RockZone 142 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: One Way System (Gasteiz Calling) @ Missaghast Photography

EDITORIAL El último número de año sirve para reencontrarnos con Berri Txarrak, uno de los grupos más queridos en esta casa. Si leeis nuestra extensa entrevista con Gorka, seguro que entenderéis por qué. Junto a ellos encontraréis, como siempre, un menú rico y variado que incluye desde caras nuevas como Roam o Knuckle Puck hasta otras más conocidas como Avenged Sevenfold o The Used. Y aunque no se publicará hasta el 5 de enero, hemos incluido el nuevo álbum de Watain como nuestro Disco del Mes. Nos ha gustado tanto, que no podíamos esperar a compartirlo con vosotros. En unas semanas volvemos al ataque con nuestra lista con lo Mejor del Año. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 142

7 / INTERFERENCIAS

22 / THE BLOODY BEDROOTS

26 / AVENGED SEVENFOLD

32 / CHELSEA WOLFE

36 / THE USED

40 / TENPEL

46 / PORTUGAL. THE MAN

52 / BERRI TXARRAK

60 / DISCO DEL MES

62 / CRÍTICAS

90 / ÀNTEROS

94 / ROAM

100 / CATORCE

106 / KNUCKLE PUCK

110 / EN DIRECTO

138 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ STONE TEMPLE PILOTS SE ACABÓ EL MISTERIO. DESPUÉS DE CASI DOS AÑOS BUSCANDO SECRETAMENTE UN NUEVO VOCALISTA, STONE TEMPLE PILOTS PRESENTARON AL ELEGIDO CON UN CONCIERTO EN LOS ÁNGELES Y EL LANZAMIENTO DE UN NUEVO SINGLE.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: Galder Izagirre

tone Temple Pilots no han tenido suerte con los vocalistas. Pese a su enorme éxito, su carrera siempre estuvo marcada por la tortuosa vida de Scott Weiland. Aunque el cantante había sido despedido del grupo en 2013, su muerte en diciembre de 2015 imposibilitaba para siempre una futura reunión de la formación original. De igual manera, el fallecimiento en junio de Chester Bennington, quien estuvo un par de años en la banda, si bien ya la había dejado para centrarse en Linkin Park, también cerraba de golpe que volvieran a colaborar más adelante. Decididos a seguir adelante tras la salida de Bennington, en febrero del año pasado, Dean DeLeo, Robert DeLeo y Eric Kretz lanzaban una campaña en internet para buscar a un nuevo cantante. Finalmente, tras meses de especulaciones, el elegido entre más de 150.000 candidatos ha sido Jeff Gutt, exconcursante del programa The X Factor y antiguo miembro de la banda de nu metal Dry Cell. Según han contado, Gutt hizo su

prueba en septiembre de 2016 y le confirmaron el puesto el pasado mayo. Desde entonces ha estado componiendo y grabando nuevo material con la banda para un disco que está previsto que se publique la próxima primavera, y que contará con mezclas de Ken Andrews de Failure. El pasado 14 de noviembre, los fans tenían un primer anticipo de lo que pueden esperar con el lanzamiento del single ‘Meadow’, un tema rockero con el sonido clásico del grupo y en el que se comprueba el gran parecido de la voz de Gutt con la de Weiland. Esa misma noche unos pocos afortunados asistían al primer concierto de la nueva formación que ofrecieron en el mítico Troubadour de Los Ángeles, donde repasaron algunos de sus temas más conocidos como ‘Vasoline’, ‘Big Empty’ o ‘Sex Type Thing’, así como una versión de ‘Kick Out The Jams’ de MC5. Por los vídeos que han circulado, está claro que vocalmente Gutt da la talla, aunque no posee el carisma de sus predecesores. Esperemos que, al menos, con él encuentren algo más de paz.

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MALCOLM YOUNG (1953-2017)

uizás para mucho de ese gran público que llena los estadios por los que pasa AC/DC cada vez que salen de gira, Malcom Young no dejaba de ser el hermano de Angus, punto focal e imagen reconocible de los australianos, pero para cualquiera que AC/DC sea algo más que una banda casual, sabe de sobras que Malcolm era la figura sobre la que giraba la mítica formación. Decir que su muerte el pasado 18 de noviembre a los 64 años nos pilló a todos desprevenidos no sería del todo cierto. Malcolm tuvo que dejar el grupo de su vida en 2014 cuando finalmente una demencia le dejó fuera de juego. Durante la promoción del último disco de la banda, Rock Or Bust, en el cual ya no pudo tocar ni una nota, aunque algunos de los riffs sí que eran de su cosecha, su hermano

Angus comentaba que en los peores momentos de la enfermedad era hasta incapaz de recordar su propias canciones. Un triste final para alguien que ha creado algunos de los himnos y riffs más inmortales de la historia del rock. Canciones como ‘Highway To Hell’, ‘T.N.T.’ o ‘Back In Black’ son la clase de temas que la gente aprende cuando tiene una guitarra por primera vez entre sus manos. Aunque, como hemos dicho, la imagen de AC/DC ha sido siempre la de Angus –acompañado siempre por el lugarteniente de lujo que había en cada momento, llámese Bon Scott, Brian Johnson o Axl Rose en los últimos meses-, la idea de AC/DC y su sonido sin fisuras fue siempre cosa de Malcolm, y en segunda instancia de George, el hermano mayor de los Young, productor de los primeros álbumes de la banda y, por desgracia,

fallecido también hace poco menos de un mes. Malcolm siempre dirigió el grupo –tanto a nivel organizativo como musical- con mano de hierro. No en vano, Angus decía siempre que AC/ DC era la banda de su hermano y por todos es sabido su carácter poco amigable en lo que a ceder respecto a su grupo se trataba. Tampoco es ningún secreto su difícil relación con Bon Scott acrecentada durante los últimos meses de vida del cantante. Malcolm se sentía frustrado porque su banda no acabara de explotar a nivel mundial y sabía que tener un cantante alcohólico a su lado no estaba ayudándole mucho a conseguir su objetivo; incluso barajó de manera muy sería su expulsión de AC/DC. La muerte de Scott lo suavizó todo y se olvidaron los malos momentos, al menos cara al exterior, pero dejaba claro que a Malcolm no le temblaba el pulso en lo que a decisiones difíciles se refiere. Quizás fueran poco populares, pero 100% efectivas si vemos hasta dónde llegaron. Pero si por algo debemos recordar a Malcolm Young es por su destreza con la guitarra rítmica. Apoyado por una base rítmica con Phil Rudd y Cliff Williams, también a prueba de bomba, Malcolm dirigía desde atrás del escenario una muralla sónica disparando de una manera única un riff tras otro. Hizo de la sencillez un arte, de lo fácil lo difícil y, aunque suene exagerado, sin esos riffs míticos que ya son parte de la humanidad, el rock’n’roll se escribiría hoy de manera un poco diferente. Una alargada influencia de la que muy pocos pueden presumir. Descanse en paz. (RICHARD ROYUELA)

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA, PAU NAVARRA FOTOS: DR

ALGO EN LA SANGRE David J. Skal (ES POP)

anto Grial de la imaginería gótica, el personaje de Drácula se ha convertido desde la publicación original del libro, del cual se cumple este año su 120 aniversario, en algo muy diferente de lo que a buen seguro tenía en la cabeza Bram Stoker cuando escribió la obra por la que ha pasado a la historia. A día de hoy la figura de Drácula está más cerca de la cultura pop que la del vampiro que reflejaba Stoker en su novela, pero ello no debe hacer olvidar una obra irrepetible y compleja como pocas. Un libro como Drácula no podía ser escrito por cualquiera y en ésta, considerada como la biografía definitiva de Bram Stoker, se pone al descubierto hasta el más mínimo detalle para descifrar cómo acabó creando un personaje que ha trascendido épocas, generaciones y estilos literarios. Para tan magno trabajo nadie mejor que David J. Skal, un autor que ha centrado gran parte de su vida en llegar a las entrañas ya no sólo de Drácula, sino de todo lo que podemos con-

TE POTARÍA ENCIMA Andrew Matheson (CONTRA)

e acabar la última página y empezar a leerlo de nuevo por la primera. Una pena que historias como las de Hollywood Brats sean ya cosa del pasado y que en tiempos de saberlo todo a tiempo real, donde ya es imposible sorprender, cualquier mística y vidas que ni el mejor guionista pueda imaginar, sean ya imposibles de vivir. Escrita en primera persona por el propio vocalista de la banda, Andrew Matheson, su historia, y por 10

siderar cultura del horror -como muy bien define la hoja de promo- con ensayos sobre Tod Browning –director del primer Drácula llevado al cine- o el imprescindible Monster Show. Algo En la Sangre no es un libro fácil ni una biografía al uso. Por momentos es más oscuro y enrevesado que el propio Drácula, donde en muchos momentos te atrapa más la obsesión de Skal por los personajes de Stoker y Drácula, que la propia historia que está explicando, además de contextualizar con éxito el momento histórico en el que fue escrito y cómo ello afectó su trabajo. La fluida narrativa de Skal pone el resto, para que los fans de Drácula acabemos de atar cabos en una historia que, no por mil veces leída o vista, ha pedido ni un mínimo de su atractivo. RR

extensión, de su banda, es un compendio de mala suerte y decisiones equivocadas. Por fortuna para todos nosotros, Andrew ha decido tomarse con humor todo su pasado para acabar explicando una historia que por momentos dejaría a Spinal Tap como el grupo más funcional del mundo. Se dijo que Hollywood Brats eran la respuesta inglesa a The New York Dolls, y si bien la similitud de ambas bandas era evidente, tanto en imagen como en música, hay que decir que, con un océano de por medio y con ambas bandas intentando salir del underground de sus respectivas escenas, poco podían saber la una de la otra. Los Brats lo intentaron todo para salir a flote, pero no consiguieron absolutamente nada. Su disco nunca se editó, y cuando vio la luz en una mísera edición sólo para Noruega, ya eran historia, y sólo a principios de los 80 empezó a crearse un pequeño culto hacia ellos que ha llegado hasta nuestros días y que el libro de Matheson acrecentará. Adictivo y divertido a más no poder. Aquí un nuevo fan. RR

COSAS QUE PASAN CUANDO LLEVAS VIDA DE ARTISTA Kat

ENCUENTROS

UN MAL VIAJE AL

CERCANOS Anabel Colazo

OESTE Mickeyman

(LA CÚPULA)

(FANDOGAMIA)

(PLANETA CÓMIC)

Delicioso cómic de corte autobiográfico donde la ilustradora Katia Grifols se despacha a gusto contándonos sus miserias y alegrías diarias como dibujante. El eje central del trabajo es un cambio de 180º en la vida de la autora que sirve como arranque a una historia muy cercana y humana, tocando el peligroso tema de pasar por una relación tóxica (nos deja ver un posible maltratador) mientras trata de rehacer su vida y encontrar un nuevo y estimulante punto de giro. Además, sus páginas son preciosas, repletas de personajes antropomorfos como amigos y muchas referencias a la cultura popular. SG

METALLICA Soledad Romero y David Navas

La primera obra extensa de Anabel Colazo encantará a los amantes de los sucesos paranormales. En este trabajo, la autora juega con los diferentes niveles en los que funciona la creencia en los sucesos inexplicables a través de tres personajes y un escenario común, un pueblo donde los avistamientos de OVNIs están a la orden del día. El relato es pausado, y desasosegante, logrando crear una acertada sensación de claustrofobia gracias a los recursos que utiliza. Las conclusiones ante esta ficción quedan en manos del lector, que deberá tomar partido sobre lo narrado. SG

EN PELOTAS Bonoreta & Carcayú (AUTOEDITADO)

EL RUBIUS NO SALE EN ESTE LIBRO Rubén Fdez (FANDOGAMIA)

(RESERVOIR BOOKS)

La iniciativa tras la serie Band Records es chulísima: aproximar los primeros pasos de leyendas del rock a los más peques a través de libros ilustrados. Tras descorchar esta colección con los Ramones, ahora es el turno de Metallica, iniciados por un joven tenista danés loco por la batería y un James Hetfield imparable. Y por ahí aparece también un tal Dave Mustaine, claro, y todos los que acabaron llevando esta banda hasta el estrellato. Si hay que culturizar al crío, mejor que sea con el grupo más grande del planeta. PN

Ningún mes sin nuestra recomendación macarra. El honor recae sobre el diario que este joven taiwanés realizó al viajar a España y Francia y donde nada sale como él deseaba: de ir para encontrase con su novia a estar solo tras haber sido abandonado con todo listo para la aventura. El objetivo, acudir al festival de Angulema, lo cumple; lo que sucede entre medias te provocará muchas carcajadas gracias a la cutrez con la que relata su aventura, su cabezonería, las anotaciones ante situaciones que no entiende y, sobre todo, por lo divertido de sus dibujos. SG

Recopilación del web cómic del mismo título con el material publicado hasta la fecha y contenidos inéditos para los fans. En las tiras cómicas la pareja de autores muestra a sus versiones en viñetas en situaciones cotidianas y de convivencia en las que predomina el sexo y el buen humor. Se trata de un tebeo muy cachondo, con escenas tiernas y otras de absoluto delirio con las que cualquiera va a poder identificarse, lo que es su mayor logro siendo esto tan difícil al centrarse en la sexualidad como hilo conductor. Pasarás un rato muy agradable con su lectura. SG

Continuación del tomo 24 Horas Con... que recopila tiras cómicas de Rubén Fdez publicadas en El Jueves, en las que aparecen personajes de toda índole: política, cine, historia, ciencia, etc. El humor de Rubén es ácido y corrosivo, apoyado en unos diálogos súper efectivos, y hay pocas viñetas que no logren arrancar una sonrisa, siendo envidiable el uso del gag final tras la acumulación de desfases en cada página. Sin duda, una lectura rebosante de genialidad. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA ALGO MUY GORDO

LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

uando Carlo Padial y Berto Romero empezaron a mostrar cositas sobre el proyecto de lo que sería el próximo trabajo del neurótico gonzo vital responsable de Quiero Ser Negro, Mi Loco Erasmus o Doctor Portuondo, tres ejemplos perfectos de los límites que no conoce Padial, todos arqueamos una ceja (como mínimo) ante el salto al vacío del cineasta. ¿Cine de animación 3D? ¿Apuesta por el mainstream un director condenado al culto creciente? Bueno, una vez más, Padial gana la batalla con la res-

puesta más predecible y menos esperada: NO. Algo Muy Gordo es cine gallináceo que abre tantos nuevos campos de exploración cinematográfica que resulta imposible no formar un nuevo término con al menos tres palabras encadenadas. Padial llega a la cima de esa épica troll que maneja como nadie y convierte esos dos años de espera por la comedia cgi por excelencia en una revolución tristísima sobre los límites que pueda tener el cine: límite de ideas, de poder, de decisión, de libertad. Nadie puede llegar tan alto solo, algo que muestra la historia a medida que avanza: hace falta trabajar en equipo. A eso ayuda un genial Berto Romero en el papel de su vida y a lo bien rodeado que se encuentra entre unos personajes que no sabemos si son reales o no. Carlos Areces, Carolina Bang, Javier Botet y Miguel Noguera dan una lección sobre el asco triste que se puede palpar en un set.

LIGA DE LA JUSTICIA

LA NOCHE MÁS OSCURA DE DC

obre Liga De La Justicia podríamos escribir un libro. Su fase inicial como proyecto, el eterno rodaje que no finalizó nunca y que uno tiene la sensación de aún continuar hoy con la cinta estrenada y las ganas de ajusticiar (qué ironía) a Ben Affleck y los suyos. Mi opinión personal me dice que todos tienen un poco de culpa. Ellos, los medios, y vosotros también. Pocas cosas peores que una caza de brujas, y con la excepción de Wonder Woman, a DC se la ha tratado un poco peor de lo que en realidad merecía. Ahora ha llegado la debacle de Liga De La Justicia. Una hecatombe en taquilla está en camino si no hay un incremento en las recaudaciones. Vamos a ver. La película toma muy malas decisiones desde el primer minuto. La interesante opción de continuar la historia donde Batman V Superman lo dejó, al igual que hizo ésta respecto a Man Of

Steel, se pulveriza por culpa de una mala canción. No es que no pegue, es difícil que un tema no quede bien con ese triste inicio, es que la canción es mala. Es una versión tan fea y hortera como las que se han puesto de moda en los tráilers. Y si no era poco con ésa, por qué no terminar con una aún peor y más forzada: ‘Come Together’. Por desgracia, casi todo lo que pasa en la peli está metido con la misma poca convicción con la que debieron autorizar eso. Toda la primera parte es una especie de resumen de algo que no hemos visto, que tenemos que asimilar y que terminaremos conociendo después de que alguno de sus personajes lo cuente por quinta o sexta vez. Además, el villano podría ser un calcetín con ojos, porque el peligro nunca es real. Ni mortal. Y si no, que le pregunten a esa familia rusa. Esa familia rusa es Liga De La Justicia. Está por estar, por poner algo. Pero no todo es para tirar tomates podridos. Parece que tenemos un Barry Allen que funciona, que podríamos empezar a tener momentos inimaginables en DC (la secuencia del cementerio) y referencias pop que la humanicen un poco y la alejen de la eterna tortura personal de todos. Puede que alguien se dé cuenta de que, con humor, todo es mejor.

MADRID

28-29-30 DE JUNIO 2018

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TOI’S IN THE ATTIC CHARLIE DON’T SURF

ola amigos! Charles Manson ha muerto. Para bien o para mal, es otro de los iconos de la humanidad que, a diferencia de Elvis, Marilyn o Hitler, ha sido coetáneo de nuestras vidas. Siempre he pensado que el movimiento hippie murió con Vietnam, el primer disco de Black Sabbath y los asesinatos de la Familia Manson. Esto es una generalización como una catedral que me permito soltar de vez en cuando, pero junto con otros factores, me parece acertada. El historial delictivo de Charlie hasta su condena definitiva en 1971, y que muchos parecen ignorar, es espectacular: robos, delitos federales, proxenetismo… Una auténtica joya. Resulta fascinante que consiguiera adoctrinar a un grupo de jóvenes en ideas tan locas como el apocalipsis, el alzamiento de un conflicto racial

entre blancos y negros, y que se autoproclamase como un nuevo mesías. Manson quería ser famoso. Aprendió a tocar la guitarra, entabló contactos con gente importante y llegó a pensar que podría triunfar en el mundo de la música. Pero no lo consiguió, y le jodió tanto que puso en marcha su particular vendetta con ayuda de unos títeres colgados de ácido hasta las cejas. Algo de lo que no habrá podido quejarse es de que alcanzó la fama a pesar de los medios. Los asesinatos que dirigió tuvieron una repercusión mundial. Las entrevistas que concedió fueron auténticas bombas, y consiguió grabar temas de dudosa calidad. Hasta Guns N’ Roses versionearon ‘Look At Your Game, Girl’. Un pájaro que pasó tres cuartas partes de su vida entre rejas, pero que vivió intensamente. Descansa en paz, Charlie… o no. (TOI BROWNSTONE)

PISANDO FUERTE_ LOS BENGALA FORMACIÓN: Guillermo Sinnerman (voz, guitarra), Borja Téllez (batería)

PROCEDENCIA: Zaragoza AFINES A: Pelo Mono, The Saurs, Dowtown Losers

Fotos: Alex Jamaro

PRESENTAN: Año Selvático (Wild Lion)

“LA GENTE TIENE GANAS DE DIVERTIRSE Y PASARLO BIEN. SI TÚ CONSIGUES QUE LLEGUEN A HACERLO EN LAS ACTUACIONES, SIEMPRE VAS A TENER TU NICHO” BORJA TÉLLEZ

ocas cosas parecen más oportunas que empezar una entrevista a un grupo de Zaragoza hablando de las fiestas del Pilar. Más en un año en que han tenido a Kase.O haciendo el pregón oficial desde el balcón del ayuntamiento. “A mí me emocionó muchísimo”, nos dice Borja Téllez, batería de Los Bengala. “No lo vi en directo porque estábamos fuera, pero lo vi al día siguiente. Fue muy emotivo ver ahí a alguien tan cercano y que conocemos de hace muchos años”. ¿Se vería algún día ahí arriba haciendo lo mismo? “Espero que no”, dice riendo. “Aunque si es un reconocimiento a la carrera y a una buena vida, espero que sí. Él lo ha conseguido y se lo merece porque es un artistazo y una persona increíble. Es más bueno que el pan, la verdad”. Este par de felinos soltaron sus primeros aullidos hace algo más de tres años cuando todavía formaban parte de The Faith Keepers. Según cuenta Borja, el dúo empezó casi como una manera de matar el tiempo. “Era un año un poco flojo para Faith Keepers, porque por diferentes historias no habíamos podido mantener el nivel que

teníamos dos años atrás. Guillermo y yo éramos los más afines musicalmente dentro del grupo y empezamos a tontear con los instrumentos en el local. Guillermo tenía algunas ideas de canciones y empezamos a juguetear simplemente por placer, sin ninguna pretensión. Poco a poco fuimos dándoles forma y nos dimos cuenta de que eran canciones que tenían algo que decir. Y a partir de ahí nos planteamos ponerles letra, cuidarlas un poco más y a tocarlas en directo. Pero fue bastante fortuito. No pensábamos que fuera a convertirse en el proyecto principal. Guillermo y yo teníamos claro que queríamos vivir de esto, porque es lo que más nos gusta y siempre lo hemos estado intentando, pero no imaginábamos que fuera a ser con Bengala, que era más como un pasatiempo. Pero en un par de meses ya empezamos a rodar por diferentes partes de España y a tener una aceptación muy buena. Nos dimos cuenta de que igual era el camino que teníamos que tomar. Y así ha sido”. A su muy bien recibido debut Incluso Festivos (2014), ahora hay que añadir Año Selvático, un segundo álbum

donde su rock garajero se presenta más cañero. “Nosotros decimos que es más violento, a nivel musical y de producción”, puntualiza Borja. “Pero creemos que mantiene la esencia de Los Bengala. Igual no es tan festivo como el primero”. Pero sí tiene más mala leche. “Eso, más mala leche. También es lo que genera nuestro entorno. Somos unos privilegiados y estamos viviendo algo único, pero con el tiempo ves cosas en la industria que no nos gustan tanto e igual eso saca otras maneras de pensar. Igual el siguiente vuelve a ser alegre, no sé. Cada disco representa el estado de cada banda. Al principio el estado de una banda es como más naïf, más ingenuo, y luego tienes vivencias que te hacen ser un poco más crítico. Es un poco más oscuro, más lúgubre, pero en directo hemos podido comprobar que crea la misma energía que generaban los temas del primero”. Lo que también está claro es que, en Los Bengala, ser dos, más que una limitación es una virtud. “Sobre todo en el aspecto logístico”, señala el batería. “Nos permite aceptar un montón de conciertos que, si fuéramos más, no podríamos ir por cuestiones económicas”. Pero más que al bolsillo, sus canciones y sus conciertos apelan a instintos más primarios. “La gente tiene ganas de divertirse y pasarlo bien. Si tú consigues que lleguen a hacerlo en las actuaciones, siempre vas a tener tu nicho. Nosotros hemos conectado muy bien tanto con la gente que escucha rock’n’roll, como con gente nueva que nos ve en directo y conecta”.

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Ignorance de Sacred Reich. En aquellos tiempos, si estabas metido en el thrash metal pero no eras lo suficientemente afortunado de haber nacido en San Francisco o Nueva York, sólo te quedaba imaginártelo todo por ti mismo. Estarte levantando hasta tarde jugando con el dial de la radio para intentar pillar alguna radio universitaria o devorar revistas de música, eran tus únicas opciones. Cuando visitaba las tiendas de discos con el poco dinero que tenía, era un gran juego de adivinanzas saber cuál de los discos que tenían una pinta increíble sonaba el más increíble de todos. Hubo un montón de compras de las que me arrepentí una vez llegué a casa. Por supuesto, hubiésemos 18

deseado tener YouTube o Spotify para poder saber cómo íbamos a gastar nuestro dinero, pero ése era un lujo que no teníamos entonces. Había visto un anuncio de Metal Blade en el que el sello que nos había descubierto a Metallica y Slayer nos enseñaba la siguiente oleada de bandas. Mostraba a sus nuevos fichajes y me fijé en el logo de Sacred Reich. Cuando vi su primer álbum, Ignorance, en una tienda local de segunda mano, puse mi cambio encima del mostrador y me lo llevé a casa, basándome tan sólo en la fe que tenía en el anuncio de Metal Blade. Ya había escuchado un tema que tenía grabado de un programa de metal que se daba por las noches, así que al menos sabía qué me llevaba de la tienda y con los pocos discos que tenía para disfrutar, me puse a escuchar Ignorance de manera constante. Este año se cumple el 30 aniversario de este debut y, para celebrarlo, el grupo se ha embarcado en su primera gira de clubes por Norteamérica en décadas. Cuando salieron las fechas

recé para que me pillara en casa y no girando por ahí, y afortunadamente así fue, y para el Opera House que me fui, el lugar donde se iba a celebrar la fecha en Toronto de Sacred Reich. Allí estaba desde un lado del escenario viendo cómo iban cayendo en su repertorio todas esas canciones que amamos, ‘Death Squad’, ‘Surf Nicaragua’, ‘Sacred Reich’, ‘American Way’, pero cuando llegó el momento de ‘War Pigs’, la versión de Black Sabbath que salía en Surf Nicaragua, el cantante/bajista Phil Rind se giró y me buscó para que fuese al centro del escenario a cantar con él. Por supuesto

conocía ‘War Pigs’. Joder, es prácticamente mi himno personal, pero la timidez me venció y rechacé la oferta dos veces. Hasta que me dije ‘a la mierda’ y salí al escenario para cantar la melodía de guitarra en la parte final. Dado que ése era un tour de aniversario y girar no es algo que hagan muy a menudo, la oportunidad de cantar junto a Sacred Reich fue como sentir la luna en la palma de mi mano. Una vez pasado, todavía me pregunto si eso pasó de verdad. ¡Alcemos las copas por el 30 aniversario de Sacred Reich! Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> GYOZA INTERPRETAN ‘YES SIR, YES MA’AM’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

ace tres años Adrià Marva (voz, guitarra), Xavi Montferrer (guitarra), Álex Fernández Cardellach (bajo) y Antonio Postius (batería) empezaban a tocar juntos, aunque su relación ya venía de antes. Tanto los dos primeros, como la sección rítmica, habían coincido en otros grupos, pero es en Gyoza donde los catalanes realmente han podido dar rienda suelta a unos gustos que abarcan tanto bandas grandes como Foo Fighters, Muse, Queens Of The Stone Age o Radiohead como otras más pequeñas como Shiner, Engine Down o Denali. Su recién salido álbum homónimo, publicado por el sello Cydonia, nos propone una bien resuelta mezcla de las diferentes influencias que profesan sus cuatro componentes. Pero como advierte Adrià, “hay canciones que hemos tirado atrás porque se parecían demasiado a otro grupo. Una cosa es una influencia, y la otra es una copia”. En cualquier caso, a lo largo del álbum su rock puede pasar de la pesadez stoner a ritmos más bailables sin per-

der coherencia. Después de haber autoeditado un EP a finales de 2015, en marzo de 2016 decidieron entrar en los estudios Nautilus de Arenys de Mar para que Lluís Cots les produjera su primer largo. “Lluís estaba motivado porque éramos más cañeros de lo que suelen grabar allí”, señala Antonio. Eso se tradujo en un cuidado proceso en el que se buscó el sonido adecuado para el registro de canción, usando amplificadores y afinaciones distintas para cada tema. “Hay discos que deberían ser singles”, explica el batería. “Igual un grupo te puede presentar una idea en un tema y con un sonido y ya está, pero luego si hacen lo mismo en 11 temas iguales no tiene interés. Nosotros intentamos que cada tema tuviera su personalidad”. Así, ya de inicio, el disco se abre con el riff rocoso de ‘Are You Mad’, la primera canción que compusieron juntos, para luego pasar a la más indie ‘What Can I Do’ sin pestañear. “A mí no me gusta hacer temas pensando en un estilo. Vamos haciendo y sale lo que sale”, explica Adrià. A lo que Antonio

añade “etiquetarte a ti mismo es ponerte barreras. Si te sientes músico y punto puedes hacer lo que quieras”. Si bien Gyoza todavía están dando sus primeros pasos, Antonio ya tiene algo más de experiencia siendo también el batería de Mourn, banda con la que ha girado por Estados Unidos y Canadá. “Quizá sé un poco más de qué va todo esto, en el sentido de estar mucho tiempo fuera de casa, en gira… tengo más asimilado ese estilo de vida”, nos dice. Aun así, el resto está deseando que también puedan vivirlo algún día. “Todos estamos comprometidos con el grupo”, cuenta Álex. “Hemos tenido que hacer muchos esfuerzos económicos para pagar el disco. Estamos involucrados al 100%, todo el mundo va a los ensayos y no hay pereza o pasotismo. Si el día de mañana tuviésemos la oportunidad de ganarnos la vida con este grupo, nos tiraríamos a la piscina. Pero hay que ser realista. No por ganar 100 euros en un concierto puedes dar a ese paso. Pero sería un sueño poder vivir de esto con ellos”. Ojalá se haga realidad.

THE BLOODY BEDROOTS

THE ITALIAN JOB

PESE A HABER GANADO UN MONTÓN DE PASTA COMO DJ, EL LÍDER DE THE BLOODY BEDROOTS CREE QUE LA ESCENA ELECTRÓNICA ESTÁ LLENA DE CHUPÓPTEROS CON MUCHA JETA. ¿SU MANERA DE COMBATIRLOS? RECLUTAR A COLEGAS ROCKEROS PARA DEJARLES EN EVIDENCIA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L ITALIANO ROBERT RIFO, CONOCIDO ARTÍSTICAMENTE como

Sir Bob Cornelius Rifo, siempre ha tenido un sitio en su corazón para el rock’n’roll. Aunque la música de su banda The Bloody Bedroots es básicamente electrónica, su directo tiene más que ver, tanto estética como conceptualmente, con un concierto de punk que con una rave. En la gira Church Of Noise de 2011 incluso contó con Dennis Lyxzén de Refused (de quienes había realizado un remix atómico de ‘New Noise’) como vocalista y, en algunos conciertos, con Tommy Lee de Mötley Crüe de batería. Pero en su tercer álbum, The Great Electronic Swindle (Last Gang/PIAS), Rifo ha ido un paso más allá y ha reclutado a artistas como Perry Farrell de Jane’s Addiction, Jay Buchanan de Rival Sons, Anders Fridén de In Flames, Jason Aalon Butler, exletlive. ahora en The Fever, o Nic Mencer de Jet con un objetivo principal: establecer un diálogo entre ambos mundos. ¿Consideras este disco una carta de amor al rock? SIR BOB CORNELIUS RIFO “Con-

cebí este álbum como una historia en la que cabían muchos estilos, no sólo el rock’n’roll. Mi intención era abarcar muchos géneros con el denominador común de la música electrónica”.

¿Cómo fue el proceso de creación? ¿Colaboraste codo con codo con cada cantante?

“La cosa fue así: a finales de 2014 empecé a pensar en hacer un nuevo disco de The Bloody Bedroots y reflexioné sobre la música que quería hacer. Había estado girando por todo el mundo como DJ, pero me apetecía que con The Bloody Bedroots pudiera contar una historia, y como no soy una persona con facilidad para expresarme con palabras, empecé a llamar a amigos míos por si querían colaborar en el disco. Y creamos los temas juntos. Toda la gente que participa en el álbum son amigos míos y las colaboraciones surgieron de esa amistad. Era necesaria esa empatía para poder contar esa historia que básicamente resume cuatro años de mi vida”.

partir de ahí, acabamos la canción juntos. Y no sólo descubrí que vivía en Italia, sino que su tío tiene unas bodegas al lado de mi casa. Así de curiosa es la vida”. Desde luego. Ese tema suena mucho a AC/DC. ¿Es tu banda de rock favorita?

“Me encantan AC/DC y sí, son una de mis bandas favoritas. Quería hacer un tema de AC/DC con pelotas, pero que las pelotas vinieran de la electrónica. En cierta manera, quería conseguir que AC/DC sonaran actuales, y creo que lo conseguí”. Cuando vi la lista de participantes, me sorprendió porque algunos son de mis grupos favoritos, pero tampoco son muy conocidos fuera de su círculo y no

¿Cuál fue la primera canción

tienen demasiado que ver unos

que compusiste?

con otros. Después de trabajar

“La primera fue ‘My Name Is Thunder’, que es también el primer single porque es un buen ejemplo de ese crossover entre electrónica y rock que buscaba. Un día me desperté y llamé a mi mánager, y le dije: ‘He creado esta canción y necesito que Nic Cester de Jet la cante porque encajaría como un guante’. Así que le llamé y descubrí que en ese momento estaba viviendo en Italia. Conduje hasta su casa y tuvimos una cena fantástica, nos hicimos amigos y a

con ellos, ¿qué dirías que tienen en común?

“Realmente no me fijé en los nombres en sí, sino que, como te decía, fue por una cuestión de amistad. Y quizá son amigos míos porque tienen algo en común, y creo que es una capacidad para interactuar con otra gente de la que carecen la mayoría de cantantes. Son gente dispuesta a experimentar al máximo la condición humana hasta el límite, si es que eso tiene sentido. Puedo interactuar con 23

“SI SE SIGUE OFRECIENDO ALGO SIN CONTENIDO, SIN SUSTANCIA, NOS VAMOS A CARGAR LA ESCENA ELECTRÓNICA. Y NO QUIERO QUE ESO PASE” SIR BOB CORNELIUS RIFO

ellos y crear una nueva energía. Supongo que de lo que estoy más feliz en este punto de mi vida es de haber creado esa nueva energía”. Muchas veces las bandas de rock que intentan experimentar con electrónica lo hacen de manera muy limitada o forzada, casi por obligación de no quedar desfasados. ¿Deberían estar más abiertas a colaborar con músicos de la electrónica? Por ejemplo, ¿te gustaría que alguno de los participantes te llamara para producirles un disco entero?

“Creo que ya es hora de que todos los mundos musicales se abran y experimenten con otros y encontrar nuevos sonidos. Creo que falta que los músicos se relacionen más a nivel personal para poder crear algo juntos. Y también hay que pensar en la música primero, no en el estilo. Yo concibo mis canciones como música, y es luego cuando incorporo la electrónica para conseguirlo. Creo que muchos grupos dicen ‘oh, voy a incorporar algo de electrónica’, pero no están pensando en la música. A veces una canción no necesita nada de electrónica”.

¿Hubo alguna colaboración que superara tus expectativas?

“Supongo que la de Jay Buchanan de Rival Sons. Los tres días que pasé con él fueron muy especiales. Jay es un ser humano muy especial. Creo que cambió mi vida. Me cambió mi manera de expresarme y me convenció de que lo que estaba haciendo con este disco era lo correcto. Para mí fue el momento cumbre de todo el proceso”. El título del disco es un guiño a los Sex Pistols y a su The Great

Rock’N’Roll Swindle. ¿Qué que-

THE BLOODY BEDROOTS

rías denunciar exactamente?

