RockZone 141 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Gideon (Barcelona) @ Carles Rodríguez

EDITORIAL El año está entrando en su recta final, pero no hay que bajar la guardia porque todavía quedan algunos grandes discos por llegar. Empezando por The Dusk In Us, el nuevo de Converge o siguiendo por Infrasoinuak de Berri Txarrak. Tanto uno como otro les merecen llevar a ocupar un lugar destacado en este número de noviembre. Compartiendo protagonismo con ellos también encontrarás a The Bronx, The Unfinished Sympathy, Anti-Flag o los resucitados Quicksand. Hemos pasado un último mes de lo más agitado e incierto, pero como podréis ver en la extensa sección de conciertos, las ganas de seguir saliendo no nos las quita nadie. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 141

7 / INTERFERENCIAS

22 / THE BRONX

28 / THE UNFINISHED SYMPATHY

34 / ELECTRIC WIZARD

38 / CONVERGE

44 / QUICKSAND

50 / CANNIBAL CORPSE

56 / DEATH FROM ABOVE

60 / DISCO DEL MES

62 / CRÍTICAS

96 / ANTI-FLAG

104 / LOS CORONAS

110 / ÓSSERP

114 / EN DIRECTO

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A 132 / DE GIRA + AGENDA

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INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ LINKIN PARK LINKIN PARK CELEBRARON LA VIDA Y LA MÚSICA DEL FALLECIDO CHESTER BENNINGTON EN UN INOLVIDABLE CONCIERTO. MÚSICOS DE BANDAS COMO SYSTEM OF A DOWN, BLINK-182, KORN O A DAY TO REMEMBER PARTICIPARON EN EL HOMENAJE.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

l futuro de Linkin Park estaba en entredicho desde que el 20 de julio Chester Bennington se quitara la vida. Nadie sabe todavía si el grupo seguirá adelante o no, pero desde luego el concierto del pasado 27 de octubre ha servido para demostrar que están preparados para hacerlo. Bajo el nombre Linkin Park & Friends Celebrate Life in Honor of Chester Bennington, el evento tuvo lugar en el mítico Hollywood Bowl de Los Ángeles y fue retransmitido vía streaming para que los fans de todo el mundo pudieran seguirlo. Era la primera vez que los miembros de la banda volvían a actuar juntos y las emociones estaban a flor de piel tanto encima del escenario como entre el público que había agotado las 17.000 entradas del anfiteatro. A lo largo de casi tres horas, el grupo y los músicos invitados repasaron su extenso catálogo sonando temas desde su debut Hybrid Theory hasta el último One More Light. Pero también hubo espacio para las canciones de otros artistas. Así Alanis Morissette inter-

pretó una nueva composición titulada ‘Rest’ o Blink-182 tocaron ‘Miss You’. El concierto se inició con ‘Iridescent’ de A Thousand Suns y ‘Roads Untravelled’ del álbum Living Things, tema que nunca habían tocado en directo para dar paso a una versión instrumental de ‘Numb’ cantada por el público. A partir de ahí se fueron sucediendo las apariciones de Ryan Key de Yellowcard (‘Shadow Of The Day’), Gavin Rossdale de Bush (‘Leave Out All The Rest’), Takahiro Moriuchi de One Ok Rock (‘Somewhere I Belong’, Oliver Sykes de Bring Me The Horizon (‘Crawling’), Machine Gun Kelly (‘Papercut’) o Jeremy McKinnon de A Day To Remember (‘A Place For My Head’). También hubo colaboraciones de Jonathan Davis de Korn (‘One Step Closer’) y miembros de Sum 41, System Of A Down, No Doubt, Avenged Sevenfold. Todos ellos aparecieron juntos al final para cantar ‘Bleed It Out’. La viuda de Chester Bennigton, Talinda Bennigton ofreció un emocionate discurso. Una noche inolvidable para un artista inolvidable.

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LO PEOR DE MÍ_ FIEBRE DE LUNA LLENA

l paso que vamos, habrá que plantearse empezar una sección de necrológicas en la revista. Desde que cerramos la anterior edición hemos perdido al legendario Fats Domino, a Daisy Berkowitz de Marilyn Manson, a Martin Eric Ain de Celtic Frost, a Gordon Downie de Tragically Hip, al soulman Charles Bradley, a Grant Hart de Hüsker Dü… Pero si hay una muerte que realmente me ha tocado es la de Tom Petty. El músico de Florida falleció el pasado 2 de octubre, apenas una semana después de haber culminado un concierto en Los Ángeles dentro de la gira para celebrar 40 años de carrera junto a sus inseparables The Heartbreakers. Curiosamente, aunque todo el mundo asocia a Petty con su excelente banda, mucha gente –incluido Kurt Ballou de Converge, como nos cuenta en la entrevista que publicamos este mes- nos convertimos

en fans suyos por su primer disco en solitario Full Moon Fever publicado en 1989. Pese a que conocía algunas de sus canciones como ‘American Girl’, ‘Refugee’ o ‘Don’t Come Around Here No More’, fue el single ‘Free Falling’ el que me impulsó a comprar un disco suyo por primera vez. La felicidad que sentí, y que todavía sigo sintiendo cada vez que lo escucho, sería suficiente para estarle agradecido de por vida. Pero la grandeza de Petty es que tanto si investigabas en su catálogo anterior, como si ibas adquiriendo sus nuevos lanzamientos, el nivel era siempre altísimo. La gran pena es que Tom Petty & The Heartbreakers nunca llegaron a actuar en España, a pesar de que cada año encabezaban el wishlist de los asistentes al Azkena Rock Festival. Una espina que ya nunca podremos quitarnos. Descanse en paz. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

Kid Rock llevaba meses estando en el centro de la polémica en Estados Unidos tras anunciar que iba a presentarse a senador por Michigan. Incluso había hecho conciertos, mítines y había montado una web, KidRockForSenate, para hacer campaña. Pues bien, según confesó a Howard Stern en una entrevista, resulta que todo era una estrategia para publicitar la salida de su nuevo disco. Un engaño en toda regla que, en el fondo, demuestra que sí tiene madera de político.

Michael Kiske ha admitido que usó algunas pistas pregrabadas de voz durante el primer concierto de la gira de reunión de Helloween bautizada como Pumpkins United en Monterrey, México. Al parecer, Kiske estaba enfermo y ante la opción de tener que suspender el show, la banda decidió tirar de playback. “Lo hizo lo mejor que pudo”, ha comentado el guitarrista Kai Hansen. “Funcionó a medias, pero había algunas partes que tuvimos que reemplazar y, sinceramente, lo defendemos”. Al menos no sacaron un holograma...

Jeordie White, aka Twiggy Ramirez, ha tenido que salir al paso de la acusación de violación denunciada por Jessicka Addams de la banda Jack Off Hill. El incidente habría sucedido en los 90 cuando eran pareja. “No apruebo el sexo no consentido de ningún tipo”, ha dicho el bajista en un comunicado. “Si he causado algún dolor, pido perdón y me arrepiento de verdad”. De momento, Marilyn Manson lo ha expulsado de su banda. Veremos si alguien se atreve a contratarle de nuevo.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDAN FO, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

TRILOGÍA DEL SURF Willy Uribe (LINCE)

uve la oportunidad de asistir a la presentación en Barcelona de Trilogía Del Surf, el volumen que recopila tres de las novelas de Willy Uribe. Durante el acto me di cuenta que, a pesar de la relevancia del escritor, fotógrafo y surfista vasco, Willy es ante todo una persona cercana, entrañable y con mucho mundo a sus espaldas. Y todo eso se refleja en su literatura: con un lenguaje llano y poco pretencioso en cuanto a las formas, Más Allá De Al Ganzug, Doce Poemas De Amor En Zicatela y Nanga son tres novelas negras independientes entre sí donde se mezclan la violencia, el amor, la venganza, la huída, la mentira y las miserias. ¡Ah! Y con el surf como telón de fondo de los relatos: “Peinadas por el viento de tierra del amanecer, las olas creaban en su caída cilindros repletos de fuerza, brillo y vacío. Ahí dentro uno no siente nada y lo siente todo, quiere escapar y quiere

SONGBOOK 2 Ladrón (AMONÍACO)

e acuerdo que es un discurso recurrente, pero no por ello deja de ser real y estar vigente. Estamos en un país donde cuesta mucho tirar adelante según qué propuestas. Probablemente en otro lugar, un personaje como Joaquín Ladrón no sería una figura mainstream, pero su estilo único de unir el cómic de cariz más underground con el rock’n’roll –del que es un erudito- le permitiría poder vivir de ello al 100%. Al menos, el no tener que seguir ninguna regla de la industria hace que sus obras sean tan personales como este Songbook 2, perfecta continuación de aquel Songbook editado hace ya una década y que se puede considerar como 10

permanecer siempre y cuando sale no quiere otra cosa que volver a entrar”. Se nota que Uribe ha experimentado las sensaciones de estar dentro de un buen tubo y que conoce de primera mano los escenarios donde se desarrollan las tramas: Mauritania, México e Indonesia. Paisajes exóticos y paradisíacos, costumbres extrañas para los occidentales y guiños al conflicto vasco son otros elementos que también podemos encontrar en estas 300 páginas que enganchan rápidamente. JF

una obra entre el culto y la referencia en lo que a rock y cómic se refiere. Para este nuevo volumen Ladrón ilustra a 60 artistas claves en la historia del música popular –porque esto va más allá del rock- que van acompañados de textos escritos por algunos de los periodistas más representativos del mundo de la música, gente importante de la industria –Jorge Ortega, director de Ruta 66 escribe un bonito texto sobre Bowie- así como de algunos músicos hablando de su influencias –Rudi Protrudi de Fuzztones lo borda diseccionando a Screamin’ Jay Hawkins- o incluso algunos, nada menos que Jackson Browne, hablando de sí mismos. En definitiva, un poco de todo que acaba dando forma a una obra absolutamente original –el estilo de Ladrón es cada vez más personal-, imperecedera, y es que cualquier momento es bueno para volver a darle un repaso. Viendo que la primera edición se ha agotado rápidamente, igual las cosas están cambiando... Para la próxima, Ladrón, para acompañar cualquiera de tus geniales ilustraciones llama a alguno de los que hacemos esta revista, que aquí tienes fans. RR

ARDE CUBA Agustín Ferrer Casas (GRAFITO)

Segunda obra de este autor para Grafito Editorial tras Cazador De Sonrisas. En esta ocasión ofrece un intenso thriller de estilo BD ambientado en los momentos previos a la victoria de la revolución cubana mezclando ficción con anécdotas reales. Un fotógrafo se verá inmerso en pleno avance del Movimiento del 26J por una graciosa cadena de sucesos y será acosado por la mafia, la CIA, etc. Arde Cuba es espectacular y pone en valor la figura de Camilo Cienfuegos, añadiendo su granito de arena a las teorías que rodean su muerte meses después de la victoria revolucionaria. SG

CLARA DE NOCHE Bernet, Trillo y Maicas

ARSÈNE SCHRAUWEN Olivier Schrauwen

BUSY BITCHES Henar Torinos y Nuria Velasco

(FULGENCIO PIMENTEL)

(FANDOGAMIA)

La obra que os reventará la cabeza este mes se trata del integral que recopila las tres entregas de Arsène Schrauwen, novela gráfica que Olivier dedica a la figura de su abuelo, quien en su juventud se instaló en el Congo Belga y que le sirve de base para un relato asfixiante en algunos tramos, liberador y onírico en otros, tratando en ella el amor, el crecimiento personal y los impulsos reprimidos. De contenido intenso, atrapa gracias al juego de dos tintas que marca su lectura, por muchas de sus composiciones de página y el estilo literario seco y directo de sus textos. SG

Recopilatorio de las tiras online que estas dos autoras ofrecieron al público durante un año y que, para la ocasión, ofrecen su cierre final para deleite de sus seguidores sólo en papel. Éste es un trabajo de asueto y entretenimiento puro hecho por y para dibujantes, aunque cualquiera ajeno al medio disfrutará. Henar y Nuria nos cuentan sus aventuras cotidianas en su estudio de trabajo, que tocan desde momentos de intimidad preciosos hasta gags de humor absurdo, construyendo así un universo propio con su lógica interna. Hermoso, divertido y honesto. SG

FREEZER Veronica Carratello

VALEROSAS 2 Pénélope Bagieu

(LA CÚPULA)

(DIBBUKS)

(PANINI/EVOLUTION COMICS)

Nacida para la revista El Jueves en 1992 y publicada hasta 2015, Bernet ofrece en este tomo de casi 300 páginas una selección de sus historietas favoritas nunca recopiladas. La obra puede parecer que ofrece una imagen alegre y divertida de la prostitución, pero muchas veces sus chistes muestran una realidad grotesca y se intuye carga crítica gracias al terreno de la ficción en el que se mueve. Clara es, además, un personaje de importancia capital para la industria patria. SG

Comedia de corte intimista que sorprende por el estupendo uso del gag y el humor negro. Usando como base el paso de la infancia a la preadolescencia de la protagonista, su autora propone una entretenida narración donde un road trip con giro desternillante (¿Inspirado en Little Miss Sunshine?) hace derivar la obra hacia derroteros que recuerdan (con un tono más amable) a las cafradas de Todd Solondz. El resultado es muy cinematográfico, con muchos lugares comunes usados de forma muy inteligente. SG

Segunda entrega de las biografías de mujeres que la autora realiza para Le Monde y en las que recoge historias de lucha por derechos, reconocimiento profesional e ideales propios, contra viento y marea y la sociedad en su conjunto. Las 15 protagonistas vuelven a pertenecer a perfiles muy variados, algunas conocidas, otras serán descubiertas gracias a estas páginas, destacando entre ellas, ya que estamos en una publicación musical, las dedicadas a Sonita Alizadeh, Betty Davis y The Shaggs. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA SITGES 2017

BODAS DE ORO Y SANGRE

n año más, el palmarés de Sitges ha provocado algún sarpullido entre cierta facción crítica y fan que no termina de asimilar vencedoras como Holy Motors (2012), Borgman (2013) o I Origins (2014). Este año, aunque sí hay más tintes puramente fantásticos en ella, Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó, se ha llevado el premio gordo de una fantástica edición tan importante como es la que celebra medio siglo de existencia. Dejando a un lado la polémica, centrémonos en lo que verdaderamente importa: las películas. J.J. Abrams abre los testi12

monios de King Cohen: The Wild World Of Filmmaker Larry Cohen, nuestra primera cita ineludible y estreno en una edición que arrancaba con ese merecido homenaje a uno de los tíos que mejor ha retratado la podredumbre neoyorquina durante los 70 y 80. De acuerdo, reconocemos que el primer acto insiste demasiado en el Cohen que menos interesa, pero es una presentación que había que hacer aunque casi dedique el mismo tiempo a su desconocida faceta de monologuista que a Los Invasores. Sólo por los conflictos producto del guerrilla cinema enlazados entre él y Michael Moriarty

o Fred Williamson ya merece la pena saltar de un coche en marcha. The Endless es lo nuevo de Moorhead & Benson, y justo cuando pensabas que dos talentos como éstos iban a centrarse en el mundo cult, van y se marcan una vuelta de tuerca con la que no contaba nadie por muy meta que sea el protagonismo de los directores. Como casi todos sus trabajos, cine de ida y vuelta al que tendremos que regresar más pronto que tarde. Mom And Dad como broma se agota rápido y vive de un par de puntos muy cachondos. El resto es mediocridad, algo de cobardía y una realización que suspendería en cualquier escuela de cine. Eso sí, Nicolas Cage entrega un top de histrionismo en sus dos jornadas de trabajo para la peli. Contra todo pronóstico, una de las mejores y más respetuosas con el género que hemos visto en el festival ha sido lo nuevo del director de Baskin, Can Evrenol. Housewife es una colección de hits del horror clásico europeo con una guinda final de aplaudir muy fuerte. Entre Viva Italia y el Barker más ingenuo. Encantadora. El Sacrificio De Un Ciervo Sagrado llegará este mes de noviembre a los cines y cuanto menos sepas, mejor. 100% Yorgos Lanthimos para lo bueno y para lo mejor. Bushwick, una producción de Dave Bautista, es una aplicada cinta bélica en plano

secuencia que termina por agotar al no cambiar de marcha. Fue curioso vivirla en Catalunya en pleno proceso de WTF general. Y en eso llegó Thelma. Hay tantos referentes y tanta clase en esta película que no voy a mencionar ninguno para que la disfrutes tanto como yo. Todo aderezado con el gélido encanto septentrional que tanto empeño está poniendo en realzar el género. The Ritual llegará a Netflix en algún momento y lo hará con un premio polémico para Rafe Spall, un titán que se quedó con un galardón que merecía Vince Vaughn por la extraordinaria Brawl In Cell Block 99, mi película de este año. The Ritual es una gran cinta de género que merecía mejor suerte. La segunda peli de S. Craig Zahler, triunfal director en 2015 con Bone Tomahawk, un descenso a las cloacas con sonido de huesos rotos. Una obra monumental. Al igual que A Ghost Story, posiblemente la mejor película minúscula de todos los tiempos centrada en contar algo más grande que la vida. Merecido premio a la mejor fotografía y premio del jurado joven. Creep 2, secuela de la simpática peli de Patrick Brice, mejora a la anterior y nos regala otros 80 minutos de Duplass desatado, tierno y siempre psicópata. My Friend Dahmer, Sweet Virginia y The Little Hours también nos han regalado un buen puñado de horas de evasión, suspense y carcajadas gamberras.

TOI’S IN THE ATTIC MÚSICA EN TV

ola amigos! Estas pasadas noches me ha dado por hacer un poco de zapping y la verdad es que el experimento resulta lamentable. Estoy un poco cansada de consumir series como una loca, y de todo el tema político que a muchos nos tiene en vilo, así que intento buscar un poco de entretenimiento, pero es casi imposible. Dejando todos los programas del corazón basura, de investigación barata y alarmante, etc., lo que me produce una pena tremenda es la poca presencia musical en las cadenas televisivas, acaparadas principalmente por horribles talent shows, conducidos por artistas de medio pelo, y que generan marionetas corporativas cuya actividad en el mercado es efímera y prescindible. Tengo amigos que disfrutan con nostalgia de ese programa Cachitos De Hierro Y Cromo, que

consiste en recuperar pequeños fragmentos de una época en la que los grupos tocaban en directo, y con eso parecen quedar satisfechos. A mí me apena, porque ni siquiera son capaces de reponerlos. Y qué decir de los escasos conciertos que supuestamente sirven para promocionar a grupos televisados a las tantas de la mañana, que pasan completamente desapercibidos. Siento “envidia” de los late night shows americanos, como los de Jimmy Fallon o David Letterman hasta hace poco. Weezer, Foo Fighters o Rage Against The Machine han tenido y siguen teniendo su hueco. Aquí algo así hoy en día es impensable. La música no tiene interés televisivo, y no va a cambiar. Así que tendré que seguir viendo programas de cocina, a ver si aprendo a hacer esferificaciones. Qué pena. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ JAMIE 4 PRESIDENT

FORMACIÓN: Jamie Ruiz Green (voz, guitarra), Pablo González PROCEDENCIA: Málaga, Sant Feliu de Guíxols AFINES A: The Posies, Jimmy Eat World, Redd Kross PRESENTAN: The Heartbreak Campaign (BCore, La Agonía De Vivir…)

Fotos: Mònica Pallí

(batería), Xavier Calvet (guitarra, coros), Borja Pérez (bajo)

a carrera presidencial de Jamie Ruiz Green, más conocido como el cantante y guitarra de Wild Animals, empezó en 2012. Desde entonces, Jamie 4 President prepara su asalto a la Casa Blanca del power pop con la inestimable ayuda de su inseparable Pablo González, con el que ya había coincidido en Notes To Myself. Ahora están más cerca de su objetivo gracias a The Heartbreak Campaign, su inspirado tercer disco. Muchos han descubierto el proyecto de Jamie con el presente álbum. En otras palabras, sus dos primeros trabajos, Where Did Our Youth Go? y Dolphins, nunca tuvieron la misma repercusión. ¿Tendrá algo que ver el buen momento de Wild Animals? “Que hayamos tocado mucho en los últimos dos años ha ayudado a que más gente se haya interesado ahora por J4P. Cuanto más tocas, a más gente llegarás”, explica Jamie, quien entiende este disco como una especie de renacimiento: “Hemos vuelto con mucha fuerza y con las cosas muy claras en todos los sentidos”. Este tercer trabajo con regusto a flamante debut combina con mucha gracia el emocore noventero con los Jimmy Eat World del Clarity a la cabeza (‘Candyfloss’, ‘Far From Blue’) y el power pop de bandas como

Fountains Of Wayne, The Posies y Redd Kross (‘Everything Fades’, ‘Mexico 86’). “Con los anteriores discos nos apetecía hacer algo más sutil e incluso evitaba meter distorsiones. Al final, supongo que la cabra tira al monte y este álbum ha salido bastante más guitarrero. El sonido es más orgánico, menos producido, y la ejecución es más directa”. Esta mayor pegada, con permiso de la banda, tiene nombre y apellido: Santi Garcia. “Grabar con él en Ultramarinos Costa Brava el último de Wild Animals fue una experiencia brutal y tenía claro que repetiría, que con J4P podríamos hacer algo interesante. A Pablo también le apetecía mucho grabar con él y nos seducía la idea de pasar una semana en Sant Feliu de Guíxols. De Ultramarinos a la playa y viceversa”. Las líneas de bajo de todos los temas y el solo de guitarra de ‘Mexico 86’ también llevan el sello de Santi. “Aunque se lo propuse, al final decidimos que yo grabaría los bajos porque teníamos poco tiempo y ya me conocía los temas y acordes. Pero cuando terminé las guitarras y me colgué el bajo, Santi me dijo: ‘Nen, dame el bajo, me hace ilusión’. Quedaron de lujo, de lo mejorcito del disco”. No es la única colaboración del álbum, pues Xavier Calvet de Bullitt metió coros en

dos temas, ‘Everything Fades’ y ‘Power Ballad Prince’. “Fueron seis días de vacaciones haciendo lo que más te gusta en un ambiente creativo con gente que te entiende a la perfección. Ahí coincidimos con Xavi y Borja (Please Wait), que ya conocíamos, y se sembró la idea de incorporarles al proyecto”. Así, casi sin quererlo, Jamie 4 President entraron en Ultramarinos siendo un dúo y salieron siendo un supergrupo del underground nacional. “Pablo y yo ya éramos fans de Bullitt y Please Wait, y coincidimos plenamente en cómo vemos la música y lo que la rodea. Xavi aporta alegría y positivismo, también una buena dosis de pureteo, y Borja no le tiene miedo a nada, su respuesta a todo es ‘¡Vamos, locos!’”, explica este ciudadano del mundo, con padre español y madre inglesa, nacido en Leeds, criado en Málaga y afincado en Madrid. “Soy producto total del amor y la fiesta en la Costa del Sol en sus años de gloria”, recuerda Jamie. Tener dos patas en Torremolinos y las otras dos en Sant Feliu será un pequeño hándicap, pero no un problema. “Está claro que vivir tan lejos tiene sus problemas de logística, pero intentamos ser eficientes con el tiempo que nos podemos juntar y ensayar. Queremos tocar mucho, llevar buen ritmo y ya estamos planeando hacer algo fuera de la Península”. De momento, el cuarteto está presentando el álbum a lo largo y ancho de ésta. “¿Quién no ha tenido un corazón roto o ha roto alguno? Es algo muy humano”, se pregunta Jamie. De eso precisamente va The Heartbreak Campaign, un flechazo asegurado. (LUIS BENAVIDES)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Monotheist de Celtic Frost. Cuando Celtic Frost editaron Vanity/ Nemesis en 1990, fue una despedida suave para una bestia musical que había influenciado a muchas bandas. Fue como un trueno desvaneciéndose en un susurro. Nunca pareció resuelto. No hubo final, o al menos un final como se merecía una entidad que tanto nos había removido hasta entonces. Sin embargo, doce años después, empezaron a surgir rumores dentro de la escena metal underground diciendo que Celtic Frost se habían rearmado de alguna manera o forma. Curiosamente, la noticia no fue recibida con excitación, sino más bien con curiosidad y cautela. Ésta era la banda que había 18

sacado los legendarios Morbid Tales y To Mega Therion, dos álbumes responsables de crear toda una oleada de bandas, algo que muy pocos pueden decir. Pero también hay que decir que era la banda que había editado Into The Pandemonium y Cold Lake, dos discos que polarizaron, confundieron y con los que perdieron a fans (curiosamente yo me hice fan suyo con Into The Pandemonium). Si algo, caracterizaba a Celtic Frost, dentro del conservador y cerrado mundo del heavy metal, es que eran impredecibles y volátiles (¿pero no es eso lo que reclamamos a nuestros héroes metálicos?). Entonces llegó Monotheist, el sexto álbum de Celtic Frost, editado en 2006, que no sólo era un retorno en plena forma, sino uno con el que reclamar su trono. Lo que más impresiona es que a pesar de que hubieran pasado 16 años entre este disco y el anterior, y que el mundo de la música se hubiera dispersado en múltiples direcciones, Celtic Frost demostraron estar por encima de todo. Parecía otra lección dada por los

maestros desde lo alto de la colina. Desde el inicio con ‘Progeny’, y a través de temas como ‘A Dying God Coming Into Human Flesh’, ‘Obscured’, ‘Domain Of Decay’ o ‘Ain Elohim’, Monotheist era implacable. Éste era el álbum que el mundo del metal había estado esperando que se hiciese. Era glorioso. Era su obra maestra. Tiendo a pensar y lamentarme cuando escuchó Monotheist en las oportunidades perdidas durante esos 16 años. Pero hay que entender, por otra parte, que álbumes como éstos sólo pueden suceder con la gestación y el maridaje de 16 años y, aun así, muchos

fracasan en el intento. Existe la tendencia a compararlo con sus obras clásicas y más establecidas de su discografía. De nuevo es un error. Uno no puede comparar un disco con el que ha vivido durante años con un nuevo lanzamiento. Pero no os equivoquéis, somos afortunados de haber vivido el nacimiento de Monotheist. Tengo que ser honesto, es difícil escucharlo desde que Martin Ain, bajista de Celtic Frost falleció hace unos días. Sin embargo, su legado permanece intacto con este álbum. Descansa en paz Martin Ain. Hasta el mes que viene, DANKO JONES .

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> XAVIER CALVET INTERPRETA ‘THE GREY LANE’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

an tenido que pasar más de 10 años para que Xavier Calvet publique un nuevo disco en solitario. Pero si entonces el vocalista y guitarra de Bullitt lo hacía bajo el alias Lazy Juo, esta vez se ha decidido a firmarlo con su propio nombre. En Firebird (BCore), el hombre de la sonrisa eterna se decanta hacia sonoridades más propias del rock americano gracias a la inestimable colaboración de los músicos que acudieron a su llamada. Sentado en una terraza próxima a nuestra oficina, Xavier nos cuenta como dio forma al disco. “Después de muchos años, intenté pensar un concepto distinto. Lazy Juo era un formato de trío, muy acústico, con contrabajo y batería con escobillas. Supongo que la manera de concebir las canciones no ha cambiado, lo que ha cambiado es todo lo que hay alrededor y cómo se ha armado la banda. Con Santi García llevábamos dos años intentando cuadrar agendas para grabar este disco. Él sabía que tenía un montón de temas que había ido haciendo en la línea de Lazy Juo, pero también

que tenía la idea de tener más gente para poder liarla en el escenario. Una noche quedé con él y con Enric Pla, el batería de Bullitt y les enseñé todos los temas que tenía, unos 19 ó 20”. Músico y productor hicieron una selección porque no había presupuesto para hacer un doble álbum y empezaron a pensar en los músicos con los que podrían contar. “Yo le dije que me gustaría Vidal (Soler de Copa Lotus) y Santi me dijo que era el mejor guitarrista al que había grabado en los dos últimos años. Después también pensamos en Guille Caballero a los teclados, con quien tengo unos gustos musicales muy parecidos. Y también quería que Víctor (García) y Santi estuvieran involucrados. Y así para el directo cuando Enric no pueda, vendrá Víctor. La banda es totalmente abierta. Sigo siendo yo con mis canciones de sofá, lo que ha cambiado es el envoltorio”. Y si bien este nuevo envoltorio se decanta por sonidos más acústicos, no es menos cierto que con un enfoque más eléctrico bien podrían funcionar como temas de Bullitt. “Perfectamente”, reconoce Xa-

vier, quien ahora mismo también anda girando con Jamie 4 President. “Pero en realidad ninguno de los temas los concebí para Bullitt. Supongo que al salir todo de la misma cabeza es difícil escapar de donde te has movido siempre. Siempre he tenido mucha predilección por las melodías y quizá aquí puedo dar más rienda suelta a mi faceta más pop o folkie”. Con tantos proyectos entre manos, salta a la vista que Xavier es una persona que necesita estar siempre en activo. “Sí, ha llegado un punto en el que la vida de mi felicidad pasa por esto, aunque no pueda vivir de ello”, asegura. “Por lo que sea tengo la vena creativa a tope y hay que aprovecharlo porque quizá de aquí a dos años estoy seco (risas). Desde que murió Ferran (bajista de Bullitt), en estos dos últimos años, han pasado muchas cosas a nivel de vivencias y sentimientos. Supongo que tenía necesidad de sacarlos. La música, como oyente, me sirve muchas veces para animarme o para llorar o para gritar y como músico también tengo la necesidad de canalizar todo eso”.

THE BRONX

LA QUINTA ENMIENDA THE BRONX DEJAN LOS SOMBREROS Y LOS TRAJES DE MARIACHI APARCADOS Y VUELVEN A ENFUNDARSE EN SUS VIEJAS CAMISETAS Y A COGER LAS GUITARRAS ELÉCTRICAS PARA VOLVER A SUS RAÍCES PUNK. YA TOCABA, ¿NO? TEXTO: TOI BROWNSTONE FOTOS: DR

SÍ, A BOTE PRONTO, NO SE ME OCURRE OTRO C ASO PARECIDO AL SUYO. Porque,

¿existe otra banda que tenga dos proyectos diferenciados con los mismos componentes ejecutando dos estilos musicales tan distintos como la música popular mexicana y el punk? En los últimos cuatro años, Mariachi El Bronx había monopolizado su tiempo, y quizá por eso, desde que anunciaran por las redes sociales la entrada en el estudio y la vuelta al ruedo como The Bronx, los seguidores de los californianos hemos estado esperando con paciencia y ganas su nueva entrega.

Para muchos, V (ATO) deja de ser una apuesta tan agresiva como en anteriores ocasiones, dando rienda suelta a influencias más setenteras y melódicas, pero sigue dejando claro que The Bronx son una banda fiable, que sigue cumpliendo. El disco también supone el debut de David Hidalgo Jr. de Social Distortion como nuevo batería del grupo, uniéndose a Matt Caughtran (voz), Ken Home (guitarra) y Brad Magers (bajo). Pero quien nos esperaba al otro lado del teléfono era Joby Ford, guitarrista y hombre que maneja los hilos de la banda, somnoliento y tomando su primer café de día, pero con ganas de contarnos cómo están las cosas.

“HABÍAMOS ESTADO INVOLUCRADOS CON MARIACHI EL BRONX DEMASIADO TIEMPO, ASÍ QUE AHORA MISMO NOS SENTIMOS MUY BIEN VOLVIENDO A NUESTROS ORÍGENES” JOBY FORD

¿Cuál fue el punto de partida de V? JOBY FORD “Hace un año em-

pezamos a plantearlo, y tras una temporada componiendo finalmente comenzamos a grabar en febrero. Lo necesitábamos”.

típico decirlo, es como un nuevo comienzo para el grupo. Habíamos estado involucrados con Mariachi El Bronx demasiado tiempo, así que ahora mismo nos sentimos muy bien volviendo a nuestros orígenes”. Cada vez más se percibe una

hecho el disco que queríamos hacer, no sólo a nivel sonoro sino también a nivel compositivo, y ha ido en la dirección que queríamos tomar. Si arrinconáramos las propuestas más arriesgadas, nunca sabríamos si sería mejor de una forma u otra. Estoy muy contento con el resultado”.

¿Qué significa V para ti? ¿Di-

esencia de rock setentero en tus

rías que funcionaría como una

riffs. ¿Crees que te inclinas más

¿Hay alguna influencia en es-

recapitulación del grupo? En

a sacar estas influencias para

pecial en este disco que puedas

él parece que mostráis todos

distanciaros de otras bandas

mencionar?

los aspectos diferentes de The

contemporáneas?

Bronx...

“La verdad es que no nos planteamos nada parecido, simplemente salió de esta manera. Por mucho que en un principio nos planteemos hacer las cosas de una forma u otra, al final la música surge de una forma y a ello nos aferramos. Pero sí, hemos

“Más que influencias, que al fin y al cabo no cambian tanto, lo que queríamos era recrear una atmósfera. Te diría que tomamos un poco de 70s, 80s y 90s, principalmente del sur de California. Cuando éramos chavales, a todos nos gustaba el punk y el rock, y aunque ahora ya hemos

“Pues es muy importante para nosotros. El año anterior fue muy duro a todos los niveles, y te diría que fue un milagro que estuviéramos todos con la motivación suficiente para trabajar en ello. Aunque suene muy

crecido, la infancia es la que nos ha marcado a nivel musical y la que nos empujó a tener nuestro grupo. Es interesante ver lo moldeables que somos con el paso del tiempo”. ¿Por qué escogisteis a Rob Schnapf como productor?

“Rob y yo hemos sido amigos durante mucho tiempo. Nos conocimos cuando me encargué del artwork de un grupo llamado Saves The Day que él produjo. Yo frecuentaba mucho el estudio haciendo fotos, mostrando diseños y dibujos, y nos hicimos amigos. Esto pasó antes incluso de que formáramos The Bronx. Siempre habíamos querido trabajar juntos en un álbum porque me encantan sus discos. De hecho, ya hablamos con él para trabajar en el tercer disco de The Bronx, y en el primero de Mariachi, pero las cosas no salieron bien. Con el último de Mariachi sí trabajamos con él y ya nos pillamos el punto”.

está bien definido. ¿Utilizasteis mucho equipo vintage?

“Es lo único con lo que trabajamos (risas). Llevamos unas cien configuraciones distintas para las guitarras, dependiendo de las distintas partes de los temas. No hay nada nuevo en este álbum”. Siendo tú también productor, ¿es difícil dejar a otro tomar las riendas en el estudio?

“No lo es en absoluto. Creo que es porque entiendo la función de un productor perfectamente. Cuando creo algo nuevo me gusta preguntar a alguien qué opina. También es mejor, porque aunque soy productor y puedo dar mi opinión y decir si hay una parte que me parece horrible, siempre es mejor que haya una distancia y que lo diga alguien de fuera. Me cuesta mucho ver de manera objetiva mi propio trabajo. Para mí es muy valorable la opinión de otra persona. Si piensa que está bien, entonces todo fluirá mucho mejor”.

¿En qué crees que ha contribuiHay partes que me recuerdan

“Quería meter más sonido y más color a nuestros temas; tampoco es que sea mucho más porque, ya sabes, somos The Bronx. Me gusta porque es un tío que trabaja mucho con las guitarras, y éste es un disco muy guitarrero. Compartíamos la misma visión respecto a esto, por lo que ha sido muy cómodo todo, sin grandes discrepancias a la hora de hacer las cosas. Ha sido una maravillosa experiencia trabajar con él”.

a The Who. Tan grandes como

En general, aunque todo suena sucio, también es muy limpio y

Cuando compones, ¿lo haces pensando en cómo será la puesta en escena en directo?

