RockZone 151 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Jeff Rosenstock (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL Desde que en 2013 Twenty One Pilots publicaran su tercer álbum Vessel, aunque también fue el primero que tuvo un lanzamiento con cara y ojos, que llevábamos intentando entrevistarles. La fresca mezcla de estilos del dúo de Ohio nos había llamado mucho la atención, pero por A o por B, no hubo manera. Cuando dos años después lanzaron Blurryface, lo volvimos a intentar sin suerte, y a medida que su estatus iba aumentando y acababan convertidos en superestrellas, nuestras esperanzas de poder acceder a ellos fueron disminuyendo. Pero en algún lugar debieron quedar anotadas todas nuestras peticiones, y cuando se preparó la gira promocional de su nuevo disco Trench, alguien tuvo el detalle de acordarse. Gracias a ello, fuimos invitados a Londres para charlar cara a cara con ellos y a asistir a un concierto muy especial en el Brixton Academy. Una experiencia que ahora tenemos el placer de compartir con todos vosotros. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 151

7 / INTERFERENCIAS

20 / CLUTCH

26 / CHAOS BEFORE GEA

32 / THIS WILD LIFE

36 / LIZZIES

40 / BEHEMOTH

46 / TWENTY ONE PILOTS

54 / DISCO DEL MES

56 / CRÍTICAS

86 / BELLAKO

92 / CABOVERDE

98 / ATREYU

102 / BOURBON

108 / EN DIRECTO

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A 116 / DE GIRA + AGENDA

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ AMFEST EL AMFEST LLEGA CON MÁS FUERZA QUE NUNCA. EN UN NUEVO ESPACIO Y CON UN CARTEL MÁS ECLÉCTICO Y ARRIESGADO, ESTA SÉPTIMA EDICIÓN PROMETE DEJAR EL PABELLÓN MUY ALTO.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

os días 12, 13 y 14 de octubre, Barcelona volverá a hervir con muy buena música gracias al AMFest. Como principal novedad, hay que destacar que el festival cambia de ubicación y se traslada de la sala Apolo al espacio multidisciplinar de Fabra i Coats. En él se instalarán tres escenarios por los que casi una treintena de grupos ofrecerán unas actuaciones, programadas sin solapes, para que el público pueda disfrutar plenamente de cada artista. Aunque la música instrumental fue el eje vertebrador en sus orígenes, su oferta se ha ido abriendo y ahora cubre diferentes estilos que van desde el post rock al ambient, del metal hasta la psicodelia, con la calidad y experimentación como nexo en común. En lo más alto del cartel aparecen cinco nombres destacados: Toundra, que ofrecerán su único concierto este año en la capital catalana para presentar Vortex, los alemanes The Notwist, tras una ausencia de diez años de los escenarios

españoles, los japoneses Mono, que presentarán su nuevo disco Nowhere, Now Here, los belgas Amenra con su aclamado Mass VI bajo el brazo, y los británicos 65daysofstatic que estrenarán su performance Decomposition Theory Show. Junto a ellos, habrá una buena representación de la música más avanzada de la escena internacional con Owen, Emma Ruth Rundle, Eevve, My Sleeping Karma, Giardini Di Mirò, Caligula’s Horse o Lisa Morgenstern. También la escena local y nacional estará presente con Za!, Playback Maracas, Thermic Boogie, Sofá, iour3R o Linalab, entre otros. Pero más allá de su valor artístico, si por algo se distingue el AMFest es por una organización no enfocada a hacer de este evento un negocio -algo que se nota tanto en los precios como en el trato a público y artistas-, sino un punto de encuentro entre verdaderos melómanos. Y que dure. Para más información y venta de entradas, visita www.amfest.es

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LO PEOR DE MÍ_ GAFAS

n el último año y medio, poco a poco, pero inexorablemente, todos los miembros de la redacción de RockZone (sólo falta Pau, y está al caer) hemos acabado usando gafas. Será cosa de la edad o de pasar demasiadas horas pegados a una pantalla, o una combinación de las dos cosas, pero a día de hoy, ya no seríamos capaces de hacer la revista sin unas lentes a mano. Como si fuera un luto, todos hemos pasado por el mismo proceso al encarar nuestra menguante capacidad visual: la negación, la rabia y, finalmente, la aceptación. Todo empieza cuando leyendo un texto, algunas palabras empiezan a emborronarse, lo que te lleva a aumentar el cuerpo de letra, buscar puntos con más luz, extender el brazo,

o achinar los ojos para enfocar mejor, utilizando la misma técnica de cuando echaban el porno codificado en Canal+. Naturalmente, es algo que, como las almorranas, se sufre en silencio. Pero pasados unos meses, la situación se hace insostenible, y un día te atreves a que alguien te preste sus gafas. Y entonces, ¡oh, milagro!, de golpe te das cuenta de que vuelves a verlo todo con claridad. El siguiente paso es ir a la óptica para confirmar aquello que ya sabías: tus ojos ya no son lo que eran. Mi duda es si, nuestros oídos, también habrán entrado en esa fase degenerativa sin darnos cuenta. Leyendo algunas de nuestras reseñas, seguro que algunos lectores así lo creen. (JORDI MEYA)

EN LAS REDES

La capacidad para ser noticia de Dave Grohl no tiene límites. La última fue tras pasar una noche de fiesta en el mítico Rainbow de Los Ángeles. Al parecer, la factura del bar ascendía a 333,30 dólares, y ni corto ni perezoso añadió una muy generosa propina para que sumara un total de 666 dólares. El ticket con la diabólica cifra fue colgado en las redes por el local y pronto se viralizó. La farra que se pegó el camarero debió ser de campeonato. 8

Aunque oficialmente el regreso de Metallica a nuestro país se anunció el pasado lunes 24 de septiembre, una semana antes ya se había filtrado por obra y milagro de un astuto conductor que grabó con su móvil el autobús publicitario que llevaba las fechas impresas en su lateral mientras circulaba por una carretera española. Ignoramos si fue una cagada o una maquiavélica estrategia para ir creando expectación, pero en cualquier caso, funcionó.

Ya se sabe que, hoy en día, cualquier cosa sirve para aparecer en los medios, pero lo del rapero californiano Diego Leanos, artísticamente (des)conocido como Lil Xan, es de aúpa. El chaval anunció a sus seguidores que había sido ingresado en un hospital de Nueva York por haber comido demasiados Cheetos Flamin’ Hot. “Tengan cuidado, son una droga del demonio”, afirmaba en un vídeo de Instagram. Sobredosis por Cheetos, lo que nos faltaba.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA, JORDIAN FO FOTOS: DR

MAÑANAS NEGRAS COMO EL CARBÓN Brett Anderson

M (CONTRA)

e cuesta ver en este 2018 cuál es el papel que ocupa Brett Anderson dentro de la historia del pop. Pese a que su banda Suede ha sacado buenos discos desde su retorno en 2010, uno tiene la impresión de que no han podido conectar con nuevas generaciones, y que el nombre de Brett Anderson debe de ser casi desconocido para menores de 35 años. Pero otra cosa bien diferente es para los que lo pudimos vivir en su momento. No sólo la trilogía que conforman los primeros discos de Suede es digna de museo, sino que además, Anderson se destapó como una figura que sobresalía incluso en aquellos años del britpop, en los cuales la música británica vivió un star system que no ha vuelto a ver. De ahí que unas memorias se nos antojen como algo apetecible de inicio. El propio artista ya da de salida una advertencia, diciendo de su libro que “no es una de esas manidas autobiografías sobre coca y discos de oro”, y para aquéllos que esperan detalles de sus días de vino y rosas, aclarar que la

MAFIA LIFE Federico Varese (MALPASO)

elículas como El Padrino, Promesas Del Este, Gomorra o Donnie Brasco han contribuido a que el público masivo tenga un mayor conocimiento sobre el funcionamiento interno de las mafias. Todos estos films se citan en Imagen Personal, uno de los capítulos de Mafia Life; otros aspectos tratados por Federico Varese en este libro son el nacimiento,

obra sólo llega hasta los primeros momentos de popularidad de Suede. Suponemos (o eso nos gustaría) que se encuentra preparando una segunda parte. Con eso en mente, Brett Anderson nos regala un relato sincero, intenso y directo. De nuevo aprendemos lo complicado que fue crecer en aquella Inglaterra gris de los 80 y cómo la música era la única vía de escape para una juventud sin esperanza. Igualmente interesante es ver cómo va construyendo a Suede y hasta qué punto le marcó su relación sentimental con Justine Frischmann, que conoció el éxito un poco más adelante con Elastica. Apasionante y compulsivo a medida que avanza, Mañanas Negras Como El Carbón es una de esas lecturas que te dejan reflexionando una vez has dado carpetazo a su última página. RR

el trabajo, la administración, el dinero, el amor, la política y la muerte en el corazón del crimen organizado. A pesar de las numerosas notas que interrumpen la lectura (puesto que hay que ir buscándolas al final del libro), se agradece que el criminólogo italiano nos explique cosas de grupos mafiosos menos conocidos como los Vori v Zakone de Rusia o las Tríadas chinas. También están presentes la Cosa Nostra siciliana, la mafia italoamericana (Varese dice que algún analista ha propuesto que se la reclute para combatir el terrorismo islámico), la ‘Ndrangheta calabresa y la Yakuza (para mi sorpresa, se trata de una organización casi legal en Japón). El autor, después de hacer una diagnosis del problema y de estudiar a fondo sus causas, ofrece la solución: “La mejor forma de prevenir el nacimiento de grupos mafiosos es garantizar que el capitalismo tenga una regulación adecuada y que lo administre un Estado eficaz, capaz de ejercer una autoridad legítima”. Gobernantes del mundo, tomen nota. JF

DRAGON QUEST: EMBLEM OF ROTO Kamui Fujiwara y Chiaki Kawamata

LA AGUJA Spurrier, Stokely y May

SEXO MAJARA Robert Crumb (LA CÚPULA)

(PLANETA CÓMIC)

Adaptación libre de los tres primeros RPG de Enix, Dragon Quest: Emblem Of Roto es un solvente manga que, inspirado en el universo visual creado por Akira Toriyama para esta longeva serie de juegos de rol, se nos ofrece en su versión definitiva de 15 tomos. Este manga nos ofrece una buena dosis de fantasía heróica noventera con un estupendo estilo gráfico (que poco a poco se aparta del homenaje a Dragon Ball) con el que pasar un rato estupendo. Y ojalá sirva como antesala a la reedición de Las Aventuras De Fly. SG

Una gigantesca torre en la que conviven diferentes seres y culturas sirve de escenario para un cómic que une el género negro con la ciencia ficción de corte fantástico. Una serie de crímenes ponen en alerta a los habitantes más influyentes de esta sociedad y una humana modificada genéticamente deberá resolverlos, levantando de esta forma mucha mierda a su alrededor. Aparte de divertido, que ya por sí es suficiente, el arte de este tomo es muy agradecido y atractivo. Vale mucho la pena. SG

DIOS AMA, EL

SÓCRATES

HOMBRE MATA Chris Claremont y Brent Eric Anderson

Sfar y Blain

(PANINI)

35 años ha cumplido una de las obras maestras del cómic de superhéroes. Este tomo fue la culminación de un ambicioso proyecto del patriarca mutante y llegó en el momento de la industria en que se abría a mostrar obras de mayor densidad y contenido. Es tal su importancia y vigencia a día de hoy que el mensaje de odio que lanza el personaje del Reverendo Striker bien podría pasar por palabras literales del actual presidente Donald Trump. Reeditado, además, con extras de los autores. Indispensable. SG

(FULGENCIO PIMENTEL)

Uno de los trabajos más llamativos realizados por Christophe Blain y Joann Sfar en la primera década de este siglo que, aun quedando inconcluso, supone un encuentro maravilloso entre la épica de los mitos griegos y el amor por las humanidades que profesan sus autores. Sócrates, el semiperro, acompaña al gañán de su humano, Heracles, en sus aventuras mientras comparte con los lectores momentos de profunda reflexión. Entre medias, los bajos instintos del ser humano enfrentados a la voz de la razón perruna. Maravilloso. SG

Estupenda reedición con material restaurado de las historietas y planchas que un jovencísimo Robert Crumb hizo a finales de la década de los 60, en pleno auge del cómic underground americano. El acercamiento a la pornografía de uno de los padres del tebeo alternativo USA nos permite descubrir a un autor novato explotando y puliendo las cualidades como dibujante que conocemos de su obra y nos lleva a un momento de la historia donde la irreverencia era necesaria para poder respirar en el ámbito cultural. SG

SONÁMBULO Y OTRAS HISTORIAS Adrian Tomine (LA CÚPULA)

Tomine siempre nos viene a la cabeza cuando hablamos del indie americano, aunque ofrezca siempre material gráfico más academicista y le coloquemos ahora como portadista de The New Yorker. Ya en sus primeras historias para fanzines, las que forman este volumen, mostraba su pulso para narrar el detalle cotidiano y hacer aflorar sentimientos. En estas 16 historias cortas, el viaje que nos propone como espectadores sirve para que encontremos lo mejor de sus inicios. SG 11

PISANDO FUERTE_ PAGAN

FORMACIÓN: Nikki Brumen (voz), Xavier Santilli (guitarra), Danny Bonnici (bajo), Matthew Marasco (batería)

PROCEDENCIA: Melbourne (Australia) AFINES A: Kvelertak, Marmozets, Converge PRESENTAN: Black Wash (EVP/Hassle)

“EN LA BANDA NADIE ME HA HECHO SENTIR DIFERENTE O INCÓMODA POR MI GÉNERO”

NIKKI BRUMEN

PAGAN

ay bandas que nacen con grandes ambiciones, pero no es el caso de los australianos Pagan. Cuando hace tres años la vocalista Nikki Brumen y el bajista Danny Bonnici empezaron a barajar la idea de empezar una nueva banda, su idea era apenas grabar unas cuantas canciones y dejarlo. “Nunca pensamos mucho en el futuro”, nos cuenta la cantante. “Pero a medida que fue pasando el tiempo, salieron una serie de oportunidades que nos han llevado a donde estamos ahora. Creo que tomamos muy buenas decisiones que nos ayudaron a convertir el grupo en algo mucho más grande de lo que inicialmente habíamos planeado”. Previamente a publicar su primer álbum Black Wash en julio, la banda había grabado una serie de singles que les ayudaron, además de darles a conocer, a ir ganando confianza. “Esas grabaciones nos ayudaron en muchos aspectos”, asegura Nikki. “Parece que haya pasado mucho tiempo desde que grabamos nuestras primeras maquetas. Escuchándolas ahora… ¡Sonamos como un grupo totalmente distinto! Creo que cada vez que hemos entrado en un estudio hemos crecido y avanzado. Trabajar con nuestro amigo

Mike Deslandes como productor ha sido increíble y realmente forma parte de la familia de Pagan. Fue decisivo en la construcción de nuestro sonido”. La mezcla de influencias en Pagan es muy interesante, con el punk, el rock o el black metal como fuentes. Nikki nos cuenta cuál fue su aportación. “Cuando formamos Pagan, yo estaba mucho más interesada en la vertiente más dura de la música. Así que los blast beats fueron definitivamente algo que surgió de mis gustos personales. Pero al mismo tiempo, también aprecio bastante el pop, y me siento muy inspirada por Karen O de Yeah Yeah Yeahs. Y crecí escuchando punk y hardcore, así que mi manera de escribir está influenciada por bandas de ese estilo, como Refused”. Una banda en la que es imposible no pensar cuando uno escucha Black Wash es Kvelertak. Un influjo que para nada ocultan. “¡Son un gran grupo!”, dice Nikki con entusiasmo. “Sin duda es un gran cumplido que nos comparen con ellos y puedo ver las similitudes. Nunca hemos querido sonar como otra banda, pero creo que es inevitable que la gente establezca comparaciones. Aunque quieras hacer algo único, siempre vas a inspirarte en otros artistas para crear tu

sonido”. Adentrándonos en el contenido de las letras de Black Wash, resulta muy interesante la analogía que Nikki hace entre estar abducida por una secta religiosa y estar inmersa en una relación tóxica. “Siempre me ha interesado investigar sobre sectas y qué es lo que hace que quieras unirte a ellas”, nos cuenta. “En el momento de escribir Black Wash había pasado por una ruptura bastante dura, y al pensar en esa relación, me di cuenta del enorme control que mi pareja tenía sobre mí. Usé esa metáfora para explicar lo vulnerable que te sientes cuando estás atrapado en una relación tóxica y cómo te hace sentir que no vales nada como persona”. Es un sentimiento que, curiosamente, Nikki también saca a relucir cuando se le pregunta sobre la escena metalcore de su país que tantas bandas ha exportado en los últimos años. “De adolescente estaba muy metida en ella y cada fin de semana iba a un concierto. Pero por mucho que me gustara ir, siempre sentía que no acababa de encajar. Sólo vi una banda en la que hubiera una mujer tocando, y normalmente había bastante agresividad en el pit, dominado por los hombres. Mirando atrás, casi me siento avergonzada de haber formado parte de ella, pero desde luego me ayudó a convertirme en quien soy”. Por suerte, en sus compañeros ha encontrado un ambiente en el que poder desarrollarse como persona sin complejos. “En la banda nadie me ha hecho sentir diferente o incómoda por mi género. Todos nos tratamos con el mismo respeto y nunca me han hecho sentir mal”..

DE CINE_ CON KIKO VEGA MATAR A DIOS

EL QUINTETO DE LA MUERTE

aye Casas y Albert Pintó son dos veteranos del audiovisual que han sabido aplicar sus ganas y buen hacer rodeándose de un equipo de primera y un reparto espectacular, para regalarnos una de las óperas primas más refrescantes de nuestro cine en estos últimos años. Con un pie en los estudios Ealing y otro en el siempre agradecido horror de cabaña, los directores y su muy entregado elenco funcionan con total precisión en una película con una ambientación tan extraordinaria que prácticamente roba la función.

Matar A Dios es un gozoso y extraño híbrido de terror costumbrista y humor negrísimo, muy nuestro, pero también muy ajeno (atención a la extraordinaria fotografía de Miquel Prohens, cada vez más solicitado para el género), dado el aroma que respiran sus imágenes. Cuatro miembros de una familia que no pasa por su mejor momento deciden pasar la Nochevieja en un caserón aislado, pero la llegada de un personaje bastante especial pondrá a prueba la fe en ellos mismos y también a la humanidad. Aires de relato de los de antes, apenas cinco personajes y una única localización que servirá de montaña rusa personal en un viaje amenizado por unas cuantas risas locas y un desenlace pasado de madre que llega donde nunca pensamos que podría llegar. No son muchas las oportunidades de ver una primera película nacional tan estupenda: dadle una oportunidad a ésta.

LA CASA DEL RELOJ EN LA PARED ¡HIJOS DE BRUJA!

.T.. Gremlins. Regreso Al Futuro. El Chip Prodigioso. Ésos son sólo algunos de los títulos que nos vienen a la cabeza cuando oímos la palabra mágica ‘Amblin’, algo así como el Hammer Films de los adolescentes amantes de las emociones fuertes y los efectos especiales guays. Eli Roth, quién lo diría, ha sido el elegido para volver a poner al sello de Elliot y el extraterrestre en lo más alto de las taquillas para toda la familia. El encargo era peliagudo: llevar a la pantalla la saga de libros de John Bellairs centrados en Lewis Barnavelt, el aprendiz de brujo a quien da vida el adorable Owen Vaccaro, y que se va a vivir a casa de su tío Jonathan Barnavelt, un hechicero que vive con Florence Zimmerman, la bruja más hermosa que recordamos. Eric Kripke se encarga de la adaptación, y ésa es otra de las buenas noticias. Un

tipo que viene del terror más serie B (y Z) y que será el encargado de llevar a la pequeña pantalla el gamberrísimo cómic de Garth Ennis y Darick Robertson. Centrándonos en La Casa Del Reloj En La Pared, hay que reconocer que la apuesta por Eli Roth tiene todo el sentido del mundo. La película corre con éxito y a velocidad de vértigo por la línea, finísima, que separa lo que pueden ver los niños y lo que prohibimos a nuestros hijos más pequeños a diario. El director de Hostel o Cabin Fever nunca ha sido un virtuoso con las cámaras, ni tampoco un planificador extraordinario, pero sabe aportar su conocimiento del género y sentido de la diversión y lograr que la peli resulte una pesadilla encantadora que nunca cae presa de un sinfín de efectos especiales por ordenador. Además, la ambientación en 1955 es un plus a la hora de recordarnos que durante la década de los 80 se vivió la mejor época para recrear los 50. El film es una ocasión inmejorable para introducir a los más pequeños de la casa en nuestro género preferido con un poco de azúcar. Pero no demasiado. Sería una pena que acabara en el rincón de las películas sin alma, porque de eso va sobrada.

TOI’S IN THE ATTIC LLEGA OCTUBRE, VUELVE LA ILUSIÓN

ola amigos! Llega octubre, los días se acortan y se acerca el frío. A priori la cosa no pinta muy bien, pero no es tan mal mes. Se acerca Halloween y hay que buscar un disfraz molón. Para los más afortunados, el festival de cine de Sitges ya está aquí, y para rematar, a mediados de mes vuelve la NBA y con ella la Fantasy League. ¿Y eso qué es? Pues un entretenimiento superadictivo que te mantiene enganchado durante unas veinte semanas. Consigue convencer a un grupo de amigos para crear una liga, selecciona jugadores reales de la NBA para confeccionar tu equipo, alinea todos los días, negocia cambios de jugadores con tus competidores, mete y/o saca jugadores de tu equipo para mejores resultados, y compite cada semana contra un equipo en las diferentes

categorías. No podrás tener a Lebron James y a Kevin Durant juntos en tu equipo, y te lo tienes que currar para que tu caterva de maulas te ayude a llegar al podio. Desde el primer día de liga tus preocupaciones consistirán en que la lesión de Fulano no sea grave, memorizarás los cumpleaños de tus jugadores, sus virtudes y defectos, aprenderás cómo tangarle un jugador a uno de tus contrincantes, te especializarás en anatomía deportiva, y muy posiblemente tus horas de sueño se reduzcan en momentos clave. En definitiva, diversión a raudales. Así estoy ahora mismo, haciendo papeles y tomando más notas que en la universidad. ¿Quién será mi jugador estrella? ¿A quién tendré que echar en dos semanas? ¿Quién será mi diamante oculto? Ya empiezan los nervios, ya vuelve la ilusión. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es el álbum homónimo de W.A.S.P.. ¿Estáis familiarizados con la expresión ‘jump the shark ’ (Saltar al tiburón)? Es una referencia de la cultura pop sacada de la serie de televisión de los 70 Happy Days. Hace referencia a Fonzie, el personaje más guay de la serie, donde en un episodio saltaba literalmente sobre un tiburón mientras hacía esquí acuático. Inmediatamente, en ese breve instante, Fonzie se convierte en alguien muy poco guay. En estos tiempos, en la jerga de la cultura pop, jump the shark se refiere a alguien o algo que durante una época fue cool, pero ya no lo es, debido a un momento o circunstancia específica. Retrocediendo a 1984, 18

había un montón de bandas que muchos pensábamos que eran guays. Van Halen, Mötley Crüe, Def Leppard, Quiet Riot, Ozzy Osbourne, Ratt, Twisted Sister y Flock Of Seagulls. De todas maneras había una banda que levantó la ira de los padres y abrió los ojos a los fans del heavy metal. Eran los que daban más miedo (en aquel momento) y los más salvajes (al menos en apariencia). Su cantante comía carne cruda en el escenario (más o menos). Las mujeres se lanzaban a sus pies sin motivo aparente (eso creíamos). Decían tacos en sus canciones y cantaban sobre sexo. Era una locura. Y por encima de todo, estaba el significado de su nombre: Somos Unos Pervertidos Sexuales. ¡Ey! Supongo que ya lo has adivinado: estamos hablando de W.A.S.P.. La razón por la que he asociado esta pieza con el término jump the shark es porque, para mí, W.A.S.P. pasaron de ser la banda más peligrosa de la escena a la banda más divertida de la escena. Blackie Lawless y Chris Holmes parecían asesinos en serie en la portada de su

primer álbum. Pero poco a poco, conforme iban editando discos, se fueron convirtiendo en payasos. Payasos de circo. ¡Si hasta su tercer álbum se titulaba Inside The Electric Circus! Si hubiesen seguido con esa parte del circo, hubiese sido tolerable, hasta entrañable me atrevo a decir, pero cuando a Blackie se le metió en la cabeza que era un artista de verdad, cada álbum a partir de The Headless Children ha sido una losa tras otra, de un pretencioso e inaguantable pomposo y kitch hamburger rock. A pesar de su récord imbatible de discos malos que continúa hasta el día de hoy, tengo que introducir su álbum de debut en mi Hall Of Fame porque todavía sigue

siendo una obra maestra. Sé que poner a parir a una banda y luego decir que uno de sus trabajos es una obra maestra es propio de un comportamiento inestable, pero, creédme, su debut es increíble. No hay una sola mala canción en él. Empieza de la manera más heavy posible con sus dos singles haciéndose la competencia entre ellos, ‘I Wanna Be Somebody’ y ‘L.O.V.E. Machine’, pero los otros temas podrían haber sido singles también. En estos últimos años me lo he pasado muy bien riéndome de W.A.S.P.. Lo he hecho constantemente y nadie ha podido rebatir mis argumentos. Son Spinal Tap si Spinal Tap fueran a saco. ¡Hasta el mes que viene! DANKO JONES

CLUTCH

ALTA FIDELIDAD

NO ES NADA HABITUAL QUE UNA BANDA LOGRE MANTENER LA MISMA FORMACIÓN A LO LARGO DE MÁS DE DOS DÉCADAS. ES ESA RELACIÓN INDESTRUCTIBLE LA QUE EXPLICA, EN PARTE, QUE LA MÚSICA DE CLUTCH SUENE DE MANERA TAN COMPACTA… POR MUCHAS MALAS DECISIONES QUE HAYAN ESCRITO EN SU LIBRO. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

ORRÍA EL AÑO 2012, FESTIVAL SONISPHERE EN MADRID. SOBRE LAS TRES DE LA MAÑANA, Y CON UN LARGO RETRASO ACUMULADO POR CULPA DE METALLICA, APARECIÓ

la banda encargada de dar cierre a dos jornadas extenuantes. Neil Fallon agarró el micrófono y sentenció: “Good morning, let’s go party!”. Y ahí fue donde nació mi amor incondicional por Clutch. Acumulando más de 25 años juntos por la carretera, la banda de Maryland ha conseguido consolidar su propio estilo destilado en swing, blues y rock’n’roll con un toque personal de humor ácido. Su duodécimo disco sigue oliendo a whisky, tabaco y noches en vela. Book Of Bad Decisions (Weathermaker) ofrece pocas sorpresas, pero a su vez presenta el sello distintivo de la banda más maduro y fortalecido. Y visto lo visto, pocas deben ser las malas decisiones musicales que habrán tomado a lo largo de estos años. Clutch todavía pueden presumir de saber mantener la calidad en sus composiciones pese a no descubrirnos nada muy nuevo. Imposible no quedar rendidos ante su elegancia y una actitud rebosante de flow. Asimismo, el éxito de este cuarteto que completan los inseparables Tim Sult (guitarra), Dan Maines (bajo) y Jean-Paul Gaster (batería) se ve reflejado en un gran puñado de público fiel allá donde van.

Solventando la diferencia horaria y antes de sumirse en la gastronomía y los destilados de la ciudad de Nueva Orleáns, conseguimos que Neil nos reserve un hueco en su día libre para hablar sobre cómo está funcionando la gira que escribirá un nuevo capítulo en su libro particular.

“CREO QUE EN GENERAL NUESTRA MÚSICA ESTÁ DISEÑADA PARA SER BAILADA. INCLUSO CUANDO SACUDES TU CABEZA ES UNA FORMA DE BAILE” NEIL FALLON

¡Hola Neil! ¿Cómo va todo? NEIL FALLON “¡Bien! Justo empezan-

do el día en Nueva Orleáns, Louisiana, en nuestro día libre”. ¿Ah sí? ¿Tocasteis allí ayer o lo haréis esta noche?

“En realidad, ni lo uno ni lo otro. Tocamos ayer por la noche en Dallas y nuestro próximo concierto es en Orlando, Florida. Nueva Orleáns es uno de los rincones que queda entre los dos puntos, y es un sitio divertido para pasar un día libre”. Ya me imagino... La verdad es que nunca he estado ahí y es un

down es alucinante, es todo lo que podemos pedir”.

lugar que me encantaría visitar

unas seis son nuevas canciones”. Book Of Bad Decisions salió el 7

por toda la historia musical que

¿Y qué tal están funcionando las

de septiembre a la venta, pero

tiene a sus espaldas.

nuevas canciones en directo?

la campaña de prelanzamiento

“Sí, siempre suceden movidas musicales por aquí”.

“Creo que bien, ya sabes, cada vez que tocamos nuevas canciones, ya sea ahora o 15 años atrás, la gente está más pendiente de escucharlas porque todavía no las han memorizado. Están absorbiendo el nuevo material, pero parece que el público ya va eligiendo sus favoritas”.

del disco contó con cuatro sin-

Ahora mismo estáis en plena gira por Estados Unidos y Canadá junto a Sevendust y Tyler Bryant & The Shakedown, ¿qué tal os va?

“Bueno, justo acabamos de empezar la segunda semana de la gira. Estamos acabando de coger el ritmo. No habíamos hecho una gira tan larga en algo más de un año. Tocamos muchas fechas sueltas, en festivales y cosas así. El cartel de la gira con Sevendust y Tyler Bryant & The Shake-

¿Cuántos temas nuevos estáis tocando? Porque el nuevo disco tiene 15, es muchísimo material...

“Ya... con los nuevos discos cada vez se va haciendo más y más difícil hacer un setlist. Solemos tocar unas 17 canciones cada noche, y de éstas

gles, cuatro videoclips y dos pic-

ture disc de 7’’ de edición limitada. ¿Crees que habéis dado con la mejor fórmula de incidir en el mercado musical?

“La verdad es que fue idea del mánager del sello, ya que nos quedamos muy impresionados con la campaña que hicieron Queens Of The Stone Age, que fue muy cercana. Nosotros acabamos el álbum en enero, pero como normalmente el verano no es buena época para sacar un nuevo trabajo, preferimos dejarlo para el otoño. Y supongo que hoy en día todo

este tipo de material, caras B, rarezas...