“Sí, el título está inspirado en ese documental de los Sex Pistols. Quise llamarlo The Great Electronic Swindle porque creo que estamos en la misma situación con la electrónica. Ves muchos tíos que se suben a un escenario y no están produciendo nada, ni siquiera componen esa música, simplemente ponen su disco y ya está. Para mí eso es una estafa. Tienes que ser honesto con tu público. Yo quiero que mi público sepa que soy el autor de esa música y que quiero comunicarme a través de ella. Así que el título es una manera de llamar la atención para que el público sea consciente de que hay gente ocupando escenarios pero que no son artistas de verdad. Eso necesita cambiar. Si se sigue ofreciendo algo sin contenido, sin sustancia, nos vamos a cargar la escena electrónica. Y no quiero que eso pase. Quiero ofrecer algo auténtico para que la escena perdure”. Es evidente que la electrónica se encuentra en su cumbre en cuanto a éxito comercial, y las cifras que cobran los DJ’s son una barbaridad. ¿Sientes lástima por los grupos de rock que van en furgo-

la escena era muy underground y había muchísimo menos dinero que ahora. Creo que el rock no volverá a ser popular a menos que abra la puerta a la electrónica y viceversa”.

su locura. Por ahora no está previsto que esté en la gira, pero me encantaría volver a tocar con él en el futuro”. Cuéntame... ¿cómo es salir de

¿Qué idea tienes para presen-

fiesta con Tommy Lee?

tar este álbum en directo? ¿Te

“Bueno, mi relación con Tommy se basa mucho en la comida. Pasamos mucho tiempo cocinando el uno para el otro... así que nuestras fiestas son básicamente culinarias (risas)”.

acompañarán alguno de los participantes?

“Algunos van a participar cuando puedan. Jay y Jason Aalon Butler estarán en el concierto de Los Ángeles y Wade de Gallows estará en Detroit y Toronto. Pero en cuanto al resto, no lo sé. Yo voy a cantar los temas cuando no estén. Soy capaz de hacerlo. Para las voces femeninas usaré pistas pregrabadas. Eso es lo bueno de la electrónica. Es más como un viaje y puedes usar pistas pregrabadas y, aun así, ser increíble”.

neta de un lado a otro cobrando una miseria? ¿Crees que en el

En ‘Pirates, Punks & Politics’, el

futuro puede dársele la vuelta a

tema que canta Perry Farrell,

esta situación?

cuentas también con Tommy Lee

“Creo que hay que ser inteligente. Para mí lo inteligente es sacar lo mejor de ambos mundos y crear un diálogo. Hay que encontrarse en un punto intermedio. Desde luego, el dinero lo ha cambiado todo. Cuando yo empecé hace diez años,

a la batería, quien ya había estado contigo de gira. ¿Es tu me-

¿Sigues viviendo la mayor parte del año en Los Ángeles o vas y vuelves de Italia?

“Es difícil decir dónde vivo porque casi siempre estoy girando. A veces paro a descansar en L.A. y otras en Italia. Todo depende de lo que tenga que hacer. Me gusta estar en Los Ángeles porque tengo acceso a mucha gente que es difícil desde Europa. Pero para componer prefiero estar en Italia. Son culturas muy diferentes. Me encanta el clima de Los Ángeles, pero mi mentalidad es europea y me siento más a gusto cuando estoy por aquí, en Europa”.

jor amigo del mundo del rock?

“Sí, es mi mejor amigo. Cuando puede también sale a tocar conmigo, pero siempre es una sorpresa. Tommy está loco, pero me encanta

AVENGED SEVENFOLD

EN LA CIMA DEL MUNDO

DE UNA MANERA U OTRA, AVENGED SEVENFOLD SIEMPRE SE LAS APAÑAN PARA SEGUIR DE ACTUALIDAD. LA REEDICIÓN DE SU ÚLTIMO ÁLBUM, THE STAGE , Y SOBRE TODO SU CONFIRMACIÓN COMO UNO DE LOS NOMBRES DESTACADOS PARA LA PRÓXIMA EDICIÓN DEL DOWNLOAD FESTIVAL EN MADRID, SON MOTIVOS DE PESO PARA VOLVER A TRAERLES A NUESTRAS PÁGINAS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

O HAY QUIEN

Se acaba de cumplir un año

DETENGA A

desde que publicasteis The

AVENGED

Stage. ¿Cómo dirías que os ha

SEVENFOLD.

ido en general desde que salió

Ni el discreto lanzamiento de su último trabajo, The Stage, sin apenas una campaña de promoción a la atura de las circunstancias en un grupo de su nivel, ni la tibia recepción que éste tuvo entre crítica y público tratándose de uno de sus trabajos más complejos y enrevesados, han sido capaces de bajar a los de Orange County de la nube de éxito en la que se encuentran instalados desde hace ya un tiempo. Su última y espectacular gira europea con una puesta en escena a cargo del Cirque du Soleil (que desgraciadamente no pasó por España) se saldó con varios llenos en cada una de las fechas, reafirmando su estatus como una de las bandas de metal más exitosas de los últimos años. Por si fuera poco, su nombre comienza a aparecer bien arriba en las cabeceras de muchos de los festivales del Viejo Continente para el próximo verano. Uno de ellos será el Download Festival de Madrid, razón por la que tuvimos la oportunidad de establecer contacto con su guitarrista Brian Elwin, popularmente conocido como Synyster Gates, a mediados de noviembre. De la visita junto a sus compañeros M. Shadows (voz), Zacky Vengeance (guitarra), Johnny Christ (bajo) y Brooks Wackerman (exbatería de Bad Religion), la reedición de The Stage y varios asuntos más hablamos en la conversación que tenéis a continuación.

ahora que tenéis algo más de perspectiva? SYNYSTER GATES “Creo que nos

ha ido muy bien. Nos sentimos muy afortunados de estar trabajando con nuevos amigos dentro de la industria y que estén tan implicados como nosotros. Los chicos de Metallica nos pidieron salir de gira con ellos durante un par de meses este verano, así que todo está yendo genial”.

cantidad de copias que pudiéramos vender en los primeros días. Muchas veces no le das importancia a ciertas cosas. Pero en primer lugar, a nuestros fans les encantó el álbum, en segundo lugar, recibió muy buenas críticas, y en tercer lugar, sorprendimos a mucha gente demostrando que se podía lanzar un trabajo de una manera distinta y original. El disco está funcionando muy bien ahora mismo, estamos cubriendo muchas zonas y los conciertos están yendo geniales. Era algo que teníamos muchas ganas de hacer y estamos muy contentos con cómo están saliendo las cosas”.

Sin embargo, tengo la impresión que The Stage pasó un tanto

Como bien apuntas, la gira de

desapercibido para el público en

presentación no os ha ido nada

general. Vosotros mismos reco-

mal. Cada vez llenáis sitios más

nocisteis que no había vendido

grandes y encabezáis muchos

mucho en las primeras semanas.

festivales. Sois de las pocas ban-

¿Piensas que la manera en la

das de metal relativamente re-

que lo publicasteis, casi sin tiem-

cientes que pueden decir eso jun-

po para avisar ni promocionarlo

to a Rammstein, Slipknot o Vol-

debidamente, pudo jugar en

beat. ¿Cuál crees que puede ser

vuestra contra o despistar a al-

el motivo para que cueste tanto

guna gente?

encontrar nuevos grupos que

“Bueno, yo no lo veo así. Creo que en la primera semana que salió el álbum funcionó bastante bien para una banda de rock como la nuestra. Pero aun así, no es algo por lo que nos guiemos, sino que le damos más importancia al aspecto creativo y el resultado final. El poder tocar el mismo día que salió a la venta en la azotea del edificio de Capitol Records y ver cómo era recibido por todos nuestros fans, ha sido sin duda la mejor manera de publicar un disco que hemos tenido nunca en toda nuestra carrera. Y eso para nosotros es más importante que la

sean capaces de tomar el relevo de clásicos como Black Sabbath, Iron Maiden o Metallica?

“Creo que hay muchos grupos que están haciendo buenas canciones y escribiendo un material fantástico. Pero si me hablas de Black Sabbath o Metallica, ellos han hecho algunas de las mejores canciones de todos los tiempos, y es por ello que siguen siendo tan grandes. Si alguien fuese capaz de sacar algo tan bueno como ‘Nothing Else Matters’, ‘One’ o ‘Paranoid’ a día de hoy, seguramente se convertiría en the next big thing. Es una lástima que ahora la gente no

“ESTAMOS PREPARANDO ALGO DIFERENTE PARA VOSOTROS. ESTAMOS TRABAJANDO EN UN CONCIERTO QUE SEA TOTALMENTE ÚNICO. PERO POR AHORA ES TOTALMENTE SECRETO” SYNYSTER GATES dé tantas oportunidades a las bandas de metal, porque hay muchos grupos buenísimos. Pero creo que la clave está en escribir canciones tan increíbles como ésas”. Por otra parte, aunque aún sois jóvenes, tampoco sois unos recién llegados. ¿Os sigue molestando que haya quienes os señale como un grupo para adolescentes teniendo en cuenta que hacéis canciones de más de 6 minutos, con lo complicado que es que los chavales de hoy en día sean capaces de mantener la atención durante tanto tiempo?

“Tienes razón, y nos sentimos muy afortunados por ello. Cuando ves a tantos chicos en los festivales, la reacción más grande siempre suele

ser cuando tocas tus éxitos y tus canciones más populares. Creo que pasa lo mismo con Metallica. Cuando hemos ido de gira con ellos y tocan ‘Enter Sandman’, todo el estadio se vuelve jodidamente loco (risas). La gente conoce todos los temas de Metallica, pero su respuesta es muy diferente cuando tocan ciertas canciones como ésa. Algunos de nuestros temas se han convertido en éxitos, pero no es algo que tengas que buscar de manera premeditada, sino que esperas tener suerte y poder llegar a componer canciones así, porque eso es lo que te va a llevar al siguiente nivel”. Volviendo a The Stage, vais a re-

las versiones. ¿Cómo se os ocurrió el grabarlas e ir dándoles salida una por una cada cierto tiempo como habéis estado haciendo en estos últimos meses?

“Pensamos que sería divertido y emocionante seguir dándole a los chicos material nuevo. Tuvimos la oportunidad de estar más tiempo en el estudio y ser algo más creativos. En lugar de simplemente ir allí y grabar el álbum, decidimos añadir algo más que poder ofrecer a la gente. Yo estaba emocionado la noche antes de que lanzásemos cada canción, con poder ver la reacción de los fans en las redes. Comprobar que estaban tan contentos como nosotros fue fantástico”.

editarlo en breve. Lo más interesante del material que incluís son

Versionais bandas que en princi-

pio son un tanto ajenas a vuestro estilo: The Rolling Stones, The Beach Boys, Pink Floyd... Pero especialmente me llamó muchísimo la atención ‘Malagueña Salerosa’. ¿Cómo descubristeis esa canción?

“Cuando tenía 7 años iba a clases de piano y una de las primeras canciones que aprendí a tocar fue ésa. Siempre me ha gustado mucho y es una de mis canciones favoritas para tocar. Hace un par de años estuve de vacaciones familiares con M. Shadows en México y fuimos a ver un par de bandas de mariachi, y ambas la tocaron. La primera de ellas fue horrible, pero la segunda fue tan bonita que nos pusimos a hablar de otras versiones que se han hecho de ella. Un día estábamos emborrachándonos en la casa de Johnny Christ y puso la versión de Robert Rodriguez y su banda Chingon, y nos voló la cabeza. Siempre nos había gustado mucho, pero casi habíamos olvidado lo tremendamente genial que es. Es más, de todas las versiones que hemos hecho, es la única que la hemos dejado tal cual Chingon la tocaban, porque era tan perfecta que no queríamos destrozarla (risas)”.

chas palabras para describirlo. Fue todo un placer que nos invitasen a celebrar una vida tan extraordinaria y un ser humano tan bueno como lo fue Chester. Fue genial verles con tan buen ánimo, ver cómo se han levantado tan rápido para volver a tocar. Nosotros sabemos muy bien que los fans sienten lo mismo que tú, que tienen el corazón roto, pero también cuán rápido se puede reconectar con ellos y lo terapéutico que puede ser para todos. Y ellos lo hicieron. Dieron un concierto increíble y fue un honor formar parte de ello”.

talentos musicales más grandes que haya visto en muchísimo tiempo. No tengo ni idea de lo que hará, pero seguro que saldrá bien. Es un músico increíble. Y el resto de los chicos del grupo son muy buena gente e igual de talentosos. Estoy convencido de que saldrán adelante”. El año que viene os tendremos nuevamente por aquí en el Download Festival de Madrid. ¿Qué podremos esperar de vuestra actuación? ¿Vendréis con una puesta en escena similar a la que habéis estado haciendo en esta

Además, debo decir que M.

Como bien has dicho, nadie

última gira?

Shadows no canta nada mal en

mejor que vosotros sabe exac-

castellano. Tal vez deberíais pro-

tamente por lo que tienen que

barlo en el siguiente disco.

estar pasando ahora mismo, ya

“OK, lo tendremos en cuenta (risas)”.

que hace años sufristeis tam-

“Estamos preparando algo diferente para vosotros. Estamos trabajando en un concierto que sea totalmente único. Pero por ahora es totalmente secreto. No puedo decirte nada. Lo siento, amigo (en castellano -ndr.) (Risas)”.

bién la pérdida de alguien tan Hablando de versiones, hace

importante como lo fue The Rev.

bien poco estuvisteis en el home-

¿Crees que ellos también con-

naje que se hizo a Chester Ben-

seguirán seguir adelante como

nington de Linkin Park. ¿Qué tal

grupo?

lo pasasteis aquella noche?

“Eso espero. Son músicos extraordinarios. Mike Shinoda es uno de los

“Fue todo un honor. No tengo mu30

CHELSEA WOLFE

CUANDO CAE LA

NOCHE

DESDE EL DARK AMBIENT Y EL FOLK MÁS SOMBRÍOS HASTA LOS SONIDOS MÁS PROPIOS DE LA ELECTRÓNICA, CHELSEA WOLFE CONVIERTE CADA UNO DE SUS TRABAJOS EN UN VIAJE INTRÍNSECO. EN HISS SPUN, NOS PROPONE ADENTRARSE EN LA PROFUNDIDAD DE SUS SUEÑOS. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

NA DE L AS ARTISTAS MÁS INTERESANTES, pro-

fundas y completas que he descubierto en esta última década es, sin duda, Chelsea Wolfe. Su afán por la experimentación y su versatilidad construyen un crecimiento constante de su trabajo sonoro. Sus pasajes oscuros junto a sus letras aflictivas no sólo suponen una catarsis para su propia persona, sino que le dan voz a los miedos que a muchos nos persiguen en silencio. En esta ocasión se suman a la banda grandes referentes que se han ido cruzando en el camino de Chelsea. Porque quién le iba a decir a ella cuando teloneó a Queens Of The Stone Age que Troy Van Leeuwen acabaría colaborando en uno de sus discos. Sin embargo, seguro que todavía resulta más especial la vuelta de su amigo Jess Gowrie a la batería. Hiss Spun (Sargent House) es el quinto trabajo de estudio oficial de la californiana, quien una vez más responde ante quienes se detienen a degustar su arte a sorbos. La combinación de sonidos salvajes y orgánicos con la elegancia de esos pequeños detalles, los cuales ha sabido mantener desde aquel sobresaliente Apolalypsis (2011), confirma un estilo personal que se repite de forma helicoidal. Porque, pese a que la propia Wolfe considera que Hiss Spun es

un álbum cíclico, en lo referente a su discografía esta nueva entrega es el reflejo de una lección aprendida con Abyss: reconocer en qué estado se siente más cómoda y, desde ahí, impregnarlo todo con lo mejor y lo peor de sí misma en sentido terapéutico. Y pese a que parte de la crítica considera que Wolfe todavía no ha dado un golpe en la mesa, Hiss Spun es la muestra de que en realidad se encuentra en uno de los mejores momentos de su carrera.

actuales?

“Para mí es más agresivo, personal y directo; sienta muy bien escribir algunas canciones así. Estaba muy abierta vocalmente, así que a lo largo de todo el proceso forcé mi voz hasta llegar a algunos rincones intensos”. Quizás por ello también parece tu disco más catártico, con el que nos dejas ver un poquito más de tu parte oculta y personal. ¿Crees que con los años te has vuelto más emocional en tus com-

Han pasado ya unos meses des-

posiciones?

de el lanzamiento de Hiss Spun.

“Sí, creo que a medida que me he hecho más mayor me voy sintiendo más cómoda conmigo misma y con mis habilidades artísticas. Tener treinta y tantos años es un gran momento como mujer: te entiendes más, te importa menos lo que piensen de ti los demás y te sientes más cómoda contigo misma física y sexualmente”.

¿Cómo está siendo la respuesta hasta el momento? CHELSEA WOLFE “Mi banda y yo

justo acabamos de terminar nuestra gira por Norteamérica, tocando por primera vez todas estas nuevas canciones, y la acogida ha sido maravillosa. Abrimos el set con ‘Spun’ y de inmediato sentimos que el público estaba conectado con nosotros. ¡Ha habido mucha energía por parte de la gente!”.

Recientemente hablamos con Amalie Brunn, Myrkur, sobre tu colaboración en algunas canciones de Mareridt, su último disco,

Me ha parecido que este álbum

y nos explicó que trabajar conti-

suena menos agresivo a priori,

go fue una experiencia muy bo-

pero a su vez es más lento y tie-

nita y orgánica. ¿Qué es lo que

ne rasgos todavía más doom que

más destacarías del proceso de

los anteriores. ¿Es un cambio que

unir vuestras ideas?

ha fluido de forma natural o se

“La verdad es que me intrigaba el trabajar juntas, porque creo que lo que

debe a tus influencias musicales

“TENER TREINTA Y TANTOS AÑOS ES UN GRAN MOMENTO COMO MUJER: TE ENTIENDES MÁS, TE IMPORTA MENOS LO QUE PIENSEN DE TI LOS DEMÁS Y TE SIENTES MÁS CÓMODA CONTIGO MISMA FÍSICA Y SEXUALMENTE” CHELSEA WOLFE

hace es realmente interesante y genial. Pero a su vez me preocupaba no tener mucho que aportar, ya que en aquel entonces me encontraba hasta el cuello componiendo y grabando canciones para mi propio álbum. Así que nos vimos en Los Ángeles durante unos días, en un pequeño estudio en las montañas, y afortunadamente ella ya tenía un montón de ideas estupendas. Luego nos sentamos a trabajar juntas en varias letras y añadí alguna pequeña idea musical aquí y allá. De hecho, la canción ‘Funeral’ pasó por varias fases y acabó sonando más pesada en el disco que en la versión acústica original. Me encantó poder crear una nueva versión acústica juntas, cuando las dos coincidimos en el Psycho Fest

de Las Vegas y grabamos un vídeo tocando en mi habitación del hotel”. También habéis coincidido esco-

e inspiración de ello a lo largo de la historia en el arte. La inspiración para la portada de Abyss fue la pintura clásica La Pesadilla de Henry Fuseli”.

giendo vuestra experiencia personal con la parálisis del sueño

Centrándonos en Hiss Spun, el

como la temática principal de

álbum fue grabado en el estudio

vuestros respectivos nuevos tra-

de Kurt Ballou de Converge y

bajos... ¿Mera coincidencia?

tiene como invitados estrella a

“Creo que hay mucha gente que lucha contra la parálisis del sueño, por lo que probablemente haya sido una coincidencia. Cuando finalmente, hace unos años, conseguí empezar a hablar sobre mis problemas de sueño con mi disco Abyss, muchas personas se me acercaron y me dijeron que padecían experiencias iguales o similares. Y por supuesto también puedes ver ejemplos

Troy Van Leeuwen de Queens Of The Stone Age y Aaron Turner de Isis y Old Man Gloom, entre otros. ¿Ha sido fácil trabajar con gente que viene de estilos tan diferentes?

“He tenido la suerte de tocar junto a todos estos músicos, y a lo largo de todos estos años he podido conocerlos después de nuestras actuaciones jun-

el sonido de coyotes aullando, motocicletas por la carretera o tus dedos hojeando un libro de Walt Whitman. ¿Cómo se te ocurrió la idea de experimentar con

sitores modernos trabajan dentro de estos géneros. De hecho, considero que mi compañero de banda y coproductor Ben Chisholm es uno de ellos”.

algo así?

tos. Cuando estoy organizando un álbum entero, a veces me viene alguien a la cabeza que considero que debería formar parte de cierta canción. Así que cuando los primeros temas de este disco se juntaron, pude sentir el concepto que se estaba gestando y sabía que el estilo de la guitarra de Troy encajaría perfectamente en las emociones retorcidas de estas canciones. Además, también soy fan de la música y las grabaciones de Kurt, y sabía que él sabría darle la importancia que se merece la batería de Jess Gowrie en Hiss Spun”.

“Buscaba que este álbum tuviese un sonido metálico, y quería crear algunos momentos tangibles. Quería que los tonos de las guitarras sonasen como motores de motocicletas, por lo que añadir esa muestra ahí para el ritmo del breakdown en ‘The Culling’ fue una feliz coincidencia. Mi compañero de banda Ben y yo grabamos muestras de sonido todo el tiempo, y nos las vamos enviando. A veces acaban formando parte de los discos para darle a las canciones un toque más personal. En cierto modo es como crear una autobiografía auditiva. Desde mis primeras grabaciones he añadido algunos sonidos que he ido encontrando en los alrededores de donde vivo y durante mis viajes, o me he esforzado en capturar el sonido y el ambiente del espacio en el que estoy grabando”.

Escuchando Hiss Spun, la verdad

¿Y tienes en mente algún otro

Para acabar, ya que 2017 está

‘sonido extraño’ que te gustaría

llegando a su fin, ¿has escogido

capturar o con el que quisieras

ya cuál es tu disco del año?

experimentar?

“No tengo uno, pero tengo un programa de radio mensual en RBMA llamado Hypnos Hour, y para diciembre voy a pinchar algunas de mis canciones favoritas de 2017”.

“En algún momento me gustaría experimentar otra vez escribiendo algunas canciones a capela”. Hay algunos expertos en estéti-

es que nos morimos de ganas de poder vivirlo en directo, pero todavía no vemos ninguna fecha europea anunciada. ¿Estás considerando algunos shows?

“¡Mi próxima gira europea está en proceso! Mi incorporación en el festival Roskilde 2018 se acaba de anunciar, así que aprovecharé para hacer algunos conciertos por los alrededores y volveré por Europa más adelante durante el año”. Si finalmente podemos verte por aquí de nuevo, sin duda será un largo viaje para ti. ¿Qué libros serán los que te acompañen durante el camino?

“Últimamente he estado leyendo mucho acerca de la curación psicodélica y holística”.

ca musical que afirman que, en un futuro, los géneros que más

¡Tendremos que sintonizarlo para

proporcionarán sonidos nuevos

no quedarnos con la intriga!

y jugarán con la experimentación serán el metal extremo y

Además, en el álbum también in-

la música electrónica. ¿Estás de

cluyes algunos pequeños ritmos

acuerdo con ellos?

sonoros muy interesantes, como

“Sí, creo que muchos de los compo-

THE USED

AMIGOS Y FANTASMAS

EL SUICIDIO DE UN VIEJO AMIGO FUE EL CATALIZADOR PARA QUE THE USED GRABARAN EL DISCO MÁS AMBICIOSO Y PERSONAL DE SU CARRERA. THE CANYON ES UNA REFLEXIÓN SOBRE CÓMO LA MUERTE DEBE LLEVARNOS A VIVIR INTENSAMENTE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ESDE L A PUBLIC ACIÓN DE SU ANTERIOR

disco de estudio hace tres años, The Used han visto cómo les dejaba su guitarrista original, han revisitado su pasado en una gira de aniversario y un álbum acústico y se han conjurado para facturar el disco más ambicioso de su carrera. Pero nada de eso parece haberle quitado el sueño a su cantante. Son las tres de la mañana en San Francisco cuando Bert McCracken responde a nuestra llamada. Un horario un poco extraño para una entrevista, pero que al parecer no lo es tanto para el músico. “Suelo ir a dormir muy tarde. Especialmente después de un concierto me cuesta coger el sueño”, nos explica. La verdad es que durante nuestra conversación no suelta ni un bostezo y se le nota mucho más centrado que en las otras oportunidades que habíamos tenido de charlar con él. Lejos quedan aquellos primeros encuentros en los que no paraba de eructar o soltar chorradas en su papel de enfant terrible del emo cuando The Used estaban en la cresta de la ola con sus dos primeros discos y Bert era una celebrity gracias a su noviazgo con la hija de Ozzy Osbourne. Pero las cosas han cambiado mucho desde entonces. Desde hace cinco años no bebe, desde hace cuatro es padre y desde hace dos, tiene a su lado a un nuevo guitarrista, Justin Shekoski (exSaosin), que le ha dado nueva energía creativa después de la salida de Quinn Allman. Todos ellos

son factores, junto a la intensidad que proporciona trabajar con el productor Ross Robinson, que han hecho posible que en el séptimo álbum del grupo, The Canyon (Hopeless), nos encontremos al Bert más adulto, abierto y poético de su carrera. Es un disco profundo tanto en cantidad, 17 canciones, como en contenido, teniendo en cuenta que gira sobre el suicidio de uno de sus mejores amigos ahora hace un año. Su presencia se nota desde el primer segundo… Me gustaría empezar preguntándote por la intro del disco en la que se te escucha hablando del significado del primer tema ‘For You’. Es un momento muy emotivo e inusual. ¿Por qué decidisteis incluirlo? BERT McCRACKEN “Toda la graba-

ción con Ross Robinson fue un proceso muy emotivo. Antes de empezar a grabar las voces de cada tema me pedía que le explicara qué significaba para mí. De hecho, solíamos grabar a estas horas, las dos o tres de la madrugada (risas). Su proceso implica una especie de terapia, podrías llamarlo una cirugía psíquica, pero con ella consigue llegar al núcleo de las letras y te ayuda a entender, para empezar, por qué estás grabando un disco. Lo hacíamos en la misma sala de grabación, con toda la banda. Ese minuto fue uno de esos momentos, y quisimos incluirlo como una especie de homenaje o guiño a Hamlet de Shakespeare, con el que llevo obsesionado mucho tiempo. Al

principio de Hamlet tienes al fantasma que te persigue durante el resto de la obra y este disco trata sobre el suicidio de mi mejor amigo y quería que eso te acompañara desde que empiezas a escucharlo”. ¿Cuándo surgió tu interés por Shakespeare? ¿En la escuela o de más mayor?

“No, fue más tarde. Dejé la escuela cuando tenía 15 años. Le había leído antes, pero lo descubrí de verdad hará unos cinco años. Siempre me ha gustado leer, pero cuando dejé de beber se convirtió en un sustituto del alcohol. Pasé a tener una adicción a la lectura (risas). No sé por qué siempre he conectado con Hamlet. Creo que mi primer contacto fue con una película que vi en la tele, la figura de Hamlet vestido de negro y tan sombría siempre me fascinó. Es un personaje muy poderoso”. Has mencionado tu adicción a la lectura. ¿Te consideras un adicto en general, no sólo a las drogas?

“Sí. Soy una persona muy compulsiva. Por ejemplo, con Shakespeare, empecé con las comedias, luego con las tragedias… No podía leer sólo unas cuantas obras, tenía que leerlo todo, absorber cada palabra (risas). Soy igual con todas las cosas, sean drogas, literatura, poemas, películas... Me tomo la vida muy intensamente”. Esa filosofía parece encajar mu37

cho con Ross Robinson. ¿Conectasteis desde el inicio?

“Sí. Hace mucho que le conocemos. Nuestro primer mánager era amigo suyo. De hecho, yo vivía en su misma calle en Venice Beach hace cinco o seis años. Le veía constantemente. Pero entonces no sabía si estaba preparado para trabajar con Ross, no sabía si podía ir tan a fondo. Siempre había soñado que pudiéramos trabajar con él. La música y las historias que se cuentan sobre él son increíbles”.

otoño del año pasado. Teníamos unas pocas canciones cuando se suicidó, pero a principios de este año, en enero, Justin y yo entendimos que el disco tenía que ir sobre eso. Justin perdió a su padre hace 13 años, así que entendía perfectamente ese sentimiento de pérdida. Creo que es algo que nos conecta a todos los seres humanos. Todos en algún momento pasaremos por eso”. Una parte de crecer es aceptar estas pérdidas, sea de un padre, un hermano, un amigo…

¿Y cumplió tus expectativas?

¿Crees que la muerte de Trae-

“¡Y más allá! Está en otro mundo en cuanto a su comprensión musical. Es como un profeta (risas). Es una leyenda. Pero no es por esas historias de que golpee a los músicos mientras están grabando o les tire cosas, sino porque permite que el artista despliegue toda su libertad. Te hace llegar al corazón de tu música. Es muy especial”.

gan llegó en un momento de tu

El álbum gira en torno a la muerte de tu amigo Traegan. ¿Fue ése el origen del disco o ya estabais componiendo antes de que eso ocurriera?

“Antes de la gira de aniversario de los dos primeros discos ya habíamos hecho tres sesiones de composición, en 38

vida en la que supiste gestionarla emocionalmente mejor?

“Sí, desde luego. Llevaba cinco años sin beber. En el pasado, mi manera de lidiar con la muerte era insana. Lo internalizaba e intentaba suprimir el dolor con alcohol o colocándome. Esta vez me abrí totalmente a mis sentimientos, intenté entender lo que de verdad significa el dolor. Y para mí eso es el amor. Hablaba de ello constantemente, incluso con gente que no conocía porque sé que en el fondo todo el mundo siente lo mismo, así que no tenía que pasar por ese dolor yo solo. Creo que en el pasado no estaba preparado y ahora sí. Y me alegro, porque en este disco tengo

mucho que decir a quien esté pasando por algo parecido y lo necesite”. Creo que el disco también es importante porque sitúa a la banda en el presente. Quizá las giras de aniversario y el disco acústico os situaban como una banda que se conformaba con vivir de rentas.

“Bueno, creo que estamos en un mundo distinto a cuando publicamos los dos primeros discos, pero nos alimentamos mucho del dolor de esos dos álbumes. Los clichés se convierten en clichés porque en el fondo tienen algo muy verdadero. Una canción como ‘A Taste Of Ink’ donde canto “Aquí estoy, estoy en tus manos, voy a saborear cada momento” significa mucho más de lo que podría haber imaginado cuando lo escribí. Incluso eso suena como un cliché, pero nos hizo entender de que éramos capaces de crear mucho más de lo que habíamos hecho en el pasado. Somos una banda distinta y somos muy buenos en lo que hacemos”. Literalmente sois una banda distinta. Éste es el primer disco con Justin como guitarrista. ¿Cómo te adaptaste a tener un nuevo socio para componer?

THE USED

“Fue muy natural. Justin encajó desde el primer momento. Nunca nos sentimos raros, todo lo contrario. Tiene una pasión muy auténtica hacia el arte y conoce muy bien el lenguaje musical. Técnicamente está muy preparado y nos alimentamos el uno al otro. Me siento a otro nivel. Jeph (Howard) siempre ha sido mi bajista favorito, pero creo que nuestra manera de grabar, con tanta tecnología interfiriendo, nunca le hizo justicia. Creo que ahora de verdad puedes escuchar al verdadero Jeph, puedes escuchar al verdadero Dan (Whitesides) a la batería. No hemos corregido nada porque no había nada que corregir”.

con casi 80 minutos de música.

de la amistad verdadera en un mundo dominado por las ‘amis-

“Sí, es un producto del momento. Y durante mucho tiempo nos era más fácil hacer discos de esa manera. Esta vez fuimos al lado contrario, fue un disco muy, muy difícil de hacer. Para empezar, tienes que saber tocar las canciones. Tienes que saberlas tocar estando perdido en la expresión de lo que quieres transmitir. Es muy complicado. No sé si John Feldman hubiese conseguido hacer un disco así, por muy bueno que sea en lo que hace”.

“Sí. Queríamos hacernos un regalo al niño que llevamos dentro. Cuando era un crío mi momento favorito era comprar un disco y sumergirme en el diseño, en las letras y devorar el álbum de principio a fin. Entiendo cómo la gente consume música hoy en día, y quizá por eso pusimos un tema acústico, ‘For You’, como primer tema, que puede confundir a la gente, porque creo que es la manera de que la gente se sienta intrigada a escuchar el trabajo entero. Creo que el disco sólo se entiende si se escucha de principio a fin, el orden es casi literario. Hay un nexo de unión entre la canción 1 y la 17, entre la 2 y la 16, y así sucesivamente. Está muy pensado. Creo que los artistas deben asumir retos y los seres humanos, aceptarlos. Cuando escucho un disco o leo un libro que me gusta, siento que me ha llenado un vacío, pero ese sentimiento también requiere un esfuerzo. La gente debería tomarse su tiempo para empaparse de una obra de arte. En este álbum hay cosas que pueden gustarte a nivel superficial, pero creo que lo mejor está debajo de esa superficie. Espero que la gente le dedique ese tiempo”.

En una industria orientada a los

Una de las lecturas que hago

singles, habéis lanzado un disco

del disco es la reivindicación

¿Crees que ahora sois mejores?

“Digamos que confiamos más en nuestras habilidades. Ross confiaba en nuestros errores y esos errores son los que te dan perspectiva y te hacen mejorar”. Por el contrario, John Feldman, con quien grabasteis vuestros mayores éxitos, confía mucho en los trucos de estudio.

tades’ en las redes sociales.

“Así es. Intento ser un ejemplo de eso, porque lo veo a través de mi hija. Creo que los seres humanos se están perdiendo algo tan importante como es conectar con otras personas. Las redes sociales son productos: nos intentan vender cosas al mismo tiempo que nos roban muchas otras; para empezar, nuestro tiempo. Yo no tengo perfiles personales en las redes, no necesito perderme en complejos de inferioridad, en vender y comprar. No confío en esa gente y no quiero apoyarlos ni con mi dinero ni mi tiempo”. ¿Qué más te gustaría que la gente se quedase de este disco?

“Espero que la gente entienda que el reto que supone enfrentarse a la muerte debe animarnos a amar mucho más a quienes tenemos cerca y tomar riesgos. A veces te hace falta perder algo para ganar perspectiva, y en mi caso, perder a un amigo me ha dado una perspectiva diferente de mi vida. Sé que algún día moriré, así que quiero vivir al máximo”.

TENPEL

MOMENTO VITAL PUEDE QUE ENTRE LA PUBLICACIÓN DE CICLOS Y CULTO A MÍ HAYAN PASADO CINCO LARGOS AÑOS, PERO PARA LOS COMPONENTES DE TENPEL HA SIDO CASI UNA VIDA. ENTRE MEDIAS HAN TENIDO QUE LIDIAR CON TODO TIPO DE CONTRATIEMPOS QUE, LEJOS DE ABATIRLES, NOS DEVUELVEN A LA BANDA MADRILEÑA CON MÁS GANAS DE GUERRA QUE NUNCA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DANIEL CLAUDÍN

ARA UN SERVIDOR, HABLAR DE TENPEL ES ALGO ESPECIAL.