“Para ser sincero, cada vez es distinto. Algunas veces las canciones surgen de forma espontánea tras un día rutinario. Desayuno, llevo a los críos al cole, hago yoga, me pongo a tocar el resto del día y se me ocurre una canción. A veces las canciones se componen en el estudio… no sé, cada vez es diferente y procuro no dejar nada arrinconado. Retomo canciones, trato de pensar qué necesitan, qué puedo mejorar, cómo darles la vuelta, pero no me planteo en el momento si tendrán salida en directo”. Drogas, armas, religión, y los tiempos convulsos que estamos presenciando. Cubrís muchos aspectos de la sociedad actual... ¿Os ha influenciado el gobierno Trump de alguna manera a la hora de componer?

do más?

Las guitarras suenan brutales...

to que merece hasta que desaparece porque alguien muere”.

son, ¿no crees que han sido bastante más ignorados que otros grupos?

“Vaya, gracias. Creo que The Who no pueden detenerse nunca. Su importancia en la historia musical es obvia, para mí fueron la primera banda punk. Más que ser ignorados, creo que el problema radica en que todavía continúan, y como te digo, funcionan como un mecanismo que no se puede detener. Siempre han estado allí y no sé cuánto durarán, pero en los tiempos que vivimos parece que una banda no recibe el reconocimien-

“Intento no ser parte de ello y evitar este tipo de cosas, pero es imposible que lo que sucede a tu alrededor no te afecte. Siento que vivimos en un momento muy importante en la historia del hombre, y que así lo reflejarán los libros de historia en el futuro. Además, principalmente por las redes sociales, parece que todo el mundo tiene que manifestar sus opiniones y que deben ser escuchadas, tenidas en cuenta, y que se debe hacer algo al respecto. No creo que deba ser así, a lo bestia y sin filtros. Sea bueno para ti o no, la realidad es la que es. Me da la sensación de que de repente todo el mundo en América está

“CREO QUE SIEMPRE HA SIDO DURO PARA LOS JÓVENES HACERSE SU PROPIO HUECO EN EL MUNDO. NO IMPORTA QUE SEA EN 2017 O QUE FUERA EN LOS 70” JOBY FORD como despertando, y se tiene que posicionar a favor de lo que cree, sea bueno o malo, y de la manera que se expone en muchas ocasiones genera mucho conflicto. La mayor parte de la gente se posiciona por una cosa, pero probablemente ni se acuerde en una semana. Es un momento interesante, ya lo creo”. ¿Crees que es difícil para un chaval vivir y crecer en este mundo?

“Creo que siempre ha sido duro para los jóvenes hacerse su propio hueco en el mundo. No importa que sea en 2017 o que fuera en los 70. Es un momento en el que te empiezas a cuestionar muchas cosas tanto personales como de tu entorno, y es verdad que el mundo es un lugar muy complicado. Claro que las cosas han cambiado, no sé si a mejor o a peor, pero la juventud es una época muy complicada”.

‘Channel Islands’ es uno de mis temas favoritos del disco, y es muy profundo. Creo que muchos hemos pasado por momentos muy confusos. Hablo de depresión e incluso suicidio. Por desgracia estamos viendo cómo varios artistas nos están dejando de esta manera.

“Esta canción habla del miedo. Morir por culpa de las expectativas de algún imbécil, o por las decisiones

de alguien, es algo terrible. Es una sensación que me da miedo, sentirme inseguro o frustrado por la influencia de alguien. Espero que nunca se haga realidad”. ¿De qué manera os ha afectado la salida de Jorma Vik del grupo, y por qué elegisteis a David Hidalgo Jr. como su sucesor?

“Siempre que un miembro de un grupo se marcha, la dinámica del grupo cambia. Cuando se marchó nuestro primer bajista nos dejó completamente trastocados. Luego apareció Brad, que nos dio un buen empujón con Mariachi El Bronx, porque es un trompetista estupendo y además, cambió totalmente nuestro sonido. Cuando Jorma salió y David entró en su lugar, también supuso un cambio en nuestro sonido. Habiendo pasado por esto anteriormente supimos reaccionar con mayor rapidez, y sabíamos que haríamos un disco diferente, como ya pasó con Brad. La transición creo que no ha sido tan difícil en esta ocasión”. ¿Consideráis a David como miembro de pleno derecho?

“Cuando lo pueda ser”. ¿Va a poder compatibilizar The Bronx con Social Distortion?

“En principio sí. Ya lo veremos cuando nos encontremos en esa tesitura (risas)”. 15 años juntos; como los definís vosotros, 15 años de locura. ¿Qué destacarías como lo mejor y lo peor de The Bronx en todos estos años?

“¡Uff! Para mí lo mejor es que pueda seguir tocando con mis amigos,

parece algo muy sencillo pero para mí tiene mucho valor. Lo prefiero a grandes logros como banda. El mundo de la música es una jodida locura, así que seguir siendo amigos y tocar juntos después de tantos años es una pasada. Y lo peor, probablemente, sea estar lejos de mi familia. Afortunadamente los avances tecnológicos permiten que pueda ver a los míos cada día, pero eso ocurre ahora. En el pasado era muy duro, pasar un par de meses en Europa y tener que buscar un bar con internet, o comprar una tarjeta telefónica podía llegar a ser un drama en algunos momentos. ¡Pero si ahora tenemos los mapas de carretera en el teléfono! ¡Es maravilloso!”.

bien ir cambiando. Hemos llegado a compaginar ambas facetas en un mismo festival, y ha sido muy divertido, pero en algún momento debemos descansar y cambiar de faceta”. ¿Son cómodos vuestros trajes de charro? Porque estáis muy guapos con ellos...

¡Oh, gracias! Son cómodos, pero a veces pasamos mucho calor. Sobre todo cuando tocamos en festivales en verano, pensamos que elegimos mal, pero es verdad que son necesarios y que no funcionaría igual si no los lleváramos”. Vuestros conciertos como El Bronx son muy enérgicos. ¿Ha-

Es casi una obligación tener

béis tenido muchos incidentes en

que preguntarte por Mariachi

el escenario?

El Bronx. ¿Qué es lo que más te

“A lo largo de los años sí que nos hemos llevado nuestra parte. Estoy seguro de que Matt ha sufrido más que yo, puesto que es mucho más atrevido y le gusta mezclarse con la gente. Le han roto dientes, se ha llevado buenos golpes, se rompió el tobillo… Él se lleva la mayor parte de las hostias (risas)”.

gusta de este proyecto?

“Sin duda hacer algo completamente distinto. Hacerlo ha supuesto que la banda sea conocida por nuestra doble personalidad. Fue muy difícil despegar al principio. Mucha gente no nos tomaba en serio y pensaba que era una broma o que estábamos siendo irrespetuosos con el estilo. Me siento muy orgulloso de haber tenido la fuerza suficiente para haberlo logrado. Es muy divertido y muy gratificante”.

Estáis presentando vuestro álbum por Estado Unidos, también por Australia, pero ¿cuándo vendréis a España? Nos queda-

¿Qué pasaría si un día os dierais

mos con las ganas en verano,

cuenta de que la gente quiere

cuando girasteis por Europa con

más Mariachi que The Bronx?

Against Me!.

“Seguiríamos igual. Es muy agotador hacer siempre lo mismo, llevábamos demasiado tiempo con Mariachi y necesitábamos dejarlo durante un tiempo. Para nosotros ambos proyectos están en la misma página y, de momento, a nivel creativo, nos va muy

“Estaremos por allí en primavera, tenemos muy buen recuerdo de nuestros conciertos por allí”.

THE UNFINISHED SYMPATHY

NUEVA ADICCIÃ&#x201C;N

POR MUCHO QUE HAYAMOS SEGUIDO DISFRUTANDO DEL TALENTO DE ERIC FUENTES POR CUENTA PROPIA, NO ÉRAMOS POCOS LOS QUE ECHÁBAMOS DE MENOS A THE UNFINISHED SYMPATHY. TRAS CASI UNA DÉCADA DE SILENCIO DISCOGRÁFICO, LOS CATALANES VUELVEN AL CIRCUITO PARA REIVINDICAR QUE SU PRESENTE ESTÁ A LA ALTURA DE SU GLORIOSO PASADO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR/ELISA SANJUAN (DIRECTO)

A DISOLUCIÓN EN 2010 DE THE UNFINISHED SYMPATHY DEJÓ TRAS DE SÍ

uno de los mejores cancioneros que se hayan construido en este país. Con cinco álbumes publicados a lo largo de una década llena de éxitos y reconocimiento a todos los niveles, tocaba echar el ancla a tierra, probablemente por la necesidad de tomar algo de aire ante semejante ritmo de trabajo. Quien no paró durante los años siguientes fue su líder y cabeza pensante Eric Fuentes, que siguió demostrando su buen hacer con trabajos en solitario como su debut al frente de El Mal Menor o el triple y descomunal Eric Fuentes / Barcelona. En ese momento, y coincidiendo con un periodo de retiro momentáneo, llegó la propuesta por parte de BCore, su antigua disquera, de reunirse para celebrar los 25 años de la discográfica. A partir de ahí, y aunque fuese actuando de manera esporádica, los barceloneses se han ido reactivando hasta dar con las once nuevas composiciones que dan forma a It’s A Crush!. Un retorno del que tanto Fuentes como Oriol Casanovas (guitarra), Joan Colomo (bajo) y Víctor Garcia (batería) tienen bien claro que quieren disfrutar en su justa medida, siendo conscientes de que el presente pasa más por las nuevas propuestas que por el enésimo comeback de la temporada. De todo ello hablamos distendidamente con Eric.

Como ya es la tercera vez que te entrevisto y tenemos cierta confianza, voy a empezar haciendo las preguntas puñeteras y escabrosas. Antes, siempre que te sacaba el tema de Unfinished, me hablabas de que lo veíais

dando por mi cabeza en los últimos años, lo que me permitió hacer una especie de reset a nivel compositivo. Así que fue un poco la conjunción de los dos factores: que la banda estaba funcionando y que yo tenía ideas nuevas para hacer”.

como algo que estaba bien tal y como acabó y que no querías

¿Y qué sensaciones has tenido

tocarlo. ¿Qué es lo que te hizo

durante estos dos años que ha-

cambiar de opinión?

béis estado tocando al volver a

ERIC FUENTES “Hubo un hecho muy

reconectar con las canciones?

concreto que fue que BCore nos preguntó si nos apetecía hacer un concierto de reunión para su 25 aniversario en 2015. Como bien dices, el grupo ya había acabado, no había vistas de seguir y estábamos cada uno haciendo nuestras cosas en solitario o en otros proyectos. Pero como Jordi BCore nos comentó esto a varios de nosotros por separado de forma individual, cada uno dijimos: ‘Ah... bueno’. Y como todos dijimos lo mismo, pues al final fue que sí (risas). Preparamos unos cuantos ensayos, dimos ese concierto, nos lo pasamos muy bien y, claro, automáticamente hubo demanda de ir a otros sitios donde tenemos muchos seguidores. Entonces decidimos que mientras hubiera interés, a nosotros no sólo no nos costaba nada, sino que además disfrutábamos mucho de este repertorio. Esto coincidió también después de haber sacado yo el año anterior el triple disco Eric Fuentes / Barcelona, con el que me quité de en medio un montón de canciones que tenía ron-

“La verdad es que fue muy fácil. El primer ensayo que hicimos para el aniversario de BCore ya sonaba todo bien. Aunque hubieran pasado cinco años y con cambios de formación de por medio, las canciones sonaban como toda la vida. No nos costó mucho. En los conciertos sobre todo he sentido la energía y el entusiasmo del público que tenía tantas ganas de escuchar aquellas canciones. Eso lo percibíamos y era una sensación súper gratificante. Es curioso porque nosotros ya no somos unos veinteañeros, pero la gente que nos viene a ver, aparte de ser de nuestra edad, también los hay que cuando sacamos el último disco, Avida Dollars, lo escucharon y les gustó muchísimo, pero justo antes de que pudiesen vernos en directo, nos separamos. Entonces ahora en los conciertos no sólo tenemos a la gente que nos descubrió en nuestro momento, sino chavales de veintitantos que se saben todas las canciones. Así que nos sentimos un poco como si fuésemos unos 29

tíos en el sentido familiar (risas)”.

álbum es tremendamente variado. Parece como un resumen de

¿Cuándo os planteasteis empe-

las diferentes etapas que vivió el

zar a escribir material nuevo?

grupo.

“Pues a medida de que iba haciendo demos y me daba cuenta de que merecían la pena. Esto fue en enero de 2016, cuando me metí a grabarlas para tener una referencia. Salí con cinco canciones ya muy acabadas, bastante completas. Después me salieron dos o tres más, Colomo vino con otra idea muy buena... Al final teníamos como ocho canciones y eso ya era como para ponerse a pensar en hacer un álbum y programar toda la producción”.

“Estoy de acuerdo. Tienes bastante razón con esta reflexión. En el momento en el que te lo dije yo pensaba que había unas directrices muy claras en Unfinished, pero igual con el tiempo me he dado cuenta de que no tanto. En realidad la diferencia fundamental entre cuando hago cosas yo solo y con el grupo es que realmente somos un equipo de gente trabajando. Que también es así cuando hago canciones en solitario, lo que pasa es que aquí tengo más margen para ceder que cuando es mi proyecto, donde soy un poco el jefe y todo sale más al detalle como lo tengo pensado. Y eso a veces sí que te limita. Yo tengo un rango limitado como compositor y presentando unas composiciones al resto del grupo, ellos

Recuerdo que otra de las cosas que me decías siempre sobre Unfinished es que estabais muy limitados a una manera concreta de sonar. Y sin embargo, este

saben darle la vuelta de cierta manera y acaba resultando en el sonido de banda de The Unfinished Sympathy. También los miembros han ido cambiando... así que no sé muy bien qué decirte. Estoy de acuerdo en que el disco es muy variado, pero es que me cojo el An Investment In Logistics y también me lo parece. Todos, en realidad. Nosotros intentamos que pasen el máximo de cosas nuevas segundo a segundo cuando estás escuchando nuestra música. Intentamos que haya muchísimos contrastes, diversidad, utilizar patrones rítmicos de géneros que no son propiamente el nuestro, intentar transgredir cosas a nivel vocal, colocar guitarras que sean lo menos previsibles posibles... Ésa ha sido la constante en todos nuestros trabajos y creo que aquí se mantiene. Pero a nivel de lo que dices que tiene un poco de cada época, es cierto porque cuando estába-

mos grabando, teníamos un amigo de Sant Feliu de Guíxols que es Ricky, que ha estado de coña en el estudio con nosotros siempre desde el primer disco, y esta vez salió de allí diciendo: ‘Joder, esto es como un The Best Of de Unfinished pero con temas nuevos’ (Risas). Es lo mejor que sabemos hacer en distintos frentes pero con el factor añadido de novedad”. A todo esto, la formación que tenéis ahora mismo es todo un

all-star de BCore, con un histórico

“EL PRIMER ENSAYO QUE HICIMOS PARA EL ANIVERSARIO DE BCORE YA SONABA TODO BIEN. AUNQUE HUBIERAN PASADO CINCO AÑOS Y CON CAMBIOS DE FORMACIÓN DE POR MEDIO, LAS CANCIONES SONABAN COMO TODA LA VIDA” ERIC FUENTES

una estrella del pop aquí en Catalunya, de alguna manera. Víctor tiene un currículum como ingeniero de mastering que flipas y, además, ha tocado con Jeremy Enigk de Sunny Day Real Estate, con The New Raemon... Es un lujo trabajar con gente así”.

de la banda que no podía faltar

ches sacrificando su sueño y parte de su vida, el enganche que también supone la paternidad... Sólo hay una canción que se sale de este tema, ‘The Welfare State’, que es más una sátira social, pero bueno, también hay drogas de por medio, así que de ahí no sale (risas)”.

como Oriol Casanovas y luego

Echando un vistazo al artwork,

dos auténticos cracks como Víctor

los títulos de las canciones y pres-

Y ahora que tenéis un nuevo

Garcia y Joan Colomo. Sin des-

tando un poco de atención a las

plástico que presentar, ¿os va-

merecer a los demás que han

letras, intuyo que la temática

mos a ver mucho en la carretera

pasado por el grupo, ¿es ésta la

central gira alrededor de las rela-

en los próximos meses? ¿Hay

formación más lujosa que ha te-

ciones sentimentales, pero no

planes de hacer festivales en ve-

nido The Unifnished Sympathy?

llego a ver claro si se deben a la

rano del año que viene o incluso

“A ver, yo no lo pienso de esa manera, pero me parece bonito y gracioso que lo veas así (risas). Veo más bien que con los miembros que estamos ahora se forma un abanico temporal. Es decir, Oriol, como tu bien dices, es el old school que lleva ahí desde el inicio, Colomo apareció en la segunda mitad de nuestra existencia, que fue cuando empezamos con Subterfuge y se incorporó en la gira de We Push You Pull, fue muy importante en la creación de Avida Dollars... Y Víctor fue el último en llegar precisamente al final de la campaña de ese álbum, nos fuimos a tocar a Estados Unidos y Alemania con él. Así que Víctor es como el súper nuevo, Joan es el seminuevo (risas), y Uri es el antiguo igual que yo. Con lo cual hay una perspectiva temporal en la formación de ahora, y en ese sentido sí que estoy muy contento. Son personas muy importantes en el círculo musical de la escena barcelonesa. Joan Colomo es

abundancia o a la falta de

plantear una gira europea?

amor... ¿Me lo puedes aclarar?

“Queremos prolongarlo durante todo el año que viene pero con una intensidad o frecuencia de actuación baja. Por dos razones. Una práctica, que es que ahora mismo en nuestro momento individual hay un montón de cosas que reclaman nuestra atención aparte de la banda, con lo cual haremos más bien pocas fechas pero bien seleccionadas. Pero también hay otro motivo que es más bien filosófico, por decirlo así, que es que a pesar de que nosotros queramos hacer esta reunión, no pretendemos acaparar demasiado la atención en el sentido de que el rock más enérgico siempre está en la juventud y en la peña que tiene veintipocos años. Yo creo que ahora es un momento en el que tenemos que disfrutar de grupos jóvenes que de alguna manera se han nutrido de bandas como la nuestra y que ahora están haciendo su propio discurso. Me refiero a los Cala Vento,

“Estoy de acuerdo en que la temática gira en torno a las relaciones sentimentales, pero en este caso la perspectiva con la que se abordan es un poco más amplia, que es la de las adicciones. Las canciones tienen que ver con adicciones de relaciones de parejas distintas y otras directamente con las clásicas a las drogas, por decirlo así. Es un poco un análisis del factor de la adicción en las relaciones sentimentales. Se habla de parejas que no pueden vivir el uno sin el otro pero tampoco juntos, otras que están en un estado permanente de tensión que es doloroso y, al mismo tiempo, es lo que le da riqueza a la relación, de relaciones que ninguna otra droga puede superar a nivel de plenitud, de echar de menos a alguien, que en el fondo también es una adicción, cuando una pareja tiene un bebé y tiene que cuidarlo por las no-

“CUANDO ESTABA EN GRUPOS DE HARDCORE, LAS BANDAS QUE SONABAN EN LA RADIO O ESTABAN EN MULTIS “NO QUEREMOS ESTARBON EN LA PRIMERA LÍNEA DE FUEGO, SINO MÁS BIEN ERAN COSAS COMO JOVI, ERA IMPENSABLE LLEGAR EN LA SEGUNDA, ARROPANDO A GENTE QUE EMPIEZA, AYUDÁNDOLES A TENER UNA CARRERA EN AQUELLOS MOMENTOS” A PROGRESAR Y DÁNDOLES ESPACIO PARA QUE SE DESARROLLEN” WALTER SCHREIFELS ERIC FUENTES

Mourn, Please Wait, Jaime 4 President, donde está también Xavi de Bullitt, Wild Animals, Futuro Terror, Power Burka... se me ocurren un montón. Quiero decir que tampoco tenemos que pretender tocar en todos los garitos, que nos escuche todo el mundo, ni dar un pelotazo comercial, sino hacerlo de una manera reposada, porque creo que lo que tiene que hacer la gente es escuchar a grupos nuevos. No queremos estar en la primera línea de fuego, sino más bien en la segunda, arropando a gente que empieza, ayudándoles a progresar y dándoles espacio para que se desarrollen”. Para ir acabando, ¿de tu carrera en solitario podemos esperar algo en un futuro más o menos inmediato?

“Yo ahora a lo que estoy dedicando más tiempo y energía es a producir grupos jóvenes. En los últimos meses,

aparte de venir trabajando con Cala Vento como lo vengo haciendo, también ha habido otros que me han sorprendido muchísimo como Trinitat Nova, Coherence, Runa, Panellet, Wood... Así que mi trabajo en solitario ahora va más en la línea de la producción de estudio aparte de ir haciendo mis temas. También voy tocando en acústico de vez en cuando, como con el EP de versiones que grabé en Los Ángeles que salió a comienzos de este año, y eso me sirve para poder meterme en garitos pequeños y salir a tocar afuera con mucha libertad de movimientos y muy poco gasto en infraestructuras. Pero en lo que estoy más metido a nivel de creación musical es con un grupo que tuve entre el año 90 y el 95 que se llamaba Mad Squad. Se movía entre el thrash metal y el hardcore melódico. Nuestros referentes eran Suicidal Tendencies, Nuclear Assault... un

poco crossover pero sin el elemento funky de por medio. El caso es que sólo grabamos un par de demos y como era el grupo que tenía con los amigos míos de toda la vida del cole y el instituto, siempre teníamos la coña de que cuándo volveríamos a tocar. Ahora se han dado las circunstancias para hacerlo y hemos grabado un álbum entero en Ultramarinos Costa Brava y lo vamos a publicar a principios del año que viene, pero también estamos empezando a hacer conciertos y a activar la banda. Es decir, que el 2018 se presenta a tope con The Unfinished Sympathy, Mad Squad, mis producciones, mis acústicos en solitario y también con mis amigos de It’s Not Not. Así que aquí hay trabajo para rato”.

ELECTRIC WIZARD

SÁ BA DO DE SA NGRE

EL VIENTRE DE UNA MUJER DESNUDA CON EL TÍTULO WIZARD BLOODY WIZARD ESCRITO EN SANGRE ILUSTRA LA PORTADA DEL NUEVO ÁLBUM DE ELECTRIC WIZARD. ES LO MÁS BONITO QUE VAS A ENCONTRAR EN ÉL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

US OBORN , EL INCOMBUSTIBLE LÍDER DE LOS IN GLESES

Electric Wizard, tiene las ideas claras. Después de casi 25 años moldeando el doom tal y como lo conocemos, su intención para el noveno álbum de su banda era presentar su música de la manera más básica y primitiva posible. Y a fe que con Wizard Bloody Wizard (Spinefarm) lo ha conseguido. Utilizando su propio estudio Satyr IX, y con su esposa y guitarrista Liz Buckingham ejerciendo de coproductora, Oborn y sus actuales escuderos Clayton Burgess (bajo) y Simon Poole (batería) ha realizado un viaje a los orígenes del heavy metal inspirándose en Blue Cheer, Grand Funk y, naturalmente, Black Sabbath. Un blues diabólico construido sobre riffs hipnóticos con aroma a opio que es, a la vez, una reacción a toda la artificialidad de las grabaciones contemporáneas y un recordatorio de lo importante que es la actitud en el rock’n’roll. A mediados de octubre manteníamos una charla de lo más amigable con un personaje de los que, por desgracia, cada vez quedan menos. Una curiosidad, ¿la sangre de la portada es real o no?

es de la modelo de la portada (risas). Puedes conseguir sangre si la necesitas (risas)”. Escuchando el nuevo álbum he tenido la sensación de que es como un gran corte de mangas a la música actual.

“Bueno, todos los discos de Electric Wizard lo son (risas). Tendemos a reaccionar así. No creo que todos los grupos puedan ponerse en el mismo saco, pero en general la mayoría de bandas de metal me aburren. Perdí el interés hace mucho tiempo. No me gusta cómo están producidos, cómo suenan las baterías… todo suena igual, todo es una fórmula. No me gusta escuchar un grupo que suena idéntico a otros cien. Este disco es una reacción a todo eso, al aburrimiento, al conformismo, a sonar inofensivo. A mí me gustan los discos que suenan sucios, horribles (risas)”.

que no son suficientemente buenos para hacerlo?

“Sí. Tengo amigos que trabajan en estudios y me lo dicen. Muchos grupos ni siquiera van al estudio. Uno graba su batería (empieza a hacer ruidos con la boca –ndr.), luego otro pone unas guitarras encima (sigue haciendo ruidos -ndr.) y al final se creen que tienen un disco. ¡Pero está todo hecho con Pro Tools! No creo que haciéndolo así puedas capturar una buena interpretación musical, sólo están poniendo sonidos encima de otros. Cuando grabas en vivo tienes que tocar al máximo de tus posibilidades. Muchos grupos modernos no necesitan tocar bien porque luego cogen las partes que están mal y las reemplazan. ¿Qué te queda? ¿Una mierda discotequera? Desde luego no es mierda jodidamente heavy (risas)”. Tienes tu propio estudio. ¿Es una manera más de aislarte de

Los que suenan humanos.

la industria?

“¡Exacto! Nuestro álbum suena como una banda, cuatro personas tocando tan duro como pueden. A lo largo de los años hemos utilizado algunos efectos, algunos pedales, pero en este trabajo queríamos dar un paso atrás. No es una nueva dirección, sino un nuevo enfoque”.

“Desde luego, pero también por no tener a nadie diciéndome lo que tengo que hacer y gastar dinero tontamente. La logística de ir a un estudio puede ser un coñazo. Llevo tocando y grabando música casi 30 años y vas aprendiendo, así que llegó el momento en que quise hacerlo yo mismo. Escuchaba nuestros discos y oía un montón de cosas que no me gustaban, y veía que era por culpa de terceros, no nuestra. Quería

JUS OBORN “Es real, sí”. ¿Crees que la mayoría de gru¿Y de quién es?

pos actuales no graban tocando

“No estoy seguro. Por desgracia, no

todos juntos simplemente por-

da suele ser la buena. Odio tener que hacer quince o veinte tomas. Es muy frustrante e irritante. Creo que las dos primeras son las que tienen la energía adecuada”.

influencia de Black Sabbath (risas). La primera canción que aprendí a tocar fue ‘War Pigs’. Estuvieron ahí desde el principio y es de las primeras bandas que amé”.

Así que básicamente podéis

Negarlo sería estúpido, especial-

Me ha parecido que la voz esta-

grabar un álbum en pocos días.

mente en un disco titulado Wi-

ba más alta en la mezcla…

Lo difícil es componer buenos

zard Bloody Wizard (risas).

“Sí, lo está. Antes siempre quedaba como enterrada. Creo que era parte del sonido de Electric Wizard, pero esta vez me sentía más seguro como cantante, así que quería que se escuchara. Mis principales influencias eran Masters Of Reality de Black Sabbath y Led Zeppelin II, las voces y las palabras eran muy importantes en esos discos de los 70, estaban muy conectadas a la música. Quería explorar eso. Antes quizá era más como un instrumento, pero esta vez quería ser un cantante de verdad. Espero haberlo conseguido (risas)”.

temas, no grabarlos.

“(Risas) Sí, claro. Es un homenaje. Se han separado, así que era una manera de decirles adiós. Y quién sabe, quizá algunos de sus fans sientan curiosidad por escuchar nuestro álbum y podamos recoger el testigo. Me gustaría. Supongo que habrá quien considere que no somos dignos, pero que les jodan (risas)”.

tener más control y hacerlo a nuestra manera, que es la más simple posible. No creo que ningún estudio nos permitiera grabar de la manera tan básica como lo hacemos. La única forma era tomar las riendas”.

En ‘Necromania’ la melodía es casi pop, muy 60s.

“Sí, tiene una melodía muy marcada. Pero a mí me suena más punky. Algo más parecido a The Stooges, a Raw Power. Las melodías no tienen por qué ser bonitas. Simplemente tienen que grabarse en tu cerebro. Hay melodías en los riffs. Para nosotros la melodía es una manera de explorar nuevos territorios”. ¿Cuántas tomas soléis hacer?

“¿Dos? Quizá tres si alguien la caga. Pero cuando empezamos a grabar, ya sabemos lo que tenemos que hacer. Creo que en el disco hay tres temas que hicimos en la primera toma. Normalmente en la primera toma alguien la caga, pero la segun-

“Sí, podemos grabar muy rápidamente. Pero después de tantos años lo difícil es componer porque no quieres repetirte, no quieres caer en una fórmula. Cada vez es más difícil conseguirlo”. ¿Te sientes aliviado cada vez que se te ocurre un riff nuevo?

“Sí. Si es algo distinto, sí. Puedes escribir muchos riffs y que sean una mierda (risas). Pero cuando es algo que te emociona y emociona a la banda, mola mucho. Por eso intentamos hacer algo más blues. Es la base de todo. Si lo piensas, el metal se ha vuelto más extremo pero la base no ha cambiado tanto”.

Para muchos fans el final de Black Sabbath ha sido triste por culpa de todos los problemas con Bill Ward, al que ni siquiera invitaron a tocar en su último concierto. Parece que la política importe más que los sentimientos. Aunque Electric Wizard estáis en otra liga, también habéis pasado por conflictos internos…

Cuando escribes un tema nuevo,

¿Entiendes que alguien con

¿cuál es el listón que aspiras a

quiera tocar con otra persona

superar? ¿El de tus propias can-

nunca más?

ciones o el de las de Black Sab-

“(Risas) Puedo entenderlo porque hemos tenido nuestros problemas con algunos miembros. Puedo entender que el batería sea el problema (risas). Todos los músicos tenemos que aguantarlos (risas). Pero es muy triste que acabaran de esa manera. Creo que sus problemas tendrían que haber quedado en privado y no exponerlos en los medios. Pero, al fin y al cabo, son músicos y no creo que esto sea el final. En algún momento sentirán nostalgia o querrán revivir su

bath, por ejemplo?

“Bueno… Lo único que aspiro es a escribir el mejor tema posible. Quiero que suene duro, oscuro… Siempre he estado influenciado por Black Sabbath, pero nunca he querido copiarles. Lo veo más como los cimientos sobre los que construir nuestro propio edificio. Aspiro a que la gente escuche nuestros discos y le suenen a Electric Wizard, no a que somos un tributo a algo. Pero claro, no puedo negar la

“ASPIRO A QUE LA GENTE ESCUCHE NUESTROS DISCOS Y LE SUENEN A ELECTRIC WIZARD, NO A QUE SOMOS UN TRIBUTO A ALGO. PERO CLARO, NO PUEDO NEGAR LA INFLUENCIA DE BLACK SABBATH” JUS OBORN

juventud y volverán a tocar juntos”.

ra de avanzar”.

Supongo que ahora, teniendo

¿Y cuándo supiste que era la mu-

a tu mujer tocando contigo, las

jer ideal en tu vida?

cosas son más fáciles. ¿Cuándo

“(Risas) Tenía una foto de 13 en mi habitación cuando tenía 20 años. Creo que sabía que era la mujer ideal incluso antes de conocernos (risas). Creo que puedes conseguir todo lo que quieres si te lo propones. Puedes tener el control del mundo, de tu vida, si quieres”.

supiste que Liz era la guitarrista ideal para el grupo?

“Siempre había sido fan de su anterior banda 13, incluso les robé un riff (risas). Me gustaba mucho cómo tocaba y empezamos a hablar sobre hacer algún proyecto juntos. Creo que tenemos un estilo muy parecido. Cuando la primera formación de Electric Wizard se desmoronó, pensé que incorporar a otro guitarrista sería una buena mane-

lucha. Yo crecí escuchando rock’n’roll, tengo el sentimiento de rebeldía dentro de mí. Pero la gente está enganchada a la tecnología como si fuera una droga. Yo hace 15 años que no miro la televisión. No tengo interés en esa mierda. No tengo otra elección que usar internet, pero espero que algún día cambie. Por mí puede irse todo a la mierda. Igual un día viene un Terminator y nos mata a todos (risas)”.

Ya, pero cada vez nos sentimos más controlados.

“Sí, cada vez es más difícil, es una

CONVERGE

RESISTENCIA

ACTIVA

POCOS GRUPOS INSPIRAN, E IMPONEN, TANTO RESPETO COMO CONVERGE. UN RESPETO QUE LLEVAN GANÁNDOSE DESDE HACE MÁS DE 25 AÑOS CON CADA GOTA SUDADA ENCIMA DE LOS ESCENARIOS Y DISCOS TAN BRUTALES COMO SU FLAMANTE THE DUSK IN US, Y QUE HA TRASCENDIDO A LAS ESCENAS DEL HARDCORE Y EL METAL. HABLAMOS CON LOS MAESTROS. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

FINALES DE 1990, JACOB BANNON (VOZ) Y KURT BALLOU (GUITARRA)

empezaron a tocar, junto a dos amigos del instituto, versiones de hardcore y heavy metal. Difícilmente podían imaginar entonces que más de dos décadas después seguirían haciendo música juntos y que Converge se habrían convertido en una de las bandas más reverenciadas entre sus coetáneos. Al igual que Black Flag, Minor Threat o Bad Brains antes, Converge lograron llevar el hardcore a nuevas cotas artísticas. Su música abrasiva, impredecible, cáustica, pero también progresiva, precisa, elegante e inteligente ha inspirado a cientos de bandas, y álbumes como Jane Doe, You Fail Me, No Heroes o Axe To Fall marcaron el listón por el cual debía medirse a las bandas de metalcore en la primera década del siglo XXI. Sobra decir que muy pocas lograron alcanzarlo. Si has tenido la suerte de vivirlos en directo sabrás que, junto al bajista Nate Newton y el batería Ben Koller, forman una unión de lo más mortífera. Pero además de su buen hacer musical, Bannon y Ballou también han llevado el espíritu del Hazlo Tú Mismo a su máxima expresión. El primero, dirigiendo el sello Deathwish Inc., con el que ha conseguido que cada lanzamiento sea sinónimo de calidad e integridad, así como diseñando las icónicas portadas de su grupo. El segundo, construyendo GodCity Studio y convirtiéndose en uno de los productores más solicitados de los sonidos agresivos gracias a su trabajo con bandas como Kvelertak, Code Orange o Russian Circles. Maneras

de proceder al margen de cualquier consideración mercantil y buscando trasladar al público la música en su estado más puro. Quizá porque tienen otras ocupaciones y proyectos paralelos –por su lado, Newton toca en Old Man Gloom y Doomriders y Koller en All Pigs Must Die y Mutoid Man-, la actividad de Converge se ha ido ralentizando en los últimos años. Sus giras parecen más cortas y sus discos se van espaciando. Han sido cinco los años transcurridos entre el anterior All We Love We Leave Behind y el nuevo The Dusk In Us (Epitaph), pero escuchándolo queda claro que han estado bien invertidos. Desde apisonadoras como ‘Eye Of The Quarrel’ a pasajes más reposados como el que da título a su noveno álbum, la banda de Boston sigue en estado de gracia. Lo celebramos charlando con sus dos miembros fundadores.

disco en solitario como Wear Your Wounds y ahora sale el nuevo de Converge. Pero a la vez, parece que necesites tu tiempo para producir nueva música. ¿Te mueves por brotes creativos o es más bien un proceso a fuego lento y prolongado? JACOB BANNON “De hecho

saqué dos discos con Wear Your Wounds, WYW, a través de Deathwish, y Dunedevil, un disco experimental autoeditado. Mi proceso creativo es algo orgánico y siempre es cambiante. A veces estoy motivado a crear arte y música y otras no. Pero intento no forzarme cuando no estoy motivado. Cuando me obligo raramente estoy feliz con los resultados. Creo que las personas creativas difícilmente quedamos satisfechas al 100% con lo que hacemos”. ¿Aprendiste algo haciendo temas para Wear Your Wounds

Nunca habíais tardado tanto en

que utilizaras luego en el nuevo

publicar nuevo material. ¿Tener

de Converge?

que hacer un nuevo disco de

JACOB “Supongo que de alguna

Converge es una idea que os

manera me dio más confianza a la hora de trabajar en canciones más dinámicas y expansivas. Pero cualquier cosa que aprendes no es de manera consciente. Simplemente disfruto evolucionando, yendo de un proyecto a otro. Estoy seguro que, de alguna manera, cada experiencia tiene una influencia en la siguiente”.

resulta intimidante? KURT BALLOU “Por supuesto. Nos

ponemos el nivel muy alto. Es una experiencia emocional muy fuerte porque tienes que conciliar tu propia exigencia con tu habilidad de componer música y tu capacidad para tocar un instrumento. Te juro que para mí escribir música para Converge es una lucha. Es muy complicado hacer algo que nos emocione a los cuatro por igual”.

