RockZone 146 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Black Label Society (Barcelona) @ Carles Rodríguez

EDITORIAL Mirad si hacía tiempo que A Perfect Circle no publicaban nuevo disco que la última vez que les vimos en una portada fue en el último número de la exinta Rocksound, hace ya 14 años. De ahi que cuando nos enteramos de la fecha de salida de su nuevo Eat The Elephant para este mes de abril, nos pusiéramos manos a la obra para cazarlos de nuevo. Como ahora mismo Maynard Keenan está demasiado ocupado grabando lo nuevo de Tool, al igual que entonces el encargado de atendernos fue Billy Howerdel, pero creemos que ha quedado una entrevista la mar de interesante. Enjoy! PD: Queremos dedicar este número a la memoria de Guillermo Escudero, antiguo compañero en nuestra anterior etapa. Descanse en paz.

SUMARIO

Nยบ 146

7 / INTERFERENCIAS

22 / TOUNDRA

28 / DASHBOARD CONFESSIONAL

32 / PENNYWISE

38 / MORGAN

44 / SENSES FAIL

50 / A PERFECT CIRCLE

58 / CRร TICAS

90 / CRISIX

96 / RECORD STORE DAY

98 / GUNS Nâ&#x20AC;&#x2122; ROSES

104 / NAT SIMONS

108 / THE DAMNED

114 / SIGMUND WILDER

116 / EN DIRECTO

132 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ PANIC! AT THE DISCO BRENDON URIE VUELVE A PONER EN MARCHA LA MAQUINARIA DE PANIC! AT THE DISCO. EL 22 DE JUNIO VERÁ LA LUZ SU SEXTO ÁLBUM DE ESTUDIO QUE LLEVARÁ POR TÍTULO PRAYER FOR THE WICKED. URIE ASEGURA QUE ES EL QUE MÁS SE HA DIVERTIDO GRABANDO DE TODA SU CARRERA.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

ace apenas cinco años poca gente hubiera apostado a que Brendon Urie sería capaz de devolver a Panic! At The Disco al nivel de popularidad que alcanzaron cuando publicaron su debut A Fever You Can’t Sweat Out en 2005. El fracaso comercial de su segundo trabajo Pretty.Odd y la posterior desbanda, uno por uno, de los integrantes del grupo, les habían ido situando en una posición cada vez más marginal. Pero sorpresivamente, el disco que sacaron entonces, Too Weird To Live, Too Rare To Die!, entró directamente al número 2 de las listas impulsado por el single ‘Miss Jackson’ y un giro en su sonido que lo acercaba al pop y la música electrónica. Urie tomó nota y en 2016 editaba lo que a todos los efectos era un disco en solitario, aunque viniera firmado por el nombre del grupo. El éxito de Death Of A Bachelor fue todavía mayor y fue su primer número 1 en las listas Billboard además de ganarse una nominación en los Grammy como Mejor Álbum de Rock. A día de hoy, ha vendido más de un millón de copias en Estados Unidos, una cifra más que notable dentro de

los parámetros actuales. De ahí que la expectación hacia la salida de un nuevo disco haya sido máxima. El pasado 21 de marzo lanzaba los dos primeros adelantos, ‘Say Amen (Saturday Night)’ y ‘(Fuck A) Silver Lining’, dos días después de haber ofrecido un show sorpresa en Cleveland, en el que presentaron a su nueva bajista Nicole Row. Prayer For The Wicked ha sido producido por Jake Sinclair y contendrá un total de once temas. “Después de estar en Nueva York durante meses haciendo Kinky Boots (el musical de Broadway -ndr.), cuando volvía a L.A. sólo quería estar en casa”, ha declarado Urie. “Estaba tan excitado que invité a algunos amigos a mi estudio casero para escribir sobre todas las cosas increíbles que había experimentado en los dos últimos años. Pray For The Wicked es mi manera de dar las gracias a nuestros fans y el disco en el que más me he divertido grabando”. Panic! At The Disco empezarán la gira de presentación por Estados Unidos el 11 de julio en Minneápolis y la terminarán el 18 de agosto en Las Vegas. Por el momento, no hay fechas previstas en España.

PARA EL RESTO DE NOTICIAS VISITA NUESTRA WEB ZONA-ZERO.NET - ACTUALIZACIÓN DIARIA

LO PEOR DE MÍ_ LARGA VIDA

egún un reciente estudio llevado a cabo por investigadores de Goldsmiths de la Universidad de Londes, escuchar música en directo alarga la vida. Para llevarlo a cabo, colocaron en 60 personas un sensor que detecta las capacidades mentales y los niveles de estrés mientras se realiza una actividad determinada. Las personas seleccionadas, después de responder un test de 40 preguntas, fueron dividas en tres grupos de 20. Uno iría a un concierto de Paloma Faith, otro a una clase de yoga y el otro a pasear un perro. Después de analizar los resultados, los investigadores concluyeron que quienes habían ido al concierto habían tenido un incremento del 21% en su estado de ánimo, y por tanto en su bienestar, en frente de sólo un 10% de los que habían hecho yoga y un 7% de los que habían paseado un perro (supon-

go que tener que recoger las cacas tiene algo que ver). No es que dé mucha validez a este tipo de estudios, pero dado que ni practico yoga, ni tengo perro, estoy dispuesto a otorgarle la máxima credibilidad. Y por eso, teniendo en cuenta la cantidad de conciertos que he ido, y pienso seguir yendo, calculo que viviré unos 98 años. Por lo bajo. Si a eso le sumamos que otro estudio de 2011 aseguraba que escuchar música incrementaba los niveles de dopamina en un 9%, no es descabellado pensar que igual llego a los 140. Entiendo que el hecho de que fume o beba, o que vaya a tener que sobrevivir una pensión, no es un problema mientras siga yendo a conciertos. Aunque si el estudio si se refería específacamente a ir a conciertos de Paloma Faith, estoy muy jodido. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

¿Os imagináis un campamento de verano con 5.000 barriles de cerveza y en el que tocasen NoFx, Rancid, Pennywise o The Mighty Mighty Bosstones? Pues es justo lo que ha conseguido organizar Fat Mike en la primera edición del Camp Punk In Drublic!. Tendrá lugar del 1 al 3 de junio en las afueras de Columbus (Ohio) y contará con 19 bandas, atracciones e iconos del punk como Jello Biafra o Keith Morris contando historias alrededor de la hoguera.

Jesse Hugues de Eagles Of Death Metal la ha vuelto a liar con unas declaraciones en contra de la manifestación March Of Our Lives, que congregó a más de 200.000 personas en Washington D.C. el 24 de marzo. Para el cantante, los jóvenes que reclaman un mayor control en la venta de armas, “explotan la muerte de 16 de sus compañeros por unos pocos me gusta en Facebook y algo de atención de los medios”. Una vez más ha quedado como un paleto.

Alice Cooper interpretará al rey Herodes en una nueva producción televisiva del musical Jesus Christ Superstar que la cadena NBC emitirá el 1 de abril en Estados Unidos y tendrá a John Legend en el papel de Jesús. “Cuando me lo ofrecieron ya me imaginaba que ofrecerían el papel de uno de los malos”, ha declarado. “Voy a hacer de Judas o Herodes, ¿verdad? Y cuando me dijeron que Herodes dije ‘Ok, me lo veía a venir”’.

MADRID 2018 JUEVES 28 JUNIO

EXHORDER · BACKYARD BABIES · MYRKUR · IRON REAGAN TESSERACT · CARPENTER BRUT · GALACTIC EMPIRE · FOSCOR · HUMMANO APHONNIC · CATORCE · KAISER FRANZ JOSEF · ALTAIR · ANTI-KARAOKE

VIERNES 29 JUNIO

THRICE · VIVA BELGRADO · MOOSE BLOOD · CREEPER LEATHER HEART · ANKOR · THE PINK SLIPS

SÁBADO 30 JUNIO

IN THIS MOMENT · SHINEDOWN · CROSSFAITH · CRISIX · ‘77 · ADRIFT TEETHING · CRIM · EGO KILL TALENT · EON · MELTDOWN · HOLY CUERVO DJ’S

Madrid - Caja Mágica PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES, WWW.LIVENATION.ES Y WWW.TICKETMASTER.ES

www.downloadfestival.es MEDIO OFICIAL:

MEDIO COLABORADOR:

PATROCINADORES:

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

HIJOS DEL DESIERTO Manuel J. González (AUTOEDITADO)

ocas personas han mostrado un entusiasmo por la música del desierto –eso también conocido como stoner rock para situarnos- como Manuel J. González. Durante muchos años fue uno de nuestros foreros más activos bajo el nombre de Dryuss72, con el que repartía estopa y su admiración por las bandas de las que habla en este libro a partes iguales. Desde luego, pese a ser una historia oral, González sabe de lo que habla y transmite su pasión por una escena única y especial como ninguna. La finalidad de Hijos Del Desierto es ir hasta las mismas entrañas de la escena, y entender el porqué se creó todo aquello y, sobre todo, por qué eso sólo pudo salir de un lugar como el desierto californiano. La cantidad de gente que aporta su testimonio quita el hipo, desde los componentes de Kyuss de todas sus épocas, hasta músicos de bandas menos conocidas, ingenieros de sonido… en fin, alguien que tuviera una mínima influencia en la creación de ese sonido aporta su testimonio aquí. Además disecciona, por un

lado, la discografía de los propios Kyuss –la banda madre de todo esto-, así como todo lo que salió del Rancho De La Luna, el estudio donde se creó ese sonido tan especial, así como esas Desert Sessions, pura esencia de todo el desert rock. A diferencia de la propia música, no siempre fácil de digerir y la cual necesita encontrar siempre un momento adecuado para disfrutarla en su plenitud, el libro es de lectura ligera, amena, además de dejarte con la sensación de saber todo sobre el tema y por encima de todo, con la casi necesidad de pillarte un billete de avión y visitar todo ese centro neurálgico de una escena que, como se destaca en la contra del libro, “transformó nuestra manera de entender el arte musical”. RR

MEMORIAL DEVICE David Keenan (SEXTO PISO)

sto está pasando en vuestras narices, señores. Esto no es Manchester o Londres, esto es Airdrie. Tenía el proyecto de sacar un cassette, un cassette con todas las bandas locales: Memorial Device, claro, y Glass Sarcophagus y Chinese Moon. Y quería llamarlo <Esto Es Airdrie>. Pero, por supuesto, nunca lo hice. Quería escribir y publicar un fanzine y Johnny y yo publicamos un fanzine que duró en total un solo número”. Sólo por textos

como éste ya vale la pena que te hagas con un ejemplar de Memorial Device y que devores sus casi 300 páginas. Aunque hay veces que David Keenan se dispersa y su relato pierde fuelle, esta historia oral sobre la ficticia escena post punk en la pequeña localidad escocesa de Airdrie es cautivadora. Aquí hay mucha música, sexo, búsqueda de identidad, frikadas imaginarias, múltiples extravagancias, soledad cósmica y sueños raros. Y para surrealistas, los títulos de los capítulos: Resacas De Día Que Sólo Puede Remediar Una Sesión De Masturbación Frenética o Aquí Es Donde Voy A Esperar Sentado Y Después Fecundaré El Futuro, por poner un par de ejemplos. La narración en este libro es de tipo torrencial, una tempestad de frases que, a menudo, sólo están separadas por comas y no por puntos como mandan los cánones gramaticales más ortodoxos. La única pega de todo es saber que esta escena no ha existido nunca. JF

CAMINO SORIA Edi Clavo

EL CASO ALAIN LLUCH Mr Kern y Antoine P.

(CONTRA)

(OUTSAIDER COMICS)

Hay quórum en afirmar que Camino Soria de LA CRIPTA (DEL HORROR) INGabinete CaligaNOMBRABLE V. 3 ri estaría entre los François Launet cinco discos más (DIÁBOLO) importantes del Tercer volumen de las tiras éstas cómicas pop en España. Para celebrar su 30 anicentradas en los quehaceres cotidianos versario, el batería de la banda Edi Clavo de los primigenios y sus acólitos. Repleto desgrana la gestación y posterior vida del de guiños a la cultura popular y a la álbum y lo contextualiza con el momento obra de Lovecraft en particular, es un musical que vivía el país. Una plena eclodivertimento maravilloso para los fans de sión del llamado pop nacional, en el que los mitos, explorados desde la perspeclos conciertos multitudinarios empezaron tiva del humor blandito y la coña tontoa ser moneda común y el dinero corría a rrona con bastantes páginas impagables porrillo para todo el mundo gracias a los y unos cuantos homenajes bien bonitos, ayuntamientos. Y en medio de todo eso, dando así un resultado de sonrisa sana se gestó un álbum que apartó a Gabinete estupendo. SG Caligari de cualquier escena. RR

MI EXPERIENCIA LESBIANA CON LA SOLEDAD Kabi Nagata (FANDOGAMIA)

Es probable que sea uno de los lanzamientos del año, tanto por cuestión de contenido y forma. La autora ofrece un manga autobiográfico, un slice of life súper accesible y muy bien llevado, narrando el descubrimiento de su bloqueada sexualidad, sobre la lucha contra su profunda depresión y la relación de dependencia con sus padres. Un manga ejecutado con mimo, encantador, pero duro, con pasajes demoledores y, sobre todo, inspirador para muchas personas. SG

MURDERVILLE 2 Vicente Cifuentes (ALETA)

Ojito a este currazo de cómic creado por Mr Kern, grafitero e ilustrador, que viene con muchas cargas de profundidad, de las de alucinar fuerte con cada página. Un tipo asciende dentro de una multinacional de comida para perros a costa de la salud pública. ¿Relato de denuncia social? Sería sólo eso en manos de otro, porque en este cómic lo que nos patea las meninges es el tema central con su combinación de fantasía putrefacta, repleta de momentos hediondos y escenas de sexo animal grotesco. Y sí, es realmente delicioso. SG

SP4RX Wren McDonald (LA CÚPULA)

Debut en el formato de larga duración que ofrece una avenVicente Cifuentes tura de ciencia regresa a Murderficción ciberpunk ville para narrarambientada en un mundo de grandes nos los sucesos de las semanas posteriores a lo acontecido corporaciones y sociedad estratificadas según clases sociales y funciones en el primer volumen. Relato de terror paranormal, con elementos que remiten laborales; nada nuevo en verdad, y todo el contenido politicosocial puede a clásicos como Silent Hill y algunos resultar hasta suave, pero es que aquí guiños al género slasher, Murderville el autor se sirve de ello para ofrecer un 2 es un álbum potentísimo, con un arte espectacular y una historia que, aunque relato frenético, muy bien resuelto y con grandes dosis de acción. Todo un blockcerrada por fin, permite imaginar nuebuster cinematográfico usamericano en vas y aterradoras incursiones en este papel. Para mí, de 10. SG pueblo maldito. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA LOS EXTRAÑOS: CACERÍA NOCTURNA A CIELO ABIERTO

n accidente, visto el nivel de la mayoría del género, es encontrarse en una sala de cine comercial con una película de terror, un slasher, que además es una secuela y que, atención, es tan buena como la película. Ése es el nivel en que vive el terror últimamente, donde la mayoría de estrenos pasan directamente al sector doméstico sin pena ni gloria, con honrosas excepciones como The Ritual de Netflix. No había ninguna razón por la que esperar algo de la secuela de Los Extraños, la pe-

lícula que catapultó a Bryan Bertino a ninguna parte. Ha pasado una década desde la primera, nunca hubo unanimidad y su director parece condenado al olvido tras dos tropiezos como Mockingbird o The Monster. La sorpresa es doble cuando añadimos a Johannes Roberts a la ecuación. El director de A 47 Metros no es precisamente la esperanza del género, pero logra su mejor trabajo con aparente facilidad. Sobre un guión de Bertino, Roberts recupera la vieja tradición del slasher informal, extinta hace tiempo, y añade unas buenas máquinas de humo para ofrecer un refrescante cóctel entre Viernes 13 y La Noche De Halloween a través de una planificación cuidada hasta el más mínimo detalle. Las mediocres interpretaciones no ensombrecen el resultado final, mucho más disfrutable de lo que nadie podía esperar de la secuela de una película donde no pasaba nada.

ANIQUILACIÓN

THE THING IN THE MIRROR

hora ya no importa ni el cómo ni el dónde. Tampoco importa, ni mucho menos, el porqué. No importa si la ves en Netflix o en uno de los ripeos realizados el mismo día de su estreno. Ni tampoco importa si la has visto en una de las escasas salas de cine que la proyectó o desde el monitor del ordenador que descansa sobre tu pecho en la cama. Tampoco cuenta, claro, por qué te has decidido a probar con ella: todo el mundo ve todo porque sí. Vemos series porque sí, consumimos porque sí. Aniquilación es la enésima película que va a salvar a Netflix, la muy necesitada prueba fehaciente de que la plataforma de pago es mucho más que una serie de productos condenados al directo a vídeo. Ya sabes, primero fue The Cloverfield Paradox, luego llegó Mute y ahora es el turno de lo nuevo de Alex Garland mientras

esperamos que Gareth Evans o Martin Scorsese terminen con la mala racha de extrañas decisiones de la otra gran N. Aniquilación es ciencia ficción contemplativa, moderna, tediosa… vamos, que lo tiene todo para triunfar entre la gente moderna o para estar de fondo y sin sonido en un restaurante vegano, un nuevo garito de copas en el barrio de moda o las televisiones de muestra de Carrefour. A pesar de contar con un buen número de aciertos, que van desde la banda sonora a la innegable belleza de algún rastro del horror cancerígeno y lovecraftiano a todo color que propone, Aniquilación peca de lucir, una vez más, como un buen episodio piloto del próximo boom televisivo. Personajes trillados, interpretaciones dudosas, argumento a trompicones o un sonrojante clímax eterno que recuerda tanto a Under The Skin como a Sopa De Ganso, en el que el autor intenta trascender más de la cuenta a través del prisma empañado en ácido que pretende camuflar de intelectual lo que no es más que un refrito de un género que ya ha contado la misma historia de formas mucho más contundentes.

PISANDO FUERTE_ TREES WILL TELL FORMACIÓN: Joey Rego (voz), Eduard Oriach (guitarra), Dani Muñoz (guitarra), Bon Aleix (bajo), Mario Pérez (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Touché Amoré, Defeater, Viva Belgrado PRESENTAN: L’Appel Du Vide (The Braves)

“AL FINAL DE LA ÚLTIMA TOMA TERMINÉ EN EL LAVABO VOMITANDO”

JOEY REGO

penas superado el primer trimestre de 2018, pocas cosas tenemos tan claras como que este curso será difícil encontrar un debut dentro de nuestras fronteras como el que acaban de estrenar Trees Will Tell. A pesar de llevar en funcionamiento desde 2015, este quinteto de Barcelona ha llegado al momento decisivo de su primer disco tras un periodo en el que han podido asentar las bases de lo que quieren presentar. “Con nuestro primer EP, Violent Sounds For Weary Eyes, logramos conocernos muchísimo mejor como músicos, entender nuestro sonido y a dónde queríamos llegar. Vimos los puntos fuertes de éste y los explotamos. Vimos los puntos débiles y los mejoramos”, explica su cantante Joey Rego sobre el proceso de aprendizaje experimentado en su aún breve pero intensa carrera. “Después del EP sucedieron muchas cosas. Nos fuimos de gira, cambiamos de integrantes un sinfín de veces, y todo esto nos ayudó a entender cómo funcionaba nuestra música en vivo y en estudio. Qué cosas aportaban las personas que iban entrando y saliendo y cuáles se mantenían intactas. Descubrir qué era eso que hacía a Trees Will Tell mucho más allá de sus propios integrantes, sino como una entidad independientemente de quién esté tocando”. Con las ideas

claras acudieron a los Wheel Sound Studios de Txosse Ruiz para grabar L’Appel Du Vide, una obra repleta de emociones desatadas que, como Joey nos comenta, no son ni mucho menos fruto de la casualidad. “Txosse es un productor muy exigente, pero al mismo tiempo, siempre logra hacerte sentir como en casa y nunca te sientes juzgado o presionado. Aunque debo decir que nos llevó al límite. Si queríamos que estas canciones mostraran realmente lo que sentíamos, la única forma era descomponernos por completo en el estudio y potarlo todo. Las canciones hablan de situaciones muy personales y grabarlas fue especialmente difícil. Txosse sabía la importancia de esto y logró capturarlo colocándome frente a frente con lo que sentía. Al final de la última toma terminé en el lavabo vomitando”. Es obvio que el apartado lírico juega un papel fundamental a la hora de encarar la escucha de un álbum así. Ya desde el propio título, cuya traducción literal sería algo así como La Llamada Del Vacío, haciendo referencia a ese impulso que podemos llegar a sentir cuando nos encontramos en lo alto de un edificio y querer saltar. Un concepto que en algunos círculos puede verse asociado al suicidio, aunque Joey tiene un punto de vista completamente distinto: “Cuando me

topé con el título y lo propuse para el disco no lo relacioné con tendencias suicidas. Todo lo contrario, lo relacione con la vida. L’Appel Du Vide es un acto tan inconsciente, ese microsegundo en el que en el borde de un edificio muy alto puedes pensar sin darte cuenta: ‘¿Y si salto?’, y luego regresas a los pensamientos conscientes, tanto así que muchas veces ni recuerdas que llegaste a pensar en eso. Creo que es un instinto tan primitivo y poderoso que nos demuestra precisamente que tener ese impulso de saltar es estar consciente de nuestra propia existencia. Porque nos demuestra que estamos en contacto con algo interior y eso es vida. Ahí es cuando siento que la muerte se pone a disposición de la vida. Y las letras tratan precisamente de eso. Agarrar todos esas sensaciones, sentimientos y experiencias desagradables, drenarlas y transformarlas en algo y no dejar que se acumulen por dentro y nos destruyan”. Un salto que, ya discográficamente hablando, han tenido la suerte de realizar con uno de los sellos más en alza del underground patrio en la actualidad: The Braves Records. “Conozco el trabajo de Kantz desde hace más de diez años con los primeros discos de Tenpel y cuando fue cantante de Coilbox. Empezamos a tener contacto y conversar a través del tiempo sobre música y demás. Cuando terminamos de grabar el LP, decidí probar y enviarles el álbum. Ese mismo día me escribió y me dijo que estaban completamente seguros de querer ficharnos. Fue una sensación brutal”. A buen seguro que no serán los únicos en caer rendidos ante ellos. (LUIS BENAVIDES)

TOI’S IN THE ATTIC LAS APPS MILAGROSAS

ola amigos! La marmota Phil ya confirmó el peor de los pronósticos: un invierno tremendamente laaaargo y pesado. Ya parece que vemos el final del túnel, aunque ya se ha encargado de recordárnoslo desde hace tiempo el bombardeo masivo de la operación bikini en las redes sociales por medio de estos anuncios de apps de pago que se cuelan en nuestros muros. A lo mejor os pasan desapercibidos, o quizás, y esto me acojona un poco, mis dispositivos saben que no me mato demasiado con el ejercicio, y que me sobran unos cuantos kilos, porque me saltan con una frecuencia abrumadora. No es coña, en 5 minutos revisando Facebook o Instagram, he descubierto las últimas tendencias. Infinidad de programas de 15 minutos de ejercicio extremo, ejercicios de yoga, o de caminar, con los que

te pones de un buenorro que quita el sentido: culos duros y respingones, abdominales de gimnasta, y brazos fuertes en los que no hay cabida al pellejo. Por último, por supuesto productos milagrosos como té, café y espagueti con albóndigas que sólo contienen 6 kcal, con los que el hambre desaparece. Esto que se lo cuenten a gente con años de ejercicio y fuerza de voluntad a sus espaldas, a ver qué les parece. Lo anuncian personas jóvenes, guapas y esculturales, que sudan mucho, pero superan cualquier obstáculo y me pregunto: ¿Quién coño se traga esto y encima paga? A lo mejor me hago mayor, pero este modelo vigoréxico que se está imponiendo me da mucho miedo, un poco de asco, y sobre todo pena. Al final, ¿qué somos? ¿Personas o cuerpos? (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Night Songs de Cinderella. Si alguna vez ha existido una portada donde el dicho ‘nunca juzgues a un libro por su portada’ se pueda aplicar al rock’n’roll, ésa sería la de Night Songs de Cinderella, editado en 1986. Para entender lo que he comentado arriba, uno debe de entender lo que 1986 significaba para la música hard & heavy. Era un mundo fuertemente dividido. Las líneas no estaban dibujadas en la arena, estaban dibujadas con sangre. Estaba peligrosamente segregada. Era alucinante y terrible al mismo tiempo. Para empezar, hubieron una serie de importantes lanzamientos durante ese año que definieron géneros y modas, mientras daban el punto de partida a movimientos, siendo los más 18

notables Master Of Puppets de Metallica, Reign In Blood de Slayer y Peace Sells But Who’s Buying como clásicos del thrash. En la otra parte del campo, Bon Jovi editaron Slippery When Wet, el álbum multiplatino que definió su carrera, y Poison arrasaron con Look What The Cat Dragged In. Y no olvidemos los legendarios Bad Brains y Cro-Mags, que sacaron obras maestras del crossover como I Against I y The Age Of Quarrel respectivamente. Y por encima de todo, Van Halen se dividieron en dos partes de manera poco amistosa produciendo dos discos diferentes, David Lee Roth Eat ‘Em And Smile y 5150 por los Van Halen de Sammy Hagar. Pese haber llegado a triple platino con su álbum de debut, el paso de los años no parece haber puesto a Night Songs de Cinderella para contar con el mismo estatus de clásico que algunos de sus contemporáneos de año. Ha sido largamente olvidado, incluso maltratado, principalmente por los mensajes mezclados que mandan su portada y la música que contiene el álbum. Cuando uno mira su portada, el primer pensamiento que

le viene a la cabeza es lo ridícula y pasada de moda que se ve. Tenemos a un grupo en un callejón con humo artificial de color púrpura y llevando laca y spandex, dos cosas que los catalogaron dentro de la escena glam de Los Ángeles. El vocalista Tom Keifer hace literalmente la pistola con sus manos, pero nada de eso tiene que ver con la música que tenía el disco. Para empezar, Cinderella eran de Philadelphia, no de Los Ángeles. No había espacio para guitarras endebles, solos que no iban a ningún lado o estribillos de saldo. Tom Keifer no sonaba como una imitación barata de Vince Neil o a aspirante de David Lee Roth. Era una mezcla entre Steven Tyler y

Brian Johnson. Qué diablos, incluso parecía el hermano pequeño de Steven Tyler. Las canciones también eran una explosiva mezcla entre Aerosmith y AC/ DC. Aparte de los singles matadores como ‘Shake Me’ o ‘Somebody Save Me’, había temazos como ‘Once Around The Ride’, ‘Hell On Wheels’, ‘Nobody’s Fool’ y ‘Night Songs’, fuertemente influenciada por ‘Hells Bells’. A veces hay álbumes y grupos que son pasadas por alto. Nuestra banda lleva junta el tiempo suficiente para haber sido ignorada unas cuantas veces, así que puedo empatizar con otras bandas que, en mi modesta opinión, merecen ser elogiadas. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> RYAN O’REILLY INTERPRETA ‘NEVER BE AFRAID OF GHOSTS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

yan O’Reilly encaja a la perfección en la definición de lo que entendemos por un ciudadano del mundo. De padres irlandeses, pero nacido en Inglaterra, tiene su residencia en Berlín, aunque graba en Estados Unidos con un productor canadiense. Todo eso cuando no está tocando por otros países, como hará este mes en España -el 4 de abril en el Costello Club de Madrid, el 6 en Marula Café de Barcelona y el 7 en La Lata De Bombillas de Zaragoza- para presentar su segunda referencia I Can´t Stand The Sound. “Mi abuelo materno era capitán de barco. Siempre estaba viajando, así que mi familia dice que tengo algo de su sangre”, nos cuenta Ryan en nuestra redacción. “Siempre necesito estar en movimiento. Creo que este tipo de música requiere tener experiencias. Cuando era joven fingía o imaginaba tenerlas, pero

ahora he estado en un montón de sitios y tengo más cosas sobre las que escribir”. Sus palabras se traducen en hechos al escuchar la creación de su nuevo disco, concebido durante un viaje a Estados Unidos y grabado mitad en Nueva York, mitad en la Isla de Wight. “Sabía que no quería hacer el típico álbum de cantautor sobre una ruptura sentimental”, explica. “Estaba en Nueva York y mi socio y productor David Granshaw, también estaba ahí el día de las elecciones en Estados Unidos, y hablamos de Brexit y de terrorismo, y al día siguiente condujimos hasta Nashville procesando todo lo que había ocurrido. Las canciones empezaron a salir rápidamente. No había una idea conceptual, pero todas hablan del mundo moderno, supongo. Pero para mí era importante estar en los sitios, no sólo escribir sobre ellos desde mi apartamento en Berlín”. Ryan aspira

a romper con la idea preconcebida que se tiene de los cantautores, buscando arreglos más atmosféricos. Un molde que no es fácil de romper “Es duro”, asegura. “Pero tengo la suerte de que el productor con el que trabajo, odia todo lo que suene normal o típico. Si le enseño una canción de cuatro acordes sobre que me ha dejado una chica, la tira a la basura. Tendría que ser realmente buena para que le gustara. Para nosotros el estudio es como un instrumento más. Tiene sus Memory Man, su Moog, e intentamos jugar con los sonidos”. Quizá por este enfoque original, Ryan también tiene claras sus ambiciones. “Preferiría sacarme un ojo que ser el próximo Ed Sheeran”, dice riendo, “Claro que me gustaría poder tocar en sitios más grandes, pero sinceramente en lugar de tocar cuatro noches en el estadio de Wembley, preferiría tocar en el Royal Albert Hall”.

TOUNDRA

E N B R UTO EL NUEVO DISCO DE TOUNDRA ES EL EQUILIBRIO PERFECTO ENTRE ALGO NUEVO, ALGO VIEJO Y ALGO PRESTADO: ES ROMPER CON TODO LO ANTERIOR MIENTRAS RECOGEN LO MEJOR DE SUS DISCOS PREVIOS, CON LA MIRADA HACIA DELANTE, PERO CON LA MISMA ACTITUD DE CUANDO EMPEZARON HACE MÁS DE DIEZ AÑOS. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: VALENTÍN SUÁREZ

OUNDRA HAN CERRADO UN CICLO. HAN TERMINADO EL C APÍTULO DE LOS NÚMEROS ROMANOS Y HAN

pasado página sobre las portadas con colores pastel para sacar su quinto álbum Vortex (Century Media/Inside Out Music), pero también para ser los Toundra de siempre. Este disco es un resumen de los tres anteriores en el que han buscado recuperar la esencia más en bruto de la banda después de su trabajo más complejo y de su proyecto experimental junto a Niño De Elche. De Exquirla no se han quedado con lo de tener vocalista, pero sí la forma de componer cuando tienes uno. Por eso su quinto trabajo es una contestación a las estructuras enredadas de IV a través de una sencillez compositiva con la que dan un golpe en la mesa de su discografía y pretenden empezar nueva etapa.

De Vortex ya hemos podido escuchar ‘Cobra’, el primero de los dos adelantos que saldrán antes de su lanzamiento el próximo 27 de abril. Junto a los temas, Esteban Girón (guitarra), David Macón (guitarra), Alberto Tocados (bajo) y Álex Pérez (batería) mostrarán también su lado más cómico en las semanas previas a la publicación del disco en una serie de vídeos de promoción junto a Angelus Apatrida, con quienes comparten sello además de campaña de márketing para su nuevo disco. Durante el mes de mayo y tras la salida del álbum, Toundra harán su gira más intensa por Europa hasta el momento con fechas en Francia, Países Bajos, Bélgica, Reino Unido, Alemania, Dinamarca, Hungría, Austria y Luxemburgo. Para estos conciertos, y para los posteriores que darán en España dentro de la gira de presentación, la banda está estudiando la posibilidad de alargar el setlist y la duración de los bolos, y variar la lista de canciones en los directos pensando en aquellos fans que repiten fechas durante el tour. David Macón y Álex libraron de los ensayos de los temas nuevos y de la preparación para su gira durante una tarde para sentarse en el sótano de Holy Cuervo en Madrid y desvelar algunos detalles del disco que esperan que les lleve por fin a cruzar el charco hacia Latinoamérica y también Estados Unidos, donde editan un álbum por primera vez en este 2018. Hola chicos, ¿qué tal? ¿Cómo ha ido el lanzamiento de ‘Cobra’? DAVID MACÓN “Pues muy contentos, de verdad. Pensábamos que íbamos a tener más críticas, pero a la gente le ha gustado. No ha habido

ningún hater todavía, ya llegarán”. Lo primero que me ha llamado la atención con este disco es que no se llama V, ya no hay numeración. ¿Por qué Vortex? ÁLEX PÉREZ “Lo advertimos hace

tiempo. Por una parte, empezaba a ser cansino. Por otra, era un tributo a Led Zeppelin, que también llegaron hasta el IV. Hemos decidido hacer otra cosa, y romper también con el tema del diseño que venimos trayendo en los tres últimos discos con las portadas de Chelsea Greene. Se nos ocurrió Vortex porque es el bar donde hicimos nuestro segundo concierto fuera de España y desde entonces hemos tocado allí muchas veces. Está en Siegen, Alemania, y nos tratan como si fuésemos familia, nos pareció un detalle”. DAVID “Es como nuestra casa fuera de España, siempre nos hemos senti-

do muy a gusto allí, e incluso en las giras en las que no hemos pasado por Siegen, los organizadores y la gente que trabaja allí han venido a vernos a nuestro concierto más cercano. Podemos considerarles de la familia Toundra, es como un homenaje”. ÁLEX “También porque la sala se llamaba Vortex. Si se hubiera llamado Splugën, igual no lo hubiéramos llamado así”. DAVID “Además tiene continuidad porque tiene esa uve del quinto. El nombre nos molaba, también nos gustaba la idea, y seguimos con el número sin estar con el número”. ¿Las ilustraciones de Greene también las habéis dejado a un lado para romper con todo? DAVID “Sí, queríamos cambiar por-

que llevábamos tres discos con la misma persona en el diseño”.

dos, en el que han trabajado Manu Bravo, fotógrafo de guerra, Gonzo de La Sexta, que también nos ha cedido imágenes para el vídeo, y Jorge García de Ból! Estudio, que hizo los videoclips de Exquirla”. En junio del año pasado Esteban revelaba que queríais empezar a componer el disco nuevo. ¿Cuándo habéis empezado a componer éste? Tardasteis muchísimo más en componer con los anteriores.

“NO HEMOS INVENTADO NADA, PERO SENTIMOS QUE HEMOS HECHO ALGO DISTINTO, LE HEMOS REVENTADO LOS ESQUEMAS A MUCHA GENTE Y HA SALIDO BIEN” ÁLEX PÉREZ

ÁLEX “Fran, el chico que ha hecho la

al disco. ¿Cuál sería el concepto

portada, lacabezaenlasnubes es su nombre artístico, nos había escrito al correo hacía más de un año, pero no nos había llegado su mensaje porque entró directamente en la carpeta de spam. Alberto, revisando el correo de cara a preparar el nuevo arte del disco, encontró su email en el que se ofrecía para el diseño de camisetas. Le echamos un ojo a su portfolio, nos pasó algunas cosas y nos moló mucho. Queríamos algo más sencillo, una imagen más progresiva. Cuando estábamos viendo el tema del diseño, le dije que buscábamos pocos colores y que fueran muy planos, sin tantas texturas como en los otros discos. Éste era más austero y nos gustó que fuera más diáfano y más elemental”.

de éste?