Cuando empecé a escribir para esta casa hace ahora mismo cinco años, la primera entrevista que tuve la suerte de realizar fue con ellos. Aún recuerdo encaminarme hacia la tienda de instrumentos en la que trabajaba su anterior guitarrista, Rubén Arnau, con una mezcla de ilusión y nervios ante lo que me iba a encontrar. No tardé demasiado en comprobar el buen rollo con el que me recibieron

tanto él como Kantz (voz) y Raúl Fernández (guitarrista), que fue constante durante toda la larga conversación que tuvimos acerca de Ciclos, el trabajo que acababan de editar por aquel entonces. La misma cercanía que he percibido siempre que me he encontrado con cualquier grupo nacional durante todos estos años. En cualquier caso, un lustro sin vernos de nuevo era demasiado tiempo, pero es que de por medio a los madrileños se les han cruzado las circunstancias de la vida misma.

Los cambios de formación en pleno proceso de creación de su cuarto disco no sólo han acabado ralentizando todo, sino incluso mutando el sonido de la banda una vez más. Rubén ha dado paso a Jacobo Caballero a las guitarras, mientras que Oscar Martín ‘Mosz’ abandonó la nave dejando vacío el hueco de los teclados. A ello había que sumar la mudanza de Kantz a Málaga, con la que aprovechó para montar otro potentísimo proyecto junto a los sevillanos Catorce bajo el nombre de De La Cuna A La Tumba, quienes han dado mucho que hablar en los últimos tiempos. Pero en lugar de hundirse en la desesperación, la formación fue capaz de encontrar la inspiración necesaria para acabar sacando adelante una obra como Culto A Mí (The Braves), que bien podría ser una especie de cuaderno de bitácora recogiendo las vivencias sufridas durante este “parón involuntario” con toda su crudeza. Fue la excusa perfecta para quedar de nuevo con Kantz, Raúl, Jacobo y Juan Cano (batería) aprovechando su primer ensayo con el grupo al completo en casi dos años. Una alineación de la que Rubén Oz de FreakMind también formará parte en las primeras fechas de presentación en sustitución de Alejandro Sánchez, su bajista de toda la vida. En los cinco años que separan vuestro anterior álbum y éste han ocurrido muchas cosas, pero mejor empecemos por el principio... ¿Cómo os encontrabais cuando acabó la gira de presentación de Ciclos? ¿Cuál era el siguiente paso que teníais

en mente? RAÚL FERNÁNDEZ “Eso fue a

principios de 2014. Por entonces ya teníamos alguna que otra canción y la intención era grabar bastante rápido. La idea era componer a saco. Habíamos pensado en ir sacando pequeños EPs o singles más que dirigirnos a un disco al uso. Pero ahí empezaron a pasar cosas y cambiaron las circunstancias”. KANTZ “Más que nada, que las situaciones vitales de cada uno no siempre son las propicias para estar en un grupo cuando tienes cierta edad. Uno se marcha, aparece otra persona que hay que integrarla al grupo, que se aprenda las canciones, hay conciertos de por medio, la composición, otras movidas, uno es padre... Van apareciendo cosas que son el hacerte adulto de verdad y tener responsabilidades”. RAÚL “Y cuando todo eso pasa de golpe, pues te supone un escalón. En nuestro caso no es que fuese así, sino que fueron diferentes episodios que han terminado por ralentizar muchísimo el asunto. También queríamos coincidir el sacar el disco justo después de que lo hiciesen Tool, pero definitivamente decidimos que mejor no. Casi nos ganan (risas). Pero lo cierto es eso, empezaron a cambiar circunstancias personales y cuando una parecía que estaba resuelta, sucedía otra”. JUAN CANO “Al final hemos metido diez temas, pero es que por el camino hemos desechado otros diez ó 15. Era algo que no habíamos hecho nunca. Antes cuando teníamos diez canciones las grabábamos directamente”. JACOBO CABALLERO “También la marcha de Rubén y el cambiar de 41

“AL FINAL SIEMPRE HAY MOMENTOS EN LOS QUE PIENSAS QUE ESTO CUESTA Y HAY QUE TIRAR DEL CARRO. PERO SI AL FINAL DECIDIMOS CONTINUAR ADELANTE Y APARECER CON UN ÁLBUM NUEVO ES PORQUE, AUNQUE TENGAMOS DUDAS, QUEREMOS SEGUIR AQUÍ”

KANTZ

guitarrista lo hace distinto. Yo hasta que me hago a tocar con ellos, a componer... todo eso requiere de más tiempo que el hacer diez canciones y grabarlas”. Como bien me decís, durante ese tiempo se producen dos salidas que supongo son claves para entender el parón que habéis sufrido. Por un lado la de Rubén Arnau a la guitarra, y la no menos importante de alguien que llevaba desde los inicios de Tenpel como Oscar 42

‘Mosz’ a las teclas. ¿Qué ocurrió en cada caso? KANTZ “En el caso de Rubén tomó

una decisión, que básicamente era irse a vivir a Estados Unidos con su mujer. Y él está feliz allí”. JACOBO “Y Oscar acababa de ser padre, estaba liado con las oposiciones también...”. KANTZ “De hecho, abandonó el grupo hace justamente un año en pleno proceso de composición. Y él ha estado tirando del carro a saco. Muchos de los temas que están en Culto A Mí son trabajo tan suyo

como nuestro. Lo que pasa es que llega un momento en el que te resulta más complicado llevarlo adelante”. RAÚL “Seguramente ellos podrían explicarlo mucho mejor que nosotros, pero en el fondo es así de sencillo. Los años te van llenando de experiencias y circunstancias en las que no puedes cargar con todo y tienes que elegir”. ¿Y durante todo este tiempo transcurrido no os entraron dudas sobre la continuidad de la banda viendo que cada vez se

iba haciendo más cuesta arriba sacarlo adelante? JUAN “La verdad es que, para ser

sincero, nunca nos hemos sentado a hablarlo o planteado”. KANTZ “Supongo que si nos ponemos a decirte de manera individual, cada uno te diría una cosa. Al final siempre hay momentos en los que piensas que esto cuesta y hay que tirar del carro. Pero si al final decidimos continuar adelante y aparecer con un álbum nuevo es porque, aunque tengamos dudas, queremos seguir aquí. Dudas las tienes, pero

igual que todos los días con las cosas que vives y te importan. De hecho, creo que si nos hubiésemos sentado a hablarlo, nos hubiéramos separado (risas)”. RAÚL “También de repente hay que afrontar determinadas situaciones en las que tienes que trabajar las cosas de otra manera como la comunicación y la empatía. El hecho de que por ejemplo Kantz ahora ya no viva en Madrid es un esfuerzo que asumes y que trabajas para llenar ese hueco de otra manera. ¿Dejarlo o no dejarlo? Yo creo que todo el mundo en algún momento dado se plantea que tiene una edad y unas movidas en su vida, que está gastando pasta en guitarras, equipo, local de ensayo... ves que la gente va tomando otras direcciones. Pero al final te das cuenta de que hay una cosa que te flipa en esta vida, que es la música. Y no sólo escucharla en casa e ir a conciertos, sino coger un instrumento, exprimirlo al máximo y hacer una canción que mole. En eso es lo que se resume todo. Y al final no sólo sigues, sino que terminas montando otro grupo como ha sido el caso de Delobos”. JACOBO “Lo que subyacía es que seguíamos haciendo canciones y nos emocionábamos cada vez que terminábamos una. Creo que esas ganas de poder sacar el disco adelante han sido suficientes como para apartar otras tantas cosas que han podido pesar”. En cualquier caso, supongo que especialmente la ausencia de no tener teclados os ha obligado a readaptar las canciones antiguas. No sé si incluso la

composición os dio un vuelco de alguna forma... JUAN “Sí que fue complicado en el

sentido que desde Areté Despierta ya teníamos teclados y siempre ha sido una parte importante del sonido. De todas maneras fue más chungo en lo personal, ya que a Mosz le queremos un montón, pero él tuvo que tomar esa decisión y ya está. Pero sí que es verdad que el disco nuevo ya estaba bastante encarrilado y era un sonido más rockero, con canciones más guitarreras. Una vez se fue, empezamos a tocarlo todo y salvo una canción que le tuvimos que dar una vuelta, el resto vimos que podíamos sacarlo adelante sin teclista. Tomamos la decisión de no buscar un sustituto”. KANTZ “Seguramente los teclados se van a echar de menos porque la gente lleva escuchando toda la vida ese sonido característico y ahora no se lo van a encontrar, pero también es cierto que hemos sabido solventarlo. Para nosotros también es más cómodo mantener un formato con menos gente y menos complicaciones. Hay que ser prácticos”. JUAN “Claro. Si ves que la cosa está sonando bien, ¿para qué vas a complicarte? Sí es cierto que sabemos que hay temas antiguos que pierden sin teclados y las vamos a dejar apartadas del setlist. Más adelante, cuando tengamos más tiempo, lo mismo les damos una vuelta y las readaptamos”. RÁUL “No es que haya canciones que suenen peor que antes. La cuestión es que puede que algunas pierdan ciertos signos de identidad que es lo que puede llamar la atención a un espectador de Tenpel de toda la vida. Ahí Jacobo y yo hemos decidi43

do tirar por la tangente y queremos darle otro carácter a las canciones, porque una característica del grupo siempre ha sido el ir matizando y cambiando los temas desde que aparecían en los álbumes hasta como los tocamos en los conciertos. El que nos lleve siguiendo desde hace años está más que acostumbrado a venir a vernos y encontrarse otra cosa. Siempre nos ha gustado ser un grupo vivo”. Supongo que al final todo esto se acaba traduciendo en que el álbum sea más oscuro y dirigido hacia un mismo punto, al contrario que Ciclos, que era

ideas que precisamente se han acabado desechando porque se salían de ese hilo conductor”. RAÚL “Algunas incluso han sobrevivido desde el día después que tocamos en la sala Arena con el fin de gira en enero de 2014 hasta ahora. Yo lo veo de la siguiente manera: con Ciclos ya tomamos una dirección y a la hora de encararlo, nos planteamos un cambio en la forma de pensar en las canciones. Y creo que ahora le hemos dado otra vuelta de tuerca en ese sentido con Culto A Mí. Esta vez queríamos que la idea de la canción fuese muy directa y clara, no tanto en la construcción, sino en la intención”.

más variado. JACOBO “No sé cómo fue

Ciclos, pero sí que esta vez yo he tenido la sensación de que todo iba en una misma dirección. Había muchas 44

Para la grabación confiasteis en Diego Gila de Scots Records, quien ya se encargó de grabar el debut de vuestro otro proyec-

to paralelo, Delobos. El sonido que os ha sacado es tremendamente crudo, sin pulir nada. Es algo que desde que salieron los primeros adelantos de Culto A

Mí ha dado mucho que hablar en los foros, así que quiero que me expliquéis directamente vosotros qué es lo que buscabais en cuanto a sonido. JACOBO “Era algo que hablamos

mucho: ‘¿Queremos que las baterías suenen disparadas a muerte, las guitarras ultracomprimidas, la voz al frente a toda hostia con un montón de automatizaciones?’. No. Precisamente lo único que no había hecho Tenpel hasta el día de hoy era grabar un disco así”. JUAN “Además, creo que era lo que siempre habíamos estado buscando: grabar un disco que sonase como lo

hacemos en el local de ensayo. Y es lo que hemos conseguido”. RAÚL “Y para llegar a ese camino hemos probado un millón de cosas. La producción de los álbumes anteriores fue de una manera distinta, y sí, nos gustaba, pero no era lo que queríamos exactamente. Nosotros llevábamos años obsesionados con la idea de que el disco sonase como si vinieses a una sala o al local a vernos tocar. Somos lo que somos y tocamos como tocamos. Esta producción es real. En Culto A Mí yo puedo oír con claridad determinados instrumentos que ya me hubiera gustado poder seguir de esa manera en los otros”. KANTZ “Mucha gente nos decía que Ciclos sonaba increíble, y a nosotros nos encanta, pero ahí el bajo no se escucha. En éste en cambio puedes escuchar todas las líneas de todos los instrumentos. Sí que es cierto que yo me he obsesionado con que no quería que la voz estuviese en tu cara y es verdad que quizás por mi presión se haya quedado en algunos momentos un poco baja. A toro pasado sí que hay puntos donde hubiera subido la voz algo más. Pero todo lo demás lo escuchas perfecto y eso no ha ocurrido en ninguno otro de los trabajos que hemos hecho”. RAÚL “Nos hemos acostumbrado mucho a oír cómo suena una banda en un disco y a veces el tomar determinadas decisiones puede hacer que nos choquen ciertos sonidos. Que el álbum suene bien o mal, que nos hayamos equivocado en nuestra decisión, que la hemos tomado a conciencia y sabiendo los riesgos que había, eso solamente lo va a decir el tiempo. Nosotros estamos súper contentos con cómo suenan las cancio-

nes. A lo mejor dentro de un año nos pasa lo que te decía antes, que éste sí era el camino pero no exactamente como queremos. Puede ser. Pero en este caso queríamos que la cosa se pudiera tocar. Lo que está pasando es lo que hay”. KANTZ “Al final, si te llega es porque las canciones son buenas, pero el que suene como el 90% de los discos no es lo que va a hacer que te mole”. Kantz, en cuanto a las letras, ¿qué es lo que querías contar esta vez? Cuando leí por primera vez el título pensé que hacía referencia al culto al ego, pero después de escuchar ‘Funeral Celeste’, que es donde se hace referencia, creo que trata más del legado que dejas cuando ya no estás y entonces todo el mundo empieza a apreciarlo. ¿Habéis sentido que la gente os ha echado de menos durante todo este tiempo? KANTZ “Todo lo que has dicho es

válido porque es un conjunto de eso mismo. A nivel lírico, es quizás el álbum más autobiográfico que he hecho. Cuenta un momento de mi vida personal donde hay un cambio que le da un giro a todo y esto ocurre hace tres o cuatro años desde entonces. Por un lado está la parte de lo que es el culto a mí. Es decir, tienes que dedicarte a ti y olvidarte de los problemas de los demás, que está muy bien ser empático y todo eso, pero si no puedes cuidar de ti mismo, ¿cómo vas a cuidar a los demás? Y luego se le van sumando muchos prismas, que al final tienen un poco ver con lo que has dicho. El pensar si esto es el comienzo o el fin de una

etapa, o quizás las dos cosas. Con respecto a lo que nos preguntabas antes de si habíamos tenido dudas, no es que las haya tenido con Tenpel, es que las he tenido con todos los aspectos de mi vida. Y la música ha sido uno de ellos en ciertos momentos. ¿Merece la pena seguir con esto? Obviamente sí, por eso lo hago. Y sí, yo he notado que había mucha gente que echaba de menos a Tenpel. Me he ido con De La Cuna A La Tumba a tocar por ahí y me he encontrado con peña que no conocía de nada que me preguntaban por ello. Ahí te das cuenta de que a pesar de que no somos un supergrupo ni nada multitudinario, sí que es verdad que tenemos un legado y hay más gente que nos lleva siguiendo desde hace años de la que quizás yo pueda tener en mente”. RAÚL “A mí me ha pasado alguna vez de ir por el barrio de Malasaña y en la puerta de El Rey Lagarto llegar un chico y preguntarme: “¿Qué pasa con esos Tenpel? ¿Para cuándo el puto disco ya de una vez?” (Risas). Que una persona te asalte de esa manera con todo el cariño del mundo, pues flipas. Nosotros siempre decimos una frase y es que Tenpel es un pequeño gran grupo. Es verdad que tenemos un público que siempre ha estado ahí y esperamos que siga. Nosotros no estamos en los grandes festivales ni nada de eso, pero Tenpel es un nombre que suena por ahí y con bastante cariño. Y eso para nosotros tiene un valor que hace que se nos hinche el pecho”.

PORTUGAL. THE MAN

ESTRELL AS POR ACCIDENTE

“ME ENCUENTRO DEMASIADO CÓMODO. ESTOY RODEADO DE PLANTAS DE PLÁSTICO CON MÚSICA AMBIENTE DE FONDO Y BUENA CERVEZA” ES UNA BROMA QUE SE ENTIENDE CUANDO TE PARAS A PENSAR QUE PORTUGAL. THE MAN HAN PASADO DE SER UNA BANDA TRABAJANDO POR HACER ALGO DIFERENTE EN LA MÚSICA ALTERNATIVA A SONAR EN TODAS LAS RADIOS CON UN PRIMER ÉXITO QUE SE HA DILATADO MÁS DE DIEZ AÑOS DE CARRERA. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

UANDO ME ENCUENTRO CON ZACHARY CAROTHERS, BAJISTA,

y Kyle O’Quin, teclista, en la cafetería del hotel donde se alojan en Madrid, una de las primeras cosas que hago es preguntarles dónde está el tercero en discordia, John Gourley, cantante y también compositor de Portugal. The Man. “Es bastante tímido. De hecho, odia tocar en directo porque no soporta la tensión de la gente mirándole”. Le planteo lo difícil de ser frontman

y no querer llamar la atención. “Es un tío raro, es de Canadá. ¡Pero ha mejorado! Solía actuar de espaldas a la gente, pero cada año ha estado girándose unos 15 ó 20 grados, y ahora da la cara”. Me cuentan que la esencia de Portugal. The Man no son los conciertos, aunque uno de sus objetivos sea tocar delante de la mayor gente posible. “Se trata más de hacer buenas canciones. Si das un concierto delante de mil personas, esperas que algunas mantengan ese directo en su cabeza durante el resto de sus

vidas. Pero puede que no lo hagan. Si te dedicas a hacer buenos temas, alguien podría encontrarlos, incluso dentro de 50 años”, explica O’Quin. Precisamente así se hizo ‘Feel It Still’, su actual hit planetario. “Lo primero que John cogió fue una base de los 60. Empezó a tocarla, la grabamos y nos gustó. Tenía algo que funcionaba, pero no podemos explicarlo”. Tampoco pueden expresar con claridad cómo se sienten con el éxito que ha tenido esa base sesentera a nivel mundial. “Es una locura, todavía estamos

en ello. Seguimos haciendo lo que hacíamos antes, seguimos tocando de la misma manera, pero sé que está ocurriendo una mierda muy grande. Es como estar en el centro de un tornado, puedo notar que la cosa se está volviendo loca. Aunque por dentro estamos bastante calmados. Creo que no notaremos todo esto hasta el año que viene”. Carothers pone siempre la nota más cómica y emocional en la conversación. Es él quien me confiesa que empiezan a estar un poco borrachos pese a ser de día mientras me habla de que está muy impresionado y con tono de no creérselo mucho. En cambio, O’Quin prefiere ser más correcto y me pone en contexto: “Venimos de hacer un tour americano y europeo que ha durado 60 días, y

ahora tenemos unos días libres. No habíamos tenido días libres”, puntualiza. “Vamos a hacer una actuación en unos premios (LOS40 Music Awards –ndr.), y después tendremos 72 horas en una de mis ciudades favoritas en el mundo”, comenta con ilusión. Lo de ‘Feel It Still’ es de traca. Ha sido número uno en listas que van desde lo alternativo hasta la música dance, se ha colado en los tops de ventas y de lo más escuchado en medio mundo y lleva más de 214 millones de reproducciones en Spotify mientras escribo estas líneas. Cualquiera diría que son unas pop stars, pero no ellos. “Somos una banda, no unas estrellas del pop”, asegura O’Quinn. “En América ya ha ocurrido y ahora está empezando a pasar en Europa: nos esta-

mos moviendo en las listas. Y es muy raro porque somos unos tíos viejos de Alaska, no estamos buenos y ninguno sabemos cantar demasiado bien. Pero estamos adelantando a Justin Bieber, a Selena Gomez, a Ariana Grande. Y es genial porque son muy buenos. Pero si miras esas listas de otros años, verás que la gente que está en lo más alto son personas muy guapas que saben cantar muy bien. Y esa descripción no nos define a ninguno de nosotros”. Quizás se deba a que en su último disco Woodstock (Atlantic) se han separado más de las guitarras y el indie rock y se han acercado más a la electrónica. Parece que tampoco. “No creo ni que se acerque a eso. Siempre hemos hecho esto, la guitarra de John siempre ha sido así de compleja y aun

así ha seguido haciéndola. Simplemente le hemos puesto sintetizadores para que suene más divertido. Pero sigue teniendo nuestra misma actitud”, desmiente Carothers. ¿Entonces qué? Decidimos que es por la canción en sí misma, porque es divertida. “Nunca nos divertimos en el estudio, somos muy oscuros. Salvo cuando hicimos ‘Feel It Still’. Ahí lo pasamos verdaderamente bien”. Hemos acordado que realmente no encajan en géneros, en listas o en alfombras rojas, pero no sé si alguna vez han encajado en algo en concreto. Cada uno de los discos durante sus más de diez años de carrera es distinto al anterior. “Siempre hemos buscado hacer algo diferente. Por suerte, tenemos personalidades muy dispares. John tiene una voz única y cada uno habla a través de su instrumento a su manera”. Para ellos, Portugal. The Man sólo encaja en Portugal. The Man: “Cuando hacemos algo, sigue sonando a nosotros, aunque hagamos algo distinto cada vez. Rock’n’roll y punk rock ya no son sonidos. Por ejemplo, no puedes encasillar a Kendrick Lamar en hip hop porque ese tío es punk rock, está cambiándolo todo y llevando todo al límite”. O’Quin ni siquiera está contento con que les sigan considerando alternativos. “Se supone que nos han etiquetado así”, dice con resignación. “La música alternativa se separó del rock porque no encajaba en esa otra etiqueta. La definición de lo alternativo es ser diferente. Pero después de veinte años esta música se ha vuelto cómoda, se ha estancado en la estructura de guitarra-bajo-batería-cantante. Las letras tratan de ‘chico conoce a chica’ y no te dicen nada. Los tipos de las discográficas se supone que tienen

“EN AMÉRICA YA HA OCURRIDO Y AHORA ESTÁ EMPEZANDO A PASAR EN EUROPA: NOS ESTAMOS MOVIENDO EN LAS LISTAS. Y ES MUY RARO PORQUE SOMOS UNOS TÍOS VIEJOS DE ALASKA, NO ESTAMOS BUENOS Y NINGUNO SABEMOS CANTAR DEMASIADO BIEN” KYLE O’QUIN

que buscar artistas alternativos y nuevos y hacerles firmar, pero lo cierto es que no quieren tomar riesgos”. Y tanto él como Carothers comienzan a hacer burlas sobre Nickelback como su ejemplo más redondo, casi como si lo hubieran ensayado. “Nickelback es la versión más descafeinada de Nirvana que podían coger. Piénsalo. ‘Suenan como ese tío… suenan como Kurt Cobain… y está tocando la guitarra con esa distorsión…’, pero no pretenden decir nada, el mensaje está vacío”. En última instancia se definen como una banda de rock que da conciertos de 90 minutos que empiezan con una cover de ‘For Whom The Bell Tolls’, igual que cuando tocaban juntos canciones de Metallica en el sótano del bajista después del colegio, hace ya más de veinte años. “Durante todos estos años hemos seguido trabajando, y no hemos querido confiarnos. Lo hicimos un par de veces y no nos salió bien”, vuelve a confesarse Carothers, muy hablador. Fieles a sus palabras, Woodstock es un álbum en el que han vuelto a cambiarse de pieles, y también al propio festival que da nombre al disco porque, pese a llamarse así, su sonido no tiene nada que ver con aquella edición del 69. “Es Woodstock porque el festival fue reaccionario, fue un movimiento frente a esos años oscuros en la historia americana en los que la gente se unió para ser más grandes que una sola voz dominante. Y ahora hemos hecho lo mismo. Había muchí-

simo material que podíamos haber sacado antes que este Woodstock, pero no decía nada del presidente que acabábamos de elegir o de sus políticas”. Lejos de quedarse sólo en ser diferentes respecto al sonido, tampoco quieren tener un mensaje vacío, prueba de que cumplen con lo que critican. “Durante la historia del rock y el pop, la gente le ha estado diciendo a sus artistas que dejaran la política a un lado con su música. Yo sé que viajo más que cualquier político, que veo más culturas y hablo con gente que vive en estos lugares cada día. Hemos vivido las elecciones en Alemania, hemos tocado en la Bataclan, estuvimos en Londres cuando pasó el atentado en el concierto de Ariana Grande en Manchester y hemos tenido esas conversaciones. Estamos viendo ahora vuestras banderas en los balcones”, dice O’Quin mientras señala a un par que podemos ver desde la ventana. “Y eso no está llegando a las noticias americanas. Nadie allí está hablando de la independencia de Catalunya, y lo siento si te rompo el corazón. Las noticias en Estados Unidos pasan por muchos filtros y tienes suerte de saber lo que sabes. Pero nosotros sí que viajamos y nos llevamos historias con nosotros. Así que, que me jodan si no comparto todas esas historias. Qué egoísta y arrogante sería si me lo guardara para mí y no lo contara cuando vuelvo a casa”. De manera más atómica, el título viene de que el padre de Gourley 49

“CUANDO ESTABA EN GRUPOS DE HARDCORE, LAS BANDAS QUE SONABAN EN LA RADIO O ESTABAN EN MULTIS ERAN COSAS COMO BON JOVI, ERA IMPENSABLE LLEGAR A TENER UNA CARRERA EN AQUELLOS MOMENTOS” WALTER SCHREIFELS

abandonara una entrada del festival al fondo de una caja de herramientas que, décadas más tarde y mientras la banda trabajaba en su próximo disco, regaló a un conocido. Este último encontró la entrada en cuestión y la devolvió a su dueño. Gourley se vio impresionado por la anécdota y rompió con todo lo avanzado hasta ese momento de su octavo disco de estudio para hacer que girara en torno a Woodstock. “Fue lo que nos inspiró a volver al estudio y hacer lo que hemos hecho. Queríamos sonar a la música actual, a los festivales de ahora. En un escenario tienes a Major Lazer, en otro está U2 y en un tercero hay una banda de los 90 que se acaba de reunir. Hay muchas cosas ocurriendo ahora mismo”. Y desde luego, ellos son una. Desde que una

noche se vieron atrapados en Madrid y compusieron parte de ‘Feel It Still’, “escribimos parte de la letra la última vez que pasamos por aquí. Tuvimos problemas con el vuelo e hicimos tiempo en el aeropuerto, estuvimos divertiéndonos por ahí. Nos quedamos despiertos hasta tarde componiendo, y el puente lo escribimos ese día”, sus vidas han cambiado. Carothers lo nota en la gente. “Hay más gente que quiere hablar conmigo. En general. Antes íbamos a un aeropuerto y sabíamos que alguien nos reconocía, como ese tío que tocaba en Tame Impala, y alguna vez se acercaban a decirnos ‘hola’. Pero ahora se acerca gente aleatoria como tíos de la radio y cosas así. Y ya está”. Para O’Quin es algo más familiar: “Mi cosa favorita es que mis amigos con hijos pe-

queños me mandan vídeos con ellos cantando o bailando la canción”. Mientras preparaba la entrevista horas antes del encuentro leí a varios DJ’s de radios decir que cuando escucharon ‘Feel It Still’ antes de pincharla, antes que nadie, ya sabían que iba a triunfar. Quise saber si ellos también sintieron lo mismo. “Ni de coña. Sabía que era muy buena. Sabía que era demasiado buena para quedarse en la radio alternativa. Pero no imaginamos que saltaría a las estaciones de pop y se convertiría en esto. Creo que lo dicen para hacerse los guays. ‘Sí, yo lo sabía’, pero no, nadie lo sabía”.

BERRI TXARRAK

CANCIONES TRISTES O DE MALA HOSTIA

BERRI TXARRAK TENÍAN POR DELANTE UN RETO MONUMENTAL TRAS TERMINAR LA GIRA DEL TRIPLE DENBORA DA POLIGRAFO BAKARRA . PERO GRACIAS AL INSTINTO DESARROLLADO DURANTE MÁS DE DOS DÉCADAS DE CARRERA Y EL APOYO DE UNA FIGURA CLAVE DEL PUNK ROCK MUNDIAL, LOGRARON SUPERARLO CON CRECES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: GALDER IZAGIRRE/OSCAR ALONSO (DIRECTO)

ACE JUSTO UN AÑO, BERRI TXARRAK SE ENCONTRABAN

en Santiago de Chile abriendo para los míticos Descendents, dentro de una gira que también recaló en Brasil, Argentina, Costa Rica y México. Aunque a veces se tiene una idea muy romántica de lo que ocurre en las conciertos, por desgracia, es habitual que los músicos de la banda principal pasen bastante de los teloneros y rara vez se interesan por saber ni siquiera cómo suenan. Sin embargo, y quizá porque les había producido uno de los tres EPs que formaban parte de su anterior trabajo Denbora Da Poligrafo Bakarra, Bill Stevenson, el batería de Descendents, se situaba cada noche en un lateral del escenario para observar el directo del trío de Lekunberri. Que algo le rondaba por la cabeza se hizo explícito cuando después de un show se acercó a su camerino y con sus enormes brazos rodeó a Gorka Urbizu (voz, guitarra), David González (bajo) y Galder Izagirre (batería) para soltarles una bomba. Algo borracho, les confesó que últimamente estaba más centrado en girar con Descendents y que se tomaba con más calma el mundo de la producción y que su intención era grabar sólo a tres o cuatro grupos al año que realmente le motivaran, y que precisamente por eso le encantaría producir su siguiente disco. Pese a que en ese momento su noveno álbum estaba todavía en una fase muy embrionaria, la oferta de Stevenson era demasiado buena para dejarla pasar. Así que una vez ya en casa, Gorka decidió escribirle un mail para saber si la propuesta iba en serio o había sido fruto de un calentón del momento.

Basta mirar los créditos de Infrasoinuak (Only In Dreams) para saber cuál fue la respuesta, y así el pasado agosto Berri Txarrak volvían a cruzar el charco para instalarse en The Blasting Room, en Fort Collins, Colorado, para grabar con Stevenson y su socio Jason Livermore. Aunque ya habían estado ahí para grabar parte de su anterior trabajo, esta vez la experiencia fue totalmente distinta. Si entonces apenas habían estado una semana y sólo grabaron seis temas con una orientación claramente punk, en ésta pudieron sacar el máximo provecho de las instalaciones por las que han pasado grupos como Rise Against, A Day To Remember o Hot Water Music y de su equipo humano durante todo un mes. También la propia naturaleza del material propició que el método de trabajo fuera diferente. Quizá por todo ello, Infrasoinuak me parece ahora mismo su mejor disco, si bien es verdad que eso suele ocurrirme hasta que publican el siguiente. A mediados de noviembre, tenía la oportunidad de charlar durante una hora con Gorka, quien me recordaba que nuestra primera entrevista había sido en 1999. Muchos años transcurridos en los que Berri han pasado de tocar en gaztetxes a ser unos habituales de festivales de lo más variados y a girar más allá de nuestras fronteras, como harán próximamente en Australia junto a Rise Against o en Japón, en una iniciativa benéfica para regenerar las salas de conciertos en la zona de Fukushima, donde se produjo el accidente nuclear en 2011. Y todo gracias a esas “canciones tristes o de mala hostia”, que es como, medio en serio, medio en broma, definen sus creacio-

nes. Ojalá que por muchos años más podamos seguir disfrutando de ellas. En la crítica de Infrasoinuak que publicábamos el mes pasado, escribía que después de haber publicado Denbora Da Poligrafo

Bakarra, la gran pregunta que os debíais hacer era ‘¿Y ahora qué?’. ¿Cómo os planteasteis el siguiente paso después de un triple trabajo como ése? GORKA URBIZU “El disco anterior

fue especial por bastantes motivos, para empezar porque era el 20 aniversario del grupo, por el propio planteamiento y por la acogida que tuvo, porque creo que mucho público que no se había interesado antes se acercó a Berri Txarrak. Parecía incluso un buen colofón de carrera: ‘Veinte años y termino con esto’. Pero luego te empieza a picar el gusanillo (risas). Yo lo comparo a cuando sacamos Jaio.Musika.Hil, aunque igual a otra escala. Fue cuando pasamos a ser un trío, empezamos a trabajar con productores guiris, con Ed Rose, hicimos canciones como ‘Oreka’, que sorprendieron a la gente porque veníamos de grabar discos bastante cañeros como Libre ©… Y cuando se filtró que íbamos a grabar el siguiente con Steve Albini se generó como una bola y fue como ‘¡Hostia!’. Sentimos una presión, pero la respuesta fue que Aitor (Goikoetxea, batería hasta 2010 -ndr.) y yo nos encerramos en el local a tocar sucio. La salida fue, como decías en la crítica, un disco desde las tripas, sin darle demasiadas vueltas para ver qué coño sale o para intentar hacer la cuadratura del círculo, sino dejarnos llevar por el instinto musical. Y creo que es lo mismo que

“ESTE DISCO ES MÁS VISCERAL, NO HAY TANTA FLORITURA A NIVEL DE ESTRUCTURAS, Y TAMBIÉN TENÍA CLARO QUE TENÍA QUE SER UN ÁLBUM CORTO DESPUÉS DE TODA LA VORÁGINE DEL DISCO ANTERIOR” GORKA URBIZU

hemos hecho esta vez”. Supongo que el disco anterior también te abrió la mente y fue casi como un ejercicio para ver que, si querías, podías expandir lo que se espera de vosotros.

“Lo que sí puedo decir de Denbora… es que fue muy fluido. Fue más fácil hacer esos tres discos que éste. Ni yo ni nadie del grupo tiene la sensación de que hacer el álbum anterior fuera algo que nos superara. Hicimos las tres grabaciones en un año y estábamos tan metidos en la historia que simplemente salían las cosas. Con este disco incluso tuve la tentación de hacer otro triple (risas), porque me vino muy bien poder centrarme en un estilo en cada álbum. Creo que ese juego estilístico nos vino muy bien,

pero tampoco queríamos que en el nuevo hubiera un poco de todo. Nunca hacemos una reunión para decidir un estilo antes de empezar un disco, hay que dejar que fluya, y cuando tienes cuatro temas, ya ves por dónde puede ir. Pero no fue fácil. De hecho, a principios de 2016 me puse a componer, pero decidimos aparcarlo. No fue hasta este año que nos pusimos más en serio. Quizá el álbum no fluyera tanto a ese nivel, pero en el estudio cogió otra dimensión y volvimos súper contentos con el resultado”. Una de las cosas destacables del disco es que, en mi opinión, refleja una mayor claridad en las canciones y quizá eso haya hecho que sea el que mejor me ha entrado a la primera. Antes

en algunos temas igual os escondíais en cierta densidad o construíais un tema en base a un riff guapo, pero quizá la idea de la canción no estaba tan clara.