¿Cómo fue el proceso de grabación de The Dusk In Us? ¿Varió en algo a como soléis hacerlo habitualmente?

Jacob, parece que 2017 está

KURT “En realidad no. Nos junta-

siendo un año muy productivo

mos en mi estudio, que es donde ensayamos, y nos pusimos a componer.

para ti. En abril publicaste un

“TE JURO QUE PARA MÍ ESCRIBIR MÚSICA PARA CONVERGE ES UNA LUCHA. ES MUY COMPLICADO HACER ALGO QUE NOS EMOCIONE A LOS CUATRO POR IGUAL” KURT BALLOU

Estuvimos haciéndolo unos pocos días cada mes durante varios años hasta que estábamos felices con todo el material. Fue entonces cuando nos pusimos a grabar. La verdad es que las grabaciones en sí suelen ser muy sencillas, sin muchas tomas o pistas adicionales. Son una pura representación de cómo sonamos cuando tocamos estas canciones”.

prácticamente nada se hace de manera individual, excepto las letras”. JACOB “Quizá no sería tan tajante, pero es verdad que con Converge nada ocurre realmente hasta que estamos los cuatro juntos. Necesitamos lanzarnos ideas los unos a los otros e ir puliéndolas. Así es como surgen la mayoría de temas”.

tor. Ya no me estresa como solía hacerlo. Para mí tocar y grabar música son dos caras de la misma moneda. Hago lo que tengo que hacer para que nazca un disco. Si eso significa que tengo que componer, tocar la guitarra, grabar y mezclar, pues lo hago”. ¿Hay alguna banda que hayas

Kurt, como productor de otras

producido de la que pienses

Por lo que dices, seguís compo-

bandas, ¿cómo enfocas produ-

‘joder, ojalá se me hubiese ocu-

niendo juntos y no a través de

cir a Converge? ¿Eres capaz de

rrido eso a mí’?

intercambiar archivos como ha-

tener una visión externa, que

KURT “¡Claro! De hecho sólo inten-

cen tantos grupos.

es lo que la mayoría de grupos

KURT “Así es. Componemos tocan-

buscan en un productor?

do todos juntos. Igual llegamos a ensayar con algunas ideas de riffs, pero es un porcentaje muy pequeño,

KURT “Hoy en día ya estoy acostum-

to grabar a grupos que me hagan pensar eso. Por un lado es un poco deprimente estar viendo tocar a alguien y pensar ‘Nunca podré tocar tan bien’, pero por otro también me

brado a cumplir los dos papeles, el de músico del grupo y el de produc-

inspira a querer ser mejor”. ¿Cuántas guitarras tienes? ¿Hay alguna especial que te inspire sólo con tocarla? KURT “No tengo ni idea. ¿Unas

veinte, quizás? Muchas las construí yo o las construyeron especialmente para mí. Cada una me gusta para distintos sonidos. Normalmente la que más inspira es la última que ha llegado. Pero la mayoría del nuevo disco las grabé con mi fiel First Act Sheena con una pastilla EMG JH”. Jacob, cada ser humano tiene una lucha en su interior que suele ocultar a los demás. ¿Di-

misma gente. Algunos grupos están cambiando siempre de miembros y eso hace que no tengan un sonido único como los grupos que llevan mucho tiempo. Cuando escuchas a Unsane, inmediatamente sabes que son Unsane. Nadie puede sonar como ellos. Lo mismo ocurre con Neurosis o los Melvins. Converge también tenemos esa relación simbiótica. Componemos música teniendo en la cabeza la manera de tocar de cada uno. Solemos no estar de acuerdo en muchas cosas, pero todos respetamos el gusto de cada uno y sabemos que cualquier diferencia, en el fondo, es para bien porque todos buscamos lo mismo”.

rías que la mayoría de tus letras surgen de esa lucha?

Ahora que ha fallecido hace

JACOB “Mis letras surgen de mis

poco, Tom Petty era un maes-

propias experiencias vitales y uso las canciones como una plataforma para abrirme paso en los momentos oscuros y difíciles. La música es quizá el único lugar en que puedo lidiar con ellos de una manera saludable. Nunca oculto nada, sino todo lo contrario”.

tro de la simpleza y solía decir que una gran canción es una que puedes tocar con un solo instrumento y que funcione. Obviamente vosotros venís de otra escuela de pensamiento, ¿pero reconocéis algo de verdad en eso? KURT “Claro.

KURT “Creo que si quieres que tu

Full Moon Fever fue el primer CD que tuve, así que soy un gran fan suyo y de su manera de componer. No sé si las canciones de Converge podrían adaptarse a un solo instrumento, pero tenemos muchos temas sencillos con uno o dos riffs como ‘You Fail Me’ o ‘Eve’. Antes solía escribir temas con un millón de riffs, pero al final me di cuenta que la música es más poderosa y memorable cuando te centras en unas pocas partes. Ahora necesito trabajar en dejar más espacio en la música”.

banda desarrolle su propia personalidad, es muy importante tocar con la

Siempre habéis sido un grupo

¿Cómo te sientes cuando te enfrentas a una página en blanco? JACOB “Para ser sincero, de la

misma que me siento cuando estoy delante de una página escrita”. Después de tantos años con la misma gente, supongo que habéis desarrollado un sentido telepático los unos con los otros. Kurt, ¿qué crees que Nate y Ben te permiten hacer como músico?

inquieto, buscando superar los confines del hardcore o el metal. ¿Te deprime cuando vas a un festival y ves grupos más jóvenes que simplemente reciclan ideas ya hechas antes? KURT “No paso mucho tiempo vien-

do a otros grupos en los festivales o comparando mi banda o nuestro público con el de otros. Creo que muchos festivales están orientados al público en general al que interesa más el componente social o cultural de la música que la música en sí. Pero me parece bien. Tiene que haber espacio para todo. La música significa cosas distintas para cada persona y depende mucho de cómo la descubras te sentirás de una manera u otra. Yo sólo puedo hacer lo que me hace feliz. No puedo preocuparme por lo que la otra gente necesita”. JACOB “Cada grupo puede hacer lo que quiera. Algunos están motivados por el dinero y sólo hacen lo que quieren que haga su público. Nosotros seguimos nuestro instinto. Pero lo que está bien para nosotros, puede que esté mal para otros”. Tanto Converge como tu sello Deathwish parecen islas dentro de un mundo absolutamente corporativo. ¿Tienes que luchar mucho para mantener esos espacios de libertad? ¿Y crees que el precio que pagas es quizá no llegar a más gente? JACOB “No estoy seguro de lo que

quieres decir. Tanto el sello como Converge tienen un enfoque paralelo en cuanto al negocio y la libertad creativa. En ambos hacemos lo que queremos, de la manera que queremos, y ni uno ni otro intentan formar

“MI VIDA ES TAN COMPLICADA COMO SIEMPRE Y DOY LAS GRACIAS POR TENER EN LA MÚSICA AGRESIVA UN VEHÍCULO PARA PODER ENCONTRARLE UN SENTIDO” JACOB BANNON

parte de la cultura popular. A fin de cuentas, es música underground por un motivo”.

o priorizar con qué conecta la gente. La relación de cada uno con la música es muy distinta a la mía”.

Tocasteis Jane Doe íntegra-

Hablando de retos, ¿crees que

mente en el festival Roadburn

el mayor que tiene un grupo

el año pasado. ¿Cómo fue la

agresivo como el vuestro es en-

experiencia para ti? ¿Entiendes

vejecer siendo auténticos? No

por qué hay tanta gente que

sé si resulta más duro mantener

todavía piensa que es vuestro

ese nivel a medida que te vas

mejor disco?

haciendo mayor...

JACOB “Fue una experiencia diverti-

JACOB “En realidad no. La vida si-

da y un desafío a la vez. Los discos se estructuran de una manera sin tener en cuenta que vayan a tocarse enteros en directo, así que ése era el principal reto. En cuanto a si es el preferido de la gente, cada uno es libre de elegir. No es mi cometido categorizar

gue siendo complicada, incluso más. Y es de ahí de donde sale la autenticidad para crear canciones. Si no lo fuera, simplemente no existirían”.

turo de Converge? ¿Les veis un final? KURT “Espero que seamos capaces

de seguir haciendo música indefinidamente. No creo que vayamos a hacer giras muy largas, pero espero que siempre forme parte de mi vida”. JACOB “Yo creo que siempre nos hemos tomado el grupo día a día. Cuando ya no estemos motivados para crear, pararemos. Personalmente, mi vida es tan complicada como siempre y doy las gracias por tener en la música agresiva un vehículo para poder encontrarle un sentido”.

Lleváis ya más de 25 años con la formación. ¿Cómo veis el fu-

QUICKSAND

...Y E NTONCE S FU E RON TRE S

QUICKSAND ESTÁN DE VUELTA Y ESO SÓLO PUEDE SER UNA BUENA NOTICIA. SIN AVISAR, LLEVÁNDOLO TODO EN SECRETO, UNA DE LAS BANDAS QUE DIO FORMA AL LLAMADO POST HARDCORE HA REGRESADO 22 AÑOS DESPUÉS CON UN TRABAJO A LA ALTURA DE SU LEYENDA. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: CECILIA ALEJANDRA/PATRICK HIGGINS

SÍ ES, EL 10 DE NOVIEMBRE VERÁ LA LUZ

Interiors (Epitaph), la esperada continuación de Manic Compression, puede que uno de los mejores álbumes de los 90. La leyenda de Quicksand no ha hecho más que agrandarse desde entonces, siendo reivindicados por bandas como Thursday, Glassjaw o Title Fight, y a pesar de que en el pasado hubo intentos serios de retomar la banda e incluso ofrecieron algunos shows esporádicos, lo cierto es que parecía que siempre hubiera algún motivo para que el grupo no acabara de activarse. Tampoco es que hayan perdido el tiempo. El cantante y guitarrista Walter Schreifels, nuestro interlocutor en esta entrevista, no ha parado quieto ni un segundo, ya sea creando bandas como los celebrados Rival Schools o Dead Heavens, o recreándose en su pasado con tours nostálgicos junto a Gorilla Biscuits o Youth Of Today que hacen que nunca acabe de olvidarse del hardcore kid que lleva dentro. Sergio Vega, por su lado, lleva ya unos cuantos años como bajista de Deftones. La idea inicial era que la formación original, con Alan Cage (batería) y Tom Capone (guitarra), fuese también la de estos renacidos Quicksand, pero por motivos no muy claros, Capone saltó de la banda en medio de su reciente gira americana y no parece que vaya a volver en un futuro cercano. Pese a todo, la esencia Quicksand está ahí al

100%, y aunque en ningún momento Schreifels lo dice de manera explícita, parece que esto, más que una reunión esporádica, es una vuelta por todo lo alto. Una oportunidad de oro para que toda una generación que los ha venerado pueda disfrutar de ellos en tiempo real. ¿Cómo te sientes promocionando un disco de Quicksand 22 años después? ¿Tiene un deje surrealista? WALTER SCHREIFELS “Bueno, por

un lado sí que es un poco surrealista, pero al mismo tiempo lo veo como algo normal. Entiendo que desde un punto de vista externo la salida de este álbum haya sido una sorpresa, pero para mí es algo mucho más natural ya que lo he hecho con mis amigos, de una manera relajada y sin presión. No hemos querido poner fotos en el estudio ni darle publicidad. Para mí lo interesante ha sido ver cómo podíamos conectar el pasado de la banda y su legado con el presente. Es una mezcla de varias sensaciones”. Definitivamente la grabación se ha llevado con mucho sigilo, algo muy complicado en estos tiempos cuando todo se sabe al instante. ¿Era una manera de

saliendo nada de allí.

“Exacto, a finales de los 90 grabamos algo de música con un resultado bastante bueno, pero, al menos por lo que a mí respecta, no era un buen momento para activar la banda. Esta vez era todo mucho más sencillo y tan sólo queríamos hacer algo guay que nos gustara a todos. Un poco recuperar el espíritu de la primera vez que nos pusimos a tocar juntos. A la gente le gusta Quicksand, ahora parecemos una leyenda… no sé, ¡no es tan fácil hacer música cuando te ven como una leyenda! Así que esa parte de leyenda nos la quitamos de encima y todo lo que nos propusimos fue hacer la mejor música que pudiésemos. Cuando creímos que lo habíamos conseguido, fue cuando decidimos que la íbamos a compartir con la gente. Esperamos que les guste y, si no, sabremos que lo hemos hecho por nosotros y siendo felices con el resultado. Creo que esa actitud te quita un montón de presión. Ahora nos sentimos muy felices con el disco editado con Epitaph, nos están ayudando un montón y la gente está contenta con el resultado. Pero en lo que respecta a nosotros tres, fue simplemente el placer de vernos y tocar, no queríamos entrar en el juego de volver a ser la banda que éramos hace 25 años”.

protegeros respecto a lo que estabais haciendo? Tampoco es

Lo que dices de que Quicksand

la primera vez que entrabais en

es visto ahora como una leyen-

un estudio y al final no acababa

da es bastante cierto. De hecho, 45

la mayoría de gente, cuando piensa en Walter Schreifels, la primera banda que le viene a la cabeza es Quicksand, incluso por encima de Gorilla Biscuits o Rival Schools. ¿Por qué crees que es? ¿Qué hace especial a Quicksand?

“Sí, puede que sea la banda por la que soy más conocido, y puede que tenga que ver con que fue el primer grupo en el que canté como solista. En Gorilla Biscuits ya escribía las canciones y allí aprendí cómo hacerlo, pero fue en Quicksand donde di ese paso adelante. También creo que tiene mucho que ver con cómo estaba la banda encarada con cuatro personas creativas, no era simplemente mi manera de escribir o cantar. Es una combinación de elementos que lo hace una banda única, con una fuerza especial. Poder tocar con esta gente de nuevo, y poder utilizar esa fuerza o poder, es alucinante. Para ser honesto, hay gente que piensa en mí como el tipo de Rival Schools, otros como el de Gorilla Biuscuits o incluso el de Youth Of Today, pero creo que hay algo diferente en Quicksand que pone a la banda en otro lugar”. Acabáis de hacer una gira americana. Ha sido vuestro primer tour desde que la banda se di-

no queríamos cancelar el concierto que teníamos esa misma noche. Así que subí al escenario e intenté dar lo mejor de mí mismo. Mi cerebro iba a mil por hora pensado ‘ahora le tengo que dar a este pedal’, ‘ahora lo tengo que apagar’, ‘cuidado que viene el solo de guitarra’, y así todo el rato… Un poco estresante intentar pensar en todo lo que pasaba a mi alrededor. Pero después de unos pocos conciertos me empecé a sentir cómodo en ese papel, y en cierta manera, me vi más metido en mi propia actuación y la música que estaba tocando. Una sensación nueva, algo así como si fuese consciente de cada segundo en el escenario porque no hay un momento para desconectar. Es como vivir un momento único cada vez que estoy en el escenario. En la vida normal siempre estás pensando en un montón de cosas que tienes que hacer, pero en el escenario eso no pasa y tu preocupación es que la conexión con Sergio y con Alan sea total. No sé cómo explicarlo, pero mola mucho y parece que la gente lo está disfrutando también. Hemos tenido muy buenas críticas y lo veo como un éxito. Al fin y al cabo, ésta es la manera en que se grabó el disco, como un trío, así que es natural tocar con esta formación. No era el plan, pero ahora me siento muy bien así. Y así seguiremos”.

solvió y además lo habéis he-

que no habéis querido reinventar la rueda, pero sí darle el toque moderno justo. ¿Tenías eso en mente?

“Desde luego. Hay ciertos elementos de Quicksand como la dureza, el groove, etc. que siempre tienen que estar ahí y que teníamos en mente a la hora de grabar el disco. Pero aparte de eso queríamos ser nosotros mismos y ser contemporáneos, porque yo soy un tipo contemporáneo. Éste es mi tercer disco este año tras el de Dead Heaven y el de Vanishing Life. Ha sido un año muy ocupado para mí en lo que respecta a la música… También he publicado algunos singles. Por otro lado, Sergio está con Deftones, que sacaron álbum el año pasado. Somos un grupo de hoy en día y eso queremos enseñarlo en Quicksand. Queremos mostrar nuestra experiencia, pero al mismo tiempo, dejar claro la banda que somos. Al fin y al cabo, Sergio, Alan y yo somos Quicksand. Lo más complicado para mí fue conectar mi voz y las letras con la música, ya que en el pasado estaba más cercano a la escena hardcore y me era más natural mostrar esa parte más agresiva, pero ahora ya no es tanto mi estilo, pero de alguna manera vuelves a ello, porque está ahí. La verdad es que espero que a nuestros fans les guste y me alegro de que a ti te guste porque es importante mantener esa conexión con tus seguidores, pero al mismo tiempo, espero que este álbum traiga nuevos fans para la banda”.

cho en su mayoría como trío

Muchas bandas, cuando vuel-

tras la salida de Tom Capone.

ven después de tantos años,

¿Ha sido complicado cantar y

suelen decepcionar. O bien re-

ser el único guitarrista? ¿Va a

crean lo que hicieron en el pasa-

seguir esta formación?

do y tienen un sonido obsoleto,

“La primera noche que tocamos como trío no sabíamos aún si Tom volvería a tocar con nosotros, pero

o intentan sonar demasiado

Los dos adelantos que se han

contemporáneos y se pasan de

podido oír del disco, ‘Illuminate’

frenada. En vuestro caso creo

y ‘Cosmonauts’, representan en

“QUEREMOS SER UNA BANDA ACTUAL. TENEMOS NUESTRA HISTORIA Y LEGADO, PERO NO QUEREMOS APOYARNOS SÓLO EN ESO” WALTER SCHREIFELS

cierta manera lo que hay en el álbum. La primera es puro Quicksand y la segunda es mucho más introspectiva. De hecho, por momentos recuerda hasta a los Deftones más suaves.

“He decir que la elección de los adelantos fue más cosa del sello y de nuestro mánager, pero entiendo perfectamente lo que dices y estoy de acuerdo. Para mí ‘Illuminate’ era la primera opción más obvia. Fue la primera canción que hicimos y que dije ‘OK, esto es lo que tiene que ser. Es Quicksand. Si somos capaces de coger esta canción y expandirla en diferentes direcciones en forma de

otros temas, vamos a tener un gran álbum’. ‘Cosmonauts’ desde luego es diferente, pero si buscas un poco, seguimos siendo nosotros. En el álbum hay diferentes tipos de canciones; de hecho, me gustan todas las que están, pero hay una continuidad en todas ellas”. Una cosa que me ha sorprendido en cierta manera es que hayáis utilizado un productor. El escogido ha sido Will Yip, que curiosamente ha producido a bandas como Title Fight o The Wonder Years entre otros, muy influenciadas por vosotros.

¿Buscabais en cierta manera cerrar un círculo?

“Sí, ése ha sido uno de los motivos por el que quisimos trabajar con él. Hizo de ingeniero en un disco que produje para Title Fight. Ellos son muy fans de Quicksand y por eso me llamaron para que les produjese. Will, por su lado, ha producido otros discos de Title Fight además de muchas buenas bandas contemporáneas, así que cuando fue el momento de hacer el disco pensé en él inmediatamente. Me gusta cómo graba, hemos mantenido la amistad durante estos años y sabía que iba a hacer un gran trabajo. Necesitábamos a alguien

“CUANDO ESTABA EN GRUPOS DE HARDCORE, LAS BANDAS QUE SONABAN EN LA RADIO O ESTABAN EN MULTIS ERAN COSAS COMO BON JOVI, ERA IMPENSABLE LLEGAR A TENER UNA CARRERA EN AQUELLOS MOMENTOS” WALTER SCHREIFELS

que nos dejase ser nosotros, pero que en cierta manera también se convirtiese en un cuarto miembro del grupo en algunos aspectos. Por otro lado, es un excelente batería y sabía que trabajaría muy bien con Alan. Queremos ser una banda actual. Tenemos nuestra historia y legado, pero no queremos apoyarnos sólo en eso. Will era una buena persona para entender ese legado, pero al mismo tiempo, hacernos sonar contemporáneos. Ha sido un placer trabajar con él”.

también creo que tampoco tengo mucho reconocimiento en ese aspecto. Pero bueno, está bien, no pasa nada. Ya tengo reconocimiento por otras cosas que hago. En este disco toco absolutamente todas las guitarras, pero la gente no piensa en mí como un guitarrista. Además, con esta formación, lo soy más que nunca. Y tampoco quiero sonar creído o altivo en una entrevista, pero gracias por darte cuenta (risas)”. Como has dicho antes, el disco

comentó que lo iba a tantear. Tuvimos muy buena reacción por parte de todos ellos, pero quizás fue Epitaph los que mejor se adaptaban a nosotros. Son gente que está muy orientado al artista, tenemos un pasado similar. Brett (Gurewitz) es de una generación algo más antigua que la nuestra, pero no mucho más. Hemos tocado en los mismos clubes de mierda, casas okupadas, así que había un sentimiento de familiaridad. La gente del sello es muy maja y hemos encajado muy bien”.

lo edita Epitaph. ¿Alguna razón Tú eres muy conocido por tu

especial para ello?

Los dos primeros álbumes de

manera de componer, el deje

“Realmente el álbum lo grabamos y financiamos nosotros mismos. No queríamos tener la presión de un tercero, ni tampoco estar expuestos mientras grabábamos. Queríamos darnos el lujo de controlar todo el proceso y hacerlo a nuestra manera. Cuando lo acabamos pensamos también en editarlo nosotros mismos, pero nuestro mánager tiene relación con varios sellos y nos

Quicksand, así como el primero

melódico que le das a tus composiciones, pero aunque no quiero ser un pelota, pienso que nunca se te ha dado suficiente crédito como riff master. Muchos temas de Quicksand están repletos de riffs atómicos y parece que eso pasa desapercibido.

“Joder tío, muchas gracias (risas). Yo 48

de Rival Schools, fueron editados por multinaciones. En aquellos momentos venías de la escena hardcore, donde todo era bastante autosuficiente. ¿Cómo viviste ese boom de las multinacionales, donde parecía que el dinero nunca se acababa?

“Fue bastante interesante, si he de de-

cir la verdad. He estado en toda clase de sellos discográficos y he visto de primera mano todos los modelos de negocio. Empecé en un sello independiente que estaba dirigido por adolescentes, y desde entonces he estado en Caroline, Dine Alone, multinacionales, ahora en Epitaph… en fin, un poco de todo. Estar en un gran sello en los 90 tenía su parte buena. Había medios con los que trabajar, te llevaban a cenar, tenías discos gratis, autobuses de gira... Había gente muy guay trabajando en aquella época en todas esas compañías, por lo que te sentías bien tratado. Pero también había mucha mierda. Sin ir más lejos, teníamos que estar constantemente de gira, y eso, en cierta manera, nos quemó, por mucho que nos gustara tocar. Pero tengo un buen recuerdo de aquellos tiempos. Ahora es diferente, no hay tantos medios, pero, por otro lado, tienes más control sobre tu carrera y me siento afortunado de haberme hecho un nombre a través de Quicksand. Puedo seguir tocando música, pagar el alquiler y visitar el mundo con mis amigos”. ¿Tienes familia?

“Sí, tengo una hija de 8 años. Es la parte más complicada de ser músico, especialmente este año que está siendo bastante atareado. Intento no estar más de diez días o dos semanas fuera de casa. De hecho, esta última gira de Quicksand, que ha durado un mes, es la más larga que he hecho en cuatro o cinco años. Si volvemos a lo de las multinacionales que hablábamos antes, ahora no podría hacer eso con una hija. Ser padre para mi es algo muy importante, a veces es un poco estresante por la vida que llevo, pero en el fondo, todos los trabajos tienen sus complicaciones para la

vida familiar. Un trabajo de nueve a cinco también tiene sus problemas, ya que estás fuera de casa muchas horas, cuando llegas estás cansado… Yo cuando estoy en casa, estoy al 100%. Puedo dedicar todo el tiempo a estar con mi hija. Ahora tenemos una magnífica relación”. En noviembre van a estar Youth Of Today tocando por aquí... ¿Vas a girar con ellos?

“Sí, por supuesto. ¡Me encanta tocar con ellos!”. ¡Otro grupo más que tienes que añadir a tu lista este año!

“Bueno, es como salen las cosas. Me gusta estar ocupado, no es que el año que viene vaya a editar otros tres discos, pero cada cosa que hago la disfruto al máximo. Con Youth Of Today toco con tres de los mejores músicos posibles si de hardcore hablamos, que encima tocan en una de las mejores bandas de hardcore que han existido. Me exige mucho, tengo que estar en una gran condición física. Cuando tocas con Ray Cappo es una lección ver cómo sabe dirigir el público y cómo lo vive. Ahí toco el bajo, soy libre. Para mí tocar el bajo me libera de responsabilidades, puedo estar todo el rato bailando. ¡Es como si tocara con Future Islands! (Risas) Pero también es muy emocional, porque es una música muy inspiradora para mí. También tengo pronto una gira con Dead Heaven, que es quizás la banda con la que más involucrado estoy ahora. Cada una de las bandas que tengo puede que estén en diferentes niveles, pero todas me sirven para dar el siguiente paso. Es un privilegio poder hacer todo esto”.

Si miras atrás en tu carrera, ¿cómo la ves? En algún momento estuviste cerca de conseguir el éxito comercial... ¿Te sabe mal no tener un disco de oro colgando de tu pared o es algo que ya te da igual?

“Estoy contento con mi carrera. Me gustaría tener un disco de oro porque significaría que tengo más dinero (risas), pero no por un tema de estatus. Creo que mi estatus es bueno y me siento afortunado. He viajado por todo el mundo y he tocado música durante toda mi vida, así que es para sentirse afortunado. Hay gente con discos de oro de los que nadie se acuerda hoy porque su música no inspiró a nadie”. Especialmente formaciones de los 90...

“Efectivamente (risas). Hubo muchos discos de oro que mejor no tenerlos. Al final la música que has hecho es lo que realmente se queda, y cómo has podido inspirar a la gente. Podría estar vendiendo coches usados ahora mismo, con todo mi respeto a quien lo hace, pero estoy viviendo esta experiencia como músico y como artista”. Al fin y al cabo, cuando empezaste en la escena hardcore ser un músico profesional era algo que ni se podía contemplar.

“Vamos, ni en broma. Cuando estaba en grupos de hardcore, las bandas que sonaban en la radio o estaban en multis eran cosas como Bon Jovi, era impensable llegar a tener una carrera en aquellos momentos”.

CANNIBAL CORPSE

EL TÚNEL DEL TERROR

EL PRESENTE 2017 ESTÁ SIENDO UN BUEN AÑO PARA LA VIEJA GUARDIA DEL DEATH METAL. TANTO OBITUARY, COMO SUFFOCATION, COMO DYING FETUS HAN PUBLICADO NUEVOS DISCOS, PERO FALTABAN CANNIBAL CORPSE PARA COMPLETAR EL PÓKER. Y NO HAN FALLADO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L 3 DE NOVIEMBRE VERÁ LA LUZ RED

BEFORE BLACK

(Metal Blade), el decimocuarto artefacto del combo de Buffalo. Con un sonido absolutamente brutal y unas letras e imaginería llenas de sangre, vísceras, mutilaciones y necrofilia, Cannibal Corpse llevan casi tres décadas deleitando a los seguidores de las propuestas más extremas y poniendo a prueba los límites de la libertad de expresión. Hasta 2006, el grupo formando en la actualidad por George ‘Corpsegrinder’ Fisher (voz), Pat O’Brien (guitarra), Rob Barrett (guitarra), Alex Webster (bajo) y Paul Mazurkiewicz (batería) tenía prohibido tocar temas de sus tres primeros álbumes en Alemania y sus discos estaban censurados en Australia. Hace apenas tres años fueron expulsados de Rusia por incitar a la división religiosa. El senador republicano Bob Dole dijo en una campaña en los 90 que el grupo “socavaba el carácter nacional de Estados Unidos con su violencia sin sentido y su sexo sin amor”. Pese a esa aura de banda peligrosa, o precisamente gracias a ella, además de una constancia a prueba de bombas, Cannibal Corpse han ido atrayendo nuevas generaciones de fans. El año que viene los nuevos seguidores y lo viejos tendremos la oportunidad de disfrutarlos junto a The Black Dahlia Murder e In Arkadia el 3 de marzo en Bilbao, el 4 en Madrid y el 6 en Barcelona. Sobre esta nueva visita empezamos hablando con uno de sus miembros 51

fundadores y principal compositor. Hola Paul, ¿cómo estás? Ya se han confirmado las fechas de

algo real. Nunca hemos hablado de política o de lo que sucede en el mundo. Cuando me pongo a escribir letras siempre me baso en mi imaginación”.

vuestra nueva gira en España. PAUL MAZURKIEWICZ “Bien,

¿Te consideras una persona

gracias. ¿Pero cómo están las cosas por Barcelona? Vi lo del atentado de Las Ramblas y no me lo podía creer, nosotros hemos estado allí muchas veces. Hemos tocado muchas más veces en Barcelona que en Madrid. De hecho, una vez hasta me robaron la cartera en Las Ramblas (risas). Sé que por esa zona es algo común, pero aun así me encanta la atmósfera que se respira en esas calles. Por eso me impactó tanto ver que una furgoneta había atropellado a tanta gente. Es una locura. Aquí hemos tenido la matanza de Las Vegas, horrible… Parece que nadie pueda estar a salvo en ningún sitio”.

morbosa?

¿Es algo que os preocupa se-

Siempre os habéis mantenido

riamente cuando vais a salir de

fieles a este concepto de banda

gira?

pasada de vueltas, ¿pero cuál

“Es algo que siempre tienes presente, pero a menos que dejes de girar, ¿qué más puedes hacer? Intentas no pensar en ello porque quieres hacer tu trabajo, pero estos últimos años es imposible no tenerlo presente. Por desgracia, que un día explote una bomba en un festival o en un concierto no es algo descabellado. Es casi como que te has mentalizado de que puede ocurrir, lo cual es horrible”.

fue el origen? ¿Era una especie

¿Hay algo de todo esto que se haya colado en las letras de

Red Before Death?

“No, nada. No somos ese tipo de banda. El 99,99% de las letras son ficción. Es muy raro que hablemos de 52

“No, para nada (risas). Antes me preguntaban si me costaba pensar en estas cosas, pero la verdad es que no porque sólo tengo que hacerlo cada dos años. Me gusta el gore y el terror, pero no estoy todo el día pensando en eso. Sólo lo hago cuando me pongo a escribir letras, y como lo hago cada dos años tampoco me supone un problema, al revés, me divierte. Pero una vez termino de escribir esas locuras, vuelvo a ser yo mismo. Puede que de vez en cuando se me ocurra un título para una canción, pero eso es todo, ahí es hasta donde llega mi morbosidad (risas)”.

alucinaran viendo nuestra portada y luego leyeran los títulos y alucinaran más. Y seguimos teniendo esa mentalidad. Por supuesto sabíamos que iba a cabrear a cierta gente, pero no era nuestro objetivo. Creo que al final lo que determinó lo que somos es el nombre, Cannibal Corpse. Llevamos toda una carrera trabajando en base a ese nombre. Cuando Alex (Webster) vino a un ensayo y dijo ‘¿Por qué no nos llamamos Cannibal Corpse?’, no tardamos ni un día en darnos cuenta de que era un nombre increíble. Así que una vez estuvimos de acuerdo en ser Cannibal Corpse, teníamos claro que no íbamos a ser una banda anti religiosa o política, teníamos que ser una banda de gore y terror. Tenía sentido porque a todos nos gustan las pelis de terror, las cosas oscuras, las novelas de Stephen King… ¿Así que por qué no basar nuestra banda en eso? Quizá si hubiéramos tenido otro nombre, habríamos ido en otra dirección, ¿quién sabe? Es increíble cómo ha ido todo”.

de broma? ¿Queríais escandalizar a la sociedad?

Pues sí, lleváis casi 30 años.

“Bueno, hacemos música dura y nos lo tomamos muy en serio. Al principio queríamos ser una banda de death metal y ésa es música seria, brutal. Nos gustaba muchísimo Slayer, Kreator, y eso es música seria, no es ninguna broma. Los temas que tratan son serios, son muy intensos. Simplemente éramos fans de esa música y queríamos llevarlo a otro nivel de intensidad. Y eso es lo que hicimos. Queríamos que existiera un álbum como el nuestro simplemente como fans. Queríamos que los chavales fueran a la tienda de discos y

“Sí (risas). Cuando empezamos sólo pensábamos en dar unos conciertos y quizá grabar una maqueta. Haber logrado tener una carrera durante 30 años haciendo esto es genial. Lo que teníamos claro es que, durara lo que durara, Cannibal Corpse sería death metal brutal e intenso”. Si miramos la evolución del metal, siempre ha sido una constante que salieran grupos nuevos que llevaran el sonido un paso más allá. ¿Crees que hay alguna banda que os haya

“NUNCA HEMOS HABLADO DE POLÍTICA O DE LO QUE SUCEDE EN EL MUNDO. CUANDO ME PONGO A ESCRIBIR LETRAS SIEMPRE ME BASO EN MI IMAGINACIÓN” PAUL MAZURKIEWICZ

superado como en su día vosotros pudierais hacer respecto a

pre queremos escribir la canción más cañera que podamos”.

Slayer?

“No lo sé. No me gusta comparar. Nosotros nos centramos en nosotros. De verdad, no lo sé. Siempre hemos mirado al futuro para intentar superarnos. Aunque la base sea la misma, creo que siempre ofrecemos algo nuevo. Siempre ofrecemos algo diferente, ni que sea un poco. Siem-

¿Es ésa la principal motivación cuando preparáis un nuevo disco?

“Sí. Siempre intentamos mejorar. Siempre nos esforzamos al 100%, creo que es evidente, y por eso hemos durado tanto. Para este trabajo en particular me propuse tocar mejor

que nunca y escribir los mejores temas que pudiera. Y en el estudio igual. Para mí el death metal es música de directo, nunca me gustó el estudio, me sentía fuera de lugar. En realidad hay mucha más presión en el estudio; en directo, es simplemente ese momento. Pero cuando grabas algo, es para siempre. Y además hay la presión del dinero porque cada segundo cuenta. Pero por 53

suerte logré derrotar esos miedos trabajando muy duro, y si vas bien preparado, incluso puedes llegar a disfrutarlo. De hecho, me he divertido haciendo los dos últimos discos simplemente porque estaba bien preparado”.