“A mí me encanta el estándar que ha funcionado durante muchos, muchos años, es genial y no creo que esté muerto. Pero al mismo tiempo, sé que un chico de 18 años no lo entiende del mismo modo que tú y yo lo hacemos, así que tenemos que ocuparnos de las dos maneras”. Reconozco que me he reído bastante viendo vuestros nuevos videoclips, sobre todo con el de ‘In Walks Barbarella’. ¿Cómo se os ocurrieron?

depende mucho de las redes sociales. Ya sabes... ir sacando material para mantener a la gente hablando sobre ello, porque la atención de la gente es a corto plazo, y tienes que seguir alimentando su interés. No creo que lanzásemos los singles únicamente para que fuesen pinchados en la radio, sino simplemente para mantener a la gente hablando de ello y memorizar lo que iba a venir el 7 de septiembre. Los singles funcionan”. Vaya, me parece curioso, ya que pensaba que era una estrategia para acercarse al público más

“Sí, es una buena forma de lidiar con eso. También es una de las razones por las que incluimos 15 canciones en el disco. Originariamente íbamos a poner unas diez u once, pero viendo lo que pasó con los temas de Psychic Warfare y Earth Rocker, los cuales nosotros tratamos como caras B, más que singles, y al lanzarlos tiempo más tarde nadie fue consciente de ello y nadie pensó que lo fuesen; en esta ocasión preferimos lanzar todo de golpe. Estamos en un mundo digital, pero por suerte nosotros mantenemos un público que todavía compra vinilos, CDs y un montón de material”.

“Todas estas ideas vinieron de Dave Brodsky. Para ser honestos, a nosotros no nos gusta grabar vídeos, no es nuestro punto fuerte, así que lo hicimos de una forma sencilla. Grabamos ‘Hot Bottom Feeder’ y ‘How To Shake Hands’ en un día. Y el de ‘In Walks Barbarella’ lo hicimos todo delante de un croma verde y no nos tomó más de seis horas. Fue el encargado de postproducción quien propuso la idea, ya que es un gran fan de los cómics. Lo que me gusta de estos vídeos es que refuerza los lyric videos, me gusta que se vean las letras porque me gusta que la gente sepa lo que estoy cantando, y eso es lo que quería hacer. Que fuese un vídeo tradicional y un lyric video al mismo tiempo”. A eso se suma que en la mayoría de tus letras es como si nos contases una historia, como si fueses una especie de narrador. ¿Crees que así la gente entiende

joven que está acostumbrado a

mejor tu mensaje o se interesa

consumir música de otra manera,

Desde luego, yo que estoy en

a través de plataformas como

ese lado, te aseguro que se

más por tus temas?

YouTube, escuchando singles en

aprecia mucho que las bandas

vez de discos íntegros...

todavía se preocupen por sacar

“Sí. Hay un montón de bandas de las que me encanta su música, pero no

entiendo de qué me están hablando, y eso me irrita. A mí me gusta hacerlo así, explicando historias cortas... o al menos, eso intento. Pero de todos modos, eso es sólo una parte de la ecuación, ya que al final toda la canción tiene que ser buena”. Para este álbum habéis cambiado a Machine, el productor de vuestros últimos tres discos, por Vance Powell. ¿A qué se debe este cambio?

“Sin duda no ha sido porque estuviésemos descontentos con el trabajo de Machine en todos estos discos, pero creo que cualquiera que intenta crear o hacer cosas nuevas quiere probar elementos nuevos, eso es lo que la creatividad significa. Queríamos a Vance para el álbum ya que habíamos escuchado varios de sus anteriores trabajos y sonaban fenomenal, aun sabiendo que él tiene más experiencia con la música country. Su principal experiencia es con el sonido en directo y el hecho de que saliera con nosotros de gira le dio muchas ideas al vernos tocar en vivo. Ha

conseguido recrear nuestro sonido en directo lo mejor posible”. Por lo que sé, la decisión de incluir una sección de vientos en ‘In Walks Barbarella’ fue suya,

te busquemos músicos locales y los invitemos a tocar esas partes. No es viable llevar a tres personas de gira sólo para tocar una canción, así que escogeremos algún día y haremos que suceda de manera local”.

¿no?

“Todo el material ya estaba grabado, así que no pudo decidir sobre la producción ni pudo cambiar casi nada de las canciones porque ya estaban acabadas. Pero sí que nos dio la gran idea cuando nos vio tocar ‘In Walks Barbarella’ en vivo de incluir una sección de vientos y dijimos ‘vale, ¡vamos a intentarlo!’. Ya habíamos hecho algo parecido en ‘The Elephant Riders’, así que ahora nos estamos comiendo la cabeza sobre cómo podemos incluir esa sección en los directos. Sigue funcionando sin eso, pero es una parte muy guay”. ¿Entonces de momento no lo lleváis al directo?

“Tocamos sin eso. Dan y Tim hacen los sonidos con su bajo y guitarra, pero estamos acabando de encontrar bien ese sonido. Quizás eventualmen-

Clutch habéis desarrollado un sonido muy característico. Creo que en cierto modo es positivo, porque con tan sólo escuchar 5 segundos se os reconoce, pero también juega en vuestra contra porque a veces no existe un margen de sorpresa. ¿Cómo lo ves tú?

“Bueno... siempre sonamos como nosotros porque somos cuatro personas. Es como una especie de voz colectiva. Prefiero que la gente sepa quiénes somos que no lo contrario, que no sean capaces de reconocer a la banda en las canciones porque tu sonido no es único. Prefiero sonar único que despertar una sensación parecida a ser el McDonald’s del rock’n’roll, ya sabes a lo que me refiero, ‘las hamburguesas más musicales’. Hemos intentado cosas diferentes, pero al final todo suena

CLUTCH

como nosotros porque somos los mismos cuatro tíos”. Este disco tiene una esencia mucho más funk que los anteriores. ¿Te sientes más influido por este género en la actualidad?

“Definitivamente la forma de tocar la batería de Jean-Paul siempre ha tenido mucho swing, y hemos tenido esa influencia desde nuestros inicios. Los Go-Go han tenido mucha influencia en nosotros y tienen esa formación basada básicamente en funk. Creo que en general nuestra música está diseñada para ser bailada. Incluso cuando sacudes tu cabeza es una forma de baile. Cuando entramos a grabar discos queremos que suenen justo así, es algo que ocurre de forma natural. Creo que es importante seguir tu instinto y no pensar demasiado”.

así que fui a lo obvio, a tratar de emular a Black Sabbath de algún modo. Muchas de las letras de Black Sabbath van de la mortalidad y la muerte. Y esta canción va de mí mismo echando la vista atrás con 13 años hasta ahora, que tengo 47, así que de alguna manera, es como si se tratase de mi propia mortalidad”. ¿Crees que el sentido del humor

¿crees que has tomado alguna mala decisión?

“(Risas) Uy... tengo cientos de ésas. Creo que podría pasarme todo un día al teléfono para explicártelas todas. Mientras puedas detectar el haber tomado una mala decisión, puedes aprender algo para no repetirlo una y otra vez. De todos modos, ayer volví a tomar una mala decisión bebiendo demasiado whisky (risas)”.

es el mejor remedio para no caer Y por lo que parece, tu instinto

en un mensaje catastrofista?

Una buena decisión es que, tal y

te llevó hasta Black Sabbath,

“Disfruto del humor, aunque no intento hacer álbumes con los que reír a carcajadas. La vida es corta y tienes que tener toda la diversión que puedas mientras estás aquí. De todos modos, nuestra música es seria, como en la canción ‘Lorelei’, no puedes dejar mucho espacio para el humor en ese tema. Pero luego canciones como ‘How To Shake Hands’ las escucho con una sonrisa en mi cara. Creo que el humor bien llevado puede ser muy crítico, es un fenómeno de la cultura contemporánea, porque cuando veo a la gente en los conciertos de Clutch, el público está sonriendo y eso siempre es agradable”.

como he leído por ahí, en diciem-

¿no? El tema ‘A Good Fire’ trata de la primera vez que los viste en directo...

“¡Casi! Es una canción que habla de la primera vez que escuché Black Sabbath. Es como el guión de una película. Octubre, noviembre... ya sabes, primer día de instituto, hay una fiesta, entonces se hace una fogata y alguien pone Black Sabbath en el radiocassette. Yo nunca los había oído antes. No he tenido hermanos ni hermanas mayores que me introdujesen a ese material. Recuerdo escuchar las canciones que abren los discos y asustarme, pero me gustaba. A veces, que la música te estremezca, es divertido. Y el riff de ‘A Good Fire’ me recuerda a Black Sabbath, a algo del Vol. 4., pero no tenía muy claro sobre qué escribir...

bre vendréis de gira por Europa. ¿Se puede desvelar si repetiréis parada por aquí?

“Creo que tocaremos algunas fechas por España y alguna de ellas será en Barcelona, pero no lo sé seguro todavía. Estaremos por allí unas cinco semanas y sería mágico que una de las paradas fuese Barcelona. Y si no, lo más seguro es que me pase en primavera”. ¡Estupendo, será genial poder disfrutar de vuestro nuevo álbum en directo!

“Gracias, ¡el placer será nuestro!”.

Ahora que el disco ya lleva unas semanas en el mercado,

CHAOS BEFORE GEA

TEMPUS FUGIT DESDE MÁLAGA, CHAOS BEFORE GEA LLEVAN UNA DÉCADA FORJANDO UNA MAQUINARIA QUE EN CHRONOS, SU TERCER ÁLBUM, HA LLEGADO A SU MÁXIMO RENDIMIENTO. ¿PERO SERÁ SUFICIENTE PARA QUE LOGREN SALIR DEL UNDERGROUND? TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

I HABLAMOS DE METAL, POCAS BANDAS ENCONTRA REMOS EN NUESTRO PAÍS QUE TENGAN TANTA IMAGINACIÓN A LA HORA DE CREAR MÚSICA.

Recogiendo influencias que van desde el groove metal de Machine Head a la ambición progresiva de Mastodon, el toque death de Gojira o las melodías de Alice In Chains, Chaos Before Gea han destilado un sonido que ha quedado en una trilogía que empezó con Erebo en 2013 y ha culminado este año con Chronos (The Braves). Despojados de las orquestaciones que encontrábamos en el anterior Khâron, Ismael Pérez (voz), Adrián López (guitarra), Hernán Jensen (guitarra), Damián Schmitt (bajo) y David Arroyo (batería) han facturado, junto a su productor habitual José María Tornay, un álbum más crudo y directo, pero que no renuncia, en absoluto, a sorprender al oyente. Desde su salida en mayo, Chronos no ha parado de recibir grandes elogios por parte de los medios, nuestra revista incluida. Pero por desgracia, todo este reconocimiento no ha facilitado que la banda pueda ejercer su actividad con la normalidad deseable. Es algo que, como tantos otros grupos, Chaos Before Gea tienen asumido, pero a lo que no se resignan.

Suele decirse que el elogio de-

ISMAEL PÉREZ “La primera parte,

bilita. ¿Cómo se evita caer en la

Erebo, ya estaba planteada cuando me uní al grupo. Me llamó la atención el hecho de que, al tener una historia que contar, el proceso compositivo y la expresividad en las letras se inspiraban de forma muy natural. Para la segunda parte, Khâron, tenía muy claro el destino de nuestros protagonistas... y el resto ha sido una mezcla entre ‘venirse arriba’ y ‘vale todo’ (risas). Esto último da mucha libertad también para utilizar la historia como una forma de transmitir una serie de mensajes muy claros por medio de metáforas, al más puro estilo mitológico”.

autocomplacencia cuando todo el mundo te dice que eres la hostia? ¿Alguna vez habéis leído alguna reseña y pensado ‘ahí se han pasado’? DAVID ARROYO “Respondiendo a

la última parte de la pregunta, desde el primer disco hemos recibido críticas que más de una vez nos ha hecho pensar que se nos ha sobreestimado. Como hemos dicho en anteriores ocasiones, nuestros temas salen de una forma tan natural para nosotros que siempre nos sorprende que digan que somos un grupo técnico (risas). De cualquier manera, ese tipo de reviews genera en nosotros un deseo de estar a la altura de las palabras que nos dedican, por lo cual el nivel de la banda nunca se estanca y siempre va hacia adelante. Esto, sumado a nuestra inagotable capacidad para la autocrítica, facilita que no caigamos en esa autocomplacencia”. Chronos se presenta como la tercera parte de una trilogía. ¿Hasta qué punto esto estaba planeado desde un principio o fue más bien algo que surgió sobre la marcha? DAVID “A todos nos gustan muchos

discos conceptuales de distintas bandas, así que se podría decir que desde que nombramos la banda teníamos en mente que los discos girarían sobre un concepto, porque nos gusta cuando un conjunto de canciones desarrolla una historia en común. Lo que sí ha ido saliendo sobre la marcha, y de la mano de Ismael, ha sido enlazar los tres discos cerrando el círculo con Chronos”.

poder representarlas lo más fielmente en directo sin necesidad de sonidos secuenciados”. DAMIÁN SCHMITT “Para las últimas fechas de la presentación de Khâron, por equis motivos en alguna ocasión no pudimos poner las secuencias y nos dimos cuenta de que los temas funcionaban igual o mejor al ser más orgánicos, lo cual también puede haber influenciado que el nuevo álbum esté exento de ellos”. Una de vuestras grandes cualidades es la de combinar influencias dispares y crear un discurso propio. ¿Alguna vez habéis

A nivel de sonido y arreglos, el

desechado alguna idea por de-

nuevo disco es muy distinto a

masiado rara, o realmente en

Khâron. ¿Sentíais que quizá os

Chaos Before Gea cabe todo?

habías complicado demasiado la

DAMIÁN “Después de siete años la

vida en el anterior, sobre todo

verdad es que podríamos sacar un disco entero de caras B (risas). Ahora en serio, se puede decir que somos prolíficos a la hora de componer, por lo cual está claro que no todo va a pasar el corte para entrar en un disco. No es tanto el concepto de que algo sea raro, puesto que nos encantan las excentricidades musicales, más bien es coger un riff que no funcionaba y evolucionarlo hasta conseguir algo a gusto del grupo”.

de cara al directo? DAVID “Es una suma de factores.

Principalmente, la intención del grupo es sacar siempre algo innovador con respecto a lo anterior, de manera que cada disco tenga su propia atmósfera adecuada al concepto. En Khâron, al tener a nuestro protagonista recorriendo un infierno inspirado en La Divina Comedia, nos pareció correcto añadirle una atmósfera barroca rozando el rococó en cuanto a los maravillosos arreglos orquestales de nuestro querido Tornay. Y a pesar de que él mismo se nos unió en más de la mitad de la gira con su teclado, efectivamente en las fechas en las que no contábamos con él, llevar las secuencias se convirtió en un proceso algo tedioso y bastante artificial. Así que creo que de una manera natural para este disco todas las composiciones han sido mucho más orgánicas y de cara a

¿Os consideráis esponjas musicales incluso antes que músicos? DAVID “Definitivamente diría que

todos, aunque puede que a día de hoy no tanto, hemos consumido un montón de música de muchos géneros durante más de veinte años. Por lo cual, como se refleja en nuestra música, tenemos muchas influencias variopintas producto de ese proceso de ‘esponja musical’”.

DAMIÁN “Efectivamente, como bien

punto de obsesión. Me imagino

dice Dave, muchos de nosotros llevamos criándonos escuchando todo tipo de música desde peques. Yo afortunadamente nací en una familia que lleva muchas generaciones con más de un músico. Quien no tocaba el violín, tocaba el piano o el acordeón, y si no, cantaba... ya con los años mi padre fue adaptándose y siguió la rama de disc jockey. Mi hermano siguió sus pasos, y yo tomé el camino instrumental”.

que por una parte os tenéis que

Desde fuera el proceso de composición de un disco como éste parece una tarea monumental y en el que se requiere un cierto

divertir mucho, pero también debe haber momentos de tensión o crisis, ¿no? ¿Cómo los gestionáis? DAVID “A pesar de haber tenido un

par de entradas y salidas de guitarristas en el seno de la banda, hemos tenido la suerte de que todos los músicos implicados en el grupo desde el día uno eran amigos o se conocían de antes. De esa manera, a la hora de gestionar ese tipo de tensiones siempre prima la amistad por encima de todo, lo cual es una gran red de seguridad al saber que una disputa nunca va a

acabar con la banda”. HERNÁN JENSEN “Todos somos mayorcitos y tenemos más o menos experiencia en este mundillo, así que estamos entrenados, en cierta manera (risas). Teniendo en cuenta que ése es el único aspecto negativo de la grabación y que lo tenemos bien cubierto, efectivamente el resto es un proceso muy divertido y excitante”. Volviendo al principio, a pesar de todos los elogios, sigue costando muchísimo que una banda estatal de metal consiga llegar a un público mayor. ¿Es una situación que os frustra, lo

las circunstancias, gente que siempre te ha apoyado puede empezar a flaquear, pero uno se mantiene firme en sus ideales. Sabemos que es nuestra pasión y, a su vez, una carrera de fondo, pero estamos aquí para ir hasta el final”. Para terminar con algo más ligero, en agosto presentasteis una cerveza con vuestro nombre.

“NUESTROS TEMAS SALEN DE UNA FORMA TAN NATURAL PARA NOSOTROS QUE SIEMPRE NOS SORPRENDE QUE DIGAN QUE SOMOS UN GRUPO TÉCNICO” DAVID ARROYO tenéis asumido? ISMAEL “No queremos pecar de

humildes, pero como comentábamos en la primera pregunta, nosotros somos nuestros peores críticos, así que desde el día uno cada pequeño pasito adelante lo hemos recibido como una victoria. Más que tenerlo asumido, al haber tenido distintos proyectos y haber visto cómo es la escena del metal en este país, se podría decir que sabemos que no es fácil y que no puedes obsesionarte con ello puesto que es muy probable que acabes llevándote una decepción enorme”. Supongo que como consecuencia de eso, no os resulta fácil tocar en directo. ¿Es solucionar eso ahora vuestra máxima prioridad? HERNÁN “Totalmente. Nuestra ma-

yor aspiración, aparte de poder seguir sacando discos, es poder llevar nuestros directos lo más lejos posible. Aunque resulte un hándicap en cuanto a kilometraje, por ahora nos

hemos salvado porque el norte del país responde bien a estas propuestas, pero todavía queda una porción exagerada del país que necesitaría seguir el ejemplo”. Los sacrificios, empezando por los económicos, son importantes en una banda underground. ¿Cuántas veces habéis escuchado eso de ‘¿por qué no lo dejas?’ por parte de novias, familiares o amigos? DAVID “Personalmente, y creo que

la mayoría coincide conmigo, la gente de mi alrededor ha visto que desde muy joven la música iba a ser una parte indiscutible de mi vida, así que cualquier etapa en la que pudieran haber estado en contra pasó hace muchos años. Por lo demás, si alguien de tu entorno quiere ser así de tóxico con algo que te gusta, es tan simple como eliminarlos de tu vida. Ese tipo de personas sólo tienen el poder que tú les des dejándote afectar”. DAMIÁN “Para otros depende de

¿Cómo surgió la idea? ¿Cómo es una borrachera de birra Chaos Before Gea? ISMAEL “Nos quedamos flipados

cuando Antonio Bravo nos dijo que un maestro cervecero como Miguel de Malnombre quería hacer una cerveza para Chaos Before Gea. Que le había molado la música y la atmósfera como para hacernos una cerveza, ¡todo un puto amo! Y qué cerveza. Una triple IPA de 9,7 grados, laviencompae (risas). El que más y el que menos se fue saludando en las rotondas en honor a Chronos, y eso nos pone, ¿a quién no?”. DAMIÁN “De hecho, cuando celebramos la fiesta de presentación de la cerveza en los locales Hop Scotch y Rooster, nos contó que la cerveza en barril fermentó más aún y alcanzó unos 10 y pico grados totales. Imaginaos... De cualquier manera, aprovechamos para presentar también nuestras nuevas camisetas y tenemos que decir que la noche fue todo un éxito. El primer local en el que estuvimos agotó el barril en cuatro horas, y a día de hoy, si no me equivoco, ya están todas las unidades vendidas”.

THIS WILD LIFE

NO MIRES ATRÁS CON IRA JUSTO EMPEZADO EL VERANO LLEGABA A NUESTROS OÍDOS EL TERCER ÁLBUM DE THIS WILD LIFE. EN PETALUMA , EL YA NO TAN ACÚSTICO DÚO CALIFORNIANO PRESENTA UN DISCO MÁS LUMINOSO MUSICALMENTE, PERO NO EXENTO DE NUBARRONES EMOCIONALES. TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: DR

ESPUÉS DE HABER ESTADO PENDIENTES DURANTE UNAS CUANTAS SEMANAS PARA PODER CHARLAR CON ALGUNO DE LOS

dos componentes de This Wild Life, finalmente su discográfica, Epitaph, nos sorprendía dándonos una fecha tan señalada para los estadounidenses como la del 4 de julio. Tampoco es que quisiéramos fastidiarles la fiesta, pero pronto descubrimos que Kevin Jordan, el vocalista y guitarrista del grupo, no tenía grandes planes para celebrar su Día de la Independencia. “Estamos en medio de la nada, así que quizá Anthony (Del Grosso, batería) y yo vayamos a un centro comercial a ver una película, pero nada más (risas)”, nos decía al atender nuestra llamada. Si bien su plan no resultaba

muy estimulante, más lo era que el grupo estuviera formando parte de la última edición del Warped Tour que ponía el cerrojo a tan mítico festival después de 24 años. Precisamente sobre eso, empezamos hablando con Kevin. ¿Qué significa para vosotros formar parte de la edición final del Warped Tour? KEVIN JORDAN “Es triste para mí, pero a la vez

me siento muy feliz y orgulloso de formar parte de ello. Es el último verano en el que podremos estar en este festival, que ha sido tan increíble para nosotros. Así que estamos aprovechándolo al máximo. Tenemos un disco nuevo, así que estamos vendiéndolo todo el día, intentando conocer a cuanta más gente mejor, y aprovechando a 33

“HAY QUE TENER UNA MAYOR PERSPECTIVA DE LAS COSAS EN LUGAR DE QUEDARTE CON SÓLO LO QUE TE AFECTA A TI EN UN MOMENTO DETERMINADO” KEVIN JORDAN

que habíamos desarrollado en Low Tides. Queríamos seguir experimentando con el sonido, no es que quisiéramos frenarnos en ese aspecto, pero queríamos hacer un álbum que fuera mucho más luminoso, que pudieras escuchar en el coche con la ventanilla bajada en un día de verano o en los auriculares mientras limpias tu casa un domingo. Algo que pudieras escuchar todo el tiempo”. ¿Pero reflejan también vuestro

tope esta última oportunidad. Es una pena que se termine, pero al menos lo habremos hecho tocando con toda nuestra alma y conectando al máximo con la gente”. ¿Recuerdas el primer Warped al que asististe como público?

“No recuerdo el año exacto, pero estaba en el instituto. Tocaban Thrice, Avenged Sevenfold, The Used, My Chemical Romance… fue una locura. Era muy joven, pero mi novia tenía hermanas mayores que escuchaban punk y gracias a eso me metí en esa escena. Soñaba con poder tocar ahí algún día, pero siendo tan joven lo veía como algo imposible. Así que haberlo hecho en varias ocasiones y haber podido tocar en el escenario principal en la última edición es un sueño hecho realidad. Nos sentimos muy afortunados”. ¿Habéis hablado con otros músicos sobre qué pasará una vez no exista el Warped? Ha sido una gran plataforma de lanzamiento para muchos grupos. ¿Crees que otro festival lo reemplazará o quedará un gran vacío?

“Creo que el próximo verano será como el Salvaje Oeste. Muchos gru-

pos no querían girar en verano porque era imposible competir con el Warped, no es posible competir con una entrada de 40 euros con la que puedes ver a cien bandas. El año pasado giramos en verano y la asistencia en algunas ciudades no fue demasiado buena porque al día siguiente llegaba el Warped Tour. No creo que sea posible reemplazar al Warped, habrá festivales en algunas ciudades, pero no creo que exista algo a nivel nacional. Tengo mucha curiosidad por ver lo que pasará”. Hablemos de Petaluma. Parece un disco más luminoso que Low

Tides. ¿Cómo explicarías ese

estado de ánimo actual? No creo que sea fácil escribir canciones animadas si te sientes como una mierda…

“Sí y no. En este disco hay algunas canciones directamente de amor, algo que no habíamos hecho en el pasado. Para nosotros era un desafío escribir letras así. Pero algunas canciones que suenan muy luminosas, con acordes abiertos y un ritmo más animado, siguen teniendo letras bastante oscuras. Por ejemplo, ‘Come Back Down’ suena muy feliz, pero trata sobre la muerte de mi hermano. Me parecía interesante la yuxtaposición entre componer algo que suena alegre, pero utilizarlo como lienzo para expresar tristeza”.

cambio de tono?

“Diría que los dos discos son polos opuestos. Low Tides era oscuro y lento, y éste es más animado y esperanzador. Fue una decisión consciente. Después de sacar el disco anterior, salimos de gira y tocamos muchas de sus canciones, y sentimos que era un disco más para escuchar en casa que para interpretar en directo. No era tan fácil de llevar al directo como nuestro anterior material, así que decidimos dar un paso atrás en cuanto al espíritu de la música, pero conservando el sonido

Hablando de canciones de amor, ‘Hold You Here’ fue objeto de una campaña en Twitter por parte de una fan para que la tocaseis en su boda. ¿Lo habéis hecho ya?

“Todavía no (risas). Lo que pasó es que nos preguntó cuantos RTs necesitaría para que tocásemos en su boda, y Anthony le dijo en broma que 100.000, pensando que sería imposible que lo consiguiera. Pero lo logró en apenas una semana (risas). ¡Fue

alucinante! Así que contactamos con ella y dijimos que lo haríamos porque somos hombres de palabra. Estamos esperando a que nos diga la fecha”. La próxima vez tendréis que pedir un millón de RTs.

“Lo sé, lo sé (risas)”. Petaluma es el nombre de la calle en la que solías vivir. ¿Qué te llevó a proponerlo como título

“Los dos hemos crecido muchísimo como músicos. Ésta es la primera banda en la que realmente hemos escrito canciones porque antes los dos éramos baterías. Hemos aprendido a componer juntos, a crear melodías, a tocar la guitarra… Nos entendemos muy bien y estamos muy atentos a lo que hace el otro. También cada uno tiene más claro cuál es su papel. Todo es mucho más fácil ahora que hace cinco años”.

del disco?

“Sí, viví allí durante un año, después de que la casa en la que me había criado fuera subastada. Era la casa del padre de mi novia. Ella trabajaba en otro estado y su padre también. Así que vivía en una casa que no me pertenecía durante una relación que se estaba desmoronando. Fue un periodo de mierda, pero mirando atrás me siento agradecido de haber tenido un techo bajo el que dormir y en el que pude empezar a reconstruir mi vida. Es de esas situaciones que en el momento te parecen horribles, pero que cuando echas la vista atrás ves que tocar fondo es lo que te hace remontar. Quise ponerlo como título del disco porque para mí evoca una reflexión sobre el pasado, pero no desde la negatividad, sino como la suerte de haber tenido una oportunidad. También, tal como está el mundo, ves a gente sufriendo de verdad, y eso debería hacernos valorar lo que tenemos. Hay que tener una mayor perspectiva de las cosas en lugar de quedarte con sólo lo que te afecta a ti en un momento determinado”.

Últimamente habéis colgado tutoriales enseñando cómo tocar vuestras nuevas canciones. Está muy bien, pero ¿no es como si un mago enseñara cuáles son sus trucos?

“Nosotros aprendimos a tocar gracias a lo que hacían otros músicos, así que no creo que sea tanto como un mago enseñando sus trucos. Una de las mejores cosas de hacer música es inspirar a otros para que hagan la suya. Yo aprendí a tocar la guitarra aprendiendo canciones de Dashboard Confessional. Intentaba encontrar tablaturas o lo hacía de oído. Me hubiera encantado que hubiera existido un canal en el que el artista me enseñara directamente cómo tocar su música. Hubiera sido muy inspirador. Intentamos ser lo más humildes posibles, nada de lo que hacemos es para darnos importancia, no tenemos grandes egos, ni queremos ser estrellas del rock. Somos gente trabajadora que siente mucha pasión por hacer música”. También sois muy dados a hacer

que os llame la atención?

“Sobre todo tenemos que sentir un respeto por la canción y por el artista y también que veamos cómo darle un enfoque interesante. A veces, escuchamos una gran canción, pero no encuentras la manera de llevarla a nuestro terreno de una manera original. Por ejemplo, ‘Swing Life Away’ de Rise Against es una gran canción, pero ya es un tema acústico y no sabríamos cómo mejorarla haciendo algo distinto. Esa canción ya es genial como está. En cambio, cuando hicimos ‘Sleepwalking’ de Bring Me The Horizon tuvo mucho éxito porque le dimos un enfoque muy distinto y lo transformamos en algo nuevo. Tampoco pensamos en hacer versiones todo el tiempo, y cuando las hacemos sale bastante rápido porque la base ya está ahí. Suele ser una decisión bastante fácil acordar qué versión haremos”. Ahora estáis haciendo una de ‘I Will Follow You Into The Dark’ de Death Cab For Cutie...

“Sí, pero sólo hacemos un trocito. A veces tocamos una estrofa y un estribillo de un tema al final de uno nuestro, o incluso en medio. En el Warped Tour estoy tocando la primera estrofa y estribillo de ese tema de Death Cab For Cutie con el ukelele, no sólo porque me guste mucho, sino para que a Anthony le dé tiempo de colocarse en la batería para tocar la última canción del set. Prefiero cantar que tener que hablar con el público mientras él se coloca en su sitio (risas). Es una versión práctica (risas)”.

versiones de lo más variadas. ¿Ha cambiado tu manera de

Habéis hecho desde temas de

trabajar con Anthony desde que

Post Malone a Beartooth. ¿Qué

empezasteis?

tiene que tener un tema para

LIZZIES

SÚBETE AL RING TRAS SORPRENDER CON UN DEBUT TAN BUENO COMO GOOD LUCK , LIZZIES VUELVEN A LA CARGA. SI EN SU PRIMER TRABAJO RENDÍAN PLEITESÍA A LOS PIONEROS DEL HEAVY METAL, ESTA VEZ HAN AVANZADO EN EL TIEMPO HASTA METERSE DE LLENO EN EL HARD ROCK DE LOS 80. SI BUSCAS PELEA, NO ENCONTRARÁS ADVERSARIAS MEJORES. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: IÑIGO DE AMESCUA/MARTA RIBATE

STÁ CL ARO QUE NA DIE ES PROFETA EN SU TIERRA , PERO NI TAN SIQUIERA UN HEC HO

tan notable como el haberse colado en las listas de discos más vendidos con un nada despreciable decimosexto puesto en su primera semana, sirvió para que Good Luck pusiese el nombre de las madrileñas Lizzies en boca de todo el panorama metálico nacional. Tampoco es que Elena (voz), Patricia (guitarra), Marina (bajo) y Dani (batería) se puedan quejar viendo lo

pecto a su debut. Empezando por el mayor acercamiento al hard rock de la década de los 80, donde no les ha temblado la mano incluso a la hora de añadir sintetizadores recreando así toda la esencia de un sonido a veces un tanto incomprendido. Unido a su todavía latente amor por el heavy metal más primitivo de Iron Maiden y Judas Priest, nos dejan en bandeja otro discazo del que nos sentamos a hablar con Elena en la Cuervo Store, su centro de operaciones en el barrio de Malasaña. Con Good Luck entrasteis en las listas de los discos más vendidos. Además de sorprendidas, imagino, ¿cómo recibisteis la noticia? ELENA “Fue una sorpresa, totalmente.

bien que les va fuera de nuestras fronteras, donde ya han estado presentes en varios festivales de prestigio además de acompañar giras como la de Dead Lord el pasado año. Pero sin duda el circuito doméstico es una asignatura pendiente para ellas. Y tal vez eso debería empezar a cambiar con la edición de On Thin Ice (The Sign), un segundo intento en el que han vuelto a confiar en la buena mano del productor sueco Ola Esjford (Tribulation, Honeymoon Disease), pero donde han cambiado muchas cosas res-

No nos lo esperábamos ni mucho menos, ni tan siquiera entrar en una lista como ésa teniendo en cuenta que hoy en día cuesta mucho vender discos, y más en España, donde hay otras prioridades en cuanto a gustos musicales. Y encontrarte con un primer disco en el puesto 16, delante de gente como Chenoa y tal... pues claro que te sorprende, y además, te motiva. Te dan ganas de seguir tirando para adelante y decir ‘vamos a por un segundo disco’. Y todo lo que venga con ello, pues bienvenido sea”. Es verdad que en los últimos tiempos de vez en cuando solemos ver a grupos como Angelus Apatrida, Berri Txarrak o Toundra asomarse al mainstream. Pero una banda de metal, nacional y encima formada por mujeres, que aunque esté feo decirlo, parece que aún sigue costando un poquito más que al resto, no

es nada habitual. ¿Lo veis como algo puntual o de verdad está empezando a cambiar algo en el público?

