORGE FRETES

D GOATWHORE

Vengeful Ascension (METAL BLADE)

BLACK THRASH

e Goatwhore siempre moló que el espíritu de su Nueva Orleáns natal se colara en su black thrash, cayendo a veces incluso en el pantano del sludge, pero la verdad, no encuentro eso en su séptimo álbum, Vengeful Ascension. Aprecio un concienzudo currazo en la producción, sobre todo en los múltiples tipos de alaridos de Louis B. Falgoust II y su compadre a la guitarra Sammy Duet, pero eso no es una condición indispensable para un combo de sus características. Tres años después de su último largo, el cuarteto abre su nuevo disco con la discreta ‘Forsaken’, aunque luego nos ponen a tono con ‘Under The Flesh Into The Soul’, que sí rezuma esos aires punkis tan guays que aún conservan. ‘Vengeful Ascension’ tiene sus cosas, aunque tampoco

C AT THE DRIVE-IN In · ter a · li · a (RISE)

POST HARDCORE

uando un grupo lanza un disco nuevo después de 17 años de silencio tiene mucho más que perder que ganar. Y si no, que se lo pregunten a Refused… Quizá por ello At The DriveIn han ido a asegurar el resultado, arriesgando poco y ofreciendo un material que difícilmente pueda decepcionar a sus fans. Esperar que hubieran sido capaces de ofrecer algo que tuviera tanto impacto como tuvo Relationship Of Command en su momento era una utopía, pero quien les hubiera seguido en su momento se reencontrará

mata, pero ya se encarga ‘Chaos Arcane’ de reflotar el asunto a base de zurraspa bien afilada. Como si después de cada corte trallero tuviera que llegar algo de pausa, llegamos al ecuador con ‘Where The Sun Is Silent’, que pretende ser ambiental pero que no consigue despertarnos nada. Luego nos van distrayendo con los acelerones de ‘Drowned In Grim Rebirth’ o ‘Abandon Indoctrination’, o una ‘Mankind Will Have

No Mercy’ que nos recuerda bastante a los Goatwhore que pateaban traseros, pero en serio, de aquí al final poco más rascaremos. Como mucho ‘Those Who Denied Gods Will’, aunque quien haya mamado black melódico sueco desde los 90 poco impresionado quedará. Si han perdido esencia para petar mejor y las composiciones no es que sean la caraba, Vengeful Ascension no puede pasar de normalucho.

desde el primer minuto con la formación que recordaba, y quien se acerque a ellos por primera vez, descubrirá a un grupo todavía excitante y con una gran personalidad. Las extravagantes líneas de guitarra de Omar RodriguezLopez van enredando continuamente a lo largo de las canciones, como si estuviera improvisando mientras los demás siguen la partitura. Por su parte, Cedric Bixler-Zavala sigue agitándote con su variedad de registros (el fraseo sincopado de ‘Governed By Contagions’, la fragilidad de ‘Ghost-Tape Nº9’…)

aunque no tengas ni puñetera idea de lo que está hablando. Es una pena que Jim Ward no participara finalmente en esta reunión, pero dudo que el resultado fuera demasiado distinto porque está claro quienes mandan aquí. Ya sea con un enfoque más directo en ‘Incurably Innocent’, ‘Tilting At The Univendor’ y ‘Holtzclaw’, o con descargas de adrenalina como ‘No Wolf Like The Present’ o ‘Continuum’, At The Drive-In consiguen situarnos, una vez más, entre la euforia revolucionaria y la claustrofobia apocalíptica.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA

MOTIONLESS IN WHITE Graveyard Shift (ROADRUNNER)

NU METAL, INDUSTRIAL

uando Motionless In White irrumpieron en la escena a principios de esta década, era difícil no tomárselos un poco a risa. Su llamativa imagen parecía, por encima de todo, su principal argumento para distraernos de un metalcore tirando a mediocre. Aun así, el grupo liderado por Chris Motionless no ha parado de crecer en número de fans y, musicalmente, han sabido abrirse a otras influencias. Llegados a su cuarto álbum, la banda parece haber encontrado por fin una fórmula en la que combinar todas sus filias de manera

efectiva. Si bien puede tirárseles en cara que es demasiado fácil identificar cada uno de los artistas de los que toman prestados los elementos de su sonido actual -principalmente Marilyn Manson, Korn, Slipknot y Nine Inch Nails-, la verdad es que sus nuevas canciones tienen bastante gancho. En Graveyard Shift hay un poco de todo: temas más melódicos (‘Queen For Queen’, ‘Untouchable’) con otros más industriales (‘Rats’, ‘Not My Type: Dead As Fuck 2’), algunos realmente duros en los que suenan como un cañón (‘Soft’, ‘The Ladder’, ‘570’), e incluso una colaboración de Jonathan Davis en ‘Necessary Evil’, en el que toman prestado parte del estribillo de ‘Pity Party’ de Melanie Martinez, vaya usted a saber por qué. Estamos ante una banda que divierte más que asusta, por sus pintas, o provoca, por sus letras de carácter sexual, pero con Manson estando un tanto despistado, es posible que muchos de los fans del Reverendo encuentren en Motionless In White un buen recambio. DAVID GARCELL

LOOKING FOR AN ANSWER Dios Carne (WILLOWTIP)

GRINDCORE

s increíble que ya hayan pasado seis años desde Eterno Treblinka. Looking For An Answer mitigaron un poco nuestra sed con su EP de 2014 Kraken, pero cuando uno se da cuenta de cuánto hacía que no publicaban un largo, asusta. En todo este tiempo el cambio más significativo ha sido la marcha de Iñaki para cederle el micro a Santi, quien quizá no aporta tantos matices a la bronca, pero tampoco puede decirse que tenga voluntad alguna de dejarnos con vida. Por lo demás, Félix y compañía siguen demostrando que en cuestión

de clasicismo grindcore pocas bandas pueden toserles en el mundo. De hecho, salen de Relapse para caer en un sello de culto como Willowtip… Otro ejemplo de cuán apreciado es su bestialismo musical en todo el globo. Y bueno, puestos a resaltar novedades, también hay que enfrentarse a ‘Muerte Lenta’ para comprobar que los madrileños podrían bordarlo en cualquier estilo extremo. Con semejante nombre debieron sentirse obligados a caer en el doom, porque durante casi 9 minutos nos hunden en un lodazal donde es complicado respirar. Peña, ya les conocéis… Cerca de dos décadas de carrera intentando exterminar a todo ser humano carnívoro que exista, y todo ello sólo a base de canciones cáusticas como una ‘Deflagración’ que te zarandea a su antojo, infiernos del palo ‘La Carne Del Leviatán’, ‘Redención’, ‘Liberación’ o ‘Sol Negro’, o una dupla como ‘Rito De Autofagia’ y ‘Autofagia’. Con cada nueva obra están más cerca de lograrlo. PAU NAVARRA

THE DIRTY NIL Minimum R&B (FAT WRECK/DINE ALONE)

PUNK ROCK, INDIE ROCK

he Dirty Nil aparecieron en estas mismas páginas el año pasado con su primer largo, Higher Power. En los últimos meses han girado con otras bandas canadienses como Alexisonfire o Billy Talent (con quienes pudimos verles en nuestro país), y mientras preparaba estas líneas, descubrí que el mes de junio estarán acompañando a los geniales The Flatliners y Against Me!. El nombre del power trio de Ontario, ganadores de un premio Juno 2017 a la mejor banda revelación de Canadá, comienza a sonar con fuerza y los que descubran ahora su indie

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punk rock hipervitaminado agradecerán la publicación del presente Minimun R&B, un guiño al Maximum R&B de The Who. Y es que The Dirty Nil, cuando eran unos completos desconocidos fuera de su país, editaron numerosas referencias, singles y EPs, actualmente descatalogadas. Minimun R&B, lanzado por Fat Wreck y Dine Alone Records, reúne prácticamente toda su discografía previa al muy recomendable Higher Power –a excepción de las versiones de Fugazi y David Bowie– y añade un tema inédito, ‘Caroline’. Ideal para los nuevos fans y, obviamente, para los viejos seguidores completistas. Además, con el orden cronológico de los temas, comenzando por la popular ‘Fuckin’ Up Young’, publicada en 2011, se puede seguir la evolución de la banda: de las melodías soleadas con mucho fuzz de sus inicios, como ‘Verona Lung’ o ‘Cinnamon’, al ruido y la ferocidad de ‘New Flesh’ y ‘Pale Blue’, con el trío claramente influenciado por sus paisanos Metz y Greys. LUIS BENAVIDES

POWER TRIP

Nightmare Logic (SOUTHERN LORD)

THRASH METAL, CROSSOVER

racias a su directo explosivo, hoy en día Power Trip son un valor al alza dentro del underground. Afortunadamente son una de esas bandas que están resucitando el thrash, sí, pero no sólo fijándose en el que se practicó en la Bay Area más rentable. Como Toxic Holocaust, Violator o Deathraiser, ellos amplían el horizonte subterráneo hacia la perversión canadiense, la sordidez germana, y con guitarras oxidadas consiguen que no puedas parar de menear la melena al son de temas tan buenos como infinitamente simples, llámense ‘If Not Us Then

Who’, ‘Executioner’s Tax’ o ‘Nightmare Logic’. De verdad, estas tres es que molan cacho… Luego cojan a los mejores Sodom, métanles solos a lo Slayer y tendrán el torpedo ‘Firing Squad’. ‘Waiting Around To Die’ es ya desde su misma intro un total homenaje a los 80, y ‘Ruination’ y ‘Crucifixation’ son directamente una marcada de paquete, una macarrada cuyo mayor valor es la chulería con la que Riley Gale manda ante el micro. Sabe que lo parten con cualquier cosa, y eso es realmente lo que te transmiten huyendo de virtuosismo y pamplinadas, con los riffs que todo el mundo quiere escuchar. Igual no han podido trasladar toda su violencia sobre las tablas al estudio, pero si le doy la vuelta al asunto, me imagino estos temas en vivo y pueden resultar una carnicería muy seria. Con las primeras escuchas pensé que Nightmare Logic estaba siendo sobrevalorado, injustamente encumbrado, pero lo cierto es que cada vez que lo pinchas gana enteros. ¡Esos collarines! PAU NAVARRA

DREAMCAR Dreamcar (COLUMBIA)

POP ROCK

uando el año pasado saltó la noticia de que Davey Havok de AFI se había unido a un nuevo grupo formado por los componentes de No Doubt que no se llaman Gwen Stefani, costaba imaginar dónde encontrarían el terreno musical común para que la cosa funcionara. Pero como descubrimos en el debut de Dreamcar, les bastó compartir su amor por bandas como Duran Duran, A Flock Of Seagulls o New Order para sentirse inspirados. Y eso es básicamente lo que es este debut, un homenaje en toda regla a la música con la que crecieron en los 80.

En realidad, no debería sorprendernos tanto. Ya en los últimos trabajos de AFI y, sobre todo, de Blaqk Audio, encontrábamos esa influencia, y en cuanto a No Doubt, basta recordar la versión que hicieron de ‘It’s My Life’ de Talk Talk para constatar su afinidad por el pop de esa década. La ventaja para ellos es que aquí no han tenido que disimularlo, ni sentirse atados a cualquier idea preconcebida que se tuviera sobre la banda, simplemente porque ésta no existía. Esa libertad, así como lo mucho que se han divertido grabándolas, es lo que transmiten estas doce canciones. Para los miembros de No Doubt es además una oportunidad de reivindicarse como músicos, en especial para Tony Kanal, cuyas líneas de bajo en la funky ‘On The Charts’ o ‘The Preferred’ tienen mucho protagonismo. Y se nota que Havok se lo ha pasado en grande sacando a la loca que lleva dentro en temas tan pegadizos como ‘Kill For Candy’, ‘All Of The Dead Girls’ o ‘Do Nothing. MARC LÓPEZ

CAVES

Always Why (YO-YO)

PUNK ROCK

uando hay ganas y talento, los kilómetros no suponen ningún obstáculo. Que se lo digan a Caves. Su tercer largo, Always Why, es el resultado del intercambio de archivos, muchos archivos, porque durante el proceso de composición los miembros de la banda estaban repartidos entre Inglaterra y Estados Unidos. La banda, con conexiones con otras formaciones tan recomendables como Rvivr y Grand Pop, practica una suerte de punk rock urgente a dos voces, masculina y femenina, bien cargada de estribillos irresistibles en la onda de

los primeros Weezer (la distorsión inicial y el bajo de ‘Understand’ son un buen ejemplo) y los últimos Against Me!, con los que precisamente giraron por toda Europa y comparten algo más que sonido (las guitarras potentes y crujientes de ‘Asleep’, ‘Border’ y, sobre todo, ‘Need It Most’ podrían llevar perfectamente la firma de Laura Jane Grace y compañía). Las letras de Caves, un power trio liderado por la cantante y guitarrista Lou Hanman desde su fundación en 2009, no son estrictamente políticas pero tienen mensaje, el de la libertad individual, y abordan asuntos como el feminismo, el amor entre personas del mismo sexo o las relaciones humanas tóxicas. Always Why es posiblemente el disco más redondo de la banda originaria de Bristol, un trabajo compacto que derrocha energía y melancolía a partes iguales en piezas adictivas desde la primera escucha, como ‘Wild Dad’, ’Way’ y ‘America’. Una pequeña joya a descubrir. LUIS BENAVIDES

WAVVES

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Nathan Williams (voz, guitarra), Alex Gates (guitarra),

Stephen ‘Stevie’ Pope (bajo), Brian Hill (batería) PRODUCIDO POR: Nathan Williams, Dennis Herring AFINES A: Surfer Blood, Clouds Nothing, Ty Segall PÁGINA WEB: www.wavves.net

T You’re Welcome (GHOST RAMP/POPSTOCK!) INDIE ROCK

engo enemigos, un millón de enemigos, pero baby, me siento bien”, canta Nathan Williams en ‘Million Enemies’, el cuarto corte del sexto álbum de Wavves. Repasando su historial (le gusta tanto fumar hierba y beber como hacer música), y viendo la desgana con la que contestó nuestra entrevista, no puedo decir que me sorprenda ni una cosa ni la otra: Williams no hace nada por caer bien y además, se la suda. Después de una tumultuosa relación con Warner, sello que publicó sus dos anteriores trabajos, Afraid Of Heights (2013) y V (2015), la banda de San Diego vuelve parcialmente a sus orígenes. Y digo

parcialmente porque si bien el grupo ha vuelto a la independencia, a nivel de sonido tampoco es que hayan regresado al rollo lo-fi casero de sus primeros discos. Formalmente, y por algunas de las letras, You’re Welcome aparenta ser un disco más maduro, pero las guitarras fuzz, los ritmos para hacer palmas, los coros desafinados y las melodías luminosas siguen haciendo de Wavves una banda ideal para agarrarse una buena cogorza. La noventera ‘Daisy’, el garage punk de ‘Exercise’, la infantiloide ‘Come To The Valley’, la pegadiza ‘Hollowed Out’ o la balada a los años 50 que cierra el álbum, ‘I Love You’, son buenas credencia-

les, pero en ningún momento acaban de rematar la faena. Puede que como otras bandas, pienso sobre todo en Best Coast, a Wavves les sentaba mejor estar bajo el síndrome de Peter Pan. Pero ahora se encuentran en esa encrucijada en la que por un lado han crecido demasiado (en abril estuvieron girando con Blink-182) como para seguir publicando discos maqueteros, y por otro, quizá por miedo, o por principios, tampoco quieren lanzarse a competir con las bandas de pop punk que suenan en la radio. Y quizá por no acabar de definirse del todo, You’re Welcome gusta, pero no enamora. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... NATHAN WILLIAMS En muchas entrevistas has hablado muy abiertamente de la mala relación con vuestro antiguo sello Warner. ¿Os fue complicado desligaros de ellos o ni siquiera les importaba? “No fue difícil. Ambas partes estuvimos de acuerdo en hacer las cosas de la misma manera: la mía”. ¿Con qué estado de ánimo empezaste a trabajar en You’re Welcome? “Fue divertido. Yo me hice cargo de todos los gastos de la grabación, así que estaba un poco nervioso, pero la libertad de ser mi propio jefe lo compensó de sobras”. El álbum suena como una progresión natural de lo que veníais haciendo. ¿Hubo algo en la manera de componer o

grabar que hicieras por primera vez? “El disco lo he coproducido con Dennis Herring, pero es algo que ya había hecho. Había producido nuestros dos primeros discos, pero en mi casa. Esta vez, estando en un estudio ‘de verdad’, sentí que por primera vez podía controlar los sonidos en un disco de Wavves”. Aunque vuestras canciones son muy pegadizas y melódicas, lo cierto es que suenan muy distintas a lo que hoy en día es popular en la radio. ¿Es frustrante pensar que una canción como ‘Daisy’, que podría haber sido un hit en los 90, ahora no tenga ni la más remota posibilidad comercial? “No creo que la radio vaya a ser

relevante durante mucho más tiempo, así que lo que es popular ahí no me parece importante en absoluto”. ¿Sientes que tienes un millón de enemigos? ¿Qué te motivó a escribir la canción ‘Million Enemies’? “Quizá tenga 900.000. Simplemente es una canción sobre la gente que me odia”. ¿Te resultó difícil escribir una canción tan directa y abierta como ‘I Love You’, que cierra el álbum? “Si algo tengo claro es que es la canción más personal y más abierta emocionalmente que jamás haya incluido en un disco de Wavves. No fue especialmente difícil, pero sin duda fue un paso adelante para nosotros”. (JORDI MEYA)

S FULL OF HELL

Trumpeting Ecstasy (PROFOUND LORE)

GRINDCORE, POWERVIOLENCE

i andas metido en el mundillo del grindcore y el powerviolence más volátil y experimental, últimamente es casi imposible no haber leído o escuchado loas hacia Trumpeting Ecstasy, la nueva obra de Full Of Hell. A su vez, que hayan tocado en el Roadburn, colaborado con Merzbow o incluso publicado splits con Nails o Code Orange Kids, la primera encarnación de Code Orange, ya da pistas de su espíritu inconformista y aventurero. Entre la tralla inhumana que se espera de una banda de su estilo, estos estadounidenses también intercalan industrial, noise ensordecedor y samples retorcidos para hacer de su arte una iracunda sinfonía que desearías no haber descubierto nunca. La primera mitad de ‘Crawling Back To God’

H DELOBOS

Moon Moan (THE BRAVES)

BLUES ROCK, GRUNGE

ay personas a las que la inspiración parece llegarles en cuentagotas, mientras que otras se encuentran en una racha compositiva constante. En ese segundo estado se encuentra ahora mismo Juan A. Soler ‘Kantz’, quien parece no tener suficiente con De La Cuna A La Tumba o el inminente nuevo disco de Tenpel, que saldrá una vez pasado el verano. Delobos es su enésimo proyecto, formado inicialmente junto a Raúl Mingorance (guitarrista también de Tenpel) hace ya un par de años aprovechando los tiempos muertos en los ensayos de su banda madre.

te deja tomar aire, pero por una cosa o por otra, es de los pocos salvavidas que te encontrarás en este álbum. ‘Trumpeting Ecstasy’, una especie de Godflesh llevados al límite con voz femenina incluida, es el mejor ejemplo de hasta qué punto Full Of Hell pueden destruirte el cerebro sin recurrir a blast beats manidos ni demás recursos sobados. Ortodoxia también hay a raudales, como en el castigo

final ‘At The Cauldron’s Bottom’ o la guarra ‘Gnawed Flesh’, que es una delicia, pero es en ese tema título donde te das cuenta del alto nivel que este combo ha alcanzado en este disco. Por suerte tan solamente son 23 minutos, pero vas a creer que llevas siendo torturado un día entero. Dentro de los territorios extremos, Full Of Hell serán unos de los grandes triunfadores del año.

