RockZone 148 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Flatliners (Badalona) @ Eric Altimis

EDITORIAL No vamos a ocultar que el litigio entre Tobias Forge, el hombre detrás del personaje Papa Emeritus, con sus excompañeros de Ghost y la posterior renovación integral de la banda hizo que tuviéramos serias dudas sobre su futuro. Y aunque aquella magia inicial se ha desvanecido para no volver, desde que hace un mes tuvimos acceso a su nuevo disco Prequelle, tuvimos claro que se merecían volver a nuestra portada. Porque quizá se ha perdido la inocencia, pero nos queda la música. Y en eso no han fallado. Enjoy!

Nยบ 148

SUMARIO

9 / INTERFERENCIAS

24 / MIKE SHINODA

28 / L7

36 / BIFFY CLYRO

40 / AT THE GATES

46 / STATE CHAMPS

50 / GHOST

58 / DISCO DEL MES

60 / CRÍTICAS

88 / MAYDAY PARADE

92 / THE CAPACES

98 / YOB

104 / DIARIO DE GIRA

110 / LUCIFER

114 / VIAJE A 800

118 / EN DIRECTO

SUMARIO

Nº 148

132 / DE GIRA + AGENDA

134 / FIGURAS COLATERALES

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INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_DOWNLOAD MADRID LA SEGUNDA EDICIÓN DEL DOWNLOAD MADRID ESTÁ A LA VUELTA DE LA ESQUINA. ESTE AÑO, CONTAREMOS CON UN STAND EN EL QUE REALIZAREMOS SESIONES DE FIRMAS CON ALGUNAS DE LAS BANDAS PARTICIPANTES Y MUCHO MÁS...

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

os días 28, 29 y 30 de junio, el recinto de la Caja Mágica de Madrid albergará por segunda vez el festival Download Madrid. Tras el éxito de la primera edición, este año promete ser aún mejor. Repartidos en su cuatro escenarios, podremos disfrutar de las actuaciones de artistas tan potentes como Guns N’ Roses, quienes siguen arrasando con su gira de reunión, el legendario Ozzy Osbourne, en la que puede ser la última oportunidad para verle en directo dado que ha anunciado su próxima jubilación; Avenged Sevenfold, quienes presentarán por primera vez en nuestro país los temas de The Stage o unos rejuvenecidos Judas Priest tras la increíble respuesta hacia su última obra Firepower. Igualmente interesante será poder disfrutar de los renacidos A Perfect Circle, el siempre imprevisible Marilyn Manson, la potencia de Parkway Drive o los siempre solventes Clutch, Thrice, Krea-

tor, Pennywise o Madball. También supondrá la primera vez que grupos como Underoath, In This Moment o Crossfaith pisen un escenario español. No faltará tampoco una buena representación de lo mejor de nuestra escena con Angelus Apatrida, Crisix, ‘77, Adrift, Crim, Aphonnic, Hummano, Foscor, Viva Belgrado o Catorce, entre otros. Pero si algo nos hace especial ilusión es contar con un stand por el pasarán una docena de bandas, tanto nacionales como internacionales, para que os puedan firmar discos y haceros fotos con ellos. Y además también realizaremos diferentes sorteos con material sorpresa. Os animamos a pasar por ahí para ver el programa de actividades o seguirnos a través de nuestras redes sociales para estar a la última. Para más información sobre el festival y compra de entradas visita la web www.downloadfestival.es. ¡Nos vemos en Madrid!

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+ FESTIVALES AZKENA ROCK FESTIVAL EL CLÁSICO QUE NO FALLA

esde su primera edición en 2002, el Azkena Rock Festival se ha convertido en el refugio para aquellos que no entienden el rock’n’roll sin una buena dosis de actitud. Los próximos 22 y 23 de junio, los asistentes al festival de Vitoria-Gasteiz podrán disfrutar una vez más de una variada selección de artistas con ese eje en común. El festival ha apostado este año por Van Morrison y Joan Jett & The Blackhearts como cabezas de cartel, pero

como siempre su filosofía es la de no depender de grandes nombres mediáticos. Así, resulta igual de atractiva la presencia de MC5, en su gira de 50 aniversario, de Chris Robinson Brotherhood, Mott The Hoople o unos Urge Overkill que actuarán por partida doble: el primer día para celebrar su famoso Saturation, y el segundo para rendir homenaje a Tom Petty, el fallecido artista que, a pesar de muchos intentos, no llegó a actuar nunca en el ARF. También hay que destacar la primera actuación de los noruegos Gluecifer, recién reunidos, así como las de sus compatriotas Turbonegro o de Dead Cross, la nueva banda de Mike Patton y Dave Lombardo. The Dream Syndicate, Rival Sons, Berri Txarrak o The Beasts Of Bourbon, entre otros, garantizarán que no decaiga la fiesta en ningún momento.

BE PROG! MY FRIEND

LA APUESTA QUE SE HIZO REALIDAD

a arriesgada apuesta de la promotora Madness Live de montar un festival dedicado al rock y metal progresivos en España ha tenido recompensa. Llegado a su quinta edición, el Be Prog! My Friend ya es toda una referencia a nivel europeo para los amantes del género. La elección de un escenario único como el del Poble Espanyol de Barcelona, una de señas diferenciales, así como una

programación artistica con mucho criterio. explican su éxito. A Perfect Circle, quienes han regresado con fuerza tras 14 años de silencio con el espectacular Eat The Elephant, encabezarán la jornada del 29 de junio y el guitarrista Steve Hackett, y su espectáculo Genesis Revisited, lo hará el 30 de junio. Junto a ellos también encontraremos a Pain Of Salvation, Baroness, Oranssi Pazuzu y Persefore el primer día, y el supergrupo Sons Of Apollo (con Mike Portnoy, Derek Sherinian, Billy Sheehan, Jeff Scott Soto y Bumblefoot), los reunificados Burst, Gazpacho y Plini, el segundo. Sin actuaciones solapadas, los asistentes podrán disfrutar de cada banda en todo su esplendor sin tener que estar corriendo de un lado a otro. Dos noches que se antojan, una vez mágicas, para los más melómanos.

MADRID 2018 JUEVES 28 JUNIO

VIERNES 29 JUNIO

SÁBADO 30 JUNIO

MAIN STAGE 1

TESSERACT · CARPENTER BRUT MAIN STAGE 2

BACKYARD BABIES

L7 · SHINEDOWN STAGE 3

MYRKUR · IRON REAGAN FOSCOR KAISER FRANZ JOSEF ANTI-KARAOKE

VIVA BELGRADO IN THIS MOMENT CRIM · MELTDOWN EGO KILL TALENT

ANKOR LEATHER HEART STAGE 4

GALACTIC EMPIRE HUMMANO · APHONNIC CATORCE · ALTAIR

CRISIX · ‘77 ADRIFT TEETHING · EON HOLY CUERVO DJ’S

THE PINK SLIPS BANDERA NEGRA DJ’S

Madrid - Caja Mágica PUNTOS DE VENTA : WWW.DOWNLOADFESTIVAL.ES, WWW.LIVENATION.ES Y WWW.TICKETMASTER.ES

www.downloadfestival.es MEDIO OFICIAL:

MEDIO COLABORADOR:

PATROCINADORES:

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA, JORDIAN FO FOTOS: DR

MAESTROS DEL DOOM David Kushner (ES POP)

spero que si no te interesan los videojuegos -o mejor dicho, no eres consumidor de ellos, como le ocurre a un servidor-, no hayas pasado por alto la reseña de este libro y el interés que pueda tener para ti. Esto no va sobre videojuegos, va sobre cómo el éxito supera a dos jóvenes que en sus inicios sólo querían revolucionar el mundo de lo que más les gustaba. En definitiva, ésta es otra historia más de éxito desmesurado y cómo éste hace olvidar por qué decidieron en cuerpo y alma intentar cambiar el rumbo de la historia. Un relato que se podría extrapolar a una banda de rock. De hecho, a los dos protagonistas de esta historia, John Carmack y John Romero, se les ha apodado como ‘Los Lennon y McCartney de los videojuegos’. Los dos John eran desde el primer momento dos personajes antagónicos. Uno, Romero, con un look de estrella del rock y amante del metal. El Otro, Carmack, una rata de laboratorio, asocial y con la única función de darle una nueva vuelta de tuerca a una industria que se estaba desarrollan-

do a velocidad de crucero durante los 90. Fuego y agua, a los que un objetivo común les llevó a la cima del mundo creando Doom, uno de los videojuegos más legendarios que existen y que lo cambió todo en su momento. Apasionante es cómo van construyendo su imperio con una claridad de objetivos, tremenda cortesía de Mr. Romero, pero más apasionante –y aquí hay que agradecer la excelente narrativa del autor David Kushner- es cuando llega el descomunal éxito de Doom, los miles de dólares entran a paladas y se dinamitan las relaciones personales a base de traiciones y mentiras dignas de Falcon Crest. Una historia apasionante, que no hace más que demostrar cómo los videojuegos son hoy en día una parte de la cultura popular tan o más importante que la música o el cine. RR

GUERRILLAS Jon Lee Anderson (SEXTO PISO)

espués de explicarnos la vida de Ernesto ‘Che’ Guevara de la forma más amena y gráfica posible (en una trilogía absolutamente necesaria), Jon Lee Anderson nos sumerge en Guerrillas en cinco luchas diferentes: la de los muyahidines en Afganistán, la del FMLN de El Salvador, la del Frente Polisario en el Sáhara Occidental, la de la etnia Karen en Birmania y la de los palestinos de la Franja de Gaza. A lo largo de las páginas saltamos de un escenario a otro y lo mejor del relato del periodista californiano es que no se trata de una crónica a distancia, redactada desde Occidente, sino que se narran las histo12

rias de cada grupo guerrillero desde dentro, dando voz a sus protagonistas en primera persona. Así conocemos las justificaciones, las reivindicaciones, los anhelos y las contradicciones que subyacen en cada conflicto: “Aprendes a vivir con la muerte, te haces amigo de ella. Pero el miedo nunca desaparece. Si acaso, sientes un amor más fuerte por la vida. Pero, por encima de todo lo demás, está la decisión de entregarla en cualquier momento por la causa”. Estructurado en siete capítulos, este libro desarrolla la mitificación de los orígenes de cada guerrilla, cuáles son sus fuentes de financiación, sus técnicas de lucha, los métodos de impartir justicia o cómo reemplazan a sus seres queridos por una familia revolucionaria. JF

DOCTOR WHO VV. AA. (FANDOGAMIA)

JUSTICE TV Ulises Lafuente y Sergio Morán (FANDOGAMIA)

KRYSALIS: ENCUENTROS EN LA PEQUEÑA FASE Nacho Fernández (LETRA BLANKA)

Primer tomo con los números 1 al 5 de la serie dedicada al Décimo Doctor, uno de los más queridos por los fans de la serie británica. En estas nuevas aventuras tenemos al Doctor junto a una nueva acompañante de origen mexicano salvando a la Tierra de una invasión alienígena y una aventura extra que sirve para profundizar en la nueva viajera de la Tardis. Deliciosamente dibujado por Elena Casagrande y con unos guiones de Nick Abadzis divertidísimos para uno de los Doctores más molones de esta serie. SG

LA ABUELA METI Aapo Rapi (FULGENCIO PIMENTEL)

Ulises y Sergio se encargaron de elaborar en el webcómic de mismo nombre esta atípica aventura de superhéroes donde se mezcla reality show y aventura fantástica. Bajo la premisa de presentar al primer grupo de héroes dependientes de la audiencia, jugaron con evoluciones de estilos y formas narrativas para llevar a cabo una estupenda idea donde tanto los primeros compases de presentación como secuencias finales dan sensación de tebeo redondo. Ahora, recopiladito todo en un tomo fantástico. SG

EL SUPERGRUPO VV. AA.

(LA EVOLUTION CÓMICS Y

De nuevo, Nacho Fernández vuelve a juntar dos de sus grandes pasiones: la ciencia ficción fantástica y los tebeos dirigidos a un público juvenil. En Krysalis, el autor bilbaíno se desmarca con una aventura pensada para todos los públicos donde muestra las aventuras de tres chavales (dos chicas y un chico) ayudando a una raza alienígena de pequeñas proporciones en su búsqueda de la paz con sus eternos enemigos. Un cómic lleno de estupendos momentos, detalles fabulosos y mensaje para la chavalada. SG

TIKI TOP-LESS Furillo (AUTSAIDER CÓMICS)

OMINIKI)

Aapo Rapi nos narra en esta obra de corte autobiográfico los encuentros con su abuela y las historias que ésta le iba relatando sobre su juventud y vida en Finlandia. Centrado en la experiencia vital de ésta, una mujer pobre y sin estudios, Aapo se sirve de su estilo underground para tejer las pequeñas anécdotas que le iba relatando para componer un mosaico de momentos definitorios, otros sencillos y cotidianos, tristes, algunos miserables, y dar voz a una generación de personas que levantaron al país en sus momentos más duros. SG

Tenemos de vuelta a estos queridos personajes de Efepé Navarro y Jan junto a un estupendo puñado de artistas que ofrecen su particular visión del grupo de súpers patrio más famoso de nuestra historia. En cada una de las aventuras los autores dan rienda suelta a lo mejor de su estilo para darle al público aventuras cortas llenas de acción y humor que encantarán a los seguidores de El Supergrupo y, sin duda, dejan con ganas de ver más acercamientos de este estilo para mantener viva esta serie. SG

Furillo es un artista que muestra la mugre y la ranciedad de la sociedad española de una manera soberbia. Los lectores de TMEO están bien acostumbrados a sus brutales trabajos y hasta El Jueves se dejó seducir por su grotesca visión. En Tiki Top-Less nos ofrece recopilados toda una buena colección de situaciones que suceden dentro del local de striptease que da nombre al tebeo y donde las bailarinas son las protagonistas absolutas de todos los desmadres. SG 13

DE CINE_ CON KIKO VEGA NOCHE DE JUEGOS

DEADPOOL 2

UN TRIVIAL, UN PARCHÍS

acer reír es muy complicado, y más si tenemos en cuenta lo que suele llegar a las salas. Afortunadamente, Jonathan Goldstein y John Francis Daley son dos autores de comedia muy ligados a los viejos valores de la comedia clásica americana: la pureza desde el espíritu. No en vano, ese espíritu los ha metido en Spider-Man: Homecoming para Marvel, los tiene a punto de cerrar el asunto The Flash en DC y se han movido como pez en el agua entre titulazos de primer orden cómico que pasaron sin pena ni gloria

(Vacation, El Increíble Burt Wonderstone o la hilarante Horrible Bosses 2), algo que ha pasado a la historia gracias a la estupenda y merecida acogida de esta Misterioso Asesinato En Manhattan 2.0 donde, además de encontrarnos ante dos o tres de las secuencias más divertidas de la temporada, uno es capaz de apreciar el mimo y el extremo cuidado con el que estos dos tipos han envuelto una comedia irreverente llena de referencias. Con un reparto fabuloso, donde todos están en su sitio (al servicio, eso sí, de esa pareja ideal formada por Jason Bateman y Rachel McAdams), Noche De Juegos resulta doblemente sorprendente al comprobar que Mark Perez, guionista de Osos A Todo Ritmo, es el único responsable del libreto de la película. Puede que por eso mismo los directores hayan querido rodar las secuencias más trabajadas y espectaculares de su carrera.

TAKE ON HIM

aya, vaya, quién nos iba a decir que el superhéroe bocachancla de Ryan Reynolds no era un capricho que salió bien hace un par de años. ¿Pero sabéis qué? Pues que Deadpool 2 es muy superior a la primera parte. Donde antes sólo había risas, ahora hay una espectacular puesta en escena y un gusto hortera por las cámaras lentas y la peor música imaginable para ambientar secuencias de acción. Pero todo eso forma parte del repertorio de un personaje que vive ahora su secuela oscura. Sí, has leído bien: oscura. La oscuridad y la bajona se apoderan de nuestro héroe, al que la vida no termina de darle alegrías, así que el héroe sólo quiere morir. Ante la tragedia de un inmortal que sólo quiere dejar de vivir, ante ese panorama imposible, se aferra una trama central algo más endeble y con menos carisma, pero que, curiosamente,

funciona de maravilla a pesar de no aprovechar a ese nuevo Terminator para la nueva generación de espectadores en la que vive Josh Brolin. Deadpool 2 es una película compleja. Superior a la original, más espectacular, mejor presentada, con mejores bromas y toda la acción que el dinero pueda comprar, pero al igual que el éxito de 2016, peca de sostenerse a través de una trama demasiado fina como para resultar importante, y por eso lo mejor es su variedad tonal: Deadpool 2 son dos o tres películas distintas en un equilibrado combate por ser el evento principal de la que será sin duda una de las sensaciones de esta primavera. Supongo que el lector habitual sabrá apreciar el grado de volumen que el arma de Cable puede llegar a alcanzar, aunque no tengo del todo claro que pueda aceptar que la película se sostenga, tanto acústica como visualmente, en otra pieza, al igual que Wilson, inmortal: el ‘Take On Me’ de los A-Ha. Por lo demás, risas potentes, un par de cameos absolutamente sensacionales, ingentes cantidades de sangre e incorrección y la que será, sin duda, la mejor secuencia post créditos de la historia del cine. Sólo hay una, pero vale por diez años de esperas en los cines.

PISANDO FUERTE_ KURT BAKER COMBO “CREO QUE EN ESPAÑA GUSTA MUCHO EL ROCK’N’ROLL, PERO LA SOCIEDAD NO LO TIENE INTERIORIZADO COMO ALGO PROPIO”

KURT BAKER

FORMACIÓN: Kurt Baker (voz, guitarra), Jorge Colldan (guitarra), Juancho López (bajo), Sam Malakiam (batería)

PROCEDENCIA: Madrid, León AFINES A: Mathew Sweet, Imperial State Electric, The New Trocaderos PRESENTAN: Let’s Go Wild (Wicked Cool)

a idea de emigrar a Estados Unidos para poder vivir de la música es algo que casi seguro se le ha pasado por la cabeza a cualquier músico español en algún momento. Pero hace cinco años, Kurt Baker emprendió justo el viaje inverso. Desde Pórtland, donde había liderado a The Leftovers, se mudó a Madrid, con sólo 3.000 euros ahorrados y ni idea de español. Pero no pasaría mucho tiempo hasta que, gracias a su determinación y talento para escribir buenas canciones, Baker activaría su propia banda con tres músicos de León con quienes recientemente ha publicado su segundo disco de estudio: Let’s Go Wild. Pese a lo difícil que es tirar de una banda de rock’n’roll en un país como éste, Baker asegura no haberse arrepentido de su decisión. “He podido tocar mucho más aquí que si viviera en Estados Unidos, pero soy la excepción porque no soy español y supongo que resulto exótico”, asegura. “Aquí hay grandes músicos, pero quizá al público le resulto más interesante por ser de fuera. En Estados Unidos soy uno más. Creo que la principal diferencia es que ahí desde niño ya estás expuesto al rock’n’roll, y es muy fácil empezar una banda porque te puedes comprar una guitarra barata y ensayar en el sótano de tus padres y

había conciertos para todos los públicos. Creo que en España gusta mucho el rock’n’roll, pero la sociedad no lo tiene interiorizado como algo propio. Lo más preocupante es que no veo gente demasiada joven en los conciertos, pero eso puede cambiar. De todos modos, yo tengo que trabajar entre semana, no te creas”. En Let’s Go Wild nos encontramos con un Baker que se aleja un poco de sus influencias más power pop para ofrecer algo que refleja más su energía en directo. “Para mí el concepto del Combo era ser una banda de rock’n’roll”, explica. “Cuando estaba en Estados Unidos, trabajaba con distintos músicos, no tenía una formación fija. Tenía como once baterías distintos, era un desastre. Igual grababa las baterías en Chicago, y luego las guitarras en Nashville, el bajo y las voces en Maine, así que nunca tenía a todos los músicos juntos. Y a veces pasaba tanto tiempo que le acababa dando muchas vueltas y todo acababa sonando muy pulido. En cambio, en España, siempre hemos sido los mismos cuatro. Quería algo consistente. Y además, no me gusta que nos encasillen, y nos reivindico como una banda de rock’n’roll. Tenemos influencias de Big Star y Elvis Costello, pero también nos gustan los Stooges o MC5”. En

esta transición también ha jugado su papel el productor Paco Loco (Australian Blonde, Sexy Sadie) y su estudio en Puerto de Santa María. “No estaba demasiado familiarizado con su trabajo, pero Juancho y Jorge habían grabado con él con sus bandas anteriores. Había escuchado grandes cosas de Paco y su estudio, así que tenía muchas ganas de ir allí. Lo tiene muy bien montado. Estuvimos toda la semana ahí, y su mujer hace una comida fantástica. Fue genial. Paco viene de un background distinto al mío. Tenía ideas que yo nunca hubiera tenido, así que abrió mucho las posibilidades. Eso es lo que tiene que hacer un buen productor. Siempre estoy abierto a hacer cosas nuevas, así que las ganas de experimentar de Paco encajaron muy bien. Llevamos cuatro años juntos y creo que somos una banda mucho mejor y nos sentimos mucho más cómodos. Sabemos lo que hacemos bien y lo que no tanto. En el estudio todo fue muy fácil porque todos los del grupo tienen mucho talento y pueden tocar distintos instrumentos. Sam, el batería, también toca muy bien el piano. Fue un esfuerzo colectivo”. Prolífico como pocos, Baker ha lanzado en cuatro años, dos discos y un directo con el Combo, dos con Bullet Proof Lovers y otro en solitario. “Siempre he tenido la suerte de que me salieran canciones con melodías que en mi opinión son bastante buenas, pero a veces te encallas. No hay una fórmula. Lo importante es que suene fresco”.

TOI’S IN THE ATTIC ABBA Y SUS AVATARES

ola amigos! El futuro ya está aquí, o al menos, lo parece tras los últimos acontecimientos. ¿Recordáis cuando la princesa Leia enviaba un mensaje desesperado a Obi-Wan Kenobi pidiendo su ayuda? Estoy segura de que sí. ¿O cuando Sharon Stone recibía clases privadas de tenis en su apartamento en Desafío Total? Quizás esto es demasiado serie B ya... A mí me alucinaban los hologramas, que estuvieron muy presentes en las pelis de ciencia ficción a lo largo de mi infancia y adolescencia. Han pasado unos cuantos años, y la ficción se ha convertido en realidad. No hay coches voladores todavía, es cierto, pero los hologramas nos están invadiendo de forma silenciosa. Si no recuerdo mal, así, para las grandes masas, la primera demostración se hizo en Coachella sacando de la tumba al rapero Tupac. Recuerdo que una mezcla de fascinación y horror

se gestó en mi interior. Muchos rumores se han escuchado acerca de futuros shows con Elvis o Michael Jackson, e incluso en el metal recientemente se ha experimentado con Dio, pero el último anuncio de Abba me ha dejado boquiabierta. Los suecos han salido de sus madrigueras para hacerse LA FOTO y han anunciado un single después de mil años de inactividad, seguido por un tour a cargo de sus avatares setenteros. La denominación ‘avatar’ es mucho más actual, pero no dejan de ser putos hologramas. Me pregunto si esto tiene futuro y, a nivel económico, si es beneficioso. En realidad es un pensamiento retórico, porque sí va a tener éxito, incluso con Abba, que cuentan con bandas tributo e incluso un musical. Mucha gente con poco criterio paga por cualquier cosa, y si la fórmula funciona, aún se puede joder más lo que queda de industria musical. Y si no, al tiempo. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Tres Hombres de ZZ Top. La primera vez que conocí a Billy Gibbons fue en un restaurante de Austin, Texas, durante la convención musical South By Southwest. Estábamos cenando y divisé la figura de alguien que podía estar tocando en ZZ Top. Quiero decir, ¿cuánta gente tiene esa pinta en Texas? Nos levantamos de nuestra mesa y pasamos por el bar para poder mirar más de cerca y seguimos nuestro camino hacia el aseo, para seguidamente confirmar entre nosotros que efectivamente era Billy Gibbons. De manera educada nos acercamos a él, rendimos nuestros respetos, adulamos su música y esperamos su respuesta. Sonriendo, 20

y con una mujer a cada lado, todo lo que Billy dijo fue “Tocar música es divertido”. Eso era todo lo que necesitábamos oír. Se lo agradecimos de todo corazón, le invitamos al show que íbamos a hacer en el SXSW y seguimos nuestro camino. Una vez estuvimos a salvo fuera del restaurante, nos pusimos a gritar y bailar de pura alegría. Fue un gran momento, uno de ésos que nunca olvidaré. Una vez acabó el SXSW, estaba el palo del viaje de vuelta a casa y como habíamos viajado en furgoneta de Toronto a Texas, teníamos que hacer el mismo trayecto de vuelta. Alguien de nuestro entorno encontró una copia en cassette de Tres Hombres de ZZ Top en una parada de camiones, la pusimos en nuestro reproductor y lo escuchamos de camino a casa (era una vieja furgo, estábamos en Texas, así que…). En lo que respecta a la discografía de ZZ Top, Tres Hombres es lo mejor de ella, a pesar de que Eliminator y Afterburner fueran mayores éxitos comerciales. Canciones como ‘Waitin’ For The

Bus’, ‘Jesus Just Left Chicago’, ‘Beer Drinkers & Hell Raisier’ y ‘La Grange’ son las canciones más destacadas, pero el álbum parece que sea un best of o greatest hits. Quizás, debido a la exposición del classic rock, esos llamados singles han oscurecido canciones como ‘Hot Blue And Righteous’, ‘Precious And Grace’ y ‘Have You Heard’. El solo de guitarra de ‘Shiek’ se encuentra en mi top 5 de solos favoritos de todos los tiempos, y demuestra que Billy Gibbons es uno de los mejores y con mejor

gusto, si de guitarristas de rock hablamos. Bien, acabamos tocando nuestro repertorio aquella noche, y realmente nada pasó tras tocar aquel año en el SXSW. Nunca vino un gran sello a ficharnos. Tampoco conocimos a ningún directivo discográfico. Acabó siendo todo una gran pérdida de tiempo, pero conocer a Billy Gibbons durante esos pocos minutos hizo que el viaje de vuelta, con contrato discográfico o no, hubiese valido la pena. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> HÉCTOR TRUJILLO (RUTA 57) INTERPRETA ‘LA CIUDAD’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

on la simpática imagen de un patito de goma en su portada, Ruta 57 han dado a conocer su primer álbum 1995, después de dos EP’s previos. El título hace referencia al año en el que nacieron sus componentes Héctor Trujillo (voz y guitarra, Alberto Notario (bajo y coros) y César Romero (batería y coros), pero a pesar de su juventud el trío de Alcalá suena como si acumulara en sus espaldas un montón de experiencia. Algo que en cierta manera es así. “Yo empecé a tocar con 11, 12 años”, revela Héctor. “Y cada uno con su instrumento igual. Con Alberto, el bajista, yo tenía un grupo con 14 años y la verdad es que teníamos muchos conciertos, sobre todo en centros culturales. Apenas teníamos equipo, teníamos que pedirlo prestado, y nos tenían que llevar nuestros padres (risas). Pero con 16

ya parecíamos un poco más mayores y empezamos a entrar en salitas. En alguna nos pedían el DNI y en otros no, pero hacíamos nuestros chanchullos y conseguíamos tocar. No recuerdo ningún momento en el que no haya tocado”. Sobre los orígenes de la actual formación de Ruta 57, Héctor nos cuenta que sólo queda él como miembro original. “No es que fuera mi banda, pero se fue cambiando gente y al final sólo quedé yo (risas). César, el batería, era muy fan y venía siempre a los conciertos. Y acabó entrando y se involucró como el que más. Y con Alberto somos amigos de toda la vida. Él era guitarrista, pero cogió el bajo, y mira, lo domina guay”. El buen entendimiento entre ellos se plasma en un rock con influencias de funk y blues, que recuerda a bandas como O’Funkillo, Lavacazul o Sobrinus. “Antes había un funk madrileño potente. Ahora

no hay muchos grupos de ese rollo. Eso nos beneficia por un lado y nos perjudica por otro. En España, en general, no hay mucho de este palo, pero en México o Argentina sí. Pero siempre tenemos buena aceptación por parte del público. Eso te motiva a seguir currando. Creo que estamos sembrando un camino chulo. Nos dejamos la piel todo lo que podemos y más”. Grabando las bases edel disco en apenas un día y medio en el estudio, el trío ha conseguido su objetivo de sonar lo más parecido a como lo hacen encima de un escenario. “Incluso muchos solos están hechos en directo porque nacen de improvisar”, señala Héctor. “Suena como somos. No queríamos un disco sobreproducido. Nos los curramos mucho para tener el matiz del estudio, pero queríamos que sonara a directo. No mentimos (risas)”.

MIKE SHINODA

TRAUMA Y TERAPIA CASI UN AÑO DESPUÉS DE LA MUERTE DE CHESTER BENNINGTON, SU AMIGO Y COMPAÑERO EN LINKIN PARK, MIKE SHINODA, REAPARECE CON SU PRIMER DISCO EN SOLITARIO. POST TRAUMATIC ES UN VIAJE MUSICAL AL CENTRO DE SUS EMOCIONES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L PASADO 20 DE JULIO, EL MUNDO DE LA MÚSICA RECIBÍA UN

mazazo tras conocerse la muerte de Chester Bennington, vocalista de Linkin Park, posiblemente la última banda de rock en tener un impacto a nivel planetario. Apenas dos semanas antes del fatal desenlace, Bennington parecía de lo más feliz tras haber completado la gira europea de presentación de su último disco One More Light. Desde luego, ninguno de quienes

“SIEMPRE QUE HE PASADO POR UN MOMENTO DIFÍCIL, ME HE REFUGIADO EN LA MÚSICA Y EL ARTE”

MIKE SHINODA

le vimos en el escenario del Download Madrid tampoco podíamos imaginar algo así. Pero la tristeza y desconcierto, dadas las extrañas circunstancias de su suicidio, que pudieran sentir los millones de seguidores del grupo, no es comparable a lo que pudieran sentir sus más allegados. En el caso de Mike Shinoda y el resto de miembros del grupo, además del dolor por haber perdido un amigo, habría que sumar la duda razonable sobre si Linkin Park podían tener un futuro sin su icónico

vocalista. Es una pregunta que aún no tiene respuesta y que, posiblemente, todavía no sea el momento de plantear. Mientras llega esa decisión, Mike Shinoda ha decidido volver a la luz pública con el lanzamiento de su primer álbum en solitario, Post Traumatic (Machine Shop/Warner), el próximo 15 de junio. Un trabajo surgido de la necesidad de poner en orden sus emociones a través de la música. El 23 de mayo teníamos la oportunidad de charlar con él, aunque eso sí, con un tiempo muy limitado, apenas 10 minutos. Con tan poco tiempo, y la petición expresa de centrarnos en su nueva obra y no en cuestiones del pasado, empezamos preguntándole si Post Traumatic había sido el disco más difícil que ha grabado en su carrera. “Obviamente nunca hubiera elegido las circunstancias en las que empecé este disco, pero la música simplemente empezó a salir”, contestaba Shinoda vía telefónica desde Los Ángeles. “Siempre que he pasado por un momento difícil, me he refugiado en la música y el arte. Lo hago casi como una meditación, para poder sacar todos mis pensamientos y sentimientos. Estas canciones empezaron a salir hace diez meses y a medida que las hacía, me propuse el reto de capturar todo lo que me estaba pasando. En el pasado había escrito canciones sobre algo que me había ocurrido mucho tiempo atrás, o sobre algo que me

había pasado en repetidas ocasiones, pero esta vez fue distinto. Me centré mucho en el presente. Por ejemplo, en la canción ‘Over Again’, escribí y grabé la primera estrofa el día antes del concierto de homenaje a Chester en el Hollywood Bowl, y la segunda estrofa, el día después. Y lo hice así porque sabía que serían dos momentos únicos que afectarían mucho mi estado de ánimo. Quise seguir esa filosofía en todo el disco. Cada vez que sentía algo que era especial, único o importante respecto a lo que había pasado, intentaba capturarlo en una canción”. Teniendo en cuenta la espontaneidad y emotividad que guió la creación de estos temas, le planteamos si el mayor reto era darle una coherencia musical que hiciera de Post Traumatic un álbum que mereciera la pena compartir con el público. “La música fue muy intuitiva, al igual que el sonido”, explicaba el músico. “Cualquier cosa que me pareciese natural para la canción es lo que iba a dejar. Diría que la mitad de las canciones empezaron con acordes y una melodía, y la otra mitad con una pista rítmica. Pero en ambos casos, las letras siempre eran lo primero, y eran lo que determinaban lo demás”. Dado que en enero Shinoda ya compartió tres de sus temas en un EP y la celeridad con la que publica el álbum, intuimos que para él era muy importante compartir con sus seguidores todos esos sentimientos mientras aún estuvieran 25

“ME PROPUSE EL RETO DE CAPTURAR TODO LO QUE ME ESTABA PASANDO”

MIKE SHINODA

vivos. “Sí, para mí era muy importante”, confirmaba. “Eso me motivó a sacar primero el EP. No quería que pasase demasiado tiempo entre el evento y las canciones sobre ese evento. Estuve grabando y lanzando vídeos en tiempo real. Al principio, quería sacar los ocho primeros temas en orden cronológico hasta que se publicase el disco, pero luego pensé que la gente sólo escucharía los temas más oscuros, porque en realidad el disco, a medida que va avanzando, es más dinámico y variado. Pensé que sería más representativo mostrar las diferentes 26

caras en lugar de una sola. Pero en el álbum las canciones sí que van en orden cronológico porque muestran mi viaje a lo largo del último año”. Ya sin tiempo para más, no queríamos dejar de preguntarle por los invitados que aparecen en el disco (Chino Moreno, Machine Gun Kelly, Backbear, K. Flay y Grandson), y si acudió a ellos por motivos musicales o más bien como apoyo moral. “Una de las cosas importantes respecto a los invitados es que tuvieran una relación con el tema central del álbum. Por ejemplo, Backbear conocía a Chester porque trabajó con nosotros en One

More Light. Chino, además de conocer a Chester, perdió a Chi, el bajista de Deftones, hace unos años. De hecho, yo salí a cantar con Deftones en un concierto de homenaje a Chi. Así que quería a gente que, además de respetar musicalmente, entendiera de qué iba este disco”. Tras agradecer nuestro interés por su álbum, Shinoda se despedía. Esperemos que la próxima vez sea en mejores circunstancias. Para todos.

DE DE ARMAS ARMAS TOMAR TOMAR

CUANDO L7 SE REUNIERON PARA SUBIRSE A UN ESCENARIO EN OTOÑO DE 2015 NADIE TENÍA MUY CLARO CUÁNTO PODRÍA DURAR. SU SEPARACIÓN HABÍA SIDO NADA AMISTOSA Y ESTABA POR VER SI EL PÚBLICO RESPONDERÍA. PERO GRACIAS AL ÉXITO DEL DOCUMENTAL L7: PRETEND WE’RE DEAD Y CON UN NUEVO ÁLBUM PREVISTO PARA EL AÑO QUE VIENE, PARECE QUE LA BANDA HA VUELTO PARA QUEDARSE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A IMAGEN DE DONITA SPARKS L ANZANDO UN TAMPÓN ENSANGRENTA DO AL PÚBLICO DEL FESTIVAL

de Reading en 1992 es una de las más icónicas del grunge. Pero sería muy injusto reducir la carrera de L7 a un solo incidente, por mucha fuerza que pudiera tener. La banda formada en 1985 por Sparks (voz, guitarra) y Suzi Gardner (guitarra), a la que posteriormente se añadirían Jennifer Finch (bajo) y Demetra Plakas (batería), reivindicaba el poder de la mujer, no a través de un mensaje intelectual, sino con gestos rotundos como ése y rockeando a todo volumen con sus Flying V’s. Su carrera abriría las puertas a bandas como Bikini Kill o Sleater-Kinney, pero por desgracia acabaría de manera amarga tras el fracaso de su último disco Slap-Happy en 1999. Posteriormente sus componentes intentarían seguir en la música con otros proyectos, pero ninguno de ellos cuajaría, y acabarían dedicándose a otros asuntos. Pero el tiempo acaba poniendo a cada uno en su sitio, y más de 25 años después de haber vivido su mayor éxito con su tercer álbum Bricks Are Heavy, L7 están viviendo una segunda juventud y sus canciones vuelven a sonar tan frescas como en su momento, como podremos comprobar este mes en su concierto en el festival Download Madrid. Con motivo de esta nueva visita, tuvimos la oportunidad de charlar con Donita, quien, a sus 55 años, sigue conservando todo su encanto.