“Creo que lo que está cambiando es la visibilidad de la mujer en la música, que es mucho mayor que hace unos años. Parece que cada vez hay más chicas que se animan a coger una guitarra y salir a dar bolos. Es cierto que siguen existiendo ciertos estigmas y machismo tanto en la música como en la sociedad en general, pero se está haciendo mucho más visible. También es cierto que en nuestro caso parece como que tenemos que demostrar un poquito más por el mero hecho de ser chicas y, sobre todo, tan jóvenes. Evidentemente no siempre. Nos han tratado fenomenal en muchos sitios, pero sí ha habido lugares donde a veces te miran en plan: ‘Bueno, a ver qué sabéis hacer’. No te toman en serio. Pero la parte bonita de todo esto es cuando acabamos un concierto y los que pensaban así de repente te ven de otra manera. Y ahí es cuando empiezan a cambiar las cosas”. Como bien apuntas, parece que cada vez sois más. Personalmente, en los últimos dos o tres años he notado una mayor presencia femenina en muchas de las bandas nuevas que van surgiendo.

“Desde luego tiene mucho que ver con el auge del feminismo. Hay más denuncia. Las mujeres estamos cogiendo poder y nos estamos dando cuenta de toda la injusticia y la falta de equidad que existe. Y ha llegado el momento de decir ‘basta ya’. Aquí estamos y valemos igual que cualquier chico. Y en cierta manera, eso también va de la mano de la música, porque anima. El ver que cada vez hay más mujeres y 37

“DIRÍA QUE HAY MUCHAS PARTES QUE ME SUENAN A VAN HALEN. A DEF LEPPARD TAMBIÉN. SOBRE TODO A OCHENTERISMO”

me parece un paso bastante lógico. Es como si hubieseis saltado de finales de los 70 a meteros directamente en los 80.

ELENA

¿Habéis estado escuchando últimamente más hard rock de esa época en la furgoneta quizás?

también hombres luchando por el feminismo te hace sentir más arropada”.

Pues hablemos entonces del nuevo álbum. ¿Qué os ha pasado esta vez? Parece que os han

Volviendo un poco a lo que ha-

cambiado los vinilos de Maiden

blábamos sobre lo bien que fun-

y Judas por los de Def Leppard.

cionó Good Luck, a pesar de

“(Risas) Sí, creo que en este disco se refleja lo que hemos evolucionado tanto individual como en colectivo. Tal vez sea por eso que suena así. Es cierto que suena más brillante y tiene un parte muy hard rockera, pero también otra que es más oscura. Así que no sabría muy bien cómo decirte. Al fin y al cabo, la música es una expresión, y depende de cómo estés y lo que te haya ocurrido, se ve reflejado ahí. Y eso tiene mucho que ver. Obviamente, sigue habiendo ese sonido de Lizzies, pero con esos matices y más madurez. Somos muy jóvenes y los cambios a lo largo de los años quizás se notan más ahora que seguimos estando abiertas a ir descubriendo cosas nuevas. En realidad, no nos gusta cerrarnos a nada. Si por ejemplo Patri viene con un riff que nos mola, pues vamos adelante con él. Tampoco nos hemos planteado cuál es nuestro sonido, simplemente es lo que sale”.

todo, tengo la sensación de que os va mucho mejor en el extranjero que en España. ¿Vosotras lo percibís así, que hay más atención desde fuera que aquí?

“Pues sí. Sinceramente, y creo que hablo por todo el grupo, sentimos que tenemos más power fuera en países como Suecia o Alemania. Vamos allí y flipamos. En España es verdad que vamos a sitios donde la gente nos conoce, pero no notamos ese entusiasmo. Creo que hay mucho trabajo que hacer por aquí en España y confiar en que algún día sea de otra manera. Pero sí que es cierto que nuestro público más acérrimo está por Europa. Por ejemplo, en algunos festivales nos han puesto en horarios donde coincidíamos con el cabeza de cartel o en salas pequeñas donde hemos tocado por nuestra cuenta y nos ha ido muy bien. Veremos si ahora en la próxima gira mejora el asunto por aquí. Todavía tenemos que rodar mucho y seguir aprendiendo”. 38

“Siempre hemos dicho que nuestro tridente de referencia eran Iron Maiden, Judas Priest y Motörhead. En mi caso, sobre todo Judas. Pero en realidad yo siempre he sido muy hard rockerilla. Las otras son más jevirulas (risas). Y sí que se ha notado esta vez. También lo que te decía: vas escuchando cosas nuevas de todo tipo. A mí siempre me ha gustado mucho el rock’n’roll de los 50, el blues, la música negra en general... Michael Jackson para mi es Dios, eso sí que no se puede comparar con nada (risas). Por otra parte, aunque bueno, tampoco quiero poner palabras mías en boca de las demás (risas), pero de tener esa rabia de cuando eres joven y has pasado la adolescencia a donde estamos ahora, al final te das cuenta de que han pasado tres años y has cambiado. Pero volviendo a las influencias, diría que hay muchas partes que me suenan a Van Halen. A Def Leppard también. Sobre todo a ochenterismo. Hemos metido muchos sintetizadores, de eso sí que hemos escuchado mucho. No lo quiero comparar porque ellos son de otro planeta, pero veo este álbum un poco como el Turbo de los Judas, donde sacaron ese lado más hard rockero suyo, además de ser un disco que creó mucha polémica y controversia en su momento (risas). Lo veo un poco así”. Es una buena comparación, desde luego. Siguiendo por ahí, habéis repetido de nuevo con

Aunque sorprende, en realidad

Ola Ersfjord para la grabación

LIZZIES

aquí mismo, en el estudio de la Cuervo Store. ¿Cómo se ha dado esta vez?

“Bueno, nosotras llegamos al estudio bastante nerviosas con una idea de cómo debía ser el disco, aunque como suele pasar, no estaba del todo cerrada. Pero lo que era el grueso de las canciones, los riffs y demás, estaba ya listo. Ola nos dio la idea de meter los sintes y como a nosotras nos flipan, pues empezamos a trabajar con ello. Comenzó a darnos muchas ideas que al final se notan de manera muy significativa en el resultado final. Ya te digo que es algo que nosotras ya habíamos pensado, pero él terminó de darle la puntilla. Los riffs son más melódicos y preciosistas, cuando en el anterior eran macarreo puro y duro. Que sigue habiendo canciones así, por ejemplo ‘Talk Shit And Get Hit’ o ‘Rosa María’, que van más por el rollo de ‘Speed On The Road’. Pero también está todo más pensado y elaborado, menos en tu cara, sin ese punto punk guarro que seguimos teniendo aun así. Hay mucha variedad. En cuanto a las voces, considero que he aprendido un montón y todavía me queda mucho, mucho más. Cuando estaba grabando en el estudio, la mayoría de las melodías ya estaban ahí, pero en el caso de los coros, salió totalmente espontáneo. Lo escuchaba ahí mismo y le comentaba a Ola de meter segundas voces. Al final es la suma de la banda. Cada una hemos puesto nuestro granito de arena”.

gia, y On Thin Ice parece que va sobre la lucha y pelear, supongo que con un doble sentido...

“Totalmente. Cada letra es una historia, pero sí que hay un componente que lo une todo. Se hace una sátira de lo absurdo de la sociedad, de los seres humanos. Hay crítica a la falta de tolerancia, de derechos humanos... de toda la miseria que nos están haciendo pasar y lo que nos está ocurriendo. También hay un canto constante al feminismo a lo largo del álbum, y al mismo tiempo hay algo de paranoia interna, como en ‘Playing With Dead’ o ‘I’m Paranoid’. Hablan de que todos tenemos un mundo interior personal guardado y de que a pesar de que hay momentos buenos y malos, uno no acaba de entenderse a sí mismo. Es un poco de todo, pero sí que es verdad que hay un sentimiento de lucha y rebelión en general”. Además, la portada, que la ha hecho Patri, está inspirada en la serie de Netflix Glow, que también está ambientada en los 80. Todo va hilado.

Me gusta ver que seguís cuidando la temática del artwork en los discos al igual que las fotos de promo. Good Luck hablaba sobre la buenaventura y la ma-

“Nos llevó tiempo decidir qué hacíamos para la portada. Teníamos el título, On Thin Ice, es decir, ‘en la cuerda floja’, y queríamos poner una situación en la que estás ahí un poco

en el límite. Y se nos ocurrió la imagen de dos luchadoras de wrestling, que nos pareció muy bonita. Es cierto que ha dado mucha polémica, a mucha gente no le ha gustado, pero a nosotras nos encanta. Y como dices, pega completamente con el sonido ochentero del disco, con esos colores de neón. Creo que refleja muy bien lo que es el álbum. Hay quien dice que parece una imagen sin fuerza, que luego lo escuchas y no parece eso. A mí me parece todo lo contrario. Y encima, lo más especial es que lo haya hecho Patri. Para nosotras es genial así”. Viendo que sois muy cinéfilas, para acabar, dime una película en la que crees que la música de Lizzies podría encajar.

“Yo diría Flashdance. Le daría un giro interesante (risas). También te diría La Historia Interminable, aunque no me pega mucho con lo que hacemos, pero es que me encanta. Ahora mismo estoy enganchada a Vis A Vis y ahí quizás sí que podría encajar. También he estado viendo Orange Is The New Black, pero Vis A Vis me parece más heavy (risas)”.

BEHEMOTH

EL RENACI DO HAY QUE VER LO QUE HA COSTADO TRAER A NERGAL A NUESTRAS PÁGINAS… GRACIAS A I LOVED YOU AT YOUR DARKEST, EL ÁLBUM QUE AFIANZARÁ A BEHEMOTH EN LO MÁS ALTO DEL METAL EXTREMO, AL MENOS EN LO QUE A POPULARIDAD SE REFIERE, POR FIN DAMOS CON EL EXCÉNTRICO LÍDER DE LA FORMACIÓN POLACA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

ISTÓRIC AMENTE, NERGAL HA SIDO UN PERSONAJE ESQUIVO PARA ROC KZONE. Y digo ‘personaje’

con toda la intención del mundo… Cuando Behemoth volvieron por todo lo alto en 2014 con The Satanist, la única opción que nos dieron a la hora de entrevistarles fue el bajista Orion. Sobra decir que nos negamos en rotundo, y lo hicimos porque el cantante y guitarra no sólo es el líder y principal compositor de la formación, sino que venía de superar una terrible leucemia que lo hizo más fuerte que nunca, capitaneando una vuelta a la música que llevaría a su banda hasta la cima del metal extremo mundial. Luego, cuando el año pasado publicó su primer álbum country como Me And That Man, por fin le conseguimos, pero después de llamarle al móvil y despacharnos en unos segundos porque estaba conduciendo, nunca más se supo de esa cita con él. Con motivo de la edición de su nuevo álbum, I Loved You At Your Darkest (Nuclear Blast), sólo faltaba que nos remitieran al batería Inferno, pero no, esta vez se impuso la lógica y nos ofrecieron a Nergal para hacer de portavoz del trío. Pero

cuidado, que la entrevista que leerán a continuación se realizó un viernes casi de noche ya, después de que se cancelara una primera intentona el día antes. Ante Adam Nergal Darski uno no sabe muy bien qué esperar. Es un tipo singular, muy peculiar, eso lo sabemos todos, y si eligió como apodo el nombre de una deidad babilónica, por algo sería… Bueno, apodo, lo que se dice apodo, ya no es, pues en 2012 cambió oficialmente su segundo nombre, Michał, por Nergal. Creando Behemoth con tan sólo 14 ó 15 años y distanciándose rápidamente de toda esa ola de black neonazi que surgió en Polonia con Graveland a la cabeza, le ha dedicado toda su vida al grupo. Estudió seis años de Historia en la universidad y uno de Latín (eso explica varias de sus canciones, ¿verdad?), pero lo que le ha convertido en una celebrity del metal extremo, si es que eso existe, son otros varios episodios vitales mucho más llamativos… Hasta dos veces ha sido llevado a juicio por blasfemia, por ‘ofender los sentimientos religiosos’ al romper una Biblia sobre el escenario, concretamente en 2010 y 2012, así que allí se ha convertido en una especie de abanderado de la libertad de expresión y las licencias que puede tomarse un artista. Y es que, mucho cuidado, porque se empieza con casos como el de Willy Toledo y se acaba como en su país o Arabia Saudí. Luego, Nergal fue coach en The Voice Of Poland, el equivalente televisivo a nuestro programa La Voz, y entre mediados de 2009 y principios de 2011, mantuvo un sonado idilio con la cantante pop Doda. Iban a casar-

“ESTAMOS COMPLETANDO AHORA LA PRODUCCIÓN PARA LA PRÓXIMA GIRA Y PUEDO DECIRTE QUE VA A SER LA MÁS GRANDE QUE HAYAMOS LLEVADO NUNCA SOBRE UN ESCENARIO” NERGAL

se y todo… Teniendo en cuenta que estamos ante un músico de black y detah metal, sobra decir que todo esto no fue muy bien recibido por el núcleo duro de la escena, y eso que a los trues aún les quedaba por sufrir la forma desvergonzada y casi frívola con la que Adam se presenta en las redes sociales… Reventando las principales salas de cada capital planetaria, capitaneando festivales hasta hace poco impensables para una banda como la suya y con Nergal convertido en una estrella, ya tocaba darle continuidad a The Satanist cuatro años después. La respuesta ha sido I Loved You At Your Darkest, una obra ya provocativa desde su mismo título y que sitúa a Behemoth justo donde los imaginábamos: realizando

black metal, sí, pero de una forma mucho más abierta y aceptable para las grandes audiencias, bastante rockera, con una producción impresionante y una visión centrada en el impacto de estas canciones sobre las tablas. Considero que algunas de las preguntas que le lancé daban mucho más juego, pero no se puede negar que este señor sabe muy bien lo que se trae entre manos. I Loved You At Your Darkest es el álbum más abierto de mente que hayáis hecho Behemoth. ¿Fuisteis a por eso o simplemente salió así? NERGAL “No, sólo tratamos de

mirar hacia nosotros mismos, tan simple como eso, y hacerlo nos llevó al pasado. Es una mirada hacia el

¿Y cómo se compone en Behemoth? Quiero decir, ¿es un trabajo colectivo, tú eres la mente maestra detrás de cada idea o canción…? Cuéntame cómo escribís un nuevo álbum.

“Bueno, usualmente empieza conmigo haciendo jams con mi guitarra, y luego intento llevarlo colectivamente. Mi instrumento, el cosmos… trato de expresarme artísticamente. Pero siempre empieza conmigo y la guitarra, y luego se desarrollan las distintas partes. Eso puede ser más o menos personal, creado desde el principio hasta el final, y otras veces puede ser al ponerse en común todos juntos. En realidad depende, surge de mí y lo llevo a la banda, y entonces colectivamente lo vestimos según la opinión del grupo, mi visión, dejamos que los elementos vuelen…”. I Loved You At Your Darkest es

rock, todo está más orientado hacia la tradición de la música rock. Es un disco muy lírico, donde la influencia del rock está más presente que en ningún otro. Así que, sí, surgió eso, todo es más musical en este álbum”. Cuando alguien te llama al móvil, una canción de AC/DC le da la bienvenida. Por eso no me sorprendió mucho leer en la nota de prensa una reflexión tuya como “hace 15 años, si me

hubieras preguntado quién creía que era la mejor banda del planeta, probablemente habría dicho Mayhem o Morbid Angel. Hoy, si me lo preguntas, diría AC/DC”. ¿Hasta qué punto has cambiado como músico y persona en estos 27 años que llevas

con la banda?

“Yo diría que madurar trata sobre saber quién eres porque bastante tienes con ser arrojado a una vida, aguantar, a veces debes volver al pasado en ciertos momentos… Así que supongo que te preguntas quién eres, qué has logrado… con los álbumes previos has abierto un camino. Debo decir que… ¿Sabes? (Risas) A veces siento como que ya he vivido dos vidas, más de lo que el resto de la humanidad suele hacer durante una normal, y ésa es la identidad de mi vida. Siempre pienso que esto es lo que debo hacer. Entonces, éste es un viaje muy interesante… Sigo vivo, creo que mucha más música espectacular está por llegar, se me está revelando, así que eso es lo que trato de mostrar durante mi existencia”.

un versículo de la Biblia, OK, ¿pero puedes profundizar en qué significa realmente para ti y el grupo, y por qué lo elegisteis como título del disco?

“Esto viene de la era de The Satanist y, mmm… Es imposible contemplar de dónde nos vino The Satanist. Este título es único, muy especial, y en este momento expresa a dónde vamos, particularmente habla de un aspecto de nosotros. Si vamos hacia su fuente en este disco, nos habla del Diablo, de crímenes, es una frase que procede del mismo Jesús, y puede tener muchos significados, pero es lo que la gente oscura ama y suele buscar. Si me preguntas lo que significa para mí, una interpretación del título está en mi cerebro, en mi espíritu, en esa parte de mi mente

que simpatiza con el Demonio, ésa es mi respuesta. Por eso, últimamente, I Loved You At Your Darkest me enlaza”.

por las religiones porque son extremadamente manipulables, y por eso lo de ‘God’ como ‘dog’”.

comunidad metálica con Songs

Of Love And Death, tu primer álbum de country, rock y blues oscuro. Seguramente fue un avi-

He apreciado una firme voluntad

so acerca de tu interés por esos

Creo que tu país, Polonia, ex-

por grabar enormes solos de gui-

estilos alejados del metal… ¿Qué

plica mucha de la música que

tarra, cada canción tiene su gran

aprendiste de esa aventura?

haces. Quizá ‘Ecclesia Diabolica

solo, y muchas guitarras acús-

¿Crees que después de Me And

Catholica’ hable sobre ello… No

ticas aparecen en temas como

That Man fue más fácil realizar

tiene que ser fácil ser un libre-

‘Havohej Pantocrator’… ¿Es algo

un disco como I Loved You At

pensador en casi una dictadura

que viene del rock también?

Your Darkest?

ultracatólica.

“Sí, absolutamente. Opino que la carga del rock está muy presente en la obra, y entonces, claro, eso es un hecho. Creo que eso formaba parte del plan: mientras satisfacemos mi pasión y amor por la música rock en general, todo el mundo puede encontrar heavy metal y black metal. Tengo que decir que sólo hemos querido ser nosotros mismos, trasplantando esos elementos de la música rock”.

“Sí, creo que ya he respondido a esta pregunta antes… Creo que ya he demostrado mi amor y pasión por el metal extremo, así que tocaba hacer algo totalmente diferente. Y eso es lo que hice, eso es lo que ocurre. Además, en Me And That Man sólo quería llevar a cabo un disco con todos los géneros rock que me apasionan, que me llenan, y eso se ha trasladado al nuevo álbum”.

“Sí, bien, creo que la educación que has recibido explica bastante quién eres. Y la cultura, y la tradición, y la religión, eso también marca quién eres. Hay alguna gente que no se cuestiona todo eso, pero yo lo hago continuamente y esto es lo que he obtenido. Para mí es algo natural, he crecido con ello, esto es lo que soy, éste es mi ADN. Hacer música contra todo eso es lo que me llena de forma masiva”.

Imagino que ahora estás totalEscuchando ‘Sabbath Matter’

mente centrado en Behemoth,

Los coros son muy importantes

alguien podría decir incluso

¿pero crees que en un futuro

en este álbum, pero los que

que este trabajo es demasiado

podrías volver a grabar un disco

están formados por niños han

abierto, pero lo cierto es que

como Songs Of Love And Death?

llamado realmente mi aten-

cada nuevo disco de Behemoth

ción… En una intro como ‘Solve’

ha sido siempre diferente. Desde

pueden recordar a Ghost, y en

la etapa blackened death hasta

“Sí, la banda sigue en marcha. Seguimos ahí, así que volveremos en cuanto podamos”.

temas como ‘God = Dog’ tam-

el casi brutal death de Demigod,

bién a The Wall de Pink Floyd o

pasando por la triunfal vuelta al

Eres muy activo en las redes

incluso al último de Wardruna.

mejor black con The Satanist.

sociales, y alguna gente no es

¿Por qué os decidisteis por ello?

“Es verdad. Pienso que hay un valor en no cambiar nunca, pero viniendo del cambio (risas). Eso es lo que tocamos. Nunca cambiar en un cambio interminable, eso me gusta. Hay quien hace el mismo disco a cada momento, y luego otra vez, pero a mí me gusta introducirme mucho en un interesante viaje de estudio”.

muy tolerante hacia tus posts

¿Tienen algún significado especial en el álbum?

“Sí, para responder a esta pregunta debemos conocer lo que significan los niños, y para mí los niños significan inocencia. Luego también son una muy potente y dramática fuente de canto humano. Los niños necesitan un extra de esfuerzo, un extra de atención, son captados masivamente

yendo al gimnasio, o acariciando cachorros, o tus apariciones en televisión, sin ir más lejos… ¿Por qué te gustan tanto, y cuál es tu mensaje para esos metalheads?

“No me meto en esas cuestiones, ése no es mi problema”. OK… Tras superar tu enferme-

El año pasado sorprendiste a la

dad y presentar The Satanist,

“A VECES SIENTO COMO QUE YA HE VIVIDO DOS VIDAS, MÁS DE LO QUE EL RESTO DE LA HUMANIDAD SUELE HACER DURANTE UNA NORMAL” NERGAL os convertisteis en estrellas, en

renovar completamente vuestra

tour que comentábamos junto a

la mayor banda de metal extre-

puesta en escena, ¿no? ¿Qué

At The Gates y demás.

mo del mundo. ¿Nunca te has

podemos esperar?

planteado por qué ahora y no

“Estamos completando ahora la producción para la próxima gira, y puedo decirte que va a ser la más grande que hayamos llevado nunca sobre un escenario, será de lejos lo más bestia que hayamos hecho. Volvimos de girar en junio (del tour de despedida de Slayer en su tramo norteamericano –ndr.), nos pusimos a mirar un posible setlist y esta vez no vamos a tocar el álbum entero. Han sido algunos años y tenemos una nueva idea, algo que va a ser más fresco y personal”.

“Gracias, gracias por llamar y por tu tiempo también. ¿Eres de España (lo dice en spanglish casi –ndr.), no?”.

antes? ¿Cómo explicas lo que os pasó?

“Pues lo cierto es que no tengo una respuesta clara para esta pregunta… Volvimos muy fuertes, poderosos y maléficos, y ocurrió, eso es todo lo que puedo decir… (Risas) No lo sé, shit happens”. (Risas) Vais a golpear el planeta con una nueva gira, volviendo a mi país con un fantástico

line-up completado por At The

Sí.

“Oh, guay, me encantan los españoles, me gusta mucho ese lugar… Un deseo que tengo de verdad es tocar más a menudo por allí, y no tanto por Centroeuropa. Lo cierto es que es más fácil para nosotros por ahí, por la logística y tal, porque podemos hacer más fechas, pero bueno, que también hay muchos metalheads en todos sitios”.

Gates y Wolves In The Throne Room. Tras varios años con

Suena genial… Nergal, muchas

la misma producción con The

gracias por tu tiempo, nos ve-

Satanist, supongo que vais a

mos el próximo enero en ese

TWENTY ONE PILOTS

EN SU MUNDO CON LA LLEGADA DE TRENCH, TWENTY ONE PILOTS SE ENFRENTAN AL MONUMENTAL RETO DE SUPERAR, O AL MENOS MANTENER, EL APABULLANTE ÉXITO DE BLURRYFACE . CONTRA TODO PRONÓSTICO, AQUÉL SE CONVIRTIÓ EN UNO DE LOS DISCOS MÁS IMPORTANTES DE LOS ÚLTIMOS AÑOS Y CATAPULTÓ AL DÚO DE COLUMBUS A LIDERAR A TODA UNA GENERACIÓN DE BANDAS Y FANS QUE LOS HAN TOMADO COMO REFERENTES POR SU VISIÓN ÚNICA. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

UE TWENTY ONE PILOTS JUEGAN EN UNA DIVISIÓN DIFERENTE AL RESTO DEL 99% DE BANDAS ACTUALES LO DEMUESTRA EL HECHO

de que Warner, la multinacional que cobija el sello Fueled By Ramen, nos ofreciera viajar a Londres para charlar con el dúo sobre su nuevo disco y asistir la noche antes a un show en el Brixton Academy, bautizado con el nombre de A Complete Diversion, donde iban a presentar algunas de sus nuevas canciones. Que un show para 5.000 personas sea considerado como algo íntimo, es una prueba más del momento que están viviendo. Sin ir más lejos, esa propia noche Tyler anunció desde el escenario que prorrogaban a tres noches su estancia en el Wembley Arena, el próximo mes de marzo, tras haber agotado las dos primeras nada más salir a la venta. Para poner en perspectiva todo esto deberíamos retroceder hasta mayo de 2015, momento en el que se edita Blurryface, el que era cuarto álbum de la banda. Todo el trabajo de base hecho con Vessel, su debut para Fueled By Ramen en el que el dúo formado por Tyler Joseph (vocalista y multinstrumentista) y Josh Dun (batería) cogió forma como banda, explotó en Blurryface debutando en su momento en el primer puesto de las listas Billboard. Pero aquello fue sólo el pistoletazo de salida del fenómeno. Gracias a singles como ‘Stressed Out’ (ganadora en 2017 del Grammy a la Mejor Interpretación Pop) o ‘Ride’, la carrera del dúo se disparó hasta el infinito, y Joseph pasó a ser una de las figuras más respetadas y veneradas

por fans e industria. Desde luego, no era para menos: el músico supo dar en la tecla adecuada creando un álbum donde prácticamente cada canción era un hit potencial (Blurryface fue el primer álbum de la era digital en conseguir que todas sus canciones llegaran a disco de oro, platino o multiplatino) y que, con la ayuda de un súper equipo de productores, supieron conectar con toda clase de público. Desde fans del hip hop hasta amantes del punk rock, que vieron en ellos a una nueva encarnación de todo el movimiento emo que con tanta fuerza había surgido una década antes. Y ahí, a su lado, nos encontramos a Josh Dun, esa clase de músico a la sombra del gran líder que desde fuera podría parecer reemplazable, pero que, tanto por las palabras que le dedica su compañero durante la entrevista como por su aportación en directo, demuestran que algo de mérito también hay que atribuirle en toda esta locura. La imparable progresión que han tenido Twenty One PIlots desde la salida de Blurryface, prolongada por ‘Heathens’, otro hit más incluido en la banda sonora de Suicide Squad, hizo que apenas tuviesen un momento de respiro y que prácticamente estuviesen secuestrados en Estados Unidos intentando saciar una demanda que no paraba de crecer. De ahí que su primera gira con cara y ojos por Europa, bautizada como Bandito Tour, los vaya a llevar directamente a grandes recintos, con dos esperadas paradas en nuestro país, el 15 de marzo en el BEC de Bilbao y el 16 en el WiZink de Madrid, que demuestran que hasta aquí ha llegado su onda expansiva. Esta gira servirá de presentación de Trench, el nuevo álbum que a

partir del 5 de octubre va a tener la difícil papeleta de tomar el relevo de Blurryface. Todo un marrón. Los que hayan podido escuchar los adelantos del álbum, ‘Jumpsuit’, ‘Nico And The Niners’, ‘Levitate’ y ‘My Blood’, pueden hacerse una idea aproximada de lo que se encontrarán. Hay continuidad, pero también ganas de abrir nuevas vías sónicas, y por encima de todo el deseo de que no se vea que es un trabajo eclipsado por la sombra de su predecesor. Se trata de un álbum mucho menos inmediato, de tempo más lento, más introspectivo y también arriesgado, algo que se agradece en estos tiempos que corren, pero que supondrá un reto para los fans de la banda, especialmente para aquéllos que ganaron al amparo de sus irresistibles hits. Es obvio que esta vez Tyler Jospeh ha tenido toda la libertad creativa y ha construido todo un mundo alrededor de Trench. Con la trilogía de vídeos que lanzaron como adelantos han presentado esa ciudad imaginaria llamada Dema en la que discurren las historias de las nuevas canciones, dándole al disco un cierto aire conceptual. Pero si nos atenemos a lo que vimos en el Brixton Academy la noche del 12 de septiembre, parece que la locura respecto a ellos no va a disminuir pese a que su nueva obra no quiera ponerlo tan fácil. Empezando con dos composiciones nuevas, ‘Jumpsuit’ y ‘Levitate’, el Brixton se vino abajo como si hubiesen tocado dos de sus mayores clásicos. A partir de ese momento, durante los cerca de 65 minutos que el dúo estuvo en escena -no olvidemos que esto era un concierto de tamaño reducido para celebrar su regreso-, fueron a la yugular tocando todo aquello que se suponía

“ES INTERESANTE VER CÓMO LA FAMILIA SE AJUSTA A ESTA NUEVA SITUACIÓN Y CÓMO LO VIVE. MI MADRE SE PASA MUCHO TIEMPO EN INTERNET E INTENTA SABER CÓMO ME PORTO (RISAS)”

JOSH DUN

que tenían que tocar de sus dos obras previas (‘Stressed Out’, ‘Ride’, ‘Holding On To You’ o ‘Tress’) más los otros dos temas ya publicados de Trench. Un total de 13 canciones que demostraron que su evolución como performers en un escenario ha sido exponencial. La producción fue tan sólo una muestra de lo que nos encontraremos en sus shows en primavera, con un juego de luces clave en el devenir del bolo y un

coche en llamas que nos transportaba a esa apocalíptica Dema que hemos visto en sus vídeos. Tanto Josh como Tyler parecen haber aprendido también que ya juegan en Champions. Pese a tener la difícil papeleta de llenar el escenario sólo ellos dos, cumplen a la perfección su papel y su gran complicidad acaba por redondear un show que, a decir verdad, superó mis expectativas, más

modestas de salida. Ya sabemos cómo va este caprichoso mundo de la música, pero uno tiene la impresión de que Twenty One Pilots están preparados para encabezar festivales. Al día siguiente del concierto nos encontramos en una gran suite de uno de los hoteles más lujosos de Londres cara a cara con Tyler Joseph y Josh Dun, cansados de un largo día de promo, pero receptivos a las preguntas