De vocación acústica, la idea ha ido pasando por varias fases hasta dar forma a Moon Moan, su debut en largo al que se suman el bajo de Luis Fuentes y los tambores de Nacho Romero, por lo que nos encontramos con un grupo con todas las de la ley. Sus sonoridades se mueven por distintas vías pero con un marcado tono intimista, adoptando esta vez el inglés como idioma. Prueba de ello son ‘Now You Go Solo’, ‘Underneath The Oak’ o una ‘Senseless’ cuyo solo desprende también cierto aroma grunge que puede retrotraernos a Mad Season o incluso a los

primeros Pearl Jam. El toque folk americano aparece en ‘Soul Thieves’ y ‘The Preacher’, trasportándonos a ese sucio y salvaje Oeste en el que Kantz se transforma en un convincente predicador sureño, al igual que en la algo más contenida pero igualmente pegadiza ‘Crescent Moon’. La aportación de Aurora García de Aurora & The Betrayers en la atmosférica ‘Bothering’ confirma la idea de que estamos ante un álbum libre de ataduras estilísticas, cocinado a fuego lento y sin prisas. Tal y como debería degustarse.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

ME FIRST AND THE GIMME GIMMES Rake It In: The Greatestest Hits (FAT WRECK)

PUNK ROCK

xisten muchas bandas tributo, quizá demasiadas, pero banda de versiones como Me First And Gimme Gimmes sólo hay una. Este all-star de la órbita Fat Wreck lleva editados siete trabajos de estudio, un disco en directo y numerosos singles. Merece la pena recordar que cada trabajo de esta superbanda con miembros de Lagwagon, Foo Fighters, NoFx y Swingin’ Utters es un maravilloso homenaje a géneros como los musicales (Are A Drag), el country (Love Their Country) o el R&B (Take A

Break). Ahora publican su primer recopilatorio para amontonar más pasta, como bien indica el título Rake It In: The Greatestest Hits. Se agradece la sinceridad, y la selección. No debe ser fácil escoger entre tanto hit. Rake It In es la madre de todas las compilaciones, un resumen en clave punk de la historia de la música popular. Del ‘The Times They Are A Changin’’ del Nobel Bob Dylan al ‘I Believe I Can Fly’ de R. Kelly pasando por el ‘All My Loving’ escrita por los Beatles John Lennon y Paul McCartney, el ‘Uptown Girl’ de Billy Joel y el ‘Lady’ de Lionel Ritchie. Eso sí, me pregunto si esta compilación obedece a que Fat Mike, Joey Cape y compañía se habrán quedado sin ideas. Desde aquí les animamos a seguir explorando otros países para completar la serie de EPs iniciada con Go Down Under y Sing In Japanese, con versiones de grandes artistas australianos y japoneses. ¿Para cuándo un disco inspirado en nuestras estrellas más universales como Raphael, Julio Iglesias, Manolo Escobar o Lola Flores? Ahí lo dejo. LUIS BENAVIDES

LINEOUT

Blast In Turbigo (NO REASON)

PUNK ROCK

o suele ocurrir con mucha frecuencia que una banda telonera consiga llamarme la atención lo suficiente como para que una vez llegado a casa me tome la molestia de buscar sus discos. Los italianos Lineout tienen el honor de pertenecer a ese selecto grupo de excepciones personales. Hace un par de años pude verles abriendo para los ya desaparecidos Atlas Losing Grip en la gira del primer aniversario de nuestra promotora amiga B-Trade Tourbooking y sin conocerles absolutamente de nada, me quedé impresionado por su destreza instrumental y unas canciones redondas dentro del estilo.

Salvando las distancias, me recordaron a monstruos del hardcore melódico técnico como A Wilhelm Scream o Adrenalized. Algo que pude contrastar también con su debut, Guardians Of Punk Rock. Tras continuar viajando por toda Europa, les llega el momento de la reválida con su segundo plástico, Blast In Turbigo. En él siguen demostrando su buen manejo del estilo, recibiéndonos con un ráfaga de cortes llenos de urgencia (‘I Hate’, ‘Anatolian Nights’ y muy especialmente ‘Padregnana Is Not A Crime’), en los que vuelven a dejar patente su buen acierto a la hora de dar con estribillos melódicos. Por desgracia, la parte central baja un tanto el listón y es que, por muy buenos instrumentistas que sean, no termino de entender a cuento de qué viene meter una pista con un anodino solo de bajo de 3 minutos. Remontan en el descuento con otro buen tema como es ‘The Church Is Burning Down’ y aunque el resultado final queda un tanto deslucido, los 24 minutos que dura el álbum pasan tan rápido que merece la pena darle una escucha. GONZALO PUEBLA

N BLINK-182

California (Deluxe) (BMG)

POP PUNK

o mentían Mark Hoppus, Travis Barker y Matt Skiba cuando contaron en su momento que se habían sentido de lo más inspirados durante la grabación de su primer disco juntos. Mes y medio antes de que se cumpla un año de la publicación de California, Blink-182 vuelven a la palestra con una edición extendida del mismo álbum. Nada menos que once canciones inéditas, más una versión acústica del hit ‘Bored To The Death’, es lo que aquí ofrecen, y al contrario de lo que suele pasar en este tipo de casos, el resultado es más que satisfactorio. No estamos hablando de maquetas grabadas en un ordenador, o esbozos de temas ya conocidos, sino de un complemento en toda regla… eso sí, con sus

E BAY CITY KILLERS The Distance (AUTOEDITADO)

ROCK

s curioso cómo a veces los contratiempos pueden llegar a jugar a tu favor sin que te lo esperes. Digo esto porque me imagino que, si por ellos fuese, este primer disco de Bay City Killers habría llegado a salir incluso mucho antes de lo que a ellos mismos les hubiera gustado. Pero los diferentes cambios de formación experimentados a lo largo de su tres años de existencia (en sus comienzos eran un cuarteto en el que incluso llegó a participar Alex Ferrero, bajista de Nothink), quizás hayan ralentizado todo el proceso

mismas virtudes y defectos. Al igual que en su ‘hermano mayor’ encontramos guiños a su era dorada (‘Parking Lot’), algún tema sorprendente (‘6/8’), otros donde Skiba gana la partida y se lleva a Blink a su terreno (‘Misery’), acercamientos al pop de algunos de sus discípulos (‘Bottom Of The Ocean’), alguna balada (‘Long Lost Feeling’) y hasta otra broma de apenas 35 segundos (‘Can’t Get You More Pregnant’). Si a nivel

compositivo pocas quejas hay, de nuevo los excesos de John Feldmann en la producción provocan cierto agotamiento auditivo. Y por eso, aunque prácticamente cualquiera de estos temas podría haber sustituido a alguno de la versión original sin que se notase la diferencia y viceversa, creo que hasta el más fan de Blink acabará algo empachado si lo escucha todo del tirón.

hasta llegar aquí. Aunque probablemente eso mismo haya supuesto tener más tiempo para poder madurar un debut tan bueno como The Distance. Muchas veces las prisas llevan a sacar a los grupos lo primero que tienen entre manos sin ser lo mejor que pueden ofrecer, algo que no ocurre con el debut de los mallorquines. Su sonido crudo y directo bebe mucho tanto de Pearl Jam como de Hot Water Music, por lo que ya podéis adivinar que se mueven a medio camino entre el punk y el rock americano de corte clásico. Basta con escuchar singles tan perfectos como

‘Lights On The Road’ o ‘The Grave Of Fireflies’, donde la voz rota de José Serrano te incita a berrear sus estribillos con el puño en alto, para darse cuenta de que estos chicos saben lo que se hacen. Destaca el buen trabajo de las guitarras que brillan en el puente de la épica ‘Hope’ o el desarrollo final de ‘Same Old Fork’. ‘Sailors’ y ‘Walking On The Edge’ son puñetazos de rabia punk que añaden más gasolina al fuego. Si sois de los que echáis de menos a The Gaslight Anthem, tal vez estéis ante vuestro nuevo grupo favorito.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

CARACH ANGREN Dance And Laugh Amongst The Rotten (SEASON OF MIST)

SYMPHONIC BLACK METAL

o sé si sólo serán imaginaciones mías, ¿pero os habéis fijado que cuanto peores son los discos que algunos publican, más se amplía su grueso de fans? A la cabeza me vienen Sabaton, por ejemplo, y en el territorio extremo, pues Carach Angren. Tampoco iré de sobrado y soltaré un ‘sabía que esto pasaría’, porque desde que les conocí con su debut tuve la esperanza de que ellos perfeccionarían aquello que Cradle Of Filth dejaron hecho trizas a finales de los 90. Es decir, black metal sinfónico de inspiración cinemática,

victoriana y barroca, pero sin recargar nunca tanto como para llegar a la carcajada. Uno a uno Carach Angren han ido cayendo en los mismos errores, y si su anterior This Is No Fairytale ya daba síntomas de que la fatalidad estaba por llegar, ha sido con este Dance And Laugh Amongst The Rotten cuando los holandeses han dado un salto al vacío. Aquí no encontramos ni un solo riff destacable, sólo un intercambio de fraseos entrecortados para esos ninis bobalicones que acuden al Salón del Cómic disfrazados de Naruto, y es que absolutamente todo el peso del disco recae en los teclados y orquestaciones de Ardek. Veremos cómo sale de este embrollo en vivo, o si directamente nos intentan engañar lanzándolo todo por mesa como tan de moda está últimamente. La verdad, me retracto de cualquier cosa positiva que haya dicho sobre esta banda antes. Hey, Season Of Mist, ¿pero es que no os da vergüenza? Subproducto patatero y power con shrieks. Infantil, casposo y ridículo. PAU NAVARRA

FREEZE THE ATLANTIC

The People Are Revolting (ALCOPOP)

ROCK ALTERNATIVO

a han publicado un montón de EPs y tres largos desde su formación en 2009, pero los británicos Freeze The Atlantic siguen siendo presentados como el proyecto de varios excomponentes de bandas tan reconocibles y añoradas como Reuben y Hundred Reasons. El pasado glorioso pesa mucho, pero el tiempo ha demostrado que Freeze The Atlantic es una banda con todas las letras. Han sufrido unas cuantas bajas y altas, pero desde su segundo trabajo ya cuentan con el versátil Liv Puente como frontman titular e insustituible, espléndido en

todos los cortes del presente The People Are Revolting. Consolidada también la base rítmica con Guy Davis y Jon Pearce, Freeze The Atlantic publican ahora un disco impresionante con un sorprendente inicio instrumental de bella factura con pianos y guitarras cristalinas titulado ‘El Nitro’, que enganchan con ‘Annotate My Fate’, un ejercicio de rock ultramelódico excelente. El primer gran estribillo del álbum aparece en el tema titular, ‘The People Are Revolting’, un puñetazo en la mesa cargado de hartazgo, de crítica social. Como ‘Altogether Not Together’, un medio tiempo inspirado en el drama de los refugiados por la guerra en Siria. La banda, que completan los guitarristas Andy Gilmour y Tom Stevens, también borda la preciosa ‘Crackerjack’ y exhibiciones de músculo alternativo con poso post hardcore como ‘Captain Buzzkill’, ‘The Floor Is Made Of Lava’ y la incandescente ‘Gunnar Hansen’. Para fans de Rival Schools, Failure, Quicksand y Fireside. LUIS BENAVIDES

FLEET FOXES Crack-Up (NONESUCH)

INDIE FOLK

esulta curioso que siendo una de las formaciones mejor valoradas dentro del circuito indie actual, hayan pasado seis largos años sin que Fleet Foxes editen nuevo material y prácticamente nadie haya alzado la voz. Del mismo modo, los de Seattle regresan con CrackUp sin grandes estridencias, manteniendo intacta su identidad de hippies apasionados por el folk. ‘I Am All That I Need / Arroyo Seco / Thumbprint Scar’ nos recibe entre los lánguidos susurros de Robin Pecknold hasta que la canción despega convirtiéndose en

82 92

una montaña rusa repleta de subidas y bajadas pero avanzando con la fuerza torrencial de un río. Algo que volveremos a experimentar a lo largo de los casi 9 minutos de ‘Third Of May / Daigahara’, todo un viaje de psicodelia folk. Piezas tan bonitas como ‘Fool’s Errand’ y ‘Kept Woman’ vienen a demostrar que en todo este tiempo no se han olvidado de cómo hacer esas preciosas armonías vocales reverberizadas que son ya marca registrada. Y ‘On Another Ocean (January / June)’ cuenta con un cambio de ritmo ejecutado con una elegancia sublime, digno de quitarse el sombrero. El problema de este tercer álbum de Fleet Foxes viene con su larguísima duración. Encarar un hora de música con un tono tan suave puede hacer que a alguno le dé por agarrar la almohada antes de tiempo. Y es que de igual manera que contiene momentos excelsos, Crack-Up también cuenta con alguno demasiado contemplativo. GONZALO PUEBLA

BUZZCOCKS Time’s Up! (DOMINO)

PUNK ROCK

e imagino a un chaval de 20 años escuchando estas canciones y pensando: ‘Pero, ¡qué sonido más cutre!’. Pues sí, en 1976 los medios de grabación eran precarios, sobre todo para cuatro inadaptados de Manchester que sólo querían formar parte del incipiente movimiento punk británico gracias a su primera maqueta. Y eso es lo que encontramos en Time’s Up!: canciones legendarias como ‘Breakdown’, ‘Orgasm Addict’, ‘Boredom’ o ‘You Tear Me Up’ pero en versión maquetera, sin remasterizar ni digitalizar. Se trata pues

de once diamantes en bruto, sin pulir, que representaban el primer paso para una banda que acabaría formando parte del póker fundacional del punk inglés junto a Sex Pistols, The Clash y The Damned. Para los curiosos que estéis leyendo estas líneas, Time’s Up! se grabó en un cuatro pistas, todo en directo durante una sola tarde de octubre de 1976 y el coste de la sesión de grabación ascendió a la ‘astronómica’ cifra de 45 libras; no está mal para tratarse de su primera demo. Creo que no es necesario añadir que esto es un documento sonoro de alto valor histórico, tanto por el contexto en el que surgió como por la trayectoria posterior de Buzzcocks, una banda que, por cierto, será cabeza de cartel del próximo festival Gasteiz Calling celebrando, precisamente, sus más de 40 años de carrera. Alguien escribió una vez que ‘Orgasm Addict’ sonaba como un traqueteo maravilloso, una impresión que se podría aplicar perfectamente al resto de canciones que forman parte de Time’s Up!. JORDIAN FO

FIRESPAWN

The Reprobate (CENTURY MEDIA)

DEATH METAL

stá claro desde que se dispara el blast de ‘Serpent Of The Ocean’ que el principal objetivo de Firespawn sigue siendo pasarlo en grande homenajeando todo aquel metal extremo que estos jefazos suecos han ido pariendo durante 30 años, pero si además el supergrupo empieza a sonar como una banda de verdad, costando reconocer dónde está la mano de cada uno, la cosa ya adquiere tintes interesantísimos. LG Petrov de Entombed A.D., Morbid o Nihilist sigue reservando los mejores guturales de su segunda juventud para este

proyecto, y como el bajista Alex Impaler (Necrophobic), el guitarra Victor Brandt (Entombed A.D., exSatyricon) y el otro seis cuerdas Fredrik Folkare (Unleashed, Necrophobic) tampoco se están de nada, temas como ‘Blood Eagle’ te vapulean que da gusto. Lo de Matte Modin tras los parches no hace falta ensalzarlo porque siempre nos deja sin aliento, pero cómo se nota que el Raised Fist necesita hacer el heavy cada cierto tiempo para rememorar sus etapas en Dark Funeral o Defleshed… El riffing en ‘Damnatio Ad Bestias’, la potentísima ‘Death By Impalement’ o ‘Full Of Hate’ es un pasote, pero la canción que se lleva la palma es la tumultuosa ‘Generals Creed’. Ahí es donde lo flipas en colores, y es que por mucho que la bastante Morbid Angel ‘The Reprobate’ o ‘Nightwalkers’ cierren su segundo álbum con maestría, ya no se supera ese listón. Es fantástico comprobar que esta gente sigue en tan buena forma, así que sólo nos queda sumarnos a su jolgorio. ¡Benditas canas, joder! PAU NAVARRA

DANZIG

Black Laden Crown (AFM)

HEAVY METAL

lenn Danzig, quién le ha visto y quién le ve. Si con Misfits y Samhaim forjó su leyenda, con sus primeros cuatro álbumes en solitario constituyó uno de los pókers definitivos que cualquier artista soñaría con tener en su discografía. Por desgracia, desde entonces la calidad de sus discos ha marcado una curva descendiente que tocó fondo en 2015 con el infumable álbum de versiones Skeletons. Aun así, gracias a la reunión con los Misfits y al hecho de que hiciera siete años que no hubiese publicado un trabajo con nuevo material propio, se había creado

bastante expectación en torno a Black Laden Crown. Por desgracia, cualquier esperanza de que Danzig hiciera un retorno triunfal se desvanece a los pocos minutos. Y es que el disco tiene un problemón: suena como el culo. De verdad, la mayoría de maquetas que recibimos suenan mejor que esto. Como no dudo que Danzig disponga de suficientes recursos económicos como para encontrar un estudio en condiciones, ni tampoco del nivel de músicos como Tommy Victor (que aquí se encarga de guitarra y bajo) o de Joey Castillo, que se hace cargo de la batería en algún tema, me inclino a pensar que la culpa es únicamente suya, que al fin y al cabo es quien consta como productor. Probablemente su ego le haya llevado a colocar su voz a un nivel desmesurado (cuando tampoco su voz es la que era), mientras que el resto de instrumentos suenan empastados de fondo. Una pena, porque algún tema como ‘Devil On Hwy 9’ o ‘Pull The Sun’ prometía. JORDI MEYA

DEAD BRONCO

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Matt Horan (voz, guitarra), Manu Heredia (guitarra),

Dani Merino (lap steel), Oscar Calleja (contrabajo), Danel Merin (batería) PRODUCIDO POR: Saúl Santolaria AFINES A: Supersuckers, Bob Wayne, Hank Williams III PÁGINA WEB: www.deadbronco.com

levan la tira de años luchando contra los elementos, y hemos de decir que ellos ya estaban aquí cuando el country, el hillbilly y demás tendencias outlaw no estaban de moda. Cuarto disco ya y, a pesar de los cambios sufridos, Bedridden & Hellbound siguen sonando tan tradicio(AUTOEDITADO) nales como dañinos. Porque COUNTRY, PUNK ROCK sí, seguramente adorarán la música de Hank Williams o Johnny Cash, pero lo pasan por su particular filtro, y en ese filtro, amigos, hay mucho punk y mucho rock’n’roll. Si piensas en los trabajos en solitario de Mike Ness o en los discos country de Supersuckers entenderás lo que quiero

decir. Que una tonada tan bonita como ‘Drinking Alone’ conviva sin problemas con un pepinazo tan demencial como ‘Keg Stand’ es síntoma de que esta banda no se anda con tonterías. Siguen un camino claro, pero ese camino tiene docenas de bifurcaciones y todas te conducen a ese lugar donde todos los que somos abiertos de orejas coincidimos. ‘Bedridden & Hellbound’, el tema título, suena sucio y polvoriento, melodías fronterizas que casan a la perfección con baladas a medio tiempo como ‘Devil Woman’, donde la tradición de la mejor música americana asoma con

fuerza. Entre densos blues pantanosos (esa ‘Mudd The Demon’ suena húmeda y pegajosa) les queda tiempo para versionar a un grande como Merle Haggard (preciosa ‘Mama Tried’) y sorprendernos con el country juguetón de ‘Thy Mother’s Way’, otra de esas composiciones que podrías jurar que no viene del País Vasco sino de cualquier rincón de Nashville. Grabado en directo, exhibiendo un sonido tremendamente crudo y visceral, seguramente estemos ante uno de esos discos a los que recurriremos con asiduidad a lo largo del año. ANDRÉS MARTÍNEZ

HABLAMOS CON... MATT HORAN En cuestión de sonido y concepto no hay demasiadas diferencias respecto a anteriores referencias, pero sí creo que os mostráis mucho más inspirados a nivel de composición. ¿Estás de acuerdo? “Así es, el rollo es el mismo, pero en este disco quizás se note más que he estado escuchando mucho outlaw country de los 70 y me inspiraban las intros y cambios que hacían en esa época, y con la nueva formación todo eso fue posible”. De hecho, siempre ha habido mucho movimiento en la banda. ¿En qué han afectado al grupo a nivel global los nuevos miembros?