Primero grabáis los temas y luego le dais una línea argumental

ÁLEX “En este disco tampoco hemos

trabajado mucho la línea argumental, no sé si a propósito o no. IV es un disco que está hecho como concepto de álbum, tienes que escucharlo de principio a fin y todos los temas en conjunto tienen un sentido. En este disco los temas por sí mismos ya funcionan y no hace falta escucharlo entero para darle un sentido al álbum”. DAVID “A través del diseño sí que hemos enfocado el contexto. El hombre que está en las dunas de la portada sería la comparación de la vida del tuareg con la vida del músico. El tuareg viaja de día y hace su noche. Se le ocurrió a Esteban y a nosotros nos pareció bien como hilo conductor del disco”. ÁLEX “Esto derivó en el videoclip de ‘Cobra’ con la temática de los refugia-

ÁLEX “Teníamos ya cosas hechas des-

de hace tiempo, pero muy poquitas. Cuando acabamos la gira con Exquirla nos encerramos para componer, allá por julio y agosto, y el proceso han sido cinco meses”. DAVID “Como la gira con Exquirla no ha sido muy intensa, entre conciertos pudimos dejar dos temas hechos. Siempre cuestan los primeros temas, cuando empiezas a componer”. También comentabais que queríais que este álbum fuera “más

agresivo y oscuro” porque IV era más suave. Ahora que lo tenéis terminado, ¿creéis que habéis ido por esa línea? DAVID “Sí. Más que oscuro, diría

que es bonito-triste, y más enérgico. Le hemos dado más velocidad a las canciones. Con IV nos centramos más en desarrollar los temas, con intros y entrando poco a poco. Aquí muchas veces, desde el principio del tema, ya hay fuerza. Creemos que lo hemos conseguido”. ÁLEX “Este trabajo tiene un poquito de los cuatro anteriores. Es más directo, pero también tiene partes ambientales, con zonas muy pausadas y un

desarrollo largo. Creo que en IV sí tendíamos a hacer esto al principio de los temas, y aquí lo hacemos al revés: empezamos arriba, bajamos a un espacio ambiental, y terminamos arriba”. Entonces este disco es una reacción a IV. DAVID “Sí. Para Vortex, más que

introducir novedades, hemos quitado cosas. En el anterior contábamos con otros músicos que ayudaban a hacer arreglos, como Mario Zamora de Melange en el teclado, Javier Díaz Ena para meter ruiditos con el theremín en algunos temas, y las orquestas de viento y cuerdas que hay en todo disco de Toundra. Pero ahora queríamos ser sólo los cuatro y que todo lo que grabemos en álbum lo podamos hacer en el directo”.

no hay muchos grupos que tengan ese rollo. Musicalmente estamos muy contentos”. ÁLEX “No hemos inventado nada, pero sentimos que hemos hecho algo distinto, le hemos reventado los esquemas a mucha gente y ha salido bien. A la gente le ha gustado, hemos dado conciertos y se han llenado absolutamente todos. Y como decíamos, estamos haciendo lo mismo desde que sacamos el primer disco: instrumentalmente es más plano, pero no hemos cambiado estilísticamente, sólo es música más sencilla. Si te coges las pistas instrumentales de Exquirla, verás que suena a Toundra”.

bién habéis tenido el proyecto de Exquirla. ¿En qué os ha influido para éste? ÁLEX “Exquirla fue liberador para componer porque estamos acostumbrados a hacer temas muy complicados. Cuando no tienes una voz tienes que hacer una música más entretenida y con más cambios, pero con Exquirla todo era supersencillo, dejábamos que Paco se explayase con la voz. Eso nos ha dado un poco de aire a la hora de componer con Toundra, y quizás también ha influido en la idea de hacer algo más crudo, de volver a transmitir la rabia del directo y no hacer temas con tantos ambientes”. DAVID “Fue querer hacer algo distinto a Toundra. Nosotros sí que seguíamos tocando de la misma manera, pero la forma de enfocar los temas era diferente. Hemos hecho algo que no se hace,

O sea, que Niño De Elche no recogía, ¿no? ÁLEX “¡Uy! Eso es tan de clase media…”. Eso era respecto al tema instrumental, pero vosotros, ¿en qué momento diríais que os encontráis ahora mismo? ÁLEX “Para mí, siempre que saca-

Hablando de lo instrumental, ¿cómo veis actualmente la escena en España? ÁLEX “Creo que ha crecido bastante.

Entre uno y otro trabajo, tam-

post rock, el post metal o el ‘post algo’. Y en los últimos diez años ha subido todo bastante”. DAVID “Es que los cantantes nunca recogen el equipo, entonces sobran en los grupos. Ocupan espacio y no ayudan a recoger. Comprobado”.

Nuestro crecimiento ha ido de la mano del de otros grupos como Jardín De La Croix, Exxasens o El Páramo. Pero no considero lo instrumental un género, porque dentro de ello puedes hacer lo que te dé la gana. Pero sí que se dan a conocer muchos grupos instrumentales cuando hace diez años ni te plantearías tocar en tantos festivales y llegar a tanta gente sin un cantante”. DAVID “Se está abriendo mucho al público, la gente deja de preguntarte por qué no tienes cantante, y ya está aceptado que haya bandas instrumentales. Aunque somos un grupo instrumental que escucha muy pocos grupos instrumentales”. ÁLEX “A mí me parece muy curioso porque nadie de los que estamos ahora hemos inventado nada, siempre ha habido música instrumental. Pero parece que de repente ha habido un boom con los grupos que tiran más hacia el

mos un disco nuevo, es como lo top. Siempre es mejor que el disco anterior, siempre hemos tenido la suerte que va de la mano con el crecimiento que tenemos: con cada disco nuevo ganamos más fans, más ofertas para ir a tocar y nos hacen más entrevistas. Además de crecer en el número de discos, crecemos en todo lo demás. Desde que estoy en Toundra no recuerdo un momento en el que hayamos bajado, todo ha sido de subida. Nosotros no tenemos una expectativa muy clara sobre la venta de discos, el número de conciertos o los miles de euros del caché, vamos a pasarlo bien, a tocar lo máximo posible, y si ganamos algo de dinero, mejor, pero no es el objetivo”. Con tanto crecimiento, ¿volveréis a tocar en el Palacio de los Deportes, el WiZink Center? DAVID “Por ahora no. Fue demasia-

do estresante”. ÁLEX “Pero fue la hostia, eso sí, y

también inolvidable”.

“DESDE QUE ESTOY EN TOUNDRA NO RECUERDO UN MOMENTO EN EL QUE HAYAMOS BAJADO, TODO HA SIDO DE SUBIDA” ÁLEX PÉREZ

DAVID “Fue precioso si lo miras con

el paso del tiempo, hacia atrás. Pero en el momento fue muy estresante. Tenías que llenar un sitio tan grande para un estilo de música tan pequeño… no es un estilo de música para llenar el Palacio. Fue un reto que queríamos hacer, nos salió de puta madre y fue muy emocionante. ¿Querríamos hacerlo? No nos importaría repetir, pero de primeras, ahora no”. ¿Por qué os fue tan estresante? DAVID “Porque todo fue autoges-

tionado. No había un promotor que nos dijera qué hacer. Nosotros nos plantamos y decidimos tocar allí, y tuvimos que alquilar el espacio, alquilar el escenario, las luces, la pantalla de LEDs…”. ÁLEX “Organizar la orquesta y los ensayos con ellos, traer a los grupos y pagarlos…”. DAVID “Poner una ambulancia fuera, policía. Teníamos que organizarlo todo, con un presupuesto muy alto, claro, pero que no sabíamos si cubriría todo o no”. ÁLEX “A mí me hace mucha gracia que mucha gente se quejó por el

precio de la entrada diciendo que nos queríamos hacer ricos, pero palmamos dinero en ese concierto. La entrada costaba entre 20 y 25 euros, y normalmente, nuestras anticipadas cuestan 15”. DAVID “Nosotros siempre hemos mirado mucho por eso, no queremos cobrar más de ese precio e incluso nos ha llevado a tener problemas con los promotores por no querer subir de precio”. ÁLEX “Pero en general la respuesta fue buena. Nos gustaría repetirlo, pero que lo monte otro”.

Decís que haréis la gira en fines de semana. Hace años comentabais también en entrevistas que habíais pedido vacaciones para hacer las promos durante esos días. ¿Hoy también habéis pedido libre? ÁLEX “Hoy ha habido escaqueo del

trabajo. Nos hemos repartido entre los cuatro la mañana y la tarde”. ¿Y os resulta difícil saber que habéis estado en las listas de lo más vendido de Promusicae, y aun así tenéis que seguir currando de otra cosa que no sea

¿Tenéis ya fechas para la gira?

la música?

DAVID “Sí, tenemos la gira europea,

ÁLEX “Es que está barato entrar en

y estamos ya cerrando fechas para septiembre, octubre y noviembre en España los fines de semana. Y es muy guay porque muchas serán ciudades donde no se ha tocado con el disco anterior. Todavía no tenemos planeada la presentación de Madrid, pero siempre que hemos tocado aquí ha sido un jueves o coincidía con algo. Esta vez queremos tocar un sábado, también para la gente de los alrededores de Madrid”.

esas listas. Con lo que vendes no te da para vivir. Si viviésemos de la música, sería por los conciertos, pero hay que tocar mucho para eso”. DAVID “Mucha gente nos lo pregunta, y tenemos que decir que no. Todavía necesitamos algo más”.

DASHBOARD CONFESSIONAL

EL CLUB DE LOS CORAZONES SOLITARIOS EL OTRORA HÉROE DEL EMO REGRESA OCHO AÑOS DESPUÉS CON CROOKED SHADOWS, UN DISCO EN EL QUE INTENTA UNIR SUS PRINCIPIOS DE SIEMPRE CON NUEVOS TRUCOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

HRIS C ARRABBA , EL CEREBRO Y CORAZÓN DETRÁS DE

Dashboard Confessional, se convirtió en el paradigma de artista emo en la pasada década. Lo tenía todo para triunfar: era un chico joven, guapo, con cara de no haber roto nunca un plato, pero tatuado hasta arriba y que, armado con una guitarra acústica, relataba con pelos y señales los traumas por los que cualquiera pasa después de una ruptura sentimental. Naturalmente, cientos de miles de adolescentes se sintieron atraídos por sus canciones y en poco tiempo sus vídeos se convirtieron en habituales en la MTV y llegaba a componer el tema central de la supertaquillera Spiderman 2. Aunque Carrabba no ha vuelto a tener un éxito como el que vivió con sus primeros discos (A Mark, A Mission, A Brand, A Scar en 2003 y Dusk And Summer en 2006 alcanzaron el número 2 en las listas americanas), ese empuje inicial le ha permitido desarrollar su carrera con mucha libertad. Después de publicar After The Ending en 2009, Carrabba puso a Dashboard en la nevera y empezó un proyecto de country folk llamado Twin Forks. Posteriormente, en 2012 se reuniría con los compañeros de su primera banda Further Seems Forever para grabar un nuevo álbum y en los últimos años compondría canciones para otra gente. Y quién sabe si por la reivindicación de artistas más jóvenes como nothing.nowhere o Julien Baker, Carrabba ha vuelto a sentirse inspirado ocho años después para reaparecer con un nuevo disco, Crooked Shadows (Fueled By Ramen), en el que, en cierto modo, actualiza su sonido. Pero al otro lado del teléfono, pese a tener ya 42 años, Carrabba

transmite la misma timidez y sinceridad de siempre.

idea de Dashboard?

que me llevó un tiempo decidir hacerlo. Pero una vez lo tuve claro, las canciones llegaron rápidamente. Reuní al grupo para salir de gira, pero todavía no me veía escribiendo nuevas canciones. Tuvo que pasar otro año para eso, pero una vez escribí la primera, el resto vino solo”.

“Me llevó cierto tiempo, pero la realidad es que estaba escribiendo sobre experiencias personales. Los dos primeros discos salieron con apenas tres meses de diferencia, así que seguía inmerso en la misma situación. Los dos procedían del mismo lugar. Creo que sigo escribiendo sobre relaciones, sean relaciones románticas o de amistad, pero también sobre cuestiones más políticas, porque al final acabas internalizando el clima político y eso te hace reaccionar de una determinada manera también a nivel emocional”.

Así que tienes claro cuándo una

Hace poco escuché tu segundo

canción encaja en el universo

disco The Places You Have Come

¿Qué te motivó a hacer un nuevo disco como Dashboard Confessional ocho años después? CHRIS CARRABBA “La verdad es

de Dashboard o es para otro

To Fear The Most y todavía me

proyecto.

sigue resultando un disco muy

“Pues sí. No sabría definirlo, pero para mí es muy fácil distinguir cuándo una canción encaja en Dashboard y cuándo no”.

vivo y vigente. ¿Cuál es tu rela-

¿Cuál es para ti la esencia de una canción de Dashboard, entonces? Porque en Crooked

Shadows te has abierto a otros

ción con esas canciones? ¿Te sigues identificando con ellas?

“Para mí todas esas canciones también siguen vigentes porque las seguimos tocando con frecuencia. Se van reinterpretando delante del público y siguen formando parte de mi realidad, porque despiertan un sentimiento muy intenso”.

sonidos y texturas.

“Buff… Supongo que en Dashboard escribo de cosas sobre las que tengo fuertes convicciones. Es la manera más simple de decirlo. No es que cuando escribo para Twin Forks o para otra gente no lo haga convencido, pero hay un sentimiento específico, una cierta energía que sólo siento con Dashboard, una urgencia”. Cuando empezaste Dashboard, las canciones giraban en torno al amor, las relaciones, las rupturas… ¿Te llevó tiempo ver que podías escribir sobre otras cosas y que siguiera encajando en tu

También supongo que, aunque puedas madurar con los años, hay ciertos sentimientos de inseguridad o rabia que siempre vuelven cuando pasas por una ruptura.

“Creo que las rupturas, o las relaciones en sí, incluso cuando son buenas y duran tiempo, son difíciles de manejar. Cuando estás lidiando con el sentimiento de pérdida después de una ruptura es fácil sentirse muy aislado, pero es algo por lo que todos hemos pasado o pasaremos. Es extraño porque todos compartimos eso, pero todos nos sentimos solos cuando pasa29

mos por ello. Y creo que por eso sale música tan bonita de un proceso así, porque une un sentimiento muy primario que todos compartimos”. ¿Cuál es en tu opinión el mejor disco sobre rupturas o al que siempre acudes para consolarte?

“Oh, tío… Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me de The Cure. O quizá Wish de The Cure. Sé que se hizo famoso por una canción muy alegre como ‘Friday I’m In Love’, pero el resto es un auténtico destrozo emocional (risas). Un destrozo muy hermoso”.

de capturar el momento. No busco la perfección, sino capturar ese momento más puro. Mis compañeros de grupo son súper rápidos aprendiendo. Les lanzo una canción y la captan enseguida, y podemos grabarla. En alguna ocasión yo tengo una visión global y les doy directrices de lo que tiene que hacer la batería, por ejemplo, pero cada vez es menos frecuente. Ya conocen los atajos y nos comunicamos muy bien. Creo que, más que nunca, la actual formación comprende el substrato emocional de mis temas. Creo que saben que su trabajo es transportar musicalmente esa emoción”.

En Crooked Shadows encontramos un tema como ‘Belong’, con

Háblame un poco de las colabo-

bases programadas por Cash

raciones en este disco. ¿Las te-

Cash, que suena bastante distinto

nías claras desde un principio?

a lo que es habitual en ti. ¿Es una

“Las colaboraciones siempre salen de manera distinta. Por ejemplo, conocí a los tíos de Cash Cash hace más una década y nos caímos muy bien y ya entonces hablamos de colaborar. Cuando escribí ‘Belong’ pensé en ellos inmediatamente. La colaboración fue muy rápida y fácil. En el caso de Lindsey (Stirling), la canción ya estaba terminada y pensamos que necesitaba un arreglo de cuerda. Y en ese momento, Lindsey le había comentado a un amigo común que era fan mía. Así que la llamé, creo que estaba en Brasil o algo así, y hablamos durante unas horas. En un par de días me mandó un arreglo de lo más bonito. En cuanto a Chrissy (Costanza), yo soy fan de Against The Current y ella de Dashboard. No habíamos planeado colaborar, pero en la canción ‘Just What You Say’, originalmente yo había grabado todas las armonías más agudas, y como en cada disco de Dashboard hemos tenido a una cantante invitada, pensé

cuestión de seguridad en ti mismo, ganas de experimentar…?

“Me siento seguro, así que no pienso en si me siento seguro (risas). Cuando hice este disco me planteé, ‘¿Cómo hubiera sonado mi primer disco, aun teniendo las mismas intenciones que cuando empecé, pero teniendo los conocimientos musicales que he adquirido desde entonces?’. Ése fue el enfoque para Crooked Shadows”. ¿Qué influencia tiene tu banda en lo que haces? Porque Dashboard empezó como un proyecto tuyo y tú sigues escribiendo las canciones, pero algo tendrán que decir, ¿no?

“La influencia de la banda es increíble y ayuda a darle forma a las canciones. La manera que tenemos de grabar y de tocar es muy especial. Siempre intento grabar una canción el mismo día que la escribo. Me gusta la idea

en quién podría cantar esas partes. El caso es que tocamos en Nashville y vinieron un montón de amigos, y uno de ellos vino con Chrissy. Así que le pregunté si al día siguiente estaría en la ciudad y si le gustaría cantar en el disco, fue así de fácil. Así que muchas veces las colaboraciones salen de manera totalmente espontánea, sin que haya un gran plan detrás”. ¿Fue igual de casual tu colaboración con nothing.nowhere en su tema ‘Hope’s Up’?

“Sí, lo fue. Su sello le preguntó con quién le gustaría colaborar si pudiera elegir, y me mencionó a mí. Y era el mismo sello con el que estábamos negociando para fichar. Así que fue una coincidencia. Primero hablamos por email y luego por teléfono. Joe (Mulherin) de nothing.nowhere es un joven increíblemente inteligente. Me impresionó lo listo que es y creo que sus canciones reflejan esa profundidad. Me mandó la canción, y como tengo un estudio en mi sótano, la grabé enseguida. Como te digo, me gusta ser espontáneo y divertirme. Si estás abierto a tomar riesgos y no lo analizas todo como una estrategia, es mucho más probable que salga algo bueno. Las cosas divertidas pueden convertirse en cosas importantes”. ¿Te sorprende que gustes a gente de estilos tan diferentes? Hace poco veía un artículo con artistas de country, incluso a Taylor Swift, escogiendo sus canciones favoritas tuyas.

“Siempre me ha sorprendido que le guste a alguien (risas). Nunca esperé tener una carrera y ganarme la vida haciendo canciones. Nunca lo esperé.

Pero la historia es que yo crecí escuchando muchos estilos diferentes y eso es lo que creó el sonido de Dashboard. Mis letras tienen mucho que ver con las horas que pasé escuchando hip hop. Pero para mí son igual de importantes Nine Inch Nails o los Beatles, o los Beach Boys o Metallica... Al final, nada me va a sorprender más que cuando empecé y vi que le gustaba a los fans del hardcore (risas). Eso es lo que menos me esperaba, pero fue la escena hardcore la primera en apoyarme”.

“SIEMPRE INTENTO GRABAR UNA CANCIÓN EL MISMO DÍA QUE LA ESCRIBO. ME GUSTA LA IDEA DE CAPTURAR EL MOMENTO. NO BUSCO LA PERFECCIÓN, SINO CAPTURAR ESE MOMENTO MÁS PURO” CHRIS CARRABBA

De todos modos, tampoco fue algo inmediato…

“Sí, no te voy a negar que al principio fue duro, pero lo único que conocía era la escena hardcore y punk, así que tocaba en ese tipo de conciertos. Toqué con Snapcase, con H2O, con Face To Face… pero al final de cada noche acababa vendiendo bastantes discos. Recuerdo que cuando H2O se me llevaron de gira, parte de su público no fue muy receptivo. Salía yo solo con la guitarra y me tiraban monedas. Recuerdo una noche en la que me tiraron un montón y yo estaba bastante desmoralizado, y Toby Morse, Dios le bendiga, me dijo que lo que tenía que hacer era salir y recoger todas las monedas porque me las había ganado (risas). Y luego se puso una camiseta de Dashboard y, cuando salió a tocar, les echó la bronca a sus propios fans. Les dijo por qué creía en mí y al final de esa noche acabé vendiendo un montón de camisetas (risas)”. Hace unos años hiciste una gira con Third Eye Blind, y me sorprendió porque se vendió como una gira nostálgica, algo que no

va contigo. ¿Cómo fue la expe-

tiempo, así que el público iba a

riencia para ti?

acudir para escuchar vuestras

“Pues no sé. Nos habíamos tomado un largo descanso y fue la primera gira que hacíamos en mucho tiempo. No sé si realmente se vendió como algo nostálgico. No creo que ésa fuera la intención. No digo que tu percepción sea equivocada, pero nosotros no la vimos así. A mí me gustan mucho Third Eye Blind, así que pensé que sería divertido. Y cuando compartes una gira con otra banda de nivel, lo que quieres es llegar a su público, que quizá nunca te haya escuchado, así que pensé que sería una buena oportunidad. Era en verano, así que todo fue muy agradable. Creo que fue una buena manera de relanzar nuestra banda. Si te soy sincero, a mí también me sorprendió cuando nos lo propusieron, pero me gustan esas cosas que se salen de lo normal”.

viejas canciones.

“En eso tienes razón, pero tendrías que preguntárselo a los fans. Desde luego yo lo sentí como algo muy presente”. Es de locos pensar que nunca habéis tocado en España. ¿Hay algún motivo?

“Sí, es de locos. Nunca hemos tenido un buen apoyo a nivel internacional. Ni cuando estábamos en un sello independiente, ni cuando fichamos para una multi. Todavía no sé por qué el sello en España nunca nos ha promocionado. Pero creo que eso va a cambiar con este disco. Creo que esta vez podría ser una buena ocasión. La verdad es que para nosotros sería una oportunidad para volver a tocar en sitios pequeños y conectar con un nuevo público”.

Lo de nostalgia lo decía porque ni ellos ni vosotros habíais editado un nuevo disco en bastante

PENNYWISE

CÍRCULO COMPLETO

CON LA ‘NUEVA VIEJA’ FORMACIÓN CONSOLIDADA TOTALMENTE, PENNYWISE SE HAN ANIMADO A GRABAR UN DISCO CON NUEVOS TEMAS POR PRIMERA VEZ EN DIEZ AÑOS. COMO SU TÍTULO NEVER GONNA DIE INDICA, LOS CALIFORNIANOS SE SIENTEN LLENOS DE VIDA. TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: DR

ENNYWISE NO SÓLO CREARON MUCHOS DE LOS HIMNOS PUNK ROCK QUE ESCUCHÁBAMOS EN EL

instituto, sino que posiblemente hayan estado también muy presentes en nuestra etapa universitaria o incluso laboral. La escena californiana punk rock no se entendería sin ellos y no importa si sigues metido en ella o si sólo formaste parte durante algún tiempo: esta banda tiene asegurado un lugar en tu cabeza y en tu estantería de discos. Cantaban sobre la lucha por tus derechos y criticaban la sociedad

antes de que estuviera de moda. Nos hicieron sentir parte de algo que continúa existiendo hoy en día y pensar que merecía la pena reivindicar lo importante y no dejarse pisar. La vuelta del vocalista Jim Lindberg en 2012 alegró a muchos y les sirvió para continuar con las pilas puestas girando por todo el mundo. Si bien ya con él lanzaron Yesterdays un par de años más tarde, un disco que contenía composiciones inéditas que habían quedado fuera de sus anteriores trabajos, Never Gonna Die (Epitaph), que se editará el próximo 20 de abril, significa la primera oportunidad de escuchar si creativamente

“TE PUEDE ATROPELLAR UN AUTOBÚS ESTA TARDE Y QUE TODO ACABE; ES MEJOR VIVIR RIENDO Y HACIENDO REÍR TANTO COMO PUEDAS, ÉSE ES EL CONSEJO QUE ME DOY CADA DÍA” FLETCHER DRAGGE se siguen entendiendo. Y después de haberlo escuchado, os aseguro que sí. Ahora mismo se encuentran de nuevo en la carretera (el 28 de junio estarán en el festival Download Madrid), pero su guitarrista Fletcher Dragge nos concedió unos minutos para hablar de música, política y, cómo no, de pasarlo bien. Buenos días Fletcher, gracias por dedicarnos un rato, sé que estáis ahora de gira, ¿cómo va? ¿Qué tal está el grupo? FLETCHER DRAGGE “Hola, sí, exac-

to, nos encontramos ahora mismo en Canadá. Este tour está empezando muy bien. Terminaremos aquí en más o menos una semana y volveremos a casa. Después nos toca Japón un par de días, Tokio, y vuelta a casa de nuevo, así que sí, vamos a estar bastante ocupados este par de próximos meses”.

“¡Es muy difícil! Quiero decir, algunas canciones son realmente difíciles de tocar, ya sabes, las que escribimos hace veinte años, rápidas, energéticas, y a veces tenemos que dejarlas fuera porque si tocamos alguna de esas durante diez días seguidos vamos a terminar afónicos o con cualquier otra dolencia. Eso es algo que siempre tenemos en cuenta porque tienes que salir y tocar tres semanas y tienes que poder llegar hasta el final... Y, no sé, sobre todo tocamos canciones que han tenido videoclip o que han sonado en la radio... Intentamos elegir unas 15 canciones más conocidas y añadimos otras cinco más que quizá no son las más famosas pero que la gente aprecia. Intentamos hacerlos siempre un poco distintos, aunque hay algunas fijas como ‘Society’ o ‘Fuck Authority’, ¡ésas seguro que las escuchas en el concierto!”.

Jason Thirsk (su bajista que se

suicidó en 1996 -ndr.). ¿Qué tal os ha sentado volver allí?

“Bueno, realmente nunca dejamos ese espacio, lo hemos usado a veces para ensayar, para escribir canciones... es un lugar muy pequeño, como un garaje de coche, en Hermosa Beach. No sé, a veces es una pasada porque sientes la energía de Jason y es como si aún estuviera aquí cerca. Para algunos puede ser triste, pero la verdad es que sentimos una conexión, para mí es espiritual... es genial en ese sentido”. ¡Claro que no es triste! Entiendo perfectamente lo que comentas...

“Sí, algunos días puedes acabar un poco de bajón cuando te vienen todos los recuerdos, pero la mayoría del tiempo es algo súper reconfortante”. También es el primero que sacáis con canciones nuevas desde la

¡Y no me extraña! Hablemos

vuelta de Jim Lindberg. ¿Cómo

Ya que mencionas los conciertos,

de vuestro nuevo álbum, Never

ha ido?

¿cómo lo hacéis para elegir un

Gonna Die. Hasta donde sé, lo

setlist? Después de doce álbumes

habéis creado en el mismo lugar

no debe ser fácil...

en el que solíais componer con

“Ha ido mejor que bien. Cuando sacamos Yesterdays eran canciones antiguas que recuperamos y que nunca

habían sido grabadas, pero componer un álbum como éste tiene mucho trabajo detrás. Es difícil, porque todo el mundo tiene una opinión diferente sobre lo que quiere y a veces hay que pelear un poco porque todos participamos (risas). Siempre es difícil sacar un disco en Pennywise y por eso me siento tan bien con éste. Siento que realmente es un disco old school de Pennywise, muy rápido, con un par de canciones un poco más distintas y muy frescas... Sí, nos ha llevado un tiempo y ha sido complicado, pero estoy muy orgulloso de este álbum”. He tenido la oportunidad de escucharlo y desde luego es rápido y está repleto de himnos. Y las letras, veo que continúan en vuestra línea de llevar a autoexamen esta sociedad... Es curioso, porque si cogemos alguna de vuestras canciones de hace veinte años como la ‘Society’ mismo que mencionabas, pueden refle-

lo representa porque no se ganó el voto del pueblo; la política en Estados Unidos está jodida, ambos partidos tienen mucha sangre en sus manos y necesitamos un nuevo tipo de líder, alguien a quien le importen todas las personas. No sé cómo de cerca estamos de que eso ocurra, pero esperemos que pase. Y sí, escribí esas canciones como ‘Society’ hablando de la realidad de entonces y espero que la gente que la escuche de aquí a diez años o que escuchen Never Gonna Die sientan que las canciones son menos relevantes porque algo ha cambiado. Hay demasiado poder, demasiada corrupción, avaricia... ¡Y mucho dinero! Y sólo se preocupan por él, creen que hace de este mundo un lugar mejor y es todo lo contrario, lo hace un lugar horrible. Por nuestra parte vamos a seguir escribiendo canciones, haciéndonos oír, alzando la voz con nuestro ‘ejército Pennywise’ hasta que cambiemos este mundo, pero para mejor”.

jar perfectamente la sociedad de hoy en día, ¿no crees? ¿Qué

Sí, es como si fuéramos hacia

pasa, estamos en el mismo sitio?

atrás, cero progreso. ¿Quizá

¿No hemos avanzado nada?

sea esto lo que os motiva a se-

“Sí, exacto, eso mismo pienso, estamos incluso peor. ¿Sabes? Creo que hemos estado luchando por el cambio, hemos intentado hacer del mundo un lugar mejor, muchas bandas de punk rock tratamos estos temas en nuestras canciones, los problemas que hay en el mundo... y coges una canción que escribiste hace veinte años y te encuentras con los mismos putos problemas. Estados Unidos está en uno de sus peores momentos con Donald Trump como líder. Está cometiendo errores muy graves y sinceramente, no creo que eso represente a la mayoría del país. De hecho, no, no

guir componiendo, escribiendo

pasando ahí fuera. Al vivir en Estados Unidos todo lo que oímos diariamente es sobre problemas americanos y política de aquí, y sí, nos motiva mucho a sacar álbumes porque estamos en una banda y no queremos escribir sobre beber cerveza o meterse coca, queremos hacer canciones que cambien cosas, que traigan paz y armonía al mundo y que paren esta mierda de corporaciones avariciosas y con poder infinito a quienes no les importan las personas, les importa tener cada vez más, así que sí, es fácil motivarse viendo cómo está la sociedad hoy en día”. E imagino que también fue esto lo que os animó un poco a empezar, bueno, esto y pasarlo bien, como tú decías...

“Sí, al principio era la excusa perfecta para montar fiestas, las letras tocaban temas políticos, pero de refilón. Crecimos en el punk rock, con letras sobre sacarle el mayor partido a los días, hacer las reglas tú y no seguir las de los demás, cosas así. Cuanta más corrupción había y veíamos cómo el mundo se convertía en esto, más políticos nos volvíamos nosotros”.

canciones, girando y sobre todo

Exacto, y hay que continuar en

luchando?

movimiento y seguir luchando.

“Sí, claro, así es. Cuando empezamos con esto era más por nosotros, básicamente centrados en vivir bien y ser una mejor persona, intentar superar los momentos complicados... nos hicimos más políticos a medida que crecíamos y nos involucramos mucho más. Éramos sólo críos bebiendo cerveza en el jardín de atrás y tocando, tratábamos temas que no nos afectaban, viajando de gira, viendo países nuevos, y eso en realidad nos hizo darnos cuenta de otras realidades, ver lo que estaba

“Sí, rotundamente. Siempre”. Y que lo digas. Vais a hacer ya 30 años como banda, y algunas de las bandas con las que empezasteis ya no están. ¿Os seguís sintiendo como en casa cuando tocáis en festivales o se os hace raro? ¿Echáis de menos aquella escena?

“Siempre nos sentimos bien, tenemos los mejores fans del mundo, súper leales. Estamos ahora mismo en Ca35

“CUANTA MÁS CORRUPCIÓN HABÍA Y VEÍAMOS CÓMO EL MUNDO SE CONVERTÍA EN ESTO, MÁS POLÍTICOS NOS VOLVÍAMOS NOSOTROS” FLETCHER DRAGGE

es como si aún tuviera 25 años. Me miro en el espejo y pienso: ‘Mierda, me estoy haciendo viejo’, y me duele el cuerpo, estoy hecho pedazos, pero mi espíritu es aún joven y cuando sales a tocar y continúas así, es una forma de mantenerte joven. Todavía nos vamos de fiesta hasta tarde con colegas cada noche cuando estamos de gira y bebemos antes ¡y después! de cada concierto. Si algo tiene esta escena es que no creces, claro que maduras, pero a la vez te permite no preocuparte por la edad. Y lo bueno es que te rodeas de gente más joven, más mayor, de tu misma edad... y todos tenéis una cosa en común, y es la música, así que es fácil sentirse a gusto y no pensar en si tienes 40 ó 45 años, simplemente coexistes y disfrutas”. Y si pudieras mirar atrás, ¿hay algún consejo que te darías a tu

nadá y vendrán 2.000 personas a nuestro concierto, ¡es una locura! Es mucha gente. Aprecian nuestra música, nuestras letras, nos entienden, son de todas las edades, y sienten lo que cantamos. Es muy potente sentir esa conexión con ellos. No importa si estamos tocando con Rihanna o con Metallica, porque la gente que ha venido está ahí por Pennywise y no importa si es en un festival delante de 15.000 personas o en una sala pequeña delante de 500. Para nosotros se trata de tocar para nuestros fans que están ahí y quieren escucharnos”. Yo misma no sólo he crecido con vuestros discos, sino que me he hecho adulta con ellos...

“(Risas) Eso es genial. Y a lo mejor un día le enseñas a tu hija o hijo

nuestros discos...”. ¡Por supuesto! Y espero que sigáis ahí haciendo ruido.

“¡Y tanto! Nos lo estamos pasando demasiado bien, no entra en nuestros planes irnos a ninguna parte”. ¡Eso quería escuchar! Y hablando también de las bandas con las que compartís escenario, muchos de los componentes tienen incluso menos años que Pennywise, ¿cómo veis eso? ¿Cómo valoráis la nueva escena?

“Bueno, a mí me gusta todo tipo de música. Puedo ir a ver a Bring Me The Horizon y que me guste mucho The Interrumpters y pensar la gran banda que son, que por cierto son muy buenos, estoy muy orgulloso de ellos, pero no siento que haya crecido,

yo de hace 25 ó 30 años?

“Ufff, seguramente un montón de consejos, no sé cuál sería el más importante... Seguramente comer menos hot dogs y pizzas y más verduras (risas), y así estar más sano y que me doliesen menos las rodillas y la espalda, porque me duelen muchísimo, pero, ya sabes, la vida es un viaje y puedes mirar atrás y arrepentirte de cosas que hiciste o no hiciste, haber elegido otro trabajo que te hubiese dado más dinero, pero creo que así no se puede vivir. Hay que vivir con lo que tú has creado, así que para mí hay que intentar vivir cada día al máximo, como si fuera el último. Tienes que ver que mañana todo puede terminar, así que aprovecha todo lo que puedas hoy. No puedes vivir en el pasado y no existe el futuro, hay que vivir el ahora, este preciso momento, y eso es lo im-

portante. Te puede atropellar un autobús esta tarde y que todo acabe; es mejor vivir riendo y haciendo reír tanto como puedas, ése es el consejo que me doy cada día. Claro que habría pequeñas cosas que cambiaría, pero en general es una muy buena vida”.

tiempo en esto. Parece que das por sentado todo esto, pero no, piensas en los fans y en el apoyo y puede que hayamos cambiado vidas con nuestras letras y actitud. Nos lo ha contado la gente, y eso es muchísima responsabilidad”.