Dos de los mejores conciertos de mi vida tuvieron como protagonistas a L7. Uno fue en Barcelona abriendo para Faith No

“CREO QUE TODO ESTÁ DEMASIADO TRANQUILO. EN EL METAL HAY AGRESIVIDAD, PERO NI SIQUIERA ENTIENDO SOBRE LO QUE CANTAN CON ESAS VOCES RONCAS (RISAS)” DONITA SPARKS

More en la gira de Angel Dust. El otro, en Los Ángeles, en un pequeño club llamado Dragonfly, en el que un tío completamente desnudo acabó bailando encima del escenario. DONITA SPARKS “¡Oh! Vaya, ahí

me has sorprendido”. ¿Qué recuerdas de esa gira con Faith No More?

“La experiencia fue muy buena, aunque era invierno en Europa. Recuerdo que pasé mucho frío. Pero el público fue fantástico. Me hubiera gustado haber podido tocar en España por nuestra cuenta poco después porque creo que hubiera ido muy bien. Nos encanta España y creo que a los españoles les gusta L7. Así que me hubiera gustado poder tocar más en vuestro país, pero no dependía de nosotras”. En ese concierto, recuerdo una gran tensión entre Mike Patton y Jim Martin en el escenario. ¿Era igual en el backstage?

“Bueno, la verdad es que no teníamos mucho contacto con ellos. Pero no recuerdo que hubiera una mala relación entre ellos. De todos modos, en nuestro documental, en los extras del DVD hay imágenes de una bronca con Jim Martin porque se había retrasado en la salida de su autobús y lo dejaron tirado sin su pasaporte. Creo que había pasado varias veces durante la gira y al final decidieron irse sin él (risas)”.

Todavía no he podido verlo, pero tengo muchas ganas. Aunque se estrenó el año pasado, tengo entendido que el docu-

email. Pero luego, las llamé una a una para ver si estarían interesadas en una reunión. Lo hice yo porque no teníamos mánager ni nada”.

mental fue un poco el origen de vuestra reunión. ¿Fue así?

¿Por qué querías hacer el docu-

“El documental hizo que nos comunicáramos de nuevo. Necesitaba saber si estarían dispuestas a conceder entrevistas para él, así que tuve que hablar con ellas. Como dijeron que sí, volvimos a comunicarnos, aunque al principio fue sólo por

mental? ¿Querías reivindicar la importancia del grupo, era una cuestión de vanidad, o tenías ya la reunión en la cabeza?

“Un poco todo eso. Pero la razón principal es que teníamos imágenes increíbles que habíamos filmado

“Me di cuenta al momento. En nuestro primer ensayo, ya sonamos genial. Supongo que fue como el primer polvo después de un divorcio. No fue perfecto, pero fue muy bueno porque había una familiaridad. Perdón… mi marido acaba de escucharme decir eso y se está partiendo de risa (risas). Y poco a poco fue cada vez mejor. La música y el sentido del humor volvieron muy rápidamente”. ¿Hicisteis algún tipo de reunión para sacar los trapos sucios a modo de terapia?

nosotras mismas, y que, si no las utilizábamos para algo así, iban a quedar inéditas para siempre. Teníamos la historia del grupo filmada por nosotros mismas, y además, es un retrato de los 90, del grunge, de cómo las bandas girábamos antes sin internet ni iPhones ni ordenadores. Creo que fue la última época en la que tenías que parar la furgoneta para poder llamar desde una cabina. Mola mucho ver eso. Y por supuesto, creo que nuestra historia también es

significativa porque demuestra que no tienes que ser un virtuoso para tener una banda que mole. Puedes ser una buena banda de punk rock sin tener que ser un virtuoso”.

“No, no, no. Creo que es una idea terrible. Porque si empiezas a hacer una autopsia de lo que ocurrió y salen emociones negativas, y todo el mundo las tiene, no es una buena manera de empezar. Habían pasado 18 años. Quizá si nos hubiéramos reunido al cabo de cinco años, las heridas aún hubieran estado abiertas, pero después de tanto tiempo fue más fácil. Todas hemos vivido nuestras vidas, hemos recibido golpes por diferentes circunstancias, y ahora podemos apreciar tocar rock otra vez juntas. Es maravilloso tocar para la gente y no es algo que demos por sentado. Mientras todas queramos hacer esto, seremos felices”. De todos modos, tocar para el público lo habéis hecho con otros

Supongo que reunir un grupo es

proyectos. ¿Qué era lo que más

como volver a casarte con al-

echabas de menos de hacerlo

guien de quien te has divorciado.

con L7?

Puede ser genial, pero también

“He tocado en otros proyectos que molaban mucho, pero hay una conexión especial con las otras componentes de L7 porque hemos

un desastre. ¿Cuánto tiempo te llevó darte cuenta de que había sido una buena idea?

vivido las mismas cosas. Tenemos el mismo nivel de fama, el mismo nivel de experiencia, así que nos comunicamos de manera muy fácil. Cuando tocas con otros músicos que no tienen la misma experiencia o la misma fama, puede ser difícil comunicar cómo debes comportarte en público, cómo tratar con la prensa o con los fans. Es un proceso de aprendizaje que necesita años. Hay un libro que se llama Outliers de Malcolm Gladwell en el que dice que se necesitan diez años o 10.000 horas para ser un experto en algo. Por eso, muchos grupos no triunfan hasta que llevan diez años, como nosotras. Nosotras tenemos 30.000 horas de experiencia juntas, así que eso marca una gran diferencia (risas)”. Habéis financiado el documental y vuestro próximo disco a través de plataformas de crowdfund-

ing. ¿Te ha sorprendido el nivel de apoyo de vuestros fans?

“Sí. Pero el crowdfunding para el documental lo hizo la productora. Nosotras donamos y firmamos muchas cosas para eso, pero no éramos directamente nosotras. La campaña de PledgeMusic para el disco es la primera que hacemos. Pero en cualquier caso, estuvimos muy felices con el resultado de la campaña para el documental porque, al final, es nuestro nombre y nuestra reputación lo que estaba en juego. El hecho de que tuviera mucho éxito y la película saliera tan bien, nos dio confianza para hacer la campaña para el próximo álbum. Si el documental hubiera sido un desastre, posiblemente no haríamos un disco

nuevo. Pero tanto eso como los conciertos fueron muy bien, así que nos animamos a hacer música nueva”. En los conciertos que habéis

tantos motivos para amarnos como para odiarnos. Pero no creo que fuéramos una banda demasiado política. Creo que estábamos en el punto justo”.

dado en los dos últimos años, especialmente en festivales, habrá

En estas dos décadas que han

gente que nunca os había visto

pasado, ¿has visto que ha mejo-

antes. ¿Se te hace extraño ver a

rado el trato a las mujeres den-

gente joven cantando vuestros

tro del negocio musical o todo

temas?

sigue igual o peor?

“Nos encanta ver a gente joven. Creo que es todo gracias a las redes sociales. Cuando nos separamos, los fans empezaron a colgar vídeos en YouTube de nuestros conciertos, y ésa era nuestra única presencia en internet. Nosotras no teníamos ninguna red social de la banda. Estábamos muertas. Pero creo que gustamos a la gente joven, porque no hay ninguna otra banda que nos haya reemplazado. Creo que ninguna banda ha utilizado nuestra receta de rock’n’roll que consiste en mezclar hard rock, un poco de pop, un poco de humor y un poco de política. Nadie ha robado nuestra receta. Quizá lo hayan intentado, pero a nadie le ha salido igual de bien. Es una receta secreta (risas)”.

“No lo sé. No trabajamos para una discográfica. Sólo tenemos un mánager y un agente de contratación. Sólo sé que tocamos hace poco en un festival de heavy metal en México y éramos las únicas mujeres que actuaban, a excepción de la cantante de otro grupo. Así son las cosas, pero me parece raro. Pero es curioso, porque cuando tocamos en esos sitios, la prensa y los fans tienen mucho interés en nosotras. No sé si los promotores se dan cuenta de eso, porque estoy casi segura que cobramos mucho menos que los grupos con hombres que están en nuestro mismo nivel. Es algo que me gustaría averiguar. Pero aparte de eso, creo que todo es más o menos igual. El personal de las salas te trata bien si vendes muchas entradas, pero si vendes pocas, te trata peor. Por suerte, a nosotras nos va muy bien (risas). Y en cuanto a los festivales, me gustan tanto porque son muy profesionales, pero se ha perdido el sentimiento de comunidad. En los 90 podía subirme a cualquier escenario a ver tocar a mis amigos, ahora te piden no sé cuántos pases para poder moverte. Todo está muy controlado. Mola porque tienes comida y bebida gratis, están muy bien organizados, pero los grupos

En ese sentido, ¿crees que por vuestra influencia en el movimiento riot grrrl o vuestra iniciativa pro aborto Rock For Choice, se os veía como una banda más política de lo que realmente erais?

“Creo que iba en las dos direcciones. Para algunos éramos demasiado políticas y para otros demasiado frívolas. La gente no siempre va a entenderte, así que nos interpretaban como querían. Encontraban

tocan y se van a su autobús, no hay fiesta. Falta algo de caos y diversión”. ¿Crees que la poca presencia de mujeres en los festivales es una cuestión de machismo o simplemente porque hay pocas mujeres haciendo rock?

“No lo sé. Creo que hay muchas mujeres haciendo rock, pero en general creo que el mundo necesita un poco más de agresividad en el rock. Y no hablo de agresividad en sí misma, porque ésa la escucho en el metal, sino agresividad en contra de las corporaciones, de la derecha. Creo que todo está demasiado tranquilo. En el metal hay agresividad, pero ni siquiera entiendo sobre lo que cantan con esas voces roncas (risas)”.

versión en directo o como bonus track. Todavía no lo sé”. ¿Está el álbum ya terminado o todavía no?

“No, no (risas). Lo vamos a componer este verano, lo grabaremos en septiembre y lo publicaremos en febrero”.

nadie lo compró (risas). Lo publicamos nosotras mismas, porque nos habían echado del sello. Nuestro amigo lo produjo gratis, ahora es imposible que alguien te grabe gratis, por eso hemos hecho el crowdfunding (risas)”. ¿Cómo te sientes cuando grabas un gran disco y nadie lo

He sacado el tema porque mu-

Entonces no puedes contarme

compra? Muchos músicos dicen

chas veces se achaca la falta de

mucho sobre él, ¿pero en tu ca-

que no les importa, porque lo

mujeres en el rock al machismo,

beza cómo te imaginas el disco?

importante es quedar contento

pero en realidad pienso que, si

“Sé que no tenemos límites, pero las dos canciones que hemos lanzado suenan mucho a L7. Una es muy bombástica y la otra es más medio tiempo, pero tiene mucha garra. Y las dos tienen algo de humor. Creo que vamos hacer temas rápidos, temas lentos… tenemos la libertad para hacer lo que queramos, pero acabará sonando a L7”.

con tu trabajo, pero tiene que

fuera así, el público masculino sólo querría ver a tías buenas encima un escenario, y en cambio se emociona viendo a tíos. ¿No ves una contradicción en ese argumento?

“No lo sé. Supongo que es cosa tuya analizarlo. Yo estoy demasiado metida en esto como para hacerlo. Y también tienes que darte cuenta de que hemos estado fuera del negocio durante muchos años. No somos expertas del tema (risas)”.

Aunque Bricks Are Heavy fue

ser frustrante.

“¡Es muy frustrante! Eso provocó la ruptura del grupo porque no había dinero. Tienes que pagar tu alquiler, y si nadie compra tu disco ni viene a tus conciertos, tienes que buscarte otro trabajo. Ésa es la realidad. Los músicos pueden tocar con quien quieran, donde quieran. Pero si eres una banda profesional que graba discos, necesitas dinero”.

vuestro disco más popular, siempre le tuve un cariño espe-

Bueno, ahora todo eso ha cam-

cial al último que hicisteis, Slap-

biado porque nadie compra

Habéis publicado un par de can-

Happy. ¿Qué recuerdo tienes

discos.

ciones sueltas en los últimos me-

de ese trabajo?

ses. ¿Formarán parte del disco?

“¡Me encanta ese disco! Me gustan mucho ‘Freeway’, ‘War With You’, ‘Crackpot Baby’… me gustan muchas canciones de ese álbum. Pero

“Sí, todo eso ha cambiado. Por eso tienes que ofrecer álbumes firmados, pósters firmados, para ganar dinero. Y a los fans les encanta. Pero también es mucho trabajo para el

“Creo que ‘I Came Back To Bich’ estará en el disco, pero ‘Dispatch From Mar-A-Lago’ quizá aparezca en una

grupo hacer todas esas cosas extras”.

¿Es tu principal ocupación o más bien un hobby remunerado?

¿Pero cuando cobras por un

meet & greet con los fans no te sientes como que les estás estafando un poco?

“Bueno, nosotros damos un par de tickets con el meet & greet por 85 dólares. Cuando acabas de tocar quieres relajarte, pero tienes que ir a conocer a tus fans, saludarles y hacerte fotos. Y es genial a veces y otras es simplemente trabajo. En la última gira todas estábamos enfermas, teníamos la gripe, pero lo hacíamos igual. Sólo vendemos cuatro de esos pases por concierto, así que no es un gran negocio para nosotros, es sólo algo guay para dos parejas de fans. No cobramos mucho y no es algo para mucha gente. Creo que es un mal trato”. En vuestro caso quizá es algo más casual, pero sigo pensando que es una locura que alguien pague 2.500 dólares para conocer a Kiss o alguien así.

“Lo es. A ver, si nosotras nos encontramos a fans esperando al lado del bus, también les firmamos gratis. Porque antes de todo esto, si querías la firma de alguien tenías que esperar horas y horas y ni siquiera tenías la seguridad de poder ver al grupo. Eso es lo que hacía yo de adolescente. Así que alguna gente prefiere pagar a esperar. Y mientras haya fans dispuestos a pagar 2.500 dólares por ver a Kiss, ellos lo seguirán cobrando. Es así de simple”. Con todos estos cambios de los que estamos hablando, ¿qué lugar ocupa ahora L7 en tu vida?

“Ahora mismo es mi principal ocupación porque hay mucho trabajo que hacer y casi todo lo hago yo. He asumido muchas responsabilidades. Es un trabajo a tiempo parcial para el resto, pero no para mí”.

y alucinamos. Y nos contó que ese disco estaba vendiendo mucho y que eran un grupo muy grande. La verdad es que nos encantó la versión. Era visión muy distinta de nuestra música”. ¿Os pagaron los derechos?

“Claro. Esto es América, baby (risas)”. ¿Y emocionalmente, qué lugar ocupa?

Y la última es sobre vuestra re-

“Ésa es una muy buena pregunta. No lo sé. Creo que ahora apreciamos más lo que tenemos y lo que construimos. Cuando subimos al escenario vamos en serio. Ahora no creo que dejáramos que un tío desnudo subiera al escenario (risas). Supongo que es un gran recuerdo para ti, pero ahora sólo queremos centrarnos en el rock, porque no quedan muchas bandas de rock. Sentimos una responsabilidad hacia nuestros antiguos fans y los nuevos, para volarles el cerebro. Queremos sonar bien, sonar compactas, rockear y dejarnos de chorradas”.

lación con John Waters. Vi que

Tengo un par de curiosidades

random sobre las que te quería preguntar. La primera es sobre cómo os sentisteis cuando, en los 90, The Prodigy hicieron una ver-

hace poco participasteis en un acto para su cumpleaños. ¿Qué puedes contarme de vuestra relación con él?

“Bueno, hicimos Serial Mom en 1993 y no habíamos tenido ningún contacto con él desde entonces. Alguna vez, alguien nos mandaba saludos de su parte, pero no teníamos ninguna comunicación con él. Pero nos llamó para este acto y fue genial. Hicimos una firma y un meet & greet con él. Es interesante porque John Waters, uno de nuestros mejores directores de cine, ya no hace películas. Ahora hace meet & greets, conferencias, escribe libros… Es una pena, pero nadie le da dinero para que haga una película. Para mí es penoso que casi tenga que pedir limosna para poder vivir. Es duro ser un artista”.

sión de ‘Fuel My Fire’.

“Lo primero que quiero decir es que no sabíamos que habían hecho esa versión. Estábamos en Francia y un amigo nuestro que presentaba un programa de televisión, nos dijo ‘¿Habéis escuchado la versión de The Prodigy de ‘Fuel My Fire’?’. Y fue en plan ‘¿Quiénes son The Prodigy?’ (Risas). No teníamos ni idea de quiénes eran. Y nos puso el cassette

Bueno, es duro ser cualquier cosa.

“Sí, tienes razón, lo es (risas). Como dice esa canción de rap, ‘It’s Hard Out Here For A Pimp’ (Risas)”.

BIFFY CLYRO

SIN ELECTRICIDAD, PERO ENCHUFADOS

LA ILUSIÓN DE PODER ENTRAR EN EL MISMO CLUB QUE ALGUNOS DE SUS GRUPOS FAVORITOS LLEVÓ A BIFFY CLYRO A ACEPTAR LA INVITACIÓN DE MTV PARA RECUPERAR SU PROGRAMA UNPLUGGED. PERO A PESAR DE DESENCHUFARSE TEMPORALMENTE, EL GRUPO YA TIENE EN MENTE VOLVER AL ROCK ESTE MISMO AÑO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

LO L ARGO DE SUS DOS DÉC ADAS DE CARRERA , BIFFY CLYRO HAN DEMOSTRADO

de sobras que sus canciones funcionan también en formato acústico. De ahí que no sea ninguna sorpresa que su participación en el programa MTV Unplugged haya tenido tan buen resultado. A pesar de la complejidad de algunos de sus arreglos, muchas de sus canciones tienen en su interior un corazón pop y Simon Neil (voz, guitarra), James Johnston (bajo) y Ben Johnston (batería) son músicos lo suficientemente buenos como para que no les dé miedo enfrentarse a ese reto por el que antes habían pasado algunos de sus héroes, en especial Nirvana, cuyo mítico Unplugged parece que ha sido su máximo referente. Pero si alguien pensaba que el lanzamiento de este disco en directo y la gira acústica que realizarán en septiembre y octubre, que no pasará por España, podía significar una excusa para ganar tiempo, se equivoca. El trío escocés ya está preparando, no uno, sino dos discos. El primero será la banda sonora para Balance Not Simmetry, un proyecto del director galés Jamie Adams, y verá la luz a finales de este año, antes de que incluso se haya rodado la película. El segundo, con el título provisional Opus 8, nos devolverá a los Biffy de

siempre, antes de que llegue el verano de 2019. Pero si alguien no puede esperar y quiere disfrutar ya de Biffy Clyro, este mismo julio tendrá la oportunidad de hacerlo en los festivales Mundaka Festival en Mundaka y Low Festival en Benidorm entre los días 27 y 29 de julio, en los que su batería garantiza que vendrán con toda la artillería.

duros (risas). Nos daba un poco de miedo, pero desde luego esto no va a marcar nuestro futuro y el próximo disco va a ser un álbum de rock con distorsión (risas)”. A lo largo de los años ya habéis hecho actuaciones en acústico, pero el hecho de grabarlo con cámaras, ¿os puso más nerviosos de lo normal?

Cuando disteis la noticia de que ibais a grabar un Unplugged, no pude evitar sentir un poco de miedo porque cuando los grupos empiezan a grabar acústicos, discos con orquestas o de versiones, suele ser un síntoma de falta de ideas. ¿Tuvisteis eso en cuenta a la hora de aceptar la invitación de MTV? BEN JOHNSTON “La verdad es

que no. Somos grandes fans del show Unplugged, del que salieron discos enormes como los de Nirvana, Neil Young, Pearl Jam… ha habido muchos, así que desde el primer momento que nos lo propusieron, dijimos que sí. Hubo un poco de negociación en cuanto al local donde queríamos hacerlo y no estábamos seguros de si tendríamos tiempo para prepararlo bien. Pero sí es verdad que grabar un Unplugged parece algo que hagan las bandas cuando llegan a su madurez, y nosotros todavía no nos sentimos ma-

“Sí, eso nos daba bastante miedo. No nos sentimos cómodos con las cámaras. Además, cuando tocas en acústico estás como desnudo, no puedes esconderte detrás de la distorsión. Fue una experiencia un poco bizarra, pero una vez la gente empezó a cantar y terminamos la primera canción, nos relajamos y empezamos a divertirnos. Creo que es una experiencia que nos ha hecho crecer”. ¿Os fue fácil escoger el set?

“Tenemos la suerte de que muchos de nuestros temas funcionan bien en acústico. Muchos se escriben al piano o con una guitarra, y luego añadimos todo lo demás, así que sólo se trataba de recuperar su forma inicial. En algunas cambiamos la afinación, y cambié algunas partes de batería, pero no fue muy complicado. Grabamos 18 canciones creo, y luego escogimos las mejores para el disco. Desde luego teníamos suficiente ma-

terial. Creo que otros grupos lo pasarían peor si tuviesen que adaptar sus temas al formato acústico”.

que quedó muy bonito”.

Boys. ¿Fue la única versión que En el disco están muchas de vues-

considerasteis?

tras canciones más populares,

“Esa canción es una cara B de Puzzle, y tiene un aire muy especial. Siempre nos ha gustado tocarla, y además, nos gusta cómo suena con la armónica. Es una canción que podrías tocar en un pub mientras la gente charla. Es divertido tocarla y creo que equilibra muy bien el disco”.

“Teníamos un par de versiones más oscuras en la cabeza, porque es lo que hicieron Nirvana, pero al final queríamos hacer algo que tuviera un significado para nosotros. Esa canción abrió el baile en la boda de Simon y la tiene tatuada en su pecho. Siempre hemos aspirado a ser como los Beach Boys, una banda compleja que hace algo simple. Sólo tuvimos un día para aprenderla, pero creo que salió muy bien”.

También hay una versión de

Otra curiosidad es ‘Small Wishes’

¿De quién fue la idea de decorar

pero también algunas rarezas.

el escenario como un bosque?

Me gustaría preguntarte por

“Tuvimos varias reuniones con los productores de MTV y barajamos varias ideas. Una era darle una imagen más gótica con velas y cosas así, pero nosotros queríamos darle un toque parecido al Unplugged de Nirvana y también queríamos darle una apariencia más natural al edificio industrial donde rodamos. Así que imaginamos como un bosque encantado, con el árbol, hiedra, plantas… creo

ellas, empezando por ‘Drop It’.

‘God Only Knows’ de los Beach

“SEGURAMENTE, CUANDO LLEGAS A CREERTE QUE ERES UNA BANDA GRANDE, ES CUANDO EMPIEZAN LOS PROBLEMAS” BEN JOHNSTON

ahí, no creo que esté en el siguiente álbum”.

En general, ¿estáis contentos con cómo fue todo el ciclo de

Ellipsis? Cuéntame un poco más sobre esos dos trabajos que estáis preparando.

“Queríamos tomarnos un año libre, pero ya ves (risas). Nos ofrecieron lo de la película y no pudimos decir que no. La banda sonora saldrá a finales de año y el nuevo disco a principios del otro. Tenemos bastante trabajo por delante”.

“Sí, muy contentos. Disfrutamos mucho girando con ese álbum y a la gente le gustaron mucho las canciones. Era un disco un poco arriesgado para nosotros porque cambiamos un poco el sonido y trabajamos con un nuevo productor, pero salió muy bien”. A pesar de que cada vez tenéis más éxito, en especial en el Rei-

de vuestro último trabajo, que creo que nunca habíais tocado antes en directo.

“Así es. Me encanta esa canción y creo que funcionó muy bien esa noche. Es posiblemente el tipo de canción que escribirías para un show como Unplugged”.

¿Será la banda sonora muy

no Unido, creo que muchos de

distinta a lo que hacéis normal-

vuestros fans de aquí todavía os

mente?

ven como una banda cercana,

“Bueno, será un poco diferente. Habrá canciones que normalmente no meteríamos en un disco de Biffy, seguramente serán canciones que no toquemos en directo. Son un poco más electrónicas, con más texturas, pero también habrá alguna canción más rock”.

casi underground, que merece-

En otoño vais a hacer una gira

unplugged. ¿Lo decidisteis después de grabar el programa o lo teníais pensado de antes?

También habéis incluido ‘Different Kind Of Love’, un tema totalmente nuevo. ¿Va a estar en vuestro próximo disco?

“Hemos grabado ya una versión de estudio, y es posible que esté en la banda sonora que estamos haciendo ahora mismo. Pero si no está

“No recuerdo hablarlo antes de la grabación, pero disfrutamos tanto con el concierto que queremos hacer más. Siempre habíamos querido hacer una gira acústica, pero pensábamos que todavía éramos demasiado jóvenes para algo así. Pero ahora es un buen momento”.

ría tener mayor repercusión.

“Somos una banda grande en el Reino Unido, Alemania y partes de Escandinavia, pero todavía nos sentimos una banda pequeña. Como te decía antes, cuando la MTV se nos acercó, nos pareció raro porque no nos sentimos tan importantes. Pero creo que es sano sentirse así. Nos encanta que la gente nos apoye y que quiera que crezcamos más. Pero seguramente, cuando llegas a creerte que eres una banda grande, es cuando empiezan los problemas”.

AT THE GATES

RESISTIR

ES GANAR LA NOTICIA DE LA SALIDA DEL GUITARRISTA ANDERS BJÖRLER SUPOSO UN DURO GOLPE PARA LOS SEGUIDORES DE AT THE GATES. POR SUERTE, CUALQUIER TRISTEZA QUE SINTIERAN SE LES PASARÁ AL ESCUCHAR SU NUEVO ÁLBUM TO DRINK FROM THE NIGHT ITSELF. A LAS PENAS, PUÑALADAS. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

ESPUÉS DE DEJARNOS SIN ALIENTO DURANTE L A EXTENSA GIRA DE SU

At War With Reality, la sombra de que At The Gates volviesen a darse un largo descanso crecía sin un nuevo disco en el horizonte. No hubiese sido de extrañar, ya que volver con el motor a toda máquina no fue nada fácil para ninguno de ellos. Prueba de esto fue el desgaste absoluto que sufrió Anders Björler, uno de los fundadores y compositores principales, quien en 2017 anunció que abandonaba el grupo de forma definitiva. Un duro golpe de encajar para los suecos, pese a que no les pillase por sorpresa. Afortunadamente para sus seguidores, Tomas Lindberg y los suyos siguieron mirando hacia adelante, compusieron nuevo material y ficharon a Jonas Stålhammar para completar de nuevo la banda. Lejos queda el ansia por sacudir el mundo de aquellos veinteañeros de Göteborg, quienes publicaban un disco al año apresuradamente. En la actualidad At The Gates continúan resistiendo con el mismo espíritu revolucionario, pero con un punto de vista mucho más maduro y reflexivo. De este modo, cuatro años después de su disco anterior, nos dan en la cara con To Drink From The Night Itself (Century

Media). Agresivos y directos como en su momento más álgido, la banda demuestra que todavía tiene mucho que decir en estos tiempos difíciles con su death metal melódico. Un gran resultado con el doble de complicación, sobre todo teniendo en cuenta cómo lo han compaginado con sus respectivos trabajos, los múltiples proyectos de cada uno de los miembros (The Haunted, Agrimonia, The Lurking Fear...) y sus correspondientes discos y giras. Sobre la marcha de Anders y el futuro inmediato del grupo pudimos hablar con su guitarrista Martin Larsson, justo semanas antes de que To Drink From The Night Itself viese la luz. ¡Hola Martin! ¿Qué tal estás? MARTIN LARSSON “Estoy bien, un

poco nervioso ahora mismo antes de que salga el álbum, ¡pero estoy bien!”. En los 90 acostumbrabais a sacar un disco al año, y en cambio ahora nos hacéis esperar un poco más. ¿Es porque este proceso compositivo ha cambiado o tal vez ahora le dais más im-

mismo, para bien o para mal. Creo que, en mayor parte, es para bien. Tú haces un álbum y luego giras un par de años, y eso necesita todo tu tiempo y todo tu ser. En el mejor de los casos, quizás tienes que hacer unos 30 conciertos en un año, quizás cientos de conciertos en un año ocupado, o incluso más a veces”.

portancia que antes a tomaros

quien tiene que probar que puede hacerlo sin su hermano. Para salir de debajo de su sombra, creativamente hablando. Jonas siempre escribió letras para At The Gates, incluso aunque Anders escribiese la mayor parte. Quizás en los discos de estos últimos años Jonas ya hacía el 40%”. Fue el año pasado cuando tuvis-

vuestro tiempo?

Bueno, To Drink From The Night

teis que lidiar con la marcha de

“Sí... es diferente. Hay muchas más circunstancias que son diferentes, y probablemente es por eso que ahora nos tomamos más tiempo. Por aquel entonces éramos todos unos veinteañeros y eso era toda nuestra vida, hacer nuestra propia música y estar ensayando todo el día. Ahora hemos crecido y tenemos todo tipo de obligaciones de nuestra rutina, y eso influye en lo que haces. Así que la banda está a otro nivel ahora

Itself es vuestro nuevo material

Anders. ¿Cómo lo sobrellevasteis

en cuatro años. ¿Os habéis sen-

durante la última gira?

tido presionados por lanzar un

“Estábamos realmente cansados, sobre todo Anders, obviamente. Cuando tocamos en el último concierto, decidimos que nos íbamos a tomar un descanso, ya que era bastante necesario. Y creímos que en seis meses, como máximo, publicaríamos de nuevo. Todos esperábamos que Anders recuperase esa chispa durante ese tiempo. Pero, en cambio,

nuevo álbum después de la exitosa reunión de la banda?

“La verdad que no pensamos en eso la última vez, aunque que esa presión pudiera volver era algo que teníamos presente. Pero una vez acabado, no creo que ahora mismo sintamos ninguna presión. Principalmente es para Jonas (Björler),

par el puesto. De hecho, Jonas Stålhammar siempre fue vuestro principal candidato, ¿no?

“Sí, eso parece (risas). Jonas tiene todos los requisitos que buscábamos para el puesto, ya sabes... su experiencia, la manera de tocar, sus gustos musicales, su sociabilidad... y finalmente Jonas parecía ser la única persona que cumplía todos los requisitos”.

“NO TODOS LOS ÁLBUMES DE AT THE GATES TIENEN QUE NACER DE LO MISMO, Y ESPERO QUE ESTO SIGA SIENDO ASÍ”

¿Qué es lo mejor que ha aportado a la banda?

MARTIN LARSSON

él se dio cuenta de que quizás era mejor dar el paso y dejar el puesto para alguien que realmente quisiera hacerlo. Así que, por supuesto, todos nosotros echamos de menos a Anders y todos teníamos esperanza de que volviese en espíritu, pero eso no pasó. Es triste, es la forma en la que estamos ahora, pero es necesaria. Además todos nos sentimos bien de tener en la banda a Jonas (Stålhammar), porque ahora somos cinco personas que realmente miramos hacia adelante, cinco personas en la misma página. Creo que es lo mejor, y Anders siempre estará ahí detrás, de una manera u otra”. Entonces, a raíz de su marcha, nunca se os pasó por la cabeza

“Sí, como he dicho, durante ese parón, al principio siempre creímos que Anders volvería a recuperar la energía y el interés por volver. Pero cuando finalmente nos comunicó su decisión, creo que fue cuando realmente nos dimos cuenta de que no iba a volver, y lo teníamos que asumir para nosotros mismos. Y en cuanto estuvimos preparados, enseguida miramos hacia adelante a nuestra manera. Sólo era cuestión de encontrar al chico nuevo, y eso fue duro. Encontrar a alguien que pudiera tocar las canciones no era el gran problema, éste es un mundo grande. La cosa era encontrar a alguien que encajase en todo lo demás, eso era lo difícil. Hemos sido muy afortunados, la verdad”.

abandonar la banda de nuevo, vuestra idea siempre fue la de

Por lo que he oído, no barajas-

haceros con otro miembro...

teis muchas opciones para ocu-

“Quizás es demasiado pronto para saberlo. Todo esto es todavía muy reciente para nosotros también. Cuando él entró en la banda ya teníamos, por lo menos, medio álbum compuesto. Así que lo más obvio ahora mismo es el modo en el que toca. Pero estoy seguro de que si me preguntas dentro de un año, tendré muchas más cosas que poder decir al respecto”. Si tenemos otra oportunidad de hablar contigo en el futuro, ¡te lo recordaremos!

“Sí, ¡claro!”. Entrando en materia del álbum, esta vez la composición ha recaído únicamente sobre Jonas Björler y Tomas. No sé si en ese proceso también habéis notado cambios sustanciales a raíz de la marcha de Anders...

“Si bien Tomas es el principal autor respecto a la composición de la música, Jonas es más fácil de convencer para cambiar sus partes. No tiene muchos problemas en ‘matar a sus amores’ (Risas), en cuanto a riffs, solos... Es la única cosa que

he notado respecto a esto, pero... ya sabes, Jonas y Anders crecieron juntos, y aunque son personas muy diferentes, tienen el mismo bagaje. Así que no creo que influya mucho el cambio. Musicalmente, quizás. No estoy seguro, sólo estoy haciendo suposiciones, pero tengo la sensación de que ahora mismo Jonas es musicalmente más curioso que lo que es Anders. Anders ya solía estar un poco cansado de la música...”.

“Ahora mismo con la segunda, pero esto podría cambiar para el próximo disco. Diría que, siendo totalmente honesto, nosotros siempre hacemos aquello con lo que nos sentimos más cómodos en cada momento. En At War With Reality hicimos lo que sentimos en ese momento, ahora ésta es nuestra naturaleza... no todos los álbumes de At The Gates tienen que nacer de lo mismo, y espero que esto siga siendo así”.

Puede que por esa razón éste

Hace un tiempo Tomas dijo que,

sea vuestro disco más experi-

musicalmente hablando, vuestro

mental hasta la fecha, ¿no?

disco anterior encajaba justo

“Sí, aunque nosotros también sentimos eso mismo con el anterior disco. Cuando lo acabamos quedamos muy satisfechos con el resultado, y seguimos muy satisfechos con él. En cierto modo, con un álbum de reunión después de un parón de 19 años nos sentíamos libres de hacer cualquier cosa, y eso es lo que seguimos haciendo ahora. Descubriendo nuevos aspectos de nosotros mismos, de At The Gates, y estoy seguro que continuaremos haciendo esto en un futuro”.

antes de vuestro Slaughter Of

Lo cierto es que en una primera escucha de To Drink From The

Night Itself me ha parecido mucho más agresivo y directo que

The Soul. En ese caso, ¿dónde situarías este nuevo álbum?

“Oh, ésa es una pregunta muy difícil. No lo sé... creo que es bastante obvio que hemos intentado volver a nuestros inicios con esta obra, pero también hemos querido mirar hacia adelante y probar cosas nuevas”.

bum, sabemos que está inspirado por el escritor alemán Peter Weiss y su novela The Aesthet-

ics Of Resistance (La Estética De La Resistencia -ndr.). En ella

Cosas nuevas pero mantenien-

aspectos, entre ellos el arte y

do muchos riffs y estructuras

cómo éste puede usarse como

que recuerdan al sonido más

herramienta de opresión, revo-

clásico del metal de los 80 y la

lución o resistencia. Teniendo

NWOBHM...

en cuenta el panorama político

“Claro, es con lo que nosotros crecimos, lo llevamos en nuestro ADN. Son cosas que nos acaban saliendo, nos guste o no”.

actual, ¿crees que ha llegado el

Precisamente en el tema ‘In Nameless Sleep’ habéis vuelto a

¿Con qué fórmula os sentís más

colaborar con Andy LaRocque,

cómodos en el momento de

guitarrista de King Diamond,

componer, con el sonido más

quien ya colaboró en el solo de

oscuro y ambiental de At War

guitarra de ‘Cold’ en Slaughter

With Reality, o con la agresivi-

Of The Soul. ¿Cómo surgió repe-

dad directa de To Drink From

tir de nuevo?

The Night Itself?

“Creo que fue algo espontáneo, no

Y en cuanto al concepto del ál-

se reflexiona sobre diferentes

At War With Reality.