“SÉ QUE JOSH TIENE LOS PIES EN EL SUELO Y ÉSA ES UNA DE LAS PARTES MÁS IMPORTANTES DE NUESTRA DINÁMICA, ESPECIALMENTE EN EL ASPECTO COMPOSITIVO. SABER SU OPINIÓN ME DA LA ORIENTACIÓN PARA VER SI ESTOY EN EL CAMINO CORRECTO”

TYLER JOSEPH que teníamos que hacerles. Parecen buenos chicos.

vértigo no haber tenido un crecimiento más gradual? TYLER “Es un sentimiento extraño sal-

Ayer se os vio con muchas ganas en el escenario. Me sorprendió en cierta manera cómo sois capaces de gestionar el concierto los dos solos. ¿Os resulta complicado? JOSH DUN “Sí, todo está cam-

biando muy rápido y hay que irse adaptando a las circunstancias. Esto ya no es tocar en clubes de 200 personas como estuvimos haciendo los primeros años de nuestra carrera. No hemos parado de crecer desde hace unos años y nosotros somos los primeros en preguntarnos si lo que damos a la gente es suficiente para que sientan que merece la pena venir a nuestros conciertos. No es fácil, y a veces no sabes por dónde tirar (risas)”. TYLER JOSEPH “Creo que todo eso que se puede perder por no ser más gente encima de un escenario es algo que nuestros propios fans perciben, y ese vacío lo intentan llenar ellos mismos. Es algo así como una llamada a la acción hacia el público: ‘¡Únete a nosotros y haz que esto pueda funcionar!’”.

tar directamente a una arena, pero al mismo tiempo, no deja de ser nuestro fallo porque nunca hemos ido a tocar antes. Claro que en Columbus, de donde somos, o en Londres, donde nos encontramos ahora mismo, sí nos han visto crecer poco a poco, y esos shows ya nos han dado la oportunidad de ir sabiendo lo que funciona y lo que no en un concierto, porque hemos tenido muchos fallos y errores tocando para poca gente. Lo complicado debe de ser para esa clase de artistas que ya de salida los ponen delante de grandes audiencias, sin que todavía hayan podido definir la clase de artistas que quieren ser. Al menos nosotros nos hemos podido moldear en clubes y eso nos prepara para un sitio como España, donde por primera vez ya tocaremos delante de un montón de gente. Espero que funcione. Yo creo que hemos aprendido”.

ble, es probable que no vuelvan. Hoy hay que motivar a la gente para salir de casa. JOSH “Así es, y somos muy conscien-

tes de ello. De ahí que queramos hacer el mejor show posible”. En el concierto de ayer sólo tocasteis los cuatro temas que habéis adelantado como singles del álbum. Pensaba que iba a ser más una especie de show-

case donde tocaríais casi todo el disco. ¿Cuál fue el motivo? ¿El miedo a que salgan por internet nuevas canciones, o que preferís tocar cosas que ya co-

con lo que todo el mundo coincide, que cuando vas a un concierto y la banda toca un tema nuevo que nadie ha podido oír todavía, hay un cierto sentimiento de privilegio por oír una novedad, pero en el fondo no es el contexto adecuado para escuchar esa nueva canción. Cuando alguien saca un nuevo álbum, lo que de verdad me gusta es estar en mi casa y escucharlo y digerirlo a mi manera,

vais a llevar una gran producción. ¿Fue lo de ayer un indica-

TYLER “Sí, nos hemos gastado un

pero en Europa las cosas han ido

montón de dinero para hacer un buen show (risas). Pero ésa ha sido siempre nuestra filosofía desde el principio, invertir en la propia banda lo que vamos ganando. Cuando tocábamos

primera vez y ven un show terri-

Brixton Academy, parece que

haciendo transición como banda,

arenas. ¿No os da un poco de

miles de personas os ven por

JOSH “Tenemos claro, y no es algo

gira de 2019?

paña van a ser directamente en

no deja de ser una inversión. Si

Por lo que pude ver ayer en el

En Estados Unidos habéis ido

vuestros primeros shows en Es-

Bueno, como cualquier empresa,

noce la gente?

tivo de lo que haréis en vuestra

de otra manera. Sin ir más lejos,

para nadie y ganamos 20 dólares iban para baquetas o lo que fuera, y así seguimos, sólo que de una manera más grande. Y ahora más que nunca hemos de seguir así, sabemos que si queremos algo grande nos va a costar mucho, y que al final del día, eso supone menos dinero para nosotros, pero es muy halagador ver cómo todo va creciendo y llevando a la banda en la dirección que queremos”.

y eso en un concierto no es algo que puedas hacer. Creo que es más divertido cuando en un concierto los fans pueden disfrutar y cantar las canciones y todo el mundo puede compartir esa diversión. Por ello decidimos tocar sólo esas cuatro canciones y, aun así, fue magnífico ver cómo respondía el público ante ese material más reciente. Demuestra que la gente se ha tomado la molestia de aprendérselas en muy poco tiempo”. Hablando de Trench en sí mismo, pienso que es vuestro álbum más personal, con un sonido algo más oscuro. Por decirlo de alguna forma, es más cohesivo, no una colección de canciones que se pueden oír de manera individual. Da la impresión de que, tras el éxito de Blurryface, habéis hecho el álbum que real-

ejemplo, el bajo en este trabajo ha tenido una importancia vital, ya que he escrito muchas canciones a partir de él, y también la manera de cantar me ha llevado a nuevas formas de crear melodías”.

ce, que ya venía de Vessel, que también fue un álbum de cierto éxito, no ha de ser fácil encarar un nuevo disco. Los músicos suelen decir que no tienen presión, pero cuesta de creer. Te imagino delante de un papel en blanco y

El falsete que utilizas en más de

preguntándote ‘¿Y ahora qué?’.

un momento del álbum es algo a

TYLER “(Risas) Mentiría si dijera que

destacar.

no he sentido esa presión. Creo que es algo obvio porque vienes de algo grande. Pero también tomé mis caminos para que todo tuviese un entorno tranquilo y aislado. El álbum se gestó en mi sótano, sin ningún tipo de prisas, sin ningún compromiso de giras, y vas viendo cómo poco a poco las ideas empiezan a crecer, a andar y todo va cogiendo forma. La única presión que me asustaba de verdad era saber si las canciones podrían interpretarse en directo, y a veces eso sí podía influir en el resultado final, porque no me interesaba hacer algo que no pudiera llevarse a un escenario. Me gusta pensar en cómo los temas pueden encajar en nuestros conciertos, qué tipo de canción necesitamos, en qué momento del show puede tocarse. Si te soy sincero, eso me preocupa más que lo que pueda acabar saliendo del estudio”.

TYLER “Sí, ha sido muy interesante.

Al principio utilicé el falsete como una medida de protección para mi voz, porque estaba cansada tras tanta gira, pero cuando llegó el momento de cantarlas de una manera seria, vi que encajaban mejor como las había hecho al principio. Es curioso cómo, de una necesidad, puede acabar saliendo algo muy inspirador que te lleva en otra dirección. Motivos como ése son los que han llevado al final a que Trench sea así”.

mente queríais hacer. TYLER “De verdad, para mí es un

Cuéntame algo sobre el concepto

gran cumplido que se vea como un álbum que se ha de escuchar entero para que se pueda entender. Desde luego ahora hay más libertad para ir en la dirección que queremos porque, después de haber tenido éxito con el último disco, ganamos confianza. Fuimos construyendo el álbum con el material que nosotros creíamos que era correcto. En ningún momento nos planteamos hacer un álbum que fuera una simple continuación de Blurryface, de la misma manera que tampoco nos planteamos hacer algo que fuese lo completamente opuesto a aquél. Fue un poco como encerrarnos en nuestro propio mundo, y desde ahí ir construyendo las canciones que nos dieran confianza. Dejamos que las circunstancias fueran marcando en cierta manera el camino del disco. Por

detrás de Trench. Blurryface era un disco centrado en un personaje, pero en éste habéis imaginado todo un mundo. TYLER “Sí. Fue como llevarlo todo

un paso más allá. A decir verdad, son los fans quienes han contribuido a crear este mundo. Las diferentes visiones, perspectivas y teorías que los fans tuvieron sobre el personaje de Blurryface me impulsaron a crear algo nuevo. Me encanta escribir historias, aunque muchas tengan un trasfondo personal, y quería crear un mundo en el que pudiera controlar su exterior. Es un lugar más oscuro, más salvaje, más terrorífico, pero todo ello me ayudó a ser más creativo y, a la vez, tener una guía donde situar las canciones”. Tras el fenómeno de Blurryfa-

En directo seguís siendo vosotros dos. ¿Habéis pensado en incluir músicos extras en escena? TYLER “Sí, siempre es una idea que

nos ronda por la cabeza, pero la acabamos posponiendo. Para eso necesitamos un proceso de adaptación y creo que aún no estamos preparados para ello”. JOSH “Sí, todavía tenemos que acabar imaginando cómo sería, aunque creo que podría estar bien”. Como hemos comentado antes, 51

el álbum tiene un punto unitario y le beneficia escucharlo de principio a fin. Pero tal como funcionan ahora la industria, hay que sacar unos cuantos adelantos antes del propio álbum. Como artista, ¿te molesta que desaparezca una parte del factor sorpresa? JOSH “Al final la última decisión es

nuestra, pero sé que es algo sobre lo que la gente tiene diferentes interpretaciones. Para mí es interesante y te hace crecer las ganas de escuchar todo el álbum. Es verdad que pierdes parte del factor sorpresa al conocer ya algunas de las canciones, pero también te da una pista sobre lo que puedes encontrarte. Pero entiendo perfectamente lo que comentas, y esa sensación de escucharte un álbum por primera vez sin apenas conocer nada de él. Al final, por eso, lo importante es que hayas hecho un buen disco”. Dicho esto, los singles al menos creo que están bien escogidos y muestran la diversidad del álbum. ‘Jumpsuit’, el primer avance, es un tema muy interesante y muestra que hay una evolución. El bajo, que has comentado antes, tiene un papel fundamental. Tiene un cierto aire post punk, un estilo donde el bajo era casi el instrumento principal. TYLER “En lo que se refiere a estra-

tegias para ver qué canción es la primera, es un tema relativo. Yo estoy sentado aquí ahora mismo, deseando que la gente pueda escuchar todos los temas, pero tenemos que esperar. En estos tiempos se tiende más a categorizar las cosas de una manera 52

inmediata, y es bueno que puedas mostrar un poco de todo, ya que hay gente que le gusta nuestra faceta más pop, lo cual me parece bien, no tengo nada en contra de ello. Para mí los adelantos no los considero singles, sino una introducción a lo que será luego el álbum. ‘Jumpsuit’ no es una canción destinada a sonar en la radio, es más para presentársela a nuestros fans y decirles ‘Hey, esto es lo que somos ahora. Estad preparados’. De hecho, ésa es parte de la razón por la que nuestros tres primeros vídeos están relacionados: para darle la bienvenida

a nuestros fans y que se unan al viaje que está a punto de empezar. Ésa sería la gran estrategia que hay detrás”. Mi tema favorito en este momento es ‘My Blood’, una canción con aires new wave, Georgio Moroder/Daft Punk, los falsetes… Da la impresión de marcar una dirección hacia la que puede adentrarse Twenty One Pilots en el futuro. TYLER “Sí, definitivamente. Es un nue-

vo sonido que estamos en el inicio de explorarlo más a fondo. Seguro que

vídeo de ‘Stressed Out’, donde salía vuestra propia familia. Nunca se habla de esto, pero también para ellos debe ser un

shock encontrase de repente con un hijo o hermano que se hace famoso. ¿El éxito hace cambiar también las dinámicas en una familia? Josh, parece que eras un pieza de pequeño... Supongo que al final están felices de haber hecho algo contigo. JOSH “(Risas) Sí, no fui un chico fácil

“EN NINGÚN MOMENTO NOS PLANTEAMOS HACER UN ÁLBUM QUE FUERA UNA SIMPLE CONTINUACIÓN DE BLURRYFACE, DE LA MISMA MANERA QUE TAMPOCO NOS PLANTEAMOS HACER ALGO QUE FUESE LO COMPLETAMENTE OPUESTO A AQUÉL”

TYLER JOSEPH

vamos a ir más en esa dirección” Me gustaría saber cuál es vuestra manera de trabajar. ¿Cómo interactuáis entre vosotros, especialmente a la hora de crear nueva música? TYLER “La nuestra es una dinámica sú-

per importante porque, como he dicho antes, la única presión real es que Josh y yo hagamos algo en lo que realmente creemos y que nos gusten las canciones que estamos haciendo. Yo suelo darle muchas vueltas a los temas y a veces puedo perder la perspectiva

de lo que hago, y las opiniones de Josh me hacen mantener los pies en el suelo y darme perspectiva. Me puede corregir si algo no está bien, hacerme trabajar una idea más a fondo si no está completada… Sé que Josh tiene los pies en el suelo y ésa es una de las partes más importantes de nuestra dinámica, especialmente en el aspecto compositivo. Saber su opinión me da la orientación para ver si estoy en el camino correcto”.

para nada”. TYLER “Finalmente has hecho algo con tu vida. Ya era hora (risas)”. JOSH “Nuestras familias han sido un gran sustento en nuestras vidas. Siempre nos han apoyado en esto y ésa es la razón por la que quisimos ponerlos en el vídeo. Es interesante ver cómo la familia se ajusta a esta nueva situación y cómo lo vive. Mi madre se pasa mucho tiempo en internet e intenta saber cómo me porto (risas). Pero es muy chulo que puedan ver el éxito que tenemos, que puedan beneficiarse de él y que podamos compartir algunas de las cosas buenas que nos están pasando”. En cierta manera, ellos son los que de verdad lo disfrutan y lo ven con algo de perspectiva, porque me imagino que vosotros estáis metidos en la ola. TYLER “Eso es totalmente cierto. Sa-

bemos y apreciamos lo que tenemos, pero a veces tienes la impresión de que no eres consciente de todo lo que pasa a tu alrededor”.

No creo que sea el primero que os diga que me gustó mucho el 53

DISCO DEL MES

D Anthem Of The Peaceful Army (REPUBLIC) CLASSIC ROCK

esde que Greta Van Fleet publicaron su primer EP Black Smoke Rising en abril del año pasado, su nombre se ha ido infiltrando paulatinamente en conversaciones, foros y redes sociales como un virus, hasta el punto de que incluso un amigo de ésos a los que le gusta el rock, pero que para nada está a la última, me preguntó si vendrían a tocar pronto a España porque le flipaban. Spoiler: es muy posible que sí. En septiembre de 2017 su single ‘Highway Tune’ ocupó durante cuatro semanas el top de las listas de singles de Mainstream Rock, y un par de meses más

GRETA VAN FLEET

tarde lanzaban un segundo EP, From The Fires, que les llevaría a tocar en grandes festivales como Coachella y Rock Am Ring, o a ser invitados por Elton John para que tocaran en su fiesta post Oscars. Estaba claro que lo que en apariencia eran sólo cuatro adolescentes salidos de la nada con un amor desmesurado por el rock de los 70, contaba con toda una maquinaria detrás de la cortina que tenía muy claro su objetivo. Algo que, por otra parte, suele suceder con este tipo de fenómenos ‘espontáneos’. Mis sospechas se confirmaron al enterarme que su descubridor había sido Jason Flom, el mismo cazatalentos que hizo

despegar las carreras de Stone Temple Pilots, Tori Amos o Simple Plan. Pero más allá de los entresijos de la industria, si algo ha marcado la ascendente carrera de Greta Van Fleet han sido las comparaciones con Led Zeppelin. Es innegable que hasta un sordo notaría el parecido. Desde el timbre agudo y las inflexiones del vocalista Josh Kiszka hasta los fraseos de guitarra de su hermano Jake, o la dinámica de la sección rítmica formada por el otro hermano, Sam, y el batería Danny Wagner, todo en Greta Van Fleet suena a Zeppelin, sobre todo a los de sus tres primeros discos. Para colmo, el mismísimo

Robert Plant los ha citado, no sin un punto irónico, como una de sus nuevas bandas favoritas. “¡Son Led Zeppelin I!”, dijo en una entrevista. Naturalmente, no son ni los primeros, ni serán los últimos, acusados de fusilar a los creadores de ‘Stairway To Heaven’. Rush, Kingdom Come, Wolfmother… todos en su momento provocaron el debate sobre dónde está la frontera entre la influencia y el plagio. Paradójicamente, a Led Zeppelin en sus inicios también se les achacó robar de artistas como Spirit, Joan Baez, Muddy Waters o Jack Holmes. Es en este contexto que la aparición de su primer largo debería resolver si Greta Van Fleet son un simple producto o una formación a la que tener

un hit y, gracias a Dios, los productores Al Sutton y Marlon Young no han intentado modernizar su sonido, ni tampoco hacerlo impostadamente retro. El tema que abre el disco, ‘Age Of Man’, marca el tono general del álbum. A lo largo de 6 minutos, el cuarteto despliega una balada de tintes épicos, casi más cercana al prog que al hard rock. En realidad, quien espere un disco de alto voltaje rockero, se sentirá desconcertado al comprobar que más de la mitad de los temas van en esa dirección, como ‘Watching Over’, ‘Lover, Leaver’ o ‘Brand New World’. El espíritu hippie impregna las acústicas ‘You’re The One’, resultona pero quizá demasiado

“NO ES UN DEBUT ESPECTACULAR, Y SEGURAMENTE EL HYPE CREADO A SU ALREDEDOR JUEGUE EN SU CONTRA, PERO NO PUEDO NEGAR QUE HE DISFRUTADO ESCUCHÁNDOLO”

en cuenta. Vaya por delante que Led Zeppelin es una de las bandas de mi vida, así que podría tener muchos motivos para odiarles y pegarles un rapapolvo, pero es tal su descaro e inocencia que estos chavales me han caído en gracia. Lo que más choca de Anthem Of The Peaceful Army es que no es para nada un álbum comercial. Al escucharlo, queda claro que los chicos han grabado el disco que querían, sin pensar en si iba a vender o no. No hay aquí ni una sola canción que parezca diseñada para que se convierta en

tópica, ‘The New Day’, con un toque Blind Melon, o la final ‘Anthem Of The Peaceful Army’, con un coro ideal para cantar con túnica y flores en la cabeza. En el apartado más vigoroso destacan ‘The Cold Wind’, con un solo que cuesta creer que no lo haya tocado Jimmy Page, o la efectiva ‘When The Curtain Falls’. Anthem Of The Peaceful Army no es un debut espectacular, y seguramente el hype creado a su alrededor juegue en su contra, pero no puedo negar que he disfrutado escuchándolo. JORDI MEYA

THERAPY?

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Andy

Cairns (voz, guitarra), Michael McKeegan (bajo), Neil Cooper (batería) PRODUCIDO POR: Chris Sheldon AFINES A: Helmet, Hüsker Dü, Killing Joke PÁGINA WEB: www.therapyquestionmark.co.uk

T Cleave (MARSHALL) ROCK ALTERNATIVO

enaces y fiables. A lo largo de casi 30 años de carrera, los norirlandeses Therapy? se han ganado de sobras merecer esos adjetivos. Si bien nunca han llegado a replicar el éxito de sus discos de los 90 como Troublegum o Infernal Love, la banda siempre ha mantenido un exigente control de calidad tanto en estudio como en directo. Pero incluso sabiendo eso, despierta admiración que, llegados a su decimoquinto álbum, el trío no muestre señales de agotamiento y que Cleave pueda convencer tanto a quien les lleve siguiendo toda su vida e incluso más a quien se acerque a ellos por primera vez, jugando con ingredientes ya conocidos

como la claustrofobia de Joy Division, las melodías de Stiff Little Fingers, la oscuridad de Killing Joke y unos riffs que te golpean como lo hacen los mejores Helmet. Precisamente el primer tema ‘Wreck It Like Beckett’ se inicia con uno de ellos y un Andy Cairns cantando sincopadamente. De haberse publicado en los 90, seguramente hoy sería considerado uno de sus clásicos. El poderío que demuestran en él prosigue en ‘Katistocracy’, una canción con una dinámica parecida a Rage Against The Machine y un estribillo que reza “It’s OK not to be OK when you’re living through this”. Y es que el álbum captura el malestar, presión y desconcierto que

pueda sentir cualquier ciudadano ante el bombardeo de malas noticias. Que otra canción afirme que el éxito es la supervivencia, lo dice todo. En ‘Callow’ aflora su vena más melódica, pero sin abandoner ese sentimiento de desesperanza, una fórmula que repiten en ‘Crutch’, que cuenta con uno de los mejores estribillos del disco. Buscando siempre la distancia más corta -sólo ‘I Stand Alone’ pasa de los 4 minutos-, Therapy? han conseguido facturar un álbum que gana impacto por su concisión y un sonido, cortesía del productor de Troublegum Chris Sheldon, que remite a sus mejores tiempos. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... ANDY CAIRNS Llegar a publicar 15 discos es todo un logro. ¿Sentiste algún tipo de vértigo al empezar a trabajar en Cleave?

por la noche nos divertimos contando historias y escuchando música”.

“(Risas) Es una buena manera de decirlo. Siempre siento nervios cuando empiezo un disco. Queremos hacerlo tan bien como podamos, pero también queremos que los tres nos sintamos cómodos con las ideas que temenos y eso puede ser un proceso largo. Pero una vez nos ponemos de acuerdo en una dirección, entonces lo mejor es trabajar lo más rápidamente posible”.

“Tiene un sonido parecido a Troublegum, pero un poco modernizado. Creo que Chris Sheldon tiene la habilidad para sacarnos ese sonido”.

¿Cómo fue trabajar de nuevo con Chris Sheldon?

“Maravilloso. Chris es un amigo del grupo, además de un productor muy talentoso e inspirador. Trabajar con él es siempre divertido y muy relajado. Trabajamos mucho durante el día y luego

Se está comparando a Cleave con Troublegum...

Las letras parecen muy centradas en el presente. ¿Crees que forma parte de tu trabajo documentar los tiempos en los que vives?

“No, sólo canto y escribo sobre lo que me preocupa cuando compongo el álbum. No me veo como un visionario o un político. Lo que pasó es que escribimos el disco durante el desastre del Brexit y la catástrofe de Donald Trump y queríamos hablar sobre cómo se ha producido una gran división en todo el mundo”.

¿Qué te impulsó a escribir una cancion sobre el escritor Samuel Beckett?

“Para mí siempre ha sido una inspiración desde que empecé a leer hace muchos años. Beckett es famoso por tomar palabras para tener la máxima fuerza con el mínimo estilo. Vimos este disco como una oportunidad para hacer canciones cortas que fueran directas al corazón del oyente”. ¿Cuando te sale una canción corta y sencilla, te preocupa que pueda parecer ‘fácil’?

“Este disco necesitaba canciones simples y directas que tuvieran un impacto inmediato. Aunque hay algunos elementos viscerales, éste es principalmente un álbum de acción directa. Piezas cortas de música interpretadas con mucha intensidad”. (JORDI MEYA)

THE STORY SO FAR Proper Dose (PURE NOISE) PUNK POP

l ciclo del tercer álbum de The Story So Far dejó tan quemado al grupo californiano que, tras terminar la gira, decidieron hacer un parón. Un periodo de reflexión que, además de para descansar, les sirvió para reconsiderar qué tipo de música querían hacer en el futuro. Escuchando Proper Dose queda claro que, sin renegar de su pasado, su objetivo era ofrecer algo más maduro. Ay, peligroso adjetivo para una banda de punk pop… Sus intenciones se traducen en una mayor presencia de temas lentos,

donde las guitarras acústicas se sitúan por encima de las eléctricas, y unas letras más vulnerables en las que el vocalista Parker Cannon habla, por ejemplo, de sus problemas con las drogas. ‘Take Me As You Please’, ‘Upside Down’, ‘Growing In You’ y la casi instrumental ‘Line’ son las mejores representantes de estos nuevos The Story So Far, y aunque aprecio su inquietud por ofrecer algo diferente, les falta un poco más de gancho. No es suficiente haber descubierto a Oasis y vestir como ellos, para que te salgan temas como los suyos. Mejor impresión me han causado los temas en los que cogen carrerilla y le meten más energía como ‘Keep This Up’, ‘Out Of It’ o ‘If I Fall’. Aunque quizá la canción más completa de todas sea ‘Let It Go’, donde han combinado ambas facetas. Por todas esas cosas, Proper Dose, que cuenta con producción de Sam Pura y mezclas del reputado Eric Valentine, parece un disco de transición. ¿Hacia dónde les llevará? Creo que ni ellos mismos lo tienen todavía claro. JORDI MEYA

THE DIRTY NIL Master Volume

(DINE ALONE/MUSIC AS USUAL) PUNK, ROCK ALTERNATIVO

ueron considerados la mejor banda revelación de Canadá en 2017 por Higher Power, un debut rabioso y pegadizo, pero los protagonistas de esta reseña no se han dormido precisamente en los laureles. El año pasado reunieron para su creciente legión de seguidores el irónico Minimum Rock’n’roll, un recopilatorio de EPs y singles previos, y ahora acaban de lanzar su segundo largo, Master Volume. El cantante y guitarra Luke Bentham y el batería Kyle Fisher, acompañados esta vez por Ross Miller (Single Mothers,

Attack In Black) a las cuatro cuerdas, despachan en apenas media hora una decena de canciones de punk’n’roll, musculosas e infecciosas, con guitarras embrutecidas y estribillos a pleno pulmón. La salida de su bajista original Dave Nardi por discrepancias musicales, ahora en las filas de los post punk Sweet Dave & The Shallow Graves, ha permitido que las otras dos terceras partes del grupo hayan podido continuado el camino iniciado con su aclamado primer trabajo. Así, pocas novedades en Master Volumen, un disco producido por John Goodmanson (Cloud Nothings, Sleater-Kinney). El power trio de Ontario sigue cantando en este disco a las fiestas y los placeres malsanos de la vida en piezas canallas como ‘Please, Please Me’, ‘Always Hight’ y ‘Smoking Is Magic’, aunque también sacan sus demonios internos en la atormentada ‘Auf Wiedersehen’, tan lenta como dolorosa, y mi favorita ‘Pain Of Infinity’, un himno atípico inspirado en una relación tóxica. LUIS BENAVIDES

LA SELECCIÓN

PANELLET Sputnik

(HFMN/BARRETINA) PUNK POP

l contrario de lo que pasa con la escena euskaldun, la de grupos que cantan en catalán, salvo puntuales excepciones, nunca han logrado despertarme demasiado interés. Afortunadamente, de un tiempo a esta parte, ha surgido una nueva cantera que ha roto con el conservador rock català de toda la vida, y que abarca desde el metal extremo (Ósserp) al emocore (Coherence). O como en el caso que nos ocupa, el punk pop. Panellet es un trío de Terrassa, Barcelona, nacido de las cenizas de Hollybuttons, que con sus pegadizas tonadillas está empezando a conseguir bastantes adeptos. Su segundo álbum llega con la novedad de haber contado con Eric Fuentes como productor. El líder de The Unfinished Sympathy les ha ayudado a realizar una versión más completa y dinámica de lo ofrecido en su debut Aloha de hace un par de años. Moviéndose por el punk ramoniano y ultramelódico de

unos Masked Intruder (imposible no pensar en ellos al escuchar ‘Montse Guallar’ o ‘Thalassa’) y otros discípulos de la escuela Fat Wreck, estas once canciones tienen por objetivo entrar en tu oído y no despegarse. Con unas divertidas y nostálgicas letras llenas de referencias, que quizá sólo quien creciera viendo ‘la manipuladora y golpista’ TV3 entenderá - Sputnik era el programa musical de referencia de la cadena en los 90-, Panellet tienen muchos números para conectar con un público que, más allá del idioma, aprecia la buena música. JORDI PONS

S SLASH

Living The Dream (SNAKEPIT/ROADRUNNER) HARD ROCK

i alguien puede afirmar estar viviendo el sueño, ése es Slash. El prodigioso guitarrista ha recuperado su puesto en Guns N’ Roses en una millonaria gira que, contra todo pronóstico, se ha desarrollado sin un solo incidente, e incluso ya se muestra abierto a grabar de nuevo con la banda. Pero, por si fuera poco, también cuenta con la libertad para seguir desarrollando una carrera en paralelo en compañía de Myles Kennedy y The Conspirators. Llegados a su tercer álbum conjuntamente, está claro que estos músicos se entienden a la perfección y cada trabajo es mejor que el anterior. Aquí hay unos cuantos buenos temas de hard rock que intentan poner al día sensibilidades más clásicas como ‘The Call Of The Wild’, ‘Driving Rain’ o ‘Slow Grind’ y

A BLACK PEAKS All That Divides (RISE) ROCK ALTERNATIVO

unque sea a la sombra del indie, el rock alternativo facturado en las Islas Británicas sigue gozando de buena salud. A formaciones como Marmozets o Arcane Roots (aunque estos últimos anunciaron recientemente su disolución; qué pena) podríamos sumar el nombre de Bleack Peaks. Este combo de Brighton ya empezó a llamar la atención hace unos años cuando la multinacional Sony les sacó su debut Statues, donde ejecutaban una suerte de rock con dejes progresivos y math muy interesante. Tras poder tocar junto a algunos de sus héroes como Deftones o A Perfect Circle,

también baladas como ‘The One You Loved Is Gone’ o ‘The Great Pretender’, que aportan un toque de dulzura. Naturalmente, los solos y riffs de Slash son lo más destacable, e incluso introduce algunos guiños al pasado (¿No os recuerda el inicio de ‘My Antidote’ al de ‘You Could Be Mine’?), pero sigo pensando que Myles Kennedy, por muy bueno que sea técnicamente, le falta la

personalidad de un Axl o Weiland para darle más sustancia a unas canciones que se beneficiarían de más macarrismo. Da la impresión de que Slash y sus compañeros siguen yendo con el freno de mano puesto, como si no quisieran ofender a nadie. Un buen trago de Jack Daniels y una raya, como en los viejos tiempos, les sentarían de maravilla.

les llega el momento de la confirmación con All That Divides. Y creo que acierto en lo de confirmación, pues más que un paso adelante en su evolución, este segundo largo sirve para asentar todavía más su particular propuesta. Consiguen encandilarnos a la primera metiendo la directa con ‘Can’t Sleep’, donde los riffs metaleros se entrelazan sin previo aviso y su vocalista Will Gardner hace un pequeño muestrario de sus diferentes registros, tanto melódicos como guturales con mucho brío. La ventaja de contar con un cantante con semejantes posibilidades les permite adentrarse

por varios caminos, sea en la creciente ‘Aether’ o más complejas como ‘The Midnight Sun’ y ‘Across The Great Divide’, pero siendo capaces de mantener esa sensación de tensión de que a la mínima pueden abalanzarse sobre ti si les apetece. Sus influencias más metal vuelven a sobresalir en ‘Eternal Light’ y ‘Slow Seas’ mediante un solo con sonoridades similares a los Mastodon más espaciales. A comienzos de noviembre les tendremos en Madrid y Barcelona de la mano de la promotora Cooncert para comprobar en primera persona cómo se las gastan sobre el escenario.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