Buen consejo, la verdad, vivir

Es genial ver que Pennywise es

riendo. ¿Os imaginabais llegar

aún un grupo de amigos divir-

tan lejos?

tiéndose y que vuestros fans son

“No. Simplemente vino. El punk rock no era popular cuando nosotros empezamos, lo hacíamos por las risas y por la fiesta, poder salir de gira algún día y ver otras ciudades, pero no se nos pasaba por la cabeza poder ir a España o a Sudamérica, Europa, Tokio, Canadá... todo está siendo un sueño muy loco hecho realidad de aventuras, amigos, viajes, comidas nuevas... somos muy, muy afortunados de poder vivir esto y ver el mundo tocando punk rock y bebiendo cerveza. ¡Es lo mejor!”.

más que eso, son una familia.

Vaya si lo es... Y no sé si sois conscientes de lo que habéis

“Sí, queremos que se sientan parte, no somos rockstars, somos sólo unos tíos tocando música y ellos son como hermanos para nosotros. Al fin y al cabo, somos personas normales con las que sentarse a beber una cerveza, por eso nos gusta que se vean capaces de venir y saludar. Nosotros no hemos hecho nada, son ellos, los fans, los que han dicho ‘eh, apreciamos lo que hacéis y me quiero unir’, y eso es lo más poderoso de todo, por eso lo llamamos ‘The Pennywise Army’, es un grupo de gente que piensa lo mismo que nosotros y está dispuesta a cambiar el mundo”.

creado junto a bandas como

en Estados Unidos un montón de críos protestando por la presencia de las armas y parece que a los adultos les da igual lo que piensen los jóvenes porque ellos no hacen las reglas, pero es completamente lo contrario, los adultos son avariciosos y asquerosos y sólo quieren hacer dinero de las armas y de las muertes, es la juventud la que ha dicho basta, la que quiere escribir otro futuro. Y esos son los fans de Pennywise, pues siempre hemos tenido un mensaje muy claro sobre las armas y su uso. El punk rock, y puede que también el hip hop gángster, trata temas de verdad, de la calle, de hacer cambios relevantes. Para mí son los únicos géneros de música remando en esa dirección, cierto es que las bandas de metal se están metiendo un poco también con temas políticos, pero esto es lo importante, libertad e igualdad, y la lucha por un mundo mejor”. Sí, el punk rock es revolución, y tenemos que hacerla porque es nuestro futuro, tenemos que luchar por él.

“Efectivamente”.

Black Flag o Minor Threat. Esto

¿Y les ves con las mismas ganas

que habéis hecho, con lo que

de luchar por lo que quieren?

Bueno Fletcher, ¿quieres aprove-

tantos hemos crecido...

“Sí, totalmente. 100%. Cuando era un chaval e iba a los conciertos de Black Flag estaba muy cabreado con el gobierno y con la sociedad y me sentía parte de algo, parte de una lucha, de una protesta, y veo a los fans de Pennywise ahora y son parte de la misma lucha, quieren hacerse oír, quieren formar parte del cambio y quieren hablar de ello a amigos, padres, profesores... Al final se reduce a lo dicho, tratar de hacer un mundo mejor con libertad e igualdad para todos. Y cuanta más gente mejor. Ahora mismo tenemos

char para añadir algo más?

“Lo soy a veces, sólo a veces. Mira, justo el otro día escribí un email al resto de la banda porque vi en YouTube a un chico que versionaba ‘Unknown Road’ y tocaba la batería, la guitarra, el bajo, y además cantaba, y era prácticamente perfecto, y pensaba e incluso le decía a los demás: ‘Tíos, ¿os habéis dado cuenta de lo que hemos creado aquí?’. Posiblemente hemos cambiado cientos de miles de vidas y es todo un honor que nuestros fans hagan cosas así, que inviertan su

“Que tenemos muchas ganas de que todo el mundo pueda escuchar este álbum, esperamos haber hecho un buen trabajo y haber ayudado a los niños y adultos del futuro a cambiar las cosas. Tenemos muchas ganas de continuar con la gira, bebiendo cerveza y de fiesta con nuestros fans. Nos vemos en verano”.

TENPEL MORGAN

LOS PIES EN LA

TIERRA

CASI SIN PROPONÉRSELO, MORGAN VIERON CÓMO SU PRIMER DISCO LES LLEVABA MÁS LEJOS DE LO QUE NADIE HUBIERA IMAGINADO PARA UN GRUPO DE SUS CARACTERÍSTICAS EN NUESTRO PAÍS. Y AUNQUE SU CONTINUACIÓN APUNTA TODAVÍA MÁS ALTO, ELLOS PREFIEREN SEGUIR HONDEANDO LA BANDERA DE LA HUMILDAD Y EL TRABAJO BIEN HECHO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

N UN PAÍS DONDE LA MÚSICA PREFABRICADA TRIUNFA ENTRE LAS

grandes audiencias y suele ser tratada como un producto de usar y tirar, de vez en cuando, y aunque no sea todas

las veces que debería, ocurren pequeños milagros que a uno le alegran la existencia y le hacen ver un pequeño agujero por el que se cuela un halo de esperanza. Como que por ejemplo una formación debutante, que se autoedita

su ópera prima, cantando en inglés y practicando un estilo tan alejado de cualquier moda pasajera de quita y pon, pueda llegar a triunfar de una manera natural siendo valorada sencillamente por lo que es. Ese pequeño milagro se llama Morgan. Pero mucho antes de que se convirtiesen en una de las grandes sensaciones surgidas de la escena nacional, Morgan era un secreto que nadie conocía. El punto de partida hay que buscarlo allá por 2012, cuando Carolina de Juan ‘Nina’ (voz, piano) le presentó a Paco López (guitarra) y Ekain Elorza (batería) una serie de canciones que había escrito. Con el fin de darles la forma y el acompañamiento de una banda, pasaron años encerrados en el local hasta tener listo North, un disco que bebía de los grandes clásicos del rock de toda la vida añadiendo la sensibilidad del soul en un cóctel delicioso para los que aún siguen creyendo en la música hecha desde el corazón. Durante la grabación se incorporaron Alejandro Ovejero al bajo y David Schulthess (apodado cariñosamente por sus compañeros como ‘Chuches’), completando así la formación con la que se han dado a conocer. Lo que nadie podía esperar es que la presentación de su debut en la sala El Sol de Madrid en febrero de 2016 se saldase con un rotundo sold out. Algo que se iría repitiendo en salas de mayor aforo con logros como llenar el Teatro Lara o la Joy Eslava, además de en otras ciudades o ser reclamados para formar parte de festivales como Mad Cool o BBK Live. Dos años en los que Morgan han crecido a una velocidad vertiginosa, pero que no les han hecho perder la perspectiva de quiénes son realmente y quiénes 39

“NO SÉ EXPLICARTE POR QUÉ HA PASADO LO QUE NOS HA OCURRIDO NI QUÉ NOS PUEDE DEPARAR EL FUTURO. NOSOTROS DESDE DENTRO NOS VEMOS COMO UNA BANDA QUE LO ÚNICO QUE QUIERE ES TOCAR”

NINA quieren llegar a ser. Eso mismo es lo que transmiten en Air, un álbum que contiene todo lo que se le puede pedir a una continuación de un trabajo tan exitoso como lo fue su antecesor. Y es que, por mucho que Nina pueda dar la sensación de ser una chica inocente y tímida en ocasiones, debajo de esa apariencia se esconde una mente con las cosas muy claras. Supongo que ni en vuestros mejores sueños hubierais llegado a pensar en todo lo que os ha pasado con North. Cuando lo terminasteis y lo escuchasteis por primera vez, ¿erais al menos conscientes de haber grabado un disco que podría funcionar? CAROLINA DE JUAN ‘NINA’ “Real-

mente, cuando escuchamos el disco según lo acabamos y llegó el master, ahí ya estaba pasando algo increíble que era que habíamos conseguido grabar el álbum que queríamos hacer. Pero al margen de eso, que creo que fue lo más alucinante que vivimos de primeras con North, todo lo que vino después fue completamente inespera40

do. El hecho de que hayamos podido hacer un fin de gira para mí fue súper emocionante porque significaba que realmente habíamos realizado una gira. Hasta el momento en que la cerramos no fui consciente de lo que habíamos hecho”. EKAIN ELORZA “Para nosotros el hecho de hacer el disco en sí ya era un logro. El objetivo era tenerlo terminado. Todo lo que ocurrió después fue un añadido a lo que nosotros aspirábamos. Recuerdo que cuando lo acabamos y escuchamos las mezclas, nos dimos cuenta de que el mero hecho de que lo hubiésemos grabado ya era alucinante. Sabíamos que habíamos hecho algo bonito, muy trabajado en el local por y para nosotros. Y eso ya era maravilloso. Pero no porque las canciones fuesen buenas, sino porque nosotros hubiésemos sido capaces de llegar hasta ahí. Entonces, todo lo que empezó a partir de la publicación fue como un regalo que para nada esperábamos. Pero nosotros ya habíamos cumplido”.

que suele triunfar hoy en día son las estrellitas prefabricadas en los platós de televisión o el lati-

neo más machacón y aberrante, que grupos como vosotros o La Maravillosa Orquesta Del Alcohol estéis llegando a un público tan grande en un país como éste me parece casi un milagro. NINA “Bueno, lo primero, gracias

(risas). Pero no lo pensamos mucho, la verdad. No sé si hay un hueco para gente como nosotros o no lo hay. Lo que sí te puedo decir es lo que hemos vivido en los conciertos y que la gente que viene sale contenta y sintiéndose que ha participado en algo muy bonito. No sé explicarte por qué ha pasado lo que nos ha ocurrido ni qué nos puede deparar el futuro. Nosotros desde dentro nos vemos como una banda que lo único que quiere es tocar. No sabemos si encajamos en algún nicho o estilo”. Pero a mí lo que más me llama la atención es que la gente se haya acercado a vosotros

Personalmente, viendo que lo

simplemente por la música que

hacéis. No ha habido factores externos como pueda ser la imagen o una campaña de publicidad en los medios. NINA “Hombre, es que creo que es

así como debería ser la relación con la música. De hecho, es la que todos nosotros hemos tenido. Que un grupo tenga un público y esté donde está no depende de esos factores externos, sino de la música que hace”. EKAIN “Nosotros lo vemos como un acercamiento muy natural en torno a la música, que es lo que nosotros hemos vivido desde que nacimos. Escuchas una canción, te gusta, vas al concierto y te compras el disco. Sin ninguna campaña de márketing, sino lo de toda la vida. El crecimiento de Morgan creo que ha sido un poco así, sin ningún tipo de compañía ni promoción agresiva ni nada. Simplemente dar un concierto y que las 300 personas que haya esa noche a la siguiente vuelvan y sean el doble. Es una sorpresa, pero en realidad es lo que se ha hecho siempre”.

en concreto, como el ir enfocado a un determinado público. Simplemente eran temas que Nina traía al piano e íbamos construyendo sin pensar en qué podía pasar. Nosotros sólo prestábamos atención a lo que estaba ocurriendo en el local y con la mente puesta en terminarlas de la manera que más nos gustasen. Y punto. Que eso haya conseguido calar en la gente, pues es un milagro. No es algo que hayamos ido a buscar. Creo que el secreto está ahí, en que hemos hecho música sin pensar en nada de si íbamos a vender más o menos”. NINA “Es la libertad de no tener expectativas y de querer tocar. Nada más”. Hablemos ya de Air. Antes de que salga a la calle, ya habíamos podido ir escuchando algunas canciones en vuestros conciertos como ‘Marry You’ y ‘Sargento De Hierro’. ¿Cómo ha sido la composición de este segundo trabajo? ¿Teníais muchas canciones ya guardadas de tiempo atrás?

Sí que es cierto que hubo quie-

NINA “Sí. Por ejemplo, ‘Be A Man’

nes os descubrieron a raíz de la

es el primer tema que yo compuse. La grabé cuando tendría 19 años y la colgamos en nuestro canal de YouTube. Nunca la habíamos tocado en directo juntos, pero sí que fue una opción para que entrase en North, aunque al final la dejásemos un poco aparcada”. EKAIN “No supimos cómo hacerla. Teníamos un montón de canciones ya acumuladas de años y años en el local. Y ésa en concreto la intentábamos y dimos varias vueltas, pero no nos convencía. Pero para este disco la quisimos recuperar y ahí está”. NINA “Pero sí que es cierto que en los conciertos hemos tocado algunas canciones que están en Air y llevan es-

colaboración que hizo Nina con Quique González en ‘Charo’, pero también buena parte de vuestro público que se ha interesado por vosotros no suele escuchar música de ese estilo. ¿Eso os sorprende más? NINA “Eso es fruto de las influencias

de cada uno, que creo que se oyen mucho en nuestras canciones. Los cinco venimos de un tipo de música diferente y eso hace que el abanico sea más amplio“. EKAIN “También que las canciones las hemos ido haciendo poco a poco sin pensar en ningún estilo ni objetivo

critas desde hace tiempo. Eso se debe a que teníamos ganas de enseñar un poco lo que íbamos haciendo. La verdad es que el proceso de North fue muy tranquilo. Empezamos en 2012 y no salíamos del local. No dábamos conciertos. Estuvimos años y años escribiendo temas, y cuando llegamos al estudio, José (Nortes, productor de sus dos discos -ndr.) nos ayudó mucho, pero las ideas ya estaban más que pensadas. En este caso, en cambio, ha sido mucho más intenso porque se nos ha juntado la grabación con el fin de gira... en fin, muchas cosas. Había canciones que ya estaban cerradas y que incluso tocábamos en directo, pero sí que es verdad que se ha hecho mucho más trabajo en el estudio que en el local de ensayo”. EKAIN “Como que la mitad del disco no sabíamos muy bien cómo iba a salir. Entramos a grabar sabiendo que teníamos un álbum bueno entre manos, pero había muchas cosas que no sabíamos cómo iban a acabar. Con North lo teníamos todo muy claro. Sabíamos cómo eran los temas de arriba a abajo. En Air también llevamos las canciones muy definidas, pero había más margen de trabajo en el estudio”. NINA “También veníamos de dos años de gira y como banda estábamos en un momento de conexión muy alto. De tocar en la grabación con la misma dinámica que en los conciertos”. EKAIN “José ya sabía lo que se iba a encontrar. La primera vez, pues sí, nos conocía, pero no tanto como ahora, que ya sabe lo que puede sacar de cada uno”. Una de las grandes influencias de vuestro sonido es el soul más clásico, y en el álbum hay temas como ‘Another Road (Gettin’ 41

Ready)’ o ‘Flying Peacefully’, donde os habéis adentrado mucho más en ese mundo haciéndolo aún más evidente. NINA “Ahí sí que es cierto que se

nota la influencia de Chuches a la hora de vestir los temas. Cuando compusimos North éramos Paco y nosotros dos. El hecho de haber currado en este álbum tanto con Ove como con Chuches desde el primer momento pues también se deja notar”. EKAIN “Una intro como la que tiene ‘Another Road (Gettin’ Ready)’ sin Chuches no la hubiéramos podido hacer. Con Nina, Paco y yo nos lo habríamos imaginado, pero no así. En cambio, a él le decimos: ‘Prueba esto’. Y él ya lo tiene. Ha aportado ese toque a la banda y nos sienta muy bien”. Otra canción destacada es la que abre el álbum, ‘Planet Earth’, que tiene algún momento muy Pink Floyd, incluso con una retransmisión de un astronauta, si no me equivoco. ¿Os gusta rendir tributo de alguna manera a esos grandes grupos de toda la vida como pudieran ser The Band, Fleetwood Mac, Creedence Clearwater Revival, Led Zeppelin...? NINA “Sí, lo del astronauta es una

conversación del Apolo XII o XIII que tiene con Houston, imagino que será... (Risas) Al darle ese ambiente un poco cósmico queríamos meter ese guiño igual que en North también los había de algunas películas como el sonido de un motor que se enciende. Un poco para tener contacto con la civilización (risas). Y lo de los grupos que comentas, creo que es porque se ha dado que en nuestras familias siempre se ha escuchado mucho eso. En mi caso por 42

lo menos. Mi padre es guitarrista, siempre ha tocado en bandas que tienen que ver con el rock sureño sobre todo. Mi madre también canta. Nosotros hemos bebido un poco de eso más que de otras cosas y es bastante evidente porque luego con el paso de los años vimos que eso era lo que teníamos en común. En directo solemos hacer unos cuantos homenajes a diferentes bandas que nos alucinan porque son músicos que han despertado algo dentro de nosotros. Es un poco una manera de agradecérselo”. EKAIN “El rock es el común denominador de todo. Desde los 60 hasta ahora. El rock de todas las décadas está en nosotros. Lo hemos vivido, lo hemos escuchado... y luego eso, mezclado con un poco de soul y música negra, es lo que puedes escuchar en Morgan”. NINA “Ya un poco divagando, creo que en muchos grupos es fácil ver quiénes les han influenciado. Nosotros no hemos inventado nada ni tenemos pretensión de que eso ocurra. Y por eso precisamente a mí me da la vida que se escuche todo eso. El haber crecido con algo y poder hacerlo a tu manera, con libertad. En realidad, a día de hoy tampoco sabríamos decir qué género hacemos exactamente y a mí me gustaría que al menos eso pasase hasta que esto termine. Que vistamos las canciones con las prendas que nosotros queramos”. De nuevo habéis vuelto a incluir una canción en castellano, ‘Sargento De Hierro’, que estoy convencido de que va a enamorar a quienes aún no la hayan escuchado todavía. Viendo la buena acogida que tuvo un tema como ‘Volver’, ¿hubo mucha

gente que vino a comentaros lo de cambiar de idioma? NINA “Yo pienso que igual que tú no me dices a mí que yo me tengo que vestir como tú, ni voy a tu oficina a decirte cómo tienes que hacer tu trabajo, entiendo que es un poco al revés. Lo que pasa es que puedo comprender por qué la gente hace esas sugerencias. Pero yo en realidad no debería de hacer nada si no me sale de dentro. Partiendo de esa base, yo entiendo la cuestión de por qué la gente quiere que hagamos música en castellano, más que nada porque estamos en un país en el que se habla esa lengua. Nosotros estamos muy agradecidos de que haya interés, pero quitando todo lo que hay alrededor, yo te digo que cuando me siento a componer a mí lo que me apetece es hacerlo en inglés. Otras, me apetece más hacerlas en castellano, y por eso salen algunos temas así, pero no tantos. Entonces es una cosa que no está ni pensada ni oprimida, si no que surge así. ¿Qué pasa cuando viene alguien y te dice que cambies? Pues depende de cómo te lo diga. Hay quienes me dicen que en castellano les llega tanto al alma que les parece una pérdida de tiempo que no lo haga así porque les alegraría la vida. Y digo: ‘Jo, pues ya lo siento’. Si en cambio viene alguien y me dice que debo cantar en castellano porque triunfaría mucho más, le diría que ésas no son las razones por las que hago esto. Sí es cierto que al principio hubo un par de personas que no terminaron de trabajar con nosotros precisamente por eso”. EKAIN “Nos lo decían como si fuese un consejo: ‘Prometéis mucho, pero...’”. NINA “Apreciamos mucho que a la gente le guste lo que hacemos, porque si no fuera por ellos no hubiéramos

hecho una gira tan increíble, pero en el momento en el que lo que el público te dice trasciende a tu manera de hacer las cosas, ahí es cuando empieza a haber un problema. Si nuestra filosofía es que vamos a ser lo más libres que podamos, debemos actuar en consecuencia y, sobre todo, explicarle amablemente a la gente que lo que queremos no es petarlo”. ¿No creéis que todo esto es un problema de los fans actuales de la música? Parece que si las ban-

habría gustado de verdad si no fuese como es. ¿Que a veces hace cosas que no te gustan? Pues sí, pero es que yo no puedo estar a expensas de lo que tú me pidas porque entonces dejaría de ser yo para ser lo que tú quieres. Y eso no puede ser. El público no se debería frustrar por lo que hacen los grupos, porque ellos tienen la responsabilidad de hacer lo que creen que es mejor, tanto si la cagan como si no. Que lo mismo nosotros lo estamos haciendo, pero sin embargo, dormimos tranquilos porque creemos en ello”.

das no siguen el camino que a ellos les gusta, se lo toman como

Una de las cosas que más gustan

algo personal.

de Morgan es ver cómo hablas

NINA “Ahí el problema lo tiene el

entre tema y tema. No sé si es

público, no la banda. El grupo tiene la responsabilidad de ser fiel a lo que es. Si no fuese así, entonces el público no se hubiera enamorado de ellos en un momento dado. Es como cuando quieres cambiar a tu pareja. Conoces a alguien que te gusta y de repente le quieres cambiar. Pero entonces no te

por pudor, vergüenza o timidez, pero el que te muestres de una forma tan honesta, en parte, es lo que hace que muchos nos ha-

poco preocupada por este tema porque, ya lo has comprobado y no me importa admitirlo, no considero que sea una buena oradora. No es lo mío. Lo que pasa entre canción y canción es un mero tránsito en el que explico lo que está pasando, doy las gracias, que es lo que a mí me importa que a la gente le quede claro porque sigo pensando que es un milagro que la gente venga a vernos... pido disculpas muchas veces, aunque no sé si debería o no, pero es que yo no soy oradora. Hay gente que lo encuentra entrañable, y se lo agradezco, y hay quien lo ve como ‘¿Qué tonterías está diciendo esta mujer?’. Pero como yo no estoy ahí para que se juzgue o admire mi manera de hablar, más o menos estoy tranquila en ese sentido. Si saliesen diciendo que canto mal, entonces ahí tendría un problema”.

yamos encariñado con el grupo. NINA “Vaya por Dios (risas). Es un

poco difícil porque yo a los conciertos voy a cantar. Al principio estaba un 43

SENSES FAIL

E R G A N I V N O C R A C Ã&#x161; AZ

SÓLO A UN PERSONAJE TAN PECULIAR COMO BUDDY NIELSEN SE LE OCURRIRÍA GRABAR UN DISCO DE PUNK POP EN EL QUE SE HABLA DE ABORTOS, VIOLENCIA Y MUERTE. PERO ES ASÍ COMO EL LÍDER DE SENSES FAIL HA CONSEGUIDO REVITALIZAR LA CARRERA DEL GRUPO CONTRA TODO PRONÓSTICO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A ÚLTIMA VEZ QUE HABLAMOS C O N B U D DY N I E L S E N , E L VO C ALISTA Y

único miembro original de Senses Fail, no paró de insistir en que siempre había querido que la banda sonase más dura. El metálico Pull The Thorns From Your Heart (2015) así lo atestiguaba. Pero tres años después, su discurso ha cambiado totalmente. Su intento de subirse al carro del metalcore fracasó, y en su nuevo álbum If There’s A Light, It Will Found You (Pure Noise) nos encontramos a los Senses Fail más poperos de su carrera. ¿Oportunismo? Puede ser, pero la sinceridad con la que explica este cambio de rumbo, así como su resentimiento por no haber llegado más lejos en su momento de más popularidad a principios de la pasada década, lo compensa. Además, si en una primera escucha las nuevas canciones parecen de lo más alegres por esa avalancha de melodías pegadizas, cuando uno descubre su trasfondo se da cuenta de que estamos ante un disco bastante especial y profundo. En cualquier caso, parece que los años más oscuros han quedado atrás y Nielsen se ha reconciliado consigo mismo como persona y como músico. Bien por él.

El primer tema ‘Double Cross’ suena como un homenaje a la música de tu juventud. ¿Pasaste por una fase de recuperar discos de aquella época?

“¡Sí! Escuché mucho a Jimmy Eat World y Saves The Day. También a Alkaline Trio”. ¿Qué le pareció al resto del grupo ir en esta dirección?

“A estas alturas yo escribo todas las canciones, así que les pareció bien porque era lo que yo quería. Confían en mí y, además, les gustaron las canciones”. Como compositor, ¿te resultó fácil pasar de escribir riffs meta-

¿Te decepcionó cómo fue reci-

leros a canciones tan melódicas?

bido Pull The Thorns From Your

“Me resultó fácil. Me cuesta mucho más escribir música muy cañera. Me lleva mucho más tiempo porque es más complicada, hay más cambios, diferentes sonidos… Este estilo es más directo. Si tienes una buena melodía, un buen riff y un buen estribillo, ya lo tienes. Lo otro es como crear algo a partir de la nada, y eso lleva tiempo”. Entiendo lo que dices, pero igual si le dijeses a un tío de Meshuggah que escribiese un tema de pop punk, quizá le se-

El nuevo disco suena muy dis-

ría muy complicado.

tinto al anterior, que era mucho

“(Risas) Puede que tengas razón. A mí me inspiran mucho Gojira y Cult Of Luna, y me pregunto cómo lo hacen. Pero seguramente ellos escuchan a Björk y les pasa lo mismo”.

más metal. En cambio, If There’s

A Light, It Will Find You suena a punk pop. ¿Por qué este cambio tan radical? JAMES ‘BUDDY’ NIELSEN “Creo

que este estilo funciona mejor para nosotros. Quería intentar recuperar lo que éramos al principio”.

“Puede ser. Pero la realidad es escribir algo pegadizo es muy difícil. Tienes que entender cómo funciona. Pero una vez lo averiguas, es sencillo. Es como descubrir una fórmula. Supongo que si la gente lo critica es porque no saben cómo hacerlo... De la misma manera que hay gente en este bando que critica a Meshuggah y dice que son muy repetitivos y monótonos porque no saben cómo hacerlo. La música puede ser buena, aunque no te guste. Que te guste o no es irrelevante. Habrá gente a la que no le guste Gojira, pero son alucinantes. Si eres músico, lo ves claro”.

¿Crees que por eso mucha gente desprecia el pop punk, lo ven como algo demasiado fácil?

Heart? ¿Viste a la gente poco receptiva cuando salisteis de gira?

“Te seré sincero, sí me decepcionó. Creo que es un buen álbum, pero por la razón que sea, no conectó. Pensé que en lugar de darme de cabezazos contra la pared, quizá tenía que probar algo distinto. En lugar de forzar a la gente a que le guste algo, ¿por qué no pensar en otra cosa? A mí me encanta componer, me da igual el estilo que sea. Mientras pueda ser creativo, me siento motivado. Lo que me hace feliz es hacer música en sí misma, no me hace feliz un estilo determinado”. Escuchando el nuevo disco pensé que si hubiera salido en 2001 ó 2002, igual lo hubiese petado.

“(Risas) Es posible. Pero creo que ahora es un buen momento porque nadie hace este estilo de música y todavía hay mucha gente a la que le

SENSES FAIL

gusta. La verdad es que por el momento está funcionando muy bien. La gente nos da las gracias por haber escrito un disco en un estilo que la mayoría de grupos de esa época ya han dejado atrás. Pero tienes razón, a saber lo que podría haber pasado si hubiéramos hecho este álbum hace 15 años”. Aunque tuvisteis bastante éxito con vuestros dos primeros trabajos, siempre os quedasteis un peldaño por debajo de otros grupos. ¿Estás de acuerdo?

“Es una buena observación. Nunca se nos ha considerado una de las bandas importantes de esa escena. Si le hubieras preguntado a la gente de la industria hace 15 años si seguiríamos existiendo en 2018, la mayoría te hubieran dicho que no. Así que siempre siento que tengo algo que demostrar, al menos más que otras bandas. Pero eso también hace que me esfuerce un poco más y aprecie cualquier atisbo de éxito que pueda tener. He trabajado por todo lo que he conseguido, nadie me ha regalado nada, y creo que por eso tengo tan buena relación con nuestros fans. Creo que, en cierta manera, soy un anti héroe. Me han pasado muchas cosas malas, he cometido muchos errores, pero he sobrevivido. Soy un poco como un marginado, pero en parte me mola”. ¿Crees que no fuisteis más populares por razones musicales o, sinceramente, más por tu manera de comportarte?

“Puede que tengas razón. Durante un tiempo fui un gilipollas, un bocazas, y supongo que eso echaba

atrás a la gente. No lo sé. Quizá fue por la música. Hay algunos discos que podrían haber sido mejores. Pero por otro lado, no todos los grupos pueden ser grandes. Hay tres o cuatro que lo son y el resto tienen que ser más pequeñas. Es la naturaleza del negocio. No es que fuéramos una banda pequeña, pero no éramos Taking Back Sunday o My Chemical Romance. Estábamos justo debajo de la cima. También creo que mi voz es muy peculiar. Yo no me considero un cantante, soy el tío de la banda que canta. No ganaría ningún concurso de canto. No creo que mi voz guste a todo el mundo, pero para otros tiene mucho carácter y transmite mucha emoción. No sé, quizá fue por otros factores”. Ahora eres capaz de hacer una valoración muy objetiva, pero en la época, ¿sentías celos de las bandas más grandes?

“Sí, claro. Sentía muchos celos. Siempre pensaba en qué habíamos fallado o qué podríamos haber hecho. Pero también los otros miembros del grupo me echaban la culpa, me decían que si cantara mejor o hubiera hecho esto o aquello, podríamos haber llegado más lejos. Era una mierda. Por eso lo que tengo

ahora es tan especial. Ahora puedo disfrutar de este resurgimiento que estamos viviendo porque la primera vez sólo pensábamos en ser más grandes. Era en plan ‘My Chem o The Used están tocando en arenas, y nosotros sólo atraemos a 2.000 personas’. Era una frustración constante porque siempre pensaba en llegar más alto cuando en realidad ya estábamos ahí. Tocábamos en arenas, aunque no fuéramos los cabezas de cartel, pero estábamos ahí, éramos parte de ello (risas). Sonábamos en la radio, salíamos en la MTV, vendíamos cientos de miles de discos, pero nunca era suficiente. Puedes recibir y recibir, pero nunca lograrás llenar el vacío que tienes dentro. Por eso muchos músicos dejaron el grupo. Sólo les interesaba ser más grandes, no paraban de quejarse y para mí era agotador. Si te soy sincero, cuando miro nuestra época de más éxito, la recuerdo como algo negativo”. Volviendo al disco, por muy pegadizo que sea, las letras no son para nada alegres.

“Así es. Mi mujer tiene esclerosis múltiple y tuvo un aborto. Y luego estuvo a punto de morir cuando dio a luz a nuestra hija. Así que pensé mucho en la muerte y en la fragilidad de

“NO QUIERO SER UN VIEJO INTENTANDO SER JOVEN, PERO LA REALIDAD ES QUE TODAVÍA SIGO QUERIENDO ESTAR EN UN GRUPO” BUDDY NIELSEN

la vida, y en si hubiera sido capaz de educar a mi hija yo solo. También hay canciones más políticas, sobre lo que ocurre en América con las armas y las drogas. Y también sobre ser músico pasados los 30. No quiero ser un viejo intentando ser joven, pero la realidad es que todavía sigo queriendo estar en un grupo. Para mí todavía es emocionante todo esto, pero no quiero estar más de lo que me toque”. Desde luego no son los típicos

temas de un disco de punk pop.

“(Risas) Lo que quería era coger un estilo que mucha gente escuchaba de adolescente, pero tratarlo desde un punto de vista adulto. Quería hablar sobre las cosas que me afectan ahora, que afectan a la gente que tiene 28, 30 años. No nos preocupa que una chica no nos haga caso, nos preocupa llegar a fin de mes, nos preocupa la violencia, nos preocupa envejecer… Creo que a muchos grupos les cuesta ser honestos y prefieren seguir

escribiendo sobre lo de siempre”. Está claro que se te podrá acusar de muchas cosas, pero no de no ser honesto.

“(Risas) Tienes toda la razón. Para mí hacer este disco fue una oportunidad de sacar todo lo que me estaba comiendo por dentro”.

A PERFECT CIRCLE

FACTOR HUMANO

MIENTRAS MEDIO PLANETA SE PREGUNTA CUÁNDO DEMONIOS ESTARÁ LISTO EL TAN ANSIADO NUEVO DISCO DE TOOL, A PERFECT CIRCLE LES HAN ADELANTADO POR LA DERECHA CON EAT THE ELEPHANT, UN REGRESO DISCOGRÁFICO TAN INESPERADO COMO EMOCIONANTE QUE ESCONDE VARIAS SORPRESAS. HABLAMOS CON BILLY HOWERDEL, SU LÍDER EN LA SOMBRA, PARA DESCUBRIRLAS TODAS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

S POSIBLE QUE SÓLO ALGUNOS DE NUESTROS LECTORES MÁS

veteranos lo recuerden, pero la portada del último número que sacamos a la calle como Rocksound fue para A Perfect Circle. A finales de 2004 el proyecto coliderado por Billy Howerdel y Maynard James Keenan ponía un punto y aparte a su carrera con eMOTIVe, un álbum en el que revisionaban de manera muy personal canciones emblemáticas de artistas tan dispares como John Lennon, Led Zeppelin, Black Flag, Depeche Mode, Elvis Costello, Marvin Gaye o Devo. Un trabajo que finiquitaba su contrato por tres discos con Virgin, dejando así el camino despejado de compromisos para lo que sería el cuarto álbum de Tool, 10,000 Days. Al mismo tiempo, Howerdel aprovecharía este impasse para poner en marcha su proyecto en solitario como Ashes Divide, cuyo debut acabaría apareciendo en 2008 bajo el título de Keep Telling Myself It’s Alright. Desde entonces el silencio y el secretismo más hermético se apoderó de ambas partes, sin que diese la sensación de que algún día pudiéramos llegar a escuchar algo nuevo de aquel combo que a principios de este siglo fue uno de los primeros en acuñar el término ‘supergrupo’ junto a otros como Audioslave o Velvet Revolver, gracias sobre todo a la edición de los sobresalientes Mer De Noms y Thirteenth Step en 2000 y 2003 respectivamente, que alcanzaron las primeras posiciones del Billboard americano. Nada mal para un proyecto que surgió de la mente de Howerdel, un tipo que comenzó trabajando como técni-

co de guitarras para Guns N’ Roses, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, David Bowie o Tool. Precisamente, fue tras mostrarle a Maynard algunas de las canciones en las que había estado trabajando por su cuenta cuando el asunto empezó a tomar una relevancia cada vez mayor, pasando por sus filas a lo largo de su primera etapa de vida un auténtico all-star del rock alternativo entre los que podríamos encontrar a Paz Lenchantin (Zwan, Pixies), Troy Van Leeuwen (Queens Of The Stone Age), James Iha (The Smashing Pumpkins), Josh Freese (Nine Inch Nails, Weezer, The Vandals y un infinito etcétera) o Jeordie White (Marilyn Manson), amén de otras muchas colaboraciones en el estudio. No fue hasta 2010 que A Perfect Circle regresó a los escenarios para protagonizar pequeñas giras de manera intermitente y sin vistas a entregar nuevo material. Aunque les llevaban una ventaja considerable en cuanto a lo de desesperar a sus fans, parecía que habían entrado en una carrera de larga distancia con Tool por ver quién de los dos llegaría antes a buen puerto. Finalmente, y para sorpresa de todo el mundo, a finales del año pasado veía la luz ‘The Doomed’, una nueva composición con la que se confirmaba que un nuevo trabajo estaba cada vez más cerca. Y así será cuando este próximo 20 de abril llegue a las tiendas Eat The Elephant (BMG), su primer álbum tras 14 años de larga espera. Con el fin de descubrir los entresijos de uno de los lanzamientos más misteriosos de este 2018, pudimos hablar con Billy Howerdel vía telefónica a mediados de marzo. Además de percibirle como una persona extremada-

mente amable, educada y que mide cada palabra que sale de su boca, nuestra conversación dejó intuir lo que muchos damos por obvio: que A Perfect Circle es un monstruo con dos cabezas pensantes, la suya y la de Maynard, donde el resto de miembros parecen meras piezas de lujo fácilmente intercambiables. De hecho, justo al día siguiente de realizar esta entrevista se confirmó que James Iha no formará parte de su próxima gira europea por festivales, siendo finalmente Matt McJunkins (bajo), Jeff Friedl (batería) y Greg Edwards (guitarra) quienes se encargarán de acompañarles en vivo. La última vez que pudimos entrevistarte con A Perfect Circle como excusa fue con la publicación de

eMOTIVe hace 14 años. Por aquel entonces nosotros nos llamábamos Rocksound, de hecho fuisteis nuestra última portada bajo ese nombre, y ahora somos RockZone. ¿Qué cambios significativos has experimentado en tu vida en todo este tiempo? BILLY HOWERDEL “Bueno, ahora

tengo una familia, dos hijos, estoy casado... He estado involucrado en muchos proyectos como el de Ashes Divide que hice en solitario, mi primera banda sonora para una película (DLove, en la que también actúa y ejerce de coproductor -ndr.). También hicimos algunas pequeñas giras con A Perfect Circle que empezamos en 2010... La verdad es que han pasado muchas cosas desde entonces”. ¿Cómo ves ahora con más perspectiva Keep Telling Myself It’s

Alright, el álbum que grabaste como Ashes Divide? ¿Qué pien-

“SIEMPRE HE SENTIDO QUE TENÍA MUCHAS COSAS QUE DECIR E IMAGINO QUE EN LO QUE RESPECTA A LAS LETRAS, MAYNARD TAMBIÉN TENÍA MUCHO QUE EXPRESAR AHORA MISMO” BILLY HOWERDEL

sas que aprendiste haciéndolo?