“Sí, ése era el objetivo”.

fue algo pensado a priori. Para nosotros ha sido un gran amigo, no sólo una colaboración interesante de hacer. Afortunadamente en este disco tenemos otras grandes colaboraciones, las cuales sólo se incluyen en las bonus track de la edición especial. Queríamos hacer algo diferente, así que invitamos a algunos amigos a cantar algunas canciones junto a Tomas. De todos modos, no queríamos que fuese una distracción del álbum en sí, por lo que grabamos versiones alternativas de los temas con estos cantantes. En estas versiones Tomas canta el 40% y ellos el 60%. Hay algunas canciones que cambian por completo, está muy bien”.

momento de que todo el mundo tome partido?

“No lo sé... siempre es un poco cursi cuando los artistas le dicen a la gente qué pensar. Creo que prefiero evitar esto. Yo sé lo que pienso y está en la voluntad de cada uno lo que hacer y pensar. Pero en términos más generales, creo que hay demasiada apatía en el mundo hoy en día que sienta las bases de las cosas que están pasando. La gente no tiene ener-

gía para mantener la atención en las cosas importantes. A todo ello se refiere The Aesthetics Of Resistance, sobre utilizar el arte como resistencia, usarlo para romper la apatía, darle un significado a todo lo que verdaderamente importa. ¿Tiene sentido para ti?”.

sajes, este tipo de rabia que se

“Uh, ésa es una gran pregunta, aunque creo que me falta gran parte de información para opinar sobre ello. Simplemente creo que el metal y el hard rock siempre han sido música de la clase obrera, pero no estoy seguro de que tenga una relación directa”.

el primero que reserva una fecha se la queda. Es decir, si Agrimonia cierra un bolo y más tarde a At The Gates le ofrecen esa misma fecha, Agrimonia se la queda. Personalmente, con Agrimonia podría ser peor. Pontus, el guitarra, acaba de ser padre, así que está centrándose mucho en el año que viene. Eso significa que vamos a dar conciertos de todos modos, pero no van a poder ser muchos. Quizás sólo uno o dos, aquí, sin tener que viajar”.

Y en medio de todo esto, en tu

Vaya, pues es una lástima, por-

caso este año también has lan-

que teníamos muchas ganas de

¿Crees que la historia de At The

zado un nuevo disco con Agri-

poder verte en directo también

Gates también está relacionada

monia, mientras otros miembros

con Agrimonia.

con la resistencia desde un punto

de At The Gates han sacado

de vista artístico?

nuevo material con sus otros

“Quizás en parte, en nuestra pequeña esquina en el mundo de la cultura. Espero que marquemos la diferencia”.

proyectos. ¿Es difícil compagi-

“Ya, lo sé, yo también... pero así es como ha sucedido. Tendremos que tomarnos un año extra antes de volver a ponernos en marcha”.

Sí, por supuesto. Una vez escuché que los políticos mienten para esconder la verdad y los artistas mienten para mostrarla.

expresa con una música más agresiva, tiene más impacto en países con problemas económicos o sociales?

Así que tiene sentido.

“Bien”.

¿Piensas que este tipo de men-

nar todo ello mientras planeáis vuestra próxima gira?

“Sí, un poco, pero al mismo tiempo, tenemos una regla en At The Gates que funciona bastante bien:

STATE CHAMPS

IDA Y VUELTA

CON SU ANTERIOR DISCO AROUND THE WORLD AND BACK , LOS NEOYORQUINOS STATE CHAMPS HICIERON HONOR A SU TÍTULO PRESENTÁNDOLO POR TODO EL PLANETA. PERO COMO SUELE PASAR, UNA VEZ EN CASA, TOCÓ HACER BALANCE DE TODO LO BUENO, Y LO MALO, QUE LES HABÍA OCURRIDO. EN SU NUEVO DISCO LIVING PROOF LE HAN PUESTO MÚSICA A SUS REFLEXIONES. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OSIBLEMENTE LOS MIEMBROS DE STATE C HAMPS PENSARON EN MÁS DE UNA OC ASIÓN durante los

meses que se tomaron libres después de terminar su ultima gira que hay mucha verdad en eso de ‘ten cuidado con lo que deseas, porque puede que se cumpla’. Los más de dos años que estuvieron en la carretera para presentar su segundo trabajo Around The World And Back les sirvieron para colocarse en una posición privilegiada dentro del punk pop, pero también comprobaron de primera mano la fragilidad de las relaciones personales cuando uno está ausente tanto tiempo. Que sintieran vértigo ante la perspectiva de volver a pasar por lo mismo una vez publicaran su siguiente disco es lógico, y quizá por ello, el grupo integrado por Derek Discanio (voz), Tyler Szalkowski (guitarra), Tony Diaz (guitarra), Ryan Scott Graham (bajo) y Evan Ambrosio (batería) quiso tomarse las cosas con calma. Pasados unos meses de reflexión, y quizá ante un poco de falta de confianza, no se les cayeron los anillos a la hora de pedir ayuda a otros músicos y productores de su círculo para que les echaran una mano. Es así como en los créditos

de Living Proof (Pure Noise), que verá la luz el 15 de junio, encontramos nombres como los de Mark Hoppus de Blink-182, Alex Gaskarth de All Time Low o John Feldmann. Entre todos, han conseguido crear un disco que parece destinado a llevarles todavía más lejos. ¿El nuevo álbum, de qué es exactamente una prueba viviente?

ras veíamos cada vez más público, y cuando hacíamos de teloneros, en los que tocábamos para gente nueva, la respuesta también era muy buena, pero después de dos años y medio, cuando se acabó el ciclo y teníamos que volver a componer, nos entraron muchas dudas. No sabíamos si estábamos preparados para que la rueda empezara a rodar otra vez”.

DEREK DISCANIO “(Risas) Bueno,

podría tener muchas respuestas para eso. La historia es que después de la última gira, que fue muy larga, nos tomamos bastante tiempo libre, porque estábamos agotados. Pero cuando tocaba volver al estudio, empezamos a preguntarnos cómo íbamos a superar el disco anterior, incluso algunos, si de verdad queríamos seguir haciendo esto, porque a nivel personal, nos había pasado factura. Todos pasamos por altibajos, y cada uno tenía que encontrar su propio camino para superarlos. Así que el álbum es una prueba viviente de esa superación, tanto a nivel personal como colectivo”.

¿Cuál era tu perspectiva en concreto?

“Personalmente, me acostumbré a estar fuera de casa, lejos de la familia, de los amigos… pero las relaciones de pareja son lo más difícil de llevar. En los ocho meses que nos tomamos de descanso, volvimos a poner los pies en la tierra y a hacer una vida normal. Y empecé una nueva relación y fue genial, porque estaba en casa, pero tenía miedo de que volviera a estropearse una vez el grupo se reactivara como me había pasado con la anterior. Muchas canciones del disco tratan sobre eso”. ¿Entiendes por qué State

¿Crees que el éxito del disco

Champs habéis logrado sobre-

anterior os superó?

salir por encima de otros grupos

“El éxito trajo muchas cosas buenas, y la carrera del grupo empezó a despegar. En nuestras propias gi-

similares?

“Creo que es por nuestra manera de relacionarnos con nuestros fans. 47

“SÉ QUE MUCHOS GRUPOS PIENSAN QUE TIENEN UN TECHO NATURAL, PERO NOSOTROS NO TENEMOS MIEDO DE TOMAR RIESGOS Y QUIZÁ HACER COSAS QUE OTROS NO SE ATREVEN” DEREK DISCANIO

Intentamos conectar a un nivel muy personal con la gente que nos apoya y nos permite viajar tocando música. No sentimos muy agradecidos por ello. Y supongo que también es porque siempre nos esforzamos mucho por superarnos. Tenemos una lista de cosas que queremos conseguir y que vamos tachando. No tenemos miedo de intentar ir al siguiente nivel. Sé que muchos grupos piensan que tienen un techo natural, pero nosotros no tenemos miedo de tomar riesgos y quizá hacer cosas que otros no se atreven”. Para este disco, hicisteis dos

sesiones de grabación diferenciadas con dos productores distintos. ¿Fue una idea que teníais desde un principio o sucedió sobre la marcha?

“Es algo que sucedió como consecuencia del tiempo libre que nos tomamos. Durante ese periodo empezamos a hacer varias sesiones de composición, encontrándonos en el estudio con gente distinta para ver qué podía salir. Un productor con el que siempre nos hemos entendido es Mike Green, con el que habíamos trabajado en Around The World And Back. Sabíamos que queríamos repetir con él, pero no hacer el disco entero. Y durante

esas sesiones también trabajamos con John Feldmann. Es una persona con mucha energía, que trabaja muy rápidamente, muy directo, así que después de hacer algunas maquetas con él, también decidimos involucrarlo en la producción de parte del álbum. Ellos dos son como el yin y el yang. John es casi una celebridad. Vive en una gran mansión en Calabasas, California, donde tiene el estudio, pero se lo ha ganado a pulso. Es un tío muy divertido y con talento. Mike es más austero. Tiene un estudio pequeño, no es nada ostentoso, es como un nerd que sólo se preocupa por su trabajo. Pero ambos me encantan.

STATE CHAMPS

Al final, acabamos con más material del que podíamos manejar. Grabamos diez canciones con cada uno de ellos, así que teníamos veinte entre las que escoger para el disco. Normalmente entrábamos a grabar con menos de diez canciones y luego sufríamos para escribir alguna más en el estudio, pero esta vez fue todo lo contrario”. ¿Qué haréis con las canciones que no están en el álbum?

“Es lo que estamos pensando. Hay algunas canciones que queremos que la gente escuche, así que no sé si haremos un EP u otra cosa, pero algo haremos”. Durante esas sesiones, también escribisteis con Mark Hoppus y Alex Gaskarth. Cuéntame, ¿cómo fueron?

“Con Mark fue un accidente. No lo teníamos planeado, pero un día estando en casa de Feldmann me preguntó si me importaba que Mark se pasara por ahí a pasar la tarde. Al cabo de media hora, estaba en la piscina con Mark hablando sobre letras y sobre lo que me gustaría cantar. Fue una pasada. Obviamente soy un gran fan de Blink, así que estaba muy nervioso. Pero Mark es un tío muy guay, me sentí mucho más cómodo de lo que me pensaba. Acabamos escribiendo dos grandes canciones con él. Una de ellas es ‘Dead And Gone’, que es el primer single, y la otra es ‘Time Machine’, que es más lenta y oscura, no suena a pop punk, pero tengo ganas de que todo el mundo la escuche”.

“A Alex le conocemos de hace tiempo porque hemos girado con All Time Low. Nos llevamos muy bien, pero nunca habíamos estado en el estudio juntos y no sabíamos si funcionaría. Pero nos tenemos confianza, podemos hacernos bromas, y tenía un buen presentimiento. Alex trajo un par de ideas, y después decidimos hacer más, como por ejemplo ‘Criminal’, que abre el disco, es uno de mis temas favoritos”. ¿Te gustaría que State Champs siguiesen una evolución pareci-

gente y productores, decidimos irnos a una cabaña en las afueras de donde vivimos, los cinco solos, sin nadie más, y escribir canciones por nuestra cuenta. Grabamos algunas maquetas que eran muy del estilo punk pop de State Champs, y luego las llevamos a los productores y las llevamos a otro nivel. Ocho canciones del disco proceden de esa cabaña, así que me siento muy orgulloso de eso. Así que el álbum es una buena mezcla de State Champs, Mike Green y John Feldmann”.

da a la de All Time Low?

“Creo que en este álbum hemos empezado a mostrar nuevas facetas. No tenemos miedo de ir en esa dirección, pero al mismo tiempo, no queremos abandonar nuestras raíces. Nunca haríamos un disco del que no estuviéramos orgullosos, pero desde luego All Time Low o Fall Out Boy son dos ejemplos de lo mucho que un grupo puede evolucionar. Pero nunca haríamos un giro en nuestro estilo sólo para vender más”.

Al principio me expresabas vuestras inseguridades cuando terminó el ciclo del disco anterior. ¿Crees que ocurrirá lo mismo cuando termine el de éste?

“Pues no lo sé. Es posible que volvamos a preguntarnos cómo vamos a superar este disco, pero como te decía, no tenemos miedo. Estamos preparados para lo que tenga que venir en los dos próximos años. Puede pasar de todo, así que mejor no darle vueltas y disfrutar del presente”.

¿Cuál fue tu momento favorito de toda la creación de Living

Proof? ¿Y con Alex?

“Después de escribir con toda esa 49

GHOST

EL APRENDIZ DE BRUJO

DE LA FUTURA METRÓPOLIS POST MODERNISTA A LA PESTILENTE EDAD MEDIA. GHOST HAN EJECUTADO UN TRIPLE SALTO MORTAL HACIA ATRÁS EN SU NUEVA AVENTURA PARA REGRESAR AL MARCO DE LO QUE FUE SU DEBUT. UN ESCENARIO YA CONOCIDO PERO QUE AHORA ABORDAN CON LA CONFIANZA GANADA EN ESTOS ÚLTIMOS AÑOS GRACIAS A SU IMPARABLE ASCENSO. UNA NUEVA ETAPA, CON NUEVAS SORPRESAS Y UN NUEVO PERSONAJE, EL CARDINAL COPIA, DEL QUE SU LÍDER TOBIAS FORGE NOS HABLÓ POR PRIMERA VEZ DESDE QUE REVELASE OFICIALMENTE SU IDENTIDAD. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

0 DE SEPTIEMBRE DE 2017. GHOST ENCARAN EL ÚLTIMO CONCIERTO

de la gira de presentación de Meliora en Göteborg, en su Suecia natal. Es la culminación de dos exitosos años en los que la enmascarada banda ha alcanzado la cima del éxito en todos los aspectos. Mientras Papa Emeritus III interpreta los últimos versos de ‘Monstrance Clock’, un par de tipos aparecen repentinamente en escena para llevárselo a la fuerza, tomando su lugar un nuevo pontífice visiblemente más anciano que necesita de una bombona de oxígeno para respirar. “Yo soy Papa Nil. La fiesta se ha terminado. El Medievo comienza ahora”. Efectivamente, acababa una era... y otra nueva no había hecho más que comenzar. Pero para encontrar la génesis de toda esta historia hay que remontarse un par de años atrás. Concretamente a 2011. En aquel verano ya llegó a mis oídos el nombre de una misteriosa formación que estaba levantando revuelo entre el mundillo metálico a raíz de su actuación en el Hellfest. Parte de culpa la tuvo nada menos que Phil Anselmo, quien al finalizar sus conciertos con Down, lanzaba una recomendación

al público: “Listen to Ghost!”. No fue hasta que me senté delante de un ordenador que pude comprender a lo que se refería. Un grupo de monjes encapuchados con máscaras a lo Eyes Wide Shut acompañaban a una especie de Papa satánico, botafumeiro en mano. El desconcierto llegaba cuando, a pesar de su imagen más propia del black metal, la música que ejecutaban era un proto heavy con una voz de los más melosa. Un contraste que en aquel momento no terminé de entender. Como tampoco lo hice cuando pude verles en directo en los Sonisphere de 2012 y 2013 a plena luz del día. Sinceramente, me parecían un grupo estático, aburrido y sin gracia más allá de sus llamativas vestimentas. Mi sorpresa fue mayor con el paso del tiempo al comprobar que la popularidad del Papa y sus Nameless Ghouls no paraba de crecer, alcanzando su momento álgido con su tercer trabajo Meliora. Y entonces ahí sí que tuve que caer rendido ante la evidencia. Se trataba de un disco que llevaba todo lo que habían querido hacer en sus anteriores álbumes a un nuevo nivel en cuanto a melodías, arreglos, guitarras, producción... Podían no gustar, claro, pero había que estar muy sordo para no ver la calidad que despren-

dían singles tan perfectos como ‘From The Pinnacle To The Pit’, ‘Cirice’, ‘He Is’ o ‘Absolution’. Entonces sí, volví a verles en directo y ya todo me cuadraba, tanto las canciones como la puesta en escena, más centrada en el espectáculo que una banda destinada a reventar grandes recintos debía ofrecer. Con un puñado de temas realmente irresistibles y con la clara idea de ir a por todas, ahora sí, Ghost estaban listos para triunfar. Aun así, no todo ha sido fácil en esta escalada a la cumbre. Mucho menos en los últimos años, en los que la identidad de su cabeza pensante, Tobias Forge, ha quedado al descubierto tras la demanda que le interpusieron los anteriores Nameless Ghouls por no compartir las ganancias del botín, siendo éstos expulsados y convenientemente remplazados sin que (al menos en apariencia) el público notase el cambio. Una jugada maestra que, entre cruce de declaraciones, denuncias y juicios de por medio, coincidía con la irrupción de ‘Square Hammer’, el single de su EP Popestar, en el número 1 de las listas del Billboard americano. Las dos caras de la moneda. Y es que, ¿acaso se les ocurre algún grupo actual que sea capaz de dar espectáculo tanto fuera como encima de los escenarios a

“AHORA QUE TENEMOS CUATRO DISCOS EN NUESTRA CARRERA, LA MARCA DE GHOST DEBERÍA SER LO SUFICIENTEMENTE FUERTE A PESAR DE QUE LA GENTE SEPA QUIÉN SOY. SI SON CAPACES DE SOBREVIVIR SABIENDO QUIÉN ESTÁ EN LOS OTROS GRUPOS, ESTOY CONVENCIDO DE QUE TAMBIÉN LO PUEDEN HACER CON GHOST”

TOBIAS FORGE

cada paso que da? Esa fantasía que parecía perdida en el mundo del rock continúa presente en Prequelle (Loma Vista/ Spinefarm), cuarta obra con la que la formación ahora comandada por un nuevo personaje llamado Cardinal Copia aspira a seguir subiendo peldaños en su camino hacia la dominación mundial. Tras escucharlo varias veces, no tenemos ni la menor duda de que singles como ‘Rats’ y ‘Dance Macabre’ triunfarán entre el público cuando se dejen caer por la próxima edición del Resurrection Fest. Pero antes de que todo eso ocurra, contactamos con el propio

Tobias Forge por primera vez desde que decidiese hacer pública su identidad para que nos hablase de estos renovados Ghost. Siempre que te habíamos entrevistado en anteriores ocasiones

Ahora mismo estoy hablando contigo como Tobias Forge, pero en realidad soy más como un representante de Ghost. Como si fuese el director de la película, a pesar de que pueda interpretar un papel en ella. Ante todo soy quien dirige la escena”.

nos pedías que preserváramos tu identidad y que nos refirié-

¿Pero no crees haber perdido

semos a ti como a un Nameless

algo saliendo del armario, por

Ghoul y no como Papa. ¿Por qué

así decirlo?

ahora finalmente has decidido

“No, no lo creo así (risas). No me supuso ninguna molestia. En realidad, muchas de las cosas que parecen haber cambiado, luego no han tenido una repercusión tan grande. Ahora que tenemos cuatro discos en

empezar a conceder entrevistas bajo tu nombre real? TOBIAS FORGE “Bueno, simple-

mente he llegado a un punto en el que jugar ese rol ya no tenía sentido.

nuestra carrera, la marca de Ghost debería ser lo suficientemente fuerte a pesar de que la gente sepa quién soy. Si son capaces de sobrevivir sabiendo quién está en los otros grupos, estoy convencido de que también lo pueden hacer con Ghost. De todos modos, yo ya sabía desde el comienzo de todo esto que sería imposible permanecer en el anonimato. Así que no me siento extraño al respecto. No me he sentido anónimo de verdad desde hace muchos años”. De todas maneras, habéis conseguido que la gente siguiese expectante a cada detalle que se ha ido filtrando del nuevo disco. Es como cuando descubres que Papá Noel en realidad son los

gustaría hacer es acerca de la

el encargado de ocupar el pues-

línea de sucesión. Por primera

to de Papa Emeritus III, pero se-

vez en su historia no tenemos

gún vuestras leyes, cada nuevo

un Papa al frente de Ghost. ¿Por

Papa debe ser más joven que el

qué ese cambio?

anterior, cosa que en su caso no

“Porque este disco trata sobre la mortalidad, y parte de la mortalidad tiene que ver con el cambio de régimen entre dos generaciones distintas que han estado unidas. Así que básicamente lo que tenemos es una relación entre un maestro y un aprendiz; Papa Nil, que es el Papa más anciano, y luego está el Cardinal Copia, quien aún no es un Papa. Es un alumno, y como tal necesita aprender de su maestro con el fin de que, si juega bien sus cartas, pueda convertirse en Papa Emeritus IV, que es lo que esperamos. Puede que lo veamos de aquí a un par de años”.

se cumplía. ¿Nunca tuvo verdaderas opciones de convertirse en el nuevo frontman de Ghost?

“No. Él sólo entró en escena como líder temporal hasta que encontrasen a uno nuevo. Pero esta vez va a necesitar guiar a su discípulo. Tiene una gran parte de responsabilidad, ¿sabes? Los caminos del clero son inescrutables (risas)”. Hablemos sobre el nuevo álbum. Con Prequelle habéis viajado al pasado regresando a la época de vuestro debut Opus Epony-

mous en la Edad Media. ¿Por qué ese interés en explorar un

padres, pero aun así mantienes la ilusión de la noche antes de

¿Qué crees que hace similar y, al

mundo que ya os era conocido?

abrir los regalos.

mismo tiempo, distinto al Cardi-

“Sí, claro. Sólo porque yo esté concediendo entrevistas bajo mi propio nombre no significa que ahora de repente vaya a ser súper accesible y me haga fotos con todo el mundo. Mi responsabilidad es mantenerme concentrado en mi trabajo, que es Ghost. Mi objetivo no es venderme ni promocionarme a mí mismo, sino conseguir que Ghost sea tan bueno como sea posible. Creo que mientras siga centrado, esa misma será siempre la principal preocupación de los fans”.

nal Copia de sus predecesores?

“Quería arrojar algo de luz a la idea de la circulación. Me explico: parte de la mortalidad y de todo lo que ha sucedido a lo largo de la historia normalmente siempre ha ido volviendo una y otra vez. Hay una repetición en todos los acontecimientos que han ocurrido en la historia del mundo. Un suceso muy dramático en la historia de Europa fue la peste negra. Definitivamente fue una época en la que mucha gente en Europa probablemente llegó a pensar que el mundo estaba llegando a su fin. Como si fuese una profecía bíblica, una venganza de Dios, y que la mano de la fatalidad estaba acechando a la especie humana. Y en cierto sentido, aunque no tengamos una epidemia como ésa, en la civilización occidental existe un sensación general pre

“Bueno, él ha sido entrenado en la misma Escuela del Rock (risas). Tiene los mismos tics que los anteriores, pero aún sigue aprendiendo de su maestro, que le sigue enseñando cómo se deben de hacer las cosas. Por eso tal vez te recuerde un poco a Papa Emeritus III y II (risas)”. Como estamos comentando, Cardinal Copia no es el único personaje nuevo que habéis presentado. También está Papa Nil. ¿Qué me puedes contar de él?

En estas últimas semanas habéis ido despejando interrogantes respecto a esta nueva etapa que estáis empezando, pero aún si-

“Él es el Papa de los Papas. En realidad no sé mucho sobre él. Es un viejo hombre del clero con sabiduría y poder”.

gue habiendo muchas preguntas en el aire. La primera que me

Algunos pensamos que él sería

apocalíptica en estos momentos con la situación de la guerra fría en la que nos encontramos entre varios dictadores mundiales que están peleando entre ellos. Hay mucha gente en diferentes partes del mundo que sienten que el fin está cerca, igual que pasaba en la Edad Media. El apocalipsis está por todos lados, tanto antes como ahora. Creo que hay mucho que aprender de todo esto. Incluso después de que pasase la peste negra y más de la mitad de la población europea muriese, la otra mitad consiguió sobrevivir. A la destrucción siempre le sigue la prosperidad. No todo es de color oscuro”. Lo cierto es que, dicho así, suena aterrador. Estáis contando una historia que sucedió hace cientos de años, pero que de alguna manera se está repitiendo en la actualidad.

“Pienso que hay muchos paralelismos, a eso me refiero. Pero hay un motivo por el que hemos decidido llamar a este álbum Prequelle y todo lo que está relacionado con las letras y la historia que hay detrás. Hay muchas cosas que hacen a este disco muy parecido a Opus Eponymous. No sónicamente, pero sí en cuanto a mentalidad, por decirlo de alguna manera”.

¿Ves Prequelle como un mezcla de ambos, en cierto sentido?

“Creo que musicalmente Prequelle está más cerca de Meliora por su proximidad temporal. No puedes deshacer lo que ya has hecho. Si estás desarrollando algo, es complicado volver atrás e ignorar lo que ya has conseguido, a no ser que lo que hayas hecho se haya convertido en algo malo. Pero pienso que Meliora fue un gran disco, así que es lógico que este álbum se haya compuesto en un estado similar a aquél de una manera natural. Pero al mismo tiempo, pienso que gran parte de la actitud y mentalidad con la que lo hemos afrontado ha sido muy parecida a como lo hicimos con Opus Eponymous. El primer disco lo compusimos en un entorno positivo, tranquilo y sin responsabilidad de culpa alguna. Y siento que he podido hacer Prequelle de una manera parecida. No tenía a nadie molestándome en mi trabajo, lo cual fue muy positivo. A pesar de que el último año ha tenido sus cosas malas, también ha habido mucha luz que se ha acabado por instalar dentro de la personalidad del disco. Y en eso se ha parecido mucho a Opus Eponymous, en no tener a gente alrededor, lo cual está bien (risas)”.

dos por los 80, igual que por las décadas de los 70 y los 60, sin duda”. La producción ha corrido a cuenta de Tom Dalgety, ¿cuál ha sido su aportación? ¿Se involucró de alguna manera en el proceso o simplemente acudiste a él buscando un sonido determinado?

“En realidad fueron las dos cosas. Es fantástico cuando se trata de trabajar el sonido, pero la verdad es que hemos colaborado mucho haciendo este disco. La mayor parte del tiempo de los cinco meses que pasamos grabando en el estudio, estábamos Tom y yo solos. Hemos pasado mucho tiempo juntos. A pesar de que tenía todas las canciones compuestas, seguía trayendo ideas nuevas. Cuando estoy grabando, compongo constantemente, y siempre salen cosas nuevas con las que tienes que intentar impresionar al oyente, y en este caso esa persona era Tom Dalgety (risas). Así que tuve que esforzarme en perfeccionar cada parte que había escrito. Hicimos el álbum todos juntos y probamos muchas cosas diferentes esta vez, pero la mayor parte ha sido cosa suya y mía”. Hablando de ‘Rats’, es una canción que ya comentaste en

OK, creo que entiendo a lo que

algunas entrevistas durante la

Te quería preguntar precisamen-

te refieres. Musicalmente he per-

promoción de Meliora. ¿Significa

te por esto. En declaraciones pa-

cibido un sinfín de referencias a

eso que ya por entonces tenías

sadas, comentabas que éste se-

los 80. Desde las guitarras hard

claro cuál iba a ser el siguiente

ría un trabajo mucho más oscuro

rock, los estribillos para arenas,

paso que ibas a dar con Ghost?

que Meliora. Sin embargo, hay

los teclados... ¡Hasta un saxofón!

muchos elementos que conectan

¿Dirías que gran parte de las

directamente con aquel álbum.

influencias de Ghost vienen de

Según tú, ¿qué relación tiene

esa década?

respecto a Opus Eponymous?

“Siempre hemos estado influencia-

“Sí, ya por entonces sabía ligeramente sobre lo que el siguiente disco iba a tratar. No exactamente cómo sería, pero sí sabía el sentimiento dramático que le quería dar”.

“EL APOCALIPSIS ESTÁ POR TODOS LADOS, TANTO ANTES COMO AHORA. CREO QUE HAY MUCHO QUE APRENDER DE TODO ESTO. INCLUSO DESPUÉS DE QUE PASASE LA PESTE NEGRA Y MÁS DE LA MITAD DE LA POBLACIÓN EUROPEA MURIESE, LA OTRA MITAD CONSIGUIÓ SOBREVIVIR. A LA DESTRUCCIÓN SIEMPRE LE SIGUE LA PROSPERIDAD. NO TODO ES DE COLOR OSCURO”

TOBIAS FORGE

¿Y tienes ya alguna idea de cara al quinto álbum?

“Es un poco pronto todavía. Estoy trabajando en ello ya, pero igual que entonces, aún no sé cómo resultará. Pero definitivamente, está en marcha. Sé muchas de las cosas que contendrá, pero no el tema exacto del que tratará”. Así que tienes una perspectiva de larga distancia de lo que tiene que ser la trayectoria de Ghost.

“Sí, bueno... no es que sea algo extremadamente complicado de imaginar. Sé muy bien adónde quiero dirigirme y que tenemos que estar preparados para ello. Es bueno tener un plan y un guión sobre el que impulsarte. Pero nunca se sabe lo que puede pasar hasta que llegues allí”.

“Sí, pero de un modo u otro, es un álbum crucial de todas maneras. Una vez haber trascendido al mundo del mainstream, como tú dices, el siguiente disco que publiques va a determinar si verdaderamente permanecerás allí o no. Por tanto, Prequelle será determinante para saber en qué punto nos encontramos. Pero independientemente de ello, es un trabajo muy importante para Ghost. Todavía somos un grupo que sigue creciendo, acumulando canciones... Si todo sigue su plan, estas canciones son las que estaremos tocando durante el resto de nuestra carrera, y eso implica que cada disco contenga material que la gente quiera escuchar”. Estos días estáis iniciando la gira americana. El último tra-

¿Y en ese guión aparece que

mo del tour de Meliora fue

tendremos otro EP de versiones

espectacular en cuanto a mon-

antes de un nuevo álbum?

taje. ¿Nos habéis guardado

“No lo creo. Esta vez no tenemos planes de hacer eso. Ya lo hemos hecho un par de veces y no quiero volverme predecible. Prefiero centrarme en el ciclo de este disco e ir desarrollando la trama que tenemos preparada. Ya lo veremos, pero no pienso que lo hagamos, al menos por ahora”.

muchas sorpresas esta vez?

Desde siempre habéis sido una banda muy ambiciosa y nunca habéis ocultado que queréis llegar al gran público. Meliora supuso vuestra entrada por la puerta grande en el main-

stream. ¿Sientes que Prequelle puede ser un disco crucial para el futuro de Ghost?

¿Potenciaréis la parte más teatral del show?

“Hemos añadido muchas cosas nuevas en la producción y estamos tocando mucho más tiempo de lo que nunca antes lo hemos hecho. El concierto dura unas dos horas. Por lo tanto, en otoño tendréis más de lo que hayáis llegado a ver en un concierto de Ghost. Tenemos una producción espectacular, pero aún hay cosas que estamos trabajando. Lo que hayas podido ver en los vídeos de los conciertos que estamos dando ahora no se parecerá en nada a lo que será dentro de medio año. Va a seguir creciendo e iremos

añadiendo cosas. Es un trabajo en continuo desarrollo”. ¿Y te veremos hacer coreografías como en el vídeo de ‘Rats’? La verdad es que no tienes mucho que envidiar a Lady Gaga.

“Bueno, gracias (risas). Tuvimos un doble para hacer las partes en las que estaba quieto. Yo hice las escenas de baile (risas). Pero en los directos creo que me contendré un poco más. No quiero avergonzar a la gente (risas)”.

“SI TODO SIGUE SU PLAN, ESTAS CANCIONES SON LAS QUE ESTAREMOS TOCANDO DURANTE EL RESTO DE NUESTRA CARRERA, Y ESO IMPLICA QUE CADA DISCO CONTENGA MATERIAL QUE LA GENTE QUIERA ESCUCHAR”

TOBIAS FORGE

Hablando de los conciertos, este verano vendréis a España con una única fecha en el Resurrection Fest. Me gustaría saber si conoces algo del festival.

“Conozco el festival ya que estoy en una banda que suele girar y conozco la gran mayoría de festivales. A pesar de que será la primera vez que toquemos allí, tengo muchos amigos que ya han estado. Será un gran espectáculo y estaremos encabezando una de las noches. Tenemos muchas ganas

de que llegue. Siempre me encanta poder tocar en España y espero hacerlo de manera apropiada. Incluso aunque estemos encabezando un festival, no podremos hacer el show completo que estamos realizando ahora y tocar unas dos horas. Pero aun así, será un buen concierto. Sin duda el mejor que demos en España hasta la fecha”.

“Diría que seguramente a comienzos de 2019. Ésa es mi mejor apuesta. Estamos en ello, pero no podemos anunciar nada antes de que actuemos en el Resurrection Fest, a pesar de que el otoño está a la vuelta de la esquina. Así que probablemente os volveremos a ver el año que viene”.

¿Y habrá otra oportunidad de ver vuestro espectáculo al completo más adelante?

DISCO DEL MES

P Fight The Good Fight (HELLCAT) PUNK ROCK, SKA

ara aquéllos que les hayan seguido desde cierta distancia, puede que The Interrupters den la impresión de ser un grupo con buena estrella. Y es innegable que tanto su relación con Tim Armstrong, quien se ha encargado de producir todos su trabajos además de publicarlos con su sello Hellcat (no en vano su guitarrista Kevin Bivona lleva trabajando con él desde hace años en los discos de Rancid y Transplants), como el ser elegidos como los teloneros de buena parte de la última gira mundial de Green Day, les han colocado en un escaparate de lujo que

THE INTERRUPTERS

sería la envidia de cualquier grupo de punk rock. Pero lejos de ser un hype sin base justificada alguna, Aimee Allen y los hermanos Bivona cuentan con ese factor que marca las diferencias entre un gran grupo y otro del montón: tienen una facilidad increíble para crear canciones que te enganchen a la primera. Lo demostraron con su primer álbum homónimo y un single más grande que una catedral como lo fue ‘Take Back The Power’, y lo refrendaron con un segundo Say It Out Loud en el que daban cabida a sonoridades que iban más allá del ska y el rock steady con el que

se dieron a conocer. Y de hecho, por esa misma senda aperturista es por la que deambula su nueva entrega, Fight The Good Fight. Lejos de ceñirse a regurgitar una única fórmula, The Interrupters han entendido a la perfección que en la variedad está la clave para que su sonido no quede caduco a las primeras de cambio y siga resultando fresco y divertido. Tampoco es que sus raíces les pillen excesivamente lejos de lo que practican ahora, pero desde luego es de agradecer que tras escuchar la media hora que dura el disco, uno no haya percibido el más mínimo

esbozo de aburrimiento, sino que, además, sienta unas ganas irrefrenables de volver a darle al play en cuanto éste termina. El asunto empieza con un tiro ganador como es ‘Title Holder’, con un estribillo triunfal y motivador del que sólo te llevará un par de segundos memorizar y darte cuenta de que es otro temazo que añadir a su colección. La primera en la frente, como se suele decir. La vertiente más directa y punk que comentábamos antes hace su aparición en ‘So Wrong’, cuyo coro es toda una invitación a cantar con una cerveza en la mano y un colega a tu lado. ‘She’s Kerosene’ es el acertado single escogido para presentar el álbum y

acompañándoles para dar con todo un himno. ‘Gave You Everything’ sería ahora mismo mi preferida gracias a ese regustillo ramoniano en las estrofas y un estribillo que es amor a primera vista. Huele a que será uno de sus hits definitivos. En ‘Outrage’ se encargan de recordarnos en apenas 2 minutos por qué The Distillers fueron tan grandes en su día (el timbre vocal de Aimee siempre ha guardado muchas similitudes con el de Brody Dalle). Pero no todo es velocidad ni el combo de Los Ángeles ha dejado de lado su parte más fiestera. Por eso ‘Broken World’, ‘Not Personal’ y ‘Be Gone’ son toda una invitación a sacarle brillo a las creepers y sudar de lo lindo durante

“HAN ENTENDIDO A LA PERFECCIÓN QUE EN LA VARIEDAD ESTÁ LA CLAVE PARA QUE SU SONIDO NO QUEDE CADUCO A LAS PRIMERAS DE CAMBIO Y SIGA RESULTANDO FRESCO Y DIVERTIDO”

una vez más, nos vuelven a atrapar en sus redes sin que nos demos cuenta de cómo diablos lo han hecho. Las influencias más clásicas del ska salen a relucir en ‘Leap Of Faith’, que a pesar de su ritmillo siniestro te saca a bailar a la pista. Quedaría de miedo en una fiesta de Halloween. De la tumba nos sacan de golpe con la fuerza que desprende ‘We Got Each Other’, donde Tim Armstrong hace su cameo de rigor, esta vez acompañado a las voces por Lars Frederiksen y Matt Freeman. O lo que es lo mismo, Rancid al completo

toda la noche. El cierre lo ponen con ‘Room With A View’ y una letra preciosa dedicada a esas personas que ya no están entre nosotros, concluyendo así 30 minutos que transcurren sin que te des apenas cuenta de lo bien que te lo has pasado mientras lo escuchabas. No pisarán ninguno de nuestros festivales esta temporada, pero con Fight The Good Fight The Interrupters se han marcado uno de los trabajos que más vamos a quemar este verano de camino a la playa. GONZALO PUEBLA

SEVENDUST HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Lajon Witherspoon

(voz), Clint Lowery (guitarra), John Connolly (guitarra), Vince Hornsby (bajo), Morgan Rose (batería) PRODUCIDO POR: Michael ‘Elvis’ Baskette AFINES A: Ill Niño, Disturbed, Godsmack PÁGINA WEB: www.sevendust.com

S All I See Is War (RISE) METAL ALTERNATIVO

urgidos en plena explosión del nu metal, Sevendust han logrado sobrevivir a los cambios de modas y tendencias con una dedicación encomiable. Nunca han protagonizado ningún escándalo, ni han intentado destacar por nada que no fuera su música, ni tampoco han tenido bajas en su formación. Quizá por ello su repercusión mediática ha sido mucho menor que la de otras bandas, pero desde luego, no distraerse con tonterías les ha permitido acumular una discografía que, con All I See Is War, llega a su duodécimo lanzamiento. Como esos equipos de media tabla que

nunca ganarán una Champions pero tampoco lucharán por no descender, los de Atlanta viven cómodamente gracias al apoyo incondicional de sus seguidores y sin la presión de tener que encabezar las listas de éxitos. Aun así, All I See Is War apunta a que tampoco renuncian a explotar todo su potencial. Las doce canciones que nos encontramos son el fruto de un largo proceso de composición, y en lugar de autoproducirse como venían haciendo en sus tres últimos discos, han decidido contratar a Michael ‘Elvis’ Baskette para darles un lavado de cara. El hombre detrás de los trabajos de Alter Bridge

o Slash ha conseguido dotarles de un sonido más radiofónico, pero a cambio de sonar más genéricos. Por suerte, Sevendust cuentan con un ingrediente único en la figura de Lajon Witherspoon, un tipo que podría cantar la tabla periódica y que sonara bien. El cuerpo y profundidad que tiene su voz les da un aire especial ya sea en temas más metaleros como ‘Dirty’ o ‘God Bites His Tongue’ como cuando se acercan a las baladas en ‘Not Original’ o ‘Descend’. Aunque es una pena que no haya temas más cañeros como ‘The Truth’ que sacudan un poco su orientación melódica. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... CLINT LOWERY Durante vuestra carrera habéis pasado por momentos de más popularidad y de menos, pero parece que estáis otra vez arriba. ¿Lo sientes así?