“PARECE QUE HEMOS LLEGADO A UNA NUEVA GENERACIÓN. ES CLAVE GANAR NUEVOS FANS PARA PODER SEGUIR ADELANTE Y MANTENER EL DEATH METAL VIVO” PAUL MAZURKIEWICZ

¿En qué álbum crees que lograsteis capturar mejor vuestra intensidad en directo en el estudio?

“No lo sé. Creo que quizá en este nuevo disco. Nos esforzamos mucho en capturar el sonido de guitarra de Pat (O’Brien). Cuando vas al estudio y trabajas con productores siempre tienes que hacer concesiones, pero en este disco Pat quería su propio sonido de guitarra, quería involucrarse más en la producción, y lo hizo. Quizá en Bloodthirst Colin Richardson hizo un gran trabajo en capturar ese sonido más vivo, pero sinceramente, creo que el nuevo lo captura incluso mejor”. Cuando pienso en vosotros grabando un disco, me imagino las caras de susto de los técnicos viendo todas las luces de la consola en rojo.

“(Risas) Sí, todo está al límite. Pero ése es su problema. Para eso pagas a alguien para que haga su trabajo. Intentamos no meternos en eso porque, si no, hay demasiada gente opinando. Por suerte, en Erik (Rutan) hemos encontrado a alguien que nos comprende perfectamente y tenemos plena confianza en todo lo que decida”. Tengo la impresión de que en esta década ha habido una especie de resurgir del grupo.

¿Estás viendo más caras jóvenes en los conciertos?

“Sí, parece que hemos llegado a una nueva generación. Es clave ganar nuevos fans para poder seguir adelante y mantener el death metal vivo. Está pasando y nos tranquiliza mucho de cara al futuro. Creo que en los 2000 tuvimos un pequeño bajón, pero cuan-

do sacamos Kill en 2006 de golpe vendimos un montón de álbumes sin saber por qué y desde entonces ha habido un repunte en nuestra popularidad. No sabemos el motivo, pero parece que cada día haya alguien nuevo que nos descubra”. ¿Tienes muchas heridas de gue-

rra después de tanto tiempo dándole a la batería?

“Por suerte estoy muy en forma. Debo tener buenos genes (risas). Siempre he gozado de buena salud y a mis casi 50 años me encuentro genial. Tengo bien las articulaciones, nunca he tenido problemas de espalda… Me siento muy afortunado por-

que podría estar hecho polvo. En los últimos años me he cuidado más que nunca, haciendo ejercicio, durmiendo bien, cuidando mi alimentación… Todo ayuda. Me veo capaz de tocar para siempre”.

“Sí, nos estamos adentrando en terreno desconocido porque no hay precedentes de lo lejos que hemos llegado. Pero si me sigo encontrando igual de bien, no hay por qué parar”.

Para las bandas extremas, envejecer es todo un desafío.

DEATH FROM ABOVE

SUSTO O MUERTE

PUEDE QUE DEATH FROM ABOVE SE HAYAN DESECHO DEL ‘1979’ QUE HASTA AHORA ACOMPAÑABA SU NOMBRE, PERO ESO ES LO ÚNICO QUE EL DÚO CANADIENSE PARECE HABER PERDIDO CON LA PUBLICACIÓN DE SU POTENTE TERCER ÁLBUM OUTRAGE! IS NOW. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A C ARRERA DE DEATH FROM ABOVE ES BASTANTE ATÍPIC A . Empezaron

llamándose así cuando Sebastien Grainger (voz, batería) y Jesse F. Keeler (bajo, sintetizador) se unieron en 2001, pero tras publicar un EP, una disputa legal con DFA, el sello de James Murphy de LCD Soundsystem, les obligó a cambiarse el nombre a Death From Above 1979 para lanzar su debut You’re A Woman, publicado en 2004. A pesar de la buena recepción que tuvo su rock bailable con actitud punk, apenas un año más tarde el dúo decidía separarse por diferencias personales y musicales, aunque no lo harían público hasta agosto de 2006, después de cumplir con los conciertos que tenían programados. Tuvieron que pasar cinco años para que vieran que precisamente sus diferencias eran lo que hacía que su música resultara tan atractiva, aunque decidieron tomarse las cosas con calma y rodarse bien en la carretera antes de grabar su segundo álbum, The Physical World, publicado en 2014. Desde entonces, la relación entre ellos no parece haber sido un problema, pero este verano volvían a sorprendernos al publicar el single ‘Freeze Me’ con su nombre original. Será así como se presenten el 19 y 20 de febrero en Madrid y Barcelona con su tercer álbum

Outrage! Is Now (Last Gang/PIAS), un disco con el que demuestran que, a pesar de haberse hecho más famosos en menos tiempo, Royal Blood no han inventado la sopa de ajo. Cuando publicasteis vuestro segundo disco el grupo había estado separado varios años. Ahora las cosas han cambiado y estáis plenamente activos. Me imagino que eso facilitó las cosas a la hora de hacer este tercer largo. JESSE F. KEELER “Sí, claro. Hacer el

segundo disco fue duro porque habíamos estado mucho tiempo sin grabar uno. Habíamos estado activos durante cinco años en la primera etapa, sacamos el primer álbum y luego dejamos de tocar. Pero que no tocáramos no hizo que el disco dejara de existir, de hecho fue creciendo, y durante los siguientes cinco años mucha gente nos fue descubriendo. Así que cuando hicimos el segundo trabajo, nos sentíamos un poco presionados por no hacer algo demasiado distinto del primero. Pero esta vez ese sentimiento había desaparecido. Queríamos crecer, hacer cosas nuevas. Si teníamos una idea, la desarrollábamos. No pensábamos ‘oh, suena demasiado distinto a como sonábamos hace 15 años’. Cuando haces música e intentas imitarte a ti mismo no es nada divertido. Si estoy en esto es para ser creativo. Posi57

blemente podríamos haber hecho el disco más rápidamente, pero cuando nos pusimos a trabajar en serio, vimos que todas las ideas que teníamos necesitaban algo más de tiempo. Teníamos que esforzarnos más. Cuando Eric Valentine se incorporó como productor fue cuando realmente nos vimos capaces de hacer el disco que habíamos imaginado. Nos ayudó mucho. Nos sentimos muy felices porque la respuesta hacia el álbum está siendo maravillosa y a mí me llena mucho más que cuando sacamos el segundo disco porque éste es un reflejo más fiel de lo que somos”. Visto en perspectiva, ¿crees que sin esa separación de diez años entre los dos primeros discos el grupo existiría a día de hoy?

“No lo sé. Empezamos a volver a tocar hace siete años, en 2010, así que llevamos más tiempo siendo una formación ahora que en la primera etapa. Pero es posible que sin esa separación el grupo no existiera porque necesitábamos tiempo para buscar nuevas ideas. Cuando empezamos el grupo todo pasó tan rápidamente que no tuvimos tiempo de apreciarlo, simplemente seguíamos la corriente. Pero con el paso del tiempo desarrollamos una nueva relación con el combo. Posiblemente no la hubiéramos tenido sin coger algo de perspectiva”. Has mencionado a Eric Valentine. ¿Cómo llegasteis a él?

“Una vez decidimos que queríamos trabajar con un productor empezamos a hablar con varios. Fuimos al estudio de Eric para hablar con él y

a mí me convenció desde el primer momento. Sebs no estaba tan seguro porque su currículum es muy variado, pues no solamente ha hecho discos de rock, ha hecho discos de country, de bluegrass, de pop, de metal… Pero para mí eso era una ventaja. Si ha trabajado con gente tan distinta quiere decir que no pone a todos los artistas en la misma casilla, sino que es alguien que trabaja de manera individual. Y así es como yo lo sentí, prácticamente se convirtió en un miembro más del grupo. Todo lo que queríamos de él es que nos hiciera sonar como la mejor versión de nosotros mismos. A veces trabajas muy duro en una canción, pero si no tienes las cosas muy claras, durante la grabación se puede echar a perder. Queríamos asegurarnos de que eso no ocurriría. Nuestra banda va a sonar dura hagamos lo que hagamos porque sonamos así: va a tener un sonido loco de bajo y un sonido enorme de batería. Pero hay muchas maneras de combinar eso y la que nos interesaba era la que diera mayor claridad a las canciones. Y eso es lo que Eric hizo. Obviamente somos muy fans de su trabajo con Queens Of The Stone Age, como todo el mundo, pero a mí me gusta por igual lo que ha hecho con artistas que no me gustan especialmente”. ¿Cómo cuáles?

“Bueno, hizo discos de Smash Mouth. Para mí no son un buen grupo, pero es innegable que sus discos suenan geniales. O trabajó con Third Eye Blind y suenan de la hostia. Puedo escuchar más allá del contenido musical y admitir que suenan geniales. Eric puede hacer que cualquier

cosa suene bien, así que queríamos que pusiera esa magia en nuestra banda (risas)”. En el estudio da igual si un grupo lo forman sólo dos personas, porque puedes grabar tantas pistas como quieras, ¿pero tenéis en mente que luego tendréis que tocarlo en directo, o no os importa?

“Yo siempre lo tengo presente. Los dos tenemos una idea de lo que es posible hacer en directo. Antes de grabar algo siempre discutimos cómo vamos a tocarlo en vivo. Y si no es posible, no lo hacemos. Aun así, a lo largo de los años hemos podido resolver un montón de cosas. Por ejemplo, la canción ‘Trainwreck’ de nuestro anterior disco tiene unos acordes de piano, y como Sebs usa un sampler con la batería, cogimos los mismos acordes de la grabación y los pusimos en el sampler. Lo probamos, y al principio nos parecía raro, pero rápidamente nos acostumbramos. Así que ahora tenemos ese comodín que nos permite tocar muchísimas más cosas”. Vamos, que el secreto está en el sampler…

“Lo hemos usado en todos los conciertos que hemos dado en los últimos siete años. No es algo nuevo para nosotros, pero tampoco abusamos de ello. Por ejemplo, no metería varias partes de bajo en el sampler que después yo no pudiera tocar. Pero si te fijas, Led Zeppelin tenían múltiples pistas de guitarra en un tema, pero en directo Jimmy Page sólo tocaba una. Y no pasa nada. No pasa nada porque el disco y el

Por cierto, ¿qué pensaste la primera vez que escuchaste a Royal Blood? ¿Os conocéis?

“Nos hemos ido haciendo amigos, no hay ningún problema. Una noche salimos a beber juntos en Glasgow y son buenos tíos. Piensan igual que nosotros: que las dos bandas no se parecen aunque también usen bajo y batería. Su bajista me decía que no quería que los siguieran comparando con nosotros porque no hacen la música como nosotros, no son punk, es sólo que el formato es el mismo. Y yo le dije que estuviera tranquilo porque hace años, con mi otra banda MSTRKRFT estaba en L.A. y me encontré con Daft Punk y les dije que todo el mundo nos comparaba con ellos, y me dijeron ‘tranquilo, cuando nosotros empezamos todo el mundo nos comparaba con The Chemical Brothers’. La gente siempre te va a comparar con alguien más porque es lo más fácil. Para mí es aburrido, pero Royal Blood son buenos tíos”. ‘Moonlight’ está inspirada en una paliza que le dieron a Sebastien en Dallas. ¿Os habéis encontrado a menudo en episodios violentos?

“Bueno, hace años éramos nosotros los que empezábamos las peleas, pero ahora ya no tomamos esos riesgos. Básicamente porque no podemos. Si le pegamos a alguien dirá ‘era el tío de ese grupo’. No pode-

DEATH FROM ABOVE

directo no suenen iguales, aunque como guitarrista, cuando veo grabaciones en vivo de Zeppelin echo de menos algunos arreglos (risas). Así que, personalmente, prefiero grabar solamente lo que luego tocaré”.

mos escaparnos (risas). Lo que le pasó a Sebs fue estar en el sitio equivocado en el momento equivocado. Yo había pasado por ese mismo lugar 15 minutos antes. Una panda de ladrones decidió asaltarle, pero me alegro de que no le apuñalaran o dispararan. Tuvo el ojo morado durante el resto de la gira, lo pasó mal, pero podría haber sido peor porque un mal golpe te puede matar. Creo que escribir una canción sobre ello le fue útil. Me gusta mucho esa canción, la verdad”. ¿Es el disco en general un comentario sobre cómo nos afecta esa histeria colectiva en la que vivimos hoy en día?

“No sé si todo el disco va sobre eso, pero desde luego escogimos el título Outrage! Is Now porque pensábamos que iba a ser un poco polémico. Tiene un tono irónico. Cuanto más sabemos y cuanta más historia conoces, más difícil es que lo que vemos en los medios nos ponga histéricos. Pero hoy en día parece que, cada pocos días, ocurra algo que deba alterarnos. Ocurren muchas cosas importantes como, por ejemplo, lo que está ocurriendo en tu país. Eso es realmente importante; sin embargo, en muchos medios se habla so-

bre cómo juega al golf Donald Trump. ¡Me importa una mierda cómo Trump juega al golf! (Risas) En cambio, me parece importante que un pueblo quiera hacer un referéndum y el gobierno se lo impida. Pero supongo que los medios no quieren hablar de eso porque es algo que, de manera subterránea, ocurre en otros países. Por curiosidad, ¿tú qué opinas de todo este tema?”. Bueno, yo soy independentista.

“Yo también. Llevo diez años yendo a Barcelona y siempre oía hablar del catalán, hasta que un día pregunté ‘¿Qué es esto de Catalunya?’. Y me dijeron ‘Es donde estás’, y yo dije ‘No, estoy en España’ (Risas), así que me interesé por el tema. En cualquier caso, espero que tengáis suerte con el referéndum. Es lo único que estoy siguiendo en las noticias. Está muy bien que los pueblos quieran hacerse responsables de su propio futuro. Tenéis todo el derecho. Si cuando vayamos a tocar a Barcelona sois un nuevo país, me compraré una bandera catalana y la pondré en el escenario. Es una bandera bonita (risas)”.

DISCO DEL MES

S INFRASOINUAK (ONLY IN DREAMS) ROCK

i alguna incógnita dejó la publicación de Denbora Da Poligrafo Bakarra hace tres años, era saber hacía donde tirarían Berri Txarrak en su próximo álbum. Aquel ambicioso trabajo en el que trabajaron con tres equipos de producción distintos para dar una personalidad diferenciada a cada uno de los tres discos que incluía, podía interpretarse como la culminación de una carrera que cumplía 20 años. En él, Gorka Urbizu, David González y Galder Izaguirre destilaron los diferentes elementos que

BERRI TXARRAK

confluyen en su sonido -a grandes rasgos, el metal, el punk, el rock alternativo y el pop- para explorarlos sin límites. El resultado fue excelente, pero imagino que cuando la banda empezó a pensar en su noveno disco la gran pregunta era ‘¿Y ahora qué?’. Pero cualquier vértigo que pudieran sentir no se aprecia en absoluto a la que escuchas Infrasoinuak. Parece claro que más que ser el resultado de un proceso intelectual o demasiado meditado por parte de los de Lekunberri, estas canciones surgieron del instinto, las tripas y el corazón. Es

algo que se percibe tanto a nivel musical como en su contenido (en mi caso traducción en mano, claro) desde que se inicia el primer tema ‘Dardararen Ba’. “9am, el café recién hecho recorre mis venas / no hay nadie en la calle y no puedo saber el porqué / el silencio es absoluto y no, esto no es una distopía: hoy es lunes y mi nombre es Gorka”, canta en euskera sobre una guitarra rasgada antes de que se le unan sus compañeros en la segunda estrofa y que el aire más stoner del principio se torne más melódico en la segunda parte de la

canción. Bill Stevenson, el mítico batería de Black Flag, All y Descendents, y con una exitosa carrera como productor de Rise Against o A Day To Remember, ha vuelto a ponerse detrás de los mandos junto a su socio Jason Livermore, como hicieran en parte del disco anterior, para capturar con máxima transparencia la energía y urgencia con las que el trío interpreta estas diez nuevas composiciones grabadas en The Blasting Room en Fort Collins, Colorado. En ellas, los textos rezuman indignación, rabia y resiliencia, pero cuando, por ejemplo, abordan la cuestión de los refugiados en ‘Zuri’ -“Dime cuántas calaveras caben entre dos continentes sin que nada estalle antes /

canciones que nos trajeron algo de calor en el invierno / todos los conciertos que he vivido contigo” canta Gorka mientras aflora su vena más Weezer- o ‘Zaldi Zauritua’ es una canción de amor con otro estribillo melódico muy logrado. Si decía que en Denbora Da Poligrafo Bakarra habían destilado sus distintas facetas, aquí vuelven a condensarlas con máxima eficacia. ‘Hokzia’, un torpedo guitarrero que va directo a la diana, la más punk ‘Sed Lex’, con un David on fire con el bajo, o ‘Infrasoinuak’ son todo lo que se espera del sonido Berri y a buen seguro harán subir la temperatura en sus futuros conciertos. Pero también hay alguna sorpresa. En la muy pegadiza ‘Spoiler!’, quizá

“ESTAS CANCIONES SURGIERON DEL INSTINTO, LAS TRIPAS Y EL CORAZÓN. ES ALGO QUE SE PERCIBE TANTO A NIVEL MUSICAL COMO EN SU CONTENIDO”

olvidamos que este pueblo también fue emigrante en otra época”- o atacan a un político “preso del cortoplacismo” en ‘Hozkia’ lo hacen con la legitimidad de una banda que siempre se ha mojado asumiendo las consecuencias. Pero a pesar de cierta percepción general, Berri Txarrak nunca han sido una banda unidimensional y así ‘Beude’ es una reivindicación preciosa de la música como cultura en la que citan salas como la Kantina de Lekunberry, el Kafe Antzoki de Bilbao o la Astra de Gernika -“Que no paren las

ahora mismo mi favorita junto a ‘Katedral Bat’, incluso se permiten incorporar unos compases de reggae que quedan de muerte y ‘Zorionaren Lobbya’ cierra el álbum con un punto de madurez que constata que este trío además de power también tiene otros recursos. Siempre da un poco de apuro tener que hacer la crítica de un grupo a quien consideras amigo, pero una vez más Berri Txarrak me lo han puesto fácil con un disco que fluye de principio a fin sin un solo bajón. No sabéis lo agradecido que les estoy. JORDI MEYA

THIS DRAMA HAS DE SABER... Asdrubal Marichal (voz), Iñaki Recio (guitarra), Fran Saavedra (guitarra), Bruno Díaz (bajo), Miguel Arimany (batería) PRODUCIDO POR: Scott Middleton AFINES A: The Bronx, Cancer Bats, Gallows PÁGINA WEB: www.thisdrama.com

FOTO: SERGIO VILLALBA

FORMACIÓN:

A SUMMER FAILURES (VENN/FAIR WARNING/GRAN SOL) PUNK ROCK

excepción del directo Vive Siempre publicado en 2015 para celebrar su décimo aniversario como banda, hacía cuatro años que no teníamos nuevo material de This Drama. Siguiendo con su tradición de presentar sus canciones en cuentagotas, su nuevo EP Summer Failures sólo contiene cinco, pero al menos es una más que en el anterior The Wasted Youth. De todos modos, premiar la calidad por encima de la cantidad no es una mala estrategia, sobre todo cuando sabes que, al fin y al cabo, éste es un país donde, por desgracia, una banda de punk rock cantando en inglés tiene el recorrido que tiene. Con eso en mente, los

tinerfeños han reclutado como productor para este nuevo trabajo a Scott Middleton, guitarrista de Cancer Bats, con los que compartieron carretera y manta en una de las giras del décimo aniversario de RockZone. Seguramente fue ahí donde se fraguó esta unión que tan buenos resultados ha dado. Porque, señores, nos encontramos a unos This Drama revitalizados con un sonido más duro y rico a la vez. Sin desviarse demasiado de ese punk hardcore con toques rockeros que les caracteriza, en estas cinco canciones encontramos algunos matices importantes. Las guitarras suenan más gruesas y rotundas y la voz de Asdrubal más amenazante, algo que

se percibe desde que arranca ‘Empty Handed’. Pese a la fuerza arrebatadora de temas como ‘Yards’ o ‘Waycross Camp’, también hay algunas partes realmente pegadizas como la melodía sinuosa de ‘Summer Failures’ o el estribillo de ‘Poverty Year’ con la voz de Danko Jones, un invitado de lujo que le da un toque muy especial a la canción. Como siempre, el gran ‘pero’ es quedarse con ganas de más, aunque, a estas alturas, es algo que ya damos por descontado. Y a decir verdad, cuando escuches el subidón de ‘Summer Failures’ con ese “Oh my God, oh my God they are fucking coming” también se lo perdonarás. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... ASDRUBAL MARICHAL Seguís con vuestra filosofía de publicar EPs. ¿Algún día veremos un álbum de This Drama?

“Posiblemente sí, pero esto dependerá, como siempre, de que se den las condiciones que necesitamos para ello. No es que odiemos los LPs, pero digamos que somos bastante exigentes en cómo debe ser para la banda la experiencia de entrar en el estudio. Hace tiempo que decidimos que, para nosotros, preparar un nuevo disco tenía que ser algo más que grabar el mayor número de canciones posibles en el menor tiempo posible para cumplir con los estándares de lo que la industria dice que debe hacer una banda. Para nosotros todo sigue siendo sobre la experiencia en sí. Desde Tarantula Mata que empezamos a viajar para trabajar con productores y estudios que supusieran aire fresco y nuevos retos

a la hora de grabar, nuestra filosofía no ha cambiado. Nos ha hecho crecer y evolucionar dentro y fuera del grupo”. Scott de Cancer Bats ha producido el disco. ¿Cuál crees que ha sido su mayor aportación?

“Diría que, principalmente, en la forma de trabajar en las canciones... simplificando conceptos y haciéndolas más directas, girando hacia la crudeza más básica del estilo, tanto musicalmente como líricamente donde, en mi caso, me empujó a ser más directo y claro a la hora de escribir como forma de conectar mucho más con quien escucha y busca un significado en las letras. Por otro lado, su forma de vivir y disfrutar los días de estudio fueron muy positivos a la hora de interpretar y grabar, cambiando la dinámica habitual a la que estábamos acostumbrados y alejándonos de la ten-

sión de una grabación para acercarnos casi más a un directo”. Comenta un poco las colaboraciones que hay en el disco.

“Con todo el final del proceso de grabación llevándose a cabo en Toronto, era lógico que las colaboraciones acabaran siendo un Canadian all-stars. La colaboración más destacada es la de Danko Jones en ‘Poverty Year’, que se hace cargo de los estribillos. Por otro lado, un solo de guitarra de Scott también se hacía bastante obligado, así que acabamos cuadrándolo en la mitad de ‘Summer Failures’. Liam de Cancer Bats me acompaña doblando las voces en los pre-estribillos de ‘Empty Handed’ y también junto a Scott y Jaye, también de Cancer Bats, hacen prácticamente todos los coros”. (JORDI MEYA)

WEEZER

Pacific Daydream (CRUSH) POP

ivers Cuomo nos la ha vuelto a meter. Si hace tres años pedía perdón a sus fans por haberse desviado del camino y prometía en el single ‘Back To The Shack’ volver a rockear “como si fuera 1994” y abría un ciclo de lo más positivo con el glorioso Everything Will Be Alright In The End y el notable The White Album, ahora le ha dado por hacer un giro de 180º y volver a tirarse de cabeza al pop más comercial de Ratitude. Incluso más. Da hasta pena ver cómo para él Weezer es un artefacto con el que puede jugar a su antojo sin tener ninguna consideración por sus compañeros de grupo. A todos los efectos,

Pacific Daydream podría haber sido un trabajo en solitario: el disco se grabó sin que los miembros de Weezer estuvieran ni una sola vez juntos en el estudio, con el productor Butch Walker grabando cada instrumentista por separado y añadiendo todo tipo de bases y arreglos que nada tienen que ver con la esencia del grupo. Para rematarlo, la mayoría de temas se compusieron a través de una fórmula maquinada por Cuomo uniendo partes y letras acumuladas durante años en hojas de Excel. Muy triste todo. Pero pese a que cuando suenan ‘Happy Hour’ o ‘La Mancha Screwjob’, malas a rabiar, me dan ganas de romper el carné de socio, no puedo negar que hay algo en sus canciones que me sigue atrapando. El riff arena rock de ‘Mexican Fender’, el estribillo melancólico de ‘Weekend Woman’ (si te suena al Green Album es porque es un descarte de esa época), el toque a lo Phil Spector de ‘Sweet Mary’ y hasta incluso ese homenaje titulado ‘Beach Boys’ que suena más a Twenty One Pilots que a Brian Wilson, me hacen conservar la esperanza de que no todo está perdido. Santa paciencia. JORDI MEYA

MASTODON

Cold Dark Place (WARNER) METAL PROGRESIVO

ucho se habló durante la previa a la salida del séptimo trabajo de Mastodon sobre la posibilidad de que éste acabase resultando un doble álbum. El guitarrista Brent Hinds comentaba que tenía varias canciones escritas por su cuenta al margen del resto de sus compañeros y que éstas tenían un tono mucho más oscuro. Finalmente ese material, o al menos parte de él, ha visto la luz tan sólo un par de meses después sirviendo de complemento perfecto a Emperor Of Sand. Y es que las cuatro piezas que contiene Cold Dark Place son una delicia que certifica las buenas

sensaciones que ya nos dejaron hace unos meses. Aunque tres de los temas provienen de las sesiones de Once More ‘Round The Sun, el sonido y la producción van más en consonancia con el trabajo de Brendan O’Brien, recordando sobre todo las texturas progresivas que ya exploraron en el grandioso Crack The Skye. Así pues ‘North Side Star’ nos recibe con detallados arreglos acústicos y teclados, muy en la onda de ‘The Czar’ y con un Hinds que cobra un protagonismo total tanto a las voces como en unos solos donde impone su ley. Mismos derroteros sigue ‘Blue Walsh’ con una insistente y etérea melodía que se hace irresistible. ‘Toe To Toes’ es las más accesible por su clara decantación más melódica y luminosa, aunque consiguen resolverla con solvencia. La propia ‘Cold Dark Place’ echa el cierre con sabor acústico y culminando con otro solo de guitarra de Hinds para enmarcar. Había quienes pensaban que Mastodon ya habían dado lo mejor de sí, pero este año se han empeñado en demostrar que todavía hay que seguir contando con ellos. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

AUDIOLEPSIA Muses

(ALOUD/DUNK!) ROCK INSTRUMENTAL

espués de un primer largo titulado Principio De Incertidumbre, Audiolepsia presentan un segundo LP con un título en inglés tan sugerente como Muses. Y entiendo la jugada. Con este nuevo trabajo de rock instrumental el cuarteto tiene motivos para pensar en otros mercados, en cruzar fronteras y, en definitiva, soñar. El segundo trabajo de los catalanes es superior, empezando por el continente, un artwork precioso con un punto onírico firmado por la artista vietnamita Khoa Le. El contenido, las siete canciones que incluye, acompaña. Todas llevan el nombre de una mujer, de una de las musas de la banda. La inicial ‘Beatrix’, por ejemplo, hace referencia a Beatrix Kiddo, la novia de Kill Bill, y se encarga de destapar el disco con una fuerza apabullante, un post rock hercúleo de la escuela Toundra. El personaje principal del manga y anime Ghost In The Shell da nombre a la épica ‘Motoko’,

otro de los momentos más volcánicos del disco. Entre las siete escogidas no sólo hay heroínas y féminas de armas tomar. El título de mi favorita ‘Satine’, por ejemplo, un tema muy efectivo cuyo estribillo transmite felicidad y algo de frivolidad, está sacado de Moulin Rouge. Detalles como las introducciones de algunos temas, encargadas de presentar a las protagonistas, redondean un disco hecho con pocos medios pero mucho mimo. Y no desvelo la identidad de más musas. Buscad el álbum, pegadle una escucha e intentad averiguar quién es quién en cada corte. LUIS BENAVIDES

B BECK

Colors (UNIVERSAL) POP

eck tiene muchas caras y casi todas me gustan. La última que nos había mostrado era la de cantautor intimista en el aclamado Morning Phase de 2014, pero ya se sabe que el prestigio no da de comer y, en su decimotercer álbum, el californiano apunta a querer volver a tener una relevancia comercial como logró en los 90 con hits como ‘Loser’ o ‘Where It’s At’. Colors es un disco descaradamente pop, su trabajo más animado desde Midnite Vultures, viene firmado por el productor de moda Greg Kurstin (Adele, Foo Fighters) y contiene temas que en manos de bandas como Foster The People o Walk The Moon seguro que encontrarían su lugar en las playlists de millones de jóvenes. Pero teniendo en cuenta que no hay ningún estilo que discrimine más por la edad que el pop, ¿tiene posibilidades de que

PEARL JAM

Let’s Play Two (MONKEYWRENCH/UNIVERSAL) ROCK, DVD

e todos los DVDs que han editado Pearl Jam, Let’s Play Two debe ser el más peculiar de la colección. Grabado durante los dos históricos conciertos que los de Seattle ofrecieron las noches del 20 y 22 de agosto del pasado 2016 en el Wrigley Field, la película trata la relación entre la banda y los Chicago Cubs. Una de las franquicias de baseball más populares del deporte americano, a pesar de haber estado 108 años sin ganar un solo título (la sequía más larga en cualquier equipo profesional de Estados Unidos). Bajo la dirección de Danny Clinch y con

el público de esos artistas se interese por un músico de 47 años? Lo dudo. Pero al contrario de lo que le pasa a Rivers Cuomo, Beck resulta más creíble cuando le da por jugar con bases electrónicas y sonidos de laboratorio, probablemente porque siempre han formado parte de su ADN. Kurstin, quien había formado parte de la banda en directo de Beck, le ha ayudado a dar ese toque de ‘rabiosa actualidad’ a canciones como ‘Up All

Night’ o ‘No Distraction’, con ese aire a Police. Podrá echársele en cara que, en lugar de un paso por delante, aquí va a remolque, o que sólo en ‘Wow’ se intuye ese punto excéntrico que solía acompañarle, pero escuchando la deliciosa ‘Dear Life’, que recuerda al Elliott Smith más Beatle, la luminosa ‘Dreams’ o la guitarrera ‘I’m So Free’, al menos yo, estoy dispuesto a perdonárselo.