Eso suena muy interesante. Vol-

¿Cómo ha sido el proceso esta

“(Risas) No lo sé. Es complicado contestar, pero seguramente en parte sea porque debo de ser crítico con ese disco. Tendría que volver a escucharlo de nuevo... (Se pasa unos segundos pensando su respuesta -ndr.) Es difícil de explicar porque me veo muy reflejado en él. Normalmente sería capaz de abordar esa pregunta de una manera más fácil, pero lo estoy intentando ahora mismo y me está resultando realmente difícil hacerlo (risas). De hecho, quiero hacer un nuevo disco de Ashes Divide, pero puede que acabe llamándolo de otra manera. Si actuase en directo, tocaría también temas de Ashes Divide, por supuesto. Pero las nuevas canciones que he estado escribiendo son muy diferentes, mucho más electrónicas. Puede que algunas acaben formando parte de ese disco. Pero si echo la vista atrás con el primero... No sé. Quizás me arrepienta de algunas cosas, pero creo que quería moverme en una dirección diferente a lo que solía hacer. Pero te puedo decir que, después de haber hecho este último álbum de A Perfect Circle, veo que lo siguiente que haga con Ashes Divide será mucho más duro, porque muchas de las canciones que quería incluir en el próximo álbum de Ashes Divide han terminado en este disco, como ‘Eat The Elephant’, ‘Disillusioned’... ¿Cuál más? ‘Hourglass’... Hay como cuatro o cinco canciones que ya tenía listas. Es como una balanza, tienes que encontrar el equilibrio tanto en un lado como en otro. Así que puede que lo nuevo de Ashes Divide sea más duro o tal vez salga algo más electrónico. Ya veremos, pero definitivamente quiero sacar algo nuevo con ese proyecto”.

viendo a aquella entrevista que

vez? ¿Pudisteis reuniros todos en

te comentaba al principio, en

un mismo espacio para trabajar

esa ocasión nos dijiste que esta-

las canciones juntos u os envia-

bas seguro de que algún día

bais archivos a través de internet

habría un nuevo disco de A Per-

como ya hacíais en vuestros pri-

fect Circle. Al final no te equivo-

meros trabajos?

caste, pero ¿pensabas que tar-

“La verdad es que fue muy parecido a como en los primeros álbumes. Con Mer De Noms no estábamos tan familiarizados con internet como ahora, así que solía enviarle a Maynard un CD o una cinta con una o dos canciones (risas). Al principio vivíamos juntos, así que era más sencillo trabajar. En cambio, ahora escribo los temas en mi casa, en mi estudio, y le envío a Maynard un enlace con un puñado de canciones, normalmente cuatro o cinco, para que las escuche y ver cómo responde. A partir de ahí empezamos a ver por dónde podemos ir, qué canciones se pueden mejorar o retocar. Procuro enviarle grupos muy pequeños de canciones para que no tardemos mucho en empezar a trabajar con ellas y comenzar a movernos. Intentamos no acumular demasiadas ideas al mismo tiempo. Después él escribe las letras para las canciones y yo me encargo de terminar los temas con Dave Sardy, quien nos ha ayudado a hacer el disco. Luego Maynard nos envía las letras y Dave y yo las revisamos para ver cómo encajan dentro de la canción para seguir avanzando”.

daríais tanto?

“De verdad pensé que haríamos un nuevo álbum, pero no fue hasta hace tres años cuando realmente comenzamos a centrarnos en llevarlo a cabo. Antes habíamos tenido un par de intentos fallidos de empezar a preparar algo nuevo, pero no ha sido hasta ahora que los tiempos han funcionado para todas las partes. Es difícil de explicar porque las cosas ocurren cuando lo hacen, pero la verdad es que teníamos muchos problemas de agenda que debíamos resolver. En cuanto a la música, siempre he sentido que tenía muchas cosas que decir e imagino que en lo que respecta a las letras, Maynard también tenía mucho que expresar ahora mismo. Estaba en un momento muy prolífico de su vida, así que resultaba obvio que era el momento adecuado para él. Simplemente era cuestión de tiempo que las cosas empezasen a funcionar más rápido”. Como me decías antes, en 2010 volviste a reunir a A Perfect Circle para actuar en directo. ¿Por aquel entonces ya tenías la idea de hacer un nuevo álbum?

De todas maneras, y aunque

“Sí, claro. Me hubiera gustado comenzar antes, pero Maynard estaba en plena campaña promocional con Puscifer, por lo que iba a estar muy ocupado con ello. Así que tuvimos que ir trabajando poco a poco en los pequeños huecos que la agenda de Puscifer nos lo permitía”.

entiendo que no os debe resultar fácil reunir a todos los que formáis parte del grupo, ¿no piensas que sería más positivo intentar trabajar en un disco entero con toda la banda componiendo al mismo tiempo sin tener que usar internet para comunicaros?

“LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL ESTÁ TENIENDO UNA INFLUENCIA MUY GRANDE EN EL ARTE AHORA MISMO Y NI TAN SIQUIERA SABEMOS CÓMO NOS ESTÁ AFECTANDO” BILLY HOWERDEL

“En realidad ésta es la manera como la banda ha funcionado siempre. Ha sido así desde el primer álbum hasta Eat The Elephant. Puede ser que en el futuro lleguemos a ese punto donde podamos componer de una forma más orgánica. De hecho, hay algunas canciones que en el pasado surgieron así, como ‘Gravity’. Tenía varios riffs y la idea de la estructura del tema. Un buen día, Paz, Josh, Troy y yo estábamos ensayando, nos pusimos a elaborarla y más tarde Maynard se nos unió. Aquél fue un proceso interesante. Hay otras piezas que fueron motivadas de esa forma. ‘People Are People’

también fue una colaboración entre todos. Así que sí, puede ocurrir. Pero aunque pueda resultar raro, siempre hemos tenido esta manera de operar y es como Maynard y yo hemos hecho todos los discos”. En estos años desde que habeís regresado a la actividad se han producido dos cambios con respecto a la última formación que conocíamos del grupo. Me refiero a Matt McJunkins y a Jeff Friedl. ¿Cómo han encajado dentro de la maquinaria de A Perfect Circle? ¿Qué dirías que

han aportado?

“Bueno, sobre todo diría que su aportación ha sido al directo. Aprender las canciones y ver cómo podían funcionar en los conciertos, ya que en el estudio es un poco diferente. Yo suelo tocar la mayoría de los instrumentos. Matt sí que toca el bajo en un par de cortes: ‘Feathers’ y ‘By And Down The River’. Es un gran bajista capaz de encontrar soluciones a cualquier situación y tiene muy buenas vibraciones a la hora de tocar. Si hay algo que yo toco en el álbum, él es capaz de hacerlo a la perfección en directo. Tiene una manera muy sólida de tocar. En 55

“CUALQUIER ARTISTA VA A REACCIONAR ANTE EL MUNDO QUE LE RODEA Y NOSOTROS NO SOMOS DISTINTOS EN ESO. ES IMPOSIBLE NO TOMAR PARTIDO DE ALGÚN MODO DE TODO EL CAOS QUE ESTÁ SUCEDIENDO EN NUESTRO MUNDO” BILLY HOWERDEL

cuanto a la batería, tuvimos un par de colaboraciones diferentes para Eat The Elephant. Algunas las hizo Jeff, otras Matt Chamberlain... Pero en directo es cuando se pueden expandir sobre ellas y darles una nueva vida. Así es como trabajamos. Estos chicos son músicos fantásticos”. ¿Ha habido algún otro tipo de participación externa como la que pudiera hacer por ejemplo Danny Lohner en Thirteenth

Step?

“Sí. Como dices, Danny ayudó en la producción de Thirteenth Step. Por ejemplo, cogió ‘The Noose’ y tocó algunas guitarras en ella, pero en realidad lo que hizo fue definir el arco de esa canción. Añadió algunos teclados geniales, texturas... Y de un modo similar Dave Sardy también ha aportado otros elementos en el disco. Tocaba el bajo aquí y allá, teclados, metía arreglos, comentábamos juntos... Siempre es agradable tener algo de ayuda externa para darle un color diferente a lo que estás pensando”.

de gente que te pueda echar

ciones verdaderamente sorpren-

siempre una mano.

dentes como ‘So Long, And

“Totalmente. Sobre todo cuando era más joven pude aprender trabajando para ellos. Vivir en la carretera, tener una ética de trabajo y estar rodeado de músicos muy creativos es una cosa, pero estar en el estudio es muy diferente. Cuando estuve trabajando con Guns N’ Roses durante dos años y medio, entre el 97 y el 99, aprendí mucho sobre cómo grabar discos. Al mismo tiempo empecé a grabar usando el ordenador. Pero había un proyecto mucho más grande allí. Tuvimos la oportunidad de derribar las barreras de lo que estaba sucediendo con las nuevas tecnologías. Había ingenieros muy talentosos, los productores iban llegando y saliendo, al igual que los músicos... Aprendí mucho sobre el proceso de grabación de toda la gente que me rodeé. Así que fue muy importante porque, para cuando hice mi primer álbum, pude hacerlo por mi cuenta gracias a todo lo que había aprendido del trabajo previo”.

Thank For All The Fish’, ‘Hour-

Volviendo a Eat The Elephant,

glass’ o ‘Get The Lead Out’, que no suenan a nada de lo que habéis hecho en el pasado. ¿Veníais con ganas de experimentar más con vuestro sonido?

“Por supuesto. Hay algunas cosas que hemos simplificado, pero hay muchos temas que han sido compuestos con teclados, lo cual creo que nos ha dado un acercamiento y un sonido distinto para este disco. Como te comentaba al principio, algunas de las canciones que tenía para el segundo álbum de Ashes Divide han terminado formando parte de Eat The Elephant y eso le da un toque diferente. Y por otra parte, Maynard ha estado muchos años con Puscifer, así que ya estaba acostumbrado a que este tipo de tratamiento acabase influenciando el sonido final. Como he venido comentando en muchas entrevistas, es una combinación. Este disco es el resultado de 14 años de vida y ser músico durante todo ese tiempo. Tocar con gente nueva, mezclar diferentes cosas… al final hace que el resultado salga de este modo”.

Imagino que gracias a tu trabajo

creo que es un paso muy natural

como técnico de guitarras en el

respecto a Thirteenth Step. Sue-

pasado debes de tener la suerte

na a A Perfect Circle, pero al mis-

Como bien apuntas, esta vez el

de poder conocer a un montón

mo tiempo incluye algunas can-

piano ha adquirido una mayor

presencia en prácticamente todas las canciones. Siempre lo habéis utilizado en vuestros anteriores trabajos, pero aquí re-

Dejarte llevar por lo que te conmueve es lo que probablemente te lleve a crear buen arte. Y eso es lo que nos ha ocurrido en estos últimos años”.

clama un mayor protagonismo.

pectiva un tanto extraña formando parte de estas canciones e intentando ver cómo son. Pienso que no es nuestro deber juzgar o interpretar nuestro propio arte”.

¿Era algo que ya teníais en men-

El videoclip que habéis realizado

te que quisieseis potenciar?

para ‘Disillusioned’ es una crítica

Ya para ir acabando la entrevis-

“Sin duda. Muchas de las canciones fueron escritas desde el principio de esa manera. La idea era sustituir los teclados por guitarras, o al menos guitarras que sonasen como teclados. Pero muchos de esos elementos permanecieron intactos a lo largo de la construcción de los temas. Al final del día, intentar forzar algo para que acabe siendo otra cosa, como que un teclado acabe sonando a una guitarra o viceversa, me resulta más interesante”.

sobre lo enganchados que esta-

ta, sé que no es un asunto que te

mos a las nuevas tecnologías, y

concierne directamente, pero me

en concreto a los móviles. ¿Crees

gustaría aprovechar la oportuni-

que estamos llegando a un esta-

dad para preguntarte sobre el

do de deshumanización total

nuevo disco de Tool. ¿Has podi-

como sociedad?

do llegar a escuchar algo de lo

“Bueno, es asunto de Maynard hablar de ello si él lo considera así, pero creo que va más allá de la pregunta en general... (Vuelve a tomarse su tiempo para responder -ndr.) Creo que todo el mundo se está viendo afectado por ello de una manera u otra. La inteligencia artificial está teniendo una influencia muy grande en el arte ahora mismo y ni tan siquiera sabemos cómo nos está afectando. No está siendo introducida de una forma intencionada, sino accidental. Es un peligro del que todos deberíamos tomar consciencia en estos días”.

que han hecho hasta ahora?

Curiosamente, eMOTIVe apareció en un momento en el que George Bush fue reelegido como presidente de Estados Unidos.

Eat The Elephant lo hará con Donald Trump en pleno auge. Sé que nunca habéis sido considerados como una banda política, pero ¿ves que ambos discos conecten de alguna manera?

Por otra parte, la manera de

“Supongo que de algún modo es una respuesta. Quiero decir, cualquier artista va a reaccionar ante el mundo que le rodea y nosotros no somos distintos en eso. Es imposible no tomar partido de algún modo de todo el caos que está sucediendo en nuestro mundo. Para mí, eso sale de una manera musical. Para Maynard, en forma de letras. Según lo veo, algunas veces la música debe ser una vía de escape. En otras puede que surja de una forma más feliz porque necesitas escapar de las circunstancias del día a día. Pero al final, todo queda reflejado y está ahí.

cantar de Maynard en este disco me resulta en muchos momentos mucho más sensible y vulnerable de lo que es habitual en él. Siempre se os ha visto con una banda oscura y fría. ¿Buscabais transmitir un sentimiento más humano, por así decirlo?

“Mmm... no sabría qué decir. Cada oyente tendrá una interpretación distinta. Pero sí que puedo ver... (Nuevamente vuelve a medir sus palabras -ndr.) No lo sé. Es muy complicado para mí comentar alguna de las letras o lo que significan. Yo tengo una pers-

“No, lo siento. No he escuchado nada...”. Y justo antes de que Billy pueda terminar de responderme, la responsable de su discográfica nos interrumpe para comunicarnos que debe pasarle con otra entrevista que está esperando. A pesar de que aún nos quedan al menos tres minutos más del tiempo acordado para realizarla y que insisto en hacer una última pregunta, nuestra charla finaliza abruptamente tras despedirnos de forma no menos apresurada. ¿Casualidad, o realmente existe recelo a que se llegue a filtrar cualquier tipo de detalle sobre la esperada nueva obra de los creadores de Aenima y Lateralus? El misterio sigue abierto, juzguen ustedes mismos. Por lo pronto tendremos que conformarnos con disfrutar de Eat The Elephant y contar los días hasta poder ver de nuevo a A Perfect Circle en directo en el festival Download Madrid el 28 de junio y en el Be Prog! My Friend el 29 en Barcelona, que no es poco.

DISCO DEL MES

The Hoax (BCORE/LA AGONÍA DE VIVIR) PUNK POP

ace unas semanas, le comentaba a Jamie, cantante y guitarrista de Wild Animals, en la segunda edición del Ferrish Fest, en la que había actuado con su otra banda Jamie 4 President, que él y Xavier Calvet de Bullitt me parecían dos tipos incapaces de escribir una mala canción. Quizá me dejé llevar por la euforia del momento, pero ahora, después de haber escuchado en bucle este The Hoax, y estando totalmente sereno, me reafirmo en ello. Las diez que firma junto a sus compañeros Paula (bajo,

WILD ANIMALS

voz) y Fon (batería) en el segundo álbum de Wild Animals confirman todo lo bueno que apuntaron en su debut Basements: Music To Fight Hypocrisy. Gracias a él, el trío afincado en Madrid consiguió durante los dos últimos años ir ganando adeptos en una gira que los llevó por Europa y también Japón; experiencias que marcan, en buena parte, su segundo trabajo. Precisamente la primera canción que suena es ‘Lost In Translation’, en la que describen las aventuras y anécdotas que vivieron en el país del sol

naciente con una línea de guitarra que te tira el lazo desde el primer segundo y un estribillo -el primero de tantos- irresistible. Pocos discos transmiten tan bien ese estado entre la diversión y la penuria que se vive en cualquier gira de un grupo underground, y sobre todo la camaradería que llega a crearse. Sus letras podrían interpretarse como una invitación a subirse a su furgoneta y sumergirnos en su mundo mientras suena a todo trapo un mixtape con temas de Ash, Fastbacks, Hüsker Dü o Superchunk. The Hoax

también desprende esa nostalgia de final de verano. Aunque en su caso, la bajona no es por tener que guardar la bicicleta en el trastero, sino por volver a la rutina, como describen en ‘All My Friends Are Far Away’. Si de primeras, estas canciones te atrapan por su maravillosa manera de fusionar la urgencia del punk rock con la vocación melódica del power pop, si algo me ha enamorado de verdad son las letras, y la peculiar manera con la que Jamie logra cuadrar sílabas y rimas con recursos sorprendentes. Me gusta particularmente que cite a Fon en ‘Lost In Translation’ y ‘All My Friends Are Away’, o a Santi Garcia, que ha

trepidante canto a la libertad sexual en la que Paula toma la voz cantante, ‘Connection’ parte de la muerte de un perro para hablar del amor a los animales (atención a su final vertiginoso); ‘Science Fiction’, sustentada sobre un riff un poco grungero, habla del temor a vivir en un mundo totalmente controlado por la tecnología (“Me da miedo como un episodio de Black Mirror”, dice en el estribillo) y ‘Everybody Loves You When You’re Dead’ habla de la obsesión por los mitos fallecidos. Por su parte, ‘Never Forget’ retrata recuerdos agridulces de infancia con la convicción de que hay que seguir

“SI HAY UN POQUITO DE JUSTICIA, THE HOAX DEBERÍA SERVIR PARA QUE EL PÚBLICO DE WILD ANIMALS SE MULTIPLIQUE, PORQUE POR MUCHO QUE LE HAYAN PUESTO ESE TÍTULO, ES DE TODO MENOS UNA FARSA”

producido el álbum, en ‘Screaming In Harmony’. Y como si fuera un capítulo de Stranger Things, el disco también hace guiños a la cultura popular de los 80, con referencias a Regreso Al Futuro en ‘Pocketful Of Fears’ o videojuegos como Tetris o Street Fighter en ‘Science-Fiction’. Pero no se trata tampoco de un disco totalmente endogámico, y a partir de vivencias personales, también trata temas más universales. ‘Interrupted Girl’ es un

persiguiendo tus sueños, y ‘Pocketful Of Fears’ anima a superar las inseguridades que todos tenemos. A Wild Animals se les deberían pasar todas de golpe después de haber grabado un disco donde cada tema da en la diana. Si hay un poquito de justicia, The Hoax debería servir para que el público de Wild Animals se multiplique, porque por mucho que le hayan puesto ese título, es de todo menos una farsa. JORDI MEYA

THREE DAYS GRACE HAS DE SABER... Matt Walst (voz), Barry Stock (guitarra), Brad Walst (bajo), Neil Sanderson (batería) PRODUCIDO POR: Gavin Brown, Howard Benson, Three Days Grace AFINES A: Breaking Benjamin, Shinedown, Disturbed PÁGINA WEB: www. threedaysgrace.com FORMACIÓN:

E Outsider (RCA/SONY) ROCK ALTERNATIVO

n 2015, los canadienses Three Days Grace ostentaban el récord de tener más números 1 en las listas del formato Active Rock Radio en Estados Unidos con un total de 13. Y viendo la gran respuesta que están obteniendo con el primer single de su nuevo disco, ‘The Mountain’, todavía podrían ampliarlo más. Puede ser un dato que nos quede muy lejos, pero ayuda a dar una idea de hasta qué punto la banda es popular al otro lado del Atlántico y también por qué en Europa, donde el rock prácticamente ni existe en el espacio radiofónico, su impacto ha sido, hasta el momento, mucho menor. Aunque sospecho que también es una cuestión de gustos. El

sonido de Three Days Grace, al igual que bandas similares como Shinedown, Breaking Benjamin o sus compatriotas Nickelback, parece estar especialmente pensado para satisfacer la demanda del mercado americano que no se cansa de ese rock alternativo mainstream surgido después del grunge. Y justo eso es lo que vuelven a ofrecer en su sexto trabajo, segundo con su vocalista Matt Walst. Recae en gran parte sobre sus espaldas la responsabilidad de darle carácter a unas composiciones que tienden al medio tiempo con riffs guitarreros un poco nu metal, pero muy domesticados. Y la verdad es que el tipo cumple bien su papel. A medio camino entre la de

Chester Bennington y la de Dave Drainman, su voz sabe moverse bien entre la melodía y tonalidades más agresivas. Casi todos los temas siguen un patrón muy parecido, yendo a la caza de estribillos que les permita seguir cosechando hits. Aquí hay muchos candidatos como ‘I Am An Outsider’, ‘Nothing To Lose But You’ o ‘Chasing The First Time’. En algunos temas, le han dado un poco más de protagonismo a elementos electrónicos, sonando en ‘Me Against You’ o ‘Love Me Or Love Me’ bastante parecidos a los olvidados Stabbing Westward, pero está claro que Three Days Grace han encontrado una fórmula exitosa y piensan dejarla. . DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... NEIL SANDERSON Compusisteis Outsider en una casa perdida en un bosque. ¿Por qué fuisteis allí y qué influencia crees que tuvo?

“Sí que la tuvo. La cuestión es que habíamos estado girando por todo el mundo, tocamos en Rusia, en Oriente Medio, y estábamos un poco saturados de tanto viajar. Necesitábamos aislarnos para concentrarnos. Tengo una propiedad con una granja en la que podíamos relajarnos. Creo que en la sociedad actual es necesario encontrar tu espacio. Estábamos hartos del mundo”. ¿Hartos del mundo, pero no unos de otros después de tanta gira?

“(Risas) Supongo que no. Es más que tanto bombardeo de información te llega a agobiar. Ahí pudimos desconectar y centrarnos en la música”.

¿Ibais con una idea preconcebida de lo que queríais hacer?

“Siempre intentamos encontrar un tema en nuestras vidas que nos motive a escribir un nuevo disco. En este caso fue esa necesidad de escapar de todo. De ahí el título de Outsider. Es una manera de decir que debes ser capaz de aislarte y pensar por ti mismo. Para este álbum reunimos a dos productores con los que ya habíamos trabajado, Howard Benson y Gavin Brown, porque queríamos un disco más old school, un poco más oscuro”. También habéis contado con Rhys Fulber de Front Line Assemby. ¿Cuál fue su papel?

“Rhys es muy bueno con los sintetizadores analógicos y también nos ayudó con la programación. Tenemos influencias de Nine Inch Nails o del hip hop más oscuro. No nos da miedo

tener elementos electrónicos”. Éste es vuestro segundo disco con Matt como vocalista. ¿Le notaste más cómodo en su papel que con el anterior?

“Sí, desde luego. El tiempo pasa volando, pero Matt ya lleva cinco años en el grupo. La cantidad de conciertos que hemos dado le han hecho ganar mucha confianza. Se siente parte del grupo y ahora se siente totalmente confiado para expresarse tanto en las letras como vocalmente”. La banda tiene mucho éxito en Canadá y Estados Unidos, pero os ha costado bastante más el mercado europeo.

“Desde que Matt entró, las cosas nos han ido mucho mejor por allí. También las redes sociales o Spotify han ayudado a romper las fronteras”. (JORDI MEYA)

THE WONDER YEARS Sister Cities (HOPELESS) ROCK

i os digo la verdad, nunca acabé de entender por qué a The Wonder Years se les ponía como punta de lanza del resurgir del pop punk. De acuerdo que ahí es donde están sus raíces y que sus melodías resultan de los más pegadizas, pero sobre todo a partir de su tercer álbum Suburbia I’ve Given You All And Now I’m Nothing (2011), el grupo de Pennsylvania demostró que su espectro musical rebasaba el de un estilo tan concreto y abrazaba influencias del emo, el indie rock o el post rock. Sister Cities, su sexto trabajo, debería dejarlo claro de una vez por todas. Ya se

veía venir que, tanto en contenido como en forma, sus composiciones iban madurando, y aquí esa madurez llega a su máxima expresión. Inspiradas por ciudades que visitaron en su última gira (el vocalista Dan ‘Soupy’ Campbell nos contaba el mes pasado que ‘It Must Get Lonely’ le vino en Barcelona), estas once canciones sólo podrían haber surgido con el grado de experiencia, personal y musical, que han ido acumulando durante 13 años de carrera. En algunas de sus partes, la banda suena con más contundencia que nunca (‘Sister Cities’, ‘The Ghosts Of Right Now’) y transmite toda la energía que tienen en directo. En otras, saben mostrarse delicados (‘When The Blue Finally Came’), épicos (‘Raining In Kyoto’), reflexivos (‘The Ocean Grew Hands To Hold Me’) o desgarrados (‘Heaven’s Gate (Sad & Sober)’), atesorando siempre estribillos que se te clavan en el corazón y mucha poesía. La versatilidad de los seis componentes (todos brillan) les permite que este viaje geográfico y emocional sea todo un éxito. JORDI MEYA

JUDAS PRIEST Firepower (SONY) HEAVY METAL

or varios motivos, hacía muchos años que un disco de Judas Priest no generaba tanta expectación, y más después de anunciarse la salida de Glenn Tipton del grupo al agravarse su parkinson y la polémica de si ha acabado tocando en el álbum o no. En el fondo no habría que darle tanta importancia. Judas Priest son ahora mismo una entidad por encima de sus propios componentes, por muy históricos y fundamentales que éstos puedan ser. Aunque nunca se sabe, Firepower huele a testamento, y por ello es un ejercicio de estilo, queriendo dejar claro el papel clave de

Judas Priest en la historia del heavy metal. Firepower no deja de ser un resumen de la carrera del grupo desde British Steel, reforzados por la inclusión de un Richie Faulkner que ha dado a la banda el oxígeno necesario para afrontar sus últimos años de vida. Quizás éste sea el mejor álbum de la mencionada segunda etapa de Priest, desde que Rob Halford volviera a sus filas. Y hablamos de una etapa con un nivel alto, mucho más del que hasta ahora se le ha reconocido. Es un auténtico lujo disfrutar a estas alturas de latigazos como ‘Lightning Strike’, ‘Rising For Ruins’ o ese ‘No Surrender’ que prueba, una vez más, que cuando les da por ponerse comerciales, saben salir más que airosos. También se muestra acertada su decisión de formar tándem entre los productores Tom Allom y Andy Sneap para conseguir un sonido clásico a la par que moderno. Esto es Judas Priest en 2018, y mejor que liarse en absurdos debates sobre si el grupo debería de tirar adelante sin sus dos guitarristas originales sería aprovechar lo poco que queda, porque visto lo que exponen aquí, todavía hay magia por exprimir. RICHARD ROYUELA

LA SELECCIÓN

RUNA

Rito Estacional (BCORE) POST PUNK

priori es difícil imaginar cómo sonaría una banda en la que figuran excomponentes de bandas tan dispares como Los Tiki Phantoms y Vortice. ¿Estaríamos ante el primer grupo de surf metal? Pues no, dos años después de autoeditarse su debut homónimo, este segundo álbum pone de relieve que el trío de Barcelona llega dispuesto a devolverle el punk al post punk. Rito Estacional remite directamente a la década de los 80 por su ambientación oscura, sus pedales Flanger, sus melodías hiperventiladas y un sonido crudo excelentemente resuelto por Eric Fuentes, quien vuelve a dar en la diana en su faceta de productor. Las letras de Carlo Pavia, cantante y bajista, son queridamente abstractas y concisas, pero muy sugestivas con versos como “Y ahora pisas las cenizas y respiras los cristales” en ‘Llamas Y Momentos’ o “Es un caso delicado de pulmones agrietados. No supimos orientarnos bajo

el sol y nos ahogamos desde el corazón” en ‘Volver A Empezar’. Palabras que crean una sensación de asfixia, parecido al de un ataque de ansiedad que puede provocar tanto la ausencia de la persona querida como la opresión de la sociedad. Pero lejos de hundirte, la potencia de la música te invita a reponerte y sobrevivir con fogonazos como ‘Revoluciones Fugaces’, ‘Nueva Realidad’ o ‘Mar De Discordias’. Si les diera por emprender una gira con Biznaga, podríamos vivir unas cuantas noches de lo más épicas. MARC LÓPEZ

Q MYLES KENNEDY Year Of The Tiger (NAPALM) ROCK

ue Myles Kennedy es uno de los frontmen actuales más admirados, respetados y queridos por la masa rockera, es indiscutible. Qué mejor momento que éste para lanzar su primer trabajo en solitario, el cual le ha llevado más de una década componer. Year Of The Tiger es un álbum conceptual con el que Myles nos abre su corazón para mostrarnos su lastre más profundo: la pérdida de su padre con tan sólo 4 años, a causa de que éste rechazase todo tipo de tratamiento por motivos religiosos. Un trabajo autobiográfico con el que nos traslada su dolor y su ira silenciada. De ahí que sus composiciones suenen algo más graves y oscuras de lo que nos tiene acostumbrados. Una vuelta a sus raíces en la que

JACK WHITE

Boarding House Reach (THIRD MAN/XL RECORDINGS/ POPSTOCK!) ROCK, FUNK

ack White se encuentra en esa curiosa posición entre ser un icono pop y una figura underground. Por un lado, encabeza festivales, recibe el tratamiento de una celebrity y es de los pocos artistas contemporáneos que puede presumir de que una de sus composiciones se haya convertido en un himno para hooligans (hablo naturalmente de ‘Seven Nations Army’ de The White Stripes). Pero por otro, dirige de manera casi artesanal su sello Third Man, con el que hace frikadas como sacar vinilos que generan hologramas como hizo con su anterior trabajo Lazzareto, o graba

explora otros registros más afines al estilo sureño del rock, folk, country y blues de Chris Whitley o Mississippi John Hurt. Sin duda el uso de instrumentos como la guitarra acústica, el banjo o la mandolina impregnan su personalidad por cada una de las canciones. Resulta interesante que de este modo haya conseguido tomar distancia del sonido de Alter Bridge, aunque ‘Blind Faith’ perfectamente

podría ser una balada firmada por la banda. Por suerte el camino terapéutico de Myles termina con más luz, esperanza y optimismo del que empieza, culminando con ‘One Fine Day’, el tema más brillante de todos. En definitiva, un disco de fácil escucha que, a pesar de una primera mitad bastante plana y sosa, acaba compensado por su buen cierre.

un disco como este Boarding House Reach, donde la experimentación prima por encima de cualquier consideración comercial. Su tercer trabajo en solitario también condensa otra de las dicotomías de White: su veneración por lo vintage y la música del pasado y su deseo de ser una figura relevante en el presente. Por eso, aunque por primera vez White ha usado Pro Tools, el disco rezuma ese aire retro que le caracteriza. Es también el álbum más negroide de su carrera. Si bien siempre había usado el blues como plataforma, aquí hay mucho de funk, hip hop y soul: ‘Corporation’ podría ser una jam de Funkadelic

y ‘Ice Station Zebra’ tiene algo de Prince. En ello tiene mucho que ver el extenso elenco de músicos del que se ha rodeado, colaboradores de artistas como Beyoncé, Kayne West o Fishbone, o el trío de góspel The McCrary Sisters. Aunque a ratos cae en la autocomplacencia (‘Respect Commander’, ‘Get In The Mind Shaft’) y algunos efectos de producción resultan gratuitos, la musicalidad de las interpretaciones te acaba contagiando. Y cuando al final recupera su cara más tradicionalista con las preciosas ‘What’s Done Is Done’ y ‘Humoresque’, se hace difícil no quererle.