“Bueno, me alegro de que se vea así (risas). Nosotros nos sentimos como siempre, pero es verdad que hay expectación alrededor del nuevo disco. Creo que el nuevo productor nos ha traído una nueva energía y ha generado más interés. Es normal pasar por altibajos, pero es agradable cuando notas que estás ascendiendo”. Éste es vuestro duodécimo disco en 25 años; nadie os podrá acusar de vagos...

“La verdad es que nos gusta mucho hacer música y somos trabajadores. Creo que es uno de los factores para haber durado tanto tiempo. Nos respetamos mucho y respetamos mucho

a nuestros fans, y eso comporta dar el máximo siempre en directo. También es importante mantenerse sano en lugar de autodestruirse como tantas estrellas del rock. Muchos músicos priorizan el estilo de vida a la música. Venden ese estilo de vida como ingrediente principal de su producto, pero no es nuestro caso”. ¿Destacarías algo de este disco que lo haga distinto a los anteriores?

“Esta vez nos tomamos mucho más tiempo. Teníamos como 60 ideas para canciones, es muchísimo. Eso fue de una gran ayuda. También ayudó mucho el tener a Michael Baskette como productor, aportó un montón de ideas a nivel de sonido. De entrada, nos dijo que sabía que por nuestra experiencia podríamos producirnos nosotros mismos el disco,

pero que creía que podía aportarnos alguna cosa nueva. Él nos mostró su respeto y nosotros se lo devolvimos. No nos forzó a hacer nada, pero nos animó a probar cosas nuevas. Confiamos en él, y eso que no confiamos en mucha gente (risas)”. La cuestión racial vuelve a estar muy presente en Estados Unidos. ¿Os ha afectado de alguna manera?

“De vez en cuando hemos tenido algún problema. Tenemos un frontman que no es el típico frontman, pero nuestros fans son gente abierta y lo aceptan. Pero en algunos conciertos que dimos con Slayer o Slipknot había algún skinhead en el público que nos insultaba, pero cada vez pasa menos. Es inevitable encontrarte con gente ignorante”. (DAVID GARCELL)

ARCTIC MONKEYS Tranquility Base Hotel & Casino (DOMINO) ROCK

esde que irrumpieran con su ópera prima Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, Arctic Monkeys han dado siempre la sensación de querer crecer más rápido que el resto. El descaro juvenil de sus inicios pronto daría un sorprendente y acertado giro en Humbug, con el que supieron desmarcarse de la competencia. Y así lo han continuado haciendo en cada nueva entrega hasta llegar a AM, el que fue su confirmación como grupo de masas. En su regreso tras cinco años de silencio nos encontramos con que muchas cosas han vuelto a cambiar. Más que nunca,

82 62

Alex Turner ha tomado el timón de tal manera que no sería descabellado hablar de un álbum en solitario, ya que aquí las intervenciones de sus compañeros quedan en un discretísimo segundo plano. Con una destacada presencia de las teclas, Tranquility Base Hotel & Casino va enfocado a unas bases elegantes y sobrias, pero pecan de planas y previsibles. Escuchando canciones como ‘Star Treatment’, ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ o ‘Four Stars Out Of Five’ no me cuesta mucho imaginarme a Turner protagonizando algún telefilme veraniego cutre ambientado en el Benidorm de los 70 mientras echa las horas muertas de madrugada en un karaoke. Y no es que sean malos temas, pero cuando todo el álbum discurre por el mismo camino sin aportar contrastes y dinámicas, acaba haciéndose muy aburrido. Alex Turner sigue contando con una pluma privilegiada a la hora de escribir textos, pero con apenas 32 años aún es demasiado joven para querer jugar a ser Nick Cave. Ojalá se dé cuenta de ello antes de que le dé por parecerse a Sinatra. GONZALO PUEBLA

JONATHAN DAVIS Black Labyrinth (SUMERIAN) METAL ALTERNATIVO

egún ha declarado, Jonathan Davis llevaba diez años preparando su debut en solitario. Aunque ya había tenido experiencia fuera de Korn con la banda sonora de Queen Of The Damned y girando como Jonathan Davis & The SFA, publicando incluso dos directos en 2007 y 2011, ésta es la primera oportunidad en la que veríamos si el vocalista se atrevería a mostrarnos abiertamente esas influencias de los 80 que siempre reivindica, desde Duran Duran a Peter Gabriel o Siouxsie & The Banshees. Y aunque algo de eso hay, si

algo resulta decepcionante es que Davis haya optado por un disco, que sin que pueda llegar a confundirse con Korn, tampoco de desmarca tanto. Sobre todo en lo que se refiere a los arreglos y la producción, que ha llevado a cargo él mismo, no ha conseguido deshacerse de los tics más rock o metal de su trabajo habitual, como esa guitarra innecesaria en el estribillo de la balada ‘What It Is’. Y es una pena, porque el material estaba ahí, con algunas buenas melodías e ideas interesantes. Uno se imagina temas como ‘Your God’ o ‘Walk On By’ con un tratamiento más techno pop y podría haber funcionado y sorprender. Tampoco cuando experimenta más con sonidos orientales en ‘Final Days’ o ‘Gender’ acaba sonando del todo convincente a pesar de las buenas intenciones. Quizá si en lugar de llamar a Wes Borland o Ray Luzier se hubiera rodeado de músicos como Reeves Gabrels o Peter Hook, Black Labyrinth transmitiría ese sentimiento de riesgo que se intuye, pero no se concreta. JORDI MEYA

CHAOS BEFORE GEA Chronos (THE BRAVES) PROG METAL, DEATH METAL

haos Before Gea cierran su trilogía dedicada a la mitología griega con Chronos, que culmina la obra iniciada por su magnífico debut Erebo y después con su continuación, el no menos remarcable Khâron. Y ciertamente no podían haberla terminado de mejor manera que con estos brillantes ocho capítulos que la rubrican espléndidamente. Con un estilo que ya es claramente un modo de describirlos y que hace difícil encasillarlos (¿Progresivo? ¿Groove? ¿Death? Todos son ciertos y válidos), los andaluces nos demuestran desde la inicial ‘The Void’ que su obsesión por las melodías intrincadas y enrevesadas, pasando de las partes más líricas a las partes más oscuras, son sin duda marca de la casa y el terreno en el que mejor se desenvuelven.

Quizás en este trabajo suenen más descarnados y crudos, sin tanta pomposidad, pero no cabe duda de que, si escuchas las virguerías que son capaces de marcarse en ‘Rebirth’, agradecerás que vayan más al grano que nunca. Chaos Before Gea deberían ser, desde ya, reconocidos como los auténticos maestros del metal más audaz e inclasificable que se hace, no sólo en este rincón del mundo, sino de toda Europa, y deberían codearse con bandas como Gojira o Meshuggah sin pestañear. Y si no, escuchad ‘The Nine’ y ‘Legacy Of The Flame’ y decidme si están al alcance de muchos grupos ya consagrados. Chronos reinará durante tiempo. KARLES SASTRE

S BIFFY CLYRO

MTV Unplugged: Live At Roundhouse London (14TH FLOOR, WARNER) ROCK

i bien la serie MTV Unplugged dejó algunas grabaciones para la historia durante los 90, con el tiempo fue degenerando hasta el punto en que cualquier pelacañas se atrevía a grabar en formato acústico. Pero si hay una banda contemporánea que ha demostrado que funciona la mar de bien en él es Biffy Clyro, y posiblemente por eso la cadena les ha escogido para resucitar el programa. Grabado el pasado noviembre en el Roundhouse de Londres, el disco recoge 15 de las 19 canciones que interpretaron esa noche. Como era de esperar, no faltan algunos de los grandes hits que han ido acumulando en los últimos años como ‘The Captain’ o ‘Biblical’, que abren excelentemente el show, así como ‘Black Chandalier’, ‘Mountains’ o

N GHOST

Prequelle (LOMA VISTA/SPINEFARM) ROCK

i la polémica suscitada por las denuncias de sus excompañeros ni la revelación oficial de que es él mismo quien se esconde bajo la máscara de Papa Emeritus. Tras muchos años de trabajo y esfuerzo, Tobias Forge ha sido capaz de conducir la nave de Ghost a un estado en el que la propia identidad de la banda se encuentra por encima de cualquier contratiempo. Como si de dos mundos paralelos se tratasen, la formación sueca continúa inmersa en el universo fantástico que tan bien han sabido ir construyendo disco a disco y que alcanzó la

‘Many Of Horror’, que acaba con un gallo de Simon Neil. Pero a su lado también encontramos piezas muy queridas por los fans como ‘Folding Stars’, ‘Bubbles’ o ‘Machines’, coreadas ampliamente por el público, y alguna rareza como ‘Drop It’, de la época de Puzzle, una versión de ‘God Only Knows’ de los Beach Boys, la primera interpretación en vivo de la country ‘Small Wishes’ e incluso un tema nuevo titulado ‘Different

Kind Of Love’ que nos gustaría poder escuchar en su próximo álbum en versión eléctrica. El trío escocés, con la ayuda de algún músico adicional, suena exquisito, y sus fantásticas melodías lucen aún más. Le falta la carga emocional de los míticos Unpluggeds de Nirvana o Alice In Chains, pero dudo que nadie pueda sentirse defraudado con la cara más domesticada de los Biffy.

perfección con Meliora. Tanto es así que su sucesor, curiosamente titulado Prequelle en referencia al marco argumental de su debut, no supondrá un salto cualitativo tan enorme como lo fue aquél. Cosa harto complicada por otra parte, aunque sin duda el nivel se mantiene en esta cuarta entrega protagonizada por el Cardinal Copia y los nuevos Nameless Ghouls, quienes se muestran igual de solventes. Desde el efectivo single ‘Rats’ al espectacular juego de guitarras bombásticas de ‘Faith’, pasando por el dramatismo tenebroso de ‘Pro Memoria’ con ese

detallismo tan cuidado por los arreglos, la instrumental ‘Miasma’ con un sorprendente saxofón que se funde con la melodía de las guitarras, ese hit AOR en potencia que es ‘Dance Macabre’, o la emocionante y final ‘Life Eternal’, el disco se pasa en un suspiro sin que la diversión decaiga en momento alguno. Ghost saben bien el suelo que pisan y que están ante la oportunidad que les encumbre definitivamente como la gran banda de masas para el futuro que tanto llevamos esperando. Así pues, ¡larga vida al Cardinal Copia!

MARC LÓPEZ

GONZALO PUEBLA

DIMMU BORGIR Eonian

(NUCLEAR BLAST) SYMPHONIC BLACK METAL

ace ocho años, cuando puntué con un 70/100 Abrahadabra, el anterior álbum de Dimmu Borgir, debía ir puestísimo de meta. Tras muchas otras escuchas, el convencimiento de que en realidad estábamos ante un cachivache inconexo ya no me abandonó. Es por eso que, cuando su maquinaria volvió a ponerse en marcha tras un larguísimo letargo, las previsiones ante su posible retorno discográfico no eran muy halagüeñas. Y efectivamente, los peores pronósticos se han cumplido con Eonian, un disléxico ejercicio de insensatez sinfónica. Es más,

tiene tramos tan detestables que el basuril single ‘Interdimensional Summit’ se reivindica entre lo poco audible del trabajo. Sí, esa canción ceporra compuesta al revés, que más bien busca la luz artificial de Las Vegas en vez de la niebla noruega. Antes, ‘The Unveiling’ ha abierto la lata con su anti-metal palurdo, y nos sirve de resumen perfecto del disco con esa borrica superposición de capas y capas, pistas y pistas, de coros, teclados y guitarras que, de tan depuradas, resultan inofensivas. ‘Council Of Wolves And Snakes’ no tiene ningún sentido, y aunque ‘Lightbringer’ tiene un pase, ya se encarga ‘I Am Sovereign’ de volver a hundirte en el barro con sus deleznables efluvios Camela. Un tormento para cualquier oído adulto. ‘Alpha Aeon Omega’ ofrece los mejores minutos del plástico, pero tienen que venir Rhapsody a mandarla al garete. Nada mejor que la sobreproducción para disimular la carencia total de ideas. Si te molesta que Disney hayan puesto sus manos en Star Wars, espera a ver sus efectos en Dimmu. PAU NAVARRA

UNDEROATH Erase Me (FEARLESS) METALCORE

racias a discos como They’re Only Chasing Safety, Define The Great Line y Lost In The Sound Of Separation, Underoath se convirtieron en uno de los pesos pesados del metalcore durante la pasada década. Tras ocho años en los que pasaron por una conflictiva separación y una celebrada reunión, la banda de Florida se ha visto con fuerzas para atreverse a grabar un nuevo disco. Una apuesta arriesgada, pero necesaria si tenían la intención de mantener el grupo en activo, que como era de esperar, ha provocado opiniones bastante dispares.

Escuchando Erase Me uno puede encontrar tantos argumentos a favor como en contra, aunque para mí, la balanza se inclina hacia el lado positivo. Cierto es que la parte más experimental y radical del grupo ha quedado en un segundo plano en favor de unas canciones más directas que buscan la gratificación inmediata. Pero, por otro lado, puestos a hacer metalcore para todos los públicos, pocos grupos pueden hacerlo mejor que ellos. El principal cambio es el gran peso que han adquirido los sintetizadores, haciendo que las guitarras queden muy matizadas, y que en temas como ‘No Frame’ o ‘I Gave Up’ esto suene más como un segundo disco de Sleepwave, el proyecto industrial que el vocalista Spencer Chamberlain lanzó tras irse del grupo, que a los propios Underoath. Lo que es innegable es que temas como ‘Rapture’, ‘Bloodlust’, ‘ihateit’ u ‘On My Teeth’ tienen mucho gancho y les proporcionan nueva, y buena, munición para sus conciertos. DAVID GARCELL

FRANK TURNER Be More Kind

(XTRA MILE/INTERSCOPE/ POLYDOR) POP ROCK, FOLK

ivimos en una época en que las opiniones pueden ser interpretadas de forma extrema según cuán de fina sea la piel de la gente. Los hay quienes se quejan por todo y, al contrario, también quienes optan por ser políticamente correctos. Pero una cosa es querer ser amable, y otra distinta es no tener la intención de molestar ni resultar ofensivo. Y me temo que nuestro querido Frank Turner ha confundido estos dos conceptos a la hora de encarar su nuevo álbum. Bien acostumbrados como nos tenía a su vitalidad desbordante tanto en lo musical como en lo lírico, en

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Be More Kind el cantautor británico ha rebajado por completo todos los aspectos que nos enamoraron de él. Seguramente el propio Turner apelará a su libertad artística para hacer con su música lo que le venga en gana. Y me parece bien, pero creo que tampoco puede negar que este trabajo tiene el clarísimo objetivo de llegar a una audiencia masiva por la vía rápida. Algo con lo que ha estado coqueteando desde hace un tiempo, sobre todo en el mercado americano. Pero mientras en anteriores ocasiones lo hacía dejando canciones memorables por el camino, esta vez cuesta encontrarlas. Las palmas de ‘Don’t Worry’ suenan a recurso facilón, al igual que el pop genérico de ‘Little Changes’, que parece un intento desesperado de colarse como banda sonora de algún anuncio. También hacen aguas con una producción enfocada al indie ‘Make America Great Again’, ‘Blackout’ y ‘There She Is’, y ni las tres acústicas finales sacan a relucir el genio que atesora nuestro hombre. Sólo ‘1933’ supone un chispazo fugaz donde antes había fuegos artificiales. GONZALO PUEBLA

THIS WILD LIFE Petaluma (EPITAPH) EMO FOLK

ería un poco ridículo hablar de este disco como una vuelta a las raíces por parte de This Wild Life teniendo en cuenta que Petaluma es únicamente el tercero que publican. Pero si en su anterior Low Tides Kevin Jordan y Anthony Del Grosso experimentaron con algunos sintetizadores, percusiones y efectos de guitarra, aquí parecen haber intentado recuperar el espíritu más desnudo de su debut Clouded. De todos modos, aunque bromeen diciendo que se dieron cuenta de que no eran Twenty One Pilots, y las guitarras acústicas y las armonías de voces agudas

sean los pilares sobre los que se sustentan estas diez canciones, el dúo tampoco renuncia a aplicar algunas de las lecciones aprendidas en el estudio con arreglos puntuales de cuerdas y piano en la balada ‘Hold You Here’, de mandolinas en ‘Headfirst’, de vientos en ‘Never Believe’, e incluso en ‘Positively Negative’ o ‘No Need For Novocaine’ cuentan con bajo y batería, haciendo fácil imaginar cómo sonarían This Wild Life si fueran una banda completa. Pese a su aparente fragilidad y economía de recursos, la mayoría de canciones tienen gancho y Petaluma acaba siendo su disco más animado sin abandonar la sensibilidad emo de sus letras que les caracteriza. Es difícil no canturrear los estribillos de ‘Figure Out’ o ‘Catie Rae’ una vez los has escuchado un par de veces, por no hablar de esa soleada ‘Come Back Down’, con silbidos incluidos. Gracias a la delicada mezcla de todos estos ingredientes, Petaluma se antoja como un buen remedio para las resacas post festivales que, inevitablemente, nos esperan. MARC LÓPEZ

UADA

Cult Of A Dying Sun (EISENWALD) MELODIC BLACK METAL

nmascarados, black metaleros centrados en la línea más melódica… Sí, es posible que ya lo hayamos visto demasiadas veces en los últimos dos o tres años, pero como demostraron en su aplaudido debut Devoid Of Light, Uada son perfectos dominadores de las artes negras más emotivas, están muy por encima de la media, y además, sus capuchas y demás parafernalia no son ninguna excusa para hacer el vago sobre los escenarios. Que ellos lo viven, vamos, y sus conciertos son de lo más recomendables. Pese a sus escasos cuatro años de carrera, su primer

álbum les valió para hacerse un nombre y patearse el mundo entero, y es por eso que el presente Cult Of A Dying Sun les consolidará definitivamente en la escena. Desde luego, lo suyo no va de revoluciones ni de grandes novedades dentro del melodic, pero visto el ciclón que significan ‘The Purging Fire’ y ‘Snakes & Vultures’, la dupla con la que te asaltan de inicio, no es algo en lo que pienses mientras te rindes ante esa fulgurante lluvia de épica. Cierto es que ‘Cult Of A Dying Sun’ y ‘Blood Sand Ash’ pecan de previsibles o repetitivas, y que la instrumental ‘The Wanderer’ situada entre ellas no es que aporte mucho, pero la rica ‘Sphere (Imprisonment)’ vuelve a seducirte con su enorme calidad, y la final ‘Mirrors’ presenta riffs de una belleza abrumadora. Está claro que los estadounidenses no son unos innovadores, ni pretenden serlo, pero eso no debería ser impedimento para gozar de su excelente pericia a la hora de armar impecable melodic black. PAU NAVARRA

GODSMACK

When Legends Rise (SPINEFARM) METAL ALTERNATIVO

or si no hubieran tenido suficiente éxito a lo largo de sus dos décadas de carrera, Godsmack han querido sonar todavía más accesibles en su séptimo álbum. Cada uno de sus temas viene cargado con un estribillo que les garantice sonar en las emisoras de Estados Unidos al lado de Disturbed, Five Finger Death Punch, Breaking Benjamin o cualquiera de esos grupos que no entienden el metal sin una alta dosis de comercialidad. Pero visto lo bien que les funciona, es complicado que nadie les convenza de renunciar a ella. Más que

nunca, la banda de Boston sigue aquella máxima de ‘no nos aburras, danos el estribillo’, y así los dos primeros temas ‘When Legends Rise’ y ‘Bulletproof’ no llegan ni a los tres minutos. Para no dejar ningún cabo suelto, en el corte que da título al disco cuenta con la asistencia compositiva de John Feldmann, el hombre que parece estar en la agenda de todos aquellos que quieren hits. Casi todos los temas siguen una misma estructura montada sobre riffs simples pero efectivos y tempos que nunca pasan de la tercera marcha (sólo en ‘Say My Name’ se aceleran un poco), y con efectos puntuales aplicados a las guitarras y la voz de Sully Erna. Incluso la aparición de un coro de niños en ‘Unforgettable’ o la orquestación en la power ballad ‘Under Your Scars’ parecen sacadas de un manual. Pero a pesar de que todo parece excesivamente calculado, hay que reconocer que la fórmula funciona y que Godsmack han conseguido un álbum de lo más resultón. DAVID GARCELL

y desde el propio título –que supongo os habrá recordado al álbum de otra banda un pelín más grande que 5FDP-, está todo calculado al milímetro para llegar al público. Tampoco hay que rasgarse las vestiduras, ya que el propio Zoltan Bathory FIVE FINGER reconoce que es tan DEATH PUNCH And Justice For None hombre de negocios como músico, y la banda (PROSPECT PARK) es su vehículo para dar METAL rienda suelta a ambas cosas. Pero una vez 65 asumido esto, Five Finger Death Punch saben uede que los Five hacer muy bien lo suyo Finger Death Punch y dar al público lo que de 2018 sean un quiere, especialmente grupo renovado, con un si hablamos de inmensa cantante que parece ya base de fans americanos. concienciado en salir del Tenemos groove metal pozo de las adicciones, para las masas vía ‘Top Of un contrato discográfico The World’, hits para las renegociado a la altura de radios como ‘Sham Pain’, su éxito –esa negociación baladas para el sector ha tenido que ver con el casual en ‘Stuck In My retraso de la edición de este álbum- y, en definitiva, Ways’ y las inevitables versiones para cazar a su disfrutando de su estatus público más conservador de ser una de las bandas (‘Blue On Black’ de Kenny de metal moderno más Wayne Shepherd) y al importantes del siglo XXI. más alternativo con ‘Gone Pero en el fondo todo Away’ de The Offspring. sigue igual en el mundo Un cóctel ejecutado al del quinteto de Las Vegas. milímetro que les seguirá And Justice For None es manteniendo allí donde su séptimo álbum, pero podría ser el segundo o están. seguramente el décimo, RICHARD ROYUELA

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MOURN

Sorpresa Familia (CAPTURED TRACKS) INDIE ROCK

a prometedora carrera que Mourn arrancaron en 2014 con su refrescante debut, se vio amenazada por un segundo disco, Ha, Ha, He, que no acabó de enamorar y la disputa con su antiguo sello Sones, que les ha tenido distraídos en los dos últimos años. Pero, por suerte, todo eso ha quedado atrás y el cuarteto barcelonés reaparece con un tercer disco que debería situarles de nuevo en un sitio preferente en la escena nacional y permitirles seguir ganando adeptos también fuera de nuestras fronteras. Y dado que Jazz, Leia, Carla y Antonio

han ido cumpliendo años, tampoco creo que tengan que lidiar con cierta condescendencia provocada por su juventud. Sorpresa Familia es, en cierta manera, un ejercicio de autoafirmación con una mayor visceralidad en sus formas y contenido. “They may shut up, but I’ll stand up” cantan al inicio de la efervescente y fugaziera ‘Barcelona City Tour’, antes de que en el estribillo griten sobre unas palmas “What a shame! You are a shame!”, dejando claro que quizá perdonan, pero no olvidan. Su indie rock con un marcado poso 90’s funciona de maravilla en ‘Bye, Imbecile!’ o ‘Fun At The Geysers’ con esas guitarras que apuntalan melodías memorables. La seguridad con la que se atreven a ponerse más disonantes y se adentran en ritmos más complejos como en ‘Divorce’ o ‘Doing It Right’, o la desnudez de ‘Orange’, denotan que siguen ampliando sus recursos musicales. Aunque quizá el mayor salto cualitativo se note en ‘Sun’, el tema que cierra el álbum y que uno se imagina en un disco de Sunny Day Real Estate. JORDI MEYA

ORANGE GOBLIN

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Ben Ward

(voz), Joe Hoare (guitarra), Martyn Millard (bajo), Chris Turner (batería) PRODUCIDO POR: Jaime Gomez Arellano AFINES A: The Obsessed, Electric Wizard, Church Of Misery PÁGINA WEB: www.orangegoblinofficial.com

E The Wolf Bites Back (CANDLELIGHT) STONER METAL

n los tiempos que corren, poder reseñar el noveno trabajo de Orange Goblin, auténticos supervivientes, e incluso me atrevería a decir que infravalorados en su estilo, es razón suficiente para prestarle una atención especial. Además, para qué engañarnos, no acostumbran a defraudar. En esta ocasión han contado con el chico de oro del metal, Jaime Gomez Arellano (Ghost, Cathedral, Paradise Lost), sin duda un acierto, pues a su clásico sonido crudo y tosco, le ha aportado no sólo un toque mucho más brillante,

sino además, mayor contundencia. Con The Wolf Bites Back los ingleses han decidido abrir límites jugando con sus influencias, no hay más que escuchar el puñetazo punk de ‘Suicide Division’ o la magnífica ‘The Stranger’, con teclados Hammond, para darse cuenta. Escuchando precisamente este tema, es necesario alabar la labor del pequeño gran Joe Hoare con las guitarras, riffs incisivos y poderosos que llevan los temas a momentos muy elevados, como en ‘Burn The Ships’ o ‘Zeitgeist’, haciendo que termines levantando el puño en alto.

Sin duda, la pieza esencial de la banda. ¿Será The Wolf el nuevo punto de inflexión para Orange Goblin? Difícil de afirmar de un grupo que con el paso de los años sigue siendo fiel a su estilo, tiene una discografía más que digna y un poder en directo como pocos, lo que sí ha quedado claro es que al igual que el lobo amenazante y fiero de la portada, su determinación por seguir en pie es innegable, y este disco, que con las escuchas va enganchando más y más, es un claro manifiesto. ¡Por muchos años! TOI BROWNSTONE

HABLAMOS CON... BEN WARD Hacía ya cuatro años que no publicabais un nuevo álbum…

“Queremos hacer las cosas bien y por eso nos tomamos nuestro tiempo. Cada disco forma parte de tu legado. Quizá en el pasado grabábamos con más frecuencia porque teníamos que salir de gira. En la actualidad no tocamos tanto y tampoco hay la necesidad de promocionar al productor porque apenas se venden discos. Para nosotros ya no es una prioridad. Todos tenemos familia y trabajos, la banda ahora es más un hobby para los fines de semana. Pero es un hobby que nos permite hacer música, conocer otras culturas, nos dan cerveza gratis, y encima nos pagan (risas)”. El disco es más diverso.

“Sí, creo que es una consecuencia de poder dedicarle más tiempo. Y tenemos la suerte de que nuestro sello no nos presiona para que sonemos de una manera determinada. También

influye la experiencia que tenemos. Cuando eres joven intentas impresionar a la gente y encajar en una escena, pero ahora nos importa un pimiento. Somos Orange Goblin y hacemos lo que queremos. Posiblemente hace 15 años, algunas de estas canciones no las hubiéramos grabado porque no encajaban en lo que creíamos que teníamos que hacer, pero ahora nos da igual. Si nos mola un tema, acaba sonando a Orange Goblin. Es una manera de no aburrirnos también. Nosotros cuatro tenemos influencias distintas. A Chris, el batería, le gusta el punk y el hardcore. A Martyn le gusta el metal clásico y cosas como Pink Floyd. A Joe le gusta el blues y Led Zeppelin, o Jeff Beck. Y a mí me gustan Iron Maiden, Saxon, Motörhead y cosas más extremas como Dark Angel, Slayer, Venom… Es una buena mezcla”. Teniendo la misma formación desde el principio, imagino

que os conocéis muy bien...

“Sí, nadie se ofende si a alguien no le gusta algo. Hemos madurado (risas). Antes había muchas peleas y discusiones, pero ahora somos más como hermanos que compañeros de grupo. Aunque no tocáramos juntos, seguiríamos siendo amigos. Después de trabajar toda la semana, poder juntarnos y tocar es una manera de liberar la presión de la vida rutinaria”. Phil Campbell toca en un par de temas. ¿Cómo surgió?

“Obviamente Motörhead es una de nuestras bandas favoritas. Yo trabajo como agente de contratación y Phil es cliente mío, además de amigo. Cuando estábamos grabando el disco, nos pareció que podía encajar en esos dos temas. Así que se los mandamos y puso sus solos. Suenan geniales. Y sus conciertos dependen de mí, así que no podía negarse (risas)”. (JORDI MEYA)

A MINISTRY

AmeriKKKant (NUCLEAR BLAST) PUNK, INDUSTRIAL

estas alturas del partido, el gran Al Jourgensen debería asumir que Ministry es el vehículo con el cual mejor sabe expresarse y con el que más repercusión tiene. No ha sido una, ni dos las veces que ha querido enterrar a su niño –y más desde el momento en que Paul Barker desapareció del mapa- por diferentes motivos, y siempre acaba devolviéndolo al mundo de los vivos. La muerte de su mano derecha durante estos últimos lustros, Mike Scaccia, fue un duro golpe, pero la presidencia de Trump ha sido un motivo demasiado goloso para Jourgensen, y así, salir a la palestra a repartir salivazos en todas direcciones. AmeriKKKant es tosco, feo y oscuro… incluso para los estándares de Ministry. Los 8 minutos del primer tema del álbum

S PANOPTICON

The Scars Of Man On The Once Nameless Wilderness I And II (BINDRUNE/NORDVIS) BLACK METAL, POST METAL, FOLK

eguramente, lo que este mes no ha conseguido Domedon Doxomedon de Necros Christos con sus dos horazas, sí lo haya logrado este doble álbum de Panopticon. Es decir, mantenernos expectantes durante todo su abundante recorrido, aunque no siempre lo ponga fácil. Fantástico creador de lienzos evocadores y de auténtica ensoñación a base de pagan black, el cantante y multiinstrumentista A. Lunn separa esta vez de forma radical las dos naturalezas de su propuesta, dejando un primer CD para el black bucólico, conmovedor e

‘Twlight Zone’ nos llevan a la atmósfera de aquel Filth Pig de 1996 que fue uno de los momentos, al mismo tiempo, más álgidos y decadentes que nunca tuvo la banda. El tono de desesperanza absoluta es la tónica presente del álbum con canciones lentas y largas, que acaban calando en la cabeza de uno conforme se van sucediendo las escuchas. No es un disco fácil para nada, algún intervalo y

el trallazo punk de ‘We’re Tired Of It’ desengrasan un poco el asunto, pero Jourgensen ha decidido tirar esta vez por el camino más difícil, cosa que, sinceramente, los fans de toda la vida agradecemos después de una serie de discos con gancho, pero que parecían tener un poco el piloto automático puesto. Afortunadamente, hay malas hierbas que nunca mueren.

hipnótico, y el segundo para su vertiente más post metal, folk, country, pero no tan experimental como a veces nos tiene acostumbrados. Así, uno puede disfrutar de los dos polos que siempre laten en esta singular banda de único miembro, pero si quiere, no necesariamente tiene que tragar con el que menos le interese, o directamente odie. Acordeones, cuerdas y riffs que buscan ensanchar el alma elevan canciones de formidable calidad como ‘Blåtimen’, ‘Sheep In Wolves Clothing’ o ‘Snow Burdened Branches’, pero luego este hombre de profundas cicatrices

decide recogerse en su cabaña con una acústica, viajar al Oeste con una botella de Bourbon, y con la ayuda de los Pink Floyd más asequibles, abrir su corazón en ‘A Cross Abandoned’ o ‘Not Much Will Change When I’m Gone’. Eso sí, como este segundo capítulo te coja recién salido del gimnasio, prepárate para una siesta del copón. Los moderniquis que sólo os asoméis al black para degustar obras de Wolves In The Throne Room o Deafheaven ya podéis empezar a frotaros las manos. El señor Lunn, más ángel y demonio que nunca en esta obra.

RICHARD ROYUELA

PAU NAVARRA

NO FUN AT ALL Grit

(BIRD ATTACK) PUNK

in que podamos utilizar esa palabra tan temida que es revival, parece que hay un pequeño resurgimiento de todas aquellas bandas que durante finales de los 90 y principios de los 2000 llevaron al punk de tendencias más melódicas a ser uno de los estilos más populares del momento. La mayoría de esas bandas quitaron el pie del acelerador y se lo tomaron todo con mucha más calma, y uno de esos ejemplos serían No Fun At All, la celebrada banda sueca que dejó por el camino una serie

de seguidores acérrimos que todavía parecen estar de su lado pese al tiempo transcurrido. Grit es el primer álbum del grupo en nada menos que diez años, pero si fuesen a disco por año, el resultado sería muy similar. Esto es No Fun At All en estado puro: punk rock anfetamínico, repleto de adrenalina y con un alto componente melódico. Gracias a un puñado de buenas canciones como ‘No Fun Intended’, ‘The Hundrum Way’ –donde el fantasma de Bad Religion asoma una vez más la cabeza-, ‘Fortunate Smile’ o ‘Suitable Victim’ que justifican de sobras la existencia de Grit, No Fun At All ya tienen la venia para salir de gira, tocar en festivales, hacer el cabra sobre el escenario y satisfacer la demanda nostálgica tanto suya como de sus fans. Y así hasta de aquí a unos años, hasta que expliquemos lo mismo en el próximo ciclo… a pesar de que las canas, o la calvicie, de todos sus componentes empiezan a reproducirse ya de manera peligrosa. RICHARD ROYUELA

NAPALM DEATH

Coded Smears And More Uncommon Slurs (CENTURY MEDIA) GRINDCORE

uando se me vinieron encima dos extensos CDs a rebosar de descartes, versiones y demás rarezas de Napalm Death, pensé que iba a ser un coñazo lidiar con ello. Sólo con ver el enorme listado de cortes me entró un perezón del mil. Pero escuchados ambos del tirón, debo decir que, por desgracia, es bastante posible que en tiempos venideros recurra más a este Coded Smears And More Uncommon Slurs que a sus dos o tres últimos álbumes de estudio. Porque me gustaron cuando salieron, y los dejé

bien en sus respectivas reviews, pero está claro que cuando uno quiere grind de Birmingham, tira de lo clásico casi por inercia y ni se acuerda de que existe lo más reciente. Aquí en cambio, en la mayor parte de canciones, Napalm Death se muestran divertidos, gamberros y básicos, incluso casi nos arrancan algún bailoteo, y es que no hay para menos: a lo largo del recorrido nos enfrentamos a covers de Sacrilege, Gauze, Despair, y un sinfín de splits donde parece que se acomoden a los estilos de sus compañeros, casos de Melvins, Melt Banana o Converge. ¿De verdad ‘Call That An Option?’ sólo fue una bonus track? ¡¿Y ‘Losers’ también?! ¿Y ‘Legacy Was Yesterday’ sólo fue usada para un jodido flexi EP de Decibel? Señores de Napalm, en serio: la próxima vez que tengan que hacer criba para alguno de sus discos, por favor, llámenme antes, que seguro que tendré algunas cositas que contarles. Seguramente los diehard fans de los ingleses sean más felices escuchando esto que sus actuales obras. PAU NAVARRA

L LEGEND OF THE SEAGULLMEN Legend Of The Seagullmen (DINE ALONE) ROCK PROGRESIVO

a leyenda de los hombres gaviota es el último proyecto de siete amigotes liderados por Brent Hinds de Mastodon y Danny Carey de Tool. Su primer trabajo juntos es una obra de rock conceptual con ambientación marinera y tintes progresivos. En las fotos promocionales llevan unas inquietantes máscaras picudas y armas de fuego; algunos como Carey y Hinds también exhiben poderes sobrenaturales. Estos piratas vienen con ganas de arrasar con todo y se presentan en sociedad hasta en dos ocasiones: con la inicial ‘We Are The Seagullmen’ -donde nos transportan a un misterioso muelle en el que podemos escuchar los agudos gruñidos de unas gaviotasy la homónima ’Legend Of The Seagullmen’, el corte más directo del disco, puro punk’n’roll.