“Ya. También tiene que ver con los productores. Estoy seguro de que, si los discos que hicimos con Ross Robinson, los hubiéramos hecho en otro sitio, serían bastante distintos. Influye bastante qué ve el productor en la canción. Pero también son cosas que aprendes con el tiempo. Siempre hay canciones que tienen elementos muy guapos, pero luego no aciertas a dejarlas redondas. A veces te pierdes en esa densidad. Pero también está guay. Creo que en nuestra discografía hay temas con los que podrías hacer un setlist totalmente distinto a lo que tocamos en directo con ese tipo de canciones que

“LA DOMESTICACIÓN DEL ROCK ES BASTANTE EVIDENTE. HA PERDIDO PELIGROSIDAD. A MÍ MISMO ME PUEDEN PONER MÁS LAS LETRAS DE LOS RAPEROS QUE LAS DE BANDAS DE ROCK” GORKA URBIZU

a alguna gente le flipan. Quizá son temas que requieren más escuchas. Pero este disco es más visceral, no hay tanta floritura a nivel de estructuras, y también tenía claro que tenía que ser un álbum corto después de toda la vorágine del disco anterior. Pero tanto Ross como Bill nos han comentado que con la mayoría de grupos se tiran una semana estructurando las canciones y que con nosotros ya estaban hechas. Nosotros lo llevamos todo bastante atado, pero también tienes que tener la actitud de estar abierto a que sucedan cosas en el estudio”. En ese sentido, ¿os condicionó de alguna forma a la hora de enfocar el material que ibais componiendo saber que ibais a volver a grabar con Bill Stevenson?

“No es que hagas las canciones pensando en él, pero al final tienes en cuenta quién lo va a grabar. También 56

nos quedaba la duda de que, aunque sus producciones suenan brutales, igual, por prejuicio nuestro, temíamos que quedara demasiado estándar. A nosotros nos encanta el punk rock, pero en nuestra música hay más que eso. Teníamos ese miedo. Pero nada más llegar allí nos dimos cuenta de que estábamos equivocados. Lo digo con toda la humildad, pero creo que ellos también agradecieron tener a un grupo que no fuera un imitador de no sé qué, porque están muy acostumbrados a grabar discos de una onda parecida. Creo que se entusiasmaron con las canciones y estuvo guay porque la forma de grabar no tuvo nada que ver con el anterior. En el tercer EP fuimos nosotros quienes impusimos el sonido. Veníamos de grabar con Ross Robinson un disco más denso y oscuro y luego hicimos el EP más popero con Ricky Falkner, y nosotros hicimos hincapié en que el tercer EP tenía que

ser poco producido, con canciones muy cortas, cero florituras, con todos grabando juntos en una habitación… Y eso es todo lo contrario de la forma de trabajar de Bill y Jason (risas). Ellos son súper meticulosos, pueden pasarse horas y horas detrás del sonido, son mega exigentes con la ejecución, con la afinación… un montón de detalles que se notan en el resultado. Así que en el anterior fueron nuestras reglas y, en éste, desde el principio, dijimos que lo haríamos a su manera. Yo creo que lo agradeció y al final lo hicimos a la manera Blasting Room”. Supongo que también están condicionados por las perspectivas de los grupos que graban allí... Una banda como A Day To Remember busca un sonido que pueda sonar en la radio, cosa que vosotros ni os planteáis.

“Claro. Ahí está la mentalidad ameri-

cana, tienen una visión más comercial. Pero joder, yo esta vez he flipado con Bill Stevenson porque hemos tenido más tiempo de convivir con él. La otra vez sólo estuvimos una semana. Esta vez cenábamos muchos días juntos, salíamos con su mujer… No ha sido sólo grabar, sino que convivíamos con él. Es increíble la pasión que tiene por la música. Fuera del punk rock, controla un montón de música. Yo lo veo como un ser superior. Igual es la persona que más me ha impresionado a ese nivel. A veces, por la propia imagen que dan Descendents, o él, de estar grabando y que se tire un pedo (risas), hace que te formes una idea de que pasa de todo, pero es una enciclopedia musical. Es como un crío. Necesita la música para vivir. Cumplió 54 años cuando estábamos ahí y el tío ensaya todos los putos días del año dos o tres horas en el sótano de su casa, ya sea con la banda o solo. Todos los días. Es como su terapia o su gimnasia. Hay mucho que aprender todavía de alguien como él”. Y por curiosidad, ¿cuál es el papel de Jason Livermore? ¿Hace más de ingeniero?

“Sí. Esta vez ha sido un lujo porque teníamos a todo su equipo volcado en nuestro disco. Todo el mundo sabía en qué punto estaba la grabación. Pero a la vez, era como trabajar por departamentos. Eso también me daba un poco de miedo porque quería que sonara a banda tocando, pero son los miedos de cuando entras en un estudio. Jason tiene un oído privilegiado. Las guitarras las grabamos con él. Yo diría que Bill es el artista, el genio loco, aunque también sea meticuloso. Básicamente con él yo grabé las voces, y me hizo sufrir el cabrón (risas). Te mete mucha

caña, pero siempre propone cosas artísticas también. Por ejemplo, estaba mezclando Jason y luego venía Bill media hora y soltaba algo respecto a la batería que decías ‘¡Hostia!’… Le da el punto de genio. El ritmo de grabación fue súper cómodo. En todo momento tenías opción de cambiar lo que habías hecho y de probar cosas. En cada canción empezaba de cero. Yo no soy muy obsesionado del sonido porque lo veo más como un medio que como un fin, y en ese sentido ha habido bastante sintonía”. Aunque igual te lo pudiera pedir el cuerpo y éste sea un disco crítico o crudo, no está lleno de rabia a nivel de letras. ¿Es algo que intentaste moderar?

“No es moderar, lo que pasa es que la realidad es compleja (risas). Creo que lo que más hago últimamente es invitar a la reflexión. Es un reflejo de lo que yo vivo. A mí hoy en día ir con absolutismos por la vida me cuesta. En algunos temas tengo las cosas bastante claras, pero creo que una canción tiene más recorrido si dejas que el oyente la termine. La música también sirve para reflexionar y, sobre todo, hacerse preguntas y ver cómo tus contradicciones van creciendo. Pero a mí la música es la que me lleva a hablar de un tema o de otro. Aquí hay dos o tres pepinazos. Es la pelea eterna, de que en tres minutos no puedes ponerte a filosofar o hacer algo demasiado intelectual (risas). El rock también necesita esa inmediatez. Mi pelea siempre es ésa: no decir obviedades, pero a la vez, tampoco caer en dártelas de escritor o algo así”. En la primera canción, en ‘Dardararen Bat’, te sitúas como

protagonista incluso mencionando tu nombre. ¿Tuviste dudas a la hora de incluir esa autoreferencia?

“Poco a poco fuimos viendo que ésa iba a ser la primera canción del disco y para mí es importante el arranque. Han pasado tres años desde el disco anterior, la gente le va a dar al play y es importante cómo arranque un álbum, la primera frase y todo eso. Me gustaba esa idea que leí en un libro de poesía de Nick Cave de gente escuchando la vía de un tren para ver qué viene, a ver si se acerca algo. Partí de esa imagen y luego se me ocurrió lo de tomar el café y lo de “Hoy es lunes y mi nombre es Gorka”. Creo que tenía su punto. No es muy habitual quizá, pero ahí queda. Ya veremos en directo a ver qué pasa (risas)”. Estos días hemos visto sentencias de cárcel contra raperos, cuando hace unos años iban a por S.A. o a por vosotros, e igual es porque el poder no se fija en el rock porque ya no lo considera relevante. ¿Crees que el rock ha perdido peso en la cultura popular porque quizá no dice las cosas tan claras?

“La domesticación del rock es bastante evidente. Ha perdido peligrosidad. A mí mismo me pueden poner más las letras de los raperos que las de bandas de rock. Veo un aletargamiento en el que también podemos estar cayendo nosotros, y por eso no quiero juzgar a nadie. El título de Infrasoinuak también va un poco por ahí. Los infrasonidos son esos sonidos que están ahí pero no los escuchamos. Me da la sensación de que el rock se ha convertido un poco en eso. Es un sonido que está ahí, pero que quizá no interesa 57

bastante preocupante. También puede ser que sean modas, no sé, pero es fácil caer en la nostalgia y pensar ‘cómo molaba antes’”. Cuando leí la letra de ‘Hozkia’ pensé en Rajoy, pero no sé si va dirigida específicamente a él.

a demasiada gente. Yo en parte también me alegro porque, aquí, al rap en euskera le ha costado años y años despegar y ahora parece que sea lo más fácil del mundo. Pero lo realmente grave, por encima de los estilos, ya sea al rock o al rap, es que se persiga. Está claro que, si te despistas, la involución de derechos es un hecho. Hay que pelear contra eso. A mí también me puede gustar mucho una canción de The Hives que diga sólo ‘c’mon, c’mon’, pero, por otra parte, tal como está todo, hay que intentar decir cosas. Hay que ser consciente que la gente necesita referentes y es importante lo que digas. Y luego para la propia canción, una letra interesante hace que sea mucho mejor”. Enlazado con todo esto, en la letra de ‘Beude’ hablas de las salas de conciertos... ¿Hay un punto de nostalgia?

“Esa canción es como un homenaje primero y una reivindicación de los conciertos en los que no importe cuántos hoteles se llenan o cuánta pasta dejan en la ciudad o ese tipo de varemos que repiten los medios. El éxito de un festival se mide por eso. Estoy un poco hasta los huevos. El día a día, los garitos de siempre, y aquí en concreto los gaztetxes, son los que han hecho posible que haya una escena y salgan grupos porque tienen opción de tocar. Mi preocupación va por ahí, y luego si realmente hay público. Enlazado con lo que decías del rap, creo que mucha generación nueva no se está enganchando al rock, y eso es por algo. Yo lo veo. Tengo la sensación de que se ve como algo viejuno. Nosotros tenemos la suerte de que nuestro público se sigue regenerando, no sé por qué, pero creo que somos pocas las bandas de rock que hemos conseguido enganchar con la gente joven, y eso es

“Hablo de su entorno probablemente (risas). No quiero decir nombres porque es aplicable a bastante gente. Va dirigido a una forma de hacer política, qué te voy a contar que no sepas (risas). Tenemos otras canciones así en otros discos, y no te quieres repetir, pero hay canciones que, joder, necesito. A veces hay que volver al tópico de ‘que os den por el culo a todos’ y dejarse de chorradas. Esa canción lo pedía. Pero tuve mis dudas porque parecía una canción que podría haber cantado hace veinte años, pero también es sintomático que el cuerpo te pida eso porque quiere decir que la cosa está realmente jodida”. ¿Tú preveías esta involución democrática o creías que estaba superado?

“Si algo ha quedado claro es que, si no peleas por lo tuyo, por tus derechos o lo que sea, esto va hacia atrás. Parece que lleve el volante un cangrejo. Da un poco de miedo ver en el Estado toques de franquismo puro y duro. Me da miedo ver eso en gente joven, y en este disco también queda reflejado en la frase “qué rápido hemos aprendido a justificar el racismo”. Hay cosas básicas que dabas por hechas, como las cuestiones de género y la pelea por la igualdad, que creo que va a marcar las siguientes décadas, y ves que no, que queda mucho camino por andar. Luego está el tema de las redes socia-

“ESTAMOS VIVIENDO ÉPOCAS PELIGROSAS. MUCHOS ESQUEMAS SE ESTÁN QUEDANDO OBSOLETOS. A les y la posverdad. Es muy enrevesado todo y muy simplista. Una opinión se genera con una imagen y un pie de foto. Si tiene mil retweets, eso se da como verdad. Creo que falta análisis más profundo y genera unas opiniones con muy poca base, pero con la gente muy envalentonada. Es algo global. La verdad es que estamos viviendo épocas peligrosas. Muchos esquemas se están quedando obsoletos. A nivel territorial, a nivel de moral, a nivel de fundamentalismo religioso… no sé cómo, pero hay que hacer un dique”.

NIVEL TERRITORIAL, A NIVEL DE MORAL, A NIVEL DE FUNDAMENTALISMO RELIGIOSO… NO SÉ CÓMO, PERO HAY QUE HACER UN DIQUE” GORKA URBIZU

la gente sigue identificando con Berri, está muy bien y te da carta blanca para hacer lo que te apetezca”. Aun así, en junio se hizo viral que habíais tocado para una sola persona en Nantes. ¿Os sorprendió la repercusión que tuvo? ¿Cómo fue la historia?

Antes decías que mucha gente nueva se ha acercado al grupo. ¿Es algo que notas más a nivel físico, en la gente que ves en los conciertos, o más en las redes?

“Se ve en las dos. A veces ves comentarios de gente que te preguntas qué hacen escuchando a Berri porque hace diez años no sería capaz de escuchar el Libre © o el Jaio… No sé cuántos grupos habrá que en el mismo año hayan tocado en el Resu, en el Sonorama y en el Primavera Sound o en el Hellfest. No creo que haya demasiados. Para mí eso es lo mejor que nos ha pasado. Una de nuestras mayores luchas ha sido derribar esos prejuicios estilísticos. Y creo que, además, en todos estos años, el fan de Berri ya se ha acostumbrado a eso. Al principio tampoco fue fácil, pero ahora creo que se pueden esperar casi cualquier cosa. Hacer un noveno disco y que la gente esté esperando a ver qué hacemos, está muy bien. Y también ganas en confianza. El artista siempre tiene la duda de que si lo que estás haciendo da la talla. Pero ver que, aunque trabajes en distintos estilos y con distintos productores, hay un hilo conductor que

“Posiblemente era el peor día para hacer un bolo. Muchas veces en una gira tienes días sueltos entre bolos que molan que intentas rellenar con lo que sea. Y ése fue uno de ellos porque íbamos de pasada a París. Era un martes justo después del Hellfest, que se hace prácticamente al lado de Nantes. Y al día siguiente era el Día de la Música en Francia, donde hay bolos en la calle gratis. Y nada, hicimos la prueba, estábamos cenando y el bolo era en la planta de arriba. Preguntamos si había gente y nos dijeron ‘hay uno’ (Risas)”. ¿Era francés al menos?

“Sí, era un francés que nos había visto en el Hellfest. Pero bueno, luego subieron los del bar y no es que estuviera solo todo el puto bolo, sino que al menos había cuatro o cinco (risas). Lo curioso fue lo viral que se hizo todo esto y que no sabíamos cómo frenar. Lo último que quería es que se hiciera una noticia de esto porque ésta es la realidad de muchas bandas. Da igual que sea una persona o veinte. Una vez más, la gente se quedó con lo superficial, pero si lo pusimos fue

para decir ‘esto también es Berri’, pero esto le pasa a mogollón de bandas que luego no te petan La Riviera como nosotros. En el rock, siempre se está vendiendo la moto de que ‘metemos a mogollón de peña’, que en nuestro caso es verdad, pero siempre se intenta dar la imagen de que todo funciona y va de puta madre, pero la realidad muchas veces también es ésta, comer este tipo de mierda, y ya está, mañana será otro día. Pero se hizo viral y nos llamaron de muchos sitios, hasta de la COPE, y yo di dos entrevistas y no más, porque no queríamos hacer de esto una bola... aunque posiblemente fuera ya tarde”. A mí me también me irritan mucho esas vendidas de moto. Hay un miedo enorme a reconocer los fracasos, si es que se pueden llamar así, y por eso me pareció tan bien vuestra postura.

“Me sorprendió que sorprendiera tanto que un grupo que mete gente confesara eso, pero flipé todavía más con un montón de comentarios que nos ponían como héroes por haber tocado. Pero, ¿qué vas a hacer? Ese fan te ha venido a ver, pues vas y tocas. Me hubiera gustado que hubiera habido cien personas, pero si hay una, tocas. Yo creo que cualquier otra banda hubiera hecho lo mismo”.

DISCO DEL MES

E TRIDENT WOLF ECLIPSE (CENTURY MEDIA) BLACK METAL

s esa serie o ese libro, esa reina y esa ciudad. Sus intrigas al final le han pasado factura, su perversa ambición ha ido demasiado lejos. La han rapado y ultrajado, camina con dificultad por los fríos adoquines de la capital más sucia del mundo, presa fácil del escarnio público. “Vergüenza, vergüenza, vergüenza…”. A nuestro malvado príncipe de todo lo oscuro algunos le quisieron hacer lo mismo, pero con él no pudieron. Conservó la melena y la actitud desafiante, se enfrentó a cualquiera con la cabeza bien alta, incluso a un servidor, y esperó y esperó

WATAIN

su oportunidad durante cinco largos años, agazapado, felino, mientras muchos empezaban a ver que quizá ‘They Rode On’ no era ninguna traición, o que The Wild Hunt también tenía sus momentos. Pero la cabeza de Erik Danielsson iba por otro lado… Como siempre, él se mantenía encerrado en sí mismo, el sueco seguía sin entender de compasión, y por eso en su interior sólo repiqueteaba un vocablo: “Venganza, venganza, venganza…”. Venganza. La noche del 5 de enero, tres reyes magos te traerán el mejor regalo que pueda esperar un black metalero. Esa trinidad que conforman

Danielsson (voz, bajo en estudio), Pelle Forsberg (guitarra) y Håkan Jonsson (batería) nos entregará el disco más corto de su carrera, apenas 34 minutos donde no hay demasiados respiros, y si los hay, aportan una preciosa negrura muy difícil de traspasar. Una bomba nuclear te saluda nada más empezar a dar vueltas el álbum. El single ‘Nuclear Alchemy’ es a saco, no toma prisioneros, y aunque es una magnífica carta de presentación, no es lo más valioso que encontrarás en Trident Wolf Eclipse. ‘Sacred Damnation’ tampoco se anda con tonterías, pero más interesante resulta

‘Teufelsreich’, que de inicio baja los tempos disparados para encaminarse hacia senderos sinuosos llenos de penumbra, aunque igualmente tortuosos. También aporta su dosis de velocidad, pero cabe destacar la cantidad de alternativas que presenta. Realmente redonda. El título de ‘Furor Diabolicus’ habla por sí solo, pero también llama la atención ese fragmento en el medio para regodearse de su tenebrosidad antes de volver a atacar con esa típica saña suya, a veces tan punk. De ‘A Throne Below’ igual piensas que baja el listón, pero un parón infernal te va a dejar descolocado y del revés, para que luego su lóbrego manto siga conduciéndote

‘Towards The Sanctuary’, en cambio, es orfebrería de lo más refinada. Ese blast, esa triunfal sucesión de riffs sumamente emocionantes, te transmitirán una belleza que no conoce límites. Como colofón, otro himno. ‘The Fire Of Power’ es uno de esos medio tiempos marca de la casa, cuyo embrujo sólo puede proceder de los escandinavos. Es extraño porque, fomentado por una complicadísima producción donde todo cruje prieto y exagerado al mismo tiempo que los instrumentos gozan de su espacio, las primeras escuchas de Trident Wolf Eclipse te transmiten una virulencia musical incontrolable, pero tras darle muchas más

“34 MINUTOS DONDE NO HAY DEMASIADOS RESPIROS, Y SI LOS HAY, APORTAN UNA PRECIOSA NEGRURA MUY DIFÍCIL DE TRASPASAR”

justo hasta donde Watain te quieren, porque ten muy claro que lo mejor llega al final… De nuevo una trinidad, esta vez liderada por ‘Ultra (Pandemoniac)’, ‘Towards The Sanctuary’ y ‘The Fire Of Power’, eleva el nivel del álbum hasta cotas altísimas. La primera es una salvajada, exacerbada propaganda de los Watain más homicidas, un caldo de cultivo que crece y crece hasta despedazarte. Pura incitación al odio que, con ese eco tan certero y canalla apuntillando las imprecaciones de Erik, te pondrá la piel de gallina. Y no te pierdas su cierre a modo de inenarrable caos…

oportunidades te das cuenta de lo equilibradas que están las canciones más sádicas con aquéllas que evocan una atmósfera igualmente dañina, pero mucho más reposada. Es lo que tiene la naturaleza demoníaca, la total dedicación a las artes oscuras, donde nada es lo que parece y el dolor puede significar placer, aunque siempre se mantenga una misma constante… que Watain son una extraordinaria banda de black metal, la única posterior a la gran ola noruega que ha sido capaz de emular su infinita gloria. PAU NAVARRA

HONEYMOON DISEASE HAS DE SABER... Jenna (voz, guitarra), Acid (voz, guitarra), Cedrid (bajo), Jimi (batería) PRODUCIDO POR: Ola Ersfjord AFINES A: Dead Lord, Night Viper, Kiss PÁGINA WEB: www.honeymoondisease.com FORMACIÓN:

S Part Human, Mostly Beast (THE SIGN) HARD ROCK

uecia sigue siendo una mina inacabable de formaciones dedicadas en cuerpo y alma a mantener viva la llama del rock’n’roll. Si eres fan de esa escena, ya tardas en añadir a Honeymoon Disease a tu lista de nuevas bandas favoritas porque seguro que su segundo álbum Part Human, Mostly Beast saciará tu sed de guitarras afiladas y buenas melodías con sabor añejo. Como si fueran la versión femenina de Paul Stanley y Gene Simmons de Kiss, las frontwomen Jenna y Acid se reparten las tareas vocales y compositivas dándoles un toque diferencial a propuestas similares. Sus voces interactúan con mucho estilo,

cada una con su personalidad, y aportan dinamismo a sus composiciones. Pero no solamente es eso, pues también hay que valorar su espíritu valiente por liberarse del corsé estilístico al que se someten otros grupos de vocación retro. En lugar de meter todos los huevos en la cesta de los himnos hardrockeros como ‘Doin’ It Again’, ‘Four Stroke Woman’ o ‘Coal Burnin’’, Honeymoon Disease saben incorporar un aire soul a ‘Tail Twister’ o a la más rápida ‘Fly Bird, Fly High’, que cuentan con la presencia de una sección de vientos que queda de lujo. También se adentran en el blues vía Led Zeppelin en la magnífica ‘Rymdvals’, que culmina con

un final acelerado a lo Hellacopters, o pueden construir un hermoso medio tiempo como ‘Needle In Your Eye’ que te recuerda a Heart. Armonías dobladas a lo Thin Lizzy, buenos solos de guitarra y una base rítmica muy dúctil y efectiva son otros elementos que aquí suman. Es una lástima que no todos los temas tengan el mismo nivel y que incluso algunos sean un poco de relleno, pero si continúan así estoy seguro de que nos darán muchas alegrías en el futuro. Desde aquí les sugiero que llamen ya a Nicke Andersson para que les produzca su tercer trabajo. Se entenderían de maravilla. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... ACID La pasada primavera disteis bastantes conciertos por España... ¿Qué es lo que más te sorprendió de nuestro país?

“La calidad de la comida, el vino y vuestra pasión por el rock. ¡La combinación perfecta! Conocimos a un montón de gente maja durante la gira. Tenéis una escena rockera muy fuerte... El concierto más sorprendente fue en el Hell Dorado de Vitoria. ¡Esa noche fue una locura!”. Escuchando el disco he pensado en Kiss. ¿Componéis buscando esa variedad?

“¡Es interesante que lo menciones! Es evidente que Kiss son una de nuestras mayores influencias junto a Thin Lizzy y The Hellacopters, pero esa variedad depende de quién escriba los riffs, las letras o haga los arreglos. Cada uno tiene su estilo y depende de quien cante

tiene un estilo más rock o más soul. Pero además de Kiss, en este disco hay una mezcla, como por ejemplo Cedric toca en un estilo más blues en ‘Tail Twister’. Una curiosidad: Jenna compone con acordes menores y yo con mayores”. Vuestra anterior banda Thrill Warriors era más heavy. ¿Es más divertido tocar rock?

“¡El heavy metal es la ley! El rock’n’roll es como la hermana pequeña del heavy metal, puede ser más sucia y experimental sin perder su credibilidad. Se le permiten más cosas porque es la base de todo y no está tan limitado a un solo estilo. El rock es más fácil de mezclar con otros estilos mientras tenga groove... ¡Y a nosotros nos encanta el groove!”. Últimamente hay una gran polémica sobre la poca presencia de bandas con mujeres en los

festis. ¿Crees que los programadores son machistas?

“Puede que lo sean o puede que no, pero todo este asunto tiene que ver con las estructuras patriarcales que están muy arraigadas en nuestra sociedad, no importa cuál sea tu profesión. ¿Por qué hay más presencia de tíos en la industria musical? ¿Por qué se habla de bandas con mujeres como bandas femeninas y no simplemente como bandas? ¿Por qué a las bandas de tíos se las toma más en serio y cobran más? ¿Por qué un hombre está más capacitado para tocar la guitarra? ¿De verdad lo está? Nuestro principal objetivo es tocar rock de calidad y odiamos estas preguntas sobre el machismo que nunca se harían a un tío. Es triste. Vamos a cambiar eso de una vez por todas”. (DAVID GARCELL)

TRIVIUM

The Sin And The Sentence (ROADRUNNER) METAL

o éramos pocos los que pensábamos que la deriva que habían tomado Trivium últimamente tenía difícil remedio. Sus álbumes más recientes, Vengeance Falls y Silence In The Snow, no sólo pecaban de un nivel bajo para lo que nos tenían acostumbrados, sino que su alarmante falta de personalidad propia resultaba preocupantemente notable. Por suerte, Matt Heafy y compañía han sabido coger el toro por los cuernos a tiempo y devolvernos la versión que más nos convence del grupo. Empezando por el nuevo fichaje tras el bombo de la batería en la figura de Alex Bent. Un mozalbete de 24

primaveras que a lo largo de todo este The Sin And The Sentence se empeña en demostrar que está hecho todo un animalito. De ello se benefician unas composiciones más vivas y menos monótonas que en anteriores entregas, retomando el gusto por la velocidad en los solos (aquí Heafy y su compinche Corey Beaulieu se quedan bien a gusto recorriendo los trastes de sus mástiles) y la combinación justamente medida entre guturales y voces melódicas. Especialmente se nota el trabajo que ya realizó Matt en Silence In The Snow usando registros más propios del heavy y que ahora sabe dar mejor salida en estribillos tan irresistibles como los de ‘The Heart From Your Hate’, ‘Beauty In The Sorrow’ y sobre todo ‘Beyond Oblivion’. En el otro lado de la balanza estarían ‘Betrayer’, ‘The Wrecthness Inside’, ‘Thrown Into The Fire’ o ‘Sever The Hand’, auténticas bacanales de lo que debería ser mezclar el metal más actual con la vieja escuela. Pero es la ambiciosa ‘The Revanchist’ la que mejor expone todas las cualidades de estos renacidos Trivium. GONZALO PUEBLA

THE FRONT BOTTOMS Going Grey

(FUELED BY RAMEN) INDIE ROCK

umplir diez años como banda da mucho que pensar; por lo menos Brian Sella y Mat Uychich han empezado a ver sus primeras canas antes de los 30 y no han podido evitar hablar de ello en su cuarto álbum de estudio, Going Grey. Los de New Jersey han sido conocidos durante este tiempo por animar cualquier cotarro y llevar el buen rollo por bandera, por lo que verles bajar el ritmo en cuanto a su música se refiere no es que juegue a su favor, precisamente. La sensación de directo implícita en el sonido de sus primeros trabajos, en

los que parecían trasladar el escenario al salón de tu casa, se ha ido perdiendo a medida que han ido añadiendo elementos más electrónicos y pisado un poco el freno a sus alocadas melodías. Salvando la facilidad de la que dispone Brian para hacer pegadizas las frases más forzadas en temas como ‘Bae’, ‘Vacation Town’, ‘Trampoline’ o ‘Don’t Fill Up On Chips’, se hace un poco difícil afrontar el uso excesivo de teclados, en un tono más calmado del habitual (‘You Used To Say (Holy Fuck)’, ‘Grand Finale’), y en los que puede que hayan pecado de azucarar demasiado su nuevo producto en, por ejemplo, ‘Everyone But You’, ‘Peace Sign’, ‘Raining’ u ‘Ocean’. The Front Bottoms difícilmente pueden superar lo que habían publicado hasta la fecha, pero tampoco se puede decir que fracasen en su intento por seguir creciendo en popularidad, ya que han conseguido buenos números en las listas americanas y sus conciertos siguen siendo una fiesta. Esperemos que, de aquí en adelante, esas canas nos les quiten la chavalería de encima. ALEJANDRO LOZANO

LA SELECCIÓN

JAMIE 4 PRESIDENT The Heartbreak Campaign (BCORE/LA AGONÍA DE VIVIR) POWER POP

ormados en 2011, Jamie 4 President atraviesan ahora su momento más dulce tras la publicación de su tercer trabajo, The Heartbreak Campaign. Su nombre suena más que nunca por el apoyo de un sello pequeño pero tan respetado como BCore y seguro que también ha ayudado el buen momento de Wild Animals, la otra banda de su cantante y guitarra Jamie Ruiz Green. Sea como sea, The Heartbreak Campaign es un muy recomendable ejercicio de power pop atemporal en la onda de Redd Kross, Gigolo Aunts y The Posies (‘The Day I Fell For A Gypsy Girl’, ‘Everything Fades’ y ‘Power Ballad Prince’), en el que no falta una buena balada semiacústica (‘Secret World’) y alguna incursión en el emopop -el título del disco lo pedía a gritos- de bandas como Saves The Day y Jimmy Eat World (‘Candyfloss’, ’Far From Blue’). Este disco está a años luz de sus predecesores, Where Did Our Youth Go? y Dolphins, dos largos de indie pop

sin apenas distorsión y con una producción plana. Nada que ver con el sonidazo, real y crujiente, conseguido en Ultramarinos Costa Brava por Santi Garcia y Borja Pérez. Curiosamente, el primero grabó todas las líneas de bajo y un solo de guitarra con el sello No More Lies en ‘Mexico 86’, mientras el segundo acabó la grabación convertido en el nuevo bajista oficial de la banda. Me consta que el combo que completan el batería Pablo González y el guitarrista Xavier Calvet (Bullitt), fichado después de grabar unos coros en este disco, ya está pensando en un cuarto trabajo. LUIS BENAVIDES

C ANTI-FLAG

American Fall (SPINEFARM) PUNK ROCK

on un título como el de American Fall, cabía esperar que el décimo disco de Anti-Flag significase un contrapunto a su anterior American Spring. Si aquél fue un trabajo motivado por distintos movimientos sociales como la Primavera Árabe, Occupy Wall Street o el 15-M, y con cierto halo esperanzador, la elección de Donald Trump y sus nefastas consecuencias bien podrían haberse traducido en una obra más oscura, deprimente y crítica. Obviamente su discurso en contra del racismo, el sexismo, el fascismo, la homofobia, la pobreza y demás lacras continúa siendo innegociable tras más de veinte años de activismo. Sin embargo, lo que más llama la atención de su nuevo plástico es la variedad de registros que presenta y lo tremendamente

H QUICKSAND Interiors (EPITAPH) POST HARDCORE

emos tenido que esperar 22 años, pero por fin tenemos aquí el tercer álbum de Quicksand. Pese a su corta carrera, los dos discos que publicaron en los 90, Slip y Manic Compression, han tenido un largo recorrido más que evidente gracias a su influencia en bandas del mundo del post hardcore o el metal alternativo, empezando por Deftones, en los que acabaría tocando su bajista Sergio Vega. Si bien uno suele acercarse a estos discos de reunión con cierta prudencia, si algo me daba confianza a la hora de escuchar por primera vez Interiors es que Walter Schreifels, lejos de

entretenido que resulta. Por ejemplo, ‘When The Walls Falls’ comienza como una canción protesta de tono folk que rápidamente se transforma en un contagioso ska del que sus adorados Rancid se sentirían orgullosos. Otra de sus grandes influencias, The Clash, se dejan ver en ‘Trouble Follows Me’ y ‘Finish What We Started’. Más duros y contundentes se muestran en ‘Digital Blackout’ o la rapidísima

‘Liar’, de apenas minuto y poco más. Hasta el acercamiento a terrenos más pop punk como ‘Casualty’ les salen bien, y tampoco podían faltar esos singles redondos marca de la casa. En este caso son ‘Racists’ y ‘The Criminals’ las que nada tienen que envidiar a sus clásicos. Y es que, tras tanto tiempo en la brecha, Anti-Flag siguen tan incansables en su lucha como haciendo temazos.

haber estado inactivo todos estos años, ha sido capaz de seguir vinculado a su pasado girando con Gorilla Biscuits o Youth Of Today, al mismo tiempo que seguía avanzando con proyectos tan satisfactorios como Rival Schools o Walking Concert. Y más o menos ese nexo entre pasado y presente es lo que encontramos aquí. El sonido característico del grupo con esas rotundas líneas de bajo bien atadas con la batería de Alan Cage, guitarras a ratos punzantes, a ratos más oníricas, y las melodías vocales hace acto de presencia en los primeros cortes, ‘Illuminant’, ‘Under The Screw’ y ‘Warm And Low’, o en otros como ‘Sick

Mind’ o ‘Normal Love’. Pero otras piezas como esa más relajada ‘Cosmonauts’, donde irónicamente recuerdan a Title Fight, una de las bandas que podrían contar entre sus discípulos y con quienes comparten productor, Will Yip, o algunos interludios instrumentales prueban que su voluntad no es simplemente la de vivir de rentas. Es una pena que la reunión se haya visto un poco deslucida por la salida del guitarrista Tom Cappone tras ser arrestado en Texas en septiembre por robar en una tienda, porque desde luego este retorno discográfico es digno de celebrarse.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

ELECTRIC WIZARD Wizard Bloody Wizard (SPINEFARM) DOOM METAL, ROCK

onsciente de su erudición en las artes musicales más oscuras y pretéritas, Jus Oborn ha decidido conducir a Electric Wizard hacia ese rock que, hace casi tres décadas, le hizo empuñar una guitarra. De inicio, igual podrían surgir dos problemas básicos: el primero, que los ingleses son una de esas bandas definitivas y definitorias del doom metal. El segundo, que venían de entregar discazos como Black Masses o Time To Die. Eso podría significar un impedimento para cualquier grupo preocupado por su estatus o el qué dirán, pero no para un fuera de la ley como nuestro

líder. Con un título como Wizard Bloody Wizard uno ya puede imaginar un homenaje en toda regla a Black Sabbath, pero además de todo eso, Electric Wizard también han ahondado en las formaciones con menos suerte y mayor inclinación hacia el ruidismo de los 70, haciendo suyo un lenguaje que siempre había estado ahí pero que nunca se había mostrado con tanta claridad. No os negaré que ‘See You In Hell’ no me ha convencido como pistoletazo de salida, pero en cuanto la luz traicionera de ‘Necromania’ te atrapa, ya no hay vuelta atrás. En ‘Hear The Sirens Scream’ o ‘Wicked Caresses’ habita un mal de lo más atractivo, y la droga habitual sale a relucir en ‘The Reaper’. Como colofón, complicado un tema más acertado que ‘Mourning Of The Magicians’. Este trabajo presenta una maravilla de solos y las labores de otro tiempo del batería Simon Poole también tienen mucho mérito, pero cabe destacar esa voluntad para que el bajo de Clayton Burgess brille entre todo este aquelarre. Sea en el formato que sea, Electric Wizard siempre mandan. PAU NAVARRA

KNUCKLE PUCK Shapeshifter (BAD TIMING/RISE) POP PUNK

l segundo disco de cualquier banda suele ser una prueba de fuego para su futuro; en este caso más todavía si el primero ya supuso un pequeño éxito, como ocurrió con Copacetic para los de Chicago. Shapeshifter ha pasado esa prueba con buena nota, tanto que puede que estemos ante el mejor disco de pop punk de este año. Desde que ya apuntaran maneras en sus primeros EPs, no exageramos diciendo que son una de las mayores esperanzas dentro del género. Gracias a temas como ‘Twist’, ‘Wait’ o ‘Gone’, es fácil colocarles

a la altura de otros abanderados como New Found Glory o The Wonder Years, de la mezcla de ambos no saldría un cóctel mejor. Esta continuación a su discografía no supone mucho cambio a su habitual sonido, es más una secuela que encaja a la perfección con lo ya expuesto anteriormente por Joe Taylor y compañía. Sus virtudes siguen floreciendo con respecto a sus agitadas y pegadizas melodías (‘Want Me Around’, ‘Everyone Lies To Me’) e incluso sacan algo más de garra punk (‘Double Helix’, ‘Stuck In Our Ways’). La tónica usada por estos cinco veinteañeros no es muy diferente a la que podamos observar en otras formaciones relacionadas de hoy en día, incluidos algunos desarrollos instrumentales bastante trabajados y una sensibilidad digna del emo en el apartado lírico y vocal, pero tal y como está el género actualmente, pueden ser de lo mejor que le venga a la escena para seguir manteniéndose a flote. ALEJANDRO LOZANO

CONVERGE

The Dusk In Us (EPITAPH/PIAS) METALCORE

l contrario que muchas otras bandas, Converge no están constantemente reclamando tu atención. Saben que su tiempo, y el de sus fans, es demasiado precioso como para malgastarlo dando la tabarra en las redes sociales. Cuando llega el momento, y se sienten inspirados, se reúnen, graban un disco, lo sacan, giran un poco, y hasta luego. Como los buenos atletas, los de Boston saben dosificar sus energías y por eso cada álbum es tan necesario como el anterior. Con la edad, o al menos a eso deberíamos aspirar, uno aprende cómo gestionar mejor la rabia y sus frustraciones, y por eso

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da la impresión de que en los cinco años transcurridos desde All We Love We Leave Behind, los miembros hayan ido embotellando su mala leche para destaparla de golpe en este The Dusk In Us. Suena la inicial ‘A Single Tear’ y piensas que aunque hayan cruzado la frontera de los 40, Converge no pierden ni un gramo de intensidad. ‘Eye Of The Quarrel’ es incluso más devastadora, ‘Under Duress’ avanza a trompicones mediante un riff cáustico de Kurt Ballou, el breakdown final de ‘I Can Tell You About Pain’ hará que te piten los oídos durante días y ‘Cannibals’ es un asalto de grindcore en toda regla. Pero la banda también ha aprendido a dominar registros más sutiles. Los 7 minutos de ‘The Dusk In Us’ con estética shoegaze o la oscura ‘Thousand Of Miles Between Us’ son una oportunidad para que tanto Jacob Bannon como el oyente cojan aire. Aunque para el final se reservan una explosiva ‘Reptilian’ en la que se disfrazan de Black Sabbath de manera brillante. Sinceramente, no veo el momento en el que saquen un mal disco. JORDI MEYA

SLIPKNOT

Day Of The Gusano: Live In Mexico (EAGLE/UNIVERSAL) METAL, DVD

ocas bandas se ciñen a esa máxima de ‘ódialos o ámalos’ como Slipknot. Es cierto que el paso de los años ha ido jugando a su favor y cada vez son más respetados por esa sección de la comunidad metálica que siempre los vio como unos muñecos de feria con nula capacidad musical. El DVD Day Of The Gusano está dedicado a la otra cara de la moneda. A esos fans incondicionales, los llamados maggots, que son capaces de vender su alma al Diablo por ver a la banda o hacer locuras como tatuarse su cuerpo de arriba abajo con los nueve enmascarados.