ALBA RODRIGO

MARC LÓPEZ

RED CITY RADIO SkyTigers (RED SCARE) PUNK ROCK

on lo que nos gustó su anterior y homónimo álbum, esperábamos que Red City Radio regresaran con otro discazo bajo el brazo tras tres años sin publicar material inédito. Finalmente su silencio se ha roto trayendo una noticia buena y otra mala. La negativa es que su nuevo lanzamiento es un EP que se compone de tan sólo cinco temas, de los cuales ya conocíamos dos con anterioridad, pues fueron estrenados el pasado curso: ‘If You Want Blood (Be My Guest)’ y ‘Rebels’. La positiva es que, a pesar de todo ello, SkyTigers contiene cinco cortes que podrían mirar

de tú a tú a lo mejor de su cancionero sin problemas. Comienzan abriendo fuego con la mencionada ‘If You Want Blood (Be My Guest)’, donde ya nos encontramos la tabernaria garganta de Garrett Dale haciendo de las suyas con el resto de la banda siguiéndole los pasos en un de esas canciones que entra sola a la primera. ‘I’ll Still Be Around’ se inicia con guitarra acústica y piano, justificando ese acercamiento bien entendido al rock más clásico, para ir desarrollándose con buen ritmo. Con ‘In The Shadows’ llega la joya de la corona. Una pieza con un estribillo redondo y un solo hard rockero con sabor ochentero que dicen mucho de su estado de inspiración actual. Una maravilla. Rematan la faena con el pegadizo coro de ‘Rebels’ y el alegato final de ‘SkyTigers’ con el discurso de El Gran Dictador de fondo (aunque uno empieza ya a verlo hasta en la sopa, dicho sea de paso). Lo único que cabe lamentar es que no hayan esperado para poder escribir otras cinco canciones tan buenas para así tener otro álbum redondo que añadir a la colección. GONZALO PUEBLA

PRIMORDIAL

Exile Amongst The Ruins (METAL BLADE) CELTIC METAL, BLACK METAL

u anterior Where Greater Men Have Fallen significó mi primera pequeña decepción con Primordial, banda elegante y emotiva donde las haya, y por eso ‘Nail Their Tongues’, el tema que abre este nuevo plástico, me llenó de alegría. Ahí está esa bandaza de puño en alto y lagrimilla, con esos riffs eternos que se suceden durante minutos y minutos entre tempos rapidísimos. Esa delicia con la que golpearse el pecho ante las sentidas labores en el micro de A.A. Nemtheanga. Pero luego está ‘To Hell Or The Hangman’, que de inicio me pareció horripilante. En posteriores

escuchas he podido llegar a meterme en su dinámica de crescendo, pero de la misma forma, no entiendo por qué una formación tan veterana y de personalidad tan portentosa deba fijarse en Sólstafir. Sé perfectamente hacia dónde quiere encaminarse ‘Where Lie The Gods’, pero a diferencia de en sus mejores tiempos, donde claramente no nos encontramos, los irlandeses no consiguen tocarnos la fibra con un corte que ya hemos escuchado antes, pero erigido con mucha mayor inspiración. Lo mismo podría aplicarse a ‘Exile Amongst The Ruins’, y a ‘Upon Our Spiritual Deathbed’… Que sí, que son los de Dublín, claro que hay magia en ‘Stolen Years’ o tablas en ‘Sunken Lungs’, pero en general falta chispa y se les ve algo forzados. Lo nuevo de Primordial se deja escuchar, por supuesto, pero al mismo tiempo, es obvio que no aguanta las comparaciones, no ya con sus clásicos, sino con obras más recientes como los gloriosos To The Nameless Dead o Redemption At The Puritan’s Hand. Ojalá sea un bache temporal. PAU NAVARRA

al stoner pasando por su toque de psicodelia y blues. Lo que más agrada es que como conjunto estas nuevas canciones tiene su porqué. Siempre categorizados como una banda de stoner, Monster Magnet se acercan más a sus raíces en Mindfucker de lo que puede MONSTER MAGNET parecer, y es que siempre han sido más fanáticos Mindfucker de MC5 o Iggy Pop que (NAPALM) de Sabbath, por ello este STONER ROCK disco arroja una paleta de colores en momentos 75 oscuros. El ‘nuevo’ bajista Chris Kosnik (está en el on mas de 30 años grupo desde 2013) cumple de existencia poco lo que le dictan sin destacar tienen que demostrar demasiado, y el resto Monster Magnet al mundo. de la habitual formación Pero si algo ha quedado demuestra que el diablo claro es que, al contrario sabe más por viejo que de lo que se pueda pensar, por diablo...Capitaneados las drogas no son la fuerza por Wyndorf saben creativa detrás de la banda exactamente qué botones (su vocalista y compositor apretar para llegar a todos Dave Wyndorf se recuperó los fans que pudieron de una sobredosis hace sentirse decepcionados más de una década). Cinco con demasiadas años después de lanzar sus experimentaciones últimas creaciones originales psicodélicas del pasado nos ofrecen diez disparos más reciente. El tema ‘When de rock que, a diferencia the Hammer Comes Down’ de su anterior Last Patrol, resume en seis minutos a no dejan cabos sueltos. la perfección estas tres Casi todas las influencias y décadas de Monster trucos de la banda salen a Magnet. relucir, desde el space rock JORGE FRETES

STONE TEMPLE PILOTS

Stone Temple Pilots (RCA) ROCK

or mucho éxito que tuvieran en los 90, no se puede decir que la vida haya sonreído los hermanos Dean y Robert DeLeo y Eric Kretz. Su relación con Scott Weiland, fallecido en 2015, siempre fue complicada por el impredecible comportamiento del vocalista y el año pasado tuvieron que pasar de nuevo el luto por la muerte de Chester Bennington, con quien había grabado un EP y girado en 2013, en un intento de reactivar su carrera. Pero Stone Temple Pilots no se dieron por vencidos, y después de una larga búsqueda encontraron en Jeff Gutt, ex concursante

de X Factor y de la banda de nu metal Dry Cell, a la persona ideal. Escuchando el disco que han grabado con él, se entiende por qué. Gutt goza de una tesitura vocal prácticamente idéntica a la de Weiland, y su enfoque de las melodías sigue el que en su día marcó el difunto cantante. Supongo que a unos les parecerá un sacrilegio que hayan reclutado a un clon (otros agradecerán, que, en directo, las viejas canciones suenen prácticamente igual) y por eso les caerán bastantes palos, pero sospecho que este disco no hubiera sonado demasiado distinto a si lo hubiera grabado el propio Weiland. Ya se sabe que tendemos a mitificar a los muertos y a quedarnos con los mejores recuerdos, pero tema por tema este álbum no es inferior al anterior homónimo de 2010. Contiene su típico rock duro, con guiños al pop y la psicodelia (‘Middle Of Nowhere’, ‘Meadow’, ‘Roll Me Under’…), y baladas elaboradas (‘Thought She’d Be Mine’, ‘Finest Hour’). No es brillante, pero suena 100% Stone Temple Pilots. JORDI MEYA

AMERICAN NIGHTMARE

American Nightmare (RISE) HARDCORE

l contrario que la teoría de Darwin, la evolución de las especies musicales no sigue ninguna lógica. Y así, una banda que se había extinguido y había sido olvidada, de repente es capaz de resucitar y ofrecer un trabajo con tanta sustancia como éste de American Nightmare. Hacía 14 años desde su último disco We’re Down Till We’re Underground -publicado bajo el nombre Give Up The Ghost-, y aunque el grupo se había reunido antes para ofrecer algunos conciertos, pocos confiaban en que volvieran a grabar. Pues bien, no sólo lo han hecho, sino que les bastan 19 minutos para dejar claro por

74 68

qué son una de las bandas más especiales salidas de la escena hardcore de Boston. Por su corta duración, uno podría pensar que se trata de una sucesión de trallazos a toda máquina, pero, aunque los hay (ahí están las devastadoras ‘Dream’ o ‘Lower Than Life’), el grupo explora los márgenes del hardcore con otro tipo de dinámicas, logrando que el disco te llene igualmente. En su versión más rockera, ‘War’, donde no he podido evitar pensar en nuestros This Drama, te contagian de su ímpetu, en la más post punk, ‘Colder Than Death’, te contraen recordando a Bauhaus, y en la final ‘Crisis Of Faith’, armada sobre una robusta línea de bajo, combinan fuerza y oscuridad a partes iguales. También ayuda que Wes Eishold sepa sacar el máximo provecho a sus registros vocales. Grabado en una cinta de dos pulgadas en el estudio del batería Alex GarciaRivera, este disco de retorno evita caer en la tentación de intentar competir con las producciones modernas. Pero es precisamente por su pureza y modestia que consigue sacarle los colores a la mayoría. JORDI MEYA

TURBOWOLF The Free Life (SO RECORDINGS) ROCK

esconozco si existirá tal cosa, pero debería de haber una ciencia que se dedicase a investigar ese fenómeno tan peculiar que se suele dar en tantísimas bandas británicas que se pasan el resto de su carrera intentando replicar el éxito logrado con su primer álbum. Como a muchas otras, a Turbowolf les pasó exactamente lo mismo tras editar un explosivo debut homónimo en 2011 que causó sensación entre los círculos del NME y derivados de la prensa especializada del Reino Unido. Su continuación, Two Hands, quedó muy por debajo de las expectativas

que se habían puesto en ellos y el hype se esfumó casi tan rápido como llegó. Sin perder el ánimo, ahora contraatacan con este The Free Life, donde remontan ligeramente el vuelo a pesar de seguir a años luz de lo que nos mostraron en su ópera prima. Y es que los de Bristol han pasado de ser una bestia desbocada a convertirse en un animal mucho más previsible y menos espontáneo. No en vano siguen siendo capaces de facturar temas con cierto gancho, destacando los crujientes riffs de ‘Cheap Magic’, ‘Domino’ o la loquísima ‘The Free Life’, donde tampoco faltan esos histriónicos teclados y voces filtradas de su carismático frontman Chris Georgiadis. Las punkis ‘Blackhole’ y ‘Very Bad’ confirman que han ganado en músculo y pegada a pesar de dejar espacio para algún momento más reflexivo (‘Halfsecret’). Un trabajo entretenido, pero que tampoco desatará el entusiasmo que un día llegamos a sentir por ellos gracias a ese cóctel altamente inflamable de stoner, punk, proto heavy y psicodelia macarra. Es lo malo que tiene llegar y besar el santo a la primera. GONZALO PUEBLA

‘77

Bright Gloom (CENTURY MEDIA) HARD ROCK

uienes todavía siguen asociando a ’77 con AC/DC harían bien en escuchar su quinto disco para quitarse las ideas preconcebidas de encima. En Bright Gloom no encontramos ni un tema que recuerde a los australianos, si bien los barceloneses siguen teniendo en la década a la que homenajean con su nombre su mayor fuente de inspiración. También el dato de que Raül Fernández ‘Refree’, que ha grabado desde Christina Rosenvinge a Kiko Veneno, es el productor podría causar perplejidad de entrada, pero está claro que su amor compartido por el rock (fue guitarrista de Corn Flakes) y los cacharros

analógicos ha sido suficiente para dar buenos frutos. Desde el primer riff de ‘Bread & Circus’ advertimos que algo ha cambiado, y a lo largo de su primera parte nos vamos encontrando con que éste es el disco más oscuro de su carrera, con unos tempos más pesados, un mayor protagonismo del nuevo bajista Dani Martín y un Armand Valeta aullando unas líneas melódicas maléficas al estilo de un joven Ozzy Osbourne. En esa línea destacan ‘Who’s Fighting Who’ o ‘Be Crucified’, ambas muy Black Sabbath. Pero como el título del disco deja intuir, además de sombras, también hay luz, y así, a partir de ‘It’s Near’, en que unos coros ligeros en el puente hacen de contrapunto a una letra que nos anuncia que “el final está cerca”, el tono del disco cambia y se suceden canciones como la bluesera ‘You Better Watch Out’ o esa ‘Last Chance’ con aroma a ZZ Top, la melódica ‘Fooled By Love’, ‘I Want My Money Back’ o el boogie festivo de ‘Make Up Your Mind’, conformando un álbum atípico, y a ratos desconcertante, pero en el que se puede mojar mucho pan. JORDI MEYA

REVOLTA PERMANENT Ultravioleta (GAUA) ROCK, ELECTRÓNICA

aciendo honor a su nombre, Revolta Permanent llevan levantando revuelo desde hace al menos cuatro años allá por donde pasan. Sus orígenes los encontramos en Herri Oihua, un jovencísimo combo de Bilbao del que sus dos vocalistas, ambos Iker (Villa y Aginaga), y el guitarrista Mikel Becerra acabaron abandonando sus filas para unir fuerzas junto al productor Aitor Abio y llevar sus inquietudes más allá. De acuerdo, es probable que si no vives cerca de la zona de Euskadi su nombre no te resulte familiar, pero por allí ya son una banda que empieza a sumar una importante legión

de seguidores a cada paso que dan. El más reciente ha sido la publicación de su tercer trabajo Ultravioleta, con el que consiguen expandir más si cabe su universo sonoro. En él encontrarás zarpazos implacables como el que abre el disco bajo el título de ‘Eskorpio’, en el que los dos MCs salen dispuestos a morder disparados por las guitarras y bases de Mikel y Aitor respectivamente. Esa dosis letal a medio camino entre el hip hop, el rock y la electrónica les convierte en una especie tan venenosa como poco frecuente dentro de nuestro territorio. Tanto pueden ir directos a repartir tralla (‘Azido’) y poner a brincar a toda la pista (‘K 1080’), como introducirse en un oscuro club de baile (‘Ez Izan’, ‘Nightcall’) y salir igual de airosos. Como unos The Prodigy vascos, vaya. Esa variedad nada fortuita se aprecia en detalles como que estas ocho canciones hayan sido mezcladas por ocho productores distintos y en diferentes estudios, haciendo que Revolta Permanent sean capaces de llegar a un público de lo más ecléctico. GONZALO PUEBLA

FROM ASHES TO NEW

HAS DE SABER... Danny Case (voz), Matt Brandyberry (voz rapeada, teclados, guitarra, programación), Lance Dowdle (guitarra), Mat Madiro (batería) PRODUCIDO POR: Matt Brandyberry AFINES A: Linkin Park, Papa Roach, Hoobastank PÁGINA WEB: www.fromashestonew.com FORMACIÓN:

The Future (BETTER NOISE/ELEVEN SEVEN) NU METAL

arece irónico que un disco titulado The Future mire tanto al pasado. Intencionadamente o no, escuchar el segundo álbum de From Ashes To New te transporta inmediatamente 15 años atrás, cuando Linkin Park o Limp Bizkit lo estaban petando a lo grande. Aquella fórmula, que durante unos cuantos años parecía imbatible, de combinar riffs metaleros con rapeos y estribillos melódicos, es reproducida por esta banda de Pennsylvania con precisión milimétrica. Ya lo hicieron en Day One hace un par de años y lo repiten en este segundo trabajo, a pesar de haber cambiado de cantante principal y batería. Pero si en su

debut había algún toque más agresivo, aquí todo aparece tamizado por una mayor accesibilidad. Quizá ahora que tantas bandas nuevas vuelven a proyectar influencias del nu metal, puede que hasta From Ashes To New puedan tener su oportunidad. Desde luego es fácil imaginar temas como ‘Crazy’ o ‘Let Go’ sonando en las radios americanas al lado de los hits de Papa Roach, Five Finger Death Punch o Breaking Benjamin. El álbum se inicia con ‘Wake Up’ con un efecto electrónico y una guitarra entrecortada antes de que Matt Brendyberry empiece a rapear, y luego el nuevo vocalista Danny Case entre cantando melódicamente. El estribillo no tarda

en llegar animándote a que despiertes y abras los ojos. En general, las letras de From Ashes To New intentan transmitir positivismo y espíritu de superación con frases de ese tipo. El cuarteto aplica este mismo esquema en todos los temas con leves variaciones (el piano en la estrofa de ‘My Name’, la más electrónica ‘Forgotten’...), lo que hace que el disco pueda resultar un tanto plano en conjunto y parezca más una colección de singles que un álbum en sí. Pero si eres de los que pusiste el grito en el cielo por el giro pop de Linkin Park en One More Light, quizás escuchar The Future te sirva de consuelo. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... MATT BRANDYBERRY Muchas cosas han ocurrido desde que publicasteis Day One. A pesar de que desde fuera parecía que todo iba bien, habéis tenido algunos problemas internos. ¿Puedes resumir qué ha pasado?

“Simplemente que algunos miembros no querían seguir formando parte del grupo y decidieron marcharse”. ¿Fue difícil encontrar los nuevos componentes e integrarlos en el grupo?

“Conocíamos a Mat Madiro de cuando había sustituido a nuestro antiguo batería temporalmente, así que llenamos ese hueco de inmediato. Encontrar un cantante fue más complicado. Hicimos muchas audiciones, tanto privadas como públicas, pero al final siempre acabábamos pensando en la prueba que había hecho Danny Case.

Nos llevó tiempo, pero valió la pena. Creemos que los cambios han sido una bendición encubierta”.

fuera. Tener tanta pasión puede ser algo bueno y malo al mismo tiempo. Pero rendirme no está en mi ADN”.

¿Crees que estos cambios han afectado vuestro sonido de algún modo?

Mucha gente piensa que podríais ser el grupo que reviva el nu metal. ¿Es algo que te gustaría que ocurriese o preferirías seguir como una excepción dentro de la escena actual?

“Creo que nos han ayudado a evolucionar y madurar. La formación anterior nunca se involucró demasiado en la composición. La mayoría la hacía yo. Tener ahora a cuatro miembros que son músicos y compositores con talento facilita mucho las cosas. Todos tenemos los mismos objetivos y la química es perfecta”. ¿Hubo algún momento en que la banda se planteara tirar la toalla?

“Creo que es lo que hubieran pensado la mayoría, pero como en cualquier cosa, lo mejor es tirar adelante. La industria no es lo que se piensa desde

“Si logramos revivir un género estaremos al 100% satisfechos, pero no es nuestro objetivo. Nuestra meta es hacer música que sale de dentro y que consiga que otra gente se identifique con ella. Si nuestra música ayuda a que alguien supere su lucha diaria, es suficiente para nosotros. Pasamos muy poco tiempo en este planeta y quiero que todo el mundo lo disfrutemos mientras podamos”. (DAVID GARCELL)

C BETWEEN THE BURIED AND ME Automata I (SUMERIAN) METAL PROGRESIVO

on Automata I, los chicos de Between The Buried And Me nos regalan un bien escaso y muy preciado: el tiempo. Tiempo para poder darle varias escuchas de golpe. Tiempo para degustar cada una de sus complejas texturas. Tiempo para empaparnos de sus riffs y memorizar sus melodías. Tiempo para dedicarle tiempo. Seis canciones de 35 minutos totales que nos dejan anhelantes por descubrir más, pero que a su vez nos permiten valorar sus composiciones plácidamente. Continuando con su viaje onírico, los estadounidenses presentan un trabajo más asentado y menos alocado que sus inicios, así como bastante más oscuro que su antecesor Coma Ecliptic. Tommy Rogers vuelve a exhibir un gran registro vocal, esta vez mucho más agresivo y variado, además de mostrarse cada vez más

HOT SNAKES Jericho Sirens (SUB POP) PUNK ROCK

a inseparable pareja formada por John ‘Speedo’ Reis y Rick Froberg, juntos desde los seminales Pitchfork, el germen de los capitales Drive Like Jehu, ha vuelto 14 años después para hacer lo que mejor saben: esputar temas de punk’n’roll con guitarras disonantes, alaridos infecciosos y ritmos martilleantes. En la inicial ‘I Need A Doctor’ encontramos un tema marca de la casa (como las adictivas ‘Having Another’ y ‘Six Wave Hold Down’), con Froberg desgañitándose y la mano derecha de Reis a la velocidad de la luz mientras la izquierda hace de las suyas por todo el mástil.

cómodo experimentando con los sintetizadores. A esta atmósfera futurista se suman intensos riffs y grooves incisivos, entrelazados de forma orgánica y por los que sobresale el bajista Dan Briggs. De ahí que sea inevitable acordarse de bandas como Cynic o Devin Townsend en canciones como ‘House Organ’ y ‘Yellow Eyes’. Aunque si hay alguna que represente el disco, ésa es la melodiosa ‘Condemned

To The Gallows’, ya que contiene muchos elementos que se irán desarrollando a lo largo del álbum. Con esta nueva entrega BTBAM vienen cargados de nuevas ideas brillantes, siendo una de las bandas que más aporta al metal progresivo moderno. Esperemos que merezca la pena la espera hasta junio, fecha en la que está programada la segunda entrega de este trabajo.

El cuarto trabajo de estas leyendas vivas del punk rock, el primero para el mítico sello Sub Pop, pone letra y música a una civilización abocada al desastre con una reseñable fijación por la muerte (salta a la vista con títulos como ‘Death Camp Fantasy’, ‘Death Doula’ y ‘Death Of A Sportman’). Lo mejor de todo es que, como si el tiempo no pasara para estas culebras calientes de San Diego, continúan justo donde lo dejaron y con una mayor intensidad si cabe. La enfermiza ‘Candid Cameras’ y ‘Why Don’t It Sink In’, un minuto y pico de ruidismo salvaje, son unas demostraciones de fuerza y resistencia no aptas para

punk rockeros de postal. Si ya teníamos problemas para escoger entre sus tres primeros trabajos, tres sólidos álbumes, ahora aparece el poderoso Jericho Sirens con la banda que completan el bajista Gar Wood y los baterías Jason Kourkounis y Mario Rubalcaba, que por primera vez aparecen juntos en un mismo álbum y sobra decir que se muestran en un absoluto estado de gracia. ¿La única pega del disco? Se echa de menos una de las características ilustraciones de Froberg en la portada, pero podemos pasarlo por alto si esto significa que inician una segunda trilogía con este Jericho Sirens.

ALBA RODRIGO

LUIS BENAVIDES

IRON REAGAN/ GATECREEPER Split

(RELAPSE) CROSSOVER, DEATH METAL

oder Relapse, cómo molas cuando te estrujas el cerebro. Juntar a dos de sus formaciones más excitantes de los últimos tiempos en un split es un gran acierto, y seguro que, en breve, este compartido entre Iron Reagan y Gatecreeper será un codiciado caramelo para muchos de sus fans. Qué decir de los primeros… Los de Richmond siguen en estado de gracia trasladándonos lo mejor del hardcore punk y el crossover thrash de los 80 a nuestros días, firmando aquí cinco temas que presentan todas las vertientes de su noble arte de despedazar

audiencias. Al grano, sin florituras, con esa urgencia que parece que les persiga el Diablo y la producción más adecuada, pero sin pasarse con la tralla, manteniendo ese escrupuloso respeto hacia aquello tan concreto que están homenajeando. Vaya zarpazos, los de ‘Paper Shredder’ y ‘Take The Fall’. Parece mentira que tengan tan bien integrado ese lenguaje musical… Luego, la escasa intro y las dos canciones que nos regalan Gatecreeper también están a la altura. Los de Arizona se dieron a conocer con su debut de 2016 Sonoran Depravation, y ya con ‘Dead Inside’ demuestran que no estábamos equivocados al seguirles de cerca. En este corte de alto tonelaje, curiosamente, suenan mucho más suecos que americanos, pero en ‘War Has Begun’ dejan entrever, de forma chulísima, lo mucho que Obituary les han marcado. Claro, en total son solamente 18 minutos, tampoco se nos va a ir la pelota con lo aquí ofrecido, pero ambos grupos evidencian que su futuro es brillante. PAU NAVARRA

RACQUET CLUB Racquet Club (RISE) INDIE ROCK

l club de la raqueta es el feliz reencuentro de dos viejos amigos de la escena emocore de la Costa Oeste. Sergie Loobkoff, guitarrista de Samiam, ingresó en Knapsack a finales de los 90, la banda liderada por Blair Shehan, cantante y guitarra de estos Racquet Club. Mano a mano parieron el tercer y último disco de Knapsack, el fantástico This Conversations Is Ending Starting Right Now, publicado en 1998. Dos décadas después los caminos de estos dos genios vuelven a cruzarse con un resultado más espectacular

si cabe. La veteranía es un grado, han adquirido nuevos recursos, mantienen la química y les acompaña Bob Penn, batería de The Jealous Sound, el proyecto post Knapsack liderado por Blair. La banda que completa el bajista Ian Smith, el único de la banda sin un pasado lustroso, borda aquí diez brillantes temas de indie rock con unas letras mayormente afirmativas, enérgicas y luminosas. En ese sentido, Blair y compañía se distancian del pesar y la introspección de sus bandas de juventud. Los seguidores de sus grupos originales gozarán igualmente este nuevo proyecto. La urgencia y la emoción están muy presentes en un puñado de canciones con estribillos pletóricos (‘Caldwell Park’, ‘Head Full Of Bees’, ‘Blood On The Moon’, ‘New Granada’). Esas piezas comparten protagonismo con otras cercanas al pop de guitarras de Death Cab For Cutie y The Promise Ring (‘Battlefield’, ’Boundaries’) e incluso se atreven con algún medio tiempo a caballo entre Snow Patrol y los últimos Biffy Clyro (‘Let Beauty Find You’). Maravilloso debut. LUIS BENAVIDES

E GULFER

Dog Bless (TOPSHELF/BIG SCARY MONSTERS) EMO ROCK

n su primer disco, el muy meritorio What Gives, Gulfer sólo eran una joven banda muy influenciada por los maestros American Football. Basta con escuchar cortes nostálgicos como ‘Most Of My Time’, ’Post-Molly’ y la instrumental ‘Altalalaval’ para comprobar su devoción por el grupo liderado por Mike Kinsella. La banda, que entonces ya había publicado dos EPs y cuatro splits, mostraba un completo dominio de sus instrumentos, pero todavía estaba buscando su propia identidad. En el presente Dog Bless, un álbum coeditado por las discográficas Topshelf y Big Scary Monsters, están mucho más cerca de conseguirlo. A nivel compositivo, el salto es evidente en este disco. Y es que en los doce temas que componen el segundo largo del cuarteto de

NATHANIEL RATELIFF & THE NIGHT SWEATS

Tearing At The Seams (STAX) ROCK AMERICANO, SOUL

or mucho que su nombre siempre aparezca en primer lugar, con letras más grandes y luminosas, todo buen cantautor que se precie debe contar con una banda de acompañamiento que sepa respaldarle, y al mismo tiempo, darle un sonido reconocible. Piensen por un segundo, ¿acaso la carrera de Bruce Springsteen habría sido igual de no existir la E Street Band? ¿Se imaginan a Tom Petty sin sus inseperables Heartbreakers? ¿O a Nick Cave sin los Bad Seeds? Pues quizás ahí mismo encontremos en parte la respuesta de por qué

Montreal encontramos a una formación exultante, con unas ideas mucho más frescas. En este trabajo hay berridos screamo con melodías punk pop en la onda PUP (‘Secret Stuff’), tappings imposibles a dos manos que recuerdan a Maps And Atalases y Tiny Moving Parts (‘Be Father’, ‘Judy Froster’), baterías hiperactivas y patrones raros (‘Babyshoe’), e incluso unas programaciones melancólicas (en los interludios ‘Blessed Pt. 2’ y

’Blessed Pt. 3’). En definitiva, Gulfer ofrecen esta vez algo más fresco y personal a partir de un abanico de influencias bastante más amplio. Aunque son canadienses, su propuesta encaja a la perfección en las efervescentes escenas emo rock y math de Chicago y Philadelphia. Si te pirran formaciones como los citados Tiny Moving Parts, Sport, You Blew It! o Everyone Everywhere, deberías darles una escucha.

alguien como Nathaniel Rateliff ha comenzado a destacar en los últimos años cuando ya llevaba cerca de una década de carrera. No es que quiera quitarle méritos a este barbudo compositor de Missouri, ni mucho menos, pero la realidad es que no fue hasta 2015 con su primera colaboración junto a The Night Sweats que el éxito llamó a su puerta. Convertido ahora en uno los nombres en alza del nuevo rock clásico americano, vuelven con un segundo trabajo conjunto que apunta a solidificar las bases de un estilo propio. Por su portada quizás se podría intuir que

Tearing At The Seams es una obra más profunda y personal que su anterior entrega. Y aunque algo de eso hay en las sentidas ‘Hey Mama’, el single ‘You Worry Me’ o la propia ‘Tearing At The Seams’, a esta gente le va la marcha. Ya sólo la apertura de ‘Shoe Boot’ condensa toda la magia del mejor soul sureño con unos vientos maravillosos vía Stax al igual que ‘Baby I Lost My Way, (But I’m Going Home)’ o ‘Intro’, sin dejar de lado ese rock de carretera en ‘Be There’, ‘A Little Honey’ y ‘Coolin’ Out’. Un matrimonio para perdurar por mucho tiempo.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

MOOSE BLOOD

I Don’t Think I Can Do This Anymore (HOPELESS) ROCK ALTERNATIVO

odos llegamos en algún punto, sea en una relación o en un trabajo, en el que pensamos ‘no puedo seguir más con esto’. En el caso de Moose Blood es comprensible que se les cruzara por la cabeza mientras iban componiendo su tercer álbum y decidieran usar la frase para titularlo. Además del agotamiento propio del tute que se pegaron presentando el anterior Blush, su carrera se vio amenazada tras las acusaciones de acoso sexual hacia su batería Glenn Harvey que desembocaron en su expulsión del grupo. Afortunadamente, los de

Canterbury han decidido seguir adelante, pero está claro que todas estas experiencias les han pasado factura. Aquella frescura de sus dos primeros discos se ha perdido y en términos generales, parece que hayan madurado, no por gusto, sino a la fuerza. Todo esto se refleja en un sonido más adulto y menos jovial. Siempre han tenido un punto emo, pero lo compensaban con acentos punk poperos. En cambio, aquí la melancolía pesa como una losa en las letras y la voz de Eddie Brewerton, y musicalmente se han alejado de Blink-182 para acercarse a Deaf Havana y otras bandas británicas con vocación de rock de estadios como dejan claro en ‘Have I Told You Enough’, ‘All The Time’ o ‘Can We Stay Like This’. Al igual que en los últimos trabajos de una banda afín como Jimmy Eat World, Moose Blood siguen creando buenas melodías -las de ‘Talk In Your Sleep’, ‘You Left On The Worse Way’ o ‘Promise Me’ lo son-, pero no puedo evitar echar de menos un poquito más de sal y pimienta. DAVID GARCELL

Este tema basado en la inmortal colección de poemas del persa Omar Khayyam, escritos en el siglo XI y fundamentales para el desarrollo de cualquier corriente posterior de hedonismo, librepensamiento, nihilismo, agnosticismo e incluso ateísmo, ya MOURNFUL pone definitivamente los CONGREGATION cimientos para asentar el The Incubus Of Karma resto de catedrales sónicas (OSMOSE PRODUCTIONS) que están por venir. Sin FUNERAL DOOM METAL piedad, sin concesiones hacia los devoradores de 90 singles o los hiperactivos, Mournful Congregation desgranan rayos de luz ortalecidos por 25 como la instrumental ‘The años de carrera y una Incubus Of Karma’ o su producción totalmente justo antagonismo, sensible old school, ostentando una agonía reptante como la batería que de tanto eco de la excelsa ‘Scripture Of parece grabada en las cuevas de Zugarramurdi y esa Exaltation And Punishment’ o un mastodóntico final riqueza de voces abisales de de álbum como el de ‘A la que ya hicieron gala en su Picture Of The Devouring anterior The Book Of Kings, Gloom Devouring The Mournful Congregation nos Spheres Of Being’. Los entregan una obra hermosa australianos no tienen ningún y colosal. Seis temas para tipo de noción acerca de 79 minutos de regocijo, con los medio tiempos, ya no sus consiguientes desarrollos digamos de la velocidad. infinitos y los sentimientos Espiritualidad para ermitaños a flor de piel. Asombrosa de vida contemplativa. ‘Whispering Spiritscapes’, Extremadamente funeral pero los teclados que abren la larguísima ‘The Rubaiyat’ doom. Solemnes musicazos. ya te dejan trastornado. PAU NAVARRA

GRAYSCALE Adornment (FEARLESS) PUNK POP

os protagonistas de esta reseña echaron a andar como grupo en 2011 muy influenciados por los británicos Basement, que entonces empezaban a despuntar con un meritorio debut como era I Wish I Could Stay Here. Los de Philadelphia escogieron llamarse Grayscale precisamente por uno de los temas incluidos en ese disco. De esa influencia, como si se hubiera diluido con el paso de los años, queda más bien poco en el presente Adornment, su tercer largo y primero para Fearless Records, hogar de bandas mucho más afines como Mayday

82 80

Parade, Real Friends o As It Is. Y es que el quinteto se mueve como pez en el agua en la vertiente más accesible y dulzona del punk pop (el dueto con Patty Walters en ‘Come Undone’ y la semiacústica ‘Forever Yours’ son dos buenos ejemplos), pero sin demasiada personalidad. Y no me refiero a la originalidad, algo totalmente sobrevalorado desde mi punto de vista. Nada en Adornment hace reconocibles y mucho menos únicos a Grayscale. Cumplen en canciones como la inicial ‘Let It Rain’, ‘Atlantic’ e ‘If I Ever See You Again’, pero deberán seguir trabajando mucho si quieren destacar entre los montones de bandas que hacen lo mismo igual o mejor que ellos. Supongo que se trata de dejarse el alma en cada canción, ser honestos. Sólo así serán realmente únicas y, sobre todo, creíbles. Se trata de todo eso y, obviamente, de hacerlo con buen gusto. No dudo que ellos lo han intentado con todas sus fuerzas y tampoco pongo en duda su talento. Les seguiré la pista por si acaban dando con la tecla. LUIS BENAVIDES

a sus pies, pero tampoco es como para ningunear al resto de composiciones. Aunque ahora mismo no forme parte del grupo, durante la grabación de este disco Pekka Koskelo les comandó con maestría tras los parches, ornamentando con elegancia esos tempos HOODED MENACE mortecinos mientras se Ossuarium Silhouettes desenvolvía perfectamente en esas partes con algo Unhallowed más de vidilla. Pero (SEASON OF MIST) no nos engañemos: es DEATH DOOM cuando Hooded Menace descienden hasta el Hades 78 para revolcarse entre terrores y otras criaturas aún más miserables os primeros compases que los humanos, de ‘Sempiternal casos de ‘Cathedral Of Grotesqueries’ Labyrinthine Darkness’ o resultan tan devastadores e la estremecedora ‘Charnel incontestables que el resto Reflections’, que los de álbum ya entra como un finlandeses realmente brillan chupito de Thunder Bitch. Y en todo su esplendor. Y eso que hablamos de death desde luego, esas guitarras doom con todas las letras, tan claras y cristalinas, con con toda la carga emotiva esas bellas salidas tan My y melancólica que el estilo Dying Bride, son las que te conlleva, con todo su hunden poco a poco con recogimiento. No es nuevo ellos, aunque es un dolor tratándose de Hooded placentero. Si les sigues de Menace, quienes debutaron hace tiempo ya sabes la que en largo hace una década te espera, pero si no, estos y desde entonces ya no hermanitos espirituales de nos han dejado bajar la Ophis u Onirophagus te van guardia. Como decíamos, a dar un buen chute de opio tras esos más de 10 minutos musical. inspiradísimos caes rendido PAU NAVARRA

OCEANS OF SLUMBER

The Banished Heart (CENTURY MEDIA) METAL PROGRESIVO

icen que las malas experiencias en la vida siempre hay que transformarlas en momentos de inspiración y creatividad, lo que parece ser que Oceans Of Slumber se han tomado al pie de la letra. Su tercer álbum, The Banished Heart, explora los sentimientos que, durante estos últimos años, corren por sus venas ante la pérdida de ciertas relaciones personales. La muerte, el abandono, el dolor, el desamor... todo ello les acompaña a través de un trabajo conceptual íntimo y sombrío. En esta ocasión, además de cantante,

Cammie Gilbert ha asumido el papel de letrista para ahondar en la aflicción de la banda hasta canalizarla y encontrar la paz. Todo ello le lleva a exteriorizar una voz mucho más agresiva, desesperada y rasgada que en anteriores discos, sin perder la delicadeza en las partes más vivas. El sonido que han conseguido entre todos es un equilibrio de técnica, elegancia y melancolía, pese a que demasiadas canciones lo hacen pecar de ser un disco bastante denso. Eso provoca que, por ejemplo, el dúo entre Cammie y Tom S. Englund (Evergrey) en ‘No Color, No Light’ pase desapercibido con tanta sensibilidad melódica junta. Sin embargo, otras canciones como ‘The Decay Of Disregard’, ‘At Dawn’ y ‘The Banished Heart’ brillan por su estilo ecléctico y la banda de Houston luce bastante más. Finalmente, el álbum incluye el himno folk ‘Wayfaring Stranger’, versionado innumerables veces y al que Cammie le aporta un carácter orgánico. En general, buena banda sonora para acompañarte en momentos de reflexión y sosiego. ALBA RODRIGO