Eddie Vedder (originario de Chicago y fan declarado de los Cubs) como maestro de ceremonias, nos sumergimos en la mágica temporada en la que consiguieron conquistar las Series Mundiales tras imponerse a los Cleveland Indians en una espectacular remontada. Durante la película se nos muestra la historia, tradiciones y mitología del club de una manera que hasta los más alérgicos a cualquier tipo de deporte podrán llegar a disfrutar. Y, cómo no, también el directo que sirve como hilo conductor de forma perfectamente introducida y recogiendo toda la magia de un concierto

de Pearl Jam. De sobras es conocida su fiabilidad encima de un escenario, así que mencionar que las interpretaciones de clásicos como ‘Better Man’, ‘Black’, ‘Given To Fly’, ‘Release’, ‘Corduroy’, ‘Alive’ o ‘Inside Job’ alcanzan una intensidad desmesurada, es algo tan reiterativo como cierto. Incluso la simpática ‘All The Way’ en forma de himno que Vedder dedica al equipo de sus amores es una pequeña maravilla. Confiemos en que la mala racha para verles de nuevo en nuestro país finalice en 2018... O que al menos nos consuelen sacando un discazo en estudio.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

AMENRA Mass VI

(NEUROT RECORDINGS) SLUDGE METAL, POST METAL

l tiempo les ha dado la razón y hoy en día Amenra son uno de los combos más venerados del sludge, post metal, doom, post hardcore y todo lo que ustedes quieran añadir. A su favor, ruidosísimos shows que dejan a sus audiencias atónitas, totalmente rendidas a su bombardeo de luces y decibelios, y, claro está, esa incesante marea de lanzamientos que no afloja desde que debutaran en 2003. Porque éste es su sexto álbum, pero la cantidad de splits, EPs y directos que tienen en su currículum roza la

incontinencia discográfica. Con lentitud va despegando ‘Children Of The Eye’ hasta que estalla en un magma de guitarras que simplemente te sepulta, y qué decir del lamento al micro de Colin H. van Eeckhout… Tremenda la angustia que consigue transmitir el vocalista, pero también son remarcables las distintas voces claras que pueblan el álbum, consiguiendo colorear también esta tormenta de sentimientos con sosiego y quietud. Organizando el disco a base de temas e interludios, ‘Plus Près De Toi’ se erige como un alarido en todo su recorrido, una llamada de auxilio que no duda en abrazar cualquier forma de expresión para hacerse oír. De muy cerca le sigue ‘A Solitary Reign’, que viene a ser un libro abierto a sus corazones desgarrados. En sus apenas 40 minutos, igual a los belgas les ha faltado rematar la faena con algún otro tema incontestable, pero si te preguntas cómo debe sonar la mayor de las sensibilidades mezclada con la densidad más alta posible, tu respuesta sigue llamándose Mass VI. PAU NAVARRA

GUADALUPE PLATA

Guadalupe Plata (EVERLASTING) BLUES ROCK

ntentar introducirse en la música de este trío andaluz es harto complicado. Cuando te dicen que hacen blues y los escuchas, te descolocan, porque lo suyo no es, ni por asomo, una variedad genérica encasillada en los patrones más representativos del estilo. Su retorcida personalidad y su original propuesta hace que el blues quizás sí sea la base de su sonido, pero después búscate la vida, arriésgate a rascar la superficie y no te asustes de lo que te puedas encontrar dentro del caparazón de una formación tan interesante

como única en su especie. Cuarta entrega ya donde inciden en ese inclasificable y macabro sonido que lo mismo te ofrece una preciosa versión del ‘Qué He Sacado Con Quererte’ de la cantautora chilena Violeta Parra que un tema tan asfixiante como ‘Almería’, donde parece que quieren hacerte viajar hasta los sofocantes y áridos desiertos del sur. No esperes singles, ni siquiera canciones al uso; sus temas son como mini bandas sonoras pensadas para hacerte volar y descubrirte sensaciones, no todas ellas agradables. ¿Cómo definir la siniestra belleza de ‘Miedo’? ¿Y la instrumental ‘Navajazo’? Imposible no escuchar esa tétrica tonada y no imaginártela como base musical en un thriller de terror psicológico. Por eso no hagáis como la mayoría y os enfrentéis a la música de estas mentes perversas con ideas preconcebidas. Hacedlo con los sentidos agudizados, dispuestos a dejaros sorprender. Si lográis penetrar en su mundo tendréis un alucinógeno y placentero viaje asegurado. ANDRÉS MARTÍNEZ

PROPAGANDHI Victory Lap (EPITAPH) HARDCORE MELÓDICO

in llegar a los extremos de Tool, ser fan de Propagandhi es una putada. Si ya de por sí es complicado cazarles sobre un escenario (al menos por aquí), también hay que añadir las largas esperas a las que nos someten entre discos. Para nuestra suerte, el resultado siempre suele estar por encima de lo esperado y Victory Lap continua esa tradición. Hace ya tiempo que los canadienses traspasaron los límites del hardcore melódico y el punk rock añadiendo elementos del metal más técnico para convertirse en un grupo único que ha servido de inspiración a otras bandas como A Wilhelm Scream o Protest

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The Hero. En cualquier caso, ya sea por los nuevos aires que haya podido traer la incorporación de la guitarrista Sulynn Hago o por cualquier otro factor, lo cierto es que nos encontramos ante uno de sus trabajos donde los riffs cobran más importancia que nunca. Basta escuchar el hard rockero corte que da nombre al álbum (donde escuchamos a Chris Hannah mantener una conversación ficticia con Dios) o ‘Failed Imagineer’ para darse cuenta de que han vuelto con toda su esencia y peculiar sentido del humor intactos. Pero cuando toca ponerse serios de verdad como en ‘Comply/Resist’, ‘Letters To A Young Anus’ e ‘In Flagrante Delicto’, se convierten en una verdadera apisonadora a la hora de conjugar esos riffs matadores con unos ritmos trepidantes capaces de encandilar tanto a fans de Bad Religion como de Slayer. Y es que hasta adentrándose en terrenos más progresivos como el cierre de ‘ Adventures In Zoochosis’ con sampler de Trump incluido, Propagandhi siguen siendo los putos amos. GONZALO PUEBLA

WILLIAM PATRICK CORGAN Ogilala (BMG) FOLK

ientras los fans de The Smashing Pumpkins siguen esperando que se confirme de una vez la reunión de su formación original, Billy Corgan sigue a la suya publicando su segundo disco en solitario, aunque primero firmado con su nombre completo, William Patrick Corgan. Esta decisión que podría parecer banal, tiene un sentido más profundo una vez se escucha el álbum. En Ogilala, Corgan presenta su versión más adulta y también más vulnerable. Por lo visto fue Rick Rubin, quien aquí ejerce de coproductor, quien le sugirió dejar estas canciones lo más desvestidas posible tras escuchar las maquetas que le presentó

el músico. Supongo que el célebre productor buscaba un efecto parecido al que consiguió en su día con Johnny Cash o Neil Diamond con resultados brillantes. Pero claro, existe un pequeño problema: la voz de Corgan no tiene el cuerpo ni la entidad de esos venerables artistas. Su tono agudo funcionaba de maravilla rodeado de distorsión porque le ayudaba a destacar, pero aquí, convertida en el elemento principal con el acompañamiento de una guitarra acústica, un piano y algún arreglo de cuerda, saca a relucir todas sus limitaciones como intérprete; su exceso de nasalidad puede resultar hasta cargante. Tampoco la poca variedad sonora juega a su favor, más considerando que casi todo el repertorio está formado por baladas. Dicho esto, lo que expone Ogilala es su capacidad, sobradamente demostrada, como autor de buenas canciones. Corgan sabe crear buenas melodías y combinarlas con los acordes adecuados para conseguir momentos tan bellos como ‘The Spaniards’, ‘Amarinthe’ o ‘Mandarynne’ en un disco que es puro otoño. JORDI MEYA

LIAM GALLAGHER As You Were (WARNER) ROCK

ver si resulta ahora que el bueno va a ser Liam. Eclipsado durante los primeros y gloriosos días de Oasis por el talento compositivo de su hermano Noel, esa figura chulesca de la que siempre hizo gala Liam Gallagher no jugaba mucho a su favor en lo que a prestigio se refiere. Durante muchos años parecía que lo único que le importaba era la fiesta, liarla gorda y engrandar su imagen de hooligan garrulo. Pero el tiempo lo ha ido poniendo en su lugar. En el mundo post Oasis, la figura de Noel se ha ido marchitando con discos y directos correctos pero poco más –una voz tan lineal como la suya

tampoco ayuda muchoy, en cambio, la carrera de Liam ha sido mucho más interesante, ya sea junto a los infravalorados Beady Eye o con este debut en solitario, que seguramente es el disco más satisfactorio que ha hecho cualquiera de los hermanos tras la disolución de la banda. Pese a que hay que tomar todo lo que dice con cautela, Liam ha declarado que éste es su último cartucho y que si no funciona, dará por finiquitada su carrera. Difícil de creer, pero es cierto que As You Were es un álbum con todo lo que el menor de los Gallagher puede ofrecer. Aunque puede que falte un hit de ésos redondos, que pocos como él saben cantar, aquí encontramos unas cuantas canciones (‘Wall Of Glass’, ‘Bold’ o ‘Universal Gleam’) que, al menos, nos han quitado esa sensación urgente de querer ya la reunión de Oasis. Liam parece haber entendido mucho mejor lo que significa editar música bajo el apellido Gallagher y esto es más que un prometedor punto de partida. Ni que, pradojicamente, pueda ser un punto final. RICHARD ROYUELA

ROAM

Great Heights & Nosedives (HOPELESS) POP PUNK

lama la atención que mientras en Estados Unidos las bandas de pop punk más establecidas cada vez se orientan más hacia el pop a secas, en Reino Unido no paran de surgir nuevos grupos que se aferran al libro de estilo escrito hace veinte años al otro lado del Atlántico, como Neck Deep o quienes nos ocupan, ROAM. El quinteto de Eastbourne irrumpió a principios del año pasado con un debut como Backbone, que a pesar de no ser la repera, les valió para conquistar el corazón de un buen puñado de chavales. Dada su juventud, la aparición de su segundo álbum se

convertía en una especie de examen para ver si estos alumnos progresaban adecuadamente o no. El veredicto es positivo. Great Heights & Nosedives supone un paso adelante en todos los aspectos: suena mejor, las interpretaciones muestran más recursos y las canciones están más trabajadas. Buenos ejemplos de ello son ‘The Rich Life Of A Poor Man’, ‘Playing Fiction’ o la semi balada ‘Curtain Call’. Si algo necesita un grupo de pop punk son buenas melodías y estribillos memorables, y aquí hay unos cuantos propulsados por la interacción vocal entre Alex Costello y Alex Adam, una de sus señas diferenciales. Aunque también hay algunos temas que bajan el nivel como las genéricas ‘While The World Keeps Spinning’ o ‘Home’. Naturalmente se les siguen notando las influencias de los primeros All Time Low, Simple Plan o Sum 41, pero al menos no suenan como una simple fotocopia. Si en 18 meses han sido capaces de crecer así, es muy posible que en el futuro nos sorprendan aún más. JORDI PONS

XAVIER CALVET Firebird (BCORE) ROCK AMERICANO

or mucho que su música tienda hacia sonidos un poco más amables y melódicos, todos tenemos en cuenta que a los chicos de Bullitt les pirra el punk rock. Lo que quizás no todo el mundo sabía hasta ahora es que en el corazoncito de su líder y alma mater, Xavier Calvet, también había hueco para ese country folk alternativo tan deudor de los 90, también conocido propiamente como americana. Su debut en solitario es por tanto toda una grata sorpresa, donde Xavi declara su amor por bandas como The Jayhwaks, Wilco, Cracker o Ryan Adams, por citar algunas referencias. Rodeado de un puñado de

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buenos amigos y bajo la batuta del maestro Santi GarcIa a la producción, se ha tomado su tiempo para registrar un álbum al que se le nota el cariño dedicado en cada una de las composiciones. Ya desde la sobrecogedora ‘The Grey Lane’ (dedicada al tristemente fallecido Ferran Bonet, bajista de Bullitt) interpretada en solitario, intuimos que el común denominador siguen siendo las bonitas melodías vocales que esta vez brillan con más luz que nunca. El acompañamiento instrumental, ya sea en temas más animados a la par que redondos como ‘Say Stop’, ‘Lovelight’, ‘Little Girl’ (ésta algo más rústica) y la indie ‘Summer Promotion’, o contenidos y emocionantes, casos de ‘Be With You’ y ‘Up All Night’, es en cualquiera de los casos excelente y con un detalle en los arreglos cuidadísimo. En el apartado lírico, Calvet aborda asuntos como la amistad, las relaciones personales o la fragilidad del paso del tiempo. Sea como sea, Firebird se presenta como un compañero ideal para estas tardes de otoño que están por llegar. GONZALO PUEBLA

DEADYARD

The Monkey Monggah EP (AUTOEDITADO) ROCK

éstos aún les va a salir bien la jugada. Formado por parte de la flor y nata de la escena rockera barcelonesa –y no nos referimos tan sólo a su pedigrí como músicos forjados en bandas como Cannibal Queen, The Rippers o ’77-, los componentes de Deadyard son esa clase de especímenes, dicho con todo el cariño, que te los puedes encontrar en cualquier sarao de la Ciudad Condal donde el rock’n’roll sea el protagonista. No es casualidad que en la portada de este EP de presentación salga en la foto Antonio, el jefazo

de la sala Rocksound, y que su primer vídeo esté grabado en el Pyscho, de los poquísimos bares de rock que sobreviven en la capital catalana. Vamos, los dos templos de la ciudad inmortalizados de un plumazo. Eso es ya una demostración de actitud. Pero también lo son los seis temas que componen este debut. Es cierto que la banda se ha hecho con fines de pasarlo bien y que las cosas no son nada fáciles (¡Y menos en Barcelona!) para un grupo como el suyo, pero lo de Deadyard puede ir seguramente más lejos de lo que ellos mismos habían pensado. No encajan en ningún estilo, ni falta que les hace. Pueden ser clasificados como hienergy rock, punk rock, hard rock de alto voltaje o todo lo contrario, aquí sólo se trata de poner el ampli al 11 y crear himnos de los de puño en alto y de cerveza en mano. Y es que es oír canciones como ‘The Boys Are Out’ o ‘Migraine Boy’ para que de repente te venga ese olor de ropa impregnada de tabaco y alcohol, síntoma inequívoco de que la noche se ha aprovechado al máximo. ¡Atentos! RICHARD ROYUELA

THE BLOODY BEDROOTS

The Great Electronic Swindle (LAST GANG/PIAS) ELECTRÓNICA, ROCK

he Bloody Bedroots ya habían mostrado su amor por el rock fichando a Dennis Lyxzén de Refused, de quienes remezclaron genialmente su ‘New Noise’, y Tommy Lee de Mötley Crüe para algunas actuaciones en directo. Pero en su tercer álbum, Sir Bob Cornelius Rifo, el DJ italiano afincado en Los Ángeles y mandamás del proyecto, lo ha llevado más lejos que nunca, empezando por ese guiño a los Sex Pistols en su título. El elenco de invitados que aparecen en los créditos dice mucho de su poder de seducción y también de su buen gusto. Porque está claro que Rifo no se ha limitado

a mirar quién estaba triunfando en las listas o quién le podía reportar una mayor exposición mediática, sino que ha contado con artistas que verdaderamente le interesan. Sólo así se explica que por aquí encontremos a Jason Butler de los desaparecidos letlive., ahora en The Fever, o a Eric Nally de Foxy Shazam. Viendo el listado, casi se podría deducir que Rifo es lector de RockZone. De igual manera, es de suponer que la mayoría de quienes nos leen no son grandes aficionados al EDM, pero como a todo el mundo le gusta pasarlo bien, si algo os puedo asegurar es que The Great Electronic Swindle os sorprenderá y divertirá. Obviando algún tema más comercial como ‘Memories’ con Crywolf o el fallido ‘Irreversible’ con Anders Fridén de In Flames, el álbum está repleto de momentos excitantes como ‘All Black Everything’ con Gallows, ‘Drive’ con Deep Vally, ‘Pirates, Punks & Politics’ con Perry Farrell y Lee, ‘Nothing But Love’ con Jay Buchanan de Rival Sons o ‘My Name Is Thunder’, una caricatura de AC/DC con Jet, o esa explosiva ‘Crash’ con Butler. MARC LÓPEZ

SILVERHEAD Silverhead (VINILÍSSSIMO) ROCK

ilverhead fueron un caso más de banda que tenía que haber llegado mucho más lejos y que no lo consiguió por, seguramente, ser demasiado adelantada a su tiempo. Comandados por esa figura de culto llamada Michael des Barres –esposo de Pamela des Barres, la groupie más famosa de la historia, por si a alguien le interesa el dato-, Silverhead lo tenían todo para triunfar. Emparentados dentro de la escena glam, como bien demuestra este debut editado en 1972, su sonido no acababa de encajar dentro de lo que un fan del glam esperaba en aquellos tiempos. Con una imagen

más cercana al travestismo de unos New York Dolls, su música repleta de heavy rock de alto voltaje y con ese virtuosismo inherente al género, poco encajaba con lo que en aquellos días estaban haciendo bandas como Slade en su natal Inglaterra, reventando listas con canciones directas y simples. Por otro lado, tampoco tenían suficiente en común con el glam más sofisticado de un Bowie completamente mutado en su personaje de Ziggy Stardust. Sus temas sonaban más duros de lo que podía esperarse por sus pintas. Una incómoda tierra de nadie que necesitó unos cuantos años para que se reconociese el valor de un disco, y de una banda que, para su desgracia, llegó demasiado tarde, cuando ya se habían separado hacía años. Canciones como ‘Rolling With My Baby’, ‘Long Legged Lisa’ o ‘Rock N Roll Band’ podrían ser hoy clásicos de ésos que suenan sin parar en radiofórmulas tipo Rock FM, pero ya sabemos lo caprichoso que es el mundo de la música. Pese a todo, nunca es tarde para descubrirlos. RICHARD ROYUELA

C ALL PIGS MUST DIE Hostage Animal (SOUTHERN LORD) CRUST, HARDCORE, GRINDCORE

on Kurt Ballou empieza a ocurrir lo mismo que con el mítico Scott Burns: apenas escuchar unos segundos de cualquier obra, sin haber leído siquiera los créditos, y no tener ninguna duda de que él ha estado detrás de esa producción. Efectivamente, lo más remarcable de Hostage Animal, el retorno discográfico de All Pigs Must Die tras cuatro años de silencio, es ese ofensivo sonido que les ha logrado el capo de GodCity Studio. Así, de apaleamiento proporcional y proporcionado puede catalogarse ese inicio con el tema homónimo, pero lo reitero: lo que hace de la segunda ‘A Caustic Vision’ un bofetón a mano abierta es todo ese pesadísimo lodo arrastrándote con su corriente. Pantanosa, pero en términos sludge, también es ‘Slave Morality’, que baja

F JD McPHERSON

Undivided Heart & Soul (ROUNDER) ROCK’N’ROLL

uimos muchos los que tuvimos que frotarnos los ojos hace dos años ante una obra del calibre de Let The Good Times Roll. Parecía casi un milagro que JD McPherson no sólo hubiese sido capaz de superar un debut tan bueno como Signs & Signifiers, sino que además lo hiciese escapando de la etiqueta revival que se le colgó dándole a su música una visión actual al mismo tiempo que demostraba un conocimiento del lenguaje del rock’n’roll más clásico a la altura de los grandes maestros. Teniendo en cuenta lo que tardó en sacar adelante semejante discazo, sorprende que no

los tempos entre guitarras que parece que vayan a explotar de un momento a otro, y que la batería de Ben Koller será otra de las razones que expliquen tu pérdida auditiva se encarga de certificarlo la siguiente ‘End Without End’. ‘Blood Wet Teeth’ no puede ser más primitiva y carcamal, y entre resonancias tan sumamente abrasivas, uno no puede más que flipar con ella, y lo mismo puede aplicarse

a la algo menos agresiva ‘Moral Purge’. De todas formas, por mucha clase que atesoren ‘Cruelty Incarnate’ o el tramo final de ‘Heathen Reign’, musicalmente debe exigirse más a una banda que cuenta con miembros de Converge, Bloodhorse o Trap Them, aunque está claro que Ballou se reivindica, por enésima vez, como el más grande tratando este tipo de propuestas.

le haya llevado tanto tiempo el darle continuación. Tampoco sabría decir si el espacio temporal entre uno y otro habrá tenido que ver con el resultado final, pero debo apuntar de entrada que Undivided Heart & Soul no supone un salto tan grande. Esto no significa que no estemos ante una nueva clase magistral de cómo mezclar lo añejo y lo contemporáneo por parte del de Nashville. El tridente inicial encandila de primeras con una ‘Desperate Love’ que entra sola, ‘Crying’s Just A Thing You Do’ sorprende con ese solo alucinante tirando de cuerda gorda y ‘Lucky Penny’ es un señor single con ese deje a The

Black Keys tan bien traído. Las revoluciones bajan a partir de aquí, acercándose al pop más clásico en ‘Undivided Heart & Soul’ o ‘Under The Spell Of City Lights’, aunque no tardará demasiado en recuperar el pulso a base del rockabilly en ‘Bloodhound Rock’ y el ritmo nervioso de ‘Style (Is A Losing Game)’, para acabar bordando la balada marca de la casa en ‘Jubilee’. Razones suficientes para seguir creyendo en lo que el bueno de JD nos pueda ofrecer en el futuro. Una figura tan atítipica como necesaria para darle un poco de color a la escena musical.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

THE HORRORS V

(CAROLINE) ELECTROPOP

ace ya diez años del debut de garaje primitivo de The Horrors (Strange House sigue siendo mi favorito), y de aquel concierto tenebroso y rabioso de madrugada en Razzmatazz (la misma gira en que su concierto en Madrid acabó con una bola de discoteca rota y heridos en la Moby Dick). Cada disco que han sacado desde entonces ha sido un giro de guión inesperado, y este quinto álbum sigue esa senda. Bajo la producción de Paul Epworth (U2, Bloc Party, Adele…), Faris Badwan y compañía se han sacado de la manga un disco que

navega entre sintetizadores y oscuras atmósferas que van desde el electropop de los 80 a sonidos industriales. Ese inicio con ‘Hologram’ parece estar metiéndote en una obra de Nine Inch Nails, pero cada canción va añadiendo nuevos matices a un álbum diverso pero homogéneo. ‘Press Enter To Exit’ introduce sonidos bailables en slow motion, ‘Machine’ se mete en paisajes dark pop ochentero (he recordado a She Wants Revenge), ‘Ghost’ o ‘Weighed Down’ bajan revoluciones, ‘Point Of No Reply’ es de las más inmediatas y accesibles del disco, y en ‘Gathering’ aparece una acústica y toques algo más pop, pero sin rechinar. Por su parte, ‘World Below’ recupera fiereza y sintetizadores al servicio de una melodía cautivadora, ‘It’s A Good Life’ te hipnotiza en la tiniebla y ‘Something To Remember Me By’ es un álgido fin de fiesta para bailar vestidos de negro. Un disco que crece con cada escucha y que demuestra que, hagan lo que hagan, siempre es como les da la gana. Y encima saben hacerlo bien. IGNASI TRAPERO

INTEGRITY

Howling, For The Nightmare Shall Consume (RELAPSE) METAL

n el año 2001 Integrity publicaban con Victory Records Closure, un disco que representaba el cierre de una etapa. He recuperado la nota de prensa que recibí entonces y ponía: “Este álbum es la visión más oscura hasta la fecha sobre el mundo que nos rodea”. 16 años después no esperaba tener la oportunidad de reseñar un nuevo trabajo de Integrity, pero os puedo asegurar que Howling, For The Nightmare Shall Consume es una visión todavía más oscura que aquélla.

Decimosegundo álbum para los de Cleveland, se trata de una obra ambiciosa y compleja ya que contiene 14 composiciones rozando varias de ellas los 7 minutos de duración (‘Serpent Of The Crossroads’, ‘Unholy Salvation Of Sabbatai Zevi’ o la que da título al disco). En prácticamente todos los cortes suenan varios solos de guitarra pero, lo que no es costumbre en mí, debo reconocer que la mayoría de ellos están bien justificados. Los fans del hardcore que no esperen encontrar aquí otro Systems Overload porque, después de casi 30 años en el mundo de la música, Dwid Hellion y compañía parecen querer reivindicarse como unos iconos del metal más apocalíptico. Que el álbum lo edite Relapse les va como anillo al dedo a los reyes del Holy Terror: afinación grave de las guitarras, jugueteo con el death metal y letras sobre temas siniestros y cultos religiosos (‘Blood Sermon’). Especial atención merecen los espeluznantes cuentos de terror recitados en clave de spoken word en ‘7 Reece Mews’ y ‘Viselle De Drac’. JORDIAN FO

H NO USE FOR A NAME

Rarities Vol. I: The Covers (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

ace bien el bueno de Fat Mike en rebuscar en los archivos de No Use For A Name para intentar exprimir al máximo el legado de Tony Sly. Fuimos muchos los que lloramos su pérdida en el año 2012, así que cualquier oportunidad de escuchar un disco nuevo de la banda es bienvenida, ni que sea con material ajeno. En este caso, Rarities Vol. I: The Covers ofrece 13 versiones que el grupo de San José había grabado a lo largo de su carrera: The Misfits, Social Distortion, Kiss o The Pogues son algunas de las bandas que pasan por el tamiz punk rock melódico de No Use For A Name. La mayoría de las canciones que suenan en el CD son auténticas maravillas de la reinterpretación: ‘Turning Japanese’, ‘Selwyn’s Got A Problem’, ‘Badfish’, ‘Making Our Dreams Come True’,

D KADAVAR

Rough Times (NUCLEAR BLAST) HARD ROCK

ebo admitir que lo mío con Kadavar es una de esas extrañas relaciones de amor/odio. Sobre el papel su música reúne todos los ingredientes para volverme loco, pero a la hora de la verdad no me parecen merecedores de toda la atención mediática que reciben. Para su cuarto esfuerzo, las melenas y barbas mejor cuidadas de toda Alemania profundizan en la senda que ya abrieron de manera tímida en Berlin con la intención de dar algo más de profundidad a su propuesta. La primera parte de Rough Times se basa en sus señas de identidad con

‘1945’… Como sorpresas agradables destacaría ‘I’ve Heard’, un pildorazo de hardcore old school original de Dag Nasty en el que Tony Sly demuestra que podría haber sido un gran cantante de la vieja escuela (si hubiese querido), y ‘Enjoy The Silence’, popular hit de Depeche Mode que el grupo californiano lleva perfectamente a su terreno guitarrero. Sin duda se trata de los dos temas con los que

más he disfrutado, aparte de volver a escuchar la grandísima ‘Beth’ de Kiss, versión que incluyeron como hidden track al final de su disco de 1997 Making Friends. La única que creo que desentona con el resto es ‘Don’t Cry For Me Argentina’ del musical Evita; si ya la canción original me parece bastante horrible, Tony Sly y compañía no acertaron con el tempo.

esos riff machacones ahora con extra de distorsión en ‘Rough Times’, ‘Into The Wormhole’ y ‘Skeleton Blues’, levantando esa muralla sónica característica del power trio germano. Lo verdaderamente interesante empieza a partir de un corte más psicodélico y tenebroso como es ‘Tribulation Nation’, al que le seguirán otros como el medio tiempo pseudo hippie ‘You Found The Best In Me’ o la ambiental ‘A L’Ombre Du Temps’. Pero aunque se aprecia el esfuerzo por explorar nuevos terrenos, a Kadavar les sigue faltando el ingenio y la capacidad para llevar sus ideas a un

nivel donde se puedan traducir en canciones realmente dignas de destacar. Al menos con ‘The Lost Child’ sí que consiguen firmar un tema interesante y bien desarrollado con un cierre de lujo gracias a esa outro con whistle incluido. Lástima que luego destrocen la cover de ‘Helter Skelter’ de los Beatles con una producción tan pobre, cuando en sus últimos directos suele ser un verdadero pepino. Progresan adecuadamente, pero para llegar a la excelencia de Graveyard o Witchcraft aún les queda. ¿Lo conseguirán?

JORDIAN FO

GONZALO PUEBLA

ARCH ENEMY Will To Power (CENTURY MEDIA) MELODIC DEATH METAL

a buena noticia es que Arch Enemy han dejado de explotar su fórmula y de plagiarse a sí mismos, la mala es que han pasado a copiar a los demás. Y lo digo así, en plural, porque nos encontramos con un conjunto de clichés que no dejan espacio a su personalidad. Hay que esforzarse mucho para hacer un copy paste estilístico tan mal emparejado, tan facilón y falto de carácter. Parece que Arch Enemy se han cansado de pertenecer a ese margen de bandas que siguen en segunda línea y van a por el premio gordo por el camino fácil: crear canciones sencillas, de consumo rápido y agradables para el oído no acostumbrado al metal

extremo. Para conseguir esto la fórmula es más o menos de manual: repetir patrones, aplicar riffs que nos recuerden a hits de antaño, machacar melodías coreables aunque la canción no lo pida… Aunque hay que atribuirles una novedad: incluir frases de Mr. Wonderful. Gracias Alissa y compañía, sin vuestros consejos de autoayuda no podría haber tirado para adelante con mi vida. Me indigna tanto que de las manos de Michael Amott y Jeff Loomis puedan salir riffs tan anodinos (algunos denunciables por violar algún derecho humano) que no sé cómo he podido darle varias vueltas a este trabajo sin romper nada a mi alrededor. Sin embargo, este disco tiene algo realmente bueno, algo que parece que empieza a ser una tendencia en el género, que es el abandono de las sonoridades plasticosas y mecánicas que llevan acompañando sus obras durante una década en favor de un sonido más orgánico, controlado pero lleno de cierto grano analógico que hace que la experiencia sea algo más agradable. Uno de los peores álbumes del año sin duda. ABEL VALDELVIRA

MUERT

Ye Canariae Abezan (HAMMERHEART) WAR METAL

a primera vez que vi a los tinerfeños Muert en directo, me enamoraron. Qué cosa tan cazurra, menudo encanto… Por supuesto, les compré su Ahul Xaxo de 2015, una obra que, sin duda, el presente Ye Canariae Abezan se zampa de un bocado. Su fichaje por un sello de culto como Hammerheart Records ya nos puso sobre aviso, pero apenas se inicia la intro ‘Invocatio Ad Guanche Abezan’ uno ya cae en la cuenta de que algo muy gordo y sucio se le viene encima. La tremenda ‘Olor A Muert’ invoca a todos los demonios reunidos en torno a Blasphemy o las demos de

Beherit, y es que, sin llegar nunca al holocausto total de bandas como Revenge, con ‘Acentejo 1494’ o ‘Sacrifice In The Wild Reigns Of Aguere’ sí rememoras grupos básicos del war metal, también llamado bestial black metal, del palo Morbosidad, Bestial Warlust o Black Witchery, o incluso a grandes de la oscuridad más clásica como Demoncy en el caso de esta última. La batería de ‘Leyendland’ es bastante Archgoat a ratos, pero cuando recurren al medio tiempo en ‘Leprocity’ no van hacia tierras finlandesas, no… como en el tanque ‘1.000 Momias’ o ‘Crueldad Desde Islas Canarias’, más bien suenan a unos Körgull The Exterminator con doble ración de cerdada, que ya es decir. Como unos Sacrificio con extra de infrahumana distorsión y mala leche, vaya. Si buscas algo más allá del black de toda la vida, quizá haya llegado el momento de dar el siguiente paso hacia formaciones como Muert, aunque puede que entonces no haya vuelta atrás… Salvajismo gratuito, dignificación absoluta del metal extremo. PAU NAVARRA

DUNE RATS

The Kids Will Know It’s Bullshit (RATBAG/MUSIC AS USUAL) PUNK ROCK

l título del segundo disco de los melenudos Dune Rats, publicado tres años después de su debut homónimo, no podía ser más acertado. El trío australiano nunca esconde sus limitaciones instrumentales o musicales, como tampoco esconde sus ganas de cachondeo. Imposible tomarse en serio a estos chavales de Brisbane. Hacer tonterías con los amigos, patinar y pillar un buen colocón fumando petas hasta que les exploten los pulmones está, ahora mismo, entre sus máximas prioridades como evidencian las letras de sus discos. The Kids Will Know It’s Bullshit,

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producido por Zac Carper de los californianos Fidlar, una banda de punk rock con la que comparten esta filosofía de vida, reúne once estúpidas canciones de garage pop de tres acordes, tan básicas y simplonas como adictivas. “Todo lo que dices son tonterías. Y me gusta de todos modos. ¡Es divertido!”, cantan en su último himno, ‘Bullshit’, el que da título al disco. “Soy un pequeño desastre, puede que por las drogas”, continúan en el estribillo estos herederos de The Hard-Ons con aires a The Presidents Of The United States Of America. Danny, Brett y BC trazan un repertorio fresco, con momentos algo destartalados, y se ríen hasta de su sombra. Juegan sus pocas cartas y habilidades con mucha gracia y muy buenos resultados como ‘6 Pack’ (nada que ver con el archiconocido tema de Black Flag), ’Demolition Derby’, la citada ‘Bullshit’ o mi favorita ‘Brain Dead’, una canción de grunge pop en la onda de sus paisanos Violent Soho. Genios y figuras. LUIS BENAVIDES

CANNIBAL CORPSE

Red Before Black (METAL BLADE) DEATH METAL

an acostumbrados estamos a que cada dos, tres años salga una nueva obra de Cannibal Corpse, que casi tres décadas después de su formación, que sigan en forma y repartiendo tortas como panes no sólo no nos sorprende, sino que lo observamos como algo natural. Pero no, amigos y amigas, no nos engañemos, porque lo de George ‘Corpsegrinder’ Fisher y compañía tiene mucho mérito, independientemente del grado de inspiración que muestren en sus recientes lanzamientos. Esa

constancia, esa devoción por los sonidos que les hicieron legendarios a escala planetaria, desde luego es algo que nunca deberíamos perder de vista. Para despejar dudas, ‘Only One Will Die’ es la primera en estallar con guitarras incandescentes, la típica batería psycho killer de Paul Mazurkiewicz y el cuello más grueso del death metal rugiendo bravuconadas sin piedad. Fieles a la docena de temas por álbum (igual Red Before Black se hace un pelín largo), nada te impide gozar de esas clásicas tonadas sangrientas de los estadounidenses en la lucidísima ‘Code Of The Slashers’, ‘Shedding My Human Skin’ o la ígnea ‘Firestorm Vengeance’. Y es que estamos en lo de siempre: habrá quien siga reclamando en 2017 un Butchered At Birth, un Tomb Of The Mutilated o un The Bleeding, pero si te dejas estar de hostias, cualquier disco contemporáneo de los de Buffalo sigue aportando la suficiente matraca como para dejar tus cervicales echas un cromo. Venga, no rajéis tanto, que el día que nos falten Cannibal Corpse nada volverá a ser igual. PAU NAVARRA

ÀNCORA Àncora (CRUZADE) PUNK ROCK

os minutos. En ese breve periodo de tiempo te puede cambiar la vida para siempre. A mí me ocurrió este verano: el pasado 17 de agosto estaba comprando en un conocido supermercado de La Rambla de Barcelona cuando tuvo lugar el atentado con la furgoneta blanca. Si no me hubiera olvidado de coger una bolsa de patatas y hubiera finalizado mi compra dos minutos antes, me habría encontrado en el paseo justo en el momento de la masacre. Una vez exorcizados mis

demonios, pasemos a hablar de la música de Àncora. Dos minutos, eso es lo que dura ‘Mai Canviem’, la canción que aparece en la cara B de este single. Esta corta duración contrasta con los más de cuatro minutos que se alarga ‘Paral·lelisme Cíclic’, el tema principal y cara A del vinilo. Se trata de una composición especial, muy inspirada aunque recuerde a Bad Religion (sobre todo por los coros) y con un registro vocal bastante peculiar que puede que no agrade a algunos oyentes. Antes de estas dos canciones nuevas la banda del Vallès sólo había grabado una demo de tres temas titulada Respostes editada en cassette (y, por lo que he leído, de la que el trío no quedó satisfecho), y una versión del ‘Cashing In’ de Minor Threat. Para los curiosos podría añadir que los miembros de Àncora han tocado o todavía lo hacen en The Defense, Dirty Sánchez y 8Oz y que su punk rock melódico encajaría perfectamente en un cartel acompañando a sus vecinos de The AntiPatiks. JORDIAN FO

TAU CROSS Pillar Of Fire (RELAPSE) METAL

l parecer, poca gente se ha enterado de la existencia de Tau Cross, una superbanda que cuenta con miembros de Voivod, Amebix, Misery o War Plague. En 2015 nos presentaron un debut que era una puta bomba de relojería donde mezclaban punk con el metal más crudo que se había escuchado en mucho tiempo. Escuché algún pope lanzándoles flores (Jason Newsted o Phil Anselmo entre otros) y pensé que quizás podrían subirse al carro del éxito de gente como Mastodon o Baroness. Definitivamente me equivoqué y, pensándolo fríamente, fui un poco

ingenuo al pensar que el sexteto británico, tan bruto y animal como es, pudiera interesarle a los chavales que devoran con ansia ese nuevo metal no exento de una coartada moderna que Tau Cross definitivamente no tienen. Este segundo largo sigue sonando celestial, pero sobre todo lo hará para los amantes de la vieja escuela, los que amamos la visceralidad y la aspereza del metal más directo, el punk más salvaje y hasta el heavy más clásico. Me podrá decir la parte más cool de la escena metálica que un riff heredado de Megadeth como el de ‘Deep State’ está ya demasiado escuchado. Quizás sea así, pero a mí me siguen poniendo muy burro esos acordes rompecervicales, y si encima van acompañados de la garganta de lija de Rob Miller, ya ni te cuento. Metal del de verdad, eso es lo que te ofrecen temas tan efectivos como ‘Raising Golem’, ‘On The Water’ o ‘Killing The King’. Posiblemente estemos ante uno de los discos más interesantes y descarnados de lo que llevamos de año. ANDRÉS MARTÍNEZ

WOLF ALICE

Visions Of A Life (DIRTY HIT/MUSIC AS USUAL) INDIE ROCK

n My Love Is Cool conocíamos a Wolf Alice como un pulso constante entre la atmósfera oscura en la que se desenvolvía el disco y la luminosa voz de Ellie Rowsell. Visions Of A Life es, más que un segundo disco, una segunda parte. Aquí la incertidumbre se resuelve a favor de las sombras, con melodías que progresivamente se olvidan de los destellos y la purpurina durante las doce pistas del álbum. La puerta de entrada al tono pesimista, a los bajos lúgubres y a las guitarras en grito y llanto, es ‘Planet Hunter’, donde Rowsell canta que dejó su mente atrás

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en 2015 –casualmente, año de lanzamiento de su debut– en un réquiem a esas noches que no quieres que se acaben. Este trabajo vuelve a narrar con extraordinaria intensidad las idas y venidas del amor millenial, con ‘Don’t Delete The Kisses’ como himno a la inseguridad generacional –y a las relaciones vía mensajes de WhatsApp–, pero más alejado de lo naíf que su predecesor y en busca de la profundidad a través de la experiencia personal: hay cierta nostalgia y preguntas sin responder en el aire que puedes jugar a resolver por ti mismo. Perspectiva más madura sí, pero no por ello más sobria. Wolf Alice también ha creado un viaje de influencias por los ochenta y los noventa en el que se acercan al shoegaze, al grunge, al indie rock, al rock alternativo e incluso al hardcore, con una Ellie Rowsell diferente en cada tema, vocalista transformada en actriz y capaz de reunir en ella todos los sentidos de la interpretación. En definitiva, una joya contemporánea salpicada de inquietud y melancolía por tiempos pasados, y viceversa. RO SÁNCHEZ