CURSIVE Vitriola

(15 PASSENGER/BIG SCARY MONSTERS) EMO

os estadounidenses Cursive tenían muy mal acostumbrados a sus seguidores publicando un disco cada tres años durante casi dos décadas, pero esta vez se hizo esperar más de los deseado. En los seis años que separan I Am Gemini y el presente Vitriola, los de Nebraska han trabajado en proyectos en solitario y paralelos, abierto una sala de conciertos en su ciudad e incluso fundado su propio sello, 15 Passenger. Y sí, además de todo eso, también han sido capaces de parir otro muy buen disco como Vitriola, otra estupenda y variada colección de

canciones sentidas e himnos amargos. Con la vuelta del batería cofundador de la banda, Clint Schnase, Cursive recuperan en este octavo largo la pegada de sus dos primeros trabajos, aunténticas joyas del emocore de finales de los 90, sin renunciar al lado más dramático y cinemático (‘It’s Gonna Hurt’, ‘Remorse’) de sus últimas referencias gracias a la participación del teclista Patrick Newbery y la cellista Megan Siebe, piezas fundamentales en los pasajes más densos y por momentos asfixiantes del disco. A diferencia de sus últimos trabajos, este nuevo disco no tiene un hilo argumental claro. En el catárquico Vitriola hay crítica social (‘Under The Rainbow’ carga contra las clases privilegiadas y ‘Life Savings’ apunta al lado perverso del dinero), introspección (en ‘Ghost Writer’ Kasher se examina como letrista) y las dos cosas a la vez (‘Noble Soldier / Dystopian Lament’). En cualquier caso, una obra a la altura del aclamado Domestica y, en cierto modo, una continuación de The Ugly Organ. LUIS BENAVIDES

PIG DESTROYER Head Cage (RELAPSE) GRINDCORE

l cerebro humano es algo insólito que nunca alcanzaremos a comprender del todo. Ni cómo funciona, ni cuánto es capaz de abarcar, ni cómo es posible que lleve a peña a votar a Ciudadanos. Si te pones bajito Head Cage, el primer trabajo de Pig Destroyer en seis años, te va a parecer una mierda. Así de claro te lo digo. Endeble, flácido, poco agresivo. Ahora bien, si prestas atención al CD, hay una leyenda muy clara y en mayúsculas que parece advertir sobre ello: “PLAY AT MAXIMUM VOLUME”. OK, oído cocina… Y joder, la percepción cambia,

aunque tampoco nos engañemos… Que un álbum gane enteros en función de la chicharra que le des en casa es un acierto del productor, y no tanto de la banda, pues algo anómalo sigue ocurriendo en ciertas composiciones de este grupazo. Así pues, un abrazo y un besi, Will Putney, porque tu mezcla y master vuelven a ser una gozada, pero JR Hayes y compañía, ¿qué carajo ha pasado esta vez? Tras el infausto ejercicio de sadismo que significó Book Burner, la verdad es que no esperaba un trabajo tan bailongo, al menos en su primer tramo. Eso sí, llegados a ‘The Torture Fields’, los de Washington cogen carrerilla y empiezan a despedazar oídos con suma facilidad. La tremenda ‘Terminal Itch’, la asfixiante ‘Concrete Beast’, el hardcore paquidérmico y letal de ‘The Adventures Of Jason And JR’, el castañote de ‘Mt. Skull’… Igualmente, esperaba más de estos búfalos, y en varias ocasiones se nota demasiado que tienen a un Misery Index en sus filas. Ojito a las colabos. PAU NAVARRA

BOSTON MANOR Welcome To The Neighbourhood (PURE NOISE) ROCK ALTERNATIVO

uien esperase que Boston Manor se dedicaran a copiar la misma fórmula con la que tanta notoriedad consiguieron con su debut Be Nothing en 2016, se equivocaba. El quinteto británico ha evolucionado en sólo dos discos lo que a muchos otros les cuesta tres o cuatro. Otra cosa es por qué tantos grupos interpretan que evolucionar significa acercarse a sonidos más mainstream, pero eso sería otro debate. Lo que es una realidad es que Welcome To The Neighbourhood ya no puede etiquetarse dentro

82 62

del género del punk pop como su predecesor y que, desde su mismo concepto, muestra una ambición mucho mayor. Ideado como una reflexión sobre la decadencia sufrida por su ciudad natal Blackpool a través de un prisma algo fatalista, saca provecho a aquella máxima de que no hay nada más universal que hablar sobre algo local y acaba convirtiéndose en una metáfora sobre el fin del Estado del Bienestar tal y como lo conocemos. Todo esto viene servido con sonido rock modernizado que se sitúa en un punto intermedio entre You Me At Six, Muse, Young Guns, Angels & Airwaves y Nine Inch Nails con más presencia de teclados, efectos y una producción más sofisticada y electrónica. En medio de todo esto, el vocalista Henry Cox modula más que bien el mensaje de las canciones con el atractivo melódico del que sin duda gozan estribillos como los de ‘Bad Machine’, ‘Flowers In The Dustbin’, ‘Halo’ o ‘Digital Ghost’, o la más contenida ‘The Day That I Ruined Your Life’. DAVID GARCELL

ARCHGOAT

The Luciferian Crown (DEBEMUR MORTI) WAR METAL

egregados de una pústula demoníaca en 1989, no fue hasta hace tres años, con The Apocalyptic Triumphator, que Archgoat lograron asomar los cuernos por encima del círculo más hermético del war metal. No es que éste fuera un trabajo netamente superior a sus predecesores, pero simplemente salió en el momento oportuno, ahora que parece que el bestial black está viviendo un relativo auge y que cada vez son más los que se encomiendan a él en busca de propuestas auténticamente extremas.

No es una coincidencia que en breve vayan a girar por Europa junto a Marduk. En The Luciferian Crown enseguida sentimos que estamos ante una gran banda. Es decir, ante una de ésas que es capaz de mantener sus señas de identidad intactas, aquellas particularidades que les sitúan por delante del resto, mientras aún ofrecen ideas novedosas. De esta forma, el magistral e inigualable gutural de Lord Angelslayer ahí está, el personalísimo estilo de realizar blasts de los fineses también, así como esa reiteración tan ceremonial en el riffing y esos deliciosos teclados que insuflan tenebrosidad ochentera a sus obras, pero ese punk que de golpe nos asalta en ‘Messiah Of Pigs’, crucifixión de cerdo mediante, o el casi proto heavy de ‘Darkness Has Returned’ desde luego no son cosas que les hayamos oído con demasiada asiduidad. Igual aquí no encontramos un corte que valga su precio en oro como ‘Grand Luciferian Theophany’, pero ‘Star Of Darkness And Abyss’ también debería costar, como mínimo, 30 piezas de plata. PAU NAVARRA

MONSTROSITY The Passage Of Existence (METAL BLADE) DEATH METAL

a suerte hace tiempo que le dio la espalda a Monstrosity. Su carrera ha sido longeva, y en los 90 parecía que se iban a comer el mundo, pero definitivamente, el cambio de siglo les relajó demasiado. De hecho, entraron en una intermitencia que les ha llevado, por ejemplo, a publicar ahora su primer álbum en once años. Además, en estas casi tres décadas en activo el baile de miembros ha sido constante, viendo incluso cómo George ‘Corpsegrinder’ Fisher se les fugaba a Cannibal Corpse.

Eso sí, como el metal suele vivir de la nostalgia, todavía son muchos los que esperaban con ansia el trabajo que nos ocupa. Para empezar, decir que sólo queda el batería Lee Harrison de su formación original, pero también hay que recalcar que el estilo compositivo de los de Florida aún pervive en The Passage Of Existence. Esa clásica pericia al mástil, esos minuciosos y técnicos riffs, ese amor por los solos, se reproducen en todo el álbum, sobresaliendo especialmente en el estilete ‘Radiated’, ‘Solar Vacuum’, ‘Eyes Upon The Abyss’ o ‘Maelstrom’, y es que de algo tenía que servir contar con un Deicide a la guitarra como Mark English. Tampoco se pierdan las líneas de bajo de Mike Poggione, seamos justos… Mike Hrubovcak al micro ha acabado por convencerme, sacando unos guturales algo teatrales que pronto pueden mutar a rasgados cuando lo estima conveniente. Dudo que este álbum otorgue a Monstrosity esa gloria a la que parecían destinados, pero desde luego, se merienda a su anterior Spiritual Apocalypse. PAU NAVARRA

HAXOTZ H

(AUTOEDITADO) ROCK, METAL

de Haxotz, pero también H por hamar” (‘Diez’, en euskera). Y es que el título del nuevo trabajo de los bilbaínos Haxotz hace referencia a sus diez años de historia, una década subiéndose a los escenarios, casi media vida entregados en cuerpo y alma al hardcore en el sentido más amplio de la palabra. Sus cuatro referencias hasta la fecha presentan pinceladas de stoner, grunge, metal e incluso pop. Los de Santutxu beben de influencias muy diversas, desde Black Flag (las dos barras de la nueva portada son un guiño claro) a los Nirvana de In Utero pasando obviamente por

los maestros Berri Txarrak, referentes para muchas bandas por todo lo que han hecho y, sobre todo, por cómo lo han conseguido. Grabado, mezclado y masterizado por Urtzi Iza (Enkore, Empty Files), quien ya trabajó con la banda en su anterior EP, H comienza muy fuerte. Tras un minuto de puro sludge titulado elocuentemente como ‘Intro’, la banda ataca con vehemencia ‘Ex Machina’, un tema crudísimo e incontestable con un estribillo emocionante heredado del citado trío de Lekumberri, muy presentes en mi favorita ‘Everestak’, el corte más redondo y quizá melódico del disco. Mención especial también merecen el ritmo de reguetón de la gritona ‘Ohare’ (como Foo Fighters en ‘Run’) y el primer adelanto del disco, ‘Hegan’, pues sintetiza muy bien la amplitud de miras de estos cinco amigos: base rítmica a ratos muy post punk, aullidos grandilocuentes al más puro estilo Muse y dos guitarrones de la escuela grunge. Se nota que llevan diez años al pie del cañón, y tanto trabajo no puede caer en saco roto. ¡Enhorabuena y suerte! LUIS BENAVIDES

24/01/19 - BARCELONA, RAZZMATAZZ 25/01/19 - BILBAO, SANTANA

BEARTOOTH Disease (RED BULL) METAL, ROCK ALTERNATIVO

uede que la depresión que padece Caleb Shomo desde hace años le haya llevado por el camino de la amargura, pero desde luego ha sabido cómo sacarle provecho. Como índica el título de su tercer álbum, su enfermedad es la protagonista absoluta de esta docena de canciones en las que el vocalista relata sin embudos la lucha interna que sufre. Lo que resulta curioso –o sospechoso, si eres mal pensado- es que Shomo logre canalizarla a través de una música que cada vez suena más accesible.

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Cierto es que las guitarras suenan duras, y tienen un punto de agresividad que a veces se echa de menos en bandas afines, pero al mismo tiempo se nota que muchos temas están pensados con una visión comercial. Tomemos como ejemplo ‘You Never Know’, ‘Afterall’ o las poperas ‘Believe’ y ‘Clever’ suficientemente melódicas como para llegar a un gran público. En general, casi todos los estribillos aspiran a ser más grandes que la vida, con unos coros multiplicados que refuerzan su impacto. Lo cual no significa que la banda de Ohio -que una vez más se presenta con una formación renovada con la incorporación del guitarrista Zach Huston (ex From Moths To Flames)- no sepa meter caña presentando riffs un poco thrashers (‘Used And Abused’) y algún breakdown poderoso. Quizá por esa combinación, Disease me ha recordado bastante al último disco de Stone Sour, Hydrograd. Por ahí van los tiros. DAVID GARCELL

OSEZNO Osezno

(ROCK ESTATAL) HARDCORE, ROCK

a me pasó en la primera ocasión que escuché este disco pero, cada vez que lo hago, un nombre viene a mi cabeza de una forma instantánea: Like Peter At Home. Se trata de una banda de Madrid que nunca llegó a salir del underground estatal pero que se convirtió en uno de los máximos exponentes del rockin’ hardcore, un subgénero que practicaban algunos grupos europeos como Abhinanda o Nine. No sé si es por el timbre de voz de Grego o por la combinación de música hardcore y stoner, o

precisamente por todo ello, que Osezno me recuerda esa escena por mucho que ellos lo quieran llamar rock’n’core. Le pongamos la etiqueta que le pongamos, este cuarteto del sureste peninsular (cuyos componentes se localizan entre Alicante y Murcia) debe estar haciendo bien las cosas cuando la discográfica de Rock Estatal ha decidido reeditar su álbum homónimo de debut. Masterizado en los estudios Rockaway de Castellón, este CD suena maravillosamente potente y compacto para una banda que apenas lleva tres años funcionando; la mejor prueba de lo que digo es ‘Vigilia”’ una pieza que se asemeja a una montaña rusa sónica con sus subidas y bajadas a través de mil estilos musicales. No se quedan atrás otros temas como ‘Una Historia’ (con ecos a lo Hamlet) o la final ‘La Otra Opción’, siete minutos con inicio a lo Bongzilla incluido. Durante este 2018 Osezno se ha recorrido medio país con su Omnívoro Tour; espero que el animalito siga creciendo sano y fuerte. JORDIAN FO

THE LEMON TWIGS

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Brian

D’Addario (voz, varios instrumentos), Michael D’Addario (voz, varios instrumentos) PRODUCIDO POR: The Lemon Twigs AFINES A: The Beatles, David Bowie, Jellyfish PÁGINA WEB: www.thelemontwigs.com

P Go To School (4AD/POPSTOCK!) ROCK, POP ORQUESTAL

or sus gustos musicales, su manera de vestir y sus cortes de pelo, los hermanos D’Addario bien podrían ser dos chicos que, en 1973, hubieran construido una máquina del tiempo y se hubiesen trasladado al siglo XXI. Dotados de un talento fuera de lo común como compositores e intérpretes (los dos son capaces de tocar la guitarra, el bajo, la batería, los teclados y hasta la trompeta y el violín), los D’Addario aparecieron en escena hace un par de años con su debut Do The Hollywood, en el que escribían una carta de amor a los grandes clásicos del pop y el rock. Pero en su segundo disco todavía han ido más lejos y se han atrevido a componer un

musical en toda regla. Que a su edad -Michael tiene 19 y Brian, 21- hayan sido capaces de grabar en el sótano de la casa de sus progenitores -su padre, también músico, les ha echado una mano, y su madre interpreta a uno de los personajes- una obra así de ambiciosa tiene mucho mérito. En una frase, Go To School trata sobre un chimpancé, Shaun, que va a la escuela. Así de sencillo y así de extraño. En ningún caso se nos explica de dónde sale, ni por qué, sino que se centra en sus problemas y aventuras siendo un estudiante tan distinto a los demás. Es lógico pensar que seguramente Shaun sea una metáfora sobre cómo se sentían los hermanos cuando

iban al instituto. Pero más allá de su bizarro argumento, el disco enamora por su capacidad para articular tan bien un lenguaje que, a priori, debería quedarles muy lejano, y también por dejarse llevar cuando se les va la olla. Sus referentes son variados, pero muy acotados a una época. ‘The Student Becomes The Teacher’ parece salida de Hunky Dory de Bowie, ‘Lonely’ desprende la tristeza de Big Star y en ‘Queen Of My School’ tienes unas guitarras que son puro The Flamin’ Groovies. Que hayan logrado que Todd Rundgren y Jody Stephens (batería de Big Star) participen como invitados les da puntos extra de credibilidad. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... BRIAN D’ADDARIO ¿Cuál fue el origen de Go To School?

“Lo concebimos como un musical. Nuestra tendencia natural es ser creativos todo el tiempo. Cuando empezamos a girar con el disco anterior eso se complicó, porque pasábamos mucho tiempo en una furgoneta. Pero en esos largos trayectos hablamos muchísimo y eso dio pie a la historia y a lo que queríamos hacer musicalmente. Así que, en cierta manera, estar de gira tuvo un impacto muy grande en el álbum”. Para presentar un disco así, igual lo ideal sería hacer una residencia en un teatro, más que una gira convencional.

“Eso sería precioso. Pero también tenemos la responsabilidad de llevar la música a donde está la gente. Tal como están las cosas, no nos podemos quejar. Aun así, me gustaría poder viajar menos

y seguir mejorando como artistas. ¡Pero hay que trabajar!”. ¿Cómo conseguisteis a Todd Rundgren y Jody Stephens?

“Son los dos únicos en los que pensamos y tuvimos la suerte de que aceptaran. En Coachella, tocamos con Todd y pensamos que sería genial que estuviese en el disco. Y le ofrecimos el papel de padre del chimpancé, porque nuestro padre no quería cantar (risas). Todd impone mucho respeto, pero fue muy fácil trabajar con él. No tiene ego y nos explicó un montón de historias. Es muy dulce. A Jody le invitamos a nuestra casa porque algunos temas nos recordaban a Big Star y acabó grabando una. Grabamos en directo. Fue muy divertido”. Tanto tú como tu hermano tenéis mucho talento como músico y arreglistas. ¿Consideras

que tenéis un don?

“Como sabrás, nuestros padres nos ayudaron mucho al principio, y con apenas 5 años empezamos a aprender a tocar la batería. Nuestra madre nos apuntó a clases de piano, nos enseñó a cantar, nuestro padre nos enseñó composición. Luego a los 12 aprendí a tocar la guitarra… Así que la música formó una parte esencial de nuestra educación”. Por vuestros gustos, parece que os hayáis criado en una burbuja. ¿Os veían como freaks en la escuela?

“Creo que vivía en un aislamiento feliz. Nadie se metía conmigo, igual sólo un par de veces, pero nada serio. Sentía que era diferente a los demás, pero para mí la música era mi mejor amiga. Y sabía que ahí estaba mi futuro. ¡Y creo que para Michael fue lo mismo!”. (JORDI MEYA)

T VREID

Lifehunger (SEASON OF MIST) BLACK’N’ROLL

ras recoger los frutos de Sólverv y formar parte de la parrilla de los principales festivales durante estos últimos años, Vreid vuelven a la carga con Lifehunger, su octavo álbum de estudio y el primero dentro de la gran familia de Season Of Mist. Elementos recurrentes como el destino, la vida, la muerte, la lucha y la oscuridad conforman su travesía sobria y escueta. Con una producción mucho más limpia y una sonoridad menos solemne, en Lifehunger encontramos un conjunto de temas más variados que en su antecesor. Uno de los que más llama la atención es ‘Hello Darkness’, acompañados por la característica voz de su compañero de sello Aðalbjörn ‘Addi’ Tryggvason de la banda Sólstafir, en el que experimentan con un

S ANDREW STOCKDALE Slipstream (MIDDLE MAN) ROCK

i a lo largo de su carrera Andrew Stockdale ha tenido algo parecido a un enemigo, sin duda ése ha sido él mismo. Desde que diese la campanada con el debut de Wolfmother los intentos por replicar el éxito de aquel álbum han resultado de lo más infructuosos. En gran medida por sus continuas idas y venidas, disolviendo un grupo en el que él era el único miembro fijo, lanzándose en solitario y publicando nuevo material continuamente sin previo aviso ni apenas promoción. Justo ahora, cuando parecía estar más centrado en plena

black metal mucho más moderno del que nos tienen acostumbrados. ‘The Dead White’ y ‘Sokrates Must Die’ son puro black’n’roll, mientras ‘Black Rites In The Black Nights’ nos devuelve a sus raíces por un instante. Si bien el nuevo trabajo de los noruegos cuenta con sus característicos medio tiempos y riffs atmosféricos, así como con la frescura de nuevos sonidos,

también deja en segundo plano la agresividad, la contundencia y la rapidez que se espera de una banda como la suya. Como habréis podido imaginar leyendo esta review, la verdad es que no he acabado del todo convencida con los resultados, y es que, si con este nuevo disco Hváll y los suyos nos prometían el infierno, definitivamente se han quedado a las puertas de avivar la llama.

gira de Wolfmother, vuelve a dejarnos descolocados con este Slipstream, que supone el segundo artefacto sónico que aparece bajo su propia firma tras Keep Moving en 2013. De su contenido sorprende que las canciones aquí incluidas no se alejen mucho de lo que nos tiene acostumbrados con su proyecto principal, lo cual hace pensar que podría tratarse de una colección de descartes. Y como en este tipo de casos, solemos encontrar un poco de todo. Empezando por una ‘Lazy’ a medio camino entre los Rolling Stones y T. Rex con vientos incluidos y que

resulta tan sencilla como pegadiza. Cambio de tercio a continuación para volver a colocar las cosas en su sitio con ‘Slipstream’, larga pieza repleta de riffs marca de la casa y desarrollos psicodélicos de por medio. El asunto continúa combinando su característico groove guitarrero (‘Sweet Spot’, ‘Hippy Hustle’), medio tiempos acústicos (‘Cherry Lane’) y algún que otro single en potencia como ‘Remember’. No pasará de la mera anécdota, pero con un par de escuchas ya me ha convencido más que alguno de los últimos de Wolfmother.

ALBA RODRIGO

GONZALO PUEBLA

JOYCE MANOR Million Dollars To Kill Me (EPITAPH) INDIE ROCK

menudo, lo mejor de la vida se encuentra en las cosas pequeñas, en ésas que a primera vista no llaman la atención, pero a las que si uno observa durante el tiempo suficiente, acaban revelándose como grandes tesoros. Como las telarañas, como las pompas de jabón o como las canciones de Joyce Manor. Pese a ser éste ya su quinto álbum, el grupo californiano sigue especializado en relatar historias de lo más cotidianas en apenas dos minutos. No han caído en la tentación de querer demostrar que ahora son mejores músicos o

que son capaces de abrirse a otros registros, si bien delicias como ‘Silly Games’ o ‘Wildflowers’ prueban que siguen creciendo como compositores. Tan impermeables son que incluso el hecho de que hayan recurrido a Kurt Ballou de Converge, acostumbrado a producir a bandas mucho más duras, no les ha restado ni un ápice de su sensibilidad pop. Todavía más melódico que los anteriores, este álbum es como recibir el corazón abierto del vocalista y guitarra Barry Johnson envuelto con un lazo hecho con guitarras distorsionadas. La simpleza y sencillez de canciones como ‘Fighting Kangaroo’, ‘Think I’m Still In Love With You’, ‘Friends We Met Online’ o la acústica ‘I’m Not The One’ hace pensar en ellos como unos Teenage Fanclub en versión emo. Pero lo que te gana es la ternura innata en frases como “Las chicas pueden ser un poco controladoras/Yo quiero que me controlen/Creo que estaré bien” en ‘Big Lie’, que nos hacen ver que Johnson debe ser un pagafantas de mucho cuidado. Pero, ¿quién no lo ha sido alguna vez? JORDI MEYA

ABORTED

TerrorVision (CENTURY MEDIA) BRUTAL DEATH METAL

esde que Aborted nos estamparan Global Flatline, nadie les puede toser. Ni en álbum ni en directo. Contando este TerrorVision, tres han sido los discos que nos han vapuleado desde entonces. Vamos a largo cada dos años, pues, y eso sin contar los EPs que han ido intercalando… El bagaje es impresionante; su ritmo, temerario, agotador, de otro planeta. Viendo los constantes cambios de filas, con Abel Valdelvira hemos llegado a la conclusión de que no es que Sven de Caluwé sea un tipo complicado, no…

más bien es que pocos le aguantan el pulso, porque a ver quién es el listo que hipoteca su vida para girar interminablemente por un sueldo de mierda. Pues bien, ese cansancio es posible que también haya llegado a mis orejas, porque, a pesar de la tremenda calidad que les sigo apreciando, aquí casi nada ha logrado sorprenderme. Como mucho el aire blackened de ‘Farewell To The Flesh’, ‘Vespertine Decay’ y ‘Visceral Despondency’ es algo novedoso, aunque a veces pillen un rollete Thy Art Is Murder, y ya no digamos una ‘Altro Inferno’ que podrían haber firmado The Black Dahlia Murder. Me gustan ‘Deep Red’, ‘Exquisite Covinous Drama’ o ‘The Final Absolution’, y ‘Squalor Opera’ es atrevida, pero también echo en falta esa pizca de grind de otras citas. Todo al mil, apisonante, venga colorines en la portada… Incontestables, pero yo ya estoy empachado. Seguir a los belgas se ha convertido en un eterno bucle de preorders y lanzamientos cada pocos meses. PAU NAVARRA

A KRISIUN

Scourge Of The Enthroned (CENTURY MEDIA) DEATH METAL

parte de mi hermano Andreu, no conozco a nadie que sea tan fan de los brothers Kolesne como un servidor. Es por eso que, cuando un acérrimo realiza una crítica negativa hacia esa banda que ama, igual debería ser tomada en mayor consideración. Tampoco son Krisiun un combo que quiera reinventarse con cada obra, más bien al contrario, así que el éxito o el fracaso de sus nuevos plásticos se dirime únicamente por lo frescos que estuvieran durante ese periodo de composición en concreto. Lo suyo siempre se ha movido entre velocidades de vértigo y aplastamientos de thrash pasado de rosca, y en realidad, a lo largo de su carrera ya han pasado por épocas tremendas y otras más discretas. Tras Southern Storm (2008) y The Great Execution (2011)

A MURDER BY DEATH The Other Shore (BLOODSHOT) FOLK ROCK

unque siempre se han caracterizado por un sonido de lo más tradicional, Murder By Death se han esforzado en alejarse de la imagen de banda que funciona de manera convencional. A la financiación mediante mecenazgo que llevan practicando desde hace tiempo para sacar adelante sus trabajos hay que sumar la posibilidad de verles ofrecer conciertos en espacios tan pintorescos como el Stanley Hotel (que inspiró a Stephen King para escribir El Resplandor y donde tocan anualmente) o hasta en una cueva a más de 300 pies de profundidad,

nos las prometíamos muy felices, pero si Forged In Fury (2015) se llevó un notable raspado, con Scourge Of The Enthroned ya debemos fruncir el ceño. ‘Demonic III’ y ‘Devouring Faith’ se las traen, en ‘Slay The Prophet’ sale a relucir toda su tralla técnica, claro que ‘A Thousand Graves’ es un bofetón y que ‘Whirlwind Of Immortality’ echa chispas, pero no es nada que no hayamos escuchado ya, y además,

en demasiados cortes he tenido la sensación de estar delante de una continua vuelta de tuerca a su enorme ‘Blood Of Lions’. Todo muy sobado. Ocho temitas que pasan como un suspiro, sin que ninguno haya provocado que nos levantemos realmente del sillón. Transmite poco, como ese Eliran Kantor tan sobreexplotado últimamente en materia de portadas.

por no hablar de la pizzería Lupo que regentan en su Louisville natal. Para su octavo disco, The Other Shore, han optado por recuperar la línea narrativa que caracterizaba algunos de sus álbumes más celebrados como In Bocca Al Lupo y Red Of Tooth And Claw. En esta ocasión la historia circula a través de un space western en el que parte de la humanidad decide abandonar la Tierra en busca de un nuevo planeta habitable sin garantías de éxito. Sea como sea, la personal y elegante forma de entender el folk de los de Indiana permanece

inalterable sin grandes novedades. Salvando la parte central donde el ritmo decae un poco, lo mejor lo encontraremos al comienzo (la bonita ‘Alas’, ‘True Dark’, ‘Stone’) y al final de la obra (‘I Have Arrived’, ‘Last Night On Earth’ y esa ‘Bloom’ que recuerda a los primeros Arcade Fire), como siempre con el reconocible timbre de Adam Turla y el cello de Sarah Ballet en primera línea del frente de batalla. Aun si estar entre lo más destacado de su discografía, The Other Shore nos hace seguir confiando en un grupo tan fiable como infravalorado.