“Es verdad. Han habido muchos cambios en la formación en estos años y mucho tenía que ver con la tralla de las giras, son largas y duras; este estilo

de vida no es para todos. Como dije antes, la nueva formación ha aportado mucho en el nuevo disco. Estoy trabajando con músicos muy buenos que hacen que todo salga como la mantequilla. Manu Heredia es un guitarrista increíble, cada vez que salimos por el Estado o fuera, por Europa, la gente flipa, tiene un estilo muy único y llama mucha la atención del público. Luego con Dani Merino, a la hora de componer es una máquina, controla muchísimo del country clásico y su influencia ha aportado mucho en general. Sonamos mucho más compactos en directo, el sonido es potente y hay mucha energía, te pega como un tren. ¡Yo estoy disfrutando como un enano!”. Siempre que ha salido la oportunidad os habéis movido por Europa. ¿Crees que visto cómo está el panorama por aquí, el futuro pasa por darte a cono-

cer fuera cada vez más? “Yo sigo sorprendiéndome de la aceptación que hemos recibido en casa. Cada año nos llaman de más sitios con mejores condiciones y cada vez hay más gente en los conciertos. Nosotros siempre nos hemos enfocado en girar. Si no tocas es imposible que te conozcan, y encima canto en inglés y es un estilo de música bastante difícil de dar a conocer. Llevamos tres años girando por Europa. Me acuerdo de la primera gira en Francia... tocamos sólo para el técnico de sonido, literalmente. Fue muy deprimente, pero este año somos cabeza de cartel en el Muddy Roots Festival, en Bélgica. Todo el esfuerzo y

sacrificio ha merecido la pena. La cosa esta yendo bien en general, nosotros seguiremos tocando, haciendo lo que hacemos, hasta que se caigan las ruedas de esta madre”. (ANDRÉS MARTÍNEZ)

HATE

Tremendum (NAPALM)

BLACKENED DEATH METAL

ontra todo pronóstico, el pasado 1 de diciembre presencié uno de los mejores shows a los que tuve la oportunidad de ir en 2016. Para pasar el rato y echar unas birras, con unos colegas fuimos a ver a Hate en la Upload de Barcelona, una banda sin suerte por la que siempre he sentido simpatía… aunque para el tornado que nos barrió de la sala a los únicos 15 ó 20 asistentes no estaba preparado. Pues bien, con la incógnita de si el vendaval que vimos sobre las tablas tendría continuidad en su próximo disco me enfrenté a su nuevo Tremendum, y vaya si siguen en racha… Desde

el principio hasta el final, los polacos nos someten a la máxima velocidad y negrura del blackened death, así que si echas de menos a los Behemoth más cafres, colega, aquí tienes la tierra prometida. Y todo ello recordando a sus compatriotas más laureados, sí, pero si les perdonamos ‘Numinosum’ o la buenísima ‘Sea Of Rubble’, no sonando exactamente a copia como siempre les hemos achacado… Desde que ‘Asuric Being’ arranca marcial y vas llegando a ‘Indestructible Pillar’, la elaborada ‘Svarog’s Mountain’, la tormenta ‘Fidelis Ad Mortem’ o una sobrada como ‘Into Burning Gehenna’, asistes feliz a la musculosa reivindicación de unos Hate depurados que nos sacan el regusto amargo de su anterior Crvsade:Zero de la mejor de las formas. El título del disco le viene que ni pintado, y la producción para una obra de este estilo sólo puedo calificarla de perfecta. ¡Tras más de 25 años de carrera, ya era hora de que sacaran pecho! PAU NAVARRA

ESCUELA DE ODIO El Espíritu De Las Calles (MALDITO)

HARDCORE PUNK

n activo desde 1993, Escuela De Odio siguen al pie del cañón y con fuerzas para dar mucha guerra. Buena prueba de ello es El Espíritu De Las Calles, su sexto LP y primero para el sello Maldito. Como continuación de su anterior trabajo de estudio Sólo Nos Queda Luchar, publicado en 2015, los asturianos siguen repartiendo cera a base de hardcore, punk y metal (crossover, para abreviar). Yo los considero los Agnostic Front de la escena estatal y los que sabéis de esto seguro que me dais la razón.

Curiosamente, a lo largo del álbum descubro guiños a algunas bandas clásicas de la escena musical de este país. Por ejemplo, ‘La Fuerza De La Razón’ es un homenaje a El Corazón Del Sapo, al menos por el título. Otro ejemplo: mientras ‘La Zancadilla’ retumba en mis tímpanos, nombres como Soziedad Alkoholika y Habeas Corpus aparecen en mi mente con claridad. Dejando de lado estas cortesías, Escuela De Odio han creado un nuevo himno dedicado a su querida tierra, ‘Por Asturies’, pero esta vez en clave de oi!. En El Espíritu De Las Calles el quinteto de La Felguera presenta canciones muy trabajadas, como ‘No Hay Miedo’, donde las guitarras provocan varios cambios de ritmo, y otras más cortas, donde la rapidez es el motor de la descarga (‘Hardcore Is My Life’, ‘The Last Beer’). En lo que se refiere al apartado lírico, Pirri sigue lanzando proclamas incendiarias, verdades como puños que, aunque obvias y manidas, son más necesarias que nunca. JORDIAN FO

TRUE MOUNTAINS Walk

(FRAGMENT)

FOLK PUNK

costumbrado a ver siempre dúos formados por guitarra y batería, está bien que de vez en cuando uno se encuentre con propuestas frescas y originales. Es probable que quienes hayáis asistido a algún concierto de La Maravillosa Orquesta Del Alcohol ya conozcáis a Pérez y Nacho, o lo que es lo mismo, True Mountains. Armados únicamente de una guitarra acústica y un contrabajo, estos gallegos llevan pateando escenarios de todo tipo desde hace ya cuatro años (gracias a la sencillez de medios de que disponen han llegado a tocar en bibliotecas, centros

sociales, teatros, institutos..). Y aunque se podría decir que sus canciones se cobijan bajo un caparazón folk, su corazón late a ritmo de punk rock. Esa misma manera de entender e interpretar su música es lo que les hizo llamar la atención de muchos con su debut, Freethinkers, y que ahora repiten jugada en Walk. Escuchando cortes como ‘Let’s Go To The River’, ‘Holloway Prison’, ‘Sounds Of The Valley’ o ‘Aloners’, no cuesta adivinar que han crecido escuchando los discos de Bad Religion, Lagwagon y NoFx, aunque lo camuflen con otras sonoridades. No en vano, en su anterior EP Positive ya demostraron lo bien que se pueden adaptar sus canciones a un sonido más cañero. Los coros y sutiles arreglos puntuales de guitarra eléctrica en ‘Walk’ y ‘Fire To The Church’ ayudan a colorear unas composiciones que se sostienen por sí solas, sin trucos ni artificios. Quizás la única pega que se les puede poner es que aún no han sido capaces de recoger del todo en el estudio la energía, desparpajo y sentido del humor que desprenden en sus conciertos. GONZALO PUEBLA

SANTO ROSTRO The Healer (VARIOS SELLOS)

SLUDGE METAL, DOOM METAL

ada dos años toca cita con Santo Rostro, y su tercer álbum no se ha hecho esperar. Los de Jaén vuelven con The Healer y cinco nuevos temas que se descorchan con la algo stoner ‘One Small Victory’. Entre guitarrazos inspirados y potencia desértica llegamos a ‘Cut My Hand’, que se sumerge ya del todo en la pesadez y el devaneo lisérgico. Antonio Gámez al bajo y la voz comanda con solvencia la primera parte de este largo tema, al que no le falta emotividad y que se sale cuando tira de los Black Sabbath más celebrados sin ningún tipo de complejo. Pero es que

luego hay más, pues para rematar la jugada el doom más denso toma las riendas para aplastarte sin remisión. Éste es sin duda el corte que más he disfrutado de este lanzamiento. Con ‘Born Again’ (¿Otro homenaje?) vuelve la sangre a tus venas. Si has sobrevivido a la momificación anterior, el trío andaluz te atacará aquí a lo High On Fire con brío y ganas de abrir botellines con los dientes. ¿Echabas de menos el dolor? Tranquilo, los más de 10 minutos de ‘The Healer’ se encargarán de volver a sumirte en el dulce sueño de la melancolía… hasta que el monstruo del riff despierta con hambre. ‘Hylonome’ y su subidón épico echan el cierre para unos Santo Rostro que, como ya va siendo habitual, nos ofrecen un corto aunque variado compendio de todos esos estilos que chiflan a los perezosos, a los amantes de Wino, Pentagram y las barbas frondosas. Es un lenguaje que dominan a la perfección, por lo que pedirles otra cosa sería negarte un placer. PAU NAVARRA

u anterior largo, Little Cabin Music nos dejó un gran sabor de boca, pero también la sensación de que a la banda ibicenca le quedaba todavía un gran camino por recorrer. Su estilo entroncado en el blues, en el boogie, en el soul y en ese rock´n´roll UNCLE SAL You Ain´t No Bluesman primigenio sin fecha de (LITTLE CABIN/JAZZBO MUSIC) caducidad no requería ROCK’N’ROLL, BLUES de grandes producciones, pero sí de ese plus que los 78 hiciese destacar del resto. Pues bien, no han perdido el tiempo y después de docenas de conciertos los chicos han mejorado tanto que el salto dado nos parece incluso sorprendente. Ya no se lanzan tan sólo a homenajear a sus referencias, ahora se han dedicado a componer, se han centrado en escribir ese tipo de composiciones que te llegan allí donde

N MACULY Maculy

(AUTOEDITADO)

ROCK ALTERNATIVO

100

o me suelen terminar de gustar demasiado los EPs por aquello de ser una representación, en la mayoría de los casos, insuficiente para llegar a valorar el trabajo de una banda en concreto. Pero como todo en esta vida siempre hay excepciones y la más reciente referencia de Maculy es sin duda una de ellas. En activo desde hace tan sólo un par de años, este jovencísimo cuarteto de Castellón se presenta en sociedad con un trabajo que se hace corto pero que desprende calidad por todos lados. Hasta los Westline Studios de Juan Blas

sólo llegan esas melodías que te embaucan e irremediablemente se meten dentro tuyo. Por supuesto no se han olvidado de ofrecernos algunos guitarrazos inspirados en el catalogo más pantanoso de ZZ Top o Raging Slab (escucha ‘Red´s Lounge Boogie’ o esa rítmica ‘Soul Shakin´Woman’), pero donde realmente se salen es donde Soulman Sal pone su áspera voz al límite. ‘Hard Life’ por ejemplo es

una maravilla con ese aire a lo Joe Cocker mientras que ‘Green Eyes/White Mansion’ nos muestra lo poderosas que puede llegar a sonar unas guitarras cuando se alían para desatar una autentica orgía de electricidad. Por otro lado, escuchando ‘Rock And Roll Brothers’ no puedo dejar de imaginarlos compartiendo escenario con Dan Baird y atacando este temazo en un mar de luz y sudor.

se trasladaron para registrar estos cinco cortes en los que han conseguido plasmar a la perfección el enorme potencial que atesoran. Con una producción directa, compacta y sin añadidos innecesarios, nos dan la bienvenida con ‘We Are Not Machines’, un torpedo lleno de energía combativa con una voz melódica pero no exenta de fuerza cuando ésta es requerida. ‘Castles’ cambia de tercio en un precioso medio tiempo bien construido redondeado con un elegante solo de guitarra, dejando claro lo bien que entienden estos chicos el concepto de canción por

encima de todo. Algo que se confirma con ‘Dance’, un pedazo de single de aires indie rock que cuenta con un estribillo realmente adictivo. Juegan con la dualidad de calma acústica y torbellino desgarrador en otro corte para enmarcar como es ‘The Bay’ y cierran con un gancho directo a la mandíbula en ‘Control’. Maculy demuestran ser una banda con las ideas bien claras y estar más que preparados para lo que debe ser su siguiente paso: su primer álbum. Quédense con su nombre porque aquí huele a grupazo para muchos años.

ANDRÉS MARTÍNEZ

GONZALO PUEBLA

nueve cortes, porque, de momento, aquí encontramos el black más puro y devoto que haya escuchado este curso. El sonido es para quienes deben entenderlo, y lo mismo digo de su crudo minimalismo. Hollywood queda lejos de Hønefoss, y así, canciones como BEASTCRAFT The Infernal Gospels Of la moribunda ‘Deathcraft Primitive Devil Worship And Necromancy’ o las (PULVERISED) intransigentes ‘The Fall Of The BLACK METAL Impotent God’ y ‘Waging War On The Heavens’ siguen 80 propagando la negra fe en esta religión incluso habiendo l fallecimiento de traspasado el umbral de la Trondr Nefas no sólo muerte. Si eres de los que truncó la carrera de van por ahí con la cantinela Urgehal, pues el noruego de que en este mundo ya no andaba involucrado en se hace black metal como el muchas otras formaciones. de antes, igual el problema Entre ellas, la que nos ocupa, ha sido tuyo al no buscar en unos Beastcraft que no el otro. Es algo que no se publicaban un largo desde puede explicar, esa extraña hace una década. En su fuerza sobrenatural que momento me compré Baptised parece alimentar a ‘Reborn In Blood And Goatsemen Beyond The Grave’, es ese y, os lo juro, ni por asomo sentimiento… Si te gusta el alcazaba la necrótica calidad género maldito en la vena de este disco, que viene más punk de unos Craft, a poner fin a 14 años de Darkthrone, Carpathian Forest trayectoria. Regocijémonos o Tsjuder, The Infernal Gospels ante él y agradezcamos Of Primitive Devil Worship que hayan recuperado de te conducirá hasta una viejas demos las líneas de placentera crucifixión. Nefas que aparecen en estos PAU NAVARRA

CRÓ!

Mounstros (NOOIRAX)

ROCK EXPERIMENTAL

ounstros, que no Monstruos, es el cuarto largo de los gallegos Cró!, una banda inclasificable con una paleta de colores y recursos muy amplia. Ya en el primer tema, ‘Videovigilada’, muestran su lado progresivo, deudor de King Crimson, y cuelan ruidos y alguna guitarra marciana que encajarían a la perfección en el Ok Computer de Radiohead. Y es que la dieta musical de estos cuatro amigos de Vigo es muy variada, como evidencian en los ocho cortes del disco. Rock clásico, jazz, space rock, arrebatos psicodélicos,

ritmos bailables… Cró! funden todos estos géneros y elementos con una extraordinaria habilidad en el presente Mounstros, un disco grabado en directo en los estudios Brazil de Madrid. El viaje con Cró! es una auténtica montaña rusa, entretenida y emocionante. Un buen ejemplo es la envolvente ‘Zapruder’, con unas dinámicas alucinantes. Los diferentes miembros se reparten las tareas vocales de Mounstros, cuando no cantan al unísono, en un insólito disco multicapas y plurilingüe. Y es que cantan en castellano en la mayoría de los temas, pero también hay una pieza en gallego, la citada ‘Zapruder’, y una pieza en inglés, ‘Roquentin’, siguiendo la estela de sus anteriores trabajos. Cierra el disco el tema instrumental y matemático ’UniCró!nibot’, un brillante homenaje a sus paisanos Unixomibot, tristemente desaparecidos. Por suerte, Cró! han cogido el relevo y tienen cuerda para rato. ¡Larga vida a estos monstruos! LUIS BENAVIDES

uede que el nombre de Thyrant no os suene de nada, pero aunque el combo malagueño lance ahora su disco debut, las raíces que componen este árbol se extienden en el pasado de la escena musical del sur con varias ramificaciones. Todas ellas THYRANT ...What We Left Behind han unido sus influencias en (INDIE RECORDINGS) una amalgama de sonidos METAL que tienen el metal como base para formar este 80 estupendo ...What We Left Behind, cuyo legado ha sido recogido por las aguas noruegas de Indie Recordings. La pregunta es: ¿Qué lo hace tan especial para que un sello de fuera apueste por ellos? Pues que tocan muchos palos que nos recuerdan a épocas míticas: encuentras death metal de los 90, encuentras sonidos pesados del heavy, encuentras melodías del

D ATAVISMO Inerte

(TEMPLE OF TORTUROUS)

ROCK PROGRESIVO

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esde que Viaje A 800 decidieran finiquitar su carrera, no nos ha dado tiempo a echarlos de menos. Poti, bajista, cantante y también su miembro más inquieto, enseguida se sacó de la manga una nueva formación, Mind!, en la que rendían pleitesía al vasto universo que Pink Floyd habían iniciado a finales de los 60. El concepto de la banda se fue metamorfoseando y acabaron adoptando el nombre de Atavismo, una continuación de esa aventura que los estaba llevando a terrenos inexplorados en este país desde hacía ya muchos

groove o del thrash, pero sobre todo encuentras un trabajo artesanal hecho desde la pasión sin perder un ápice de talento. Lo curtido de sus músicos se nota en las estructuras de estas canciones, no hay espacios para lo amateur, y sobre todo triunfan al conseguir sonar a cosas del pasado con un acercamiento moderno en canciones como ‘Endless Hunt’ o ‘Carving The Throne’. ¿Eres fan de Enslaved pero también flipas

con guitarras maidenescas a la vez que pierdes la cabeza por las voces cavernosas de Obituary? Pues estas ocho canciones te dirán mucho. Mimado diseño visual y artístico, una producción y masterización sin florituras y orgánica, y cinco personas de más de 40 años con sus ideas bastante claras y mucha ilusión. Sin tonterías ni muchos rodeos, recogiendo lo mejor de cada estilo.

años. Podemos decir que si el disco de debut de Atavismo era como una progresión natural de lo comenzado en Mind!, en esta nueva obra han ido un paso más allá. Siempre avanzando, siempre investigando, siempre buscando una identidad que entronque sus influencias del sur peninsular con su manera tan libre y personal de entender la música. Se ha comentado mucho los ecos del rock andaluz (y más concretamente del bellísimo catálogo de Triana) que se escuchan en este nuevo vinilo de los gaditanos. Es cierto, es imposible no pensar en las composiciones de Jesús de la

Rosa cuando escuchas una maravilla como ‘Pan Y Dolor’, pero como ya ocurría en Viaje A 800, ponerle una etiqueta a todo proyecto donde esté involucrado un tipo tan inteligente como Poti es poco menos que una temeridad. Puede que su guitarra suene menos poderosa, pero ahora se muestra mucho más elegante y evocadora en esos viajes oníricos en los que convierte pasajes tan bellos como ‘El Sueño’ o ‘Volarás’. Puedes ponerle el apelativo que te dé la gana. Para mí esto es tan sólo música, pura y simple belleza hecha música.