C LEON BRIDGES Good Thing (COLUMBIA) SOUL, POP

uando el primer trabajo de Leon Bridges llegó a mis oídos en 2015, éste venía alabado por un hype de la prensa de los que hacen afición. Escuchando Coming Home uno era capaz de hallar composiciones de soul clásico con cierta gracia, pero la verdad es que todavía le quedaban muy grandes las alabanzas que le caían por todos lados. Han tenido que pasar tres años para que el joven soulman de Texas regrese con un segundo plástico que desmonte por completo todas las ideas preconcebidas que nos habíamos hecho de él.

Completan la banda el cantante David Dreyer, el guitarrista Jimmy Hayward, el bajista Pete Griffin, el pianista Chris Digiovanni y el multiinstrumentista Dom Lewis, responsable de las orquestaciones de piezas muy cinematográficas como ‘The Orca’, ‘Rise Of The Giant’ y ‘Ballad Of The Deep Sea Diver’. La aventura de estos marineros es difícilmente comparable con los trabajos más o menos previsibles de

otros supergrupos como Killer Be Killed, Teenage Time Killer o Gone Is Gone; la propuesta de Legend Of The Seagullmen es más arriesgada -por no decir raruna- y épica. El tiempo dirá si su travesía musical acaba aquí y amarran para siempre el barco o si, por el contrario, continúan explorando nuevos territorios en un futuro no muy lejano. Me decanto por la primera opción.

Para empezar, Good Thing abandona por completo el sonido retro de su debut para abrazar sin complejos una producción mucho más actual y moderna. Y eso que lo primero que escuchamos es ‘Bet Ain’t Worth The Hand’, una balada en falsete con arreglos a lo Marvin Gaye un tanto azucarada. Pero a continuación te descoloca con un juego de pies sobre una base de urban jazz en ‘Bad Bad News’ que es toda una agradable sorpresa. Un truco que repite más adelante con el mismo acierto en ‘Lions’ y ‘Georgia To Texas’. Sin embargo, el resto del álbum carece de

coherencia propia, pues tan pronto te lanza al R&B (‘Shy’) que al pop más accesible (‘Forgive You’), o hasta se atreve a saltar a la pista de baile (‘If It Feels Good (Then It Must Be)’, ‘You Don’t Know’). La buena noticia es que en cualquiera de los casos, Bridges es capaz de salir airoso de todos los envites, haciendo de ésta una colección de temas algo inconexa pero también disfrutable. No es una obra sobresaliente, pero al contrario de lo que vimos en su presentación, nos hace intuir que en el futuro pueda llegar a firmar una.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

LE MUR El Brote (NOOIRAX) ROCK

res años después de un EP de presentación y muchos conciertos en los que han ajustado todas sus piezas, los murcianos Le Mur se visten de largo con un apabullante disco de rock alternativo en castellano titulado muy elocuentemente El Brote. El título del disco no es la única referencia vegetal. Prácticamente todos los cortes del álbum hacen referencia al nombre de una flor o una planta. “Al cobijo de tu sombra me riego, soy como semilla esperando el milagro”, cantan en ‘Crisantemo’, uno de los temas más emocionantes de un disco con títulos tan exóticos

y silvestres como ‘Loto’, ‘Diente De León’, ‘Hiedra’ y ‘Hierbanegra’. Grabado, mezclado y masterizado en Ultramarinos Costa Brava, El Brote sorprende por una dualidad perfectamente equilibrada. Aquí se alternan, cuando no se funden, minuciosidad y robustez, delicadeza y energía, con una naturalidad pasmosa. Su cantante, Elsa Muñoz, encarna perfectamente estos dos carácteres. Con su chorro de voz susurra, recita y grita a todo pulmón. A la privilegiada voz de Elsa debemos añadir unas guitarras versátiles y una base rítmica sólida como una roca. Beben principalmente de los 90, pero me parece injusto encasillarles. Hay ecos al debut de Alanis Morrissette en piezas como ‘El Brote’, pero también hay riffs pesados de la escuela Black Sabbath en ‘Llegan’ y detalles de post rock contemporáneo en ‘Hiedra’ y ‘Hierbanegra’. Le Mur han plantado todo su talento e ilusión en este proyecto y ahora toca seguir trabajando duro para que este primer brote florezca. LUIS BENAVIDES

AURA NOIR Aura Noire

(INDIE RECORDINGS) BLACK THRASH

a autoproclamada banda más fea del mundo vuelve a la carga seis años después de Out To Die, y lo hace con muchas ganas de desparramar, una nevera llena de birra del Lidl y el loro disparando infinitos clásicos de Dark Angel, Razor, Venom o Sodom. Y con potencia, faltaría más, como la que desprenden las primeras ‘Dark Lung Of The Storm’ y ‘Grave Dweller’. Y es que los Aura Noir de 2018 siguen yendo al grano, pero mucho, con sólo ‘Hell’s Lost Chambers’ y la estupenda ‘Mordant Wind’ superando los tres minutos y algo de duración. Siguen bien

firmes en sus postulados, está clarísimo. Esta peña no se vende. Un sablazo como ‘The Obscuration’ abrirá en canal a su legión de acérrimos, y la súper Motörhead ‘Demoniac Flow’ triturará luego sus cervicales, resultando un tema tan simple como demoledor. Llegados a este punto, me saco el sombrero ante Aggressor, pues durante todo el álbum su sucesión de alaridos y múltiples formas de desollar su garganta me han llegado al corazón. La batería de Apollyon en ‘Shades Ablaze’ es tan atropellada y punk que resulta alucinante que nadie haya mostrado objeción a que esa pista aparezca en este trabajo ‘semi homónimo’. Deliciosas labores, vaya. Si me lo preguntan, les diré que seguramente eche en falta un tema un poco más memorable como podría ser ‘Abbadon’ de su anterior obra, pero eso no quita que el trío noruego siga sabiendo muy bien cómo gestionar su selecto club de caballeros parcheados, borrachuzos sin remedio y demás parias del metal más sucio. PAU NAVARRA

CRAFT

White Noise And Black Metal (SEASON OF MIST) BLACK METAL

n riff serpenteante y sideral, fría escarcha en vena para verdaderos creyentes, pone fin a un largo silencio discográfico por parte de Craft. Han pasado siete años desde Void, su trabajo más flojo, y su vuelta no ha podido ser más notoria, como bien muestra esa ‘The Cosmic Sphere Falls’ que te atraviesa el espinazo como un enorme témpano de hielo. Escalofríos, piel de gallina, para que la tensión de ‘Again’ te arranque la mueca, esa mueca: ‘¿Dónde está su black punk?’. Y no es de desaprobación, más bien de desorientación. Efectivamente, y como

82 80

refrenda la autoridad con la que despachan la siguiente ‘Undone’, White Noise And Black Metal es un poderoso álbum de puro black, en el que dejan solos a Carpathian Forest como mayores baluartes del género maldito de inspiración crestuda. Si es que ya lo anuncia su título… La fortaleza con la que erigen ‘Tragedy Of Pointless Games’ subraya lo dicho, pero como si quisieran contentar a sus seguidores de siempre, después ceden una ‘Darkness Falls’ mucho más cercana a sus coordenadas arrastradas y pretéritas. Una única concesión a los Craft de antaño, pues con la casi instrumental ‘Crimson’ vuelve el músculo y la ortodoxia, para cerrar como jefazos con ‘YHVH’s Shadow’ y una ‘White Noise’ que huele a himno. Habrá quien eche en falta a los Craft punkarras, pero dudo que alguien pueda negar lo inspirado y amenazador que resulta su quinto disco. Viendo lo grandes que son dentro de un estudio, no entiendo lo lamentables que llegan a ser en directo. PAU NAVARRA

FORTH WANDERERS

Forth Wanderers (SUB POP) INDIE

n el catálogo del sello Sub Pop encontramos viejas glorias de la época dorada del indie rock estadounidense como The Afghan Whigs, Mark Lanegan, Sleater-Kinney y J. Mascis. También asoman la cabeza las nuevas generaciones, jóvenes talentos que merecen toda nuestra atención, como Moaning, Bully, LVL UP y los protagonistas de estas líneas. Forth Wanderers, también conocidos por las siglas FW, son un quinteto de Montclair, New Jersey. Empezaron en 2013 como un dúo. Ben Guterl, el guitarra y

principal compositor de la banda, le pasaba las canciones a la cantante, Ava Trilling, encargada de ponerles letras y melodías vocales. Esas primeras demos caseras cogieron su forma definitiva con una banda formada por otros tres amigos del instituto. Su debut para el mítico sello de Seattle viene precedido por dos EPs y un largo, Tough Love, de 2014. En su nueva referencia encontramos una banda de indie pop aparentemente frágil, bastante lo-fi en cuanto al sonido y con unas letras íntimas que siguen basándose en las experiencias personales de Ava, con el amor y las relaciones personales en general como hilo conductor. Así, en la inicial ‘Nevermine’, la cantante habla sobre su extraña relación con una expareja y en ‘Ages Go’ habla sobre la evolución de las personas y sus sentimientos. Grabado en apenas cinco días en un pequeño estudio de Philadelphia, este disco homónimo con guiños al Blue Album de Weezer (¡Esos arpegios!) destila autenticidad, ternura y melancolía a partes iguales. LUIS BENAVIDES

TRAVELLIN’ BROTHERS

13th Avenue South (MAGNOLIA) ROCK, BLUES

uince años de carrera y ocho discos les contemplan. Travellin’ Brothers son una de las anomalías más extrañas del panorama nacional, y lo son porque nadie ha sabido, en este país, mezclar de una manera tan convincente el blues, el swing, el soul, el funk, añadiendo también toda la música de raíces americana. Se fueron hasta Nashville y con Brad Jones en los controles (un tipo con un currículum que incluye a Chuck Prophet, Imperial Drag o Matthew Sweet) han facturado el que probablemente sea su álbum más sólido hasta la fecha. Y eso, con la discografía que poseen,

es mucho decir. Cierto que la big band vasca ha contado con colaboradores de renombre (por ahí pululan Earl Thomas o esa fuerza de la naturaleza llamada Etta Britt), pero todo el mérito es de unos músicos curtidos en mil escenarios que controlan a la perfección una música en principio acotada para los experimentados músicos autóctonos. Hay de todo y todo suena esplendoroso. Desde el swing de ‘The Spur’ hasta el soul rock de ‘A Better Day’, pasando por los tintes jazzísticos de ‘As Good As It Gets’, el sabor góspel a lo Nueva Orleáns de ‘The Power Of Your Love’ o el blues imperial de ‘I Believe’, la banda se muestra tremendamente engrasada y sonando tan poderosa como convincente. No han sido pocos los que al poner alguno de sus discos los han confundido con cualquier lumbrera americano (uno me llegó a decir si el guitarrista era Jimmy Vaughan), pero nada de eso: son de Bilbao y han tocado en todo festival de roots music con cara y ojos del continente europeo. Y aquí siguen, sorprendiéndonos y deleitándonos cada vez que lanzan una nueva referencia a la calle. Jefazos. ANDRÉS MARTÍNEZ

PUSHING DAISIES

Take Me Back To The Light (WALL OF SOUND) EMO ROCK

espués de un primer EP claramente inspirado en el post grunge shoegazer y embrutecido de los estadounidenses Nothing, los británicos Pushing Daisies evolucionan y, sobre todo, pulen su sonido en Take Me Back To The Light. El título es una auténtica declaración de intenciones para una banda cuyo nombre se podría traducir en castellano como ‘criando malvas’, un eufemismo para referirse a la muerte. El pulso entre la luz y la oscuridad es evidente en el nuevo trabajo de la joven banda de Bristol capitaneada por Bert Martinez-Cowles, fundador

y único superviviente de la formación original. Con aires renovados tras algunos cambios en sus filas, Pushing Daisies nos regalan ahora un EP bastante variado con siete temas de emo rock moderno con la agresividad melódica de Title Fight, Citizen y Basement. La inicial ‘Fears’ muestra su lado más pausado e introspectivo, con una letra cargada de culpabilidad. Esta pieza contrasta, sin desentonar, con ‘Bleed’, un segundo corte rebosante de energía, con unos coros contagiosos y reminiscencias a los primeros Brand New. Mi favorita ‘Picture Frame’ contiene posiblemente el mejor estribillo de su corta carrera mientras ‘Crickets’ y ‘Night Masquerade’ tienen en común un final con berridos y mucha mala baba. La lucha de la banda por encontrar la luz halla en la brillante ‘Luxury’ un momento cumbre. Con este tema cierran Take Me Back To The Light, antesala de algo grande. Si aprovechan sus oportunidades, volveremos a saber de ellos en un futuro próximo. LUIS BENAVIDES

GRAJO HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Liz

(voz), Josef (guitarras), Pistolo (bajo), Félix (batería) PRODUCIDO POR: Raúl Pérez AFINES A: Atavismo, Santo Rostro, Kylesa PÁGINA WEB: www.grajo.bandcamp.com

A Slowgod II (UNDERGROUND LEGENDS/SPINDA/ D.H.U.) DOOM METAL, STONER PSICODÉLICO

una larga lista de nombres como los de Atavismo, Catorce, Bourbon y demás habituales de lo que está siendo el panorama rockero en Andalucía en los últimos tiempos, también podemos sumar a los cordobeses Grajo. Debutantes con un artefacto homónimo lanzado hace un par de años, el cuarteto dejaba bien claras sus intenciones ejecutando un género tan manido como el doom pero aportando ese toque diferencial tan necesario para asomar la cabeza entre la ingente oferta actual. Ese estilo propio no sólo se consolida en su nueva entrega, sino que Slowgod II expande aún más si cabe el universo

por el que Grajo transitan. ‘Altares’ puede sonar familiar por su tono pesado y denso, pero en lugar de someterte constantemente con el mismo riff, la canción respira gracias al registro melódico de Liz haciendo de contraste y te vuelve a ahogar según su voluntad hasta que finaliza. Si crees haber escapado de la tortura, te equivocas, pues ya has caído en sus garras a la que ‘Queen Cobra’ golpea con un groove contagioso y adictivo, siendo una de las composiciones más directas de su catálogo, algo en lo que reincidirán más adelante en ‘Horror & Pleasure’. ‘Malmuerta’ te hace darte cuenta de que realmente estás ante algo

único cuando aparece ese riff arabesco y la voz de Liz vuelve a hacer de las suyas en un pasaje lleno de duende andaluz acompañado de palmas desembocando en otro riff devastador. Incluso si quisiesen jugar a ser una banda instrumental podrían funcionar perfectamente como muestran en la final ‘Malstrøm’, todo un viaje repleto de guitarras envolventes con sabor stoner y psicodelia para regalar. En la cubierta han vuelto a contar con el genial trazo de Antonio Ramírez, que supone la guinda a otra obra más que nos llega desde tierras andaluzas para colocar en la estantería. Y que no pare. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... JOSEF En Slowgod II habéis expandido vuestra paleta de sonidos más allá del doom. ¿Cómo habéis vivido esta evolución?

“Pues de una forma muy natural. No ha sido algo meditado, sino que nos hemos dejado llevar por lo que nos ha apetecido hacer en ese momento a la hora de componer. Hemos dado más protagonismo a las atmósferas, melodías y añadido algunos sintes, también hemos jugado algo más con los tiempos y ha quedado un LP más dinámico, más cálido y abierto, aunque claramente reconocible, o al menos así nos los parece a nosotros. Aun así, me gusta pensar que mantiene las señas de identidad de nuestro debut”. Un claro ejemplo es un corte como ‘Malmuerta’, donde se pueden atisbar sutiles detalles

de la música andaluza. ¿De dónde sale la inspiración para componer algo así?

“Supongo que de la tierra. Somos andaluces los cuatro, lo difícil sería esconderlo o renegar de ello, ya que de una forma directa o indirecta, hemos estado expuestos a estas influencias toda nuestra vida y al final es algo que se tiene que notar. No dejan de ser nuestras raíces, y aunque en ‘Malmuerta’ sí que están más al descubierto que en ninguna otra ocasión, no es la primera vez que las mostramos. Creemos que es algo natural”. Vuestra música es oscura pero, al mismo tiempo, gracias a la voz de Liz desprendéis un toque exótico o místico, por decirlo de algún modo. ¿Os gusta sacar el lado hermoso de lo triste?

“Más que de lo triste, lo que nos gusta destacar es el lado hermoso de lo oscuro. Nos llama muchísimo la atención este aspecto, la parte oculta de las personas y de la vida en sí. Vivimos en una época muy oscura y extraña y eso queda reflejado también en nuestra música”. En vuestra zona no paran de salir muchos de los grupos más interesantes del panorama nacional en la actualidad. ¿Qué es lo que coméis ahí abajo en el sur para que aparezca tanta calidad?

“Nosotros comemos mucho salmorejo y flamenquines. Nah, siempre he pensado que es algo digno de estudio. Muchas horas de sol, mucho paro y un futuro bastante incierto quizás sean un buen caldo de cultivo”. (GONZALO PUEBLA)

NECROS CHRISTOS Domedon Doxomedon

(SEPULCHRAL VOICE) DEATH METAL

o mola nada, pero ha ocurrido: a los berlineses Necros Christos se les ha ido la pinza, la cosa ha acabado desmadrándose, su siempre arriesgada propuesta ha acabado por devorarlos. Estamos más que acostumbrados a que sus distintos ‘Temple’ y ‘Gate’ vayan preparando el terreno para sus canciones metaleras, pero esta vez se han pasado. Su exótico death metal de Oriente Medio se prolonga aquí durante tres capítulos, titulados como ITH, SETH y TEI, siendo así un triple álbum que se prolonga durante 113 minutos, casi dos horazas. Podríamos

74 86

estar hablando de un festín o de un auténtico peñazo, y servidor se decanta al 100% por lo segundo. Y ojo, que en el fondo no son los excesivos interludios y pajas esotéricas lo que me han cansado, ni siquiera su duración… No, han sido los temas en sí, que es mucho más alarmante, pues simplemente no aguantan el tipo y se pierden entre tanto medio tiempo. Uno se mantiene ahí expectante, la atmósfera de Domedon Doxomedon le envuelve y esas voces tan logradas le arrebatan el alma, lo de Mors Al Ra al micro es realmente espectacular, pero en cuanto enfilan de nuevo la electricidad… Uy, esto hace aguas. La primera ‘I Am Christ’ es una pasada, recupera lo mejor de Doom Of The Occult, pero luego ‘Tombstone Chapel’ simplemente entretiene, ‘He Doth Mourn In Hell’ es simplona, no aporta, y así vamos transitando tediosamente hasta que ligeramente te despierta la segunda mitad de ‘The Heart Of King Solomon In Sorcery’ o el blast de ‘The Guilt They Bore’. Un gigantesco ejercicio que cae en saco roto. Repetir es casi una gesta. Un artefacto de lo más indigesto. PAU NAVARRA

GRAVVES

Oh, The Joy (LONER NOISE) ROCK ALTERNATIVO

no de los secretos mejor guardados de la escena de Gales son Gravves, quienes asomaron la cabeza por primera vez el año pasado con un EP y títulos tan provocadores como ‘My Pet Rihanna’. Ese guiño a la cantante de ‘Diamonds’ y, sobre todo, su visceral manera de atacar sus instrumentos les sirvió para llamar la atención de emisoras de su país como la BBC y Kerrang! Radio. Un año después el trío vuelve a la carga con otros seis temas de grunge rock con actitud punk y letras metafóricas pasadas de vueltas. El presente Oh, The Joy, su segundo EP, incluye piezas

rápidas y agresivas como la inicial ‘Power Bomb Baby’ y ‘This Is Bliss’, en la onda de los Pulled Apart By Horses más gamberros, con una importante carga melódica. En este aspecto destacan cortes como la frenética pero altamente pegadiza ‘Monster Truck’, una suerte de punk’n’roll muy pegadizo cuyo estribillo, cantado al unísono por el guitarra y el bajista, evoca a Jamie Lenman y sus Reuben. “Si tu eres un Mini, yo soy un Monster Truck. Te llevaré al barro”, advierten. Breve pero intenso, en esta nueva referencia de los galeses no sobra ningún tema. Gravves mantienen el tipo durante todo el disco. ‘Hello Sailor’ podría formar parte de cualquiera de los discos de Frank Carter & The Rattlesnakes y nadie se daría cuenta, la bonita pero oscura ‘Sinister Surfer’ recuerda a los maestros Failure sin salirse demasiado de su guión punk, y con ‘L Is for Loser’ cierran el disco escupiendo bilis durante 2 minutos y pico memorables. Ojalá que todo lo bueno que apuntan aquí se concrete bien pronto en un álbum con todas las de la ley. LUIS BENAVIDES

THE BODY

I Have Fought Against It, But I Can’t Any Longer. (THRILL JOCKEY) METAL EXTREMO EXPERIMENTAL, ELECTRÓNICA, INDUSTRIAL

la hora de romper esquemas, fundir sesos y dañar tímpanos, a The Body pocos les pueden toser. El dúo estadounidense continúa su prolífica carrera con otra sobrecogedora colección de ambientaciones fantasmagóricas, ruidismo, metal extremo experimental, agonías varias y hermosas vistas a decadentes fábricas instaladas en un mundo en blanco y negro. Y precisamente ahí reside su grandeza, en conseguir que lo espeluznante conviva tranquilamente con lo bello, o peor todavía: que sea lo

dantesco, lo enloquecedor, aquello que más te llegue. De esta forma, entre voces femeninas de categoría surgen contrapuntos, como esa ‘voz’ de un maldito delfín que, en mi opinión, ha sido forzado por su respiradero, y que, con mucha mala uva, va prolongando su angustia durante casi todo el álbum. Su presencia llega a ser muy incómoda, cargante, pero precisamente ésa es la función que busca su apaisada aflicción. El mismo caso se da en ‘Nothing Stirs’ o ‘Blessed, Alone’, donde la hermosura debe ocupar el mismo espacio que la desesperación y el histerismo más absoluto. Cuando te sumerges en el universo de la electrónica más apocalíptica y under, pocas limitaciones encuentras a la hora de alcanzar tus malvados fines, e inmersos en su personal vía crucis, Lee Buford y Chip King dan otra vuelta de tuerca a una trayectoria que, año tras año, se vuelve aún más recomendable. Ese electro sludge con salida flowera que es ‘An Urn’ desde luego indica que The Body se atreven con todo, pero siempre ganan. PAU NAVARRA

THE DEAD DAISIES Burn It Down (SPITFIRE/SPV) HARD ROCK

n apenas cinco años, The Dead Daisies han tenido más cambios de formación que muchos grupos que acumulan décadas de carrera. Pero el guitarrista, fundador y millonario David Lowy siempre ha conseguido ir fichando músicos de renombre para conservar esa aura de supergrupo que les acompaña desde sus inicios, y así, en la actualidad cuenta con John Corabi (Mötley Crüe) como vocalista, Doug Aldrich (Dio, Whitesnake) a la guitarra, Marco Mendoza (Thin Lizzy, Blue Murder) al bajo y Deen Castronovo (Journey, Bad

English) a la batería. No está nada mal. La buena noticia es que llegados a su cuarto disco, The Dead Daisies ya no suenan tanto como el capricho de un hombre de negocios metido a rockero, sino como una banda de verdad. En Burn It Down se han decantado por un sonido algo más crudo y duro para presentar diez canciones que siguen bebiendo del hard rock de los 70 y los 80. La rasposa voz de Corabi encaja como un guante y le da una fuerza extra a temas como ‘Rise Up’ o ‘Burn It Down’, e incluso a una balada de aires sureños como ‘Set Me Free’. Sin esconder sus influencias de clásicos como Aerosmith (‘Leave Me Alone’) o Montrose (‘Dead And Gone’), The Dead Daisies también incluyen una versión recauchutada de ‘Bitch’ de los Rolling Stones en el ecuador del disco. No hay nada aquí que no hayamos escuchado antes, pero la solvencia contrastada de estos músicos consigue un álbum ideal para aquéllos que piensen que ya no se hace música como la de antes. FERNANDO GÓMEZ

MAYDAY PARADE

NUNCA ES FÁCIL PARA UN GRUPO CON UN PÚBLICO BÁSICAMENTE ADOLESCENTE CONSEGUIR QUE ÉSTE CREZCA CON ÉL. CON SUNNYLAND, MAYDAY PARADE FRENAN UN POCO SU EVOLUCIÓN PARA VER SI SUS SEGUIDORES LES ATRAPAN. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

I VIVES EN BARCELONA, MADRID, MALLORCA O GRANADA,

es posible que mientras estés leyendo esta entrevista, Alex Garcia, el guitarrista principal de Mayday Parade, esté en tu ciudad. Cuando haces dos semanas hablábamos con él por teléfono, nos sorprendió comentándonos que en breve iba a estar de viaje por nuestro país, e incluso nos pidió recomendaciones de dónde alojarse en la capital. “Me encanta España. He estado varias veces y me gusta mucho”, nos decía. Pero el motivo de nuestra charla no era para hablar de sus vacaciones, sino de su trabajo. El 15 de junio, Mayday Parade, la banda que tiene junto a Derek Sanders (voz), Brook Betts (guitarra), Jeremy Lenzo (bajo) y Jake Bundrick (batería), publicarán su sexto álbum Sunnyland (Rise), en el que parecen querer recuperar parte de su pasado para seguir avanzando. Y es que si bien encontramos piezas más enérgicas como ‘Never Sure’ o ‘If I Were You’, también sacan su vena más romántica en las folkies ‘Always Leaving’ o ‘Piece Of Your Heart’, que parecen destinadas a contentar a sus primeros fans. Un hecho que Garcia no rehuía en la primera pregunta que le planteamos. Este disco me ha parecido una

mezcla entre vuestro último dis-

también están en el disco”.

co Black Lines y alguno de los primeros. ¿Es lo que buscabais?

Cuando tocasteis aquí, los te-

ALEX GARCIA “No lo hablamos

mas de Black Lines sonaban

explícitamente, sino que más bien fue un accidente feliz. Pero en todo caso, queríamos un equilibrio entre el sonido más experimental del disco anterior, pero a la vez, volver un poco al sonido que nuestros fans esperan de nosotros”.

muy bien. Creo que se ajusta-

A mí me gustó mucho Black

Lines y la dirección más cercana al rock alternativo que tomasteis, pero, por lo que dices, intuyo que quizá no gustó tanto a vuestros fans, que quizá prefieran vuestra cara más popera.

“Es difícil de decir. Por un lado, creo que comercialmente no tuvo tanto éxito como nuestros discos anteriores, y tengo la impresión de que a alguna gente no le gustó ese sonido, pero al mismo tiempo, conozco a otros a los que gustó mucho. Creo que polarizó las opiniones, o lo amabas o lo odiabas. Es un poco complicado. He estado leyendo las opiniones sobre los avances que hemos lanzado y algunos dicen ‘qué bien, suenan como los antiguos Mayday Parade’, y otros dicen ‘es una pena que no hayan seguido la línea de Black Lines’. Creo que los avances no son representativos de los temas más parecidos a Black Lines que

ban más al directo. Quizá a la gente que nunca os hubiera visto en vivo le costó más de asimilar el cambio.

“Creo que es una buena reflexión. Hicimos Black Lines porque queríamos capturar el sonido del directo. Todos nosotros vemos Mayday Parade como un grupo de rock, y creo que Black Lines mostraba esa cara en toda su extensión. Creo que tienes razón, la gente que nos había visto en directo no creo que pudiera sorprenderle tanto como a la que no. Quizá la gente más crítica es porque sólo nos asociaba al sonido de los discos, que era más pop”. Hablando ya de Sunnyland, tengo entendido que es una referencia a un lugar de vuestra ciudad. ¿Podrías explicar qué es Sunnyland?

“Sí, claro. Sunnyland es un hospital psiquiátrico en Tallahassee, Florida, nuestra ciudad. Fue muy importante en los años 50 y 60, pero luego dejó de funcionar, y cuando nosotros crecimos era simplemente un gran edificio abandonado al que íbamos a jugar. Era un lugar

107

muy chulo, y cuando íbamos al instituto íbamos allí a ver todas las cosas raras que todavía quedaban, y que daban un poco de miedo. La canción ‘Sunnyland’ habla sobre la nostalgia, sobre la juventud que vivimos, pero como título de disco nos gustaba por que el nombre evoca un lugar maravilloso y feliz, pero en realidad era un lugar tenebroso. Nos gustaba el contraste entre esos dos conceptos, daba mucho juego”.

cuando ibais a Sunnyland? ¿Es

además de vuestros viejos co-

un recuerdo compartido?

laboradores Zack Odom y Ken-

“Mmm… déjame pensar. Creo que fue más o menos cuando empezamos. Recuerdo que salía con una chica y la primera vez que le dije que me gustaba fue en Sunnyland. Y estuve con ella en los inicios de Mayday Parade. No sé si Jake fue allí alguna vez, pero Jeremy, Brooks y Darren, seguro que sí”.

neth Mount. ¿Intimida ponerte

En este disco habéis trabajo en algunos temas con John

¿Ya estaba la banda en activo 108

Feldmann y Howard Benson,

a trabajar con gente que tiene tantos hits en su currículum?

“En realidad no. Quizá si éste fuera nuestro primer o segundo disco, sí. Pero a estas alturas, ya tenemos una trayectoria y ya no nos impresionan estas cosas. Te diría que es casi al revés, porque pagamos mucho dinero para trabajar con estos productores, así que son más bien ellos los que tienen que demostrar lo que pueden aportar. Es una in-

“NO CREO QUE NUNCA NOS HAYA GUSTADO UN TEMA Y LO HAYAMOS TIRADO A LA BASURA PORQUE NO GUSTARÍA A UN CHAVAL DE 15 AÑOS” ALEX GARCIA

Feldmann y Benson. Los dos hacen cosas que molan y en las que yo no hubiera pensado, pero también hay cosas que no me gustaron. En todo caso, aprendimos mucho. Todo forma parte del proceso”. También hay algún tema más político como ‘It’s Hard To Be Religious When Certain People Are Never Incinerated By Bolts Of Lightning’, algo no habitual en

que hagamos lo que hagamos, las canciones acaban sonando a Mayday Parade. No creo que nunca nos haya gustado un tema y lo hayamos tirado a la basura porque no gustaría a un chaval de 15 años. Nunca hemos funcionado así. Intento no pensar demasiado en eso y seguir nuestro instinto. Tanto si escribo algo súper raro, como algo que podría haber escrito en 2005, si me gusta de verdad, intento tirarlo adelante”.

vosotros. ¿Sentíais la necesidad

versión de tiempo y dinero basada en su reputación. Así que la presión va en dos direcciones. Quizá en nuestros inicios, si hubiéramos hecho algo con ellos y no hubiera funcionado, pensaría que es culpa nuestra, pero ahora tanto el éxito como el fracaso es una responsabilidad compartida”.

de dar vuestra opinión?

El año pasado reeditasteis vues-

“No diría que fuera una necesidad. Todo el mundo tiene su opinión política, y en realidad no creo que sea algo excepcional, porque lo difícil es no tenerla en el mundo actual. Mayday Parade siempre hemos querido hacer música que fuera una vía de escape para la gente, y siempre hemos querido estar abiertos a todo el mundo sin importar sus creencias. Nos basamos más en las emociones que son universales para todos, sin excluir a nadie. Pero al mismo tiempo, compartimos ciertas opiniones entre nosotros, aunque quizá nuestras familias no piensen lo mismo, y tampoco queremos esconderlas”.

tro debut A Lesson In Roman-

Éste es ya vuestro sexto disco, y habéis ido madurando en todos

En todo caso, ¿fue una experien-

los sentidos. ¿Crees que es más

cia positiva?

difícil hacerlo viniendo de tener

“Con Zak y Ken sabemos perfectamente cómo trabajan, así que tenía curiosidad por ver lo que harían

un público muy joven?

tics por su décimo aniversario. ¿Cómo ves ese disco ahora?

“Es difícil porque se mezclan muchas emociones. Por un lado, es el disco que nos puso en el mapa y nos abrió a tener una carrera. No puedo sentir más que agradecimiento por lo que significó ese disco. Pero por otro lado es un álbum que nunca escuchaba. Naturalmente para el aniversario tuve que hacerlo porque dimos algunos conciertos tocándolo entero, y la verdad es que redescubrí muchas canciones que me gustaban de verdad. Creo que sigue siendo un buen álbum diez años después. No deja de ser un primer trabajo, y tiene sus defectos, pero gracias a él, hoy estamos aquí”.