Dirigido por Shaw Crahan, aka The Clown, aka #6, Day Of The Gusano recoge la actuación de la banda en el Knotfest celebrado en Ciudad de México el 5 de diciembre de 2015, intercalando entre la actuación distintos testimonios de fans que demuestran hasta dónde se puede llevar el fanatismo por un grupo. Ésa es la versión que vimos en el cine –tal como suena, se pudo ver de manera excepcional en Barcelona y Madrid-, pero en esta versión comercializada lo que nos encontramos es pura y llamanamente la actuación de la banda, sin cortes ni censuras. Y bien, se podrán decir muchas cosas de ellos, pero cuando Slipknot deciden ponerse manos a la obra cuesta encontrarles algún defecto. Ésta fue una noche especial, con la multitud al borde de la demencia todo el rato, y la banda supo estar a la altura. La escenografía, con más pirotecnia que un concierto de Kiss, también es espectacular. Poco más que decir... guste o no, uno de los grupos de metal más importantes e influyentes de las dos últimas décadas. RICHARD ROYUELA

GRETA VAN FLEET From The Fires (LAVA) CLASSIC ROCK

n nombre: Led Zeppelin. Es todo lo que necesitas para saber con qué te vas a encontrar en el debut de Greta Van Fleet. Este jovencísimo cuarteto de Michigan parece haber sido poseído por el espíritu de la legendaria banda británica y logra que, por momentos, dudes si no estarás escuchando algún tema inédito rescatado de sus archivos. Es casi espeluznante comprobar cómo la voz de Josh Kiszka suena idéntica a la de Robert Plant en sus inicios, cómo su hermano gemelo Jake toca en un estilo tan parecido al de Jimmy Page o su amigo Danny Wagner controla los tempos como el maestro John

Bonham. Naturalmente, a lo largo de las últimas décadas hemos visto muchas bandas ir por ese camino con más fortuna o con menos, desde Kingdom Come a Wolfmother, pero hay algo en estos chavales que los hace especiales. Este trabajo recoge los cuatro temas que ya incluyeron en el EP Black Smoke Rising, publicado en agosto, junto a otros cuatro nuevos, incluida una gran versión de ‘A Change Is Gonna Come’ de Sam Cooke, un tema que en los 60 se convirtió en un himno del movimiento por los derechos civiles, y que, por desgracia, sigue vigente. Entiendo que tanto descaro a la hora de apropiarse de un sonido ajeno pueda tirar para atrás a muchos, pero si algo me hace valorar su desparpajo es que cuentan con las canciones para respaldarlo. El riff ondulante de ‘Highway Tune’, el aire sureño de ‘Safari Song’ o ‘Edge Of The Darkness’ (ideales si echas de menos a de The Black Crowes), la campestre ‘Flower Power’ o la más progresiva ‘Meet On The Ledge’ son argumentos suficientes para avalar un atraco que huele a pelotazo. JORDI MEYA

ACID WITCH Evil Sound Screamers

(HELLS HEADBANGERS) DOOM PSICODÉLICO

maginad que John Carpenter le cogiera el gustillo al doom metal y uniera fuerzas con Jus Oborn de Electric Wizard en un nuevo proyecto. Para rematarlo, entre soniditos propios de la electrónica más pretérita y desfasada, que sólo eligieran trasgos para las voces, dándole también cierto protagonismo a la Bruja Mala del Oeste en ese apartado. ¿Verdad que sobre el papel parece una jodida bizarrada, una verdadera chaladura? Pues en tu reproductor ‘Mr. Beistle’, ‘I Hate Halloween’ o ‘An Evil Sound Screaming’, que encima parece interpretada por unos

Cradle Of Filth lentos, te van a sonar aún más locas. Samples y más samples inundan estos temas entre teclados tan ridículos y vetustos que al final logran trasladarte una húmeda sensación de mal rollo, como en el caso de ‘Nain Rouge (The Red Dwarf)’. También hay tiempo para acelerar las revoluciones en canciones como ‘Cheap Gore’ o ‘Hardrock Halloween’, pero desde luego el tono general de este tercer álbum son los riffs pétreos entre neblinas de serie Z ochentera, como ‘Nightmares In A Damaged Brain’, que puesta en bucle igual consigue lo que su título evoca. Lo que Acid Witch crean es como los ojos turbios de ese payaso de circo al que nunca le acercarías a tu hijo, ese clown que entre carcajadas, bromas pesadas y colores llamativos no logra ocultar un depravado apetito sexual. Y es que encargarse de la banda sonora de la nueva adaptación de It no les hubiera ido nada mal a los de Detroit… Como un Hansel Y Gretel de todo menos para niños. PAU NAVARRA

banda. Se trata de una pieza instrumental con una base electrónica que nos advierte que estamos ante un disco diferente. Al parecer fue el productor David Holmes quien le animó a romper el guión y experimentar en el estudio con sonidos de todo tipo. Cada NOEL canción es un collage GALLAGHER’S de guitarras, samplers, HIGH FLYING ritmos bailables, arreglos BIRDS Who Built The Moon? orquestales y hasta una sección de vientos que (PIAS) alcanza su máximo nivel ROCK de euforia en temas como ‘Holy Mountain’ o ‘Black 70 And White Sunshine’. El espíritu aventurero le lleva ara ser tan fan de también a galopar sobre los Beatles, Noel un ritmo de western en Gallagher siempre se la luminosa ‘If Love Is The había fijado en el aspecto Law’, a revisitar el sonido más clasicista de los de Madchester en ‘She Liverpool omitiendo su Tought Me How To Fly’, vena más experimental. a explorar una cadencia Sus dos discos post Oasis, blues en ‘Be Careful What aunque bien recibidos, You Wish For’, o a escribir parecían dirigirle a ese lo que podría ser el tema club de rockeros maduros, de la próxima película de tan eficientes como James Bond en ‘The Man acomodados. De ahí que Who Built The Moon’. Por Who Built The Moon? primera vez, a Noel se sorprenda desde el primer le ha quitado su cara de segundo en que arranca estar permanentemente con ‘Fort Knox’, un tema estreñido, facturando que recuerda a una versión el álbum más colorista, extendida de aquel ‘Fuckin’ psicodélico y divertido de In The Bushes’ que abría su carrera. Standing On The Shouder MARC LÓPEZ Of Giants de su antigua

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THE DARKNESS Pinewood Smile

(COOKING VINYL/POPSTOCK!) ROCK

a carrera de The Darkness empieza a ser digna de estudio. Lastrados de por vida por el monumental éxito de su debut Permission To Land (2003) y por aquella épica cómica y excesiva que nos pilló a todos fuera de juego, hay mucho más en The Darkness de lo que parece. Contra todo pronóstico superaron tan inesperado éxito, que gran parte de la crítica se los tomara como un chiste y una separación temporal cuando se vieron en un callejón sin salida y los malos vicios pasaron factura. Pocos hubiesen apostado entonces que a estas alturas el grupo seguiría vivo y

editando discos más que competentes. Pero así es, The Darkness han seguido editando muy buenos trabajos –en algunos casos superiores al propio Pemission To Land -, aunque al mismo tiempo nunca han roto esa barrera para llegar a ser considerados un gran grupo en directo, un lastre que arrastran desde sus primeros días. Con Rufus Taylor –hijo de Roger Taylor de Queen- ya integrado como miembro fijo a la batería, probablemente han editado el disco menos centrado de su trayectoria. Quieren jugar a escribir hits marca de la casa, pero no lo acaban de conseguir –a ‘All Pretty Girls’ o ‘Solid Gold’ les falta ese punto extra para pasar de buena a grande-, las baladas tampoco acaban de funcionar, aunque ‘Why Don’t The Beatiful Cry?’ lo intenta, y sólo es en las canciones más complejas que parecen sacadas de aquel gran Hot Cakes (2012), como ‘Japanese Prisioner Of Love’, donde The Darkness muestran todo su potencial. Destellos de calidad que acaban salvando un buen disco, pero por debajo de lo que podemos esperar de Justin Hawkins y los suyos. RICHARD ROYUELA

PRIMITIVE MAN Caustic (RELAPSE) BLACKENED DOOM METAL

res escoria, y como siempre, tras salir de fiesta, pillas el coche con la taja. Te la pegas y, encima, destruyes a una familia entera al invadir el carril contrario. Madre, padre y bebé muertos, dejando sólo con vida a la hermana. Eres tan desgraciado que sobrevives, pero cuanto más vas recordando, mayor consciencia tomas de la tragedia que has provocado. Estás reventado por dentro y por fuera. Tu cara ha quedado desfigurada, eres un engendro digno de un cuento de Lovecraft. Un testículo te fue a parar al

píloro, el otro lo segó el parachoques, y tu pene, ahora mismo, parece una hidra. Quedó deshilachado en siete vetas. Mear es y será por siempre jamás un suplicio. Te armas de valor, el poco que te queda, y vas al funeral de tus víctimas. Desde tu silla de ruedas, ni esquivar puedes el escupitajo que te lanza la adolescente huérfana nada más verte. De igual forma, sabes que eres una inmundicia y lo mereces. Sin movilidad no hay salida por la vía rápida, así que sólo te queda el encierro en tu propio infierno de pesadilla durante años, y años, y años. Ésa es tu condena, y en ese páramo mental el tiempo es irrelevante, la belleza no existe, la tierra es yerma y la depresión gobierna. Con sus doce desoladores cortes, Caustic, el segundo disco de los estadounidenses Primitive Man, es como sentarse encima de un cactus con el culo al aire durante una hora y 17 minutos. Esta review ha querido ser tan desagradable y cruel como lo que logra trasladarte este álbum, pero se queda muy, muy corta. PAU NAVARRA

THREAT SIGNAL Disconnect (AGONIA) METALCORE

levan toda una carrera provocándome la misma sensación. Es algo que pensaba que con el tiempo irían puliendo, pero creo que va a peor. Os juro que me parecen una banda muy top a la hora de generar ritmos, tienen muchísimo groove, sus riffs cabalgan perfectamente en solitario, pero no tienen ningún tipo de control ni gusto a la hora de gestionar la intensidad y el momentum del conjunto de los temas. Es algo muy curioso porque son capaces de engorilarme muchísimo y destremparme varias veces en cada corte. Canciones como ‘Elimination Process’ podrían ser temazos

recordados durante años, pero simplemente hay algo que no funciona. Cuando toca llevar la canción a un nuevo nivel son como una montaña rusa en la que, en la bajada principal, hay un parón a la mitad dejándote completamente insatisfecho, y es algo que me pasa con ellos desde Rational Eyes, allá por 2005. Por lo demás, la producción está muy trabajada, muy en la línea de lo que nos tiene acostumbrados el género, se pueden apreciar muchísimos detalles y arreglos que enriquecen a saco, sobre todo en los estribillos melódicos, donde podemos escuchar bastantes detalles técnicos bajo las múltiples capas de voz. El disco está repleto de referencias al metal de finales de los 90 y principios de los 2000, así que no te extrañe si en algún momento crees estar escuchando un riff de Dimebag Darrell o una intro de los In Flames del Sountrack To Your Escape. Acabo este álbum con una frustración chocante por el feeling tan curioso y desagradable que me provoca esta banda que podría dar mucho más de sí. ABEL VALDELVIRA

L’HEREU ESCAMPA

HAS DE SABER... Carles Generó (voz, guitarra), Guillem Colomer (batería, coros) PRODUCIDO POR: Santi Garcia y Borja Pérez AFINES A: Japandroids, LVL UP, Solids PÁGINA WEB: www.lhereuescampa.bandcamp.com FORMACIÓN:

FOTO: ALBERT POLO

C Pren La Matinada (FAMÈLIC) EMO PUNK

uando en 2011 aparecieron en escena L’Hereu Escampa con su disco homónimo, era inevitable pensar en unos American Football con el formato power duo de los Japandroids. Con el tiempo estos dos amigos de Manlleu han evolucionado su propuesta emo punk y, sobre todo, encontrado su propia personalidad. Y es que L’Hereu Escampa han dejado de ser la versión catalana de grupos de fuera para convertirse en un referente dentro de nuestras fronteras para muchas bandas que, siguiendo su ejemplo, han

apostado por este formato. Cuatro años después de su segundo largo, Llamp De Déu, Carles y Guillem regresan con Pren La Matinada, un disco mucho más pensado y, algunos dirán, maduro. Hay gritos y temas urgentes como en sus primeras referencias (‘Apagallums’, ‘Incert Present’, ‘Homenatge’), pero aquí predominan los medio tiempos y partes pesadas (mis favoritas ‘Suau Impàs’ y ‘Dansa De fe’). Además, enriquecen el disco con más instrumentos como guitarras acústicas con mucho fuzz (‘Cor Agre’) y elementos como unas sencillas pero

robustas líneas de bajo. Su nuevo sonido va acompañado de un nuevo universo visual y lírico. Las diferentes piezas de la portada, han explicado, hacen referencia a las diferentes emociones y sentimientos difíciles de hacer encajar. El misticismo de estas piedras también está muy presente en las letras de ‘Cal Rosal’ o ‘Incert Present’. Grabado en Cal Pau Recordings y Ultramarinos por Santi Garcia y Borja Pérez, Pren La Matinada supone un muy meritorio e interesante punto de inflexión en su trayectoria. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... CARLES GENERÓ En este disco hay más medio tiempos, hay partes más lentas y también pesadas… ¿El cuerpo os pedía esto? ¿Ganas de sorprender?

“Pues la verdad es que sí hay un cambio importante en este sentido. Como es habitual, en cada disco nos dejamos llevar por las inﬂuencias musicales de lo que escuchamos en ese momento y cogemos un poco de aquí y de allí. También teníamos ganas de dar un paso más e ir dejando la estructuras más complejas y cambios de ritmo para centrarnos en canciones más redondas y cómodas tanto a la hora de tocar como a la hora de escuchar. Supongo que nos hacemos mayores”. Algo me dice que también os apetecía una producción mucho más pensada y más ambiciosa, en el mejor de los sentidos.

“Sí. Aunque el formato siga siendo

de dúo, esto no signiﬁca que tengamos que centrar nuestras ideas compositivas al formato y limitarnos a una simple guitarra, una batería y dos voces. En directo sí que queremos defenderlo así porque siempre acaba siendo más visceral y expresivo, pero para grabar el disco teníamos ganas de introducir detalles que nos pasaban por la cabeza para redondear las canciones”. ¿Cómo fue la grabación en Cal Pau y Ultramarinos? ¿Alguna diferencia respecto a vuestras anteriores grabaciones?

“En general, el proceso tuvo un enfoque distinto a los anteriores. La experiencia de grabación en Cal Pau es muy diferente a la de encerrarte en un estudio. Nos permitió grabar baterías en un comedor, las voces en distintas habitaciones y probar con varios juegos y secretos que se esconden en esta magníﬁca masía. Nos ayudó a explorar esta apertura

o cambio de sonido general que se aprecia en el disco el poder jugar con estas técnicas y espacios diferentes”. ¿Qué habéis escuchado últimamente que se haya podido colar en este nuevo trabajo? Me consta que os molan mucho LVL UP.

“Totalmente. LVL UP fue un referente clave en las canciones y en el sonido. Es un grupo que llevamos un tiempo escuchando los dos ya desde sus anteriores referencias, Space Brothers y Hoodwink’d, y que conocimos a partir de los desaparecidos SIRS, ya que uno de los guitarristas formó LVL UP. Admiramos la aparente simplicidad de las canciones y su sonido potente y pesado con un componente melancólico muy fuerte. También hay guiños a bandas como Happy Diving, (Sandy) Alex G, Solids y, en general, al sello Double Double Whammy”. (LUIS BENAVIDES) 77

H THE MOVIELIFE

Cities In Search Of A Heart (RISE) PUNK POP

an tenido que pasar 14 años para escuchar un nuevo trabajo de una de nuestras bandas favoritas de los primeros 2000. Merece la pena recordar que, con su tercer trabajo Forty Hour Train Back To Penn, se hicieron un hueco en el entonces abarrotado panorama emo punk pop. Nunca contaron con la popularidad de sus vecinos Taking Back Sunday y Brand New, con los que compartían bastante más que el código postal de Long Island. Esto podría estar detrás de la inesperada ruptura de la banda, pues lo dejaron poco después de sacar ese tercer disco. Sea como sea, Vinnie Caruana, al que seguimos la pista con sus I Am The Avalanche, vuelve a la banda de su vida con sus viejos amigos Evan Baken y Brandon Reilly, batería y

Q BLACK KISS SUPERSTAR Full Moon

(LENGUA ARMADA) ROCK

ue las cosas están complicadas para cualquier grupo de a pie lo deja bien claro el hecho de que el segundo disco de Black Kiss Superstar haya tardado la friolera de siete largos años en salir a la luz. Los barceloneses debutaron allá por 2010 con un Time For Rock N Roll en el que no engañaban a nadie con semejante título. Lo suyo siempre ha sido el rock de toda la vida, de bar y carretera con grandes nombres como los de AC/DC o Grand Funk Railroad como máximos referentes. Y así continúa siendo en esta nueva

guitarra respectivamente de The Movielife desde sus inicios. Los tres -ayudados en directo por Matt Fazzi (Taking Back Sunday, Rare Futures) al bajo- firman un álbum contundente como antaño pero con un sonido bastante más limpio, con una dirección más pop. Y es que Cities In Search Of A Heart transmite energía en la mayoría de los cortes, con piezas contundentes como la dupla inicial ‘Ski Mask’ o ‘Mercy Is Asleep At The Wheel’, pero sobre

todo destaca por unos estribillos ultramelódicos de efecto inmediato. Caruana y compañía mantienen el punto emotivo de sus inicios, con títulos como ‘Blood Moon’, ’You’re The Cure’ y la final ‘Hearts’ (un tema digno de los actuales Brand New), pero los Movielife del 2017 son ante todo una banda de power pop, positiva y luminosa, con un deje weezeriano incipiente y muy prometedor.

entrega llamada Full Moon, donde el combo formado por Eduard Bisbal (voz y guitarra), Quico Tretze (bajo), Xose Cordero (batería) y Cels Burgès (guitarra) despacha 13 nuevas composiciones. Desde el tema titular dejan bien claro que las guitarras gruesas van a ser las protagonistas, ya sea mediante sorprendentes cambios de ritmo que dan paso a largos desarrollos como en ‘Stolen Heart’ o rebuscando en las raíces sureñas en ‘Cross The Line’, un tema que nos remite a otros clásicos como The Black Crowes. ‘Sex On The Beach’ es de las más pegadizas gracias

a ese coro tan insistente, aunque los momentos más interesantes los encontramos cuando deciden soltarse y dejarse llevar sin reparos en ‘Mezcal’ (donde el apoyo de los teclados les da más profundidad) o ‘Funky Business’, con esas claras cadencias de la música afroamericana percusiones mediante. A pesar de todo, la larga duración del álbum y la linealidad de algunos cortes hacen que por momentos su escucha se haga un pelín cuesta arriba. Pero si disfrutas del hard rock sin grandes pretensiones, merecen que les des una oportunidad.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

BUTCHER BABIES Lilith

(CENTURY MEDIA) GROOVE METAL

ay cuatro grandes razones que han provocado que muchos (babosos) se acerquen a esta banda. Por el contrario, las mismas cuatro y voluptuosas razones han hecho que muchos otros pasen de su cara. En el camino de en medio quizá deberíamos hallar el equilibrio, porque si bien es verdad que lo primero que llama la atención de Butcher Babies salta a la vista, y encima las neumáticas Carla Harvey y Heidi Shepherd quisieron enfatizarlo a piñón durante los pasos iniciales del grupo, lo cierto es que la propuesta de este quinteto

es tan divertida como fácil de digerir. Metal híper sexualizado en directo si quieres, cañita directa, gruesa y sin florituras con dos chicas berreando de lo lindo si te la suda todo lo demás. Debo reconocer que su anterior trabajo Take It Like Man me entró mejor al ser más agresivo, pero riffs algo esquizoides como los de la misma ‘Lilith’, el bofetón de ‘#iwokeuplikethis’ o la realmente buena ‘POMONA (Shit Happens)’ merecen atención. Por el contrario, opino que en ‘Headspin’, la vulgar ‘Oceana’ o la insufriblemente popera ‘Look What We’ve Done’ se les ha ido la mano con el azúcar, seguramente al andar ya pensando en las radios de su país. Producido por un peso pesado como Steve Evetts (Suicide Silence, The Dillinger Escape Plan, The Cure…), este álbum sigue estando muy influenciado por Slipknot y presenta todas las yanquiadas del metal comercialoide estadounidense que puedas imaginar, pero es que a veces el cuerpo, y los cuerpazos, no te piden mucho más que eso. PAU NAVARRA

TEENAGE BOTTLEROCKET

Stealing The Covers (FAT WRECK) PUNK ROCK

sí que robando versiones, ¿eh, Teenage Bottlerocket? Tiene su explicación: después de 15 años como banda, el cuarteto de Wyoming ha querido rendir un modesto homenaje a un puñado de grupos casi desconocidos cuyos nombres difícilmente sonarán más allá de sus respectivas escenas locales de Canadá, San Francisco, Seattle, Austria… De todas formas, se agradece que Teenage Bottlerocket hayan hecho un ejercicio de criba/ selección y que se hayan quedado con 14 temas, ya que la idea inicial era

grabar 32 versiones y eso habría saturado incluso al oyente más fan del punk rock melódico. Stealing The Covers es, además, el primer disco de la banda norteamericana tras la muerte de Brandon Carlisle, batería original y hermano gemelo del cantante Ray, ocurrida desgraciadamente hace un par de años; supone, también, el regreso a Fat después de un breve periplo en Rise Records. Siendo un álbum típicamente de género, el cuarteto suena aquí especialmente ramoniano y muy próximo a los cánones de la escuela punk pop de Lookout Records. Como diría un buen amigo mío, se trata de un disco simpático que contiene música agradable para casi todos los oídos. Pero sin duda obtendría una puntuación superior si incluyera más canciones, digamos, especiales, como ‘Robocop Is A Halfbreed Sellout’ (con ese puntillo bakala), ‘It Came From The Radio’ o la final ‘Why The Big Pause’. Yo también pregunto ¿por qué esa larga pausa en la que sólo se escucha el charles de la batería? JORDIAN FO

SEPULTURA

Chaos A.D. / Roots (ROADRUNNER) DEATH THRASH

sta podría ser la crítica más sencilla de la historia, pero claro, para llegar a profundizar del todo en estos dos clásicos necesitas un libro entero. Cada uno por motivos bien distintos, Chaos A.D. y Roots forman parte de ese exclusivo club de álbumes que explican perfectamente una década, en este caso los 90, y casi todo lo que vino después en cuestión de metal. Acostumbro a ser algo reacio con las remezclas por aquello de que se pierde el valor del momento en que un disco fue creado, pero debo reconocer que si tienes estos trabajos mamadísimos, como espero tengas, aquí hallarás bastantes detalles que te sorprenderán. En este lifting de 2017, Chaos A.D. gana en brillo y cada instrumento está mucho mejor definido, digamos que goza de mayor espacio, y en cambio, en

l paso que va tendremos que hacerle una sección fija a nuestro querido amigo Juan Blas y todo lo que sale de sus Westline Studios. No sólo es que en los últimos tiempos esté trabajando con algunas de las mejores bandas del país, sino que muchas jóvenes promesas SKYLINES Inertia Of The Anchors depositan su confianza en él. Si tiempo atrás (BOOT HILL) recomendábamos trabajos ROCK ALTERNATIVO recientes como los de Maculy o Dualize, hace poco 72 que nos llegó también el de los madrileños Skylines. Con una carrera todavía corta (llevan poco más de tres años en activo), están empezando a apuntalar 82

Roots ha ganado presencia ese sinfín de voces que lo puebla, y que, en serio, algunas ni siquiera había escuchado aún. Como siempre, lo más interesante son los CDs extras, uno por álbum aquí. Entre demos y versiones alternativas, debo decir que el de Chaos me ha gustado mucho más, con entretenidas covers de Blood-Rooted (‘Symptom Of The Universe’ de Black

Sabbath o su ‘Crucificados Pelo Sistema’ de Ratos de Porão) pero, sobre todo, por ese aplastante directo en Minneapolis de 1994, donde Sepultura despliegan toda esa potencia que los hizo míticos. Ninguna de estas ediciones parece la definitiva, así que tengo la sensación de que, en unos años, estas obras volverán a nuestras páginas.

los cimientos de su propuesta. Su anterior EP de presentación, United States Of Whatever, mostraba un sonido maquetero con influencias tan variadas como el punk garajero de los primeros Arctic Monkeys o el grunge. Nada que ver con lo que nos traen esta vez en Inertia Of The Anchors, con una producción profesional y las ideas algo más claras, aunque cada uno de los cinco cortes que incluyen son de su padre y de su madre. Por ejemplo, ‘True Belivers’ nos recibe en forma de pieza directa con cierto regustillo punk aunque sin perder de vista el acento

melódico. ‘We Could Call This Remission’ cambia de tercio recordando a unos Against Me! más contenidos. ‘Nuclear Family’ y ‘Room Of Bones’ tal vez sean las que menos convencen. La primera por no terminar de concretar y la segunda justamente porque se le echa en falta algo más de desarrollo. Por suerte, se guardan bajo la manga un as como ‘25’, la canción más certera y redonda de este trabajo con un estribillo final de lo más adictivo. Si siguen creciendo y mejorando de esta forma, habrá que seguirles la pista muy de cerca.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

L.A. GUNS

The Missing Peace (FRONTIERS) HARD ROCK

omo tantas bandas de hard rock de los 80, durante muchos años L.A. Guns han gastado más energías en pelearse entre ellos para ver quién aprovechaba las migajas de lo que en su día fue una carrera de éxito, que en crear algo que realmente mereciese la pena. En su caso, la situación fue tan ridícula que entre 2002 y 2012 coexistían dos formaciones distintas de L.A. Guns girando y grabando con el mismo nombre. Pero el año pasado ocurría lo imposible y el vocalista Phil Lewis y el guitarrista Tracii Guns enterraban el hacha de guerra, y pasando del resto de miembros

originales, decidían meterse en el estudio para grabar su primer álbum juntos en 15 años. Como era de esperar, The Missing Peace no está a la altura de sus tres primeros y fabulosos discos, L.A. Guns, Cocked & Loaded y Hollywood Vampires, y seguro que le sonará desfasadísimo a cualquiera que no estuviera familiarizado con ellos, pero aun así resulta entrañable escucharlos de nuevo juntos. Lo más sorprendente es el buen estado vocal de Lewis, con ese timbre tan peculiar, y la verdad es que el álbum contiene un puñado de canciones que no están nada mal. ‘It’s All The Same To Me’ es puro sleazy angelino, ‘Kill Or Die’ tiene un groove a lo Aerosmith contagioso, ‘Christine’ es una balada típica y tópica, pero efectiva; la más metalera ‘Don’t Bring A Knife To A Gun Fight’ aporta un toque de variedad y ‘The Missing Peace’ tiene un aire misterioso bien resuelto. Es una pena que la producción a cargo del propio Guns tienda al heavy más que al rock’n’roll, pero aun así he disfrutado de este reencuentro. JORDI MEYA

OBEY THE BRAVE Mad Season (EPITAPH) METALCORE

i escuchara metalcore a diario tal vez este disco me parecería uno más, pero como no es el caso, he disfrutado como un jefe del pit con los abundantes breakdowns y los ritmos para el cafre- moshing que incluye Mad Season. Hace veinte años escandalizaría que una banda de las características de Obey The Brave militara en Epitaph, pero las cosas han cambiado mucho desde entonces. Aun así, este quinteto hace en su tercer trabajo más concesiones a la melodía que nunca; se nota pues que se ha reactivado Despised Icon, el otro grupo donde berrea

Alex Erian y que, por tanto, se puede dedicar aquí a cantar más y a gritar menos. No es el único cambio que se percibe en la música de los canadienses: el bajista Cory Wilson, y Terrence McAuley es también uno de los guitarristas que debutan en este disco tras haberse incorporado al poco de que empezaran la gira del anterior Salvation. Y en cuanto a los resultados se podría decir que por fin Obey The Brave han dado ese salto de calidad que les permitirá llegar a un público más amplio: ‘Drama’ es un single inmediato, ‘On Our Own’ apesta a himno (en el mejor sentido de la expresión), ‘97 Again’ tiene un feeling punk rockero muy guapo, y otros cortes como ‘Feed The Fire’, ‘The Distance’ o ‘This Is It’ gozan de unos estribillos matadores. Además, para dotar de mayor diversidad al conjunto, han metido dos temas cantados en francés: la rap metalera ‘RIP’, con la colaboración de Loud Lary Ajust, y ‘Les Temps Sont Durs’, otro cañonazo de alto calibre. Queda claro, una vez más, que Canadá no es país para cobardes. JORDIAN FO

BLACK SABBATH The End

(UNIVERSAL) HEAVY ROCK, DVD

l último show de la banda de metal más grande de la historia”. Acostumbrados a leer titulares grandilocuentes cuando se trata de promocionar algo, en este caso no podemos estar más de acuerdo. Es casi imposible discutir la grandeza de Black Sabbath y su majestuosa influencia. Ya nadie se atreve a decir una mala palabra de ellos. Además, han sabido irse a lo grande. Alguno habrá, pero a día de hoy no he escuchado ni leído una mala crítica de lo que ha sido la última y final reunión de Black Sabbath. Superando el cáncer de Tony Iommi, la

82 86

polémica de la no inclusión de Bill Ward -por mucho que a todos nos hubiese gustado ver al batería original en esta gira de despedida no hubiese estado a la altura de lo requerido- y la entrañable irregularidad de Ozzy, Black Sabbath ofrecieron un sueño de gira: el decir adiós en primera persona a múltiples generaciones y, de paso, demostrar que se puede tocar heavy metal rondando los 70 años con toda la maestría del mundo. Vamos, cosas que están al alcance de pocos. Por eso son Black Sabbath. The End, el DVD, refleja a la perfección todo lo expuesto. Podría ser un funeral saber que estás ante tu último concierto, pero lo que transmite el visionado de esa histórica noche en Birmingham es todo lo contrario. Es un acto de gratitud, de haber sido capaces de llegar hasta aquí y, aunque casi es imposible evitar que se escape una lagrimilla, cuando la banda finaliza ‘Paranoid’, uno no puede más que sentirse feliz de que en la vida se le hayan cruzado cosas como Black Sabbath. RICHARD ROYUELA

DR. LIVING DEAD! Cosmic Conqueror (CENTURY MEDIA) THRASH METAL, CROSSOVER

aya con Dr. Living Dead!. Las calaveras de Estocolmo se han puesto serias y para un servidor se han marcado el trabajo más sólido de su carrera, aunque eso haya supuesto dejar algo relegada su vertiente más crossover. De esta forma, el rollete festivo de su anterior Crush The Sublime Gods no surge de una forma tan clara, y sí en cambio su vena más madura y visceral de practicar thrash, aunque todo ello sin dejar de estar tan obsesionados por los 80 como siempre, claro. Una influencia tan marcada para ellos como

Suicidal Tendencies sigue apareciendo en el tono más Mike Muir de Dr. Mania o en cortes como ‘Can’t Kill The Dead’, la extraña y rompedora ‘Moment Of Clarity’ o el temazo ‘Terror Vision’, pero lo cierto es que todo ha adquirido un cariz más sombrío y peligroso, sacando a pasear a los primeros Anthrax en ‘Coffin Crusher’ o ‘Infiltrator/Exterminator’, recetando collarines en ‘The Summoning’ o directamente lanzando histéricos misiles como ‘Cosmic Conqueror’. E igual ‘Disease To Exist’ es un bombazo más meditado, pero esa exagerada ingesta de riffazos puede resultar igualmente letal. Desde luego, estos Dr. Living Dead! ya no son tan divertidos en el sentido del cerveceo y las risas, pero sí en la cantidad de tralla que pueden repartir por canción. Un final como ‘Cyber Crime’, que nos sitúa en un ambiente apocalíptico de guitarrazos amenazadores y grandes como montañas, confirma lo expuesto. Complicado que cualquier fan del thrash metal no se quede extasiado ante este álbum. PAU NAVARRA