JORGE FRETES

ANDRÉS MARTÍNEZ

KATHON Däwn

(AUTOEDITADO)

INDIE ROCK

a banda Kathon toma prestado el nombre de un tóxico conservante quizá con la intención de atrapar para siempre sentimientos y sensaciones con sus melodías románticas y fantasmales a partes iguales. Después de su primera referencia, Death Among Flowers, cargada de momentos musculosos y aguerridos, la formación afincada en Girona vuelve con una referencia más melancólica y dolorosa si cabe titulada Däwn. Si con su debut llamaron la atención por una muy meritoria actualización del post punk ochentero, Kathon

prueba otros registros, introduciendo otras texturas, colores y ritmos. El ahora dúo, como dejan claro las dos siluetas de la portada, sube el dramatismo con el corte inicial, el que da nombre al disco, y acelera el paso con la agitada ‘M83’, que nada tiene que ver con la famosa formación electrónica francesa aunque también invita al baile. ‘M83’ esconde el mejor estribillo del disco, capaz de asaltar las listas de éxito indies y agitar garitos de modernos shoegazers. En su propuesta todo son tinieblas, penas y lamentos, pero algunos rayos de luz consiguen colarse en temas como el citado ‘M83’, ‘Give Me’ y, sobre todo, ‘I’m Sorry’, una pieza que avanza lenta y segura sobre una línea de bajo expresiva y una batería marcial que desemboca en una explosión de júbilo teñida de arrepentimiento. Estamos delante del típico EP de transición, cinco temas que dejan con ganas de más. Esperemos que también sea la antesala de un gran segundo álbum. LUIS BENAVIDES

HELL’S FIRE Rest In Riffs (ROCK ESTATAL)

SOUTHERN METAL

es brindamos una especial atención a estos madrileños con su anterior largo A Motherfucking Mayhem Overdose; sin embargo, empezábamos a estar algo enfadados con ellos. Habían pasado más de cinco años y, salvo la grabación de alguna versión no editada, nada de nada. Sabíamos que estaban en ello, pero la espera era una agonía porque intuíamos que en Rest In Riffs iban a volcar un buen montón de buenas ideas. Si la deuda con Pantera y su manera de entender el metal era evidente en el pasado, Hell’s Fire vuelven ahora igual de

cabreados, pero también más maduros. ‘Call Of The Swamp’, esa intro medio sludge que parece compuesta en un lodazal de barro y azufre, ya nos da las pistas necesarias para entender que han abierto sus miras con el único objetivo de enriquecer su propuesta. En ‘Nightstalker’ cuentan la historia del psycho Richard Ramirez y os aseguro que la tormenta de riffs que desatan para homenajear a tan satánico personaje es absolutamente descomunal. Las guitarras siguen sonando cristalinas, pero enguarradas en las aristas más afiladas del metal. Han añadido oscuridad a raudales, como en ‘The Mirror’, y quizás hayan dejado un tanto de lado su vena más sureña, pero cuando atacan con ‘March Of The Witch’ o ‘The Hearse’, sabes que estás ante ellos. Porque una de sus características es que, entre sus múltiples influencias, han sabido encontrar su propia personalidad. Es evidente: pocas bandas estatales serían capaces de componer una barbaridad como ‘No Shelter’. ANDRÉS MARTÍNEZ

ESPECIAL FOTO

PARKWAY DRIVE

BELVEDERE

GROEZROCK 2017 SI POR LOS MOTIVOS QUE FUERA ESTE AÑO NO PUDISTE ASISTIR AL GROEZROCK EN BÉLGICA, NO TE PREOCUPES PORQUE CON ESTE REPORTAJE FOTOGRÁFICO TE SENTIRÁS COMO SI HUBIERAS ESTADO EN PRIMERA FILA. DEFTONES, PARKWAY DRIVE, THRICE, PENNYWISE, UNDEROATH O COCK SPARRER FUERON ALGUNAS DE LAS BANDAS QUE PASARON LOS DÍAS 29 Y 30 DE ABRIL POR UNO DE LOS FESTIVALES EUROPEOS DE REFERENCIA DENTRO DEL PUNK Y EL HARDCORE.

FOTOS: RUBÉN NAVARRO

ZEBRAHEAD

COCK SPARRER

PENNYWISE

UNDECLINABLE AMBUSCADE

PARKWAY DRIVE

IGNITE

ZEBRAHEAD

H2O

THE FLATLINERS

THRICE

PARKWAY DRIVE

UNDEROATH

DEFTONES

STICK TO YOUR GUNS

HAY BANDAS QUE NACEN Y OTRAS QUE SE HACEN. STICK TO YOUR GUNS PERTENECEN A ESTA SEGUNDA CATEGORÍA, PERO DESPUÉS DE AÑOS DE CAMBIOS INTERNOS Y RODAR POR TODO EL MUNDO CON SU HARDCORE CON CONCIENCIA, POR FIN HAN CONSEGUIDO LLEGAR A SER LA BANDA QUE UN DÍA SOÑARON. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/ALEX BELZA (DIRECTO)

L PASADO 25 DE ABRIL, en una sala Razzmatazz todavía vacía y casi a oscuras, pocos minutos antes de que abriese las puertas y se llenase de fans de Parkway Drive, nos sentábamos a charlar con Jesse Barnett, vocalista de Stick To Your Guns, quienes ejercían de teloneros en la gira europea de los australianos. Aunque la excusa era su último EP Better Ash Than Dust (Pure Noise), publicado en septiembre, aprovechamos la ocasión para conocer un poco mejor la trayectoria del grupo. Es evidente que el quinteto californiano integrado también por Chris Rawson (guitarra), Josh James (guitarra), Andrew Rose (bajo) y George Schmitz (batería) está pasando por su mejor momento y no es casualidad que ello se haya traducido en un ma-

yor conocimiento y seguimiento por parte de los aficionados del hardcore actual. Pero lo cierto es que les ha costado lo suyo llegar hasta aquí. Desde que se formaran en 2003, la inestabilidad ha sido su compañera de viaje, siendo Jesse el único que ha permanecido desde sus inicios. Hasta once miembros distintos han pasado ya por el grupo y puede que eso explique el nivel bastante bajo de sus primeros discos. Una realidad que el propio Jesse reconoce sin tapujos. Si algo me gustó de nuestra conversación es que la misma honestidad que proyecta desde de sus letras, la tiene a la hora de abrirse a temas más personales. Incluso me contó que después de un año todavía no había superado la ruptura con su exnovia… gajes de pasarse la vida en la carre-

tera. Sin embargo, su estilo de vida les ha permitido, por ejemplo, tener la satisfacción de ser la primera banda de hardcore estadounidense que ha tocado en Kenia. Precisamente sobre ese viaje fue dirigida nuestra primera pregunta. Antes que nada, me gustaría que me contaras cómo fue la experiencia de tocar en Kenia hace apenas un mes. JESSE BARNETT “¡Uah! ¡Fue una pasada! Es una de las mejores experiencias que he tenido en mi vida. Gracias al grupo tenemos la oportunidad de ir a muchos sitios y entender mejor cómo funciona el mundo, pero ir a Kenia nos cambió a todos. Sé que suena a tópico, pero realmente cuando estás ahí y ves la felicidad que desprende gente que, en comparación a nosotros, apenas tiene nada, te hace reevaluar muchas cosas. Al principio sientes pena por ellos, pero realmente te das cuenta de la fortaleza que tienen. Fue increíble. Realmente el concierto fue una anécdota, lo importante es el trabajo que pudimos hacer con la ONG Hardcore Help Foundation. Hacen una gran labor”. Me lo puedo imaginar. Me gustaría saber qué planes tenéis para el nuevo disco... ¿Va a salir este año? “Tengo otra banda llamada Trade Wind con la que tengo que dar siete conciertos cuando acabe esta gira y después vuelo a casa y el 10 de mayo nos ponemos a grabar el nuevo disco de Stick To Your Guns. Así que creo que saldrá a finales de otoño”. ¿Tenéis ya todos los temas?

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“Tenemos algunos, pero iremos escribiendo sobre la marcha. Tenemos unas 14 canciones, pero seguramente cambiarán. No nos gusta ir al estudio con todo súper cerrado, así que pueden cambiar muchas cosas”. Para mí el EP Better Ash Than Dust es lo mejor que habéis publicado hasta ahora. ¿Irá el disco en esa línea? “Cuando hicimos Disobedient en 2015 intentamos hacer algo distinto. Creo que salieron algunas cosas buenas de ahí, pero en el EP intentamos

recuperar lo que hacíamos antes y creo que el nuevo disco también irá en esa dirección”. Venís de Orange County, una zona con mucha tradición de punk y hardcore. ¿Fue crecer en ese ambiente decisivo a la hora de empezar a hacer música? “Desde luego, al 100%. Iba a conciertos y me encantaba formar parte de esa pequeña escena del sur de California. Cada vez que veía tocar a un grupo, sabía que eso era lo que

“BANDAS COMO RAGE AGAINST THE MACHINE, QUE ERAN ENORMES, ESTABAN BAJO LA LUPA DEL FBI, Y EL MOTIVO ERA PORQUE SABÍAN QUE ESA MÚSICA PODÍA PROVOCAR UNA REVOLUCIÓN” JESSE BARNETT

quería hacer con mi vida. No sabía cómo, ni cuándo, pero sabía que quería eso (risas)”. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos? “Primero dejar la escuela (risas). Encontré a unos cuantos tíos que tocaban. Yo tocaba un poco la guitarra, pero en ese momento tocaba la batería en otros grupos. Cuando empezamos con Stick To Your Guns se suponía que yo iba a ser el guitarrista, no el cantante. Hice una demo de tres temas en los que grabé la guitarra, el bajo y la

batería, y estaba buscando a alguien para que cantase. Estuve dos meses buscando sin encontrar a nadie, y al final mi hermano, que es quien me grababa, me dijo que cantara yo. Lo hice y fue horrible (risas). Pero empecé a mover la maqueta, reuní a una banda y antes de nuestro primer concierto, seguía sin encontrar cantante, y los demás, de nuevo, me dijeron que cantara yo”. Vaya, así que eres cantante por defecto. “Eso es (risas). Mi intención nunca fue

ser cantante, y menos el frontman del grupo”. Ya, porque eso es algo totalmente distinto a tocar un instrumento... “Claro. Tuve que ir aprendiendo sobre la marcha… y todavía sigo aprendiendo. Ahora me gusta, pero a veces miro a Josh o Chris tocando y pienso ‘joder, cómo me gustaría poder tocar’ (Risas)”. Desde vuestros inicios habéis tenido muchos cambios en la formación y para mí eso es un gran hándicap para muchas bandas actuales, porque a los fans les cuesta identificarse con un grupo si constantemente va cambiando. “Desde luego. Yo lo veo igual. Nunca fue la intención cambiar tanto, pero cuesta mucho encontrar a cinco personas que estén en la misma onda. Creo que la formación que tenemos ahora sí es reconocible para los fans. Josh es una cara conocida, y Chris también. George tiene su rollo… Creo que cada uno tiene su identidad. Pero durante un tiempo fue un problema. Mucha gente te dice que sí, pero cuando pasas ocho meses girando las cosas cambian. Algunos se dan cuenta que no aguantan ni tres semanas de gira. Tienes que estar hecho de una pasta especial para hacer esto. Y te mentiría si no te dijera que muchas veces he pensado en tirar la toalla, pero me alegro de no haberlo hecho. Para que un grupo tenga éxito, y especialmente de este estilo en el que apenas se venden discos, tienes que girar todo el tiempo. Es la única manera de ganarte la vida. Y no sólo por eso, sino

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que hay tal cantidad de bandas que la única manera de hacerte notar es no parar de girar. Ahora tenemos la suerte de contar con una base de fans bastante fiel y eso nos permite tomar algún descanso de vez en cuando. Pero no ha sido fácil. Realmente, hasta que cumplí los 27, esto no empezó a tener sentido”. ¿Cuándo crees que el grupo encontró finalmente su identidad musical? “Creo que fue recientemente, cuando hicimos Diamond en 2012. Luego en Disobedient nos alejamos un poco, pero creo que nos dimos cuenta de que no necesitamos probar cosas nuevas. Por eso hicimos Better Ash Than Dust. Así que no fue hasta que llevábamos ocho años con la banda que realmente descubrimos quiénes éramos”. Para serte sincero, vuestro segundo disco Comes From The Heart fue el primero que escuché vuestro y me sonó muy genérico. Como si hubierais cogido cosas de otras bandas y las hubieses mezclado, pero sin gracia. “Tienes toda la razón (risas). No teníamos ni idea de lo que estábamos haciendo. Cuando sacamos el primer disco (For What It’s Worth, 2005 –ndr.), éramos unos críos. Teníamos 15, 16, 17 años. Pero de repente empezaron a llegar contratos y un montón de cosas, y no sabíamos ni cómo reaccionar. Así que con el segundo disco teníamos tanta presión por tener que hacer algo serio que empezamos a juntar partes de cosas que pensábamos

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que eran populares. No tenía ningún sentido. Aunque odio nuestro primer disco, desearía que el segundo no existiera. Creo que es el peor álbum que he escuchado, ya no de Stick To Your Guns, sino en general (risas). Pero tampoco me quiero machacar, porque seguía siendo un crío”. ¿Qué es lo que hizo que dierais ese salto cualitativo? “Chris Rawson, quien tenía toda la experiencia de Walls Of Jericho. Él tenía una visión, y yo tenía una visión que conseguimos unir. Antes siempre estaba discutiendo con nuestro antiguo batería y no lográbamos avanzar. Pero con Chris, cada vez que escribía algo o yo escribía algo, encajaba con lo que queríamos hacer. Con su entrada, todo explotó. Chris y yo escribimos Diamond y a partir de ahí todo cambió. Luego entró George, quien es un batería increíble, y después Josh, y ya tuvimos una banda estupenda”. Antes hablabas de la presión que sentías antes de grabar el segundo álbum, pero me parece curioso que precisamente porque no se venden discos, todavía las bandas se preocupen en intentar vender en lugar de hacer lo que realmente quieren. “Tienes mucha razón. No puedo hablar por otras bandas, pero también creo que tiene que ver con la edad. Entonces tenía 15 años y ahora tengo casi 30. Soy una persona distinta. Mis gustos han cambiado. Creo que hay grupos que tienen éxito de muy jóvenes y siguen haciendo lo mismo aunque ya no les guste

simplemente porque tienen miedo de perder sus fans. A esa edad todo parece mucho más de lo que es. Cuando empezó el hype alrededor del grupo, nosotros alucinábamos. Pero luego te haces mayor y aprendes a relajarte. Me siento agradecido de que la gente nos apoye ahora que la banda ya está asentada. El EP entró en las listas de Billboard, y eso es una locura. Ahora, cuando Stick To Your Guns tocamos en Estados Unidos, pueden venir a vernos entre 500 y 800 personas. Y está muy bien, pero en Alemania podemos meter 1.500”. ¿De dónde te viene la inquietud política que mostráis en las letras? ¿De tu familia? “No, no. En mi casa si había alguna tendencia política era más bien de derechas. Mi padre es de Texas (risas). Creo que la mayoría de mi familia está confundida. Mi abuela materna era medio mexicana y también tiene sangre nativa americana. La recuerdo como una persona muy cariñosa. Así que mi padre tiene esa sangre también, pero es de derechas. Estuvo en el ejército. Actúa de manera liberal pero habla de manera muy conservadora. Es raro. Pero mi inquietud política vino de la música. Lo primero que me llamó la atención del hardcore fue la rabia con la que sonaba, porque yo me sentía igual. Ni siquiera escuchaba la letra. Pero a medida que fui creciendo vi que mis canciones favoritas tenían un mensaje detrás. También tengo una hermanastra mayor del primer matrimonio de mi padre y fue ella quien me descubrió a Sepultura, Metallica, Minor Threat, Black Flag. Era tan

“GRACIAS AL GRUPO TENEMOS LA OPORTUNIDAD DE IR A MUCHOS SITIOS Y ENTENDER MEJOR CÓMO FUNCIONA EL MUNDO, PERO IR A KENIA NOS CAMBIÓ A TODOS” JESSE BARNETT

niño que me impactaron mucho. Para mí ésa era la verdad (risas)”.

revolución. Creo que esta música es peligrosa en el buen sentido”.