PAU NAVARRA

GONZALO PUEBLA

WET CACTUS

Dust, Hunger & Gloom (VARIOS SELLOS) STONER ROCK

irecto desde Suances nos llega el segundo trabajo de los cántabros Wet Cactus. Nos encontramos ante uno de esos álbumes a los que tan sólo hace falta echarle un vistazo a la portada para hacernos una idea de a qué nos vamos a enfrentar. Ese buitre posado sobre dos cascos espaciales en pleno desierto no ofrecen lugar a la duda acerca de lo que se esconde entre los surcos de Dust, Hunger & Gloom. El sonido inequívocamente stoner se hace patente a la que comienza a sonar ‘So Long’ y nuestra mente se teletransporta de manera automática a Palm Desert. Pasajes envolventes que

contrastan cuando nos empiezan a escupir esos riffs llenos de arena que van cobrando velocidad cual tornados a medida que avanzan. La intensidad se mantiene en ‘Full Moon Over My Head’, donde nos siguen triturando a base de guitarrazos gordos con el sello de Kyuss bien marcado en carne viva. La instrumental ‘Aquelarre’ se pierde y se reencuentra entre laberínticos desarrollos, al tiempo que el tema que da título a la obra nos sumerge en el doom de los papas Black Sabbath. ‘Sleepy Trip’ serviría de resumen de todo lo anteriormente mostrado en apenas 9 minutos. No hay duda de que Wet Cactus conocen muy bien el lenguaje que hablan y saben ejecutarlo con gracia, pero del mismo modo, se echan en falta ingredientes de su propia cosecha en una receta que les haga despuntar entre la ingente cantidad de formaciones dentro de su mismo estilo. Son jóvenes y aún están a tiempo de encontrar una personalidad que no resulte impostada. Cualidades les sobran. GONZALO PUEBLA

CRIPPLED BLACK PHOENIX Great Escape (SEASON OF MIST) ROCK

l otoño ya tiene su propia banda sonora con Great Escape, un trabajo con el que los días se apagan, el frío se asoma, la niebla se espesa y las emociones más oscuras se intensifican. Una introspección cósmica donde tanto los momentos álgidos como los silencios emergen en su preciso momento. Una serie de pasajes emotivos en los que resguardarse cuando parece que todo está perdido. En su discurso encontramos cómo el miedo, la depresión y la locura es el precio que pagamos cuando no se hallan las respuestas esperadas. Un buen

ejemplo de ello es la letra de ‘Nebulas’, con la que dan voz al sufrimiento de quienes nos torturamos por no poder salvar a todos los animales de su genocidio diario. De esta sociedad enferma brota la música emocional del proyecto del multinstrumentista Justin Greaves (Iron Monkey, Electric Wizard), creando su álbum más melancólico hasta la fecha. No busques etiquetas porque Crippled Black Phoenix no las necesitan, más bien déjate llevar. La sensibilidad que desprenden en conjunto es brutal, tanto en las partes instrumentales como cuando cogen las riendas las voces de Belinda Kordic y Daniel Änghede. Y aunque me flipa ‘Madman’, sin duda el tema más representativo del álbum es el que se encarga de darle título. Great Escape está dividido en dos partes. La primera es cruda y honesta, mientras que la segunda atisba un rayo de esperanza con un melodía que bien recuerda a Pink Floyd. Afortunadamente, cuando la música es la mejor de las medicinas aparecen discos como éste. ALBA RODRIGO

REVOCATION

The Outer Ones (METAL BLADE) DEATH METAL

ace algo más de un par de años tuve la oportunidad de reseñar el anterior trabajo del cuarteto de Boston. En aquella crítica elogiaba la capacidad que Revocation habían tenido para evolucionar su sonido y cómo me habían ido convenciendo trabajo tras trabajo de que eran algo más que una banda demostración de lo virtuoso que se puede llegar a ser y lo rápido que se puede tocar. Me equivoqué en una cosa en aquella review, decía que habían completado su evolución, que habían conseguido ser una banda madura con

82 78

un gusto exquisito para estructurar canciones, pero no es para nada cierto, pues se han vuelto a dar una vuelta de tuerca, en tiempo récord y sin haber parado de girar. Esta nueva rotación les ha llevado a su lado más oscuro, notablemente visible en el artwork, pero también desde la primera nota que abre este The Outer Ones. Su transición estilística es ahora mucho más visible, las guitarras bajan el tono, las melodías se vuelven más siniestras, la producción es menos directa y más onírica. Todo lo que envuelve y compone este álbum está dotado de un aura mística bañada por las referencias a Lovecraft, que por otra parte, parece estar en boca de todos últimamente, así que prepárate para los Revocation más crudos, más densos, más lentos, donde la complejidad pasa de estar en los recursos técnicos y de ejecución a encontrar su hábitat en las estructuras compositivas. Si su anterior trabajo te hizo redescubrir a los americanos, prepárate para una dosis doble y maligna de éste. ABEL VALDELVIRA

UNLEASHED

The Hunt For White Christ (NAPALM) DEATH METAL

n 2019 Unleashed cumplirán 30 años. Puede parecer un mundo para cualquier formación alejada del heavy metal, para cualquier artista que mida sus pasos conforme a modas y tendencias, pero no para Johnny Hedlund, todo un exNihilist para el que el death metal sigue siendo algo muy serio. The Hunt For White Christ viene a continuar la historia conceptual vikinga que el cantante, bajista y líder del combo sueco nos ha ido relatando en estos ya cuatro álbumes, y para los que Unleashed han adquirido un

riffeo mucho más melódico y elaborado, alejado de esas formas más simplistas que defendían en los 90. Si en un principio eso tocó las narices a algunos de sus fans, parece que el tiempo está dando la razón al cuarteto escandinavo, pues sus últimos álbumes se han revelado como dignas obras de un combo tan legendario, por no hablar de la vitalidad y el recorrido que desprenden. No hay más que escuchar de seguido ‘Lead Us Into War’, la garra de ‘You Will Fall’, ‘Stand Your Ground’, ‘Gram’ o sobre todo ‘Terror Christ’ para comprobar que las señas de identidad de Unleashed permanecen ahí, pero renovadas con unos solos, detalles técnicos y punteados épicos que, en mi opinión, han dado al grupo un nuevo empuje para rockear otras tantas décadas. Es paradójico que actualmente uno de los activos más importantes de una banda tan inmovilista como Unleashed sea precisamente la evolución, pero a veces es mejor dejar la filosofía a un lado y simplemente abrazar hachazos como ‘The Hunt For White Christ’. PAU NAVARRA

LE TEMPS DU LOUP Cardinal

(VARIOS SELLOS) POST METAL

omo en cualquier género, resulta complicado sorprender con algo mínimamente nuevo que consiga llamar la atención y que te ayude a sobresalir por encima de la media. Menos aún en un estilo tan trillado como el post rock instrumental, donde todo parece ya estar dicho. Los madrileños Le Temps Du Loup tampoco revolucionarán la escena con su segundo álbum, pero al menos buscan encontrar su propia voz en un terreno donde todo el mundo parece seguir los mismos cánones al milímetro. De eso trata Cardinal, que aparece cuatro años después de Jauría. Tiempo más que

suficiente y necesario para que el trío formado por Hannibal (guitarra), Nacho (bajo) y Álvaro (batería) haya reformulado su sonido que encuentra un nuevo punto de partida aquí mismo. De esto ya da pistas ‘Zilch’, que funciona a modo de prólogo de lo que vendrá más adelante en esta aventura. Sugerente pero también opresiva, tenebrosa y amenazante por momentos, nos sirve de aperitivo para ‘Eulerian’, en la que les vemos exhibir realmente todas sus posibilidades con algunos tramos que pueden recordar a Tool. ‘Agartha’ rebaja las pulsaciones, aunque a la mínima vuelven al ataque. Las dos mitades de ‘Karellen’ funcionan como némesis la una de la otra. Reflexiva la primera y decidida la segunda, jugando con pasajes rocosos, otros más veloces y siempre dejando guiños progresivos no exentos de cierta épica. Los 10 minutos de ‘Plague Fort’ no ofrecen tregua alguna a modo de catarsis final. Cardinal es un trabajo que se debe descubrir con paciencia, pero con él sus autores han hallado un camino que seguir explorando en próximas entregas. GONZALO PUEBLA

DEATH AND THE PENGUIN Anomie

(WALL OF SOUND) POST ROCK

a anomia hace referencia a la falta de normas, un concepto usado por algunos sociólogos clásicos para explicar los comportamientos desviados de algunos individuos. Buen título para un disco de post rock, math y jazz rock con una marcada voluntad experimental como el debut de Death And The Penguin. Estos británicos se desvían y mucho de las convenciones, evitan caer en la repetición de estrofas, puentes y estribillos. Hacen lo que quieren con sus instrumentos en cada tema, sin corsés ni ningún tipo de manía. Su propuesta es

un desafío para el oyente medio. Se mueven en las antípodas del mainstream, incluyendo el propio nombre de la banda, inspirado en un cuento post soviético del autor ucraniano Andrey Kurkov. Imposible no verse atrapado por la compleja ‘The Calving Shuffle’, un cóctel de guitarras afiladísimas, una base rítmica rotunda, melodías dulces y coros agresivos, o ‘Kill Saatchi’, cuyos arrebatos guitarreros nos remiten a los primeros Biffy Clyro, Sucioperro y similares. Hay espacio para voces y órganos reverberados como en la inicial ‘Hospital Song’, ritmos de batucada y palmas como en ‘Colour In Me’, una delicada pieza acústica titulada ‘Driftwood (God Loves A Bird Of Prey)’ e incluso un homenaje al cine de terror como ‘Leatherface’, una pieza que evoca una persecución a vida o muerte por un bosque. No es un debut cualquiera, sin ir más lejos les sirvió para colarse en el cartel del prestigioso festival ArcTanGent con algunas de las bandas más en forma del panorama post rock mundial. Recomendables. LUIS BENAVIDES

DEAF HAVANA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: James

Veck-Gilodi (voz, guitarra), Matthew Veck-Gilodi (guitarra), Lee Wilson (bajo), Matt Britton (teclados), Tom Ogden (batería) PRODUCIDO POR: Phil Gornell AFINES A: The 1975, Nothing But Thieves, The Killers PÁGINA WEB: www.deafhavana.com

L Rituals (SO RECORDINGS) POP ROCK

a transformación de Deaf Havana es una de las más radicales que hemos visto en los últimos tiempos. En apenas una década han pasado de ser una banda de post hardcore que tocaba con grupos como We Are The Ocean o The Blackout, a una que, ahora mismo, pegaría más con Coldplay o The Killers. Si en su anterior All These Countless Nights ya dieron pistas sobre su acercamiento a un rock más mainstream, viendo el buen resultado comercial que les dio, en su quinto disco han saltado directamente al pop. El responsable de este cambio no es otro que su vocalista, y principal compositor, James

Veck-Gilodi, quien decidió aparcar la guitarra para escribir y hacerlo directamente usando un programa de ordenador junto a su amigo y productor Phil Gornell. Al parecer, el resto de la banda no intervino hasta que empezaron la grabación en sí y por eso dudo que, incluso a quien haya ido siguiendo su trayectoria, no le resulte un shock escuchar Rituals por primera vez. La distorsión ha desaparecido de las guitarras y ahora todo el peso lo lleva la voz, por supuesto, entregada totalmente a la melodía, la sección rítmica y distintos arreglos de producción. Eso sí, las jodidas canciones son tan pegadizas como muchos hits de los 80

y podrían entrar sin problema en cualquier radiofórmula, que supongo que es lo que buscaban. ‘Sinner’ y ‘Heaven’, vienen reforzadas por un coro al estilo de ‘All These Things That I’ve Done’ de The Killers; las bailonga ‘Holy’ y ‘Fear’ podrían colar en un disco de Maroon 5 y la más reposada ‘Evil’ los acerca al pop electrónico del último disco de The 1975. Si la palabra pop te produce sarpullidos, aléjate de este disco. Por el contrario, si eres de los que de vez en cuando disfruta escuchando algo más ligero puede que Rituals se convierta en un buen compañero. Ni que sea a escondidas. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... JAMES VECK-GILODI Este verano estuvisteis en el Mad Cool. ¿Pudiste ver algún grupo que tuvieras muchas ganas?

“¡Sí! Vi a Queens Of The Stone Age, a Nine Inch Nails, a Arctic Monkeys y a un par más. Estuvo genial. Y vino a vernos más gente de la que pensaba, teniendo en cuenta que era la primera vez que tocábamos en España”. No habéis tardado demasiado en sacar un nuevo álbum, apenas un año y medio. ¿Tenías prisa?

“No tenía ningún intención de hacer otro disco tan rápido, para mí fue una sorpresa, te lo aseguro. Pero simplemente salió de la nada. Tuvimos suerte”. Con All These Countless Nights, el grupo llegó a un público nuevo. ¿Cómo influenció eso al nuevo álbum?

“La verdad es que todo ha sido muy extraño. Sacamos All These Countless Nights tras cinco años de silencio. Pensaba que los fans se habrían olvidado de nosotros, pero sucedió todo lo contrario. Creo que al final fue porque hicimos un muy buen disco. En cuanto a su influencia en Rituals, no sabría decirte porque lo hicimos de manera completamente distinta”. ¿Cómo lo compararías con vuestro método tradicional?

“El disco anterior fue muy divertido de grabar, porque estuvimos tocando todos juntos en el estudio. Éste conllevó pasar muchas horas delante del ordenador. Fue divertido, pero no sentí que fuera una experiencia de banda. Fue interesante”. ¿Te planteaste igual editarlo como un disco en solitario o para ti encajaba en lo que es

Deaf Havana?

“Al principio lo pensé porque sonaba muy pop, pero cuando les mostré las canciones al resto del grupo, les gustaron muchísimo. No podía decirles que no (risas). Llevamos tanto tiempo tocando juntos que fue relativamente fácil adaptarnos a este sonido, aunque haya más teclados y electrónica”. ¿Tenías miedo de la reacción de vuestros viejos fans?

“Al principio estaba muy preocupado, pero por suerte la respuesta ha sido muy buena. Estoy agradablemente sorprendido porque pensaba que todo el mundo lo odiaría (risas)”. ¿Crees que queda algo de vuestra primera etapa?

“La motivación es la misma que entonces: hacer buena música y pasarlo bien tocando en directo”. (MARC LÓPEZ)

terrible de las trallas sigue siendo incuestionable. Tres huracanes despluman este disco nada más empezar, pero ‘Vengeance Striketh’ es sin duda el más memorable. Digno de I, Monarch, su groove te evaporará la materia gris, y cuidado con ese punteado con el que lo finiquita el líder. Llegados a HATE ETERNAL Upon Desolate Sands este punto, ahora es cuando Upon Desolate Sands se pone (SEASON OF MIST) realmente interesante. Sin BRUTAL DEATH METAL aparcar los sopapos ni por un segundo, el durísimo medio 83 tiempo de ‘Nothingness Of Being’ y el bíceps clasicote de ‘All Hope Destroyed’ i lo pensamos demuestran que el trío es bien, son pocas las mucho más que una panda formaciones que de atletas esprintando porque hayan querido situarse en sí. Qué fraseos, y vaya otro esa estrecha frontera en solazo en esta última… Hate el que death old school y Eternal están realmente brutal se abrazan. Ya en su inspirados, y actualmente eclosión Suffocation se las están lejos de crear otra ingeniaron para encandilar bola de magma a lo Fury & a ambas parroquias, Krisiun Flames. Apuntala bien los también entrarían ahí, pero muebles porque la portentosa está claro que Hate Eternal ‘Portal Of Myriad’ arrasará son maestros a la hora tu habituación, y los múltiples de explorar ese territorio. desarrollos que presenta Martilleando sin compasión ‘Dark Age Of Ruin’ hacen que desde el 97 con su propio también sea muy atractiva. Por grupo, el veterano Erik Rutan si aún no te han conquistado conoce perfectamente los de nuevo, ‘Upon Desolate dos mundos, y mientras Sands’ causará estragos con entrega riffazos propios de un exMorbid Angel, su ese halo a lo Nile. compromiso con la más PAU NAVARRA

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SWAMPIG

Road To Swampland (AUTOEDITADO) ROCK

ay gente que parece destinada a encontrarse en esta vida de una manera u otra, y aunque cada uno de los componentes de Swampig ha dado varias vueltas hasta llegar al mismo punto (sea en formaciones como The Boo Devils, Lizzies, Odeón o Les Panches Surfers), escuchando su primera demostración de fuerza conjunta no cabe duda de que todas las piezas han encajado a la perfección. Como ellos mismos nos reconocían en la entrevista que publicamos el mes pasado, saben bien que no han descubierto el fuego, pero que del mismo modo cuentan con algo muy

bueno entre manos. Si bien los principales ingredientes de su fórmula son el rock’n’roll y el punk como se encargan de demostrarnos a las primeras de cambio en el cañonazo que es ‘Vice City’ o la contundente ‘Killer Hangover’, también veremos que manejan varias cartas bajo la manga. Es el caso de ‘She Sings’ y ‘One Way Street’, con unas melodías que les acercan al power pop de la era dorada de los 70, el blues vertiginoso de ‘Trench’, la sensualidad que desprenden en ‘Faith’ o un single tan rematadamente redondo como es ‘Swampland’, donde son capaces de unir a AC/ DC con Turbonegro para dar con un auténtico himno que pondrá patas arriba cualquier sala. Aunque si hay un corte de los diez aquí incluidos que me tiene completamente enamorado, ése es el final ‘Mirror On The Wall’, una joya que cuenta con un cambio de papeles en las voces hacia la mitad de la canción absolutamente genial y que pone la guinda perfecta a un primer disco cuidadísimo hasta el detalle. Y si su imagen os genera dudas, esperad a que os vuelen la cabeza en directo. GONZALO PUEBLA

OBSCURA Diluvium (RELAPSE) TECHNICAL DEATH METAL

uarta y final entrega de lo que ha sido un viaje onírico y espacial totalmente planeado por el capitán Steffen Kummerer a los mandos de un barco que se mostró bastante inestable tras la desbandada de la anterior tripulación y todo el proceso de adaptación de los nuevos Obscura. Este proceso de adaptación podemos llamarlo Akróasis, y debió suponer un esfuerzo monumental en una banda con tantos matices y un nivel de complejidad técnico, compositivo y, sobre todo, de expectativas tras las dos obras precedentes. El resultado fue un muy buen disco pero al que le faltaba algo, eso que Diluvium sí

tiene: mala leche. Y es que las diferencias compositivas entre estas dos obras están en los matices. Diluvium es un disco menos veloz pero a la vez más agresivo en el que se agregan elementos black más evidentes y en el que el tratamiento que se le dan a las líneas vocales son mucho más crudas. También nos deja una notable experiencia en el terreno de la producción, y si bien todos sus trabajos la tienen muy pulida, aquí tenemos un nuevo nivel con más aspereza y sonidos orgánicos. Conceptualmente es una obra estudiada, hay canciones que están directamente relacionadas con álbumes previos, en el que el aporte de oscuridad en relación a los demás trabajos no es un hecho circunstancial, sino que se ajusta a la idea sobre la muerte y la reencarnación que trae este final de saga. En definitiva, es un álbum en el que se nota que ha participado una banda mucho más madura y compacta, pero que a la vez, ha tenido un solo director que ha marcado el tono y la dirección que le da un toque de coherencia y seriedad que hace apreciar la obra completa. ABEL VALDELVIRA

DOE

Grow Into It (BIG SCARY MONSTERS/ TOPSHELF) ROCK ALTERNATIVO

l presente Grow Into It, un meritorio disco de heavy pop distorsionado y ultramelódico, parece haber sido grabado a mediados de los 90. Entonces los tres miembros de Doe apenas habían nacido, pero es inevitable pensar que crecieron escuchando Last Splash de The Breeders, 1977 de Ash y Blue Album de Weezer. El segundo trabajo del trío londinense liderado por la cantante y bajista Nicola después del debut Some Things Last Longer Then You incluye un buen puñado de temazos inmediatos e incontestables como la inicial ‘My Friends’, ‘Labour Like I

Do’ y mi favorita ‘Heated’, donde manejan con soltura la manida fórmula de la estrofa suave y el estribillo rabioso. Mención especial merece la pieza a dos voces encargada de poner el broche al disco, ‘Here In The Dirt’, una composición intensa que parece escrita a medias entre los mismísimos Kim Deal y Rivers Cuomo. Unas letras relativamente formales y maduras ponen el contrapunto al desparpajo y aparente ingenuidad de su música. Como bien apunta el título, su nuevo trabajo habla sobre crecer, evolucionar como personas, envejecer, y también se intuye algo de empoderamiento femenino en ‘Team Spirit’ y la citada ‘Labour Like I Do’. Si la banda hubiera aparecido en 1995 quizá habría pasado desapercibida, sepultada bajo una montaña de lanzamientos con coordenadas musicales similares, pero en 2018, su revivalismo con mensaje tiene un público potencial muy amplio, pues puede hacer las delicias de las nuevas generaciones pero también de los nostálgicos que ahora rozan los 40 tacos. LUIS BENAVIDES

BEYOND CREATION Algorythm

(SEASON OF MIST) TECHNICAL DEATH METAL

esde que irrumpieron en la escena del death técnico con ‘Omnipresent Perception’, single que les abrió las puertas de la popularidad entre los amantes de los sweep pickings melódicos, los bajos fretless y las bases rítmicas complejas, las expectativas sobre una banda que ha tenido que experimentar cambios de formación han sido muy altas. En parte por el gran trabajo que se muestra en The Aura y, por otro lado, por el gran nivel presentado en los trabajos dentro del estilo durante los últimos años. Lo que se presentó en el death metal como una revolución a principios de los 2010 ya

74 84

no es sorprendente, así que una banda como Beyond Creation tenía mucho que demostrar con este disco. Quizá es ahí donde puedes sentir que este álbum cae en algunos clichés del género, a pesar de que el plástico se ve dinamizado por piezas clásicas como el sugerente corte ‘À Travers Le Temps Et L’Oubli’, y que cuenta con temas brillantes y cargados de groove como el que le da nombre al álbum. No hay ninguna duda de que el cuarteto canadiense tiene un talento enorme, atesora una gran cantidad de recursos, pues las estructuras son brillantes, y aunque el trabajo al completo es una viaje por paisajes muy variados y lleno de dinámicas, el principal problema es que la frescura se va a buscar en demasiadas ocasiones fuera de la agresividad. Una lástima, porque de brutalidad saben un rato (‘In Adversity’, ‘Surface’s Echoes’). Un álbum que, como fan del estilo, he disfrutado, pero al que le ha faltado momentos de estrés auditivo. Demasiado dócil. Un despliegue compositivo al alcance de muy pocos, pero inofensivo en términos de death metal. ABEL VALDELVIRA

SAME FIRE The Roots

(MONO NO AWARE) ROCK

comienzos de año, Crossroots entraron en los Westline Studios para grabar sus primeras canciones. De allí salieron con un EP bajo el brazo y un nuevo nombre. Rebautizados ahora como Same Fire, estos cuatro cordobeses son uno de esos extraños casos que uno se encuentra muy de vez en cuando al comprobar el grado de madurez que ya atesoran a pesar de su juventud. Muchas serán las idas y venidas que habrán dado para dar forma a las cinco composiciones que nos ofrecen en The Roots, pero la consistencia

y solidez de las que hacen gala son impropias de unos debutantes. Como suele ocurrir con todo lo que pasa por las manos de Juan Blas, el nivel de la producción está fuera de toda duda, pero es que, además, en esta ocasión, el sonido cálido del que les ha dotado juega a favor de unas canciones con mucho feeling. Se nota desde los primeros instantes de ‘Gravity Turns Heavier’, que nos van meciendo y haciéndonos flotar al contrario de lo que invita a pensar su título. La crítica ‘Breaking News On The Wall’ tiene algo más de pulso, aunque su estilo queda mejor definido en ‘Last Chance’, con sus dejes de blues. Su buen gusto también queda demostrado a la hora de tocar la fibra sensible con ‘I Am Safe?’, en la que su cantante Edu se acerca a la magia de todo un Jeff Buckley. Hasta podemos apreciar el sonido de los dedos recorriendo los trastes, detalle que evidencia que aquí no hay trucos de edición que valgan. El soul de ‘Start A War’ pone la guinda a una primera referencia con un margen de mejora grande, pero que ya apunta muy alto. GONZALO PUEBLA

ROSS THE BOSS By Blood Sworn (AFM) HEAVY METAL

ay dos cosas que me han dejado flipando al profundizar en By Blood Sworn: en primer lugar, que Hailstorm, el anterior trabajo de Ross The Ross con su propio combo, cuente ya con ocho años de vida. Luego, que el álbum que nos ocupa sea infinitamente superior a aquél. Porque sí, porque no hay más que someterse al trote tan Manowar de la inicial ‘By Blood Sworn’ para percatarse de que esto va muy pero que muy en serio. A la hora de inspirarse, imagino que no hay nada mejor que patearse el planeta tocando el sempiterno material clásico de la banda que le dio

fama mundial. El héroe de Nueva York no ha perdido ni un ápice de instinto a la hora de atacar su guitarra, y en ocasiones parece que necesite un par o tres de mástiles extra para rematar sus apoteósicos solos. Al rojo vivo se pone el disco con ‘Among The Bones’, y con ‘This Is Vengeance’ para nada decae la cosa. Al contrario, esta canción está afilada como un cuchillo, y aunque ‘We Are The Night’ baje un poco las revoluciones, ese aire misterioso que se trae es del todo bienvenido. Igual la balada ‘Faith Of The Fallen’ les ha quedado demasiado Axel Rudi Pell para mi gusto, pero tranquilos, que ahí llega al rescate un alegato tan true como ‘Devil’s Day’, la sobrada de ‘Lilith’, el chute de vitalidad ‘Play Among The Godz’ o algo tan vetusto como ‘Circle Of Damnation’. Las bonus nos traen regrabaciones de Manowar, pero de verdad, opino que revisar ‘Hail And Kill’ es algo que debería estar prohibido por ley. Esto es heavy metal en su más pura expresión, libre de contaminación, tontadas o burdas modernadas. Y es que, en putoamismo, a Ross The Boss no le gana ni Dios. PAU NAVARRA

orquestar algo como ‘In Nomine Domini’, un tema que te mantiene en estado de alerta durante todo su recorrido, en desasosiego constante. La majestuosidad asume el mando en ‘Naught But Death’, con un final tan angustioso como épico sólo al alcance de un verdadero grande del género maldito, y FUNERAL MIST mientras ‘Shedding Skin’ y la Hekatomb soberbia ‘Cockatrice’ sacan (NORMA EVANGELIUM DIABOLI) a relucir su inevitable vena BLACK METAL más Marduk, ciertos arreglos fantasmales te recuerdan 90 que estás ante un combo que opera bajo sus propias s muy fuerte que, este reglas. ¡Y cómo toca la junio, con tan sólo una guitarra, el tío! Esta segunda semana de diferencia, es brutalmente buena, en Mortuus, el vocalista de serio, pero la que la sigue, Marduk, publicara dos ‘Metamorphosis’, tampoco se álbumes del calibre de queda corta, y eso que casi Viktoria y Hekatomb. Todavía apuesta por armas opuestas. es más flipante que el de su Tormenta en ‘Within The proyecto personal, Funeral Without’, a puñalada limpia Mist, sea bastante superior. con ‘Hosanna’, y luego la Devo ha sido el ingeniero en desesperada y excelente ambos, y se nota porque las ‘Pallor Mortis’ para cerrar producciones son calcaditas, un discarral tochísimo. pero en lo musical, el Últimamente Marduk no cantante sueco ha vuelto a es que vayan faltados de darnos una verdadera lección ideas precisamente, pero de crudeza y agonía black. si yo fuera Morgan, para De hecho, nos ha recordado su próximo disco le pediría de la mejor de las formas una tonelada de consejos al por qué Funeral Mist son voceras, vaya que sí… En mi un grupo de culto. Hay que top del año de calle. tener mucho talento para PAU NAVARRA

BELLAKO

I N DESTRU CTI BLES

GIRA A GIRA, SHOW A SHOW, DISCO A DISCO, FESTI A FESTI, BELLAKO ESTÁN DEMOSTRANDO POR QUÉ SON LA BANDA DE HARDCORE Y CROSSOVER MÁS INQUIETA E INCANSABLE DE NUESTRO PAÍS. DE CARA A SU NUEVA OBRA, LOS CATALANES SE HAN DEJADO DE COÑAS Y HAN EXORCIZADO ESOS DEMONIOS QUE LLEVAMOS DENTRO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: MARC AGUDO

I ANDAS METIDO EN EL HARDCORE, ES ABSOLUTA MENTE IMPOSIBLE QUE NO HAYAS VISTO A

Bellako sobre un escenario. Rober (voz), Roy (guitarra), Ricard ‘Pal’ (guitarra), Xavi (bajo) y Arnau (batería) parecen haber hipotecado sus fines de semana de aquí al 2039, y o tienen las novias más comprensivas del mundo, o de lunes a jueves se dedican al cinco contra uno, porque aguantar ese calendario es digno de elogio. Lo suyo es el directo, está claro, pero esa disciplina casi militar que se infligen a la hora de tocar en todos lados también acarrea sus problemas, y es que las bajas en el frente suelen ser constantes. No es país para rockeros, pero los de Mataró ahí siguen, inflexibles, fieles a su idea de banda, sorteando cualquier obstáculo que vaya apareciendo y, encima, reforzando un line-up que ahora mismo parece inmejorable. Les seré totalmente sincero: si sobre las tablas Bellako siempre me han parecido intachables, un grupo que va al grano, que sabe explotar perfectamente sus virtudes y que te destroza las cervicales a su antojo, en cambio nunca había acabado totalmente satisfecho con su versión en estudio. Con Demonios, su nuevo trabajo autoeditado, esta percepción ha cambiado. Esta vez los catalanes han sabido trasladar esa demoledora estopa a estos 13 cortes, así que

ya era hora de traerlos a nuestras páginas con una entrevista en profundidad. Como su presencia en el Resu, igual nuestro reconocimiento llega un poco tarde, pero con el empuje que llevan ya tendremos tiempo de enmendarlo dado todo lo positivo que les está por llegar. Aunque siempre llevándolo hacia vuestro terreno personal, cuando me llegó Demonios le comenté a vuestro mánager que me pare-

“Bastante, sí, pues como te decía, nos gusta hacer lo que sale dentro de nuestro rollito. Recuerdo estar en el local componiendo y que la frase más escuchada fuera ‘¡Eso suena a Bellako!’. Todo lo que no nos daba una sensación de familiaridad con nuestro rollo lo desechamos o mirábamos de transformarlo lo más bellakamente posible. En cuanto al estilo, ¡pues es lo que dices más o menos! Un poco de thrash, core, crossover para destapar oídos a destajo”.

cía una mezcla brutal entre Non Servium, Soziedad Alkoholika,

Creo que donde más se nota

Nasty, Madball e incluso Body

cuánto habéis crecido como mú-

Count. Ahora también añadiría

sicos en este álbum es en ‘Quién

algo de Rise Of The Northstar.

Eres Tú’. ¿Vosotros también

¿Estás de acuerdo?

apreciáis que ahora sois capa-

ROBER “(Risas) Me extraña que no

ces de hacer temas que antes

percibieras algo de Pantoja también… Estamos de acuerdo, claro que sí. A estas alturas debe de estar todo compuesto y creado ya… Aunque te diré que siempre tratamos de componer sin dejarnos influenciar por bandas que puedan parecerse a nuestro estilo. Es una mezcla de lo que vimos oportuno pulir de nuestras flaquezas en nuestro anterior trabajo”.

igual os costaba más componer

La verdad es que cada vez cuesta más definiros, vais saltando de estilos siempre que puedas soltar tu bronca, haya break-

downs brutales y los ritmos te partan en dos. Os la sopla si sois hardcore, beatdown o crossover, ¿no?

o moldear?

“Es cierto que los temas son bastante más elaborados respecto a riffs complejos y demás. Se nota una madurez que hasta entonces no había. Personalmente quiero decir que tampoco somos los mismos músicos de hace unos años atrás… Ni somos los mismos miembros creadores de la banda, pues ahora contamos con Arnau de Hyde Abbey, exKop y exImplore a la batería. Con Xavi, exWilderness , al bajo, y con un Ricard que, pese a que ya estuvo en la composición de nuestro anterior álbum Extinction, ahora cuenta con la experiencia y los conocimientos necesarios de Bellako para abrir un 87

nuevo abanico de riffs y temas con estructuras diversas. Estos tres nuevos miembros han aportado una frescura al disco inmensurable”. Lo que he notado también es que en este álbum ya no hay ni pizca de humor, se acabaron las bromitas o los ‘Pollos Radioactivos’… ¿Estáis más cabreados que nunca? Aunque no sois un grupo específicamente político, ¿tiene algo que ver con tanto

y el cuello todos! En mi caso, tenía claro que no quería otro álbum igual que los anteriores. ¡Quería registros diferentes! Y sobre todo, con toques de humanidad, más definida. Que se notara que detrás de esa voz se escondía un tipo que vomita rabia, disconformidad, que se queja y que berrea como el resto de las personas, ¿me explico? Lo he querido hacer más humano. Cabe destacar el currazo que se marcó Oscar a la hora de grabar todo”.

españolito fascista apaleando

ramos o no, y nos condicionan día a día. Vivimos como en una rueda en la que siempre giramos. Actualmente la sociedad en la que vivimos da bastante tirria… La política parece el Salsa Rosa, y el Salsa Rosa de antes, ahora es un desfase de tres pares de huevos… La vida en sí es un desfase irremediable creo, de ahí esos temas tan asesinos para finalizar nuestro nuevo trabajo”. No hay más que echar un vistazo a vuestra agenda anual para

gente impunemente por Cata-

Sí, Demonios destaca también

comprobar que sois una banda

lunya estos días?

por lo agresivo y grueso que

forjada en el directo, que vive

“¡Se acabaron las bromitas, sí! (Risas) Bueno, intentamos no perder ese toque chisposo que tiene Bellako. Este nuevo disco lleva material nocivo para todos. No se salva ni el apuntador, pues es una mezcla de lo que cada uno puede llevar dentro en su día a día, como si de repente todos los demonios interiores de todo el mundo salieran a la superficie. No podemos negar que el mal está entre nosotros, se disfraza en la política, se disfraza en los amigos, se esconde en el amor, en el trabajo, hasta en el niño más inocente… Entonces hemos decidido dejar un poco de lado los temas surrealistas y nos hemos centrado más en lo que sucede a diario. En el mal en la actualidad”.

suena, presenta una producción

para ello. A la par, creo que

que tira de espaldas. ¿Busca-

justamente eso es lo que fue

bais que cada guitarrazo fuera

quemando a vuestros exmiem-

como un maldito puñetazo?

bros… En un país con un mo-

“Buscábamos que este disco destacara del resto, y por lo tanto, la inversión fue bastante mayor. Oscar de AxTudio fue el responsable de inmortalizar este disco, al igual que el anterior”.

delo laboral tan arcaico como

‘Umibôzu’ da algo de respiro antes de la parte final, que viene con Fer de Cannibal Grandpa y deathcore en ‘Suciedad Humana’, ‘Ahí Fuera’, y luego, ‘Hail Satan’, que es un desfase absoluto. Este final de álbum tan asesino es totalmente adrede para catárosla bien a gusto,

Se te nota mucho más robusto

¿verdad?

en las voces, menudo cuello

“¡Verdad! Nos quedamos a gustísimos con ‘Hail Satan’ (risas). Despedimos el disco con el regreso de Satán a la tierra. Como si fuera el fin ya de todo. El álbum en términos generales es una crítica a la vida. Hacia el cómo está montado todo. Somos esclavos de un sistema que-

gastas en este disco… ¿A qué lo achacas? Seguro que crecer dando tantos bolos y la buena dieta de matuja tiene su parte de culpa…

“¡Creo que podemos decir que en este disco nos hemos dejado el alma

el nuestro no es fácil cuadrar ensayos, curro y shows, más las pertinentes inversiones, claro.