BLUT AUS NORD Deus Salutis Meæ (DEBEMUR MORTI) INDUSTRIAL, AVANT-GARDE BLACK METAL

perando con sus propias reglas desde 1994, la secta francesa Blut Aus Nord regresa con su decimosegundo álbum de estudio, otro oscuro artefacto donde sólo lo rocambolesco, inquietante y malsano tiene cabida. De ritmos mecánicos y saturadísimos, este nuevo disco te resultará tan arisco como obsesivo, siendo imposible determinar si la experiencia ha sido placentera o un largo suplicio por el que mejor no volver a transitar. ‘Impius’ seguramente ejemplifica a la perfección hasta qué punto los galos pueden

anularte el juicio. Cual embrujado y huracanado viento que todo lo barre, te golpea de una forma tan poco natural como su súbito final. No hay respiraderos en este ambiente viciado, ningún rayo de luz puede burlar esta cárcel de espesa niebla. Cuando arranca ‘Apostasis’ casi que recibes su blast beat inicial con alivio, pero pronto esas voces demoníacas, alejadas de la lógica terrenal, vuelven a arrastrarte hasta esa negrura que se erige entre miles de estructuras espantosas y laberínticas. ‘Revelatio’ desata la cólera, pero de nuevo ese black metal no es normal, aquí no hay ni un solo sonido de apariencia humana o que regale algún tipo de familiaridad entre la que puedas sentir cierto confort. Todo sirve a un mismo propósito: que durante el recorrido de Deus Salutis Meæ sientas que hay poderes en este mundo que ni controlas ni entiendes, pero que desde luego se han puesto de acuerdo para venir a por tu alma. En cuestión de música infausta, Blut Aus Nord siguen sentando cátedra. PAU NAVARRA

LLACUNA Llacuna

(SALTAMARGES/PUNDONOR/LA AGONÍA) EMO

l último revival emo, con Chicago siempre en el epicentro y sellos como Polyvinyl y Topshelf señalando el camino, también llegó aquí. Los protagonistas de esta crítica, los catalanes Llacuna, son un buen ejemplo. Sus cinco componentes vienen de bandas de la escena post hardcore y punk rock como Turnstile, I’M y Hurricäde, pero juntos sacan a relucir toda su admiración por pioneros del emocore como Rites Of Spring y sucesores, desde American Football a You Blew It! y Sport. Su carta de presentación es un EP de cinco temas

valientes y nerviosos, apuntalados por Santi Garcia y Borja Pérez en Ultramarinos Costa Brava y perfilados en Philadelphia por un gurú del emo moderno como Ryan Schwabe, responsable de la masterización de los últimos trabajos de Hop Along, Modern Baseball y los citados Sport. Llacuna gritan y berrean en catalán con unas letras existenciales, entre el desasosiego y las ganas de tirar adelante. La inicial ‘Vermuts I A La Gàbia’, por ejemplo, trata sobre el alcohol como refugio momentáneo. En cambio, ‘Vas Tenir Llum’ es una inyección de moral en toda regla. “Mantén la mecha, mantenla encendida”, gritan al unísono como si no hubiera mañana. Instrumentalmente, Llacuna tienen el libro de estilo bien aprendido como demuestran las guitarras juguetonas y las dinámicas de ‘Llamp Que Em Partís’ y la sentida ‘Pumba’, que acaba con una trompeta al más puro estilo American Football y unos gritos de lamento que te tocan el alma. Gran debut y mejor porvenir. LUIS BENAVIDES

JAMIE LENMAN Devolver

(BIG SCARY MONSTERS) ROCK ALTERNATIVO

l líder de Reuben, una de las últimas bandas de culto que ha parido Gran Bretaña, sigue haciendo camino en solitario, engrandeciendo su leyenda con unos discos fascinantes e inteligentes. Jamie Lenman, ahora con una imagen de gentleman chiflado, es un auténtico referente para los amantes del rock alternativo. Para muestra un botón: este disco se presentó hace unas semanas en Lenmania, una maratón de conciertos en la que participaron ocho jóvenes bandas y el propio Lenman. Su sombra es alargada y su propuesta, cada vez más poliédrica. Si Muscle Museum, su debut

74 88

en solitario publicado en 2013, era un excesivo disco doble con una parte muy burra y otra delicadísima a caballo entre el folk y el blues, el presente Devolver combina los dos hemisferios de Lenman y añade elementos variopintos. Aquí casa en un mismo corte bases electrónicas repetitivas, melodías que te tocan la fibra y riffs musculosos. El mejor ejemplo es la adictiva ‘Fast Car’, en la línea de los últimos trabajos de Reuben, donde Lenman ya comenzaba a experimentar con cajas de ritmos y sintes (¿Recordáis aquel ‘Everytime A Teenager Listens To Drum & Bass A Rockstar Dies’?). Con la ayuda del productor Space (The Prodigy, Idle), Lenman deja llevar toda su creatividad y regala momentos muy locos como el rock pesado e industrial que es ‘Mississipi’ (dedicada a su difunto padre) y esa suerte de jazz envuelta en fuzz titulada ‘Bones’. Puede que su pinta os tire para atrás, o que su nombre no sea tan mediático como el de muchos de sus compatriotas, pero haceros el favor y descubridle. LUIS BENAVIDES

MIERDA

No Creo En Nada (LENGUA ARMADA) PUNK

e he llevado una pequeña desilusión al recibir el último álbum de Mierda. No por la música en sí, ya que sabía de sobras lo que escucharía al poner el CD; el problema es que esperaba material nuevo del combo madrileño y lo que recoge No Creo En Nada son los 17 temas que ya habían publicado en sus dos discos anteriores, los dedicados a Marianico ‘el Corto’ y a Esperanza ‘la Fugitiva’. Siempre es un gusto escuchar buenas canciones punk que recuerdan a La Polla, Eskorbuto o Sex Pistols (si Johnny Rotten hubiera cantado en castellano)

como ‘El Ogro’, ‘Sectas’ y ‘Manos Atadas’, incluso a Manolo Kabezabolo en ‘Melapelacapella’. También es un placer identificarse plenamente con textos mordaces como los de ‘Érase Una Vez’ (qué cuento más bonito) o ‘Mucho Más’, por mencionar sólo los dos ejemplos más sobresalientes. Pero mi pequeña decepción es la que he comentado al principio: esperaba encontrarme con mierda nueva, punkarradas que no hubiera escuchado antes y más letras sin pelos en la lengua a cargo de Nano Vegano y compañía. En fin, seguiré esperando con impaciencia el nuevo álbum de Mierda, que ojalá dediquen a esa grande de España que es Soraya. Mientras tanto, respecto al disco No Creo En Nada, sobra decir que la gente que tenga sus dos primeros CDs no hace falta que busquen éste, porque no encontrarán nada nuevo ni diferente, pero para los que no conozcan a la banda, ésta es una buena forma de tener todo su material recopilado en un único álbum. Píllalo antes de que la fiscalía les ponga la mano encima. JORDIAN FO

ECSTATIC VISION Raw Rock Fury (RELAPSE) PSICODELIA

icen estar tan hartos de las comparaciones con bandas como Can o Amon Duul que han querido retroceder a sus más profundos inicios, cuando sus miembros veneraban el sonido Detroit y muy especialmente a MC5. Bien, el título de este segundo álbum podría indicar que así ha sido y la crudeza exhibida en una producción absolutamente áspera también podría ser un buen indicador de que realmente han tirado por ahí, pero no, no cuela. Si escuchas los casi 15 minutos de ‘The Twinkling Eye’ te vienen a la cabeza muchas cosas, pero

las bestias del estado de Michigan definitivamente no. Siguen amparándose en ese oscuro space rock inventado por Hawkwind para definir un sonido caótico, enrevesado, anárquico y sí, ciertamente atractivo. Cuando se quieren poner más blueseros se siguen tirando a lo más marciano, como en ‘Keep It Loose’, donde parecen querer transmutarse en Captain Beefheart, pero enseguida vuelven a sus devaneos de kraut y acre psicodelia en pasajes (que no canciones) como ‘The Electric Step’ o ‘You Got It (Or You Don’t)’, donde la afición de su gurú multiinstrumentista Kevin Nickles a meter flautas, saxos y extrañas guitarras rompen cualquier esquema lógico o comercial. Hay quien los ha comparado con Earthless. Nada que ver, su propuesta es quizás menos salvaje, pero mucho más loca y trastornada que la de este cuarteto de adoradores del ácido. Dales una oportunidad, seguro que te sorprenden si es que no te vuelven antes del revés. Por si acaso, tómate una biodramina. ANDRÉS MARTÍNEZ

lo fácil que debía ser que se convirtiera en una mala. Tras un inicio fantástico con ‘Hayday’, ‘Color Me Impressed’ y ‘Dose Of Thunder’, en el cuarto corte, el grupo se arranca con una versión destartalada de ‘Fox On The Run’ de Sweet para, al cabo de un THE REPLACEMENTS minuto, abortarla porque sí. For Sale: Live At También puede escucharse Maxwell’s 1986 alguna guitarra desafinada (RHINO) y unos cuantos gallos por ROCK parte de Paul Westerberg, pero nada de eso importa. 80 The Replacements eran todo corazón y su primer álbum oficial en directo ese a que disfruté captura perfectamente su enormemente esencia. Sin ningún tipo del concierto de coherencia o voluntad de los reunificados The Replacements en el Primavera de que el concierto tenga fluidez, la banda va Sound de hace un par alternando punkarradas de años, sigo teniendo la como ‘Otto’ o ‘Tommy Gets sensación de no haber visto a His Tonsils Out’ con futuros los verdaderos Replacements. clásicos como ‘Bastards La leyenda cuenta que la Of Young’, ‘Can’t Hardly banda de Minneapolis era Wait’ o versiones de Kiss, capaz de lo mejor y lo peor T. Rex o los Beatles. Un cada vez que se subía a un hermoso caos en el que escenario, dependiendo de destaca la gran labor de su humor y, sobre todo, su Bob Stinson a la guitarra, a estado etílico. La noche del quien acabarían echando 4 de febrero de 1986 aquí al cabo de unos meses por recogida, poco después de demasiado borracho. Una que hubieran lanzado Tim, contradicción más dentro de su debut con la multinacional Warner, fue de las buenas, una banda repleta de ellas. pero aun así podemos intuir JORDI MEYA

ÀNTEROS

DE NUEVO POR SEGUNDA VEZ

A PESAR DE SU LARGA EXPERIENCIA EN OTROS GRUPOS, LOS MIEMBROS DE ÀNTEROS NO PUDIERON EVITAR PRECIPITARSE A LA HORA DE DAR SUS PRIMEROS PASOS. CON LA PUBLICACIÓN DE SU PRIMER ÁLBUM CUERPOS CELESTES, ESPERAN CORREGIRLOS Y EMPEZAR A ANDAR DE VERDAD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ROSARIO LÓPEZ

ACE AÑO Y MEDIO, ÀNTEROS SE PRESENTABAN EN SOCIEDAD

con el EP Lunas. Con él, saciaban nuestra curiosidad por saber cómo sonarían juntos músicos en cuyo currículum figuraban bandas como Toundra, Minor Empires, Viva Belgrado, Krilin, Erroma o Syberia, que, por distintas circunstancias, habían acabado coincidiendo en Barcelona. Aunque en general tuvo una buena aceptación, sus componentes no quedaron del todo satisfechos y por eso decidieron regrabar esos temas que, junto a otros nuevos, dan forma a su recién publicado debut Cuerpos Celestes. Es una decisión que desde fuera puede parecer un tanto extraña, pues, al fin y al cabo, los músicos siempre están ansiosos por grabar nuevo material, pero una vez te cuentan la intrahistoria, adquiere mucho sentido. De visita a nuestra redacción, Víctor García-Tapia (guitarra) y Endika Pikabea (voz y guitarra) admiten que quizá grabar el EP fue precipitado teniendo en cuenta que Cándido Gálvez justo había decidido volver a Córdoba para centrarse en Viva Belgrado, que no todas las partes de guitarra estaban definidas o que para Mauro Barbazza (bajo) iba a ser su primera vez en un estudio. Es un error que esta vez no han repetido, y después de la incorporación de Rubén Martínez de Viven como tercer guitarrista y de poder contar con Carlos Santos como productor, Ànteros -que completa Óscar Caselles a la batería- se sienten de lo más motivados para ir un poco más lejos. Eso sí, con tranquilidad, los pies en el suelo y una buena dosis de autocrítica.

¿Por qué en su momento deci-

Con el EP solamente pudisteis

disteis sacar Lunas si no esta-

dar cinco conciertos... ¿Fue la

bais del todo contentos con el

buena reacción que visteis en la

resultado?

gente lo que os animó a grabar

VÍCTOR “Queríamos sacar algo

este disco y a tirar con el grupo

para que se nos juzgase por la música. Siempre se hablaba de Ànteros como ‘la banda con gente de…’ y eso es lo que queríamos evitar. A mí particularmente el ‘gente de’ me persigue, cuando hace cinco años que dejé de ser ‘gente de’. No me molesta, pero igual te predispone para algo que no va a ser. Todo el mundo decía que era muy pronto, pero yo decía que no. Pero sí, fue muy pronto. Aunque igual si no lo hubiésemos sacado, no estaríamos aquí porque en ese momento necesitábamos un estímulo”. ENDIKA “También pasa que, si quieres tocar en directo, necesitas una carta de presentación… Pero lo que ocurrió fue que a la que empezamos a tocar en directo, mucha gente nos decía que les gustaban mucho más los temas que en el EP. Haberlos podido regrabar es hacerles justicia a cómo suenan en directo”. VÍCTOR “Además Rubén también canta, con lo cual en los próximos conciertos íbamos a tener medio repertorio con una voz que no estaba en el disco y una guitarra más, y la otra mitad con temas nuevos. Así que queríamos unificarlo todo. Por otra parte, todos los temas del disco son del mismo periodo porque cuando yo dejé Minor Empires, me puse a componer con el móvil y las fui llevando al local en el orden cronológico. No son temas de etapas distintas. Igual hay gente que le mola más con la voz de Cándido, pero para eso están las copias del anterior, y si te mola lo de ahora, pues tenemos copias de lo de ahora”.

adelante? ENDIKA “La sensación fue buena.

La gente nos decía que le gustaba. Yo creo que los temas son fáciles de digerir, directos. Teníamos un set de 20-25 minutos muy intensos y a la gente se le hacía corto. Eso te motiva a seguir ensayando, componiendo… No sé si podrá llegar a que se cree un poco más de expectativa, pero nosotros tenemos ganas”. VÍCTOR “Yo mientras los demás vivan el fracaso conmigo, guay (risas). Necesitaba estar en un grupo en el que pudiera estar un poco al mando, porque no podía estar continuamente pirándome de sitios. Para mí lo principal era encontrar buena gente, con la que pudiese ser amigo. Yo en mi primer grupo, Nacen De Las Cenizas, fui un subnormal. No paraba de echar gente y luego me di cuenta de que había sido para nada. Esta vez no quería que fuese una lucha constante o que hubiese una lucha de egos. Y en ese sentido, ha salido de diez. Por lo demás, yo creo que la gente todavía está conociendo el grupo y esto es una carrera de fondo, pero algo hay. El pre-order del disco ha ido muy bien. Pero lo importante es pasárnoslo bien. No ganamos dinero como para aguantarnos si no estuviéramos a gusto”. ENDIKA “Puedes ser muy bueno o muy talentoso y llegar a hacer algo, pero hay que tener una base de humildad. Al final lo que te va a quedar son vivencias: giras, risas, conocer gente… Es con lo que yo me quedo de tocar en grupos”. 91

“COMO ESTAMOS TAN ACOSTUMBRADOS A PERDER, EN CUANTO NO TE HUNDES PARECE QUE LO ESTÉS PETANDO. NO HAY TÉRMINO MEDIO” VÍCTOR GARCÍA-TAPIA

¿Qué ha supuesto la entrada

na, pero también lo complica,

ahora en adelante?

de Rubén?

¿no?

ENDIKA “Yo no soy vocalista, como

VÍCTOR “Rubén es un puto torbellino.

VÍCTOR “En España al final somos

Hace que todo funcione solo. Yo les deseo el mayor éxito a Viven porque no conozco a una persona que se lo merezca más. Vive para esto. Si toca para dos personas, está feliz, si tiene que ir a ensayar, le vuelve loco. Nosotros veníamos de todo lo contrario: ‘Nada funciona’, ‘se nos va el cantante’, ‘la grabación suena regular’, ‘no podemos dar conciertos’, y él es energía positiva todo el rato. Igual si los cinco fuéramos así, nos suicidaríamos. Pero uno está guay”.

los que somos. Vamos rotando, moviéndonos de ciudad, dejando grupos, formando nuevos… Yo, de hecho, a Endika casi ni le conocía, sólo porque me gustaban Krilin. Pero mi novia me dijo que tenía un colega de Donosti que se iba a venir a vivir a Barcelona y le dije si le apetecía tocar conmigo. Y con Óscar de Syberia, lo mismo. Le conocía porque venía a conciertos de Toundra y de hablar por Facebook porque le molan mucho los vinilos”.

Casi parece un requisito tocar

Los temas nuevos son básica-

en otro grupo para poder estar

mente instrumentales. ¿Es una

en Ànteros. Tiene su parte bue-

línea que queréis potenciar de

pueda ser Cándido. En Krilin sólo hacía coros de vez en cuando y en Erroma sí metí voz, pero también había temas instrumentales. Pero en general, no estoy pensando dónde puedo meter una letra. Y estos temas los terminamos a nivel instrumental y nos parecían completos y redondos. Cuando llegamos al estudio, teníamos algunas letras escritas, pero en la única que igual nos pareció que tenía que tener voz porque era muy larga fue ‘Polaris’, que además tenía partes muy contundentes que invitaban a meterla. Pero en el resto, nos sonaban tan bien instrumentalmente que meter algo por meter, no merecía la pena. Estamos contentos así”.

iré pensando a medida que vayamos componiendo. De todos modos, a mí me gusta este tipo de voz con gritos rollo emo violence, screamo… me veo como muy reflejado”. A pesar de vuestra experiencia, parece que os tomáis este grupo sin presión. VÍCTOR “Es que eso ya lo viví con

Toundra. Tenía a mi padre con cáncer y necesitaba parar, pero no podíamos parar. Tenía que ir a Rusia, teníamos que hacer conciertos, teníamos que componer IV… Y cuando necesitas estar en un sitio y ves que un año entero tienes que estar en otro, tienes que empezar a tomar decisiones. Para aguantar en un grupo que funciona, tienes que estar hecho de una pasta de la que yo no estoy hecho para nada. A mí me flipa tocar, pero no soy de ese tipo de personas que lo daría todo por un grupo, porque rara vez te lo devuelve”. VÍCTOR “Además Rubén tiene una

voz muy reconocible y tampoco quería que sonásemos como unos Viven 2. En ‘Vega’ lo probamos, pero, diciéndolo mal y rápido, sonaba como Iván Ferreiro cantando en Mastodon. Al final lo que hizo fue apoyar segundas voces con los gritos de Endika. Él mismo vio que meter voces melódicas rompía demasiado”. Y de cara al siguiente, ¿cómo vais a enfocar las dos voces? ENDIKA “Yo ahora tengo más asumi-

do el papel de vocalista. Supongo que me lo prepararé más. En Erroma hay cuatro canciones que durante 40 minutos quizá hay siete estrofas en total. Son gritos muy puntuales con unas letras muy sencillas. Para el próximo lo

Pero al mismo tiempo, parece que darlo todo es la única manera de conseguirlo. VÍCTOR “Es relativo. Yo de lo que

me di cuenta es que da igual el estudio donde grabes o el mánager que tengas. Si no generas ese interés que mueve a la gente, da igual todo eso. Y hay muy pocos grupos que generen ese interés. Puedes dar los conciertos que quieras, incluso por Europa, pero incluso eso es algo que está muy mitificado. Cualquiera puede hacer una gira europea si está dispuesto a ir a taquilla o a cobrar por la gasolina. Tienes que medir mucho tus pasos y saber realmente por qué estás haciendo esas cosas. Si es porque necesitas ser músico o porque necesitas una validación

excesiva y que te digan que eres la polla para seguir avanzando”. ENDIKA “Yo creo que cuando te metes a hacer este tipo de música tienes que ser muy consciente de que es una escena muy minoritaria. Los grupos que más han triunfado han llegado a sobrevivir y ya está. Quizá el grupo del rollo screamo más mediático sea Touché Amoré, y no creo que vivan en mansiones. Seguramente cuando no están de gira, tendrán que seguir currando”. Igual que aquí puede estar mitificado girar por Europa, también hay como una necesidad de decir que todo va de puta madre. Ves músicos acomplejados por decir que tienen otro trabajo, cuando para los guiris es de lo más normal. ENDIKA “Claro. Cuando te metes en

esto no es como tocar en Blink-182. No esperes que el grupo te dé para vivir holgadamente. Aunque triunfes y metas a mucha gente en los conciertos, tendrás que seguir currando”. VÍCTOR “Hay una visión muy irreal de lo que es estar en un grupo. Cuando llegué aquí, había gente que se pensaba que tenía que estar forrado porque había tocado en Toundra. Incluso me lo decían músicos. La gente se piensa que cuando das un salto, todo se vuelve súper profesional, pero no es así. Yo igual veo 200 euros de la SGAE cada tres meses. Pero como estamos tan acostumbrados a perder, en cuanto no te hundes parece que lo estés petando. No hay término medio”.

ROAM

SIN MIEDO A LAS ALTURAS LOS JOVENCÍSIMOS ROAM VIVIERON TODO LO BUENO Y LO MALO QUE SUPONE ESTAR EN UNA BANDA EMERGENTE DE POP PUNK. POR UN LADO, DIERON LA VUELTA AL MUNDO PRESENTANDO SU PRIMER DISCO, PERO POR OTRO LES ROBARON SU EQUIPO HASTA TRES VECES PERDIENDO UN MONTÓN DE DINERO. PESE A TODO, SU NUEVO ÁLBUM, GREAT HEIGHTS & NOSEDIVES, ES UN CANTO AL OPTIMISMO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/NADIA NATARIO (DIRECTO)

ODOS RECORDAMOS EL MIEDO QUE SENTIMOS

la primera vez que nos subimos a un trampolín. Es un miedo irracional y que una vez te has atrevido a dar el paso y saltar, te das cuenta de que no tenía ningún fundamento. Es, más o menos, un miedo similar al que tuvieron que superar los jovencísimos ROAM, cuando con apenas 18 años, tuvieron la oportunidad de lanzarse a la piscina. Y su valentía tuvo premio. Con su primer álbum, Backbone, publicado en enero de 2016, compartieron escenario con algunos de sus ídolos como Sum 41 o Simple Plan, participaron en el Warped Tour y viajaron hasta Australia. Incluso les dio tiempo de visitar nuestro país dos veces, una por su cuenta y otra como teloneros de All Time Low. No está nada mal para unos chavales de Eastborne, una pequeña ciudad costera del sur de Inglaterra. Si bien Alex Costello (voz), Alex Adam (guitarra), Sam Veness (guitarra), Matt Roskilly (bajo) y Miles Gill (batería) podrían haber optado por tomarse un descanso, en lugar de eso se metieron de nuevo en el estudio para grabar su segundo álbum Great Heights & Nosedives (Hopeless). De nuevo en la carretera, llegaban a Barcelona después de haber estado acompañando a New Found Glory en el tramo británico de su gira de aniversario. Pero la realidad es mucho más dura cuando uno va por su cuenta. Y un lunes de noviembre, apenas habían vendido 25 entradas para su concierto en la sala Sidecar. A su favor hay que decir que, lejos de estar desmoralizada, la banda salió al escenario dispuesta a darlo todo. Y sin dejar de sonreír ni un momento, consiguió que su hora de actuación fuera una fiesta de principio a fin. Un par de horas antes de tocar, nos encontrábamos con su sección rítmica para conocerlos un poco mejor.

Ésta es ya vuestra tercera visita aquí. MATT ROSKILLY “Siempre es emo-

cionante volver a una ciudad. Cada ciudad es distinta y descubres cosas que te gustan, y está bien poder volver a disfrutar de ellas”.

“CUANDO ESTÁS EN EL ESCENARIO ES LA GLORIA, PERO LUEGO HAY TODO LO DEMÁS” MATT ROSKILLY

¿Cómo os sentís tocando en un sitio más pequeño del que estáis acostumbrados y con poca gente? MATT “Cuando es tu propio concier-

to sabes que la gente, ni que sea poca, ha venido por ti. Sabes que van a conocer las canciones y van a darlo todo. Además, podemos tocar más rato que si hacemos de teloneros de una banda más grande y tocar más canciones. Yo lo disfruto por igual, incluso más”. Os habéis dado bastante prisa en publicar vuestro segundo disco... MATT “Ha pasado un año y medio, y

para nosotros eso es mucho tiempo. Hemos girado sin parar… Hace mucho que no tenemos un descanso”. MILES GILL “Durante el ciclo de Backbone hicimos muchas cosas en poco tiempo. Estuvimos en el Warped Tour, en Japón, Australia… Así que, cuando llegó a su fin, ya no había mucho más por hacer y nos apetecía poder publicar nueva música”. En general todo ha ido muy rá-

rece que fuera ayer. Empezamos cuando teníamos 17 años. Muchos músicos tienen su primer grupo, luego se separan y forman otro nuevo con el que desarrollan su carrera. Pasan por un proceso de aprendizaje. Para todos nosotros ROAM es nuestra primera banda, así que hemos ido aprendiendo a medida que avanzábamos”.

pido con vosotros. Sólo hace cinco años que empezasteis con

¿Qué es lo más importante que

la banda.

habéis aprendido?

MATT “No me puedo creer que

MILES “A ser fuertes mentalmente.

haya pasado tanto tiempo, porque ha sido como un suspiro. Miles se unió a nosotros hace dos años y pa-

Siempre tienes días malos en los que dudas si esto es lo que deberías estar haciendo. Hay días que piensas

que todo es una mierda y te gustaría tener un trabajo normal, pero en el fondo sabes que esto es lo que quieres hacer”. MATT “Cuando estás de gira con un grupo ya sabes que va a haber altibajos. Cuando estás en el escenario es la gloria, pero luego hay todo lo demás. Por ejemplo, con All Time Low tocábamos para miles de personas, pero cuando terminabas tenías que cargarlo todo y conducir seis horas. Igual estás tres días sin poder ducharte y te sientes como una mierda. El año pasado nos robaron hasta tres veces y tuvimos que pedir a nuestros fans que nos ayudaran eco-

en un club suena ‘Fat Lip’ o ‘All The Small Things’, incluso gente que no está metida en esta música reconoce esos temas y se lo pasa bien. En Estados Unidos hay un gran mercado para grupos como nosotros y al tener un sello americano, es sencillo para ellos el promocionarnos allí”. Es verdad. En los últimos años vuestro sello Hopeless Records ha puesto su atención en bandas británicas. MATT “Sí, mola mucho. Antes era

difícil que un sello americano lo hiciera. A nosotros nos ficharon sin todavía haber sacado un EP. Cuando le mandaron un mail a Alex para interesarse por nosotros, pensaba que era spam (risas)”. ¿Y cómo os descubrieron? MATT “Por Facebook. En 2012 hici-

nómicamente. Así que pasas de la euforia al bajón constantemente. Pero así es esta vida. No creo que nadie se haya planteado en serio dejar el grupo. Sé que me sentiría mucho peor estando ocho horas en una oficina”. Y mucha gente sueña con hacer lo que vosotros hacéis. MATT “A veces es fácil que se te

olvide que éste era tu sueño”. MILES “Yo siento que he conseguido más en estos dos años que en todos los anteriores de mi vida”. Vosotros formáis parte de esta

nueva generación de bandas

mos nuestra primera gira con Neck Deep, justo antes de que sacaran su debut. Supongo que ahí se fijaron en nosotros y nos fueron siguiendo, hasta que decidieron apostar por la banda”.

británicas de pop punk que incluso tenéis repercusión en Esta-

Para seros totalmente sincero,

dos Unidos. ¿Por qué creéis que

me gusta más el nuevo disco

está sucediendo justo ahora?

que Backbone.

MATT “Creo que tiene que ver con

MATT “A nosotros también

lo accesible que todo es hoy en día. Grupos como Neck Deep o As It Is, o en Estados Unidos The Story So Far, han revigorizado el pop punk. Creo que mucha gente se olvidó de este estilo durante unos años, y bastó que algunos grupos hicieran algo de ruido para que el público se diera cuenta de que todavía les gustaba este estilo”. MILES “Es un estilo muy digerible. Si

(risas). Creo que en los dos últimos años hemos progresado mucho como músicos. También el hecho de que Miles se incorporara como batería nos ha hecho mejorar. Esta vez intentamos corregir las cosas que no nos gustaban del anterior. En Backbone nos fijamos mucho en las influencias que teníamos para escribir canciones parecidas a las que nos gustaban, mientras que en Great Heights &

Nosedives simplemente escribimos lo que nos apetecía. No es que Backbone me parezca malo, porque todavía nos gusta mucho, pero creo que hemos subido un peldaño”. Me imagino que los temas del primer disco incluso ahora suenan distintos después de haberlos tocado tanto en directo. MATT “Comparado a cómo sona-

ban cuando los grabamos, desde luego. Pero no creo que sea de manera consciente, simplemente ocurre, ni que sean cosas pequeñas. Las canciones no son estáticas”. MILES “También influye el hecho de que yo no grabara el primer álbum. Mi manera de tocar esos temas es distinta. Son las mismas canciones, pero yo hago variaciones”.

do en otra dirección”. MILES “La mayoría de mis baterías favoritos no tocan en bandas de pop punk y supongo que eso también hace que toque de manera un poco distinta”. MATT “Además, con el auge del streaming, la clasificación por estilos ha perdido sentido. Nosotros tomamos influencias de todo tipo de música, a todos nos gusta el pop, a algunos nos gusta el hip hop, a otros el metal… Para serte sincero, apenas escuchamos pop punk porque ya quedamos saciados tocándolo”. Es curioso que hayas dicho que los primeros temas eran más oscuros porque al final os ha quedado un disco muy animado. ¿Qué motivó ese giro?

Es muy difícil ser original en

MATT “No lo sé. Simplemente

cualquier estilo, pero en el pop

pasó. La temática de este álbum es que es inevitable que te pasen cosas malas, pero al final vas a poder salir de ellas y habrá sido algo positivo. Supongo que como queríamos enviar ese mensaje, las canciones salieron también con ese optimismo”. MILES “También creo que cuando hicisteis ‘Deadweight’ en el disco anterior os sonó como algo distinto y fresco y supongo que es lógico que, de primeras, quisierais tirar por ahí. Pero creo que después os disteis cuenta de que no podíais escribir un álbum lleno de canciones como ‘Deadweight’ porque perdería esa frescura”.

punk casi parece que lo sea más todavía. ¿Es algo que os preocupa? MILES “Como dices, no pasa sólo

en nuestro estilo. Es muy fácil grabar y publicar tu música en internet, lo cual es genial, pero al mismo tiempo, hace que todo esté saturado”. MATT “No nos preocupa ser originales, pero tampoco queremos sonar como todo el mundo. No es que en Backbone intentáramos copiar a otros grupos, sino que más bien no teníamos muy claro hacia dónde tirar, si hacia el rollo más pop o más hacia el estilo de ‘Deadweight’ o ‘Leaving Notice’, que eran un poco más oscuras. Y de hecho, cuando empezamos a componer temas nuevos nos salió la vena más oscura, pero de manera natural fuimos giran-

¿Creéis que tocar música animada tiene un efecto positivo en vuestro estado de ánimo?

MATT “Quizá de manera inconscien-

te. A mí me hace feliz tocar cualquier tipo de música, no me importa si es alegre o triste. Personalmente, el tema que más me gusta tocar es ‘Deadweight’”. ¿Cuáles son vuestras tres bandas de cabecera dentro del pop punk? MATT “Green Day, Blink, Sum 41”. MILES “Blink, Sum 41 y New Found

Glory. Acabamos de hacer una gira

“NOSOTROS TOMAMOS INFLUENCIAS DE TODO TIPO DE MÚSICA, A TODOS NOS GUSTA EL POP, A ALGUNOS NOS GUSTA EL HIP HOP, A OTROS EL METAL… PARA SERTE SINCERO, APENAS ESCUCHAMOS POP PUNK PORQUE YA QUEDAMOS SACIADOS TOCÁNDOLO” MATT ROSKILLY

con ellos y son una banda crucial para entender este estilo”.

de empezar”. MILES “También decía que estos veinte años le han pasado volando”.