WESS MEETS WEST

A Light Within The Fracture (HASSLE) POST ROCK

ptimismo instrumental. Estas dos palabras condensan la propuesta bella y compleja de los estadounidenses Wess Meets West, un cuarteto que prepara la conquista de muchos corazones post rockeros al otro lado del charco a partir de que publiquen A Light Within The Fracture a través de la disquera británica Hassle Records (Hotel Books, Brutus, Max Raptor). Los de New Haven han sido comparados con la flor y nata del rock instrumental desde sus primeros EPs. En este tercer largo, Wess Meets West siguen recordando a los And So I

Watch You From Afar más delicados y contemplativos en ‘Monuments’, ‘Direct Experience’ y, sobre todo, ‘Take Great Pride In Everything You Do’, una pieza con unos punteos de guitarra de una extraordinaria calidad. Para bien y para mal, A Light Within The Fracture ambiciona mucho más y huye de las comparaciones facilonas. En el largo interludio que es ‘Catacombs’ y durante los primeros compases de ‘Temporary Galaxies’, Wess Meets West sacan a relucir su querencia por las programaciones y el rock más ambiental y pomposo en la línea de los últimos Mogwai y God Is An Astronaut, ingredientes básicos en sus comienzos. Aunque algo errático y disperso por momentos, el balance general es positivo con piezas robustas como ‘Build Your Life’, un meritorio ejercicio de space rock, y la efectista ‘Defiant Optimism’, cuyo final es tan previsible como épico. Sin ser una obra imprescindible, los seguidores del género instrumental pasarán un buen rato. LUIS BENAVIDES

ATARAXY

Where All Hope Fades (DARK DESCENT/ME SACO UN OJO) DEATH DOOM

n escalofrío te recorre la espalda con los primeros compases de ‘The Absurdity Of A Whole Cosmos’, la apertura del segundo álbum de Ataraxy. Terror, frío, eres arrojado a la nada en ‘A Matter Lost In Time’. Death doom pluscuamperfecto, aderezado por la voz del también guitarrista Javi, un graznar torturado con cierto deje a lo Martin van Drunen básico para que el desasosiego de los zaragozanos consiga deprimirte con ellos. ‘One Last Certainty’ conjuga lo mejor de su desesperanza sónica, aquí velocidad

74 84

y mohosa lentitud te sorben el alma de forma magistral, y con ella también comprendes lo importante que ha sido Javi Félez y sus Moontower Studios para que, en todo su conjunto, este horror consiga su pleno objetivo: empequeñecerte ante la nula comprensión de todo lo que nos rodea, y después, la muerte como punto final a una fútil existencia entre un océano inexplorado de estrellas. Porque sólo los débiles de mente necesitan que nos espere otra vida tras tan lastimoso paso por el universo. Golpeando con una ‘The Mourning Path’ avasallante, Ataraxy también demuestran que en el riffeo más poderoso del detah metal también salen vencedores, aunque en su parte final vuelvan a denigrarte con tempos taciturnos. Los 12 minutos y medio con los que cierra ‘The Blackness Of Eternal Night’ son esa estúpida losa ante la que algunos, muy pocos, harán ver que aún te recuerdan cuando te hayas ido. Tras finalizar Where All Hope Fades, sólo tengo una pregunta para ellos: ¿Cómo podéis ser tan buenos? PAU NAVARRA

VIVEN

Las Tripas Y El Lodo (THE BRAVES/PUNDONOR) ROCK

a gusto cuando un grupo emplea bien el tiempo entre un disco y otro para desarrollar mejor su sonido. En el caso de Viven, quienes lanzaron un notable trabajo como El Solitario a modo de carta de presentación, los cuatro años transcurridos hasta hoy les han servido para, además de rodarse en directo, darle una vuelta a su propuesta. Si su debut era una obra curradísima, Las Tripas Y El Lodo no lo es menos, sino que además mejora en varios aspectos a su antecesor. Empezando por el espectacular artwork y continuando

por el mimo que han puesto en unas canciones que nuevamente han depositado en las buenas manos del maestro Santi Garcia para llevarlas a otro nivel. Si bien hay elementos reconocibles como esos arreglos acústicos (‘Quién Siembra Vientos’) o los riffs de ascendencia stoner (‘Coronas De Laurel’) que ya aparecían en su primera referencia, estamos ante un álbum que rompe con cualquier idea que ya tuviésemos del grupo. Sin duda el paso al castellano es el aspecto más destacado, dotando de mayor riqueza y dramatismo a las interpretaciones de Rubén Martínez como en ‘Cuentos De Izar Las Velas’ o la progresiva ‘Alabarda’, con un toque épico que les sienta de fábula. ‘Oda Al Sol Rojo’ y ‘Debes Mandar’ (donde aparece Kantz de Tenpel y De La Cuna A La Tumba) elevan el nivel de intensidad gracias a su pericia instrumental siempre al servicio de la canción. Viven se han atrevido a mutar por completo manteniendo su esencia, demostrando una personalidad apabullante. GONZALO PUEBLA

WE WERE HEADING NORTH Lightness

(EL HOMBRE BALA) POST ROCK

os protagonistas de esta crítica sólo tienen dos EPs, pero llevan muchos años en la brecha. En las filas de We Were Heading North encontramos miembros y exmiembros de bandas canarias con muchos discos, conciertos y kilómetros como Isolina, The Mistake, Holy Disgrace, Letters From Reykjavik y Mento, entre otras. El presente Lightness continúa el camino marcado por su anterior referencia, un debut homónimo publicado hace dos años con seis temas de post rock preciosista y melancólico, de tensa calma y arrebatos electrizantes.

Si bien las diferencias entre sus dos primeras referencias no son abismales, en esta nueva obra encontramos novedades destacables. Grabado en los Estudios Guamasa, Lightness presenta curiosamente un sonido algo más pesado, también bastante más oscuro (‘San Fernando’, ‘Diagonal Thoughts’), e incluye su primer tema con letra (la pegadiza ‘Blue Light’). Me atrevería a decir que esta numerosa formación de Tenerife –podrían montar un equipo de fútbol 7, banquillo incluido, si contamos a los colaboradores- ha encontrado finalmente su propia identidad y tiene las ideas más claras (la transformación de ‘What Sadness, What Joy’ es una cosa muy seria). Siguiendo con el símil futbolístico, supongo que el trabajo en equipo es el responsable de este nuevo tono. Recordemos que We Were Heading North nace en 2014 prácticamente como un proyecto en solitario de Ione Rodríguez, excomponente de Letters From Reykjavik, aunque grabó el disco con la inestimable participación de un buen puñado de colegas. LUIS BENAVIDES

de poderío que deja a las claras por dónde van a ir las cosas. ‘Hegemony Of Hatred’ es otro tema que te dejará sin aliento para llevarte hasta el primero de los dos en castellano, ‘Escoria Humana’, donde la banda toma velocidad de crucero y también suena más hardcore que nunca, EXEKUTION acercándose a grupos The Worst Is Yet To como Soziedad Alkoholika. Come (THANATOLOGY PRODUCTIONS/ Pero rápidamente en ‘On Your Mother’s Face’ nos TALES FROM THE PIT) demuestran que también THRASH METAL pueden ser técnicos a la par que desatados sin 70 abandonar la agresividad. ras sorprendernos en Fiereza que nos vuelven a 2014 con su notable escupir en dos auténticos debut, Depravity, los puñetazos como ‘The tarraconenses Exekution se Worst Is Yet To Come’ o han tomado su tiempo para ‘Sodomize A Priest’. Ésta grabar su segundo trabajo, última nos acerca a ese The Worst Is Yet To Come. Y sonido de los primeros dicho tiempo parece haber Kreator o a unos Sodom de dado su fruto, puesto que la vieja escuela. E incluso nos han ofrecido un álbum se permiten un corte como más trabajado y elaborado, ‘El Cepo De Mi Coche’, donde se nota la mano de dejando ver su parte más Javi Félez en la mezcla y la punk y gamberra. ‘Epic masterización. El resultado, Hangover’ y ‘God Is A pues, no podía ser mejor, Shemale’ nos llevan al final y lo apreciaremos después de este viaje sónico que de una melódica intro que te deja con las cervicales deja paso al primer bofetón rotas de tanto hacer en la cara, ‘Over The Altar’, headbanging. toda una manifestación KARLES SASTRE

AORLHAC

L’Esprit Des Vents (LES ACTEURS DE L’OMBRE) MELODIC BLACK METAL

es Acteurs De L’Ombre, veteranos activistas del black metal galo, siguen mandándonos material con asiduidad. Las novedades de su catálogo no siempre me convencen del todo, pero hay que decir que, cuando esta gente la clava, la clava de verdad. Como ya habrán imaginado, esta nueva obra de Aorlhac, que hasta ahora me eran del todo desconocidos, entra dentro de ese selecto club. Cerrando su trilogía de los vientos, tengan claro que aquí esta banda se sale. Escuchando su nueva obra, que nos llega tras un hiato

74 88

que se prolongó de 2010 a 2017, la referencia más clara que me viene a la mente es Forteresse. Ya no sólo por optar por el francés para expresarse, sino por su velocidad y riffs emotivos hasta decir basta, siempre buscando la épica por encima de cualquier otra cualidad. Además, su componente nacionalista, pues Aorlhac rememoran su pasado occitano en sus letras, narrando mitos, leyendas y la historia del sur de Francia y el norte de Italia y nuestro Estado, todavía refuerza más las similitudes con los quebequenses. Con sus 57 minutos, el álbum discurre con poderío durante todo el recorrido, incluso yendo a más, y destacando ‘La Révolte Des Tuchins’, ‘Ode À La Croix Cléchée’ o ‘1802/1869 – Les Méfaits De Mornac’ entre sus ya de por sí excelentes y dilatadas canciones. Para cuando llegas a ‘Mandrin L’Enfant Perdu’ ya tienes claro que L’Esprit Des Vents es un maldito no parar. Si el marcado sentimiento de Mgła o Batushka te obsesiona, este lanzamiento te colmará de satisfacción. PAU NAVARRA

CRIPPLED BLACK PHOENIX Horrific Honorific (SEASON OF MIST) DARK ROCK

a mente de Justin Greaves tiene que ser un sitio muy interesante, yo personalmente sigo totalmente atrapado en la actuación de la banda en el pasado Kristonfest en Madrid. Siempre han sido infinitamente enigmáticos por su originalidad, pero ¿cómo serían ante un EP de versiones? No es que sean extraños en el asunto, siempre las han hecho tanto en estudio como en directo, pero nunca un lanzamiento totalmente dedicado a canciones de otros. Cualquier banda

que tenga el atrevimiento de realizar versiones de Swans o Arbouretum se gana automáticamente el derecho a ser escuchada, porque se dice pronto pero no es tarea fácil. Pero no creamos que sólo deciden meter las narices en las ambientaciones más lúgubres, porque si algo les sobra es coraje y también deciden arrodillarse ante Nomeansno o The Sensational Alex Harvey Band para finalmente arrastrar a sus ídolos hasta su propio altar. Ya sea a través de teclados o de sus características guitarras (y a excepción de la versión de Swans, que es la que más se acerca a la original), han creado un material digno de su fama en los mundos subterráneos. Se aleja algo de su habitual ambición para simplemente recrearse en seis piezas que consideran fundamentales, muchas de ellas cosas que nunca imaginarías en el universo de Crippled Black Phoenix. Sobrevuelan sobre una producción y sonido habituales en la banda, lo que hace que nadie mire con malos ojos esta ofrenda. JORGE FRETES

TESSERACT Sonder (KSCOPE) METAL PROGRESIVO

i eres de los que se enamoraron de los dos primeros discos de Tesseract pero perdieron el interés ante Polaris, prepárate para reconciliarte con ellos. Los ingleses por fin dejan a un lado su parte más melódica para explorar y experimentar diferentes armonías, que envuelven desde los riffs más pesados hasta los acordes más progresivos. Aunque en su primera escucha parezca que retoman las raíces de la banda, lo cierto es que con su cuarto disco van mucho más allá, aportando líneas muy variadas pero sin perder un

ápice de su personalidad. Sonder nos abre la mente musicalmente, pero también como concepto. Esta idea, que aparece en la web Dictionary Of Obscure Sorrows de John Koenig, implica la comprensión de que cada persona tiene una vida tan intensa y compleja como la de uno mismo. De ahí que las letras ejerzan de semilla para hacernos reflexionar sobre nuestro propio control ante el destino. Un enfoque que, a priori, puede tener connotaciones negativas, pero que acaba siendo construido hacia un final positivo y esperanzador. De ahí que canciones como ‘Juno’, una de las más destacadas del disco, suene contundente pero luminosa. Poco más de media hora es el tiempo que necesitan Tesseract para reconquistarnos ante este nuevo carácter, el cual esperemos que les sirva de guía para futuros proyectos. Para los más fanáticos que quieran disfrutar de la experiencia completa, añadir que la edición especial incluye un disco extra, en el que podréis escuchar Sonder íntegramente en sonido binaural. ALBA RODRIGO

ZEKE

Hellbender (RELAPSE) HARDCORE PUNK

sperar 14 años para tener un nuevo disco de Zeke, que reparte 15 canciones en apenas 20 minutos. Si estás sorprendido por este hecho es que no has escuchado Zeke en tu puta vida, y deberías remediar eso lo más rápido posible. La manera más fácil de describir su sonido, el que se sigue respirando en este Hellbender, es el de una hiena que nace del cruce de Motörhead y Circle Jerks, con canciones que no necesitan adorno, que se desnudan hasta los huesos para buscar lo esencial. Una producción que deja siempre las guitarras al

frente, en donde bajo y batería luchan entre sí para seguirle el ritmo a esas seis cuerdas (con muchos cimbales de por medio), y donde la voz de ‘Blind’ Marky Felchtone hace de salvoconducto a la perdición. No innovan en absolutamente nada, ni falta que les hace, y con canciones de minuto y medio el sonido de todo el álbum es casi lineal... justo como nos gusta que Zeke suenen: apelando tanto a los fans del hardcore punk como a los del thrash’n’roll. Nos flipan los cánticos de ‘County Jail’ que la pueden convertir en un jodido himno en los directos, y ya ni hablar de los cortos solos de guitarra que nos hacen sacarle brillo a nuestras air guitars que guardábamos en el sótano. Si no le veías el sentido a Zeke seguirás siendo tan soso como antes, si eras fan suyo rezarás porque no tarden otros 14 años en sacar rompecuellos como ‘On The Road’. Un escupitajo a la cara, una pelea de perros, la banda sonora para enterrar el pie en el acelerador sin pensar en el mañana. JORGE FRETES

CRISIX

IN THRASH WE TRUST!

CRISIX ENCARAN SUS PRIMEROS DIEZ AÑOS COMO BANDA LLENOS DE CONFIANZA Y CON LA SEGURIDAD DE QUE EL TRABAJO HONESTO Y BIEN HECHO QUE LLEVAN HACIENDO DESDE EL PRIMER DÍA LES HARÁ LLEGAR AL OLIMPO DE LOS DIOSES DEL THRASH. CALIDAD Y AUTENTICIDAD TIENEN DE SOBRA PARA ALCANZARLO, Y AHORA SÓLO LES FALTA ESE PEQUEÑO EMPUJÓN QUE HAGA QUE TODO ESE ESFUERZO SE VEA RECOMPENSADO. TEXTO: KARLES SASTRE FOTOS: PEP BONET

LENAMENTE CONSOLIDADOS COMO BANDA DE REFERENCIA DENTRO D E L P A N O R A M A E S TATA L , L O S C ATA L A N E S E S TÁ N

preparados para dar ese salto de calidad que les ha de permitir llegar a una audiencia mucho mayor a nivel mundial. Si ya con su anterior trabajo From Blue To Black sentaron las bases para hacerlo y demostraron que calidad y capacidad les sobran, es ahora con su cuarto disco de estudio, Against The Odds (Listenable), con el que están convencidos de que ese salto ha de llegar. Por eso van a centrar sus esfuerzos en los próximos meses en patearse media Europa de festival en festival y en dar el paso inicial para conquistar tierras estadounidenses por vez primera en su carrera. Y lo van a afrontar con la misma naturalidad y sencillez con la que irrumpieron y sorprendieron hace diez años a propios y extraños en el extinto festival Martohell.

Con la misma naturalidad y sencillez con las que llevan superando año tras año y disco a disco todos los retos que se han ido marcando en su carrera. Acostumbrados a picar piedra y sudar sin desfallecer, siguen obcecados en demostrarnos a todos que este proyecto tiene el propósito de hacer llegar a cuanta más gente mejor la idea de que en este rincón del planeta hay exactamente la misma pasión por el metal que en cualquier otro y que no estamos exentos de calidad para competir con cualquier banda, incluso las más consagradas. Y a buen seguro que Against The Odds les hará acercarse a ese objetivo a pasos agigantados, como así lo demuestran las excelentes críticas cosechadas incluso antes de su lanzamiento, previsto para finales de marzo. De todo esto y de sus sensaciones tras su primera década como grupo, charlamos con su guitarrista Busi, que nos atiende en pleno ajetreo debido a la organización del Atlas Fest en su ciudad natal, Igualada.

“TENEMOS UN NOMBRE AQUÍ, NOS HEMOS HECHO FUERTES, Y EL SIGUIENTE PASO ES DEMOSTRAR QUE PODEMOS HACERLO FUERA” BUSI

do, parece que han gustado mucho. O sea, ¡que estamos encantados y con muchas ganas!”.

mos buscado un poco eso”. Se nota, y también me parece que el hecho de seguir con la

Ya vuestro anterior trabajo,

misma gente para grabar y

From Blue To Black, me pare-

mezclar el álbum es aquello de

Antes de nada, felicitaros por

ció brutal, pero creo que con

que, si algo funciona, ¿mejor no

haber sido Disco del Mes en el

éste habéis dado un paso más.

tocar nada?

pasado número de RockZone.

¿Tenéis esta impresión también

BUSI “¡Genial, muchas gracias! La

vosotros?

verdad es que estamos muy contentos con cómo están siendo las primeras reacciones de la gente que ha escuchado el disco. ¡Esperemos que siga todo así! (Risas)”.

“Sí, es lo que buscábamos un poco. Queríamos seguir la dirección de From Blue To Black pero llevándolo un poco más allá. En cada disco hemos intentado buscar un sonido un poco más fresco, intentar innovar o hacer algo diferente, pero a la vez mantenernos en el terreno y las raíces de siempre que definen al thrash: la caña y la adrenalina, pero añadiéndole cosas diferentes para darle un sonido también diferente y no acabar sonando siempre igual. Siempre he-

“Sí, para este disco no hemos querido tocar nada. Evidentemente hemos probado cosas distintas a nivel de producción, afinación, ritmos y también en la parte vocal que son un poco diferentes al trabajo anterior, cosas más técnicas, pero a la vez hemos querido mantener el sonido brillante y contundente que nos proporciona grabar en los AX Studios de Barcelona y masterizar en Suecia con Jens Bogren. Por ejemplo, con canciones como ‘Get Out Of My Head’ o ‘Technophilliac’ hemos explorado afinaciones de guitarra muy graves, pero a la vez, también muy

Seguro que sí. Bueno, ¿cuáles son las sensaciones a una semana de la salida del álbum?

“Muy buenas. Tanto la prensa que ha podido escuchar el disco entero, como el recibimiento de los adelantos del álbum que hemos ido sacan-

dar el pistoletazo de salida”. Mantenéis ese punto también en un tema como ‘Prince Of The Saiyans’, un homenaje a Dra-

gon Ball.

“¡Claro, es que es una serie que ha marcado a más de una generación! En la banda somos muy fans de ella y de Vegeta, el príncipe de los Saiyans, y creíamos que se merecía un tributo en forma de canción”. Y en ‘The North Remembers’ el guiño es para Juego De Tronos…

rápidas para buscar ese sonido muy thrash, pero a la vez, muy groovie, que parece que a la gente le ha molado, vistas las reacciones al lanzamiento de ‘Get Out Of My Head’”. Sin duda a eso también le ayu-

brio entre el humor y la seriedad para no ser encasillados como la banda que sólo hace payasadas, pero a la vez, podemos demostrar que sabemos reírnos de nosotros mismos y que sabemos buscar esos puntos de humor en cualquier asunto”.

da el tema de los vídeos, algo

“¡Sí! Es un tema épico, más serio y con el que también queríamos brindar por ese mundo creado por George R. R. Martin. De hecho, teníamos la duda de si empezar el disco con este tema, ya que tiene esa intro tan potente, con los coros, que ya nos ponía la piel de gallina mientras la componíamos o cuando la tocamos las primeras veces y que creíamos que sería un buen inicio, aunque finalmente no fue así. Quizá también sea un buen arranque en los conciertos y es algo que estamos valorando, aunque aún no lo tenemos definido”.

que vosotros cuidáis mucho y

El humor siempre va bien para

que se puede observar en el de

desengrasar, pero de hecho, si

Y a nivel de composición, ¿tam-

esta canción.

hay algo que se puede obser-

bién ha sido como en los otros

“Sí, el vídeo tiene un punto cómico para quitarle un poco el enfado que transmite la canción y, al mismo tiempo, contrasta bastante con la imagen del álbum que estábamos manteniendo y que queríamos transmitir. Somos una banda que sabemos ponernos serios y dar nuestro punto de vista de lo que nos gusta y de lo que no, pero a la vez, mantenemos un punto de humor que siempre nos ha caracterizado. Buscamos siempre cuidar el equili-

var en vuestros últimos traba-

álbumes?

jos es, claramente, una apuesta

“Pues sí, todos vamos aportando ideas y las vamos trabajando en conjunto. Grabamos primero con el portátil, en grupo, y todos vamos añadiendo nuestro granito de arena para que al final el resultado sea el que todos queremos. Buscamos la misma dirección y fue un trabajo muy duro que nos llevó casi tres meses sin descanso, pero que al final nos dejó con la sensación que habíamos hecho algo muy grande y

por hacer letras más serias y adultas.

“Sí, es algo que ya quisimos dejar claro en From Blue To Black y que en este nuevo disco también hemos mantenido, pero a la vez nos apetecía presentarnos con un tema que, si bien no representa el sonido global del disco, si que nos da ese punto más desenfadado y joven con el que nos apetecía

que teníamos algo muy bueno entre manos, cosa que nos permitió entrar en el estudio con todo ya muy definido y con poco margen de error. Lo grabamos sin apenas cambiar nada”. Y este nuevo disco se ve coronado por el décimo aniversario del grupo. Realmente parece todo muy redondo, ¿no?

“Sí, bueno, ésa era la idea con este trabajo. Ya empezamos a allanar el camino con From Blue To Black para buscar el mercado europeo y consolidar el nombre de Crisix tocando en todos los festivales que pudiésemos. Justo estos días acabamos de confirmar una gira por Europa con Body Count y otras cosas que han de salir, así como nuestro primer paso en Norteamérica. Un poco la consolidación de nuestro proyecto a nivel internacional ya que, dejando de lado el Estado español, donde ya hemos tocado muchos años, queríamos empezar a decir que somos una banda que puede salir fuera”. Un poco el referente serían Angelus Apatrida...

“Exacto. Tenemos un nombre aquí, nos hemos hecho fuertes, y el siguiente paso es demostrar que podemos hacerlo fuera. Angelus han confirmado que las bandas estatales tenemos que empezar a mirar afuera sin miedo, que aquí hay calidad y que, aunque no tengamos un background de exportar mucho metal más allá de Barón Rojo, que fue un referente en su momento, pero que fue hace muchos años y que es necesario un relevo generacional. Queremos ir al extranjero y que cuando preguntemos ‘¿Qué bandas españolas conoces aparte de Barón Rojo?’,

digan nuestro nombre o el de los Angelus, o ’77, o quien sea. En el estado hay una escena, hay bandas que vienen pisando fuerte el acelerador y queremos desmontar la imagen de que aquí sólo se hizo heavy o rock en los 80 y que luego no hubo nada más. O que sólo somos flamenco, reguetón o lo que cojones esté de moda ahora. Yo creo que es en lo que estamos trabajando nosotros y estas otras bandas, u otras más jóvenes como Meltdown o Bellako, que ahora están saliendo mucho fuera, y que al final lo conseguiremos, porque el nivel está subiendo y aquí hay metal de calidad”. Pienso que sí que hay calidad, pero que un poco entre todos, medios, promotores, bandas, nos lo tenemos que creer más y apostar por ello, sin miedo.

“Sí, todo tiene su proceso, obviamente. El hecho de venir de aquí hace unos años era una losa a la hora de querer salir fuera, pero en los últimos tiempos notamos que las cosas están cambiando. Quizá costaba que te tomasen tan en serio como un grupo de metal alemán o sueco, pero poco a poco hay que substituir esta idea por parte de la industria. Tenemos buenas revistas, tenemos festivales como el Resurrection, que ahora mismo es referencia, y que poquito a poquito van transformando las cosas del metal en el estado y que llegaremos al nivel de oír decir fuera: ‘Vale, las bandas de aquí molan’. Es un proceso lento, pero creo que estamos yendo por el camino correcto”. Supongo que también os ilusiona poder ir por primera vez a Estados Unidos.

“Pues la verdad es que sí, mucho. De momento es solamente una fecha en el Full Terror Assault Open Air, que nos ha contratado en exclusiva y donde estaremos con bandas como Warbringer o Death Angel entre muchas otras, pero la idea es coordinarlo y acabar de atar alguna fecha más por allá. ¡Será la primera meadita para marcar territorio! (Risas)”. ¡La primera es la que cuesta! Luego ya será coser y cantar.

“Buff, realmente para una banda de aquí, no sólo estatal, incluso europea, cuesta muchísimo entrar en ese mercado. Estados Unidos es un país muy grande, con muchas bandas muy profesionales y muy buenas, y realmente estamos muy orgullosos de poder dar este pequeño gran paso porque cuesta mucho. Que un promotor te valore y decida contratarte es algo que nos hace estar muy, muy contentos y muy ilusionados. Ser la primera banda estatal de thrash que lo logra es algo que nos honra”. Veo que también tenéis el verano cargadito de festivales por toda Europa...

“Pues sí, la verdad. Arrancamos ya en abril con el Kuttenfest, en Dresde, y de ahí hasta septiembre será un no parar. También nos hace mucha ilusión estar en el crucero que organiza la gente del Wacken Open Air, el Full Metal Cruise, aunque nos asusta un poquito estar en medio del agua en un barco lleno de metaleros alemanes, la verdad (risas). Después estaremos por Alemania, Suiza, Portugal o Francia, y por aquí sobre todo estaremos en el Download de Madrid y el Dimetal de Durango, en el País Vasco, aunque

CRISIX

seguro que se añadirá algún día más, sobre todo en Barcelona, donde queremos mirar alguna fecha muy especial para festejar estos diez años”. La ocasión bien lo merece, sin duda, porque la verdad es que aún hoy me sigue pareciendo alucinante lo lejos que habéis llegado desde que os vi en la sala Mephisto en 2009. Sobre todo, teniendo en cuenta de dónde venís, Igualada, que tiene muchas cosas buenas pero no pasa precisamente por ser la capital mundial del thrash.

“(Risas) Pues lo cierto es que no, eso seguro. La verdad es que es curioso porque Crisix nace, literalmente, de ninguna escena. En Igualada no había nada, aparte de nosotros. De hecho, llegamos al primer concierto en Barcelona, en el concurso que hacían en el Martohell Fest, y todos los demás se conocían entre ellos. Nosotros éramos los jovencitos, los pipiolos que nadie conocía, que veníamos del pueblo, del centro de Catalunya, y al principio nos sentíamos un poco los bichos raros. La verdad es que tampoco teníamos ninguna referencia de nadie cercano a nosotros, pero nos sentíamos influenciados por la nueva oleada de bandas thrash que explotó en ese momento con nombres como Evile, Bonded By Blood o Violator. Evidentemente también teníamos referencias de los grandes, de Sepultura, Metallica o Kreator, que nos flipaban, pero fueron los otros los que nos marcaron más porque tenían casi nuestra edad y nos identificábamos con ellos mucho más. De las bandas estatales también conocíamos a Legion, obviamente, o un poco a Fuck Off, pero nosotros buscábamos

algo más contemporáneo y lo encontramos en Warbringer o incluso Slipknot, que nos daban ese punch más groovie que todavía hoy es una de nuestras señas de identidad”. Bueno, creo que ésta es una de vuestras virtudes y la que mejor os define como formación... desde el principio habéis tenido muy claro lo que queríais y no pararéis hasta conseguirlo, contra todo pronóstico.

“Pues sí, es cierto. Creo que se juntan un montón de factores para que ocurra eso que llamamos ‘éxito’ y seguir subiendo como banda, aparte de creer en lo que uno hace o hacer un producto musical de calidad. Hay que hacerlo sin que te suponga mucho desgaste personal, porque son muchas horas invertidas, mucho esfuerzo dedicado a un solo proyecto, y si te acaba consumiendo la gasolina, la cosa no tira, ¿sabes? Nosotros hemos tenido la suerte de ser de un pueblo, de ser muy amigos y de tener mucha confianza entre nosotros. Tener un grupo es casi como tener una relación de pareja que hay que cuidarla para que sea sana. Nosotros hasta ahora no hemos tenido un momento de decir que ya estamos cansados de esto, que ya no podemos más. Obviamen-

te, como en toda relación, ha habido altibajos, pero siempre hemos tenido claro lo que queríamos o a dónde queríamos llegar. Y si encima ves que las reacciones a tu alrededor son positivas, como es nuestro caso, pues te sientes un afortunado, la verdad. Aunque este año no consigamos lo que nos hemos propuesto, lo seguiremos intentando porque estamos en el camino correcto. Encima, ahora nos sentimos arropados porque tenemos a la gente correcta detrás nuestro para acabar de sacar todo lo que tenemos dentro o para tener una buena promoción fuera, y en definitiva, para hacer que nuestro trabajo brille y llegue más lejos que nunca. Ahora mismo nos sentimos afortunados de disponer de este dream team que anhelábamos tener hace tiempo. Queremos transmitir esta autenticidad y la pasión que ponemos en lo que hacemos porque esto es justo lo que nos ha llevado a tener una discográfica mejor o poder llegar a grabar discos con más medios, por ejemplo, y crecer exponencialmente como grupo. Personalmente, éste sería mi resumen de estos primeros diez años de Crisix”.

12TWELVE Speritismo

Los amigos de Record Store Day continúan la senda abierta el año pasado con The Wax, editando ellos mismos alguna referencia bajo el nombre Brunzit Records. Este año el escogido es la reedición de Speritismo, el que fue segundo disco de los barceloneses 12Twelve, publicado originalmente en 2003. Un

disco de culto e influyente dentro de la independencia estatal, que jugaba entre el post rock, el kraut rock y los devaneos jazzísticos que tanto gustaban a sus componentes y que grabaron en Chicago con Steve Albini (Shellac) a los controles, después de haber ganado el concurso Villa de Bilbao. Esto se agota el mismo día.

RECORD STORE DAY NUESTRA SELECCIÓN 2018

UNA VEZ MÁS HACEMOS NUESTRO REPASO ANUAL DE ALGUNOS DE LOS LANZAMIENTOS QUE CREEMOS MÁS INTERESANTES O CURIOSOS DEL RECORD STORE DAY, EL GRAN DÍA DE LA CELEBRACIÓN DEL VINILO Y DE LAS TIENDAS INDEPENDIENTES. DE NUEVO SOMOS UNO DE LOS MEDIOS OFICIALES, Y NOS ENCANTA SENTIRNOS PARTE DE ESTA FIESTA TAN IMPORTANTE PARA LOS QUE AMAMOS LA MÚSICA. ASÍ QUE, EL 21 DE ABRIL, A SALIR A LA CALLE, A CELEBRAR ESTA FIESTA QUE NO HACE MÁS QUE CRECER.

DR. CALYPSO

AC/DC

CIRCLE JERKS

Otra edición estatal largamente esperada. Un buen momento para recuperar los inicios de la mítica formación, ahora que celebrando su 30 aniversario han anunciado el final definitivo de la banda. Ya no tendremos que pagar un dineral para encontrar en vinilo este histórico álbum que sigue sonando fresco como el primer día a ritmo de ska, reggae… y claro, un poco de calypso.

Vale, esto es una fiesta al vinilo, ya existe un día dedicado al cassette, pero es tal la fuerza con la que está volviendo el formato que siempre había sido considerado como el hermano pobre, que ya llevamos unos años viendo algunas ediciones. Este 2018 los honores son para Back In Black de AC/DC, uno de los cinco discos más vendidos de toda la historia. Y claro, los fans haciendo cola.

Pese a que se editó en 1992, cuando Circle Jerks estaban en el limbo y ya habían grabado todos sus grandes clásicos, Gig es el mejor documento en vivo que existe de las leyendas del punk. Pese a que hubo alguna edición pequeña en vinilo hace cuatro años, por fin se edita con todos los honores en este formato y, definitivamente, es uno de los discos que os recomendamos más encarecidamente.

Original Vol.1

Back In Black

Gig

DAVID BOWIE

EDDIE MURPHY

JOHNNY CASH

Si ya lo era cuando estaba vivo, la triste desaparición de David Bowie ha hecho que sea uno de los artistas con más demanda y un protagonista fijo en cada edición del RSD. Entre varios títulos que se editarán de él, destacamos Bowie Now, un álbum aparecido en 1977 que, en su momento, fue sólo promocional para el mercado americano, y que contiene canciones de Heroes y Low. Un caramelo para los coleccionistas.

Éstas son las frivolidades que tanto nos gustan. Amamos a Eddie Murphy y, de todos, éste es su álbum más mítico. Llegó a vender 2 millones de copias, recibió el Grammy en 1984 al mejor disco de comedia y, en definitiva, es la pura esencia de uno de los humoristas más grandes que han existido jamás. Altamente recomendable es su monólogo ‘Politics/Racism’. El título lo dice todo.

Junto con sus discos para American Recordings, éste puede que sea el álbum más mítico de Johnny Cash. Para celebrar el 50 aniversario, se edita esta caja con cinco vinilos en los que se recogen las dos actuaciones enteras que hizo en la prisión de Folsom, así como de todo el elenco que le acompañaron. Un pedazo de pura historia.

Comedian

Bowie Now

At Folsom Prison

LIVING COLOUR

Live From CBGB’s - Tuesday 12/19/89 Aunque siguen editando álbumes y girando, el nombre de Living Colour no significa mucho para toda la gente que no los vivió en su momento. Eso cambiará algún día, porque cuando aparecieron fueron una revolución y demostraron, una vez más, que el rock no era cosa exclusiva de blancos. Este directo que nos ocupa, grabado poco después de la salida de su debut -es decir, en su mejor momento-, verifica lo explosivos que podían llegar a ser.

SUEDE Suede

Ésta va para todos los nostálgicos del britpop. A muchos todavía se nos pone la piel de gallina cuando escuchamos todos aquellos grandes singles que contenía el debut de Suede. ¿Quién puede quedarse impasible ante algo como ‘Animal Nitrate’? Ahora se celebra su 25 aniversario, ¡qué locura!, con esta edición a todo lujo, carpeta doble, todas las caras B que dieron los singles y una versión inédita de The Pretenders. ¡Irresistible!