¿Crees que una formación como la vuestra tiene alguna posibilidad de entrar en el mainstream? “Para mí el mainstream es música para alienar a la gente. ‘Mi trabajo es una mierda, los políticos son una mierda, el mundo es una mierda, así que voy a escuchar música para no pensar en nada’. Por eso bandas como Rage Against The Machine, que eran enormes, estaban bajo la lupa del FBI, y el motivo era porque sabían que esa música podía provocar una revolución. No tengo ninguna duda de que Zach de la Rocha podría haber liderado una

¿Te gustaría tener ese tipo de poder? “No lo sé. No sé si tengo la respuesta para todo. Y supongo que Zach de la Rocha siente lo mismo. Sé que se sentía muy culpable por todo el dinero que ganó con el grupo. Por eso desapareció. En mi caso, todavía me estoy preguntando quién soy y qué mundo quiero. Lo único que sé es la diferencia entre lo que es justo y lo que no. Es una buena pregunta, pero una pregunta compleja (risas). Pero volviendo a lo que decías antes, hoy en día es imposible poner la radio y que suene una guitarra. Pero creo que son modas. En los 70 mandaba

la música disco, y mira…”. Ya, pero se está haciendo muy largo. “(Risas) Ya, ya, pero tampoco tengo la respuesta para eso. Creo que también tiene que ver con que la gente es un poco elitista. En plan ‘ésta es mi música, y no quiero que nadie más la toque’. Yo mismo cuando descubrí a Propagandhi no quería que nadie los descubriese porque lo sentía como algo muy mío. Así es muy difícil que una banda crezca. Pero creo que el rock volverá. Sólo se necesita que una banda lo pete”.

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NO ONE SINGS LIKE YOU ANYMORE TRIBUTO A CHRIS CORNELL (1964 â&#x20AC;&#x201C; 2017)

CUALQUIER MUERTE CAUSA UN IMPACTO, PERO LA DE CHRIS CORNELL, POR LO QUE HA TENIDO DE INESPERADA Y POR LAS EXTRAÑAS CIRCUNSTANCIAS EN LAS QUE SE HA PRODUCIDO, HA SIDO ESPECIALMENTE DOLOROSA. NADA MÁS CONOCER LA NOTICIA, LE PEDIMOS AL MAYOR FAN SUYO QUE TENEMOS ENTRE NUESTROS COLABORADORES QUE ESCRIBIERA UNAS LÍNEAS EN SU MEMORIA. ÉSTE ES EL RESULTADO. TEXTO: PABLO PORCAR FOTOS: DR

O RECUERDO COMO SI FUERA AYER. 22 de mayo de 2009. Eran las diez de la noche y yo me encontraba, tembloroso, en la oficina de RockZone, para hacer una entrevista telefónica. Por entonces tenía 25 años. Recuerdo exactamente cómo se me aceleró el ritmo cardíaco al sonar el fijo de Jordi Meya. Con aquella parsimonia que tanto y tan bien lo define, agarró el auricular, soltó un “no problem”, y se despidió. Acto seguido se giró hacia mí y me sorprendió con un plot twist que ni en las primeras obras de M. Night Shyamalan. “Aún tendremos que esperar una hora más para la entrevista”, me dijo. Para Jordi podía ser un viernes más, pero no para mí. Aquella persona a la que 60 minutos después iba a acabar entrevistando era Jeff Ament, el bajista de Pearl Jam, uno de mis grupos favoritos de por entonces. Era la segunda entrevista que iba a hacer en toda mi vida, así que la situación rozaba lo surrealista. Al fin y al cabo, escuchar y reescuchar en bucle los aullidos de Vedder, sentir devoción hacia los huracanados riffs de Alice In Chains, o profesar puro amor hacia la abrasiva melancolía de Mad Season, en definitiva, la música de los 90, era lo que me había llevado a escribir sobre música y colaborar en RockZone. Por eso la experiencia que viví aquella cálida noche fue de las religiosas. De aquellas que se impregnan

en la membrana cerebral y no se van ni con aguarrás. Pero os debo ser completamente sincero. Si meses atrás había bombardeado a Jordi con emails mostrando mi portfolio, era precisamente para poder entrevistar algún día a otra figura de Seattle. A una voz. Aquélla que reventó más de una vez nuestros bafles al sonar ‘Spoonman’ o que nos dejó anonadados al desgañitarse interpretando ‘Hunger Strike’. Hablo obviamente de Chris Cornell, otro héroe musical que nos abandonó de forma súbita el pasado jueves 18 de mayo. Lo hizo completamente solo, en unas extrañas circunstancias que desafortunadamente han vuelto a avivar las llamas de aquel ‘virus’ que también se llevó a Andrew Wood, Kurt Cobain, Shannon Hoon, Mike Starr o Scott Weiland. Para mí Chris Cornell siempre ha sido un referente, un ídolo. Es extraño tratar de explicarlo con palabras, pero el cantante lleva presente en mi vida, día sí, día también, desde mi adolescencia. Su música ha servido como fondo de millones de mis experiencias vitales. Descubrí por primera vez su potencia vocal a mediados de los 90. Bendita MTV… Aquel puntazo psicotrópico que caracterizaba el vídeo de ‘Black Hole Sun’ de Soundgarden me reventó la cabeza. Pero no fue hasta 1999 que empecé a desmenuzar lentamente lo ofrecido en la sólida discografía de aquella

banda antiguamente conocida como Nudedragons. Desde entonces la perilla más icónica de Seattle me ha acompañado de forma constante en los últimos 17 años. De verdad, resulta una bendición poder asegurar que ha estado presente de una y otra manera en los momentos más clave de mi vida. Apoyándome en las caídas, y reforzándome en los periodos de máxima euforia. Recuerdo encarar todos los exámenes de mi etapa universitaria escuchando ‘I Am The Highway’ en un reproductor portátil. Quemar con frecuencia los temas de Euphoria Morning al ser golpeado por las siempre sufridas rupturas sentimentales. Y también aprender a realizar punteos con mi guitarra eléctrica gracias a la intro de ‘The Day I Tried To Live’. E incluso en mi memoria retengo aquel instante en el que me alisté al Chris Cornell Street Team que se montó hacia 2006 en Europa. Promocioné tanto el sagrado nombre de Christopher John Boyle que gané dos entradas para verlo en directo en 2009 en Berlín, pero no pude llegar a presenciar ese concierto porque perdí el enlace del vuelo en el aeropuerto de Frankfurt (no pregunten, mejor será correr un tupido velo para no detallar tamaña desgracia...). ¡Qué buenos fueron los momentos viendo a Chris en directo! ¡Y qué bueno fue su primer concierto que presencié! Fue en la sala Store Vega

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de Copenhague en 2007, y el tipo lo bordó pese a contar con una banda de posers desacompasados que no llegaban ni a la suela de los zapatos a Ben Shepherd, Kim Thayil y Matt Cameron. Cuando el cantante salió al escenario me quedé alucinado, y entendí al instante por qué tanta gente hablaba maravillas de la impresionante presencia escénica del artífice de Badmotorfinger o Down On The Upside. No me extraña para nada que Cornell llegase a ayudar a Eddie Vedder a sacar lo mejor de sí sobre un escenario. Supongo que ya conocerán aquella famosa historia en la que el cantante se llevó a Vedder a tomar un trago para explicarle cómo debía afrontar un directo sin acobardarse… El contenido concreto de aquella conversación jamás saldrá a la luz, pero está claro que de alguna manera algo cambió en el vocalista de Pearl Jam y pasó de ofrecer con-

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ciertos amorfinados a cascarse interpretaciones repletas de pasión, llegando incluso a sorprender a su audiencia con unos stage diving tan legendarios como el del PinkPop Festival de 1992. Ése es sólo un ejemplo de por qué Cornell llegó a erigirse como el padrino de la escena grungera. Parecía tenerlo todo: poder de convocatoria, carisma, pasión hacia su oficio y una voz impecable. Sirvió como referente tanto para aquellos que surgían de su misma escena, como también para aquellos que se movían en esferas completamente diferentes. Era un mariscal, un duque que especialmente en esta última década sólo parecía sentirse cómodo escudándose bajo unas gafas de sol tintadas. Porque bajo una apariencia imponente se escondía un tipo discreto, muy ensimismado en su mundo interior. Como expresó recientemente Corey Taylor en una entrevista, “Cornell era

súper molón. Era un tío muy calmado… incluso se podía decir que era casi tímido. Sólo salía de su caparazón cuando estaba encima de un escenario”. Algo que siempre me agradó, fue su capacidad para ser respetado sin apenas abrir la boca. Y también su incuestionable compañerismo. No son muchos medios los que estos días se han hecho eco de ello, pero una de sus virtudes era la cordialidad que establecía con todos los allegados del entorno musical. Nada amante de polémicas gratuitas y de la verborrea barata, Cornell solía aprovechar su aparición en los medios para construir, y no para destruir. Incluso se mantuvo erguido en su postura en una etapa tan difícil de superar en lo profesional como la que arrancó al publicar Scream en 2009. Le pegaron palos por todos lados, pero se mantuvo ahí, en lo suyo. Sin perder la compostura, ni

tampoco las formas. Admitámoslo, entre 2009 y 2010 fue un auténtico suplicio ser fan de Cornell. El trolleo que recibimos algunos fue constante. No sé si alguno de vosotros lo recordará, pero fui yo quien escribió la crítica de Scream que se publicó en esta misma revista. Creo recordar que le endosé a ese disco un 22 sobre 100, con toda seguridad la nota más baja que jamás he puesto a un disco. Aún a día de hoy me despierto en medio de la noche con sudores fríos recordando la terrible intro de ‘Part Of Me’ o aquello de “That bitch ain’t a part of me”. Madre mía… Pero algo de bueno sacamos de todo este asunto. Creímos firmemente que en el futuro el de Seattle iba a arreglar el desaguisado de alguna manera, cual ave fénix resurgiendo de sus cenizas. Y lo cierto es que nuestro admirado artista consiguió enderezar el rumbo de su carrera. Lo hizo aferrando su mirada al retrovisor, y entendiendo que podía construir un porvenir a partir de lo ofrecido en septiembre de 2006 en la sala sueca de O’Baren. Como algunos ya sabrán, hablo del fabuloso acústico que realizó en tierras escandinavas, y que sembró el camino de cara a la concepción de Songbook. “Old pirates, yes they rob I…”. Ese cambio de tercio vino alineado con el retorno de Soundgarden, por lo que la credibilidad de la figura de Cornell fue ganando enteros de forma gradual a lo largo de esta última década. King Animal, el último disco de la banda publicado en 2012, nos sedujo a base de preciosos repuntes nostálgicos, y en paralelo sus giras en acústico fueron senci-

lla y llanamente espectaculares. Estas últimas nos demostraron que el músico era totalmente capaz de destriparse ante sus seguidores. De sacarse las entrañas, y deleitar a su audiencia con uno de aquellos crudos espectáculos que sólo los más grandes pueden concebir. Eso, se mire como se mire, tenía mucho mérito, más aún entendiendo los varapalos sufridos años atrás tras formalizar su puntual coalición con Timbaland. Tuve la ocasión de verlo tocar en acústico en tres ocasiones diferentes. La primera fue en el teatro parisino Le Trianon en 2012. Jamás olvidaré

aquel día. Estaba con los ojos como platos, agarrado a la butaca como si mi vida dependiese del más ligero movimiento. De hecho, sólo me despegué de la misma para mostrar a mi venerado ídolo una pancarta en la que se podía leer el doble mensaje “Please sing ‘Disappearing Act’ / Sign my vinyl”. Al estar en primera fila Chris lo tuvo fácil para verla y, tras permanecer en silencio unos cinco o diez segundos (prometo que se me hicieron eternos), el líder de Soundgarden agarró el micro. Explicó que iba a tocar “una canción que no había tocado” desde hacía mu-

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cho tiempo, y acto seguido desveló a la audiencia que aquella pieza fue grabada para la banda sonora de la película Bug, más que para Carry On, su segundo álbum en solitario. Siempre me cautivó esa canción y suelo entrar en YouTube para saborear aquel intenso minuto de ‘Disappearing Act’ presentado en los créditos del film. Así que imaginaros cómo me quedé al ver cómo se arrancaba con una interpretación de la misma. Y más todavía cuando Chris se me acercó para firmarme mi copia en vinilo de Songbook. Se produjo tal locura en la sala que a Cornell no le quedó otra que plasmar su autógrafo en las entradas y discos al gentío que se agolpaba a mi alrededor en la primera fila. Con mi rotulador barato, claro está. Probablemente ahí se esfumaron los 2 euros mejor invertidos de toda mi vida. Cuatro años después de vivir aquel emotivo show en tierras galas 124

sucedió lo inesperado: Cornell confirmó actuación en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Lo hizo con motivo de la gira de Higher Truth, su trabajo póstumo, y suponía el primer paso por salas españolas desde 1999 (bien lejos quedaba aquella mítica actuación en el mítico Casino L’Aliança). Qué os voy a decir de ese concierto… Personalmente lo viví de forma óptima. En primera fila, con mi madre a mi vera. Fue mágico, con Cornell consiguiendo llenar todo un Liceu sólo con su guitarra, y con el único apoyo instrumental del cello de Bryan Gibson. El día siguiente fui con un par de amigos a París para ver tocar al de Seattle una vez más en la Trianon. Tuve la suerte de coincidir con el músico, y su segurata, en la puerta de embarque del aeropuerto de Barcelona. Yo, ni corto ni perezoso, me acerqué a él para que me firmase mi vinilo de Euphoria Morning, algo que el

día anterior ya había hecho después de la actuación del Liceo. La verdad es que fue un momento divertido. Era aquél que había estado esperando durante toda mi vida, pero se forjó de forma totalmente diferente a lo esperado. Recuerdo que le entré con un “Hi Chris, please, can you sign my album?”. Al acceder gustosa y cordialmente a ello, un amigo mío, Iñaki, le preguntó si podía cambiar sensiblemente el setlist para esa misma noche respecto a la anterior. Yo estaba tan visiblemente nervioso que espeté impulsivamente un “no” en voz alta. Como si me hubiese poseído una sensación de vergüenza ajena, o algo así. Cornell se quedó parado, miró a mi amigo y soltó sorprendido un “él ha dicho que no”. Aún me descojono recordando la reacción, y también lo estúpido que pude llegar a parecer en aquel preciso instante. Por cierto: el concierto en Le Trianon no llegó a alcanzar el nivelazo del de

Barcelona. Lógico, lo del Liceu fue de otro planeta. Pero nos dejó algún que otro detallito de los majos, como una bella interpretación de ‘Wide Awake’. Después ha venido la evaporación absoluta. Y el más sentido dolor. Personalmente, su pérdida me ha afectado por infinidad de motivos. Uno de los que más es que el carismático frontman contaba con sólo 52 años, y parecía encontrarse en un punto de su carrera que resultaba de lo más esperanzador. Cornell estaba cerca de concretar una gira europea con Temple Of The Dog, algo que muchos llevábamos esperando desde hace décadas. El sucesor de King Animal también estaba en ciernes, e intuíamos que tarde o temprano otro tour acústico iba a acabar cayendo. Eran tres vías que nos estaban inyectando ilusión en vena, y que nos hacían creer que quedaba Cornell para rato. Molaba pensar en él, e imaginarlo montando giras en un futuro bien

lejano. Con 70 añazos, voz quebrada e irradiando el mismo carisma que el primer día. Desgraciadamente todo se ha quedado en un mero sueño de una noche de verano… No sé si lo veis como yo, pero me da la sensación que el desvanecimiento de esta leyenda ha sido especialmente sentida. El elemento sorpresa de este fatídico suceso ha hecho mella en aquellos que voluntaria o involuntariamente han crecido con su música. Y a su manera el efectismo de su defunción parece haber sentenciado a un semi olvidado fenómeno, el grunge, del que sólo quedan a flote Vedder, Lanegan y Cantrell. Extrañas, por no decir extrañísimas, son las sensaciones derivadas de su adiós. Lo echaré mucho de menos, muchísimo. Pese algún que otro encontronazo en el camino (dichoso Scream), él siempre fue el faro que iluminó mi senda en el océano musical. Todo ha cambiado. Ya no podré planificar mis

vacaciones basándome en sus tours promocionales. Ni mostrarle una pancarta con el mensaje ‘Disappearing One’ escrito en ella (ésa es mi segunda canción favorita de su repertorio, también tatuada sobre mi piel). Ni tampoco podré insistirle a Jordi para conseguir una entrevista porque desgraciadamente esa oportunidad jamás llegará. Y quizás sea mejor así. Porque guardar cierto secretismo relativo a su vida, y a sus canciones, le añade cierto encanto al asunto. Más aún viniendo de una figura como la de Cornell, que pareció tener un neblinoso mundo interior al que apenas nadie había tenido acceso. Sea como fuere, gracias por todo, Chris. Ha sido todo un placer el compartir todo este largo viaje a tu lado. Pese a que no estés presente siempre tendrás tu corona en mi humilde morada. Siempre. Nos vemos allá arriba. Vuela alto, fenómeno. 125

TOMBS

DARWINISMO ILUMINADO

PARA IDEAR SU NUEVO ÁLBUM, MIKE HILL SE ENCERRÓ A REFLEXIONAR SOBRE LAS LUCES Y SOMBRAS NECESARIAS PARA TENER UNA VIDA PLENA, ACERCA DE CÓMO NUESTRA VERTIENTE PRIMARIA Y LA SENTIMENTAL SE COMPLEMENTAN. JUNTO A TOMBS HA SACADO SUS PROPIAS CONCLUSIONES, AUNQUE SEGURAMENTE NO SERÁN DEL AGRADO DE TODO EL MUNDO... TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

IKE HILL ES UN TIPO SERIO y con discurso, no

siempre de trato agradable, pero que no da nada por sentado y lo pone todo en tela de juicio, por muy peculiares que parezcan algunas de sus reflexiones. Nada que ver con el típico músico de black metal que se llena la boca cada dos frases con algo relacionado con el satanismo pueril o que pretenda provocar por provocar… aunque su sinceridad, a veces, consiga justo eso. De hecho, parece vivir en su propia burbuja creativa, donde pocas cosas le afectan y mucho menos influyen en su obra más allá de sus artistas de referencia. Hace tres años, cuando le entrevisté para saber más acerca de Savage Gold, su anterior lanzamiento, ya parecía instalado en una especie de relativismo sensorial que le hacía mostrarse contento con que Path Of Totality hubiera sido nombrado el mejor álbum de 2011 por una revista como Decibel, pero en su equilibrio emocional, también tenía muy claro que eso no iba a afectar lo más mínimo a su personalidad, y mucho menos en el curso que debían tomar sus próximas composiciones. Domar el ego, pasar de las expectativas del público o la industria, decir las cosas tal cual se sienten… Sin duda, ejercicios no muy extendidos en esta profesión. Ahora Hill, tan apartado de cualquier injerencia externa como siempre,

al menos en lo estrictamente musical, vuelve a dar rienda suelta a todo lo que lleva dentro con unos Tombs de nuevo renovados, algo que acepta incluso como algo natural. En The Grand Annihilation (Metal Blade), los neoyorquinos exploran lo más recóndito de nuestras existencias para dar, obviamente, con su vertiente más primitiva y emotiva. The Grand Annihilation es vuestro primer trabajo con Metal Blade. Tras tres álbumes y algunos EPs, ¿qué ha pasado con Relapse? MIKE HILL “Terminamos nuestro contrato con Relapse, en realidad no hay ninguna historia detrás. Cuando fue el momento de hacer un nuevo disco, nuestro management puso todo el empeño en ver quién estaría interesado en nosotros y volvieron con una oferta de Metal Blade. He sido afortunado por tener la oportunidad de trabajar con grandes personas como los amigos de Relapse, pero la oportunidad de hacerlo con un equipo legendario como el de Metal Blade sólo se da una vez en la vida”. Eres el único miembro original que queda en la banda… ¿Cómo explicas tantos cambios en vuestro line-up? ¿Eres una persona difícil o algo así? (Risas).