“Es súper difícil mantener una banda intacta desde su creación. Lo que tú dices es el factor que más repercute. Giras europeas, bolos entre semana y demás fechas agotan rápido los días de fiesta que tenemos en el curro, ¡si los tenemos! Es una agonía constante batallar entre el trabajo y la música, pues no nos lo ponen fácil. Muchas veces hasta hemos de coger un avión alguno de nosotros por no poder salir antes del trabajo. Es duro y costoso a la larga. No vivimos de esto. Seguimos cobrando para cubrir gastos y poco más, y todo esto lleva a que algunos miembros no se lo puedan compatibilizar con su estilo de vida, trabajo, etcétera”. Estoy seguro de que la marcha de Carlos fue la más dolorosa

que ha tenido que afrontar la banda… Llevaba ahí desde el principio y era un puntal para el grupo. ¿Fue ése un bache especialmente duro?

“Fue realmente duro, un punto de inflexión para nosotros. Todo empezó con él y tras su marcha tuvimos que currar muy duro en busca de alguien que pudiera cubrir la gira europea y el resto de tour estatal que quedaba. Actualmente cuesta muchísimo encontrar a un músico con disponibilidad para viajar, que encaje con los gustos y demás, y que quiera formar parte de la familia. Carlos para nosotros era uno más, en el grupo y en nuestra vida”. Tener a Arnau a la batería es un lujazo, pero Pal a la guitarra y Xavi al bajo parece que tam-

“LOS TEMAS SON BASTANTE MÁS ELABORADOS RESPECTO A RIFFS COMPLEJOS Y DEMÁS. SE NOTA UNA MADUREZ QUE HASTA ENTONCES NO HABÍA”

bién os han dado la consistencia

ROBER

final para ser una roca en todos los sentidos. ¿Qué destacas de los fichajes más recientes, qué crees que han aportado?

“Arnau es una maldita apisonadora, es innegable. Tiene un flow digno de admirar y sabe bien lo que hace en los directos, además de ser una fiera montando vídeos y en el campo de la informática, lo que nos da muchos puntos a favor. Pal es una máquina de vomitar riffs… Cuando no piensa, su cabeza compone. Seguimos creyendo que nos tocó la lotería cuando nos escribió para entrar en el grupo, y sin duda alguna, es el más querido de la banda ositamente hablando. Y luego está Xavi, un caso aparte… Al que le encanta darlo todísimo en los directos y que a la gente le quede claro que a sus shows se va a repartir leña (risas). Somos un equipo super-

completo y estamos tope contentos de poder tirar juntos toda esta criatura para alante”. Vosotros siempre habéis tenido claro que ibais a ir a por todas,

recto, o estamos perdidos. ¡También hay mucho quejica, claro está! Pero como en todas partes, imagino. La cuestión es ir a por todas con todo lo que tengas y aprender todo lo que puedas de cada experiencia”.

que las limitaciones se las ponía uno mismo. ¿Crees que en este

Como no podía ser de otra for-

país hay demasiado quejica

ma, en Catalunya se os quiere

yendo a medio gas? Lo que está

mucho, pero creo que también

claro es que sólo trabajando a

tenéis un idilio especial con Eus-

destajo llegan las cosas…

kal Herria… ¿Pero dónde crees

“Creemos que nadie te regala nada, que esta industria está súper explotada y que hay infinidad de oferta de bandas de las cuales, muchas, deben de tener más liquidez que nosotros. Por lo tanto, o nos dejamos el alma y destacamos en lo que realmente sabemos hacer, que es tocar en di-

que se os aprecia más, dónde habéis vivido vuestros bolos más memorables?

“¡Euskal Herria tiene una fijación con Bellako tremenda! Nos acogen siempre que pueden en sitios distintos y nos tratan como de la familia. ¡Creo que tocamos más en el norte que en

“ES SÚPER DIFÍCIL MANTENER UNA BANDA INTACTA DESDE SU CREACIÓN. GIRAS EUROPEAS, BOLOS ENTRE SEMANA Y DEMÁS FECHAS AGOTAN RÁPIDO LOS DÍAS DE FIESTA QUE TENEMOS EN EL CURRO, ¡SI LOS TENEMOS! ES UNA AGONÍA CONSTANTE BATALLAR ENTRE EL TRABAJO Y LA MÚSICA, PUES NO NOS LO PONEN FÁCIL” ROBER

Catalunya mismo! (Risas) Los bolos más memorables los hemos vivido tanto en Euskal Herria como en Catalunya, también en Asturias y Cantabria… Y en Galicia, por supuesto”.

una vez en la vida, y digo ‘una vez’ porque ahí se decide mucho el futuro de una formación. Tantas horas de convivencia juntos determinan mucho el destino de ella”.

Sinceramente, ¿es Europa ese

Seguro que tenéis toneladas de

paraíso que pintan a la hora de

anécdotas con tanta carretera a

girar o también tienes que tra-

vuestras espaldas… Si no ando

gar con alguna ración de mier-

equivocado, me suena que una

da cuando sales fuera?

vez os tocó dormir en el sue-

“¡También es duro! Sí que es cierto que la cultura musical en Europa es bastante más extensa que aquí, pero también has de tener en cuenta los precios de los países, que cambia mucho todo, y que si te pasa algo no estás al lado de casa. En muchos lugares no hablan ni inglés, así que ya me dirás (risas). Es una aventura que toda banda debería vivir al menos

lo mientras a cierto promotor le hacían una mamada en su cama… Dime, ¿qué es lo más bizarro o loco que habéis vivido de gira?

“Bailleul, Francia… Creo que fue nuestro tercer día de la gira europea que hicimos el año pasado. Un bar abarrotado de gente, y a decir por sus pintas y miradas, ¡no tenían ni

idea de lo que se les venía encima! Pero fue totalmente al revés… Esos pueblerinos sin conocimiento nos dejaron atónitos. ¡Se subían por todas partes y se comportaban de manera salvaje! ¡Como si bebieran más cerveza que agua! Hasta que pasó lo nunca visto… ¡¡¡Una mujer se abalanzó sobre el escenario apartando a la gente, descubriendo sus tetas y gesticulando con sus manos!!! ¡Como si quisiera que nos pusiéramos a mamárselas! ¡Hasta tuvo la destreza de hacerse con un micro y utilizarlo a modo de consolador entre sus tetas mientras chillaba en primera línea del público! Toda una experiencia”.

CABOVERDE

VERSIÃ&#x201C;N

MEJORADA

MOVIDO POR LA INQUIETUD DE SEGUIR AVANZANDO COMO ARTISTA, JUAN BLAS HA TERMINADO POR SACARSE DE LA MANGA UN NUEVO PROYECTO. TRAS UN PERIODO DE ESPERA DE CASI UN AÑO, CABOVERDE LLEGA PARA DEMOSTRAR QUE ES MUCHO MÁS QUE UNA SIMPLE TRANSICIÓN AL CASTELLANO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: MARC MORENO

UANDO UNO LLEGA A CONOCER LO SUFICIENTEMENTE A JUAN BL AS, NO TARDA MUC HO

en darse cuenta de que es alguien a quien no le importa lo más mínimo el tiempo que haga falta para llevar sus planes a cabo. No es amigo de las prisas, precisamente. Ya quedó claro cuando pasaron tres años hasta que apareció la segunda parte de United States Of Emergency de Minor Empires y ha vuelto a quedar demostrado con Caboverde, un proyecto del que tuvimos noticias por primera vez en abril de 2017. En esta nueva aventura, el exNothink se hacía acompañar por socios habituales como Javier Seisdedos (bajo), Quico Duret (guitarra), Luis López (teclados) y Víctor Uriel (batería) para dar salida a una serie de composiciones en castellano. Un idioma que Juan abordaba por primera vez en toda su larga carrera y que tuvo su primera toma de contacto con el público en una gira junto a De La Cuna A La Tumba para el recuerdo. Pero no todo fue un camino de rosas. Ya con el álbum completamente acabado, la formación sufrió una desbandada por distintos motivos que terminó dejando a Juan y a Javi como únicos supervivientes. Con Minor Empires a punto de volver a escena, Caboverde aguardó su turno en el banquillo. Y ese mo-

mento ha llegado justo ahora. Con la incorporación de Pabo Ponz a la guitarra y Jose ‘Tweety’ Capmany a la batería, los madrileños ya andan metidos en faena presentando La Peor Versión De Nosotros Mismos (The Braves) por toda nuestra geografía. Un trabajo que además de suponer una inmersión en otro idioma, también presenta sonoridades cercanas al indie sin perder de vista el rock y la ambición de, como nos comenta Juan, no sólo ser oídos, sino también escuchados. ¿Cuándo y cómo nace la idea que da origen a Caboverde? JUAN BLAS “Hace ya dos años

volví de un par de conciertos en el País Vasco que estuvimos haciendo con Minor Empires y allí descubrí a un grupo llamado JP Lohian & Klonen Klana que lo lleva Joseba Ponce, quien anteriormente era el cantante de Dut. Es un tío que cada disco que hace se encarga de todo: los diseños, los videoclips, las canciones, graba todos los instrumentos... Una locura. Y ese fin de semana algo me cambió en el chip de la cabeza. Sentí la necesidad de hacer canciones en castellano, que nunca lo había hecho. Se me metió la idea de que si ellos podían hacerlo en su propio idioma, ¿por qué yo no? Hay una historia de amor al lenguaje materno que me inspiró bastante. Así que empecé con una canción, que está 93

en el disco, como ‘Lectura Obligatoria (Para Conciliar El Sueño)’, pero comenzó como un tema acústico, con harmónica... Totalmente diferente. Ahora hay pianos, delays... lo hemos llevado a otro terreno. Y a partir de ahí me lié la manta a la cabeza como siempre y empecé a buscar compañeros de viaje. Por

entonces yo estaba tocando con The Big Bench como banda, pero a pesar de que por mucho que ensayábamos juntos todas las semanas, al final todas las llamadas que llegaban al teléfono eran: ‘Juan, ¿te vienes tu solo con la acústica?’. Además, en escenarios en los que, lo que interesaba, era no montar mucho lío de

producción. Al final hice 50 conciertos yo solo, a pesar de que había un formato con grupo. Entonces crear Caboverde era una manera de darle a la banda la posibilidad de ensayar y también dar conciertos”. Como dices, el principal reto era escribir las letras en caste-

llano. ¿Era algo que ya hubieses intentado en el pasado? JUAN “Jamás lo había hecho antes.

Pero como te decía, había una necesidad a nivel propio de superación o ambición artística, llámalo como quieras. Después de llevar veinte años cantando en inglés y no haber hecho ni una sola canción en castellano, sentía que íbamos a ciertos sitios y que el tema de la letra, el mensaje... no es que pasase a un segundo plano, sino al decimotercero. Necesitaba no sólo ser oído, sino también escuchado”. Precisamente, cuando un artista se plantea un cambio de idioma a su propia lengua, es porque necesita expresarse con mayor claridad. En el caso de Caboverde, las letras parece que tiran por la crítica social tanto a nivel conjunto como personal, que también es algo que está presente en Minor Em-

de honestidad en el título del álbum. Así somos, con nuestras imperfecciones y punto”.

“NECESITABA NO SÓLO SER OÍDO, SINO TAMBIÉN ESCUCHADO”

Musicalmente creo que hay

JUAN BLAS

puntos que pueden entroncar con Minor Empires y Nothink, cosa que es evidente de algún modo, pero también es muy diferente. ¿Qué premisas tenías a la hora de componer para este proyecto? JUAN “Quizás el no hacer la música

primero y luego introducir las voces y las melodías. Esta vez ha sido un poco a la par, componer la música y la letra en conjunto. No sólo cambia el idioma, sino también el estilo al hacerlo en castellano. Tienes que vigilar muchas cosas, no sólo lo que escribes, sino cómo lo envuelves y lo rodeas con la música. Y en ese sentido sí que quisimos que fuese todo bastante acorde, no sólo el cambio de idioma y ya está, sino que estuviese todo más pensado”.

pires. Incluso el mismo título ya

que estaba haciendo temas nuevos en castellano y si querían acompañarme para arreglarlos. Ahí empezó todo. Antes también estaba Toño Calvo al bajo, que se incorporó a la banda de Iseo, y se nos unió Javi en su lugar. Y luego el resto entre temas de viajes, irse a vivir a otro país, paternidades y demás cosas, pues no pudieron continuar. A partir de ahí fue un proceso de buscar gente hasta que dimos con Tweety y Pablo”. ¿Pero en ese momento no te pareció que pudieses llegar a confundir a la gente? Me refiero a que Minor Empires ya estaba funcionando, el disco de The Big Bench parecía que siempre

da pistas de ello.

La banda que reuniste en un

estaba a punto pero no.. y al

JUAN “El título de

primer momento, que es la que

final apareces con otro grupo

ha grabado el disco, básica-

nuevo.

mente era la misma que The

JUAN “Lo que pasa es que nunca

Big Bench. ¿Te resultó complica-

nos hemos debido a nadie. No hay una gran compañía detrás que nos esté apretando las tuercas para cumplir un planning de fechas de entrega ni nada de eso. Pero te doy la razón, y es verdad, que al final siempre hemos hecho lo que nos ha apetecido en todo momento. Minor Empires sigue ahí, acabamos de terminar la gira de presentación de United States Of Emergency, Vol. 2 con un montón de fechas que ha sido brutal. Pero la espinita de sacar adelante Caboverde siempre ha estado ahí desde hace dos años. Como al

La Peor Versión De Nosotros Mismos viene un poco en contrapunto a la sociedad en la que vivimos donde parece que todo tiene que ser perfecto: hoy he corrido 5 kilómetros, mi novio es el mejor del mundo, estoy en el gimnasio, mira qué desayuno me acabo de meter en Instagram con mil filtros guays... Es un poco una manera de huir de todo eso, todo lo contrario. Hace poco leí un hashtag que decía que faltan más historias de fracaso en las redes, y es verdad. No hay que intentar maquillar con que a un concierto han venido mil personas cuando en realidad no hay ni la mitad. Era una forma de poner un poco

do convencerles de embarcarse en esta otra aventura? JUAN “Al principio sí eran los mis-

mos. Ahora se da la peculiaridad de que estamos presentando el trabajo con una formación diferente, salvo Javi y yo, que somos los mismos que lo hemos grabado, pero la batería, la guitarra y los teclados han cambiado. Tanto Luis, Víctor y Quico estaban antes en The Big Bench, como hemos comentado. Caboverde empezó al mismo tiempo que yo tocaba con ellos, así que les comenté

final parecía que The Big Bench era lo que era, un proyecto de Juan con su guitarra porque era difícil llevarlo a otros planos, pues surgió todo esto. Tenemos la suerte de hacer lo que nos apetece en cada momento”. ¿Hay algo dentro de La Peor

Versión De Nosotros Mismos que haya sido grabado junto a Pablo y Tweety? JUAN “No, porque cuando ellos

entraron el disco ya estaba terminado desde hacía mucho tiempo. Es ahora, cuando de cara al siguiente que hagamos, nos tendremos que poner con ello a ver qué sale. Lo que sí han tenido que trabajar un montón para acoplarse a la banda para entender las canciones, descifrar lo que venía haciendo la gente que estaba antes. Por cuestión de fechas, su labor ha sido

más preparar la gira”. PABLO PONZ “Realmente es eso. Llegas y está todo hecho, así que te toca adaptarte a lo que hay. Me acuerdo que me preparé unas hojas con los acordes, apuntes y demás... y de lo que toqué en los dos primeros ensayos a lo que hago ahora no tiene nada que ver, porque lo que escuchas a lo que luego es el arreglo de guitarra es completamente distinto. La intención que tenemos es tocar las canciones tal y como están grabadas. Para mí la movida de un directo es hacerlo igual que en el disco, y si puede ser, mejor”. JUAN “El disco es lo que es. Se tomaron muchas decisiones para que quedase así. Y tenemos que mantenerlo de esa forma”. JOSE ‘TWEETY’ CAPMANY “Pero eso pasa con todo el mundo. Por

ejemplo, en otras bandas que he tenido conforme a lo que he grabado, luego no voy a cambiarlo”. PABLO “Luego sí que es cierto que cuando llegas al local siempre tiras más hacia tu rollo, pero ya está ahí Juan poniendo orden (risas). Pero mola, porque lo que él tiene en la cabeza no es lo mismo que lo que escuchamos nosotros la primera vez que nos pusimos el disco. Está guay que haya alguien que te guie y explique que tal parte está hecha de tal manera por tal motivo”. JUAN “Más que dirigir es ayudarles a encontrar su sitio dentro de Caboverde. Pero para nosotros digamos que la canción ya se ha terminado el mismo día que queda grabada, y ahí es donde se oficializa cómo es”. Esta pregunta ya sé que puede

generar cierta polémica porque

JUAN “No sé por qué, pero creo

se puede ver desde distintos

que al final la gente que no ha oído nada de Caboverde se piensa que es más pop o más suave de lo que realmente es, y nada más lejos de la realidad. Por cuestiones como ésa es por lo que elegimos hacer giras con De La Cuna A La Tumba o Avida Dollars, para demostrar que no nos alejamos de lo que siempre hemos sido. Simplemente son canciones diferentes, en otro idioma y con otros músicos, pero no hay ningún otro interés oculto”.

ángulos, pero entendiendo que Caboverde no se ha hecho ni mucho menos con el objetivo de llegar a un público más grande simplemente por el mero hecho de cantar en castellano. ¿Veis posible que al menos haya personas que os presten atención y que nunca lo haría con, por ejemplo, Minor Empires? JUAN “Por estilo puede ser. No es

que me parezca muy diferente, pero creo que tiene lo suficiente de distinto como para que a la gente que antes no le entraba Minor Empires o Nothink, esto le pueda encajar. Pero no hay ningún tipo de pretensión por nuestra parte. Al final hacemos lo mismo, que es rock. Simplemente hemos cambiado el idioma y un poco lo que está alrededor para que todo cuadre muchísimo más. La única ambición que tenemos como banda es tocar muchísimo y quizás que la gente haga un poco más suyas las canciones de lo que lo hacían antes. Que las letras pasen a ser más importantes o especiales de lo que antes lo eran”. PABLO “En cuanto al estilo yo creo que sí puede funcionar muy bien. Ahora mismo solamente hay diez temas, pero dentro de todos ellos tienes cosas más tranquilas, otras cañeras, más accesibles... Yo que lo he visto desde fuera, creo que tiene un abanico muy amplio. A mí me gusta mucho porque me suelo ir a los extremos y esto es un punto intermedio. Creo que a la peña que le mola la música más dura le puede seguir gustando, y a la que es un poco más moñas también le va a gustar”.

Ya estáis metidos en la gira de presentación con varias fechas a lo largo de todo el otoño, pero de cara al próximo año, ¿daréis prioridad a Caboverde o lo intercalaréis con vuestras otras bandas? JUAN “Ahora mismo la prioridad es

Caboverde, pero aparte de por la frescura que tiene porque acaba de salir, tiene más que ver con situaciones de la vida. Con Minor Empires, Reto acaba de ser papá hace poco, y después de toda la paliza que nos hemos pegado con los últimos discos, que llevaremos más de 60 fechas y que las últimas 30 han sido en un periodo de febrero a junio, creemos que el ciclo de presentación ya lo hemos cumplido, o al menos nosotros no vamos a forzar más la máquina. Estaremos abiertos a hacer alguna cosa más como pueda ser algún festival o algún concierto especial, pero la paliza de ir a tocar a donde sea ya la hemos hecho. El turno de batalla pasa ahora a Caboverde, que es con lo que tenemos que rompernos la espalda con conciertos a tope. Pero Minor sigue ahí, con la gira ya co-

“LA ÚNICA AMBICIÓN QUE TENEMOS COMO BANDA ES TOCAR MUCHÍSIMO Y QUIZÁS QUE LA GENTE HAGA UN POCO MÁS SUYAS LAS CANCIONES DE LO QUE LO HACÍAN ANTES. QUE LAS LETRAS PASEN A SER MÁS IMPORTANTES O ESPECIALES DE LO QUE ANTES LO ERAN” JUAN BLAS

leando y quizás ya con la vista puesta en el siguiente álbum. Ya lo veremos”. ¿Y el disco de The Big Bench verá la luz pronto? La última vez que hablamos me dijiste que querías sacarlo para final de año. JUAN “Pues la idea sigue así

(risas). Al igual que otros años me hice ciertas promesas que cumplí, este 2018 me dije: ‘Este año salen tres discos’. De momento estoy cumpliendo (risas). El de The Big Bench lo sacaré un poco por darme el gusto y porque creo que se lo debo al propio proyecto y a toda la gente que ha participado en él. Me gustaría hacer una pequeña gira con todos ellos, una cosa muy específica de cuatro o cinco fechas seguidas aprovechando que todos estuviésemos juntos. Pero bueno, como decía, llevo dos de tres. Si lo consigo te llamaré para que nos tomemos otra cerveza y lo celebremos (risas)”.

ATREYU

DESPERT ARES

L 12 DE OCTUBRE, ATREYU PUBLICA RÁN IN OUR WAKE (SPINEFARM), EL SÉPTIMO ÁLBUM DE SU

discografía y segundo desde que decidieran darse una nueva oportunidad en 2015. Por lo que parece, el agotamiento y los problemas que les llevaron a dejarlo temporalmente ya forman parte del pasado, y Alex Varkatzas (voz), Brandon Saller (batería, voz) Dan Jacobs (guitarra), Travis Miguel (guitarra) y Porter McKnight (bajo) se sienten de nuevo ilusionados a la hora de hacer nueva música juntos. Es algo que se nota a medida que uno va escuchando su nueva obra. Lejos de conformarse ofreciendo más de lo mismo, los de Orange County han querido experimentar tanto en la música como en su mensaje. Con eso en mente, todos estuvieron de acuerdo en volver a contactar con John Feldmann diez años después de que éste les produjese el exitoso Lead Sails Paper Anchor. En algunos aspectos, In Our Wake podría verse como una secuela de aquél, pero por otros, las letras reflejan una mayor madurez motivada por la fase más adulta en la que han entrado en sus vidas personales. A mediados de septiembre, teníamos la oportunidad de charlar con Brandon Saller sobre el nuevo ciclo que ahora inician. Long Live fue vuestro disco de retorno y supongo que su prin-

EN 2011, ATREYU, UNA DE LAS BANDAS PUNTERAS DEL METALCORE, ANUNCIABAN UN DESCANSO INDEFINIDO. TRAS RECARGAR PILAS Y REGRESAR CON LONG LIVE HACE TRES AÑOS, EL GRUPO CALIFORNIANO LE DA UN VUELCO A SU SONIDO EN IN OUR WAKE DE LA MANO DE UN VIEJO AMIGO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

cipal objetivo era reconectar con vuestros fans, pero en In

Our Wake parece que os hayáis dado más libertad. BRANDON SALLER “Así es. Con

Long Live, habíamos estado un 99

tiempo desaparecidos, y fue como el renacimiento de nuestra carrera. Echábamos de menos la energía que tenía la banda, el sudor, la agresión, la locura, y Long Live representaba eso. Pero luego salimos de gira, volvimos a conectar con nuestros fans y nos hizo estar aún más ilusionados por el siguiente paso. Nos apetecía hacer algo fresco e interesante”. La melodía siempre ha sido muy importante en vuestra música, pero aquí se ha convertido en el elemento principal.

“Desde luego. Normalmente lo que se te queda pegado en la cabeza no son los gritos, sino las melodías, y queríamos expandir eso. Alex y yo hicimos cosas que nunca habíamos hecho antes a nivel vocal”. ¿Es el disco en el que has cantado más?

“Mmm… No lo sé. Es curioso. Algunos de nuestros fans creen que sí, pero en realidad es Alex el que se ha hecho cargo de muchas partes cantadas”. Cantar y tocar la batería al mismo tiempo no es nada fácil. ¿Cuáles son algunos de tus cantantes/baterías favoritos?

“No hay muchos, la verdad (risas). Están Phil Collins, Don Henley… Somos muy pocos (risas)”. ¿Es tan difícil como parece?

“Lo es. Además, cuando grabo un disco, nunca canto y toco al mismo tiempo. Así que a veces canto cosas que después requieren mucha práctica para poder hacerlo en directo. Pero al final, lo consigo (risas)”.

100

Escribisteis la mayoría de In Our

Wake una vez ya estabais en el estudio. ¿Es habitual eso en vosotros?

“No, pero siempre intentamos vivir el momento e intentar capturarlo en cada disco. Queremos que la música represente ese momento en nuestras vidas, y en este caso, más que nunca. Teníamos alguna canción escrita y algún riff, pero el 90% lo hicimos en el estudio. Llegábamos por la mañana, nos poníamos a trabajar en una idea y pasadas unas horas, teníamos una canción hecha. Nos gustó mucho trabajar con esa espontaneidad”.

pero no acabábamos de saber cómo plasmarla y fue John quien empezó a tener un montón de ideas en cuanto a producción. Nos dijo ‘Dejadme que os la presente tal y como yo la escucho en mi cabeza’. Así que empezó a poner esos sintetizadores y cuerdas, y la canción, de repente, cobró vida. Efectivamente es muy distinta, pero te diría que es uno de mis temas preferidos del disco”. También el último corte, ‘Super Hero’, es bastante distinto, mucho más progresivo, y tenéis a Aaron Gillespie de Underoath y M. Shadows de Avenged Seven-

Pero es arriesgado, dependes

fold cantando.

totalmente de sentirte inspirado

“’Super Hero’ empezó como un tema de 9 minutos. Queríamos hacer algo grandioso con influencias de E.L.O., de Queen, de bandas sonoras, algo más grande que la vida… Habíamos intentado algo parecido en Lead Sails Paper Anchor pero nunca habíamos ido hasta el fondo. Para mí es la obra maestra de este disco. Y tener a dos invitados en el álbum fue como la guinda en el pastel, fue muy interesante tener esa perspectiva porque ellos mismos escribieron sus partes. Tanto Aaron como Matt son padres, así que entendieron muy bien el concepto de la canción”.

en ese momento.

“Lo es, lo es, pero todos estábamos muy mentalizados y nos sentíamos inspirados. De no haber sido así, lo hubiéramos hecho de otra manera. Nos sentíamos hambrientos”. ¿Cómo fue el reencuentro con John Feldmann?

“Fue genial. Nos encantó trabajar con él en Lead Sails Paper Anchor. Es uno de nuestros discos favoritos y también de nuestros fans. Pensamos que sería una buena idea volver a trabajar con él diez años después y, en realidad, fue incluso mejor que la primera vez. Se involucró mucho en el proceso creativo y aportó un montón de energía. Había un gran ambiente en el estudio, y desde luego, sabe lo que hace”.

Tanto vosotros como Underoath o Avenged surgisteis de la escena del metalcore, y a veces parece que se haya convertido en una etiqueta peyorativa, como en su día sucedió con el

Su influencia se nota bastante

nu metal. ¿Cuál es tu opinión

en ‘Terrified’. Suena muy distin-

sobre eso?

to al sonido típico de Atreyu.

“Creo que ningún grupo crea una etiqueta. Ni Korn, ni Deftones ni Limp

“Teníamos la idea para ’Terrified’,

“A NADIE LE GUSTA QUE LE PONGAN EN UNA JAULA Y QUE LE DIGAN QUE NO PUEDE SALIR DE AHÍ. NUNCA HEMOS PENSADO SI UNA CANCIÓN ERA METALCORE O NO. NI SIQUIERA SABRÍA CÓMO DEFINIR ESTE ESTILO O CÓMO ENCAJAR EN ÉL” BRANDON SALLER

Bizkit dijeron que habían creado el nu metal. Y nadie en Atreyu o Killswitch Engage dijimos que habíamos creado el metalcore. Es algo que siempre viene de fuera. Y por otra parte, cuando un estilo se pone de moda, empieza a diluirse y a perder su esencia. Creo que por eso los grupos quieren distanciarse, a nadie le gusta que le pongan en una jaula y que le digan que no puede salir de ahí. Nunca hemos pensado si una canción era metalcore o no. Ni siquiera sabría cómo definir este estilo o cómo encajar en él”. Las letras parecen bastante reflexivas. ¿Qué os llevó en esa dirección?

“Los temas de In Our Wake tienen un eje común, y es que son muy reflexivos, como dices. El motivo es que Alex y yo somos padres ahora y eso te hace ver las cosas de manera distinta. Piensas en cosas en las que no habías pensado antes. Creas una nueva vida y te preocupas más por

tu impacto en el mundo. Hay muchas cosas jodidas en el mundo, y además muchos de nuestros héroes están muriendo. Te hace pensar sobre el legado que dejaron y en el que tú dejarás. Piensas más en quién eres y en cómo vives tu vida”.

cando la guitarra con The Used. Pero desde luego en el futuro queremos seguir haciendo música juntos”. Por último, siendo de Orange County, supongo que de niño ibas mucho a Disneyland. ¿Qué recuerdos tienes?

El hecho de ser músico, ¿te hace entender mejor lo que pudo pasar por las cabezas de Chris Cornell o Chester Bennington?

“No lo creo. No creo que tenga que ver con que fueran músicos, sino que es un problema de salud mental. Por suerte, no he tenido que pasar por episodios de depresión o ansiedad. Nunca sabes qué pasa por la cabeza de otra persona. He tenido que lidiar con suicidios mucho más de lo que hubiera imaginado, pero siempre es un shock cuando ocurre. Es una tragedia”.