Es curioso porque, aunque tuvieron mucho éxito, han queda-

Para terminar, estas últimas

do como una banda de culto

semanas estamos viendo varias

comparada con las otras.

bandas siendo acusadas de te-

MATT “Sí, entiendo lo que dices,

ner una conducta inapropiada

pero cada noche he podido comprobar que tienen unos fans muy fieles. Todavía les queda una larga carrera por delante. Chad (Gilbert) me decía que se sentía como si acabaran

con fans menores. ¿Está cam-

caso sé que no hacemos nada de lo que se nos pueda acusar. Creo que no es tan difícil no comportarse como un idiota”. MILES “No sentimos que tengamos que cambiar porque nunca hemos hecho nada malo. Vamos a seguir tratando a la gente igual que hemos hecho siempre”.

biando todo esto vuestra manera de interactuar con los fans? MATT “Es difícil porque no puedo

hablar por otras bandas. En nuestro 99

CATORCE

NAVES EN LLAMAS

JUSTO CUANDO SE CUMPLE UN AÑO DE LA PUBLICACIÓN DE AGUA. NAUFRAGIO. EQUILIBRIO., CATORCE HACEN UN ALTO EN EL CAMINO CON EL FIN DE REPONER FUERZAS. NOS SENTAMOS CON ELLOS PARA ECHAR LA MIRADA ATRÁS Y TRATAR DE ENTENDER POR QUÉ TODAVÍA NO HAS DESCUBIERTO A UNO DE LOS MEJORES SECRETOS DEL ROCK HECHO AQUÍ. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

OS C AMINOS QUE NOS LLEVAN A

descubrir algunos grupos suelen ser a veces curiosos o, cuanto menos, inverosímiles. Pero personalmente una de las cosas que más me joden como crítico es tener la sensación de haber llegado tarde a algo, de decir: ‘¿Cómo no había podido prestar atención a esto mucho antes?’. El caso de los sevillanos Catorce sería sin duda el mejor ejemplo que me he encontrado a lo largo de este 2017 que ya nos despide. Aunque sus comienzos datan ya de hace diez años, no fue hasta 2014 que vieron editada su primera referencia en largo titulada como Atlas. Justo al año siguiente fue el turno para uno de sus múltiples proyectos paralelos con De La Cuna A La Tumba, un poderoso combo en el que Jaime Ladrón de Guevara (voz y guitarra), José Miguel Ocón (bajo) y Luis Manuel Terán (batería) comparten protagonismo junto a Kantz de Tenpel a las voces. La intensa actividad que han experimentado sobre todo en los últimos meses les ha llevado a ser uno de los nombres más en boca del panorama nacional. Sin embargo, y a pesar del buen funcionamiento de éstos, Catorce han continuado operando en un segundo plano, a un nivel más discreto y a la sombra del grupo del que ellos mis-

mos forman parte. Y es una verdadera lástima que ese mismo público que tan bien ha acogido a De La Cuna A La Tumba no se haya animado a darle la misma oportunidad a un segundo trabajo tan redondo como Agua. Naufragio. Equilibrio. (The Braves), donde el trío hispalense ha pulido de manera impecable su sonido haciendo que canciones como ‘Nuevacosta’, ‘Einstein-Rosen’ o ‘Yo, Sputnik’ puedan llegar a cualquiera que se preste a oírlas. Un disco con un potencial tan enorme que cuesta entender por qué un año después de su publicación aún sigue siendo un secreto a descubrir para tantos. Son cuestiones que Jaime y Josemi también se preguntan, como bien nos reconocieron a su paso por Madrid a finales de octubre con el fin de compartir escenario junto a sus hermanos de Tenpel en lo que era la presentación de su reciente Culto A Mí. Con ellos nos sentamos para hacer retrospectiva de todo el camino recorrido hasta ahora. Hace ya un año que se editó

Agua. Naufragio. Equilibrio.. ¿Con qué premisas encarasteis su composición? JAIME LADRÓN DE GUEVARA

“Yo creo que incluso ya grabando Atlas empezamos a pensar en qué queríamos hacer en el siguiente. 101

Cuando terminamos aquella gira y comenzamos a plantearlo, decíamos que el disco de canciones largas ya lo habíamos hecho, así que la premisa básica era hacer temas más cortos. Ahora tenemos a Luisma en la batería, pero cuando compusimos y grabamos este nuevo estaba Mariano Torres, que es un viejo amigo nuestro y fue un poco quien nos dio las herramientas para sacar el sonido de Agua. Naufragio. Equilibrio.. Fueron muchas cosas, algunas premeditadas, y otras fueron surgiendo porque al final el álbum lo compusimos en un año”. JOSE MIGUEL OCÓN “Buscábamos en principio un disco más directo y simple, aunque el resultado al final no fuese así (risas). Pero fue una evolución natural de pasar de canciones más largas o épicas a intentar tirar hacia algo tal vez un poco más accesible aunque sin llegar a ser pop. Con Atlas la intención era quedarnos a gusto porque siempre se intenta llevar algo más lejos y tener un poco de trascendencia. Repetimos la grabación con Raúl Pérez y al menos ese aspecto en la parte musical creo que sí lo conseguimos”. De hecho, tengo entendido que el que éste sea un álbum más concreto y directo al grano que

Atlas fue debido casi más a una cuestión logística a la hora de editarlo en vinilo que de evolución propiamente dicha. JAIME “Hubo varios motivos, pero

uno de ellos fue ése. Incluso si hubiésemos seguido haciendo temas de 6 minutos, yo creo que habríamos hecho como Toundra y publicar un disco con seis canciones nada más (risas). Pero no por nada. A mí también me gustan

102

los discos largos. Por ejemplo, Alchemy Index de Thrice me flipa ponérmelo entero, pero para poder hacer eso tienes que tener la pasta que tienen ellos. En nuestro caso las estamos pasando canutas ahora mismo por el tema de los vinilos, que de momento no vamos a hacer de este segundo trabajo porque de nuestro bolsillo no podemos. El tema del vinilo de Atlas fue que dijimos que si en el futuro teníamos que plantearnos sacar algo así, por lo menos que no fuese el desembolso económico que tuvimos que hacer para publicarlo como doble porque en uno no nos entraba. Atlas es una hora de disco, son cuatro caras. Así que sí tuvo que ver, pero también lo fue la música que andábamos escuchando en ese momento, que yo al menos me estaba metiendo más en bandas de rollo de BCore. De hecho, yo ahora me rallo mucho escuchando canciones de más de 8 minutos a no ser que tengan algo muy especial”. JOSEMI “Por un lado, siguiendo esa atención por el detalle que tenemos, quisimos hacerlo bien. Es decir, no quitar temas, no comprimirlo en exceso para que la calidad de sonido no fuera buena. Entonces, por eso optamos por hacer un vinilo doble. Y en cuanto al siguiente trabajo fue un poco las cuestiones que estamos hablando, pero también que a día de hoy, con la cantidad de música que hay, mantener la atención durante tanto tiempo es complicado. A veces se agradece más un disco ligero y que te deje con ganas de más que acabar cansando y termines quitándolo porque la sensación que produce en el oyente es distinta”. Igual que en Atlas, repetisteis

grabación con Raúl Pérez en La Mina. ¿Qué apreciáis de diferente en cuanto a sonido? A mí me da la sensación de que Agua.

Naufragio. Equilibrio. no difiere en exceso de aquél. JAIME “Siempre que trabajamos con

Raúl buscamos un sonido concreto, porque hasta la fecha nunca nos ha molado el rollo sobreproducido, y él consigue sacarnos un tono bastante natural. Por decirlo de alguna manera, nos mola más el estilo de los grupos ingleses que los americanos. Reuben, Biffy Clyro, Hell Is For Heroes, Arcane Roots... ese tipo de bandas. Y era un poco lo que buscábamos. Raúl tiene muchísima mano para eso. Para nosotros es uno de los mejores ingenieros que hay en Andalucía. Sí que hemos notado diferencias por su parte y por la nuestra también porque llegamos con más ideas y grabamos en directo, que quieras o no, es distinto. Atlas lo hicimos como se hacen todos los discos: por partes de batería, bajo, guitarra y voces. En cambio, con este segundo, todo lo que es la base la grabamos todos juntos en el estudio a la vez”. JOSEMI “Aparte, para nosotros lo que es muy importante es que lo que se escuche en el disco luego se pueda reflejar fielmente en directo. No es sólo el tema de la sobreproducción, si no que no haya demasiados artificios o elementos extra que luego en los conciertos no estén a la vista. No queremos engañar a nadie con lo que plasmamos en el álbum. En cuanto a las diferencias, aparte de grabar en directo, también decir que La Mina cambió de ubicación y el sonido de las habitaciones hizo que fuese un poco diferente, pero nosotros al final tenemos un sonido personal y puede

“LAS LETRAS DE ATLAS LAS ESCRIBÍ EN UN MOMENTO EN EL QUE ESTÁBAMOS MÁS METIDOS EN TEMAS, NO POLÍTICOS, PERO SÍ SOCIALES CON TODO EL ASUNTO DEL 15-M, QUE NOS INFLUYÓ MUCHO EN ESE APARTADO. EN CAMBIO, CON AGUA. NAUFRAGIO. EQUILIBRIO., YO SIEMPRE DIGO QUE ES COMO UN DISCO DE BLUES, DE LLORÓN, EN EL QUE ESTAMOS CANTANDO NUESTRAS PENAS”

JAIME LADRÓN DE GUEVARA

resultar muy similar”. JAIME “Sí que hay una cosa bastante crucial y que no solemos comentar mucho, pero Atlas lo compusimos primero instrumentalmente y luego yo metí las voces. Esta vez no fue así. Nosotros íbamos tocando en el local y mientras tanto iba cantando alguna línea por encima, como basando las canciones en función de la voz. Eso creo que también tuvo que ver a la hora de ver las cadencias, cuándo pegaba un estribillo... Tuvo mucho que ver en el resultado final”.

En cuanto a temática, habláis de que el álbum está marcado por un cambio en lo emocional y en lo humano. JAIME “Justo cuando empezamos la

composición nos pilló con cambios personales a todo los niveles. Supongo que también tiene que ver con hacerse más mayor y empezar a ver las cosas desde otro punto de vista, pero es verdad que es un disco más personal. Las letras de Atlas las escribí en un momento en el que estábamos más metidos en temas, no políticos, pero sí sociales

con todo el asunto del 15-M, que nos influyó mucho en ese apartado. En cambio, con Agua. Naufragio. Equilibrio., yo siempre digo que es como un disco de blues, de llorón, en el que estamos cantando nuestras penas. Hay algunas que sí siguen la temática del anterior, como ‘Farsalia’ o ‘La Democracia Del Invierno’, pero sí hablo de cosas más personales sobre lo que estaba pasando en ese momento”. A pesar de que ya ha transcurrido un año, por desgracia no ha-

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béis podido tocar todo lo que os hubiera gustado... ¿Qué impedimentos os habéis encontrado? JOSEMI “Más que impedimentos, por

un lado nuestra ubicación tan en el sur nos complica el poder salir todo lo que quisiésemos. Luego hay temas laborales, conciertos que se caen, gente que te dice que te va a ayudar y después desaparece. También es verdad que con De La Cuna A La Tumba nos ha ido bastante bien y estamos aprovechando los momentos que tenemos. Hemos ido compaginando las dos cosas como hemos podido”.

sonado así porque yo hubiera llegado con muchísima menos idea de cómo trabajar en un estudio. Al final son cosas que se retroalimentan la una a la otra a la hora de poner tu seña de identidad. Creo que ninguno queremos verlo como algo negativo porque, de hecho, ha habido gente que ha descubierto al grupo a raíz del otro y, en cierto modo, era un poco lo que pretendíamos. De hecho, con Kantz ha habido peña que ha conocido a De La Cuna A La Tumba antes que a Tenpel”.

gáis muchos seguidores, pero

muchas esperanzas puestas en este disco porque evidentemente nadie saca algo sin creer en ello. Pero nosotros lo veíamos tan grande que pensábamos que nos podían ocurrir cosas que no nos habían pasado hasta ahora. Y es eso, conseguir un poquito más de atención. Nosotros no pretendemos ganar dinero ni nada, pero sí que nos hubiera gustado tocar más y eso no pasa porque nosotros queramos, sino porque la gente te dé oportunidades. Desde el que te escucha en casa hasta el que tiene una sala y quiera contar contigo. Y muchas de esas cosas no han ocurrido. Algunas parecía que sí, pero luego... Por mucho buen trabajo que hagas en lo musical, que intentes cuidar todos los detalles que están a tu alcance, hay una gran parte que no depende de ti para llegar a ese reconocimiento”. JAIME “Muchas veces inviertes tanto en algo que no siempre es de manera positiva. Está bien que a tu trabajo musical le eches todo el tiempo, valor y ganas que puedas en él. Pero a veces tienes la idea errónea de que siendo exigente con ciertas cosas, te va a ir mejor, cuando con lo único que tienes

conozco que os escucha, cae

teis este disco, coincidió que De

enamorada ante vosotros. ¿Por

La Cuna A La Tumba explotó

qué pensáis que no hay más

en cuanto a repercusión, públi-

gente así, que se atreva a daros

co, conciertos... Sé que es una

una oportunidad?

pregunta comprometida, pero

JAIME “Creo que para eso hay mu-

¿creéis que tal vez eso os haya

chos factores y todos son válidos y ninguno a la vez. Simplemente pasa que un oyente medio quizás necesite un aliciente previo para animarse a escucharnos. No todo el mundo tiene esa iniciativa y no es que esté mal, pero a veces algo te tiene que llegar sin que te des cuenta. Claro que me gustaría que nos escuchase más gente, pero también tenemos esa carta de ver que hay quien nos va conociendo, que vea lo que hacemos y les mole. Incluso prefiero que nos descubran tocando antes de que se pongan a escucharnos en casa, si te digo la verdad. Personalmente prefiero dar un bolo, que a la gente le guste y se acabe comprando el disco”. JOSEMI “Yo creo que también tiene que ver, y no es por querer hacer que suene raro, que somos difíciles de clasificar. No entramos en ningún marco

beneficia. Tiempo perdido no es porque disfrutamos igualmente y nos ha dado oportunidades de llegar a más gente, pero evidentemente algo que partió como una banda más de diversión y a ver qué pasaba, fue tomando más importancia de la que inicialmente pensábamos que iba a tener. Y eso ha llegado a ocupar en cierto modo algo de espacio que a lo mejor sí hubiéramos podido dedicar a Catorce”. JAIME “De todas maneras, con De La Cuna A La Tumba hemos aprendido mucho sobre cómo tratar con la gente, promotores, el grabar en otro estudio... Si no hubiéramos hecho el primer disco de De La Cuna A La Tumba, el segundo de Catorce no hubiera

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algunas cosas en base a lo que JOSEMI “La verdad es que teníamos

sin embargo toda la gente que

JOSEMI “Yo quiero pensar que nos

mo año os habéis replanteado

Lo cierto es que quizás no ten-

comentar... Justo cuando sacas-

lo veis justo al revés?

Hace poco os leí que en el últi-

habéis vivido en la carretera.

Ése era otro punto que os quería

terminado frenando un poco o

fácil o un estilo que digas que esté de moda. Y eso hace mucho porque el alcance que nosotros podamos llegar a tener es muy residual, por el bocaoreja. Sí que es cierto, como dices, que entre ese público al que llegamos solemos tener buena acogida, pero en los niveles por los que nos movemos es todo muy reducido”.

que ser exigente es con lo que a ti te convenza. Creo que todos pecamos de eso, de decir: ‘Vale, esto me gusta a mí, pero espero que le guste a más gente’. Todos hemos tenido ese momento, pero yo creo que nosotros ahora mismo estamos en ese punto, ya de verdad, de que a partir de ahora vamos a hacer lo que nos dé la gana. Son ese tipo de cosas que te tienen que pasar para que realmente entiendas por qué eso es así. No es que lo que hayamos visto este último año nos haya supuesto un drama, sino un cambio de perspectiva sobre cómo enfocar el trabajo que hacemos. Vamos a seguir trabajando, haciendo canciones nuevas e intentando ser la mejor banda que podamos. Lo que no vamos a hacer es preocuparnos por asuntos que estén fuera de nuestro control, que es un gran error que se suele cometer”. JOSEMI “También lo de tener más notoriedad ya nos pasó cuando hi-

cimos el crowdfunding para sacar el vinilo de Atlas. De pronto pareció que había un auge de nuevo con el grupo, que teníamos más movimiento, salían más entrevistas de gente que no nos conocía hasta entonces... Y eso nos dio un poco de pie a pensar que con el siguiente álbum quizás la cosa iba a ir a más, pero tampoco ha sido así”. JAIME “Yo a eso lo llamo el espejismo del primer disco (risas). Me refiero a que todo es nuevo: una entrevista, el que te llamen para tocar en cualquier lado... Entonces tú mismo te creas una idea, pero luego conforme ya te vas estableciendo y quieres prosperar en lo que haces, ves que la cosa se mantiene. No es que haya bajado. Hemos ido a sitios donde no habíamos estado nunca. No es que saques un primer disco y con el segundo te pasen más cosas, sino que con el primero te pasan por primera vez y por eso lo recibes con más ilusión”.

De cara a 2018, ¿intentaréis seguir dando vida y recorrido a

Agua. Naufragio. Equilibrio. o empezaréis a pensar en un nuevo álbum? JAIME “La intención es que la pri-

mera parte del año que viene terminemos la gira de este disco e ir a los sitios que nos faltan. Pero también estamos barajando cuándo empezar a grabar el siguiente trabajo. Acabamos de empezar a componer, pero somos un grupo que funciona mejor teniendo una meta, no dejando las cosas en el aire. De momento tenemos un par de canciones y yo tengo mucho material de cosillas que he ido sacando en casa, así que tenemos algo sobre lo que empezar a trabajar”.

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KNUCKLE PUCK

, HA CONFIRMADO QUE SHAPESHIF TER , EL SEGUNDO ÁLBUM DE KNUC KLE PUCK NUEVA HORNADA PUNK SON UNA DE LAS BANDAS MÁS INTERESANTES DE LA N MALAS NOTIC IAS… POP, PERO INCLUSO A LOS BUENOS CHICOS LES LLEGA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

UANDO A FINALES DE OCTUBRE CONTACTÁBAMOS CON JOE TAYLOR,

vocalista de Knuckle Puck, todo parecía irles de maravilla. Su segundo disco Shapeshifter (Rise), publicado un par de semanas antes, estaba teniendo una muy buena acogida y él y sus compañeros Kevin Maida (guitarra), Nick Casanato (voz y guitarra), Ryan Rumchacks (bajo) y John Siorek (batería) estaban inmersos en la gira americana de presentación. De hecho, le pillamos decidiendo qué película irían a ver al cine en uno de los pocos días libres que tendrían. Sin embargo, unas semanas después, las cosas darían un vuelco inesperado. La banda de Chicago anunciaba que cancelaba todas sus fechas en el Reino Unido y Europa con un mensaje en el que el propio Taylor explicaba que “las recientes noticias han hecho resurgir cosas de mi infancia que habían estado reprimidas. Esas experiencias han tenido un efecto en mi salud mental”. Aunque no lo explicitaba, se sobreentendía que esas “recientes noticias” se referían al cúmulo de denuncias por agresiones sexuales de las que él podría haber sido víctima de pequeño. “Tengo claro que necesito volver a casa para buscar ayuda profesional para trabajar sobre lo que me pasó”, continuaba. “Estamos pasando por un momento increíblemente delicado en nuestra comunidad musical. Es más que evidente que el espacio que ocupa cualquier banda, incluida la nuestra, debería ser un espacio seguro para todo el mundo. Quiero tomarme el tiempo necesario para asegurarme de que estoy en un estado mental saludable para poder ser

la mejor persona que pueda, para mí mismo, para los que me rodean, y aún más importante, para quienes actuamos”. Obviamente, en la entrevista no hablamos de esta cuestión porque todavía no se había hecho pública, si bien como podréis leer a continuación, sí hizo una leve alusión a su infancia en una de las respuestas. Esperando que pronto se recupere y la banda retome su actividad, os dejamos con lo que nos contó antes de que desatara la tormenta. Tengo entendido que la grabación del álbum fue un poco accidentada… JOE TAYLOR “Sí, estábamos muy

contentos con el material que teníamos, pero nos fuimos a California para grabar con Steve Evetts, y no fue demasiado bien. No había una buena vibración y eso nos desmoralizó un poco. Algunas canciones no estaban terminadas al 100% porque esperábamos hacerlo en el estudio, pero Steve pensó que no estábamos preparados. Fue un poco frustrante. Así que después de estar un mes ahí nos fuimos pensando que teníamos algo que demostrar. Enseguida nos fuimos de gira con Mayday Parade, con lo que teníamos un disco a medias que hasta que acabara la gira no podríamos terminar. Nos gustaban las canciones que teníamos, pero había que terminarlas. Así que para la segunda sesión de grabación optamos por Seth Henderson, con quien habíamos hecho el anterior trabajo. Lo acabamos con él y quedamos encantados con el resultado”. ¿Pero pudisteis aprovechar algo de las grabaciones con

Steve Evetts?

“Sí. Todo lo que escuchas en el disco ya existía en la primera grabación. Estaban los bajos, las guitarras… pero en la segunda, pudimos añadir y cambiar cosas. Lo que grabamos de cero fueron las voces y todas las baterías”. ¿Cómo se tomó Rise Records que tuvierais que aplazar el lanzamiento? ¿Se enfadaron?

“No, para nada. Estamos súper contentos. Cuando les dijimos que no íbamos a terminar el álbum cuando estaba previsto y que necesitábamos más tiempo, nos apoyaron al 100%. Nos dijeron que nos tomáramos el tiempo que necesitáramos”. ¿Influyó todo esto de alguna manera al contenido del disco?

“Si algún mensaje me gustaría que transmitiese el disco es que siempre puedes salir de la situación en la que estés. Si estás pasando una mala racha o te comportas de una manera que ni siquiera a ti te gusta, puedes romper esas cadenas. Tienes que ser tú mismo y no dejar que la presión social te haga pensar de una determinada manera o que te gusten unas determinadas cosas. Todo el mundo puede hacerlo”. Suena fácil, pero no lo es.

“Desde luego. Pero incluso lo aplico a nivel musical. Nosotros no intentamos sonar como otro grupo, queremos ser fieles a lo que somos. Escribimos todas nuestras canciones. Muchas formaciones tienen a otra gente que les ayuda a escribirlas, pero si no fuéramos capaces de hacer esto por nosotros mismos, no merecería la pena”. 107

“SI ESTÁS EN UN GRUPO, SEGURAMENTE PIENSAS QUE TU GRUPO ES EL MEJOR DEL MUNDO. Y NO ES MALO PENSAR ASÍ” JOE TAYLOR

En el mundo del pop cada vez

tir cierta competitividad entre

sotros es que seguís siendo los

hay un enfoque más científico,

grupos.

mismos que empezasteis.

utilizando fórmulas compositi-

“A todos nos encanta la música, así que escuchamos mucha música, pero no la estudiamos. Supongo que es inevitable que te fijes en cosas que te llaman la atención, pero es casi inconsciente. Yo también escribo partes de guitarra, y simplemente te guías cuando algo te gusta. Pero no es un proceso científico, es más bien divertido”.

“Por dentro sí. Si estás en un grupo, seguramente piensas que tu grupo es el mejor del mundo. Y no es malo pensar así. Todo el mundo quiere ser mejor que los demás. Pero al mismo tiempo, queremos centrarnos en el principal motivo por el que empezamos la banda, que era escribir buena música y divertirnos. Si fueras pintor, también querrías pintar el mejor cuadro de la historia. Siempre tienes que intentar hacerlo lo mejor posible”.

“Sí, somos los miembros originales. John y yo empezamos el grupo en su habitación, y estuvimos ensayando con otra gente, pero no conectábamos. Pero cuando encontramos a Kevin fue genial, nos encantaba salir con él, aunque no tuviera nada que ver con la banda. Nos llevó un año más o menos reunirnos a todos”.

De todos modos, sí debe exis-

Una cosa que me gusta de vo-

vas. ¿Vosotros estudiáis cómo componen otras bandas?

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¿Dónde nacieron las canciones de Shapeshifter?

“Hace un año hicimos una gira junto a The Wonder Years y Real Friends y justo cuando terminamos nos fui-

gran grupo, por supuesto”.

lejos que hemos llegado y cómo todo eso me queda muy atrás”.

Musicalmente suena más maduro, ¿no?

Algunos músicos explican que

“No sé. Simplemente queremos hacer buena música. Supongo que es lo que quiere toda banda (risas), pero creo que esta vez teníamos más claro cómo escribir buenas canciones”.

usan historias que les cuentan

También habéis girado con combos como The Maine o Neck Deep... ¿Os tomáis cada tour como una oportunidad

los fans para inspirarse. ¿Es vuestro caso?

“Intentamos inspirarnos en el mundo que nos rodea. Cualquier experiencia de otra persona, sea fan o no, puede inspirarte. Pero en este disco enfoqué las letras desde un punto de vista más personal. Cosas que me pasaron mientras crecía”.

para aprender?

“Desde luego. Especialmente de The Maine. Son un gran ejemplo de una banda con una base de fans muy fiel. Tienen una gran comunicación con ellos y eso les permite hacer cosas distintas e ir mejorando. Nos gustaría tener ese tipo de fans. Y creo que, en parte, empezamos a tenerlos. Y también tienen un directo muy bueno, así que también te fijas en eso”. Hablando de fans, ¿cuándo fue

mos a casa y empezamos a escribir el disco. Moló mucho porque fue la primera vez en la que pudimos componer como banda, ensayando y compartiendo ideas desde cero. En el pasado, una o dos personas escribían la canción entera y luego sólo cambiábamos algún arreglo. Esta vez todo el mundo estuvo muy involucrado y participó activamente”. Te iba a comentar que algunas de las melodías me recordaban a The Wonder Years... ¿Crees que girar con ellos tuvo una influencia directa?

“No lo creo. Pero gracias, son un

la primera vez que alguien se te acercó como fan? ¿Cómo te sentiste?

“¿La primera vez? Es una buena pregunta… Probablemente hace mucho. Cuando empiezas, se te acerca gente y te dice ‘buen concierto’ o ‘me mola lo que hacéis’, pero no creo que se puedan considerar fans. Era algo más personal, algo más amistoso y no tanto de fan. De hecho, algunos se convirtieron en buenos amigos nuestros. Y fue gracias a ver que mucha gente nos lo decía que nos dimos cuenta de que quizá lo que hacíamos estaba realmente bien (risas). Para mí es una locura ver lo

Supongo que cuando giras mucho, por un lado, conoces a mucha gente, pero al mismo tiempo es difícil establecer una relación que no sea superficial.

“En nuestro trabajo anterior, Copacetic, había un tema titulado ‘Evergreen’ que era una fotografía muy precisa sobre lo que tenía en la cabeza y dónde estaba cuando la compuse. Aunque sólo estuve allí un día, me sentí muy inspirado por todo lo que hice y la gente que conocí. Creo que nuestra contribución es coger todo eso y meterlo en una canción. Creo que depende de ti que una experiencia o una relación no sea superficial, no es una cuestión de tiempo. Porque tienes razón, a veces puede ser muy duro sentir que no estás atado a nada. Tienes que aprender a disfrutar de cada momento. Por suerte, todos somos amigos y lo pasamos realmente bien. Mañana es el ecuador de la gira y no parece que ya hayamos hecho la mitad; eso es buena señal”.

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ROYAL BLOOD

29 DE OCTUBRE DE 2017 WIZINK CENTER, MADRID TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

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e visto a Royal Blood cada una de las veces que han pasado por la capital. Esa primera vez en Dcode 2014 en el que se desveló la sorpresa de quiénes eran Mike Kerr y Ben Thatcher. Compré mi entrada fiel cuando su primer concierto en sala en Madrid iba a ser en la Lemon, viendo cómo ampliación tras ampliación conseguían hacer sold out en La Riviera. Y ahora han pisado el Wizink Center presentando How Did We Get So Dark?. No esperaba menos. Lo de Royal Blood ha avanzado con pasos que tienen lo mismo de trepidantes que de lógicos. Después del éxito de su debut de rock ha llegado una continuación que repite intenciones al tiempo que coquetea con una versión más pop de ellos mismos. Y la consecuencia de esto es un affair de los conciertos de rock’n’roll que veíamos para su debut con los espectáculos más propios del pop: coristas con coreografía para

los temas nuevos, una configuración de luces juguetona pero lejos de lo neurótico de giras anteriores y, por supuesto, una propuesta cuidada al detalle –un juego de sombras chinas proyectaba el tigre dibujado en la batería de Thatcher en el gong a sus espaldas–, todo lo contrario a lo brutal y elemental que expresaban en otras ocasiones. A Mike Kerr le gusta ser el protagonista, ser avistado como objetivo de la multitud y darse un par de baños de masas con cada ola de gritos y aplausos en temas como ‘Come On Over’ o ‘Little Monster’. Y se sonríe a sí mismo cuando lo consigue, seductor de las miles de personas en el Ring del Wizink Center. Pero si hay algo que Mike Kerr quiere más que a Mike Kerr es su bajo. Pura sexualidad verle tocándolo virtuoso y con expresión orgásmica en el rostro o acariciándolo suave y con erotismo. Tratándolo con esa pasión, el instrumento no podía sonar peor que

sublime. Por su parte, Ben Thatcher prefiere quedarse cómodo en el refugio de su batería como animal en calma. La interpretación fue excelente. El repertorio, con la medida de cada trabajo, intercalando ‘Hook, Line & Sinker’ de uno con ‘Blood Hands’ del otro, ‘You Can Be So Cruel’ del primero y ‘I Only Lie When I Love You’, single del segundo, y marcándose unos bises con la locura desatada del público en ‘Figure It Out’, ‘Ten Tonne Skeleton’ y ‘Out Of The Black’. Y aquí también está el fallo. En la fuerza de los temas del homónimo que llena el Palacio en contraste con la cadencia más lenta del último álbum, que se queda en el intento. Y cuando sientes la aceleración y el freno como un botón intermitente comprendes cuánto de diferentes son los discos, por mucho que se parezcan en el estudio. Y cuánto de diferentes son Royal Blood, sigan o no haciendo lo mismo. 111

ALTER BRIDGE

26 DE OCTUBRE DE 2017 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: NADIA NATARIO

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AS LIONS

a hace tiempo que Alter Bridge son una apuesta segura en directo, en gran parte gracias al tándem formado por Kennedy-Tremonti. De ahí el seguimiento fiel de su público en cada una de sus visitas. Pero esta vez, cuál fue la sorpresa al entrar a Razzmatazz y verla a medio gas, con el telón echado en cada lateral y la zona superior inhabilitada. Aún no tengo muy claro si el motivo principal se debe a la clásica saturación de conciertos del último trimestre del año o porque todavía era demasiado reciente su pasada actuación en el Rock Fest. Quizás me decanto más por pensar que un precio de entrada abusivo acaba por jugar una mala pasada a una banda que tampoco trae consigo una escenografía espectacular. Afortunadamente, a estas alturas no es un factor que afecte en absoluto a la implicación en escena de los de Florida. Pero antes tuvimos la ocasión de ver

en acción a los ingleses As Lions, la banda liderada por Austin Dickinson, exRise To Remain y primogénito del legendario Bruce Dickinson. Y pese a que compartir profesión con su padre no debe ser tarea fácil, lo cierto es que tanto él como el resto del grupo pasaron sin pena ni gloria presentando Aftermath, su único álbum hasta el momento. Con un estilo que bien podría usarse para alguna intro de anime, desde sus primeros temas los hubiese echado a los leones sin remordimientos. La otra cara de la moneda la dieron los protagonistas de la noche, todo un ejemplo de buen hacer. Con tan sólo su presencia Alter Bridge demuestran unas tablas que van más allá de la experiencia. El carisma de su líder Myles Kennedy es capaz de atestar el escenario entero, y junto a la frescura que esparce el guitarrista Mark Tremonti conforman el motor de una banda que continúa en su mejor momento profesional. Un

setlist poco o nada arriesgado en su caso no supone algo negativo, todo lo contrario, ya que de este modo nos hicieron disfrutar de un repertorio basado en grandes éxitos, uno detrás de otro. ‘Come To Life’, ‘Ties That Bind’, ‘Blackbird’, ‘Metalingus’, ‘Open Your Eyes’… apenas se dejaron ninguno en el tintero. Y, como viene siendo habitual, Myles y Mark reservaron ‘Watch Over You’ y ‘In Loving Memory’ para ponerse íntimos y tocarlos en acústico y a solas en el escenario. Casi sin tiempo para recomponernos, en los bises nos esperaban ‘Show Me A Leader’, donde Myles demostró su liderazgo nato ante las masas consiguiendo que toda la sala nos agacháramos y saltásemos a su señal, y la pegadiza ‘Rise Today’. No sin antes lucirse con una divertida batalla de solos. En definitiva, dos horas de rock en estado puro en las que Myles nos volvió a dejar boquiabiertos con su envidiable nivel vocal. 113

GASTEIZ CALLING

10-11 DE NOVIEMBRE DE 2017 IRADIER ARENA, VITORIA-GASTEIZ TEXTO: ERNESTO BRUNO FOTOS: MISSAGHAST PHOTOGRAPHY

THE BABOON SHOW 120

CRIM

a verdad es que la tercera edición del Gasteiz Calling ha tenido muy buen ojo a la hora de elegir a las dos bandas que abrirían el festival a primera hora de la tarde. De hecho, ambas ofrecieron conciertos que confirmaron el excelente estado de forma en el que están. VIERNES

Por un lado, los bilbaínos Radiocrimen, que combinan punk veloz y melodía con suma destreza, algo que sin duda les da la experiencia en otras bandas de las que han formado parte. Sin ir más lejos, Txarly Usher de Los Carniceros Del Norte es un cantante carismático y ágil que lleva el grupo un paso más allá. Por el otro, los tarraconenses Crim, que tocarían el segundo día a la misma hora, abriendo la jornada. El primer grupo internacional del viernes era el cuarteto londinense Booze & Glory, quienes poco a poco se están alejando de la estética

skinhead de sus inicios para apostar más por el punk. Ahora bien, su repertorio continúa bien nutrido de temas oi! y estribillos a corear en grupo, desde ‘London Skinhead Crew’ hasta ‘The Time Is Now’. Les siguieron Snuff, que continúan siendo unos gamberros de tomo y lomo, más preocupados por la diversión sobre el escenario que por sonar rotundos. Duncan Redmons de The Toy Dolls les dirigió nuevamente desde la batería, aunque se quedaron un poco atrás respecto a otras leyendas de los 90 que formaban parte del cartel. Parabellum sonaron infinitamente más rock (con versión de Parálisis Permanente incluída) que hardcore, aunque eso es ya lo que suele caracterizarles. En cambio, los estadounidenses The Briefs, a quienes hacía años que no veíamos en directo, se movieron entre el punk y la new wave, entre las melodías efectivas y las guitarras rápidas. Divirtieron de lo lindo con canciones como ese hit que es ‘Poor And

Weird’. Menos eficaz fue el directo de los legendarios Discharge. Sonaron oscuros y pesados, pero algo se perdió por el camino hace años y todavía andan a la búsqueda de recuperarlo. Algo parecido ocurrió con los suecos Satanic Surfers durante los primeros minutos de show. A su skate punk de frenazosacelerones parecía faltarle algo de frescura, algo que solucionaron a los pocos minutos. Quizás sea que Rodrigo Alfaro encajaba mejor como batería-cantante que como frontman, quién sabe. Resumiendo: que fueron de menos a más. Eso es algo que no suele ocurrir con Sick Of It All. La banda de Lou Koller, pionera del New York Hardcore, lo da todo desde el minuto cero. Da igual que hayan pasado 30 años desde sus inicios; cuando suena ‘Scratch The Surface’ o ‘Step Down’ no hay piedad ni con el público (entregado en la pista y en las gradas) ni con sus competidores de la jornada. No había más que ver las caras 115

SICK OF IT ALL

de otros músicos que observaban atentamente el show desde los laterales del escenario para tener claro que Sick Of It All se han ganado todo el respeto que tienen a base de arrolladores directos. Por eso, aunque su colección de hits sea inabarcable, Buzzcocks no pudieron ya hacerles sombra. Menos vibrantes que en las últimas ocasiones en las que les habíamos visto, los británicos no pudieron levantar del todo una

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actuación que sonó bastante irregular y sucia (en el mal sentido), algo de lo que, dicho sea de paso, no tuvieron toda la culpa ellos. Se les dio mejor a otros grandes clásicos, Sham 69, que reivindicaron su papel de referentes del punk 77 de barrio conflictivo con toda la convicción que le podemos atribuir a Jimmy Pursey. Y la audiencia se sumó a su celebración con esos temas atemporales que son ‘If The Kids Are United’ o ‘Hurry Up

Harry’. SÁBADO

Abriendo la segunda jornada nos encontramos con unos Crim que presentaban Blau Sang, Vermell Cel, su segundo larga duración, a muchos kilómetros de su ciudad, pero que obtuvieron una respuesta excelente, con el público coreando buena parte de un repertorio que sonó directo, eficaz y con la fuerza suficiente

SATANIC SURFERS

para ganar muchos adeptos tras su actuación. A continuación llegaron dos de los shows más irregulares del festival. Por un lado, unos One Way System que se han quedado algo atrás con respecto a otras bandas coetáneas que, como ellos, han vuelto a las andadas del punk combativo. Por el otro, los locales y legendarios Quemando Ruedas apostaron por recuperar ese clásico que es Aquí Vale Todo, una de esas obras que se mueve entre el punk y el rock callejero. Ganó lo segundo, restando fiereza a una actuación que gustó sobre todo a quienes crecieron con

ellos. La cosa cambió y mucho con el set de los suecos The Baboon Show, pura diversión para todo tipo de públicos a base de punk rock, hard rock y rock escandinavo. Les bastaron los dos primeros temas para meterse al público en el bolsillo con un show con momentos punk, momentos Nashville Pussy y momentos AC/DC. Lo mejor, lo conjuntados que suenan, su espontaneidad y una vocalista que resultó ser más fiera que la mayor parte de los vocalistas del día. A continuación, Municipal Waste le dieron un golpe de timón a la jornada con su thrash metal salpicado

SNUFF

de otros géneros que entran y salen en sus canciones. Quizás no eran los más esperados del cartel, pero por lo menos demostraron que si hay energía, el público se suma a cualquier propuesta. No jugaban en casa, pero convencieron igual y sobre todo demostraron que a matemáticos no les gana nadie. A partir de ahí, todo hardcore, pero de lo más variopinto, empezando por Youth Of Today, eficaces y siempre con ese mensaje de igualdad que tanto les caracterizó en su momento y que les sigue caracterizando a día de hoy. Y la verdad es que fue un placer ver

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D GENERATION

a Ray Cappo ejerciendo de maestro de ceremonias, respaldado por esos dos otros referentes que son Porcell y Walter Schreifels. Y claro, ‘Break Down The Walls’ sonó a declaración de intenciones de todo el festival. Aunque quizás quienes se llevaron el gato al agua definitivamente fueron los californianos The RKaLiens, muchísimo más que una banda de tributo a RKL, puesto que en sus filas militan músicos que ya habían formado parte de RKL en tiempos de Jason Sears, a quien sustituye el más joven Damien Franco. Sonaron increíbles y consiguieron que canciones como ‘Betrayed’ nos pusieran el corazón en un puño. De todos modos, ¿cómo no iba a convencernos una banda con esos temas y con nada menos que Joe Raposo, Chris Rest y Chris Flippin de Lagwagon entre sus miembros? Ah, y fue su único concierto en Europa, así que ojalá se lo piensen y vuelvan a visitarnos de nuevo. Tampoco decepcionaron Madball, otro de los grupos de New York Hardcore que más en forma parecen estar. Dirigiéndose al público en castellano –como suele hacer siempre que nos visita-, Freddy Cricien se deja la piel desde el primer segundo y se entrega 118

RKALIENS

al máximo durante todo lo que vaya a durar su actuación. Es posible que sea porque se sabe bien respaldado por su inseparable Jorge Guerra, o que se sienta más cómodo ahora que Matt Henderson (Agnostic Front) ha vuelto de nuevo con ellos para sustituir a Brian ‘Mitts’ Daniels, quien les dejó hace apenas unas semanas. Sea por una cosa o por otra, sonaron brutos y compactos como todos esperábamos. Tras ellos, vuelta a las Islas Británicas para enfrentarse a otra banda que nació a finales de los 70, Stiff Little Fingers. Los de Belfast tenían que darlo todo para estar a la altura de una jornada en la que los nombres

YOUTH OF TODAY

principales estaban consiguiendo redondear conciertos excelentes, y lo dieron, por lo menos en la medida de sus posibilidades. El resultado es que fueron la banda de su momento que mejor parados salieron de esta edición. Se les ve mayores, claro, pero con ese repertorio y sus ganas tuvieron la partida ganada a los pocos minutos de actuación. Muy orgullosos debían estar los suecos Perkele de actuar tras ellos. La banda de oi! no ofreció ni más ni menos que lo que esperábamos de ellos, himnos como ese ‘Heart Full Of Pride’ que les define a la perfección, tanto a su música como a su mensaje.