ROLLING BLACKOUTS C.F. The French Press (SUB POP / IVY LEAGUE) INDIE POP

i primera aproximación a los protagonistas de esta reseña fue algo decepcionante. Ya se sabe que cuando te llevas un disco de la oficina a ciegas, te la juegas. En este caso, las siglas C.F. no tienen nada de futbolero, como servidor quería pensar. “Seguro que son unos gamberros, auténticos hooligans”, pensé mientras me metía el disco en la mochila. Pero no, no es Club de Fútbol. El nombre completo de los protagonistas de esta reseña es Rolling Blackouts Coastal Fever, que tampoco está

mal. Superado el chasco inicial, irrelevante, me pongo el disco, con el logo de Sub Pop en el reverso, y las guitarras viscerales y la mugre asociada a la escena de Seattle brillan por su ausencia. Os engañaría si dijera que este EP titulado The French Press me enamoró a pesar de no cumplir con mis expectativas. Quedaría muy bien, como contrapunto a mis prejuicios iniciales, pero no. Sin embargo, tampoco puedo decir nada malo del indie pop ligero y cristalino de estos jóvenes australianos. El quinteto liderado por el cantante y guitarra Fran Keaney apunta muy buenas maneras en su segunda referencia, con buenos temas como mi favorita ‘Sick Bug’ y ‘Dig Up, herederas de los Pixies, y ‘Fountain of Good Fortune’, un medio tiempo con reminiscencias a clásicos como Bob Dylan y Dire Straits. Casi nada. En fin, que el disco tampoco es un drama. Recomendable si eres fan de Surfer Blood, Ultimate Painting y, sobre todo, Pinegrove y estás deseoso de ser el primero en descubrir nuevos talentos emergentes. LUIS BENAVIDES

THROUGH THE LIES Still Beating (CRUZADE) METAL

e vuelto a escuchar Reload Your Soul, el anterior trabajo de Through The Lies (cuya reseña apareció publicada en el número 127 de RockZone), para poder hacer las comparaciones pertinentes y, sobre todo, para constatar la evolución musical de este grupo de El Masnou. Así, en las cuatro composiciones incluidas en Still Beating se nota fácilmente una mayor intrincación de las estructuras, más cambios de ritmo y una ralentización de los tempos. Las nuevas canciones del quinteto

son algo más largas y todas presentan, en algún momento y muy a mi pesar, un solo de guitarra y/o algún punteo virtuoso. Además, si en su anterior mini-LP los coros de la crew brillaban por su abundancia, en este EP los echo de menos. En definitiva, y para resumir, Reload Your Soul era más hardcore mientras que Still Beating es más metal. El sufijo core no es lo único que ha perdido Trough The Lies en el camino; también perdieron a su batería, así que ahora es Javi quien se encarga de aporrear los tambores y de dar empaque a una sección rítmica perfilada por el bajo de Marshall. Completan el combo Jordi al micro y Álex y Néstor a las seis cuerdas. El quinteto catalán sigue repartiendo cera de la buena, aunque ahora con un enfoque ligeramente diferente. Aún así, para el artwork de su nuevo EP (masterizado, por cierto, en los estudios Audiosiege de Portland) han tirado mano de uno de los tópicos gráficos de la imaginería hardcore: el corazón que late con fuerza. JORDIAN FO

ENDLESS BOOGIE Vibe Killer (NO QUARTER) ROCK

aul Major, guitarrista y ‘cantante’ de Endless Boogie es un tipo muy peculiar. Coleccionista compulsivo de vinilos, el tiempo y la pasión le han hecho convertirse en todo un experto del underground de la psicodelia, el garaje, el blues o el hard rock más primigenio. Cuando después de machacar cuerdas en diferentes combos se embarca en la aventura de Endless Boogie sólo necesitaba un personaje tan estrambótico como él mismo que le siguiera el juego. Lo encontró en la persona de Jesper Eklow, otro guitarrista que sería el encargado de comenzar el riff de inicio para que su colega pudiera

incorporar esos psicóticos solos mientras improvisaba frases inconexas a modo de gruñidos demoniacos. Su destartalado concepto era evidente que no tenía ninguna salida comercial pero a ellos eso, les importaba un pimiento. Pues ahí están, casi llegando a las dos décadas de vida y editando alguno de los vinilos más extraños, atractivos y adictivos de los últimos años. Su última criatura no difiere demasiado de sus anteriores títulos, referencias al blues más primitivo, retazos de southern, tosco hard rock heredado de luminarias setenteras poco reivindicadas como Groundhogs o Bang y mucha libertad creativa donde la Gibson SG de Major se lanza en una diabólica rueda de psicótica improvisación donde la energía heredada de bestias como Stooges o MC5 está muy presente. Esta grabación es como una enorme jam repleta de humo y azufre pero me quedaría con ‘High Drag, Hard Doin´’, un blues infernal que hace que todos los demonios del averno salgan de los altavoces. ANDRÉS MARTÍNEZ

THE REBELS Mafia

(RED FOX MUSIC) ROCK

legados a su tercer álbum, los madrileños The Rebels han optado por dar una paso más allá apostando por la autogestión total creando su propio sello, Red Fox Music. Para la ocasión no han dudo en poner toda la carne en el asador cuidando cada detalle del lanzamiento. Desde la portada que ilustra la cubierta de Mafia creada por Smoke Signals hasta publicar nada menos que cuatro videoclips antes de que el álbum salga a la calle. Pero, ¿está el disco a la altura de semejante campaña? Escuchando las diez canciones que contiene, podríamos decir tranquilamente que se trata

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de su colección de temas más completa y madura hasta el momento. La propia ‘Mafia’ nos indica el camino a seguir con una actitud combativa pero sin olvidarse de fabricar esos estribillos pegadizos que entran con facilidad al igual que resultan complicados de sacarse de la cabeza. Entre esa dualidad de melodías y guitarras potentes oscilan el resto de cortes. ‘Beth’ y ‘Why?’ evidencian la gran importancia que tiene el rock alternativo de los 90 en sus composiciones, siendo ‘New Blood’, ‘Anarchy Is Inevitable Like Chaos In The Universe’ o ‘The Poem Writes Itself’ temas que nos pueden llegar a recordar a los Nirvana más accesibles o hasta a una banda tan infravalorada como Idioterne. En el otro lado de la balanza se situarían las más accesibles ‘Here’ y ‘I Don’t Care If You Don’t Mind’, esta última con muchas posibilidades de funcionar entre un amplio público. Cierra la íntima ‘Oh Dear Gun’ con otra clara referencia a Kurt Cobain. Un trabajo del que poder sentirse orgullosos tras tanto esfuerzo. GONZALO PUEBLA

ENSLAVED E

(NUCLEAR BLAST) ROCK PROGRESIVO

a está! ¡Ha pasado! Parecía que nunca podría suceder, que Enslaved tenían una creatividad inagotable, que de las manos de Ivar Bjørnson no iba a salir un disco falto de innovación, inmovilista y sin progresión respecto al anterior álbum... Pero aquí lo tenemos, una nueva aproximación al rock progresivo setentero con trazas de black metal, donde el Hammond toma la relevancia que tuvo hace décadas en algunos cortes y que es una muestra más del incipiente interés de los noruegos por este tipo de propuestas desde hace varios trabajos. Personalmente este cambio

hacia sonoridades más dulces no es santo de mi devoción, no es ningún secreto que soy más afín a lo extremo, pero el quinteto noruego me lo había conseguido vender por su buen hacer pero, sobre todo, por su capacidad de reinventarse álbum tras álbum de una manera pasmosa. Este disco, sin embargo, continúa con la estela dejada por In Times y aporta una sensación de déjà vu que le quita méritos, aunque, sin embargo, mantiene los estándares de calidad de todas sus obras. Han sabido reponerse de la marcha de una pieza tan fundamental en la última década de la banda como Herbrand Larsen incorporando el talento de un jovencísimo Håkon Vinje que desempeña su función como armonizador de manera excelente. Un trabajo que, firmado por otra banda, podría conseguir una mejor nota y una mejor impresión general, pero que viene lastrado por un conformismo impropio de unos Enslaved que, esta vez, no han dado lo que se esperaba de ellos. ABEL VALDELVIRA

HELA

Death May Die (VARIOS SELLOS) DOOM METAL

recedido por un cuidado artwork nos llega Death May Die, el segundo álbum de los alicantinos Hela. Deudores de la melancolía del gothic doom inglés de los primeros Paradise Lost o My Dying Bride (no nos extraña que participaran en un álbum tributo a estos últimos), el cuarteto tampoco duda en surtir sus canciones con algo de stoner e incluso rock alternativo. Eso sí, su mayor punto de apoyo lo encontramos en la voz de la también guitarrista Mireia Porto, quien dirige con vigor al grupo por pasajes que se mueven entre la ensoñación y la pesadumbre. Cautivadoramente oscura nos parece la intro ‘The

Gateway’, y no menos acertada es una ‘Mother Of Monsters’ donde, con maestría, nos muestran toda su valía. Bastante más robusta es ‘Touched By Evil’, pero aunque resulte más enérgica, esa aura fantasmagórica no desaparece en ningún momento. Los primeros minutos de la larga ‘Dark Passenger’ puede que sean demasiado obvios, parecen encaminarse hacia una manida construcción de riffs desérticos, pero los desarrollos posteriores logran levantar el tema con renovada espiritualidad. Con ‘Repulsion’ también hemos tenido sentimientos encontrados: por un lado, su inicio a lo Evanescence nos tira para atrás, pero en cuanto despega, nos lanzamos de cabeza a ese muro de penumbra. Por su parte, ‘Bodies In Hell’ cierra dando muestras de una tragedia en ciernes. Esperemos que aún nos quede mucho para degustar ese indescriptible placer que te embarga antes de morir, pero gracias a Hela ya podemos sentir un anticipo. PAU NAVARRA

FRENZAL RHOMB Hi-Vis High Tea (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

o nos engañemos: Frenzal Rhomb siempre han jugado en la segunda división del punk rock mundial. A mucha gente les suena su nombre, pero es muy posible que más allá de encontrar canciones sueltas en algunos recopilatorios de Fat Wreck Chords, pocos hayan profundizado en su discografía; supongo que ser australianos en vez de californianos nunca ha sido un punto a su favor. Tampoco lo ha sido sonar como clones de NoFx, pues incluso el timbre de voz de Jason Whalley es casi idéntico al de Fat Mike. Con todo, cumplen un cuarto de siglo como

banda y Hi-Vis High Tea es el noveno LP de su dilatada carrera. Después de tantos años en activo, en lugar de publicar un álbum para salir del paso e ir tirando por pura inercia, el cuarteto ha hecho un esfuerzo titánico y presenta veinte canciones nuevas. La mayoría de ellas van a piñón fijo del punk rock melódico siguiendo la estela californiana, pero rascando un poco se distinguen algunas joyitas del género: ‘I’m Shelving Stacks (As I’m Stacking Shelves)’, ‘The Criminals’ Airline’, ‘Beer And A Shot’, ‘Mental Problems’... Hay un par de temas que son más hardcore (la inicial y corta ‘Classic Pervert’ y ‘Pigworm’), mientras que ‘Don’t Cast Aspergers On Me’ es 100% Bad Religion. Para el final del disco han dejado ‘Food Court’, una composición calmada y pseudo acústica que rebaja la adrenalina. Más datos acerca de Hi-Vis High Tea: el disco ha sido grabado, mezclado y masterizado en The Blasting Room de Colorado bajo los mandos de los inevitables Bill Stevenson y Jason Livermore. JORDIAN FO

BELPHEGOR Totenritual

(NUCLEAR BLAST) BLACKENED DEATH METAL

os austríacos siguen a lo suyo. Sin hacer muchos aspavientos llevan una carrera de casi 25 años siendo una banda extremadamente regular en sus discos. Especialmente desde que comenzó el nuevo milenio. No estamos hablando de trabajos excelsos ni especialmente brillantes, pero en líneas generales, complacen al fan del género. Con este nuevo álbum Belphegor siguen desarrollando la idea con la que trabajan en sus últimos plásticos: un death metal cargado de rabia, repleto de dobles bombos que caen a plomo enlazados con los blast beats de corte

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black metal que aparecen cuando las melodías y el tremolo picking toman las riendas. Para acabar de definir la fórmula Belphegor tenemos que añadir una filosofía que les persigue: los cortes deben estar concebidos para funcionar en directo, simples y contundentes con puntuales bajones para maximizar el clímax del tema. Precisamente por este último rasgo, el álbum (y gran parte de su discografía) se acaba resintiendo y notándose como algo monótono, repetitivo y falto de recursos. Cortes como ‘Totenritual’ o ‘Apophis Black Dragon’ tienen ese efecto como de cine 3D: esos planos que sabes que están hechos para maravillar cuando llevas las gafas pero que, cuando los ves en la versión 2D, no acaban de convencer. Lo realmente impresionante en este álbum es la producción, una vuelta de tuerca más a su sonido pero sumándole un mejor tratamiento de las capas. Posiblemente se pierda en el mar de lanzamientos, pero el disco funciona y da lo que promete. ABEL VALDELVIRA

MIDNIGHT

Sweet Death And Ecstasy (HELLS HEADBANGERS) BLACK THRASH, HEAVY METAL

ctualmente, lo más cercano a Venom que hay en el mundo es Midnight, y eso te quedará muy claro enchufándote Sweet Death And Ecstasy. El beodo de Cleveland ha caído en gracia tras 14 años despotricando en el under, y es por eso que, aunque siga publicando en ese bendito oasis llamado Hells Headbangers, empieza a ser objeto de interés entre ‘esos círculos’ que, sólo unos pocos años atrás, nunca hubieran dirigido sus orejas hacia él. Pero eso a Athenar seguramente le siga importando una mierda, faltaría más, y ahora

nos entrega su tercer largo tras decenas y decenas de demos, EPs, splits, directos y compilaciones. En este disco encontramos ocho cortes sinceros, gamberros y sudorosos que se mueven entre Motörhead, Aura Noir y, sobre todo, los mencionados Venom, pero no hay más que fliparlo con el solo de ‘Melting Brain’ para descubrir que también formaciones como Judas Priest alimentan esta borrachera. El puente épico de ‘Crushed By Demons’ o su parte final, así como la triunfalmente vetusta ‘Rabid!’, también dan muestras de cuán importante es el metal clásico a la hora de concebir estos esputos musicales. Igualmente, lo que a mí más me pone es la forma que tiene de atacar el micro… En serio, ese ladrar, esa rebeldía, esa flema, me parece digna de un Cronos contemporáneo. ¡Escucha ‘Here Comes Sweet Death’ y no me digas que no podría formar parte de Welcome To Hell! Sinceramente, me parece inconcebible que en los States aún no hayan hecho presidente a este hombre. PAU NAVARRA

JET

Get Born / Shine On (Deluxe Editions) (ATLANTIC/RHINO) ROCK

e costaría creer que haya una sola persona entre 20 y 45 años en el mundo occidental (y parte del oriental) que no haya escuchado y/o bailado al menos una vez ‘Are You Gonna Be My Girl?’. El que fue single del álbum de debut (Get Born, 2003) de los australianos Jet se convirtió en un bombazo planetario cuya onda expansiva sigue viva (6 millones y medio de discos vendidos). Ese exitazo inesperado precipitó la caótica carrera de una banda de adolescentes que no supieron digerirlo y que acabaron por tirarse

los trastos a la cabeza y separarse con tan sólo tres discos de trayectoria. Años después, con los miembros de la banda casados, padres o en algunos casos alejados de la música, se reeditan los dos primeros trabajos de Jet, Get Born y Shine On, con el atractivo añadido de sendos discos extras con demos, caras B, temas en directo o rarezas. Una oportunidad para que los neófitos comprueben que detrás de ese exitazo que les hizo famosos en todo el planeta había más canciones de talento y chispa adolescente (‘Rollover DJ’, ‘Rip It Up’), deudoras de AC/DC o el rock más clásico (‘Take It Or Leave It’, ‘Put Your Money Where Your Mouth Is’), baladas de aires vocales a Oasis (‘Move On’, ‘Timothy’, ‘Shine On’), o incluso temas con dejes Beatles/Kinks (‘L’Esprit D’Escalier’, ‘Kings Horses’, ‘Shiny Magazine’) o rozando el power pop de Redd Kross (‘That’s All Lies’). Últimamente se han reunido para telonear la gira australiana de Bruce Springsteen y no descartan un hipotético retorno... ¿Aplaudimos o temblamos? IGNASI TRAPERO

VV. AA.

The Bob’s Burgers Music Album (SUB POP) POP ROCK

n antena desde enero de 2011, Bob’s Burgers es una de las series con más tirón en Estados Unidos, con una media de 4 millones de espectadores por episodio. El presente trabajo, auspiciado por el sello Sub Pop, reúne las 107 canciones de sus primeros 107 episodios. Ahí es nada. Para los que no conocen esta comedia de dibujos animados, los protagonistas de la serie interpretan estas canciones a modo de interludios o como pequeñas incursiones en el género musical. Bob’s Burger es una especie de Padre De Familia, pero con humor blanco, por

momentos escatológico (una buena muestra son los cortes ‘The Diarrhea Song’ y ‘The Fart Song’). El disco, un producto dirigido a los fans de esta serie de la cadena Fox, contiene impagables parodias como ‘Taffy Butt’, una revisión del clásico ‘The Goonies ‘R’ Good Enough’ con la mismísima Cindy Lauper como estrella invitada, y la versión humorística de ’99 Red Balloons’. El álbum incluye cinco temas extra a cargo de fans declarados de la serie como St. Vincent (la guitarrera ‘Bad Girls’), Stephin Merritt de The Magnetic Fields (‘Electric Love’) y The National con hasta tres cortes (‘Sailors In Your Mouth’, ‘Chistmas Magic’ y ‘Bad Stuff Happens In The Bathroom’). Al margen de las ediciones en doble CD y triple vinilo, los seguidores más acérrimos celebrarán la versión deluxe, que incluye un póster, los tres discos, un libro con las letras de todas las canciones y hasta las partituras de las mismas. Una auténtica frikada que te pondrá una sonrisa permamente. LUIS BENAVIDES

P PETER PERRETT

How The West Won (DOMINO/MUSIC AS USUAL) ROCK

arece mentira, pero así es. Peter Perrett, líder, guitarrista y cantante de los enormes The Only Ones, vuelve a la vida. Superviviente de las historias más escabrosas que te puedas imaginar, aquella escena punk de la Inglaterra de finales de los 70 no fue muy justa con una formación tan especial como la que lideró en aquellos años de locura. Lógico, quizás tenían tanta mala baba acumulada como The Clash o los Pistols, pero lo suyo era más etéreo y no tan efectista. Las melodías del power pop y los embriagadores efluvios de la psicodelia formaban parte importante de su sonido y se quedaron en terreno de nadie, sin poder agarrar el trozo de pastel que, por calidad, sin duda merecían. Y aquí estamos, muchos años después, escuchando sus primeras canciones en solitario que nos retraen sin poder evitarlo

D DANI NEL·LO

Los Saxofonistas Salvajes (BUEN RITMO) ROCK’N’ROLL, JAZZ

ani Nel·lo lo está petando, el cabrón. Y no sólo lo digo por el sorprendente y merecido éxito que está acaparando con Mambo Jambo, sino porque entre ese frenético ritmo todavía es capaz de sacar tiempo para reivindicar y homenajear a todos esos saxofonistas que han marcado su trayectoria. Estamos ante un disco especial, rezuma pasión, conocimiento y complicidad por una música perdida en los túneles del tiempo y que parecía olvidada en estos años de excesos tecnológicos. Se trataba de realizar una lista de músicos que, saxo en boca, rompieron barreras, ya fueran musicales,

a los días de lucha, ilusión e inocencia, porque nuestro trovador ha invertido mucho de eso en un álbum de una belleza indescriptible. Los ecos del Lou Reed más controvertido planean por toda la grabación, y no es sólo porque el tono vocal del protagonista sea terriblemente parecido al del añorado músico. Nada de eso, es una cuestión de concepto... Perrett, más que cantar, recita, nos va contando sus reflexivas y profundas historias más como un narrador que se acerca a una madurez ya peligrosa y

precisa soltarlo todo de una vez por todas. Musicalmente, podrías situar este disco entre The Only Ones y Even Serpents Shine, y me atrevo a decir que no se notaría la diferencia. Lo sé, eso es mucho decir, pero sólo tienes que escuchar la belleza de ‘How The The West Won’, la soberbia luminosidad de ‘Troika’ o la perturbadora delicadeza de ‘Living In My Head’, y compararlas con los clásicos de siempre. Sinceramente, no creo que nadie se esperase un regreso tan sólido.

sociales o simplemente llevaran el instrumento a otro nivel. Por supuesto me tomo este trabajo como una masterclass sobre el rhythm & blues, el rock’n’roll, el bebop, el jazz o el mundo de las big bands, porque, sinceramente, algunos nombres los conocía, pero otros no sabía ni que existían. Suena clásico, salvaje y visceral, pero no excesivamente añejo. Da la impresión de que Nel·lo ha querido seguir la tradición, pero sin caer en la trampa del revisionismo rancio, porque es evidente que si lo que buscas es recrear algo tan singular y exclusivo puedes llegar a morir en el intento. El pelirrojo se mete en la piel de músicos como

Willis Jackson, Sam Taylor, Clifford Scott o Rudi Pompili, gente que quizás no sean los protagonistas en las grandes enciclopedias melómanas, pero como explica Nel·lo en el libreto interior, han tenido una importancia capital en la construcción, revolución y evolución de un instrumento importantísimo en prácticamente todos los géneros. Qué valiente ha sido el tío, un disco de versiones poco conocidas de gente muy poco popular y, encima, instrumental. Pues sí, y dejadme que os diga que la más pura y primitiva esencia de la música más indómita está bien presente en estas canciones. Bravo Nel·lo.

ANDRÉS MARTÍNEZ

DIMEBAG DARRELL DimeVision Vol. 2 (METAL BLADE) GROOVE METAL, DVD

rase un hombre a una guitarra pegado. Y bueno, a una botella, a un petardo, a colegas tan o más granujas que él… y lo que aquí más nos importa: a una grabadora de vídeo. En DimeVision Vol. 2 serás testigo de excepción del extraordinario mundo que rodeaba a Dimebag Darrell, el último gran revolucionario de las seis cuerdas en el universo metal. Lo verás emulando a Randy Rhoads en un homenaje de 1988, pero también podrás acceder a fotografías de su más tierna infancia, demos, así como

a sus salvajes farras en los 90. Porque el tejano era un músico incomparable, pero también un gamberro sin remedio y un fiestero sin igual. Una metralleta a la hora de soltar tacos, también. Gracias a una notable cantidad de grabaciones domésticas, sin filtros ni intermediaros cortando el rollo, podrás descojonarte con un señor que sólo parecía tener ideas disparatadas, siendo capaz de empalmar bromas pesadas con tanta brillantez como riffs sobre un escenario. Y claro que hay música, pero con el sonido pillado al aire, con temas a cachos y denotando que, efectivamente, Dimebag era un astro en todos los aspectos de la vida. Es todo tan crudo que hasta en un momento hay que pixelarle un huevo porque se le escapa de los calzoncillos mientras taladra un buzón. Fliparás con el concepto que tiene del chili foot… Tras un inicio fulgurante luego el film se relaja un poco e incluso cesan las risas del todo cuando llega el capítulo del Dimebash, ¿pero te imaginas una peli de Jackass protagonizada por un Pantera? PAU NAVARRA

Of Desolation están mejor definidas, formadas con más criterio y se nota un mayor trabajo en este campo. El segundo elemento en el que podemos ver una mejoría notable es en la producción. Las transiciones entre sonidos son más suaves, los instrumentos quedan mejor definidos en la mezcla y la HYBAN DRACO Storms Of Desolation aplicación de los efectos en las guitarras es mucho más (WINTER DEMONS/ sútil y profesional. El trato DARKWOODS) de las guitarras siguiendo la BLACKENED DEATH METAL línea de la escuela sueca, algunos guiños al death 75 doom más ortodoxo y las escapadas puntuales hacia la escena death polaca hacen yban Draco son unos un mix ganador en el que Hyban Draco se mueven viejos conocidos a la perfección. Con todo, de la escena este álbum aún presenta nacional, llevan una década algunas carencias, sobre presentando trabajos y la todo en los momentos más evolución que llega con este calmados, donde los temas nuevo trabajo es más que sufren la falta de ese aura notable. Hay dos puntos que posiblemente la banda en los que cojeaban en sus quería darle pero que no anteriores entregas y a los acaba de llegar nunca. No os que han dado solución: en quepa ninguna duda, estamos primer lugar, la composición. hablando de un muy buen Han ganado en matices y disco (su mejor trabajo hasta la elección en los cambios la fecha) que será una muy de dinámicas, algo que me buena carta de presentación desconectó en su anterior para los que todavía no trabajo, están mucho más conozcan a los catalanes. definidas. Para ser claros, ABEL VALDELVIRA las estructuras en este Storms

ANTI-FLAG

CUANTO PEOR,

MEJOR

CON DONALD TRUMP EN LA PRESIDENCIA DE ESTADOS UNIDOS, TODOS ESPERÁBAMOS QUE ANTI-FLAG VOLVIERAN CON UN DISCO LLENO DE RABIA Y MALA LECHE. SIN EMBARGO, EN AMERICAN FALL, EL GRUPO DE PITTSBURGH SORPRENDE CON UN ÁLBUM PEGADIZO Y QUE APELA AL OPTIMISMO. ¿ME LO EXPLICAS? TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

HACE UN PAR DE AÑOS, ANTI-FL AG PUBLIC ABAN AMERIC AN SPRING , un disco en

el que mostraban cierta pesadumbre ante el final de la era Obama en la que muchas esperanzas depositadas en el Yes We Can se vieron truncadas. Si entonces podían tener la moral baja, con el auge y triunfo de Donald Trump era imaginable que Justin Sane (voz, guitarra), Chris#2 (bajo), Chris Head (guitarra) y Pat Thetic (batería) estuvieran, o bien hundidos, o muy cabreados. Escuchando American Fall (Spinefarm), su décimo álbum, parece todo lo contrario. Sus once canciones se suceden a un ritmo vertiginoso dejándote un estribillo tras otro marcado en el cerebro. Incluso nos regalan su primer ska. Obviamente las letras siguen el tono combativo que les ha acompañado desde que empezaran hace más de veinte años, pero aun así, sorprende tanta jovialidad. Para saber de dónde la sacaron o cómo alguien tan alejado de su órbita como Benji Madden, guitarrista de Good Charlotte, acabó siendo el productor del disco, llamamos a Chris#2. Siempre es un gustazo encontrarse con músicos que tienen cosas que decir, y desde luego Chris es uno de ellos.

“PUEDE QUE TRUMP NO TENGA BANDERAS NAZIS EN SU OFICINA O QUE NO HAGA EL SALUDO NAZI, PUEDE QUE NO SEA UN Oigo mucho ruido de fondo, ¿te pillo en medio de un ensayo?

FASCISTA, PERO CREE QUE EL SISTEMA DE SUPREMACÍA BLANCA ES IMPRESCINDIBLE Y HARÁ TODO LO QUE PUEDA POR MANTENERLO”

CHRIS#2

CHRIS#2 “Sí

(risas). Ahora salgo del local. Solemos ensayar durante el día para poder tener algo de vida normal por la noche (risas). Intentamos tocar tanto como sea posible. En los dos últimos años hemos estado muchísimo en la carretera, así que cuando estamos en casa, solemos dispersarnos. Pero queremos tocar muchos temas del nuevo disco en la próxima gira, y también temas antiguos que hace mucho que no tocamos. Queremos que la gente que venga a vernos se encuentre un show muy distinto, que sea una experiencia diferente. Nos estamos preparando bien para presentar American Fall a la gente”. American Fall es un álbum súper pegadizo... La verdad, no me lo esperaba.

“Sí, lo es, todo el mundo nos lo está diciendo. Creo que la razón es que vivimos un momento político tan oscuro que la gente esperaba un disco también oscuro o furioso, o sarcástico. En momentos en los que parece que no puedes conseguir una victoria, mucha gente tiende a refugiarse en el humor o el sarcasmo como un mecanismo de defensa. Pero nosotros nos sentimos bastante optimistas. Lo que está pasando en España, en Alemania con el DFG o incluso en América con Donald Trump, para mí son oportunidades de examinar lo que queremos que sea nuestro futuro. ¿Queremos vivir en un mundo donde los racistas, los fascistas, los machistas, tengan la habilidad para esparcir sus mensajes, o queremos algo mejor? ¿Queremos simplemente

volver a Barack Obama o queremos algo mejor? De ahí es de donde viene mucho del optimismo y la esperanza que encuentras en American Fall. Creo que es un momento en el que, en todo el mundo, tenemos la oportunidad de dar forma a nuestro futuro”. Justo ayer leía una entrevista nueva con Bruce Springsteen y decía que no sentía que fuera necesario escribir más canciones anti-Trump, que era algo redundante porque ya se le critica en todas partes. ¿Compartes esa opinión?

“No puedo decirle a nadie lo que debería o no hacer. Creo que cada uno tiene que escribir la canción que quiera. Hay mucha gente que se siente incómoda con el ataque que el régimen de Donald Trump ha hecho contra los inmigrantes, los pobres, los homosexuales, los transgéneros, así que si ellos quieren escribir canciones con las que creen poder cambiar el mundo, estaré siempre a favor. Por mucho que me guste Bruce Springsteen no estoy de acuerdo con que se ha dicho todo sobre el tema. Creo que cada perspectiva es distinta y me alegraré cada vez que alguien cuestione el status quo. Nunca

es un mal momento para estar políticamente motivado. En lo que podría estar de acuerdo con Springsteen es que, en momentos así, casi es más difícil estar en una banda política y escribir canciones políticas porque no quieres repetir lo que ya se ha dicho o repetirte a ti mismo. Es un mayor desafío. Un buen ejemplo de eso es Donald Trump hablando de Corea del Norte y la proliferación nuclear. Ni en un millón de años hubiera pensado que en 2017 estaríamos hablando de armas nucleares. Pensaba que eso se había acabado en los 70. El que tengamos a un presidente con el dedo en el botón nuclear es una locura. ¿Qué podemos decir que los artistas de los 70 no dijeran? Pero al mismo tiempo, creo que puedes adaptar el mensaje al momento y a la gente a la que va dirigido. Hay un motivo por el que tocamos ‘Fuck Police Brutality’ en cada concierto, y es una canción de nuestro primer disco de 1996. Cuando la escribimos, Pittsburgh tenía el mayor índice de brutalidad policial en Estados Unidos. Fue una de las primeras canciones que escribimos, y entonces ni siquiera habíamos salido nunca de Pittsburgh (risas). Pero ahora ves esa misma brutalidad en Catalunya contra la gente que quiere votar o en los asesinatos en Estados Unidos. Aquí la policía asesina a alguien cada 7 minutos. Es algo completamente absurdo. En el fondo, el mensaje de ‘Fuck Police Brutality’ es un mensaje de solidaridad. Al mismo tiempo, nos llamamos AntiFlag por un motivo. No creemos en los estados nación o en las fronteras invisibles. Así que aunque la batalla de los catalanes en sí, no tiene mu-

cho sentido para mí, diría que cuando ves semejante abuso de poder y se usa la violencia para mantener ese poder, nosotros vamos a estar solidariamente al lado del pueblo que es víctima”.

“En eso tienes toda la razón (risas). Las fronteras se deberían definir por los pueblos, por las culturas, no por líneas que se dibujan en un mapa por cuestiones económicas”. Volviendo a tu país... Tengo un

Cuando vengáis a tocar por

amigo de Los Ángeles que me

aquí, podemos debatir a fondo

reconoció este verano que ha-

sobre el tema. Creo que lo que

bía votado a Donald Trump,

está ocurriendo en Catalunya

aun siendo ideológicamente

va más allá de una simple cues-

liberal. ¿Haces una distinción

tión de banderas.

entre Trump y sus votantes?

“Yo soy americano, así que soy ignorante en muchas cosas por culpa de nuestro sistema educativo (risas). Pero, por ejemplo, la independencia de Québec nos queda más cerca, y al final no se hace realidad porque económicamente no parece funcionar. Hay un motivo por el que los estados nación existen y es puramente por la economía. Poder modificar las fronteras debería ser un derecho humano, pero la razón por la que las fronteras existen es por el beneficio que se extrae de cada persona que vive en un territorio. Estaré contento de poder educarme sobre lo que está ocurriendo en España. Lo único que sé es que la violencia no es una solución a un problema, sólo lo hace aún mayor. Sería deseable que en 2017 los problemas se solucionaran de otra manera. El abuso de poder lo único que hace es alejar al pueblo del poder”.

“El principal argumento de la campaña de Trump es que no formaba parte de la élite de Washington, que no era un político del establishment. Y hasta cierto punto es cierto porque nunca había tenido un cargo. Pero nunca me tragaré que un millonario es anti establishment. Así que no puedo entender a la gente que, como tu amigo, le votó porque no quería ver a Clinton en la presidencia o no quería que un político establecido ocupara el poder, a cambio de perder humanidad. Sólo hay que ver la respuesta que Trump está teniendo con lo que ocurrió en Charlottesville, en Puerto Rico o los huracanes en el Sur de Estados Unidos. Está tan fuera de la realidad que no comprende el sufrimiento de la gente. Nació siendo un millonario y siempre lo será, y su familia lo será. Si de verdad queremos ir contra el establishment hay que apartar a los millonarios de nuestras vidas. Vamos a poner a alguien que tenga algo en común con la gente normal. Creo que Trump es un supremacista blanco, creo que es una persona que valora más el dinero que los valores humanos. Nunca podría apoyar a alguien así. Puedo entender que la

Lo absurdo para mí es que se da legitimidad, y todo el mundo da por buenas las fronteras impuestas por las guerras y la violencia, y en cambio se criminalice que estas fronteras puedan modificarse votando.

gente votara contra Hillary Clinton, pero espero que se den cuenta de que son cómplices de lo que está ocurriendo. Puede que Trump no tenga banderas nazis en su oficina o que no haga el saludo nazi, puede que no sea un fascista, pero cree que el sistema de supremacía blanca es imprescindible y hará todo lo que pueda por mantenerlo”.

el dinero, que puede ser incluso más importante que un voto”. Hablemos un poco de música. ¿Cuál es la conexión entre el anterior disco American Spring y American Fall, más allá del título? ¿Os lo planteasteis como un álbum en dos partes desde el principio o fue algo que fue surgiendo?

El argumento de defensa de mi amigo era que sabía que en California iban a ganar los demócratas igualmente y quería que su voto contase como protesta. Yo lo veo muy peligroso...

“Claro, es muy peligroso. Tengo muchos amigos que hicieron lo mismo en Pennsylvania y pasó de ser un estado azul a uno rojo. Después de haber visto a George Bush ganar por 300 votos en Florida y que empezara la guerra más larga en la historia de América, no te la puedes jugar. Bush es un criminal de guerra y debería ser juzgado como tal, pero comparado con Trump, la gente hasta piensa que no era tan malo. Pero no podemos olvidar el poder que tienes al votar.”. Cada voto cuenta.