“De niño fui muchas veces, sí, y a mi mujer también le gusta mucho. Hemos tenido pases de temporada los últimos diez años y hemos ido con nuestras hijas. Es un sitio que mola mucho, muy divertido. Es genial tenerlo tan cerca”. ¿Estás emocionado con la apertura de Star Wars Land?

“No soy un gran fan de Star Wars, pero tengo mucha curiosidad por ver lo que han hecho. Siempre hacen cosas muy chulas”.

¿Y tienes previsto seguir con tu otra banda Hell Or Highwater?

“Sí, pero ahora estoy muy ocupado con Atreyu y Joey (Bradford) está to101

BOURBON

SÉ DE UN LUGAR SI EN CADA ENTREGA ANTERIOR BOURBON HABÍAN SIDO CAPACES DE SUPERARSE, SU TERCER TRABAJO NO IBA A SER MENOS. EN FUENTE VIEJA EL POWER TRIO DE SANLÚCAR CULMINA UNA EVOLUCIÓN CON LO QUE PARECE SU OBRA DEFINITIVA. AL MENOS, HASTA QUE ELLOS MISMOS NOS VUELVAN A DEMOSTRAR LO CONTRARIO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

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UNQUE SU DEBUT DE 2013, FANGO , TUVO UNA BUENA ACOGIDA Y DEVASTACIÓN , SU CONTINUACIÓN DOS AÑOS MÁS TARDE, LLEGÓ A

llamar la atención del público y prensa especializada, la historia de Bourbon es la de unos currantes con un talento enorme para crear música a cambio de una recompensa una tanto escasa. Sólo hechos tan banales como el provenir de una localidad tan apartada de todo como es San-

su calidad, los gaditanos parecen completar de manera definitiva su evolución desde el hard rock de sus comienzos hacia los pasajes progresivos y psicodélicos. Por supuesto las guitarras siguen siendo protagonistas en Bourbon, pero ahora comparten los focos junto a nuevos compañeros como teclados, sintetizadores y esa influencia de su tierra tan reivindicada últimamente por bandas afines a su causa. Unido a la producción de Curro Ureba en sus Trafalgar Studios y el artwork de todo un habitual en el nuevo rock andaluz como Antonio Ramírez de Mentes De Ácido, dan como resultado uno de los discos que merecerán ocupar un lugar destacado en cualquier top que se publique a finales de año. Con Devastación disteis un salto tanto musical como en términos de repercusión. ¿Qué valoración haces de todo lo que dio de sí el ciclo de ese trabajo? RAÚL GUERRERO “En el aspecto

lúcar de Barrameda o que Raúl Guerrero (voz y guitarra), su hermano Álvaro (batería) y Juan Manuel Gonzálvez (bajo) parezcan los tipos más normales del mundo en lugar de lucir una pose de estrellas, explican que una formación de semejante calibre no haya despertado más interés entre los aficionados al rock de este país. Eso es algo que debería empezar a cambiar en cuanto su tercer álbum, Fuente Vieja, salga a la calle bajo el amparo de Spinda Records. En él, además de volver a hacer gala de

musical sí que creo que en estos últimos años hemos crecido mucho como banda y como músicos. Quizás no al rollo de tocar mejor, que si es así es algo que no te das cuenta in situ, más bien a aprender a sonar bien, a tener las ideas más claras, a arreglar mejor los temas, y por encima de todo, a seguir aprendiendo de todas las bandas y discos que nos apasionan. Hay veces que se está más en forma que en otras o más rodados, pero haciendo Devastación en directo nos hemos sentido muy fuertes como grupo. Hemos encontrado un sonido y una actitud que nos hacen sentir muy cómodos. En cuanto a repercusión puede que hayamos

llegado a más gente, pero tampoco hemos notado nada excepcional en ese aspecto. Quizás un poco más de expectación ante la salida del nuevo álbum, pero seguimos siendo una banda muy pequeña en ese sentido”. Especialmente en el tema de conciertos, disteis muchos y además cubriendo distancias grandísimas siendo una banda que, para tocar en cualquier parte del Estado, tiene que hacer cientos de kilómetros cada vez que sale de casa. Parece que no es algo que os eche para atrás. Allá donde os llamen, allá que vais.

“Hombre, tampoco es eso... Pero tampoco te creas que se aleja mucho (risas). Para seguir creciendo tenemos que tocar y nos tienen que ver, y además, a nosotros nos encanta tocar, ¡y beber! (Risas) Es un coñazo estar lejos de muchos sitios, pero para el gallego que quiera venir a tocar aquí a Andalucía también lo es. No hay excusas”. Entremos en materia con este tercer largo, Fuente Vieja. ¿Cuándo empezasteis a prepararlo y a acumular canciones para él?

“Pues no te lo puedo decir exactamente, pero yo diría que el año pasado, en 2017. Había ideas y temas de mucho antes, pero a cerrar temas en serio nos pusimos en 2017. Somos una banda que ensaya bastante poco y esta vez hemos sido más perfeccionistas con las composiciones, así que se han juntado el hambre y las ganas de comer. Y eso que tampoco somos perfeccionistas del plan de llegar al estudio con todo estudia103

“ESTE DISCO QUIZÁS ES ALGO MÁS PAUSADO EN GENERAL, PERO LA INTENSIDAD SIGUE ESTANDO AL 100%”

RAÚL GUERRERO

dísimo, ni mucho menos. Rematamos letras mientras grabamos, me lío con los solos, cambiamos muchas cosas... Pero del tirón sabemos si una canción tiene magia o no, y eso sí que nos lo hemos currado mucho antes de entrar a grabar”.

Madrid, me comentabais que incluso os planteabais la posibilidad de un álbum doble. Al final ha sido justo lo contrario. Una obra muy concreta, con siete canciones, sin nada de relleno. Todas tienen su por qué dentro de la obra. ¿Buscabais más esa

Recuerdo que en la anterior

concreción en lugar de pecar de

ocasión que os entrevisté en

ambiciosos?

104

“No te creas que no me acordé de eso que te dijimos cuando decidimos que el disco iba a tener siete u ocho temas (risas). Como comentaba antes, teníamos muchas ideas y hubo un momento en que, claro, te juntas con dos o tres esbozos de canciones que te gustan y piensas: ‘¡A este ritmo el año que viene tenemos 25 temas!’. Ingenuo que es uno, que en un su-

componiendo porque vemos que hay chicha. Y al final nos juntamos con siete canciones y una especie de nana acústica, que finalmente no hemos grabado, y que pensamos que tenían empaque y que recogían todo lo que tenemos que decir a día de hoy. Y eso es Fuente Vieja, y creo que está de puta madre así”. Musicalmente veo que sigue la senda que ya abristeis con

Devastación, yendo un par de pasos más allá. ¿Dirías que con aquel disco encontrasteis un sonido propio que os defina de alguna manera?

“Sí, totalmente. Devastación nos enseñó mucho en ese aspecto. Puede que en cuanto a sonido Fuente Vieja suene más pulido, pero estilísticamente no ha habido un salto dramático ni mucho menos. Este disco quizás es algo más pausado en general, pero la intensidad sigue estando al 100%”.

como guitarrista admirando a Jerry Cantrell, Jimmy Page, Iommi, Jim McCarty, Slash, Wino, Thin Lizzy, los Allman Brothers, Michael Schenker, Pepper Keenan... son los guitarristas que me han marcado. Siempre habrá dejes de ellos en mi forma de tocar porque me he hartado de tocar encima de discos suyos. Luego he descubierto guitarristas que también me han fascinado y he ido aprendiendo muchas cosas. Pero de todas formas, no soy un gran admirador de los guitarristas en particular, soy más de bandas y de discos. Fíjate que este álbum es en el que más pistas de guitarras hay, pero creo que es el que tiene menos solos. En los últimos años he escuchado mucho a Dinosaur Jr., Screaming Trees, Voivod, Motorpsycho, Free... Puede que el abanico sea más grande, y al final acabas asimilando influencias inevitablemente”. ¿Os habéis planteado volver a contar con un segundo guitarris-

Por otra parte, el trabajo de

ta para los conciertos? La ver-

las guitarras me ha parecido

dad es hay partes que me temo

de sobresaliente. Hay cientos

que será complicado llevarlas al

de detalles a los que prestar

directo.

atención durante las sucesivas

“Este disco no se ha trabajado como un power trio, he metido las guitarras que pensaba que las canciones pedían. Hay partes que se bastan con una sola pista y hay temas con cinco o seis pistas de guitarra a la vez. La prioridad ha sido la obra, no nos parábamos a pensar en cómo podíamos resolver las canciones en directo. En Devastación también había rítmicas detrás de algunos solos, dobletes, acústicas, arreglos. ¡El marrón es que en este disco hay más! (Risas) Pero en principio seguimos como trío. A mí personalmente no me

escuchas. Anteriormente me comentabas que en Fango había mucha inspiración de Thin Lizzy, Corrosion Of Conform-

bidón se cree que es Motorpsycho, Melvins o Frank Zappa componiendo rápido y de puta madre (risas). Luego empiezas a pensar que aquello no está tan guay, que hay que darle una vuelta, y al final mandas muchísimas cosas a la basura. Las canciones que aguantan el tirón en todo el proceso compositivo son en las que creemos de verdad, las seguimos

ity… juego de dos guitarras, vamos. Y con Devastación el asunto giró hacia terrenos más libres y psicodélicos. ¿En qué referentes te has fijado para

Fuente Vieja, si es que los ha habido?

“Tampoco he tenido referentes claros, como a lo mejor sí los había en el primer disco. Yo me he formado

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importa que las canciones no suenen en directo exactamente igual que al disco. Yo en vivo busco otra cosa. Pero ahora que estamos preparando los temas para los conciertos, sí que hay veces que piensas ‘¡Coño, estamos sonando en mono!’ (Risas). Pero yo creo que lo resolveremos bien y defenderemos las canciones como

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éstas se merecen”. Siguiendo por ahí, también hay una mayor presencia de teclados y sintetizadores. ¿Quién se ha encargado de grabarlos en esta ocasión?

“Los ha grabado Ignacio Fermín Ávila, teclista de Jerez y apasionado de Pink

Floyd, Camel y todo el progresivo setentero, justo como nosotros. En principio el sitio donde veíamos claramente el teclado era en la parte B del tema que da título al disco, pero en el estudio había un Rhodes y un piano de cola e hicimos algunos arreglos más que encajaban de puta madre. Estamos muy contentos con el sonido del

ligeramente en Devastación pero que aquí es todavía más evidente.

“Yo no creo que la influencia de Triana sea obvia en nuestra música, pero somos fans absolutos, y si la gente lo dice, pues será verdad. Hay un par de temas en 3x4 y por ahí sí que puede recordar un poco, pero ya había temas así en los discos anteriores, canciones como ‘Solo’ o ‘Una Cuestión Personal’ iban por derroteros similares”. Curiosamente, otras bandas andaluzas con las que tenéis gran afinidad como Atavismo y Grajo están empezando a reivindicar ese legado del rock andaluz que parecía un tanto olvidado. ¿A qué crees que se debe ese

antiguas. Con respecto a las letras, en este álbum no siguen una línea, sigo escribiendo las canciones como si se trataran de pequeños cuentos siniestros, me invento personajes y los pongo en situaciones chungas. Como los tebeos de Tales From The Crypt y todo ese rollo, nada demasiado transcendente pero que tenga fuerza y que sea muy visual, al menos ésa es la intención. Sí que hay mucha referencia al mar en temas como ‘Hacia El Sol’ o ‘A Punto De Arder’. En la época que estaba haciendo las letras me estaba leyendo Mares Tenebrosos y Aguas Profundas, dos recopilaciones de cuentos de terror en el mar editadas por Valdemar. Relatos de Lovecraft, Robert E. Howard, William Hope Hodgson... Los disfruté muchísimo e hice un humilde homenaje en un par de temas”.

interés renovado por parte de formaciones jóvenes como la

Acabando como empezábamos,

vuestra cuando hasta hace unos

¿hay intención de que la pre-

años quizás no era así?

sentación de Fuente Vieja sea

“Si escuchas hoy en día los discos de Cai, Smash, Triana o Gualberto te das cuenta que suenan más frescos y originales que la mayoría de bandas que se jactan de serlo en la música actual. Tal vez vaya la historia por ahí. Está guay que las bandas reivindiquen lo suyo y dejen de intentar ser algo que no son”.

igual de intensa que la de De-

¿A qué hace referencia el título

álbum. Creo que es el que mejor suena de los tres, es el más rico en todo”. Precisamente en cortes como ‘Fuente Vieja’ o ‘La Triste Realidad’ tienen mucho protagonismo, y en cierta manera recuerdan mucho a Triana, que es una influencia que se podía atisbar

y sobre qué temática giran las letras en esta ocasión?

“La Fuente Vieja es una plaza de Sanlúcar de Barrameda. Mi hermano y yo nos criamos muy cerca de allí. Nos gustaba cómo sonaba y el doble sentido que podría tener. Siempre nos ha gustado lo añejo, la música de la cual bebemos suele ser casi siempre cosas

vastación en cuanto a actividad de conciertos o esta vez estaréis más relajados? Lo pregunto porque sé que algunos dentro del grupo habéis sido padres y no sé hasta qué punto os supone un problema logístico a la hora de salir a tocar.

“Nuestra intención es seguir tocando allá donde merezca la pena. No hemos hecho todavía el planning de los conciertos que queremos dar, pero ya mismo nos pondremos en marcha y, si nada lo impide, nos pegaremos la kilometrada de nuevo”.

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EL CONCIERTO CONCIERTO DEL DEL MES MES BY: BY: EL

JEFF ROSENSTOCK 20 DE SEPTIEMBRE DE 2018 SIDECAR, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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i el pasado 1 de enero nos levantábamos con el regalo inesperado de un nuevo disco de Jeff Rosenstock, POST-, nueve meses después íbamos a tener la oportunidad de darle las gracias. Hay conciertos que antes de empezar sabes que van a molar seguro. Y no hablo de que sea porque te guste más o menos el artista en cuestión, sino por ese factor intangible que hace que nada más entrar en la sala se huela que el público está predispuesto a pasarlo bien. Y así, nada más el excéntrico cantautor de Long Island salió al escenario con su camiseta sin mangas con el emblema de The Who y empezó a rasgar en su Fender Telecaster los primeros acordes de ‘USA’, el tema que abre su último trabajo, saltó esa chispa que hace que músicos y fans se conviertan en un solo ente. Acompañado por un cuarteto que incluía a un

teclista, que ocasionalmente se hacía cargo de una tercera guitarra, y un casi inaudible saxo, Rosenstock siguió con la adrenalítica ‘Hey Allison!’ y las poperas ‘Pash Rah’, durante la cual lanzó su guitarra al público, y ‘Wave Goodnight To Me’, con unos coros gritados muy parecidos a los que emplean sus colegas PUP. En muchos aspectos –sudor, diversión, desmadre…- este concierto me recordó al que vimos a los canadienses en febrero. A continuación llegaría un bloque dedicado a tres canciones de su última obra: ‘All This Useless Energy’, donde pareció que los Pixies se hubieran apropiado del escenario con esos ‘uuuus’ abriéndose paso entre la distorsión, ‘Yr Throat’ y la balada ‘TV Stars’, que permitió que todo el mundo cogiera un poco de aire. La desmadrada ‘Festival Song’ volvió a conseguir que la peña cantara en plan hooligan, al igual

que la power popera vía Ramones ‘Beating My Head Against The Wall’. “En España, café muy bien, café muy fuerte”, dijo en un castellano macarrónico, y, sin duda, por la energía que desprendía, parecía que se hubiera tomado cinco tazas. Después de viajar a su debut con ‘Nausea’, el grupo empalmó los cinco temas más cortos de su anterior Worry, ‘HELLLHOOLE’, ‘June 21st’, ‘The Fuzz’, ‘While You’re Alive’ y ‘Perfect Sound Whatever’, siguendo la misma secuencia del disco. Se intuía que aquello empezaba a llegar a su fin, aunque todavía quedaba la balada casi AOR ‘9/10’, que mejoró su versión de estudio, la punki ‘You, In Weird Cities’ y una épica ‘We Begged 2 Explode’. Para el bis, se reservó ‘Melba’ de POST-, que acabó con Jeff tirándose al público mientras tocaba con el saxo el solo de ‘Nausea’. Una estampa que resumió perfectamente una noche más que estupenda. 109

BATUSHKA 22 DE SEPTIEMBRE DE 2018 SALA BÃ&#x201C;VEDA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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odo lo que ha ocurrido con Batushka me parece exagerado. Litourgiya es un muy buen debut, eso es incuestionable, pero ni de lejos una obra maestra que justifique esta fiebre. En Barcelona, sonado sold out. Más de 400 personas dentro y casi un centenar fuera. A mí me perdonarán, pero esto sólo ocurre con las modas. Reconozcámoslo, no pasa nada: el metal extremo de enmascarados está de moda. Venden un producto (uy, lo siento de nuevo…) maravillosamente, sobre todo estos polacos, y con esa aura teatral también consiguen atraer a ese público casual (y charlatán) que ni oler una sala si se vienen maestros como Inquisition, Kampfar o Taake, pero sí ‘los que molan’ de YouTube. Algo que comprobé cuando, ridículamente, se devolvió con palmas el tintineo inicial de ‘Ектения III: Премудрость’. Coreografías de internet en un bolo de black, lo que me faltaba por ver… Litourgiya dura 41 minutos, así que

algo había que hacer para intentar permanecer cerca de una hora sobre las tablas. Había que recurrir a una larguísima intro, claro. Los tontopollas que grabaron el inicio del show debieron acabar con una distensión en el hombro de tanto aguantar el móvil en el aire… Los ocho músicos que aparecieron en Bóveda casi tuvieron que pedir tanda para salir sin pisarse, y tras demostrar que sí, que su puesta en escena produce un asombroso impacto visual, empezaron a desgranar su hasta ahora único disco. Tras ‘Ектения I: Очищение’ llegó la fabulosa ‘Ектения II: Благословение’, y después, obviamente, la entusiasta ‘Ектения III: Премудрость’. Estábamos en una misa, no se podía alterar su escrupuloso orden, así que ya de inicio se puso toda la carne en el asador. Sus tres mejores canciones fueron quemadas nada más empezar. Por desgracia, ni el público ni el sonido acompañaron, así que de emocionarse con su bello melodic black, más bien

poco. Depende de dónde estuvieras situado la cosa mejoraba, pero en líneas generales se escuchó flojo, la batería parecía una caja de zapatos y, aunque las guitarras fueron muy fidedignas a su versión en estudio, les faltó agresividad. Lo más doloroso fueron los coros, tan esenciales en estas canciones y casi inaudibles hasta la recta final. En realidad, me alegro de que a Batushka no les haya costado dos décadas hacerse con un nombre fuera de su país como a tantos otros compatriotas, pero como me ocurre con Cult Of Fire, Mgła y muchos más blackers anónimos, yo a la media hora me empecé a aburrir. Su esfuerzo extra en luces se agradece, el humo perpetuo me encanta, pero ya no tengo 20 años. Necesito sudor y entrega, y no tanto Hollywood. Ocultar tu rostro no debería darte derecho a ser tan estático. Y si no, que se lo pregunten a Dragged Into Sunlight o Uada. 111

WALKING PAPERS

21 DE SEPTIEMBRE DE 2018 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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espués de haber causado una muy buena impresión en el Azkena Rock Festival de 2013, Walking Papers regresaban a nuestro país para presentar el segundo álbum de la banda titulado simplemente como WP2. Desde entonces, la mediática sección rítmica formada por Duff McKagan (Guns N’ Roses) y Barrett Martin (Screaming Trees, Mad Season) han abandonado el barco, pero el capitán Jeff Angell sigue al mando del timón decidido a surcar por los agitados mares de la música. En Barcelona, el de Seattle demostró estar curtido en todo tipo de situaciones y logró crear una atmósfera de complicidad muy especial con el apoyo incondicional de un público que apenas llegaba al centenar. Desde que empezaron con ‘This Is How It Ends’, con el saxofonista Gregor Lothian agitando unas cadenas a modo de percusión, Walking Papers nos invitaron a entrar en un thriller al estilo de True

Detective donde Angell actuaba como narrador a ritmo de blues lento. Ataviado con sombrero y armilla, su estilizada figura y ademanes hacían recordar a los de un Scott Weiland en modo crooner. El contrabajo de Dan Spalding, los teclados de Benjamin Anderson y una línea de saxo a lo Morphine, ayudaron a proseguir ese clima humeante con ‘How It Feels’, tema recuperado del cancionero de la antigua banda de Angell, The Missionary Position. ‘Somebody Else’ y el riff setentero de ‘King Hooker’ hicieron subir el set de intensidad, con Spalding pasando al bajo eléctrico y el guitarrista Tristan Hart Pierce sacándole provecho a la distorsión. Moviéndose a ratos por unas directrices similares a las que transita Mark Lanegan y en otras más a las de un Nick Cave o Tom Waits, como en ‘A Place Like This’ con su ritmo latino, el sexteto hace gala en todo momento de una gran elegancia y solemnidad. Aunque ésta

se rompió cuando en ‘The Butcher’, un tema lento al piano, Angell le propinó por accidente un golpe en la cabeza de un fan con el pie de micro. Sin pensárselo, paró el tema y se sacó la cartera del bolsillo para ofrecerle un billete de 10 euros como ‘indemnización’, ante las risas de la gente. Son detalles como éste los que te hacen dar cuenta del oficio que el hombre lleva a sus espaldas. Cuando a continuación sonó ‘Every Man For Himself’ y pidió la participación del público, ya nos tenía en el bolsillo, y en ‘Two Tickets And A Room’ no hizo falta ni que la pidiera. Para la recta final dejaron algunos de sus temas más hímnicos como ‘Capital T’, con un muy buen solo de guitarra, ‘Already Dead’ o ‘Leave Me In The Dark’, estos últimos no muy lejos de los U2 más americanizados. “Es un honor y un privilegio tocar para vosotros esta noche”, había dicho Angell a mitad del bolo. Pero el gusto fue también nuestro. 113

DEFEATED SANITY

25 DE SEPTIEMBRE DE 2018 SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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EPICARDIECTOMY

Barcelona no le gusta el brutal death. Esto ha sido siempre así. A no ser que se persone lo más laureado del estilo, casos de Dying Fetus o Nile, las asistencias para este estilo siempre han sido flojísimas tirando a pésimas. A lo largo de los años hemos visto a muchísimos jefazos tocar ante cuatro gatos, así que servidor ya se temía otra debacle en la capital catalana con la llegada del Apocalyptic Slamming Evisceration que comandaron, y de qué manera, los siderales Defeated Sanity. Afortunadamente, al final se salvaron los muebles, y con unos 80 y pico tickets vendidos, fuimos pocos, pero muy bien avenidos. La verdad es que el menú prometía. Con su brutal death de manual, los germanos In Demise fueron los encargados de abrir fuego, y lo cierto es que sorprendieron a muchos, a mí incluido, por ser la primera banda en liza y resultar ya tan notable. Los riffs y breaks como sierras mecánicas

empezaron a hacer mella en nuestros cuerpos, dejándonos llevar por sus tonadas zombiescas. Oral Fistfuck molaron aún más. Uniformados con una camiseta de tirantes maqueada y luciendo todos unos brazotes la mar de apetecibles, nos fueron chafando a su antojo con un cantante, Gabriel, que lo vivía de veras. El suizo fue todo gesticulación, resultando imposible desconectar de su divertida descarga. La chavalada había venido por Epicardiectomy, pero tras verles este agosto en el Death Feast alemán, yo no las tenía todas con ellos. Los checos no pueden ser más slam, de hecho, su batería Milan Moškon incluso prescinde de cualquier aéreo y hasta el goliath, así que no engañan a nadie. El problema es su vocalista, el jovencísimo Andrew Benc, quien simplemente no da la talla en directo, por mucho empeño que le ponga. Su mini gutural lineal y monocromático empaña todo lo demás, así que si se compran un nuevo cantante, y de paso le hacen

una transfusión de sangre a su bajista, porque vaya pasmarote, obtendremos a un grupo a tener en cuenta. Además, su volumen fue dando tumbos. Cuando salieron los maestros Defeated Sanity a escena, el salto de calidad fue tan bestia y pronunciado que alucinamos. Como un niños contra hombres, básicamente. Paseándose por su discografía, su descomunal dominio instrumental nos dejó alelados, y es que costó ver quién es más técnico, si el guitarrista Christian Kühn o el bajista Jacob Schmidt, aunque yo seguramente me decante por el de las cuerdas gordas… Con su educación habitual, el barbudo Josh Welshman capitaneó al micro a un combo que mostró su sobrado reinado entre todos los parámetros del brutal death, destrozándonos con velocidades inhumanas para, después, y cuando les venía en gana, despachurrarnos con el más duro slam. Qué lección. Tres bandas de juguete, y luego, Defeated Sanity. 115

DE GIRA

ATARI TEENAGE RIOT

5 DE OCTUBRE RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) 6 DE OCTUBRE COOL STAGE (MADRID)

n breve ofreceréis un par de conciertos en España,

Tal como está el mundo, ¿crees que es más importante que

Como decías, en marzo

nunca que una voz como la

de una gira en sí. ¿Habéis

ya publicasteis un vídeo

vuestra se escuche?

cambiado vuestra manera de

explicando que estabais

planificar vuestros directos?

grabando un disco nuevo. ¿Ya

ALEC EMPIRE “Hemos estado

lo habéis terminado?

grabando en los últimos meses y hemos tocado en algunos festivales este verano. Para nosotros es importante mantener el contacto con los fans de verdad. Suena como un tópico, pero en nuestro caso es verdad. Recibimos mucha energía del público sea en un festival o en una sala. De todos modos, respondiendo a tu pregunta, nunca operamos dentro de la industria musical tradicional, así que tenemos libertad para salir del circuito habitual. Además,

“Casi. Desde que colgamos ese vídeo he estado dando algunos conciertos con Morton Subotnick. ¡Pero muy pronto habrá noticias!”.

“Creo que es importante que se escuchen todas las voces, incluso las más radicales. Una de las peores cosas de esta época es ver lo conformista que se ha vuelto la cultura. Es peligroso. La gente tiene que entenderlo. Cada día tenemos que enfrentarnos a una nueva batalla. El mundo cambia constantemente, más rápido que nunca. Nunca te creas a quien te diga que ha encontrado la solución. Las ideas viejas tienen que morir cuando llega el momento”.

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pero no forman parte

amamos España, es un gran lugar”.

¿Qué nos puedes avanzar sobre su contenido?

“Es el disco más apocalíptico y futurista que hayamos hecho. Es una programación loquísima. Muy distinto a los dos últimos discos. Imagina a Mad Max en el ambiente de Blade Runner, añádale la Biblia, y así es como suena el álbum”.

¿Quién forma parte del grupo ahora mismo?

AGENDA OCTUBRE “En los 90 siempre quise que ATR fuera una banda. Era el momento en que todo el mundo tenía esos proyectos techno sin cara. Para nosotros era importante decir ‘éstos somos nosotros y esto es lo que pensamos’. Pero la verdad es que nunca funcionó. Todo era demasiado caótico. La percepción en los medios era que éramos cuatro miembros, pero los conciertos, a menudo, eran otra historia. Cuando giramos con Wu Tang Clang, vimos que teníamos más en común con esos tíos que con una banda como, digamos, los Ramones. Se fue sumando varia gente y con algunos tenemos contacto y con otros no. Desde 1996, Nic Endo y yo somos los únicos miembros fijos”. Han pasado ocho años desde que volvisteis en 2010. ¿Qué destacarías de este segundo periodo si lo comparas con el primero?

“Esta década ha sido muy buena para nosotros. En los 90, la mayoría de la gente no entendía de qué hablábamos. Asuntos como la vigilancia online de las empresas y gobiernos eran una amenaza ya entonces, pero resultaba demasiado abstracto para la mayoría de la gente, especialmente para los fans de la música. Ahora la mayoría ya lo entiende. También se ha aceptado que es la mente lo que produce la música, no sólo unos artistas que tocan instrumentos tradicionales. La música electrónica finalmente ha ganado. Lo que deberíamos preguntarnos ahora es si por el camino hemos perdido algunos elementos esenciales que hacían que la música fuera mejor. Los 90 fueron el final del último siglo. ¡Esta década ha sido el principio de uno nuevo!”. En los 90 contasteis con el apoyo de gente como Trent Reznor o los Beastie Boys. ¿Has mantenido

THE AMITY AFFLICTION 11 Madrid, 12 Barcelona THE BABOON SHOW 11 Barcelona, 12 Pamplona, 13 Vitoria, 14 Mallorca, 31 Castellón BOB WAYNE 23 Barcelona, 24 Aldemayor, 25 Vitoria, 26 Madrid, 27 Estepona, 30 A Coruña, 31 Avilés, 1 noviembre Zaragoza CALIGULA’S HORSE 14 Madrid DEWOLFF 12 Zaragoza, 13 Avilés, 14 Bilbao, 16 Madrid, 17 Valencia, 18 Barcelona, 19 Las Palmas GRANDE ROYALE 4 Donostia, 5 Bilbao, 6 Oviedo, 7 Vitoria, 8 Barcelona, 9 Tarragona, 11 Pedreguer, 12 Madrid, 13 Villarreal HALESTORM 24 Barcelona, 25 Madrid KATAKLYSM + HYPOCRISY 31 Madrid, 1 noviembre Barcelona LORDI 12 Calella, 13 Murcia, 14 Madrid, 15 Bilbao MGMT 25 Barcelona, 26 Murcia, 27 Bilbao MICHAEL SCHENKER 27 Málaga, 28 Madrid THE MOVEMENT 5 Badalona, 6 Madrid NASHVILLE PUSSY 10 Madrid, 11 Murcia, 12 Pamplona, 13 Calella NOTHING BUT THIEVES 30 Madrid, 31 Barcelona PRIMAL FEAR 5 Barcelona, 6 Madrid, 7 Bilbao RADIO BIRDMAN 30 Vitoria, 31 Madrid

el contacto con alguno de ellos?

“A veces nuestros caminos se cruzan, pero creo que vivimos en universos completamente distintos. Aún amo a esos tíos. Su apoyo fue muy importante cuando, para mí y para Atari Teenage Riot, estábamos en un lugar muy oscuro. Parecía como que estuviéramos luchando contra todo el mundo y nadie lo entendía. Pero ellos sí, y entonces todo cambió. A veces, cuando músicos de ese calibre te dan crédito y te apoyan, consiguen que ya no te sientas solo. Tengo grandes recuerdos”. (JORDI MEYA)

ROSS THE BOSS 17 Madrid, 18 Barcelona SAXON 11 Madrid, 12 Bilbao, 13 Barcelona SDI 5 Salamanca, 6 Madrid, 7 Lleida, 8 Valencia, 9 Barcelona, 10 Palencia VINTAGE CARAVAN 30 Bilbao, 31 Madrid, 1 noviembre Barcelona YOB 26 Bilbao, 28 Madrid, 29 Barcelona