NECK DEEP 1 DE NOVIEMBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: TONI VILLÉN

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REAL FRIENDS

espués de que Fall Out Boy, All Time Low o Paramore se infiltraran definitivamente en el mainstream, la escena pop punk pasó unos cuantos años de recogimiento. Sin embargo, algo parece estar cambiando y ese caldo de cultivo que ha ido haciendo chup chup en la sombra empieza a ganar más adeptos. E inesperadamente, al frente de este resurgir no encontramos a una banda norteamericana, sino a una de Gales. En su primera visita a nuestro país, Neck Deep lograron meter a más de 500 personas en Barcelona (y eso en plena crisis política en Catalunya) y lograron el sold out en Madrid. Además de sus propias virtudes, es posible que en este éxito de convocatoria también tuviera que ver el buen paquete que los acompañaba. Para empezar los ingleses Blood Youth, una banda emergente que con un par de EPs y su debut Beyond Repair apunta buenas maneras. Su presencia aportó un punto de agresividad de la que carecían el resto de bandas, con un metalcore, eso sí, con sus partes melódicas, que permitió que la gente mosheara a gusto. Su set fue corto, pero fue suficiente para dar fe

de su contundencia. A continuación, As It Is, quienes nos habían visitado hacía unos meses con State Champs, se situaron en el otro espectro con un sonido totalmente pop. Es verdad que su vocalista Patty Walters, con su pinta de teen idol, da un poco de rabia, pero no es menos cierto que la banda suena de lujo y que temas como ‘okay’, ‘Hey Rachel’ o ‘Dial Tones’ son ideales para ser coreados y pasar un buen rato. Había mucha expectación por poder ver el debut de Real Friends en nuestros escenarios, y el grupo de IIinois no decepcionó. Su música es algo más seria, o emo, y requiere algo más de atención, pero en directo atrapa totalmente. Canciones como ‘Mess’, ‘Loose End’ o ‘Colder Quicker’ ganaron en energía, sin que se perdiesen la riqueza de sus arreglos, y Dan Lambton se mostró como un frontman carismático y comunicativo (su madre es colombiana) capaz de llevar al grupo todavía más lejos. Pero la noche no les pertenecía a ellos, sino a Neck Deep. En un escenario decorado con unos paneles que reproducían la portada de su último disco The Peace And The Panic, el quinteto salió a por todas con el single ‘Happy

Judgement Day’. Está claro que, si bien la originalidad no se encuentra entre sus virtudes, nadie como ellos recoge el espíritu de un estilo que busca la gratificación instantánea. Durante toda su actuación no pude evitar pensar que New Found Glory ya tienen a quien pasarles el testigo. Su manera de componer los riffs, de encajar las melodías y los cambios de ritmo debe mucho a los de Florida, pero diría que a nivel de ejecución estos chicos son incluso más precisos y Ben Barlow, pese a no parar de moverse ni un momento, canta francamente bien. Con sólo tres discos, Neck Deep ya han conseguido crear un repertorio en el que no hay bajones, y nuevos temas como ‘Parachute’, ‘Motion Sickness’ o ‘In Bloom’ fueron recibidos como clásicos. Para ‘Don’t Wait’ contaron con Kaya de Blood Youth para hacer el papel que Sam Carter de Architects tuvo en el disco, y la acústica ‘Wish You Were Here’ puso el punto emotivo. El final de fiesta con ‘Where Do We Go When We Go’ con ese coro de “Pain, pain, go away, come back another day” acabó por desatar la locura entre un público que los llevó en volandas toda la noche. 121

DYING FETUS

14 DE NOVIEMBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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BEYOND CREATION

on tres bestias pardas que se meriendan cualquier escenario y banda que se les ponga por delante. Y siempre ha sido así, desde el mismo momento de su fundación. Capitaneando uno de los carteles más poderosos de la temporada, Dying Fetus lo volvieron a hacer. Para empezar, un rodillo del tamaño de Disentomb. Siempre me los había perdido en los festivales europeos al ser programados demasiado temprano, así que por fin pude saldar mi cuenta pendiente con estos animales australianos. Brutal death de manual para destrozarnos las cervicales desde primera hora. Tras ellos, unos Beyond Creation en auge que a mí personalmente se me atragantaron. No les faltó apoyo entre el público, pero en mi opinión, si una banda de death metal técnico te recuerda más a Dream Theater que a Origin, mal vamos. El camino que han emprendido Psycroptic en sus últimas obras tampoco me acaba de

convencer, pero no se puede negar que cumplieron con creces con su función de calentar la sala y saciar a sus fans. Eso sí, cualquier cosa que hubiera ocurrido antes de que Dying Fetus salieran a escena pronto desapareció de nuestra memoria… Fieles a su horita de rigor y un poco faltos de volumen durante los primeros compases, nada impidió que los de Maryland arrasaran con todo con la misma pasmosa soltura de siempre. Venían a presentar un discarral como Wrong One To Fuck With y al hacerlo se hizo más patente su grandeza como banda. Me explico: nuevos castigos como ‘Fixated On Devastation’, ‘Seething With Disdain’ o el corte que da nombre al álbum para nada desentonaron ante la majestuosidad de ‘From Womb To Waste’, ‘Grotesque Impalement’, ‘Invert The Idols’, ‘One Shot, One Kill’, ‘Praise The Lord (Opium Of The Masses)’ o un despiporre final en forma de ‘Kill

PSYCROPTIC

Your Mother, Rape Your Dog’. Únicos en su especie, nadie practica lo que ellos. Ese brutal death bailongo, sesudamente calculado que te levanta varios metros del suelo, ese increíble dominio de los tempos que ataca con suma crueldad, decidiendo con sadismo cómo conducirte hacia un colapso mental cada vez mayor. A tope de flow, con todo Razz 2 botando. ¿Cuántas horas al día de ensayo son necesarias para llegar a semejante nivel de ejecución, a esa perfección suprema sobre las tablas? ¿Es humano el batería Trey Williams? ¿¡Cómo es posible que John Gallagher no mire ni el mástil mientras perpetra esas canalladas con su guitarra!? Y eso que, aunque lo suyo volvió a ser de otro planeta, no igualaron su anterior y excelsa visita en la Estraperlo... ¡Menos mal! Intachable hoja de servicio, currículum incólume, leyenda intocable. Dying Fetus, ese portento de la naturaleza para el que no pasan los años. 123

METZ

17 DE NOVIEMBRE DE 2017 LA [2], BARCELONA TEXTO: IGNASI TRAPERO FOTOS: ERIC ALTIMIS

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DRAHLA

petecía noche de distorsión y contundencia, y el doble cartel en La [2] de Apolo se presentaba muy estimulante. Para empezar, Drahla, un trío británico a medio camino entre Leeds y Wakefield, que forman Luciel Brown, Rob Rigs y Mikey Ansley. Un combo intenso, y cuyas hipnóticas canciones me recordaron a unos Pixies más oscuros, o incluso a Sonic Youth por la manera de cantar/recitar de Luciel, muy en la línea de Kim Gordon. A la espera de un primer álbum que confirme los prometedores EPs y singles editados hasta ahora, su directo dejó muy buenas sensaciones. Llegó la hora de METZ, ya con la sala más llena (que no del todo, porque la renovada 2 de Apolo ha ganado aforo, y noviembre llegaba cargado de conciertos internacionales en la

ciudad). Ya habían tocado otras veces en Barcelona, pero era mi primera vez con ellos. Y las expectativas generadas por la escucha de sus canciones grunge noise y la fama de un directo arrollador se cumplieron con creces. Sólo fue una hora de show, pero no hubo tregua, desde la primera a la última nota. Presentaban su tercer disco, Strange Peace, pero allí ni hubo paz, ni empezaron con una de las nuevas canciones: fue ‘The Swimmer’ la que inició la agresión, con Alex Edkins (guitarra y voz), Chris Slorach (bajo) y Hayden Menzies (batería) completamente desbocados ya de buen inicio. Era tal la brutalidad del sonido del trío canadiense, que la voz de Alex quedaba completamente apagada por el torrente ruidoso. ‘Mess Of Wires’ era el primer guiño al último trabajo, pero enseguida

empalmaban ‘Get Off’ (¡Cómo me gusta esa canción!) con ‘Spit You Out’, trasladando la locura al público. Moshing, headbanging, crowd surfing, cervezas volando... cerrabas los ojos y podías imaginarte el concierto de Nirvana que nunca viviste, con esa guitarra que tanto me suena a In Utero de un Alex sudoroso y con las gafas empañadas. Fueron combinando nuevos temas (‘Drained Lake’, ‘Cellophane’, ‘Raw Materials’...) con otros de álbumes previos (‘Headache’, ‘Eraser’, ‘Kicking A Can Of Worms’, ‘Nervous System’...), hasta culminar con un histérico ‘Acetate’, pestazo a sudor humano y la sensación de haber sido atropellado por una manada de rinocerontes. No sentía tanta violencia en mi tierra desde la bochornosa actuación policial del 1 de octubre. 125

AMFEST

27-28 DE OCTUBRE DE 2017 LA [2], BARCELONA TEXTO: MARC LÃ&#x201C;PEZ, JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

THE WAX 120

omo otros festivales especializados, el AMFest ha decidido abrirse a otros estilos con el objetivo de llegar a un público más amplio. Es una opción inteligente siempre que se haga con coherencia y, en este caso, la línea de la organización a cargo de Aloud Music, la garantiza. En un país como el nuestro, difícilmente existe una masa crítica suficiente para que un evento centrado exclusivamente en el post rock, el math rock o el rock instrumental se sostenga económicamente, e incluso para el espectador puede resultar más amena una programación con diversidad de sonidos, que tragarse seis horas seguidas de bandas más o menos parecidas. Más allá del propio cartel, otro de los alicientes para acudir al festival era descubrir de primera mano la remodelada sala 2 de Apolo. La verdad es que ha quedado la mar de bien y, más importante, suena de lujo. Por desgracia, no pudimos asistir a la jornada, a modo de prólogo, que se celebró el jueves 26 de octubre en la que actuaron los

TRUCKFIGHTERS

AND SO I WATCHED YOU FROM AFAR

barceloneses Degraey, los australianos Sleepmakewaves y los japoneses Lite, una muestra de la vocación internacional del certamen. Al día siguiente, Marina Herlop, uno de los últimos descubrimientos de Aloud, nos daba la bienvenida con su arriesgada propuesta, más adecuada para un auditorio que para una sala de conciertos. Pese a ello, un respetuoso y expectante silenció reinó durante toda la actuación de la catalana en la que su voz y el piano combinan clasicismo y expresionismo con gran belleza. De tanta contención se beneficiaron los suecos pg.lost. El contraste hizo que su post rock expansivo y eléctrico sonara de lo más potente. De vez en cuando, el bajista Kristian Karlsson se acercaba al micro para acoplar alguna melodía a un sonido en el que las guitarras tienen mucho protagonismo. Lo que pueda faltarles de originalidad, lo suplen con entrega. A continuación, llegaba uno de los platos fuertes si tenemos en cuenta la cantidad de público y entrega con la que fueron recibidos. Los también suecos Truckfighters se han ganado la fama

de tener un directo arrollador, y gracias a eso han logrado hacerse un hueco en la escena stoner. Pero sin querer ser aguafiestas, les encontramos algo impostados. Las poses con la guitarra y caras de loco del descamisado Dango no pueden ocultar que, a pesar de que canciones como ‘The 1’ o ‘Desert Cruiser’ permiten poguear y desfasar, les falta algo para que sean realmente memorables. Banda y fans sudaron a gusto, pero en lo musical no remataron la faena. Mucho más satisfactoria resultó la actuación de And So I Watch You From Afar, quienes volvían al festival dos años después. El cuarteto de Belfast sonó de muerte, capaz de golpearte con fuerza y hacerte bailar, o al menos moverte espasmódicamente, retorciendo notas y estructuras. Temas como ‘Terrors Of Pleasure’, ‘Set Guitars To Kill’ o ‘Run Home’ destacaron dentro de un set dinámico y vibrante. Luego vendría una sesión recortada de Playback Maracas, quienes por problemas de horario con la programación de la sala 1, no pudieron llevar hasta el límite su coctelera de sonidos. Pese a todo, el 127

MOURN

dúo barcelonés se ganó el sueldo. La jornada del sábado arrancaba con Blak, otra banda emergente local. Su primer álbum, publicado en julio, se titula Between Darkness And Light y describe perfectamente su música con melodías preciosistas que dibujan su tres guitarristas y algún arrebato más contundente. The Last 3 Lines, pese a su estrecha relación con Aloud, podría ser considerada una de las bandas que aportaban diversidad al cartel, algo que dominaría durante el resto de la tarde/noche. Su evolución les ha llevado a practicar un rock con aires setenteros y un punto psicodélico. Destacaron sus armonías vocales, un aspecto que pocos grupos de aquí trabajan, pero que aquí volaron a gran altura entre sonidos acústicos y eléctricos. Veremos con qué nos sorprenderán en su próximo ciclo. Sería injusto seguir destacando a Mourn por la juventud de sus

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componentes. La banda se ha ganado que hablemos de su indie rock noventero y guitarrero curtido ya en todo tipo de escenarios. Los problemas legales que han tenido con su discográfica no han sido suficiente para quitarles la sonrisa y en el escenario transmitieron con frescura temas como ‘Your Brain Is Made Of Candy’, ‘Otitis’ o una buena versión de los Replacements. Bien por ellas. El nombre de My Vitriol en el cartel les situaba como uno de los cabezas de cartel, pero la verdad es que no hicieron honor a ese estatus. De hecho, casi pareció que parte del público se hubiera ido a la que pisaron el escenario. No nos engañemos, ya en su día eran una banda de segunda y aunque su debut Finelines de 2001 tuvo repercusión con ese britrock con tintes shoegaze, muy pocos se acordaban de ellos. Para empeorarlo, se presentaron

THE LAST 3 LINES

en formación de trío, con las pistas de bajo pregrabadas, restándoles cualquier atisbo de espontaneidad. Decepcionantes. Por suerte, The Wax nos despertaron de un mazazo. En el Resurrection Fest ya la liaron parda y aquí volvieron hacerlo con un post hardcore que en directo tiene más de lo segundo que de lo primero. Entre Refused y Deftones, sonaron más duros que nadie. Aitor es de esos frontmen que no teme lanzarse a los leones y tuvo el premio de que el público respondiera. Quienes los veían por primera vez alucinaron. The Suicide Of Western Culture fue una elección perfecta para acabar con todo. Violencia electrónica que estimula partes de tu cerebro que ni siquiera eras consciente que existían. Un gran final para un festival que, pese a algunos rumores, esperamos volver a disfrutar el año que viene.

GRAVEYARD 24 DE NOVIEMBRE DE 2017 SALA BUT, MADRID

TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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unque sus visitas han seguido siendo frecuentes en los últimos meses, hacía más de cuatro años que Graveyard no pisaban una sala de la capital. Entre aquella ocasión y ésta, la banda sueca ha experimentado un cambio de filas afectando al 50% de sus miembros, renovando la base rítmica y protagonizando una de las separaciones más breves y absurdas que recordamos. Sea como sea, su popularidad parece que no ha menguado, sino todo lo contrario. Un público de lo más variopinto para lo que se suele estilar en este tipo de géneros acudió bien pronto a la cita y de ello se beneficiaron Downtown Losers, encargados de desvirgar la noche. El dúo barcelonés afincado en Madrid que forman Alber Solo y el ex’77 Dolphin Riot nos sirvió un buen trago a modo de aperitivo de ese blues del Delta pasado por el pedal de fuzz que campa por su debut One-Horse Town Apocalypse. Se ve a la legua que ambos son

músicos con muchas tablas a sus espaldas por la soltura y actitud con la que llenaron el escenario, con guiños de por medio a The Beatles o al recientemente malogrado Malcolm Young. Todo un descubrimiento. En cambio a Graveyard casi ni hace falta presentarles, porque a estas alturas uno ya sabe lo que se va a encontrar. Bajo una sugerente humareda y una melodía a base de sintetizadores ochenteros (lo de Stranger Things está empezando a hacer mucho daño), salieron con total parsimonia para arrancarse con una inesperada ‘Slow Motion Countdown’ en lugar de ir a tiro seguro empezando con un trallazo. Y es que los de Joakim Nilsson (al que se le notó con la voz sensiblemente tocada, aunque sin perder ese feeling tan característico), plantearon un setlist que fue de menos a más. Eso hizo que las primeras canciones dedicadas a Innocence & Decadence y Lights Out no provocasen una reacción realmente entusiasta por

parte del respetable a pesar de que la ejecución y el sonido fueron impecables. Hubo que esperar casi hasta la mitad del concierto, cuando sonaron los arpegios de ‘Hisingen Blues’, para que el asunto empezara a caldearse de verdad. Y ya ahí sí que ofrecieron un recital absoluto con lo mejor de su cancionero. El groove envolvente de ‘The Suits, The Law & The Uniform’, los hitazos como ‘Goliath’ y el ya mítico redoble de ‘Ain’t Fit To Live Here’, el único guiño a su debut con ‘Evil Ways’, y cómo no, esas baladas capaces de erizarte hasta el último pelo de la caballera (‘Too Much Is Not Enough’, ‘Uncomfortably Numb’, ‘The Siren’) nos hicieron despegar del suelo a pesar de lo algo breve de su intervención. En la tertulia posterior, hubo quienes decían que estuvieron flojos. En caso de que aquello fuese cierto, un concierto regulero de Graveyard sigue valiendo más que el mejor que puedan dar muchos otros en toda su vida. 131

ULCERATE 20 DE NOVIEMBRE DE 2017 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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OUTRE

n todos los sentidos, fría noche en Barcelona. En primer lugar, porque parece que ese verano trastornado por la mano del hombre, que este año casi duró hasta noviembre, al fin fue barrido por el invierno. Luego, por la propuesta black metalera de los dos primeros combos, y por último, por la pobre asistencia al concierto, claro está. Aunque el show cayera en lunes, desde luego los hemos vivido mejores. Ante una treintena de personas, cifra que luego aumentaría algo, pero tampoco demasiado, Outre asaltaron las tablas con sus capuchas y pinturas corporales. Entre los presentes había quien sólo había ido a verles a ellos, y la verdad es que, vista su descarga, pude llegar a entenderlo. Algo estáticos y sin la atmósfera que demandaría su música, pues esas luces fijas rojas de Razz 3 sin un solo surtidor de humo no ayudan nada,

cedieron todo el protagonismo a ese blackened death que sólo puede proceder de Polonia. La pose glacial de su vocalista era el objetivo de todas las miradas, mientras nos pasaban por encima con toda su furia desatada. Notable primer combate a la espera de los bastante más reputados Blaze Of Perdition. Eso sí, puede que sus compatriotas se hayan labrado un nombre a lo largo de su década de trayectoria, pero visto lo que mostraron sobre el escenario, sería aconsejable que le imprimieran algo más de garra a su black ocultista. A mí por lo menos no me convencieron, por no decir que directamente me aburrí. Tras dos teloneros tan alejados de su brutal death técnico, Ulcerate dieron rienda suelta a su torrente de virtuosismo y velocidades siderales. Presentando el fabuloso Shrines Of Paralysis, debo reconocer que su bolo no me impresionó tanto como cuando

BLAZE OF PERDITION

escucho tranquilamente sus obras de estudio en casa. Claro, al ser un trío se pierden matices, sonoridades más oscuras que los emparentan con otras ramas del metal extremo, aunque esas disonancias sigan haciendo mucho daño cuando impactan en tu cerebro. Cada miembro del grupo es un monstruo con su instrumento, puedes llegar a quedarte embobado viendo cómo se mueven por el mástil, pero cabe decir que ver tocar la batería a Jamie Saint Merat ya vale el precio de una entrada. Al salir de la sala no me mostré tan entusiasmado con lo despachado por los neozelandeses como algunos de sus seguidores, pero también creo que ese clima tan desangelado pudo afectar mi percepción del show. En todo caso, Ulcerate son mucho más grandes de lo que pudimos ver, y desde luego merecen un público tres o cuatro veces mayor. 133

THE PICTUREBOOKS 20 DE NOVIEMBRE DE 2017 SALA SIDECAR, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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iempre es un placer poder disfrutar de Joan Queralt en directo. En esta ocasión lo hacía sin su banda The Seasicks, pero el barcelonés domina como pocos el superar el miedo escénico a enfrentarte a un público en solitario. Le bastan preciosas canciones como ‘King Of California’, ‘U-Hu’, ‘Cheap Guitar’ u ‘Old Fashioned’, su dominio de la slide y una gran voz para mantener la atención. No es demasiado difícil distinguir qué músicos están en esto por los motivos equivocados (la pasta, la fama, el ego…) y quiénes están por lo que de verdad importa (la comunicación, las vivencias, la empatía…), y sin duda, Joan es uno de ellos. De igual manera, The Picturebooks también pertenecen a esa categoría. En repetidas ocasiones, Fynn Claus Grabke, el vocalista y guitarra del dúo alemán, con pinta de biker y espíritu hippie, expresó lo felices que estaban por poder actuar de nuevo en Barcelona y mostró su gratitud por

la entrega del público, en contraste a sus estáticos paisanos. Lo que en otros artistas suena a topicazo, en él sonaba sincero. Probablemente tenga mucho que ver que desde pequeño ha mamado este estilo de vida. Su padre, quien les acompaña como tour manager, es un skater que en los 90 había liderado la banda punk Thumb, y sin duda le ha inculcado la importancia de valorar cada paso que das. Aunque ya habían actuado por aquí abriendo para Kadavar, Le Butcherettes o Monster Truck, ésta era su primera visita en solitario y, ni que fuera un lunes por la noche y hubiera poco más de 70 personas, The Picturebooks tienen claro que sólo hay una manera de crecer: darlo todo cada puta noche. Y eso hicieron. Su blues primitivo y carnal nos arroyó desde el primer momento en que la corta ‘Seen Those Days’ y ese lamento llamado ‘Fire Keeps Burning’ dio paso a ‘Warzone’, la primera oportunidad para que esos coros inspirados en los cánticos de

los nativos americanos hicieran acto de presencia. Con ellos consiguen que un concierto se convierta en una celebración tribal y que en temas como ‘Cactus’, ‘I Need That Oooh’ o ‘Your Kisses Burn Like Fire’ sea tan importante la participación del público como del propio grupo. También ayuda la increíble labor del batería Phillip Mirtschink, quien ya sea con las baquetas, sus propias manos o un tubo de percusión, crea una base atronadora. Sin necesidad de un exceso de distorsión, su música te transporta más al desierto que muchas bandas de stoner y hace que tengas la sensación de que en cualquier momento puede entrarte arena en los ojos. Es verdad que quizá todavía les falte algo de variedad, tener un repertorio más dinámico (la más melódica ‘Home Is A Heartache’ que da título a su último disco podría ser una dirección a explorar), pero tengo claro que llegarán lejos: sólo necesitan gasolina y un escenario. 135

SÓLSTAFIR 24 DE NOVIEMBRE DE 2017 SALA CARACOL, MADRID

TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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MYRKUR

scoger entre ver a Graveyard o a Sólstafir era una decisión difícil, pero quienes se decantaran por los ritmos más fríos y oscuros acertaron de pleno, ya que los islandeses volvieron a dar una de sus actuaciones impecables. Pero antes se estrenaban sus paisanos Árstíðir. Acompañados de un humor y una elocuencia curiosa, el trío nos presentó una música íntima y casi eclesiástica. Su folk islandés en acústico consiguió trasladarnos hasta los paisajes más gélidos, aunque faltos de una base sinfónica de cuerdas. Para rellenar ese vacío, Grimsi de Sólstafir se unió a ellos a la batería, pese a descoordinarse con los tempos. Seguidamente, el característico pie de micro en forma de rama de Myrkur presidía el escenario para recibir los nuevos temas de su disco Mareridt. Su intervención difirió bastante de aquella primera visita en la que desplegó sus mejores dotes

vocales y como multiinstrumentista. En esta ocasión apenas la vimos tocando (cierto es que iba con una especie de muñequera) más allá de cuando empuñó su guitarra en un par de ocasiones, así como su tambor chamánico para interpretar ‘De Tre Piker’. A su actitud pasiva se añadió un setlist demasiado homogéneo, un uso excesivo de efectos -tanto de sonido como vocales– y unos músicos que pasan totalmente desapercibidos por su ejecución monótona y aburrida. Afortunadamente la otra cara de la moneda fue la de Sólstafir. “Nunca antes habíamos conseguido un sold out en Madrid, eso es que debemos estar haciendo algo bien”, apuntó el carismático Aðalbjörn Tryggvason. Para quienes llevamos siguiendo a la banda desde hace tantos años, es todo un orgullo admirar cómo sus sacrificios han dado tan buenos frutos. De verles retorciéndose en su peor momento personal en locales

menores con apenas 40 personas, a llenar buenas salas gozando de un equilibrio mental necesario. El reflejo más evidente de toda esta andadura es su propia música, y pese a que echo de menos sus composiciones más depresivas, con el rock’n’roll atmosférico de sus últimos discos han sabido conquistar a un público mucho más amplio. Y lo mejor de todo es que esa energía también han sabido trasladarla a cada uno de sus directos. Tras su paso por el Download de Madrid, degustamos algunos de los temas de Berdreyminn en un escenario repleto de bombillas que se apagaban y encendían según el ambiente requiriese. Tampoco faltaron imprescindibles como ‘Köld’, ‘Lágnætti’ o ‘Fjara’. Con una actitud muy próxima, una ejecución perfecta y una sensibilidad remarcable, la banda al completo consiguió que todos fuésemos testigos de cómo disfrutan de su trabajo con un resultado excepcional. 137

DE GIRA

THE HORRORS

12 DE DICIEMBRE APOLO (BARCELONA) 13 DE DICIEMBRE MOON (VALENCIA) 14 DE DICIEMBRE BUT (MADRID)

abéis estado de gira con Depeche Mode. ¿Cómo fue la

experiencia? JOSHUA HAYWARD (guitarra)

“Para serte sincero, al principio no conocía mucho su música más allá de los singles. Pero hace un par de años, un amigo mío me enseñó lo importantes que eran y despertó mi interés. Lo que más me impactó de la gira fue comprobar lo buenos que son encima de un escenario. Saben cómo crear un show. La gira fue muy bien, y eso que sus fans tienen fama de odiar siempre a los teloneros”. Vuestro último disco V suena un poco a Depeche Mode. A estas alturas ya no es una sorpresa que suene distinto al anterior, pero ¿de dónde salen esas ganas de ir mutando constantemente?

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“No sé, supongo que es algo innato. Siempre nos apetece coger nuevas ideas y llevarlas tan lejos como podamos. No nos gusta que nos metan en una categoría. Es una manera de que la música siga resultando interesante. Cada disco es un reto”. Como músico, supongo que también tienes que ir aprendiendo nuevas maneras de tocar tu instrumento.

“Sí, en cada disco usamos diferentes técnicas. Vas aprendiendo cosas y luego las aplicas. En los últimos años he intentado que las guitarras no suenen como guitarras. Uso un programa para configurar el sonido. Quizá es porque de pequeño escuchaba a Aphex Twin (risas). Pero como te decía, no es algo consciente. En este disco, por ejemplo, trabajamos con Paul Epworth como

productor por primera vez. Eso ya le da un enfoque distinto”. Por lo que dices, igual hay muchos sonidos que pensamos que son teclados, pero en realidad están hechos con la guitarra.

“Sí, sí, mucha gente confunde mis guitarras con teclados. No me considero un guitarrista tradicional. Pero creo que la música debe confundir a la gente, que no sepa exactamente de dónde procede el sonido”. ¿Os gustaría tener una carrera como la de David Bowie, en la que pudieran distinguirse distintas etapas?

“Creo que él tenía una idea más clara de hacia dónde quería ir. Escogía los músicos en función de lo que necesitaba y luego los

cambiaba por otros. En nuestro caso, siempre somos los mismos. Algunos le consideraban un vampiro cultural, pero yo creo que de verdad tenía ganas de progresar. Siempre hizo buenos discos, sólo tiene alguno malo, y eso es muy inspirador. Y al final, lo importante es que sabía escribir muy buenas canciones. Mucho amor para Bowie”. ¿Soléis estar todos de acuerdo en qué dirección queréis ir o hay mucha disparidad de opiniones?

“Siempre estamos discutiendo (risas). Pero ésa fue una de las buenas cosas de trabajar con Paul, porque no le gusta hablar demasiado sobre lo que quieres hacer. Simplemente te dice que toques lo que quieres tocar y ya está. No hace falta analizarlo. A veces es mejor no pensar demasiado y dejarte llevar”. Paul Epworth es conocido por trabajar con estrellas como Adele o Usher. ¿Qué expectativa tenías antes de trabajar con él?

“Fue totalmente distinto a como lo esperaba. Le encantaba el grupo y creo que, igual que nosotros, también le apetecía hacer algo distinto. Nosotros solemos componer en el estudio. Igual tenemos alguna línea de teclado o un ritmo, pero construimos los temas una vez estamos allí. La primera semana la pasamos básicamente probando sonidos. A Paul le gustó poder participar en todo el proceso” Hace diez años editasteis vuestro debut Strange

House. ¿Podías imaginar entonces que The Horrors acabaríais sonando como la hacéis ahora?

“No imaginábamos nada. Para nosotros diez años eran el futuro. No creo que ni que pensáramos que existiríamos. No pensaba en que hubiera un segundo disco, ni un tercero. Cuando eres tan joven no piensas en eso, vives el momento”. Se creó un gran hype alrededor del grupo. ¿Cómo lo viviste?

“No le presté demasiada atención. Estuvo bien porque nos permitió tener una carrera. No hemos tenido que trabajar en nada más desde entonces. O estamos de gira o en el estudio. Eso es un sueño”. (MARC LÓPEZ)

AGENDA DICIEMBRE ADICTS 11 Vitoria, 12 Madrid, 13 Girona

BACKYARD BABIES 15 Valencia, 16 Bilbao BLUE MAN GROUP 20-23 Barcelona DEPECHE MODE 7 Barcelona, 16 Madrid ECLIPSE 8 Madrid, 9 Bilbao, 10 Barcelona FIVE FINGER DEATH PUNCH 11 Madrid, 12 Barcelona THE FLYING EYES 4 Barcelona GAAHLS WYRD 5 Madrid, 6 Barcelona GOLD 3 Madrid, 4 Barcelona HELLOWEEN 9 Madrid INGLORIOUS 14 Barcelona, 15 Bilbao KALEO 6 Madrid, 8 Barcelona LITTLE STEVEN & THE DISCIPLES OF SOULD 7 Barcelona, 8 Madrid NAPALM DEATH 5 Valencia, 6 Valladolid, 7 Vitoria, 8 Oviedo, 9 A Coruña, 12 Sevilla, 13 Murcia, 14 Madrid, 15 Zaragoza, 16 Barcelona, 17 Palma de Mallorca NEWTON FAULKNER 2 Barcelona, 3 Madrid NICK OLIVERI 17 San Sebastián, 18 Barcelona OLIVEMOON 1 Madrid RIOT V 1 Valladolid, 2 Barcelona, 3 Irun SUNRISE AVENUE 1 Madrid, 2 Barcelona TESTAMENT 4 Madrid TOY DOLLS 14 Pamplona, 15 Valladolid, 16 Vitoria