“Sí, desde luego es algo de lo que somos conscientes. Pero al final, creo 109

THE CAPACES

MÁXIMA EFECTIVIDAD SON UNA DE NUESTRAS BANDAS MÁS FIABLES Y, COMO DE COSTUMBRE, NO HAN VUELTO A FALLAR. EN SU NUEVA ENTREGA LOS VETERANOS THE CAPACES OFRECEN OTRA DESCARGA DE PUNK ROCK HÍPER ACELERADO MARCA DE LA CASA HACIENDO VALER AQUELLO DE QUE, LO BUENO, SI BREVE, DOS VECES BUENO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: GUILLEM WILLY, PERE G. EJBY (DIRECTO)

IENDO DESDE EL PRINCIPIO LOS ESCENARIOS SU HÁBITAT NATURAL, ERA UN COMPLETO MISTERIO

cómo a una banda siempre tan al límite como The Capaces aún no se les había llegado a vaciar el depósito de gasolina. La misma que usaron para prenderle fuego a un debut como Born To Punk en 2003 (aunque empezasen a rodar en 1999) que sentó las bases de una propuesta no apta para todo los oídos. Los barceloneses agarraban con

las numerosas giras fuera de nuestras fronteras. Sin embargo, a finales de 2016 se veían obligados a echar el freno motivado por el embarazo de Martillo, su imponente cantante. Un descanso más que merecido después de tantos años al pie del cañón y que les ha servido tanto a ella como a Cleve (guitarra), Sergi (bajo) y Saúl (batería) para preparar a conciencia Rawness (El Beasto Recordings). Una nueva muesca en su revólver donde además de descargar por enésima vez ese punk rock kamikaze que les caracteriza, recuperan la formación de quinteto con la incorporación a la segunda guitarra de Oscar ‘Jaba’, procedente de Prisma Circus y Saturna. De todo ello y mucho más hablamos con sus dos miembros fundadores.

nos un bolo al mes. Cuando anunciamos la baja por maternidad alguien proclamó un ‘se acabó el rock’n’roll’, seguido de un ‘¡No te equivoques! Esto acaba de comenzar’. Yo miraba ese hilo de conversación en Facebook sin saber si reírme o enfadarme, pues lo que estaba por llegar realmente era un misterio para mí. Aunque tenía clarísimo que tarde o temprano volvería, no sabía exactamente cómo seria compaginar maternidad y estar en un grupo. Finalmente, a los dos meses de nacer mi hija ya estábamos compartiendo escenario con Zeke, y a los seis, grabando Rawness. Por lo que el punk rock no se acaba con la maternidad, sino todo lo contrario: continúa con más convicción y orgullo”. Una curiosidad que tengo respecto a esto, aún a riesgo de quedar

fiereza lo que titanes como Zeke o The Hellacopters ya habían hecho y lo pasaban por la licuadora a ritmo de punk rock aderezado con toneladas de distorsión y suciedad. Un plato que a lo largo de casi dos décadas ha ido consiguiendo adeptos a la mínima que alguien se atreviera a prestarles atención, pero también la injusta falta de reconocimiento de quienes desconocen que por aquí tenemos a una de las bandas de cabecera en Europa dentro de su estilo, como así lo han corroborado

Siendo una formación tan activa

como un completo cretino... Hace

como vosotros, ¿qué tal os sen-

un tiempo vi una entrevista a

tó el parón que os tomasteis

Ennio Morricone donde comenta-

debido al embarazo de Marti-

ba que antes de meterse a gra-

llo? ¿Os trastocó un poco los

bar con una cantante de ópera

planes que teníais de cara a

que estaba embarazada, le dijo

este nuevo trabajo?

que iban a esperar a que tuviese

CLEVE “La verdad es que no, puesto

el niño porque a raíz de dar a

que pudimos planificar todo con suficiente antelación. Marta estando embarazada de seis meses dio su último concierto con The Capaces y luego, tras el lógico parón, nos pusimos a trabajar en el nuevo disco inmediatamente, y estamos muy contentos con el resultado, la verdad. Además, este parón también nos permitió coger un poquito de aire, ya que como dices, no habíamos parado en muchísimo tiempo”. MARTILLO “Desde los 15 años que no había parado el ritmo de ensayo semanal y la regularidad de al me-

luz, su voz iba a cambiar. No sé si en tu caso has notado algún tipo de diferencia respecto a otras veces... MARTILLO “Supongo que el espec-

tro de mi voz borra esos matices por arriba y por abajo (risas). He dejado de beber whisky. Es lo único que he notado: menos resacas. Pero sí que es cierto que cuando tenía la barriga muy grande de siete u ocho meses, notaba que me faltaba el aire incluso al hablar. El diafragma queda oprimido, pues cada vez hay menos espacio ahí dentro y se nota. También me 93

“NOSOTROS JUGAMOS CON UNAS COORDENADAS CLARAS, UN SONIDO Y UN ESTILO CONCRETO, Y ESTE SELLO PERSONAL ES NUESTRO BASTIÓN. ÉSTA ES LA PERSONALIDAD DE LA BANDA”

MARTILLO

agotaba al estar de pie mucho rato o subir escaleras. Es un cambio físico brutal, cargas mucho peso. ¡Unos 12 kilos más! Después todo vuelve a su sitio y alucinas cuando ves las fotos”. También entre medias, los dos habéis aprovechado para montaros otro proyecto paralelo llamado Shake! donde le dais al soul y el R&B más primigenio. ¿Qué me podéis contar de este grupo? ¿Os hizo pillar con más ganas lo nuevo de The Capaces? CLEVE “La verdad es que Shake! em94

pezó un poquito antes y la respuesta es que no sólo nos hace pillar con más ganas a The Capaces, sino que al revés también funciona. Es decir, se retroalimentan las dos bandas continuamente. Te puedo decir que en Shake! nuestro propósito es reactualizar las maravillosas canciones englobadas básicamente en el estilo Memphis soul. Me refiero a Otis Redding, Sam & Dave, Wilson Pickett, Carla Thomas, Clarence Carter... Todos ellos presentes en los sellos Stax y Atlantic principalmente de la década de los 60. Esto es soul sureño, con

estructuras de rock’n’roll y retazos pre funk, combinado con efectivas líneas de vientos. Todo esto intercalado con temas rockeros en la onda de Little Richard. Tenemos ya nuestro LP de debut, Soul’N’Roll, grabado el 2016 en Ultramarinos Costa Brava con Santi Garcia, un single grabado el año pasado y temas listos para el que será nuestro segundo largo”. MARTILLO “A mí personalmente me dio oxígeno, otra visión de las posibilidades de mi voz y una manera distinta de expresarme. He experimentado mucho versionando a tó-

asegurar el tiro. Es decir, saber que la calidad de grabación va a ser óptima en muy poco tiempo, ya que Rawness se grabó en cuatro jornadas de siete horas. Tiempo muy justo, por decirlo suavemente. El tema era llevar todo muy bien preparado y hacer tomas buenas rápidamente. Por motivos económicos no pudimos dedicar más días a la grabación y sobre todo a la mezcla y la producción, pero aun así estamos muy contentos con el resultado”. MARTILLO “A parte, es como grabar en casa. Santi nos conoce, sabe lo que quiere, lo que queremos, y sabe de todo nuestro potencial y es un coach muy motivador. Tenemos confianza total en él”. En este trabajo recuperáis la formación de quinteto de vuestros comienzos con la incorporación a la segunda guitarra de Oscar ‘Jaba’. ¿A qué obedece esta decisión? ¿Tal vez Cleve se veía en algún momento un tanto apurado con las guitarras? MARTILLO “(Risas) Cleve tiene cuer-

tems como Aretha Franklin, Otis Redding, James Brown... Siempre alejándome de la imitación pero haciendo un trabajo de inmersión profundo, lo he gozado como nunca. Placer en estado puro”. Habéis registrado Rawness bajo la dirección de Santi Garcia en la producción. Siendo la tercera ocasión en la que trabajáis juntos, ¿qué es lo que buscabais en él esta vez? CLEVE “Con Santi sobre todo, como

se dice vulgarmente, buscamos

da para rato, pero tener dos guitarras, además de un compañero con la calidad de Jaba, abre nuevas posibilidades al sonido de la banda. Nos apetecía retomar ideas que refulgían en algunos temas del Restless Breed (su tercer álbum editado en 2007 -ndr.) y por fin culminarlas. Y para qué te voy a mentir, se pasan horas en el local de ensayo como unos posesos a un volumen infernal (risas). Son un buen tándem”.

desquiciado de toda la vida a tope de revoluciones. Llegados a un sexto trabajo de estudio, ¿cuesta más estrujarse el cerebro a la hora de hacer algo más sorprendente? CLEVE “En esto no estoy de acuerdo.

Creo que este disco tiene varias cosas novedosas dentro de la discografía de The Capaces, que quizá apuntábamos en anteriores trabajos, pero que aquí finalmente explotan. Es una muestra de la constante evolución dentro de nuestro estilo. Temas como ‘Light The Fuse’, ‘Shining Soul’ o sin ir más lejos, ‘Poison’, la cover de MC5, son una muestra de ello. Y respecto a lo de estrujarse el cerebro, es simplemente un tema de dedicación y oficio. Ahora ya estamos trabajando en nuevo material, ya que a finales de julio grabaremos cuatro temas para un compartido con dos enormes bandas amigas: los alemanes Nitrovolt y Speedozer, de Bélgica”. MARTILLO “Nosotros jugamos con unas coordenadas claras, un sonido y un estilo concreto, y este sello personal es nuestro bastión. Ésta es la personalidad de la banda. Nos gusta rápido, sucio y sudado, y pese a que estos adjetivos puedan acabar siendo las etiquetas facilonas para describirnos en una escucha superficial, la labor que hay detrás de los temas es un trabajo de regeneración constante, evolución y sublimación de una trayectoria de fuertes convicciones. Éste es nuestro camino, no supeditado a modas, lejos de los clones y tal vez poco comprendido”. De hecho, en For Good ya inten-

En cuanto al disco en sí, parece

tasteis abrir un poco vuestro so-

no guardar grandes novedades.

nido, con otro tipo de arreglos e

Es vuestro punk rock suicida y

incluso metiendo más melodías. 95

En cambio, Rawness trasmite justamente eso: más crudeza. ¿Buscabais ese contrapunto? CLEVE “En nuestro caso cada nuevo

disco suele contrastar con el anterior. Debe de ser un proceso inconsciente de compensación. En For Good creo que apuntábamos cosas que se materializan en Rawness al respecto de las líneas melódicas, por ejemplo, como te decía antes, y en las letras también. Si este último disco es más crudo lo es principalmente por el tratamiento de las guitarras en sonido y

presencia. Sólo hemos grabado dos guitarras, nada de capas extra ni sobreproducción. Sólo lo que se puede ejecutar en directo con un sonido prácticamente idéntico. El recrudecimiento de la mayoría de las letras es debido a los tiempos inciertos que estamos viviendo. La vergüenza que supone la muerte de miles de refugiados que sólo aspiran a huir del horror, la creciente criminalización de la libertad de expresión y pensamiento, el retroceso ideológico a todos los niveles, etcétera”.

Aprovechando el auge actual del movimiento feminista, quería preguntar a Martillo sobre su participación en el documental

Tomar El Escenario, donde se hablaba del papel de las mujeres dentro de la música alternativa. Siendo alguien que llevas ya mucho tiempo dentro de este mundillo, ¿cómo ha sido tu experiencia? Porque ahora es cierto que cada vez es más fácil ver a chicas que se animan a montar bandas, pero cuando tu empezaste no había muchos referentes femeni-

nos en el punk rock o el hardcore de aquí. MARTILLO “Siempre empiezo

hablando de este tema diciendo que lo hago desde mi experiencia, de mi vida, de mi entorno, siendo consciente de que tal vez no sea lo que se espera que diga o no sea interesante, pero para mí el rock’n’roll como familia ha sido lo mejor que me ha pasado. El problema de joven lo tenía en el trayecto de casa al local o de casa al concierto, y viceversa. Desde puta, guarra... Encima, la movida con los nazis... Bufff, ¡vaya época

de broncas! Cuando llegaba a destino podía estar tranquila que nadie cuestionaría mi forma de vestir ni de actuar. Las cosas estaban muy mal fuera del punk rock. Por contarte algo, con 12 años ser perseguida por un tío ya de noche hasta el punto de tirarme a unos matorrales para violarme, conseguir escapar y encerrarme en casa con el ataque de pánico más grande de mi vida. O hasta en plena hora punta meterme mano en el metro o en el autobús, o tocarme el culo por la calle al grito de ‘estas guiris son unas guarras’. También he tenido un encargado acosador que me dan arcadas sólo de recordar su cara. Me acorralaba en el almacén siempre con algún pretexto exculpatorio y pasaba jornadas infernales sintiéndome atrapada, siempre media sonrisa y sorna, indirectas, miradas... mientras que en el estrecho mostrador, a la que podía se me restregaba por atrás. 18 años tendría. En otro curro de mierda, con 20 años aproximadamente, también tuve que aguantar al gestor, sus indirectas y sus miradas de arriba abajo, ese mismo que me decía ‘en plan de broma’ que le gustaba mi look despeinado ‘como de recién violada’. Ya más mayor, así aleatoriamente, me han enseñado la polla en plena calle y escupido en la cara por intentar defenderme... Pero nunca me ha pasado nada de esto en un concierto de la Polla Records o S.A., ni en un bar punkarra de borrachera, ni en el local de ensayo. Con veinte locales, a tres grupos por sala, éramos unas tres chicas en total y nada, nunca nadie se metió conmigo ni con mi cuerpo. Todo lo contrario,

máximo respeto siempre. He podido expresarme siempre libremente sin presiones ni intimidaciones y puedo decir que he sido y soy muy feliz en éste, mi mundillo”. Tu manera de expresarte en el escenario siempre ha sido muy salvaje y desinhibida. ¿Es algo que te haya ocasionado algún tipo de problema en ocasiones con actitudes machistas por parte del público o incluso de otros grupos? MARTILLO “Nada destacable, hay

imbéciles en todas partes. Tal vez en alguna fiesta mayor con un público variopinto he podido escuchar algún comentario de mierda, pero no es lo habitual. Pura anécdota”. Siempre habéis sido muy constantes en cuanto a girar fuera de España. ¿Vuestra intención va a seguir siendo la misma en cuanto a salir fuera o vais a tener que frenar un poco en ese aspecto? CLEVE “Más que parar, lo que real-

mente ya estamos haciendo es seleccionar los conciertos y festivales en los que tocar, tanto aquí como en Europa. Además, con la gran acogida que está teniendo Rawness y la celebración el próximo año del 20 aniversario de la banda, se presenta un 2019 de lo más incendiario, con eventos que iremos anunciando en los próximos meses. Así que, estad atentos y, como siempre, stay punk and keep on rockin’!”.

YOB

LA CREACIÓN DEL OCTAVO ÁLBUM DE YOB VINO MARCADA POR UNA ENFERMEDAD QUE ESTUVO A PUNTO DE TERMINAR CON SU LÍDER MIKE SCHEIDT. UN AÑO DESPUÉS DE HABERSE DEBATIDO ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE, EL MÚSICO DE OREGÓN NOS OFRECE SU PERSPECTIVA SOBRE TODO LO OCURRIDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: JAMES REXROAD

MENUDO SE USA LA FRASE ‘LA MÚSICA ME SALVÓ LA VIDA’

con cierta ligereza, pero en el caso de Mike Scheidt, es una descripción casi literal de lo acontecido a principios de 2017. Fue entonces cuando el cantante, guitarrista y fundador de Yob entró en el quirófano para tratarse de una enfermedad llamada diverticulitis, que implica la formación de bolsas en el interior del intestino, que le provocaba un dolor insoportable. La operación se complicó y las tres horas previstas inicialmente empezaron a alargarse. En un momento de apuro, el cirujano decidió que pusieran un disco de Yob para ver si Scheidt reaccionaba favorablemente… y así fue. Tras seis horas de intervención, Schedit salía con vida, pero iniciaba un largo, e incierto, periodo de recuperación. Él había sobrevivido, ¿pero lo haría su banda? Durante meses, el músico apenas podía tocar la guitarra, y mucho menos cantar. Pero con la ayuda de su familia, sus compañeros de grupo -el bajista Aaron Rieseberg y el batería Travis Foster- y una colecta entre amigos y fans para cubrir los gastos, Scheidt logró recuperar sus habilidades y componer el octavo disco del grupo que fundó en 1996. Sorprendentemente, Our Raw Heart (Relapse) es quizá el disco más luminoso y melódico del trío, aunque naturalmente, la densi-

dad de su doom sigue presente. No sé si últimamente en las entrevistas estás hablando más de

para hacer este disco. Pasamos mucho tiempo preparando las canciones, fijándonos en los detalles. Creo que simplemente somos mejores”.

tu salud que de música… MIKE SCHEIDT “(Risas) La verdad

Con grupos que suenan muy cru-

es que sí”.

dos, incluso lo-fi, uno nunca sabe si es una decisión puramente

¿Estás harto de hablar de ello?

estética, una cuestión de presu-

“Sí, pero de un modo u otro forma parte de mi vida diaria. Y también sé que hay gente que está descubriendo al grupo y no sabe nada de nosotros, y mi estado condicionó en gran parte este disco, así que no me importa hablar de ello”.

puesto, o una manera de escon-

De todos modos tampoco vamos a centrarnos en eso, porque ya has dado muchos detalles y no tengo ni idea de medicina, así que mis preguntas no serían muy interesantes... En todo caso, escuchando el álbum me ha parecido como si fuera fruto de una mayor claridad. ¿Tienes la sensación de haber estado más concentrado durante su composición que con trabajos anteriores?

“En parte sí. Creo que esa claridad es una consecuencia del paso de tiempo. Tenemos más claro qué es Yob, tenemos más claro quiénes somos nosotros como personas, tenemos más claro cómo grabar, cómo trabajar juntos. Llevamos una década con esta formación y creo que nos estamos convirtiendo en una mejor versión de Yob. Nos preparamos mejor

der sus carencias técnicas.

“No ha sido nuestro caso. Creo que todos nuestros discos están bien tocados, pero, por ejemplo, en Alma buscamos una producción más cruda porque estaba cortado por el mismo patrón que algunos de nuestros discos favoritos que sonaban así. Lo grabamos sobre todo en analógico, y queríamos un sentimiento más áspero. Y The Great Cessation o Clearing The Path To Ascendt tenían una producción más oscura, pero desde luego no eran Transilvanian Hunger (el disco de Darkthrone de 1994 -ndr.), que es un disco que amo, pero hablo simplemente de la producción. Creo que en una banda buena con buenas canciones, tener una buena producción suele ayudar, pero no siempre. A veces cuando tienes una producción muy limpia, muy clara, se pierde algo en el proceso. Es un equilibrio difícil. Pero yo no tengo una idea predeterminada, creo que al final la música encuentra su camino”. Quizá la mayor diferencia en

este disco sea que la voz está mucho más presente.

“Así es, fue una decisión consciente que tomamos durante la mezcla. Puede que sea porque creo que he cantado mejor que nunca y también porque hay mucha emotividad en la voz, y si la poníamos más baja esa cualidad quedaba diluida con el resto. Hay partes en que la voz es la que dirige la canción, así que le dimos más protagonismo, pero también a la batería. Quizá no hay tantos graves, aunque hay muchos graves, pero buscábamos esa claridad de la que hablabas, aunque necesariamente un sonido más pulido”. Supongo que cantar para ti ha sido lo más difícil durante la grabación, porque para cantar bien necesitas usar todo el tronco. ¿Estabas totalmente recuperado cuando empezaste a grabar o todavía sentías dolor?

“Sí, a veces sentía dolor. Estuve seis meses sin cantar por culpa de las operaciones. Cuando empecé a recuperar mi voz, no fue desde cero, porque tengo mucho entreno, pero no podía ir a saco, así que fui encontrando diferentes resonancias en mi pecho y en mi cabeza porque no podía depender de mi diafragma. Pero a medida que fui recuperando mi voz y fui recuperando mi pecho y mi diafragma, todas las cosas que había ido usando durante la recuperación me sirvieron para darle una nueva tonalidad. Creo que eso me hizo un mejor cantante. La realidad es que ni yo, ni la banda, sabíamos si sería capaz de volver a cantar. No sabía cómo mi cuerpo iba a reaccionar. Cuando me recuperé del todo,

100

para mí fue como un milagro. Y no me lo tomo a la ligera. Ahora me cuido mucho para que, aunque sea con dolor, poder hacer todo lo que quiero hacer”. ¿Fue el dolor una fuente de inspiración? ¿Conseguiste verle ese sentido positivo, al menos?

“No exactamente. Cuando padeces un dolor crónico hay varias maneras de afrontarlo. Unas no son nada saludables y otras lo son; yo escogí cuidar mi cuerpo. Obviamente no estoy muerto, pero recibí una visita de cortesía de la muerte. La muerte llamó a mi puerta y me dio un aviso de lo que podía pasar. Ahora que vuelvo a estar normal, el dolor crónico me hace ver mi cuerpo de una manera distinta. Cuidarme es la única manera de sentirme mejor y en ese proceso sí que he encontrado la inspiración. He ganado una nueva perspectiva y sin duda esa perspectiva se trasmite en mi voz, en las emociones, en las letras”. Cuando pasas por algo así, lo primero en lo que piensas es en ti mismo y en tu familia, y en tu caso, también en tu banda. ¿Dónde encontraste tu mayor motivación a la hora de recuperarte?

“El futuro era muy incierto, así que me centraba en hacer aquello que me hiciera sentir mejor en cada momento. Tenía que gestionar mis decisiones, desde comer sano y beber mucha agua, hasta asegurarme que mi relación con mi familia y mis amigos era fuerte, y que la gente supiera lo mucho que me importaba. Y en medio de todo eso, tenía que sentirme esperanzado de que habría un

futuro. Pero claro, no tenía ninguna garantía. En realidad, nadie tiene una garantía de la vida que le queda por delante. Nunca sabes cuál va a ser tu último buen día, pero todos fingimos que tenemos un futuro infinito, aunque sepamos que no es así. Por eso malgastamos nuestra energía en cosas banales. Pero cuando te arrebatan esa comodidad que todos sentimos, es imposible que no afecte tus futuras decisiones”. Pero es una de las contradicciones que afrontamos el ser humano: por un lado, vivir el presente, el carpe diem, y por otro, afrontar las consecuencias que en el futuro tendrán las decisiones que tomemos hoy.

“En realidad, el presente es el único momento que de verdad podemos disfrutar… o sufrir. Y si disfrutamos o sufrimos es por una decisión nuestra. Obviamente hay elementos externos que nos condicionan, pero si juntas a diez personas bajo las mismas circunstancias, cada una reaccionará de manera distinta, así que hay una gran parte que sí depende de nosotros. Eso implica que cada uno debe asumir la responsabilidad sobre su experiencia. Está bien tener objetivos y aprender del pasado, pero a nivel global, creo que estamos bajo una cultura de la meta, del llegar a un punto, de ahí la obsesión con la fama, pero no somos conscientes del esfuerzo y los obstáculos que hay que superar hasta llegar a ese punto. Puedes morir antes de llegar a la meta, y si eso es lo único que te importa, puede ser una tragedia. Pero para otra persona, o en mi caso, he aprendido que no hay una

“EL “EL DOLOR DOLOR CRÓNICO CRÓNICO ME ME HACE HACE VER VER MI MI CUERPO CUERPO DE DE UNA UNA MANERA MANERA DISTINTA” DISTINTA” MIKE MIKE SCHEIDT SCHEIDT

garantía de que puedas alcanzarla, así que más vale disfrutar del camino. No había ninguna garantía de que pudiésemos grabar este disco o de que nadie pudiera escucharlo. Podía haber muerto en cualquier momento, así que cada vez que cogía la guitarra, lo hacía con mucha ilusión, porque quizá fuera mi última oportunidad de tocarla. Eso me inspiró mucho. Cambió totalmente mi perspectiva en cuanto a lo de tener objetivos. Aún los tengo, pero ahora me centro en el momento, en charlar contigo, sin sentir dolor, teniendo un disco nuevo… eso en sí mismo ya es mucho. Y hay que saber apreciarlo”.

Puede parecer una pregunta morbosa, pero si hubieras muer-

diera escuchar el álbum, aunque yo hubiese muerto antes de terminarlo”.

to antes de terminar el disco, ¿te hubiese gustado que se publicase

Hay un par de temas, ‘In Rev-

igualmente o preferirías que hu-

erie’ y ‘Beauty In Falling Leaves’,

biese quedado inédito?

en los que tu voz me recuerda a

“Nuestro objetivo cuando componemos, cuando hacemos música, es hacer algo que amemos, para nosotros, algo que nos excite y que sea medicinal, pero una vez la grabamos ya no es sólo para nosotros. Así que me hubiese gustado que se publicase, aunque yo ya no estuviese ahí para verlo. La música tiene vida propia. Así que al 100% te digo que me hubiese gustado que la gente pu-

la de Chris Cornell. ¿Es alguien que te inspiró?

“¿Badmotorfinger? ¿Louder Than Love? ¿Superunknown? ¡Cornell era el Robert Plant de los 90! En cuanto a habilidad llegaba a unas notas increíbles. Podría haber nacido en los 50, en los 60, en los 70, en los 80, en los 2000, no hubiera importado porque era así de bueno. Es como Dio. Hacía do-woop en los 50, psico-

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“NO HABÍA NINGUNA GARANTÍA DE QUE PUDIÉSEMOS GRABAR ESTE DISCO O DE QUE NADIE PUDIERA ESCUCHARLO. PODÍA HABER MUERTO EN CUALQUIER MOMENTO, ASÍ QUE CADA VEZ QUE COGÍA LA GUITARRA, LO HACÍA CON MUCHA ILUSIÓN, PORQUE QUIZÁ FUERA MI ÚLTIMA OPORTUNIDAD DE TOCARLA” MIKE SCHEIDT

delia en los 60, rock’n’roll en los 70 y heavy metal en los 80. Ese tío estaba destinado a trascender décadas, y Chris Cornell era igual. No creo que directamente intentara parecerme a Cornell, sino que más bien era una mezcla de Dan McCafferty de Nazareth. Escuché mucho su disco Hair Of The Dog antes de grabar ‘In Reverie’. Siempre me ha gustado esa plenitud que se escucha en la voz de Cornell o de Dio, es una voz que suena sin esfuerzo. Parece una voz de rango medio, hasta que intentas cantar encima y te das cuenta de que está 102

muy arriba. Para cualquier persona sería necesario cantar en falsete, pero no para ellos. Pero desde luego, en este disco hay algo de los 90, porque me gusta tanto el rock de los 90 como el metal de esa época”. ¿Es ‘Beauty In Falling Leaves’ la primera canción de amor que has escrito para Yob?

“Es una canción de amor, pero tiene muchos niveles. En parte es personal, pero por otro lado es mucho más general. Es difícil hablar sobre las letras porque es como diseccio-

nar una rana. Puedes abrirla y mirar todos sus órganos, pero la rana muere en el proceso. Por eso me pone nervioso analizar las letras porque puede alterar la primera impresión que tenga el oyente. No quiero quitarle su propia interpretación. Y además, a lo largo del tiempo, el significado de las letras también cambia para mí. Todas acaban creciendo y mutando. Creo que cuando alguien decide que le gusta nuestra música, quiero que sea suya, quiero que tengan su propia interpretación. Cuando en los conciertos alguien me

también podría haber vivido, pero no poder girar, con lo cual la banda también se habría visto afectada. Así que estuvieron a mi lado en cada paso del proceso. Cuando pasó el tiempo y tuvimos nuevo material que nos gustaba, y pudimos volver a ensayar, y todo empezó a tomar forma, nos dimos cuenta de que no sólo teníamos un álbum del que nos sentíamos más orgullosos que nunca, sino que nuestra relación se había hecho mucho más fuerte. Hemos sido muy felices haciendo este disco, simplemente porque pudimos hacerlo”. Aunque estés recuperado, ¿crees que va a condicionar vuestra manera de girar?

comenta una letra y lo que significa para él, me parece tanto o más interesante que lo que significa para mí. Y en ese intercambio de impresiones, aprendo mucho, y se produce una conexión muy potente. Así que no quiero poner en riesgo eso, pero te diré que esta canción es sobre el amor, pero también sobre cómo estas relaciones se van a reinventar y renovar una y otra vez a través de los siglos. Cuando los corazones de dos personas conectan, y no tiene porque ser en un sentido romántico, sino que puede ser una amistad

profunda, eso es algo eterno, que da igual en qué época suceda”. Hablando de relaciones, ¿cómo crees que la creación de este disco ha cambiado la tuya con Travis y Aaron?

“Nuestra amistad se ha hecho más profunda. No sólo yo sobreviví a todo esto, sino que la banda sobrevivió. Su futuro estaba tan en riesgo como el mío. Si hubiera muerto, la banda se habría terminado. O podría haber sobrevivido, pero no cantar, y la banda también hubiese muerto. O

“Bueno, no lo sé. El objetivo es hacer lo de siempre y así es como lo estamos planeando. Pero esta vez vamos a contratar a gente para que nos ayude. Hasta ahora habíamos sido muy espartanos: cargábamos nuestro material y vendíamos nuestro merchandising. Ahora tengo que proteger mi energía para el concierto en sí, porque a veces mi cuerpo no aguanta más y tengo que tumbarme. Es impredecible. Así que, si tenemos ayuda y después del bolo tengo que tumbarme, no pasará nada. Espero que no sea siempre así, pero más vale ser precavido. Estoy haciendo todo lo posible, haciendo ejercicio y cuidándome, levantando pesas, cuidando mi voz, para estar muy en forma cuando salga de gira. Así que espero no ser una carga para la banda. Confío en no serlo”.

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DIARIO DE GIRA

MAJÉRRIMOS POR EUROPA CON TRES TRABAJOS DE UNA CALIDAD MÁS QUE NOTABLE, YA IBA SIENDO HORA DE QUE MINOR EMPIRES SE LANZASEN A POR SU PRIMER TOUR EUROPEO. TODA UNA PRUEBA DE FUEGO QUE, A PESAR DE ALGUNOS IMPREVISTOS, SUPERARON CON ÉXITO TAL Y COMO NOS CUENTAN EN ESTE DIARIO DE GIRA. TEXTO: FERNANDO MOREIRA, JAVIER SEISDEDOS FOTOS: MINOR EMPIRES

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21 DE MARZO, BARCELONA Después de salir de trabajos y demás, quedamos para un último ensayo en Westline con Tweety, batería con el que haremos la mayor parte de la gira. Reto y Patri van a ser papás en tres meses y con el embarazo tan avanzado es preferible que se quede en Madrid. Como siempre, acabamos a las mil, y además es el cumple de Juan. Dormimos lo que podemos y salimos para Barcelona. Llegamos a Rocksound. Prueba de sonido corriendo y a reposar un rato. La bate de Tweety, que es la que vamos a usar en la gira, es de medidas grandes y se nota el cambio. Juan rompe cuerda, y poca incidencia más. Tweety se sube para hacer ‘The Escapist’ y queda bautizado. Cenamos algo donde nos dejan y Juan y Fer se retiran

a descansar a casa de Didi, donde charlamos sobre los postizos de J Lo y Beyoncé, y se sorprende de lo fan de P¡nk que es Fer. Mientras, Javi, Tweety y Reto se van con Monchu, Rob y Xavi, del equipo Avida Dollars, y acaban en el local de ensayo haciendo jam de madrugada. Reto al aeropuerto, que mañana trabaja en Madrid, y Javi y Tweety duermen en casa de Monchu. A las doce nos vemos en Rocksound para cargar la furgo y salimos para Andorra. 22 DE MARZO, ANDORRA

Andorra es otro país. Es decir, no forma parte de la Unión Europea. A veces eso se queda en la anécdota de saludar a tu paso a los agentes de aduanas de ambos lados. Otras, se complica un poco más. En esta ocasión, cuando ya habíamos pasado todos los controles, apareció un funcionario de aduanas corriendo con la mano levantada y tocó echarnos a un lado. Ya parecía que tendríamos que dar la vuelta y cancelar el concierto cuando una llamada salvadora y una amable conversación en la que le dijimos a otro de los agentes que ‘éramos buena gente del rock’ per-

mitieron que, tras rellenar una ficha de trabajo, abonar la tasa correspondiente y completar un listado detallado del equipo que llevábamos, pudiésemos seguir nuestro camino. A nuestra llegada, el majérrimo Santi Casas nos esperaba en la puerta de la sala. En nuestra anterior visita ya habíamos cenado allí, y Món Bohemi es sin duda un lugar que recomendamos. Así que a eso de las doce, después de que público y banda hubiésemos cenado, nos subimos, hacemos una fugaz prueba de sonido y adelante. El primer bolo de Tweety ha ido muy bien, le ha puesto las ganas y energía que le pone siempre, y le ha pegado tollinas como panes a tambores y platillos. Hoy dormimos en casa de Santi y Martina. Un poquito de sobremesa de madrugada, y al sobre -o sofá-, que mañana la ruta es larga. 23 DE MARZO, SAINT-ÉTIENNE

Madrugamos porque tenemos una buena tirada hasta Saint Etiénne. Además, nos habían dicho ayer que de haber sido un par de días antes no hubiésemos podido pasar a Francia, ya que se cerró por nieve. Hoy,

en cambio, hace un día espléndido y soleado, y aunque la nieve está alta, la carretera está despejada y disfrutamos de un paisaje increíble. Al llegar a la micro frontera, no hay personal andorrano, y a los agentes franceses no les interesamos, así que pasamos sin más. Camino hacia Saint-Étienne no paraban de pasar ambulancias de manera preocupante. Eran demasiadas. Nos enteramos al rato de que un loco había entrado en un supermercado y se había liado a tiros en la pequeña ciudad de Trèbes causando varios muertos. Tras digerir la noticia, seguimos. Llegamos a Saint-Étienne en hora. Encontramos sitio para aparcar al lado de la sala. Allí nos espera James. ¡Joder, qué bien habla inglés este tío! Alma máter del Thunderbird Lounge, lugar que alberga 300 conciertos al año. Un lugar pequeño y humilde, pero con mucho encanto e historia. James no era de allí sino de San Francisco, y había creado un pequeño refugio del rock que recordaba a los basements americanos. El acceso a la parte de abajo, en la que tocamos, es estrecho y revirado. Nos tratan fenomenal, nos dan una cena estu-

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penda, y disfrutamos del carácter y las historias de James. Nos tomamos la última y a dormir. 24 DE MARZO, KREUZLINGEN

Desayunamos en el céntrico apartamento de Saint-Étienne ya que había tetera. Salimos para Suiza, ruta sin incidencias, y aprovechamos para ordenar un poco el merch, por si nos paran en la frontera tener contabilizado todo. Nos paran, pero por la viñeta. Por la ausencia de viñeta, en realidad. “We’re heading Kreuzlingen”, comenta el conductor, pero resulta que este chico es español, así que nos explica en un agradecido castellano que para circular por autopista en Suiza hay que pegar ‘la viñeta’ de 2018 en el parabrisas. 40€ para un año, que nosotros usaremos dos días. Llegamos al Horst Klub. Vaya sitio. Un primer espacio tipo café, con un pequeño anexo con tele y futbolín. El espacio de conciertos, con buen escenario, buen equipo, y un mini skate park

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interior, repartido en tres mini halfpipes. Y nueva sorpresa: ¿Quién es el técnico de sonido? Jaime, de Cádiz, ¡el de los Common Places! La prueba de sonido va muy bien, empiezan a aparecer lugareños por allí con altas tasas de alcohol en el cuerpo y con un buen rollo digno de risas e intercambio cultural. Se avecinaba un buen concierto rodeados de un gran ambiente. Disfrutamos de la estupenda cena vegana que prepara Duro, un médico que tiene un cátering de nombre Vegan Queen, y que colabora con la sala. El concierto va genial, mucha gente, mucho ambiente, mucho baile. Kreuzlingen ha quedado en nuestros corazones para siempre.

en la furgo restos de la cena del Dr Duro, y llegamos a Lausanne en hora. Allí nos espera Raphael, nuestro contacto y técnico de la sala, y enseguida llegan Simon, Bryan y Paco de What Aleph Said, banda con la que tocamos esta noche. En Laussane dormimos como reyes. Y no lo decimos porque Javi se quedara dormido en el baño durante 45 minutos. Hay que hacer mención especial a Ricardo de CardiaC, un bandón. Además de buscar el alojamiento, nos ha conseguido una suite con dos camas y un sofá cama, ha gestionado todo con Raphael y What Aleph Said y se niega a que se lo paguemos, a pesar de que insistimos. Quedamos en deuda infinita con él y CardiaC.