“¿Quién sabe? Esto no es tan raro, en realidad. Napalm Death no tienen miembros originales, así que ésta es una pregunta sin importancia. La gente se mueve dentro y fuera de las cosas, cambia de trabajo, rompe relaciones, así que por qué una banda con diez años de historia debería ser diferente… Pienso que es extraño que un grupo tenga los mismos miembros a través de toda su carrera. Entonces, volviendo a ello, puede que sea una persona difícil… Deberías preguntarle a otros sobre ello”. ¿Cómo te ayudan los nuevos miembros a mejorar la banda? “Eso varía de un miembro a otro. Andrew Hernandez, el batería en Path Of Totality y Savage Gold, fue probablemente lo más cercano a un socio que haya tenido en esto. Desde su marcha, esto no se ha sentido como una banda real, es más una situación donde pongo todo lo que está en mis manos y los demás miembros aportan sus partes. Se trata del rol que ellos pongan por sí mismos. Actualmente me gustaría tener a alguien con quien colaborar, pero no se ha dado el caso en el último par de años”. Savage Gold fue una oscura reflexión sobre la muerte… ¿Cuál es el ‘gran tema’ de The Grand Annihilation? “No tengo un nuevo ‘gran tema’. Es-

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“MUCHO DEL DISCO TRATA SOBRE LA NATURALEZA PRIMARIA DEL HOMBRE; QUIZÁS SEA EL RESULTADO DEL ATAQUE A LA MASCULINIDAD QUE ESTÁ OCURRIENDO EN ESTADOS UNIDOS” MIKE HILL

cribo canciones y hay una conexión que se va formando entre ellas. Gran parte de este disco trata sobre la naturaleza primaria del hombre; quizás sea el resultado del ataque a la masculinidad que está ocurriendo en Estados Unidos. De repente, no es aceptable querer hacer cosas típicamente masculinas y está surgiendo una reacción enorme. Es muy transparente para mí. Todo está basado en el miedo. Es el caso de todo un estrato de gente que se siente insegura acerca de sus aptitudes para competir en el campo de batalla de la vida, y quieren incapacitarnos a todos. Es más sano equilibrar ambos lados: el primario y el sensitivo. Necesitas tener luz y oscuridad para vivir una vida plena. Otro tema es la creación cíclica y el renacimiento que ocurre tanto a un nivel macro como personal. A veces lo arcaico tiene que ser destruido para que una nueva era pueda erigirse. A un nivel personal, a veces tienes que aniquilar partes de tu vida que no te están sirviendo para poder pasar a un espacio más iluminado”. Vaya… De hecho, se puede 128

apreciar un toque emocional en cada una de las nuevas canciones. En la nota de prensa comentas que “las letras del nuevo disco son una celebración de la libertad a través de abrazar el lado oscuro”. ¿Cómo se conecta eso con la música? “El conocimiento que permanece en las sombras alguna vez muestra la llave hacia la iluminación. Tengo una relación adversa con las normas sociales, pienso que ahí reside una conspiración para mantener adoctrinado a todo el mundo en un pensamiento uniforme, que son algo con lo que resulta más fácil controlarnos. La verdad real se encuentra en las sombras, y al explorar estas regiones, aprenderás lecciones valiosas”. Definitivamente, la etiqueta ‘post metal’ ha sido eliminada en vuestra nueva música. Desde mi punto de vista, The Grand Annihilation es vuestro disco más directo y básico, y todo ello dicho desde el buen sentido, claro. ¿Estás de acuerdo? “Aún no sé lo que significa el término ‘post metal’. Los periodistas, especialmente en Europa, aman estas pequeñas etiquetas… Esto no es realmente una pregunta porque tienes tus propias ideas sobre ello. Cuando empecé la banda, nunca tuve ninguna de estas pequeñas etiquetas de género en mente, sólo escribí música”. Bueno, hay algo de vosotros que no cambia, la influencia del black metal, y eso es un estilo… Sin ir más lejos, ‘Black

Sun Horizon’ o ‘Way Of The Storm’ son dos buenos zarpazos con vuestro toque personal. ¿No crees que el black sea la piedra desde donde fundáis todo lo demás? “Pienso que yo soy la fundación de todo lo que hago desde el momento en que todo proviene básicamente de mi intención. El objetivo siempre ha sido ser único y no seguir ninguna regla. Eso fue una de las principales cosas que me atrajeron de la música punk… ¿Quizá Tombs seamos una banda de punk?”. Como siempre, puedo apreciar una gran influencia de Celtic

Frost y Triptykon en temas como ‘Shadows At The End Of The World’, pero también, y de forma novedosa, de los álbumes gothic metal de Tiamat en ‘Underneath’ o ‘Walk With Me In Nightmares’, así como del black’n’roll de Satyricon en ‘November Wolves’ o ‘Saturnalian’. ¿Qué me dices de esto? “Finalmente estás en lo cierto cuando mencionas a Celtic Frost y Triptykon, pero también añadiría a Hellhammer en la mezcla. Realmente no he escuchado a Tiamat, pero Satyricon son definitivamente una banda a la que amo y respeto. También podría

decir que Bauhaus y Fields Of The Nephilim han sido grandes influencias en este álbum”. En el nuevo trabajo estás más seguro que nunca ante el micro. Expandes tus registros en muchas canciones, y supongo que es una consecuencia natural tras llevar una década al frente de la misma banda… ¿Pero cómo de importantes son Nick Cave o Ian Curtis en tu estilo de cantar? “Ambos cantantes son dos de mis favoritos. También añadiré en esa lista a Carl McCoy de los poderosos Fields Of The Nephilim y a Michael

Gira de Swans”. Erik Rutan os ha grabado de nuevo... ¿es ya casi como un miembro más del grupo? “¡Lo deseo! Erik es un maestro. Tiene mucha mano en el enfoque hasta el punto en que se responsabiliza del resultado final de las cosas. Quiere que el álbum sea lo mejor que pueda ser. Deseo que pueda unirse y tocar la guitarra en la banda, pues haría de la grabación algo muchísimo más fluido”.

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HUMMANO

NI DIOSES NI MAESTROS

DE TODAS LAS BANDAS DE LA ESCENA DEATHCORE NACIONAL, NINGUNA HA DEMOSTRADO TENER TANTO SENTIDO DEL HUMOR COMO HUMMANO. PERO CON SU SEGUNDO ÁLBUM GENOCIDE, LOS MADRILEÑOS QUIEREN REIVINDICAR QUE TENER CEREBRO Y DIVERTIRSE NO ES INCOMPATIBLE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

EGURAMENTE MUCHOS ASOCIEN HUMMANO CON ESE GRANDIOSO VÍDEO inspirado en el Equipo A que hicieron para ‘You Suck’ o con aparecer disfrazados de banda de glam metal en las fotos promocionales de su primer álbum We Hate You All!!!. Quizá por ello haya chocado tanto la sobriedad de la portada de su segundo disco Genocide (Blood Fire Death) como su contenido crítico con la sociedad actual. Es evidente que a la banda de Tres Cantos le irritan e indignan un montón de aspectos con los que, inevitablemente, tienen que convivir, desde el sistema político a la obsesión por alimentar el ego a través de las redes sociales. Lo que está claro es que Sito Shutter (voz), Fer Díez (guitarra), Alfon (guitarra), Pablo Fernández (bajo) y Adrián ‘Techín’ Arteche (batería) siguen huyendo de posibles etiquetas, tanto en la manera de presentarse como en la que suenan. Si bien sus

raíces estén en el deathcore, Hummano tienen claro que ese estilo fue simplemente un punto de partida y que tienen más interés en evolucionar, abriéndose a influencias más metálicas y melódicas, que en quedarse estancados. En Genocide hay mucha mala hostia y rechazo a cómo funciona el mundo. ¿Qué tres medidas tomarías si tuvieses poder absoluto para cambiar las cosas? FER DÍEZ “Utópicamente lo ideal sería un cambio íntegro en la política mundial, abolición de la Iglesia y cumplimiento de los derechos humanos globalmente hablando. Realísticamente no tengo ni puta idea de por dónde empezar. Durante muchos años se ha dicho que un buen punto de partida sería cambiarse a uno mismo y cambiar las cosas que te rodean; creo que se ha demostrado que eso no sirve para nada, especialmente cuando estás rodeado de gilipollas que están muy a gusto dejando que todo se vaya a la mierda a su alrededor mientras no le quiten su iPhone ni sus copitas del viernes”. Tanto en las elecciones norteamericanas como en las francesas, parece que los ciudadanos sólo puedan escoger entre lo malo y lo peor. Aquí directamente no podemos ni votar al Jefe de Estado. ¿Existe una alternativa a la democracia actual que no pase por la guillotina? “No soy experto en política, pero en resumen, viendo la situación actual, creo que no la hay. Además, dudo

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mucho que esto sea una democracia, es más bien una idiocracia en la que los borregos siguen al lobo. Hay dos opciones, el cambio a una oportunidad o el seguir en el mismo sitio por miedo. La gente no quiere ir a peor, así que vuelven a votar al PP, cosa que no entiendo ya que son los que nos ha traído hasta donde estamos y nos están hundiendo en la miseria aún más, y se fían de lo que dicen sobre partidos que podrían significar un cambio, como pueden ser Podemos/ IU, porque es lo fácil. Aunque los partidos emergentes de izquierdas sean

un riesgo, no creo que lo hagan peor que el PP. Al menos es gente que ha estudiado y no ha sido asignada a dedo... qué menos que una oportunidad. Lo primero que necesitamos es un cambio generacional, que se mueran ya todos los viejos votantes del PP, y luego que la gente vote. Lo hace apenas un 50% de la población, el PP saca un 29%, de viejos… Eso no es mayoría, es estupidez humana. Realmente nos merecemos los ‘líderes’ que tenemos. ¿Solución? Borrón y cuenta nueva. No lo digo más bestia por no convertirme en otro mártir de

orgullosos de ser fiesteros, pero poco más. No somos Mamá Ladilla. Es una opinión común, la gente piensa que nuestras canciones son de coña porque los títulos de los temas de Is The Shit y alguno de We Hate You All!!! son de coña. Lejos de la realidad, nosotros separamos nuestra música y su mensaje de lo que nos motiva para seguir, que es la diversión… porque pasta, bien poca”.

“SOMOS COMO BATMAN, POR LA NOCHE SOMOS OSCUROS Y COMBATIMOS EL CRIMEN Y POR EL DÍA SOMOS PERSONAS NORMALES… CON SERIOS PROBLEMAS PSICOLÓGICOS” FER DÍEZ

la música de este país”. Habéis vendido que Genocide era más serio y oscuro, que lo es, pero viendo las fotos promocionales, parece que no podáis evitar presentaros de una manera más cachonda. ¿No es una contradicción? “Una cosa es nuestra música, y otra, nosotros. Hablamos de temas serios, pero somos gente con mucho déficit mental. No es una contradicción, es nuestra forma de ser. Somos como Batman, por la noche somos oscuros

y combatimos el crimen y por el día somos personas normales… con serios problemas psicológicos. El tema es simple: no vivimos de esto, no nos gusta perder el tiempo en algo que no nos gusta y lo que queremos es pasarlo bien. Esto no quita que no tengamos algo que decir, ¿no? Tampoco es que hayamos cambiado mucho, la verdad. Lo único que hemos hecho es no poner una portada cachonda y ya está. Nuestras letras siempre han sido serias, nunca ha habido humor en ellas excepto quizá ‘Cumming In The Face Of’, que habla de estar

¿Habéis tenido la sensación en algún momento de que no se os tomaba en serio o que la manera de presentaros eclipsaba o distorsionaba vuestra música? “La verdad es que no. Sí he visto que era un buen recurso para presentarnos, pero nunca nos ha eclipsado; todo lo contrario, nos ha ayudado. Queremos que se nos conozca y que lo que tenemos que decir llegue lo más lejos posible, y eso se da a través del humor. Es uno de los mejores canales. Ahora bien, que se centran más en lo cachondo que en el mensaje, sí, puede ser, pero siempre se ha hecho referencia a la seriedad y los temas de nuestras letras, así que no hemos llegado a sentirnos incómodos con ello. Lo que sí nos hemos dado cuenta es que, desde que nos pusimos con el tema cachondo dentro del metal underground, ha habido un aluvión de bandas que se han subido al carro y, sinceramente, muchas dan bastante pena. No estoy diciendo que hayamos sido los primeros en hacer cosas cachondas, ni mucho menos, pero es que de repente todo el mundo va de gracioso y no lo es. Esto no se hace, se nace. Nosotros no fuimos de cachondos por ser diferentes, es porque

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el rollo ‘perdonavidas’ no nos iba. Ahora las bandas parece que no tienen identidad, copian lo que funciona y punto, sin criterio”. ¿Está el tema ‘Black Mirrors’ inspirado en la serie británica? Al menos la temática parece ser la misma que la del primer capítulo de su última temporada. “(Risas) Ya, la verdad es que parece que sí, pero creo que no. Este tema creo recordar que lo empecé yo y Sito lo continuó. Yo ni había visto Black Mirrors por aquella época, me di un atracón hace un par de meses. Empecé con este tema porque es algo que veo y que me disgusta enormemente. Cada vez uso menos las redes, sigo a menos gente e intento ser más social, pero cara a cara. Creo que me pilla fuera de la ‘generación de la chepa’, por mirar el móvil constantemente, y por eso no lo entiendo, o que tengo suficiente orgullo para no necesitar la aprobación de la gente en formato like. El caso es que, cansado de quedar con la gente para hablar con la pared, decidí escribir esta canción. El nombre lo puso Sito, creo, no sé si por la serie o porque le salió sin más y coincidió, pero a mí me pareció perfecto. Además, Sito tenía otro grupo que se llamaba MyAlterEgo, cuyo último LP se llamaba Mirrors, y siempre pensé que venía un poco por ahí”. Aun seguir sonando brutales, me ha parecido que había alguna línea más melódica. ¿Fue algo buscado? “Desde luego. Últimamente sólo escucho música que tenga una melodía pegadiza. Ya no me escucho tanto 134

Rings Of Saturn, Origin y cosas así, aunque el nuevo de Aversions Crown, que graciosamente se llama Xenocide, me parece una bestialidad. Así que quería hacer música que me despertara esos sentimientos que muestra la música que escucho actualmente. Siempre he pensado que la burrada está muy bien, pero lo que realmente llega es la melodía. He intentado combinar ambas cosas y aunque no me ha salido del todo mal, aún me queda muchísimo por aprender”. El álbum como que aparece dividido en tres partes separadas por los interludios ‘Def Con’. ¿Le queríais dar un aire conceptual? ¿Cómo surgió la idea? “Nada conceptual. Todo cayó en su lugar por casualidad. Compuse las tres intros y decidimos con qué temas/letras deberían ir emparejadas. Luego decidimos el orden de las canciones y coincidieron así. Finalmente, al pensar en el título del disco, me vino a la cabeza lo de ‘Def Con One’, ‘Two’ y ‘Three’. Es como si este disco ya estuviera escrito, y que sólo teníamos que juntar las piezas”. De nuevo habéis trabajado con Alex Cappa, pero esta vez tú has actuado como coproductor. ¿En qué se concreta ese título y cómo os habéis repartido las tareas? “La verdad es que coproductor he sido en todos los trabajos, sólo que, en este caso, al haber grabado la demo en mi casa, lo tenía algo más claro. La verdad es que la razón principal es porque creo que en este álbum superé mi nivel de ‘dar por culo’

a Cappa, y eso me otorgó el título de coproductor. Yo lo veo más como… ‘Tú quieres esto, yo quiero esto otro, ¿cómo lo solucionamos?’. Además, una vez que íbamos teniendo las cosas en claro, se lo enseñábamos al resto del grupo y venga cambios y más cambios. Al final tuvimos que filtrar mucho porque nos estábamos dando de hostias. Lo bueno es que al final quedó brutal. No estoy al 100% contento pero sí bastante cerca, y no lo digo por Cappa, ¿eh? Él se lo curró muchísimo. Lo digo porque a mí me gustan las cosas de una forma y con tanta gente opinando, salirte con la tuya está jodido (risas)”. ¿Qué música escucháis en la furgoneta? ¿Hay alguien que esté vetado por su pésimo gusto? “Pues… bueno, iba a decir que no (risas), pero me estoy acordando de cuando nos fuimos hace unas semanas a tocar a Pamplona y fuimos en la furgo de Techín. Todos estuvimos poniendo música hasta que, cuando le tocó el turno a Techín, se la quitamos después de un tema y medio (risas). A mí realmente me da igual, soy de los que piensan que cada uno ponga lo que quiera en su coche, que seguro que descubro algo nuevo. Lo que no aguanto es lo que hace Sito, que se mete en mi coche, me cambia la configuración del iPod o se enchufa su móvil y monopoliza la música. O peor aún… no deja terminar ni una puta canción y al minuto ya está poniendo otra”. Sois un caso arquetípico de una banda de gran calidad, pero a la que le cuesta mu-

chísimo ganar público. ¿Os desespera? “No te imaginas cómo. Al resto no lo sé, pero a mí me jode bastante. El problema es que soy una persona bastante realista y eso me lleva a pensar dos cosas... Una, que no somos guiris y por ello a nadie le interesa, o dos: que la música que hacemos es mala y no gusta. ¿Cuál es de las dos? Ni puta idea. Quizá un poco de ambas. Es raro porque a la gente que le gusta, le gusta mucho, lo que me lleva a pensar que no es la segunda. No sé, tendríamos que habernos presentado desde el principio como un grupo de Massachusetts, seguro que cambiaba la cosa. Muchas veces intento ponerme en el lugar del oyente y pensar si Hummano me gustaría si yo no fuera del grupo. La respuesta es que no lo

sé. Al haber compuesto todo me es muy difícil verlo desde una perspectiva diferente”. ¿Crees que la escena deathcore está muerta? Y si es así, ¿quién es el asesino? “Mmm... buena pregunta. Con Genocide he intentado sacar más la vena metalera y dejar de lado el deathcore, y con el siguiente habrá cero de este género, pero no lo he hecho porque crea que el género esté muerto, sólo porque cada vez me interesa menos. Habiendo dicho esto, realmente creo que sí ha pasado a mejor vida. Hace por lo menos un par de años que no escucho nada de deathcore que me guste o me interese lo más mínimo. ¿Quién es el asesino? La gente que lo sigue. No creo que sea cosa del género ya que

el punk y el hardcore son, no me matéis, un coñazo de estilos, repetitivos y cansinos, y siguen ahí, teniendo una nueva juventud tras otra. Lo siento, pero es que el hardcore y el punk me parecen todo igual, al igual que a mucha gente el deatchore, y eso lo respeto, no nos ha de gustar lo mismo a todos, y me gustan grupos contados. Creo que los fans son los que lo han matado porque esos fans se apuntaron al carro por moda. Les gustaba el rollo malote, las pintas… y ahora quizá han crecido o han visto que sus pintas ya no son tan guays ni tan exclusivas, y como la música nunca ha sido el interés real, ha pasado a un segundo plano hasta morir”.