MADONNA

The First Album No sabemos muy bien la imagen que tiene de Madonna el lector de RockZone, pero creémos que es más que justo reivindicar este primer álbum, de la que ha acabado siendo uno de los grandes iconos de las últimas décadas. Éste es uno de los mejores discos que nunca se han hecho de pop rock, y a día de hoy mantiene toda la frescura que aportaba un personaje que, ni en sus mejores sueños, podía imaginar entonces hasta dónde llegaría. 97

GUNS N’ ROSES

REGRESO AL PARAÍSO

DESPUÉS DE CONVENCER HASTA A LOS MÁS ESCÉPTICOS CON LA VISITA QUE NOS HICIERON EL AÑO PASADO, GUNS N’ ROSES REGRESAN A ESPAÑA PARA ACTUAR EL 29 DE JUNIO EN DOWNLOAD MADRID Y EL 1 DE JULIO EN EL ESTADI OLÍMPIC DE BARCELONA. UNA NUEVA OPORTUNIDAD DE DISFRUTAR DE UNO DE LOS MAYORES ESPECTÁCULOS DEL ROCK Y QUE APROVECHAMOS PARA RECORDAR POR QUÉ, A ALGUNOS, AXL, SLASH Y COMPAÑÍA NOS MARCARON TANTO. TEXTO: JORDI WILD FOTOS: DR

ODOS LOS QUE SOMOS VERDADERAMENTE APASIONADOS DE LA MÚSIC A TENEMOS, EN

algún momento de nuestra vida, lo que yo llamo ‘el despertar’. El mío, por ejemplo, fue con ‘Paradise City’ de Guns N’ Roses. Inmejorable. ¿Y en qué consiste exactamente este ‘despertar’? Pues en esa canción que te cambia la vida, de la que no te podrás despegar durante meses, y que te hace empezar a disfrutar la música de una forma especial, ya no sólo como algo que escuchas cuando te aburres o te incomoda el silencio, sino como una parte importante de tu vida. Ese tema de alguna forma te abre los ojos, te coge de la mano y te lleva a un nuevo mundo inexplorado y lleno de suculentos secretos que descubrir. Algo así como una especie de Hernán Cortés del sonido. Si le quitamos el genocidio, las violaciones y el expolio, por supuesto. De esa canción que te marca pasas a otra de la misma banda, luego a un par que son del mismo estilo, de aquí a un álbum, de éste a una discografía, y así hasta que, sin casi darte cuenta, tienes cuatro camisetas de tus grupos favoritos y te compras un par de revistas musicales al mes. O te las descargas, que estamos en 2018, cojones. Como comentaba, en mi caso este despertar lo tuve con la legendaria, maravillosa e impecable ‘Paradise City’ de los no menos legendarios Guns N’ Roses. Tendría yo en aquella época unos 13 ó 14 años y hasta entonces era un chico con un gusto musical estándar que podía escuchar todo lo que pusieran en la

100

radio, desde el Máquina Total 8 hasta las Spice Girls, de forma bastante desapasionada, eso sí... Pero desde que me topé con los jodidos y macarras Guns, todo cambió. Recuerdo perfectamente ese momento: estaba en el sofá de casa viendo Sputnik, un programa musical en la televisión autonómica catalana, una pequeña joya ya olvidada donde ponían videoclips de casi todos los estilos musicales. En esa época lejana no existía internet y podías estar más o menos al día de la actualidad musical viendo la tele, incluso en la MTV ponían música... una puta locura. Pues ahí estaba yo, sentado en el sofá viendo los típicos vídeos pop de los 90, cuando de repente la pantalla se pone en blanco y negro y empiezan a sonar unos acordes de guitarra acompañados de un ritmo básico de batería. Todo más o menos normal… hasta que entra una de las voces más características de la historia, la de Axl Rose, junto a un estribillo perfecto que termina de forma contundente con la aparición de un potente riff de Slash. Y ahí perdí la puta cabeza. Durante los más de 6 minutos que dura la canción, seguramente una de las más largas que había escuchado hasta entonces, estuve desencajado. Pasé todo ese rato embobado y maravillado con absolutamente todo: la melodía, la garra, el vídeo, sus pintas, el sombrero de Slash, las chicas, el público, los coros, los solos, los riffs, y otras palabras que no descubriría hasta tiempo después. Había conectado con una canción como nunca jamás lo había hecho antes, y ya no fui el mismo desde ese momento.

Al no existir internet no había forma inmediata de volver a escuchar el tema, y además no me quedé con el nombre de la banda ni el de la canción, tenía un problema urgente que solucionar. Así que esa misma tarde, después de salir del colegio, me fui corriendo a la tienda de música más grande del centro de mi ciudad y estuve dándole la tabarra al jefe de la tienda hasta que le hice entender que quería comprar el primer disco de Guns N’ Roses, del que

no tenía ni puta idea de cómo se llamaba. Salí de ahí más contento que nadie, con una obra maestra llamada Appetite For Destruction debajo del brazo. Cuando llegué a casa estaba incluso nervioso, sensación que se ha perdido completamente con la aparición de internet y la desvalorización del misterio de los álbumes. En ese momento parecía que estuviera a punto de besarme con una chica. Bueno, mentira, si llego a tener a una chica delante

para besar en ese momento seguramente hubiera estado al borde del ictus. Puse el disco y desde el primer instante supe que había acertado, mis gustos musicales acababan de definirse. No os miento si os digo que estuve un mes entero escuchando una y otra vez el Appetite. Me sabía las letras, las melodías y, aún hoy en día, considero que es uno de los mejores discos de la historia del rock/metal e incluso de la música en

general. Cada tema es una maravilla, no hay relleno. Desde la épica de ‘Paradise City’ hasta el gamberrismo punk de ‘It’s So Easy’, pasando por la sexualidad de ‘Rocket Queen’ o el sentimentalismo de ‘Sweet Child O’ Mine’, todo en esa obra es perfecto y rezuma autenticidad. Y ésa creo que es una de las claves del éxito de Guns N’ Roses. A partir de ese momento entré de lleno en el mundo del rock y, hasta hoy, no tan sólo ha sido la música la

101

que me ha acompañado, sino algo mucho más importante, un estilo de vida. Y ahora sí, vamos a por los malotes del Strip de Los Ángeles. A los Guns se les puede acusar de muchas cosas, sobre todo a su cantante, pero lo que nunca nadie podrá negar es que los primeros discos eran reales y auténticos. Casi podías notar el sudor de las noches calurosas y viciosas de L.A. de los 80 entre whiskeys, chicas, drogas, fiestas y peleas en cada una de las composiciones. Cada canción es una historia que te cuentan y te la crees, porque el que te la relata te muestra las cicatrices que le han dejado esas vivencias. Appetite… es una tesis doctoral de la noche americana más loca, con sus subidas y bajadas, con su parte luminosa y su parte oscura. Y no sólo por lo que te cuenta, sino

102

por cómo te lo cuenta. Las guitarras suenan peligrosas y cargadas de cigarrillos y alcohol, la batería no es técnica pero tiene una energía impresionante, y el bajo acompaña sin molestar demasiado, pero con algunos puntos destacados de calidad. La producción es impecable, limpia, pero a su vez sucia, muy difícil de explicar si no lo escuchas atentamente. Puedes notar que el trabajo está ahí, que seguramente hay decenas de horas de trabajo, pero te deja la sensación de que son cinco amigos que se pusieron a tocar y alguien los grabó a escondidas. El espíritu del disco es 100% de directo. Los Ángeles y sus contradicciones. Y si en álbum suenan bien, en directo se superan. Creo que me he tragado cientos de veces el directo completo del Ritz de 1988, uno de

los mejores que he visto. La banda se desnuda ante su público y suelta una bomba atómica que lo rompe todo. Y como dije antes, real de cojones. A partir de aquí, los Guns se consolidaron como uno de los grupos más importantes del panorama musical, con giras multitudinarias por todo el globo, un buen, aunque extraño, LP llamado GNR Lies (con temas acústicos y versiones de algunos de sus grupos preferidos), y sobre todo, los dos Use Your Illusion, que merecen un comentario aparte. Tienes que tener los huevos muy grandes, o estar muy loco, que suele ser lo mismo, para lanzar dos álbumes el mismo día, que es lo que ellos hicieron con los Use Your Illusion. Fue un exitazo monumental que los acabó de consolidar como megaestrellas mundiales, aunque a mí, sinceramente, no me pareció la mejor decisión, porque aunque son dos discazos, ahí sí que veo mucho relleno. Si hubieran juntado los dos en uno solo, tendríamos delante el MEJOR trabajo de hard rock de todos los tiempos en vez de dos muy buenos discos. Por desgracia, los grupos tan genuinos como Guns no suelen tener una existencia y convivencia sencilla. La genialidad suele conllevar ciertas excentricidades y complicaciones, Axl Rose es una buena muestra de ello. Entre su carácter, cada vez más autoritario y déspota, los excesos y drogas de todos los componentes, las giras interminables, las malas decisiones y una serie de trifulcas habituales en ese tipo de vida, convirtieron al grupo en un polvorín que acabó estallando a mediados de los 90. Slash y los miembros originales

del grupo se fueron, y Axl entró en una época de ostracismo. Desde entonces, Axl y Slash se juraron odio eterno, sobre todo del primero hacia el segundo, y el pelirrojo cantante revivió al grupo con otros miembros, siendo él el único miembro original. En 2008 sacaron el infame y controvertido Chinese Democracy, disco defenestrado por muchos pero que a mí, particularmente, no me parece malo, sino diferente, y con algunos tracks muy potentes (aunque le sobraba producción, había canciones con 13 guitarras). Lo que estaba claro, es que parecía ya imposible poder ver en directo a los Guns N’ Roses que todos habíamos amado. Las rencillas eran demasiadas profundas, y aunque Duff, Izzy y Steven Adler alguna vez se habían reencontrado con Axl, la otra estrella del grupo, Slash, nunca se había acercado a él. El sueño de ver a las

dos leyendas juntas era sólo un sueño, habría apostado mucho dinero a que jamás se haría realidad. Por suerte, soy muy malo apostando... En 2015 saltó el bombazo: Slash y Axl habían hablado, se habían reconciliado y se anunciaba gira con casi todos los miembros míticos del grupo, ellos dos incluidos, por supuesto. No me lo podía creer y la verdad es que hasta que no los vi subidos juntos a un escenario, mi cerebro no acababa de procesar correctamente la información. E incluso viéndolo, tenía dudas: ¿Estaría Axl a la altura? ¿Se llevarían bien? ¿Sería una gira real y no una pantomima para ganar unos cuantos millones de dólares...? Pero cuando escuché las primeras notas de ‘It’s So Easy’, todas esas dudas se disiparon. Todos sonaban perfectos, incluso mejor que en algunos de los conciertos de su época cumbre, y encima se

veía una camaradería auténtica. Fue algo increíble. Y aquí estamos, casi tres años después y con los Guns en plena forma, en una gira mastodóntica que les trae a España de nuevo. Hay varios artistas en el mundo que no te debes perder jamás, leyendas vivas que serán recordadas durante largo tiempo. Sin duda, ellos lo son. Así, que seas fan o detractor, estés enamorado de ellos o los odies, ves al concierto e intenta disfrutarlo, porque estás ante algo histórico y único. Y dentro de unos años podrás contarle a tus nietos que estuviste presente en una de las reconciliaciones más sonadas de la historia de la música.

103

NAT SIMONS

LUZ AMERICANA NAT SIMONS HA LLEVADO LIGHTS DESDE LA INTIMIDAD DE SU CASA EN LA QUE LO COMPUSO HASTA CAROLINA DEL NORTE: DESDE EL SITIO EN EL QUE FUE CONCEBIDO HASTA EL SITIO “DONDE TENDRÍA QUE HABER ESTADO SIEMPRE”. TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: DR

104

OLÍA EXISTIR UNA NATALIA GARCÍA POZA , ANTES DE LOS DISCOS Y LAS BANDAS

sonoras. Antes e incluso durante Nat Simons, pero desde luego no después de su viaje a Estados Unidos. Ahora es Simons desde que se levanta hasta que se acuesta. “Casi ya no hay diferencia porque dedico el día entero a Nat Simons, es casi imposible separarla de Natalia García. Estoy tan inmersa en la música que ya difícilmente puedo decir que sean dos personas diferentes. An-

tes de dejar el trabajo sí recuerdo que era un poco Clark Kent”. El destino la ha perseguido hasta que lo dejara todo por la música en 2013. Más allá de estar en el momento y en el lugar adecuados, se trata de estar donde una pertenece. El libro que le gustaría escribir sobre su carrera seguramente empezaría por el sitio web que se abrió a través de Myspace, cuando sólo componía por afición y no intentaba ser profesional. Apenas había subido unos temas a la plataforma cuando empezaron a llegar los mensajes. “Me

contactó un sello de Nueva York: Manifesta Records. En esa época estaba muy obsesionada con el movimiento de los 60 y componía canciones de protesta social. Manifesta Records se dedicaban a hacer discos, pero también a organizar manifestaciones en Nueva York”. Aunque la animaron para viajar hasta allí, sólo llegó a ir años más tarde. “También me nominaron a los Pop Eye en 2009, y yo ni siquiera me dedicaba a esto. Creo que es una historia de película, donde nada ha sido premeditado y todo ha venido por casualidades bonitas. Algo me estaba diciendo que esto es lo mío, con pequeñas cosas que llegaban una detrás de otra”. Y poco a poco, el estilo y las casualidades de Nat Simons absorbieron a Natalia García Poza. 2012 es el año en el que tocó por primera vez en el Primavera Sound, donde repetirá de nuevo en mayo, pero también el año en el que formó su banda desde cero: cero experiencia y cero euros. “Me fui a vivir a Madrid. Nunca antes había tocado en directo, pero Álex Olmedo me vio en un concierto y me preguntó si quería grabar más canciones. Las grabé y eso me llevó a conocer a Marco, con quien empecé a tocar en los parques porque no tenía ni un duro para pagarme el local de estudio. Antes de eso yo iba sola con una guitarra y una armónica tocando en micros abiertos”. Y a partir de aquí, como dice ella, “una cosa llevó a la otra”. Grabó su primer álbum, Home On High, cuando todavía lucía una melena rubia y era más García Poza que Simons hace cinco años. Presentándolo en directo en el Huercasa Country Festival conoció a Miguel Ángel Blanco, para el que ha compuesto la banda sonora de su ex-

posición La Ilusión Del Lejano Oeste, dedicada a los indios americanos. “Curiosamente, en el primer disco tengo una canción que habla de ello. Así que me propuso componer los temas para la exposición con esa temática. En realidad, iba a ser sólo un tema, pero me salió la inspiración y compuse otro que hablaba de la historia de Miguel Ángel, ‘Into The Woods’, presente en mi último álbum Lights”. Ésta es la primera cosa. “El día que estuve tocando estos temas en el Thyssen apareció Javier de la Morena, que estaba haciendo la banda sonora de la película Stop Over In Hell, y que me dijo: ‘He escuchado tu voz y creo que es perfecta para esta película’. Empecé a trabajar con él los temas, que ya estaban compuestos, pero que adaptamos a mi voz y a mi rollo”. Y esto es cómo lleva a la otra. Es difícil decidir si es el destino quien guía a Nat Simons o si es ella quien lo atrae con su música. Un 22 de septiembre de 2016 entró en la sala Apolo para telonear a The Jayhawks, y salió de ella con un productor para los nuevos temas de su siguiente trabajo. Esa noche, Gary Louris le pidió que le mandara algunas de esas canciones, y poco después la invitó a Estados Unidos para grabarlas. “Me fui no sólo por grabar el disco, sino también por la experiencia de vivir allí. Aunque la grabación duró dos semanas, yo estuve casi dos meses. Estuve en Carolina del Norte un tiempo antes viviendo en un hotel de carretera porque quería vivirlo. Aunque he vivido en Londres y viajado por Europa, la América profunda es como otro planeta”. Simons cuenta que se dejó el alma en los temas antes de coger el avión. “Llegué a Estados Unidos con los deberes muy hechos, puse toda la carne en el asa105

“ME GUSTA ESTAR INFLUENCIADA TANTO POR LA MÚSICA AMERICANA COMO POR MI ENTORNO, Y ESO HACE QUE LAS CANCIONES SALGAN DE OTRA MANERA, CON OTRA PERSONALIDAD QUE NO TENDRÍA SI HUBIERA NACIDO EN TENNESSEE”

NAT SIMONS

dor con este disco. Tenía que llegar con las canciones preparadas casi como si hubiera hecho una gira con ellas, con las letras muy asimiladas y la estructura bien definida. Temblaba por si Gary tenía que hacer cambios, pero finalmente no tocó nada”. También temblaba por entrar el primer día en el estudio de grabación en el que más tarde se sintió como en casa. “Iba a llegar a un estudio en el que no conocía a nadie, me iba a plantar ahí e iba a empezar a tocar mis canciones sin ni siquiera saber qué arreglos llevan ellos. Todo era un ‘lo que surja’, y yo confié en ellos al 100%”. 106

Ellos son Hiss Golden Messenger, a quienes define como unos puñeteros máquinas: “Cuando me dijeron quién sería la banda, aluciné. Es la banda ideal. Ya tenía algunas de sus canciones en mis playlists, y cuando Gary fue a verles tocar, decidió que ellos tenían que ser”. El primer día de grabación tras grabar las primeras bases, cuenta, salió del estudio eufórica. Entenderse a la perfección con los músicos como lo hizo, “como si lleváramos tocando juntos toda la vida”, tuvo trabajo previo a través de emails. “Vi el documental de Quique González, Daiquiri Blues, en el que se va a Nashville,

y entonces pensé que tenía que conectar con ellos de alguna manera, necesitaba que nos viéramos casi como colegas. Se me ocurrió que, en lugar de darles referencias musicales, podría darles vídeos y fotos que transmitiesen lo que yo quería transmitir con las canciones emocionalmente”, y así es como algunos cortes de su disco pueden sonar a “un hombre andando por el bosque con niebla”. Antes de tocar cada tema, Louris refrescaba esas referencias y los músicos se dejaban llevar. “Lo mejor de este viaje fue tocar con ellos. Era increíble cómo se trabajaba, lo rápido que

iban y cómo nos entendíamos. También aluciné con el trabajo de Gary, muy abierto y creativo, con cómo tocaba y entendía la música. Fluía con ella”. Nat Simons ha vuelto de Estados Unidos morena y con la melena por encima de los hombros, con camisa del Oeste y botines de vaquera. Ya no queda nada de García Poza. Se ha transformado tanto que, por cambiar, le cambió hasta la voz durante la grabación: “Cuando llegué a España empecé a tocar temas antiguos y los tocaba diferente, como si fuera otra persona. Mi hermana dice que ahora toco como si fuera una yanqui”, una yanqui que habla nostálgica sobre sus semanas en Carolina del Norte como lo haría de su propio hogar. “Llegué allí y de repente me sentí a gusto y me encontré a mí misma. También estoy muy contenta de estar aquí, pero era curioso estar en ese sitio y no sentirte rara. Aquí la extraña eres tú por hacer música americana, pero allí hacerlo es lo normal y te sientes entre iguales que te entienden y con los que no hace falta hablar. Les resulta peculiar que vayas desde un sitio lejano, hagas su música y que les guste”, y hace cávalas sobre qué hubiera pasado si se hubiera criado al otro lado del charco: “Si hubiera nacido allí quizás me hubiera dedicado a otra cosa, y mirarlo desde esta perspectiva me hace enamorarme más de ello. Además, me gusta estar influenciada tanto por la música americana como por mi entorno, y eso hace que las canciones salgan de otra manera, con otra personalidad que no tendría si hubiera nacido en Tennessee”. El resultado de todas las casualidades, las grabaciones en América y su propia metamorfosis se llama Lights, que sale sin más sello disco-

gráfico que ella misma. “Todo, hasta este disco, lo he hecho yo sola. No he tenido ni mánager, ni sello, ni nada. Ha sido autoproducido. He llegado hasta aquí así, he apostado absolutamente todo por este trabajo”, y lo hace después de un debut con el que no quedó del todo satisfecha: “Creo que a todo el mundo le pasa con el primer disco. Home On High no me empezó a gustar hasta que hice éste. En él veo lo mal que estaba ahí. Es ver un retrato tuyo de hace tiempo y darte cuenta de que estabas bastante jodida y depresiva. En ese disco casi ni cantaba, más bien susurraba. No estaba en un buen momento de mi vida, pero al mismo tiempo, también me gusta porque son retratos de entonces. Las letras eran más oscuras en aquél, y en este dejo reflexiones con un punto optimista. Por eso se llama ‘Luces’, porque vengo de las tinieblas y esto es como salir a la luz”. Afirma que este disco es el que la define, lleno de una mirada hacia un pasado que parece más lejano de lo que es, con recuerdos de su infancia y adolescencia en los que disfrutábamos más del momento que en la vida adulta de la actualidad. “‘Crazy For You’ es una carta que he recuperado de cuando tenía 15 ó 16 años, que me gustaba y que he vuelto a escribir como canción. Es una carta de amor totalmente adolescente, y me fascina leer estas cosas mientras me da pena haber perdido la ingenuidad”. También ha buscado identificarse especialmente con el sonido. “He intentado por todos los medios que no sonara a clásico. Por eso me parecía importante tocar con gente que entendiera la música americana, pero que fueran de mi generación. Que estuvieran empapados de

ella, pero también de más cosas. El disco ahora suena a americana, pero actual. Recrearte en la raíz me encanta, sigo escuchando música de los 50, 60 y 70, pero como artista me gusta aportar algo nuevo y que pueda inspirar”, y agradece el groove de Hiss Golden Messenger, que ha hecho que el instrumental se gire hacia un lado más innovador de lo que estamos acostumbrados a escuchar cuando hablamos de folk. Ni parques ni noches de micrófono abierto esperan a Lights para presentarse en directo, “esto sí es una gira y no lo que hacía antes. Nunca había tenido mánager e iba tocando donde me llamaban, y decía que sí a todo. Pero esto realmente es una gira seria con muchas fechas”, que pasará por Madrid y festivales como el Sonorama Ribera, Granada Experience, Red Pier Fest en Castellón y el Metrópoli Gijón, además de telonear a Loquillo en el Palau Sant Jordi en diciembre. “Me gustaría que el directo fuera demoledor, tan increíble como el disco o más. Quiero que todo sea muy potente y tengo mucha ilusión por la gira. Vamos a hacer muchos conciertos de bandas, pero también en formato trío con guitarrista eléctrico, coros y percusión, más especial”. Lights es la chispa adecuada de evolución y esencia en Simons y de frescura y carácter del género que buscamos en todos los segundos álbumes. Sólo faltaba una Nat Simons convencida de sí misma para prender la mecha que todos vamos a oír detonar.

107

THE DAMNED

L E D S A R B SO M O D A S A P O F U TU R OS DE HISTORIA CON M ÁS DE 40 AÑ A ND BA A UN E DO NO ES HABITUAL QU ESENCIA DE L PASA NSERVE TODA SU CO E QU O SC DI N EVIL LOGRE CREAR UN S DE L PRESENTE . CO DE TU IE QU IN S LA URE TODAS NSEGUIDO. Y, A LA VEZ, CAPT MNE D LO HAN CO DA E TH NK PU L EROS DE SPIRITS, LOS PION K FOTOS: STE VE GULLIC TEX TO: JORDI MEYA

UEDE QUE NO SE CONVIRTIERAN EN ICONOS COMO LOS SEX PISTOLS

o que no tuvieran el impacto de The Clash, pero no está de más recordar que The Damned fueron la primera banda punk británica en publicar un single, la inmortal ‘New Rose’, en octubre de 1976. Posiblemente, de haber desaparecido antes, su leyenda sería más grande, pero gracias al tesón de Dave Vanian, contando en su mayor parte con el apoyo del guitarrista y miembro fundador Captain Sensible, la banda ha acumulado más de 40 años de carrera. Sólo por eso, The Damned podrían limitarse a vivir de rentas interpretando ‘Love’, ‘Smash It Up’ o ‘Neat Neat Neat’, algo que en parte han hecho, hasta que decidan retirarse. Sin embargo, diez años después de publicar su último disco So, Who’s Paranoid?, la banda, que completan en la actualidad Paul Gray (bajo), Monty Oxymoron (teclados) y Pinch (batería), decidió meterse de nuevo en el estudio y grabar nuevas canciones. Quizá por no haberse precipitado o quizá por la labor de un productor de lujo como Tony Visconti, colaborador habitual de David Bowie, su decimoprimer álbum Evil Spirits (Spinefarm) es realmente bueno. Tanto que, con 62 años, Vanian se cogió un avión y se plantó en Madrid para promocionarlo.

Dave, es un placer hablar contigo. ¿Qué tal por Madrid? DAVE VANIAN “Pues he llegado y

me he puesto directamente a hacer entrevistas, así que no he visto demasiado (risas). Por cierto, me suena tu nombre, ¿hemos hablado antes?”. Sí, hace diez años, cuando sacasteis el disco anterior. Me sorprende que te acuerdes (risas). Tengo que decirte que me ha gustado mucho el nuevo disco, fluye de manera muy natural, sin esfuerzo. ¿Fue su creación igual de fácil o tuvisteis que trabajar duro para conseguir que lo pareciese?

“La verdad es que salió bastante fácil. En los últimos años he trabajado bastante haciendo piezas para bandas sonoras. La mitad de mi colección son discos instrumentales, así que creo que eso me da una mayor musicalidad a la hora de componer, y como Captain está obsesionado con las melodías, formamos un buen equipo. Hacer este disco fue bastante mágico”. Todo el álbum parece ser una reflexión en torno la sociedad

“NO ES QUE ME SIENTA DESPLAZADO, NI PARTICULARMENTE ALIENADO, PERO CREO QUE TODO EL MUNDO SIENTE UNA GRAN DESCONFIANZA, NOS HEMOS VUELTO MUY ESCÉPTICOS” DAVE VANIAN

también hay algo de optimismo. Las cosas pueden mejorar si te esfuerzas lo suficiente”.

En el disco, los teclados tienen una gran presencia, pero la percepción es que sois una banda de guitarras. ¿Es algo que te

moderna, del agobio que podemos sentir con el mundo que

Me ha encantado también que

choca?

nos rodea. Dime, ¿te sientes

hayas dedicado una canción a

muy desplazado?

la procrastinación. ¿Es uno de

“No fue algo planeado, pero es imposible no pensar sobre ello. Creo que nuestra música siempre ha reflejado el momento en el que vivíamos. No es que me sienta desplazado, ni particularmente alienado, pero creo que todo el mundo siente una gran desconfianza, nos hemos vuelto muy escépticos. Pero diría que en el disco

tus defectos?

“Tienes razón, pero los teclados siempre han tenido peso en nuestras canciones, al menos desde The Black Album con órganos, pianos… Si escuchas Phantasmagoria o Grave Disorder, están llenos de teclados. No sé si es que hay más teclados o menos guitarras (risas)”.

110

“(Risas) Lo divertido es que no la escribí yo, sino el teclista. Pero soy tan culpable de procrastinar como cualquiera. Desde luego, me identifico con ello. Si te preguntas por qué no hemos sacado un álbum de estudio en diez años, ahí tienes parte de la respuesta (risas)”.

¿Cómo se involucró Tony Visconti en la grabación?

da. Aunque sólo teníamos nueve días para grabar y era un desafío, porque algunos de los temas son bastante elaborados. Hubiera estado bien tener un poco de tiempo, pero todos trabajamos muy duro. En cierta manera, había una energía parecida a la de nuestro primer disco”. Antes mencionabas el vacío de diez años sin disco, pero entre vuestro debut en 1977 y Any-

thing de 1986, lograsteis sacar siete trabajos en nueve años. ¿Es haber bajado tanto el ritmo una cuestión de motivación o es que sois más precavidos?

“La primera vez que escuché ‘Blackstar’, la canción de Bowie, me gustó mucho su sonido, y también porque dura 9 minutos y tiene cambios de ritmo y partes clásicas, y me recordó a cosas que nosotros hemos hecho también. Estábamos buscando un productor y la verdad es que no es fácil encontrar a alguien que tenga una mentalidad parecida a la nuestra. Obviamente no sabía que Bowie se estaba muriendo, pero me impresionó que alguien a esas alturas de su carrera pudiera hacer algo tan bueno. Así que pensé en llamar a Visconti, aunque pensaba que nos rechazaría”.

¿No confiabas en que The Damned fuera una banda interesante para él?

“No, no era eso. Pero los productores que tienen un cierto nivel normalmente te piden escuchar las maquetas de los nuevos temas antes de aceptar, y nosotros no teníamos nada que mandarle. Normalmente lo hacen para saber si quieres hacer algo totalmente distinto o no a lo que has hecho antes. Mira los discos que ha sacado Scott Walker: no tienen nada que ver con lo que hizo en los 60. Pero la verdad es que la colaboración con Visconti fue muy flui-

“Hay varios factores. En estos diez años hemos girado mucho y estábamos un poco saturados, también había algunas razones personales y un punto de pereza. Muchas veces no te das cuenta de lo fácil que es perder el tiempo, pero al final ves que, si no lo haces ahora, quizá sea demasiado tarde. A mí me hubiera gustado hacer este disco dos años después del anterior, pero creo que ha sido bueno esperar este tiempo. Todos hemos aprendido cosas nuevas que han hecho posible que el álbum sea tan bueno. De todos modos, es ridículo que hayan pasado diez años, no te lo voy a negar (risas)”. Pero no crees que éste vaya a ser vuestro último disco, ¿no?

“No tengo ni idea. Este año cumplimos 42 años de carrera, y si alguien me hubiese dicho que llevaría tanto tiempo en el mismo grupo, le hubiera dicho que estaba loco: ‘Únete a The Damned, un trabajo para toda la vida’ (Risas). Pero mientras tengamos algo que decir, tengamos salud y no

111

parezcamos una panda de payasos encima del escenario, creo que seguiremos adelante. Creo que hay mucha pasión en nuestra música. A pesar de toda la mierda por la que hemos pasado, siempre hemos sido muy serios con nuestra música y creo que a veces eso se ha pasado por alto. Está bien que la gente se haya dado cuenta de que tampoco éramos malos músicos. Quizá el reconocimiento nos ha llegado un poco tarde, pero mejor eso que nunca”. Como decías, has pasado en el grupo toda tu vida adulta. Las has visto de todos los colores. ¿Te has sentido a veces como el último superviviente?

“Siempre he creído que, pasara lo que pasara, podíamos superarlo. Eso es lo que me motivaba. Si no hubiéramos sido capaces de producir buena música, lo hubiera dejado, pero lo que no quería es que The Damned desapareciera… Por eso estoy tan contento con este disco, porque si por lo que fuera sí fuera el último, sería una buena despedida”.

go nuestra carrera como músicos. Pero a veces no puedes evitar sentirte molesto cuando ves músicos con menos talento que son tratados como si fueran la hostia. Pero bueno, seguro que hay grupos buenísimos de los 60 que se sentían así respecto a los Beatles o los Rolling Stones”. ¿Fue por eso que jugasteis con la idea de hacer una gira de despedida? ¿Para llamar la atención?

“Hemos hecho tantas que en la última dijimos que en lugar de una ‘gira de despedida’ era una ‘gira de deberíamos irnos’ (Risas). Pero la realidad es que en esas giras nos dábamos cuenta de que la chispa seguía ahí y no podíamos dejarlo. Antes de hacer este disco, estábamos en ese punto de preguntarnos hacía dónde queríamos ir. Yo no quería convertirme en una banda nostálgica que sólo toca canciones antiguas. Me gusta mirar al futuro y plantearme nuevos retos musicales. Por suerte, este álbum demuestra que somos capaces de superarlos”.

The Damned ocupan en la historia de la música?

“Sí, claro. Todavía seguimos teniendo chavales jóvenes que nos siguen porque las bandas que les gustan nos mencionan y luego buscan nuestra historia en internet y se dan cuenta de que seguimos vivos (risas). Nosotros compartimos escenario con Love y seguían siendo tan buenos como en los 60. Espero que la gente que nos ve ahora piense lo mismo. Nuestra música ha ido cambiando, pero nuestro público lo ha aceptado y espera ser sorprendido. Hay un tema en nuestro último disco, no recuerdo cuál, y alguien que conozco me dijo que lo escuchó y lo odió porque no era lo que esperaba. Pero luego volvió a ponerlo varias veces y le encanta. Eso es lo que quieres. La música que entra a la primera no tiene mucha vida. No hacemos música para agradar a la gente, la música tiene que salirte de dentro y sólo puedes esperar que guste. La música buena siempre debería suponer un pequeño desafío para el oyente”. ¿Puede ser que la canción fuera

Con las bandas longevas a ve-

¿Eres consciente de vuestra in-

‘Look Left’? Porque a mí me ha

ces se crea esa sensación de

fluencia en nuevas formacio-

gustado mucho.

que no se aprecian de verdad

nes? ¿Conoces a Creeper, por

porque siempre han estado ahí.

ejemplo?

¿Crees que eso ha ocurrido por

“Sí, me gustan, están bien. Pero todos tomamos influencias de alguien. Nosotros las tomamos de las bandas de garaje y psicodélicas de los 60, y todavía hoy sigo descubriendo grupos de esa época que son fantásticos. Es totalmente comprensible, y desde luego es un halago cuando alguien te menciona”.

“No, no era ‘Look Left’. No recuerdo cuál era. ‘Look Left’ tampoco es una canción típica de The Damned, parece más de un musical, pero es una gran canción. La escribió el batería”.

parte de la industria, los medios, o por los propios fans?

“Creo que la gente que viene a vernos y compra nuestros álbumes siempre nos ha apreciado, son la gente que siempre hemos tenido cerca, pero es indudable que la industria se ha aprovechado de nosotros. También es cierto que nosotros hicimos cosas estúpidas que pusieron en ries-

112

¿Estás en paz con el lugar que

¿De verdad?

“Sí, a mí también me sorprendió porque le gusta mucho el hardcore, pero fue capaz de escribir una canción así. Todo el mundo ha contribuido con canciones, o al menos partes, en este disco. Creo que eso hace

“MIENTRAS TENGAMOS ALGO QUE DECIR, TENGAMOS SALUD Y NO PAREZCAMOS UNA PANDA DE PAYASOS ENCIMA DEL ESCENARIO, CREO QUE SEGUIREMOS ADELANTE” DAVE VANIAN

Patricia es muy sensible y creo que la banda la tenía como a una madre a la que contarle sus problemas. Les ayudaba, claro, pero al final se cansó. Todo el mundo la sigue queriendo. Fue una buena época”.

do quieres’. Así que pedí el trabajo y me cogieron como ayudante. De hecho, cuando me fui, no querían que lo dejara. Era un buen trabajo. Si cavaba rápidamente, podía salir antes e irme de fiesta por Londres”.

tu mujer Patricia Morrison fue

Y la última es saber si de ver-

Muchas gracias por tu tiempo,

bajista del grupo. ¿Llevaste

dad fuiste enterrador de muer-

y esperemos que no pasen

bien lo de estar juntos en la ca-

tos. ¿Es un trabajo tan depri-

otros diez años para un nuevo

rretera o provocó alguna ten-

mente como parece?

álbum.

sión en el matrimonio?