“Exacto. Cada voto cuenta y tenemos que lograr que votar vuelva a ser peligroso. Los políticos se aprovechan de la complacencia que tienen los americanos con el sistema electoral, y creo que eso ocurre en todo el mundo. Por eso ves tantos movimientos por los derechos humanos ganando poder porque se crea una emoción a su alrededor. No puedes ser apático a la hora de votar. O incluso con la manera con la que gastamos

100

“Todo ha sido fruto de la situación política en Estados Unidos. Teníamos unas 15, veinte canciones cuando pensábamos que Hillary Clinton iba a ganar, pero cuando perdió, cambiamos algunas canciones y escribimos otras nuevas. Acabamos con unas 35 y de ahí salieron las once que están en el disco. La conexión con el álbum anterior es que cuenta la historia que empezó en American Spring. Cuando cumplimos veinte años como banda mientras estábamos haciendo ese disco, tuvimos un momento de reflexión. Es casi como pensar sobre tu propia mortalidad (risas). Y llegamos a la conclusión de que nuestros discos no son necesariamente sobre lo que ocurre en el presente, sino sobre lo que la gente pensará en el futuro acerca de lo que está ocurriendo. Por eso nos emocionaba la idea de conectar los dos álbumes. Hay algunos elementos comunes en las letras y en el sonido, en el diseño, pero sobre todo los vemos como un documento sobre dónde estábamos en 2015, al final de la era Obama, las primaveras árabes, el movimiento Occupy Wall Street, el auge de Bernie Sanders, y dónde estamos en 2017 en la América de Donald Trump. Pero para nosotros la esperanza es cuando sea el

final del mundo, como en la escena final de El Planeta De Los Simios, alguien vaya andando por la playa, se tropiece con nuestros discos y se dé cuenta de que había una comunidad de gente que se preocupaba por los demás y no se alienaba con el poder. Gente que pensaba que lo que ha ocurrido en Las Vegas no está bien, que la venta de armas no es más importante que las vidas humanas. Creo que ambos discos son el documento de que había gente que estaba en el lado correcto de la historia”. Es un concepto en el que he pensado mucho estos días. Parece que mucha gente piense que la historia es algo que les ocurre a los demás, pero cada día que vivimos configura cómo será vista la historia en el futuro.

“Sí (risas). Además, cuando estás en una banda todo gira en torno al presente. Todo el mundo piensa en cómo hacer algo nuevo o en ser distinto, pero no pasa nada por no ser distinto (risas). Está bien tener una comunidad, una familia, tener relaciones de verdad y poder decir que ‘hey, cuando todo estaba jodido, había un grupo de nosotros en esta cosa llamada punk rock que se oponía al racismo, al machismo, a los neonazis y que luchaba por la justicia social y económica’. Es importante que todo esto conste”. ¿Ves cierto oportunismo cuando algunas bandas adoptan un tono más político?

“Sólo puedo hablar por nosotros y creo que la gente ya nos tiene calados. No estás en una banda durante

“ME MOLESTA UN POCO CUANDO LA GENTE DICE QUE EL PUNK ROCK VOLVERÁ A SER BUENO GRACIAS A DONALD TRUMP, PORQUE LO FUE DURANTE LA ÉPOCA DE BUSH O DE REAGAN. A ESA GENTE LES DIGO QUE NO PRESTARON ATENCIÓN DURANTE LOS AÑOS DE CLINTON U OBAMA PORQUE SE HACÍA PUNK ROCK MUY BUENO”

CHRIS#2

22 años y de golpe cambias. Hemos visto el punk rock hacerse popular, desaparecer y volver. Me molesta un poco cuando la gente dice que el punk rock volverá a ser bueno gracias a Donald Trump, porque lo fue durante la época de Bush o de Reagan. A esa gente les digo que no prestaron atención durante los años de Clinton u Obama porque se hacía punk rock muy bueno. Los presidentes no determinan que se haga buen arte. Lo que hacen es demostrar que cuando la política está de moda, el punk rock está de moda. Y ya me está bien. No lo veo como

venderse ni nada de eso. Nosotros seguimos haciendo lo mismo, lo único que pasa de vez en cuando es que los focos nos iluminan y se nos presta más atención y lo aprovechamos. Y cuando los focos se apagan, seguimos adelante y ya está”. Me sorprendió bastante que Benji Madden de Good Charlotte sea el productor del disco. No le conozco, pero da la imagen de ser un tío más preocupado por las joyas y el champán que por la política. ¿Cómo acabasteis trabajando con él?

“Lo primero que quiero decir es que esa imagen no es incorrecta. No creo que la política esté en las prioridades de la vida de Benji. Por eso nos dejó esa parte a nosotros (risas). Pero al mismo tiempo, puedo decirte que es una persona extremadamente empática y que se preocupa más por los demás que por sí mismo. Y al final lo que intentamos es que la gente se dé cuenta de que los demás existen. No todo gira alrededor de tu móvil, tu ordenador, las redes sociales... queremos agrietar el muro que nos separa de los demás y creo que Benji también cree en esa idea.

101

Pero voy a ser muy sincero con cómo fue todo esto. La historia es que Benji, su hermano Joel y su hermano Josh tienen una empresa de management que lleva a grupos de amigos míos y vi el gran trabajo que estaban haciendo con ellos. Nosotros hemos tenido cuatro mánagers en nuestros 22 años de historia y nunca estuvimos contentos con ninguno de ellos, probablemente porque estamos acostumbrados a hacerlo todo nosotros. Ninguno de nuestros mánagers anteriores había estado en un grupo, ninguno sabía lo que es estar seis meses en la carretera y necesitar un descanso. Cada vez que decíamos que no a alguna oportunidad que surgía se cabreaban con nosotros, y nos ponían a unos en contra de los otros. Pero Benji y Joel han tenido su grupo desde que eran unos críos y entienden de qué va todo esto. Nos dijeron que nos ayudarían a hacer el disco sin condiciones, y nosotros siempre iremos a la nuestra, pero sabemos que necesitamos la ayuda de alguien para poder tener el mayor impacto que sea posible, tanto a nivel político como de banda que hace discos y da conciertos”.

al productor el día que nos metíamos a grabar (risas). Pero al final acabas pagando un montón de dinero a alguien porque había producido un disco que te gustaba hace veinte años, y nunca acabas contento del todo. Pero esta vez estábamos sólo nosotros, y Benji no paraba de darnos buenas ideas. Un ejemplo de eso es ‘When The Walls Fall’. Al principio tenía un rollo totalmente parecido a ‘London Calling’ de The Clash y, antes de que me diera cuenta, Benji nos dijo de acelerar el ritmo y se convirtió en un ska con un rollo Rancid (risas). Pensaba que la letra era optimista y necesitaba que la música también lo fuera. Así que, tres semanas antes de terminar el disco, le dije: ‘¿Tío, sabes que has producido este disco?’ (Risas), y me dijo ‘Bueno, supongo que sí’. Y le dije ‘Pues pondremos tu nombre en el disco’. Así fue literalmente como pasó (risas). Siendo como somos socialistas, queremos darle a las personas el crédito que merecen (risas)”. The Clash siempre han sido una influencia para vosotros, y en este nuevo álbum hay varios

No se puede separar una cosa

temas que recuerdan mucho a

de la otra.

ellos, la verdad. Antes decías

“Claro. Cuando empezamos a escribir las canciones y a mandarles maquetas a Beni y Joel, Benji nos propuso que Justin y yo fuéramos a Los Ángeles para componer más temas. Tienen un estudio y podíamos usarlo, e iba hacer que todo el proceso fuera mucho más ágil. Y eso hicimos. Escribimos ocho canciones allí, estuvimos hablando con distintos productores y estuvo muy bien. Siempre conocíamos

que no es tan importante hacer

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algo que sea distinto, pero cuando componéis algo que suena mucho a The Clash, ¿no tenéis dudas?

“(Risas) Bueno, no tenemos miedo de nuestras influencias. Creo que uno de los grandes malentendidos que hay es que los grupos tienen que ocultar sus influencias, no compartir de dónde vienen tus influencias, pero eso

nunca ha sido un problema para nosotros. Dead Kennedys, Billy Bragg, The Clash, Rancid, son los motivos por lo que estamos aquí y nosotros simplemente intentamos formar parte de esa historia, de ese legado. Cuando escribo pienso en lo que me gustaría escuchar, nada más. Y tomamos prestado, no robamos (risas). Creo que hay una diferencia (risas)”. Acabo de ver vuestras nuevas fotos promocionales y estás igual que hace diez años. ¿Cuál es tu secreto?

“(Risas) Te aseguro que no me siento

“DEAD KENNEDYS, BILLY BRAGG, THE CLASH, RANCID, SON LOS MOTIVOS POR LO QUE ESTAMOS AQUÍ Y NOSOTROS SIMPLEMENTE INTENTAMOS FORMAR PARTE DE ESA HISTORIA, DE ESE LEGADO”

CHRIS#2

como hace diez años. El secreto es ser vegano y no empezar hasta que cumples los 30 (risas)”. Antes hablabas de que os gusta tener el mayor impacto. Si tuvieras que elegir entre hacer una gira como teloneros de Lady Gaga o hacer una gira por salas con una banda afín a vosotros, ¿qué crees que tendría un mayor impacto?

“Son dos cosas muy distintas y las dos pueden tener un gran impacto. Pero es imposible calibrar cuál sería mayor. Anti-Flag siempre queremos

tocar para gente nueva y creo que siempre podremos hacer giras en salas, así que diría ‘vamos a tocar con Lady Gaga y vamos a incomodar a un montón de gente’ (Risas). Quizá nadie nos hiciera caso, pero al menos lo habríamos intentado. Cuando fichamos por una multi, mucha gente nos criticó y mucha gente dijo que lo habíamos hecho para que nuestro mensaje llegara a más gente. Pero las cosas no funcionan así. No fichas por una multi y de golpe vendes un millón de discos. Lo sabíamos, pero exprimimos la multi al máximo e hicimos que donaran

dinero para ONGs en las que creemos. Les sacamos hasta la última gota porque sabíamos que no había ninguna otra garantía de que íbamos a grabar un nuevo disco de AntiFlag. Así que si girando con Lady Gaga consiguiéramos que una sola persona escuchara por primera vez a una banda que dice que la violencia policial está mal o que debemos luchar por la justicia social, me sentiría más que satisfecho”.

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LOS CORONAS

SURFEROS POR EL MUNDO

EN LOS ÚLTIMOS AÑOS LOS CORONAS HAN LLEVADO A CUESTAS SUS TABLAS DE SURF POR TODOS LOS RINCONES DEL PLANETA. SU RECIÉN ESTRENADO SEÑALES DE HUMO VENDRÍA A SER EL ÁLBUM DE FOTOS SONORO DE TODOS LOS VIAJES QUE HAN REALIZADO, PERO ¿SERÁ EL ÚLTIMO? TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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OR MUCHO QUE QUENTIN TARANTINO CONSIGUIESE ELEVAR

‘Misirlou’ de Dick Dale a la categoría de canción inmortal gracias a su inclusión en Pulp Fiction, el surf rock instrumental siempre ha permanecido como un género casi minoritario y alejado de las grandes masas. Es por ello que el recorrido que llevan realizando Fernando Pardo y David Krahe bajo el nombre de Los Coronas desde que se fundaran a principios de la década de los 90 en el madri-

dos cánones del género. Esto sucede desde que la trompeta de Yehven Riechkalov uniese fuerzas junto a la inquebrantable base rítmica de Roberto Loza (batería) y Javi Vacas (bajo), configurando la formación con la que son conocidos a día de hoy. Trabajos como El Baile Final… De Los Locos Y Los Cuerdos y Adiós Sancho ampliaron su paleta de sonidos dando cabida a influencias de lo más variadas y exóticas como el spaghetti western, el flamenco, la rumba o el mariachi. Algo que en su nuevo Señales De Humo (Tritone) han sido capaces de llevar todavía más lejos en la que supone su obra más ambiciosa y, quién sabe, si la última. Para intentar descifrar el misterio y saber más acerca de sus nuevas canciones, nos reunimos con el grupo en las oficinas de Sony en plena campaña promocional mientras firmaban una montaña de vinilos. Algo que no impidió que nuestra charla diese mucho de sí. Nuevo disco tras cuatro años y el primero doble de vuestra trayectoria, al menos en vinilo, con material nuevo. ¿Tantas

leño barrio de Malasaña tiene mucho mérito. No sólo porque en sus más de dos décadas se hayan confirmado como la banda de referencia a la hora de hablar del estilo en nuestro país, sino porque su ambición discográfica les ha servido para situarse en lo más alto a nivel internacional junto a otras leyendas como su amigos Los Straitjackets. A su incuestionable reputación como banda en vivo, hace tiempo que hay que sumarle una evolución que busca escapar de los encorseta-

ideas teníais guardadas en el disco duro como para hacer un doble? JAVI VACAS “No es que hayamos

pasado cuatro años acumulando ideas. Nosotros editamos el último disco en enero de 2013 y en ese momento encadenábamos cuatro años de gira con El Baile Final. La salida de Adiós Sancho nos pilló en plena gira australiana y empalmamos con otros tres años de gira incluyendo visitas a medio mundo. Una vez finalizados esos siete años de

dar conciertos, ahí es cuando nos planteamos parar, porque estábamos secos. Es decir, todo lo contrario. En vez de estar llenos de ideas estábamos vacíos (risas). Así que paramos durante un año y, a partir de ahí, arrancamos de nuevo. Cada uno iba elaborando las ideas por su cuenta en casa, en las vacaciones... Y en enero de este año nos juntamos para ponerlas en común en el local. Hasta abril estuvimos trabajándolas, montando los temas, los arreglos... A partir de ahí grabamos el disco en mayo y volvimos con lo que es la base de las canciones, que es batería, bajo y dos guitarras. Todo grabado en analógico y tocando juntos, siendo una experiencia muy artesanal y tratando de capturar la magia. Es decir, sin utilizar trucos de corta y pega o Pro Tools”. FERNANDO PARDO “No, Javi, no engañes. La magia no existe (risas)”. JAVI “Bueno, así está grabado. Luego hay otros elementos que ya son detalles como los arreglos, que en esta ocasión los hemos hecho por primera vez en mi estudio y han sido grabados de la otra manera. Es decir, si necesitábamos una sección de metales, la metíamos. ¿Que no nos gustaba? La repetíamos. Ahí ya sí que utilizábamos programas de edición, pero siempre de una manera enfocada a los arreglos. Si queríamos unas percusiones, le enviábamos los temas a Miguel Campello de El Bicho, que es uno de los colaboradores, las grababa por su cuenta y nos las mandaba de vuelta. Lo mismo con Eleanor y Chris de The Mastersons, que lo hicieron en Tucson, o Jairo Zavala de Depedro en su estudio, y Sergio Mendoza con su Orkesta. Así que la producción ha sido un poco 105

“UNA DE LAS VENTAJAS DE HACER MÚSICA INSTRUMENTAL ES QUE TE PERMITE SER TODO LO FRÍVOLO QUE QUIERAS A LA HORA DE JUGAR, MEZCLAR MELODÍAS, DISTINTOS GÉNEROS…”

DAVID KRAHE un mix de ambos métodos”. Es la segunda ocasión en la que habéis viajado hasta Estados Unidos para grabar con Craig Schumacher en sus estudios de Tucson. ¿Hubo algo de diferente en estas sesiones respecto a las de Adiós Sancho? JAVI “Básicamente fue lo mismo.

Tratar de captar el momento en el que el groove suena, todo encaja, la batería es la que consideramos que suena más orgánica, la que transmita más… aunque no sea la toma perfecta. No buscamos clavarlo o que todo esté impecable, sino que tenga más feeling y rollo. Mientras no sean detalles que afecten mucho a nivel técnico, normalmente buscamos esa ma106

gia. Muchas veces coincide que el bajo y la batería han funcionado y que incluso una o las dos guitarras nos resultan válidas, con lo cual ya lo tenemos todo. Solemos hacer cuatro o cinco tomas como mucho. Si no ha salido bien a la cuarta, ya es cuando estamos jodidos (risas)”. DAVID KRAHE “Lo que sí que ha cambiado esta vez respecto al anterior es el tema de la posproducción. Adiós Sancho lo grabamos y lo mezclamos todo de una tacada. Nos quedamos allí, en Tucson, acabamos la grabación en el plazo de una semana más o menos y a la siguiente, inmediatamente después, empezamos a mezclar con nosotros allí. Escuchando, supervisando…”. JAVI “Además, también al mismo

tiempo nos llegaron con el horario cambiado las trompetas grabadas justo entre medias”. DAVID “Exacto. Se grabaron aquí, en España, nos las mandaron allí y como toda la sesión se hizo con muy poco tiempo de diferencia, con el cambio de horario nos dio tiempo a reanudar la sesión de las mezclas sin parar”. JAVI “Yehven, nuestro trompetista, es ucraniano. Por eso no puede viajar a Estados Unidos con nosotros y tiene que hacerlo todo desde aquí”. FERNANDO “Pensábamos que con Trump la cosa iba a cambiar, pero… (Risas)”. JAVI “A él le denegaron el visado la primera vez. Y una vez que te lo rechazan una, lo van a volver a hacer

la segunda, la tercera... A no ser que seas un millonario ruso, que no es el caso (risas)”. DAVID “Lo que hicimos esta vez fue grabar allí durante una semana y una vez regresamos aquí, comenzamos todo el trabajo de la posproducción en cuanto al tema de trompetas y arreglos”. JAVI “Tuvimos mucho más tiempo para hacerlo. Cerca de un mes y pico, porque claro, entre que sales a tocar el fin de semana y demás, pues vas sacando huecos. Te da más tiempo a reflexionar e incluso a rectificar lo que no te termina de encajar”. Precisamente escuchando Seña-

les De Humo, es fácil darse cuenta de que es el álbum en el que más cuidado y esmero habéis puesto. Hay un sinfín de arreglos. DAVID “Se nota. Y no es sólo que

nosotros hayamos tenido más tiempo para hacerlo, sino que Greg también lo ha tenido para mezclarlo. No ha sido que se haya puesto inmediatamente después una vez nosotros lo terminásemos. No había esa presión temporal, sino que ha podido dejar que eso reposara y plantear incluso mezclas alternativas”. JAVI “En Tucson sólo grabamos lo prioritario, lo que nos resultaba impepinable tener para poder trabajarlo aquí después. Luego teniendo ya tiempo, puedes meditar todos esos arreglos. Pensamos que de esta manera podríamos hacerlo mejor, porque si no, todo eso tienes que realizarlo antes en la preproducción. Y nosotros ya íbamos bastante asfixiados con la composición de los 17 temas como para arreglar todo y grabarlo allí del tirón, aparte de que

cuanto más tiempo estés en el estudio, más caro es”.

nuestro caso sería más fácil si cantásemos (risas)”.

Por otro lado, tengo entendido

En cualquier caso, si algo tiene

que esta vez Fernando y David

este trabajo es un sonido de lo

no sois los únicos responsables

más universal y multiétnico. Ya

en la composición, sino que el

en Adiós Sancho disteis cabida

resto de miembros han aporta-

a influencias de lo más varia-

do de su propia cosecha.

das, pero aquí habéis ido toda-

JAVI “Eso viene ocurriendo así des-

vía más allá. Hay rumba, fla-

de El Baile Final. Tampoco es una novedad. Lo que sí lo es, es que en este álbum se ha dado muchísimo más que en los anteriores”. DAVID “Es un álbum mucho más participativo. Hay un equilibrio mayor que en otros discos a la hora de componer”. JAVI “Exacto. En El Baile Final es cuando se abrió esa nueva manera de funcionar. En Adiós Sancho lo llevamos mucho más lejos, pero en éste, ya con 17 temas, pues hay más variedad. Somos cinco personas componiendo y si los divides es fácil darte cuenta de cuál es cada uno. Loza por ejemplo tiene cinco temas, David otros tantos, yo tengo tres…”. DAVID “Para que te hagas una idea, Loza se incorpora al grupo de compositores en Adiós Sancho por primera vez con ‘Cleopatra Stomp’. Y ahora ha metido cinco, por lo que tiene un peso muy grande”. JAVI “Cada uno aporta su personalidad, pero es el grupo el que arregla los temas. Seguramente si hiciésemos las canciones por nuestra cuenta, en estudios diferentes… se notaría de quién es cada canción. Pero no sería un álbum tan homogéneo. También hay casos como The White Album de The Beatles, donde cada uno hizo lo que quiso, pero aun así funciona como un conjunto perfecto y puedes distinguir de quién es cada tema. En

menco, disco, mariachi, sonidos africanos, spaghetti western, por supuesto... Es una obra bastante viajera, diría yo. FERNANDO “Es que la realidad es

súper cambiante, tío. Ahora la forma de ver la música está absolutamente abierta. Tú te escuchas una lista de reproducción de Spotify y es súper amplia. Una misma persona puede escuchar desde música africana a unos suecos haciendo death metal. Hay algunas mezclas que se te ponen los pelos de punta. Y nosotros, aunque de una forma más cerrada, estamos igualmente influidos por esa realidad”. DAVID “También hay que tener en cuenta el contexto por el que nos movemos y en el que hemos grabado Señales De Humo. Venimos de un hiato de dos años y se trataba de intentar reencontrarnos otra vez con la actividad musical, tanto en el escenario como en el estudio, con toda la energía, fuerza e intensidad posible. Nosotros siempre hemos sido un grupo bastante abierto musicalmente, o lo hemos intentado por lo menos. Ésa es una de las ventajas de hacer música instrumental, que te permite ser todo lo frívolo que quieras a la hora de jugar, mezclar melodías, distintos géneros… Y cuando nos planteamos esto, la idea no era sacar un disco doble. No se trataba de eso, sino de 107

“HAY UNA PARTE CASI ARQUEOLÓGICA EN LO QUE HACEMOS. SIEMPRE HEMOS REIVINDICADO QUE ESPAÑA ES UN CONTINENTE MUSICAL, POR POCO DESARROLLADO QUE ESTÉ”

FERNANDO PARDO

empezar a trabajar, volver a poner la maquinaria en marcha y ver hasta dónde llegábamos. Pero en cuanto a los estilos, aunque no era una idea preconcebida, vimos que sobre la marcha el cuerpo y la cabeza nos pedían que si empezábamos a hacer algo y nos sonaba de una manera determinada, como pudiese ser la rumba, íbamos a llevarlo al extremo. Es decir, no sugerirlo, sino hacerlo muy evidente, o al menos todo lo que nosotros sepamos. Y ésa sí que es una característica de este álbum que puede diferenciarlo de los otros, donde las cosas están esbozadas, pero no con una decantación tan exagera-

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da. Esta vez queríamos explotar todo el sabor de una canción por lo que nos sugería una sonoridad o una melodía. Por ejemplo, las canciones que más tienen que ver con el género más ortodoxo del rock’n’roll o el surf instrumental, suenan premeditadamente orientadas a esa dirección. Pero las que no son así, no tienen absolutamente nada que ver con ese rollo. Ésa es la diferencia respecto a los discos anteriores, donde todo tenía un filtro uniforme que homogeneizaba el resultado final”. JAVI “También siempre conservamos una base rítmica que está pensada para bailar, un twang y un reverb en

las guitarras que son características de este estilo... Al final intentamos llevarlo al extremo, pero nunca llega a lo que sería una canción original de música marroquí, por ejemplo, ni de lejos. Si hay un toque aflamencado en uno de nuestros temas es porque tiene palmas y una guitarra española de por medio, pero no es flamenco, ni mucho menos. Simplemente es una aproximación a nuestro estilo”. Quien os haya seguido, sabe que este tipo de experimentos vuestros ya vienen de lejos, pero querría saber cuándo em-

pezasteis a sentir que con el surf rock no os bastaba, que necesitabais expandir vuestra propuesta. DAVID “Creo que el punto de in-

flexión fue en Caliente, Caliente con un tema que es ‘High Sierra’ que ya tiene otro tono, otro ambiente. En los primeros discos ya habíamos conseguido recrear los ambientes evocadores y relajados, como ‘Tormenta’ ya en nuestro primer single. También ‘Arrecife’ en el primer disco o en el segundo ‘Janas’, que tiene un toque más acústico. Pero en ‘High Sierra’ fue la primera vez que incluimos la trompeta y le dimos un protagonismo absoluto. A partir de ahí empezamos a ver que el género del surf instrumental es un camino que no tenemos por qué abandonarlo, ya que nos permite hacer lo que nos dé la gana, sin limitaciones formales ni físicas, por lo que te supone estar supeditado a una voz o a una estructura predeterminada de la canción. Pero también tiene sus limitaciones si no eres ambicioso y empiezas a hacer otras cosas”. FERNANDO “Hay grupos que son muy originales también. Lo que pasa es que la gente no los escucha porque no son tan tradicionales y el surf está un poco atrapado en eso. El público saca la conclusión de no escuchar más porque todo es lo mismo. Pero hay auténticas frikadas por ahí, mucho surf de los 80 que entronca directamente con todo el rollo californiano de Frank Zappa. Pero claro, la gente que llega al surf va a lo fácil y no da un paso más allá”. JAVI “El punto en el que nosotros nos dimos cuenta de que había que hacer algo diferente es cuando íbamos a un festival de fuera, como en

Italia, y veías que todos los grupos tocaban las mismas canciones, de la misma manera e incluso con idéntica formación”. FERNANDO “Todo el mundo quería hacerlo al modo californiano, y nosotros queríamos hacerlo español o mediterráneo, más bien. Darle el toque local. Tenemos la suerte de que España es un universo musical igual que Brasil, pero menos desarrollado. Aquí palos de distintos tipos de música hay mogollón y nosotros hemos intentado introducirlos en los discos”. JAVI “En estas 17 canciones hemos intentado dejar nuestra aportación a la música instrumental que viene de nuestras raíces. Nos parece más interesante indagar en la cultura de aquí que tener que ponernos a investigar lo que se hace en Estados Unidos”. FERNANDO “Hay una parte casi arqueológica en lo que hacemos. Siempre hemos reivindicado que España es un continente musical, por poco desarrollado que esté. Pero incluso la posibilidad que hay de tocar en las fiestas de cada pueblo de este país, eso es algo que no se hace en ningún otro sitio. Intentamos aportar nuestro granito de arena”. Y con todas estas mezclas y versiones imposibles que habéis hecho a lo largo de los años, ¿aún hay algo que se os resiste o que os resulte imposible de llevar a cabo? FERNANDO “Bueno, nosotros inclu-

so llegamos a meter ritmos de reguetón. Lo que pasa es que cuando lo hicimos a la gente se le ponían los pelos de punta y había abucheos. Se captó poco el sentido del humor de la jugada”. JAVI “Y ahora lo hacen los Foo

Fighters y mola (risas). Estamos dispuestos a ir experimentando, pero con cosas que nos salgan de una manera natural, no forzarlo”. Para terminar, la pregunta del millón: ¿Qué hay de cierto en eso de que esto puede suponer la despedida de Los Coronas? ¿Hay algo real o es otra manera de vender humo? DAVID “Eso llevamos diciéndolo en

cada uno de nuestros discos, así que tampoco te agobies (risas)”. FERNANDO “Nuestros dos últimos discos se llamaban El Baile Final y Adiós Sancho, así que ya estábamos dando pistas ahí (risas). Mira tío, nosotros los resumimos todo con mucha sencillez, pero nuestro intramundo es complejo, imagino que como el de cualquier persona que lleva en esto mucho tiempo. Hay mucho gris, no va todo al blanco y negro. La decisión que puedas tomar una semana, al mes siguiente no tiene nada que ver. Lo que tenemos claro es que cualquier decisión definitiva que tomes te la puedes replantear”. JAVI “En cualquier momento las cosas se acaban y hay que disfrutarlas al máximo”. DAVID “Es difícil siendo un grupo como el nuestro el encontrar retos que te motiven año tras año. Nos viene muy bien compaginar Los Coronas con otras bandas en las que tocamos porque también son una fuente de inspiración y te mantienen activo y oxigenado cuando lo necesitas. Pero hay que estar preparado porque no hay nada eterno”.

109

ÓSSERP

CULTO OCULTO LOS AUTORES DE NUESTRO MEJOR DISCO NACIONAL EN 2015 VUELVEN A LA CARGA. E, INCREÍBLEMENTE, PESE AL ENORME RETO QUE TENÍAN POR DELANTE Y ALGUNAS PIEDRAS EN EL ZAPATO, ÓSSERP LO HAN SUPERADO EN AL MEU PAS S’ALÇA LA MORT. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I TIENES UN MICROSCOPIO A MANO, CÓGELO.

Elige una muestra de la escena musical y empieza a ampliarla y enfoca. Eso que ves ahí pequeñito es el underground, y si sigues ampliando, de repente algo que te había pasado inadvertido de golpe te parecerá enorme. Si hace dos años tu muestra se hubiera centrado en el metal, seguro que Sang I Sutge, el debut de Ósserp, te hubiese hecho saltar de la silla como si hubieses descubierto la penicilina. Tomando varias tendencias dentro del metal extremo como el grindcore, el death o el black, la banda de Barcelona ofreció un álbum tan devastador como fresco. Después de haberse pateado la Península y superar diversos problemas personales, Vali (voz), Xavi (voz), Dani (guitarra), Alex (batería) y el nuevo componente Benja (bajo) han vuelto con su segundo largo Al Meu Pas S’Alça La Mort (A Mi Paso Se Alza La Muerte) editado en vinilo, CD y cassette por varios sellos que buscan la calidad por encima del rendimiento económico. Sin perder ni un ápice de su fuerza, en este nuevo trabajo la banda ha podido profundizar más en esa vertiente más experimental con toques de noise e industrial que ya apuntaban en el anterior. Una reválida en toda regla que les tiene que llevar aún más lejos.

más energías en hacer algunas cosas que en el otro disco habían sido muy puntuales y que aquí queríamos elaborar más. Por ejemplo, el tratamiento de la electrónica o el hilo argumental de las letras. Así que ya que lo preguntas, te diré que creo que este álbum es mejor que el anterior”. Precisamente te quería preguntar por esa vertiente más experimental. Por lo que decías, es algo que ya teníais en la

¿Crees que la gracia de Ósserp

cabeza.

está en ese contraste entre la

“Sí, es algo que al menos yo tenía muy claro desde el disco anterior. Cuando hicimos el tema ’Les 67 Llunes De Júpiter’ ya tenía una parte electrónica, pero luego cuando mirabas el global quedaba un poco descolgado y esta vez queríamos que todo estuviera más integrado. Hay sitios donde hay más samplers, otros donde menos, pero lo que nos gusta a nivel experimental es llevar las cosas muy abiertas al estudio y luego probar suerte ahí. ‘El Buit’ es un tema que se hizo 100% en el estudio. Ni siquiera había una idea de lo que tenía que ser, pero empezamos a hacer pruebas y a grabarlas. Y ‘La Falç De Saturn’ es un tema que nunca habíamos ensayado en el local. Teníamos trozos sueltos, que grabamos sueltos y que después montamos en el estudio. Y ha acabado siendo un tema que ha gustado mucho a la gente”.

parte más old school y la más

Sang I Sutge recibió unas críti-

¿Y de dónde os viene esta in-

cas excelentes. ¿Tenéis la sen-

quietud más experimental?

sación de tener en Al Meu Pas

“Yo había estado muy metido en temas de electrónica. Había estado en bandas muchos años, luego lo dejé y me metí en proyectos de cariz experimental hasta que montamos Ósserp. Pero siempre he estado relacionado con este mundo. Compartimos

S’Alça Mort un disco incluso mejor? DANI “Es complicado tener claro si

has hecho algo mejor que lo que ya habías hecho. Lo que sí es verdad es que esta vez le hemos puesto muchas

el gusto por bandas como Full Of Hell, en las que es muy interesante cómo usan la electrónica para crear una capa más en la música que hacen y darle un matiz diferente a lo que puedes hacer con bajo, guitarra y batería. Hay gente a la que quizá le chirríe, pero para nosotros es algo que nos abre un camino para, en el futuro, hacer cosas más locas de lo que ya hemos hecho”.

experimental?

“Sí, de hecho es la mezcla perfecta de las personas que forman el grupo. Alex, el batería, o yo, tenemos unos gustos musicales que pueden ir desde el emo francés hasta la electrónica experimental o el brutal death. No tenemos muchas barreras estilísticas. Pero luego, Vali, el cantante, viene de la tradición del death metal old school y la tiene muy interiorizada. Lo que intentamos es mezclarlo todo para que nos acabe gustando a todos. Supongo que les pasa a muchos grupos que hay cosas que no acabas de ver claras cuando entras en el estudio, pero cuando sales te das cuenta de que están mejor de lo que pensabas. Creo que la gracia es que no nos cerramos, no somos ortodoxos a la hora de no meter algo porque no es death metal o porque no es grindcore. Si queda bien, lo hacemos y ya está”. Es importante que todos seáis igual de abiertos.

“Sí. Vali que es el más ortodoxo en cuanto a brutal death y grindcore, pero también es fan del hip hop nacional de 7 Notas 7 Colores. Para entendernos, somos poco trues (risas)”. 111

“HEMOS PASADO POR MUCHOS ALTIBAJOS Y SUPONGO QUE TODO ESO HA QUEDADO REFLEJADO EN EL DISCO. NO HA SIDO UN BUEN AÑO PARA NOSOTROS” DANI

De todos modos, ¿el generador de las ideas base eres tú?

“A diferencia de la otra vez, quizá esta vez he sido más yo. Hemos trabajado mucho con demos que hacía en casa, primero con riffs sueltos y luego con estructuras de temas muy primarias. Después las llevaba al local y le daba una vuelta con el batería, y luego le dábamos el toque final entre todos. Luego está Xavi, el otro cantante que vive en Irún, que tiene una visión muy clara de las estructuras, dónde faltan vueltas, dónde sobran cosas… tiene como un don. Normalmente le hacemos venir al final de todo el proceso compositivo antes de entrar en el estudio, le tocamos los temas y él ve súper claro lo que hay que alargar o acortar. Y suele tener siempre razón. Al final acaba siendo un proceso colectivo”. ¿También hace él las letras? Antes decías que las habíais querido cuidar más.

“Sí, desde el principio han sido cosa de Xavi. Siempre hemos tenido claro que las letras tenían que ser algo 112

más que un texto que acompañara la música. Para nosotros son muy importantes. Incluso hemos llegado a cambiar trozos de canciones sólo para que las letras cuadrasen con la música. Es un hilo argumental que luego nos sirve para conectarlo con el artwork o el merch. Es algo que nos empuja. Por ejemplo, el título del disco no lo tuvimos hasta que no leímos las letras y surgió esa frase. Viendo el concepto y cómo pintaba la portada, tuvimos muy claro que tenía que titularse así. Xavi necesita su tiempo para trabajar las letras, nosotros le mandamos las demos del local y va haciendo. Nos envía textos con explicaciones de por qué usa tal o cual palabra… Casi podríamos hacer un libro con sus explicaciones (risas). Y luego con Vali están varios días arreglándolo todo y grabamos las voces en Donosti. Fue un día súper intenso de acabar de darle la vuelta a todo”. ¿Dirías que es un disco fatalista?

“Seguramente sí. Pasamos por un

proceso de composición muy accidentado con enfermedades, problemas personales, con momentos que creíamos que el grupo se iba a la mierda… Hemos pasado por muchos altibajos y supongo que todo eso ha quedado reflejado en el disco. No ha sido un buen año para nosotros. Y también supongo que el ambiente general en el que estamos no ayuda demasiado. Tampoco somos una banda de hacer cosas luminosas, pero tienes razón”. ¿Qué es lo que hizo posible que siguierais adelante?

“Buff… Cuando Alex superó el problema médico y volvimos a ensayar vimos que todavía nos quedaban cosas por hacer. Al final tienes que apretar y ponerle ganas. Cuando dejas de ensayar unas semanas, pierdes unas dinámicas que cuestan mucho de recuperar. También el que entrara Benja, el nuevo bajista, en este álbum, nos trajo aire fresco y nos empujó a tirar adelante. Pero lo más importante fue recuperar a Alex”.

Creo que lo que ocurre es que estar en un grupo supone un compromiso muy fuerte, y a veces si lo dejas una temporada hasta te puedes sentir liberado. Por eso cuesta tanto volver a arrancar.