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THE AFGHAN WHIGS

EL NUEVO TESTAMENTO

THE AFGHAN WHIGS VUELVEN A LA CARGA CON IN SPADES TRAS SU MAGNÍFICO REGRESO A LA ESCENA CON DO TO THE BEAST, QUE TAN FELICES NOS HIZO A SUS FANS EN 2014. LEJOS QUEDAN LAS DUDAS SOBRE SI SU RETORNO ERA UN DESEO PASAJERO. TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS : DR

OMO SU PROPIA MÚSICA, EL RETORNO DE THE AFGHAN WHIGS, LA BANDA MÁS SOUL y sexy de la generación grunge, se fue cociendo a fuego lento. Después de grabar un par de temas en 2006, y ofrecer algunos conciertos esporádicos en 2012, la banda de Cincinnati, que en la actualidad forman Greg Dulli (voz), Dave Rosser (guitarra), Jon Skibic (guitarra), John Curley (bajo), Patrick Keeler (batería) y Rick Nelson (teclados, guitarra), no volvió a funcionar a pleno rendimiento hasta la publicación de Do To The Beast, su primer álbum en 16

años, en 2014. La posterior y extensa gira les dio tal subidón que tras ofrecer su última actuación en Barcelona en febrero de 2015, el grupo no tardó ni un mes en volver al estudio en Nueva Orleáns y grabar ocho canciones en cinco días. Significativamente, cinco de esa primera remesa forman parte de su nuevo álbum In Spades (Sub Pop/Popstock!). Si bien el inicio del proceso fue prometedor, rematar el trabajo les costó un poco más y tuvo que pasar otro año, durante el cual visitaron distintos estudios en Memphis, Los Ángeles y Joshua Tree, para obtener el resto del material. Que la banda se encuentra en un gran momento se

traduce en que la mayoría del álbum se grabó con los músicos tocando en directo todos juntos, lo cual hace presagiar que cuando de nuevo pasen por el festival Primavera Sound -muy probablemente en el momento que estéis leyendo estas líneas-, nos encontremos a unos The Afghan Whigs on fire. Greg Dulli, líder y alma del grupo, nos comentó a grandes rasgos la creación de su nuevo trabajo.

daba algo pendiente que no conseguisteis en el pasado? Y en tal caso, ¿qué sería? “No, la verdad es que no, pero tocar con los Whigs de nuevo sí que me recuerda lo gratificante que es. Si te soy sincero, mido mi éxito según lo feliz que me siento tras terminar un trabajo, y hace ya mucho tiempo que me siento satisfecho con todo lo que hago”.

Tras el exitoso regreso en 2014 con Do To The Beast, tres años después presentáis In Spades. ¿Se podría decir que es bueno estar de vuelta? GREG DULLI “Ahora creo que sí puedo decirlo: ¡Es genial estar de vuelta! Ha sido algo muy natural, y el proceso de este disco, muy intenso y una gran experiencia. Tengo muchas ganas de poder tocar los temas en directo”.

¿Cuál fue el punto de partida de In Spades? ¿Fue acaso la reacción de los fans suficiente motivación para meteros en un estudio, o hubo algo más? “Grabar un nuevo disco surgió porque estábamos disfrutando muchísimo de tocar juntos de nuevo. Somos un grupo en el que los miembros somos muy buenos amigos, tocamos muy bien juntos, y las actuaciones en directo estaban funcionando muy bien, así que decidimos aprovechar este momento para regresar al estudio y empezar a grabar. Indudablemente, la respuesta de los fans contribuyó en esta decisión”.

¿Cómo compararías uno con el otro? ¿Qué tienen en común y en qué son diferentes? “La mayor parte de In Spades se grabó en directo, en el estudio. Por supuesto que hay cosas mezcladas y elementos adicionales, pero durante la mayor parte del tiempo los seis miembros del grupo estuvimos tocando a la vez en la misma sala, algo que no sucedió con Do To The Beast, que grabamos en pequeños grupos durante mucho más tiempo. Así que In Spades es mucho más espontáneo e inmediato, y además el proceso fue mucho más participativo”. Tras este momento tan dulce de vuestro regreso, ¿tienes la sensación de que consciente o inconscientemente os que138

Vuestro disco fue grabado en distintos lugares: Nueva Orleáns, Memphis, Los Ángeles, Joshua Tree... ¿Esto surgió de manera espontánea o lo hicisteis con alguna intención? “La mayor parte del disco fue grabada en Nueva Orleáns, y luego, una canción fue grabada en Memphis, otra en Los Ángeles y otra en Joshua Tree. La parte espontánea surgió porque me apetecía grabar voces en un estudio en Joshua Tree, y también en el estudio de un amigo en Los Ángeles. Todos vivimos en lugares diferentes de Estados Unidos y necesitamos

un lugar concreto donde juntarnos, y Nueva Orleáns es el lugar donde solemos hacerlo”. ¿Teníais algún objetivo concreto con este trabajo? “Como te decía antes, mi objetivo principal es sentirme bien con lo que hago. Reunir un buen repertorio de canciones que suenen bien, que fluyan las ideas, y que funcionen en la grabación. Y luego poder compartirlas con el público. Éste ha sido el criterio que he seguido desde que tenía 18 años”. In Spades gira en torno a recuerdos, a tu infancia, y a sucesos, tanto personales como globales, que te han afectado últimamente. “Escribo sobre lo que sucede a mi alrededor. En este caso, mientras componía este disco, estábamos en mitad de una campaña presidencial muy polémica, también a nivel cultural la desaparición de varios iconos como Prince o Bowie, a los que considero grandes referentes personales. Ha habido muchas distracciones emocionales, eventos tristes a mi alrededor, tanto cercanos como globales que pueden afectar a todo el mundo, que me han dejado tocado”. Habéis incorporado metales en esta ocasión, sobre todo en ‘Toy Automatic’. ¿Qué efecto buscabais con ellos? “Para mí son instrumentos muy emocionales, tienen un gran poder. Es como respirar. En concreto en ‘Toy Automatic’ hay un par de líneas que son muy, muy largas, que me recuerdan a largas exhalaciones. Pretendía recrear una sensación de desolación,

“LLEVAMOS YA DEMASIADO TIEMPO EN ESTO COMO PARA QUE ALGUIEN INTENTE PRESIONARNOS... ADEMÁS, ¿CÓMO VAN A PRESIONAR A UN TÍO QUE NI SIQUIERA SE PONE PRESIÓN A SÍ MISMO? (RISAS)” GREG DULLI

de llanto incluso, lo que te sugiera en ese momento”. ¿Hay algo en particular de lo que te sientas más orgulloso? “Estoy muy orgulloso del resultado de todo el disco, pero siempre hay alguna canción con la que me siento más satisfecho. En esta ocasión diría que mi tema favorito es precisamente ‘Toy Automatic’. Para cualquier compositor siempre hay algún tema que es más especial que los demás. No te puedo explicar el motivo, simplemente es la que más me gusta”. Cuando lanzasteis Do To The Beast me comentabas sobre vuestro regreso a Sub Pop y lo cómodos que os sentíais,

pero ¿habéis notado algún tipo de presión, ya sea interna o externa, con este nuevo álbum? “¿Presiones? No, en absoluto. Llevamos ya demasiado tiempo en esto como para que alguien intente presionarnos... Además, ¿cómo van a presionar a un tío que ni siquiera se pone presión a sí mismo? (Risas)”. ¿Qué planes tenéis ahora mismo? “Todavía no nos hemos juntado para ensayar de cara a las actuaciones que tenemos en verano. No tengo ni idea del repertorio que elegiremos, pero tengo muchas ganas de coger los bártulos y empezar a movernos. Me hace mucha ilusión volver a tocar

en el festival Primavera Sound, porque es uno de los mejores del mundo y, además, porque me encanta tocar en vuestro país, en España. El público en el sur de Europa es mucho más cálido e intenso”. Por último, tú que eres un especialista en cóctels y bebidas, ¿qué elegirías para acompañar una escucha de In Spades? “Pues lo que más me gusta, por supuesto: un buen mezcal puro con hielo. Simple y contundente”.

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DEFTONES 21 DE ABRIL DE 2017 FABRIQUE, MILÁN (ITALIA) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: RUBÉN NAVARRO (LONDRES)

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arto de ver cómo más de una gira europea interesante pasa de largo de nuestras tierras, uno al final termina planteándose el aprovechar una escapada de fin de semana para viajar, hacer algo de turismo y ya de paso, disfrutar de alguna banda poco habitual de ver por aquí. En mi caso particular me decidí a visitar Milán para pillar en directo a Deftones, dado que desde hace ya siete años los de Sacramento no se dignan a pisar España. A pesar del algo elevado precio de los tickets y que la sala Fabrique cuenta con una capacidad para casi 5.000 personas, se registró una excelente entrada. Incluso había algún reventa despistado interesado en comprar tickets a los asistentes de la cola cuando todavía se podían adquirir en la taquilla. Los responsables de hacernos entrar en calor antes del plato principal de la noche fueron unos Skyharbor que dejaron buenas sensaciones sobre el escenario. Este

combo hindú procedente de Nueva Delhi se desenvolvió con buenas maneras ejecutando un metal progresivo con dejes djent. Destacar la gran técnica de la que presumieron todos sus miembros, y en especial su vocalista Eric Emery, quien nos deleitó con algún que otro gorgorito que nos puso el vello de punta. Excelente aperitivo antes de que Deftones pusiesen toda la carne en la parrilla desde el primer instante. Y es que cuando abrieron con una dupla tan bestial como la que formaron ‘Korea’ y ‘Elite’ no tardamos demasiado en meternos de lleno en el concierto. El primer tramo fue protagonizado por las canciones de sus trabajos más recientes, destacando los cortes de Diamond Eyes (‘You’ve Seen The Butcher’ y el propio tema que da título al álbum) y Koi No Yokan (‘Tempest’ y ‘Rosemary’ nos envolvieron en esa atmósfera mágica que sólo ellos saben crear, mientras que el riff de ‘Swerve City’ puso a prueba nuestras cervicales). Curiosamente el disco

que venían presentando, Gore, pasó muy discretamente por el repertorio sólo con ‘(L)MRL’ y ‘Gore’. Chino Moreno no escatimaba sus visitas a las primeras filas como le suele gustar, incluso prestando el micrófono en algún momento. Puede que en directo diste de ser un cantante perfecto, pero tanto su carisma como su presencia escénica siguen siendo inmensas (en muchos sentidos, ya me entendéis) aún con el paso de los años. La segunda mitad sirvió para rememorar los inicios con la primitiva ‘Minus Blindfold’ y un repóquer de singles como traca final: ‘Digital Bath’, ‘Change (In The House Of Flies)’, ‘Be Quiet And Drive (Far Away)’, ‘My Own Summer (Shove It)’ y ‘Headup’. Un cierre que nos dejó con ganas de mucho más, y es que el breve encore con ‘Back To School’ y ‘Rocket Skates’ tampoco fue capaz de saciarnos. Aun con todo, una gran noche que sirvió para comprobar el buen nivel que continúan gastando Deftones en la actualidad. 141

KRISTONFEST 6 DE MAYO DE 2017 LA RIVIERA, MADRID

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ANTHONY GRANDE

JOHN GARCIA & BAND

WOVEN HAND

eis años y cinco ediciones después de su estreno, los organizadores del Kristonfest decidieron darle un giro al festival y mover su localización de Bilbao a la capital, con la intención de hacerlo más accesible desde cualquier punto de la Península. Imagino que no serán pocos los que se habrán lamentado de este movimiento, pero las cifras de asistencia de este año confirman que ha sido una estrategia más que acertada sin necesidad de sacrificar su filosofía de evento acogedor alejado de los grandes formatos a los que estamos tan acostumbrados. Esta vez el lugar escogido fue La Riviera, con capacidad más que suficiente para recibir a los aficionados llegados desde varios rincones de la geografía y facilitando la entrada y salida del recinto en todo momento para mayor comodidad. A las seis y media Wolf People arrancaban motores ya con una buena entrada de público dispuesto a dejarse

sorprender desde primera hora. Y ciertamente, estos británicos fueron un agradable descubrimiento dentro de la programación. Practican un rock de ascendencia setentera con mucho gusto por las jams y los desarrollos instrumentales bien ejecutados. Una propuesta diferente, como todas las que veríamos a lo largo de la tardenoche, pero que cumplió de maravilla su función de darnos la bienvenida. Cambio radical de tercio y turno para los míticos Bongzilla, quienes hacían su primera aparición en territorio español tras su reunión de hace un par de años. Desde luego su doom metal y sludge mugriento no es para todos los oídos, pero imagino que para los más acérrimos aquello debió de ser una gozada. Todo un festín de graves y acoples que pusieron a prueba nuestros tímpanos mientras la putrefacta garganta de Mike ‘Muleboy’ Makela buscaba hacer más daño. Fieles a su fama, no dudaron en pedir algún porrito que el bueno de Mike se ventiló

por vía nasal. Más sanotes y formales fueron Crippled Black Phoenix. Su nombre no aparecía en el mismo tamaño que el de los cabezas de cartel, pero viendo su concierto, parecía que actuaban como tales. A lo largo de casi dos horas, el conjunto británico (casi una orquesta de ocho músicos incluyendo tres guitarras, teclados, sintetizadores, coros...) desplegó de forma majestuosa su rock experimental con influencias del space y progresivo. Era su primera vez en España y aunque desconocidos para muchos, no eran precisamente pocos los que llevaban años literalmente esperando poder verles en acción. Sea como sea, desde que despegaran con ‘Rise Up And Fight’ y ‘Long Live Independence’, la comunión con los allí presentes fue creciendo de manera gradual, algo que acabó contagiando también a los propios músicos, a quienes se les veía disfrutar de verdad. Únicamente los problemas de Justin Greaves con su 143

CRIPPLED BLACK PHOENIX

ampli empañaron mínimamente un set donde su más reciente Bronze fue el que acaparó mayor protagonismo (‘Deviant Burials’, ‘Rotten Memories’, ‘Champions Of Disturbance’). Enormemente agradecidos, se despidieron con el que probablemente es su mayor hit, ‘We Forgotten Who We Are’, y una ‘Burnt Reynolds’ que sonó con una épica tremenda gracias al coro continuo del público. Los grandes triunfadores del festival, sin duda. Se antojaba una parada técnica para salir a respirar aire y reponer fuerzas antes de los platos fuertes de la noche. Una vez de regreso al interior de la sala, los tambores de los nativos americanos anunciaban la aparición del Reverendo

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Dave Eugene Edwards, líder de Woven Hand. La presencia de este chamán metido a rockero místico es realmente magnética y desafiante, desplegando todo su catálogo de gestos y mímicas. Imposible quitarle ojo. Quizás el sonido metalizado de sus últimos trabajos no acabó de brillar todo lo que debería, pero no impidió que las canciones de Star Treatment (‘The Hired Hand’, ‘Crystal Palace’, ‘Five By Five’, ‘All Your Waves’) nos metieran de lleno en el particular ritual de Dave. Los temas del genial Refractory Obdurate (‘Hiss’, ‘Corsicana Clip’, ‘The Refractory’) ayudaron a completar un set al que se le echó en falta algún que otro clásico de su cancionero (personalmente

noté mucho la ausencia de ‘The Long Horn’ o ‘Whistling Girl’). Un concierto correcto y una experiencia disfrutable como cualquiera de las otras veces que le hemos visto, pero que al menos a mí me dejó con ganas de más. Quien no necesitó mucho para meterse al respetable en el bolsillo fue John Garcia, el principal reclamo de este Kristonfest. Es innegable que el hombre se conserva a las mil maravillas y que no ha perdido ni un ápice de clase ni dominio sobre las tablas. Los músicos que le acompañan son de una solvencia contrastada y el repertorio está a la altura repasando temas propios (‘My Mind’, ‘Rolling Stoned’ o esa ‘5000 Miles’ en la que se acordó de su colega Danko Jones), rescatando alguno de Hermano (‘Cowboys Suck’) y por supuesto, los clásicos de Kyuss. Sólo había que ver cómo se encendía la gente cuando sonaban ‘One Inch Man’, ‘Gardenia’, ‘Thumb’, ‘El Rodeo’ o la inmortal ‘Green Machine’ con Garcia demostrando su buen hacer ante el micrófono. Aunque sigo opinando que está estirando demasiado el legado de Kyuss en beneficio propio, podríamos considerarle el otro vencedor por aclamación popular de esta edición. De Greenleaf apenas resistimos los primeros compases, ya que las fuerzas empezaban a flaquear, aunque nos cuentan que ofrecieron un bolo atronador que mantuvo la llama viva hasta el toque de queda. En cualquier caso, tanto por gestión logística como por el nivel ofrecido por todos los artistas, podemos dar por bueno el balance de este primer Kristonfest en Madrid, del que confiamos que continúe por muchos años más apostando por bandas minoritarias y tan poco habituales de presenciar por aquí.