“Sí, es verdad, pero no es tal como te lo imaginas. Era joven y estaba preguntándome qué quería hacer con mi vida. Necesitaba dinero y necesitaba tiempo. Yo vivía fuera de Londres, y un día, pasando por delante del cementerio, vi a un tío trabajando ahí y pensé ‘ése tiene que ser un buen trabajo. No hay que usar el cerebro y puedes salir cuan-

“Lo bueno es que tenemos como diez canciones que no usamos finalmente en este disco, así que seguramente trabajemos más en ellas y podamos sacarlas pronto”.

que el resultado sea tan bueno, pues hay una gran variedad de influencias en él”. Para acabar, tengo un par de preguntas más personales. La primera es sobre el tiempo que

“No, fue muy fácil. Hemos pasado mucho tiempo juntos, pero siempre tenemos cosas que contarnos. Tienes que recordar que los dos somos músicos, así que no es extraño estar en la carretera. Lo irónico es que no fui yo quien le pidió entrar en el grupo, no hubiera sido lo correcto, sino que fue Captain. El único problema es que

113

SIGMUND WILDER

EL DÍA QUE DAVID NACIÓ

CON MUCHA HUMILDAD, PERO CON TODA LA PROFESIONALIDAD DEL MUNDO, DAVID MARTÍNEZ VA CUMPLIENDO SU SUEÑO DE COMPARTIR SUS INQUIETUDES MUSICALES. LA MUERTE DE UNO DE SUS ÍDOLOS INSPIRÓ EL LANZAMIENTO DEL NUEVO EP DE SU PROYECTO SIGMUND WILDER. TEXTO: JORDI MEYA FOTO: SERGI MILÀ

ACE CUATRO AÑOS, DAVID MARTÍNEZ DECIDIÓ RESCATAR

la guitarra que tenía criando polvo en un altillo. Después de mucho tiempo habiendo trabajado en una de las empresas más importantes de producción de espectáculos de Barcelona, David había cambiado su orientación profesional y, aunque a nivel laboral estaba satisfecho, echaba de menos el ambiente y las emociones del mundillo musical. Sin ninguna pretensión, se instaló el GarageBand y empezó a grabar esbozos de canciones. Una vez tuvo un tema terminado, se lo enseñó a unos amigos y la respuesta fue tan buena que se animó a seguir componiendo. Durante los dos años siguientes escribiría la docena que acabaron en The Art Of Self Boycott, el debut de Sigmund Wilder, publicado en febrero de 2017. En todo este proceso fue clave la implicación de su amigo David Palau, productor, líder de la banda Güru y guitarrista de sesión de artistas como Alejandro Sanz o David Bisbal. “Me lo llevé a ver a The Winery Dogs en la Apolo y cuando salimos le pagué tres copas y le dije que teníamos que hablar”, explica David. “Le pasé un pen drive con las doce demos y el tipo se entusiasmó. Cuando nos pusimos a trabajar en el primer álbum yo le pasé una serie de discos que para mí eran referencias de hacia dónde quería ir. Le pasé Outside de Bowie, Desintegration de The Cure, Songs Of Faith And Devotion de Depeche Mode, With Teeth de Nine Inch Nails y Neverland de The Mission. Creo que su background más rockero y el mío más atmosférico y oscuro se han combinado muy bien”. Su buen enten-

dimiento se ha traslado también a su nuevo EP The Day David Bowie Died, en el que presentan tres temas nuevos y dos relecturas de su debut. “Con el primer disco hicimos un séquito de seguidores, no masivo, pero considerable y muy fieles y activos”, asegura David. “Teníamos nuevas canciones y muchas ganas de enseñarlas, y pensé en sacar el segundo disco por partes. No quiere decir que los tres temas nuevos del EP o los del próximo EP vayan a estar en el siguiente disco, pero a lo mejor sí uno o dos. La idea es sacar el segundo largo en febrero de 2019. También tengo la sensación de que, a nivel independiente, cuando sacas un largo, vas tirando mucha música a la basura. Me parece más interesante ir sacando algo cada cuatro meses y hacer una pequeña campaña de promo que te va manteniendo, pero ya veremos porque voy cambiando de opinión (risas)”. Es evidente que la muerte de Bowie tuvo un gran impacto en mucha gente, pero en el caso de David Martínez coincidió con una circunstancia personal que le motivó a dedicarle una canción. “La historia detrás de la canción es real, pero la letra no explica la historia”, señala. “Lo que hay de cierto es que el día que murió David Bowie conocí a una persona y explotó algo. Me pareció muy curioso que un día tan triste pudiera tener un ingrediente tan feliz. Me pareció interesante plasmarlo en una canción, pero hablo más de sensaciones que de la historia en sí. No creo que sea bueno darlo todo masticado”. La valiosa agenda de Palau también sirvió para reclutar músicos para que Sigmund Wilder pudiera dar el salto al directo. Teniendo en cuenta

“EL PROYECTO ES UNA ALINEACIÓN DE VARIAS COSAS, Y QUIZÁ CUANDO FALLEN ALGUNAS, SE ACABE. PERO EL VOLUMEN DE FELICIDAD QUE ME ESTÁ DANDO ES ENORME” DAVID MARTÍNEZ

el currículum de algunos de ellos en comparación a su inexperiencia, ¿no se sentía David acomplejado? “Recuerdo que en el primer ensayo para el primer bolo me volaron la cabeza”, responde. “Pero ya en la escuela, cuando jugaba a básquet, me gustaba estar en el equipo de los buenos. Siempre tienes mucho más que aprender de los buenos. Acomplejado no me siento, pero sentía las inseguridades que pueda tener cualquiera. Piensas que el batería que ha tocado con Juanes o Rosario pensará que eres un pardillo, pero no. Se crea un ambiente de curro y de respeto súper bueno. Sobre todo, me siento muy agradecido de poder vivir esto. Yo no sé qué durará esto. El proyecto es una alineación de varias cosas, y quizá cuando fallen algunas, se acabe. Pero el volumen de felicidad que me está dando es enorme”. Después de tantos años habiendo estado al otro lado de los escenarios, le pregunto a David si tiene alguna lección que dar a los que se suben a ellos. “No ser gilipollas. No hay ningún motivo para serlo, ni tienes ningún derecho. Ni tampoco ser sobre el escenario algo que no eres”. Ojalá muchos tomen nota.

115

EL CONCIERTO DEL MES BY:

BERRI TXARRAK

10 DE MARZO DE 2018 SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

n un país donde la envidia es uno de los pecados capitales con más adeptos y en una época donde las voces de los haters están sobredimensionadas, todavía tiene que llegar el día que escuche una mala palabra sobre Berri Txarrak. Si tienen detractores, que seguro los hay, desde luego se mueven en círculos muy lejanos al mío. El trío de Lekunberri se ha ganado el respeto y la admiración de incluso de aquellos que no comulgan al 100% con su música y eso explica, en parte, que, con la salida de su último disco Infrasoinuak, estén viviendo el momento más dulce de su carrera: el pasado 10 de marzo ponían su pica en Barcelona agotando las entradas en la sala Razzmatazz, una semana más tarde reunían a más de 10.000 personas en el BEC de Barakaldo en una noche que sólo puede calificarse de histórica, y en breve volverán a reventar la Riviera de Madrid. Y tengo la sensación de

que todos sus seguidores lo vivimos como una victoria propia. Y también creo que eso el grupo lo percibe y le da la energía que necesita para afrontar estas maratones en las que se han convertido sus actuales conciertos. Aunque venían rodados de sus recientes conciertos por Oceanía junto a Rise Against, el nivel de forma que mostraron en Barcelona superó todas mis expectativas. Durante casi dos horas y media, Gorka, David y Galder fueron empalmando con un ritmo endiablado más de una treintena de temas. Sólo una emocionante versión de ’Assentiré De Grat’ de Mikel Laboa, con la colaboración de Laia Carbonell a la voz, puso un poco de pausa. El resto fue un martillo pilón de sus grandes temas, incluidos todos los de su última obra, que como ya intuía, suenan fantásticos en directo. La salida con ‘Dardararen Bat’, ‘Zuri’ e ‘Infrasoinuak’ fue insuperable. Gracias a un maravilloso ruido atronador pero cristalino en el que

se podía apreciar cada inflexión de voz, cada punteo, cada golpe de caja, disfrutamos de su extenso catálogo como nunca. Escuchando ‘Izena, Izana, Ezina’, una durísima ‘Folklore’, la stoner ‘Dorkoten Mendean’, ‘Libre ©’, la urgente ‘Ez Dut Nahi’, la nu metalera ‘Ikasten’ al lado de tonadas más amables como ‘Beude’ o ‘Spoiler!’ o las imprescindibles ‘Oreka’, empalmada con el ‘Kids’ de MGMT, su versión de ‘Sols El Poble Salva El Poble’ de KOP, o ‘Denak Ez Du Balio’ (a cada cual más coreada) aflora más que nunca el convencimiento de que, por encima de su capacidad para hacer suyos diferentes estilos o influencias, la esencia de la banda está en la pasión con que la ejecutan. Como todos los grupos, Berri Txarrak no son invencibles, sin ir más lejos su anterior visita a Barcelona en el Barna’N’Roll fue un poco meh, pero cuando esa noche terminaron con ‘Katedral Bat’, juro que lo parecieron. 117

BELL WITCH 21 DE MARZO DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

speradísima noche de dúos, con toda la expectación centrada en unos Bell Witch convertidos ya en toda una revelación. A la cita faltaron habituales del doom barcelonés, pero por suerte para la organización, varios modernos con el ojo puesto en la prensa extranjera, y sobra decir que nada habituales en este tipo de conciertos, ayudaron a darle vidilla a la velada. A Ground les descubrí de chiripa un día que empalmé un show en Razz con otro en el Ceferino. No tenía ni idea de quiénes eran, pero me apunté su matrícula porque me dejaron sordo con su sludge. En la Upload sonaron aún mejor, pero el volumen volvió a ser gratamente alevoso. Con Isaac Malagón dominando perfectamente su batería y un habitual de estas propuestas como Marcos Cordo (Black West, Read My Lips) dando rienda suelta a su pétrea guitarra y destroce gargantil, se ganaron los aplausos. Lo de innovar se lo dejan a otros, pero en

serio que están guapos. A excepción de un gilipollas que tenía charlando a viva voz justo detrás, se hizo un silencio sepulcral en cuanto Dylan Desmond empezó a desgranar las mágicas notas que dan inicio a la primera parte de su último y aclamado álbum Mirror Reaper. Y así nos mantuvimos ya todo el show, totalmente absortos ante la excepcionalidad que estos dos artistas de Seattle estaban desplegando. Los guturales del batería Jesse Shreibman no se empezaron a escuchar hasta pasado un buen rato, y casi se puede decir lo mismo de la voz clara de su compinche, que no brilló del todo hasta que dieron con la tecla exacta en la mesa. Y es que su pobre técnico tuvo una actividad frenética durante el bolo entero, ya no digamos cuando a Dylan le falló el cabezal en el punto álgido del tema. Incluso haciendo frente a estos problemas, lograron atraparnos de lleno con su emocionante mantra, y es que, pese a las inquietantes

proyecciones con las que contaban, no podía apartar la mirada del bajo de tropecientas cuerdas que, atacado como si fuera un arpa, casi conseguía hacer las veces de un órgano de catedral con una distorsión abominable. Bell Witch nos tenían flotando, comiendo de su mano gracias a una música tan excelsa que llegamos a tocar el cielo… pero luego nos bajaron a la tierra de mala manera. Terminada esa mitad del disco, tras 45 minutos sobre las tablas, 50 a lo sumo, se largaron. Menuda bajona nos entró… 24 horas después, otro caso Profanatica. Podrían haber tocado un tema más de Four Phantoms y quedar como unos señores, justificar algo más el esfuerzo económico de sus fans para verles, pero no parece que esto entre en sus planes. Imagino el desgaste mental que tiene que significar interpretar ese leviatán metálico, pero no puedes aspirar a dar el salto prodigándote tan poco.

119

HEAVEN SHALL BURN 25 DE MARZO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

120

AUGUST BURNS RED

os alemanes Heaven Shall Burn están pasando por el momento más dulce de su carrera tras la salida de su último disco Wanderer en 2016, y por ello se han sentido con suficiente confianza para amarrar un cartel con unos duros competidores en una gira titulada como The Final March. Si en las calles de Barcelona se respiraba tensión e indignación, en el interior de la sala 2 de Razzmatazz el ambiente presagiaba una noche de lujo para los amantes del metalcore en todas sus vertientes. Para empezar, los australianos In Hearts Wake, quienes venían a cubrir el espectro más amable del género de la mano de esos coros melódicos cantados por el bajista Kyle Erich. Si el pasado octubre nos visitaban para presentar Ark como cabezas de cartel con sus propios términos, aquí se vieron limitados a interpretar sólo siete canciones, aunque gozaron de un gran sonido y tuvieron el premio de llevarse un gran aplauso cuando terminaron con ‘Refuge’. Tras ellos, tocaba pasarse al otro extremo, tanto geográfico como

musical, con los estadounidenses Whitechapel. Como una versión deathcore de Korn, los de Tennessee nos avasallaron con su poderoso groove y un sonido armado sobre tres guitarras, en las que la de Ben Savage, con su pinta hard rockera con una camiseta vintage de Kill ‘Em All y botas camperas, ponía el único punto armónico. Como un puño cerrado cayeron temas como ‘I, Dementia’, ‘Let Me Burn’, ‘The Saw Is The Law’ o la final ‘This Is Exile’ recibidas con un gran entusiasmo. A continuación August Burns Red mantuvieron el listón igual de alto. Si bien en su último disco Phantom Anthem se han decantado por su versión más metálica, bien representada por ‘King Of Sorrow’, ‘Float’ o ‘Dangerous’, en directo todavía hay espacio para sacar su aproximación más abierta del género con temas como ‘Spirit Breaker’, con pasajes cercanos al post rock. Aunque es difícil apartar la vista del frontman Jake Luhrs, que nos deleitó con sus peculiares bailecitos, merece la pena observar con atención al batería

Matt Greiner, un auténtico portento. Si alguien pensaba que tras tres descargas el cansancio empezaría a hacer acto de presencia entre el personal, bastó que Heaven Shall Burn atacaran con ‘Downshifter’ para que se quitara esa idea de la cabeza. Tras otro tema de su último disco, ‘Bring The War Home’, rescataron una fulgurante ‘The Weapon They Fear’ de Antigone de 2004. Marcus Bischoff, luciendo camiseta en lugar de esas horribles camisas a las que nos tenía acostumbrados últimamente, se mostró perfecto de voz y sólo el guitarrista Maik Weichert le ganó en entusiasmo. Bombazos como ‘Voice Of The Voiceless’, ‘Hunters Will Be Hunted’ o ‘Endzeit’ fueron coreados por todo el mundo y mantuvieron el circle pit bien activo. En el bis, Bischoff preguntó al público si preferían escuchar ‘Godiva’ o ‘Valhalla’, su versión de Blind Guardian. Y quizá como premio a la entrega que habían sentido durante toda la noche, finalmente interpretaron ambas para delirio de sus fans. Fue la guinda a un concierto impecable. 120

MYLES KENNEDY 20 DE MARZO DE 2018 ISLINGTON ASSEMBLY HALL LONDRES (INGLATERRA) TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

120

a primera vez que entrevisté a Myles Kennedy en el verano de 2011, me contó que su primer disco en solitario estaba prácticamente terminado, pero que no sabía si vería la luz. Finalmente, siete años después, el disco ha salido, pero no es aquél del que me había hablado, sino que lo tiró a la papelera y empezó lo que ha acabado siendo Year Of The Tiger, un álbum conceptual basado en la muerte de su padre biológico fallecido en 1974 (el año del tigre según el zodíaco chino) cuando Myles tenía 4 años. Su lanzamiento ha venido acompañado de una gira que, por desgracia, no ha pasado por España, así que volé para ver uno de los dos conciertos que iba a dar en Londres, ambos con las entradas agotadas. Horas antes de que se abrieran las puertas, ya se veía una legión de fans venidos de todo el mundo esperando para un meet & greet. De antemano, sabíamos que Myles iba a actuar solo, sin banda, pero más que una presentación del disco, fue un repaso a toda su carrera musical.

Myles salió al escenario con una estruendosa ovación, cogió una de las diferentes guitarras que tenía alineadas e interpretó ‘Devil On The Wall’ de su nuevo álbum. Lo que fue genial del concierto fueron sus versiones acústicas totalmente distintas de Alter Bridge y Slash, dotándolas de una vida, como esa versión bluesy con una steel guitar de ‘World On Fire’. También fue un gusto poder escuchar un par de temas de su primera banda The Mayfield Four, ‘Eden’ y ‘Mars Hotel’. Fue una noche relajada en la que pudimos ver diferentes caras de Myles, no sólo como músico, sino como comunicador. Nos contó una historia sobre sus inicios, escribiendo letras para esa banda, en la que uso una rima “vergonzosa” simplemente para que rimara en ‘Mars Hotel’. También nos contó su primera cita con su esposa y cómo la gente se reía de su “horrible” manera de bailar y se puso a hacer el baile del robot mientras le aplaudíamos. Myles es de lo más humilde, no tiene nada de arrogante o pretencioso, y por eso la gente le quiere tanto. También se produjo una

escena surrealista, cuando Myles invitó a un fan al escenario y éste se arrodilló para proponerle matrimonio a su novia. Afortunadamente dijo sí. Myles también incluyó algunas versiones como ‘Traveling Riverside Blues’ de Robert Johnson y ‘Going To California’ de Led Zeppelin en el bis. Por supuesto no faltaron clásicos de Alter Bridge como ‘Life Must Go On’ y ‘Watch Over You’, en las que se alejó del micro para que el público cantara. En algunos temas Myles tuvo el apoyo de su amigo Tim para añadir profundidad con una segunda guitarra como en la maravillosa ‘Haunted By Design’, en la que hizo un corto solo. También sonaron ‘Standing In The Sun’, ‘Before Tomorrow Comes’, ‘All Ends Well’, ‘Starlight’, ‘Blind Faith’, ‘Losing Patience’ o ‘Addicted To Pain’. Me hubiera gustado que hubiera tenido más confianza para centrarse en Year Of The Tiger porque es un disco brillante. Pero mi momento álgido fue el final con ‘Love Can Only Heal’, una de las mejores canciones que ha escrito. Esperemos que su carrera en solitario no se quede aquí. 123

BLACK LABEL SOCIETY 14 DE MARZO DE 2018 RAZZMATAZZ, BARCELONA

TEXTO: JORDI MEYA/GIL RODRÍGUEZ FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

MONOLORD

iempre se agradece que un artista se preocupe en escoger un buen telonero para abrir sus conciertos. Black Label Society nos brindaron la oportunidad de disfrutar de los suecos Monolord, quienes presentaban su último disco Rust. Su doom de manual sonó la mar de bien durante la media hora que les dieron, aunque se intuyó que el poderío del trío tendría más impacto en una sala más pequeña. La última vez que Zakk Wylde actuó en Barcelona, hace dos años, lo hizo para presentar el segundo volumen de Book Of Shadows. Aunque se trataba de un trabajo en solitario, le acompañaban los mismos músicos de Black Label Society, Dario Lorina (guitarra), John DeServio (bajo) y Jeff Fabb (batería), con los que ahora se subía al escenario de una Razzmatazz con medio aforo. Pero a pesar de repetir formación, el tono de la noche iba a ser bien distinto. Si en aquel momento vimos la cara más

intimista del artista, ahora nos tocaba vivir la más excesiva. Ya en el primer tema, ‘Genocide Junkies’, se activaron unas columnas de humo y Wylde se subió a la tarima para agitar su rubia melena. Justo antes de salir, había sonada por la PA un mash-up de ‘Paranoid’ de Black Sabbath y ‘Whole Lotta Love’ de Led Zeppelin. Una buena metáfora sonora de lo que ofrece con su propia banda y que explica por qué quizá, de todos los guitarristas que ha apadrinado Ozzy Osbourne, dejando de lado Randy Rhoads por razones obvias, es él quien ha conseguido tener una carrera más sólida por su cuenta. La música de Black Label Society apela a los instintos más primarios de los metalheads, sin disimular sus influencias (el tercer tema que sonó, ‘Suffering Overdue’, podría ser una cover de Sabbath) ni ofrecer nada particularmente novedoso. Ni siquiera sus solos justificarían su condición de guitar hero más allá de una buena

digitación como buen shredder, y compositivamente no son nada del otro mundo. A ratos Black Label suenan como una versión heavy de Soundgarden, con el hándicap de que las capacidades vocales de Wylde no son las de Cornell, pero en otros incluso aburren ante la falta de matices de sus temas más pesados. También hubo un pequeño paréntesis para un cierto recogimiento con ‘Bridge To Cross’ y ‘In This River’, para la que Wylde se sentó al piano y se desplegó un telón con la cara de su amigo Dimebag Darrell. En la recta final, ‘A Love Unreal’ de su notable último disco Grimmest Hits, dio paso a ‘Fire It Up’, durante la cual Wylde bajó a la pista para darse un baño de masas mientras ejecutaba un largo solo. ‘Concrete Jungle’ y ‘Stillborn’ sirvieron para que el concierto acabara por todo lo alto, pero la sensación final es que la banda arrolla sobre todo por su contundencia y presencia, pero vence más que convence. 125

RHAPSODY 18 DE MARZO DE 2018 RAZZMATAZZ, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: LUCAS KORNEYÁ

120

finales de los años 90, si eras un niño muy true que no quería saber nada del nu metal, pero también demasiado tierno como para lanzarte de lleno al metal extremo, a la fuerza te encaminabas hacia el power, donde por aquel entonces dos nuevos grupos intentaban aspirar al trono: HammerFall y Rhapsody. Si además eras un chaval de 13 años que sólo pensaba en Warhammer, Tolkien y videojuegos, éstos últimos llegarían a obsesionarte. De su gira de despedida esperábamos mucho, pero la tremenda calidad de su show incluso superó las expectativas de los más optimistas. Tras la intro ‘In Tenebris’, Rhapsody nos enchufaron ‘Dawn Of Victory’, ‘Wisdom Of The Kings’, ‘The Village Of Dwarves’ y ‘Power Of The Dragonflame’ sin apenas pestañear. Yo ya estaba flipando con sus interpretaciones casi perfectas. El teclista Alex Staropoli sigue con esos Rhapsody Of Fire desdibujados y no

había querido saber nada de esta reunión, pero aunque lanzaran sus orquestaciones por mesa, a diferencia de la anterior banda que había ocupado las tablas, unos Beast In Black de los que costó discernir qué era real y qué burdo playback, se veía que los transalpinos querían sonar a verdadera banda de heavy metal pese a que esas partes sean fundamentales para ellos. Fabio Lione, espectacular a tiempo completo, se encargó después de dar aire a sus compañeros con parlamentos simpáticos, aunque quizá excesivos… pero en cuanto hablaba la música, aquello era incontestable, apoteósico. ‘Beyond The Gates Of Infinity’, ‘Knightrider Of Doom’, ‘Wings Of Destiny’, ‘Riding The Winds Of Eternity’… Todo clásicos, y así hasta llegar al que para mí fue el punto álgido del show, una ‘Symphony Of Enchanted Lands’ de más de 13 minutazos. Entre los prescindibles solos de batería y bajo, con un Patrice Guers muy activo, llegaron ‘Land

Of Immortals’ y ‘The Wizard’s Last Rhymes’, esa ocurrencia del genial guitarrista Luca Turilli, un nervio durante toda la velada, al darle vida metálica a la Sinfonía Del Nuevo Mundo de Antonín Dvořák. Cuando estaba preguntándome si Fabio Lione habría tenido una educación operística dado el recital que estaba dando, el tipo se arrancó con ‘Con Te Partirò’ de Andrea Bocelli. Un tramo un tanto freak, pero que nos confirmó el apabullante nivel de este vocalista. Nos pidieron cantar muy fuerte ‘Holy Thunderforce’ si queríamos más temas, y vaya si lo hizo Barcelona… La sala casi se hundió para encarar una recta final con ‘Rain Of A Thousand Flames’, ‘Lamento Eroico’ y por supuesto, su atronador himno ‘Emerald Sword’. Una última vez, la llama del dragón ardió con fuerza para recrear con exactitud las mejores obras que haya dado el metal sinfónico. Esa gloriosa noche que debí vivir de crío. 127

ARCANE ROOTS 22 DE MARZO DE 2018 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

120

espués de su actuación el pasado verano en el Download Madrid, se intuía que donde de verdad Arcane Roots podrían mostrar todo su potencial sería en un concierto en sala. Y así fue. Ya en sus discos se nota que el trío inglés cuida al máximo todos los detalles, y esa obsesión por la perfección también se traslada al directo, con una ejecución impecable transmitida por un sonido súper procesado y una sencilla pero efectiva puesta en escena con unas elegantes torres de luces. Sólo con los dos primeros temas, ‘Off The Floor’ y ‘Matter’, pudimos comprobar cómo Andrew Groves, Adam Burton y Jack Wrench funcionan como una máquina de última generación. Sus voces se empastan en perfecta armonía, son capaces de alternar diferentes instrumentos y pasar de la máxima

delicadeza a texturas electrónicas a la garra del post hardcore o la complejidad del math rock sin inmutarse. Groves le saca todo tipo de sonidos a su guitarra gracias a una de esas pedaleras gigantes que parece una nave espacial y también destacó como un excelente y expresivo vocalista, si bien su constante falsete llega a cargar un poco. Su último trabajo Melacholia Hyms estuvo bien representado hasta con siete temas, como ‘Solemn’, que sonó como una versión futurista del ‘Kashmir’ de Led Zeppelin, la etérea ‘Before Me’ o esa ‘Curtains’ que parece salida de Kid A de inicio pero que desemboca en un final de infarto y que aprovechan para desmadrarse un poco, un recurso que se reiteró en ‘Arp’. También hubo un rescate de su primer disco con ‘You Are’, con esas líneas de guitarra a lo Minus The Bear, y del EP Heaven &

Earth con ‘If Nothing Breaks, Nothing Moves’, que fue recibida como un auténtico hit. Al igual que en su último disco escogieron ‘Half The World’, un medio tiempo bastante comercial en el que el batería se lució y que desembocó en una letanía electrónica y ese refrán de “be yourself and when it’s falling down, listen to the rain”, para despedirse del algo más de centenar de fans que vibraron durante toda la noche. A medio concierto se me ocurrió la etiqueta ‘rock millennial’ para definirlos. Su repertorio parece un playlist creado por un algoritmo en el que sonarían Muse, Biffy Clyro, Imagine Dragons, Radiohead o Mutemath, algo que sólo pueden conseguir tres músicos tan competentes como ellos, pero que también ancla su música, para mi gusto en exceso, al presente. 129

PROFANATICA 20 DE MARZO DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

120

o siento muchísimo por el promotor, pero al final se impuso la lógica. Lo que no era normal es que en Barcelona nos estuviéramos acostumbrando a que cualquier banda de metal extremo rematadamente underground metiera 150, 200 personas. Así, la visita de Profanatica, un hecho altamente improbable hace sólo unos años, se saldó con un pinchazo de asistencia bastante notorio, y puede que la histórica banda de black estadounidense se contagiara un poco de ello, porque se largó del escenario con unas prisas un tanto raras. Una lástima, porque hasta ese momento estuvieron formulando un ritual muy pero que muy placentero para los oídos más desviados. Los veteranos aunque algo desconocidos Rites Of Thy Degringolade fueron los encargados de empezar a esparcir azufre por la sala Upload. Creados en 1997, extintos en 2006 y reformados en 2015, los canadienses nos presentaron

su nuevo The Blade Philosophical, un álbum que, cuando su sello Nuclear War Now! me lo pasó hace sólo un par o tres de semanas, no me pareció nada del otro mundo. Cabe decir que en directo sus canciones me entraron mucho mejor y que ahora mismo valoro más esta obra, pero las pocas tablas que presentaban su bajista y el guitarra más joven lastraron una puesta en escena austera y poco amigable. Eso sí, que los cuatro músicos se repartieran las tareas vocales, con especial protagonismo para su batería y único miembro original, Paulus Kressman, ayudó a que su black death nos mantuviera interesados. A diferencia de en el pasado Netherlands Deathfest, donde un sonido extremadamente nítido nos descolocó totalmente, en la capital catalana tuvimos una experiencia 100% Profanatica. Con el exIncantation Paul Ledney oficiando su misa negra desde la batería, sus dos acólitos para bajo y guitarra nos

laceraron con esa marea de graves y herrumbre infernal. Parco en palabras, sólo dirigiéndose al respetable para presentar blasfemos títulos de canción, Ledney me llamó la atención por su economía de movimientos tras los parches, despachando la primitiva tralla de los norteamericanos con una naturalidad pasmosa. Nos lo estábamos pasando bomba, el show estaba cumpliendo con todo lo que se pudiera esperar de ellos, pero pronto empezaron las muecas hacia sus compañeros. Pese a la escasa gesticulación del trío, tuve la sensación de que el líder había empezado a modificar el repertorio del concierto sobre la marcha, y así, a los 40 minutos de reloj, dieron su recital por terminado. Mola ir de malote blacker, pero igual Profanatica tienen más morro que espalda. Que en las camisetas que estaban vendiendo ni siquiera apareciera Barcelona en el espacio reservado para las fechas de su primer tour europeo ya lo dice todo. 131

DE GIRA

TRIVIUM

6 DE ABRIL SANTANA 27 (BILBAO) 7 DE ABRIL BARCELÓ (MADRID) 8 DE ABRIL RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA)

a expectación hacia esta nueva gira es muy alta. Parece que el público

tiene hambre de Trivium.

PAOLO GREGOLETTO (bajo) “Es genial. Hemos girado muchas veces por Europa, desde que publicamos Ascendancy, y cada vez es mejor. La verdad es que nos encanta ir ahí. En Estados Unidos empezamos muy fuertes y luego hubo en bajón que remontamos con el disco anterior. En Europa ha sido más estable, un crecimiento quizá más lento, pero siempre ascendente. Además ahora nos sentimos super seguros como banda en directo. Creo que la gente va a disfrutar mucho con el repertorio que hemos preparado. Vamos a tocar las cosas que todo el mundo espera y material del nuevo disco. Nos gustaría tocar todos los temas del nuevo disco a lo largo de

132

la gira. Pero también habrá algunas sorpresas, temas que quizá hace tiempo que no tocamos”.

queda disperso”. ¿De qué giras guardas un especial buen recuerdo?

Además, venís muy bien acompañados con Powertip y Venom Prison.

“Sí, siempre intentamos tener bandas que molen, que estén haciendo ruido dentro de la escena. En Estados Unidos giramos con Arch Enemy y While She Sleeps y fue genial. Agotamos las entradas en la mayoría de ciudades. Y cuando nos dijeron que Powertrip y Vemom Prison estarían disponibles para Europa, ni nos lo pensamos. Nos gusta poder mostrar algo distinto a nuestros fans, cosas que valen la pena. La escena necesita que suban bandas nuevas porque hay de muy buenas. Hay muchísimas, pero a veces se las pasa por alto simplemente porque todo

“Mmm… Una de las que más me gustó fue el Black Crusade Tour que hicimos con Machine Head y Arch Enemy. Fue un punto álgido de nuestra carrera. Nos encantaría repetir algo parecido porque a los fans les encantó. Cuando conviertes un concierto en un evento, la gente responde”. En general, a vuestros fans les ha gustado mucho The Sin And

The Sentence. ¿Por qué crees que ha sido?

“Sí, normalmente estamos acostumbrados a que la gente esté divida al 50%, en cambio en este diría que el 90% ha sido positivo. Creo que en este disco recuperamos un

AGENDA ABRIL poco el control. En los dos anteriores trabajamos con dos productores muy dominantes (David Draiman de Disturbed y Michael ‘Elvis’ Baskette -ndr.) y en éste queríamos hacerlo más como en los viejos tiempos. Trabajar en el local de ensayo hasta conseguir algo que nos convenciera al 100%. Pero al mismo tiempo, no queríamos caer en la nostalgia sino hacer algo fresco para nosotros. Josh (Wilbur, el productor de The Sin And The Sentence -ndr.) no se involucró hasta que teníamos el disco muy perfilado. Aprendimos mucho con los discos anteriores, pero está muy bien haber vuelto a nuestra manera de hacer las cosas. Nos hemos divertido mucho y creo que los fans han percibido esa buena onda. Queríamos hacer el disco de Trivium que nos gustaría escuchar a nosotros. Creo que contiene elementos de los siete discos anteriores, pero a la vez suena a Trivium en 2018”. También parece que el nuevo batería Alex Bent, os ha dado una nueva energía.

“Sí, es fantástico. Nunca habíamos tocado con alguien de su nivel y se incorporó justo cuando nos metimos en el local para dar forma a todas las ideas que teníamos. Escuchar lo que hizo con lo que teníamos con las demos que habíamos grabado con nuestros ordenadores, fue increíble. Nos inspiró a escribir nuevos riffs y él añadió un montón de cosas. Tocar los cuatro juntos y ver que todo el mundo estaba sonriendo fue muy inspirador”. Parece que fue un amor a primera vista.

“¡Lo fue! La primera canción que tocamos juntos fue ‘Rain’ porque teníamos que ensayar para una gira. Es una de nuestras canciones más duras y la bordó. Tuvimos clarísimo que era el tío adecuado. La primera canción que grabó fue ‘The Sin And The Sentence’ y la hizo en una sola toma. De cabo a rabo. No hemos tenido mucha suerte con los baterías, pero creo que por fin tenemos al batería definitivo”. Ojalá que sí. Transmites la sensación de que todo es va de maravilla.

“Sí, estamos en un gran momento. Haciendo este disco aprendimos a confiar más en nuestro instinto, y ver que ha sido tan bien recibido aún nos da más confianza. Creo que después de ocho discos tenemos clarísimo lo que Trivium tiene que ser. Estamos muy cómodos siendo lo que somos”.

APOCALYPTICA 5 Burgos, 6 Santiago de Compostela, 7 Gijón, 8 Donostia, 9 Madrid, 10 Barcelona ARCADE FIRE 21 Barcelona. 24 Madrid CHRISTIAN DEATH 28 Madrid, 29 Barcelona DARK TRAQNUILLITY 11 Santiago de Compostela, 12 Madrid, 14 Bilbao DEEZ NUTS 17 Barcelona, 18 Valencia, 19 Madrid, 20 A Coruña DEMONICAL 19 Barcelona, 20 Alicante, 21 Madrid, 22 Zaragoza EDITORS 26 Barcelona, 28 A Coruña, 29 Madrid ENSIFERUM 21 L’Hospitalet de Llobregat, 22 Murcia, 23 Madrid G3 6 Bilbao, 9 Madrid HAVOK 15 Barcelona, 16 Madrid, 17 Sevilla, 20 Pamplona INSOMNIUM 6 Barcelona, 7 Madrid, 8 Santiago de Compostela, 11 Sevilla, 12 Valencia MACHINE HEAD 2 Madrid, 3 Sevilla, 4 Malaga, 7 Barcelona NE OBLIVISCARIS 26 Barcelona, 27 Madrid NIGHTMARE 19 Valencia, 20 Barcelona NIFELHEIM 29 Zaragoza, 30 Barcelona ROGER WATERS 13 y 14 Barcelona TALCO 13 Vitoria, 14 Vallodolid, 20 A Coruña, 21 Oviedo THIRTY SECONDS TO MARS 12 Madrid, 13 Barcelona, 14 Bilbao ZEKE 18 Barcelona, 19 Zaragoza, 20 Madrid, 21 Donosti