25 DE MARZO, LAUSANNE

26 DE MARZO, LUXEMBURGO

Nos despertamos en Kreuzlingen. Desayunamos mientras continuamos charla con el bueno de Jox. Más tarde llega Ben a trabajar en su coche, e intercambiamos contactos con ambos. De camino comemos

A las doce dejamos el céntrico hotel en Laussane para acercamos al precioso Lago Lemán, con sus montañotes al fondo. Desayunamos con unas vistas de ensueño, cargados de buen rollo nos subimos a la furgo y

emprendemos de nuevo el viaje. Tras nuestra triunfal entrada en la Confederación Helvética, no nos esperábamos tal despedida. Paramos en la gasolinera al lado de la aduana para gastar todos los francos que entren en el depósito, y redondeamos con un poco de chocolate suizo... Y cuando esperamos un simple ‘Bon jour’ y quizá una sonrisa, pues no: “Orille” (en francés). Pasaportes, permiso de conducir del piloto, miran dos veces la licencia de conducir y comprueban con el conductor, que en esta ocasión era Javi, y responde en relación a la foto del carné: “Sorry, I had a bad day”, y risas generales. Papeles del vehículo. “Of course”. “Don’t step out of the vehicle!”. “OK”. La cosa empezó a ponerse seria. Motivo del viaje, de dónde venís, a dónde vais,

cómo, por qué. Sacan un palito blanco de plástico ante nuestra atónita mirada. ¿Dónde va a meter eso? Control de drogas al piloto, y Javi supera el test cum laude. A ver ese merch. Se dan cuenta de que no somos los Metallica, y tras una ligera reprimenda (si vas a Suiza a tocar, el equipo les da bastante igual, pero el merch no: deberías pedir que te sellen un listado del conteo de camis, CDs, vinilos, etc. y sus precios, para a la salida pagar los impuestos correspondientes a lo que hayas vendido). Se llevan a Javi a un cuartelillo donde hacen una serie de comprobaciones y la funcionaria de turno nos deja seguir nuestro camino sin que haya un mal mayor. Llegamos a Luxemburgo a tiempo de milagro, descargamos lo indispensable, y al rato empieza el

bolo. Tocamos con dos bandas, los locales Backseat, trío de versiones, y Fat Bald Turk, de Metz, con los que repetiremos el sábado en su ciudad. Bolos muy buenos de ambos, Fat Bald Turk con sus toques Primus y demás. Salimos, un chequeo rápido, y a tocar. Todo bien. Sudamos lo que no está escrito, como siempre, y nos fundimos con la gente local. 27, 28 Y 29 DE MARZO, ÁMSTERDAM

Se barajaba una actuación en Maastricht, pero al final no sale. Así que tenemos el día libre. Al final hemos conseguido cerrar un acústico al día siguiente en Ámsterdam, y para allá que vamos. Lo primero fue dejar nuestros enseres en el hotel y nos fuimos directos a cenar a un restau-

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rante italiano. Tweety se encontraba un poco pachucho. El muchacho siempre sale medio en bolas y sudado a la calle, y el frío de Europa no perdona. Nos fuimos a una farmacia a que comprara pastillas para evitar que cayera enfermo. A Juan el própolis le estaba salvando día tras día y aunque andaba en la cuerda floja, consiguió salir airoso en todas las actuaciones. Al día siguiente, tras dar una vuelta por Ámsterdam, nos dirigimos al Checkpoint Charlie, donde Marie y Ted habían conseguido cerrar un acústico para nosotros. Jaro, mánager del lugar, y todo el staff de ahí, nos trataron fenomenal. Juan y Fer sacaron sus acústicas y sus voces más aterciopeladas y se ganaron al respetable. Un día para no olvidar, aunque lloviera mucho. El 29 de marzo nos lo tomamos también como descanso debido a que el bolo que teníamos previsto en Koln no salió. Así que ni cortos ni perezosos nos lanzamos a la calle a disfrutar del soleado día que nos esperaba. Caminamos mucho, por allí y por acá,

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conocimos la historia de la ciudad de manos de Alfredo Caro, otro español por el mundo de los muchos que nos hemos ido encontrando, y degustamos platos típicos de Holanda que nos llevaron por lugares insospechados. Ésa era nuestra última noche en Ámsterdam y nos quedamos de relax tomando unas cervezas en el bar del hotel. 30 DE MARZO, UTRECHT

Todo el mundo nos había hablado maravillas de Utrecht. Una ciudad preciosa. Pero las cosas vienen como vienen y disfrutamos más de su parte rural debido a que nuestro alojamiento estaba a las afueras, en unos bungalows la mar de confortables y donde proliferaban las granjas ecológicas. El concierto en Pothuys fue muy bien, la gente muy animada. Conocimos a la banda Yip Roc, quienes ofrecieron un gran show y nosotros volvimos a darlo todo. Ese día nos portamos bien y nos fuimos a dormir tempranito, pues al día siguiente nos esperaba un viaje un

poquito más largo que los últimos que habíamos tenido. 31 DE MARZO, METZ

Nos levantamos a las diez de la mañana y nos dirigimos a buscar un sitio donde desayunar. Llegamos a una granja ecológica que disponía de tienda y allí compramos un montón de cosas para el resto del viaje. El staff de Le Troubadour, en Metz, nos puso las cosas muy fáciles desde el principio. Empezamos a montar todo mientras el bar se llenaba de gente. Llegaron nuestros ya viejos amigos Fat Bald Turk con sus inmensas sonrisas y todo empezó a fluir de una manera increíble. Metz nos acogió en sus brazos de forma brutal. Cuando Juan presentó ‘Trust’, un espontáneo se subió al escenario y empezaron a seguirle más y más personas hasta que las tablas se convirtieron en el lugar de acogida de un tercio del público. Fue el momento más loco de toda la gira. Tocábamos chocándonos entre todos, se pisaban pedales sin

querer. Fue un momento de locura muy divertido que seguramente recordaremos siempre. Si hay alguien en Metz digno de mención, ése es Engin, cantante y guitarra de Fat Bald Turk. Nos alojó a todos en su casa, y a todos no me refiero a Minor Empires sólo, sino a un montón de gente que había ido al bolo y que eran amigos suyos. Esa noche, como colofón, el bueno de Engin había preparado un tiramisú casero que nos esperaba en el frigorífico de su casa. 1 DE ABRIL, PARÍS

París era la última ciudad antes de regresar de nuevo a Madrid, así que esa mañana nos levantamos temprano una vez más (no hemos hecho cómputo de las horas dormidas a lo largo de la gira, pero no han sido muchas. Quizás Mapacher Empires sería un buen nombre de

aquí en adelante). Llegamos a Montreuil, un barrio de París donde esa noche tocábamos junto a tres bandas de punk francés en La Comedia: Les Vilains Clowns, Zombies No y Matos De Merde. Tras compartir como buenos hermanos cacharraje de amplis y baterías las cuatro bandas y cenar una vez más comida vegetariana, cosa que Juan y Javi agradecen mucho, asistimos al bolo de punk francés. Arnaud, cantante de Zombies No, fue quien hizo las veces de promotor, y nos trató con tanto amor que no paraba de darnos besos. Arnaud y William, guitarrista de Matos De Merde, son encantadores y esperamos volver a cruzarnos con ellos algún día si el destino lo permite. Les Vilains también eran unos majérrimos de cuidado e intercambiamos cerveza y discos con ellos. Esa noche dormimos en las casas de Juliette y

Anne-Claire, antiguas compañeras de piso de Javi en Madrid. Quedaba lo más duro. Regresar a España en un solo día. Lo hicimos cumpliendo con lo acordado. Y aunque ése fue el día que más horas pasamos en una furgo, nos volvíamos a casa con la sensación de haber luchado cada día, de habernos dejado la piel en cada escenario, de haber compartido mil y una cosas, de no importarnos haber dormido poco, de haber conocido a todo tipo de gente, de darte cuenta una vez más de que el movimiento se demuestra andando, y que las teorías son para quien las quiera. Una experiencia que esperamos no sea irrepetible porque la cabra tira al monte y lo volveremos a hacer porque montes hay muchos, y sí, estamos un poco como unas cabras. Eso no tiene precio ni lo tendrá. ¡Larga vida al rock!

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LUCIFER

BAILANDO CON EL DIABLO

EL SEGUNDO ÁLBUM DE LUCIFER LLEGA CON IMPORTANTES NOVEDADES. CON LA INCORPORACIÓN DEL POLIFACÉTICO NICKE ANDERSSON A LA BANDA, LA CANTANTE JOHANNA SADONIS NO SÓLO HA GANADO UN NUEVO SOCIO MUSICAL, SINO TAMBIÉN UN COMPAÑERO DE VIDA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A VIDA DE JOHANNA SADONIS, LA VOCALISTA ALEMANA AL FRENTE DE

de nuevo al público o como una reafirmación de lo conseguido con vuestro debut? JOHANNA SADONIS “Las dos co-

coincidido en algunos conciertos, pero en septiembre de 2016 volvimos a encontrarnos y, de golpe, fue diferente (risas). Nos enamoramos y ahora nos vamos a casar (risas)”.

Lucifer, tomó un giro inesperado hace un par de años. El fin de su relación sentimental con Lee Dorrian, cantante de Cathedral y capo del sello Rise Above, que había publicado el debut del grupo en 2016, tuvo como efecto colateral la salida del guitarrista y principal compositor Gaz Jennings, y plantó la incertidumbre sobre la continuidad del grupo. Pero pocos meses después, una conjunción de astros haría que Nicke Andersson (The Hellacopters, Imperial State Electric) adquiriese un papel decisivo en el devenir de los acontecimientos. Ambos músicos iniciarían una relación amorosa que desembocaría en una nueva unión creativa. Sadonis y Andersson compondrían y grabarían el segundo álbum del grupo, titulado simplemente Lucifer II (que publicará Century Media el 6 de julio) con el sueco encargándose de todos los instrumentos, excepto alguna aportación del guitarrista Robin Tidebrink. No es de extrañar que la pareja se entendiera tan bien dado su amor compartido por el rock de los 70, pero está claro que la influencia de Andersson se nota en unas composiciones que destilan más luz que las de su debut. Reclutando para el directo a Martin Lordin de Dead Lord como segundo guitarrista y a Alex Mayr como bajista, la vocalista siente que Lucifer es ahora una banda más completa que nunca.

sas. Dado que escribí el nuevo disco con Nicke, un nuevo compañero compositivo, lo vi como una oportunidad para repensar la dirección de Lucifer, pero al mismo tiempo, no quería alejarme demasiado del primer disco. Son diferentes, pero están conectados”.

Este álbum llega tras cambios

¿Cuánto hace que conoces a

muy importantes en la banda.

Nicke?

“No, de hecho, le encanta (risas). Ya tiene mucha responsabilidad con sus grupos, así que desde el principio me dijo que ésta era mi banda y que yo tendría la última palabra en todo. Supongo que es así, pero valoro mucho su opinión y lo hacemos todo juntos, el diseño, planear el show… Supongo que yo soy la líder, pero me gusta poder compartirlo, antes tenía que hacerlo todo yo sola”.

¿Te lo tomaste más como una

“Hace ya unos cuantos años. Primero como un conocido, con el que había

Volviendo al primer disco, ¿que-

oportunidad para presentaros

Cuéntame qué pasó con Gaz Jennings, ¿por qué lo dejó?

“Fue una cuestión personal por mi relación con Rise Above Records. Me separé de Lee (Dorrian), pero Gaz seguía teniendo una relación profesional con él, así que se sentía incómodo estando en medio. Me llamó y me dijo que para él era difícil estar en un grupo con la exnovia de su jefe. Lo entendí y dejó el grupo de manera amistosa. Me puso triste, pero no hubo mal rollo. Seguimos siendo amigos”.

¿Te daba miedo que vuestra relación personal y la profesional se convirtiera en una sola cosa?

“Bueno, la personal había empezado un poco antes. Me daba miedo escribir juntos, pero hablamos mucho sobre cómo yo quería que sonase Lucifer, y sobre mis influencias, y a partir de ahí lo probamos. La primera vez que puse una letra y una melodía sobre la primera canción que me había mandado, ‘Dreamer’, estaba muy, muy nerviosa. Estaba ahí junto al teléfono, con una almohada tapándome la cabeza, pensando ‘¿Qué pasará si no le gusta?’ (Risas). Pero me llamó y me dijo que era genial. Y la verdad, luego todo fue muy fácil. Nos divertimos mucho grabando en el estudio”. Nicke está acostumbrado a

¿Te planteaste disolver el grupo

mandar en The Hellacopters e

en ese momento?

Imperial State Electric. ¿Le costó

“De entrada, me pregunté cómo iba a seguir sin mi compositor principal, claro, pero un día hablando con Nicke por teléfono, me dijo ‘¿Por qué no componemos juntos?’. Y al principio no lo veía claro, pero al final me convenció. Y empezamos a componer, y fue muy fácil porque entendemos la música de una manera parecida. Al final, fue lo mejor que podría haber pasado”.

ceder parte de ese control? Porque, al fin y al cabo, Lucifer es tu grupo.

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“HARÍA EXACTAMENTE LA MISMA MÚSICA SI FUERA UN TÍO, PERO NO PUEDO EVITAR HABER NACIDO CON CUERPO DE MUJER” JOHANNA SADONIS

daste satisfecha con lo que su-

más fuerza que nunca, quería

puso para tu carrera?

saber qué opinabas sobre un

“Supongo que funcionó bastante bien para ser un primer trabajo. Creo que no es siempre es fácil para una mujer en este negocio. Tuvimos muy buenas críticas, pero siempre hay gente que suelta mierda, con cosas que no tienen que ver con la música. No me enfado si a alguien no le gusta nuestra música, pero cuando son juicios más personales, es molesto. Haría exactamente la misma música si fuera un tío, pero no puedo evitar haber nacido con cuerpo de mujer. En general estoy satisfecha con el primer disco, pero creo que el segundo álbum es un paso adelante. Incluso diría que me esforcé más porque quería impresionar a Nicke (risas). Y cada vez que vas al estudio, aprendes algo nuevo”.

asunto. Esta semana el vocalista

Ahora que las reivindicaciones de las mujeres se escuchan con

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de un grupo muy popular en España ha sido acusado en las redes de aprovecharse de su posición de poder para tener relaciones con sus fans, pero al mismo tiempo, un sector del feminismo dice que hay que tratar a esas fans como personas adultas y que son libres de acostarse con quien quieran. ¿Dónde te posicionarías tú?

“Creo que cada caso es distinto, pero en general creo que las mujeres no deberíamos adoptar el papel de víctimas porque nos debilita. No sé si te diría que soy feminista, pero muchas veces han intentado aprovecharse de mí. Tuve un tipo que estaba obsesionado conmigo y me seguía, y hay veces en las que no me han tratado bien, pero creo que las mujeres no deberíamos actuar como si fuéramos

una minoría. Es un asunto difícil, por ejemplo, yo salía en la portada del disco de The Oath con un vestido de cuero rojo y me criticaron mucho por ello, pero pensaba ‘soy una mujer y estoy orgullosa de ello, y no quiero que me vean como un objeto sexual, pero al mismo tiempo quiero poder vestir como me dé la gana’. Nadie cuestionaba que Robert Plant o Jimmy Page salieran a tocar con la camisa abierta. Pero de hecho, creo que, en general, en la escena metal se respeta más a las mujeres que en el mainstream”. Sí, yo diría que los shows y festis de metal son un espacio bastante seguro para las mujeres.

“Sí, yo diría lo mismo. Una vez un periodista griego de Metal Hammer me estaba haciendo una entrevista y empezó a hacer preguntas muy impertinentes. Y yo le dije que no me hiciera preguntas que nunca

preguntaría a un hombre. Y el tipo se dio cuenta, y me pidió perdón. Quizá es una cuestión cultural, porque en Alemania es distinto. Y ahora que vivo en Suecia, la igualdad es mucho más real, y es fantástico”.

tarrista y a un bajista. Ahora ya son miembros del grupo y el próximo disco, que sacaremos en septiembre del año que viene, lo haremos todos juntos. Aunque la composición será cosa de Nicke y mía”.

Creo que por el nombre del

Obviamente Nicke había sido

grupo y por estar publicado

batería en Entombed, pero ¿por

por Rise Above, o por girar con

qué prefirió en el caso de Luci-

Paradise Lost, mucha gente es-

fer coger ese puesto?

cuchó vuestro primer disco espe-

“¡Quería tocar la batería! (Risas) Ya toca la guitarra con Imperial y The Hellacopters, y como le encanta tocar la batería, le dejo que en directo sea el batería de Lucifer (risas)”.

rando un álbum de doom, pero no lo era. Quizá eso desconcertó a parte del público.

“Tienes toda la razón. Pero no creo que fuera culpa nuestra. Hay mucha gente que dice que somos una banda de stoner, pero yo no creo que sonemos para nada stoner. Mi idea siempre fue que fuéramos una banda de heavy rock. Quizá en el primer disco hubiera algo más de doom por influencia de Gaz, pero en el segundo el círculo se ha cerrado y somos una banda de hard rock, heavy rock, que es lo yo quería desde el principio. Quizá hay algo de doom, pero desde luego no hay stoner (risas)”.

Antes mencionabas ‘Dreamer’.

“Es una canción que habla de mí. Siempre he sido una persona tímida e introvertida, y eso me ha causado mucho dolor en mi vida, por eso siempre soñaba. Esa canción es una manera de decir que tienes que ir con la cabeza alta y no mirar atrás. Hay que conservar tus sueños y no volverte una persona cínica”.

Nicke grabó todos los instru-

tan introvertida con el deseo de

mentos del disco, y luego, ha-

salir a un escenario a cantar?

béis reclutado a músicos para el

“La verdad es que, si fuera por mí, no actuaría en directo (risas). Mi parte preferida es estar en el estudio y crear música, pero bueno, con los años he aprendido a disfrutar del directo y ahora hasta me divierto. Estoy aprendiendo a que sea más fácil, pero si fuera por mí, hubiera actuado de espaldas al público detrás de la batería (risas). Pero la voz es mi instrumento, así que no tenía elección”.

grabarlo ya con toda la banda?

“No, creo que fue genial tal como fue. Nicke tiene su propio estudio, así que pudimos empezar a grabar sin perder tiempo. Robin, el otro guitarrista, también grabó algunas partes, pero fue genial hacerlo entre los tres porque Nicke toca muy bien todos los instrumentos. Pero por supuesto, una vez empezamos a cerrar conciertos, necesitábamos a otro gui-

‘Dancing With Mr. D’.

“Sí, de Goat’s Head Soup, uno de mis discos favoritos. Le dije a Nicke que teníamos que hacer una versión de los Stones porque es uno de nuestros grupos favoritos. Mi madre me crió escuchando a los Stones. ‘Dancing With Mr. D’ habla sobre el Diablo, así que encajaba muy bien con nosotros, y también era una manera de mostrar que no nos tomamos demasiado en serio. A Nicke le pareció una gran idea y transformó el riff en algo un poco más Black Sabbath. Quedó mucho mejor de lo que esperaba porque es muy difícil hacer una versión de los Stones”.

Háblame un poco más de ella.

¿Cómo casa el ser una persona

directo. ¿No hubieses preferido

versión de los Rolling Stones,

‘Faux Pharaoh’ cierra el álbum, y es el tema más doom y épico. ¿Qué me puedes contar de él?

“Sí, por eso quería que fuera la última. En cierta manera cierra el círculo con el debut. Las letras son sobre alguien que conozco y que me causó mucho dolor. Es alguien que la gente tiene en un pedestal, y eso quizá haga que se crea más importante de lo que es en realidad. Como ves, estaba pasando por algunos problemas cuando escribí el disco (risas)”. Bueno, supongo que la lección que hay que aprender de toda tu experiencia es que por muy mal que parezca que están las cosas, al final los cambios siempre son para mejor.

“Sí, así es la vida. Una puerta se cierra y otra se abre”.

En el disco habéis incluido una

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VIAJE A 800

AUNQUE HAN PASADO UNOS AÑOS DESDE QUE LLEGASEN AL FINAL DE SU TRAYECTO, EL NOMBRE DE VIAJE A 800 SIGUE PRESENTE EN LA MENTE DE MUCHOS. LA REEDICIÓN EN VINILO DE SU SEGUNDO ÁLBUM, ESTAMPIDA DE TROMBONES, ES SIN DUDA UNA EXCELENTE EXCUSA PARA VOLVER A CONTACTAR CON ELLOS Y SEGUIR REIVINDICANDO A UNA DE LAS BANDAS MÁS ÚNICAS Y PERSONALES QUE HAYA DADO ESTE PAÍS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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EIS AÑOS ES EL TIEMPO QUE HA TRANSCURRIDO DESDE QUE LOS GADITANOS VIAJE A 800 DIESEN POR TERMINADA

su carrera tras la publicación de su tercer y último álbum Coñac Oxigenado y una gira de despedida por varios rincones de nuestra geografía. Un periodo de tiempo en el que su leyenda, lejos de menguar, se ha ido acrecentando cada vez más. Buena parte de culpa la debe tener su cantante y bajista

José Moreno, conocido comúnmente como ‘Poti’, quien al frente de Atavismo, y anteriormente en Mind!, ha continuado explorando esa vertiente donde el stoner, la psicodelia, el progresivo y las influencias de la música tradicional andaluza se funden para encontrar una propuesta que sobrepasa cualquier tipo de barrera estilística. Sin embargo, estos días el nombre de Viaje A 800 vuelve a estar de actualidad gracias a la reedición en vinilo de su segunda obra, Estam-

pida De Trombones. “Hace un par de años se pensó en hacer una reedición para el décimo aniversario debido a la demanda que tenía este disco, pero al final no se llevó a cabo debido a que los sellos que querían hacerla no llegaron a ningún acuerdo”, nos explica el propio Poti, “de modo que Berto Cáceres de Spinda Records se puso en contacto con nosotros para ver si seguíamos interesados en sacarlo, y así ha sido. En tan sólo dos o tres semanas estaba todo listo”. Una nueva puesta en circulación con una consecuente actualización en cuanto al diseño que sin duda se verá altamente cotizada, por lo que recomendamos su inmediata adquisición para aquellos que estén interesados. “Sabemos que es un disco que tiene demanda debido a que sólo salieron 500 ejemplares en LP y que tiene un precio elevado para los asiduos a la compra de vinilos”, apuntilla el vocalista. Aprovechando la ocasión, decidimos hacer un exhaustivo repaso por la senda que abrieron a finales de los 90 en Algeciras. Con nombres como los de Kyuss, Monster Magnet y Black Sabbath como principales referencias, la primera alineación de Viaje A 800 se componía de un cuarteto formado por Poti a las voces y el bajo, Jose Ángel ‘Océano’ Galindo y David Ruiz a las guitarras, y Antonio Medina tras los tambores. Con esta formación dan sus primeros pasos en forma de maqueta, titulada Santa Águeda y lanzada en 1998. Dos años más tarde llegaría su no menos mítico compartido junto a los argentinos Los Natas. De aquella pri-

mera época Poti recuerda que “éramos unos chavales que empezábamos a currarnos lo que teníamos claro que queríamos hacer con nuestras vidas. Ensayábamos a diario, nos dejábamos la piel en el escenario cada vez que tocábamos y palmábamos mucha pasta. No teníamos trabajo, lo cual no era nada bueno para grupos como el nuestro donde no había una infraestructura para poder salir adelante y no existían las redes sociales como hoy en día”. No en vano, esas complicaciones para sacar el grupo adelante hacen que su recorrido se detenga al poco de editarse Diablo Roto De..., un debut en el que salen a relucir todas las influencias anteriormente mencionadas pero que denotan un brillo especial en las composiciones como la portentosa ‘Roto Blues’, que sirve de apertura con 10 minutos de triposo doom. “El grupo se disolvió por problemas personales y laborales. Algunos de nosotros nos involucramos en otros proyectos y todo fue una evolución lo que nos llevó de un disco a otro”. Efectivamente, a pesar de la discreta repercusión de su primera obra, Viaje empiezan a ser un grupo altamente valorado dentro del circuito underground y seis años más tarde reaparecen con Estampida De Trombones. Este segundo esfuerzo ve la luz de la mano de Alone Records, presentando un sonido más personal donde se expone la verdadera esencia inquieta por la que se dieron a conocer los algecireños. Los pasajes psicodélicos e instrumentales cobran más importancia si cabe, así como la intrincada lírica en cortes como 115

‘Los Ángeles Que Hay En Mi Piel’ y ‘El Amor Es Un Perro Del Infierno’, marcadas por el estilo de grupos pertenecientes al sello Triquinoise como 713avo Amor y Vírgenes Adolescentes, una de las influencias reconocidas de la banda. “La grabación se hizo en un estudio casero en Algeciras. La única anécdota que recuerdo es que fue una época bastante dura para nosotros porque perdimos a familiares y amigos a los cuales queríamos. De ahí salió el título Estampida de Trombones”, señala nuestro interlocutor, quien a la hora de hacer una valoración en retrospectiva se 116

siente plenamente orgulloso de la labor que se realizó. “A día de hoy no cambiaría nada de cómo se hizo en aquella época. Cada cosa tiene su momento y fue importante a la hora de formarnos y hacernos lo que somos ahora como músicos. Es constante evolución y de todo se aprende, tanto de lo bueno como de lo malo”. A pesar de que Estampida De Trombones esta vez sí recibe la atención que merece entre el público y la prensa especializada, la mala suerte se vuelve a cebar con ellos. Los problemas laborales de algunos de sus miembros obligan

a reestructurar el combo pasando éste a trío, dejando a Jose Ángel como único guitarra y sumando a Andrés Rodríguez a la batería. Así es como se presentan en directo dejando impronta de su poderío allá por donde tocan, con especial hincapié en su participación en el Azkena Rock Festival de 2008. Por aquel entonces, Viaje A 800 encuentra escasos aliados con intereses comunes en la geografía española. The Soulbreaker Company, Rip KC y Mermaid guardan afinidad con nuestros protagonistas, formando la punta de lanza de un estilo en nuestro país tan intere-

sante como injustamente infravalorado. “Sí que éramos unos incomprendidos”, responde Poti, “pero no sólo en Andalucía, si no en toda la Península. Al principio sólo estábamos tres bandas que éramos Mermaid, Fooz y Viaje A 800, y no teníamos nada de repercusión a nivel nacional. En Andalucía ya empezaban a salir buenos grupos como Tierra, que era la antigua banda de Marco Serrato de Orthodox”. Justo al revés de lo que estamos viviendo en la actualidad con una explosión constante de jóvenes talentos dentro de los sonidos subterráneos, donde zonas como Málaga o Cádiz están jugando un papel fundamental. Si intentamos buscar una explicación a todo esto, el también guitarrista de Atavismo opina lo siguiente: “Si está saliendo tanto bueno aquí en Andalucía, creo que es debido a una revolución por las malas gestiones culturales que vivimos en este país y más en concreto aquí, en el sur”. Retomando el hilo, llegamos a 2012. Tras una enésima separación, los gaditanos colocan su epitafio final con Coñac Oxigenado, anunciando de manera anticipada que ésta será su última parada con una consecuente despedida de los escenarios. Su tercer álbum vuelve a mostrar la imaginación sin límites que poseían en cinco temas llenos de detalles que condensan todo el imaginario que esconde su música. Para muchos, entre los que me incluyo, se trata de su obra definitiva... algo en lo que Poti no termina de estar de acuerdo. “En mi caso no creo que sea nuestro mejor álbum como dices. Yo me decanto

por Estampida De Trombones. Es el disco en el que dimos un cambio drástico a la hora de componer y de ver cómo se podía hacer todo de otra forma. En Coñac Oxigenado ya estábamos pendientes de otros proyectos y con la mente puesta en otras cosas. Creo que es el álbum mejor tocado de los tres y el más profesional en cuanto a sonido y producción, pero no por eso pienso que deba ser el mejor”. A modo de testamento, en 2015 nos llega Alguien Murió Bajo Las Ruedas Del Tren... En Directo, un álbum en vivo que recoge su última actuación en la sala El Tren de Granada, donde repasan canciones de toda su discografía. Un documento que, para todos aquellos que nunca llegaron a disfrutarles sobre las tablas, es la única manera de apreciar toda la energía que desplegaban, ya que a pesar de las numerosas y cuantiosas ofertas que les han llegado a toro pasado, siempre se han mostrado inquebrantables ante la posibilidad de regresar. “No tenemos la necesidad de resucitar algo que para nosotros tuvo un principio y un final. Hay que entenderlo tal y como es. Todo es así en esta vida… Sí que nos han ofrecido muchas propuestas desde la separación, pero a todas hemos dicho siempre que no. Tan sólo hicimos un concierto en un cumpleaños de nuestro antiguo batería, bajo el nombre de Los Palmeros De Santa Agüeda, en el cual nos dedicamos a tocar algunos temas de nuestros dos primeros discos”. ¿Y no resulta molesto que surja interés por un grupo que ya dejó de estar con vida cuando en su momento no se le prestaba de-

masiada atención? “No nos molesta en absoluto. A día de hoy no nos va nada mal con los proyectos que tenemos, que es lo que defendemos actualmente en los directos”. Esos otros proyectos, como ya hemos mencionado a lo largo del artículo, llevan el nombre de Atavismo, con los que Poti lleva recogiendo alabanzas desde hace un tiempo, y también de Híbrido, en los que junto a su compañera Sandra Pow a la batería y el guitarra Zoa Rubio, se reencuentra musicalmente con José Ángel en lo que supone la unión de lo mejor de ambos mundos. Sobre sus planes más inmediatos nos comenta que “con Atavismo ya hemos terminado la grabación de nuestro nuevo trabajo que llevará por nombre Valdeinfierno. Estamos muy felices con cómo ha quedado y saldrá con el sello alemán Adansonia Records. Esperamos tenerlo editado este mismo verano. En cuanto al primer disco de Híbrido, está a la vuelta de la esquina. Nos queda mezclar, masterizar y ver la opción de quién lo va a editar. Esperamos terminarlo lo antes posible y empezar a dar conciertos para presentarlo”. Puede que el viaje terminase hace tiempo, pero su ruta sigue abierta para todos aquellos que aún tengan la inquietud de adentrarse en ella. Y sin duda, la reedición de Estampida De Trombones por parte de Spinda Records nos invita a zambullirnos una vez más en ese fascinante mar de medusas que adorna su portada.

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EL CONCIERTO DEL MES BY:

CANCER BATS

11 DE MAYO DE 2018 HOUSE OF VANS, LONDRES TEXTO Y FOTOS: RUBÃ&#x2030;N NAVARRO

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os canadienses Cancer Bats han encontrado en el Reino Unido su segunda casa desde hace un tiempo, pero el idilio es todavía más especial con la capital. Todavía recuerdo cuando llevaron a cabo la locura de montar 6 conciertos en un mismo día, en 5 salas distintas, dibujando así en el mapa de Londres un imaginario pentagrama para su convenientemente nombrado “Pentagram Tour”. En esta ocasión, y tras haber logrado cuatro sold outs en el mítico Underworld de Camden únicamente un par de semanas antes, anunciaron por sorpresa una inesperada gira con motivo del lanzamiento de su nuevo trabajo, The Spark That Moves. Para la fecha de Londres, la banda se asoció con VANS para montar un concierto en su House Of Vans totalmente gratuito. Conociendo a Cancer Bats y su actitud punk, unido a su

íntima relación con sus fans, no me sorprendió en absoluto que su concierto fuese en el showroom en lugar de la sala principal. La noche tenía todos los ingredientes para convertirse en algo memorable, y no defraudaron. Equipados con sus instrumentos y, cómo no, con la sonrisa que les caracteriza, los de Toronto se lanzaron con todo presentandonos en directo ‘Gatekeeper’, uno de los nuevos temas de su último disco. No se tardó demasiado en ver un pogo que se mantendría prácticamente durante toda su actuación. Con esa buena reacción, la banda se vino arriba y descargó una buena ristra de temazos que repasaron su discografía. Sonaron ‘Trust No One’, ‘Road Sick’, ‘Scared To Death’ y ‘Hail Destroyer’. Incluso hubo tiempo para la mítica ‘Pneumonia Hawk’, para la que contaron con la ayuda de una chica del público que sustituyó a George de Alexisonfire.

Para dar algo de tregua a sus compañeros, que sudaban de lo lindo bajo los focos, Liam en ocasiones se tomaba unos minutos entre canciones para dirigirse al público. Pero nada de “¿Cómo estáis Londres?” u otras tonterías del estilo; Liam es más de dirigirse uno a uno por su nombre, algo que me dejó flipando. Un gran gesto que demuestra su dedicación por sus fans y que les hace todavía más grandes. Como todo lo bueno, la noche debía llegar a su fin, y para ello quedaron reservadas para el final dos auténticas bombas: ‘R.A.T.S.’ y ‘Hail Destroyer’. Con ellas hicieron temblar los cimientos de la sala para despedirse de nosotros con un “hasta pronto”. Y es que, como ya decía al principio, la relación con el Reino Unido es tan fuerte que en junio ya estarán de vuelta nuevamente. Yo no me los perderé en Londres, y vosotros tampoco deberíais en el Resurrection Fest. 119

KRISTONFEST 12 DE MAYO DE 2018 LA RIVIERA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: SERGIO ALBERT

MONSTER MAGNET 120

HIGH ON FIRE

l tiempo, ese acertado juez, no ha tardado mucho en darle la razón a los organizadores del Kristonfest. Algunos se llevaron las manos a la cabeza cuando vieron que el año pasado la cita ineludible para los amantes del stoner, el doom y el sludge dentro de nuestro país se trasladaba de Bilbao a Madrid, pero viendo tanto la respuesta del público en la anterior edición como en ésta, donde se superó la asistencia, queda en evidencia que la decisión fue del todo acertada. Con un gran ambiente durante toda la jornada, fue un gustazo encontrarse en la capital con aficionados llegados desde todos los puntos de la Península (e incluso algún que otro isleño), además de la facilidad que puso la sala para salir y entrar en cualquier momento de la misma. Instantes en los que aprovechamos para hacer las quinielas de cara al cartel de 2019. Nosotros apostamos por Sleep, Corrosion Of Conformity, Witchcraft... Pero dejemos las pajas mentales para más adelante y hablemos de lo acontecido en esta ocasión.

CONAN

Con unos horarios que fueron respetados con exactitud milimétrica a lo largo de todo el evento, Conan hicieron acto de presencia para colocar desde primerísima hora el listón muy arriba para cualquiera de las formaciones que se atreviesen a salir tras ellos. Haciendo honor a su nombre, el trío británico nos golpeó en el pecho con unos graves nítidos y definidos. Teniendo en cuenta lo brutote de su propuesta, sonaron sorprendentemente bien y su hora de actuación se pasó agradablemente rápida. El cartel de este año era tan atractivo que ya el segundo nombre de la noche suponía una de las grandes razones por las que nos habíamos animado a pisar La Riviera aquel sábado. Si con la edición de Reflections Of A Floating World Elder dejaron bien claro que lo suyo es algo muy serio, aquella noche sencillamente se coronaron como una de las mejores bandas de stoner en la actualidad. Y digo ‘stoner’ porque en realidad lo que practican los de Boston es una amalgama de influencias tan inclasificable como

fascinante. Lejos de haber perdido el encanto que tenían como power trio, la incorporación de Michael Risberg como segundo guitarrista les permite llenar aún más si cabe el escenario con todo el despliegue de detalles que su propuesta contiene. ‘Sanctuary’ y ‘Dead Roots Stirring’ fueron verdaderos viajes a otro estado mental, por no hablar de Nick DiSalvo, que se destapó como un auténtico maestro de las seis cuerdas a pesar de su juventud. Ver la solvencia con la que ejecuta piezas como ‘Compendium’ te hace pensar en hasta dónde puede llegar en un futuro. Que hubieran tocado ‘Lore’ ya hubiera sido suficiente motivo para salir flotando, pero igualmente ‘Gemini’ les encumbró como uno de los vencedores de la noche tal y como quedó reflejado cuando el respetable coreó su nombre al acabar. Mágicos. Tras una necesaria escapada para recargar fuerzas, ya estábamos preparados para volver a la acción y afrontar la paliza que se nos venía encima. Si coges la velocidad asesina 121

ELDER

de Slayer, los riffs monstruosos de Mastodon y la actitud de Motörhead, entonces tienes a un grupo como High On Fire. Pobres de quienes viniesen sin tapones de casa porque aquello rozó lo insano. Entendemos que a Matt Pike le gusta subir el potenciómetro hasta el límite con el fin de reventar los tímpanos del personal, pero la verdad es que no terminó de jugar a su favor. Una verdadera lástima, ya que el repertorio tiró y mucho de sus comienzos más primitivos: ‘Blessed Black Wings’, ‘Waste Of Tiamat’, ‘Rumours Of War’, ‘Bastard Samurai’ y una engorilada ‘Snakes For The Divine’ para acabar. Pero ni con ésas llegamos a conectar del todo. Pocas veces a la largo de su trayectoria el Kristonfest había conseguido atar a un cabeza de cartel tan mítico como Monster Magnet, y la verdad es que la banda supo estar a la altura y nos regaló una noche para 122

el recuerdo. Con la sala prácticamente llena, Dave Wyndorf entró con una sonrisa de oreja a oreja y junto a sus compañeros se dispuso a reinar como la leyenda que son. Poco importa que la Epiphone que lleva a cuestas sea casi un elemento decorativo (ni la usa apenas ni le hace falta teniendo a dos tipos tan solventes como Phil Caivano y Garret Sweeny), porque si se arrancan con un ‘Dopes To Infinity’ a tumba abierta nada más empezar, pocos ‘peros’ se pueden poner. Lejos quedan aquellos años en los que le vimos bajo de forma y desmotivado con su nuevo material. Esta vez atacaron con convicción buena parte de su estupendo Mindfucker (‘Rocket Freak’, ‘Soul’, ‘When The Hammer Comes Down’), aunque eché en falta dos de sus mejores composiciones: ‘I’m God’ y ‘Drowning’. Eso, unido a los clásicos infalibles como ‘Look To Your Orb For The Warning’, ‘Negasonic Teenage Warhead’, ‘Space

CHURCH OF MISERY

Lord’ y ‘Powertrip’, terminaron por poner La Riviera entera a sus pies. Como suele suceder después del plato fuerte, muchos optaron por la retirada. Nosotros ni dudamos en continuar, pues el cierre corría a cargo de unos jefes como Church Of Misery. Tatsu Mikami, con su bajo a la altura de los tobillos, ha sido capaz de recomponer la banda sin que su entrañable devoción por Black Sabbath se resienta lo más mínimo. Sus nuevos acompañantes suenan genial y en Hiroyuki Takano ha encontrado un frontman con carisma a la altura de cualquiera de los que han pasado por delante del micrófono en su dilatada carrera. No faltaron ‘El Padrino’ ni ‘Born To Raise Hell’, y hasta se vieron obligados a hacer un bis ante la insistencia del respetable. Un broche perfecto para una triunfal edición del Kristonfest, del que confiamos seguir disfrutando por muchos años más.