“Casi todos nosotros tenemos otras bandas paralelas y muchas de ellas no tienen este compromiso. Igual ensayas una vez al mes, o haces cinco conciertos al año, pero no hay el espíritu de ir a por todas como sea. Pero en el caso de Ósserp, desde el anterior disco, tenemos claro que hay que hacerlo cueste lo que cueste, sin ponernos límites. Ensayamos dos veces por semana, a veces incluso tres, y no es fácil tener una agenda libre como para dedicarle tres días a la semana, más tocando en otros grupos. Algunos nos pasamos casi toda la semana ensayando (risas). Pero te das cuenta de que si no le aplicas cierta disciplina y prefieres irte de vacaciones o pasar porque estás cansado, es muy difícil tirar adelante. Nosotros queríamos tocar tanto como pudiéramos y no queríamos dejar de hacer cosas en el estudio por miedo a no recuperar la inversión. No queríamos ponernos ninguna barrera porque creemos en lo que hacemos. Y al final a la gente le está gustando el disco y tenemos un montón de fechas por delante. Habrá quien no entienda o no esté dispuesto a que durante dos meses no vayas a estar en casa ningún fin de semana, pero nosotros sí”. Y dime, ¿visteis color en la gira anterior?

“Hubo de todo. Lo que hemos visto muy claramente es que nos costó muchísimo cerrar conciertos para la gira

“CREO QUE LA GRACIA ES QUE NO NOS CERRAMOS, NO SOMOS ORTODOXOS A LA HORA DE NO METER ALGO PORQUE NO ES DEATH METAL O PORQUE NO ES GRINDCORE. SI QUEDA BIEN, LO HACEMOS Y YA ESTÁ” DANI

de Sang I Sutge y ahora con el nuevo ha sido mucho más fácil. La noche y el día. La gente ya nos conoce. Es la primera gira en la que en todas las fechas hay un promotor que nos monta el concierto. La diferencia es abismal. Entiendo que todo el esfuerzo que hicimos de tocar por todo el Estado, ahora da sus frutos. Pero somos tan kamikazes que la primera fecha es en Palencia, donde no hemos ido nunca. Igual vamos y no hay nadie o hay 30 personas. Para nosotros ya es un éxito. Cantando en catalán y haciendo la música que hacemos, pensábamos que sería imposible tocar fuera de aquí,

pero al final lo hicimos. De hecho, tocamos más en el resto de España que en Catalunya, y encima la reacción fue muy buena”. ¿Dirías que sois un grupo único en la escena nacional?

“Ayer me preguntaban lo mismo. No sé. No creo que inventemos nada. Mezclamos un montón de cosas, pero no creo que seamos especiales. De verdad”.

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PAPA ROACH

14 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

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HO99O9

na anécdota para empezar. Apenas una hora antes de que se iniciara el concierto, mientras estábamos sentados en una terraza a dos calles de la sala Razzmatazz tomando unas cervezas con el mánager y el responsable del sello de Papa Roach, aparece de la nada Jacoby Shaddix montado en bicicleta y se para a saludarles. La gente de las mesas de al lado no da crédito. Yo tampoco. Pero por lo que me cuentan, el vocalista ha cogido el hábito de pegarse una vuelta en bici para conocer mejor las ciudades que visita. Una costumbre mucho más saludable que la de beberse dos botellas de vodka cada noche como hacía en sus años más locos, pero que igualmente lleva de cabeza a su crew porque nunca saben si se perderá y llegará tarde al bolo. Afortunadamente para todos, no fue el caso y luego estaría puntualmente encima del escenario. Antes nos había dado tiempo de ver a Ho99o9, el grupo encargado de sustituir a Frank Carter & The Rattlesnakes, después de que éstos cancelaran toda la gira europea por

la depresión que sufría el excantante de Gallows. Como era de esperar, casi nadie estaba familiarizado con este dúo de New Jersey, pero a pesar de actuar prácticamente en la penumbra y con un batería como único instrumentista, se ganaron un buen aplauso con su hip hop punkerizado e industrial. Sin impactar tanto como su reciente visita en salas pequeñas, está claro que hay que tenerles en cuenta. Es curiosa la resurrección que están viviendo Papa Roach con su último álbum Crooked Tooth después de haber caído en el olvido. Por lo que nos contaron, nunca habían metido tanta gente en sus conciertos en Europa, y nuestro país no fue una excepción. En nuestro caso es posible que tuviera que ver que hiciera 15 años que no pisaban nuestras salas y que hay una generación entera que nunca los había visto, pero aun así, no deja de sorprender. O no tanto, porque durante su hora y media de concierto queda claro que tienen un buen puñado de temas que aguantan más que bien el paso del tiempo. Empezando con el tema que da título

a su nuevo disco y tras una efectista caída de un telón, revelaron una puesta en escena muy cuidada con un montón de luces y dos tarimas donde se situaban el batería Tony Palermo y el guitarra adicional Anthony Esperance, hermano del bajista Toby Esperance. Pero está claro que todas las miradas se las lleva Shaddix. El frontman no ha perdido su contagiosa energía y conserva esa voz que tanto le permite rapear como afrontar las partes más melódicas. Sin apenas pausas fueron empalmando singles de antaño como ‘Getting Away With Murder’, ‘Between Angels And Insects’, ‘She Loves Me Not’, ‘Forever’ o ‘Scars’ con otros más recientes como ‘Gravity’, ‘Face Everything And Rise’, temas nuevos como la electrónica ‘Born For Greatness’, ‘Periscope’ o ‘American Dreams’, o una versión de ‘Song 2’ de Blur que puso la sala patas arriba. Aunque hubo algún bajón con los temas más lentos como ‘Lifeline’, remontaron en el bis con ‘Dead Cell’, la inevitable ‘Last Resort’ y ‘…To Be Loved’. Si les dabas por muertos, es que no estuviste ahí. 115

MAYHEM 14 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLOS OLIVER

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DRAGGED INTO SUNLIGHT

n suicidio, un crimen y una obra maestra. Pese a que sus lanzamientos posteriores me parecen de lo más relevantes, incluso tan arriesgados que parte de su público natural aún no los entiende, no se puede negar que Mayhem siguen viviendo de todo lo acontecido hasta 1994, de toda esa vorágine de caos y muerte que, ese año, se materializó en su clímax artístico. Ahora bien, lo que muchos llevamos grabado a fuego en el alma, que De Mysteriis Dom Sathanas es más que un disco, que su debut en largo se convirtió en un símbolo desde su misma aparición, parece que los noruegos no lo tienen tan claro. Para ser honestos, su desidia sobre las tablas y su nula profesionalidad a la hora de brindar un sonido digno a las ocho canciones que les hicieron entrar en la historia es, a todas luces, intolerable. Sinceramente, me he cansado de reírle las gracias a una banda que no tiene el más mínimo

respeto por su público, a toda esa gente que en Barcelona pagó una buena suma para acudir al concierto de black metal más multitudinario en mucho tiempo. Como en el caso de Dark Funeral, me gustaría ver por un agujero a qué dedican el tiempo cuando toca probar sonido, porque a poco que chequees mínimamente ya es imposible que las PAs vomiten siempre ese amasijo. Que un trabajo tan nítido en términos black suene a lo Transilvanian Hunger es injustificable, y eso que superaron ampliamente su disparate en el Resu… Mayhem no se dan cuenta de que son Mayhem, consideran a De Mysteriis un álbum más, y por eso, aunque te diviertas en sus shows, nunca tienes la sensación de estar presenciando algo mítico, algo que permanecerá en tu memoria para siempre. Lloraré de emoción el día en que oiga ‘Funeral Fog’ en vivo, pero tras dos intentos, eso está lejos de ocurrir. La actuación de la leyenda

escandinava vino precedida por unos teloneros de lujo. En primer lugar, The Ominous Circle nos presentaron su primer trabajo, bien nutrido de death metal negrísimo de la escuela Portal. Musicalmente intachables, alguien les tendría que decir a estas formaciones sin rostro que salir al escenario enmascarado no te otorga el derecho a no despegar los pies del suelo durante toda tu descarga. Este tipo de bolo ya aburre. En cambio, lo de Dragged Into Sunlight sí fue perfecto de principio a fin. Imaginen una ingente cantidad de humo hasta media sala, una banda de espaldas al público, con un enorme candelabro de lo más macabro presidiendo el escenario. Como luces, únicamente unas rojas en las pantallas, coronadas con dos cráneos de cabra, y cegadores flashes rematando el terror musical. Una tralla soberbia y extremísima atronando de maravilla (¡Eso sí que tiene mérito!) para uno de los shows del año. Impactantes. 117

THE MAINE 29 DE SEPTIEMBRE DE 2017 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: NADIA NATARIO

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NIGHT RIOTS

e hace feliz ver que, ni que sea lentamente –ésta era su tercera visita y venían a presentar su sexto álbum-, The Maine van ganando popularidad también por estos lares. En Madrid agotaron las entradas en la sala Caracol y en Barcelona registraron su mejor entrada hasta la fecha. Probablemente, lo único que les falta para consolidarse del todo es lograr romper ese muro invisible, pero real e indescifrable, que les impide captar al público masculino. Y es que a pesar de que la música de la banda de Arizona no sea ni de coña blandurria, ni tampoco sus componentes vayan de guaperas, el 95% de sus fans siguen siendo chicas. No hay nada de malo en ello, claro, pero si cada una trajera a un amigo, su audiencia se multiplicaría al instante. Incluso The Maine parecen ser conscientes de ello y quizá por eso durante ‘Girls Do What They Want’, rescatada de su debut Can’t Stop, Won’t Stop,

subieron al escenario a tres tíos que durante todo el concierto habían estado cantando y botando como los que más, en lugar de a tres chicas. Unos y otros, independientemente de lo que tengamos entre las piernas, fuimos testigos del mejor concierto que les hemos visto. La banda suena mejor que nunca y gracias a las aportaciones de sus dos últimos discos American Candy y Lovely Little Lonely, el nivel de energía ha subido muchos enteros. En buena parte estos dos trabajos monopolizaron el repertorio; ninguna objeción, porque ‘Black Butterflies And Déjà Vu’, ‘Am I Pretty?’, ‘Miles Away’, ‘English Girls’, ‘How Do Yo You Feel?’, ‘Diet Soda Society’ o ‘Bad Behavior’ muestran todas sus virtudes como creadores de magnífico pop rock alternativo, y encima, además de escuchar, te animan a bailar. También John O’Callaghan ha mejorado como frontman mostrándose mucho más comunicativo y abierto. Tanto a él como sus compañeros se les

THE TECHNICOLORS

nota disfrutar muchísimo, y eso acaba contagiándose. El único que adopta un papel más sobrio es el guitarrista Jared Monaco, pero incluso su pose les da un toque cool. No faltaron algunos recuerdos del pasado como ‘Right Girl’ o ‘My Heroine’, pero está claro que The Maine confían mucho más en su presente y en su futuro para seguir avanzando. La final ‘Another Night On Mars’, con su toque Beatles, provocó un karaoke final que dejó a todo el mundo con una sonrisa. No quiero dejar de mencionar a los dos grupos que abrieron el concierto, Night Riots y The Technicolors, quienes a pesar de estar en esta gira por ser amigos personales del grupo más que porque les ayuden a vender ni una sola entrada, mostraron un buen nivel. Los primeros con una honda parecida a The Killers, y los segundos con un indie un poco más bailable, ayudaron a crear el ambiente propicio para que sus colegas triunfaran por todo lo alto.

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GALACTIC EMPIRE 3 DE OCTUBRE DE 2017 SALA CARACOL, MADRID

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JOSÃ&#x2030; OTERO CASTELO

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ntre todo el follón que ocurrió en Catalunya durante el fin de semana del 1-O y la triste noticia del repentino fallecimiento de Tom Petty, lo cierto es que a un servidor no le quedaban muchas ganas de casi nada, y menos de ir a un concierto. Pero al mismo tiempo, la música a veces nos debe servir como vía de escape para refugiarnos de la realidad, aunque sólo sea durante una hora. Y eso mismo es lo que vinieron a hacer desde una galaxia muy, muy lejana Galactic Empire. A pesar de lo tremendamente friki que pueda significar el cruzar la mítica banda sonora de Star Wars de John Williams con un grupo de metal instrumental, lo cierto es que precisamente es una fórmula lo suficientemente atractiva como para atraer a seguidores de ambos sectores. Aunque, al fin y al cabo, ¿acaso no deberían de ser el mismo?

Sin llegar al lleno y para ser un martes contando con lo arriesgado de la apuesta, la Caracol presentaba un buen aspecto cuando apareció el quinteto comandado, como no podía ser de otra manera, por un imponente Dark Vader. Bastó que entonase con su guitarra las primeras notas del ‘Main Theme’ para que a todos los presentes se nos dibujase una sonrisa de emoción de lo más tonta. Con ‘The Imperial March’ ya no hubo ‘marcha’ atrás y nos entregamos de lleno al headbanging con un sonido que no era de este planeta. Y es que con tanto solo de guitarra, sables láser en alza entre el público, cuernos elevados al cielo y hasta mecheros, uno no sabía si estaba en un concierto de Scorpions o en la mismísima Estrella de la Muerte. Por si alguien dudaba del poder de la Fuerza que ejercían sobre sus instrumentos, el propio Vader no tuvo reparo alguno

en mostrárnosla contra uno de sus roadies, a modo de advertencia para los rebeldes entre la audiencia que se les pasara por la cabeza llevarle la contraria. Prosiguieron ejecutando ‘The Force Theme’ o una contundente ‘Battle Of The Heroes’, con Bobba Sett justificando por qué es uno de los cazarecompensas más rápidos con las baquetas a este lado del Borde Exterior. Si es que hasta ‘Cantina Band’ puso a botar hasta el más sosaina de los stormtroopers allí presentes. Y aunque, como en los mejores duelos de espada de luz de la saga, el concierto fue breve e intenso, no cabía duda de que la conquista de Madrid había sido todo un éxito. Aun así volvieron para rematar con ‘Duel Of The Fates’ ante el regocijo colectivo. Si en el futuro hay que escoger algún bando, nosotros lo tenemos claro: nos pasamos al Lado Oscuro. 121

SATYRICON 5 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: TONI VILLÃ&#x2030;N

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FIGHT THE FIGHT

lo Johnny Cash del black metal, como un Josh Homme nacido de la niebla. 15 años después de la polémica aparición de Volcano, Satyr Wongraven, con su cuero ceñido, la melena macarra peinada hacia atrás y el permiso de Frost, demostró que, quien se haya mantenido a su lado durante este largo viaje, es porque realmente disfruta con todo lo que edita. Sólo así puede explicarse que un concierto tan sumamente solvente realice dos únicas incursiones a su material más pretérito, el que seguramente haya hecho que Satyricon entren en la historia del metal, y que aun así, no se te ocurran demasiados argumentos para atacar su show. Sin muchos cambios en el setlist respecto a su anterior visita de 2013 más allá de presentar nuevo álbum, no hubo ni una sola alma que se marchara insatisfecha tras hora y media de absoluta profesionalidad. Desconozco qué mente iluminada sumó a este

pack la modernez de Fight The Fight y el thrash súper ortodoxo de Suicidal Angels, pero desde luego fue la gran culpable de que Razz 2 presentara un ambiente desangelado y triste durante las dos primeras descargas de la tarde. Qué culpa tendrán los promotores de las disparatadas ideas de ciertas agencias internacionales… Es una pena que una banda como Satyricon tenga que tocar entre lonas delimitando el público, pero cabe decir que para los protagonistas sí se disfrutó de un ambiente mucho mejor. La reciente ‘Midnight Serpent’ abrió fuego con un sonido un tanto mejorable, pero como suele pasar, tras un muy breve lapso de tiempo todo se puso a tono. ‘Our World, It Rumbles Tonight’ fue la primera en ganarse la sonora ovación, y ‘Black Crow On A Tombstone’ incluso la superó. ‘Deep Calleth Upon Deep’, en cambio, no me atrajo tanto como en disco, y ya no digamos ‘Dissonant’, que sigo sin aprobar de

SUICIDAL ANGELS

ninguna de las maneras. Un valor fijo siempre son la excelsa ‘Repined Bastard Nation’, ‘Commando’ y ‘Now, Diabolical’, pues aunque confirmen que difícilmente volvamos a escuchar nada en directo de Dark Medieval Times o The Shadowthrone, es muy complicado resistirse a su seca pegada chulesca. La gente ya lo estaba gozando, pero cuando enfilaron la instrumental ‘Transcendental Requiem Of Slaves’ para seguir con la esperada ‘Mother North’, aquello explotó. Una interpretación perfecta a modo de catarsis que, como en la sala Apolo hace cuatro años, volvió a hacernos asomar la lagrimilla. Un bis con ‘The Pentagram Burns’ y ‘Fuel For Hatred’, más el ya clásico colofón de ‘K.I.N.G.’, nos dejaron con unos Satyricon en gran estado de forma, donde los problemas de salud, al menos en vivo, parecen desaparecer bajo el negro influjo de la música. Un show para los más fieles, para los que nunca fallan. 123

THY ART IS MURDER 13 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA

TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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AFTER THE BURIAL

as lonas en Razz 2 no impidieron que la sala vistiera chula desde la misma apertura de puertas. Si algo bueno tiene la chavalada es que lo da todo desde el inicio, y de eso se beneficiaron unos Justice For The Damned que, pese a no ser lo más original del mundo, sí en cambio le echaron muchas ganas al asunto. Buen tentempié para entrar en calor y prepararse para unos anhelados pesos pesados bastante complicados de ver. En su primera vez en Barcelona, Oceano dieron una auténtica lección de cómo debe ser el deathcore más brutal en directo. Tirando de material antiguo y con un sonido irreprochable y tremebundo, nos chafaron a su antojo con breakdowns altamente destructivos y esa voz, ese chorrazo aniquilador del querido Adam Warren. Madre mía, menudo bolazo se cascaron para dignificar un estilo en horas bajas… Ojalá siempre fuera así. Una formación a reivindicar, que siempre

ha merecido más suerte. Luego, la peña recibió incluso mejor a After The Burial a pesar de contar con un volumen exagerado. Una propuesta más moderna, animada y djent consiguió que Anthony Notarmaso y los suyos salieran por la puerta grande, cediendo a los protagonistas de la noche una sala en plena ebullición. ¿Se acuerdan de mi review de Dear Desolation? Pues bien, sigo pensando que el álbum es ampliamente mejorable, pero eso de poner en duda la implicación de Thy Art Is Murder con los sonidos más extremos… Nada, una patraña del menda, olviden esa mierda, porque lo que perpetraron los australianos fue una auténtica masacre. Con CJ McMahon al frente son otra banda, tal cual. Necesitaban la vuelta del frontman, y con él nos olvidamos de cuán estáticos son los demás miembros del combo porque no se puede dejar de mirar a esa bestia, a ese animal de los guturales

OCEANO

que apenas respira entre tema y tema. Y así los fueron empalmando, uno tras otro, lo más duro y cafre de su ya de por sí duro y cafre cancionero. Luego el vocalista salió con una estelada a modo de capa. Parece que el tipo lo tenía bastante claro porque mandó al carajo a quien no le gustara, y colgándola finalmente al fondo, entre ese rojo maligno que tan bien les sentaba, fueron disparando obuses como ‘Slaves Beyond Death’, ‘Shadow Of Eternal Sin’, ‘Absolute Genocide’ o ‘Puppet Master’. Con ‘Coffin Dragger’ las PAs empezaron a fallar hasta dejar a la banda sin sonido, pero con paciencia y buen humor, la cosa pudo resolverse para retomar el show con semejante castañazo. ‘Holy War’ puso la sala del revés, y el esperado cierre con ‘Reign Of Darkness’ acabó de condenarnos al infierno. Como cabezas de cartel, capitaneando su propio tour, Thy Art Is Murder por fin demostraron todo su temible potencial. Buah, cómo lo pasamos de bien. 125

ALL TIME LOW

19 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

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CREEPER

a última vez que había visto a All Time Low en directo fue en 2008 en el festival Give It A Name en Londres, cuando todavía eran adolescentes. Desde entonces la banda ha ido creciendo, alejándose de sus raíces pop punk hacia un sonido más puramente pop, incorporando más elementos electrónicos a su música. Dos años después de su visita a la sala Apolo los chicos de Baltimore volvían a Barcelona para promocionar su séptimo trabajo Last Young Renegade en la sala grande de Razzmatazz, acompañados de una de las bandas británicas del momento, Creeper, y el muy prometedor trío Hey Charlie. Durante la tarde había caído una lluvia torrencial, pero eso no parecía haber importado a los fans que habían esperado durante horas en la cola empapándose hasta los huesos. La sala todavía se estaba llenando cuando Hey Charlie saltaron al escenario. El trío femenino de Londres, vestidas como escolares traviesas, nos devolvieron a los 90 con su rock crudo. Todavía no tienen un disco publicado, pero con canciones como ‘Young & Lonesome’, ‘Run & Hide’, ‘Cheer Up Princess’ y ‘Hey’ (con un toque de Nirvana) les auguro un brillante futuro. Los

HEY CHARLIE

siguientes eran Creeper, a quienes habíamos visto como teloneros de Pierce The Veil el pasado noviembre. En ese momento tampoco habían publicado su álbum, pero ya habían conseguido un fuerte seguimiento en su país e incluso empezaba a notarse el interés en el nuestro. Ahora, ya con Eternity In Your Arms en la calle, el vocalista Will Gould y sus compañeros empezaron su poderoso, aunque corto set, con ‘Black Rain’. Su sonido y estética me recuerda a los primeros AFI mezclado con Alkaline Trio y un toque de Tiger Army. Canciones como ‘Poison Pens’, la fantástica ‘Black Mass’, ‘Suzanne’ y las grandes melodías de ‘Lie Awake’ y ‘Hiding With Boys’ (que inmediatamente me hace pensar en Adam Lazzara de Taking Back Sunday) y la emocional ‘Misery’ son como un soplo de aire fresco. Tengo la sensación de que Creeper serán enormes; de hecho, había gente que había ido sólo por ellos a pesar de tocar apenas 30 minutos. Mientras los roadies (quienes lucían la misma bandana azul de la portada de su último disco) empezaron a preparar el escenario, la excitación por poder ver a All Time Low se hizo palpable. Cuando las luces se apagaron y se dibujaron las sombras

de Rain Dawson (batería), Zack Merrick (bajo), Jack Barakat (guitarra) y el frontman Alex Gaskarth, la histeria de las jovencitas se disparó, todavía más cuando sonaron las primeras notas de la power popera ‘Last Young Renegade’. Aún no habían terminado la segunda canción ‘Damned If I Do (Damned I I Don’t)’ cuando empezó una lluvia de sujetadores con mensajes para la banda. Jack y Zack fueron colgándolos en los pies de micro y durante el tercer tema ‘Backseat Serenade’, el chistoso guitarrista se puso unas bragas en la cabeza. El repertorio se centró en su trabajo más reciente sonando ‘Life Of The Party’, ‘Dirty Laundry’, ‘Nice2knoU’ y ‘Good Times’. Es evidente que tienen un talento natural para hacer canciones que se te pegan fácilmente, aunque no seas realmente fan suyo, y el juego de las luces que traían resultaba muy atractivo. Era imposible no sentir la euforia cuando el público cantaba a pleno pulmón ‘Guts’, la balada ‘Missing You’, ‘Vegas’, ‘Something’s Gotta Give’, la preciosa acústica ‘Therapy’ o ‘Weightless’. Volvieron para hacer el bis con ‘Kids In The Dark’, ‘Drugs & Candy’ y mi favorita ‘Dear Maria, Count Me In’. 127

IN HEARTS WAKE 19 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA

TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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GIDEON

uede que porque su concierto coincidiera con el de All Time Low, por la tormenta que cayó durante horas o porque el grupo todavía no tiene más tirón por aquí, pero apenas cien personas acudieron a ver a In Hearts Wake en su primera visita como cabezas de cartel. Aun así, para nada fue una velada triste o desangelada. Después de que los británicos Silent Screams suspendieran a última hora su participación en esta gira europea, recayó en Gideon la tarea de abrir el show. Los de Alabama venían con su último álbum Cold bajo el brazo y de él sonaron ‘Cursed’, ‘Freedom’ o ‘Champions’, dejando espacio en su media hora de concierto para temas antiguos como ‘Bad Blood’ o ‘Calloused’. Si éstos ya suenan rotundos en disco, en vivo todavía más. Su metalcore con ecos de Hatebreed y Zao retumbó por toda la sala y su frontman Daniel McWhorter se mostró como un gritón de primera. Al terminar de tocar, el vocalista salió pitando para

no perderse a All Time Low porque, por lo visto, son su grupo favorito. Un dato curioso teniendo en cuenta lo cañera que es su banda. En su tierra, In Hearts Wake ya son capaces de llenar salas de mil personas y se nota: el espectáculo que ofrecen, tanto en la escenografía (con cuatro torres de luces verticales) como en actitud (saben cómo tener al público pendiente en todo momento) es la de una banda en camino de ser grande. Posiblemente el tener como vecinos a Parkway Drive les ha animado a seguir sus pasos, y en muchos momentos recuerdan a cuando los ahora reyes del metalcore australiano empezaban, sobre todo en el sentido del humor que transmiten. En particular el guitarrista Eaven Dall no para de bromear con sus compañeros, bailando y sonriendo, y el que durante ‘Survival (The Chariot)’ sacaran una barca inflable para que el vocalista Jake Taylor fuera transportado hasta el fondo de la sala para recoger una bandera

con la portada de su último disco, da a entender que aunque el mensaje que difunde el grupo sea algo tan serio como la protección del medio ambiente, también hay lugar para la diversión. De hecho, si alguien esperaba una retahíla de discursos ecologistas, no la encontró. En directo, el quinteto se dedica básicamente a tocar y la verdad es que suena de fábula. Empezando con la intro ‘Ark’, el primer tema ‘Passage’ ya puso a todo el mundo a cantar los coros. Siguiendo con ‘Nomad’ y ‘Healer’, quedó reflejado rápidamente el gran protagonismo que tiene el bajista Kyle Erich, responsable de cantar todos los estribillos melódicos en una dinámica que recuerda a sus también paisanos The Amity Affliction. Y quizá la única pega que les pondría es que la mayoría de temas que tocaron –también cayeron entre otros ‘Warcry’, ‘Waterborne’, ‘Earthwalker’ o ‘Refuge’- siguen el mismo esquema. Potencial tienen, ahora sólo queda enfocarlo hacia un sonido más personal. 129

PARADISE LOST 23 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA

TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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PALLBEARER

on su flamante disco Medusa bajo el brazo, Paradise Lost se presentaban en Barcelona ante una sala Razz 2 en formato reducido. A pesar de la innegable segunda juventud musical que parecen estar viviendo con la vuelta a sus raíces, a los ingleses les sigue costando congregar a más público en nuestra tierra. Es inevitable quedarse con la sensación de que estamos ante una banda con una base de fans sobradamente consolidada, pero cierta dificultad para sumar nuevos adeptos a su causa. La elección como compañeras de gira de formaciones más jóvenes y en auge puede ser una buena estrategia para revertir la situación y, quizá por eso, Sinistro y Pallbearer figuraban en el cartel. Los portugueses, con su aproximación arty hacia el doom lúgubre, pueden resultar interesantes en disco pero, en directo, la excesiva teatralidad de la vocalista Patricia Andrade no acabó de convencer a todos. Por su parte, Pallbearer desplegaron las excelsas composiciones de su último

trabajo Heartless, aunque restaron elegancia a sus arreglos al optar por un volumen atronador. De lo que no hay duda es que Brett Campbell es uno de los mejores vocalistas de su generación. Con su habitual sobriedad en la puesta en escena y presentando su clásica formación, consolidada ya la presencia de su joven batería Waltteri Väyrynen -en sustitución del pluriempleadísimo Adrian Erlandsson-, los de Halifax abrían con ‘From The Gallows’, uno de los temas de su último trabajo. Disfrutando de un sonido excelente a lo largo de toda la noche, supieron encadenar un acertado setlist que no tiró de nostalgia, combinando esencialmente canciones de sus últimos diez años de carrera. Si el protagonismo se lo llevó lógicamente su Medusa, alternando temas de poso doom como ‘Gods Of Ancient’ con otros de riff más veloz como ‘Blood And Chaos’, no quisieron dejar de lado tampoco su anterior The Plague Within, incorporando la melódica ‘An Eternity Of Lies’

SINISTRO

o la pantanosa ‘Beneath Broken Hurt’. Dejando claro que se sienten muy cómodos con sus dos últimos álbumes, también hubo espacio para temas que ya empiezan a sonar a clásicos como ‘The Enemy’ o ‘Faith Divides Us - Death Unites Us’ pero, por encima de todo, para ofrecer a los fans algunos caramelos de sus discos primigenios como ‘Enchantment’, ‘True Belief’ o un celebradísimo ‘As I Die’. Destacó un Nick Holmes completamente adaptado ya a su registro gutural y recurriendo a su habitual humor británico con chascarrillos entre temas y un Greg Mackintosh pletórico e infalible. Tres temas remataron un bis en el que nos percatamos de lo bien que funciona en directo ‘No Hope In Sight’, pero también de que no hay nada mejor que dejarnos llevar por la antigua magia de Draconian Times y su ‘The Last Time’. Puede que Paradise Lost no sea un grupo que se deje la piel en el escenario, pero ciertamente disfrutamos de uno de sus mejores directos en mucho tiempo. 131

DE GIRA

SÓLSTAFIR

23 DE NOVIEMBRE SANTANA 27 (Bilbao) 24 DE NOVIEMBRE CARACOL (Madrid) 25 DE NOVIEMBRE RAZZMATAZZ 2 (Barcelona)

a salida de vuestro

¿Y a nivel musical cómo os

qué tratan las canciones de

batería original

afectó?

Sólstafir?

Guðmundur ‘Gummi’ Óli

“Fue duro porque cuando llevas toda la vida tocando y componiendo con la misma persona no es fácil adaptarse a un nuevo escenario, tanto para la persona que entra como para los que ya estamos. De todos modos, Grimsi es un grandioso músico y a nivel personal nos llevamos muy bien. Nos hemos adaptado muy bien y creo que sólo va a mejorar con el tiempo. Estoy seguro de que en el próximo disco ya se notará”.

“Bueno, creemos que la música habla por sí sola”.

Pálmason hace un par de años fue bastante difícil y llegó a atacarte públicamente en las redes sociales y a demandaros. ¿Cómo te lo tomaste? Aðalbjörn ‘Addi’ Tryggvason (voz) “Fue jodido porque éramos

amigos desde la infancia y era uno de los fundadores del grupo. Pero era una situación insostenible. Estábamos divididos entre él y el resto. Al principio intentamos tirar adelante como pudiéramos porque no queríamos pasar por una ruptura, pero fue imposible. Todo se contaminó y cada día era una pesadilla. Por suerte, con la entrada de Grimsi (Hallgrímsson) todo volvió a como tenía que ser”.

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Como puedes imaginar, no tengo ni idea de islandés, y no he encontrado ninguna traducción al inglés de vuestras

Ya, entiendo que no son sobre chicas y fiesta, que son algo más melancólico, ¿pero de qué trata por ejemplo ‘Hvít Sæng’, una de las canciones de vuestro último disco Berdreyminn?

“Ésa concretamente se refiere a dos avalanchas que hubo en 1995 en dos pueblos cerca de donde yo vivía y en las que murieron casi 40 personas. Fue una tragedia enorme. Eran pueblos muy perqueños, de apenas cien personas, así que imagina lo que supuso. Me siento muy conectado a mi tierra”.

letras, así que me es imposible saber sobre qué cantáis. ¿De

¿Os inspira la muerte?

“Escribimos sobre el amor a la muerte y la muerte del amor. Odio la música alegre. En este disco hablamos bastante sobre las enfermedades mentales y la desesperación. Tenemos varios amigos que se suicidaron por culpa de sufrir depresiones. También tenemos amigos muy jodidos por las drogas que han perdido la capacidad de amar a nadie. Por eso la música suena como suena”.

AGENDA NOVIEMBRE ADICTS 11 Vitoria, 12 Madrid, 13 Girona ATOMIC BITCHWAX 25 Barcelona, 26 Madrid, 29 Donosti BARCELONA CALLING (Municipal Waste, Youth Of Today…) 12 Barcelona THE DARKNESS 3 Barcelona, 4 Madrid, 5 Bilbao

¿Has pasado por problemas parecidos?

“Los tuve, pero los superé. Ya no tomo drogas y apenas bebo alcohol”. Perdona por si es un tópico, pero me imagino que en Islandia no hay demasiadas distracciones.

“Supongo. Sobre todo cuando eres joven, puede resultar aburrido. Es fácil caer en las drogas o el alcohol como una vía de escape. Pero la realidad es que fumar hierba me jodió muchas noches. Por suerte, eso también hizo que decidiéramos juntarnos para hacer música. No había mucho más que hacer”. De todos modos, supongo que las cosas están cambiando. Islandia se ha convertido en un destino turístico y la escena musical cada vez tiene más exposición.

DUEL 15 Barcelona, 16 Madrid, 17 Bilbao EPICA 20 Madrid, 24 Barcelona DEATH BEFORE DISHONOUR 12 Barcelona, 13 Madrid, 15 Bilbao DYING FETUS 11 Bilbao, 12 Madrid, 13 Barcelona ESKIMO CALLBOY 22 Madrid, 23 Barcelona GASTEIZ CALLING (Buzzcocks, Sick Of It All, Madball...) 10-11 Gasteiz INTERVALS 22 Barcelona, 23 Madrid LEPROUS 9 Madrid, 10 Barcelona MAMMOTH 10 San Sebastián, 11 Barcelona, 12 Torredembarra, 14 Gijón, 15 Sevilla, 18 Cangas do Morrazo

“Sí, claro, las cosas han cambiado mucho. La población ha aumentado y recibimos un montón de turistas. Pero piensa que hasta 1944 no nos independizamos de Dinamarca. Éramos un país muy pobre, no teníamos dinero, vivíamos en la miseria. A partir de los 90 las cosas mejoraron y a nivel musical Sugarcubes (la primera banda de Björk -ndr.) y luego Sigur Rós abrieron muchas puertas. Antes, pensar que un grupo de aquí podía llegar a tener algún tipo de repercusión fuera era un sueño imposible”.

MR. BIG 9 Barcelona, 10 Madrid

De hecho Berdreyminn significa ‘soñador’, ¿no?

SLACKERS 1 Barcelona, 2 Valencia

“Sí, sería más como ‘soñador premonitorio’. El título no fue idea mía, pero de niño muchas veces soñaba con cosas que luego se hacían realidad. Al principio me daban miedo. Eran coincidencias muy extrañas e inexplicables. Supongo que tanto como que Sólstafir podamos a ir a tocar a España de nuevo (risas)”. (MARC LÓPEZ)

NECK DEEP 1 Barcelona, 2 Madrid NEVER SAY DIE! TOUR (Emmure, Deez Nuts…) 19 Barcelona, 20 Madrid OMNIUM GATHERUM 4 Madrid, 5 Murcia, 6 Barcelona THE PICTUREBOOKS 14 Bilbao, 15 Vigo, 17 Madrid, 18 Albacete, 19 Zaragoza, 20 Valencia ROAM 15 Madrid, 16 Barcelona

SPOON 14 Barcelona, 15 Madrid STAY FROM THE PATH 2 Barcelona, 3 Madrid, 4 Oviedo STEVE ‘N’ SEAGULLS 8 Madrid, 9 Murcia, 10 Zaragoza ULCERATE 19 Madrid, 20 Barcelona W.A.S.P. 1 Burlada, 2 Murcia, 3 Madrid, 4 Barcelona