MADBALL 7 DE MAYO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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IGNITE

adball llegaban a Barcelona tras haber pasado por Valencia, Madrid y el Otero Festival en Oviedo en los días anteriores. Lo hacían acompañados de Ignite, H20, Anal Hard y Katran, haciendo de ésta una de las citas más esperadas por los aficionados al hardcore. Cuando llegué a la sala los croatas ya habían terminado, así que directamente me situé para disfrutar de Anal Hard en una sala ya bastante llena. Era la primera vez que los veía desde que publicaran su último disco Alta Gama y también desde que Kurti, guitarrista de Hyde Abbey, se haya incorporado como bajista. Tanto los nuevos temas como el último fichaje han encajado de maravilla y los de El Masnou ofrecieron un set sin fisuras con buena parte de sus incondicionales coreando ‘BCN 92’, ‘Lickin Ass’ o ‘Coños Radioctivos’. Ácidos y divertidos a partes iguales. A continuación, H2O

descargaron su New York Hardcore altamente melódico. Toby Morse, que recordemos empezó en esto siendo roadie de Sick Of It All, comandó a su banda desde ‘Everready’ hasta la nostálgica y reivindicativa ‘What Happened’ con todo el oficio que dan más de 20 años de carrera. Ignite subieron aún más el nivel y la contundencia. Sus prolongados silencios discográficos les han hecho perder un poco el momentum que consiguieron con Our Darkest Days en 2006, pero no hay duda de que siguen teniendo una buena base de fieles. Tras una potente ‘Poverty Of All’, los californianos atacaron con ‘Veteran’, uno de sus temas más emblemáticos. Uno de los elementos clave en el sonido de la banda es la peculiar voz de Zoli Téglás, y aunque empezó un poco renqueante fue mejorando progresivamente. Grandes temas como ‘This Is War’, ‘A Place Called Home’ o ‘In My Time’ dieron paso a un par de

H2O

versiones ‘Man Against Man’ de No For An Answer y la celebrada ‘Sunday Bloody Sunday’ de U2 que ya han hecho suya. El momento emotivo llegó cuando Zoli sacó a escena a una fan holandesa a quien un año antes había diagnosticado un tumor cerebral y que, afortunadamente, había superado. A ella dedicaron ‘Live For Better Days’, antes de terminar con ‘Bleeding’. Finalmente, Madball salieron a por todas con ‘Hardcore Lives’, toda una declaración de principios. Pese a las horas de autobús que llevaba a sus espaldas, Freddy Cricien, luciendo ahora melena, volvió a mostrarse en plena forma, recorriendo el escenario como un boxeador en el ring. Combinando derechazos como ‘We The People’, ‘Can’t Stop, Won´t Stop’ o ‘The Beast’ con golpes rápidos como ‘Look My Way’, ‘Pride’ o ‘Nuestra Familia’, acabamos tumbados en la lona por KO rotundo con ‘100%’. Eso sí, con una sonrisa de oreja a oreja.

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ORANSSI PAZUZU 2 DE MAYO DE 2017 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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COBALT

enía de un festival de black en Estocolmo con unos cuantos nazis de más y de aburrirme un poquillo con Urfaust, así que nada más saltar al escenario, Cobalt ya me dieron dos buenas noticias. La primera, que en directo el dúo pasa a ser un cuarteto, con toda la fuerza extra que eso le brinda a las descargas, por supuesto, y la segunda, que el bajista reclutado es un negro gigantón y el guitarra reivindica su antirracismo con una camiseta bien vistosa. Dos detalles que presagiaban un buen show, y lo cierto es que los de Colorado estuvieron sembrados. Desgarrados y con un Charlie Fell al micro entreteniéndonos con unas poses de lo más curiosas, Cobalt justificaron la atención que están captando, y es que varios de los allí presentes habían comprado el ticket sólo para verles a ellos. Hay quien echó en falta una

mayor nitidez en su sonido, sobre todo a nivel de voz, pero debo decir que a mí me fliparon. Que hubiera un refuerzo de luces en una Razz 3 que suele fallar en un aspecto tan esencial ayudó y mucho a entrar en su ciénaga malrollera. Con ruidos y cuelgues empezamos y con ruidos y cuelgues terminamos. Oranssi Pazuzu hicieron honor a su merecida fama de grandes artesanos del ambiente tripado y las sinfonías expansivas y nos sumieron en su profundo sueño psicotrópico. Seguro que todos los veteranos habíamos sufrido mantras todavía más acuciantes que el que los finlandeses lograron crear en Barcelona, pero hay que reconocer que esta gente sabe a lo que juega. Viviendo cada guitarrazo como si fuera el último y castigándonos con ráfagas de teclado y sintetizador entre marcianas y abominables, los

escandinavos nos brindaron un show en el que era complicado distraerse. Y es que había quien danzaba cual hippie colocado en Ibiza al son de sus diabluras psicodélicas, el que cerraba los ojos y se dejaba mecer, el que cabeceaba como si estuviera viendo a Slayer, pero nadie, absolutamente nadie, pudo afirmar tras acabar el concierto que no habíamos presenciado un bolo notable. Personalmente, como única pega, decir que las voces estaban un pelín demasiado trucadas para mi gusto, haciendo que las labores de Jun-His resultaran excesivamente sencillas de ejecutar. Mientras me preguntaba dónde encajan más, si en el Roadburn o en el Netherlands Deathfest, caí en la cuenta de que Oranssi Pazuzu son más bien una banda de Primavera Sound, sin que ello sea necesariamente malo. A la altura de todos los elogios que les han llovido en los últimos años. 149

PLACEBO

27 DE ABRIL DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

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ace muchos años un representante de su discográfica me presentó a Brian Molko como el “fan nº1 de Placebo en España”. No sé si lo hizo por desconocimiento, por quedar bien con el artista o para putearme, pero la realidad es que a pesar de que me gustan algunas de sus canciones, no considero que tengan ni un disco sobresaliente. Aun así, decidí acercarme al segundo concierto que daban en Barcelona para celebrar su vigésimo aniversario como banda. Siempre he pensado que, en la industria musical, de hecho, en cualquier faceta de la vida, es más importante la perseverancia que el talento y Placebo cumplen esta máxima. Al igual que la noche anterior, las entradas se habían agotado, y es que la banda londinense parece gozar ahora de un mayor poder de convocatoria que en toda su carrera. A su favor hay que decir que, si

bien su discografía es irregular, en directo el grupo ha ido mejorando notablemente. Desde hace unos años, Placebo suenan de lo más compactos y son capaces de hasta sonar con claridad en una sala tan difícil como la grande de Razzmatazz. En ello mucho tiene que ver que Molko y su inseparable Stefan Olsdal se hayan rodeado de músicos adicionales -además del batería Matt Lunn, cuentan con Bill Lloyd, Fiona Brice y Nick Gavrilovic- que les ayudan a reproducir fielmente y con más matices su extenso cancionero. Pese al carácter celebratorio de la gira, Placebo no tomaron el camino fácil de ofrecer un concierto de grandes éxitos, si no que optaron por repasar exhaustivamente su catálogo (sonaron hasta 25 canciones), presentando nuevos arreglos de algunas de sus canciones como ’36 Degrees’ o ‘Teenage Angst’ o recuperando caras B como ‘Soulmates’. Utilizando como intro la conocidísima ‘Pure Morning’,

arrancaron con una animada ‘Loud Like Love’, pero pronto la banda se sumergió en lo que Molko definiría como “la parte melancólica de la noche” con una sucesión de medios tiempos (‘Twenty Years’, ‘Devil In The Details’, ‘Space Monkey’ , ‘Lady Of The Flowers’…) con los que Placebo parecen querer posicionarse como los sucesores de The Cure. Si fuera el “fan nº1 de Placebo en España” me hubiera encantado, pero la verdad es que este largo tramo -en el que destacó una ‘Without You I’m Nothing’ con un homenaje a Bowie en las pantallas- se me hizo un poco pesado. Más disfrutable fue el último tercio con temas como ‘Special K’, ‘The Bitter End’, ‘Nancy Boy’, ‘Infra-red’ en el que el público pudo desmelenarse y el bis final con una épica y acelerada versión de ‘Running Up That Hill (A Deal With God’) de Kate Bush. Una noche completa que representó a la perfección los activos y pasivos acumulados por Placebo en estos 20 años. 151

THE JESUS AND MARY CHAIN 29 DE ABRIL DE 2017 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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lía a noche grande en Razzmatazz. Esa sala donde, hace un par de décadas, veíamos cada semana a enormes bandas internacionales a unos pocos metros de distancia. Es innegable que los festivales le han hecho muchísimo daño a las giras de salas, y poder ver a The Jesus And Mary Chain en Razzmatazz era, hoy en día, algo histórico. Si no me he descontado, hacía 25 años y dos días que el público de Barcelona no podía ver a los escoceses en sala pequeña. Precisamente en el mismo recinto, cuando todavía se llamaba Zeleste, un lejano lunes 27 de abril de 1992. Desde su separación en 1999, dos visitas en festivales: Summercase 2007 y Primavera Sound 2013. No es de extrañar, pues, la enorme expectación que había en un recinto lleno y sudoroso, con media de edad más alta de lo habitual y el negro como color predominante.

Había la duda de si el show se decantaría más hacia las canciones del nuevo disco Damage And Joy (primero en 19 años) o hacia los (muchos) clásicos de la banda. Empezaron con la nueva ‘Amputation’, pero enseguida dejaron claro que la noche iba a ser una nostálgica oda al legado de una de las formaciones más influyentes de las generaciones posteriores. Los de East Kilbride se centraron en cuatro discos: Darklands, Automatic, Honey’s Dead y Psychocandy. Con ‘April Skies’ calentaron el ambiente, y con ‘Head On’ encendieron la mecha: distorsión, fuzz, atmósferas sombrías, melodías infalibles y público enloquecido. La fiesta siguió con ‘Far Gone Out’ y las guitarras cortantes de ‘Between Planets’ y ‘Blues From A Gun’. Bernadette Denning salió a hacer las voces de ‘Always Sad’ y a traer un poco de calma, continuada por ‘Mood Rider’. Volviendo al pasado, lascivia sexy con ‘Teenage Lust’, rincones bellos con

‘Cherry Came Too’ o primera incursión en Psychocandy con ‘The Hardest Walk’. Tras la nueva ‘All Things Pass’, recta final con la maravillosa ‘Some Candy Talking’, ‘Halfway To Crazy’ y ‘Reverence’. “I wanna die like Jesus Christ”, empujones, codazos, y algún tocapelotas expulsado en las primeras filas. Primer bis: tras ‘Nine Million Rainy Days’, el foco cayó en su debut con la coreada ‘Just Like Honey’, las guitarras abrasivas de ‘You Trip Me Up’, la violencia de ‘The Living End’ y ‘Taste Of Cindy’. La nueva ‘War On Peace’ precedería al segundo bis con el que acabar de agitar a la masa... electricidad desbocada con ‘Never Understand’, y único guiño a Munki: ‘I Hate Rock’n’Roll’ ponía el irónico cierre a un show en que la frialdad de la banda contrastó con la energía de unas canciones que, 20 y 30 años después, siguen sonando actuales y excitantes. 153

CROWBAR

4 DE MAYO DE 2017 SALA RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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REBUIG

uando Crowbar publicaron en 1991 su primer álbum Obedience Thru Suffering, su metal pantanoso no obtuvo demasiado reconocimiento, pero sin saberlo, habían plantado junto a Corrosion Of Confomirty o Eyehategod, la semilla para lo que hoy conocemos como sludge. Un par de años más tarde, y gracias al apoyo incondicional de Phil Anselmo, que en aquellos días ya se había coronado como rey con Pantera, su segundo trabajo, titulado simplemente Crowbar, sí causó bastante sensación. Pero no fue hasta que Down publicaron su rotundo debut NOLA en 1995, que el mundo prestó de verdad atención a lo que ocurría en Nueva Orleans y Kirk Windstein adquirió su estatus de figura venerada dentro de la comunidad metalera. Quizá porque en su naturaleza nunca estuvo el deseo de convertirse en una estrella, tanto él como su banda, se han mantenido en un segundo, o tercer, plano, publicando discos de calidad regularmente, y picando piedra en la carretera. Y así en pleno

2017, Crowbar se presentaron en Barcelona con un muy buen trabajo como The Serpent Only Lies en una sala pequeña como Razz 3 sin ni siquiera conseguir llenarla. Lejos de mostrarse amargados o quemados, Windstein y sus actuales compañeros -Matthew Brunson (guitarra), el retornado Todd Strange (bajo) y Tommy Buckley (batería)- parecen felices en ese papel de currantes del metal. Accedieron a firmar o hacerse fotos con cualquiera que se lo pidiera, antes y después del concierto, y ellos mismos fueron los encargados de preparar su backline. Crowbar funcionan como un pequeño negocio familiar y ese elemento de proximidad los hace totalmente entrañables a pesar de su imagen amenazante. Algo parecido ocurre con los encargados de abrir el concierto. Por si Rebuig no fueran una banda suficientemente atípica, en esta ocasión Albert, su vocalista decidió salir oculto bajo una máscara a lo The Locust para soltar su repertorio de alaridos. Si bien los barceloneses tienen un componente sludge, su

música es bastante más experimental. Aunque lo mejor sigue siendo las miradas cómplices entre Jaume y Víctor mientras machacan su guitarra y bajo respectivamente a todo volumen. Crowbar abrieron la veda para una noche de riffs gruesos y mucho calor por parte de los asistentes con ‘High Rate Extinction’ y ‘All I Had (I Gave)’. El inicio casi hardcore de ‘Conquering’ animó bastante la pista, aunque la tónica de la noche fueron los ritmos pesados de ‘To Build A Mountain’ o ‘Plasmic And Pure’ de su último trabajo, acompañados de sendos cabezazos, y momentos Black Sabbath como ‘Existence Is Punishment’ con elegantes guitarras dobladas. Windstein se mostró bastante comunicativo, pero tiene un acento sureño tan cerrado, que se hacía difícil entender nada de lo que decía. Por suerte, se comunica mucho mejor a través de la música y cuando terminaron con ‘Like Broken Glass’ y su versión de ‘No Quarter’ de Zeppelin cualquier barrera idiomática había quedado derribada por su potente sonido. 155

DE GIRA

ANATHEMA

1 DE JULIO BE PROG! MY FRIEND - POBLE ESPANYOL (BARCELONA)

os británicos Anathema son uno de los reclamos de la cuarta edición del Be Prog! My Friend y por eso su cantante y guitarra Vincent Cavanagh fue el invitado de honor en la presentación que se hizo del festival el pasado 18 de mayo en Barcelona. Antes de que ofreciera un emocionante concierto acústico, tuvimos la oportunidad de charlar con él sobre su nuevo álbum The Optimist (Kscope), que verá la luz el 9 de junio, y su papel dentro de la escena progresiva. Habéis dicho que The Optimist está conectado con vuestro disco A Fine Day To Exit de 2001. ¿En qué sentido? “La portada de A Fine Day To Exit dejaba un misterio abierto. No sabías qué le había pasado al personaje. Nunca

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se lo contamos a nadie. Teníamos la idea para este disco, sabíamos que se llamaría The Optimist y que contaría una historia… Teníamos la idea de alguien conduciendo por la noche en América. Y entonces vimos la contraportada de A Fine Day To Exit y dijimos ‘joder, es eso’. Fue idea de Danny (su hermano y guitarrista –ndr.) conectar ambos discos. Eso afectó de alguna manera la composición. Es como la banda sonora de una película. No es un álbum conceptual porque no hay una narrativa escrita, pero hay una narrativa visual. No sabes si está ocurriendo de manera lineal o sin flashbacks, pero en directo el aspecto visual ayudará a explicar la historia”. ¿Vais a combinar temas de ambos discos para contar la

historia completa? “No. La primera parte del set será el nuevo álbum, pero en la segunda parte tocaremos algunos temas de A Fine Day To Exit porque no solemos hacerlo. Como por ejemplo ‘Looking Outside Inside’ (Se pone a tocarla y cantar con la acústica -ndr.). El problema con esta canción es que no nos gusta la segunda mitad del tema (risas). Quizá deberíamos escribir un nuevo final”. En unas semanas volveréis a actuar en el festival Be Prog! My Friend. ¿Es en la escena prog donde más encajáis? “Creo que es la única escena alternativa para una banda de rock. Tenemos una mentalidad progresiva, pero no sabemos demasiado sobre la escena musical en sí. Nosotros venimos del soul,

AGENDA JUNIO el blues, el pop, la electrónica. Crecimos con los Beatles, Bob Dylan, U2, Aretha Franklin… Nunca tuvimos discos de King Crimson o Rush en casa. Nuestra música no es nada compleja, pero nos sentimos a gusto en esta escena”. Transmitís que actuáis con absoluta libertad… “Siempre nos hemos basado en eso. A estas alturas la gente ya espera que sigamos evolucionando. Habría sido más fácil ceñirnos a un estilo, así es como se gana dinero. Si nos hubiéremos mantenido en el metal, viviríamos más cómodamente, seguro”. Bueno, quizá lo más sorprendente ahora sería que publicaseis un disco de metal. “(Risas) No tengo nada en contra de eso. En el nuevo álbum hay momentos como ‘Wildfire’ o ‘Springtime’, que son muy duros. Creo que son temas muy intensos. Puede sonar duro simplemente afinando más grave y subiendo la distorsión, pero para mí es como mentir. La intensidad para mí está en la mano derecha, no en la izquierda. En eso se basa el flamenco (risas). Lo mismo pasa con la voz. Para mí Björk, o Cedric Zabala, o Jeff Buckley, tienen una intensidad mucho mayor que el cantante más extremo de black metal. Ésa es mi opinión. Aphex Twin o Squarepusher son más intensos que muchas bandas de metal”. En el nuevo disco hay algo de drum’n’bass. “Siempre hemos sido fans de la electrónica. A partir de los 18 años íbamos a clubes a escuchar música electrónica. En ese momento también salieron Nirvana y, de nuevo, para mí, eran más intensos que muchas bandas de metal. A esa edad buscas la intensidad, y ahí es donde la encontré. Hoy en día entendemos un poco mejor la electrónica y tenemos el equipo necesario, así que nos resulta más fácil integrarlo en nuestra música. Ser siempre una banda de guitarras llega a aburrirte. En este disco tenemos incluso vientos”. ¿Estás de acuerdo en que un optimista es un pesimista mal informado? “En parte sí. Sería un poco tonto ser sólo optimista o sólo pesimista. Yo creo que te tienes que ganar el futuro. Un optimista es alguien que espera que las cosas salgan bien porque sí. Yo creo que tienes que trabajar duro, y si lo haces, verás el resultado. Lo importante es tu actitud”. (JORDI MEYA)

AZKENA ROCK FESTIVAL 23-24 VITORIA BRIGHT CURSE 14 BARCELONA, 15 MADRID, 16 BILBAO BURNING HEADS 12 MADRID, 13 BARCELONA CJ RAMONE 24 OVIEDO, 26 MADRID, 27 VALENCIA, 28 ZARAGOZA, 29 BARCELONA DOWNLOAD FESTIVAL 22-24 MADRID D.R.I. 13 BARCELONA, 14 ZARAGOZA, 15 MADRID, 16 VITORIA FOREIGNER 10 MADRID GUNS N’ ROSES 4 MADRID HATEBREED 10 VITORIA, 12 MADRID, 13 BARCELONA HIM 14 BARCELONA, 15 MADRID, 16 SANTANDER KALIKENYO ROCK 8-10 JUNEDA LEFTÖVER CRACK 17 BADALONA, 18 MADRID, 19 OVIEDO LIFE OF AGONY 2 BARCELONA, 4 MADRID M.D.C. 30 BILBAO PHIL RUDD 9 BARCELONA, 11 MADRID PRIMAL SCREAM 11 BARCELONA, 12 MADRID RISE OF THE NORTHSTAR 2 BARCELONA, 3 MADRID SUICIDAL TENDENCIES + RATOS DE PORAO 27 VITORIA, 28 BARCELONA THE TOY DOLLS 9 JUNEDA, 10 GIRONA UK SUBS 15 PAMPLONA, 16 DONOSTI, 17 BILBAO VODUN 26 BARCELONA, 28 MADRID, 30 BILBAO ZEKE 16 BARCELONA