AINA

16 DE MAYO DE 2018 SALA BE GOOD, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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VISTALEGRE

esde que se separaran en 2003, cada vez que se alinean los astros y Aina vuelven a subirse a un escenario, uno siempre tiene la esperanza de que no vaya a ser la última, pero por si acaso, hay que estar ahí. En marzo la banda anunció porque sí una mini gira de sólo cuatro conciertos en Barcelona, Vidreres, Madrid y Zaragoza, pero dado que las entradas volaron para el previsto el 17 de mayo en la capital catalana, dejando a un montón de fans tirándose de los pelos, Artur, Titi, Álvaro y Pau decidieron hacer un ensayo menos, y ofrecer un concierto más el día antes. Realmente da igual. A estas alturas, creo que podrían no ensayar nunca más y seguirían siendo capaces de ofrecer bolos de la hostia. Sus componentes parecen estar unidos telepáticamente y tienen tan interiorizadas estas canciones que les basta enchufar sus instrumentos para que mágicamente suenen igual que cuando estaban en activo. Pero antes de que eso sucediese, pudimos disfrutar de la actuación

de unos renovados Vistalegre, ahora en formato cuarteto con la incorporación de Alfred Alegre como bajista. Con su propuesta más melódica, pero sólida como una roca gracias a la solvencia de Marc Clos y dos tercios de No More Lies, Santi Garcia y Roger Roca, ofrecieron el aperitivo perfecto. Esperemos que pronto se animen a grabar un nuevo disco. Luego aparecerían, sin que estuviesen anunciados, The Waterparties, el proyecto de Carlos Leoz (Me And The Bees, Half Foot Outside) con un indie rock descacharrado que no me motivó demasiado y que aproveché para salir a fumar. Sorry Carlotto. Con los niveles de nicotina en alto y una cerveza, otra, en la mano, me dispuse a dejarme llevar por la nostalgia de unas canciones que tengo asociadas a un montón de recuerdos y amigos. Pero lo bueno es que, a pesar de los años transcurridos, la naturalidad y entrega con las que los interpretan hacen que, lejos de sonar como conservadas en formol, temas como

‘Lutton Can Wait’, ‘HH&LD/Wences’, ‘Feel My Forehead’ o ‘Presbyopia’, con ese riff tan AC/DC, cobren nueva vida. Con la estampa de Artur gritando al micrófono en la izquierda, Titi sacudiendo su guitarra en la derecha, Álvaro tocando el bajo con la misma discreción de siempre y Pau marcando el ritmo como un reloj, fui quitándome la baba al escuchar ‘Central Pages’ o ‘Test Drive’, pero también me ocurrió algo curioso y es que, quizá por la distancia tomada, por primera vez viéndoles me vinieron mucho a la cabeza los Foo Fighters del primer disco, especialmente con ‘Mnemotechnics’ o ‘Nice New Attempt’; nada malo, ni nada extraño, teniendo en cuenta la vinculación de Dave Grohl con la escena de Washington, pero me hizo gracia. Nunca sabremos lo lejos que Aina hubieran llegado de no haberse separado, pero con conciertos así tenemos la certeza de que, si un día decidieran volver, podrían retomarlo exactamente en el punto en el que lo dejaron. 125

NIFELHEIM 30 DE ABRIL DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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hroma Nation siguen maravillándonos con sus giras, y esta vez la proeza se llamó Nifelheim. Dominadores absolutos del black thrash planetario junto a Aura Noir, pocos imaginaban que, tras esa única visita al Heavy Metal Espectros murciano, algún día volverían a atacarnos, ahorrándoles a los más fieles su enésimo vuelo hacia Europa. Llenazo en la Upload, faltaría más, y los hermanos Gustavsson demostrando que, casi 30 años después, siguen sin saber qué es dar un bolo regulero. Pocas bandas nacionales podrían casar tan bien con los suecos como Insulters. Dando rienda suelta a su último Metal Still Means Danger, supieron jugar bien su condición de locales ante ya un numeroso público, que jaleó con ganas sus escupitajos etílicos. Siempre empiezan un tanto estáticos, pero pronto sus melenas empezaron a danzar al son de su cazalla musical.

Por una vez, la decisión que tomó media sala de largarse a fumar durante la descarga de Gaerea, los siguientes en tocar, me pareció de lo más acertada. Su reciente debut en largo Unsettling Whispers es justito, muy previsible, el típico de banda de black melódico a toda leche donde el plus de misterio dada su condición de enmascarados hace el resto. ‘Va, Pau, que en directo serán más viscerales y agresivos, dales una oportunidad…’. Pero no, lo suyo fue demasiado orgánico, flojeras y arty… algo con lo que los talibanes no estábamos dispuestos a tragar. Los que nos dejaron el culo torcido fueron Nifelheim. Con ‘Black Evil’ e ‘Infernal Flame Of Destruction’ abriendo las puertas del averno, aquello ya no bajó el pistón, convirtiéndose en una orgía de pinchos, cuero, tachuelas, sudor y cerveza hasta el final. Dada la mala vida, los gemelos Tyrant y Hellbutcher parecen mucho más viejos de lo que son, así que me

pasé medio concierto temiendo por su salud cardíaca por cómo lo viven, dejándose la piel a cada segundo, e incluso diría que el bajista se vacía más que el vocalista, que ya es decir. Miedos infundados, pues ‘Sodomizer’, ‘Storm Of The Reaper’, ‘Evil Blasphemies’, ‘Satanic Sacrifice’ o ‘Bestial Avenger’ no permitieron ni un atisbo de duda: estaba siendo un bolazo estratosférico. Hasta ‘From Hell’s Vast Plains’ y ‘Bestial Rites’ de su último lanzamiento hasta la fecha, ese EP Satanatas que ya data de 2014, encajaron como un guante entre tanta cuchillada histórica. Esta vez les noté más que nunca lo importante que es y sigue siendo el metal clásico en su propuesta, por muy veloz y afilada que sea, algo a lo que ayuda y mucho el contar con el excelente guitarrista chileno Savage Aggressor, también enrolado en Deströyer 666 y Procession. Como si a Judas Priest les diera por el black. Baño de metal blasfemo. Lo más true de lo true. 127

THE FLATLINERS 5 DE MAYO DE 2018 ESTRAPERLO, BADALONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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TRUE MOUNTAINS

he Flatliners llegaban a España después de haber recorrido Europa junto a Hot Water Music. Fue una pena que los de Florida no cruzaran los Pirineos con ellos, pero al menos en Badalona tuvimos la oportunidad de disfrutar de Bay City Killers, la banda mallorquina con quienes tienen más de un punto en común. Su set nos permitió comprobar que cada vez se les ve más sueltos y suenan más compactos. Temas como ‘Walking On The Edge’, ‘The Grave Of The Fireflies’ o ‘Same Old Fork’ de su último álbum The Distance lograron una buena respuesta por parte del público que empezaba a llenar la sala gracias a sus riffs cortantes y sus contagiosos coros. A continuación, llegó otra agradable sorpresa. El dúo gallego True Mountains dejó el registro punk folk de sus discos para presentarse como un trío eléctrico de hardcore melódico. Pese al shock inicial, la verdad es que en su versión enchufada temas como ‘Partners In

Life’, ‘Fuck Television’ o ‘Midnight Birds’ también sonaron de muerte recordando a clásicos del género como NoFx o Bad Religion. Si a eso le sumamos la simpatía natural de su cantante y guitarrista Iván Pérez, quien no paró de animarnos a pensar por nosotros mismos y no dejarnos influenciar, tuvimos como resultado un concierto redondo que terminó con su gran versión de ‘Career Opportunities’ de The Clash. Bien pasada la medianoche, The Flatliners subían al escenario para, tras chequear su equipo, arrancar con ‘Hang My Head’, uno de los temas más reconocibles de su último trabajo Inviting Light con ese “Yeaaaah!” inicial con la voz rota de Chris Cresswell resonando por toda la sala. Si a lo largo de sus 15 años de carrera su música ha dejado de lado su faceta más hardcoreta, al menos en cuanto a velocidad, el cuarteto canadiense sigue atacando sus instrumentos con muchísimo ímpetu y entrega. Composiciones

recientes como ‘Unconditional Love’ o ‘Indoors’ apuestan más por los matices, con una instrumentación más elaborada, sobre todo en el juego de guitarras entre Cresswell y Scott Brigham, pero sin renunciar a la tensión. Con ellas, también consiguen que la fuerza punk rockera de ‘Eulogy’ o ‘Resuscitation Of The Year’ destaque más. Después de una muy celebrada ‘Monumental’, con uno de sus estribillos más redondos, retrocedieron hasta The Great Awake de 2007 para recuperar una potentísima ‘This Is Giving Up’ y el toque reggae de ‘Mastering The World’s Smallest Violin’, que dieron fe de que The Flatliners no son una banda unidireccional. Con Cresswell centrando todas las miradas, sólo el bajista Jon Darbey consigue llamar la atención, a veces incluso demasiado, con sus caras y su peculiar estilo de tocar. Pero está claro que, en sus conciertos, más que los propios músicos, las grandes protagonistas son sus canciones. 129

DEATH ALLEY

11 DE MAYO DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: EDUARD TUSET

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HONEYMOON DISEASE

ra extraño ver a Honeymoon Disease en el papel de teloneros. Su anterior gira sirvió para que mucho público los conociera y con la edición de su segundo largo, su popularidad no ha hecho más que crecer, pero así son las cosas, y a las ocho en punto, el cuarteto de Göteborg salía a las tablas para estamparnos su tremendo repertorio. Su estilo es sencillo pero rico en matices, como perfectos suecos ese rock’n’roll deudor del high energy de Detroit está muy presente, pero también adoran el hard rock setentero, el heavy metal y el glam pegadizo. Su puesta en escena es impactante: Jenna como frontwoman y Acid escupiendo un solo tras otro desde su Flying V poseen el suficiente carisma como para soportar todo el peso del show a nivel visual, pero musicalmente están bien secundadas por una base rítmica tan precisa como contundente. Cedric y Jim se mantienen al margen, dejando todo

el protagonismo a las chicas, pero su importancia en el sonido de la banda es capital. Empezaron muy a saco con el hit de su excelente álbum de debut, ‘Higuer’, pero en cuanto comenzaron a atacar las nuevas composiciones nos dimos cuenta de que, en efecto, Part Human Mostly Beast es incluso superior a su tremendo estreno. Desde ese homenaje a Chuck Berry turbopropulsado titulado ‘Fly Bird, Fly High’ hasta ‘Tail Twister’, no hubo bajón en la hora larga que estuvieron sobre el escenario. ‘Only Thing Alive’ sonó celestial, ‘Doin’ It Again’, desenfrenada, y ‘Electric Eel’, apocalíptica. Se marcharon con un ‘Stay Clean’ de Motörhead a toda hostia y triunfaron por todo lo alto. Death Alley venían precedidos de una gran reputación. Su paso por Tee Pee Records y su posterior fichaje por Century Media les ha puesto en boca de todos y tras la edición de Superbia, esa fama se ha multiplicado. Ciertamente son

buenos, su guitarrista, Oeds Beydals, es una auténtica bestia que lo mismo se deja influir por Tony Iommi que por Kim Thayil, y, ciertamente, él es el responsable de dirigir a la banda por esos oscuros caminos de riffs sabbáthicos o por los lisérgicos paisajes psicodélicos, pero en directo sus canciones no acaban de trasmitir. Hubo grandes momentos, la salida en tromba con ‘Black Magick Boogieland’ fue tremenda, y aunque las amaneradas maneras de Douwe Truijens confundieron a más de uno, cuando el tipo se dejaba llevar conseguía conectar con una audiencia cuya mayoría estaban allí más por Honeymoon Disease que por ellos. El concierto corrió entre instantes excitantes y otros mucho más discretos, y esto se pudo comprobar en el puesto de merch tras el show: mientras los suecos se hinchaban a vender vinilos y camisetas, los holandeses se conformaban con unos cuantos saludos y poco más. 131

DE GIRA

BARONESS

28 DE JUNIO DOWNLOAD FESTIVAL (MADRID) 29 DE JUNIO BE PROG! MY FRIEND (BARCELONA)

engo entendido que ya

(risas). Va a ser una sorpresa”.

finales de las canciones”.

estáis terminando el De todos modos, este mes vais a

Éste será el segundo disco con

SEBASTIAN THOMSON (batería)

nuevo disco, ¿no?

estar en el Be Prog! My Friend,

Baroness desde que entraste.

“No, no. Todavía estamos trabajando en él y espero que en un par de meses esté totalmente terminado. Estamos grabando en el estudio de Dave Fridmann, que hizo el disco anterior. John (Baizley, voz, guitarra) tiene esta idea que es bueno trabajar dos veces con el mismo productor”.

en Barcelona, y en el Download

¿Te sientes más seguro con tu

de Madrid. ¿Tocaréis algún

papel dentro del grupo?

tema nuevo?

“Sí. Cuando hicimos Purple, mi objetivo era tocar un poco como Allen (Blickle), metiendo algunas cosas mías. Pero el nuevo disco es Sebastian Thomson total (risas). Sigue siendo un disco de Baroness, pero tiene un poco de los ritmos que hacía con mi banda anterior, Trans AM. Creo que es algo nuevo para Baroness. Esta vez compusimos más en el estudio y fue más democrático que Purple, y más improvisado”.

¿Pero la idea es que salga en

“Estamos decidiéndolo. Algunos miembros creen que puede ser divertido tocar algo nuevo y otros creen que es mejor esperar. Quizá toquemos alguna parte de algo nuevo, pero temas enteros, creo que no”.

2018 o el año que viene?

“Yo espero que esté listo este año. Mi parte ya está terminada, la batería está grabada, así que me puedo ir de vacaciones (risas)”. Por lo que has grabado, ¿dirías que el disco se parece a Purple?

“Voy a dejar eso como un misterio

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¿Os da miedo que la gente lo grabe y lo cuelgue en YouTube?

“Claro. A mí personalmente no me importa, creo que forma parte de la música moderna. Hace diez años me molestaba, pero ahora es algo que pasa. Lo que ocurre es que todavía no tenemos las versiones

El año pasado Peter Adams dejó el grupo y ahora tenéis como guitarrista a Gina Gleason. Me gustaría saber si la decisión

de Adam tuvo que ver con alguna secuela del

AGENDA JUNIO

accidente de autobús de 2012.

“Creo que no tiene nada que ver. A mí me encanta estar de gira todo el tiempo, pero es una forma de vivir muy rara. Es difícil mantener relaciones y es algo que domina tu vida. Yo tengo varios amigos, como los tipos de Trans AM, que no quieren hacer más giras. A Pete le encanta tocar la guitarra, pero llegó un momento en el que ya no era feliz no estando nunca en casa”. ¿Y qué crees que ha aportado Gina?

“Con Gina pasó lo mismo que conmigo. En primer lugar, tuvo que aprender los temas de Pete. Pero ahora ya puede introducir sus ideas. Es un poco complicado porque John, además de líder del grupo, también es guitarrista, así que sus ideas tienen que encajar con eso. Gina sabe mucho de música y va a meter influencias nuevas”. Trans AM eran un grupo muy distinto a Baroness. ¿Cómo fue la transición para ti? ¿Tenías algún

background de música más cañera?

“Yo siempre quise tocar en un grupo más pesado que Trans AM, aunque siempre teníamos un tema o dos más heavies en cada disco. El grupo empezó con un rollo de DC hardcore, tipo Fugazi. Cuando éramos más jóvenes tocábamos más pesado, así que eso siempre estuvo ahí. Para mí no fue un cambio tan dramático. Además, John era fan de Trans AM y sabía cómo tocaba yo. Creo que John siempre quiso que Baroness hicieran música dura, pero de una manera distinta”. Más allá de la música, el tipo de público y de festivales en los que tocas son muy distintos de los de Trans AM. ¿Te ha sorprendido el ambiente que has encontrado?

“Es como una hermandad. Todo el mundo es muy simpático, y los grupos, muy amistosos. Yo siempre fui fan del heavy, pero no tengo ni un tatuaje... alguna vez me siento fuera de lugar (risas). La primera vez que toqué en un festival de metal me sentía poco auténtico, pero muchos músicos de metal son fans de Trans AM porque hicimos una gira con Tool. Los músicos de metal son músicos que entienden y tienen mentes abiertas”. (JORDI MEYA)

AVATAR 11 Valencia, 12 Murcia, 13 Málaga, 14 Zaragoza AZKENA ROCK FESTIVAL (Joan Jett, Urge Overkill, Turbonegro…) 22-23 Vitoria-Gasteiz BE PROG! MY FRIEND (A Perfect Circle, Baroness, Sons Of Apollo…) 29-30 Barcelona BRUNO MARS 20 Barcelona, 22 Madrid THE CASUALTIES 1 Valladolid, 2 A Coruña, 5 Madrid, 6 Murcia, 7 Juneda, 8 Oviedo, 9 Vitoria-Gasteiz DOWNLOAD FESTIVAL MADRID (Guns N’ Roses, Ozzy Osbourne, Avenged Sevenfold…) 28-30 Madrid ELVIS COSTELLO 20 Madrid, 21 Barcelona JEFF BECK 28 Barcelona, 29 Madrid, 30 Barcelona JUDAS PRIEST 28 Bilbao LA BERISCO 2 Barcelona NICKELBACK 15 Madrid PINK SLEEPS 28 Madrid QUEEN & ADAM LAMBERT 9 Madrid, 10 Barcelona RINGO STARR AND HIS ALL STARR BAND 26 Barcelona, 28 Madrid, 29 A Coruña, 1 Bilbao ROCK FEST BARCELONA (Ozzy Osbourne, Helloween, Kiss…) 5-7 Santa Coloma de Gramenet SEETHER 16 Barcelona SHINEDOWN 29 Barcelona SLAPSHOT 7 Madrid, 9 Oviedo, 10 Barcelona

FIGURAS COLATERALES HASTA HACE BIEN POCO, EL NOMBRE DE ANDREW O’NEILL ERA TOTALMENTE DESCONOCIDO FUERA DE LAS FRONTERAS DEL REINO UNIDO, PESE A QUE POR ALLÍ YA ES UNA PERSONALIDAD CON PESO EN LA ESCENA QUE HA CONSEGUIDO PUBLICAR LIBROS Y LLEVAR SU ESPECTÁCULO A ALGUNOS DE LOS FESTIVALES MÁS IMPORTANTES DE UK. PERO, ¿QUIÉN ES ANDREW O’NEILL? TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

ODRÍA DECIRSE QUE ESTE INGLÉS NATIVO DE PORTSMOUTH DE 38 AÑOS ES UN COMEDIANTE DEL METAL. Único en su

especie. Su show se ha convertido en algo de culto, traspasando las fronteras del propio género, de tal manera que el año pasado lo trasladó a un libro, La Historia Del Heavy Metal (Blackie Books), que ahora ve su traducción al castellano. Que estamos ante una nueva manera de enfocar el metal, lo podemos comprobar en el hecho de que la repercusión del libro ha llegado a sacarlo en noticiarios de alcance nacional, delirantes apariciones en late night shows como fue su entrevista con David Broncano y es que, en definitiva, O’Neill ha dado en la tecla para que todo el mundo, independientemente de su afini-

dad con el metal, pueda disfrutar de su obra. Pero que nadie se haga una idea equivocada: Andrew O’Neill es un metalhead de los pies a la cabeza, con una sapiencia de excelente sobre bandas y estilos, y que con esa flema única de los ingleses, ha sabido sacarle partido con respeto a ese heavy metal que tanto amamos. Para empezar, ¿cuál fue tu objetivo a la hora de escribir el libro?

“Quería que tuviera su propia categoría en las estanterías, que no se pudiese comparar con otros y que justificara su propia existencia. Dediqué mucho tiempo a buscar lo que había en el mercado para no hacer otro libro igual, y darle esa identidad única que estaba buscando. Era importante para mí situar el tema histórico y darle rigor a las cosas que iban pasando y cómo situar el nacimiento de las escenas, pero tampoco quería hacer una cronología pura y dura, o una enciclopedia sobre el heavy metal. Esto es más mi visión y opinión sobre el metal, y como soy un comediante, quería que fuese lo más divertido posible. Esa parte humorística la he intentado desarrollar en los pies de página principalmente, ahí es donde está mi personalidad”. Me gusta la manera en que encaras el estilo y el comportamiento de los fans. Me molesta mucho cómo la gente que no tiene ni idea de metal, se ríe de éste porque por algún motivo encuentran que es fácil hacer

gente del metal no los hace. En

saber a estas alturas qué es el

esto soy un poco talibán. Creo

heavy metal en sí mismo. ¿Cómo

que sólo la gente del metal está

lo definirías tú?

legitimada para hacer bromas

“No deja de ser una especie de paraguas donde se pueden cobijar muchas bandas. En el fondo, dos bandas tan diferentes como Iron Maiden y Carcass pueden ser consideradas heavy metal. Pienso que han de tener unos elementos comunes. Al menos necesitan tener dos de éstos: poder, agresividad, ocultismo, un aura de terror, negatividad. Judas Priest no son una banda que juegan con el ocultismo pero tienen fuerza, poder, cierto aspecto de negatividad… pero no es fácil muchas veces saber dónde están los limites. ¿Son grupos como UFO o Scorpions heavy metal?.

sobre el propio estilo. Y ya va bien, porque al metal le falta, en general, sentido del humor.

“Eso es porque el género ha traspasado sus propias fronteras. Tiene un calado popular que le falta a otros tipos de músicas. De todas maneras, en Inglaterra sí que hay bastante sentido del humor en torno al metal…”. Puede que allí sí, pero no en general. No hay ironía.

“La intención tanto del libro como de mi show no es la de burlarse del metal, es crear chistes que podamos entender, pero nunca ridiculizar. A veces no es fácil crear algo con cierta gracia. Pon como ejemplo el death metal. La música es genial, pero la historia del death no lo es. Chicos de clase media, con ayuda parental creando música que acabó siendo exitosa. ¡Ésa es la historia del death metal! Sí, tienes a Glen Benton y sus cosas, pero mira Entombed, Chuck Schuldiner de Death, no eran para nada gente extrema. Por lo que cuando hablas sobre ellos en el show, ¿dónde está el humor? Jim Carrey es un fan del death metal y todos recordamos sus imitaciones en los programas de televisión en los 90. Te partías de risa, pero creo que había un cierto elemento de mofa en ello. Es un punto interesante el encontrar esa línea entre lo divertido y la burla”.

Para mí no lo son. Son bandas de hard rock, y aunque es evidente que hay elementos comunes, eso es otra cosa completamente diferente.

“El punto de partida de todo esto es la canción ‘Black Sabbath’. El ritmo doom, la atmósfera de terror, lo oculto… ahí está la base del heavy metal, con todo lo que ha pasado en esos casi 50 años, el desarrollo del metal extremo… ya no es fácil poder clasificar las cosas de una manera concisa. Pero son conversaciones divertidas el discutir por qué Judas Priest son heavy metal y Aerosmith no”. Pero eso es más para el público ajeno. Aunque no es fácil de explicarlo con palabras, en nuestra cabeza tenemos muy claro por qué unos son heavy metal y

chistes sobre ello. Que lo es, pero también lo es hacerlos

Con la bifurcación en cientos de

los otros no.

sobre cualquier otro estilo y la

subestilos, es muy complicado

“(Risas) Totalmente de acuerdo”. 135

un estilo en sí mismo. Y sí, estoy totalmente de acuerdo con lo que dice Ian Hill. El otro día Halford estaba hablando de sus grupos de black y death favoritos, y era alucinante porque, ¿qué debe de tener ahora mismo? ¿Cerca de 100 años? (Risas) Con cerca de 70 años es alucinante la pasión que muestra con esta música”. Podemos considerar los 80 como la edad dorada del heavy metal. También hay una gran distinción entre lo que pasaba en Europa y América. En América el glam metal que tú adoras, lo dominó todo a nivel comercial… No hace mucho hice una entrevista con Ian Hill, que por cierto, sabes que…

“(Risas) ¡Sí! Hay una errata en el libro, sale como Alan Hill, así como Gary Holt de Exodus lo he bautizado como Dave Holt. Estoy por hacer una camiseta con los dos nombres (risas), pero sigue con lo que decías de Ian Hill”. Le pregunté cuál creía que había sido la gran aportación de Judas Priest al heavy metal, y me dijo que probablemente fue darle forma al estilo tal como lo conocemos hoy en día, y cómo se han mantenido fieles a eso. Para mí, por ejemplo, Iron Maiden ya no son un grupo de heavy metal. Respeto mucho que hagan lo que ellos quieren, pero ya es otra cosa. Están más cerca del prog que del heavy metal.

“Es interesante… probablemente Iron Maiden ahora mismo ya son 136

“(Risas) Mi cosa favorita en el mundo”. Yo adoro el glam metal. Y no te voy a intentar convencer de nada, pero los primeros discos de Mötley Crüe, Dokken… no son cosas precisamente prefabricadas y tenían caña.

“No es un problema de que no fueran heavy metal, es que Mötley Crüe eran una mierda (risas). Lo siento”.

Es que lees la autobiografía de Nikki Sixx y sólo son drogas y fiestas”. Para mí ese libro es falso. Lo último en lo que piensa un heroinómano en los Mötley Crüe de los 80 es en hacer un diario de su vida. Seguro que hay una base de realidad, pero cuesta creer todo lo que cuenta Sixx.

“Puede ser, pero es un libro muy entretenido de leer y es curioso el efecto que su música ha tenido en mucha gente. Yo por definición odio la música comercial, es algo que no forma parte de mi vida, pero me gusta cómo la gente asocia esa música a su vida y recuerdos, porque me cuesta entender cómo hay personas que años después les sigue gustando cierta música comercial, simplemente porque era lo que oía cuando eran jóvenes. ¿Te imaginas a una persona de 50 años oyendo a Harry Styles de aquí a veinte años? Es música que me es imposible entender que le pueda gustar a gente a partir de cierta edad. Pero pasa”. Sí, pero creo que a veces nosotros tenemos un punto elitista pensando que nuestra música es

¿De verdad crees que Too Fast

la mejor. No veo nada malo en

For Love es una mierda de disco?

que te pueda gustar una canción

“¡Absolutamente!”.

de Harry Styles o Taylor Swift…

Shout At The Devil, ¡Twisted Sister! Eso tenía muy poco de blandengue.

“No, no, Twisted Sister eran una cosa diferente. No tenían nada que ver con aquello. Twisted Sister tenían grandes canciones, eran rudos… pero Mötley Crüe para mí eran una banda que tan sólo les interesaba vivir lo que es el rock’n’roll way of life.

“Espera, espera (risas). Taylor Swift es otra cosa completamente diferente, no es que me guste, pero tiene calidad”. A mí, por ejemplo, el pop comercial no me desagrada para nada. Creo que es música hecha para gustar a la gente y, al fin y al cabo, yo soy gente. Nunca me ha interesado mucho tener que

enseñar mi carné de identidad del metal.

“Por supuesto. Aunque sea un metalhead, yo no valoro la música sólo por el hecho de que sea o no heavy. Si algo me gusta ya me está bien, simplemente que esa música tan comercial no va conmigo. Me causa repulsa”. Lo más interesante del libro es ver cómo cambia la perspectiva del metal según cuándo hayas crecido con él y en qué lugar. Tomemos por ejemplo el power metal. En tu obra apenas lo citas porque en Inglaterra fue un movimiento residual, pero hay una generación de metalheads que su primera exposición al género fueron bandas como Blind Guardian, Stratovarius, Rhapsody. En Europa fueron muy importantes.

“¿Sabes lo que decimos en UK de estos grupos? Que el power metal se inventó porque los alemanes necesitaban algo para escuchar (risas), ¡y es verdad! Pantera, Sepultura, Fear Factory, Metallica… ésas fueron la clase de bandas con las que yo crecí y me influenciaron. Todo ese tipo de grupos nunca fueron portada de Kerrang!. Es que son tan histriónicas… en Inglaterra nos lo tomamos todo más a guasa y lo que nos gustan son bandas con los pies en el suelo como Motörhead, Judas Priest, los putos Venom… que parecía que se lo tomaban en serio, pero se reían de todo. Sólo tienes que ver el tipo de bandas que hemos tenido: todas tienen un punto de sentido del humor. Cradle Of Filth en el black metal, Acid Reign o Lawnmower Deth en el thrash metal, Carcass en

el grindcore... ¡Esos títulos!”.

que haces de la evolución del metal a partir de ese momento.

Bueno, ahí tenemos una de las

Hablas de que ahí empieza una

claves. Puedes ser una banda

auténtica evolución en la que se

como Carcass, ponerle sentido

mezcla con otros estilos y hasta

del humor y, al mismo tiempo,

se vuelve vanguardista. Una evo-

ser uno de los mejores grupos de

lución que ha durado hasta hace

las últimas décadas.

unos pocos años, en la que el es-

“¡A eso quería ir! Pese a que nos gusta tomarnos a risa muchas cosas, eso no significa que las bandas tengan que ser malas. Nunca he creído en eso de que es tan malo que me acaba gustando. Hay demasiada música buena como para acabarse fijando en la mala. En Inglaterra es muy difícil que hubiese salido una escena como ésa con bandas como Blind Guardian y todo ese escapismo de la mitología y demás tonterías (risas). Muchos lugares de Inglaterra son un mísero agujero, y las letras y la música reflejan eso. Se pude hablar de escapismo, pero otro tipo de escapismo”.

tilo ha vuelto a mirar hacia atrás

Todo cambió en los 90, con la muerte del glam metal y la explosión de las bandas under-

ground. Me gusta la analogía

de una manera constante.

“Exacto, yo creo que los límites del género ya se han marcado, no se puede ir más allá porque entonces ya no sería metal. Para mí el nu metal fue el punto de inflexión de todo esto. En mi show siempre hago esta broma sobre la evolución del metal: ‘Progreso, progreso, progreso, nu metal, receso, receso, receso’ (Risas). También creo que influyó que muchos músicos que habían hecho metal en sus inicios se fueron hacia otros terrenos, por un ansia de experimentar ya que el estilo se les quedó pequeño. Mira alguien como Larry LaLonde. Empezó en Possessed y acabó como guitarra de Primus y tocando en discos de Tom Waits. Pero hay más, Chuck Schuldiner, Fenriz de Darkthrone, nombre bajo 137

el cual pasó de death metal a black metal primitivo, a crust punk, y ahora están casi en fase de heavy metal tradicional. Más, Carcass, Justin Broadrick y Mick Harris de Napalm Death, que pasaron del grindcore a música industrial o experimental… en los 90 hubo muchos músicos que tomaron ese camino. Podemos hablar de Metallica, que en discos como Load o Reload tomaron una dirección que nadie esperaba, ¡pero era lo que querían hacer!”.

“¿Sabes cuál es ahora un perfecto ejemplo de eso? Ghost”.

dos con el punk (risas). Creen que es un infraestilo”.

Exacto, pero su música no es

Lo que es una ironía, porque su

muy metal. Es verdad que Tobias

primer disco está más cerca del

tienen un background de metal

punk que del heavy metal.

y que por eso hay relación con

“Absolutamente, nunca les gusta que se lo recuerden, pero la crudeza de ese álbum está ahí”.

el estilo, pero son otra cosa. A mí me encantan, pero no los veo como un grupo de metal. Pero Metallica sí lo son a pesar de lo

Aunque el thrash ya acercó posi-

que se pueda decir. Además, me

ciones entre ambos estilos, creo

encanta que hicieran trabajos

que el grindcore fue el que lo

como Load, que no me gustan

normalizó. Es el matrimonio per-

En esos 90 también empezó con

nada, pero que les apetecía, o

fecto entre el metal extremo y el

fuerza internet y eso también

St. Anger, que por el contrario

punk extremo.

supuso un cambio radical. A los

me flipa…

músicos y fans les fue fácil inda-

“¿¡En serio!? ¡Debes de estar de broma!”.

“Para mí el grindcore es una escena más asociada al punk. Suena como death metal pero viene del crust. Bandas como Amebix son la expresión definitiva de lo extremo en el punk. Pero es cierto que el grindcore se movía muy bien entre los dos estilos. Mira Napalm, pasaron a ser una banda de death metal en Harmony Corruption, aunque luego siguieron jugando con otras cosas. Es lo que comentábamos de la experimentación durante la década de los 90”.

gar en otros territorios.

“Claro, ése es otro factor fundamental. La gente por fin pudo escuchar a bandas que hasta hace unos meses antes sólo había oído hablar de ellas. De golpe podía escuchar a una banda como Tank, de los cuales era muy difícil comprar discos. No era el típico grupo que estaba en las estanterías de la HMV. Fue un momento en que un chaval que se había metido en el metal más mainstream podía indagar en el underground sin problemas. Por fin estaba a su alcance”. Antes has mencionado a Metallica. Me gusta que los defiendas a pesar de todo. Pienso que el metal necesita más bandas como Metallica, que lleguen a las masas y que, en cierta manera, nor-

(Risas) Para nada, lo digo muy en serio. Creo que la gente se olvida de que gran parte de las raíces de Metallica están en el punk, y pienso que St. Anger tiene mucho de eso por la manera en que está hecho, el sonido, las canciones.

“Es interesante, pero es que yo creo que las canciones son malas, y las letras, terribles. No hay nada que me haga conectar con ese disco. Pero me alegro de que te guste. Para mí el disco donde realmente tomaron riesgos fue en Load, porque ahí sí creo que hicieron lo que realmente les pedía el cuerpo. Mira una canción como ‘Mama Said’, una puta canción de country pop. Podían haber hecho un Black Album 2, pero hicieron eso”.

malicen el estilo delante de la

El death sueco es otro ejemplo de cómo el punk influenció en el death metal. Me gusta más que el death americano precisamente por eso…

“Mira esto… (Me enseña un pin de Dismember -ndr.)”. ¡Oh, Dismember! La mejor banda de death metal de Suecia. Por encima de Entombed. Los dos

propia industria. Está bien que

Al contrario de lo que pasa hoy

están cerca, pero me quedo con

haya gente que esté fuera de

en día, en los 80 el punk y el

Dismember.

la escena que de vez en cuando

metal eran enemigos acérrimos.

escuche o vaya a ver un grupo

Agua y aceite…

de metal.

“Iron Maiden todavía están enfada-

“Para mí también. Like An Ever Flowing Stream es el mejor álbum de death metal. Al principio pensaba

138

que eran los hermanos pequeños de Entombed, pero para nada. Nadie como ellos supo poner el punk en el death metal”. Para acabar, me gustaría ir al final de tu libro…

“Sí, donde Manowar se convierten en presidentes de la nación”. ¡Ojalá! Nada me haría más feliz. Amo los primeros discos de Manowar. Pero mientras llega eso, reflexionas sobre el mo-

enormes que llenen estadios y sean cabezas de cartel de grandes festivales.

“Puede ser, pero es lo que existe ahora. Míralo por el lado positivo, antes de empezar la entrevista me comentabas la gran escena que tiene ahora mismo España dentro del metal extremo y cómo muchas de esas bandas tienen repercusión fuera, algo que nunca había pasado. Para mí es genial que pueda tener acceso a veinte buenas bandas de aquí”.

mento actual del metal y sobre

“Ya, pero ahí la prensa tiene que hacer su papel de prescriptor y que separe lo que es bueno de lo que no lo es. Pero, ¿no crees que es un buen precio a pagar que puedas tener cientos de bandas buenas a tu alcance a cambio de que no existan unos nuevos Metallica?”. Pues sinceramente, a estas alturas del partido diría que no. Es imposible para mí absorber tanta música, por buena que sea. La cantidad hace que las cosas pierdan valor.

todo, cómo está cambiando

Sí, pero también a 40 malas. Y

todo. Comentas que es muy difí-

también a veinte buenas y ma-

cil que existan unos nuevos Me-

las de cada país del mundo. Es

tallica. Y creo que es una pena.

imposible hacer una buena selec-

Siempre es necesario bandas

ción, porque no se ponen límites.

“¿De verdad crees eso? Creo que es un buen debate para nuestro próximo encuentro”. ¡Pues que así sea! 139